Matthias Goerne

El martes 19 de marzo Ibermúsica celebrará un concierto único en España: Matthias Goerne y Evgeny Kissin actuarán juntos por primera vez en nuestro país en un recital muy especial en el que interpretarán una cuidada selección de romanzas, baladas y lieder de Schumann y Brahms.

Tras ofrecer dos recitales el 10 y el 13 de marzo en Bruselas y Viena, Kissin y Goerne llegarán a Madrid (Auditorio Nacional) en el marco de una gira europea de cinco conciertos que continuará en Lisboa y París.

El pianista Evgeny Kissin se presentó en España de la mano de Ibermúsica en 1988, con 16 años, y desde entonces nos ha visitado en decenas de ocasiones, siendo uno de los solistas más apreciados por el público de la capital. Esta será su primera actuación con Ibermúsica en formato de recital a dúo y supondrá la presentación en el ciclo de Madrid de Matthias Goerne, una de las figuras de lied más reconocidas a nivel internacional.

Los poemas de Heinrich Heine han sido una gran fuente de inspiración para numerosos compositores a lo largo de la historia, y Robert Schumann y Johannes Brahms no son una excepción. Ambos fueron fervientes admiradores de la poesía de Heine y establecieron una estrecha relación entre sus composiciones y los textos del poeta alemán, como son “Mein wagen rollet langsam, op. 142 no. 4” de Schumann o la selección de canciones de Brahms sobre sus poemas que disfrutaremos en este recital.

Matthias Goerne

Reconocido por todo el mundo, el barítono alemán, Matthias Goerne, es regularmente invitado a participar con las más importantes orquestas, festivales y salas de concierto.

Su maestría ha quedado documentada en numerosas grabaciones, muchas de las cuales han recibido críticas elogiosas y prestigiosos premios: cinco nominaciones a los Grammy, un premio ICMA, un premio Gramophone, el BBC Music Magazine Vocal Award 2017, Diapason d’or arte y el ECHO Klassik en la categoría Cantante del año 2017.

Nombrado Miembro Honorífico de la Royal Academy of Music de Londres, ha sido Artista Residente en el ElbPhilharmonie de Hamburo y en la Filarmónica de Nueva York. Momentos cumbre de la pasada temporada incluyen conciertos con la Royal Concertgebouw Orchestra/van Zweden, la Orchestre National de France/Mãcelaru, Boston Symphony/Pappano, Münchner Philharmoniker/Paavo Järvi, y recitales con Christoph Eschenbach, Seong-Jin Cho, Markus Hinterhäuser, Alexandre Kantorow y Daniil Trifonov.

En la temporada 2022-23 colaboró con la NDR Elbphilharmonie Orchestra y la Orchestre National de France/Orozco-Estrada, Wiener Symphoniker/Eschenbach, Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, Pittsburgh Symphony/Honeck, y estuvo de gira por Asia con la Dallas Symphony /Luisi. Interpretó el papel de Marke en Toulouse y el de Amfortas en el Liceu. Actuó en recital con Leif Ove Andsnes, Markus Hinterhäuser y Víkingur Ólafsson a París, Londres y Florencia, entre otras ciudades.

Evgeny Kissin

Nacido en Moscú en 1971, comenzó a tocar el piano de oído a los dos años. Estudió en la Escuela de Música Gnessin, con Anna Kantor, su única profesora. A los diez años, dio su primer recital y un año después debutó en Moscú. En 1984, recibió reconocimiento internacional al interpretar los Conciertos núms. 1 y 2 de Chopin, con la Filarmónica Estatal de Moscú/Kitaenko grabado en directo por Melodia.

Se presentó fuera de Rusia en 1985; realizó su primera gira por Japón en 1986. En 1987 debutó en Europa Occidental en el Festival de Berlín. En 1988, hizo una gira por Europa con los Virtuosos de Moscú/Spivakov y debutó en Londres con London Symphony/Gergiev. Ese mismo año, actuó con Karajan y la Berliner Philharmoniker en su Concierto de Año Nuevo y en el Festival de Pascua de Salzburgo. Debutó en los BBC Proms 1990 y en Estados Unidos con la Filarmónica de Nueva York/Mehta. Inauguró el centenario de Carnegie Hall con un espectacular debut en recital.

Sus distinciones incluyen el Premio Cristal de Osaka (1986), Músico del Año de la Academia de Música Chigiana de Siena (1991), fue Invitado Estelar en la Gala de Premios Grammy (1992), «Instrumentista del Año» de Musical America (1995), Premio Triumph de Rusia (1997). Fue el primer pianista en dar un recital en los BBC Proms (1997) y, en 2000 fue el primer pianista invitado a dar el concierto de apertura de los BBC Proms. Fue nombrado doctor honoris causa por la Manhattan School of Music; recibió el Premio Shostakovich de Rusia (2003), es miembro honorífico de la Royal Academy of Music y doctor honoris causa por la universidad de Hong Kong, la Universidad Hebrea de Jerusalén, y la Universidad Ben-Gurión de Berseeba.

Sus grabaciones han recibido numerosos premios y galardones, contribuyendo significativamente a la biblioteca de obras maestras grabadas por los mejores intérpretes del mundo. Entre los premios que ha recibido se encuentran el Edison Klassiek, premios Grammy, el Diapason d’Or y el Gran Premio de la Nouvelle Academie du Disque.

Fotografía: Caroline Debon

Real Teatro de Retiro

El Real Teatro de Retiro ofrecerá, entre el 22 y el 31 de marzo, una propuesta que mira al pasado para descubrir a los más jóvenes de la casa los orígenes del cine y sus peculiares aventuras, la gestualidad de los actores, las escenas de malabarismos y persecuciones, el vestuario y la música como vehículo potenciador de las emociones en las mudas escenas del celuloide.

Con esta idea, Café Kino y Caspervek Ensemble recuperan dos divertidas cintas emblemáticas del cine mudo –El moderno Sherlock Holmes (1924), dirigida y protagonizada por Buster Keaton y Las aventuras del Príncipe Achmed, de la directora alemana Lotte Reiniger- acompañadas por una nueva banda sonora original, nacida de la composición de Brais González Pérez, interpretada en directo.

Los niños y jóvenes de hoy, acostumbrados al ritmo frenético del audiovisual, tendrán la oportunidad de formar parte de una experiencia única en la que su imaginación recreará diálogos, pensamientos, aportará detalles y dejará que su corazón brinque al ritmo rápido de la música cuando se sucedan las persecuciones y los equilibrios imposibles, se suspenda sobre los acordes de misterio o se acomode mecido por melodías románticas para escenas de amor.

Así, ambas proyecciones podrán verse en la Sala Principal del Real Teatro de Retiro los días:

22 de marzo a las 20.00 h; 28 y 29 de marzo a las 12.00 h
El moderno Sherlock Holmes (1924)

Una de las más conocidas comedias de la época, que dirigió y protagonizó un portentoso Buster Keaton, y donde los gags visuales se repiten constantemente. En ella, Keaton, un proyeccionista que estudia para ser detective, se queda tan dormido en el trabajo que sueña estar dentro de la película que proyecta. Allí tendrá que salvar a su novia del malo.

Esta película del genio de la comedia slapstick –una forma de humor básico que utiliza la torpeza de sus actores, las caídas, los golpes, las bromas exageradas- muestra un Buster Keaton en plenitud de facultades acrobáticas,  que traspasa la pantalla y arrastra al espectador.

23 y 30 de marzo a las 19.00 h; 24 y 31 de marzo a las 18.00h

Las aventuras del príncipe Achmed (1926)

Considerado el primer largometraje de animación de la historia, en él la directora de cine alemana Lotte Reiniger recrea una aventura mágica, basada en el rico tesoro de Las mil y una noches, a través de sombras chinescas y láminas de plomo. Reiniger fue una absoluta pionera del género y en esta cinta trabajó con más de 300.000 imágenes en movimiento, cuyo resultado es un film fantástico y encantador que obtuvo un éxito universal.

Ambas proyecciones contarán con la actuación en vivo de la Agrupación Caspervek con Blas Castañer Ibáñez, en la percusión; la flauta de Laura Lorenzo Rodríguez; Andrea González Pérez con el saxofón; el trombón de Óscar Presa Pellón y la trompa de Ainara González Gómez, todos ellos bajo la dirección musical del pianista y compositor Brais González Pérez.

Jeanine de Bique

Llega al Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) la tercera obra que culmina la trilogía monteverdiana de su programación, L’incoronazione di Poppea de Claudio Monteverdi, uno de los títulos clave del gran compositor. En esta ocasión, será interpretada en versión de concierto por The English Concert, uno de los conjuntos europeos de mayor prestigio en la interpretación historicista, bajo la dirección de Harry Bicket, reconocido internacionalmente por su profundo conocimiento del repertorio barroco y clásico. La ópera contará con voces tan esperadas como la aclamada soprano Jeanine de Bique en el papel protagonista, así como con la participación del Coro de la Comunidad de Madrid. El concierto tendrá lugar el domingo 17 de marzo, a las 18:00h, en el marco del ciclo Universo Barroco del CNDM, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música.

La apasionante Poppea es una muestra más del papel innovador del brillante compositor italiano. Su música, escrita cuando el género operístico solo tenía unas pocas décadas de vida, ha sido alabada por su singularidad, sus melodías y su capacidad para reflejar los sentimientos y las profundidades del alma de sus personajes. La obra no solo ayudó a redefinir los estándares de la música teatral, sino que posicionó a Monteverdi como el más destacado compositor de su época. Compuesta en su madurez, L’incoronazione di Poppea también supuso un hito del género porque se inspiraba, por primera vez, en hechos históricos, en vez de en la mitología, temática habitual del momento. La música de Monteverdi refleja hábilmente los sentimientos contradictorios y cambia entre diversas perspectivas para poner de relieve el vínculo inquebrantable entre los personajes.

El libreto de Giovanni Francesco Busenello parte de los Anales del historiador y senador romano Tácito, las historias de Suetonio y Dión Casio y una obra anónima titulada Octavia. La ópera, de una extraordinaria modernidad, sumergirá al público del CNDM en una historia de celos, corrupción y pasiones, con Nerón y la cortesana Popea como protagonistas. Ella es la amante del emperador y, a través de maquinaciones que carecen de piedad, tratará de seducirlo y manipularlo, pasando por encima de todos sus rivales.

Un reparto de lujo

La Poppea estará protagonizada por grandes voces, tanto nacionales como internacionales. Jeanine de Bique, una de las sopranos más demandadas del momento gracias a su versátil y expresiva voz, tendrá el papel protagonista. Además de trabajar con maestros como Gustavo Dudamel, Herbert Blomstedt, o William Christie, entre otros, Jeanine de Bique ha actuado en prestigiosos auditorios y festivales como el de Salzburgo, Carnegie Hall de Nueva York, o BBC Proms. A su vez, el reparto contará con el contratenor Kangmin Justin Kim (Nerón), la mezzosoprano Maite Beaumont (Ottavia), el contratenor Iestyn Davies (Ottone), la soprano Liv Redpath (Drusilla), o el tenor James Way (Lucano), entre otros.

A este elenco vocal se sumará el Coro de la Comunidad de Madrid, dirigido por Josep Vila, y The English Concert. Este conjunto está reconocido como una de las mejores orquestas de cámara del mundo gracias a sus exquisitas interpretaciones de música barroca y clásica. Fundada en 1973, posee una amplia trayectoria guiada en sus comienzos por su fundador Trevor Pinnock, su sucesor Andrew Manze y su actual director artístico, el mencionado Harry Bicket. En la actualidad, ha puesto en marcha su ambicioso proyecto Handel for All, cuyo objetivo es poner gratuitamente a disposición del público todas las obras de Haendel.

“Contextos Barrocos”: Una hora antes del concierto, a las 17:00h, tendrá lugar el encuentro sobre el concierto de L’incoronazione di Poppea en los “Contextos Barrocos” del CNDM, sesiones de cuarenta y cinco minutos, de acceso libre para el público que ha adquirido la entrada al espectáculo, que permiten profundizar en las obras del ciclo, su historia y los intérpretes.

Jeanine de Bique (c) Tim Tronkoe

La voz humana

Entre el 17 y el 28 de marzo el Teatro Real ofrecerá seis funciones de una nueva producción, con dirección de escena de Christof Loy, que enlaza dos óperas para soprano y orquesta –La voz humana (con libreto de Jean Cocteau y música de Francis Poulenc) y La espera (con libreto de Marie Pappenheim y música de Arnold Schönberg)– y un monólogo teatral, Silencio, creado expresamente para la ocasión por Rossy de Palma y Christof Loy.

Casi cincuenta años median entre la composición de La espera (1909), de Arnold Schönberg (1874-1951), y La voz humana (1958), de Francis Poulenc (1899-1963), dos obras protagonizadas por mujeres desquiciadas por el dolor punzante de una separación, el desamor, los celos y el miedo a la soledad… y al silencio.

En la nueva producción del Teatro Real las dos óperas se sucederán en orden inverso al de su creación: primero la tragédie lyrique de Poulenc y después el monodrame de Schönberg, ya que el director de escena Christof Loy propone un viaje del realismo de la primera al expresionismo de la segunda, situando ambos dramas en el mismo inmenso espacio doméstico hogareño, lo que refuerza la percepción de sus distintos lenguajes musicales y dramatúrgicos, articulados por el dolor corrosivo e inconsolable de una ruptura amorosa.

Desde su estreno en la Comédie Française en 1930, La voz humana, de Jean Cocteau (1889-1963), ha sido interpretada por grandes actrices, tanto en el teatro como en el cine, donde fue dirigida por Roberto Rossellini (con Ana Magnani), Ted Kotcheff (con Ingrid Bergman), Carlo Ponti (con Sofia Loren) o Pedro Almodóvar (con Tilda Swinton), entre otros. Pero fue sin duda la ópera de Poulenc la que mejor logró expresar el vertiginoso caleidoscopio de emociones que experimenta la protagonista en la última conversación telefónica que mantiene con su expareja, que se casará al día siguiente con otra mujer.

La música de Francis Poulenc logra acompañar, con una orquestación refinada y casi camerística, a la protagonista –y también a su silente interlocutor– en su intento desesperado de atar a su amante con el hilo que les unió –ahora débil como la línea telefónica llena de interferencias, interrupciones y silencios que los conecta– fingiendo, confesándose, recordando, divagando, chantajeando, seduciendo, gritando, llorando, con las frases entrecortadas con las que se va desnudando en su deriva hacia la muerte.

Si en La voz humana la protagonista mantiene la conexión con la realidad, pese al efecto turbador de las pastillas y a su angustia extrema, en La espera, la mujer abandonada pierde la razón en la tormentosa búsqueda del amor que la traicionó, hasta encontrar su cuerpo muerto. Su discurso confuso, entrecortado y delirante evoca ya un estado patológico, con ráfagas de locura y la emergencia de estados del consciente y del subconsciente en sintonía con las tendencias científicas, intelectuales y artísticas de la Viena de Sigmund Freud y Josef Breuer, tan cercanos a Arnold Schönberg.

De hecho, el libreto de Marie Pappenheim (1882-1966), entonces una joven poeta y brillante estudiante de medicina -más tarde feminista y autora de una de las primeras publicaciones en defensa del aborto-, parece inspirarse en los casos clínicos de enfermedades mentales, que transformó en materia literaria. Su libreto, escrito en tres semanas, fue transformado en música por Arnold Schönberg, judío como ella, en apenas 17 días. Esta brevedad y emergencia en la creación de la obra puede haber beneficiado la intención del compositor, que buscaba una música fluida, atemática, atonal, libre de corsés formales y con un único y débil apoyo polifónico orquestal, que parece marcar el tiempo de acuerdo con su intención de “representar a cámara lenta todo lo que sucede durante un único segundo, estirándolo hasta media hora”.

La voz humana será protagonizada por Ermonela Jaho y La espera, por Malin Byström, ambas grandísimas cantantes que debutarán en sus exigentes papeles.

Como nexo entre ambas óperas, Rossy de Palma -que participa también en La voz humana– estrenará e interpretará el monólogo Silencio, con textos de Oscar Wilde, Bertolt Brecht y también suyos.

La dirección musical será de Jérémie Rhorer, que vuelve a dirigir a la Orquesta Titular del Teatro Real en dos partituras en las que la orquesta viaja a lo más profundo del alma y a nuestras emociones más extremas.

La producción, concebida por Christof Loy -que también firma la escenografía, junto a Guadalupe Holguera-cuenta con el vestuario de Barbara Drosihn, la iluminación de Fabrice Kebour y la entrega absoluta de tres grandes intérpretes sobre las que cae la fuerza avasalladora de estas obras que expresan, desde estéticas muy dispares, el terrible miedo al abandono, al vacío y al silencio.

TELEFÓNICA, MECENAS PRINCIPAL TECNOLÓGICO DEL TEATRO REAL

Telefónica, mecenas principal tecnológico del Teatro Real, impulsa su desarrollo digital y la mejor conectividad para optimizar la experiencia de los aficionados a la ópera en todos los canales digitales del Teatro.

En 2024 Telefónica celebra su centenario. 100 años de anticipación y compromiso con la sociedad, facilitando herramientas para que podamos imaginar un futuro mejor.

AGENDA | ACTIVIDADES PARALELAS

12 de marzo, a las 20.15 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

Enfoques: encuentro con Jérémie Rhorer (director musical de La voz humana / La espera), Christof Loy (director de escena), Luis Gago (traductor y crítico musical) y Joan Matabosch, director artístico del Teatro Real.

13 de marzo, a las 21.00 horas / 14 de marzo, a las 19.30 horas| Museo Nacional Thyssen-Bornemisza / Biblioteca Nacional de España

Ciclo de cuartetos de cuerda del Teatro Real / Cuarteto Meta4

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y la Biblioteca Nacional de España ofrecerán, los próximos días 13 (21.00 h) y 14 (19.30 horas) de marzo, respectivamente, el tercer concierto del Ciclo. Los dos recitales estarán protagonizados por el reconocido cuarteto finlandés Meta4, con la participación de la soprano Tuuli Lindeberg. En el programa, común en ambas citas, se interpretará el Cuarteto nº 2, Op. 10, de Arnold Schönberg, y la Suite lírica de Alban Berg.

17 de marzo a las 11.00 y a las 13.00 horas | Real Teatro de Retiro, Sala Pacífico

¡Todos al Real Teatro!

Talleres musicales para toda la familia, con dirección y presentación de Fernando Palacios.

Problemas de cobertura: una señora tiene dificultades para hablar por teléfono con su pareja.

Con la mezzosoprano Begoña Gómez y la pianista Belén Castillo.

24 de marzo, a las 12.00 horas | Sala principal del Teatro Real

Los Domingos de cámara: concierto con solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real

Programa:

  1. González Granero: Cuarteto de cuerda nº 2, In times of confinement **
  2. Costa: Hacia la luz
  3. Poulenc: Sexteto para piano, flauta, oboe, clarinete, fagot y trompa
  4. Dohnányi: Serenata para trío de cuerda, op. 10
  5. Weinberg: Trío con piano, op.24

**Estreno mundial

27 de marzo, a las 19.30 horas | Círculo de Bellas Artes

Cine – El amor

El Cine Estudio del Círculo de Bellas Artes proyectará El amor (L’amore), la gran película que Roberto Rossellini rodó con Ana Magnani en 1948, basada en su primera mitad en el mismo monólogo de Cocteau en el que está basada la ópera de Poulenc, y que para su segunda mitad contó con la colaboración de Federico Fellini en el guión y en la interpretación.

Entradas en la taquilla del cine y en este enlace.

Fotógrafo: © Javier del Real | Teatro Real   

Celso Albelo

Después de haber sido aclamado con su primer Rodolfo de La Bohème el pasado mes de febrero en el Teatro La Fenice de Venecia con gran éxito de público y crítica, el tenor canario Celso Albelo cantará por primera vez en Brasil, y lo hará debutando otro rol pucciniano, el de Pinkerton de la popular Madama Butterfly. La cita es en el emblemático Theatro Municipal de São Paulo, uno de los escenarios más importantes y de mayor tradición operística del país sudamericano. Albelo se muestra “entusiasmado” ante este doble debut, ante el que, asegura, lleva meses “sumergido en el universo pucciniano, con mucho tiempo de análisis para debutar primero Rodolfo en Venecia y ahora Pinkerton en São Paulo”. El cantante español dice sentirse “impresionado” por el personaje que ahora asume, “y por todo lo que acontece en Madama Butterfly, ya que a la maestría con la que Puccini desgrana la historia haciendo partícipe al público de todas las emociones y del drama de estos personajes, se unen mil aspectos morales y críticos que te hacen reflexionar. Vivirlo desde dentro me ha permitido disfrutar del repertorio al que siempre quise llegar tras la experiencia de más de veinte años en el bel canto romántico”, asegura.

Por otra parte, Celso Albelo afirma estar “feliz de debutar en un país como Brasil, en el que sé que hay una gran pasión por la música, más todavía al hacerlo en una ciudad que fundó un hombre visionario nacido, como yo, en San Cristóbal de La Laguna, el padre José de Anchieta, beatificado por el papa Juan Pablo II en 1980. Un motivo de orgullo para los laguneros y tinerfeños en general”.

El tenor español interpretará a Pinkerton en cuatro funciones, los días 15, 17, 20 y 23 de marzo, compartiendo escenario con Carmen Giannattasio como Cio-Cio San, Ana Lucia Benedetti como Suzuki y Douglas Hahn como Sharpless, en una producción firmada por Livia Sabag, con el maestro Roberto Minczuk al frente de la Orquestra Sinfônica Municipal y de la Coral Paulistano, un montaje del Teatro Colón de Buenos Aires.

Fotografía © Leila Leam

Crescendo

Esta semana ha dado la comienzo la IV Edición de Crescendo, programa de desarrollo artístico y profesional para jóvenes promesas de la ópera, que se desarrollará hasta el próximo mes de mayo, promovido y organizado por la Fundación Amigos del Teatro Real.

El jurado, compuesto por miembros del equipo artístico del Teatro Real, el Real Teatro de Retiro y Crescendo, ha seleccionado 18 jóvenes, entre los más de 100 que presentaron su solicitud, de los cuales hay 12 cantantes, 3 pianistas repetidores y 3 ayudantes de dirección de escena, todos menores de 35 años, procedentes de España, Italia, Venezuela, Argentina, Serbia y Kazajistán.

A lo largo de estos tres meses participarán en talleres, en el Teatro Real y en el Real Teatro de Retiro, de interpretación, vocal coach, canto, encuentros con profesionales del Teatro Real de orientación sobre la creación de marca personal (redes sociales, relación con los medios de comunicación, atención a la audiencia, etc..), un taller de salud mental, asistencia a ensayos generales de las producciones del Teatro Real y, este año, disfrutarán de una sesión especial con la soprano Ermonela Jaho, que se encuentra estos días en el Teatro Real interpretando La voz humana, de Poulanc.

La información sobre estos jóvenes artistas, y los vídeos de sus audiciones, están disponibles en la página web de Crescendo para que el público pueda acceder a ellas y votar a su favorito. El elegido recibirá una masterclass extra a lo largo de estos tres meses.

Desde su creación en 2021, el programa Crescendo ha facilitado la participación de sus alumnos en proyectos profesionales del Teatro Real como las sesiones de Enfoques, la Carroza del Teatro Real y los espectáculos del Real Junior. Así, tras protagonizar la ópera La cenicienta que inauguraba el nuevo espacio del Real Teatro de Retiro en 2023, los participantes en la edición del pasado año han sido los protagonistas de los espectáculos El Barbero de Sevilla y Amahl y los visitantes nocturnos, de la actual temporada.

El salto al gran escenario del Teatro Real tendrá lugar el próximo mes de mayo, con el estreno de la ópera Tenorio (con música y libreto de Tomás Marco) en el que se podrá escuchar a un coro madrigal integrado, casi en su totalidad, por artistas procedentes de todas las ediciones de Crescendo.

La novedad de este año será la participación de un grupo de alumnos de la Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid, cuyo proyecto consistirá en grabar y realizar un documental sobre la experiencia y el trabajo de los participantes en el programa, ofreciendo así una mirada joven sobre el desarrollo profesional de otros jóvenes. Esta actividad cuenta con la colaboración especial de Telefónica.

Victoria de los Ángeles

El Teatro de la Zarzuela, en colaboración con la Fundación Victoria de los Ángeles, rendirá el próximo martes 12 de marzo un emotivo homenaje a la soprano barcelonesa, considerada a día de hoy una de las mejores intérpretes líricas de la historia.

En el concierto participarán catorce de nuestras mejores voces, acompañadas por la Orquesta Victoria de los Ángeles bajo la dirección de Pedro Pardo. La propuesta escénica está firmada por Marc Busquets, comisario del Año Victoria de los Ángeles que conmemora el centenario del nacimiento de esta cantante única que, sin la menor duda, ha sido y es una de las voces legendarias del siglo XX.

El programa, que constará de dos partes, estará integrado por obras de más de una veintena de compositores que fueron especialmente representativos de las glorias de su carrera como son Frederic Mompou, Joaquín Turina, Eduard Toldrà, Manuel García Morante, Federico Chueca, Pablo Sorozábal, Ruperto Chapí, Manuel Penella, Jaime Ovalle, Enrique Granados, Fernando Obradors, Joaquín Rodrigo, Francisco Asenjo Barbieri, Manuel de Falla, Gerónimo Giménez, Rafael Calleja y Tomás Barrera, Xavier Montsalvatge, Ernesto Halffter, Léo Delibes, Wolgang Amadeus Mozart, Antonín Dvořák o George Bizet.

Y los cantantes que se enfrentarán a estas obras con el emocionante recuerdo de Victoria de los Ángeles en la garganta y en sus corazones serán, por orden alfabético, David Alegret, José Bros, Mariola Cantarero, Mercedes Gancedo, Airam Hernández, Nancy Fabiola Herrera, David Menéndez, María José Montiel, Josep-Ramon Olivé, Helena Ressurreição, Ofelia Sala, Montserrat Seró, Carmen Solís y Miren Urbieta-Vega.

Embajadora universal de nuestra cultura

Como muy acertadamente escribe en el programa de mano Marc Busquets, celebramos el centenario de una artista con mayúsculas “retomándolo allí donde ella lo dejó (…), homenajeándola con algunas de las romanzas de zarzuela que cantó, pero también reivindicando la presencia de canción catalana y española, que con tanto cariño prodigó por todo el mundo, siendo ella una de las grandes embajadoras de nuestra cultura a nivel universal”.

El concierto, asimismo, será doblemente conmovedor y poético, si se tiene en cuenta que después de reinar en el Metropolitan de Nueva York o de ser la única soprano española en cantar en el Festival de Bayreuth, en 1980 interpretó la que fue su última función de ópera en este mismo escenario del Teatro de la Zarzuela; la obra, ‘Pelléas et Mélisande’ de Debussy, uno de sus papeles predilectos a lo largo de los años.

Es también emotivo recordar que Victoria de los Ángeles inauguró el Ciclo de Lied de La Zarzuela que en esta temporada celebra su treinta aniversario y que sigue gozando de excelente salud de la mano del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM).

Isamay Benavente, directora del Teatro de la Zarzuela, pone en valor el homenaje afirmando que “con su nombre y su memoria vuelven a brillar estas tablas del Teatro de la Zarzuela a las que la soprano barcelonesa dio solera con ese espíritu solamente propio de las grandes estrellas, y que en cada una de sus interpretaciones Victoria de los Ángeles convertía sin excepción en un mágico resplandor de luz propia”.

Beatrice Rana

Beatrice Rana, caracterizada por Gramophone como una pianista de «fuego y poesía, imaginación y originalidad, temperamento y encanto, todo ello además de una intrépida dirección técnica», reúne dos sonatas monumentales en este nuevo álbum: La «Hammerklavier» op 106 de Beethoven y la «Marcha fúnebre» op 35 de Chopin.

Como explica Beatrice Rana, el álbum tiene su origen en la pandemia. Su actividad concertística había abarcado frecuentes interpretaciones de los conciertos de Beethoven, pero relativamente pocas de sus sonatas. «Con el confinamiento que me quitó la presión del escenario, decidí que realmente quería conocer más a Beethoven, pasar más tiempo con él. ¿Y cuál es la sonata más difícil, que requiere mucho tiempo de estudio? La «Hammerklavier», ¡por supuesto! Normalmente, con una agenda tan apretada y tantas piezas que aprender, no tengo tanto tiempo para experimentar.

«Realmente encontré una profunda conexión con esta música, especialmente por la época en la que aprendí la sonata: el aislamiento, el estar encerrado lejos del resto del mundo. El tercer movimiento [el extenso Adagio sostenuto] habla tanto de la soledad y la soledad, de adentrarse en uno mismo, un espejo completo de lo que yo estaba experimentando. Al mismo tiempo, el cuarto movimiento, con su gran fuga, me mostró que también había una posibilidad de escapar de esta condición.
«Es una pieza muy positiva, a pesar de que reflejaba mucho de lo que estaba pasando en aquel momento. Realmente me ayudó a superar la pandemia, y mi intento de aprenderla no tenía absolutamente nada que ver con la ambición de llevarla al escenario. Era sólo un experimento personal. Pero al final del encierro y de mi estudio de la ‘Hammerklavier’, dije: «Bueno, ¿por qué no?».

La relación de Rana con la sonata «Marcha fúnebre» de Chopin se desarrolló de forma muy distinta: «Aprendí esta sonata cuando era estudiante, y llevo diez años tocándola en el escenario, así que es un viaje mucho más largo. Y, por supuesto, mi relación con Chopin ha sido muy diferente a la que tengo con Beethoven». Señala que Chopin compuso la sonata en una época «en la que experimentaba con el sonido, las armonías y la estructura. Me parece tan visionaria… El cuarto movimiento es muy moderno, muy experimental. Sí, la de Beethoven es una sonata muy humana, pero la de Chopin lo es de un modo muy distinto. El trío en medio de la marcha fúnebre [el famoso tercer movimiento] es algo así como übermenschlich, como describiría un filósofo la superación de uno mismo de forma trascendental.

«Técnicamente, Beethoven y Chopin no tienen mucho en común, pero ambos experimentan. … Los últimos movimientos de las dos sonatas son experimentos al más alto nivel y de maneras completamente diferentes. En la de Beethoven, cada línea va a todas partes (¡la fuga!), y en la de Chopin las dos manos están paralelas durante todo el movimiento. Ese aspecto experimental está muy presente.

«Estas dos sonatas en si bemol trascienden la condición humana de maneras muy distintas, pero no del todo diferentes… Ambas tienen mucho que ver con el miedo a la muerte, con el miedo a la soledad. Cada una encuentra una solución de maneras diferentes».

Andrè Schuen

Regresa al Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical y el Teatro de la Zarzuela una de las voces líricas más aplaudidas del panorama actual, el barítono Andrè Schuen (La Val del Tirol, 1984). Junto al destacado pianista Daniel Heide, con quien actúa frecuentemente en numerosos escenarios internacionales, ofrecerá al público un programa que incluye dos obras cumbre del género liederístico, Vier ernste Gesänge (Las Cuatro Canciones Serias), op. 121 de Johannes Brahms y Des Knaben Wunderhorn (El cuerno mágico de la juventud) de Gustav Mahler. El repertorio se completa con otras canciones de ambos autores, considerados dos de los más grandes compositores de la historia. El recital tendrá lugar el lunes 11 de marzo, a las 20:00 horas, en el Teatro de la Zarzuela.

Este recital presenta obras de dos compositores que tuvieron una sólida trayectoria en el ámbito del lied. Pese a ser un prolífico autor de sinfonías, cuartetos de cuerda y música para piano, Johannes Brahms escribió más de 200 lieder. Por su parte, Gustav Mahler, además de ser uno de los más importantes directores de orquesta y de ópera de su momento, también centró sus esfuerzos compositivos en el género liederístico. Así, este concierto se presenta como una experiencia única para degustar la música de dos autores clave de su tiempo en un ámbito tan envolvente como el lied. A través de la carismática voz de Andrè Schuen, el público podrá encontrar las semejanzas y diferencias que unían a Brahms y a Mahler.

El programa se abrirá con las cuatro canciones del ciclo Vier ernste Gesänge, op. 121 de Johannes Brahms, inspirado en textos bíblicos y que aborda temas como la muerte y la fugacidad de la vida. Después será el turno del ciclo Des Knaben Wunderhorn de Gustav Mahler, basado en una recopilación de cantos populares alemanes. Los poemas, que habían seducido a un buen número de compositores, causaron un gran impacto en Mahler, quien llegó a componer más de treinta lieder basados en dicho textos. En este recital del Ciclo de Lied del CNDM, se escucharán varias de sus canciones, como las dramáticas y épicas Revelge o Der Schildwache Nachtlied, entre otras. De Mahler también se interpretará Zu Straßburg auf der Schanz’ del ciclo Lieder und Gesänge aus der Jugendzeit; mientras que otros exquisitos lieder de Brahms, que abarcan desde 1964 hasta 1888,  cerrarán el recital.

Sobre Andrè Schuen

El barítono Andrè Schuen se crió en la región de Ladinia, concretamente, en La Val del Tirol (Italia). Aunque el violonchelo fue el instrumento que eligió y tocó durante muchos años, decidió asistir a la Universidad Mozarteum de Salzburgo, donde estudió con Horiana Branisteanu y Wolfgang Holzmair. Schuen completó su formación con clases magistrales organizadas por Kurt Widmer, Thomas Allen, Brigitte Fassbaender, Romualdo Savastano y Olaf Baer. Se graduó del Mozarteum en 2010. Al inicio de su carrera, recibió numerosos premios. Comenzó la temporada 2017-2018 con Don Giovanni en la Ópera Nacional de Lorraine en Nancy y en el Gran Teatro de Luxemburgo. Luego, cantó por primera vez Pagliacci en el Gran Teatro de Ginebra y, a finales de año, Così fan tutte en el Teatro Regio de Turín. Ha ofrecido recitales de lied en la Radio de Baviera en Múnich y el Concertgebouw de Ámsterdam. Ha sido residente, por tercera temporada consecutiva, en la Dortmund Konzerthaus, junto con Junger Wilder. En 2018, interpretó el Ein deutsches Requiem de Brahms en el Festival de Whitsun de Salzburgo. Y, desde 2010, Andrè Schuen acude a Salzburgo: primero, como miembro del Young Singers Project y, posteriormente, en el Salzburger Festspiele, dirigido por Simon Rattle y Riccardo Muti. Entre 2010 y 2014, fue miembro de la Opernhaus Graz. Ha sido uno de los pocos cantantes que ha aparecido en tres papeles al mismo tiempo: Figaro, don Giovanni y Guglielmo en el Ciclo Da Ponte, de Harnoncourt, en el Theater an der Wien. Ha cantado, asimismo, Il barbiere di Siviglia de Paisiello, con René Jacobs, Fidelio de Beethoven, Capriccio de Strauss, el estreno mundial de Hamlet de Schreier, dirigido por Christof Loy, Marcello en La bohème en Ginebra y el conde de Almaviva en Le nozze di Figaro en Angers y Nantes. Con el pianista Daniel Heide, Schuen ha actuado en el Wigmore Hall de Londres, el Heidelberger Frühling y la Konzerthaus de Viena. Gerold Huber es igualmente uno de sus compañeros de recital, con

quien se presentó en la Schubertiade en Hohenems. En 2017, Andrè Schuen asistió al Tanglewood Festival y al Aspen Music Festival junto con Andreas Haefliger. En sus primeros dos álbumes de lied, interpretó obras de Schumann, Wolf y Martin, acompañadas por Daniel Heide. También ha grabado obras de Beethoven con el Trío Boulanger. Andrè Schuen ha participado, con el presente, en cuatro recitales del Ciclo de Lied: XXV (18-19), XXVIII (21-22), XXIX (22-23) y XXX (22-23).

Sobre Daniel Heide

Daniel Heide creció en Weimar. Empezó a tocar el piano a los cinco años y a los seis se unió a la clase de alumnos aventajados de Sigrid Lehmstedt en la Escuela Belvedere de Música en su ciudad natal. Cinco años más tarde, sin embargo, dejó el camino del niño prodigio e interrumpió sus estudios de piano para dedicarse a la percusión y asumir el reto atlético en un equipo ciclista. Volvió al ámbito pianístico a la edad de diecisiete años. Estudió piano en la Universidad de Weimar, pero lo que realmente lo impulsó e inspiró fue lo que aprendió de su propio descubrimiento y amor por la música. Durante ese periodo, se concentró en el trabajo con cantantes (asistió a clases magistrales con Dietrich Fischer-Dieskau y Christa Ludwig), así como en la interpretación de la música de cámara. Realizó numerosos recitales de lied y conciertos de cámara en muchas ciudades de Alemania, Austria, Suiza, Francia, Escocia, Italia, España, Grecia, República Checa e Islandia con Ingeborg Danz, Britta Schwarz, Roman Trekel, Andrè Schuen, Tobias Berndt, Christoph Prégardien, Simone Kermes, Luca Pisaroni, Johannes Weisser, Ruth Ziesak, Anna Lucia Richter, Norma Nahoun, Sibylla Rubens y Lothar Odinius. También ha interpretado música de cámara con Tabea Zimmermann, Antje Weithaas, Wolfgang Emanuel Schmidt, Barbara Buntrock, Pauline Sachse, Benoit Fromanger, Julian Steckel, Alexander Kniazev y Konstanze von Gutzeit. Un elemento clave en su carrera como acompañante es la creación de la serie de conciertos The lyrical salon. Lieder recitals at Schloss Ettersburg. Bajo su dirección artística, el lied se canta una vez al mes desde mayo de 2011. De esta forma, ha surgido un público leal y en crecimiento para estas sesiones con célebres solistas. Ávido coleccionista de álbumes, Heide busca gemas musicales para ampliar su repertorio. Su pasión por la música se extiende a otros géneros como el jazz, el rock, el pop y la chanson y es docente en el Conservatorio Hanns Eisler de Berlín y en el Franz Liszt de Weimar. Daniel Heide ha participado, con el presente, en cuatro recitales del Ciclo de Lied: XXV (18-19), XXVIII (21-22), XXIX (22-23) y XXX (22-23).

Ruth Lorenzo

La cantante Ruth Lorenzo se presenta ante su público en el Teatro de la Zarzuela de una forma diferente a la que conocemos: a voz, chelo y piano. El concierto, que ha bautizado como ‘Noche en blanco’ será este próximo sábado, 9 de marzo (20h00).

Este sábado los protagonistas, además de la voz única que posee la cantante, serán el piano de Ricardo Ruiz y el chelo de Rocío Pinar.

Entre los temas que desgranará sobre el escenario estarán algunos de los mayores éxitos de sus dos discos en el mercado –‘Planeta azul y ‘Loveaholic’–, el EP que lanzó en 2023 –‘La Reina’– que supone un abrazo de nuevo a sus raíces, además de las versiones que la han acompañado durante sus más de 10 años de carrera en la música.

Estilo muy personal

Ante esta cita tan especial, la artista comenta: “He escrito canciones desde que puedo recordar y he entonado melodías desde mucho antes de hablar. No hay un momento que pueda hacer memoria en el que la música no estuviera presente en mi vida”.

Sus orígenes sureños y mediterráneos y su desarrollo vital al otro lado del “charco”, en Estados Unidos, la han llevado, según sus propias palabras, “a tener un estilo musical muy personal. Gracias a mi segundo disco ‘Loveaholic’, libre de presiones discográficas y de mercado, pude jugar, disfrutar de la música y conseguir un gran sonido dentro de un estilo Pop-Rock”.

Junto a Red Triangle, sus actuales productores, pudo hacer realidad la que la artista considera la colaboración más especial de su vida junto a Jeff Beck, “uno de mis héroes”. El tema, ‘Another Day’ que ambos grabaron será uno de los muchos que interprete en el Teatro de la Zarzuela.

Andrea Motis

La trompetista, cantante y compositora Andrea Motis (Barcelona, 1995), una de las artistas más brillantes del jazz español y con gran proyección internacional, regresa al ciclo Jazz en el Auditorio del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) para presentar su proyecto Temblor. Junto al violinista Christoph Mallinger y el percusionista Zé Luis Nascimento, ofrecerá un concierto que rinde homenaje a la tradición de los singer-songwriters anglosajones, sin renunciar a su habitual querencia mediterránea y latina. Esta cita se enmarca en las acciones que el CNDM ha puesto en marcha en conmemoración por el Día Internacional de la Mujer. El concierto tendrá lugar el sábado 9 de marzo, a las 20:00 horas, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música.

En Temblor, el público tendrá la oportunidad de adentrarse en un formato íntimo en el cual la madera es el punto de partida, ya que a la trompeta se suman el violín y la percusión. A través de un fluido diálogo entre la voz de Andrea Motis y los instrumentos, las canciones se adentran en temas como la familia, el amor o el cambio de etapa, con composiciones que han sido creadas especialmente para este proyecto. La improvisación también estará muy presente en este concierto. En palabras de la artista barcelonesa, el proyecto “es una experiencia más íntima, acaso más desnuda, menos extrovertida, en la que dar espacio a mis propias composiciones, con un mensaje que espero que también sea singular en cuanto a las letras”.

Andrea Motis: una trayectoria ascendente

Considerada una de las artistas más influyentes de la escena jazzística actual, Andrea Motis posee once trabajos discográficos en los cuales ha mostrado su gran capacidad para transitar distintos estilos musicales. Desde el jazz fusionado con electrónica o hip-hop de su Loopeholes -que pudimos escuchar en el CNDM en 2022-, hasta una gran formato con la colaboración de la WDR Big Band de Colonia, con Michael Mossman como arreglista y director; sin olvidar sus primeros trabajos con el contrabajista y director de la banda Joan Chamorro.

En paralelo a la grabación y lanzamiento de los discos, su vertiginosa carrera continúa en los escenarios, donde ha colaborado con artistas legendarios como Quincy Jones, Omara Portuondo, Milton Nascimento, Gil Goldstein, la WDR Big Band, Scott Hamilton o Yo-Yo Ma, con quien interpretó a dúo El cant dels ocells en el álbum del notable chelista. También ha pisado algunos de los espacios más representativos del jazz del mundo, como el Tokyo Jazz Festival, Jazz at Lincoln Center de New York, o Jazz a Vienne.

Gal·la Placídia

El Teatro de la Zarzuela, de acuerdo con los estatutos que lo rigen, debe, “sin ningún tipo de pretexto”, salvaguardar y difundir el género lírico español. Y es esta la razón por la que desde hace años, temporada a temporada, el coliseo viene recuperando valiosos títulos de nuestra lírica condenados por unas u otras razones al olvido.

En este año lírico 2023/24 será la ópera ‘Gal·la Placídia’ de Jaume Pahissa, estrenada en 1913 en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona con dirección musical del propio compositor y repuesta en el mismo teatro en 1933, la escogida para este nuevo renacer, sacudiéndose así el abandono a que ha estado relegada durante casi un siglo. Será el próximo viernes 8 de marzo y el domingo 10 (20h00 y 18h00 respectivamente) en versión de concierto.

Con libreto en lengua catalana del propio compositor basado en la obra de Àngel Guimerà, de quien en estos días se celebra con diversos actos el ‘Año Guimerà’ al cumplirse el centenario de su muerte, ‘Gal·la Placídia’ posee una partitura muy personal, con una orquestación magistral, y las cuitas de su argumento, basado en el personaje histórico de la Barcelona del siglo V Gala Placidia, giran en torno al amor, la traición y la venganza de sus protagonistas.

Los conciertos contarán con la dirección musical de Christoph König, quien al frente de la Orquesta Titular del Teatro de la Zarzuela, la ORCAM, y de su Coro Titular dirigido por Antonio Fauró, deberá hacer frente a una partitura de extraordinaria dificultad, que necesitará asimismo de la colaboración del Coro de la Comunidad de Madrid. Por su parte, dadas las especiales características de la obra de Pahissa, el reparto ha sido escogido para la ocasión con mucho tiento e intención, y estará integrado por Maribel Ortega, Antoni Lliteres, Simón Orfila, Carles Pachón, Carol García, Carlos Daza y Marc Sala.

Entre los más relevantes compositores

El Teatro de la Zarzuela se adentra de nuevo en lo mejor de esa historia operística desconocida de nuestro país. El compositor, profesor, crítico y musicógrafo Jaume Pahissa es, como resalta el maestro de musicólogos Emilio Casares, una de las personalidades más destacadas de la creación musical española de la primera mitad del siglo XX, y “uno de los más relevantes compositores de ópera que han existido en España”.

Sus siete títulos de ópera –los dos últimos compuestos en su exilio argentino–, casi todos ellos estrenados con gran éxito, lo sitúan, de acuerdo con las palabras del investigador, “en la cumbre de nuestra historia lírica y piden a gritos su vuelta a la escena”.

Pahissa vivió en plenitud los treinta primeros años del siglo en una Barcelona donde se estaba produciendo una auténtica eclosión de la cultura. Pero la Guerra Civil cambió su vida y le obligó a unirse a la larga lista de quienes se vieron obligados a abandonar España. El músico partió rumbo a la Argentina, al igual que los también compositores Manuel de Falla y Julián Bautista (que murieron como él en el exilio), la soprano y pianista Conchita Badía, y tantos y tantos otros. Allí, en la otra orilla del océano, su presentación como autor fue con ‘Marianela’ (recuperada por el Teatro de la Zarzuela en noviembre de 2020) que reestrenó en el Teatro Colón de Buenos Aires en 1946.

Volviendo a ‘Gal·la Placídia’, y al concepto creativo del compositor, Jaume Pahissa parte de Felipe Pedrell (de quien La Zarzuela acogió asimismo en septiembre de 2022 el estreno absoluto de ‘La Celestina’) y de la gran tradición wagneriana vivida en Cataluña, pero también de Strauss, a quien conoció y valoraba especialmente, y hasta del Expresionismo, a pesar de su opinión sobre Schoenberg. Y así las cosas, el propio Pahissa reconoce que “la influencia formidable de Wagner pesa sobre mí, y encaminó mis pasos por el drama lírico, como ha tiranizado y dirige aún hoy a cuantos después de él han compuesto”.

Como recuerda el profesor Casares, el estreno de ‘Gal·la Placídia’ fue un auténtico impacto en la cultura catalana. La prensa del momento recogía las numerosas noticias, discusiones y reflexiones provocadas por la obra. Unas palabras de un conocido crítico de la época, Adolfo Marsillach, en El Liberal, indican la transcendencia del estreno: “Gala Placidia es la ópera de un coloso de la música, la revelación de un genio musical destinado a escribir obras portentosas”.

www.fundacionscherzo.es

La Fundación Scherzo se complace en anunciar el debut de Martín García García dentro del Ciclo de Grandes Intérpretes el próximo 12 de marzo.

Con tan solo 27 años de edad, el pianista Martín García García se convierte en uno de los intérpretes más jóvenes en debutar en nuestro ciclo.

Sorprendió a la comunidad internacional en 2021, tras ser el primer español de la historia en alzarse con el Tercer Premio del prestigioso Concurso Internacional de Piano Frédéric Chopin. Desde entonces, su meteórica carrera no para de acumular éxitos, llegando a ofrecer, durante el año 2023, un total de 80 recitales en más de 14 países diferentes.

Para su debut en Grandes Intérpretes, García García ha escogido a dos de sus compositores más cercanos: F. Chopin y J. Brahms,
protagonistas además de su próxima grabación discográfica, titulada «Even-Tide», que saldrá a la venta el 5 de abril.

Del genio de Varsovia podremos escuchar su emblemática Polonesa en Fa sostenido menor op. 44, la Barcarola op. 60, una selección de Preludios de la op. 28, y concluiremos con la Sonata en Si bemol menor op. 35 y su siempre solemne «Marcha fúnebre».

La segunda parte del recital estará íntegramente dedicada a la Sonata para piano no 3 en Fa menor op. 5 de J. Brahms. Una sonata poética, que incita a la figura del caminante, tan típica del romanticismo alemán, y que se engloba dentro de esos versos de Sternau que dicen: «La noche se oscurece, la luz de la luna brilla, hay dos corazones que se unen en el amor y abrazan en el éxtasis».

Con este recital, el 29 Ciclo de Grandes Intérpretes se prepara para recibir, el próximo 1 de abril, a Martha Argerich y a Nelson Goerner, quienes acudirán tras la cancelación de Maurizio Pollini por problemas de salud.

Martín García García © Wojciech Grzedzinski

Farru

El arte por el arte, el baile por el baile, dejar que el sentimiento aflore en el vuelo de las manos o en el rugir de los pies sobre la madera del TABLAO, ese lugar natural del flamenco al que Farru rinde homenaje en su nuevo espectáculo para Flamenco Real mostrándose puro, racial, visceral, derramando el arte de generaciones que le caracteriza y que se podrá disfrutar los días 13, 14 y 15 de marzo a las 20.00 horas en el Salón de Baile del Teatro Real.

El tablao tiene su origen en el “café cantante”, locales de ocio muy populares en la España del siglo XIX donde se representaban espectáculos musicales, generalmente de noche, en los que el público bebía y disfrutaba de los artistas en un ambiente liberado de encorsetamientos. En estos lugares, especialmente en Andalucía, surgen las primeras figuras del flamenco y lo dotan de una identidad particular, hasta convertirlo en un punto de encuentro para intérpretes y aficionados. Ahí se crea, se mira al pasado, se recupera, se intercambian conocimientos, se disfruta y se comparten sentimientos y momentos.

Con este punto de partida, Farru se sube a las tablas de Flamenco Real y baila lo que siente y comparte con el público, recuperando la esencia de una vivencia única. Y no lo hace solo, porque tendrá la complicidad de la guitarra de Joni Jiménez, del cante de Eleazar Cerreduela y Juan Motos, y la percusión de El Lolo.

Hace dos años, Farru debutaba en el tablao del Teatro Real con un sentido homenaje a Paco de Lucía al que denominó “Por un sueño”. Este sevillano, miembro de una dinastía en la que prácticamente todos bailan, también canta, toca la guitarra y crea sus propios espectáculos con los que triunfa por todo el mundo. Su personalidad ha seducido a artistas tan dispares como Tomatito, Beyoncé, Björk o Marc Anthony o el fotógrafo Richard Avedon.

Desde 2018, como parte de su estrategia de promoción del flamenco, el Teatro Real coproduce con SOLANA Entertainment el ciclo Flamenco Real, organiza giras internacionales que, bajo el nombre Authentic Flamenco, ha realizado en el último año más de 400 actuaciones en 39 ciudades de 15 países, y lo ha incorporado a su plataforma audiovisual MyOperaPlayer.

Imagen: © Juanlu Vela

De Al-Ándalus a la Andalucía Medieval

La nueva propuesta del ciclo Notas del Ambigú del Teatro de la Zarzuela viene plagada de exquisitez y exotismo. Eduardo Paniagua, gran especialista en el ámbito de la música medieval, nos transportará a través de las cántigas Alfonsíes y canciones andalusíes, a la Baja Edad Media ibérica en la que, más allá de los enfrentamientos bélicos, el castellano y el andalusí se dan la mano con la alianza de música y poesía. Será el próximo lunes, 4 de marzo (20h00) en el Ambigú del Teatro y, como ya es costumbre en este ciclo, con las entradas agotadas.

Con la participación de los músicos César Carazo (canto árabe, galaicoportugués y fídula), Wafir Sheik (canto y laud árabe) y Jaime Muñoz (gaitas, flautas y cornamusa), dirigidos por Eduardo Paniagua (qanún, flautas, pandero y canto), el público emprenderá un viaje por una época de fronteras y conquistas, en un tiempo en que en paralelo a los campos de batalla reales, existió una guerra cultural a través de un delicado refinamiento y especial cuidado de las Artes con mayúsculas. Se trata de un mágico recorrido por nuestra herencia, por nuestro patrimonio más exquisito y exótico, donde las diferencias y los conflictos de ambos bandos, el castellano y el andalusí, desaparecen en una apoteosis de música y poesía.

Por su trabajo y por la difusión de estas músicas inéditas, Eduardo Paniagua recibe desde hace años excelentes críticas y premios internacionales.

La Edad Media tuvo un papel definitivo en la formación de España. Una visión global de la música de la España medieval ha de tener en cuenta Al-Andalus, ya que en el aspecto cultural y musical tuvieron una extraordinaria interrelación.

La música hispanomusulmana nos proporciona un ejemplo de simbiosis cultural de ricos frutos mezclando los logros musulmanes y cristianos en el crisol andalusí a lo largo de más de siete siglos. Constata que la civilización medieval es un todo homogéneo. Su tesoro musical, con el avance de los reinos cristianos del norte, y especialmente al finalizar la permanencia musulmana en la península Ibérica tras la expulsión de los Moriscos en 1609, pasa al Magreb donde hoy pervive. La conservación de esta joya musical es casi un milagro y su estudio y recuperación es un regalo para el patrimonio musical de Occidente y de la humanidad.

Las Cantigas de Santa María, comprendidas en cuatro códices de pergamino del siglo XIII, constituye la obra lírica más importante de la España medieval, y está considerada como la obra más personal de Alfonso X. El repertorio es de extraordinaria riqueza ya que sus melodías son todas distintas y originales. El mundo andalusí también se refleja en ellas. Compuestas y compiladas en el Alcázar de Sevilla, los códices que las guardan contienen asimismo las más valiosas miniaturas del siglo XIII.

Cuartetos del Teatro

El Teatro Real prosigue su Ciclo de música de cámara en colaboración con instituciones culturales, con dos conciertos que tendrán lugar el día 13 de marzo, a las 21.00 horas, en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y el día 14, a las 19.30 horas, en la Biblioteca Nacional de España, con la participación del prestigioso cuarteto finlandés Meta4 y la colaboración de la soprano Tuuli Lindeberg.

En el programa, común a ambos conciertos, se escuchará el Cuarteto nº 2, Op. 10, de Arnold Schoenberg, y la Suite lírica, de Alban Berg. La primera de las obras de este díptico, que incluye a dos de los tres compositores que conforman la Segunda Escuela de Viena, se une a las programadas en la actual temporada del Teatro Real, Pierrot Lunaire y Erwartung, con las que el coliseo madrileño quiere conmemorar el 150 aniversario del nacimiento del compositor austriaco.

El Cuarteto nº 2, Op. 10, es una obra de transición en la vida compositiva de Schoenberg, en la que el autor comienza a experimentar con la atonalidad, en busca de un planteamiento más radical y complejo. Así, mientras los dos primeros movimientos se muestran con una tonalidad clara, el tercero va dando muestras, de forma gradual, de lo que se mostrará plenamente en el último: la clara suspensión tonal ya en el campo innovador del cromatismo libre. En estos dos últimos movimientos, basados en poemas de Stefan George, se une al cuarteto la voz de una soprano, que en estos conciertos programados por el Teatro Real será la de la intérprete finlandesa Tuuli Lindeberg.

En 1928, Alban Berg, discípulo de Schoenberg, componía la Suite Lírica para cuarteto de cuerda, considerada una de las obras maestras del siglo XX. Al igual que en la obra que le precede en el programa, el compositor se inspira en un poema, en este caso de Baudelaire, sobre el amor condenado, aunque sin recurrir a la voz. Dedicada a Alexander Zemlinsky es, sin duda, una de las creaciones más conocidas del compositor. 

El cuarteto Meta4, en activo desde 2001, es uno de los cuartetos finlandeses con más éxito del panorama actual. Su palmarés recoge importantes galardones como el primer premio en el Concurso Internacional Shostakovich Quartet Competition de Moscú en 2004, del International Joseph Haydn Chamber Music Competition de Viena, en 2007, y el premio anual Finland Prize del Ministerio de Cultura de Finlandia. Entre 2008 y 2010 fueron seleccionados como artistas del BBC New Generation Artist.

Actúan regularmente en las principales salas de conciertos del mundo como la Konzerthaus de Viena, el Wigmore Hall y King’s Place de Londres, el Auditorio Nacional de Madrid, la Cité de la Musique de París o el Konserthus de Estocolmo, entre otras, se han hecho cargo también de la dirección artística de Oulunsalo Music Festival y de Cuarteto Residente en el Kumho Chamber Music Festival, ambos en Finlandia, desde 2008 hasta 2017.

Los miembros de Meta4 tocan ilustres instrumentos, que incluyen un Stradivarius, cedido por la Finnish Cultural Foundation; un violín de Carlo Bergonzi, de la Fundación Signe and Ane Gyllenberg, y un violonchelo de Lorenzo Storioni de 1780.

El cuarteto se formó en la European Chamber Music Academy (ECMA), de la mano de Hatto Beyerle y Johannes Meissl. Han publicado tres grabaciones con Hänssler Classics: Los Cuartetos de Cuerda op. 55, núm. 1-3 de J. Haydn (2009) -premio Echo Klassik Award-, los Cuartetos de Cuerda núm. 3, 4 y 7 de D. Shostákovich (2012) -premio Record of the Year del Finnish Broadcasting Company YLE y Emma Prize  en la categoría de Classical Album of the Year- y los Cuartetos de Cuerda núm. 1 y 5 de B. Bartók (2014). Han grabado un álbum con la integral de cámara de Kaija Saariaho (Ondine, 2013); un LP del Cuarteto de Cuerda Voces Intimae de J. Sibelius; el Quinteto con Clarinete de J. Brahms y Nebenstück, de G. Pesson junto al clarinetista Reto Bieri, y los Octetos de Cuerda de F. Mendelssohn y G. Enescu, junto al Gringolts Quartet.

Tuuli Lindeberg es una de las principales intérpretes de música vocal barroca y contemporánea de Finlandia. Colabora regularmente con las mejores orquestas y conjuntos de música de cámara de su país, con un amplio repertorio que abarca todas las épocas, desde la medieval hasta la contemporánea. Paralelamente a su carrera artística, Tuuli Lindeberg imparte clases de música vocal barroca y contemporánea en la Academia Sibelius de Helsinki y actúa ocasionalmente como “coach” de estilo en producciones profesionales. Fue miembro del jurado del concurso internacional de canto Aria Borealis (Bodø, Noruega) en 2022 y directora artística de Musica nova Helsinki, el mayor festival internacional de música contemporánea de Finlandia.

Imágen Meta 4: © Tero Ahonen

Nacho Castellanos

Los amantes de la música barroca están a punto de experimentar una jornada inolvidable con el concierto del contratenor Nacho Castellanos y su agrupación Gato Murr en el prestigioso Festival Internacional de Arte Sacro FIAS 2024. El concierto titulado “The Purcell Tongue” promete ser una inmersión fascinante en la obra de Henry Purcell, un compositor cuya influencia y genialidad han trascendido el paso de los siglos hasta nuestros días. “¿Existe, hoy en día, algún artista capaz de hacer vibrar a todo el séquito papal y a su vez, ser cantado y bailado en discotecas y bares? En el siglo XVII ese artista existió, y su nombre era Henry Purcell” afirma el contratenor.

El programa se compone de una cuidadosa selección de obras de Purcell que entremezcla piezas de carácter plenamente sacro con otras que, pese a nacer en lo profano, mantienen esa esencia espiritual. El público podrá disfrutar de la interpretación de grandes obras como “Crown the altar”, “Music for a while” y “O Solitude”, entre otras. Con una duración aproximada de 55 minutos, el concierto no busca solo entretener sino conmover al público con una música atemporal e incatalogable.

“The Purcell Tongue” supone un encuentro entre lo sacro y lo profano, es un viaje que transporta a la audiencia a través de la figura de Purcell quien comprendía y valoraba la teatralidad en la música. En palabras del compositor Benjamín Britten: “Es un descubrimiento de la capacidad que poseen las palabras para expresar tanto ingenio, tanto color…”. El propio Nacho Castellanos asegura: “The Purcell Tongue supone no solo un homenaje a un compositor capaz de trascender los límites de lo sacro, sino además una reflexión sobre los límites entre lo sacro y lo profano”.

Nacho Castellanos, contratenor nacido en Madrid, lidera este trio de excepción. Su formación incluye estudios con grandes nombres de la música antigua y un profundo conocimiento del repertorio barroco. Junto a él, Ismael Campanero en el violone y David Palanca en el clave conforman ‘Gato Murr’.

“Como joven contratenor, este programa refleja también un homenaje a todos esos referentes que han inspirado mi estudio: las primeras grabaciones de Alfred Deller, los monográficos de Michael Chance o la emblemática grabación del Hail Bright Cecilia con James Bowman y el King’s Consort” manifiesta Nacho Castellanos.

Este concierto es una cita imprescindible para los seguidores de la música barroca y para aquellos que desean descubrir la belleza y profundidad de la obra de Henry Purcell en la voz del joven contratenor.

El concierto tendrá lugar el 10 de marzo de 2024, a la 13:30, en el Monasterio del Paular, enmarcando así con un entorno histórico la atmosfera mágica de la música sacra de Purcell.

Nacho Castellanos:

Nacho Castellanos: natural de Madrid, inicia su recorrido musical como clarinetista a los 9 años para después evolucionar hacia el mundo del canto. Como contratenor descubre su particular voz y comienza sus estudios con figuras de la música antigua como Raquel Andueza, Xavier Sabata o Ruth Iniesta, amplió su formación en Italia con Marianna Brilla y Lisa Paglin.

Como solista ha colaborado con diversas orquestas bajo la batuta de directores destacados como Kynan Jones, José Luis Lopez Antón o Pascual Osa. En 2023 funda su ensemble Gato Murr, que fusiona el repertorio barroco más conocido con joyas musicales inexploradas. La temporada 2023-2024 le llevará a ofrecer conciertos en España, Italia y Croacia.

Rebelión en la granja

Durante dos fines de semana, el Real Teatro de Retiro abrirá las puertas de su Sala Principal para presentar el estreno absoluto de Rebelión en la granja, en la versión que LaJoven ha realizado sobre la novela homónima del autor británico George Orwell, con texto de la dramaturga Marta Aran y música original de Alberto Granados Reguilón.

Se ofrecerán seis funciones de este nuevo título, recomendado para un público a partir de doce años, los próximos sábados 2 y 9 de marzo de 2024, con representaciones a las 17:00 y 20:00 horas, y los domingos 3 y 10 de marzo a las 19:00 horas.

Marta Aran, Premio Max a la Mejor Autoría Revelación 2020 por Els dies mentits (Todos los días que mentí), explora, en esta ocasión, temas tan actuales como el derecho a la privacidad, la sobreexposición en las redes sociales o los límites en el uso de la inteligencia artificial.

Alberto Granados Reguilón, compositor y director musical de la obra, se ha inspirado tanto en el mundo de los musicales de Broadway como en el universo de la zarzuela o el cabaret para crear la música original del espectáculo, y las cuatro canciones troncales: I have a dream, Ciberbestias, La democrac-ia y Aves del mundo de dos patitas.

Rebelión en la granja es una reflexión sobre la sociedad contemporánea inmersa en la digitalización, que sumerge al público en un mundo futuro en el que los jóvenes han hackeado todos los antiguos servidores, creando un  software ético llamado Animal Farm. En este nuevo mundo digital, hay una red social donde los avatares son  animales, con sus propios mandamientos, lenguajes y trends. Se creará una comunidad llena de ética digital y transversalidad en la que los jóvenes jugaran un papel fundamental.

LaJoven, comprometida con la juventud y la educación a través del teatro, celebra su décimo aniversario en la temporada 2023-24. La Fundación Teatro Joven, promotora del proyecto, ha sido reconocida con diversos premios como el Premio Talento Joven de Onda Madrid en 2020 o el Premio El Ojo Crítico de RNE en 2014, y ha impactado a cientos de miles de espectadores con sus producciones educativas y de alta calidad artística.

Fotografía © Javier del Real | Teatro Real

José Luis Turina

Uno de los grupos españoles más comprometidos con la difusión de la cultura y el arte por medio de la música, Ensemble Sonido Extremo, estrenará en Badajoz y en Madrid la Suite de lieder de José Luis Turina, obra encargo del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) a su actual compositor residente. El programa se completa con estrenos en España de  Mikel Urquiza y Egon Wellesz, una obra de Jesús Torres y Dos danzas de ‘La raya en el agua’ del propio J. L. Turina. Dirigido por Jordi Francés y con la participación de la soprano Rocío Pérez, Ensemble Sonido Extremo recalará el próximo sábado en el Ciclo de Música Actual de Badajoz, mientras que en Madrid actuará en el ciclo Series 20/21 del CNDM en el Museo Reina Sofía, el lunes 4 de marzo (entrada libre).

El programa se abrirá con el estreno en España de Ships vanishing in the horizon de Mikel Urquiza, inspirada en el Panorama Mesdag en La Haya, un ciclorama de 360 grados considerado la pintura más grande de los Países Bajos. Después será el turno de Dos Danzas de ‘La raya en el agua’, un original espectáculo musico-escénico del gran compositor José Luis Turina. En la segunda parte del concierto, se escuchará Guerra de Jesús Torres, una versión para voz y quinteto de cuerda que el compositor zaragozano hizo de otra pieza anterior, Evocación de Miguel Hernández, compuesta con motivo del centenario del nacimiento de este gran poeta. Por su parte, la Pastorale del compositor y musicólogo vienés Egon Wellesz, otorgará protagonismo al oboe y la flauta solistas, con una música bucólica de un autor que fue alumno del gran Arnold Schoenberg. El broche de oro al concierto lo pondrá la Suite de lieder de José Luis Turina, un encargo del CNDM que será estreno absoluto y que se basa en diversas canciones de Alexander von Zemlinsky.

Integrado por grandes intérpretes, Ensemble Sonido Extremo destaca por una amplia versatilidad a la hora de abordar repertorios contemporáneos, así como por un profundo interés por los diversos lenguajes del hecho musical. Desde su creación en 2009, ha actuado en los más importantes ciclos del país y ha realizado estrenos absolutos de más de 60 obras, muchas de ellas gracias al respaldo del CNDM y la Sociedad Filarmónica de Badajoz. Liderado por su director artístico, Jordi Francés, en estos dos conciertos pondrá el foco en el estreno de obra nueva de algunos de los compositores más audaces de los siglos XX y XXI.

José Luis Turina © Rafa Martín

Cuarteto Mandelring

Los próximos días 2 y 3 de marzo, el famoso cuarteto de cuerda alemán regresa al Festival Musika-Música, para protagonizar dos conciertos en el Palacio Euskalduna. Los miembros del Mandelring Quartett, que ya actuaron con gran éxito de público y crítica en la pasada edición del conocido festival bilbaíno, presentarán dos interesantes y variados programas con los que evocarán diversas “imágenes sonoras”, en clara sintonía con la temática de Musika- Música 2024. El sábado 2 de marzo, el Mandelring Quartett interpretará la Serenata italiana en sol mayor de Hugo Wolf, La oración del Torero, op. 34 (en versión para cuarteto de cuerda) de Joaquín Turina y el Quatuor à cordes en sol mineur, opus 10 de Claude Debussy.

Al día siguiente, el domingo 3, sonarán obras de dos compositores de la Wiener Klassik: el Cuarteto en sol menor op. 74, nº 3 “El Jinete” de Joseph Haydn, y el Cuarteto nº 6 en Si bemol mayor, op. 18/6 de Beethoven. A lo largo del mes de marzo, el Mandelring Quartett tendrá dos nuevas citas españolas en agenda, en las que visitará Madrid y Cuenca. La Fundación BBVA ha querido contar con el prestigioso cuarteto alemán para el programa “Los cuartetos de Brahms”, que presentará en el marco de su Temporada de Música en el escenario del Palacio del Marqués de Salamanca.

Sebastian Schmidt (violín), Nanette Schmidt (violín), Andreas Willwohl (viola) y Bernhard Schmidt (violonchelo), que ya grabaron la integral con la música de cámara para cuerda de Brahms (todos sus cuartetos, quintetos y sextetos de cuerda) en el sello Audite, interpretarán los Cuartetos nº 1 y nº 2 (el 23 de marzo), y el Cuarteto nº 3 y el Quinteto con clarinete en si menor, op. 115, junto a la clarinetista española Laura Ruiz Ferreres (el 24 de marzo).

Y last but not least: El 26 de marzo, los hermanos Schmidt y Andreas Willwohl se presentarán por primera vez en la Semana de Música Religiosa de Cuenca; el Espacio Torner acogerá este concierto-debut, en el que interpretarán el Cuarteto en sol menor D 173 de Franz Schubert, el Cuarteto nº 1 “Métamorphoses nocturnes” de György Ligeti y el Cuarteto en la menor nº 15, op. 132 “Canto sagrado de acción de gracias” de Beethoven, como artistas invitados de la LXI edición del célebre festival.

Esta nueva gira del Mandelring Quartett durante el mes de marzo en territorio español se suma a sus recientes compromisos en el Espacio Turina de Sevilla, el Auditorio “Víctor Villegas” de Murcia, el Festival de Granada, el Palacio Real de Madrid o el Palau de la Música de Barcelona, escenarios en los que el cuarteto ha hecho gala de sus habituales señas de identidad, tan aplaudidas por el público y la crítica especializada: gran compenetración, un sonido homogéneo claramente identificable y su extraordinaria expresividad.

La pasajera

Entre el 1 y el 24 de marzo, el Teatro Real ofrecerá ocho funciones de La pasajera, de Mieczysław Weinberg, en una coproducción del Teatro Real con el Festival de Bregenz, el Teatro Wielki de Varsovia y la English National Opera.

El estreno en España de esta ópera ─­con tres años de retraso debido a la pandemia─ se puede enmarcar en el sorprendente descubrimiento, en las últimas décadas, de la prolífica y valiosa producción musical de Weinberg, silenciada durante años por la presión de la censura soviética y por las terribles vicisitudes de su biografía.

Mieczysław Weinberg nació en Varsovia en 1919, en el seno de una familia de artistas judíos vinculados al teatro yidis. Sus padres y hermana murieron en el campo de concentración de Trawniki, de donde el joven músico se escapó, encontrando refugio en la Unión Soviética. Allí vivió de la música, prosiguió con ahínco su formación y mantuvo una incansable actividad creativa, componiendo en situaciones precarias. Marginado, perseguido, encarcelado y constantemente vigilado por las autoridades soviéticas, nuevamente por su condición de judío ─reforzada por el matrimonio con la hija de un actor yidis asesinado por el régimen─, su supervivencia y su carrera se deben, en gran parte, al apoyo y protección de Dmitri Shostakóvich (1906-1975), gran amigo, admirador y divulgador de su obra.

La prolífica producción de Weinberg, con más de 150 obras catalogadas –incluyendo 22 sinfonías, 17 cuartetos de cuerda, 4 óperas, 3 operetas, un réquiem (que incluye textos de Lorca), cantatas, ballets, sonatas, ciclos de canciones y más de 40 partituras para cine y teatro–, se puede inscribir en la fantástica cantera de compositores rusos del siglo XX, encabezada por Dmitri Shostakóvich y Serguéi Prokófiev. Toda su música, heredera del sinfonismo centroeuropeo, del neoclasicismo y de la influencia de sus maestros rusos, está impregnada de temas del folclore judío, polaco, moldavo, armenio, etc., germen de muchas de sus creaciones.

La pasajera narra el encuentro, en un transatlántico rumbo a Brasil, de dos mujeres que intentan escapar de su pasado común en Auschwitz diez años antes. La primera, acompañada de su marido y flamante diplomático, fue carcelera en el campo de concentración, teniendo a su cargo a la segunda, prisionera judía con la que entabló entonces una perversa relación.

La ópera, cantada en 7 idiomas ─incluyendo el castellano, por el coro-, está estructurada con constantes flashbacks de inspiración cinematográfica─  Weinberg tocó y compuso mucho para películas-, que articulan el viaje marítimo en la cubierta del barco, con otro, oscuro y siniestro, a los angustiosos traumas de la vida en el campo de exterminio.

Tanto la escritora Zofia Posmysz (1923-2022) ─autora de la novela homónima en la que se basa la ópera─ como el compositor vivieron el terror del holocausto y sintieron la necesidad de contarlo, lo que imprime a la ópera una emoción espeluznante.

Pese a la dureza inexpresable del tema de la ópera, su música, en muchos fragmentos dura, rabiosa y expresionista, articula momentos sinfónicos altisonantes con otros camerísticos e intimistas, en una sucesión de temas de grandísima eficacia dramatúrgica, enlazados con fluidez y maestría: pasajes atonales y disonantes que evocan la barbarie, melodías folclóricas nostálgicas que acompañan a las reclusas, pasajes jazzísticos de la vida mundana del transatlántico, el vals diabólico del comandante de las SS o la Chacona de la Segunda Partita de Bach, en el descorazonador clímax de la ópera.

La pasajera se estrenará en España con la maestría de dos grandes especialistas en la obra de Weinberg: Mirga Gražinytè-Tyla, directora musical lituana de enorme prestigio internacional, que lleva años interpretando y grabando sus partituras sinfónicas, y David Pountney, que estudió hondamente la vida y obra del compositor polaco para la primera puesta en escena de la ópera, en 2010 en Bregenz, y que ahora llega al Teatro Real.

El equipo artístico y los intérpretes de la producción, con 16 distintas nacionalidades, darán vida a este drama descorazonador, con un reparto coral encabezado por la soprano Amanda Majeski (Marta) y la mezzosoprano Daveda Karanas (Lisa), que nos llevarán a uno de los períodos más terroríficos de la historia de la humanidad y al interior de nosotros mismos, con la esperanza de que la ópera de Weinberg nos recuerde las vidas truncadas de tantos inocentes que han conservado la dignidad, la esperanza y la capacidad de amar en las condiciones más extremas.

INSTITUTO ADAM MICKIEWICZ (AMI)

El Instituto Adam Mickiewicz (AMI) es una institución nacional de cultura, cuyo objetivo es generar un interés duradero por la cultura polaca en todo el mundo. El instituto trabaja con colaboradores extranjeros e inicia un diálogo cultural internacional en consonancia con las metas y objetivos de la política exterior polaca. El instituto ha llevado a cabo proyectos culturales en setenta países de los seis continentes, incluidos Gran Bretaña, Francia, Israel, Alemania, Turquía, Estados Unidos, Canadá, Australia, Marruecos, Ucrania, Lituania, Letonia, así como China, Japón y Corea. La alta calidad de los proyectos del instituto la confirman los premios recibidos a nivel internacional por exposiciones y festivales. En 2023, el Pabellón Polaco «Poética de la necesidad», organizado por el AMI, recibió una medalla en la Bienal de Diseño de Londres.

La marca insignia del instituto, CULTURE.PL, es un servicio de noticias culturales actualizadas que trata de discutir los eventos y fenómenos más interesantes relacionados con la cultura polaca y que ofrece artículos y noticias en tres idiomas: polaco, inglés y ucraniano.

El AMI está financiado por el Ministerio de Cultura y Patrimonio Nacional.

AGENDA ACTIVIDADES PARALELAS

28 de febrero, a las 20.15 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

Enfoques: encuentro con Mirga Gražinytè-Tyla (directora musical de La Pasajera), David Pountney (director de escena de La Pasajera), Joan Matabosch (director artístico del Teatro Real) y Martín Llade (periodista especializado en música).

13 de marzo al 17 de marzo| Fundación Juan March

Ciclo Mieczysław Weinberg: integral de los cuartetos de cuerda por el Cuarteto Danel.

A través de 5 conciertos se presenta, por primera vez en España, la monumental integral de los 17 cuartetos de cuerda de Weinberg interpretados en orden cronológico por el Cuarteto Danel.

Además, también se incluye un encuentro con Marc Danel (fundador del Cuarteto Danel) y Mirga Gražinytė-Tyla (directora musical de La Pasajera) en diálogo con Luis Gago (crítico musical y musicólogo).

  • 13/03, 18:30 Concierto cuartetos nº 1, 2, 3 y 4
  • 14/03, 18:00 Weinberg a debate
  • 15/03, 18:30 Concierto cuartetos nº 5, 6 y 7
  • 16/03, 12:00 Concierto cuartetos nº 8, 9 y 10

18:30 Concierto cuartetos nº 11, 12, 13 y 14

  • 17/03, 12:00 Concierto cuartetos nº 15, 16 y 17

24 de marzo, a las 12.00 horas | Sala principal del Teatro Real

Los Domingos de cámara: concierto con solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real

Programa:

  1. Dohnányi: Serenata para trío de cuerda, op. 10
  2. Costa: Hacia la luz
  3. Weinberg: Trío con piano, op.24
  4. González Granero: Cuarteto de cuerda nº 2, In times of confinement
Maurizio Pollini

Lamentamos comunicar que, por motivos de salud, el Maestro Maurizio Pollini no podrá celebrar con nosotros su concierto en el 29º Ciclo de Grandes Intérpretes el próximo 3 de abril.
Desde Fundación Scherzo queremos desearle la más pronta de las recuperaciones, enviándole todo nuestro cariño y admiración.

Como sustitución a este recital, queremos agradecer a los pianistas Martha Argerich y Nelson Goerner quienes se han prestado para poder celebrar este concierto el día 1 de abril, a las 19:30h, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional.

Para todos aquellos interesados en devolver sus entradas, tanto por el cambio del intérprete como por el cambio de fecha, podrán hacerlo llamando a nuestras oficinas desde el martes 27 de febrero.

Accademia del Piacere

Accademia del Piacere presenta, en el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), Gugurumbé. Las raíces negras, un espectáculo mestizo ideado por el violagambista Fahmi Alqhai y el coreógrafo Antonio Ruz que ahonda en la música del Barroco español y en cómo se vio influenciado por los intercambios con las colonias americanas y con el África subsahariana. La propuesta está protagonizada por Patricia Guerrero, Premio Nacional de Danza 2021, la soprano Núria Rial, el guitarrista Dani de Morón, la cantaora Alba Carmona y la bailarina de danza contemporánea Ellavled Alcano. Tendrá lugar el martes 27 de febrero, a las 19:30 horas, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música, en el marco de su ciclo Fronteras.

El espíritu de esta ambiciosa apuesta parte del aclamado violagambista sevillano de origen sirio-palestino Fahmi Alqhai, fundador y director de Accademia del Piacere, grupo residente del CNDM en su temporada 23/24; y del planteamiento escénico y coreográfico de Antonio Ruz. Juntos crearon Gugurumbé, con un repertorio que investiga en la herencia de la música y la danza de los esclavos negros llegados a España en el siglo XVI y de cómo sus ritmos se introdujeron en la música y danza Barroca hasta derivar incluso en el flamenco. Se trata de un proyecto transversal, con una amplia visión historicista, artística y social, que se adentra en las influencias y singularidades del Barroco español.

El programa presenta ejemplos de danzas como chaconas, jácaras y guineos, que se conectan a través de su misma esencia rítmica y armónica con las danzas del flamenco, como los fandangos, los tangos o los bailes de compás mixto como las alegrías y las bulerías. A partir del cante de Alba Carmona y el canto de la gran soprano especializada en el Barroco Núria Rial, se integrarán la música de Accademia del Piacere y Fahmi Alqhai, y solistas como el guitarrista flamenco Dani de Morón, una de las figuras más importantes de la guitarra flamenca actual. En la puesta en escena será fundamental la presencia del baile flamenco de Patricia Guerrero y del baile negroamericano de Ellavled Alcano, con coreografías creadas por Antonio Ruz. Una experiencia única que recrea el espíritu mestizo y abierto de quienes originaron estas músicas.

Fahmi Alqhai y Antonio Ruz @Lolo Vasco

Ensemble María de Pablos

El ciclo Domingos de Cámara del Teatro de la Zarzuela presenta este próximo domingo 25 de febrero (12h00) al Ensemble María de Pablos en el Ambigú del coliseo con un concierto íntegramente de obras de compositoras españolas, entre las que se incluirán tres estrenos absolutos. Las entradas para el concierto están agotadas.

Una temporada más, el ciclo, que celebra ya su octava edición, está dedicado íntegramente a la mujer, y más concretamente al papel de las compositoras en la música española.

El Ensemble incluirá en su concierto música de la propia María de Pablos (1904-1990), Pauline García-Viardot (1821-1910), Matilde Salvador (1918-2007), Marisa Manchado (1956), Carme Rodríguez (1996) y tres estrenos absolutos de María José Cordero (1953), Alicia Muñoz Torres (2002) y Lucía López de Vergara (2003).

Compuesto por la mezzosoprano Joana Thomé, la violinista a actualidad por el violista Noelia Gómez y la pianista Puerto González, el Ensemble María de Pablos nació en 2020 con la voluntad de rendir homenaje a la ilustre compositora segoviana de la que toman el nombre, primera mujer de la historia en ganar por oposición la beca para estudiar composición en la Real Academia de España en Roma y pionera como directora de orquesta en España.

El Ensemble pone en valor la música creada por compositoras, a la par que se implica en la creación de nuevas obras para la agrupación.

Con este ciclo el Teatro sigue con su objetivo de difindir la música “en femenino“, mucha de ella inédita, con la intención de descubrir al público la excelencia de las creaciones de estas compositoras españolas que rara vez tuvieron (o tienen) el debido reconocimiento por sus creaciones.

Grigory Sokolov

La Fundación Scherzo se complace en presentarles la vuelta de Grigory Sokolov al ciclo de Grandes Intérpretes el próximo 26 de febrero, en la que será la vigésimo sexta participación del pianista ruso en nuestra programación.

La Sala Sinfónica del Auditorio Nacional vuelve a acoger su cita anual con el conocido como «Titán del piano»: Grigory Sokolov, quien celebra este año nada más y nada menos que veintiséis conciertos con Fundación Scherzo.

Siendo los programas de Sokolov todo un misterio hasta semanas antes de empezar la gira, en este tour de 2024, el intérprete ruso, recién nacionalizado español, nos deslumbra con un compositor por encima del resto: J. S. Bach.

Y es que, tras años de espera, el sueño de muchos melómanos se ha hecho realidad: Grigory Sokolov dedicará su programa a la música del maestro de Eisenach, o, por lo menos, la primera parte de este recital. Con los siempre sinuosos e hipnóticos Vier Duette, BWV 802-805 y la melancólica y patética Partita II en Do menor, BWV 826 de J. S. Bach, Sokolov presenta una primera parte más reflexiva y trascendental. La segunda parte del concierto ya estará dedicada al ala más romántica del sentir melómano.

Las Cuatro Mazurcas op. 30 y las Tres Mazurcas op. 50 de F. Chopin nos regalarán el belcanto hecho piano, con ese vaivén tan típico de la danza polaca.

Para concluir, Sokolov nos sorprende con una obra cuanto menos profética: las “Escenas del bosque” (“Waldszenen”), Op. 82 de Robert Schumann. Último gran ciclo de piano compuesto por Robert Schumann que, pese a recordar a sus tiernas «Escenas Infantiles», las «Escenas del bosque» reflejan un universo más evocador y pensativo.

Tras este recital, el Ciclo de Grandes Intérpretes proseguirá ya en el mes de marzo, con el debut en nuestra programación del presente y futuro del piano español: Martín García García (12 de marzo).

Maribel Ortega

El Teatro de La Zarzuela acogerá en este mes de marzo la próxima presentación de ’Gal·la Placídia’, una ópera en tres actos, versión concierto, compuesta por el Maestro Jaume Pahissa, con un libreto escrito integramente en catalán basado en la obra de Ángel Guimerà.

La soprano jerezana Maribel Ortega encabeza un reparto de excepción asumiendo el papel principal de Gal·la Placídia. Su virtuosismo vocal y profundo compromiso artístico prometen una interpretación brillante y emotiva. Bajo la dirección musical de Christoph König, titular del Teatro de la Zarzuela, la ópera cuenta con un reparto minuciosamente seleccionado entre los que destacan los nombres de Antoni Lliteres, Simón Orfila, Carles Pachón, Carol García, Carlos Danza y Marc Sala. La dirección coral estará a cargo de Antonio Fauró, director del Coro del Teatro de la Zarzuela.

La trágica obra en verso ’Gal·la Placídia’ de Angel Gimerà está ambientada en la Barcelona del año 416, la ópera explora la complejidad del amor, la traición y el conflicto entre godos y romanos. Se estrenó en 1913 en el Liceo marcando un hito histórico al fusionar la narrativa de Guimarà con la música innovadora de Pahissa. La obra resalta la grandeza de Verneuf, las dudas sentimentales de Gal·la Placídia y la sumisión de Ataulf.

Jaume Pahissa (1880-1969) era un músico ecléctico y vanguardista que dejó un legado musical diverso, desde sinfonías hasta operas como ”Marianela”. Su exilio a Argentina durante la Guerra Civil Española no detuvo su contribución a la música y en 1961 regresaba a Barcelona pero viendo que está completamente olvidado y que su música ha sido prohibida, después de una gira por Europa regresa a Argentina. Su obra, que fue prohibida por la dictadura, ha

permanecido desconocida por el gran público hasta ahora. La interpretación de ’Gal·la Placídia’ en marzo, con Maribel Ortega promete celebrar la rica tradición lírica catalana y el ingenio perdurable de Pahissa. Un encuentro único con la historia y la música.

Maribel Ortega

La soprano lírico-spinto Maribel Ortega es una rara avis en el paisaje lírico español de hoy. Su talento para el registro dramático no es habitual dentro de nuestras fronteras y la acerca a roles de la ópera alemana, nórdica y del este de Europa. Por eso ha interpretado la mayoría de los roles protagonistas del repertorio lírico dramático, tanto en España como en el extranjero.

Natural de Jerez de la Frontera (Cádiz), Ortega se tituló en Canto por la Guildhall School of Music and Drama de Londres y en el Conservatorio Superior de Música del Liceu con Enriqueta Tarrés. Desde entonces se ha perfeccionado con Cynthia Sanner, profesora de la Juilliard School y Carlos Aransay. Además, la soprano tiene una pasión oculta, la enología, ya que es licenciada en Ciencias Químicas, con especialización en Enología y Fermentaciones Industriales.

Desde su debut en el papel principal de Norma en la Ópera de Cataluña (2006), destacan sus colaboraciones con el Gran Teatro del Liceo, la Ópera de Oviedo, el Teatro São Pedro de Brasil, el Palau de Les Arts o el Teatro alla Scala bajo la dirección musical de Valery Gergiev y Pier Giorgio Morandi, entre otros, en roles principales de obras como Turandot, Macbeth, Madama Butterfly o Die Walküre.

Ha ganado numerosos concursos líricos y becas como la “Rosa Maria Tarruel”, el Otoño Lírico Jerezano, “Mirabent i Magrans”, “Germans Pla”, “Ciudad de Zamora”, “Jaume Aragall”, ha recibido el premio Cantante Revelación de la crítica de los Amics del Liceu por su Lady Macbeth (2006, Sabadell) y Mejor voz femenina de los Amigos del Teatre Principal de Palma por Nabucco (2016, Palma).

Samuel Mariño 200 (c) Olivier Allard

El sopranista Samuel Mariño (Caracas, 1993), uno de los fenómenos vocales del momento gracias a su prodigiosa voz, capaz de alcanzar registros de soprano, se presenta por primera vez en el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM). Junto a Concerto De’ Cavalieri, agrupación del clavecinista Marcello di Lisa, este aclamado joven cantante interpretará una selección de bellas arias barrocas, que requieren gran virtuosismo, de Antonio Vivaldi, Antonio Caldara y Alessandro Scarlatti. El programa también incluye conciertos del propio Vivaldi y de Arcangelo Corelli. El concierto tendrá lugar el miércoles 21 de febrero, a las 19:30h, en el marco del ciclo Universo Barroco del CNDM, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música.

Con una presencia escénica deslumbrante y una voz carismática y versátil, el sopranista venezolano Samuel Mariño despunta actualmente en los principales teatros internacionales. Tras una primera experiencia en la ópera con la Camerata Barroca de Caracas, tuvo la oportunidad de trabajar con aclamados directores como Gustavo Dudamel, Helmuth Rilling y Theodore Kuchar. Público y crítica admiraron entonces el talento de un artista que, pese a su corta edad, ya ha interpretado grandes papeles en oratorios barrocos y clásicos en obras de Claudio Monteverdi, George Frideric Hendel o Antonio Salieri, entre otros. Además, el profundo interés en redescubrir el patrimonio musical más desconocido le llevó a fundar Ensemble Teseo en 2019, un proyecto que visibiliza obras y técnicas barrocas olvidadas.

En este concierto del CNDM y junto a la agrupación italiana Concerto De’ Cavalieri, uno de los grupos italianos más vibrantes y emocionantes dedicados a la interpretación historicista, hará un recorrido por bellas arias barrocas. El programa rinde homenaje a la Venecia del siglo XVII, una época de ebullición cultural en la que la ciudad gozó de gran esplendor y en la que la figura del divo de ópera, especialmente los cantantes con voces agudas, se erigió como estrella indiscutible del género.

El recorrido comenzará con Antonio Vivaldi, de quien se escucharán dos conciertos de cuerda y cinco arias. Entre ellas, se encuentran la famosa Quell’augellin che canta, de la ópera La Silvia; la florida Agitata da due venti de Griselda; o la melancólica Dite, oimè!, de La fida ninfa, ópera con la que se inauguró el nuevo Teatro Filarmónico de Verona durante el carnaval de 1732. El segundo compositor que aparece en el programa es Arcangelo Corelli, otro de los autores más influyentes en la música del siglo XVIII, de quien sonará su Concerto grosso en re mayor, op. 6, nº 4.

De vuelta al repertorio vocal, Mariño se enfrentará al aria de Santa Eugenia: Vanne pentita a piangere de Antonio Caldara, que pertenece a su obra Il trionfo dell’innocenza, estrenada en 1700. Por su parte, de Alessandro Scarlatti se interpretarán dos piezas, la exuberante aria de Erminia: Torbido, irato e nero, que contiene grandes florituras en el registro sobreagudo; y la bellísima Caldo sangue, del oratorio Sedecia, re di Gerusalemme.

Samuel Mariño (c) Olivier Allard

El año pasado por agua

El premiado y tantas veces elogiado Proyecto Zarza  del Teatro de la Zarzuela, o lo que es lo mismo: zarzuela hecha por jóvenes para jóvenes, regresa un año más al escenario de la plazuela de Teresa Berganza, y en esta ocasión lo hace con ‘El año pasado por agua’ de Federico Chueca y Joaquín Valverde. La versión del libreto de Ricardo de la Vega es de Enrique Viana. Esta es la octava temporada de esta iniciativa que tiene como propósito primordial divulgar el género entre las jóvenes generaciones, de tal forma que los nuevos espectadores se acerquen a la zarzuela sin prejuicios y con el objetivo ideal de afianzar el futuro del género.

En las 14 funciones que el Teatro ofrecerá entre el 23 de febrero y el 1 de marzo (11 escolares y 3 abiertas al público general) será la Maestra Lara Diloy quien se encargue de la dirección musical, y Marta Eguilior la responsable de la dirección de escena y la escenografía. Como ya es habitual, la obra estará interpretada por 18 cantantes-actores de entre 18 y 33 años elegidos a través de un proceso de audiciones en el que nuevamente concurrieron cientos de artistas.

En esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela, el vestuario es de Betitxe Saitua, la iluminación de Alfonso Malanda y la coreografía de Cristina Arias. Por tercer año consecutivo se ha contado también con el director del Coro Titular del Teatro, Antonio Fauró, que ha trabajado en la preparación de las voces de los cantantes-actores que participan en la representación y que estarán acompañados por una orquesta de cámara integrada por ocho jóvenes músicos.

Mensaje positivo, optimismo obligado

La versión que el dramaturgo, actor y cantante Enrique Viana ha escrito sobre el texto de Ricardo de la Vega habla de un mundo en peligro, el nuestro, amenazado por todas las terribles consecuencias derivadas del cambio climático. Y pese a las más que pesimistas alarmas, hay en la historia un mensaje positivo; como dice el propio autor: “Detrás de la zarzuela hay una crítica, una conciencia, un aviso, una llamada de atención para que el mundo de hoy sea mejor mañana”.

Por su parte, Marta Eguilior señala que no por casualidad la historia transcurre un 31 de diciembre. El apellido de Chueca, uno de los dos “ilustres” compositores de la obra, “rotula, hoy día, uno de los barrios más coloristas y libres de Madrid. ¿Por qué no abrazar tan mágica conjunción y llevar a escena un espectáculo lleno de lentejuelas y festividad? ¿Por qué no convertir esta representación en la celebración de la Nochevieja, en una revista con sus luces y sus sombras? De la vida que se va, la que cambia. La oportunidad de un año nuevo”. Así aborda la directora la función, para acercarse y abrazar los planteamientos de Viana: “¿Y si ahora se acercase ese «fin»? ¿Y si no hubiera manera de frenar el deshielo de los glaciares? ¿Los termómetros desorbitados?”, y también con el optimismo casi obligado de aquel: “¿Y si en la última noche del año hiciéramos el balance de lo bueno y malo y tuviéramos la oportunidad de tomar nuevas decisiones para evitar ese cataclismo, mejorar al planeta, a nosotros mismos?”.

Las funciones se presentarán en la sala principal del Teatro de la Zarzuela, y, como de costumbre, se alternarán pases escolares (para alumnos de ESO y Bachillerato) con funciones para el público general. Tal y como se ha venido haciendo en las siete ediciones precedentes, tras el espectáculo se celebrará un coloquio entre el público y los artistas.

Una de las funciones escolares del viernes 1 de marzo será grabada y emitida días después a través de las cuentas de Facebook y YouTube del Teatro, en las que quedará disponible.

Back to Follia!

El violinista barroco Daniel Pinteño y su formación Concerto 1700 se embarcan en una loca travesía musical con el lanzamiento de su último disco, Back to Follia!, interpretando los grandes éxitos populares del barroco -chaconas, zarambeques, fandangos o folías- que inundaban en su momento las calles, salones y tabernas de España. Impulsados por la libertad creativa propia de esta música popular de los siglos XVII y XVIII. Daniel Pinteño y su agrupación han recreado un repertorio que va mucho más allá de las normas y convenciones de la Música Antigua.

Daniel Pinteño es considerado por la crítica como una de las figuras con más proyección dentro del panorama historicista español y Concerto 1700 se ha convertido en uno de los grupos más demandados en la escena musical española, destacando su labor de recuperación de repertorio musical hispano del siglo XVIII. Con ese bagaje, en este disco han querido ir un paso más allá del canon, y, como explica Pinteño, “ le damos una vuelta un poco loca y gamberra a estas danzas españolas a través de la improvisación, ornamentación y variación rozando el crossover ya que a veces metemos elementos actuales en las obras. Este trabajo está basado en danzas y canciones que eran muy famosas y populares en su época… podemos imaginar a cuatro músicos que entran en una taberna y se ponen a tocar lo que les apetece pasando de un tema a otro sin las ataduras de un concierto al uso”.

Como señala en el libreto del disco la investigadora de la Universidad de Salamanca Ana Lombardía, una de las fuentes principales de este trabajo ha sido el "Manuscrito de Salamanca", de 1659, que recoge diez melodías interpretadas con violín por aficionados del entorno universitario. Esta música no está copiada en pentagrama, sino en tablaturas imprecisas que no recogen detalles rítmicos ni armónicos, y que responden mayoritariamente a esquemas estandarizados de la época.

Muchos son de origen ibérico, como la escandalosa chacona, la jácara (cuyo nombre hace referencia a los rufianes o “jaques” de la época) el canario (danza originaria de las islas Canarias) o la famosa folía, de origen portugués y baile “alocado” (de ahí el nombre) así como uno de los escasísimos ejemplos conocidos de melodías de zarambeque (o sarambeque), un son asociado a los esclavos africanos.

Bajo la dirección de Daniel Pinteño (violín), interpretan este compendio de música barroca improvisada los miembros de Concerto 1700 Pablo Zapico (guitarra barroca), Ismael Campanero (contrabajo y violón), Pere Olivé (percusión) y el tenor Víctor Sordo, como invitado especial. Formados como músicos historicistas y acostumbrados a seguir las normas de fuentes y convenciones estilísticas de los siglos XVII y XVIII, por esta vez, han elegido ir deliberadamente más allá de lo que generalmente se conoce como Música Antigua.

Daniel Pinteño y Concerto 1700 invitan a los oyentes a unirse a esta experiencia musical, donde la improvisación y la exploración de nuevos sonidos nos transportan a la esencia misma del barroco. El disco es la prueba viva de que no se podría entender la música barroca sin reconocer el peso de todas esas danzas que trascendieron la península ibérica como la folía, la chacona, los canarios, las marionas entre muchas otras.

Estética punki para un disco transgresor
En línea con esa libertad creativa y un tanto transgresora del canon de este trabajo, la estética del disco remite al punk ochentero, con una gráfica inspirada en los carteles de conciertos pegados en las paredes, unos sobre los otros, que, al ser arrancados, creaban un efecto decollage muy característico. Los propios músicos han bautizado y escrito a mano cada uno de los títulos que contiene este «Back to Follia!». Todo ello unido al empleo de otros elementos como las etiquetas DYMO aportan coherencia al mensaje transgresor y divertido del proyecto.

El disco Back to Follia! Estará disponible desde el 1 de marzo en la tienda online de Concerto 1700 (venta física) así como establecimientos como El Corte Inglés o Fnac; y disponible online en más de 250 plataformas como Spotify, iTunes, Amazon Music y YouTubeMusic. Daniel Pinteño y Concerto 1700, próximas fechas de conciertos.

En los próximos meses, la agrupación ofrecerá el repertorio del disco y otros programas en distintos escenarios de España. El 16 de febrero estará en el FIAS de Madrid con Deus est Omnia: Las arias alemanas de Händel, con la soprano portuguesa Ana Vieira Leite. El concierto Follia! Sones y danzas sonará el 7 de marzo en la Sala María Cristina de Málaga y el 9 de marzo en la Fundación BBVA de Madrid. También en la capital, el 20 de marzo, la agrupación ofrecerá el concierto extraordinario Tríos y retratos: Castel y Goya en la Fundación Juan March. El concierto Madrid-París, los tríos de la Ilustración, se podrá escuchar en la Fundación Antonino y Cinia de Cerezales del Condado (León) el 22 de marzo, y en Real Fábrica de Cristales de La Granja, Segovia, el 23 de marzo. El 10 y 11 de abril, participará en el XL Ciclo Música de Cámara de Patrimonio Nacional con el concierto Quintetos para su Alteza tocando con la colección Stradivari de Palacio junto al violonchelista italiano Marco Testori, en el Salón de Columnas de Palacio Real de Madrid. El 12 de abril ofrecerá Ayres de Britannia en el FMA de Torrelodones, Madrid. Finalmente, el 21 de abril Concerto 1700 interpretará la ópera Las amazonas de España del compositor Giacomo Facco en la sala sinfónica del Auditorio nacional junto a un maravilloso elenco femenino de voces.

Daniel Pinteño, violín & director
Considerado por la crítica como una de las figuras emergentes con más proyección dentro del panorama historicista español, nació en Málaga, comenzó sus estudios en el Conservatorio Profesional de Música de Murcia de la mano de Emilio Fenoy y los finalizó con posterioridad con Juan Luis Gallego en el Conservatorio Superior de Música de Aragón. Es el director artístico y fundador de la agrupación historicista Concerto 1700.

Durante sus años de formación, asistió activamente a clases magistrales con solistas internacionales como Nicolás Chumachenco, Alexei Bruni, Mikhail Kopelman, Alberto Lysy e Ida Bieler, entre otros. Más tarde, se trasladó a Alemania donde prosiguió sus estudios de perfeccionamiento con el profesor de la Hochschule für Musik Karlsruhe, Nachum Erlich.

Desde el año 2010, orientó su labor musical a la interpretación del repertorio comprendido entre los albores de la música para violín del siglo XVII hasta el lenguaje romántico de mediados del XIX con criterios históricos. Para ello, recibió clases de profesores como Enrico Onofri, Anton Steck, Hiro Kurosaki, Catherine Manson, Enrico Gatti, Sirkka-Liisa Kaakinen-Pilch, Margaret Faultless, Jaap ter Linden, etcétera. Complementariamente, cursó Musicología en la Universidad de La Rioja y la Universidad Complutense de Madrid.

Estudió violín barroco en el Conservatoire à Rayonnement Régional de Toulouse (Francia) con el violinista suizo Gilles Colliard y en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid bajo la tutela de Hiro Kurosaki. Su pasión por la recuperación de patrimonio musical español del siglo XVIII le ha valido el reconocimiento de la crítica internacional. En el año 2019, obtuvo una beca Leonardo para investigadores y creadores culturales que otorga la Fundación BBVA, con la que realizó un proyecto de recuperación y grabación del álbum «Antonio de Literes (1673-1747): Sacred cantatas for alto». En 2023 recibe el «Premio a la Producción Artística» otorgado por el Ayuntamiento de Málaga y la Fundación La Caixa.

Concerto 1700
Fundado en 2015 por el violinista Daniel Pinteño, Concerto 1700 ha aspirado desde su inicio a la recuperación y difusión del patrimonio musical hispano de los siglos XVII y XVIII. Para llevar a cabo su proyecto artístico, utiliza instrumentos de época originales, así como un riguroso estudio musicológico de la práctica interpretativa de la época que le permite alcanzar el sonido genuino del barroco.

Concerto 1700 es una agrupación de formación variable, que abarca desde el trío hasta la orquesta barroca. Esta versatilidad le permite abarcar cualquier repertorio del barroco sin perder un ápice de su personalidad específica, basada en el minucioso trabajo del sonido de conjunto y la adecuación estilística.

En sus ocho años de trayectoria, ha conseguido posicionarse como una de las formaciones más relevantes del panorama historicista de España, actuando en algunos de los festivales y salas de mayor prestigio, como el Universo Barroco del CNDM en el Auditorio Nacional de España, el Festival Internacional de Música y Danza de Granada, el Festival Internacional de Santander, la Quincena Musical de San Sebastián, Otoño Musical Soriano, Festival de Música Española de Cádiz, Festival de Música Antigua de Aranjuez, Festival Internacional de Música de Úbeda y Baeza, y la Fundación Juan March, entre otros.

Con la intención de extender su compromiso con la divulgación del repertorio barroco hispano, en 2018 funda su propio sello discográfico, 1700 Classics. De esta forma, conserva plena autonomía sobre el resultado musical y artístico de sus grabaciones siempre dedicadas a obras inéditas del siglo XVIII español.

Todas sus publicaciones han cosechado un gran éxito de crítica en las principales revistas especializadas, recibiendo la calificación de Disco Excepcional de Scherzo, Disco Recomendado de Ritmo, Disque classique de le jour de France Musique así como nominaciones a los ICMA Awards.

Durante la temporada 22/23 han sido grupo residente del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) con una gira de conciertos que cuenta con actuaciones en el Auditorio Nacional de Música (Madrid), el Auditorio Fonseca de Salamanca, el Auditorio Príncipe Felipe de Oviedo, el Auditorio Ciudad de León, el Espacio Turina de Sevilla, el Palau de Les Arts de Valencia y St. John’s Smith Square dentro de la programación del London Festival of Baroque Music. A su vez desde la pasada temporada desarrollaron una intensa la actividad musical como grupo residente en la Fundación Fernando de Castro de Madrid.

Pierrot Lunaire

El Teatro Real y el Teatro de La Abadía vuelven a unirse en una nueva coproducción de pequeño formato que une la música de cámara y el teatro. Será la tercera colaboración después de los éxitos de las propuestas anteriores: el estreno absoluto de Marie, de Germán Alonso, en 2021, y el espectáculo Extinción, a partir de misas de Joan Cererols, en 2022.

En esta ocasión se ofrecerán cuatro funciones de una coproducción de Pierrot Lunaire, de Arnold Schoenberg (1874-1951), procedente del Teatro del Liceu, que tendrán lugar en la Sala Juan de la Cruz del Teatro de La Abadía, los días 22, 23 y 24 de febrero a las 19 horas, y 25 de febrero, a las 18.30 horas.

Pierrot Lunaire es un ciclo de canciones -21 pequeños melodramas- con un acompañamiento instrumental que varía entre ellas, inspirado en el mundo sonoro del cabaret alemán.

La obra nació por deseo de la versátil actriz austríaca Albertine Zehme, quien le pidió a Schoenberg que pusiera música a un ciclo de poemas simbolistas de Albert Giraud (1860-1929) traducidos al alemán.

La partitura está estructurada en tres partes, cada una con siete poemas. En la primera, Pierrot –alter ego de un artista irreverente, apasionado, alienado y despechado- está enamorado de Colombina y fascinado por su propia imagen, que se transforma, en la segunda parte -más grotesca e iconoclasta-, en una obsesión enajenante que alcanza el clímax cuando es decapitado por la luna. En la tercera parte Pierrot se va serenando con sus recuerdos, viajando al pasado mientras vuelve a casa, a su Italia natal.

La genial partitura de Schoenberg, que esconde una fascinante arquitectura matemática con hilarantes juegos numéricos, es un derroche de hallazgos a todos los niveles: estructural (en el ciclo, en cada poema y en sus interrelaciones); tímbrico (con distintas combinaciones instrumentales utilizando 8 instrumentos); armónico (con la exploración de la atonalidad y la superposición y articulación de distintas formas y motivos) y dramatúrgico. Cada canción es tratada como una miniatura, con un lenguaje y un  universo propios, en el que desfilan un vals, una passacaglia, un minueto, una barcarola, una minúscula ‘opera buffa’, fugas, cánones, etc.

Este ciclo  de canciones epigramático,  unido por una escritura  atonal y  la utilización del  Sprechgesang –canto hablado que explora la expresividad y la prosodia de la entonación oral-, será interpretado por el gran contratenor Xavier Sabata, creador del espectáculo, quien articula la música de Schoenberg con pasajes de La metamorfosis, de Ovidio.

Con el apoyo de la escenografía e iluminación de Cube.bz y el diseño de movimiento de María Cabeza de Vaca, Sabata se divide entre Narciso y Pierrot, a través de un diálogo en el que uno se consume para conocerse y aceptarse, y el otro se esconde detrás de un avatar ocultando el sufrimiento de no sentirse nunca en casa.

La dirección musical del espectáculo es de Jordi Francés, que actuará con una pianista y cuatro solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real: Pilar Constancio (flauta y piccolo), Ildefonso Moreno (clarinete y clarinete bajo), Sonia Klikiewicz (violín y viola), Natalia Margulis (violonchelo) y Karina Azizova (piano).

Los cinco músicos -que en total tocan 8 instrumentos- solamente actúan juntos al final de la obra, ya que los diferentes poemas son acompañados por distintos instrumentos.

Con Pierrot Lunaire, el Teatro Real y el Teatro de La Abadía homenajean a Arnold Schoenberg, en el 150 aniversario de su nacimiento, con una de sus obras más icónicas, originales y geniales. Con ella el compositor abría la música al expresionismo en un lenguaje que no dejaría de evolucionar, como se podrá ver en Erwartung (La espera), que se presentará, junto a La voz humana, de Francis Poulenc, el próximo mes de marzo, en una nueva producción del Teatro Real.

AGENDA ACTIVIDADES PARALELAS

19 de febrero a las 19.00 horas | El Argonauta, librería de música

 Tertulia sobre Pierrot Lunaire

El acto contará con la participación de Joan Matabosch, director artístico del Teatro Real, de Jordi Francés, director musical, de Pierrot Lunaire, y de Xavier Sabata, director y protagonista del espectáculo.

Entrada libre hasta completar aforo.

Más información en este enlace.

28 de febrero. 18.30 h | Casa Asia

Conferencia: El teatro Noh japonés, por el arquitecto y escritor Javier Vives.

En Pierrot Lunaire, Arnold Schoenberg utiliza la máscara como escudo y refugio del personaje que lo representa, como en el teatro Noh, del que emana, además, una espiritualidad llena de belleza y lirismo.

Entrada libre hasta completar aforo.

Más información en este enlace.

Ilya Gringolts

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta una nueva cita de su ciclo de música contemporánea Series 20/21 en el Museo Reina Sofía, el concierto protagonizado por el violinista Ilya Gringolts, el violista Lawrence Power y el violonchelista Nicolas Altstaedt, tres destacados solistas internacionales que están considerados grandes virtuosos de la música de cámara. Los intérpretes se unirán en una memorable velada que reúne dos obras magistrales: el Trío de cuerda, op. 45 de Arnold Schoenberg y la Música para tres cuerdas de Wolfgang Rihm. El concierto tendrá lugar el próximo lunes 19 de febrero, a las 19:30 horas, en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (entrada libre).

En este concierto del CNDM, los tres solistas, reconocidos por su maestría y sensibilidad interpretativa, se unen para ofrecer una experiencia musical única, tras haber recibido elogios por su nuevo proyecto juntos, la grabación Schoenberg: String Trio – Regamey: Quintet (2023).

Ilya Gringolts, virtuoso del violín aclamado por su técnica impecable y su profundo expresionismo musical, ha cautivado a públicos de todo el mundo con sus interpretaciones innovadoras y apasionadas. Por su parte, Lawrence Power, destacado violista británico, es reconocido por su versatilidad y su capacidad para transmitir emociones profundas a través de su instrumento. Recientemente ha sido preseleccionado para el premio Instrumentalist Award de la Royal Philharmonic Society. Completa este trío de excelencia el violonchelista Nicolas Altstaedt, que destaca por una interpretación apasionada y su personal estilo que le permite abarcar un amplio repertorio, desde el Barroco hasta la música contemporánea.

El programa elegido para esta ocasión será una muestra de virtuosismo y profundidad emocional. El Trío de cuerda, op. 45 de Arnold Schoenberg, compuesto en 1946, es una obra que desafía a intérpretes y cautiva a oyentes con su complejidad. Schoenberg, figura central en la música del siglo XX, fusiona en esta obra elementos clásicos y románticos con una audacia innovadora que sigue cautivando a los oyentes contemporáneos. Por otro lado, la Música para tres cuerdas de Wolfgang Rihm, escrita en 1977, es una obra que explora la expresividad desenfrenada y los contrastes emocionales con una intensidad sorprendente. Rihm, uno de los compositores contemporáneos más influyentes, combina en esta pieza ecos de tradiciones pasadas con una originalidad y audacia que la hacen verdaderamente única.

Ambas obras, que requieren un alto nivel de virtuosismo, están consideradas dos obras maestras del repertorio camerístico. La colaboración de Gringolts, Power y Altstaedt promete una interpretación magistral que revelará nuevas capas de significado en estas piezas.

compañía Claroscvro

El Real Teatro de Retiro ofrecerá, en su Sala Pacífico, 8 funciones del espectáculo de títeres Donde van los cuentos los fines de semana de 17 y 18 de febrero, y del 24 y 25 de febrero, a las 11.00 y a las 13.00 horas.

Esta producción de la prestigiosa y premiada compañía Claroscvro, estrenada en 2019 en la Feria de Teatro del Sur (Palma del Río), se presentó posteriormente en la Feria Europea de artes escénicas para niños y niñas FETEN de Gijón y en la Mostra de Igualada, siempre con un gran éxito.

La trama nos transporta a un futuro imaginado en el que los libros han desaparecido. Pero los protagonistas de Donde van los cuentos encuentran una biblioteca escondida y llena de apasionantes historias. Allí conocerán a Claudius, el creador de todos los cuentos, y a Mateo, un niño valiente que tendrá que encontrar un cuento perdido.

Los personajes cobran vida con la magia de los títeres, las máscaras y los libros desplegables (pop up) creando un espectáculo que apuesta por el amor a la lectura y la importancia de la imaginación.

Julie Vachon, guionista y autora de la propuesta, dirige el espectáculo junto a Concha Medina y Francisco de Paula Sánchez, con la participación de Iván Sierra Caballero en la creación de libros desplegables, títeres y policromía y la música electrónica original de Sileno Sonoro, cuya atmósfera envolvente completa magistralmente la narrativa.

La compañía Claroscvro fue fundada en el año 2010 por la canadiense Julie Vachon y el español Francisco de Paula Sánchez. En sus producciones utilizan títeres, máscaras y música para crear el universo mágico de los cuentos, en los que se esconden la defensa de valores como la amistad, la solidaridad, la creatividad, el conocimiento, la inclusión, el amor por la naturaleza, los lazos afectivos, etc.

DONDE VAN LOS CUENTOS

Títeres, máscaras y música electrónica

 Claroscvro Teatro

EQUIPO ARTÍSTICO

Guión: Julie Vachon

Dirección: Julie Vachon, Francisco de Paula Sánchez y Concha Medina

Música: Sileno Sonoro

Diseño sonoro, iluminación y escenografía: Francisco de Paula Sánchez

Libros desplegables, títeres y policromía: Iván Sierra Caballero, con la ayuda de Francisco de Paula Sánchez

EDAD RECOMENDADA

A partir de los 8 años

DURACIÓN APROXIMADA

45 minutos

FUNCIONES

Días 17, 18, 24 y 25 de febrero, a las 11.00 y a las 13.00 horas.

Manuel Gómez Ruiz

Manuel Gómez Ruiz regresa a Madrid con el concierto Wolf revisitado, en el que se estrenará la versión para orquesta de cámara del ciclo Italienisches Liederbuch de Hugo Wolf realizada por Ralf Gothóni, dentro de la Temporada de Música 2023-2024 de la Fundación BBVA.  Acompañado por la Orquesta de Cámara Andrés Segovia y dirigido por Santiago Serrate. El tenor canario, con una amplia trayectoria en el terreno del Lied, compartirá escenario con la soprano Alicia Amo en una velada llena de pasión y fuerza.

El estreno orquestal del ciclo Italienisches Liederbuch de Hugo Wolf, que será interpretado por primera vez en nuestro país en la versión para dos voces y orquesta de cámara, explorará el amor, la alegría, el dolor y la esperanza con una gran profundidad emocional y musical.

El público madrileño podrá deleitarse con todos los matices de esta compleja obra que van desde la pasión de Ihr seid die Alleschönste hasta la ironía de Ich hab’ in Penna einen Liebsten wohnen. Cada pieza de este repertorio revela la habilidad del compositor austriaco para traducir la poesía en música con gran maestría.

El estreno en España de esta nueva versión supone una revisión de la obra de Hugo Wolf de una forma innovadora y es la oportunidad perfecta para disfrutar de la voz del tenor de nuevo en nuestro país. Manuel Gómez Ruiz está inmerso en nuevos proyectos entre los que se encuentra el lanzamiento de un nuevo disco durante este mes de marzo.

Manuel Gómez Ruiz

El tenor Manuel Gómez Ruiz, nacido en Gran Canaria, formado en las prestigiosas Hochschule für Musik «Hanns Eisler» y la la Universität der Künste de Berlín, ha cantado en escenarios de toda Europa como el Auditorio di Roma, Konzerthaus de Berlín y la Laeiszhalle de Hamburgo. Con un amplio repertorio que va desde el barroco a la música contemporánea, sus interpretaciones en el campo del Lied son celebradas por el público y crítica. Sus dos trabajos discográficos, Beethoven: un viaje y Arda mi afecto, son reflejo de su versatilidad y musicalidad.

Angeles Gabaldon

Elegante, sutil, apasionada y llena de fuerza, llega a las sesiones de Flamenco Real, los próximos 22, 23 y 24 de febrero, la bailaora Ángeles Gabaldón, para contar la historia del flamenco en la ciudad que la vio nacer, Doña Sevilla.

La propuesta de Gabaldón invita a transitar un camino que empieza a trazarse a mediados del siglo XIX, cuando el flamenco comienza a salir de las fiestas privadas en cortijos, salones y palacios para acercarse a la gente sencilla, mostrándose primero en los cafés cantantes -que tanto auge tuvieron en la época en ciudades como Sevilla, Madrid y Barcelona- y conquistar, poco a poco, los escenarios de los teatros hasta convertirse en el arte popular deseado por todos.

La expresión pura y racial de aquel flamenco más primitivo empieza a enriquecerse con elementos más estéticos y complementos como el mantón, la bata de cola, las castañuelas o el sombrero se hacen imprescindibles. Unos palos toman protagonismo, otros acentúan su carácter, algunos se ciñen a la tradición y todos conforman un arte que trasciende y se hace universal, pero que tiene en Sevilla un aroma único que cimbrea el cuerpo de Gabaldón y lo convierte en baile.

Junto a ella, en estas nuevas veladas en el Teatro Real, la guitarra de Paco Iglesias y el cante de Miguel El Picuo Manuel Ginés, hacen el resto.

Ángeles Gabaldón comienza sus estudios de danza a los 10 años, obteniendo el título de Licenciada en Danza Española por el Conservatorio Superior de Danza de Sevilla y el título de Diplomada en Ballet Clásico por la misma escuela. Complementa su formación junto a maestros de la talla de Matilde Coral, Manolo Marín, Merche Esmeralda, Yerbabuena y Belén Maya, por citar sólo algunos.

Ha recibido numerosos reconocimientos, entre los que destacan el Primer Premio Nacional a la Mejor Coreografía por Alegrías de la Perla de Cádiz, el Primer Premio Nacional “El Desplante 2002” del Festival Internacional del Cante de las Minas y ha sido la única mujer dos veces finalista de la Bienal de Sevilla. Su primer espectáculo, “Inmigración”, obtuvo el Primer Premio de la Crítica al Mejor Espectáculo y Mejor Compañía de los premios Flamenco Hoy.

Fotografía © Juanlu Vela

Festival de Música Antigua de Sevilla

El Festival de Música Antigua de Sevilla ha desvelado hoy su programación. Esta cita musical dará comienzo el 1 de marzo y finalizará el 24 de marzo, con un total de 25 actividades entre conciertos en espacios cerrados, calle y actividades complementarias como el vídeo-mapping programado en cuatro jornadas diferentes. En el marco del festival, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) coproduce este año cuatro conciertos, a cargo de las agrupaciones musicales nacionales L’Apothéose, Musica Ficta e Ímpetus, y el grupo candiense Constantinople, que presenta un proyecto con el dúo sevillano Proyecto Ocnos.

Por undécimo año consecutivo, el CNDM colabora con el FeMÀS y afianza una alianza imprescindible en su compromiso por difundir, ampliar y promocionar el patrimonio musical español y llevar propuestas musicales de alto valor por toda la geografía española. El recorrido del CNDM en el festival comenzará el jueves 7 de marzo, en el espacio Turina, con la propuesta de L’Apothéose, uno de los conjuntos nacionales de música antigua con mayor proyección internacional. Rodeado de grandes solistas nacionales e internacionales, como Laura Quesada (traverso), Dorothee Oberlinger (flauta de pico), Josep Domenèch (oboe) y Eyal Streett (fagot), ofrecerá un programa monográfico en torno a  George Philipp Telemann, uno de los compositores más prolíficos e imaginativos de la historia de la música.

El domingo 10 de marzo la agrupación vocal Musica Ficta, especializada en la música antigua y barroca, interpretará en la Iglesia de San Luis de los Franceses un programa dedicado a los más grandes exponentes del repertorio polifónico del Renacimiento italiano y español, Giovanni Pierluigi da Palestrina y Tomás Luis de Victoria. Ambos compositores vivieron en Roma y trazaron fuertes lazos de amistad que enriquecieron, a su vez, sus universos creativos.

Por su parte, el jueves 14 de marzo, será el turno de un ambicioso proyecto que reúne a intérpretes españoles y extranjeros de diversos orígenes para explorar el rico encuentro que se dio en la Sevilla medieval, con la convivencia de las culturas judía, islámica y cristiana. La cita estará protagonizada por el grupo canadiense Constantinople, el dúo sevillano dedicado a la música de vanguardia Proyecto Ocnos,  Alberto Carretero en su doble faceta como compositor e intérprete -se estrenará un encargo del CNDM y el FeMàs-, y la hispalense Ángeles Núñez. El concierto tendrá lugar en el Real Alcázar.

La programación del CNDM en el marco del festival finalizará el miércoles 20 de marzo, de nuevo en el espacio Turina, el clavecinista Yago Mahúgo, al frente de su conjunto Ímpetus, hará un recorrido por una exquisita colección de conciertos para clave de Jean-Philippe Rameau.

Precio de localidades y venta de entradas

El precio de localidades oscila entre los 10 euros de la zona paraíso del Espacio Turina hasta los 120 euros de la butaca de patio del Teatro de la Maestranza para el concierto de MusicAeterna y la obra “Réquiem” de Mozart programado el 12 de marzo. La venta de entradas se realizará de miércoles a domingo en horario de 10 a 14 horas (excepto los conciertos de los días 12 y 24 de marzo cuyas entradas se adquirirán en el Teatro de la Maestranza). Se contempla, asimismo, descuentos para grupos y se activa el Minuto Joven para los menores de 30 años con la aplicación de descuento del 50% en el precio de localidades adquiridas en las taquillas del teatro media hora antes del comienzo del concierto.

El Festival de Música Antigua (FeMÀS) es un proyecto del Instituto de la Cultura y las Artes del ayuntamiento de Sevilla (ICAS) y cuenta con la colaboración del INAEM a través del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), de la Diputación de Sevilla y del Teatro de la Maestranza.

Rigoletto ABAO

ABAO Bilbao Opera, continúa la 72ª Temporada con una de las óperas más universales del genio italiano Giuseppe Verdi y su obra favorita: Rigoletto, que le otorgó el reconocimiento internacional, y cuya presencia en los teatros ha sido continua desde su estreno en 1851. ABAO ha programado cuatro funciones para los días 17, 20, 23 y 26 de febrero en el Euskalduna Bilbao, con el patrocinio exclusivo de la Fundación BBVA. La representación del sábado 17 de febrero dará comienzo a las 19:00h y el resto de las funciones se iniciarán a las 19:30h.

Este viaje dramático en tres actos de fuerza innegable, desbordante de pasión, engaño, amor paternofilial y venganza, está basado en la pieza teatral Le Roi s’amuse de Victor Hugo. La historia habla de un bufón que lucha por equilibrar los elementos enfrentados de belleza y perversidad que existen en su vida. Es una obra universal, tremendamente popular, que se mantiene entre las preferidas de todos los públicos y que destaca por sus melodías inolvidables y emociones intensas.

Es la sexta ópera que Verdi compuso con el libretista Francesco Maria Piave, que tuvo numerosos problemas de censura en la adaptación del libro original de Victor Hugo. No obstante, Rigoletto estableció la fama mundial de Verdi y constituye, junto con Il trovatore y La Traviata, la llamada “trilogía popular” que el maestro compuso entre 1851 y 1853, protagonizadas por antihéroes, y que supusieron un giro en la creación verdiana hasta ese momento.

Rigoletto es una de las óperas fetiche de ABAO Bilbao Opera, que suma con estas funciones 33 representaciones, siendo la más escenificada a lo largo de su historia y que han cantado, entre otros, Ettore Bastianini, Alfredo Kraus, Cristina Deutekon, Piotr Beczala o Leo Nucci, que en 2013 bisó “Si… vendetta, tremenda vendetta” en todas las representaciones.
PERSONAJES DOMINADOS POR EL PRESAGIO DE LA MALDICIÓN

Verdi tuvo un auténtico flechazo con la obra de Hugo y su protagonista. En 1950 escribía a Piave: “Hay un libro que, si la policía lo permitiese, sería una de las más grandes creaciones del teatro moderno. La obra es grande, inmensa y tiene un personaje que es una de las más grandes creaciones del teatro de todas las épocas y de todos los países”.

Rigoletto, que un principio Verdi quiso titular La maledizione, constituye una propuesta musical y teatral insólita, profundamente innovadora en su época, con personajes fascinantes y destacadas escenas vocales, dúos, tríos y cuartetos.

Por su presencia en escena y su complejidad psicológica llena de aristas, el personaje de Rigoletto tiene todos los colores posibles del barítono verdiano. Debuta en ABAO Amartuvshin Enkhbat, un artista de raza encumbrado por la crítica como uno de los barítonos más completos en la actualidad. Esta temporada ha cantado este rol en Londres y Palermo. En esta ópera las emociones intensas se suceden: “Pari siamo”, “Si… vendetta, tremenda vendetta”, “Cortigiani, vil raza dannata”, “Povero Rigoletto” o “Piangi, fanciulla”, mostrando la ira, venganza, desesperación, humillación o resignación que dibujan el carácter del atormentado personaje.

La soprano navarra Sabina Puértolas, una artista con habilidades técnicas, carisma y dominio del escenario, encarna a Gilda, la desventurada hija de Rigoletto. Un personaje de evolución, que pasa de la inocencia y candidez infantil a la madurez dramática del amor no correspondido. Desde el ingenuo “Caro nome” al traumático “Tutte le feste al tempio”, además de dúos, “V’ho ingannato colpevole fui”, tercetos y cuartetos, “Bella figlia d’amore”, con gran personalidad musical y vocal.

El depravado y narcisista Duca di Mantova está interpretado por el tenor jerezano Ismael Jordi, quien ya lo representó en ABAO en 2013 con un gran éxito de público y crítica. Elegante, frívolo y egoísta, tiene escenas destacadas como el aria “Questa o quella”, una declaración de principios de lo execrable del personaje, “Ella mi fu rapita”, o la celebérrima “La donna è mobile”.

Acompañan al trío protagonista Carmen Topciu, como Maddalena; Emanuele Cordaro, que debuta en ABAO en el rol de Sparafucile; Fernando Latorre como el noble Conte di Monterone; Marifé Nogales en el papel de Giovanna; Josu Cabrero en el rol de Mateo Borsa; José Manuel Díaz como Marullo; y Gexan Etxabe y Ana Sagastizabal, como el Conte y la Contessa di Ceprano.

REGRESO DE DANIEL OREN AL FRENTE DE LA BILBAO ORKESTRA SINFONIKOA

Conocido por su riguroso trabajo para obtener de orquesta y cantantes la máxima calidad musical, el prestigioso maestro Daniel Oren, quien ya ha dado muestras de su buen hacer en pasadas temporadas bilbaínas, se hace cargo de la dirección musical al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa para conducir una partitura llena de dinamismo, melodías inolvidables y emociones intensas.

El complejo drama de Victor Hugo inspiró a Verdi una partitura poderosa, intensa y dramática, con una escritura musical llena de fuerza y belleza, que envuelve a personajes y trama en una tensión compulsiva desde la obertura oscura de la maldición, hasta el trágico final.

El Coro de Ópera de Bilbao, exclusivamente con voces masculinas y dirigido por Boris Dujin, completa el apartado musical.

NUEVA COPRODUCCIÓN DE ABAO BILBAO OPERA IMPACTANTE Y REIVINDICATIVA

La dirección de escena viene firmada por el polifacético Miguel del Arco. Director de teatro, cine, actor y dramaturgo, cuenta con varios premios Max y otros galardones y reconocimientos, y se caracteriza por su audacia a la hora de exponer, con estilo actual, el carácter de los personajes y las atmósferas de las distintas escenas.

Miguel del Arco propone una nueva lectura dramatúrgica centrada en la mujer, con una efectiva puesta en escena de estética contemporánea que actúa de vehículo para explicar la trama, en la que lobos y escorts, representan las expresiones de la naturaleza humana, el sexo, la violencia, el amor o el odio en una sociedad deshumanizada. Con un montaje de gran complejidad técnica, los momentos más intensos se realzan con proyecciones expresionistas y juegos de luz y volúmenes.

Nueva coproducción de ABAO Bilbao Opera, el Teatro Real, el Teatro de la Maestranza y New Israeli Opera Tel Aviv, con una espectacular escenografía de Sven e Ivana Jonke, con efectos innovadores llenos de fuerza conmovedora, un sugestivo diseño de luces de Juan Gómez-Cornejo que iluminan y oscurecen la pasiones y sentimientos de los personajes, y un innovador, sugerente y metafórico vestuario de la bilbaína Ana Garay.

PROGRAMA DE ACTIVIDADES PARALELAS CON ENTRADA LIBRE

El programa de actividades culturales paralelas que ABAO Bilbao Opera lleva a cabo con carácter abierto y para todos los públicos ofrece distintas oportunidades de acercarse a la ópera, conocer el título representado o la obra de su compositor, como sucedió el 6 y 7 de febrero en los centros municipales de Castaños y Santutxu con Carlos Imaz, el 8 de febrero en la Biblioteca Bidebarrieta con la grabación en directo y con público del podcast Concierto Desorden donde Gonzalo Lahoz entrevistó a Ismael Jordi, y en el Nuevo Casino de Pamplona, con una conferencia sobre Rigoletto de la mano de Carlos Imaz.

Las próximas citas son:

  • 14 de febrero. Conferencia en San Sebastián: “El montaje de una ópera. Anécdotas entre bambalinas”. Ponente: Carlos Imaz.
    Donostia. Koldo Mitxelena Kulturunea. 19:00h. Entrada libre hasta completar aforo.
  • 15 de febrero. Conferencia: “El montaje de una ópera. Anécdotas entre bambalinas”. Ponente: Carlos Imaz.
    Centro Municipal de San Ignacio. 19:00h. Entrada libre hasta completar aforo.
  • 16 de febrero. El ciclo de conferencias El ABC de la Ópera en colaboración con DeustoBide presenta la ópera Rigoletto y la obra de Verdi de la mano del periodista, crítico y divulgador cultural Rubén Amón. La conferencia se retransmite en directo a través del canal de YouTube de ABAO.
    Auditorio Universidad de Deusto. 18:30h. Entrada libre previo registro en la web de ABAO.
  • 19 febrero. Encuentro en el Aula de Cultura de El Correo con César Coca, periodista y director del Aula, Juan Carlos Matellanes, presidente de ABAO Bilbao Opera, Pablo Romero, asistente de la dirección artística, y la soprano Sabina Puértolas, que debatirán sobre: “La ópera, entre el arte y la polémica”.
    Sala BBK. Gran Vía Bilbao. 19:00h. Entrada libre hasta completar aforo.
  • 21 febrero. Santander acogerá una conferencia sobre el título en cartel con una presentación del argumento y los mejores momentos musicales. Ponente: Aitziber Aretxederra.
    Santander. Real Club de Regatas. 19:30h. Entrada libre hasta completar aforo.
FUNDACIÓN BBVA: IMPULSO AL CONOCIMIENTO CIENTÍFICO Y CULTURAL

La Fundación BBVA, cuyo rasgo diferencial es el impulso al conocimiento tanto científico como cultural, articula su programa de Música como un recorrido completo por las distintas formas en que la sociedad puede beneficiarse y disfrutar de esta manifestación artística. Así, promueve la creación de obra nueva con encargos de composición y hace posible su preservación y difusión por medio de grabaciones en colaboración con sellos e intérpretes de primera línea.

Fomenta la música en directo a través de ciclos de conciertos que, de forma gratuita, ponen al alcance del público el mejor repertorio clásico y contemporáneo con ensembles y solistas de referencia. Organiza ciclos de conferencias y edita publicaciones para comprender mejor el trabajo de ciertos autores o sumergirse en el estudio de determinados períodos compositivos. Las Becas Leonardo posibilitan proyectos de investigación y creación altamente innovadores con resultados de muy variada índole: desde la composición y estreno de piezas musicales, escénicas y operísticas hasta la recuperación de patrimonio musical y su recopilación en primeras grabaciones mundiales. Colabora con formaciones musicales y teatros de todo el país y reconoce la excelencia a través del Premio Fronteras del Conocimiento en Música y Ópera. El esfuerzo sostenido de la Fundación en este ámbito ha sido reconocido con el Premio Ópera XXI a la Mejor Iniciativa de Mecenazgo.

Las representaciones de Rigoletto están patrocinadas en exclusiva por la Fundación BBVA, principal patrocinador de ABAO Bilbao Opera, que contribuye de esta manera a fomentar la cultura operística y a llevar al público espectáculos de la máxima calidad.

La Fundación BBVA ha sido reconocida con el premio a la Mejor Institución en los Tutto Verdi International Awards por su impulso al conocimiento científico y la creación cultural de excelencia. Por su apoyo a la música y a la ópera con una categoría propia en los Premios Fronteras del Conocimiento. Por su apoyo constante y decidido como patrocinador principal, sin interrupción durante dieciocho años, a todas las actividades de ABAO Bilbao Opera y en especial el Proyecto Tutto Verdi.

Jakub Józef Orliński
Orfeo en la ópera de Gluck Orfeo & Euridice se ha convertido en un papel emblemático para Jakub Józef Orliński, que lo ha interpretado en escenarios como San Francisco, París y su Varsovia natal. En palabras de La revista Opera Orliński estaba «fundido a la perfección» como Orfeo en San Francisco, mientras que su crítico en Varsovia observó que incluso el famoso lamento del personaje, ‘Che faró senza Euridice’ se convirtió en «una fuente de alegría» para el público.
Ahora Orliński encarna al mítico bardo griego en una grabación que representa la realización de un sueño para él. Realizada en Varsovia, está dirigida por el dinámico Stefan Plewniak, y los instrumentistas y el coro proceden de su conjunto Il Giardino d’Amore. Los papeles de Eurídice, esposa de Orfeo, y del dios Amore están interpretados por otras dos estrellas emergentes: las sopranos Elsa Dreisig y Fatma Said.

El álbum ha supuesto para Orliński una misión personal, ya que ha actuado como productor, director de reparto y director artístico junto con Stefan Plewniak.

«Uno de mis grandes sueños de estudiante era cantar el papel de Orfeo. ¿Por qué? Más que nada porque en la escuela me atrapó mucho el mito en sí… Recuerdo que cuando lo leí por primera vez mi imaginación se volvió loca … Ante mis ojos veía imágenes como cuadros de Hieronymus Bosch.

«Sabía que algún día intentaría hacer realidad mi sueño. He tenido la suerte de interpretar Orfeo & Euridice en diferentes escenarios… Trabajando en esas diferentes versiones logré mi propia interpretación. Sabía que me encantaría crear mi propia versión personal de la obra, grabar mi papel soñado, expresándome como yo quería. No es tan fácil enfrentarse a una pieza musical tan famosa, pero yo tenía una visión clara de lo que quería hacer con ella y cómo. Ya he grabado varios discos, pero es la primera vez que asumo varias funciones al hacer una grabación.

«Lo más importante para mí como músico es contar con grandes colaboradores. Me alegró mucho trabajar con mi querido amigo Stefan Plewniak, que es director de orquesta y codirector artístico de toda la grabación. Le conozco a él, a su orquesta y al coro desde hace años… Confío en Stefan musicalmente y estaba seguro de que nuestras ideas sobre la interpretación iban a complementarse para crear algo realmente especial.

«Estoy muy contento de contar con mis amigas Elsa Dreisig como Euridice y Fatma Said como Amore. Estas dos cantantes tienen un talento increíble y sus voces son pura magia. Ambas han aportado mucho a este proyecto. Me encanta poder sentir la emoción a través de una voz de tal forma que casi puedo tocarla. Toda la ópera fue grabada por otro amigo con el que adoro trabajar: Mateusz Banasiuk, mi brillante ingeniero de sonido.

«No podría imaginar un equipo mejor. Todos estaban dispuestos a aprovechar al máximo cada toma durante nuestras largas sesiones de grabación. Estoy muy agradecido de poder trabajar con gente con tanta pasión.

Auxiliadora Toledano

Vuelve a ser la protagonista de Doña Francisquita, y lo hace en su mejor momento. La soprano Auxiliadora Toledano debutó en los escenarios precisamente con el difícil rol titular de la obra maestra de Amadeo Vives. Fue en 2008, conmemorando el Centenario del Palau de la Música Catalana de Barcelona y, desde entonces, la cantante española ha actuado en algunos de los teatros más importantes del panorama internacional, desde la Opéra Garnier de París a la Ópera de Los Angeles, pasando por la Wiener Kammeroper, el Maggio Musicale Fiorentino, la Accademia Santa Cecilia en Roma, o, en España, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, el Teatro Real de Madrid o la Ópera de Oviedo, entre otros. “Guardo un emocionante recuerdo de aquella primera Francisquita que interpreté junto al tenor José Bros”, asegura Auxiliadora Toledano, inmersa ya en los ensayos en los que vuelve a meterse en el papel. “Como es lógico, en el transcurso de todas estas temporadas mi voz y yo misma, como intérprete, hemos evolucionado, por lo que diría que mi visión de este fascinante personaje tiene ahora muchos más matices”.

La cantante –ganadora del Premio Princesa de Girona de Artes y Letras en 2013–, lo interpretará en el Gran Teatro de Córdoba los días 23 y 25 de febrero, con un enfoque diferente al de su debut. “Mi voz tiene más cuerpo y presencia, y siento que ahora le impregno un potencial interpretativo que me hace disfrutar mucho más; afrontar este rol representa una gran responsabilidad por la dificultad que implica, por su popularidad. La verdad es que este papel es un caramelo porque te permite mostrar todo tu potencial como intérprete, tanto a nivel vocal como dramático, por lo que tengo unas ganas tremendas de salir al escenario para dar lo mejor de mí”, afirma, y continúa: “Por otra parte, estoy en un momento personal fantástico, y volver a cantar en mi tierra es siempre un orgullo y un placer; sé que en el público habrá muchas personas que me han visto crecer como artista, y por eso me hace una especial ilusión compartir con ellas estos momentos que sé que serán especiales”.

Título fundamental en el repertorio de zarzuela, Doña Francisquita, empapada del aroma popular del Madrid romántico del siglo XIX, es una obra crucial del género que nunca ha estado ausente del repertorio. Aúna comedia con un intenso lirismo que emana del amor de los dos protagonistas, Francisquita y Fernando, y en Córdoba se podrá ver en una producción escénica de Francisco López para el Teatro Villamarta de Jerez y musical del IMAE Gran Teatro de Córdoba. Auxiliadora Toledano compartirá escenario con Alejandro del Cerro (Fernando), Manuel de Diego (Cardona), Sandra Ferrández (Aurora), Palmira Ferrer (Doña Francisca), Enric Martínez-Castigniani (Don Matías), César San Martín (Lorenzo) y Natividad Andújar (Irene La de Pinto). La dirección musical cuenta con el maestro Miquel Ortega al frente de la Orquesta de Córdoba y del Coro de Ópera de Córdoba.

José Antonio López

El barítono José Antonio López (Murcia, 1973) debuta en el XXX Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical y el Teatro de la Zarzuela junto al pianista Daniel Heide. Juntos nos ofrecerán un programa en el que destaca el estreno absoluto del ciclo de canciones La voz a ti debida del gran compositor, pianista y productor mallorquín Antoni Parera Fons. También interpretarán en este variado recital lieder de Maurice Ravel, Gerald Finzi y Antón García Abril. El concierto tendrá lugar el lunes 12 de febrero, a las 20h00, en el Teatro de la Zarzuela.

José Antonio López es un destacado barítono que navega por repertorios muy variados, que abarcan desde el Barroco hasta la música contemporánea. Reconocido por su impecable interpretación en recitales de lied y óperas, ha brillado junto a renombradas orquestas y directores en prestigiosos escenarios internacionales, como en su presentación en la temporada de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles con Gustavo Dudamel. Su pasión por el lied es notable, acompañado por destacados pianistas. En este caso, estará presente en el Teatro de la Zarzuela para ofrecer un repertorio variado junto al virtuoso pianista Daniel Heide quien, a diferencia de López, es un músico que ha participado en varias ocasiones en este ciclo.

El programa se abrirá con las Histoires naturelles de Maurice Ravel, un divertido conjunto de canciones que contiene cinco obras dedicadas a animales. Las melodías, cargadas de humor, reflejan con ironía los comportamientos de aves como el pavo real o el cisne, acentuando sus características. Después será el turno de cinco piezas del ciclo shakesperaeano Let us garlands bring de Gerald Finzi, entre las que se encuentra la sobrecogedora Fear no more the heat o’ the sun. A diferencia de las partituras anteriores, José Antonio López tendrá que abordar ahora canciones que hablan del paso del tiempo, el envejecimiento o el desconsuelo.

La segunda parte del recital comenzará con tres de las nueve Canciones de Valldemosa de Antón García Abril, basadas en exquisitos versos de Luis Rosales, José Hierro y Gerardo Diego. Después será el turno de uno de los platos fuertes del concierto, el estreno absoluto de La voz a ti debida de Antoni Parera Fons, que viene precedido de un prólogo de Garcilaso de la Vega. En total, siete obras en las cuales José Antonio López, que ya protagonizó la última ópera de este compositor, L’arxiduc (2022), tendrá que adoptar un tono intimista para cantar sobre el amor.

Sobre José Antonio López

José Antonio López es un cantante versátil que navega entre estilos y épocas, desde el Barroco a la música contemporánea; reparte su quehacer artístico entre el concierto, la ópera y el recital, siempre de forma atenta a la estilística y la expresividad de cada periodo y al uso de la voz al servicio de la música. En el ámbito de los conciertos, cabe destacar su reciente presentación en la temporada de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles con Gustavo Dudamel, así como sus compromisos con orquestas como la Cincinnati Symphony (Messiah de Haendel y la Sinfonía nº 8 de Mahler), la Rotterdam Philharmonic, la Mahler Chamber Orchestra, la Dresdner Festspielorchester, la Antwerp Symphony, la BBC Symphony y Philharmonic, la Filarmónica de Varsovia, La Cetra Barockorchester, la Orquesta del Festival de Budapest o la Orquesta Nacional de España, en salas como la Philharmonie de Berlín, la Laeiszhalle de Hamburgo, la Konzerthaus y la Musikverein de Viena, el Barbican Center de Londres o el Mozarteum de Salzburgo, o, próximamente, en el Concertgebouw de Ámsterdam, que acreditan su gran momento. El barítono ha sido dirigido por importantes directores de orquesta como David Afkham, Andrei Boreiko, Ivor Bolton, James Conlon, Gustavo Dudamel, Iván Fischer, Pablo Heras-Casado, Nicola Luisotti, Lorin Maazel, Andrea Marcon, Neville Marriner, Juanjo Mena, Gianandrea Noseda, Víctor Pablo Pérez, Daniele Pollini, Josep Pons, Christophe Rousset, Lahav Shani o Masaaki Suzuki. Asimismo, es un devoto intérprete de lied y ha sido acompañado por Maurizio Pollini en el Theater an der Wien, Daniel Heide, Iain Burnside o Rubén Fernández Aguirre. Los últimos años atestiguan un notable crecimiento de su actividad lírica, con una presencia relevante de las óperas de Haendel y la música contemporánea, con papeles protagonistas en los estrenos de El público de Mauricio Sotelo y El abrecartas de Luis de Pablo en el Teatro Real de Madrid o de L’enigma di Lea de Benet Casablancas en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona, pero en el que también están presentes compositores como Mozart, Verdi, Puccini, Wagner (Der fliegende Holländer en Valencia y Die Meistersinger von Nürnberg en Madrid) y Strauss (Ariadne auf Naxos en Barcelona y Salome en Mérida), entre otros. Recientemente, ha cantado por primera vez en la Ópera de Lausana, el Händel Festspiele de Halle o el SWR Schwetzinger Festspiele y pronto lo hará en el Innsbrucker Festwochen. Este intérprete cuenta con distintas grabaciones para sellos como Deutsche Grammophon, Harmonia Mundi, Deutsche Harmonia Mundi, Naxos y Chandos. José Antonio López participa por primera vez en el Ciclo de Lied.

Sobre Daniel Heide

Daniel Heide creció en Weimar. Empezó a tocar el piano a los cinco años y a los seis se unió a la clase de alumnos aventajados de Sigrid Lehmstedt en la Escuela Belvedere de Música en su ciudad natal. Cinco años más tarde, sin embargo, dejó el camino del niño prodigio e interrumpió sus estudios de piano para dedicarse a la percusión y asumir el reto atlético en un equipo ciclista. Volvió al ámbito pianístico a la edad de diecisiete años. Cursó Piano en la Universidad de Weimar, pero lo que realmente lo impulsó e inspiró fue lo que aprendió de su propio descubrimiento y amor por la música. Durante ese periodo, se concentró en el trabajo con cantantes (asistió a clases magistrales con Dietrich Fischer-Dieskau y Christa Ludwig), así como en la interpretación de la música de cámara. Ha realizado numerosos recitales de lied y conciertos de cámara en muchas ciudades de Alemania, Austria, Bélgica, Suiza, Francia, Escocia, Inglaterra, Países Bajos, Dinamarca, Italia, España, Grecia, República Checa e Islandia con Ingeborg Danz, Britta Schwarz, Roman Trekel, Andrè Schuen, Tobias Berndt, Christoph Prégardien, Konstantin Krimmel, Simone Kermes, Luca Pisaroni, Johannes Weisser, Ruth Ziesak, Anna Lucia Richter, Norma Nahoun, Sibylla Rubens, Lothar Odinius, Julian Prégardien, Ian Bostridge, Mari Eriksmoen, Julia Kleiter, Katharina Konradi y Patrick Grahl. De manera más asidua ha colaborado con la mezzosoprano germano-griega Stella Doufexis. Su álbum Poèmes con canciones de Claude Debussy ha recibido el Premio de la Crítica Discográfica Alemana. También ha abordado música de cámara con Tabea Zimmermann, Antje Weithaas, Wolfgang Emanuel Schmidt, Barbara Buntrock, Pauline Sachse, Benoît Fromanger, Julian Steckel, Alexander Kniazev y Konstanze von Gutzeit. Un elemento clave en su carrera como acompañante es la creación de la serie de conciertos The lyrical salon. Lieder recitals at Schloss Ettersburg, que, en la primavera de 2024, celebrará su aniversario del recital número 100. Bajo su dirección artística, el lied se canta una vez al mes desde mayo de 2011. De esta forma, ha surgido un público leal y en crecimiento para estas sesiones con célebres solistas. Ávido coleccionista de álbumes, Heide busca gemas musicales para ampliar su repertorio. Su pasión por la música se extiende a otros géneros como el jazz, el rock, el pop y la chanson y es docente en el Conservatorio Hanns Eisler de Berlín y en el Franz Liszt de Weimar. Daniel Heide participa, incluida la temporada presente, en cinco recitales del Ciclo de Lied: XXV (18-19), XXVIII (21-22), XXIX (22-23), XXX (dos recitales, 23-24).

Celso Albelo

Tras su reciente debut como Rodolfo en La Bohème, de Puccini, en su regreso al Teatro La Fenice (con funciones programadas hasta el sábado, 10 de febrero), Celso Albelo continuará en Venecia la próxima semana para convertirse, el próximo lunes (12 de febrero), en el primer intérprete en tiempos modernos del aria de cámara de Donizetti Si tu m’as fait à ton image. El acto, en el cual el cantante español actuará acompañado del pianista Francesco Erle, está inmerso en el ciclo de “Carta Canta” del Conservatorio Benedetto Marcello de Venecia (organizador del evento). Considerado en Italia como uno de los acontecimientos musicales del año, durante la velada el director del Conservatorio de Venecia, Roberto Gottipavero, presentará el último número de la revista Donizetti Studies, coeditada por Musicom.it e il Saggiatore, y lo hará junto a Michele Girardi (de la Universidad Ca’ Foscari de Venezia), Federico Fornoni (del Conservatorio de Novara; director de Donizetti Studies), Francesco Bellotto (Conservatorio di Verona; del comité científico de Donizetti Studies) y Luca Zoppelli (Université de Fribourg; del comité científico de Donizetti Studies).

La prestigiosa publicación incluye un completo estudio realizado por el catedrático, musicólogo y director de escena teatral Francesco Bellotto, que brinda detalles sobre la desconocida pieza de Donizetti de la mano de una carta inédita del compositor que figura en el catálogo del siglo XIX de la Biblioteca del Conservatorio veneciano. A la carta se le perdió la pista durante el siglo XX, motivo por el cual nunca ha aparecido en el epistolario de Donizetti. El documento, aunque breve, es un testimonio muy significativo y se refiere a un momento particularmente dramático en la vida teatral europea: Adolphe Nourrit (Montpellier, 1802 – Nápoles, 1839), uno de los tenores franceses más importantes del primer cuarto del siglo XIX y destacadísimo intérprete de la Ópera de París desde principios de la década de 1820, se suicidó por diversas y trágicas vicisitudes personales; tras su muerte Donizetti compuso esta aria inédita con versos del propio Nourrit. Celso Albelo rendirá así homenaje al legendario tenor francés y a Gaetano Donizetti, uno de los compositores cuyas óperas han sido parte fundamental de su carrera y que le ha abierto las puertas de grandes escenarios de todo el mundo.  

Tras este evento al tenor español le esperan, entre otros compromisos, su primera Messe de Requiem, de Camille Saint-Saëns en su debut en el Festival Ljubljana (Eslovenia); su debut como Pinkerton de Madama Butterfly en el Theatro Municipal de São Paulo (Brasil); y su regreso a ABAO Bilbao Opera con Rodolfo de La Bohème.

Ph Celso Albelo © Leila Leam

CIMCA

El Ayuntamiento de Arnuero acaba de publicar la convocatoria de la XXI edición del Concurso Internacional de Música de Cámara de Arnuero (CIMCA), que este año se celebrará del 5 al 7 de julio en la conocida localidad cántabra. Con más de dos décadas de actividad bajo la dirección de Antonio Margallo, el CIMCA se ha convertido en un auténtico encuentro internacional, que cada año reúne a formaciones de música de cámara integradas por jóvenes músicos procedentes de todo el mundo. Tras la preselección inicial de candidaturas, las ocho agrupaciones elegidas por el jurado profesional participarán en las audiciones clasificatorias y la gran final, que se celebrarán los días 6 y 7 de julio en una location de excepción: La Casa de las Mareas de Soano, una sala acristalada en pleno Ecoparque de Trasmiera, que permite contemplar el paisaje marino mientras se disfruta de la mejor música de cámara.

Como en anteriores ediciones, el CIMCA seguirá contando con varios profesionales del sector que integrarán el jurado profesional e intervendrán activamente durante la celebración del encuentro. El jurado de esta edición 2024 estará formado por el compositor Israel López Estelche y los cuatro miembros del Cuarteto Quiroga (con el violinista Cibrán Sierra como presidente). El conocido cuarteto de cuerda español, que este año celebra 20 años de carrera y es conjunto en residencia de la presente temporada del Centro Nacional de Difusión Nacional (CNDM), será el protagonista del tradicional concierto inaugural en la Iglesia Nuestra Señora de la Asunción de Arnuero.

Además de su incansable apoyo a las jóvenes promesas del repertorio camerístico a través de sus cinco premios y los conciertos que ofrece a los ganadores en instituciones de renombre como el Centro Botín, el Festival Internacional de Santander o la Casa Museo Jesús de Monasterio, el CIMCA es un escenario indispensable para la creación contemporánea en nuestro país. No en vano, compositores tan destacados como Mauricio Sotelo, Ananda Sukarlan, Jesús Rueda, David del Puerto, Jesús Torres y Mario Carro, entre otros, han estrenado obras de cámara por encargo del certamen cántabro. La première de este año llevará la firma de Israel López Estelche, uno de los compositores más premiados y destacados del circuito actual, y se estrenará el próximo 28 de junio en la Casa de las Mareas, en el marco de un concierto monográfico dedicado al compositor cántabro a cargo del cuarteto de cuerda 4Sonora.

El plazo de inscripción finaliza el 30 de abril, y las bases del XXI Concurso Internacional de Música de Cámara de Arnuero (CIMCA) se pueden consultar en el siguiente enlace.

Christian Gerhaher

El dúo alemán compuesto por Christian Gerhaher y Gerold Huber son ya una pareja fija y mítica en el Ciclo de Lied del CNDM y el Teatro de la Zarzuela. El barítono demuestra en cada una de sus actuaciones su profundo conocimiento del género alemán. Donde el texto mantiene su hegemonía jerárquica. Y es ahí, en la palabra, donde Gerhaher demuestra su superioridad.

La gran novedad en este recital, con la que Gerhaher continúa demostrando su maestría en el género, fue la interpretación de las Cuatro canciones sobre poesía china de Pavel Haas. El compositor checo, alumno predilecto de Janácek, compuso esta obra siendo prisionero en el campo de concentración de Terezin. Aquel lugar infame, disfrazado de refugio para artistas, donde fueron retenidos por el nazismo algunos de los mejores compositores e intérpretes de la época. Muchos de ellos murieron allí o fueron trasladados a otros campos de concentración.

Su proyección vocal en algunos momentos fue sorprendente. Aunque el repertorio no le permitió, como en otras ocasiones, desplegara esa gran variedad de matices de la que suele hacer gala. No es fácil pasar de las melodías francesas de Fauré, al estilo e idioma de Chaikosvski o de Haas. No se si fue por este salto de estilo e idioma, o por alguna otra razón, pero el barítono bávaro no pareció sentirse cómodo en al abordar estos tránsitos vocales.

Pero estos pequeños inconvenientes no nos privaron de disfrutar de sus interpretaciones de Fauré, Chopin, Chaikosvski o Berlioz. Siempre junto a un Gerold Huber que supo adaptarse a cada uno de los diferentes colores y texturas que presentaba el variado y excesivamente largo recital.

Y es que es difícil que esta pareja llegue a defraudar. Siempre es un lujo inspirador volver a escucharlos.

Afanador

El Teatro Real ofrecerá, entre el 9 y el 11 de febrero, cuatro funciones de Afanador, nuevo espectáculo del Ballet Nacional de España, bajo la dirección de Rubén Olmo, con idea y dirección artística de Marcos Morau inspirada en el trabajo del fotógrafo colombiano Ruven Afanador y en su manera de mirar y retratar el flamenco.

Conocido sobre todo por sus trabajos en el mundo de la moda y como retratista de grandes personalidades, Ruven Afanador ha sentido siempre pasión por España, los toros y el flamenco… Observa, se sumerge y se fascina para ofrecerlo a través de su personalísima mirada, como reflejan sus libros Mil Besos y Ángel Gitano, donde explora la estética y la expresión de los cuerpos femeninos y masculinos, respectivamente. Porque en el flamenco encuentra todas las emociones del ser humano y a través del flamenco refleja sus íntimas pasiones.

Con este punto de partida, Morau regresa a aquellas sesiones fotográficas y desde ellas construye un mundo de ensoñación, reflexiona sobre “el parentesco vital entre composición fotográfica y coreográfica”, como él mismo explica, y reinterpreta la propuesta original sometiendo a los bailarines del Ballet Nacional de España a expresarse con un lenguaje diferente, modelando el futuro desde la tradición, asumiendo el riesgo.

Marcos Morau ha contado en esta propuesta con la colaboración del dramaturgo Roberto Fratini, de los coreógrafos Lorena Nogal, Shay Partush, Jon López -todos ellos miembros de la compañía La Veronal, de la que es fundador y director- y Miguel Ángel Corbacho, asistente de dirección del BNE, además de su equipo habitual en el diseño de escenografía (Max Glaenzel), vestuario (Silvia Delagneu) e iluminación (Bernat Jansà).  El resultado es un espectáculo de una plástica asombrosa, que transporta al espectador al flamenco más ancestral desde un prisma casi surrealista, sostenido por un cuerpo de baile sólido, riguroso en la ejecución y con una energía desbordante.

Cada escena de Afanador parte de una imagen icónica del fotógrafo. El escenario nos transporta al instante que capta el objetivo y la evocación cobra vida. Música electrónica, minera, seguiriya, cantar de trilla o ecos de Semana Santa, mueven el baile, lo acompañan, despiertan la memoria de las instantáneas en blanco y negro.

Como explica Roberto Fratini en las notas al programa de mano, Ruven Afandor se acerca desde el deseo al multiverso del folclore andaluz, Afanador lo obliga a revelarse, y se revela.  Como si soñara con él, deja aflorar los lapsus, los delirios, el subconsciente del flamenco, sus pulsiones de eros y muerte, sus verdades no documentables. Lo devana en mil amplificaciones, como un mundo grotesco y suntuoso, un cuerpo impensable de sombra y de luz”.

El éxito de su estreno en el Teatro Maestranza de Sevilla el pasado mes de noviembre augura un brillante futuro para Afanador en el repertorio del Ballet Nacional de España, bajo la dirección de Rubén Olmo, protagonista de una de las páginas de Ángel Gitano, a la que da vida, también con su baile, en esta original propuesta.

Fotografía: Merche Burgos

Jorge de León y Mónica Conesa

El tenor canario Jorge de León y la soprano cubano-estadounidense Mónica Conesa ofrecerán mañana martes 6 de febrero (20h00) en el Teatro de la Zarzuela un recital dedicado íntegramente a este género, en el que unirán composiciones de este lado del Océano con otras obras maestras creadas en la isla caribeña. La expectación suscitada por este concierto ha hecho que las entradas estén agotadas hace semanas.

Mónica Conesa debutará así en el Teatro de la Zarzuela, con algunas de las más bellas joyas de nuestro patrimonio lírico en ambas orillas, acompañada por uno de nuestros grandes y más internacionales intérpretes líricos como es Jorge de León, y ambos secundados por el pianista Juan Francisco Parra.

A lo largo del concierto sonarán páginas imprescindibles de nuestra lírica de de estas y aquellas tierras. La primera parte del recital incluirá romanzas de ‘La marchenera’ de Federico Moreno Torroba, ‘La Dolorosa’ de José Serrano, ‘Jugar con fuego’ o ‘El barberillo de Lavapiés’ de Francisco Asenjo Barbieri con transcripción de Anselmo González del Valle, o ‘Leyenda del beso’ de Severiano Soutullo y Juan Vert.

La segunda parte estará dedicada a la zarzuela cubana con números musicales de ‘Soledad’ y ‘Amalia Batista’ de Rodrigo Prats, ‘María la O’ de Ernesto Lecuona o ‘Cecilia Valdés’ de Gonzalo Roig.

David Alegret

David Alegret debuta este mes de febrero en el Teatro Cervantes de Málaga con su Chevalier de La Force de Dialogues des carmélites de Poulenc, rol que debutó en junio de 2022 en el Teatro Villamarta de Jerez y al que el tenor catalán le tiene “especial cariño”, asegura. El montaje llegará al coliseo malagueño los días 16 y 18 de febrero, una obra maestra “que en España no se representa muy a menudo. El Chevalier de La Force es para mí un caramelo, una verdadera delicia; se trata de una ópera principalmente de intérpretes femeninas, ya que se desarrolla en un convento de Carmelitas. El Chevalier de La Force es el rol principal masculino, al que Poulenc le ha reservado una música maravillosa. Desde el punto de vista vocal es muy exigente y ligeramente más lírico de los que suelo cantar y hay que impregnarlo de diversos colores, algo que me gusta hacer cuando canto; tiene un dúo maravilloso con Blanche y ya solo por esa parte vale la pena tenerlo en repertorio”, afirma el cantante catalán. Decidió incorporar la obra porque confiesa que no ha tenido muchas oportunidades de cantar ópera francesa, “y creo que hoy en día este papel se ajusta mucho a mi voz y a mi temperamento”.

En esta obra tan coral del compositor francés, Alegret compartirá escenario con Ainhoa Arteta (Blanche de la Force), Ana Ibarra (Madame de Croissy), Maite Alberola (Madame Lidoine), Nuria García-Arrés (Sor Constance), Gerardo Bullón (Marqués de la Force) y Egle Wyss (Madre Marie), entre otros. La dirección de escena correrá a cargo de Francisco López y Pedro Halffter estará al mando de la Filarmónica de Málaga y del Coro de Ópera de Málaga.

Recital en el Palau

Tras su debut malagueño, David Alegret regresará al Palau de la Música Catalana para ofrecer un recital junto al pianista Rubén Fernández Aguirre y la actriz Silvia Bel. A lo largo de su carrera, Alegret ha sido un reconocido defensor de la canción y poesía catalanas y un buen ejemplo de ello es el programa Cant espiritual, 125º aniversario del nacimiento de Ricard Lamote de Grignon, un proyecto que surge como un doble homenaje al compositor catalán, de quien en 2024 se conmemoran 125 años de su nacimiento, y a una figura literaria tan importante como es la de Joan Salvat-Papasseit, en el centenario de su fallecimiento. “Todo empezó con un hallazgo maravilloso que hice en la Biblioteca de Catalunya: una canción larga de Lamote de Grignon con texto de Salvat-Passapeit titulada Tot l’enyor de demà; fue una excusa que nos permitió diseñar el programa y centrarnos en canciones del compositor sobre poemas de Carner o de Segarra y en otras que ya presentamos en el Teatro de La Zarzuela, incluyendo el ciclo Siete cancioncillas en estilo popular, con textos anónimos de los siglos XV y XVI”. El homenaje en el Palau se hará extensivo al padre de Ricard Lamote de Grignon, el también compositor Joan Lamote de Grignon, “un gran músico y director, de quien interpretaremos tres de las 12 canciones de su ciclo Les violetes. Todo ello junto a Silvia Bel, que hará una lectura de los poemas. Incluiremos también un estreno, ya que siempre me ha interesado la nueva creación; se trata de un ciclo de tres canciones titulado La gesta dels estels con textos de Salvat-Papasseit que ha musicado Miquel Ortega”.

En lo que queda de temporada, entre otros compromisos, David Alegret interpretará Die Fledermaus de J. Strauss con la Orquesta de la RTVE; participará en el concierto homenaje a Victoria de los Angeles en el Teatro de La Zarzuela de Madrid; brindará un recital con la pianista Maria Canyigueral en Barcelona con obras de Toldrà y estrenos de canciones de Benet Casablancas y Salvador Brotons; y un recital homenaje a Ricard Lamote de Grignon con el pianista Daniel Blanc en Figueres y Barcelona.

Sabina Puértolas - Nano Cañas

La soprano Sabina Puértolas, reconocida por su intensidad dramática y su voz excepcional, se enfrenta al desafiante papel de Gilda en la ópera Rigoletto de Verdi. Esta nueva producción, contemporánea y audaz, de Miguel del Arco para la ABAO tiene un enfoque moderno y crítico que promete una reinterpretación de este clásico, con escenografías de Sven Jonke y vestuario de Ana Garay.

‘Rigoletto’, una de las obras más emblemáticas de Verdi, está basada en ‘Le roi s’amuse’ de Victor Hugo. Una obra que se adentra en el complejo mundo de un bufón que vive sumergido entre la belleza y la perversión de su entorno, mientras lucha por proteger a su hija Gilda. Esta historia, llena de pasión, engaño, amor paternofilial y venganza sigue siendo una de las favoritas del público.

Sabina Puértolas, conocida por ser una “soprano de raza” por sus impactantes interpretaciones, compartirá escenario con el barítono Amartuvshin Enkbat quien debutará en el papel del bufón Rigoletto y el tenor Ismael Jordi, en el rol del Duca di Mantua. La dirección musical estará a cargo del maestro Daniel Oren, quien liderará a la Bilbao Orkestra Sinfonikoa.

La dirección de escena de Miguel del Arco propone una visión impactante, contemporánea y expresionista de la ópera, destacando la naturaleza humana en sus

formas más crudas y reales. Esta producción de Rigoletto se centra en el cortejo y secuestro de Gilda (Sabina Puértolas), hija del protagonista, para explorar la indefensión que puede sentir una mujer frente a un grupo de hombres. La obra aborda también temas contemporáneos como el papel de la masculinidad en la sociedad actual.

Sabina Puértolas, cuya carrera ha estado marcada por interpretaciones memorables en algunos de los escenarios más prestigiosos del mundo, dotará al papel de Gilda de un matiz especial con la interpretación conmovedora y apasionada que le caracteriza. La soprano se convertirá en el eje central de esta producción explorando el complejo y delicado papel de Gilda.

Sabina Puértolas
Sabina Puértolas es una de las sopranos españolas más internacionales, reconocida por su talento y entrega para unir perfección técnica e intensidad interpretativa y ponerlas al servicio de los grandes papeles del bel canto, la ópera barroca y el repertorio de zarzuela.

Ha actuado en teatros como la Royal Opera House de Londres, el Carnegie Hall de Nueva York, el Real de Madrid, el Liceo de Barcelona, el Teatro Municipal de Santiago de Chile o la Ópera de Seattle.

Ha interpretado roles como Manon, Gilda (Rigoletto), Marie (La fille du régiment), Adina (L’elisir d’amore), Partenope y Rodelinda, Poppea (L’incoronazione di Poppea), Amina (La sonnambula) o Susanna (Le nozze di Figaro), entre otros.

Fotografía Sabina Puértolas: Nano Cañas

Goerne y Schubert

El barítono alemán Matthias Goerne regresa junto al pianista Alexander Schmalcz al Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela para ofrecer un programa monográfico de canciones de Franz Schubert, figura clave del Romanticismo. En el recital, Goerne hará un recorrido por algunas de las canciones más famosas del compositor, entre las que se encuentran exquisitas obras maestras como Der Wanderer, Der Jüngling und der Tod, Grenzen der Menschheit, Der Winterabend o Der liebliche Stern. El concierto tendrá lugar el lunes 5 de febrero a las 20h00 en el Teatro de la Zarzuela.

Considerado uno de los cantantes más versátiles y demandados a nivel internacional, Matthias Goerne goza de una consolidada carrera tanto en el ámbito del lied como en la ópera, y ha actuado en prestigiosos teatros como la Metropolitan Opera House de Nueva York, la Ópera Nacional de París o la Ópera Estatal de Viena. Con hasta cuatro nominaciones a los Grammy, el intérprete ha colaborado con las orquestas, los directores y los pianistas más importantes del mundo. En esta ocasión, une fuerzas con Alexander Schmalcz, con quien ha orquestado obras de Schubert, para sumergirse en un programa que refleja todo el universo musical del que está considerado el maestro indiscutible del lied.

El recital se abrirá con Der Wanderer, D 489 (El caminante), una de las piezas de Schubert más conocidas. La obra revela su estilo más personal y despliega una gran complejidad de ideas musicales, tomando como tema central los sentimientos de un personaje que vaga de un lugar a otro porque no encuentra su lugar en el mundo. Por su parte, también destaca la reflexiva Der Jüngling und der Tod, D 545 (El joven y la muerte), en la cual el protagonista busca la liberación a través de un encuentro con la muerte; mientras que en Grenzen der Menschheit, D 716 (Límites de la humanidad) se nos ofrece un viaje por los cuatro elementos: fuego, aire, tierra y agua. Otra joya musical en la que Goerne se adentrará, entre otras, es la serena y misteriosa Der Winterabend, D 938 (La tarde de invierno). El broche de oro lo pondrá Der liebliche Stern, D 861 (La dulce estrella), bellísima canción que invita a reflexionar sobre los misterios del mundo y de la vida.

Sobre Matthias Goerne

Matthias Goerne es uno de los cantantes más versátiles y solicitados internacionalmente y un invitado frecuente en festivales y salas de conciertos de renombre. Ha colaborado con las orquestas, los directores y los pianistas más importantes. Nacido en Weimar, estudió con Hans-Joachim Beyer en Leipzig y, más tarde, con Elisabeth Schwarzkopf y Dietrich Fischer-Dieskau. El barítono ha cantado en los más célebres teatros de ópera del mundo, como la Metropolitan Opera House de Nueva York, la Royal Opera House Covent Garden de Londres, el Teatro Real de Madrid, la Ópera Nacional de París y la Ópera Estatal de Viena. Sus papeles van desde Wolfram (Tannhäuser), Amfortas (Parsifal), Marke (Tristan und Isolde), Wotan (Der Ring des Nibelungen), Orestes (Elektra) y Jochanaan (Salome) hasta los principales protagonistas en El castillo de Barba Azul (A Kékszakállú Herceg Vára) de Béla Bartók y Wozzeck de Alban Berg. El arte de Goerne ha sido documentado en numerosas grabaciones, muchas de las cuales han recibido prestigiosos premios, entre ellos, cuatro nominaciones a los Grammy, el Premio ICMA, el Premio Gramophone, el BBC Music Magazine Vocal Award 2017 y un Diapason d’Or. Después de sus legendarios registros con Vladimir Ashkenazy y Alfred Brendel para Universal Music, publicó una serie de canciones de Schubert seleccionadas en doce álbumes para Harmonia Mundi (The Goerne Schubert edition) con eminentes pianistas. Sus últimos títulos con Christoph Eschenbach (Brahms), Markus Hinterhäuser (Schumann), la BBC Symphony (Mahler) y la Swedish Radio Symphon (Wagner) han recibido críticas muy favorables. El intérprete ha sido uno de los artistas más activos del circuito internacional durante el periodo de la pandemia con conciertos en festivales y ciclos en los escenarios más destacados de Austria, Polonia, Rusia, Francia, Alemania, España, Suiza, Italia y Finlandia. Matthias Goerne ha participado, con el presente, en veintidós recitales del Ciclo de Lied: V (98-99), VI (99-00), VII (00-01), VIII (01-02), IX (02-03), X (dos recitales, 03-04), XII (05-06), XIII (06-07), XIV (07-08), XV (08-09), XVI (09-10), XVII (10-11), XIX (12-13), XXI (14-15), XXIII (16-17), XXIV (tres recitales,17-18), XXVI (19-20), XXVIII (21-22), XXX (23-24).

Sobre Alexander Schmalcz

Desde el principio, el pianista Alexander Schmalcz ha trabajado con cantantes legendarios como Edita Gruberova, Grace Bumbry, Anna Tomowa-Sintow, Peter Schreier y Matthias Goerne. Asimismo, se presenta regularmente en prestigiosas salas de concierto, como el Teatro alla Scala de Milán, la Ópera Estatal de Viena, el Théâtre du Châtelet, el Concertgebouw de Ámsterdam, la Gewandhaus de Leipzig, el Seoul Arts Center y el Tokyo Opera City Hall, y en festivales de todo el mundo como el Festival de Salzburgo, el Festival Tanglewood y el Festival Primavera de Praga. Por encargo del barítono Matthias Goerne, el pianista orquestó las obras de Schubert. Su repertorio completo está registrado en numerosos álbumes. Schmalcz recibió sus primeras lecciones de piano como corista en el Dresden Kreuzchor. Se formó en la Musikhochschule Dresden y en el Conservatorio de Utrecht antes de realizar sus estudios en la Escuela de Música y Drama Guildhall con Iain Burnside y Graham Johnson. Es, además, profesor titular de Interpretación en la Musikhochschule de Leipzig y ofrece clases magistrales a nivel internacional. Alexander Schmalcz ha participado, con el presente, en seis recitales del Ciclo de Lied: XVI (09-10), XIX (12-13), XXI (14-15), XXIII (16-17), XXVI (19-20), XXX (23-24).

KONSTANTIA GOURZI II - COMPOSITORA & DIRECTORA © Astrid Ackermann

El próximo 8 de febrero, el ciclo Liceo de Cámara XXI del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) acogerá el estreno absoluto de la nueva obra para cuarteto de cuerda de la reconocida compositora y directora de orquesta griega Konstantia Gourzi. Galardonada con el prestigioso premio Opus Klassik 2023 a la “Mejor compositora del año”, Konstantia Gourzi ha compuesto su Cuarteto de cuerda nº 4 Still flying, op. 105, por encargo del CNDM y el Cuarteto Quiroga, que será quien interprete esta première mundial en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Madrid. El programa del concierto incluirá también obras de Mozart y Schubert.

Still flying es una obra inspirada en un dibujo del mismo título de mi hermano Yannis Gourzis, con un ángel que vuela sobre las ruinas de la guerra, pero transmite esperanza.  Se trata de una composición estructurada en ocho miniaturas, que se tocan una detrás de otra, sin interrupción”, señala Gourzi, cuya música ya ha sonado en varias ocasiones en nuestro país de la mano del Plural Ensemble y Fabián Panisello, el pianista Ricardo Descalzo y el conjunto vocal Schola Antiqua de Juan Carlos Asensio, para quien compuso en 2014, por encargo de Patrimonio Nacional, una obra inspirada en el famoso manuscrito del Monasterio de Las Huelgas.

Con un extenso catálogo que incluye composiciones para orquesta, ensemble de cámara, teatro musical, film music y piezas a solo, Konstantia Gourzi ha realizado obras para instituciones y festivales de prestigio internacional como La Biennale di Venezia, el Festival de Lucerna, el Festival de Grafenegg, el Molyvos International Music Festival, el ARD-Musikwettbewerb, la Staatsoper de Berlín o la Bayerische Staatsoper de Munich, entre otros. Además, muchas de sus obras han sido estrenadas por solistas tan destacados como Simon Höfele, Anastasia Kobekina, François Leleux, Nils Mönkemeyer, Julian Prégardien y William Youn, entre otros, orquestas sinfónicas de renombre como la BBC, la Bamberger Symphoniker o la Tonkünstler-Orchestra, y ensembles como el Corund, el Meitar Ensemble o los Munich Opera Horns.

Considerada como una de las compositoras más destacadas de la actualidad y con más de treinta años de actividad en la escena musical contemporánea, Konstantia Gourzi ha fundado y dirigido diferentes Ensembles (attacca berlin, el ensemble echo, el ensemble oktopus y el ensemble & network opus21musikplus), además de desarrollar una intensa actividad docente como Professorin en la Hochschule für Musik und Theater de Munich desde 2002. Sus próximos proyectos incluyen estrenos con la flautista Dorothee Oberlinger, el Bach Choir Salzburg y la NDR Elbphilharmonie Orchester en el Festival Mecklenburg-Vorpommern, así como dos nuevas grabaciones discográficas, que se suman a una larga lista de discos editados por sellos como Sony Classical, NEOS, ECM y Genuin.

Fotografía © Astrid Ackermann

Enrico Pieranunzi

El gran pianista romano Enrico Pieranunzi rinde homenaje a uno de los artistas jazzísticos más icónicos de todos los tiempos, el compositor y pianista George Gershwin, en un concierto del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en colaboración con el Istituto Italiano di Cultura. Se trata de la presentación de su proyecto Play Gershwin, en el cual ofrece su visión personal de algunas de las obras más famosas del músico norteamericano, que destacó por su capacidad para trascender géneros y navegar con habilidad tanto en el jazz como en la música clásica. Este programa de confluencias musicales se enmarca precisamente en el ciclo Fronteras del CNDM. La cita tendrá lugar el viernes 9 de febrero, a las 19:30 horas, en el ciclo Fronteras del CNDM, en la sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música de Madrid.

Escrita en 1924 para orquesta y piano, la obra Rhapsody in blue de George Gershwin, artista que ya por entonces gozaba de gran fama como intérprete y compositor, supuso toda una revolución del género al combinar música clásica con efectos de influencia jazzística. La partitura se estrenó el mismo año en el Aeolian Hall de Nueva York, en un concierto titulado Un experimento en música moderna (An Experiment in Modern Music), dirigido por Paul Whiteman, su banda y el propio Gershwin al piano. Pese a que despertó cierta polémica por sus elementos innovadores, en poco tiempo se convirtió en una de las composiciones más populares de la época y su glissando inicial sigue siendo, a día de hoy, uno de los más famosos de la historia de la música.

Pieranunzi parte de esta extraordinaria composición para adaptar la orquestación a formato de trío. Junto al violinista Gabriele Pieranunzi y el clarinetista Gabriele Mirabassi, dará vida a esta obra maestra, junto a otras conocidas obras de Gershwin, como algunos preludios para piano u otras piezas tan célebres como An American in Paris. Esta última fue compuesta en 1928, tras el paso del compositor por París, y contiene elementos muy innovadores como el uso del claxon o la combinación de ritmos sinfónicos y del swing o el blues.

Sobre Enrico Pieranunzi

Nació en Roma en 1949 y desde hace muchos años es uno de los pianistas más apreciados de la escena del jazz internacional. Pianista, compositor, arreglista, Pieranunzi ha grabado más de 80 álbumes bajo su propio nombre, que van desde piano solo a trio, desde dúo a quinteto, colaborando en vivo o en estudio con artistas del calibre de Chet Baker, Lee Konitz, Paul Motian, Charlie Haden, Chris Potter, Marc Johnson e Joey Baron. Pieranunzi ha ganado tres veces (en 1989, 2003, 2008) el premio al «Artista del Año» de la revista «Musica Jazz» y ganó el premio “El mejor músico europeo” en 1997. Ha tocado en todo el mundo y en los más importantes festivales internacionales, de Montreal a Copenhague, de Berlín y Madrid a Tokio, Río de Janeiro y Pekín. Se presenta regularmente en los clubes más importantes de Nueva York, especialmente en el Village Vanguard, donde en julio de 2010 grabó con Marc Johnson y Paul Motian el álbum Live at the Village Vanguard. Pieranunzi ha compuesto más de 300 piezas, algunas de las cuales ya son conocidos en todo el mundo y se reproducen y graban por otros músicos.

La rosa del azafrán
La rosa del azafrán Zarzuela en dos actos y seis cuadros Música de Jacinto Guerrero y libreto de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw, inspirado en El perro del hortelano, de Lope de Vega D. musical: José María Moreno D. escena: Ignacio García Escenografía: Nicolás Boni Vestuario: Rosa García Andujar Iluminación: Albert Faura Coreografía: Sara Cano Reparto: Yolanda Auyanet, Juan José Rodríguez, Carolina Moncada, Ángel Ruiz, Vicky Peña, Juan Carlos Talavera, Mario Gas, Pep Molina, Emilio Gavira, Chema León, Elena Aranoa y Javier Alonso 23 años después de la última representación sobre este escenario, regresa al Teatro de la Zarzuela La rosa del azafrán, la obra de Jacinto Guerrero que es uno de los mejores ejemplos de música popular. Una obra que describe magistralmente la estética y las costumbres de la España de hace un siglo, pero que es siempre reconocida y celebrada por el público, gracias a su estilo popular y castizo.El libreto, de los prolíficos Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw, está basado en El perro del hortelano, de Lope de Vega. Autor que esta temporada tiene gran protagonismo en el Teatro de la Zarzuela, pues se inició con El caballero de Olmedo, y terminará con Doña Francisquita. Ambas del autor madrileño. El género de la zarzuela suele estar ligado a las gentes y el folclore de alguna de las regiones de nuestro país. En esta ocasión es La Mancha, sus tierras, costumbres y gentes, las que protagonizan La rosa del azafrán. En ella se hacen guiños a la obra más universal transcurrida en esta tierra, El Quijote, y a no pocos argumentos de esta obra. Planteando situaciones entre sus protagonistas que, a pesar del paso de tiempo, son comunes a todas las generaciones. Pues el amor, los celos, la amistad o los conflictos de clase, son siempre actuales.Y llegamos a esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela, con una extraordinaria dirección musical del José María Moreno, que extrae de la partitura todo su caudal teatral y lo transforma en musicalidad. Una orquestación llena de detalles que contribuyen en la descripción de lugares y personajes.La dirección de escena, a cargo de Ignacio García enmarca con acierto y plasticidad cada uno de los números musicales. Son magistrales los elementos que introduce para “actualizar” la obra. Como la aparición de una cantante de música popular, Elena Aranoa, que acompaña algunos momentos entonando fragmentos de la propia obra, y la inclusión de algunos números de baile. Está hecho con una elegancia y sentido del ritmo y la teatralidad, que redondea la producción. Esperamos que Ignacio García, junto a Nicolás Boni y Sara Cano, creen escuela y no se repitan algunos excesos que hemos visto en alguna que otra ocasión.Muy bien reflejados los campos manchegos, las callejuelas de sus localidades y las gentes. Las escenas costumbristas y divertidas protagonizadas por los roles secundarios y los actores.A este acierto escénico ha contribuido la iluminación de Albert Faura y el vestuario de Rosa García Andújar.El cuadro de cantantes a estado encabezado por Yolanda Auyanet, que ha interpretado a Sagrario, la caprichosa protagonista prefiere quedarse soltera antes de confesar su amor por u hombre que no es de su clase. Un rol complicado el de Sagrario, pero que no encuentra dificultad en una Auyanet que demuestra sus cualidades vocales, sobre todo en la romanza del segundo acto No me duele que se vaya, muy aplaudido por el público.Juan José Rodríguez se ocupó de dar vida al otro protagonista, Juan Pedro, el labrador del que se enamora Sagrario. Llena siempre a sus personajes con un halo de dignidad y honestidad que, junto con las cualidades de su voz baritonal, enriquece las obras y entusiasma al público. Quedó demostrado en el largo aplauso, al borde del bis, tras interpretar Canción del segador, de manera magistral.Hay que destacar la interpretación que del personaje de Catalina hace la soprano Carolina Moncada. Muy bien en la parte vocal, que demostró sobre todo en el Coro de las espigadoras, pero también brilló en la interpretación, dotando de personalidad local a su personaje. Fue una de las triunfadoras de la noche.El tenor Ángel Ruiz, tan excepcional actor como cantante, se encargó de dar vida a Moniquito, el personaje más atrabiliario y que en sus manos cobra gran importancia en la obra.El resto de comprimarios estuvo a la altura del elenco principal, Juan Carlos Talavera, en el rol de Carracuca, Pep Molina, como Miguel, Emilio Gavira, como Micael, Chema León, que interpretó al mendigo Julián y Javier Alonso, un pastor.La obra se completó con un impresionante reparto de actores, con Mario Gas, interpretando a Don Generoso, Vicky Peña, como Custodia, Pep Molina, como Miguel o Emilio Gavira, en el papel de Micael.Una excelente producción de esta Rosa del azafrán para empezar un año lleno de reconocimientos al género de la Zarzuela.Texto: Paloma Sanz Fotografías: Elena del Real/Javier del Real
Juan Jesús Rodríguez

Coincidiendo con su participación en ‘La rosa del azafrán’, que en estos días vive el éxito de las grandes noches, el barítono Juan Jesús Rodríguez volverá mañana martes 30 de enero (20h00) como concertista al escenario del Teatro de la Zarzuela para mostrarnos una de sus facetas más desconocidas: la flamenca.

Aplaudido en los grandes teatros del mundo y considerado desde hace años como uno de los más completos barítonos verdianos, en este concierto que presenta bajo el título de ‘El pueblo tiene un cantar’ , y que sorprenderá a propios y extraños, hará gala de la versatilidad de su poderosa voz, cambiando de forma sorprendente la lírica por el cante popular que siempre le ha acompañado.

Arropado por tres grandes del género como son el guitarrista José Luis de la Paz, el pianista Manuel Burgueras y el percusionista José Ruiz Bandolero, entre fandangos, peteneras, colombianas, seguiriyas o tangos argentinos, compartirá con el público sus raíces más profundas transmitiendo desde el corazón el cantar universal del pueblo .

CicloJovenesTalentos

El próximo 30 de enero dará comienzo la V Edición del Ciclo Jóvenes Talentos Fundación Banco Sabadell, una iniciativa de la Fundación Amigos del Teatro Real, en colaboración con la Fundación Banco de Sabadell, que cuenta con la participación de los alumnos de la Escuela Superior de Música Reina Sofía.

Este ciclo, compuesto por cuatro conciertos de cámara, cuyos programas están elaborados tomando como referencia los títulos de la Temporada del Teatro Real, está destinado a los Amigos Jóvenes del Teatro Real y los Amigos Jóvenes de la Escuela Reina Sofía -con acceso gratuito a todas las sesiones- y tiene como principal objetivo ofrecer una oportunidad profesional a jóvenes promesas del mundo de la música.

Las sesiones tendrán lugar los días 30 de enero y 11 de junio en la Sala Gayarre del Teatro Real y los días 11 de marzo y 22 de abril en el Auditorio Sony de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, siempre a las 20.00 horas.

El protagonista del primer concierto será el compositor Henry Purcel (1659-1695) tomando como referencia la representación de su ópera Dido & Aeneas en el Teatro Real, una de las obras de su tiempo más interpretadas en nuestros días, apoyada en el sensible retrato de su protagonista femenina —capaz de reducir a su antagonista a la condición de antihéroe— y a la inmediatez, concisión y belleza de su partitura. Con este punto de partida, los alumnos de la Escuela Reina Sofía Margherita Brodski (flauta), Sara Zeneli (violín), María Ramos (violín), Mario Carpintero (viola), Guillem Gràcia (violonchelo), Alessandro Spada (contrabajo) y Nicolás Margarit (clave) interpretaran obras del propio Purcell, Locke, Blow y Corelli. Consultar programa completo en este enlace.

Las próximas citas serán:

Lunes 11 de marzo a las 20.00h

Concierto 2: La Pasajera, de Mieczysław Weinberg (1919-1996)
Auditorio Sony de la ESMRS

Lunes 22 de abril a las 20.00 h
Concierto 3: Los maestros cantores de Núremberg, de Richard Wagner (1813-1883)

Lugar: Auditorio Sony de la ESMRS

Martes 11 de junio a las 20.00 h
Concierto 4: Madama Butterfly, de Giacomo Puccini (1858-1924)
Lugar: Sala Gayarre del Teatro Real

Christian Gerhaher y Gerold Huber © Nikolaj Lund

Una de las voces líricas más relevantes y aplaudidas del panorama actual, Christian Gerhaher, regresa al consolidado ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela para hacer un recorrido por algunas de las canciones más bellas de grandes compositores europeos. Partituras de Gabriel Fauré, Piotr Ilich Chaikovski, Pavel Haas y Hector Berlioz estarán presentes en un programa que el barítono alemán interpretará junto al virtuoso pianista Gerold Huber, otra gran figura de la música alemana, y quien suele ser su acompañante habitual. El recital tendrá lugar el lunes 29 de enero, a las 20:00 horas, en el Teatro de la Zarzuela.

La propuesta que Christian Gerhaher ha elegido para la ocasión abarca desde el Moscú de Chaikovski hasta el París de Fauré y Berlioz, pasando por la Polonia de Chopin o la  Moravia de Haas. En esencia, propone un viaje musical por la Europa del Romanticismo que cruza de este a oeste. Un itinerario lleno de contrastes, con canciones intimistas y que miran hacia el pasado, y otras joyas musicales vibrantes que se abren a la alegría y a las grandes pasiones. Gerhaher, que se ha dedicado al lied durante más de treinta años, con conciertos y grabaciones que han obtenido importantes premios internacionales, tendrá que moverse con habilidad en estos territorios emocionales tan diversos.

El programa se abrirá con Gabriel Fauré, uno de los compositores más influyentes en la creación sonora francesa del cambio de siglo. Las siete piezas elegidas reflejan el cambio estilístico de un compositor que pasó de la alegría de los primeros años, a unas composiciones mucho más introspectivas en su madurez, cuando comenzó a padecer sordera. El público podrá apreciar la amable y primaveral Le papillon et la fleur, o sumergirse en sentimientos de añoranza y la pasión por la naturaleza de À Clymène. En esta primera parte del recital, también estarán presentes canciones intercaladas de Piotr Ilich Chaikovski con interludios pianísticos del gran Frédéric Chopin. Este pequeño homenaje a Chaikovski  comenzará con De nuevo, como antes, su última canción, y culminará con Ni una palabra, oh, amigo mío, una obra de intenso dramatismo y claros aires operísticos.

La segunda parte del recital comenzará con las Cuatro canciones sobre poesía china de Pavel Haas, compuestas en 1944 en el campo de concentración de Terezín, poco antes de que su autor muriese en Auschwitz, tras vivir los horrores de la guerra. Son canciones en las que se mezclan estados de ánimo que van del dolor y la tristeza a la ilusión y la esperanza. De hecho, el ciclo termina con Noche de insomnio, cuya música invita a la alegría y nada parecía prever el trágico final de su compositor. Tras la Balada nº 4 en fa menor de Chopin, este viaje musical concluirá con el famoso libro Les nuits d’été de Hector Berlioz, un conjunto de piezas sobre la eternidad del amor entre las que se incluye la bellísima Le spectre de la rose, el broche de oro a esta velada musical.

Christian Gerhaher y Gerold Huber © Nikolaj Lund

Carlo Vistoli ©Nicola Allegri

El conocido contratenor italiano Carlo Vistoli, que acaba de cantar el rol que da título a la ópera Giulio Cesare in Egitto de Händel en la Opéra de Monte-Carlo junto a Cecilia Bartoli (Cleopatra) y Sara Mingardo (Cornelia), volverá a protagonizar otro título haendeliano el próximo mes de febrero en su regreso a los escenarios españoles. Vistoli cantará el rol principal de Rinaldo en la versión en concierto de la conocida ópera de Händel, que se podrá ver el 4 de febrero en el Auditorio Nacional de Madrid (Universo Barroco del CNDM) y el 6 de febrero en el Palau de la Música Catalana de Barcelona, bajo la dirección de Thibault Noally al frente de Les Accents; el cast incluirá también a la soprano Emoke Baráth (Armida), la mezzosoprano Lucile Richardot (Goffredo) y la soprano Chiara Skerath (Almirena), entre otros.

Carlo Vistoli, que está considerado como uno de los más destacados intérpretes de Händel del circuito actual, cantará por primera vez el rol de Rinaldo pensado para Nicolò Grimaldi, conocido como Nicolino: “Estoy feliz de poder debutar finalmente la parte de Rinaldo, después de haber dedicado un CD monográfico a Nicolino en el que están presentes algunas de las arias más famosas de la ópera, y de poder hacerlo junto a Thibault Noally y su maravilloso ensemble Les Accents, con el que he colaborado mucho en los últimos años. La parte de Rinaldo, con sus numerosas arias tripartitas que dejaban espacio al virtuosismo del intérprete, representa el fruto más maduro de la estética primo-settecentesca”, señala Vistoli, que ya ha cantado con gran éxito los roles haendelianos de Giulio Cesare, Tolomeo, Disinganno (Il Trionfo del Tempo e del Disinganno), Ruggiero (Alcina), Athamas (Semele), Lotario, Polinesso (Ariodante) y Narciso (Agrippina).

En el mes de marzo, Carlo Vistoli tendrá otra importante cita en nuestro país, porque no solo hará su debut en el valenciano Palau de Les Arts, sino que cantará por primera vez una producción escénica en España. El contratenor italiano será Orfeo en Orfeo ed Euridice de Gluck los días 3, 5, 7 y 9 de marzo, con el tándem Gianluca Capuano/Robert Carsen. “La parte de Orfeo está pensada para Antonio Guadagni, otro primo uomo y gran divo de la época, y con esta ópera, Gluck se desvía enormemente de la tradición precedente remodulando completamente la dramaturgia y la vocalità de la ópera italiana e inaugurando así la conocida reforma del melodramma”, concluye Vistoli, que ya protagonizó el rol de Orfeo en el estreno de esta misma producción de Carsen en el Teatro dell’Opera di Roma.

Carlo Vistoli, que fue Ambassador del Early Music Day (REMA) en 2022, ha trabajado con grandes figuras de la dirección musical como William Christie, Gianluca Capuano, Andrea Marcon, Emmanuelle Haïm, John Eliot Gardiner, Giovanni Antonini, René Jacobs o Marc Minkowski, entre otros. Además, ha colaborado con Regisseurs tan reconocidos como Damiano Michieletto, Robert Carsen, Barrie Kosky, David Alden y Davide Livermore. Sus próximos compromisos incluyen importantes debuts en la Wiener Staatsoper, la Ópera de San Francisco y el Teatro alla Scala.

Carlo Vistoli ©Nicola Allegri

Riccardo Frizza photo credit © Simone Falcetta

Riccardo Frizza, uno de los directores más importantes de la actualidad, continúa reforzando el vínculo con el Gran Teatre del Liceu, sus cuerpos estables y su público, esta vez de la mano de Giuseppe Verdi y su ópera Un ballo in maschera, título al que debutó en la Opéra de Montpellier hace dos décadas. El maestro de Brescia, que tiene una sólida y larga relación con los teatros españoles como el Teatro Real, la temporada de Abao Bilbao Opera o el mismo Liceu, se muestra entusiasmado ante esta nueva lectura de la “enigmática obra maestra de Verdi”, afirma; “el teatro musical y yo mismo hemos cambiado mucho en los últimos años, así que siento que esta será algo así como mi primera vez ante Un ballo in maschera, ya que ahora la afronto desde otra perspectiva tras la experiencia y madurez ganada en estos años. Es una ópera bellísima, pero al mismo tiempo muy complicada y dramatúrgicamente se mueve en ese milagroso equilibrio entre la comedia y la tragedia, tejida de conspiraciones, enredos, romances y supersticiones, pero también con aspectos mágicos y atmósferas de cementerio, para rematar todo con los colores brillantes de un baile de máscaras, espléndido pero fatal”. Para el director, “Verdi tenía razón” al oponerse a los vetos de los censores de la época del estreno, “contrarios a la primera versión de la ópera, ambientada en la corte sueca y que debería haberse estrenado en 1857 en el Teatro San Carlo de Nápoles. La obra finalmente se presentó –continúa Frizza– en el Teatro Apollo de Roma en 1859, pero trasladando la historia al Boston colonial y cambiando los nombres de los personajes (el rey Gustavo III pasa a ser el conde Riccardo) para contentar a los censores pontificios. La transposición, en general, no cambió mucho para Verdi, quien logró mantener el título que aclaraba y resumía el argumento y que, más allá del personaje de Gustavo III, era precisamente el que apareció en la fuente original de Scribe, Le Bal masqué.

En el Liceu la obra subirá a escena del 9 al 20 de febrero –tras el preestreno Under 35 para jóvenes del 7 de febrero– en el montaje “visionario” de Graham Vick, “llevado a cabo por Jacopo Spirei sobre las ideas del director de escena en el Regio de Parma en 2021, estrenada tres meses después de la muerte de Vick”, continúa Frizza. “Se trata de un espectáculo en el que nada es lo que parece y que revela nuestras debilidades y fragilidades. La música de Verdi es una inspiración, un pegamento y un bálsamo. Con la Simfònica y el Coro del Liceu y un doble elenco formidable encabezado por Freddie De Tommaso y Anna Pirozzi y Arturo Chacón-Cruz y Saioa Hernández, estamos haciendo un trabajo de exploración apasionante de una partitura que siempre ha encantado en escenarios de todo el mundo”, concluye el maestro.

Tras este compromiso, el director musical del Festival Donizetti de Bérgamo y de la Orquesta y Coro de la Radio Húngara en Budapest, inicia en marzo una gira de conciertos sinfónicos que lo llevarán a Austria (con conciertos junto a la Tonkünstler-Orchester Niederösterreich en el Musikverein vienés y en el Festspielhaus en St. Pölten y un programa que incluye obras de Glinka, Shostakovich y Martucci) al País Vasco (con la Euskadiko Orkestra y obras de Rachmaninov y Strauss) y a Budapest (con la Sinfónica de la Radio de Hungría y la Octava Sinfonía de Mahler) para, más tarde, dirigir Le Villi, de Puccini, en el Teatro Regio de Turín y Maria Stuarda en su regreso al Teatro San Carlo de Nápoles.

Riccardo Frizza photo credit © Simone Falcetta

Cappella Mediterranea

Una de las obras sacras más famosas de todos los tiempos, las conocidas Vísperas de Claudio Monteverdi, llegan al Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) de la mano de Cappella Mediterranea, el célebre conjunto del director, clavecinista y compositor argentino Leonardo García Alarcón. Junto al Coro de Cámara de Namur y la presencia de destacadas voces especializadas, la agrupación dará vida a una de las obras religiosas más brillantes de la historia, cuyo título original es Vespro della beata Vergine, SV 206 (1610). El concierto tendrá lugar el domingo 28 de enero, a las 19:00 horas, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música.

Considerada una joya sacra que aúna todas las técnicas y estilos compositivos de su pasado y de su tiempo, las Vísperas de Monteverdi están cargadas de una gran belleza y envergadura musical. Fueron impresas en 1610 por el veneciano Ricciardo Amadino, junto a la Misa a seis voces del mismo compositor. Sin embargo, mientras que esta última partitura sigue los modelos renacentistas y tenía planteamientos ya anticuados en ese momento, las Vísperas presentan elementos innovadores y son una muestra de la gran capacidad imaginativa de su autor, uno de los compositores más influyentes de la historia.

En este concierto, el ensemble Cappella Mediterranea abordará las catorce piezas que conforman el servicio de vísperas: un responsorio (Domine ad adiuvandum), cinco salmos (Dixit Dominus, Laudate pueri Dominum, Laetatus sum, Nisi Dominus y Lauda Ierusalem), otros conciertos sacros (Nigra sum, Pulchra es, Duo Seraphim, Audi cœlum y la Sonata sopra Sancta Maria), un himno (Ave maris stella) y dos Magnificat. Así, el público podrá sumergirse en un alarde de modernidad barroca, de originalidad y de atrevimiento. Una oportunidad única para descubrir una obra maestra de un compositor que ya por entonces gozaba de ser el más conocido y apreciado autor de música no religiosa de toda Italia.

Este concierto forma parte de la gira internacional de Cappella Mediterranea que ha incluido un concierto en la Capilla Real de Versalles o que recalará próximamente en la Fundação Calouste Gulbenkian de Lisboa.Un reparto de lujo

Cappella Mediterranea se fundó en el año 2005 y se ha convertido en uno de los principales conjuntos especializados en música renacentista y barroca del panorama actual. Con más de 45 conciertos por año, el conjunto explora, entre otros, el madrigal, el motete polifónico y la ópera. Una mezcla que da un estilo muy particular, impregnado de una rara complicidad entre el director y sus músicos. Junto al ensemble, Leonardo García Alarcón también dirigirá al Coro de Cámara de Namur, que se ha consolidado como una de las agrupaciones corales barrocas con mayor proyección a nivel internacional.

El elenco de solistas está formado por un gran reparto, con figuras como Mariana Flores (soprano), Deborah Cachet (soprano), David Sagastume Balsategui (contratenor), Valerio Contaldo (tenor), Pierre-Antoine Chaumien (tenor), Andreas Wolf (barítono) y Rafael Galaz (bajo). Juntos enfrentan la tarea de dar vida a una obra que se distingue por una música excepcional, conmovedora por su expresividad y exigente tanto en virtuosismo como en riqueza instrumental.

“Contextos Barrocos”: Una hora antes del concierto, a las 18:00h, tendrá lugar el encuentro sobre el concierto de Las Vísperas y Cappella Mediterranea en los “Contextos Barrocos” del CNDM, sesiones de cuarenta y cinco minutos, de acceso libre para el público que ha adquirido la entrada al espectáculo, que permiten profundizar en las obras del ciclo, su historia y los intérpretes.

Alcina

Alcina es un cuento de hadas que nos embruja con el uso de la magia para seducir a los amantes, es una de las más bellas óperas de G. F. Händel, quizá porque el compositor confía toda la potencia lírica a la capacidad arrolladora de una historia de amor atravesada por ribetes fantásticos y a una escritura musical que embelesa por la alta potencia expresiva de su belleza melódica.

En una isla encantada, Alcina es una poderosa hechicera que emplea sus poderes mágicos para enamorar a los hombres a los que luego, cansada de ellos, convertirá en animales salvajes. Sin embargo, su inesperada entrega a un amor no correspondido, en medio de un confuso enredo sentimental lleno de episodios de celos, confusión y caos, la arrastrará a una deriva emocional que
nos lleva a reflexionar sobre el uso del poder, sobre la redención y sobre la posibilidad de abrazar la empatía y el amor. Alcina es hoy una de las óperas de Händel más celebradas y programadas y ha sido cantada por voces como Renée Fleming, Natalie Dessay o Magdalena Kozená.

La soprano Jone Martínez, la mezzo Maite Beaumont, junto a Lucía Martín- Cartón, Daniela Mack, Ruth González, Juan Sancho y Riccardo Novaro, comparten un espléndido reparto de voces para el retorno de la ópera barroca escenificada al Maestranza, en una producción de la reconocida Lotte de Beer, contando en el foso con la siempre excelente Orquesta Barroca de Sevilla dirigida por un brillante especialista, Andrea Marcon.

Las entradas, cuyos precios oscilan entre los 50€ para Paraíso y los 130€ para Patio, se pueden adquirir en las taquillas o a través de la web del Teatro.

Fotografía ©Jochen_Quast

6, 8 y 10 de febrero, 2024
ALCINA de Georg Friedrich Händel (1685-1759)
Dirección musical, Andrea Marcon
Dirección de escena, Lotte de Beer
Diseño de escenografía, Christof Hetzer
Diseño de vestuario, Jorine van Beek
Diseño de iluminación, Alex Brok / Vídeo, fettFilm
Intérpretes, Jone Martínez, Lucía Martín-Cartón, Ruth González, Maite Beaumont, Daniela Mack, Juan Sancho, Riccardo Novaro
Producción de la Deutsche Oper am Rhein
Orquesta Barroca de Sevilla (Orquesta residente del Espacio Turina)

Rappresentatione di anima et di corpo

El próximo sábado, 27 de enero, se estrenará en España Rappresentatione di Anima et di Corpode Emilio de’ Cavalieri (1550-1602), compositor, organista, diplomático de los papas Inocencio IX y Clemente VIII, coreógrafo, bailarín y ‘superintendente’ de arte, vestuario, teatro y música de Fernando I de Médici, a quien organizaba los espectáculos y veladas lúdicas y artísticas.

Aunque  Rappresentatione di Anima et di Corpo, por su temática religiosa y estructura dramática, figure como el primer oratorio de la historia de la música, no es fácil enmarcarla en la revolución del  Barroco musical que alumbró la ópera, con la célebre Camerata Fiorentina y nombres como Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Claudio Monteverdi, Vincenzo Galilei o Jacopo Peri.

A caballo entre el oratorio y la ópera, Rappresentazione di Anima et di Corpo, con libreto del padre Agostino Manni -discípulo de san Felipe Neri-, es un diálogo alegórico entre el alma y el cuerpo, que proclama la renuncia a los placeres materiales y la salvación espiritual. En la trama participan también otros personajes como la Prudencia, la Conciencia, el Tiempo, el Intelecto, el Mundo, la Vida Mundana o el Ángel de la Guarda, además de un coro que refuerza el diálogo de los solistas.

Un selecto reparto del universo barroco (ver biografías en el programa adjunto) y el grupo vocal e instrumental Vox Luminis, bajo la dirección de Lionel Meunier, ofrecerán una atractiva versión semiescenificada de Rappresentazione di Anima et di Corpo, estrenada con gran éxito en el Flagey Choir Days de Bruselas, con escenografía y concepto de vídeo, de Emilie Lauwers, dirección de escena de Benoit De Leersnijder, diseño de luces de Luc Schaltin y realización de vídeo de Mario Melo Costa, acercándonos la belleza de una alegoría musical que buscaba ya su emancipación como un nuevo género lírico: la ópera.

Primavera Barroca

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM, unidad del INAEM, Ministerio de Cultura) y la Fundación Municipal de Cultura del Ayuntamiento de Oviedo promueven la undécima edición del ciclo Primavera Barroca, una de las iniciativas culturales referentes en el ámbito nacional de la interpretación musical historicista. Esta coproducción se ha presentado hoy en el Teatro Campoamor de la mano de David Álvarez, concejal de Cultura y Presidente de la Fundación Municipal de Cultura del ayuntamiento de Oviedo; Francisco Lorenzo, director del CNDM; y Cosme Marina, director artístico de la Fundación Musical Ciudad de Oviedo y coordinador del ciclo.

La nueva edición de Primavera Barroca contará con 6 conciertos en el Auditorio Príncipe Felipe del 6 de marzo al 21 de mayo de 2024. En paralelo y como parte de las actividades pedagógicas del CNDM, se celebrará un ciclo de conferencias con algunos de los artistas en colaboración con el Conservatorio Superior de Música del Principado de Asturias, el Conservatorio Profesional de Música de Oviedo y la Universidad de la ciudad.

La undécima edición tiene como hilo conductor el mestizaje como seña de identidad del Barroco. A través de grandes agrupaciones españolas y extranjeras, el público asturiano tendrá la oportunidad única de adentrarse en joyas en torno a la música de este periodo, con incursiones también en épocas anteriores. La programación de este año contará con obras de algunos de los más conocidos compositores europeos y también albergará espacio para el arte de la improvisación, un recurso muy presente en el universo barroco.

Esta programación forma parte de los “Circuitos” del CNDM, conciertos y actividades pedagógicas que se promueven a lo largo de todo el país con el objetivo de vertebrar la actividad musical de nuestro territorio. Junto con el ciclo Primavera Barroca, en Asturias también se celebra el ciclo Oviedo Jazz.

Escaparate del mejor Barroco

Armonía Concertada, agrupación formada por la soprano María Cristina Kiehr, el tenor Jonatan Alvarado y el vihuelista Ariel Abramovich, será la encargada de abrir la Primavera Barroca 2024 el miércoles 6 de marzo, con un fascinante programa homenaje a Josquin Desprez, el más famoso compositor franco-flamenco de su época. Le seguirá, el jueves 21 de marzo, el clavecinista Ignacio Prego, con un programa en torno a las suites francesas de Johann Sebastian Bach.

Con un magnífico elenco, casi enteramente español, La Ritirata, el conjunto del violonchelista Josetxu Obregón, se acercará el lunes 8 de abril a un oratorio de Alessandro Scarlatti, Il giardino di rose. Esta obra presenta algunas de las arias más bellas y virtuosas de su tiempo que, en este concierto, serán interpretadas por las sopranos Núria Rial y Alicia Amo, la mezzosoprano Luciana Mancini, el tenor Víctor Sordo y el bajo José Coca Loza. Tomará el relevo, el grupo Anacronía el jueves 25 de abril. Junto a la soprano Rita Morais, el joven ensemble presenta una amplia y renovada mirada sobre la familia Bach, con un programa que reúne obras maestras de Johann Christian Bach, Carl Philipp Emanuel Bach, Johann Sebastian Bach.

Uno de los puntos fuertes de la edición será la cita con el maestro Jordi Savall. En esta ocasión, el que está considerado como uno de nuestros músicos más internacionales acudirá junto a Xavier Díaz-Latorre (guitarra y tiorba) y Pedro Estevan (percusión) para ofrecer un programa que lleva por título «Folías y romanescas». El concierto, que tendrá lugar el miércoles 1 de mayo, estará protagonizado por improvisaciones instrumentales en torno a estas figuras rítmicas con  aires de origen ibérico. La improvisación también marcará el broche de oro del ciclo, con el concierto del gran violonchelista y clavecinista Jonathan Cohen al frente de su conjunto Arcangelo. El ensemble partirá de obras de Heinrich Ignaz Franz von Biber, Arcangelo Corelli, Georg Philipp Telemann y Francesco Geminiani para interpretar una sesión abierta a las sorpresas de su espontáneo talento.

Todos los conciertos del XI Ciclo “Primavera Barroca 2024” tendrán lugar en la Sala de Cámara del Auditorio Príncipe Felipe de Oviedo a las 20:00 horas, excepto el de Jordi Savall y el de Arcangelo que se celebrarán a las 19:00 horas

Calendario de conciertos y precios

06/03/24
18:00 horas: conferencia de Ariel Abramovich
20:00 horas: concierto de Armonía Concertada
21/03/24
18:00 horas: conferencia de Ignacio Prego
20:00 horas: concierto de Ignacio Prego, clave
08/04/24
18:00 horas: conferencia de Josetxu Obregón
20:00 horas: concierto de La Ritirata & Josetxu Obregón
25/04/24
18:00 horas: conferencia de los miembros de Anacronía
20:00 horas: concierto de Anacronía
01/05/24
19:00 horas: concierto de Jordi Savall
21/05/24
19:00 horas: concierto de Arcangelo & Jonathan Cohen
Conferencias
Los alumnos participantes podrán asistir gratuitamente a los conciertos organizados por el CNDM en el ciclo Primavera Barroca cuyas obras hayan sido tratadas en el curso. Información e inscripciones: Conservatorio Superior de Música de Oviedo consmupa.es

Venta de abonos y localidades
Abonos: desde el 24 de enero al 22 febrero (inclusive). General: 57,60€ | Localidades: desde el 24 de febrero. General: 12,00€. Consultar en taquilla descuentos y bonificaciones. Puntos de venta: taquilla del Teatro Campoamor (de 11:00h a 14:00h y de 17:00h a 20:00h), en la taquilla del Auditorio Príncipe Felipe la misma tarde de celebración de los conciertos desde las 17 horas al inicio del concierto y en entradas.oviedo.es

Vadim-Repin-©Gela-Megredlidze

El próximo 29 de enero, la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional se prepara para acoger una rara avis dentro de nuestro ciclo: un concierto de música de cámara que trasciende los límites del piano, en el Ciclo de Grandes Intérpretes de la Fundación Scherzo.

Como protagonistas tendremos al excelente violinista ruso Vadim Repin, quien está considerado como uno de los sonidos más pulcros y cristalinos del instrumento de Cremona, junto al pianista Nicolai Lugansky, un intérprete visionario cuyas interpretaciones de compositores como Rachmaninov o Prokofiev son epítomes para cualquier melómano. Juntos, presentan un programa que esboza a grandes rasgos la gran sonata posromántica para violín y piano.

El programa dará comienzo con la Sonata para violín y piano en Sol menor L 140 de C. Debussy, que en palabras del compositor: «Desborda un alborozo tumultuoso». Una sonata breve, casi conclusiva, que en escasos trece minutos nos dibuja el imaginario artístico de un compositor que parecía despedirse del mundo con murmullos de nostalgia.

De las pinceladas sonoras de Debussy, Repin y Lugansky nos conducen ávidamente hacia la grandiosidad de Edvard Grieg y su Sonata para violín y piano no 3 op. 45. Frente al acuñado miniaturismo y folclorismo del compositor noruego, su Tercera Sonata destaca por la robustez de conceptos opuestos, entremezclando las danzas y el folclore con estructuras más clásicas. Toda una oda a la poética musical que cautivó desde su estreno, convirtiéndose en una de las obras más sonadas del compositor.

No podía faltar en un viaje por la sonata para violín y piano, la que es paradigma del género: la Sonata para violín y piano en La mayor de César Franck. Una sonata concebida como un regalo de nupcias entre el violinista Eugène Ysaÿe y Louise Bourdeau. La belleza de su primer movimiento, presentando un amor sinuoso y seductor, se ha convertido en una de la melodías más hipnóticas del repertorio. Su forma cíclica sumerge al oyente en sucesivas capas de mesmerismo en donde sueño y vigilia comparten la misma realidad. Con este recital, el Ciclo de Grandes Intérpretes da el pistoletazo de salida a su programación en 2024. La próxima cita será el 26 de febrero, con el que es ya el más conocido de nuestros pianistas asiduos: Grigory Sokolov.

Vadim-Repin © Gela-Megredlidze

Celso Albelo

Celso Albelo continua ampliando su repertorio, esta vez con el paradigmático rol de Rodolfo de La Bohème de Puccini. Tras casi 20 años conquistando los escenarios más importantes del mundo con los títulos más emblemáticos del bel canto romántico, desde hace un par de temporadas, y sin dejar a Donizetti o Bellini, ha ido añadiendo roles más líricos como Macduff de Macbeth de Verdi –que debutó la temporada pasada en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona–, Manrico de Il trovatore de Verdi –que en junio de 2023 le trajo grandes alegrías al incorporarlo con gran éxito de público y crítica en ABAO Bilbao Opera– o su primer Des Grieux de Manon de Massenet, con el que conquistó al público de la Ópera de Oviedo inaugurando la temporada 2023-24. Ahora es el turno de Puccini, del que en 2024 se conmemora el centenario de su fallecimiento, y de su apasionado Rodolfo de La Bohème, que cantará por primera vez en el Teatro La Fenice de Venecia los días 2, 4, 6, 8 y 10 de febrero, un escenario en el que ha triunfado en numerosas ocasiones en los últimos años, incluso haciendo historia al bisar la popular aria de “Una furtiva lagrima” de L’elisir d’amore en 2010.

El tenor español afronta este compromiso con una “gran emoción”, asegura, “sobre todo porque vuelvo a un teatro, La Fenice, en el que he vivido algunas de las noches más bonitas de mi carrera. Nuevos roles significan nuevos retos, y en un momento de madurez vocal e interpretativa como la que vivo incorporar a Rodolfo (que también cantaré en Bilbao esta temporada) es simplemente un sueño hecho realidad. Es el resultado de la evolución natural de mi voz, que me ofrece la oportunidad de afrontar un repertorio más pesado y ante una orquesta mucho más amplia. Con los años he aprendido a entender las señales que me ha ido dando mi voz y mi cuerpo y me encantó sentir esas nuevas sensaciones vividas con los títulos verdianos que he incorporado. No veo la hora de lanzarme al vuelo musical pucciniano, que durante la etapa de estudio me ha puesto la piel de gallina; es una música maravillosa que sé que me regalará grandes momentos en el futuro; todo ello sin dejar de lado el bel canto, claro, porque ahí está la esencia de todo, y seguiré interpretando algunas de esas óperas que me permiten mantener la voz sana y flexible para abordar el repertorio más lírico desde otra perspectiva”.

En La Fenice se verá una producción de Francesco Micheli con Stefano Ranzani en el podio. En la apasionante historia de los cuatro bohemios del Barrio Latino de París que sufren y gozan por amor, junto al Rodolfo de Albelo estarán la Mimì de Claudia Pavone, el Marcello de Alessio Arduini, el Schaunard de Armando Gabba, el Colline de Adolfo Corrado y la Musetta de Mariam Battistelli.

Tras el compromiso en Venecia, Celso Albelo debutará en el Festival Ljubljana con su primera Messe de Requiem de Camille Saint-Saëns, debutará el rol de Pinkerton de Madama Butterfly en el Theatro Municipal de São Paulo y regresará a ABAO Bilbao Opera con más funciones de La Bohème, de la que en la próxima temporada también le esperan otras funciones en teatros nacionales e internacionales todavía por anunciar.

Fotografía © Leila Leam

Neopercusión

El ensemble Neopercusión, una de las formaciones más consolidadas de música contemporánea en nuestro país, estrena nueve obras de compositoras españolas procedentes del Taller de Compositoras que promueve el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en el marco del Festival de Música Española Manuel de Falla 2023 de Cádiz. Las piezas, encargadas por el CNDM con el objetivo de fomentar la labor de las mujeres creadoras en el marco de su compromiso con la igualdad de género, se interpretarán en el ciclo Series 20/21 bajo la dirección del percusionista Juanjo Guillem. El concierto, coproducido con el Festival Madrid Actual, tendrá lugar el lunes 22 de enero, a las 19:30 horas, en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (entrada libre).

Fundado en 1994, Neopercusión está integrado por Rafa Gálvez, Nerea Vera y Juanjo Guillem. Bajo el título Retablo. La magia de los algoritmos, el programa que el grupo presenta hace un recorrido por piezas que reflexionan sobre “uno de los temas más controvertidos del siglo XXI, la digitalización y la globalización basadas en la inteligencia artificial con algoritmos responsables de gran parte de las decisiones políticas, económicas y sociales”, como señala Pilar Jurado, una de las compositoras del taller. Su Vértigo digital, una obra que transforma su propia voz con medios electrónicos, estará presente en el programa junto a las creaciones de Sonia Megías, Rosa Rodríguez, Carolina Cerezo, Marisa Manchado, Isabel Urrutia, Iluminada Pérez, María José Arenas y Anna Bofill.

Como parte de la actividad educativa del CNDM, el mismo lunes a las 18:00 horas tendrá lugar un encuentro abierto al público en la sala de la Biblioteca del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid con seis de las compositoras cuyas obras se estrenarán en Madrid esa misma tarde. La actividad estará moderada por el compositor Manuel Bonino.

Miradas sobre la inteligencia artificial

Este retablo musical ofrece nueve miradas sobre la inteligencia artificial a través de innovadoras propuestas musicales que mezclan instrumentos reales con música electrónica y grabaciones.

El concierto comenzará con Embrace & breathe de Sonia Megías, una obra que trata de descifrar qué nos hace diferentes a los seres humanos de las máquinas. En Ínsula entrelazada de Rosa Rodríguez, la compositora reflexiona sobre la inteligencia artificial, mientras que en la lúdica composición Decoding C de Carolina Cerezo, su autora parte de un material compositivo creado por dicha inteligencia artificial para, posteriormente, ser manipulado por ella misma. El recorrido continuará con Saturno devorando a sus hijos de Marisa Manchado, una innovadora propuesta que parte de la metáfora del paso del tiempo.

Bajo el título Taupaka, Isabel Urrutia contrapone una percusión solista a un conjunto de sonidos instrumentales pregrabados. Este juego de realidad y mundo virtual también aparece en Whispers of destiny de Iluminada Pérez, una composición en la cual la artista se pregunta si sería capaz de crear conciencia en la IA a su imagen y semejanza. En On the tightrope de María José Arenas el foco está en los peligros que entraña la IA en relación a la privacidad de los individuos. Por su parte, Anna Bofill y su ¿Quién teme al algoritmo feroz? plantea con humor y a través de la partitura una supuesta incompatibilidad entre la IA y el ser humano.

La rosa del azafrán

El Teatro de la Zarzuela está a punto de vivir uno de esos momentos objetiva y unánimemente emocionantes que en ocasiones regala el universo mágico del teatro y de la música. Hace más de 90 años se estrenó en Madrid la obra cumbre de Jacinto Guerrero, ‘La rosa del azafrán’, y justo ahora se cumplen 21 desde que se representó por última vez en este escenario de la plazuela de Teresa Berganza. Esa hermosa flor de otoño a la que hace referencia el título de la obra –cuyos textos están firmados por esa pareja de autores infalibles que eran Federico Romero y Guillermo Fernández Shaw–, esa flor única «que nace al salir el sol y muere al caer la tarde», el azafrán guerreriano, ha perdurado casi un siglo sin perder ni una sola de sus propiedades. Así podrá comprobarlo y disfrutarlo el público que nuevamente abarrotará la sala en estas 14 funciones que irán desde el 25 de enero al 11 de febrero.

Benjamín G. Rosado, en las notas al programa de estas funciones, define acertadamente esta obra como «popular, castiza y universal». Y es que la obra de Guerrero es un catálogo de costumbres y testimonio de la estética de su época; el compositor no renuncia a sus frecuentes melodías populares y a su estilo “fácil” que le hizo siempre popular en los escenarios de España y en los de América.

El director musical de esta producción, José María Moreno, que estará al frente de un espléndido doble reparto, así como del Coro Titular del Teatro y de la Orquesta de la Comunidad de Madrid, comenta que para él la figura de Jacinto Guerrero y su música tienen un significado muy especial. Con los años, el maestro ha dirigido en distintas ocasiones obras de Guerrero (que conoce desde bien joven) como ‘Los gavilanes’ y ‘El huésped del Sevillano’, pero nunca la joya del género que es ‘La rosa del azafrán’; y asegura que le supone un gran placer personal regresar al Teatro de la Zarzuela «para enfrentarme en un teatro tan apreciado como este a esta obra maestra, a esta zarzuela inolvidable y repleta de números famosos y melodías encantadoras que la hacen ser una de las más queridas por los aficionados del género».

Por su parte, el director de escena, Ignacio García, reflexiona sobre las zarzuelas de la Edad Dorada que están ligadas a distintas regiones de nuestro país, «convirtiéndose en verdaderos himnos, símbolos y retratos emocionales de esos territorios», y asegura que «en esa variedad de caracteres y de manifestaciones populares de nuestra literatura, de nuestra música y de nuestra danza radica una de las mayores riquezas culturales de España». En ‘La rosa del azafrán’, tanto la partitura como el libreto «destilan la esencia de esa tierra, la nobleza de sus gentes y de su historia, y la vida de sus campos», donde hay «un hueco para la literatura clásica, con el Quijote y sus molinos, y con ‘El perro del hortelano’, sus celos irracionales y sus conflictos de clase». El montaje pretende recalcar «la dureza del trabajo en el campo —la humildad y la pobreza del mundo rural hispánico de finales del siglo XIX— y el paso de las estaciones como una forma de organizar las labores del campo, pero también como metáfora de todos los ciclos de la vida y de los complejos sentimientos que se van desarrollando en la obra».

Lope de Vega y zarzuela

Además, por segunda vez aparece el insuperable Lope de Vega, nuestro autor teatral más contemporáneo, en esta temporada lírica del Teatro de la Zarzuela: la primera fue el estreno absoluto de El caballero de Olmedo, y en el mes de junio llegará un tercer título que tiene al Fénix como coautor de su libreto, Doña Francisquita, que se suma a la lista de obras líricas basadas o inspiradas en distintos títulos del comediógrafo madrileño. Respecto a ‘La rosa del azafrán’, la obra del genio del Siglo de Oro de la que parte es ‘El perro del hortelano’, aquel que ni come ni deja comer, como le ocurre a Sagrario, interpretada por las sopranos Yolanda Auyanet y Carmen Romeu, con el bueno de Juan Pedro, ese joven forastero que llega a trabajar al pueblo, encarnado por los barítonos Juan Jesús Rodríguez y Rodrigo Esteves, y que en principio se interesa por Catalina, criada a la que da vida Carolina Moncada. Entre los diferentes personajes que van y vienen para enredar y desenmarañar la historia están el tenor-actor Ángel Ruiz, los actores-cantantes Juan Carlos Talavera y Pep Molina el actor-barítono Emilio Gavira o el actor Chema León. Mucho talento, pues, sobre las tablas.

Mención especial merecen dos grandes de la escena desde hace décadas como son la actriz y cantante Vicky Peña (recientemente galardonada con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes), en el papel de la casamentera Custodia, y el infatigable Mario Gas, maestro de maestros que en esta producción asume como actor el rol de Don Generoso, antiguo amo del pueblo que perdió las ganas y la razón desde la muerte de su hijo. Y también una alusión destacada a la cantante de música popular Elena Aranoa, garganta y corazón del pueblo con mayúsculas, que va introduciendo los diferentes cuadros de la escena con la propia y genuina raíz musical de la tierra.

En este sentido, la escenografía de Nicolás Boni, el vestuario de Rosa García Andújar, la iluminación de Albert Faura y la coreografía de Sara Cano comparten la finalidad de mostrar esa esencia, aunque estilizándola de forma teatral, sin querer ser una égloga pastoril, mostrando de forma desnuda la cruda dureza de aquella vida, pero preservando de alguna manera su marcado carácter bucólico. Se trata de «una apuesta por un folclore profundo sin folclorismos impuestos, buscando más la esencia de la obra que la decoración impuesta a veces por las postales regionalistas de otro tiempo», explica García.

Según el estudioso Manuel Franco, ‘La rosa del azafrán’ es «una de las zarzuelas de mayor enjundia, para algunos la mejor, reúne una serie de características que le son afines también a otras obras del mejor repertorio de su autor».

Fotografía: Javier del Real

Inés Lorans

La soprano francoespañola Inés Lorans y el pianista Rubén Fernández Aguirre presentarán el próximo lunes 22 de enero (20h00) en el ciclo Notas del Ambigú del Teatro de la Zarzuela ‘De Madrid a París’, un concierto que muestra la mirada musical de «lo español» desde Francia. Como ya es habitual en este ciclo desde su nacimiento en 2016, las entradas están agotadas desde hace meses.

La propuesta de Lorans y Fernández Aguirre tiene todo el sentido, ya que la música y la cultura españolas han inspirado, especialmente en el siglo XIX, a artistas de más allá de nuestras fronteras por su exotismo y sensualidad, por sus ritmos y melodías. Compositores como Massenet, Gounod, Bizet, Ravel, Delibes, Viardot o Collet, de quienes se escucharán obras “españolas” en el recital, cayeron rendidos ante el embrujo de nuestras seguidillas, boleros, habaneras o fandangos, hasta el punto de incluirlas en sus propias creaciones.

Inés Lorans
Nacida de familia franco-española; inicia su formación musical en el coro profesional de la Maîtrise de Bretagne de Rennes (Francia). Obtiene su diploma de fin de estudios en Canto y Piano en el conservatorio de Rennes en 2011 antes de seguir su formación en la Guidhall School of Music and Drama de Londres, donde obteniene la Licenciatura y Máster en 2017. Desde entonces formó parte del Ópera Studio de Tenerife, donde al año siguiente interpretó el personaje de Elvira en L’italiana in Algeri de Rossini, que se representó también en el Teatro Comunale de Bolonia. Cabe destacar entre sus papeles protagonistas el de Juliette en Roméo et Juliette de Gounod, Olympia en Les contes d’Hoffmann de Offenbach, Condesa Folleville en Il viaggio a Reims de Rossini, Frasquita en Carmen de Bizet, Eurydice en Ophée aux Enfers de Offenbach, Gretel en Hänsel und Gretel de Humperdinck, Clorinda en La cenerentola de Rossini o Barbarina en Le nozze di Figaro de Mozart. También ha participado en conciertos en los que ha interpretado el Requiem de Fauré, el Messiah de Haendel, el Carmina burana de Orff, las Vespri della beata Vergine de Monteverdi, las Chichester Psalms de Bernstein, la Misa de Santa Cecilia de Gounod, así como la Gran Misa en Do, el Requiem y el Exsultate, jubilate de Mozart. En 2018 participó en el Workshop de interpretación de ópera francesa, dirigido por Paul-Emile Fourny, en el Operastudio de la Universidad de Alcalá, formándose también con Gianluigi Gelmetti. Asimismo, ha actuado en recitales en Londres (Barbican Hall, Wigmore Hall, Song in the City) y Madrid (Auditorio Nacional de Música).

También formó parte del Ensemble Pygmalion para la grabación de Mein Traum en 2020 y de Fidelio en la Opéra-Comique en 2021. Recientemente Inés Lorans ha participado en la Sinfonía nº 2 de Mendelssohn con Delyth Bressington y la Orchestra Collegium Musicum en Marbella; y ha interpretado Il birraio di Preston de Ricci en el Festival Belcanto Ritrovato y Manon de Massenet en el Festival de Tenerife. Próximamente cantará la Reina de la Noche en Die Zauberflöte de Mozart en Aviñón, Ruan y Rennes. Inés Lorans canta por primera vez en el Teatro de la Zarzuela.

Crecendo

La Fundación Amigos del Teatro Real participará, un año más, en la edición Tour del talento de la Fundación Princesa de Girona, una iniciativa que tiene como objetivo impulsar el desarrollo de los jóvenes a través de la formación y la creación de actividades y canales que faciliten su incorporación al mercado laboral.

El Tour del talento 2024 estará presente en cinco ciudades –Lleida, Salamanca, Cádiz, Santander y Madrid- en las que desarrollará diferentes actividades centradas en cinco grandes ejes: la empleabilidad y el emprendimiento; la salud física; la salud emocional; el propósito y el impacto social, y la sostenibilidad. En todas ellas el Teatro Real estará presente con participación de los jóvenes artistas de su programa Crescendo; el concierto inaugural tendrá lugar el martes 23 de enero en Lleida, en el Auditori Enric Granados, donde se ofrecerá un Recital Lírico gratuito en el que podrán escucharse arias de algunas de las óperas más conocidas.

Una de las principales novedades de esta edición será el Congreso Princesa de Girona – Siempre con los jóvenesque inaugurará todas las paradas del Tour para ofrecer conferencias, actividades formativas, debates y actuaciones musicales. En cada ciudad se dará a conocer el ganador de una de las categorías de los Premios Princesa de Girona; así, en Lleida se anunciará el ganador del premio CreaEmpresa; en Salaman, el Arte; en Cádiz, el Social, y en Santander, el de Investigación. La doble categoría del Premio Internacional – CreaEmpresa e Investigación – se anunciará en Madrid, donde el evento hace parada por primera vez.

La actuación de los jóvenes artistas de Crescendo tendrá lugar en las siguientes fechas y lugares:

–          Lleida: 23 de enero. Auditorio Enric Granados. Acceso gratuito.

–          Salamanca: 19 de febrero. En el Palacio de Congresos y Exposiciones de Castilla y León, en colaboración con Caja Rural de Salamanca. Acceso gratuito.

–          Cádiz, 18 de marzo. Recital al aire libre en la Carroza del Teatro Real (lugar por determinar).

–          Santander, 22 de abril. Recital al aire libre en la Carroza del Teatro Real (lugar por determinar).

–          Madrid, 6 de mayo, en la Sala Gayarre del Teatro Real. Acceso gratuito.

Más de 20.000 jóvenes asistieron a las actividades formativas del Tour del talento en su pasada edición, que ofreció más de 250 actividades en sus diferentes paradas.

Creado por la Fundación Amigos del Teatro Real, el programa Crescendo, con carácter internacional, pretende complementar la formación académica adquirida por jóvenes cantantes de todo el mundo y la creación de oportunidades reales para inicien su carrera profesional, con actuaciones en diferentes iniciativas del Teatro Real, como espectáculos del programa Real Junior en el Real Teatro de Retiro y actuaciones en carroza para toda España, muy en sintonía con el espíritu de la Fundación Princesa de Girona.

La idea

El Real Teatro de Retiro presentará, el próximo 27 de enero, el estreno en España de La idea, de Gustav Holst (1874-1934), opereta cómica para niños, con un ingenioso libreto de Fritz Hart, en el que se plantea un tema de rabiosa actualidad: ¿qué pasaría si cambiamos la forma de hacer las cosas y las labores que hacen las mujeres las hicieran los hombres y viceversa? Una nueva “idea” que podría convencer a todos o generar un caos…

Programada en conmemoración del 150 aniversario del nacimiento del compositor británico, se ofrecerán ocho funciones, en la sala principal, los días 27 y 28 de enero, 3 y 4 de febrero, en sesión doble, a las 11:00 h y a las 13:00 h, para un público familiar con edad recomendada a partir de 7 años.

La historia nos cuenta la gran idea que ha tenido el Presidente de un país imaginario. Él cree que es  fantástica y maravillosa y que, a través de ella, la gente de su país llegará a la felicidad pero, cuando es aplicada, su resultado, en verdad, genera un gran descontento y confusión en la gente. La idea proclamada no es otra que la propuesta del cambio de atribuciones entre hombres y mujeres, lo que provoca un agitadísimo debate sobre las políticas de género. En este caso no habrá disputas ideológicas, sino que será el caos reinante el que vuelva a poner las cosas en su sitio… O no.

El barítono Juan Laborería dará vida al presidente de este ocurrente Gobierno, en el que estará acompañado por el también barítono John Heath, en el papel del Rey; por la actriz y cantante Lara Chaves, como Reina; la mezzosoprano Patricia Illera, será Carol; el tenor Francisco J. Sánchez interpretará a Max (centinela)  y la soprano Julia Rey, a Mona. Junto a ellos, el coro de los Pequeños Cantores de la ORCAM (dirigido magistralmente por Ana González), dará vida a los personajes de este imaginario pueblo británico, acompañados al piano por Francisco Soriano, responsable también de la dirección musical.

La versión en castellano que se verá estos días en Real Teatro de Retiro ha sido traducida y adaptada por Susana Gómez, directora de escena de esta nueva producción, quien ha respetado el texto original, con algunas modificaciones en las partes habladas y un pequeño añadido al final. El vestuario y la escenografía han sido diseñados por Alejandra Glez Requeijo, quien se inspira en la iconografía inglesa para contextualizar la acción y derrocha fantasía y color en el extraordinario vestuario de cada personaje. Envueltos en la iluminación de Manuel Fuster y con la entusiasta participación de todo el elenco, se construye un espectáculo ingenioso y divertido, capaz de atrapar a los pequeños y a los que no lo son tanto.

Gustav Holst, uno de los grandes compositores ingleses, muy conocido por su obra maestra Los planetas, compuso La idea en 1896, cuando aún era estudiante. La obra se desarrolla sobre ideas musicales sencillas, sustentada sobre recursos melódicos y rítmicos de la música popular británica, lo que la hace muy accesible al público y consigue que el espectador retenga en su memoria fragmentos pegadizos y fáciles de reproducir.

JAVIER CAMARENA

Un timbre luminoso. Un canto apasionado. Una voz homogénea, ardorosa y flexible. Una seductora presencia escénica. Las valoraciones de la crítica internacional son unánimes: el mexicano Javier Camarena es uno de los grandes tenores del momento, como certificaron bien los espectadores que en 2017 llenaron el Teatro de la Maestranza para gozar de su debut en el coliseo sevillano. Entonces, Javier Camarena, rey de la ópera belcantista especializado en Mozart, Rossini, Donizetti o Bellini, puso al público en pie cantando Sevilla de Agustín Lara, deslumbrándolo con su naturalidad y su sencillez. Sobre esa tarjeta de visita, uno de los tenores latinos del momento, habitual de las grandes casas internacionales de ópera, vuelve a Sevilla para refrendar, a los 46
años, su óptimo momento vocal, con un programa que girará en torno a la obra de Francesco Paolo Tosti, (1846 – 1916), un compositor -y tenor- italiano que triunfó en Gran Bretaña -fue maestro de canto de la reina Victoria I y de su sucesor, el rey Eduardo VII- que compuso más de 500 canciones para voz y piano con un éxito popular sencillamente arrollador. Grandes tenores como Caruso, Di Stefano, Pavarotti o Kraus las llevaron en su repertorio. Y Javier Camarena, enamorado de esas canciones, también lo hace.

El entusiasmo, la intensidad expresiva o una formidable capacidad para la comunicación con el público, caracterizan los recitales de un tenor lírico ligero que asegura no olvidar “que la ópera nació como un espectáculo para el pueblo”, al que, envueltas en sus prodigiosas agilidades, devuelve perlas de la canción napolitana y otras piezas populares, como La malagueña, de Miguel Aceves, compartiendo la dignidad del bel canto italiano o la exquisitez de la ópera francesa.

He aquí una estrella internacional de la lírica reconocido con multitud de premios y que ha sido aclamado por el público que lo ha convertido en el único cantante de la historia que ha bisado en tres producciones diferentes del MET de Nueva York. Y, sin embargo, Javier Camarena -aficionado al cine, la cocina y los videojuegos- no ha perdido un ápice del origen y el carisma popular que inflama su garganta para arrastrarnos en una experiencia de una emoción inolvidable.

Javier Camarena
Reconocido por la organización International Opera Awards como Cantante Masculino del Año, se ha posicionado como uno de los artistas más destacados y solicitados, presentándose con rotundo éxito en las principales casas de ópera y salas de conciertos del mundo.

Es el único cantante en la historia que ha bisado en tres diferentes producciones en el MET de Nueva York: La Cenerentola (2014), Don Pasquale (2016) y La fille du régiment (2019) donde logró la hazaña inigualada de conseguirlo en cada una de las siete funciones en las que intervino, una de las cuales fue transmitida en vivo en Met Live HD. Repitió esta hazaña en La fille du régiment en el Teatro Real de Madrid, en el Liceu de Barcelona, así como en la Royal Opera House donde bisó su aria en cada una de sus cuatro funciones.

Ha recibido numerosas distinciones, entre ellas el Opera News Award (2020), la Medalla de Ópera de Bellas Artes, el Premio al Artista Distinguido de ISPA y la Medalla Mozart (todos en 2019). En 2014, su ciudad natal de Xalapa le otorgó la Medalla Sebastián Lerdo de Tejada como ciudadano distinguido. Durante los últimos años, la revista Líderes Mexicanos lo ha incluido en su lista de líderes a nivel nacional y global, y la revista Quién lo nombró como uno de los 50 líderes que están transformando su nación.

Las entradas, cuyos precios oscilan entre los 26€ para Paraíso y los 40€ para Patio, se pueden adquirir en las taquillas o a través de la web del Teatro.

JAVIER CAMARENA
Sogno
3 de febrero, 2024
Tenor, Javier Camarena
Piano, Ángel Rodríguez

Programa
I
Quattro canzoni d’Amaranta
I. Lasciami! Lascia ch’io respiri
II. L’alba separa dalla luce l’ombra
III. In van preghi
IV. Che dici parola del saggio?
Malìa
April
Sogno
L’ultima canzone
II
Mélodies
I. Ma bien-aimé
II. Petite valse romantique
III. Avec toi
Because
Vorrei morire!…
’A vucchella
Luna d’estate
Chitarra abruzzese

Eduardo Guerrero

Su nombre está vinculado a Flamenco Real desde su creación y ha participado en todas sus temporadas, siempre con propuestas personales, arriesgadas y únicas. Por eso ahora, cuando se cumplen diez años de la creación de su compañía, Eduardo Guerrero vuelve la vista atrás e invita al público a viajar con él a través del tiempo, para entender y disfrutar los momentos que le han construido como bailarín y coreógrafo, jugando con el espacio y la palabra, en Compañía.

Las funciones para este nuevo espectáculo tendrán lugar los días 23, 24 y 25 de enero, a las 19.00 horas, en el Salón de Baile del Teatro Real, y en ellas estará acompañado por la guitarra de Pino Losada y las voces de Teresa Hernández y Francisco Blanco Al-blanco, en el cante.

Eduardo Guerrero llega al Teatro Real en plenitud creativa y física. Con su baile definido, en el que deconstruye las raíces flamencas para dibujar un universo modelado por sus experiencias vitales, y una concepción del espectáculo en el que cuida la puesta en escena, la elección de las canciones y el diseño del vestuario, se ha convertido en el nombre del nuevo flamenco.

El bailaor gaditano siempre se ha sentido un ser libre. No es de estirpe gitana, no ha crecido en el seno de una familia de artistas,  su sed de baile nace de un impulso íntimo, de la necesidad de expresarse a través del cuerpo desde la cultura de su tierra, ese Cádiz natal donde comenzó a formarse y donde dio sus primeros pasos en la escuela de Carmen Guerrero con tan solo seis años. Entendió desde el principio que el flamenco es una manera de contar y de mostrar el mundo y que su generación tiene otras inquietudes y unos problemas muy distintos de los de antaño, por eso arriesga, evoluciona, apuesta y desnuda su alma ante el público.

Su arte y su estética son demandados por las grandes figuras, por los festivales, por los escenarios de medio mundo, por los diseñadores de moda, por los fotógrafos… pero él sigue poniendo el foco en un arte tan puro como reivindicativo, con la honestidad por bandera. Así, con pinceladas de cada cuadro se dibuja Eduardo Guerrero en compañía, compendio de una vida que no deja de mirar al futuro.

Eduardo Guerrero ha trabajado con grandes artistas del panorama nacional desarrollando papeles principales en la Compañía de Aida Gómez, Eva La Yerbabuena, Rocío Molina, el Ballet Nacional de España, Javier Latorre o Rafael Aguilar. En 2011 obtiene el Premio Concurso Coreográfico Conservatorios Profesionales con su coreografía “Mayo”, que supone el punto de partida para una carrera en solitario, y a partir de ese momento se suceden los reconocimientos: Premio Desplante del Festival de las Minas de la Unión (2013); Premio del Público del Festival de Jerez, espectáculo Guerrero (2017); Premio Pata Negra (2018) y Premio Fiver, Internacional Dance Film Festival, con Symphony of the body (2019).

Es uno de los artistas más asiduos en las temporadas de Flamenco Real, ha participado en dos de las giras internacionales organizadas por el Teatro Real bajo el título de Authentic Flamenco, cosechando un gran éxito y reconocimiento en diversas ciudades de India y Brasil.

Foto. © Juanlu Vela

Teatro Real

El Teatro Real consolida su posición como primera institución de las artes escénicas y musicales de España, según el Observatorio de la Cultura de 2023 de la Fundación Contemporánea, dependiente de La Fábrica, que ha hecho público su ranking anual, en el que además aparece como primer teatro y auditorio “imprescindible” del país.

El Teatro Real encabeza esta clasificación nacional, desde el año 2016, en la que figuran en los primeros puestos el Museo del Prado, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo Thyssen-Bornemisza, Zinemaldia San Sebastián y el Museo Guggenheim de Bilbao.

La propuesta cultural del Teatro Real en artes escénicas y musicales es la opción de referencia en la Comunidad de Madrid, la región más valorada por su programación, innovación y oferta cultural, y es también la elegida como proyecto ejemplar por su compromiso social y con el desarrollo sostenible entre todos los nacionales.

El Observatorio incorpora este año una nueva clasificación, denominada “Los imprescindibles”, en la que se relacionan las propuestas culturales más destacadas a nivel nacional agrupadas por tipología de proyecto. El Teatro Real es la primera entre los teatros y auditorios de toda España.

En el informe se ha añadido este año la categoría “Las novedades culturales más destacadas” y entre ellas aparece el Real Teatro de Retiro, única de las madrileñas junto a la Galería de las Colecciones Reales.

My Opera Player, la plataforma audiovisual del Teatro Real, ocupa también la primera posición entre las propuestas de contenido digital. En esa clasificación aparecen Filmin, Museo del Prado, Caixa Forum+, Fundación Telefónica, RTVE y Fundación Juan March.

El Observatorio de la Cultura de la Fundación Contemporánea se elabora anualmente desde 2009 y refleja las consideraciones de un nutrido panel de expertos formado por profesionales pertenecientes a diversos ámbitos de la cultura como la literatura, las artes plásticas, el cine, la música, la arquitectura y todos los campos de la creación en general.

Fotografía © Javier del Real

Manuel Lombo

El ecléctico cantaor y compositor Manuel Lombo (Dos Hermanas, Sevilla, 1979) acude al ciclo Andalucía Flamenca del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en coproducción con el  Instituto Andaluz del Flamenco, para ofrecer su Recital flamenco, un espectáculo en el cual hundirá sus raíces en diferentes estilos del flamenco, con guiños al folclore y la copla. Sobre las tablas, estará acompañado por Jesús Rodríguez (guitarra)  y Cristina Tovar y Laura Marchena (palmas y coros). El concierto tendrá lugar el viernes 19 de enero, a las 19:30h, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música.

Con más de una docena de álbumes a sus espaldas, Manuel Lombo es conocido por su gran carisma y su capacidad para aunar diferentes estilos del flamenco. El cante está presente desde su niñez y adolescencia, cuando comenzó a cantar junto al guitarrista Alberto García Reyes. Manuel fue becado por la Fundación Cristina Heeren y continuó su formación de la mano de maestros como Naranjito de Triana y José de la Tomasa. Su carrera también está ligada a la divulgación, ya que el artista ha protagonizado varios espacios televisivos para difundir y poner en valor el arte flamenco.

La diversidad del flamenco

Manuel es un intérprete que, si bien bebe de los aromas flamencos, posee una lírica capaz de cabalgar por los más variados estilos. Prueba de ello será este recital en el CNDM, donde el cantaor sevillano ofrecerá su faceta más versátil, con una selección de canciones que hunden sus raíces en los estilos más flamencos junto a otras que abrazan guiños al folclore, a la copla o su apreciado Miguel Vargas Jiménez, conocido artísticamente como Bambino, uno de los grandes mitos del flamenco. Bulerías, tientos, fandangos, malagueñas y seguiriyas formarán parte de un repertorio que pone en valor su perfil más cantaor y su gran personalidad artística.

A su nuevo trabajo, Lombo y aparte (2022), también hará un guiño. Se trata de un homenaje a autores y cantantes que han marcado su vida a nivel musical, como Pastora Soler, Tomasa “La Macanita”, Gala Évora, Pepe Roca, Argentina, Rocío y Lola Avilés o el pianista Andrés Barrios. En él se encuentran canciones que ofrecen un recorrido por la diversidad del flamenco, incluyendo otros géneros como el bolero o versiones más aflamencadas.

El rapto en el serrallo

ABAO Bilbao Opera, alcanza el ecuador de la Temporada con una obra maestra del género singspiel, que combina humor, drama, aventura y música sublime: El rapto en el serrallo de Wolfgang Amadeus Mozart. ABAO ha programado cuatro funciones para los días 20, 23, 26 y 29 de enero en el Euskalduna Bilbao. La representación del sábado 20 de enero dará comienzo a las 19:00h y el resto de las funciones se iniciarán a las 19:30h.

El rapto en el serrallo es una ópera en tres actos con libreto de Gottlieb Stephanie, basado en una obra anterior de Christoph Friedrich Bretzner. Inspirada en las circunstancias personales, creencias y miedos del compositor, expresa el romanticismo espiritual de Mozart y su concepción elevada del amor cortés y de la mujer amada.

Encargada al compositor por el emperador José II, pertenece al género “turco”, llena de misterio, sensualidad y seducción, y se estrenó en el Burgtheater de Viena el 16 de julio de 1782 con gran éxito tanto de público como de crítica. Al público de la época le fascinaba el exotismo oriental y la ópera narra una historia de enredo con un noble español, Belmonte, que llega a la costa turca para rescatar a su prometida Konstanze, a su criada Blonde y a su amigo Pedrillo que han sido capturados por el Bassa Selim durante un viaje por mar. La ópera también plantea cuestiones éticas y morales como el respeto a la dignidad humana, la tolerancia religiosa y cultural, y el perdón. El final sorprende por la generosidad del Bassa Selim, que decide liberar a los cautivos y renunciar a Konstanze, reconociendo su amor por Belmonte.

La puesta en escena de este título supone un importante acontecimiento en la temporada de ABAO Bilbao Opera ya que sólo se ha programado anteriormente en una ocasión, en 1995.

LA SUBLIMACIÓN DE LA MUJER AMADA

La ópera muestra el talento de Mozart para construir personajes llenos de matices con gran sensibilidad, que se enfrentan a dilemas éticos y emocionales. La obra concentra destacados números vocales, recitativos, dúos y cuartetos, así como variedad de estilos musicales.

El papel de Konstanze, la aristócrata española secuestrada, es uno de los más difíciles del repertorio mozartiano, con arias que requieren una gran agilidad vocal y un amplio rango de expresión, y está interpretado por la soprano Jessica Pratt. Con grandes momentos para el lucimiento vocal, destacan el aria «Ach, ich liebte«, donde expresa su dolor y fidelidad a su amado; la famosa y extenuante “Martern aller Arten«, donde desafía al Bassa Selim y le dice que está dispuesta a sufrir todo tipo de tormentos antes que traicionar a Belmonte; el dúo «Welch ein Geschick!», o el cuarteto «Ach, Belmonte! Ach, mein Leben!«, en el final de la ópera,donde los protagonistas celebran su liberación junto a Blonde y Pedrillo en una escena de acción y suspense. Jessica Pratt volverá a cantar este difícil rol el próximo mes de febrero en la Scala de Milán.

Moisés Marín, un tenor con una línea vocal amplia y majestuosa, encarna al enamorado Belmonte, y tiene momentos con escenas de gran dificultad como el aria «O wie ängstlich, o wie feurig», donde expresa su amor y angustia por su prometida secuestrada en una pieza con agilidades; el dúo «Welch ein Geschick! O Qual der Seele!», un momento de gran emoción y ternura con una melodía tierna y elocuente donde los amados se reencuentran; o el aria «Ich baue ganz auf deine Stärke» donde Belmonte se prepara para afrontar la ira del Bassa.

Blonde, la joven doncella de Konstanze que comparte su destino de cautiverio, está interpretado por la sevillana Leonor Bonilla, una de las sopranos más sólidas del panorama nacional, con una voz llena de expresividad y riqueza. En sus escenas sobresale el aria “Welche Wonne, welche Lust” .

Mikeldi Atxalandabaso regresa a la escena bilbaína como el fiel criado Pedrillo. El tenor tiene momentos de bravura con escenas como “Frisch zum Kampfe” donde reafirma su valentía o “In Mohrenland gefangen war”, preparando la liberación de las cautivas.

Debuta en ABAO Bilbao Opera el bajo Wojtek Gierlach interpretando a Osmin, el guardián del harén de la casa del Bassa. En sus escenas destacan las arias  “Wer ein Liebchen hat gefunden” y «O, wie will ich triumphieren«, que revelan los matices del personaje.

El bajo y actor Wolfgang Vater, que también debuta, representa el papel del Bassa Selim, un personaje hablado, pero que domina toda la intriga y personaliza el mensaje humanista de la magnanimidad y el perdón.

LUCÍA MARÍN DEBUTA EN ABAO BILBAO OPERA AL FRENTE DE LA EUSKADIKO ORKESTRA

En el podio orquestal para dirigir una partitura deslumbrante, colorista, llena de emoción, dinamismo e intensidad poética mozartiana, debuta en ABAO la directora musical Lucía Marín, al frente de la Euskadiko Orkestra. Su estilo de dirección se caracteriza por la elegancia, la expresividad y la pasión que transmite a músicos y público.

La ópera pertenece al género singspiel, una forma de teatro musical germánico con partes habladas y cantadas, que combina elementos de ópera seria y opera buffa y destaca por la riqueza, originalidad y variedad de su partitura. El rapto en el serrallo refleja las influencias orientales y occidentales del gusto de la época con instrumentos como el triángulo, los platillos y el tambor turco, así como los contrastes entre los personajes, la mezcla de momentos cómicos y dramáticos, y las escenas de gran expresividad emocional. Desde la deslumbrante obertura ya se percibe que es una obra profundamente conmovedora, no sólo por ser el primer singspiel completo de Mozart, si no por la alegría, aliento y espíritu que la inspiran desde la primera nota.

El Coro de Ópera de Bilbao, dirigido por Boris Dujin, completa el apartado musical, y tiene su momento especial al final de la ópera con el famoso “coro de jenízaros”, “Bassa Selim lebe lange”.

ESTRENO ABSOLUTO DE UNA NUEVA PRODUCCIÓN DE ABAO BILBAO OPERA

Nueva producción de ABAO Bilbao Opera, ideada por Mariano Bauduin que también debuta en la temporada, con una propuesta inspirada en los espacios y atmósferas del Imperio Otomano, ofreciendo una cascada de sensaciones y emociones con un ritmo tratado al detalle.

El proyecto incorpora elementos innovadores que enriquecen el lenguaje visual, y consiguen transmitir al público el mensaje universal de la obra a través de un clima escénico envolvente y cautivador.

Nicola Rubertelli pone todo su imaginario creativo al servicio de una escenografía sensual, entretenida y de sólida belleza plástica, arropada por la iluminación de Luigi della Monica, y un vestuario elegante y lleno de exotismo diseñado por la mítica Odette Nicoletti, que en ABAO repone Marianna Carbone.

PROGRAMA DE ACTIVIDADES PARALELAS CON ENTRADA LIBRE

El programa de actividades culturales paralelas que desarrolla ABAO Bilbao Opera con carácter abierto y para todos los públicos, ofrece múltiples oportunidades de acercarse a la ópera con conferencias y encuentros en torno al título en cartel, como el pasado 11 de enero en la Biblioteca Bicebarrieta con la grabación en directo y con público del podcast Concierto Desorden del periodista Gonzalo Lahoz, que entrevistó a Leonor Bonilla.

Las próximas citas son:

  • 16 de enero. Conferencia “El montaje de una ópera. Anécdotas entre bambalinas: El rapto en el serrallo”.
    Centro Municipal de Deusto. 19:00h. Entrada libre hasta completar aforo
  • 17 de enero. Conferencia “El montaje de una ópera. Anécdotas entre bambalinas: El rapto en el serrallo”.
    Centro Municipal de Abando. 19:00h. Entrada libre hasta completar aforo
  • 19 de enero. El ciclo de conferencias “El ABC de la Ópera” en colaboración con DeustoBide, presenta la ópera El rapto en el serrallo y la obra de Mozart de la mano del crítico y editor Luis Gago. La conferencia se retransmite en directo a través del canal de YouTube de ABAO.
    Auditorio Universidad de Deusto. 18:30h. Entrada libre previo registro en la web de ABAO
  •  24 de enero. Santander acogerá una conferencia sobre el título en cartel con una presentación del argumento y los mejores momentos musicales.
    Hora y lugar: consultar en www.abao.org Entrada libre hasta completar aforo.
Enric Martínez-Castignani

El barítono Enric Martínez-Castignani interpreta el papel de Don Alfonso en la emotiva ópera “Così fan tutte” de Wolfgang Amadeus Mozart en el Teatro Calderón de Valladolid. El cantante y gestor cultural se une a un gran elenco que incluye voces
como las de Jaquelina Livieri como Fiordiligi, Carmen Artaza como Dorabella o Joel Prieto como Ferrando.

Bajo la dirección de Carlos Aragón, esta coproducción del Teatro de la Maestranza de Sevilla y el Teatro Calderón, cobra vida gracias a la gran visión creativa de Rafael R. Villalobos en escena y vestuario. Emanuele Sinisi aporta su destreza en la escenografía mientras que Albert Faura ilumina cada matiz visual de este clásico del repertorio mozartiano.

Tras Las bodas de Fígaro y Don Giovanni, Mozart y su libretista da Ponte completan con Così fan tutte su perspicaz trilogía sobre la naturaleza humana impartiendo una clase sobre la fragilidad del amor con una ópera que es una obra maestra del teatro cantado y de la alta comedia. En palabras de Enric Martínez- Castignani: “Para mí, cantar a Don Alfonso, pese a su gran dificultad, siempre ha sido un masaje vocal y un reto interpretativo. Es un personaje que cada vez que lo hago, vuelvo a estudiarlo de cero para encontrar matices y colores nuevos, y profundizar en su compleja personalidad y sabiduría”.

Con este papel, Enric Martínez-Castignani continúa la línea de otros roles operísticos propios del repertorio bufo-belcantista en los que se ha especializado a lo largo de su carrera. Unos papeles en los que ha sido elogiado por público y crítica tanto por sus cualidades vocales e interpretativas como por sus dotes actorales. Así, el barítono ha brillado como Don Pasquale/Malatesta en Don Pasquale, Bartolo en Il Barbiere di Siviglia, Dulcamara en L’elisir d’amore, Taddeo en L'Italiana in Algeri, Dr. Kolenaty en Vec Makropulos, Don Magnifico en La Cenerentola o Lescaut en Manon Lescaut.

Tras una extraordinaria temporada 2023, en la que, entre otros hitos, destacó su debut como Comte Capulet en Romeo et Juliette en Òpera Catalunya, la temporada 2024/25 estará marcada por su regreso a la ABAO en un papel principal, después de su último Bartolo del "Barbiere di Siviglia" con ellos. También podremos ver al cantante en ‘Doña Francisquita’ en el papel de Don Matías que interpretará en el Gran Teatro de Córdoba en el mes de febrero, rol que ha cantado en diferentes ocasiones en 2023 con motivo del centenario del estreno de la obra.

Fotografía (c)Ricardo Rios Visual Art

Cantante de ópera y gestor cultural

Enric Martínez-Castignani combina un doble perfil como cantante de ópera y como gestor cultural. En esta faceta ha sido creador y director artístico del “Lied Festival Victoria de los Ángeles” (LIFE Victoria-BCN) de 2011 a 2016, en el que, a través de múltiples propuestas y en un tiempo limitado, se ofrecía al público conciertos-experiencia y debates para acercarlos progresivamente al mundo del lied. En su labor como divulgador y docente da seminarios y conferencias por todo el país, es profesor del Máster de Gestión Cultural de la Universidad Carlos III de Madrid y además este curso imparte clases en el Máster de Gestión Cultural de la Universidad Complutense de Madrid.

También en esta línea, presentó en Barcelona el informe “Análisis de prácticas de equipamientos y programaciones internacionales de música clásica y ópera”, elaborado por encargo del Consell Nacional de la Cultura i de les Arts (CoNCA) en el que Enric Martínez- Castignani aborda las mejores prácticas para la gestión de teatros de ópera, auditorios y festivales. Este trabajo reúne ideas, reflexiones y análisis en torno a los problemas del sector, estudiando aspectos clave dentro del análisis de prácticas innovadoras como la tecnología y la digitalización, la propuesta creativa y el soporte a la música contemporánea, así como la
implicación con el desarrollo profesional de las jóvenes generaciones de artistas, los trabajos de públicos y audiencias o el compromiso con la Agenda 2030.

Airam Hernández

Tras su aclamado debut en Boris Godunov en Toulouse (Francia), empieza el año sumando a su amplio repertorio un nuevo y difícil papel, el de Jason en Médée. Para Airam Hernández, uno de los cantantes españoles de mayor proyección internacional, el extenuante coprotagonista de la ópera de Cherubini “es todo un reto”, asegura ante este nuevo rol, una creación del compositor italiano establecido en París en 1787 y admirado por grandes colegas como Haydn o Beethoven. Acostumbrado a interpretar repertorios diversos, tanto en estilos como en formas y épocas, Airam Hernández siente que Jason le llega en un “óptimo momento de madurez técnica y expresiva; sin duda se trata de un personaje de gran dificultad vocal y dramática. Creo que el rol calza a la perfección con mi voz de tenor lírico de coloratura, lo que me permite explorar diversas aristas a pesar de su dificultad; hay que saber demostrar sus diferentes sentimientos, muchos de ellos encontrados ante una Médée que no le perdona que se enamore de otra mujer”, asegura. “Por otro lado, estoy feliz de debutar en la Ópera Nacional de Polonia, una compañía europea emblemática; lo hago junto a excelentes colegas y en una temporada que, pese a que no he parado ni un momento, estoy disfrutando enormemente por lo variado del repertorio, tanto en formatos y estilos como en número de escenarios”.

La ópera de Cherubini, a caballo entre el Clasicismo y el Romanticismo, fue bien recibida en su estreno parisino de 1797, pero fue retirada después de una veintena de representaciones. No fue hasta mediados del siglo XX cuando regresó al repertorio gracias a la curiosidad y el inconmensurable arte de Maria Callas, que sorprendió al mundo con su interpretación del personaje protagonista, teniéndola en repertorio prácticamente hasta su retirada de los escenarios.

Médée se anuncia en Varsovia los días 21, 24, 26 y 28 de enero, en un montaje del Teatr Wielki-Opera Narodowa en coproducción con el Salzburger Festspiele –donde se estrenó en julio de 2019–; junto al Jason de Airam Hernández en el reparto destaca la Medée de la soprano Izabela Matuła, el Créon del barítono Rafał Siwek o la Néris de la mezzosoprano Elżbieta Wróblewska; la dirección de escena correrá a cargo de Simon Stone y el maestro Patrick Fournillier estará al mando de la Orquesta y Coro del Teatr Wielki-Opera Narodowa.

Tras este compromiso a Airam Hernández le esperan el Requiem de Mozart en el Auditorio de Cáceres y en el Auditorio de Badajoz; Boris Godunov, esta vez en el Théâtre des Champs-Elysées de París; un concierto-homenaje a la soprano Victoria de los Ángeles (celebrando el centenario de su nacimiento) en el Teatro de La Zarzuela de Madrid; el Requiem de Mozart en el Auditorio Manuel de Falla de Granada; una gira de recitales de canción española por Tenerife (Auditorio de Tenerife, Auditorio de Adeje y Auditorio Teobaldo Power); Das Lied von der Erde, de Mahler, en el Théâtre du Capitole; Nabucco, de Verdi, en la Opéra de Lausanne (Suiza), además de su primer Pollione de Norma en Italia el verano próximo.

Jessica Pratt

Para Jessica Pratt, Konstanze es un personaje “puro, de gran nobleza y humanidad, y al mismo tiempo de gran fuerza y con una personalidad inquebrantable”, asegura entusiasmada. La aclamada soprano australiana de origen británico regresa en enero a ABAO Bilbao Opera para interpretar por primera vez el emblemático personaje de Die Entführung aus dem Serail (El rapto en el serrallo), de Mozart, título que llega a la temporada bilbaína tras 29 años de ausencia; lo hace en medio de una intensa temporada repleta de proyectos, que le ha comportado en el último trimestre de 2023 compromisos como un concierto dedicado a Bellini en la Victorian Opera de Melbourne, su debut como la protagonista de Beatrice di Tenda en su regreso al Teatro San Carlo de Nápoles, Les Contes d’Hoffmann (con el reto de interpretar los roles femeninos de Olympia, Antonia, Giulietta y Stella) en la Opéra Royal de Wallonie en Lieja o la presentación de su álbum DELIRIO (Tancredi Records), que incluye una selección de escenas de locura de personajes emblemáticos de Bellini y Donizetti en el que profundiza en el retrato que en este repertorio se realizaba sobre la salud mental.

Ahora empieza el año con Mozart y nada menos que con otro rol de extrema dificultad como es el de Konstanze, “un personaje que hace tiempo que anhelaba debutar y que llega en un momento óptimo desde el punto de vista de maduración interpretativa; es muy demandante, no solo en el aspecto puramente técnico –de tesitura endiablada y exuberante coloratura a la que hay que dotar de sentido dramático–, sino porque requiere de un centro importante y con peso. Es un personaje fascinante que requiere de una gran concentración sin dejar de lado su psicología: es el único modo de hacerlo creíble. Es fundamental en el primer Singspiel completo que compuso Mozart, una partitura que me encanta, llena de colores y de un halo de misterio, sensualidad y exotismo salpicado de alegría y humor. Me hace una especial ilusión debutarlo en Bilbao, donde siempre me he sentido muy arropada y como en casa”, afirma Jessica Pratt, que en los últimos años se ha prodigado por distintos escenarios españoles.

En Bilbao se han programado cuatro funciones  de El rapto los días 20, 23, 26 y 29 de enero, en una nueva producción de Mariano Baudin y con Lucía Marín al mando del Coro de Ópera de Bilbao y de la Euskadiko Orkestra. Jessica Pratt continuará en febrero y marzo con más funciones como Konstanze en su regreso a La Scala de Milán, para después afrontar su primera Norma, de Bellini, en la Palm Beach Opera (5 y 7 de abril), Lucia di Lammermoor en la Opera Queensland (Australia, 20 y 27 de abril) y un concierto Bellini en esa misma compañía (24 de abril), entre otros compromisos.

Lear

El Teatro Real presentará por primera vez en España, el próximo 26 de enero, Lear, obra maestra de Aribert Reimann (Berlín, 1936) estrenada en 1978 en la Ópera de Múnich y considerada hoy una de las más importantes partituras operísticas de la segunda mitad del siglo XX.

En la larga vida de Reimann, que actualmente tiene 87 años, el canto ha ocupado un lugar primordial, tanto como primoroso pianista de lieder al lado de sus más ilustres intérpretes, como autor de una ingente y muy variada producción vocal, en la que destacan sus nueve óperas (Lear es la tercera de su catálogo).

Su amplia cultura y finísimo olfato literario han unido su música a textos de grandes escritores, que van desde los clásicos griegos, Shakespeare, Strindberg, Kafka, Lorca, o Maeterlinck, en la ópera, a una larga pléyade de poetas a cuyas palabras dio voz: Goethe, Byron, Baudelaire, Rilke, James Joyce, Sylvia Plath, Emily Dickinson, Juan Ramón Jiménez, Octavio Paz o su querido Paul Celan.

Fue Dietrich Fischer-Dieskau (1925-2012), extraordinario barítono de brillante cultura humanista con el que  Reimann trabajó estrechamente, quien le propuso realizar una ópera a partir de El rey Lear, de William Shakespeare, sobre la que han trabajado varios compositores -incluyendo Berlioz, Verdi o Debussy-, sin finalmente atreverse con la magnitud y profundidad de la tragedia, que Calixto Bieito compara con la Capilla Sixtina en un intento de verbalizar su dimensión colosal.

El excelente libreto de Claus Hannberg, casi epigramático, logra captar la esencia del texto de Shakespeare, con sus múltiples conflictos y capas interpretativas, manteniendo los personajes principales y dando un amplio espacio a la orquesta para ahondar en la infinitud de temas que aborda la trama: la ceguera del poder, la ambición desmedida, las relaciones familiares tóxicas, la ingratitud, la vejez, la locura y un largo etcétera.

La bestialidad, violencia y desazón de la obra shakespeariana se traslada al mundo sonoro de Reimann, que sangra, gime, grita, llora, explota y se va con los atormentados personajes, tipificados con riquísimas sutilezas vocales, armónicas e instrumentales y una orquesta rabiosa y con voz propia, que mantiene la tensión a lo largo de toda la ópera, entrelazando los conflictos sin descanso, hasta el abismo final.

La ópera trae de nuevo a Calixto Bieito al Teatro Real, después de Wozzeck (2006), Carmen (2017), Die Soldaten (2018) y El ángel de fuego (2022), en esta ocasión con su aclamada producción creada para la Ópera de París en 2016, repuesta en 2019 y presentada en el Maggio Musicale Fiorentino en 2020.

Bieito construye una tragedia centrada en la familia como germen de los sentimientos y pasiones más primitivos, salvajes, exacerbados y destructivos, en un proceso de aniquilamiento cósmico, que nos une a la tierra quemada, a la explosión de los astros y a la mutación y muerte de las células.

La tragedia se desarrolla en un espacio conceptual delimitado por estacas de madera chamuscada diseñado por la escenógrafa Rebecca Ringst, con iluminación de Franck Evin y una potente iconografía simbólica, que va del Barroco español al Expresionismo centroeuropeo, destacando la poderosa evocación de la Pietà de Miguel Ángel o de la Lamentación sobre Cristo muerto, de Andrea Mantegna.

La dirección musical es de Asher Fisch, que vuelve al Real después del gran éxito que obtuvo con Capriccio, de Richard Strauss, en 2019, para afrontar una partitura de enorme complejidad y precisión, que presentará al público español al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

Esta ópera coral cuenta con trece solistas, ocho de los cuales han interpretado a sus respectivos personajes en el estreno de la producción de Calixto Bieito en París: Bo Skovhus (El rey Lear), Susanne Elmark (Cordelia), Ángeles Blancas (Goneril), Erika Sunnegårdh (Regan), Andrew Watts (Edgar), Andreas Conrad (Edmund), Lauri Vasar (El conde de Gloucester), Torben Jürgens (El rey de Francia), Derek Welton (El duque de Albany), Michael Colvin (El duque de Cornualles), Kor-Jan Dusseljee (El conde de Kent) y Ernst Alisch (Bufón).

Con el estreno en España de Lear, 46 años después de su creación, el Teatro Real prosigue con su compromiso de ofrecer al público las óperas más importantes del siglo XX todavía desconocidas en España y que forman parte del acervo artístico europeo por su capacidad para suscitar emociones, reflexiones y deslumbramiento.

Fotógrafo: © Javier del Real | Teatro Real

AGENDA ACTIVIDADES PARALELAS

25 de enero, a las 20.15 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

Enfoques: encuentro con Asher Fisch (director musical de Lear), Yves Lenoir (responsable de la reposición de la producción), Jorge Fernández Guerra (compositor) y Joan Matabosch (director artístico del Teatro Real).

4 de febrero, a las 12.00 horas | Sala principal del Teatro Real

Domingos de cámara: concierto con solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real

Programa:

Luis Fonseca: Light & amp; Sand (2020), para trompeta, corno inglés, fagot, piano y vídeo

George Crumb: An Idyll for the Misbegotten (1985), para flauta amplificada y 3 percusionistas

Arnold Schönberg: Ode to Napoleon Buonaparte, op. 41, para cuarteto de cuerda, piano y recitador

Ludwig van Beethoven: Cuarteto de cuerda nº 1, en fa mayor, op.18

Giovanni Bottesini: Concierto para dos contrabajos La pasión amorosa

18 y 25 de enero, y 1 y 8 de febrero, a las 19.00 horas | Teatro Real, Sala de actividades culturales

Ópera y censura

En este curso, impartido por el musicólogo Mario Muñoz, se analizará de forma accesible la trascendencia de la censura en el mundo de la ópera, no solo desde una perspectiva histórica sino también desde la de los elementos censurables —el libreto, la música, la trama o el montaje— así como las estrategias desarrolladas por los creadores para eludirla. Una larga lista de compositores y obras visitarán estas cuatro sesiones que conforman un recorrido necesario por más de cuatro siglos de prohibiciones donde la genialidad, la tragedia y el sentido del humor se dan la mano.

Inscripciones abiertas en este enlace.

21 de enero a las 12.00 y a las 17.00 horas | Real Teatro de Retiro, Sala Pacífico

¡Todos al Real Teatro!

Talleres musicales para toda la familia, con dirección y presentación de Fernando Palacios.

Las tres hijas del rey | ¿Cuál es la aduladora, cuál la sincera y cuál la mentirosa?

Con Whatever Jazz Band: Anxo Martínez, Giorgio Gallina, Marcos Prieto, Ornella Marconi, Benjamín Groisman, Andrés Alberto Freites y Daniel Cabrera

30 de enero, a las 19.00 horas | Residencia de estudiantes

Diálogo con el compositor Jorge Fernández Guerra y el crítico y traductor Luis Gago en torno a Lear, de Aribert de Reimann.

Trío Arbós

El ciclo Series 20/21 del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), dedicado a la música contemporánea, acoge el concierto del Trío Arbós, una de las agrupaciones de cámara más respetadas dentro y fuera de nuestras fronteras. El conjunto interpretará un repertorio protagonizado por dos obras de José Luis Turina, uno de los compositores españoles más importantes de la actualidad y que esta temporada ostenta la figura de compositor residente del CNDM. También interpretará obras de Salvatore Sciarrino y de Magnus Lindberg. El concierto tendrá lugar el lunes 15 de enero, a las 19:30h, en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (entrada libre).

Formado por Ferdinando Trematore (violín), José Miguel Gómez (violonchelo) y Juan Carlos Garvayo (piano), el Trío Arbós destaca por ser uno de los grupos de cámara más prestigiosos del panorama musical español. Se fundó en Madrid en 1996 y su nombre viene del director, violinista y compositor español Enrique Fernández Arbós. Su repertorio abarca desde las obras maestras del clasicismo y el romanticismo hasta la música de nuestro tiempo. Desde su formación, el Trío Arbós ha tratado de contribuir al enriquecimiento de la literatura para trío con piano a través del encargo de nuevas obras.

Precisamente, en este concierto del CNDM, se interpretarán los Tres tercetos de José Luis Turina, escritos a petición del conjunto; una obra con tres secciones interdependientes entre sí. También sonará su Viaggio di Parnaso, una pieza en la cual explora, una vez más, los aspectos relativos a la traslación musical de elementos y procedimientos propios de la literatura. Gracias a este repertorio elegido, el público podrá adentrarse en el rico universo del maestro madrileño, figura fundamental de la música de nuestro país y que, además de compositor, es gestor cultural y pedagogo.

Completan el programa el exquisito Trío nº 2 del compositor italiano Salvatore Sciarrino y el enérgico y contundente Piano trio del finlandés Magnus Lindberg.

Sobre el Trío Arbós

Premio Nacional de Música 2013, el Trío Arbós se fundó en Madrid en 1.996, tomando el  nombre  del  célebre  director,  violinista  y  compositor  español  Enrique  Fernández Arbós (1.863-1.939). En la actualidad es uno de los grupos de cámara más prestigiosos del panorama musical europeo. Desde su formación en 1996, uno de los principales objetivos del Trío Arbós ha sido la contribución al enriquecimiento de la literatura para trío con piano a través del encargo de nuevas obras. Compositores de la talla de Georges Aperghis, Ivan Fedele, Toshio Hosokawa, Luis de Pablo, Mauricio Sotelo, Jesús Torres, Bernhard Gander, Thierry Pécou, Elena Mendoza, José María Sánchez Verdú, Roberto Sierra, entre otros, han escrito obras para el Trío Arbós. El Trío Arbós actúa con regularidad en las principales salas y festivales internacionales: Konzerthaus de Viena, Conservatorio Tchakovsky de Moscú, Academia Sibelius de Helsinki, Teatro Colón de Buenos Aires, Auditorio Nacional de Música de Madrid, Wittener Tage für neue Kammermusik, Festival de Kuhmo, Bienal de Venecia, Festival de Spoleto, MUSICA  Festival  de  Estrasburgo,  Philarmonie  de  Berlín,  Festival  Klangpuren, ULTIMA de Oslo, Time of Music de Viitasaari, Nuova Consonanza de Roma, Festival Casals de Puerto Rico, Bienal de Flamenco de Holanda, Festival Transart de Bolzano, Festival de Sintra, Quincena Musical Donostiarra, Festival Internacional de Granada, Semana de Música Religiosa de Cuenca, Bienal de Flamenco de Sevilla, Santander, etc. Ha grabado más de 30 discos para un gran número de sellos. Actualmente graban para su propio sello SACRATIF. La prestigiosa revista Gramophone ha dicho de su trabajo: “Este disco reafirma las credenciales del Trío Arbós como uno de los grupos de cámara más completos y orientados al futuro de la actualidad”. Sus trabajos en el mundo de la música flamenca han sido alabados por la crítica internacional; fruto de este trabajo es su CD “Travesías” en colaboración con el cantaor Rafael de Utrera. Sus innovadores proyectos como «Triple Zone», para la ampliación de la literatura para trío con piano, son patrocinados por la Ernst von Siemens Musikstiftung y por la Fundación BBVA. Ferdinando toca un violín hecho por A. Guadagnini (1781) cedido por la Fundación ProCanale de Milán. José Miguel toca un cello del luthier alemán Haat-Uilderks (2010). Está formado por Ferdinando Trematore (violín), José Miguel Gómez (violonchelo) y Juan Carlos Garvayo (piano).

Ángel Orensaz

El Teatro Real celebrará el próximo miércoles, 17 de enero, un homenaje al artista español Ángel Orensanz, en el que se entregará el Premio Extraordinario del Teatro Real en reconocimiento a su dilatada y fructífera trayectoria artística y a su compromiso con el fomento y la divulgación de la cultura española fuera de nuestras fronteras.

Desde la sede de su Fundación en Nueva York, ubicada en un espectacular edificio histórico de 1849 y convertida ya en un emblemático centro de creación, encuentro y escenario, Orensanz abre sus puertas a las más diversas expresiones culturales, siendo anfitrión y altavoz de las mismas. Ese espacio singular ha acogido los espectáculos de Flamenco Real–Authentic Flamenco, con el que hace dos años se expandió el Plan Estratégico Internacional del Teatro Real, y con el que Orensanz ha demostrado en todo momento su apoyo generoso y altruista.

Ángel Orensanz (Laurés, Huesca, 1951) es uno de los artistas españoles con mayor proyección internacional. Inquieto, creativo, emprendedor y vital, ha visto su obra expuesta en los principales museos del mundo y ha recibido el reconocimiento del público y la crítica a través de numerosos premios y homenajes como el que le dedicó la Bienal de Arte Contemporáneo de Florencia (2001), la medalla de oro Lorenzo il Magnifico de Florencia, medalla de oro de la Academia de Bellas Artes de Rusia, (2018), Medalla de Oro de la Academia de Bellas Artes y Orden del Mérito Civil, entre otros.

A mediados de los años 80 se establece en Nueva York y adquiere, en el corazón del Lower East Side, el edificio que albergaba una de las sinagogas más antiguas de la ciudad. Rehabilita el espacio, lo transforma y ahí establece la fundación que lleva su nombre. Pronto se transforma en un activo centro cultural en el que se dan cita artistas, escritores, pensadores y creadores. El encanto, prestigio y magnetismo del lugar atraen a miles de personas de todas las partes del mundo y el Ayuntamiento de la ciudad, en agradecimiento a su labor, crea en 2002 el Orensanz Day, que se celebra cada 10 de abril.

William Christie
El ciclo Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) abre el nuevo año con la visita del consagrado director de orquesta William Christie y Les Arts Florissants. Juntos presentarán en versión semiescenificada The Fairy Queen (La reina de las hadas) de Henry Purcell, una mascarada basada en una adaptación anónima del famosísimo Sueño de una noche de verano, de William Shakespeare. El proyecto unirá la música barroca con las voces de los integrantes de Le Jardin des Voix, la academia de jóvenes cantantes fundada por el propio Christie por la que han pasado grandes figuras actuales del canto barroco. También contará, por primera vez en el CNDM, con la Compagnie Käfig, del conocido coreógrafo y director de escena Mourad Merzouki. El espectáculo tendrá lugar el domingo 14 de enero, a las 19:00h, en el Auditorio Nacional de Música (Sala Sinfónica).

La agrupación Les Arts Florissants, dirigida por el gran clavecinista, director de orquesta, musicólogo y docente William Christie, es reconocida por sus interpretaciones excepcionales de obras barrocas. Fundada en 1979 por el propio Christie, ha sido precursora en la recuperación del repertorio barroco de los siglos XVII y XVIII. Ahora se adentra en el universo del británico Henry Purcell junto al talento emergente de los cantantes de Le Jardin des Voix 2023. Precisamente el grupo ha creado varias iniciativas educativas para jóvenes músicos y esta academia, dedicada a impulsar las carreras de jóvenes talentos, es una de ellas. En esta ocasión, los cantantes seleccionados han sido Paulina Francisco (soprano), Georgia Burashko, mezzosoprano), Rebecca Leggett (mezzosoprano), Juliette Mey (mezzosoprano), Ilja Aksionov (tenor), Rodrigo Carreto (tenor), Hugo Herman-Wilson (barítono) y Benjamin Schilperoort (bajo-barítono).

El proyecto cuenta con la dirección de escena del innovador coreógrafo francés Mourad Merzouki, conocido por su habilidad para fusionar el hip hop con enfoques multidisciplinarios, y su Compagnie Käfig. Así, se ofrecerá al público la oportunidad de vivir una experiencia única en una producción de la bellísima obra de Purcell que aúna diferentes artes y generaciones. Una revisión fresca y dinámica de una obra maestra.

Música, sueños y danza

The Fairy Queen (La reina de las dadas), una mascarada en un prólogo y cinco actos, es una obra de Henry Purcell que destaca por su ingeniosa mezcla de música, declamación y danza. Inspirada en El sueño de una noche de verano de William Shakespeare, se estrenó en Londres en 1692. La ópera transporta al público a un bosque inglés de ensueño, habitado por hadas, elfos y otros seres míticos. En este entorno mágico, se desarrollan historias de amor y enredo, donde incluso la reina de las hadas se ve atrapada en una hilarante confusión amorosa. La música de Purcell, con su rica textura y emotividad, acompaña perfectamente la narrativa, creando un ambiente encantador que captura la esencia del idílico y caprichoso mundo de las hadas.

“Contextos Barrocos”: Una hora antes del concierto, a las 18:00h, tendrá lugar el encuentro sobre el concierto de Les Arts Florissants en los “Contextos Barrocos” del CNDM, sesiones de cuarenta y cinco minutos, de acceso libre para el público que ha adquirido la entrada al espectáculo, que permiten profundizar en las obras del ciclo, su historia y los intérpretes.

Camille Thomas

La aclamada chelista franco-belga se subirá, por primera vez, al escenario del Teatro Monumental de Madrid los próximos días 11 y 12 de enero para interpretar el concierto para violonchelo y orquesta Never give up de Fazil Say, junto a la Orquesta Sinfónica RTVE y Christoph König a la batuta. Obras de Prokofiev y Xavier Montsalvatge completan el programa. El concierto del viernes se podrá seguir por Radio Clásica – Radio Nacional de España (RNE), y se emitirá también en el programa “Los conciertos de La 2” de TVE.

Never give up es un Concierto para violonchelo y orquesta en tres movimientos, que el compositor y pianista turco Fazil Say escribió expresamente para Camille Thomas, que lo estrenó el 3 de abril de 2018 en el Théâtre des Champs-Elysées de París. Se trata de una súplica para que el mundo ponga fin a la violencia; música que invita a no rendirse y a no renunciar a la belleza y a la paz: “Fazil trata al chelo como si fuera la voz humana, que va cantando y hablando sobre el conflicto que existe en el mundo actual. Es una obra muy exigente, no solo técnicamente sino también emocionalmente, porque profundiza mucho en la experiencia traumática que vivimos con esos ataques, y en el segundo movimiento se escucha incluso el sonido del Kalashnikov”, señala Camille Thomas, que lo incluyó en “Voice of Hope”, su segundo trabajo discográfico como artista exclusiva de Deutsche Grammophon y el primer disco clásico grabado en colaboración con UNICEF.

Será, además, la primera vez que Camille Thomas actúe en Madrid, y la única ocasión para verla en España este 2024: “Para mí tiene un significado muy especial actuar en Madrid con una obra como Never give up, el concerto para chelo que Fazil Say escribió tras los ataques terroristas de Bataclan, porque es una ciudad que también sufrió los ataques terroristas en 2004”, concluye Thomas, que lo tocó por primera vez en España en abril de 2021 junto a la Real Filharmonía de Galicia.

Camille Thomas, que toca el famoso Stradivarius “Feuermann” 1730 cedido por la Nippon Music Foundation, se ha convertido en una de las chelistas más solicitadas del circuito clásico actual, actuando con orquestas de renombre internacional como la Symphony Orchestra de Washington, la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, la Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, Lucerne Festival Strings o la Philharmonic Brussels, entre otras, bajo la batuta de conocidas figuras de la dirección como Paavo Järvi, Mikko Franck, Kent Nagano, Charles Dutoit, Gustavo Gimeno o Stéphane Denève.

Fotografía (C) Edouard Brane

Moisés Marín

Este mes de enero viene marcado por el regreso de la ópera “Die Entführung aus dem Serail” (El rapto en el Serrallo) de Mozart a la temporada de ABAO tras 29 años de ausencia. Una renovada producción musical que cuenta con Moisés Marín en el rol protagónico de Belmonte, bajo la dirección musical de la talentosa Lucía Marín y la dirección escénica de Mariano Bauduin, inspirada en los exquisitos espacios del imperio Otomano.

Moisés Marín asumirá el desafiante papel principal de Belmonte, el apasionado amante que se enfrentará a múltiples desafíos para liberar a su amada Konstanze, quien será interpretada por Jessica Pratt. El resto del cuarteto principal lo conforman Leonor Bonilla en el papel de la doncella Blonde y Mikeldi Atazlandabaso será el fiel criado Pedrillo. Moisés Marín aseguraba: “Me siento profundamente agradecido a ABAO por esta oportunidad de poder disfrutar al lado de grandísimos artistas en este título algo menos usual en los teatros que la trilogía ‘Da Ponte’, pero que alberga algunas de las páginas más bellas del repertorio mozartiano”.

La dirección musical estará a cargo de Lucia Marín, quien debuta en la ABAO liderando la Euskadiko Orkestra para interpretar una partitura emotiva, deslumbrante y llena de vida. La escenografía diseñada con esmero por Mariano Bauduin promete sumergir al público en los mágicos y exóticos espacios del imperio otomano.

La trama, ambientada en un palacio junto al mar, sigue a Belmonte (Moisés Marín) en su ardua misión de liberar a su amada Konstanze, prisionera del bajá Selim, interpretado por Wolfgang Váter en su debut en la ABAO.  La trama envuelve al tenor en un tejido de desafíos donde su apasionado amor se ve eclipsado por la sombra del rapto. Moisés Marín, con destreza, da vida a un amante atormentado, cuyas notas melódicas resonaran con fuerza entre las paredes de la ABAO mientras atraviesa las turbulentas aguas del Serrallo para liberar a su enamorada. “Se dice que Mozart no tenía especial predilección por la voz del tenor, puesto que siempre le reserva algunas de las páginas más complejas de sus óperas y en esta no se queda atrás” comenta el propio cantante “cuatro arias en las que exhibir toda la gama interpretativa y técnica posible. Esta obra es un gran reto que me saca de mi zona de confort y me ha hecho aprender y disfrutar aún más de mi instrumento”.

Esta ópera de juventud, inspirada en las propias vivencias personales de Mozart, es un reflejo de sus creencias y miedos, El rapto en el serrallo expresa el romanticismo espiritual de Mozart y su concepción elevada del amor cortés y de la mujer amada.

Die Entführung aus dem Serail, (El rapto en el serrallo) fue la primera ópera alemana completada por Mozart, una ópera plagada de misterio, sensualidad y seducción, con el tema recurrente de la fidelidad pura de la doncella hacia su amado ausente. Es una obra profundamente conmovedora, no sólo por ser el primer Singspiel completo de Mozart, si no por la alegría, aliento y espíritu que la inspiran desde la primera nota. “Existen grandes referentes de este repertorio tales como Frizt Wunderlich, Gösta Winbergh o Francisco Araiza. Los tomo a ellos como inspiración y reflejo del tipo de héroe Mozartiano que quiero crear: noble y elegante a la par que valiente y determinado”, afirmaba el tenor.

Moisés Marín: fuerza y versatilidad

Desde que en la temporada 17/18 terminó su formación en el Centre de Perfeccionament del Palau de les Arts de Valencia, Moisés Marín se ha convertido en un habitual de las temporadas líricas españolas, teniendo presencia desde entonces en el Teatro Real, el Gran Teatre del Liceu, ABAO, el Teatro Campoamor de Oviedo y el de la Maestranza de Sevilla. El cantante ha recibido el premio al Cantante Revelación otorgado por Amics de l’Òpera y de les Arts de la Comunidad Valenciana dos años consecutivos tras triunfar en 2022 con el papel de Spalanzani en Los cuentos de Hoffmann y este año 2023 por el rol de Melot en Tristán e Isolda.

Ha sido miembro del Centre de Perfeccionament del Palau de les Arts. En este periodo de dos años como estable en Les Arts, ha tenido la oportunidad de trabajar técnica y musicalmente con artistas como Plácido Domingo, Fabio Biondi, Roberto Abbado, Mariella Devia, Gregory Kunde, Emilio Sagi y Davide Livermore. Es ganador del 1º Premio en el Concurso Internacional de Canto Ciudad de Logroño y premio especial de Zarzuela. Ha sido alumno del bajo-barítono Carlos Chausson y de la soprano Renata Scotto. Actualmente sigue bajo la tutela del aclamado bajo Eric Halfvarson.

Fotografía (c) Kiko Lozano

Pablo Heras Casado

La Joven Orquesta Nacional de España (JONDE), centro dependiente del INAEM, prepara en Zaragoza, del 3 al 11 de enero, su próxima gira de conciertos en su primer Encuentro Sinfónico anual. El maestro Pablo Heras-Casado estará al frente de la JONDE en cinco conciertos que tendrán lugar en Logroño (Riojaforum – 12 de enero), Zaragoza (Auditorio – Palacio de Congresos – 13 y 14 de enero), Madrid (Auditorio Nacional de Música – 15 de enero) y Torrelavega (Teatro Municipal Concha Espina – 18 de enero)

Música de los siglos XIX, XX y XXI convergen en el programa que interpretará la JONDE en esta gira. El compromiso con la creación más actual estará reflejado con la obra Unda maris, ganadora del Premio Reina Sofía de Composición Musical 2022, del compositor vasco Javier Quislant. La incorporación de esta obra al programa surge de la colaboración entre la JONDE y la Fundació de Música Ferrer-Salat, con el objetivo de difundir a nivel nacional la obra premiada. Al romanticismo más impetuoso de la Obertura-fantasía de Romeo y Julieta de Piotr Ilich Tchaikovsky le seguirá como término una obra de gran carácter simbólico y esperanzador, la Sinfonía nº10 de Dmitri Shostakovich.

Durante este Encuentro 91 músicos de la JONDE prepararán el programa gracias a la formación exclusiva de 11 profesores/as de diferentes especialidades integrantes de agrupaciones sinfónicas de gran prestigio (Berliner Philharmoniker, Concertgebouworkest de Ámsterdam, WDR Sinfonieorchester Köln, Orquesta Nacional de España, Netherlands Philharmonic Orchestra, Orquesta de la Comunidad Valenciana, Opera de Frankfurt) y de relevantes Conservatorios Superiores de Música (Musikhochschule Frankfurt, Würzburg y Düsseldorf, Conservatorio de La Haya, Conservatorio de Maastricht, Conservatorio de Rotterdam, Escuela Superior de Música de Cataluña)

La JONDE además cuenta con el privilegio de completar este proyecto artístico de la mano del maestro Pablo Heras-Casado, director principal invitado del Teatro Real de Madrid, con Jordi Navarro, director asistente, y el compositor Javier Quislant.

Entre los músicos que integran la JONDE en esta gira de conciertos, cinco de ellos, procedentes de la Orchestre Français de Jeunes (OFJ), la Jovem Orquestra Portuguesa (JOP) y la Wiener Jeunesse Orchester (WJO), participarán como invitados a través del Programa de Intercambio MusXchange de la Federación Europea de Jóvenes Orquestas Nacionales (EFNYO). El proyecto de intercambio responde a la implicación activa de la JONDE en redes transnacionales, a través de las cuales tiene como objetivo fomentar el intercambio cultural y contribuir a la movilidad en el mercado laboral.

Las entradas para los cinco conciertos ya se pueden adquirir a través de los diferentes canales de venta de Riojaforum, el Auditorio – Palacio de Congresos de Zaragoza, el Auditorio Nacional de Música y el Teatro Municipal Concha Espina.

Lise Davidsen & José Miguel Pérez-Sierra

La soprano noruega Lise Davidsen y el director madrileño José Miguel Pérez-Sierra volverán a unir sus talentos el próximo 7 de enero en el Teatro Real de Madrid, tras haber trabajado juntos en la Ópera de A Coruña, el Turku Music Festival de Finlandia y la Ópera Nacional de Bucarest. En esta ocasión la consagrada intérprete, de destacada carrera en el repertorio wagneriano y verdiano, cantará por primera vez la gran escena final de la ópera Salome, de Richard Strauss, un título que incorporará a su repertorio en mayo en la Opéra National de Paris.

El maestro Pérez-Sierra se muestra “encantado y entusiasmado ante este nuevo concierto junto a la que, asegura, “sin duda está llamada a ser una de las grandes intérpretes del emblemático rol de Salome en los próximos años. Estoy seguro de que el público se va a impresionar con su versión”, para la cual la Orquesta Titular del Teatro Real “estará ampliada hasta los 106 músicos. Esto con Strauss, que requiere de un gran conjunto instrumental, pero a esta maravilla de música hay que sumar escenas de diversas óperas de Verdi”, autor con el que Davidsen se ha prodigado con gran éxito en las últimas temporadas. “Hemos actuado juntos en varias ocasiones”, continúa el director español, “y lo cierto es que es un verdadero placer hacer música junto a esta gran intérprete del siglo XXI”. En el programa –previo al recital que Davidsen ofrecerá en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona el próximo 11 de enero, y en el Met de Nueva York, el 1 de febrero–, se incluyen además selecciones de las óperas verdianas La forza del destino, Un ballo in maschera y Otello.

La agenda del maestro Pérez-Sierra continuará más tarde mirando al Año Puccini que se conmemora en 2024 dirigiendo Madama Butterfly (Teatro Coccia de Novara, Italia) y La Bohème (en su regreso a la Ópera de Las Palmas de GC), para después revisar el poema sinfónico Así habló Zaratustra y las Cuatro últimas canciones de Strauss junto a la soprano Miren Urbieta-Vega y la Orquesta Joven de la Sinfónica de Galicia, la Sinfonía Nº 6 de Gustav Mahler (Sinfónica de Málaga), la zarzuela La verbena de la Paloma (Teatro de La Zarzuela, teatro del que acaba de ser designado director musical), la ópera de Manuel de Falla La vida breve (Opéra Theatre de Metz) y L’Italiana in Algeri en el Royal Opera Festival de Cracovia y en el Festival Rossini de Wildbad.

IVÁN «MELÓN» LEWIS

La Fundación Scherzo se complace en presentarles el segundo recital del Ciclo Horizontes, que tendrá lugar el próximo 16 de enero y correrá a cargo del pianista cubano Iván «Melón» Lewis.

Por primera vez en nuestra historia, los ritmos y sonidos más característicos del latin jazz se abrirán paso dentro de nuestra programación con un concierto único, a cargo del ganador del Latin Grammy Iván «Melón» Lewis.

Considerado como uno de los pianistas y compositores más influyentes de su generación. Nominado en múltiples ocasiones y ganador del premio Latin Grammy al Mejor álbum de Jazz en 2021 con el disco “Voyager”, el pianista cubano se presenta por primera vez en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional con un repertorio a piano solo en el que interpretará principalmente obras originales.

Con 7 discos publicados en solitario, la obra de «Melón» se caracteriza por ser una mezcla ecléctica de jazz y ritmos cubanos tradicionales y contemporáneos a la vez que deja entrever una cierta y lógica influencia de sonidos tan universales como el flamenco. Su además pulcra interpretación es fruto de su formación clásica en el prestigioso Instituto Superior de Artes de La Habana.

Junto a composiciones propias, «Melón» ofrecerá algunas de las más bellas canciones y melodías del cantautor cubano Sindo Garay, máximo representante de la Trova cubana cuyas más de 600 canciones todavía resuenan a ambos lados del Atlántico.

Con este concierto, la Fundación Scherzo da el pistoletazo de salida a su programación de 2024. El 29 de enero, el Ciclo de Grandes Intérpretes volverá a la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional con el recital del violinista Vadim Repin y el pianista Nicolai Lugansky. Por su parte, el Ciclo Horizontes continuará el 29 de mayo con el espectáculo flamenco: «De Blancas, Negras y Versos», capitaneado por el pianista Pablo Rubén Maldonado, la cantaora María Toledo y el poeta Aitor Contreras.

Por último, y aprovechando la cuesta de enero que tanto nos afecta a todos, la Fundación Scherzo, en su compromiso con los jóvenes, ofrecerá a los menores de 30 años la posibilidad de adquirir nuestro nuevo abono Alicia de Larrocha (que comprende los seis conciertos restantes del Ciclo de Grandes Intérpretes), por el módico precio de 30 euros, lo que les aportará una mayor facilidad para que puedan disfrutar de la temporada.

Adriana González

Tras cantar recientemente el rol pucciniano de Liù en la legendaria producción de Turandot de Nuria Espert en el Gran Teatre del Liceu, la soprano guatemalteca afincada en París regresa este mes al escenario del coliseo de la Rambla. Los próximos días 4, 8, 10, 13, 15 y 17 de enero, Adriana González será Micaëla en la conocida producción de Carmen firmada por Calixto Bieito, bajo la dirección musical de Josep Pons y la mezzosoprano francesa Clémentine Margaine (Carmen), el tenor estadounidense Michael Spyres (Don José) y el bajo-barítono Simón Orfila (Escamillo) como compañeros de reparto. Además, la soprano participará en la actividad “Encuentros Liceu Under35: Carmen”, que tendrá lugar el 12 de enero en el auditorio de CASA SEAT.

“El rol de Micaëla en la propuesta escénica de Calixto es totalmente diferente a otras producciones que he hecho de la célebre ópera de Bizet, y después de haber cantado este rol en varias producciones es muy interesante conocer otras facetas de este personaje”, señala Adriana González, que ya protagonizó la célebre mise en scène de Bieito en la Opéra Bastille de París la temporada pasada. “Me encanta la música de Micaëla… es un rol que sólo tiene un dúo, un aria y un par de escenas con el coro, pero aunque sea breve, es un rol bastante exigente. Además, es un personaje completamente diferente que fue creado por los libretistas de Bizet para generar ese contraste con Carmen, la mujer libre, ya que el personaje de Micaëla no existe en la historia original de Mérimée”, concluye González, que ha recibido el aplauso de la crítica especializada internacional con su interpretación de Micaëla en destacadas casas de ópera de la escena internacional como la Dutch National Opera de Ámsterdam, la Ópera de Frankfurt, la Opéra National de París, el Grand Théâtre de Genève y la Opéra de Toulon.

Adriana González ha cantado en teatros, salas de concierto y festivales de prestigio internacional como el Festival de Salzburgo, la Oper Frankfurt, la Opéra national du Rhin, la Houston Grand Opera, el Teatro Real de Madrid, el Concertgebouw de Ámsterdam o la Staatsoper Hamburg, trabajando con destacados directores de orquesta como Raphaël Pichon, Fabio Luisi, Marco Armiliato,  Lorenzo Viotti o Domingo Hindoyan, entre otros. Ha actuado también con orquestas de renombre como la Filarmónica de Viena, la Orquesta y Coro Gulbenkian de Lisboa, la Dallas Symphony Orchestra, la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias, la Netherlands Philharmonic Orchestra, Le Concert Spirituel, etc.

Los próximos compromisos de Adriana González incluyen un recital junto a la mezzosoprano Marina Viotti y el director y pianista Iñaki Encina Oyón en el Festival LIFE Victoria de Barcelona, Turandot en la Opéra de Dijon, la Staatsoper Hamburg y la Staatsoper Unter den Linden de Berlín, una Liederabend en la Oper Frankfurt y el estreno absoluto de la versión escénica de Tenorio de Tomás Marco en el Teatro Real de Madrid.

Fotografía: Barbara Aumüller

Pedro Mateo y André Cebrián

El guitarrista Pedro Mateo y el flautista André Cebrián acaban de sacar su primer trabajo discográfico conjunto editado por el sello Eudora en Super Audio CD (SACD). Bajo el título “Cartografía del Mar”, el disco presenta una original y variada selección de obras de diferentes compositores: Histoire du Tango de Astor Piazzolla (1921-1992), Sonatina, op. 205 de Mario Castelnuovo-Tedesco (1895-1968), Toward the Sea de Tōru Takemitsu (1930-1996), Mountain Songs de Robert Beaser (1954), Elegía por Cintio Vitier de Leo Brouwer (1939) y El Peixet de Bloomington de Feliu Gasull (1959).

Tras más de una década tocando juntos a dúo desde que coincidieran como profesores en el Conservatorio Superior de Música de Aragón, Pedro Mateo y André Cebrián comparten estudio de grabación por primera vez para interpretar obras para flauta y guitarra. Además, nos ofrecen la primera grabación mundial de las mencionadas obras de Brouwer y Gasull. “Las obras incluidas en este disco tienen una gran vinculación con la música popular, así que el gran reto a la hora de abordar las obras que presentamos en esta propuesta discográfica fue salir de nuestro ámbito de músicos de formación clásica e investigar y conocer, por ejemplo, el mundo del flamenco para poder interpretar El Peixet de Bloomington de Gasull, que es una bulería, o conocer la sonoridad oriental para introducirnos en el mundo de Takemitsu”, señala André Cebrián. “Nuestra intención fue, en cierto sentido, hacer un poco tabula rasa  y empezar de cero explorando nuevos estilos. Tuvimos que conocer también los códigos del Bluegrass para interpretar obras como  The House Carpenter o Cindy, de las Mountain Songs de Beaser”, añade Pedro Mateo.

André Cebrián es Solista de flauta de la Scottish Chamber Orchestra, e invitado habitual de orquestas de renombre internacional y nacional como la BBC Scottish Symphony, la Philharmonia Zürich, la Royal Scottish National Orchestra, la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, la Filarmónica de Gran Canaria, la Orquesta del Gran Teatre del Liceu y la Malaysian Philharmonic Orchestra, entre otras. Además, cabe destacar también su actividad como miembro del quinteto de viento Azahar Ensemble y del Natalia Ensemble. Desde 2020, es profesor de flauta de la Academia de Estudios Orquestales de la Fundación Barenboim-Said.

Pedro Mateo González ha actuado como solista con la ORTVE, la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, la Orquesta Nacional de Ecuador o la Orquesta Sinfónica de las Islas Baleares, entre otras, y se ha presentado en salas tan destacadas como la Philharmonie de Berlín, el Jordan Hall de Boston o la Fundación Juan March de Madrid. Ha grabado varios CDs para Naxos y Eudora. Como músico de cámara, actúa regularmente con Pedro Chamorro, Joaquín Riquelme o José Manuel Losada. En la actualidad, es profesor del Conservatori Superior de Música dels Illes Balears y del Centro Superior Katarina Gurska.

Manuel Busto

Los próximos días 21 y 22 de diciembre, el director de orquesta y compositor andaluz Manuel Busto regresa al Teatro de la Zarzuela como responsable de la dirección musical de la Gala de celebración del 45 Aniversario del Ballet Nacional de España (BNE). El espectáculo, diseñado por Rubén Olmo, Director Artístico del BNE, contará con la participación de la Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM) bajo la batuta de Manuel Busto; se presentarán destacados números de la historia de la danza española y del propio repertorio del Ballet Nacional de España con música de Boccherini, Soler, Antón García Abril, Sarasate o Ruiz de Luna, entre otros.

En el marco de la gala, tendrá lugar también la presentación del documental Todo el pasado por delante de Emilio Belmonte y Luis Delgado sobre la historia de la institución, y cuya banda sonora ha sido compuesta por el propio Manuel Busto. Grabada el pasado mes de noviembre con la Orquesta de la Comunidad de Madrid, la dirigirá, de nuevo, en directo desde el foso del conocido teatro de la calle Jovellanos durante la proyección. Con este nuevo encargo, el director andaluz vuelve a colaborar con el Ballet Nacional de España en su doble faceta de compositor y director de orquesta, tras el gran éxito de público y crítica cosechado con sus anteriores proyectos La Bella OteroInvocación bolera y Jauleña, que siguen de gira nacional e internacional.

“La creación de la banda sonora para el documental Todo el pasado por delante me ha obligado a adentrarme en universos estéticos cinematográficos en pro de la imagen, componiendo tanto para orquesta sinfónica como para guitarra y percusión flamenca, con una importante presencia de música electrónica o pop-rock, sin dejar de lado mi propio sello personal”, explica Manuel Busto, que también ha firmado la banda sonora de la película Fernanda y Bernarda de Rocío Martín, y cuenta con un extenso catálogo de obras editadas por la prestigiosa editorial vienesa Universal Edition, con quien publica en exclusiva.

Tras haber dirigido recientemente El retablo de Maese Pedro de Falla en la gira española del Taipei Opera Theater, Manuel Busto debutará próximamente con la Orquesta de Córdoba, como responsable musical de La Traviata de Verdi, que se podrá ver en el Teatro Villamarta de Jerez, con un reparto encabezado por la soprano Sabina Puértolas, el tenor Antonio Gandía y el barítono José Antonio López. Activo también en el ámbito literario, Busto acaba de publicar su segundo poemario Sombras en la luz (editorial Pangea).

Magnificat

Para concluir el año, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta el concierto de Navidad de la Netherlands Bach Society, un conjunto vocal e instrumental de gran reputación internacional dedicado a difundir la obra de Johann Sebastian Bach por todo el mundo. Bajo la dirección del contratenor Alex Potter y con Bojan Čičić como concertino y violín solista, la orquesta hará un recorrido por algunas de las piezas sacras más hermosas de los siglos XVI y XVII, culminando con el conocidísimo Magnificat de Bach, una obra cumbre del repertorio barroco. Este concierto tendrá lugar el viernes 22 de diciembre, a las 19:30 horas, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música, en el marco del ciclo Universo Barroco del CNDM.

La primera parte del evento ofrecerá una exploración a través de la música luterana, que fluye desde sus inicios hasta alcanzar su punto álgido en Johann Sebastian Bach, al final del concierto. Este viaje musical comienza un siglo antes del nacimiento de Bach con obras de Johann Hermann Schein y Tobias Michael, quienes establecieron las bases para el desarrollo de la música sacra. El programa incluirá también una impresionante chacona instrumental de Nicolaus Adam Strung, un motete navideño a cinco voces de Orlando di Lasso y la majestuosa cantata navideña Wie schön leuchtet der Morgenstern de Johann Kuhnau, proporcionando una visión completa de la evolución de la música coral luterana. El último compositor previo a Bach será Andreas Hammerschmidt, de quien se escucharán, entre otras obras, Machet die Tore weit, una pieza de Adviento a seis voces.

El gran protagonista del concierto de Navidad será el esperado Magnificat de Johann Sebastian Bach, interpretado en su versión original en mi bemol mayor, una obra que combina la tradición coral con la innovación barroca y que presenta una rica diversidad musical y emocional. Escrito para cinco voces solistas -contaremos con el propio Alex Potter (contratenor), Miriam Feuersinger (soprano), Kristen Witmer (soprano), Thomas Hobbs (tenor) y Stephan MacLeod (bajo)-, destaca por su jubiloso coro inicial y su hábil interacción entre solistas y conjunto. Bach logra en esta composición un balance perfecto entre la tradición y la innovación, ofreciendo al público una experiencia musical rica y profunda, así como adentrarse en las raíces de la Navidad.

Pasión por Bach

Fundada en 1921, Netherlands Bach Society ha alcanzado gran fama internacional por su excepcional interpretación de la obra de Bach y otros compositores afines. Con más de un siglo de historia, la agrupación ha dedicado su arte y su tiempo a compartir la música de este gran compositor con el mundo, ofreciendo numerosos conciertos para descubrir las múltiples capas y matices emocionales de sus obras. Bajo el lema «Bach para todos», la Netherlands Bach Society se dedica a mantener viva la relevancia y la belleza de la música barroca para las generaciones actuales y futuras.

En este concierto en el CNDM, interpretará estas joyas musicales sacras con autenticidad y pasión, utilizando instrumentos de época y enfoques interpretativos históricamente informados. Sin duda, el concierto de Navidad no solo ofrecerá un homenaje al genial Kantor de Leipzig, sino que también será una celebración de la música sacra en su conjunto y una oportunidad perfecta para despedir el año con el esplendor y la emoción que solo la música de Bach puede ofrecer.

“Contextos Barrocos”: Una hora antes del concierto, a las 18:30h, tendrá lugar el encuentro sobre el concierto de Navidad de la Netherlands Bach Society en los “Contextos Barrocos” del CNDM, sesiones de cuarenta y cinco minutos, de acceso libre para el público que ha adquirido la entrada al espectáculo, que permiten profundizar en las obras del ciclo, su historia y los intérpretes.

Rigoletto
Crónica de función de Rigoletto, de Verdi, en el Teatro Real el 5 de diciembre de 2023. Don dirección de Nicola Luisotti y Miguel del Arco
Rigoletto, hasta aquí llegó la manada Melodramma en tres actos Música de Giuseppe Verdi (1813-1901) Libreto de Francesco Maria Piave, basado en la obra de teatro de Le roi s’amuse (1832) de Victor Hugo Teatro Real, 5 de diciembre de 2023 D. musical: Nicola Luisotti D. escena: Miguel del Arco Escenografía: Sven Jonke / Ivana Jonke Vestuario: Ana Garay Iluminación: Juan Gómez-Cornejo Coreografía: Luz Arcas D. coro: José Luis Basso Reparto: Javier Camarena, Ludovic Tézier, Adela Zaharia, Simon Lim, Marina Viotti, Cassandre Berthon, Jordan Shanahan, César San Martín, Fabián Lara, Tomeu Bibiloni, Sandra Pastrana, Inés Ballesteros Orquesta y Coro Titulares del Teatro Real Sobre la percutiente y obsesiva nota que protagoniza la dramática obertura de Rigoletto, se produce la primera escena inquietante. Una mujer recorre aterrada el patio de butacas perseguida por una “manada” de hombres hasta que le dan alcance, ya en el escenario. El desenlace de esta escena es de imaginar. La hija de Monterone ha sido violada. Así empieza este Rigoletto navideño y heteropatriarcal en el Teatro Real.No vamos a entrar en la variedad de aristas psicológicas y filosóficas de esta gran obra y de los personajes de una ópera tan conocida. Una obra que oculta, tras la más hermosa de las partituras, una historia y una realidad que sigue siendo terrible y por la que Verdi nos sigue planteando, de manera incómoda, todo tipo de interrogantes.Rigoletto es producto de un encargo que la Fenize de Venecia realizó al maestro Verdi. Éste propone a su libretista, Francesco Maria Piave, que consiga los permisos para poder llevar a escena una adaptación de la obra de teatro Le roi s´amuse (1832), de Victor Hugo, que había sido prohibida nada más ser estrenada, acusada de inmoralidad. Verdi pensaba haber encontrado en esta obra, el tema con mayor potencial dramático de su carrera. Tras múltiples negociaciones con la censura, un inteligente Verdi consiguió llegar a un acuerdo sibilinamente ventajoso, cambiarían los nombres de todos los personajes, que aludían a sagas familiares que aún existían, y retirarían las escenas más escabrosas. Una vez obtenido el permiso, apenas unas semanas antes del obligado estreno, Verdi terminó la obra y fue estrenada el 11 de marzo de 1851 con un éxito arrollador.En esta nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la ABAO Bilbao Ópera, el Teatro de la Maestranza de Sevilla y The Israel Opera, la música y la escenografía no llegan a encontrarse en casi ningún momento de la obra.Miguel del Arco es un gran director teatral, pero aceptar el encargo de su primera ópera, a cargo del Teatro Real, con una de las obras más consagradas del género y 22 funciones durante la navidad, puede ser un regalo envenenado. Verdi es uno de los grandes genios de la teatralidad, capaz de llevar la dramaturgia incluso a la vocalidad. Por eso es tan arriesgado tratar de buscarle las vueltas interpretativas a una ópera que viene de fábrica con todo incluido.Su escenografía es desconcertante, yo diría que un poco desafiante. Con ese ánimo de escandalizar que tienen algunos que se creen eso, con capacidad de escandalizar por poner a todas las figurantes de la obra realizando felaciones. Alguien debería haberle dicho que esas cosas en la ópera ya no son ni originales. El Duque de Mantua es ese persinaje capaz de interpretar las más bellas arias, al tiempo que es el mayor de los canallas. Del Arco profundiza en la parte infame del Duque, de la manera más descarnada. Para ello ha utilizado pocos elementos y muchos figurantes que aparecen distribuidos sobre el escenario, sin aparente criterio, pero con orden. A veces se mueven, a veces ¿bailan? En cualquier caso, las coreografías de Luz Arcas son demasiado simples y faltas de imaginación.El gran lupanar en el que se convierte la escena, está lleno de mujeres presentadas como entes ausentes, desprovistas de identidad y dignidad que deambulan por el escenario. Que solo sirven para distraer durante las arias más representativas de la obra. Si la intención era presentar una ópera feminista o, al menos, de reivindicación de la mujer, el intento es fallido.La parte positiva en esta escenografía, que la tiene, se centra en el uso que hace del telón, tanto al inicio, con una deslumbrante caida, como a lo largo de la obra, en la que los telones delimitan las estancias y alfombran algunas escenas. La combinación de los colores, tanto de los elementos escénicos, diseñados por Sven Jonke e Ivana Jonke, como los del vestuario de Ana Garay, crean por si mismos efectos visuales de gran belleza estética. Otro elemento cautivador es la iluminación de Juan Gómez-Cornejo, capaz de generar distintas atmósferas con gran precisión. A veces una buena iluminación es suficiente para describir o presentar una escena.Menos mal que en esta ocasión, lo más importante ha sido también lo mejor, la música. En el foso, un Luisotti en momento dulce, atento a todo y cuidando a los cantantes, que escénicamente estaban un poco desguarnecidos. Su dirección estuvo llena de detalles, dando continuidad a la música, que en todo momento daba sensación de fluidez y dinamismo.Muy bien también el coro de hombres del Teatro. Los cambios siempre son estimulantes. En la parte vocal hubo una terna algo desigual. El Duque de Mantua estaba interpretado por el tenor Javier Camarena. Ya desde el principio no se le veía muy cómodo. En Questa o quella tenía problemas con el fiatto. Entre volumen o agilidad, se decidió por volumen. Pero la cosa no mejoró con el avance de la obra. Los agudos quedaban un poco justos, pero los graves tampoco eran mejores. Una lástima que Camarena no se haya lucido como en otras ocasiones. Esperemos que su amplio repertorio no le pase factura y volvamos a escuchar el magnífico instrumento que tiene. El francés Ludovic Tézier dio vida a un notable Rigoletto. Con buena presencia escénica, aunque sin joroba y con pantalones al inicio de la obra, no con corpiño y medias como marcaba la escenografía, que uno tiene su dignidad. Se mostró algo frío en la interpretación, no así en la parte vocal, matizando y dramatizando vocalmente. No es Leo Nucci, pero convenció al público con su buen hacer. Tuvo uno de sus mejores momentos en el dúo con Gilda y en Vendetta. Bien en el fraseo y en lo más complejo del personaje, el legatto y las tesituras altas.Pero sin duda la más aplaudida de la noche fue la soprano rumana Adela Zaharia. Su Gilda fue excelente. Llena de dramatismo, pero sin el remilgo de otras intérpretes. Con agudos limpios y un registro central poderoso y delicado a la vez. Su Caro nome, de una bellísima factura, fue muy celebrado por el público. En la parte escénica también brilló, ofreciendo una Gilda con la candidez justa. El surcoreano Simon Lim resultó un Sparafucile muy creíble, con todo lo siniestro que puede llegar a ser este personaje. Muy bien en lo vocal, dramático y profundo y generando inquietud cada vez que salía a escena.La mezzosoprano suiza Marina Viotti estuvo magnífica en el breve, pero importante papel de Maddalena. Su presencia escénica, aumentada por unas impresionantes plataformas, y su imponente voz, otorgaron carácter y personalidad a este personaje un tanto frívolo.Rigoletto siempre es un regalo, en este caso, de Navidad. La partitura de Verdi y la dirección musical de Nicola Luisotti nos devuelven a la magia de la ópera.Texto: Paloma Sanz Fotografías © Javier del Real | Teatro Real
El Yiyo

Flamenco Real despedirá el año con una propuesta alegre, vital, llena de emoción y esperanza, cargada de baile y, sobre todo, de celebración, porque así ha querido hacerlo El Yiyo, los días 13, 14 y 15 de diciembre, a las 19.00 horas, en el Salón de Baile del Teatro Real, con Jubileo.

El joven bailaor, referente de su generación, regresa al tablao del Real para presentar un espectáculo abierto al mundo, a las sensaciones que despiertan los sentidos, a la necesidad de compartir, a las ganas de vivir y festejar. Como una reunión improvisada de familia en la que se canta y baila, porque El Yiyo es parte de los suyos, pero también de los que le acompañan, de los trabajan con él, del público que asiste a sus espectáculos. Quiere empezar y seguir hasta donde nos lleve la fiesta.

Le acompañan en esta ocasión las voces de Carmen Amador y Joaquín Gómez “El Duende”, la percusión de José Córdoba “El Moskito” y la guitarra de Adán Pérez.

Dotado de unas extraordinarias cualidades para el baile y con una personalidad y estilo propios, el Yiyo se ha convertido en el intérprete flamenco más demandado por los tablaos de referencia y también por los grandes teatros, donde ha compartido escenario con nombres del cante como Estrella Morente, Pitingo o Miguel Poveda, por citar algunas .

Su arte bebe de las fuentes de la danza clásica, contemporánea y de las raíces flamencas con las que se ha criado y desarrollado, creando una amalgama original y depurada capaz de seducir a los puristas del flamenco, a los aficionados y al mundo de la moda, nacional e internacional, que ha encontrado en él una seductora imagen racial.

El Yiyo, y con él, Jubileo y los artistas que le acompañan, serán los protagonistas de la cena benéfica que cada Navidad se celebra en el Teatro Real con el fin de recaudar fondos para alguno de los objetivos recogidos en su Plan Estratégico 2021-2026. En esta ocasión, las donaciones estarán destinadas a la internacionalización del flamenco, proyecto por el que el Teatro está apostando con decisión y que, bajo la denominación Authentic Flameco, ha llevado este arte universal a más de 15 países de América, Europa, Oriente Medio, Asia y Oceanía, con una extraordinaria acogida del público en todas las ciudades donde ha estado presente.

La autenticidad y pureza de este arte, su energía racial, su expresión, su capacidad de adaptación y su belleza, dotan al flamenco de una magia capaz de sensibilizar y alcanzar el corazón de audiencias con culturas muy distintas, porque apela a sentimientos atávicos y sacude la raíz misma del ser humano. Por esa razón el flamenco es Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad y por esa razón, el Teatro Real, quiere dar un nuevo impulso que lo acerque a las nuevas generaciones.

JUAN DE DIOS MATEOS

La Deutsche Oper de Berlín presenta una nueva y emocionante producción de “El barbero de Sevilla” de Gioachino Rossini, bajo la dirección de Katharina Thalbach. Este absoluto clásico de la ópera buffa mundialmente conocido por su historia de amor tempestuosa entre el Conde Almaviva y Rosina, contará con la destacada interpretación de Juan de Dios Mateos en el papel protagonista.

Juan de Dios Mateos, quien ya brilló en esta producción durante la Navidad de 2021, compartirá escenario con otros talentosos artistas ‘rossinianos’ como Misha Kiria y Mattia Olivieri, Cecilia Molinari y Vasilisa Berzhanskya bajo la batuta de Lorenzo Passerini. En palabras de Mateos: “Es un honor regresar a esta producción especialmente en la prestigiosa Deutsche Oper de Berlín que considero mi segunda casa en Europa”.

El Conde Almaviva es un rol que Juan de Dios Mateos ha interpretado con éxito en varios teatros europeos, destaca por su complejidad artística “a parte de la amplia tesitura (incluyendo varios de los famosos Do de pecho que me permito añadir), hay que tener un buen legato, una coloratura bien asentada y dotes actorales que aúnen desde lo más apasionado del personaje a la parte más descarada y cómica.” añade el tenor.

“El rol del Conde Almaviva es uno de mis favoritos, lo he interpretado en Austria, Italia, Alemania y Noruega. Lamentablemente una oportunidad en el Cervantes de Málaga se truncó por la pandemia. Pero ahora, con entusiasmo, lo vuelvo a abrazar en la Deustche Oper de Berlín”.

La Deutsche Oper de Berlín es reconocida mundialmente como uno de los mejores teatros de Europa, acoge al tenor con gratitud y aprecio. “A pesar del imponente tamaño, siento que mi voz corre hasta la última butaca y siempre disfruto muchísimo de cada actuación”.

Esta producción, parte del repertorio clásico del teatro y ofrece una oportunidad única de revivir la genialidad de Rossini. Juan de Dios Mateos, apasionado del compositor, espera seguir interpretando su música por muchos años más demostrando así su versatilidad y virtuosismo. “Y es que este rol permite precisamente eso. Enseñar todas mis facetas, pero especialmente la cómica sin dejar de lado el ‘buen cantar’. No es hacer el payaso en escena, es precisamente en los gestos sutiles donde yo encuentro que se puede transmitir con más ahínco la genialidad de Rossini”.

Las funciones están programadas para los días 28 y 31 de diciembre de 2023. Los amantes de la ópera de Berlín (y del resto de Europa) están invitados a disfrutar de esta maravillosa producción que promete combinar virtuosismo vocal, expresividad actoral y la brillante comedia de Rossini.

Juan de Dios Mateos

El tenor tuvo un gran éxito en Madrid este octubre de 2023 con su debut en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, como primer papel en el estreno absoluto de la nueva ópera de El Caballero de Olmedo. La obra estaba dirigida por Lluís Pasqual a partir del libreto de Lope de Vega, con una música compuesta por Arturo Díez Boscovich y bajo la dirección musical de Guillermo García Calvo y escenografía de Daniel Bianco. En noviembre representó otra gran opera de Rossini en el Teatro Municipal de Santiago (Ópera Nacional de Chile) fue ‘El viaje de Reims’ interpretando el rol del Conte di Libenskof, papel con el que el cantante debutó en la prestigiosa Deutsche Oper Berlin. La puesta en escena estuvo a cargo de Emilio Sagi. Juan de Dios Mateos es un nombre destacado dentro de las nuevas voces operísticas a nivel global. Desde su debut en 2009, cuenta con un exitoso recorrido por teatros de todo el mundo.

Ha cantado en la Ópera de París, la Deutsche Oper Berlin, la Ópera de Sidney o el Teatro de Santiago de Chile, entre otros. En España, ha actuado en escenarios como el Gran Teatre del Liceu o el teatro Campoamor de Oviedo. Recientemente, ha debutado en el Teatro Cervantes de Málaga, con Carmina Burana.

Entre los papeles que ha interpretado, destacan Lindoro en La Italiana en Argel; el Conde de Almaviva en El barbero de Sevilla de Rossini; roles mozartianos como Ferrando en Così fan tutte y Don Ottavio en Don Giovanni; Nemorino en El elixir de amor de Donizetti; o Mercure en Les Fêtes d’Hébé de Rameau, entre otros.

Ha recibido varios premios, como el Plácido Domingo al mejor cantante español o el de la Fundación Ferrer-Salat en el 56º Concurso Internacional Tenor Viñas. En 2021 obtuvo galardones del Teatro Real, Teatro de la Zarzuela, Teatro de la Maestranza y ABAO Bilbao, entre otros. En 2023, ganó el Premio del Público en el Concurso Internacional de Lousada. Su formación incluye canto con Coral Morales y Carlos Aransay, y masterclasses con artistas como Raina Kabaivanska, Roberto Scandiuzzi, Jaume Aragall, etc.

Azahar Ensemble

El reconocido quinteto de viento regresa a España los días 12, 14 y 16 de diciembre con nueva Tournée en Madrid y Barcelona, y una variada selección de obras del género camerístico en atriles.

Tras su reciente actuación en el  emblemático Schloss Hohenrain de Lucerna (Suiza) junto al chelista Florian Arnicans, el Azahar Ensemble ha elegido Madrid como punto de partida de su gira española. El CaixaForum, en pleno Paseo del Prado de la capital, acogerá el próximo 12 de diciembre el primer concierto del conocido quinteto de viento. En programa, la Serenata en Do menor KV 388 de Mozart (1756 -1791) en arreglo de David Walter, las Variaciones sobre temas de Joaquín Turina de José Luis Turina (1952), incluidas en su disco “Turina x Turina”, Humoreske, una de las últimas obras del compositor vienés Alexander von Zemlinsky (1872-1942), y las cinco Danses profanes et sacrées  del compositor francés Henri Tomasi (1901-1971). El siguiente concierto de la gira española del Azahar Ensemble será el 14 de diciembre en L’Atlàntida, el complejo cultural situado en Vic. Además de la Serenata de Mozart, la formación interpretará Zehn Stücke für Bläserquintett de Ligeti (1923-2006), en los que el compositor explora las posibilidades tímbricas de los instrumentos. Además, tocarán el Quinteto de viento de Robert Gerhard (1896-1970), la primera de las obras del compositor catalán en la que emplea la técnica serial, y en la que se aprecia una clara influencia de Schoenberg, y Kleine Kammermusik, op. 24, nº 2, del compositor alemán Paul Hindemith (1895-1963).

El 16 de diciembre, L’Auditori de Barcelona será el escenario de la tercera y última cita de esta gira española del Azahar Ensemble, que volverá a interpretar las mencionadas obras de Gerhard, Hindemith y Ligeti para el público de la ciudad condal. Cabe señalar también que los conciertos de Vic y Barcelona serán grabados por Catalunya Música y Radio Nacional de España (RNE), respectivamente.

Fundado hace más de una década por cinco extraordinarios músicos de la JONDE, que actualmente ocupan los primeros atriles de orquestas tan prestigiosas como la Philharmonia Zürich o la Orquesta de la Komische Oper de Berlín, entre otras, el quinteto de viento Azahar Ensemble se ha consolidado como una de las formaciones camerísticas con más proyección del circuito europeo actual, actuando regularmente en festivales y salas de concierto de renombre como la Musikverein de Viena, la Philharmonie de Berlín, el Auditorio Nacional de Madrid, el Palau de la Música de Barcelona, el Prinzregententheater de Munich o el Mozarteum de Salzburgo, entre otros, con el reconocimiento unánime de la crítica especializada, que ha aplaudido su perfección técnica, el diálogo musical entre los distintos instrumentos del conjunto, su transparencia y rigurosidad tímbrica. Entre sus compromisos más inmediatos, cabe destacar su regreso a la Elbphilharmonie de Hamburgo el próximo mes de febrero, con obras de Mozart, Tomasi, Ursina Marina Braun y Carl Nielsen.

Erika Baikoff

El lied alemán y la canción rusa convergen en la nueva cita del XXX Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela, en un recital que estará protagonizado por la soprano Erika Baikoff y el pianista Soohong Park. Ambos artistas debutan en el ciclo con un programa que rinde homenaje a las raíces de Baikoff, estadounidense de origen ruso considerada como una de las voces más prometedoras del momento. El concierto tendrá lugar el lunes 11 de diciembre, a las 20:00 horas, en el Teatro de la Zarzuela.

La primera parte de este recital incluye una selección de canciones de grandes compositores como Franz Schubert, Robert y Clara Schumann, y Erich Wolfgang Korngold; este último un autor que rara vez suele aparecer en el ciclo y cuya música hará las delicias del público. Tras una sucesión de piezas que miran hacia Oriente para ahondar en las raíces del Romanticismo, le tocará el turno a compositores cuya presencia en el concierto recordará la ascendencia rusa de la soprano: Nikolái Rimski Kórsakov, Serguéi Prokófiev y Serguéi Rachmaninov.

Discípula de maestros como Rudolf Piernay, la joven cantante Erika Baikoff es una de las grandes promesas de la lírica. Elogiada por la crítica por su perfecto dominio del espacio escénico, su fluida voz y su gran capacidad para expresar emociones, Baikoff ha sido galardonada con premios internacionales y también ha interpretado grandes papeles operísticos, como Juliet en Romeo and Juliet de Boris Blacher y Anna en Nabucco de Verdi. En esta ocasión, se subirá a las tablas del Teatro de la Zarzuela en el 30º aniversario del Ciclo de Lied con otra estrella del género, Soohong Park, uno de los pianistas más demandados de la actualidad y que ha actuado en grandes escenarios como el Wigmore Hall, el Barbican Centre o el Carnegie Hall.

De la canción alemana a la canción rusa

El programa se abrirá con tres piezas de Franz Schubert, el maestro indiscutible del lied, con emotivas canciones que evocan el esperado encuentro y la tristeza de las despedidas. Entre ellas, Baikoff interpretará Suleika I, D 720, considerada por Johannes Brahms como “el lied más hermoso jamás escrito”. Seguidamente, se intercalarán varias canciones de Robert y Clara Schumann, cargadas de un gran lirismo y del amor que sentían el uno por el otro, como Sie liebten sich beide, compuesto por Clara como regalo de cumpleaños para Robert. El primer bloque lo finalizarán tres obras de Drei Lieder, ciclo del austríaco Erich Wolfgang Korngold, entre ellas el elegante y exquisito Was du mir bist?.

La segunda parte del programa estará protagonizada por tres grandes autores rusos. De Nikolái Rimski-Kórsakov, conocido por grandes composiciones orquestales como la exótica y famosísima Scheherezade, se escucharán la melancólica Sé por qué en estas costas y la imaginativa Anoche durante tanto tiempo no pude dormir. Por su parte, la obra El patito feo de Serguéi Prokófiev ofrecerá al público la oportunidad de sumergirse en la popular fábula universal. El broche de oro lo pondrán obras maestras de Serguéi Rachmaninov, con piezas como No cantes más, belleza, que presenta rasgos que recuerdan a las óperas de Borodin, o la inquietante Estas noches de verano.

Maria Stuarda

El Palau de les Arts Reina Sofía prosigue con su nueva producción de la Trilogía Tudor de Gaetano Donizetti con el estreno de la ‘Maria Stuarda’ este domingo, 10 de diciembre en la Sala Principal. El director artístico de Les Arts, Jesús Iglesias Noriega, ha presentado hoy esta segunda entrega del proyecto, realizado en coproducción con la Dutch National Opera de Ámsterdan y el Teatro San Carlo de Nápoles, que se centra en uno de los “personajes históricos más controvertidos y fascinantes de su época: una mujer envuelta en cambios políticos, sociales y religiosos que marcarían un nuevo curso de la historia de Europa”.

En la rueda de prensa, le han acompañado Maurizio Benini, director musical, Jean-François Kessler, director de escena de la reposición del montaje; y la soprano Eleonora Buratto, protagonista de la obra.

Jesús Iglesias Noriega ha destacado que ‘Maria Stuarda’ supone uno de los títulos imprescindibles para los amantes del ‘bel canto’ no solo por la belleza y exigencias vocales de su partitura, además de la fuerza de su dramaturgia: “un triángulo amoroso, dos reinas enfrentadas por un trono y un hombre”.

En su intervención, Iglesias Noriega he recordado la excelente acogida de ‘Anna Bolena’ en 2022, que inició “el primer gran proyecto operístico de Les Arts’ en esta nueva etapa” y que concluirá en la Temporada 2024-2025 con el estreno de ‘Roberto Devereux’.

“La Trilogía Tudor de Les Arts supone una ambiciosa y también meditada apuesta artística”, ha explicado, para la que se ha conformado un equipo artístico y musical de referencia dentro del panorama operístico actual”.

Maurizio Benini, uno de los más reputados expertos en belcanto, asume la dirección musical de los tres títulos en València. Invitado habitual de los teatros de ópera más prestigiosos, entre ellos Metropolitan de Nueva York, Ópera de París, Staatsoper de Viena, Covent Garden de Londres, recibió excelentes críticas por su trabajo con el Cor de la Generalita y la Orquestra de la Comunitat Valenciana la pasada temporada.

Lilian Stillwell, que concluirá con el estreno del último de los títulos de la trilogía, ‘Roberto Devereux’. Esta segunda entrega de la Trilogía enfrenta a Isabel I, reina de Inglaterra, y a María Estuardo, reina exiliada de Escocia, en una lucha encarnizada que tiene tanto que ver con el poder como con el amor y la rectitud moral.

La directora holandesa propone en ’Maria Stuarda’ un montaje menos realista que ‘Anna Bolena’, en el que ahondará más en los miedos, las pesadillas y las obsesiones de los personajes. Mijnssen considera crucial el papel de Elisabetta (Reina Isabel), además del de Maria. Su objetivo es presentar a ambas mujeres como personajes complejos y con múltiples capas.

Después de sus aplaudidas intervenciones en ‘Anna Bolena’, repiten en ‘Maria Stuarda’, la soprano Elenora Buratto, en el papel protagonista, la mezzosoprano Silvia Tro Santafé y el tenor Ismael Jordi.

Buratto, que debutará en València los tres roles protagonistas de la Trilogía, aborda en esta ocasión una de las partituras para soprano más temidas, que hasta la fecha han inmortalizado las grandes divas del género. Silvia Tro Santafé encarna en Les Arts a Elisabetta (Reina Isabel) uno de sus papeles de referencia en su repertorio, por el que ha recibido excelentes críticas. Mientras que Ismael Jordi, que ganó el Premio Talía por su intervención en Les Arts en ‘Anna Bolena’, repetirá en el rol de Leicester en València, después de su éxito en el estreno de esta coproducción en la Dutch National Opera.

‘Maria Stuarda’ supone también el regreso a Les Arts del emergente bajo alicantino Manuel Fuentes (Giorgio Talbot), que debutó en Valencia en ‘La Bohème’ en 2022, y el ascendente barítono Carles Pachon, que tras su celebrado Dandini en ‘La Cenerentola’ cantará el rol de Lord Guglielmo Cecil.

Cierra el elenco Laura Orueta (Anna Kennedy), antigua alumna del Centre de Perfeccionament. ‘Maria Stuarda’ se estrena el domingo, 10 de diciembre, a las 18.00 h. Las restantes representaciones tendrán lugar los días 13, 16, 19 y 22 de este mismo mes.

Fotografía © Miguel Lorenzo-Les Arts

EL MURCIELAGO

A punto de cumplirse 150 años de su estreno en Viena, podrá escucharse por primera vez en el Teatro Real El murciélago (Die Fledermaus) opereta de Johann Strauss hijo (1825-1899), llena de humor refinado, ironía, trama desenfadada y una elegancia musical que consagraron el título desde el momento de su estreno.

Su libreto, lleno de enredos amorosos y cambios de identidades que suceden en una fiesta de disfraces, con un baile inolvidable y un optimismo desbordante, han hecho de El murciélago un clásico en la programación navideñas de los teatros líricos, especialmente en Austria y Alemania. Ahora, por fortuna, se une a esta tradición centroeuropea dando a conocer la obra de Johan Strauss.

La alegría y la frivolidad de esta opereta vienesa están sustentadas en una partitura de enorme musicalidad y una exigencia vocal compleja, que la elevan por encima de su género. El reto, y el disfrute, de interpretarla estarán en manos del director de orquesta Marc Minkowski, al frente de su formación Les Musiciens du Louvre y  de un reparto coral que contará, en los papeles principales con Huw Montague Rendall (Gabriel von Eisenstein), Jacquelyn Stucker (Rosalinde), Marina Viotti (Príncipe Orlofsky), Magnus Dietrich (Alfred), Leon Košavić (Dr. Falke), Krešimir Špicer (Dr. Blind), Alina Wunderlin (Adele), Sandrine Buendía (Ida) y Sunnyi Melles (Frosch).

Completa el elenco artístico el Cor de Cambra del Palau de la Música Catalana, dirigido por Xavier Puig.

MaribelOrtega©nanigutierrez

La soprano jerezana Maribel Ortega será una de las destacadas protagonistas de dos noches excepcionales dedicadas a la música clásica, el jueves 14 y el viernes 15 de diciembre en Teatro Cervantes de Málaga. Bajo la dirección de José María Moreno, la velada se centrará en la interpretación de la segunda sinfonía en Si bemol mayor OP.52, ‘Lobgesang’ de Felix Mendelssohn, una obra compuesta en su origen para conmemorar el cuarto centenario de la invención de la imprenta y que actualmente es muy rara vez interpretada. Se estrenó en el año 1840 en Alemania y ahora llega a Málaga con un elenco estelar que cuenta con la participación de Marina Pinchuk como segunda soprano, el tenor José Bros, la coral Cármina Nova dirigida por Michele Paccagnella y la orquesta filarmónica de Málaga.

“Estoy muy contenta e ilusionada de volver a cantar en Málaga después de casi cinco años” aseguraba la cantante “esta obra maravillosa es un Canto de alabanza y de alegría. Participar en este concierto sinfónico supone un reencuentro con la música de Mendelssohn, con la Orquesta Filarmónica de Málaga y con el maestro José María Moreno, con quien ya he trabajado en otras ocasiones y con el que siempre es un placer hacer música.”

Maribel Ortega, reconocida por su virtuosismo lírico, asume el papel de Soprano 1 en una interpretación que promete transportar al público a través de los diversos movimientos de esta obra maestra que va desde la majestuosidad hasta la más absoluta solemnidad. La combinación de su talento junto al de otras destacadas voces y la dirección experta de José María Moreno aseguran una experiencia musical inolvidable.

La composición de Mendelssohn presenta una estructura similar a la novena sinfonía de Beethoven, tiene tres movimientos instrumentales seguidos de una sección coral. El compositor dotó a esta sinfonía de una complejidad melódica única utilizando variaciones y motivos recurrentes que revelan su habilidad como compositor.

Las funciones comenzarán a las 20:00 horas brindando a los amantes de la música clásica una oportunidad única de sumergirse en la majestuosidad de la obra de Mendelssohn. Las entradas ya están disponibles en las taquillas del teatro cervantes de málaga y en su página web.

Maribel Ortega

La soprano lírico-spinto Maribel Ortega es una rara avis en el paisaje lírico español de hoy. Su talento para el registro dramático no es habitual dentro de nuestras fronteras y la acerca a roles de la ópera alemana, nórdica y del este de Europa. Por eso ha interpretado la mayoría de los roles protagonistas del repertorio lírico dramático, tanto en España como en el extranjero.

Natural de Jerez de la Frontera (Cádiz), Ortega se tituló en Canto por la Guildhall School of Music and Drama de Londres y en el Conservatorio Superior de Música del Liceu con Enriqueta Tarrés. Desde entonces se ha perfeccionado con Cynthia Sanner, profesora de la Juilliard School y Carlos Aransay. Además, la soprano tiene una pasión oculta, la enología, ya que es licenciada en Ciencias Químicas, con especialización en Enología y Fermentaciones Industriales.

Desde su debut en el papel principal de Norma en la Ópera de Cataluña (2006), destacan sus colaboraciones con el Gran Teatro del Liceo, la Ópera de Oviedo, el Teatro São Pedro de Brasil, el Palau de Les Arts o el Teatro alla Scala bajo la dirección musical de Valery Gergiev y Pier Giorgio Morandi, entre otros, en roles principales de obras como Turandot, Macbeth, Madama Butterfly o Die Walküre.

Ha ganado numerosos concursos líricos y becas como la “Rosa Maria Tarruel”, el Otoño Lírico Jerezano, “Mirabent i Magrans”, “Germans Pla”, “Ciudad de Zamora”, “Jaume Aragall”, ha recibido el premio Cantante Revelación de la crítica de los Amics del Liceu por su Lady Macbeth (2006, Sabadell) y Mejor voz femenina de los Amigos del Teatre Principal de Palma por Nabucco (2016, Palma). MaribelOrtega©nanigutierrez

Segunda Sinfonía en Si bemol mayor Op.52, ‘Lobgesang’

Soprano 1 Maribel Ortega

Soprano 2 Marina Pinchuk

Tenor José Bros

Coral Cármina Nova

Director Michele Paccagnella

Orquesta filarmónica de Málaga

 

Localidad: MÁLAGA

Lugar: TEATRO CERVANTES

Horario: 20.00 HORAS.

Fecha: 14 y 15/12/2023.

 

Camille Thomas

Los próximos días 7 y 8 de diciembre, la famosa chelista franco-belga Camille Thomas actuará por primera vez en Sevilla como solista invitada de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, en los conciertos que ofrecerá la formación andaluza en el Teatro de la Maestranza, bajo el título La belle époque. En su debut con la ROSS, Camille Thomas interpretará el Concierto para violonchelo y orquesta en Re menor de Édouard Lalo (1823-1892), una de las obras más conocidas del compositor francés junto a la Sinfonía española, bajo la dirección de Marc Soustrot, que ha diseñado una velada muy francesa, en la que sonarán también obras de Berlioz, Lili Boulanger y Arthur Honegger.

Considerada como una de las chelistas más destacadas del actual panorama musical internacional, Camille Thomas ya ha interpretado el concierto para chelo de Lalo junto a la Accademia Nazionale di Santa Cecilia de Roma y Mikko Franck en el Festspielhaus Bregenz (Austria), y con la Tampere Philharmonic Orchestra dirigida por el propio de Marc Soustrot en el Tampere Hall (Finlandia), entre otras ciudades, pero se siente especialmente ilusionada de interpretar esta obra en la capital hispalense: “El concierto de Lalo raramente se interpreta y creo que es una pena porque es una verdadera obra maestra y es fantástico poder tocarla en Sevilla. Además, es una obra muy especial para mí porque se estrenó en París en el siglo XIX, pero está dedicada a un chelista belga, y yo nací en París de padres belgas, así que, en cierto sentido, está muy cercana a mí… De todas formas, para mí, es una obra totalmente española porque, aunque tenga esa nostalgia y melancolía, también tiene danza, como en el último movimiento, que parece fire dancing… De hecho, cada vez que toco esta obra, siempre pienso en Sevilla y en Andalucía”.

Camille Thomas es artista de Deutsche Grammophon desde 2017, año en el que se convirtió en la primera chelista en más de cuarenta años en firmar un contrato en exclusiva con el prestigioso sello amarillo. Y su último proyecto discográfico con DG, la trilogía The Chopin Project en la que han participado, entre otros, el chelista Wolfgang Emanuel Schmidt, el violinista Daniel Hope, los pianistas Julien Brocal, Julien Libeer y Lucas Debargue, o la conocida cantante y actriz Jane Birkin, alcanzó la cifra de 10 million streams.

El próximo mes de enero, Camille Thomas regresará a España para debutar con la Orquesta Sinfónica RTVE, con la que interpretará la première madrileña de Never Give Up, el concierto para violonchelo y orquesta, que el compositor y pianista turco Fazil Say compuso expresamente para ella.

Fotografía (C) Edouard Brane

XII Festival Internacional de Música de Cámara Fundación MonteLeón

Del 4 al 8 de diciembre, el Auditorio Ciudad de León acogerá una nueva edición del Festival Internacional de Música de Cámara “Fundación MonteLeón”, en la que participarán destacados intérpretes nacionales e internacionales de la conocida como chamber music, musique de chambre, Kammermusik o musica da camera.

Como marcan los cánones del festival leonés, el concierto inaugural correrá a cargo de un grupo invitado consagrado de renombre internacional, que en esta ocasión será el famoso Ensemble Diderot, uno de los conjuntos de cámara con instrumentos de época más destacados y con más premios discográficos del circuito actual internacional. Fundado y dirigido por el violinista Johannes Pramsohler y con sede en París, el Ensemble Diderot llegará el 4 de diciembre a León en plena celebración del quince aniversario de su fundación, tras actuar recientemente en el prestigioso Festival Bach Montréal. En programa, Sonatas para tres violines de Gabrieli, Schmelzer, Buonamente, Fontana, Fux, Purcell y Torelli, entre otros.

El día 5 de diciembre, será el turno del repertorio para piano trio (violín, chelo y piano) con el Tempus Trío, ganador de numerosos concursos internacionales y grupo residente del ciclo de conciertos del Palacio de Mirabell de Salzburgo, ciudad en la que actualmente prosigue su formación en música de cámara en la Universidad Mozarteum. Integrado por María Tió (violín), Ferran Bardolet (chelo) y Ricard Rovirosa (piano), el Tempus Trío interpretará obras de Mozart, Schubert y Mendelssohn. Al día siguiente, el miércoles 6 de diciembre, el dúo formado por la soprano Mireia Tarragó y la pianista Carmen Santamaría ofrecerán una auténtica Liederabend, con una selección de conocidas obras de Hugo Wolf (Italienisches Liederbuch), Gustav Mahler (Des Knaben Wunderhorn) y Alma Mahler (Fünf Lieder). Además, interpretarán también chansons de Debussy, songs de Rebecca Clarke y canciones de Antón García Abril.

El jueves 7 de diciembre, la violinista Alma Olite y el pianista Jorge Nava tocarán Sonatas para violín y piano de Alicia de Larrocha, Poulenc y César Franck. Alma Olite cuenta con una amplia formación en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid y la Zürcher Hochschule der Künste de Suiza. Por su parte, Jorge Nava se formó en La Paz, Barcelona y Londres, y ha sido ganador de más de una veintena de concursos.

El trío formado por Pablo Barragán, clarinetista español afincado en Berlín, la violinista holandesa Noa Wildschut y el pianista alemán Frank Dupree será el encargado de clausurar la edición de este año, con obras de Bartók, Joseph Horowitz, Claude Vivier y Paul Schoenfield en atriles. Invitado en festivales de música de cámara como Classiche Forme o el Festival Martha Argerich, entre otros, Barragán ha actuado con artistas como Beatrice Rana, Pablo Ferrández o Kian Soltani. La violinista Noa Wildschut, considerada una auténtica “niña prodigio”, es artista exclusiva de Warner Classics y ha compartido escenario con figuras de la talla de Anne-Sophie Mutter, Janine Jansen y Menahem Pressler. El pianista Frank Dupree, ganador del Premio Opus Klassik 2018, ha trabajado con compositores como Péter Eötvos y Wolfgang Rihm, y ha actuado en salas de concierto de renombre internacional como el Wigmore Hall londinense o el Konzerthaus de Berlín.

La Sylphide

El director artístico de la Compañía Nacional de Danza, Joaquín De Luz, junto a la maestra de ballet Petrusjka Broholm y la directora del Teatro de la Zarzuela, Isamay Benavente, han presentado esta mañana el último montaje de la CND, el ballet La Sylphide, que podrá verse en este teatro del 7 al 17 de diciembre en 10 únicas funciones.

Tras el éxito estival de los programas América y Europa, la compañía dirigida por Joaquín De Luz vuelve al Teatro de la Zarzuela para estrenar el montaje de este ballet romántico en dos actos. Para su puesta en escena la CND ha contado con la reputada maestra de ballet danesa Petrusjka Broholm. Nombres tan conocidos como los de Elisa Sanz en la escenografía, Tania Bakunova en el diseño de vestuario y Nicolás Fischtel en el diseño de iluminación avalan igualmente esta producción.

La música de Herman Severin Løvenskiold será interpretada en directo por la ORCAM, orquesta titular del Teatro de la Zarzuela bajo la dirección de los maestros Daniel Capps y Tara Simoncic.

Seis elencos de bailarines llevarán al escenario del Teatro de la Zarzuela entre el 7 y el 17 de diciembre la historia de amor imposible de James y la Sylphide. Entre ellos se encuentra Joaquín De Luz, director de la CND que interpretará el papel de James el día 13 de diciembre.

Todas las funciones de La Sylphide en el Teatro de la Zarzuela están incluidas en el programa joven del INAEM y en el Bono Cultural del Ministerio de Cultura y han contado con el patrocinio y colaboración del Hotel Mandarín Oriental Ritz Madrid.

La producción viajará posteriormente a Sevilla, donde se representará del 11 al 13 de enero de 2024 en el Teatro de la Maestranza.

«La Sílfide», ballet en dos actos fue originalmente creada con coreografía de Filippo Taglioni y música de Jean Schneitzhoeffer, basada en el libreto de Adolphe Nourrit, y se estrenó en 1832 en la Ópera de París. En 1836 August Bournonville creó una nueva coreografía con nueva música de Herman Løvenskiold sobre el mismo libreto para el Teatro Real de Copenhague. Esta segunda versión es la que se encuentra en el repertorio de las mejores compañías del mundo. Con esta obra se alcanza la idealización del ballet romántico a través de la etérea sílfide, símbolo del amor inalcanzable.

Sinopsis: Cuando la sílfide conoce a James, el granjero escocés y se adentra con él en el mundo de la belleza, un amor eterno comienza. Desafortunadamente para ellos, la bruja y adivina Madge ha jurado venganza contra James después de que él la rechazara. Una maldad horrible que llevará a trágicas consecuencias a los jóvenes amantes.

Funciones y horarios:7, 8, 9, 10, 12, 13, 14, 15, 16 y 17 de diciembre de 2023 · 20:00 h
(Domingos 18:00 h)

Il ritorno d’Ulisse en patria

El próximo lunes, 4 de diciembre, el Teatro Real acogerá una única representación de Il ritorno d’Ulisse en patria, obra clave de Claudio Monteverdi que estará interpretada por la formación barroca I Gemelli,  con su fundador y director, Emiliano González Toro, al frente de la dirección musical y dando vida al papel protagonista, Ulises.

Un reparto de voces especializadas en repertorio barroco –David Hansen, Fleur Barron, Matilde Etienne, Emoke Barát, Álvaro Zambrano y Christian Immler, entre otros- afrontará la delicada lectura de una partitura a la que I Gemelli y González Toro han dedicado años de estudio, ensayos, trabajo, análisis y pasión, para sacar adelante un proyecto cuya grabación ha recibido importantes reconocimientos internacionales.

Estrenada en Venecia en 1640, en el Teatro San Casiano, Il ritorno.. se convierte en una  obra importantísima en la producción de Monteverdi, ya que tanto el planteamiento orquestal como la estructura dramática de la obra suponen una evolución respecto a L’Orfeo, compuesta 33 años antes. En el aspecto musical hay una reducción ornamental en la orquesta y un mayor protagonismo de la palabra; texto y música alcanzan en esta obra una situación de igualdad que la hace moderna y anticipa el futuro de la ópera.

El sentido dramatúrgico y teatral tienen en Il ritono .. una importancia primordial. Aquí los personajes miran hacia dentro y reflexionan sobre las preguntas eternas (vida, amor, muerte, tiempo..). Con libreto de Giacomo Badoaro, basado en la Odisea de Homero y el mito de Ulises, hombres y dioses dialogan bajo el espíritu del Renacimiento sobre el hombre como medida del Universo.

ACTIVIDADES PARALELAS

MUSEO DEL ROMANTICISMO

VISITA-TALLER INFANTIL

Cuenta la leyenda

Las leyendas y los mitos son historias que muestran costumbres y tradiciones, y cuyos protagonistas, héroes y heroínas, dioses y diosas, realizan hazañas asombrosas. En esta visita-taller para niños entre 6 y 12 años, y con una duración de dos horas, nos centramos en algunos personajes sobrenaturales y mitológicos que pueblan el museo.

15 de diciembre. 17.00 h

16 de diciembre. 11.00 h
Actividad gratuita hasta completar aforo previa inscripción en su web

MUSEO DE HISTORIA DE MADRID

EXPOSICIÓN

El mayor encanto, amor

En el estanque del Retiro hubo una isleta con árboles, caminos y pequeñas construcciones, donde se estrenó en 1635 el auto sacramental de Calderón de la Barca titulado El mayor encanto, amor. El público que acuda al Museo podrá ver en la exposición permanente una maqueta del escenario de aquella representación que narraba un episodio de la Odisea, en el que los marineros del barco de Ulises son convertidos en cerdos por la maga Circe.

Gratuito para los visitantes del museo

MUSEO NAVAL

TEATRO DE SOMBRAS

El regreso de Ulises

Las pérfidas sirenas, el cíclope Polifemo o la maga Circe que se encontró Ulises en su vuelta a Ítaca por el Mediterráneo son algunos de los personajes de la Odisea de Homero y que ahora el museo presenta a través de una única función de teatro de sombras chinas para niños entre 5 y 12 años.

3 de diciembre. 17.00 h

Actividad gratuita hasta completar aforo previa inscripción en este enlace

MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE MADRID

VISITA GUIADA

La distancia entre A y B es la misma que entre B y A

A través de las creaciones de diferentes generaciones de artistas, se hará un recorrido por las obras de la exposición, hilando las conexiones entre las piezas mostradas y la ópera de Monteverdi. Pintura, escultura, fotografía y textil se unen para dar vida a la propuesta.

20 de diciembre. 18.00 h

Actividad gratuita hasta completar aforo previa inscripción

Eleonora Buratto

La agenda de Eleonora Buratto, salpicada de grandes personajes en los mejores teatros del mundo, recala este mes de diciembre en España para afrontar otro reto en su carrera: debutar el personaje protagonista de Maria Stuarda en el Palau de Les Arts de Valencia. La soprano nacida en Mantua continua esta temporada interpretando la Trilogía Tudor al completo que Donizetti compuso en torno a la figura de la dinastía británica; se trata de un proyecto del teatro valenciano pensado especialmente para ella que inició en 2022 con Anna Bolena en el que Eleonora Buratto consiguió un éxito incontestable y unánime de la crítica internacional, para finalizar en 2024 con Roberto Devereux. Se trata de tres títulos belcantistas de extrema dificultad para la protagonista, tanto vocal como dramáticamente, que Buratto afronta con “muchísima ilusión”, asegura. “Tengo un recuerdo maravilloso de cada una de las funciones que viví el año pasado de Anna Bolena y de la respuesta del público tan cariñosa. No veo la hora de sentir nuevamente esa acogedora energía con esta otra obra maestra que es Maria Stuarda; como italiana siento una gran responsabilidad al afrontar a un personaje tan fascinante: en realidad es un honor dar vida a Maria I Estuardo, Reina de Escocia, porque me apasiona la historia y porque Donizetti es uno de los pilares fundamentales de la tradición de la escuela italiana”. La obra fue estrenada en el Teatro San Carlo de Nápoles en 1834 bajo el título de Buondelmonte y el libreto, de Giuseppe Bardari, fue modificado debido a la censura: se basaba en una obra de Friedrich von Schiller y contenía escenas que nunca tuvieron lugar en la realidad, como el encuentro entre la prisionera Maria Stuarda y la Reina Elisabetta. Un año más tarde, en 1835, se estrenó en la Scala de Milán ya como Maria Stuardaprotagonizada nada menos que por la mítica Maria Malibran”, continúa Eleonora Buratto. “Hoy en día todos tenemos presente a las grandes cantantes que en el siglo XX la interpretaron desde su exhumación en 1958, en Bérgamo, con las grandes Leyla Gencer y Shirley Verret en los roles principales, desde Montserrat Caballé a Beverly Sills o Joan Sutherland”.

En este regreso a España Buratto destaca el reencuentro “con el espléndido equipo creativo y de colegas con los que el año pasado se creó un ambiente de trabajo inmejorable”. Como en Anna Bolena, Eleonora Buratto compartirá nuevamente el escenario con la mezzosoprano Silvia Tro Santafé (Elisabetta) y el tenor Ismael Jordi (Leicester), en una producción firmada escénicamente por Jetske Mijnssen y con el maestro Maurizio Benini en el podio al frente de la Orquestra de la Comunitat Valenciana y del Cor de la Generalitat. Las funciones están programadas para los días 10, 13, 16, 19 y 22 de diciembre de 2023.

El calendario de la temporada 2023/2024 de la soprano italiana, que inició en septiembre con Suor Angelica de Il Trittico de Puccini en la Staatsoper de Viena y siguió con Otello de Verdi en la Bayerische Staatsoper de Múnich, continuará a finales de diciembre con importantes compromisos como el Concierto de Año Nuevo en La Fenice de Venecia, Simon Boccanegra en La Scala de Milán, Madama Butterfly en su regreso a la Metropolitan Opera de Nueva York y el Requiem de Verdi en la Kölner Philharmonie junto a Michele Mariotti.

Fotografía: Dario Acosta

Actualidad