La Spagna

La Spagna ofrecerá dos conciertos con los Stradivarius del Cuarteto Palatino los días 19 y 20 de octubre en el marco de la programación de Patrimonio Nacional.

La formación de música antigua La Spagna, dirigida por Alejandro Marías, interpretará los próximos días 19 y 20 de octubre, dentro del círculo de Música de Cámara de Patrimonio Nacional en el Palacio Real, Las Siete palabras de Joseph Haydn en la versión de Francisco Asenjo Barbieri. Dos conciertos con los Stradivarius del Cuarteto Palatino que contarán con la participación de Rafael Ruibérriz de Torres, flauta travesera, junto a La Spagna, y con la excepcional colaboración del actor, director teatral y fundador del Teatro de La Abadía, José Luis Gómez. La Spagna contribuye con esta pieza tan significativa de su repertorio en la  temporada que conmemora el 250 aniversario de la llegada de los Stradivarius al Palacio Real de Madrid.

Treinta y un años después del fallecimiento de Joseph Haydn,  Francisco Asenjo Barbieri (cuyo bicentenario se celebrará en 2023), firma una partitura que podría ser uno de los mayores hallazgos de la historia reciente de la flauta española, de un interés indiscutible para la historia de la música universal.

Barbieri toma la versión para cuarteto de Haydn y le añade una quinta parte destinada a la flauta. Esta nueva voz enfatiza unas veces el discurso de la cuerda y otras crea melodías insospechadas, convirtiendo la partitura de Haydn en un sublime acompañamiento para la flauta pero –ahí la genialidad– sin cambiarle una sola nota.

La recuperación de esta partitura por parte de La Spagna –Las siete últimas palabras de Cristo en la Cruz, de Joseph Haydn, en la versión de Francisco Asenjo Barbieri para flauta y cuarteto de cuerda-, se estrenó en tiempos modernos en 2018 en el mismo escenario donde se estrenó la obra original, el Oratorio de la Santa Cueva, de Cádiz.

Tras haberla interpretado en diferentes puntos de España y Europa, está previsto para el mes de noviembre el lanzamiento de un CD con la primera grabación mundial de esta versión realizada por La Spagna junto a Rafael Ruibérriz de Torres y el actor Jose Luis Gómez.

Sobre La Spagna

La Spagna, que toma su nombre de una de las melodías más célebres del Renacimiento, fue fundado por Alejandro Marías en el año 2009 al reunir a algunos de los mejores músicos historicistas de su generación.

De formato muy flexible, posee dos vertientes, como conjunto de cámara y como orquesta barroca, con la que interpreta ópera y oratorio junto a solistas y directores invitados.

Los estilos abordados por La Spagna van desde el Renacimiento hasta el primer Romanticismo —con alguna incursión en la música del siglo XXI—, si bien centra en el Barroco la mayor parte de su actividad. Esta diversidad gira siempre en torno a un mismo principio: ofrecer una interpretación apasionada, fidedigna y sincera que respete la perspectiva histórica y social de cada repertorio.

Ha actuado en varios países de Europa y America en salas como la Sinfónica del Auditorio Nacional de Música, el Palacio Real o el Congreso de los Diputados, así como en los principales festivales de España, como el Festival de Santander, el Festival de Música Antigua de Sevilla o el Festival Internacional de Arte Sacro.

Su primer disco fue un monográfico de música orquestal de Telemann, del que el prestigioso periodista británico Norman Lebrecht dijo: “La Spagna, el grupo madrileño, interpreta estas piezas tan brillantemente como uno podría desear bajo la dirección del virtuoso de la viola da gamba Alejandro Marías.” Este mismo disco recibió la siguiente crítica de la revista Scherzo: “Son españoles y son jóvenes, pero el Telemann de La Spagna está a la misma altura que el de las mejores formaciones alemanas, holandesas, inglesas o italianas.”

Desde entonces, ha publicado la integral de la música para viola da gamba de Jacques Morel y Sopra La Spagna, así como la grabación de una cantata de la compositora Alina Blonska, compuesta en el siglo XXI para instrumentos del XVIII.

Alejandro Marías (Madrid, 1984) es profesor de viola da gamba y violonchelo barroco en el Conservatorio Superior de Música de Sevilla, director artístico del conjunto La Spagna, miembro del Cuarteto Francisco de Goya  y  colaborador  de  grupos  como  Zarabanda,  Forma  Antiqva  o  Accademia  del  Piacere. Ha actuado junto a orquestas como Helsinki Baroque Orchestra, Les Musiciens du Louvre o la Orquesta de RTVE y con directores como Philippe Herreweghe, Marc Minkowski, Ton  Koopman,  Bruno  Weil,  Sigiswald  Kuijken,  Hervé Niquet o Enrico Onofri.

Como solista, es particularmente demandado para ofrecer recitales de música francesa y alemana, así como para interpretar los solos de las Pasiones de J.S. Bach. Ha dado conciertos en una veintena de países y grabado para sellos como Brilliant, Warner o Winter&Winter, al tiempo que desarrolla una labor como investigador, conferenciante y ensayista.

Intérpretes

Rafael Ruibérriz de Torres

LaSpagna

Irene Benito, violín

Marta Mayoral, violín

Rosa San Martín, viola

Alejandro Marias, violonchelo

José Luis Gómez, actor

Programa

  1. Haydn (1732 – 1809) / F.A. Barbieri (1823 – 1894)

Las siete últimas palabras de Cristo en la Cruz (1787 – 1840)

Introduzione – Maestoso ed Adagio

Sonata I («Pater, dimitte illis, quia nesciunt, quid faciunt”) Largo

Sonata II («Hodie mecum eris in paradiso”) – Grave e cantabile

Sonata III («Mulier, ecce filius tuus “) – Grave

Sonata IV («Deus meus, Deus meus, utquid dereliquisti me’) – Largo

Sonata V (»Sitio”) -Adagio

Sonata VI («Consummatum est”) – Lento

Sonata VII («In manus tuas, Domine, commendo spiritum meum “) – Largo

Il terremoto – Presto e con tutta la forza

 

Cuarteto Adelphi

Los próximos viernes 11 y sábado 12 de febrero el Cuarteto Adelphi dará su primer concierto en la Fundación Juan March en el cuarto evento del ciclo Mozart a través de sus cartas. Los dos conciertos, con el mismo programa y precedidos por una presentación de Cibrán Sierra, se detendrán en la admiración mutua que se profesaron Mozart y Haydn. Contarán con la participación de los actores Carlos Hipólito, Ernesto Arias y Pedro Casablanc, previamente grabada, que leerán algunas cartas que iluminan la relación entre ambos compositores.  El Cuarteto Adelphi, que esta temporada afronta su debut en el Wigmore Hall, acaba de cosechar sendos premios en el prestigioso concurso Paolo Borciani en Italia y el Young Classical Artists Trust (YCAT). Sustituye en la programación al inicialmente programado Cuarteto St. Lawrence.

El ciclo Mozart a través de sus cartas, que está teniendo lugar en el auditorio de la Fundación Juan March un viernes y sábado al mes entre octubre y mayo, lo conforman siete conciertos articulados en torno a siete momentos destacados de la biografía del compositor. Se trata del cuarto concierto programado de esta serie. El tercero iba a celebrarse el 14 y 15 de enero pero ha tenido que ser pospuesto al 4 y 5 de marzo por causas ajenas a la organización.

Diálogos con Haydn

Conocemos la vida de Mozart en buena medida gracias a sus cartas, en las que el genio salzburgués revela su personalidad creativa y sensible. El ciclo Mozart a través de sus cartas presenta algunas de las creaciones más relevantes de su catálogo camerístico en combinación con la lectura de las innumerables cartas escritas por el compositor y su familia, que iluminan la cultura y el modo de pensar de la época y la génesis de algunas de sus composiciones.

En el cuarto concierto del ciclo, “Viena, 1785. Diálogos con Haydn” (11 y 12 de febrero), el Cuarteto Adelphi rendirá homenaje al compositor al que Mozart dedicó seis de sus cuartetos: Joseph Haydn. Lo harán con un programa que incluirá dos cuartetos compuestos por el compositor salzburgués, el Cuarteto en Mi bemol mayor KV 387 y el Cuarteto en Re menor KV 421, uno de los seis que el compositor salzburgués dedicó a Haydn, intercalados con el Cuarteto en Si menor Op. 33 nº 1 de Haydn.

Cuando ambos compositores se conocieron, hacia 1783, Haydn era el compositor más admirado de toda Europa. A pesar de su diferencia de edad y de que Mozart era entonces una estrella en ascenso, surgió entre ellos la amistad, y, según algunos testimonios, llegaron a tocar juntos, además de que los dos pertenecieron a la masonería y expresaron su respeto mutuo en repetidas ocasiones. Esa admiración llevó a Mozart a componer una colección de seis cuartetos de cuerda, los Cuartetos “Haydn”, en los que exploró nuevos caminos gracias al profundo estudio del recién publicado Op. 33 de Haydn y de los que el Cuarteto Adelphi tocará el KV 421. Para Mozart, acostumbrado a componer con rapidez, este trabajo supuso un enorme reto y un gran esfuerzo que se prolongó durante tres años. Tal y como contaba en sus cartas Leopold Mozart, tras escucharlos Haydn exclamó: “le aseguro ante Dios, y como hombre honesto, que su hijo es el mejor compositor que he conocido tanto en persona como en nombre: tiene gusto y, sobre todo, el mayor conocimiento de la composición”.

Un cuarteto premiado

Formado en el Mozarteum de Salzburgo con Rainer Schmidt del Cuarteto Hagen, y más tarde con el apoyo y guía del Eberhard Feltz y Valentin Erben, el Cuarteto Adelphi se ha posicionado como uno de los cuartetos emergentes más relevantes del panorama musical. Fundado en 2017, conquistó el primer premio del concurso de la Fundación Irene Steels-Wilsing del Heidelberger Frühling Festival en 2020. En 2021 ha seguido cosechando éxitos con sendos premios en el prestigioso concurso Paolo Borciani en Italia y el Young Classical Artists Trust (YCAT). El Adelphi se ha presentado en algunas de las principales salas europeas: Sommerliche Musiktage Hitzacker, Kammermusik Wiesbaden, Musiktage Mondsee en Austria, el Mozarteum de Salzburgo y Le Théâtre de Namur en Bélgica. En esta temporada afronta su debut en el Wigmore Hall, el regreso al Heidelberger Frühling Quartet Festival y su paso por el Frankfurt Hindemith-Tage y el festival Quatuor “Voix intimes” en Tournai (Bélgica). Este es su concierto de presentación en la Fundación Juan March.

Próximos conciertos

El ciclo continuará con el tercer concierto del ciclo, reprogramado para el 4 y 5 de marzo y titulado “Viena, 1781-83. El triunfo del contrapunto”. En él, Kristian Bezuidenhout mostrará al fortepiano la huella del contrapunto bachiano, que el compositor descubrió cuando empezó a acudir los domingos a escuchar música de Häendel y Bach en casa del barón Van Swieten. Le seguirá “París, 1778. Mozart desolado”, una fecha marcada por las expectativas insatisfechas, el desamparo y la inesperada pérdida de su madre, que el compositor reflejaría en las sonatas para violín y piano que interpretarán Ibragimova y Tiberghien (18 y 19 de marzo). El ciclo continúa con “Viena, 1786-1788. Tríos con piano”, en el que el Wiener Mozart-Trio nos permitirá apreciar el novedoso tratamiento del violonchelo en sus tríos tardíos (1 y 2 de abril). Cerrará el ciclo “Londres, 1764. Junto al Bach inglés” (20 y 21 de mayo), dedicado a la ciudad en la que el pequeño Wolfgang gozó de la protección de Johann Christian Bach, quien ejercería una gran influencia sobre su obra. Al conocer su muerte en 1782, Mozart lamentaría: “¡una gran pérdida para el mundo de la música!”. En estas próximas sesiones presentarán el ciclo la catedrática de Musicología en la Universidad Complutense de Madrid Cristina Bordas; el escritor, crítico literario y autor de los libretos de dos óperas Andrés Ibáñez, la musicóloga y presentadora de Radio Clásica María del Ser y el Catedrático de Historia de España en la Universidad de Delaware Jesús Cruz Valenciano.

Viernes 11 y Sábado 12 de febrero a las 18:30

Con presentación previa de Cribrán Sierra a las 18_00

Mozart a través de sus cartas (IV): Viena, 1785. Diálogos con Haydn

Cuarteto Adelphi:

Maxime Michaluk y Esther Agusti, violín
Marko Milenkovic, viola
Nepomuk Braun, violonchelo

Carlos Hipólito, Ernesto Arias y Pedro Casablanc, lecturas dramatizadas

Programa:

Lectura 1: dedicatoria de los Cuartetos «Haydn» (Viena, 1785)

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)

Cuarteto en Sol mayor KV 387

Lectura 2: carta de Joseph Haydn a Franz Rott ( Praga, 1787)

Joseph Haydn (1732-1809)

Cuarteto en Si menor Op. 33 nº 1

Lectura 3: carta de Leopold a su hija Nannerl (Viena, 1785)

Wolfgang Amadeus Mozart

Cuarteto en Re menor KV 421

Entrada libre. Dos tercios del aforo se reservan online siete días antes –de 9:00 a 12:00– y un tercio se distribuye en taquilla una hora antes del acto. El concierto del sábado se podrá seguir en directo por Canal March y el canal de YouTube de la Fundación. El audio estará disponible durante 30 días en Canal March.

Página web del ciclo Mozart a través de sus cartas
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Programa de mano
Revista de Invierno
Libro de Temporada

Cuarteto Quiroga © Igor Cat

El martes 10 de noviembre a las 19.30 horas, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta a uno de los cuartetos más reconocidos internacionalmente por público y crítica, el aclamado Cuarteto Quiroga, en la segunda cita del ciclo Liceo de Cámara XXI en el Auditorio Nacional de Música de Madrid. En esta ocasión, el famoso cuarteto español, Premio Nacional de Música 2018, interpretará obras compuestas en do mayor por Haydn (op. 33 «El pájaro» y op. 74) y Mozart (op. 19 «De las disonancias»), incluidas en su recién lanzado último disco denominado Und Es Ward Licht. Haydn & Mozart: El alumbramiento de una nueva Era, en Do Mayor. Las últimas entradas, con un precio general de 10 a 20 euros, están ya a la venta en las taquillas del Auditorio Nacional, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y en el teléfono 91 193 93 21. h

En do mayor
Tras el éxito de sus anteriores lanzamientos discográficos, el Cuarteto Quiroga regresa con este doble CD para retratar musicalmente uno de los periodos más fascinantes de la historia de la música: el nacimiento, la expansión y el triunfo del cuarteto de cuerda como género y, con él, el advenimiento de una nueva era en la que una nueva generación de europeos vio en esta música pura e instrumental un arte que emanaba de la razón y el pensamiento pero que hablaba directamente a los sentimientos, por lo que tenía el poder de persuadir y convencer, combinando perfectamente la fuerza sintáctica y estructural del lenguaje con la libre poética semántica de la imaginación. Una nueva música para iluminar un mundo nuevo, una música para instruir y seducir. Una música universal y democratizadora, totalmente moderna e ilustrada.

Para alumbrar este viaje a la Ilustración musical, el repertorio se centra en cuatro obras maestras de Haydn y Mozart, escritas todas ellas en Do Mayor, la tonalidad simbólica de la Luz, la elegida también por el propio Haydn para representar el momento de la creación en su oratorio más famoso, con el grito luminoso de «¡Und Es Ward Licht!» (“¡Y se hizo la luz!”). Esta grabación ilustra y celebra un proceso musical que, hijo de su tiempo, acabó cosntruyendo una forma de escribir y hacer música que iluminaría a generaciones de compositores, intérpretes y melómanos, y cuyas reflexiones éticas y estéticas siguen brillando hoy en día. Un viaje de la oscuridad a la luz, del ingenio al genio, de lo humano a lo sublime. Un viaje a las raíces mismas de la identidad musical y cultural de Europa.

Elogiado por The New York Times por sus «exquisitas y frescas interpretaciones», el Cuarteto Quiroga se ha consolidado como uno de los cuartetos más dinámicos y singulares de su generación, aclamado internacionalmente por crítica y público por su personalidad única, así como por su enfoque audaz y original al abordar el repertorio para cuarteto de cuerda.

Formado en 2003, el Cuarteto toma su nombre del violinista gallego Manuel Quiroga, uno de los más destacados intérpretes de cuerda de nuestra historia musical. Estudiaron con Rainer Schmidt en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid, con Walter Levin en la Musikakademie de Basilea y con Hatto Beyerle en la Academia Europea de Música de Cámara. Otras influencias artísticas importantes son Johannes Meissl, György Kurtág, András Keller, Eberhard Feltz y Ferenc Rados. Fuertemente comprometidos con la enseñanza de la música de cámara, son profesores en el Conservatorio Superior de Música de Zaragoza, la Universität Mozarteum Salzburg, Musikene y el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, e invitados regularmente a dar clases magistrales en universidades y conservatorios de música de toda Europa, Estados Unidos y América Latina.

Ganadores del Premio Nacional de Música 2018, el Premio Ojo Crítico de RNE y galardonados en los principales concursos internacionales para cuarteto (Burdeos, Paolo Borciani, Ginebra, Pekín, Fnapec-París, Palau Barcelona), en 2013 el Cuarteto Quiroga se convirtió en el primer conjunto en residencia en el Palacio Real de Madrid a cargo del cuarteto de Stradivarius decorados de la colección palatina.

El Cuarteto es actualmente conjunto residente en el Museo Cerralbo de Madrid y habitual de las salas más prestigiosas del escenario internacional, como la Pierre Boulez Saal, Konzerthaus y Philharmonie en Berlín, Wigmore Hall Londres, The Frick Collection y Lincoln Center en Nueva York, DaCamera en Los Ángeles, National Gallery of Art de Washington DC, Concertgebouw de Ámsterdam, Les Invalides de París, Martinu Hall de Praga, Nybrokajen de Estocolmo, Auditorio Nacional de Madrid, Stadtcasino de Basilea, Mozarteum de Salzburgo, y en festivales como la Heidelberger Frühling y la Bienal de Cuartetos de Cuerda de Ámsterdam.

Entre sus compañeros de escenario habituales se encuentran músicos de la talla de Martha Argerich, Veronika Hagen (que les acompaña en esta última aventura discográfica), Jörg Widmann, Javier Perianes, Valentin Erben, Richard Lester, David Kadouch, Jonathan Brown, Cappella Amsterdam y los cuartetos de cuerda Doric, Meta4, Ardeo y Galatea. Apasionado defensor del repertorio contemporáneo, el cuarteto colabora regularmente con compositores de nuestros días, y presentando y grabando nuevas creaciones para establecer un diálogo constante entre la tradición y la nueva música. Han estrenado obras de destacados compositores como Peter Eötvös, Cristóbal Halffter, Jose María Sánchez-Verdú, Antón García-Abril, Jesús Villa- Rojo, Marisa Manchado, Narine Khachatryan y Cecilia Díaz, y han interpretado la integral de la obra de György Kurtág para cuarteto y, en próximas temporadas, estrenarán obras de Jonathan Dove, Jörg Widmann y José Luis Turina.

Desde 2012, el Cuarteto Quiroga se ha embarcado en un ambicioso viaje para construir un catálogo discográfico inspirado y único con el sello independiente holandés Cobra Records. En este otoño de 2021 presentan su último disco, Und Es Ward Licht. Haydn & Mozart: El alumbramiento de una nueva Era, en Do Mayor, grabado junto a la prestigiosa violista Veronika Hagen y dedicado al nacimiento y explosión de la música de cámara y el cuarteto de cuerda como géneros hijos de la Ilustración. Su anterior CD, Heritage, ofrece una elocuente antología de la escena musical del cuarteto de cuerda en Madrid en la época de Goya. Publicado en 2019, este «álbum necesario» (Scherzo) está interpretado con cuerdas de tripa e incluye dos grabaciones en primicia mundial de Boccherini y Brunetti. Su primer álbum, que emparejaba a Haydn y Webern con Sollima, ganó el premio CD del año 2012, otorgado por la Unión de Productores Independientes (UFI). Entre sus anteriores grabaciones para Cobra, aclamadas por la crítica, figuran álbumes de música temprana de Schönberg, Webern y Alban Berg; los cuartetos Opus 51 de Brahms; y obras de Bartók, Ginastera y Halffter. En 2016, publicaron una grabación con Javier Perianes para Harmonia Mundi que incluye rarezas para quinteto de piano de Granados y Turina.

Cuarteto Quiroga © Igor Cat

Gautier Capucon

El violonchelista Gautier Capucon celebra este año su cuadragésimo cumpleaños, treinta y cinco de los cuales los ha vivido con su violonchelo. Su nuevo trabajo es un álbum de tres discos titulado Souvenirs que refleja su éxito mundial durante los últimos 20 años, celebrando las muchas colaboraciones y grabaciones significativas realizadas durante ese tiempo. Souvenirs incluye grabaciones nuevas y antiguas, en vivo y de estudio que sirven como recuerdos de la carrera y el arte del violonchelista. Este triple CD contiene nuevas grabaciones: J.S. Suite para violonchelo n.2 de Bach, 3 Strophes de Dutilleux, Sonata para violonchelo de Kodaly, Campo´s Ambre Cello.

La colección recoge las grabaciones de Gautier Capucon más importantes tanto en música de cámara (trío y quinteto de Schubert, Saint-Saëns “Le cygne” de Le carnaval des animaux), ambos en concierto, (Haydn, Dvorak, Schumann, Tchaikovsky). Un álbum esencial conocer a fondo el trabajo de uno de los chelistas más prestigiosos y aclamados del momento.

1CD – NUEVAS GRABACIONES

1-7.  Johann Sebastian Bach: Cello suite n°1 in G Major BWV 1007

  1. I. Prelude
  2. II. Allemande
  3. III. Courante
  4. IV. Sarabande
  5. V. Menuet I
  6. VI. Menuet II
  7. VII. Gigue

8-10. Zoltàn Kodaly: Cello sonata op.8

  1. I. Allegro maestoso ma appassionato
  2. II. Adagio (con grand espressione)
  3. III. Allegro molto vivace

11-13.  Henri Dutilleux: Trois Strophes sur le nom de Sacher

  1. I. Un poco indeciso
  2. II. Andante sostenuto
  3. III. Vivace
  4. Javier Martinez Campos: Ambre Cello
CD2    GRABACIONES EXTRAÍDAS DE SU DISCOGRAFÍA:
15    Saint-Saëns / Transcr. Vidal: Le carnaval des animaux, R. 125: XIII. Le cygne
16    Elgar / Transc. Walter: Salut d’amour, Op. 12
17    Schubert: Schwanengesang, D. 957: IV. Ständchen
18    Saint-Saëns: Cello Concerto No. 1 in A Minor, Op. 33: I. Allegro non troppo
19    Fauré / Transc. Büsser: 3 Mélodies, Op. 7: No. 1, Après un rêve
20    Schumann: Cello Concerto in A Minor, Op. 129: I. Nicht zu schnell (Live)
21    Schubert: Trio for Piano, Violin & Cello No.1 in Bb Major, Op.99 D898: Andante un poco mosso
22    Beethoven: Piano Trio No. 5 in D Major, Op. 70 No. 1, «Ghost»: I. Allegro vivace e con brio
23    Rachmaninov: Rhapsody on a Theme of Paganini, Op. 43: Variation XVIII. Andante cantabile
24    Fauré: Sicilienne, Op. 78
25    Kreisler: Marche miniature viennoise
26    Ravel: Piano Trio in A Minor, M. 67: II. Pantoum. Assez vif
27    Mendelssohn: Piano Trio No. 1 in D Minor, Op. 49: I. Molto Allegro, agitato (Live)
28    Tchaikovsky: Rococo Variations: Variation VII e Coda
29    Massenet: Thaïs, Act 2: Méditation
CD3    GRABACIONES EXTRAÍDAS DE SU DISCOGRAFÍA:
30    Haydn: Cello Concerto No. 1 in C Hob. VIIb:1: III. Allegro molto
31    Schumann: Piano Quartet in E-Flat Major, Op. 47: III. Andante cantabile (Live)
32    Brahms: Piano Quartet No. 1 in G Minor, Op. 25: IV. Rondo all Zingarese. Presto
33    Dvorák: Cello Concerto in B Minor, Op. 104, B. 191: III. Finale (Allegro moderato)
34    Beethoven: Cello Sonata No. 3 in A Major, Op. 69: I. Allegro ma non tanto
35    Franck: Cello Sonata in A Major, FWV 8: II. Allegro
36    Schubert: Arpeggione Sonata in A Minor, D. 821: I. Allegro moderato
37    Shostakovich: Cello Concerto No. 1 in E-Flat Major, Op. 107: I. Allegretto
38    Monnot / Orch. Ducros: Hymne à l’amour
Cecilia Bartoli

El 19 de noviembre, Cecilia Bartoli lanzará un álbum de dramáticas arias de concierto de la época clásica. Estas piezas, notables por su dificultad, fueron compuestas por los grandes compositores de la era clásica para las sopranos más destacadas de la época. El proyecto lleva casi una década en proyecto, y la música se grabó en 2013 con la Orquesta de Cámara de Basilea bajo la batuta de Muhai Tang. La lista de títulos la ultimó Bartoli cuando la pausa en su programa de actuaciones que supuso la pandemia permitió a la cantante volver la vista a sus trabajos inacabados.

«Me gustó poder ocuparme de tantas cosas que había dejado sin terminar, pospuestas u olvidadas. Por fin tuve la oportunidad de rebuscar entre mis archivos de sonido en busca de joyas ocultas. Entre los numerosos amigos reencontrados que salieron a la luz, siento un apego especial por las grabaciones de este álbum».  Cecilia Bartoli

Con más de 12 millones de grabaciones de audio y vídeo vendidas, Cecilia Bartoli es una de los artistas clásicos de más éxito de nuestros tiempos. Bartoli lleva desde 1988 grabando en exclusiva para Decca Classics y ha recibido cinco premios Grammy, más de una docena de premios Echo y Brit, el premio Polar Music, el premio Léonie-Sonning-Music y el premio Herbert von Karajan. Ha actuado en los auditorios, óperas y festivales más prestigiosos del mundo, trabaja como directora artística del Festival de Pentecostés de Salzburgo, y en enero de 2023 se convertirá en directora de la Ópera de Monte Carlo, la primera mujer de la historia en dirigirla.

En Unreleased, Bartoli ejecuta dramáticas arias de concierto compuestas a lo largo de un período de 23 años por cuatro compositores cuya influencia mutua queda patente, y cuyas composiciones reflejan la medida de las sopranos para las que se escribieron.

Ah! Perfido de Beethoven, compuesta para la célebre cantante Josepha Duschek durante la visita del compositor a Praga en 1796, puede presagiar parte de la música escrita para la única heroína operística de Beethoven: Leonore de Fidelio.

Duschek estrenó también Bella mia fiamma, de Mozart, quien también compuso originalmente para ella Ah, lo previdi, y que finalmente cantó Aloysia Weber. Otras piezas de Unreleased son arias de Mozart compuestas originalmente para otros grandes cantantes del siglo XVIII, como el castrato Tommaso Consoli, que fue el primero en interpretar L’amerò, sarò costante de Mozart en la ópera El Rey Pastor. 

Bartoli continúa su labor con obras que raramente se interpretan con Se mai senti. Escrita por el compositor checo Josef Mysliveček, esta aria pertenece a su ópera de 1734 La Clemencia de Tito y fue compuesta para Pietro Benedetti (que también estrenó algunas de las óperas tempranas de Mozart). Mysliveček, que fue molinero en su Praga natal antes de trasladarse a Italia, ya se había convertido en el compositor de óperas de mayor éxito y mejor remunerado de Europa cuando entabló amistad con Mozart.

Bartoli ha cantado anteriormente Scena di Berenice de Haydn en concierto con gran aclamación del público, y su interpretación de 2001 en el Festival Styriarte fue descrita por Gramophone como «uno de los conciertos mejor grabados en DVD». Esta es la primera grabación de estudio de Bartoli de la difícil aria de Haydn, que estrenó Brigida Bant en London en 1791.

El violinista, violista y director israelí de origen ruso Maxim Vengerov toca dos solos de violín en dos de las piezas: L’amerò sarò costante y Ch’io mi scordi di te?

«Me gustaría dar las gracias a mi estimado colega y amigo Maxim Vengerov, que siempre ha sido una gran fuente de inspiración para mí y me ha acompañado en la grabación de estas dos hermosas arias de Mozart».

  Cecilia Bartoli

LISTA DE TÍTULOS

Beethoven: Ah! Perfido, Op. 65

Mozart: Ch’io mi scordi di te? K.505

Mysliveček: Se mai senti de La Clemencia de Tito

Mozart: Ah, lo previdi!…Ah, t’invola…Deh, non vicar K.272

Mozart: Bella mia fiamma, addio… Resta, oh cara, K528

Mozart: L’amero, sarò costante de El Rey Pastor. K.208 (solo de violín: Vengerov)

Haydn: Scena di Berenice, Hob. XXIVa:10

Víkingur Ólafsson / Mozart & Contemporaries

Después de los éxitos globales de Philip Glass · Piano Works, Johann Sebastian Bach, Debussy · Rameau and Debussy · Rameau Reflections (más de 225 millones de streams hasta la fecha y más de 320.000 álbumes vendidos), el multipremiado pianista Víkingur Ólafsson centra ahora su atención en la música de MOZART. Ólafsson presenta algunas de sus obras para teclado predilectas de Mozart en compañía de piezas de una selección de destacados contemporáneos. Mediante la yuxtaposición de obras de Mozart, Haydn, C. P. E. Bach y los raramente grabados Galuppi y Cimarosa, Mozart & Contemporaries disipa la imagen de Mozart como el angelical y prodigioso idiot savant, presentando, en cambio, a un compositor maduro por medio de música compuesta mayoritariamente durante la década de 1780: un adulto sobrado de recursos, que trabaja duro y que ya había conocido la adversidad. Todo es ensamblado ingeniosamente por la personalísima programación de Ólafsson, que es siempre una invitación a la reflexión.

Ólafsson comenta: “Esta década de la vida y el arte de Mozart me parece infinitamente fascinante. Mozart no era únicamente un compositor y tengo la sensación de que, cuando escribía para sí mismo como un virtuoso del piano, se permitía más que nunca ese sublime carácter juguetón que se encuentra en el centro mismo de su originalidad y su inventiva. Esta es la época en que Mozart estaba no sólo perfeccionando la tradición clásica, sino subvirtiéndola de un modo sutil. Las sombras son más oscuras; los matices y las ambigüedades, más profundos”.

“Víkingur Ólafsson está revitalizando la música clásica” The Economist

Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788); Joseph Haydn (1732-1809); Baldassare Galuppi (1706-1785) y Domenico Cimarosa (1749-1801): “Quizá los cuatro brindan una oportunidad para calibrar el oído contemporáneo hacia las ideas, los estilos y los gustos dominantes de la época”, comenta Ólafsson. “Confío en que este contexto en concreto, una mezcla de lo célebre y lo recóndito, puede modificar ligeramente nuestro ajuste psicológico, dejando de lado parte del bagaje que todos incorporamos de manera instintiva a la música de Mozart. Esto es, en cualquier caso, lo que me dispuse a hacer para mí mismo: abordar incluso las obras más conocidas de Mozart con la misma libertad y entusiasmo infantil que sentí al descubrir las obras infrecuentes y asombrosamente líricas de compositores como Galuppi y Cimarosa”.

Mozart: un ave que vuela por libre

Mozart & Contemporáneos nos ofrece una fascinante instantánea de una década en la que se produjo un hervidero de cambios, los compositores no cesaban de experimentar y Mozart estaba escribiendo piezas tan visionarias como la Sonata en Do menor K. 457. El álbum –el cuarto del pianista para Deutsche Grammophon– incluye también transcripciones del propio Ólafsson: arreglos evocadores de dos sonatas de Cimarosa, además de una magistral transcripción para piano solo del gran Adagio en Mi bemol mayor del Quinteto de cuerda K. 516 de Mozart. Para cerrar el disco, el Adagio en Si menor K. 540 de Mozart desemboca, tras una suave transición, en la transcripción que realizó Franz Liszt del motete Ave verum corpus, compuesto por Mozart en su último año de vida. El ascenso de las líneas vocales hasta los registros más agudos del piano es visto por Ólafsson como la representación de una sensación postrera de muerte y transfiguración.

“Cuando toco Mozart, siento que estoy conociéndome como músico. Logro conocer aspectos que antes desconocía. Él parece reflejar en la música tu ser más íntimo.” Víkingur Ólafsson

Víkingur Ólafsson provocó un impacto inolvidable con la publicación de sus tres primeros álbumes, Philip Glass · Piano Works  (2017), Johann Sebastian Bach (2018) y Debussy · Rameau (2020) en Deutsche Grammophon, sello del que es un artista discográfico en exclusiva. El proyecto Debussy · Rameau, que hizo que el Daily Telegraph lo definiera como “la nueva superestrella del piano clásico”, ha alcanzado casi la cifra de cien mil discos vendidos y ha superado los 75 millones de streams, lo que ha hecho que el número total de streams de la música de Ólafsson ascienda a más de 225 millones.

Entre los múltiples premios de Ólafsson figuran el Opus Klassik a la mejor Grabación Instrumental a solo (piano) durante dos años consecutivos (2019, 2020), Álbum del Año en los Premios de la BBC Music Magazine en 2019 y Artista del Año de la revista Gramophone en 2019. The New York Times lo calificó, por su parte, del “Glenn Gould de Islandia”.

Tan solo en 2020 realizó una serie de ocho transmisiones en la radio islandesa; presentó su propia serie de televisión en horario de máxima audiencia en Islandia, llamada Bocados musicales; y creó su propia serie en tres partes para la BBC Radio 3, Transcribir, Transformar. Durante el confinamiento, Ólafsson fue también el artista residente durante tres meses en el programa artístico enseña de la BBC Radio 4, Front Row (Primera fila), con transmisiones de recitales semanales en vivo desde una desierta sala de conciertos Harpa en Reikiavik, que fueron escuchados por millones de oyentes en todo el mundo.

Víkingur Ólafsson va a hacer su debut en los Proms de la BBC el 14 de agosto y tocará Mozart & Contemporáneos en la Serie Internacional de Piano del Southbank Centre de Londres el 2 de octubre de 2021.

Ólafsson

Después de los éxitos de Philip Glass · Piano Works, Johann Sebastian Bach, Debussy · Rameau and Debussy · Rameau Reflections (más de 225 millones de streams hasta la fecha y más de 320.000 álbumes vendidos), el multipremiado pianista Víkingur Ólafsson centra ahora su atención en la música de MOZART. Ólafsson presenta algunas de las obras para piano predilectas de Mozart además de una selección de piezas de destacados compositores contemporáneos. Mediante la yuxtaposición de obras de Mozart, Haydn, C. P. E. Bach y los raramente grabados Galuppi y Cimarosa, Mozart & Contemporaries disipa la imagen de Mozart como el angelical y prodigioso idiot savant, presentando, en cambio, a un compositor maduro por medio de música compuesta mayoritariamente durante la década de 1780: un adulto sobrado de recursos, que trabaja duro y que ya había conocido la adversidad. Todo es ensamblado ingeniosamente por la personalísima programación de Ólafsson, que es siempre una invitación a la reflexión.

Ólafsson comenta: “Esta década de la vida y el arte de Mozart me parece infinitamente fascinante. Mozart no era únicamente un compositor y tengo la sensación de que, cuando escribía para sí mismo como un virtuoso del piano, se permitía más que nunca ese sublime carácter juguetón que se encuentra en el centro mismo de su originalidad y su inventiva. Esta es la época en que Mozart estaba no sólo perfeccionando la tradición clásica, sino subvirtiéndola de un modo sutil. Las sombras son más oscuras; los matices y las ambigüedades, más profundos”.

“Víkingur Ólafsson está revitalizando la música clásica” The Economist

Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788); Joseph Haydn (1732-1809); Baldassare Galuppi (1706-1785) y Domenico Cimarosa (1749-1801): “Quizá los cuatro brindan una oportunidad para calibrar el oído contemporáneo hacia las ideas, los estilos y los gustos dominantes de la época”, comenta Ólafsson. “Confío en que este contexto en concreto, una mezcla de lo célebre y lo recóndito, puede modificar ligeramente nuestro ajuste psicológico, dejando de lado parte del bagaje que todos incorporamos de manera instintiva a la música de Mozart. Esto es, en cualquier caso, lo que me dispuse a hacer para mí mismo: abordar incluso las obras más conocidas de Mozart con la misma libertad y entusiasmo infantil que sentí al descubrir las obras infrecuentes y asombrosamente líricas de compositores como Galuppi y Cimarosa”.

Mozart: un ave que vuela por libre

Mozart & Contemporáneos nos ofrece una fascinante instantánea de una década en la que se produjo un hervidero de cambios, los compositores no cesaban de experimentar y Mozart estaba escribiendo piezas tan visionarias como la Sonata en Do menor K. 457. El álbum –el cuarto del pianista para Deutsche Grammophon– incluye también transcripciones del propio Ólafsson: arreglos evocadores de dos sonatas de Cimarosa, además de una magistral transcripción para piano solo del gran Adagio en Mi bemol mayor del Quinteto de cuerda K. 516 de Mozart. Para cerrar el disco, el Adagio en Si menor K. 540 de Mozart desemboca, tras una suave transición, en la transcripción que realizó Franz Liszt del motete Ave verum corpus, compuesto por Mozart en su último año de vida. El ascenso de las líneas vocales hasta los registros más agudos del piano es visto por Ólafsson como la representación de una sensación postrera de muerte y transfiguración.

“Cuando toco Mozart, siento que estoy conociéndome como músico.
Logro conocer aspectos que antes desconocía. Él parece reflejar en la música

tu ser más íntimo.”

Víkingur Ólafsson

Víkingur Ólafsson provocó un impacto inolvidable con la publicación de sus tres primeros álbumes, Philip Glass · Piano Works  (2017), Johann Sebastian Bach (2018) y Debussy · Rameau (2020) en Deutsche Grammophon, sello del que es un artista discográfico en exclusiva. El proyecto Debussy · Rameau, que hizo que el Daily Telegraph lo definiera como “la nueva superestrella del piano clásico”, ha alcanzado casi la cifra de cien mil discos vendidos y ha superado los 75 millones de streams, lo que ha hecho que el número total de streams de la música de Ólafsson ascienda a más de 227,5 millones.

Entre los múltiples premios de Ólafsson figuran el Opus Klassik a la mejor Grabación Instrumental a solo (piano) durante dos años consecutivos (2019, 2020), Álbum del Año en los Premios de la BBC Music Magazine en 2019 y Artista del Año de la revista Gramophone en 2019. The New York Times lo calificó, por su parte, del “Glenn Gould de Islandia”.

Tan solo en 2020 realizó una serie de ocho transmisiones en la radio islandesa; presentó su propia serie de televisión en horario de máxima audiencia en Islandia, llamada Bocados musicales; y creó su propia serie en tres partes para la BBC Radio 3, Transcribir, Transformar. Durante el confinamiento, Ólafsson fue también el artista residente durante tres meses en el programa artístico enseña de la BBC Radio 4, Front Row (Primera fila), con transmisiones de recitales semanales en vivo desde una desierta sala de conciertos Harpa en Reikiavik, que fueron escuchados por millones de oyentes en todo el mundo.

Víkingur Ólafsson va a hacer su debut en los Proms de la BBC el 14 de agosto y tocará Mozart & Contemporáneos en la Serie Internacional de Piano del Southbank Centre de Londres el 2 de octubre de 2021.

LA SPAGNA

La formación de música antigua La Spagna, dirigida por Alejandro Marías, junto con Rafael Ruibérriz de Torres, flauta travesera, y el actor José Luis Gómez han estrenado un video sobre Las Siete Palabras de Haydn-Barbieri. La formación profundiza así en su relación con esta obra tan significativa de su repertorio, que La Spagna estrenó en tiempos modernos en 2018 en el mismo escenario donde se estrenó la obra original, el Oratorio de la Santa Cueva, de Cádiz.

Siendo una de las obras clave para La Spagna en los últimos años, Alejandro Marías ha querido ir más allá de su interpretación en concierto con la edición de esta pieza audiovisual en la que el actor José Luis Gómez pone la voz, y el fotógrafo Jaime Massieu las imágenes de las piezas sacras. En el video la música de Haydn – Barbieri  interpretada por La Spagna se acompaña de imágenes de la pasión de Cristo tomadas de los pasos pertenecientes a la Cofradía de las Siete Palabras y la Cofradía del Dulce Nombre de Jesús Nazareno, de León. El escenario es una nave industrial en cuyas paredes se van proyectando las imágenes de los pasos como fondo a cada una de las siete palabras recitadas por Gómez.

Al presentar el video, realizado para el Programa Ventana de la AECID, Alejandro Marías explica las claves de su grabación: “en una obra como Las Siete Palabras es necesaria la alusión a las escenas que describe la música, y para ello la imaginería de Semana Santa es idónea; pero no queríamos una estética barroca, ajena tanto a Haydn como a Barbieri. Por eso hablamos con Jaime Massieu, con quien llevamos trabajando desde 2014, y decidimos hacer algo sin precedentes. Viajamos a León, donde grabamos siete pasos de las cofradías de Las Siete Palabras y del Dulce Nombre de Jesús Nazareno, para luego proyectar estas imágenes en la pared de ladrillo de una antigua nave industrial mientras tocábamos una selección de cada movimiento. Al final, para el Terremoto, le pedimos que se le ocurriera alguna locura… Nos hizo caso”.

Precisamente el actor que presta su  voz al video, José Luis Gómez, acompañará a La Spagna en su concierto del 20 de marzo en el Auditorio Joaquín Rodrigo de Las Rozas. El día anterior, el 19 de marzo, tocarán en el Teatro Villamarta de Jerez, junto al poeta José Mateos.

La Spagna, fundada por Alejandro Marías en 2009, es uno de los grupos de música antigua que más han despuntado en los últimos años. Con disposiciones muy diferentes, desde un reducido grupo de cámara hasta producciones orquestales y operísticas con directores invitados, el conjunto toca instrumentos originales o copias adaptadas a cada época y estilo, así como con unos criterios interpretativos de carácter histórico que acercan a la música tal y como fue concebida por sus autores. La Spagna, premio GEMA al mejor grupo joven de música antigua, ha publicado A Tribute to Telemann (Lukos Records ), un monográfico de música orquestal que ha recibido elogios unánimes de la crítica internacional, así como la obra para viola da gamba Jacques Morel (Brilliant Classics).

Alejandro Marías (Madrid, 1984) es profesor de viola da gamba y violonchelo barroco del Conservatorio Superior de Sevilla, director artístico de La Spagna, violonchelista del Cuarteto Goya y colaborador habitual de grupos como Zarabanda o Forma Antiqva. Ha dado conciertos en una veintena de países y grabado para sellos como Brilliant, Warner o Winter&Winter, al tiempo que desarrolla una labor como investigador, conferenciante y ensayista.

Próximos conciertos de Las Siete Palabras, de Haydn-Barbieri de  La Spagna

Teatro Villamarta de Jerez,  19 de marzo, 20:00 hs.

Auditorio Joaquín Rodrigo de Las Rozas, 20 de marzo, 20:00 hs.

LA SPAGNA

Haydn-Barbieri

Las Siete Palabras

Introduzione – Maestoso ed Adagio

Sonata I («Pater, dimitte illis, quia nesciunt, quid faciunt») – Largo

Sonata II («Hodie mecum eris in paradiso») – Grave e cantabile

Sonata III («Mulier, ecce filius tuus») – Grave

Sonata IV («Deus meus, Deus meus, utquid dereliquisti me») – Largo

Sonata V («Sitio») – Adagio

Sonata VI («Consummatum est») – Lento

Sonata VII («In manus tuas, Domine, commendo spiritum meum») – Largo

Il terremoto – Presto e con tutta la forza

Intérpretes

Rafael Ruibérriz de Torres | flauta

Irene Benito | violín

Marta Mayoral | violín

Rosa San Martín | viola

Alejandro Marías | violonchelo

LA SPAGNA

La formación de música antigua La Spagna, dirigida por Alejandro Marías, junto con Rafael Ruibérriz de Torres, flauta travesera, interpretarán por primera vez en Madrid Las Siete Palabras de Haydn-Barbieri en noviembre. Se trata de la versión casi inédita de Francisco Asenjo Barbieri de Las Siete Palabras, de Haydn que La Spagna interpretó por primera vez en el siglo XXI en diciembre de 2018 precisamente en el mismo escenario donde se estrenó la obra original, el Oratorio de la Santa Cueva, de Cádiz.

El concierto en el que por primera vez se escuchará esta partitura en Madrid tendrá lugar en la Basílica de San Miguel el 11 de noviembre a las 19 hs. como parte de FlAS 2020 edición otoño. La Spagna, fundada por Alejandro Marías en 2009, es uno de los grupos de música antigua que más han despuntado en los últimos años. Con disposiciones muy diferentes, desde un reducido grupo de cámara hasta producciones orquestales y operísticas con directores invitados, el conjunto toca instrumentos originales o copias adaptadas a cada época y estilo, así como con unos criterios interpretativos de carácter histórico que acercan a la música tal y como fue concebida por sus autores. La Spagna, premio GEMA al mejor grupo joven de música antigua, ha publicado A Tribute to Telemann (Lukos Records ), un monográfico de música orquestal que ha recibido elogios unánimes de la crítica internacional, así como la obra para viola da gamba Jacques Morel (Brilliant Classics).

Alejandro Marías (Madrid, 1984) es profesor de viola da gamba y violonchelo barroco del Conservatorio Superior de Sevilla, director artístico de La Spagna, violonchelista del Cuarteto Goya y colaborador habitual de grupos como Zarabanda o Forma Antiqva. Ha dado conciertos en una veintena de países y grabado para sellos como Brilliant, Warner o Winter&Winter, al tiempo que desarrolla una labor como investigador, conferenciante y ensayista.

LA SPAGNA
Haydn-Barbieri
Las Siete Palabras
Introduzione – Maestoso ed Adagio

Sonata I ("Pater, dimitte illis, quia nesciunt, quid faciunt") – Largo
Sonata II ("Hodie mecum eris in paradiso") – Grave e cantabile
Sonata III ("Mulier, ecce filius tuus") – Grave

Sonata IV ("Deus meus, Deus meus, utquid dereliquisti me") – Largo

Sonata V ("Sitio") – Adagio
Sonata VI ("Consummatum est") – Lento

Sonata VII ("In manus tuas, Domine, commendo spiritum meum") – Largo

Il terremoto – Presto e con tutta la forza
Basísica de San Miguel (Madrid)
11 de noviembre, 2020. 19 hs.
Intérpretes

Rafael Ruibérriz de Torres | flauta
Irene Benito | violín
Marta Mayoral | violín
Rosa San Martín | viola
Alejandro Marías | violonchelo

La formación de música antigua La Spagna, dirigida por Alejandro Marías, interpretará el próximo 26 de marzo, dentro de la temporada musical de Patrimonio Nacional, Las Siete palabras de Joseph Haydn en la versión de un jovencísimo Francisco Asenjo Barbieri. Un concierto que contará con la participación de Rafael Ruibérriz de Torres, flauta travesera, junto a La Spagna, y con la excepcional colaboración del actor, director teatral y fundador del Teatro de la Abadía, Jose Luis Gómez.

Barbieri toma la versión para cuarteto de Haydn y le añade una quinta parte destinada a la flauta. Esta nueva voz enfatiza unas veces el discurso de la cuerda y crea, otras, melodías insospechadas, convirtiendo la partitura de Haydn en un sublime acompañamiento para la flauta pero –ahí la genialidad– sin cambiarle una sola nota.

Este concierto, enmarcado en el I Ciclo de Música en Vísperas de la Semana Santa, es una de las propuestas más novedosas de la temporada 2020 de Patrimonico Nacional y una de las dos programadas por la institución que incluyen participación de actores para alternar la música con la palabra. En las últimas décadas la programación musical de Patrimonio Nacional se ha consolidado como uno de los elementos más sobresalientes del conjunto de las actividades culturales de la institución, acorde con el extraordinario legado musical que conserva. La Temporada Musical del Patrimonio Nacional está formada este año por setenta y dos conciertos distribuidos en diecisiete ciclos integrados por una media de cuatro conciertos cada uno, más un capítulo de conciertos especiales

La Spagna llevará este concierto un día después de la presentación en el Palacio Real, al Teatro Villamarta en Jerez de La Frontera. En esta ocasión, será el poeta José Mateos quien declamará la parte hablada de la obra junto al conjunto barroco.

La versión junto al actor Jose Luis Gómez ha sido grabada por el conjunto La Spagna y su lanzamiento está previsto en los próximos meses.

La Spagna toma su nombre de una de las melodías más célebres del Renacimiento, fue fundado por Alejandro Marías en el año 2009 al reunir a algunos de los mejores músicos historicistas de su generación. De formato muy flexible, posee una vertiente camerística y otra orquestal, con la que interpreta ópera y oratorio junto a solistas y directores invitados.

Los estilos abordados por La Spagna van desde el Renacimiento hasta el primer Romanticismo — con alguna      incursión en la música del siglo XXI—, si bien centra en el Barroco la mayor parte de su actividad. Esta diversidad   gira siempre en torno a un mismo principio: ofrecer una interpretación apasionada, fidedigna y sincera que  respete la perspectiva histórica y social de cada repertorio.

Desde la publicación de su disco A Tribute to Telemann, La Spagna ha grabado la obra para viola da gamba Jacques Morel (Brilliant Classics) y Las Siete Palabras de Haydn-Barbieri. En los últimos tiempos, ha actuado en lugares como la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música, el Palacio Real o el Congreso de los Diputados, así como en el Festival de Música Antigua de Sevilla, el Festival Internacional de Arte Sacro o el Festival de Música Española de Cádiz. Entre sus próximos proyectos se encuentran una gira europea presentando su último trabajo discográfico y la colaboración con compositores actuales con el objetivo de crear nuevos repertorios para instrumentos antiguos

Alejandro Marías (Madrid, 1984) es profesor de viola da gamba del Conservatorio Superior de Sevilla, director artístico de La Spagna, violonchelista del Cuarteto Goya y colaborador habitual de grupos como Zarabanda o Forma Antiqva. Ha dado conciertos en una veintena de países y grabado para sellos como Brilliant, Warner o Winter&Winter, al tiempo que desarrolla una labor como investigador, conferenciante y ensayista.

LA SPAGNA

Haydn-Barbieri

Las Siete Palabras

Palacio Real  de Madrid. Real Capilla

26 de marzo  2020. 19:30hs.

Entrada libre hasta completar aforo

Haydn-Barbieri

Las Siete Palabras

Teatro Villamarta (Jerez de la Frontera)

27 de marzo 2020. 20:00hs.

Gómez Godoy, Ferrández y Floristán

Cristina Gómez Godoy, Pablo Ferrández y Juan Pérez Floristán interpretarán obras de Franz Joseph Haydn, Robert Schumann y Robert Kahn junto al estreno absoluto de un encargo del CNDM al compositor Jesús Torres.

Las entradas, con un precio de 10€ a 20€, están disponibles en las taquillas del Auditorio Nacional, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y 902 22 49 49

El jueves 8 de marzo a las 19.30 horas, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) llega a la sexta cita de su ciclo Liceo de Cámara XXI, centrado en la música de cámara, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música de Madrid. Protagonizado por los tres jóvenes intérpretes españoles con mayor proyección internacional del momento: Cristina Gómez Godoy, oboe solista de la Staatskapelle de Berlín; Pablo Ferrández, Premio Joven Artista del Año 2016 de los ICMA, y Juan Pérez Floristán, ganador del «Concurso Paloma O’Shea» y del «Steinway» en Berlín, este concierto estrenará el Trío para oboe, violonchelo y piano encargado al compositor Jesús Torres por el CNDM, Compositor Residente de la institución musical en la presente temporada. El programa lo completarán obras de Franz Joseph Haydn, Robert Schumann y Robert Kahn.

“La oboísta Cristina Gómez Godoy combina brillantez técnica con expresividad musical, virtuosismo con delicadeza artística y posee un “prodigioso instinto natural” (Süddeutsche Zeitung)

“Con un tono cálido y un lirismo impulsivo, a la vez que refinado, Ferrández es un intérprete ideal para el concierto de Schumann, con su melancólica elegancia y sus ráfagas de amargura mercúrica” (The Guardian)

«Juan Pérez Floristán no sólo tiene habilidades técnicas sorprendentes sino que además su interpretación dramática es un arco que abarca todo» (Bachtrack)

Il mondo della luna

El Palau de les Arts Reina Sofía alberga los primeros ensayos de la ópera ‘Il mondo della luna’, de Haydn, bajo la supervisión de Emilio Sagi, director de escena de este montaje operístico que interpretan los artistas del Centre Plácido Domingo.

El Teatre Martín i Soler estrenará el 8 de marzo esta hilarante ópera bufa sobre los engaños a un inocente burgués apasionado por la astronomía. La obra se representa con el montaje del Teatro Arriaga de Bilbao en coproducción con la Ópera de Montecarlo, que ganó en 2013 el Premio Campoamor a la mejor nueva producción.

Daniel Bianco (escenografía), Pepa Ojanguren (vestuario), Albert Faura (iluminación) y Nuria Castejón (coreografía) conforman el equipo creativo de ‘Il mondo della luna’.

Se trata, además, de la segunda ocasión en que Sagi trabaja con los jóvenes cantantes del Centre Plácido Domingo. En el año 2012, el ‘regista’ ovetense presentó en València la primera zarzuela de este proyecto: ‘El dúo de La Africana’, de Fernández Caballero, que se convirtió en el primer espectáculo en agotar el aforo del Teatre Martín i Soler.

La dirección musical recae en Jonathan Brandani, maestro italo-norteamericano que desarrolla una emergente carrera en Europa y Estados Unidos, además de destacar por sus incursiones en música antigua con su formación en L’Eloquenza.

Brandani y Emilio Sagi trabajan desde esta semana con los cantantes del Centre Plácido Domingo que integran el reparto: Vicent Romero (Ecclitico), Olga Syniakova (Ernesto), César Méndez y Jorge Álvarez (Buonafede), Annya Pinto (Clarice), Giorgia Rotolo (Flaminia), Andrés Sulbarán (Cecco) y la antigua alumna del Centre Nozomi Kato (Lisetta).

El reparto se completa con la sección de tenores y bajos del Cor de la Generalitat Valenciana.

Basado en una obra de Carlo Goldoni, comediógrafo italiano que tanto escribió sobre los cambios sociales de finales del siglo XVIII, el libreto cuenta un divertido complot para lograr que el acaudalado protagonista (Buonafede) consienta los matrimonios de sus hijas (Clarice y Flaminia).

Ante las pretensiones del progenitor, que quiere desposar a las jóvenes con ricos aristócratas, los interesados pretendientes (Ecclitico y Ernesto) se aprovechan de su interés por los astros para urdir el engaño y hacerle creer que viajará a la Luna.

Según explicó el propio Emilio Sagi en la presentación del montaje, la obra “trata de escarnecer a un personaje a la antigua y muy machista, que tiene una idea de la mujer completamente anticuada y, obviamente, sale escaldado”.

Para esta producción, el director de escena de Oviedo retoca el argumento original y traslada el enredo al siglo XX, en un ambiente de cabaré y fantasía, enmarcado en la escenografía diseñada por Daniel Bianco.

Las entradas para ‘Il mondo della luna’ tienen un precio único de 35 euros. Además del estreno el día 8 de marzo, el Teatre Martín i Soler acogerá más funciones los días 10 y 14 de marzo. El aforo de la representación del día 12 está reservado al público del Programa didáctico, dentro del Plan de acción social de Les Arts.

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