Joyce DiDonato Archives - Brío Clásica

Tras su paso por Chile en el papel de Norina en la versión en concierto de ‘Don Pasquale’, la soprano navarroaragonesa Sabina Puértolas formará parte del homenaje a la gran soprano Victoria de Los Ángeles con motivo del centenario de su nacimiento (siendo la única española de entre las cantantes). Bajo una propuesta escénica firmada por Vicent Hugues y con la dirección de Lucas Macias, la gala contará con vestuario de la propia cantante para una noche mágica en honor a la gran diva.

Sabina Puértolas cantará un repertorio de lujo con el ‘Damunt de tu només les flors’ de Federic Mompou en la primera parte junto al pianista británico Julius Drake y siguiendo con ‘Je marche sur tous les chemins… Obéissons quand leur voix appelle’ parte de la ópera Manon de Jules Massenet, un repertorio que la cantante conoce muy bien, y que interpretará acompañada por la orquesta
sinfónica del Gran Teatro del Liceo. “Es un homenaje”, explica. “Victoria de los Ángeles forma parte de mi carrera como cantante, ya que pude conocerla con 16 años, como la más joven alumna en un curso que impartió en Santander”.

Próxima cita de Puértolas, Manon en Tenerife Precisamente la próxima parada en la temporada musical de Sabina Puértolas será en el Auditorio de Tenerife. Tras su exitoso paso por Santiago de Chile y Oviedo, la nueva producción de Manon que protagoniza visitará la isla los días 21, 23 y 25 de noviembre, completando así la gira de las tres instituciones que han participado en su producción.

En esta nueva versión de la ópera de Massenet, Puértolas está acompañada en el reparto del Arturo Chacón-Cruz y Luis Cansino, entre otros, bajo la dirección escénica de Emilio Sagi, la escenografía de Daniel Bianco y la batuta de Christopher Franklin, al
frente de la Orquesta Sinfónica de Tenerife. Completa la producción el Coro Titular Ópera de Tenerife-Intermezzo.

Sabina Puértolas
Sabina Puértolas es una de las sopranos españolas más internacionales, reconocida por su talento y entrega para unir a la perfección técnica e intensidad interpretativa y ponerlas al servicio de los grandes papeles del bel canto, la ópera barroca y el repertorio de zarzuela.

Ha actuado en teatros como la Royal Opera House de Londres, el Carnegie Hall de Nueva York, el Real de Madrid, el Liceo de Barcelona, el Teatro Municipal de Santiago de Chile o la Ópera de Seattle. Ha interpretado roles como Manon, Gilda (Rigoletto), Marie (La fille du régiment), Adina (L’elisir d’amore), Partenope y Rodelinda, Poppea (L’incoronazione di Poppea), Amina (La sonnambula) o Susanna (Le nozze di Figaro), entre otros.

Desde su debut en 2001 en el Teatro alla Scala de Milán, bajo la dirección del maestro Riccardo Muti, ha desarrollado una intensa carrera, dirigida por maestros como Christophe Rousset, David Curtis, Alain Guingal, Gianluca Capuano, Jesús López-Cobos, Paolo Arrivabeni, Antonino Fogliani o Ivor Bolton, entre muchos otros. París, Viena, Roma, Washington, Verona, Bruselas o Amsterdam han sido otros de los destinos en los que ha demostrado su dominio de las tablas, en roles como Morgana (Alcina), Angelica (Orlando), Princesa Eudoxie (La Juive) o Despina (Così fan tutte).

Fotografía: Nano Cañas

GALA CENTENARIO VICTORIA DE LOS ÁNGELES
7 de noviembre en el Gran del Teatro del Liceo de Barcelona.

Participantes:
Maria Agresta
Louise Alder
Dame Sarah Connolly
Joyce DiDonato
Juliana Grigoryan
Sabina Puértolas
Helena Ressureiçao
Fatma Said
Anne Schwanewilms
Iréne Theorin
Marina Viotti

Piano: Julius Drake

Dirección de escena y concepto: Vincent Huguet

Desde la reforma carcelaria, la difícil situación de los refugiados, la necesidad de educación musical para todos, hasta In War and Peace, que define la industria, la superestrella de la ópera Joyce DiDonato ha sido durante mucho tiempo una artista que se ha dedicado a crear e iniciar proyectos que desafían y conmueven al público, traspasando los límites de la sala de conciertos.

EDEN es la última iniciativa multifacética de DiDonato, a la que dedicará gran parte de su tiempo durante los próximos cuatro años, uniendo música, teatro y educación para enfrentar preguntas sobre nuestra conexión individual con la naturaleza. Compuesto por una gira por más de 45 fechas en los cinco continentes entre 2022-24, un álbum para Erato, un programa educativo innovador y múltiples acciones asociadas, el impacto y el legado de EDEN, se espera que tenga un gran alcance en el tiempo y el espacio.

La pasión y fuerza impulsora detrás de EDEN para Didonato, es que se necesita un regreso colectivo a lo mejor de nosotros mismos para, no solo abordar nuestra actual crisis climática, sino también la crisis del corazón. Al examinar nuestra relación con el mundo natural y nuestro lugar único dentro de él, EDEN invita al oyente a explorar y buscar respuestas sobre pertenencia, propósito y sanación.

“Cada día que pasa”, escribe DiDonato, “confío cada vez más en el equilibrio perfecto, el misterio asombroso y la fuerza que rige el mundo natural que nos rodea, cuánto tiene que enseñarnos la Madre Naturaleza. EDEN es una invitación a volver a nuestras raíces y a explorar si nos estamos conectando tan profundamente como podamos con la esencia pura de nuestro ser, para crear un nuevo EDEN desde dentro y plantar semillas de esperanza para el futuro”.

Junto a sus socios orquestales, con los que mantiene una larga y próspera relación, Il Pomo d’Oro y el director Maxim Emelyanychev, colaborarán con Didonato la directora de escena Marie Lambert y la compositora, ganadora de un Oscar, Rachel Portman, combinando música de diferentes géneros con un escenario diseñado para conectar a la audiencia con el mismo corazón del mundo natural que nos rodea.

DiDonato describe cómo, en tiempos difíciles, el contacto con la naturalez junto a su vida musical la hace sentirse conectada, en sus propias palabras: “sentir que soy una parte integral de algo más grande. Una semilla se despierta dentro de mí. Aquí es precisamente cuando busco el consuelo y la conexión de la música: cada día que pasa confío cada vez más en el equilibrio perfecto, el misterio asombroso y la fuerza rectora del mundo musical. Tanto la naturaleza, como la música nos muestran el camino, un camino dictado por la armonía y el equilibrio. ¿Responderemos a la llamada?»

El álbum EDEN se publica el 25 de febrero de 2022 a través de ERATO y la gira internacional comienza el 2 de marzo de 2022 en Bruselas. El repertorio de ambos es muy diverso, partiendo del tema atemporal de la naturaleza que ha cautivado a los compositores a lo largo de los siglos con cada grabación explorando un aspecto de la relación de la humanidad con la naturaleza y, en palabras de DiDonato, “no tendrá fronteras, será como un jardín salvaje».

Desde el siglo XVII hasta el siglo XXI, y abarcando a compositores como Handel, Gluck, Wagner, Mahler, Ives, Copland y la ganadora del Oscar Rachel Portman, a quien DiDonato le ha encargado que escriba un nuevo trabajo especialmente para EDEN, el programa está en el corazón de este proyecto visionario.

Cruzando varios géneros musicales, EDEN abre con dos piezas que plantean preguntas, data de 1908: la enigmática pregunta sin respuesta (The Unanswered Question) de Charles Ives, en la que DiDonato canta versos que normalmente se asignan a una trompeta, y un nuevo encargo de la compositora británica ganadora de un Oscar, Rachel Portman. Para EDEN, Portman se ha asociado con el poeta y escritor estadounidense Gene Scheer para componer The First Morning of the World (La primera mañana del mundo). Scheer, admirado por sus colaboraciones con compositores tan destacados como Jake Heggie (incluido el ciclo de canciones Camille Claudel: Into the fire, escrito para DiDonato y lanzado en Erato en 2018) reconoce, a través de su texto evocador, que este es un momento plagado de preguntas. Preguntándose sobre «los sonidos y las canciones de la primera mañana del mundo».

Un aria de oratorio de Josef Mysliveček se toma de un recital de la historia de Adán y Eva, mientras el Ángel de la Justicia lanza una advertencia severa y amarga a su pueblo. De la primera parte del siglo XVIII, Handel está representado por su famoso «Largo«, una oda impresionante a la refrescante sombra de un platanero. Las primeras glorias de la ópera italiana se evocan en un aria de la ópera de dioses y humanos de Cavalli, La Calisto. Su historia comienza en un paisaje árido y abrasado, pero termina con Calisto, su heroína, ascendiendo a las estrellas.

EDEN supone además un nuevo modelo que ayudará a redefinir la industria, estableciendo un nuevo estándar gracias al impacto que los artistas pueden generar con el poder de sus actuaciones. Al involucrarse con múltiples socios internacionales, EDEN asegura que su educación y trabajo comunitario sean fundamentales para el proyecto, y que su legado sea real y duradero.

Como embajadora del International Teaching Artists Collaborative (ITAC)’s, DiDonato ha estado trabajando con ellos en el diseño y entrega de programas comunitarios y educativos interdisciplinarios de naturaleza musical para coros de niños y grupos escolares en todo el mundo, bajo la experiencia de Eric Booth, cofundador de ITAC. La visión es emplear a Artistas Docentes locales en cada ciudad en la gira para amplificar las experiencias de EDEN de los jóvenes y otras personas a fin de usar sus voces para obtener una comprensión más profunda de la naturaleza y su impacto directo en el mundo. Los coros de niños locales también tendrán la oportunidad de actuar en el escenario con DiDonato en los conciertos de EDEN.

Botanic Gardens Conservation International y DiDonato han creado The EDEN Sustainability Challenge que plantea objetivos simples que, de manera demostrable, traen un estilo de vida más sostenible. BGCI está proporcionando semillas nativas para que los miembros de la audiencia las planten, brindando una oportunidad única para que la comunidad de música clásica plante literal y colectivamente un nuevo «EDEN» en todo el mundo, participando activamente en la regeneración, la conciencia y la creación.

La ‘mezzosoprano’ estadounidense Joyce DiDonato, una de las artistas más cotizadas en el panorama lírico internacional, regresa este sábado, 30 de octubre, a la Sala Principal de Les Arts para interpretar ‘Winterreise’, de Franz Schubert, acompañada al piano por su compatriota Craig Terry.

Después de agotar las localidades en su debut la pasada temporada con ‘My Favourite Things’, la carismática artista inaugura el ciclo ‘Les Arts és Lied’, con una de las obras fetiche del género, Winterreise’ (Viaje de invierno), las 24 canciones que compuso el genio austríaco en su último año de vida, a partir de poemas de Wilhelm Müller.

Con una obra habitual en el repertorio masculino, Joyce DiDonato se une al selecto grupo de legendarias mujeres como Lotte Lehmann, Brigitte Fassbaender o Christa Ludwig, que han prestado su voz a este melancólico y solitario viaje a través de un amor no correspondido.

La diva de Kansas imprime su sello personal a la partitura, a la que se acerca desde la perspectiva de la mujer que no corresponde y que lee las páginas del diario del caminante. Crítica y público han elogiado la primera incursión de la estadounidense en este ciclo de canciones, que estrenó en el Carnegie Hall en 2019 con el director musical del Metropolitan de Nueva York, Yannick Nézet-Séguin, al piano y recientemente ha visto la luz en el mercado discográfico.

Craig Terry acompañará a Joyce DiDonato en su actuación en Les Arts. Aclamado por su sensibilidad y elegancia, el pianista norteamericano, reciente ganador de un premio Grammy, goza de una reconocida carrera en el circuito internacional.

Joyce DiDonato
“Posiblemente, la artista más dinámica de su generación”, según ‘The New Yorker’, “Auténtico oro de 24 quilates”, según ‘The Times’, Joyce DiDonato es una de las personalidades más fascinantes y arrolladoras del panorama operístico.

Galardonada con múltiples Grammys por su discografía, merecedora del Premio Olivier británico por sus “destacados logros en la ópera” o del estadounidense Premio Richard Tucker, la ‘mezzosoprano’ de Kansas es requerida por los principales teatros y auditorios de todo el mundo tanto por sus interpretaciones de Händel y Mozart como por sus incursiones en el repertorio belcantista.

Les Arts és Lied
Joyce DiDonato será la encargada de abrir la tercera edición de ‘Les Arts és Lied’, que volverá a reunir a algunos de los más destacados intérpretes del panorama lírico internacional en la Sala Principal de Les Arts.
Tras la actuación de la carismática ‘mezzosoprano’, el ciclo que Les Arts dedica a esta forma musical que aúna voz, poesía y piano continuará con los recitales de Matthias Goerne (29 de enero de 2022),

Benjamin Bernheim (20 de febrero de 2022), Lisette Oropesa (5 de marzo de 2022), Marianne Crebassa (2 de abril de 2022) y Jakub Józef Orliński (15 de mayo de 2022). Les Arts recuerda que los precios de las entradas para los recitales del ciclo ‘Les Arts és Lied’ oscilan entre 20 y 40 euros.

Fotografía ©Miguel Lorenzo_LesArts

El Palau de les Arts recibe este domingo, 13 de diciembre, a la mezzosoprano Joyce DiDonato que hará su debut en Les Arts con una selección de arias de sus compositores barrocos y clásicos favoritos, acompañada de la orquesta Il pomo d’oro.

La carismática artista inaugura el ciclo ‘Les Arts és Grans Veus’, una nueva propuesta de la programación de Les Arts que reunirá a las figuras más emblemáticas de la lírica de nuestro tiempo en un recorrido por las músicas y compositores que marcaron sus carreras. “Posiblemente, la artista más dinámica de su generación”, según ‘The New Yorker’, “Auténtico oro de 24 quilates”, según ‘The Times’, Joyce DiDonato es una de las personalidades más fascinantes y arrolladoras del panorama operístico.

Galardonada con múltiples Grammys por su discografía, merecedora del Premio Olivier británico por sus ‘destacados logros en la ópera’ o del estadounidense Premio Richard Tucker, la mezzosoprano de Kansas es requerida por los principales teatros y auditorios de todo el mundo tanto por sus interpretaciones de Händel y Mozart como por sus incursiones en el repertorio belcantista.

Para su primera actuación en Les Arts, la diva estadounidense estará acompañada por Il pomo d’oro, uno de los ‘ensembles’ de mayor prestigio por su papel en la recuperación de obras maestras desde el Barroco y el Clasicismo hasta el periodo belcantista.

Bajo la batuta de Francesco Corti, Joyce DiDonato ofrecerá algunas de sus arias y canciones predilectas, con páginas de Monteverdi, Gluck, Händel, Hasse y Rameau, entre otros. Fundado en 2012, Il pomo d’oro es uno de los habituales compañeros de viaje de DiDonato en diversos proyectos, entre ellos el álbum de arias barrocas titulado ‘In War and Peace’ que fue galardonado con el Echo Klassik en 2017.

Les Arts recuerda que los precios para el concierto de Joyce DiDonato en la Sala Principal, este domingo a las 18.00 horas, oscilan entre 10 y 60 euros.

Fotografía: Simon Pauly

El Teatro Auditorio abrirá con un aforo del 50% y bajo estrictas medidas de seguridad e higiene para garantizar la seguridad de público y trabajadores.

La inauguración del festival correrá a cargo del virtuoso pianista ruso Arcadi Volodos, que tocará obras de Liszt y Schumann.

La soprano Ainhoa Arteta y la mezzosoprano Joyce DiDonato, dos de los platos fuertes del festival, deleitarán al público con sus famosas voces acompañadas al piano por Javier Carmena y Carri Ann Matheson, respectivamente.

El toque de humor lo podrán Goyo Jiménez -acompañado al piano por Julio Awad-, el tenor Zapata y Maestrissimo, espectáculo cómico-musical de Yllana.

Forma Antiqva, Sergio Bernal Dance Company y Joaquín de Luz, Capella de Ministres, Noelia Rodiles, Antonio Galera o la Orquesta Sinfónica de RTVE serán otros de los protagonistas de una edición con doce espectáculos para todos los gustos.

El Teatro Auditorio San Lorenzo de El Escorial de la Comunidad de Madrid vuelve a abrir al público el próximo 23 de julio con la nueedición del Festival de Verano, un clásico en las noches estivales de la sierra madrileña y uno de los principales festivales de la temporada veraniega en nuestro país. Desde ese día y hasta el 6 de agosto el Festival presenta doce espectáculos de música, danza, teatro y humor que tendrán como protagonistas a Ainhoa Arteta, Joyce DiDonato, Goyo Jiménez, Yllana, Arcadi Volodos o Zapata, entre otros muchos. La reapertura del Teatro Auditorio para el Festival de Verano se hará bajo estrictas medidas de seguridad e higiene a través de un protocolo que garantiza la seguridad de público y trabajadores. Se abrirá con un aforo del 50%.

El Festival se inaugura el 23 de julio con el recital de piano de Arcadi Volodos, que interpretará obras de Liszt(Ballade nº2, Légende nº1 ‘St François d’Assise: La prédication aux oiseaux’) y Schumann (Bunte Blätter, Humoreske). El conocido pianista ruso se ha convertido en una referencia mundial en la música clásica, considerado un genio por su habilidad única para combinar un virtuosismo excepcional con una musicalidad profunda y expresiva. Desde su debut en Nueva York en 1996, Volodos ha actuado en todo el mundo, tanto en recitales como con las orquestas y directores más eminentes del panorama internacional.

El día 24 de julio será el turno de la Orquesta Sinfónica de RTVE, que deleitará al público con dos sinfonías de Ludwig van Beethoven. La reputada formación musical interpretará la sinfonía nº 1, la primera de las nueve que compuso Beethoven; y la sinfonía nº 5, una de las composiciones más populares de la historia de la música clásica, cuyo allegro inicial está presente en el imaginario colectivo universal. La formación tocará bajo la batuta de Manuel Coves, director andaluz con una dilatada trayectoria en la que ha dirigido numerosas orquestas españolas y europeas. El concierto se enmarca en el Año Beethoven, ya que en 2020 se celebra el 250 aniversario del nacimiento del compositor alemán en Bonn (1770).

Ainhoa Arteta, una de las grandes voces de nuestro país, volverá al Teatro Auditorio el 25 de julio con el recital Orígenes. Música española. Acompañada del magistral pianista Javier Carmena, la soprano recorrerá las grandes piezas musicales del repertorio clásico español, para volver a las raíces de nuestra cultura musical gracias a las obras de compositores como Joaquín Turina, Enrique Granados o Jesús Guridi. En esta nueva propuesta, la cantante presenta un programa que va más allá del concepto de recital como sucesión de obras y que descubre parte de su recorrido vital y profesional. Ainhoa es marca España y así quiere plasmarlo en esta velada, mostrando un profundo respeto por las regiones y sus gentes, por las raíces y, en definitiva, por las tradiciones y costumbres.

Mujeres extraordinarias, danza clásica y española, música barroca y humor

En esta edición los espectadores viajarán a otras épocas a través de la vida de dos mujeres extraordinarias. El 26 de julio Capella de Ministres presenta su particular homenaje musical a Lucretia Borgia, hija de Alejandro VI, tres veces casada, con un marido asesinado y un hijo ilegítimo. Y todo en sólo 39 años y en pleno Renacimiento. El conjunto valenciano, dirigido por Carles Magraner, se ha basado en la música coetánea a Lucretia para mostrar su humanidad, liberarla del cliché de mujer disoluta y situar su contexto histórico-social, que trasladará al público al fascinante día a día de las cortes renacentistas italianas.

El 31 de julio Forma Antiqva estrena La Caramba, un nuevo espectáculo lírico escenificado en el que recupera la música de María Antonia Vallejo Fernández. Esta producción de teatro musical español -que cuenta con la voz de la soprano María Hinojosa y la propuesta escénica de Pablo Viar- homenajea a la famosa tonadillera del s.XVIII volviendo a las fuentes que fundamentaron su leyenda, tema de numerosas canciones, libros, zarzuelas y películas de los siglos XIX y XX. La Caramba fue objeto de fascinación por su belleza, su enorme poder de seducción, sus pícaras ocurrencias, su gracia en el arte de cantar y, finalmente, por su insólita conversión religiosa y retiro en el punto álgido de su carrera.

Antonio Galera y Noelia Rodiles ofrecerán dos recitales de piano los días 27 y 28 de julio. En la actuación del día 27 Antonio Galera interpretará obras de Beethoven, Liszt, Debussy y Ginastera, en una velada íntima para dejarse llevar por la melodía de sonatas, suites y danzas argentinas. El día 28 Noelia Rodiles tocará tres sonatas, dos de Beethoven y una del compositor madrileño Jesús Rueda (1961).

El toque de humor llegará con los espectáculos de Goyo Jiménez, Yllana y Zapata. El 1 de agosto el televisivo humorista Goyo Jiménez presentará sus Grandes éxitos acompañado al piano por Julio Awad. Con este espectáculo, el Festival de Verano se ha tomado la licencia de incluir una propuesta fuera de su habitual programación musical que seguro que divertirá a todo tipo de público. Las risas también están aseguradas en Maestrissimo (Pagagnini 2), el show cómico-musical que Yllana interpreta el 4 de agosto. Un espectáculo familiar que reinventa la relación entre el humor y la música clásica y en el que se muestran, al más puro estilo Yllana, las aventuras y desventuras de un cuarteto de cuerdas en un período indeterminado entre los siglos XVII y XVIII (Barroco y Neoclasicismo). El 5 de agosto José Manuel Zapata estrena Del revés, un monólogo lírico en el que el tenor abre su corazón al público. Esta obra unipersonal y valiente comienza como ‘un concierto más’, pero pronto se transforma en un viaje por la vida y música del artista, repleto de humor, sorpresas y todo tipo de anécdotas.

Además, en esta edición habrá espacio para la danza con Volver, del ballet clásico a lo último de la danza española, el montaje que Sergio Bernal Dance Company presenta el 3 de agosto. Pasión, técnica y gran talento conforman este espectáculo, que aúna ritmos flamencos y de bolero con coreografías del ballet clásico y la danza española. Sobre el escenario estarán Sergio Bernal, primer bailarín del Ballet Nacional de España hasta 2019; Joaquín de Luz y la bailaora Lucía Campillo.

El Festival de Verano se clausurará por todo lo alto el 6 de agosto con la actuación de Joyce DiDonato. La popular mezzosoprano estadounidense ofrecerá un recital lleno de color en el que deslumbrará al público con su colatura de voz y su expresividad hipnótica, acompañada al piano por Carri Ann Matheson. DiDonato es una de las mezzos más solicitadas de la actualidad, proclamada por The New Yorker como, posiblemente, “la cantante femenina más potente de su generación”. Con una voz de “nada menos que oro de 24 quilates” (The Times), DiDonato ha sido galardonada con numerosos premios, entre los que se incluyen tres Grammy.

Un reparto de lujo, con Joyce DiDonato, Elsa Benoit, Renato Dolcini, Xavier Sabata, Franco Fagioli y Andrea Mastroni, actuará junto con la orquesta Il Pomo d’oro, bajo la dirección del clavecinista Maxim Emelyanychev. [Reparto y biografías en el Programa de mano]

La presentación de Agrippina, de Georg Friedrich Händel (1685-1759), el próximo 16 de mayo, se sumará a los diez títulos de este compositor que se han ofrecido en el Teatro Real desde su reapertura: Giulio Cesare (2002), Ariodante (2007), Tamerlano (2008), Il trionfo del tempo e del disinganno (2008), Tolomeo, Re d’Egitto (2009), Theodora (2009), Agrippina (2009), Alcina (2015), Rodelinda (2017) y Ariodante (2018).

La ópera será interpretada en versión de concierto con un reparto de cantantes muy afines a este tipo de repertorio, como las sopranos Joyce DiDonato (Agrippina) y Elsa Benoit (Poppea), el bajo-barítono Renato Dolcini (Claudio), los contratenores Franco Fagioli (Nerone), Xavier Sabata (Ottone/Giunone) y Carlo Vistoli (Narciso), el bajo Andrea Mastroni (Pallante) y el barítono Biagio Pizzuti (Lesbo). Actuarán junto a la orquesta Il Pomo d’oro, que ha tocado en el Teatro Real dos veces en 2017 en sendos conciertos protagonizados por Joyce DiDonato y Franco Fagioli, dirigidos, como en esta ocasión, por Maxim Emelyanychev.

La fecunda estancia del joven Georg Friedrich Händel en Italia durante cerca de 3 años y medio, de 1706 a 1710, sería determinante en el devenir de su carrera creativa y profesional, que culminaría en Londres, donde el compositor ‘reinaría’ durante más de cuatro décadas, con una actividad frenética como compositor y empresario, componiendo ahí sus páginas de más alto vuelo e inspiración, sin abandonar jamás la fuerte influencia de la ópera seria italiana, incluso cuando sus preceptos eran ya anacrónicos.

Agrippina, sexta de las 42 óperas de Händel, fue escrita como colofón a ese fecundo trienio italiano y estrenada con todos los honores en el fastuoso teatro San Giovanni Grisostomo de Venecia, bajo el auspicio de los hermanos Grimani -uno de los cuales, Vincenzo Grimani, está considerado el probable autor del libreto-. El reparto estelar, que reunía a algunos de los mejores cantantes de entonces, contribuyó sin duda al estruendoso éxito del estreno, en el que Händel fue ovacionado con sonoros ¡Viva il caro Sassone!, aludiendo a su origen sajón que dejaba su impronta sobre todo en la riqueza armónica de la partitura.

El libreto de la ópera, cuya trama, basada en personajes históricos, es típica del melodrama veneciano del siglo XVII, ha sido interpretado frecuentemente como una crítica al papa Clemente XI -asociado al personaje de Claudio -y a la depravación de la curia romana; o como una evocación de la Guerra de Sucesión española, con el enfrentamiento entre Felipe de Anjou y Carlos de Austria reflejado en la disputa entre Nerone y Ottone. En ambos casos el libretista, perteneciente a la poderosa familia veneciana de los Grimani, apoyaba abiertamente la causa finalmente perdedora, de los Habsburgo.

Pese a que Agrippina es una obra de juventud, conformada mayoritariamente con páginas musicales retiradas de obras anteriores de Händel-algunas extraídas también de obras de compositores coetáneos-, la partitura ostenta muchas de las cualidades ‘hendelianas’ que crecerán a lo largo de su carrera: articulación de recitativos, arias y números de conjunto con coherencia y continuidad dramatúrgica; personajes con entidad psicológica individualizada; rigor estructural de la partitura, maestría en el uso de la escritura armónica, cromatismo y modulación, etc.

De la valía de esta gran partitura dará cuenta el concierto del próximo 16 de mayo, que traerá al Teatro Real una nueva partitura de Händel, compositor cada vez más asiduo en el repertorio de los teatros líricos.

Con su nuevo álbum «Songplay«, Joyce DiDonato aborda una visión nueva y creativa de la música vocal, desde los periodos Barroco y Clásico hasta el siglo XX.

Los 14 tracks de este disco se hilvanan exitosamente en un ambiente familiar pero inesperado. Songplay ofrece música de Vivaldi en su pureza barroca y jugando con ella a ritmo de samba. Incorpora la chispa del tango a un aria de Marcello, contemporáneo de Vivaldi o emplea el lenguaje de Bach en la pieza Lullaby of Birdland de George Shearing.

“Songplay, como índica su título, sugiere exactamente lo que es en sí” – afirma el pianista Craig Terry, creador de este proyecto musical junto a Joyce Didonato – “Hemos escogido piezas icónicas para los estudiantes de canto clásico pero hemos tratado de darles un nuevo formato. La intención original de la obra permanece”. El corazón de Songplay lo configuran arias y canciones breves y aparentemente simples, escritas en su mayoría en la Italia del siglo XVIII dentro de “libros de aprendizaje” para estudiantes de canto clásico.

«Cuando Craig y yo interpretamos nuestra selección de piezas barrocas para este álbum, una voz en mi cabeza me dijo: ‘Pero si este aria (Tu lo sai), compuesta en el siglo XVII, expresa el mismo anhelo que Solitude de Duke Ellington, escrita en 1934’. En ese sentido, sentí que eran la misma canción. Así que, mientras tocábamos esta música, pensé que sería increíble unir ambos géneros, el aria antica y las canciones populares americanas, y demostrar así que esencialmente hemos estado cantando el mismo repertorio durante 400 años. Simplemente, requería a músicos ávidos de probar cosas nuevas y deseosos de contar historias.”

Los talentosos compañeros de Joyce Didonato en Songplay han aportado ideas innovadoras para generar una fórmula musical única en torno a la cual gira el disco. Representan a una inmensa variedad de géneros musicales:

Craig Terry: Pianista y clavicembalista. Es el Director Musical del Ryan Opera Centeren la Lyric Opera de Chicago. La idea original de este álbum, junto a la de Joyce, partió de él.
Charlie Porter: Trompetista multipremiado que se ha formado también en la Música Clásica en la Juilliard School con Wynton Marsalis. También es muy conocido como músico de Jazz y compositor.
Chuck Israels: Veterano contrabajista de Jazz que ha trabajado con deslumbrantes leyendas como Billie Holiday, Benny Goodman, Bill Evans, Stan Getz, Herbie Hancocky John Coltrane.
Jimmy Madison: Percusionista de Jazz que se ha asociado en numerosas ocasiones con Bill Evans y con estrellas como Lionel Hampton, James Brown, Nina Simone, Carmen McRae, Chet Baker, Michel Legrand y George Benson.
Lautaro Greco: Bandoneonista argentino y maestro del tango. Sus grabaciones incluyen colaboraciones con artistas de la talla de la inolvidable Mercedes Sosa.

<“Dead man walking” es uno de los más claros ejemplos de que la ópera sirve, principalmente, para contar historias. Y cuenta además una historia que nos envía a todos al rincón de pensar. Es esta una obra para reflexionar sobre muchas cuestiones, el dolor, el perdón, la justicia y su ejercicio a manos del estado, la propia condición humana, el arrepentimiento y, sobre todo, el tema universal en la ópera y en todas las expresiones artística, el amor. Con el potencial dramático de todos los elementos que se manejan en esta obra, la intensidad está garantizada, y con ella, el éxito.El excepcional libreto de Terrence MacNally, basado en el texto de la hermana Helen Prejean, que inspiró también la oscarizada película “Pena de muerte”, de Tim Robbins, Sean Penn y Susan Sarandon, ha sido convertido en ópera de la mano del compositor Jake Heggie y estrenada en el año 2000 en la ópera de San Francisco. Tras su éxito americano llegó a Europa en 2006 para seguir cosechando éxitos de crítica y público. La música de Heggie tiene, como es lógico, influencias cinematográficas, del musical y de compositores como Gershwin. Desde el primer momento la historia capta la atención del público de manera muy cinematográfica.
Ni el ritmo ni la trama decaen en ningún momento y narran la historia de manera fluida y sin complejidades. Todo ello con una música convencional, sin alguno de los alardes estilísticos a los que nos tienen acostumbrados las composiciones contemporáneas, pero con un ritmo y una capacidad descriptiva que hacen que no falte ni sobre ningún elemento.La funcional puesta en escena de Leonard Foglia es muy eficaz. Se recrea en todos los pequeños detalles que pueden acompañar una situación tan terrible y, a la vez, tan llena de elementos sencillos y cotidianos. Crea distintas atmósfera a través del color, los vídeos de Elaine J. McCarthy y la magnífica iluminación de Brian Nason. Destacar también el trabajo con los actores de Michael Mcgarty y Jess Goldstein.La partitura permite también el lucimiento, sobre todo dramático, de los cantantes. El peso de la obra recae sobre los dos protagonistas, la Hermana Helen Prejean, interpretada por Joyce DiDonato, que participa en casi todas las escenas y lo hace de manera magistral. El nivel dramático que alcanza no cae en ningún momento. Ofrece un espectáculo de intensidad que justifica su posición en el panorama artístico internacional.
El otro protagonista es el tejano Michael Mayes que interpreta al condenado Joseph De Rocher. Su rudeza, también en lo vocal, es perfecto para el personaje y ayuda a identificar el carácter de la obra.
La Hermana Rose, que se encarga de poner a la protagonista ante las posibles contradicciones de su comportamiento, es interpretada por la canadiense Measha Brueggergosman.
Sin duda, una de las protagonistas de la obra es Maria Zifchak, interpretando a la Señora de Patrick De Rocher, madre del condenado a muerte. Su conmovedora interpretación de una madre que, en el momento de la despedida, solo ve en su hijo al niño que fe, es colosal.El resto del elenco está a una grandísima altura. Españoles todos y con una dicción inglesa impecable. Damián del Castillo, Roger Padullés, Celia Alcedo, María Hinojosa, Toni Marsol, Marta de Castro, Viçenc Esteve, Enric Martínez-Castignani, Marifé Nogales, Tomeu Bibiloni, Pablo García López o Álvaro Martin.
Impresionante como siempre el Coro Intermezzo y también el de la JORCAM.El director musical Mark Wigglesworth supo mantener la tensión y el sentido narrativo durante toda la obra, obteniendo lo mejor de la Orquesta.Un acierto del Teatro Real la programación de esta ópera, uno más. También tiene Mataboch el don de la oportunidad para programar óperas en el momento de actualidad más oportuno.

Entre los días 26 de enero y 9 de febrero el Teatro Real ofrecerá 6 funciones de Dead Man Walking, de Jake Heggie, en una producción de la Lyric Opera de Chicago procedente de la Houston Grand Opera, donde se presentó en 2011 con dos de las cantantes que interpretarán la ópera en el Teatro Real: la mezzosoprano Joyce DiDonato y la soprano Measha Brueggergosman.

Dead Man Walking es la primera ópera de Jake Heggie (Palm Beach, Florida, 1961) y el enorme éxito que ha tenido desde su estreno, en la War Memorial Opera House de San Francisco en el año 2000, ha proyectado internacionalmente el nombre de su compositor, que desde entonces ha escrito varias obras escénicas de diferentes formatos con un ritmo apabullante: The End of the Affair (2004), At the Statue of Venus (2005), To Hell and Back (2006), Three Decembers (2008), Moby-Dick (2010), The Radio Hour (2014), Great Scott (2015), It’s a Wonderful Life (2016), entre otras.

Con más 300 funciones en todo el mundo, producciones muy diversas ─desde conservatorios a grandes teatros─, y dos grabaciones en CD ─protagonizadas por Susan Graham (2000) y por Joyce DiDonato (2011)─, Dead Man Walking se estrena en España con la presencia de su compositor y de la hermana Helen Prejean, autora del libro autobiográfico que inspiró la ópera y, antes, en 1995, la aclamada película Pena de muerte, de Tim Robbins, con Sean Penn y Susan Sarandon (que ganó un Oscar por su interpretación) en los papeles principales.

En su estremecedor relato basado en hechos reales, la hermana Helen Prejean cuenta el inquietante y convulso camino de acercamiento a un condenado a muerte al que asiste y ampara desde el convencimiento de que su arrepentimiento le ayudará a encontrar la paz interior.

Si la película de Tim Robbins incide claramente sobre los dilemas éticos de la pena de muerte, la ópera de Heggie, con libreto del veterano dramaturgo Terrence McNally, es un viaje interior que inician paralelamente la monja y el reo, cada uno con sus fantasmas, sus miedos, sus contradicciones, sus sentimientos y sus dudas. En este camino de transformación y redención, ambos se confrontan con la contundencia de los hechos: la sed de venganza de los padres de los adolescentes asesinados, la desazón y sufrimiento de la madre del homicida, la lucha por el inviolable derecho a vivir, el acercamiento implacable a la muerte…

Utilizando con gran maestría la escritura vocal ─Jake Heggie tiene un catálogo de más de 200 canciones─ y con un lenguaje musical heredero de la ópera estadounidense, Dead Man Walking seduce al espectador con un su lenguaje tonal, ritmos afroamericanos, melodías que evocan el espíritu de la Calle 42 y una partitura orquestal y coral de poderosa fuerza dramatúrgica, que no rehúye nunca la comunicación directa y emocional con el público.

Un reparto coral dará voz a esta ópera, que llegará al Teatro Real con la aplaudida puesta en escena de Leonard Foglia, profundo conocedor de la obra de Jake Heggie, con quien ha colaborado en la elaboración del libreto de The End of the Affair y en la puesta en escena de todas sus óperas.

Joyce DiDonato volverá a asumir el papel protagonista, junto al barítono Michael Mayes, que encarnará al asesino Joseph de Rocher, uno de sus papeles fetiche, que ha interpretado en una decena de producciones en Estados Unidos. Estarán secundados por un amplio elenco ─Maria Zifchak, Measha Brueggergosman, Damián del Castillo, Roger Padullés, María Hinojosa, Toni Marsol, Marta de Castro, Viçenc Esteve, Enric Martínez-Castignani, Celia Alcedo, Marifé Nogales, Tomeu Bibiloni, Pablo García-López y Álvaro Martín─ que actuará junto al coro infantil Pequeños Cantores de la ORCAM y el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, bajo la dirección de Mark Wigglesworth.

Dead Man Walking llegará a España precedida de un camino de éxitos, que Jake Heggie atribuye al poder intrínseco de la ópera como un arte que emociona e invita a la reflexión: “el teatro nos ofrece la oportunidad de dejarnos arrastrar por el drama a lugares inesperados, y la música nos pone en contacto con aspectos de la naturaleza humana en los que de otra manera nos habríamos reparado.”

AGENDA | ACTIVIDADES PARALELAS

15 de enero a 12 de febrero. Lunes de 19.30 a 22 horas | Instituto Internacional

Page to stage

Curso en inglés en torno a Dead Man Walking

23 de enero, a las 20.15 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

Enfoques: coloquio con los artistas de Dead Man Walking

Participan:

Hermana Helen Prejean, autora de libro autobiográfico Dead Man Walking
Mark Wigglesworth, director musical de Dead Man Walking
Leonard Foglia, director de escena de Dead Man Walking
Joan Matabosch, Director Artístico del Teatro Real, moderador

Entrada libre hasta completar aforo

25 de enero, a las 19.30 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

Mesa redonda: ‘Dead Man Walking’: Cultura de violencia, pena de muerte y redención

Participan:

Federico Mayor Zaragoza, presidente honorario de la Comisión Internacional contra la Pena de Muerte (CIPM) y ex director general de la UNESCO
Juan Ignacio Morro, director general de Naciones Unidas y Derechos Humanos del Ministerio de Asuntos Exteriores y Cooperación de España

Hermana Helen Prejean, autora del libro Dead Man Walking, en el que se basa la ópera homónima y la película Pena de Muerte, de Tim Robbins
Joaquín José Martínez, primer español en salir del corredor de la muerte en Estados Unidos
Asunta Vivó, directora ejecutiva de la CIPM
Esteban Beltrán, director de Amnistía Internacional España, moderador

Entrada libre previa confirmación. Mail: anastasia.herranz@icomdp.org

1, 8 y 15 de febrero, de 19.00 a 21.00 horas | Teatro Real, Sala de actividades paralelas

Curso: Teatro musical norteamericano

De Weill a Sondheim: Tradición e innovación en el musical de Broadway

Por Alberto Mira

18 de febrero, a las 12.00 horas | Teatro Real, Sala principal

Los domingos de cámara

Obras de Jake Heggie (Soliloquio flauta y piano), Kurt Weill (Cuarteto de cuerda op. 8), Juan José Colomer (Fireabrass y Trío para flauta, viola y arpa) y Johannes Brahms (Cuarteto con piano nº 1 en do menor)

Solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real

En enero de 2018 Warner Classics publica “Great Scott”, una ópera de Jake Heggie escrita para Joyce DiDonato y protagonizada por ella misma. Fue grabada en la Ópera de Dallas durante su estreno, en otoño de 2015.

En Great Scott, la mezzo-soprano nacida en Kansas y una de las cantantes de Música Clásica más queridas, da vida a un personaje concebido específicamente para ella. La obra gira en torno a Arden Scott, una estrella de la ópera que es el eje de lo que Fred Plotkin de WQXR, la emisora de Música Clásica más importante de Estados Unidos, definió como “un trabajo emocionante y musicalmente brillante” que “debería entrar en el repertorio cotidiano al igual que ya lo están las dos obras maestras previas de Heggie: Dead Man Walking y Moby-Dick”.

Jake Jeggie, descrito como el compositor de ópera más importante de Norteamérica, eligió al conocido dramaturgo Terence McNally como libretista para su Great Scott. Los dos colaboraron previamente en la apasionante Dead Man Walking, que se ha convertido en una obra consolidada desde su estreno en el año 2000. DiDonato representó el rol central en la Ópera de Nueva York en 2002 y lo volverá a realizar, una vez más, en los escenarios de Londres y Madrid en enero y febrero de 2018, coincidiendo con el lanzamiento del nuevo disco.
En Madrid, la ópera llegará al Teatro Real el 26 de enero y se representará seis noches: los días 26, 29 y 31 de enero, 3, 6 y 9 de febrero.

“Creo que la mejor manera para describir Great Scott es como una carta de amor al mundo, generosa y melódica, sobre la ópera y el arte” – dijo Joyce DiDonato en una entrevista para Radio Nacional pública – “Unifica muchos ámbitos diferentes. Es realmente una historia actual porque nos plantea cuestiones a todos los que amamos las artes y a los que contribuimos a nuestra sociedad».

El cast de Great Scott también incluye artistas de la talla de Frederica von Stade, una cantante que Joyce siempre ha calificado como modélica, el director artístico de la Opera America; Nathan Gunn como Sid, el arquitecto que fue un antiguo amor de Arden; Ailyn Pérez como una ambiciosa joven soprano; Michael Mayes como un egoísta barítono y Anthony Roth Costanzo como el inspirado director de escena. El director de orquesta es Patrick Summer y la excepcional grabación de audio proviene desde dentro de la producción del director de escena Jack O’Brien.

Una paciente Joyce DiDonato observa, sentada desde el fondo del escenario, como el público entra en la sala y toma asiento. Se está poniendo de moda esta entrada a porta gayola, que requiere de cierta valentía para arrancarse a cantar si haber calentado previamente.

La mezzosoprano estadounidense presentaba en el Teatro Real de Madrid su nuevo espectáculo (y disco) “En guerra y paz: armonía a través de la música”. Un proyecto cargado de buenas intenciones en el que DiDonato ha puesto todas sus energías. Buscar la paz y la armonía a través de la música y hacer de ello un proyecto humanitario. Este es el gran desafío que plantea DiDonato con su nuevo espectáculo.

El programa está dividido en dos partes bien diferenciadas, la primera dedicada a la guerra, en la que se interpretan obras de G. F. Händel (1685-1759), Leonardo Leo (1694-1744), Emilio de Cavalieri (1550-1602), Henry Purcell (1659-1695) y Carlo Gesualdo (1566-1631). La segunda parte, mucho más coherente, estuvo dedicada a la paz, con obras de Purcell, Händel y Arvo Pärt (1935), del que se interpretó la estremecedora obra Da pacem, Domine. Composición que fue encargada por Jordi Savall en memoria a las víctimas del atentado de Madrid de 2004.

La actuación de Il Pomo d´Oro fue, simplemente, magistral. Es sin duda una de las mejores formaciones que pueden escucharse en la actualidad. La genial dirección de Maxim Emelyanichev, también al clave, llenaron de energía y musicalidad un recital en el que el acompañamiento musical estuvo por encima del de la interpretación de una DiDonato que posee un gran magnetismo sobre el escenario, pero que ayer no consiguió transmitir tanta carga dramática. Tal vez el exceso elementos visuales impidió el recogimiento que requerían las obras.

Se trata de un espectáculo muy visual, con efectos de luz y proyección de vídeos y una coreografía ejecutada por el bailarín Manuel Palazzo, que acompañan la interpretación de DiDonato. Cuando los elementos que acompañan a este tipo de espectáculos no aportan nada al mismo, simplemente, son innecesarios. Eso es lo que ocurrió anoche en esta guerra y paz. La sencilla, aunque elegante, coreografía de Palazzo, no aportaba nada al espectáculo. Tampoco las proyecciones de video de Yousef Iskandar, aunque no por ello dejaron de ser hermosas. La música barroca no necesita de ningún adorno ni aditivo más allá de su propia interpretación. Y si ésta, además, corre a cargo de Il Pomo d´Oro, nada se puede echar en falta.

El recital terminó con un agradecido discurso de Joyce DiDonato y dos excelentes propinas, el aria Par che di guibilo, de Attilio Regolo, de Niccolò Jommelli (1714-1774) y un intimista Morgen!, de Richard Strauss (1864-1949), para terminar una noche en la que recibió el calor del público de Madrid.

El próximo 2 de junio, viernes, a las 20.00 horas, Joyce DiDonato volverá al Teatro Real con un concierto integrado en el ciclo Voces del Real, en el que presentará su nuevo proyecto artístico titulado En guerra y paz, armonía a través de la música, cuya idea surgió tras los atentados de París en noviembre de 2015 y con el que, a través de la música barroca, reflexiona sobre la desesperación y la esperanza.

Concebido como una propuesta artística que trasciende el concierto clásico convencional, DiDonato se ha rodeado de un grupo de artistas de gran prestigio e inquietudes intelectuales que han colaborado en el diseño del espectáculo. La parte instrumental estará interpretada por la formación barroca Il Pomo d’Oro, con dirección musical de Maxim Emelyanichev. Sobre la escena las proyecciones del artista visual Yousef Iskandar y la coreografía de Manuel Palazzo desarrollarán el discurso narrativo articulado por una selección de arias de Händel y Purcell, entre otros.

El programa está vertebrado por dos conceptos antagónicos: la guerra y la paz. La primera parte, centrada íntegramente en la guerra, se abrirá con el aria Scenes of Horror, Scenes of Woe, del oratorio Jeptha, de Händel. A partir de ese momento, la voz expresiva y dúctil de Joyce sumergirá al espectador en los sentimientos de rabia, miedo, dolor y venganza surgidos de los conflictos humanos. Del compositor alemán se escucharán también arias de Rinaldo y Agripina, junto a otras de Andromaca, de Leonardo Leo y Dido and Aeneas, de Henry Purcell.

Completarán esta parte piezas instrumentales barrocas de Emilio de’ Cavalieri (la Sinfonia da Rappresentatione di anima e di corpo), Henry Purcell (chacona en Sol menor para tres violines y continuo) y Carlo Gesualdo (Tristis est anima mea. Tenebrae Responsoria No. 2).

Tras el descanso llegará el momento de la paz, el canto a la vida, el amor y la esperanza. Del caos y las tinieblas, del espíritu devastador, surgirán la actitud y la palabra decididamente optimistas. The Indian Queen, de Purcell, y Susanna y Rinaldo de Händel exigirán de la cantante estadounidense su máximo virtuosismo. La obra instrumental Da pacem, Domine del compositor estonio Arvo Pärt preparará el espíritu para las palabras de Cleopatra: “… así mi corazón, tras penas y llantos, ahora que halla su consuelo, se colma de felicidad…” (Giulio Cesare, Händel).

Joyce DiDonato mantiene una estrecha relación con el Teatro Real, en cuyo escenario dio los primeros pasos de su carrera en Europa, interpretando a Angelina en La cenerentola (2001). Desde entonces ha protagonizado tres óperas ─Ariadne auf Naxos (2006), Idomeneo re di Creta (2008) y Der Rosenkavalier (2010)─ y dos conciertos ─uno con Les talents lyriques (2008) y otro con Il complesso barroco (2013)─, siempre con una entusiasta acogida por parte del público.

El concierto de Joyce DiDonato en el Teatro Real será el primero de su gira por España, que incluye actuaciones en Barcelona y Oviedo junto a Il Pomo d’Oro.

FIRMA DE DISCOS

Al término del concierto Joyce DiDonato estará a disposición del público para la firma de su último disco, In War & Peace.

Un mes de marzo muy activo en el Teatro Real. Tras Così fan tutte de Mozart y Haneke, un Roberto Devereux de Donizetti, para volver a escuchar a Edita Gruberova, una Noche del Real para el lucimiento de Joyce DiDonato y, sin solución de continuidad, Les pêcheurs de perles de Bizet, con un deseado Juan Diego Flórez junto a Patrizia Ciofi. Todo esto para dar entrada, ya en abril, a un Don Giovanni mozartiano en el que debuta, por segunda vez, Ainhoa Arteta.
Semanas de vértigo en las que la cantidad viene acompañada por la calidad.

Tras el estreno de la ópera de Glass, y el “Così fan tutte” mozartiano bajo la dirección escénica de Haneke, el Teatro Real se toma un respiro programando para el mes de marzo y abril algunas de las obras más atractivas de la temporada. En esta ocasión el atractivo reside, únicamente, en la música y los intérpretes, algo muy de agradecer.

ROBERTO DEVEREUX
Tres representaciones en versión concierto de “Roberto Devereux” de Donizetti, han sido la oportunidad de escuchar a la incombustible soprano eslovaca Edita Gruberova, tras 10 años de ausencia en este teatro. Conserva, a sus 66 años, una voz poderosa que no dejaba pisarse por la orquesta, y unos pianissimi magníficos, aunque es evidente el declive de su voz, pero tiene la capacidad de vestir sus personajes del drama, la ternura y la personalidad que solo la experiencia otorga y que tanto escasea sobre los escenarios hoy en día.
En la réplica tuvo a José Bros.
Incluso para una versión concierto resulta poco expresivo, pero toda la noche se mostró seguro, sobre todo en los dúos. Su voz sonó potente y voluminosa, incluso emotiva en algunos momentos.
Vladimir Stoyanov fue muy aplaudido por el público. Su actuación fue muy correcta, consiguió estar a la altura del resto de las voces. Su voz es de una gran belleza.
Sonia Ganassi fue la más aplaudida. Con gran dramatización y una voz potente y convincente, dio vida a una grandísima Sara.
La Orquesta, bajo la dirección de Andriy Yurkevych, sonó casi atronadora, briosa y ágil, en equilibrio con los cantantes. Bien dirigido también el coro, delicado y emocionante, sobre todo en los volúmenes de sonido que consiguió alcanzar. Magnífica noche de ópera.

Gaetano Donizetti
Tragedia lírica en tres actos
D. musical: Andriy Yurkevych
D. coro: Andrés Máspero
Gruberova, Stoyanov, Ganassi,
Bros, Atxalandabaso, Orfila,
San Antonio, Stánchev

JOYCE DIDONATO
“Estuve aquí como un muchacho y me encanta volver como una reina”. Con estas palabras, en italiano, se presentó la mezzosoprano estadounidense el pasado 8 de marzo en el Teatro Real de Madrid. Hacía así referencia a su anterior actuación en el coliseo madrileño en 2010, interpretando al joven Octavian, en el Caballero de la Rosa.

“Reinas” es el propósito de este recital y ellas son las protagonistas. Y como una auténtica reina se ha mostrado sobre el escenario DiDonato. Vestida con un espectacular vestido rojo de varias piezas que iba intercalando, arropada por Il Complesso Barroco, bajo la dirección del violín de Dmitry Sinkovsky, Joyce DiDonato ha desplegado todas sus virtudes canoras e interpretativas, transmitiendo la intensidad de las obras con una energía formidable. El público ha disfrutado con ella y ella con el público en un intercambio de emociones que ha terminado con cuatro bises.
Dominadora de la coloratura y del exigente cambio de registros de algunas de las arias que ha interpretado, sin duda son las arias dramáticas en las que mejor se desenvuelve y con las que ha alcanzado un nivel interpretativo excepcional. Una noche llena de emociones gracias a una mujer encantadora sobre el escenario que se ha metido al público en el bolsillo.

Der Rosenkavalier: «Me había impuesto amarlo de la manera adecuada»

Tras la polémica Salome de la temporada pasada, el Teatro Real ha estrenado la más importante ópera de Richard Strauss, El Caballero de la Rosa. Con libreto del propio Strauss y Hugo von Hofmannsthal, narra de manera cómica los enredos amorosos de sus principales personajes. Es además una obra con un transfondo profundo y romántico sobre el paso del tiempo y la volatilidad de la vida.

Se estrenó, no sin cierta polémica, en Dresde, el 26 de enero de 1911. La polémica llegó con la primera escena, donde aparecen dos de las protagonistas, la Mariscala y Octavian, su joven amante. Este papel, el de Octavian, escrito para una voz femenina, lo que ofrece como resultado un escena llena de ambigüedad no muy bien vista en aquella época.
La llegada de Mortier tuvo para esta obra como primera consecuencia la sustitución del Director de escena. La escenografía realizada por Cristof Loy, contratado por Antonio del Moral, ha sido reemplazada por la de Herbert Wernicke, fallecido en 2002 y más del gusto de Mortier. Además del merecido homenaje, esta escenografía resulta antigua y poco original. Se basa en un sistema de espejos reflejando una imágenes de, digamos, escasa belleza, que, al estar dotadas de movimiento consiguen transmitir que “nada es lo que parece” y todo cambia. Tampoco resultó original ni bello la escalinata por la que desciende Octavian para ofrecer la rosa a Sophie.
Demasiado movimiento sobre el escenario tiende a distraer en exceso aunque el amontonamiento de personajes, figurines y coro dan el resultado cómico que se pretende. El telón, traído desde Salzburgo, fue un detalle lleno de hermoso romanticismo que aporta un plus de teatralidad a la producción.

El vestuario, que es el mismo que se utilizó en el estreno de esta producción en el festival de Salzburgo, estuvo acertado. Destacar la elegancia de la Mariscala como corresponde al personaje. Algo extraño resultaron los personajes con un vestuario actual. Una pequeña contradicción fuera de lugar.
Muy bien Anne Schwanewilms en el papel de Mariscala. Tuvo un final de primer acto sublime y su elegancia y presencia escénica dieron gran entidad a la Mariscala Marie Thérèse.
La mezzosoprano estadounidense Joyce DiDonato defendió el papel de Octavian con brillantez, en alguna ocasión llegó a eclipsar a toda una Mariscala. Se desenvolvió bien por el escenario a pesar de sus últimas dificultades físicas (en abril fue operada por problemas de ligamentos en una pierna). Habitual del Teatro Real, ha conseguido este año, entre otros, el Premio Echo a la mejor intérprete del año.

Cada vez es más difícil encontrar un bajo-barítono con garantías y calidad suficiente, en esta ocasión el Real ha contado para este Caballero de la Rosa con la participación del alemán Fraz Hawlata en el papel de el Barón Ochs. Aunque con escasa potencia, dio al personaje una equilibrada comicidad sin exageraciones. Strauss daba a este personaje gran importancia, tanto que incluso pretendía que la ópera llevara su nombre. No fue así por su esposa, Pauline de Ahna, quien ejercía gran influencia sobre el autor y convenció a éste para que el título final fuera “El Caballero de la Rosa”.

Pero sin duda, la brillantez y la magia de la noche salió de la batuta de Jeffrey Tate. Un Maestro, que conocedor como ninguno de la obra de Strauss, extrajo de la orquesta momentos sublimes, en especial en el tercer acto. Con una delicadeza envolvente, plasmó de forma impecable la gran armonía entre la música, los diferentes personajes y la trama de esta obra.
Gran conocedor de la obra, Jeffrey Tate resalta el que es para él el personaje principal, la Mariscala, “un personaje triste y sabio lleno de dignidad”, frente a un Octavian que pierde peso a lo largo de la obra y al final resultará ser “solo jovencito que seguirá adelante y al final olvida a la Mariscala”.
Toda la complejidad de esta obra se refleja y resume en un final que nos brinda frases inolvidables absolutamente acordes con la música, la gran elegancia de la Mariscala y lo imaginario que se transforma en real. Finalmente, el bonito telón que cierra este gran espectáculo de la mano de Mohamed.

Richard Strauss (1864-1949)
Libreto: Hugo von Hofmannsthal
D. Musical: Jeffrey Tate / Jonas Alber
D. escena: Herbert Wernicke
Realizador de la dirección de escena: Alejandro Stadler
Reparto: Anne Schwanewilms (Mariscala), Joyce DiDonato (Octavian),
Ofelia Sala (Sophie), Franz Hawlata (Barón Ochs),
Laurent Naouri (Faninal) e Ingrid Kaiserfeld (Marianne), entre otros
Orquesta y Coro Titular del Teatro Real

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