Raffaella Lupinacci
Entrevista a Raffaella Lupinacci, la Adalgisa en la Norma del Teatro de la Maestranza

Raffaella Lupinacci es una de las mezzosopranos más destacadas y
solicitadas de su generación. Alberto Zedda
la seleccionó para la Accademia Rossiniana de Pésaro. Ahora regresa a España por segunda vez, al Teatro de la Maestranza de Sevilla con el rol de Adalgisa, en la Norma de Bellini. Una oportunidad para escuchar una de las voces belcantistas más destacadas que esperamos regrese pronto a nuestro país.

Brío Clásica: ¿Cómo es el carácter de la Adalgisa de Raffaella Lupinacci?

Raffaella Lupinacci: Adalgisa es un personaje dulce, atento, ingenuo… Y trataré de transmitir de la mejor manera esas características mediante un fraseo cuidado y respetuoso con el estilo y la escritura belliniana… En esta producción en concreto, la acertada interpretación musical del Maestro Yves Abel y la íntima y elegantísima regia de Nicola Berloffa contribuyen a la exaltación de los rasgos humanos de cada personaje.

B.C: Abordar un rol absolutamente romántico como Adalgisa, ¿requiere realizar algún cambio en la vocalità o la expresividad? Sobre todo, con respecto a roles menos románticos.

R.L: Requiere más bien el conocimiento del estilo específico, en este caso el estilo belcantista, que obviamente tiene que ir acompañado de un gran dominio técnico.

B.C: Un personaje tan intenso como Adalgisa atrapa, al menos durante la función, ¿cómo se libera de un personaje después de darlo todo en escena?

R.L: Pues la verdad es que uno difícilmente se libera de los roles interpretados la misma noche de la función, y solo al día siguiente, aunque no siempre, consigue reconectarse con la realidad…

B.C: ¿Qué diferencias ve en la escritura de Rossini con respecto a la de Bellini y Donizetti?

R.L: Rossini presenta un canto con una agilidad más desenfrenada. En Donizetti y Bellini también están presentes las agilidades, pero son más suaves y se desarrollan dentro de una gran estructura dominada por el legato, y el arte del rubato encuentra mayor espacio.

B.C: Ha trabajado con el Maestro Alberto Zedda en su Accademia Rossiniana de Pésaro. ¿Qué ha significado para usted el encuentro con el Maestro Zedda y qué aprendió con él?

R.L: El encuentro con el Maestro fue fundamental no solo porque me dio la oportunidad de comenzar mi carrera como cantante profesional, sino sobre todo porque me introdujo en el buen gusto, en el estilo del belcanto, en prestar atención a la palabra, en no dar nada por sentado… Además, me hizo más fuerte como mujer y como artista, con sus consejos y sus formas tan directas. Creyó en mí desde el primer momento y le estaré eternamente agradecida por ello.

B.C: ¿Y es verdad que también ha trabajado con Mirella Freni?

R.L: Ay… ¡Ya me hubiera gustado! Pero cuando comencé mi carrera, la señora Freni ya se había retirado de los escenarios… De todas formas, es cierto que asistí a una Masterclass con ella en Vignola y conservo con cariño una partitura de Bohème con una dedicatoria suya… Tengo un bellísimo recuerdo de “alumna”…

B.C: Ha cantado varios roles del repertorio mozartiano como Cherubino, Dorabella o Donna Elvira. ¿Le gustaría cantar otros roles de Mozart en un futuro? ¿Qué se necesita, en su opinión, para cantar bien Mozart?

R.L: ¡Amo a Mozart! Y por supuesto que deseo cantar todavía mucho Mozart… Pienso en Sesto, Idamante y otros muchos roles de óperas menos conocidas. La elegancia mozartiana es única, y la búsqueda de la homogeneidad del sonido está en la base de la ejecución vocal mozartiana. Me parece que es, sin duda, uno de los compositores más difíciles de afrontar.

B.C: Y si le proponen dos obras para las mismas fechas, Mozart y Donizetti, ¿por cuál se decide y por qué?

R.L: ¡Qué pregunta cruel! Probablemente Donizetti porque me permite expresar también el lado más trágico de mi vocalità y de mi carácter.

B.C: ¿Hacia dónde evoluciona su voz?, ¿Piensa en Verdi?

R.L: Por el momento, todas mis atenciones están puestas en el belcanto o en aquello que ahora está más cercano. Veremos cómo se desarrollará mi voz con el tiempo…

B.C: También aborda el repertorio barroco, que como el belcanto, tiene sus peculiaridades, ¿qué cambios vocales, de expresión y estilo realiza al adentrarse en este repertorio? Ha grabado el dúo “Son nata a lagrimar” de “Giulio Cesare” de Händel con el contratenor Raffaele Pe, ¿le gustaría interpretar el rol de Cornelia en escena? ¿Y alguna obra de Bach?

R.L: El barroco es un mundo musical que me gusta mucho. Quizás más que Cornelia me gustaría llevar a escena el personaje de Sesto. Bach es, indudablemente, un compositor de gran interés y genialidad… La verdad es que no he tenido muchas ocasiones de acercarme de manera concreta a su música, pero estaré muy feliz de hacerlo cuando se presente la ocasión.

B.C: De los roles que interpreta, ¿hay alguno de ellos que haya significado realmente un desafío vocal e interpretativo?

R.L: Probablemente el rol de Arsace en “Aureliano in Palmira”, que interpreté recientemente en el Rossini Opera Festival, porque es un rol que requiere una extensión considerable, tanto en el grave como en el agudo. Es un rol masculino y muy débil desde el punto de vista de la dramaturgia, a pesar de ser un príncipe… Además, es un rol muy largo… Solo al final, después de tantos dúos y conjuntos, se llega a una larga y articulada gran scena… Y a eso se añade el hecho de haberlo debutado en el Rof, lo que no lo hizo nada fácil… Fue, sin duda, una gran responsabilidad pero también una experiencia que me ha regalado satisfacciones indescriptibles desde cualquier punto de vista.

B.C: Por supuesto un cantante tiene sus profesores de canto, de repertorio, etc, pero usted dispone de un vocal coach. ¿Qué diferencia tiene con los profesores tradicionales y qué le aporta a usted esta figura vocal?

R.L: En mi caso, mi vocal coach es el maestro de técnica “tradicional” con quien estudio y me reúno desde los inicios de mi carrera. Paralelamente, preparo los roles con diversos maestros especializados en mi repertorio.

B.C: Volvamos la vista atrás, ¿cuáles fueron sus primeros pasos en el mundo de la música?

R.L: Comencé a la edad de seis años estudiando piano. Con quince años, empecé a ir al Conservatorio y me diplomé en canto lírico.

B.C: Y una vez que decidió convertirse en cantante profesional, ¿le fue difícil identificar su vocalità?

R.L: La vocalità de la mezzosoprano es siempre muy particular porque, de hecho, engloba dos tipos de vocalità, y es el color el que determina la característica específica de la mezzosoprano. Yo he tenido la suerte de estar rodeada de oídos muy instruidos que han sabido dirigirme de inmediato por el buen camino … me estoy refiriendo al Maestro Zedda y al Maestro Fernando Opa.

B.C: Por cierto, ¿cuáles son sus mezzosopranos del pasado (y también del presente) de referencia?

R.L: Sin duda alguna, Lucia Valentini Terrani, Fiorenza Cossotto, Jessye Norman, Elina Garança…

B.C: La palabra es para usted muy importante, podemos observarlo en su bonito fraseo y en su amor por los idiomas. ¿Qué importancia tiene para usted la manera de decir las cosas? ¿Es verdad que estudió lenguas extranjeras en la universidad?

R.L: ¡Gracias por el halago! Un buen fraseo es la base… la atención a la palabra es fundamental. En las palabras encontramos el significado de lo que cantamos, y por tanto los colores, los matices, las emociones… Y sí, soy licenciada en lenguas y literaturas extranjeras con una tesis de licenciatura sobre “Didone ed Enea” de Purcell.

B.C: Es la segunda vez que podemos escucharla en España y nos parecen muy pocas, ¿podremos verla más a menudo en un futuro próximo? ¿qué otros compromisos le esperan después de esta “Norma” en Sevilla?

R.L: Espero poder cantar mucho más en España… Es una tierra y una cultura que me gustan mucho… Próximamente cantaré Angelina en “La Cenerentola” de Rossini en la Staatsoper Hamburg, y luego será el turno de Romeo en “I Capuleti e i Montecchi” en la Opera Royal de Wallonie… Más adelante, debutaré como Elisabetta en “Maria Stuarda” en Atenas, luego estaré nuevamente en Hamburgo y retomaré el personaje de Sara en “Roberto Devereux” en el Festival Donizetti 2024.

La reconocida mezzosoprano italiana Raffaella Lupinacci será Adalgisa en las funciones de Norma de Bellini, con dirección musical de Yves Abel y regia de Nicola Berloffa, que se podrá ver en el Teatro de la Maestranza de Sevilla los días 12, 15 y 18 de noviembre. En esta producción procedente del Teatro Regio di Parma, realizada en coproducción con el Teatro Municipale di Piacenza y el Teatro Comunale di Modena, la mezzosoprano calabresa compartirá escenario con la soprano Yolanda Auyanet (Norma), el tenor Francesco Demuro (Pollione), y el bajo Rubén Amoretti (Oroveso).

Considerada como una de las intérpretes más destacadas de Belcanto del circuito lírico actual, Raffaella Lupinacci hará su debut en la temporada operística del conocido teatro de la capital hispalense. “El rol de Adalgisa requiere mucha sensibilidad y gusto a la hora de porgere la palabra en el contexto musical. Además, dada su aguda tesitura, exige una gran flexibilidad vocal y todo un dominio técnico y estilístico a la intérprete”, señala Lupinacci, que ya cantó este rol belliniano en el escenario del teatro La Monnaie- De Munt de Bruselas.

Formada en la Accademia Rossiniana de Alberto Zedda, Raffaella Lupinacci se ha convertido en una de las voces habituales en el cartellone del prestigioso Rossini Opera Festival, donde el pasado verano recibió el elogio unánime de la crítica especializada con el personaje rossiniano de Arsace en el dramma serio Aureliano in Palmira, que aplaudió sus dotes actorales, su control del fiato, la nitidez en la coloratura y el amplio abanico de colores que fue capaz de recrear con su interpretación del rol escrito para el castrato Velluti.

Raffaella Lupinacci, que cuenta además con una carrera universitaria en lenguas extranjeras, ha cantado en numerosos teatros y festivales de renombre internacional como el Teatro Massimo de Palermo, el Teatro San Carlo de Nápoles, el Theater an der Wien, la Dutch National Opera de Ámsterdam, la Royal Opera House Muscat, la Korea National Opera, el Teatro Comunale di Bologna, la Fondazione Arena di Verona, el Wexford Festival, el Donizetti Opera Festival, o la Ópera de Florencia, entre otros.

Además, ha participado en producciones de grandes figuras de la escena como Mario Martone, Davide Livermore, Ferzan Özpetek, Rosetta Cucchi, Pier Luigi Pizzi o Giorgio Strehler. Entre los directores de orquesta con los que ha colaborado, destacan, los nombres de Francesco Lanzillotta, Michele Mariotti, Enrique Mazzola, Daniel Oren, Gianluigi Gelmetti o Sesto Quatrini. Y en su agenda de próximos compromisos, figuran dos importantes citas: el debut en la Staatsoper Hamburg con rol protagonista de La Cenerentola de Rossini, y el rol de Romeo junto a la soprano Rosa Feola (Giulietta) en I Capuleti e i Montecchi de Bellini en la Opéra royal de Wallonie, bajo la batuta de Maurizio Benini.

Jessica Pratt

Acostumbrada a lidiar con tesituras imposibles, la soprano Jessica Pratt asume un nuevo reto en su carrera al presentar su último trabajo discográfico, DELIRIO (Tancredi Records), un CD con un repertorio fascinante que se ha lanzado a nivel global el 20 de octubre. En este nuevo disco, la reina indiscutible del bel canto romántico revisa algunos de los personajes emblemáticos de óperas de Bellini y Donizetti con el objetivo de profundizar en el retrato que en este repertorio se realizaba de las enfermedades mentales. Las escenas de locura brindaban oportunidad de lucimiento virtuosístico a sus intérpretes, pero también ofrecían una mirada íntima a la psicología de los personajes.

En DELIRIO Jessica Pratt, junto a la Orquesta y Coro del Maggio Musicale Fiorentino y bajo la dirección de Riccardo Frizza, se adentra en la piel de las protagonistas de Lucia di Lammermoor (en la tonalidad original en Fa mayor, acompañada de glassarmonica), Emilia di Liverpool y Linda di Chamounix, y en las bellinianas Elvira de I Puritani y Amina de La Sonnambula, “mujeres todas muy diferentes pero que comparten la misma determinación por seguir a sus corazones y tener el control sobre sus vidas”, asegura la cantante. “Son mujeres independientes y fuertes que admiro. Es esencial tomarlas en serio y verlas a través de la lente del feminismo”. Pratt es consciente de que tanto Bellini como Donizetti (que estuvo internado en un manicomio) son compositores que mantuvieron “una estrecha conexión con la salud mental, tanto en sus vidas personales como en las narrativas operísticas que elaboraron”.

A través de este álbum y de los retratos de la locura femenina realizados por ambos compositores, se da un paso más en la sensibilización y en la comprensión de la importancia de la salud mental, “trascendiendo la representación unidimensional de la mujer como histérica y ofreciendo una perspectiva más matizada sobre sus luchas y viajes emocionales”, asegura Jessica Pratt. “Me esfuerzo por expresar los diversos estados emocionales coloreando la voz en consecuencia, yendo desde una cualidad velada y etérea para transmitir la vulnerabilidad y desorientación del personaje hasta asumir pasajes de coloratura extremos y arrebatos que exigen un virtuosismo que acentúe la agitación emocional y el caos interior”.

El disco, presentado en octubre en el Maggio Musicale de Florencia, ya está a la venta en las diferentes plataformas digitales.

Entre otros compromisos, Jessica Pratt volverá a cantar en noviembre los cuatro roles femeninos de Les contes d’Hoffmann de Offenbach –esta vez en la Opéra de Wallonie-Liège (Bélgica)– y debutará en diciembre Konztanze de Die Entfüh­rung aus dem Serail de Mozart en la Wiener Staatsoper antes de interpretar ese mismo papel en enero en la temporada de ABAO Bilbao Opera y en febrero y marzo en La Scala de Milán.

LaSonnambula
La sonnambula
Vincenzo Bellini (1801-1835)
Libreto de Felice Romani, basado en el ballet-pantomina de La Somnambule, ou l’arrivée d’un nouveau seigneur de Eugène Scribe
Estrenada en el Teatro Cercano de Milán el 6 de marzo de 1831
Estrenada en el Teatro Real el 10 de diciembre de 1850
D. musical: Maurizio Benini
D. escena: Bárbara Lluch
Escenografía: Christof Hetzer
Figurinista: Clara Peluffo
Iluminador: Urs Schönebaum
Coreógrafa: Iratxe Ansa
D. coro: Andrés Máspero
Reparto: Jessica Pratt, Francesco Demuro, Serena Sáenz,
Fernando Radó, Isaac Galán, Gemma Coma-Alabert, Gerardo López
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

 

No son pocas las similitudes que existen entre una y otra cuando se escuchan ambas. Si bien La sonnambula recrea, gracias a los trombones, la atmósfera alpina de Suiza en la que se desarrolla la escena. Pero también hay profundas diferencias, sobre todo en la dramaturgia, mucho más acentuada en Norma. Su libreto tiene también mayor complejidad y ofrece más posibilidades dramáticas que el libreto de Sonnambula, más lineal y frágil.

Esta ópera representa para algunos el máximo exponente del teatro melodramático del romanticismo y para otros una obra que, si bien está notablemente dotada de elementos musicales, decae en calidad por la simplicidad de su libreto. En cualquie caso, es una obra maestra del belcanto con una escritura musical y vocal de una calidad excepcional.

A pesar de ser una ópera de referencia, no es un título que forme parte del repertorio habitual en los teatros. Los directores de escena huyen de esta ópera pensando en las dificultades que tiene un libreto aparentemente simple. Pero la obra presenta otros elementos que, lejos de asustar, deberían resultar atractivos para una escenificación, como profundizar en los aspectos psicológicos que empezaban a generar interés en la sociedad de la época, como posteriormente reflejó Donizetti en su Lucia.

En esta ocasión ha sido Bárbara Lluch la encargada de la escenografía. Su planteamiento ha sido clásico, sin elementos distorsionadores ni excesivos, lo que ha sido un acierto. Nada en el decorado molesta o distrae. La dramaturgia se ve potenciada por la atmósfera misteriosa generada, tanto por la propuesta escénica de Christof Hetzer, como por la iluminación de Urs Schönebaum. Ambas facetas contribuyen a dar protagonismo al tema principal de la historia, el sonambulismo. Otro de los elementos más llamativos e interesantes son los figurines de Clara Peluffo, que pusieron el punto elegante a la escenografía.

La dirección musical ha estado a cargo de todo un especialista del belcanto, el maestro Maurizio Benini. Supo extraer de la orquesta un sonido exquisito y depurado, aunque un poco lento en algunos momentos, pero recreándose con gusto en las melodías. Estuvo siempre atento a los cantantes y a todo lo que se desarrollaba en escena. Se notó mucho su trabajo de coordinación entre orquesta, solistas y coro.

Se ha incluido en esta producción un ballet que, a modo de fantasmas, acompañan a Amina cuando camina dormida. Cada vez son más habituales las danzas contemporáneas en las producciones de ópera que, como es el caso, actualiza la obra y la complementa. En esta ocasión iniciaron, como un preludio silencioso, el I y el II acto.

En la parte vocal, para esta Sonnambula, el Teatro Real cuenta con dos repartos de gran nivel, sobre todo en el rol principal de Amina. En el estreno del segundo reparto del 16 de diciembre, que es el que nos ocupa, la protagonista absoluta ha sido Jessica Pratt. La soprano australiana conoce perfectamente el personaje, que aborda con verdadero estilo belcantista. Posee gran agilidad y soltura en el sobreagudo. Su emisión es natural, facil, limpia, ágil y variada, con gran capacidad para el legato, y una línea de canto delicada y aérea que, desde nuestra privilegiada posición, demostraba un volumen suficiente. No sé si podrán decir lo mismo quienes estaban en paraíso. La Pratt se centra en el canto y sus recursos sonoros, dejando un poco de lado un mayor compromiso con la interpretación.
Especialmente inspirada estuvo en “Ah, non credea mirarti “, cosa nada fácil, si tenemos en cuenta que tuvo que afrontar el aria sobre la estrecha cornisa de la casa, muy efectista para un público que, seguro, no dejó de sufrir por ella hasta el final. Cosas de los directores de escena.

Francesco Demuro se encargó de dar vida a Elvino en sustitución del inicialmente programado Lawrence Brownlee. Tiene un bello timbre tenoril y facilidad para el agudo, pero parecía que hacía un esfuerzo de contención. Deambulaba por el escenario tanto como Amina cuando estaba en trance.

Serena Sáenz estuvo encargada de dar vida a Lisa, que en esta ocasión abordó la segunda aria de este rol, de la que se suele prescindir por su dificultad en la coloratura. El resultado fue muy bueno. Posee un apreciable volumen de voz, gran facilidad para las agilidades y una juventud que le permite tener un amplio margen de mejora.

La mayor cualidad del Conde Rodolfo de Fernando Radó fue su buena presencia escénica, aunque se desenvolvió con cierta torpeza sobre el escenario. En la parte vocal su papel fue discreto.

A buen nivel estuvieron Isaac Galán como Alessio y, sobre todo, Gemma Coma-Alabert en el rol de Teresa.

Otro de los protagonistas importantes en esta obra de Bellini es el pueblo, representado por el Coro. Entra en escena desde el primer momento y se convierte en un intérprete principal. Sonó empastado, delicado, describiendo perfectamente con exquisita musicalidad toda la historia. Un personaje que no pierde protagonismo ni calidad en ningún momento.

Programando La sonnambula en navidad, el Teatro Real hace justicia con una obra que debería formar parte con más frecuencia del repertorio operístico. Una oportunidad para escuchar el mejor belcanto de uno de sus principales representantes, Bellini.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real/Teatro Real

Jessica Pratt

Desde su perspectiva de mujer moderna, para la soprano Jessica Pratt el personaje de Amina, la protagonista de La Sonnambula de Bellini, es un personaje “trágico”, para nada “una chica ingenua o estúpida”. Según la cantante, que ha interpretado el papel en repetidas ocasiones y en algunos de los principales escenarios líricos del mundo –la tiene grabada en DVD en el Teatro La Fenice de Venecia–, Amina, “de repente se despierta en la habitación del Conde y no sabe por qué está allí ni qué ha hecho; ve a todo el pueblo a su alrededor culpándola y no entiende nada. Este es el núcleo de la ópera, cuando ella tiene un verdadero colapso emocional y psicológico; pienso en tantas chicas hoy en día que van a un bar, son drogadas sin saberlo y se despiertan desnudas en una casa que no conocen”. La cantante australiana de origen británico reconoce que se trata de un rol “difícil y exigente” desde el punto de vista vocal. Es más, afirma que “quizá sea la ópera más difícil de mi repertorio a nivel técnico”.

De la mano de este icónico personaje, y entre el 16 de diciembre y el 6 de enero (funciones los días 16, 19, 27, 30 dic; 3, 6 ene), vuelve a colaborar con la compañía del Teatro Real con la que actuó hace algunos años en el Festival de Savonlinna (Finlandia), siendo este su debut en el escenario de la Plaza de Oriente. Afincada en Italia desde que culminó sus estudios, comenta que canta a menudo en España en ciudades como Bilbao, Valencia, Barcelona o Sevilla, donde ha notado que predomina un público belcantista, “al que le gustan los colores, los pianísimos, los sobreagudos. Es un poco como el italiano, por lo que me siento realmente como en casa”, asegura.

Pratt, aclamada como una de las sopranos especializadas en la pirotecnia belcantista más importantes de su generación, actuará en Madrid bajo las órdenes del maestro Maurizio Bennini en una nueva producción de esta obra maestra belliniana que firma la directora de escena Bárbara Lluch.

Tras su compromiso en el Teatro Real volverá a ser Amina en la Opéra Royal de Wallonie-Liège (Bégica) antes de interpretar Francesca da Rimini, de Mercadante, en la Ópera de Frankfurt; la cantata Jauchzet Gott in allen Landen BWV 51, de Bach, dirigida por Daniele Gatti, en el Maggio Musicale Fiorentino; I Puritani, de Bellini, en el Théâtre des Champs-Élysées de París; Lucia di Lammermoor, de Donizetti, en la Ópera Las Palmas; Les contes d’Hoffmann, de Offenbach, y un concierto en la Ópera de Sidney; y debutará la ópera Beatrice di Tenda, también de Bellini, en el Teatro San Carlo de Nápoles.

La sonnambula

El Teatro Real presentará, entre los días 15 de diciembre y 6 de enero, 13 funciones de La sonnambula, de Vincenzo Bellini, en una nueva producción del Teatro Real -en coproducción con el Teatro Nacional de Tokio, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona y el Teatro Massimo de Palermo- que se estrenará en Madrid.

Esta ópera, icono del belcantismo romántico, galvanizó al público de Madrid desde su estreno en el Teatro Príncipe en 1834, siendo representada con mucha frecuencia y protagonizada por algunas de las más grandes voces del siglo XIX -como Giulia Grisi, Giovanni Battista Rubini, Marietta Alboni o Adelina Patti- originando crónicas arrebatadas de Mariano José de Larra, Benito Pérez Galdós o Juan Ramón Jiménez, entre otros.

El tema del sonambulismo -epítome del espíritu romántico por la transcendencia de lo racional, la ensoñación y la ‘verdad’ escondida en el desorden del inconsciente-, inspiró a Vincenzo Bellini (1801-1835) para crear algunas de sus melodías más sublimes que, con una orquestación de gran expresividad y exquisita sensibilidad, han logrado plasmar el éxtasis, la inocencia, el delirio y lo inefable solo posible a través de la música.

Felice Romani (1788-1865), poeta, dramaturgo y prolífico libretista con el que Bellini trabajó en siete de sus diez óperas, parte del argumento endeble de un ballet –La sonnambule, ou L’arrivée d’un noveau seigneur, de Eugène Scribe- y construye una trama sencilla e inverosímil, basada en el tema recurrente de la mujer virgen, pura e inocente, cuyo erotismo emana de la sublimación de la pasión y el deseo que le son negados en una sociedad machista y opresiva, que juzga, difama y castiga impunemente

Bárbara Lluch rehúye la visión bucólica e idealizada del ambiente rural, desenmascarando a una comunidad cerrada, supersticiosa y hostil, reflejada en el bello y jerárquico vestuario de Clara Peluffo, en la coreografía de Iratxe Ansa y en la escenografía, que representa una naturaleza maltratada y herida, diseñada por Christof Hetzer,  bajo la iluminación de Urs Chönebaum.

En ese decorado desasosegante y con la trama de la ópera concentrada en apenas 24 horas, ganan fuerza los sentimientos exacerbados de los protagonistas, la precipitación de los acontecimientos y la expresión de las emociones con la genial música de Bellini, que se concentra más en el alma de los personajes que en perfilar su personalidad, transcendiendo la inconsistencia del libreto con melodías de altísimo vuelo emocional.

Para logarlo, La sonnambula necesita un quinteto protagonista que deberá conciliar el virtuosismo vocal con una refinada sensibilidad musical. En el Real actuarán dos repartos encabezados, en el rol titular, por Nadine Sierra -que debutará el papel de Amina- y Jessica Pratt, veterana intérprete de ese personaje. Estarán secundadas por Xabier Anduaga y Francesco Demuro (Elvino); Rocío Pérez y Serena Sáenz (Lisa); Roberto Tagliavini y Fernando Radó, (El conde Rodolfo); y Monica Bacelli y Gemma Coma-Alabert (Teresa).

Maurizio Benini, que en el Teatro Real ha dirigido Tosca (2004), L’elisir d’amore (2006),  Il trovatore (2019), e Il Pirata (2019) volverá a dirigir el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real en una partitura de Bellini, en cuya música es un gran especialista.

Desde la reapertura del Teatro Real, La sonnambula sólo se ha presentado en abril de 2000 con  Richard Bonynge en la dirección musical y Mauro Avogadro en la dirección de escena, contando con Annik Massis y María José Moreno en los papeles titulares.

Esta ópera, tan querida por los melómanos de Madrid, volverá ahora con una lectura audaz y contemporánea, que confronta al espectador con lo que subyace bajo los estereotipos del romanticismo belcantista, gracias a la interpretación de dos excelentes elencos.

AGENDA | ACTIVIDADES PARALELAS

Hasta el 1 de diciembre| Teatro Real, Sala de actividades paralelas

Taller: Comprender a Bellini: La sonnambula

A lo largo de tres sesiones, el musicólogo y crítico musical Mario Muñoz Carrasco ofrece un análisis de la música de Bellini y su ópera La sonnambula.

2 de diciembre, a las 20.15 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

Enfoques: charla con Maurizio Benini (director musical de La sonnambula), Bárbara Lluch (directora de escena de La sonnambula), Joan Matabosch (director artístico del Teatro Real), musicólogo invitado y Charo Romo (traductora).

Participan: las sopranos Rocío Pérez y Mar Morán, y la pianista Patricia Barton.

Hasta el 11 de diciembre| Teatro Real, talleres, salas de ensayo y sala principal

Taller: La ópera al descubierto: La sonnambula

A lo largo de ocho sesiones los participantes descubren los detalles técnicos y artísticos que hacen posible una producción de ópera, de la mano de sus protagonistas y con la asistencia a algunos ensayos.

15 de diciembre, a las 19.00 horas | Biblioteca Musical Víctor Espinós (Conde Duque)

Charla-concierto: La sonnambula por free style.

Participa: Karim Vitas Jr. (músico y productor de músicas urbanas) 

18 de diciembre, a las 12.00 y a las 17.00 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

¡Todos a la Gayarre! III: Talleres musicales para toda la familia, con dirección y presentación de Fernando Palacios.

Algo pasa en la noche: una sonámbula en camisón siembra el desconcierto

29 de diciembre, a las 19.00 horas | Museo Municipal de Arte Contemporáneo de Madrid

Visita guiada: Nuevos senderos del MAC. Pulso e impulso de una colección con la directora de la institución.

Diciembre | Museo del Romanticismo

Una obra, una ópera: traducción al castellano del libreto de La sonnambula datado de la década de 1830 y una estampa relacionada con la ópera.

I Puritani

ABAO Bilbao Opera comienza su 71º Temporada con la última ópera de Vincenzo Bellini. Obra maestra, cumbre del bel canto, narra una historia de amor y locura en el contexto de la revolución puritana del XVII en Inglaterra. Se han programado cuatro funciones los días 15, 18, 21 y 24 de octubre en el Euskalduna Bilbao. Las representaciones darán comienzo a las 19:30h excepto la del sábado 15 que comenzará a las 19:00h.
 
Testamento musical, décima y última ópera de Bellini, que falleció prematuramente a los 34 años cuando había logrado, pese a tener una carrera tan corta, ser considerado un gran compositor, se estrenó en París en 1835 con enorme éxito de público y la alabanza de sus homólogos. Conocida como una de las joyas de Romanticismo, desarrolla una apasionada historia de amor, traición y locura, en el trasfondo de la guerra civil inglesa que enfrentó al poderoso Cromwell y sus puritanos con los eduardianos partidarios de los Estuardo. El libreto de Carlo Pepoli está basado en Têtes rondes et cavaliers, de Jacques-François Ancelot y Joseph Xavier Boniface Saintine.

UNA ÓPERA CON GRAN EXIGENCIA VOCAL Y DESTACADOS INTÉRPRETES

La música compuesta por Bellini requiere en esta ópera la máxima exigencia vocal de los cantantes que interpretan los personajes protagonistas. Tal es el caso de Elvira Valton, un papel extenuante y de gran dificultad que recae en la espléndida Jessica Pratt, una de las sopranos de coloratura más relevantes en la actualidad. “Son vergin vezzosa” del primer acto, una pieza con aires de polonesa donde la soprano tiene que mostrar todo un abanico de tonalidades, requiere una fortaleza vocal extrema. Otros momentos destacados de la protagonista son: “Ah, vieni al tempio”, acompañado del coro femenino, “Quì la voce soave” otra “aria de la locura” arropada por una música melancólica, o la cabaletta “Vien diletto”, todo un alarde para la soprano.
 
El tenor guipuzcoano Xabier Anduaga interpreta a Arturo Talbo, el joven capitán enamorado de Elvira. Una voz noble y potente, llena de apasionada expresividad, para afrontar un personaje con arias de gran dificultad lírica, como la conocida cavatina “A te, o cara” del segundo acto o “Credeasi miseria”, una pieza que impresiona por la sonoridad y los agudos que exige la partitura. Otro momento muy conocido es el dúo de amor con Elvira “Vieni fra queste braccia”.
 
Debuta en ABAO Bilbao Opera con el rol de Riccardo Forth el barítono polaco Andrzej Filończyk, el despechado rival de Arturo. Destaca el joven intérprete por su solvencia escénica y voz fresca y contundente. Sus grandes momentos en la ópera son: el aria “Ah per sempre io ti perdei”, introducido por un solo orquestal; la cabaletta “Bel sogno beato” y los famosos dúos “Se tra il buio un fantasma vedrai” y “Suoni la Tromba” donde se combinan dos voces graves cuya inclusión, nada habitual en la época, fue un consejo de Rossini al compositor.
 
Debuta también en ABAO Manuel Fuentes como Giorgio Valton, el puritano coronel tío de Elvira. El bajo alicantino que conjuga fuerte emisión y notable expresividad dramática tiene momentos de gran solvencia vocal como la cabaletta “A quel suono al mio contento”, un largo dúo con la soprano protagonista con un impresionante solo orquestal al final, y los famosos dúos de voces graves del segundo acto.
 
Completan el reparto el bajo mexicano Alejandro López como Gualtiero Valton, el tenor vizcaíno Josu Cabrero como Bruno Robertson y la mezzosoprano catalana Laura Vila como Enrichetta di Francia, con un importante dúo “Non parlar di lei che adoro” precedido de un interludio orquestal.
 
El Coro de Ópera de Bilbao, dirigido por Boris Dujin, completan el apartado artístico.

GIACOMO SAGRIPANTI AL FRENTE DE LA EUSKADIKO ORKESTRA

Principal director invitado para repertorio operístico en la Fondazione Lirico Sinfonica Petruzzelli de Bari y director musical del Tbilisi Opera and Ballet State Theatre, Giacomo Sagripanti dirige a la Euskadiko Orkestra en la obra de Bellini. Considerado como uno de los directores más interesantes del panorama internacional, en 2016 obtuvo el premio como Mejor director joven en los Opera Awards.
 
La partitura de I Puritani recoge un trabajo orquestal y un lenguaje armónico superior a obras anteriores del compositor, con himnos heroicos, arias y dúos de compleja ejecución belcantista. La obra, donde destacan escenas llenas de lirismos vertiginosos, requiere una cuidada dirección que equilibre la efusividad melódica y las necesidades interpretativas y dramáticas, con el reto de darle peso, carácter y emotividad. En ABAO se interpreta la edición crítica de Fabrizio Della Seta de la versión de París.
 
UNA PRODUCCIÓN ELEGANTE, SIMBÓLICA Y LLENA DE CONTRASTES

Espejos, cristal y arena conforman un universo elegante y simbólico retratado en blanco y negro, lleno de elementos abstractos y ensoñaciones que trasmiten los sentimientos más allá del realismo en un espacio escénico minimalista. Las rosas rojas en el blanco suelo arenoso y el vestido dorado de la reina juegan al contraste de colores en la puesta en escena.
 
Sin recurrir a artificios teatrales Emilio Sagi crea imágenes poderosas, cristalinas. “Desde el primer momento en que comencé a trabajar sobre esta genial partitura”, afirma el director, “vi claro que no quería hacer esta función de una manera realista, sino dentro de un mundo abstracto de ensoñación, que reflejara ese cristal melódico que recorre toda la obra”.
 
Para esta coproducción del Teatro Real y el Municipal de Santiago de Chile, Emilio Sagi, recientemente galardonado con la Medalla de Oro de las Bellas Artes, ha contado con algunos de sus colaboradores habituales: Daniel Bianco que se hace cargo de la escenografía, Eduardo Bravo quien dirige la exquisita iluminación y la añorada Pepa Ojanguren que firma un poético vestuario de época.
 
La escenografía de Daniel Bianco cambia a lo largo de la ópera con lámparas de araña que suben y bajan, sillas blancas, transparencias, espejos negros, cortinajes y un juego escénico a dos niveles con acción en primer o segundo plano a modo de encuadres, ayudada por una sofisticada iluminación. Doce metros cúbicos de material arenoso cubren el escenario de una blancura espectral en cada representación.
 
“Pienso que esta ópera”, dice Sagi, “hay que tratarla de una manera muy especial, y nunca de manera realista, pues su verdad dramática radica en esa morbosa nostalgia de la melodía infinita del maestro Bellini”.
 
INTRODUCIÓN A LA OBRA DE BELLINI EN EL CICLO «EL ABC DE LA ÓPERA»

El ciclo “El ABC de la Ópera” tiene como objetivo promover el conocimiento de la ópera en sentido participativo, construyendo a través de conferencias y encuentros con expertos, una red de experiencias culturales innovadoras, en espacios de participación asequibles a toda la sociedad.
El programa descubre los aspectos más relevantes de cada título de la temporada, en una conferencia la víspera del estreno en el Auditorio de la Universidad de Deusto, en colaboración con DeustoBide.
 
El viernes 14 de octubre, Giacomo Sagripanti, el director musical y responsable de la ejecución del título en ABAO, será el encargado de desvelar los entresijos de esta ópera y la obra de su compositor.
 
Para acceder a esta actividad gratuita es necesaria acreditación previa a través de la web de ABAO o llamando al teléfono 944 355 100, desde el lunes 10 de octubre.
Como importante novedad y para que todas aquellas personas interesadas puedan disfrutar de este ciclo desde cualquier lugar, la conferencia será retransmitida en directo a través del canal de ABAO Bilbao Opera en YouTube.
 
25 DE OCTUBRE DÍA MUNDIAL DE LA ÓPERA

El Día Mundial de la Ópera es una jornada de concienciación sobre el impacto positivo y el valor de la ópera para la sociedad. Tanto la cultura como la ópera contribuyen a desarrollar la tolerancia y la comprensión, abrir la mente y poner a las personas en contacto con fuertes emociones universales.
 
El Día Mundial de la Ópera se celebra el 25 de octubre, aniversario de Georges Bizet y Johann Strauss II, y es el día en que todos los relacionados con este arte: teatros, profesionales, aficionados… celebran y comparten con toda la sociedad el valor de la ópera con una campaña mundial a través de redes sociales.
 
Este año, la campaña se centra en los jóvenes y se les invita a que bajo el lema “Unboxing Opera”, compartan con pequeños vídeos en redes sociales su experiencia y entusiasmo al descubrir las emociones y sentimientos que transmite la ópera, etiquetando su testimonio con los hashtags #WorldOperaDay y #UnboxingOpera.
 
Esta efeméride está organizada por Opera America, Ópera Latinoamérica y Opera Europa, a la que pertenece ABAO Bilbao Opera a través de la organización nacional Ópera XXI

ABAO Bilbao Opera

El sábado 24 de septiembre, un espectacular concierto inaugura la 71º Temporada de ABAO Bilbao Opera y despide con honores el emblemático proyecto Tutto Verdi, tras 16 años de actividad. La nueva temporada trae numerosas propuestas, actividades culturales, programas sociales, y una programación artística que incluye cinco títulos en el Euskalduna Bilbao y cuatro espectáculos en el Teatro Arriaga. Voces legendarias, grandes maestros, producciones inéditas y una apuesta permanente por la máxima calidad en todo su ámbito de actuación, vertebran la nueva temporada de ópera en Bilbao, inspirada en las claves del Romanticismo musical.

La 71º temporada propone a los aficionados y público en general, una programación emocionante, diversa, sugestiva y de incuestionable calidad artística.

PRINCIPALES MAGNITUDES DE LA NUEVA TEMPORADA
ABAO Bilbao Opera y la Fundación BBVA, principal patrocinador de la temporada, contribuyen a fomentar la excelencia y la cultura operística y a llevar al público espectáculos de la máxima calidad.

El repertorio italiano protagoniza la temporada con títulos muy conocidos como Tosca, Così fan tutte e Il Trovatore, y otros menos frecuentes como I puritani y Anna Bolena.

Entre las óperas y espectáculos programados, hay una producción propia, estreno absoluto: Così fan tutte y dos producciones estreno en España, Il Trovatore y la coproducción internacional de ABAO: Anna Bolena.

Se ofrecen un total de 44 funciones: 26 en la temporada general en el Euskalduna Bilbao, 17 para el público infantil y juvenil en la temporada Abao Txiki en el Teatro Arriaga, y una función del Concierto Tutto Verdi también en el Euskalduna.

Seis grandes batutas visitan la nueva temporada: Daniel Oren, Giacomo Sagripanti, Jordi Benacer, Óliver Díaz, Pedro Halffter y Francesco Ivan Ciampa para dirigir a la Bilbao Orkestra Sinfonikoa y la Euskadiko Orkestra, que junto al Coro de Ópera de Bilbao, amplían su repertorio reforzando el prestigio artístico de los colaboradores estables de ABAO.

Debutan 9 cantantes junto a importantes y destacados intérpretes que triunfan en los principales teatros de ópera del mundo.

ABAO Txiki ofrece 4 espectáculos para diferentes edades. Tres de ellos tendrán sesiones escolares revalidando el compromiso de ABAO con la formación y el público infantil y juvenil.

Tres estrenos en la temporada ABAO Txiki: Historia de una semilla, Hansel & Gretel e Itsasotik.

El programa didáctico y formativo ofrece mu ltitud de actividades gratuitas en distintos programas de actuación que incluyen charlas pedagógicas, talleres, coloquios y ciclos de conferencias para colectivos de distintas edades y procedencias.

Continúa con éxito el programa Gazteam con actividades e incentivos económicos para los menores de 25 y 30 años.

El programa “Ópera y +” en el Hospital Universitario Cruces consolida su actividad con actividades tanto dentro como fuera del Hospital, para pacientes, familiares y profesionales sanitarios de las u nidades de Nefrología, Hospital de Día, Digestivo, Pediatría y Neonatología. El programa cuenta c on la colaboración de la Fundación EDP, Fundación “la Caixa” y Zabalgarbi.

71º TEMPORADA DE ÓPERA
La nueva temporada incluye cinco títulos, más un gran concierto y se inspira en los postulados del Romanticismo musical, entre los años 1810 y la primera década del siglo XX y la aparición del verismo. Las óperas y las propuestas artísticas resaltan la cualidad de la expresión de los sentimientos y las emociones íntimas y personales con un estilo imaginativo, novelesco y lleno de cromatismo musical.

Cinco compositores: Verdi, Bellini, Donizetti, Mozart y Puccini traen a la escena bilbaína conocidos títulos del repertorio italiano como Tosca, Così fan tutte e Il Trovatore, y otros menos frecuentes como I puritani y Anna  Bolena. El Concierto Tutto Verdi presenta algunos de los pasajes más conocidos del compositor con piezas de
Macbeth, Il trovatore, Don Carlos, Un ballo in maschera, Aida y Nabucco, y una pieza inédita en ABAO: el Himno de las Naciones.

Una nueva temporada en la que debutan nueve cantantes y dos directores de escena y seis grandes batutas estarán al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa y la Euskadiko Orkestra. El Coro de Ópera de Bilbao, dirigido por Boris Dujin, se ocupa de la parte coral de la temporada.

Haciendo gala de su merecida fama de institución de grandes voces, ABAO reúne algunas de las más solicitadas en los principales teatros del mundo como: Jessica Pratt, Xabier Anduaga, Silvia Tro Santafé, Marko Mimica, Vanessa Goikoetxea, Oksana Dyka, Roberto Aronica, Mikeldi Atxalandabaso, Anna Pirozzi, Ekaterina Semenchuk o Celso Albelo, entre otros.

La Fundación BBVA cuyo rasgo diferencial es el impulso al conocimiento científico y la creación cultural, colabora con ABAO Bilbao Opera como patrocinador principal de la temporada.

Airam Hernández

Airam Hernández, uno de los cantantes más importantes de su generación que continúa conquistando escenarios internacionales, regresa en diciembre al Teatro de La Maestranza de Sevilla, en esta ocasión para debutar I Capuleti e i Montecchi de Bellini. El tenor canario, asegura encontrarse “encantado” de sumar este nuevo rol a su lista de personajes belcantistas: “Bellini era una genio de la melodía; sus legati, su fraseo elegante e infinito y la enorme importancia que el compositor de Catania brinda a la palabra me enamoraron desde el primer momento en que canté una partitura suya; su música te permite colorear y volar con la belleza de sus melodías. Es maravilloso regresar a su música y será fantástico hacerlo de la mano del maestro Jordi Bernàcer y ante un público entusiasta como el sevillano; esta temporada interpreto dos personajes muy contrastados de Bellini: Tebaldo (en el espectro del repertorio más ligero) y Pollione (en el ámbito más dramático)”, concluye el tenor.

Después de cosechar un triunfo personal en el Teatro Campoamor de Oviedo con su primer Príncipe Tamino de La flauta mágica, el versátil cantante afronta el personaje belcantista en un nuevo montaje coproducido entre la Ópera de Tenerife y el Teatro Comunale de Bolonia, con dirección de escena de Silvia Paoli y contando con Jordi Bernàcer al frente de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Junto a su Tebaldo completan el elenco Daniela Mack (Romeo), Leonor Bonilla (Giulietta), Luis Cansino (Capellio) y Dario Russo (Lorenzo). Las funciones están programadas para los días 9, 11 y 13 de diciembre.

El intérprete canario viene desarrollando su carrera principalmente en escenarios europeos y americanos, pero esta temporada ha podido por fin centrar su agenda en territorio español: además del debut en Oviedo y del compromiso en el Maestranza, este curso volverá a la cartelera del Teatro Real de Madrid en la piel de Federico García Lorca en lo que será el estreno absoluto de la ópera El abrecartas del compositor recientemente fallecido Luis de Pablo. También cantará en la Ópera de Tenerife (Florencia en el Amazonas de Daniel Catán) y en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona (Norma de Bellini).

ABAO Bilbao Opera

ABAO Bilbao Opera dará comienzo a su nueva temporada 2021-2022 en octubre, dando la bienvenida a todos sus socios, empresas e instituciones colaboradoras y público aficionado.

El nuevo curso lírico se iniciará ajustándose a las directrices sanitarias del plan Bizi Berri en el nivel 2, que mantienen la reducción de aforo en eventos culturales en espacios interiores en 800 localidades en el  Euskalduna Bilbao, y 600 en el Teatro Arriaga, además de la obligación de guardar la distancia social y el uso de mascarilla en todo momento. Estas restricciones pueden verse modificadas en próximas fechas en función de la evolución de la pandemia.

RECITAL DE PRETTY YENDE

El sábado 9 de octubre a las 19:00h en el Euskalduna Bilbao, comenzará la programación de actividades culturales con el debut en Bilbao de una de las voces más destacadas del panorama lírico internacional, la sensacional soprano sudafricana Pretty Yende, cuya carrera ha alcanzado los niveles más altos en el mundo de la ópera a una velocidad sin precedentes en los últimos años.

Aclamada por el público y la crítica por la coloratura lírica de su voz, su presencia escénica y su gran personalidad, ha actuado en los teatros de ópera más importantes y triunfa en estos momentos en la Wiener Staatsoper donde ha puesto en pie al público desde el primer momento.

El exclusivo programa que interpretará en ABAO acompañada por el maestro Michele d’Elia, incluye piezas de Bellini, Rossini, Donizetti y Liszt, y terminará con la exigente y agotadora escena final de la ópera La sonnambula de Bellini. El programa completo puede consultarse en la página web de ABAO.

Las entradas están ya a la venta para los socios del 13 al 19 de septiembre a un precio único de 40€, y para el público aficionado a partir de esa fecha a un precio de 60€. Los jóvenes hasta 35 años tienen tarifa reducida de 20 y 30€ respectivamente.

70 TEMPORADA DE ÓPERA

El sábado 23 de octubre, dará comienzo una extraordinaria temporada de ópera, con una programación ambiciosa, llena de estrenos y de la máxima calidad artística, con repertorio francés, alemán e italiano, que incluye ocho títulos, cuatro de ellos en programa doble, más un concierto que añade dos nuevos títulos más al catálogo de la Asociación.

Les contes d’Hoffmann de Offenbach, una ópera romántica y exquisita, inaugurará la temporada tras dos décadas de ausencia en ABAO Bilbao Opera, con el patrocinio de la Fundación BBVA.

La producción es un estreno en el circuito lirico de España y está firmada por el “enfant terrible” de la escena actual, Vincent Huguet, que presenta una propuesta clasicista, imponente y modular.

En el apartado musical el maestro Carlo Montanaro dirigirá una partitura trepidante y compleja, que respeta el espíritu original con el que Offenbach la compuso.

El reparto estará compuesto por las grandes voces de Michel Fabiano que encarnará al atribulado Hoffmann en un papel extenuante; Jessica Pratt que abordará un verdadero “tour de force” al interpretar los cuatro papeles principales para soprano; Simón Orfila que interpretará a Los 4 villanos, Elena Zhidkova con tres roles, y Mikeldi Atxalandabaso, José Manuel Díaz, Moisés Marín y Fernando Latorre. Todo un reto para los intérpretes que tendrán que asumir además el complejo perfil sicológico de sus personajes.

Debido a la limitación actual de aforo a 800 localidades, la Asociación ha programado una quinta función adicional para el 27 de octubre. De este modo las representaciones tendrán lugar el sábado 23 (función inaugural), el lunes 25, el miércoles 27, el viernes 29 de octubre y el lunes 1 de noviembre.

Esta restricción de aforos dificulta y limita a la Asociación la posibilidad de poner entradas a la venta para el público aficionado. Confiando que pronto se eliminen las limitaciones y se aumente el aforo, ABAO ha pospuesto la salida a la venta de entradas sueltas hasta el 27 de septiembre. Podrán adquirirse a través de los canales de venta habituales de la Asociación: en las oficinas, en su página web y en la taquilla del Euskalduna Bilbao.

17 TEMPORADA ABAO TXIKI

El sábado 16 octubre La caja de los juguetes inaugura la 17 temporada ABAO Txiki en el Teatro Arriaga. Un cuento musical lleno de ternura y humor para toda la familia con música de Debussy y dirección de escena de Enrique Lanz.

El aforo máximo del Teatro Arriaga es en estos momentos de 600 localidades y las entradas ya pueden adquirirse tanto en la taquilla del teatro como a través de su página web.

ABAO Bilbao Opera iniciará su nueva Temporada con la voluntad y el compromiso de ofrecer espectáculos en vivo y en directo y emocionar al público tal y como lo ha hecho históricamente, apoyando la cultura en cualquier circunstancia, incluso en las más adversas como las actuales.

Riccardo Frizza

Después de dirigir en mayo por segunda vez en la temporada del Liceu barcelonés (Les contes d’Hoffmann y el espectáculo Las Tres Reinas de Donizetti junto a la soprano Sondra Radvanovsky), y ser recientemente premiado por Ópera XXI al mejor director musical por su labor al frente de las funciones de Lucia di Lammermoor, de Donizetti, que inauguraron la temporada 2019-2020 de ABAO Bilbao Ópera, el director de orquesta italiano Riccardo Frizza regresa mañana a la cartelera de París, cuyo público le conoce bien al haber dirigido en varias ocasiones en diversos escenarios de la ciudad del Sena. En esta ocasión será para liderar la Orchestre de Chambre de Paris desde el podio del Théâtre des Champs-Élysées uno de los títulos fundamentales del bel canto romántico, La Sonnambula, de Bellini, y que llega al coliseo parisino en un nuevo montaje con dirección de escena firmada por el también tenor, gestor y escritor Rolando Villazón –debutando como director en París– y coproducido entre el Champs-Elysées, la Semperoper Dresden, la Metropolitan Opera de Nueva York y la Opéra de Nice Côte d’Azur. Frizza, director musical del Festival Donizetti de Bérgamo y toda una autoridad en el repertorio belcantista, tendrá sobre el escenario, entre otros, a la soprano surafricana Pretty Yende en el exigente papel de Amina, a Francesco Demuro como Elvino y a Alexander Tsymbalyuk como Rodolfo. La Sonnambula será retransmitida por France Musique y las funciones serán los días 15, 17, 20, 22, 24 y 26 de junio.

Tras su compromiso en la capital francesa, Riccardo Frizza dirigirá un concierto junto al tenor Bryan Hymel en el Teatro Regio de Parma enmarcado en el la edición 0 del Festival Toscanini (21 de junio) y de cara al verano ofrecerá unas clases magistrales organizadas por la Bienal de Venecia entre el 2 y el 11 de julio antes de volver a España para inaugurar en septiembre la temporada del Teatro Real de Madrid con La Cenerentola, de Rossini.

Riccardo Frizza

Théâtre des Champs-Élysées

Riccardo Frizza_Belcanto Concert © Opéra de Monte-Carlo_Feb 2021

Después de dirigir Rigoletto en el Maggio Musicale Fiorentino el pasado mes de febrero en una producción dirigida escénicamente por Davide Livermore que se grabó a puerta cerrada debido al actual cierre de los teatros en Italia y que se emitirá próximamente en streaming, Riccardo Frizza regresa a Barcelona en mayo para ponerse nuevamente al mando de la sinfónica liceísta los días 6 y 8 de mayo para dirigir a la soprano Sondra Radvanovsky en el concierto The Three Queens, con las escenas finales de la trilogía Tudor de Donizetti (Anna Bolena, Maria Stuarda y Roberto Devereux). El espectáculo, estrenado en la Ópera de Chicago en 2019, contará con la dirección escénica de Rafael R. Villalobos, quien ha diseñado una ambientación y un vestuario específico para cada reina. Ante este reencuentro con Sondra Radvanovsky, Frizza asegura que “no se le ocurre” pensar en “una mejor voz que pueda afrontar un reto de estas características” que la de la cantante norteamericana, “ya que sabe sumergirse en el estilo logrando una interpretación, tanto desde el punto de vista vocal como dramático, yo diría que sublime”.

Este concierto escenificado debía haberse estrenado en diciembre pasado, pero las condiciones sanitarias derivadas de la pandemia obligaron al coliseo barcelonés a posponerlo hasta esta primavera. “Me siento muy feliz de volver al Liceu por segunda vez en esta misma temporada, tras Les contes d’Hoffman del pasado mes de enero, un teatro en el que me siento como en casa y al que regresaré en próximos e interesantes proyectos”, concluye el director italiano.

Tras su compromiso en Barcelona, el responsable musical del Festival Donizetti de Bérgamo volverá a París, esta vez para dirigir en el Théâtre des Champs-Elysées La sonnambula, de Bellini, los días 15, 17, 20, 22, 24 y 26 de junio ante la Orchestre de Chambre de Paris y del Chœur de Radio France en un montaje cuya dirección de escena firma el tenor Rolando Villazón y con un reparto de lujo entre los que destacan la soprano Pretty Yende como Amina y Francesco Demuro en el rol de Elvino.

De cara al verano, Riccardo Frizza ofrecerá unas clases magistrales organizadas por la Bienal de Venecia entre el 2 y el 11 de julio antes de volver al Teatro San Carlo de Nápoles para dirigir cinco funciones de L’elisir d’amore los días 23, 25, 27, 29 y 31 del mismo mes.

Riccardo Frizza_Belcanto Concert © Opéra de Monte-Carlo

Riccardo Frizza

Gran Teatre del Liceu

Théâtre des Champs-Elysées

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Entrevistamos a Annalisa «Adalgisa» Stroppa.
Llega con su mascarilla y tras ella una gran sonrisa, hay vida en la calle, ha salido el sol y se dispone a tomar un café en una terraza. Algo muy diferente a lo que ocurre en su Brescia natal. Es su décima producción de Norma, pero para ella es como la primera vez. Y es que nada es igual, tampoco para Annalisa Stroppa, una Adalgisa puramente belcantista capaz de describir con su voz todos los colores de las emociones que vive su personaje en escena.Brío Clásica: Annalisa Stroppa llega al Teatro Real para interpretar Adalgisa en la Norma, de Bellini, un compositor por el que siente debilidad. ¿Qué le atrae tanto de este compositor?Annalisa Stroppa: Adalgisa es un personaje al que quiero y me gusta por diferentes motivos. El primero es el estilo de escritura de Bellini. A parte de ser mi compositor favorito, siempre pone las voces por encima de todo. La expresividad que puede haber en cada palabra, para él es lo primero. Ninguno como Bellini ha dado tanta importancia al sonido, a la mezza voce, al legato y al declamato, conocido ya como declamato belliniano. Pero las partituras de Bellini no son fáciles. Los cantantes deben comportarse como atletas. Son necesarios diferentes colores de voz para poder expresar el texto y Bellini permite mucha libertad en la expresión.Esta es una de las razones por las que Wagner admiraba tanto a Bellini. Por esta escritura belliniana tan particular. Por eso, para mi es extraordinario poder utilizar la voz para expresar de esta manera, coloreando cada palabra. Para Bellini es muy importante la expresión y lo acompaña orquestalmente de una manera muy sutil. Es aquí donde está la dificultad, en que la orquesta tiene que sostener lo que dices, pero no como un acompañamiento, sino teniendo el mismo sonido y la misma intención con la que se expresa el cantante.B.C: ¿Cómo es vocalmete Adalgisa y qué dificultades tiene?A.S: En este momento puedo decir que esta música es mi territorio vocal. Me siento muy cómoda expresándome a través del bellcanto y del repertorio francés. Pero Bellini es lo que más se acerca a mi vocalidad en este momento.
La dificultad que tiene Adalgisa es su amplia tesitura, llega hasta el Do5. Pero, si la voz te lo permite y te sientes cómoda, es perfecto. Las partituras de Bellini tienen una línea melódica bellísima e inimitable. Con muy pocas notas te atrapa el corazón.A nivel de personaje y también vocalmente, es el contrapunto perfecto de Norma. porque ellas, en los duetos y en la cadencia, llegan a ser la misma persona. Sus voces se entrelazan y se funden en una sola. y esto es mágico. Deben tener una gran sincronización en el sonido y en la expresión. Cuando todo esto ocurre el resultado es espectacular.B.C: ¿Cómo es el carácter de la Adalgisa que construye Annalisa Stroppa?A.S: Adalgisa es una mujer muy pura, una mujer que permanece siempre fiel a sí misma desde el principio de la obra, siendo muy respetuosa con Norma, nunca la traiciona y siempre está cerca de ella. El rol de Adalgisa me permite jugar con la expresión y los matices de la voz. Al principio ella muestra su esfuerzo, sus dudas, su sufrimiento. Está tan enamorada de Polione que está dispuesta a dejar sus votos como sacerdotisa. Este es para ella un conflicto muy profundo, esta enamorada y, a la vez, quiere mantener la fidelidad a su Dios y a la vida religiosa. Esto requiere de una gran delicadeza a la hora de expresarlo. Ella teme la reacción de Norma cuando conozca sus intenciones. Descubre entonces la gran humanidad de Norma que comprende su situación. Hasta que se da cuenta de la doble vida de Norma y Polione y de sus dos hijos en común. ¡Cuantos colores y expresiones hay en este argumento!. Y Bellini permite traducir con la voz el color del amor, de la humildad, de la desesperación… Todo esto está en la música de Bellini. Hasta que en el dueto del segundo acto, se revela leal y coherente con Norma. Se quedará con ella para que pueda reunir a su familia y volver con Polione. Esto es de una pureza muy grande. Ella permanece fiel a Norma pues el traidor es Polione.Esta producción de Norma en el Teatro Real es además nueva para mi. Es la primera vez que trabajo con el maestro Marco Armiliato y con el Regista Justin Way, por eso es una experiencia nueva. Me he encontrado además con un equipo de colegas maravilloso. La labor que estamos haciendo entre todos es espectacular, aunque sea con mascarilla. Es empezar de nuevo a vivir y estoy feliz.B.C: Al enfrentarse de nuevo a este personaje en estos momentos, ¿qué emociones nuevas tiene o espera?A.S: Cada vez que voy a cantar, no canta solo Adalgisa, canta también una parte de mi. Y sobre todo ahora, después de todo lo que estamos pasando, de todo este sufrimiento que todos estamos viviendo, de ese silencio de nuestro interior que tiene ahora tanto que decir… Todas estas razones harán mi Adalgisa diferente. Porque vuelvo al escenario con el calor del público que tanta falta me hace. Yo se que me voy a emocionar, porque lo que hasta hoy era normal, ahora va a ser muy especial. Vuelvo a compartir las emociones y la atmósfera que se va a generar en ese momento, siempre diferente. Lo que ahora agradezco es poder estar aquí. Gracias al Teatro Real por darme esta oportunidad y lo que me gustaría es transmitir mi emoción a través de mi voz. No se cuando volveré a cantar otra vez, por eso ahora lo haré como si fuera la primera y la última vez. Sin preocuparme de nada, solo por la emoción de volver a cantar con un público que comparte conmigo esta emoción.Por eso mi Adalgisa ahora será muy diferente a las anteriores. Esta es la décima producción de Norma en la que participo, y todas mis Adalgisas son diferentes, por distintas razones. La madurez de la voz, la madurez de la persona y vivirlo de manera diferente. También influye la Norma que me acompaña. Recuerdo con especial cariño las producciones con la Señora Mariela Devia y Edita Gruberová, por ser dos damas históricas y grandísimos iconos de la ópera.

B.C: Cuando sale del teatro, después de haberlo dado todo por un personaje como este, ¿Cómo se libera una de un roltan intenso?

A.S: No es fácil liberarse de un personaje así. Lo sientes tan fuerte en tu propia piel, que creo que hasta el final de la producción, incluso semanas después, forma parte de ti. Porque lo construyes, lo vives y le descubres siempre algo nuevo que, al final, lo llevas contigo. No son dos personas separadas, están juntas. Es como un juego muy divertido porque, a veces, los directores, me llaman Adalgisa en lugar de Annalisa (risas).

Yo no tengo capacidad de vivir de manera separada las dos personas. En el escenario llevo una parte de Annalisa con sus emociones, su vida… y las traduzco en las emociones de Adalgisa. No puedo separarlas. A veces sucede que, después de interpretar un papel, tienes que empezar rápidamente con otro, sin el tiempo necesario para decantar, como el vino, un nuevo personaje pasando página del anterior. Cuando abandonas un personaje tienes que despedirle con respeto y saludar, también con respeto, al nuevo personaje. Son nuestras pequeñas criaturas, que has elaborado con tiempo, con amor y cuidado para crear algo especial que forma parte de ti y que no desaparece de repente tras la última función.

B.C: Cuando llega a una ciudad, como ahora a Madrid, ¿cómo es el día a día fuera y dentro del teatro?

A.S: Ahora no es fácil porque lo que estamos viviendo no es normal. Siempre te cuidas, descansas, cuidas la voz pero, claro, en el día libre podía ver amigos, visitar un museo, dar un paseo por la calle… Para mi no ha sido un cambio muy grande en este aspecto pero, lo que más se nota es la tristeza. Aquí en Madrid no he sentido mucho este cambio porque la gente del teatro me hace sentir tan bien, es increíble como te cuidan. Están siempre atentos a todas las necesidades que puedas tener, a cómo te sientes. Con esto lo que demuestran es que todo esto se puede hacer y se puede hacer bien.

Siempre que llego a Madrid me siento como en casa. Por eso estar aquí para mi es tan especial. Me siento muy querida y apreciada. Si tuviera que elegir otro país donde vivir, sin duda sería España.

Sin duda es muy importante la salud física, pero es también muy importante la salud mental y emocional y la música nos cura. Es como una medicina del alma. Hay mucho público que quiere volver al teatro y espero que en Italia se pueda encontrar muy pronto una solución, por el público, por nosotros y por toda la familia que está dentro del escenario, que no se ve y que lo está pasando muy mal. El teatro es un engranaje de una máquina que funciona cuando todas las partes están presentes, como la vida.

B.C: ¿Qué opina que Madrid esté siendo casi la única ciudad de Europa que tiene los teatros abiertos?

A.S: ¡Es un milagro!. Yo, hasta el último minuto antes de tomar el avión para llegar hasta aquí, no sabía si podría venir. No me lo creía, por eso digo, ¡viva Madrid!, que ha puesto la música y la cultura en un lugar importante. La salud es importante, la economía es importante pero… no se puede quitar a la gente la posibilidad de soñar, de vivir y de compartir emociones, esto forma parte de la vida. La música es oxígeno, es vida. Gracias Madrid por ser un ejemplo en el que pueden inspirarse los demás, es la demostración de que se puede hacer. Madrid es un ejemplo de como se puede seguir adelante.

B.C: En mayo volvió a los escenarios en Wiesbaden, ¿cómo fue esa experiencia en un momento tan dramático como el que estábamos pasando?

A.S: Marzo y abril fueron unos meses muy crueles en el lugar donde yo vivo. En dos meses no pude cantar porque en ese momento había mucho sufrimiento, muchas víctimas. Era como una guerra. Y la voz participaba de este luto y no sentía la necesidad de volver a cantar.

Wiesbaden ha sido como un arco iris en el cielo después de la lluvia y la tormenta. Yo tenía este contrato hacía tiempo y pensaba que el recital se iba a cancelar. Pero no se canceló. Alemania decidió representarlo sin escenificación y lo organizaron todo. Al llegar al aeropuerto de Malpensa, desértico, yo empecé a llorar al ver a toda la gente cubierta con trajes de protección, era todo increíble. Cuando llegué a Alemania, su situación sanitaria no era tan mala y todo me pareció como un sueño. No lo podía creer.

La peculiaridad es que tenía que hacer la función sin coro y sin orquesta, era una selección de arias y duetos de Carmen y en el camerino estaba yo sola. Había llevado una maleta con vestidos similares a los de la producción, pero míos. Cantaba un aria, volvía al camerino a cambiarme para la siguiente aria pero lo hacía todo sola, no había nadie para ayudarme o indicarme. Al final, lo importante es que la música estaba ahí y yo estaba cantando. En el teatro había unas 200 personas y me pareció que estaba lleno. Ese día salió de mi todo lo acumulado en mi corazón los meses anteriores. Todo el sufrimiento, todas las emociones, todas las reflexiones, todo traducido en música. Creo que esta intensidad llegó al público porque al final lloramos juntos de la emoción. Es algo que no podré olvidar.

B.C: ¿Cómo se está trabajando ahora de cara al futuro, no tiene que ser fácil preparar una agenda?.

A.S: No, no lo es. Lo difícil es reorganizar todas las cancelaciones que ha habido todo este año. Yo tengo actuaciones que se habían cancelado y ahora se han programado en fechas donde ya tengo otros compromisos. La situación es complicada para conseguir cuadrar fechas, a pesar de la incertidumbre. Pero soy una cantante muy afortunada porque en estos meses he podido seguir trabajando, menos marzo y abril que para mi han sido meses de silencio.

Nuestra vida era muy acelerada, siempre corriendo y viajando a todas partes y, de repente, todo se paró. Durante esos meses he tenido mucho tiempo para reflexionar, para disfrutar de mi familia. Empiezas a dar valor a las cosas pequeñas, aquellas cosas que son realmente importantes. Es extraño porque descubrimos cosas que ya sabíamos pero que observas con otro punto de vista.

B.C: ¿En qué situaciones especiales se ha visto profesionalmente en estos meses?

A.S: Todo lo que ha pasado nos ayuda a redimensionarnos. He cantado en streaming en un teatro vacío y he llorado de emoción. He cantado en el cementerio de Bérgamo como homenaje a las víctimas de nuestra tierra. En abril pude cantar en la misa de Pascua en mi ciudad, después de dos meses en que mi voz no quería expresarse pero, en esos momentos, la voz se proyecta. Y lo hace porque tiene un motivo, era como una plegaria. La voz retomó su camino para volver a cantar porque, al final, no cantamos solo con la cabeza. Estamos acostumbrados a cantar en situaciones diversas, pero estas han sido especiales.

Entrevista: Paloma SanzAdalgisa-AnnalisaStroppa

Norma

Música, drama y emoción serán absolutos protagonistas del escenario del Teatro Real con la llegada de Norma, ópera de Vincenzo Bellini (1801-1835), de la que se ofrecerán 12 funciones entre el 3 y el 19 de marzo en una nueva producción concebida por el director de escena Justin Way, con dirección musical de Marco Armiliato.

 Considerada una de las obras cumbres del belcanto, su extraordinaria belleza melódica enmascara una enorme dificultad vocal, especialmente en el papel protagonista, y con ella Bellini manipula como nadie las emociones más encendidas del melodrama. Norma posee, además, una extraordinaria dramaturgia que expone a los personajes en diferentes niveles y muestra con valentía sentimientos y actitudes casi ocultos hasta entonces en la mujer. Es, quizás, esa percepción fuerte y moderna del mundo femenino la que hace de esta ópera uno de los títulos más deseados de la temporada.

 Justin Way sitúa la acción en el interior de un viejo teatro italiano con toda la compañía ensayando Norma. En el exterior, el siglo XIX, que ha comenzado marcado por el Congreso de Viena tras la derrota de Napoleón, mantiene el norte de Italia bajo la dominación austriaca, cuyo gobierno reaccionario provoca el nacimiento de los primeros movimientos nacionalistas. Entre ambos mundos, los dos intérpretes principales de la función mantienen una relación secreta sometida a tensiones personales y sociales, inmersa en un conflicto  que no saben gestionar.

La propuesta plantea un paralelismo entre el argumento de la ópera y la realidad histórica del momento de su estreno en Milán en 1831, ofreciendo al espectador la dualidad prima donna/Norma, austriacos/romanos, coro/patriotas italianos…en una narración de la que es doblemente observador.

La escenografía de Charles Edwards reproduce la estructura de un teatro en decadencia, con viejos telones pintados similares a los utilizados por los grandes ballets románticos, y el vestuario de Sue Willmington dibuja una imaginativa indumentaria para druidas y romanos, muy al gusto de la época, alternándose con figurines decimonónicos para la vida “real”. Nicolas Fischtel, responsable de la iluminación, evoca las candilejas de los escenarios de otros tiempos, cuya cálida luz contribuye al juego onírico en el que conviven ambas realidades.

El maestro Marco Armiliato, de cuya sensibilidad pudimos disfrutar en Tosca (2004) y Madama Butterfly (2017) regresa al foso del Teatro Real para ponerse al frente del Coro y la Orquesta Titulares, junto a un doble reparto encabezado por la soprano española Yolanda Auyanet – a quien escuchamos en el Real como Vitellia en La clemenza di Tito (2016); Mimi en La bohème (2017) y Liu en Turandot (2018)-  y la rusa Hibla Gerzmava, intérprete de Leonora en Il trovatore del Real en 2019.

Completan el trío protagonista los tenores Michael Spyres y John Osborn, encarnando al romano  Pollione y las mezzosopranos Clémentine Margaine y Annalisa Stroppa, dando vida a la virginal Adalgisa. El papel de Oroveso estará en manos de los bajos Roberto Tagliavini y Fernando Radó.

En torno a este título, el Teatro Real ofrecerá una nueva sesión de Enfoques en la que participarán los principales artistas de la producción y donde se interpretará el aria de Oroveso compuesta en 1837 por Richard Wagner “a la manera de Bellini”, en complicidad con el compositor de Siegfried, cuyas representaciones se alternarán durante este mes con Norma. La cita será el próximo miércoles, 24 de febrero, a las 20.15 horas en la Sala Gayarre (a la que se puede asistir con aforo limitado) y on line a través del canal de Youtube del Teatro. Y el día 14 de marzo, con el tono alegre y desenfadado de los talleres familiares ¡Todos a la Gayarre!, entre pócimas y conjuros, descubrirán la otra cara de Norma.

Debido al toque de queda vigente en la Comunidad de Madrid, relativa a los protocolos Covid-19, todas las funciones de Norma darán comienzo a las 19.00 horas, con excepción del domingo 7 de marzo, que será a las 18.00 horas.

ACTIVIDADES PARALELAS · NORMA

Museo Arqueológico Nacional

24 de marzo, a las 17.30 horas. Visita guiada: Norma. Veni, vidi, vici. Roma conquistadora

Aforo limitado. Información

Veni, vidi, vici. Así señalaba Julio César la rapidez con la que se consigue un éxito. En este itinerario nos trasladamos a época romana para conocer cómo se fue forjando lo que acabaría siendo uno de los mayores imperios. Un ejército muy bien estructurado, una lengua común, el derecho romano y otros aspectos serán claves para la romanización de Hispania.

Museo Nacional del Romanticismo

Marzo. Una obra, una ópera.

Actividad gratuita

Para Una obra, una ópera, el Museo del Romanticismo ha seleccionado un conjunto de figuras policromadas de su colección, datado hacia 1840, que recuerda a una escena de la ópera en la que Norma, cuchillo en mano, entra en la habitación donde duermen los niños. Polión, por su parte, con su mano derecha en el corazón parece conmovido en la escena final de la obra, en el momento en el que Norma expresa ante el pueblo su amor por Polión y reconoce haber infringido sus votos sagrados.

Fotografía: Javier del Real

Annalisa Stroppa

La mezzosoprano italiana vuelve al coliseo madrileño ahora con la ópera de Bellini e interpretando a uno de sus personajes favoritos en una temporada que también la llevará a actuar en Nápoles, Piacenza, Florencia, Festival de Savonlinna en Finlandia y al Festival Arena de Verona.

Adalgisa es un personaje de una pureza extraordinaria”, afirma la cantante italiana Annalisa Stroppa ante su próximo compromiso madrileño con la ópera Norma de Vincenzo Bellini. Nacida en Brescia, Stroppa se ha impuesto en las programaciones de los grandes teatros del circuito internacional y ahora acaba de llegar a Madrid para iniciar los ensayos de la ópera belliniana, cumbre del bel canto romántico, que ha programado el Teatro Real. Con dirección de escena de Justin Way y con Marco Armiliato en el podio, Annalisa Stroppa asumirá el rol de la joven sacerdotisa los días 4, 7, 10, 13, 17 y 19 de marzo en el escenario madrileño.

Cada vez que interpreto a Adalgisa disfruto de las vivencias de esta joven sacerdotisa atrapada en las redes de su primer amor. En ella todo es etéreo y la veo como una gran soñadora que, sin embargo, madura a lo largo de la ópera debido a la realidad a la que se enfrenta, muy lejana a sus fantasías, a causa del engaño de Pollione. Se trata de un personaje plagado de matices que procuro transmitir sumergiéndome en todos los sentimientos que el compositor plasmó en la partitura”, continúa la mezzo italiana. “Desde el punto de vista vocal es un rol difícil de interpretar y, al mismo tiempo, maravilloso; tengo claro que la belleza e ingravidez de las melodías de Bellini ayudan a que afloren los sentimientos más íntimos y profundos del ser humano; el suyo es sin duda el canto del alma, razón por la que adoro su música”, concluye.

Annalisa Stroppa conoce muy bien el personaje de Adalgisa, puesto que lo ha interpretado en grandes escenarios como los del Teatro Massimo de Palermo, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, el Calderón de Valladolid, el Teatro Verdi de Padua, el Staatstheater Wiesbaden, el Carlo Felice de Génova, el Colón de Buenos Aires, la Bayerische Staatsoper de Múnich o el Teatro San Carlo de Nápoles.

La mezzosoprano italiana se muestra entusiasmada de volver a España, un país, asegura, en el que se siente “como en casa. Me encanta la comida, el idioma, el carácter de la gente… Y es uno de los pocos países en los que, a pesar de la pandemia que tan negativamente ha afectado a la sociedad, ha sabido defender la cultura con teatros abiertos, los cuales están haciendo grandes esfuerzos para seguir adelante con sus programaciones con todas las medidas de seguridad necesarias. Por eso siento unas ganas inmensas de regresar ante el público madrileño”.

Tras su paso por Madrid, Annalisa Stroppa seguirá con su agenda internacional que la llevará al Teatro San Carlo de Nápoles para dar vida a Suzuki en Madama Butterfly, además de cantar el Requiem de Verdi en el Teatro Municipale de Piacenza, el rol de Preziosilla de La forza del destino en el Maggio Musicale Fiorentino, su aclamada Rosina de Il barbiere di Siviglia en el Festival de Savonlinna en Finlandia y Fenena de Nabucco en el Festival Arena de Verona.

Fotografía © Silvia Lelli

Annalisa Stroppa

Teatro Real

Lisette Oropesa

La Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera (ABAO) acoge el primer recital en España de la soprano Lisette Oropesa, que inaugura el ciclo de recitales ABAO On Stage, con figuras de primer nivel de la lírica internacional. Tras sus recientes éxitos en nuestro país como Traviata (Verdi), en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona y en el Teatro Real de Madrid, donde hizo historia al convertirse en la primera mujer en cantar un “bis” en el coliseo madrileño, repitiendo la segunda parte del aria Addio del passato, la cantante estadounidense de origen cubano – y recientemente nacionalizada española – se subirá al escenario del Palacio Euskalduna de Bilbao el próximo 6 de febrero para interpretar, en esta ocasión, varias arias y canciones del repertorio italiano y francés, junto al pianista Rubén Fernández.

Lisette Oropesa cantará páginas tan conocidas como “Ah! non credea…. Ah! non giunge” (La Sonnambula, Bellini), “O beau pays” (Les Huguenots, Meyerbeer), “Adieu, notre petite table” (Manon, Massenet), o “Adieu de l’hôtesse arabe” de Bizet, así como obras de Mercadante, Schubert y Donizetti, que interpretará por primera vez en un escenario.

Sus próximos compromisos incluyen un concierto de Bel Canto junto a la Accademia Nazionale di Santa Cecilia y Antonio Pappano en el Auditorium Parco della Musica de Roma, su debut en la Opernhaus Zürich como protagonista de una nueva producción de Lucia di Lammermoor de Donizetti firmada por Tatjana Gürbaca, La Traviata de Verdi en La Arena de Verona, y su debut en el rol de Elvira en una versión en concierto de I Puritani de Bellini, junto a Javier Camarena y la Orchestre de la Suisse Romande, en el Gstaad Menuhim Festival.

Fotografía (c) Steven Harris

https://lisetteoropesa.com/

Pérez-Sierra dirige Norma

El director madrileño José Miguel Pérez-Sierra vuelve a Pamplona esta vez para dirigir la ópera Norma, la más popular de las obras de Vincenzo Bellini, y lo hará en el Auditorio Baluarte de Pamplona. El músico español, uno de los más destacados expertos en el repertorio del bel canto romántico representado sobre todo por las obras de Bellini, Rossini y Donizetti, se pondrá al mando de un montaje del director de escena argentino Mario Pontiggia y contará con la soprano Lianna Haroutounian en el papel titular junto a la Adalgisa de Susana Cordón, al Pollione de Sergio Escobar y al experimentado Oroveso de Simón Orfila. “Norma es una de las obras cumbre no solo del estilo belcantista, sino de todo el repertorio italiano”, afirma Pérez-Sierra, que dirigió la obra por primera vez hace más de una década. “Se trata de una prueba de fuego no solo para la soprano protagonista, sino para toda la compañía, y que es muy exigente para la orquesta y el coro. Constituye todo un reto”.

La ópera de Bellini se representará los días 7 y 9 de febrero en el Auditorio Baluarte de la capital navarra. Posteriormente le esperan al maestro Pérez-Sierra tres funciones de L’elisir d’amore de Donizetti en la temporada de Las Palmas de Gran Canaria y otras tantas de la zarzuela El barberillo de Lavapiés en el Teatro de La Maestranza de Sevilla.

Web José Miguel Pérez-Sierra

Web Baluarte

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Il Pirata en el Teatro Real 192 años después
Estrenar una ópera en uno de los grandes templos operísticos 192 años después de haber sido escrita, tiene que tener una justificación. En el caso de Il Pirata hay una muy importante, la dificultad para interpretar sus roles principales hace que esta obra sea casi imposible. Estas exigencias vocales son las provocaron su ausencia durante décadas del repertorio y los grandes escenarios. Como bien dice el maestro Benini, “todo depende de que se cuente con buenos cantantes. Un buen tenor, una buena soprano y un buen barítono”.En definitiva, y a pesar del éxito con el que se estrenó, primero en La Scala de Milán, en 1827 y posteriormente en Nápoles, Bolonia, Trieste, Viena, Dresde, Lisboa, Barcelona, Cádiz (en 1834), Nueva York, México y Madrid (en 1830 en el Teatro de la Cruz), Il Pirata correría la misma suerte que tantas óperas románticas del momento que se ausentaron de los escenarios desde la segunda mitad del siglo XIX, hasta los años cincuenta del siglo XX. Es en este momento cuando aparece en 1958 con la figura de María Callas, que actualiza el personaje principal de Imogene, situando al Il Pirata nuevamente en el repertorio. Posteriormente sería Montserrat Caballé quien, asumiendo la dificultad del rol, lo incorporó a su repertorio llevándolo a los principales teatros del mundo.Un poco de historia
Il Pirata catapultó a un joven Bellini siempre atento a las corrientes e influencias que llegaban, sobre todo, de Alemania. Su búsqueda de un nuevo lenguaje musical y su gusto por la innovación, hacen que Il Pirata se sitúe a caballo entre la tragedia más clásica, de la época de la Ilustración, y el romanticismo y la música más sinfónica, que llegaba de la mano de Schubert y Beethoven.Esta transición del clasicismo al romanticismo se nota también en su libreto, escrito por Felice Romani, basada en la obra de Justin Séverin Taylor, Bertram, ou Le pirate. Romani sentía gran admiración por los poetas italianos del siglo XVIII, pero se sitúa ya en el romanticismo que en ese momento ya envolvía Europa.Pero, ¿por qué Il Pirata se representa tan pocas veces?
Javier Camarena y Celso Albelo, dos de los tenores que interpretan a Gualterio en esta nueva producción de Teatro Real, dicen: “prefiero cantar un Puritani a la mañana y otro a la tarde, antes que cantar Il Pirata”.Hay que tener en cuenta que estas óperas estaban escritas para determinados cantantes, con una vocalidad específica y en determinadas condiciones de interpretación, teatros pequeños y orquestas muy ajustadas en componentes y volumen de sonido. En aquella época los cantantes estaban acostumbrados a cantar en falsetone. La tesitura natural del tenor de la época les llevaba a cantar en falsete todo aquello que se encontrara por encima del La natural o el Si bemol. Hoy en día no se contempla el falsete como modo de emisión. Los teatros son más grandes y, no digamos las orquestas.Bellini escribió una partitura para tenor de grandes exigencias vocales y dramáticas. Quería un tenor que dominara los registros agudos y graves al mismo tiempo que el fiato y el legato. Quería además que fuera un virtuoso de la declamación y del fraseo. Todo ello acompañado, al igual que en el rol de Imogene, de la agilita heredada de Rossini y conseguir así la mayor expresividad en una obra con tanto exceso de sentimentalismo.Para llevar a cabo todas estas exigencias plasmadas en la partitura, Bellini recurrió al que por entonces era el tenor más aclamado, Giovanni Battista Rubini, al que exigió dos tipos de canto, el virtuoso y agudo del tenore contraltino y el baritenore, con graves más potentes, aunque igualmente virtuosos. Nace con Gualterio el mito del tenor.Escenografía fría, que no fea
El belcanto romántico es considerado por muchos directores de escena uno de los géneros más difíciles de llevar a un escenario. Piensan que las óperas románticas belcantistas no tienen una dramaturgia clara dentro del argumento de la obra. Emilio Sagi no es uno de estos directores. El hecho de que el argumento no esté totalmente cerrado le ofrece muchas posibilidades escénicas. El resultado es elegante y de una gran fuerza visual, con muchos elementos marca de la casa, como las sillas o la luna. La escenografía de Daniel Bianco es fría, para resaltar las enormes pasiones escénicas vividas por los personajes y con grandre espejos para potenciar los elementos y conseguir un efecto multiplicador. El escenario se convierte en una gran caja totalmente cerrada, casi asfixiante, pero que facilita enormemente el trabajo de los cantantes. Se mantienen siempre en boca de escenario, lo que permite una mejor proyección sin forzar demasido el instrumento.Los distintos escenarios no están definidos ni dan pistas del lugar donde se desarrollan los acontecimientos. El negro y los reflejos dominan una escena deliberadamente gótica, como lo es el género de la obra en la que se basa esta ópera. Los impecables figurines de Pepa Ojanguren, la iluminación de Albert Faura y las proyecciones de Yann-Loic Lambert ayudan a sumergirse en esa atmósfera llena de intensidad dramática de novela gótica.

Tres han sido los repartos que han subido al escenario del Real. Si ya es difícil encontrar uno bueno, imagínense tres. Sin duda el gran atractivo lo representaban la participación de Javier Camarena y Sonya Yoncheva en el primer reparto, y no defraudaron a un público entregado y agradecido al final de cada representación.
También recibió su premio al esfuerzo Celso Albelo que, aunque en un escaloncito por debajo de Camarena, ofreció una notable interpretación de Gualterio.

En otro escalón por debajo se puede situar al joven tenor ruso Dmitry Korchak, que se esforzó y cumplió con su rol. Junto al Korchak, el Ernesto de Simone Piazzila (que ya debe tener casa en Madrid). Su importante presencia escénica no estuvo en esta ocasión acompañada de todas las cualidades de su voz, sonó rotundo, pero sin brillo.

Yolanda Auyanet fue la más aplaudida de la noche. Lo cierto es que se echó la obra a la espalda y casi la sacó adelante ella solita. Aunque ha perdido cierta tersura de su voz, tal vez debido al cambio de repertorio que está llevando a cabo, mantiene su generoso volumen y un fiato suficiente, algo muy a tener en cuenta en un rol tan exigente.

Otra cosa fue la participación de la barcelonesa María Miró que, a pesar de ceder todo el protagonismo al rol de Imogene, lució su magnífica voz de soprano dramática, desenvolviéndose con soltura sobre el escenario.

Si hay un director conocedor de este repertorio, ese es sin duda Maurizio Benini. Su eficacia al frente de la orquesta Titular del Teatro Real ya quedó suficientemente demostrada en “Il trovatore” de hace unos meses en este mismo teatro. Impregna su dirección de italianismo, imprescindible en este tipo de obras. Pulso firme y fluido que acompañó a los intérpretes y al coro, excepcional una vez más, desde los primeros compases.

Mención aparte merece la participación de un desconocido Marin Yonchev, en el papel de Itulbo. No se entiende muy bien que hace ahí, hasta que te enteras que es hermano de Sonya Yoncheva, ¡no me digas más!

Un buen estreno de Il Pirata en el Teatro Real, aunque haya habido que esperar 192 años. Nunca es tarde, sobre todo en esta ocasión.

Il Pirata
Vincenzo Bellini (1801-1835)
Libreto de Felice Romani, basado en la obra Bertram, ou Le pirate (1822) de Justin Séverin Taylor, traducida al francés por Charles Maturin
Estreno en el Teatro Real en coproducción con el Teatro alla Scala de Milán
D. musical: Maurizio Benini
D. escena: Emilio Sagi
Escenógrafo: Daniel Bianco
Figurinista: Pepa Ojanguren
Iluminación: Albert Faura
Vídeo: Yann-Loïc Lambert
D. coro: Andrés Máspero
Reparto: Dmitry Korchak, Yolanda Auyandet, Simone Piazzola, María Miró, Felipe Bpu, Marin Yonchev
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

Texto: Paloma Sana
Fotografía: Javier del Real
Vídeos: Teatro Real

Desde su debut en el Teatro Real en 2014, Javier Camarena ha conquistado al público de Madrid interpretando tres óperas de Gaetano Donizetti de muy distinto perfil dramatúrgico y vocal ─La fille du régiment, La favorite y Lucia di Lammermoor─, y una de Vincenzo BelliniI puritani, los dos más grandes compositores belcantistas, que permiten al tenor mexicano exhibir las inmensas posibilidades de su arte: una voz de gran amplitud, belleza y plasticidad, un fraseo lleno de expresividad, un impresionante virtuosismo y agilidad vocales y una musicalidad innata y natural.

Vuelve ahora Camarena, una vez más, con sus dos compositores fetiche y dos papeles muy distintos: el ingenuo y enamorado Nemorino en la dinámica producción de L’elisir d’amore, de Donizetti, concebida por Damiano Michieletto; y el pasional, fogoso, irreverente y vengativo Gualtiero en el tenebroso drama Il pirata, de Bellini, que estará en escena en el Real entre los días 30 de noviembre y 20 de diciembre.

Entre estos universos dramatúrgicos antagónicos, Javier Camarena ofrecerá un programa de melodismo e intensidad mediterráneos en la Gran Gala 2019 del Teatro Real, el próximo 13 de noviembre, junto al pianista Ángel Rodríguez, dedicado a arias y canciones italianas y en la que no faltará, en la segunda parte, un guiño a la zarzuela española.

GRAN GALA 2019 DEL TEATRO REAL

PROGRAMA

Giacomo Carissimi (1605–1674)

Vittoria, mio core

Tommaso Giordani (C.1730–1806)

Caro mio ben

Giovanni Battista Bononcini (1670–1747)

Per la gloria d’adorarvi…

Vincenzo Bellini (1801–1835)

Malinconia, ninfa gentile

Gaetano Donizetti (1797-1848)

L’ora del ritrovo

Gioachino Rossini (1792–1868)

La danza

Ricciardo e Zoraide: ‘S’ella m’è ognor fedele… qual sarà mai la gioia’

Gaetano Donizetti (1797-1848)

L’elisir d’amore: ‘Una furtiva lagrima’

Vincenzo Bellini (1801–1835)

Il pirata: ‘Nel furor delle tempeste… per te di vane lagrime’

Gerónimo Giménez (1854-1923)

Las bodas de Luis Alonso: Intermezzo

Jacinto Guerrero (1895-1951)

El huésped del sevillano: ‘Mujer de los ojos negros’

BIOGRAFÍAS
Javier Camarena

Nacido en Xalapa, este tenor mexicano estudió con la mezzosoprano Cecilia Perfecto en la Universidad Veracruzana y se graduó con Hugo Barreiro y Maria Eugenia Sutti en la Universidad de Guanajuato. Premiado en los concursos Carlo Morelli 2004 y Francisco Viñas 2005, ingresó en el International Opera Studio de Zúrich antes de iniciar una carrera que le ha llevado a los principales escenarios del mundo y en la que ha trabajado con directores de orquesta como Claudio Abbado, Marco Armiliato, Maurizio Benini, Bruno Campanella, Daniele Gatti, Fabio Luisi, Zubin Mehta, Evelino Pido y Franz Welser-Möst. Recientemente ha cantado Ernesto de Don Pasquale en el Palais Garnier de París, Nadir de Les pêcheurs de perles en el Palacio Euskalduna de Bilbao, Edgardo de Lucia di Lammermoor en la Bayerische Staatsoper de Múnich, Tonio de La fille du régiment en la Royal Opera House de Londres y Arturo de I puritani en la Opéra Bastille de París. En el Teatro Real ha cantado en La fille du régiment (2014), I puritani (2016), La favorite (2017) y Lucia di Lammermoor (2018).

Ángel Rodríguez

De origen cubano y radicado en México, este pianista y compositor estudió piano con Gonzalo Gutiérrez, dirección de orquesta con Gonzalo Romeu y repertorio vocal con Enrique Jaso y Kamal Khan. A lo largo de sus más de tres décadas de carrera ha sido pianista de Ramón Vargas, Rolando Villazón, Javier Camarena, Nadine Sierra, Joseph Calleja, Pretty Yende, Verónica Villarroel, Ailyn Pérez, Alfredo Daza, Kate Lindsey, Arturo Chacón y José Bros, con quienes ha actuado en espacios como el Palacio de Bellas Artes de México, el Teatro Real de Madrid, las Termas de Caracalla en Roma, la Konzerthaus de Berlín, el Kennedy Center de Washington, el Harris Theater de Chicago, la Opernhaus de Zúrich y los Rosenblatt Recitals de Londres. Como pianista de la Ópera de Cuba y de la Ópera de Bellas Artes, ha trabajado con Plácido Domingo, Luciano Pavarotti y Anna Netrebko. Actualmente imparte clases magistrales y talleres en México, y preside el Colegio de Arte Vocal, institución especializada en el arte del canto de la cual es fundador.

GALA BENÉFICA

Toda donación procedente de la Gran Gala 2019 del Teatro Real irá destinada al Programa Social ─del que forma parte El Real Junior y que introduce a los más jóvenes a la ópera─, y también al Aula Social, que atiende a más de cien menores procedentes de la Fundación ANAR, Fundación de Síndrome de Down Madrid, Federación Autismo Madrid, Federación Española de Padres de Niños con Cáncer, Fundación Víctimas del Terrorismo (niños), Acción Social por la Música y Ayuda en Acción, asociaciones, todas ellas, sin ánimo de lucro.

EMBAJADORES DE LA GALA

José Bogas, Demetrio Carceller, Alfonso Cortina, Jesús Encinar, Juan Pedro Moreno, Juan Antonio Pérez Simón, Isabel Preysler, Helena Revoredo, Pilar Solís-Beaumont.

Con estas palabras Annalisa Stroppa define al personaje de la ópera Norma de Bellini que defenderá los días 2, 4, 5 y 7 de diciembre en su esperado regreso al Teatro Colón de Buenos Aires: “Adalgisa es un papel fascinante que se enfrenta a Norma por amor, pero a quien se une al comprender el drama que atraviesa”.

La mezzosoprano italiana debutó en el mítico escenario argentino en agosto de 2012 de la mano de Riccardo Muti (I due Figaro, Mercadante). “Cantar en el Colón es una gran experiencia para cualquier músico o cantante, ya que se trata de uno de los teatros con mejor acústica de los que he escuchado, siendo además una sala inmensa y de impresionante belleza”. Stroppa no ha vuelto a actuar en Argentina desde ese ahora lejano debut. “Ha pasado mucho tiempo y muchos personajes desde esos inolvidables I due Figaro que llevamos a varias ciudades con el maestro Muti y que marcaron el comienzo de mi carrera, por eso me hace especial ilusión que el entendido público de Buenos Aires pueda escucharme en el momento vocal que ahora estoy viviendo y que me ha permitido ir ampliando mi repertorio”, apunta la cantante. La intérprete italiana, sin duda una de las mezzosopranos que más está dando que hablar en el panorama internacional, se ha metido en la piel de Adalgisa de Norma en varios escenarios, desde el Teatro Massimo de Palermo al Gran Teatre del Liceu de Barcelona, pasando por el Staatstheater Wiesbaden –junto a Edita Gruberová–, el Teatro Verdi de Padua o el Carlo Felice de Génova.

Annalisa Stroppa aterrizará en Argentina después de haber interpretado el personaje protagonista de Carmen este verano en el Festival de Bregenz (Austria), a Siébel de Faust de Gounod en la inauguración de la temporada del Teatro Real de Madrid y a Fenena de Nabucco en Padua. Entre sus próximos compromisos destacan su regreso a Padua con La Cenerentola, Il Barbiere di Siviglia en Berlín, su debut como Nicklausse de Les Contes d’Hoffmann en Nápoles, Madama Butterfly en Múnich, el Stabat Mater de Rossini en Verona y Così fan tutte en Las Palmas de Gran Canaria.

Annalisa Stroppa

Teatro Colon

Fotografía: Víctor Santiago

Mariella Devia

Roberto Abbado dirige la Orquestra de la Comunitat Valenciana en este concierto que incluye piezas orquestales de Bellini, Rossini y Verdi.

La soprano italiana, que recientemente se ha despedido de la ópera escenificada, está considerada como una de las grandes divas del género.

Mariella Devia interpreta en el Palau de les Arts sus papeles más exitosos del repertorio belcantista el próximo sábado, 2 de junio, en el Auditori.

La soprano hará un repaso por algunas de las páginas que han cimentado sus 45 años de carrera como gran estrella del género, después de su apoteósica retirada de la ópera escenificada el pasado 19 de mayo en La Fenice de Venecia con tres funciones de ‘Norma’, de Bellini.

Acompañada por la Orquestra de la Comunitat Valenciana, y dirigida por Roberto Abbado, interpretará arias como ‘Di mia vita infelice’ de ‘Tancredi’, de Rossini; ‘Casta Diva’, de ‘Norma’, de Bellini, o ‘Merce dilette amiche’ de ‘I vespri siciliani’, de Verdi, que se intercalarán con pasajes como las oberturas de ‘Semiramide’, de Rossini, o ‘Luisa Miller’, de Verdi.

Mariella Devia ha sido aclamada por la crítica y el público como una de las grandes divas por su agilidad vocal, registro agudo y dominio absoluto de la técnica, que ha exhibido en los principales teatros del circuito internacional.

Su primer encuentro con el público de Les Arts tuvo lugar en 2008 con la ‘Gala Puccini’, que Plácido Domingo dirigió con motivo del 150 aniversario del nacimiento del compositor de Lucca. Su debut operístico, no obstante, llegaría siete años después.

En 2015, la soprano de Chiusavecchia protagonizó su primera ópera en escena en València, en una nueva producción de ‘Norma’, de Bellini, a la que seguiría en 2017 otra nueva producción de ‘Lucrezia Borgia’, de Donizetti, con la que Les Arts realizó su primera incursión en la emisión de ópera en ‘streaming’.

Reconocida por su trabajo con las nuevas generaciones de intérpretes, Mariella Devia ofreció el pasado mes de abril una serie de clases magistrales de canto a los artistas de la novena promoción del Centre Plácido Domingo.

Norma en Bilbao

ABAO‐OLBE (Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera) clausura su 66ª Temporada de ópera con Norma, obra de madurez de Bellini y título emblemático en la historia de la lírica. Los próximos días 19, 22, 25, 27 – Opera Berri  ‐  y 28 de mayo, con el patrocinio de la Fundación BBVA, patrocinador principal de ABAO‐OLBE, sube a escena este título, fusión extraordinaria de melodía sublime, desafío vocal y poder dramático.

Esta tragedia, compendio de ritos ancestrales, conflictos, lealtades y costumbres arcanas, cuenta la historia imperecedera de una poderosa mujer que compromete sus ideales por amor para finalmente encontrarse traicionada por su amante. Para dar vida a los protagonistas de esta ópera, ABAO‐OLBE ha reunido un elenco encabezado por la soprano napolitana Anna Pirozzi, quien regresa a Bilbao para debutar el papel de ‘Norma’, uno de los personajes más difíciles de interpretar en el repertorio belcantista que exige poder vocal dramático combinado con la agilidad y la técnica de una cantante de coloratura. A su lado el tenor Gregory Kunde como el romano ‘Pollione’ y la mezzosoprano Silvia Tro Santafé como ‘Adalgisa’ cierran el trío protagonista. Junto a ellos completan el cartel el bajo Roberto Tagliavini como ‘Oroveso’, la mezzosoprano Itxaro Mentxaka como ‘Clotilde’ y el tenor Vicenç Esteve como ‘Flavio’. La parte musical está a cargo del joven maestro italiano Pietro Rizzo, quien regresa a Bilbao para al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa dirigir una partitura con enorme carga emotiva y riqueza melódica que constituye uno de los grandes legados del bel canto. La parte coral es una vez más tarea del Coro de Ópera de Bilbao, con Boris Dujin al frente.

En el escenario una coproducción de ABAO‐OLBE con el Teatro Real y  el Palau de Les Arts de Valencia concebida por Davide Livermore. La acción se desarrolla en un universo atemporal, el elemento central de la escenografía es un árbol concebido como inspiración de las leyendas.

la ópera de Bilbao al alcance de todos – Bilboko opera guztion esku nórdicas del “Yggdrasil”, el árbol de la vida. Una estética épica de druidas y sacerdotisas se mueve a ritmo cinematográfico a su alrededor convirtiéndolo en el testigo de los acontecimientos que se desarrollan en la trama. Apenas provista de elementos escénicos para acentuar la teatralidad de la historia, utiliza las videoproyecciones para ofrecer una visión más profunda de los personajes y sus relaciones. Opera Berri
La representación de Norma del 27 de mayo, conforma la duodécima edición de Opera Berri, iniciativa que ABAO‐OLBE desarrolla para acercar la ópera a nuevos públicos con títulos muy conocidos y entradas que rondan el 50% de su precio habitual. En esta función retornan a Bilbao la soprano Diana Axentii como ‘Norma’ y el tenor Alejandro Roy como ‘Pollione’ y
debuta la mezzosoprano Nazomi Kato como ‘Adalgisa’. El resto del cartel (dirección musical, orquesta, coro y dirección escénica) se mantiene. La función de Opera Berri comienza a las 18:00 h.

Conferencia sobre “Norma”

Con el fin de analizar, con carácter previo al estreno, los aspectos más relevantes de esta ópera de Bellini, ABAO‐OLBE ha organizado una conferencia, de entrada libre hasta completar aforo, para el viernes 18 de mayo en el Auditorio del Museo de Bellas Artes (entrada por la puerta Chillida) a las 19.15 horas. En esta ocasión será Rubén Amón, uno de los periodistas más
mediáticos y reconocidos actualmente, que trabaja en el diario El País y participa habitualmente en diferentes medios radiofónicos y audiovisuales como Onda Cero, Antena3 y La Sexta. Ha publicado varios libros de diferentes temáticas como una investigación sobre Los secretos del Prado (temas de Hoy 1997), la biografía de Plácido Domingo, Un coloso en el teatro del mundo (Planeta 2012) o El triunvirato: Carreras, Domingo y Pavarotti, cuando la ópera llena estadios (Temas de Hoy 1996).

Fundación BBVA: un amplio programa para acercar al público la mejor música La Fundación BBVA, cuyo rasgo diferencial es el impulso al conocimiento científico y la creación cultural, articula su programa de Música como un recorrido completo por las distintas formas en que la sociedad puede beneficiarse y disfrutar de esta manifestación artística, con un espacio propio en la web www.contrapunto‐fbbva.es . Así, promueve la creación de obra nueva con encargos de composición y hace posible su preservación y difusión por medio de Ópera patrocinada por: la ópera de Bilbao al alcance de todos – Bilboko opera guztion esku grabaciones en colaboración con sellos e intérpretes de primera línea. Fomenta la música en directo a través de ciclos de conciertos que, de forma gratuita, ponen al alcance del público ensembles y solistas de referencia en el repertorio contemporáneo. Organiza ciclos de conferencias y edita publicaciones para comprender mejor el trabajo de ciertos autores o
sumergirse en el estudio de determinados períodos compositivos y lleva a la práctica proyectos de investigación y creación altamente innovadores con las Becas Leonardo en Música y Ópera. Organiza simposios especializados sobre gestión de orquestas, colabora con formaciones musicales y teatros de todo el país —desde el Teatro Real y el Teatro de la Maestranza al Gran Teatro del Liceu, pasando por la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera y la Orquesta Sinfónica de Madrid— y reconoce la excelencia a través del Premio Fronteras del Conocimiento en Música Contemporánea y el Premio de Composición Asociación Española de Orquestas Sinfónicas‐Fundación BBVA.

Celso Albelo

Celso Albelo regresará a comienzos del mes a la Opéra de Monte-Carlo (Mónaco) para interpretar el temible –por difícil– personaje de Arturo de I Puritani (Bellini, 3 y 6 de diciembre), título que cantó el verano pasado en el Festival de Savonlinna (Finlandia) junto a la soprano Jessica Pratt y la compañía del Teatro Real de Madrid. El tenor español se reencuentra con el público del principado ante el cual ya ha interpretado Rigoletto (Verdi), La Sonnambula (Bellini) y Guillaume Tell (Rossini). Con este último título viajó, junto a la compañía monegasca, al parisino Théâtre des Champs-Élysées consiguiendo un inolvidable triunfo personal. «Cantar en Mónaco es un placer, porque el público es muy cariñoso. La sala, que está adjunta al célebre Casino, es una maravilla de la arquitectura teatral, creado por el mismo arquitecto que la conocida Ópera de París. Pero estos Puritani, al ser en versión de concierto, será en el moderno Auditorium Rainier III y junto a la Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo», afirma el cantante.

Celso Albelo viajará más tarde al Teatro Carlo Felice de Génova (Italia, 23, 27 y 29 de diciembre) con su aplaudido Duque de Mantua de Rigoletto, todo ello tras debutar el rol de Fernand de La Favorite (Donizetti) en la Opéra Royal de Wallonie (Lieja, Bélgica) y antes de incorporar un nuevo personaje a su repertorio, el del Chevalier des Grieux de Manon (Massenet) en la temporada bilbaína de ABAO-OLBE (20, 23, 26 y 29 de enero de 2018).

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Riccardo Frizza

El maestro italiano Riccardo Frizza, que acaba de ser nombrado director musical del Donizetti Opera Festival de Bérgamo (Italia), no es solo una autoridad en el repertorio belcantista e italiano en general, sino también, y especialmente, del verdiano. Y si el curso pasado se puso al mando de más de medio centenar de funciones de obras de Verdi, Donizetti y Bellini en algunos de los teatros más importantes del mundo, en noviembre regresa a Japón para ponerse al mando de la producción de La Traviata de Verdi en el New National Theatre tokiota. La popular obra maestra verdiana, una de las más queridas del público japonés, contará con un reparto encabezado por la soprano rumana Irina Lungu, toda una estrella del firmamento lírico internacional.

Esta Traviata japonesa llega a la agenda del maestro Frizza después de haber conseguido un nuevo éxito en su carrera con el canto del cisne del genio verdiano, Falstaff, en el Teatro Regio de Parma, cuna del arte de Giuseppe Verdi. Y desde Tokio viajará después a la Opéra National de Paris para dirigir nueve funciones de Il barbiere di Siviglia de otro de los autores belcantistas más relevantes: Gioachino Rossini.

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Ricardo Frizza

Aunque el repertorio de Riccardo Frizza es tan amplio como ecléctico, es verdad que a nivel mundial es reconocido sobre todo por su magisterio en el ámbito del bel canto y de toda la producción operística italiana. Y después de revisar Norma, de Bellini, en la Lyric Opera de Chicago, Rigoletto, de Verdi, en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, y Lucia di Lammermoor, de Donizetti, el Gran Teatro La Fenice de Venecia, el maestro italiano regresa a Bellini con I puritani, una de las cumbres del estilo belcantista romántico, en esta ocasión en el Bela Bartók National Concert Hall de Budapest, en Hungría.

El maestro Frizza se pondrá al mando del Kolozsvár Opera Choir, de la Pannon Philharmonic y de un reparto encabezado por la consagrada soprano australiana Jessica Pratt, una de las más destacadas defensoras del estilo, y por el ascendente tenor italiano Francesco Demuro, ambos protagonistas de una producción que firma Csaba Némedi. Serán dos funciones los días 18 y 21 de mayo.

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http://riccardofrizza.com/

Celso Albelo

Diez años después de su debut en el papel de Arturo de I Puritani, Celso Albelo ha recibido grandes elogios por su reciente estreno en Módena: «Se confirma al nivel más alto». «Completo dominio». «Nostálgico y poético». «Merecido triunfo final». La obra maestra de Bellini, de gran exigencia para el tenor, se convirtió en la voz y el arte del tenor canario en un nuevo éxito en su carrera. Después de pasear el personaje por varias ciudades de Italia, continúa en mayo de gira por el país transalpino esta vez como Leicester, el protagonista masculino de Maria Stuarda de Donizetti en el Teatro Carlo Felice de Génova, un escenario en el que ya había interpretado otro personaje del compositor italiano, el simpático Ernesto de la ópera cómica Don Pasquale.

Esta vez regresa al Carlo Felice con un rol muy diferente, serio y dramático. Se trata del papel con el que el cantante debutó en el Metropolitan Opera House de Nueva York el pasado año con gran éxito. Según sus propias palabras, Maria Stuarda es una ópera «que lo tiene todo, una intriga amorosa y otra política», afirma. «Hay amor a la mujer y al poder, resultando una historia muy actual. Mi papel cae en medio de la pugna de dos mujeres, dos reinas, entre las cuales intento imponer paz, aunque sin
conseguirlo».

El tenor español interpretará la ópera donizettiana en Génova los días 17, 21, 24 y 28 de mayo en una producción de Alfonso Antoniozzi y bajo la dirección musical de Andriy Yurkevych.

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José Miguel Pérez-Sierra

José Miguel Pérez-Sierra, el principal representante español del bel canto romántico, vuelve a España después de haber triunfado en Italia con la rara ópera de Bellini Adelson e Salvini. A esa cita le siguieron su debut en el podio de la Orquesta Nacional de España (ONE) y un inolvidable homenaje a la figura de Alfredo Kraus en Las Palmas de Gran Canaria dirigiendo a toda una leyenda del bel canto: la soprano italiana Mariella Devia, un concierto que marcó un hito en la isla. Y de un mito a otro: en diciembre, en A Coruña, Pérez-Sierra se pone al frente de la Sinfónica de Galicia y del Coro Gaos para dirigir a otra leyenda de la lírica, el barítono italiano Leo Nucci, en su reencuentro con el público coruñés.

Como experto en voces que es, el maestro madrileño arrancará el 22 de enero una gira junto a la soprano vasca Ainhoa Arteta que los llevará por varias ciudades de la zona de Levante: comenzarán en Teulada, Valencia, para seguir el 24 de enero por el Auditorio Víctor Villegas de Murcia, el día 26 estarán en el Auditorio ADDA de Alicante y el 27 en el Palau de Les Arts de Valencia. Se trata de los conciertos conmemorativos del vigésimo aniversario de la Universidad Católica de Murcia cuya orquesta sinfónica será coprotagonista de las cuatro veladas junto a la Coral Discantus en un programa que integrará selecciones de ópera y zarzuela.

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Angela Meade como Norma

No deja de sorprender que Norma, la que dicen es la obra cumbre del bellcantismo, y una de las óperas de repertorio, haya tardado 102 años en ser representada en el Teatro Real de Madrid.

Bellini, puente entre el clasicismo y el romanticismo, llevó el morbo de las emociones cotidianas a una sociedad apocada por el catolicismo. Un verdadero revolucionario de los sentimientos románticos que supo influir en otros compositores. Chopin heredó de Bellini la flexibilidad a la hora de tratar el tempo y la armonía. Verdi trasladó la revolución belliniana de lo privado a lo público, utilizando las connotaciones políticas para crear emociones colectivas. Wagner, uno de los compositores más influidos por Bellini, llegó incluso a componer una nueva versión del aria de la segunda escena de Oroveso.

¿Por qué entonces no es Bellini uno de mis compositores favoritos? Porque sobre gustos…

Norma es sin duda una obra grande. Está llena de pequeños detalles, esos en los que habitualmente vive el diablo, pero que aquí esconden la delicadeza de unos tempos extremadamente lentos que trazan la filosofía romántica de la obra y que llena de complejidad la labor del cantante, obligado a una emisión lenta. Dilatadas melodías que precisan de un fiato bien trabajado, como queda de manifiesto en una de las arias que es un “hit” de la ópera, la siempre esperada por el público “Casta Diva”, y que resume el valor del tiempo romántico.

Un tiempo que Wagner tuvo en cuenta para crear Tristan und Isolde. Una Isolde que, al igual que Norma, se inmola sobre una melodía amplia y ascendente.

Pero bajemos a la tierra. Más concretamente a la representación del 21 de octubre. Es esta una coproducción del Teatro Real con el Palua Les Arts de Valencia, donde ya se estrenó la pasada temporada, y ABAO.

La escenografía de Davide Livermore tiene claras influencias cinematográficas. A través de Juego de Tronos o el Rey Arturo, elabora una atmósfera onírica y fantasiosa que tiene como protagonista un agobiante árbol. Ocupa gran parte del escenario, gira y se mueve como elemento totémico y oráculo, donde todo ocurre y todo se cumple. La intención es la de crear un ambiente claustrofóbico, como lo es la propia historia. Y lo consigue.

Las escenas se completan con las proyecciones de D-Wok. Que adelantan, a modo de oráculo, el futuro que espera a los protagonistas.

La enérgica batuta del maestro Roberto Abbado inició la obertura con exceso de volumen. En el escenario entraban y salían los bailarines, coro, elementos escénicos y proyecciones en medio de un aparente desconcierto. Cuando parecía que el caos se había apoderado de la representación, apareció en escena, en lo más alto del árbol, Angela Meade cantando “Casta diva” y, de repente, reinó el sosiego y la armonía, cada cosa se puso en su sitio y solo entonces comenzó Norma.

Antes de que hiciera su aparición la Meade, y formando parte del desconcierto inicial, Roberto Arónica había iniciado su representación como Oroveso. A su voz leñosa y destemplada le faltan profundidad y graves para este personaje. Mejoró en el segundo acto y le puso más intención y matiz a sus arias. Su interpretación resultó fría y falta de pasión.

Simón Orfila compuso un Oroveso con buena presencia escénica, pero su voz, aunque bien timbrada, no tiene los tonos oscuros que habrían dotado su personaje del empaque que requiere.

Angela Meade no solo llegó para poner orden, fue la clave para que apareciera el belcanto. Voz potente y de emisión limpia, aunque con notables carencias interpretativas, no dejó de subir y bajar los numerosos escalones del árbol protagonista mientras cantaba. Algo meritorio.

La romana Veronica Simeoni, como Adalgisa, estuvo correcta. Mejor en el dúo con Norma del segundo acto, para el que parecía se había estado reservando.
Bien la barcelonesa María Miró como Clotilde. No pasó desapercibida.

Tanto tiempo esperando a Norma y ha llegado con una carencia fundamental, la pasión. Habrá que seguir esperando. Pero que no sean otros cien años.

NORMA
Vincenzo Bellini (1801-1835)
Tragedia llirica en dos actos
Libreto de Felice Romani, basado en la obra
Norma, ou l´infanticide (1831) de Alexandre Soumet
Estrenada en el Teatro alla Scala de Milán el 26 de diciembre de 1831
Estrenada en el Teatro Real el 13 de noviembre de 1851
Nueva producción del Teatro Real en coproducción con el
Palau de les Arts de Valencia y ABAO
D. musical: Roberto Abbado
D. escena: Davide Livermore
Escenografía: Gió Forma (Florian Boje)
Iluminación: Antonio Castro
Vídeo: D-Wok
D. coro: Andrés Máspero
Reparto: Roberto Aronica, Simón Orfila, Angela Meade,
Verónica Simeoni, María Miró y Antonio Lozano
Coro y Orquesta titulares del Teatro Real
Teatro Real de Madrid 21 de octubre de 2016

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real

Roberto Abbado

Tras más de cien años de ausencia en el escenario del coliseo madrileño, Norma, la ópera del gran compositor belcantista Vincenzo Bellini, llega al Teatro Real el próximo 20 de octubre con una producción que lleva firma escénica de Davide Livermore y con el maestro Roberto Abbado, al frente de la orquesta y coro titulares del Teatro Real, y del triple reparto vocal.

Maria Agresta, Angela Meade y Mariella Devia se alternarán en el rol que María Callas inmortalizó en los escenarios a finales de los años cuarenta; los tenores Gregory Kunde, Roberto Aronica y Stefan Pop, serán Pollione; Karine Deshayes, Veronica Simeoni y Ketevan Kemoklidze cantarán Adalgisa, y Michele Pertusi, Simón Orfila y Fernando Radó darán vida a Oroveso.

El maestro milanés, que ya ha dirigido Norma en numerosas ocasiones, antes de las 12 funciones (20 de octubre al 4 de noviembre) que se podrán ver en el Real, señalaba: “Esta obra maestra, cuyos recitativos se encuentran entre los más complejos de la historia de la ópera, tiene sus orígenes en el neoclasicismo, pero su latido romántico es evidente y su huella es clara en compositores posteriores tan diferentes como Chopin y Wagner”.

El próximo 4 de noviembre saldrá al mercado la última grabación de Roberto Abbado, de nuevo, para el sello Deutsche Grammophon: Revive, el nuevo CD de la mezzo letona Elina Garança, que vuelve a confiar en la dirección musical de Abbado, al frente, en esta ocasión, de la Orquestra de la Comunitat Valenciana. Director musical del Palau de les Arts desde 2015, Roberto Abbado ofrecerá su lectura de I vespri siciliani de Verdi, que se presentará en Valencia los días 10, 13, 16, 18 y 21 de diciembre.

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Celso Albelo

Esta temporada que termina ha sido una de las más prolíferas en debuts y éxitos en la ascendente carrera del tenor canario Celso Albelo. Después de debutar en el Metropolitan de Nueva York y en el Teatro Bolshoi de Moscú y de cantar su primer Werther, Albelo se prepara para un nuevo debut, esta vez en el Festival de Verano de la Ópera Estatal de Banská Bystrica, una de las ciudades más importantes de la República Eslovaca, de gran tradición musical. A ese escenario llevará su Robert Dudley, Conde de Leicester, protagonista de la ópera de Donizetti Maria Stuarda, precisamente con la que debutó en Nueva York. «Te proporciona una satisfacción personal única», afirma el cantante refiriéndose al personaje, «porque es en todo momento un desafío vocal con el que asentar unas buenas bases técnicas e interpretativas». La cita es el próximo 23 de agosto.

Recientemente Celso Albelo ha clausurado el ciclo de conciertos de la temporada de la Fundación Juan March de Madrid y ha regresado al Teatro Real con I Puritani de Bellini. Tras su debut eslovaco, el tenor español comenzará próximo el curso con su regreso al Teatro Bolshoi de Moscú con Don Pasquale (Donizetti) en septiembre.

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Los puritanos

El próximo 4 de julio llegará al escenario del Teatro Real I puritani, última ópera del compositor italiano Vincenzo Bellini (1801-1835), de la que se ofrecerán 10 funciones hasta el día 24 de julio, en una coproducción del Teatro Real y el Teatro Municipal de Santiago de Chile con dirección de escena de Emilio Sagi y musical del maestro italiano Evelino Pidò.

I puritani supuso el debut de Bellini en París, donde se estrenó en 1835 en el Théâtre-Italien con un clamoroso éxito de público. En ella se encuentran los mejores ingredientes del melodrama italiano del romanticismo: drama histórico, amor, celos, intriga política, locura… construidos sobre una partitura en la que la orquestación es más rica que en obras anteriores del compositor, pero donde no renuncia a sublimes melodías, himnos heroicos y arias y dúos de difícil coloratura.

Bellini equilibra cuidadosamente la efusividad lírica y las necesidades dramáticas, compone arias y dúos de endiablada coloratura, que en las funciones que veremos en el Teatro Real serán afrontadas, en los papeles principales, por los tenores Javier Camarena y Celso Albelo (Lord Arturo Talbo), las sopranos Diana Damrau y Venera Gimadieva (Lady Elvira Valton), los barítonos Ludovic Tezier, George Petean y Damiano Salerno (Sir Riccardo Forth) los bajos Nicolas Testé y Roberto Tagliavini (Sir Giorgio), la mezzosoprano Annalisa Stroppa y la soprano Cassandre Berthon (Enriqueta). Junto a ellos, el Coro y la Orquesta Titulares del Teatro Real.

Emilio Sagi, responsable de la dirección de escena, se aleja en esta producción de una versión realista del libreto para centrarse en el mundo abstracto de la ensoñación y los sentimientos. En este mundo onírico, retratado en blanco y negro, salpicado de elementos surrealistas, serán las voces las que trasladen la realidad dramática a través de unas melodías que transmiten más que las palabras. Para Sagi, la partitura de I puritani es cristalina, romántica, sublima las emociones y está cargada de sensualidad, por esa razón desnuda el espacio de todo realismo y lo centra en la música y las voces.

Como en otras ocasiones, Emilio Sagi ha contado con algunos de sus colaboradores habituales, a los que el público del Real siempre ha recibido con gran entusiasmo en producciones como Las bodas de Fígaro, El barbero de Sevilla o Luisa Fernanda, entre otras. Daniel Bianco se hace cargo de la escenografía, Peppispoo (Pepa Ojanguren) diseña el vestuario y Eduardo Bravo dirige la delicada iluminación en esta coproducción firmada por el Teatro Real y el Teatro Municipal de Santiago de Chile, donde en su estreno en mayo de 2014, recibió numerosos elogios.

Las representaciones de I puritani coincidirán con la celebración de la Semana de la Ópera del Teatro Real, que tendrá lugar entre el 11 y el 17 de julio y que, entre los actos programados, emitirá en la pantalla instalada en su fachada la función del día 14. Esta retransmisión también podrá seguirse en directo en algunos de los espacios culturales más importantes de España como el Museo del Prado, el Museo Reina Sofía, el Centro Niemeyer de Avilés, Museo Guggenheim Bilbao y La Alhambra de Granada, entre otros. Además, la plataforma audiovisual del Teatro Real, Palco Digital, ofrecerá la representación en streaming, de forma gratuita, para todos los que no puedan acercarse a la Plaza de Oriente.

Sonnambula

ABAO-OLBE (Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera) arranca 2016 con La Sonnambula obra de madurez de Bellini considerada cumbre del bel canto romántico italiano. Con el patrocinio del INAEM, los días 23, 26, 29 de enero y 1 de febrero a las 20:00h. y el 30 de enero Opera Berri a las 19:00h., sube a escena este melodrama que contiene todos los ingredientes de intriga amorosa de una gran ópera, con momentos de extraordinaria belleza y pureza lírica para el cuarteto protagonista, así como una relevante actuación coral.

El recurso del sonambulismo que origina el argumento de este drama de amores contrariados, responde al axioma romántico que asegura que, cuando un sentimiento es muy intenso, como el amor de Amina la protagonista, no se puede comunicar con un discurso racional, y que sólo en estados como el sueño, la locura o el sonambulismo es posible expresarlo. Para dar vida a los protagonistas de esta prodigiosa ópera de Bellini, que exige una técnica de canto depurada y elegante así como una habilidad para la agilidad vocal (coloratura), ABAO-OLBE ha reunido un elenco encabezado por la soprano británica Jessica Pratt, quien debuta en la temporada bilbaína tras ser aclamada por la crítica internacional para hacerse cargo del difícil rol de ‘Amina’ y su famosa aria “Ah!! Non credea mirarti…”. Junto a ella el tenor italiano Antonino Siragusa presente en los principales teatros del mundo vuelve a Bilbao para dar vida a su enamorado ‘Elvino’. Completan el cartel los retornos del bajo italiano Mirco Palazzi como ‘Il Conte Rodolfo’, la soprano donostiarra Elena Sancho Pereg como ‘Lisa’, la mezzosoprano lekeitiarra Itxaro Mentxaka como ‘Teresa’, el barítono bilbaíno José Manuel Díaz como ‘Alessio’ y el tenor Alberto Nuñezcomo ‘Un Notaio’.

En el foso, el maestro José Miguel Pérez Sierra, hábil conocedor del bel canto italiano, quien al frente de la Bilboko Orkestra Sinfonikoa dirige una obra que, según sus propias palabras, es “cima absoluta del bel canto italiano. Y no sólo por ser superior a otras óperas del primer tercio del ottocento, sino por la pureza con que representa todos los parámetros que configuran el estilo belcantista”. Completa este apartado el Coro de Ópera de Bilbao, con Boris Dujin al frente.

En el escenario una producción muy visual procedente del Teatro Bolshói de Moscú, concebida por el polifacético Pier Luigi Pizzi con una puesta en escena poética, plástica, con un delicado equilibrio cromático y mucho movimiento escénico.

Opera Berri

La representación de La Sonnambula del 30 de enero, abre la décima edición de Opera Berri, iniciativa que ABAO-OLBE desarrolla para acercar la ópera a nuevos públicos con títulos muy conocidos y entradas que rondan el 50% de su precio habitual. En esta función debutan en Bilbao la soprano Marina Monzó como ‘Amina’ y el tenor Juan Antonio Sanabria como ‘Elvino’. El resto del cartel (dirección musical, orquesta, coro y dirección escénica) se mantiene. La función de Opera Berri comienza a las 19:00 h.

Conferencia sobre “La Sonnambula”

Con el fin de analizar, con carácter previo al estreno, los aspectos más relevantes de esta ópera de Bellini, ABAO-OLBE ha organizado una conferencia, de entrada libre, que tendrá lugar el viernes 22 de enero a las 20.00 horas en el Hotel Ercilla. En esta ocasión, Carlos Imaz, compositor y cantante, colaborador de ABAO-OLBE descubre los entresijos de La Sonnambula.

Pérez-Sierra

La agenda internacional del joven maestro español José Miguel Pérez-Sierra no para. Después de dirigir en Trieste el Falstaff de Verdi, L’Italiana in Algeri en el Belcanto Opera Festival Rossini de Wildbad (Alemania) e Il Turco in Italia en el Teatro Municipal de Santiago de Chile, en noviembre volverá a sumergirse en esta última obra del genio de Gioacchino Rossini, esta vez en la Opéra-Théâtre Métropole de Metz (Francia) con funciones los días 22, 24 y 26.

Aunque su repertorio es tan amplio como sus intereses, Rossini y el género del bel canto romántico han marcado la trayectoria del director madrileño, habiendo debutado en un podio en el Rossini Opera Festival de Pésaro (Italia), capital mundial de la obra del compositor italiano. Sus colaboraciones habituales con expertos en el estilo como Marianna Pizzolato o la gran Mariella Devia (a quien en diciembre volverá a dirigir en un concierto en la Ópera de A Coruña) lo han transformado en una referencia en ópera italiana. Y si en noviembre es el turno de Il Turco in Italia en Metz y en diciembre de su cita con la Devia, en enero y febrero regresará al podio de la temporada de ABAO-OLBE bilbaína con otro ejemplo belcantista, La Sonnambula, de Bellini.
En todo caso, prueba de su interés por todo tipo de repertorio y evitando cualquier encasillamiento, será su esperado debut como director wagneriano: será en A Coruña, en junio, cuando dirigirá Der Fliegende Holländer.

ABAO-OLBE

El 24 de octubre da comienzo la 64 temporada de ABAO-OLBE con una programación lírica que incluye cinco grandes obras representativas de la mejor ópera. Verdi, Donizetti, Bellini, Puccini y Rossini traen a la escena bilbaína dos títulos poco frecuentes: Manon Lescaut y Roberto Devereux; dos de referencia en la historia de la lírica: La sonnambula e Il barbiere di Siviglia; y un estreno: la versión original de 1867 de Don Carlos. Además, ABAO programa por primera vez en su historia la colosal Messa da Requiem de Verdi.

Una nueva temporada de grandes historias. Ópera y literatura como catalizador de música, voces y sentimientos, y donde debutan quince cantantes, dos directores de escena y dos maestros de primer nivel junto a destacados intérpretes conocidos en Bilbao como: Daniela Barcellona, Orlin Anastasov, Gregory Kunde, Elena Mosuc, Antonino Siragusa, Mirco Palazzi, José Antonio Sanabria, Ainhoa Arteta, Angela Meade o Erwin Shrott.
Además, ABAO-OLBE mantiene todas las actividades de su programa socio-cultural, en un paso más por integrar a la sociedad en un amplio proyecto multidisciplinar que engloba: formación, divulgación, actividades artísticas y editoriales, total o parcialmente subvencionadas por la Asociación: la publicación de la revista Scena y del libro de temporada, con artículos inéditos de especialistas; una nueva edición del ciclo gratuito de Conferencias de introducción a la ópera programado para descubrir los entresijos de cada título; la Semana Verdi de ABAO que cumple su X edición al igual que el programa Opera Berri para atraer nuevos aficionados; la temporada Abao Txiki y el programa didáctico que cumple 25 años de actividad.

64 TEMPORADA DE ÓPERA CON SABOR ITALIANO

DON CARLOS
· Versión íntegra en francés, con el acto de Fontainebleau y el ballet de la Peregrina, interpretado por el Malandain Ballet de Biarritz.
· Debuts extraordinarios de Giuseppe Gipali, Mª José Siri y Mika Kares.
Don Carlos de Giuseppe Verdi inaugura la temporada el 24 de octubre. Basado en el drama “Dom Karlos, Infant von Spanien” de Schiller, narra los hechos históricos y los conflictos del infante Don Carlos, Isabel de Valois y el rey Felipe II. Casi cinco horas de ópera monumental. Una joya indiscutible que pocas veces puede verse y que se estrena por primera vez en Bilbao.
El reparto está encabezado por los debuts de Giuseppe Gipali, Mª José Siri y Mika Kares y los regresos de Daniella Barcellona, Orlin Anastassov y Juan Jesús Rodríguez. En el foso el maestro Massimo Zanetti, que vuelve a Bilbao tras dirigir con éxito Madama Butterfly el pasado mes de febrero, para ponerse al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa. En escena una nueva producción de ABAO, en coproducción con Sevilla, Oviedo y Tenerife, firmada por el polifacético Giancarlo del Monaco. Elegante, sugerente, muy cuidada en lo teatral y muy vistosa gracias a la iluminación y un vestuario rico en matices y lleno de detalles suntuosos.

ROBERTO DEVEREUX
· Grandes voces en el olimpo internacional: Gregory Kunde y Elena Mosuc.
· Duelo de divas con el esperado debut de Clementine Margaine.
· En la dirección musical, Josep Caballe-Domenech, una de las batutas más importantes de la actualidad.
En noviembre llega Roberto Devereux de Donizetti, obra que cierra el ciclo Tudor o “trilogía de las reinas” del compositor italiano. Gregory Kunde, Elena Mosuc, el debut de Clementine Margaine y Vladimir Stoyanov en el cuarteto protagonista. Al frente de la Euskadiko Orkestra Sinfonikoa el maestro de gran proyección internacional Josep Caballé-Domenech. En el escenario una producción de la Ópera de Las Palmas-ACO de corte clásico, con momentos de carga dramática sublime en algunos pasajes, ideada por el debutante Mario Pontiggia.

LA SONNAMBULA
· Ópera cumbre del bel canto romántico italiano y una de las más representadas de Bellini.
· Jessica Pratt interpreta el rol de Amina en su presentación en Bilbao.
2016 se abre con La Sonnambula de Bellini, una de las cumbres del bel canto romántico italiano. De los dos personajes principales se encargan Jessica Pratt, debutante en la temporada bilbaína, y Antonino Siragusa. En escena una producción muy visual del Teatro Bolshói de Moscú concebida por Pier Luigi Pizzi, poética, muy visual y con mucho movimiento escénico. En el foso, José Miguel Pérez Sierra hábil conocedor del bel canto italiano, dirigiendo a la Bilbao Orkestra Sinfonikoa.

MANON LESCAUT
· Un dúo de excepción: Ainhoa Arteta y Gregory Kunde.
· Pedro Halffter en el foso y Stephen Medcalf en la dirección de escena debutan en ABAO.
La obra de Puccini llega en febrero para envolvernos en una fascinante y trágica historia que encumbró al maestro toscano como uno de los referentes de la escuela verista. Ponen voz a esta sinfonía en cuatro movimientos que no va a dejar indiferente a nadie, un dúo de excepción: Ainhoa Arteta y Gregory Kunde. Hace su presentación en ABAO el destacado director musical Pedro Halffter para afrontar una de las partituras más complejas del repertorio pucciniano. Atenta a su batuta la Euskadiko Orkestra Sinfonikoa. Producción basada en los flashbacks procedente del Teatro Regio di Parma ideada por el debutante en ABAO Stephen Medcalf, con una escenografía de gran eficacia visual llena de elementos versátiles.

IL BARBIERE DI SIVIGLIA
· Debuts de Marco Caria y Annalisa Stroppa en los roles principales y de Ottavio Datone en la dirección musical.
· Premiada puesta en escena de Emilio Sagi, para celebrar el bicentenario del estreno de esta ópera.
En mayo la ópera bufa por antonomasia de Rossini, llena de gracia, humor y vitalidad, pone un magnífico colofón a la temporada en el año que se celebra el bicentenario de su estreno. En el elenco las presentaciones de Marco Caria y Annalisa Stroppa junto a MIchele Angelini, Carlos Chausson y Nicola Uliveri. En el escenario una exquisita producción, Premio Teatro Campoamor 2005 de Emilio Sagi de ágil escenografía y espectacular vestuario proveniente del Teatro Real. Debut de una de las batutas que mejor conoce este tipo de repertorio en el ámbito internacional, Ottavio Dantone, al frente de la Orquesta Sinfónica de Navarra.
El Coro de Ópera de Bilbao, dirigido por Boris Dujin, se ocupa de la parte coral de la temporada.

POR PRIMERA VEZ EN ABAO: MESSA DA REQUIEM DE VERDI
El 16 de abril ABAO estrena por primera vez en su historia esta composición sacra, considerada como la gran obra maestra de Giuseppe Verdi. Es una composición en siete movimientos con un poder dramático indescriptible, para gran orquesta, gran coro y cuatro voces solistas. En Bilbao estará interpretado por la debutante Angela Meade, Erwin Shortt, Dolora Zajick, y un tenor aún por confirmar; arropados por el coro de Ópera de Bilbao, dirigido por Boris Dujin, y la Orquestra Sinfónica de Navarra, bajo la batuta del director de orquesta italiano Francesco Ivan Ciampa.

OPERA BERRI ALCANZA LA X EDICIÓN
· Se recupera el programa de dos títulos en la X edición de Opera Berri: La sonnambula e Il babiere di Siviglia.
· Se esperan 4.200 espectadores y volver a colgar el cartel de “no hay entradas”.
Esta iniciativa de ABAO-OLBE, desarrollada con el objetivo de acercar la ópera a nuevos públicos con títulos muy conocidos y entradas que rondan el 50% de su precio habitual, es un proyecto con enorme aceptación, que cumple una función socio-cultural aportando valor a la sociedad y que en su X aniversario recupera el programa de dos títulos.
Esta edición las óperas representados serán: La Sonnambula de Bellini el 30 de enero con Irina Duvrovskaia y José Antonio Sanabria en los roles de Amina y Elvino, y el 15 de mayo Il barbiere di Siviglia de Rossini con Damián del Castillo y Marifé Nogales como Figaro y Rosina.

ABAO TXIKI, ESPECTÁCULOS PARA TODA LA FAMILIA
Cinco títulos suben a las tablas del Teatro Arriaga, un estreno absoluto en euskera y cuatro reposiciones, dentro de la undécima temporada de ópera dirigida a los espectadores más jóvenes y para el disfrute de toda la familia. Una reafirmación del compromiso social y educativo que asume ABAO-OLBE para despertar el interés cultural del público de menor edad.
El concierto dramatizado Soñando el carnaval de los animales con música de Debussy y Saint-Saëns e ideado por la Compañía Etcétera abre en octubre la temporada.
En enero llega El flautista de Hamelin, una ópera basada en el popular cuento de los hermanos Grimm con música de Iñigo Casalí, y dirección de escena de Pablo Ramos.
A finales de febrero sube a escena, La cenicienta; una adaptación para el público infantil de La Cenerentola de Rossini llevada a cabo por Comediants.
El estreno absoluto de la temporada llega en marzo, Txanozuritxu, ópera en euskera para cinco músicos y ocho cantantes. Una versión libre del popular cuento infantil con música de Carlos Imaz y dirección de escena de Mitxel Santamarina producida por ABAO-OLBE para conmemorar el 25 aniversario del Programa Didáctico.
Cierra este programa a finales de mayo Guillermo Tell, una trepidante y divertida adaptación de la ópera de Rossini producida por el Gran Teatre del Liceu.
La undécima temporada de ABAO TXIKI cuenta con diecisiete funciones de sesiones en familia y cinco funciones escolares en las que participan 35 centros educativos y 4.000 alumnos.

EL PROGRAMA DIDÁCTICO CUMPLE 25 AÑOS
El Programa Didáctico de ABAO-OLBE complementa la temporada de ópera infantil con su amplia oferta de actividades para acercar el mundo de la lírica a los jóvenes a través de charlas didácticas, talleres, visitas al teatro y asistencia a ensayos pregenerales y generales. 180 centros educativos y más de 19.000 personas participan anualmente en las distintas actividades desarrolladas.
ABAO-OLBE celebra este año el 25 aniversario de esta iniciativa, pionera en el Estado con el estreno absoluto de la ópera en euskera Txanozuritxu.

TUTTO VERDI
Esta temporada el emblemático proyecto de ABAO-OLBE, TUTTO VERDI, alcanza su décima edición y continua fiel a su objetivo de descubrir al genial maestro italiano en sus todas sus facetas. En la parte artística, los dos estrenos de la temporada: Don Carlos y la Messa da Requiem de Verdi. En la cultural, entre otras actividades, la X Semana Verdi de ABAO, en colaboración con Deusto Forum, que ya ha traído a Bilbao más de medio centenar de conferenciantes de Europa y América y que esta edición contará con la presencia entre otros de Chrisytian Merlin, Luisa Cymbron, Suddeutsche Zeitung y Jorge Volpi, para situar la figura de Verdi en Francia, Portugal, Alemania y Latinoamérica; Ignacio Cobeta para ofrecer la relación de Verdi y la vocalidad, y una visión transversal de la obra del maestro y la gastronomía.

 

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