La Sylphide

El director artístico de la Compañía Nacional de Danza, Joaquín De Luz, junto a la maestra de ballet Petrusjka Broholm y la directora del Teatro de la Zarzuela, Isamay Benavente, han presentado esta mañana el último montaje de la CND, el ballet La Sylphide, que podrá verse en este teatro del 7 al 17 de diciembre en 10 únicas funciones.

Tras el éxito estival de los programas América y Europa, la compañía dirigida por Joaquín De Luz vuelve al Teatro de la Zarzuela para estrenar el montaje de este ballet romántico en dos actos. Para su puesta en escena la CND ha contado con la reputada maestra de ballet danesa Petrusjka Broholm. Nombres tan conocidos como los de Elisa Sanz en la escenografía, Tania Bakunova en el diseño de vestuario y Nicolás Fischtel en el diseño de iluminación avalan igualmente esta producción.

La música de Herman Severin Løvenskiold será interpretada en directo por la ORCAM, orquesta titular del Teatro de la Zarzuela bajo la dirección de los maestros Daniel Capps y Tara Simoncic.

Seis elencos de bailarines llevarán al escenario del Teatro de la Zarzuela entre el 7 y el 17 de diciembre la historia de amor imposible de James y la Sylphide. Entre ellos se encuentra Joaquín De Luz, director de la CND que interpretará el papel de James el día 13 de diciembre.

Todas las funciones de La Sylphide en el Teatro de la Zarzuela están incluidas en el programa joven del INAEM y en el Bono Cultural del Ministerio de Cultura y han contado con el patrocinio y colaboración del Hotel Mandarín Oriental Ritz Madrid.

La producción viajará posteriormente a Sevilla, donde se representará del 11 al 13 de enero de 2024 en el Teatro de la Maestranza.

«La Sílfide», ballet en dos actos fue originalmente creada con coreografía de Filippo Taglioni y música de Jean Schneitzhoeffer, basada en el libreto de Adolphe Nourrit, y se estrenó en 1832 en la Ópera de París. En 1836 August Bournonville creó una nueva coreografía con nueva música de Herman Løvenskiold sobre el mismo libreto para el Teatro Real de Copenhague. Esta segunda versión es la que se encuentra en el repertorio de las mejores compañías del mundo. Con esta obra se alcanza la idealización del ballet romántico a través de la etérea sílfide, símbolo del amor inalcanzable.

Sinopsis: Cuando la sílfide conoce a James, el granjero escocés y se adentra con él en el mundo de la belleza, un amor eterno comienza. Desafortunadamente para ellos, la bruja y adivina Madge ha jurado venganza contra James después de que él la rechazara. Una maldad horrible que llevará a trágicas consecuencias a los jóvenes amantes.

Funciones y horarios:7, 8, 9, 10, 12, 13, 14, 15, 16 y 17 de diciembre de 2023 · 20:00 h
(Domingos 18:00 h)

New York City Ballet

El próximo 23 de marzo, a las 19.30 horas tendrá lugar la presentación en el Teatro Real de la mítica compañía estadounidense New York City Ballet, que ofrecerá cinco funciones en el Teatro Real con las que se saldará una deuda histórica con el mundo de la danza, ya que será la primera vez, desde su fundación en 1948 por George Balanchine, que podrá verse en Madrid.

Dirigido en la actualidad por Jonathan Stafford, el New York City Ballet ha seleccionado tres coreografías llenas de simbolismo para la formación: Serenade y Square Dance, creadas por George Balanchine, y The Times Are Racing, obra de Justin Peck, coreógrafo residente de la compañía y uno de los grandes talentos de la actualidad. De esta forma han querido rendir homenaje a sus orígenes y demostrar la evolución que les mantiene en el presente como referente de la danza internacional.

Serenade es el primer ballet original que George Balanchine creó en Estados Unidos, y una de las obras más emblemáticas del repertorio del NYCB. Estrenado por la Escuela del American Ballet en el Teatro Avery Memorial de Hartford, Connecticut, en 1934, y concebido como una clase de danza o un ensayo, se desarrolla en cuatro movimientos: sonatina, vals, danza rusa y elegía, con los dos últimos movimientos invirtiendo el orden de la partitura de Chaikovski, compositor que Balanchine admiraba más que a ningún otro. En el Teatro Real la interpretación musical estará a cargo de la Orquesta Titular del Teatro Real bajo la dirección de Clotilde Otranto.

Años después, e integrado ya en la cultura norteamericana, Balanchine estrena Square Dance. Corria el año 1957 y el coreógrafo une, bajo este nombre, las tradiciones de la danza folclórica estadounidense y el ballet clásico, muy diferentes en estilo, pero guiadas por las pautas de un orden muy definido. Rápida, atlética y desenfadada, la coreografía imprime una personalidad al cuerpo de baile, y a cada bailarín, que será la que define y distingue a la compañía de sus homólogas europeas. Fresca y divertida, la versión original fue revisada en 1976 para incluir un solo adicional para el bailarín principal. Con música de Arcangelo Corelli y Antonio Vivaldi, contará con la dirección de Andrews Sill al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real.

Rompe y finaliza el programa The Times Are Racing, ballet para veinte bailarines coreografiado por Justin Peck –su segunda creación para la compañía de la que es en la actualidad coreógrafo residente y asesor artístico- en la que desaparece la visión idealizada de los bailarines, con sus cuerpos perfectos y sus movimientos cuidados y técnicos ejecutados con aparente sencillez. Peck busca la empatía del público y les viste con zapatillas y ropa deportiva, dándoles la oportunidad de mostrar diferentes sentimientos en una variedad de estilos que se alternan y provocan casi una catarsis llena de impulso y vigor. Estrenada en 2015, la actualidad de su concepto se desliza sobre la música electrónica del álbum de Dan Deacon, América, llenando de energía el colofón de la velada.

Es precisamente el desenfado y la energía juvenil de The Times Are Racing la destinada a la sesión del público familiar, que podrá disfrutarse en la sala principal del Teatro Real el próximo domingo, 26 de marzo, a las 12.00 horas, en una sesión cómplice y original.

Fotografía: Erin Baiano

Aquiles nueva temporada Teatro Real

La temporada 2022-2023 del Teatro Real comienza bajo el signo de OrfeoOrphée, de Philip Glass, se estrenará en España el próximo 21 de septiembre en los Teatros del Canal- y su embrujo transitará por toda la temporada, con la presentación de L’Orfeo, de Claudio Monteverdi y Orfeo ed Euridice, de Christoph Willibald Gluck.

Debido a las complejas obras de renovación del suelo de la caja escénica, después de 25 años de utilización máxima e ininterrumpida, la inauguración oficial de la Temporada 2022-2023 será el 24 de octubre, con la reposición de la espectacular Aida, de Giuseppe Verdi, concebida y renovada por Hugo de Ana, bajo la dirección musical de Nicola Luisotti.

Una vez más, la Temporada del Teatro Real, con una gran variedad de épocas y estilos, recorre cinco siglos de creación musical [ver tabla abajo] y está compuesta por 18 obras en el apartado de ÓPERA, 4 programas de DANZA, 15 CONCIERTOS 4 Voces del Real, 3 conciertos líricos, 2 Galas y 6 conciertos del ciclo Los domingos de cámara-. Se completa con 9 espectáculos para niños y adolescentes enmarcados en EL REAL JUNIOR, además de los 9 talleres infantiles ¡Todos a la Gayarre!

De los 18 títulos de ÓPERA, 8 son nuevas coproducciones del Teatro Real, 2 son reposiciones; 2 son producciones invitadas; 2 serán en versión semiescenificada y 4, en versión de concierto [ver tabla abajo].

El Teatro Real dará a conocer 9 nuevos títulos que nunca se han presentado en su historia, incluyendo 3 estrenos en España Orphée, de Philip Glass; Nixon in China, de John Adams y Anti-formalist Rayok, de Dmitri Shostakóvich- y 3 estrenos en Madrid: Arabella, de Richard Strauss; la versión escénica de La nariz, de Dmitri Shostakóvich; y Diàlegs de Tirant i Carmesina, de Joan Magrané.

De las 8 nuevas coproduciones del Teatro Real, 5 son producciones que se presentan primero en Madrid y posteriormente en los demás teatros coproductores: Orphée, de Philip Glass; La sonnambula, de Vincenzo Bellini; Dido and Aeneas, de Henry Purcell; Aquiles en Esciros, de Francesco Corselli; e Il turco in Italia, de Gioachino Rossini.

En su compromiso con la recuperación del patrimonio lírico español, el Teatro Real presentará dos obras barrocas del siglo XVIII, estrenadas durante el reinado de Felipe V: la ópera Aquiles en Esciros, de Francesco Corselli y la zarzuela Coronis, de Sebastián Durón, entonces Maestro de la Real Capilla de Madrid.

   ÓPERAS DE LA TEMPORADA

 

Nuevas coproducciones

 

 

 

 

 

 

 

Producciones

invitadas 

 

Reposiciones

 

Versiones

semiescenificadas  

 

Versiones de

concierto 

 

 

Orphée*, de Philip Glass | Estreno en España

La sonnambula*, de Vincenzo Bellini

Dido y Eneas*de Henry Purcell

Arabella, de Richard Strauss | Estreno en Madrid

Aquiles en Esciros*, de Francesco Corselli

La narizde Dmitri Shostakóvich | Estreno en Madrid (versión escénica)

Nixon in China, de John Adams | Estreno en España

Il turco in Italia*, de Gioachino Rossini

 

L’Orfeo, de Claudio Monteverdi

Diàlegs de Tirant i Carmesina, de Joan Magrané | Estreno en Madrid

 

Aidade Giuseppe Verdi

Turandot, de Giacomo Puccini

 

Tristán e Isolda, de Richard Wagner

 Anti-formalist Rayok, de Dmitri Shostakóvich | Estreno en España

 

El retablo de Maese Pedro, de Manuel de Falla 

Tolomeo, rey de Egiptode Georg Friedrich Händel

Coronis, de Sebastián Durón (versión de concierto)

Orfeo y Eurídice, de Christoph Willibald Gluck

*Estreno de la producción antes de presentarse en los teatros coproductores

              ÓPERAS POR ORDEN CRONOLÓGICO DE CREACIÓN

Siglo XVII

 

 

Siglo XVIII

 

 

Siglo XIX

 

 

 

Siglo XX

 

 

 

 

 

 

 Siglo XXI

 

 

                      

1607 – L’Orfeo, de Claudio Monteverdi

1689 – Dido y Eneasde Henry Purcell

16…* – Coronis, de Sebastián Durón

1728 – Tolomeo, rey de Egipto, de Georg Friedrich Händel

1744 – Aquiles en Esciros, de Francesco Corselli

1762 – Orfeo y Eurídice, de Christoph Willibald Gluck

1814 – Il turco in Italia, de Gioachino Rossini

1831 – La sonnambula, de Vincenzo Bellini

1865 – Tristán e Isolda, de Richard Wagner

1871 – Aidade Giuseppe Verdi

1923 – El retablo de Maese Pedro, de Manuel de Falla 

1926 – Turandot, de Giacomo Puccini

1930 – La narizde Dmitri Shostakóvich

1933 – Arabella, de Richard Strauss

1987 – Nixon in China, de John Adams

1989 – Anti-formalist Rayok, de Dmitri Shostakóvich

1993 – Orphée, de Philip Glass

2019 – Diàlegs de Tirant i Carmesina, de Joan Magrané

* Fecha de estreno desconocida

Por primera vez en la historia del Teatro Real

Los Teatros del Canal acogerán 3 producciones –Orphée, de Philip Glass; Diàlegs de Tirant i Carmesina, de Joan Magrané; y Dido y Eneas, de Henry Purcell- y el Círculo de Bellas Artes presentará Anti-formalist Rayok, de Dmitri Shostakóvich.

En la dirección de escena destaca, la próxima temporada, la presencia de 4 mujeres: Mariame Clément (Aquiles en Esciros), Bárbara Lluch (La sonnambula), Sasha Waltz (L’Orfeo) y Blanca Li (Dido y Eneas), las dos últimas también coreógrafas.

Vuelven al Real Christof Loy (Arabella), Laurent Pelly (Il turco in Italia), Bob Wilson (Turandot), Barrie Kosky (La nariz), John Fulljames (Nixon in China), Justin Way (Tristán e Isolda), Rafael Villalobos (Orphée) y Hugo de Ana (Aida) y debutan Marc Rosich (Diàlegs de Tirant i Carmesina) y Johannes Stepanek (Anti-formalist Rayok), además de las citadas Mariame Clément, Bárbara Lluch y Blanca Li.

Entre la dirección musical tienen una presencia más relevante, como siempre, Ivor Bolton (Aquiles en Esciros y Nixon in China) y Nicola Luisotti (Aida y Turandot).

Vuelven al Real Semyon Bychkov (Tristán e Isolda), Maurizio Benini (La sonnambula), Daniel Oren (Aida), David Afkam (Arabella), Mark Wigglesworth (La nariz), Diego García Rodríguez (Aida), Jordi Francés (Orphée) y Francesc Prat (Diàlegs de Tirant i Carmesina) y, con orquestas invitadas, Pablo Heras-Casado (El retablo de Maese Pedro), William Christie (Dido y Eneas), René Jacobs (Orfeo ed Euridice), Vicent Dumestre (Coronis) y Francesco Corti (Tolomeo, rey de Egipto).

Debutan en el Real Giacomo Sagripanti (Il turco in Italia) y Leonardo García Alarcón (L’Orfeo), este con la Freiburger Barockorchester.

Seis orquestas y dos coros invitados participarán en la temporada: la Freiburger Barockorchester y el Vocalconsort Berlin en L’Orfeo, de Claudio Monteverdi; Les Arts Florissants en Dido y Eneas, de Henry Purcell; la Orquesta Barroca de Sevilla en Aquiles en Esciros, de Francesco Corselli; la Mahler Chamber Orchestra en  El retablo de Maese Pedro y Concierto para clave, de Manuel de Falla, y en la Suite Pulcinella, de Ígor Stravisnki; Il Pomo d’Oro en Tolomeo, rey de Egipto, de Georg Friedrich Händel; Le Poème Harmonique en Coronis, de Sebastián Durón; y la Freiburger Barockorchester y el RIAS Kammerchor en Orfeo ed Euridice, de Christoph Willibald Gluck.

El Coro Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Andrés Máspero, y la Orquesta Titular del Teatro Real, con su director titular, Ivor Bolton, que gozan de un creciente prestigio nacional e internacional, participarán en gran parte de la programación, consolidando los vínculos con sus directores principales invitados, Nicola Luisotti y Pablo Heras-Casado.

Paralelamente a los títulos de la temporada se ofrece un ambicioso programa de ACTIVIDADES PARALELASciclos de cine, exposiciones, conciertos, conferencias, cursos, mesas redondas, talleres, visitas guiadas, actividades infantiles, etc.- organizadas en el Teatro Real y en colaboración con 28 instituciones culturales (por orden alfabético):  Biblioteca Musical Víctor Espinós (Conde Duque), Biblioteca Nacional de España, Biblioteca Regional de Madrid Joaquín Leguina, British Council, Casa Asia, Casa de América, Círculo de Bellas Artes, Filmoteca Española Cine Doré, Fundación Pastor, Fundación Sgae, Instituto Cervantes, Instituto Italiano di Cultura di Madrid, International Institute, Museo Arqueológico Nacional, Museo Cerralbo, Museo de Historia de Madrid, Museo Municipal de Arte Contemporáneo de Madrid, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museo Nacional de Artes Decorativas, Museo Nacional del Romanticismo, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Museo Naval, Patrimonio Nacional, Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, Red Cooperación Rutas de Carlos V, Residencia de Estudiantes, Sala Equis y Universidad Nebrija.

El Teatro sigue trabajando con ahínco en la captación y fidelización del público joven, con una serie de iniciativas enmarcadas en su programa EL REAL JOVEN y facilidades y prerrogativas concedidas a sus Amigos Jóvenes, cuyo número no para de crecer.

La próxima temporada se organizarán 4 Preestrenos Jóvenes para menores de 35 años y seguirán las ventajas y descuentos en la compra de localidades a través de la Butaca Joven o de las localidades de Último Minuto.

La SEMANA DE LA ÓPERA, con sus retransmisiones y actividades populares para la divulgación de la ópera, y la CARROZA DEL REAL, un escenario ambulante siempre preparado para ofrecer conciertos de cámara en distintos lugares del país, son dos de los proyectos más destacados enmarcados en el programa TEATRO REAL CERCA DE TI, con vigencia hasta el final de la temporada.

Además de su programación artística, el Teatro Real sigue afianzando el diálogo con otros tipos de música, coproduciendo en los meses estivales el UNIVERSAL MUSIC FESTIVAL  y, a lo largo de la temporada, las actuaciones de baile y cante de FLAMENCO REAL, que tienen lugar los jueves y viernes en su Salón de Baile.

El Teatro Real incrementará la difusión nacional e internacional de su programación a través de nuevas grabaciones y retransmisiones en directo en MY OPERA PLAYER, cuyo catálogo sigue creciendo con la incorporación regular de nuevas ofertas procedentes de más de 50 teatros y auditorios de todo el mundo. Recientemente se ha creado dentro de la plataforma un espacio dedicado únicamente al flamenco, con una pestaña propia, para impulsar la difusión de este arte español a nuevos públicos de todo el mundo.

PROGRAMACIÓN DE ÓPERA

Orphée, de Philip Glass | Estreno en España | Estreno de la producción | Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real y Teatros del Canal.

Estrenada en 1993, esta ópera de cámara de Philip Glass, con texto de Jean Cocteau, es un canto de despedida del poeta francés a su joven amante y, medio siglo más tarde, del compositor a su compañera.

Rafael Villalobos, que triunfó con el estreno mundial de Marie, de Germán Alonso, en la pasada temporada, llevará a escena el desgarrador duelo de Orfeo y su camino de liberación, con la complicidad de un doble elenco mayoritariamente español, bajo la dirección de Jordi Francés, al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real.

21 septiembre – 25 septiembre | 5 funciones | 2 repartos | Teatros del Canal 

Aida, Giuseppe Verdi | Reposición

Producción del Teatro Real en coproducción con la Abu Dhabi Music and Arts Foundation, basada en la producción original del Teatro Real de 1998.

Aida inaugura la temporada lírica del Teatro Real, precedida de un preestreno para jóvenes menores de 35 años, el 21 de octubre.

La renovada producción concebida por Hugo de Ana en 1998 vuelve bajo la infalible batuta de Nicola Luisotti, que se alternará en el foso con Daniel Oren y Diego García Rodríguez al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

Tres repartos de estrellas verdianas encabezados, en el rol titular, por Krassimira Stoyanova, Maria Agresta, Roberta Mantegna y Anna Netrebko, se alternarán en las 20 representaciones, en las que participarán también, entre otros, Piotr Beczala, Jorge de León, Carlos Álvarez, Artur Rucinski, Jamie Barton y Sonia Ganassi.

24 octubre – 14 noviembre | 20 funciones | 3 reparto

L’Orfeo, de Claudio Monteverdi | Producción invitada

Producción de Sasha Waltz & Guests, en colaboración con la Dutch National Opera Amsterdam, el Gran Théâtre du Luxemburg, el Bergen International Festival y la Opéra de Lille.

La coreógrafa Sasha Waltz, que presentó en el Teatro Real, en 2019, su versión de Dido y Eneas, de Henry Purcell, vuelve con una nueva ceremonia ritual coreográfica, evocadora de celebraciones ancestrales, en una producción ya icónica que triunfó en varios teatros y festivales europeos. El director musical argentino Leonardo García Alarcón debuta en el Teatro Real al frente de un reparto de cantantes del universo barroco, junto al Vocalconsort Berlin y a la Freiburger Barockorchester.

20 noviembre – 24 noviembre | 4 funciones | 1 reparto

Diàlegs de Tirant i Carmesina, de Joan Magrané | Estreno en Madrid | Estreno en el Teatro Real | Producción invitada

Producción de la Òpera de Butxaca i Nova Creació, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona y el Festival Castell de Peralada.

Partiendo de la novela de caballerías Tirant lo Blanc, de Joanot Martorell, el compositor Joan Magrané y el libretista y director de escena Marc Rosich han creado una ópera de cámara como una ‘batalla de amor’ medieval, que se desarrolla en una instalación lumínica de Jaume Plensa, donde los tres protagonistas glosan el amor y el desamor, junto a solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Francesc Prat.

23 noviembre – 27 noviembre | 4 funciones | 1 reparto | Teatros del Canal

La sonnambula, de Vincenzo Bellini | Estreno de la producción

Nueva producción del Teatro Real en coproducción con el New National Theatre Tokio, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona y el Teatro Massimo di Palermo.

Nadine Sierra y Xabier Anduaga, y Jessica Pratt y Lawrence Brownlee, encabezan los dos repartos que traerán al escenario del Real la ópera de Bellini, icono del belcantismo romántico, en la visión lúcida, moderna y feminista de Bárbara Lluch, que debuta en el Teatro Real como directora de escena, después de más de una década de asiduas colaboraciones como asistente. Maurizio Benini, al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, será el responsable de la dirección musical de la ópera, con la seriedad y elegancia que requiere este tipo de repertorio.

15 diciembre – 6 enero | 13 funciones | 2 repartos

Dido y Eneas, de Henry Purcell | Estreno de la producción

Nueva producción del Teatro Real y Teatros del Canal, en coproducción con la Opéra Royal de Versailles, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, el Théâtre Impérial de Compiegne y Les Arts Florissants.

Este canto inconsolable de una reina abandonada por su amante, joya del barroco inglés, se estrenó en 1689 en una ‘School for Girls’, situación muy inspiradora para abordar la ópera desde el universo femenino de la gran coreógrafa Blanca Li, que será la responsable de llevar a escena la ópera de Purcell, contando para ello con la versatilidad y maestría de Les Arts Florissants, con William Christie en la dirección musical.

17 enero – 22 enero | 5 funciones | 1 reparto | Teatros del Canal 

Arabella, de Richard Strauss | Estreno en Madrid | Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real procedente de la Oper Frankfurt.

Vuelve Christof Loy con un título de Richard Strauss después del éxito de su Capriccio, en 2019, de nuevo con una producción llena de texturas interpretativas, que transita entre los personajes reales y espectrales, explorando el trasfondo de una comedia glamourosa y poética, pero también inquietante y trágica.
David Afkham, director titular de la ONE, volverá al foso del Teatro Real, al frente de un elenco coral encabezado por la soprano Sara Jakubiac y del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

24 enero – 12 febrero | 7 funciones | 1 reparto

Aquiles en Esciros, de Francesco Corselli | Estreno de la producción | Estreno en el Teatro Real | Recuperación de patrimonio musical español

Nueva producción del Teatro Real en coproducción con el Theater an der Wien.

Ivor Bolton capitanea la recuperación de esta ópera desconocida del barroco español, al frente de la Orquesta Barroca de Sevilla, del Coro Titular del Teatro Real y de un elenco encabezado por el contratenor Franco Fagioli, que interpreta a Aquiles travestido, cuando su madre lo disfraza de mujer y lo envía a la isla de Esciros para impedir su participación en la guerra de Troya.

Mariame Clément sitúa la trama en la corte de Felipe V, con la participación de la infanta María Teresa Rafaela, cuyos esponsales con el delfín de Francia, hijo del Rey Sol, se celebraron con esta ópera.

17 febrero – 25 febrero | 5 funciones | 1 reparto

El retablo de Maese Pedro y Concierto para clave, de Manuel de Falla| Suite Pulcinella, de Ígor Stravinski | Versión de concierto

Pablo Heras-Casado, al frente de la prestigiosa Mahler Chamber Orchestra, con la que trabaja regularmente, evocará el teatro popular del Siglo de Oro con el mosaico cervantino de Manuel de Falla inspirado en las fechorías de Maese Pedro, y explorará el universo burlesco y ampuloso de la commedia dell’arte, a través de Ígor Stravisnki.

18 febrero | 1 función

La nariz, de Dmitri Shostakóvich | Estreno en versión escénica en Madrid | Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real, en colaboración con la Royal Opera House, la Komische Oper Berlin y Opera Australia.

La imaginación desbordante e irreverente de Barrie Kosky -conocido por el público del Real por su exitosa versión de La flauta mágica en cine de animación- está patente en esta sorprendente y ácida ópera de Shostakóvich, por la que desfilan más de 80 personajes que gravitan en el mundo grotesco de un burócrata amargado, interpretado por Martin Winkler. El elenco, mayoritariamente eslavo, contará con la participación de Anne Igartiburu en el papel de presentadora de televisión.

La dirección musical será del inglés Mark Wigglesworth, quien volverá a dirigir el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real después del éxito, en 2018, con Dead Man Walking, de Jake Heggie.

13 marzo – 30 marzo | 7 funciones | 1 reparto

Anti-formalist Rayok, de Dmitri Shostakóvich | Estreno en España | Estreno en el Teatro Real | Ópera en versión de concierto semiescenificada

Esta pequeña ópera de cámara grotesca, marginal y maldita entrelaza fragmentos de supuestos discursos esperpénticos de autoridades soviéticas con música folclórica y evocaciones de marchas militares, en una nada disimulada crítica al régimen comunista que provocó la ocultación de la partitura hasta después del fallecimiento del compositor. Se presentará como complemento a La nariz, en versión semiescenificada de Johannes Stepanek, con cantantes del Coro Titular del Teatro Real, el bajo Alexander Teliga y un grupo instrumental con Judith Jáuregui al piano.

26 marzo | 1 función | Círculo de Bellas Artes

Nixon in China, de John Adams | Estreno en España | Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real en coproducción con la Den Kongelige Opera de Copenhague y la Scottish Opera.

El Teatro Real estrena en España esta ya clásica ópera de John Adams, que recrea la visita del presidente de Estados Unidos, Richard Nixon, a China, en 1972, en el marco del megalómano ceremonial maoísta, en plena guerra fría.

En la partitura se articulan arias, dúos, concertantes, coro y ballet, emulando la tradición operística decimonónica con una clara crítica a la parafernalia del poder, que subraya la puesta en escena de John Fulljames.

La dirección musical es de Ivor Bolton, al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real y un elenco del que forman parte Leigh Melrose, Sarah Tynan, Jacques Imbrailo, Alfred Kim, Audrey Luna y Borja Quiza, entre otros.

17 abril – 2 mayo | 7 funciones | 1 reparto

Tolomeo, rey de Egipto, de Georg Friedrich Händel | Ópera en versión de concierto

Prosigue la presentación de la fabulosa producción operística de HändeI en las temporadas del Teatro Real. Después de Alcina (2015), Rodelinda (2017), Ariodante (2018), Agripina (2017) y Parténope (2021), vuelve

Tolomeo, rey de Egipto -ofrecida en 2009- protagonizada por un reparto especializado en el Barroco encabezado por el contratenor Jakub Jósef Orlinski, junto a la orquesta Il Pomo d’Oro, con dirección musical de Francesco Corti.

23 abril | 1 función

Tristán e Isolda, de Richard Wagner | Ópera en versión de concierto semiescenificada

Esta obra maestra de todos los tiempos, fuente de inagotables análisis musicales y filosóficos, y de vuelos emocionales y trascendentales, vuelve con un reparto de lujo, con Andreas Schager y Ingela Brimberg en los papeles titulares y dirección actoral de Justin Way.

Semyon Bychkov asumirá la dirección musical al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

25 abril y 6 mayo | 4 funciones | 1 reparto

Il turco in Italia, de Gioachino Rossini | Estreno de la producción | Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real en coproducción con la Opéra de Lyon y el New National Theatre Tokyo

Laurent Pelly será el encargado de ayudar al poeta Prosdocimo, protagonista de Il turco in Italia, a encontrar la trama para su obra literaria, desenredando los embrollos libidinosos en los que se meten sus personajes, en un continuo y jugoso juego de disfraces, bajo el cual laten los grandes dilemas del alma.

La dirección musical será de Giacomo Sagripanti, que debuta en el Teatro Real al frente de un reparto que incluye muchos cantantes que nunca han actuado en su escenario, junto a otros muy queridos del público, como Lisette Oropesa, Pietro Spagnoli o Sara Blanch.

31     mayo – 12 junio | 10 funciones | 2 repartos

Coronis, de Sebastián Durón | Zarzuela en versión de concierto | Estreno en el Teatro Real | Recuperación de patrimonio español

El trabajo de los musicólogos españoles está descubriendo partituras sorprendentes como la de esta zarzuela, íntegramente cantada, atribuida al compositor Sebastián Durón, que entrelaza historias de dioses y ninfas, trágicas y burlescas, con una música que delata la influencia francesa e italiana, pero también la herencia musical hispana que pretende reivindicar. Vincent Dumestre, gran conocedor del repertorio barroco, estará al frente de un reparto internacional y de la Orquesta Le Poème Harmonique.

10 junio | 1 función

Orfeo ed Euridice, de Christoph Willibald Gluck | Ópera en versión de concierto

René Jacobs, verdadero patriarca en la recuperación e interpretación del repertorio barroco y clásico, traerá al Real un título que demostrará, una vez más, su veteranía en la lectura musical historicista, contando para ello con tres de sus habituales cantantes solistas, junto al RIAS Kammerchor y la Freiburger Barockorchester.

13 junio | 1 función

Turandot, Giacomo Puccini | Reposición

Producción del Teatro Real en coproducción con el Teatro Nacional de Lituania, la Canadian Opera Company de Toronto, la Houston Grand Opera y la Opéra national de Paris.

El carismático lenguaje visual y dramatúrgico de Bob Wilson, con siluetas a contraluz, máscaras y movimientos casi rituales, se ha revelado ideal para contar la leyenda de la sanguinaria princesa China, enmarcada en un espacio escenográfico que entronca con el milenario teatro de sombras oriental.

Después de triunfar en París, Toronto y en MyOperaPlayer, esta producción vuelve al teatro donde nació, de nuevo bajo la dirección de Nicola Luisotti, con tres repartos excepcionales encabezados por Anna Pirozzi, Elena Pankratova y Saioa Hernández, junto al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

3 julio – 22 julio | 17 funciones | 3 repartos

PROGRAMACIÓN DE DANZA

La programación de danza ofrece una de las propuestas más seductoras de los últimos años con la presencia de 4 compañías que, con diferentes estilos, tendrán en el Real un especial punto de partida. Inaugura la Temporada la Compañía Nacional de Danza con un Tributo a Jiři Kylian, con trabajos coreográficos de Nacho Duato, Andrea Schermoly, Sol León, Paul Lightfoot y el propio Kylian.

Sasha Waltz & Guests regresa con el ambicioso reto de integrar canto, danza y música para mostrar L’Orfeo de Monteverdi desde otra perspectiva. El New York City Ballet presentará en el Teatro Real dos míticas coreografías de Georges Balanchine y una de reciente factura del creador Justin Peck, toda una muestra de la personalidad de la compañía. Y cerrará el ciclo el English National Ballet con la adaptación del clásico Raymonda, con el que Tamara Rojo debuta como coreógrafa y cuya gira internacional, para mostrar este trabajo, dará comienzo en Madrid.

La Compañía Nacional de Danza inaugurará la temporada de danza del Teatro Real, con un tributo al bailarín y coreógrafo checo Jiří Kylián, de la mano de cuatro creadores con un fuerte vínculo artístico y personal con el maestro de la danza contemporánea y su compañía de referencia, el Nederlands Dans Theater. Ellos son Nacho Duato, Sol León, Paul Lightfoot y Andrea Schermoly. Con músicas e inspiraciones diversas, las recreaciones de los distintos momentos coreográficos constituirán un gran preludio a un programa que culminará con la interpretación de Bella figura, creación de Jiří Kylián de 1995 que, convertida ya en una obra maestra, invita a una reflexión sobre el arte mostrada como «un viaje en el tiempo, la luz y el espacio, en referencia a la ambigüedad de la estética, las representaciones escénicas y los sueños».

La coreógrafa alemana Sasha Waltz regresa al Teatro Real con el ambicioso reto de integrar canto, danza y música para una delicada lectura del L’Orfeo de Monteverdi. Si en origen la obra conjuga el arte del teatro y la música cantada creando un modelo de manifestación artística per se, Waltz profundiza en la exploración de una suerte de “ópera coreografiada” en la que sonido y movimiento se complementan sin fisuras. Como sucediera en el pasado con Dido & Aeneas, Sasha Waltz & Guests contará con la participación del Vocalconsort Berlin acompañados, en esta ocasión, por la Freiburger Barockorchester.

El New York City Ballet visita España y lo hará con el escenario del Teatro Real como protagonista, con un programa que recoge la esencia misma de su personalidad. Para su presentación en Madrid han seleccionado tres coreografías llenas de simbolismo. Dos son obras de George Balanchine, cofundador de la compañía y figura mítica del ballet: Serenade – un hito en la historia por ser el primer ballet original que Balanchine creó en Estados Unidos-, y Square Dance -en el que el coreógrafo unió las tradiciones de la danza folclórica estadounidense con el ballet clásico-, ambas convertidas en emblema del repertorio del NYCB, y The Times Are Racing, de Justin Peck, creada en 2015 e inspirada en las últimas cuatro pistas del álbum de 2012 de Dan Deacon, America. 

Tras su reciente estreno en Londres, y la gira que realizará por el Reino Unido el próximo otoño, el English National Ballet presentará en el Teatro Real, por primera vez a nivel internacional, Raymonda, ballet con el que Tamara Rojo debuta como coreógrafa. Su propuesta traslada la acción original a la guerra de Crimea, inspirándose en la figura de Florence Nightingale y en el trabajo de las mujeres que, con espíritu innovador, apoyaron el esfuerzo de los combatientes en el conflicto. Raymonda se convierte así en una joven con vocación de enfermera. Protagonizada por un gran elenco de bailarines, esta versión, aclamada por la crítica, mantiene lo mejor del original del siglo XIX, incluida la partitura de Alexander Glazunov, adaptada y editada por Gavin Sutherland y Lars Payne. Las funciones de Raymonda contarán con la participación de la Orquesta Titular del Teatro Real bajo la dirección de Gavin Sutherland.

CONCIERTOS Y GALAS

El ciclo VOCES DEL REAL está compuesto en esta temporada por 5 conciertos protagonizados por algunos de los mejores artistas líricos del mundo: Cecilia Bartoli, Gregory Kunde, Carlos Álvarez, Matthias Goerne, Joyce DiDonato y Javier Camarena.

Completan la oferta los 6 que conforman el ciclo DOMINGOS DE CÁMARA, y un concierto con los finalistas del Concurso Montserrat Caballé y otro los galardonados en Concurso Tenor Viñas.

La GRAN GALA ANUAL DEL TEATRO REAL, con fines filantrópicos y la asistencia de destacadas personalidades del ámbito institucional, cultural, artístico, empresarial y social, tendrá lugar el 13 de diciembre próximo.

EL REAL JUNIOR

La programación infantil y juvenil, ya completamente recuperada, tiene su espacio en EL REAL JUNIOR con 9 espectáculos, 4 de ellos nuevas producciones del Teatro Real y 5 que se verán aquí por primera vez, para diferentes edades y distintos formatos como cuentos musicales, cine, danza y conciertos dramatizados, destinados al público familiar y a centros escolares.

Dentro de esta programación ecléctica y pluridisciplinar, con artistas de ámbitos muy diferentes, destaca la participación de 4 jóvenes directores de orquesta: Rubén Gimeno, Isabel Rubio, José Sanchís y Lara Diloy.

La  temporada más joven se inaugura en octubre con dos interesantes propuestas en la Sala Principal: una destinada  a los centros escolares de la mano de la Compañía Nacional de Danza que, coincidiendo con las funciones inaugurales de la programación de danza, dedicará tres sesiones didácticas en torno a dos de las coreografías de su programa principal, Kübler-Ross y Sad Case; la otra, con un concierto cargado de arias, dúos y cuartetos de ópera con los que, en vísperas de la fiesta de Halloween, invocarán a los espíritus con Fantasma que canta, no espanta, interpretado por la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (JORCAM) y cantantes noveles del proyecto Crescendo, creamos ópera, programa de promoción de jóvenes talentos organizado por la Fundación Amigos del Teatro Real, bajo la dirección de Rubén Gimeno, con guión y presentación de Ana Hernández Sanchís.

Continuará la aventura con una propuesta viajera que les llevará a Egipto en compañía de A.I.D.A. (Amistad, Igualdad, Diversidad, Amor), una versión reducida del título verdiano concebida por Davide Garattini Raimondi y Bárbara Palumbo, con dirección musical de Isabel Rubio. En plenas fiestas navideñas, Cascanueces y el Rey de los ratones, serán los protagonistas de un concierto en formato cuento con narración y vídeo de animación a cargo de Fernando Palacios y Fran Parreño, bajo la dirección musical de José Sanchís.

La Sala de Orquesta será el escenario de ¡Al piano, Johann Sebastian Jazz!, donde el jazz y la música clásica dialogarán con interesante complejidad, entre los dedos de los pianistas Alexis Delgado e Iñaki Salvador, junto a Fernando Palacios. Y en marzo, en paralelo a las funciones del New York City Ballet, la compañía ofrecerá unas sesiones únicas en torno a dos coreografías muy especiales para ellos: Serenade, una de sus obras emblemáticas, y The times are Racing, joven y actual.

La Sala Gayarre acogerá dos espectáculos de títeres con dos miradas muy distintas, Parade, el circo de los valientes, con el sello inconfundible de La Maquiné, y Yo soy la Locura, teatro negro con títeres, máscaras y música barroca de La Compañía Claroscuro. Y en ese mismo espacio, como cada temporada, tendrán lugar las citas mensuales ¡Todos a la Gayarre! para toda la familia, con su mirada desenfadada y entretenida sobre los grandes títulos de temporada de ópera.

La programación termina como comenzó, con una gran fiesta musical en forma de concierto, en la Sala Principal, con la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (JORCAM), cantantes noveles del proyecto Crescendo, creamos ópera, esta vez con la animación de Fernando Palacios y la dirección musical de Lara Diloy.

Además de estas propuestas formativas, EL REAL JOVEN, programa de dinamización cultural y fidelización del público joven con edades comprendidas entre los 18 y los 35 años, cuenta con espacios exclusivos, canales de venta preferente y eventos diseñados para este colectivo en colaboración con un comité propio compuesto por representantes de distintos ámbitos de la sociedad civil.

PROGRAMA DE FORMACIÓN

El programa de formación consolida sus cursos destinados tanto a universitarios como al público en general y abordará tanto la formación presencial como online, con 17 interesantes propuestas.

En el apartado La Ópera al Descubierto, que desvela el proceso de montaje de una producción operística desde dentro, se han organizado 4 talleres centrados en: Aida (octubre), La sonnambula (noviembre-diciembre), Il turco in Italia (mayo) y Turandot (junio-julio).

En esta edición serán 5 los Cursos relacionados con la temporada: Comprender a… Bellini (La sonnambula), Strauss (Arabella), Rossini (Il turco in Italia), Puccini (Turandot) y Ópera y pos modernidad: Glass y Adams, y 3 los destinados a adentrarse en la Historia de la ópera: Historia de la interpretación de la ópera I y II, Mujeres en la ópera construyendo, desmontando y conquistando mitos y El Real de los recuerdos, historia del Teatro Real desde 1850 hasta 1925.

Crece el número de Cursos sobre Artes escénicas y gestión cultural hasta un total de 5: Fotografía de escena; Ópera y liderazgo, El arte de trabajar con equipos de alto rendimiento; Regiduría; Inteligencia emocional en la ópera y Conceptos fundamentales de la danza.

LA TEMPORADA EN NÚMEROS 

FUNCIONES | Se ofrecerán un total de 188 funciones: 113 funciones de ópera repartidas entre 18 títulos; 15 funciones de danza con 4 diferentes espectáculos; 13 conciertos de distintos formatos (5 conciertos de Voces del Real, 2 conciertos líricos (concursos) y 6 conciertos de Los domingos de cámara; y 49 funciones de El Real Junior.

PRODUCCIONES DE ÓPERA | De los 18 títulos de ópera, 8 son nuevas coproducciones del Teatro Real, 2 son reposiciones; 2 son producciones invitadas; 2 serán en versión semiescenificada y 4, en versión de concierto.

El Teatro Real dará a conocer 9 nuevos títulos que nunca se han presentado en su historia, incluyendo 3 estrenos en España –Orphée, de Philip Glass; Nixon in China, de John Adams y Anti-formalist Rayok, de Dmitri Shostakóvich- y 3 estrenos en Madrid: Arabella, de Richard Strauss; la versión escénica de La nariz, de Dmitri Shostakóvich; y Diàlegs de Tirant i Carmesina, de Joan Magrané.

PRODUCCIONES OPERÍSTICAS PATROCINADAS | Telefónica patrocina Aida, la Fundación BBVA patrocina L’Orfeo y Nixon in China; Endesa patrocina La sonnambula y Tristán e Isolda; la Fundación Amigos del Teatro Real patrocina Aquiles en Esciros;  Fundación Santander patrocina Il turco in Italia; y la Fundación ACS patrocina Turandot.

OBRAS POR SIGLOS DE LA TEMPORADA DE ÓPERA | Habrá 3 producciones con obras del siglo XVII (L’Orfeo, Dido y Eneas y Coronis); 3 óperas del siglo XVIII (Tolomeo, rey de Egipto; Aquiles en Esciros y Orfeo y Eurídice); 4 obras del siglo XIX (Il turco in Italia, La sonnambula, Tristán e Isolda y Aida); 7 obras del siglo XX (El retablo de Maese Pedro, Turandot, La nariz, Arabella, Nixon in China, Anti-formalist Rayok y Orphée) y 1 título del siglo XXI (Diàlegs de Tirant i Carmesina).

OBRAS POR ÁREAS GEOGRÁFICAS (LUGAR DONDE SE ESTRENÓ LA ÓPERA) | Se presentarán 7 óperas italianas (1 de ellas, de Glück -alemán afincado en Italia-), 3 óperas y  1  zarzuela españolas, 2 óperas estadounidenses, 2 óperas germánicas, 2 óperas rusas y 1 ópera inglesa de Händel -alemán afincado en Inglaterra-.

DANZA | Habrá 15 funciones protagonizadas por 4 compañías: Compañía Nacional de Danza, Sasha Waltz & Guests, New York City Ballet y English National Ballet.

EL REAL JUNIOR | La programación infantil y juvenil del Teatro Real está compuesta por 49 funciones –25 para toda la familia y 24 para centros escolares- y 9 talleres ¡Todos a la Gayarre! con 2 sesiones cada uno.

PROGRAMA DE FORMACIÓN | Se ofrecerán 4 talleres de Ópera al Descubierto, 5 cursos monográficos relacionados con la Temporada, 3 cursos sobre historia de la ópera y 1 nueva edición del programa La Universidad a Escena.

LOCALIDADES Y ABONOS

CATEGORÍAS DE ABONOS DE ÓPERA | Se ofrecen 1 turno de abono estreno de 9 óperas y un concierto exclusivo de Cecilia Bartoli, 1 turno de abono de 9 óperas, 3 turnos de abonos de 8 óperas (uno en fin de semana), 3 turnos de abonos de 7 óperas, 1 turno de abono de 6 óperas, 2 turnos de abonos de 5 óperas (uno también en fin de semana), 2 turnos de abonos de 4 óperas y 2 turnos de abonos (Selección I y II) de 3 títulos populares (2 títulos de óperas y 1 título de danza) .

Fecha de renovación: del 27 de mayo al 16 de junio.

Fecha venta de abonos ópera: del 27 de mayo al 13 de septiembre.

Fecha venta de abonos Selección: del 9 de junio al 3 de julio.

ABONOS DE DANZA | Se ofrecen 4 turnos de abonos de danza con 3 espectáculos cada uno.

Fecha de renovación: del 27 de mayo al 16 de junio.

Fecha venta de abonos: del 27 de mayo al 3 de julio.

ABONO DE ‘VOCES DEL REAL’ | Se ofrece 1 turno de abono de 4 conciertos.

Fecha de renovación: del 27 de mayo al 16 de junio.

Fecha venta de abonos: del 27 de mayo al 13 de septiembre.

ABONOS DE ‘DOMINGOS DE CÁMARA’ | Se ofrece 1 turno de abono de 7 conciertos (incluye el Concierto Viñas)

Fecha de renovación: del 27 de mayo al 16 de junio.

Fecha venta de abonos: del 9 de junio al 3 de julio.

EL REAL JOVEN | El compromiso con los jóvenes se refuerza con iniciativas como la el Preestreno joven inaugural de la temporada con precios especiales, el 21 de octubre. Por tercer año consecutivo,  la oportunidad de la Butaca Joven ofrecerá localidades distribuidas en Platea, Principal y Entresuelo y se habilitará una venta preferente para Amigos Jóvenes y para resto de jóvenes hasta 35 años antes de la salida a la venta al público. Los menores de 26 conseguirán estas entradas por 20 € y a partir de esa edad y hasta 35 años por 30 €. Asimismo, se abrirá la venta online de Último Minuto, en la que los menores de 26 años podrán adquirir una entrada por 20 € y los jóvenes de entre 26 35 años podrán adquirir entradas por 35 €.

Fotografía: Javier del Real

Manuel Busto

El próximo 29 de diciembre, el director de orquesta Manuel Busto debutará en el mítico Teatro Comunale di Bologna, al frente de la Orchestra del Teatro Comunale di Bologna, que han dirigido batutas de la talla de Sergiu  Celibidache, Sir Georg Solti, Kurt Masur, Rostropovich, Georges Prêtre, Riccardo Muti, Riccardo Chailly, Daniele Gatti o Christian Thielemann, entre otros. Manuel Busto será el responsable de la Dirección Musical del ballet Don Juan con la Fondazione Nazionale della Danza Aterballetto (la principal compañía italiana de danza), que se podrá ver hasta el 2 de enero en el escenario de la Sala Bibiena. Manuel Busto también es el responsable de la partitura y de su adaptación orquestal sobre temas originales de Marc Álvarez.

El espectáculo Don Juan, realizado en coproducción con el Ravenna Festival, el Teatro Regio di Parma, el Sferisterio de Macerata o el Festspielhaus St. Poelten, entre otras instituciones, ha sido diseñado por el coreógrafo sueco Johan Inger, que aborda la figura del Don Juan como mito paradigmático antiguo y también contemporáneo. La comedia original de Tirso de Molina, Molière, Bertold Brecht y la obra teatral de Suzanne Lilar sirven de inspiración a Inger y su dramaturgo Gregor Acuña-Pohl, que consultaron un total de 25 textos diferentes relacionados con la figura de Don Juan, y nos presentan todos los personajes de la historia en este Kammerspiel: Donna Elvira, Donna Anna, Zerlina, Masetto…

No es la primera vez que Manuel Busto dirige en un teatro de ópera en Italia, pues ya ha trabajado anteriormente en el Teatro Verdi di Trieste. Además, dirigió varios conciertos de la conocida Orchestra I Pomeriggi Musicali di Milano en el Teatro Dal Verme de Milán, Bergamo y Bellagio. Además de su amplia trayectoria como director de orquesta, Manuel Busto realiza también numerosos encargos como compositor y esta primavera estrenará su primera ópera La mujer tigre, por encargo del Teatro de la Maestranza y el Teatro Lope de Vega.

Teatro Comunale di Bologna

Les Arts presenta el ballet Giselle

El Palau de les Arts clausura la tercera edición del ciclo ‘Les Arts és Dansa’ con la visita de la Compañía Nacional de Danza con ‘Giselle’, que se representará en la Sala Principal del 23 al 27 de junio.

Bajo la dirección escénica y con coreografía de Joaquín De Luz, la CND lleva al escenario de Les Arts una nueva versión de este clásico del repertorio, vista a través del romanticismo español e inspirada en la poesía de Gustavo Adolfo Bécquer. En el foso, la Orquestra de la Comunitat Valenciana, bajo la dirección de Óliver Díaz interpretará la célebre partitura de Adolphe Adam.
El elenco que llevará a cabo las seis funciones, con las que Les Arts cierra la programación en la Sala Principal, incluyen a la bailarina principal invitada Ana Sophia Scheller en el papel de Giselle, los días 23 y 26 de junio. El rol del coprotagonista, Albretch será representado por el bailarín primera figura de la CND, Alessandro Riga.

“Sin abandonar los elementos que han hecho de esta obra una de las cumbres del ballet clásico, en nuestra ‘Giselle’ aparecerán también la escuela bolera y las tradiciones españolas, y en el bosque nocturno donde habitan las wilis, esos espíritus de muchachas muertas antes de casarse, las voces del viento susurrarán versos de Bécquer”, explica el director de la compañía. “Al final de Giselle, la fuerza del amor y la fuerza de la danza vencen a la muerte y la oscuridad. Esa es la esperanza que nos guía en este espectáculo”.

Con la producción de «Giselle» se despude el ciclo «Les Arts és Dansa» que el Palau de la Música inició esta temporada y que tendrá felizmente su continuidad en las próximas temporadas. Estaremos atentos a la presentación de la temporada 21/22 y a este nuevo ciclo artístico.

Ballet del Rin

Poco a poco Madrid se va aficionando más al ballet y la danza, y cada vez son más los espectáculos de este tipo que se programan. El Teatro Real, que ha iniciado el pasado día 12 su temporada de ballet, marca la diferencia de calidad. No son muchas, de momento, las producciones que ofrece a lo largo de la temporada, pero si son extraordinariamente sobresalientes. En esta ocasión se ha tratado de una de las mejores compañías de danza, el Ballett am Thein Süsseldorf Duisbrg, con el coreógrafo Martin Schläpfer a la cabeza.

Presentaban “Un réquiem alemán”, de Johannes Brahms, una de las obras más conocidas del compositor y compuesta tras la muerte de su madre en 1865 y de su gran amigo Robert Schumann. Pero, ¿cómo se baila un réquiem?. Sin duda, como lo hace el Ballet del Rin en una de sus coreografías más aclamadas y premiadas.

 

Esta peculiar composición de Brahms profundiza en aspectos más filosóficos que religiosos, reflexiona sobre la vida y la muerte desde un punto de vista más humano que divino. Como dice su director, Marc Piollet, no es un réquiem convencional, es una obra de consuelo, porque no está escrito para los muertos sino para los vivos, para los que se quedan. No se puede esperar menos de un romántico como Brahms.

Tomando esta cercanía con el dolor del ser humano como punto de partida para la creación de esta coreografía, se ha querido reflejar en ella la fragilidad del ser humano presentando a los bailarines descalzos, en contacto permanente con la tierra. También en su creación, Schläpfer ha querido huir de cualquier planteamiento religioso y se ha centrado en las dudas, los miedos y preocupaciones del ser humano, lejos de cualquier dogmatismo y más próximo a la reflexión y la emoción. Con ese hermoso y alegórico final, en el que se representan los lazos que nos unen a los que ya se han ido. Quien haya tenido la oportunidad de asistir a alguna de las cuatro representaciones, habrá podido comprobar que ambos planos, el reflexivo y el emocional, quedan perfectamente estimulados.

Interpretar esta obra tiene su dificultad, para la orquesta, para los solistas y, sobre todo, para el coro. Un coro acostumbrado a la lírica operística, no tiene nada fácil abordar una obra religiosa como este réquiem que desborda de delicadeza y sensibilidad. Pero el coro Intermezzo, titular del Teatro Real, solo sorprendería si fallase, y eso tampoco ocurre en esta ocasión. Cantan con exquisita sutileza e intensidad dramática. Y, además, en alemán. ¡Extraordinario!. Muy bien también los solistas Adela Zaharia y Richard Sveda.

Si no se han acercado aún a esta expresión artística que es la danza, no se pierdan cualquiera de las cuatro propuestas que el Teatro Real ofrece esta temporada. Del 3 al 10 de noviembre, El cascanueces, un clásico. Del 21 al 26 de enero Ballet de l’Opéra national de Paris, con coreografías de Jerome Robbins, Hans van Manen y George Balanchine y músicas de Claude Debussy, Maurice Ravel, Johann Sebastian Bach e Ígor Stravinsky. Del 31 de marzo al 4 de abril, Dido & Aeneas, de Purcell, en un espectáculo de ópera y danza, con coreografía de Sasha Waltz. La temporada de danza concluye el 4 de mayo con el Víctor Ullate Ballet.

Ballett am Rhein

La compañía Ballet del Rin de Düsseldorf (Ballett am Rhein), proclamada en cuatro ediciones consecutivas Compañía del Año por la revista de danza alemana Tanz, debuta en el Real con una emotiva coreografía sobre el gran oratorio de Johannes Brahms: Un réquiem alemán, que será interpretado por el Coro y Orquesta Titulares del Real, con Marc Piollet a la batuta.

La composición de Brahms, una gran pieza coral y orquestal con dos solistas, fue escrita inmediatamente después de la muerte de su madre. En e sta ocasión la obra estará coreografiada por el director de la compañía, Martin Schläpfer.

Los 45 bailarines del Ballet del Rin convertirán la meditación de Brahms en una poderosa representación física de la ansiedad antes de que la muerte se transforme en una victoria sobre la desesperación.

The Royal Ballet

Entre el 18 y el 22 de julio el Teatro Real recibirá la visita de The Royal Ballet, que regresa al escenario madrileño tras veinte años de ausencia, para presentar su nueva producción de El lago de los cisnes, firmada por Liam Scarlett, sobre el original de Marius Petipa y Lev Ivanov, cuyo estreno tuvo lugar en Londres el pasado 17 de mayo  y hará de Madrid el primer lugar del mundo, después de Covent Garden, donde podrá verse esta nueva versión.

Las funciones contarán con la participación de la Orquesta Titular del Teatro Real dirigida por Koen Kessels, y con las grandes estrellas de la compañía británica para encarnar los papeles principales, Odette/Odile y el príncipe Siegfried, interpretados por: Marianela Núñez y Vadim Muntagirov (18, 22 de Julio), Yasmine Naghdi y Matthew Ball (19 de julio), Sarah Lamb y Ryoichi Hirano (20 de Julio), Akane Takada y  William Bracewell (21 de julio, 17.00 h) y Yasmine Naghdi y Federico Bonelli (21 de julio, 22.00).

Liam Scarlett sitúa la acción a finales del siglo XIX, y para su ambientación ha escogido al prestigioso diseñador británico, John Macfarlane, responsable del vestuario y la escenografía, quien, sin dejar de ser fiel a la tradición, aporta el imprescindible halo de cuento de hadas y la intimidad o exhibición necesarias cuando la narración lo requiere. Su espectacular tercer acto, derroche de riqueza y pomposidad, despertó gran admiración en su estreno londinense arrancando los aplausos del público nada más alzarse el telón.

Destaca, de esta esperada nueva producción, el perfil de las personalidades de cada personaje, que Scarlett define e incluso humaniza, haciendo más comprensible la historia y ofreciendo nuevos puntos de vista, especialmente sobre el rol de Von Rothbart. Con igual intención rescata pasajes de la partitura, que habitualmente son suprimidos, y reestructura el cuarto acto para poner en valor su potencia narrativa.

La coreografía de Liam Scarlett mantiene íntegra la danza napolitana de Frederick Ashton en el tercer acto, momento que también cosechó ovaciones el día del estreno

The Royal Ballet fue la primera compañía de danza que actuó en el recién inaugurado Teatro Real, en noviembre de 1997, interpretando una inolvidable versión de La bella durmiente. Ahora regresa con esta brillante propuesta, para compartir con el Real las celebraciones del Bicentenario y del 20 aniversario de su reapertura.

Kevin O’Hare, actual director de The Royal Ballet, ha declarado: «Es un honor para nosotros volver al Teatro Real después de más de veinte años, presentando esta nueva y emocionante producción de El lago de los cisnes. Todo el mundo en la compañía tiene muchas ganas de actuar en Madrid, y estoy encantado de poder compartir esta producción con el público español después de su estreno en Londres».

Hoy martes, a las 20.15 horas, tendrá lugar una nueva sesión de Enfoques, en la Sala Gayarre, en torno a El lago del cisnes, que contará con la participación de ex bailarina, directora y profesora de danza Arantxa Argüelles, el crítico y escritor Roger Salas y Joan Matabosch, director artístico del Teatro Real.

Carmen de Víctor Ullate

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan Carmen, el nuevo espectáculo del Víctor Ullate Ballet Comunidad de Madrid, con coreografía de Víctor Ullate y dirección artística de Eduardo Lao. Después de su éxito en el Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial, el Teatro Campoamor de Oviedo, el Kursaal de San Sebastián, el Teatro Romano de Verona o la Ópera de Vichy, Carmen llega finalmente a Madrid del 31 de agosto al 17 de septiembre

Más de un siglo después de su estreno, esta nueva propuesta quiere alejarse de los tópicos y lugares comunes para adentrarse en la esencia de la historia y arrojar nueva luz sobre uno de los personajes más poliédricos de la ficción contemporánea: Carmen. Para ello ha sido necesaria una actualización: recrear un espacio atemporal alejado de todo costumbrismo, de manera que no se interponga entre el espectador y la protagonista ningún tipo de barrera temporal; y una revisión: porque una pieza que tiene más de un siglo de antigüedad, necesita de una mirada nueva y audaz, pero absolutamente respetuosa con la esencia de la historia.

Con estas premisas se han planteado la escenografía y el vestuario, modernos y atemporales, de Paco Azorín y Ana Güell respectivamente. Los roles protagonistas están interpretados por Marlen Fuerte y Josué Ullate. Los días 2, 6, 7, 8, 12, 13 y 16 de septiembre, Lucía Lacarra, destacada bailarina y antigua alumna del maestro Ullate, interpretará el papel de Carmen.

Carmen es la historia de la mujer fatal, coqueta, seductora, es el concepto de la mujer apasionada que  encuentra en la sociedad que la rodea un marco estrecho que la encorseta y del que quiere escapar. Esta versión sitúa a la protagonista en una nueva dimensión de lujo y glamour: una modelo de alto nivel que por las noches se convierte en escort. Como Buñuel hizo en Belle de Jour, esta Carmen es una mujer con doble vida: por el día es una mujer llena de glamour, amor, noches de diversión y champagne…, por la noche es una mujer apasionada que se enamora de cualquiera, una mujer ávida de experiencias y aventuras. Un personaje lleno de luces y sombras, atractivo, enigmático y transgresor.

Se ha incluido un elemento fundamental en la trama y totalmente novedoso que es el personaje de la muerte como hilo conductor, alertando del peligro latente y anunciando un sino ineludible; otro elemento a  destacar es la inclusión de los personajes de las amigas de Carmen, una mirada hacia los clásicos, donde tradicionalmente la protagonista va acompañada de sus amigas, que la rodean, escuchan y aconsejan.

Las funciones del 9 y 10 de septiembre contarán con la música en directo interpretada por la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid bajo la dirección de Manuel Coves. Serán funciones benéficas a favor del programa de formación de la Fundación Víctor Ullate y Fundación Ibercaja.

Víctor Ullate (Zaragoza, 1947), considerado por Maurice Béjart como uno de los bailarines más completos de este siglo, ha sido el bailarín español con mayor proyección internacional de todos los tiempos. Su extraordinaria técnica clásica, inculcada por María de Ávila, y su gran amor a la danza, le dotaron de una vocación y una voluntad excepcionales que le hicieron destacar muy pronto como solista. Inició su carrera profesional en el Ballet Siglo XX, bajo la dirección de Maurice Béjart, en el que permaneció durante catorce años.

En 1989 Víctor Ullate obtiene el Premio Nacional de Danza y en 1996 le es concedida la Medalla de Oro de las Bellas Artes. En 2003 recibe el Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid en la modalidad de Danza, el Premio Autor-Autor en 2007, el Premio MAX de Honor en el año 2008 y el Premio MAX por Wonderland, como mejor espectáculo de danza en 2011.

En 2013 le otorgan la Gran Cruz de la Orden del 2 de Mayo de la Comunidad de Madrid y es nombrado Miembro de Honor del Claustro Universitario de las Artes y Profesor Honorífico de la Universidad de Alcalá. También ha recibido otros galardones como la Medalla del Festival de Granada en 1998. En 2014 es nombrado Miembro de Honor de la Academia de las Artes Escénicas y en 2016 recibe la Medalla de Oro al mérito en el Trabajo.

Madrid en danza

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid acogen la 31 edición del Festival Madrid en Danza, que se celebrará en las salas Roja y Verde desde el 18 de noviembre hasta el 8 de diciembre.

La programación del Festival comienza en la Sala Roja los días 18 y 19 de noviembre con la Gala Nacho Duato, en la que se representarán extractos de las coreografías más emblemáticas de Nacho Duato como Jardi Tancat, Arenal y Cor Perdut.

El domingo 20 será la única ocasión para ver a Dorothée Gilbert y Mathieu Ganio, bailarines estrellas de la Ópera de París, interpretar el dúo que el coreógrafo Giorgio Mancini ha creado sobre la ópera de Wagner Tristán & Isolde.

La compañía Batsheva Dance Co. presenta por primera vez en España Last work, con la que el coreógrafo Ohard Naharin y los bailarines de la compañía exploran la movilidad del cuerpo y sintetizan el espectro infinito de las emociones y el sentimiento en la actuación. Serán dos únicas funciones los días 23 y 24 de noviembre en la Sala Roja.

Los días 24 y 25 en la Sala Verde el público podrá disfrutar de Escrito en el aire (Gelabert danza Novarina), firmada por Gelabert Azzopardi Compañía de Dansa, y que presenta un encuentro entre el coreógrafo y el universo filosófico del escritor y pintor francés Valère Novarina. El proceso alquímico en el cual el bailarín danza la palabra y el escritor escribe el movimiento.

Por segundo año consecutivo la Gala Internacional Madrid en Danza acogerá a los mejores bailarines del momento, el sábado 26 de noviembre. Alicia Amatriain y Constantine Allen, bailarines principales del Stuttgart Ballet; Marianela Núñez, bailarina principal del Royal Ballet; Alejandro Parente, bailarín principal del Ballet Teatro Colón; Davide Dato, principal del Wienner Staatsballett; Natascha Mair, solista de Wiener Staatsballett; Carlos Pinillos y Filipa de Castro, principales de la Companhia Nacional de Bailado); y Cristina Dijmaru y Bogdan Canila, principales del Ballet Nacional de Bucarest.

En Homenaje a Rafael Aguilar. Rango y bolero el Ballet Rafael Aguilar hace un tributo a la memoria del maestro Rafael Aguilar, uno de los coreógrafos que renovó la danza flamenca contemporánea. Este espectáculo se podrá ver en la Sala Verde el domingo 27 de noviembre.

La compañía Gauthier Dance y la Dance Company Theaterhaus Stuttgart presentan el estreno en España de Nijinski, en dos únicas funciones los días 30 de noviembre y 1 de diciembre en la Sala Roja. Este ballet relata momentos de la vida de Vaslav Nijinski, una vida de glamour y fama, pero también con claroscuros en su historia.

La compañía Mal Pelo presentará los días 1 y 2 de diciembre su espectáculo El quinto invierno, un poema coreográfico límpido, a la vez que tierno y potente, construido a partir de las palabras del escritor y poeta italiano Erri de Luca.

El bailaor Israel Galván vuelve a subir al escenario con La edad de oro, en tres funciones los días 2, 3 y 4 de diciembre. Lo importante de este espectáculo es su condición de laboratorio para ensayar con naturaleza flamenca todo el repertorio de gestos, cuerpos y voces que Israel Galván va inventando.

Kokoro, de la Compañía Lali Ayguadé, es un espectáculo de danza contemporánea que explora la búsqueda del amor, su coherencia, su ausencia…, la capacidad o incapacidad del hombre. Este montaje estará en la Sala Verde en una única función el 4 de diciembre.

Las compañías residentes de la Comunidad de Madrid (Ibérica de Danza, Larumbe Danza, Rojas y Rodríguez, Losdedae, Compañía Antonio Gades y Malucos Danza) presentarán por primera vez In Pulso, un camino de maridaje dancístico e interacción de las diferentes disciplinas a las que representan, creando un todo integrador en un espectáculo único y sin precedentes, que se representará el miércoles 7 de diciembre.

La programación del Festival Madrid en Danza en los Teatros del Canal se clausura el 8 de diciembre con Siena, de la compañía de danza contemporánea La Veronal. En este montaje se reflexiona sobre el cuerpo humano a través de un espacio atemporal donde la línea entre realidad y ficción se desvanece.

BobWilson

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno en España de Letter to a man, un montaje dirigido por Bob Wilson e interpretado por Mikhail Baryshnikov que estará en cuatro únicas funciones en la Sala Roja del 12 al 15 de mayo.

El icónico director Robert Wilson y el legendario artista Mikhail Baryshnikov han unido sus fuerzas artísticas para crear una nueva obra basada en los famosos diarios del bailarín y coreógrafo ruso Vaslav Nijinsky, que, en su mejor momento, fue reconocido como el bailarín más famoso en el mundo occidental, actuando con los renombrados Ballets Rusos de Sergei Diaghilev.

Letter to a Man es una obra de teatro realizada por Mikhail Baryshnikov, que entra en la mente fragmentada del gran artista de la danza Vaslav Nijinsky mientras cae en la locura. Como siempre en los movimientos de las obras de Wilson, texto, luces, escenografía y música son partes iguales de la misma creación, donde, como él dice, «todo el teatro es danza».

La obra, a partir de los diario del bailarín, sitúa la acción en Budapest en 1945. Él y su esposa han encontrado refugio con su familia. Estas son las últimas semanas de la Segunda Guerra Mundial y las batallas entre soldados alemanes y rusos se da con rabia en las calles destruidas. La salud mental de Nijinsky se había descompuesto en Suiza al término de la Primera Guerra Mundial. Sus diarios son un documento extraordinario de su lucha para no caer en la locura y entender lo que le estaba ocurriendo. Cuando dejó de escribir su diario, él se encerró, como en una tumba. Allí permaneció durante más de dos décadas, vigiladaopor su esposa. Pero a medida que una nueva catástrofe en Europa llega a su fin, el gran artista parece estar llegando a la vida de nuevo.

El proyecto es la segunda colaboración de Wilson y Baryshnikov, cuya producción de Daniil Kharms  The Old woman, con Baryshnikov y Willem Dafoe, ha tenido gran éxito de crítica en su  gira nacional e internacional.

Ficha artística:

Dirección,  escenografía,  concepto de  iluminación: Robert Wilson con  Mikhail Baryshnikov. Basado en  el Diario de  Vaslav Nijinsky. Texto de Christian Dumais-Lvowski. Dramaturgia de Darryl Pinckney. Música de Hal Willner. Vestuario de Jacques Reynaud. Colaboración con los movimientos y  texto hablado: Lucinda Childs. Diseño de iluminación de  A.J. Weissbard. Asociada al diseño de escenografía: Annick Lavallée-Benny. Asociado a la Dirección: Nicola Panzer. Diseño de sonido de Nick Sagar / Ella Wahlström. Diseño de video de  Tomek Jeziorski.

Un proyecto de Change Performing Arts project  y Baryshnikov Productions. Comisionado por el Festival de Spoleto dei 2 Mondi, BAM, Cal Performances Universidad de California en Berkeley, Centro de artes escénicas de UCLA en colaboración con los Teatros del Canal de Madrid, Les Ballets de Monte-Carlo / Mónaco Dance Forum producción ejecutiva CRT Milano.

Más información enhttp://www.teatroscanal.com/espectaculo/letter-to-a-man-robert-wilson/

Teatros del Canal

La compañía La Phármaco aborda el mito de Kaspar Hauser a través de un solo de danza contemporánea
Luz Arcas, Premio Ojo Crítico de Danza 2015 y una de las grandes promesas de nuestra escena, protagoniza la pieza
El jueves 24 tendrá lugar un encuentro con el público al finalizar la función, con entrada libre hasta completar aforo

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno absoluto de la última creación de la compañía La Phármaco, titulada Kaspar Hauser. El huérfano de Europa, dentro de la programación del XXXIII Festival de Otoño a Primavera.

El montaje, un solo de danza contemporánea que podrá verse en la Sala Negra de los Teatros del Canal del 22 al 25 de marzo, está interpretado y coreografiado por Luz Arcas, Premio Ojo Crítico de Danza 2015 y una de las figuras con más proyección de la escena dancística española de los últimos tiempos. El jueves 24, la artista ofrecerá un encuentro con el público tras finalizar la función, con entrada libre hasta completar aforo.

“Mirarlo todo con los ojos de quien no esperaba ni necesitaba el mundo”. Así introduce La Phármaco el leit motiv de su nueva creación, que ahonda en los misterios del controvertido personaje que le da título a su obra, Kaspar Hauser, conocido como “el huérfano de Europa”. La pieza es un espectáculo físico que dialoga con la Historia para reflejar nuestra época, bailando, como la propia formación afirma, “la naturaleza poética y salvaje de lo humano”.

El 26 de mayo de 1828 un extraño joven que apenas lograba mantenerse en pie apareció como salido de la nada en una plaza de Nüremberg. El chico, que portaba una carta anónima con algunos datos contradictorios sobre su procedencia, fue acogido enseguida por todo el país como un experimento social, político y filosófico. A las seis semanas hablaba con cierta fluidez y podía leer y escribir. Se supo que había vivido en un calabozo y que, hasta el momento de ser encontrado, nunca había visto a ningún ser humano. Los médicos decretaron que no era un loco ni sufría más retraso que el que le había provocado el aislamiento.

Con una sensibilidad especial para la pintura y la equitación, apasionado por la lectura y la música, Kaspar nunca resolvió quién se encontraba al otro lado de los espejos, tampoco logró asimilar la idea del Dios único, le repelían las imágenes cristianas y odiaba el latín, no diferenciaba los acontecimientos soñados de los vividos y atribuía voluntad a todos los seres inanimados. El joven murió asesinado en extrañas circunstancias el 17 de diciembre de 1833. En su lápida puede leerse: “Aquí yace Kaspar Hauser, enigma de su tiempo. Su nacimiento es desconocido. Su muerte, un misterio”.

Sobre la obra, la compañía avanza: “en la danza de Kaspar Hauser, el motor de movimiento es siempre trágico: imaginamos la peculiaridad de sus texturas, que nacen de una extrema hipersensibilidad, de una reacción física contra lo real (Kaspar no soportaba la luz, podía ver en la oscuridad, percibía la fuerza magnética de metales, animales y personas y le dolían la mayoría de los aromas, sonidos y sabores)”. Pero Kaspar Hauser encarna, sobre todo, el conflicto natural con “lo otro”, supone bailar la implacable violencia del mundo con la naturaleza intacta de aquel chico conocido como “el huérfano de Europa”.

Una gran promesa de la danza contemporánea española

Desde su nacimiento, en el año 2009, La Phármaco, con la bailarina y coreógrafa Luz Arcas al frente, se ha propuesto recuperar el concepto clásico de ceremonia escénica: el espectáculo total, donde los elementos expresivos se reúnen y se afinan en una misma tonalidad, comprometida con el mensaje. La compañía cree que la danza no se limita a una cuestión de géneros ni de estilos, sino que su labor es tratar de hacer visible lo que estaba oscuro. Partiendo de la premisa de que la danza es un arte culto, que dialoga con las voces fundamentales de nuestra Historia, La Phármaco encuentra en los clásicos de la literatura universal un espejo apropiado para reflejar nuestra época, al tiempo que reivindica la ceremonia escénica como mecanismo necesario, social y humanista.

Entre sus creaciones destacan El libro de los venenos (2009, Premio Injuve y Málaga Crea 2009), El monstruo de las dos espaldas (2010), Antes fue siempre fuego (2012), Sed erosiona (2012), Éxodo: primer día (2013, nominada a los Premios MAX y a los Premios del Teatro Andaluz por Mejor Espectáculo de Danza y Mejor Intérprete Femenina de Danza y seleccionada para el catálogo del AECID 2015) y La voz de nunca (2014, coproducida por la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales y ganadora del Premio a la Mejor Intérprete Femenina de Danza en los Premios del Teatro Andaluz en 2015).

Más información.

Sasha Waltz

La reconocida compañía alemana de danza Sasha Waltz & Guests se presentará en el Teatro Real la próxima semana para ofrecer cuatro funciones, entre los días 9 y 12 de marzo, con un programa compuesto por tres coreografías bien diferenciadas, todas ellas creadas por Sasha Waltz y seleccionadas de su extenso repertorio, en el que dará una muestra de su carácter innovador y expresivo así como su enorme capacidad de comunicación. Una noche de danza que contará con la participación de la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección musical de Titus Engel.

El espectáculo comienza con La siesta de un fauno (L’Après-midi d’un faune), de Claude Debussy, y una escena de Romeo y Julieta, de Hector Berlioz, para dar paso a Consagración (Sacre), una nueva versión de la Consagración de la primavera, de Igor Stravinsky, estrenada por la compañía el pasado 2013. Todas ellas coreografiadas por Sasha Waltz y en las que ha contado con sus colaboradores habituales para la escenografía, vestuario e iluminación.

Para la bella complejidad del poema sinfónico de Debussy, Preludio a la siesta de un fauno, Waltz dibuja un conjunto de movimientos lentos y sutiles, con intercambios explosivos, enmarcados en una colorida puesta en escena diseñada por Giom/Guillaume Bruère, responsable también del vestuario. Las acciones se suceden cargadas de armonía y de seductora sensualidad.

Escena de amor, Scène d’amour, es un fragmento de larga duración de Romeo y Julieta, de Hector Berlioz, en el que el dúo de jóvenes amantes representa su amor con ternura, sin melodrama, a través de gestos suaves fuertemente apoyados en la música. Aunque aparentemente la coreografía ofrece un estilo narrativo más convencional, posee impactantes contrastes y los bailarines intercambian sus posiciones habituales, masculina-femenina, sin perder la esencia del romanticismo.

La intensidad coreográfica cambia radicalmente con la entrada en escena de Consagración, Sacre, de Igor Stravinsky. Sasha Waltz recibió el encargo del Teatro Mariinski de San Petersburgo de crear una nueva coreografía para esta obra clave del modernismo, cuyo estreno tuvo lugar en 2013, justo cien años después de su estreno en París con la mítica coreografía de Vaslav Nijinski para los Ballets Rusos.

La creadora berlinesa siempre se ha mostrado interesada en los mitos arcaicos y los ritos que conjuran el poder y el orden de la naturaleza. La música de Stravisnky, cargada de tensión, sonidos enfatizados y repetición constante de motivos musicales, le da la oportunidad de reflejar la estructura cíclica de la naturaleza, consiguiendo una recreación audaz e hipnótica, con movimientos que explotan en medio de la calma que culminan en una frenética danza ritual en la que “el individuo se sacrifica por el bien de la comunidad”, explica la propia Waltz.

Para el diseño de la producción Sasha Waltz ha contado una vez más con sus colaboradores habituales: Bernd Skodzig (vestuario), Pia Maier Schriever (escenografía) y Thilo Reuther (iluminación).

Desde su fundación en Berlín en 1993 Sasha Waltz & Guest ha sido fiel a su espíritu de colaboración entre las distintas manifestaciones artísticas, contando con la participación de arquitectos, artistas visuales, coreógrafos, cineastas, diseñadores, músicos, cantantes y bailarines. En la capital alemana coopera con numerosas instituciones como teatros municipales, casas de ópera y museos y ha contribuido al establecimiento de espacios de producción innovadores para el diálogo artístico. Su amplia gama de actividades en diferentes países de Europa con proyectos educativos, de formación y de participación de diferentes artistas, ha llevado a la compañía a ser designada Embajadora Cultural de la Unión Europea, considerando la danza como una forma de arte que supera las barreras de la lengua y hace desaparecer barreras geográficas.

Ballet

Los días 7, 8, 9 y 10 de enero de 2016 el Teatro de la Maestranza de Sevilla presenta Aalto Ballett Essen interpretando Romeo y Julieta, con música de de Sergei Prokofiev y coreografía de  Ben Van Cauwenbergh. Y a la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla bajo la dirección de Johannes Witt y Yannis Pouspourikas.

Romeo y Julieta

El amor absoluto e incondicional de Romeo y Julieta inspiró a muchos compositores desde Bellini a Gounod, Tchaikovski y Bernstein pero es sin duda la partitura de Prokofiev que se ha acercado más a la tragedia Shakespeare.

Prokofiev estaba buscando algo lírico cuando le vino en mente la más conocida y trágica pareja de Shakespeare: Romeo y Julieta. Pero la transformación del hito literario del año 1596 en gran ballet amenazó con fallar, ya que “personas vivas pueden bailar y personas moribundas no bailan acostadas”. Si Romeo solo llegara un poco antes y encontrara a Julieta viva, la historia pudiera tener un final feliz.

Prokofiev estaba dispuesto a hacer algo para solucionar el problema coreográfico y transformar en éxito su ballet en su país natal. Al final decidió sin embargo quedar fiel a la obra y encontró la solución para el final mortal en un universo sonoro abrumadoramente conmovedor. El enclavamiento del material literario mundial y la expresión musical altamente emocional hace de Romeo y Julieta uno de los ballets más significantes.

A través de sus temas de amor tierno de ensueño, expresiones pujantes de hostilidad y dramáticas escenas de lucha, esta tragedia de Shakespeare crea el amor, los celos, el odio, el perdón y la muerte en todos sus sentidos. La interpretación del director artístico Ben Van Cauwenbergh combina la historia de la obra de Shakespeare y la inmediatez del lenguaje musical de Prokofiev con el vocabulario dancístico neo-clásico para crear una velada de ballet intemporal en la cual la Muerte mantiene al Amor vivo.

Ballet La Bella durmiente en el Teatro Real

Cinco años han pasado desde que Nacho Duato dejara de estar al frente de la Compañía Nacional de Danza. Los mismos cinco años que ha tardado el maestro en regresar con una producción diseñada y dirigida por él. Cinco años son demasiado tiempo cuando de una ausencia como esta se trata.

Se presenta al frente del Staatsballett Berlin. Compañía resultante de la unión de las respectivas formaciones de danza de los tres teatros de ópera de Berlín: Staatsoper Under der Linden, Deutsche Oper y Komische Oper. Convirtiéndose así en una de las compañias de ballet clásico más importantes de Alemania y prestigiosas del mundo.

Llegaba al Teatro Real con un ballet clásico después de veinte años dedicado exclusivamente a las coreografías contemporáneas. La bella durmiente, con música de Chaikovski y basada en la versión de Charles Perrault. Este cuento transporta, desde los primeros compases, a un mundo mágico. Y lo hace de la mano de Pedro Alcalde cuya potente batuta extrajo de la Orquesta una energía extraordinaria. Perfectamente coordinada con los bailarines que tenían en la música su principal aliado.

El primer acto es el más evocador. un cuento infantil hecho música y concebido desde el pricipio por el compositor para ser bailado. Queda enmarcado en la escenografía de Angelina Atlagic como si de un cuadro se tratase.Todo es color y volumen, que conceden una gran profundidad al escenario.

En el segundo acto es la naturaleza la protagonista. El colorido y el vestuario son imponentes. Aún más si la iluminación potencia y equilibra. El tercer acto rompe con con la dinámica de los dos anteriores. La aparición en escena de personajes de otros cuentos, distrae de la trama original.

Es un ballet clásico, pero con matices contemporáneos, de los que parece que Duato no se puede desprender. Aunque cuesta identificarle en el conjunto de la coreografía. Ha querido Duato con esta obra poner el acento en la ténica coreográfica. Él mismo explica que ha querido reflejar en esta coreografía:“un clásico renovado, más ligero, menos pesado, más cercano al público. Es dificil atraer gente jóven al teatro después de estar todo el día con iPad. Por eso he tratado de refrescarla un poco y quitarle el polvo”.

La dirección de Pedro Alcalde es brillante. Llena de fuerza y rítmo y siempre pendiente de los bailarines. Algo muy importante en un arte tan extremadamente exacto en las entradas y acciones.

El cuerpo de baile, encabezado por Michael Banzhaf, como Rey Florestan y Beatrice Knop, como reina, componen una bella durmiente llena de delicada plasticidad. Y saben interpretar esas claves que Nacho Duato imprime en todos sus ballets.

El Teatro Real inicia temporada con un ballet. Algo inusual pero extraordinario. Comenzar de una forma tan hermosa solo puede ser el preámbulo de una gran temporada. Ilusión, no falta. Que no sea inocencia.

La bella durmiente
Piotr I. Chaikovski
Libreto de Nacho Duato, basado en el original de Iván Vsevolozhski
Coreografía: NAcho Duato
D. musical: Pedro Alcalde
Escenografía y figurines: Angelina Atlagic
Diseño de luces: Brad Fields
Bailarines: Michael Banzhaf, Beatrice Knop, Iana Salenko, Marian Walter, Arshak Ghalumyan, Martina Böckmann, Elvis Abazi, Ty Gurfein.

StaatsballBerlin

El Teatro Real inaugura su Temporada 2015-2016 el próximo 4 de septiembre con la presencia en su escenario del Staatsballett Berlin, dirigido en la actualidad por Nacho Duato. La compañía alemana ha asumido el reto ofreciendo dos programas distintos en los que interpretarán una nueva versión de La bella durmiente, los días 4, 5 y 6 de septiembre, con coreografía de su director artístico y la participación de la Orquesta Titular del Teatro Real dirigida por Pedro Alcalde, y otro compuesto también por obras de Duato y de Marco Goecke, los días 8 y 9 de septiembre.

Nacho Duato, uno de los coreógrafos más reconocidos del mundo, ha aportado la amplitud de su creatividad a una compañía firmemente arraigada en el repertorio clásico, pero con la gran capacidad de ejecutar obras neoclásicas y contemporáneas.

La idea de elaborar un nuevo trabajo para La bella durmiente nace de un encargo del Teatro Mikhailovsky de San Petersburgo. Duato revisa las coreografías clásicas y piensa en configurar una nueva estructura narrativa que se ajuste a las cualidades de sus bailarines, en una forma de contar la historia del cuento clásico en un contexto más sintético y dinámico. El resultado es un ballet que consigue mantener la tensión a lo largo de toda la obra, reforzando la presencia de los malos de la historia, con escenas sugerentes, algunos toques de humor y movimientos que permiten a los solistas hacer una exhibición de sus extraordinarias cualidades, todo ello sin renunciar al romanticismo esencial de la composición de Chaikovski.

Duato ha contado con la colaboración en el diseño del vestuario y la escenografía de Angelina Atlagić, galardonada en España en 2009 con el premio Max por sus diseños para la obra Barroco -dirigida por Tomaz Pandur– y a quien el coreógrafo ya había encomendado los trajes para su coreografía Alas, en la CND. La bella durmiente posee una expresión visual desbordante de belleza y creatividad; sus diseños, junto a la inspirada iluminación de Brad Fields, resaltan la magia del cuento.

Los días 8 y 9 de septiembre la compañía interpretará un programa contemporáneo compuesto por las coreografías And the Sky on that Cloudy Old Day, de Marco Goecke, Static Time y White Darkness, ambas de Nacho Duato.

Static Time es la primera coreografía de Nacho Duato para el Staatsballett Berlin, estrenada el pasado mes de mayo. Con música de Rajmáninov, Mozart, Schubert y electrónica de los compositores Pedro Alcalde y Sergio Caballero, dos bailarines exploran los temas de la memoria, las despedidas, los reencuentros y la eternidad, que en algún momento ocupan la existencia del ser humano.

Marco Goecke, responsable también de la escenografía y el vestuario, se inspira en la obra orquestal de John Adams Guide to Strange Places, quien a su vez parte del pequeño libro de viajes “Guide noir de la Provence mystérieuse“, que describía lugares geográficos, históricos y secretos de la Porvenza francesa. Con la misma curiosidad del viajero, el coreógrafo alemán adentra a los bailarines en recorridos desconocidos e inusuales, reflejando las impresiones y sentimientos que éstos les provocan, “lugares en los que a veces se reúnen con el miedo, pero también con la curiosidad“, en palabras de Goecke.

Estrenada en 2001 por la Compañía Nacional de Danza, White Darkness, de Nacho Duato, será la obra encargada de cerrar las veladas contemporáneas. Concebida como un réquiem a la muerte de su hermana, la coreografía muestra de forma muy visual el drama de los jóvenes atrapados por las drogas, el viaje a la profunda oscuridad destructora y reflexiona sobre sus efectos en el individuo y la sociedad. Inquietante, como los hechos que se narran, resulta la música de Karl Jenkins, del que Duato ha seleccionado su Cuarteto de cuerda núm. 2 y las Variaciones Adiemus.

Danza

La Sala Manuel García del Teatro de la Maestranza acoge los próximos días 7 y 8 de noviembre, a las 19,00 horas, una muestra del Mes de Danza en su 21º edición.

La coreógrafa y bailarina francesa Karine Ponties, directora de la compañía Dame de Pic, acude al Maestranza con dos de los cinco solos de danza que conforman el ciclo «Epouvantails» (Espantapájaros): Babil con interpretación y textos de Eric Domeneghetty y Benedetto Pacifico con la colaboración como intérprete del bailarín andaluz Guillermo Weickert.

Un espantapájaros es, para la propia coreógrafa, “Una figura emocionante y contradictoria, un soldado solitario del miedo pero que nunca ha asustado a nadie” y de ahí que lo haya elegido como centro de su ciclo de danza
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El ciclo «Epouvantails» está compuesto de cinco piezas independientes pero relacionadas entre sí: Babil, Fidèle à l´éclair y Havran son tres solos de danza cuyos personajes aparecen reunidos en una cuarta creación, Humus vertebra. Posteriormente, Karine Ponties añadió un quinto solo para terminar de configurar el ciclo, Benedetto Pacifico.

El Mes de Danza, Muestra Internacional de Danza Contemporánea, es un evento de iniciativa privada organizado por Transforma Producción Cultural que comenzó a celebrarse en Sevilla en 1994 con el objetivo de dar a conocer y promocionar a los creadores de la danza hecha en Andalucía.

KARINE PONTIES / DAME DE PIC

Directora de Dame de Pic, coreógrafa e intérprete, Karine Ponties es autora de más de 30 obras que han girado por gran parte del mundo en los eventos más destacados de artes escénicas. El universo de sus creaciones se caracteriza por su sentido de lo absurdo, su exploración de la intimidad, de lo orgánico y de las relaciones humanas.

Karine Ponties nace en Francia en 1967. Su inmersión en la danza empieza en la escuela de Juan Tena y Ramón Soler en Barcelona y prosigue en Mudra, la escuela de Maurice Béjart en Bruselas.

Como intérprete ha trabajado con muchas compañías entre ellas, Frédéric Flamand, Michèle Noiret, Nicole Mossoux/Patrick Bonté y Pierre Droulers, antes de crear su propia compañía Dame de Pic en 1995. En 1996, la compañía presenta su primera pieza Planta Baja y poco después, Karine Ponties es premiada en la 4ª edición de “Pépinières europeas para jóvenes artistas”.

Recientemente ha formado parte de los siete coreógrafos europeos seleccionados para participar en el proyecto europeo de danza en Rusia, Intradance (2010). En este marco, la obra Mirliflor ha recibido el Golden Mask 2011 (Premio nacional ruso de teatro) para el mejor espectáculo de danza contemporánea.

Sus colaboraciones premiadas, entre ellas, con el artistas visual Thierry Van Hasselt para la obra Brutalis y Holeulone ponen de relieve el aspecto interdisciplinar de la compañía.

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