Jeanine de Bique

Llega al Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) la tercera obra que culmina la trilogía monteverdiana de su programación, L’incoronazione di Poppea de Claudio Monteverdi, uno de los títulos clave del gran compositor. En esta ocasión, será interpretada en versión de concierto por The English Concert, uno de los conjuntos europeos de mayor prestigio en la interpretación historicista, bajo la dirección de Harry Bicket, reconocido internacionalmente por su profundo conocimiento del repertorio barroco y clásico. La ópera contará con voces tan esperadas como la aclamada soprano Jeanine de Bique en el papel protagonista, así como con la participación del Coro de la Comunidad de Madrid. El concierto tendrá lugar el domingo 17 de marzo, a las 18:00h, en el marco del ciclo Universo Barroco del CNDM, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música.

La apasionante Poppea es una muestra más del papel innovador del brillante compositor italiano. Su música, escrita cuando el género operístico solo tenía unas pocas décadas de vida, ha sido alabada por su singularidad, sus melodías y su capacidad para reflejar los sentimientos y las profundidades del alma de sus personajes. La obra no solo ayudó a redefinir los estándares de la música teatral, sino que posicionó a Monteverdi como el más destacado compositor de su época. Compuesta en su madurez, L’incoronazione di Poppea también supuso un hito del género porque se inspiraba, por primera vez, en hechos históricos, en vez de en la mitología, temática habitual del momento. La música de Monteverdi refleja hábilmente los sentimientos contradictorios y cambia entre diversas perspectivas para poner de relieve el vínculo inquebrantable entre los personajes.

El libreto de Giovanni Francesco Busenello parte de los Anales del historiador y senador romano Tácito, las historias de Suetonio y Dión Casio y una obra anónima titulada Octavia. La ópera, de una extraordinaria modernidad, sumergirá al público del CNDM en una historia de celos, corrupción y pasiones, con Nerón y la cortesana Popea como protagonistas. Ella es la amante del emperador y, a través de maquinaciones que carecen de piedad, tratará de seducirlo y manipularlo, pasando por encima de todos sus rivales.

Un reparto de lujo

La Poppea estará protagonizada por grandes voces, tanto nacionales como internacionales. Jeanine de Bique, una de las sopranos más demandadas del momento gracias a su versátil y expresiva voz, tendrá el papel protagonista. Además de trabajar con maestros como Gustavo Dudamel, Herbert Blomstedt, o William Christie, entre otros, Jeanine de Bique ha actuado en prestigiosos auditorios y festivales como el de Salzburgo, Carnegie Hall de Nueva York, o BBC Proms. A su vez, el reparto contará con el contratenor Kangmin Justin Kim (Nerón), la mezzosoprano Maite Beaumont (Ottavia), el contratenor Iestyn Davies (Ottone), la soprano Liv Redpath (Drusilla), o el tenor James Way (Lucano), entre otros.

A este elenco vocal se sumará el Coro de la Comunidad de Madrid, dirigido por Josep Vila, y The English Concert. Este conjunto está reconocido como una de las mejores orquestas de cámara del mundo gracias a sus exquisitas interpretaciones de música barroca y clásica. Fundada en 1973, posee una amplia trayectoria guiada en sus comienzos por su fundador Trevor Pinnock, su sucesor Andrew Manze y su actual director artístico, el mencionado Harry Bicket. En la actualidad, ha puesto en marcha su ambicioso proyecto Handel for All, cuyo objetivo es poner gratuitamente a disposición del público todas las obras de Haendel.

“Contextos Barrocos”: Una hora antes del concierto, a las 17:00h, tendrá lugar el encuentro sobre el concierto de L’incoronazione di Poppea en los “Contextos Barrocos” del CNDM, sesiones de cuarenta y cinco minutos, de acceso libre para el público que ha adquirido la entrada al espectáculo, que permiten profundizar en las obras del ciclo, su historia y los intérpretes.

Jeanine de Bique (c) Tim Tronkoe

Andrè Schuen

Regresa al Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical y el Teatro de la Zarzuela una de las voces líricas más aplaudidas del panorama actual, el barítono Andrè Schuen (La Val del Tirol, 1984). Junto al destacado pianista Daniel Heide, con quien actúa frecuentemente en numerosos escenarios internacionales, ofrecerá al público un programa que incluye dos obras cumbre del género liederístico, Vier ernste Gesänge (Las Cuatro Canciones Serias), op. 121 de Johannes Brahms y Des Knaben Wunderhorn (El cuerno mágico de la juventud) de Gustav Mahler. El repertorio se completa con otras canciones de ambos autores, considerados dos de los más grandes compositores de la historia. El recital tendrá lugar el lunes 11 de marzo, a las 20:00 horas, en el Teatro de la Zarzuela.

Este recital presenta obras de dos compositores que tuvieron una sólida trayectoria en el ámbito del lied. Pese a ser un prolífico autor de sinfonías, cuartetos de cuerda y música para piano, Johannes Brahms escribió más de 200 lieder. Por su parte, Gustav Mahler, además de ser uno de los más importantes directores de orquesta y de ópera de su momento, también centró sus esfuerzos compositivos en el género liederístico. Así, este concierto se presenta como una experiencia única para degustar la música de dos autores clave de su tiempo en un ámbito tan envolvente como el lied. A través de la carismática voz de Andrè Schuen, el público podrá encontrar las semejanzas y diferencias que unían a Brahms y a Mahler.

El programa se abrirá con las cuatro canciones del ciclo Vier ernste Gesänge, op. 121 de Johannes Brahms, inspirado en textos bíblicos y que aborda temas como la muerte y la fugacidad de la vida. Después será el turno del ciclo Des Knaben Wunderhorn de Gustav Mahler, basado en una recopilación de cantos populares alemanes. Los poemas, que habían seducido a un buen número de compositores, causaron un gran impacto en Mahler, quien llegó a componer más de treinta lieder basados en dicho textos. En este recital del Ciclo de Lied del CNDM, se escucharán varias de sus canciones, como las dramáticas y épicas Revelge o Der Schildwache Nachtlied, entre otras. De Mahler también se interpretará Zu Straßburg auf der Schanz’ del ciclo Lieder und Gesänge aus der Jugendzeit; mientras que otros exquisitos lieder de Brahms, que abarcan desde 1964 hasta 1888,  cerrarán el recital.

Sobre Andrè Schuen

El barítono Andrè Schuen se crió en la región de Ladinia, concretamente, en La Val del Tirol (Italia). Aunque el violonchelo fue el instrumento que eligió y tocó durante muchos años, decidió asistir a la Universidad Mozarteum de Salzburgo, donde estudió con Horiana Branisteanu y Wolfgang Holzmair. Schuen completó su formación con clases magistrales organizadas por Kurt Widmer, Thomas Allen, Brigitte Fassbaender, Romualdo Savastano y Olaf Baer. Se graduó del Mozarteum en 2010. Al inicio de su carrera, recibió numerosos premios. Comenzó la temporada 2017-2018 con Don Giovanni en la Ópera Nacional de Lorraine en Nancy y en el Gran Teatro de Luxemburgo. Luego, cantó por primera vez Pagliacci en el Gran Teatro de Ginebra y, a finales de año, Così fan tutte en el Teatro Regio de Turín. Ha ofrecido recitales de lied en la Radio de Baviera en Múnich y el Concertgebouw de Ámsterdam. Ha sido residente, por tercera temporada consecutiva, en la Dortmund Konzerthaus, junto con Junger Wilder. En 2018, interpretó el Ein deutsches Requiem de Brahms en el Festival de Whitsun de Salzburgo. Y, desde 2010, Andrè Schuen acude a Salzburgo: primero, como miembro del Young Singers Project y, posteriormente, en el Salzburger Festspiele, dirigido por Simon Rattle y Riccardo Muti. Entre 2010 y 2014, fue miembro de la Opernhaus Graz. Ha sido uno de los pocos cantantes que ha aparecido en tres papeles al mismo tiempo: Figaro, don Giovanni y Guglielmo en el Ciclo Da Ponte, de Harnoncourt, en el Theater an der Wien. Ha cantado, asimismo, Il barbiere di Siviglia de Paisiello, con René Jacobs, Fidelio de Beethoven, Capriccio de Strauss, el estreno mundial de Hamlet de Schreier, dirigido por Christof Loy, Marcello en La bohème en Ginebra y el conde de Almaviva en Le nozze di Figaro en Angers y Nantes. Con el pianista Daniel Heide, Schuen ha actuado en el Wigmore Hall de Londres, el Heidelberger Frühling y la Konzerthaus de Viena. Gerold Huber es igualmente uno de sus compañeros de recital, con

quien se presentó en la Schubertiade en Hohenems. En 2017, Andrè Schuen asistió al Tanglewood Festival y al Aspen Music Festival junto con Andreas Haefliger. En sus primeros dos álbumes de lied, interpretó obras de Schumann, Wolf y Martin, acompañadas por Daniel Heide. También ha grabado obras de Beethoven con el Trío Boulanger. Andrè Schuen ha participado, con el presente, en cuatro recitales del Ciclo de Lied: XXV (18-19), XXVIII (21-22), XXIX (22-23) y XXX (22-23).

Sobre Daniel Heide

Daniel Heide creció en Weimar. Empezó a tocar el piano a los cinco años y a los seis se unió a la clase de alumnos aventajados de Sigrid Lehmstedt en la Escuela Belvedere de Música en su ciudad natal. Cinco años más tarde, sin embargo, dejó el camino del niño prodigio e interrumpió sus estudios de piano para dedicarse a la percusión y asumir el reto atlético en un equipo ciclista. Volvió al ámbito pianístico a la edad de diecisiete años. Estudió piano en la Universidad de Weimar, pero lo que realmente lo impulsó e inspiró fue lo que aprendió de su propio descubrimiento y amor por la música. Durante ese periodo, se concentró en el trabajo con cantantes (asistió a clases magistrales con Dietrich Fischer-Dieskau y Christa Ludwig), así como en la interpretación de la música de cámara. Realizó numerosos recitales de lied y conciertos de cámara en muchas ciudades de Alemania, Austria, Suiza, Francia, Escocia, Italia, España, Grecia, República Checa e Islandia con Ingeborg Danz, Britta Schwarz, Roman Trekel, Andrè Schuen, Tobias Berndt, Christoph Prégardien, Simone Kermes, Luca Pisaroni, Johannes Weisser, Ruth Ziesak, Anna Lucia Richter, Norma Nahoun, Sibylla Rubens y Lothar Odinius. También ha interpretado música de cámara con Tabea Zimmermann, Antje Weithaas, Wolfgang Emanuel Schmidt, Barbara Buntrock, Pauline Sachse, Benoit Fromanger, Julian Steckel, Alexander Kniazev y Konstanze von Gutzeit. Un elemento clave en su carrera como acompañante es la creación de la serie de conciertos The lyrical salon. Lieder recitals at Schloss Ettersburg. Bajo su dirección artística, el lied se canta una vez al mes desde mayo de 2011. De esta forma, ha surgido un público leal y en crecimiento para estas sesiones con célebres solistas. Ávido coleccionista de álbumes, Heide busca gemas musicales para ampliar su repertorio. Su pasión por la música se extiende a otros géneros como el jazz, el rock, el pop y la chanson y es docente en el Conservatorio Hanns Eisler de Berlín y en el Franz Liszt de Weimar. Daniel Heide ha participado, con el presente, en cuatro recitales del Ciclo de Lied: XXV (18-19), XXVIII (21-22), XXIX (22-23) y XXX (22-23).

Andrea Motis

La trompetista, cantante y compositora Andrea Motis (Barcelona, 1995), una de las artistas más brillantes del jazz español y con gran proyección internacional, regresa al ciclo Jazz en el Auditorio del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) para presentar su proyecto Temblor. Junto al violinista Christoph Mallinger y el percusionista Zé Luis Nascimento, ofrecerá un concierto que rinde homenaje a la tradición de los singer-songwriters anglosajones, sin renunciar a su habitual querencia mediterránea y latina. Esta cita se enmarca en las acciones que el CNDM ha puesto en marcha en conmemoración por el Día Internacional de la Mujer. El concierto tendrá lugar el sábado 9 de marzo, a las 20:00 horas, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música.

En Temblor, el público tendrá la oportunidad de adentrarse en un formato íntimo en el cual la madera es el punto de partida, ya que a la trompeta se suman el violín y la percusión. A través de un fluido diálogo entre la voz de Andrea Motis y los instrumentos, las canciones se adentran en temas como la familia, el amor o el cambio de etapa, con composiciones que han sido creadas especialmente para este proyecto. La improvisación también estará muy presente en este concierto. En palabras de la artista barcelonesa, el proyecto “es una experiencia más íntima, acaso más desnuda, menos extrovertida, en la que dar espacio a mis propias composiciones, con un mensaje que espero que también sea singular en cuanto a las letras”.

Andrea Motis: una trayectoria ascendente

Considerada una de las artistas más influyentes de la escena jazzística actual, Andrea Motis posee once trabajos discográficos en los cuales ha mostrado su gran capacidad para transitar distintos estilos musicales. Desde el jazz fusionado con electrónica o hip-hop de su Loopeholes -que pudimos escuchar en el CNDM en 2022-, hasta una gran formato con la colaboración de la WDR Big Band de Colonia, con Michael Mossman como arreglista y director; sin olvidar sus primeros trabajos con el contrabajista y director de la banda Joan Chamorro.

En paralelo a la grabación y lanzamiento de los discos, su vertiginosa carrera continúa en los escenarios, donde ha colaborado con artistas legendarios como Quincy Jones, Omara Portuondo, Milton Nascimento, Gil Goldstein, la WDR Big Band, Scott Hamilton o Yo-Yo Ma, con quien interpretó a dúo El cant dels ocells en el álbum del notable chelista. También ha pisado algunos de los espacios más representativos del jazz del mundo, como el Tokyo Jazz Festival, Jazz at Lincoln Center de New York, o Jazz a Vienne.

José Luis Turina

Uno de los grupos españoles más comprometidos con la difusión de la cultura y el arte por medio de la música, Ensemble Sonido Extremo, estrenará en Badajoz y en Madrid la Suite de lieder de José Luis Turina, obra encargo del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) a su actual compositor residente. El programa se completa con estrenos en España de  Mikel Urquiza y Egon Wellesz, una obra de Jesús Torres y Dos danzas de ‘La raya en el agua’ del propio J. L. Turina. Dirigido por Jordi Francés y con la participación de la soprano Rocío Pérez, Ensemble Sonido Extremo recalará el próximo sábado en el Ciclo de Música Actual de Badajoz, mientras que en Madrid actuará en el ciclo Series 20/21 del CNDM en el Museo Reina Sofía, el lunes 4 de marzo (entrada libre).

El programa se abrirá con el estreno en España de Ships vanishing in the horizon de Mikel Urquiza, inspirada en el Panorama Mesdag en La Haya, un ciclorama de 360 grados considerado la pintura más grande de los Países Bajos. Después será el turno de Dos Danzas de ‘La raya en el agua’, un original espectáculo musico-escénico del gran compositor José Luis Turina. En la segunda parte del concierto, se escuchará Guerra de Jesús Torres, una versión para voz y quinteto de cuerda que el compositor zaragozano hizo de otra pieza anterior, Evocación de Miguel Hernández, compuesta con motivo del centenario del nacimiento de este gran poeta. Por su parte, la Pastorale del compositor y musicólogo vienés Egon Wellesz, otorgará protagonismo al oboe y la flauta solistas, con una música bucólica de un autor que fue alumno del gran Arnold Schoenberg. El broche de oro al concierto lo pondrá la Suite de lieder de José Luis Turina, un encargo del CNDM que será estreno absoluto y que se basa en diversas canciones de Alexander von Zemlinsky.

Integrado por grandes intérpretes, Ensemble Sonido Extremo destaca por una amplia versatilidad a la hora de abordar repertorios contemporáneos, así como por un profundo interés por los diversos lenguajes del hecho musical. Desde su creación en 2009, ha actuado en los más importantes ciclos del país y ha realizado estrenos absolutos de más de 60 obras, muchas de ellas gracias al respaldo del CNDM y la Sociedad Filarmónica de Badajoz. Liderado por su director artístico, Jordi Francés, en estos dos conciertos pondrá el foco en el estreno de obra nueva de algunos de los compositores más audaces de los siglos XX y XXI.

José Luis Turina © Rafa Martín

Accademia del Piacere

Accademia del Piacere presenta, en el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), Gugurumbé. Las raíces negras, un espectáculo mestizo ideado por el violagambista Fahmi Alqhai y el coreógrafo Antonio Ruz que ahonda en la música del Barroco español y en cómo se vio influenciado por los intercambios con las colonias americanas y con el África subsahariana. La propuesta está protagonizada por Patricia Guerrero, Premio Nacional de Danza 2021, la soprano Núria Rial, el guitarrista Dani de Morón, la cantaora Alba Carmona y la bailarina de danza contemporánea Ellavled Alcano. Tendrá lugar el martes 27 de febrero, a las 19:30 horas, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música, en el marco de su ciclo Fronteras.

El espíritu de esta ambiciosa apuesta parte del aclamado violagambista sevillano de origen sirio-palestino Fahmi Alqhai, fundador y director de Accademia del Piacere, grupo residente del CNDM en su temporada 23/24; y del planteamiento escénico y coreográfico de Antonio Ruz. Juntos crearon Gugurumbé, con un repertorio que investiga en la herencia de la música y la danza de los esclavos negros llegados a España en el siglo XVI y de cómo sus ritmos se introdujeron en la música y danza Barroca hasta derivar incluso en el flamenco. Se trata de un proyecto transversal, con una amplia visión historicista, artística y social, que se adentra en las influencias y singularidades del Barroco español.

El programa presenta ejemplos de danzas como chaconas, jácaras y guineos, que se conectan a través de su misma esencia rítmica y armónica con las danzas del flamenco, como los fandangos, los tangos o los bailes de compás mixto como las alegrías y las bulerías. A partir del cante de Alba Carmona y el canto de la gran soprano especializada en el Barroco Núria Rial, se integrarán la música de Accademia del Piacere y Fahmi Alqhai, y solistas como el guitarrista flamenco Dani de Morón, una de las figuras más importantes de la guitarra flamenca actual. En la puesta en escena será fundamental la presencia del baile flamenco de Patricia Guerrero y del baile negroamericano de Ellavled Alcano, con coreografías creadas por Antonio Ruz. Una experiencia única que recrea el espíritu mestizo y abierto de quienes originaron estas músicas.

Fahmi Alqhai y Antonio Ruz @Lolo Vasco

Samuel Mariño 200 (c) Olivier Allard

El sopranista Samuel Mariño (Caracas, 1993), uno de los fenómenos vocales del momento gracias a su prodigiosa voz, capaz de alcanzar registros de soprano, se presenta por primera vez en el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM). Junto a Concerto De’ Cavalieri, agrupación del clavecinista Marcello di Lisa, este aclamado joven cantante interpretará una selección de bellas arias barrocas, que requieren gran virtuosismo, de Antonio Vivaldi, Antonio Caldara y Alessandro Scarlatti. El programa también incluye conciertos del propio Vivaldi y de Arcangelo Corelli. El concierto tendrá lugar el miércoles 21 de febrero, a las 19:30h, en el marco del ciclo Universo Barroco del CNDM, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música.

Con una presencia escénica deslumbrante y una voz carismática y versátil, el sopranista venezolano Samuel Mariño despunta actualmente en los principales teatros internacionales. Tras una primera experiencia en la ópera con la Camerata Barroca de Caracas, tuvo la oportunidad de trabajar con aclamados directores como Gustavo Dudamel, Helmuth Rilling y Theodore Kuchar. Público y crítica admiraron entonces el talento de un artista que, pese a su corta edad, ya ha interpretado grandes papeles en oratorios barrocos y clásicos en obras de Claudio Monteverdi, George Frideric Hendel o Antonio Salieri, entre otros. Además, el profundo interés en redescubrir el patrimonio musical más desconocido le llevó a fundar Ensemble Teseo en 2019, un proyecto que visibiliza obras y técnicas barrocas olvidadas.

En este concierto del CNDM y junto a la agrupación italiana Concerto De’ Cavalieri, uno de los grupos italianos más vibrantes y emocionantes dedicados a la interpretación historicista, hará un recorrido por bellas arias barrocas. El programa rinde homenaje a la Venecia del siglo XVII, una época de ebullición cultural en la que la ciudad gozó de gran esplendor y en la que la figura del divo de ópera, especialmente los cantantes con voces agudas, se erigió como estrella indiscutible del género.

El recorrido comenzará con Antonio Vivaldi, de quien se escucharán dos conciertos de cuerda y cinco arias. Entre ellas, se encuentran la famosa Quell’augellin che canta, de la ópera La Silvia; la florida Agitata da due venti de Griselda; o la melancólica Dite, oimè!, de La fida ninfa, ópera con la que se inauguró el nuevo Teatro Filarmónico de Verona durante el carnaval de 1732. El segundo compositor que aparece en el programa es Arcangelo Corelli, otro de los autores más influyentes en la música del siglo XVIII, de quien sonará su Concerto grosso en re mayor, op. 6, nº 4.

De vuelta al repertorio vocal, Mariño se enfrentará al aria de Santa Eugenia: Vanne pentita a piangere de Antonio Caldara, que pertenece a su obra Il trionfo dell’innocenza, estrenada en 1700. Por su parte, de Alessandro Scarlatti se interpretarán dos piezas, la exuberante aria de Erminia: Torbido, irato e nero, que contiene grandes florituras en el registro sobreagudo; y la bellísima Caldo sangue, del oratorio Sedecia, re di Gerusalemme.

Samuel Mariño (c) Olivier Allard

Ilya Gringolts

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta una nueva cita de su ciclo de música contemporánea Series 20/21 en el Museo Reina Sofía, el concierto protagonizado por el violinista Ilya Gringolts, el violista Lawrence Power y el violonchelista Nicolas Altstaedt, tres destacados solistas internacionales que están considerados grandes virtuosos de la música de cámara. Los intérpretes se unirán en una memorable velada que reúne dos obras magistrales: el Trío de cuerda, op. 45 de Arnold Schoenberg y la Música para tres cuerdas de Wolfgang Rihm. El concierto tendrá lugar el próximo lunes 19 de febrero, a las 19:30 horas, en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (entrada libre).

En este concierto del CNDM, los tres solistas, reconocidos por su maestría y sensibilidad interpretativa, se unen para ofrecer una experiencia musical única, tras haber recibido elogios por su nuevo proyecto juntos, la grabación Schoenberg: String Trio – Regamey: Quintet (2023).

Ilya Gringolts, virtuoso del violín aclamado por su técnica impecable y su profundo expresionismo musical, ha cautivado a públicos de todo el mundo con sus interpretaciones innovadoras y apasionadas. Por su parte, Lawrence Power, destacado violista británico, es reconocido por su versatilidad y su capacidad para transmitir emociones profundas a través de su instrumento. Recientemente ha sido preseleccionado para el premio Instrumentalist Award de la Royal Philharmonic Society. Completa este trío de excelencia el violonchelista Nicolas Altstaedt, que destaca por una interpretación apasionada y su personal estilo que le permite abarcar un amplio repertorio, desde el Barroco hasta la música contemporánea.

El programa elegido para esta ocasión será una muestra de virtuosismo y profundidad emocional. El Trío de cuerda, op. 45 de Arnold Schoenberg, compuesto en 1946, es una obra que desafía a intérpretes y cautiva a oyentes con su complejidad. Schoenberg, figura central en la música del siglo XX, fusiona en esta obra elementos clásicos y románticos con una audacia innovadora que sigue cautivando a los oyentes contemporáneos. Por otro lado, la Música para tres cuerdas de Wolfgang Rihm, escrita en 1977, es una obra que explora la expresividad desenfrenada y los contrastes emocionales con una intensidad sorprendente. Rihm, uno de los compositores contemporáneos más influyentes, combina en esta pieza ecos de tradiciones pasadas con una originalidad y audacia que la hacen verdaderamente única.

Ambas obras, que requieren un alto nivel de virtuosismo, están consideradas dos obras maestras del repertorio camerístico. La colaboración de Gringolts, Power y Altstaedt promete una interpretación magistral que revelará nuevas capas de significado en estas piezas.

Festival de Música Antigua de Sevilla

El Festival de Música Antigua de Sevilla ha desvelado hoy su programación. Esta cita musical dará comienzo el 1 de marzo y finalizará el 24 de marzo, con un total de 25 actividades entre conciertos en espacios cerrados, calle y actividades complementarias como el vídeo-mapping programado en cuatro jornadas diferentes. En el marco del festival, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) coproduce este año cuatro conciertos, a cargo de las agrupaciones musicales nacionales L’Apothéose, Musica Ficta e Ímpetus, y el grupo candiense Constantinople, que presenta un proyecto con el dúo sevillano Proyecto Ocnos.

Por undécimo año consecutivo, el CNDM colabora con el FeMÀS y afianza una alianza imprescindible en su compromiso por difundir, ampliar y promocionar el patrimonio musical español y llevar propuestas musicales de alto valor por toda la geografía española. El recorrido del CNDM en el festival comenzará el jueves 7 de marzo, en el espacio Turina, con la propuesta de L’Apothéose, uno de los conjuntos nacionales de música antigua con mayor proyección internacional. Rodeado de grandes solistas nacionales e internacionales, como Laura Quesada (traverso), Dorothee Oberlinger (flauta de pico), Josep Domenèch (oboe) y Eyal Streett (fagot), ofrecerá un programa monográfico en torno a  George Philipp Telemann, uno de los compositores más prolíficos e imaginativos de la historia de la música.

El domingo 10 de marzo la agrupación vocal Musica Ficta, especializada en la música antigua y barroca, interpretará en la Iglesia de San Luis de los Franceses un programa dedicado a los más grandes exponentes del repertorio polifónico del Renacimiento italiano y español, Giovanni Pierluigi da Palestrina y Tomás Luis de Victoria. Ambos compositores vivieron en Roma y trazaron fuertes lazos de amistad que enriquecieron, a su vez, sus universos creativos.

Por su parte, el jueves 14 de marzo, será el turno de un ambicioso proyecto que reúne a intérpretes españoles y extranjeros de diversos orígenes para explorar el rico encuentro que se dio en la Sevilla medieval, con la convivencia de las culturas judía, islámica y cristiana. La cita estará protagonizada por el grupo canadiense Constantinople, el dúo sevillano dedicado a la música de vanguardia Proyecto Ocnos,  Alberto Carretero en su doble faceta como compositor e intérprete -se estrenará un encargo del CNDM y el FeMàs-, y la hispalense Ángeles Núñez. El concierto tendrá lugar en el Real Alcázar.

La programación del CNDM en el marco del festival finalizará el miércoles 20 de marzo, de nuevo en el espacio Turina, el clavecinista Yago Mahúgo, al frente de su conjunto Ímpetus, hará un recorrido por una exquisita colección de conciertos para clave de Jean-Philippe Rameau.

Precio de localidades y venta de entradas

El precio de localidades oscila entre los 10 euros de la zona paraíso del Espacio Turina hasta los 120 euros de la butaca de patio del Teatro de la Maestranza para el concierto de MusicAeterna y la obra “Réquiem” de Mozart programado el 12 de marzo. La venta de entradas se realizará de miércoles a domingo en horario de 10 a 14 horas (excepto los conciertos de los días 12 y 24 de marzo cuyas entradas se adquirirán en el Teatro de la Maestranza). Se contempla, asimismo, descuentos para grupos y se activa el Minuto Joven para los menores de 30 años con la aplicación de descuento del 50% en el precio de localidades adquiridas en las taquillas del teatro media hora antes del comienzo del concierto.

El Festival de Música Antigua (FeMÀS) es un proyecto del Instituto de la Cultura y las Artes del ayuntamiento de Sevilla (ICAS) y cuenta con la colaboración del INAEM a través del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), de la Diputación de Sevilla y del Teatro de la Maestranza.

José Antonio López

El barítono José Antonio López (Murcia, 1973) debuta en el XXX Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical y el Teatro de la Zarzuela junto al pianista Daniel Heide. Juntos nos ofrecerán un programa en el que destaca el estreno absoluto del ciclo de canciones La voz a ti debida del gran compositor, pianista y productor mallorquín Antoni Parera Fons. También interpretarán en este variado recital lieder de Maurice Ravel, Gerald Finzi y Antón García Abril. El concierto tendrá lugar el lunes 12 de febrero, a las 20h00, en el Teatro de la Zarzuela.

José Antonio López es un destacado barítono que navega por repertorios muy variados, que abarcan desde el Barroco hasta la música contemporánea. Reconocido por su impecable interpretación en recitales de lied y óperas, ha brillado junto a renombradas orquestas y directores en prestigiosos escenarios internacionales, como en su presentación en la temporada de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles con Gustavo Dudamel. Su pasión por el lied es notable, acompañado por destacados pianistas. En este caso, estará presente en el Teatro de la Zarzuela para ofrecer un repertorio variado junto al virtuoso pianista Daniel Heide quien, a diferencia de López, es un músico que ha participado en varias ocasiones en este ciclo.

El programa se abrirá con las Histoires naturelles de Maurice Ravel, un divertido conjunto de canciones que contiene cinco obras dedicadas a animales. Las melodías, cargadas de humor, reflejan con ironía los comportamientos de aves como el pavo real o el cisne, acentuando sus características. Después será el turno de cinco piezas del ciclo shakesperaeano Let us garlands bring de Gerald Finzi, entre las que se encuentra la sobrecogedora Fear no more the heat o’ the sun. A diferencia de las partituras anteriores, José Antonio López tendrá que abordar ahora canciones que hablan del paso del tiempo, el envejecimiento o el desconsuelo.

La segunda parte del recital comenzará con tres de las nueve Canciones de Valldemosa de Antón García Abril, basadas en exquisitos versos de Luis Rosales, José Hierro y Gerardo Diego. Después será el turno de uno de los platos fuertes del concierto, el estreno absoluto de La voz a ti debida de Antoni Parera Fons, que viene precedido de un prólogo de Garcilaso de la Vega. En total, siete obras en las cuales José Antonio López, que ya protagonizó la última ópera de este compositor, L’arxiduc (2022), tendrá que adoptar un tono intimista para cantar sobre el amor.

Sobre José Antonio López

José Antonio López es un cantante versátil que navega entre estilos y épocas, desde el Barroco a la música contemporánea; reparte su quehacer artístico entre el concierto, la ópera y el recital, siempre de forma atenta a la estilística y la expresividad de cada periodo y al uso de la voz al servicio de la música. En el ámbito de los conciertos, cabe destacar su reciente presentación en la temporada de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles con Gustavo Dudamel, así como sus compromisos con orquestas como la Cincinnati Symphony (Messiah de Haendel y la Sinfonía nº 8 de Mahler), la Rotterdam Philharmonic, la Mahler Chamber Orchestra, la Dresdner Festspielorchester, la Antwerp Symphony, la BBC Symphony y Philharmonic, la Filarmónica de Varsovia, La Cetra Barockorchester, la Orquesta del Festival de Budapest o la Orquesta Nacional de España, en salas como la Philharmonie de Berlín, la Laeiszhalle de Hamburgo, la Konzerthaus y la Musikverein de Viena, el Barbican Center de Londres o el Mozarteum de Salzburgo, o, próximamente, en el Concertgebouw de Ámsterdam, que acreditan su gran momento. El barítono ha sido dirigido por importantes directores de orquesta como David Afkham, Andrei Boreiko, Ivor Bolton, James Conlon, Gustavo Dudamel, Iván Fischer, Pablo Heras-Casado, Nicola Luisotti, Lorin Maazel, Andrea Marcon, Neville Marriner, Juanjo Mena, Gianandrea Noseda, Víctor Pablo Pérez, Daniele Pollini, Josep Pons, Christophe Rousset, Lahav Shani o Masaaki Suzuki. Asimismo, es un devoto intérprete de lied y ha sido acompañado por Maurizio Pollini en el Theater an der Wien, Daniel Heide, Iain Burnside o Rubén Fernández Aguirre. Los últimos años atestiguan un notable crecimiento de su actividad lírica, con una presencia relevante de las óperas de Haendel y la música contemporánea, con papeles protagonistas en los estrenos de El público de Mauricio Sotelo y El abrecartas de Luis de Pablo en el Teatro Real de Madrid o de L’enigma di Lea de Benet Casablancas en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona, pero en el que también están presentes compositores como Mozart, Verdi, Puccini, Wagner (Der fliegende Holländer en Valencia y Die Meistersinger von Nürnberg en Madrid) y Strauss (Ariadne auf Naxos en Barcelona y Salome en Mérida), entre otros. Recientemente, ha cantado por primera vez en la Ópera de Lausana, el Händel Festspiele de Halle o el SWR Schwetzinger Festspiele y pronto lo hará en el Innsbrucker Festwochen. Este intérprete cuenta con distintas grabaciones para sellos como Deutsche Grammophon, Harmonia Mundi, Deutsche Harmonia Mundi, Naxos y Chandos. José Antonio López participa por primera vez en el Ciclo de Lied.

Sobre Daniel Heide

Daniel Heide creció en Weimar. Empezó a tocar el piano a los cinco años y a los seis se unió a la clase de alumnos aventajados de Sigrid Lehmstedt en la Escuela Belvedere de Música en su ciudad natal. Cinco años más tarde, sin embargo, dejó el camino del niño prodigio e interrumpió sus estudios de piano para dedicarse a la percusión y asumir el reto atlético en un equipo ciclista. Volvió al ámbito pianístico a la edad de diecisiete años. Cursó Piano en la Universidad de Weimar, pero lo que realmente lo impulsó e inspiró fue lo que aprendió de su propio descubrimiento y amor por la música. Durante ese periodo, se concentró en el trabajo con cantantes (asistió a clases magistrales con Dietrich Fischer-Dieskau y Christa Ludwig), así como en la interpretación de la música de cámara. Ha realizado numerosos recitales de lied y conciertos de cámara en muchas ciudades de Alemania, Austria, Bélgica, Suiza, Francia, Escocia, Inglaterra, Países Bajos, Dinamarca, Italia, España, Grecia, República Checa e Islandia con Ingeborg Danz, Britta Schwarz, Roman Trekel, Andrè Schuen, Tobias Berndt, Christoph Prégardien, Konstantin Krimmel, Simone Kermes, Luca Pisaroni, Johannes Weisser, Ruth Ziesak, Anna Lucia Richter, Norma Nahoun, Sibylla Rubens, Lothar Odinius, Julian Prégardien, Ian Bostridge, Mari Eriksmoen, Julia Kleiter, Katharina Konradi y Patrick Grahl. De manera más asidua ha colaborado con la mezzosoprano germano-griega Stella Doufexis. Su álbum Poèmes con canciones de Claude Debussy ha recibido el Premio de la Crítica Discográfica Alemana. También ha abordado música de cámara con Tabea Zimmermann, Antje Weithaas, Wolfgang Emanuel Schmidt, Barbara Buntrock, Pauline Sachse, Benoît Fromanger, Julian Steckel, Alexander Kniazev y Konstanze von Gutzeit. Un elemento clave en su carrera como acompañante es la creación de la serie de conciertos The lyrical salon. Lieder recitals at Schloss Ettersburg, que, en la primavera de 2024, celebrará su aniversario del recital número 100. Bajo su dirección artística, el lied se canta una vez al mes desde mayo de 2011. De esta forma, ha surgido un público leal y en crecimiento para estas sesiones con célebres solistas. Ávido coleccionista de álbumes, Heide busca gemas musicales para ampliar su repertorio. Su pasión por la música se extiende a otros géneros como el jazz, el rock, el pop y la chanson y es docente en el Conservatorio Hanns Eisler de Berlín y en el Franz Liszt de Weimar. Daniel Heide participa, incluida la temporada presente, en cinco recitales del Ciclo de Lied: XXV (18-19), XXVIII (21-22), XXIX (22-23), XXX (dos recitales, 23-24).

Christian Gerhaher

El dúo alemán compuesto por Christian Gerhaher y Gerold Huber son ya una pareja fija y mítica en el Ciclo de Lied del CNDM y el Teatro de la Zarzuela. El barítono demuestra en cada una de sus actuaciones su profundo conocimiento del género alemán. Donde el texto mantiene su hegemonía jerárquica. Y es ahí, en la palabra, donde Gerhaher demuestra su superioridad.

La gran novedad en este recital, con la que Gerhaher continúa demostrando su maestría en el género, fue la interpretación de las Cuatro canciones sobre poesía china de Pavel Haas. El compositor checo, alumno predilecto de Janácek, compuso esta obra siendo prisionero en el campo de concentración de Terezin. Aquel lugar infame, disfrazado de refugio para artistas, donde fueron retenidos por el nazismo algunos de los mejores compositores e intérpretes de la época. Muchos de ellos murieron allí o fueron trasladados a otros campos de concentración.

Su proyección vocal en algunos momentos fue sorprendente. Aunque el repertorio no le permitió, como en otras ocasiones, desplegara esa gran variedad de matices de la que suele hacer gala. No es fácil pasar de las melodías francesas de Fauré, al estilo e idioma de Chaikosvski o de Haas. No se si fue por este salto de estilo e idioma, o por alguna otra razón, pero el barítono bávaro no pareció sentirse cómodo en al abordar estos tránsitos vocales.

Pero estos pequeños inconvenientes no nos privaron de disfrutar de sus interpretaciones de Fauré, Chopin, Chaikosvski o Berlioz. Siempre junto a un Gerold Huber que supo adaptarse a cada uno de los diferentes colores y texturas que presentaba el variado y excesivamente largo recital.

Y es que es difícil que esta pareja llegue a defraudar. Siempre es un lujo inspirador volver a escucharlos.

Goerne y Schubert

El barítono alemán Matthias Goerne regresa junto al pianista Alexander Schmalcz al Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela para ofrecer un programa monográfico de canciones de Franz Schubert, figura clave del Romanticismo. En el recital, Goerne hará un recorrido por algunas de las canciones más famosas del compositor, entre las que se encuentran exquisitas obras maestras como Der Wanderer, Der Jüngling und der Tod, Grenzen der Menschheit, Der Winterabend o Der liebliche Stern. El concierto tendrá lugar el lunes 5 de febrero a las 20h00 en el Teatro de la Zarzuela.

Considerado uno de los cantantes más versátiles y demandados a nivel internacional, Matthias Goerne goza de una consolidada carrera tanto en el ámbito del lied como en la ópera, y ha actuado en prestigiosos teatros como la Metropolitan Opera House de Nueva York, la Ópera Nacional de París o la Ópera Estatal de Viena. Con hasta cuatro nominaciones a los Grammy, el intérprete ha colaborado con las orquestas, los directores y los pianistas más importantes del mundo. En esta ocasión, une fuerzas con Alexander Schmalcz, con quien ha orquestado obras de Schubert, para sumergirse en un programa que refleja todo el universo musical del que está considerado el maestro indiscutible del lied.

El recital se abrirá con Der Wanderer, D 489 (El caminante), una de las piezas de Schubert más conocidas. La obra revela su estilo más personal y despliega una gran complejidad de ideas musicales, tomando como tema central los sentimientos de un personaje que vaga de un lugar a otro porque no encuentra su lugar en el mundo. Por su parte, también destaca la reflexiva Der Jüngling und der Tod, D 545 (El joven y la muerte), en la cual el protagonista busca la liberación a través de un encuentro con la muerte; mientras que en Grenzen der Menschheit, D 716 (Límites de la humanidad) se nos ofrece un viaje por los cuatro elementos: fuego, aire, tierra y agua. Otra joya musical en la que Goerne se adentrará, entre otras, es la serena y misteriosa Der Winterabend, D 938 (La tarde de invierno). El broche de oro lo pondrá Der liebliche Stern, D 861 (La dulce estrella), bellísima canción que invita a reflexionar sobre los misterios del mundo y de la vida.

Sobre Matthias Goerne

Matthias Goerne es uno de los cantantes más versátiles y solicitados internacionalmente y un invitado frecuente en festivales y salas de conciertos de renombre. Ha colaborado con las orquestas, los directores y los pianistas más importantes. Nacido en Weimar, estudió con Hans-Joachim Beyer en Leipzig y, más tarde, con Elisabeth Schwarzkopf y Dietrich Fischer-Dieskau. El barítono ha cantado en los más célebres teatros de ópera del mundo, como la Metropolitan Opera House de Nueva York, la Royal Opera House Covent Garden de Londres, el Teatro Real de Madrid, la Ópera Nacional de París y la Ópera Estatal de Viena. Sus papeles van desde Wolfram (Tannhäuser), Amfortas (Parsifal), Marke (Tristan und Isolde), Wotan (Der Ring des Nibelungen), Orestes (Elektra) y Jochanaan (Salome) hasta los principales protagonistas en El castillo de Barba Azul (A Kékszakállú Herceg Vára) de Béla Bartók y Wozzeck de Alban Berg. El arte de Goerne ha sido documentado en numerosas grabaciones, muchas de las cuales han recibido prestigiosos premios, entre ellos, cuatro nominaciones a los Grammy, el Premio ICMA, el Premio Gramophone, el BBC Music Magazine Vocal Award 2017 y un Diapason d’Or. Después de sus legendarios registros con Vladimir Ashkenazy y Alfred Brendel para Universal Music, publicó una serie de canciones de Schubert seleccionadas en doce álbumes para Harmonia Mundi (The Goerne Schubert edition) con eminentes pianistas. Sus últimos títulos con Christoph Eschenbach (Brahms), Markus Hinterhäuser (Schumann), la BBC Symphony (Mahler) y la Swedish Radio Symphon (Wagner) han recibido críticas muy favorables. El intérprete ha sido uno de los artistas más activos del circuito internacional durante el periodo de la pandemia con conciertos en festivales y ciclos en los escenarios más destacados de Austria, Polonia, Rusia, Francia, Alemania, España, Suiza, Italia y Finlandia. Matthias Goerne ha participado, con el presente, en veintidós recitales del Ciclo de Lied: V (98-99), VI (99-00), VII (00-01), VIII (01-02), IX (02-03), X (dos recitales, 03-04), XII (05-06), XIII (06-07), XIV (07-08), XV (08-09), XVI (09-10), XVII (10-11), XIX (12-13), XXI (14-15), XXIII (16-17), XXIV (tres recitales,17-18), XXVI (19-20), XXVIII (21-22), XXX (23-24).

Sobre Alexander Schmalcz

Desde el principio, el pianista Alexander Schmalcz ha trabajado con cantantes legendarios como Edita Gruberova, Grace Bumbry, Anna Tomowa-Sintow, Peter Schreier y Matthias Goerne. Asimismo, se presenta regularmente en prestigiosas salas de concierto, como el Teatro alla Scala de Milán, la Ópera Estatal de Viena, el Théâtre du Châtelet, el Concertgebouw de Ámsterdam, la Gewandhaus de Leipzig, el Seoul Arts Center y el Tokyo Opera City Hall, y en festivales de todo el mundo como el Festival de Salzburgo, el Festival Tanglewood y el Festival Primavera de Praga. Por encargo del barítono Matthias Goerne, el pianista orquestó las obras de Schubert. Su repertorio completo está registrado en numerosos álbumes. Schmalcz recibió sus primeras lecciones de piano como corista en el Dresden Kreuzchor. Se formó en la Musikhochschule Dresden y en el Conservatorio de Utrecht antes de realizar sus estudios en la Escuela de Música y Drama Guildhall con Iain Burnside y Graham Johnson. Es, además, profesor titular de Interpretación en la Musikhochschule de Leipzig y ofrece clases magistrales a nivel internacional. Alexander Schmalcz ha participado, con el presente, en seis recitales del Ciclo de Lied: XVI (09-10), XIX (12-13), XXI (14-15), XXIII (16-17), XXVI (19-20), XXX (23-24).

KONSTANTIA GOURZI II - COMPOSITORA & DIRECTORA © Astrid Ackermann

El próximo 8 de febrero, el ciclo Liceo de Cámara XXI del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) acogerá el estreno absoluto de la nueva obra para cuarteto de cuerda de la reconocida compositora y directora de orquesta griega Konstantia Gourzi. Galardonada con el prestigioso premio Opus Klassik 2023 a la “Mejor compositora del año”, Konstantia Gourzi ha compuesto su Cuarteto de cuerda nº 4 Still flying, op. 105, por encargo del CNDM y el Cuarteto Quiroga, que será quien interprete esta première mundial en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Madrid. El programa del concierto incluirá también obras de Mozart y Schubert.

Still flying es una obra inspirada en un dibujo del mismo título de mi hermano Yannis Gourzis, con un ángel que vuela sobre las ruinas de la guerra, pero transmite esperanza.  Se trata de una composición estructurada en ocho miniaturas, que se tocan una detrás de otra, sin interrupción”, señala Gourzi, cuya música ya ha sonado en varias ocasiones en nuestro país de la mano del Plural Ensemble y Fabián Panisello, el pianista Ricardo Descalzo y el conjunto vocal Schola Antiqua de Juan Carlos Asensio, para quien compuso en 2014, por encargo de Patrimonio Nacional, una obra inspirada en el famoso manuscrito del Monasterio de Las Huelgas.

Con un extenso catálogo que incluye composiciones para orquesta, ensemble de cámara, teatro musical, film music y piezas a solo, Konstantia Gourzi ha realizado obras para instituciones y festivales de prestigio internacional como La Biennale di Venezia, el Festival de Lucerna, el Festival de Grafenegg, el Molyvos International Music Festival, el ARD-Musikwettbewerb, la Staatsoper de Berlín o la Bayerische Staatsoper de Munich, entre otros. Además, muchas de sus obras han sido estrenadas por solistas tan destacados como Simon Höfele, Anastasia Kobekina, François Leleux, Nils Mönkemeyer, Julian Prégardien y William Youn, entre otros, orquestas sinfónicas de renombre como la BBC, la Bamberger Symphoniker o la Tonkünstler-Orchestra, y ensembles como el Corund, el Meitar Ensemble o los Munich Opera Horns.

Considerada como una de las compositoras más destacadas de la actualidad y con más de treinta años de actividad en la escena musical contemporánea, Konstantia Gourzi ha fundado y dirigido diferentes Ensembles (attacca berlin, el ensemble echo, el ensemble oktopus y el ensemble & network opus21musikplus), además de desarrollar una intensa actividad docente como Professorin en la Hochschule für Musik und Theater de Munich desde 2002. Sus próximos proyectos incluyen estrenos con la flautista Dorothee Oberlinger, el Bach Choir Salzburg y la NDR Elbphilharmonie Orchester en el Festival Mecklenburg-Vorpommern, así como dos nuevas grabaciones discográficas, que se suman a una larga lista de discos editados por sellos como Sony Classical, NEOS, ECM y Genuin.

Fotografía © Astrid Ackermann

Enrico Pieranunzi

El gran pianista romano Enrico Pieranunzi rinde homenaje a uno de los artistas jazzísticos más icónicos de todos los tiempos, el compositor y pianista George Gershwin, en un concierto del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en colaboración con el Istituto Italiano di Cultura. Se trata de la presentación de su proyecto Play Gershwin, en el cual ofrece su visión personal de algunas de las obras más famosas del músico norteamericano, que destacó por su capacidad para trascender géneros y navegar con habilidad tanto en el jazz como en la música clásica. Este programa de confluencias musicales se enmarca precisamente en el ciclo Fronteras del CNDM. La cita tendrá lugar el viernes 9 de febrero, a las 19:30 horas, en el ciclo Fronteras del CNDM, en la sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música de Madrid.

Escrita en 1924 para orquesta y piano, la obra Rhapsody in blue de George Gershwin, artista que ya por entonces gozaba de gran fama como intérprete y compositor, supuso toda una revolución del género al combinar música clásica con efectos de influencia jazzística. La partitura se estrenó el mismo año en el Aeolian Hall de Nueva York, en un concierto titulado Un experimento en música moderna (An Experiment in Modern Music), dirigido por Paul Whiteman, su banda y el propio Gershwin al piano. Pese a que despertó cierta polémica por sus elementos innovadores, en poco tiempo se convirtió en una de las composiciones más populares de la época y su glissando inicial sigue siendo, a día de hoy, uno de los más famosos de la historia de la música.

Pieranunzi parte de esta extraordinaria composición para adaptar la orquestación a formato de trío. Junto al violinista Gabriele Pieranunzi y el clarinetista Gabriele Mirabassi, dará vida a esta obra maestra, junto a otras conocidas obras de Gershwin, como algunos preludios para piano u otras piezas tan célebres como An American in Paris. Esta última fue compuesta en 1928, tras el paso del compositor por París, y contiene elementos muy innovadores como el uso del claxon o la combinación de ritmos sinfónicos y del swing o el blues.

Sobre Enrico Pieranunzi

Nació en Roma en 1949 y desde hace muchos años es uno de los pianistas más apreciados de la escena del jazz internacional. Pianista, compositor, arreglista, Pieranunzi ha grabado más de 80 álbumes bajo su propio nombre, que van desde piano solo a trio, desde dúo a quinteto, colaborando en vivo o en estudio con artistas del calibre de Chet Baker, Lee Konitz, Paul Motian, Charlie Haden, Chris Potter, Marc Johnson e Joey Baron. Pieranunzi ha ganado tres veces (en 1989, 2003, 2008) el premio al «Artista del Año» de la revista «Musica Jazz» y ganó el premio “El mejor músico europeo” en 1997. Ha tocado en todo el mundo y en los más importantes festivales internacionales, de Montreal a Copenhague, de Berlín y Madrid a Tokio, Río de Janeiro y Pekín. Se presenta regularmente en los clubes más importantes de Nueva York, especialmente en el Village Vanguard, donde en julio de 2010 grabó con Marc Johnson y Paul Motian el álbum Live at the Village Vanguard. Pieranunzi ha compuesto más de 300 piezas, algunas de las cuales ya son conocidos en todo el mundo y se reproducen y graban por otros músicos.

Christian Gerhaher y Gerold Huber © Nikolaj Lund

Una de las voces líricas más relevantes y aplaudidas del panorama actual, Christian Gerhaher, regresa al consolidado ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela para hacer un recorrido por algunas de las canciones más bellas de grandes compositores europeos. Partituras de Gabriel Fauré, Piotr Ilich Chaikovski, Pavel Haas y Hector Berlioz estarán presentes en un programa que el barítono alemán interpretará junto al virtuoso pianista Gerold Huber, otra gran figura de la música alemana, y quien suele ser su acompañante habitual. El recital tendrá lugar el lunes 29 de enero, a las 20:00 horas, en el Teatro de la Zarzuela.

La propuesta que Christian Gerhaher ha elegido para la ocasión abarca desde el Moscú de Chaikovski hasta el París de Fauré y Berlioz, pasando por la Polonia de Chopin o la  Moravia de Haas. En esencia, propone un viaje musical por la Europa del Romanticismo que cruza de este a oeste. Un itinerario lleno de contrastes, con canciones intimistas y que miran hacia el pasado, y otras joyas musicales vibrantes que se abren a la alegría y a las grandes pasiones. Gerhaher, que se ha dedicado al lied durante más de treinta años, con conciertos y grabaciones que han obtenido importantes premios internacionales, tendrá que moverse con habilidad en estos territorios emocionales tan diversos.

El programa se abrirá con Gabriel Fauré, uno de los compositores más influyentes en la creación sonora francesa del cambio de siglo. Las siete piezas elegidas reflejan el cambio estilístico de un compositor que pasó de la alegría de los primeros años, a unas composiciones mucho más introspectivas en su madurez, cuando comenzó a padecer sordera. El público podrá apreciar la amable y primaveral Le papillon et la fleur, o sumergirse en sentimientos de añoranza y la pasión por la naturaleza de À Clymène. En esta primera parte del recital, también estarán presentes canciones intercaladas de Piotr Ilich Chaikovski con interludios pianísticos del gran Frédéric Chopin. Este pequeño homenaje a Chaikovski  comenzará con De nuevo, como antes, su última canción, y culminará con Ni una palabra, oh, amigo mío, una obra de intenso dramatismo y claros aires operísticos.

La segunda parte del recital comenzará con las Cuatro canciones sobre poesía china de Pavel Haas, compuestas en 1944 en el campo de concentración de Terezín, poco antes de que su autor muriese en Auschwitz, tras vivir los horrores de la guerra. Son canciones en las que se mezclan estados de ánimo que van del dolor y la tristeza a la ilusión y la esperanza. De hecho, el ciclo termina con Noche de insomnio, cuya música invita a la alegría y nada parecía prever el trágico final de su compositor. Tras la Balada nº 4 en fa menor de Chopin, este viaje musical concluirá con el famoso libro Les nuits d’été de Hector Berlioz, un conjunto de piezas sobre la eternidad del amor entre las que se incluye la bellísima Le spectre de la rose, el broche de oro a esta velada musical.

Christian Gerhaher y Gerold Huber © Nikolaj Lund

Carlo Vistoli ©Nicola Allegri

El conocido contratenor italiano Carlo Vistoli, que acaba de cantar el rol que da título a la ópera Giulio Cesare in Egitto de Händel en la Opéra de Monte-Carlo junto a Cecilia Bartoli (Cleopatra) y Sara Mingardo (Cornelia), volverá a protagonizar otro título haendeliano el próximo mes de febrero en su regreso a los escenarios españoles. Vistoli cantará el rol principal de Rinaldo en la versión en concierto de la conocida ópera de Händel, que se podrá ver el 4 de febrero en el Auditorio Nacional de Madrid (Universo Barroco del CNDM) y el 6 de febrero en el Palau de la Música Catalana de Barcelona, bajo la dirección de Thibault Noally al frente de Les Accents; el cast incluirá también a la soprano Emoke Baráth (Armida), la mezzosoprano Lucile Richardot (Goffredo) y la soprano Chiara Skerath (Almirena), entre otros.

Carlo Vistoli, que está considerado como uno de los más destacados intérpretes de Händel del circuito actual, cantará por primera vez el rol de Rinaldo pensado para Nicolò Grimaldi, conocido como Nicolino: “Estoy feliz de poder debutar finalmente la parte de Rinaldo, después de haber dedicado un CD monográfico a Nicolino en el que están presentes algunas de las arias más famosas de la ópera, y de poder hacerlo junto a Thibault Noally y su maravilloso ensemble Les Accents, con el que he colaborado mucho en los últimos años. La parte de Rinaldo, con sus numerosas arias tripartitas que dejaban espacio al virtuosismo del intérprete, representa el fruto más maduro de la estética primo-settecentesca”, señala Vistoli, que ya ha cantado con gran éxito los roles haendelianos de Giulio Cesare, Tolomeo, Disinganno (Il Trionfo del Tempo e del Disinganno), Ruggiero (Alcina), Athamas (Semele), Lotario, Polinesso (Ariodante) y Narciso (Agrippina).

En el mes de marzo, Carlo Vistoli tendrá otra importante cita en nuestro país, porque no solo hará su debut en el valenciano Palau de Les Arts, sino que cantará por primera vez una producción escénica en España. El contratenor italiano será Orfeo en Orfeo ed Euridice de Gluck los días 3, 5, 7 y 9 de marzo, con el tándem Gianluca Capuano/Robert Carsen. “La parte de Orfeo está pensada para Antonio Guadagni, otro primo uomo y gran divo de la época, y con esta ópera, Gluck se desvía enormemente de la tradición precedente remodulando completamente la dramaturgia y la vocalità de la ópera italiana e inaugurando así la conocida reforma del melodramma”, concluye Vistoli, que ya protagonizó el rol de Orfeo en el estreno de esta misma producción de Carsen en el Teatro dell’Opera di Roma.

Carlo Vistoli, que fue Ambassador del Early Music Day (REMA) en 2022, ha trabajado con grandes figuras de la dirección musical como William Christie, Gianluca Capuano, Andrea Marcon, Emmanuelle Haïm, John Eliot Gardiner, Giovanni Antonini, René Jacobs o Marc Minkowski, entre otros. Además, ha colaborado con Regisseurs tan reconocidos como Damiano Michieletto, Robert Carsen, Barrie Kosky, David Alden y Davide Livermore. Sus próximos compromisos incluyen importantes debuts en la Wiener Staatsoper, la Ópera de San Francisco y el Teatro alla Scala.

Carlo Vistoli ©Nicola Allegri

Cappella Mediterranea

Una de las obras sacras más famosas de todos los tiempos, las conocidas Vísperas de Claudio Monteverdi, llegan al Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) de la mano de Cappella Mediterranea, el célebre conjunto del director, clavecinista y compositor argentino Leonardo García Alarcón. Junto al Coro de Cámara de Namur y la presencia de destacadas voces especializadas, la agrupación dará vida a una de las obras religiosas más brillantes de la historia, cuyo título original es Vespro della beata Vergine, SV 206 (1610). El concierto tendrá lugar el domingo 28 de enero, a las 19:00 horas, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música.

Considerada una joya sacra que aúna todas las técnicas y estilos compositivos de su pasado y de su tiempo, las Vísperas de Monteverdi están cargadas de una gran belleza y envergadura musical. Fueron impresas en 1610 por el veneciano Ricciardo Amadino, junto a la Misa a seis voces del mismo compositor. Sin embargo, mientras que esta última partitura sigue los modelos renacentistas y tenía planteamientos ya anticuados en ese momento, las Vísperas presentan elementos innovadores y son una muestra de la gran capacidad imaginativa de su autor, uno de los compositores más influyentes de la historia.

En este concierto, el ensemble Cappella Mediterranea abordará las catorce piezas que conforman el servicio de vísperas: un responsorio (Domine ad adiuvandum), cinco salmos (Dixit Dominus, Laudate pueri Dominum, Laetatus sum, Nisi Dominus y Lauda Ierusalem), otros conciertos sacros (Nigra sum, Pulchra es, Duo Seraphim, Audi cœlum y la Sonata sopra Sancta Maria), un himno (Ave maris stella) y dos Magnificat. Así, el público podrá sumergirse en un alarde de modernidad barroca, de originalidad y de atrevimiento. Una oportunidad única para descubrir una obra maestra de un compositor que ya por entonces gozaba de ser el más conocido y apreciado autor de música no religiosa de toda Italia.

Este concierto forma parte de la gira internacional de Cappella Mediterranea que ha incluido un concierto en la Capilla Real de Versalles o que recalará próximamente en la Fundação Calouste Gulbenkian de Lisboa.Un reparto de lujo

Cappella Mediterranea se fundó en el año 2005 y se ha convertido en uno de los principales conjuntos especializados en música renacentista y barroca del panorama actual. Con más de 45 conciertos por año, el conjunto explora, entre otros, el madrigal, el motete polifónico y la ópera. Una mezcla que da un estilo muy particular, impregnado de una rara complicidad entre el director y sus músicos. Junto al ensemble, Leonardo García Alarcón también dirigirá al Coro de Cámara de Namur, que se ha consolidado como una de las agrupaciones corales barrocas con mayor proyección a nivel internacional.

El elenco de solistas está formado por un gran reparto, con figuras como Mariana Flores (soprano), Deborah Cachet (soprano), David Sagastume Balsategui (contratenor), Valerio Contaldo (tenor), Pierre-Antoine Chaumien (tenor), Andreas Wolf (barítono) y Rafael Galaz (bajo). Juntos enfrentan la tarea de dar vida a una obra que se distingue por una música excepcional, conmovedora por su expresividad y exigente tanto en virtuosismo como en riqueza instrumental.

“Contextos Barrocos”: Una hora antes del concierto, a las 18:00h, tendrá lugar el encuentro sobre el concierto de Las Vísperas y Cappella Mediterranea en los “Contextos Barrocos” del CNDM, sesiones de cuarenta y cinco minutos, de acceso libre para el público que ha adquirido la entrada al espectáculo, que permiten profundizar en las obras del ciclo, su historia y los intérpretes.

Primavera Barroca

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM, unidad del INAEM, Ministerio de Cultura) y la Fundación Municipal de Cultura del Ayuntamiento de Oviedo promueven la undécima edición del ciclo Primavera Barroca, una de las iniciativas culturales referentes en el ámbito nacional de la interpretación musical historicista. Esta coproducción se ha presentado hoy en el Teatro Campoamor de la mano de David Álvarez, concejal de Cultura y Presidente de la Fundación Municipal de Cultura del ayuntamiento de Oviedo; Francisco Lorenzo, director del CNDM; y Cosme Marina, director artístico de la Fundación Musical Ciudad de Oviedo y coordinador del ciclo.

La nueva edición de Primavera Barroca contará con 6 conciertos en el Auditorio Príncipe Felipe del 6 de marzo al 21 de mayo de 2024. En paralelo y como parte de las actividades pedagógicas del CNDM, se celebrará un ciclo de conferencias con algunos de los artistas en colaboración con el Conservatorio Superior de Música del Principado de Asturias, el Conservatorio Profesional de Música de Oviedo y la Universidad de la ciudad.

La undécima edición tiene como hilo conductor el mestizaje como seña de identidad del Barroco. A través de grandes agrupaciones españolas y extranjeras, el público asturiano tendrá la oportunidad única de adentrarse en joyas en torno a la música de este periodo, con incursiones también en épocas anteriores. La programación de este año contará con obras de algunos de los más conocidos compositores europeos y también albergará espacio para el arte de la improvisación, un recurso muy presente en el universo barroco.

Esta programación forma parte de los “Circuitos” del CNDM, conciertos y actividades pedagógicas que se promueven a lo largo de todo el país con el objetivo de vertebrar la actividad musical de nuestro territorio. Junto con el ciclo Primavera Barroca, en Asturias también se celebra el ciclo Oviedo Jazz.

Escaparate del mejor Barroco

Armonía Concertada, agrupación formada por la soprano María Cristina Kiehr, el tenor Jonatan Alvarado y el vihuelista Ariel Abramovich, será la encargada de abrir la Primavera Barroca 2024 el miércoles 6 de marzo, con un fascinante programa homenaje a Josquin Desprez, el más famoso compositor franco-flamenco de su época. Le seguirá, el jueves 21 de marzo, el clavecinista Ignacio Prego, con un programa en torno a las suites francesas de Johann Sebastian Bach.

Con un magnífico elenco, casi enteramente español, La Ritirata, el conjunto del violonchelista Josetxu Obregón, se acercará el lunes 8 de abril a un oratorio de Alessandro Scarlatti, Il giardino di rose. Esta obra presenta algunas de las arias más bellas y virtuosas de su tiempo que, en este concierto, serán interpretadas por las sopranos Núria Rial y Alicia Amo, la mezzosoprano Luciana Mancini, el tenor Víctor Sordo y el bajo José Coca Loza. Tomará el relevo, el grupo Anacronía el jueves 25 de abril. Junto a la soprano Rita Morais, el joven ensemble presenta una amplia y renovada mirada sobre la familia Bach, con un programa que reúne obras maestras de Johann Christian Bach, Carl Philipp Emanuel Bach, Johann Sebastian Bach.

Uno de los puntos fuertes de la edición será la cita con el maestro Jordi Savall. En esta ocasión, el que está considerado como uno de nuestros músicos más internacionales acudirá junto a Xavier Díaz-Latorre (guitarra y tiorba) y Pedro Estevan (percusión) para ofrecer un programa que lleva por título «Folías y romanescas». El concierto, que tendrá lugar el miércoles 1 de mayo, estará protagonizado por improvisaciones instrumentales en torno a estas figuras rítmicas con  aires de origen ibérico. La improvisación también marcará el broche de oro del ciclo, con el concierto del gran violonchelista y clavecinista Jonathan Cohen al frente de su conjunto Arcangelo. El ensemble partirá de obras de Heinrich Ignaz Franz von Biber, Arcangelo Corelli, Georg Philipp Telemann y Francesco Geminiani para interpretar una sesión abierta a las sorpresas de su espontáneo talento.

Todos los conciertos del XI Ciclo “Primavera Barroca 2024” tendrán lugar en la Sala de Cámara del Auditorio Príncipe Felipe de Oviedo a las 20:00 horas, excepto el de Jordi Savall y el de Arcangelo que se celebrarán a las 19:00 horas

Calendario de conciertos y precios

06/03/24
18:00 horas: conferencia de Ariel Abramovich
20:00 horas: concierto de Armonía Concertada
21/03/24
18:00 horas: conferencia de Ignacio Prego
20:00 horas: concierto de Ignacio Prego, clave
08/04/24
18:00 horas: conferencia de Josetxu Obregón
20:00 horas: concierto de La Ritirata & Josetxu Obregón
25/04/24
18:00 horas: conferencia de los miembros de Anacronía
20:00 horas: concierto de Anacronía
01/05/24
19:00 horas: concierto de Jordi Savall
21/05/24
19:00 horas: concierto de Arcangelo & Jonathan Cohen
Conferencias
Los alumnos participantes podrán asistir gratuitamente a los conciertos organizados por el CNDM en el ciclo Primavera Barroca cuyas obras hayan sido tratadas en el curso. Información e inscripciones: Conservatorio Superior de Música de Oviedo consmupa.es

Venta de abonos y localidades
Abonos: desde el 24 de enero al 22 febrero (inclusive). General: 57,60€ | Localidades: desde el 24 de febrero. General: 12,00€. Consultar en taquilla descuentos y bonificaciones. Puntos de venta: taquilla del Teatro Campoamor (de 11:00h a 14:00h y de 17:00h a 20:00h), en la taquilla del Auditorio Príncipe Felipe la misma tarde de celebración de los conciertos desde las 17 horas al inicio del concierto y en entradas.oviedo.es

Neopercusión

El ensemble Neopercusión, una de las formaciones más consolidadas de música contemporánea en nuestro país, estrena nueve obras de compositoras españolas procedentes del Taller de Compositoras que promueve el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en el marco del Festival de Música Española Manuel de Falla 2023 de Cádiz. Las piezas, encargadas por el CNDM con el objetivo de fomentar la labor de las mujeres creadoras en el marco de su compromiso con la igualdad de género, se interpretarán en el ciclo Series 20/21 bajo la dirección del percusionista Juanjo Guillem. El concierto, coproducido con el Festival Madrid Actual, tendrá lugar el lunes 22 de enero, a las 19:30 horas, en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (entrada libre).

Fundado en 1994, Neopercusión está integrado por Rafa Gálvez, Nerea Vera y Juanjo Guillem. Bajo el título Retablo. La magia de los algoritmos, el programa que el grupo presenta hace un recorrido por piezas que reflexionan sobre “uno de los temas más controvertidos del siglo XXI, la digitalización y la globalización basadas en la inteligencia artificial con algoritmos responsables de gran parte de las decisiones políticas, económicas y sociales”, como señala Pilar Jurado, una de las compositoras del taller. Su Vértigo digital, una obra que transforma su propia voz con medios electrónicos, estará presente en el programa junto a las creaciones de Sonia Megías, Rosa Rodríguez, Carolina Cerezo, Marisa Manchado, Isabel Urrutia, Iluminada Pérez, María José Arenas y Anna Bofill.

Como parte de la actividad educativa del CNDM, el mismo lunes a las 18:00 horas tendrá lugar un encuentro abierto al público en la sala de la Biblioteca del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid con seis de las compositoras cuyas obras se estrenarán en Madrid esa misma tarde. La actividad estará moderada por el compositor Manuel Bonino.

Miradas sobre la inteligencia artificial

Este retablo musical ofrece nueve miradas sobre la inteligencia artificial a través de innovadoras propuestas musicales que mezclan instrumentos reales con música electrónica y grabaciones.

El concierto comenzará con Embrace & breathe de Sonia Megías, una obra que trata de descifrar qué nos hace diferentes a los seres humanos de las máquinas. En Ínsula entrelazada de Rosa Rodríguez, la compositora reflexiona sobre la inteligencia artificial, mientras que en la lúdica composición Decoding C de Carolina Cerezo, su autora parte de un material compositivo creado por dicha inteligencia artificial para, posteriormente, ser manipulado por ella misma. El recorrido continuará con Saturno devorando a sus hijos de Marisa Manchado, una innovadora propuesta que parte de la metáfora del paso del tiempo.

Bajo el título Taupaka, Isabel Urrutia contrapone una percusión solista a un conjunto de sonidos instrumentales pregrabados. Este juego de realidad y mundo virtual también aparece en Whispers of destiny de Iluminada Pérez, una composición en la cual la artista se pregunta si sería capaz de crear conciencia en la IA a su imagen y semejanza. En On the tightrope de María José Arenas el foco está en los peligros que entraña la IA en relación a la privacidad de los individuos. Por su parte, Anna Bofill y su ¿Quién teme al algoritmo feroz? plantea con humor y a través de la partitura una supuesta incompatibilidad entre la IA y el ser humano.

Manuel Lombo

El ecléctico cantaor y compositor Manuel Lombo (Dos Hermanas, Sevilla, 1979) acude al ciclo Andalucía Flamenca del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en coproducción con el  Instituto Andaluz del Flamenco, para ofrecer su Recital flamenco, un espectáculo en el cual hundirá sus raíces en diferentes estilos del flamenco, con guiños al folclore y la copla. Sobre las tablas, estará acompañado por Jesús Rodríguez (guitarra)  y Cristina Tovar y Laura Marchena (palmas y coros). El concierto tendrá lugar el viernes 19 de enero, a las 19:30h, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música.

Con más de una docena de álbumes a sus espaldas, Manuel Lombo es conocido por su gran carisma y su capacidad para aunar diferentes estilos del flamenco. El cante está presente desde su niñez y adolescencia, cuando comenzó a cantar junto al guitarrista Alberto García Reyes. Manuel fue becado por la Fundación Cristina Heeren y continuó su formación de la mano de maestros como Naranjito de Triana y José de la Tomasa. Su carrera también está ligada a la divulgación, ya que el artista ha protagonizado varios espacios televisivos para difundir y poner en valor el arte flamenco.

La diversidad del flamenco

Manuel es un intérprete que, si bien bebe de los aromas flamencos, posee una lírica capaz de cabalgar por los más variados estilos. Prueba de ello será este recital en el CNDM, donde el cantaor sevillano ofrecerá su faceta más versátil, con una selección de canciones que hunden sus raíces en los estilos más flamencos junto a otras que abrazan guiños al folclore, a la copla o su apreciado Miguel Vargas Jiménez, conocido artísticamente como Bambino, uno de los grandes mitos del flamenco. Bulerías, tientos, fandangos, malagueñas y seguiriyas formarán parte de un repertorio que pone en valor su perfil más cantaor y su gran personalidad artística.

A su nuevo trabajo, Lombo y aparte (2022), también hará un guiño. Se trata de un homenaje a autores y cantantes que han marcado su vida a nivel musical, como Pastora Soler, Tomasa “La Macanita”, Gala Évora, Pepe Roca, Argentina, Rocío y Lola Avilés o el pianista Andrés Barrios. En él se encuentran canciones que ofrecen un recorrido por la diversidad del flamenco, incluyendo otros géneros como el bolero o versiones más aflamencadas.

Trío Arbós

El ciclo Series 20/21 del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), dedicado a la música contemporánea, acoge el concierto del Trío Arbós, una de las agrupaciones de cámara más respetadas dentro y fuera de nuestras fronteras. El conjunto interpretará un repertorio protagonizado por dos obras de José Luis Turina, uno de los compositores españoles más importantes de la actualidad y que esta temporada ostenta la figura de compositor residente del CNDM. También interpretará obras de Salvatore Sciarrino y de Magnus Lindberg. El concierto tendrá lugar el lunes 15 de enero, a las 19:30h, en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (entrada libre).

Formado por Ferdinando Trematore (violín), José Miguel Gómez (violonchelo) y Juan Carlos Garvayo (piano), el Trío Arbós destaca por ser uno de los grupos de cámara más prestigiosos del panorama musical español. Se fundó en Madrid en 1996 y su nombre viene del director, violinista y compositor español Enrique Fernández Arbós. Su repertorio abarca desde las obras maestras del clasicismo y el romanticismo hasta la música de nuestro tiempo. Desde su formación, el Trío Arbós ha tratado de contribuir al enriquecimiento de la literatura para trío con piano a través del encargo de nuevas obras.

Precisamente, en este concierto del CNDM, se interpretarán los Tres tercetos de José Luis Turina, escritos a petición del conjunto; una obra con tres secciones interdependientes entre sí. También sonará su Viaggio di Parnaso, una pieza en la cual explora, una vez más, los aspectos relativos a la traslación musical de elementos y procedimientos propios de la literatura. Gracias a este repertorio elegido, el público podrá adentrarse en el rico universo del maestro madrileño, figura fundamental de la música de nuestro país y que, además de compositor, es gestor cultural y pedagogo.

Completan el programa el exquisito Trío nº 2 del compositor italiano Salvatore Sciarrino y el enérgico y contundente Piano trio del finlandés Magnus Lindberg.

Sobre el Trío Arbós

Premio Nacional de Música 2013, el Trío Arbós se fundó en Madrid en 1.996, tomando el  nombre  del  célebre  director,  violinista  y  compositor  español  Enrique  Fernández Arbós (1.863-1.939). En la actualidad es uno de los grupos de cámara más prestigiosos del panorama musical europeo. Desde su formación en 1996, uno de los principales objetivos del Trío Arbós ha sido la contribución al enriquecimiento de la literatura para trío con piano a través del encargo de nuevas obras. Compositores de la talla de Georges Aperghis, Ivan Fedele, Toshio Hosokawa, Luis de Pablo, Mauricio Sotelo, Jesús Torres, Bernhard Gander, Thierry Pécou, Elena Mendoza, José María Sánchez Verdú, Roberto Sierra, entre otros, han escrito obras para el Trío Arbós. El Trío Arbós actúa con regularidad en las principales salas y festivales internacionales: Konzerthaus de Viena, Conservatorio Tchakovsky de Moscú, Academia Sibelius de Helsinki, Teatro Colón de Buenos Aires, Auditorio Nacional de Música de Madrid, Wittener Tage für neue Kammermusik, Festival de Kuhmo, Bienal de Venecia, Festival de Spoleto, MUSICA  Festival  de  Estrasburgo,  Philarmonie  de  Berlín,  Festival  Klangpuren, ULTIMA de Oslo, Time of Music de Viitasaari, Nuova Consonanza de Roma, Festival Casals de Puerto Rico, Bienal de Flamenco de Holanda, Festival Transart de Bolzano, Festival de Sintra, Quincena Musical Donostiarra, Festival Internacional de Granada, Semana de Música Religiosa de Cuenca, Bienal de Flamenco de Sevilla, Santander, etc. Ha grabado más de 30 discos para un gran número de sellos. Actualmente graban para su propio sello SACRATIF. La prestigiosa revista Gramophone ha dicho de su trabajo: “Este disco reafirma las credenciales del Trío Arbós como uno de los grupos de cámara más completos y orientados al futuro de la actualidad”. Sus trabajos en el mundo de la música flamenca han sido alabados por la crítica internacional; fruto de este trabajo es su CD “Travesías” en colaboración con el cantaor Rafael de Utrera. Sus innovadores proyectos como «Triple Zone», para la ampliación de la literatura para trío con piano, son patrocinados por la Ernst von Siemens Musikstiftung y por la Fundación BBVA. Ferdinando toca un violín hecho por A. Guadagnini (1781) cedido por la Fundación ProCanale de Milán. José Miguel toca un cello del luthier alemán Haat-Uilderks (2010). Está formado por Ferdinando Trematore (violín), José Miguel Gómez (violonchelo) y Juan Carlos Garvayo (piano).

William Christie
El ciclo Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) abre el nuevo año con la visita del consagrado director de orquesta William Christie y Les Arts Florissants. Juntos presentarán en versión semiescenificada The Fairy Queen (La reina de las hadas) de Henry Purcell, una mascarada basada en una adaptación anónima del famosísimo Sueño de una noche de verano, de William Shakespeare. El proyecto unirá la música barroca con las voces de los integrantes de Le Jardin des Voix, la academia de jóvenes cantantes fundada por el propio Christie por la que han pasado grandes figuras actuales del canto barroco. También contará, por primera vez en el CNDM, con la Compagnie Käfig, del conocido coreógrafo y director de escena Mourad Merzouki. El espectáculo tendrá lugar el domingo 14 de enero, a las 19:00h, en el Auditorio Nacional de Música (Sala Sinfónica).

La agrupación Les Arts Florissants, dirigida por el gran clavecinista, director de orquesta, musicólogo y docente William Christie, es reconocida por sus interpretaciones excepcionales de obras barrocas. Fundada en 1979 por el propio Christie, ha sido precursora en la recuperación del repertorio barroco de los siglos XVII y XVIII. Ahora se adentra en el universo del británico Henry Purcell junto al talento emergente de los cantantes de Le Jardin des Voix 2023. Precisamente el grupo ha creado varias iniciativas educativas para jóvenes músicos y esta academia, dedicada a impulsar las carreras de jóvenes talentos, es una de ellas. En esta ocasión, los cantantes seleccionados han sido Paulina Francisco (soprano), Georgia Burashko, mezzosoprano), Rebecca Leggett (mezzosoprano), Juliette Mey (mezzosoprano), Ilja Aksionov (tenor), Rodrigo Carreto (tenor), Hugo Herman-Wilson (barítono) y Benjamin Schilperoort (bajo-barítono).

El proyecto cuenta con la dirección de escena del innovador coreógrafo francés Mourad Merzouki, conocido por su habilidad para fusionar el hip hop con enfoques multidisciplinarios, y su Compagnie Käfig. Así, se ofrecerá al público la oportunidad de vivir una experiencia única en una producción de la bellísima obra de Purcell que aúna diferentes artes y generaciones. Una revisión fresca y dinámica de una obra maestra.

Música, sueños y danza

The Fairy Queen (La reina de las dadas), una mascarada en un prólogo y cinco actos, es una obra de Henry Purcell que destaca por su ingeniosa mezcla de música, declamación y danza. Inspirada en El sueño de una noche de verano de William Shakespeare, se estrenó en Londres en 1692. La ópera transporta al público a un bosque inglés de ensueño, habitado por hadas, elfos y otros seres míticos. En este entorno mágico, se desarrollan historias de amor y enredo, donde incluso la reina de las hadas se ve atrapada en una hilarante confusión amorosa. La música de Purcell, con su rica textura y emotividad, acompaña perfectamente la narrativa, creando un ambiente encantador que captura la esencia del idílico y caprichoso mundo de las hadas.

“Contextos Barrocos”: Una hora antes del concierto, a las 18:00h, tendrá lugar el encuentro sobre el concierto de Les Arts Florissants en los “Contextos Barrocos” del CNDM, sesiones de cuarenta y cinco minutos, de acceso libre para el público que ha adquirido la entrada al espectáculo, que permiten profundizar en las obras del ciclo, su historia y los intérpretes.

Magnificat

Para concluir el año, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta el concierto de Navidad de la Netherlands Bach Society, un conjunto vocal e instrumental de gran reputación internacional dedicado a difundir la obra de Johann Sebastian Bach por todo el mundo. Bajo la dirección del contratenor Alex Potter y con Bojan Čičić como concertino y violín solista, la orquesta hará un recorrido por algunas de las piezas sacras más hermosas de los siglos XVI y XVII, culminando con el conocidísimo Magnificat de Bach, una obra cumbre del repertorio barroco. Este concierto tendrá lugar el viernes 22 de diciembre, a las 19:30 horas, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música, en el marco del ciclo Universo Barroco del CNDM.

La primera parte del evento ofrecerá una exploración a través de la música luterana, que fluye desde sus inicios hasta alcanzar su punto álgido en Johann Sebastian Bach, al final del concierto. Este viaje musical comienza un siglo antes del nacimiento de Bach con obras de Johann Hermann Schein y Tobias Michael, quienes establecieron las bases para el desarrollo de la música sacra. El programa incluirá también una impresionante chacona instrumental de Nicolaus Adam Strung, un motete navideño a cinco voces de Orlando di Lasso y la majestuosa cantata navideña Wie schön leuchtet der Morgenstern de Johann Kuhnau, proporcionando una visión completa de la evolución de la música coral luterana. El último compositor previo a Bach será Andreas Hammerschmidt, de quien se escucharán, entre otras obras, Machet die Tore weit, una pieza de Adviento a seis voces.

El gran protagonista del concierto de Navidad será el esperado Magnificat de Johann Sebastian Bach, interpretado en su versión original en mi bemol mayor, una obra que combina la tradición coral con la innovación barroca y que presenta una rica diversidad musical y emocional. Escrito para cinco voces solistas -contaremos con el propio Alex Potter (contratenor), Miriam Feuersinger (soprano), Kristen Witmer (soprano), Thomas Hobbs (tenor) y Stephan MacLeod (bajo)-, destaca por su jubiloso coro inicial y su hábil interacción entre solistas y conjunto. Bach logra en esta composición un balance perfecto entre la tradición y la innovación, ofreciendo al público una experiencia musical rica y profunda, así como adentrarse en las raíces de la Navidad.

Pasión por Bach

Fundada en 1921, Netherlands Bach Society ha alcanzado gran fama internacional por su excepcional interpretación de la obra de Bach y otros compositores afines. Con más de un siglo de historia, la agrupación ha dedicado su arte y su tiempo a compartir la música de este gran compositor con el mundo, ofreciendo numerosos conciertos para descubrir las múltiples capas y matices emocionales de sus obras. Bajo el lema «Bach para todos», la Netherlands Bach Society se dedica a mantener viva la relevancia y la belleza de la música barroca para las generaciones actuales y futuras.

En este concierto en el CNDM, interpretará estas joyas musicales sacras con autenticidad y pasión, utilizando instrumentos de época y enfoques interpretativos históricamente informados. Sin duda, el concierto de Navidad no solo ofrecerá un homenaje al genial Kantor de Leipzig, sino que también será una celebración de la música sacra en su conjunto y una oportunidad perfecta para despedir el año con el esplendor y la emoción que solo la música de Bach puede ofrecer.

“Contextos Barrocos”: Una hora antes del concierto, a las 18:30h, tendrá lugar el encuentro sobre el concierto de Navidad de la Netherlands Bach Society en los “Contextos Barrocos” del CNDM, sesiones de cuarenta y cinco minutos, de acceso libre para el público que ha adquirido la entrada al espectáculo, que permiten profundizar en las obras del ciclo, su historia y los intérpretes.

Erika Baikoff

El lied alemán y la canción rusa convergen en la nueva cita del XXX Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela, en un recital que estará protagonizado por la soprano Erika Baikoff y el pianista Soohong Park. Ambos artistas debutan en el ciclo con un programa que rinde homenaje a las raíces de Baikoff, estadounidense de origen ruso considerada como una de las voces más prometedoras del momento. El concierto tendrá lugar el lunes 11 de diciembre, a las 20:00 horas, en el Teatro de la Zarzuela.

La primera parte de este recital incluye una selección de canciones de grandes compositores como Franz Schubert, Robert y Clara Schumann, y Erich Wolfgang Korngold; este último un autor que rara vez suele aparecer en el ciclo y cuya música hará las delicias del público. Tras una sucesión de piezas que miran hacia Oriente para ahondar en las raíces del Romanticismo, le tocará el turno a compositores cuya presencia en el concierto recordará la ascendencia rusa de la soprano: Nikolái Rimski Kórsakov, Serguéi Prokófiev y Serguéi Rachmaninov.

Discípula de maestros como Rudolf Piernay, la joven cantante Erika Baikoff es una de las grandes promesas de la lírica. Elogiada por la crítica por su perfecto dominio del espacio escénico, su fluida voz y su gran capacidad para expresar emociones, Baikoff ha sido galardonada con premios internacionales y también ha interpretado grandes papeles operísticos, como Juliet en Romeo and Juliet de Boris Blacher y Anna en Nabucco de Verdi. En esta ocasión, se subirá a las tablas del Teatro de la Zarzuela en el 30º aniversario del Ciclo de Lied con otra estrella del género, Soohong Park, uno de los pianistas más demandados de la actualidad y que ha actuado en grandes escenarios como el Wigmore Hall, el Barbican Centre o el Carnegie Hall.

De la canción alemana a la canción rusa

El programa se abrirá con tres piezas de Franz Schubert, el maestro indiscutible del lied, con emotivas canciones que evocan el esperado encuentro y la tristeza de las despedidas. Entre ellas, Baikoff interpretará Suleika I, D 720, considerada por Johannes Brahms como “el lied más hermoso jamás escrito”. Seguidamente, se intercalarán varias canciones de Robert y Clara Schumann, cargadas de un gran lirismo y del amor que sentían el uno por el otro, como Sie liebten sich beide, compuesto por Clara como regalo de cumpleaños para Robert. El primer bloque lo finalizarán tres obras de Drei Lieder, ciclo del austríaco Erich Wolfgang Korngold, entre ellas el elegante y exquisito Was du mir bist?.

La segunda parte del programa estará protagonizada por tres grandes autores rusos. De Nikolái Rimski-Kórsakov, conocido por grandes composiciones orquestales como la exótica y famosísima Scheherezade, se escucharán la melancólica Sé por qué en estas costas y la imaginativa Anoche durante tanto tiempo no pude dormir. Por su parte, la obra El patito feo de Serguéi Prokófiev ofrecerá al público la oportunidad de sumergirse en la popular fábula universal. El broche de oro lo pondrán obras maestras de Serguéi Rachmaninov, con piezas como No cantes más, belleza, que presenta rasgos que recuerdan a las óperas de Borodin, o la inquietante Estas noches de verano.

Vox Luminis

El coro belga Vox Luminis, considerado como una de las agrupaciones vocales más prestigiosas del panorama actual, se enfrentará al majestuoso Officium defunctorum de Tomás Luis de Victoria, obra cumbre del repertorio español, en el marco del ciclo Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM). Es la primera vez que Vox Luminis presenta este repertorio en España, tras haberlo interpretado en prestigiosos festivales internacionales. Bajo la dirección de Lionel Meunier, completará el programa con un conjunto de motetes del propio Victoria y de Cristóbal de Morales, ofreciendo una panorámica completa del esplendor vocal de la época. El concierto tendrá lugar el miércoles 29 de noviembre, a las 19:30 horas, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música.

Tomás Luis de Victoria, nacido en Ávila y formado en Roma, es uno de los más grandes compositores del Renacimiento y un maestro indiscutible de la música sacra. Su Officium defunctorum, que protagoniza este concierto del CNDM, es una obra maestra de la polifonía que destaca por su profundidad emocional y su refinada técnica contrapuntística. Esta pieza, que fue compuesta para las exequias de la emperatriz María de Austria, hermana de Felipe II, en 1603, es un testimonio del genio musical de Victoria y su habilidad para fusionar el rigor técnico con una expresividad conmovedora.

Escrito a seis voces y basado en melodías gregorianas, el Officium defunctorum tiene una gran trascendencia en la historia de la música española. Con su estructura cuidadosamente tejida y su rica textura vocal, la obra ilustra perfectamente el estilo polifónico que Victoria dominaba magistralmente. La partitura está cargada de emotividad y, frente al contrapunto virtuosístico practicado por los compositores flamencos de la época, en esta obra la música fluye con elegante naturalidad.

Además de esta gran obra, Vox Luminis también interpretará un conjunto de motetes de Victoria y de Cristóbal de Morales, compositor que también marcó un antes y un después en la música sacra de su tiempo. Ambos fueron los principales polifonistas españoles que trabajaron y triunfaron durante el siglo XVI en la capilla papal de Roma. Estas piezas reflejan desde el lamento penitencial hasta la exaltación de la Asunción; ejemplos brillantes de cómo la música puede trascender su función litúrgica para convertirse en un arte sublime.
El valor de nuestro patrimonio musical

Este concierto pone en valor el rico patrimonio musical de nuestro país y su influencia en la historia de la música occidental de la mano de uno de los conjuntos vocales más reconocidos internacionalmente por su interpretación de la música renacentista y barroca. El concierto permitirá al público disfrutar de la belleza de la música antigua, así como apreciar cómo intérpretes contemporáneos pueden dar nueva vida a estas obras atemporales. Esta celebración de la música sacra española en manos de uno de los ensembles más destacados del mundo también se ha disfrutado esta temporada en Salamanca y en Úbeda y Baeza a través de los Circuitos del CNDM.

Vox Luminis © Mario Leko

Sobre Lionel Meunier, bajo y dirección

Nacido en Francia, Meunier se formó como cantante y flautista y comenzó su carrera como bajo en conjuntos de renombre como Collegium Vocale Gent, Amsterdam Baroque Choir y Cappella Pratensis. En 2013, recibió el título de «ciudadano del año» de Namur. Reconocido internacionalmente como fundador y director artístico del galardonado conjunto vocal belga Vox Luminis, el director de orquesta y bajo francés Lionel Meunier es considerado como uno de los líderes en activo más dinámicos y aclamados en el ámbito de la interpretación históricamente informada y la música coral. Elogiado por su enfoque interpretativo, exhaustivo pero a su vez enérgico, se ha consolidado como maestro invitado y director artístico de coros, grupos y orquestas en todo el mundo. En 2012, obtuvo el Premio Gramophone por su grabación de Musikalische Exequien de Schütz con Vox Luminis. Con la formación se ha embarcado desde entonces en extensas giras de conciertos por Europa, Norteamérica y Asia; se ha establecido, asimismo, en residencias artísticas de varias temporadas en el Wigmore Hall, el Festival de Aldeburgh, el Utrecht Early Music Festival y el Concertgebouw Brugge; y ha registrado más de una docena de álbumes. Su trabajo dedicado a Buxtehude les valió su segundo Premio Gramophone, en la categoría de grabación coral en 2019. Como maestro invitado, Meunier ha dirigido la Netherlands Bach Society, el Danish National Vocal Ensemble, el Netherlands Chamber Choir o el Boston Early Music Festival Collegium. Ha liderado también diferentes colaboraciones entre Vox Luminis y la Juilliard 415, la B’Rock Orchestra, la Philharmonia Baroque Orchestra o L’Achéron, entre otras. Lionel Meunier mantiene una estrecha relación con la Orquesta y el Consort Barrocos de Friburgo y participa, junto con Vox Luminis, en proyectos que abarcan un amplio rango de repertorios. Entre lo más destacado de 2022-2023, cabe citar una residencia en la Juilliard School que culminó con una representación de The King Arthur de Purcell en el Alice Tully Hall; y una gira europea de tres semanas con Vox Luminis y la Orquesta Barroca de Friburgo con la Matthäus-Passion de Bach en la Filarmónica de Berlín, la Elbphilharmonie de Hamburgo y el Palau de la Música Catalana de Barcelona. La temporada 2023-2024 incluye actuaciones por Europa y Norteamérica con Vox Luminis y residencias en los conservatorios de Ámsterdam y París con el Weihnachtsoratorium y la Johannes-Passion de Bach.

Sobre Vox Luminis

Desde que iniciara su andadura en 2004, Vox Luminis ha recibido elogios por su sonoridad única. Su fundador, director artístico y bajo Lionel Meunier creó entonces un ensemble que permitía a cada voz brillar por sí misma y, a la vez, fusionarse en un luminoso tejido sonoro. En función del programa, el núcleo de vocalistas que conforma el grupo está flanqueado por un extenso continuo, instrumentos solistas o una orquesta completa. Su repertorio comprende fundamentalmente músicas inglesa, italiana y alemana del siglo XVII y principios del XVIII, desde obras maestras de gran virtuosismo hasta joyas aún inéditas que presentan en sus actuaciones y proyectos discográficos. La misión de Vox Luminis está clara: acercar la música vocal a un amplio público, con la excelencia como principio rector y piedra angular. Conciertos, registros, talleres con públicos de todo el mundo, así como una rigurosa metodología de trabajo, son los medios empleados por el conjunto para alcanzar sus objetivos. En 2012, la formación ganó el Baroque Vocal Award y el prestigioso premio a la grabación del año en los Gramophone Classical Music Awards con las Musikalische Exequien de Schütz. Siete años después, le siguió el premio coral de la misma revista por su álbum Buxtehude: Abendmusiken. Entretanto, han ido obteniendo nuevos galardones: el Klara Ensemble of the Year 2018, el BBC Music Magazine Award 2018 en la categoría coral, numerosos Diapason d’Or, el Premio Caecilia 2020 y el Preis der Deutschen Schallplattenkritik, este último recibido en diferentes ocasiones. Vox Luminis es artista residente en el Concertgebouw Brugge y en la Abbaye Musicale de Malonne (Namur). En 2021, inició una asociación estructural y duradera con la Orquesta y el Consort Barrocos de Friburgo, con los que ofrece conjuntamente diferentes propuestas cada año. Vox Luminis es, asimismo, invitado a las principales salas de conciertos y festivales: el Bozar y el Flagey en Bruselas, el De Singel en Amberes, el Auditorio Nacional de Música en Madrid, L’Auditori y el Palau de la Música en Barcelona, la Salle Gaveau y el Auditorium de Radio France en París, el Wigmore Hall en Londres, la Filarmónica de Berlín y la de Colonia, la Laeiszhalle en Hamburgo, el Lincoln Center en Nueva York, el Jordan Hall en Boston, la Sala Zaryadye en Moscú, el Festival van Vlaanderen, el Festival de Wallonie, el Festival de Saintes, el Festival Oude Muziek de Utrecht, el Musikfest de Bremen, el Bachfest de Leipzig, el Klangvokal de Dortmund, el Festival de Aldeburgh o el Boston Early Music Festival. En la temporada 2022-2023, Vox Luminis debutó en la Elbphilharmonie de Hamburgo, la Konzerthaus de Dortmund, el Teatro de la Maestranza de Sevilla, el Palau de la Música de Valencia y el Salzburger Festspiele.

Philippe Jaroussky

Comienza la primera cita del ciclo Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en la Sala Sinfónica, con la esperada visita del contratenor Philippe Jaroussky junto con Le Concert de la Loge, orquesta francesa especializada en música historicista, fundada por el director y violinista Julien Chauvin. Bajo el título Forgotten Arias (Arias olvidadas), Jaroussky presentará en el CNDM un programa que rinde homenaje a los compositores del Barroco tardío y al gran libretista de la época, Pietro Metastasio. El concierto tendrá lugar el martes 28 de noviembre a las 19:30 horas en el ciclo Universo Barroco, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música.

Considerado uno de los mejores contratenores de los últimos tiempos, Jaroussky posee una maestría técnica que le permite alcanzar matices audaces y abarcar un repertorio extremadamente amplio dentro del Barroco, desde los refinamientos del XVII, con compositores como Claudio Monteverdi, hasta el impresionante virtuosismo de George Frideric Haendel o Antonio Vivaldi. Con numerosos galardones y una exitosa y dilatada carrera a sus espaldas, el contratenor se ha convertido en una de las figuras musicales más admiradas del panorama actual. 

En este concierto del CNDM, el público tendrá la oportunidad de disfrutar de un programa que reúne arias compuestas entre 1748 y 1770, periodo que vio nacer a la denominada opera seria, por nombres como Johann Adolph Hasse, además de autores menos frecuentados como Michelangelo Valentini, Leonardo Leo, Tommaso Traetta, Giovanni Battista Ferrandini o Andrea Bernasconi, entre otros. Las arias están extraídas de óperas basadas en textos del más importante e influyente libretista del siglo XVIII, Pietro Metastasio.

Para ello, Jaroussky y Le Concert de la Loge sumergirán al público en un viaje musical para descubrir algunas de las más bellas arias barrocas jamás escritas. El programa recopila arias da capo en el estilo virtuosístico vinculado a la escuela napolitana, que se impuso desde las primeras décadas del siglo XVIII al viejo estilo lírico veneciano. Muestra de ello son el aria de la ópera Catone in Utica de Leonardo Leo, las más antigua de todo el programa, o  dos versiones menos conocidas de la ópera Artaserse, la que Niccolò Jommelli compuso en 1749 para Roma y la que Johann Christian Bach estrenó en Turín en 1760.

“Contextos Barrocos”: Una hora antes del concierto, a las 18:30h, tendrá lugar el encuentro sobre el concierto de Philippe Jaroussky y Le Concert de la Loge en los “Contextos Barrocos” del CNDM, sesiones de cuarenta y cinco minutos, de acceso libre para el público que ha adquirido la entrada al espectáculo, que permiten profundizar en las obras del ciclo, su historia y los intérpretes. 

Premio Jóvenes Compositores

La Fundación SGAE y el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) organizan el concierto final de la 34º edición del Premio Jóvenes Compositores Fundación SGAE-CNDM 2023, que se celebrará el próximo lunes 27 de noviembre de 2023 en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía dentro del ciclo Series 20/21 programado por el CNDM, a las 19.30 horas (acceso libre hasta completar aforo). En esta ocasión, las obras serán interpretadas por CrossingLines Ensemble, dirigido por Lorenzo Ferrándiz, y son las siguientes: Mitos de una regresión deliberada de Vicent Giner Albert (Albaida, 1988), Cants de Plaga de Enric Jaume i Masferrer (Santa Coloma de Farners, 2004), Echaron abajo una casita cubierta de hiedra que me gustaba mirar de lejos de María del Pilar Miralles Castillo (Almería, 1997) y Neighborhood de Esther Pérez Soriano (Yecla, 1990).

El estreno absoluto de las obras permitirá a los miembros del jurado, presentes en el auditorio, decidir cuál es la pieza ganadora y el reparto de los siguientes galardones, valorados en 11.700 euros:  primer premio Xavier Montsalvatge, dotado con 6.000 €; segundo premio Carmelo Alonso Bernaola, de 3.000 €; tercer premio Francisco Guerrero Marín, de 1.500 €, y la mención honorífica Juan Crisóstomo Arriaga, reconocida con la cantidad de 1.200 €. Todos ellos acompañados de diploma acreditativo.

Estas cuatro obras han sido elegidas de un total de 23 partituras escogidas. Un jurado, compuesto por los compositores y las compositoras María José Belenguer, Juan Delgado Serrano (ganador del certamen en 2020), Ferrer Ferrán, Marián Gutiérrez Urbaneta y Sergio Luque, ha seleccionado estas piezas. Además, para contribuir a la posterior promoción y difusión de las obras ganadoras, la Fundación SGAE producirá un disco promocional con la grabación en directo de las interpretaciones en el concierto final.

Compositor Residente de la Red de Músicas

A estos cuatro galardones se suma el Premio Especial JM España que otorga Juventudes Musicales de España. De este modo, el ganador del Primer Premio de esta edición se convertirá en Compositor Residente de la Red de Músicas de JM España durante la temporada 2024-2025. JM España le encargará dos obras de música de cámara y otorgará 1.500 euros por cada pieza. El compositor escogerá dos formaciones de los seleccionados en la Red de Músicas que las estrenarán e interpretarán en todos los recitales que den en este circuito que organiza más de 200 conciertos al año. Además, podrá participar en el Programa de Residencias Artísticas JME – FCAYC, permitiéndole trabajar en la creación de obras con los intérpretes y/o agrupaciones de la Red de Músicas seleccionados en colaboración con el equipo acompañante de la residencia.

Gerald Finley

Continúa la celebración del 30º aniversario del Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en el Teatro de la Zarzuela, con una nueva cita protagonizada por el bajo-barítono canadiense Gerald Finley (Montreal, 1960), quien se enfrentará a una selección del sobrecogedor Schwanengesang de Franz Schubert. Junto al experimentado pianista Julius Drake, abordará también algunas joyas del repertorio lideristico en un recorrido que incluye autores como Robert Schumann, Henri Duparc, Benjamin Britten, Franz Liszt, Ralph Vaughan Williams, Charles Ives y Cole Porter. El concierto tendrá lugar el lunes 20 de noviembre a las 20h00 horas en el Teatro de la Zarzuela.

Ensalzado por la crítica recientemente por su sobresaliente Wolfram en el Tannhäuser de  Richard Wagner del Covent Garden londinense y en Antony and Cleopatra en el Liceu de Barcelona, Gerald Finley es una de las figuras más influyentes en el mundo de la música gracias a su voz privilegiada. Con un Grammy a sus espaldas, este reconocido bajo-barítono posee una carrera repleta de interpretaciones aclamadas en los principales teatros de ópera y salas de conciertos a nivel mundial, así como por colaboraciones con destacados compositores, orquestas y directores. Junto al virtuoso pianista Julius Drake, quien posee una gran pasión por el lied, interpretará un programa que recorre algunas de las canciones más emotivas del género.

De la oscuridad a la luz

El recital se abrirá con ocho lieder de Robert Schumann que plasman algunas de las musicalizaciones más famosas de Buch der Lieder (Libro de Canciones), un conjunto de poemas del poeta alemán Heinrich Heine en cuyos versos se explora la euforia del amor romántico, la fugacidad del tiempo, la desesperanza ante el desamor o el miedo ante la muerte. Schumann compuso estas canciones en 1840, un año álgido en el que llegó a componer más de un centenar de lieder. Después se abrirá paso el momento más esperado del concierto con una selección de Schwanengesang, una colección póstuma de lieder compuesta por Franz Schubert al final de su vida. La música a la que se enfrentarán Finley y Drake evoca el carácter más sobrecogedor de seis poemas escritos de nuevo por Heine. Una muestra podrá apreciarse en canciones como Die Stadt (La ciudad), en la cual la misteriosa música llevará al público al Romanticismo oscuro y la novela gótica de principios del siglo.

La segunda parte del concierto será un contraste de emociones, al estar encabezada por las elegantes melodías de Henri Duparc. Tras la oscuridad del Doppelgänger schubertiano, Finley se abrirá paso hacia la luminosidad en algunas de las piezas compuestas por este autor francés, como Sérénade o Soupir, que invita a la búsqueda de un amor inalcanzable. El recorrido continuará esta senda en las canciones de compositores como Benjamin Britten, con Um Mitternacht, y Franz Liszt, Go not, happy day, que también sonarán en el Teatro de la Zarzuela. Piezas de Ralph Vaughan Williams, Charles Ives y Cole Porter completan una velada mágica que hará las delicias de los asistentes a un ciclo que sigue celebrando su trigésimo aniversario.

Miriam Hontana y Daniel Oyarzabal (c)Jaime Massieu

El experimentado organista Daniel Oyarzabal y la joven y virtuosa violinista Miriam Hontana protagonizan la segunda cita del popular ciclo gastromusical Bach Vermut del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM). En esta ocasión, los intérpretes ofrecerán al público un colorido programa encabezado por la icónica obra Las cuatro estaciones de Antonio Vivaldi, junto a transcripciones de conocidos títulos de Sérguei Prokófiev y Gioacchino Rossini, además de un majestuoso preludio de Johann Sebastian Bach. Como en cada cita de Bach Vermut, tras el concierto el público podrá degustar un aperitivo organizado en colaboración con CPC Cooking Ideas, amenizado por jazz en directo. Este evento tendrá lugar el próximo sábado 18 de noviembre a las 12:30h en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música.

Con una dilatada experiencia en el mundo del órgano y del clave, Daniel Oyarzabal es uno de los intérpretes más demandados del panorama actual. Junto a la violinista Miriam Hontana, gran especialista en el Barroco, dará vida a un bello repertorio en el cual órgano y violín se entrelazarán en un desenfadado diálogo musical. Tras el concierto, será el turno de la experiencia gastronómica: una selección de quesos y embutidos ibéricos tomará el hall del Auditorio junto a otros rincones que ofrecerán exquisiteces culinarias como conservas, encurtidos o empanadas caseras. Todo ello con el objetivo de hacer las delicias de los asistentes y convertir, un sábado más, al Auditorio Nacional en una explosión de música y sabor.

Un programa excepcional

El programa de este Bach Vermut comenzará con el Preludio en mi bemol mayor de Bach, una pieza que captura la esencia de la Trinidad teológica a través de su complejidad melódica. De Bach también sonará Jesu, meine Freude, que fue concebido para su empleo en la liturgia del Adviento, tiempo preparatorio de la Navidad. La música de Prokófiev, con dos piezas extraídas de su famoso ballet Romeo y Julieta, tomará el relevo para transportarnos a la tensa atmósfera de la tragedia de William Shakespeare con su rica orquestación. Por su parte, la obertura de La gazza ladra de Rossini captura la esencia de su ópera con un crescendo que mantendrá al público en vilo. El punto culminante del programa será la personalísima versión de Oyarzabal y Hontana de Las cuatro estaciones de Vivaldi, en la cual los dos instrumentos evocarán las diversas atmósferas de las estaciones del año, desde el canto de los pájaros hasta la serenidad de un paisaje invernal. Así se cerrará el emocionante recorrido a través de obras universales que presentan una frescura contemporánea y accesible para todos los públicos.
Agenda Bach Vermut:
  • 11.30h – Apertura de puertas y acceso a la zona de degustación gastronómica (vestíbulo del Auditorio Nacional de Música).
  • 12.30h – Concierto desde el órgano de la Sala Sinfónica, retransmitido en pantalla gigante.
  • 13.30h-14.30h – BACH JAZZ! Aperitivo-degustación amenizado por conjuntos de jazz que interpretan obras clásicas en clave de jazz (Salón de Tapices).

Miriam Hontana y Daniel Oyarzabal (c)Jaime Massieu

Rafael Riqueni

El guitarrista y compositor Rafael Riqueni, uno de los grandes maestros de la guitarra flamenca, será el encargado de inaugurar el ciclo Andalucía Flamenca del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en coproducción con el Instituto Andaluz del Flamenco (IAF). En este concierto, que lleva por título Maestranza. Homenaje a Manolo Sanlúcar, el intérprete rendirá homenaje al que fuera su maestro, el legendario Manolo Sanlúcar, astro de la guitarra flamenca fallecido el pasado año. El concierto tendrá lugar el viernes 17 de noviembre, coincidiendo con el mes en que nació Sanlúcar, a las 19:30 horas en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música en Madrid.

Considerado uno de los mejores guitarristas del panorama flamenco actual, Rafael Riqueni (Sevilla, 1962) posee un talento innato que desarrolló de forma precoz gracias a un oído privilegiado y a una capacidad creadora inimitable. En esta ocasión, brindará al público del CNDM la oportunidad de tener un encuentro íntimo con su música, fuertemente influenciada por el gran Manolo Sanlúcar, maestro indiscutible del flamenco y uno de los innovadores más influyentes de este género. Sanlúcar dejó un legado inestimable que sigue resonando en el mundo de la música. Su arte y técnica revolucionaron la guitarra flamenca, fusionando la tradición con elementos contemporáneos y elevando el flamenco a niveles de sofisticación y expresión sin precedentes.

Riqueni, heredero de otros gigantes de la guitarra como Víctor Monge ‘Serranito’ o Paco de Lucía, fue discípulo directo del propio Sanlúcar en sus años adolescentes. De él recibió técnicas para la composición y el estudio que resultaron fundamentales para la creación de su universo armónico musical. Esa profunda conexión entre ambos guitarristas aflorará en el concierto a través de una selección de obras que reflejan el profundo respeto y devoción del trianero hacia su mentor. El programa incluirá piezas de su última grabación Herencia (2021), como la emotiva Soleá de los llanos, dedicada a Sanlúcar, y otras de su aclamado proyecto Parque de María Luisa (2017), que simbolizan una exploración lírica de su memoria personal.

Andalucía Flamenca, un ciclo pionero en Madrid

El ciclo Andalucía Flamenca se puso en marcha en 2007 con el objetivo de crear una programación en la capital de nuestro país enfocada en el arte musical flamenco. Desde entonces, esta iniciativa se ha afianzado hasta convertirse en una de las ofertas flamencas de calidad que más éxito tienen entre el público madrileño -las entradas para la temporada 23/24 ya están agotadas- y es todo un referente para la crítica nacional. El ciclo profundiza en los diferentes paisajes sonoros del arte jondo y ofrece un encuentro entre algunos de los nombres más consagrados del panorama actual, herederos de grandes sagas del flamenco, y jóvenes figuras con carreras en plena proyección capaces de acercar el flamenco a las nuevas generaciones.

En la presente temporada, Andalucía Flamenca albergará 7 conciertos del 17 de noviembre de 2023 al 24 de mayo de 2024. Por primera vez, se reunirá sobre el escenario del CNDM una saga del arte flamenco, la de los “Sordera”, ejemplo del linaje jerezano al que dan continuidad en la actualidad Vicente Soto “Sordera”, Enrique Soto y Lela Soto. Debutará en el ciclo Reyes Carrasco, una joven promesa del flamenco que ya ha compartido escenario con aclamadas figuras del cante y ha sido galardonada en numerosas ocasiones. También visitarán la programación grandes cantaores como la jerezana María Terremoto, con un concierto en el que abordará los estilos propios de su Jerez natal y de su saga, sin excluir guiños al rico legado musical de su padre Fernando; Arcángel, que ofrecerá un recital basado en una colección de estilos clásicos de cante junto al guitarrista Miguel Ángel Cortés; y Manuel Lombo, que reivindicará sus raíces flamencas junto con el guitarrista Pedro Sierra. Asimismo, el ciclo contará con una sesión doble protagonizada por dos cantaores que transportarán al público a herencias bien distintas: Pedro “El Granaíno” y Caracolillo de Cádiz.

Fotografía: PACO LOBATO

Sinfonietta Cracovia

La Sinfonietta Cracovia rinde homenaje al gran compositor polaco Krzysztof Penderecki en una nueva cita del ciclo Series 20/21 del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM). En el mes en el que el maestro habría cumplido noventa años, esta prestigiosa orquesta de cámara de Polonia ofrecerá un viaje musical por algunas de sus obras más representativas. El concierto tendrá lugar el lunes 13 de noviembre a las 19:30 horas en el Auditorio 400 del Museo Reina Sofía (entrada libre).

La música de Krzysztof Penderecki se ha convertido en exponente de la vanguardia europea y punto de referencia para generaciones venideras de compositores, además de conferir renovada inspiración al mundo del cine. La Sinfonietta Cracovia, estrechamente vinculada a la figura de Penderecki y al repertorio de los siglos XX y XXI, profundizará en su legado en un programa monográfico que estará dirigido por Katarzyna Tomala-Jedynak. La cuidada selección del repertorio pondrá de manifiesto la riqueza musical del maestro.

Penderecki fue mentor de la Sinfonietta. Bajo su mando cristalizaron novedosas interpretaciones de sus obras, cuyo fruto es el disco Penderecki Sinfonnietta(s) publicado por Sony Classical en 2020. Además, junto con su esposa Elżbieta Penderecka, promovió la idea de conceder a la Sinfonietta Cracovia el estatus de institución cultural de la ciudad de Cracovia en el año 1994. Actualmente, la agrupación se dedica a divulgar y mantener vivo el espíritu de la música de Penderecki.

El universo de Krzysztof Penderecki

El programa arranca con la emotiva Sinfonietta nº 3, inspirada en su tercer cuarteto Hojas de un diario no escrito, en la cual ritmos intensos se entrelazan con melodías fugaces y músicas más tradicionales como una melodía cíngara inspirada en la infancia del compositor. El repertorio continúa con la majestuosa Sinfonía nº 7, Las siete puertas de Jerusalén, que celebra el tercer milenio de esta ciudad con un estilo que rememora el posromanticismo, y en la cual destaca especialmente el uso de coros en su tercer movimiento. La Sinfonietta se adentrará después en la Serenata, que emerge como una obra más introspectiva construida sobre una Passacaglia y un Larghetto con elementos románticos que Penderecki abrazó más adelante en su carrera. Además, también se interpretarán las Tres piezas en estilo antiguo, que reflejan el profundo respeto del compositor polaco por la tradición, y la conmovedora Chacona en memoria del papa Juan Pablo II, que entrelaza el lamento expresivo con variaciones polifónicas.

La Sinfonietta ofrecerá así un viaje musical inolvidable a través de la evolución artística de Penderecki, una figura fundamental en el lenguaje musical contemporáneo, desde los tintes románticos hasta su reconocimiento de las raíces históricas de la música.

Instituto Italiano de Cultura

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el ‘Istituto Italiano di Cultura’ se alían para celebrar el 150º aniversario de la Academia de España en Roma, aclamada institución que constituye un faro internacional para la promoción y difusión de las artes y la cultura. De la mano del aclamado Divertimento Ensemble, se celebrarán tres conciertos en Milán, Roma y Madrid con un programa que se adentrará en las obras de compositores italianos y españoles que disfrutaron de una residencia artística en esta reconocida entidad. En nuestro país, esta conmemoración podrá disfrutarse el próximo lunes 6 de noviembre, a las 19:30 horas, en el marco del ciclo Series 20/21 del CNDM en el Auditorio 400 del Museo Reina Sofía (entrada libre).

Fundado en 1977 bajo la dirección de Sandro Gorli, Divertimento Ensemble ha brillado en el panorama musical contemporáneo, con una dilatada trayectoria de más de 1000 conciertos y 19 grabaciones desde su creación. Reconocido internacionalmente por su excelencia musical y su diversidad de propuestas, el ensemble ha inspirado a más de un centenar de compositores a crear obra nueva para su posterior estreno. Además de su apuesta por la música contemporánea, la agrupación mantiene un firme compromiso con la educación y la promoción de jóvenes talentos, una labor que se evidencia en su propuesta pedagógica y en reconocimientos como el GrandesignEtico International Award, por su actividad en favor de los jóvenes músicos.

El repertorio elegido para los conciertos del CNDM unirá musicalmente tres grandes ciudades europeas con una exquisita selección de piezas de compositores tanto italianos como españoles que disfrutaron de una estancia en la Academia de España en Roma. Así, esta coproducción subraya el valor incalculable de esta entidad en la promoción de la cultura y la música, y su papel como puente entre España e Italia. El programa plasma el testimonio vibrante de la rica tradición y el espíritu innovador de la música contemporánea europea.

El concierto abrirá con Sarab, tres espejismos sobre un poema de Rudaki del malagueño Eneko Vadillo, que nos sumergirá en un mundo de reflejos sonoros inspirados en el poeta persa. Nun del joven compositor Javier Quislant contrasta momentos de calma meditativa con frenesí rítmico. Por su parte, el autor italiano Ivan Fedele aborda la intersección entre las matemáticas y el arte con Immagini da Escher, una pieza cargada de ilusiones acústicas. El compositor César Camarero juega con texturas y sonidos en Klangfarbenphonie 3, mientras que Franco Donatoni nos envolverá con la homofonía de Arpège. El broche de oro lo pondrá Sergio Blardony con el estreno absoluto de la obra Sueño de piedra, encargo del CNDM, una pieza que evoca un mundo de sueños y realidades crudas inspirado en grabados del artista italiano Giovanni Battista Piranesi. En paralelo a los conciertos, Blardony visitará a los estudiantes de musicología de la Universidad Complutense de Madrid para ofrecerles una charla sobre su faceta como compositor, en el marco de la actividad pedagógica del CNDM.

Fundación Don Juan de Borbón

El alcalde de Segovia, José Mazarías, el director del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), Francisco Lorenzo, el concejal de cultura del Ayuntamiento de Segovia, Juan Carlos Monroy y la directora de las Jornadas de Música Contemporánea de Segovia y coordinadora de la Fundación Don Juan de Borbón, Noelia Gómez, han presentado hoy la XXXI edición de las Jornadas de Música Contemporánea de Segovia, que tendrán lugar del 10 de noviembre de 2023 al 25 de mayo de 2024 en la ciudad.

Protagonizadas por grupos de referencia en la música contemporánea y la búsqueda de nuevos formatos, ofrecerán ocho conciertos en varios espacios emblemáticos de la ciudad, entre los que se encuentran el centro de creación La Cárcel de Segovia, la Iglesia de San Nicolás o el IES Mariano Quintanilla. En esta nueva edición, vuelven grandes artistas e intérpretes españoles e internacionales que abordarán el repertorio de compositores procedentes de países como Hungría, Alemania, Puerto Rico, Brasil, Suiza, Argentina o Cuba.

Las Jornadas constituyen un importante y reconocido fenómeno cultural en Castilla y León y ofrecen al público una experiencia musical enriquecedora con recitales, conciertos de cámara y música sinfónica que abordan tanto clásicos del siglo XX como estrenos absolutos. En la nueva edición, sonarán 13 estrenos absolutos. Entre ellos se encuentran el estreno del puertorriqueño Roberto Sierra y el de la madrileña Ángela Gallego, que se escucharán el día de la inauguración de las Jornadas; así como el estreno de una obra del valenciano Josep Planells Schiaffino para el Ensemble Sonido Extremo, y el de una pieza del cubano Danilo Avilés para el Nuevo Ensemble de Segovia en el último concierto de la programación. Dentro del apoyo a la nueva creación, también destacan los nueve estrenos a compositoras españolas pertenecientes a encargos del CNDM y el Festival de Música Española de Cádiz, con nombres como Anna Bofill, Carolina Cerezo, Iluminada Pérez, Isabel Urrutia, María José Arenas, Marisa Manchado, Pilar Jurado, Rosa Rodríguez y Sonia Megías.

Con un compromiso tradicional con la infancia y la juventud, esta edición contará como novedad con un concierto para público familiar. El ciclo también aglutina actividades pedagógicas que se desarrollan en paralelo a los conciertos. En esta ocasión, vuelven los talleres Contactando con la música contemporánea, para escolares desde el nivel infantil a secundaria, que serán impartidos por el compositor Carlos Bianchini, que trabajará distintas propuestas pedagógicas con niños y jóvenes.

Este ciclo, referente de la música contemporánea en nuestro país, es uno de los más antiguos de su género. Promovido por el Ayuntamiento de Segovia y su Concejalía de Cultura desde sus orígenes, desde 2018 es coproducido entre el Centro Nacional de Difusión Musical y la Fundación Don Juan de Borbón, adscrita al Ayuntamiento de Segovia. Además, se enmarca en los Circuitos del CNDM, los ciclos y festivales que esta entidad promueve con el objetivo de vertebrar la actividad musical a lo largo de toda la geografía española.

La XXXI edición de las Jornadas de Música Contemporánea

El ciclo se inaugurará el viernes 10 de noviembre en la Iglesia de San Nicolás, con un gran homenaje a György Ligeti, uno de los autores más influyentes del siglo XX, por parte de un trío excepcional formado por Mario Pérez en el violín, Javier Bonet en la trompa y Alberto Rosado en el piano. Además de obras de este compositor húngaro, interpretarán el estreno absoluto de una obra de Ángela Gallego, encargo del CNDM, y otra más de Roberto Sierra. El sábado 11, en el mismo espacio, el pianista Alberto Rosado continuará con una exploración profunda en la producción de Ligeti, combinada con música de György Kurtág y Béla Bartók.

El jueves 4 de enero de 2024, tomará las tablas el Ensemble Instrumental de Cantabria, bajo la dirección de Esteban Sanz Vélez, en la Iglesia de San Nicolás. Presentará un espectáculo muy atractivo para público infantil titulado La carpintera poeta. Con composiciones de Esteban Sanz Vélez y textos de Gustavo Moral, esta colaboración artística transportará al público segoviano un universo de belleza y poesía a través de la música y la narración. También en enero, el jueves 25 en La Cárcel de Segovia, será el turno del grupo Neopercusión, dirigido por Juanjo Guillem, que nos propone Retablo. La maldición de los algoritmos. Este programa ahonda en el mundo de la percusión contemporánea con páginas de estreno de reconocidas compositoras españolas: Anna Bofill, Carolina Cerezo, Iluminada Pérez, Isabel Urrutia, María José Arenas,  Marisa Manchado, Pilar Jurado, Rosa Rodríguez y Sonia Megías, quienes serán las protagonistas, con creaciones realizadas por encargo del CNDM y el Festival de Música Española de Cádiz.

El sábado 3 de febrero en el IES Mariano Quintanilla, el recorrido continuará con el Ensemble Sonido Extremo, liderado por Jordi Francés. En esta ocasión, el público asistirá al estreno absoluto de una obra de Josep Planells Schiaffino y podrá escuchar la emblemática composición de Arnold Schoenberg: Pierrot lunaire. Este concierto contará con la presencia del gran contratenor Xavier Sabata.

Las Jornadas de Música Contemporánea recibirán el jueves 21 de marzo, en el Aula Magna de la IE University, a la Orquesta Sinfónica de Castilla y León. Bajo la dirección de Jordi Francés y junto al tenor Werner Güra, interpretarán Winterreise, la particular versión de Hans Zender del poderoso Viaje de invierno de Franz Schubert. El sábado 20 de abril, en el espacio La Cárcel, el Trío Tramontana, residente en Suiza, actuará junto con la actriz segoviana Virginia Rodero en un espectáculo que va más allá de la idea de concierto. Federn es una propuesta artística con una cautivadora puesta en escena y música de Cristiana Palandri, Tōru Takemitsu y Claude Debussy.

El broche de oro a la programación lo pondrá el Nuevo Ensemble de Segovia (neSg), grupo residente de las Jornadas, el sábado 25 de mayo en el IES Mariano Quintanilla. Este grupo será el encargado de ofrecer un viaje musical por la diversidad y los ritmos iberoamericanos. Desde Brasil hasta Cuba, pasando por España y Argentina, el público se adentrará en la música de Ernesto Nazareth, Ernesto Lecuona, Federico Moreno Torroba, Astor Piazzolla, o Joaquín Turina, entre otros. Además, esta sesión contará con el estreno absoluto de una pieza de Danilo Avilés, encargo del neSg.

Bach Vermut

Comienza la décima edición de una de las iniciativas más populares del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), Bach Vermut, un ciclo en el cual los mejores intérpretes de órgano del mundo se alternan con la posibilidad de degustar un delicioso aperitivo en el Auditorio Nacional de Música amenizado por jazz en directo. Esta experiencia gastromusical, que se ha convertido en el plan matinal perfecto para el fin de semana, albergará un total de ocho conciertos, retransmitidos en pantalla gigante, que tendrán lugar desde el sábado 28 de octubre de 2023 hasta el sábado 18 de mayo de 2024. En esta ocasión, la organista Susanne Kujala será la encargada de inaugurar la nueva edición.

Susanne Kujala (Berlín, 1976) debutará en el ciclo Bach Vermut tras haber cautivado a público y crítica por todo el mundo, con actuaciones en escenarios tan emblemáticos como la Philharmonie de París o el Ultima Festival de música contemporánea de Oslo. En este concierto, dará vida a partituras llenas de musicalidad y color de Johann Sebastian Bach, José Luis Turina, César Franck, Max Reger y Veli Kujala, con un estreno en España. Este programa sorprenderá tanto al público asiduo a esta programación, como a quienes se acerquen por primera vez a esta experiencia musical.

Diez años de un ciclo para todos los gustos

La iniciativa Bach Vermut del CNDM inició su andadura en octubre de 2014. Hoy, diez años después, Bach Vermut ha conseguido que, a lo largo de sus nueve temporadas, más de 120.000 espectadores se hayan acercado a la música clásica gracias a un formato innovador que va más allá de la idea de concierto tradicional. El diverso público, en el que convergen personas de todas las edades, se acerca a este ciclo para conocer el mundo del órgano y también para degustar un aperitivo en el vestíbulo del Auditorio Nacional de Música, aderezado por una sesión de jazz en directo por parte de agrupaciones españolas y a un precio muy asequible (localidades sueltas: 5 euros).

La iniciativa nació con la idea de mostrar la gran belleza y calidad del extraordinario órgano del Auditorio, cuya construcción fue encargada por el INAEM a finales de 1987 a uno de los organeros más importantes del mundo, el alemán afincado en España Gerhard Grenzing. Se trata de un imponente instrumento que cuenta con cuatro teclados, 12 metros de altura y 5.700 tubos.

La vitalidad del órgano en estado puro

Este primer concierto estará protagonizado por Susanne Kujala, artista alemana afincada en Finlandia que posee una triple faceta como solista, músico de cámara e improvisadora. Susanne también es docente en la Academia Sibelius de la Universidad de las Artes de Helsinki, en la cual comparte su profundo conocimiento y pasión por su instrumento con las generaciones futuras. Ha sido la directora artística de festivales de gran relevancia como Brandneu 2022 en Kassel, Alemania, un certamen que apoya la nueva creación. Su interés por la música contemporánea se refleja en su extenso repertorio, que incluye más de 60 estrenos de obras de compositores de toda Europa. Precisamente el recital que ofrecerá en el marco del ciclo Bach Vermut será un reflejo de su pasión desmedida por el órgano y por la música actual, con un programa que incluye obras maestras del repertorio para órgano y un estreno absoluto.

El concierto se abrirá con el Preludio y fuga en sol mayor de Johann Sebastian Bach, una obra que posee fuertes influencias de la escuela organística del norte, de Buxtehude y Bruhns y requiere de gran virtuosismo. Punto de órgano de José Luis Turina, compositor residente en la temporada 23/24 del CNDM, será la siguiente pieza que interpreta, una partitura que tiene un fuerte componente emocional porque fue escrita para el concierto inaugural del órgano Blancafort de la sala de cámara del Auditorio Nacional de Música. El recorrido continuará con el emocionante Coral nº 2 en si menor de César Franck, cuyo pasaje central tiene una gran energía. Después, asistiremos al estreno en España de Cyclone, concebida por el acordeonista y compositor finés Veli Kujala, una exigente tocata llena de texturas diferentes y cambios de ritmo que evoca el viento y el caprichoso ojo de un ciclón. El concierto finalizará con un homenaje del compositor alemán Max Reger a J.S. Bach, con su Fantasía y fuga sobre B-A-C-H.

Olga Peretyatko

Llegaba por primera vez a este ciclo la soprano Olga Peretyatko, acompañada por el pianista, también ruso, Semjon Skigin. Lo hacía con un repertorio curioso, original y reivindicando dos figuras femeninas dentro del mundo de la composición y la interpretación: Clara Schumann (1819-1896) y Pauline García Viardot (1821-1910).

Con un carácter claramente romántico y casi personal, Pereryatko fue introduciendo, en un esforzado y muy meritorio castellano, cada una de las piezas que iba a interpretar. Se trataba de situaciones cotidianas, casi anécdotas personales de las propias compositoras con sus respectivas parejas, Robert Schuman y el escritor Ivan Turguénev. Todos los textos estaban perfectamente elegidos para acompañar cada una de las piezas y el resultado fue un delicioso recital en el que se respiró una atmósfera íntima que te transportaba a esos momentos.

La primera parte, más liederista, estuvo dedicada a Clara y Robert Schumann, con un par de obras de Brahms, que estuvo muy bien traído por la relación personal que tuvo con la pareja. Realizó un recorrido, casi cronológico, por la vida del compositor alemán y su esposa. Desde que se conocieron, con la interpretación de Liebst du um schönheit (Si amas la belleza), hasta el Requiem, op. 90, nº 7, evocando el triste final de Robert Schumann, con el que terminó esta última parte.

La segunda parte estuvo dedicada a composiciones de La Viardot, donde el cambio de estilo era evidente. Fue en la interpretación de estas obras donde se produjo un mayor lucimiento vocal de Pereryatko, que hizo alarde de sus cualidades de soprano ligera. Sobre todo, en la única pieza que no era de Viardot, Solovei [El ruiseñor], de Alexander Aliábiev, cargada de pirotecnia vocal y que acompañaba una anécdota que la compositora tuvo en Rusia durante una función de ópera.

Pereryatko posee unos potentes agudos, pero se mueve con facilidad por todo el registro. Tiene una línea vocal perfectamente delineada, un fraseo ágil y una dicción limpia. Demostró una gran técnica y control en la emisión, sin aparente esfuerzo. Sobre el escenario hizo gala de una gran elegancia y carisma.

Estuvo acompañada al piano por Semjon Skigin, que demostró su jerarquía y experiencia en el teclado, sobre todo en la segunda parte, donde tuvo algunos momentos brillantes.

Pero lo mejor, por si pensábamos que no era posible, nos esperaba en forma de propina. Y como no, el bis también tuvo su introducción. Nos habló de la admiración que Viardot tenía hacia uno de sus roles fetiches, Norma. Y nos regaló e iluminó con una Casta diva que evocaba  a María Callas o a Monserrat Caballé, que dio vida a Norma sobre este mismo escenario en 1978, junto a Pedro Lavirgen y Fiorenza Cossoto, dirigidos por el maestro Enrique García Asensio.

Sin duda, una noche especial.

CarlosMena

El contratenor Carlos Mena junto al Grupo Enigma, dirigido por Asier Puga, presentan en Madrid su nuevo proyecto, Soliloquio(s). Tras su exitoso paso por Zaragoza y Barcelona en el marco de los Circuitos Nacionales del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), esta cita permitirá al público madrileño sumergirse en un original programa que va más allá de la idea de concierto y que propone una experiencia musical y audiovisual inolvidable. Este concierto inaugural del ciclo gratuito Series 20/21 del CNDM tendrá lugar el lunes 23 de octubre a las 19:30 horas en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Fundado en 1995, el Grupo Enigma es una de las orquestas de cámara de referencia del panorama actual. Agrupación residente del Auditorio de Zaragoza desde sus inicios, se ha consolidado a través de una programación audaz en continuo estado de cruce, donde la tradición entra en diálogo con las formas de expresión más contemporáneas. En esta ocasión, junto al gran contratenor Carlos Mena, darán vida a un ecléctico programa que pone en valor las poderosas reflexiones de personalidades muy influyentes de la sociedad.

Los soliloquios planteados en este primer concierto de Series 20/21 hablan de temas tan diversos como la libertad, la percepción auditiva, el acto de crear o la vida y la muerte. El repertorio aglutina piezas de Calderón de la Barca, Pauline Oliveros, Gilles Deleuze, Francesco Filidei y dos estrenos de Iñaki Estrada Torío y Núria Giménez-Comas, este último una obra encargo del CNDM sobre textos del activista queer Paul B. Preciado y fragmentos de la pieza teatral The land of heart’s desire del dramaturgo y poeta William Butler Yeats.

Más allá de un concierto convencional

Este concierto propone vivir una experiencia musical para todos los sentidos, ya que también incluye piezas habladas y audiovisuales. El programa comienza con el fragmento final del célebre Monólogo de Segismundo de La vida es sueño de Calderón de la Barca, un soliloquio que invita a pensar sobre el soñar y la libertad propia como soñadores. En Bye, bye, butterfly, la compositora Pauline Oliveros propone una novedosa subversión de Madama Butterfly de Giacomo Puccini en la que reivindica el papel de la mujer en la sociedad.

El recorrido continúa con el mencionado estreno absoluto de una obra encargo del CNDM a la compositora Núria Giménez-Comas, The land of heart’s desire, sobre textos de Paul B. Preciado y W. B. Yeats, en la cual la magnífica voz de Carlos Mena se entrelazará con sonoridades jazzísticas. El otro estreno lo protagonizará la obra Voices de Iñaki Estrada Torío, que nació como encargo de Asier Puga para el Grupo Enigma y que reflexiona sobre la voz como un instrumento más.

Cierran el programa un extracto de la conferencia Qu’est-ce que l’acte de création?, que ofreció el filósofo francés Gilles Deleuze en 1987 y en la cual habla sobre el acto de la  creación y del arte como forma de resistencia; y Finito ogni gesto, del organista, compositor y alumno de Salvatore Sciarrino, Francesco Filidei. Este concierto es una coproducción del CNDM con L’Auditori, el Festival Mixtur y el propio Grupo Enigma.

Dustin O’Halloran

El pianista y compositor neoclásico Dustin O’Halloran (Arizona, 1971), reconocido internacionalmente por sus singulares contribuciones a las bandas sonoras y nominado a prestigiosos premios como los Oscar, debuta en el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) para presentar su evocador proyecto Silfur (2021). Se trata de un trabajo que vio la luz durante la pandemia y en el que este artista explora la relación entre música y tiempo. O’Halloran estará acompañado por la violinista Margaret Hermant y la violonchelista Charlotte Danhier. El concierto tendrá lugar en el marco del ciclo Fronteras el próximo viernes 20 de octubre, a las 19:30 horas, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música.

Dustin O’Halloran no solo es un reconocido artista en el mundo de la música, sino que para el público su nombre es sinónimo de vivir una experiencia. Considerado como un compositor tremendamente imaginativo y un intérprete con un estilo minimalista soberbio, O’Halloran ha tejido a lo largo de su carrera un entramado musical que evoca emociones y paisajes sonoros sugerentes. Desde sus inicios con la banda dreampop Dēvics, hasta su consagración como solista y compositor cinematográfico, su evolución musical ha sido una constante ascensión hacia la excelencia musical.

Las melodías de su álbum debut, Piano Solos (2004), inspiraron a Sofia Coppola en su trabajo para la película Marie Antoinette (2006), marcando así el inicio de su carrera en el cine. Su habilidad para fusionar la música clásica con las vanguardias contemporáneas le llevaron a poder colaborar con renombrados compositores como Jóhann Jóhannsson. O’Halloran ha formado parte del grupo A Winged Victory For The Sullen y ha grabado diez álbumes de bandas sonoras, uno de ellos con el aclamado pianista y compositor Hauschka, quien también visitará la programación del CNDM el 27 de abril de 2024 y con quién trabajó en la banda sonora de la película nominada al Óscar Lion (2016).

Viaje al pasado

En Silfur, su más reciente trabajo en solitario publicado bajo el prestigioso sello Deutsche Grammophon, O’Halloran propone un viaje que examina el tiempo y el lugar a través de reinterpretaciones de piezas seleccionadas de su vasto repertorio. Es un proyecto que cuenta con las colaboraciones del compositor y multiinstrumentista estadounidense Bryan Senti, la violonchelista islandesa Gyða Valtýsdóttir y el Siggi String Quartet, y que refleja una década de crecimiento artístico.

O’Halloran, que vive a caballo entre Reikiavik y Los Ángeles, ideó este álbum durante la pandemia. Al no poder regresar a California debido a las restricciones sanitarias, dedicó su tiempo de aislamiento a componer en un estado de introspección y quietud, y revisitó obras de cuatro álbumes en solitario para darles una nueva dimensión. En esta colección de delicadas piezas se explora la búsqueda de la belleza y la perspectiva cambiante de la música a través del tiempo. De todo ello será testigo el público en el Auditorio Nacional de Música, en una cita que promete ser una velada inolvidable.

Olga Peretyatko

En el marco de la celebración del 30º aniversario del Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en el Teatro de la Zarzuela, la famosa soprano Olga Peretyatko (San Petersburgo, 1980) protagonizará su esperado debut en este ciclo el lunes 16 de octubre a las 20:00 horas. La cita supone un hito significativo en la programación porque combina la maestría vocal de Peretyatko, considerada una gran estrella de la lírica actual, con la reivindicación de la obra de dos compositoras esenciales en la historia de la música, Clara Schumann y Pauline Viardot, las cuales estarán muy presentes en la velada. En este programa, la cantante estará acompañada por el pianista Semjon Skiging.

Con una carrera ampliamente consolidada a sus espaldas, Olga Peretyatko es aclamada por su voz versátil y su carisma arrollador. Su repertorio abarca compositores tan diversos como Wolfgang Amadeus Mozart, Gioachino Rossini o Giuseppe Verdi. Su inigualable voz y su habilidad para conectar emocionalmente con el público la ha llevado a los escenarios más prestigiosos del mundo, como la Ópera Estatal de Viena o el Metropolitan de Nueva York. La visita de esta gran diva de la ópera al Ciclo de Lied del CNDM supone una gran oportunidad para disfrutar de su maestría vocal en un formato íntimo. El público será testigo de la magia de Peretyatko en una interpretación que promete ser conmovedora.

La grandeza de dos compositoras

El programa que se interpretará en esta segunda cita del ciclo fusiona la intimidad del lied con la grandeza de Clara Schumann y Pauline Viardot, artistas eclipsadas durante años por la figura de su marido y su padre respectivamente.

Clara Schumann no solo fue la esposa de Robert Schumann, sino también una pianista y una compositora excepcional. Su talento se refleja en piezas como Liebst du um Schönheit o Er ist gekommen in Sturm und Regen, donde la profundidad emocional está fuertemente presente. Por su parte, Pauline García Viardot, hija del tenor Manuel García -una de las personas más influyentes de la ópera del siglo XIX- y hermana de la diva del Romanticismo María Malibrán, fue una mezzosoprano y compositora que dejó su impronta en el repertorio lírico con obras como Haï luli! y Berceuse cosaque.

Además de estas joyas musicales que abarcan desde el romanticismo pasional de C. Schumann hasta la vivacidad de P. Viardot, el programa se completa con piezas icónicas de Johannes Brahms, Robert Schumann y Alexander Alyabyev, ofreciendo al público una paleta musical diversa y emocionante.

Accademia del Piacere

Tras su paso por el Festival Internacional Wratislavia Cantans en Polonia, en una coproducción del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), Accademia del Piacere continúa su programación como grupo residente de esta institución en la temporada 23/24. En esta ocasión, con un concierto que reivindica la labor de la mujer creadora en la composición barroca, centrándose en la genial figura de Barbara Strozzi. Junto a la gran soprano Núria Rial, el ensemble fundado y liderado por el virtuoso violagambista Fahmi Alqhai abrirá así el ciclo Universo Barroco, el miércoles 18 de octubre a las 19:30 horas, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música. El grupo también presentará este mismo repertorio en los Circuitos del CNDM, el lunes 16 de octubre a las 20:30 horas, en el ciclo Salamanca Barroca.

Reconocido por su singularidad, la innovación de sus propuestas y su capacidad para trascender los límites de distintas manifestaciones artísticas, Accademia del Piacere está considerado como uno de los grupos españoles especializados en música histórica con mayor proyección internacional. En esta ocasión, los músicos sevillanos unen fuerzas con la aclamada cantante Núria Rial, con quien colaboran habitualmente y han recibido galardones como el Premio Opus Klassik al Mejor Recital de Ópera 2020 por el trabajo conjunto Muera Cupido. En el programa Udite amanti. Barbara Strozzi volverán a demostrar su complicidad y su fuerte personalidad artística brindando al público del CNDM la oportunidad de adentrarse en la vida y obra de esta figura emblemática del barroco.

Reivindicación de la mujer compositora

Este concierto tiene el objetivo de reivindicar y dar luz a la labor de las mujeres en la música, especialmente en períodos donde su contribución fue minimizada o eclipsada.

Barbara Strozzi, hija del famoso libretista Giulio Strozzi, emerge como la principal protagonista de la noche. Educada por el maestro Francesco Cavalli, deslumbró en las academias venecianas del seicento y se erigió como una compositora prolífica, la más publicada de su siglo. Pese a su independencia económica, no estuvo exenta de controversias y críticas, pero su legado musical, predominantemente de temática amorosa, es indiscutible. Obras como Che si può fare? o Amor dormiglione, que sonarán en el concierto, son muestras de su genialidad.

Completan el repertorio, arias, sonatas y chaconas de la escuela veneciana del siglo XVII, cumbre de la música europea de aquel momento. En estas piezas, que sirven como preludios e interludios a las obras vocales de Strozzi, resaltan la intensidad expresiva de aquellos que fueron pioneros en la ópera. Con obras de Biagio Marini, Tarquinio Merula y Johann Rosenmüller, entre otros, la velada promete ser una inmersión completa en la riqueza del barroco. El concierto también contará con improvisaciones de Fahmi Alqhai, ofreciendo al público una experiencia musical única y enriquecedora.

Fotografía ® FELIX VAZQUEZ

Lise Davidsen

El prestigioso Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela celebra su 30º aniversario con el esperado debut en esta programación de la soprano noruega Lise Davidsen, aclamada internacionalmente como una de las voces líricas más destacadas de su generación, que se presentará por primera vez en el ciclo junto al refinado pianista James Baillieu. El recital tendrá lugar el próximo lunes 9 de octubre a las 20:00h en el Teatro de la Zarzuela.

Reconocida por su gran capacidad vocal y su carismática presencia escénica, Davidsen (Stokke, 1987) ha actuado en los escenarios más importantes del mundo. Su recital en el marco del 30º aniversario de la programación será una oportunidad no solo para disfrutar de su arte, sino también para celebrar la calidad y la excelencia que este ciclo del CNDM y el Teatro de la Zarzuela ha mantenido a lo largo de tres décadas.

Desde Grieg hasta Sibelius

El programa que Davidsen ofrecerá hará un recorrido por canciones nórdicas (obras de Jean Sibelius y Edvard Grieg) y de dos autores representativos de Centroeuropa (obras de Franz Schubert y Alban Berg).

El programa se abrirá con el intimista Fem Digte af Otto Benzon, op. 69 de Edvard Grieg, el más célebre compositor noruego de la historia, una obra con la que el público será transportado a los paisajes nórdicos y a la esencia romántica de la música escandinava. Las composiciones seleccionadas para este recital de Alban Berg aportarán una dosis de modernidad y vanguardia con Sieben frühe Lieder, un ciclo de siete canciones que escribió mientras recibía lecciones del revolucionario compositor Arnold Schoenberg.

Davidsen también abordará icónicos lieder de Franz Schubert como son Gretchen am Spinnrade y Erlkönig, que mostrarán la riqueza melódica y emocional por la que es ampliamente reconocido este maestro austríaco. Cada una de sus obras es un microcosmos de sentimientos y pasiones. El recital finalizará con Jean Sibelius y sus emocionantes Fem sånger, op. 37 y Svarta rosor, op. 36.

Kenny Barron

El ciclo Jazz en el Auditorio, impulsado por el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), inaugura la temporada 23/24 con una de las figuras más icónicas y veneradas de la escena jazzística internacional: el consagrado pianista y compositor Kenny Barron (Filadelfia, 1943). El músico presentará The Source, su nuevo álbum, el próximo viernes 6 de octubre a las 20:00h en la sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música. En este recital cargado de lirismo, Barron brindará al público del CNDM la oportunidad de asistir a una velada en la que promete mostrar su maestría e inmensa aportación al mundo del jazz.

Con más de cincuenta años de carrera a sus espaldas, Kenny Barron ha establecido un legado irrefutable en la historia del jazz. Este pianista no solo es reconocido por su técnica impecable y su estilo distintivo, sino también por su habilidad para evolucionar y adaptarse a los cambios del género, mientras mantiene su esencia y autenticidad. A lo largo de las décadas, ha colaborado con gigantes del jazz, desde Dizzy Gillespie, trompetista clave en el desarrollo del bebop y del jazz moderno; hasta Stan Getz, uno de los más importantes saxofonistas tenores de la historia del jazz. Barron es un pionero, un educador y un innovador cuyo talento ha inspirado a generaciones de músicos y amantes del jazz.

Un viaje íntimo a la pureza del jazz

El concierto del CNDM será una gran ocasión para conocer el proyecto más reciente de Kenny Barron, que marca su primera grabación en solitario desde su aclamado disco de 1981, Kenny Barron At The Piano. Como un espejo que refleja cuatro décadas de evolución artística, The Source es una celebración de la maestría de Barron en su máxima expresión. El álbum contiene joyas originales del pianista, como What If, Dolores Street, Sunshower y Phantoms, así como tributos a grandes maestros jazzísticos, con temas de Thelonious Monk, pianista fundador del bebop, o composiciones de Duke Ellington y Billy Strayhorn.

Sobre las tablas del Auditorio Nacional de Música, Barron nos descubrirá la esencia del jazz, presentando su música con una honestidad pura a través de notas que se desplazan entre el jazz tradicional, la música clásica, el blues, la bossa nova o la improvisación libre. Un testimonio del arte del piano en solitario que anima a aventurarse más allá, explorando nuevos horizontes musicales.

Cuarteto Cosmos

El ciclo Liceo de Cámara XXI del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) inicia su andadura con un concierto protagonizado por el Cuarteto Cosmos, una de las formaciones de cámara emergentes más destacadas del panorama actual. Esta agrupación interpretará el Octeto (2004) del compositor y clarinetista Jörg Widmann -que fue compositor residente del CNDM en su temporada 2016/17- y el Octeto en fa mayor, D 803 (1824) del maestro Franz Schubert, dos grandes obras distanciadas en el tiempo por casi dos siglos pero con varios puntos en común. El concierto tendrá lugar el jueves 5 de octubre a las 19:30h en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música.

Nacido en 2014 de la amistad y complicidad de cuatro músicos con el objetivo de descubrir y profundizar el fascinante repertorio para cuarteto de cuerda, el Cuarteto Cosmos está considerado como una de las formaciones camerísticas más importantes de nuestro país. Está integrado por Helena Satué y Bernat Prat (violines), Lara Fernández (viola) y Oriol Prat (violonchelo). En esta ocasión, los cuatro intérpretes se rodearán de músicos invitados con los que comparten fuertes vínculos para expandir su formación y enfrentar dos de las composiciones más apasionantes del repertorio de cámara en formato de octeto.

De Widmann a Schubert

El Cuarteto Cosmos interpretará un repertorio basado en obras de Jörg Widmann y Franz Schubert, compositores separados en el tiempo, pero que comparten una profunda sensibilidad y un genio innovador. Su música, que abarca desde las audacias contemporáneas hasta la introspección romántica, será un reflejo del vasto universo expresivo de la música de cámara.

El cuarteto y sus invitados comenzarán con el Octeto de Widmann, un compositor contemporáneo que, con su inigualable habilidad para fusionar lo clásico con lo moderno, ha revolucionado el mundo musical del siglo XXI. La obra de Widmann es una reflexión sonora sobre la tradición y la contemporaneidad, con ecos de las formas clásicas y sorprendentes giros y timbres modernos.

Posteriormente, los músicos deleitarán al público del CNDM con el Octeto en fa mayor de Schubert. Esta obra, una de las joyas indiscutibles del repertorio de música de cámara, encapsula la genialidad melódica y la profundidad emocional del maestro del Romanticismo. La obra presenta un viaje a través de variados paisajes sonoros y su interpretación promete ser uno de los momentos más esperados del concierto.

Salamanca Barroca

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM, unidad del INAEM, del Ministerio de Cultura y Deporte) y la Universidad de Salamanca (USAL) promueven la undécima edición del ciclo Salamanca Barroca, iniciativa referente en el ámbito nacional de la interpretación historicista. Esta coproducción se ha presentado hoy de la mano de la vicerrectora de la Universidad de Salamanca, Celia Aramburu; la directora adjunta y coordinadora artística del CNDM, Maider Múgica; el director del Servicio de Actividades Culturales, Luis Barrio; y el director de la Academia de Música Antigua USAL, Bernardo García-Bernalt.

Abierto siempre a las propuestas emergentes y a las iniciativas de los intérpretes nacionales e internacionales más consagrados, Salamanca Barroca se ha convertido en un escaparate de las mejores propuestas barrocas. Este año, la programación pone el foco en el papel de la mujer creadora en la composición barroca, con diversos proyectos que explorarán el repertorio de compositoras entre las que destaca Barbara Strozzi.

El ciclo ofrecerá once conciertos del 2 de octubre al 18 de junio de 2024. En paralelo y en el marco de las actividades pedagógicas del CNDM, la Universidad de Salamanca organizará sus prestigiosos cursos de canto histórico y de cuerda barroca impartidos por músicos de referencia como Itziar Atutxa, Carlos Mena, Pedro Gandía y Andoni Mercero.

La mejor música barroca

La Orquesta Barroca de la USAL abrirá la programación el lunes 2 de octubre y la cerrará el martes 18 de junio con dos conciertos ejemplares. En el primero, de la mano del violinista y director Pedro Gandía y con el flautista Guillermo Peñalver como solista, se ofrecerá una selecta antología de música tardobarroca europea que refleja la diversidad de estilos de la época. El de clausura, con el gran violinista Shunske Sato como solista y director, avanzará en el tiempo para hacer un retrato sonoro del genio de Salzburgo Wolfgang Amadeus Mozart.

Accademia del Piacere, agrupación fundada y liderada por el violagambista Fahmi Alqhai y grupo residente en la temporada 23/24 del CNDM, actuará el lunes 16 de octubre. Junto a la reconocida soprano Núria Rial, reivindicará la labor de la mujer creadora en la composición barroca, con un concierto que se centrará en la genial figura de Barbara Strozzi.

El particular universo de la viola da gamba resonará de nuevo el lunes 20 de noviembre de la mano de Sara Ruiz, al frente del Consort de Violas da Gamba de la USAL. Interpretarán una de las obras más bellas y conocidas para este instrumento de la historia de la música: la colección Lachrimae de John Dowland. También en noviembre, el lunes 27, tendrá lugar uno de los conciertos más esperados del ciclo, el de Vox Luminis, una de las formaciones más prestigiosas del mundo de la interpretación historicista, bajo la dirección de Lionel Meunier. En este concierto extraordinario (fuera de abono) se podrá escuchar el sobrecogedor Officium defunctorum de Tomás Luis de Victoria, una de las obras cumbre del repertorio español, junto a varios motetes del abulense y de Cristóbal de Morales.

El miércoles 31 de enero, el Euskal Barrok Ensemble y Enrike Solinís, esta vez como laudista, solista y director, presentarán un extraordinario programa en el que se revive una práctica común del Barroco: la transcripción, en este caso realizada por el propio Solinís y la apropiación de repertorios originalmente escritos para otros instrumentos, de famosos conciertos y compuestos por grandes compositores como Antonio Vivaldi, George Frideric Haendel o Johann Sebastian Bach.

El martes 20 de febrero, otro de los mejores y más veteranos ensembles nacionales en la interpretación historicista, Al Ayre Español, liderado por el pionero clavecinista y director Eduardo López Banzo, abordará un apasionante repertorio centrado en la música italiana, con una incidencia especial en obras del revolucionario Arcangelo Corelli.

Por su parte, el contratenor y director Carlos Mena presentará el lunes 11 de marzo un interesante proyecto que ha diseñado para el Concento de Bozes de la USAL: una cuidada antología vocal de compositoras del Barroco, muchas de ellas olvidadas por la musicología tradicional y que se recuperan en esta ocasión especial para reflejar todo su esplendor.

El siguiente concierto será el lunes 29 de abril, con Forma Antiqva, que regresa a este ciclo con su versión de Los elementos de Antonio Literes, una de las obras maestras del famoso compositor del Barroco español, con un brillante elenco vocal en el que habrá una representación importante de cantantes que han pasado por las aulas de la Academia salmantina. Siguiendo en el mundo vocal, la Academia de Música Antigua de la USAL, con su Coro de Cámara y bajo la dirección de Bernardo García-Bernalt, realizará el lunes 6 de mayo un recorrido por la cantata coral luterana partiendo de Jacob Weckmann y desembocando en Johann Sebastian Bach.

Finalmente, el Hathor Consort de la violagambista Romina Lischka invitará al público salmantino a sumergirse en el apogeo del repertorio para viola da gamba, con un programa que reúne obras de Marin Marais o Antonie Forqueray, entre otros.

Abonos y localidades

Los abonos para el ciclo Salamanca Barroca (10 conciertos, sin el extraordinario) ya están disponibles con un precio de 96€ (general) y de 76€ (estudiantes y comunidad universitaria); mientras que las localidades para cada uno de los conciertos, así como para el concierto extraordinario (fuera de abono), también están disponibles desde 10€ (general) y 8€ (estudiantes y comunidad universitaria). El concierto extraordinario tiene un precio de 18€ (general) y 14€ (estudiante). La compra puede hacerse a través de la web http://sac.usal.es y en la taquilla media hora antes del concierto (excepto si se agotan).

Museo Vostell Malpartida

Esta mañana, Francisco José Palomino Guerra, Secretario General de Cultura de la Consejería de Cultura, Turismo, Jóvenes y Deportes de la Junta de Extremadura, Francisco Lorenzo, director del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM, unidad del INAEM, Ministerio de Cultura y Deporte), Alfredo Aguilera Alcántara, alcalde de Malpartida de Cáceres, José Antonio Agúndez, director-gerente del Consorcio Museo Vostell Malpartida, y Alberto Flores, técnico de Arte del Museo Vostell Malpartida y coordinador del ciclo, han presentado en el Palacio Carvajal de Cáceres la vigesimoquinta edición del Ciclo de Música Contemporánea del Museo Vostell Malpartida, actividad de carácter internacional centrada en la diversidad del arte sonoro y las músicas experimentales.

Los intervinientes han destacado la importancia de este ciclo, que abrió nuevos terrenos cuando inició su andadura en el año 1999. También se ha señalado el extraordinario trabajo curatorial desarrollado por José Iges en las primeras ocho ediciones del evento y se ha incidido en la calidad de los músicos y artistas sonoros invitados a lo largo de cinco lustros.

Una parte significativa de la programación incluye a intérpretes y compositores qua han participado en ediciones precedentes del ciclo. Así, el concierto inaugural volverá a subir al escenario del Museo Vostell Malpartida a Llorenç Barber, que realizó en solitario uno de los conciertos de la primera edición y regresa el jueves 14 de septiembre, acompañado ahora por Montserrat Palacios, para presentar el concierto titulado “Fluxus transit sine tempore”. En la jornada siguiente, el viernes 15, el poeta sonoro holandés Jaap Blonk -que participó en la novena edición del ciclo- compartirá escenario con el percusionista alemán Michael Vorfeld, que se presenta por primera vez en el museo.

Como broche de oro de la primera semana, el sábado 16 se producirá (excepcionalmente, en horario de mañana) el estreno absoluto de la composición de Alberto Bernal para bandas en movimiento titulada “Dé-coll/age”, bajo la dirección de Javier González Pereira, que también participará como performer. Bajo la denominación de La Raya Bandas Collective, participarán integrantes de la Agrupación Musical “Los Arcos”, de Malpartida de Cáceres, la Banda de Música de Alburquerque y la Banda Municipal de Música de Cáceres, quienes nos permitirán interrogarnos acerca de la experiencia compartida que supuso la creación en Los Barruecos de las esculturas de Wolf Vostell “VOAEX. Viaje de (H)ormigón por la Alta Extremadura” (1975) y “El muerto que tiene sed” (1977), para cuya realización fue fundamental la colaboración de muchos malpartideños. La obra pondrá el foco en el privilegio de poder trabajar juntos en un proceso colectivo.

La segunda semana se iniciará con una actividad educativa y un concierto específico de Sarah Rasines, que previamente habrá realizado una residencia en el Archivo Happening Vostell. La artista sonora burgalesa presentará el 21 de septiembre un concierto específico que combinará sus propias composiciones con el contenido de casetes conservados en el citado archivo o editados por el sello discográfico Crystal Mine, que dirige desde 2018. Como colofón, el 22 de septiembre se celebrará un concierto de música libremente improvisada a cargo de los músicos lusos Margarida Garcia y DJ Marfox (este último, uno de los máximos exponentes de la escena de música electrónica afro-portuguesa) y el artista sonoro e improvisador vizcaíno Mattin.

Los conciertos de los días 14, 15, 21 y 22 tendrán lugar en el lavadero de lanas del Museo Vostell Malpartida a partir de las 20.30 horas con entrada gratuita hasta completar aforo, mientras que el concierto del día 16 se celebrará a las 12:00 horas en el Monumento Natural de Los Barruecos. Como viene siendo habitual, el ciclo incluye un programa de encuentros educativos que darán comienzo a las 19:30 horas los días 14, 21 y 22 de septiembre.

Esta edición es una coproducción del Centro Nacional de Difusión Musical (dependiente del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música del Ministerio de Cultura y Deporte), el Consorcio Museo Vostell Malpartida, la Consejería de Cultura, Turismo, Jóvenes y Deportes de la Junta de Extremadura, el Ayuntamiento de Malpartida de Cáceres y la Diputación de Cáceres. Con la colaboración del Instituto Camões, la Asociación de Amigos del Museo Vostell Malpartida, el Gabinete de Iniciativas Transfronterizas y el Restaurante del Museo Vostell Malpartida.

Centro Cultural Miguel Delibes

El consejero de Cultura, Turismo y Deporte de la Junta de Castilla y León, Gonzalo Santonja, junto al director del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), Francisco Lorenzo, y el gerente de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, Jesús Herrera han presentado hoy la segunda edición del ‘Ciclo de Recitales y Música de Cámara’ de Valladolid.  La programación contará con diez conciertos de los cuales el CNDM coproduce tres, que estarán protagonizados por el Cuarteto Cosmos (4 de octubre), el Cuarteto Casals (9 de enero) y el Cuarteto Quiroga (1 de junio). Los conciertos tendrán lugar en el Centro Cultural Miguel Delibes desde el mes de octubre y hasta el mes de junio del próximo año.

Con esta nueva coproducción, el CNDM amplía su oferta cultural e incorpora Valladolid a sus Circuitos Nacionales, los ciclos y festivales que organiza con el objetivo de articular una programación musical plural y de calidad por toda la geografía española. Además de en esta ciudad castellanoleonesa, el CNDM estará presente en esta región durante su temporada 23/24 en las ciudades de Ávila, Burgos, Salamanca, Segovia y León. Esta colaboración representa un paso más en su compromiso por desarrollar proyectos de alta calidad fuera de las grandes capitales que refuerzan la vertebración del territorio.

El ciclo de Recitales y Música de Cámara tiene una programación que incluye la participación de los tres cuartetos más reconocidos del panorama nacional, junto a agrupaciones de la OSCyL y solistas de primer nivel. En el marco de la presentación, Gonzalo Santonja ha destacado “el entusiasmo que genera este nuevo ciclo tras el éxito del celebrado la pasada temporada y que contribuye a fortalecer el proyecto artístico de la OSCyL”. Por su parte, Francisco  Lorenzo ha destacado el apoyo que supone a los intérpretes españoles y, en particular, a las agrupaciones camerísticas: “Hace 20 años, en nuestro país apenas existían agrupaciones de este tipo. Y gracias al esfuerzo del sector, a la valía de nuestros músicos y a coproducciones como esta, España está viviendo un momento ejemplar en relación a la música de cámara”.10 conciertos de octubre a junio

El primer recital será el miércoles 4 de octubre, a cargo del Cuarto Cosmos. Fundado en 2014 y premiado en numerosos concursos de relevancia internacional, interpretará dos obras separadas por casi dos siglos en el tiempo: el Octeto en fa mayor de Franz Schubert y el Octeto de Jörg Widmann, uno de los compositores más interesantes del momento. El cuarteto está formado por Bernat Prat, violín; Helena Satué, violín; Lara Fernández, viola y Oriol Prat, violonchelo. El recital contará, además, con artistas invitados.

El 12 de noviembre será el turno del guitarrista de música popular brasileña Yamandu Costa, que ofrecerá un concierto que mostrará la variedad del folclore brasileño y diversos ritmos latinoamericanos.

El 18 de diciembre, el violinista y director de orquesta vallisoletano Roberto González-Monjas, asiduo de la OSCyL y quien fuera principal artista invitado del Centro Cultural Miguel Delibes, ofrecerá un recital junto con el pianista alemán Herbert Schuch.

El 9 de enero, llegará la segunda de las colaboraciones con el CNDM, a través del más veterano de los tres cuartetos españoles que conforman esta colaboración: el Cuarteto Casals, formado por Abel Tomàs, violín; Vera Martínez Mehner, violín; Jonathan Brown, viola y Arnau Tomàs, violonchelo. Interpretará la conocida obra de Johann Sebastian Bach, El arte de la fuga.

El clarinetista sueco Martin Fröst unirá fuerzas junto a instrumentistas de cuerda de la OSCyL el 21 de febrero, para interpretar el famoso Quinteto con clarinete de Wolgang Amadeus Mozart, así como una selección de su álbum Night Passages, con la participación de Sébastien Dubé al contrabajo.

El 22 de marzo, un Ensemble de la  OSCyL dirigido por Jorge Francés, ofrecerá una versión brillante del Viaje de invierno de Schubert, escrita por Hans Zender y cantada por el tenor Werner Güra.

Otro de los grupos españoles jóvenes más prometedores, el cuarteto de saxofones Kebyart estará en el CCMD el 13 de abril, tras la gira que acaba de concluir por algunas de las salas más importantes de Europa, con un programa que ofrece un muestrario sonoro con la danza como eje central: desde el Barroco francés de Jean-Philippe Rameau, a la retrospectiva vanguardista hacia el estilo barroco realizada por Maurice Ravel.

El 5 de mayo, el célebre Cuarteto Casals ofrecerá un recital que incluye el noveno de los cuartetos para cuerda de Dmitri Shostakóvich. En la segunda parte del programa, el Cuarteto Casals unirá fuerzas con doce músicos de cuerda de la OSCyL para interpretar una de las grandes obras del repertorio: el gran Octeto, op. 20 de Felix Mendelssohn, en una versión extendida para dieciséis músicos.

Tras su actuación con la OSCyL en enero de 2022, el poeta del piano y virtuoso argentino Nelson Goerner ofrecerá, el 18 de mayo, en formato de recital, un programa con obras de Georg Friedrich Händel, Robert Schumann, Serguéi Rajmáninov y Mili Balákirev.

El 1 de junio concluye la programación con la última de las colaboraciones en esta temporada del ciclo con el CNDM, a través del Cuarteto Quiroga, grupo residente de la temporada 23-24 del Centro Nacional de Difusión Musical en la celebración de su vigésimo aniversario y que aprovechará para presentar una nueva obra de una de las compositoras referentes de la actualidad en nuestro país: Raquel García Tomás. La formación también interpretará la primera entrega de la monumental serie de cuartetos beethovenianos, así como cuartetos de Béla Bartók y Arnold Schönberg.

Entradas y abonos a la venta

Los abonos, con precios entre 112 y 150 euros para los diez conciertos, y las entradas, con precios entre 15 y 20 euros, estarán a la venta a partir del lunes 18 de septiembre, con abonos que fomentan la fidelización del público a través de descuentos y precios especiales para los abonados de la OSCyL. Además, también se contemplan descuentos para los colectivos de mayores de 65 años, desempleados, personas con discapacidad y familias numerosas, así como para estudiantes de música de Castilla y León. Venta en las taquillas del Centro Cultural Miguel Delibes y en https://www.centroculturalmigueldelibes.com/

CNDM

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) estrena su nueva temporada con coproducciones en dos festivales internacionales: el Festival Internacional Wratislavia Cantans en Breslavia (Polonia), uno de los acontecimientos de música antigua más importantes de Europa, y en el Festival Mozart de la Habana (Cuba), un espacio de referencia en el estudio de los compositores europeos y su relación con los maestros cubanos. Ambas coproducciones se incorporan en esta nueva edición del CNDM a la amplia programación, que contará con 270 conciertos y actividades pedagógicas repartidas por 36 ciudades españolas y extranjeras.

Con este arranque de temporada, el CNDM pone de nuevo el foco en la difusión de la riqueza, la singularidad y la calidad del patrimonio musical español fuera de nuestras fronteras. Asimismo, refuerza su apoyo a los intérpretes españoles, quienes mostrarán al público extrajero joyas musicales del repertorio español.

Junto a la soprano valenciana Quiteria Muñoz, el grupo residente del CNDM en la nueva temporada, Accademia del Piacere, actuará el viernes 8 de septiembre en la 58º edición del Festival Internacional Wratislavia Cantans con un singular programa. Fundado y dirigido por el violagambista Fahmi Alqhai, la agrupación explorará algunas realidades mestizas de los siglos XV a XVII, mostrando melodías alegres muy influenciadas por las músicas populares, la mezcla de estilos o danzas como la chacona o el fandango, entre otras. El domingo 10 será el turno de Musica Boscareccia, ensemble creado por la soprano Alicia Amo y el violinista Andoni Mercero, con un programa dedicado a la música española del siglo XVIII en el que será de especial interés la recuperación histórica del Ave Regina de Francisco Corselli, uno de los compositores españoles barrocos más importantes.

En Cuba, el pianista canario Javier Negrín actuará los días 1 y 3 de octubre en el Festival Mozart de la Habana con dos propuestas de altísimo valor. Por un lado, un particular homenaje a Alicia de Larrocha en el que replicará el mismo programa que la icónica pianista le dedicó a Enrique Granados, en el Carnegie Hall, por el 100º aniversario de su muerte. Por otro, un concierto junto a la Orquesta del Lyceum de La Habana, donde se estrenará en Cuba la Partita nº 4 de Julián Orbón, compositor asturiano estrechamente vinculado a este país. Los días 4 y 6 de octubre tomará el relevo Harmonia del Parnàs, ensemble fundado y dirigido por la clavecinista Marian Rosa Montagut, con una cita dedicada a algunas de las arias más bellas y conocidas del repertorio español del siglo XVIII de autores como José de Nebra, Vicente Martín y Soler o Antonio Literes, y otro concierto que contará con la presencia del prestigioso Coro de Cámara Exaudi de La Habana.

Más citas musicales imprescindibles para este otoño

Además de estas coproducciones, el CNDM propone para la rentrée una variada oferta musical de altísima calidad, con planes para todos los gustos. Estas son algunas de las citas más destacadas.

  1. La música más experimental. En septiembre, el ciclo de música contemporánea del Museo Vostell Malpartida celebra su vigesimoquinto aniversario con una programación excepcional a la que regresan artistas que ya pasaron por el emblemático museo extremeño. Entre ellos, Llorenç Barber, un pionero del arte sonoro, que participó en solitario en la primera edición del ciclo y que, en esta ocasión, volverá junto a la artista Montserrat Palacios. Una oportunidad única para asistir a una iniciativa que se ha convertido en escaparate internacional de las músicas más experimentales.
  2. Veladas mágicas de piano. Los artistas Dustin O’Halloran (20 de octubre) y Víkingur Ólafsson (7 de noviembre) serán dos de los astros del piano actual que pisarán las tablas del Auditorio Nacional de Música para desatar emociones entre el público madrileño. En el marco del ciclo Fronteras del CNDM, el pianista y compositor O’Halloran, nominado al Óscar a mejor banda sonora por la aclamada Lion (2016), presentará Silfur, su debut para Deutsche Grammophon. Por su parte, Ólafsson ofrecerá su particular visión de las archiconocidas Variaciones Goldberg de Johann Sebastian Bach.
  3. Las mejores voces líricas. Este otoño, se cumple el trigésimo aniversario del ciclo de Lied del CNDM y el Teatro de la Zarzuela y, para celebrarlo, la programación ofrecerá doce recitales que harán las delicias de los amantes de la ópera y la lírica protagonizados por algunas de las mejores voces del panorama actual. La mezzosoprano Lise Davidsen (9 de octubre) y la soprano Olga Peretyako (16 de octubre) serán dos de las grandes voces que visitarán por primera vez este ciclo.
  4. Leyendas del jazz. Llega una nueva edición del consagrado ciclo de Jazz en el Auditorio del CNDM. En esta ocasión, la sesión inaugural correrá a cargo de Kenny Barron (6 de octubre), una auténtica leyenda viva del género. El artista protagonizará una íntima velada a solas con su piano en la que presentará The source, su primer proyecto en solitario desde su histórica grabación de 1981 Kenny Barron at the piano.
  5. Festín de música y gastronomía. En octubre también regresa el ciclo más popular del CNDM, Bach Vermut, que celebrará su décimo aniversario con ocho conciertos. En esta década, se ha convertido en uno de los ciclos más queridos del Auditorio Nacional de Música gracias a un formato novedoso que marida los mejores organistas del mundo, con jazz y gastronomía, que agota localidades y que seduce a nuevos públicos. El primer concierto correrá a cargo de la gran organista Susanne Kujala (28 de octubre).
Temporada CNDM
  • La decimocuarta temporada del CNDM constará de 270 citas (204 conciertos y 66 actividades pedagógicas) en 29 ciudades españolas y 7 ciudades en el extranjero.
  • Se recuperan 13 obras del patrimonio musical español, que verán su estreno en tiempos modernos en esta temporada, y se refuerza el compromiso con la creación contemporánea con 34 estrenos, 20 por encargo del CNDM; de los cuales 15 obras creadas por compositoras.
  • Se amplía la colaboración con los socios coproductores a más de 150 instituciones públicas y entidades privadas, que se han convertido a lo largo de estos años en columnas del CNDM.
  • Las residencias artísticas recaen en José Luis Turina, compositor residente, Accademia del Piacere y el Cuarteto Quiroga, grupos residentes.
  • En Madrid, se mantienen los ciclos Universo Barroco, Liceo de Cámara XXI, Jazz en el Auditorio, Andalucía Flamenca, Fronteras y Bach Vermut en el Auditorio Nacional de Música y se crea el nuevo ciclo Recordando a Alicia, en homenaje a la pianista Alicia de Larrocha. En el Teatro de la Zarzuela se mantiene el Ciclo de Lied que celebra su 30º. aniversario y en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el ciclo Series 20/21.
  • En los Circuitos Internacionales, se incorpora la coproducción con el Festival Wratislavia Cantans en Breslavia, Polonia y el Festival Mozart de la Habana en Cuba. Los Circuitos Nacionales se amplían a Arnuero (Cantabria), Valladolid y Vélez Blanco (Almería).
  • El público disfrutará de una ambiciosa programación con la visita de grandes voces como las de los contratenores Franco Fagioli, Philippe Jaroussky, las esperadas sopranos Jeanine de Bique, la mezzo Ann Hallenberg o el sopranista Samuel Mariño. Vuelven los mejores cuartetos de cuerda del panorama internacional, como el Cuarteto Casals, el Jerusalén, el Armida, el de la violinista Julia Fischer o el Cuarteto Quiroga, que estrenará varias obras en compañía de grandes intérpretes como Javier Perianes o Jörg Widmann. Celebraremos una doble cita con el piano minimalista con la presencia de Hauschka y Dustin O’Halloran, premiados autores de bandas sonoras. Disfrutaremos de veladas inolvidables con Zenet, la Premio Nacional de Danza Patricia Guerrero en una original propuesta con Accademia del Piacere, el consagrado pianista Kenny Barron o Chano Domínguez. Asistiremos a espectáculos de pura emoción flamenca con Rafael Riqueni y su sentido homenaje al maestro de la guitarra Manolo Sanlúcar o los “Sordera”, la primera saga flamenca que pisará el CNDM. Las aclamadas sopranos Lise Davidsen y Olga Peretyatko se presentarán en el prestigioso Ciclo de Lied, al que regresarán las extraordinarias voces de especialistas como Gerald Finley, Christian Gerhaher o Matthias Goerne, entre otros.
  • Se abre el periodo de renovación de abonos hasta el 27 de junio. El periodo de venta de nuevos abonos comenzará el 30 de junio y se prolongará hasta el 9 de septiembre. Venta libre de localidades a partir del 12 de septiembre. Descuentos sociales de hasta el 50% en abonos y localidades.

El director general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), Joan Francesc Marco, junto a Francisco Lorenzo, director del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), han presentado esta mañana la temporada 23/24 de esta unidad del INAEM, que tendrá lugar del 8 de septiembre de 2023 hasta el 25 de julio de 2024. Se celebrarán un total de 270 citas, con 204 conciertos y 66 actividades pedagógicas. Asimismo, se recuperarán 13 obras del patrimonio musical español, que verán su estreno en tiempos modernos en esta temporada, y se refuerza el compromiso con la creación contemporánea con 34 estrenos, 20 por encargo del CNDM de los cuales 15 obras creadas por compositoras. El programa se desarrollará en 29 ciudades españolas y 7 en el extranjero en colaboración con más de 150 instituciones.

La ambiciosa programación del CNDM amplía el número de actividades, de ciudades y de socios coproductores respecto a la edición anterior. Entre las principales novedades de este año se encuentran la creación de un nuevo ciclo en el Auditorio Nacional de Música, Recordando a Alicia, en homenaje a la gran pianista Alicia de Larrocha con motivo del centenario de su nacimiento; así como la incorporación de nuevas ciudades internacionales y nacionales: coproducciones en los prestigiosos Festival Wratislavia Cantans en Breslavia, Polonia, y el Festival Mozart de La Habana en Cuba; y las ciudades españolas de Arnuero (Cantabria), Valladolid y Vélez Blanco (Almería).

“La decimocuarta edición del CNDM pone el foco en la esencia de esta institución como centro que reivindica nuestro patrimonio musical y donde tienen cabida un universo de posibilidades para los amantes de la música en directo”, ha afirmado Francisco Lorenzo, director del CNDM, durante la presentación. También ha señalado que la nueva temporada se asentará en los tres pilares fundamentales del CNDM. En primer lugar, la dirección artística del Auditorio Nacional de Música, dotando a este espacio de una programación pública, diversa y de máxima calidad. En segundo lugar, la promoción, difusión y ampliación del patrimonio musical nacional, a través de la programación de conciertos y actividades pedagógicas, encargos de composición y recuperaciones históricas. Y en tercer lugar, el apoyo a los creadores e intérpretes españoles.

La nueva edición toma como imagen de temporada la obra de Juan Carlos Casado, un referente de la astrofotografía mundial cuyas creaciones han sido galardonadas por la NASA en más de cincuenta ocasiones. Su obra sirve para reflejar la solidez y magnitud del proyecto del CNDM que cumple ya 14 años.

Residencias artísticas

El CNDM mantiene nuevamente las residencias artísticas para seguir apoyando la trayectoria y el trabajo de grandes compositores e intérpretes. Este año habrá tres residencias ocupadas por agrupaciones y artistas españoles: una doble residencia en el apartado de grupo y una en el apartado de compositor.

El Cuarteto Quiroga, que este año celebra su vigésimo aniversario, será uno de los grupos residentes. Se trata de una de las formaciones de cámara más estables y consolidadas del panorama actual. Con esta agrupación, el público podrá asistir a varios estrenos, así como apreciar su talento en diálogo con grandes músicos de la talla del clarinetista y compositor Jörg Widmann, la violinista Veronika Hagen o el pianista Javier Perianes, estrechamente vinculados a su trayectoria musical.

El otro grupo residente será Accademia del Piacere, un grupo que destaca por su singularidad, la innovación de sus propuestas y una gran capacidad para explorar más allá de los límites de distintas manifestaciones artísticas. Fundado y liderado por Fahmi Alqhai, es una de las agrupaciones españolas más internacionales y versátiles. Sus músicos actuarán en distintos ciclos en Madrid y también viajarán al extrajero a través de los Circuitos Internacionales del CNDM.Por último, José Luis Turina ostentará la figura de compositor residente. Además de ser uno de los compositores españoles más importantes de la actualidad, José Luis Turina es un reconocido pedagogo y gestor cultural y una figura imprescindible en el desarrollo de la educación musical en nuestro país. A lo largo de la programación 23/24, se recrearán algunas de sus obras más emblemáticas y el público asistirá a estrenos de la mano de grandes agrupaciones.

La programación en Madrid

En Madrid, regresan los ciclos Universo Barroco, Liceo de Cámara XXI, Jazz en el Auditorio, Andalucía Flamenca, Fronteras y Bach Vermut en el Auditorio Nacional de Música y se crea el nuevo ciclo Recordando a Alicia, en homenaje a la pianista Alicia de Larrocha. En el Teatro de la Zarzuela se mantiene el Ciclo de Lied que celebra su 30º. aniversario y en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el ciclo Series 20/21.

El nuevo ciclo Recordando a Alicia constará de 3 recitales de piano en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música. Este ciclo nace como una contribución a los numerosos homenajes de este año en torno a la figura de la gran pianista Alicia de Larrocha con motivo del centenario de su nacimiento. Los conciertos estarán protagonizados por las pianistas Rosa Torres-Pardo, Noelia Rodiles y Judith Jáuregui, que incluirán en sus programas algunas de las piezas más estrechamente vinculadas a la trayectoria de esta icónica y querida artista.

El ciclo Universo Barroco Sinfónico constará de 11 conciertos. De ellos, tres serán extraordinarios (fuera de abono) y abordarán tres de los títulos más relevantes de la historia de la música: el Magnificat de Johann Sebastian Bach en Navidad, de la mano de la Netherlands Bach Society; las fabulosas Vísperas de Claudio Monteverdi, con el Coro de Cámara de Namur y Cappella Mediterranea, bajo la dirección de Leonardo García Alarcón; y la Pasión según San Mateo de J. S. Bach, obra cumbre de la cultura occidental, que en esta ocasión será interpretada por extraordinarios músicos nacionales: el Cor de Cambra del Palau de la Música Catalana y el Cor Infantil de l’Orfeó Català junto a Vespres d’Arnadí y bajo la dirección de Christoph Prégardien, quien como tenor interpretara el papel del Evangelista en numerosas ocasiones. En esta edición, asistiremos al estreno en tiempos modernos de una recuperación histórica, Las amazonas de España de Giacomo Facco, una ópera que se estrenó en el Real Coliseo del Buen Retiro en 1700 y que Concerto 1700, liderado por el violinista Daniel Pinteño, interpretará en la Sala Sinfónica con la presencia de algunas de las mejores voces especialistas en el Barroco, como María Espada, Giulia Semenzato o Natalie Pérez, entre otras. Visitarán el ciclo grandes voces como las del contratenor Franco Fagioli en el haendeliano Tolomeo, re d’Egitto con Il Giardino Armonico y la Kammerorchester Basel, dirigidos por Giovanni Antonini, o el contratenor Philippe Jaroussky con Le Concert de la Loge, bajo la batuta del violinista y director Julien Chauvin. También contaremos con las extraordinarias voces de la soprano Sandrine Piau y la mezzosoprano Ann Hallenberg en Berenice, regina d’Egitto, un título brillante pero menos conocido de George Frideric Haendel con Il Pomo d’Oro, bajo la dirección del clavecinista Francesco Corti; o con el contratenor Carlo Vistoli y la soprano Emőke Baráth en el también haendeliano Rinaldo con Les Accents, bajo la dirección del violinista Thibault Noally. Además, finaliza la trilogía monteverdiana con L’incoronazione di Poppea de la mano de The English Concert, bajo la dirección de Harry Bicket, en un concierto que contará con el Coro de la Comunidad de Madrid y con la esperada soprano Jeanine de Bique en el papel protagonista. El ciclo también recorrerá otros títulos líricos, como The fairy queen de Henry Purcell, de la mano de los prestigiosos Les Arts Florissants, dirigidos por William Christie; o Les Boréades de Jean-Philippe Rameau, con la orquesta barroca de Praga Collegium 1704 y su agrupación vocal del mismo nombre, bajo la dirección de Václav Luks.

En el ciclo Universo Barroco Cámara se celebrarán 12 conciertos. Se prestará una especial atención a Barbara Strozzi y a la labor de la mujer creadora en la composición barroca, con los conciertos de la soprano Núria Rial junto a Accademia del Piacere, agrupación residente de la temporada; y las sopranos Dorothee Mields y Hana Blažiková acompañadas por el Hathor Consort, dirigido por la también violagambista Romina Lischka. Se estrenará en tiempos modernos la ópera de Domenico Scarlatti La Silvia, de la mano de Aarón Zapico y su Forma Antiqva, y con la presencia de la soprano Jone Martínez, el contratenor Carlos Mena y el tenor Alberto Palacios. El ciclo seguirá velando por la visibilidad de los mejores grupos nacionales, que interpretarán tanto repertorio español como universal, entre ellos el Euskal Barrok Ensemble, dirigido por Enrike Solinís, con un programa inspirado en el famoso Concierto para laúd de Antonio Vivaldi; la Orquesta Barroca de Sevilla, que afrontará L’estro armonico -también de A. Vivaldi-, una de las colecciones de conciertos más influyentes y extraordinarias de todo el siglo XVIII, con la participación del violinista Enrico Onofri en su doble faceta de intérprete y director; L’Apothéose, que visita el ciclo en un formato que va más allá de su formación original como cuarteto, y actuará con solistas de la talla de la flautista Dorothee Oberlinger; La Ritirata de Josetxu Obregón, que abordará el oratorio Il giardino di rose de Alessandro Scarlatti; y la Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca, con el violinista Shunske Sato al frente. Asimismo, el renombrado sopranista venezolano Samuel Mariño se unirá al conjunto dirigido por el clavecinista Marcello di Lisa, Concerto de’ Cavalieri, para interpretar un repertorio centrado en las fuentes barrocas del bel canto. También visitarán este universo sonoro el conjunto inglés Arcangelo, fundado y dirigido por el clavecinista y violonchelista Jonathan Cohen, el ensemble Diderot y la aclamada agrupación vocal Vox Luminis, que regresará al CNDM para abordar una de las obras clave del repertorio sacro español: el Officium defunctorum de Tomás Luis de Victoria.

El ciclo Liceo de Cámara XXI continuará su andadura en la Sala de Cámara con 12 conciertos. Vuelven los mejores cuartetos del panorama internacional, como el Cuarteto Casals, el Cuarteto Jerusalem, o el Cuarteto de la violinista Julia Fischer, que se presenta por primera vez en este ciclo. A dúo, el público disfrutará del virtuosismo de la violinista Leticia Moreno y el pianista Josu de Solaun, que estrenarán en España la Sonata para violín y piano de José Luis Turina, compositor residente de la temporada 23/24; o de la violonchelista Sol Gabetta con el pianista Bertrand Chamayou. Además, el Cuarteto Quiroga, uno de los grupos residentes, tendrá un papel protagonista en el ciclo con tres citas donde estrenará obras de nueva creación de Raquel García-Tomás y Konstantia Gourzi. También establecerá un exquisito diálogo con algunos grandes músicos de la escena nacional e internacional estrechamente vinculados a la trayectoria del cuarteto: el clarinetista y compositor Jörg Widmann, compositor residente en la Berliner Philharmoniker, con quien estrenará una de sus composiciones, la destacada violista Veronika Hagen, y el aclamado pianista Javier Perianes. Se celebrarán dos conciertos dedicados a octetos. Por un lado, el Cuarteto Cosmos se rodeará de músicos amigos para interpretar los octetos de Jörg Widmann y Franz Schubert y, por el otro, el Cuarteto Belcea y el Cuarteto Ébène unirán fuerzas para enfrentarse a los de George Enescu y Felix Mendelssohn. Asimismo, contaremos con la participación del trío formado por el violinista Fumiaki Miura, el violonchelista Jonathan Roozeman y la pianista Varvara, que abordarán piezas clave del género camerístico con tríos de Ludwig van Beethoven, Dmitri Shostakóvich y Lera Auerbach. Por su parte, el Cuarteto Armida ofrecerá un programa especial en colaboración con el violista del Cuarteto Casals, Jonathan Brown, y el violonchelista Eckart Runge.

Dentro del ciclo Jazz en el Auditorio, vuelven propuestas de altísima calidad protagonizadas por relevantes figuras del jazz nacional e internacional, con un total de 9 conciertos, uno de ellos extraordinario (fuera de abono) en la Sala Sinfónica, protagonizado por Avishai Cohen Trio, agrupación liderada por el genial contrabajista y compositor Avishai Cohen. Este artista también nos visitará en formato dúo junto al pianista Makoto Ozone, otro gigante del panorama jazzístico. Entre los nombres internacionales destaca el veterano pianista Kenny Barron, auténtica leyenda que nos traerá su nuevo monólogo discográfico The Source, así como el debut en este ciclo de Bobo Stenson Trio, que presentará el proyecto Sphere, que aborda la obra de compositores de los siglos XX y XXI, así como algunas de sus propias piezas. De la escena nacional, debuta en este ciclo el experimentado contrabajista gallego Baldo Martínez en formación de sexteto y vuelven grandes nombres como Andrea Motis, Chano Domínguez y Flavio Boltro 4et, Paolo Fresu Trio y Perico Sambeat en su versión más flamenca.

El ciclo Andalucía Flamenca, organizado en coproducción con el Instituto Andaluz del Flamenco, albergará 7 conciertos esta temporada. El ciclo se abrirá con Rafael Riqueni y su sentido homenaje al maestro de la guitarra Manolo Sanlúcar. Por primera vez, se reunirá sobre el escenario del CNDM a una saga del arte flamenco, la de los “Sordera”, ejemplo del linaje jerezano al que dan continuidad en la actualidad Vicente Soto “Sordera”, Enrique Soto y Lela Soto. Debutará en el ciclo Reyes Carrasco, una joven promesa del flamenco que ya ha compartido escenario con aclamadas figuras del cante y ha sido galardonada en numerosas ocasiones. También visitarán el ciclo grandes cantaores como la jerezana María Terremoto, con un concierto en el que abordará los estilos propios de su Jerez natal y de su saga, sin excluir guiños al rico legado musical de su padre Fernando; Arcángel, que ofrecerá un recital basado en una colección de estilos clásicos de cante junto al guitarrista Miguel Ángel Cortés; y Manuel Lombo, que reivindicará sus raíces flamencas junto con el guitarrista Pedro Sierra. Asimismo, el ciclo contará con una sesión doble protagonizada por dos cantaores que transportarán al público a herencias bien distintas: Pedro “El Granaíno” y Caracolillo de Cádiz.

En Fronteras, el ciclo más mestizo del CNDM, se celebrarán 8 conciertos, 2 de ellos extraordinarios (fuera de abono). En cuanto a estos últimos, vuelve Víkingur Ólafsson, excelente pianista islandés que interpretará su visión más personal de las legendarias Variaciones Goldberg de J. S. Bach; y el grupo residente Accademia del Piacere, con Gugurumbé. En esta original propuesta, presentará un programa particularmente especial que revisita el flamenco y lo pone en diálogo con otras artes. Para ello, la agrupación contará con la presencia de la soprano Núria Rial, la bailaora Patricia Guerrero (Premio Nacional de Danza 2021), la cantaora Alba Carmona, la bailarina de danza contemporánea Ellavled Alcano, el guitarrista flamenco Dani de Morón y el director de escena y coreógrafo Antonio Ruz. Siguiendo esta línea, otra de las colaboraciones será la de Accademia del Piacere con el guitarrista flamenco sevillano Dani de Morón, que presentarán su reciente proyecto Metamorfosis. Asimismo, celebraremos una doble cita con el piano minimalista, con la presencia de Dustin O’Halloran y Hauschka, galardonado recientemente con un Oscar por su última partitura. Acudirá al CNDM por primera vez Zenet, consagrado y versátil artista en cuya música abundan la fusión de estilos y melodías del jazz, el tango o la copla. Fruto de la colaboración con el Instituto Italiano de la Cultura, el pianista, compositor y jazzista romano Enrico Pieranunzi actuará junto con el violinista Gabriele Pieranunzi y el clarinetista de Perugia Gabriele Mirabassi para conmemorar el 100º aniversario de la composición de Rhapsody in Blue del compositor neoyorquino George Gershwin. El fado también estará nuevamente representado en este ciclo de la mano del cantante, guitarrista y compositor António Zambujo, acompañado por su banda.

El exitoso ciclo Bach Vermut celebra su décimo aniversario en la nueva edición 23/24 con 8 conciertos. En este tiempo, se ha convertido en uno de los ciclos más populares del CNDM con un formato novedoso que agota localidades, seduce a nuevos públicos y marida a los mejores organistas del mundo, con jazz y gastronomía. Entre las citas más destacadas de esta temporada, se contará con la presencia de Susanne Kujala y Katelyn Emerson, que actuarán por primera vez en el ciclo; Daniel Oyarzabal y la violinista Miriam Hontana, con una desenfadada propuesta en torno a Las cuatro estaciones de Antonio Vivaldi; o con el gran maestro de la improvisación Wayne Marshall. También se recupera el exitoso formato de concierto en el que la periodista Eva Sandoval descubrirá los secretos del órgano, grabando el interior del instrumento a tiempo real, con la participación de Thomas Ospital. Este ciclo también contará con Mar Vaqué y Joan Seguí, destacados exponentes de la nueva hornada de organistas nacionales. Y, un año más, visitará el CNDM el clavecinista francés Benjamin Alard, así como Peter Holder y Alaia Ensemble, dirigidos por Daniel de la Puente, que presentarán un programa con el estreno de una pieza de la compositora Eva Ugalde. Además, algunos de estos intérpretes y otros más actuarán en las catedrales de Ávila, Barcelona, Burgos, Getafe, León, Málaga, Murcia y Sevilla dentro del ciclo El órgano en las Catedrales.

El Ciclo de Lied celebra su trigésimo aniversario con 12 recitales en el Teatro de la Zarzuela. Por primera vez, se contará con la participación de la aclamada soprano Lise Davidsen junto con el pianista James Baillieu, responsables de inaugurar el ciclo. También la célebre soprano rusa Olga Peretyatko y el pianista Semjon Skigin visitarán por primera vez esta programación para presentar un recital que reivindica el papel de la mujer compositora en la historia de la música, con obras de Clara Schumann y Pauline Viardot, entre otras. La soprano norteamericana Erika Baikoff y el pianista Soohong Park debutarán en el ciclo. También debutará el barítono español José Antonio López, que junto a Daniel Heide estrenará una obra de Antoni Parera Fons, y la mezzosoprano Catriona Morison, en una especial velada junto a la soprano Katharina Konradi y el pianista Ammiel Bushakevitz. El barítono Andrè Schuen, una de las grandes revelaciones de las voz lírica de los últimos años, volverá a pisar las tablas del Teatro de la Zarzuela junto al pianista Daniel Heide. Visitarán el ciclo extraordinarias voces como las de los barítonos Gerald Finley con Julius Drake, Florian Boesch con el célebre Malcolm Martineau, Christian Gerhaher y Gerold Huber, así como Matthias Goerne con Alexander Schmalcz, y Anna Lucia Richter con Ammiel Bushakevitz. Asimismo, contaremos con la mezzosoprano Vivica Genaux, con Marcos Madrigal, pianista que debuta en el XXX Ciclo de Lied.

El Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía volverá a ser el punto de encuentro de algunos de los mejores intérpretes especializados en música contemporánea, en el Ciclo Series 20/21, que constará de 15 conciertos. Visitarán el ciclo grandes nombres de la música internacional como Peter Eötvös, en su faceta de compositor y de director con la Sinfonietta de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, los excelentes intérpretes de cuerda Ilya Gringolts, Lawrence Power y Nicolas Altstaedt, los pianistas Pierre-Laurent Aimard y Tamara Stefanovich que interpretarán las famosas Visiones del Amén de Olivier Messiaen. También disfrutaremos de algunos de los artistas nacionales más vanguardistas como el Grupo Enigma, dirigido por Asier Puga en un concierto protagonizado por el demandado contratenor Carlos Mena, donde habrá varios estrenos; el New European Ensemble, bajo la dirección de Tito Muñoz; o Sonido Extremo, dirigido por Jordi Francés y con la participación de la soprano Sarah Defrise, entre otros. Este ciclo también contará con una importante presencia de la obra de José Luis Turina, compositor residente en la temporada 23/24. Entre los estrenos imprescindibles de este maestro, destaca el Cuarteto Quiroga con la obra homenaje Bach in excelsis. Además, excelentes artistas y grupos nacionales como el Trío Arbós, Kebyart Ensemble, el pianista Josu de Solaun o el Trío Catch también incorporarán a sus programas algunos de los títulos más emblemáticos de este compositor. Viviremos dos importantes efemérides: la Sinfonietta Cracovia, bajo la dirección de Katarzyna Tomala-Jedynak, con un homenaje al compositor Krzysztof Penderecki en el 90º aniversario de su nacimiento; y el concierto del Divertimento Ensemble, dirigido por Sandro Gorli, enmarcado en la colaboración con el Instituto Italiano de Cultura por los 150 años de la Academia de España en Roma. Por su parte, el ensemble CrossingLines, dirigido por Lorenzo Ferrándiz, será el encargado de interpretar los cuatro estrenos absolutos del consagrado Premio Jóvenes Compositores Fundación SGAE – CNDM. También vuelve el tradicional concierto que dará vida a las obras del taller de compositoras con 10 encargos del CNDM que serán estrenados por Neopercusión, agrupación dirigida por Juanjo Guillem.

Fotografía © Elvira Megías
Ian Bostridge

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) se despide del XXIX Ciclo de Lied esta temporada de la mano del tenor británico Ian Bostridge y del pianista Julius Drake. El dúo regresa una vez más al Teatro de la Zarzuela con un programa repleto de piezas emblemáticas del género liederístico, que incluyen lieder de Robert Schumann, Clara Schumann, Franz Schubert, Gustav Mahler y Hans Werner Henze. El recital tendrá lugar el lunes 5 de junio a las 20:00h en el Teatro de la Zarzuela.

Ian Bostridge (Wandsworth, 1964) es uno de los más aclamados tenores contemporáneos, cuyas interpretaciones y recitales en Europa, Norteamérica y Japón le han brindado el aplauso unánime del público y de la crítica. Sus grabaciones han recibido numerosos galardones y también ha sido nominado al Grammy en quince ocasiones. En este concierto, junto al pianista Julius Drake, Bostridge presenta un recorrido desde los orígenes del Romanticismo hasta las últimas décadas del siglo XX, cuyo hilo conductor es la obra del poeta alemán Friedrich Rückert (1788 – 1866).

Un cautivador programa

El célebre Widmung, perteneciente al ciclo Myrthen, op. 25 de Robert Schumann, dará inicio al programa, donde también se abordarán canciones de Clara Schumann. Robert Schumann escribió esta obra en 1840, año en el que la pareja contrajo matrimonio. Un año más tarde, en 1841, compone a cuatro manos junto a Clara Schumann Gedichte aus Liebesfrühling, op. 37, que también se escuchará en el recital.

Asimismo, Bostridge y Drake interpretarán algunas canciones del compositor de lieder por excelencia, Franz Schubert, dando vida a seis de sus lieder compuestos entre 1822 y 1823, todos ellos fieles a los versos de Rückert.

Del compositor austríaco Gustav Mahler se escucharán los bellísimos Rückert-Lieder, en una oportunidad para descubrir la gran faceta liderística de uno de los compositores para orquesta más importantes de la historia. Por último, el broche de oro al XXIX Ciclo de Lied lo pondrá Das Paradies del ciclo Sechs Gesänge aus dem Arabischen de Hans Werner Henze, escrita expresamente para Bostridge y Drake.

30º aniversario del Ciclo de Lied

En la temporada 23/24, el Ciclo de Lied del CNDM y el Teatro de la Zarzuela celebrará su 30º aniversario con doce recitales protagonizados por algunas de las grandes voces líricas del panorama actual.

Se contará con las extraordinarias voces de los barítonos Gerald Finley, junto al pianista Julius Drake; Christian Gerhaher, junto a Gerold Huber; Mathias Goerne, junto a Alexander Schmalcz; Andrè Schuen, junto a Daniel Heide; Florian Boesch, junto a Malcolm Martineau; y las mezzosopranos Vivica Genaux, junto al pianista Marcos Madrigal, que debuta en el ciclo, y Anna Lucia Richter, junto a Ammiel Bushakevitz; y la soprano Katharina Konradi, en un recital con la mezzosoprano Catriona Morison, que se estrena en el ciclo, junto al pianista Ammiel Bushakevitz.

Además, contaremos por primera vez con las aclamadas voces de las sopranos Lise Davidsen, junto al pianista James Baillieu; y Olga Peretyatko, junto a Semjon Skigin; y el debut en el ciclo de la soprano Erika Baikoff, junto a Soohong Park; y el barítono José Antonio López, junto a Daniel Heide.

David Briggs
Bach Vermut se ha consolidado como uno de los ciclos más exitosos en la programación del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), con propuestas en las cuales convergen la interpretación de joyas musicales por organistas de renombre internacional, una exquisita gastronomía y conciertos de jazz con el objetivo de brindar al público una experiencia única. En esta ocasión David Briggs será el aclamado organista británico responsable de poner música a esta matinée, con un recital que mostrará el arte de la transcripción musical y que tendrá lugar el sábado 20 de mayo a las 12:30h en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música.

Conocido por su desbordante virtuosismo y su compromiso por hacer que la música de órgano sea vibrante y accesible a un público amplio y diverso, David Briggs destaca como uno de los concertistas de órgano más solicitados de su generación. Galardonado internacionalmente en varias ocasiones, es actualmente profesor en la Universidad de Cambridge y artista residente en la Catedral St. John the Divine en Nueva York.

En esta ocasión Briggs acude a la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música con sus cautivadoras transcripciones de obras emblemáticas de los siglos XIX y XX. Briggs nos invita a adentrarnos en un fascinante programa que abarca una amplia tradición musical, transitando por géneros tan diversos como la ópera o la danza. El público podrá disfrutar de un repertorio que incluye Claire de lune de la famosa Suite bergamasque de Claude Debussy, la energética Danza Húngara nº 5 de Johannes Brahms y la emotiva Muerte de amor de Tristán e Isolda de Richard Wagner, entre otras obras. Brigss también improvisará una pieza, lo cual será una ocasión perfecta para conocer las posibilidades sonoras del órgano.

David Briggs también viajará, con este mismo programa, a Santiago de Compostela, dentro del ciclo itinerante del CNDM El órgano en las Catedrales, el viernes 9 de junio.

Saborea Bach Vermut

Además de presentar a los mejores organistas del mundo, con conciertos retransmitidos a pantalla gigante, otro de los atractivos del ciclo Bach Vemut del CNDM es que rompe con el formato tradicional de concierto: ofrece a los asistentes la posibilidad de degustar un aperitivo en el vestíbulo del Auditorio Nacional de Música acompañado del mejor jazz.

Así, este emblemático espacio se llenará una vez más de puestos donde probar exquisiteces culinarias. Antes y después del concierto el público podrá acceder a una amplia selección de productos exquisitos, que abarca desde quesos gourmet y creaciones culinarias únicas hasta una gran variedad de dulces. Este encuentro gastronómico estará acompañado de un concierto de jazz protagonizado por bandas españolas, inspirado en melodías barrocas.

Agenda Bach Vermut:

  • 11.30h. Apertura de puertas y acceso a la zona de degustación gastronómica (vestíbulo del Auditorio Nacional de Música).
  • 12.30h. Concierto en el órgano de la Sala Sinfónica, retransmitido en pantalla gigante.
  • 13.30h-14.30h. BACH JAZZ! Aperitivo-degustación amenizado por conjuntos de jazz que interpretan sus versiones de obras de Bach (sala Tapices).
Próximas citas Bach Vermut 22/23

Foto by Amir El Etr

Emmanuel Pahud

El afamado solista Emmanuel Pahud protagoniza un esperado recital en el ciclo Series 20/21 del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. En esta ocasión, el intérprete presentará un estreno encargo del CNDM al grandísimo compositor español Jesús Torres. En el recital también interpretará obras de Tōru Takemitsu, Luciano Berio, Jörg Widmann y Edgar Varèse; así como algunas de las famosas Fantasías para flauta travesera de Georg Philipp Telemann y un estreno en España del cinematográfico compositor Alexandre Desplat. El concierto tendrá lugar el lunes 15 de mayo a las 19:30h en el ciclo Series 20/21 en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (entrada libre).

Emmanuel Pahud, que a los 22 años se unió a la prestigiosa Filarmónica de Berlín como primer flauta y a día de hoy sigue ocupando ese puesto, posee una extensa carrera internacional como solista y músico de cámara. Además de actuar regularmente en las principales series de conciertos, festivales y orquestas de todo el mundo, su pasión por ampliar el repertorio de flauta le ha llevado a estrenar numerosas obras nuevas cada año. Precisamente, en este concierto, el público madrileño tendrá la oportunidad de asistir a la presentación de Sortilegio de Jesús Torres. Según el propio compositor, esta pieza está cargada de pasajes de extremo virtuosismo, con escalas rapidísimas, trémolos y arpegios con los que apreciar la fluidez del instrumento.

El concierto se presenta como un especial diálogo entre obras canónicas del  repertorio para flauta travesera con otras obras contemporáneas. Entre las primeras encontramos las Fantasías nº 1, 2, 5, 6 y 7 de Georg Philipp Telemann, miniaturas musicales que son auténticas joyas barrocas y que han podido llegar hasta nuestros días gracias a una única copia de la edición original que se conserva a día de hoy en Bruselas. Entre las segundas, el flautista abordará Voice de Tōru Takemitsu, que contiene sugerentes referencias al teatro nō japonés y a la flauta shakuhachi de bambú; la primera de las catorce icónicas Sequenzes de Luciano Berio; Petite suite de Jörg Widmann, un sentido homenaje al flautista suizo y maestro suyo Aurèle Nicolet, fallecido en 2016; y Density 21.5  de Edgar Varèse, considerado como el precursor de muchas otras obras compuestas con posterioridad para flauta sola.

El concierto también incluye el estreno en España de Airlines de Alexandre Desplat, más conocido por ser el multipremiado autor de numerosas bandas sonoras.

Todos los conciertos del ciclo Series 20/21 serán los lunes a las 19:30h y con entrada libre hasta completar aforo. Además, mostrando en las taquillas del Museo Reina Sofía dicha entrada, el público podrá beneficiarse de un 50% de descuento en la entrada individual general del museo. 

Fotografía: Josef Fischnaller

Manuel Walser

El barítono suizo Manuel Walser, uno de los especialistas más aclamados por crítica y público en los escenarios europeos, debuta junto al pianista Alexander Fleischer en el XXIX Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela. En un programa que lleva por título Liebe und Traum (Amor y sueño), recorrerán algunas de las piezas más famosas del género liederístico, canciones inspiradas en textos de poetas del Romanticismo con música de tres grandes compositores seleccionados para la ocasión: Johannes Brahms, Serguéi Rachmaninov y Richard Strauss. El recital tendrá lugar el lunes 8 de mayo, a las 20:00h, en el Teatro de la Zarzuela.

Gracias a su generosa voz y su perfecta dicción, Manuel Walser es capaz de expresar los sentimientos más profundos del alma. A lo largo de su trayectoria, este cantante ha sido galardonado en numerosas ocasiones. Además de haber sido miembro permanente del conjunto de la Ópera Estatal de Viena durante cinco temporadas, está apasionadamente dedicado al arte del lied y ha ofrecido recitales en los principales escenarios europeos. En esta ocasión, se subirá a las tablas del Teatro de la Zarzuela junto a Alexander Fleischer, quien también destaca por una fuerte pasión por el repertorio vocal de cámara y haber cosechado numerosos reconocimientos internacionales.

En el concierto, se hará un recorrido por obras maestras del género liederístico. Se escucharán algunos de los más famosos y apreciados lieder del maestro Johannes Brahms, como la balada Von ewiger Liebe, op. 43 (Del amor eterno), la canción Dein blaues Auge hält so still, op. 59 (Tus ojos azules están tan callados), que nos acerca al universo de Robert Schumann, o la dramática Wie rafft ich mich auf, op. 32 (Cómo me armé de valor…). El segundo autor seleccionado en este viaje a través de las pasiones y los sueños será Serguéi Rachmaninov, uno de los grandes compositores posrománticos europeos. Considerado, a su vez, como uno de los pianistas más influyentes del siglo XX, sus lieder están cargados de figuras oníricas donde la presencia del piano toma un protagonismo especial. Finalmente, el público podrá adentrarse en la magia de las canciones de Richard Strauss, quien mantuvo durante toda su vida una fuerte relación con el lied. En sus piezas vocales destaca el canto al amor, a la naturaleza y a la nostalgia de un tiempo pasado. El recital será una oportunidad para escuchar algunas de sus obras más conocidas, como Morgen! (¡Mañana!), op. 27, nº 4, una de las joyas del género.

Concerto 1700

La agrupación Concerto 1700 presenta en el ciclo Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), junto a la aclamada soprano María Espada, un programa en torno a la figura de Juan Francés de Iribarren, uno de los más prolíficos compositores del Barroco Español. En el programa, que lleva por título Fogosa inteligencia, estrenarán cuatro obras inéditas del que fuera maestro de capilla de la catedral de Málaga durante más de treinta años, así como de compositores que tuvieron una gran influencia en su obra, como Antonio Vivaldi, José de Torres, José de Nebra y Arcangelo Corelli. El concierto estará dedicado a la memoria del periodista Eduardo Torrico, recientemente fallecido, que siempre fue adalid de los grupos barrocos españoles y cuya contribución al sector de la música en nuestro país ha sido determinante. Tendrá lugar el próximo viernes 5 de mayo, a las 19:30h, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música.

Concerto 1700, grupo residente en la temporada 22/23 del CNDM, ha conseguido posicionarse como una de las formaciones más relevantes del panorama historicista de España desde que fuera fundado en 2015 por el violinista malagueño Daniel Pinteño. A lo largo de su trayectoria, ha apostado con determinación por la recuperación y la difusión del patrimonio musical hispano de los siglos XVII y XVIII. En esta ocasión, junto con la soprano pacense María Espada, presenta un programa en el que se rescatan joyas musicales de Iribarren, a la vez que se muestra una visión global de su entorno musical, representado tanto por sus influencias italianizantes más directas, con piezas de Antonio Vivaldi y Arcangelo Corelli; como por la obra de otras dos figuras clave de la época, José de Torres y José de Nebra.

Discípulo, precisamente, de José de Torres, Juan Francés de Iribarren se erige como uno de los compositores más relevantes de la historia española, cuyo legado ha contribuido a enriquecer nuestro patrimonio musical. Durante su magisterio de la seo malacitana creó el Archivo musical de la Catedral de Málaga en 1737, fecha en la que también finalizó la Fogosa inteligencia, cantada al nacimiento con violines, una bellísima pieza inédita que el público tendrá la oportunidad de descubrir en este concierto. De este compositor también se escucharán otras tres recuperaciones históricas: Sois mi Dios la hermosa fuente, aria al Santísimo con violines (1755), Como el ciervo que corre, cantada sola al Santísimo con violines (1750) y Hoy ese corderito, tonada al Santísimo (1744).

Compromiso con la recuperación del patrimonio musical

La calidad interpretativa y el compromiso por la recuperación del patrimonio musical español de Concerto 1700 y de su director, el violinista Daniel Pinteño, motivaron la decisión del Centro Nacional de Difusión Musical de nombrar al ensemble grupo residente en la temporada 22/23. Para llevar a cabo su proyecto artístico, Concerto 1700 utiliza instrumentos originales, así como un riguroso estudio musicológico de la práctica interpretativa de la época.

Además de la cita en el Auditorio Nacional de Música de Madrid, la agrupación ha visitado las ciudades de Salamanca, Valencia, Sevilla, León y Oviedo como parte de su residencia en el CNDM y del compromiso del Centro Nacional de Difusión Musical por difundir el patrimonio musical español a lo largo de todo el territorio nacional e internacional. Concerto 1700 participará próximamente en el prestigioso Festival de Música Barroca de Londres y el Centro Nacional para la Música Antigua de York, donde desembarcará este mes de mayo, junto con otras agrupaciones españolas, para mostrar al público británico, a lo largo de una semana, la riqueza, singularidad y calidad de nuestro repertorio.

SGAE

La Fundación SGAE y el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) han abierto la convocatoria de la 34ª edición del Premio Jóvenes Compositores Fundación SGAE-CNDM 2023. Consolidados ya entre los profesionales de la música, estos galardones tienen el objetivo de estimular la creación en el campo de la clásica contemporánea y contribuir al desarrollo social mediante el conocimiento de nuevas lenguas, tendencias y formas musicales de expresión.

Podrán concurrir todos los compositores y compositoras en cualquier país del mundo con obras de autoría única de cualquier lenguaje o tendencia estética dentro de la música contemporánea, siempre que sean menores de 35 años al cierre de la convocatoria y sean socios/as de la SGAE.

Las obras deberán ser necesariamente inéditas, con una duración entre siete y doce minutos, y ajustarse a una plantilla instrumental conformada por un mínimo de cinco intérpretes y un máximo de siete. Cada concursante solo podrá presentar una única obra.

Cierre de plazo: 15 de septiembre

La recepción de los trabajos a concurso se extenderá hasta el viernes 15 de septiembre de 2023. Con el fin de preservar el anonimato de los concursantes y la neutralidad del jurado, las partituras serán presentadas incluyendo el título original de la obra y un lema (que deberá ser diferente del título de la obra) y no indicarán el nombre del autor en ninguna de sus páginas. Las partituras deberán ser remitidas por email a la dirección de correo electrónico smoralg@fundacionsgae.org, acompañadas de la documentación estipulada en las bases.

Los ganadores: 27 de  noviembre

El 27 de noviembre de 2023, dentro del ciclo SERIES 20/21 del CNDM, se celebrará en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía el concierto con las cuatro obras finalistas y se darán a conocer los premios otorgados.

Un jurado, compuesto por destacados expertos en música, seleccionará las cuatro obras finalistas que optarán a galardones valorados en 11.700 euros, repartidos como sigue: Primer Premio Xavier Montsalvatge (6.000 euros y diploma), Segundo Premio Carmelo Alonso Bernaola (3.000 euros y diploma), Tercer Premio Francisco Guerrero Marín (1.500 euros y diploma) y Mención Honorífica Juan Crisóstomo Arriaga (1.200 euros y diploma). Además, para contribuir a la posterior promoción y difusión de las obras ganadoras, la Fundación SGAE producirá un disco promocional con la grabación en directo de las interpretaciones en el concierto final.

Premio especial: Compositor Residente de la Red de Músicas

A estos cuatro galardones se suma el Premio Especial JM España, que otorgará Juventudes Musicales de España. De este modo, el ganador del Primer Premio de esta edición se convertirá en Compositor Residente de la Red de Músicas de JM España durante la temporada 2024-2025. JM España le encargará dos obras de música de cámara y otorgará 1.500 euros por cada pieza. El compositor escogerá dos formaciones de los seleccionados en la Red de Músicas que las estrenarán e interpretarán en todos los recitales que den en este circuito que organiza más de 200 conciertos al año.

Acerca del Premio

El premio, que fue creado en 1987 por la SGAE con una frecuencia anual, se ha convertido en uno de los más importantes certámenes de su tipo, por su nivel de organización y su rigurosidad, por el prestigio de los intérpretes y de los jurados participantes.

Entre los ganadores de sus anteriores ediciones destacan nombres ya consolidados dentro del panorama de la composición actual, con carreras internacionales que demuestran la buena salud de la creación musical española: Agustín Charles, Mauricio Sotelo, José María Sánchez-Verdú, Jesús Rueda, Jesús Torres, Pilar Jurado, Gabriel Erkoreka, Ramón Humet, Juan Cruz Guevara, Jesús Navarro, Oliver Rappoport o Nuria Núñez, entre muchos otros, han sido protagonistas de esta cita indispensable en el apartado de la composición para ensemble a nivel nacional.​

ensemble_mosaik

Llega una nueva cita del ciclo Series 20/21 del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS). En esta ocasión, el Ensemble Mosaik invitará al público a adentrarse en un concierto que va más allá del formato tradicional y en el cual la puesta en escena será un elemento primordial. El consagrado ensemble berlinés presenta un sorprendente espectáculo donde abordarán obras de los compositores españoles Irene Galindo Quero y Manuel Rodríguez Valenzuela, que protagonizarán una estimulante velada donde también se escuchará una pieza de la compositora estonia Liisa Hirsch. El concierto tendrá lugar el lunes 17 de abril a las 19:30h en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (entrada libre).

Fundado en 1997, el Ensemble Mosaik es una formación versátil y experimental y un conjunto de renombre para la música contemporánea. Sus integrantes se caracterizan por sus habilidades instrumentales y por una fuerte personalidad individual creativa. Así, a lo largo de su trayectoria, han ido moldeando una propuesta que amplía los límites de la música contemporánea y su apertura a nuevos formatos al más alto nivel artístico. En esta ocasión, bajo la dirección de Chatschatur Kanajan y con la participación del percusionista Roberto Maqueda, uno de los artistas españoles de vanguardia más audaces del panorama actual, el Ensemble Mosaik fusionará música de nueva creación con diferentes formatos digitales.

Esta mágica velada se abrirá con Glides de Liisa Hirsch, una pieza de carácter experimental donde podrá apreciarse el particular estilo de su compositora, que se caracteriza por recrear emblemáticos ambientes sonoros a través de la sensibilidad tímbrica y la atención al sonido. La siguiente parada de este programa multidisciplinar será Si callalo pudié sentirsas de Irene Galindo Quero, una obra que acaba de recibir el Premio de Composición 2023 de la ciudad de Stuttgart y que juega con dos voces paralelas que tratan de encontrarse. La propuesta está basada en un texto de la poeta Ángela Segovia.

El concierto lo cerrará la enigmática obra de teatro multimedia para percusión solista, conjunto instrumental, electrónica y vídeo de Manuel Rodríguez Valenzuela, time. cage. Esta sugestiva pieza gira en torno a la idea de aislar a un percusionista solista del resto de instrumentos amplificados para generar una situación insólita, por lo que visualmente será toda una sorpresa. Estrenada en el festival Maerzmusik de Berlín, invita al público a reflexionar sobre cuestiones como la alteración del tiempo y su percepción.
Fotografía ©Anja_Weber

Todos los conciertos del ciclo Series 20/21 serán los lunes a las 19:30h y con entrada libre hasta completar aforo. Además, mostrando en las taquillas del Museo Reina Sofía dicha entrada, el público podrá beneficiarse de un 50% de descuento en la entrada individual general del museo. 

L’Estro d’Orfeo

La agrupación L’Estro d’Orfeo, uno de los conjuntos barrocos más interesantes del panorama actual, ofrecerá un concierto en el ciclo Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) donde invitará al público a sumergirse en la gran música italiana para violín del siglo XVII. Bajo el título Con privilegio, in Venetia, el ensemble fundado y dirigido por la violinista Leonor de Lera interpretará partituras de compositores estrechamente vinculados a esta ciudad italiana, con un programa en el que sonarán imaginativas piezas de Biagio Marini, Dario Castello, Giovanni Valentini, Tarquinio Merula, Giovanni Legrenzi y Giovanni Girolamo Kapsberger. El concierto tendrá lugar el jueves 13 de abril, a las 19:30h, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música.

En este viaje al seicento italiano, el público podrá adentrarse en obras que reflejan la época en la que Venecia tuvo una extraordinaria vida musical. Las piezas que se interpretarán en este concierto son un reflejo de esa riqueza y máximo esplendor veneciano. En esencia, se trata de un concierto para despertar los sentidos y disfrutar de partituras donde apreciar el virtuosismo del violín. El programa incluye partituras de compositores que fueron grandes innovadores de su tiempo. Entre ellos, Biagio Marini, violinista que contribuyó de manera determinante al desarrollo de la técnica del instrumento, introduciendo por primera vez las dobles cuerdas y acordes en sus creaciones; Tarquinio Merula, que ideó formas musicales novedosas que sirvieron de inspiración a otros compositores de inicios del siglo XVII; o Dario Castello, cuyos libros de sonatas incluyen numerosos pasajes virtuosos para instrumento solista.

Este recorrido por la música del Barroco instrumental veneciano se transitará de la mano de Leonor de Lera, una de las máximas especialistas en el terreno de la música de finales del siglo XVI y del siglo XVII, y su conjunto L’Estro d’Orfeo, integrado por grandes músicos que comparten con ella el entusiasmo por difundir y acercar al público un amplio repertorio de obras de una de las épocas más bellas de nuestra historia. Juntos, darán vida a sugerentes melodías de la escuela veneciana, donde no faltará la práctica de la diminuzione, ornamentación de la época para dar variedad y enriquecer la música escrita.

L’Estro d’Orfeo en los Circuitos del CNDM

En el marco de los Circuitos del CNDM, actividades que se desarrollan en el marco de la programación del centro a lo largo de todo el territorio nacional, L’Estro d’Orfeo ofrecerá dos conciertos en la Primavera Barroca de Oviedo (martes 11 de abril) y en el Ciclo de Músicas Históricas de León (miércoles 12 de abril). Además, previo a ambos conciertos, Leonor de Lera ofrecerá una conferencia para contextualizar las obras que se interpretarán.

Andrè Schuen y Daniel Heide © GWerner

El barítono Andrè Schuen (La Val del Tirol, 1984), una de las voces líricas más destacadas del panorama actual, regresa al Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela junto al pianista Daniel Heide, para interpretar Die schöne Magelone, op. 33 (Quince romanzas sobre la ‘Magelone’) de Johannes Brahms. Se trata de uno de los ciclos más emocionantes y extensos de uno de los compositores más relevantes de todos los tiempos. El recital tendrá lugar el lunes 3 de abril a las 20:00h en el Teatro de la Zarzuela.
 
Considerado por la crítica como el legítimo heredero de grandes liederistas como Matthias Goerne o Christian Gerhaher, Andrè Schuen firma una de las carreras más deslumbrantes del panorama actual.  Ha sido uno de los pocos cantantes que ha aparecido en tres papeles al mismo tiempo y con gran éxito de la crítica: Figaro, don Giovanni y Guglielmo en el Ciclo Da Ponte, de Nikolaus Harnoncourt, en el Theater an der Wien. Junto al pianista Daniel Heide, quien destaca por una aplaudida trayectoria que le ha llevado a pisar los principales escenarios europeos, se adentrará en una de las partituras más fascinantes de la literatura musical del s. XIX, apreciada por su singular belleza y profunda intensidad.
 
En Die schöne Magelone, Brahms puso música a poemas de Johann Ludwig Tieck (1773-1853) quien, tras la muerte de Goethe, fue considerado el mayor poeta alemán vivo. Este gran ciclo de lied romántico presenta quince canciones que suponen una muestra sublime del arte compositivo de Brahms a partir de la tradición popular. Las piezas incluidas en este recital representan el punto culminante de su producción liederística y están consideradas como uno de sus ciclos más importantes. Escritas alrededor de 1860, evocan una fascinante historia de amor marcada por el paso de la ruptura a la reconciliación. El recital será una oportunidad fantástica para apreciar la belleza del lied y la capacidad del género para transmitir estados de ánimo.

Sobre Andrè Schuen
 
El barítono Andrè Schuen se crió en la región de Ladinia, concretamente, en La Val del Tirol (Italia). Aunque el violonchelo fue el instrumento que eligió y tocó durante muchos años, decidió asistir a la Universidad Mozarteum de Salzburgo, donde estudió con Horiana Branisteanu y Wolfgang Holzmair. Schuen completó su formación con clases magistrales organizadas por Kurt Widmer, Thomas Allen, Brigitte Fassbaender, Romualdo Savastano y Olaf Baer. Se graduó del Mozarteum en 2010. Al inicio de su carrera, recibió numerosos premios. Comenzó la temporada 2017-2018 con Don Giovanni en la Ópera Nacional de Lorraine en Nancy y en el Gran Teatro de Luxemburgo. Luego, cantó por primera vez Pagliacci en el Gran Teatro de Ginebra y, a finales de año, Così fan tutte en el Teatro Regio de Turín. Ha ofrecido recitales de lied en la Radio de Baviera en Múnich y el Concertgebouw de Ámsterdam. Ha sido residente, por tercera temporada consecutiva, en la Dortmund Konzerthaus, junto con Junger Wilder. En 2018, interpretó el Ein deutsches Requiem de Brahms en el Festival de Whitsun de Salzburgo. Y, desde 2010, Andrè Schuen acude a Salzburgo: primero, como miembro del Young Singers Project y, posteriormente, en el Salzburger Festspiele, dirigido por Simon Rattle y Riccardo Muti. Entre 2010 y 2014, fue miembro de la Opernhaus Graz. Ha sido uno de los pocos cantantes que ha aparecido en tres papeles al mismo tiempo: Figaro, don Giovanni y Guglielmo en el Ciclo Da Ponte, de Harnoncourt, en el Theater an der Wien. Ha cantado, asimismo, Il barbiere di Siviglia de Paisiello, con René Jacobs, Fidelio de Beethoven, Capriccio de Strauss, el estreno mundial de Hamlet de Schreier, dirigido por Christof Loy, Marcello en La bohème en Ginebra y el conde de Almaviva en Le nozze di Figaro en Angers y Nantes. Con el pianista Daniel Heide, Schuen ha actuado en el Wigmore Hall de Londres, el Heidelberger Frühling y la Konzerthaus de Viena. Gerold Huber es igualmente uno de sus compañeros de recital, con quien se presentó en la Schubertiade en Hohenems. En 2017, Andrè Schuen asistió al Tanglewood Festival y al Aspen Music Festival junto con Andreas Haefliger. En sus primeros dos álbumes de lied, interpretó obras de Schumann, Wolf y Martin, acompañadas por Daniel Heide. También ha grabado obras de Beethoven con el Trío Boulanger.
 
 
Sobre Daniel Heide
 
Daniel Heide creció en Weimar. Empezó a tocar el piano a los cinco años y a los seis se unió a la clase de alumnos aventajados de Sigrid Lehmstedt en la Escuela Belvedere de Música en su ciudad natal. Cinco años más tarde, sin embargo, dejó el camino del niño prodigio e interrumpió sus estudios de piano para dedicarse a la percusión y asumir el reto atlético en un equipo ciclista. Volvió al ámbito pianístico a la edad de diecisiete años. Estudió piano en la Universidad de Weimar, pero lo que realmente lo impulsó e inspiró fue lo que aprendió de su propio descubrimiento y amor por la música. Durante ese periodo, se concentró en el trabajo con cantantes (asistió a clases magistrales con Dietrich Fischer-Dieskau y Christa Ludwig), así como en la interpretación de la música de cámara. Realizó numerosos recitales de lied y conciertos de cámara en muchas ciudades de Alemania, Austria, Suiza, Francia, Escocia, Italia, España, Grecia, República Checa e Islandia con Ingeborg Danz, Britta Schwarz, Roman Trekel, Andrè Schuen, Tobias Berndt, Christoph Prégardien, Simone Kermes, Luca Pisaroni, Johannes Weisser, Ruth Ziesak, Anna Lucia Richter, Norma Nahoun, Sibylla Rubens y Lothar Odinius. También ha interpretado música de cámara con Tabea Zimmermann, Antje Weithaas, Wolfgang Emanuel Schmidt, Barbara Buntrock, Pauline Sachse, Benoit Fromanger, Julian Steckel, Alexander Kniazev y Konstanze von Gutzeit. Un elemento clave en su carrera como acompañante es la creación de la serie de conciertos The lyrical salon. Lieder recitals at Schloss Ettersburg. Bajo su dirección artística, el lied se canta una vez al mes desde mayo de 2011. De esta forma, ha surgido un público leal y en crecimiento para estas sesiones con célebres solistas. Ávido coleccionista de álbumes, Heide busca gemas musicales para ampliar su repertorio. Su pasión por la música se extiende a otros géneros como el jazz, el rock, el pop y la chanson y es docente en el Conservatorio Hanns Eisler de Berlín y en el Franz Liszt de Weimar.

Llega la última cita de la temporada 22/23 del heterogéneo ciclo Fronteras del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), en el que el público ha disfrutado de siete propuestas sorprendentes a caballo entre distintos géneros musicales. El broche de oro a la estimulante programación lo pondrá Capella de Ministrers con un programa que lleva por título Mediterrània. En este nuevo proyecto, la prestigiosa agrupación fundada y dirigida por Carles Magraner cuenta con la participación de la soprano valenciana Èlia Casanova y el tenor italiano Pino de Vittorio. Juntos, buscan sumergir al público en la brisa del Mare Nostrum a través de un viaje por la música tradicional barroca del sur de Italia y su relación con España. El concierto tendrá lugar el viernes 31 de marzo a las 19:30h en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música.

Fundada hace más de tres décadas, Capella de Ministrers ha desarrollado una intensa labor investigadora y musicológica para sacar a la luz tesoros del patrimonio musical español. En esta ocasión, el grupo reivindica su identidad mediterránea a través de un recorrido por la música tradicional italiana y española. Las voces del reconocido tenor italiano Pino de Vittorio, quien tiene un profundo conocimiento del canto tradicional capaz de evocar tiempos pasados, y Èlia Casanova, una de las grandes sopranos de nuestro país especializadas en repertorio antiguo, servirán de puente para establecer un diálogo transfronterizo entre ambas orillas del Mediterráneo.

Para ofrecer esa visión panorámica sobre el sur de Italia y, en particular, la música que sonaba en los siglos XVI y XVII, el programa evoca un mar de músicas populares que recoge, a su vez, los sonidos de danzas tradicionales como las españoletas, las jácaras y las tarantelas. El público también podrá zambullirse en los alegres ritmos de canciones populares de Apulia y Cerdeña, así como en obras de una vitalidad contagiosa de compositores que tuvieron una fuerte influencia en España, como Vincenzo Fontana o Andrea Falconieri. También sonarán piezas de dos de los compositores más trascendentes de su época: Girolamo Frescobaldi y Claudio Monteverdi. Completan el programa partituras firmadas por Antonio Valente, Athanasius Kircher, Giovan Leonardo Primavera, Lucas Ruiz de Ribayaz y Stefano Landi. 

marianne-crebassa

En el mes de la poesía, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela celebran una nueva cita del prestigioso Ciclo de Lied en el que música y palabras se dan la mano. En esta ocasión, la mezzosoprano Marianne Crebassa y el pianista Joseph Middleton debutan en la programación con un repertorio en el que abordarán obras de los compositores franceses Claude Debussy, Jules Massenet, Maurice Ravel; y de los españoles Jesús Guridi, Isaac Albéniz, Manuel de Falla y Federico Mompou. El recital tendrá lugar el lunes 27 de marzo, a las 20h00, en el Teatro de la Zarzuela.

La mezzosoprano Marianne Crebassa, requerida en los principales teatros de ópera internacionales, se adentra en el lied, género en el que también goza de un amplio reconocimiento, para interpretar un programa fuertemente vinculado con España. Junto al pianista Joseph Middleton, que también ha cautivado al público en el acompañamiento de canciones y música de cámara, darán vida a un programa que incluye sugerentes piezas de grandes compositores franceses que se inspiraron en el repertorio folclórico ibérico, en diálogo con obras de reconocidos autores españoles que mantuvieron fuertes lazos con nuestro país vecino.

Crebassa interpretará canciones en francés, castellano, catalán y gallego en una velada única dedicada a explorar la riqueza y originalidad de la canción culta del sur de Europa, llena de guiños a la tradición popular y referencias al imaginario colectivo de lo exótico, lo bello y lo distinto.

Inspiración ibérica

El programa del concierto simboliza un cruce entre países, con obras de compositores franceses que se inspiraron en nuestro país y de autores españoles que viajaron a París para extender su formación. La velada comenzará del lado francés, con una de las composiciones más emblemáticas de Debussy, sus Trois chansons de Bilitis, canciones cargadas de gran sensualidad que escribió tras su periodo de formación, en el que había estado en contacto con los temas musicales españoles. De él también se escuchará La soirée dans Grenade. El segundo compositor francés presente será Jules Massenet con su original Nuit d’Espagne, en la que el piano imita a una guitarra española. Por su parte, de Ravel se han seleccionado sus Cinq mélodies populaires grecques y la Chanson espagnole, donde el público podrá apreciar, de nuevo, una muestra de tratamiento del piano a modo de guitarra y el gusto por lo exótico.

En cuanto a nuestros compositores, el repertorio incluye algunas de las piezas más icónicas de la música española, como la mágica Rumores de la Caleta de Isaac Albéniz y la brillante Séguidille de Falla, entre otras. El público también podrá adentrarse en el lenguaje intimista de Federico Mompou a través de su ciclo de canciones Combat del somni y en cuatro de las populares Seis canciones castellanas de Jesús Guridi, que nacieron como encargo para la película La malquerida, de José López Rubio.

Sobre Marianne Crebassa

El espectacular ascenso de la mezzosoprano Marianne Crebassa en el panorama internacional demuestra el disfrute y la seguridad con los que se desenvuelve en un escenario o en un estudio de grabación. Mientras estudiaba Musicología, canto y piano en Montpellier, su ciudad natal, fue elogiada por su interpretación en 2010 de Isabella Linton en Wuthering heights de Herrmann en el Festival de Radio France y, poco después, se incorporó al Programa de Jóvenes Artistas de la Ópera de París, donde actuó como Orphée en Orphée aux Enfers de Offenbach y como Ramiro en La finta giardiniera de Mozart. Unos meses más tarde, debutó en el Festival de Salzburgo como Irene en Tamerlano de Haendel. La temporada pasada se presentó por primera vez como Romeo en I Capuleti e i Montecchi en el Teatro alla Scala de Milán. También lo hizo en el Festival de Aix-en Provence en la Auferstehung de Mahler con una producción de Romeo Castellucci. En el mundo de la ópera, ha cantado los personajes de Cherubino en Le nozze di Figaro en la Metropolitan Opera House, Stéphano en Roméo et Juliette en el Chicago Opera Theater y Dorabella en Così fan tutte en la Staatsoper de Berlín y el Festival de Salzburgo, así como el papel principal de Fantasio de Offenbach en la Opéra-Comique de París, Angelina en La Cenerentola de Rossini en la Ópera de París y La Scala de Milán, Mélisande en Pelléas et Mélisande de Debussy en la Staatsoper de Berlín, Cecilio en Lucio Silla y Sesto en La clemenza di Tito de Mozart en Salzburgo. Marianne Crebassa ha ofrecido recitales con el Festival de Saint-Denis, el Mozartwoche de Salzburgo, la Fundación Gulbenkian, la Orquesta Nacional de Francia, la Orquesta de París, la Orquesta Sinfónica de Viena, la Orquesta Sinfónica de Chicago, la Staatskapelle de Berlín, el Mostly Mozart Festival, los BBC Proms con la Philharmonia Orchestra, el Wigmore Hall, el Théâtre des Champs-Elysées y la Elbphilharmonie y el Waldbühne con la Filarmónica de Berlín. Fue invitada, asimismo, por Daniel Barenboim para celebrar el centenario de la muerte de Debussy con conciertos con la Staatskapelle en la Pierre Boulez Saal de Berlín. La mezzosoprano es artista exclusiva de Erato, donde ha publicado tres álbumes: Séguedilles, Oh, boy! y Secrets; por el segundo, fue nombrada artista lírica del año en los Victoires de la Musique y, por el tercero, recibió el premio solista vocal en los Gramophone. Marianne Crebassa participa por primera vez en el Ciclo de Lied.

Sobre Joseph Middleton

El pianista Joseph Middleton, aclamado internacionalmente, está especializado en el arte del acompañamiento de canciones y música de cámara. Colabora con cantantes como Thomas Allen, Louise Alder, Mary Bevan, Ian Bostridge, Allan Clayton, Sarah Connolly, Marianne Crebassa, Iestyn Davies, Fatma Said, Samuel Hasselhorn, Christiane Karg, Katarina Karnéus, Angelika Kirchschlager, Felicity Lott, Christopher Maltman, John Mark Ainsley, Ann Murray, James Newby, Mark Padmore, Mauro Peter, Miah Persson, Carolyn Sampson y Roderick Williams. También trabaja con estrellas emergentes de la generación más joven y programa con frecuencia sus propias series para BBC Radio 3. Las últimas temporadas lo han llevado al Wigmore Hall, la Royal Opera House y el Royal Festival Hall de Londres, la Konzerthaus de Viena, el Concertgebouw y el Muziekgebouw de Ámsterdam, la Filarmónica de Colonia, las óperas de Estrasburgo, Fráncfort, Lille y Gotemburgo, la Pierre Boulez Saal de Berlín, el Museo de Orsay de París, la Tonhalle de Zúrich, el DeSingel de Amberes, la Filarmónica de Luxemburgo, el Bozar de Bruselas, el Oji Hall de Tokio y el Alice Tully Hall de Nueva York. Actúa en los festivales de Aix-en-Provence, Aldeburgh, Edimburgo, Múnich, Schubertiade Schwarzenberg y Hohenems, Stuttgart, Heidelberger Frühling, Fráncfort, Ravinia, Japón, San Francisco, Toronto y Vancouver, así como en los BBC Proms. Su discografía, que aumenta de forma rápida en Harmonia Mundi, BIS, Chandos y Signum Records, le ha valido un Diapason d’Or, un Edison Award, un Prix Caecilia y numerosas nominaciones a los Premios Gramophone y BBC Music Magazine. En 2022-2023, Joseph Middleton es artista residente del Festival de Lied Victoria de los Ángeles de Barcelona, donde ofrece recitales con Sarah Connolly, Louise Alder y Benjamin Appl. Entre sus compromisos actuales, destacan la Schubertiade Hohenems y la de Schwarzenberg con Fatma Said, Louise Alder o Sophie Rennert. Además, forma parte de una gira con James Newby, que incluye apariciones en Baden-Baden, Barcelona, Viena, Hamburgo y Londres, donde estrenará una obra de Turnage, junto con Sarah Connolly. Con Carolyn Sampson, acudirá al Wigmore Hall, al Concertgebouw de Ámsterdam y al Oji Hall de Japón. El pianista es director de Leeds Lieder, músico residente y bye-fellow del Pembroke College de Cambridge y profesor y miembro de la Royal Academy of Music. En 2017, recibió el Premio al Artista Joven del Año de la Royal Philharmonic Society. Joseph Middleton participa por primera vez en el Ciclo de Lied.

Alexander’s Feast y The King’s Consort

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta en su ciclo Universo Barroco la tercera gran obra de George Frideric Haendel de la temporada 22/23, Alexander’s Feast (1736), de la mano de la prestigiosa agrupación británica The King’s Consort, fundada y dirigida por Robert King. Esta fastuosa oda con música del gran compositor barroco contará con la participación de solistas de renombre internacional. El concierto tendrá lugar el domingo 26 de marzo a las 19:00h, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música.

Basado en un poema de John Dryden, el oratorio Alexander’s feast narra la historia del inolvidable banquete que el heroico Alejandro Magno celebró con su amante Thais tras haber conquistado la ciudad persa de Persépolis. La obra evoca un gran festín en el que su poeta, Timoteo, repasa los distintos estados emocionales que el conquistador es capaz de revivir con la poesía. Haendel refleja esos sentimientos en su partitura, mostrando el enorme poder de la música para conmover el alma. A través de una orquestación de extraordinaria riqueza, el público podrá disfrutar de uno de los mejores oratorios de Haendel y experimentar, como si fueran suyos, los diversos sentimientos del héroe. Todo ello en una obra que presenta grandiosos números corales y arias de gran expresividad.

El fuerte colorido orquestal será elevado a su máximo nivel gracias a The King’s Consort, dirigido por Robert King. El oratorio, que nació como homenaje a Santa Cecilia (patrona de la música y de los músicos), será interpretado por la prestigiosa agrupación británica, aplaudida internacionalmente por su habilidad en la interpretación de música barroca. El concierto del CNDM forma parte de la gira internacional que ha llevado a The King’s Consort a recrear este oratorio a algunos de los escenarios más prestigiosos del mundo.

Contarán con la participación de un extraordinario elenco vocal formado por la soprano Sophie Bevan (Thais), el tenor Joshua Ellicott (Alejandro Magno) y el bajo Peter Harvey (Timoteo).

Les Arts és Barroc i Música Antiga©Mikel_Ponce_LesArts

Les Arts acoge este mes de marzo la segunda edición del ciclo ‘Les Arts és Barroc i Música Antiga’, que ha coproducido con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM). A lo largo de dos semanas, las agrupaciones historicistas La Tendresa, Concerto 1700, Capella de Ministrers y Al Ayre Español pasarán por el escenario del Teatre Martín i Soler para llevar al público a un viaje a través de las músicas de los siglos XVI, XVII y XVIII, según ha señalado hoy el director artístico de Les Arts, Jesús Iglesias Noriega, en conferencia de prensa. Se trata de la segunda incursión de la temporada 2022-2023 en el Barroco musical, tras la exitosa versión en concierto de ‘Alcina’, que dirigió Marc Minkowski en la Sala Principal.

Iglesias Noriega ha calificado la iniciativa como “una ambiciosa apuesta por el patrimonio musical español alrededor del Barroco, con una mirada previa a los estilos sobre los que se cimentaron sus bases: la Edad Media y el Renacimiento”.

El director de Les Arts ha estado acompañado por Francisco Lorenzo, director del CNDM. Lorenzo ha celebrado la continuidad de la propuesta, que se enmarca en las acciones de la institución “para la recuperación, puesta en valor y difusión de la música histórica a través de los principales referentes”.

En este sentido, el director del CNDM ha apuntado que, de la misma forma que en la primera edición, el ciclo volverá a contar con representación del tejido musical valenciano, con la presencia de La Tendresa, con Èlia Casanova en su doble faceta de directora y soprano, y una nueva actuación de Capella de Ministrers, con la que Carles Magraner colgó el cartel de ‘no hay entradas’ el año pasado.

Asimismo, Jesús Iglesias Noriega ha mencionado, además, que Les Arts, con el fin de abrirse a nuevos públicos y establecer nuevas sinergias con el circuito cultural, ha puesto en marcha una acción promocional por la que se regalará una visita guiada a San Nicolás, máximo exponente del Barroco valenciano, a todo aquel que adquiera una localidad para este ciclo.

‘Barroc i Música Antiga’
‘Les Arts és Barroc i Música Antiga’ comienza este miércoles 22 de marzo, a las 19.30 h, con el ‘ensemble’ valenciano Èlia Casanova i La Tendresa, que tomará el escenario del Teatre Martín i Soler. En su programa ‘L’universo sulla pelle’, las sopranos Èlia Casanova, fundadora y directora de la agrupación, y Quiteria Muñoz, interpretarán un repertorio de arias, cantatas y madrigales del ‘Seicento’ italiano que tienen como tema principal el amor y la pasión.

‘L’universo sulla pelle’ explora diferentes compositores del siglo XVII como Benedetto Ferrari, Stefano Landi, Tarquinio Merula, Giovanni Battista da Gagliano, Giovanni Felice Sances, Girolamo Frescobaldi, Barbara Strozzi, Andrea Falconieri, Giovanni Paolo Colonna y Giovanni Girolamo Kapsberger.

Este trabajo les valió, en 2019, el Premio Carles Santos a mejor disco de recuperación del patrimonio musical, reconocimiento que puso en relieve su labor de restauración de piezas musicales antiguas y de sus métodos de interpretación, que difieren de los de hoy en día.

El jueves 23 de marzo, a las 19.30 h, será el turno de Concerto 1700, que, liderada por Daniel Pinteño, se ha consolidado como una de las formaciones historicistas más reputadas del país. Para su debut en Les Arts, la formación residente en el CDNM durante la presente temporada revivirá ‘La soberbia abatida por la humildad de San Miguel’, un oratorio del alcireño Francisco Fernández Illana en el que intervendrán el contratenor Gabriel Díaz (San Miguel), el tenor Diego Blázquez (Luzbel), la soprano Aurora Peña (Ángel) y la ‘mezzosoprano’ Adriana Mayer (Demonio).

El oratorio, que narra cómo el arcángel San Miguel derrotó a Luzbel, el Diablo, fue compuesto por Illana en el año 1727 y se estrenó en la iglesia de la Congregación de San Felipe Neri de València un año más tarde, en 1728, cuando Illana ya ocupaba el cargo de maestro de capilla del Corpus Christi.

Capella de Ministrers abre la segunda semana de ‘Les Arts és Barroc i Música Antiga’ el miércoles 29 de marzo, a las 19.30 h. Tras su exitoso programa ‘Madre de Devs’ en 2021, la agrupación valenciana más internacional vuelve al Teatre Martín i Soler para presentar ‘Mediterrània. Un mar de músicas’, que se concibe como una reivindicación de los lazos culturales entre los diferentes pueblos del Mediterráneo.

Para ello, la formación que lidera Carles Magraner ha preparado una selección mayoritariamente napolitana que no solo incluye obras anónimas del repertorio tradicional, sino también música culta de compositores del Renacimiento y el Barroco como Antonio Valente, Athanasius Kircher, Giovan Leonardo Primavera, Lucas Ruiz de Ribayaz, Vicenzo Fontana, Andrea Falconieri, Girolamo Frescobaldi, Claudio Monteverdi o Stefano Landi.

En el apartado de voces, dos intérpretes mediterráneos como la soprano valenciana Èlia Casanova y el tenor italiano Pino de Vittorio acompañarán a Capella de Ministrers en el escenario del Teatre Martín i Soler.

Eduardo López Banzo será el encargado de clausurar la segunda edición del ciclo con su formación, Al Ayre Español, y la ‘mezzosoprano’ navarra Maite Beaumunt. El clavecinista y director, que dirigió en 2008 la primera representación barroca en Les Arts con ‘Orlando’, de Händel, nos propone descubrir el universo musical del organista y compositor madrileño José de Torres, maestro titular de la Capilla Real y figura clave del Barroco español.

Bajo el epígrafe de ‘Afectos amantes’, el viernes 31, a las 19.30 h, la prestigiosa agrupación ofrece un concierto de cámara ineludible para los amantes de la sonoridad del Barroco, en el que Banzo recupera algunas de las cantadas al Santísimo escritas por Torres, como la hermosa ‘Afectos amantes’, en la expresiva voz de Maite Beaumont, intercaladas entre sonatas de Händel y piezas anónimas de principios del siglo XVIII.

Entradas
Las entradas para disfrutar de los conciertos del ciclo ‘Les Arts és Barroc i Música Antiga’ tienen un precio de 20 euros y están ya disponibles en la página web de Les Arts. Los menores de 28 años podrán contar con un precio reducido de 10 euros en todos los conciertos de los ciclos de Barroco, sinfónico y ‘lied’.

Les Arts és Barroc i Música Antiga©Mikel_Ponce_LesArts

Piotr Anderszewski

La FUNDACIÓN SCHERZO se complace en anunciar la vuelta del pianista polaco Piotr Anderszewski al Ciclo de Grandes Intérpretes, en un concierto único que tendrá lugar el próximo 14 de marzo en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional.

Si hay algo que ha definido a Piotr Anderszewski durante toda su carrera han sido el rigor y la coherencia. Ya desde su sonado abandono en la final del Concurso de Leeds en 1990 por sentir que su interpretación «no había estado a la altura», pese a que gran parte del jurado lo daba por vencedor, nos hace ver que estamos ante un artista cuyo amor por la música sobrepasa cualquier tipo de interpretación.

Debutó en el Ciclo de Grandes Intérpretes en 2005, tres años después de su galardón como «Artista Gilmore», y desde entonces nos ha visitado cuatro veces más, siendo esta su sexta participación.

La coherencia de Anderszewski se descubre en sus programas, bien hilados, que trazan una ruta musical en donde el intérprete nos guía por un concepto, a primera vista oculto para el público, pero que se va descubriendo a medida que se suceden las obras. Y este concierto no es excepción, porque el viaje musical que nos propone el maestro polaco comienza en J. S. Bach, con su Partita
No6 (BWV 830), para inmediatamente sumergirnos en una Selección de Mazurcas del op. 50 de K. Szymanowski, obras que reencontraron al compositor polaco con el espíritu folclórico tan arraigado al nacionalismo de la Gran guerra.

La segunda parte de la velada nos muestra a dos de los referentes indiscutibles en la música occidental. El primero de ellos: Anton von Webern, máximo representante de la II Escuela de Viena y del dodecafonismo alemán junto a Arnold Schönberg, del que se interpretarán sus Variaciones op. 27. Para concluir el recital, Anderszewski viaja a la I Escuela de Viena con una de las tres última sonatas de L. van Beethoven: en concreto la Sonata no31, op.110.

Con este recital el Ciclo de Grandes Intérpretes continua sus celebraciones del centenario del nacimiento de Alicia de Larrocha. El próximo concierto de temporada tendrá lugar el 18 de abril y correrá a cargo del pianista español Javier Perianes.

Il ritorno d’Ulisse in patria

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta Il ritorno d’Ulisse in patria de Claudio Monteverdi (Cremona, 1567) de la mano del director y violinista Fabio Biondi al frente de su prestigiosa orquesta barroca Europa Galante, el Coro de la Comunidad de Madrid y un reparto estelar de catorce voces internacionales lideradas por el tenor Mark Padmore en el papel protagonista. Se trata del segundo hito de la trilogía monteverdiana que el CNDM desarrolla en su programación. En esta ocasión, el multipremiado especialista italiano Fabio Biondi abordará una de las óperas más aclamadas del eterno Monteverdi, en versión de concierto, en el ciclo Universo Barroco del CNDM, el domingo 12 de marzo, a las 18:00 horas, en la sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música.

Il ritorno d’Ulisse in patria, basada en el final de la Odisea de Homero, narra la sensacional historia del retorno de Ulises a Ítaca, tras la guerra de Troya. La obra fue compuesta treinta años después de L’Orfeo, considerada la primera gran ópera del compositor italiano y que el público del CNDM pudo disfrutar en la temporada 21/22. A diferencia de esta última, ideada para un ambiente íntimo y aristocrático, Il ritorno se estrenó en Venecia en 1640 para un público mucho más amplio, al ser de las primeras óperas que se representaron en un teatro de pago. Gozó entonces de un enorme éxito en un momento en el que la ópera comenzaba a consolidarse como espectáculo en Europa.

La obra presenta una fuerte presencia solística, con pasajes deslumbrantes en los cuales la música se subordina a la belleza del texto. Entre L’Orfeo e Il ritorno distan tres décadas en las cuales la mayoría de las partituras de Monteverdi se perdieron para siempre. Por ello, este concierto supone una oportunidad de admirar la evolución creativa de uno de los compositores clave del género operístico, figura fundamental en la transición entre la estética renacentista y la nueva expresividad barroca.

A través del viaje de Ulises a su añorada tierra, el público podrá sumergirse de lleno en lo mejor de la música del siglo XVII y acercarse a una historia mitológica donde el poder de los sonidos despierta los sentimientos más profundos de sus protagonistas.

Un reparto estelar

En esta nueva y esperada visita a Madrid, Fabio Biondi abordará un gran ejemplo de ópera veneciana al frente de Europa Galante, una de las agrupaciones especializadas más reconocidas a nivel mundial. Fundada en 1989 tras el paso de Biondi por grupos especializados como Les Musiciens du Louvre y The English Concert, Europa Galante se ha forjado una gran reputación dando nueva vida al repertorio barroco y clásico.

En esta ocasión, la prestigiosa orquesta contará con un elenco vocal excelente encabezado por el brillante tenor británico Mark Padmore (Ulisse y L’Umana Fragilità). Junto a él, tendrán un espacio notorio la contralto Sara Mingardo (Penélope), los tenores Jorge Navarro Colorado (Telémaco) y Mark Milhofer (Eumete) y la mezzosoprano Giuseppina Bridelli (Giunone, La FortunaMinerva). Este espectáculo también contará con la participación del Coro de la Comunidad de Madrid.

Completan el reparto vocal la soprano Julieth Lozano, la mezzosoprano Francesca Biliotti, el contratenor Vince Yi, los tenores Omar Mancini, Denzil Delaere y Tarik Bousselma, el barítono Nile Senatore y los bajos Jérôme Varnier y William Meinert.

Fabio Biondi @Luca Guadagnini

Cuarteto Modigliani

El Cuarteto Modigliani, considerado como una de las mejores agrupaciones camerísticas del mundo, celebra su vigésimo cumpleaños con un fantástico recorrido por la música francesa junto al Dúo del Valle, integrado por los pianistas malagueños Víctor y Luis del Valle, en el ciclo Liceo de Cámara XXI del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM). En esta soirée, el público será partícipe de un verdadero festín musical lleno de color que culminará con el famosísimo y mágico Carnaval de los animales de Camille Saint-Saëns. El programa también incluye obras de Joaquín Turina, Claude Debussy, Francis Poulenc y Darius Milhaud. El concierto tendrá lugar el viernes 3 de marzo, a las 19:30 horas, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música.

Fundado en 2003 en el Conservatorio de París, el Cuarteto Modigliani es uno de los cuartetos de cuerda más aplaudidos en todo el mundo por crítica y público. Actualmente lo forman cuatro intérpretes que, además de destacar por su virtuosismo, tocan instrumentos originales de los siglos XVII y XVIII: Amaury Coeytaux (violín), Loic Rio (violín), Laurent Marfaing (viola) y François Kieffer (violonchelo). Los cuatro músicos dialogarán con los talentosos hermanos del Valle (piano) en una velada inolvidable en la que también intervendrán Magali Mosnier (flauta), Pablo Barragán (clarinete), Yann Dubost (contrabajo) y Vassilena Serafimova (marimba). Con ello, el Auditorio Nacional de Música vuelve a ser testigo, una vez más, del feliz encuentro entre músicos españoles y extranjeros, como muestra del compromiso y empeño del CNDM por apoyar el desarrollo de nuestros intérpretes a través de la colaboración con otros artistas.

La velada comenzará con La oración del torero, op. 34, de Joaquín Turina, quien está considerado como uno de los compositores españoles más importantes del impresionismo, junto a Manuel de Falla e Isaac Albéniz. Después se interpretará el indispensable Cuarteto de cuerda en sol menor, op. 10 de Debussy, que destaca por su carácter cíclico. De Francis Poulenc se escuchará Capriccio de ‘Le bal masqué’, una pieza para dos pianos  compuesta a partir de una cantata profana donde el vals se funde con el tango; así como la alegre L’embarquement pour Cythère, FP 150. El recorrido continuará con Darius Milhaud y su divertida Scaramouche, op. 165b, con pasajes creados expresamente para un espectáculo infantil del genial Molière. El concierto desembocará en una gran fiesta con El carnaval de los animales de Camille Saint-Saëns, la obra más conocida del compositor y que nació para evocar un día de carnaval. La pieza contiene desde canciones antiguas francesas hasta el cancán, pasando por la famosa Danza macabra del mismo Saint-Saëns.

FeMÀS

El director del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), Francisco Lorenzo, junto al alcalde de Sevilla, Antonio Muñoz, y Fahmi Alqhai, director del Festival de Música Antigua de Sevilla (FeMÀS) han presentado hoy la 40ª edición del prestigioso festival, en un acto que ha contado con la participación de Carolina Morales, directora general del Área de Cultura y Ciudadanía de la Diputación de Sevilla, Javier Menéndez, director del Teatro de la Maestranza, e Isabel Ojeda, directora general de cultura del Ayuntamiento de Sevilla. El programa de esta nueva edición tendrá lugar en distintos puntos de la capital andaluza del 10 de marzo al 2 de abril de 2023.

El FeMÀS celebra sus 40 ediciones. A lo largo de estos años el Festival se ha consolidado como el decano nacional, como la muestra referente de manifestación musical obteniendo la consideración de la crítica, de los propios músicos y del público en general. Sigue siendo una de las muestras anuales más prestigiosas y valoradas de la cultura hispalense, la referencia del Sur de Europa y una manifestación artística de excelencia y de visita obligada para las grandes formaciones e intérpretes de hoy en día.

Programación del CNDM en el FeMÀS

Por décimo año consecutivo, el CNDM colabora con el FeMÀS y afianza una alianza imprescindible en su compromiso por difundir, ampliar y promocionar el patrimonio musical español y llevar propuestas musicales de alto valor por toda la geografía española. En esta ocasión, coproduce cuatro conciertos que incluyen algunas de las propuestas más sugerentes del festival: Daniel García Trío y Vandalia (15 de marzo), la Orquesta Bética de Cámara (24 de marzo); Concerto 1700 (25 de marzo) y Rafael Ruibérriz (26 de marzo).

El miércoles 15 de marzo, el espacio Turina acogerá el concierto del trío jazzístico del pianista Daniel García Diego con el conjunto vocal sevillano Vandalia. Este original espectáculo ofrecerá un programa que reúne la improvisación del jazz con un repertorio que se mueve desde la medieval escuela de Pérotin, considerado el compositor más importante de la Escuela de Notre Dame de París; hasta la gran polifonía del Renacimiento, prestando una especial atención a los compositores españoles.

El recorrido del CNDM en el marco del festival continuará el viernes 24 de marzo, también en el espacio Turina, con uno de los grandes acontecimientos del festival: la Orquesta Bética de Cámara, dirigida por Michael Thomas, que interpretará El retablo de maese Pedro, de Manuel de Falla, con motivo de los cien años de su estreno en dicha ciudad. Precisamente en Sevilla, se estrenó dicha pieza hace un siglo. Para probar la eficacia musical de su partitura, Falla reunió entonces a un grupo de músicos que hicieron posible la hazaña en dos conciertos celebrados los días 23 y 24 de marzo (los días en que en este Festival también se ha programado un coloquio y el concierto conmemorativo del centenario). El resultado fue tan satisfactorio que propició que de ese grupo de instrumentistas naciera la Orquesta Bética de Cámara, que ahora interpretará en el FeMÀS 2023 esta obra crucial del teatro musical español de todo el siglo XX. Además, la agrupación también interpretará el arreglo que para ella hizo Falla del Prélude à l’après-midi d’un faune de Debussy y el estreno absoluto de una partitura del sevillano Alberto Carretero, encargo del CNDM y la Junta de Andalucía.

El sábado 25 de marzo, en el Espacio Turina, será el turno de Concerto 1700, una de las formaciones españolas más destacadas en la interpretación y difusión de la música barroca, dirigida por el violinista Daniel Pinteño. Concerto 1700 es el grupo residente de la temporada 22/23 del CNDM. La agrupación interpretará La soberbia abatida por la humildad de San Miguel, un oratorio de Francisco Hernández Illana de 1727, que se ha recuperado recientemente y que contará con la participación de grandes voces españolas, como la soprano Aurora Peña, la mezzosoprano Adriana Mayer, el contratenor Gabriel Díaz y el tenor Diego Blázquez.

Finalmente, el domingo 26 de marzo en la Iglesia de San Luis de los Franceses, el destacado flautista Rafael Ruibérriz protagonizará un estreno en tiempos modernos de incalculable valor con la recuperación histórica de cinco sonatas para flauta traversa de Luis Misión. Se trata de una joya inédita que sale ahora a la luz tras su sorprendente hallazgo en Sevilla. Ruibérriz estará acompañado por la violonchelista Isabel Gómez-Serranillos, el clavecinista Santiago Sampedro y la soprano Cristina Bayón.

The English Concert

Tras el éxito de Alcina, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta en su ciclo Universo Barroco el segundo título de su temporada 22/23 que reivindica la obra lírica de George Frideric Haendel, Solomon, considerado uno de los mayores oratorios del gran compositor del Barroco. La extraordinaria partitura cobrará vida de la mano de la prestigiosa orquesta británica The English Concert, que acaba de cumplir medio y estará dirigida por Harry Bicket, y la agrupación vocal neoyorkina The Clarion Choir, dirigida por Steven Fox, que protagonizará algunos de los pasajes corales más esperados. Junto a ellos estarán presentes algunas de las voces especializadas más destacadas de la escena internacional, como la mezzosoprano sueca Ann Hallenberg en el papel protagonista. El concierto tendrá lugar el domingo 26 de febrero, a las 18:00h, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música.

Solomon es una pieza clave del repertorio haendeliano que destaca por una marcada presencia de los pasajes corales y por una  arrolladora fuerza lírica. Además de ser considerada como una de las obras maestras de Haendel, con bellas arias engrandecidas por coros, contiene algunas de las melodías más populares de todos los tiempos. Es el caso del pasaje instrumental para dos oboes y cuerdas del tercer acto, conocido como «La llegada de la reina de Saba», donde se puede apreciar toda la grandiosidad de la música de Haendel y la riqueza de la música barroca. Dicha melodía se ha hecho famosa fuera del contexto de la obra completa, llegando incluso a protagonizar acontecimientos como la ceremonia de los Juegos Olímpicos de Londres de 2012.

La historia de este gran oratorio se sitúa en Jerusalén, en el año 950 a. C. A través de una extraordinaria fuerza orquestal y coral, el público descubrirá distintas facetas del mítico Rey Salomón. La piedad y la sabiduría son algunas de las virtudes que se unirán a sentimientos universales como la furia o la pasión. Haendel optó en esta obra por celebrar la figura del rey Jorge II a través del rey Salomón, ensalzando su papel como un gobernador sabio en un tiempo en el que se vivían tiempos de paz tras la convulsa guerra de Sucesión Austríaca.

El oratorio se estrenó en el Teatro de Covent Garden en marzo de 1749 con un elenco encabezado por la mezzosoprano italiana Caterina Galli, que por aquel entonces gozaba de una gran admiración por parte del propio Haendel y era la gran estrella de su compañía, la Royal Academy of Music. Ahora llega hasta nuestros días con la brillante mezzosoprano Ann Hallenberg en el papel protagonista, acompañada por las sopranos Miah Persson (Solomon’s Queen, First Harlot) y Elena Villalón (Queen of Sheba), el tenor James Way (Zadock), el barítono Brandon Cedel (Levite) y la mezzosoprano Niamh O’Sullivan (Second Harlot).

Educación: A las 17:00h, tendrá lugar, en el Salón de Actos del Auditorio Nacional de Música, el encuentro sobre Solomon en los “Contextos Barrocos del CNDM”, sesiones de cuarenta y cinco minutos que permiten profundizar en las obras del ciclo, su historia y los intérpretes. En esta ocasión, Eduardo Torrico moderará una charla que contará con la participación de Alfonso Leal (violista y director ejecutivo del English Concert). Entrada libre hasta completar aforo para los asistentes al concierto posterior a cada charla.

CONCERTO 1700

Concerto 1700, una de las formaciones españolas más destacadas en la interpretación y difusión de la música de cámara barroca, presenta Acis y Galatea del excepcional compositor Antonio de Literes (1673-1747), de quien este año se celebra el 350 aniversario de su nacimiento, en el ciclo Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM). Fundada y dirigida por el violinista Daniel Pinteño, la agrupación acercará al público contemporáneo este mito de amor eterno en una versión semiescenificada adaptada por el dramaturgo Ignacio García y que cuenta con la participación del actor Emilio Gavira y de un extraordinario elenco de voces españolas, como las de Aurora Peña, Èlia Casanova, Lucía Caihuela y Víctor Cruz. El concierto brindará al público la oportunidad de descubrir una joya del repertorio español del pasado interpretada por músicos españoles del presente. Tendrá lugar el jueves 23 de febrero, a las 19:30h, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música.

Con esta actuación se inaugura la residencia de Concerto 1700, que tendrá un gran protagonismo en la programación del CNDM a lo largo de toda la temporada. En su estreno en el Real Coliseo del Buen Retiro en Madrid en 1708, la representación de Acis y Galatea gozó de un enorme éxito. Tuvo tan buena acogida entre el público que se siguió representando durante dos décadas después en teatros del país y del extranjero. La obra es de Antonio de Literes, uno de los compositores más destacados del Barroco español y autor de algunas de las melodías más reconocidas de nuestro patrimonio musical. Cuenta con libreto de uno de los dramaturgos más cotizados y famosos de la primera mitad del siglo XVIII español, José de Cañizares (1676-1750), y narra la historia del mito del cíclope Polifemo, la ninfa Galatea y el pastor Acis, expuesto en las Metamorfosis de Ovidio. Una apasionante trama donde el motor argumental gira en torno al amor.

Acis y Galatea está considerada como una de las primeras zarzuelas de estilo italiano. En ella, el genuino estilo español, representado por los coros y seguidillas, se entrelaza con los recitados y bellas arias da capo más propias de las corrientes italianas. Este emocionante espectáculo barroco evoca lo mejor de la época a través de una trama de pasiones y peleas. En el concierto del CNDM, el triángulo amoroso será interpretado por la soprano Aurora Peña (Galatea), la soprano Èlia Casanova (Acis) y el narrador Emilio Gavira (Polifemo). A ellas se unirán la mezzosoprano Lucía Caihuela (Glauco) y el barítono Víctor Cruz (Momo).

Compromiso con el patrimonio musical español

La calidad interpretativa y el compromiso por la recuperación del patrimonio musical español de Concerto 1700 y de su director, el violinista Daniel Pinteño, motivaron la decisión del Centro Nacional de Difusión Musical de nombrar al ensemble grupo residente en la temporada 22/23. Desde su fundación en 2015, ha conseguido posicionarse como una de las formaciones más relevantes del panorama historicista de España. Para llevar a cabo su proyecto artístico, Concerto 1700 utiliza instrumentos originales, así como un riguroso estudio musicológico de la práctica interpretativa de la época.

Además de la cita en el Auditorio Nacional de Música de Madrid, esta agrupación recorrerá las ciudades de Salamanca, Valencia, Sevilla, León y Oviedo como parte de su residencia en el CNDM y del compromiso de la entidad por difundir el patrimonio musical español a lo largo de todo el territorio. En sus conciertos, se presentarán al público algunos de los estrenos en tiempos modernos más relevantes de la temporada, como varias recuperaciones históricas de Juan Francés de Iribarren, uno de los más prolíficos maestros de capilla españoles de su tiempo. Concerto 1700 participará también en el prestigioso Festival de Música Barroca de Londres y el Centro Nacional para la Música Antigua de York, donde desembarcará en mayo, junto a otras agrupaciones españolas, para mostrar al público británico, a lo largo de una semana, la riqueza, singularidad y calidad de nuestro repertorio.

Fotografía:  Jaime Massieu

Alcina

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta Alcina de George Frideric Haendel (1685-1759), una de las óperas más bellas del siglo XVIII. Se trata de una oportunidad única para disfrutar, en versión de concierto, de este extraordinario título lírico de Haendel de la mano de una de las orquestas más prestigiosas del mundo, Les Musiciens du Louvre. Dirigidos por el aclamado Marc Minkowski, acompañarán a un elenco de voces de primerísimo nivel, encabezado por la mezzosoprano checa Magdalena Kožená en el papel protagonista. El concierto, enmarcado en el ciclo Universo Barroco, tendrá lugar el miércoles 15 de febrero, a las 19:30h, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música.

Alcina es uno de los hitos de la temporada 22/23 del CNDM. Fue la tercera obra que Haendel escribió a partir del poema épico Orlando furioso de Ariosto, después de Orlando (1733) y Ariodante (1735). La ópera, que celebra el triunfo del amor sobre la brujería, posee una música con un asombroso poder emocional y está llena de efectos, con una orquestación que alterna entre los modos mayores y menores para sacar a la luz los sentimientos más profundos de los personajes. Las numerosas arias, con pasajes exigentes y de gran virtuosismo, trasladarán al público a una isla encantada gobernada por la hechicera Alcina, que convierte a sus amantes en bestias, árboles o rocas.

En el concierto, el público sucumbirá a la magia de Alcina a través de los brillantes Les Musiciens du Louvre, especialistas en la interpretación con criterios historicistas, bajo la dirección del reputado Marc Minkowski, y de un elenco excepcional que cuenta con las voces de las mezzosopranos Magdalena Kožená (Alcina), Elizabeth Deshong (Bradamante), Anna Bonitatibus (Ruggiero), la soprano Erin Morley (Morgana), el tenor Valerio Contaldo (Oronte), el contratenor Alois Mühlbacher (Oberto) y el bajo Alex Rosen (Melisso). El concierto se enmarca en una gran gira que recala en los principales auditorios de Europa como la Philharmonie de Paris, la Elbphilharmonie de Hamburgo, el Liceu de Barcelona o Les Arts en Valencia.

Haendel en el CNDM
Desde sus orígenes, el Centro Nacional de Difusión Musical ha dedicado a George Frideric Haendel un espacio privilegiado en su ciclo Universo Barroco. En total, se han programado más de 150 obras de este gran compositor. Entre ellas, destacan algunos de sus más bellos oratorios, como Il trionfo del Tempo e del Disinganno (1707), o grandes joyas como la ópera Orlando (1719). El CNDM también ha estrenado en España la versión de 1725 de Giulio Cesare in Egitto, su ópera más programada en tiempos modernos.

En la presente temporada, el público también podrá acercarse a dos de los mejores oratorios del compositor: Solomon, con The English Concert y The Clarion Choir, dirigidos por Harry Bicket (domingo 26 de febrero); y Alexander’s feast, con The King’s Consort and Choir, bajo la dirección de Robert King  (domingo 26 de marzo).
Educación: A las 18:30h, tendrá lugar, en el Salón de Actos del Auditorio Nacional de Música, el encuentro sobre Alcina en los “Contextos Barrocos del CNDM”, sesiones de cuarenta y cinco minutos que permiten profundizar en las obras del ciclo, su historia y los intérpretes. En esta ocasión, Eduardo Torrico moderará una charla que contará con la participación de Rodrigo Gutiérrez (oboísta de Les Musiciens du Louvre). Entrada libre hasta completar aforo para los asistentes al concierto posterior a cada charla.

Sobre Les Musiciens du Louvre 

Fundada en 1982 por Marc Minkowski, Les Musiciens du Louvre recupera los repertorios barroco, clásico y romántico con instrumentos de época. Desde hace casi cuarenta años, la orquesta destaca por su reinterpretación de obras de Haendel, Purcell y Rameau, así como de Haydn y Mozart, y más recientemente de Bach y Schubert. También es conocido por su interpretación de la música francesa del siglo XIX. Les Musiciens du Louvre fue el primer conjunto de música antigua en ser invitado al foso de la Staatsoper de Viena e interpretar a Mozart con instrumentos de época en el Festival de Salzburgo. La orquesta es invitada habitual en las principales salas de conciertos parisinas: Ópera Nacional de París, Filarmónica de París, Teatro de los Campos Elíseos, Auditorio de Radio-France y Ópera Real de Versalles. Realiza frecuentes giras por Europa (Salzburgo, Viena, Berlín, Colonia, Madrid, Barcelona, Bremen, Bruselas y Ginebra) y Asia.

Sobre Marc Minkowski

Después de estudiar fagot, Marc Minkowski comenzó a dirigir y se formó con Charles Bruck en la Pierre Monteux School en Hancock (Maine). A los diecinueve años, fundó Les Musiciens du Louvre (1982). También creó en 2011 el Festival Ré Majeure en Ile de Ré, fue gerente de la Ópera Nacional de Burdeos, director artístico de la Semana de Mozart en Salzburgo de 2013 a 2017 y asesor artístico de la Orquesta de Kanazawa en Japón. En 2018, fue honrado como Chevalier de la Légion d’Honneur. Minkowski aparece con frecuencia en muchos de los teatros de ópera y salas de conciertos del mundo. Ha colaborado en la dirección de varias óperas en el Festival de Salzburgo y en el de Aix-en-Provence. Es, asimismo, un director muy demandado en el mundo musical sinfónico clásico y moderno. Su vasto repertorio abarca desde Rameau hasta Adams y en su discografía hallamos sinfonías de Schubert, Haydn, Mozart y Berlioz. Es pionero en combinar el arte ecuestre con la música clásica y, junto con Bartabas, ha creado varios espectáculos.

Fotografía: Benjamin Chelly

Moisés P. Sánchez y Marco Mezquida

Moisés P. Sánchez y Marco Mezquida, dos de los máximos exponentes del panorama jazzístico nacional, estrenarán su primera obra conjunta en el ciclo Jazz en el Auditorio del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM). Se trata de un proyecto que nace como encargo de la institución al artista residente de la temporada 22/23, Moisés P. Sánchez, en colaboración con Marco Mezquida, y que lleva por título Suite Va y Ven, una pieza en la que los artistas fundirán la música de sus dos pianos en una. El concierto tendrá lugar el jueves 2 de febrero, a las 20:00 horas, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música.

Este primer proyecto en común tan esperado -al tratarse de artistas muy solicitados en los principales escenarios europeos, no es común que toquen juntos-, se da en el marco de la residencia artística de Moisés P. Sánchez en la presente edición del CNDM. El compositor, productor musical, pianista, improvisador y arreglista se unirá a Marco Mezquida, otro gigante de la escena de jazz actual, para enfrentarse juntos a un gran reto musical: crear e interpretar una obra nueva uniendo dos lenguajes musicales propios. Un concierto mágico donde los solistas se encontrarán frente a frente, como un espejo, para unir sus teclas, sus mentes y sus ritmos trepidantes.

La Suite Va y Ven está compuesta por cinco movimientos. Los movimientos impares corren a cargo de Moisés P. Sánchez y fueron el material de partida para que Marco Mezquida pudiera incorporar dos composiciones originales que sirven como movimientos “bisagra” entre la composición de Moisés. De esta manera, en la pieza se podrá observar la intención compositiva de Moisés complementada por el universo personal de Marco, creando un “vaivén” entre los dos músicos particular y único. El público será testigo del virtuosismo de sus intérpretes, de su creatividad y del trepidante diálogo de la pieza. También de la gran riqueza musical de la obra, que aúna ritmos vibrantes de composiciones propias, tributos y canciones populares con la improvisación.

Una conexión infalible 

Desde que tocaron juntos por primera vez en 2018, Moisés P. Sánchez y Marco Mezquida han mostrado una gran complicidad entre ellos. Ambos comparten universos musicales propios donde juegan con el cruce entre géneros. Su carácter poliédrico les anima a transitar la música de grandes figuras como Johann Sebastian Bach, Bêla Bartôk, Frédéric Chopin o Ígor Stravinski, sin dejar de lado géneros como el flamenco o el folklore. También tienen en común una desbordante creatividad y un enfoque renovador y sin complejos por el jazz. Por todo ello, el recital se convertirá en una auténtica experiencia donde dejarse llevar por las audaces, bellas y sorprendentes armonías del piano.

Konstantin Krimmel

El joven barítono alemán Konstantin Krimmel, una de las grandes voces de la nueva generación de cantantes líricos, debuta en el XXIX Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela junto al pianista Ammiel Bushakevitz. Ambos artistas interpretarán un repertorio compuesto por algunas de las obras más emblemáticas de Robert Schumann, donde destacan el cuaderno Liederkreis, op. 39 y las canciones que integran Fünf Lieder, op. 40; y de Hugo Wolf, con una selección de los escritos sobre poemas de Joseph von Eichendorff y de Johann Wolfgang von Goethe. El concierto tendrá lugar el  lunes 30 de enero a las 20:00 horas en el Teatro de la Zarzuela.

Konstantin Krimmel (1993), que tiene a sus espaldas una sólida carrera operística, ha desarrollado un interés especial en el repertorio de lied. Pese a su juventud, ha obtenido numerosos galardones como el primer premio en el Concurso Internacional de Lied Helmut Deutsch en 2019, entre otros. En su presentación en el ciclo de Lied, la frescura y timbre exquisito del barítono alemán formarán un equilibrio magistral con el pianista Bushakevitz. Una ocasión perfecta para disfrutar de un género donde el piano excede al mero acompañamiento y toma protagonismo, junto con la voz, para dotar de alma sonora a la poesía.

El programa presenta algunos lieder de dos compositores fundamentales del repertorio, Robert Schumann (1810-1856) y Hugo Wolf (1860-1903). Del primero podrá escucharse una representación de la plenitud del Romanticismo y del segundo, la faceta más tardía del movimiento y su deriva hacia el mundo del Expresionismo.

El recital comenzará con una colección de canciones sobre poemas de Christian Andersen y Chamisso que Schumann compuso en 1840, Fünf Lieder, op. 40, canciones donde la voz alcanzará toda su expresividad. El recorrido continuará con varios lieder de Wolf: Abendbilder, IHW 1 (Paisajes Nocturnos) y dos colecciones sobre poemas de Eichendorff y Goethe. En ellas, el público podrá descubrir la melancolía de personajes como el arpista, o la oscuridad de la noche. En la segunda parte, Schumann volverá a estar presente con de Drei Gesänge, op. 83 y el extraordinario ciclo de canciones Liederkreis, op. 39, con textos de los poemas de Eichendorff, piezas con un fuerte contenido emocional y que constituyen un pilar del repertorio de la canción de cámara germánica.

Este programa también podrá descubrirse en la “Schubertiada de Barcelona”, un ciclo del CNDM en coproducción con el Palau de la Música Catalana y la Associació Franz Schubert, el jueves 2 de febrero a las 20:00h en el Petit Palau.

Konstantin Krimmel, barítono

Konstantín Krimmel, de origen germano-romano, recibió la primera formación musical con el Coro de niños de St Georg en Ulm. Mientras todavía era estudiante, desarrolló un especial amor por el concierto y el repertorio de lied. Desde entonces ha ganado numerosos concursos, incluyendo lo Deutsch Liedwettbewerb en 2019, el primer premio en el Concurso Internacional de Lied Helmut Deutsch, el segundo premio en el Concurso Internacional de Canto ‘Das Lied’ en Heidelberg y el Concurso Internacional de Música Gian Battista Viotti en 2018. Ha hecho recitales en la Philharmonie de Colonia, la Deutsche Oper y la Konzerthaus de Berlín, la Ópera de Frankfurt, la Heidelberger Frühling, la Schubertíada y la Schubertiade de Schwarzenberg, Madrid (Fundación March) y Londres (Wigmore Hall) y en Festival de Lieder de Oxford. En otoño de 2021, se convirtió en miembro de la Ópera de Múnich.

Ammiel Bushakevitz, piano

Nacido en Jerusalén, empezó a tocar el piano a los cuatro años. Apasionado por la canción poética desde muy joven, es reconocido internacionalmente como uno de los mejores acompañantes de su generación y actúa regularmente en destacados auditorios de Europa, Norteamérica, África, Asia y Australia. Tras iniciar sus estudios en Suráfrica, donde se crió, estudió en la Hochschule für Musik und Theater “Felix Mendelssohn Bartholdy” de Leipzig y en el Conservatorio Nacional de Música de París. Ammiel es ganador de numerosos concursos, incluyendo el del Wigmore Hall en Londres o el de la Hugo-Wolf-Akademie de Stuttgart. Uno de los últimos estudiantes privados de Dietrich Fischer-Dieskau, colabora con Thomas Hampson en la Academia de Lied en Heidelberg. Además de sus actividades como pianista, Ammiel también se dedica a la musicología y está especializado en la investigación sobre Schubert y Wagner.

Tiento Nuovo y Isserlis Steven

La agrupación historicista Tiento Nuovo, dirigida por el clavecinista y director Ignacio Prego, regresa al Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), junto al virtuoso violonchelista británico Steven Isserlis, en una cita doble: su propuesta inaugurará el XX Ciclo de Músicas Históricas de León (jueves 19 de enero) y también podrá descubrirse en el ciclo Universo Barroco (viernes 20 de enero), en el Auditorio Nacional de Música. Los intérpretes presentarán su nuevo proyecto, “Tormenta y Calma”, un viaje por la música dieciochesca que tiene como protagonistas a la tempestuosa Sinfonía en sol mayor de Carl Philipp Emanuel Bach y a la serenidad del Concierto para violonchelo nº7 en sol mayor de Luigi Boccherini. El programa se completa con obras de Carl Heinrich Graun y Pietro Antonio Locatelli.

En este paseo por la música del siglo XVIII, se invita al público a sumergirse en obras que están a caballo entre el Barroco tardío y el Clasicismo temprano, un periodo de experimentación donde los conciertos públicos, las sinfonías y los recitales con solista se convirtieron en géneros predilectos del público. Tiento Nuovo y el violonchelista Steven Issserlis recrearán esa época a través de un repertorio que mezcla el estilo galante con emociones en estado puro. Partituras llenas de contrastes que oscilan entre el estallido de la tormenta -representada por la obra de Carl Philipp Emanuel Bach- y la serenidad de la calma -representada por Luigi Boccherini, Carl Heinrich Graun y Pietro Locatelli.

El programa se abrirá con la Sinfonía en sol mayor, Wq 173 de Carl Philipp Emanuel Bach. La obra recrea un enérgico universo musical, con diálogos del solista y la agrupación que estallan en melodías apasionadas y cargadas de dramatismo. La tormenta dará paso a la calma con el estilo preclasicista de Luigi Boccherini y su Concierto para violonchelo nº7 en sol mayor, G.480, una composición que presenta melodías ornamentadas y despliega un torrente de virtuosismo en su final. Estas dos obras centrales del programa se verán acompañadas por la vibrante Sinfonía en do mayor de Carl Heinrich Graun, el singular Concierto en si bemol mayor, op. 7, nº 2 de Pietro Antonio Locatelli y el emocionante Concierto para violonchelo en la mayor, Wq 172 de C. P. E. Bach, que cerrará el concierto.

Sobre Ignacio Prego y Tiento Nuovo

Considerado uno de los clavecinistas más importantes de su generación, Ignacio Prego (Madrid, 1981) es director y fundador de Tiento Nuovo, grupo historicista de gran relevancia en España. Ha desarrollado una intensa carrera con numerosos conciertos en Norteamérica, Sudamérica, Asia y Europa. Ha colaborado con grandes músicos y directores como William Christie o Jordi Savall, y también ha mostrado una gran versatilidad junto a visionarios del jazz, como el pianista y compositor Moisés P. Sánchez, actual artista residente del Centro Nacional de Difusión Musical. En 2016 funda Tiento Nuovo, grupo integrado por una formación variable dependiendo de las necesidades musicales. La agrupación abarca un repertorio amplio dentro del Barroco, y entre sus recientes proyectos en concierto se encuentran monográficos de los Conciertos para clave y orquesta de J. S. Bach, un programa dedicado a los Concerti Grossi de Corelli con la colaboración del gran flautista suizo Maurice Steger, o programas dedicados al Barroco italiano, entre otros.

Sobre Steven Isserlis

Aclamado por la crítica internacional por su dominio técnico y su poderosa imaginación, el violonchelista británico Steven Isserlis tiene una trayectoria consolidada como solista y músico de cámara. Ha recibido numerosos galardones, entre ellos el Premio Schumann de la ciudad de Zwickau o el Premio Piatigorsky de Estados Unidos. También es uno de los dos únicos violonchelistas vivos que figuran en el Salón de la Fama de Gramophone. En 2017, recibió el Premio del Festival de Música Original de Glashütte en Dresde, la Medalla de Oro del Wigmore Hall y la Medalla Walter Willson Cobbett por sus servicios a la música de cámara. Como solista de concierto, actúa regularmente con las principales orquestas y directores del mundo, como la Filarmónica de Berlín, la Orquesta Sinfónica Nacional de Washington, la Filarmónica de Londres y la Tonhalle de Zúrich. 

Fotografía: Jean Baptiste Millot

Cuarteto Pavel Haas

El Cuarteto Pavel Haas, reconocido como una de las mejores agrupaciones de música de cámara del panorama actual, y la gran pianista Varvara, ofrecerán un recital en el ciclo Liceo de Cámara XXI del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) donde descubrirán algunas joyas de la música de cámara eslava. Se trata del Cuarteto de cuerda n.º 4, Sz 91 (1928) de Béla Bartók, el Cuarteto de cuerda n.º 7 ‘Concerto da camera’, H 314 (1947) de Bohuslav Martinů y el Quinteto para piano y cuerdas en sol menor, op. 34 (1885) de Juliusz Zarebski. El concierto tendrá lugar el miércoles 18 de enero, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música, a las 19:30h. 

En este recital, el público podrá embarcarse en un viaje apasionante por el repertorio camerístico de la música eslava a través de la obra de Bartók, Martinů y Zarebski, tres grandes compositores del Este europeo. Músicos también oriundos de las tierras eslavas, como son el cuarteto checo Pavel Haas y la pianista rusa Varvara, darán vida a estas espléndidas composiciones que introducen estilos bien distintos, desde las influencias de las músicas populares hasta el neoclasicismo. 

El recorrido comenzará con la música del húngaro Béla Bartók, uno de los mayores compositores del siglo XX y cuyos seis cuartetos de cuerda son considerados, junto con los de Dmitri Shostakóvich, el corpus más importante en el género a lo largo del siglo XX. En el concierto del CNDM, el público descubrirá una de sus obras maestras, el Cuarteto de cuerda nº 4, cargada de elementos de la música húngara, rumana y búlgara. El viaje continuará con el modernismo clásico del checo Bohuslav Martinů y su Cuarteto de cuerda nº 7, compuesto en Nueva York en 1947, y donde hay referencias a la música popular checa. El broche de oro lo pondrá la música del compositor y pianista ucraniano Juliusz Zarebski, con el Quinteto para piano y cuerdas en sol menor, una pieza de gran envergadura con influencias de César Franck y que representa la obra más relevante de su carrera.

Cuarteto Pavel Haas

Desde que ganaron el ganaron el concurso Paolo Borciano en Italia en primavera de 2005, este cuarteto de cuerda checo ha tenido una trayectoria fulgurante, con actuaciones en los auditorios más prestigiosos del mundo, un rotundo éxito de la crítica internacional y cinco premios Gramophone por sus grabaciones. Establecido en Praga, el cuarteto estudió con Milan Škampa, el legendario violinista del Cuarteto Smetana. En 2022, la formación celebró su vigésimo aniversario y ese mismo año la conocida revista BBC Music Magazine los nombró entre los 10 mejores cuartetos de cuerda de todos los tiempos. En la actualidad, la agrupación está integrada por Veronika Jarůšková (primer violín y fundadora del cuarteto), Marek Zwiebel (segundo violín), Karel Untermüller (viola) y Peter Jarůšek (violonchelo). 

Varvara

La intérprete rusa Varvara Nepomnyaschaya, conocida artísticamente como Varvara, está considerada como una de las pianistas más virtuosas de su generación. Tras estudiar en el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú, ganó en 2012 el primer premio del Concurso Géza Anda de Zúrich, lo que impulsó de manera determinante su carrera. Desde entonces, la pianista ha colaborado con orquestas de gran prestigio como la Orquesta del Teatro Mariinsky, la Orquesta de Cámara de Viena o la Orquesta Tonhalle de Zúrich, y ha recibido un gran reconocimiento internacional por la riqueza de sus interpretaciones.

Fotografía ©Marco Borggreve

Músicas Históricas de León

El alcalde de León, José Antonio Diez, acompañado por la concejala de Acción y Promoción Cultural, Evelia Fernández, y el director del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM, Ministerio de Cultura y Deporte), Francisco Lorenzo, han presentado hoy el XX Ciclo de Músicas Históricas de León, una coproducción del CNDM y el Ayuntamiento de la ciudad. A través de este ciclo, León se convertirá en uno de los puntos de encuentro de la música histórica en nuestro país, con seis conciertos de la mano de algunos de los artistas y conjuntos especializados más aplaudidos del panorama nacional y europeo. Este ciclo se celebrará entre el 19 de enero y el 23 de mayo en el Auditorio Ciudad de León.

Desde  su origen, el ciclo de Músicas Históricas de León ha apostado de manera decidida por la recuperación y difusión del patrimonio musical español gracias a la colaboración de los mejores intérpretes y formaciones de cada especialidad bajo el paraguas de la programación integradora, dinámica y plural del CNDM. Así, la programación presenta obras maestras del periodo barroco, junto a varias recuperaciones históricas del patrimonio musical español que verán su estreno en tiempos modernos este año.

En paralelo, se celebrarán dos actividades educativas que tienen por objetivo apoyar a los cantantes españoles en el inicio de sus carreras y acercar la música antigua a los jóvenes. Por un lado, se celebrará el ya consolidado Curso Internacional de Interpretación Vocal Barroca, dirigido por Eduardo López Banzo, que sirve de impulso y escaparate a la nueva cantera de promesas del canto. Por el otro, el Curso de Extensión Universitaria, en colaboración con la Universidad de León, y que pretende acercar la música antigua y barroca a los estudiantes a través de una serie de conferencias previas a los conciertos.

Un viaje musical histórico

En 2023, el ciclo de Músicas Históricas de León ofrecerá un viaje musical inolvidable por un repertorio que abarca desde obras emblemáticas del repertorio menos conocido de la música antigua, hasta extraordinarias partituras de la creación barroca.

El concierto inaugural tendrá lugar el jueves 19 de enero y correrá a cargo de Tiento Nuovo, dirigido por el clavecinista Ignacio Prego, junto con el magnífico violonchelista británico Steven Isserlis, quienes interpretarán dos de las obras más difundidas de la música dieciochesca: una pieza de Carl Philipp Emanuel Bach y una obra clásica de Luigi Boccherini. El programa presenta un recorrido que se mueve desde entre el final del Barroco y los albores del preclasicismo, y que se completa con obras de Pietro Antonio Locatelli y Carl Heinrich Graun.

El viaje continuará el miércoles 22 de febrero, con Eduardo López Banzo (clave y dirección) y las extraordinarias voces de las sopranos Belén Vaquero y Luna Celemín, y el contratenor Bruno Campelo. Juntos, recrearán un mágico programa centrado en la cantata de cámara, con auténticas escenas de ópera en miniatura, como producto del Curso Internacional de Interpretación Barroca. Bajo el lema de Beglocchi, interpretarán obras de Giovanni Bononcini y Alessandro Scarlatti, así como una cantata de José de Torres y dos sonatas de Sebastián de Albero.

El martes 21 de marzo será el turno de Anacronía, un ensemble joven con una fulgurante trayectoria especializado en interpretación con instrumentos históricos. En el concierto, darán vida a una sugerente selección de obras de cámara que en su día animaron la vida musical de la bulliciosa ciudad de Londres en la segunda mitad del siglo XVIII. La velada nos retrotraerá a esa época de asombrosa actividad musical con un programa protagonizado por Carl Friedrich Abel, Johann Christian Bach, Franz Joseph Haydn y Juan Oliver Astorga.

El miércoles 12 de abril, LEstro de Orfeo, uno de los conjuntos barrocos más especializados del mundo dirigido por la violinista Leonor de Lera, llevará al público leonés a sumergirse en la gran música italiana para violín del siglo XVII. Bajo el título Con privilegio, in Venetia y a través de partituras de compositores estrechamente vinculados a Venecia, sonarán imaginativas piezas de Biagio Marini, Dario Castello, Giovanni Valentini, Tarquinio Merula, Giovanni Legrenzi, Giovanni Girolamo Kapsberger, Benedetto Ferrari, donde quedará patente el virtuosismo del violín.

Ya en mayo, el martes día 2, María Espada, una de las grandes voces del Barroco español, y Concerto 1700, agrupación residente del CNDM en su temporada 22/23 dirigida por el violinista Daniel Pinteño, ofrecerán una de las joyas del ciclo: un concierto dedicado a Juan Francés de Iribarren, uno de los más prolíficos maestros de capilla españoles del tiempo, que incluye varias recuperaciones históricas, las cantatas para soprano. El concierto pondrá en valor a este compositor, figura crucial de la música española dieciochesca, mostrando un diálogo entre algunas de sus obras y otras de compositores coetáneos como José de Nebra o Arcangelo Corelli.

El broche de oro lo pondrá la Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca, el martes 23 de mayo, acompañada de Rachel Podger (concertino y violín solista), referencia icónica del mundo del violín barroco. Bajo el título To all lovers of musick (A todos los amantes de la música) recrearán una auténtica fiesta para cualquiera que guste de la música del periodo. La propuesta recoge un conjunto de obras maestras para cuerdas donde están representados Francesco Geminiani y algunos de los compositores fundamentales de la historia de la música, desde Johann Sebastian Bach hasta Antonio Vivaldi.

René Pape

Esta temporada el Ciclo de Lied que conjuntamente organizan el Centro Nacional de Difusión de la Música y el Teatro de la Zarzuela, ha retrasado su inicio hasta finales de noviembre, pero lo ha hecho con el debut en este ciclo del alemán René Pape. Uno de las voces más importantes dentro de la tesitura, cada vez más escasa, de bajo profundo. En esta ocasión no pudo estar acompañado por su pianista habitual Camillo Radicke por indisposición, y le acompañó Michael Schütze, que resolvión su participación con gran profesionalidad.

Para la ocasión se eligió un repertorio poco convencional pero de una gran belleza. Comenzó con Die ihr des unermesslichen Weltalls Schöpfer ehrt (Los que adoráis al Creador del Universo inconmensurable), K 619, de Wolfgang Amadeus Mozart que se escuchaba por primera vez en este ciclo. Continuó esta primera parte con Canciones bíblicas, op. 99 (1894) de Antonín Dvořák (1841-1904).

La pieza mozartiana contenía la riqueza de estilos del compositor, a las que Pape respondió con su bello y oscuro timbre, su extraordinaria zona central y una voz homogénea, densa y sin artificios. Hizo derroche además de una buena dicción en checo, en las intimistas y recogidas Canciones de Dvořák, el ruso, el inglés y, claro está, de su alemán natal.

La segunda parte dió comienzo con Three Shakespeare songs, op. 6, tres obras de un compositor poco conocido, el británico Roger Quilter, con textos de Shakespeare pero tal vez de una tesitura menos adecuada para Pape, que no se encontró muy cómodo, sobre todo en los agudos.

Terminó esta segunda parte con los Cantos y danzas de la muerte, de Modest Mussorgski. En esta ocasión el bajo alemán encontró su nicho sonoro, tanto en la tesitura como en la teatralidad de la interpretación. Poniendo así un magnífico colofón a este variado recital.

Ofreció tres propinas ya más relajado y con un público entregado. Un buen debut de un cantante que estamos más acostumbrados a ver desenvolverse sobre un escenario operístico, pero que ha dejado muy buen sabor de boca en su primera y, esperamos que no última, intervención en el Ciclo de Lied.

Fotografía: Elvira Megías

RENÉ PAPE

El cantante alemán René Pape, considerado uno de los mejores bajos de su generación, debuta en el XXIX Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela, junto al pianista Camillo Radicke. Ambos interpretarán dos ciclos clave del repertorio eslavo, las Canciones bíblicas de Antonín Dvořák y los Cantos y danzas de la muerte de Modest Mussorgski, una cantata de Wolfgang Amadeus Mozart y las delicadas canciones de Roger Quilter con textos de William Shakespeare. El recital tendrá lugar el lunes 28 de noviembre a las 20:00 horas en el Teatro de la Zarzuela.  

El primer concierto de la XXIX edición del Ciclo de Lied supone una oportunidad única para disfrutar de una de las figuras más destacadas del canto a nivel mundial, la del maestro alemán René Pape (Dresde, 1964). Desde que cantara el papel de Sarastro en La flauta mágica de Mozart en el Festival de Salzburgo de 1995, se ha convertido en un nombre imprescindible para los principales teatros y auditorios del mundo, además de ser miembro de la Staatsoper de Berlín.

Con una carrera que suma tres décadas de trayectoria y que acumula prestigiosos galardones -entre ellos, dos Premios Grammy-, René Pape dará vida sobre el escenario a algunas de las obras maestras del género, así como a joyas musicales menos habituales del repertorio. Pese a que la ópera alemana es su gran especialidad, su carrera como liederista ha sido especialmente aplaudida por su gran dominio técnico y sus exquisitas dotes interpretativas.

El ciclo, una de las citas vocales dedicadas a la canción alemana más aplaudidas del panorama internacional actual, se abrirá con Die ihr des unermeßlichen Weltalls, K 619 de Mozart, un lied con forma de aria que tiene un halo de misterio al no ser una obra muy frecuentada en los programas habituales, pese a la enorme belleza y riqueza musical que posee. Le seguirá uno de los platos fuertes de la noche: las diez Canciones bíblicas de Dvořák, una muestra del mejor lied con alma checa donde Pape adoptará un registro más intimista.

La segunda parte se iniciará con las tres sobrecogedoras canciones del op. 6 de Quilter, con poemas de uno los nombres más universales de todos los tiempos, Shakespeare. Se trata de Come away, death y O mistress mine, cantos que se encuentran en la célebre Noche de Reyes, y Blow, blow thou winter wind, que pertenece a la comedia moderna Como gustéis. El broche de oro lo pondrán los Cantos y danzas de la muerte de Mussorgski, que requieren de un timbre misterioso para evocar el fantasmagórico mundo de esta obra capital del género liederista.

Cita con los mejores liederistas del mundo

Además de contar con René Pape, uno de los máximos exponentes en su género, el XXIX Ciclo de Lied contará con otros siete recitales en la temporada 22/23 del CNDM. Se podrá disfrutar, por primera vez, de la extraordinaria voz de la mezzosoprano Marianne Crebassa, con Joseph Middleton (27 de marzo). El programa también contará con voces jóvenes: los barítonos Andrè Schuen, con Daniel Heide (3 de abril); Konstantin Krimmel, con Ammiel Bushakevitz (30 de enero); Manuel Walser, con Alexander Fleischer (8 de mayo); y la soprano Christiane Karg, con el original acompañamiento del arpa de Anneleen Lenaerts (7 de febrero). No faltarán tampoco en la cita la vuelta de especialistas como Christian Gerhaher, con Gerold Huber (19 de diciembre) o Ian Bostridge, con Julius Drake (5 de junio).

René Pape © Jiyang Chen

Ángeles Toledano

Dos artistas que están renovando con fuerza la escena flamenca, Ángeles Toledano (cantaora) y María Marín (cante y guitarra), serán las encargadas de inaugurar la nueva edición de ‘Andalucía Flamenca’, un ciclo del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Instituto Andaluz del Flamenco que reúne cada año en Madrid lo mejor de la escena actual del género. El concierto tendrá lugar el viernes 25 de noviembre a las 19:30 horas, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música.

Bajo el título “Junio, 1995” se presenta un programa doble donde la jiennense Ángeles Toledano indagará en la raíz del cante, mientras que la utrerana María Marín profundizará, al cante y la guitarra, en su particular visión del flamenco. El concierto es una muestra de la renovación que está viviendo el flamenco gracias a jóvenes artistas que despuntan con fuerza con su arte.

Toledano, acompañada por Benito Bernal y los palmeros Fernando y Ávaro Gamero, presentará un proyecto en el que transmite su visión de este arte desde la óptica de su generación. Por su parte, María Marín, ofrecerá una recopilación de piezas donde recoge sus vivencias en los Países Bajos y realiza un viaje de retorno a lugares y sonidos de su infancia y juventud en Utrera. En el escenario, se expresará con una propuesta sonora llena de luz y de color. 

Andalucía Flamenca se puso en marcha en 2007 con el objetivo de crear un ciclo en la capital de nuestro país que reuniera a lo más destacado del arte flamenco. Desde entonces, esta iniciativa se ha afianzado hasta convertirse en una de las ofertas flamencas de calidad que más éxito tienen entre el público madrileño -las entradas para la temporada 22/23 ya están agotadas- y es todo un referente para la crítica. El ciclo profundiza en los diferentes paisajes sonoros del arte jondo, ofreciendo un perfecto equilibrio entre algunos de los nombres más consagrados del panorama actual, herederos de grandes sagas del flamenco, y jóvenes figuras con carreras en plena proyección capaces de acercar el flamenco a las nuevas generaciones.

Andalucía Flamenca 22/23

Tras el concierto de Ángeles Toledano y María Marín, Andalucía Flamenca continuará el 16 de diciembre con los cantaores José de la Tomasa y el Turry, quienes ofrecerán un programa que lleva por nombre “La ciencia íntima del cante”. En él ahondarán en la pureza y misterios del flamenco. Perrate, junto con la guitarra de Alfredo Lagos, protagonizará el viernes 27 de enero un recital donde abordará algunos de los palos flamencos más representativos con su marca personal. El ciclo continuará con dos extraordinarias voces: la de la cantaora Estrella Morente, una de las más grandes artistas del flamenco y de la canción española, el 24 de febrero; y Esperanza Fernández, de voz auténtica, desgarradora y versátil, quien acudirá al ciclo acompañada del pianista José Miguel Évora, el 17 de marzo. La siguiente cita será el 28 de abril, con dos grandes nombres del flamenco jerezano, el cantaor Jesús Méndez y el gran guitarrista Diego del Morao. Juntos, ofrecerán un contundente y profundo concierto en el que hundirán las raíces en el arte de su tierra. El broche de oro lo pondrá otro artista joven que proviene de una familia de legendarios músicos flamencos, el guitarrista José del Tomate, con la colaboración especial de su padre, Tomatito.

Moisés P. Sánchez

Moisés P. Sánchez (Madrid, 1979), punta de lanza de nuestro jazz actual más internacional, estrenará su nuevo proyecto Dedication II en el primer concierto como artista residente del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en su temporada 22-23. Este compositor, productor musical, pianista, improvisador y arreglista protagonizará diversas citas musicales a lo largo de la nueva edición del CNDM. Este primer concierto tendrá lugar el sábado 26 de noviembre, a las 20:00 horas, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música, en el marco del Festival Internacional Jazzmadrid 2022.

Considerado una de las principales figuras de la escena musical española y europea, Moisés P. Sánchez posee un lenguaje musical propio, con una rica combinación de diversas influencias que hace que sus composiciones trasciendan fronteras entre géneros. Este carácter multidisciplinar, su capacidad para sorprender gracias a la infinitud de recursos que salpican sus obras, y su sólida trayectoria son algunas de las razones por las que el CNDM eligió al músico como artista residente de la nueva edición; una muestra de la entidad por ir más allá, ya que esta residencia ha estado ocupada, tradicionalmente, por artistas especializados en música clásica.

Dedication II parte de un proyecto anterior, Dedication (Universal/Magna 2010), que el pianista grabó en Nueva York con los intérpretes Toño Miguel (contrabajo), Borja Barrueta (batería), y Javier Vercher (saxo tenor), tres prestigiosos talentos del jazz nacional que han sabido amplificar la complejidad sonora del pianista. En este nuevo álbum, Moisés vuelve a rodearse de este fabuloso elenco, en forma de imbatible cuarteto, para lanzar una descarga del mejor jazz, con piezas cargadas de frescura y vitalidad. Se trata de un trabajo donde el pianista y compositor madrileño ofrece obras atravesadas por una emoción muy particular y que incluyen magistrales improvisaciones. La grabación y publicación de este nuevo proyecto tendrá lugar en 2023.

A través de los Circuitos del CNDM, que parten de la apuesta de la institución por vertebrar propuestas musicales por todo el país, Moisés P. Sánchez también estará presente con este proyecto en Oviedo Jazz (20 de enero) y Salamanca Jazz (21 de enero). Además, en el marco de la residencia artística del CNDM, el público podrá disfrutar del estreno absoluto de un nuevo encargo del CNDM: la primera obra conjunta de nuestro artista residente y el también pianista Marco Mezquida. El músico madrileño también interpretará su proyecto Bach (Re) Inventions en el Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza (3 de diciembre), encargo de la Fundación Juan March en 2018, publicado en 2021, y con el que ha sido galardonado con el premio MIN 2022 al mejor álbum de jazz.

Un músico transversal

Desde que en 2014 publicara Soliloquio, su primer álbum en solitario, Moisés P. Sánchez ha ido dando forma a ese lenguaje propio que se abre camino, desde el jazz, hacia otros territorios como el rock sinfónico, la música clásica o el flamenco. Gracias a su poderoso dominio instrumental y la fascinante vitalidad que llenan sus obras, este artista ha recibido importantes reconocimientos tanto en España como en países como Estados Unidos; entre ellos la nominación a los Grammy Latino por su disco Unbalanced: concerto for ensemble.

A lo largo de sus más de 20 años de carrera, Moisés P. Sánchez se ha presentado en programaciones tan destacadas como el FIAS (Madrid), Jazzmadrid, el Stresa Festival de Italia, el Festival de Jazz de Vitoria-Gasteiz o el Festival Internacional de Santander, entre otras muchas. Con su discografía traza una trayectoria de exploración permanente a través de una concepción sinfónica de sus creaciones que se ha convertido en la clave de su identidad musical. Esto se manifiesta con la misma fuerza en sus proyectos de adaptación de grandes autores como J.S. Bach, Beethoven, Stravinsky o Bartók, en los que vuelca su personalísima visión de algunos de sus compositores más admirados.

Suzanne Vega

La icónica ópera Einstein on the beach, ideada por uno de los compositores más importantes del siglo XX Philip Glass y el prestigioso director teatral Robert Wilson llega a Madrid de la mano de la histórica agrupación vocal belga Collegium Vocale Gent, el prodigioso Ictus Ensemble y la extraordinaria voz de Suzanne Vega. Se trata de una oportunidad única para descubrir esta obra maestra en formato semiescénico, donde los límites entre escenario y público se desdibujan gracias a la puesta en escena de la artista visual Germaine Kruip. Este concierto del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) tendrá lugar, dentro del ciclo Fronteras, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música, el martes 22 de noviembre, a las 19:30h.

Estrenada en el Festival de Avignon en 1976, Einstein on the beach supuso todo un acontecimiento: esta ópera rompía para siempre con los cánones del género, al no seguir una narrativa lineal y al permitir que el público pudiera entrar y salir libremente de la sala durante el espectáculo, dada su extensión. Desde entonces, se ha representado en los teatros más importantes de ópera del mundo, como La Monnaie de Bruselas o el Metropolitan de Nueva York, y ha alcanzado un rotundo éxito de crítica y público. En la versión que se escuchará por primera vez en el Auditorio de Nacional de Música se revivirá el formato de puertas abiertas con una versión que recupera el espíritu de la partitura original.

A través de paisajes sonoros hechizantes, el público se sumergirá en una experiencia diferente, un espectáculo donde asistirá a un viaje hipnótico que ensancha la visión misma de la música. La belleza y frescura del minimalismo, interpretado por las prestigiosas agrupaciones belgas el Collegium Vocale Gent y el Ictus Ensemble, recreará un ambiente envolvente que se verá reforzado por la dramaturgia del musicólogo Maarten Beirens, doctorado en Música Minimalista Europea por la Universidad de Lovaina, y el recitado de una de las voces más conocidas y carismáticas de todos los tiempos, la de la cantautora Suzanne Vega.

Philip Glass, que recibió recientemente el premio Fronteras del Conocimiento en Música y Ópera de la Fundación BBVA, concibió esta audacia sonora como la primera de sus “óperas retrato” que compuso para dibujar a mentes brillantes que cambiaron el mundo. Si en sus obras posteriores se centró en personajes como Gandhi (Satyagraha, 1980) y el faraón Akenatón (Akhnaten, 1983), Glass retrata en esta ópera al físico Albert Einstein, cuya vida y obra quedan reflejadas en metáforas sonoras plagadas de guiños a su legado. Sin duda, estamos ante una de las propuestas más originales y esperadas de la temporada.

Fotografía ©Maxime Fauconnier

Bach Vermut GUNTHER ROST

La fastuosa música de órgano, la maestría de los mejores intérpretes del mundo y un original aperitivo aderezado por jazz nacional en directo son los ingredientes que hacen de “Bach Vermut” un plan matinal perfecto para el fin de semana. Este ciclo del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) vuelve por todo lo alto tras la pandemia y recupera su formato habitual: a la oportunidad única de disfrutar de joyas musicales de genios como Bach, Soler y Brahms, se suma la tradición del vermut con aromas jazzísticos. Durante la temporada 2022-2023, se podrá disfrutar de un total de siete conciertos, retransmitidos en pantalla gigante, que tendrán lugar los sábados por la mañana en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música.

La nueva edición de Bach Vermut abrirá fuego con el organista alemán Gunther Rost, el sábado 12 de noviembre, una de las figuras más destacadas del género a nivel internacional. Debutará en el ciclo con un espectacular programa que abordará composiciones de Johann Sebastian Bach y César Franck que son todo un referente en la música para órgano. Se trata de partituras llenas de color y matices sonoros que sorprenderán tanto al público asiduo, como a quienes se acerquen por primera vez a esta experiencia musical.

Gunther Rost (Alemania, 1974), que tiene una sólida trayectoria como organista y cuenta con numerosos galardones internacionales de música -como el Premio Bach de Leipzig o el Concurso Internacional de Órgano de Dallas- se enfrentará al imponente órgano Grenzing para interpretar la grandiosa Partita nº 4 en re mayor del genio Bach, una impresionante obra cargada de virtuosismo, y su Passacaglia en do menor; mientras que del maestro Franck abordará una de sus piezas más íntimas, el Coral nº 2 en si menor, en el 200 aniversario de su muerte.

Además, antes del concierto el público podrá disfrutar de un aperitivo en el vestíbulo del Auditorio. Y para finalizar la mañana, el Salón de Tapices acogerá una descarga musical en directo de una banda que interpretará obras clásicas en clave de jazz, un momento ideal para intercambiar impresiones sobre el concierto y degustar el vermut.

Un plan para todos los gustos y edades

La iniciativa Bach Vermut del CNDM, que inició su andadura en octubre de 2014, ha conseguido durante nueve temporadas que más de 100.000 espectadores se acerquen a la música clásica gracias a un formato innovador que rompe con el protocolo clásico de concierto. El diverso público, en el que convergen distintas generaciones, se acerca a este ciclo para conocer el mundo del órgano y también para degustar un aperitivo antes y después de cada concierto, aderezado por una sesión de jazz en vivo de agrupaciones españolas, y a un precio muy asequible (localidades sueltas: 5 euros).

Bach Vermut permite descubrir a los mejores organistas del mundo, tanto nacionales como internacionales, y se ha convertido ya en una propuesta cultural imprescindible para las mañanas de los sábados madrileños. Cada vez son más quienes se acercan a descubrir el órgano del Auditorio, cuya construcción fue encargada por el INAEM a finales de 1987 a uno de los organeros más importantes del mundo, el alemán afincado en España Gerhard Grenzing. Se trata de un imponente instrumento que cuenta con cuatro teclados, 12 metros de altura y 5.700 tubos.

Agenda Bach Vermut:

  • 11.30h – Apertura de puertas y acceso a la zona de degustación gastronómica (vestíbulo del Auditorio Nacional de Música).
  • 12.30h – Concierto en el órgano de la Sala Sinfónica, retransmitido en pantalla gigante.
  • 13.30h-14.30h – BACH JAZZ! Aperitivo-degustación amenizado por conjuntos de jazz que interpretan obras clásicas en clave de jazz (Salón de Tapices).

Bach Vermut 22/23

Esta gran fiesta de la música de los sábados por la mañana ofrecerá en la temporada 22/23 un total de siete conciertos con los mejores organistas del panorama actual. Una cita inolvidable será la que ofrecerá Juan de la Rubia con sus divertidas improvisaciones sobre la película de cine mudo El maquinista de la General de Buster Keaton. También destaca la propuesta a cuatro manos del dúo Vernet-Meckler, que interpretará algunas de las páginas más famosas y desenfadadas del imaginario musical, entre ellas, el Aprendiz de Brujo de Dukas, y el sempiterno Boléro de Ravel. El programa se completa con los excelentes organistas Jonathan Scott, Ángel Montero, y David Briggs, así como con el concierto de David Malet y el Coro de la Comunidad de Madrid, dirigidos por Mireia Barrera, en torno al repertorio coral alemán romántico. Además, la música de órgano se extenderá de nuevo a otras ciudades españolas con el ciclo “El Órgano en las Catedrales”: siete conciertos en las catedrales de Valencia, Castellón, León, Santiago de Compostela, Segovia, Cuenca y Ávila.

Sobre Gunther Rost

Gunther Rost es considerado por muchos como uno de los organistas más destacados de su generación. Estudió con Günther Kaunzinger y Marie-Claire Alain, dos maestros del género con sólidas trayectorias. Ha recibido numerosos premios internacionales de música, como el Premio Bach de Leipzig o el Concurso Internacional de Órgano de Dallas. Desde los 24 años, es profesor universitario de órgano. En 2002 fue nombrado profesor de la Universidad de Música y Artes Escénicas de Graz (Austria), donde actualmente es jefe de estudios de música eclesiástica y de órgano, así como director del centro de investigación de órgano, centrado, entre otras cosas, en el desarrollo de órganos de concierto móviles electrónicos e híbridos, colaborando con disciplinas como la electroacústica, la investigación ergonómica o la inteligencia artificial. Además, ha actuado como jurado en concursos internacionales de órgano y ha impartido clases magistrales, por ejemplo, en la Real Academia de Música de Londres, la Academia Chopin de Varsovia, el Conservatorio Rimsky-Korsakov de San Petersburgo o el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú. Es un invitado muy solicitado en festivales y lugares como el Festival de Música de Rheingau, el Festival de Bach y la Gewandhaus de Leipzig, la Konzerthaus de Berlín y de Viena, la Sala Filarmónica de San Petersburgo y el Teatro Mariinsky.

Fotografía: Christian-Jungwirth
José de Nebra, los elementos

El ciclo Universo Barroco Sinfónico del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) abre fuego con la zarzuela Vendado es Amor, no es ciego, una de las obras más importantes del compositor español José de Nebra  (1702-1768). Se trata de una oportunidad única para disfrutar de la mayor obra escénica conservada del compositor más importante del Barroco español. Este título lírico viene de la mano de Los Elementos, orquesta surgida de la reputada Schola Cantorum Basiliensis, dirigida por el contratenor Alberto Miguélez Rouco, y con un elenco vocal nacional e internacional de altísimo nivel, entre el que se encuentra la soprano Giulia Semenzato. El concierto tendrá lugar el domingo 6 de noviembre, a las 19:00h, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música.

La recuperación de esta obra, estrenada en 1744, supone el compromiso por la puesta en valor del repertorio lírico español a través de una figura fundamental de la música española, José de Nebra, quien, a pesar de ser conocido por su música sacra, también compuso una rica colección de obras dramáticas.

Nebra, que en su día tuvo un estilo marcadamente internacional al estar muy influenciado por la música napolitana, hila en Vendado es Amor, no es ciego una colorida música orquestal con todos los recursos posibles de la época, entre los que se encuentran arias de gran belleza y exigencia, dobles coros o incluso un cuarteto con cuatro voces de soprano entrelazadas, una muestra de su carácter innovador. A ello se suman las partes habladas y la singularidad del folklore español, muy presente en las seguidillas o el famoso fandango que cierra la obra.

Un elenco de primer nivel

El interés de Alberto Miguélez Rouco (A Coruña, 1994), el joven contratenor y director gallego, por la interpretación, recuperación y difusión del patrimonio musical español del siglo XVIII, lo llevó a crear Los Elementos para profundizar en la obra de Nebra. Esta agrupación está integrada por músicos de distintas nacionalidades, con gran presencia española, y formados en la Schola Cantorum Basiliensis, el centro más prestigioso de la música barroca en Europa.

El ensemble recuperó Vendado es Amor, no es ciego en 2018. Dos años después, consiguieron extender el legado del compositor aragonés a través del lanzamiento de la primera grabación mundial de esta obra maestra, bajo el prestigioso sello Glossa, en un proyecto discográfico que consiguió un rotundo éxito de la crítica dentro y fuera de nuestras fronteras. Los Elementos acuden ahora al CNDM para interpretar la obra en directo con un elenco vocal de primerísimo nivel, haciendo espejo con el propio Nebra, quien compuso esta zarzuela para que fuera interpretada por los mejores cantantes del Madrid de la época.

Este espectáculo barroco sitúa la historia en la época de la mitología, con un argumento trepidante de pasiones, peleas y rupturas con libreto de uno de los principales dramaturgos españoles de la primera mitad del siglo XVIII, José de Cañizares. El triángulo amoroso será interpretado por la soprano Giulia Semenzato (Anquises), una de las voces más demandadas del panorama actual y que tiene una gran carrera internacional; la mezzosoprano Natalie Pérez (Venus) y la soprano Alicia Amo (Eumene). A ellas se unirán las sopranos Ana Vieira Leite (Diana) y Aurora Peña (Brújula), y el barítono Yannick Debus (Títiro).

“Contextos Barrocos”: Una hora antes del concierto, a las 18:00h, tendrá lugar el encuentro sobre Los Elementos y la zarzuela de José de Nebra en los “Contextos Barrocos”, sesiones de cuarenta y cinco minutos, de acceso libre, que permiten profundizar en las obras del ciclo, su historia y los intérpretes. 
Dulce Pontes

Dulce Pontes (Portugal, 1969), una de las voces lusas más internacionales, regresa a Madrid para presentar Perfil en el ciclo Fronteras del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM). Se trata de un nuevo proyecto, tras cuatro años desde su último trabajo discográfico, en el que la aclamada cantante vuelve a sus raíces y a los artistas que le han inspirado a lo largo de sus más de treinta años de extraordinaria trayectoria. El concierto tendrá lugar el domingo 23 de octubre, a las 19:30 horas, en el Auditorio Nacional de Música.

La pianista, compositora e intérprete portuguesa es considerada como la renovadora del fado y sucesora de la sublime Amália Rodrigues. Convertida en referencia internacional, Dulce Pontes presentará en este espectáculo el corazón de Perfil, un álbum donde aborda grandes clásicos del fado, pero también paisajes sonoros más libres y abiertos, que evidencian su característico eclecticismo musical. Así, junto a la música tradicional portuguesa, brotan melodías donde se abren paso el jazz y la música latina. El proyecto ha sido producido por la propia Dulce Pontes junto con Yelsy Heredia, considerado uno de los mejores contrabajistas cubanos de su generación y con quien ha colaborado en anteriores proyectos.

En el concierto, el público podrá escuchar la extraordinaria versión de Amapola, una canción tradicional de los años 20 compuesta por José María Lacalle García, interpretada íntegramente, por primera vez, en portugués. Otra bella propuesta del repertorio más fadista es Soledad, escrita por la poetisa Cecília Meireles y cantada originalmente por la mencionada Amália Rodrigues, pero nunca antes grabada en estudio. También sonarán otras propuestas musicales más contemporáneas, como Valsa Da Libertação, la única colaboración del álbum, escrita por Pedro Homem de Mello, con arreglos y voz de Ricardo Ribeiro.

Desde Portugal hacia el mundo

Con grandes éxitos como Canção do Mar a sus espaldas, Dulce Pontes se ha convertido en una voz imprescindible para los amantes del fado y de la música en general. La artista ha sido capaz de recoger el testigo de su sucesora, Amália, conocida como “la reina del fado”, y llevar el género a otros territorios sonoros más innovadores, con composiciones que hacen incursiones en el tango, el jazz, la música árabe u otros estilos musicales.

En sus trabajos, destaca un perfecto equilibrio entre lo tradicional y lo moderno. Su versátil y emotiva voz, con un timbre muy característico, ha conseguido llevar el fado por todo el mundo hasta convertirse en una de las cantantes y compositoras portuguesas más internacionales. También ha colaborado con conocidos artistas de diferentes latitudes, entre ellos, músicos como Ennio Morricone, con quien publicó en 2003 el trabajo discográfico Focus, del que se vendieron más de 300.000 ejemplares.

Dulce Pontes © Gonçalo Claro

Cuarteto Casals

El Cuarteto Casals, uno de los conjuntos de cámara españoles más reconocidos internacionalmente por el público y la crítica, inaugura el ciclo Liceo de Cámara XXI de la nueva temporada del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM). En esta ocasión, la agrupación, Premio Nacional de Música en 2006, interpretará tres piezas clave del repertorio camerístico: el Cuarteto de cuerda en la mayor, op. 20, nº 6 (1772) de Franz Joseph Haydn; el Cuarteto de cuerda nº 4 en re mayor, op. 83 (1949) de Dmitri Shostakóvich y el Cuarteto de cuerda nº 2 en la menor, op. 51 de Johannes Brahms (1873). El concierto tendrá lugar el jueves 13 de octubre, en el Auditorio Nacional de Música, a las 19:30h.

El Cuarteto Casals está integrado por Abel Tomàs (violín), Vera Martínez Mehner (violín), Jonathan Brown (viola) y Arnau Tomàs (violonchelo), todos ellos músicos con sólidas trayectorias y que han recibido sendos reconocimientos dentro y fuera de nuestras fronteras. En el marco del ciclo Liceo de Cámara XXI, el ensemble abordará obras que revolucionaron el género camerístico y, con ello, la historia de la música.

El apasionante repertorio es una muestra de cómo estos compositores pudieron expandir los límites del género y asumir riesgos. El concierto se abrirá con el último de los seis cuartetos, op. 20 de Haydn, una pieza llena de luminosidad enmarcada dentro de los denominados “Cuartetos del Sol”. Después, será el turno del Cuarteto de cuerda nº 4 en re mayor, op. 83 de Shostakóvich, una obra que está cargada de aires exóticos y de misterio. Finalmente, se interpretará el segundo de los tres cuartetos de Brahms, donde también encontramos sonoridades procedentes de danzas populares.

25 años de auténtica proyección internacional 

El Cuarteto Casals, fundado en 1997 en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid, se convirtió en el primer cuarteto español en llegar a una final y ganar uno de los certámenes más prestigiosos del mundo, el Concurso Internacional de Londres, en el año 2000. Tras este éxito y lograr también el primer premio en el Concurso Internacional de Hamburgo, el ensemble pasó a ser considerado uno de los cuartetos de cuerda más importantes de su generación.

El cuarteto ha actuado regularmente en los festivales y ciclos de conciertos más famosos del mundo, y su música también ha sonado en las salas Wigmore Hall, Carnegie Hall, Musikverein de Viena, Kölner Philarmonie, Cité de la Musique de París, Schubertiade de Schwarzenberg, Concertgebouw de Ámsterdam y Philarmonie de Berlín, entre muchas otras de Europa, Norteamérica y Asia.

En reconocimiento a su importante carrera internacional, el Cuarteto Casals ha recibido galardones como el Premio Nacional de Música, el Premi Nacional de Cultura en Cataluña y el Premio Ciutat de Barcelona.

Liceo de Cámara XXI

El concierto del Cuarteto Casals será la primera gran cita del Liceo de Cámara XXI, del CNDM, que esta temporada presenta 12 conciertos. En la programación, se encuentran algunos de los mejores cuartetos del panorama actual: el Cuarteto Quiroga, con la presencia del violonchelista Nicolas Altstaedt; el Cuarteto Pavel Haas, junto con la pianista Varvara; el Cuarteto Belcea, con el pianista Bertrand Chamayou; o el mítico Cuarteto Takács.

Además, asistiremos a tres veladas musicales entre amigos, protagonizadas por artistas de primerísimo nivel: la legendaria pianista Elisabeth Leonskaja, que será la protagonista de una schubertíada junto a la pianista Alba Ventura o el violinista Massimo Spadano, que culminará con el conocido quinteto La Trucha; los pianistas Luis y Víctor del Valle, con el Cuarteto Modigliani, que recrearán el mágico Carnaval de los animales de Saint-Saëns; y el regreso de la pianista Judith Jáuregui, formando trío con la violinista Soyoung Yoo y la chelista Nadège Rochat.

El ciclo contará con grandes solistas de cuerda, como el violista francés Antoine Tamestit, acompañado al piano por Cédric Tiberghien; o la violinista Patricia Kopatchinskaja en diálogo con el compositor y pianista Fazil Say. Por último, el público tendrá la oportunidad de escuchar la versión de cámara de la decimoquinta sinfonía de Shostakóvich de la mano del Trío VivrArt y Neopercusión.

Fundación SGAE

La Fundación SGAE y el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) anuncian las cuatro obras finalistas de la XXXIII edición del Premio Jóvenes Compositores Fundación SGAE-CNDM 2022. El ganador se dará a conocer en un concierto final, con acceso libre, en el que se interpretarán las cuatro obras finalistas y que tendrá lugar el 21 de noviembre de 2022 en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía dentro del ciclo SERIES 20/21 programado por el CNDM.

Glosas en eco de José Benjamín González Gomis (Barcelona, 1990), gli otri di Eolo de Adrian Mokanu (Kiev, 1989), La sombra de Schwarzschild de Juan Antonio Serrano Luciano (Alcanar, Tarragona, 1997) y Arya de José Luis Valdivia Arias (Granada, 1994) son las obras que optarán a los cuatro galardones. Este último ya se alzó con el segundo premio de este certamen en su edición de 2018.

Estas cuatro obras han sido elegidas de un total de 29 partituras escogidas. Un jurado, compuesto por los compositores y las compositoras Iratxe Arrieta, Sebastián Mariné, Cristina Pascual Noguerol, Jose Pablo Polo y Mauricio Sotelo ha seleccionado estas piezas.

Entrega de premios, el 21 de noviembre de 2022

Estas composiciones serán interpretadas por la Bilbao Sinfonietta el próximo 21 de noviembre de 2022 (19.30 horas) en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, dentro del ciclo SERIES 20/21 del CNDM, en un concierto con acceso libre hasta completar aforo.

El conjunto, dirigido por Iker Sánchez Silva interpretará las cuatro obras en directo en un recital abierto al público y ante la presencia del jurado, compuesto por destacados expertos en música, que decidirá tras su escucha cuál será la pieza ganadora y el reparto de los siguientes galardones, valorados en 11.700 euros: primer premio Xavier Montsalvatge, dotado con 6.000 €; segundo premio Carmelo Alonso Bernaola, de 3.000 €; tercer premio Francisco Guerrero Marín, de 1.500 €, y la mención honorífica Juan Crisóstomo Arriaga, reconocida con la cantidad de 1.200 €. Todos ellos acompañados de diploma acreditativo.

Además, para contribuir a la posterior promoción y difusión de las obras ganadoras, la Fundación SGAE producirá un disco promocional con la grabación en directo de las interpretaciones en el concierto final.

Compositor Residente de la Red de Músicas

A estos cuatro galardones se suma el Premio Especial JM España que otorga Juventudes Musicales de España. El ganador del Primer Premio de esta edición, se convierte así en Compositor Residente de la Red de Músicas de JM España durante la temporada 2023-2024. JM España le encargará dos obras de música de cámara y otorgará 1.500 euros por cada pieza. El compositor escogerá dos formaciones de los seleccionados en la Red de Músicas que las estrenarán e interpretarán en todos los recitales que den en este circuito que organiza más de 200 conciertos al año. Además, podrá participar en el Programa de Residencias Artísticas JME – FCAYC, permitiéndole trabajar en la creación de obras con los intérpretes y/o agrupaciones de la Red de Músicas seleccionados en colaboración con el equipo acompañante de la residencia.

Este es el caso del compositor Tomás Jesús Ocaña, ganador del XXXII Premio Jóvenes Compositores Fundación SGAE – CNDM 2021, y que el próximo 15 de octubre  presentará el resultado de estas residencias en las que ha trabajado junto con la acordeonista Marta Cubas y el violagambista Miguel Bonal, en la creación de dos obras en el auditorio de FCAYC.

Acerca del premio

La Fundación SGAE y el CNDM convocan anualmente este premio con el propósito de estimular la creación en el campo de la música clásica contemporánea entre los jóvenes creadores de hasta 35 años, y contribuir al desarrollo y conocimiento social de nuevos lenguajes, tendencias y modos de expresión musicales. Creado en 1987 por la SGAE, se ha convertido en uno de los más importantes certámenes de su tipo, por su nivel de organización y su rigurosidad, por el prestigio de los intérpretes y de los jurados participantes.

A través de sus 33 ediciones, el premio ha servido de escaparate promocional en los inicios profesionales de algunos de los autores contemporáneos que actualmente gozan de un mayor reconocimiento y cuyas obras son habituales de los circuitos internacionales desdicados a la música actual.  Entre los ganadores de sus anteriores ediciones destacan nombres ya consolidados dentro del panorama de la composición actual, con carreras internacionales que demuestran la buena salud de la creación musical española: Agustín Charles, Mauricio Sotelo (puedes ver su videoentrevista completa aquí), José María Sánchez-Verdú, Jesús Rueda, Jesús Torres, Pilar Jurado, Gabriel Erkoreka, Ramón Humet, Juan Cruz Guevara, Jesús Navarro, Oliver Rappoport o Nuria Núñez, entre muchos otros, han sido protagonistas de esta cita indispensable en el apartado de la composición para ensemble a nivel nacional.

Tomás Marco, ORCAM

Se cumplen 80 años del nacimiento de uno de los grandes nombres de la vanguardia musical española del último medio siglo, Tomás Marco. Con motivo de este aniversario, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y la Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM) rinden homenaje al prestigioso compositor madrileño con un programa monográfico que incluye un recorrido a través de algunas de sus piezas más representativas, así como el estreno absoluto de una obra nueva. El concierto tendrá lugar en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía el lunes 3 de octubre a las 19:30h, con entrada libre hasta completar aforo. Ese mismo día, a las 13:00h, quienes quieran profundizar en la obra y proceso de creación del compositor podrán asistir a un encuentro con Tomás Marco, en la Universidad Complutense de Madrid, enmarcado dentro del proyecto educativo del CNDM.

El compositor y gestor madrileño ha desempeñado, a lo largo de su carrera, una vasta labor creativa y en su extenso catálogo se encuentran seis óperas, un ballet, diez sinfonías y un gran número de partituras de música coral o de cámara. Su trayectoria le ha valido el reconocimiento dentro y fuera de nuestras fronteras, y ha recibido galardones como el Premio Nacional de Música (1969 y 2002). Por todo ello, este concierto se convierte en una oportunidad única de profundizar en el lenguaje de un compositor en activo tan prestigioso, figura clave en la historia musical de nuestro país.

​La Orquesta de la Comunidad de Madrid será dirigida por José Ramón Encinar, quien fue, durante trece años, director titular y artístico de la misma. El profundo conocimiento que tiene Encinar de la obra de Tomás Marco, junto a la amistad que les une, actúan como garantía de la calidad del concierto. Por su parte, esta gran orquesta destaca por su fuerte compromiso con la creación contemporánea, con los compositores españoles y con la difusión del patrimonio musical español, valores que comparte con el CNDM. En el escenario, contaremos con la participación de solistas de destacada trayectoria fuera y dentro de nuestras fronteras: Cecilia Bercovich (violín), Rafael Aguirre (guitarra) y Conrado Moya (marimba).

El programa, de una hora de duración, se dividirá en dos bloques. En el primero, se escuchará el esperado estreno absoluto del Concierto para marimba y orquesta, una pieza que Tomás Marco ha compuesto en 2022. Le seguirá el Concierto del alma, para violín y orquesta de cuerda (1982), una pieza que evoca el mundo espiritual y el alma humana. El segundo bloque se abrirá con el Concierto Guadiana, para guitarra y orquesta de cuerda (1973), que fue el comienzo de la colaboración entre Tomás Marco y Encinar. El concierto finalizará con Mysteria (1970), una obra para orquesta de cámara.

Temporada contemporánea 22/23

El concierto homenaje a Tomás Marco abrirá el ciclo madrileño más contemporáneo del CNDM, Series 20/21, que celebrará 13 conciertos en esta nueva temporada.

A lo largo del ciclo, asistiremos a una nueva edición del Premio Jóvenes Compositores, en coproducción con la Fundación SGAE; y se revalidará, un año más, la colaboración con la Escuela Superior de Música Reina Sofía y su Sinfonietta.

El recorrido continuará con varias propuestas dramáticas con un fuerte componente visual. Es el caso del Ensemble Mosaik, dirigido por Enno Poppe; de Ciklus Ensemble, con el radriodrama Moby Dick; o la vuelta de Ana de Alvear, artista visual, y del compositor Eduardo Polonio, con una propuesta imaginativa y llena de color, encargo del CNDM.

Series 20/21 también contará con el esperado recital del flautista Emmanuel Pahud, que recupera un encargo del CNDM al compositor Jesús Torres, y con Plural Ensemble, con la participación especial de Jörg Widmann (clarinete), David Moliner (percusión) y Ariadna Alsina (electrónica) en su doble faceta de compositores e intérpretes de sus propias obras. El ciclo acogerá las composiciones del vanguardista Benet Casablancas, compositor residente de esta temporada del CNDM. Sus particulares paisajes sonoros serán recreados por diferentes agrupaciones que visitarán su repertorio, haciendo espejo entre sus obras y las de otros renombrados compositores.

Todos los conciertos del ciclo Series 20/21 serán los lunes a las 19:30h y con entrada libre hasta completar aforo. Además, mostrando en las taquillas del Museo Reina Sofía dicha entrada, el público podrá beneficiarse de un 50% de descuento en la entrada individual general del museo. 

Museo Vostell Malpartida

Miriam García Cabezas, Secretaria General de Cultura de la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Junta de Extremadura, junto a Francisco Lorenzo, director del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), José Antonio Agúndez, director-gerente del Consorcio Museo Vostell Malpartida, y Alberto Flores, técnico de Arte del Museo Vostell Malpartida y coordinador del ciclo, han presentado en el Palacio Carvajal de Cáceres la vigésimo cuarta edición del Ciclo de Música Contemporánea del Museo Vostell Malpartida, actividad de carácter internacional centrada en el arte sonoro y en la diversidad de músicas experimentales.

El CNDM coproduce por sexta vez consecutiva este ciclo como parte del compromiso de esta institución por promover e impulsar la creación musical a través de una amplia programación en 25 ciudades españolas y 2 ciudades extranjeras, además de fomentar la composición de nuevas obras (48 nuevas partituras en esta temporada 2022/2023, 21 de las cuales son encargo del CNDM). El ciclo, que se desarrollará en el inigualable entorno del Museo Vostell Malpartida, en Malpartida de Cáceres, supondrá el pistoletazo de salida de la temporada 22-23 del CNDM, acogiendo cuatro conciertos y tres actividades educativas del 16 al 24 de septiembre.

Durante la presentación, Francisco Lorenzo, ha señalado: “Este ciclo es la punta de lanza de la música más vanguardista, de la música que va más allá, de la música que fusiona la tradición con la creación más contemporánea. Por eso debemos estar aquí, para diversificar la difusión de nuestro rico patrimonio musical por toda la geografía española”.

Por su parte, Miriam García Cabezas, ha destacado que el ciclo “es la combinación de la naturaleza con el arte sonoro” y que “la clave de cualquier ciclo de música contemporánea reside en esa capacidad para mostrarnos otras formas de entender la música”.

Traspasando fronteras entre arte y música

En la primera semana se fomenta el vínculo de la música con el arte contemporáneo y la imagen en movimiento. El concierto inaugural se celebrará el viernes 16 de septiembre y rendirá tributo a la memoria y la obra radical de Ernesto de Sousa, Jorge Peixinho y Clotilde Rosa. Contará con la participación del Grupo de Música Contemporânea de Lisboa, histórica formación fundada por estos dos últimos compositores portugueses que presentará el estreno absoluto del concierto “Grandes por privação e por excesso”, con el que reivindicará la vigencia de las prácticas vanguardistas promovidas por estos tres nombres mayores de la creación ibérica. En la jornada siguiente, el sábado 17, viviremos el estreno del concierto “Generaciones”, del músico cacereño Carlos Cotallo Solares y el cineasta estadounidense Timothy David Orme. Se presentarán diversas colaboraciones -incluyéndose una obra creada específicamente para la ocasión- así como su trabajo por separado.

En su segunda semana, el ciclo centrará su atención en el objeto sonoro y la pequeña percusión en dos conciertos bien diferenciados. Primero, el viernes 23 de septiembre se producirá el debut sobre un escenario español de O YAMA O, formación con base en Londres liderada por las japonesas Keiko Yamamoto y Rie Nakajima, a quienes se sumarán la percusionista francesa Marie Roux y el violinista británico Billy Steiger. Prometen servirse de la improvisación y de la canción popular de Japón para explorar los ritmos de la vida cotidiana. A estos últimos aludirá también, en otro contexto, el concierto que la formación barcelonesa FRAMES Percussion ofrecerá el sábado 24 de septiembre. Titulado justamente “Contexto”, planteará una (des)contextualización del fenómeno musical que, nuevamente, utilizará fuera de su contexto habitual, y junto a instrumentación percusiva más ortodoxa, instrumentos tradicionales y objetos cotidianos, para así acentuar sus posibilidades sonoras y expresivas.

Todos los conciertos tendrán lugar a las 20.30 horas con entrada gratuita hasta completar aforo. Como viene siendo habitual, el ciclo incluye un programa de encuentros educativos que darán comienzo a las 19:30 horas. Así, como preámbulo a los conciertos de los días 16, 17 y 24 de septiembre, Carlos Cotallo Solares e integrantes del Grupo de Música Contemporânea de Lisboa y de FRAMES Percussion explicarán los detalles y contenidos de las propuestas musicales que posteriormente defenderán en directo.
Esta edición es una coproducción del Centro Nacional de Difusión Musical (dependiente del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música del Ministerio de Cultura y Deporte), el Consorcio Museo Vostell Malpartida, la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Junta de Extremadura, el Ayuntamiento de Malpartida de Cáceres y la Diputación de Cáceres; y cuenta con la colaboración del Instituto Camões, el Grupo de Música Contemporânea de Lisboa, la Asociación de Amigos del Museo Vostell Malpartida, el Gabinete de Iniciativas Transfronterizas y el Restaurante del Museo Vostell Malpartida.

CNDM

Con la llegada de septiembre, comienza la nueva temporada del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), que se desarrollará desde el 16 de este mes hasta el 8 de julio de 2023. La decimotercera edición, cuyas entradas ya están a la venta, viene cargada de propuestas de gran calidad entre las que se podrán escuchar 48 nuevas partituras y 25 piezas del patrimonio musical español que verán su estreno en tiempos modernos esta temporada. En total, la temporada consta de 243 citas (182 conciertos y 61 actividades pedagógicas) en 25 ciudades españolas y en 2 ciudades en el extranjero.

El pistoletazo de salida a la extensa programación será la tradicional cita anual con las vanguardias sonoras en el inigualable entorno del Museo Vostell Malpartida de Cáceres, dentro del Ciclo de Música Contemporánea, entre los días 16 y 24 de septiembre. Arrancará también el día 24 el excepcional ciclo de música barroca en Salamanca, con el concierto extraordinario de Ensemble Plus Ultra, Schola Antiqua y La Danserye, quienes abordarán en su programa partituras de Sebastián de Vivanco, el gran polifonista del renacimiento español al que este año el CNDM dedica su ciclo transversal con motivo del cuarto centenario de su muerte.

3 grandes propuestas para el otoño

En Madrid, el primer concierto del CNDM se desarrollará en coproducción con la Orquesta de la Comunidad de Madrid, quien interpretará un programa en homenaje a los ochenta años del compositor madrileño Tomás Marco, el lunes 3 de octubre. Será en el ciclo Series 20/21, en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Bajo la batuta de José Ramón Encinar, gran conocedor de su obra, la orquesta interpretará algunas de sus piezas más representativas, así como un estreno absoluto, Concierto para marimba y orquesta, que abrirá el concierto. Previamente y en el marco de las actividades pedagógicas del CNDM, se organizará una charla con Tomás Marco en la Universidad Complutense de Madrid.

Otro de los conciertos imprescindibles del otoño será la tradicional cita anual del CNDM con la música teatral barroca española, en un esfuerzo por la recuperación de nuestro patrimonio lírico. En esta ocasión, el concierto correrá a cargo del ensemble Los Elementos, fundado por el contratenor y director gallego Alberto Miguélez Rouco. En su debut en el Universo Barroco del CNDM, el conjunto dará vida a la zarzuela de José de Nebra, Vendado es Amor, no es ciego. El público podrá disfrutar de un elenco de voces de altísimo nivel, como la soprano Giulia Semenzato en el papel de Anquises. Será el domingo 6 de noviembre, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música.

Finalmente, otoño también será testigo de una de las obras maestras de Philip Glass, su hipnótica ópera Einstein on the beach, el martes 22 de noviembre, como concierto extraordinario (fuera de abono) dentro del ciclo Fronteras. De la mano de Collegium Vocale Gent, Ictus Ensemble y la extraordinaria voz de Suzanne Vega, el público tendrá la oportunidad única de escuchar esta abrumadora ópera en versión semi escénica.

Localidades ya a la venta

Ya están a la venta las localidades de los conciertos del CNDM en las taquillas del Auditorio Nacional de Música, del Teatro de la Zarzuela y de la red de teatros del INAEM. Además, como siempre, para quienes no deseen personarse en taquillas, se abren los canales de venta telefónica (911 939 321) y online (entradasinaem.es).

Como novedad, este año hay nuevos descuentos sociales del 50% en la compra de localidades sueltas para las personas mayores de 65 años, menores de 30 años, personas en situación legal de desempleo, familias numerosas o monoparentales o personas con un grado de discapacidad igual o superior al 33%.

Farewell, Israel López Estelche

El próximo 23 de agosto, el compositor cántabro estrenará Farewell, obra de encargo de la 71ª edición del Festival Internacional de Santander (FIS). La Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias (OSPA), bajo la batuta de la directora de orquesta Elim Chan (actual titular de la Antwerp Symphony Orchestra) será la encargada de interpretar este estreno absoluto en el Palacio de Festivales de Santander. “Farewell reflexiona sobre la situación vivida en los últimos años y tiene cierto carácter catártico; en ella escuchamos una melodía que se presenta en la cuerda, y que sobrevuela y sostiene toda la obra a modo de canto final, evocando la despedida de las almas que se van”, señala López Estelche.

Considerado como uno de los compositores españoles más destacados de la actualidad, Israel López Estelche ha realizado obras por encargo de entidades de renombre como el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE), el Festival de Música Contemporánea de Tres Cantos, el Museo de Bellas Artes de Coruña, la Fundación Botín o el Festival Cristóbal Halffter, así como reconocidas orquestas y conjuntos como la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias, la Oviedo Filarmonía, el Plural Ensemble, la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid o la Orquesta y Coro Nacionales de España, entre otros.

Doctor en Musicología por la Universidad de Oviedo y profesor de la Escuela Superior de Música Reina Sofía y del Centro Universitario TAI, entre los próximos compromisos de López Estelche cabe destacar el estreno de una obra para orquesta de cuerda en el Auditorio Silvestre Revueltas de Ciudad de México, con la Orquesta de Cámara de Bellas Artes dirigida por Ludwig Carrasco.

Anna Lucía Richter, Gerhaher y Bushakevitz

Termina esta temporada la XXVIII edición Ciclo de Lied del Teatro de la zarzuela y el CNDM, y lo hace por todo lo alto con la oportunidad de escuchar el proyecto de Christian Gerhaher, Das Wolf-Projekt, que se ofrece en formato de dos recitales, el 11 de julio Spanisches Liederbuch, con la soprano Julia Kleiter y el 18 de julio con la mezzosoprano Anna Lucia Richter. En ambas citas acompañados al piano por Ammiel Bushakevitz.

Gerhaher siempre consigue llevarnos a un nivel superior. Y que lo haga con un repertorio menos convencional y acompañado por figuras jóvenes, aunque ya consagradas, del mundo del lied, es una vuelta de tuerca más a esta forma de interpretación.

Hugo Wolf no había viajado nunca a España, pero los nórdicos siempre han sentido una especie de atracción por todo lo que tuviera que ver con el sur de Europa, sobre todo les atraía la luz, tan escasa en sus países de origen. Si conocía Wolf la música renacentista, sobre todo la de Tomás Luis de Victoria. También conocía grandes obras de la literatura española. Aunque el resultado final de estas Spanisches Liederbuch no tenga ningún elemento que parezca estar inspirado en la música o la cultura española.

Los textos utilizados por Wolf pertenecen a distintos siglos. No así las traducciones del siglo XVIII, obra de Geibel y Heyse y, por tanto, entendidos e interpretados de la misma manera. Los textos para la elaboración de estas canciones están tomados del Florestán de rimas antiguas castellanas (1821, 1825 y 1843), el Cancionero general (1511) de Hernando del Castillo, el Cancionero llamado Flor de enamorados (1562) o el Romancero general (1604). Las 10 primeras, las Geistliche Lieder, son canciones religiosas. Las 34 restantes, las  Weltliche Lieder, son canciones profanas. Estas últimas fueron divididas en dos partes para el recital.

Christian Gerhaher es un intérprete que transmite mucho con la voz y apenas nada con la expresión o el gesto. Todo lo apuesta a su manera de “decir” los textos, casi siempre impecable, gracias también a un perfecto fraseo. Su timbre tiene una particularidad últimamente, parece cada vez menos baritonal, en cuanto a registros oscuros. Lo que no afecta en absoluto a su expresividad e intensidad.

En este primer recital estuvo acompañado por la debutante Julia Kleiter. Todo un prodigio vocal, de depurada técnica y musicalidad. Con un volumen sorprendente y un control absoluto del juego vocal que le permite repartir emociones que llegan al público de manera arrebatadora. Tuvo algunas intervenciones especialmente felices y emotivas, en este formato en el que se turanabn ante el atril y que dio fluidez y equilibrio al recital.

El piano de Ammiel Bushakevitz fue también una gratísima sorpresa. Acompañó desde un segundo plano, siendo esto una gran virtud. No restó protagonismo a las voces pero su presencia era evidente y extraordinaria. Pendiente de todos los detalles y de todos los cambios de dinámica, que no fueron pocos, teniendo en cuenta que cada una de las obras que se alternaban no tenían relación entre sí. Su intervención estuvo llena de frescura y aportó su matiz a cada una de las obras.

La segunda parte de este peculiar proyecto estuvo protagonizada por la mezzosoprano Anna Lucia Richter, junto a Gerhaher. La temporada pasada tuvimos la oportunidad de asistir a su flamante debut en este Teatro.

En esta ocasión Wolf utiliza textos de una recopilación de Paul Heyse en 1860. Unas traducciones al alemán de textos como canti popolari toscani, corsi, illirici, greci, de Nicoló Tommaseo. Canti popolari toscani de Giuseppe Trigi. Canti popolari inediti umbri, liguri, piceni, piemontesi, latini, de Oreste Mrcoaldi. Y canti del popolo veneziano, de Angelo Dalmedico.

En esta ocasión los textos no trataban, como en los Spanisches Liederbuch, de cantos populares y religiosos, se trata de pequeños textos cotidianos, pequeñas anécdotas y detalles de la vida diaria.

Anna Lucia Richter se transforma ante este repertorio y echa mano de la teatralidad. Su canto es homogéneo y la expresividad de su rostro, a veces cargado de comicidad, ayuda a narrar las breves historias que cuenta.

Christian Gerhaher, a diferencia del primer recital, más íntimo, utiliza sus volúmenes en la emisión para dar carácter al personaje que interpreta. El forte se convierte en uno de los principales protagonistas.

En esta ocasión el piano requiere de un mayor protagonismo, y sin duda Ammiel Bushakevitz sabe dotar a su instrumento de esa cualidad. Sabe cómo generar cada atmósfera, por pequeña que parezca, y llenar de matices y acentos cada palabra que pronuncian de los intérpretes.

Todo un broche de oro para este XXVIII  Ciclo de Lied del Teatro de la Zarzuela y el CNDM que ha estado lleno de momentos inolvidables. Contamos ya los días para el inicio de la próxima temporada que comienza, nada menos, que con René Pape.

Fotografía: Elvira Megías/CNDM

Daniel Pinteño

El violinista Daniel Pinteño junto con la formación Concerto 1700, de la que es director y fundador, son el grupo residente en la temporada 22/23 del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM). Concerto 1700, que destaca por la calidad interpretativa y el compromiso por la recuperación del patrimonio musical español, protagonizará algunos de los estrenos en tiempos modernos más relevantes de la temporada. Ocho conciertos con cinco programas diferentes donde darán a conocer al público obras escondidas que son auténticos tesoros.

Un viaje apasionante a través de la música del siglo XVIII español

Para Daniel Pinteño esta residencia supone "un viaje apasionante a través de la música del siglo XVIII español”. Sin duda, el compromiso apasionado de esta formación con la recuperación del patrimonio musical español, les ha llevado a convertirse en una referencia en cuanto al legado musical más desconocido.

El Auditorio Nacional de Madrid, el Palau de les Arts, el Auditorio Príncipe Felipe de Oviedo, el Auditorio ciudad de León, el Auditorio Fonseca de Salamanca, el Espacio Turina de Sevilla y St John's Smith Square en Londres son los escenarios de la
geografía nacional e internacional que recorrerá Concerto 1700 de la mano de Daniel Pinteño, director del ensemble.

El primero de los ocho conciertos como residentes del CDNM será el 23 de febrero en el Auditorio Nacional de Madrid, con la pieza de Zarzuela Acis y Galatea de Antonio Literes. Con motivo del 350 aniversario del nacimiento del compositor mallorquín en
2023, Concerto 1700 adapta la zarzuela en versión concierto manteniendo toda la elegancia y refinamiento del siglo XVIII. Una colaboración con el dramaturgo Ignacio García y el actor Emilio Gavira, acercando la obra al público actual.

En el Auditorio Fonseca de Salamanca interpretarán Amorosa Accenti. En este programa, la formación vuelve a colaborar con una de las sopranos más talentosas de la escena barroca europea, Ana Vieira Leite, para dar vida a las cantatas al amor y al desamor compuestas por Scarlatti para Farinelli durante las veladas en Aranjuez. Valencia y Sevilla acogerán, el 23 y 25 de marzo respectivamente, el Oratorio La soberbia abatida por la humildad de San Miguel. En esta ocasión, el grupo vuelve a

NOTA DE PRENSA
recuperar un encargo del CNDM para la temporada 18/19 con el objetivo de llevarlo a la tierra natal de su compositor Francisco Hernández y Llana (1700-1780). Un oratorio recuperado por la Asociación Ars Hispana para el que contarán con el elenco vocal
original y en el cual se vivirá la lucha entre el bien y el mal encarnados por San Miguel y el demonio Luzbel.

Fogosa inteligencia es un repertorio muy especial para Pinteño, porque rescata música custodiada en su ciudad natal, Málaga. En este concierto, gracias a la asociación con el musicólogo Antonio del Pino y a la voz de la fabulosa soprano María Espada, se podrán escuchar obras de estreno del compositor Juan Francés de Iribarren (1699-1767), entre otras. El Auditorio Ciudad de León, 2 de mayo y el Auditorio Nacional de Madrid, 5 de mayo, serán los dos escenarios de estas citas.

Para finalizar la temporada Concerto 1700 estará presente en St John's Smith Square en el marco del London Festival of Baroque Music, con un repertorio centrado en la música instrumental de la Ilustración española.

Daniel Pinteño y Concerto 1700 están especializados en la interpretación historicista con instrumentos de época de obras que abarcan desde las etapas más tempranas del barroco hasta el inicio del Romanticismo. Juntos llevan a cabo una importante labor de
recuperación del patrimonio musical, en especial de compositores españoles del siglo XVII y XVIII que, por un motivo u otro, quedaron relegados al olvido. Sus últimos trabajos discográficos están dedicados a la obra de Antonio Literes -junto a Carlos Mena- y a la recuperación de los ‘Divertimenti’ de Gaetano Brunetti, todo un hito musical e historiográfico, ya que nunca antes habían sido grabados en disco.

CNDM
El director general del INAEM, Joan Francesc Marco, junto a Francisco Lorenzo, director del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), han presentado esta mañana en rueda de prensa la temporada 22/23 de este centro, que tendrá lugar del 16 de septiembre de 2022 hasta el 8 de julio de 2023. Esta nueva temporada vuelve cargada de ilusión y propuestas de altísimo nivel tras las atípicas ediciones pasadas debido a la pandemia. Se celebrarán un total de 243 citas, de las cuales 182 son conciertos y 61 son actividades pedagógicas. Asimismo, se recuperarán 25 obras del patrimonio musical español, que verán su estreno en tiempos modernos en esta temporada, y se refuerza el compromiso con la creación contemporánea con el estreno absoluto de 48 nuevas obras, 21 por encargo del CNDM a destacados autores; de ellos, más de la mitad son compositoras. El programa se desarrollará en 25 ciudades españolas y 2 ciudades extranjeras.
El CNDM retoma su vuelta a la normalidad con renovado impulso para servir a la sociedad a través de sus objetivos fundamentales: por un lado, dotar de una programación oficial, pública, estable, diversa y de calidad al Auditorio Nacional de Música, escaparate de las tendencias actuales y de los intérpretes nacionales e internacionales de mayor relevancia; y, por el otro, velar por la recuperación, difusión y ampliación del rico y extenso patrimonio musical español, y conceder, asimismo, un espacio privilegiado a la creación contemporánea, con un repertorio variado a cargo de los mejores intérpretes, tanto dentro como fuera de nuestras fronteras.

Esta nueva temporada estará marcada por la sostenibilidad del proyecto. Tal y como ha señalado Francisco Lorenzo, director general del CNDM: “volvemos a la ansiada normalidad con renovado impulso tras el titánico esfuerzo de las últimas ediciones marcadas por la pandemia. Estamos ante una temporada en la que queremos que nuestra institución halle el necesario equilibrio entre crecimiento y sostenibilidad”.

Partiendo de este objetivo, la nueva edición se centrará en cuidar los ciclos más sólidos del CNDM y las coproducciones más afianzadas, así como aquellas instituciones y socios convertidos a lo largo de estos años en pilares fundamentales del centro, con los que se comparten idénticos valores y vocación de servicio público. La imagen de temporada que sirve como punto de partida está protagonizada por la mirada reflexiva sobre la naturaleza del fotógrafo y activista medioambiental Yann Arthus-Bertrand, que entronca con el concepto de sostenibilidad.

Circuitos nacionales e internacionales

En total, esta temporada contará con 130 instituciones públicas y entidades privadas, que se han convertido a lo largo de estos años en columnas del CNDM. Con ellas, volverá a coproducir ciclos y festivales que trasladarán la música antigua, barroca, contemporánea y el jazz al conjunto del territorio español y fuera de nuestras fronteras.

Entre los circuitos nacionales, destacan el ciclo Músicas Históricas de León, dedicado a la música antigua y al barroco y que cumple veinte años; la Schubertíada en Barcelona, que vuelve un año más, en coproducción con el Palau de la Música Catalana y la Associació Franz Schubert; Música Antigua en Betanzos; la cita anual con el Festival de Música Española de Cádiz; el Festival Internacional de Música y Danza de Granada; el Ciclo de Música Contemporánea de Malpartida de Cáceres, uno de los más aventureros, que se celebran cada año, con intérpretes de talla internacional en torno a la música más experimental en el inigualable Museo Vostell; los ciclos Oviedo Barroco Salamanca Barroca; las Jornadas de Música Contemporánea de Segovia; Música actual de Alicante, con el Conservatorio Superior de Música, y Ciclo de Música Actual de Badajoz, junto con la Sociedad Filarmónica de Badajoz; o la colaboración con el Palau de Les Arts de Valencia, por segundo año consecutivo, que dedicará a lo largo del mes de marzo un guiño al repertorio barroco español. En A Coruña, se renueva una de las colaboraciones más habituales del CNDM con la Orquesta y Coro Nacionales de España (OCNE), que incluye el coencargo del Concierto para violín y orquesta del compositor residente Benet Casablancas y que verá su estreno absoluto en la temporada madrileña de la OCNE.

Con el objetivo de apoyar la difusión de las músicas cultas de raíz popular, como el jazz, el CNDM continúa con el impulso de Oviedo Jazz Salamanca Jazz, ciclos que ya se han consolidado y que llevarán a ambas ciudades algunas de las propuestas más importantes del jazz español programadas en Madrid.

Otra propuesta destacada es el Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza, que este año incorpora nuevos lenguajes como la danza barroca o una relectura en clave de jazz de los clásicos. Destaca también la tradicional colaboración con el Festival de Música Antigua de Sevilla, que este año incorpora una producción de gran valor histórico: El retablo de maese Pedro, de Manuel de Falla, con motivo de los cien años de su estreno en dicha ciudad.

En cuanto a la presencia internacional, retomamos la esperada colaboración con el prestigioso Festival de Música Barroca de Londres, prevista inicialmente para mayo de 2020 y aplazada por la pandemia. A lo largo de una semana nuestros mejores especialistas mostrarán al público británico la riquezasingularidad y calidad de nuestro repertorio. Esta coproducción se enmarca dentro del Proyecto Europa, coproducido con el Instituto Cervantes, y cuenta con la colaboración de la Embajada de España en Londres y Acción Cultural Española, en el marco de la celebración del 10º aniversario de su programa PICE para la Internacionalización de la cultura española. En mayo de 2023, prestigiosos músicos y formaciones especializadas desembarcarán en el festival. Se trata de Concerto 1700L’Apothéose junto a una de sus más fieles colaboradoras, la soprano Lucía Caihuela, la soprano Raquel Andueza al frente de su ensemble La GalaníaLa Grande Chapelle, bajo la dirección de Albert Recasens y el guitarrista y vihuelista José Miguel Moreno.

Asimismo, el programa internacional repite la colaboración por octavo año con la localidad portuguesa de Elvas, en el marco de los Encuentros Ibéricos de Música Contemporánea, dentro del programa educativo.

Residencias artísticas y ciclo transversal

Otro de los pilares del CNDM son las residencias, que actúan como una poderosa herramienta de apoyo y visibilidad para los artistas. En la nueva temporada, se mantiene la figura del compositor residente, que este año ostentará Benet Casablancas, artista multidisciplinar de voz única y consonancia perfecta entre forma y fuerza expresiva, cuya obra es aclamada en los escenarios más importantes del mundo. De su catálogo se escucharán algunos de los títulos más emblemáticos, además de varios estrenos, dos de ellos encargos del CNDM. Por su parte, el pianista y compositor Moisés P. Sánchez, punta de lanza de nuestro jazz actual más internacional, nos acompañará como artista residente durante la temporada con su sólida formación, su desbordante creatividad y su natural capacidad para cabalgar entre los más diversos géneros musicales. En el apartado de grupo residente, Concerto 1700, que destaca por la calidad interpretativa y el compromiso por la recuperación del patrimonio musical español, protagonizará como grupo residente y de la mano de Daniel Pinteño, violinista principal y director de la agrupación, algunos de los estrenos en tiempos modernos más relevantes de la temporada.

Con motivo del cuarto centenario de la muerte de Sebastián de Vivanco, el gran polifonista del Renacimiento español, se articula el ciclo transversal #Vivanco.400. A través de numerosos recitales de agrupaciones vocales de probada excelencia, que actuarán en la capital y en distintos puntos de España, se revivirán las obras más representativas de este gran compositor. El estudio de su obra, así como de sus contemporáneos, se verá ampliado en el Congreso Internacional “Sebastián de Vivanco y la música de su tiempo”, que celebrará la Universidad de Salamanca, y en el que se podrá reevaluar la dimensión de este autor dentro de su contexto histórico e incluso más allá de su tiempo a través de la pervivencia de su legado en la música sacra de siglos posteriores.

Mark Padmore

El tenor británico Mark Padmore, dueño de una voz sinuosa y flexible capaz de las más exquisitas matizaciones, nos brindará el próximo lunes 20 de junio (20h00) en el ciclo de Lied coproducido por el Teatro de la Zarzuela y el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), un intenso monográfico schumanniano acompañado al piano por el virtuoso Kristian Bezuidenhout.

En este esperado recital el público tendrá la ocasión de escuchar el sugestivo grupo de doce lieder sobre poemas de Justinus Kerner, op.35, así como una interpretación del ‘Liederkreis’, op.39 en una versión históricamente más correcta que incorpora otras canciones..

Mark Padmore nació en Londres y creció en Canterbury. Tras comenzar sus estudios de clarinete, obtuvo una beca para estudiar en el King’s College de Cambridge, donde se graduó en Música. Padmore se ha forjado una brillante carrera en el mundo de la ópera, así como en el de los conciertos o los recitales, con interpretaciones de las Pasiones de Bach que le han otorgado verdadero reconocimiento internacional. En la ópera, ha trabajado con directores de escena como Peter Brook, Katie Mitchell, Mark Morris y Deborah Warner y ha aparecido recientemente en una nueva producción de Death in Venice, de Britten, en la Royal Opera House de Londres. Ha cantado los personajes protagonistas de las óperas de Harrison Birtwistle The corridor y The cure en el Festival de Aldeburgh y el Teatro de Linbury; Jephtha, de Haendel, para la Welsh National Opera y la English National Opera; Captain Vere en Billy Budd, de Britten, y el papel de Evangelista en un concierto escenificado de la MatthäusPassion, de Bach, en el Festival de Glyndebourne. También interpretó a Peter Quint en The turn of the screw, de Britten, en una producción televisiva para la BBC y
grabó como protagonista La clemenza di Tito, de Mozart, con René Jacobs para Harmonia Mundi. Esta temporada, cabe destacar su residencia artística en el Wigmore Hall, donde celebra su relación profesional con pianistas de la talla de Till Fellner, Imogen Cooper, Paul Lewis y Mitsuko Uchida; con este último recientemente ha realizado una importante gira por Norteamérica. Su extensa discografía incluye la Missa solemnis, de Beethoven, y Die Schöpfung, de Haydn, con Bernard Haitink y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera para BR Klassik, o un álbum de lieder de Beethoven, Haydn y Mozart con Kristian Bezuidenhout
para Harmonia Mundi. Mark Padmore ha participado en tres ediciones del Ciclo de Lied: XIV (07-08), XVIII (11-12) y XXVIII (21-22).

Fotografía: Marco Borggreve

Potsdam

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) pone el broche de oro a sus Circuitos en el extranjero de la temporada con una gran coproducción internacional en el Musikfestspiele Potsdam Sanssouci, coincidiendo con la semana en la que se celebrará la Fiesta de la Música en Europa. Este prestigioso festival acoge a los mejores especialistas del mundo en interpretaciones historicistas de los periodos de la Edad Media, el Renacimiento, el Barroco y el Romanticismo. Dentro del festival, y a lo largo de una semana, el repertorio español tendrá un protagonismo especial de la mano de nuestros mejores intérpretes. Cuatro formaciones españolas de referencia actuarán en diferentes espacios de los palacios y jardines prusianos de Potsdam, Patrimonio Mundial de la UNESCO, así como del centro histórico de la ciudad y sus alrededores, del 20 al 24 de junio.

Esta coproducción del CNDM con el festival de Potsdam supone una oportunidad única para mostrar, de la mano de nuestros mejores intérpretes especialistas en este género, la riqueza, singularidad y gran calidad de nuestro valioso patrimonio musical, tanto instrumental como vocal.

El conjunto encargado de abrir fuego será L’Apothéose el lunes 20 en la Galería Ovid (Nuevas Cámaras del Palacio de Sanssouci). Junto a una de sus más fieles colaboradoras, la soprano Lucía Caihuela, se acercarán a La fingida Arcadia con un programa en torno a ese bucólico mundo de pastores que tanto inspiró a los músicos barrocos y que incluye piezas de Giacomo Facco, Francesco Corselli, Juan Francés de Iribarren, Antonio Guerrero, José Herrando y Antonio Martín y Coll.

El miércoles 22, la agrupación de Enrike Solinís, Euskal Barrokensemble, tomará el relevo en la Iglesia de la Paz (Parque de Sanssouci), con una travesía por cuatro continentes que va desde las músicas más arcaicas, hasta la complejidad de músicas más académicas, con obras de Pierre Phalèse, Juan de Antxieta o Mateo Flecha “el Viejo”, entre otros. El repertorio recreará uno de los hitos de nuestra historia: la primera vuelta al mundo, liderada por el navegante vasco Juan Sebastián Elcano, en la expedición española iniciada por Fernando de Magallanes.

El recorrido continuará el jueves 23 con la Orquesta Barroca de Sevilla, que ofrecerá en el Salón de Rafael (Palacio de la Orangerie) un viaje musical por la Nápoles barroca más española -perteneciente en aquel momento, junto a Palermo, a la Corona de Aragón-, con Dorothee Oberlinger, flautista, directora del conjunto Ensemble 1700 y directora artística del festival. El programa incluye piezas de Domenico Scarlatti y Alessandro Scarlatti, Emanuele Barbella, Francesco Durante y Domenico Sarro, entre otros.

El ensemble Al Ayre Español, liderado por toda una eminencia de la música historicista, Eduardo López Banzo, clausurará el viernes 24 en la Iglesia de la Paz (Parque de Sanssouci) la participación española en el festival. Lo hará junto a Maite Beaumont, mezzosoprano de gran trayectoria y proyección internacional. Ofrecerán un repertorio que intercala obras instrumentales de Georg Friedrich Haendel con las cantadas de Antonio de Literes y José de Torres, un género muy particular español heredado de las cantatas italianas del siglo XVII que pone de relieve la gran personalidad y diversidad de nuestro patrimonio.

Fotografía: Marco Borggreve

Andrè Schuen

Andrè Schuen, uno de los liederistas más celebrados del panorama actual, interpretará el programa Lieder der Nacht und des Abschieds (Canciones de Noche y Despedida) en el Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela, junto al pianista Daniel Heide. El recital tendrá lugar el martes 17 de mayo a las 20:00 horas en el Teatro de la Zarzuela.

Tras su exitoso paso por el Teatro Real encarnando al Conde de Almaviva en Las Bodas de Fígaro, el barítono tirolés cambiará hacia un registro más nostálgico, salpicado de sueños, despedidas y noche. Schuen abordará un programa temático centroeuropeo compuesto por obras de Franz Schubert, con algunos de sus lieder más famosos, Gustav Mahler, uno de los máximos exponentes del posromanticismo, y el oscarizado compositor -y no tan programado- Erich Wolfgang Korngold.

Andrè Schuen vuelve a Madrid tras haber sido aplaudido en sus últimas actuaciones en la capital, con Die schöne Müllerin de Schubert. Desde que dejara la Universidad del Mozarteum de Salzburgo, donde se formó con Horiana Branisteanu y Wolfgang Holzmair, su presencia en Centroeuropa ha sido continua. Como liederista, ha ofrecido recitales con pianistas de la talla de Gerold Huber, en salas como el Wigmore Hall de Londres o el Konzerthaus de Viena, entre otras.

Viaje hacia la oscuridad y los sueños

En la primera parte del recital, el público viajará a través de la naturaleza lírica de la música de Schubert, partiendo de un enérgico Über Wildemann, D 884, un lied que describe una travesía a golpe de corchea. El viaje continúa con Der liebliche Stern, D 861, que nos lleva a tonalidades más alegres, para después tomar recorridos más sombríos, con obras como Der Jüngling und der Tod, D 545, que describe cómo un joven acepta la llegada de la muerte. Schuen cerrará las composiciones del músico vienés de este bloque con Erlkönig, D 328, un lied rápido y angustioso que requiere de una maestría vocal perfecta y adaptada a la dificultad del acompañamiento.

Tras Schubert, el cantante interpretará Kindertotenlieder, de Mahler y con letra del poeta Friedrich Rückert, quien escribió estas piezas atravesado por el dolor tras la pérdida de dos de sus hijos. La tristeza y el consuelo son las principales temáticas que atraviesan este ciclo de cinco canciones que debe ser interpretado y escuchado como una única estructura global.

En la segunda parte, Andrè Schuen se adentrará en el universo de Korngold, declarado un genio por el propio Mahler y cuyo repertorio en este programa recrea una atmósfera intimista de melodías sencillas. La voz de Schuen nos desvelará las aventuras de un viajero nocturno (Nachtwanderer, op. 9), el misterio de la luna (Mond, so gehst du wieder auf, op. 14) o el amor (Was du mir bist, op. 22).

El recital se cerrará con un retorno a Schubert, con piezas como Nacht und Träume, D 827, que llevará al público a lo más profundo de los sueños.

ÚLTIMAS ENTRADAS 

Las últimas entradas para este recital, con un precio general de 8 a 35 euros, están disponibles en las taquillas del Teatro de la Zarzuela, el Auditorio Nacional de Música, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y en el teléfono 91 193 93 21.

Fotografía: Guido_Werner

Azahar Ensemble

El próximo 12 de mayo, el quinteto de viento Azahar Ensemble llega a Madrid para ofrecer un concierto en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Madrid, en el marco de la programación del ciclo “Liceo XXI” del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM). En esta cita madrileña, los miembros de Azahar Ensemble compartirán escenario con el conocido pianista alemán Christian Zacharias para interpretar el Quinteto para piano y vientos en mi bemol mayor, op. 16 de Beethoven. El concierto se completará con el Quinteto de viento en mi menor, op. 88, nº1 de Anton Reicha a cargo de Azahar Ensemble, y otras dos obras para piano solo de Beethoven (Doce variaciones para piano en la mayor sobre una danza rusa del ballet “Das Waldmädchen” de Wranitzky, y la Sonata para piano nº 1 en fa menor, op. 2, nº1), en interpretación del propio Zacharias.

Azahar Ensemble se presenta por primera vez en Madrid junto a su actual flautista André Cebrián, que se unió en 2020 a los miembros fundadores del quinteto: María Alba Carmona Tobella (oboe), Antonio Lagares Abeal (trompa), María José García Zamora (fagot) y Miquel Ramos Salvadó (clarinete). Sus próximos compromisos incluyen numerosas citas internacionales, con conciertos en Bonndorf im Schwarzwald (Alemania), Zúrich, el Pfingstfestival Schloss Brunegg (Suiza), el Festival Sommerklänge (Suiza), Andermatt (Alemania) y Neustadt an der Weinstrasse (Alemania), entre otros.

Ganador del prestigioso Concurso Internacional del ARD de Múnich, que le abrió las puertas de los principales escenarios europeos como la Musikverein de Viena, la Philharmonie de Berlín, el Prinzregententeather de Múnich, la Philharmonaie Essen, el Mozarteum Salzburg o la Elbphilharmonie de Hamburgo, entre otros muchos, Azahar Ensemble se ha convertido en uno de los conjuntos de cámara más solicitados de la actualidad, y sus actuaciones siguen recibiendo el aplauso unánime de la crítica especializada internacional.

ANDREA MOTIS

La trompetista, saxofonista, cantante y compositora Andrea Motis, una de las artistas más brillantes del jazz español y con gran proyección internacional, presentará en el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) Loopholes, un esperado último proyecto musical que, partiendo del jazz, se adentra en deslumbrantes sonoridades y músicas procedentes del funk, el jazz eléctrico o el neosoul. Este concierto extraordinario (fuera de abono) tendrá lugar el próximo domingo 8 de mayo, a las 20:00 horas, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música, dentro del ciclo “Jazz en el Auditorio” del CNDM.

En LoopholesAndrea Motis recrea un universo sonoro libre de prejuicios, estirando los modos jazzísticos más tradicionales y permitiendo al público profundizar en músicas que van desde los loops de Robert Glasper o el sonido californiano de Jack Johnson, a Fats Waller y su “Honeysuckle Rose” (que ella cita como una —poco evidente— influencia en su composición “Babies”), el blues o, incluso, el folklore latinoamericano, plasmada en su personal versión de la cumbia “El Pescador”, del maestro colombiano José Barros (popularizado por Totó la Momposina y Los Folkloristas).

Andrea Motis combina en este trabajo su talento como vocalista de jazz con el dominio de la trompeta para recrear paisajes sonoros europeos, estadounidenses e iberoamericanos. Un proyecto musical efervescente cargado de nuevos colores que posiciona a la artista catalana como un referente de la escena actual del jazz capaz de salir de la zona de confort y hacer vibrar al público con nuevas propuestas musicales.

En esta propuesta, Andrea se ha rodeado de una nueva banda, donde las figuras de los músicos austríacos Christoph Mallinger (violín, mandolina, guitarra) y Steph Kondert (bajo eléctrico), son fundamentales, ya que ambos han ejercido de productores y han sumado aportes en la composición. Loopholes ha sido grabado junto a una formación excepcional: además de Mallinger y Kondert, el grupo se completa con el tecladista japonés, residente en Nueva York, Big Yuki, el batería Gregory Hutchinson, el percusionista Zé Luis Nascimento, y Raja Kassis a la guitarra.

Una carrera vertiginosa

El concierto extraordinario de Andrea Motis en el CNDM no será solo la presentación de su nuevo álbum, sino que también será la primera vez que se escuche y se viva la evolución de una artista que fue señalada como de las jóvenes promesas del jazz españolLoopholes, un disco estimulante para los sentidos, atestigua el crecimiento de una artista que comenzó destacando en la Sant Andreu Jazz Band con tan solo once años.

En su primera etapa, Andrea Motis estuvo apadrinada por el contrabajista y director de la banda Joan Chamorro, quien descubrió en la artista un talento nato para la música. Tras la grabación de su primer disco de standards, Joan Chamorro Presents Andrea Motis, en 2012 publicó un segundo disco, Feeling Good.

En 2017, Andrea Motis decidió encontrar su propia voz. Tras la buena acogida de sus primeros álbumes, llegó su primer lanzamiento mundial, Emotional Dance, en Impulse! Records. Dos años después, publicó Do outro lado do azul, en Verve Records. Ambos lanzamientos la convirtieron en la primera artista española en publicar bajo estos emblemáticos sellos en la historia del jazz de nuestro país.

En paralelo a la grabación y lanzamiento de los discos, su vertiginosa carrera ha continuado en los escenarios, donde Andrea ha colaborado con artistas legendarios como Quincy JonesOmara PortuondoMilton NascimentoGil Goldstein, la WDR Big BandScott Hamilton o, en 2021, junto a Yo-Yo Ma, con quien interpreta a dúo El cant dels ocells en el último álbum del notable chelista. También ha realizado conciertos en algunos de los escenarios más representativos del jazz del planeta, como el Tokyo Jazz Festival, Jazz at Lincoln Center de New York, Jazz a Vienne, Blue Note Japan, Festival de Jazz de Barcelona, Palau de la Música de Barcelona o el Auditorio Nacional de Música de Madrid.

SGAE

La Fundación SGAE y el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) han abierto la convocatoria de la XXXIII edición del Premio Jóvenes Compositores Fundación SGAE-CNDM 2022. Consolidados ya entre los profesionales de la música, estos galardones tienen el objetivo de estimular la creación en el campo de la música clásica contemporánea entre los jóvenes compositores y contribuir al desarrollo social mediante el conocimiento de nuevas lenguas, tendencias y formas musicales de expresión.

Podrán concurrir todos los compositores y compositoras en cualquier país del mundo con obras de autoría única de cualquier lenguaje o tendencia estética dentro de la música contemporánea, siempre que sean menores de 35 años al cierre de la convocatoria y sean socios/as de la SGAE.

Las obras deberán ser necesariamente inéditas, con una duración entre siete y doce minutos, y ajustarse a una plantilla instrumental conformada por un mínimo de cinco intérpretes y un máximo de ocho. Cada concursante solo podrá presentar una única obra.

El 15 de septiembre: cierre de plazo
La recepción de los trabajos a concurso se extenderá hasta el jueves 15 de septiembre de 2022. Con el fin de preservar el anonimato de los concursantes y la neutralidad de la comisión seleccionadora, las partituras serán presentadas incluyendo el título original de la obra y un lema (que deberá ser diferente del título de la obra) y no indicarán el nombre del autor en ninguna de sus páginas. Las partituras deberán ser remitidas por email a la dirección de correo electrónico smoralg@fundacionsgae.org, acompañadas de la documentación estipulada en las bases.

Los ganadores, el 21 de noviembre
El 21 de noviembre de 2022, dentro del ciclo SERIES 20/21 del CNDM, se celebrará a las 19:30h en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía el concierto con las cuatro obras finalistas y se darán a conocer los premios otorgados.

Un jurado, compuesto por destacados expertos en música, seleccionará las cuatro obras finalistas que optarán a galardones valorados en 11.700 euros, repartidos como sigue: Primer Premio Xavier Montsalvatge (6.000 euros y diploma), Segundo Premio Carmelo Alonso Bernaola (3.000 euros y diploma), Tercer Premio Francisco Guerrero Marín (1.500 euros y diploma) y Mención Honorífica Juan Crisóstomo Arriaga (1.200 euros y diploma). Además, para contribuir a la posterior promoción y difusión de las obras ganadoras, la Fundación SGAE producirá un disco promocional con la grabación en directo de las interpretaciones en el concierto final.

Premio especial: Compositor Residente de la Red de Músicas
A estos cuatro galardones se suma el Premio Especial JM España, que otorgará Juventudes Musicales de España. De este modo, el ganador del Primer Premio de esta edición se convertirá en Compositor Residente de la Red de Músicas de JM España durante la temporada 2023-2024. JM España le encargará dos obras de música de cámara y otorgará 1.500 euros por cada pieza. El compositor escogerá dos formaciones de los seleccionados en la Red de Músicas que las estrenarán e interpretarán en todos los recitales que den en este circuito que organiza más de 200 conciertos al año.

Acerca del Premio
El premio, que fue creado en 1987 por la SGAE con una frecuencia anual, se ha convertido en uno de los más importantes certámenes de su tipo, por su nivel de organización y su rigurosidad, por el prestigio de los intérpretes y de los jurados participantes.

Entre los ganadores de sus anteriores ediciones destacan nombres ya consolidados dentro del panorama de la composición actual, con carreras internacionales que demuestran la buena salud de la creación musical española: Agustín Charles, Mauricio Sotelo, José María Sánchez-Verdú, Jesús Rueda, Jesús Torres, Pilar Jurado, Gabriel Erkoreka, Ramón Humet, Juan Cruz Guevara, Jesús Navarro, Oliver Rappoport o Nuria Núñez, entre muchos otros, han sido protagonistas de esta cita indispensable en el apartado de la composición para ensemble a nivel nacional.

Nitteti
El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) hace historia, junto con el Instituto Complutense de Ciencias Musicales (ICCMU), con la recuperación y el estreno de La Nitteti, una obra ideada por dos de las figuras más importantes del mundo operístico del siglo XVIII, el compositor napolitano Niccolò Conforto y el libretista Pietro Metastasio. Su estreno en tiempos modernos tendrá lugar el próximo sábado 7 de mayo a las 19:30 horas en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música, a cargo de la agrupación española Nereydas, dirigida por Javier Ulises Illán, y con la participación de artistas de primer nivel como Núria Rial y María Espada, entre otros.

La Nitteti se representó en el ya extinto Real Coliseo del Buen Retiro de Madrid en 1756. Fue un encargo del legendario castrato Farinelli a su amigo Metastasio, quien la escribió exclusivamente para la familia real española, convirtiéndose en el único libreto que el italiano compuso para la corte madrileña, como un regalo de cumpleaños de María Bárbara de Braganza a su esposo, el rey Fernando VI. Por aquel entonces, tanto Farinelli como Conforto eran músicos afincados en Madrid. La ópera, que fue inmortalizada en una serie de lienzos por el pintor Francesco Battaglioli, situó a Madrid en el mapa europeo de la ópera del siglo XVIII. 

Nereydas nos traslada al Egipto del año 570 a. C. con una historia de falsas identidades que deambula entre la justicia, el deber político y las grandes pasiones. El público disfrutará de una obra a caballo entre el virtuosismo barroco y la elegancia del clasicismo, a través de las diecinueve arias solistas, así como de un dúo y un terceto que resaltan la belleza de los textos de Metastasio. La acción comienza con el deseo de Amasi, rey de Egipto, de casar a su hijo, el príncipe Sammete, con Nitteti. Sin embargo, éste resulta estar enamorado de la pastora Beroe, quien, a su vez, corresponde a ese sentimiento. De este cruce de emociones encontradas surge el nudo dramático de la obra.

El estreno en tiempos modernos de La Nitteti representa la recuperación de la memoria de la España floreciente del siglo XVIII. Este proceso de recuperación ha sido posible gracias a la edición crítica de la partitura por el musicólogo José María Domínguez, en el marco de los esfuerzos de recuperación de repertorio y minuciosa edición crítica de partituras del Instituto Complutense de Ciencias Musicales y de la Universidad Complutense de Madrid, y del director de orquesta y musicólogo Javier Ulises Illán, también coautor de la edición crítica.

Un elenco de alto nivel

Hay un hilo aparentemente invisible entre la obra que se estrenó en el Teatro del Buen Retiro y la que se estrenará en el Auditorio Nacional de Música, que la hacen especial: en ambas ocasiones, el mejor talento se abrió y se abrirá paso.

En su época, Farinelli fue nombrado director de espectáculos regios del Teatro del Buen Retiro, ejerciendo de programador y de empresario y, por ello, se encargó de contratar a los mejores cantantes, músicos, pintores y escenógrafos italianos al servicio de la corte española. La Nitteti no fue una excepción. En esta ópera, Farinelli supervisó todos los elementos para conseguir el mejor talento. Al  compositor napolitano Niccolò Conforto, que por aquellos años ya había logrado una carrera musical de grandes éxitos y estaba afincado en Madrid al servicio de Fernando VI, se sumaron los textos de Pietro Metastasio, considerado el mejor dramaturgo del siglo XVIII y la voz de reconocidos cantantes de la época, como Filippo Elisi en el papel de Sammete, Teresa Castellini, alumna del propio Farinelli, o el afamado tenor Anton Raaff, para quien Mozart escribió el Idomeneo.

Ahora, el proyecto llega hasta nuestros días con una producción protagonizada por grandes nombres de la escena musical española. La dirección artística y musical corre a cargo de Javier Ulises Illán, especializado en los repertorios de la corte española del siglo XVIII. Javier Ulises dirige Nereydas, un conjunto español que aúna músicos de amplia experiencia y formación y que supera una década de vida. El proyecto sitúa a España como un país con gran potencial en la interpretación de música antigua en la actualidad, con un elenco vocal encabezado por las sopranos Núria Rial y María Espada, representantes de una generación con una asentada carrera internacional, que convive con la nueva generación de cantantes españoles que están despuntando en la escena actual con gran fuerza, como las también sopranos Lucía Caihuela, Paloma Friedhoff o el bajo Víctor Cruz. Presentes en el reparto, se encuentran asimismo las voces internacionales de la soprano Ana Quintans y del aplaudido tenor Zachary Wilder, que interpretará el papel del faraón.

La Nitteti forma parte del ciclo “Universo Barroco” del CNDM, que apuesta por la recuperación del patrimonio español y por acercar al público a la música española más gloriosa del periodo barroco. A su vez, su interpretación supone el colofón al congreso internacional “Parole del Metastasio: Opera and Emotions in Eighteenth-Century Europe”, que reunirá a referencias mundiales expertas en la figura de Metastasio, promovido por la Universidad Complutense de Madrid (UCM) y el Instituto Complutense de Ciencias Musicales (ICCMU), en el marco del ambicioso proyecto “Didone: The Sources of Absolute Music”, dirigido por Álvaro Torrente, director del ICCMU, financiado por el European Research Council.

Con el objetivo de facilitar el acercamiento a esta obra, y dentro de la iniciativa pedagógica “Contextos Barrocos” del CNDM, se ofrecerá una charla en el Salón de Actos del Auditorio Nacional de Música a las 18:30 horas a cargo de Eduardo Torrico, especialista y redactor jefe de la revista SCHERZO y que contará con la participación del Javier Ulises Illán, director artístico y musical de Nereydas

Javier Ulises Illán, director de orquesta: «Estamos ante una ópera que es toda una referencia y que aúna el poderoso texto de Metastasio con el virtuosismo de las músicas de Conforto. Gracias al rigor y a la base científica y de investigación que le da el ICCMU a la edición, La Nitteti representa un paso más no solo para darla a conocer al público, sino para que también se establezca como una obra canónica del repertorio de la ópera española. Es una obra que va a sorprender y a captar la atención del público y que pronto podremos escuchar en CD, ya que, inmediatamente después del concierto de estreno en el CNDM, acometemos la grabación de esta exuberante ópera madrileña».

Francisco Lorenzo, Director del CNDM: “En el CNDM apostamos por la recuperación de obras olvidadas de nuestro patrimonio y La Nitteti es una muestra más de este intenso trabajo que iniciamos desde la creación del centro. La importancia de este estreno radica, entre otras virtudes que encierra la propia partitura y su singular historia, en lo dificultoso que resulta la recuperación de una pieza tan significativa del repertorio operístico dieciochesco”.

KATHARINA KONRADI MALCOM MARTINEAU

Sexto recital de esta temporada del Ciclo de Lied del Teatro de la Zarzuela y el Centro Nacional de Difusión de la Música (CNDM) y otro debut. En esta ocasión se trata de la soprano Katharina Konradi, nacida en Kirguistán, un hermoso país de Asia Central, perteneciente a la Unión Soviética hasta su desintegración en 1991.

Formada en Alemania, Katharina Konradi dio este lunes un recital, pero no solo de canciones, también de cómo deben interpretarse esas canciones. Con una facilidad idiomática extraordinaria, fue pasando de Fauré a Schumann y de Debussy a Ginastera y Montsalvatge con una precisión estilística que en pocas ocasiones se observa.

Todo empezó con cinco canciones de Fauré, con textos de Victor Hugo, Paul Verlaine y Armand Silvestre. Y fue desde el inicio que Konradi presentó sus credenciales y su capacidad de describir el atractivo encanto de Le papillon et la fleur o Notre amour. Después llegaron los Liederkreis, Opus 39 de Schumann, con textos de Joseph von Eichendorff. Aquí ambos intérpretes mostraron una sensibilidad especial. La obra de Schumann encaja a la perfección con las características de Konradi, voz llena de frescura y una línea de canto delicada y cristalina.

La segunda parte la inició con una de las obras más intimistas de Dbussy, Ariettes oublièes, compuesta de una serie de seis canciones donde la capacidad de matización, tanto de Konradi como de Martineau, quedó claramente demostrada.

Dejó para el final Ginastera y Montsalvatge. Otro cambio idiomático sorprendente, su fraseo y dicción en español era mejor que el de algún cantante nacional, al igual que su expresividad en el canto. La elasticidad de su voz y, de nuevo, su capacidad estilística, dibujaron a la perfección el carácter de estos dos compositores. De Ginastera interpretó Cinco canciones populares argentinas, llenas de color, ternura y elocuencia. De Montsalvatge eligió tres de sus Cinco canciones negras, Punto de habanera, Canto negro y Canción de cuna para dormir a un negrito.

Sabemos de la maestría sobre el teclado de Malcolm Martineau. De su capacidad de generar atmósferas y colores que describen a la perfección al compositor y su obra. En esta ocasión tuvo algunos momentos de verdadero virtuosismo. La conexión Konradi – Martineau ha sido de los más fructífera. Parecía que llevaran interpretando juntos toda una vida. Ella estaba segura y él feliz, ¿qué podía salir mal?

Sin duda una demostración de capacidades y fuerzas que nos dejó a todos con ganas de más. Esperamos contar con su participación en sucesivos ciclos. Ofreció dos propinas, Fischerweise, de Schubert y Nana, de Manuel de Falla. Últimamente se escuchan muchas nanas en este Ciclo de Lied. Parece que además de cantar, estos jóvenes intérpretes también son muy fértiles. Enhorabuena a todos.

Fotografía © Rafa Martín

Rene JACOBS

Una de las noticias más celebradas de los últimos años dentro de la Música Antigua fue el descubrimiento de las obras de Antonio Caldara, el autor que, conjuntamente con Händel, mejor ha compuesto para la voz durante el periodo barroco. El camino de su reposición se inició hace algo más de 25 años cuando René Jacobs, volcado ya brillantemente en la dirección de orquesta, rescató el manuscrito de la obra Maddalena ai piedi di Cristo (1697-1698) en Viena, y la llevó al disco en una mítica grabación multipremiada que aún a día de hoy nos sigue conmoviendo profundamente. Aquella música extraordinaria de Caldara, repleta de lirismo, de juegos retóricos y giros operísticos, regresa el 10 de abril a las 19:00 horas al Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), bajo la dirección del mismo Jacobs que la devolviera a la luz en 1996 y abrazada por una de las orquestas referenciales en el repertorio del siglo XVIII, la Freiburger Barockorchester.

La Maddalena de Caldara es mucho más que un oratorio veneciano. Funciona en realidad como una especie de ópera sacra que gracias al genio del compositor se transforma en un compendio de bellezas donde lo terrenal y lo espiritual del ser humano compiten por hacerse hueco entre sus arias. Es, en definitiva, el viejo conflicto entre el deseo y la razón al que tanto ha necesitado cantar y escribir el ser humano. Lo que convierte este concierto en uno de los acontecimientos de la temporada no es sólo la vuelta a los escenarios de la partitura privilegiada de Caldara, sino el hecho de hacerlo de la mano de uno de los directores que mejor entienden el fenómeno del canto, René Jacobs, y arropada por la que durante muchos años ha sido y sigue siendo tal vez la punta de lanza de las orquestas especializadas. De ese espléndido tándem han surgido algunas de las grabaciones y conciertos más memorables de las últimas dos décadas.

Para afrontar esta composición que Caldara imaginó tan exigente, es necesario un reparto de garantías, que en este caso encabeza la codiciada soprano Giulia Semenzato, una voz versátil capaz de deslumbrar a la Royal Opera House como Sussana en Le nozze di Figaro y al Festival de Aix-en-Provence con su Nannetta en Falstaff. La mezzo Marianne Beate Kielland y el tenor Joshua Ellicott acompañan a Semenzato en un reparto que completan algunas de las voces más interesantes del panorama barroco, como el contratenor (ganador del X Les Jardin des Voix) Alberto Miguélez Rouco,  el barítono Johannes Weisser y la contralto Helena Rasker.

La Freiburger Barockorchester, en un inmejorable estado de forma, regresa a Madrid tras su exitoso concierto con el Requiem de Biber de la temporada pasada. Pocas orquestas pueden presumir de mantener durante más de tres décadas estándares de calidad tan altos dentro de la interpretación históricamente informada, y una responsabilidad tan marcada a la hora de recuperar repertorio olvidado a través de los años. Algunas de sus grabaciones, como el Don Giovanni mozartiano precisamente con Jacobs, se mantienen a día de hoy como referencias indiscutibles.

En una música con tanta carga retórica resulta esencial contar con una guía que traduzca los códigos barrocos hasta nuestros días. Así, y como parte de la iniciativa pedagógica «Contextos Barrocos» del CNDM, a las 18:00 horas tendrá lugar en el Salón de Actos del Auditorio Nacional de Música una charla a cargo de Eduardo Torrico, especialista y redactor jefe de la revista SCHERZO, y donde, de manera tan informada como desenfadada, se irán desgranando los secretos fundamentales de la obra .

Cuando René Jacobs dio el salto del canto a la dirección musical, pocos podían imaginar su sentido del color a la hora de enfrentar la tímbrica de la orquesta y su desarrollado gusto por el matiz. Varias décadas más tarde y con casi trescientas grabaciones a sus espaldas, podemos verle de nuevo en acción con una de sus obras fetiche, y al cargo de la orquesta con la que mejor química mantiene, todo ello en el escenario de la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional, con localidades que van de 15 a 40 euros, a la venta en las taquillas del Auditorio Nacional de Música, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y en el teléfono 91 193 93 21.

©Photo Philippe MATSAS

Katharina_Konradi

El lunes, 4 de abril a las 20:00 horas, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta, en coproducción con el Teatro de la Zarzuela, a la soprano Katharina Konradi, una de las voces con mayor proyección en el panorama internacional en el que será su debut dentro del XXVIII Ciclo de Lied. Malcolm Martineau, uno de los pianistas más reputados del circuito, acompañará a la soprano en un viaje iniciático desde las raíces del género —Schumann con uno de sus ciclos más representativos, los Liederkreis, op. 39— hasta los espacios sonoros más cercanos a lo popular que tanto conectan con la emoción, como son los sones de Ginastera y Montsalvatge. Entre medias habrá lugar para dejarse seducir por el refinamiento sonoro de Debussy o el neoclasicismo lúcido de Fauré.

El exigente programa que proponen Konradi y Martineau explora, desde la belleza de las obras seleccionadas, la difusa frontera del género con otros espacios musicales más inmediatos. Las Cinco canciones populares argentinas de Ginastera o las Cinco canciones negras de Montsalvatge sirven de ejemplo sobre cómo la modernidad y la tradición se dan la mano en esa búsqueda de las esencias del ser humano que es el lied. Las magnéticas Ariettes oubliées de Debussy o el refinamiento de las piezas seleccionadas de Fauré completarán el recorrido.

Las últimas entradas para este recital, con un precio general de 8 a 35 euros, están disponibles en las taquillas del Teatro de la Zarzuela, el Auditorio Nacional de Música, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y en el teléfono 91 193 93 21.

UNA DE LAS VOCES DEL FUTURO

Elogiada por la crítica, Katharina Konradi hace su debut en el Ciclo Lied con este programa poco convencional.  Nacida en Biskek (Kirguistán, Asia), es la primera soprano de este país con una carrera internacional como cantante de lied, conciertos y ópera. Actuó durante tres años en la Ópera Estatal de Hesse en la ciudad de Wiesbaden. En 2018, hizo su presentación como Ännchen en Der Freischütz, de Carl Maria von Weber, en la Ópera Estatal de Hamburgo.
A partir de entonces, ha cantado los principales papeles de soprano en los mejores teatros del mundo, como Zdenka en Arabella, de Richard Strauss, en la Semperoper en Dresde; la Pastora en Tannhäuser, de Richard Wagner, en el Festival de Bayreuth; Sophie en Der Rosenkavalier, de Richard Strauss, dirigida por Vladimir Jurowski; o Sophie en Werther, de Jules Massenet, y Susanna en Le nozze di Figaro, de Wolfgang Amadeus Mozart en la Ópera Estatal de Baviera.

Su voz posee la mezcla justa entre pericia técnica e inteligencia musical, aprovechando la brillantez de su registro agudo y la homogeneidad de color de su canto para sacar la máxima emoción al repertorio que aborda, como demostró en su última presencia en Madrid hace unos meses en el Ciclo Liceo de Cámara XXI del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), con una fantástica acogida. Además, interpretará en el recital una obra nunca antes escuchada en el Ciclo, la hermosa Chanson d’amour, op. 27, nº 1 de Fauré.

LA ELEGANCIA HECHA SONIDO

Pocas presentaciones necesita uno de los mitos del piano acompañante. Malcolm Martineau pertenece a esa generación privilegiada de intérpretes que han sabido trasladar a su depurada técnica la sensibilidad y la elegancia en el fraseo que lo identifican y hacen reconocible para muchos melómanos. El pianista escocés lleva toda la vida situado en la élite musical, siendo requerido para acompañar a las voces más destacadas de varias generaciones, como Janet Baker, Florian Boesch, Barbara Bonney, Thomas Hampson, Elīna Garanča,  Simon Keenlyside, Angela Gheorghiu, Thomas Quasthoff, Anne Sofie von Otter, Christoph Prégardien, Felicity Lott, Bryn Terfel, Magdalena Kožená, Christopher Maltman o Sonya Yoncheva, entre muchos otros.

Ha participado en recitales en las principales salas de concierto, como la Berlin State Opera, Carnegie Hall, Concertgebouw, Gran Teatro del Liceu, Mariinsky Theatre, Metropolitan Opera, Royal Opera House, La Scala, Sydney Opera House, Teatro Real o Musikverein; y a festivales como Aix-en-Provence, Baden Baden o Tanglewood. Multipremiado en su larga y prolífica carrera discográfica (más de cien grabaciones), compatibiliza sus giras con su labor como docente en la Royal Academy of Music

Martineau ha participado en noches memorables dentro del Ciclo Lied del Teatro de la Zarzuela, acompañando a Dorothea Röschmann o Florian Boesch recientemente. En esta su vigésima aparición, de la mano de Katharina Konradi, pianista y cantante volverán a lucir esa asombrosa «capacidad de conmovernos, pero también de hacernos reflexionar sobre la importancia de la música y del arte en tiempos como los que estamos viviendo», tal y como comenta Isabel Díaz Adánez en sus notas al programa. Toda una reivindicación musical.

Fotografía (c) Simon Pauly

CNDM 21-22. LIED. JOSEP-RAMON OLIVE. VICTORIA GUERRERO

Desde hace unas temporadas el Teatro de la Zarzuela, en colaboración con el Centro Nacional de Difusión de la Música (CNDM), está dando cabida en su popular Ciclo de Lied a nuevos intérpretes de este género. Aunque jóvenes, algunos ya están consagrados, como puede ser el caso de Sabine Devieilhe o Anna Lucia Richter, de las que hemos disfrutado recientemente en este mismo Ciclo. Otros son verdaderamente debutantes, como es el caso que nos ocupa. Teniendo además en cuenta que el género liederístico no tiene en España una larga tradición, el hecho de que nuestros protagonistas sean nacionales, aporta a este debut un plus de interés.

El programa ha sido tan atractivo como variado y un tanto arriesgado, precisamente por la variedad de estilos. Y quizá haya sido este punto el más delicado. Beethoven para empezar, concretamente An die ferne Geliebte (A la amada lejana), formado por seis obras de gran belleza. Después Schubert, con seis canciones sobre poemas de Rückert. La segunda parte se inició con Fauré, cambio de idioma y de registro, La bonne chanson, sobre nueve poemas de Verlaine. Para terminar, seis obras de Strauss de los opus 27 (dos), opus 10 (una) y opus 19 (tres). 

Josep-Ramón Olivé comenzó sus estudios de violonchelo, piano y canto en La Escolanía de Monserrat. Posteriormente estudió dirección coral y canto clásico en la Escuela Superior de Música de Cataluña y continuó su formación vocal en la Guildhall School de Londres con Rudolf Piernay, participando después en clases magistrales de Graham Johnson, Gerald Finley, Kurt Widmer, Josep Bros, Luigi Alva y Teresa Berganza. Fue nominado como joven artista Oxford Lieder en 2015 y formó parte del aclamado proyecto Le Jardin des Voix de William Christie y Les Arts Florissants en 2017. El lied no es nuevo para él, habiendo abordado ya varios importantes ciclos de Brahms, Mahler, etc.

Aparecen en él cualidades casi fundamentales para este género, como un buen e intencionado fraseo, una técnica sólida, volumen de voz más que apreciable y una muy buena dicción en francés y sobre todo en alemán, algo fundamental para abordar con rigor un lied.

Ser joven, además, tiene la ventaja del camino que por delante se tiene para mejorar. Sobre todo, en la presencia sobre el escenario, una mejor y mayor matización, para dar a cada obra el carácter que precisa. Pero hay material suficiente para anotar estos nombres y esperar asistir a su evolución en próximas temporadas en este mismo ciclo.

Junto a Olivé ha debutado al piano Victoria Guerrero, todo un hallazgo en este recital. Siempre perfectamente atenta a la voz, ha descrito con frescura y precisión el carácter de cada obra. Especialmente Beethoven y Strauss. Ha demostrado una gran delicadeza y generosidad en el acompañamiento.

Nacida en Jerez de la Frontera, ha recibido clases de pianistas de la talla de Joaquín Achúcarro, Nino Kereselidze, Claudio Martínez Mehner, Edward Wolanin, Tibor Szász y Ángel Sanzo, entre otros. Ha actuado en conciertos como solista en distintas ciudades de la geografía Andaluza. Terminó sus estudios de piano con Óscar Martín en el Conservatorio Superior de Sevilla. También ha sido pianista repetidora con el coro del Teatro Villamarta de Jerez de la Frontera. Ha sido galardonada con el premio a la mejor pianista en los prestigiosos concursos Das Lied-International Song Competition en Heidelberg en 2017 y Paula Salomon-Lindberg-Liedwettbewerbs en la Universität der Künste Berlin en 2015.

El recital terminó con dos propinas, la primera una obra en catalán del barcelonés Ricard Lamote de Grignon (1872-1949), interpretada con exquisito gusto por Josep Ramon Olivé. La segunda una nana da Manuel de Falla, dada la inminente paternidad del barítono catalán.

Una muy buena iniciativa de los organizadores del ciclo, la de incorporar jóvenes promesas, que esperamos ver en sucesivas temporadas.

Fotogrsfía © Rafa Martín

Vesprés D’Arnadí

El domingo 6 de marzo a las 18:00 horas, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta el en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música y dentro del ciclo Universo Barroco, la gran épica caballeresca Amadigi di Gaula  que G. F. Haendel hizo ópera en 1715. Para esta cita con el Haendel más mágico, y menos representado, contaremos con el director y clavecinista Dani Espasa, la orquesta barroca Vespres d’Arnadí y un exquisito reparto internacional liderado por dos grandes voces nacionales: el contratenor Xavier Sabata, experimentado en los héroes haendelianos, y la soprano Núria Rial como la dulce princesa Oriana. Les acompañan otros cantantes de renombre como la soprano Anna Devin en el papel de la hechicera Melissa, la mezzosoprano Katarina Bradić (Dardano) o el sopranista Rafael Quirant (Orgando).

Las localidades para este concierto, con un precio general de 15 a 40 euros, están a la venta en las taquillas del Auditorio Nacional de Música, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y en el teléfono 91 193 93 21.

PURA FANTASÍA OPERÍSTICA

El Amadigi fue la quinta ópera que Haendel compuso durante su estancia en Londres, entre 1710 y 1759, y otro de sus intentos por acercar el estilo lírico italiano a los ingleses. Aunque la autoría del libreto aún es motivo de discusión, este mágico dramma per música en tres actos está inspirado en una ópera anterior, el Amadis de Grèce del francés André de Destouches y libreto de Antoine Houdar de La Motte. Pero la inspiración primigenia no es otra que la novela de caballerías española por excelencia, el Amadís de Gaula de Garci Rodríguez de Motalbán, si lo recuerdan, principal culpable de la locura del Quijote. Haendel proponía una ópera tremendamente teatral, fantástica y, lo más importante, emocionante, que aúna en su partitura elementos y vestigios culturales de sus antecesoras.

Un elenco de lujo, bajo la dirección musical de Dani Espasa al frente de su orquesta barroca Vespres d’Arnadí, serán los encargados de revivir una de las grandes épicas caballerescas de la historia de la ópera.

Además, el público interesado podrá asistir a una charla previa al concierto como parte de la iniciativa pedagógica «Contextos Barrocos» del CNDM que tendrá lugar a las 17:00h en el salón de actos del Auditorio. Una sesión de cuarenta y cinco minutos en la que Eduardo Torrico, especialista y redactor jefe de la revista SCHERZO, junto a varios invitados, comentará de forma desenfadada pero muy informada el Amadigi di Gaula de Haendel. Su historia, los personajes, los intérpretes y todo tipo de anécdotas que ayuden a comprender mejor esta perla operística. La entrada al evento se realizará por orden de llegada hasta completar el aforo, presentando previamente la localidad para el concierto posterior a la charla.

Fotografía: MayZircus

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