El Real Teatro de Retirose adentra en el mundo mágico de Peter Pan, donde los sueños pueden hacerse realidad, con una nueva versión del cuento clásico de J. M. Barrie a través de la ensoñadora producción de La Joven compañía, Peter y Wendy, rumbo a Nunca Jamás, de la que se ofrecerán dieciséis funciones entre el 2 y el 19 de mayo, a las 17:00 y a las 20:00 horas.
La historia de Wendy, Peter Pan, Garfio y los niños perdidos ha formado parte del imaginario popular desde hace más de un siglo. Nació en teatro, para después ser libro e inspirar incontables películas, series, novelas, ficciones sonoras… En el Real Teatro de Retiro, diez artistas en escena dan vida a una historia que ha emocionado a generaciones enteras con estas aventuras.
El autor, Nando López, escribe esta nueva adaptación y afirma que “pocos títulos me han obsesionado tanto como Peter Pan a lo largo de mi vida. Desde que siendo niño descubrí su historia no ha habido una sola etapa en la que no me haya sentido tentado a seguir sus huellas en busca de ese Nunca Jamás al que nunca acabamos de llegar y donde, sin embargo, hemos estado siempre”.
Porque ese Nunca Jamás es el lugar en el que habitan nuestros sueños, nuestros anhelos y, entre relojes y cocodrilos, también nuestros temores, una isla de ubicación atemporal—«la segunda a la derecha y luego todo recto hasta la mañana»—que cada cual construye de acuerdo con sus propios miedos y deseos, convirtiéndose así en un necesario refugio cuando la vida adulta amenaza con dejarnos sin fuerzas o, peor aún, con obligarnos a confundir el hecho de sumar años con la resignación.»
El espectáculo es fruto de una coproducción de LaJoven/Fundación Teatro Joven y el Circo Price, teatro en el que se estrenó la temporada pasada con una estupenda acogida del público y en el que la crítica destacó: «Una renovada versión de un clásico que ha cautivado a generaciones enteras, y que promete transportarnos a un mundo de fantasía y magia», «Una oportunidad única de disfrutar del teatro en su máxima expresión» o “Peter y Wendy rumbo a nunca jamás aúna talento a raudales y remueve emociones.»
LaJoven celebra su décimo aniversario en esta temporada y acaba de ser galardonada con el Premio Talía 2024 a Mejor Labor de Compañía por su trayectoria comprometida con la juventud y la educación a través del teatro. Un reconocimiento que se suma a otros galardones como el Premio Talento Joven de Onda Madrid en 2020 o el Premio El Ojo Crítico de RNE en 2014.
PETER Y WENDY RUMBO A NUNCA JAMÁS
Texto de Nando López, basado en Peter and Wendy, de J. M. Barrie
Coproducción de LaJoven / Fundación Teatro Joven y Teatro Circo Price
EQUIPO ARTÍSTICO
Dramaturgia Nando López
Dirección José Luis Arellano García
Música Alberto Granados Reguilón
Escenografía Silvia de Marta
Iluminación Juan Gómez-Cornejo
Vestuario Guadalupe Valero
Asesoría de circo Isa Belui
REPARTO
Peter Pan Víctor de la Fuente
Wendy Lucía Nin Ott
Mrs. Darling / Hook /Wendy adulta Mabel del Pozo (2, 9, 10, 16 y 17 de mayo)
Antonia Paso (3, 4, 5, 11, 12, 18 y 19 de mayo)
Nana / Smee / Slightly Jesús Irimia
Campanilla / Nibs / Sirena / Pirata Isa Belui
John Eneko Larrazabal
Michael Clara Bernet
Sombra de Peter / Tootles /Sirena / Pirata Daniel Esteban
Curly / Sirena / Pirata Gustavo Vidal
Tiger Lily Laura Forero
FECHAS
2, 3, 4, 5, 11, 12, 18, 19 de mayo de 2024
17:00 y 20:00 h
Edad recomendada a partir de 10 añ
Un programa protagonizado por compositoras contemporáneas conforma la siguiente cita del ciclo de música contemporánea Series 20/21 del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM). En esta ocasión, el Trío Catch, destacada formación alemana en la interpretación de música actual, será el encargado de estrenar obras de la compositora española Helena Cánovas Parés y de la famosa compositora francesa Betsy Jolas, así como de revivir una de las piezas más emblemáticas de la creadora italiana Clara Iannotta. El ensemble también interpretará partituras de dos autores españoles actuales de referencia, Mikel Urquiza y José Luis Turina, compositor residente del CNDM esta temporada. El concierto tendrá lugar el lunes 29 de abril, a las 19:30h, en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (entrada libre).
Formado por Martin Adámek (clarinete), Eva Boesch (violonchelo) y Sun-Young Nam (piano), el Trío Catch debe su nombre a la obra homónima de Thomas Adès en la que el violonchelo y el piano “cautivan” al clarinete mediante una encantadora danza en corro. En este concierto del CNDM, su objetivo también será el de cautivar al público a través de un repertorio actual protagonizado por el estreno absoluto de la obra Una mica de cosa de no res de Helena Cánovas Parés, encargo del CNDM. En esta pieza, la compositora considera el cuerpo del artista “como un elemento más de la partitura”. El trío también estrenará en España Rounds to catch de Betsy Jolas, articulada en torno a cuatro de sus cánones favoritos. La figura de la mujer creadora también estará presente con The people here go mad. They blame the wind de Clara Iannotta, pieza inspirada en campanas y mecanismos de cajas de música.
El recorrido continuará con Túmulo de la mariposa de José Luis Turina, obra basada en un poema homónimo de Francisco de Quevedo y cuyo sonido trata de capturar la imagen de un insecto atrapado por la llama de una vela. Como broche de oro, el Trío Catch interpretará Pièges de neige de Mikel Urquiza, una reflexiva y evocadora pieza en torno a cómo se siente el artista cuando escucha su propia obra.
Charla con Helena Cánovas Parés. En el marco del programa educativo del CNDM, la compositora Helena Cánovas Parés, junto al también compositor Mikel Urquiza, ofrecerá una charla en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, sobre el concierto posterior. El encuentro tendrá lugar a las 18 horas y estará moderado por Paco Daunesse.
Sobre el Trío Catch
Atrapar al público: con un diálogo virtuoso entre los timbres tan diferentes del clarinete, el violonchelo y el piano; mediante la alegría de hacer música juntos; mediante la búsqueda incansable de un sonido compartido. Esto es lo que distingue al Trio Catch. Está formado por Martin Adámek (clarinete), Eva Boesch (violonchelo) y Sun-Young Nam (piano). El trío ha trabajado con numerosos compositores a lo largo de sus trece años de colaboración, entre ellos Mark Andre, Georges Aperghis, Beat Furrer y Helmut Lachenmann, con quien también les unen varias producciones de CD y proyectos de grabación radiofónica. El CD debut de Trio Catch «in between» fue lanzado en 2014 en el sello col legno, seguido por el lanzamiento de su segundo CD «Sanh» en 2016. En 2019 el sello bastille musique publicó el CD «As if», que fue galardonado con el Premio de la Crítica Discográfica Alemana (Preis der deutschen Schallplattenkritik), el Supersonic Award Luxembourg y el Clef d’Or de ResMusica en Francia. El trío ganó el premio Hermann y Milena Ebel en 2012, el Berenberg Kulturprize en 2014 y fue galardonado con el Premio Dwight y Ursula Mamlok en 2018. Una apretada agenda ha visto ya al Trío Catch dar conciertos en Sudamérica, Asia y Europa, en salas como la Filarmónica de Colonia, Elbphilharmonie Hamburg, Philharmonie du Luxembourg, la Sala Pierre Boulez de Berlín, así como en festivales como Ultraschall Berlin, Musica Strasbourg, Heidelberger Frühling, International Summer Course for New Music Darmstadt, Klangspuren Schwaz y el Wittener Tage für neue Kammermusik. Durante la temporada 2015/16 el Trío Catch actuó en algunas de las mayores salas de conciertos de Europa como parte de la serie «Rising Stars» de la Organización Europea de Salas de Conciertos. Lo más destacado de las temporadas pasadas fueron las actuaciones en la Elbphilharmonie de Hamburgo, la Pierre Boulez Saal de Berlín, la Kölner Philharmonie y la Philharmonie de Luxemburgo. El trío también se dedica a la educación musical. En Klangspuren Schwaz impartió clases a jóvenes en el taller de composición infantil «lautstärker», en la Musikhochschule Hamburg ocupó un puesto de profesor e imparte regularmente talleres para compositores e intérpretes en escuelas superiores de música. En 2016, el Trío Catch inició «Ohrknacker», su propia serie de conciertos-taller. Cada concierto presenta una pieza seleccionada de música contemporánea, escrita especialmente para el trío.
El ciclo Domingos de Cámara del Teatro de la Zarzuela presenta este próximo domingo 28 de abril (12h00) al Cuarteto Ribera en el Ambigú del coliseo con un concierto íntegramente de obras de compositoras españolas, entre las que se incluirá un estreno absoluto.
Una temporada más, el ciclo, que celebra ya su octava edición, está dedicado plenamente a la mujer, y más concretamente al papel de las compositoras en la música española.
El Cuarteto Ribera incluirá en su concierto música de María Teresa Prieto (1896-1982), María de Pablos (1904-1990) y Ángela B. Pérez Lendínez (2003), de quien interpretará el estreno absoluto de La muerte de Marguerite.
Compuesto por los violinistas Liz Moore e Iván Artaraz, el violinista Jokin Urtasun y el violonchelista Jordi Creus, el Cuarteto Ribera nació en 2012 en el seno de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, es fruto de la amistad y una manera semejante de entender la música. Sus miembros se han formado tanto en territorio nacional como internacional: en centros tan prestigiosos como la Guildhall School of Music and Drama de Londres, el Hogeschool van de Kunsten de Utrecht o el Paul Dukas de París.
En sus interpretaciones destaca el hecho de haber compartido escenario con solistas y agrupaciones especialistas en repertorios de distintas épocas y estilos, forjando así un sonido personal y lleno de vida, con una especial capacidad de conexión con el público.
Asimismo, el Cuarteto mantiene un intenso compromiso con las personas en riesgo de exclusión social, llevando su música a hospitales, colegios de educación especial y centros de personas con discapacidad intelectual.
El tenor Juan de Dios Mateos regresa a los escenarios italianos con un repertorio puramente rossiniano. En primer lugar, el tenor interpretará al Príncipe Ramiro en La Cenerentola en el Teatro Lirico Giuseppe Verdi de Trieste. La Cenerentola es una de las óperas más populares de Gioachino Rossini y en esta ocasión contará con un príncipe Ramiro especialmente enérgico encarnado por Juan de Dios Mateos bajo la dirección musical del maestro Enrico Calessi y la dirección de escena de Paolo Gavazzeni y Piero Maranghi. Esta producción con escenografía y vestuario inspirados en las de Emanuele Luzzati y organizado por la Fondazione Teatro Carlo Felice di Genova, promete una experiencia musical única con las voces de Emilia Rukavina en el papel de Angelina o Vincenzo Nizzardo en el papel de Don Magnifico.
Por otro lado, la segunda cita en Italia del tenor será en L’Italiana in Algeri, una producción en la que Juan de Dios Mateos asume el desafiante papel de Lindoro, bajo la dirección del maestro Gaetano Lo Coco y la dirección de escena de Sarah Schinasi. Esta producción está realizada por el Teatro Giuseppe Verdi de Salerno y cuenta con la participación de la Orchestra Filarmónica Giuseppe Verdi di Salerno y el Coro del Teatro dell’Opera di Salerno. Mateos compartirá escenario con otras grandes voces como: Carlo Lepore como Mustafa, Mariam Battistelli como Elvira, o Elmina Hasan como Isabella y Marco Filippo Romano como Taddeo.
Juan de Dios es un tenor con consolidadas tablas en lo que a repertorio rossiniano se refiere, sin embargo, confiesa sentirse emocionado por estas dos nuevas producciones en Italia: “Ambas óperas son de las más representadas del repertorio rossiniano que tanto ha marcado mi carrera”. Recordando sus debuts del Príncipe Ramiro de La Cenerentola en el Teatro Petruzzelli de Bari en 2022, con la producción de Emma Dante (que próximamente se representará en el Gran Teatre del Liceu) y como Lindoro de l’italiana in Algeri en 2019 en el Teatro Municipal de Santiago de Chile bajo la batuta de José Miguel Pérez Sierra, dice: “Ambos roles son muy exigentes, aunque sin duda el que más dificultad tiene para mí es el de l’Italiana in Algeri, debido a que la primera intervención del tenor es, sin paños calientes, una de las arias más exigentes que escribió el compositor de Pésaro”. Se trata del aria Languir per una bella. “Es un aria que requiere de todas las habilidades que se puedan pedir: legato, coloratura, agudos, graves, fiatos largos, resistencia,…” asegura el tenor, y añade: “A esta producción me ha invitado personalmente el director artístico del Teatro Verdi de Salerno, el renombrado Daniel Oren, de los pocos directores que quedan de la ‘vieja escuela’, por lo que daré, como siempre, el 100% para seguir abriéndome camino en la lírica internacional esperando que esta me abra, también, las puertas de los teatros españoles”.
Juan de Dios Mateos
El tenor tuvo un gran éxito en Madrid el pasado octubre de 2023 con su debut en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, como primer papel en el estreno absoluto de la nueva ópera de El Caballero de Olmedo. La obra estaba dirigida por Lluís Pasqual a partir del libreto de Lope de Vega, con una música compuesta por Arturo Díez Boscovich y bajo la dirección musical de Guillermo García Calvo y escenografía de Daniel Bianco. En noviembre representó otra gran opera de Rossini en el Teatro Municipal de Santiago (Ópera Nacional de Chile) fue ‘El viaje de Reims’ interpretando el rol del Conte di Libenskof, papel con el que el cantante debutó en la prestigiosa Deutsche Oper Berlin. La puesta en escena estuvo a cargo de Emilio Sagi. Y en diciembre, el tenor interpretó al conde Almaviva en ‘El Barbero de Sevilla’ en la Deutsche Oper de Berlín bajo la dirección de Katharina Thalbach.
Juan de Dios Mateos es un nombre destacado dentro de las nuevas voces operísticas a nivel global. Desde su debut en 2009, cuenta con un exitoso recorrido por teatros de todo el mundo. Ha cantado en la Ópera de París, la Deutsche Oper Berlin, la Ópera de Sidney o el Teatro de Santiago de Chile, entre otros. En España, ha actuado en escenarios como el Gran Teatre del Liceu o el teatro Campoamor de Oviedo. Recientemente, ha debutado en el Teatro Cervantes de Málaga, con Carmina Burana.
Entre los papeles que ha interpretado, destacan Lindoro en La Italiana en Argel; el Conde de Almaviva en El barbero de Sevilla de Rossini; roles mozartianos como Ferrando en Così fan tutte y Don Ottavio en Don Giovanni; Nemorino en El elixir de amor de Donizetti; o Mercure en Les Fêtes d’Hébé de Rameau, entre otros.
Ha recibido varios premios, como el Plácido Domingo al mejor cantante español o el de la Fundación Ferrer-Salat en el 56º Concurso Internacional Tenor Viñas. En 2021 obtuvo galardones del Teatro Real, Teatro de la Zarzuela, Teatro de la Maestranza y ABAO Bilbao, entre otros. En 2023, ganó el Premio del Público en el Concurso Internacional de Lousada.
Su formación incluye canto con Coral Morales y Carlos Aransay, y masterclasses con artistas como Raina Kabaivanska, Roberto Scandiuzzi, Jaume Aragall, etc.
Ibermúsica presenta una de las temporadas más extensas de su historia con 24 conciertos en sus series Arriaga y Barbieri, 4 conciertos extraordinarios y 4 nuevos recitales en la segunda edición de su ciclo km0
La Filarmónica de Viena será la encargada de inaugurar esta temporada en la que la entidad celebra su quincuagésimo quinto aniversario
Gustavo Dudamel dirigirá por primera vez en su carrera la London Symphony en su gira con Ibermúsica y, además, presentará a la Orquesta Simón Bolivar en el ciclo madrileño
La Royal Concertgebouw de Ámsterdam, la Gewandhaus de Leipzig o la Filarmonica della Scala no se perderán este aniversario, que también contará con grandes directores como Daniele Gatti, Andris Nelsons, Riccardo Chailly, Marin Alsop o Klaus Mäkelä con su esperado debut en Ibermúsica
En el apartado solista reina el violín con Lisa Batiashvili, Hilary Hahn, Janine Jansen, Midori, Vilde Frang o María Dueñas y el piano, con Evgeny Kissin, Denis Kozhukhin, Javier Perianes, Lucas y Arthur Jussen o Beatrice Rana.
Ibermúsica ha presentado su temporada 2024/2025 en el Goethe-Institut Madrid este lunes 22 de abril. En su comparecencia en la institución alemana, el director general de Ibermúsica Llorenç Caballero ha desvelado todos los detalles de un ambicioso curso en el que la entidad celebrará su quincuagésimo quinto aniversario por todo lo alto con veinticuatro conciertos de abono, cuatro conciertos extraordinarios y cuatro recitales en su segunda edición del ciclo de cámara km0.
GRANDES MAESTROS INTERNACIONALES
Gustavo Dudamel dirigirá por primera vez en su carrera la London Symphony Orchestra (LSO) en su cita en Ibermúsica el 9 de mayo. El maestro también ofrecerá un concierto extraordinario el 12 de mayo con la LSO y la soprano Marina Rebeka, mientras su debut en el ciclo se producirá en el mes de enero con la Orquesta Simón Bolívar, que también se presentará en esta visita. Otros de los debuts más destacados serán los de Klaus Mäkelä, de quien disfrutaremos en una doble cita con la Royal Concertgebouw Orchestra, Lahav Shani, que ejercerá tanto de director como de pianista con la Münchner Philharmoniker, Emmanuelle Haïm con Le Concert d’Astrée o Masato Suzuki con el Bach Collegium Japan (junto a Masaaki Suzuki). Además de estas presentaciones, Ibermúsica contará de nuevo con grandes nombres de la clásica internacional como Daniele Gatti, Gustavo Gimeno, Marin Alsop, Andris Nelsons, Paavo Järvi, Vladimir Jurowski, Jonathan Nott, Riccardo Chailly, Santtu-Matias Rouvali y Mikko Franck.
LAS VIOLINISTAS REINAN EN EL APARTADO SOLISTA
Al siempre nutrido plantel de solistas internacionales en Ibermúsica se suman dos españoles con gran presencia en todo el mundo: María Dueñas, que regresa al ciclo con el Concierto para violín de Korngold de la mano de Philharmonia y Marin Alsop, y Javier Perianes, que interpretará el Concierto para piano núm. 5 de Saint-Saëns acompañado, también, por la agrupación londinense capitaneada por Santtu-Matias Rouvali. A los esperados debuts de los hermanos Lucas y Arthur Jussen, la organista Iveta Apkalna y el ya mencionado Lahav Shani se suma el regreso de algunos de los músicos más destacados del momento, como el violonchelista Gautier Capuçon, las violinistas Lisa Batiashvili, Hilary Hahn, Midori, Janine Jansen y Vilde Frang, las voces solistas de Christiane Karg y Marina Rebeka o los pianistas Beatrice Rana, Denis Kozhuhkin y Evgeny Kissin, que vuelve a su cita anual como solista para ofrecer un recital con obras de Chopin y de Bach. LAS MEJORES AGRUPACIONES DE EUROPA, AMÉRICA Y ASIA
Este próximo curso, por las series Arriaga y Barbieri de Ibermúsica pasarán 16 grandes orquestas internacionales de tres continentes, con presencia de países como Venezuela (Orquesta Simón Bolívar) o Japón (Bach Collegium Japan). La agrupación encargada de dar el pistoletazo de salida a la temporada el próximo 1 de octubre será la prestigiosa Filarmónica de Viena, y hasta la clausura del 9 de mayo de 2025 habrá una destacada presencia alemana (Gewandhausorchester Leipzig, Münchner Philharmoniker y Staatskapelle Dresden) y británica (Philharmonia Orchestra, London Philharmonic y London Symphony Orchestra), y sumará otros grandes nombres europeos como la Royal Concertgebouw Orchestra, Orchestre Philharmonique du Luxembourg, la Filarmonica della Scala, las francesas Philharmonique de Radio France y Le Concert D’Astrée y las suizas Tonhalle-Orchester Zürich y Orchestre de la Suisse Romande.
CUATRO CITAS EXTRAORDINARIAS
Además de los 24 conciertos de las series de abono, Ibermúsica ofrecerá 4 conciertos extraordinarios de carácter muy variado y para todo tipo de públicos. El 2 de diciembre la alicantina ADDA Simfònica con el maestro Josep Vicent a la batuta interpretarán Carmina Burana de Orff junto al Orfeón Donostiarra. En febrero los 12 Chelistas de la Berliner Philharmoniker celebrarán en Ibermúsica su 50 aniversario con un concierto muy especial versionando a compositores como Gershwin, Piazzolla o McCartney, en marzo regresará una de las agrupaciones corales más queridas por el público de Ibermúsica, Los Niños Cantores de Viena, y el broche final a los conciertos extraordinarios tendrá lugar en el mes de mayo con una cita de lujo: Gustavo Dudamel y la London Symphony Orchestra junto a la soprano Marina Rebeka. MÁS DE 50 COMPOSITORES Y UN HOMENAJE AL SCHUMANN SINFÓNICO
En la temporada 2024/2025 Ibermúsica celebrará el 215 aniversario del nacimiento de Schumann con la integral de sus sinfonías a cargo de la Staatskapelle Dresden y el maestro Daniele Gatti. El repertorio del próximo año contará con un extenso listado de más de 50 compositores que abarcará desde Shostakóvich con sus sinfonías núms. 10 y 6, Mahler con las sinfonías núms. 1, 3, 4 y 7, Ravel con Rapsodia Española o Scheherezade, Mozart (con las sinfonías núm. 40 y 41 o su Réquiem), Chaikovski con el Concierto para piano núm.1 y su Quinta sinfonía, Dvořák (Concierto para violonchelo, o la Sinfonía núm. 8) o Haendel (Fuegos artificiales y suites de Música Acuática). Completan el cartel autores como Prokófiev, Bruckner, Debussy, Brahms, Chopin, Mendelssohn, Korngold, Poulenc, Britten, Bach, Respighi, Beethoven, Strauss, Purcell o compositoras contemporáneas como Unsuk Chin y Jessie Montgomery, que presentará en Ibermúsica su obra Strum.
SEGUNDA EDICIÓN DEL CICLO DE CONCIERTOS km0
Tras la exitosa primera edición del ciclo km0, que ha sido nominado al Premio a la Innovación Classical: NEXT 2024, la Fundación Ibermúsica ofrecerá una segunda temporada donde se buscará seguir potenciando conciertos de pequeño formato, con intérpretes de proximidad, estrenos mundiales explicados por sus autores, obras de recuperación patrimonial de artistas españoles e interpretados por músicos del país y buscando la máxima cercanía con el público. En 2024 y 2025 se ofrecerán 4 recitales en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional: violonchelo y piano con Ángel García Jermann y Oleksandra Totkalova, piano con Albert Cano Smit, trompa y percusión con María Rubio y Josep Furió y viola y piano con Ana María Alonso y Rubén Yessayan.
55 años de Ibermúsica LA MEJOR MÚSICA DEL MUNDO AL ALCANCE DE TODOS
Los conciertos ofrecidos por Ibermúsica durante la próxima temporada tendrán lugar en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música de Madrid. Con el objetivo de llevar la música a todos los públicos, la entidad ofrece abonos desde 36€ por concierto, con dos series (Arriaga y Barbieri) y tres tipos de abono: de 5, de 7 y de 12 conciertos. Más adelante se podrán adquirir entradas sueltas con plazo prioritario de reserva y reducciones exclusivas para abonados de hasta un 50% en entradas adicionales, hasta un 15% en entradas para los conciertos extraordinarios y hasta un 50% de descuento en abonos para familiares menores de 26 años. Los abonados podrán beneficiarse, además, de un 30% de rebaja en el importe de su abono si invitan a un nuevo abonado con el programa Quien tiene un amigo, tiene un tesoro, disfrutarán de atención preferente y recibirán anualmente el Gran Libro de la Temporada con toda la información de los conciertos, orquestas e intérpretes e histórico de Ibermúsica.
Toda la información sobre la temporada 2023/2024 ya disponible en: www.ibermusica.es
El oscarizado compositor y pianista Volker Bertelmann, conocido por premiadas bandas sonoras como Sin novedad en el frente (galardonada con el Óscar y el Bafta en 2023), acude por primera vez al Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en su versión más íntima bajo su nombre artístico Hauschka. En el recital, presentará su decimoquinto álbum de estudio en solitario, Philanthropy, un nuevo proyecto instrumental protagonizado por el piano más evocador. El concierto tendrá lugar el sábado 27 de mayo, a las 19:30 horas, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música, en el marco del ciclo Fronteras del CNDM.
La experimentación ya guiaba sus pasos desde los inicios como transgresor del hip-hop. Ahora es su arrolladora faceta como autor de bandas sonoras, prioritaria desde 2010, la que corrobora el incansable espíritu de búsqueda y exploración de nuevos sonidos a través del piano de Hauschka. De ahí las partituras para A la deriva, Hotel Bombay, Un camino a casa (candidata al Óscar en 2017), las series Patrick Melrose o Gunpowder. Además, su colaboración con el aclamado pianista Dustin O’Halloran -que también ha visitado recientemente el CNDM- en la partitura de Lion, película nominada al Oscar en 2016, hizo que ambos artistas hayan trabajado juntos en otros seis proyectos; el más reciente Ammonite, protagonizada por Kate Winslet.
En esta ocasión, Hauschka ofrecerá su versión más intimista con un viaje musical por su nuevo proyecto Philanthropy (2023), en el que plasma su amor por la humanidad a través de la música. El repertorio lo conforman un conjunto de evocadoras piezas pianísticas. El público del CNDM podrá moverse entre arpegios ondulantes y melodías pizzicato en composiciones como Diversity, o por pasajes inquietantes en otras como Nature. El virtuosismo y la capacidad para construir otros mundos de Hauschka también se harán palpables en canciones como Loved Ones o Altruism. Además, también podrá escucharse la ambiental Noise, escrita originalmente para los créditos de la mencionada película Sin novedad en el frente. Un compositor audaz
Hauschka utiliza su obra no sólo para conmover a la gente, sino también para reflexionar sobre determinados temas. Así, muchos de sus proyectos se crearon para generar un diálogo sobre una tesis específica. Por ejemplo, en Salon Des Amateurs (2011), exploraba su amor por la música house y techno; mientras que en What If? (2017), abordaba conceptos utópicos y su preocupación por el mundo en el que vivirán sus hijos cuando sean adultos. Aunque empezó en la música pop, adoptó su faceta en solitario como Hauschka a principios de la década de 2000, ganando una gran reputación como pionero de lo que se conocería como nueva música clásica. En Philanthropy el intérprete vuelve a sus orígenes en la búsqueda de un sonido que recuerda a sus orígenes, con una música que invita a dejarse llevar.
El director italiano, dueño de una carrera en continuo ascenso, subirá por primera vez al podio del coliseo barcelonés para dirigir a Ermonela Jaho, Lisette Oropesa, Javier Camarena y Carlos Álvarez antes de liderar en la Ópera de Frankfurt sendas producciones de Otello, el de Rossini y el de Verdi.
En una temporada repleta de compromisos y debuts que le han llevado al podio de la Royal Opera House de Londres (L’elisir d’amore), de la Lithuanian National Opera and Ballet Theater (de la que ha sido director artístico de 2018 a 2023 y en la que este curso ha dirigido Aida y Les Contes d’Hoffmann), de la Deutsche Oper Berlin (Rigoletto) y del Teatro Regio de Parma (L’elisir d’amore), la ascendente carrera de Sesto Quatrini pone en mayo rumbo a Barcelona para debutar en el Gran Teatre del Liceu el 2 de mayo al mando de la gala de estrellas que celebra el 177º aniversario del coliseo barcelonés. Al frente de la Simfònica liceísta, el maestro Quatrini dirigirá a cuatro de las voces más importantes del firmamento operístico actual como son la soprano albanesa Ermonela Jaho, la soprano estadounidense Lisette Oropesa, el tenor mexicano Javier Camarena y el barítono español Carlos Álvarez. Ellos serán los encargados de dar vida a emblemáticos personajes como Violetta Valéry, Adriana Lecouvreur, el Duque de Mantua, Cio-Cio San, Roméo, Juliette, Falstaff o Rigoletto, entre otros.
“La gala promete convertirse en una velada operística de muchos quilates”, afirma el director romano, experto en dirigir voces y repertorio sinfónico; “con cantantes tan extraordinarios todo se vuelve mucho más fácil porque cada uno de ellos representa lo mejor a nivel global en su repertorio. Cuando uno tiene el privilegio de hacer música con intérpretes de este calibre, se le pide al director que eleve su lectura personal y su visión musical a un nivel superior, a un nivel de simbiosis con el intérprete, precisamente porque no existen obstáculos insalvables de naturaleza técnica, por lo que se crea el tiempo y el espacio para trabajar incluso en detalles microscópicos. Y los detalles, como sabemos, marcan la diferencia”, asegura el maestro. Quatrini, que todavía no se ha prodigado mucho por los escenarios españoles –debutó en el país en Canarias, primero con una gala lírica junto a la Orquesta Sinfónica de Tenerife y más tarde con el Don Carlo de Verdi en la Ópera de Las Palmas– se muestra “entusiasmado” por volver a trabajar en España, “más ahora tratándose de un escenario de gran tradición e historia como es el Gran Teatre del Liceu”, asegura el maestro, que ya tiene comprometidas otras actuaciones futuras en diversos escenarios españoles, todavía por anunciar.
Después de la gala lírica en Barcelona, entre los próximos compromisos destacan dos producciones de Otello, tanto en la versión de Verdi como en la de Rossini, ambas en la Ópera de Frankfurt, además de Madama Butterfly en la Opéra de Lyon programada para la próxima temporada.
Fotografía: Fabrizio Sansoni
El próximo jueves 25 de abril el ciclo Voces de Real reunirá en el escenario del Teatro Real a dos estrellas de la lírica del momento, dos cantantes cuya expresión, delicadeza y virtuosismo deslumbran en los escenarios más importantes del mundo con sus actuaciones individuales y que ahora entrelazan sus voces en un concierto único, ellas son las sopranos Nadine Sierra y Pretty Yende.
La velada, que contará con dirección musical de Pablo Mielgo al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real, ofrecerá un programa dividido en dos partes; la primera, protagonizada por personajes dramáticos del Romanticismo italiano y francés- Amina, en La sonnambula; Norma y Adalgisa, en Norma; Violeta, en La traviata; Olympia, de Los cuentos de Hoffmann, o Juliette, de Roméo et Juliette, – pura exhibición belcantista, que exige al intérprete voz y técnica extraordinarias, además de una gran sensibilidad para dotar de sentimiento un canto casi pirotécnico.
En un claro guiño al público de Madrid, y a la audiencia española, la segunda parte del programa transitará por la zarzuela –El barbero de Sevilla, La tempranica-, el bolero, la opereta y el musical, igualmente exigentes para las cantantes, pero menos introspectivas, más ligeras, alegres y encaminadas a finalizar este encuentro con buen humor.
Galardonada con el Premio Richard Tucker 2017 y el Premio Beverly Sills de The Metropolitan Opera de Nueva York en 2018, la soprano estadounidense Nadine Sierra, nacida en Florida, ha sido también la ganadora más joven hasta la fecha tanto del Concurso Vocal de la Fundación Marilyn Horne como de las Audiciones del Consejo Nacional de Met. Su belleza vocal, su impecable técnica y su gran musicalidad la han convertido en una de las artistas más reclamadas en los principales escenarios de ópera de Europa y los Estados Unidos. La pasada temporada hizo su primera aparición en el Teatro Real, donde debutó el rol de Amina en La sonnambula, en una producción dirigida en la escena por Bárbara Lluch y en la parte musical por Maurizio Benini.
Desde su debut profesional en la ópera en el Teatro Nacional de Letonia en Riga, como Micaela en Carmen, la sudafricana Pretty Yende ha actuado en casi todos los grandes teatros del mundo, como la Royal Opera House londinense, la Ópera Nacional de París, la Metropolitan Opera de Nueva York o el Teatro alla Scala de Milán. Su carrera se ha desarrollado con una rapidez sin precedentes. Graduada en la Young Artists Accademia del Teatro alla Scala, Yende ha sido la primera artista en la historia del Concurso Belvedere en ganar el primer premio en todas las categorías en 2010 y, al año siguiente, se hizo con el Primer Premio en el Concurso Operalia en 2011. Entre otros galardones, el Gobierno sudafricano le concedió la Orden de Ikhamanga de Plata por sus excelentes logros y su reconocimiento internacional en el mundo de la ópera y por servir de modelo a jóvenes músicos aspirantes. Así mismo, ha recibido la Orden Stella de Italia y posee la Orden de las Artes y las Letras de Francia.
En la próxima Temporada del Teatro Real 2024/2025, Pretty Yende interpretará el rol de Ismene en Mitridate, re di Ponto (Wolfgang Amadeus Mozart, 1756-1791), los meses de marzo y abril, y Nadine Sierra encarnará el papel protagonista de La Traviata (Giuseppe Verdi, 1813-1883) en los meses de junio y julio.
Entre el 24 de abril y el 25 de mayo el Teatro Real ofrecerá 9 funciones de una nueva coproducción de Los maestros cantores de Núremberg, de Richard Wagner (1813–1883), que unirá a dos directores muy queridos del público de Madrid: Pablo Heras Casado, principal director invitado del Teatro Real, y Laurent Pelly, gran maestro del universo simbólico de la comedia –La hija del regimiento (2014), Hansel y Gretel (2015), El gallo de oro (2017), Falstaff (2019), Viva la mamma! (2021) e Il turco in Italia (2023)– que se enfrenta ahora a su “primer Wagner” en una monumental producción con 135 artistas sobre el escenario.
Los maestros cantores de Núremberg, estrenada en el Teatro de la Corte de Múnich el 21 de junio de 1868, es una obra singular en la producción de Wagner y el décimo título de su catálogo operístico. La trama transcurre en un espacio y un tiempo muy concretos: la ciudad de Núremberg, durante una sola jornada –la noche y el día de San Juan– en el siglo XVI, coincidiendo con la vida real del poeta, músico y zapatero Hans Sachs (1494-1576), convertido en protagonista de la partitura y cuya estatua preside hoy la plaza que lleva su nombre en la ciudad.
Los protagonistas de la ópera son miembros de un gremio de artesanos burgueses que compaginan sus oficios con el arte de crear canciones bajo reglas muy estrictas y minuciosas. La llegada de un forastero que, por amor, intenta participar en uno de sus severos concursos de canto con una arrebatadora e inspirada canción fuera de todos los cánones establecidos, genera entre los Maestros cantores un encendido debate estético y filosófico entre lo transgresor y lo normativo en la creación artística, que va creciendo en complejidad a lo largo de toda la ópera, evocando las grandes corrientes de pensamiento del Romanticismo centroeuropeo.
Wagner, autor también del libreto concebido a través de un sesudo trabajo de documentación sobre el universo gremial de los maestros cantores en Núremberg, da alas a sus reflexiones filosóficas enfrentando a los partidarios de la tradición reglada e inamovible representados por Sixtus Beckmesser –caricaturizado sin piedad– y los defensores de la libertad creativa del artista, encarnada por el joven Walther von Stolzing. Entre ambos, la figura conciliadora y abnegada de Hans Sachs, que aboga por un arte libre y sincero, inspirado en la tradición y la cultura del pueblo alemán. Su monólogo final, apropiado y distorsionado por el régimen nazi, propició un enfoque siniestro de la ópera, lejos de su defensa del arte como fundamento de la convivencia y la armonía de un pueblo.
La portentosa música de Wagner recrea el ambiente de Núremberg con un riquísimo lenguaje formal y armónico que potencia el perfil de los personajes, situaciones dramatúrgicas y discursos de los protagonistas, articulando con pericia y fluidez los corales religiosos luteranos, marchas, canciones de trabajo, melodías populares, bailes y evocaciones del mundo sonoro de la ciudad. La brillante orquestación, muy articulada a la trama y sin los vuelos armónicos de sus óperas anteriores, critica, parodia, se mofa y se divierte con los personajes.
El director de escena Laurent Pelly potencia, precisamente, el sustrato burlesco de la ópera, alejándose del tratamiento realista del gremio de los artesanos en Núremberg, que emerge en un universo quimérico y poético que refleja el pensamiento, los anhelos y los conflictos de los protagonistas.
La ópera se desarrolla en un mundo devastado e inestable –con escenografía de Caroline Ginet e iluminación de Urs Schönebaum– en el cual los hombres sobreviven gracias a su herencia cultural y artística y a la memoria de su ciudad protectora. Los personajes se mueven en un espacio simbólico de casas de cartón apiñadas como los retazos de una vida estructurada que se tambalea y se derrumba, abriéndose a un nuevo mundo más libre y verdadero a través de la sublimación del arte.
La ópera será dirigida por Pablo Heras–Casado, cada vez más vinculado al repertorio wagneriano. Después de haber inaugurado, con gran éxito, la pasada edición del Festival de Bayreuth, con Parsifal (que volverá a interpretar este año), va a dirigir una nueva producción de El anillo del nibelungo, junto a Calixto Bieito, en la Ópera de París. En el Teatro Real interpretará su sexto título de Wagner después de El holandés errante (2017) y la Tetralogía –El oro del Rin (2019), La valquiria (2020), Siegfried (2021) y El ocaso de los dioses (2022)–.
Un impresionante reparto de excelentes cantantes-actores dará voz a los peculiares personajes de Los maestros cantores, encabezados por Gerald Finley (Hans Sachs), Leigh Melrose (Sixtus Beckmesser), TomislavMužek (Walther von Stolzing), Jongmin Park (Veit Pogner), Nicole Chevalier (Eva), Sebastian Kohlhepp (David) y Anna Lapkovskaja (Magdalene).
Junto a ellos, el Coro Titular del Teatro Real, con 112 cantantes preparados por José Luis Basso, y la Orquesta Titular del Teatro Real, con una plantilla de 95 músicos, interpretarán esta nueva gran producción, en la que Laurent Pelly, junto a Jean-Jacques Delmotte, se ocupa también de los más de 300 trajes que utilizarán los intérpretes en escena.
Los maestros cantores volverán al Teatro Real después 23 años, ya que desde su reapertura se han ofrecido solamente tres funciones de esta ópera, en junio de 2001, con el Coro y Orquesta de la Staatsoper de Berlín, bajo la dirección de Daniel Barenboim. Será, seguramente, una nueva mirada sobre esta ópera tan singular, con una dialéctica filosófica retórica y profunda, pero también paródica y grotesca.
Llega a Madrid Las amazonas de España de Giacomo Facco, título fundamental de la historia de la música y una de las primeras óperas de estilo italiano con libreto en castellano. La agrupación historicista Concerto 1700, liderada por el violinista Daniel Pinteño, interpretará por primera vez de forma íntegra esta gran obra Barroca de la mano del Centro Nacional de Difusión Musical. La ópera, en versión de concierto, reunirá a algunas de las voces especializadas más representativas del panorama actual, como las de las sopranos María Espada o Alicia Amo, así como las de Lucía Martín-Cartón, Natalie Pérez, Manon Chauvin y Belén Vaquero. El concierto tendrá lugar el domingo 21 de abril a las 19:00h en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música.
Con un estilo marcadamente italiano, Las amazonas de España fue uno de los primeros encargos de Giacomo Facco a su llegada a la corte española. Poseedor de una sólida carrera a sus espaldas en Italia, Facco no tardó en ganar notoriedad en nuestro país debido a su innovadora visión musical y su capacidad para incorporar influencias armónicas italianas, convirtiéndose muy pronto en maestro de la Capilla Real. Las amazonas de España marcó un antes y un después en nuestra historia gracias a su gran riqueza musical y ser una de las primera óperas con texto en castellano. De hecho, el libreto pertenece a uno de los mejores y más apreciados dramaturgos del momento, José de Cañizares, sobre un texto de Plutarco.
En Las amazonas conviven los celos, las pasiones y la guerra, temas que se suceden en un emocionante argumento bañado por una música deslumbrante, con armonías que recuerdan a algunos de los pasajes más bellos de George Frideric Haendel o Antonio Vivaldi, con el estilo recurrente de la época. La ópera narra la historia del paso del general cartaginés Aníbal por los Pirineos y su encuentro con las amazonas, una tribu de mujeres guerreras. A lo largo de dos actos divididos en escenas, con recitativos y arias cargadas de una gran belleza, la trama irá enredándose en triángulos amorosos entre cartagineses y amazonas.
Un gran elenco vocal
Estrenada el 23 de abril de 1720 en el Coliseo del Palacio del Buen Retiro de Madrid, la ópera contó con algunas de las mejores voces del momento. Ahora toman el relevo grandes voces especializadas del Barroco del panorama actual, como son las sopranos María Espada, Alicia Amo, Lucía Martín-Cartón, Manon Chauvin y Belén Vaquero, y la mezzosoprano Natalie Pérez. Además, la obra también cuenta con la participación de Ignacio García en la dramaturgia y de la actriz Carmen del Valle en el papel de la hechicera Circe.
Las amazonas de España se presentó en el Festival de Aranjuez de 2004, interpretada por Los Músicos del Buen Retiro y las sopranos María Luz Álvarez y Raquel Andueza, bajo la dirección de Isabel Serrano y Antoine Ladrette. En esta ocasión, se recupera de forma íntegra gracias a un proyecto sustentado por Antoni Pons y Raúl Angulo, de la Asociación Ars Hispana.
“Contextos Barrocos”: Una hora antes del concierto, a las 18:00h, tendrá lugar el encuentro sobre el concierto de Las amazonas de España en los “Contextos Barrocos” del CNDM, sesiones de cuarenta y cinco minutos, de acceso libre para el público que ha adquirido la entrada al espectáculo, que permiten profundizar en el repertorio, su historia y los intérpretes.
Sobre Concerto 1700
Fundado en 2015 por el violinista Daniel Pinteño, Concerto 1700 ha aspirado desde su inicio a la recuperación y la difusión del patrimonio musical hispano de los siglos XVII y XVIII. Para llevar a cabo su proyecto artístico, utiliza instrumentos de época originales, así como un riguroso estudio musicológico de la práctica interpretativa de la época que le permite alcanzar el sonido genuino del Barroco. Concerto 1700 es una agrupación de formación variable, que abarca desde el trío hasta la orquesta; esta versatilidad le posibilita afrontar cualquier repertorio del Barroco sin perder un ápice de su personalidad específica, basada en el minucioso trabajo del sonido de conjunto y la adecuación estilística. En sus siete años de trayectoria, ha conseguido posicionarse como una de las formaciones más relevantes del panorama historicista de España. Con la intención de extender su compromiso con la divulgación del repertorio barroco hispano, en 2018, fundó su propio sello discográfico, 1700 Classics. De esta forma, conserva plena autonomía sobre el resultado musical y artístico de sus grabaciones, siempre dedicadas a obras inéditas del siglo XVIII español. Todas sus publicaciones han cosechado un gran éxito de crítica en las principales revistas especializadas, ha recibido la calificación de «disco excepcional» de Scherzo, «disco recomendado» de Ritmo, «disque classique du jour» de France Musique, así como nominaciones a los ICMA Awards.
Sobre Daniel Pinteño
Daniel Pinteño nació en Málaga; comenzó sus estudios en el Conservatorio Profesional de Música de Murcia de la mano de Emilio Fenoy y los finalizó con Juan Luis Gallego en el Conservatorio Superior de Música de Aragón. Es el director artístico y fundador de la agrupación historicista Concerto 1700. Durante sus años de formación, asistió a clases magistrales con solistas internacionales como Nicolás Chumachenco, Alexei Bruni, Mikhail Kopelman, Alberto Lysy e Ida Bieler, entre otros. Más tarde, se trasladó a Alemania, donde prosiguió sus estudios de perfeccionamiento con el profesor de la Hochschule für Musik Karlsruhe Nachum Erlich. Desde el año 2010, orientó su labor musical a la interpretación del repertorio comprendido entre los albores de la música para violín del siglo XVII hasta el lenguaje romántico de mediados del XIX con criterios históricos. Para ello, recibió clases de profesores como Enrico Onofri, Anton Steck, Hiro Kurosaki, Catherine Manson, Enrico Gatti, Sirkka-Liisa Kaakinen-Pilch, Margaret Faultless o Jaap ter Linden. También cursó Musicología en la Universidad de La Rioja y la Universidad Complutense de Madrid. Estudió violín barroco en el Conservatoire à Rayonnement Régional de Toulouse con el violinista Gilles Colliard y en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid con Hiro Kurosaki. Su pasión por la recuperación del patrimonio musical español del siglo XVIII le ha valido el reconocimiento de la crítica internacional. En 2019, obtuvo una beca Leonardo para investigadores y creadores culturales que otorga la Fundación BBVA con la que realizó un proyecto de recuperación y grabación del álbum Antonio de Literes (1673-1747): sacred cantatas for alto. En 2023, recibió el Premio a la Producción Artística, concedido por el Ayuntamiento de Málaga y la Fundación La Caixa. Daniel Pinteño es considerado por la crítica como una de las figuras emergentes con más proyección dentro del panorama historicista español; y toca con un violín italiano anónimo de principios del siglo XVIII.
Daniel Pinteño (c) Foto Noah Shaye
La reconocida soprano Sabina Puértolas regresa a Italia tras una exitosa colaboración en Rigoletto con el director Daniel Oren en Bilbao. En esta ocasión, Puértolas ha sido invitada a interpretar el papel de Mussetta en ‘La Bohème’ de Giacomo Puccini, un papel que conoce muy bien, en el prestigioso Teatro Verdi de Salerno. Un teatro famoso por sus excelentes repartos en la tradición del belcanto italiano. Esta ópera, un clásico del repertorio operístico mundial, con libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, será dirigida por Daniel Oren y contará con la participación de la Orchestra Filarmonica Giuseppe Verdi di Salerno y el coro del teatro della’Opera di Salerno. La soprano compartirá escenario con grandes voces como: Mariangela Sicilia en el papel de Mimí o Giovanni Sala como Rodolfo.
El nuevo montaje de ‘La Bohème’ en el Teatro Giuseppe Verdi de Salerno se presenta el viernes 26 de abril a las 21:00 y el domingo 28 a las 18:00.
VIOLETTA (La Traviata) La segunda cita importante de Sabina Puértolas será ‘La Traviata’ de Giuseppe Verdi en el Teatro Villamarta de Jerez retomando el papel de Violetta. Sabina ha cantado este papel en diversas ocasiones al principio de su carrera. Lo ha dejado descansar un par de años, mientras se centraba en otros grandes debuts en grandes teatros de España. Ahora está muy emocionada de dar la bienvenida de nuevo a Violetta en su repertorio, más preparada que nunca tras una maduración vocal y personal. Violetta no está muy lejos vocalmente de Manon (otro de los grandes roles de la soprano), y está deseando llevar a Violetta y Manon por todo el mundo en los próximos años. En esta ocasión vuelve a encarnar a Violeta bajo la dirección de escena de Francisco López con la participación de destacados artistas como Antonio Gandía, José Antonio López, Suzana Nadejde, Javier Povedano, Ángel Rodríguez y Cristian Díaz. Estarán acompañados por el coro del teatro Villamarta y la orquesta de Córdoba.
Con estos dos importantes compromisos, Sabina Puértolas demuestra su versatilidad y talento como una de las sopranos más destacadas de la escena operística internacional. ‘La Traviata’ tendrá lugar los días 30 de mayo y 2 de junio en el Teatro Villamarta de Jerez.
Sabina Puértolas
Sabina Puértolas es una de las sopranos españolas más internacionales, reconocida por su talento y entrega para unir perfección técnica e intensidad interpretativa y ponerlas al servicio de los grandes papeles del bel canto, la ópera barroca y el repertorio de zarzuela.
Ha actuado en teatros como la Royal Opera House de Londres, el Carnegie Hall de Nueva York, el Teatro Real de Madrid, el Liceo de Barcelona, el Teatro Municipal de Santiago de Chile o la Ópera de Seattle. Ha interpretado roles como Manon, Gilda (Rigoletto), Marie (La fille du régiment), Adina (L’elisir d’amore), Partenope y Rodelinda, Poppea (L’incoronazione di Poppea), Amina (La sonnambula) o Susanna (Le nozze di Figaro), entre otros.
ABAO Bilbao Opera celebra el próximo sábado 20 de abril a las 19:00h, con el patrocinio de la Fundación BBVA, una nueva edición del tradicional “Concierto de ABAO”, con un espectáculo que incluye una gala lírica de ópera y zarzuela, envuelto en una narración teatralizada. VOCES PROTAGONISTAS DE RECONOCIDO PRESTIGIO
El barítono Juan Jesús Rodríguez, catalogado como una voz verdiana de referencia, ha protagonizado grandes momentos en las temporadas de ABAO Bilbao Opera desde 2006: Madama Butterfly, Luisa Miller, Otello, Don Carlos, Lucia di Lammermoor, Alzira e Il Trovatore. En 2023 fue distinguido con el Tutto Verdi International Awards en la categoría de Mejor Voz Masculina “por su rotundo éxito en las 4 óperas del compositor en las que ha participado y por ser uno de los mejores barítonos del mundo”.
La soprano lírica Graciela Moncloa, que debuta en ABAO, tiene una larga trayectoria de zarzuela y ópera en importantes teatros, y es una intérprete ampliamente reconocida en el mundo teatral por su enorme calidad, tanto vocal como interpretativa.
El reconocido maestro Manuel Burgueras, pianista de Montserrat Caballé durante más de 25 años, acompaña a los intérpretes en un programa que promete un encuentro lírico lleno de contrastes con arias, romanzas y dúos de ópera y zarzuela, entre el drama y la comedia, con momentos íntimos y sensibles y escenas de mayor complejidad vocal.
El espectáculo incorpora la figura de una narradora, la actriz Maite Marín, que hilvana las distintas escenas del recital en un diálogo teatralizado con los intérpretes. Maite Marín se encarga también de la dramaturgia y la dirección de escena.
ÓPERAS DE LEONCAVALLO, PUCCINI Y VERDI
La “commedia dell’arte” inspira las dos primeras piezas del programa. Juan Jesús Rodríguez inicia la velada con el famoso prólogo de Tonio en I Pagliacci de Leoncavallo, «Si puo?», considerada auténtico manifiesto del verismo. Una escena emotiva que requiere gran flexibilidad vocal para coronar el agudo final del “Incominciate”. Graciela Moncloa comienza con Gianni Schicchi de Puccini y una de las arias más célebres del repertorio operístico universal: «O mio babbino caro», de la protagonista femenina Lauretta, una pieza llena de encanto.
El romance de Rodrigo de Don Carlo de Verdi, «Io morrò, ma lieto in core», es un aria para lucimiento del barítono, sin duda una autoridad interpretativa en el repertorio verdiano. La soprano tiene también su escena de exhibición con el lamento trágico del aria de Manon Lescaut de Puccini, «Sola, perduta, abbandonata». Una de las grandes arias de repertorio con los sentimientos de la heroína pucciniana a flor de piel.
Termina la primera parte del recital con el dúo de Abigaille y Nabucco, «Donna chi sei. Deh, perdona» de Nabucco de Verdi.
ROMANZAS Y DÚOS DE LA MEJOR ZARZUELA
La Zarzuela, género lírico nacional, se caracteriza por la gran variedad de elementos que confluyen en ella. Desde elegantes romanzas a ritmos regionales o castizos, desde historias apasionadas hasta argumentos de la vida cotidiana.
El programa de este recital recupera piezas líricas maravillosas y muy conocidas. Graciela Moncloa comienza la segunda parte del programa con la Romanza de Rosa, «Qué te importa que no venga», de Los claveles de José Serrano. Le sigue la Romanza de Vidal, «Luche la fe por el triunfo», de la popular zarzuela Luisa Fernanda de Torroba, a cargo de Juan Jesús Rodríguez.
En la última parte del recital, los intérpretes compartirán escena con el dúo de Felipe y Mari Pepa «Por qué de mis ojos» de La revoltosa de Chapí, y la conocida pieza de Ascensión y Joaquín, «Hace tiempo que vengo al taller» de La del manojo de rosas de Sorozábal.
INTRODUCCIÓN AL PROGRAMA LÍRICO DEL RECITAL EN EL CICLO EL ABC DE LA ÓPERA
El ciclo “El ABC de la Ópera” tiene como objetivo promover el conocimiento de la ópera en sentido participativo, construyendo a través de conferencias y encuentros con expertos, una red de experiencias culturales innovadoras, en espacios de participación asequibles a toda la sociedad.
Esta actividad divulgativa descubre los aspectos más relevantes de la programación de la temporada, con conferencias y encuentros en el Auditorio de la Universidad de Deusto, en colaboración con DeustoBide.
El martes 16 de abril a las 18:30h, el pianista y compositor Carlos Imaz, será el encargado de presentar lo más relevante de este recital de ópera y zarzuela y las características ambos géneros, que el ponente califica de “primas hermanas”.
Para acceder a esta actividad gratuita es necesaria acreditación previa a través de la web de ABAO o llamando al teléfono 944 355 100. La conferencia será retransmitida en directo a través del canal de ABAO Bilbao Opera en YouTube.
ENTRADAS PARA TODOS LOS PÚBLICOS
Las localidades para el recital pueden adquirirse con tarifas asequibles para todos los públicos: desde 10€ los socios de ABAO hasta 35 años, y desde 20€ el resto de los socios; y desde 15€ el precio de venta al público joven hasta 35 años y 30€ el público adulto.
Se pueden adquirir en las oficinas de ABAO, a través de www.abao.org y en el teléfono: 944 355 100
El puente de mayo se llena de música. El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), el Ayuntamiento de Betanzos y la Unidad Pastoral de Betanzos presentan la quinta edición del ciclo ‘Música Antigua en Betanzos’, ciclo de tres conciertos coproducido por estas instituciones e integrado dentro de los “Circuitos” del CNDM, las actividades, ciclos y festivales que se impulsan con el objetivo de articular la actividad musical por toda la geografía española y parte del extranjero. Así, durante el fin de semana del 2 al 4 de mayo, coincidiendo con el puente, la ciudad acogerá a destacados nombres de la música histórica española: el icónico Jordi Savall como vihuelista y director, junto con Xavier Díaz-Latorre y Pedro Estevan; el laudista Enrike Solinís, con un delicado repertorio de cuerda pulsada; y el Coro de la Comunidad de Madrid, bajo la dirección del prestigioso Marc Korovitch.
El circuito ‘Música Antigua en Betanzos’ centra su atención en la música medieval, renacentista y barroca, siguiendo la línea de recuperación y difusión de este repertorio por parte del CNDM. Los conciertos se distribuirán en tres espacios diferentes: la Iglesia de San Francisco, la Iglesia de Santa María del Azogue y la Iglesia de Santiago. Todas las citas tendrán lugar a las 20:30 horas y con entrada libre hasta completar el aforo.
El ciclo comenzará el jueves 2 de mayo, en la Iglesia de San Francisco, con el icónico Jordi Savall, uno de los mayores referentes de la interpretación historicista de nuestro tiempo. Dentro de su larga trayectoria musical, ya sea como concertista o investigador, con su viola da gamba o como director, ha destacado principalmente por su formidable labor en la recuperación de música antigua y su interpretación. En este concierto, le acompañarán Xavier Díaz-Latorre a la guitarra y tiorba, y Pedro Estevan a la percusión. Juntos interpretarán un ambicioso programa bajo el título de “Folías y Romanescas” dedicado a una de las prácticas más usadas en la interpretación instrumental de los siglos XVI y XVII: la improvisación. Tanto la folía como la romanesca, son esquemas rítmicos y armónicos de origen ibérico que, durante mucho tiempo, sirvieron como base para realizar esta compleja y personal práctica musical. Jordi Savall, Xavier Díaz-Latorre y Pedro Estevan nos ofrecerán en este programa sus versiones más únicas de estas sonoridades tan características.
Al día siguiente, el viernes 3 de mayo en la Iglesia de Santa María del Azogue, será el turno del virtuoso Enrike Solinís al laúd, tiorba y guitarra. En su programa, bajo el nombre Ars lachrimae, Solinís presenta un recorrido por la historia de una de las músicas más íntimas que nacieron en el ámbito privado europeo de finales del siglo XVI y comienzos del XVIII. John Dowland, Luis de Narváez, Johann Sebastian Bach, o Gaspar Sanz son algunos de los compositores presentes en este recital de cuerda pulsada en el que podremos disfrutar de transcripciones, obras para guitarra española y, predominantemente, danzas y suites.
Finalmente, el sábado 4 de mayo, la Iglesia de Santiago acogerá el concierto del Coro de la Comunidad de Madrid bajo la dirección de Marc Korovitch, con un programa especial, de obras de Joan Cererols y Domenico Scarlatti. El repertorio incluirá, por un lado, cinco salmos que reflejan la devoción constante del compositor Cererols hacia la música sacra y hacia el estudio religioso cultivados desde su infancia en el monasterio de Montserrat. Como un contraste magnífico, escucharemos el Stabat Mater de Domenico Scarlatti, una composición que se encuentra dentro de una venerable y larga tradición del compositor. Este concierto promete ser un viaje musical inolvidable que nos transportará a través del tiempo y la devoción.
El barítono Gerardo Bullón encarna el papel del infame Barón Scarpia en la nueva producción de la ópera ‘Tosca’ en la Staatsoper Stuttgart. Esta obra maestra de Giacomo Puccini, con libreto de Luigi Illica y Giuseppe Giacosa, transportará al público a la Roma del siglo XIX en esta historia llena de amor, manipulación y venganza.
Esta producción será dirigida por Markus Poschner, con dirección de escena de Willy Decker y diseño de escena y vestuario de Wolfgang Gussman.
Bullón se une a un elenco de lujo junto a nombres como Ewa Vesin en el papel de Floria Tosca, Atalla Ayan como Mario Cavaradossi y Jasper Leever como Cesare Angelotti.
La ópera Tosca, aclamada por ser la combinación perfecta de drama, música exquisita y una poderosa narrativa, cuenta la historia de Floria Tosca, una famosa cantante de opera y su amante, el pintor revolucionario Mario Caradossi. Ambientada en la Roma del siglo XIX la obra está envuelta en un aura de intriga política y conspiración. Cuando Cavaradossi es arrestado por ayudar a un fugitivo, el malvado Baron Scarpia intenta aprovecharse de la situación para conseguir el amor de Tosca. A través de un juego cruel y la manipulación, Scarpia, obliga a Tosca a decidir entre salvar a su amante o ceder ante sus chantajes. Con una intensa emoción y su impresionante música Tosca se ha convertido en una obra maestra atemporal. Además de este complejo papel, Gerardo Bullón se enfrenta durante esta temporada al reto de interpretar el papel de Sharpless de Madama Butterfly en el Teatro Real de Madrid.
Gerardo Bullón
Gerardo Bullón, nacido en Madrid, es un barítono en ascenso en el mundo de la música clásica. Destaca no solo por su voz potente sino también por su gran presencia escénica. Comenzó sus estudios de canto con distinguidos maestros como Virginia Prieto, Julián Molina, Daniel Muñoz o Ricardo Muñiz.
A pesar de licenciarse en Derecho se decantó por el mundo de la música clásica estudiando canto en la Escuela Superior de Canto de Madrid y Arte Dramático. Desde su debut en Teatro Real en 2017 con dos producciones: Billy Budd de Britten y El gato con botas de Montsalvatge ha interpretado roles de gran relevancia como los de Don Giovanni, Gianni Schicchi, Rigoletto, Madama Butterfly, Così fan tutte, L’elisir d’amore, Il barbiere di Siviglia, La finta giardiniera, Carmen , La Bohème) así como otros destacados personajes de zarzuela en el Teatro Real de Madrid y el Teatro de la Zarzuela (La Revoltosa, Marina, El dúo de la Africana, Los diamantes de la corona, La gallina ciega, Luisa Fernanda, El Barquillero, La Chulapona, El bateo, Agua, azucarillos y aguardiente…).
Foto Gerardo Bullón – Nani Gutiérrez
Coronis se estrena el próximo jueves 18 de abril en el Teatro Campoamor, donde también podrá verse el sábado 20.
Tras su exitoso estreno en formato de concierto en el Teatro Real, la XXXI edición del Festival de Teatro Lírico Español de Oviedo recupera, por primera vez, la versión escenificada de la zarzuela.
Se trata de una Producción del théâtre de Caen, en coproducción con la Opéra-Comique de París, la Ópera de Lille, la Ópera de Rouen, la Opéra de Limoges y Le Poème Harmonique.
Por primera vez, la zarzuela española Coronis estrena su versión escenificada como parte de la programación del Festival de Teatro Lírico Español de Oviedo en una coproducción de cinco teatros franceses: el Théâtre de Caen, la Opéra-Comique de París, la Ópera de Lille, la Ópera de Rouen, la Opéra de Limoges y Le Poème Harmonique.
Tras su exitoso estreno en 2023 en el Teatro Real, en formato de concierto, Coronis cuenta con el prestigioso director de escena Omar Porras, así como con Vincent Dumestre a cargo de la dirección musical.
Sobre Coronis
Realizada ante el joven rey de España, Felipe V, nieto de Luis XIV, se cantó por completo esta pastoral mitológica: algo excepcional al final del Siglo de Oro cuando España estaba bajo el dominio de la zarzuela, combinando canción y recitado, de igual forma que Londres lo hacía en las semi-óperas como El Rey Arturo.
Durón, maestro de la Capilla Real de Madrid, aprovechó esta llamativa narración para presentar una exótica representación en la corte. Por supuesto, Coronis está tan alejado de la tragedia musical francesa como de la ópera italiana. Encuentra sus orígenes en un teatro musical exclusivo de la capital de los Habsburgo, que sigue siendo en gran parte desconocido hoy en día, a pesar del renovado interés en la ópera barroca.
La variedad de influencias en ella no es menos prodigiosa. Hay coros suntuosos; conmovedores lamenti de estilo italiano; tonadas, canciones populares típicas del teatro español; grandes arias que prefiguran la ópera seria; y coplas, o pareados cuyos refranes animan el diálogo. En resumen, todo un mundo propicio para una combinación de registros en una narrativa donde la burla contará la tragedia.
Aún más notable es el elenco casi enteramente femenino, dividido entre siete sopranos que encarnan no sólo a la heroína sino también a Apolo y Neptuno, con un tenor interpretando al antiguo adivino Proteus. Un reflejo de una España en la que únicamente las mujeres estaban entrenadas para cantar en grupos de teatro, una profesión que los cantores de la capilla real miraban desdeñosamente.
La Fundaciò Òpera de Catalunya en colaboración con la Orquesta Sinfónica de Catalunya presentan su nueva producción de “Turandot” de Giacomo Puccini, donde la destacada soprano Maribel Ortega encarna el complejo papel protagonista de la princesa Turandot, rol que ha interpretado en numerosas producciones y que se adapta a la perfección a su registro dramático.
Esté clásico atemporal apreciado por su espectacularidad musical transporta al espectador a una China legendaria donde la cruel princesa Turandot desafía a sus pretendientes con tres enigmas que, de no resolverlos, les conducirán a la muerte.
En un imperio sometido al miedo, el príncipe Calaf, interpretado por Antoni Lliteres, se enfrenta al desafío de conquistar el corazón de Turandot resolviendo los tres enigmas. Desde el primer momento que la ve, se enamora perdidamente de ella y está dispuesto a arriesgarlo todo por su amor. Con la ayuda de Liù la dulce esclava interpretada por Ivana Ledesma, Calaf mantendrá su nombre en secreto mientras desafía los obstáculos para ganarse el corazón de la princesa.
“Turandot es un personaje que me ha acompañado desde que lo debuté en la Ópera de Oviedo en 2012, mutando y redefiniéndose a medida que he ido madurando” expresaba la cantante “el cambio que estoy experimentando no es tanto por el personaje en sí como por la posibilidad de cantar en un gran teatro, como si mi voz hubiese encontrado el espacio en el que no tiene que reprimirse”.
La majestuosa música de Puccini eleva esta apasionante y enigmática historia con momentos intensos como el aclamado (y famosísimo) aria “Nessun Dorma” o las emotivas “In questa reggia” y “tu che di gel sei cinta”.
Esta producción, dirigida por el talentoso Daniel Gil de Tejada y con la dirección de escena y vestuario a cargo de Carles Ortiz, promete transportar al público a un mundo de emociones intensas y música conmovedora que aborda temas existenciales como el miedo al amor y la vulnerabilidad.
Maribel Ortega
La soprano lírico-spinto Maribel Ortega es una rara avis en el paisaje lírico español de hoy. Su talento para el registro dramático no es habitual dentro de nuestras fronteras y la acerca a roles de la ópera alemana, nórdica y del este de Europa. Por eso ha interpretado la mayoría de los roles protagonistas del repertorio lírico dramático, tanto en España como en el extranjero.
Natural de Jerez de la Frontera (Cádiz), Ortega se tituló en Canto por la Guildhall School of Music and Drama de Londres y en el Conservatorio Superior de Música del Liceu con Enriqueta Tarrés. Desde entonces se ha perfeccionado con Cynthia Sanner, profesora de la Juilliard School y Carlos Aransay. Además, la soprano tiene una pasión oculta, la enología, ya que es licenciada en Ciencias Químicas, con especialización en Enología y Fermentaciones Industriales.
Desde su debut en el papel principal de Norma en la Ópera de Cataluña (2006), destacan sus colaboraciones con el Gran Teatro del Liceo, la Ópera de Oviedo, el Teatro São Pedro de Brasil, el Palau de Les Arts o el Teatro alla Scala bajo la dirección musical de Valery Gergiev y Pier Giorgio Morandi, entre otros, en roles principales de obras como Turandot, Macbeth, Madama Butterfly o Die Walküre.
Ha ganado numerosos concursos líricos y becas como la “Rosa Maria Tarruel”, el Otoño Lírico Jerezano, “Mirabent i Magrans”, “Germans Pla”, “Ciudad de Zamora”, “Jaume Aragall”, ha recibido el premio Cantante Revelación de la crítica de los Amics del Liceu por su Lady Macbeth (2006, Sabadell) y Mejor voz femenina de los Amigos del Teatre Principal de Palma por Nabucco (2016, Palma).
La Orquesta Sinfónica de Castilla y León ofrece esta semana los conciertos correspondientes al decimoquinto programa de abono de la Temporada 2023/24, mañana jueves 11 y el viernes 12 de abril a las 19:30 horas en la Sala Sinfónica Jesús López Cobos del Centro Cultural Miguel Delibes.
El concierto se comenzará con la obertura de la ópera Die Zauberflöte, “La flauta mágica” de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), para continuar con el motete Exsultate, jubilate, K 165, del mismo compositor. La segunda parte del programa la protagonizará la Sinfonía n.º 4 en Sol mayor, de Gustav Mahler (1860-1911), una de sus obras sinfónico-vocales más representativas.
El maestro Thierry Fischer presenta un programa celebratorio que se inicia con la obertura de la gran obra maestra operística de Mozart: La flauta mágica –la cual fuera su última ópera, estrenada apenas dos meses antes de su muerte. Esta pieza conectará con el motete Exsultate, jubilate, que Mozart escribió para el castrato Venanzio Rauzzini. El motete mozartiano, compuesto durante su estancia en Milán para una producción de Lucio Silla, refleja la escritura de sus arias operísticas y es un canto de alabanza religiosa, que culmina con un virtuoso Alleluia.
Mahler, quien confesó a Jean Sibelius en 1907 que la “sinfonía es como el mundo, debe abarcarlo todo”, incluye en el Finale de su cuarta sinfonía (última de su tetralogía inicial) la canción Das himmlische Leben, “la vida celestial” que, entonada por una soprano, narra la particular visión, infantil y utópica, del reino de los cielos, evocando la salvación.
Hera Hyesang Park, soprano Será la primera vez que la soprano coreana Hera Hyesang Park actúe con la OSCyL, sustituyendo a la soprano inicialmente prevista Siobhan Stagg. Especialmente valorada por su coloratura, Hera Hyesang Park se graduó en el Programa de Jóvenes Lindemann de la Ópera Metropolitana de Nueva York, gracias al cual debutó como Primera duendecilla del bosque en una producción de Rusalka dirigida por Mark Elder. Anteriormente, obtuvo su Diploma en Estudios Operísticos en la Juilliard School, donde interpretó Amina (La Sonnambula, de Bellini) y Fiorilla (Il turco in Italia, de Rossini). Entre los galardones recibidos destaca el primer premio en el Concurso Internacional de la Fundación Gerda Lissner en abril de 2016, el segundo premio y el premio del público en el Concurso Internacional de Montreal en 2015 o el segundo lugar en el Operalia de 2015.
Durante la presente temporada, Hyesang es invitada por la Ópera Nacional de París con Despina (Cosí fan tutte, de Mozart), por la Ópera de la Ciudad de Seúl con Rosina (Il barbiere di Siviglia, de Rossini) y por la Ópera Nacional de Corea con Violetta (La traviata, de Verdi). Además, participó en El Mesías, de Händel, con la Orquesta Filarmónica de Nueva York, debutó con la Filarmónica de Londres dirigida por Edward Gardner interpretando la Gran Misa en Do mayor, de Mozart, y realizó recitales a solo en el Barbican Centre, en el Stoller Hall de Manchester y en la Catedral de Wells.
Entradas a la venta Las entradas para todos los conciertos, con precios en función de la zona, oscilan entre los 10 euros y los 30 euros. Se pueden adquirir en las taquillas del Centro Cultural Miguel Delibes y a través de las páginas web www.oscyl.com y www.centroculturalmigueldelibes.com.
El Real Teatro de Retiro presentará, el próximo 13 de abril, el estreno absoluto de Va de Bach, nueva creación de la compañía Aracaladanza en la que, a través de la música de Johann Sebastian Bach, exploran y deconstruyen los límites del escenario con nuevas coreografías que buscan acercar la danza contemporánea a nuevos espectadores.
Así, la compañía quiere liberar la imaginación de un público de todas las edades –recomendado a partir de cuatro años- para disfrutar sin prejuicios ni normas de la música de un compositor cuya obra definen como “más que belleza creativa, más que perfección técnica, más que profundidad intelectual. Bach es pureza espiritual y absoluta imaginación”.
Basado en la idea original de Enrique Cabrera, director, coreógrafo y fundador de Aracaladanza, Va de Bachtoma forma a través de un gorila triste, una mano gigante y cinco bailarines de la compañía: Carolina Arija, Jonatan de Luis, Jimena Trueba, Aleix Rodríguez y Lydia Martínez, intérpretes y creadores coreográficos, y la participación de la actriz Carla Maró. Juntos construyen un espectáculo sin estructura argumental o narrativa convencional en el que no buscan coreografiar su música (con variaciones y versiones), si no bucear en un universo creativo que permita imaginar libremente a quien abra los ojos y afine los oídos.
El compositor español Luis Miguel Cobo ha sido el encargado de la “reconstrucción” y adaptación de algunas de las piezas de Bach que se escucharán en la función para dotarlas del carácter necesario para cada momento y movimiento. Se escucharán son fragmentos de Badinerie, Suite orquestal Nº2, BWV 1067; el Preludio Nº2 en Do menor de El clave bien temperado, BWV 847; el Aria “Ja, tausendmal tausend begleiten den Wagen” de la Cantata Gott fähret auf mit Jauchzen BWV 43y el Concierto de Brandenburgo Nº3 BWV 1048.
Completan el equipo la escenógrafa y figurinista Elisa Sanz, el diseñador de iluminación Pedro Yagüe, el video creador Álvaro Luna, los responsables de vestuario Gabriel Besa y Pilar López Jurado, yel realizador de atrezzo y marionetista Ricardo Vergne.
Con mucha curiosidad e imaginación, Aracalandaza se pregunta: ¿y si el telón de fondo es rojo terciopelo? ¿Y el suelo, dorado?
¿Y si armamos una mano gigante como la que podría tocar un órgano gigante?
¿Y si hay pianos diminutos? ¿Y si unos globos acaban cantando? ¿Y qué pasaría si llegaran a pincharse?
¿Y si bailamos un malambo colectivo a ritmo de Bach?
¿Y si unas presuntas pelucas barrocas regalan metros de papel?
¿Y si nos volvemos locos, nos emocionamos y reímos con Bach, su música y su
universo?
Todas estas preguntas y muchas más, en Va de Bach. Y para todo lo demás, ¡Bach!
La compañía madrileña Aracaladanza, reconocida mundialmente como pionera y abanderada de un riguroso lenguaje escénico de alta calidad para público familiar e infantil, tiene experiencia en la re-construcción de universos de grandes artistas que han dejado huella en el imaginario universal. Aracaladanza ha sido galardonada con el Premio Nacional de Teatro para la Infancia y la Juventud 2010, reiteradamente premiada en FETEN (Feria Europea de Teatro para Niños y Niñas) y ganadora de varios MAX. Sus espectáculos El Bosco (“Pequeños paraísos”), Magritte (“Nubes”), Miró (“Constelaciones”) y Leonardo (“Vuelos”) han inspirado espectáculos de gran formato que han sido disfrutados en los cinco continentes por miles de jóvenes espectadores.
Una vez más, el artista flamenco Amador Rojas acerca su talento al ciclo Flamenco Real. Desde su temporada de inauguración en 2018, el bailaor y coreógrafo no ha faltado a una cita en la programación de flamenco del Teatro Real. Además, es el director artístico de Authentic Flamenco, la gira internacional que desde 2022 ha recorrido 53 ciudades de todo el mundo acercando el arte del flamenco a más de 150.000 espectadores.
‘Ahora es el tiempo. Tiempo de amarse, tiempo de sentirse, de respetarse, de cantarse y bailarse’ son los primeros versos en los que se basa el nuevo espectáculo creado por el artista. Las funciones tendrán lugar los días 16, 17 y 18 de abril en el Salón de Baile del Teatro Real.
Autodidacta, ambicioso y emprendedor, Amador Rojas comenzó a bailar a los 7 años de la mano del maestro Farruco, quien le instruyó en las bases de este arte. A los 12 ya bailaba como solista y creaba sus propias coreografías; a los 16 años se une a la compañía de Salvador Távora, y su camino continuó junto a nombres como los de Manuela Carrasco, Eva Yerbabuena o Antonio Canales. Ya con su propia compañía, recibió el premio de Artista Revelación de la Bienal de Flamenco de Sevilla de 2008, el Premio La Venencia Flamenca en 2009 y The Golden Lyre Musicianship Award, en 2010.
En esta ocasión, el elenco que le acompaña estará formado por Nazaret Reyes, bailaora; David Cerreduela, guitarra y música; Felipe Maya, percusión, y Juañarito y José Aser, cante.
La sexta temporada del ciclo Flamenco Real -una producción del Teatro Real con la colaboración artística de Solana Entertainment-, presenta de octubre a julio a los mejores artistas del baile flamenco. Además de Amador Rojas, el ciclo cuenta con la presencia de Olga Llorente, Daniel Casares, el Yiyo, Eduardo Guerrero, Ángeles Gabaldón, el Farru, Marco Flores, Yolanda Osuna y Concha Jareño.
Los espectáculos se incluyen, desde la pasada temporada 2023, en el catálogo de flamenco de My Opera Player.
La mezzosoprano norteamericana Vivica Genaux vuelve al Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela junto al pianista cubano Marcos Madrigal, quien debuta en esta programación. Juntos, ofrecerán un repertorio que abre y cierra con grandes cantatas dedicadas a figuras heroicas femeninas, Arianna a Naxos de Franz Joseph Haydn y Giovanna d’Arco de Gioacchino Rossini. El programa también incluye el ciclo de canciones Frauenliebe de Carl Loewe, protagonizado de nuevo por una mujer, y otras piezas tanto de Gioacchino Rossini como de Robert Schumann, maestro indiscutible del lied. El recital tendrá lugar el lunes 8 de abril a las 20:00 horas en el Teatro de la Zarzuela.
La célebre cantata Arianna a Naxos de Franz Joseph Haydn abrirá el recital. La obra se centra en la traición de Teseo, que abandona a su amada Ariadna. Con una musicalidad deslumbrante, fue presentada en 1791 con enorme éxito en un concierto público en Londres con Gaspare Pacchierotti, uno de los cantantes más famosos de su época. Por su parte, la cantata Giovanna d’Arco de Gioacchino Rossini, que se estructura como una gran escena operística, cerrará el programa. La obra refleja el paso de Juana de Arco desde su etapa como pastora hasta convertirse en una auténtica heroína.
El programa también incluye el emocionante ciclo de canciones Frauenliebe de Carl Loewe, basado en poemas de Adelbert von Chamisso. Las piezas describen la historia de amor de una mujer de clase media por su esposo, desde el primer encuentro hasta su fatídica muerte. El ciclo está lleno de emociones y pasiones y será una gran oportunidad para apreciar el amplio abanico expresivo de Vivica Genaux. Además, se escucharán canciones de Robert Schumann y la famosa Canzonetta spagnuola de Gioacchino Rossini, que compuso cuando se fue a Londres con su musa y futura esposa, la mezzosoprano y compositora española Isabel Colbran.
Una voz prodigiosa
Con una carrera que abarca ya dos décadas, la mezzosoprano Vivica Genaux goza de gran éxito entre el público y la crítica internacional gracias a su carismática voz, su asombrosa técnica vocal y su coloratura. Aunque es conocida por sus grandes interpretaciones en el ámbito del Barroco y el bel canto, su repertorio va más allá. Una muestra de ello es el campo liederístico, en el cual está considerada una de las voces más brillantes del panorama actual. Junto al virtuoso pianista Marcos Madrigal, ofrecerá un concierto que promete ser toda una experiencia para los amantes del género.
Sobre Vivica Genaux
Desde su debut profesional como Isabella de L’italiana in Algeri de Rossini, la mezzosoprano Vivica Genaux cautiva a público y crítica de todo el mundo con su agilidad vocal e integridad artística. Su aclamada carrera lleva a Vivica desde su Alaska natal a los teatros y salas de conciertos más prestigiosos del mundo, incluidos el Metropolitan Opera House de Nueva York, el Barbican Centre de Londres, el Teatro Real de Madrid, la Accademia Nazionale di Santa Cecilia de Roma y la Staatsoper de Viena, por citar algunos ejemplos. Otros aspectos a destacar de la carrera más reciente de Vivica son la recuperación del papel de Vagaus en Juditha triumphans; su Il Divino Sassone en el Festival Barroco de Bayreuth; las primeras funciones de su espectáculo en solitario “Vivica & Viardot”; la grabación de “Gender Stories”, junto al contratenor Lawrence Zazzo; y los debuts del papel principal de Irene de Hasse y Trasimede de Merope de Riccardo Broschi. Su repertorio, que abarca cinco siglos de música, se consolida con elogiadas interpretaciones de roles barrocos y belcantistas, incluidos muchos papeles de hombre. Su debut en el Metropolitan Opera House de Nueva York fue con el papel que ha cantado con más frecuencia en su carrera, Rosina de Il barbiere di Siviglia de Rossini. Como una vertiente adicional a su exitosa carrera, Vivica cumple un papel fundamental en la introducción de obras olvidadas al público moderno. Así, es una apasionada defensora de la recuperación del interés por la música del compositor Johann Adolf Hasse, y sus esfuerzos fueron reconocidos en 2019 con el Premio Hasse otorgado por la Fundación Johann-Adolf-Hasse. También recibe el Premio Haendel de la Ciudad de Halle en 2017, ampliando una galería de premios que incluye el Premio ARIA en 1997, el Premio Christopher Keene de la Ópera de la Ciudad de Nueva York en 2007 y el Premio Maecenas de la Ópera de Pittsburgh en 2008. El interés y dedicación de Vivica por compartir su experiencia y amor por la voz se manifiesta en la creación de la Academia V/vox y en fructíferos compromisos docentes. Vivica sigue ampliando su discografía con célebres grabaciones.
Sobre Marcos Madrigal
Marcos Madrigal nace en La Habana, Cuba. Se gradúa en el año 2007 con Diploma de Oro del Instituto Superior de Arte, bajo la orientación de la eminente profesora Teresita Junco. Cursa estudios de perfeccionamiento en la Universidad Musical del Conservatorio de Lugano y en la prestigiosa Academia Internacional de Piano “Lake Como”, donde recibe clases de los maestros Andreas Staier, Dimitri Bashkirov, Fou Ts’ong, John Perry, Malcolm Bilson y especialmente, William Grant Naboré. Ha ofrecido recitales y conciertos con orquestas en algunas de las más importantes salas del mundo, como el Teatro Colón de Buenos Aires, el Auditorio Parco della Musica de Roma, el Queen Elizabeth Hall de Londres, el Auditorio Manuel de Falla de Granada, la Ópera Nacional de Bucarest, el Volkstheater de Viena, el Teatro Rossini de Pésaro, el Teatro delle Muse de Ancona, el Teatro Romano de Verona, el National Concert Hall de Dublín y el Gran Teatro Qintai de China, colaborando con importantes directores como Claudio Abbado, Leo Brouwer, Paul Mann, Enrique Diemecke y Lorenzo Ramos. Además, ha colaborado en varios proyectos con Nicola Piovani, ganador de un Oscar por “La vida es bella”, así como con otros compositores vinculados al mundo del cine y del teatro. Desde 2017 es director artístico de Habana Clásica, un festival internacional de música clásica con sede en la capital cubana. Es ganador de numerosos concursos internacionale. En 2012, recibe el prestigioso Premio Internacional “Medaglia d’Oro Maison des Artistes”, otorgado por la Asociación de Cultura, Arte, Ciencia y Compromiso Social de la ciudad de Roma.
En la próxima temporada se ofrecerán 19 títulos de ópera con 1 estreno absoluto, 6 nuevas coproducciones (3 de las cuales se estrenan en el Teatro Real), 10 títulos que nunca se presentaron en el Teatro Real, 2 producciones invitadas de otros teatros, 2 óperas en versión semiescenificada y 8 en versión de concierto.
La programación de danza tendrá, como en las temporadas precedentes, 3 compañías invitadas y una producción de ópera coreografiada y se ofrecerán 15 conciertos.
Después de la actual temporada de ópera, con importantes estrenos del siglo XX, en la próxima se privilegiarán los dos siglos anteriores. Habrá 8 obras barrocas, 2 óperas de Mozart adscritas al clasicismo, 6 óperas del siglo XIX, 2 óperas del siglo XX y 1 del siglo XXI (más las 2 que se anunciarán en el futuro, en el Teatro Español y en Teatros del Canal).
El compositor más presente será Georg Friedrich Händel, con 4 títulos –Tamerlano, Alcina, Theodora y Jephtha-, uno de los cuales, la nueva coproducción de Theodora, traerá al Teatro Real por primera vez a la aclamada directora de escena británica Katie Mitchell. La dirección musical será de Ivor Bolton, profundo conocedor de Händel, que ya dirigió 3 óperas suyas en el Real –Rodelinda (2017), Parténope (2021) y Orlando (2023)-. Conforman el reparto Julia Bullock, Joyce DiDonato, Iestyn Davies, Ed Lyon y Callum Thorpe.
Dentro del repertorio barroco se presentarán 2 óperas francesas: el estreno en España de David et Jonathas, de Marc-Antoine Charpentier -con el Ensemble Correspondances y Sébastien Daucé- yLas indias galantes, de Jean-Philippe Rameau, en una versión coreografiada por Bintou Dembélé, con dirección musical de Leonardo García Alarcón -que triunfó hace dos años con el L’Orfeo, de Claudio Monteverdi, en otra “versión operística bailada” dirigida por Sasha Waltz-.
También se estrena en EspañaL’uomo femmina, de Baldassare Galuppi -con Le Poème Harmonique y Vincent Dumestre- y se recupera una ópera española injustamente olvidada, La Merope, de Domènec Terradellas, que se escuchará por primera vez en el Teatro Real con una nueva edición de la partitura, que será interpretada por la Akademie für Alte Musik de Berlín, bajo la dirección de Francesco Corti.
Aún en el siglo XVIII, ya en el clasicismo, se ofrecerán 2 óperas de Wolfgang Amadeus Mozart protagonizadas por reyes y separadas entre sí por 11 años: Mitridate, re di Ponto, eIdomeneo, re di Cresta. La primera es una nueva producción que volverá a unir a Ivor Bolton y Claus Guth en una ópera de juventud de Mozart, después del éxito de ambos en Lucio Silla, en 2017; la segunda, una versión historicista semiescenificada dirigida por René Jacobs, con puesta en escena de Benoît de Leersnyder.
Del XIX se estrenará en el Real una nueva producción de MariaStuarda, de Gaetano Donizetti (que nunca se ha hecho en su escenario) con dos repartos estelares -Lisette Oropesa, Aigul Akhmetshina, Ismael Jordi; y Yolanda Auyanet, Silvia Tro Santafé, Airam Hernández…-, dirección musical de José Miguel Pérez-Sierra y puesta en escena de David McVicar.
De Giuseppe Verdi se presentarán tres títulos. Attila e I lombardi alla prima crociata, anclados todavía a los modelos de gran ópera decimonónica, y ambos con libretos de Temistocle Solera -empresario del Teatro Real a mediados del siglo XIX- serán interpretadas en versión de concierto por repartos verdianos de gran solvencia. Nicola Luisotti dirigirá Attila -con Christian Van Horn, Sondra Radvanovsky, Michael Fabiano y Artur Ruciński-, y Daniel Oren estará al frente de I lombardi allá prima crociata, encabezada por Anna Pirozzi, Francesco Meli, Alex Esposito e Iván Ayón Rivas.
La traviata llegará en la icónica producción de Willy Decker que estaba prevista para 2020 y que tuvo que posponerse por la pandemia. Un doble reparto de grandes solistas -Nadine Sierra, Adela Zaharia, Xabier Anduaga, Juan Diego Flórez, Iván Ayón Rivas, Luca Salsi, Artur Ruciński, Albert Casals…- actuará bajo la dirección de Henrik Nánási, que debutará en el Real.
Despidiendo el siglo XIX, dos óperas rusas basadas en obras de Aleksandr Pushkin, de quien se conmemora el 225º aniversario de su nacimiento. La nueva producción de Eugenio Oneguin de Piotr Ilich Chaikovski, con dirección de escena de Christof Loy, traerá de nuevo al Teatro a Gustavo Gimeno, después de su enorme éxito en El ángel de fuego, de Sergei Prokofiev, en 2022. El cuento del Zar Saltán, de Rimski-Kórsakov, se estrenará en el Real con una nueva producción concebida por Dmitri Tcherniakov -que retorna al Teatro después de 11 años- y dirección musical de Karel Marc Chichon.
Ya en los albores del siglo XX, la ópera verista Adriana Lecouvreur, de Francesco Cilea, será la que inaugure la temporada con la aplaudida producción de David McVicar y la infalible dirección musical de Nicola Luisotti, que estará al frente de dos repartos en que se alternan, en los papeles principales, Ermonela Jaho y Maria Agresta; Brian Jagde y Matthew Polenzani; Elina Garanča, Nicola Alaimo y Manel Esteve.
Un doble programa unirá La vida breve, de Manuel de Falla -título que reinauguró el Teatro Real en 1997- y el estreno absoluto de Tejas verdes, de Jesús Torres, a partir de la obra homónima del chileno Fermín Cabal y del Cancionero y romancero de ausencias, de Miguel Hernández. Jordi Francés, que dirigió el estreno de Tránsito, con gran éxito, en 2021, volverá a alumbrar una nueva partitura de este compositor.
Para dar vida a estos títulos, el Teatro Real ha invitado a directores, coros y orquestas de gran prestigio y los intérpretes más idóneos para cada obra, contando la excelencia de sus cuerpos estables, el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real. El primero, bajo la escrupulosa dirección de José Luis Basso; y la Orquesta, con el trabajo y dedicación de su director musical, IvorBolton, la maestría de su sucesor en el cargo (a partir de la próxima temporada) GustavoGimeno, y la asidua y entusiasta participación de NicolaLuisotti, director invitado del Teatro Real.
TEMPORADA DE ÓPERA
Adriana Lecouvreur, de Francesco Cilea | Producción invitada | Patrocina Fundación BBVA
Producción de la Royal Opera House, el Gran Teatre del Liceu, la Wiener Staatsoper, la Opèra national de Paris y la San Francisco Opera
DM: Nicola Luisotti DE: David McVicar. Reparto: Ermonela Jaho, Maria Agresta, Nicola Alaimo, Brian Jagde, Mathew Polenzani, Manel Esteve…
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
23 septiembre – 11 octubre | 13 funciones | 2 repartos
David et Jonathas, de Marc-Antoine Charpentier | Versión de concierto
DM: Sébastien Daucé. Reparto: Petr Nekoranec, Gwendoline Blondeel, Jean-Christophe Lanièce…
Ensemble Correspondances
27 septiembre | función única
Theodora, de Georg Friedrich Händel | Nueva producción del Teatro Real | Estreno en España de la versión escénica
Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la Royal Opera House
DM: Ivor Bolton. DE: Katie Mitchell. Reparto: Julia Bullock, Joyce DiDonato, Iestyn Davies, Ed Lyon, Callum Thorpe…
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
11 – 23 noviembre| 7 funciones | 1 reparto
Maria Stuarda, de Gaetano Donizetti | Nueva producción del Teatro Real | Estreno de la producción | Patrocina Fundación BBVA
Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con el Gran Teatre del Liceu, el Donizetti Opera Festival – Bergamo y el Théâtre de la Monnaie de Bruselas
DM: José Miguel Pérez-Sierra. DE: David McVicar. Reparto: Lisette Oropesa,Aigul Akhmetshina, Ismael Jordi, Yolanda Auyanet, Silvia Tro Santafé,Krzysztof Bączyk, Airam Hernández…
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
14 – 30 diciembre| 10 funciones | 2 repartos
Alcina, de Georg Friedrich Händel | Versión de concierto
DM: Francesco Corti. Reparto: Elsa Dreisig, Sandrine Piau, Emily d’Angelo, Nadezhda Karyazina, Alex Rosen, Stefan Sbonnik y Bruno de Sá.
Il Pomo d’Oro
15 diciembre | función única
Eugenio Oneguin, de Piotr Ilich Chaikovski | Nueva producción del Teatro Real | Patrocina Fundación Santander
Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con Den Norske Opera & Ballett y el Gran Teatre del Liceu
DM: Gustavo Gimeno, Kornilios Michailidis. DE: Christof Loy. Reparto: Iurii Samoilov, Kristina Mkhitaryan, Bogdan Volkov, Victoria Karkacheva, Maxim Kuzmin-Karavaev,Katarina Dalayman, Elena Zilio, Juan Sancho…
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
22 enero – 18 febrero| 10 funciones | 1 reparto
Idomeneo, re di Cresta, de Wolfgang Amadeus Mozart | Versión de concierto semiescenificada
La vida breve, de Manuel de Falla / Tejas verdes, de Jesús Torres | Estreno absoluto. Nueva producción del Teatro Real | Patrocina Fundación Amigos del Teatro Real
Nueva producción del Teatro Real, estreno absoluto de Tejas Verdes
DM: Jordi Francés. DE: Rafael R. Villalobos. Reparto La vida breve: Adriana González, Eduardo Aladrén, Ana Ibarra, Rubén Amoretti… Reparto de Tejas verdes: Natalia Labourdette, Maria Miró, Sandra Ferrández…
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
13 – 22 febrero| 6 funciones | 1 reparto
La Merope, de Domènec Terradellas | Versión de concierto
DM: Francesco Corti. Reparto: EmőkeBaráth, Pia Francesca Vitale, Paul-Antoine Bénos-Djian, Valerio Contaldo, Sunhae Im, Margherita Maria Sala
Akademie für Alte Musik de Berlín
21 febrero | función única
Mitridate, re di Ponto, de Wolfgang Amadeus Mozart | Nueva producción del Teatro Real. Estreno de la producción | Patrocina Endesa
Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la Oper Frankfurt
DM: Ivor Bolton. DE: Claus Guth. Reparto: Juan Francisco Gatell, Siyabonga Maqungo, Sara Blanch, Ruth Iniesta, Elsa Dreisig, Vanessa Goikoetxea, Franco Fagioli, Tim Mead, Pretty Yende, Sabina Puértolas…
Orquesta Titular del Teatro Real
23 marzo – 9 abril| 10 funciones | 2 repartos
L’uomo femmina, de Baldassare Galuppi | Versión de concierto
DO: Vincent Dumestre. Reparto: Eva Zaïcik, Lucile Richardot, Victoire Bunel, Anas Séguin, Victor Sicard y Paco García
Le Poème Harmonique
3 abril | función única
El cuento del zar Saltán, de Nikolái Rimski-Kórsakov | Nueva producción del Teatro Real | Patrocinan Consejo de Amigos y Fundación Amigos del Teatro Real
Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con el Théatre Royal de La Monnaie / de Munt
DM: Karel Mark Chichon. DE: Dmitri Tcherniakov. Reparto: Bogdan Volkov, Ante Jerkunica, Svetlana Aksenova, Stine Marie Fischer, Bernarda Bobro, Carole Wilson, Nina Minasyan…
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
30 abril – 11 mayo| 7 funciones | 1 reparto
Jephtha, de Georg Friedrich Händel | Versión de concierto
DM: Francesco Corti. Reparto: Michael Spyres y Joyce DiDonato.
Il Pomo d’Oro
1 mayo | función única
Attila, de Giuseppe Verdi | Versión de concierto
DM: Nicola Luisotti. Reparto: Christian Van Horn, Artur Ruciński, Sondra Radvanovsky, Michael Fabiano, Moisés Marín e In Sung Sim.
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
14 y 17 mayo | 2 funciones
Tamerlano, de Georg Friedrich Händel | Versión de concierto
DM: René Jacobs. Reparto: Paul-Antoine Bénos-Dijan, Thomas Walker, Polina Pastirchak, Alex Chance, Helena Rasker y Matthias Winckhler.
Freiburger Barockorchester
16 mayo | función única
Las indias galantes, de Jean-Philippe Rameau | Versión semiescénica y coreográfica | Patrocina Fundación Amigos del Teatro Real
DM: Leonardo García Alarcón. DE: Bintou Dembélé. Reparto: Julie Roset, Ana Quintans, Mathias Vidal, Andreas Wolf
Cappella Mediterranea, Choeur de Chambre de Namur, CIE RUALITÉ
28 mayo – 1 junio | 4 funciones
La traviata, de Giuseppe Verdi | Producción invitada | Patrocina Telefónica
Producción de la Dutch National Opera & Ballet
DM: Henrik Nánási, Francesc Prat. DE: Willy Decker. Reparto: Nadine Sierra, Adela Zaharia, Xabier Anduaga, Iván Ayón Rivas, Juan Diego Flórez, Luca Salsi, Artur Ruciński, Karina Demurova, Gemma Coma-Alabert, Albert Casals…
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
24 junio – 23 julio| 18 funciones | 2 repartos
I lombardi alla prima crociata, de Giuseppe Verdi | Versión de concierto
DM: Daniel Oren. Reparto: Anna Pirozzi, Francesco Meli, Alex Esposito,Iván Ayón Rivas, Miren Urbieta-Vega, David Lagares, Josep Fadó, Manuel Fuentes, y Mercedes Gancedo.
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
6 y 9 julio | 2 funciones
PROGRAMACIÓN DE DANZA
El BALLET DE SAN FRANCISCO debutará en el Teatro Real con El lago de los cisnes de Piotr Illich Chaikovski, coreografía de Helgi Tomasson creada en 2009, cuando era director artístico de la compañía, y que pone el foco en el personaje de Odette y su pasado. El viaje del Ballet de San Francisco a Madrid es el primer tour internacional de la compañía desde que Tamara Rojo asumió su dirección.
La COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA, dirigida por Joaquín de Luz, presentará Don Quijote en el Teatro Real con coreografía de José Carlos Martínez -director del Ballet de l’Opéra de Paris- inspirada en las famosas versiones de Marius Petipa y Alexander Gorski, a las que Martínez añade un matiz más poético al personaje de don Quijote en su búsqueda del amor ideal.
El BALLET ESTATAL DE VIENA traerá al Teatro Real dos coreografías: Concertante -música de Frank Martin y coreografía de Hans van Manen– explora la idea de que aunque se esté cerca de alguien, no se sabe jamás lo que el otro está pensando; y 4 creada por el director de la compañía, Martin Schläpfer, con música de Gustav Mahler y casi 70 bailarines en escena, muestra una humanidad llena de deseos, expuesta y desamparada.
PROGRAMACIÓN DE CONCIERTOS
El ciclo VOCES DEL REAL está compuesto por 6 conciertos líricos con orquesta protagonizados por algunas de las voces más representativas de la actualidad: Juan Diego Flórez, Ludovic Tézier, Sondra Radvanovsky, Piotr Beczała, Asmik Grigorian, Michael Volle, Gabriela Scherer,Sabine Devieilhe y Stéphane Degout.
Completan la oferta la Gala Puccini con Anna Netrebko y Yusif Eyvazov, la Gala del Teatro Real, el Concierto delConcurso Tenor Viñas y los 6 conciertos matinales que conforman el ciclo DOMINGOS DE CÁMARA.
EL REAL JOVEN
El Teatro sigue trabajando con ahínco en la captación y fidelización del público joven, con una serie de iniciativas enmarcadas en su programa EL REAL JOVEN y facilidades y prerrogativas concedidas al público joven, tanto a sus Amigos Jóvenes, cuyo número no para de crecer, como a todos los jóvenes que descubren el Teatro Real por primera vez. (El Real Joven es un proyecto que incluye acciones con Amigos Jóvenes y Jóvenes no Amigos)
Los Jóvenes menores de 26 y los que tienen entre 26 y 35 años podrán beneficiarse de ventajas y descuentos en la compra de localidades: a través de la Butaca Joven, en venta preferente por 20 y 30 euros respectivamente, o de las localidades de Último Minuto, disponibles el mismo día de funciones seleccionadas de ópera, danza y Voces del Real, por 20 euros y 35 euros, según el tramo de edad.
Para los jóvenes prosiguen, dentro del Programa de Formación, los proyectos La universidad a escena, cursos y talleres diseñados para acercar la ópera a estudiantes universitarios a través del seguimiento activo de una producción operística en los diversos pasos y ámbitos del montaje; y ESÓpera, el concurso-taller organizado junto a la Comunidad de Madrid para estudiantes de 3º y 4º de ESO. Los ganadores del concurso reciben como premio la posibilidad de conocer el Teatro Real desde dentro, a través de una visita técnica, asistencia a ensayos y encuentros con profesionales de las artes escénicas.
PROGRAMA DE FORMACIÓN
El programa de formación consolida sus cursos y talleres presenciales con formatos y temas muy diversos destinados a estudiantes y al público general.
Merece una mención especial REALÍZAT-e, la plataforma audiovisual educativa del Teatro Real, que ofrece cursos online diseñados exclusivamente para ese soporte con profesores, profesionales de las artes escénicas y expertos de gran prestigio.
Para el programa La ópera al descubierto, que desvela el proceso de montaje de una producción operística desde dentro, se han organizado 5 talleres centrados en Theodora, Maria Stuarda, Mitridate, re di Ponto, El cuento del zar Saltán y La traviata.
En esta temporada se impartirán 4cursos de aproximación a la ópera: Las protagonistas de la ópera (por Rosa Fernández), Comprender a Donizetti:Maria Stuarda (por Mario Muñoz), Aprender a escuchar ópera (por Sofía Martínez) -exclusivo para Amigos del Teatro Real- y Ópera y literatura (por Irene de Juan).
Se ofrecerán 4 cursos de Historia de la ópera y de la danza –Historia de la ópera I (siglos XVII y XVIII), Historia de la ópera II (siglo XIX) e Historia de la ópera III (siglos XX y XXI)-, los tres impartidos por Gabriel Menéndez- y el curso Los ballets rusos de Diághilev, por Ana Abad.
Finalmente, habrá dos cursos sobre las profesiones de la ópera: Introducción a la dirección de escena (por Justin Way) y Regiduría de ópera (por Pepa Hernández).
REAL TEATRO DE RETIRO
La programación artística, talleres, cursos y encuentros destinados a niños y adolescentes se ofrecen desde hace más de un año en el REAL TEATRO DE RETIRO, lo que ha permitido incrementar el número de espectáculos y la diversidad de programas destinados a las diferentes edades: 258 funciones en total, siendo 132 funciones familiares para todo público y 126 funciones escolares, incluyendo 18 talleres familiares ¡Todos al Real Teatro!
Se ofrecerán dos óperas muy atractivas: la primera, una nueva producción de El niño y los sortilegios, de Maurice Ravel, con dirección musical de Miguel Huertas y dirección de escena de Alfonso Romero, enmarcada en el programa Opera Estudio del Teatro Real; y la segunda, una reposición de La cenicienta, de Pauline Viardot, que se presentó con gran éxito en la pasada temporada, con dirección musical de Francisco Soriano y dirección de escena de Guillermo Amaya. En ambas producciones participarán los cantantes y pianistas del proyecto Crescendo.
Los cuentos, tan sugerentes para el público infantil, serán presentados en distintos f
Tras presentar los primeros tres conciertos del ciclo Km0, Ibermúsica clausura esta edición con el recital de la acordeonista María Zubimendi de la Hoz el próximo jueves 4 de abril a las 19.30h en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional.
La acordeonista ofrecerá un recital con obras clásicas y contemporáneas que incluye el estreno absolutodeFesta, de Mikel Chamizo (1980) para acordeón microtonal y electrónica, pieza encargada por la propia intérprete. Además, interpretará otras dos obras de compositores vascos, Luma, de Zuriñe Gerenabarrena (1965), y Basalt, de Gabriel Erkoreka (1969). Completan el programa la Sonata en fa menor K.466 de Domenico Scarlatti y L’entretien des muses, de Jean-Philippe Rameau.
Los tres compositores españoles –Mikel Chamizo, Zuriñe Gerenabarrena y Gabriel Erkoreka– estarán presentes en el concierto y realizarán una breve presentación de sus obras para así propiciar el diálogo con la intérprete y una mayor proximidad con el público.
El ciclo Km0 de Ibermúsica es una programación extraordinaria de conciertos de pequeño formato que apuesta por el talento nacional y las obras de nueva creación. En esta primera edición, el ciclo ha recibido al pianista Albert Guinovart, la guitarrista Laura Verdugo del Rey, la clavecinista Silvia Márquez Chulilla y la acordeonista María Zubimendi de la Hoz que pone el broche final al ciclo.
María Zubimendi
Nacida en Zumaia (Guipúzcoa) en 1994, inició sus estudios de acordeón con la profesora Miren Iñarga y más tarde se graduó en el Centro Superior de Música del País Vasco (Musikene), en la especialidad de interpretación, de la mano de Iñaki Alberdi. Realizó un máster especializado en música contemporánea en la Musikhochschule FHNW de Basilea, y más tarde, se especializó también en la gestión cultural, en la Universidad Internacional de La Rioja. Hoy en día compagina su labor como intérprete con el de gestora cultural.
Ha sido galardonada con el primer premio en varios concursos de interpretación de acordeón, tanto nacionales como internacionales (2º Premio en el Concurso Internacional de Acordeón de Klingenthal en Alemania, 1er Premio en el Concorso Internazionale di Fisarmonica Santa Cecilia en Roma en Italia o 1er Premio en el Concurso Internacional Arrasate Hiria, en Euskadi, entre los más destacados). Está muy comprometida con la música contemporánea, habiendo realizado estrenos de compositores y compositoras de gran renombre tanto en música de cámara como a solo. Sus principales proyectos musicales son el dúo eXpreSSio duo junto a Garazi Navas, y, sobre todo, el Trio Zukan, junto a Jon Ansorena y Gorka Catediano, agrupación de referencia dentro del ámbito de la música contemporánea nacional.
Sorozábal denominó su ópera ‘Juan José’ con el subtítulo de «drama lírico popular», aclarando que lo de «popular» se refiere a lo proletario y no a lo folclórico. Estrenada en versión de concierto en 2009 en el Auditorio Kursaal de San Sebastián cuando se cumplían 41 años de su composición en 1968, el estreno absoluto de la versión escénica, dirigida por José Carlos Plaza, tuvo lugar varios años más tarde, en febrero de 2016, en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. En ambos casos, el éxito fue incontestable. Ahora, rebasado ya el medio siglo desde que el Maestro donostiarra la concibiera, se presenta, también en el recinto madrileño, la primera reposición de aquellasobrecogedora producción. Con libreto del propio Pablo Sorozábal basado en la obra homónima de Joaquín Dicenta, quien a su vez se había inspirado en un hecho real, y con dirección musical del Maestro Miguel Ángel Gómez-Martínez, que cumple así de nuevo el deseo expreso del músico de que fuera él y no otro quien se encargara de hacer sonar la partitura, en esta ocasión el público podrá volver a estremecerse en las 8 funciones programadas entre los días 4 y 12 de abril.
La historia de ‘Juan José’ transcurre en los barrios bajos de ese Madrid de antaño, un mundo dominado por una injusticia social extrema que divide a la gente entre los que tienen y los carentes de lo imprescindible, y donde a causa del analfabetismo y la incultura afloraban las miserias humanas, los rencores, los miedos, las traiciones y desconfianzas, la violencia más extrema e irracional, repitiéndose todo de padres a hijos en una espiral sin fin.
Gran valor musical y dramático
Es el escenario de estas artes negras el Madrid de las recónditas tabernas de olor amargo y personajes marginales que ya afloraban tres décadas antes en la ópera ‘Adiós a la bohemia’ (1933) del propio Sorozábal y con libreto de Pío Baroja. Ambas obras resultan claras transmisoras de un profundo pesimismo vital, lejos de cualquier romanticismo popular y próximas las dos (mucho) a un naturalismo sencillo; como si de una auténtica crónica de bajos fondos se tratara.
La historia sombría y visceral de ‘Juan José’ va unida en este caso al lenguaje musical moderno con el que Sorozábal edificó la obra; una partitura personal, densa, evasora de lo fácil, fieramente contemporánea hasta concebir un discurso teatral continuo donde el compositor logra dar una vuelta de tuerca a su música y de paso al género.
Y para que esto surta el efecto que en su día deseó Sorozábal, vuelve a hacerse cargo de la dirección musical el Maestro Miguel Ángel Gómez-Martínez, quien considera ‘Juan José’ una obra de “grandísimo valor musical y dramático”, a quien en su día, allá por los últimos años setenta del pasado siglo, fue el propio músico quien lo eligió personalmente para que asumiera la responsabilidad de ponerse al frente de la orquesta después de verle y escucharle dirigir ‘Un ballo in maschera” de Verdi en Berlín. Diferentes vicisitudes hicieron que la obra no pudiera estrenarse entonces, pero al cabo de los años (casi cincuenta) pudo sonar finalmente en el teatro tal y como el propio Sorozábal había querido: con Gómez-Martínez en el foso. Y volverá a hacerlo este mes de abril de nuevo en el Teatro de la Zarzuela con la Orquesta de la Comunidad de Madrid, Titular de este recinto.
En el núcleo de la miseria
En esta producción, el director de escena José Carlos Plaza, muy de acuerdo con la historia que concibió Dicenta y recogió Sorozábal muchas décadas después, nos sumerge en el núcleo mismo de la miseria y el analfabetismo. Asegura Plaza que al haberles impedido el acceso al conocimiento, estas personas “son incapaces de discernir o reflexionar sobre lo que les pasa y sus causas, y eso les ha convertido en bestias”. Y añade que “como los animales, sólo sienten sensaciones primarias: dolor, hambre, frío, enfermedades, agresividad, odio… Los conceptos «moral» o «ética» han dejado de tener sentido alguno”.
El montaje cuenta con dos repartos de voces que el público aficionado siempre quiere escuchar, algunas de las cuales triunfan en los teatros más reconocidos del mundo. Así, los papeles principales estarán interpretados por los barítonos Juan Jesús Rodríguez y Luis Cansino, las sopranos Saioa Hernández y Carmen Solís, o Vanessa Goikoetxea y Alba Chantar, las mezzosopranos María Luisa Corbacho y Belem Rodríguez Mora, el tenor Alejandro del Cerro, el bajo Simón Orfila o el también tenor Francesco Pio Galasso, entre otros.
A través de los elementos siniestros que conforman el decorado de Paco Leal, iluminado por él mismo, se combinan la realidad y el sueño en un mismo espacio, de tal manera que a la postre todo resulta violento y grotesco. Y ahí, en lo más profundo de lo que somos, aparecen las bestias en las que (¡quién lo hubiera dicho!) llegamos a transformarnos. Esta oscuridad a la que todos estamos expuestos y que Plaza nos revela, es pues, y aunque nos pese, un retrato vivo de la realidad. Un entorno “desgraciadamente no muy lejano”.
Para conseguir este efecto sórdido y lúgubre necesario para la credibilidad de puesta en escena, es también crucial el asombroso trabajo que el maestro de maestros Pedro Moreno realiza con el vestuario —para cuya confección y acabado ha contado con la colaboración de varios talleres especializados—, las pinturas desasosegadoras de Enrique Marty que forman parte misma de la escena, y el muy estudiado movimiento escénico trazado por Denise Perdikidis, que llenan la escena de una realidad asfixiante. La dirección de la reposición corre a cargo de Jorge Torres, brillante colaborador habitual de Plaza. Al reparto principal se unirán asimismo un cuerpo de baile de ocho bailarines y ocho actores figurantes.
MATERIALES AUDIOVISUALES
Entre otros materiales, el Teatro de la Zarzuela, a través de su canal de YouTube, ha puesto ya a disposición de público y aficionados la conferencia de la catedrática Ana Freire.
Asimismo, en breve estará disponible una nueva entrega de ‘Viaje por la zarzuela’, el capítulo 37 de la serie, en el que Saioa Hernández y Juan Jesús Rodríguez nos hablarán de lo que supone enfrentarse a una obra como esta e interpretarán alguno de sus números musicales.
Serán 75 canciones en tres veladas consecutivas, los días 4, 5 y 6 de abril. Airam Hernández se muestra “entusiasmado” con su inminente regreso a su tierra, Tenerife, para compartir con su público su vertiente interpretativa más íntima y cercana con tres recitales de canto y piano.
La Ópera de Tenerife, dentro de su ciclo Universo Ópera de recitales líricos –un complemento a su temporada 2023-24 – llevará al tenor tinerfeño por tres espacios culturales de la isla. En medio de una temporada de impresionante actividad en la que, desde septiembre pasado, ha actuado en ciudades como Madrid (en tres ocasiones), Budapest, Alicante, Linz, Viena, Toulouse, Alicante, Zaragoza, Barcelona, Varsovia, Cáceres, Badajoz, París, Granada y también en Santa Cruz de Tenerife –tanto con repertorio operístico como sinfónico vocal y oratorio–, el versátil artista visitará esta vez el Auditorio Adán Martín de Santa Cruz de Tenerife (4 de abril), el Auditorio de Adeje (5 de abril) y el Auditorio Teobaldo Power (La Orotava, 6 de abril) junto al piano de la también canaria y correpetidora del Gran Teatre del Liceu de Barcelona Vanessa García Diepa. En este viaje musical Airam Hernández desgranará “un amplísimo programa que incluye 75 canciones de autores españoles, sin olvidar a compositores canarios como Enrique Guimerá, Teobaldo Power, Agustín Ramos, Luis Cobiella y Lothar Siemens, repartidas en los tres recitales que serán diferentes, temáticos, y que invitan al oyente a disfrutar de un bellísimo viaje desde distintas vertientes emocionales”, afirma el tenor. Hernández considera que “diseñar el programa de un recital es comparable a la elaboración de un buen perfume: el orden, la entidad y el equilibrio entre las piezas son esenciales para que funcione. De ese modo emociona y perdura en la memoria”.
El primer recital lleva por título El viaje del trovador y recoge una selección de temas “que trazan una línea temporal desde el siglo XV hasta nuestros días, un paseo en el tiempo para disfrutar de la evolución compositiva de un repertorio rico en registros y una gran paleta de sonoridades”; se incluyen obras de Juan de Anchieta, Manuel García, Enric Granados, Manuel de Falla, Joaquín Turina, Antón García Abril o Enrique Guimerá, entre otros. “Los programas de Aires del sur, en Adeje, y de Aires del norte, en La Orotava, nacen de la voluntad de ofrecer obras que conecten con el público local: en el primero nos hemos centrado en compositores del sur de España como son Turina y Falla, y de Latinoamérica, como Guastavino, Ginastera, Piazzolla o Lecuona, mientras que en el segundo hemos propuesto un menú musical dedicado a compositores del norte de España, como Albéniz, Guridi, Toldrà u Obradors. Nos encanta, de este modo, brindar al público la posibilidad de disfrutar de programas bien diferentes y que capturan la esencia de la canción española”, asegura el tenor, dispuesto a crear “una atmósfera íntima y directa, más teniendo en cuenta que lo hago junto a Vanessa García Diepa, una pianista maravillosa, también de Canarias, con la que nos entendemos con solo una mirada”.
Tras su paso por Tenerife, a Airam Hernández le esperan diversos compromisos internacionales como Das Lied von der Erde, de Mahler, en su regreso al Théâtre du Capitole de Toulouse; Nabucco, de Verdi, en la Opéra de Lausana (Suiza), además de su Pollione de Norma en su vuelta a Italia el verano próximo, en el Festival della Valle d’Itria en Martina Franca.
Como ya anunciamos hace escasas semanas, el concierto de Maurizio Pollini agendado para el 3 de abril tuvo que verse suspendido por recomendación médica debido a los problemas de salud que el Maestro Pollini lleva sufriendo estas últimas semanas.
Gracias a la amabilidad y generosidad de los pianistas Martha Argerich y Nelson Goerner, cuyas agendas coincidían el 1 de abril, pudimos sustituir este concierto de temporada tanto en intérprete como en fecha.
Es para la Fundación Scherzo todo un honor y un privilegio contar con la presencia de dos veteranos en nuestra temporada que, por primera vez en el Ciclo de Grandes Intérpretes, tocarán juntos en el que se ha convertido ya en uno de los conciertos más esperados del año.
Argerich y Goerner, que participan por tercera y segunda vez respectivamente en nuestra programación, todavía no han desvelado cuál será el programa de este recital. El dúo presentó el pasado mes de febrero un nuevo programa en Suiza con obras de S. Rachmaninov y C. Saint-Saëns pero todavía no han confirmado si será el mismo programa que interpretarán en Madrid.
Con este recital, el 29 Ciclo de Grandes Intérpretes se prepara para concluir su 29a edición y recibir a la 30a edición del ciclo, que se presentará en Madrid el próximo 16 de abril en la sede de la SGAE. Antes de eso, podremos difrutar una vez más de la gran dama del piano, Elisabeth Leonskaja, quien celebrará San Isidro con nosotros regalándonos las Tres últimas Sonatas de L. van Beethoven.
Del 1 al 30 de agosto, la 85 Quincena Musical de San Sebastián reeditará su compromiso de llevar música y danza en vivo para todos los públicos a las principales salas, espacios culturales y otros lugares de la ciudad, y también a otras localidades de Gipuzkoa, Araba, Navarra y Lapurdi. Con la Quincena, el mes de agosto se convierte en el momento ideal para disfrutar de la cultura en vivo, con propuestas de formatos diversos, desde los más clásicos a los más innovadores, en las que artistas locales e internacionales y el público se dan la mano para crear grandes momentos de música clásica.
Más de 70 citas que conforman un amplio catálogo pensado para que cada cual pueda diseñar a partir de él su propia Quincena. A continuación, detallamos los conciertos y espectáculos que tendrán lugar en el Auditorio Kursaal y en el Teatro Victoria Eugenia, ciclos fundamentales de una edición que, como anunciamos semanas atrás, acompañará el cartel realizado por Jose Zugasti.
Ciclo de grandes conciertos del Auditorio Kursaal El ciclo se abre con la doble presencia de la Orchestre Philharmonique du Luxembourg, bajo la dirección de su titular, Gustavo Gimeno. El primero de los conciertos (1 de agosto) supone el debut en la Quincena del pianista Bruce Liu, ganador de la Chopin Piano Competition en 2018; este premio avala su reputación como unos de los grandes talentos de su generación y ha contribuido a su status de estrella del rock dentro de la música clásica. Interpretará el Concierto para piano nº5 “Egipcio” de Camille Saint- Saëns. En la segunda parte del concierto, se podrá disfrutar de la Quinta sinfonía de Mahler, popularizada por su presencia en la banda sonora de Muerte en Venecia, de Visconti.
En el segundo concierto (2 de agosto) la Philharmonique du Luxembourg contará con la complicidad del Coro de Voces Mixtas Easo y del bajo moscovita Alexander Vinogradov (habitual en las temporadas de la Staatsoper Berlin, Teatro Bolshoi, Ópera Nacional de París, Teatro alla Scala, Metropolitan Opera, Royal Opera House Covent Garden…) para abordar una de las partituras más infrecuentes de Shostakovich: La ejecución de Stepan Razin. Esta obra, que se interpreta por primera vez en la Quincena y que se caracteriza por su complejidad, constituye la narración, maravillosa desde el punto de vista musical, del destino de este cosaco que, en el siglo XVII, se rebeló contra el Zar Alexei. En la segunda parte, se escuchará La Sinfonía fantástica de Berlioz, que, como indica su subtítulo, describe las vicisitudes vitales de un artista.
Los días 8 y 10 de agosto se estrenará una nueva producción operística promovida por la Quincena Musical: una relectura de la popular Carmen, de Bizet, firmada por Emilio Gómez. Una de las óperas más representadas de la historia se traslada a la posguerra española: Carmen es una gitana rebelde y apasionada que, en los años 50, desafía las normas sociales de la época; la cultura gitana se coloca frente a la influencia creciente de la cultura urbana. Así, esta ópera regresa a la Quincena 16 años después, tras su última puesta en escena en 2008. En el apartado musical, Euskadiko Orkestra interpretará desde el foso bajo la dirección musical de José Miguel Pérez-Sierra, recientementre nombrado director musical del Teatro de la Zarzuela de Madrid; el elenco de solistas lo encabezan la mezzosoprano tunecino-canadiense Rihab Chaieb (Carmen) y el tenor ucraniano Dmytro Popov (Don José), que a lo largo del mes de mayo interpretarán Carmen en el prestigioso festival de de ópera de Glyndebourne, en Inglaterra; junto a ellos, Miren Urbieta-Vega (Micaela), Simón Orfila (Escamillo), Marifé Nogales (Mercedes), Helena Orcoyen (Frasquita), José Manuel Díaz (Dancaire), Juan Laborería (Morales), Mikel Zabala (Zúñiga) y Aitor Garitano (Remendado); y los pasajes corales serán interpretadas por las voces de Easo Abesbatza.
El 11 de agosto, la música barroca resonará en el Kursaal: Masaaki Suzuki, que hace dos años participó en el Ciclo de Órgano de la Quincena, regresa al festival, en esta ocasión, al frente del Bach Collegium Japan, el conjunto barroco formado por intérpretes de instrumentos originales y coro fundado en 1990 por el propio Suzuki, intérprete de Bach, organista, clavecinista, director de orquesta y musicólogo de renombre internacional. Será una ocasión excepcional para disfrutar de este conjunto especialista en la obra del compositor barroco, ya que se prodiga poco en Europa; de hecho, es la primera vez que actúa en el festival. Bach Collegium Japan se define como un grupo que “transmite la música de Bach al futuro”.
El 17 de agosto, tendrá lugar el primero de los dos conciertos que la Budapest Festival Orchestra, la formación liderada por Ivan Fischer, ofrecerá en una nueva visita a la Quincena. Uno de los alicientes principales de este concierto lo constituye el debut en el festival de la reconocida violinista moldava Patricia Kopatchinskaja. Descrita por The New York Times como "una intérprete de inusual energía expresiva, desarmante informalidad y ambición teatral”. Patricia Kopatchinskaja interpretará el Concierto para violín nº2 de Bela Bartok, compositor del que es especialista. Completan el programa la Obertura sobre temas hebreos de Prokofiev y la Sinfonía nº7 de Dvorak.
Al día siguiente (18 de agosto), Mozart será el principal protagonista de la velada, con la Sinfonía nº38, “Praga” y el Réquiem, obra inserta ya en el acervo cultural universal en la que acompañarán a la orquesta el Orfeón Donostiarra y los solistas Anna Lena Elbert, Olivia Vermeulen y Hanno Müller-Brachmann.
El 23 de agosto, el Kursaal acogerá la Missa Solemnis, obra coral por excelencia de Beethoven, y la más difícil de este compositor, técnicamente hablando. Está considerada por algunos como la mejor misa jamás compuesta y no se interpreta en Quincena desde 2003. Bajo la dirección del director francés Jérémie Rhorer, quien fuera discípulo de Marc Minkowski, William Christie y Christopher Hogwood, interpretarán la partitura Euskadiko Orkestra, el Orfeón Donostiarra y los solistas Chen Reiss, Victoria Karkacheva, Maximilian Schmitt y Hanno Müller-Brachmann. Meses antes de dirigirla en la Quincena, Rhorer dirigirá a su conjunto Le Cercle de l’Harmonie en la interpretación de la Missa Solemnis en la Philharmonie de Paris, y estos días dirige el estreno de la La voz humana, una nueva producción del Teatro Real que reúne la obra homónima de Poulenc y Erwartung, de Schönberg.
El 25 de agosto será el día de la danza en el Kursaal, de la mano de la francesa Compagnie Käfig, del coreógrafo Mourad Merzouki, y su espectáculo Folia. Este montaje de danza y música en vivo a caballo entre el barroco y los ritmos callejeros, que toma por título el nombre de una danza popular en la corte castellana del siglo XVII, nace gracias al mestizaje y al encuentro entre Merzouki y Frank-Emmanuel Comte, líder del grupo Le Concert de l’Hostel Dieu. El resultado es una mezcla asombrosa de danza y baile contemporáneo con música popular, barroca y hip hop; un espectáculo que “va in crescendo […] mezclando estilos, bailarines y músicos […] para condensarse al final en una espiral de energía irresistible", según Le Figaro.
El 27 de agosto, el festival dará la bienvenida a una de las grandes figuras de la dirección de orquesta, Riccardo Chailly, en la que será su tercera vez en la Quincena. Si en 1997 y 2003, ofreció sendos conciertos junto a la Royal Concertgebouw Orchestra de Ámsterdam, en esta ocasión llega a San Sebastián con su actual orquesta, la Orchestra Filarmonica della Scala de Milán. Conforman el programa del concierto la Sinfonía nº5 de Tchaikovsky y las suites nº1 y nº2 de Daphnis y Chloé, de Ravel.
El 30 de agosto clausurará la Quincena la Orchestre Philharmonique de Radio France, bajo la dirección del finlandés Mikko Franck, titular de la orquesta desde 2015. Esta orquesta, muy presente en la Quincena en la década de los 90, presenta un programa eminentemente francés en el que destaca el Concierto para violonchelo y orquesta en re menor de Lalo, que interpretará Sol Gabetta. El programa lo completan el Preludio a la siesta de un fauno, de Debussy, que, aunque no fue compuesta para danza, han sido mucho los coreógrafos que han trabajado sobre ella; Shéhérezade, ouverture de Féerie, que se sepa, la primera incursión de Ravel en la música orquestal; y la suite de El pájaro de fuego, compuesto por Stravinsky por encargo de Sergei Diaghilev para los Ballets Rusos.
Teatro Victoria Eugenia El 6 de agosto la Compañía de Flamenco Úrsula López presentará el espectáculo Comedia sin título. La danza, el baile y el flamenco en la resurrección de Federico García Lorca, estrenado hace unos días en el Festival de Jerez con gran acogida por parte de crítica y público. En tierra hostil, bajo el dominio de los mismos que asesinaron al poeta, la obra de Federico García Lorca sobrevivía, entre otras cosas por mor de los flamencos; esta obra repasa el flamenco de dentro y del exilio, el que se construyó bajo el franquismo y también entre los desterrados, en el exilio. En esta puesta en escena conviven los bailes «puros», de Gades a Farruco, con las dramaturgias que en su tiempo llevaron, de la mano de Lorca, al flamenco a los escenarios más vanguardistas del mundo. Úrsula López plantea este espectáculo como continuación de “El maleficio de la mariposa”, que puso en escena estando al frente del Ballet Flamenco de Andalucía y que en 2022 presentó en la Quincena con gran éxito.
El 19 de agosto debutará en el festival la jovencísima pianista Alexandra Dovgan. Alumna protegida de Grigory Sokolov, el gran pianista ha dicho de ella: “Esta es una de esas raras ocasiones. A la pianista Alexandra Dovgan difícilmente se le puede llamar niña prodigio, porque aunque es una maravilla, no es un juego de niños. Se trata de la interpretación de una persona adulta. Le auguro un gran futuro”. A sus 17 años, su fulgurante carrera le ha llevado ya a tocar en el Festival de Salzburgo, Philharmonie de Berlín, Concertgebouw de Ámsterdam o a interpretar bajo la dirección de Gustavo Dudamel con la Mahler Chamber. Interpretará obras de Beethoven, Schumann, Rachmaninov y Scriabin.
El 20 de agosto el conjunto vocal Cappella Mariana y el grupo instrumental Constantinople ofrecerán el concierto titulado Odisea de Krystof Harant, construido sobre una idea de Vojtech Semered y Kiya Tabassian. La peripecia vital de este noble checo, viajero, humanista, soldado, escritor y compositor terminó prematuramente en 1621, cuando fue ejecutado por participar en la Revuelta Protestante de Bohemia. Pero para entonces había peregrinado de Praga a Jerusalén, pasando por Venecia, Chipre, el Sinaí y El Cairo, odisea de la que dejó constancia en sus libros de viajes. El concierto constituye un viaje musical al mundo de Krystof Harant a través de su propia música y de otras músicas mediterráneas, o de carácter orientalizante, que pudo escuchar a lo largo de su viaje, llegadas hasta nuestros días a través de la tradición oral, y también de su libro de viajes, en la narración, en esta ocasión, del actor Ramón Barea.
El 26 de agosto, en el marco de la Quincena Infantil, Easo Abesbatza y Easo Sinfonietta estrenan Egia ala geRuza, ópera infantil sobre textos de Alicia en el País de las Maravillas y A través del espejo, de Lewis Carroll, y música de Walter Slaugther. Bajo la dirección y la coordinación de Gorka Miranda y la dirección musical de Lucía Arzallus, dirección de escena de Guillermo Amaya, textos adaptados por Marta García y con arreglos musicales de Iñaki Carcavilla, este espectáculo se propone descubrir las diversas capas del lenguaje y se adentra, para ello, en los matices descriptivos de la realidad y en el juego simbólico de la verdad y la mentira.
Ciclos paralelos En el marco de la 85 Quincena Musical de San Sebastián, se desarrollarán, además, otros ciclos que completan su oferta: Música Antigua y Música de Cámara, ambos en el Museo San Telmo; Órgano, Música Contemporánea, Jóvenes Intérpretes, Quincena Andante, Jornada Inaugural, Quincena Infantil y Tabakalera Dantzan. En estos ciclos se incluirán homenajes a dos artistas guipuzcoanos cuyo centenario se conmemora en 2024: Eduardo Chillida y Néstor Basterretxea. La programación completa se dará a conocer en las próximas semanas.
Abonos y entradas Ya está abierto el periodo en el que los Amigos de la Quincena pueden adquirir de forma prioritaria abonos y entradas sueltas (hasta el 8 de abril). A las ventajas y descuentos establecidos el pasado año se suma ahora el hecho de que el Amigo que nos presente a un nuevo amigo estará exento de pagar la cuota de Amigo del año próximo.
Además, quien así lo desee puede darse de alta como Amigo de la Quincena, en la web o en las oficinas del festival, y disfrutar de ventajas como la opción de adquirir el abono, comprar entradas sueltas de forma prioritaria con respecto al público en general y beneficiarse de descuentos, etc. La venta general de entradas sueltas arrancará el 21 de mayo.
Venta de abonos y entradas
El plazo para que los Amigos de Quincena reserven sus abonos y entradas finaliza el lunes 8 de abril.
Quien lo desee puede darse de alta como Amigo y beneficiarse de sus ventajas. La venta general de entradas comenzará el 21 de junio. Las entradas se podrán adquirir en quincenamusical.eus y en las taquillas del Kursaal y Teatro Victoria Eugenia.
El ciclo Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) acoge una de las obras fundamentales de la historia de la música, la magna Pasión según San Mateo de Johann Sebastian Bach, coincidiendo con el Domingo de Ramos. Pese a ser uno de los oratorios más interpretados por formaciones europeas, en esta ocasión serán agrupaciones españolas quienes se enfrentarán a la sobrecogedora partitura del cantor de Leipzig: Vespres d’Arnadí, elCor de Cambra del Palau de la Música Catalana y el Cor Infantil de l’Orfeó Català. Al frente estará el prestigioso director Christoph Prégardien, gran conocedor de la obra porque como tenor interpretó el papel del Evangelista en numerosas ocasiones. El concierto tendrá lugar el domingo 24 de marzo, a las 18:00 horas, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música.
Escrita en 1727, la obra presenta el sufrimiento y la muerte de Cristo según el Evangelio de San Mateo (capítulos 26 y 27). El texto, escrito por Picander, colaborador de Bach en Leipzig, sigue de cerca escenas tan conocidas en el imaginario universal como la última cena, la traición de Judas o la crucifixión. Uno de sus objetivos era que la población de la época, mayoritariamente analfabeta, conociera la historia a través de la representación. Para ello, el genial compositor Barroco, considerado un maestro de la retórica musical, ideó una música conmovedora, capaz de emocionar y sumergir a los oyentes en una experiencia profundamente espiritual, hecho que ha llegado hasta nuestros días.
A lo largo de sesenta y ocho números, el público del CNDM acompañará a Bach en esta apasionante historia que despliega tres niveles narrativos: el de los personajes que participan en ella (el texto bíblico musicalizado en recitativos), el de la comunidad espiritual (representada por varios coros reflexivos y los corales), y el del creyente individual (que comenta a través de arias los diversos eventos de la narración bíblica y las emociones que dichos hechos le provocan). Por todo ello, estamos ante una de las primeras metaobras de la historia, en la cual los personajes no solo narran la acción, si no que interpretan sus sentimientos. Esta reflexión se advierte, por ejemplo, en arias como la número 39, Erbarme dich, mein Gott (Apiádate de mí, Dios mío), uno de los momentos más hermosos de la obra.
Una catedral musical
Considerada una de las cumbres artísticas de Occidente, La pasión según san Mateo está llena de innumerables figuras expresivas y recursos que la hacen única.
La obra está compuesta para solistas, doble coro y doble orquesta, creando un fantástico efecto estereofónico donde voces e instrumentos dialogan entre sí. A esta compleja estructura polifónica, se suma la gran capacidad de Bach para fusionar un instrumento solista y una voz, su carácter innovador en el uso de figuras poco habituales de la época para representar determinados sentimientos (el tritono o salto de notas poco natural para representar el mal), y su infinita imaginación, como los batidos de acordes que emulan la sangre que bombea y emana del cuerpo de Jesús.
El simbolismo es el otro gran protagonista de la obra. El ejemplo más llamativo es que la propia partitura esconde una cruz. En la sección que narra cómo Pilatos le pregunta al pueblo a qué reo quieren salvar, Bach plasma sobre el pentagrama una línea recitativa de notas horizontales que, cuando el coro responde, se cruza en vertical produciendo el conocido efecto visual de la cruz.
En definitiva, el oratorio es un hito de innovación musical por reunir características operísticas al servicio de un mensaje profundamente espiritual.
Agrupaciones y solistas estelares
En esta ocasión, el público del CNDM podrá escuchar este oratorio de la mano de Vespres d’Arnadí, uno de los conjuntos nacionales especializados en la interpretación historicista más demandados de nuestro panorama actual. Junto a ellos, contaremos con elCor de Cambra del Palau de la Música Catalana y el Cor Infantil de l’Orfeó Català y prestigiosos solistas entre los que se encuentran el tenor David Fischer (Evangelista), el barítono Pau Armengol (Jesús), la soprano Mercedes Gancedo (Sirvienta 1, Mujer de Pilatos), o el barítono Guillem Batllori (Judas, Pilatos), entre otros.
Este concierto se presenta en memoria del arquitecto José María García de Paredes, artífice del Auditorio Nacional de Música y figura fundamental en el crecimiento de las infraestructuras musicales de nuestro país.
“Contextos Barrocos”: Una hora antes del concierto, a las 17:00h, tendrá lugar el encuentro sobre el concierto de La Pasión según San Mateo en los “Contextos Barrocos” del CNDM, sesiones de cuarenta y cinco minutos, de acceso libre para el público que ha adquirido la entrada al espectáculo, que permiten profundizar en el repertorio, su historia y los intérpretes.
El tenor junto con la pianista Elenora Pertz celebran en este trabajo discográfico el legado musical de Fanny Hensel, Clara Schumann y Emilie Mayer, y su relación con Beethoven.
En un mundo donde las mujeres luchaban por hacerse oír, tres figuras excepcionales desafiaron las normas establecidas y dejaron una huella imborrable en la historia de la música. Fanny Pensel, Clara Schumann y Emilie Mayer son los nombres que el tenor Manuel Gómez Ruiz reivindica en su nuevo álbum junto a la pianista italoamericana Elenora Pertz.
“Escuchar todos sus nombres” es un trabajo discográfico que celebra la valentía, el talento y el legado que nos dejaron estas mujeres en la historia de la música. Estas tres figuras icónicas, cuya genialidad se desarrolló en la sombra, son las protagonistas de esta emotiva grabación. Inspiradas (y conectadas) por el legado beethoveniano, su arte trascendió las barreras del tiempo para que hoy resuenen más fuerte que nunca.
La propia Fanny Hensel (hermana de Felix Mendelssohn) llamó Ludwig a su único hijo varón en honor al compositor al que admiraba profundamente: “… éramos jóvenes cuando Beethoven estaba en sus últimos años. Sus formas nos influyen. Es demasiado conmovedor, demasiado poderoso” afirmaba la compositora. Clara Schumann era una reputada y celebrada pianista de fama internacional, sus interpretaciones de las obras de Beethoven fueron alabadas por el público, hasta tal punto que el dramaturgo austriaco Franz Grillparzer tras escuchar en concierto la Sonata en fa menor interpretada por Clara, escribió el poema Clara Wieck y Beethoven.
Los estudios musicales de Emilie Mayer también estuvieron muy influenciados por Beethoven, de él aprendió el arte del sinfonismo. Fue, de entre estas tres compositoras la menos conocida, aun así, debido a lo prolífico de su obra y a que sus sinfonías tienen muchas similitudes con las de él, a menudo se referían a ella como «la Beethoven femenina». En este trabajo se realiza el primer registro discográfico de sus 3 Lieder, opus 10.
Ellas, mujeres pioneras que decidieron componer en un mundo hostil que aún no estaba preparado para admirar su arte, fueron antorcha del legado del genio de Bonn pero también aportaron a la historia de la música su sensibilidad, calidez y lirismo. “Hace un par de años me di cuenta de que nunca había cantado una composición escrita por una mujer.” Afirma el tenor “En nueve años de estudios en Berlín, y posteriormente, en mi vida profesional nadie me alentó, presentó u ofertó este repertorio, pero no quiero echar balones fuera, y asumo mi responsabilidad por no haber tenido la curiosidad. Simplemente seguí la inercia del sistema establecido y del peso de la historia, donde las mujeres no están representadas. Como ciudadano que cree en la igualdad, me avergoncé mucho de mí mismo y decidí luchar desde el escenario, para dar visibilidad a la vida y obra de las creadoras musicales, y situarlas donde se merecen. Las interpreto porque la calidad musical es incuestionable y sus obras deberían pertenecer al repertorio universal, pero por su género han estado silenciadas”.
“Por eso este álbum” sentencia Manuel Gómez Ruiz, “para romper el silencio de la historia, los abismos de las oportunidades y situarlas donde merecen, donde siempre debieron estar, en un programa donde podamos también escuchar todos sus nombres”.
“Escuchar todos sus nombres” estará disponible en plataformas digitales a partir del 20 de marzo y podrá comprarse físicamente en exclusiva en www.vanbonn.es
Manuel Gómez Ruiz | Tenor
Manuel Gómez Ruiz, natural de Gran Canaria, estudia en la Hochschule für Musik "Hanns Eisler y en la Universität der Künste de Berlín. El tenor ha cantado en numerosas salas europeas, entre ellas el Auditorio di Roma, la Konzerthaus de Berlín, Komische Oper Berlin, Teatro Principal y Auditorio de Zaragoza, Teatro Pérez Galdós y Auditorio Alfredo Kraus de Las Palmas de Gran Canaria, Teatro Campoamor de Oviedo, Auditorio de Tenerife, Baluarte de Pamplona, Teatro Arriaga y Palacio Euskalduna de Bilbao, Laeiszhalle de Hamburgo, Muziekgebouw de Ámsterdam, Teatro Auditorio de Cuenca, Palacio de la Ópera de A Coruña, Auditorio Víctor Villegas Murcia y Teatro Real Madrid, y con la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, Orquesta Filarmónica de Málaga, Hamburger Symphonilker, RIAS Jugendorchester Berlín, Lauten Compagney, Orquesta Sinfónica de Zaragoza, Oviedo Filarmonía, Orquesta del Principado de Asturias, Orquesta Sinfónica de Bilbao, Orquesta Sinfónica de Tenerife, Orquesta Sinfónica de Madrid, Camerata de Murcia, Musica Florea Praga, Real Filharmonía de Galicia y Orquesta Sinfónica de Galicia.
Ha sido invitado por el presidente de la República Federal de Alemania, Joachim Gauck, a actuar en la residencia oficial Schloss Bellevue, por la UEFA para cantar el himno en la final de la liga de campeones en el Estadio Olímpico de Berlín.
Manuel Gómez Ruiz ha sido premiado con las becas Richard Wagner Verband Berlin – Brandenburg, Deutschlandstipendium; y los premios Joven Canarias 2015 del Gobierno de Canarias y el Premio Gran Canaria 2017 en la modalidad Música de la Real Sociedad Económica de Amigos del País de Gran Canaria.
En 2021 sale a la luz su debut discográfico Beethoven: un viaje, eine Reise, a journey (Sacratif) junto con el Trío Arbós, y en 2022 su álbum Arda mi afecto con cantadas inéditas del maestro de capilla de la Catedral de Canarias Joaquín García (1710 – 1779) grabado gracias a una Beca Leonardo de la Fundación BBVA.
Elenora Pertz | Pianista
La pianista italoamericana Elenora Pertz destaca en el campo de la música de cámara. Su afinidad por el canto y las letras la ha llevado a especializarse en el trabajo con cantantes como compañera sensible.
Ha actuado por toda Europa en salas de conciertos como el Wigmore Hall, el Museo d´Orsay, el Festival de Lied de Oxford, la Schubertiade Schwarzenberg y France Musique, y ha colaborado con instituciones como la Royaumont Fondation, Britten Pears Arts, la Hugo Wolf Academy, entre otras. Ha grabado tanto canción artística como repertorio de música de cámara para sellos como Hännsler Classics y B Records. En su arte y en sus proyectos, se esfuerza tanto por la pericia como por la autenticidad, con el fin de aclarar la universalidad de la música clásica y de la canción artística para aquellos que la rehúyen.
Como intérprete, ha trabajado en la Staatsoper de Berlín, la Deutsche Oper de Berlín y la Komische Oper de Berlín con directores como Sir Simon Rattle, Thomas Guggeis y Sir Donald Runnicles.
Es directora artística y fundadora de "Lied the Way e.V.", cuyo objetivo es poner en red y fortalecer a las pianistas del canto artístico.
Lanzado recientemente por el sello Illiria en todas las plataformas digitales, el tenor italiano se sumerge junto al pianista Vincenzo Scalera en el universo verdiano en su primer disco en solitario, desgranando una cuidada selección de arias de cámara escritas para voz y piano.
El tenor turinés Andrea Carè y el pianista italoamericano Vincenzo Scalera llevaban tiempo tratando de unir sus talentos para colaborar juntos hasta que este deseo se materializó en Ad una Stella, un libro con acceso a un disco alojado en diversas plataformas digitales fruto de un intenso trabajo de selección de arias de cámara y poco divulgadas de Giuseppe Verdi. El compositor ha marcado la carrera del cantante, quien ha interpretado algunos de sus títulos operísticos más emblemáticos por medio mundo. “Tras varias reuniones con el sello discográfico y la decisión tomada de grabar un disco con repertorio de canto y piano, tenía claro que no quería incluir arias de ópera o piezas compuestas para orquesta y voz, ya que las reducciones al piano no hacen justicia a la realidad ni de los compositores, ni de los intérpretes, ni del instrumento”, asegura Carè. “Dada mi trayectoria operística y teniendo a Verdi como uno de los compositores centrales de mi repertorio, concluimos que sería bonito incluir algunas de sus canciones pensadas para piano y voz, un repertorio que se interpreta poco y que sin duda no tiene nada que envidiar a los mejores Lieder del Romanticismo; las de Verdi son piezas que, sin renunciar al intimismo, van más directas a la emoción, a la italiana; pero no fueron creadas para competir con las maravillosas canciones de la época romántica de Schubert o Schumann, ni tienen nada que ver con ellas”.
Giuseppe Verdi es un compositor al que Andrea Carè ama “profundamente”, por la forma elegante en la que el compositor fusiona libreto y música para hablar “sobre el amor, la religión, la política y la psique humana; de hecho, es difícil imaginar un artista más complejo y completo, y por este motivo, con mi primer álbum, he querido rendirle homenaje, pero no con sus grandes arias de ópera, sino con sus obras más íntimas. Estas canciones son pequeñas joyas, páginas de una gran belleza compuestas para veladas musicales propias de los salones de la alta sociedad y de la burguesía de la época, para un público asiduo de los teatros de ópera, motivo por el que en ellas a menudo reconocemos formas similares a grandes escenas y arias operísticas. Antes que Verdi, genios como Rossini, Bellini y Donizetti ya habían probado suerte en este género componiendo obras maestras en miniatura. Verdi solo siguió los mismos pasos, y esas canciones, escritas a lo largo de su carrera artística, dejaron huella de un camino paralelo al de la vía principal de las páginas operísticas que lo catapultaron a la fama”.
Alumno de Luciano Pavarotti y de Raina Kabaivanska, Andrea Carè ha pisado en los últimos años los escenarios más emblemáticos del circuito internacional, desde la Royal Opera House a La Scala de Milán, pasando por la Metropolitan Opera de Nueva York, el Teatro Real de Madrid o el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, y en el álbum Ad una Stella se une junto a una leyenda del piano como es Vincenzo Scalera, que ha acompañado a renombrados cantantes como José Carreras, Montserrat Caballé, Juan Diego Flórez o Andrea Bocelli. Del trabajo conjunto, el tenor italiano comenta que “durante los ensayos cincelábamos cada frase intercambiando ideas interpretativas y comentábamos los excelentes consejos que me daba para conseguir una mejor interpretación; trabajar junto a él ha sido, sin duda, una experiencia inolvidable”.
Ad una stella está disponible en todas las plataformas digitales; también se ha editado un libro que explica con todo detalle la experiencia de la grabación vivida y la brillante carrera del tenor explicada en primera persona, desde sus inicios como estudiante hasta su triunfo en los escenarios más importantes del circuito, siempre con Verdi como hilo conductor. En el libro se puede acceder al disco a través de un código QR que permite escuchar las 17 piezas incluidas, un proyecto que se presenta como un formato que es toda una novedad en el mundo discográfico.
El próximo miércoles 27 de marzo podrá escucharse en el Teatro Real la versión original de la ópera Carmen, de Georges Bizet, tal y como la concibió el compositor en 1874, antes de que los responsables de la Ópera Cómica de París le exigieran los importantes cambios que configuraron la obra tal y como la conocemos hoy en día, y que él nunca llegó a escuchar.
Esta extraordinaria recuperación musical, que llega a nosotros en la edición crítica del musicólogo francés Paul Prevost, será interpretada, bajo la batuta de René Jacobs, por la B’Rock Orchestra y un elenco de lujo en el que destacan, en los papeles principales, la mezzosoprano Gaëlle Arquez (Carmen), el tenor François Rougier (Don José), la soprano Sabine Devieilhe (Micaela) y el barítono Thomas Dolié (Escamillo), entre otros. Junto a ellos, el Choeur de Chambre de Namur y los Pequeños Cantores de la ORCAM.
De las tres ediciones realizadas por Prevost – la del 1874, antes de que las exigencias externas modificaran su obra y su pensamiento; la de 1874-1875, tras los reajustes iniciales y las primeras representaciones, y la de 1875, publicada por Choudens poco antes de la muerte del compositor-, tras concienzudas investigaciones y análisis de los materiales existentes, René Jacobs se ha decantado por la primera de ellas, porque recoge el trabajo compositivo original de Bizet en su estado más puro, sin ninguna intervención externa, con una dramaturgia musical coherente y en la que se muestra como un maestro absoluto de las confrontaciones estilísticas entre personajes vulnerables, inofensivos, frívolos o violentos logrando un impresionante efecto teatral.
Georges Bizet había terminado completamente su partitura en el verano de 1874, sobre el libreto de Henri Meilhac y Ludovic Halévy, basado en la obra homónima de Prosper Mérimée. Al comenzar los ensayos sobre el escenario de la Opéra-Comique, empezaron también los problemas; con el coro, considerado demasiado numeroso y cuyos miembros protestaban sus partes tachándolas de ilegibles, por las exigencias de algunos de los solistas (especialmente de la protagonista), por los diálogos hablados sobre música, por la ausencia de escenas de baile y por las continuas injerencias de los directores del teatro. Bajo presión, el compositor accedió a todo.
Uno de los aspectos que más llaman la atención de esta recuperación es poder escuchar la famosa aria «L’Amour est enfant de bohème» antes de que los arreglos de Sebastien de Yradier, introducidos por exigencia de la mezzosoprano Célestine Galli-Marié –primera intérprete del mítico personaje- la transformasen en la famosa habanera que todos conocemos.
La idea original de la ópera es mucho menos hispanizante y la protagonista todavía no se presenta como una gitana. Es una mujer fuerte, frívola, con múltiples facetas y su carácter casi desafía al texto de Merimée. La obra es más una tragicomedia, con numerosas escenas ligeras, que un drama, y contiene parodias y alusiones que debieron encajarse mal en la época.
La versión de concierto que se escuchará en el Real es, en palabras de Jacobs “la reconstrucción de la ópera que Bizet nunca llegó a escuchar, pero con la que soñó”. Instrumentos de época con músicos especializados, un gran coro (adulto e infantil) y unas voces de primer nivel, todo lo necesario para extraer la enorme riqueza de colores que contiene la obra.
Fotografía (c) Philippe Matsas
José Luis Basso es director del Coro Titular del Teatro Real(Coro Intermezzo) desde el inicio de la presente temporada, habiendo sucedido a Andrés Máspero, que ostentó el mismo cargo desde 2010.
Desde el inicio de la temporada ha preparado el Coro Titular del Teatro Real (Coro Intermezzo) en todas las producciones y conciertos en los que ha intervenido: Medea de Luigi Cherubini, Luisa Fernanda de FedericoMoreno Torroba, Halka de Stanislaw Moniuszko, Rigoletto de Giuseppe Verdi, Lear de Aribert Reimann, La pasajera de Mieczyslaw Weinberg y el concierto Las tres reinas, protagonizado por Sondra Radvanovsky. En todas estas obras la crítica ha elogiado, unánimemente, las actuaciones del Coro y el público las ha premiado con sonoros aplausos.
Actualmente está preparando las intervenciones del Coro en Los maestros cantores de Núremberg (estreno el 24 de abril) y en la obra La fiesta de amor de los apóstoles (Das Liebesmahl der Apostel), que se presentará el 25 de mayo en un concierto protagonizado por Nina Stemme, íntegramente dedicado a Richard Wagner. Ambas obras necesitan de un gran número de cantantes, por lo que a la plantilla fija del coro se unirán los refuerzos necesarios.
En Los maestros cantores de Núremberg el coro contará con 112 voces: 27 sopranos, 21 mezzosopranos, 24 tenores, 28 barítonos-bajos y 12 aprendices.
JOSÉ LUIS BASSO
En su carrera, José Luis Basso ha abordado un repertorio muy amplio, alternando regularmente el concierto, el oratorio y la ópera. Ha sido director de los coros del Liceu y de la Ópera Nacional de París, y del Teatro di San Carlo de Nápoles, entre otros, y ha participado en los principales festivales líricos.
El director argentino, que se formó musicalmente en Buenos Aires, donde estudió piano, dirección coral y orquestal, inició su actividad como director de coro en el Teatro Argentino de La Plata, donde preparó producciones de ópera y conciertos sinfónico-corales.
En 1989 comenzó su labor en el Teatro Colón de Buenos Aires, dirigiendo también el Coro de la Asociación Wagneriana, hasta que, en 1990, Romano Gandolfi, el que fuera legendario director de la Scala de Milán, lo contrató como su asistente en el Liceu de Barcelona.
En 1994 fue nombrado director del Coro del Teatro di San Carlo de Nápoles, dando un nuevo dinamismo a la formación, muy alabada en Lohengrin y en la Novena Sinfonía de Beethoven.
A partir de 1996 es convocado por el Maestro Zubin Mehta al Maggio Musicale Fiorentino, donde destaca especialmente en Parsifal, dirigido por Semyon Bychkov, y Turandot, bajo la batuta de Zubin Mehta. En 2000 fue galardonado por su trabajo en ese coliseo con el Premio Ina Assitalia Galileo.
Ha sido director del Coro y consultor artístico en el Gran Teatre del Liceu de 2004 a 2014, año en el que fue nombrado director del Coro de la Ópera National de París. En las siete temporadas siguientes, Basso obtuvo un gran éxito de público y crítica, especialmente con Moses und Aron, Don Carlo, Samson et Dalila, y Die Meistersinger von Nürnberg.
En 2021 comenzó a dirigir el Coro del Teatro di San Carlo de Nápoles, una labor reconocida el pasado mes de julio con el premio Caruso, que otorga la Asociación Maria Malibrán.
José Luis Basso participa regularmente en festivales españoles como el Internacional Castell de Peralada, el Internacional de Santander y el Internacional de Música y Danza de Granada. Ha grabado varias óperas y álbumes para Decca y Philips, entre ellas Turandot, La bohème, Aroldo y Tosca, y ha trabajado con los directores de orquesta más importantes de las últimas décadas. En 2003 recibió un Grammy Award junto al Coro del Maggio Musicale Fiorentino por el álbum Bel Canto de Renée Flemming.
CORO TITULAR DEL TEATRO REAL (CORO INTERMEZZO)
El Coro Intermezzo es el Coro Titular del Teatro Real desde septiembre de 2010, actualmente bajo la dirección de José Luis Basso. Ha cantado bajo la batuta de directores como Ivor Bolton (Jenůfa), Riccardo Muti (Requiem de Verdi), Simon Rattle (Sinfonía n.º 9 de Beethoven), Jesús López Cobos (Simon Boccanegra), Pedro Halffter (Cyrano de Bergerac), Titus Engel (Brokeback Mountain), Pablo Heras-Casado (Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny), James Conlon (I vespri siciliani), Hartmut Haenchen (Lady Macbeth de Mtsensk), Sylvain Cambreling (Saint François d ’Assise), Teodor Currentzis (Macbeth), Lothar Koenigs (Moses und Aron), Semyon Bychkov (Parsifal), Michel Plasson (Roméo et Juliette), Plácido Domingo (Goyescas), Roberto Abbado (Norma), Evelino Pidó (I puritani), David Afkham (Bomarzo), Christophe Rousset (La clemenza di Tito) y Marco Armiliato (Madama Butterfly). Entre los directores de escena con los que ha actuado destacan Alex Ollé, Robert Carsen, Emilio Sagi, Alain Platel, Peter Sellars, Lluís Pasqual, Dmitri Tcherniakov, Pierre Audi, Krystof Warlikowski, David McVicar, Romeo Castelluci, Willy Decker, Barrie Kosky, Davide Livermore, Deborah Warner, Christof Loy, Michael Haneke y Bob Wilson. Ha participado en los estrenos mundiales de La página en blanco (Pilar Jurado), The Perfect American (Philip Glass), Brokeback Mountain (Charles Wuorinen) o El público (Mauricio Sotelo), y en espectáculos de danza como C(h)oeurs. Desde 2011 acredita la certificación de calidad ISO 9001. En 2018 fue nominado en la categoría de mejor coro en los International Opera Awards, donde fue premiada como mejor producción Billy Budd, con la participación del Coro Intermezzo, y cuyo DVD ha obtenido el Diapason d’Or.
La soprano de Badajoz Mar Morán acaba de obtener un nuevo reconocimiento a su promisoria carrera al hacerse con el tercer lugar de la primera edición del Concorso Lírico Internazionale “Tebaldi Gigli Corelli”, que se desarrolló entre el 12 y el 17 de marzo en Pésaro (Italia). La cantante afirmó sentirse “muy feliz” con su galardón, entregado por un jurado “de tanta relevancia artística internacional. Que directores tan importantes de la lírica como Dominique Meyer, intendente de La Scala de Milán, o el director artístico del Festival Rossini de Pesaro, Ernesto Palacio, hayan halagado mi musicalidad y mi técnica vocal destacando mis pianísimos ha sido uno de los mayores regalos”, reconoce la cantante que el 28 de marzo debuta en el Palau de la Música Catalana de Barcelona como Violetta Valéry de La Traviata, papel que ya interpretó en la Ópera de Oviedo.
Para Mar Morán, el premio obtenido en Italia representa “un paso más” en su carrera “como soprano solista, en la que cada avance cuenta; y una vez más me confirmo a mí misma que el esfuerzo, el trabajo y la constancia son las únicas herramientas. Además, cantando en el famoso Teatro Rossini de Pésaro, he podido cumplir uno de mis sueños”, aseguró la intérprete tras su actuación en la final junto a la Filarmonica Marchigiana dirigida por Alessandro Bonato.
El jurado de esta nueva competición también estaba integrado por Alessio Vlad, director artístico de la Fundación Rete Lirica delle Marche; Vincenzo de Vivo, director artístico de la Fundación Teatro delle Muse; Paolo Gavazzeni, director artístico de la Asociación Arena Sferisterio; Riccardo Serenelli, director artístico de la Asociación VillaInCanto – Gigli Opera Festival; Cristian Carrara, director artístico de la Fundación Pergolesi Spontini; y Ludovico Bramanti, docente del Conservatorio Rossini de Pésaro.
El director de escena sevillano se encargará de la reposición de Juan José de Sorozábal, que se podrá ver los días 4, 5, 6, 7, 9, 10, 11 y 12 de abril en el Teatro de la Zarzuela con dirección musical de Miguel Ángel Gómez-Martínez y un doble reparto en el que figuran los nombres de Juan Jesús Rodríguez, Luis Cansino, Saioa Hernández, Carmen Solís, Vanessa Goikoetxea y Simón Orfila, entre otros. José Carlos Plaza, responsable de esta producción de Juan José estrenada en 2016 en el conocido coliseo de la calle Jovellanos, ha cedido el testigo a su pupilo Jorge Torres para llevar a cabo el montaje escénico de este drama lírico popular en tres actos de Pablo Sorozábal con libreto de Joaquín Dicenta.
“Juan José es una obra tremendamente social y política, que trascurre en un Madrid paupérrimo, reino de la miseria y del analfabetismo, y dominado por la injusticia social que divide a las personas entre las que tienen y las que no”, señala Jorge Torres. “No es un melodrama sino un drama social, tal y como ya podemos apreciar en el texto de Joaquín Dicenta, y tratamos la obra como un retrato visto a través de un espejo deformante, que nos muestra una realidad terrible, la cual no nos es muy lejana. Para mostrar esta historia desgarradora, para la que Sorozábal ha compuesto una música maravillosa, partimos de un realismo que luego va a derivar en expresionismo”, concluye Torres, que desde 2010 forma parte del equipo de dirección de José Carlos Plaza, con el que ha trabajado en varias producciones líricas (Los Diamantes de la Corona, Los amores de la Inés/La verbena de la Paloma y El Gato Montés) estrenadas en el Teatro de la Zarzuela, y en obras de teatro como Electra, Hécuba o Medea, presentadas en el Festival de Mérida.
Jorge Torres debutó como director de escena en la famosa Ópera de Los Ángeles (LA Opera) con El Gato Montés de Manuel Penella, en una producción procedente del Teatro de la Zarzuela y un cast estelar encabezado por el tenor Plácido Domingo, la soprano Ana María Martínez, el tenor Arturo Chacón-Cruz, la mezzosprano Nancy Fabiola Herrera y el bajo Rubén Amoretti. Y, en el ámbito teatral, ha dirigido también ¿Cómo puedo no ser Montgomery Clift? de Alberto Conejero, La Isla del Aire de Alejandro Palomas, Flores Arranxadas a la Niebla de Arístedes Vargas y Los juegos de invierno, con dramaturgia de Adriá Raluy. Como ayudante de dirección, Jorge Torres ha colaborado también con Juan Echanove (Pan y Toros, Teatro de la Zarzuela) y Lluís Homar (Adolfo Marsillach soy yo, Compañía Nacional de Teatro Clásico), con quienes volverá a trabajar en un futuro cercano. Además, es actor de teatro, cine y televisión, actividad que compagina con la docencia como profesor de Escena Lírica en la Escuela Superior de Canto Katarina Gurska.
El martes 19 de marzo Ibermúsica celebrará un concierto único en España: Matthias Goerne y Evgeny Kissin actuarán juntos por primera vez en nuestro país en un recital muy especial en el que interpretarán una cuidada selección de romanzas, baladas y lieder de Schumann y Brahms.
Tras ofrecer dos recitales el 10 y el 13 de marzo en Bruselas y Viena, Kissin y Goerne llegarán a Madrid (Auditorio Nacional) en el marco de una gira europea de cinco conciertos que continuará en Lisboa y París.
El pianista Evgeny Kissin se presentó en España de la mano de Ibermúsica en 1988, con 16 años, y desde entonces nos ha visitado en decenas de ocasiones, siendo uno de los solistas más apreciados por el público de la capital. Esta será su primera actuación con Ibermúsica en formato de recital a dúo y supondrá la presentación en el ciclo de Madrid de Matthias Goerne, una de las figuras de lied más reconocidas a nivel internacional.
Los poemas de Heinrich Heine han sido una gran fuente de inspiración para numerosos compositores a lo largo de la historia, y Robert Schumann y Johannes Brahms no son una excepción. Ambos fueron fervientes admiradores de la poesía de Heine y establecieron una estrecha relación entre sus composiciones y los textos del poeta alemán, como son “Mein wagen rollet langsam, op. 142 no. 4” de Schumann o la selección de canciones de Brahms sobre sus poemas que disfrutaremos en este recital.
Matthias Goerne
Reconocido por todo el mundo, el barítono alemán, Matthias Goerne, es regularmente invitado a participar con las más importantes orquestas, festivales y salas de concierto.
Su maestría ha quedado documentada en numerosas grabaciones, muchas de las cuales han recibido críticas elogiosas y prestigiosos premios: cinco nominaciones a los Grammy, un premio ICMA, un premio Gramophone, el BBC Music Magazine Vocal Award 2017, Diapason d’or arte y el ECHO Klassik en la categoría Cantante del año 2017.
Nombrado Miembro Honorífico de la Royal Academy of Music de Londres, ha sido Artista Residente en el ElbPhilharmonie de Hamburo y en la Filarmónica de Nueva York. Momentos cumbre de la pasada temporada incluyen conciertos con la Royal Concertgebouw Orchestra/van Zweden, la Orchestre National de France/Mãcelaru, Boston Symphony/Pappano, Münchner Philharmoniker/Paavo Järvi, y recitales con Christoph Eschenbach, Seong-Jin Cho, Markus Hinterhäuser, Alexandre Kantorow y Daniil Trifonov.
En la temporada 2022-23 colaboró con la NDR Elbphilharmonie Orchestra y la Orchestre National de France/Orozco-Estrada, Wiener Symphoniker/Eschenbach, Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, Pittsburgh Symphony/Honeck, y estuvo de gira por Asia con la Dallas Symphony /Luisi. Interpretó el papel de Marke en Toulouse y el de Amfortas en el Liceu. Actuó en recital con Leif Ove Andsnes, Markus Hinterhäuser y Víkingur Ólafsson a París, Londres y Florencia, entre otras ciudades.
Evgeny Kissin
Nacido en Moscú en 1971, comenzó a tocar el piano de oído a los dos años. Estudió en la Escuela de Música Gnessin, con Anna Kantor, su única profesora. A los diez años, dio su primer recital y un año después debutó en Moscú. En 1984, recibió reconocimiento internacional al interpretar los Conciertos núms. 1 y 2 de Chopin, con la Filarmónica Estatal de Moscú/Kitaenko grabado en directo por Melodia.
Se presentó fuera de Rusia en 1985; realizó su primera gira por Japón en 1986. En 1987 debutó en Europa Occidental en el Festival de Berlín. En 1988, hizo una gira por Europa con los Virtuosos de Moscú/Spivakov y debutó en Londres con London Symphony/Gergiev. Ese mismo año, actuó con Karajan y la Berliner Philharmoniker en su Concierto de Año Nuevo y en el Festival de Pascua de Salzburgo. Debutó en los BBC Proms 1990 y en Estados Unidos con la Filarmónica de Nueva York/Mehta. Inauguró el centenario de Carnegie Hall con un espectacular debut en recital.
Sus distinciones incluyen el Premio Cristal de Osaka (1986), Músico del Año de la Academia de Música Chigiana de Siena (1991), fue Invitado Estelar en la Gala de Premios Grammy (1992), «Instrumentista del Año» de Musical America (1995), Premio Triumph de Rusia (1997). Fue el primer pianista en dar un recital en los BBC Proms (1997) y, en 2000 fue el primer pianista invitado a dar el concierto de apertura de los BBC Proms. Fue nombrado doctor honoris causa por la Manhattan School of Music; recibió el Premio Shostakovich de Rusia (2003), es miembro honorífico de la Royal Academy of Music y doctor honoris causa por la universidad de Hong Kong, la Universidad Hebrea de Jerusalén, y la Universidad Ben-Gurión de Berseeba.
Sus grabaciones han recibido numerosos premios y galardones, contribuyendo significativamente a la biblioteca de obras maestras grabadas por los mejores intérpretes del mundo. Entre los premios que ha recibido se encuentran el Edison Klassiek, premios Grammy, el Diapason d’Or y el Gran Premio de la Nouvelle Academie du Disque.
Fotografía: Caroline Debon
El Real Teatro de Retiro ofrecerá, entre el 22 y el 31 de marzo, una propuesta que mira al pasado para descubrir a los más jóvenes de la casa los orígenes del cine y sus peculiares aventuras, la gestualidad de los actores, las escenas de malabarismos y persecuciones, el vestuario y la música como vehículo potenciador de las emociones en las mudas escenas del celuloide.
Con esta idea, Café Kino y Caspervek Ensemble recuperan dos divertidas cintas emblemáticas del cine mudo –El moderno Sherlock Holmes (1924), dirigida y protagonizada por Buster Keaton y Las aventuras del Príncipe Achmed, de la directora alemana Lotte Reiniger- acompañadas por una nueva banda sonora original, nacida de la composición de Brais González Pérez, interpretada en directo.
Los niños y jóvenes de hoy, acostumbrados al ritmo frenético del audiovisual, tendrán la oportunidad de formar parte de una experiencia única en la que su imaginación recreará diálogos, pensamientos, aportará detalles y dejará que su corazón brinque al ritmo rápido de la música cuando se sucedan las persecuciones y los equilibrios imposibles, se suspenda sobre los acordes de misterio o se acomode mecido por melodías románticas para escenas de amor.
Así, ambas proyecciones podrán verse en la Sala Principal del Real Teatro de Retiro los días:
Una de las más conocidas comedias de la época, que dirigió y protagonizó un portentoso Buster Keaton, y donde los gags visuales se repiten constantemente. En ella, Keaton, un proyeccionista que estudia para ser detective, se queda tan dormido en el trabajo que sueña estar dentro de la película que proyecta. Allí tendrá que salvar a su novia del malo.
Esta película del genio de la comedia slapstick –una forma de humor básico que utiliza la torpeza de sus actores, las caídas, los golpes, las bromas exageradas- muestra un Buster Keaton en plenitud de facultades acrobáticas, que traspasa la pantalla y arrastra al espectador.
23 y 30 de marzo a las 19.00 h; 24 y 31 de marzo a las 18.00h
Considerado el primer largometraje de animación de la historia, en él la directora de cine alemana Lotte Reiniger recrea una aventura mágica, basada en el rico tesoro de Las mil y una noches, a través de sombras chinescas y láminas de plomo. Reiniger fue una absoluta pionera del género y en esta cinta trabajó con más de 300.000 imágenes en movimiento, cuyo resultado es un film fantástico y encantador que obtuvo un éxito universal.
Ambas proyecciones contarán con la actuación en vivo de la Agrupación Caspervek con Blas Castañer Ibáñez, en la percusión; la flauta de Laura Lorenzo Rodríguez; Andrea González Pérez con el saxofón; el trombón de Óscar Presa Pellón y la trompa de Ainara González Gómez, todos ellos bajo la dirección musical del pianista y compositor Brais González Pérez.
Llega al Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) la tercera obra que culmina la trilogía monteverdiana de su programación, L’incoronazione di Poppea de Claudio Monteverdi, uno de los títulos clave del gran compositor. En esta ocasión, será interpretada en versión de concierto por The English Concert, uno de los conjuntos europeos de mayor prestigio en la interpretación historicista, bajo la dirección de Harry Bicket, reconocido internacionalmente por su profundo conocimiento del repertorio barroco y clásico. La ópera contará con voces tan esperadas como la aclamada soprano Jeanine de Bique en el papel protagonista, así como con la participación del Coro de la Comunidad de Madrid. El concierto tendrá lugar el domingo 17 de marzo, a las 18:00h, en el marco del ciclo Universo Barroco del CNDM, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música.
La apasionante Poppea es una muestra más del papel innovador del brillante compositor italiano. Su música, escrita cuando el género operístico solo tenía unas pocas décadas de vida, ha sido alabada por su singularidad, sus melodías y su capacidad para reflejar los sentimientos y las profundidades del alma de sus personajes. La obra no solo ayudó a redefinir los estándares de la música teatral, sino que posicionó a Monteverdi como el más destacado compositor de su época. Compuesta en su madurez, L’incoronazione di Poppea también supuso un hito del género porque se inspiraba, por primera vez, en hechos históricos, en vez de en la mitología, temática habitual del momento. La música de Monteverdi refleja hábilmente los sentimientos contradictorios y cambia entre diversas perspectivas para poner de relieve el vínculo inquebrantable entre los personajes.
El libreto de Giovanni Francesco Busenello parte de los Anales del historiador y senador romano Tácito, las historias de Suetonio y Dión Casio y una obra anónima titulada Octavia. La ópera, de una extraordinaria modernidad, sumergirá al público del CNDM en una historia de celos, corrupción y pasiones, con Nerón y la cortesana Popea como protagonistas. Ella es la amante del emperador y, a través de maquinaciones que carecen de piedad, tratará de seducirlo y manipularlo, pasando por encima de todos sus rivales.
Un reparto de lujo
La Poppea estará protagonizada por grandes voces, tanto nacionales como internacionales. Jeanine de Bique, una de las sopranos más demandadas del momento gracias a su versátil y expresiva voz, tendrá el papel protagonista. Además de trabajar con maestros como Gustavo Dudamel, Herbert Blomstedt, o William Christie, entre otros, Jeanine de Bique ha actuado en prestigiosos auditorios y festivales como el de Salzburgo, Carnegie Hall de Nueva York, o BBC Proms. A su vez, el reparto contará con el contratenor Kangmin Justin Kim (Nerón), la mezzosoprano Maite Beaumont (Ottavia), el contratenor Iestyn Davies (Ottone), la soprano Liv Redpath (Drusilla), o el tenor James Way (Lucano), entre otros.
A este elenco vocal se sumará el Coro de la Comunidad de Madrid, dirigido por Josep Vila, y The English Concert. Este conjunto está reconocido como una de las mejores orquestas de cámara del mundo gracias a sus exquisitas interpretaciones de música barroca y clásica. Fundada en 1973, posee una amplia trayectoria guiada en sus comienzos por su fundador Trevor Pinnock, su sucesor Andrew Manze y su actual director artístico, el mencionado Harry Bicket. En la actualidad, ha puesto en marcha su ambicioso proyecto Handel for All, cuyo objetivo es poner gratuitamente a disposición del público todas las obras de Haendel.
“Contextos Barrocos”: Una hora antes del concierto, a las 17:00h, tendrá lugar el encuentro sobre el concierto de L’incoronazione di Poppea en los “Contextos Barrocos” del CNDM, sesiones de cuarenta y cinco minutos, de acceso libre para el público que ha adquirido la entrada al espectáculo, que permiten profundizar en las obras del ciclo, su historia y los intérpretes.
Jeanine de Bique (c) Tim Tronkoe
Entre el 17 y el 28 de marzo el Teatro Real ofrecerá seis funciones de una nueva producción, con dirección de escena de Christof Loy, que enlaza dos óperas para soprano y orquesta –La voz humana (con libreto de Jean Cocteau y música de Francis Poulenc) y La espera (con libreto de Marie Pappenheim y música de Arnold Schönberg)– y un monólogo teatral, Silencio, creado expresamente para la ocasión por Rossy de Palma y Christof Loy.
Casi cincuenta años median entre la composición de La espera (1909), de Arnold Schönberg (1874-1951), y La voz humana (1958), de Francis Poulenc (1899-1963), dos obras protagonizadas por mujeres desquiciadas por el dolor punzante de una separación, el desamor, los celos y el miedo a la soledad… y al silencio.
En la nueva producción del Teatro Real las dos óperas se sucederán en orden inverso al de su creación: primero la tragédie lyrique de Poulenc y después el monodrame de Schönberg, ya que el director de escena Christof Loy propone un viaje del realismo de la primera al expresionismo de la segunda, situando ambos dramas en el mismo inmenso espacio doméstico hogareño, lo que refuerza la percepción de sus distintos lenguajes musicales y dramatúrgicos, articulados por el dolor corrosivo e inconsolable de una ruptura amorosa.
Desde su estreno en la Comédie Française en 1930,La voz humana, de Jean Cocteau (1889-1963), ha sido interpretada por grandes actrices, tanto en el teatro como en el cine, donde fue dirigida por Roberto Rossellini (con Ana Magnani), Ted Kotcheff (con Ingrid Bergman), Carlo Ponti (con Sofia Loren) o Pedro Almodóvar (con Tilda Swinton), entre otros. Pero fue sin duda la ópera de Poulenc la que mejor logró expresar el vertiginoso caleidoscopio de emociones que experimenta la protagonista en la última conversación telefónica que mantiene con su expareja, que se casará al día siguiente con otra mujer.
La música de Francis Poulenc logra acompañar, con una orquestación refinada y casi camerística, a la protagonista –y también a su silente interlocutor– en su intento desesperado de atar a su amante con el hilo que les unió –ahora débil como la línea telefónica llena de interferencias, interrupciones y silencios que los conecta– fingiendo, confesándose, recordando, divagando, chantajeando, seduciendo, gritando, llorando, con las frases entrecortadas con las que se va desnudando en su deriva hacia la muerte.
Si en La voz humana la protagonista mantiene la conexión con la realidad, pese al efecto turbador de las pastillas y a su angustia extrema, en La espera, la mujer abandonada pierde la razón en la tormentosa búsqueda del amor que la traicionó, hasta encontrar su cuerpo muerto. Su discurso confuso, entrecortado y delirante evoca ya un estado patológico, con ráfagas de locura y la emergencia de estados del consciente y del subconsciente en sintonía con las tendencias científicas, intelectuales y artísticas de la Viena de Sigmund Freud y Josef Breuer, tan cercanos a Arnold Schönberg.
De hecho, el libreto de Marie Pappenheim (1882-1966), entonces una joven poeta y brillante estudiante de medicina -más tarde feminista y autora de una de las primeras publicaciones en defensa del aborto-, parece inspirarse en los casos clínicos de enfermedades mentales, que transformó en materia literaria. Su libreto, escrito en tres semanas, fue transformado en música por ArnoldSchönberg, judío como ella, en apenas 17 días. Esta brevedad y emergencia en la creación de la obra puede haber beneficiado la intención del compositor, que buscaba una música fluida, atemática, atonal, libre de corsés formales y con un único y débil apoyo polifónico orquestal, que parece marcar el tiempo de acuerdo con su intención de “representar a cámara lenta todo lo que sucede durante un único segundo, estirándolo hasta media hora”.
La voz humana será protagonizada por Ermonela Jaho y La espera, por Malin Byström, ambas grandísimas cantantes que debutarán en sus exigentes papeles.
Como nexo entre ambas óperas, Rossy de Palma -que participa también en La voz humana– estrenará e interpretará el monólogo Silencio, con textos de Oscar Wilde, Bertolt Brecht y también suyos.
La dirección musical será de Jérémie Rhorer, que vuelve a dirigir a la Orquesta Titular del Teatro Real en dos partituras en las que la orquesta viaja a lo más profundo del alma y a nuestras emociones más extremas.
La producción, concebida por Christof Loy -que también firma la escenografía, junto a Guadalupe Holguera-cuenta con el vestuario de Barbara Drosihn, la iluminación de Fabrice Kebour y la entrega absoluta de tres grandes intérpretes sobre las que cae la fuerza avasalladora de estas obras que expresan, desde estéticas muy dispares, el terrible miedo al abandono, al vacío y al silencio.
TELEFÓNICA, MECENAS PRINCIPAL TECNOLÓGICO DEL TEATRO REAL
Telefónica, mecenas principal tecnológico del Teatro Real, impulsa su desarrollo digital y la mejor conectividad para optimizar la experiencia de los aficionados a la ópera en todos los canales digitales del Teatro.
En 2024 Telefónica celebra su centenario. 100 años de anticipación y compromiso con la sociedad, facilitando herramientas para que podamos imaginar un futuro mejor.
AGENDA | ACTIVIDADES PARALELAS
12 de marzo, a las 20.15 horas | Teatro Real, Sala Gayarre
Enfoques: encuentro con Jérémie Rhorer (director musical de La voz humana / La espera), Christof Loy (director de escena), Luis Gago (traductor y crítico musical) y Joan Matabosch, director artístico del Teatro Real.
13 de marzo, a las 21.00 horas / 14 de marzo, a las 19.30 horas|Museo Nacional Thyssen-Bornemisza / Biblioteca Nacional de España
El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y la Biblioteca Nacional de España ofrecerán, los próximos días 13 (21.00 h) y 14 (19.30 horas) de marzo, respectivamente, el tercer concierto del Ciclo. Los dos recitales estarán protagonizados por el reconocido cuarteto finlandés Meta4, con la participación de la soprano Tuuli Lindeberg. En el programa, común en ambas citas, se interpretará el Cuarteto nº 2, Op. 10, de Arnold Schönberg, y la Suite lírica de Alban Berg.
17 de marzo a las 11.00 y a las 13.00 horas | Real Teatro de Retiro, Sala Pacífico
¡Todos al Real Teatro!
Talleres musicales para toda la familia, con dirección y presentación de Fernando Palacios.
Problemas de cobertura: una señora tiene dificultades para hablar por teléfono con su pareja.
Con la mezzosoprano Begoña Gómez y la pianista Belén Castillo.
24 de marzo, a las 12.00 horas |Sala principal del Teatro Real
Los Domingos de cámara:concierto con solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real
Programa:
González Granero: Cuarteto de cuerda nº 2, In times of confinement **
Costa: Hacia la luz
Poulenc: Sexteto para piano, flauta, oboe, clarinete, fagot y trompa
Dohnányi: Serenata para trío de cuerda, op. 10
Weinberg: Trío con piano, op.24
**Estreno mundial
27 de marzo, a las 19.30 horas | Círculo de Bellas Artes
Cine – El amor
El Cine Estudio del Círculo de Bellas Artes proyectará El amor (L’amore), la gran película que Roberto Rossellini rodó con Ana Magnani en 1948, basada en su primera mitad en el mismo monólogo de Cocteau en el que está basada la ópera de Poulenc, y que para su segunda mitad contó con la colaboración de Federico Fellini en el guión y en la interpretación.
Entradas en la taquilla del cine y en este enlace.
Después de haber sido aclamado con su primer Rodolfo de La Bohème el pasado mes de febrero en el Teatro La Fenice de Venecia con gran éxito de público y crítica, el tenor canario Celso Albelo cantará por primera vez en Brasil, y lo hará debutando otro rol pucciniano, el de Pinkerton de la popular Madama Butterfly. La cita es en el emblemático Theatro Municipal de São Paulo, uno de los escenarios más importantes y de mayor tradición operística del país sudamericano. Albelo se muestra “entusiasmado” ante este doble debut, ante el que, asegura, lleva meses “sumergido en el universo pucciniano, con mucho tiempo de análisis para debutar primero Rodolfo en Venecia y ahora Pinkerton en São Paulo”. El cantante español dice sentirse “impresionado” por el personaje que ahora asume, “y por todo lo que acontece en Madama Butterfly, ya que a la maestría con la que Puccini desgrana la historia haciendo partícipe al público de todas las emociones y del drama de estos personajes, se unen mil aspectos morales y críticos que te hacen reflexionar. Vivirlo desde dentro me ha permitido disfrutar del repertorio al que siempre quise llegar tras la experiencia de más de veinte años en el bel canto romántico”, asegura.
Por otra parte, Celso Albelo afirma estar “feliz de debutar en un país como Brasil, en el que sé que hay una gran pasión por la música, más todavía al hacerlo en una ciudad que fundó un hombre visionario nacido, como yo, en San Cristóbal de La Laguna, el padre José de Anchieta, beatificado por el papa Juan Pablo II en 1980. Un motivo de orgullo para los laguneros y tinerfeños en general”.
El tenor español interpretará a Pinkerton en cuatro funciones, los días 15, 17, 20 y 23 de marzo, compartiendo escenario con Carmen Giannattasio como Cio-Cio San, Ana Lucia Benedetti como Suzuki y Douglas Hahn como Sharpless, en una producción firmada por Livia Sabag, con el maestro Roberto Minczuk al frente de la Orquestra Sinfônica Municipal y de la Coral Paulistano, un montaje del Teatro Colón de Buenos Aires.
Esta semana ha dado la comienzo la IV Edición de Crescendo, programa de desarrollo artístico y profesional para jóvenes promesas de la ópera, que se desarrollará hasta el próximo mes de mayo, promovido y organizado por la Fundación Amigos del Teatro Real.
El jurado, compuesto por miembros del equipo artístico del Teatro Real, el Real Teatro de Retiro y Crescendo, ha seleccionado 18 jóvenes, entre los más de 100 que presentaron su solicitud, de los cuales hay 12 cantantes, 3 pianistas repetidores y 3 ayudantes de dirección de escena, todos menores de 35 años, procedentes de España, Italia, Venezuela, Argentina, Serbia y Kazajistán.
A lo largo de estos tres meses participarán en talleres, en el Teatro Real y en el Real Teatro de Retiro, de interpretación, vocal coach, canto, encuentros con profesionales del Teatro Real de orientación sobre la creación de marca personal (redes sociales, relación con los medios de comunicación, atención a la audiencia, etc..), un taller de salud mental, asistencia a ensayos generales de las producciones del Teatro Real y, este año, disfrutarán de una sesión especial con la soprano Ermonela Jaho, que se encuentra estos días en el Teatro Real interpretando La voz humana, de Poulanc.
La información sobre estos jóvenes artistas, y los vídeos de sus audiciones, están disponibles en la página web de Crescendo para que el público pueda acceder a ellas y votar a su favorito. El elegido recibirá una masterclass extra a lo largo de estos tres meses.
Desde su creación en 2021, el programa Crescendo ha facilitado la participación de sus alumnos en proyectos profesionales del Teatro Real como las sesiones de Enfoques, la Carroza del Teatro Real y los espectáculos del Real Junior. Así, tras protagonizar la ópera La cenicienta que inauguraba el nuevo espacio del Real Teatro de Retiro en 2023, los participantes en la edición del pasado año han sido los protagonistas de los espectáculos El Barbero de Sevilla y Amahl y los visitantes nocturnos, de la actual temporada.
El salto al gran escenario del Teatro Real tendrá lugar el próximo mes de mayo, con el estreno de la ópera Tenorio (con música y libreto de Tomás Marco) en el que se podrá escuchar a un coro madrigal integrado, casi en su totalidad, por artistas procedentes de todas las ediciones de Crescendo.
La novedad de este año será la participación de un grupo de alumnos de la Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid, cuyo proyecto consistirá en grabar y realizar un documental sobre la experiencia y el trabajo de los participantes en el programa, ofreciendo así una mirada joven sobre el desarrollo profesional de otros jóvenes. Esta actividad cuenta con la colaboración especial de Telefónica.
El Teatro de la Zarzuela, en colaboración con la Fundación Victoria de los Ángeles, rendirá el próximo martes 12 de marzo un emotivo homenaje a la soprano barcelonesa, considerada a día de hoy una de las mejores intérpretes líricas de la historia.
En el concierto participarán catorce de nuestras mejores voces, acompañadas por la Orquesta Victoria de los Ángeles bajo la dirección de Pedro Pardo. La propuesta escénica está firmada por Marc Busquets, comisario del Año Victoria de los Ángeles que conmemora el centenario del nacimiento de esta cantante única que, sin la menor duda, ha sido y es una de las voces legendarias del siglo XX.
El programa, que constará de dos partes, estará integrado por obras de más de una veintena de compositores que fueron especialmente representativos de las glorias de su carrera como son Frederic Mompou, Joaquín Turina, Eduard Toldrà, Manuel García Morante, Federico Chueca, Pablo Sorozábal, Ruperto Chapí, Manuel Penella, Jaime Ovalle, Enrique Granados, Fernando Obradors, Joaquín Rodrigo, Francisco Asenjo Barbieri, Manuel de Falla, Gerónimo Giménez, Rafael Calleja y Tomás Barrera, Xavier Montsalvatge, Ernesto Halffter, Léo Delibes, Wolgang Amadeus Mozart, Antonín Dvořák o George Bizet.
Y los cantantes que se enfrentarán a estas obras con el emocionante recuerdo de Victoria de los Ángeles en la garganta y en sus corazones serán, por orden alfabético, David Alegret, José Bros, Mariola Cantarero, Mercedes Gancedo, Airam Hernández, Nancy Fabiola Herrera, David Menéndez, María José Montiel, Josep-Ramon Olivé, Helena Ressurreição, Ofelia Sala, Montserrat Seró, Carmen Solís y Miren Urbieta-Vega.
Embajadora universal de nuestra cultura
Como muy acertadamente escribe en el programa de mano Marc Busquets, celebramos el centenario de una artista con mayúsculas “retomándolo allí donde ella lo dejó (…), homenajeándola con algunas de las romanzas de zarzuela que cantó, pero también reivindicando la presencia de canción catalana y española, que con tanto cariño prodigó por todo el mundo, siendo ella una de las grandes embajadoras de nuestra cultura a nivel universal”.
El concierto, asimismo, será doblemente conmovedor y poético, si se tiene en cuenta que después de reinar en el Metropolitan de Nueva York o de ser la única soprano española en cantar en el Festival de Bayreuth, en 1980 interpretó la que fue su última función de ópera en este mismo escenario del Teatro de la Zarzuela; la obra, ‘Pelléas et Mélisande’ de Debussy, uno de sus papeles predilectos a lo largo de los años.
Es también emotivo recordar que Victoria de los Ángeles inauguró el Ciclo de Lied de La Zarzuela que en esta temporada celebra su treinta aniversario y que sigue gozando de excelente salud de la mano del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM).
Isamay Benavente, directora del Teatro de la Zarzuela, pone en valor el homenaje afirmando que “con su nombre y su memoria vuelven a brillar estas tablas del Teatro de la Zarzuela a las que la soprano barcelonesa dio solera con ese espíritu solamente propio de las grandes estrellas, y que en cada una de sus interpretaciones Victoria de los Ángeles convertía sin excepción en un mágico resplandor de luz propia”.
Beatrice Rana, caracterizada por Gramophone como una pianista de «fuego y poesía, imaginación y originalidad, temperamento y encanto, todo ello además de una intrépida dirección técnica», reúne dos sonatas monumentales en este nuevo álbum: La «Hammerklavier» op 106 de Beethoven y la «Marcha fúnebre» op 35 de Chopin.
Como explica Beatrice Rana, el álbum tiene su origen en la pandemia. Su actividad concertística había abarcado frecuentes interpretaciones de los conciertos de Beethoven, pero relativamente pocas de sus sonatas. «Con el confinamiento que me quitó la presión del escenario, decidí que realmente quería conocer más a Beethoven, pasar más tiempo con él. ¿Y cuál es la sonata más difícil, que requiere mucho tiempo de estudio? La «Hammerklavier», ¡por supuesto! Normalmente, con una agenda tan apretada y tantas piezas que aprender, no tengo tanto tiempo para experimentar.
«Realmente encontré una profunda conexión con esta música, especialmente por la época en la que aprendí la sonata: el aislamiento, el estar encerrado lejos del resto del mundo. El tercer movimiento [el extenso Adagio sostenuto] habla tanto de la soledad y la soledad, de adentrarse en uno mismo, un espejo completo de lo que yo estaba experimentando. Al mismo tiempo, el cuarto movimiento, con su gran fuga, me mostró que también había una posibilidad de escapar de esta condición. «Es una pieza muy positiva, a pesar de que reflejaba mucho de lo que estaba pasando en aquel momento. Realmente me ayudó a superar la pandemia, y mi intento de aprenderla no tenía absolutamente nada que ver con la ambición de llevarla al escenario. Era sólo un experimento personal. Pero al final del encierro y de mi estudio de la ‘Hammerklavier’, dije: «Bueno, ¿por qué no?».
La relación de Rana con la sonata «Marcha fúnebre» de Chopin se desarrolló de forma muy distinta: «Aprendí esta sonata cuando era estudiante, y llevo diez años tocándola en el escenario, así que es un viaje mucho más largo. Y, por supuesto, mi relación con Chopin ha sido muy diferente a la que tengo con Beethoven». Señala que Chopin compuso la sonata en una época «en la que experimentaba con el sonido, las armonías y la estructura. Me parece tan visionaria… El cuarto movimiento es muy moderno, muy experimental. Sí, la de Beethoven es una sonata muy humana, pero la de Chopin lo es de un modo muy distinto. El trío en medio de la marcha fúnebre [el famoso tercer movimiento] es algo así como übermenschlich, como describiría un filósofo la superación de uno mismo de forma trascendental.
«Técnicamente, Beethoven y Chopin no tienen mucho en común, pero ambos experimentan. … Los últimos movimientos de las dos sonatas son experimentos al más alto nivel y de maneras completamente diferentes. En la de Beethoven, cada línea va a todas partes (¡la fuga!), y en la de Chopin las dos manos están paralelas durante todo el movimiento. Ese aspecto experimental está muy presente.
«Estas dos sonatas en si bemol trascienden la condición humana de maneras muy distintas, pero no del todo diferentes… Ambas tienen mucho que ver con el miedo a la muerte, con el miedo a la soledad. Cada una encuentra una solución de maneras diferentes».
Regresa al Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical y el Teatro de la Zarzuelauna de las voces líricas más aplaudidas del panorama actual, el barítono Andrè Schuen (La Val del Tirol, 1984). Junto al destacado pianista Daniel Heide, con quien actúa frecuentemente en numerosos escenarios internacionales, ofrecerá al público un programa que incluye dos obras cumbre del género liederístico, Vier ernste Gesänge (Las Cuatro Canciones Serias), op. 121 de Johannes Brahms y Des Knaben Wunderhorn (El cuerno mágico de la juventud) de Gustav Mahler. El repertorio se completa con otras canciones de ambos autores, considerados dos de los más grandes compositores de la historia. El recital tendrá lugar el lunes 11 de marzo, a las 20:00 horas, en el Teatro de la Zarzuela.
Este recital presenta obras de dos compositores que tuvieron una sólida trayectoria en el ámbito del lied. Pese a ser un prolífico autor de sinfonías, cuartetos de cuerda y música para piano, Johannes Brahms escribió más de 200 lieder. Por su parte, Gustav Mahler, además de ser uno de los más importantes directores de orquesta y de ópera de su momento, también centró sus esfuerzos compositivos en el género liederístico. Así, este concierto se presenta como una experiencia única para degustar la música de dos autores clave de su tiempo en un ámbito tan envolvente como el lied. A través de la carismática voz de Andrè Schuen, el público podrá encontrar las semejanzas y diferencias que unían a Brahms y a Mahler.
El programa se abrirá con las cuatro canciones del ciclo Vier ernste Gesänge, op. 121 de Johannes Brahms, inspirado en textos bíblicos y que aborda temas como la muerte y la fugacidad de la vida. Después será el turno del ciclo Des Knaben Wunderhorn de Gustav Mahler, basado en una recopilación de cantos populares alemanes. Los poemas, que habían seducido a un buen número de compositores, causaron un gran impacto en Mahler, quien llegó a componer más de treinta lieder basados en dicho textos. En este recital del Ciclo de Lied del CNDM, se escucharán varias de sus canciones, como las dramáticas y épicas Revelge o Der Schildwache Nachtlied, entre otras. De Mahler también se interpretará Zu Straßburg auf der Schanz’ del ciclo Lieder und Gesänge aus der Jugendzeit; mientras que otros exquisitos lieder de Brahms, que abarcan desde 1964 hasta 1888, cerrarán el recital.
Sobre Andrè Schuen
El barítono Andrè Schuen se crió en la región de Ladinia, concretamente, en La Val del Tirol (Italia). Aunque el violonchelo fue el instrumento que eligió y tocó durante muchos años, decidió asistir a la Universidad Mozarteum de Salzburgo, donde estudió con Horiana Branisteanu y Wolfgang Holzmair. Schuen completó su formación con clases magistrales organizadas por Kurt Widmer, Thomas Allen, Brigitte Fassbaender, Romualdo Savastano y Olaf Baer. Se graduó del Mozarteum en 2010. Al inicio de su carrera, recibió numerosos premios. Comenzó la temporada 2017-2018 con Don Giovanni en la Ópera Nacional de Lorraine en Nancy y en el Gran Teatro de Luxemburgo. Luego, cantó por primera vez Pagliacci en el Gran Teatro de Ginebra y, a finales de año, Così fan tutte en el Teatro Regio de Turín. Ha ofrecido recitales de lied en la Radio de Baviera en Múnich y el Concertgebouw de Ámsterdam. Ha sido residente, por tercera temporada consecutiva, en la Dortmund Konzerthaus, junto con Junger Wilder. En 2018, interpretó el Ein deutsches Requiem de Brahms en el Festival de Whitsun de Salzburgo. Y, desde 2010, Andrè Schuen acude a Salzburgo: primero, como miembro del Young Singers Project y, posteriormente, en el Salzburger Festspiele, dirigido por Simon Rattle y Riccardo Muti. Entre 2010 y 2014, fue miembro de la Opernhaus Graz. Ha sido uno de los pocos cantantes que ha aparecido en tres papeles al mismo tiempo: Figaro, don Giovanni y Guglielmo en el Ciclo Da Ponte, de Harnoncourt, en el Theater an der Wien. Ha cantado, asimismo, Il barbiere di Siviglia de Paisiello, con René Jacobs, Fidelio de Beethoven, Capriccio de Strauss, el estreno mundial de Hamlet de Schreier, dirigido por Christof Loy, Marcello en La bohème en Ginebra y el conde de Almaviva en Le nozze di Figaro en Angers y Nantes. Con el pianista Daniel Heide, Schuen ha actuado en el Wigmore Hall de Londres, el Heidelberger Frühling y la Konzerthaus de Viena. Gerold Huber es igualmente uno de sus compañeros de recital, con
quien se presentó en la Schubertiade en Hohenems. En 2017, Andrè Schuen asistió al Tanglewood Festival y al Aspen Music Festival junto con Andreas Haefliger. En sus primeros dos álbumes de lied, interpretó obras de Schumann, Wolf y Martin, acompañadas por Daniel Heide. También ha grabado obras de Beethoven con el Trío Boulanger. Andrè Schuen ha participado, con el presente, en cuatro recitales del Ciclo de Lied: XXV (18-19), XXVIII (21-22), XXIX (22-23) y XXX (22-23).
Sobre Daniel Heide
Daniel Heide creció en Weimar. Empezó a tocar el piano a los cinco años y a los seis se unió a la clase de alumnos aventajados de Sigrid Lehmstedt en la Escuela Belvedere de Música en su ciudad natal. Cinco años más tarde, sin embargo, dejó el camino del niño prodigio e interrumpió sus estudios de piano para dedicarse a la percusión y asumir el reto atlético en un equipo ciclista. Volvió al ámbito pianístico a la edad de diecisiete años. Estudió piano en la Universidad de Weimar, pero lo que realmente lo impulsó e inspiró fue lo que aprendió de su propio descubrimiento y amor por la música. Durante ese periodo, se concentró en el trabajo con cantantes (asistió a clases magistrales con Dietrich Fischer-Dieskau y Christa Ludwig), así como en la interpretación de la música de cámara. Realizó numerosos recitales de lied y conciertos de cámara en muchas ciudades de Alemania, Austria, Suiza, Francia, Escocia, Italia, España, Grecia, República Checa e Islandia con Ingeborg Danz, Britta Schwarz, Roman Trekel, Andrè Schuen, Tobias Berndt, Christoph Prégardien, Simone Kermes, Luca Pisaroni, Johannes Weisser, Ruth Ziesak, Anna Lucia Richter, Norma Nahoun, Sibylla Rubens y Lothar Odinius. También ha interpretado música de cámara con Tabea Zimmermann, Antje Weithaas, Wolfgang Emanuel Schmidt, Barbara Buntrock, Pauline Sachse, Benoit Fromanger, Julian Steckel, Alexander Kniazev y Konstanze von Gutzeit. Un elemento clave en su carrera como acompañante es la creación de la serie de conciertos The lyrical salon. Lieder recitals at Schloss Ettersburg. Bajo su dirección artística, el lied se canta una vez al mes desde mayo de 2011. De esta forma, ha surgido un público leal y en crecimiento para estas sesiones con célebres solistas. Ávido coleccionista de álbumes, Heide busca gemas musicales para ampliar su repertorio. Su pasión por la música se extiende a otros géneros como el jazz, el rock, el pop y la chanson y es docente en el Conservatorio Hanns Eisler de Berlín y en el Franz Liszt de Weimar. Daniel Heide ha participado, con el presente, en cuatro recitales del Ciclo de Lied: XXV (18-19), XXVIII (21-22), XXIX (22-23) y XXX (22-23).
La cantante Ruth Lorenzo se presenta ante su público en el Teatro de la Zarzuela de una forma diferente a la que conocemos: a voz, chelo y piano. El concierto, que ha bautizado como ‘Noche en blanco’ será este próximo sábado, 9 de marzo (20h00).
Este sábado los protagonistas, además de la voz única que posee la cantante, serán el piano de Ricardo Ruiz y el chelo de Rocío Pinar.
Entre los temas que desgranará sobre el escenario estarán algunos de los mayores éxitos de sus dos discos en el mercado –‘Planeta azul’ y ‘Loveaholic’–, el EP que lanzó en 2023 –‘La Reina’– que supone un abrazo de nuevo a sus raíces, además de las versiones que la han acompañado durante sus más de 10 años de carrera en la música.
Estilo muy personal
Ante esta cita tan especial, la artista comenta: “He escrito canciones desde que puedo recordar y he entonado melodías desde mucho antes de hablar. No hay un momento que pueda hacer memoria en el que la música no estuviera presente en mi vida”.
Sus orígenes sureños y mediterráneos y su desarrollo vital al otro lado del “charco”, en Estados Unidos, la han llevado, según sus propias palabras, “a tener un estilo musical muy personal. Gracias a mi segundo disco ‘Loveaholic’, libre de presiones discográficas y de mercado, pude jugar, disfrutar de la música y conseguir un gran sonido dentro de un estilo Pop-Rock”.
Junto a Red Triangle, sus actuales productores, pudo hacer realidad la que la artista considera la colaboración más especial de su vida junto a Jeff Beck, “uno de mis héroes”. El tema, ‘Another Day’ que ambos grabaron será uno de los muchos que interprete en el Teatro de la Zarzuela.
La trompetista, cantante y compositora Andrea Motis (Barcelona, 1995), una de las artistas más brillantes del jazz español y con gran proyección internacional, regresa al ciclo Jazz en el Auditorio del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) para presentar su proyecto Temblor. Junto al violinista Christoph Mallinger y el percusionista Zé Luis Nascimento, ofrecerá un concierto que rinde homenaje a la tradición de los singer-songwriters anglosajones, sin renunciar a su habitual querencia mediterránea y latina. Esta cita se enmarca en las acciones que el CNDM ha puesto en marcha en conmemoración por el Día Internacional de la Mujer. El concierto tendrá lugar el sábado 9 de marzo, a las 20:00 horas, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música.
En Temblor, el público tendrá la oportunidad de adentrarse en un formato íntimo en el cual la madera es el punto de partida, ya que a la trompeta se suman el violín y la percusión. A través de un fluido diálogo entre la voz de Andrea Motis y los instrumentos, las canciones se adentran en temas como la familia, el amor o el cambio de etapa, con composiciones que han sido creadas especialmente para este proyecto. La improvisación también estará muy presente en este concierto. En palabras de la artista barcelonesa, el proyecto “es una experiencia más íntima, acaso más desnuda, menos extrovertida, en la que dar espacio a mis propias composiciones, con un mensaje que espero que también sea singular en cuanto a las letras”.
Andrea Motis: una trayectoria ascendente
Considerada una de las artistas más influyentes de la escena jazzística actual, Andrea Motis posee once trabajos discográficos en los cuales ha mostrado su gran capacidad para transitar distintos estilos musicales. Desde el jazz fusionado con electrónica o hip-hop de su Loopeholes -que pudimos escuchar en el CNDM en 2022-, hasta una gran formato con la colaboración de la WDR Big Band de Colonia, con Michael Mossman como arreglista y director; sin olvidar sus primeros trabajos con el contrabajista y director de la banda Joan Chamorro.
En paralelo a la grabación y lanzamiento de los discos, su vertiginosa carrera continúa en los escenarios, donde ha colaborado con artistas legendarios como Quincy Jones, Omara Portuondo, Milton Nascimento, Gil Goldstein, la WDR Big Band, Scott Hamilton o Yo-Yo Ma, con quien interpretó a dúo El cant dels ocells en el álbum del notable chelista. También ha pisado algunos de los espacios más representativos del jazz del mundo, como el Tokyo Jazz Festival, Jazz at Lincoln Center de New York, o Jazz a Vienne.
El Teatro de la Zarzuela, de acuerdo con los estatutos que lo rigen, debe, “sin ningún tipo de pretexto”, salvaguardar y difundir el género lírico español. Y es esta la razón por la que desde hace años, temporada a temporada, el coliseo viene recuperando valiosos títulos de nuestra lírica condenados por unas u otras razones al olvido.
En este año lírico 2023/24 será la ópera ‘Gal·la Placídia’ de Jaume Pahissa, estrenada en 1913 en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona con dirección musical del propio compositor y repuesta en el mismo teatro en 1933, la escogida para este nuevo renacer, sacudiéndose así el abandono a que ha estado relegada durante casi un siglo. Será el próximo viernes 8 de marzo y el domingo 10 (20h00 y 18h00 respectivamente) en versión de concierto.
Con libreto en lengua catalana del propio compositor basado en la obra de Àngel Guimerà, de quien en estos días se celebra con diversos actos el ‘Año Guimerà’ al cumplirse el centenario de su muerte, ‘Gal·la Placídia’ posee una partitura muy personal, con una orquestación magistral, y las cuitas de su argumento, basado en el personaje histórico de la Barcelona del siglo V Gala Placidia, giran en torno al amor, la traición y la venganza de sus protagonistas.
Los conciertos contarán con la dirección musical de Christoph König, quien al frente de la Orquesta Titular del Teatro de la Zarzuela, la ORCAM, y de su Coro Titular dirigido por Antonio Fauró, deberá hacer frente a una partitura de extraordinaria dificultad, que necesitará asimismo de la colaboración del Coro de la Comunidad de Madrid. Por su parte, dadas las especiales características de la obra de Pahissa, el reparto ha sido escogido para la ocasión con mucho tiento e intención, y estará integrado por Maribel Ortega, Antoni Lliteres, Simón Orfila, Carles Pachón, Carol García, Carlos Daza y Marc Sala.
Entre los más relevantes compositores
El Teatro de la Zarzuela se adentra de nuevo en lo mejor de esa historia operística desconocida de nuestro país. El compositor, profesor, crítico y musicógrafo Jaume Pahissa es, como resalta el maestro de musicólogos Emilio Casares, una de las personalidades más destacadas de la creación musical española de la primera mitad del siglo XX, y “uno de los más relevantes compositores de ópera que han existido en España”.
Sus siete títulos de ópera –los dos últimos compuestos en su exilio argentino–, casi todos ellos estrenados con gran éxito, lo sitúan, de acuerdo con las palabras del investigador, “en la cumbre de nuestra historia lírica y piden a gritos su vuelta a la escena”.
Pahissa vivió en plenitud los treinta primeros años del siglo en una Barcelona donde se estaba produciendo una auténtica eclosión de la cultura. Pero la Guerra Civil cambió su vida y le obligó a unirse a la larga lista de quienes se vieron obligados a abandonar España. El músico partió rumbo a la Argentina, al igual que los también compositores Manuel de Falla y Julián Bautista (que murieron como él en el exilio), la soprano y pianista Conchita Badía, y tantos y tantos otros. Allí, en la otra orilla del océano, su presentación como autor fue con ‘Marianela’ (recuperada por el Teatro de la Zarzuela en noviembre de 2020) que reestrenó en el Teatro Colón de Buenos Aires en 1946.
Volviendo a ‘Gal·la Placídia’, y al concepto creativo del compositor, Jaume Pahissa parte de Felipe Pedrell (de quien La Zarzuela acogió asimismo en septiembre de 2022 el estreno absoluto de ‘La Celestina’) y de la gran tradición wagneriana vivida en Cataluña, pero también de Strauss, a quien conoció y valoraba especialmente, y hasta del Expresionismo, a pesar de su opinión sobre Schoenberg. Y así las cosas, el propio Pahissa reconoce que “la influencia formidable de Wagner pesa sobre mí, y encaminó mis pasos por el drama lírico, como ha tiranizado y dirige aún hoy a cuantos después de él han compuesto”.
Como recuerda el profesor Casares, el estreno de ‘Gal·la Placídia’ fueun auténtico impacto en la cultura catalana. La prensa del momento recogía las numerosas noticias, discusiones y reflexiones provocadas por la obra. Unas palabras de un conocido crítico de la época, Adolfo Marsillach, en El Liberal, indican la transcendencia del estreno: “Gala Placidia es la ópera de un coloso de la música, la revelación de un genio musical destinado a escribir obras portentosas”.
La Fundación Scherzo se complace en anunciar el debut de Martín García García dentro del Ciclo de Grandes Intérpretes el próximo 12 de marzo.
Con tan solo 27 años de edad, el pianista Martín García García se convierte en uno de los intérpretes más jóvenes en debutar en nuestro ciclo.
Sorprendió a la comunidad internacional en 2021, tras ser el primer español de la historia en alzarse con el Tercer Premio del prestigioso Concurso Internacional de Piano Frédéric Chopin. Desde entonces, su meteórica carrera no para de acumular éxitos, llegando a ofrecer, durante el año 2023, un total de 80 recitales en más de 14 países diferentes.
Para su debut en Grandes Intérpretes, García García ha escogido a dos de sus compositores más cercanos: F. Chopin y J. Brahms, protagonistas además de su próxima grabación discográfica, titulada «Even-Tide», que saldrá a la venta el 5 de abril.
Del genio de Varsovia podremos escuchar su emblemática Polonesa en Fa sostenido menor op. 44, la Barcarola op. 60, una selección de Preludios de la op. 28, y concluiremos con la Sonata en Si bemol menor op. 35 y su siempre solemne «Marcha fúnebre».
La segunda parte del recital estará íntegramente dedicada a la Sonata para piano no 3 en Fa menor op. 5 de J. Brahms. Una sonata poética, que incita a la figura del caminante, tan típica del romanticismo alemán, y que se engloba dentro de esos versos de Sternau que dicen: «La noche se oscurece, la luz de la luna brilla, hay dos corazones que se unen en el amor y abrazan en el éxtasis».
Con este recital, el 29 Ciclo de Grandes Intérpretes se prepara para recibir, el próximo 1 de abril, a Martha Argerich y a Nelson Goerner, quienes acudirán tras la cancelación de Maurizio Pollini por problemas de salud.
El arte por el arte, el baile por el baile, dejar que el sentimiento aflore en el vuelo de las manos o en el rugir de los pies sobre la madera del TABLAO, ese lugar natural del flamenco al que Farru rinde homenaje en su nuevo espectáculo para Flamenco Real mostrándose puro, racial, visceral, derramando el arte de generaciones que le caracteriza y que se podrá disfrutar los días 13, 14 y 15 de marzo a las 20.00 horas en el Salón de Baile del Teatro Real.
El tablao tiene su origen en el “café cantante”, locales de ocio muy populares en la España del siglo XIX donde se representaban espectáculos musicales, generalmente de noche, en los que el público bebía y disfrutaba de los artistas en un ambiente liberado de encorsetamientos. En estos lugares, especialmente en Andalucía, surgen las primeras figuras del flamenco y lo dotan de una identidad particular, hasta convertirlo en un punto de encuentro para intérpretes y aficionados. Ahí se crea, se mira al pasado, se recupera, se intercambian conocimientos, se disfruta y se comparten sentimientos y momentos.
Con este punto de partida,Farru se sube a las tablas de Flamenco Real y baila lo que siente y comparte con el público, recuperando la esencia de una vivencia única. Y no lo hace solo, porque tendrá la complicidad de la guitarra de Joni Jiménez, del cante de Eleazar Cerreduela y Juan Motos, y la percusión de El Lolo.
Hace dos años, Farru debutaba en el tablao del Teatro Real con un sentido homenaje a Paco de Lucía al que denominó “Por un sueño”. Este sevillano, miembro de una dinastía en la que prácticamente todos bailan, también canta, toca la guitarra y crea sus propios espectáculos con los que triunfa por todo el mundo. Su personalidad ha seducido a artistas tan dispares como Tomatito, Beyoncé, Björk o Marc Anthony o el fotógrafo Richard Avedon.
Desde 2018, como parte de su estrategia de promoción del flamenco, el Teatro Real coproduce con SOLANA Entertainment el ciclo Flamenco Real, organiza giras internacionales que, bajo el nombre Authentic Flamenco, ha realizado en el último año más de 400 actuaciones en 39 ciudades de 15 países, y lo ha incorporado a su plataforma audiovisual MyOperaPlayer.
La nueva propuesta del ciclo Notas del Ambigú del Teatro de la Zarzuela viene plagada de exquisitez y exotismo. Eduardo Paniagua, gran especialista en el ámbito de la música medieval, nos transportará a través de las cántigas Alfonsíes y canciones andalusíes, a la Baja Edad Media ibérica en la que, más allá de los enfrentamientos bélicos, el castellano y el andalusí se dan la mano con la alianza de música y poesía. Será el próximo lunes, 4 de marzo (20h00) en el Ambigú del Teatro y, como ya es costumbre en este ciclo, con las entradas agotadas.
Con la participación de los músicos César Carazo (canto árabe, galaicoportugués y fídula), Wafir Sheik (canto y laud árabe) y Jaime Muñoz (gaitas, flautas y cornamusa), dirigidos por Eduardo Paniagua (qanún, flautas, pandero y canto), el público emprenderá un viaje por una época de fronteras y conquistas, en un tiempo en que en paralelo a los campos de batalla reales, existió una guerra cultural a través de un delicado refinamiento y especial cuidado de las Artes con mayúsculas. Se trata de un mágico recorrido por nuestra herencia, por nuestro patrimonio más exquisito y exótico, donde las diferencias y los conflictos de ambos bandos, el castellano y el andalusí, desaparecen en una apoteosis de música y poesía.
Por su trabajo y por la difusión de estas músicas inéditas, Eduardo Paniagua recibe desde hace años excelentes críticas y premios internacionales.
La Edad Media tuvo un papel definitivo en la formación de España. Una visión global de la música de la España medieval ha de tener en cuenta Al-Andalus, ya que en el aspecto cultural y musical tuvieron una extraordinaria interrelación.
La música hispanomusulmana nos proporciona un ejemplo de simbiosis cultural de ricos frutos mezclando los logros musulmanes y cristianos en el crisol andalusí a lo largo de más de siete siglos. Constata que la civilización medieval es un todo homogéneo. Su tesoro musical, con el avance de los reinos cristianos del norte, y especialmente al finalizar la permanencia musulmana en la península Ibérica tras la expulsión de los Moriscos en 1609, pasa al Magreb donde hoy pervive. La conservación de esta joya musical es casi un milagro y su estudio y recuperación es un regalo para el patrimonio musical de Occidente y de la humanidad.
Las Cantigas de Santa María, comprendidas en cuatro códices de pergamino del siglo XIII, constituye la obra lírica más importante de la España medieval, y está considerada como la obra más personal de Alfonso X. El repertorio es de extraordinaria riqueza ya que sus melodías son todas distintas y originales. El mundo andalusí también se refleja en ellas. Compuestas y compiladas en el Alcázar de Sevilla, los códices que las guardan contienen asimismo las más valiosas miniaturas del siglo XIII.
El Teatro Realprosigue su Ciclo de música de cámara en colaboración con instituciones culturales, con dos conciertos que tendrán lugar el día 13 de marzo, a las 21.00 horas, en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y el día 14, a las 19.30 horas, en la Biblioteca Nacional de España, con la participación del prestigioso cuarteto finlandés Meta4 y la colaboración de la soprano Tuuli Lindeberg.
En el programa, común a ambos conciertos, se escuchará el Cuarteto nº 2, Op. 10, de Arnold Schoenberg, y la Suite lírica, de Alban Berg. La primera de las obras de este díptico, que incluye a dos de los tres compositores que conforman la Segunda Escuela de Viena, se une a las programadas en la actual temporada del Teatro Real, Pierrot Lunaire y Erwartung, con las que el coliseo madrileño quiere conmemorar el 150 aniversario del nacimiento del compositor austriaco.
ElCuarteto nº 2, Op. 10, es una obra de transición en la vida compositiva de Schoenberg, en la que el autor comienza a experimentar con la atonalidad, en busca de un planteamiento más radical y complejo. Así, mientras los dos primeros movimientos se muestran con una tonalidad clara, el tercero va dando muestras, de forma gradual, de lo que se mostrará plenamente en el último: la clara suspensión tonal ya en el campo innovador del cromatismo libre. En estos dos últimos movimientos, basados en poemas de Stefan George, se une al cuarteto la voz de una soprano, que en estos conciertos programados por el Teatro Real será la de la intérprete finlandesa Tuuli Lindeberg.
En 1928, Alban Berg, discípulo de Schoenberg, componía la Suite Lírica para cuarteto de cuerda, considerada una de las obras maestras del siglo XX. Al igual que en la obra que le precede en el programa, el compositor se inspira en un poema, en este caso de Baudelaire, sobre el amor condenado, aunque sin recurrir a la voz. Dedicada a Alexander Zemlinsky es, sin duda, una de las creaciones más conocidas del compositor.
El cuartetoMeta4, en activo desde 2001, es uno de los cuartetos finlandeses con más éxito del panorama actual. Su palmarés recoge importantes galardones como el primer premio en el Concurso Internacional Shostakovich Quartet Competition de Moscú en 2004, del International Joseph Haydn Chamber Music Competition de Viena, en 2007, y el premio anual Finland Prize del Ministerio de Cultura de Finlandia. Entre 2008 y 2010 fueron seleccionados como artistas del BBC New Generation Artist.
Actúan regularmente en las principales salas de conciertos del mundo como la Konzerthaus de Viena, el Wigmore Hall y King’s Place de Londres, el Auditorio Nacional de Madrid, la Cité de la Musique de París o el Konserthus de Estocolmo, entre otras, se han hecho cargo también de la dirección artística de Oulunsalo Music Festival y de Cuarteto Residente en el Kumho Chamber Music Festival, ambos en Finlandia, desde 2008 hasta 2017.
Los miembros de Meta4 tocan ilustres instrumentos, que incluyen un Stradivarius, cedido por la Finnish Cultural Foundation; un violín de Carlo Bergonzi, de la Fundación Signe and Ane Gyllenberg, y un violonchelo de Lorenzo Storioni de 1780.
El cuarteto se formó en la European Chamber Music Academy (ECMA), de la mano de Hatto Beyerle y Johannes Meissl. Han publicado tres grabaciones con Hänssler Classics: Los Cuartetos de Cuerda op. 55, núm. 1-3 de J. Haydn (2009) -premio Echo Klassik Award-, los Cuartetos de Cuerda núm. 3, 4 y 7 de D. Shostákovich (2012) -premio Record of the Year del Finnish Broadcasting Company YLE y Emma Prize en la categoría de Classical Album of the Year- y los Cuartetos de Cuerda núm. 1 y 5 de B. Bartók (2014). Han grabado un álbum con la integral de cámara de Kaija Saariaho (Ondine, 2013); un LP del Cuarteto de Cuerda Voces Intimae de J. Sibelius; el Quinteto con Clarinete de J. Brahms y Nebenstück, de G. Pesson junto al clarinetista Reto Bieri, y los Octetos de Cuerda de F. Mendelssohn y G. Enescu, junto al Gringolts Quartet.
Tuuli Lindeberg es una de las principales intérpretes de música vocal barroca y contemporánea de Finlandia. Colabora regularmente con las mejores orquestas y conjuntos de música de cámara de su país, con un amplio repertorio que abarca todas las épocas, desde la medieval hasta la contemporánea. Paralelamente a su carrera artística, Tuuli Lindeberg imparte clases de música vocal barroca y contemporánea en la Academia Sibelius de Helsinki y actúa ocasionalmente como “coach” de estilo en producciones profesionales. Fue miembro del jurado del concurso internacional de canto Aria Borealis (Bodø, Noruega) en 2022 y directora artística de Musica nova Helsinki, el mayor festival internacional de música contemporánea de Finlandia.
Los amantes de la música barroca están a punto de experimentar una jornada inolvidable con el concierto del contratenor Nacho Castellanos y su agrupación Gato Murr en el prestigioso Festival Internacional de Arte Sacro FIAS 2024. El concierto titulado “The Purcell Tongue” promete ser una inmersión fascinante en la obra de Henry Purcell, un compositor cuya influencia y genialidad han trascendido el paso de los siglos hasta nuestros días. “¿Existe, hoy en día, algún artista capaz de hacer vibrar a todo el séquito papal y a su vez, ser cantado y bailado en discotecas y bares? En el siglo XVII ese artista existió, y su nombre era Henry Purcell” afirma el contratenor.
El programa se compone de una cuidadosa selección de obras de Purcell que entremezcla piezas de carácter plenamente sacro con otras que, pese a nacer en lo profano, mantienen esa esencia espiritual. El público podrá disfrutar de la interpretación de grandes obras como “Crown the altar”, “Music for a while” y “O Solitude”, entre otras. Con una duración aproximada de 55 minutos, el concierto no busca solo entretener sino conmover al público con una música atemporal e incatalogable.
“The Purcell Tongue” supone un encuentro entre lo sacro y lo profano, es un viaje que transporta a la audiencia a través de la figura de Purcell quien comprendía y valoraba la teatralidad en la música. En palabras del compositor Benjamín Britten: “Es un descubrimiento de la capacidad que poseen las palabras para expresar tanto ingenio, tanto color…”. El propio Nacho Castellanos asegura: “The Purcell Tongue supone no solo un homenaje a un compositor capaz de trascender los límites de lo sacro, sino además una reflexión sobre los límites entre lo sacro y lo profano”.
Nacho Castellanos, contratenor nacido en Madrid, lidera este trio de excepción. Su formación incluye estudios con grandes nombres de la música antigua y un profundo conocimiento del repertorio barroco. Junto a él, Ismael Campanero en el violone y David Palanca en el clave conforman ‘Gato Murr’.
“Como joven contratenor, este programa refleja también un homenaje a todos esos referentes que han inspirado mi estudio: las primeras grabaciones de Alfred Deller, los monográficos de Michael Chance o la emblemática grabación del Hail Bright Cecilia con James Bowman y el King’s Consort” manifiesta Nacho Castellanos.
Este concierto es una cita imprescindible para los seguidores de la música barroca y para aquellos que desean descubrir la belleza y profundidad de la obra de Henry Purcell en la voz del joven contratenor.
El concierto tendrá lugar el 10 de marzo de 2024, a la 13:30, en el Monasterio del Paular, enmarcando así con un entorno histórico la atmosfera mágica de la música sacra de Purcell.
Nacho Castellanos:
Nacho Castellanos: natural de Madrid, inicia su recorrido musical como clarinetista a los 9 años para después evolucionar hacia el mundo del canto. Como contratenor descubre su particular voz y comienza sus estudios con figuras de la música antigua como Raquel Andueza, Xavier Sabata o Ruth Iniesta, amplió su formación en Italia con Marianna Brilla y Lisa Paglin.
Como solista ha colaborado con diversas orquestas bajo la batuta de directores destacados como Kynan Jones, José Luis Lopez Antón o Pascual Osa. En 2023 funda su ensemble Gato Murr, que fusiona el repertorio barroco más conocido con joyas musicales inexploradas. La temporada 2023-2024 le llevará a ofrecer conciertos en España, Italia y Croacia.
Durante dos fines de semana, el Real Teatro de Retiro abrirá las puertas de su Sala Principal para presentar el estreno absoluto de Rebelión en la granja, en la versión que LaJoven ha realizado sobre la novela homónima del autor británico George Orwell, con texto de la dramaturga Marta Aran y música original de Alberto Granados Reguilón.
Se ofrecerán seis funciones de este nuevo título, recomendado para un público a partir de doce años, los próximos sábados 2 y 9 de marzo de 2024, con representaciones a las 17:00 y 20:00 horas, y los domingos 3 y 10 de marzo a las 19:00 horas.
Marta Aran, Premio Max a la Mejor Autoría Revelación 2020 por Els dies mentits (Todos los días que mentí), explora, en esta ocasión, temas tan actuales como el derecho a la privacidad, la sobreexposición en las redes sociales o los límites en el uso de la inteligencia artificial.
Alberto Granados Reguilón, compositor y director musical de la obra, se ha inspirado tanto en el mundo de los musicales de Broadway como en el universo de la zarzuela o el cabaret para crear la música original del espectáculo, y las cuatro canciones troncales: I have a dream, Ciberbestias, La democrac-ia y Aves del mundo de dos patitas.
Rebelión en la granja es una reflexión sobre la sociedad contemporánea inmersa en la digitalización, que sumerge al público en un mundo futuro en el que los jóvenes han hackeado todos los antiguos servidores, creando un software ético llamado Animal Farm. En este nuevo mundo digital, hay una red social donde los avatares son animales, con sus propios mandamientos, lenguajes y trends. Se creará una comunidad llena de ética digital y transversalidad en la que los jóvenes jugaran un papel fundamental.
LaJoven, comprometida con la juventud y la educación a través del teatro, celebra su décimo aniversario en la temporada 2023-24. La Fundación Teatro Joven, promotora del proyecto, ha sido reconocida con diversos premios como el Premio Talento Joven de Onda Madrid en 2020 o el Premio El Ojo Crítico de RNE en 2014, y ha impactado a cientos de miles de espectadores con sus producciones educativas y de alta calidad artística.
Uno de los grupos españoles más comprometidos con la difusión de la cultura y el arte por medio de la música, Ensemble Sonido Extremo, estrenará en Badajoz y en Madrid la Suite de lieder de José Luis Turina, obra encargo del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) a su actual compositor residente. El programa se completa con estrenos en España de Mikel Urquiza y Egon Wellesz, una obra de Jesús Torres y Dos danzas de ‘La raya en el agua’ del propio J. L. Turina. Dirigido por Jordi Francés y con la participación de la soprano Rocío Pérez, Ensemble Sonido Extremo recalará el próximo sábado en el Ciclo de Música Actual de Badajoz, mientras que en Madrid actuará en el ciclo Series 20/21 del CNDM en el Museo Reina Sofía, el lunes 4 de marzo (entrada libre).
El programa se abrirá con el estreno en España de Ships vanishing in the horizonde Mikel Urquiza, inspirada en el Panorama Mesdag en La Haya, un ciclorama de 360 grados considerado la pintura más grande de los Países Bajos. Después será el turno de Dos Danzas de ‘La raya en el agua’, un original espectáculo musico-escénico del gran compositor José Luis Turina. En la segunda parte del concierto, se escuchará Guerra de Jesús Torres, una versión para voz y quinteto de cuerda que el compositor zaragozano hizo de otra pieza anterior, Evocación de Miguel Hernández, compuesta con motivo del centenario del nacimiento de este gran poeta. Por su parte, la Pastorale del compositor y musicólogo vienés Egon Wellesz, otorgará protagonismo al oboe y la flauta solistas, con una música bucólica de un autor que fue alumno del gran Arnold Schoenberg. El broche de oro al concierto lo pondrá la Suite de lieder de José Luis Turina, un encargo del CNDM que será estreno absoluto y que se basa en diversas canciones de Alexander von Zemlinsky.
Integrado por grandes intérpretes, Ensemble Sonido Extremo destaca por una amplia versatilidad a la hora de abordar repertorios contemporáneos, así como por un profundo interés por los diversos lenguajes del hecho musical. Desde su creación en 2009, ha actuado en los más importantes ciclos del país y ha realizado estrenos absolutos de más de 60 obras, muchas de ellas gracias al respaldo del CNDM y la Sociedad Filarmónica de Badajoz. Liderado por su director artístico, Jordi Francés, en estos dos conciertos pondrá el foco en el estreno de obra nueva de algunos de los compositores más audaces de los siglos XX y XXI.
Los próximos días 2 y 3 de marzo, el famoso cuarteto de cuerda alemán regresa al Festival Musika-Música, para protagonizar dos conciertos en el Palacio Euskalduna. Los miembros del Mandelring Quartett, que ya actuaron con gran éxito de público y crítica en la pasada edición del conocido festival bilbaíno, presentarán dos interesantes y variados programas con los que evocarán diversas “imágenes sonoras”, en clara sintonía con la temática de Musika- Música 2024. El sábado 2 de marzo, el Mandelring Quartett interpretará la Serenata italiana en sol mayor de Hugo Wolf, La oración del Torero, op. 34 (en versión para cuarteto de cuerda) de Joaquín Turina y el Quatuor à cordes en sol mineur, opus 10 de Claude Debussy.
Al día siguiente, el domingo 3, sonarán obras de dos compositores de la Wiener Klassik: el Cuarteto en sol menor op. 74, nº 3 “El Jinete” de Joseph Haydn, y el Cuarteto nº 6 en Si bemol mayor, op. 18/6 de Beethoven. A lo largo del mes de marzo, el Mandelring Quartett tendrá dos nuevas citas españolas en agenda, en las que visitará Madrid y Cuenca. La Fundación BBVA ha querido contar con el prestigioso cuarteto alemán para el programa “Los cuartetos de Brahms”, que presentará en el marco de su Temporada de Música en el escenario del Palacio del Marqués de Salamanca.
Sebastian Schmidt (violín), Nanette Schmidt (violín), Andreas Willwohl (viola) y Bernhard Schmidt (violonchelo), que ya grabaron la integral con la música de cámara para cuerda de Brahms (todos sus cuartetos, quintetos y sextetos de cuerda) en el sello Audite, interpretarán los Cuartetos nº 1 y nº 2 (el 23 de marzo), y el Cuarteto nº 3 y el Quinteto con clarinete en si menor, op. 115, junto a la clarinetista española Laura Ruiz Ferreres (el 24 de marzo).
Y last but not least: El 26 de marzo, los hermanos Schmidt y Andreas Willwohl se presentarán por primera vez en la Semana de Música Religiosa de Cuenca; el Espacio Torner acogerá este concierto-debut, en el que interpretarán el Cuarteto en sol menor D 173 de Franz Schubert, el Cuarteto nº 1 “Métamorphoses nocturnes” de György Ligeti y el Cuarteto en la menor nº 15, op. 132 “Canto sagrado de acción de gracias” de Beethoven, como artistas invitados de la LXI edición del célebre festival.
Esta nueva gira del Mandelring Quartett durante el mes de marzo en territorio español se suma a sus recientes compromisos en el Espacio Turina de Sevilla, el Auditorio “Víctor Villegas” de Murcia, el Festival de Granada, el Palacio Real de Madrid o el Palau de la Música de Barcelona, escenarios en los que el cuarteto ha hecho gala de sus habituales señas de identidad, tan aplaudidas por el público y la crítica especializada: gran compenetración, un sonido homogéneo claramente identificable y su extraordinaria expresividad.
Entre el 1 y el 24 de marzo, el Teatro Real ofrecerá ocho funciones de La pasajera, de Mieczysław Weinberg, en una coproducción del Teatro Real con el Festival de Bregenz, el Teatro Wielki de Varsovia y la English National Opera.
El estreno en España de esta ópera ─con tres años de retraso debido a la pandemia─ se puede enmarcar en el sorprendente descubrimiento, en las últimas décadas, de la prolífica y valiosa producción musical de Weinberg, silenciada durante años por la presión de la censura soviética y por las terribles vicisitudes de su biografía.
Mieczysław Weinberg nació en Varsovia en 1919, en el seno de una familia de artistas judíos vinculados al teatro yidis. Sus padres y hermana murieron en el campo de concentración de Trawniki, de donde el joven músico se escapó, encontrando refugio en la Unión Soviética. Allí vivió de la música, prosiguió con ahínco su formación y mantuvo una incansable actividad creativa, componiendo en situaciones precarias. Marginado, perseguido, encarcelado y constantemente vigilado por las autoridades soviéticas, nuevamente por su condición de judío ─reforzada por el matrimonio con la hija de un actor yidis asesinado por el régimen─, su supervivencia y su carrera se deben, en gran parte, al apoyo y protección de Dmitri Shostakóvich (1906-1975), gran amigo, admirador y divulgador de su obra.
La prolífica producción de Weinberg, con más de 150 obras catalogadas –incluyendo 22 sinfonías, 17 cuartetos de cuerda, 4 óperas, 3 operetas, un réquiem (que incluye textos de Lorca), cantatas, ballets, sonatas, ciclos de canciones y más de 40 partituras para cine y teatro–, se puede inscribir en la fantástica cantera de compositores rusos del siglo XX, encabezada por Dmitri Shostakóvich y Serguéi Prokófiev. Toda su música, heredera del sinfonismo centroeuropeo, del neoclasicismo y de la influencia de sus maestros rusos, está impregnada de temas del folclore judío, polaco, moldavo, armenio, etc., germen de muchas de sus creaciones.
La pasajera narra el encuentro, en un transatlántico rumbo a Brasil, de dos mujeres que intentan escapar de su pasado común en Auschwitz diez años antes. La primera, acompañada de su marido y flamante diplomático, fue carcelera en el campo de concentración, teniendo a su cargo a la segunda, prisionera judía con la que entabló entonces una perversa relación.
La ópera, cantada en 7 idiomas ─incluyendo el castellano, por el coro-, está estructurada con constantes flashbacks de inspiración cinematográfica─ Weinberg tocó y compuso mucho para películas-, que articulan el viaje marítimo en la cubierta del barco, con otro, oscuro y siniestro, a los angustiosos traumas de la vida en el campo de exterminio.
Tanto la escritora Zofia Posmysz (1923-2022) ─autora de la novela homónima en la que se basa la ópera─ como el compositor vivieron el terror del holocausto y sintieron la necesidad de contarlo, lo que imprime a la ópera una emoción espeluznante.
Pese a la dureza inexpresable del tema de la ópera, su música, en muchos fragmentos dura, rabiosa y expresionista, articula momentos sinfónicos altisonantes con otros camerísticos e intimistas, en una sucesión de temas de grandísima eficacia dramatúrgica, enlazados con fluidez y maestría: pasajes atonales y disonantes que evocan la barbarie, melodías folclóricas nostálgicas que acompañan a las reclusas, pasajes jazzísticos de la vida mundana del transatlántico, el vals diabólico del comandante de las SS o la Chacona de la Segunda Partita de Bach, en el descorazonador clímax de la ópera.
La pasajera se estrenará en España con la maestría de dos grandes especialistas en la obra de Weinberg: Mirga Gražinytè-Tyla, directora musical lituana de enorme prestigio internacional, que lleva años interpretando y grabando sus partituras sinfónicas, y David Pountney, que estudió hondamente la vida y obra del compositor polaco para la primera puesta en escena de la ópera, en 2010 en Bregenz, y que ahora llega al Teatro Real.
El equipo artístico y los intérpretes de la producción, con 16 distintas nacionalidades, darán vida a este drama descorazonador, con un reparto coral encabezado por la soprano Amanda Majeski (Marta) y la mezzosoprano Daveda Karanas (Lisa), que nos llevarán a uno de los períodos más terroríficos de la historia de la humanidad y al interior de nosotros mismos, con la esperanza de que la ópera de Weinberg nos recuerde las vidas truncadas de tantos inocentes que han conservado la dignidad, la esperanza y la capacidad de amar en las condiciones más extremas.
INSTITUTO ADAM MICKIEWICZ (AMI)
El Instituto Adam Mickiewicz (AMI) es una institución nacional de cultura, cuyo objetivo es generar un interés duradero por la cultura polaca en todo el mundo. El instituto trabaja con colaboradores extranjeros e inicia un diálogo cultural internacional en consonancia con las metas y objetivos de la política exterior polaca. El instituto ha llevado a cabo proyectos culturales en setenta países de los seis continentes, incluidos Gran Bretaña, Francia, Israel, Alemania, Turquía, Estados Unidos, Canadá, Australia, Marruecos, Ucrania, Lituania, Letonia, así como China, Japón y Corea. La alta calidad de los proyectos del instituto la confirman los premios recibidos a nivel internacional por exposiciones y festivales. En 2023, el Pabellón Polaco «Poética de la necesidad», organizado por el AMI, recibió una medalla en la Bienal de Diseño de Londres.
La marca insignia del instituto, CULTURE.PL, es un servicio de noticias culturales actualizadas que trata de discutir los eventos y fenómenos más interesantes relacionados con la cultura polaca y que ofrece artículos y noticias en tres idiomas: polaco, inglés y ucraniano.
El AMI está financiado por el Ministerio de Cultura y Patrimonio Nacional.
AGENDA | ACTIVIDADES PARALELAS
28 de febrero, a las 20.15 horas | Teatro Real, Sala Gayarre
Enfoques: encuentro con Mirga Gražinytè-Tyla (directora musical de La Pasajera), David Pountney (director de escena de La Pasajera), Joan Matabosch (director artístico del Teatro Real) y Martín Llade (periodista especializado en música).
13 de marzo al 17 de marzo|Fundación Juan March
Ciclo Mieczysław Weinberg: integral de los cuartetos de cuerda por el Cuarteto Danel.
A través de 5 conciertos se presenta, por primera vez en España, la monumental integral de los 17 cuartetos de cuerda de Weinberg interpretados en orden cronológico por el Cuarteto Danel.
Además, también se incluye un encuentro con Marc Danel (fundador del Cuarteto Danel) y Mirga Gražinytė-Tyla (directora musical de La Pasajera) en diálogo con Luis Gago (crítico musical y musicólogo).
13/03, 18:30 Concierto cuartetos nº 1, 2, 3 y 4
14/03, 18:00 Weinberg a debate
15/03, 18:30 Concierto cuartetos nº 5, 6 y 7
16/03, 12:00 Concierto cuartetos nº 8, 9 y 10
18:30 Concierto cuartetos nº 11, 12, 13 y 14
17/03, 12:00 Concierto cuartetos nº 15, 16 y 17
24 de marzo, a las 12.00 horas |Sala principal del Teatro Real
Los Domingos de cámara:concierto con solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real
Programa:
Dohnányi: Serenata para trío de cuerda, op. 10
Costa: Hacia la luz
Weinberg: Trío con piano, op.24
González Granero: Cuarteto de cuerda nº 2, In times of confinement
Lamentamos comunicar que, por motivos de salud, el Maestro Maurizio Pollini no podrá celebrar con nosotros su concierto en el 29º Ciclo de Grandes Intérpretes el próximo 3 de abril. Desde Fundación Scherzo queremos desearle la más pronta de las recuperaciones, enviándole todo nuestro cariño y admiración.
Como sustitución a este recital, queremos agradecer a los pianistas Martha Argerich y Nelson Goerner quienes se han prestado para poder celebrar este concierto el día 1 de abril, a las 19:30h, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional.
Para todos aquellos interesados en devolver sus entradas, tanto por el cambio del intérprete como por el cambio de fecha, podrán hacerlo llamando a nuestras oficinas desde el martes 27 de febrero.
Accademia del Piacere presenta, en el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), Gugurumbé. Las raíces negras, un espectáculo mestizo ideado por el violagambista Fahmi Alqhai y el coreógrafo Antonio Ruz que ahonda en la música del Barroco español y en cómo se vio influenciado por los intercambios con las colonias americanas y con el África subsahariana. La propuesta está protagonizada por Patricia Guerrero, Premio Nacional de Danza 2021, la soprano Núria Rial, el guitarrista Dani de Morón, la cantaora Alba Carmona y la bailarina de danza contemporánea Ellavled Alcano. Tendrá lugar el martes 27 de febrero, a las 19:30 horas, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música, en el marco de su ciclo Fronteras.
El espíritu de esta ambiciosa apuesta parte del aclamado violagambista sevillano de origen sirio-palestino Fahmi Alqhai, fundador y director de Accademia del Piacere, grupo residente del CNDM en su temporada 23/24; y del planteamiento escénico y coreográfico de Antonio Ruz. Juntos crearon Gugurumbé, con un repertorio que investiga en la herencia de la música y la danza de los esclavos negros llegados a España en el siglo XVI y de cómo sus ritmos se introdujeron en la música y danza Barroca hasta derivar incluso en el flamenco. Se trata de un proyecto transversal, con una amplia visión historicista, artística y social, que se adentra en las influencias y singularidades del Barroco español.
El programa presenta ejemplos de danzas como chaconas, jácaras y guineos, que se conectan a través de su misma esencia rítmica y armónica con las danzas del flamenco, como los fandangos, los tangos o los bailes de compás mixto como las alegrías y las bulerías. A partir del cante de Alba Carmona y el canto de la gran soprano especializada en el Barroco Núria Rial, se integrarán la música de Accademia del Piacere y Fahmi Alqhai, y solistas como el guitarrista flamenco Dani de Morón, una de las figuras más importantes de la guitarra flamenca actual. En la puesta en escena será fundamental la presencia del baile flamenco de Patricia Guerrero y del baile negroamericano de Ellavled Alcano, con coreografías creadas por Antonio Ruz. Una experiencia única que recrea el espíritu mestizo y abierto de quienes originaron estas músicas.
Fahmi Alqhai y Antonio Ruz @Lolo Vasco
El ciclo Domingos de Cámara del Teatro de la Zarzuela presenta este próximo domingo 25 de febrero (12h00) al Ensemble María de Pablos en el Ambigú del coliseo con un concierto íntegramente de obras de compositoras españolas, entre las que se incluirán tres estrenos absolutos. Las entradas para el concierto están agotadas.
Una temporada más, el ciclo, que celebra ya su octava edición, está dedicado íntegramente a la mujer, y más concretamente al papel de las compositoras en la música española.
El Ensemble incluirá en su concierto música de la propia María de Pablos (1904-1990), Pauline García-Viardot (1821-1910), Matilde Salvador (1918-2007), Marisa Manchado (1956), Carme Rodríguez (1996) y tres estrenos absolutos de María José Cordero (1953), Alicia Muñoz Torres (2002) y Lucía López de Vergara (2003).
Compuesto por la mezzosoprano Joana Thomé, la violinista a actualidad por el violista Noelia Gómez y la pianista Puerto González, el Ensemble María de Pablos nació en 2020 con la voluntad de rendir homenaje a la ilustre compositora segoviana de la que toman el nombre, primera mujer de la historia en ganar por oposición la beca para estudiar composición en la Real Academia de España en Roma y pionera como directora de orquesta en España.
El Ensemble pone en valor la música creada por compositoras, a la par que se implica en la creación de nuevas obras para la agrupación.
Con este ciclo el Teatro sigue con su objetivo de difindir la música “en femenino“, mucha de ella inédita, con la intención de descubrir al público la excelencia de las creaciones de estas compositoras españolas que rara vez tuvieron (o tienen) el debido reconocimiento por sus creaciones.
La Fundación Scherzo se complace en presentarles la vuelta de Grigory Sokolov al ciclo de Grandes Intérpretes el próximo 26 de febrero, en la que será la vigésimo sexta participación del pianista ruso en nuestra programación.
La Sala Sinfónica del Auditorio Nacional vuelve a acoger su cita anual con el conocido como «Titán del piano»: Grigory Sokolov, quien celebra este año nada más y nada menos que veintiséis conciertos con Fundación Scherzo.
Siendo los programas de Sokolov todo un misterio hasta semanas antes de empezar la gira, en este tour de 2024, el intérprete ruso, recién nacionalizado español, nos deslumbra con un compositor por encima del resto: J. S. Bach.
Y es que, tras años de espera, el sueño de muchos melómanos se ha hecho realidad: Grigory Sokolov dedicará su programa a la música del maestro de Eisenach, o, por lo menos, la primera parte de este recital. Con los siempre sinuosos e hipnóticos Vier Duette, BWV 802-805 y la melancólica y patética Partita II en Do menor, BWV 826 de J. S. Bach, Sokolov presenta una primera parte más reflexiva y trascendental. La segunda parte del concierto ya estará dedicada al ala más romántica del sentir melómano.
Las Cuatro Mazurcas op. 30 y las Tres Mazurcas op. 50 de F. Chopin nos regalarán el belcanto hecho piano, con ese vaivén tan típico de la danza polaca.
Para concluir, Sokolov nos sorprende con una obra cuanto menos profética: las “Escenas del bosque” (“Waldszenen”), Op. 82 de Robert Schumann. Último gran ciclo de piano compuesto por Robert Schumann que, pese a recordar a sus tiernas «Escenas Infantiles», las «Escenas del bosque» reflejan un universo más evocador y pensativo.
Tras este recital, el Ciclo de Grandes Intérpretes proseguirá ya en el mes de marzo, con el debut en nuestra programación del presente y futuro del piano español: Martín García García (12 de marzo).
El Teatro de La Zarzuela acogerá en este mes de marzo la próxima presentación de ’Gal·la Placídia’, una ópera en tres actos, versión concierto, compuesta por el Maestro Jaume Pahissa, con un libreto escrito integramente en catalán basado en la obra de Ángel Guimerà.
La soprano jerezana Maribel Ortega encabeza un reparto de excepción asumiendo el papel principal de Gal·la Placídia. Su virtuosismo vocal y profundo compromiso artístico prometen una interpretación brillante y emotiva. Bajo la dirección musical de Christoph König, titular del Teatro de la Zarzuela, la ópera cuenta con un reparto minuciosamente seleccionado entre los que destacan los nombres de Antoni Lliteres, Simón Orfila, Carles Pachón, Carol García, Carlos Danza y Marc Sala. La dirección coral estará a cargo de Antonio Fauró, director del Coro del Teatro de la Zarzuela.
La trágica obra en verso ’Gal·la Placídia’ de Angel Gimerà está ambientada en la Barcelona del año 416, la ópera explora la complejidad del amor, la traición y el conflicto entre godos y romanos. Se estrenó en 1913 en el Liceo marcando un hito histórico al fusionar la narrativa de Guimarà con la música innovadora de Pahissa. La obra resalta la grandeza de Verneuf, las dudas sentimentales de Gal·la Placídia y la sumisión de Ataulf.
Jaume Pahissa (1880-1969) era un músico ecléctico y vanguardista que dejó un legado musical diverso, desde sinfonías hasta operas como ”Marianela”. Su exilio a Argentina durante la Guerra Civil Española no detuvo su contribución a la música y en 1961 regresaba a Barcelona pero viendo que está completamente olvidado y que su música ha sido prohibida, después de una gira por Europa regresa a Argentina. Su obra, que fue prohibida por la dictadura, ha
permanecido desconocida por el gran público hasta ahora. La interpretación de ’Gal·la Placídia’ en marzo, con Maribel Ortega promete celebrar la rica tradición lírica catalana y el ingenio perdurable de Pahissa. Un encuentro único con la historia y la música.
Maribel Ortega
La soprano lírico-spinto Maribel Ortega es una rara avis en el paisaje lírico español de hoy. Su talento para el registro dramático no es habitual dentro de nuestras fronteras y la acerca a roles de la ópera alemana, nórdica y del este de Europa. Por eso ha interpretado la mayoría de los roles protagonistas del repertorio lírico dramático, tanto en España como en el extranjero.
Natural de Jerez de la Frontera (Cádiz), Ortega se tituló en Canto por la Guildhall School of Music and Drama de Londres y en el Conservatorio Superior de Música del Liceu con Enriqueta Tarrés. Desde entonces se ha perfeccionado con Cynthia Sanner, profesora de la Juilliard School y Carlos Aransay. Además, la soprano tiene una pasión oculta, la enología, ya que es licenciada en Ciencias Químicas, con especialización en Enología y Fermentaciones Industriales.
Desde su debut en el papel principal de Norma en la Ópera de Cataluña (2006), destacan sus colaboraciones con el Gran Teatro del Liceo, la Ópera de Oviedo, el Teatro São Pedro de Brasil, el Palau de Les Arts o el Teatro alla Scala bajo la dirección musical de Valery Gergiev y Pier Giorgio Morandi, entre otros, en roles principales de obras como Turandot, Macbeth, Madama Butterfly o Die Walküre.
Ha ganado numerosos concursos líricos y becas como la “Rosa Maria Tarruel”, el Otoño Lírico Jerezano, “Mirabent i Magrans”, “Germans Pla”, “Ciudad de Zamora”, “Jaume Aragall”, ha recibido el premio Cantante Revelación de la crítica de los Amics del Liceu por su Lady Macbeth (2006, Sabadell) y Mejor voz femenina de los Amigos del Teatre Principal de Palma por Nabucco (2016, Palma).
El sopranista Samuel Mariño (Caracas, 1993), uno de los fenómenos vocales del momento gracias a su prodigiosa voz, capaz de alcanzar registros de soprano, se presenta por primera vez en el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM). Junto a Concerto De’ Cavalieri, agrupación del clavecinista Marcello di Lisa, este aclamado joven cantante interpretará una selección de bellas arias barrocas, que requieren gran virtuosismo, de Antonio Vivaldi, Antonio Caldara y Alessandro Scarlatti. El programa también incluye conciertos del propio Vivaldi y de Arcangelo Corelli. El concierto tendrá lugar el miércoles 21 de febrero, a las 19:30h, en el marco del ciclo Universo Barroco del CNDM, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música.
Con una presencia escénica deslumbrante y una voz carismática y versátil, el sopranista venezolano Samuel Mariño despunta actualmente en los principales teatros internacionales. Tras una primera experiencia en la ópera con la Camerata Barroca de Caracas, tuvo la oportunidad de trabajar con aclamados directores como Gustavo Dudamel, Helmuth Rilling y Theodore Kuchar. Público y crítica admiraron entonces el talento de un artista que, pese a su corta edad, ya ha interpretado grandes papeles en oratorios barrocos y clásicos en obras de Claudio Monteverdi, George Frideric Hendel o Antonio Salieri, entre otros. Además, el profundo interés en redescubrir el patrimonio musical más desconocido le llevó a fundar Ensemble Teseo en 2019, un proyecto que visibiliza obras y técnicas barrocas olvidadas.
En este concierto del CNDM y junto a la agrupación italiana Concerto De’ Cavalieri, uno de los grupos italianos más vibrantes y emocionantes dedicados a la interpretación historicista, hará un recorrido por bellas arias barrocas. El programa rinde homenaje a la Venecia del siglo XVII, una época de ebullición cultural en la que la ciudad gozó de gran esplendor y en la que la figura del divo de ópera, especialmente los cantantes con voces agudas, se erigió como estrella indiscutible del género.
El recorrido comenzará con Antonio Vivaldi, de quien se escucharán dos conciertos de cuerda y cinco arias. Entre ellas, se encuentran la famosa Quell’augellin che canta, de la ópera La Silvia; la florida Agitata da due venti de Griselda; o la melancólica Dite, oimè!, de La fida ninfa, ópera con la que se inauguró el nuevo Teatro Filarmónico de Verona durante el carnaval de 1732. El segundo compositor que aparece en el programa es Arcangelo Corelli, otro de los autores más influyentes en la música del siglo XVIII, de quien sonará su Concerto grosso en re mayor, op. 6, nº 4.
De vuelta al repertorio vocal, Mariño se enfrentará al aria de Santa Eugenia: Vanne pentita a piangere de Antonio Caldara, que pertenece a su obra Il trionfo dell’innocenza, estrenada en 1700. Por su parte, de Alessandro Scarlatti se interpretarán dos piezas, la exuberante aria de Erminia: Torbido, irato e nero, que contiene grandes florituras en el registro sobreagudo; y la bellísima Caldo sangue, del oratorio Sedecia, re di Gerusalemme.
Samuel Mariño (c) Olivier Allard
El premiado y tantas veces elogiado Proyecto Zarza del Teatro de la Zarzuela, o lo que es lo mismo: zarzuela hecha por jóvenes para jóvenes, regresa un año más al escenario de la plazuela de Teresa Berganza, y en esta ocasión lo hace con ‘El año pasado por agua’ de Federico Chueca y Joaquín Valverde. La versión del libreto de Ricardo de la Vega es de Enrique Viana. Esta es la octava temporada de esta iniciativa que tiene como propósito primordial divulgar el género entre las jóvenes generaciones, de tal forma que los nuevos espectadores se acerquen a la zarzuela sin prejuicios y con el objetivo ideal de afianzar el futuro del género.
En las 14 funciones que el Teatro ofrecerá entre el 23 de febrero y el 1 de marzo (11 escolares y 3 abiertas al público general) será la Maestra Lara Diloy quien se encargue de la dirección musical, y Marta Eguilior la responsable de la dirección de escena y la escenografía. Como ya es habitual, la obra estará interpretada por 18 cantantes-actores de entre 18 y 33 años elegidos a través de un proceso de audiciones en el que nuevamente concurrieron cientos de artistas.
En esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela, el vestuario es de Betitxe Saitua, la iluminación de Alfonso Malanda y la coreografía de Cristina Arias. Por tercer año consecutivo se ha contado también con el director del Coro Titular del Teatro, Antonio Fauró, que ha trabajado en la preparación de las voces de los cantantes-actores que participan en la representación y que estarán acompañados por una orquesta de cámara integrada por ocho jóvenes músicos.
Mensaje positivo, optimismo obligado
La versión que el dramaturgo, actor y cantante Enrique Viana ha escrito sobre el texto de Ricardo de la Vega habla de un mundo en peligro, el nuestro, amenazado por todas las terribles consecuencias derivadas del cambio climático. Y pese a las más que pesimistas alarmas, hay en la historia un mensaje positivo; como dice el propio autor: “Detrás de la zarzuela hay una crítica, una conciencia, un aviso, una llamada de atención para que el mundo de hoy sea mejor mañana”.
Por su parte, Marta Eguilior señala que no por casualidad la historia transcurre un 31 de diciembre. El apellido de Chueca, uno de los dos “ilustres” compositores de la obra, “rotula, hoy día, uno de los barrios más coloristas y libres de Madrid. ¿Por qué no abrazar tan mágica conjunción y llevar a escena un espectáculo lleno de lentejuelas y festividad? ¿Por qué no convertir esta representación en la celebración de la Nochevieja, en una revista con sus luces y sus sombras? De la vida que se va, la que cambia. La oportunidad de un año nuevo”. Así aborda la directora la función, para acercarse y abrazar los planteamientos de Viana: “¿Y si ahora se acercase ese «fin»? ¿Y si no hubiera manera de frenar el deshielo de los glaciares? ¿Los termómetros desorbitados?”, y también con el optimismo casi obligado de aquel: “¿Y si en la última noche del año hiciéramos el balance de lo bueno y malo y tuviéramos la oportunidad de tomar nuevas decisiones para evitar ese cataclismo, mejorar al planeta, a nosotros mismos?”.
Las funciones se presentarán en la sala principal del Teatro de la Zarzuela, y, como de costumbre, se alternarán pases escolares (para alumnos de ESO y Bachillerato) con funciones para el público general. Tal y como se ha venido haciendo en las siete ediciones precedentes, tras el espectáculo se celebrará un coloquio entre el público y los artistas.
Una de las funciones escolares del viernes 1 de marzo será grabada y emitida días después a través de las cuentas de Facebook y YouTube del Teatro, en las que quedará disponible.
El violinista barroco Daniel Pinteño y su formación Concerto 1700 se embarcan en una loca travesía musical con el lanzamiento de su último disco, Back to Follia!, interpretando los grandes éxitos populares del barroco -chaconas, zarambeques, fandangos o folías- que inundaban en su momento las calles, salones y tabernas de España. Impulsados por la libertad creativa propia de esta música popular de los siglos XVII y XVIII. Daniel Pinteño y su agrupación han recreado un repertorio que va mucho más allá de las normas y convenciones de la Música Antigua.
Daniel Pinteño es considerado por la crítica como una de las figuras con más proyección dentro del panorama historicista español y Concerto 1700 se ha convertido en uno de los grupos más demandados en la escena musical española, destacando su labor de recuperación de repertorio musical hispano del siglo XVIII. Con ese bagaje, en este disco han querido ir un paso más allá del canon, y, como explica Pinteño, “ le damos una vuelta un poco loca y gamberra a estas danzas españolas a través de la improvisación, ornamentación y variación rozando el crossover ya que a veces metemos elementos actuales en las obras. Este trabajo está basado en danzas y canciones que eran muy famosas y populares en su época… podemos imaginar a cuatro músicos que entran en una taberna y se ponen a tocar lo que les apetece pasando de un tema a otro sin las ataduras de un concierto al uso”.
Como señala en el libreto del disco la investigadora de la Universidad de Salamanca Ana Lombardía, una de las fuentes principales de este trabajo ha sido el "Manuscrito de Salamanca", de 1659, que recoge diez melodías interpretadas con violín por aficionados del entorno universitario. Esta música no está copiada en pentagrama, sino en tablaturas imprecisas que no recogen detalles rítmicos ni armónicos, y que responden mayoritariamente a esquemas estandarizados de la época.
Muchos son de origen ibérico, como la escandalosa chacona, la jácara (cuyo nombre hace referencia a los rufianes o “jaques” de la época) el canario (danza originaria de las islas Canarias) o la famosa folía, de origen portugués y baile “alocado” (de ahí el nombre) así como uno de los escasísimos ejemplos conocidos de melodías de zarambeque (o sarambeque), un son asociado a los esclavos africanos.
Bajo la dirección de Daniel Pinteño (violín), interpretan este compendio de música barroca improvisada los miembros de Concerto 1700 Pablo Zapico (guitarra barroca), Ismael Campanero (contrabajo y violón), Pere Olivé (percusión) y el tenor Víctor Sordo, como invitado especial. Formados como músicos historicistas y acostumbrados a seguir las normas de fuentes y convenciones estilísticas de los siglos XVII y XVIII, por esta vez, han elegido ir deliberadamente más allá de lo que generalmente se conoce como Música Antigua.
Daniel Pinteño y Concerto 1700 invitan a los oyentes a unirse a esta experiencia musical, donde la improvisación y la exploración de nuevos sonidos nos transportan a la esencia misma del barroco. El disco es la prueba viva de que no se podría entender la música barroca sin reconocer el peso de todas esas danzas que trascendieron la península ibérica como la folía, la chacona, los canarios, las marionas entre muchas otras.
Estética punki para un disco transgresor En línea con esa libertad creativa y un tanto transgresora del canon de este trabajo, la estética del disco remite al punk ochentero, con una gráfica inspirada en los carteles de conciertos pegados en las paredes, unos sobre los otros, que, al ser arrancados, creaban un efecto decollage muy característico. Los propios músicos han bautizado y escrito a mano cada uno de los títulos que contiene este «Back to Follia!». Todo ello unido al empleo de otros elementos como las etiquetas DYMO aportan coherencia al mensaje transgresor y divertido del proyecto.
El disco Back to Follia! Estará disponible desde el 1 de marzo en la tienda online de Concerto 1700 (venta física) así como establecimientos como El Corte Inglés o Fnac; y disponible online en más de 250 plataformas como Spotify, iTunes, Amazon Music y YouTubeMusic. Daniel Pinteño y Concerto 1700, próximas fechas de conciertos.
En los próximos meses, la agrupación ofrecerá el repertorio del disco y otros programas en distintos escenarios de España. El 16 de febrero estará en el FIAS de Madrid con Deus est Omnia: Las arias alemanas de Händel, con la soprano portuguesa Ana Vieira Leite. El concierto Follia! Sones y danzas sonará el 7 de marzo en la Sala María Cristina de Málaga y el 9 de marzo en la Fundación BBVA de Madrid. También en la capital, el 20 de marzo, la agrupación ofrecerá el concierto extraordinario Tríos y retratos: Castel y Goya en la Fundación Juan March. El concierto Madrid-París, los tríos de la Ilustración, se podrá escuchar en la Fundación Antonino y Cinia de Cerezales del Condado (León) el 22 de marzo, y en Real Fábrica de Cristales de La Granja, Segovia, el 23 de marzo. El 10 y 11 de abril, participará en el XL Ciclo Música de Cámara de Patrimonio Nacional con el concierto Quintetos para su Alteza tocando con la colección Stradivari de Palacio junto al violonchelista italiano Marco Testori, en el Salón de Columnas de Palacio Real de Madrid. El 12 de abril ofrecerá Ayres de Britannia en el FMA de Torrelodones, Madrid. Finalmente, el 21 de abril Concerto 1700 interpretará la ópera Las amazonas de España del compositor Giacomo Facco en la sala sinfónica del Auditorio nacional junto a un maravilloso elenco femenino de voces.
Daniel Pinteño, violín & director Considerado por la crítica como una de las figuras emergentes con más proyección dentro del panorama historicista español, nació en Málaga, comenzó sus estudios en el Conservatorio Profesional de Música de Murcia de la mano de Emilio Fenoy y los finalizó con posterioridad con Juan Luis Gallego en el Conservatorio Superior de Música de Aragón. Es el director artístico y fundador de la agrupación historicista Concerto 1700.
Durante sus años de formación, asistió activamente a clases magistrales con solistas internacionales como Nicolás Chumachenco, Alexei Bruni, Mikhail Kopelman, Alberto Lysy e Ida Bieler, entre otros. Más tarde, se trasladó a Alemania donde prosiguió sus estudios de perfeccionamiento con el profesor de la Hochschule für Musik Karlsruhe, Nachum Erlich.
Desde el año 2010, orientó su labor musical a la interpretación del repertorio comprendido entre los albores de la música para violín del siglo XVII hasta el lenguaje romántico de mediados del XIX con criterios históricos. Para ello, recibió clases de profesores como Enrico Onofri, Anton Steck, Hiro Kurosaki, Catherine Manson, Enrico Gatti, Sirkka-Liisa Kaakinen-Pilch, Margaret Faultless, Jaap ter Linden, etcétera. Complementariamente, cursó Musicología en la Universidad de La Rioja y la Universidad Complutense de Madrid.
Estudió violín barroco en el Conservatoire à Rayonnement Régional de Toulouse (Francia) con el violinista suizo Gilles Colliard y en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid bajo la tutela de Hiro Kurosaki. Su pasión por la recuperación de patrimonio musical español del siglo XVIII le ha valido el reconocimiento de la crítica internacional. En el año 2019, obtuvo una beca Leonardo para investigadores y creadores culturales que otorga la Fundación BBVA, con la que realizó un proyecto de recuperación y grabación del álbum «Antonio de Literes (1673-1747): Sacred cantatas for alto». En 2023 recibe el «Premio a la Producción Artística» otorgado por el Ayuntamiento de Málaga y la Fundación La Caixa.
Concerto 1700 Fundado en 2015 por el violinista Daniel Pinteño, Concerto 1700 ha aspirado desde su inicio a la recuperación y difusión del patrimonio musical hispano de los siglos XVII y XVIII. Para llevar a cabo su proyecto artístico, utiliza instrumentos de época originales, así como un riguroso estudio musicológico de la práctica interpretativa de la época que le permite alcanzar el sonido genuino del barroco.
Concerto 1700 es una agrupación de formación variable, que abarca desde el trío hasta la orquesta barroca. Esta versatilidad le permite abarcar cualquier repertorio del barroco sin perder un ápice de su personalidad específica, basada en el minucioso trabajo del sonido de conjunto y la adecuación estilística.
En sus ocho años de trayectoria, ha conseguido posicionarse como una de las formaciones más relevantes del panorama historicista de España, actuando en algunos de los festivales y salas de mayor prestigio, como el Universo Barroco del CNDM en el Auditorio Nacional de España, el Festival Internacional de Música y Danza de Granada, el Festival Internacional de Santander, la Quincena Musical de San Sebastián, Otoño Musical Soriano, Festival de Música Española de Cádiz, Festival de Música Antigua de Aranjuez, Festival Internacional de Música de Úbeda y Baeza, y la Fundación Juan March, entre otros.
Con la intención de extender su compromiso con la divulgación del repertorio barroco hispano, en 2018 funda su propio sello discográfico, 1700 Classics. De esta forma, conserva plena autonomía sobre el resultado musical y artístico de sus grabaciones siempre dedicadas a obras inéditas del siglo XVIII español.
Todas sus publicaciones han cosechado un gran éxito de crítica en las principales revistas especializadas, recibiendo la calificación de Disco Excepcional de Scherzo, Disco Recomendado de Ritmo, Disque classique de le jour de France Musique así como nominaciones a los ICMA Awards.
Durante la temporada 22/23 han sido grupo residente del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) con una gira de conciertos que cuenta con actuaciones en el Auditorio Nacional de Música (Madrid), el Auditorio Fonseca de Salamanca, el Auditorio Príncipe Felipe de Oviedo, el Auditorio Ciudad de León, el Espacio Turina de Sevilla, el Palau de Les Arts de Valencia y St. John’s Smith Square dentro de la programación del London Festival of Baroque Music. A su vez desde la pasada temporada desarrollaron una intensa la actividad musical como grupo residente en la Fundación Fernando de Castro de Madrid.
El Teatro Real y el Teatro de La Abadía vuelven a unirse en una nueva coproducción de pequeño formato que une la música de cámara y el teatro. Será la tercera colaboración después de los éxitos de las propuestas anteriores: el estreno absoluto de Marie, de Germán Alonso, en 2021, y el espectáculo Extinción, a partir de misas de Joan Cererols, en 2022.
En esta ocasión se ofrecerán cuatro funciones de una coproducción de Pierrot Lunaire, de Arnold Schoenberg (1874-1951), procedente del Teatro del Liceu, que tendrán lugar en la Sala Juan de la Cruz del Teatro de La Abadía, los días 22, 23 y 24 de febrero a las 19 horas, y 25 de febrero, a las 18.30 horas.
Pierrot Lunaire es un ciclo de canciones -21 pequeños melodramas- con un acompañamiento instrumental que varía entre ellas, inspirado en el mundo sonoro del cabaret alemán.
La obra nació por deseo de la versátil actriz austríaca AlbertineZehme, quien le pidió a Schoenberg que pusiera música a un ciclo de poemas simbolistas de Albert Giraud (1860-1929) traducidos al alemán.
La partitura está estructurada en tres partes, cada una con siete poemas. En la primera, Pierrot –alter ego de un artista irreverente, apasionado, alienado y despechado- está enamorado de Colombina y fascinado por su propia imagen, que se transforma, en la segunda parte -más grotesca e iconoclasta-, en una obsesión enajenante que alcanza el clímax cuando es decapitado por la luna. En la tercera parte Pierrot se va serenando con sus recuerdos, viajando al pasado mientras vuelve a casa, a su Italia natal.
La genial partitura de Schoenberg, que esconde una fascinante arquitectura matemática con hilarantes juegos numéricos, es un derroche de hallazgos a todos los niveles: estructural (en el ciclo, en cada poema y en sus interrelaciones); tímbrico (con distintas combinaciones instrumentales utilizando 8 instrumentos); armónico (con la exploración de la atonalidad y la superposición y articulación de distintas formas y motivos) y dramatúrgico. Cada canción es tratada como una miniatura, con un lenguaje y un universo propios, en el que desfilan un vals, una passacaglia, un minueto, una barcarola, una minúscula ‘opera buffa’, fugas, cánones, etc.
Este ciclo de canciones epigramático, unido por una escritura atonal y la utilización del Sprechgesang –canto hablado que explora la expresividad y la prosodia de la entonación oral-, será interpretado por el gran contratenor Xavier Sabata, creador del espectáculo, quien articula la música de Schoenberg con pasajes de La metamorfosis, de Ovidio.
Con el apoyo de la escenografía e iluminación de Cube.bz y el diseño de movimiento de María Cabeza de Vaca, Sabata se divide entre Narciso y Pierrot, a través de un diálogo en el que uno se consume para conocerse y aceptarse, y el otro se esconde detrás de un avatar ocultando el sufrimiento de no sentirse nunca en casa.
La dirección musical del espectáculo es de Jordi Francés, que actuará con una pianista y cuatro solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real: Pilar Constancio (flauta y piccolo), Ildefonso Moreno (clarinete y clarinete bajo), Sonia Klikiewicz (violín y viola), Natalia Margulis (violonchelo) y Karina Azizova (piano).
Los cinco músicos -que en total tocan 8 instrumentos- solamente actúan juntos al final de la obra, ya que los diferentes poemas son acompañados por distintos instrumentos.
Con Pierrot Lunaire, el Teatro Real y el Teatro de La Abadía homenajean a Arnold Schoenberg, en el 150 aniversario de su nacimiento, con una de sus obras más icónicas, originales y geniales. Con ella el compositor abría la música al expresionismo en un lenguaje que no dejaría de evolucionar, como se podrá ver en Erwartung (La espera), que se presentará, junto a La voz humana, de Francis Poulenc, el próximo mes de marzo, en una nueva producción del Teatro Real.
AGENDA | ACTIVIDADES PARALELAS
19 de febrero a las 19.00 horas | El Argonauta, librería de música
Tertulia sobre Pierrot Lunaire
El acto contará con la participación de Joan Matabosch, director artístico del Teatro Real, de Jordi Francés, director musical, de Pierrot Lunaire, y de Xavier Sabata, director y protagonista del espectáculo.
Conferencia:El teatro Noh japonés, por el arquitecto y escritor Javier Vives.
En Pierrot Lunaire, Arnold Schoenberg utiliza la máscara como escudo y refugio del personaje que lo representa, como en el teatro Noh, del que emana, además, una espiritualidad llena de belleza y lirismo.
El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta una nueva cita de su ciclo de música contemporánea Series 20/21 en el Museo Reina Sofía, el concierto protagonizado por el violinista Ilya Gringolts, el violista Lawrence Power y el violonchelista Nicolas Altstaedt, tres destacados solistas internacionales que están considerados grandes virtuosos de la música de cámara. Los intérpretes se unirán en una memorable velada que reúne dos obras magistrales: el Trío de cuerda, op. 45 de Arnold Schoenberg y la Música para tres cuerdas de Wolfgang Rihm. El concierto tendrá lugar el próximo lunes 19 de febrero, a las 19:30 horas, en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (entrada libre).
En este concierto del CNDM, los tres solistas, reconocidos por su maestría y sensibilidad interpretativa, se unen para ofrecer una experiencia musical única, tras haber recibido elogios por su nuevo proyecto juntos, la grabación Schoenberg: String Trio – Regamey: Quintet (2023).
Ilya Gringolts, virtuoso del violín aclamado por su técnica impecable y su profundo expresionismo musical, ha cautivado a públicos de todo el mundo con sus interpretaciones innovadoras y apasionadas. Por su parte, Lawrence Power, destacado violista británico, es reconocido por su versatilidad y su capacidad para transmitir emociones profundas a través de su instrumento. Recientemente ha sido preseleccionado para el premio Instrumentalist Award de la Royal Philharmonic Society. Completa este trío de excelencia el violonchelista Nicolas Altstaedt, que destaca por una interpretación apasionada y su personal estilo que le permite abarcar un amplio repertorio, desde el Barroco hasta la música contemporánea.
El programa elegido para esta ocasión será una muestra de virtuosismo y profundidad emocional. El Trío de cuerda, op. 45 de Arnold Schoenberg, compuesto en 1946, es una obra que desafía a intérpretes y cautiva a oyentes con su complejidad. Schoenberg, figura central en la música del siglo XX, fusiona en esta obra elementos clásicos y románticos con una audacia innovadora que sigue cautivando a los oyentes contemporáneos. Por otro lado, la Música para tres cuerdas de Wolfgang Rihm, escrita en 1977, es una obra que explora la expresividad desenfrenada y los contrastes emocionales con una intensidad sorprendente. Rihm, uno de los compositores contemporáneos más influyentes, combina en esta pieza ecos de tradiciones pasadas con una originalidad y audacia que la hacen verdaderamente única.
Ambas obras, que requieren un alto nivel de virtuosismo, están consideradas dos obras maestras del repertorio camerístico. La colaboración de Gringolts, Power y Altstaedt promete una interpretación magistral que revelará nuevas capas de significado en estas piezas.
El Real Teatro de Retiro ofrecerá, en su Sala Pacífico, 8 funciones del espectáculo de títeres Donde van los cuentos los fines de semana de 17 y 18 de febrero, y del 24 y 25 de febrero, a las 11.00 y a las 13.00 horas.
Esta producción de la prestigiosa y premiada compañía Claroscvro, estrenada en 2019 en la Feria de Teatro del Sur (Palma del Río), se presentó posteriormente en la Feria Europea de artes escénicas para niños y niñas FETEN de Gijón y en la Mostra de Igualada, siempre con un gran éxito.
La trama nos transporta a un futuro imaginado en el que los libros han desaparecido. Pero los protagonistas de Donde van los cuentos encuentran una biblioteca escondida y llena de apasionantes historias. Allí conocerán a Claudius, el creador de todos los cuentos, y a Mateo, un niño valiente que tendrá que encontrar un cuento perdido.
Los personajes cobran vida con la magia de los títeres, las máscaras y los libros desplegables (pop up) creando un espectáculo que apuesta por el amor a la lectura y la importancia de la imaginación.
Julie Vachon, guionista y autora de la propuesta, dirige el espectáculo junto a Concha Medina y Francisco dePaula Sánchez, con la participación de Iván Sierra Caballero en la creación de libros desplegables, títeres y policromía y la música electrónica original de Sileno Sonoro, cuya atmósfera envolvente completa magistralmente la narrativa.
La compañía Claroscvro fue fundada en el año 2010 por la canadiense Julie Vachon y el español Francisco de Paula Sánchez. En sus producciones utilizan títeres, máscaras y música para crear el universo mágico de los cuentos, en los que se esconden la defensa de valores como la amistad, la solidaridad, la creatividad, el conocimiento, la inclusión, el amor por la naturaleza, los lazos afectivos, etc.
DONDE VAN LOS CUENTOS
Títeres, máscaras y música electrónica
Claroscvro Teatro
EQUIPO ARTÍSTICO
Guión: Julie Vachon
Dirección: Julie Vachon,Francisco de PaulaSánchez y Concha Medina
Música: Sileno Sonoro
Diseño sonoro, iluminación y escenografía: Francisco de Paula Sánchez
Libros desplegables, títeres y policromía: Iván Sierra Caballero, con la ayuda de Francisco de Paula Sánchez
EDAD RECOMENDADA
A partir de los 8 años
DURACIÓN APROXIMADA
45 minutos
FUNCIONES
Días 17, 18, 24 y 25 de febrero, a las 11.00 y a las 13.00 horas.
Manuel Gómez Ruiz regresa a Madrid con el concierto Wolf revisitado, en el que se estrenará la versión para orquesta de cámara del ciclo Italienisches Liederbuch de Hugo Wolf realizada por Ralf Gothóni, dentro de la Temporada de Música 2023-2024 de la Fundación BBVA. Acompañado por la Orquesta de Cámara Andrés Segovia y dirigido por Santiago Serrate. El tenor canario, con una amplia trayectoria en el terreno del Lied, compartirá escenario con la soprano Alicia Amo en una velada llena de pasión y fuerza.
El estreno orquestal del ciclo Italienisches Liederbuch de Hugo Wolf, que será interpretado por primera vez en nuestro país en la versión para dos voces y orquesta de cámara, explorará el amor, la alegría, el dolor y la esperanza con una gran profundidad emocional y musical.
El público madrileño podrá deleitarse con todos los matices de esta compleja obra que van desde la pasión de Ihr seid die Alleschönste hasta la ironía de Ich hab’ in Penna einen Liebsten wohnen. Cada pieza de este repertorio revela la habilidad del compositor austriaco para traducir la poesía en música con gran maestría.
El estreno en España de esta nueva versión supone una revisión de la obra de Hugo Wolf de una forma innovadora y es la oportunidad perfecta para disfrutar de la voz del tenor de nuevo en nuestro país. Manuel Gómez Ruiz está inmerso en nuevos proyectos entre los que se encuentra el lanzamiento de un nuevo disco durante este mes de marzo.
Manuel Gómez Ruiz
El tenor Manuel Gómez Ruiz, nacido en Gran Canaria, formado en las prestigiosas Hochschule für Musik «Hanns Eisler» y la la Universität der Künste de Berlín, ha cantado en escenarios de toda Europa como el Auditorio di Roma, Konzerthaus de Berlín y la Laeiszhalle de Hamburgo. Con un amplio repertorio que va desde el barroco a la música contemporánea, sus interpretaciones en el campo del Lied son celebradas por el público y crítica. Sus dos trabajos discográficos, Beethoven: un viaje y Arda mi afecto, son reflejo de su versatilidad y musicalidad.
Elegante, sutil, apasionada y llena de fuerza, llega a las sesiones de Flamenco Real, los próximos 22, 23 y 24 de febrero, la bailaora Ángeles Gabaldón, para contar la historia del flamenco en la ciudad que la vio nacer, Doña Sevilla.
La propuesta de Gabaldón invita a transitar un camino que empieza a trazarse a mediados del siglo XIX, cuando el flamenco comienza a salir de las fiestas privadas en cortijos, salones y palacios para acercarse a la gente sencilla, mostrándose primero en los cafés cantantes -que tanto auge tuvieron en la época en ciudades como Sevilla, Madrid y Barcelona- y conquistar, poco a poco, los escenarios de los teatros hasta convertirse en el arte popular deseado por todos.
La expresión pura y racial de aquel flamenco más primitivo empieza a enriquecerse con elementos más estéticos y complementos como el mantón, la bata de cola, las castañuelas o el sombrero se hacen imprescindibles. Unos palos toman protagonismo, otros acentúan su carácter, algunos se ciñen a la tradición y todos conforman un arte que trasciende y se hace universal, pero que tiene en Sevilla un aroma único que cimbrea el cuerpo de Gabaldón y lo convierte en baile.
Junto a ella, en estas nuevas veladas en el Teatro Real, la guitarra de Paco Iglesias y el cante de Miguel El Picuo y Manuel Ginés, hacen el resto.
Ángeles Gabaldón comienza sus estudios de danza a los 10 años, obteniendo el título de Licenciada en Danza Española por el Conservatorio Superior de Danza de Sevilla y el título de Diplomada en Ballet Clásico por la misma escuela. Complementa su formación junto a maestros de la talla de Matilde Coral, Manolo Marín, Merche Esmeralda, Yerbabuena y Belén Maya, por citar sólo algunos.
Ha recibido numerosos reconocimientos, entre los que destacan el Primer Premio Nacional a la Mejor Coreografía por Alegrías de la Perla de Cádiz, el Primer Premio Nacional “El Desplante 2002” del Festival Internacional del Cante de las Minas y ha sido la única mujer dos veces finalista de la Bienal de Sevilla. Su primer espectáculo, “Inmigración”, obtuvo el Primer Premio de la Crítica al Mejor Espectáculo y Mejor Compañía de los premios Flamenco Hoy.
El Festival de Música Antigua de Sevilla ha desvelado hoy su programación. Esta cita musical dará comienzo el 1 de marzo y finalizará el 24 de marzo, con un total de 25 actividades entre conciertos en espacios cerrados, calle y actividades complementarias como el vídeo-mapping programado en cuatro jornadas diferentes. En el marco del festival, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) coproduce este año cuatro conciertos, a cargo de las agrupaciones musicales nacionales L’Apothéose, Musica Ficta e Ímpetus, y el grupo candiense Constantinople, que presenta un proyecto con el dúo sevillano Proyecto Ocnos.
Por undécimo año consecutivo, el CNDM colabora con el FeMÀS y afianza una alianza imprescindible en su compromiso por difundir, ampliar y promocionar el patrimonio musical español y llevar propuestas musicales de alto valor por toda la geografía española. El recorrido del CNDM en el festival comenzará el jueves 7 de marzo, en el espacio Turina, con la propuesta de L’Apothéose, uno de los conjuntos nacionales de música antigua con mayor proyección internacional. Rodeado de grandes solistas nacionales e internacionales, como Laura Quesada (traverso), Dorothee Oberlinger (flauta de pico), Josep Domenèch (oboe) y Eyal Streett (fagot), ofrecerá un programa monográfico en torno a George Philipp Telemann, uno de los compositores más prolíficos e imaginativos de la historia de la música.
El domingo 10 de marzo la agrupación vocal Musica Ficta, especializada en la música antigua y barroca, interpretará en la Iglesia de San Luis de los Franceses un programa dedicado a los más grandes exponentes del repertorio polifónico del Renacimiento italiano y español, Giovanni Pierluigi da Palestrina y Tomás Luis de Victoria. Ambos compositores vivieron en Roma y trazaron fuertes lazos de amistad que enriquecieron, a su vez, sus universos creativos.
Por su parte, el jueves 14 de marzo, será el turno de un ambicioso proyecto que reúne a intérpretes españoles y extranjeros de diversos orígenes para explorar el rico encuentro que se dio en la Sevilla medieval, con la convivencia de las culturas judía, islámica y cristiana. La cita estará protagonizada por el grupo canadiense Constantinople, el dúo sevillano dedicado a la música de vanguardia Proyecto Ocnos, Alberto Carretero en su doble faceta como compositor e intérprete -se estrenará un encargo del CNDM y el FeMàs-, y la hispalense Ángeles Núñez. El concierto tendrá lugar en el Real Alcázar.
La programación del CNDM en el marco del festival finalizará el miércoles 20 de marzo, de nuevo en el espacio Turina, el clavecinista Yago Mahúgo, al frente de su conjunto Ímpetus, hará un recorrido por una exquisita colección de conciertos para clave de Jean-Philippe Rameau.
Precio de localidades y venta de entradas
El precio de localidades oscila entre los 10 euros de la zona paraíso del Espacio Turina hasta los 120 euros de la butaca de patio del Teatro de la Maestranza para el concierto de MusicAeterna y la obra “Réquiem” de Mozart programado el 12 de marzo. La venta de entradas se realizará de miércoles a domingo en horario de 10 a 14 horas (excepto los conciertos de los días 12 y 24 de marzo cuyas entradas se adquirirán en el Teatro de la Maestranza). Se contempla, asimismo, descuentos para grupos y se activa el Minuto Joven para los menores de 30 años con la aplicación de descuento del 50% en el precio de localidades adquiridas en las taquillas del teatro media hora antes del comienzo del concierto.
El Festival de Música Antigua (FeMÀS) es un proyecto del Instituto de la Cultura y las Artes del ayuntamiento de Sevilla (ICAS) y cuenta con la colaboración del INAEM a través del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), de la Diputación de Sevilla y del Teatro de la Maestranza.
ABAO Bilbao Opera, continúa la 72ª Temporada con una de las óperas más universales del genio italiano Giuseppe Verdi y su obra favorita: Rigoletto, que le otorgó el reconocimiento internacional, y cuya presencia en los teatros ha sido continua desde su estreno en 1851. ABAO ha programado cuatro funciones para los días 17, 20, 23 y 26 de febrero en el Euskalduna Bilbao, con el patrocinio exclusivo de la Fundación BBVA. La representación del sábado 17 de febrero dará comienzo a las 19:00h y el resto de las funciones se iniciarán a las 19:30h.
Este viaje dramático en tres actos de fuerza innegable, desbordante de pasión, engaño, amor paternofilial y venganza, está basado en la pieza teatral Le Roi s’amuse de Victor Hugo. La historia habla de un bufón que lucha por equilibrar los elementos enfrentados de belleza y perversidad que existen en su vida. Es una obra universal, tremendamente popular, que se mantiene entre las preferidas de todos los públicos y que destaca por sus melodías inolvidables y emociones intensas.
Es la sexta ópera que Verdi compuso con el libretista Francesco Maria Piave, que tuvo numerosos problemas de censura en la adaptación del libro original de Victor Hugo. No obstante, Rigoletto estableció la fama mundial de Verdi y constituye, junto con Il trovatore y La Traviata, la llamada “trilogía popular” que el maestro compuso entre 1851 y 1853, protagonizadas por antihéroes, y que supusieron un giro en la creación verdiana hasta ese momento.
Rigoletto es una de las óperas fetiche de ABAO Bilbao Opera, que suma con estas funciones 33 representaciones, siendo la más escenificada a lo largo de su historia y que han cantado, entre otros, Ettore Bastianini, Alfredo Kraus, Cristina Deutekon, Piotr Beczala o Leo Nucci, que en 2013 bisó “Si… vendetta, tremenda vendetta” en todas las representaciones. PERSONAJES DOMINADOS POR EL PRESAGIO DE LA MALDICIÓN
Verdi tuvo un auténtico flechazo con la obra de Hugo y su protagonista. En 1950 escribía a Piave: “Hay un libro que, si la policía lo permitiese, sería una de las más grandes creaciones del teatro moderno. La obra es grande, inmensa y tiene un personaje que es una de las más grandes creaciones del teatro de todas las épocas y de todos los países”.
Rigoletto, que un principio Verdi quiso titular La maledizione, constituye una propuesta musical y teatral insólita, profundamente innovadora en su época, con personajes fascinantes y destacadas escenas vocales, dúos, tríos y cuartetos.
Por su presencia en escena y su complejidad psicológica llena de aristas, el personaje de Rigoletto tiene todos los colores posibles del barítono verdiano. Debuta en ABAO Amartuvshin Enkhbat, un artista de raza encumbrado por la crítica como uno de los barítonos más completos en la actualidad. Esta temporada ha cantado este rol en Londres y Palermo. En esta ópera las emociones intensas se suceden: “Pari siamo”, “Si… vendetta, tremenda vendetta”, “Cortigiani, vil raza dannata”, “Povero Rigoletto” o “Piangi, fanciulla”, mostrando la ira, venganza, desesperación, humillación o resignación que dibujan el carácter del atormentado personaje.
La soprano navarra Sabina Puértolas, una artista con habilidades técnicas, carisma y dominio del escenario, encarna a Gilda, la desventurada hija de Rigoletto. Un personaje de evolución, que pasa de la inocencia y candidez infantil a la madurez dramática del amor no correspondido. Desde el ingenuo “Caro nome” al traumático “Tutte le feste al tempio”, además de dúos, “V’ho ingannato colpevole fui”, tercetos y cuartetos, “Bella figlia d’amore”, con gran personalidad musical y vocal.
El depravado y narcisista Duca di Mantova está interpretado por el tenor jerezano Ismael Jordi, quien ya lo representó en ABAO en 2013 con un gran éxito de público y crítica. Elegante, frívolo y egoísta, tiene escenas destacadas como el aria “Questa o quella”, una declaración de principios de lo execrable del personaje, “Ella mi fu rapita”, o la celebérrima “La donna è mobile”.
Acompañan al trío protagonista Carmen Topciu, como Maddalena; Emanuele Cordaro, que debuta en ABAO en el rol de Sparafucile; Fernando Latorre como el noble Conte di Monterone; Marifé Nogales en el papel de Giovanna; Josu Cabrero en el rol de Mateo Borsa; José Manuel Díaz como Marullo; y Gexan Etxabe y Ana Sagastizabal, como el Conte y la Contessa di Ceprano.
REGRESO DE DANIEL OREN AL FRENTE DE LA BILBAO ORKESTRA SINFONIKOA
Conocido por su riguroso trabajo para obtener de orquesta y cantantes la máxima calidad musical, el prestigioso maestro Daniel Oren, quien ya ha dado muestras de su buen hacer en pasadas temporadas bilbaínas, se hace cargo de la dirección musical al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa para conducir una partitura llena de dinamismo, melodías inolvidables y emociones intensas.
El complejo drama de Victor Hugo inspiró a Verdi una partitura poderosa, intensa y dramática, con una escritura musical llena de fuerza y belleza, que envuelve a personajes y trama en una tensión compulsiva desde la obertura oscura de la maldición, hasta el trágico final.
El Coro de Ópera de Bilbao, exclusivamente con voces masculinas y dirigido por Boris Dujin, completa el apartado musical.
NUEVA COPRODUCCIÓN DE ABAO BILBAO OPERA IMPACTANTE Y REIVINDICATIVA
La dirección de escena viene firmada por el polifacético Miguel del Arco. Director de teatro, cine, actor y dramaturgo, cuenta con varios premios Max y otros galardones y reconocimientos, y se caracteriza por su audacia a la hora de exponer, con estilo actual, el carácter de los personajes y las atmósferas de las distintas escenas.
Miguel del Arco propone una nueva lectura dramatúrgicacentrada en la mujer, con una efectiva puesta en escena de estética contemporánea que actúa de vehículo para explicar la trama, en la que lobos y escorts, representan las expresiones de la naturaleza humana, el sexo, la violencia, el amor o el odio en una sociedad deshumanizada. Con un montaje de gran complejidad técnica, los momentos más intensos se realzan con proyecciones expresionistas y juegos de luz y volúmenes.
Nueva coproducción de ABAO Bilbao Opera, el Teatro Real, el Teatro de la Maestranza y New Israeli Opera Tel Aviv, con una espectacular escenografía de Sven e Ivana Jonke, con efectos innovadores llenos de fuerza conmovedora, un sugestivo diseño de luces de Juan Gómez-Cornejo que iluminan y oscurecen la pasiones y sentimientos de los personajes, y un innovador, sugerente y metafórico vestuario de la bilbaína Ana Garay.
PROGRAMA DE ACTIVIDADES PARALELAS CON ENTRADA LIBRE
El programa de actividades culturales paralelas que ABAO Bilbao Opera lleva a cabo con carácter abierto y para todos los públicos ofrece distintas oportunidades de acercarse a la ópera, conocer el título representado o la obra de su compositor, como sucedió el 6 y 7 de febrero en los centros municipales de Castaños y Santutxu con Carlos Imaz, el 8 de febrero en la Biblioteca Bidebarrieta con la grabación en directo y con público del podcast Concierto Desorden donde Gonzalo Lahoz entrevistó a Ismael Jordi, y en el Nuevo Casino de Pamplona, con una conferencia sobre Rigoletto de la mano de Carlos Imaz.
Las próximas citas son:
14 de febrero. Conferencia en San Sebastián: “El montaje de una ópera. Anécdotas entre bambalinas”. Ponente: Carlos Imaz. Donostia. Koldo Mitxelena Kulturunea. 19:00h. Entrada libre hasta completar aforo.
15 de febrero. Conferencia: “El montaje de una ópera. Anécdotas entre bambalinas”. Ponente: Carlos Imaz. Centro Municipal de San Ignacio. 19:00h. Entrada libre hasta completar aforo.
16 de febrero. El ciclo de conferencias El ABC de la Ópera en colaboración con DeustoBide presenta la ópera Rigoletto y la obra de Verdi de la mano del periodista, crítico y divulgador cultural Rubén Amón. La conferencia se retransmite en directo a través del canal de YouTube de ABAO. Auditorio Universidad de Deusto. 18:30h. Entrada libre previo registro en la web de ABAO.
19 febrero. Encuentro en el Aula de Cultura de El Correo con César Coca, periodista y director del Aula, Juan Carlos Matellanes, presidente de ABAO Bilbao Opera, Pablo Romero, asistente de la dirección artística, y la soprano Sabina Puértolas, que debatirán sobre: “La ópera, entre el arte y la polémica”. Sala BBK. Gran Vía Bilbao. 19:00h. Entrada libre hasta completar aforo.
21 febrero. Santander acogerá una conferencia sobre el título en cartel con una presentación del argumento y los mejores momentos musicales. Ponente: Aitziber Aretxederra. Santander. Real Club de Regatas. 19:30h. Entrada libre hasta completar aforo.
FUNDACIÓN BBVA: IMPULSO AL CONOCIMIENTO CIENTÍFICO Y CULTURAL
La Fundación BBVA, cuyo rasgo diferencial es el impulso al conocimiento tanto científico como cultural, articula su programa de Música como un recorrido completo por las distintas formas en que la sociedad puede beneficiarse y disfrutar de esta manifestación artística. Así, promueve la creación de obra nueva con encargos de composición y hace posible su preservación y difusión por medio de grabaciones en colaboración con sellos e intérpretes de primera línea.
Fomenta la música en directo a través de ciclos de conciertos que, de forma gratuita, ponen al alcance del público el mejor repertorio clásico y contemporáneo con ensembles y solistas de referencia. Organiza ciclos de conferencias y edita publicaciones para comprender mejor el trabajo de ciertos autores o sumergirse en el estudio de determinados períodos compositivos. Las Becas Leonardo posibilitan proyectos de investigación y creación altamente innovadores con resultados de muy variada índole: desde la composición y estreno de piezas musicales, escénicas y operísticas hasta la recuperación de patrimonio musical y su recopilación en primeras grabaciones mundiales. Colabora con formaciones musicales y teatros de todo el país y reconoce la excelencia a través del Premio Fronteras del Conocimiento en Música y Ópera. El esfuerzo sostenido de la Fundación en este ámbito ha sido reconocido con el Premio Ópera XXI a la Mejor Iniciativa de Mecenazgo.
Las representaciones de Rigoletto están patrocinadas en exclusiva por la Fundación BBVA, principal patrocinador de ABAO Bilbao Opera, que contribuye de esta manera a fomentar la cultura operística y a llevar al público espectáculos de la máxima calidad.
La Fundación BBVA ha sido reconocida con el premio a la Mejor Institución en los Tutto Verdi International Awards por su impulso al conocimiento científico y la creación cultural de excelencia. Por su apoyo a la música y a la ópera con una categoría propia en los Premios Fronteras del Conocimiento. Por su apoyo constante y decidido como patrocinador principal, sin interrupción durante dieciocho años, a todas las actividades de ABAO Bilbao Opera y en especial el Proyecto Tutto Verdi.
Orfeo en la ópera de Gluck Orfeo & Euridice se ha convertido en un papel emblemático para Jakub Józef Orliński, que lo ha interpretado en escenarios como San Francisco, París y su Varsovia natal. En palabras de La revista Opera Orliński estaba «fundido a la perfección» como Orfeo en San Francisco, mientras que su crítico en Varsovia observó que incluso el famoso lamento del personaje, ‘Che faró senza Euridice’ se convirtió en «una fuente de alegría» para el público.
Ahora Orliński encarna al mítico bardo griego en una grabación que representa la realización de un sueño para él. Realizada en Varsovia, está dirigida por el dinámico Stefan Plewniak, y los instrumentistas y el coro proceden de su conjunto Il Giardino d’Amore. Los papeles de Eurídice, esposa de Orfeo, y del dios Amore están interpretados por otras dos estrellas emergentes: las sopranos Elsa Dreisig y Fatma Said.
El álbum ha supuesto para Orliński una misión personal, ya que ha actuado como productor, director de reparto y director artístico junto con Stefan Plewniak.
«Uno de mis grandes sueños de estudiante era cantar el papel de Orfeo. ¿Por qué? Más que nada porque en la escuela me atrapó mucho el mito en sí… Recuerdo que cuando lo leí por primera vez mi imaginación se volvió loca … Ante mis ojos veía imágenes como cuadros de Hieronymus Bosch.
«Sabía que algún día intentaría hacer realidad mi sueño. He tenido la suerte de interpretar Orfeo & Euridice en diferentes escenarios… Trabajando en esas diferentes versiones logré mi propia interpretación. Sabía que me encantaría crear mi propia versión personal de la obra, grabar mi papel soñado, expresándome como yo quería. No es tan fácil enfrentarse a una pieza musical tan famosa, pero yo tenía una visión clara de lo que quería hacer con ella y cómo. Ya he grabado varios discos, pero es la primera vez que asumo varias funciones al hacer una grabación.
«Lo más importante para mí como músico es contar con grandes colaboradores. Me alegró mucho trabajar con mi querido amigo Stefan Plewniak, que es director de orquesta y codirector artístico de toda la grabación. Le conozco a él, a su orquesta y al coro desde hace años… Confío en Stefan musicalmente y estaba seguro de que nuestras ideas sobre la interpretación iban a complementarse para crear algo realmente especial.
«Estoy muy contento de contar con mis amigas Elsa Dreisig como Euridice y Fatma Said como Amore. Estas dos cantantes tienen un talento increíble y sus voces son pura magia. Ambas han aportado mucho a este proyecto. Me encanta poder sentir la emoción a través de una voz de tal forma que casi puedo tocarla. Toda la ópera fue grabada por otro amigo con el que adoro trabajar: Mateusz Banasiuk, mi brillante ingeniero de sonido.
«No podría imaginar un equipo mejor. Todos estaban dispuestos a aprovechar al máximo cada toma durante nuestras largas sesiones de grabación. Estoy muy agradecido de poder trabajar con gente con tanta pasión.
Vuelve a ser la protagonista de Doña Francisquita, y lo hace en su mejor momento. La soprano Auxiliadora Toledano debutó en los escenarios precisamente con el difícil rol titular de la obra maestra de Amadeo Vives. Fue en 2008, conmemorando el Centenario del Palau de la Música Catalana de Barcelona y, desde entonces, la cantante española ha actuado en algunos de los teatros más importantes del panorama internacional, desde la Opéra Garnier de París a la Ópera de Los Angeles, pasando por la Wiener Kammeroper, el Maggio Musicale Fiorentino, la Accademia Santa Cecilia en Roma, o, en España, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, el Teatro Real de Madrid o la Ópera de Oviedo, entre otros. “Guardo un emocionante recuerdo de aquella primera Francisquita que interpreté junto al tenor José Bros”, asegura Auxiliadora Toledano, inmersa ya en los ensayos en los que vuelve a meterse en el papel. “Como es lógico, en el transcurso de todas estas temporadas mi voz y yo misma, como intérprete, hemos evolucionado, por lo que diría que mi visión de este fascinante personaje tiene ahora muchos más matices”.
La cantante –ganadora del Premio Princesa de Girona de Artes y Letras en 2013–, lo interpretará en el Gran Teatro de Córdoba los días 23 y 25 de febrero, con un enfoque diferente al de su debut. “Mi voz tiene más cuerpo y presencia, y siento que ahora le impregno un potencial interpretativo que me hace disfrutar mucho más; afrontar este rol representa una gran responsabilidad por la dificultad que implica, por su popularidad. La verdad es que este papel es un caramelo porque te permite mostrar todo tu potencial como intérprete, tanto a nivel vocal como dramático, por lo que tengo unas ganas tremendas de salir al escenario para dar lo mejor de mí”, afirma, y continúa: “Por otra parte, estoy en un momento personal fantástico, y volver a cantar en mi tierra es siempre un orgullo y un placer; sé que en el público habrá muchas personas que me han visto crecer como artista, y por eso me hace una especial ilusión compartir con ellas estos momentos que sé que serán especiales”.
Título fundamental en el repertorio de zarzuela, Doña Francisquita, empapada del aroma popular del Madrid romántico del siglo XIX, es una obra crucial del género que nunca ha estado ausente del repertorio. Aúna comedia con un intenso lirismo que emana del amor de los dos protagonistas, Francisquita y Fernando, y en Córdoba se podrá ver en una producción escénica de Francisco López para el Teatro Villamarta de Jerez y musical del IMAE Gran Teatro de Córdoba. Auxiliadora Toledano compartirá escenario con Alejandro del Cerro (Fernando), Manuel de Diego (Cardona), Sandra Ferrández (Aurora), Palmira Ferrer (Doña Francisca), Enric Martínez-Castigniani (Don Matías), César San Martín (Lorenzo) y Natividad Andújar (Irene La de Pinto). La dirección musical cuenta con el maestro Miquel Ortega al frente de la Orquesta de Córdoba y del Coro de Ópera de Córdoba.
El barítono José Antonio López (Murcia, 1973) debuta en el XXX Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical y el Teatro de la Zarzuela junto al pianista Daniel Heide. Juntos nos ofrecerán un programa en el que destaca el estreno absoluto del ciclo de canciones La voz a ti debida del gran compositor, pianista y productor mallorquín Antoni Parera Fons. También interpretarán en este variado recital lieder de Maurice Ravel, Gerald Finzi y Antón García Abril. El concierto tendrá lugar el lunes 12 de febrero, a las 20h00, en el Teatro de la Zarzuela.
José Antonio López es un destacado barítono que navega por repertorios muy variados, que abarcan desde el Barroco hasta la música contemporánea. Reconocido por su impecable interpretación en recitales de lied y óperas, ha brillado junto a renombradas orquestas y directores en prestigiosos escenarios internacionales, como en su presentación en la temporada de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles con Gustavo Dudamel. Su pasión por el lied es notable, acompañado por destacados pianistas. En este caso, estará presente en el Teatro de la Zarzuela para ofrecer un repertorio variado junto al virtuoso pianista Daniel Heide quien, a diferencia de López, es un músico que ha participado en varias ocasiones en este ciclo.
El programa se abrirá con las Histoires naturelles de Maurice Ravel, un divertido conjunto de canciones que contiene cinco obras dedicadas a animales. Las melodías, cargadas de humor, reflejan con ironía los comportamientos de aves como el pavo real o el cisne, acentuando sus características. Después será el turno de cinco piezas del ciclo shakesperaeano Let us garlands bring de Gerald Finzi, entre las que se encuentra la sobrecogedora Fear no more the heat o’ the sun. A diferencia de las partituras anteriores, José Antonio López tendrá que abordar ahora canciones que hablan del paso del tiempo, el envejecimiento o el desconsuelo.
La segunda parte del recital comenzará con tres de las nueve Canciones de Valldemosa de Antón García Abril, basadas en exquisitos versos de Luis Rosales, José Hierro y Gerardo Diego. Después será el turno de uno de los platos fuertes del concierto, el estreno absoluto de La voz a ti debida de Antoni Parera Fons, que viene precedido de un prólogo de Garcilaso de la Vega. En total, siete obras en las cuales José Antonio López, que ya protagonizó la última ópera de este compositor, L’arxiduc (2022), tendrá que adoptar un tono intimista para cantar sobre el amor.
Sobre José Antonio López
José Antonio López es un cantante versátil que navega entre estilos y épocas, desde el Barroco a la música contemporánea; reparte su quehacer artístico entre el concierto, la ópera y el recital, siempre de forma atenta a la estilística y la expresividad de cada periodo y al uso de la voz al servicio de la música. En el ámbito de los conciertos, cabe destacar su reciente presentación en la temporada de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles con Gustavo Dudamel, así como sus compromisos con orquestas como la Cincinnati Symphony (Messiah de Haendel y la Sinfonía nº 8 de Mahler), la Rotterdam Philharmonic, la Mahler Chamber Orchestra, la Dresdner Festspielorchester, la Antwerp Symphony, la BBC Symphony y Philharmonic, la Filarmónica de Varsovia, La Cetra Barockorchester, la Orquesta del Festival de Budapest o la Orquesta Nacional de España, en salas como la Philharmonie de Berlín, la Laeiszhalle de Hamburgo, la Konzerthaus y la Musikverein de Viena, el Barbican Center de Londres o el Mozarteum de Salzburgo, o, próximamente, en el Concertgebouw de Ámsterdam, que acreditan su gran momento. El barítono ha sido dirigido por importantes directores de orquesta como David Afkham, Andrei Boreiko, Ivor Bolton, James Conlon, Gustavo Dudamel, Iván Fischer, Pablo Heras-Casado, Nicola Luisotti, Lorin Maazel, Andrea Marcon, Neville Marriner, Juanjo Mena, Gianandrea Noseda, Víctor Pablo Pérez, Daniele Pollini, Josep Pons, Christophe Rousset, Lahav Shani o Masaaki Suzuki. Asimismo, es un devoto intérprete de lied y ha sido acompañado por Maurizio Pollini en el Theater an der Wien, Daniel Heide, Iain Burnside o Rubén Fernández Aguirre. Los últimos años atestiguan un notable crecimiento de su actividad lírica, con una presencia relevante de las óperas de Haendel y la música contemporánea, con papeles protagonistas en los estrenos de El público de Mauricio Sotelo y El abrecartas de Luis de Pablo en el Teatro Real de Madrid o de L’enigma di Lea de Benet Casablancas en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona, pero en el que también están presentes compositores como Mozart, Verdi, Puccini, Wagner (Der fliegende Holländer en Valencia y Die Meistersinger von Nürnberg en Madrid) y Strauss (Ariadne auf Naxos en Barcelona y Salome en Mérida), entre otros. Recientemente, ha cantado por primera vez en la Ópera de Lausana, el Händel Festspiele de Halle o el SWR Schwetzinger Festspiele y pronto lo hará en el Innsbrucker Festwochen. Este intérprete cuenta con distintas grabaciones para sellos como Deutsche Grammophon, Harmonia Mundi, Deutsche Harmonia Mundi, Naxos y Chandos. José Antonio López participa por primera vez en el Ciclo de Lied.
Sobre Daniel Heide
Daniel Heide creció en Weimar. Empezó a tocar el piano a los cinco años y a los seis se unió a la clase de alumnos aventajados de Sigrid Lehmstedt en la Escuela Belvedere de Música en su ciudad natal. Cinco años más tarde, sin embargo, dejó el camino del niño prodigio e interrumpió sus estudios de piano para dedicarse a la percusión y asumir el reto atlético en un equipo ciclista. Volvió al ámbito pianístico a la edad de diecisiete años. Cursó Piano en la Universidad de Weimar, pero lo que realmente lo impulsó e inspiró fue lo que aprendió de su propio descubrimiento y amor por la música. Durante ese periodo, se concentró en el trabajo con cantantes (asistió a clases magistrales con Dietrich Fischer-Dieskau y Christa Ludwig), así como en la interpretación de la música de cámara. Ha realizado numerosos recitales de lied y conciertos de cámara en muchas ciudades de Alemania, Austria, Bélgica, Suiza, Francia, Escocia, Inglaterra, Países Bajos, Dinamarca, Italia, España, Grecia, República Checa e Islandia con Ingeborg Danz, Britta Schwarz, Roman Trekel, Andrè Schuen, Tobias Berndt, Christoph Prégardien, Konstantin Krimmel, Simone Kermes, Luca Pisaroni, Johannes Weisser, Ruth Ziesak, Anna Lucia Richter, Norma Nahoun, Sibylla Rubens, Lothar Odinius, Julian Prégardien, Ian Bostridge, Mari Eriksmoen, Julia Kleiter, Katharina Konradi y Patrick Grahl. De manera más asidua ha colaborado con la mezzosoprano germano-griega Stella Doufexis. Su álbum Poèmes con canciones de Claude Debussy ha recibido el Premio de la Crítica Discográfica Alemana. También ha abordado música de cámara con Tabea Zimmermann, Antje Weithaas, Wolfgang Emanuel Schmidt, Barbara Buntrock, Pauline Sachse, Benoît Fromanger, Julian Steckel, Alexander Kniazev y Konstanze von Gutzeit. Un elemento clave en su carrera como acompañante es la creación de la serie de conciertos The lyrical salon. Lieder recitals at Schloss Ettersburg, que, en la primavera de 2024, celebrará su aniversario del recital número 100. Bajo su dirección artística, el lied se canta una vez al mes desde mayo de 2011. De esta forma, ha surgido un público leal y en crecimiento para estas sesiones con célebres solistas. Ávido coleccionista de álbumes, Heide busca gemas musicales para ampliar su repertorio. Su pasión por la música se extiende a otros géneros como el jazz, el rock, el pop y la chanson y es docente en el Conservatorio Hanns Eisler de Berlín y en el Franz Liszt de Weimar. Daniel Heide participa, incluida la temporada presente, en cinco recitales del Ciclo de Lied: XXV (18-19), XXVIII (21-22), XXIX (22-23), XXX (dos recitales, 23-24).
Tras su reciente debut como Rodolfo en La Bohème, de Puccini, en su regreso al Teatro La Fenice (con funciones programadas hasta el sábado, 10 de febrero), Celso Albelo continuará en Venecia la próxima semana para convertirse, el próximo lunes (12 de febrero), en el primer intérprete en tiempos modernos del aria de cámara de Donizetti Si tu m’as fait à ton image. El acto, en el cual el cantante español actuará acompañado del pianista Francesco Erle, está inmerso en el ciclo de “Carta Canta” del Conservatorio Benedetto Marcello de Venecia (organizador del evento). Considerado en Italia como uno de los acontecimientos musicales del año, durante la velada el director del Conservatorio de Venecia, Roberto Gottipavero, presentará el último número de la revista Donizetti Studies, coeditada por Musicom.it e il Saggiatore, y lo hará junto a Michele Girardi (de la Universidad Ca’ Foscari de Venezia), Federico Fornoni (del Conservatorio de Novara; director de Donizetti Studies), Francesco Bellotto (Conservatorio di Verona; del comité científico de Donizetti Studies) y Luca Zoppelli (Université de Fribourg; del comité científico de Donizetti Studies).
La prestigiosa publicación incluye un completo estudio realizado por el catedrático, musicólogo y director de escena teatral Francesco Bellotto, que brinda detalles sobre la desconocida pieza de Donizetti de la mano de una carta inédita del compositor que figura en el catálogo del siglo XIX de la Biblioteca del Conservatorio veneciano. A la carta se le perdió la pista durante el siglo XX, motivo por el cual nunca ha aparecido en el epistolario de Donizetti. El documento, aunque breve, es un testimonio muy significativo y se refiere a un momento particularmente dramático en la vida teatral europea: Adolphe Nourrit (Montpellier, 1802 – Nápoles, 1839), uno de los tenores franceses más importantes del primer cuarto del siglo XIX y destacadísimo intérprete de la Ópera de París desde principios de la década de 1820, se suicidó por diversas y trágicas vicisitudes personales; tras su muerte Donizetti compuso esta aria inédita con versos del propio Nourrit. Celso Albelo rendirá así homenaje al legendario tenor francés y a Gaetano Donizetti, uno de los compositores cuyas óperas han sido parte fundamental de su carrera y que le ha abierto las puertas de grandes escenarios de todo el mundo.
Tras este evento al tenor español le esperan, entre otros compromisos, su primera Messe de Requiem, de Camille Saint-Saëns en su debut en el Festival Ljubljana (Eslovenia); su debut como Pinkerton de Madama Butterfly en el Theatro Municipal de São Paulo (Brasil); y su regreso a ABAO Bilbao Opera con Rodolfo de La Bohème.
El Ayuntamiento de Arnuero acaba de publicar la convocatoria de la XXI edición del Concurso Internacional de Música de Cámara de Arnuero (CIMCA), que este año se celebrará del 5 al 7 de julio en la conocida localidad cántabra. Con más de dos décadas de actividad bajo la dirección de Antonio Margallo, el CIMCA se ha convertido en un auténtico encuentro internacional, que cada año reúne a formaciones de música de cámara integradas por jóvenes músicos procedentes de todo el mundo. Tras la preselección inicial de candidaturas, las ocho agrupaciones elegidas por el jurado profesional participarán en las audiciones clasificatorias y la gran final, que se celebrarán los días 6 y 7 de julio en una location de excepción: La Casa de las Mareas de Soano, una sala acristalada en pleno Ecoparque de Trasmiera, que permite contemplar el paisaje marino mientras se disfruta de la mejor música de cámara.
Como en anteriores ediciones, el CIMCA seguirá contando con varios profesionales del sector que integrarán el jurado profesional e intervendrán activamente durante la celebración del encuentro. El jurado de esta edición 2024 estará formado por el compositor Israel López Estelche y los cuatro miembros del Cuarteto Quiroga (con el violinista Cibrán Sierra como presidente). El conocido cuarteto de cuerda español, que este año celebra 20 años de carrera y es conjunto en residencia de la presente temporada del Centro Nacional de Difusión Nacional (CNDM), será el protagonista del tradicional concierto inaugural en la Iglesia Nuestra Señora de la Asunción de Arnuero.
Además de su incansable apoyo a las jóvenes promesas del repertorio camerístico a través de sus cinco premios y los conciertos que ofrece a los ganadores en instituciones de renombre como el Centro Botín, el Festival Internacional de Santander o la Casa Museo Jesús de Monasterio, el CIMCA es un escenario indispensable para la creación contemporánea en nuestro país. No en vano, compositores tan destacados como Mauricio Sotelo, Ananda Sukarlan, Jesús Rueda, David del Puerto, Jesús Torres y Mario Carro, entre otros, han estrenado obras de cámara por encargo del certamen cántabro. La première de este año llevará la firma de Israel López Estelche, uno de los compositores más premiados y destacados del circuito actual, y se estrenará el próximo 28 de junio en la Casa de las Mareas, en el marco de un concierto monográfico dedicado al compositor cántabro a cargo del cuarteto de cuerda 4Sonora.
El plazo de inscripción finaliza el 30 de abril, y las bases del XXI Concurso Internacional de Música de Cámara de Arnuero (CIMCA) se pueden consultar en el siguiente enlace.
El dúo alemán compuesto por Christian Gerhaher y Gerold Huber son ya una pareja fija y mítica en el Ciclo de Lied del CNDM y el Teatro de la Zarzuela. El barítono demuestra en cada una de sus actuaciones su profundo conocimiento del género alemán. Donde el texto mantiene su hegemonía jerárquica. Y es ahí, en la palabra, donde Gerhaher demuestra su superioridad.
La gran novedad en este recital, con la que Gerhaher continúa demostrando su maestría en el género, fue la interpretación de las Cuatro canciones sobre poesía china de Pavel Haas. El compositor checo, alumno predilecto de Janácek, compuso esta obra siendo prisionero en el campo de concentración de Terezin. Aquel lugar infame, disfrazado de refugio para artistas, donde fueron retenidos por el nazismo algunos de los mejores compositores e intérpretes de la época. Muchos de ellos murieron allí o fueron trasladados a otros campos de concentración.
Su proyección vocal en algunos momentos fue sorprendente. Aunque el repertorio no le permitió, como en otras ocasiones, desplegara esa gran variedad de matices de la que suele hacer gala. No es fácil pasar de las melodías francesas de Fauré, al estilo e idioma de Chaikosvski o de Haas. No se si fue por este salto de estilo e idioma, o por alguna otra razón, pero el barítono bávaro no pareció sentirse cómodo en al abordar estos tránsitos vocales.
Pero estos pequeños inconvenientes no nos privaron de disfrutar de sus interpretaciones de Fauré, Chopin, Chaikosvski o Berlioz. Siempre junto a un Gerold Huber que supo adaptarse a cada uno de los diferentes colores y texturas que presentaba el variado y excesivamente largo recital.
Y es que es difícil que esta pareja llegue a defraudar. Siempre es un lujo inspirador volver a escucharlos.
El Teatro Real ofrecerá, entre el 9 y el 11 de febrero, cuatro funciones de Afanador, nuevo espectáculo del Ballet Nacional de España, bajo la dirección de Rubén Olmo, con idea y dirección artística de Marcos Morau inspirada en el trabajo del fotógrafo colombiano Ruven Afanador y en su manera de mirar y retratar el flamenco.
Conocido sobre todo por sus trabajos en el mundo de la moda y como retratista de grandes personalidades, Ruven Afanador ha sentido siempre pasión por España, los toros y el flamenco… Observa, se sumerge y se fascina para ofrecerlo a través de su personalísima mirada, como reflejan sus libros Mil Besos y Ángel Gitano, donde explora la estética y la expresión de los cuerpos femeninos y masculinos, respectivamente. Porque en el flamenco encuentra todas las emociones del ser humano y a través del flamenco refleja sus íntimas pasiones.
Con este punto de partida, Morau regresa a aquellas sesiones fotográficas y desde ellas construye un mundo de ensoñación, reflexiona sobre “el parentesco vital entre composición fotográfica y coreográfica”, como él mismo explica, y reinterpreta la propuesta original sometiendo a los bailarines del Ballet Nacional de España a expresarse con un lenguaje diferente, modelando el futuro desde la tradición, asumiendo el riesgo.
Marcos Morau ha contado en esta propuesta con la colaboración del dramaturgo Roberto Fratini, de los coreógrafos Lorena Nogal, Shay Partush, Jon López -todos ellos miembros de la compañía La Veronal, de la que es fundador y director- y Miguel Ángel Corbacho, asistente de dirección del BNE, además de su equipo habitual en el diseño de escenografía (Max Glaenzel), vestuario (Silvia Delagneu) e iluminación (Bernat Jansà). El resultado es un espectáculo de una plástica asombrosa, que transporta al espectador al flamenco más ancestral desde un prisma casi surrealista, sostenido por un cuerpo de baile sólido, riguroso en la ejecución y con una energía desbordante.
Cada escena de Afanador parte de una imagen icónica del fotógrafo. El escenario nos transporta al instante que capta el objetivo y la evocación cobra vida. Música electrónica, minera, seguiriya, cantar de trilla o ecos de Semana Santa, mueven el baile, lo acompañan, despiertan la memoria de las instantáneas en blanco y negro.
Como explica Roberto Fratini en las notas al programa de mano, Ruven Afandor se acerca desde el deseo al multiverso del folclore andaluz, Afanador lo obliga a revelarse, y se revela. Como si soñara con él, deja aflorar los lapsus, los delirios, el subconsciente del flamenco, sus pulsiones de eros y muerte, sus verdades no documentables. Lo devana en mil amplificaciones, como un mundo grotesco y suntuoso, un cuerpo impensable de sombra y de luz”.
El éxito de su estreno en el Teatro Maestranza de Sevilla el pasado mes de noviembre augura un brillante futuro para Afanador en el repertorio del Ballet Nacional de España, bajo la dirección de Rubén Olmo, protagonista de una de las páginas de Ángel Gitano, a la que da vida, también con su baile, en esta original propuesta.
Fotografía: Merche Burgos
El tenor canario Jorge de León y la soprano cubano-estadounidense Mónica Conesa ofrecerán mañana martes 6 de febrero (20h00) en elTeatro de la Zarzuela un recital dedicado íntegramente a este género, en el que unirán composiciones de este lado del Océano con otras obras maestras creadas en la isla caribeña. La expectación suscitada por este concierto ha hecho que las entradas estén agotadas hace semanas.
Mónica Conesa debutará así en el Teatro de la Zarzuela, con algunas de las más bellas joyas de nuestro patrimonio lírico en ambas orillas, acompañada por uno de nuestros grandes y más internacionales intérpretes líricos como es Jorge de León, y ambos secundados por el pianista Juan Francisco Parra.
A lo largo del concierto sonarán páginas imprescindibles de nuestra lírica de de estas y aquellas tierras. La primera parte del recital incluirá romanzas de ‘La marchenera’ de Federico Moreno Torroba, ‘La Dolorosa’ de José Serrano, ‘Jugar con fuego’ o ‘El barberillo de Lavapiés’ de Francisco Asenjo Barbieri con transcripción de Anselmo González del Valle, o ‘Leyenda del beso’ de Severiano Soutullo y Juan Vert.
La segunda parte estará dedicada a la zarzuela cubana con números musicales de ‘Soledad’ y ‘Amalia Batista’ de Rodrigo Prats, ‘María la O’ de Ernesto Lecuona o ‘Cecilia Valdés’ de Gonzalo Roig.
David Alegret debuta este mes de febrero en el Teatro Cervantes de Málaga con su Chevalier de La Force de Dialogues des carmélites de Poulenc, rol que debutó en junio de 2022 en el Teatro Villamarta de Jerez y al que el tenor catalán le tiene “especial cariño”, asegura. El montaje llegará al coliseo malagueño los días 16 y 18 de febrero, una obra maestra “que en España no se representa muy a menudo. El Chevalier de La Force es para mí un caramelo, una verdadera delicia; se trata de una ópera principalmente de intérpretes femeninas, ya que se desarrolla en un convento de Carmelitas. El Chevalier de La Force es el rol principal masculino, al que Poulenc le ha reservado una música maravillosa. Desde el punto de vista vocal es muy exigente y ligeramente más lírico de los que suelo cantar y hay que impregnarlo de diversos colores, algo que me gusta hacer cuando canto; tiene un dúo maravilloso con Blanche y ya solo por esa parte vale la pena tenerlo en repertorio”, afirma el cantante catalán. Decidió incorporar la obra porque confiesa que no ha tenido muchas oportunidades de cantar ópera francesa, “y creo que hoy en día este papel se ajusta mucho a mi voz y a mi temperamento”.
En esta obra tan coral del compositor francés, Alegret compartirá escenario con Ainhoa Arteta (Blanche de la Force), Ana Ibarra (Madame de Croissy), Maite Alberola (Madame Lidoine), Nuria García-Arrés (Sor Constance), Gerardo Bullón (Marqués de la Force) y Egle Wyss (Madre Marie), entre otros. La dirección de escena correrá a cargo de Francisco López y Pedro Halffter estará al mando de la Filarmónica de Málaga y del Coro de Ópera de Málaga.
Recital en el Palau
Tras su debut malagueño, David Alegret regresará al Palau de la Música Catalana para ofrecer un recital junto al pianista Rubén Fernández Aguirre y la actriz Silvia Bel. A lo largo de su carrera, Alegret ha sido un reconocido defensor de la canción y poesía catalanas y un buen ejemplo de ello es el programa Cant espiritual, 125º aniversario del nacimiento de Ricard Lamote de Grignon, un proyecto que surge como un doble homenaje al compositor catalán, de quien en 2024 se conmemoran 125 años de su nacimiento, y a una figura literaria tan importante como es la de Joan Salvat-Papasseit, en el centenario de su fallecimiento. “Todo empezó con un hallazgo maravilloso que hice en la Biblioteca de Catalunya: una canción larga de Lamote de Grignon con texto de Salvat-Passapeit titulada Tot l’enyor de demà; fue una excusa que nos permitió diseñar el programa y centrarnos en canciones del compositor sobre poemas de Carner o de Segarra y en otras que ya presentamos en el Teatro de La Zarzuela, incluyendo el ciclo Siete cancioncillas en estilo popular, con textos anónimos de los siglos XV y XVI”. El homenaje en el Palau se hará extensivo al padre de Ricard Lamote de Grignon, el también compositor Joan Lamote de Grignon, “un gran músico y director, de quien interpretaremos tres de las 12 canciones de su ciclo Les violetes. Todo ello junto a Silvia Bel, que hará una lectura de los poemas. Incluiremos también un estreno, ya que siempre me ha interesado la nueva creación; se trata de un ciclo de tres canciones titulado La gesta dels estels con textos de Salvat-Papasseit que ha musicado Miquel Ortega”.
En lo que queda de temporada, entre otros compromisos, David Alegret interpretará Die Fledermaus de J. Strauss con la Orquesta de la RTVE; participará en el concierto homenaje a Victoria de los Angeles en el Teatro de La Zarzuela de Madrid; brindará un recital con la pianista Maria Canyigueral en Barcelona con obras de Toldrà y estrenos de canciones de Benet Casablancas y Salvador Brotons; y un recital homenaje a Ricard Lamote de Grignon con el pianista Daniel Blanc en Figueres y Barcelona.
La soprano Sabina Puértolas, reconocida por su intensidad dramática y su voz excepcional, se enfrenta al desafiante papel de Gilda en la ópera Rigoletto de Verdi. Esta nueva producción, contemporánea y audaz, de Miguel del Arco para la ABAO tiene un enfoque moderno y crítico que promete una reinterpretación de este clásico, con escenografías de Sven Jonke y vestuario de Ana Garay.
‘Rigoletto’, una de las obras más emblemáticas de Verdi, está basada en ‘Le roi s’amuse’ de Victor Hugo. Una obra que se adentra en el complejo mundo de un bufón que vive sumergido entre la belleza y la perversión de su entorno, mientras lucha por proteger a su hija Gilda. Esta historia, llena de pasión, engaño, amor paternofilial y venganza sigue siendo una de las favoritas del público.
Sabina Puértolas, conocida por ser una “soprano de raza” por sus impactantes interpretaciones, compartirá escenario con el barítono Amartuvshin Enkbat quien debutará en el papel del bufón Rigoletto y el tenor Ismael Jordi, en el rol del Duca di Mantua. La dirección musical estará a cargo del maestro Daniel Oren, quien liderará a la Bilbao Orkestra Sinfonikoa.
La dirección de escena de Miguel del Arco propone una visión impactante, contemporánea y expresionista de la ópera, destacando la naturaleza humana en sus
formas más crudas y reales. Esta producción de Rigoletto se centra en el cortejo y secuestro de Gilda (Sabina Puértolas), hija del protagonista, para explorar la indefensión que puede sentir una mujer frente a un grupo de hombres. La obra aborda también temas contemporáneos como el papel de la masculinidad en la sociedad actual.
Sabina Puértolas, cuya carrera ha estado marcada por interpretaciones memorables en algunos de los escenarios más prestigiosos del mundo, dotará al papel de Gilda de un matiz especial con la interpretación conmovedora y apasionada que le caracteriza. La soprano se convertirá en el eje central de esta producción explorando el complejo y delicado papel de Gilda.
Sabina Puértolas Sabina Puértolas es una de las sopranos españolas más internacionales, reconocida por su talento y entrega para unir perfección técnica e intensidad interpretativa y ponerlas al servicio de los grandes papeles del bel canto, la ópera barroca y el repertorio de zarzuela.
Ha actuado en teatros como la Royal Opera House de Londres, el Carnegie Hall de Nueva York, el Real de Madrid, el Liceo de Barcelona, el Teatro Municipal de Santiago de Chile o la Ópera de Seattle.
Ha interpretado roles como Manon, Gilda (Rigoletto), Marie (La fille du régiment), Adina (L’elisir d’amore), Partenope y Rodelinda, Poppea (L’incoronazione di Poppea), Amina (La sonnambula) o Susanna (Le nozze di Figaro), entre otros.
Fotografía Sabina Puértolas: Nano Cañas
El barítono alemán Matthias Goerne regresa junto al pianista Alexander Schmalcz al Ciclo de Lied delCentro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela para ofrecer un programa monográfico de canciones de Franz Schubert, figura clave del Romanticismo. En el recital, Goerne hará un recorrido por algunas de las canciones más famosas del compositor, entre las que se encuentran exquisitas obras maestras como Der Wanderer, Der Jüngling und der Tod, Grenzen der Menschheit, Der Winterabend o Der liebliche Stern. El concierto tendrá lugar el lunes 5 de febrero a las 20h00 en el Teatro de la Zarzuela.
Considerado uno de los cantantes más versátiles y demandados a nivel internacional, Matthias Goerne goza de una consolidada carrera tanto en el ámbito del lied como en la ópera, y ha actuado en prestigiosos teatros como la Metropolitan Opera House de Nueva York, la Ópera Nacional de París o la Ópera Estatal de Viena. Con hasta cuatro nominaciones a los Grammy, el intérprete ha colaborado con las orquestas, los directores y los pianistas más importantes del mundo. En esta ocasión, une fuerzas con Alexander Schmalcz, con quien ha orquestado obras de Schubert, para sumergirse en un programa que refleja todo el universo musical del que está considerado el maestro indiscutible del lied.
El recital se abrirá con Der Wanderer, D 489 (El caminante), una de las piezas de Schubert más conocidas. La obra revela su estilo más personal y despliega una gran complejidad de ideas musicales, tomando como tema central los sentimientos de un personaje que vaga de un lugar a otro porque no encuentra su lugar en el mundo. Por su parte, también destaca la reflexiva Der Jüngling und der Tod, D 545 (El joven y la muerte), en la cual el protagonista busca la liberación a través de un encuentro con la muerte; mientras que en Grenzen der Menschheit, D 716 (Límites de la humanidad) se nos ofrece un viaje por los cuatro elementos: fuego, aire, tierra y agua. Otra joya musical en la que Goerne se adentrará, entre otras, es la serena y misteriosa Der Winterabend, D 938 (La tarde de invierno). El broche de oro lo pondrá Der liebliche Stern, D 861 (La dulce estrella), bellísima canción que invita a reflexionar sobre los misterios del mundo y de la vida.
Sobre Matthias Goerne
Matthias Goerne es uno de los cantantes más versátiles y solicitados internacionalmente y un invitado frecuente en festivales y salas de conciertos de renombre. Ha colaborado con las orquestas, los directores y los pianistas más importantes. Nacido en Weimar, estudió con Hans-Joachim Beyer en Leipzig y, más tarde, con Elisabeth Schwarzkopf y Dietrich Fischer-Dieskau. El barítono ha cantado en los más célebres teatros de ópera del mundo, como la Metropolitan Opera House de Nueva York, la Royal Opera House Covent Garden de Londres, el Teatro Real de Madrid, la Ópera Nacional de París y la Ópera Estatal de Viena. Sus papeles van desde Wolfram (Tannhäuser), Amfortas (Parsifal), Marke (Tristan und Isolde), Wotan (Der Ring des Nibelungen), Orestes (Elektra) y Jochanaan (Salome) hasta los principales protagonistas en El castillo de Barba Azul (A Kékszakállú Herceg Vára) de Béla Bartók y Wozzeck de Alban Berg. El arte de Goerne ha sido documentado en numerosas grabaciones, muchas de las cuales han recibido prestigiosos premios, entre ellos, cuatro nominaciones a los Grammy, el Premio ICMA, el Premio Gramophone, el BBC Music Magazine Vocal Award 2017 y un Diapason d’Or. Después de sus legendarios registros con Vladimir Ashkenazy y Alfred Brendel para Universal Music, publicó una serie de canciones de Schubert seleccionadas en doce álbumes para Harmonia Mundi (The Goerne Schubert edition) con eminentes pianistas. Sus últimos títulos con Christoph Eschenbach (Brahms), Markus Hinterhäuser (Schumann), la BBC Symphony (Mahler) y la Swedish Radio Symphon (Wagner) han recibido críticas muy favorables. El intérprete ha sido uno de los artistas más activos del circuito internacional durante el periodo de la pandemia con conciertos en festivales y ciclos en los escenarios más destacados de Austria, Polonia, Rusia, Francia, Alemania, España, Suiza, Italia y Finlandia. Matthias Goerne ha participado, con el presente, en veintidós recitales del Ciclo de Lied: V (98-99), VI (99-00), VII (00-01), VIII (01-02), IX (02-03), X (dos recitales, 03-04), XII (05-06), XIII (06-07), XIV (07-08), XV (08-09), XVI (09-10), XVII (10-11), XIX (12-13), XXI (14-15), XXIII (16-17), XXIV (tres recitales,17-18), XXVI (19-20), XXVIII (21-22), XXX (23-24).
Sobre Alexander Schmalcz
Desde el principio, el pianista Alexander Schmalcz ha trabajado con cantantes legendarios como Edita Gruberova, Grace Bumbry, Anna Tomowa-Sintow, Peter Schreier y Matthias Goerne. Asimismo, se presenta regularmente en prestigiosas salas de concierto, como el Teatro alla Scala de Milán, la Ópera Estatal de Viena, el Théâtre du Châtelet, el Concertgebouw de Ámsterdam, la Gewandhaus de Leipzig, el Seoul Arts Center y el Tokyo Opera City Hall, y en festivales de todo el mundo como el Festival de Salzburgo, el Festival Tanglewood y el Festival Primavera de Praga. Por encargo del barítono Matthias Goerne, el pianista orquestó las obras de Schubert. Su repertorio completo está registrado en numerosos álbumes. Schmalcz recibió sus primeras lecciones de piano como corista en el Dresden Kreuzchor. Se formó en la Musikhochschule Dresden y en el Conservatorio de Utrecht antes de realizar sus estudios en la Escuela de Música y Drama Guildhall con Iain Burnside y Graham Johnson. Es, además, profesor titular de Interpretación en la Musikhochschule de Leipzig y ofrece clases magistrales a nivel internacional. Alexander Schmalcz ha participado, con el presente, en seis recitales del Ciclo de Lied: XVI (09-10), XIX (12-13), XXI (14-15), XXIII (16-17), XXVI (19-20), XXX (23-24).
El próximo 8 de febrero, el ciclo Liceo de Cámara XXI del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) acogerá el estreno absoluto de la nueva obra para cuarteto de cuerda de la reconocida compositora y directora de orquesta griega Konstantia Gourzi. Galardonada con el prestigioso premio Opus Klassik 2023 a la “Mejor compositora del año”, Konstantia Gourzi ha compuesto su Cuarteto de cuerda nº 4 Still flying, op. 105, por encargo del CNDM y el Cuarteto Quiroga, que será quien interprete esta première mundial en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Madrid. El programa del concierto incluirá también obras de Mozart y Schubert.
“Still flying es una obra inspirada en un dibujo del mismo título de mi hermano Yannis Gourzis, con un ángel que vuela sobre las ruinas de la guerra, pero transmite esperanza. Se trata de una composición estructurada en ocho miniaturas, que se tocan una detrás de otra, sin interrupción”, señala Gourzi, cuya música ya ha sonado en varias ocasiones en nuestro país de la mano del Plural Ensemble y Fabián Panisello, el pianista Ricardo Descalzo y el conjunto vocal Schola Antiqua de Juan Carlos Asensio, para quien compuso en 2014, por encargo de Patrimonio Nacional, una obra inspirada en el famoso manuscrito del Monasterio de Las Huelgas.
Con un extenso catálogo que incluye composiciones para orquesta, ensemble de cámara, teatro musical, film music y piezas a solo, Konstantia Gourzi ha realizado obras para instituciones y festivales de prestigio internacional como La Biennale di Venezia, el Festival de Lucerna, el Festival de Grafenegg, el Molyvos International Music Festival, el ARD-Musikwettbewerb, la Staatsoper de Berlín o la Bayerische Staatsoper de Munich, entre otros. Además, muchas de sus obras han sido estrenadas por solistas tan destacados como Simon Höfele, Anastasia Kobekina, François Leleux, Nils Mönkemeyer, Julian Prégardien y William Youn, entre otros, orquestas sinfónicas de renombre como la BBC, la Bamberger Symphoniker o la Tonkünstler-Orchestra, y ensembles como el Corund, el Meitar Ensemble o los Munich Opera Horns.
Considerada como una de las compositoras más destacadas de la actualidad y con más de treinta años de actividad en la escena musical contemporánea, Konstantia Gourzi ha fundado y dirigido diferentes Ensembles (attacca berlin, el ensemble echo, el ensemble oktopus y el ensemble & network opus21musikplus), además de desarrollar una intensa actividad docente como Professorin en la Hochschule für Musik und Theater de Munich desde 2002. Sus próximos proyectos incluyen estrenos con la flautista Dorothee Oberlinger, el Bach Choir Salzburg y la NDR Elbphilharmonie Orchester en el Festival Mecklenburg-Vorpommern, así como dos nuevas grabaciones discográficas, que se suman a una larga lista de discos editados por sellos como Sony Classical, NEOS, ECM y Genuin.
El gran pianista romano Enrico Pieranunzi rinde homenaje a uno de los artistas jazzísticos más icónicos de todos los tiempos, el compositor y pianista George Gershwin, en un concierto del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en colaboración con el Istituto Italiano di Cultura. Se trata de la presentación de su proyecto Play Gershwin, en el cual ofrece su visión personal de algunas de las obras más famosas del músico norteamericano, que destacó por su capacidad para trascender géneros y navegar con habilidad tanto en el jazz como en la música clásica. Este programa de confluencias musicales se enmarca precisamente en el ciclo Fronteras del CNDM. La cita tendrá lugar el viernes 9 de febrero, a las 19:30 horas, en el ciclo Fronteras del CNDM, en la sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música de Madrid.
Escrita en 1924 para orquesta y piano, la obra Rhapsody in blue de George Gershwin, artista que ya por entonces gozaba de gran fama como intérprete y compositor, supuso toda una revolución del género al combinar música clásica con efectos de influencia jazzística. La partitura se estrenó el mismo año en el Aeolian Hall de Nueva York, en un concierto titulado Un experimento en música moderna (An Experiment in Modern Music), dirigido por Paul Whiteman, su banda y el propio Gershwin al piano. Pese a que despertó cierta polémica por sus elementos innovadores, en poco tiempo se convirtió en una de las composiciones más populares de la época y su glissando inicial sigue siendo, a día de hoy, uno de los más famosos de la historia de la música.
Pieranunzi parte de esta extraordinaria composición para adaptar la orquestación a formato de trío. Junto al violinista Gabriele Pieranunzi y el clarinetista Gabriele Mirabassi, dará vida a esta obra maestra, junto a otras conocidas obras de Gershwin, como algunos preludios para piano u otras piezas tan célebres como An American in Paris. Esta última fue compuesta en 1928, tras el paso del compositor por París, y contiene elementos muy innovadores como el uso del claxon o la combinación de ritmos sinfónicos y del swing o el blues.
Sobre Enrico Pieranunzi
Nació en Roma en 1949 y desde hace muchos años es uno de los pianistas más apreciados de la escena del jazz internacional. Pianista, compositor, arreglista, Pieranunzi ha grabado más de 80 álbumes bajo su propio nombre, que van desde piano solo a trio, desde dúo a quinteto, colaborando en vivo o en estudio con artistas del calibre de Chet Baker, Lee Konitz, Paul Motian, Charlie Haden, Chris Potter, Marc Johnson e Joey Baron. Pieranunzi ha ganado tres veces (en 1989, 2003, 2008) el premio al «Artista del Año» de la revista «Musica Jazz» y ganó el premio “El mejor músico europeo” en 1997. Ha tocado en todo el mundo y en los más importantes festivales internacionales, de Montreal a Copenhague, de Berlín y Madrid a Tokio, Río de Janeiro y Pekín. Se presenta regularmente en los clubes más importantes de Nueva York, especialmente en el Village Vanguard, donde en julio de 2010 grabó con Marc Johnson y Paul Motian el álbum Live at the Village Vanguard. Pieranunzi ha compuesto más de 300 piezas, algunas de las cuales ya son conocidos en todo el mundo y se reproducen y graban por otros músicos.
La rosa del azafrán Zarzuela en dos actos y seis cuadros Música de Jacinto Guerrero y libreto de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw, inspirado en El perro del hortelano, de Lope de Vega D. musical: José María Moreno D. escena: Ignacio García Escenografía: Nicolás Boni Vestuario: Rosa García Andujar Iluminación: Albert Faura Coreografía: Sara Cano Reparto: Yolanda Auyanet, Juan José Rodríguez, Carolina Moncada, Ángel Ruiz, Vicky Peña, Juan Carlos Talavera, Mario Gas, Pep Molina, Emilio Gavira, Chema León, Elena Aranoa y Javier Alonso 23 años después de la última representación sobre este escenario, regresa al Teatro de la Zarzuela La rosa del azafrán, la obra de Jacinto Guerrero que es uno de los mejores ejemplos de música popular. Una obra que describe magistralmente la estética y las costumbres de la España de hace un siglo, pero que es siempre reconocida y celebrada por el público, gracias a su estilo popular y castizo.El libreto, de los prolíficos Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw, está basado en El perro del hortelano, de Lope de Vega. Autor que esta temporada tiene gran protagonismo en el Teatro de la Zarzuela, pues se inició con El caballero de Olmedo, y terminará con Doña Francisquita. Ambas del autor madrileño. El género de la zarzuela suele estar ligado a las gentes y el folclore de alguna de las regiones de nuestro país. En esta ocasión es La Mancha, sus tierras, costumbres y gentes, las que protagonizan La rosa del azafrán. En ella se hacen guiños a la obra más universal transcurrida en esta tierra, El Quijote, y a no pocos argumentos de esta obra. Planteando situaciones entre sus protagonistas que, a pesar del paso de tiempo, son comunes a todas las generaciones. Pues el amor, los celos, la amistad o los conflictos de clase, son siempre actuales.Y llegamos a esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela, con una extraordinaria dirección musical del José María Moreno, que extrae de la partitura todo su caudal teatral y lo transforma en musicalidad. Una orquestación llena de detalles que contribuyen en la descripción de lugares y personajes.La dirección de escena, a cargo de Ignacio García enmarca con acierto y plasticidad cada uno de los números musicales. Son magistrales los elementos que introduce para “actualizar” la obra. Como la aparición de una cantante de música popular, Elena Aranoa, que acompaña algunos momentos entonando fragmentos de la propia obra, y la inclusión de algunos números de baile. Está hecho con una elegancia y sentido del ritmo y la teatralidad, que redondea la producción. Esperamos que Ignacio García, junto a Nicolás Boni y Sara Cano, creen escuela y no se repitan algunos excesos que hemos visto en alguna que otra ocasión.Muy bien reflejados los campos manchegos, las callejuelas de sus localidades y las gentes. Las escenas costumbristas y divertidas protagonizadas por los roles secundarios y los actores.A este acierto escénico ha contribuido la iluminación de Albert Faura y el vestuario de Rosa García Andújar.El cuadro de cantantes a estado encabezado por Yolanda Auyanet, que ha interpretado a Sagrario, la caprichosa protagonista prefiere quedarse soltera antes de confesar su amor por u hombre que no es de su clase. Un rol complicado el de Sagrario, pero que no encuentra dificultad en una Auyanet que demuestra sus cualidades vocales, sobre todo en la romanza del segundo acto No me duele que se vaya, muy aplaudido por el público.Juan José Rodríguez se ocupó de dar vida al otro protagonista, Juan Pedro, el labrador del que se enamora Sagrario. Llena siempre a sus personajes con un halo de dignidad y honestidad que, junto con las cualidades de su voz baritonal, enriquece las obras y entusiasma al público. Quedó demostrado en el largo aplauso, al borde del bis, tras interpretar Canción del segador, de manera magistral.Hay que destacar la interpretación que del personaje de Catalina hace la soprano Carolina Moncada. Muy bien en la parte vocal, que demostró sobre todo en el Coro de las espigadoras, pero también brilló en la interpretación, dotando de personalidad local a su personaje. Fue una de las triunfadoras de la noche.El tenor Ángel Ruiz, tan excepcional actor como cantante, se encargó de dar vida a Moniquito, el personaje más atrabiliario y que en sus manos cobra gran importancia en la obra.El resto de comprimarios estuvo a la altura del elenco principal, Juan Carlos Talavera, en el rol de Carracuca, Pep Molina, como Miguel, Emilio Gavira, como Micael, Chema León, que interpretó al mendigo Julián y Javier Alonso, un pastor.La obra se completó con un impresionante reparto de actores, con Mario Gas, interpretando a Don Generoso, Vicky Peña, como Custodia, Pep Molina, como Miguel o Emilio Gavira, en el papel de Micael.Una excelente producción de esta Rosa del azafrán para empezar un año lleno de reconocimientos al género de la Zarzuela.Texto: Paloma Sanz Fotografías: Elena del Real/Javier del Real
Coincidiendo con su participación en ‘La rosa del azafrán’, que en estos días vive el éxito de las grandes noches, el barítono Juan Jesús Rodríguez volverá mañana martes 30 de enero (20h00) como concertista al escenario del Teatro de la Zarzuela para mostrarnos una de sus facetas más desconocidas: la flamenca.
Aplaudido en los grandes teatros del mundo y considerado desde hace años como uno de los más completos barítonos verdianos, en este concierto que presenta bajo el título de ‘El pueblo tiene un cantar’ , y que sorprenderá a propios y extraños, hará gala de la versatilidad de su poderosa voz, cambiando de forma sorprendente la lírica por el cante popular que siempre le ha acompañado.
Arropado por tres grandes del género como son el guitarrista José Luis de la Paz, el pianista Manuel Burgueras y el percusionista José Ruiz Bandolero, entre fandangos, peteneras, colombianas, seguiriyas o tangos argentinos, compartirá con el público sus raíces más profundas transmitiendo desde el corazón el cantar universal del pueblo .
Este ciclo, compuesto por cuatro conciertos de cámara, cuyos programas están elaborados tomando como referencia los títulos de la Temporada del Teatro Real, está destinado a los Amigos Jóvenes del Teatro Real y los Amigos Jóvenes de la Escuela Reina Sofía -con acceso gratuito a todas las sesiones- y tiene como principal objetivo ofrecer una oportunidad profesional a jóvenes promesas del mundo de la música.
Las sesiones tendrán lugar los días 30 de enero y 11 de junio en la Sala Gayarre del Teatro Real y los días 11 de marzo y 22 de abril en el Auditorio Sony de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, siempre a las 20.00 horas.
El protagonista del primer concierto será el compositor Henry Purcel (1659-1695) tomando como referencia la representación de su ópera Dido & Aeneas en el Teatro Real, una de las obras de su tiempo más interpretadas en nuestros días, apoyada en el sensible retrato de su protagonista femenina —capaz de reducir a su antagonista a la condición de antihéroe— y a la inmediatez, concisión y belleza de su partitura. Con este punto de partida, los alumnos de la Escuela Reina Sofía Margherita Brodski (flauta), Sara Zeneli (violín), María Ramos (violín), Mario Carpintero (viola), Guillem Gràcia (violonchelo), Alessandro Spada (contrabajo) y Nicolás Margarit (clave) interpretaran obras del propio Purcell, Locke, Blow y Corelli. Consultar programa completo en este enlace.
Las próximas citas serán:
Lunes 11 de marzo a las 20.00h
Concierto 2: La Pasajera, de Mieczysław Weinberg (1919-1996) Auditorio Sony de la ESMRS
Lunes 22 de abril a las 20.00 h Concierto 3: Los maestros cantores de Núremberg, de Richard Wagner (1813-1883)
Lugar: Auditorio Sony de la ESMRS
Martes 11 de junio a las 20.00 h Concierto 4: Madama Butterfly, de Giacomo Puccini (1858-1924) Lugar: Sala Gayarre del Teatro Real
Una de las voces líricas más relevantes y aplaudidas del panorama actual, Christian Gerhaher, regresa al consolidado ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela para hacer un recorrido por algunas de las canciones más bellas de grandes compositores europeos. Partituras de Gabriel Fauré, Piotr Ilich Chaikovski, Pavel Haas y Hector Berlioz estarán presentes en un programa que el barítono alemán interpretará junto al virtuoso pianista Gerold Huber, otra gran figura de la música alemana, y quien suele ser su acompañante habitual. El recital tendrá lugar el lunes 29 de enero, a las 20:00 horas, en el Teatro de la Zarzuela.
La propuesta que Christian Gerhaher ha elegido para la ocasión abarca desde el Moscú de Chaikovski hasta el París de Fauré y Berlioz, pasando por la Polonia de Chopin o la Moravia de Haas. En esencia, propone un viaje musical por la Europa del Romanticismo que cruza de este a oeste. Un itinerario lleno de contrastes, con canciones intimistas y que miran hacia el pasado, y otras joyas musicales vibrantes que se abren a la alegría y a las grandes pasiones. Gerhaher, que se ha dedicado al lied durante más de treinta años, con conciertos y grabaciones que han obtenido importantes premios internacionales, tendrá que moverse con habilidad en estos territorios emocionales tan diversos.
El programa se abrirá con Gabriel Fauré, uno de los compositores más influyentes en la creación sonora francesa del cambio de siglo. Las siete piezas elegidas reflejan el cambio estilístico de un compositor que pasó de la alegría de los primeros años, a unas composiciones mucho más introspectivas en su madurez, cuando comenzó a padecer sordera. El público podrá apreciar la amable y primaveral Le papillon et la fleur, o sumergirse en sentimientos de añoranza y la pasión por la naturaleza de À Clymène. En esta primera parte del recital, también estarán presentes canciones intercaladas de Piotr Ilich Chaikovski con interludios pianísticos del gran Frédéric Chopin. Este pequeño homenaje a Chaikovski comenzará con De nuevo, como antes, su última canción, y culminará con Ni una palabra, oh, amigo mío, una obra de intenso dramatismo y claros aires operísticos.
La segunda parte del recital comenzará con las Cuatro canciones sobre poesía china de Pavel Haas, compuestas en 1944 en el campo de concentración de Terezín, poco antes de que su autor muriese en Auschwitz, tras vivir los horrores de la guerra. Son canciones en las que se mezclan estados de ánimo que van del dolor y la tristeza a la ilusión y la esperanza. De hecho, el ciclo termina con Noche de insomnio, cuya música invita a la alegría y nada parecía prever el trágico final de su compositor. Tras la Balada nº 4 en fa menor de Chopin, este viaje musical concluirá con el famoso libro Les nuits d’été de Hector Berlioz, un conjunto de piezas sobre la eternidad del amor entre las que se incluye la bellísima Le spectre de la rose, el broche de oro a esta velada musical.
El conocido contratenor italiano Carlo Vistoli, que acaba de cantar el rol que da título a la ópera Giulio Cesare in Egitto de Händel en la Opéra de Monte-Carlo junto a Cecilia Bartoli (Cleopatra) y Sara Mingardo (Cornelia), volverá a protagonizar otro título haendeliano el próximo mes de febrero en su regreso a los escenarios españoles. Vistoli cantará el rol principal de Rinaldo en la versión en concierto de la conocida ópera de Händel, que se podrá ver el 4 de febrero en el Auditorio Nacional de Madrid (Universo Barroco del CNDM) y el 6 de febrero en el Palau de la Música Catalana de Barcelona, bajo la dirección de Thibault Noally al frente de Les Accents; el cast incluirá también a la soprano Emoke Baráth (Armida), la mezzosoprano Lucile Richardot (Goffredo) y la soprano Chiara Skerath (Almirena), entre otros.
Carlo Vistoli, que está considerado como uno de los más destacados intérpretes de Händel del circuito actual, cantará por primera vez el rol de Rinaldo pensado para Nicolò Grimaldi, conocido como Nicolino: “Estoy feliz de poder debutar finalmente la parte de Rinaldo, después de haber dedicado un CD monográfico a Nicolino en el que están presentes algunas de las arias más famosas de la ópera, y de poder hacerlo junto a Thibault Noally y su maravilloso ensemble Les Accents, con el que he colaborado mucho en los últimos años. La parte de Rinaldo, con sus numerosas arias tripartitas que dejaban espacio al virtuosismo del intérprete, representa el fruto más maduro de la estética primo-settecentesca”, señala Vistoli, que ya ha cantado con gran éxito los roles haendelianos de Giulio Cesare, Tolomeo, Disinganno (Il Trionfo del Tempo e del Disinganno), Ruggiero (Alcina), Athamas (Semele), Lotario, Polinesso (Ariodante) y Narciso (Agrippina).
En el mes de marzo, Carlo Vistoli tendrá otra importante cita en nuestro país, porque no solo hará su debut en el valenciano Palau de Les Arts, sino que cantará por primera vez una producción escénica en España. El contratenor italiano será Orfeo en Orfeo ed Euridice de Gluck los días 3, 5, 7 y 9 de marzo, con el tándem Gianluca Capuano/Robert Carsen. “La parte de Orfeo está pensada para Antonio Guadagni, otro primo uomo y gran divo de la época, y con esta ópera, Gluck se desvía enormemente de la tradición precedente remodulando completamente la dramaturgia y la vocalità de la ópera italiana e inaugurando así la conocida reforma del melodramma”, concluye Vistoli, que ya protagonizó el rol de Orfeo en el estreno de esta misma producción de Carsen en el Teatro dell’Opera di Roma.
Carlo Vistoli, que fue Ambassador del Early Music Day (REMA) en 2022, ha trabajado con grandes figuras de la dirección musical como William Christie, Gianluca Capuano, Andrea Marcon, Emmanuelle Haïm, John Eliot Gardiner, Giovanni Antonini, René Jacobs o Marc Minkowski, entre otros. Además, ha colaborado con Regisseurs tan reconocidos como Damiano Michieletto, Robert Carsen, Barrie Kosky, David Alden y Davide Livermore. Sus próximos compromisos incluyen importantes debuts en la Wiener Staatsoper, la Ópera de San Francisco y el Teatro alla Scala.
Riccardo Frizza, uno de los directores más importantes de la actualidad, continúa reforzando el vínculo con el Gran Teatre del Liceu, sus cuerpos estables y su público, esta vez de la mano de Giuseppe Verdi y su ópera Un ballo in maschera, título al que debutó en la Opéra de Montpellier hace dos décadas. El maestro de Brescia, que tiene una sólida y larga relación con los teatros españoles como el Teatro Real, la temporada de Abao Bilbao Opera o el mismo Liceu, se muestra entusiasmado ante esta nueva lectura de la “enigmática obra maestra de Verdi”, afirma; “el teatro musical y yo mismo hemos cambiado mucho en los últimos años, así que siento que esta será algo así como mi primera vez ante Un ballo in maschera, ya que ahora la afronto desde otra perspectiva tras la experiencia y madurez ganada en estos años. Es una ópera bellísima, pero al mismo tiempo muy complicada y dramatúrgicamente se mueve en ese milagroso equilibrio entre la comedia y la tragedia, tejida de conspiraciones, enredos, romances y supersticiones, pero también con aspectos mágicos y atmósferas de cementerio, para rematar todo con los colores brillantes de un baile de máscaras, espléndido pero fatal”. Para el director, “Verdi tenía razón” al oponerse a los vetos de los censores de la época del estreno, “contrarios a la primera versión de la ópera, ambientada en la corte sueca y que debería haberse estrenado en 1857 en el Teatro San Carlo de Nápoles. La obra finalmente se presentó –continúa Frizza– en el Teatro Apollo de Roma en 1859, pero trasladando la historia al Boston colonial y cambiando los nombres de los personajes (el rey Gustavo III pasa a ser el conde Riccardo) para contentar a los censores pontificios. La transposición, en general, no cambió mucho para Verdi, quien logró mantener el título que aclaraba y resumía el argumento y que, más allá del personaje de Gustavo III, era precisamente el que apareció en la fuente original de Scribe, Le Bal masqué”.
En el Liceu la obra subirá a escena del 9 al 20 de febrero –tras el preestreno Under 35 para jóvenes del 7 de febrero– en el montaje “visionario” de Graham Vick, “llevado a cabo por Jacopo Spirei sobre las ideas del director de escena en el Regio de Parma en 2021, estrenada tres meses después de la muerte de Vick”, continúa Frizza. “Se trata de un espectáculo en el que nada es lo que parece y que revela nuestras debilidades y fragilidades. La música de Verdi es una inspiración, un pegamento y un bálsamo. Con la Simfònica y el Coro del Liceu y un doble elenco formidable encabezado por Freddie De Tommaso y Anna Pirozzi y Arturo Chacón-Cruz y Saioa Hernández, estamos haciendo un trabajo de exploración apasionante de una partitura que siempre ha encantado en escenarios de todo el mundo”, concluye el maestro.
Tras este compromiso, el director musical del Festival Donizetti de Bérgamo y de la Orquesta y Coro de la Radio Húngara en Budapest, inicia en marzo una gira de conciertos sinfónicos que lo llevarán a Austria (con conciertos junto a la Tonkünstler-Orchester Niederösterreich en el Musikverein vienés y en el Festspielhaus en St. Pölten y un programa que incluye obras de Glinka, Shostakovich y Martucci) al País Vasco (con la Euskadiko Orkestra y obras de Rachmaninov y Strauss) y a Budapest (con la Sinfónica de la Radio de Hungría y la Octava Sinfonía de Mahler) para, más tarde, dirigir Le Villi, de Puccini, en el Teatro Regio de Turín y Maria Stuarda en su regreso al Teatro San Carlo de Nápoles.
Una de las obras sacras más famosas de todos los tiempos, las conocidas Vísperas de Claudio Monteverdi, llegan al Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) de la mano de Cappella Mediterranea, el célebre conjunto del director, clavecinista y compositor argentino Leonardo García Alarcón. Junto al Coro de Cámara de Namur y la presencia de destacadas voces especializadas, la agrupación dará vida a una de las obras religiosas más brillantes de la historia, cuyo título original es Vespro della beata Vergine, SV 206 (1610). El concierto tendrá lugar el domingo 28 de enero, a las 19:00 horas, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música.
Considerada una joya sacra que aúna todas las técnicas y estilos compositivos de su pasado y de su tiempo, las Vísperas de Monteverdi están cargadas de una gran belleza y envergadura musical. Fueron impresas en 1610 por el veneciano Ricciardo Amadino, junto a la Misa a seis voces del mismo compositor. Sin embargo, mientras que esta última partitura sigue los modelos renacentistas y tenía planteamientos ya anticuados en ese momento, las Vísperas presentan elementos innovadores y son una muestra de la gran capacidad imaginativa de su autor, uno de los compositores más influyentes de la historia.
En este concierto, el ensemble Cappella Mediterranea abordará las catorce piezas que conforman el servicio de vísperas: un responsorio (Domine ad adiuvandum), cinco salmos (Dixit Dominus, Laudate pueri Dominum, Laetatus sum, Nisi Dominus y Lauda Ierusalem), otros conciertos sacros (Nigra sum, Pulchra es, Duo Seraphim, Audi cœlum y la Sonata sopra Sancta Maria), un himno (Ave maris stella) y dos Magnificat. Así, el público podrá sumergirse en un alarde de modernidad barroca, de originalidad y de atrevimiento. Una oportunidad única para descubrir una obra maestra de un compositor que ya por entonces gozaba de ser el más conocido y apreciado autor de música no religiosa de toda Italia.
Este concierto forma parte de la gira internacional de Cappella Mediterranea que ha incluido un concierto en la Capilla Real de Versalles o que recalará próximamente en la Fundação Calouste Gulbenkian de Lisboa.Un reparto de lujo
Cappella Mediterranea se fundó en el año 2005 y se ha convertido en uno de los principales conjuntos especializados en música renacentista y barroca del panorama actual. Con más de 45 conciertos por año, el conjunto explora, entre otros, el madrigal, el motete polifónico y la ópera. Una mezcla que da un estilo muy particular, impregnado de una rara complicidad entre el director y sus músicos. Junto al ensemble, Leonardo García Alarcón también dirigirá al Coro de Cámara de Namur, que se ha consolidado como una de las agrupaciones corales barrocas con mayor proyección a nivel internacional.
El elenco de solistas está formado por un gran reparto, con figuras como Mariana Flores (soprano), Deborah Cachet (soprano), David Sagastume Balsategui (contratenor), Valerio Contaldo (tenor), Pierre-Antoine Chaumien (tenor), Andreas Wolf (barítono) y Rafael Galaz (bajo). Juntos enfrentan la tarea de dar vida a una obra que se distingue por una música excepcional, conmovedora por su expresividad y exigente tanto en virtuosismo como en riqueza instrumental.
“Contextos Barrocos”: Una hora antes del concierto, a las 18:00h, tendrá lugar el encuentro sobre el concierto de Las Vísperas y Cappella Mediterranea en los “Contextos Barrocos” del CNDM, sesiones de cuarenta y cinco minutos, de acceso libre para el público que ha adquirido la entrada al espectáculo, que permiten profundizar en las obras del ciclo, su historia y los intérpretes.
Alcina es un cuento de hadas que nos embruja con el uso de la magia para seducir a los amantes, es una de las más bellas óperas de G. F. Händel, quizá porque el compositor confía toda la potencia lírica a la capacidad arrolladora de una historia de amor atravesada por ribetes fantásticos y a una escritura musical que embelesa por la alta potencia expresiva de su belleza melódica.
En una isla encantada, Alcina es una poderosa hechicera que emplea sus poderes mágicos para enamorar a los hombres a los que luego, cansada de ellos, convertirá en animales salvajes. Sin embargo, su inesperada entrega a un amor no correspondido, en medio de un confuso enredo sentimental lleno de episodios de celos, confusión y caos, la arrastrará a una deriva emocional que nos lleva a reflexionar sobre el uso del poder, sobre la redención y sobre la posibilidad de abrazar la empatía y el amor. Alcina es hoy una de las óperas de Händel más celebradas y programadas y ha sido cantada por voces como Renée Fleming, Natalie Dessay o Magdalena Kozená.
La soprano Jone Martínez, la mezzo Maite Beaumont, junto a Lucía Martín- Cartón, Daniela Mack, Ruth González, Juan Sancho y Riccardo Novaro, comparten un espléndido reparto de voces para el retorno de la ópera barroca escenificada al Maestranza, en una producción de la reconocida Lotte de Beer, contando en el foso con la siempre excelente Orquesta Barroca de Sevilla dirigida por un brillante especialista, Andrea Marcon.
Las entradas, cuyos precios oscilan entre los 50€ para Paraíso y los 130€ para Patio, se pueden adquirir en las taquillas o a través de la web del Teatro.
6, 8 y 10 de febrero, 2024 ALCINA de Georg Friedrich Händel (1685-1759) Dirección musical, Andrea Marcon Dirección de escena, Lotte de Beer Diseño de escenografía, Christof Hetzer Diseño de vestuario, Jorine van Beek Diseño de iluminación, Alex Brok / Vídeo, fettFilm Intérpretes, Jone Martínez, Lucía Martín-Cartón, Ruth González, Maite Beaumont, Daniela Mack, Juan Sancho, Riccardo Novaro Producción de la Deutsche Oper am Rhein Orquesta Barroca de Sevilla (Orquesta residente del Espacio Turina)
El próximo sábado, 27 de enero, se estrenará en España Rappresentatione di Anima et di Corpo, de Emilio de’ Cavalieri (1550-1602), compositor, organista, diplomático de los papas Inocencio IX y Clemente VIII, coreógrafo, bailarín y ‘superintendente’ de arte, vestuario, teatro y música de Fernando I de Médici, a quien organizaba los espectáculos y veladas lúdicas y artísticas.
Aunque Rappresentatione di Anima et di Corpo, por su temática religiosa y estructura dramática, figure como el primer oratorio de la historia de la música, no es fácil enmarcarla en la revolución del Barroco musical que alumbró la ópera, con la célebre Camerata Fiorentina y nombres como Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Claudio Monteverdi, Vincenzo Galilei o Jacopo Peri.
A caballo entre el oratorio y la ópera, Rappresentazione di Anima et di Corpo, con libreto del padre Agostino Manni -discípulo de san Felipe Neri-, es un diálogo alegórico entre el alma y el cuerpo, que proclama la renuncia a los placeres materiales y la salvación espiritual. En la trama participan también otros personajes como la Prudencia, la Conciencia, el Tiempo, el Intelecto, el Mundo, la Vida Mundana o el Ángel de la Guarda, además de un coro que refuerza el diálogo de los solistas.
Un selecto reparto del universo barroco (ver biografías en el programa adjunto) y el grupo vocal e instrumental Vox Luminis, bajo la dirección de Lionel Meunier, ofrecerán una atractiva versión semiescenificada de Rappresentazione di Anima et di Corpo, estrenada con gran éxito en el Flagey Choir Days de Bruselas, con escenografía y concepto de vídeo, de Emilie Lauwers, dirección de escena de Benoit De Leersnijder, diseño de luces de Luc Schaltin y realización de vídeo de Mario Melo Costa, acercándonos la belleza de una alegoría musical que buscaba ya su emancipación como un nuevo género lírico: la ópera.
El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM, unidad del INAEM, Ministerio de Cultura) y la Fundación Municipal de Cultura del Ayuntamiento de Oviedo promueven la undécima edición del ciclo Primavera Barroca, una de las iniciativas culturales referentes en el ámbito nacional de la interpretación musical historicista. Esta coproducción se ha presentado hoy en el Teatro Campoamor de la mano de David Álvarez, concejal de Cultura y Presidente de la Fundación Municipal de Cultura del ayuntamiento de Oviedo; Francisco Lorenzo, director del CNDM; y Cosme Marina, director artístico de la Fundación Musical Ciudad de Oviedo y coordinador del ciclo.
La nueva edición de Primavera Barroca contará con 6 conciertos en el Auditorio Príncipe Felipe del 6 de marzo al 21 de mayo de 2024. En paralelo y como parte de las actividades pedagógicas del CNDM, se celebrará un ciclo de conferencias con algunos de los artistas en colaboración con el Conservatorio Superior de Música del Principado de Asturias, el Conservatorio Profesional de Música de Oviedo y la Universidad de la ciudad.
La undécima edición tiene como hilo conductor el mestizaje como seña de identidad del Barroco. A través de grandes agrupaciones españolas y extranjeras, el público asturiano tendrá la oportunidad única de adentrarse en joyas en torno a la música de este periodo, con incursiones también en épocas anteriores. La programación de este año contará con obras de algunos de los más conocidos compositores europeos y también albergará espacio para el arte de la improvisación, un recurso muy presente en el universo barroco.
Esta programación forma parte de los “Circuitos” del CNDM, conciertos y actividades pedagógicas que se promueven a lo largo de todo el país con el objetivo de vertebrar la actividad musical de nuestro territorio. Junto con el ciclo Primavera Barroca, en Asturias también se celebra el ciclo Oviedo Jazz.
Escaparate del mejor Barroco
Armonía Concertada, agrupación formada por la soprano María Cristina Kiehr, el tenor Jonatan Alvarado y el vihuelista Ariel Abramovich, será la encargada de abrir la Primavera Barroca 2024 el miércoles 6 de marzo, con un fascinante programa homenaje a Josquin Desprez, el más famoso compositor franco-flamenco de su época. Le seguirá, el jueves 21 de marzo, el clavecinista Ignacio Prego, con un programa en torno a las suites francesas de Johann Sebastian Bach.
Con un magnífico elenco, casi enteramente español, La Ritirata, el conjunto del violonchelista Josetxu Obregón, se acercará el lunes 8 de abril a un oratorio de Alessandro Scarlatti, Il giardino di rose. Esta obra presenta algunas de las arias más bellas y virtuosas de su tiempo que, en este concierto, serán interpretadas por las sopranos Núria Rial y Alicia Amo, la mezzosoprano Luciana Mancini, el tenor Víctor Sordo y el bajo José Coca Loza. Tomará el relevo, el grupo Anacronía el jueves 25 de abril. Junto a la soprano Rita Morais, el joven ensemble presenta una amplia y renovada mirada sobre la familia Bach, con un programa que reúne obras maestras de Johann Christian Bach, Carl Philipp Emanuel Bach, Johann Sebastian Bach.
Uno de los puntos fuertes de la edición será la cita con el maestro Jordi Savall. En esta ocasión, el que está considerado como uno de nuestros músicos más internacionales acudirá junto a Xavier Díaz-Latorre (guitarra y tiorba) y Pedro Estevan (percusión) para ofrecer un programa que lleva por título «Folías y romanescas». El concierto, que tendrá lugar el miércoles 1 de mayo, estará protagonizado por improvisaciones instrumentales en torno a estas figuras rítmicas con aires de origen ibérico. La improvisación también marcará el broche de oro del ciclo, con el concierto del gran violonchelista y clavecinista Jonathan Cohen al frente de su conjunto Arcangelo. El ensemble partirá de obras de Heinrich Ignaz Franz von Biber, Arcangelo Corelli, Georg Philipp Telemann y Francesco Geminiani para interpretar una sesión abierta a las sorpresas de su espontáneo talento.
Todos los conciertos del XI Ciclo “Primavera Barroca 2024” tendrán lugar en la Sala de Cámara del Auditorio Príncipe Felipe de Oviedo a las 20:00 horas, excepto el de Jordi Savall y el de Arcangelo que se celebrarán a las 19:00 horas
Calendario de conciertos y precios
06/03/24 18:00 horas: conferencia de Ariel Abramovich 20:00 horas: concierto de Armonía Concertada 21/03/24 18:00 horas: conferencia de Ignacio Prego 20:00 horas: concierto de Ignacio Prego, clave 08/04/24 18:00 horas: conferencia de Josetxu Obregón 20:00 horas: concierto de La Ritirata & Josetxu Obregón 25/04/24 18:00 horas: conferencia de los miembros de Anacronía 20:00 horas: concierto de Anacronía 01/05/24 19:00 horas: concierto de Jordi Savall 21/05/24 19:00 horas: concierto de Arcangelo & Jonathan Cohen Conferencias Los alumnos participantes podrán asistir gratuitamente a los conciertos organizados por el CNDM en el ciclo Primavera Barroca cuyas obras hayan sido tratadas en el curso. Información e inscripciones: Conservatorio Superior de Música de Oviedo consmupa.es
Venta de abonos y localidades Abonos: desde el 24 de enero al 22 febrero (inclusive). General: 57,60€ | Localidades: desde el 24 de febrero. General: 12,00€. Consultar en taquilla descuentos y bonificaciones. Puntos de venta: taquilla del Teatro Campoamor (de 11:00h a 14:00h y de 17:00h a 20:00h), en la taquilla del Auditorio Príncipe Felipe la misma tarde de celebración de los conciertos desde las 17 horas al inicio del concierto y en entradas.oviedo.es
El próximo 29 de enero, la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional se prepara para acoger una rara avis dentro de nuestro ciclo: un concierto de música de cámara que trasciende los límites del piano, en el Ciclo de Grandes Intérpretes de la Fundación Scherzo.
Como protagonistas tendremos al excelente violinista ruso Vadim Repin, quien está considerado como uno de los sonidos más pulcros y cristalinos del instrumento de Cremona, junto al pianista Nicolai Lugansky, un intérprete visionario cuyas interpretaciones de compositores como Rachmaninov o Prokofiev son epítomes para cualquier melómano. Juntos, presentan un programa que esboza a grandes rasgos la gran sonata posromántica para violín y piano.
El programa dará comienzo con la Sonata para violín y piano en Sol menor L 140 de C. Debussy, que en palabras del compositor: «Desborda un alborozo tumultuoso». Una sonata breve, casi conclusiva, que en escasos trece minutos nos dibuja el imaginario artístico de un compositor que parecía despedirse del mundo con murmullos de nostalgia.
De las pinceladas sonoras de Debussy, Repin y Lugansky nos conducen ávidamente hacia la grandiosidad de Edvard Grieg y su Sonata para violín y piano no 3 op. 45. Frente al acuñado miniaturismo y folclorismo del compositor noruego, su Tercera Sonata destaca por la robustez de conceptos opuestos, entremezclando las danzas y el folclore con estructuras más clásicas. Toda una oda a la poética musical que cautivó desde su estreno, convirtiéndose en una de las obras más sonadas del compositor.
No podía faltar en un viaje por la sonata para violín y piano, la que es paradigma del género: la Sonata para violín y piano en La mayor de César Franck. Una sonata concebida como un regalo de nupcias entre el violinista Eugène Ysaÿe y Louise Bourdeau. La belleza de su primer movimiento, presentando un amor sinuoso y seductor, se ha convertido en una de la melodías más hipnóticas del repertorio. Su forma cíclica sumerge al oyente en sucesivas capas de mesmerismo en donde sueño y vigilia comparten la misma realidad. Con este recital, el Ciclo de Grandes Intérpretes da el pistoletazo de salida a su programación en 2024. La próxima cita será el 26 de febrero, con el que es ya el más conocido de nuestros pianistas asiduos: Grigory Sokolov.
Celso Albelo continua ampliando su repertorio, esta vez con el paradigmático rol de Rodolfo de La Bohème de Puccini. Tras casi 20 años conquistando los escenarios más importantes del mundo con los títulos más emblemáticos del bel canto romántico, desde hace un par de temporadas, y sin dejar a Donizetti o Bellini, ha ido añadiendo roles más líricos como Macduff de Macbeth de Verdi –que debutó la temporada pasada en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona–, Manrico de Il trovatore de Verdi –que en junio de 2023 le trajo grandes alegrías al incorporarlo con gran éxito de público y crítica en ABAO Bilbao Opera– o su primer Des Grieux de Manon de Massenet, con el que conquistó al público de la Ópera de Oviedo inaugurando la temporada 2023-24. Ahora es el turno de Puccini, del que en 2024 se conmemora el centenario de su fallecimiento, y de su apasionado Rodolfo de La Bohème, que cantará por primera vez en el Teatro La Fenice de Venecia los días 2, 4, 6, 8 y 10 de febrero, un escenario en el que ha triunfado en numerosas ocasiones en los últimos años, incluso haciendo historia al bisar la popular aria de “Una furtiva lagrima” de L’elisir d’amore en 2010.
El tenor español afronta este compromiso con una “gran emoción”, asegura, “sobre todo porque vuelvo a un teatro, La Fenice, en el que he vivido algunas de las noches más bonitas de mi carrera. Nuevos roles significan nuevos retos, y en un momento de madurez vocal e interpretativa como la que vivo incorporar a Rodolfo (que también cantaré en Bilbao esta temporada) es simplemente un sueño hecho realidad. Es el resultado de la evolución natural de mi voz, que me ofrece la oportunidad de afrontar un repertorio más pesado y ante una orquesta mucho más amplia. Con los años he aprendido a entender las señales que me ha ido dando mi voz y mi cuerpo y me encantó sentir esas nuevas sensaciones vividas con los títulos verdianos que he incorporado. No veo la hora de lanzarme al vuelo musical pucciniano, que durante la etapa de estudio me ha puesto la piel de gallina; es una música maravillosa que sé que me regalará grandes momentos en el futuro; todo ello sin dejar de lado el bel canto, claro, porque ahí está la esencia de todo, y seguiré interpretando algunas de esas óperas que me permiten mantener la voz sana y flexible para abordar el repertorio más lírico desde otra perspectiva”.
En La Fenice se verá una producción de Francesco Micheli con Stefano Ranzani en el podio. En la apasionante historia de los cuatro bohemios del Barrio Latino de París que sufren y gozan por amor, junto al Rodolfo de Albelo estarán la Mimì de Claudia Pavone, el Marcello de Alessio Arduini, el Schaunard de Armando Gabba, el Colline de Adolfo Corrado y la Musetta de Mariam Battistelli.
Tras el compromiso en Venecia, Celso Albelo debutará en el Festival Ljubljana con su primera Messe de Requiem de Camille Saint-Saëns, debutará el rol de Pinkerton de Madama Butterfly en el Theatro Municipal de São Paulo y regresará a ABAO Bilbao Opera con más funciones de La Bohème, de la que en la próxima temporada también le esperan otras funciones en teatros nacionales e internacionales todavía por anunciar.
El ensemble Neopercusión, una de las formaciones más consolidadas de música contemporánea en nuestro país, estrena nueve obras de compositoras españolas procedentes del Taller de Compositoras que promueve el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en el marco del Festival de Música Española Manuel de Falla 2023 de Cádiz. Las piezas, encargadas por el CNDM con el objetivo de fomentar la labor de las mujeres creadoras en el marco de su compromiso con la igualdad de género, se interpretarán en el ciclo Series 20/21 bajo la dirección del percusionista Juanjo Guillem. El concierto, coproducido con el Festival Madrid Actual, tendrá lugar el lunes 22 de enero, a las 19:30 horas, en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (entrada libre).
Fundado en 1994, Neopercusión está integrado por Rafa Gálvez, Nerea Vera y Juanjo Guillem. Bajo el título Retablo. La magia de los algoritmos, el programa que el grupo presenta hace un recorrido por piezas que reflexionan sobre “uno de los temas más controvertidos del siglo XXI, la digitalización y la globalización basadas en la inteligencia artificial con algoritmos responsables de gran parte de las decisiones políticas, económicas y sociales”, como señala Pilar Jurado, una de las compositoras del taller. Su Vértigo digital, una obra que transforma su propia voz con medios electrónicos, estará presente en el programa junto a las creaciones de Sonia Megías, Rosa Rodríguez, Carolina Cerezo, Marisa Manchado, Isabel Urrutia, Iluminada Pérez, María José Arenas y Anna Bofill.
Como parte de la actividad educativa del CNDM, el mismo lunes a las 18:00 horas tendrá lugar un encuentro abierto al público en la sala de la Biblioteca del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid con seis de las compositoras cuyas obras se estrenarán en Madrid esa misma tarde. La actividad estará moderada por el compositor Manuel Bonino.
Miradas sobre la inteligencia artificial
Este retablo musical ofrece nueve miradas sobre la inteligencia artificial a través de innovadoras propuestas musicales que mezclan instrumentos reales con música electrónica y grabaciones.
El concierto comenzará con Embrace & breathe de Sonia Megías, una obra que trata de descifrar qué nos hace diferentes a los seres humanos de las máquinas. En Ínsulaentrelazada de Rosa Rodríguez, la compositora reflexiona sobre la inteligencia artificial, mientras que en la lúdica composición Decoding C de Carolina Cerezo, su autora parte de un material compositivo creado por dicha inteligencia artificial para, posteriormente, ser manipulado por ella misma. El recorrido continuará con Saturno devorando a sus hijos de Marisa Manchado, una innovadora propuesta que parte de la metáfora del paso del tiempo.
Bajo el título Taupaka, Isabel Urrutia contrapone una percusión solista a un conjunto de sonidos instrumentales pregrabados. Este juego de realidad y mundo virtual también aparece en Whispers of destiny de Iluminada Pérez, una composición en la cual la artista se pregunta si sería capaz de crear conciencia en la IA a su imagen y semejanza. En On the tightrope de María José Arenas el foco está en los peligros que entraña la IA en relación a la privacidad de los individuos. Por su parte, Anna Bofill y su ¿Quién teme al algoritmo feroz? plantea con humor y a través de la partitura una supuesta incompatibilidad entre la IA y el ser humano.
El Teatro de la Zarzuela está a punto de vivir uno de esos momentos objetiva y unánimemente emocionantes que en ocasiones regala el universo mágico del teatro y de la música. Hacemás de 90 años se estrenóen Madridla obra cumbre de Jacinto Guerrero, ‘La rosa del azafrán’, y justo ahora se cumplen 21 desde que se representó por última vez en este escenario de la plazuela de Teresa Berganza. Esa hermosa flor de otoño a la que hace referencia el título de la obra –cuyos textos están firmados por esa pareja de autores infalibles que eran Federico Romero y Guillermo Fernández Shaw–, esa flor única «que nace al salir el sol y muere al caer la tarde», el azafrán guerreriano, ha perdurado casi un siglo sin perder ni una sola de sus propiedades. Así podrá comprobarlo y disfrutarlo el público que nuevamente abarrotará la sala en estas 14 funciones que irán desde el 25 de enero al 11 de febrero.
Benjamín G. Rosado, en las notas al programa de estas funciones, define acertadamente esta obra como «popular, castiza y universal». Y es que la obra de Guerrero es un catálogo de costumbres y testimonio de la estética de su época; el compositor no renuncia a sus frecuentes melodías populares y a su estilo “fácil” que le hizo siempre popular en los escenarios de España y en los de América.
El director musical de esta producción, José María Moreno, que estará al frente de un espléndido doble reparto, así como del Coro Titular del Teatro y de la Orquesta de la Comunidad de Madrid, comenta que para él la figura de Jacinto Guerrero y su música tienen un significado muy especial. Con los años, el maestro ha dirigido en distintas ocasiones obras de Guerrero (que conoce desde bien joven) como ‘Los gavilanes’ y ‘El huésped del Sevillano’, pero nunca la joya del género que es ‘La rosa del azafrán’; y asegura que le supone un gran placer personal regresar al Teatro de la Zarzuela «para enfrentarme en un teatro tan apreciado como este a esta obra maestra, a esta zarzuela inolvidable y repleta de números famosos y melodías encantadoras que la hacen ser una de las más queridas por los aficionados del género».
Por su parte, el director de escena, Ignacio García, reflexiona sobre las zarzuelas de la Edad Dorada que están ligadas a distintas regiones de nuestro país, «convirtiéndose en verdaderos himnos, símbolos y retratos emocionales de esos territorios», y asegura que «en esa variedad de caracteres y de manifestaciones populares de nuestra literatura, de nuestra música y de nuestra danza radica una de las mayores riquezas culturales de España». En ‘La rosa del azafrán’, tanto la partitura como el libreto «destilan la esencia de esa tierra, la nobleza de sus gentes y de su historia, y la vida de sus campos», donde hay «un hueco para la literatura clásica, con el Quijote y sus molinos, y con ‘El perro del hortelano’, sus celos irracionales y sus conflictos de clase». El montaje pretende recalcar «la dureza del trabajo en el campo —la humildad y la pobreza del mundo rural hispánico de finales del siglo XIX— y el paso de las estaciones como una forma de organizar las labores del campo, pero también como metáfora de todos los ciclos de la vida y de los complejos sentimientos que se van desarrollando en la obra».
Lope de Vega y zarzuela
Además, por segunda vez aparece el insuperable Lope de Vega, nuestro autor teatral más contemporáneo, en esta temporada lírica del Teatro de la Zarzuela: la primera fue el estreno absoluto de El caballero de Olmedo, y en el mes de junio llegará un tercer título que tiene al Fénix como coautor de su libreto, Doña Francisquita, que se suma a la lista de obras líricas basadas o inspiradas en distintos títulos del comediógrafo madrileño. Respecto a ‘La rosa del azafrán’, la obra del genio del Siglo de Oro de la que parte es ‘El perro del hortelano’, aquel que ni come ni deja comer, como le ocurre a Sagrario, interpretada por las sopranos Yolanda Auyanet y Carmen Romeu, con el bueno de Juan Pedro, ese joven forastero que llega a trabajar al pueblo, encarnado por los barítonos Juan Jesús Rodríguez y Rodrigo Esteves, y que en principio se interesa por Catalina, criada a la que da vida Carolina Moncada. Entre los diferentes personajes que van y vienen para enredar y desenmarañar la historia están el tenor-actor Ángel Ruiz, los actores-cantantes Juan Carlos Talavera y Pep Molina el actor-barítono Emilio Gavira o el actor Chema León. Mucho talento, pues, sobre las tablas.
Mención especial merecen dos grandes de la escena desde hace décadas como son la actriz y cantante Vicky Peña (recientemente galardonada con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes), en el papel de la casamentera Custodia, y el infatigable Mario Gas, maestro de maestros que en esta producción asume como actor el rol de Don Generoso, antiguo amo del pueblo que perdió las ganas y la razón desde la muerte de su hijo. Y también una alusión destacada a la cantante de música popular Elena Aranoa, garganta y corazón del pueblo con mayúsculas, que va introduciendo los diferentes cuadros de la escena con la propia y genuina raíz musical de la tierra.
En este sentido, la escenografía de Nicolás Boni, el vestuario de Rosa García Andújar, la iluminación de Albert Faura y la coreografía de Sara Cano comparten la finalidad de mostrar esa esencia, aunque estilizándola de forma teatral, sin querer ser una égloga pastoril, mostrando de forma desnuda la cruda dureza de aquella vida, pero preservando de alguna manera su marcado carácter bucólico. Se trata de «una apuesta por un folclore profundo sin folclorismos impuestos, buscando más la esencia de la obra que la decoración impuesta a veces por las postales regionalistas de otro tiempo», explica García.
Según el estudioso Manuel Franco, ‘La rosa del azafrán’ es «una de las zarzuelas de mayor enjundia, para algunos la mejor, reúne una serie de características que le son afines también a otras obras del mejor repertorio de su autor».
Fotografía: Javier del Real
La soprano francoespañola Inés Lorans y el pianista Rubén Fernández Aguirre presentarán el próximo lunes 22 de enero (20h00) en el ciclo Notas del Ambigú del Teatro de la Zarzuela ‘De Madrid a París’, un concierto que muestra la mirada musical de «lo español» desde Francia. Como ya es habitual en este ciclo desde su nacimiento en 2016, las entradas están agotadas desde hace meses.
La propuesta de Lorans y Fernández Aguirre tiene todo el sentido, ya que la música y la cultura españolas han inspirado, especialmente en el siglo XIX, a artistas de más allá de nuestras fronteras por su exotismo y sensualidad, por sus ritmos y melodías. Compositores como Massenet, Gounod, Bizet, Ravel, Delibes, Viardot o Collet, de quienes se escucharán obras “españolas” en el recital, cayeron rendidos ante el embrujo de nuestras seguidillas, boleros, habaneras o fandangos, hasta el punto de incluirlas en sus propias creaciones.
Inés Lorans Nacida de familia franco-española; inicia su formación musical en el coro profesional de la Maîtrise de Bretagne de Rennes (Francia). Obtiene su diploma de fin de estudios en Canto y Piano en el conservatorio de Rennes en 2011 antes de seguir su formación en la Guidhall School of Music and Drama de Londres, donde obteniene la Licenciatura y Máster en 2017. Desde entonces formó parte del Ópera Studio de Tenerife, donde al año siguiente interpretó el personaje de Elvira en L’italiana in Algeri de Rossini, que se representó también en el Teatro Comunale de Bolonia. Cabe destacar entre sus papeles protagonistas el de Juliette en Roméo et Juliette de Gounod, Olympia en Les contes d’Hoffmann de Offenbach, Condesa Folleville en Il viaggio a Reims de Rossini, Frasquita en Carmen de Bizet, Eurydice en Ophée aux Enfers de Offenbach, Gretel en Hänsel und Gretel de Humperdinck, Clorinda en La cenerentola de Rossini o Barbarina en Le nozze di Figaro de Mozart. También ha participado en conciertos en los que ha interpretado el Requiem de Fauré, el Messiah de Haendel, el Carmina burana de Orff, las Vespri della beata Vergine de Monteverdi, las Chichester Psalms de Bernstein, la Misa de Santa Cecilia de Gounod, así como la Gran Misa en Do, el Requiem y el Exsultate, jubilate de Mozart. En 2018 participó en el Workshop de interpretación de ópera francesa, dirigido por Paul-Emile Fourny, en el Operastudio de la Universidad de Alcalá, formándose también con Gianluigi Gelmetti. Asimismo, ha actuado en recitales en Londres (Barbican Hall, Wigmore Hall, Song in the City) y Madrid (Auditorio Nacional de Música).
También formó parte del Ensemble Pygmalion para la grabación de Mein Traum en 2020 y de Fidelio en la Opéra-Comique en 2021. Recientemente Inés Lorans ha participado en la Sinfonía nº 2 de Mendelssohn con Delyth Bressington y la Orchestra Collegium Musicum en Marbella; y ha interpretado Il birraio di Preston de Ricci en el Festival Belcanto Ritrovato y Manon de Massenet en el Festival de Tenerife. Próximamente cantará la Reina de la Noche en Die Zauberflöte de Mozart en Aviñón, Ruan y Rennes. Inés Lorans canta por primera vez en el Teatro de la Zarzuela.
La Fundación Amigos del Teatro Real participará, un año más, en la edición Tour del talento de la Fundación Princesa de Girona, una iniciativa que tiene como objetivo impulsar el desarrollo de los jóvenes a través de la formación y la creación de actividades y canales que faciliten su incorporación al mercado laboral.
El Tour del talento 2024 estará presente en cinco ciudades –Lleida, Salamanca, Cádiz, Santander y Madrid- en las que desarrollará diferentes actividades centradas en cinco grandes ejes: la empleabilidad y el emprendimiento; la salud física; la salud emocional; el propósito y el impacto social, y la sostenibilidad. En todas ellas el Teatro Real estará presente con participación de los jóvenes artistas de su programa Crescendo; el concierto inaugural tendrá lugar el martes 23 de enero en Lleida, en el Auditori Enric Granados, donde se ofrecerá un Recital Lírico gratuito en el que podrán escucharse arias de algunas de las óperas más conocidas.
Una de las principales novedades de esta edición será el Congreso Princesa de Girona – Siempre con los jóvenes, que inaugurará todas las paradas del Tour para ofrecer conferencias, actividades formativas, debates y actuaciones musicales. En cada ciudad se dará a conocer el ganador de una de las categorías de los Premios Princesa de Girona; así, en Lleida se anunciará el ganador del premio CreaEmpresa; en Salaman, el Arte; en Cádiz, el Social, y en Santander, el de Investigación. La doble categoría del Premio Internacional – CreaEmpresa e Investigación – se anunciará en Madrid, donde el evento hace parada por primera vez.
La actuación de los jóvenes artistas de Crescendo tendrá lugar en las siguientes fechas y lugares:
– Lleida: 23 de enero. Auditorio Enric Granados. Acceso gratuito.
– Salamanca: 19 de febrero. En el Palacio de Congresos y Exposiciones de Castilla y León, en colaboración con Caja Rural de Salamanca. Acceso gratuito.
– Cádiz, 18 de marzo. Recital al aire libre en la Carroza del Teatro Real (lugar por determinar).
– Santander, 22 de abril. Recital al aire libre en la Carroza del Teatro Real (lugar por determinar).
– Madrid, 6 de mayo, en la Sala Gayarre del Teatro Real. Acceso gratuito.
Más de 20.000 jóvenes asistieron a las actividades formativas del Tour del talento en su pasada edición, que ofreció más de 250 actividades en sus diferentes paradas.
Creado por la Fundación Amigos del Teatro Real, el programa Crescendo, con carácter internacional, pretende complementar la formación académica adquirida por jóvenes cantantes de todo el mundo y la creación de oportunidades reales para inicien su carrera profesional, con actuaciones en diferentes iniciativas del Teatro Real, como espectáculos del programa Real Junior en el Real Teatro de Retiro y actuaciones en carroza para toda España, muy en sintonía con el espíritu de la Fundación Princesa de Girona.
