JAVIER CAMARENA

Un timbre luminoso. Un canto apasionado. Una voz homogénea, ardorosa y flexible. Una seductora presencia escénica. Las valoraciones de la crítica internacional son unánimes: el mexicano Javier Camarena es uno de los grandes tenores del momento, como certificaron bien los espectadores que en 2017 llenaron el Teatro de la Maestranza para gozar de su debut en el coliseo sevillano. Entonces, Javier Camarena, rey de la ópera belcantista especializado en Mozart, Rossini, Donizetti o Bellini, puso al público en pie cantando Sevilla de Agustín Lara, deslumbrándolo con su naturalidad y su sencillez. Sobre esa tarjeta de visita, uno de los tenores latinos del momento, habitual de las grandes casas internacionales de ópera, vuelve a Sevilla para refrendar, a los 46
años, su óptimo momento vocal, con un programa que girará en torno a la obra de Francesco Paolo Tosti, (1846 – 1916), un compositor -y tenor- italiano que triunfó en Gran Bretaña -fue maestro de canto de la reina Victoria I y de su sucesor, el rey Eduardo VII- que compuso más de 500 canciones para voz y piano con un éxito popular sencillamente arrollador. Grandes tenores como Caruso, Di Stefano, Pavarotti o Kraus las llevaron en su repertorio. Y Javier Camarena, enamorado de esas canciones, también lo hace.

El entusiasmo, la intensidad expresiva o una formidable capacidad para la comunicación con el público, caracterizan los recitales de un tenor lírico ligero que asegura no olvidar “que la ópera nació como un espectáculo para el pueblo”, al que, envueltas en sus prodigiosas agilidades, devuelve perlas de la canción napolitana y otras piezas populares, como La malagueña, de Miguel Aceves, compartiendo la dignidad del bel canto italiano o la exquisitez de la ópera francesa.

He aquí una estrella internacional de la lírica reconocido con multitud de premios y que ha sido aclamado por el público que lo ha convertido en el único cantante de la historia que ha bisado en tres producciones diferentes del MET de Nueva York. Y, sin embargo, Javier Camarena -aficionado al cine, la cocina y los videojuegos- no ha perdido un ápice del origen y el carisma popular que inflama su garganta para arrastrarnos en una experiencia de una emoción inolvidable.

Javier Camarena
Reconocido por la organización International Opera Awards como Cantante Masculino del Año, se ha posicionado como uno de los artistas más destacados y solicitados, presentándose con rotundo éxito en las principales casas de ópera y salas de conciertos del mundo.

Es el único cantante en la historia que ha bisado en tres diferentes producciones en el MET de Nueva York: La Cenerentola (2014), Don Pasquale (2016) y La fille du régiment (2019) donde logró la hazaña inigualada de conseguirlo en cada una de las siete funciones en las que intervino, una de las cuales fue transmitida en vivo en Met Live HD. Repitió esta hazaña en La fille du régiment en el Teatro Real de Madrid, en el Liceu de Barcelona, así como en la Royal Opera House donde bisó su aria en cada una de sus cuatro funciones.

Ha recibido numerosas distinciones, entre ellas el Opera News Award (2020), la Medalla de Ópera de Bellas Artes, el Premio al Artista Distinguido de ISPA y la Medalla Mozart (todos en 2019). En 2014, su ciudad natal de Xalapa le otorgó la Medalla Sebastián Lerdo de Tejada como ciudadano distinguido. Durante los últimos años, la revista Líderes Mexicanos lo ha incluido en su lista de líderes a nivel nacional y global, y la revista Quién lo nombró como uno de los 50 líderes que están transformando su nación.

Las entradas, cuyos precios oscilan entre los 26€ para Paraíso y los 40€ para Patio, se pueden adquirir en las taquillas o a través de la web del Teatro.

JAVIER CAMARENA
Sogno
3 de febrero, 2024
Tenor, Javier Camarena
Piano, Ángel Rodríguez

Programa
I
Quattro canzoni d’Amaranta
I. Lasciami! Lascia ch’io respiri
II. L’alba separa dalla luce l’ombra
III. In van preghi
IV. Che dici parola del saggio?
Malìa
April
Sogno
L’ultima canzone
II
Mélodies
I. Ma bien-aimé
II. Petite valse romantique
III. Avec toi
Because
Vorrei morire!…
’A vucchella
Luna d’estate
Chitarra abruzzese

El rapto en el serrallo

ABAO Bilbao Opera, alcanza el ecuador de la Temporada con una obra maestra del género singspiel, que combina humor, drama, aventura y música sublime: El rapto en el serrallo de Wolfgang Amadeus Mozart. ABAO ha programado cuatro funciones para los días 20, 23, 26 y 29 de enero en el Euskalduna Bilbao. La representación del sábado 20 de enero dará comienzo a las 19:00h y el resto de las funciones se iniciarán a las 19:30h.

El rapto en el serrallo es una ópera en tres actos con libreto de Gottlieb Stephanie, basado en una obra anterior de Christoph Friedrich Bretzner. Inspirada en las circunstancias personales, creencias y miedos del compositor, expresa el romanticismo espiritual de Mozart y su concepción elevada del amor cortés y de la mujer amada.

Encargada al compositor por el emperador José II, pertenece al género “turco”, llena de misterio, sensualidad y seducción, y se estrenó en el Burgtheater de Viena el 16 de julio de 1782 con gran éxito tanto de público como de crítica. Al público de la época le fascinaba el exotismo oriental y la ópera narra una historia de enredo con un noble español, Belmonte, que llega a la costa turca para rescatar a su prometida Konstanze, a su criada Blonde y a su amigo Pedrillo que han sido capturados por el Bassa Selim durante un viaje por mar. La ópera también plantea cuestiones éticas y morales como el respeto a la dignidad humana, la tolerancia religiosa y cultural, y el perdón. El final sorprende por la generosidad del Bassa Selim, que decide liberar a los cautivos y renunciar a Konstanze, reconociendo su amor por Belmonte.

La puesta en escena de este título supone un importante acontecimiento en la temporada de ABAO Bilbao Opera ya que sólo se ha programado anteriormente en una ocasión, en 1995.

LA SUBLIMACIÓN DE LA MUJER AMADA

La ópera muestra el talento de Mozart para construir personajes llenos de matices con gran sensibilidad, que se enfrentan a dilemas éticos y emocionales. La obra concentra destacados números vocales, recitativos, dúos y cuartetos, así como variedad de estilos musicales.

El papel de Konstanze, la aristócrata española secuestrada, es uno de los más difíciles del repertorio mozartiano, con arias que requieren una gran agilidad vocal y un amplio rango de expresión, y está interpretado por la soprano Jessica Pratt. Con grandes momentos para el lucimiento vocal, destacan el aria «Ach, ich liebte«, donde expresa su dolor y fidelidad a su amado; la famosa y extenuante “Martern aller Arten«, donde desafía al Bassa Selim y le dice que está dispuesta a sufrir todo tipo de tormentos antes que traicionar a Belmonte; el dúo «Welch ein Geschick!», o el cuarteto «Ach, Belmonte! Ach, mein Leben!«, en el final de la ópera,donde los protagonistas celebran su liberación junto a Blonde y Pedrillo en una escena de acción y suspense. Jessica Pratt volverá a cantar este difícil rol el próximo mes de febrero en la Scala de Milán.

Moisés Marín, un tenor con una línea vocal amplia y majestuosa, encarna al enamorado Belmonte, y tiene momentos con escenas de gran dificultad como el aria «O wie ängstlich, o wie feurig», donde expresa su amor y angustia por su prometida secuestrada en una pieza con agilidades; el dúo «Welch ein Geschick! O Qual der Seele!», un momento de gran emoción y ternura con una melodía tierna y elocuente donde los amados se reencuentran; o el aria «Ich baue ganz auf deine Stärke» donde Belmonte se prepara para afrontar la ira del Bassa.

Blonde, la joven doncella de Konstanze que comparte su destino de cautiverio, está interpretado por la sevillana Leonor Bonilla, una de las sopranos más sólidas del panorama nacional, con una voz llena de expresividad y riqueza. En sus escenas sobresale el aria “Welche Wonne, welche Lust” .

Mikeldi Atxalandabaso regresa a la escena bilbaína como el fiel criado Pedrillo. El tenor tiene momentos de bravura con escenas como “Frisch zum Kampfe” donde reafirma su valentía o “In Mohrenland gefangen war”, preparando la liberación de las cautivas.

Debuta en ABAO Bilbao Opera el bajo Wojtek Gierlach interpretando a Osmin, el guardián del harén de la casa del Bassa. En sus escenas destacan las arias  “Wer ein Liebchen hat gefunden” y «O, wie will ich triumphieren«, que revelan los matices del personaje.

El bajo y actor Wolfgang Vater, que también debuta, representa el papel del Bassa Selim, un personaje hablado, pero que domina toda la intriga y personaliza el mensaje humanista de la magnanimidad y el perdón.

LUCÍA MARÍN DEBUTA EN ABAO BILBAO OPERA AL FRENTE DE LA EUSKADIKO ORKESTRA

En el podio orquestal para dirigir una partitura deslumbrante, colorista, llena de emoción, dinamismo e intensidad poética mozartiana, debuta en ABAO la directora musical Lucía Marín, al frente de la Euskadiko Orkestra. Su estilo de dirección se caracteriza por la elegancia, la expresividad y la pasión que transmite a músicos y público.

La ópera pertenece al género singspiel, una forma de teatro musical germánico con partes habladas y cantadas, que combina elementos de ópera seria y opera buffa y destaca por la riqueza, originalidad y variedad de su partitura. El rapto en el serrallo refleja las influencias orientales y occidentales del gusto de la época con instrumentos como el triángulo, los platillos y el tambor turco, así como los contrastes entre los personajes, la mezcla de momentos cómicos y dramáticos, y las escenas de gran expresividad emocional. Desde la deslumbrante obertura ya se percibe que es una obra profundamente conmovedora, no sólo por ser el primer singspiel completo de Mozart, si no por la alegría, aliento y espíritu que la inspiran desde la primera nota.

El Coro de Ópera de Bilbao, dirigido por Boris Dujin, completa el apartado musical, y tiene su momento especial al final de la ópera con el famoso “coro de jenízaros”, “Bassa Selim lebe lange”.

ESTRENO ABSOLUTO DE UNA NUEVA PRODUCCIÓN DE ABAO BILBAO OPERA

Nueva producción de ABAO Bilbao Opera, ideada por Mariano Bauduin que también debuta en la temporada, con una propuesta inspirada en los espacios y atmósferas del Imperio Otomano, ofreciendo una cascada de sensaciones y emociones con un ritmo tratado al detalle.

El proyecto incorpora elementos innovadores que enriquecen el lenguaje visual, y consiguen transmitir al público el mensaje universal de la obra a través de un clima escénico envolvente y cautivador.

Nicola Rubertelli pone todo su imaginario creativo al servicio de una escenografía sensual, entretenida y de sólida belleza plástica, arropada por la iluminación de Luigi della Monica, y un vestuario elegante y lleno de exotismo diseñado por la mítica Odette Nicoletti, que en ABAO repone Marianna Carbone.

PROGRAMA DE ACTIVIDADES PARALELAS CON ENTRADA LIBRE

El programa de actividades culturales paralelas que desarrolla ABAO Bilbao Opera con carácter abierto y para todos los públicos, ofrece múltiples oportunidades de acercarse a la ópera con conferencias y encuentros en torno al título en cartel, como el pasado 11 de enero en la Biblioteca Bicebarrieta con la grabación en directo y con público del podcast Concierto Desorden del periodista Gonzalo Lahoz, que entrevistó a Leonor Bonilla.

Las próximas citas son:

  • 16 de enero. Conferencia “El montaje de una ópera. Anécdotas entre bambalinas: El rapto en el serrallo”.
    Centro Municipal de Deusto. 19:00h. Entrada libre hasta completar aforo
  • 17 de enero. Conferencia “El montaje de una ópera. Anécdotas entre bambalinas: El rapto en el serrallo”.
    Centro Municipal de Abando. 19:00h. Entrada libre hasta completar aforo
  • 19 de enero. El ciclo de conferencias “El ABC de la Ópera” en colaboración con DeustoBide, presenta la ópera El rapto en el serrallo y la obra de Mozart de la mano del crítico y editor Luis Gago. La conferencia se retransmite en directo a través del canal de YouTube de ABAO.
    Auditorio Universidad de Deusto. 18:30h. Entrada libre previo registro en la web de ABAO
  •  24 de enero. Santander acogerá una conferencia sobre el título en cartel con una presentación del argumento y los mejores momentos musicales.
    Hora y lugar: consultar en www.abao.org Entrada libre hasta completar aforo.
Enric Martínez-Castignani

El barítono Enric Martínez-Castignani interpreta el papel de Don Alfonso en la emotiva ópera “Così fan tutte” de Wolfgang Amadeus Mozart en el Teatro Calderón de Valladolid. El cantante y gestor cultural se une a un gran elenco que incluye voces
como las de Jaquelina Livieri como Fiordiligi, Carmen Artaza como Dorabella o Joel Prieto como Ferrando.

Bajo la dirección de Carlos Aragón, esta coproducción del Teatro de la Maestranza de Sevilla y el Teatro Calderón, cobra vida gracias a la gran visión creativa de Rafael R. Villalobos en escena y vestuario. Emanuele Sinisi aporta su destreza en la escenografía mientras que Albert Faura ilumina cada matiz visual de este clásico del repertorio mozartiano.

Tras Las bodas de Fígaro y Don Giovanni, Mozart y su libretista da Ponte completan con Così fan tutte su perspicaz trilogía sobre la naturaleza humana impartiendo una clase sobre la fragilidad del amor con una ópera que es una obra maestra del teatro cantado y de la alta comedia. En palabras de Enric Martínez- Castignani: “Para mí, cantar a Don Alfonso, pese a su gran dificultad, siempre ha sido un masaje vocal y un reto interpretativo. Es un personaje que cada vez que lo hago, vuelvo a estudiarlo de cero para encontrar matices y colores nuevos, y profundizar en su compleja personalidad y sabiduría”.

Con este papel, Enric Martínez-Castignani continúa la línea de otros roles operísticos propios del repertorio bufo-belcantista en los que se ha especializado a lo largo de su carrera. Unos papeles en los que ha sido elogiado por público y crítica tanto por sus cualidades vocales e interpretativas como por sus dotes actorales. Así, el barítono ha brillado como Don Pasquale/Malatesta en Don Pasquale, Bartolo en Il Barbiere di Siviglia, Dulcamara en L’elisir d’amore, Taddeo en L'Italiana in Algeri, Dr. Kolenaty en Vec Makropulos, Don Magnifico en La Cenerentola o Lescaut en Manon Lescaut.

Tras una extraordinaria temporada 2023, en la que, entre otros hitos, destacó su debut como Comte Capulet en Romeo et Juliette en Òpera Catalunya, la temporada 2024/25 estará marcada por su regreso a la ABAO en un papel principal, después de su último Bartolo del "Barbiere di Siviglia" con ellos. También podremos ver al cantante en ‘Doña Francisquita’ en el papel de Don Matías que interpretará en el Gran Teatro de Córdoba en el mes de febrero, rol que ha cantado en diferentes ocasiones en 2023 con motivo del centenario del estreno de la obra.

Fotografía (c)Ricardo Rios Visual Art

Cantante de ópera y gestor cultural

Enric Martínez-Castignani combina un doble perfil como cantante de ópera y como gestor cultural. En esta faceta ha sido creador y director artístico del “Lied Festival Victoria de los Ángeles” (LIFE Victoria-BCN) de 2011 a 2016, en el que, a través de múltiples propuestas y en un tiempo limitado, se ofrecía al público conciertos-experiencia y debates para acercarlos progresivamente al mundo del lied. En su labor como divulgador y docente da seminarios y conferencias por todo el país, es profesor del Máster de Gestión Cultural de la Universidad Carlos III de Madrid y además este curso imparte clases en el Máster de Gestión Cultural de la Universidad Complutense de Madrid.

También en esta línea, presentó en Barcelona el informe “Análisis de prácticas de equipamientos y programaciones internacionales de música clásica y ópera”, elaborado por encargo del Consell Nacional de la Cultura i de les Arts (CoNCA) en el que Enric Martínez- Castignani aborda las mejores prácticas para la gestión de teatros de ópera, auditorios y festivales. Este trabajo reúne ideas, reflexiones y análisis en torno a los problemas del sector, estudiando aspectos clave dentro del análisis de prácticas innovadoras como la tecnología y la digitalización, la propuesta creativa y el soporte a la música contemporánea, así como la
implicación con el desarrollo profesional de las jóvenes generaciones de artistas, los trabajos de públicos y audiencias o el compromiso con la Agenda 2030.

Jessica Pratt

Para Jessica Pratt, Konstanze es un personaje “puro, de gran nobleza y humanidad, y al mismo tiempo de gran fuerza y con una personalidad inquebrantable”, asegura entusiasmada. La aclamada soprano australiana de origen británico regresa en enero a ABAO Bilbao Opera para interpretar por primera vez el emblemático personaje de Die Entführung aus dem Serail (El rapto en el serrallo), de Mozart, título que llega a la temporada bilbaína tras 29 años de ausencia; lo hace en medio de una intensa temporada repleta de proyectos, que le ha comportado en el último trimestre de 2023 compromisos como un concierto dedicado a Bellini en la Victorian Opera de Melbourne, su debut como la protagonista de Beatrice di Tenda en su regreso al Teatro San Carlo de Nápoles, Les Contes d’Hoffmann (con el reto de interpretar los roles femeninos de Olympia, Antonia, Giulietta y Stella) en la Opéra Royal de Wallonie en Lieja o la presentación de su álbum DELIRIO (Tancredi Records), que incluye una selección de escenas de locura de personajes emblemáticos de Bellini y Donizetti en el que profundiza en el retrato que en este repertorio se realizaba sobre la salud mental.

Ahora empieza el año con Mozart y nada menos que con otro rol de extrema dificultad como es el de Konstanze, “un personaje que hace tiempo que anhelaba debutar y que llega en un momento óptimo desde el punto de vista de maduración interpretativa; es muy demandante, no solo en el aspecto puramente técnico –de tesitura endiablada y exuberante coloratura a la que hay que dotar de sentido dramático–, sino porque requiere de un centro importante y con peso. Es un personaje fascinante que requiere de una gran concentración sin dejar de lado su psicología: es el único modo de hacerlo creíble. Es fundamental en el primer Singspiel completo que compuso Mozart, una partitura que me encanta, llena de colores y de un halo de misterio, sensualidad y exotismo salpicado de alegría y humor. Me hace una especial ilusión debutarlo en Bilbao, donde siempre me he sentido muy arropada y como en casa”, afirma Jessica Pratt, que en los últimos años se ha prodigado por distintos escenarios españoles.

En Bilbao se han programado cuatro funciones  de El rapto los días 20, 23, 26 y 29 de enero, en una nueva producción de Mariano Baudin y con Lucía Marín al mando del Coro de Ópera de Bilbao y de la Euskadiko Orkestra. Jessica Pratt continuará en febrero y marzo con más funciones como Konstanze en su regreso a La Scala de Milán, para después afrontar su primera Norma, de Bellini, en la Palm Beach Opera (5 y 7 de abril), Lucia di Lammermoor en la Opera Queensland (Australia, 20 y 27 de abril) y un concierto Bellini en esa misma compañía (24 de abril), entre otros compromisos.

Moisés Marín

Este mes de enero viene marcado por el regreso de la ópera “Die Entführung aus dem Serail” (El rapto en el Serrallo) de Mozart a la temporada de ABAO tras 29 años de ausencia. Una renovada producción musical que cuenta con Moisés Marín en el rol protagónico de Belmonte, bajo la dirección musical de la talentosa Lucía Marín y la dirección escénica de Mariano Bauduin, inspirada en los exquisitos espacios del imperio Otomano.

Moisés Marín asumirá el desafiante papel principal de Belmonte, el apasionado amante que se enfrentará a múltiples desafíos para liberar a su amada Konstanze, quien será interpretada por Jessica Pratt. El resto del cuarteto principal lo conforman Leonor Bonilla en el papel de la doncella Blonde y Mikeldi Atazlandabaso será el fiel criado Pedrillo. Moisés Marín aseguraba: “Me siento profundamente agradecido a ABAO por esta oportunidad de poder disfrutar al lado de grandísimos artistas en este título algo menos usual en los teatros que la trilogía ‘Da Ponte’, pero que alberga algunas de las páginas más bellas del repertorio mozartiano”.

La dirección musical estará a cargo de Lucia Marín, quien debuta en la ABAO liderando la Euskadiko Orkestra para interpretar una partitura emotiva, deslumbrante y llena de vida. La escenografía diseñada con esmero por Mariano Bauduin promete sumergir al público en los mágicos y exóticos espacios del imperio otomano.

La trama, ambientada en un palacio junto al mar, sigue a Belmonte (Moisés Marín) en su ardua misión de liberar a su amada Konstanze, prisionera del bajá Selim, interpretado por Wolfgang Váter en su debut en la ABAO.  La trama envuelve al tenor en un tejido de desafíos donde su apasionado amor se ve eclipsado por la sombra del rapto. Moisés Marín, con destreza, da vida a un amante atormentado, cuyas notas melódicas resonaran con fuerza entre las paredes de la ABAO mientras atraviesa las turbulentas aguas del Serrallo para liberar a su enamorada. “Se dice que Mozart no tenía especial predilección por la voz del tenor, puesto que siempre le reserva algunas de las páginas más complejas de sus óperas y en esta no se queda atrás” comenta el propio cantante “cuatro arias en las que exhibir toda la gama interpretativa y técnica posible. Esta obra es un gran reto que me saca de mi zona de confort y me ha hecho aprender y disfrutar aún más de mi instrumento”.

Esta ópera de juventud, inspirada en las propias vivencias personales de Mozart, es un reflejo de sus creencias y miedos, El rapto en el serrallo expresa el romanticismo espiritual de Mozart y su concepción elevada del amor cortés y de la mujer amada.

Die Entführung aus dem Serail, (El rapto en el serrallo) fue la primera ópera alemana completada por Mozart, una ópera plagada de misterio, sensualidad y seducción, con el tema recurrente de la fidelidad pura de la doncella hacia su amado ausente. Es una obra profundamente conmovedora, no sólo por ser el primer Singspiel completo de Mozart, si no por la alegría, aliento y espíritu que la inspiran desde la primera nota. “Existen grandes referentes de este repertorio tales como Frizt Wunderlich, Gösta Winbergh o Francisco Araiza. Los tomo a ellos como inspiración y reflejo del tipo de héroe Mozartiano que quiero crear: noble y elegante a la par que valiente y determinado”, afirmaba el tenor.

Moisés Marín: fuerza y versatilidad

Desde que en la temporada 17/18 terminó su formación en el Centre de Perfeccionament del Palau de les Arts de Valencia, Moisés Marín se ha convertido en un habitual de las temporadas líricas españolas, teniendo presencia desde entonces en el Teatro Real, el Gran Teatre del Liceu, ABAO, el Teatro Campoamor de Oviedo y el de la Maestranza de Sevilla. El cantante ha recibido el premio al Cantante Revelación otorgado por Amics de l’Òpera y de les Arts de la Comunidad Valenciana dos años consecutivos tras triunfar en 2022 con el papel de Spalanzani en Los cuentos de Hoffmann y este año 2023 por el rol de Melot en Tristán e Isolda.

Ha sido miembro del Centre de Perfeccionament del Palau de les Arts. En este periodo de dos años como estable en Les Arts, ha tenido la oportunidad de trabajar técnica y musicalmente con artistas como Plácido Domingo, Fabio Biondi, Roberto Abbado, Mariella Devia, Gregory Kunde, Emilio Sagi y Davide Livermore. Es ganador del 1º Premio en el Concurso Internacional de Canto Ciudad de Logroño y premio especial de Zarzuela. Ha sido alumno del bajo-barítono Carlos Chausson y de la soprano Renata Scotto. Actualmente sigue bajo la tutela del aclamado bajo Eric Halfvarson.

Fotografía (c) Kiko Lozano

Azahar Ensemble

El reconocido quinteto de viento regresa a España los días 12, 14 y 16 de diciembre con nueva Tournée en Madrid y Barcelona, y una variada selección de obras del género camerístico en atriles.

Tras su reciente actuación en el  emblemático Schloss Hohenrain de Lucerna (Suiza) junto al chelista Florian Arnicans, el Azahar Ensemble ha elegido Madrid como punto de partida de su gira española. El CaixaForum, en pleno Paseo del Prado de la capital, acogerá el próximo 12 de diciembre el primer concierto del conocido quinteto de viento. En programa, la Serenata en Do menor KV 388 de Mozart (1756 -1791) en arreglo de David Walter, las Variaciones sobre temas de Joaquín Turina de José Luis Turina (1952), incluidas en su disco “Turina x Turina”, Humoreske, una de las últimas obras del compositor vienés Alexander von Zemlinsky (1872-1942), y las cinco Danses profanes et sacrées  del compositor francés Henri Tomasi (1901-1971). El siguiente concierto de la gira española del Azahar Ensemble será el 14 de diciembre en L’Atlàntida, el complejo cultural situado en Vic. Además de la Serenata de Mozart, la formación interpretará Zehn Stücke für Bläserquintett de Ligeti (1923-2006), en los que el compositor explora las posibilidades tímbricas de los instrumentos. Además, tocarán el Quinteto de viento de Robert Gerhard (1896-1970), la primera de las obras del compositor catalán en la que emplea la técnica serial, y en la que se aprecia una clara influencia de Schoenberg, y Kleine Kammermusik, op. 24, nº 2, del compositor alemán Paul Hindemith (1895-1963).

El 16 de diciembre, L’Auditori de Barcelona será el escenario de la tercera y última cita de esta gira española del Azahar Ensemble, que volverá a interpretar las mencionadas obras de Gerhard, Hindemith y Ligeti para el público de la ciudad condal. Cabe señalar también que los conciertos de Vic y Barcelona serán grabados por Catalunya Música y Radio Nacional de España (RNE), respectivamente.

Fundado hace más de una década por cinco extraordinarios músicos de la JONDE, que actualmente ocupan los primeros atriles de orquestas tan prestigiosas como la Philharmonia Zürich o la Orquesta de la Komische Oper de Berlín, entre otras, el quinteto de viento Azahar Ensemble se ha consolidado como una de las formaciones camerísticas con más proyección del circuito europeo actual, actuando regularmente en festivales y salas de concierto de renombre como la Musikverein de Viena, la Philharmonie de Berlín, el Auditorio Nacional de Madrid, el Palau de la Música de Barcelona, el Prinzregententheater de Munich o el Mozarteum de Salzburgo, entre otros, con el reconocimiento unánime de la crítica especializada, que ha aplaudido su perfección técnica, el diálogo musical entre los distintos instrumentos del conjunto, su transparencia y rigurosidad tímbrica. Entre sus compromisos más inmediatos, cabe destacar su regreso a la Elbphilharmonie de Hamburgo el próximo mes de febrero, con obras de Mozart, Tomasi, Ursina Marina Braun y Carl Nielsen.

Trifonov

El apodado como «Titán del piano», Daniil Trifonov, vuelve a la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional para sumergirnos en su particular imaginario musical que tanto cautiva. P. Rameau, W. A. Mozart, F. Mendelssohn y L. Van Beethoven han sido los compositores escogidos por el pianista ruso para enarbolar esta senda musical que avanza desde las primeras músicas contempladas para pianoforte hasta uno de los hitos del Sturm und Drang pianístico: la Hammerklavier .

La música de P. Rameau, con su Suite en La menor RCT 5, abrirá el programa para narrarnos la historia del maestro del clave francés. Una obra que, a modo de suite, utiliza la danza para descubrirnos algunos de los misterios mejor guardados el estilo francés, su ornamentación, su peculiar sentido del ritmo, sus figuraciones tan características y que tanto fervor causaron en los salones de Versalles…

Del maestro del clave, Trifonov nos presenta al genio del piano clásico, pero desde una perspectiva joven y fresca. La Sonata no 12 de Fa mayor K 332 nos muestra al Mozart recién llegado a Viena, con ganas de marcar un antes y un después no solo en el mundo operístico, sino también en el concepto de músico independiente que no precisaba de un mecenas directo para su manutención.

Pese a ser todavía un compositor casi desconocido por el gran público, es innegable el avance que supuso la música de Félix Mendelssohn en la percepción del piano romántico. Las Variations sérieuses en Re menor, Op. 54 nos descubren el imaginario musical del músico de Hamburgo desde uno de los formatos más apreciados por el compositor de a pie: la miniatura. Mediante un tema y diecisiete variaciones casi efímeras, Mendelssohn da rienda suelta a su fantasía musical para mostrar los diferentes reflejos que una breve melodía puede tener en la mente de un compositor.

El Maestro de Bonn no podía faltar en esta velada dedicada al piano, y es que Daniil Trifonov ha escogido la que seguramente sea la más arrebatadora de las sonatas de L. Van Beethoven para cerrar este recital: la conocida como Hammerklavier. Una obra de heroísmo exacerbado que supone un tour de force para cualquier pianista.

Una Sinfonía encerrada en un piano, de una longitud inusitada para aquella época y que recorre el espectro armónico con una facilidad tan vertiginosa que confunde al propio oído. Para muchos, la gran sonata por antonomasia. Para otros, la gran temida a interpretar.

Con este recital, la Fundación Scherzo se despide hasta 2024 con los recitales de Vadim Repin y Nicolai Luganky en el Ciclo de Grandes Intérpretes (29 de enero) y el concierto de Iván «Melon» Lewis (16 de enero) dentro del Ciclo Horizontes.

Como todos los conciertos de Fundación Scherzo en 2023, este recital estará dedicado a la memoria de Alicia de Larrocha en el centenario de su nacimiento.

Real Teatro de Retiro

El REAL TEATRO DE RETIRO, nuevo espacio del Teatro Real dedicado a la programación de El Real Junior, ofrecerá durante el mes de julio 8 funciones del espectáculo Festín Musical en Familia para clausurar la presente temporada con alegría y diversión.

Este concierto, con guión y presentación de Fernando Palacios, está concebido como “un buen banquete musical donde no falta de nada: una orquesta de jóvenes que tocan un variado repertorio de sándwiches musicales, un coro de espectadores con canciones-chuches de sabores deliciosos, cantantes y solistas tan sabrosos como un chocolate con bollos y juegos participativos sin movernos de la butaca”.

A lo largo del espectáculo desfilarán melodiosas piezas musicales de grandes compositores, del Barroco hasta nuestros días: Antonio Vivaldi, Alessandro Scarlatti, Wolfgang Amadeus Mozart, Johannes Brahms, Piotr Illich Chaikovski, Edvard Grieg, Johann Strauss, Ottorino Respighi y, para terminar, la canción All you need is love, de Los Beatles, que será entonada por el público y los artistas.

La interpretación correrá a cargo de la Joven Camerata de Cuerdas de la JORCAM, que está formada por músicos con edades comprendidas entre los 7 y los 16 años. Actuarán junto a dos jóvenes cantantes, la soprano Anna Kabrera y la mezzosoprano Yeraldín León, que participaron en el programa Crescendo de la Fundación Amigos Teatro Real.

La dirección musical será de Lara Diloy, principal directora invitada de la Barbieri Symphony Orchestra y asistente musical de la Ópera de Oviedo, que, con la complicidad, el humor y los guiños de Fernando Palacios servirán un divertido menú de degustación musical para ser tarareado por todos los públicos.

Con este concierto concluye la presente temporada de El Real Junior, cuya atractiva programación tiene lugar ahora en el REAL TEATRO DE RETIRO, que ofrecerá, a partir de septiembre, 242 funciones de ópera, danza, teatro, conciertos, títeres, cine, etc.–, diseñada para distintos rangos de edades y sus respectivas aptitudes e idiosincrasia, y cuyos abonos están ya disponibles.

Ilustración: Teatro Real

EL FESTÍN MUSICAL

PROGRAMA 

ORGANIZANDO LA FIESTA

Antonio Vivaldi (1678 – 1741)

Concierto en sol mayor, RV 151, «alla rustica»

  1. Presto
  2. Adagio

III. Allegro

PREPARAMOS EL LUGAR Y LA CUCHIPANDA

Piotr Ilich Chaikovski (1840 – 1893)

Serenata para cuerdas en do mayor, op. 48

  1. Finale (Tema Russo)

¡¡CUIDADO CON LAS HORMIGAS!!

Josef Strauss (1827 – 1870) y Johann Strauss (1825 – 1899)

Pizzicato Polka

LA MERIENDA

Edvard Grieg (1843 – 1907)

Suite Holberg, op. 40

  1. Praeludium (Allegro vivace)

JUEGOS Y CANCIONES

Ottorino Respighi (1879 – 1936)

Antiche arie e danze. Suite nº 3

III. Siciliana

  1. Passacaglia

INVITADAS

Antonio Vivaldi       

L’Olimpiade

«Lo seguitai felice»

Domenico Scarlatti (1685 – 1757)

Griselda

«Figlio! Tiranno! O Dio!»

FIN DE FIESTA

Johannes Brahms (1833 – 1897)

Danza húngara nº 5

DESPEDIDA

Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)

La clemenza di Tito 

«Come ti piace imponi»

Antonio Vivaldi                   

Gloria RV 589

Laudamus te

John Lennon (1940 – 1980) y Paul McCartney (1942)

All you need is love

ABAO Bilbao Opera

El sábado 14 de octubre, comienza la temporada 2023-2024 de ABAO Bilbao Opera bajo el signo del amor eterno de Roméo et Juliette, de Gounod, y su influjo viajará por toda la temporada a través del amor idílico, el cortés, el filial y el juvenil. La nueva temporada crece con más actividades culturales y educativas, programas sociales y una programación artística que incluye cinco títulos en el Euskalduna Bilbao y cuatro espectáculos en el Teatro Arriaga.

Bajo el título: “Ópera en estado puro”, primeras figuras, reconocidos maestros musicales, nuevas producciones y una búsqueda invariable por la máxima calidad a todos los niveles, vertebran la nueva temporada de ópera en Bilbao, que quiere dejar huella en socios y aficionados.

PRINCIPALES MAGNITUDES DE LA NUEVA TEMPORADA

  • ABAO Bilbao Opera y la Fundación BBVA, principal patrocinador de la temporada, contribuyen a fomentar la excelencia y la cultura operística y a llevar al público espectáculos de la máxima calidad.
  • Títulos muy conocidos del repertorio italiano como L’elisir d’amore, Rigoletto y La bohème, combinan con otros menos frecuentes del repertorio francés, Roméo et Juliette y el alemán, Die Entführung aus dem Serail (El rapto en el serrallo).
  • Entre las óperas y espectáculos programados, hay el estreno de una nueva producción propia: Die Entführung aus dem Serail (El rapto en el serrallo) y dos nuevas coproducciones, Roméo et Juliette y Rigoletto.
  • Se ofrecen un total de 44 funciones: 27 en la temporada general en el Euskalduna Bilbao, y 17 para el público infantil y juvenil en la temporada ABAO Txiki en el Teatro Arriaga.
  • Los maestros que visitan la nueva temporada: Lorenzo Passerini, Iván López-Reynoso, Lucía Marín, Daniel Oren y Pedro Halffter dirigen a la Bilbao Orkestra Sinfonikoa y la Euskadiko Orkestra, que junto al Coro de Ópera de Bilbao, amplían su repertorio y afianzan el prestigio artístico de los colaboradores estables de ABAO.
  • Debutan 12 cantantes junto a reconocidos intérpretes que triunfan en los principales teatros de ópera del mundo.
  • ABAO Txiki ofrece 4 espectáculos para diferentes edades. Tres de ellos con sesiones escolares que revalidan el compromiso de ABAO con la formación, la educación musical y el público infantil y juvenil.
  • Abre la temporada El flautista de Hamelín y se suman tres estrenos en la temporada ABAO Txiki: El gato con botas, Andersen, el patito feo e Hirira.
  • El programa didáctico y formativo ofrece multitud de actividades gratuitas en distintos programas de actuación para colectivos de diferentes edades y procedencias.
  • Continúa con éxito el programa Gazteam con actividades e incentivos económicos para los menores de 25 y 30 años.
  • El programa social y solidario “Ópera y +” en el Hospital Universitario Cruces consolida su actividad con actividades tanto dentro como fuera del Hospital y cuenta con la colaboración de la Fundación EDP, Fundación “la Caixa” y Zabalgarbi.

72º TEMPORADA DE ÓPERA
La 72o Temporada de ABAO Bilbao Opera, con una gran variedad de estilos y composiciones, recorre más cien años de creación musical, desde un refinado Mozart de finales del s. XVIII a un enternecedor Puccini en los albores del s. XX, y se inspira en el influjo amoroso y la explosión de los sentimientos de historias y dramas conmovedores.

Cinco compositores: Gounod, Donizetti, Mozart, Verdi y Puccini traen al escenario de ABAO conocidos títulos del repertorio italiano como como L’elisir d’amore, Rigoletto y La bohème, combinados con otros menos frecuentes del repertorio francés, Roméo et Juliette y el alemán, Die Entführung aus dem Serail (El rapto en el serrallo).

Una nueva temporada en la que debutan 12 cantantes, dos directores musicales y cinco directores de escena. El Coro de Ópera de Bilbao, dirigido por Boris Dujin, se ocupa de la parte coral de la temporada, y junto a la Bilbao Orkestra Sinfonikoa y la Euskadiko Orkestra que gozan de un creciente prestigio nacional e internacional, participan en la programación consolidando sus vínculos como colaboradores estables de ABAO Bilbao Opera.

En el escenario destaca la presencia de cuatro mujeres: Nadine Sierra, que debuta, Jessica Pratt, Sabina Puértolas y Miren Urbieta. Junto a ellas, grandes voces como Javier Camarena, Ismael Jordi y los debutantes Joel Prieto y Amartuvshin Enkhbat, entre otros.
Coincidiendo con las representaciones, ABAO Bilbao Opera seguirá realizando una intensa actividad paralela con ciclos de conferencias, talleres, visitas guiadas, fidelización y captación de nuevos públicos y otras actividades sociales y culturales en colaboración con distintas instituciones y empresas.

La Fundación BBVA cuyo rasgo diferencial es el impulso al conocimiento científico y la creación cultural, colabora con ABAO Bilbao Opera como patrocinador principal de la temporada.

Charles Gounod
ROMÉO ET JULIETTE
21, 24, 27 y 30 octubre 2023
• Dos protagonistas de excepción: Javier Camarena y Nadine Sierra.
• En escena el estreno de una elegante producción de Giorgia Guerra, simbólica, limpia y estilizada.
• En el foso el maestro Lorenzo Passerini al frente de la Euskadiko Orkestra dirige una exigente partitura llena de fuerza.
ABAO Bilbao Opera programa por cuarta vez en su historia Roméo et Juliette, uno de los títulos favoritos del repertorio francés cuyo libreto se basa en el drama homónimo de William Shakespeare.

Esta ópera con prólogo y cinco actos narra la historia de amor juvenil por antonomasia, donde se aúnan pasiones y odios, ofensas y perdón, amor y muerte. En esta ocasión ABAO Bilbao Opera ha reunido un dúo sublime para protagonizar a los enamorados más célebres del mundo con Javier Camarena y Nadine Sierra. El tenor mexicano, está reconocido como uno de los máximos exponentes del repertorio belcantista romántico y uno de los más admirados en todo el mundo. A su lado, la soprano estadounidense Nadine Sierra que debuta en Bilbao para meterse en la piel de Juliette. Ambos cuentan con algunas de las páginas más populares del repertorio operístico, como el vals de entrada de Juliette “Je veux vivre”, la exigente aria de Roméo “Ah! Lève-toi soleil!” o el dúo de ambos “O nuit divine”.

En el apartado musical, el maestro Lorenzo Passerini debuta al frente de la Euskadiko Orkestra para dirigir una partitura plena de lirismo, poesía, refinamiento y elegancia, cualidades tan características de la ópera francesa.

En el escenario una coproducción de ABAO Bilbao Opera y la Ópera de Oviedo firmada por la regista italiana Giorgia Guerra, en su debut en ABAO, que presenta una propuesta joven, estilizada e impactante visualmente. Los amantes viven en un espacio versátil que configura desde un palacio hasta el clásico mortuorio, en una escenografía que destaca por el exhaustivo trabajo de video proyecciones.

Gaetano Donizetti
L’ELISIR D’AMORE
18, 21, 24, 25 (Opera Berri) y 27 de noviembre 2023
• Una de las obras más populares de Donizetti y de las más queridas del público.
• Un reparto joven encabezado por Elena Sancho Pereg y Joel Prieto.
• En el apartado musical el destacado maestro Iván López-Reynoso al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa.
• Producción de Marina Bianchi, fresca, ágil y muy divertida, estreno nacional.
• XVIII edición del programa Opera Berri con un segundo cast en los roles principales y entradas al 50% de su precio habitual.

Vuelve en noviembre una de las óperas más queridas por el público y una de las joyas más encantadoras de la ópera bufa del siglo XIX: L’elisir d’amore de Donizetti. Esta comedia sentimental ambientada en el País Vasco es una de las cimas de la producción del maestro italiano, y posee una mezcla equilibrada entre la comedia y el drama, la profundidad y la José María Olabarri 2-4. 48001 Bilbao. T. 944 355 100 abao@abao.org www.abao.orgsencillez, el romanticismo y la melancolía, con personajes arquetípicos inspirados en la commedia dell’arte.

Encabezan el reparto la joven soprano donostiarra Elena Sancho Pereg y el tenor madrileño Joel Prieto, que debuta en ABAO y cuya carrera se ha desarrollado con gran éxito en Estados Unidos, quien será el encargado de entonar la famosa aria “Una furtiva lagrima”. El barítono Pablo Ruiz y el bajo Paolo Bordogna completan el cuarteto.

En el podio orquestal para dirigir una partitura con gran frescura e inspiración, el maestro Iván López-Reynoso, al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa.

En escena una producción estreno en España, divertida, fresca y ágil firmada por Marina Bianchi que resalta la juventud y el enamoramiento recreando una delicada escenografía al aire libre.

El 25 de noviembre este título tendrá función Opera Berri. Esta iniciativa sociocultural de ABAO Bilbao Opera, cumple su XVIII edición y tiene el objetivo de acercar la ópera a la sociedad, con títulos muy conocidos y entradas al 50% de su precio habitual. El dúo protagonista está encarnado por Helena Orcoyen y David Alegret.

Wolfgang Amadeus Mozart
DIE ENTFÜHRUNG AUS DEM SERAIL (El rapto en el serrallo)

20, 23, 26 y 29 de enero 2024
• Un elenco integrado por las voces impecables de Jessica Pratt, Moisés Marín, Leonor Bonilla y Mikeldi Atxalandabaso en el cuarteto protagonista.
• En la dirección musical la directora Lucía Marín al frente de la Euskadiko Orkestra.
• Nueva producción de ABAO Bilbao Opera de Mariano Baudin, llena de exotismo y emociones.

Inicia 2024 Die Entführung aus dem Serail, (El rapto en el serrallo), la primera ópera alemana completada por Mozart, que vuelve a la temporada de ABAO Bilbao Opera después de 29 años de ausencia. Opera de juventud, inspirada en sus propias circunstancias personales, en sus creencias y miedos, El rapto en el serrallo expresa el romanticismo espiritual de Mozart y su concepción elevada del amor cortés y de la mujer amada.

La ópera pertenece al género “turco”, llena de misterio, sensualidad y seducción, y con el tema recurrente de la fidelidad indestructible de la doncella por su amado ausente. Es una obra profundamente conmovedora, no sólo por ser el primer Singspiel completo de Mozart, si no por la alegría, aliento y espíritu que la inspiran desde la primera nota. Es una ópera de enredo con todos los elementos exóticos que requiere: un serrallo, doncellas cautivas a la espera de ser rescatadas por un amante lejano, un sultán, criados y muchas situaciones equívocas.

Entre los protagonistas, el deseado regreso de Jessica Pratt en el papel de Konstanze que requiere una soprano de características vocales excepcionales, y Moisés Marín, como el atribulado amante Belmonte. Leonor Bonilla y Mikeldi Atxalandabaso como la doncella Blonde y el fiel criado Pedrillo, completan el cuarteto protagonista.

José María Olabarri 2-4. 48001 Bilbao. T. 944 355 100 abao@abao.org www.abao.orgEn el podio orquestal para dirigir una partitura deslumbrante, colorista, llena de emoción, dinamismo e intensidad poética mozartiana, debuta en ABAO la directora musical Lucía Marín, al frente de la Euskadiko Orkestra.

Nueva producción de ABAO Bilbao Opera, ideada por Mariano Baudin que también debuta, con una propuesta inspirada en los espacios y atmósferas del imperio Otomano, y que ofrece una cascada de sensaciones y de emociones con un ritmo tratado al detalle, y un vestuario elegante y lleno de exotismo.

Giuseppe Verdi
RIGOLETTO
17, 20, 23 y 26 de febrero 2024
• Trío de grandes voces protagonistas: Amartuvshin Enkhbat, Sabina Puértolas e Ismael Jordi.
• Nueva coproducción de ABAO Bilbao Opera, firmada por Miguel del Arco que muestra una visión audaz y original de la historia.
• Daniel Oren, uno de los grandes maestros internacionales, al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa.
• Patrocina la Fundación BBVA
Una de las óperas más universales del genio italiano y obra favorita del compositor, que le otorgó el reconocimiento internacional y cuya presencia en los teatros ha sido continua desde su estreno en 1851. Este viaje dramático de fuerza innegable en tres actos, desbordante de pasión, engaño, amor paterno filial y venganza, está basado en la pieza teatral ‘Le Roi s’amuse’ de Victor Hugo. La historia habla de un bufón que lucha por equilibrar los elementos enfrentados de belleza y perversidad que existen en su vida. Es una obra universal, tremendamente popular, que se mantiene entre las preferidas de todos los públicos.

El desgraciado bufón que vive aterrorizado porque pueda pasarle algo malo a su hija, está interpretado por Amartuvshin Enkhbat, un barítono que debuta en la temporada bilbaína. Sabina Puértolas encarna a la obstinada Gilda que se debate entre la pasión por el Duca y el amor por su padre. Una soprano de raza, con momentos y escenas de gran intensidad dramática. Completa el trío protagonista el tenor jerezano Ismael Jordi que da vida al promiscuo Duca di Mantua y pone voz a una de las melodías más reconocidas del mundo de la lírica: ‘La donna è mobile’.

El prestigioso maestro Daniel Oren, quien ya ha dado muestras de su buen hacer en pasadas temporadas, se hace cargo de la dirección musical al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa, para poner música a una partitura plagada de hermosas melodías.
La dirección de escena es del polifacético Miguel del Arco, un director de teatro, cine, actor y dramaturgo, que cuenta con varios premios Max en su haber, y se caracteriza por su audacia a la hora de exponer con estilo actual, el carácter de los personajes y las atmósferas de las distintas escenas. Miguel del Arco propone una efectiva puesta en escena de estética contemporánea para explicar la trama, en la que lobos y scorts, representan las expresiones de la naturaleza humana, el sexo, la violencia, el amor o el odio. Los momentos más intensos se realzan con proyecciones expresionistas.

Giacomo Puccini
LA BOHÈME
18, 21, 24 y 27 de mayo 2024
• Miren Urbieta, Marina Monzó y Manel Esteve en un reparto de grandes voces.
• Producción clásica que recrea el París del XIX, concebida por Leo Nucci, que debuta en ABAO como director de escena.
• Pedro Halffter afronta una partitura de enorme belleza musical y eficacia dramática al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa.
• Patrocina la Fundación BBVA
Clausura la temporada en mayo con el patrocinio de la Fundación BBVA la apasionada, atemporal e indeleble historia de amor entre jóvenes artistas de París, La Bohème de Puccini. Es una de las más bellas, trágicas, conmovedoras y complejas óperas del repertorio lírico italiano, y un título imprescindible que en la temporada bilbaína se ha representado en 28 ocasiones.

Esta historia trágica e inmortal tiene la habilidad de causar desde el principio un poderoso atractivo, y la convierten en una de las óperas más apreciadas y admiradas internacionalmente, y en una de las grandes favoritas del público, las casas discográficas y los
teatros. La relevancia de este título y su eterno atractivo se reflejan en su gran popularidad.

Esta obra, definida por Puccini como la ópera de “piccole cose”, se desarrolla en el Barrio Latino de París siendo el hilo conductor de su argumento la historia de amor de dos jóvenes artistas bohemios, Mimì y Rodolfo. La soprano guipuzcoana Miren Urbieta afronta el rol de la desgarradora costurera atenta a las tribulaciones de su enamorado poeta. La soprano Marina Monzó y el barítono Manel Esteve son los amantes tempestuosos Musetta y Marcello Una de las claves del éxito de esta ópera está en la enorme belleza musical y eficacia dramática de su paleta orquestal, donde los sentimientos y las pulsiones quedan reflejados tanto en los motivos musicales como en los objetos y ambientaciones. El maestro Pedro Halffter acompaña a la Bilbao Orkestra Sinfonikoa en esta narración sentimental.

En el escenario, una producción ideada por el legendario barítono, ahora también director de escena, Leo Nucci. De corte tradicional, perfil clásico y carácter realista, con escenas y trajes de época y una iluminación valiente y efectiva, retrata un París típico del XIX con una reconstrucción del Barrio Latino llena de encanto y detalles sutiles.

XIX TEMPORADA ABAO TXIKI
• Cuatro espectáculos: El flautista de Hamelin, El gato con botas, Andersen, el patito feo e Hirira.
• 17 funciones para públicos de diferentes edades.
• Tres estrenos en la temporada ABAO Txiki.
ABAO Bilbao Opera mantiene su compromiso con la educación y el desarrollo de los más jóvenes desde la innovación y la programación de espectáculos de calidad. La decimonovena edición de ABAO Txiki en el Teatro Arriaga se afianza tanto en el aspecto artístico como en el pedagógico, con cuatro espectáculos, tres de ellos estreno en ABAO con los montajes más esperados por el público familiar, y 17 funciones, tres de ellas escolares, dirigidas a centros educativos.

Una versión renovada de El flautista de Hamelin inaugura la temporada en octubre con una ópera con música de Iñigo Casalí basada en el popular cuento de los hermanos Grimm para seis cantantes, dos coros y orquesta. Utilizando técnicas del musical, la acción se mueve vertiginosamente mostrando diferentes escenas donde los personajes transitan. Llena de humor, la propuesta de OCN lleva del cuento a la historia, para a través del canto, la música, la iluminación y la escenografía, hablar de temas como la traición, la mentira, la bondad y la nobleza.

Para celebrar el Año Nuevo llega en enero el estreno de El Gato con botas de Xavier Montsalvatge, ópera basada en el tradicional cuento de Perrault. Esta versión escénica para piano, cinco cantantes y un bailarín, cuenta con un divertido vestuario y rescata la esencia del cuento que hace reír y soñar a pequeños y grandes por igual. Escenas llenas de colorido y humor sin abandonar el refinamiento de una deliciosa partitura en la que el ballet también tiene un protagonismo relevante.

El tercer cuento de la temporada llega en marzo con un nuevo estreno: Andersen, el patito feo, de Jordi Cornudella. Una narración musical para orquesta de cámara, títeres y proyecciones de vídeo a partir del popular cuento de Hans Christian Andersen, que pone en valor la importancia de la autenticidad, el afecto y la bondad como espacios de comprensión del mundo. Un espectáculo de la compañía Etcétera con dirección de escena de Enrique Lanz.

Cierra la temporada en mayo el estreno en Bilbao de Hirira de la Quincena Musical Donostiarra. Con la obra de Paul Hindemith Wir bauen eine Stadt como guía, Hirira es un espectáculo que nace de la mirada infantil que observa la ciudad de una forma activa y creativa. Una ópera creada por los niños y niñas del Coro Easo en la que se muestran los entresijos de una ciudad imaginaria que se va construyendo libremente. Hirira es una invitación para pensar los lugares que habitamos, para formar otras realidades y dibujar nuestros propios mapas.

ABAO ACCESIBLE. ACTIVIDADES CULTURALES Y PROGRAMA SOCIAL
• El ciclo “El ABC de la Ópera” ofrece cinco nuevas conferencias en torno a los títulos de la temporada.
• Más de tres décadas de programa didáctico en torno a la ópera con más colectivos destinatarios.
• El programa “Ópera y +” en el Hospital Universitario de Cruces, inicia su IX edición y continúa su labor de acompañamiento emocional con más actividades.
• Gazteam ABAO se afianza entre los jóvenes aficionados.
• ABAO Bilbao Opera participa en el programa LABORLAN de formación en artes escénicas para fomento del empleo.
ABAO Bilbao Opera organiza un amplio programa cultural y social con actividades gratuitas y accesibles abierto a toda la sociedad, con el objetivo de acercar la ópera a todos los públicos creando espacios para la cultura y el arte.

El ciclo “El ABC de la Ópera” con conferencias gratuitas y ponentes de reconocido prestigio en el sector, celebra una nueva edición en la Universidad de Deusto en colaboración con DeustoBide. Los participantes de esta edición son: el crítico musical, editor y escritor Luis Gago, el reconocido periodista y escritor Rubén Amón, la musicóloga y divulgadora musical Eva Sandoval, el musicólogo, profesor y divulgador Pablo Lorenzo Rodríguez, y la pareja formada por los periodistas Rafael Bernardo y Mariela Rubio.

El Programa didáctico de ABAO, pionero en el Estado, comienza el curso en septiembre en más de un centenar de centros educativos con charlas divulgativas y talleres. El Programa está dirigido principalmente a los grados de infantil, primaria y ESO, e incluye guías pedagógicas para docentes y las sesiones escolares de la temporada ABAO Txiki.

Esta actividad se extiende a otros grupos y colectivos de adultos como las aulas de la experiencia y centros culturales de mayores tanto en universidades como en ayuntamientos de distintas localidades de Bizkaia, Gasteiz, Burgos o Santander. El Programa Senior incluye charlas didácticas, visitas al teatro y asistencia a las óperas.

El programa “Ópera y +” que busca contribuir, a través de la ópera y actividades paralelas dentro y fuera del hospital, al bienestar emocional de pacientes, familiares y personal sanitario del Hospital Universitario Cruces y que empezó en las áreas de Nefrología, Pediatría, y Neonatología, se ha extendido durante las últimas ediciones y atiende también a los servicios de Digestivo, Medicina interna, Neumología, Oncología, Oncología radioterápica, Ruta de cuidados paliativos y Hospital de Día. El proyecto, innovador y solidario, inicia en septiembre su IX edición y cuenta con la colaboración de la Fundación EDP, Fundación “la Caixa” y Zabalgarbi.

Asimismo, ABAO Bilbao Opera sigue trabajando en la captación y fidelización del público joven, con facilitades y atractivos de distinta índole como el programa para jóvenes menores de 30 años Gazteam ABAO, que cuenta con tarifas planas de 25 y 30€ para ir a la ópera en cualquier título o función y en las mejores localidades disponibles.

Los programas y actividades solidarias de inclusión y colaboración social para favorecer el acercamiento a la lírica y la cultura a personas con capacidades diversas o en situación de riesgo de exclusión, continúan su desarrollo en colaboración con distintas organizaciones del tercer sector y empresas e instituciones colaboradoras.

Este año ABAO Bilbao Opera afianza su vocación de servicio público y participa en la cuarta edición de LABORLAN, un programa mixto de empleo y formación impulsado por DEMA, la Agencia Foral de Empleo y Emprendimiento de la Diputación Foral de Bizkaia. El programa ofrece por primera vez, formación especializada en Técnicas de escenario y tramoya aplicadas a las industrias culturales y creativas, así como inserción laboral con un contrato en prácticas. ABAO Bilbao Opera acompaña y tutoriza a las personas participantes, tanto en la fase de formación como durante la contratación laboral.

Don Giovanni

El Palau de les Arts estrena este jueves, 2 de marzo, ‘Don Giovanni’, de Mozart. Riccardo Minasi desde el podio y Damiano Michieletto en la escena culminan con este título la conocida ‘Trilogia Da Ponte’, que Les Arts inició en 2019 (con ‘Le nozze di Figaro’ y que continuó en 2020 con ‘Così fan tutte’).

Riccardo Minasi y Eleonora Gravagnola, directora de escena de la reposición, junto con el barítono Davide Luciano, han acompañado hoy a Jesús Iglesias Noriega, director artístico de Les Arts, en la presentación de esta ópera, que se representará hasta el próximo día 12 de marzo en la Sala Principal.

Iglesias Noriega ha recordado que Mozart conforma uno de los ejes fundamentales en la programación de Les Arts, con una presencia ineludible cada temporada operística y siempre de la mano de reconocidos expertos en su repertorio.

Riccardo Minasi, director titular de la Mozarteum Orchester de Salzburgo, regresa a Les Arts después de su sensacional debut con la Orquestra de la Comunitat Valenciana con el concierto ‘Desde Italia’ en 2021.

Consagrado mozartiano, el también director musical del Teatro Carlo Felice de Génova es, asimismo, el primer director artístico de la Orquesta Suiza La Scintilla que fundó Nickolaus Harnoncourt y que es la formación residente en la Ópera de Zúrich para los repertorios barroco y clásico. Riccardo Minasi ha sido, además, cofundador y director del conjunto Il Pomo d’Oro del 2012 al 2015.

Eleonora Gravagnola es la encargada de reponer en València esta producción de Damiano Michieletto que cosechó una excelente acogida entre el público y la prensa especializada en su estreno en La Fenice de Venecia y le valió el Premio Abbiati de la crítica italiana por su escenografía y vestuario.

Escénicamente, Michieletto plantea una producción fiel a la época en que se escribió la obra y un acercamiento psicológico para profundizar en las complejas relaciones entre los personajes que giran alrededor de Don Giovanni, que una vez que entran en contacto con él, caen seducidos por una enfermiza fascinación. Cuando está en escena, Don Giovanni domina todas las relaciones que se establecen en ese momento, y cuando no está, los demás personajes sufren por su culpa.

Paolo Fantin propone una estructura escénica circular, en movimiento casi perpetuo, en la que reproduce una decadente villa del ‘Settecento’, de mobiliario austero y desgastados tapices color pastel, dominada por sombras alargadas y luces opacas que recrean la iluminación diseñada por Fabio Barettin. Carla Teti se inspira también en el siglo XVIII, con un vestuario sobrio y elegante, en consonancia con el planteamiento estético de la producción.

Les Arts reúne un sólido elenco de jóvenes y reconocidos intérpretes con Davide Luciano en el papel protagonista. Gracias al reconocimiento de público y crítica por sus trabajos en el repertorio clasicista y belcantista, el barítono italiano se ha erigido en una de las voces de referencia en su tesitura, con Nueva York, Milán, Berlín o Moscú, entre otras plazas. Se trata de su tercera actuación en Les Arts, tras sus intervenciones en ‘Costì fan tutte’ (2020) y ‘Fasltaff’ (2021).

Ruth Iniesta debuta el papel de Donna Anna en su cuarta incursión en el teatro de ópera valenciano, donde ha cantado anteriormente en ‘Il viaggio a Reims’ (2020), ‘Pagliacci’ y ‘Doña Francisquita’ (2021). La soprano zaragozana está considerada como una de las intérpretes españolas de mayor proyección tras su debut el pasado año en las óperas de París y Viena.

Giovanni Sala, que cantó la pasada temporada en ‘Macbeth’, se reencuentra con el público valenciano con el rol de Don Ottavio. El joven tenor, que cuenta con una intensa carrera en los principales teatros italianos, ha trabajado, entre otros, con Riccardo Muti.

También regresa Elsa Dreisig, que se presentó en Les Arts de la mano de Marc Minkowski y Les Musiciens du Louvre en ‘Mitridate’ en 2019. La soprano franco-danesa es otro de los nuevos valores de la lirica en Europa, con trabajos en las óperas de Berlín y París y en festivales como Aix-en-Provence y Salzburgo.

Riccardo Fassi encarna a Leporello. Con un repertorio que abarca Mozart, el bel canto y Verdi, el bajo italiano es uno de los nombres con más proyección en su tesitura, con presencia en los repartos de Viena, París, Milán, Londres y Berlín. Hizo su primera aparición en Les Arts con Alidoro en ‘La Cenerentola’ (2020).

Después de su aplaudido debut en ‘Ariodante’ (2022), Jacquelyn Stucker interpretará en València el papel de Zerlina. La emergente soprano estadounidense, con compromisos en Londres y Berlín, volverá a Les Arts en mayo para protagonizar ‘L’incoronazione di Poppea’, tras su excelente acogida en Aix-en-Provence.

En el rol de Masseto, Les Arts presenta a una de las sensaciones operísticas del momento, el bajo-barítono Adolfo Corrado, que, pese a su juventud, ha cantado con maestros como Daniel Oren, Zubin Mehta, Gianandrea Noseda, Renato Palumbo, Daniele Gatti o Stefano Montanari, con una agenda con compromisos y trabajos en Milan, Zúrich, Ámsterdam, Venecia o Salzburgo.

Gianlucca Buratto, uno de los grandes nombres del circuito internacional interpreta a Il Commendatore. El bajo italiano es artista asiduo de Les Arts, donde ha participado, entre otras óperas, en ‘Tosca’, ‘Thaïs’, ‘I due Foscari’ y ‘La bohème’.

Además del estreno este jueves, 2 de marzo, Les Arts representará ‘Don Giovanni’ los días 4, 7, 10 y 12 de marzo. Las funciones de esta ópera cuentan con la colaboración de Turisme de la Comunitat Valenciana.

Maratón Mozart

De manera paralela a las representaciones de ‘Don Giovanni’, Les Arts ha programado la ‘Maratón Mozart’, un proyecto multidisciplinar centrado en celebrar la obra y vida del compositor austríaco Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791).

La ‘Maratón Mozart’ incluye más de 30 actividades culturales desde el 27 de febrero hasta el 12 de marzo. Durante dos intensas semanas, la figura del genio de Salzburgo y su trascendencia en la cultura occidental serán el eje vertebrador de las propuestas de 2023, con una agenda en Alicante, Castelló y València con ópera, conciertos, recitales, conferencias, coloquios, talleres, actividades familiares y proyecciones cinematográficas.

Fotografía: ©Mikel_Ponce-LesArts

GRIGORY SOKOLOV

La Sala Sinfónica del Auditorio Nacional vuelve a ser protagonista de uno de los conciertos más esperados cada año en el ambiente musical madrileño. El pianista Grigory Sokolov presenta su programa 2023, que en esta ocasión está a la música de Henry Purcell —con toda una primera parte de obras breves, suites, chaconas, canciones o rounds, típicos del barroco inglés—, y una segunda parte dedicada a la música de Mozart, con la Sonata no13 en si bemol mayor, KV 333 (315c), op.7 no2 y el Adagio en si menor, KV 540. Se trata de un repertorio poco usual, lo que convierte esta velada en algo único, ya que pocas veces se ha visto a un pianista de su calado dedicarle la mitad de un concierto a obras para tecla de Henry Purcell.

«El arte carismático de Sokolov tiene el poder de cultivar la concentración necesaria para que el público contemple incluso las composiciones más familiares desde nuevas perspectivas. En recital atrae a los oyentes a una estrecha relación con la música, trascendiendo asuntos de exhibición superficial y espectacularidad para revelar un significado espiritual más profundo. El arte de Sokolov descansa sobre los sólidos cimientos de su personalidad única y su visión individual.»

Este concierto se suma a las celebraciones por el centenario del nacimiento de Alicia de Larrocha — al que nuestro ciclo, en su 28o edición, está dedicado—, que le seguirán los recitales de Piotr Anderszewski (14 de marzo), Javier Perianes (18 de abril), Seong-Jin Cho (30 de mayo) y Arcadi Volodos (27 de junio).

www.fundacionscherzo.es

Sokolov©-Anna-Flegontova

Maratón Mozart

Les Arts presenta la ‘Maratón Mozart’, un proyecto multidisciplinar centrado en celebrar la obra y vida del compositor austríaco Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791). Realizada en colaboración con Turisme de la Comunitat Valenciana, incluye más de 30 actividades culturales desde el 27 de febrero hasta el 12 de marzo.

Después de la excelente acogida de las ediciones dedicadas a Rossini y a Verdi, las representaciones de la ópera ‘Don Giovanni’ en la Sala Principal, con la que Les Arts culmina la ‘Trilogía Da Ponte’, que inició en 2019, son el punto de referencia de la ‘Maratón Mozart’.

Durante dos intensas semanas, la figura del genio de Salzburgo y su trascendencia en la cultura occidental, serán el eje vertebrador de las propuestas de 2023, con una agenda en Alicante, Castelló y València con ópera, conciertos, recitales, conferencias, coloquios, talleres, actividades familiares y proyecciones cinematográficas.

Además de los artistas del Centre de Perfeccionament y de la Orquestra de la Comunitat Valenciana (OCV), la programación musical se nutrirá de la participación de otros activos artísticos de la Comunitat como los estudiantes de los conservatorios superiores de Música de València y de Castelló, los alumnos los conservatorios profesionales de Música de València, Torrent y de Requena,  la Orquestra Filharmònica de la Universitat de València (OFUV) y los pianistas Carlos Apellániz, Claudio Carbó, José Songel y Juan Songel.

Los diversos programas musicales abarcarán la rica producción de Mozart, con especial atención a su música de cámara y para piano.

Les Arts y sus diferentes salas compartirán la sede de la ‘Maratón Mozart’ con diferentes escenarios de las tres provincias, La Nau, la Filmoteca, La Beneficiència, el Auditori de CaixaForum València, el Centro Penitenciario de Picassent, el Auditori-Escola de Guardamar del Segura, la Universitat Jaume I de Castelló o la Iglesia Santa María de Requena.

La programación musical tendrá como complemento una amplia actividad divulgativa y didáctica, a la que se sumarán propuestas habituales de Les Arts. Ramon Gener, ofrecerá la conferencia ‘MÚSICA=MOZART’, el próximo 1 de marzo a las 19.30 h en el Auditori de Les Arts, con el acompañamiento musical de las voces de los cantantes del Centre de Perfeccionament.

Por su parte, ‘Perspectives’, la charla-coloquio que propone Amics de l’Òpera i de les Arts de la Comunitat Valenciana (AOA) sobre los diferentes títulos de la programación operística, analizará, el miércoles, 8 de marzo, la producción de ‘Don Giovanni’ con los protagonistas del montaje. En esta ocasión, el encuentro irá precedido del recital ‘Fantasía Mozartiana’ a cargo de la violinista Susanna Gregorian de la OCV y del pianista y coordinador musical de Les Arts, Stanislav Angelov.

Paralelamente, ese mismo día, a las 19.00 h, se celebrará el evento ‘Les dones i Mozart’ en el Centre Cultural La Beneficència, donde se procederá a una lectura de cartas escritas por el compositor a diversas mujeres de su entorno, como su hermana mayor Maria Anna, conocida como ‘Nannerl’, a cargo del Institut Lluís Vives. Complementan esta propuesta los profesores de la OCV, Samuel Espinosa y Carles Civera.

En colaboración con Les Arts, los días 3 y 9 de marzo, a las 20.00 h y 18.00 h respectivamente, la Filmoteca de València proyectará también el film musical ‘Don Giovanni’ (1979) del director estadounidense Joseph Losey. Esta adaptación, que respeta tanto partitura y libreto originales, está protagonizada por el mítico barítono Ruggero Raimondi con el acompañamiento musical de la Orquesta de la Ópera de París.

También cabe destacar las actividades que se enmarcan en el programa didáctico de Les Arts y que forman parte de la maratón. Además de los habituales talleres ‘Ópera en construcción’ y ‘Una mañana con…’, la nueva propuesta familiar ‘El misterio de Leporello’, que tendrá lugar el viernes 3 de marzo a las 19.30 h, aproxima este personaje de Mozart y reivindica la figura de su rol como pieza fundamental dentro de las tramas de la ópera.

La retransmisión en ‘streaming’ de la última función de ‘Don Giovanni’, el próximo 12 de febrero, clausurará la ‘Maratón Mozart’. Les Arts ofrecerá de forma gratuita la señal de la ópera a los municipios y asociaciones musicales de la Comunitat Valenciana que quieran adherirse a esta iniciativa.

Para más información sobre la adquisición de localidades, los interesados pueden consultar el apartado dedicado a la ‘Maratón Mozart’ en la página web de Les Arts a partir del 20 de febrero.

Fotografía: Miguel Lorenzo

Notos Quartett

El Notos Quartett regresa este mes a nuestro país para embarcarse en una gira de conciertos, en la que visitará Valencia, Murcia, Madrid y Zaragoza. La gira del multipremiado cuarteto alemán dará comienzo el próximo 19 de febrero con un concierto en el CaixaForum de Valencia, en el que interpretará el Cuarteto con piano en Mi bemol mayor KV 493 de Mozart y el Cuarteto con piano en sol menor, op. 25 de Brahms. El día 21 de febrero, el Auditorio de Murcia acogerá el segundo concierto, con el Movimiento para cuarteto en la menor de Mahler, el Cuarteto con piano en do menor op. 20 de Bartók, y el Cuarteto con piano en sol menor, op. 25 de Brahms en atriles.

Pero una de las citas más emotivas de la gira para los integrantes del Notos Quartett será, sin duda, su regreso a la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid, el lugar donde el cuarteto se formó en interpretación de música de cámara con Günter Pichler, el que fuera fundador y primer violín del célebre Alban Berg Quartet. El día 24 de febrero, Sindri Lederer (violín), Andrea Burger (viola), Philip Graham (violonchelo) y Antonia Köster (piano) se subirán al escenario del Auditorio Sony para tocar el Movimiento para cuarteto en la menor de Mahler, el Cuarteto con piano en Sol menor op. 45 de Fauré, y el Cuarteto con piano en sol menor, op. 25 de Brahms.

La Tournee española finalizará el 26 de febrero en el CaixaForum de Zaragoza con el mismo programa de Valencia dedicado a Mozart y Brahms, dos compositores por los que el Notos Quartett siente una especial predilección: “Mozart está considerado el primer compositor que ha escrito explícitamente para el género del cuarteto con piano y eso hace que sea muy querido por nosotros. Por su parte, Brahms escribió tres fantásticos cuartetos con piano, llenos de carácter, pero el primero es probablemente el más apasionante y juvenil de los tres, y por eso tocar esta obra es una experiencia muy estimulante para nosotros”.

Fundado en 2007 en Berlín, el Notos Quartett es todo un referente internacional en el ámbito de la música de cámara, ya que se trata de uno de los pocos conjuntos estables con formación de cuarteto con piano. Seis primeros premios y numerosos premios especiales en destacados concursos internacionales (Holanda, Italia, Inglaterra y China), así como el aplauso unánime de la crítica especializada a sus tres discos de estudio con Sony Classical avalan la trayectoria de este cuarteto alemán, que ya se ha presentado en destacados escenarios del circuito internacional, como el Wigmore Hall de Londres, la Philharmonie de Berlín, el Konzerthaus de Berlín, el Concertgebouw de Ámsterdam, el BOZAR de Bruselas, la Tonhalle de Zúrich, o los Festivales de Schwetzingen, Rheingau, Mecklenburg-Vorpommern y Montpellier Radio France, entre otros.

Così fan tutte

ABAO Bilbao Opera inicia 2023 con Così fan tutte, subtitulada “La escuela de los amantes”, que fue la última colaboración entre W.A. Mozart y el libretista Lorenzo Da Ponte. El 26 de enero se cumplirán 233 años desde su estreno en Viena en 1790, y se ha convertido con el tiempo en una de las obras más representadas de su catálogo. En ABAO Bilbao Opera se ha representado anteriormente en tres ocasiones, la última en 2007.

Se han programado cinco funciones los días 21, 24, 27, 28 (Opera Berri) y 30 de enero en el Euskalduna Bilbao. Las representaciones darán comienzo a las 19:30h excepto las de los sábados 21 y 28 que comenzarán a las 19:00h.

La genialidad de Mozart y el talento de Da Ponte, que ya habían colaborado en Le nozze di Figaro y Don Giovanni, consiguen recrear una historia, que en su época fue considerada como “inmoral”, llena de pulsiones amorosas sobre dos jóvenes que por una apuesta, se disfrazan, y consiguen seducir cada uno a la prometida del otro, con todos los ingredientes de una comedia de enredo: amor, infidelidad, engaño, celos, disfraces, etc. El conjunto exhibe una composición musical excepcionalmente hermosa combinada con un texto irónico y un melancólico final feliz donde la virtud y el amor triunfan.

UNA ÓPERA DE CONJUNTO CON GRAN COMPLEJIDAD VOCAL

Così fan tutte es una ópera que se distingue por el equilibrio y la simetría. Tanto en la estructura, dos actos con cuatro cuadros, como en el número de personajes: tres hombres y tres mujeres. Es una ópera de conjunto, donde priman más las escenas compartidas que las de solistas, y exige un reparto de alto nivel vocal y sobre todo actoral, cuya complejidad llega a niveles insólitos, para recrear el fingimiento, la intriga, las dobles intenciones o los equívocos.

La soprano vasca Vanessa Goikoetxea asume el rol de Fiordiligi, la hermana seria y formal que defiende la honestidad. Tiene sobradas aptitudes vocales y cualidades técnicas expresivas para afrontar el papel más arduo de la ópera con pasajes de enorme complejidad como, “Come scoglio immoto resta” o “Per pietà, ben mío, perdona”, con temibles escalas de agudos y graves que requieren de potencia y proyección.

La mezzo italiana Serena Malfi es Dorabella, la hermana coqueta y superficial. Poseedora de una voz segura y presencia escénica contundente, sus momentos solistas más destacados son, “Smanie implacabili” y “E amore un ladroncello”. Otros momentos notorios son los dúos con Fiordiligi, “Ah guarda sorella” y “Prenderó quel brunettino”.

Xabier Anduaga, el tenor de moda, interpreta a Ferrando, el idealista y sufrido enamorado de la frívola Dorabella. El donostiarra supone todo un lujo para disfrutar de momentos como, “Un’aura amorosa del nostro tesoro” del primer acto, tremendamente delicada; “Ah, lo veggio!” del segundo, la cavatina “Tradito, schernito dal perfido cor”, llena de gracia, o su dúo con Fiordiligi, “Fra gli amplessi”.

El otro protagonista masculino es Guglielmo, simpático y galante amante de Fiordiligi, que interpreta el barítono David Menéndez, en plenitud vocal, con naturalidad y buen gusto escénico. Sus momentos más relevantes son las divertidas “Non siate ritrosi” y “Donne mie, la fate a tanti” y su dúo con Dorabella, “Il core vi dono”.

El escéptico e indolente filósofo Don Alfonso está interpretado por el bajo-barítono Pietro Spagnoli, un personaje bufo con momentos como “Barbaro fatto! Vorrei dir e cor non ho”, y sobre todo los tercetos con Ferrando y Guglielmo, “La mia Dorabella capace non è”, “E la fede delle femmine” y “Una bella serenata”, al inicio de la ópera. Un momento especial de esta ópera es el terceto con Fiordiligi, y Dorabella, “Soave sia il vento”.

La soprano bilbaína Itziar de Unda es la pícara criada Despina, jovial, astuta, interesada y mentirosa. Tiene dos arias muy divertidas y llenas de intención: “In uomini, in Soldati” y “Una donna a quindici anni”.

Otras escenas que cabe destacar son el quinteto “Sento, oh, Dio, che questo piede”, y el sexteto “Alla bella Despinetta”.  El Coro de Ópera de Bilbao, dirigido por Boris Dujin, completa el apartado artístico.

ÓLIVER DÍAZ DIRIGE UNA DE LAS PARTITURAS MOZARTIANAS MÁS BELLAS AL FRENTE DE LA eUSKADIKO ORKESTRA

En el podio orquestal para dirigir una partitura elegante y refinada, la experta batuta del maestro Óliver Díaz, director musical hasta 2019 del Teatro de la Zarzuela de Madrid, al frente de la Euskadiko Orkestra.

Muchos consideran esta ópera de Mozart como la obra de mayor profundidad y delicadeza del genial compositor y es la que tiene un mayor número de conjuntos con siete dúos, cinco tríos, dos cuartetos, dos quintetos y tres sextetos. “Una música sutil, inspirada, inteligente en su desarrollo temático y en su orquestación, y hasta en la organización de las tonalidades”, señala Óliver Díaz. “Es opinión unánime que Così fan tutte tiene la música más sublime escrita por Mozart para cualquiera de sus óperas destacando especialmente la gran cantidad de números de conjunto. No podía ser de otra manera en una obra que trata de mostrarnos la verdadera esencia de las relaciones humanas”, indica el director.

La música de Mozart en esta comedia de equívocos subraya magistralmente los distintos aspectos del “dramma giocoso” como la ironía, la burla o los celos, con melodías y armonías emotivas o dramáticas de extraordinaria belleza, creadas por una orquestación rica en texturas, contrastes y recursos musicales conmovedores. “Los instrumentos de viento madera juegan un papel fundamental en la obra, con clarinetes y flautas aportando el ambiente de seguridad y autoconfianza en el que se desenvuelven los personajes al principio, y los oboes mostrándonos el elemento guasón y hasta un poco canalla de los tejemanejes de Don Alfonso”, avanza el director.

PRODUCCIÓN DE ABAO BILBAO OPERA, ESTRENO ABSOLUTO, FRESCA E INNOVADORA

En el escenario el estreno absoluto de una producción de ABAO Bilbao Opera ideada por Marta Eguilior, que prepara un espacio inspirado en torno a los juegos de la fortuna, la picaresca de los falsos adivinos y mentalistas, y en las coloristas ferias itinerantes de magos e ilusionistas de finales del XIX. “Todo gira en torno a los juegos de la fortuna, esos a los que la gente de a pie acude para saber cuál será su futuro”, explica la directora.

Marta Eguilior sitúa la acción en una “belle époque” artística y llena de optimismo. La escenografía está claramente dividida en dos por una línea: parte es un tablero de ajedrez, parte es un bosque en el que las parejas se adentran y acaban encontrándose.

El inspirado y elegante vestuario diseñado por Betitxe Saitua sigue las líneas clásicas del período de finales del XIX y principios del XX. La iluminación es obra de David Alcorta y la propia Marta Eguilior y la parte de video proyecciones es diseño de Iván Puñal.

LUIS GAGO INTRODUCE LA FIGURA Y OBRA DE MOZART EN EL CICLO «EL ABC DE LA ÓPERA»

El ciclo “El ABC de la Ópera” tiene como objetivo promover el conocimiento de la ópera en sentido participativo, construyendo a través de conferencias y encuentros con expertos, una red de experiencias culturales innovadoras, en espacios de participación asequibles a toda la sociedad. El programa descubre los aspectos más relevantes de cada título de la temporada, en una conferencia la víspera del estreno en la Biblioteca CRAI de la Universidad de Deusto, en colaboración con DeustoBide.

El viernes 20 de enero, Luis Gago, escritor, editor y crítico de música de El País, será el encargado de presentar lo más relevante de esta ópera y la obra de su compositor. Luis Gago es codirector del Festival de Música de Cámara de la Beethoven-Haus de Bonn, ha sido subdirector de Radio 2 (RNE), miembro del Grupo de Expertos de Música Seria de la Unión Europea, coordinador de la Orquesta Sinfónica de RTVE, editor del Teatro Real y director editorial del Libro de la Temporada de ABAO.

Para acceder a esta actividad gratuita es necesaria acreditación previa a través de la web de ABAO o llamando al teléfono 944 355 100, desde el lunes 16 de enero. La conferencia será retransmitida en directo a través del canal de ABAO Bilbao Opera en YouTube.

XVII EDICIÓN DEL PROGRAMA OPERA BERRI

El sábado 28 de enero este título tendrá función Opera Berri. Esta iniciativa sociocultural de ABAO Bilbao Opera, cumple su XVII edición y tiene el objetivo de acercar la ópera a la sociedad, con títulos muy conocidos y entradas al 50% de su precio habitual.

El cuarteto protagonista está encarnado por Ashley Bell, Anna Gomà, Pablo García-López y José Manuel Díaz y la dirección musical correrá a cargo del maestro Pedro Bartolomé. El resto del cartel, orquesta, coro y dirección escénica, se mantiene idéntico al resto de representaciones.

Lara Diloy

El próximo 13 de enero, la directora de orquesta Lara Diloy volverá a ponerse al frente de la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias en el Auditorio Príncipe Felipe de Oviedo. Tras su exitoso debut con un programa enteramente sinfónico el pasado mes de octubre, Diloy regresa a la capital asturiana para dirigir la Gala Lírica, que organiza la Ópera de Oviedo en el marco de las celebraciones de su 75 aniversario. Sonarán arias y dúos de diversos títulos operísticos de Mozart, Rossini, Donizetti y Bellini, en las voces de la soprano María Zapata, la mezzosoprano Carmen Artaza, el tenor Antoni Lliteres y el barítono Carles Pachón. Además, participará el Coro de la Fundación Princesa de Asturias.

La institución operística ovetense ya confió en la batuta de Lara Diloy para la ceremonia de entrega de La Medalla de Oro de la Ciudad concedida por el Ayuntamiento de Oviedo, en una gala celebrada recientemente en el Teatro Campoamor, en la que Diloy dirigió a la orquesta Oviedo Filarmonía en un programa con conocidas páginas de Massenet, Puccini, Verdi y Mascagani.

Entre los próximos compromisos de Lara Diloy, cabe destacar su regreso al Teatro de la Zarzuela para dirigir a la Orquesta de la Comunidad de Madrid en un concierto dedicado a la música sinfónica española, y la Dirección Musical del espectáculo “Festín Musical en Familia”, organizado por el Teatro Real, con texto y presentación de Fernando Palacios.

Fotografía (c) Gemma Escribano

René Pape

Esta temporada el Ciclo de Lied que conjuntamente organizan el Centro Nacional de Difusión de la Música y el Teatro de la Zarzuela, ha retrasado su inicio hasta finales de noviembre, pero lo ha hecho con el debut en este ciclo del alemán René Pape. Uno de las voces más importantes dentro de la tesitura, cada vez más escasa, de bajo profundo. En esta ocasión no pudo estar acompañado por su pianista habitual Camillo Radicke por indisposición, y le acompañó Michael Schütze, que resolvión su participación con gran profesionalidad.

Para la ocasión se eligió un repertorio poco convencional pero de una gran belleza. Comenzó con Die ihr des unermesslichen Weltalls Schöpfer ehrt (Los que adoráis al Creador del Universo inconmensurable), K 619, de Wolfgang Amadeus Mozart que se escuchaba por primera vez en este ciclo. Continuó esta primera parte con Canciones bíblicas, op. 99 (1894) de Antonín Dvořák (1841-1904).

La pieza mozartiana contenía la riqueza de estilos del compositor, a las que Pape respondió con su bello y oscuro timbre, su extraordinaria zona central y una voz homogénea, densa y sin artificios. Hizo derroche además de una buena dicción en checo, en las intimistas y recogidas Canciones de Dvořák, el ruso, el inglés y, claro está, de su alemán natal.

La segunda parte dió comienzo con Three Shakespeare songs, op. 6, tres obras de un compositor poco conocido, el británico Roger Quilter, con textos de Shakespeare pero tal vez de una tesitura menos adecuada para Pape, que no se encontró muy cómodo, sobre todo en los agudos.

Terminó esta segunda parte con los Cantos y danzas de la muerte, de Modest Mussorgski. En esta ocasión el bajo alemán encontró su nicho sonoro, tanto en la tesitura como en la teatralidad de la interpretación. Poniendo así un magnífico colofón a este variado recital.

Ofreció tres propinas ya más relajado y con un público entregado. Un buen debut de un cantante que estamos más acostumbrados a ver desenvolverse sobre un escenario operístico, pero que ha dejado muy buen sabor de boca en su primera y, esperamos que no última, intervención en el Ciclo de Lied.

Fotografía: Elvira Megías

Natalia Labourdette

Tras su reciente éxito como protagonista de la ópera La Mujer tigre, la soprano Natalia Labourdette regresa a Sevilla para su debut del rol mozartiano de Susanna en Le nozze di Figaro del Teatro de la Maestranza; será los días 11, 13, 15 y 17 de diciembre en la conocida producción ideada por Emilio Sagi para el Teatro Real, junto a las voces de Vittorio Prato (Il Conte di Almaviva), Carmela Remigio (la Contessa di Almaviva) y Alessio Arduini (Figaro), entre otros, bajo la batuta de Corrado Rovaris, actual director musical de la Ópera de Filadelfia. Natalia Labourdette, que ya cantó el rol mozartiano de Despina en Così fan tutte, abordará por primera vez el rol de Susanna, un rol en la tradición de la serva astuta (Serpina, Despina, Nerina), que participa en todos los Duetti y tiene más presencia que el resto de los personajes, con dos importantes arias de lucimiento: Venite, inginocchiatevi y Deh vieni, non tardar.

Considerada como una de las sopranos españolas con mayor proyección internacional de su generación, como evidencia su reciente participación en el estreno absoluto de Lieder von Vertreibung und Nimmerwiederkehr de Bernhard Gander en la Bienal de Munich y la Deutsche Oper de Berlín, Natalia Labourdette destaca por su amplio repertorio (con roles operísticos que van de Mozart a Philip Glass), y por su intensa actividad en el género del Lied, con actuaciones en célebres festivales como el LIFE
Victoria de Barcelona o la Schubertiada de Vilabertrán.  Además, participa habitualmente como solista en el ámbito de concierto, con orquestas sinfónicas como la Orquesta Sinfónica de RTVE, la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla o la Orquesta Ciudad de Granada, entre otras. Y ha trabajado con grandes nombres de la dirección musical como Riccardo Frizza, Ivor Bolton, Nicola Luisotti, Donato Renzetti, Pedro Halffter o Iván López-Reynoso, y con régisseurs de la talla de David McVicar, Deborah Warner o Stefan Herheim.

Fiel a su continuo deseo de ampliar su repertorio y explorar nuevos retos operísticos, los próximos compromisos de Natalia Labourdette incluyen Sieben frühe Lieder de Berg con la Real Filarmonía de Galicia en el Auditorio de Galicia (Santiago de Compostela), la Segunda Sinfonía de Mahler con la Orquesta Sinfónica y Coro UPM en el Auditorio Nacional de Madrid, la Cantata para América Mágica de Ginastera, junto a la OSC & Zahir Ensemble en el Auditorio de Ingenieros de Sevilla, y L’incoronazione di Poppea de Monteverdi, con firma escénica de Calixto Bieito y dirección musical de Jordi Savall en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona. Además, ofrecerá una gira de recitales de Lied en el marco de AIEnRuta Clásicos, y presentará su proyecto petite MORT en el Teatro Arriaga, junto a la pianista Victoria Guerrero.

N. Labourdette (c) Mark Kagan

Dúo Pleyel

El próximo sábado 20 y domingo 21 de mayo el Dúo Pleyel celebra el séptimo y último concierto del ciclo Mozart a través de sus cartas, con el que la Fundación Juan March ha presentado desde octubre algunas de las obras para cámara más relevantes de Mozart en combinación con la lectura de su epistolario por los actores Pedro Casablanc, Carlos Hipólito y María Adánez. Las dos sesiones tendrán lugar el 20 y 21 de mayo con un amplio programa que intercalará sonatas de Mozart y de Johann Christian Bach, quien dejaría en el compositor una huella profunda. En el concierto del viernes habrá una presentación del catedrático de Historia de España en la Universidad de Delaware Jesús Cruz Valenciano en la que este hablará del surgimiento de la cultura del ocio en Europa y que se reproducirá, grabada, antes del concierto del sábado.

Se conservan más de 1600 cartas escritas por Wolfgang, por su padre Leopold y otras personas de su entorno, que describen sus continuos viajes, sus tribulaciones o incluso la génesis de algunas de sus obras. El ciclo Mozart a través de sus cartas presenta en siete conciertos articulados en torno a siete lugares e hitos destacados en la biografía mozartiana algunas de las creaciones más relevantes de su catálogo camerístico, en combinación con la lectura de sus cartas, que iluminan el contexto compositivo.

El último concierto de este ciclo se detiene en Inglaterra, a donde llega la familia Mozart en 1764 tras un viaje de dos años por varias ciudades europeas en las que un pequeño Mozart de ocho años despierta una admiración generalizada. En la frenética ciudad de Londres conseguirán el aprecio del rey Jorge III y la reina Carlota y el pequeño se ganará el corazón de Johann Christian Bach, que le sostendrá en sus rodillas para interpretar juntos una sonata. A su vez, el llamado “Bach inglés” marcará una huella profunda en la música de Mozart, quien solo llegaría a verlo una vez más. Tras su muerte, el compositor austríaco escribirá con pesar: “¡qué gran pérdida para el mundo de la música!”

Durante el concierto podrán escucharse obras para piano a cuatro manos de Mozart en las que se aprecia su interés y reconocimiento hacia el ya consagrado de Johan Christian Bach. Así, conforman el programa dos sonatas de Mozart –en Re mayor y Si bemol mayor– intercaladas con dos sonatas de Johann Christian Bach – en Fa mayor y La mayor–. En el epicentro del concierto sonará el Andante con variaciones en Sol mayor KV 501 del compositor austríaco. A la interpretación de cada obra le seguirán las lecturas de tres cartas escritas por Mozart y por su padre Leopold a cargo de Pedro Casablanc, Carlos Hipólito y María Adánez.

Las sesiones irán precedidas de una presentación, el viernes en directo y, el sábado, grabada, del catedrático de Historia de España en la Universidad de Delaware Jesús Cruz Valenciano, “El surgimiento de la cultura del ocio en Europa”, en la que hablará sobre el surgimiento del ocio en las clases medias y trabajadoras. En esa época era cada vez más frecuente que muchas personas pudieran asistir a conciertos musicales, ir al teatro o a la ópera, frecuentar cafés y restaurantes, o pasar las vacaciones en un balneario donde disfrutar de deportes, juegos y bailes. Así es como surgió la cultura del ocio.

Formado por Richard Egarr y Alexandra Nepomnyashchaya, el Dúo Pleyel debe su nombre al piano favorito de ambos, un instrumento construido en 1848 por el fabricante preferido de Chopin. Aunque en esta ocasión no será este el instrumento del concierto sino un fortepiano de Paul McNulty (2008) basado en un modelo de Walter & Son (c. 1805), el público podrá acercarse al rico y emocionante repertorio para piano a cuatro manos, no siempre accesible a un público no especializado. El dúo está particularmente comprometido con la confección de programas que abarcan desde la música de Johann Christian Bach y Mozart hasta las obras más populares de Fauré, Debussy y Ravel, junto con las composiciones de autores menos conocidos del primer Romanticismo como Hummel o Dussek. Sus primeras grabaciones, realizadas para el sello Linn Records, estuvieron dedicadas a la música para piano a cuatro manos de Jan Ladislav Dussek y Franz Schubert.

FICHA DEL CONCIERTO

Mozart a través de sus cartas (VII): “Londres, 1764. Junto al Bach inglés”

Viernes 20 de mayo, 18:00h

Sábado 21 de mayo, 18:00h

Dúo Pleyel, piano a cuatro manos. Jesús Cruz Valenciano, presentación. Carlos Hipólito, Pedro Casablanc y María Adánez, narración (voces en off).

Entrada libre. Dos tercios del aforo se reservan online siete días antes –de 9:00 a 12:00– y un tercio se distribuye en la taquilla una hora antes del acto. El concierto del sábado se podrá seguir en directo por Canal March y el canal de YouTube de la Fundación. El audio estará disponible durante 30 días en Canal March.

BodasdeFigaro-Cantantes

Por  Diego García Pérez

LAS BODAS DE FIGARO Y SUS GRANDES INTERPRETES.

Por Diego García Pérez.

Las bodas de Fígaro se estrenó el 1 de mayo de 1786 en el Teatro de la Corte imperial de Viena, consiguiendo un relativo éxito. Su estreno en Praga en febrero de 1787 si tuvo un éxito extraordinario. Ya, en 1789, se produjo su reposición en Viena. Se estrenó en París y Londres, respectivamente en 1807 y 1815. Durante casi todo el Siglo XIX, esta ópera así como otras de Mozart cayeron prácticamente en el olvido. Es desde finales del Siglo XIX y principios del XX, cuando vuelve a ser representada con cierta asiduidad, primero en el Metropolitan neoyorkino, donde había sido estrenada en enero de 1894, con un reparto que incluía a la soprano norteamericana Enma Eames (La Condesa de Almaviva), junto a dos famosos barítonos: el italiano Mario Ancona y el polaco Edouard de Rezke, interpretando respectivamente a Figaro y al Conde de Almaviva. Durante los siguientes quince años fue representada con bastante frecuencia en el teatro neoyorkino, casi siempre con la Condesa de Enma Eames, cuya última interpretación de este personaje tuvo lugar en febrero de 1909, junto a otros famosos cantantes de la época: la soprano polaca Marcella Sembrich (Susanna), el bajo también polaco Adamo Didur (Figaro), el gran barítono italiano Antonio Scotti (El Conde) y la famosa soprano norteamericana Geraldine Farrar (Cherubino), con la dirección orquestal de Gustav Mahler (este gran compositor era un consumado interprete mozartiano). Pueden escucharse en YouTube algunos fragmentos de esta ópera: el precioso duetto del Acto III “Che soave zeffiretto”, con las voces de Enma Eames y Marcella Sembrich, el aria del Acto I “Non piu andrai” en la voz de Adamo Didur y el dúo del Acto III, “Crudel perche finora”, en las voces de Antonio Scotti (El Conde) y Geraldine Farrar (Susanna). Estas antiquísimas grabaciones con deficiente sonido, nos muestran a magníficos interpretes, sobre todo las poderosas y bellas voces de Antonio Scotti y Adamo Didur, con un estilo de canto auténticamente moderno.

Las bodas de Figaro en los festivales de Salzburgo y Glyndebourne.

Sin duda, Las bodas de Fígaro recibe un gran impulso durante los años treinta del pasado Siglo, en los festivales de Salzburgo y Glyndebourne (al sur de Londres), en cuya primera edición, en 1934, tuvieron lugar varias representaciones, que fueron repitiéndose en los años siguientes. En las ediciones que tuvieron lugar entre 1934 y 1939, destaca sobremanera la soprano finlandesa Aulikki Rautawaara, quien aunaba gran calidad vocal con un excelente dominio del estilo de canto mozartiano, junto a una elegante y bella presencia escénica, que la convierten en la principal interprete de la Condesa en los años treinta. Durante las ediciones de 1934 y 1935, se realizó en Glyndebourne, la primera grabación completa de esta ópera, donde junto a Rautawaara, destacaba la magnífica interpretación de Figaro realizada por el barítono alemán Willi Domgraf-Fassbaender (padre de la famosa mezzosoprano Brigitte Fassbaender) y también las buenas interpretaciones de la soprano inglesa Audrey Midmay (Susanna) y la soprano austriaca Luise Helletsgruber (Cherubino), siendo mucha más discreta la interpretación del barítono inglés Roy Henderson (el Conde). La dirección orquestal corría a cargo del afamado director alemán Fritz Busch, con una interpretación refinada no exenta de intensidad y vida teatral, que en esta grabación queda mermada por la ausencia de los recitativos tan importantes en esta ópera. Hace algunos años, el sello NAXOS, realizó una reedición de esta grabación con mejora de sonido, que puede escucharse en YouTube. El Festival de Salzburgo, creado en 1921, comienza a programar esta ópera, con gran asiduidad, a partir de 1925, con magníficos interpretes como la Condesa interpretada por la famosa soprano ucraniana-austriaca Viorica Ursuleac; aunque con el problema de estar cantada en alemán. Es en la edición de 1937, cuando comienza a ser interpretada en italiano incluyendo los recitativos, existiendo una toma en directo (disponible en YouTube), donde Aulikki Rautawaara, vuelve a interpretar a la Condesa, junto al extraordinario Figaro del bajo italiano Ezio Pinza, y a otro famoso interprete, el bajo italiano Mariano Stabile (el Conde), a los que se unía la también famosa soprano húngara Esther Rethy (Susanna) y otra gran interprete de magnífica vocalidad, la soprano checa Jarmila Novotna (Cherubino). La dirección orquestal corría a cargo del gran Bruno Walter, al frente de la Filarmónica de Viena, siempre atento a subrayar los muchos y variados matices de esta partitura. El Metropolitan retomó en los años cuarenta esta ópera, programándola con bastante asiduidad, contando con la magnifica condesa de la soprano norteamericana Eleanor Steber, exquisita cantante de ancha voz y suntuoso colorido, con fraseo intenso y sensual, junto a una gran capacidad interpretativa, que se convierte a partir de 1942 y hasta mediados de los años cincuenta en la Condesa oficial del teatro neoyorkino. Y, en los años cuarenta, junto a Steber, en muy numerosas funciones, un extraordinario grupo de cantantes: Ezio Pinza (Figaro), el barítono australiano John Brownlee (el Conde), interprete elegante y señorial, junto a la soprano brasileña Bidù Sayao (Susanna), quien dota de mucha gracia y picardía a su personaje y Jarmila Novotna (Cherubino). Aunque existen diferentes tomas en directo con este conjunto de interpretes, cabe resaltar la realizada en 1944 (se puede escuchar completa en YouTube), con dirección orquestal de Bruno Walter.

Dos condesas referenciales: Lisa Della Casa y Elisabeth Schwarzkopf.

Paralelamente a las actuaciones neoyorkinas de Eleonor Steber, en el Festival de Salzburgo de 1947, la gran soprano alemana Elisabeth Schwarzkopf interpreta el papel de Susanna y ya al año siguiente el de la Condesa, dirigida por Herbert von Karajan (su gran avalista). Esta exquisita interprete, de magnífica vocalidad y gran técnica, junto a un absoluto dominio del estilo de canto mozartiano, va a ser la Condesa oficial en la ediciones del Festival de Salzburgo de los años cincuenta, junto a grandes interpretes como la soprano Irmgard Seefried (Susanna), y junto a ellas, en los años 1956, 1957 y 1958, el gran barítono berlinés Dietrich Fischer-Dieskau, un Conde de referencia por su gran calidad vocal junto a un alto grado de expresividad con un intenso y contrastado fraseo. También en esas ediciones, destacaba de sobremanera la famosa mezzo alemana Christa Ludwid, con una extraordinaria creación de Cherubino.

La dirección orquestal corría a cargo del maestro austriaco Karl Böhm, consumado interprete mozartiano. La toma en directo realizada en 1957, puede escucharse, completa en YouTube (con buen sonido). Elisabetth Schwarzkopf participó en dos grabaciones realizadas en estudio para el sello EMI, la primera en 1950 (disponible en YouTube) con Herbert von Karajan al frente de la Filarmónica de Viena, donde el gran maestro salzburgués, ofrece timbres orquestales sugerentes y refinados mostrándose en todo momento como un estilista consumado, consiguiendo de los cantantes un óptimo rendimiento, tanto de la estilizada y perfecta condesa de Schwarzkopf, como de unas sensacionales Irmgard Seefried (Susanna) y Sena Jurinac (Cherubino), junto a las notables creaciones de George London (el Conde) y Erich Kunz (Figaro). El problema de esta grabación es que no tiene los recitativos. Diez años después, en 1960, Schwarzkopf realizó una segunda grabación, ya en stereo, con la magnífica dirección del gran maestro italiano Carlo María Giulini, quien consigue una versión vigorosa y de gran teatralidad, consiguiendo esplendidas prestaciones de los cantantes, donde brilla de nuevo la exquisitez, matización y refinamiento de la gran soprano alemana, junto a la interpretación plena de expresividad y gran humor del gran barítono italiano Giuseppe Taddei (Figaro), junto al muy expresivo y vigoroso conde del barítono austriaco Eberhard Wächter (con ciertos problemas idiomáticos), junto a la sugerente y sensual Susanna de la soprano norteamericana Anna Moffo y el Cherubino de la magnífica mezzo italiana Fiorenza Cossotto.

La otra Condesa referencial fue la gran soprano suiza Lisa Della Casa, una voz luminosa, de precioso timbre y un intenso y contrastado fraseo; no tenía la gran técnica de Schwarzkopf, pero sus interpretaciones eran de mayor calidez y humanidad que las ofrecidas por la soprano alemana. Della Casa fue quien más veces interpretó a la Condesa, con unas 150 representaciones en veinte años. Su debut en ese personaje se produjo en la Ópera de Zúrich, en 1950, y al año siguiente lo interpretará en Glyndebourne. Ya, en 1953, se produjo su debut en el Metropolitan, precisamente con el papel de la Condesa, alternándose hasta 1956, con las interpretaciones de Eleanor Steber y también con la gran Victoria de Los Ángeles, exquisita Condesa de preciosa vocalidad, como puede apreciarse en la grabación tomada en ese teatro, en 1952, con dirección de Fritz Reiner, donde compartía reparto con el magnífico Figaro del bajo-barítono italiano Cesare Siepi, verdadero sucesor de Ezio Pinza, junto al famoso barítono también italiano Giuseppe Valdengo como el Conde. Lisa Della Casa, en 1955, participó en la histórica grabación de Las bodas de Figaro (versión completa que incluye todos los recitativos) para el sello DECCA, considerada como referencial de esta ópera, con la extraordinaria dirección de Erich Kleiber, al frente de la Filarmónica de Viena, quien consigue ofrecer una lectura impecable desde el punto de vista estilístico, con una perfecta fusión de orquesta y cantantes. La soprano suiza ofrece una antológica interpretación, con una elegantísima línea de canto. Destacar en esta grabación la extraordinaria interpretación de Figaro a cargo de Cesare Siepi, junto a la famosa soprano austriaca Hilde Güden, quien realiza una magnífica interpretación de Sussanna; y, también, resaltar la gran actuación de la soprano belga Susanna Danco como Cherubino.

Más discreta la interpretación del barítono alemán Alfred Poell como El Conde. Esta soberbia grabación puede escucharse completa en YouTube. A partir de 1956, Della Casa será la Condesa oficial en el Metropolitan, con unas últimas representaciones en 1967, año en que la gran soprano Pilar Lorengar coge el relevo, interpretando numerosas funciones hasta 1972. Lorengar había debutado el papel de la Condesa, en el Festival de Glyndebourne de 1958. También lo había interpretado en el Teatro alla Scala, en 1964 y en el Covent Garden, en 1966. Por tanto, tenía un excelente dominio del personaje, ofreciendo su lírica y preciosa voz, para componer una Condesa de gran altura vocal y dramática. Ello puede apreciarse en una toma en directo realizada en el Metropolitan, en 1967, donde compartía reparto con el gran Cesare Siepi (Figaro), junto a Mirella Freni (referencial Susanna), quien muestra su magnífica vocalidad, y una interpretación plena de expresividad, realzando la femineidad, picardía y astucia del personaje; y, a Teresa Berganza, en una extraordinaria interpretación de Cherubino. Esta grabación puede escucharse en YouTube.

Las interpretaciones de nuevas generaciones de cantantes

Cuando Lisa Della Casa, en 1971, interpretó por última vez a la Condesa en la Ópera de Viena, una jovencísima cantante proveniente de Nueva Zelanda, llamada Kiri Te Kanawa, debutaba en el londinense Covent Garden, el papel de la Condesa, dirigida por Colin Davis, y que mantendrá en su repertorio hasta fines del Siglo XX, con una brillante creación del personaje. Voz lírica de gran belleza tímbrica a la que unía su deslumbrante presencia escénica (mujer alta y muy guapa). Ya, en la era de grabaciones en video, podemos escucharla en una toma realizada en el Festival de Glyndebourne de 1973, con imágenes muy aceptables para la época, con la magnífica dirección orquestal de John Pritchard (gran interprete mozartiano muy ligado a este festival), al frente de la London Philharmonic Orchestra. Junto a Kiri Te Kanawa, el otro gran aliciente de esta grabación es la presencia en el papel de Cherubino, de la entonces muy joven mezzo norteamericana Frederica von Stade, de excelente y exquisita vocalidad, junto a una bella presencia escénica, que llegó a convertirse durante veinte años en la gran interprete de este personaje. También puede escucharse en esta grabación a la excelente soprano rumana Ileana Cotrubas en el papel de Susanna. Esta grabación en video está disponible en YouTube. Cabe destacar otra grabación comercializada en DVD, por DEUTSCHE GRAMOPHON, de 1976, donde puede verse filmada la famosa producción de Jean-Pierre Ponnelle, donde junto a la espléndida condesa de Kiri Te Kanawa, pueden escucharse a cantantes de generaciones anteriores: el magnífico Figaro del barítono alemán Hermann Prey, quien dota al personaje de gran vivacidad y simpatía. Y, el gran Dietrich Fischer-Dieskau, en su referencial creación del Conde.

A ellos se une la Susanna de Mirella Freni, quien vuelve a mostrar su gran creación de este personaje, junto al muy notable Cherubino de la soprano norteamericana María Ewin, con Karl Böhm dirigiendo a la Filarmónica de Viena. Esta filmación está disponible en YouTube. Puede escucharse en audio una excelente grabación DECCA, de 1982, dirigida con su habitual energía y sentido dramático por el gran Georg Solti, al frente de la Filarmónica de Londres, también, con Kiri Te Kanawa, junto a una espléndida Lucia Popp (Susanna), de nuevo Frederica von Stade (Cherubino), y el excelente Figaro de bajo-barítono norteamericano Samuel Ramey, junto a Thomas Allen (el Conde), papel que este gran barítono inglés, interpretará con mucha frecuencia, destacando también su intervención en una producción, del Covent Garden, en 1989, esta vez junto a otra magnífica Condesa, la interpretada por la soprano norteamericana Carol Vaness, de brillante vocalidad y gran actuación escénica, sus dúos con Thomas Allen son de una imponente teatralidad. Pueden verse en YouTube, fragmentos de esa producción: las magníficas intervenciones solistas de Carol Vaness, todo el gran final del Acto II, así como la escena conclusiva de la ópera. Ya, en la década de los noventa, cabe destacar las deslumbrantes interpretaciones que la gran soprano norteamericana Renée Fleming realizó de la Condesa. Voz de lírica ancha, de gran belleza tímbrica, considerable volumen, excelente fraseo y una muy notable teatralidad, con absoluto dominio de todos los registros y de las agilidades, con una magnífica técnica que aprendió de su maestra Elisabeth Schwarzkopf. Hay disponibles dos grabaciones en video que pueden verse en YouTube, y que acreditan la extrema calidad de su Condesa: la primera en Glyndebourne, en 1994, dirigida con el gran maestro holandés Bernard Haitink. Y, sobre todo, la que interpretó en el Metropolitan, en 1998, con dirección de musical de James Levine, junto a un excelente reparto que incluía la gran creación de Figaro realizada por el bajo-barítono galés Bryn Terfel, magnífico de vocalidad y con una imponente actuación teatral. La mezzo Cecilia Bartoli como Susanna, con una deslumbrante vocalidad, ya que interpreta dos arias alternativas que Mozart compuso en la reposición de Viena, en 1789, para la soprano Adriana Ferrarese del Bene: en el Acto II “Un moto de gioia” que sustituía a “Venite, inginocchiavi!” y, en el Acto IV, en sustitución de “Deh, viene, non tardar”, “Al desio di chi t’adora”, esta última, muy larga y de complejísima coloratura.

El reparto se completaba con las notables actuaciones del barítono norteamericano Dwayne Croft (el Conde) y Susanne Mentzer (Cherubino).
Ya, en los años transcurridos del Siglo XXI, cabe destacar la gran creación de la Condesa realizada por la soprano alemana Dorothea Roschmann, de magnífica vocalidad junto a una gran actuación teatral, que puede constatarse en la grabación en video realizada en el Festival de Salzburgo de 2006, junto a la excelente Susanna de Anna Netrebko, el muy notable Figaro interpretado por el bajo-barítono italiano Ildebrando D’Arcangelo , junto al barítono danés Bo Skovhus (el Conde) y la soprano alemana Christine Schafer, en una gran creación de Cherubino. La dirección corría a cargo del maestro austriaco Nikolaus Harnoncourt, quien muestra su gran dominio de esta partitura.

En tiempos muy recientes ha surgido con gran fuerza la joven soprano italiana Federica Lombardi, quien está ofreciendo grandes interpretaciones de la Condesa, con una bella voz de lírica ancha, de considerable volumen y magnífica técnica, junto a una excelente actuación teatral. En este año 2022, ha conseguido grandes triunfos en el Covent Garden y este mismo mes de abril, en el Metropolitan. Se pueden ver fragmentos (disponibles en YouTube) de su interpretación en la Ópera de Munich, en 2017, que muestran su altísima calidad vocal e interpretativa.

Las Bodas de Figaro

Unas bodas de Figaro diferentes en el Teatro Real

Las bodas de Figaro
Le nozze di Figaro
Wolfgang A. Mozart (1756-1791)
Opera buffa en cuatro actos
Libreto de Lorenzo da Ponte, basado en la comedia La folle journée, ou le mariage de Figaro (1784) de Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais
Producción de Canadian Opera Company procedente del Festival de Salzburgo
Teatro Real de Madrid, 28 de abril de 2022
D. musical: Ivor Bolton
D. escena: Claus Guth
Escenografo y figurinista: Christian Schmidt
Iluminador: Olaf Winter
Coreógrafo: Ramses Sigi
Diseñador de vídeo: Andi A. Müller
D. coro: Andrés Máspero
André Schuen, María José Moreno, Julie Fuchs, Vito Priante, Rachael Wilson, Monica Bacelli, Fernando Radó, Christophe Montagne, Moisés Marin, Alexandra Flood, Leonardo Galeazzi, y Uli Kirsch, que interpreta el ángel
Once años habían transcurrido desde su última comedia italiana, La Finta Giardiniera (La jardinera fingida) y Mozart se mostraba preocupado al no encontrar una historia apropiada para su próxima comedia. Lo refleja en una de las cartas a su padre en 1783, “he mirado más de cien libretos, y no he encontrado ni uno con el que estuviera satisfecho; habría que hacer tantos cambios aquí y allá, que incluso si un poeta se pusiera a ello, le sería más fácil escribir un texto completamente nuevo”.
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

Llega entonces a Viena, de la mano de Antonio Salieri para trabajar en la corte, el libretista y poeta italiano Lorenzo da Ponte. Se inicia entonces una fructífera colaboración entre Mozart y da Ponte que dejará atrás la época de Metastasio. Se abre un nuevo viaje operístico que ya no tendrá retorno.

Mozart mostraba cierta admiración por las obras del dramaturgo francés Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais y por una de sus obras, la trilogía de Figaro, para cuya primera parte, Il Barbiere di Siviglia (1782), había puesto ya música Giovanni Paisiello. Eligió la segunda de esta trilogía, La folle journée, ou Le mariage de Figaro (1784), que trata explícitamente los conflictos de clase de la época.

La obra de Beaumarchais, cuyo estreno teatral estuvo lleno de dificultades por la crítica social y política que contenía, puede enmarcarse dentro del proceso revolucionario que culmina en 1789 con La Revolución Francesa. Después de tres años de lucha con la censura, Las bodas de Figaro pudieron ser estrenadas llegando a las 60 representaciones. Pero las protestas y las intrigas de antiguos enemigos de Beaumarchais, consiguieron que la obra se prohibiera en toda Europa.

Como narra da Ponte en sus memorias, la ópera estuvo terminada en apenas seis semanas, “a medida que yo iba escribiendo la letra, Mozart componía la música”. Solo faltaba convencer a José II de su idoneidad. De ello se encargó da Ponte, mucho más diplomático que Mozart, que prometió al emperador prescindir de las partes más polémicas. Se suprimieron escenas enteras, pero la sustancia ideológica permanecía intacta.

La mentalidad liberal de José II, que ya había abolido la censura y autorizado un decreto de matrimonio civil por el que se suprimía el consentimiento paterno, facilitaron el estreno de una ópera que, al tener un formato de comedia, amable y simpático, disimulaba muy bien su carga de profundidad.

El 1 de mayo de 1786 se estrena por fin en Viena Le nozze di Figaro, preámbulo de Don Giovanni y, sobre todo, de Cosi fan tutte, que cierra el ciclo de la brillante colaboración entre Mozart y da Ponte.

Le nozze di Figaro es hoy en día una de las óperas más representada en todo el mundo, aunque siempre no fue así. Al Teatro Real llega pronto, en 1903, mucho antes que a otros teatros europeos. Después tuvo unos años de cierta decadencia en la programación y no fue hasta los años sesenta que, tímidamente, volvió a las temporadas operísticas.

El Teatro Real presenta esta temporada una producción que es todo un clásico, la creada por Claus Guth para el Festival de Salzburgo en 2006, que sustituye a la inicialmente anunciada de Lotte de Beer y que no tuvo muy buena aceptación, siendo generosos, en el Festival de Aix-on-Provence.

Vuelve a utilizar Guth las grandes estructuras arquitectónicas que tanto le gustan. Presenta una gran escalera en un gran espacio como único escenario. Un decorado blanco, desnudo, lejos de los excesos dieciochescos que suelen acompañar las representaciones de esta ópera. El vestuario de Christian Schmidt, también muy del estilo de Guth, como pudimos ver en Rodelinda, en este mismo Teatro, de tonos grises y uniformado. Los sutiles cambios de escena se deben sobre todo a la iluminación de Olaf Winter, que va generando con sombras y pequeñas proyecciones, las atmósferas que ayudan a describir la escena.

También en esta ocasión, Guth utiliza un personaje que no está en el libreto pero que aparece constantemente en escena. En esta ocasión se trata de una especie de Cupido que, invisible al resto de personajes, maneja los hilos de todos intentando alterar su comportamiento, sembrando confusión a su paso.

Los personajes son tratados en esta producción de manera sobria, sin adornos, dejando al descubierto la parte más profunda de su personalidad. Sin embargo, el resultado final de la escenografía es que no ayuda al desarrollo ni a la conclusión de la historia.

Volvía Ivor Bolton a dirigir Mozart al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real. Puede que contagiado por la monótona escenografía, la dirección de Bolton no ha tenido la brillantez y la chispa de otras ocasiones. Solo en algunos momentos se han hecho presentes esos destellos que Mozart reflejó tan brillantemente en su partitura.

Esta obra se distingue de otras óperas buffas por la gran calidad de sus conjuntos, que expresan la enorme variedad de sentimientos amorosos. En esta ocasión quedan un poco opacados y faltos de frescura. No se aprecia la variedad de texturas de una orquestación tan detallada como la que ofrecen Las bodas de Figaro, sobre todo en la obertura y los vientos.
Lo mejor de la orquesta han sido los recitativi secchi, del clave y el violonchelo, que han permitido que las escenas fueran más fluidas.

La parte vocal ha presentado un conjunto de voces equilibrado. Para afrontar esta ópera la exigencia teatral está casi al mismo nivel que la vocal. Pero en este caso, además, es necesaria una buena forma física.

Fue una alegría ver a la granadina María José Moreno encarnar el rol de Condesa en el Teatro Real. Lo hizo con gran seguridad, como hace ella las cosas. Es esta una Condesa un poco especial, lánguida y solitaria, y Moreno la reflejó muy bien en esos aspectos a los que añade un punto de sofisticación muy adecuado al personaje. Tuvo momentos de gran lirismo y brillantez, sobre todo en sus dos arias más importantes, “Porgi Amor” y “Dove Sono”. Posee un centro poderoso y buenos agudos.

Susana, el personaje central de la obra, estuvo interpretado por la francesa Julie Fuchs. Su voz es ligera y fresca, perfecta para Susana, le faltó volumen y hacer más creíble a su personaje, tal vez demasiado infantil.

El Figaro de Vito Priante tampoco resultaba muy creíble como prometido de Susana, parecía su padre. Muy estático en escena, andaba algo perdido con su personaje, que había sido desprovisto de su verdadero carácter por el director de escena. Pero su voz esta sobrada de calidad y posee un hermoso y cálido timbre.

El barítono italiano André Schuuen interpreta al Conde Almaviva. Ya pudimos escucharle en el Capriccio hace unas temporadas. Se siente cómodo en el personaje, aunque le falte un poco de empaque y parece un adolescente con traje. Defendió bastante bien los agudos y su zona grave es suficiente y consistente.

El Cherubino de Rachael Wilson fue, junto a la Condesa, lo mejor de la noche. Fresca y juguetona en lo interpretativo, demostró tener una buena línea de canto y un centro y agudos muy poderosos y timbrados. Lástima que fuera igual vestida que el Cherubino de pega que Guth puso sobre el escenario. Se desenvolvió con destreza, la misma con la que interpretó sus arias “Non so più cosa son, cosa faccio” y “Voi che sapete”.

A buen nivel estuvieron el resto de comprimarios que en esta producción quedaron un tanto deslucidos en lo interpretativo, Monica Bacelli, como Marcelina; Fernando Radó, como Bartolo; Christophe Montagne, Como Basilio; Moisés Marin, Don Curzio; Alexandra Flood, como Barbarina; Leonardo Galeazzi, como Antonio y Uli Kirsch, que interpreta el ángel o Cupido.

Una nueva lectura de una ópera que por primera vez otorga a la partitura un papel fundamental en el desarrollo de la trama dramática.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real
Vídeos: Teatro Real

ABAO Bilbao Opera

El sábado 24 de septiembre, un espectacular concierto inaugura la 71º Temporada de ABAO Bilbao Opera y despide con honores el emblemático proyecto Tutto Verdi, tras 16 años de actividad. La nueva temporada trae numerosas propuestas, actividades culturales, programas sociales, y una programación artística que incluye cinco títulos en el Euskalduna Bilbao y cuatro espectáculos en el Teatro Arriaga. Voces legendarias, grandes maestros, producciones inéditas y una apuesta permanente por la máxima calidad en todo su ámbito de actuación, vertebran la nueva temporada de ópera en Bilbao, inspirada en las claves del Romanticismo musical.

La 71º temporada propone a los aficionados y público en general, una programación emocionante, diversa, sugestiva y de incuestionable calidad artística.

PRINCIPALES MAGNITUDES DE LA NUEVA TEMPORADA
ABAO Bilbao Opera y la Fundación BBVA, principal patrocinador de la temporada, contribuyen a fomentar la excelencia y la cultura operística y a llevar al público espectáculos de la máxima calidad.

El repertorio italiano protagoniza la temporada con títulos muy conocidos como Tosca, Così fan tutte e Il Trovatore, y otros menos frecuentes como I puritani y Anna Bolena.

Entre las óperas y espectáculos programados, hay una producción propia, estreno absoluto: Così fan tutte y dos producciones estreno en España, Il Trovatore y la coproducción internacional de ABAO: Anna Bolena.

Se ofrecen un total de 44 funciones: 26 en la temporada general en el Euskalduna Bilbao, 17 para el público infantil y juvenil en la temporada Abao Txiki en el Teatro Arriaga, y una función del Concierto Tutto Verdi también en el Euskalduna.

Seis grandes batutas visitan la nueva temporada: Daniel Oren, Giacomo Sagripanti, Jordi Benacer, Óliver Díaz, Pedro Halffter y Francesco Ivan Ciampa para dirigir a la Bilbao Orkestra Sinfonikoa y la Euskadiko Orkestra, que junto al Coro de Ópera de Bilbao, amplían su repertorio reforzando el prestigio artístico de los colaboradores estables de ABAO.

Debutan 9 cantantes junto a importantes y destacados intérpretes que triunfan en los principales teatros de ópera del mundo.

ABAO Txiki ofrece 4 espectáculos para diferentes edades. Tres de ellos tendrán sesiones escolares revalidando el compromiso de ABAO con la formación y el público infantil y juvenil.

Tres estrenos en la temporada ABAO Txiki: Historia de una semilla, Hansel & Gretel e Itsasotik.

El programa didáctico y formativo ofrece mu ltitud de actividades gratuitas en distintos programas de actuación que incluyen charlas pedagógicas, talleres, coloquios y ciclos de conferencias para colectivos de distintas edades y procedencias.

Continúa con éxito el programa Gazteam con actividades e incentivos económicos para los menores de 25 y 30 años.

El programa “Ópera y +” en el Hospital Universitario Cruces consolida su actividad con actividades tanto dentro como fuera del Hospital, para pacientes, familiares y profesionales sanitarios de las u nidades de Nefrología, Hospital de Día, Digestivo, Pediatría y Neonatología. El programa cuenta c on la colaboración de la Fundación EDP, Fundación “la Caixa” y Zabalgarbi.

71º TEMPORADA DE ÓPERA
La nueva temporada incluye cinco títulos, más un gran concierto y se inspira en los postulados del Romanticismo musical, entre los años 1810 y la primera década del siglo XX y la aparición del verismo. Las óperas y las propuestas artísticas resaltan la cualidad de la expresión de los sentimientos y las emociones íntimas y personales con un estilo imaginativo, novelesco y lleno de cromatismo musical.

Cinco compositores: Verdi, Bellini, Donizetti, Mozart y Puccini traen a la escena bilbaína conocidos títulos del repertorio italiano como Tosca, Così fan tutte e Il Trovatore, y otros menos frecuentes como I puritani y Anna  Bolena. El Concierto Tutto Verdi presenta algunos de los pasajes más conocidos del compositor con piezas de
Macbeth, Il trovatore, Don Carlos, Un ballo in maschera, Aida y Nabucco, y una pieza inédita en ABAO: el Himno de las Naciones.

Una nueva temporada en la que debutan nueve cantantes y dos directores de escena y seis grandes batutas estarán al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa y la Euskadiko Orkestra. El Coro de Ópera de Bilbao, dirigido por Boris Dujin, se ocupa de la parte coral de la temporada.

Haciendo gala de su merecida fama de institución de grandes voces, ABAO reúne algunas de las más solicitadas en los principales teatros del mundo como: Jessica Pratt, Xabier Anduaga, Silvia Tro Santafé, Marko Mimica, Vanessa Goikoetxea, Oksana Dyka, Roberto Aronica, Mikeldi Atxalandabaso, Anna Pirozzi, Ekaterina Semenchuk o Celso Albelo, entre otros.

La Fundación BBVA cuyo rasgo diferencial es el impulso al conocimiento científico y la creación cultural, colabora con ABAO Bilbao Opera como patrocinador principal de la temporada.

Las bodas de Figaro

Las bodas de Fígaro entre el 22 de abril y el 12 de mayo en el Teatro Real, en una producción original del Festival de Salzburgo (2006), que encargó a Claus Guth la dirección escénica de las tres óperas de Mozart con libreto de Lorenzo da Ponte, una de las cuales, Don Giovanni, se ofreció en el Teatro Real la pasada temporada.

Considerada la más perfecta de las óperas de Mozart, Las bodas de Fígaro, estrenada en 1776, fue escrita en menos de un año de manera frenética y entusiástica por Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) y el polifacético escritor y libretista Lorenzo da Ponte (1749-1838), en su primera y fecunda colaboración, que proseguiría con Così fan tutte y Don Giovanni.

Ambos creadores estaban imbuidos del fervor de las nuevas ideas revolucionarias que defendía descaradamente la obra teatral de Pierre-Augustin de Beaumarchais (1732-1799) en la que se basa la ópera, La folle journée, ou Le mariage de Figaro, estrenada con gran escándalo y alboroto apenas un año antes, provocando la reclusión del autor y la prohibición de la obra en diversas cortes europeas.

Con gran pericia Da Ponte reduce y disimula el contenido más explícitamente político de la obra, manteniendo las complejas relaciones entre los distintos personajes, a los que la fabulosa partitura de Mozart otorga una inusitada profundidad psicológica, escondida bajo las formas clásicas de la opera buffa.

La música, sustentada en un armazón perfecto de simetrías y juegos estructurales y armónicos, con arias y números de conjunto de enorme belleza, sugiere, delata, contradice, insinúa, desmiente e ilumina lo que esconden las palabras de los protagonistas, dentro de un enredo aparentemente cómico.

En su propuesta escénica, Claus Guth intenta, precisamente, explorar lo que late en el alma de los personajes más allá de la comedia, auscultando el lado inconfesable, ambiguo, contradictorio, siniestro, sádico o lascivo de las relaciones amorosas.

En paralelo con la estructura clásica de la partitura, Guth, junto con el escenógrafo y figurinista Christian Schmidt, sitúa la trama en un viejo y austero palacio, con los personajes encorsetados en trajes que delatan su origen social y determinan su modo de proceder. A partir de ahí, como en una película de Ingmar Bergman, o en un drama de August Strindberg, Guth va ‘desenmascarando’ lo que pasa en el interior de los personajes con la ayuda de un ‘ángel’ silencioso que muestra al espectador lo indecible, turbio u oscuro de las relaciones amorosas.

Dos selectos elencos dan vida a los complejos personajes de esta ópera coral, que esconden lazos de seducción, amor, deseo, pasión, hastío o rencor: Andrè Schuen y Joan Martín-Royo (Conde de Almaviva); María José Moreno y Miren Urbieta-Vega (Condesa de Almaviva); Julie Fuchs y Elena Sancho Pereg (Susanna); Vito Priante y Thomas Oliemans (Fígaro); Rachael Wilson y Maite Beaumont (Cherubino); Monica Bacelli y Gemma Coma-Alabert (Marcellina); y Fernando Radó y Daniel Giulianini (Bartolo).

Ivor Bolton, director musical del Teatro Real, vuelve a dirigir Las bodas de Fígaro desde su foso, después del éxito obtenido con la misma partitura en 2014. Esta ópera será la séptima producción de Mozart en la que asume la dirección musical al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, y la tercera en la que trabaja codo con codo con Claus Guth, después de Lucio Silla (2017) y Don Giovanni (2020).

Desde la reapertura del Teatro Real, Las bodas de Fígaro se ha ofrecido en 5 de sus 25 temporadas: en 1998, con Gianandrea Noseda y Jürgen Flimm; en 2003, con Antoni Ros Marbá y Marco Arturo Marelli; en 2009, con Jesús López Cobos y Emilio Sagi, cuya producción volvió a presentarse en 2011 con Víctor Pablo Pérez, y en 2014 con Ivor Bolton.

La propuesta escénica y dramatúrgica concebida por Claus Guth, que ahora se verá en el Teatro Real, ofrece una nueva perspectiva de la obra maestra de Mozart, cuya riqueza, complejidad y hondura son una inagotable fuente de interpretaciones.

Fotografía © Javier del Real | Teatro Real

alina-ibragimova

Alina Ibragimova y Cédric Tiberghien en un nuevo concierto del ciclo Mozart a través de sus cartas ahonda en la segunda estancia del compositor en París en 1778, cuando tuvo que sobreponerse a la muerte de su madre. Acompañan a los músicos las voces de los actores María Adánez, Carlos Hipólito y Pedro Casablanc.

El acto puede seguirse de manera presencial y en directo por Canal March y YouTube. El audio estará disponible en Canal March durante 30 días.

Desde que se conocieron en 2005 como miembros de la BBC Radio 3 New Generation Artist, la violinista Alina Ibragimova y el pianista Cédric Tiberghien han mantenido una duradera colaboración. Han tocado juntos en algunos de los ciclos y salas más prestigiosos del mundo, entre ellas el Wigmore Hall, e interpretado la integral de las sonatas para violín y piano de Beethoven y Mozart. Tres de estas últimas, las KV 304, 305 y 306, que han grabado para Hyperion Records, podrán escucharse este viernes y sábado en Madrid en un nuevo concierto del ciclo Mozart a través de sus cartas: “París, 1778. Mozart desolado” presentado por Andrés Ibáñez y complementado con las voces de los actores María Adánez, Pedro Casablanc y Carlos Hipólito.

El ciclo, Mozart a través de sus cartas, consta de siete conciertos articulados entre octubre y mayo en torno a siete lugares e hitos destacados en la biografía mozartiana, y presenta algunas de las creaciones más relevantes del catálogo camerístico del compositor en combinación con la lectura de algunas de sus cartas. Más de 1600 misivas escritas por el compositor, por su padre y otras personas de su entorno, que describen sus continuos viajes, sus tribulaciones o incluso la génesis de algunas de sus obras. Las dos próximas sesiones, que tendrán lugar el 18 y 19 de marzo, estarán precedidas por una presentación del escritor y crítico literario Andrés Ibáñez, que hablará del segundo viaje a París del compositor en 1778, en el que, aunque Mozart será invitado a varios salones y recibirá algunos encargos, “no parece que nadie le tome, en el fondo, muy en serio”.

Sin dominar el francés, en ese viaje Mozart tendrá que enfrentarse a una aristocracia poco generosa, que lo recibirá con indiferencia, y aunque el público admire su Sinfonía nº 31, no logrará el puesto en la corte que su padre ansiaba para él. Lo más relevante de esa visita será la muerte de su madre Anna María, que sumirá al compositor en un profundo pesar que dejará reflejado en sus cartas –“Atrás he dejado uno de los momentos más tristes de mi existencia”, escribe el 3 de octubre de 1778– y en las que también se aprecia su temor por tener que comunicar a su padre el fatal desenlace.

De este período parisino, Mozart, que había salido de Salzburgo siendo un niño, regresará como un adulto capaz de sobreponerse a duros trances y de enfrentarse a la voluntad paterna. También quedará un puñado de obras maestras, entre ellas la Sinfonía “París” y la célebre Marcha turca, y otras que reflejan la influencia en el compositor de la estética galante, como las seis sonatas que inauguran un nuevo modo de componer para violín y piano. En el concierto “París, 1778. Mozart desolado” podrán escucharse tres de ellas: la Sonata en La mayor KV 305, compuesta antes de viajar a París y que parece reflejar el optimismo del compositor durante su estancia en Mannheim; la Sonata en Re mayor KV 306 y la Sonata en Mi menor KV 304, teñida de melancolía y compuesta justo después de morir su madre.

Con un repertorio que abarca desde el Barroco hasta la actualidad, con instrumentos antiguos y modernos, Alina Ibragimova ha asentado su reputación como una de las violinistas más completas de su generación. Su prominente presencia en los Proms de la BBC desde 2015 ilustra esta realidad: además de realizar interpretaciones del repertorio habitual, ha participado junto con un conjunto de música barroca y llevado a cabo una interpretación de la integral de las Partitas y sonatas de Bach que ha sido alabada por The Guardian. En los Proms de 2019, Alina interpretó el estreno del Concierto para violín de Rolf Wallin con la Bergen Philharmonic Orchestra bajo la dirección de Edward Gardner. Su duradera colaboración con el pianista Cédric Tiberghien le ha llevado a interpretar con éxito las integrales de las sonatas para violín y piano de Beethoven y Mozart en el Wigmore Hall y en algunos de los ciclos de conciertos más prestigiosos del mundo. Juntos, Alina y Cédric han grabado para Hyperion Records un amplio repertorio que incluye las sonatas para violín de Brahms, Franck, Vierne y Mozart.

El pianista francés Cédric Tiberghien ha construido una carrera internacional asentada sobre su versatilidad (como demuestra su amplio repertorio), su innovación a la hora de programar, su apertura para explorar formatos innovadores de concierto y su dinámica colaboración con otros músicos. Recientemente ha ofrecido conciertos con la Filarmónica de Berlín, la Orquesta Sinfónica de Londres y la de San Francisco. Además, Cédric mantiene una estrecha relación con el Wigmore Hall: además de participar en diversos proyectos camerísticos, interpretará la integral de las variaciones de Beethoven a lo largo de las dos próximas temporadas. En próximas fechas ofrecerá conciertos con Alina Ibragimova y el Cuarteto Doric por toda Europa. Cédric ha recibido cinco premios Diapason d’Or por sus grabaciones a solo y en dúo para Hyperion. Además, ha publicado varios discos con Harmonia Mundi. Colabora habitualmente con el violista Antoine Tamestit, el barítono Stéphane Degout y la violinista Alina Ibragimova.

Andrés Ibáñez es escritor, autor de quince novelas y tres libros de relatos. Estudió música en el Conservatorio de Madrid y Filología Hispánica en la Universidad Autónoma. Fue Premio Nacional de la Crítica en 2015 por su novela Brilla, mar del Edén, traducida al inglés y al polaco. Ha desarrollado una extensa labor como crítico literario y columnista cultural en el suplemento cultural de ABC y otros medios, y ha sido crítico de música clásica del diario ABC. Ha escrito los libretos de dos óperas, Dulcinea y El público, con música de Mauricio Sotelo, ambas estrenadas en el Teatro Real de Madrid.

Próximos conciertos

El próximo concierto del ciclo será “Viena, 1786-1788. Tríos con piano”, en el que el Wiener Mozart-Trio permitirá apreciar el novedoso tratamiento del violonchelo en sus tríos tardíos (1 y 2 de abril). A continuación, tendrá lugar el concierto de Kristian Bezuidenhout, (9 y 10 de abril), que explorará la influencia del contrapunto de J.S. Bach en la obra del genio salzburgués. Cerrará el ciclo “Londres, 1764. Junto al Bach inglés” (20 y 21 de mayo), dedicado a la ciudad en la que el pequeño Wolfgang gozó de la protección de Johann Christian Bach, quien ejercería una gran influencia sobre su obra. Al conocer su muerte en 1782, Mozart lamentaría: “¡una gran pérdida para el mundo de la música!”. Estas próximas sesiones irán precedidas de la presentación de la musicóloga y presentadora de Radio Clásica María del Ser, la musicóloga y catedrática de la Universidad Complutense de Madrid Cristina Bordas y el Catedrático de Historia de España en la Universidad de Delaware Jesús Cruz Valenciano.

FICHA DEL CONCIERTO

Viernes 18 y sábado 19 de marzo a las 18:30

Con presentación previa de Andrés Ibáñez a las 18:00h.

Mozart a través de sus cartas. “París, 1778. Mozart desolado”.

Alina Ibragimova, violín. Cédric Tiberghien, piano. Andrés Ibáñez, presentación.
María Adánez, Pedro Casablanc y Carlos Hipólito, narración.

Programa:

Carta 1: Anna Maria Mozart a su esposo Leopold (Mannheim, 1778) y Leopold a su hijo Wolfgang (Salzburgo, 1778)

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)

Sonata para violín y piano en La mayor KV 305

Carta 2: Mozart a su padre Leopold (París, 1778)

Wolfgang Amadeus Mozart

Sonata para violín y piano en Mi menor KV 304

Carta 3: Mozart a su padre Leopold (Nancy, 1778)

Wolfgang Amadeus Mozart

Sonata para violín y piano en Re mayor KV 306

Lectura de cartas y documentos de la época a cargo de María Adánez, Pedro Casablanc y Carlos Hipólito

Notos Quartett

El próximo 20 de marzo, el Notos Quartett iniciará una gira de conciertos por nuestro país en el Caixaforum de Barcelona, que se extenderá hasta el mes de mayo con actuaciones en la Sociedad Filarmónica de Valencia, el Palacio de Congresos de Cádiz y el Caixaforum de Sevilla. En dichos conciertos interpretarán el Cuarteto con piano en Mi b Mayor KV 493 de Mozart y el Cuarteto con piano en sol menor op. 25 de Brahms.

Fundado en 2007 en Berlín, el Notos Quartett se ha convertido en un conjunto de referencia internacional del circuito camerístico actual, ya que se trata de uno de los pocos conjuntos estables con formación de cuarteto con piano. “Nos gusta perfeccionar las obras maestras conocidas, descubrir tesoros perdidos y olvidados, y defender las nuevas composiciones para el género único del cuarteto de piano”, afirman los miembros del Notos Quartett, que cuentan con seis primeros premios y numerosos premios especiales en destacados concursos internacionales (Holanda, Italia, Inglaterra y China).

Aplaudido por la crítica internacional, que ha destacado su virtuosismo, perfección técnica, pasión y madurez artística, el Notos Quartett está integrado por Sindri Lederer (violín), Andrea Burger (viola), Philip Graham (violonchelo) y Antonia Köster (piano). Además de numerosas giras mundiales, destacan sus actuaciones en prestigiosos escenarios europeos, como el Wigmore Hall de Londres, la Philharmonie de Berlín, el Konzerthaus de Berlín, el Concertgebouw de Ámsterdam, La Fenice de Venecia, el BOZAR de Bruselas, o la Tonhalle de Zúrich, y los Festivales de Schwetzingen, Rheingau, Mecklenburg-Vorpommern y Montpellier Radio France, entre otros.

El próximo 25 de marzo saldrá al mercado su tercer trabajo discográfico en Sony Classical bajo el título “Paris Bar”, que reúne obras de los compositores Jean Françaix, Alexandre Tansman y László Lajtha, inspiradas en el ambiente parisino de los “Locos Años 20”.

http://www.notosquartett.de/en

La clemenza di Tito

ABAO Bilbao Opera recibe el año con el estreno en Bilbao de la última ópera de Mozart y también su obra más política: La clemenza di Tito, con el patrocinio de la Fundación BBVA. Una historia de poder, traición y remordimientos en la que finalmente triunfa la compasión, con una producción estreno en España y el debut en ABAO de grandes voces. Debido a la reducción de aforo a 800 localidades marcada por la normativa vigente, ABAO ha programado una función más de las habituales para los días 22, 24, 26, 28 y 31 de enero en el Euskalduna Bilbao. Las representaciones darán comienzo a las 19:30h excepto la del sábado 22 que comenzará a las 19:00h.
 
La clemenza di Tito es una ópera seria en dos actos con música de Wolfgang Amadeus Mozart y libreto de Pietro Metastasio y Caterino Mazzolà. En 1791, y mientras estaba componiendo una de sus óperas más célebres: Die Zauberflöte (La flauta mágica), Mozart recibió el encargo de escribir una ópera que festejara la coronación de Leopoldo II como rey de Bohemia. Estrenada en Praga poco antes de la muerte del compositor, actualiza un drama ambientado en la Antigua Roma con un argumento entorno a la conjura de Vitellia y de su enamorado Sesto para asesinar y derrocar a Tito, el nuevo Emperador, quien una vez conoce la traición, decide mostrar compasión y perdonar a los rebeldes demostrando que las mayores virtudes de un gobernante son la generosidad y la clemencia.
 
GRANDES VOCES DEBUTAN EN LA TEMPORADA DE ABAO
Destaca el debut en ABAO, en esta Clemenza di Tito, de tres grandes voces del panorama lírico actual. Paolo Fanale, el tenor italiano de moda, de timbre firme y apasionada expresión, afronta para su debut en la temporada bilbaína el rol protagonista del emperador Tito. Un personaje de personalidad íntegra con arias de gran dificultad y pasajes de canto lírico.
Debutan también dos mezzosopranos en personajes masculinos: Daniela Mack en el rol de Sesto, el amante de Vitellia y traidor amigo de Tito, una intérprete de referencia en roles mozartianos, con gran solvencia escénica, equilibrio y elegancia; y Veta Pilipenko como Annio, amigo de Sesto y enamorado de Servilia, una voz fresca y contundente.
Vanessa Goikoetxea asume el papel de Vitellia, la villana de la ópera, celosa y manipuladora. Cantante con gran sensibilidad vocal, fuerte emisión y notable expresividad dramática.
Completan el reparto la bilbaína Itziar de Unda como Servilia, y Josep Miquel Ramón como el oscuro Publio.

RICCARDO FRIZZA AL FRENTE DE LA EUSKADIKO ORKESTRA
El maestro Riccardo Frizza, recientemente galardonado con el Premio Ópera XXI al Mejor Director Musical por su trabajo en Lucia di Lammermoor en ABAO Bilbao Opera, se pone al frente de la Euskadiko Orkestra para afrontar la última partitura operística del compositor de Salzburgo, que contiene algunas de sus arias más inspiradas.
Mozart compuso La clemenza di Tito en tan solo seis semanas pero eso no impidió que la dotara de una gran solidez instrumental y musical. Ya desde la “Obertura”, se aprecia una obra de gran sonoridad y expresividad, con un potencial dramático y poético extraordinario, donde destacan grandes escenas llenas de lirismos vertiginosos, junto a brillantes piezas de conjunto a cargo de solistas y del Coro de Ópera de Bilbao.
 
UNA PRODUCCIÓN ESTRENO EN ABAO
Ganador en 2016 del International Opera Award para dirección joven, Fabio Ceresa, que debuta en ABAO, está considerado como uno de los más prometedores directores de escena italianos de su generación.
La producción ideada para la Opéra de Laussane, es estreno en España y ofrece una propuesta elegante y monumental, hecha de grandes figuras y paneles modulares en movimiento. Ceresa combina una estética con elementos neoclásicos de la Antigua Roma con un aspecto más contemporáneo cercano al modernismo de los años 30 del pasado siglo. Una puesta en escena con una atemporalidad consciente, para resaltar la universalidad de la obra.
La escenografía de Gary McCann presenta una línea creativa de gran calidad y combina con eficacia el ambiente palaciego con otros escenarios como baños o termas, recreando una Antigua Roma fluida, corpórea, versátil y de gran plasticidad teatral. Palacios, estatuas, monumentos, piscinas y panteones conviven en un espacio escénico en forma de alegoría sobre el modo en que los hombres luchan por el poder.
El planteamiento dramático dibuja las características de los personajes con vestuario también de Gary McCann, iluminación de Ben Cracknell y coreografía de Mattia Agatiello, con cuidados movimientos de grupo.
 
ANDREA MERLI INTRODUCE LA OBRA MOZARTIANA EN EL CICLO EL ABC DE LA ÓPERA
El ciclo El ABC de la ópera descubre los aspectos más relevantes de cada título de la temporada en una conferencia la víspera del estreno, en el Auditorio del Museo Bellas Artes de Bilbao.
El viernes 21 de enero, Andrea Merli, crítico musical, ensayista, productor de ópera y conferenciante, será el encargado de desvelar los entresijos de esta ópera y la obra de su compositor.
Para acceder a esta actividad gratuita se requiere invitación que puede retirarse en las oficinas de ABAO Bilbao Opera o llamando al teléfono 944 355 100, desde el lunes 17 de enero. Aforo reducido.

La clemenza di Tito

El director de orquesta italiano regresa a ABAO Bilbao Opera tras Lucia di Lammermoor, título con el que el pasado año consiguió el Premio Ópera XXI como mejor director musical de la temporada española.

Será con La clemenza di Tito, obra maestra del genio mozartiano nunca antes representada en la programación de ABAO Bilbao Opera, que la institución vasca y el maestro Riccardo Frizza abren su temporada operística 2022. La producción llega desde la Opéra de Lausanne, cuyo estreno en la capital bilbaína está previsto para el día 22 de enero (con reposiciones los días 24, 26, 28 y 31 de enero), con dirección de escena firmada por Fabio Ceresa, escenografía y vestuario de Gary McCann, iluminación de Ben Cracknell y coreografía de Mattia Agatiello, mientras que en los papeles principales figuran Paolo Fanale (Tito), Daniela Mack (Sesto), Vanessa Goikoetxea (Vitellia), Veta Pilipenko (Annio), ltziar de Unda (Servilia) y Josep Miquel Ramón (Publio).

Para Riccardo Frizza, que en esta ocasión dirigirá a la Euskadiko Orkestra Sinfonikoa y al Coro de Ópera de Bilbao preparado por Boris Dujin, La clemenza di Tito, última ópera de Mozart, “recuerda los antiguos rasgos estilísticos del período dorado de la ópera seria, en un mundo en el que con Gluck –el gran reformador del género– había alcanzado su máximo esplendor para después caer en decadencia”. El músico italiano lleva casi veinte años colaborando con el curso abaísta, y esta ópera, compuesta para celebrar la coronación del Gran Duque de Toscana Leopoldo II de Habsburgo como Rey de Bohemia, fue puesta en música por Mozart sobre un libreto de Metastasio “especialmente revisado por Caterino Mazzolà con la reducción de tres a dos actos, el corte de varios recitativos y la transformación de algunas arias en piezas de conjunto. Posee múltiples referentes masónicos en tonalidades, células rítmicas y en el mismo argumento, que ensalza las cualidades de un soberano coronado de todas las virtudes, clemente e ilustrado. En la partitura el genio de Mozart emerge en todo su esplendor dibujando un soberano entregado al bien público, con fluidas estructuras musicales y con una música maravillosa que, en definitiva, anticipa soluciones que posteriormente Beethoven, Weber y Rossini tomarán como modelo para sus obras”, comenta el director nacido en Brescia.

La clemencia di Tito se representa por primera vez en Bilbao, por lo que me siento muy honrado de que hayan confiado en mí para esta tarea. Al fin y al cabo, llego a Bilbao sintiéndome como en casa para dirigir toda una novedad para los socios de ABAO. Desde mi debut en 2005 con La Sonnambula, esta es mi octava producción en tierras vascas y estoy feliz de reencontrarme con los músicos de la Sinfónica de Euskadi, con los que en 2019 dirigí Lucia di Lammermoor, título por el que la asociación Ópera XXI me otorgó el premio al mejor director de la temporada en España«, concluye Riccardo Frizza.

Entre otros compromisos, en 2022 le esperan en el Teatro Malibran de Venecia (concierto sinfónico), en el Teatro San Carlo de Nápoles (Las Tres Reinas de Donizetti con Sondra Radvanovsky e Il barbiere di Siviglia), en el Teatro del Maggio Musicale Fiorentino (L’amico Fritz) y en el Metropolitan Opera de Nueva York (Lucia di Lammermoor).

Riccardo Frizza © Gianfranco Rota

Abao Bilbao Opera

Riccardo Frizza

Daniela Mack

La mezzosoprano argentina Daniela Mack debutará en la 70 Temporada de ABAO Bilbao Opera en La clemenza di Tito en enero 2022, con el rol de Sesto.

Daniela Mack lidera la vanguardia de una nueva generación de cantantes de ópera y destaca por la intensidad, audacia y carisma de sus interpretaciones. La artista ha sido calificada por la crítica como «sobresaliente» (The New York Times), «una poderosa mezzo» (Wall Street Journal), «poseedora de una técnica virtuosa sin igual» (The Guardian) y «una voz como ónix pulido: fuerte, oscura, profunda y reluciente” (Opera News). En 2013 fue finalista del certamen BBC Cardiff Singer of the World.
Sus compromisos esta temporada incluyen Partenope en el Teatro Real, I capuleti e i montecchi en la Maestranza, Amadigi di Gaula en Boston Baroque, Serse en el Carnegie Hall y Nabucco de nuevo en el Teatro Real, entre otros.

Daniela Mack es alumna del Programa de Becas Adler en la Ópera de San Francisco, donde ha cantado Idomeneo, Faust y Die tote Stadt. Ha interpretado el papel principal de La Cenerentola como miembro del Programa de Ópera Merola y un recital de la serie Recitales Debut de Schwabacher de la Ópera de San Francisco.

En el plano concertístico destacan L’heure espagnole, L’enfant et les sortilèges, y Sombrero de tres picos con la Orchestra de la suisse Romande, la Boston Symphony Orchestra y la Chicago Symphony Orchestra, bajo la dirección de Charles Dutoit. Se ha presentado en escenarios como la Royal Opera House, Ópera Nacional de Washington​, Ópera de Santa Fe, San Francisco Ópera, Atlanta Ópera, Metropolitan, Ópera Omaha, Palm Beach Ópera, Ópera Philadelphia, etc.

Daniela Mack sustituye a la inicialmente prevista Daniela Barcellona, quien se está recuperando de una lesión que, si bien no reviste importante gravedad, le impide poder incorporarse a los ensayos de la ópera en cartel en las fechas previstas. ABAO ha trasladado a la artista sus mejores deseos de una pronta recuperación.

Piano mágico

La magia de las fiestas navideñas, en las que los niños siempre tienen un papel protagonista, no podía faltar en la programación de El Real Junior, que abrirá la Sala Principal a un espectáculo para toda la familia lleno de imaginación y fantasía tejido con el piano y la música de Frédéric Chopin, los próximos días 27 y 30 de diciembre y 3 y 4 de enero, a las 12.00 horas.

Bajo el título de Magic Chopin se presentará, por primera vez en España, esta propuesta de los oscarizados BreakThru Films –cuya creación, Pedro y el Lobo, ganadora de varios premios, pudo verse en el Teatro Real en la pasada temporada – que ahora nos invitan a un concierto cinematográfico animado que contará con la pianista Mariana Gurkova, interpretando en directo la música del compositor polaco, y la participación de Fernando Palacios, como guionista y presentador.

Magic Chopin presenta la música de Chopin con un conjunto de animaciones únicas, compuestas por un largometraje principal, Magic Piano, de unos 30 minutos de duración, en el que se cuenta la aventura de

Anna y su primo Chip-Chip a bordo de un piano mágico y volador, y varios cortos animados, The Chopin Shorts (Los cortos de Chopin), en los que se cuentan cuatro historias de 2 a 3 minutos, cada una.

Las diferentes narraciones envuelven al espectador que, desde el primer momento, empatiza con las aventuras, emociones y actitudes de los protagonistas sin dejar de sorprenderse hasta el último momento, llevándose, al salir, el recuerdo de una inolvidable experiencia y muchas reflexiones sobre los momentos vividos.

BreakThru Films, fundada en 2001 por el productor Hugh Welchman, es una compañía polaca de animación, conocida en todo el mundo por sus proyectos innovadores y de extraordinaria calidad artística. Su primera gran producción, Pedro y el Lobo, ganadora del Oscar al mejor cortometraje de animación, fue pionera en el formato de películas exhibidas en salas de conciertos acompañadas por orquestas en directo, y atraen cada vez a más público ¡ y más joven ! BreakThru Films se ha labrado una gran reputación gracias a sus cortometrajes, avalada  por más de 20 premios y nominaciones internacionales, entre ellos dos nominaciones a los BAFTA, la selección oficial de Cannes, el premio Canal+ de Chicago y el premio TCM, por citar algunos.

MAGIC CHOPIN – SINOPSIS

MAGIC PIANO

Études de Frédéric Chopin (1810-1849)

Opus 25 Nº5, Opus 10 Nº3, Opus 10 Nº1, Opus 10 Nº7, Opus 25 Nº6, Opus 25 Nº1, Opus 25 Nº12, Opus 10 Nº9 y Opus 25 Nº11

Dirección: Martin Clapp

Magic Piano cuenta la historia de Anna, una niña de 10 años cuyo padre la ha dejado en Polonia con su tía y su primo Chip-Chip, mientras él trabaja en el extranjero, en Londres. Anna, que echa de menos a su padre, decide huir. Al verla partir, Chip-Chip la sigue. Para librarse de él, se esconde en un montón de basura y tropieza con un viejo piano, que se transforma en una mágica máquina voladora en la que ambos son transportados por el aire, como si viajaran en un velero gigante o una nave espacial.

Anna decide utilizar el artilugio para encontrar a su padre y llevarlo de vuelta a  casa. Chip-Chip, a pesar de sentir un vértigo terrorífico, decide acompañarla ya que desea desesperadamente caerle bien a su prima.

Ambos comienzan la aventura pero, al llegar a los tejados de París, se encuentran con un joven con el que Anna parece conectar muy bien. Chip-Chip, receloso, se amotina e intenta hacer girar la máquina voladora en el aire. Ambos comienzan una discusión y, en el transcurso de la pelea, rompen el mecanismo de dirección, y van a la deriva en el viento a través de mares tormentosos hacia nieblas impenetrables.

Cuando la niebla se despeja, descubren sorprendidos que están en Londres aunque, con la máquina estropeada, no pueden dar el último pequeño paso hacia papá.

Detrás de ellos se forma una gigantesca tormenta que los arrastra lejos del piano mágico y, de forma inexplicable, los devuelve súbitamente a Varsovia, junto al montón de basura, donde ya no hay ningún piano viejo pero…donde encuentran a papá caminando hacia ellos.

THE CHOPIN SHORTS (LOS CORTOS DE CHOPIN)

EL HÁMSTER GORDO

Étude Opus 25. Nº 8

Dirección: Adam Wyrwas

Los protagonistas son una pareja de hámsters adorables y esponjosos. Uno de ellos es terriblemente glotón, pero su compañero no quiere que sea gordo y le obliga a hacer ejercicio en la rueda de la jaula. La monotonía del movimiento le deja sumido en un sueño profundo, momento  que su glotón compañero aprovecha para atiborrarse de comida… con cómicas consecuencias…

PL.INK!

Étude Opus 10. Nº 4

Dirección: Anne-Kristin Berge

Un pintor minimalista pierde a su hijo pequeño  dentro de uno de sus cuadros. Al acceder al interior de la pintura para rescatar al travieso niño de los monstruos de tinta, encuentran ayuda de una máquina voladora.

EL CIELO DEL HÁMSTER

Étude Opus 10. Nº 11

Dirección: Paul Bolger

La preciosa historia de amor de una pareja de estos simpáticos roedores en la que el macho hará lo posible para no separase nunca de la hámster que ama..

EL NIÑO DE PAPÁ

Étude Opus 25. Nº 9

Dirección: Leevi Leemetty

Un ratoncito que quiere ser bailarín de ballet. Su padre, un ex campeón de boxeo,  no puede entender su pasión por la danza, pero cuando el pequeño utiliza sus habilidades como bailarín para engañar a un gato que ha atrapado a su padre, éste observa orgulloso a su pequeño haciendo piruetas para ayudarle a escapar.

Cuarteto Quiroga © Igor Cat

El martes 10 de noviembre a las 19.30 horas, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta a uno de los cuartetos más reconocidos internacionalmente por público y crítica, el aclamado Cuarteto Quiroga, en la segunda cita del ciclo Liceo de Cámara XXI en el Auditorio Nacional de Música de Madrid. En esta ocasión, el famoso cuarteto español, Premio Nacional de Música 2018, interpretará obras compuestas en do mayor por Haydn (op. 33 «El pájaro» y op. 74) y Mozart (op. 19 «De las disonancias»), incluidas en su recién lanzado último disco denominado Und Es Ward Licht. Haydn & Mozart: El alumbramiento de una nueva Era, en Do Mayor. Las últimas entradas, con un precio general de 10 a 20 euros, están ya a la venta en las taquillas del Auditorio Nacional, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y en el teléfono 91 193 93 21. h

En do mayor
Tras el éxito de sus anteriores lanzamientos discográficos, el Cuarteto Quiroga regresa con este doble CD para retratar musicalmente uno de los periodos más fascinantes de la historia de la música: el nacimiento, la expansión y el triunfo del cuarteto de cuerda como género y, con él, el advenimiento de una nueva era en la que una nueva generación de europeos vio en esta música pura e instrumental un arte que emanaba de la razón y el pensamiento pero que hablaba directamente a los sentimientos, por lo que tenía el poder de persuadir y convencer, combinando perfectamente la fuerza sintáctica y estructural del lenguaje con la libre poética semántica de la imaginación. Una nueva música para iluminar un mundo nuevo, una música para instruir y seducir. Una música universal y democratizadora, totalmente moderna e ilustrada.

Para alumbrar este viaje a la Ilustración musical, el repertorio se centra en cuatro obras maestras de Haydn y Mozart, escritas todas ellas en Do Mayor, la tonalidad simbólica de la Luz, la elegida también por el propio Haydn para representar el momento de la creación en su oratorio más famoso, con el grito luminoso de «¡Und Es Ward Licht!» (“¡Y se hizo la luz!”). Esta grabación ilustra y celebra un proceso musical que, hijo de su tiempo, acabó cosntruyendo una forma de escribir y hacer música que iluminaría a generaciones de compositores, intérpretes y melómanos, y cuyas reflexiones éticas y estéticas siguen brillando hoy en día. Un viaje de la oscuridad a la luz, del ingenio al genio, de lo humano a lo sublime. Un viaje a las raíces mismas de la identidad musical y cultural de Europa.

Elogiado por The New York Times por sus «exquisitas y frescas interpretaciones», el Cuarteto Quiroga se ha consolidado como uno de los cuartetos más dinámicos y singulares de su generación, aclamado internacionalmente por crítica y público por su personalidad única, así como por su enfoque audaz y original al abordar el repertorio para cuarteto de cuerda.

Formado en 2003, el Cuarteto toma su nombre del violinista gallego Manuel Quiroga, uno de los más destacados intérpretes de cuerda de nuestra historia musical. Estudiaron con Rainer Schmidt en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid, con Walter Levin en la Musikakademie de Basilea y con Hatto Beyerle en la Academia Europea de Música de Cámara. Otras influencias artísticas importantes son Johannes Meissl, György Kurtág, András Keller, Eberhard Feltz y Ferenc Rados. Fuertemente comprometidos con la enseñanza de la música de cámara, son profesores en el Conservatorio Superior de Música de Zaragoza, la Universität Mozarteum Salzburg, Musikene y el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, e invitados regularmente a dar clases magistrales en universidades y conservatorios de música de toda Europa, Estados Unidos y América Latina.

Ganadores del Premio Nacional de Música 2018, el Premio Ojo Crítico de RNE y galardonados en los principales concursos internacionales para cuarteto (Burdeos, Paolo Borciani, Ginebra, Pekín, Fnapec-París, Palau Barcelona), en 2013 el Cuarteto Quiroga se convirtió en el primer conjunto en residencia en el Palacio Real de Madrid a cargo del cuarteto de Stradivarius decorados de la colección palatina.

El Cuarteto es actualmente conjunto residente en el Museo Cerralbo de Madrid y habitual de las salas más prestigiosas del escenario internacional, como la Pierre Boulez Saal, Konzerthaus y Philharmonie en Berlín, Wigmore Hall Londres, The Frick Collection y Lincoln Center en Nueva York, DaCamera en Los Ángeles, National Gallery of Art de Washington DC, Concertgebouw de Ámsterdam, Les Invalides de París, Martinu Hall de Praga, Nybrokajen de Estocolmo, Auditorio Nacional de Madrid, Stadtcasino de Basilea, Mozarteum de Salzburgo, y en festivales como la Heidelberger Frühling y la Bienal de Cuartetos de Cuerda de Ámsterdam.

Entre sus compañeros de escenario habituales se encuentran músicos de la talla de Martha Argerich, Veronika Hagen (que les acompaña en esta última aventura discográfica), Jörg Widmann, Javier Perianes, Valentin Erben, Richard Lester, David Kadouch, Jonathan Brown, Cappella Amsterdam y los cuartetos de cuerda Doric, Meta4, Ardeo y Galatea. Apasionado defensor del repertorio contemporáneo, el cuarteto colabora regularmente con compositores de nuestros días, y presentando y grabando nuevas creaciones para establecer un diálogo constante entre la tradición y la nueva música. Han estrenado obras de destacados compositores como Peter Eötvös, Cristóbal Halffter, Jose María Sánchez-Verdú, Antón García-Abril, Jesús Villa- Rojo, Marisa Manchado, Narine Khachatryan y Cecilia Díaz, y han interpretado la integral de la obra de György Kurtág para cuarteto y, en próximas temporadas, estrenarán obras de Jonathan Dove, Jörg Widmann y José Luis Turina.

Desde 2012, el Cuarteto Quiroga se ha embarcado en un ambicioso viaje para construir un catálogo discográfico inspirado y único con el sello independiente holandés Cobra Records. En este otoño de 2021 presentan su último disco, Und Es Ward Licht. Haydn & Mozart: El alumbramiento de una nueva Era, en Do Mayor, grabado junto a la prestigiosa violista Veronika Hagen y dedicado al nacimiento y explosión de la música de cámara y el cuarteto de cuerda como géneros hijos de la Ilustración. Su anterior CD, Heritage, ofrece una elocuente antología de la escena musical del cuarteto de cuerda en Madrid en la época de Goya. Publicado en 2019, este «álbum necesario» (Scherzo) está interpretado con cuerdas de tripa e incluye dos grabaciones en primicia mundial de Boccherini y Brunetti. Su primer álbum, que emparejaba a Haydn y Webern con Sollima, ganó el premio CD del año 2012, otorgado por la Unión de Productores Independientes (UFI). Entre sus anteriores grabaciones para Cobra, aclamadas por la crítica, figuran álbumes de música temprana de Schönberg, Webern y Alban Berg; los cuartetos Opus 51 de Brahms; y obras de Bartók, Ginastera y Halffter. En 2016, publicaron una grabación con Javier Perianes para Harmonia Mundi que incluye rarezas para quinteto de piano de Granados y Turina.

Cuarteto Quiroga © Igor Cat

Cecilia Bartoli

El 19 de noviembre, Cecilia Bartoli lanzará un álbum de dramáticas arias de concierto de la época clásica. Estas piezas, notables por su dificultad, fueron compuestas por los grandes compositores de la era clásica para las sopranos más destacadas de la época. El proyecto lleva casi una década en proyecto, y la música se grabó en 2013 con la Orquesta de Cámara de Basilea bajo la batuta de Muhai Tang. La lista de títulos la ultimó Bartoli cuando la pausa en su programa de actuaciones que supuso la pandemia permitió a la cantante volver la vista a sus trabajos inacabados.

«Me gustó poder ocuparme de tantas cosas que había dejado sin terminar, pospuestas u olvidadas. Por fin tuve la oportunidad de rebuscar entre mis archivos de sonido en busca de joyas ocultas. Entre los numerosos amigos reencontrados que salieron a la luz, siento un apego especial por las grabaciones de este álbum».  Cecilia Bartoli

Con más de 12 millones de grabaciones de audio y vídeo vendidas, Cecilia Bartoli es una de los artistas clásicos de más éxito de nuestros tiempos. Bartoli lleva desde 1988 grabando en exclusiva para Decca Classics y ha recibido cinco premios Grammy, más de una docena de premios Echo y Brit, el premio Polar Music, el premio Léonie-Sonning-Music y el premio Herbert von Karajan. Ha actuado en los auditorios, óperas y festivales más prestigiosos del mundo, trabaja como directora artística del Festival de Pentecostés de Salzburgo, y en enero de 2023 se convertirá en directora de la Ópera de Monte Carlo, la primera mujer de la historia en dirigirla.

En Unreleased, Bartoli ejecuta dramáticas arias de concierto compuestas a lo largo de un período de 23 años por cuatro compositores cuya influencia mutua queda patente, y cuyas composiciones reflejan la medida de las sopranos para las que se escribieron.

Ah! Perfido de Beethoven, compuesta para la célebre cantante Josepha Duschek durante la visita del compositor a Praga en 1796, puede presagiar parte de la música escrita para la única heroína operística de Beethoven: Leonore de Fidelio.

Duschek estrenó también Bella mia fiamma, de Mozart, quien también compuso originalmente para ella Ah, lo previdi, y que finalmente cantó Aloysia Weber. Otras piezas de Unreleased son arias de Mozart compuestas originalmente para otros grandes cantantes del siglo XVIII, como el castrato Tommaso Consoli, que fue el primero en interpretar L’amerò, sarò costante de Mozart en la ópera El Rey Pastor. 

Bartoli continúa su labor con obras que raramente se interpretan con Se mai senti. Escrita por el compositor checo Josef Mysliveček, esta aria pertenece a su ópera de 1734 La Clemencia de Tito y fue compuesta para Pietro Benedetti (que también estrenó algunas de las óperas tempranas de Mozart). Mysliveček, que fue molinero en su Praga natal antes de trasladarse a Italia, ya se había convertido en el compositor de óperas de mayor éxito y mejor remunerado de Europa cuando entabló amistad con Mozart.

Bartoli ha cantado anteriormente Scena di Berenice de Haydn en concierto con gran aclamación del público, y su interpretación de 2001 en el Festival Styriarte fue descrita por Gramophone como «uno de los conciertos mejor grabados en DVD». Esta es la primera grabación de estudio de Bartoli de la difícil aria de Haydn, que estrenó Brigida Bant en London en 1791.

El violinista, violista y director israelí de origen ruso Maxim Vengerov toca dos solos de violín en dos de las piezas: L’amerò sarò costante y Ch’io mi scordi di te?

«Me gustaría dar las gracias a mi estimado colega y amigo Maxim Vengerov, que siempre ha sido una gran fuente de inspiración para mí y me ha acompañado en la grabación de estas dos hermosas arias de Mozart».

  Cecilia Bartoli

LISTA DE TÍTULOS

Beethoven: Ah! Perfido, Op. 65

Mozart: Ch’io mi scordi di te? K.505

Mysliveček: Se mai senti de La Clemencia de Tito

Mozart: Ah, lo previdi!…Ah, t’invola…Deh, non vicar K.272

Mozart: Bella mia fiamma, addio… Resta, oh cara, K528

Mozart: L’amero, sarò costante de El Rey Pastor. K.208 (solo de violín: Vengerov)

Haydn: Scena di Berenice, Hob. XXIVa:10

Rueda de prensal de la ópera REQUIEM de Mozart

El Palau de les Arts comienza el próximo jueves, 30 de septiembre, la temporada lírica con el estreno en España de la versión teatralizada del ‘Réquiem’, de Mozart, realizada por Romeo Castellucci, bajo la dirección musical de James Gaffigan.

Jesús Iglesias Noriega, director artístico de Les Arts, ha presentado hoy en rueda de prensa el primer título del apartado ‘Les Arts és Òpera’ como “una de las apuestas más relevantes en esta nueva etapa del teatro como impulsor de nuevas estéticas y propuestas de referencia en el circuito operístico”.

“Romeo Castellucci, uno de los protagonistas del espacio teatral vanguardista en Europa, estrena en España su aplaudida versión de la inacabada misa de difuntos de Mozart. Escenificada como un canto a la vida de extraordinaria belleza plástica y arrolladora fuerza teatral, la propuesta del dramaturgo y artista plástico está considerada como uno de los espectáculos imprescindibles de los últimos años”.

‘Réquiem’ es una coproducción de Les Arts con Festival d’Aix-en-Provence, Adelaide Festival, Theatre Basel, Wiener Festwochen y La Monnaie / De Munt con Romeo Castellucci como artífice de la dirección de escena, escenografía, vestuario e iluminación. Silvia Costa (directora de escena asociada), Evelin Facchini (coreografía) y Piersandra di Matteo (dramaturgia) completan el equipo creativo.

Iglesias Noriega ha destacado, además, “los excelentes miembros con los que Les Arts aborda uno de los mayores retos, tanto en su faceta musical como técnica, de la temporada 2021-2022”.

“James Gaffigan, buen conocedor de la música de Mozart, y particularmente de su ‘Réquiem’, debuta como director musical en la Sala Principal al frente de los cuerpos estables del teatro: el Cor de la Generalitat, excepcional en uno de sus trabajos más complejos y exigentes tanto a nivel vocal como escénico, y la Orquestra de la Comunitat Valenciana, formación de referencia en el foso”.

“En el apartado de solistas, Les Arts reúne a destacados intérpretes del repertorio mozartiano: Elena Tsallagova, Sara Mingardo, Sebastian Kohlhepp y Nahuel Di Pierro, así como el niño soprano Juan José Visquert de la Escolania de la Mare de Déu dels Desemparats”, ha apuntado.

Por su parte, James Gaffigan ha remarcado el gran trabajo de Castellucci con su puesta en escena, que jamás distrae al espectador ni perturba la música de Mozart, sino que, todo lo contrario, realza su excelencia. Asimismo, el músico neoyorquino ha elogiado el gran trabajo del Cor de la Generalitat tanto a nivel musical como escénico para llevar a cabo las exigencias de la producción.

Despedirse de la vida

Asumiendo completamente el carácter fragmentado del ‘Réquiem’, Castellucci da vida a un espectáculo construido a partir de una serie de imágenes mudas capaces de expresar la necesidad imperiosa de despedirse de la vida.

El artista italiano captura el desvanecimiento de la vida como el origen de todas las posibles bellezas humanas. Este ‘Réquiem’ se opone a lo que cabría esperar de una misa de difuntos; no es un espacio de lamentación, quiere celebrar la vida en la fragilidad que le pertenece.

Una proyección constante de nombres de animales, plantas, pueblos, idiomas, ciudades, sentimientos extinguidos se pueden leer en paralelo a lo que sucede sobre el escenario. Las frases adoptan la forma de un adiós a los elementos en conexión con las vidas de cada uno de los espectadores, gracias a un acercamiento a nuestra época y al abandono de las cosas próximas al espectador.

Como explicó el propio Castellucci, “el ‘Réquiem’ aborda la cuestión fundamental del tiempo, de la esperanza de renacer; explora el origen y el fin, pero también el fin como origen”.

‘Réquiem’

Les Arts ha programado seis funciones del ‘Réquiem’ de Mozart los días 30 de septiembre y 2, 3, 6, 8 y 10 de octubre.

Airam Hernández en Oviedo

Si hay algún rasgo que caracteriza la trayectoria artística del tenor tinerfeño Airam Hernández es su versatilidad. Ha cantado los más variados repertorios, desde oratorios barrocos hasta óperas de Verdi o música contemporánea, pero ahora disfruta con uno de sus compositores favoritos: Mozart. Y lo hace a lo grande, con uno de los personajes más importantes para su cuerda, el del príncipe Tamino de la inmortal Flauta mágica en la Ópera de Oviedo. Será en una nueva producción que firma el regista Albert Estany, con dirección musical de Lucas Macías. El viaje al mundo mozartiano ha sido todo un descubrimiento para el cantante, un repertorio en el que, afirma, puede explotar todos sus recursos, “especialmente en los roles de carácter heroico, que requieren de una voz lírica, pero dúctil”. El canto elegante y refinado del tenor español le va como anillo al dedo al personaje de Tamino. “Este es un estilo de gran exigencia vocal en el que hay que encontrar un equilibrio entre el carácter dramático del personaje y la línea pura y limpia. Llevo un tiempo especializándome en este repertorio y espero poder debutar todos los personajes del compositor que me vayan bien a lo largo de mi carrera”, apunta el cantante. La obra se estrenará en el Teatro Campoamor de la capital asturiana el 8 de octubre, completando el calendario con funciones los días 10, 12, 14 y 16 de octubre.

Hernández, de sólida formación musical primero como intérprete de trompa y más tarde como miembro del Coro del Liceu barcelonés y del ensemble de la Ópera de Zúrich, se encuentra en un momento muy dulce de su carrera, habiendo realizado gran parte de su trayectoria a nivel internacional con debuts en media Europa y en Estados Unidos; este curso, por fin, se le verá en varios escenarios españoles. Entre otros compromisos, además de este debut en Oviedo, regresa a la temporada del Teatro Real de Madrid interpretará a Federico García Lorca en el estreno absoluto de la ópera El abrecartas de Luis de Pablo. También le esperan actuaciones en el Teatro de La Maestranza de Sevilla (I Capuleti ed i Montecchi de Bellini), en la Ópera de Tenerife (Florencia en el Amazonas de Daniel Catán) o en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona (Norma de Bellini).

Airam Hernández

Ópera de Oviedo

Ólafsson

Después de los éxitos de Philip Glass · Piano Works, Johann Sebastian Bach, Debussy · Rameau and Debussy · Rameau Reflections (más de 225 millones de streams hasta la fecha y más de 320.000 álbumes vendidos), el multipremiado pianista Víkingur Ólafsson centra ahora su atención en la música de MOZART. Ólafsson presenta algunas de las obras para piano predilectas de Mozart además de una selección de piezas de destacados compositores contemporáneos. Mediante la yuxtaposición de obras de Mozart, Haydn, C. P. E. Bach y los raramente grabados Galuppi y Cimarosa, Mozart & Contemporaries disipa la imagen de Mozart como el angelical y prodigioso idiot savant, presentando, en cambio, a un compositor maduro por medio de música compuesta mayoritariamente durante la década de 1780: un adulto sobrado de recursos, que trabaja duro y que ya había conocido la adversidad. Todo es ensamblado ingeniosamente por la personalísima programación de Ólafsson, que es siempre una invitación a la reflexión.

Ólafsson comenta: “Esta década de la vida y el arte de Mozart me parece infinitamente fascinante. Mozart no era únicamente un compositor y tengo la sensación de que, cuando escribía para sí mismo como un virtuoso del piano, se permitía más que nunca ese sublime carácter juguetón que se encuentra en el centro mismo de su originalidad y su inventiva. Esta es la época en que Mozart estaba no sólo perfeccionando la tradición clásica, sino subvirtiéndola de un modo sutil. Las sombras son más oscuras; los matices y las ambigüedades, más profundos”.

“Víkingur Ólafsson está revitalizando la música clásica” The Economist

Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788); Joseph Haydn (1732-1809); Baldassare Galuppi (1706-1785) y Domenico Cimarosa (1749-1801): “Quizá los cuatro brindan una oportunidad para calibrar el oído contemporáneo hacia las ideas, los estilos y los gustos dominantes de la época”, comenta Ólafsson. “Confío en que este contexto en concreto, una mezcla de lo célebre y lo recóndito, puede modificar ligeramente nuestro ajuste psicológico, dejando de lado parte del bagaje que todos incorporamos de manera instintiva a la música de Mozart. Esto es, en cualquier caso, lo que me dispuse a hacer para mí mismo: abordar incluso las obras más conocidas de Mozart con la misma libertad y entusiasmo infantil que sentí al descubrir las obras infrecuentes y asombrosamente líricas de compositores como Galuppi y Cimarosa”.

Mozart: un ave que vuela por libre

Mozart & Contemporáneos nos ofrece una fascinante instantánea de una década en la que se produjo un hervidero de cambios, los compositores no cesaban de experimentar y Mozart estaba escribiendo piezas tan visionarias como la Sonata en Do menor K. 457. El álbum –el cuarto del pianista para Deutsche Grammophon– incluye también transcripciones del propio Ólafsson: arreglos evocadores de dos sonatas de Cimarosa, además de una magistral transcripción para piano solo del gran Adagio en Mi bemol mayor del Quinteto de cuerda K. 516 de Mozart. Para cerrar el disco, el Adagio en Si menor K. 540 de Mozart desemboca, tras una suave transición, en la transcripción que realizó Franz Liszt del motete Ave verum corpus, compuesto por Mozart en su último año de vida. El ascenso de las líneas vocales hasta los registros más agudos del piano es visto por Ólafsson como la representación de una sensación postrera de muerte y transfiguración.

“Cuando toco Mozart, siento que estoy conociéndome como músico.
Logro conocer aspectos que antes desconocía. Él parece reflejar en la música

tu ser más íntimo.”

Víkingur Ólafsson

Víkingur Ólafsson provocó un impacto inolvidable con la publicación de sus tres primeros álbumes, Philip Glass · Piano Works  (2017), Johann Sebastian Bach (2018) y Debussy · Rameau (2020) en Deutsche Grammophon, sello del que es un artista discográfico en exclusiva. El proyecto Debussy · Rameau, que hizo que el Daily Telegraph lo definiera como “la nueva superestrella del piano clásico”, ha alcanzado casi la cifra de cien mil discos vendidos y ha superado los 75 millones de streams, lo que ha hecho que el número total de streams de la música de Ólafsson ascienda a más de 227,5 millones.

Entre los múltiples premios de Ólafsson figuran el Opus Klassik a la mejor Grabación Instrumental a solo (piano) durante dos años consecutivos (2019, 2020), Álbum del Año en los Premios de la BBC Music Magazine en 2019 y Artista del Año de la revista Gramophone en 2019. The New York Times lo calificó, por su parte, del “Glenn Gould de Islandia”.

Tan solo en 2020 realizó una serie de ocho transmisiones en la radio islandesa; presentó su propia serie de televisión en horario de máxima audiencia en Islandia, llamada Bocados musicales; y creó su propia serie en tres partes para la BBC Radio 3, Transcribir, Transformar. Durante el confinamiento, Ólafsson fue también el artista residente durante tres meses en el programa artístico enseña de la BBC Radio 4, Front Row (Primera fila), con transmisiones de recitales semanales en vivo desde una desierta sala de conciertos Harpa en Reikiavik, que fueron escuchados por millones de oyentes en todo el mundo.

Víkingur Ólafsson va a hacer su debut en los Proms de la BBC el 14 de agosto y tocará Mozart & Contemporáneos en la Serie Internacional de Piano del Southbank Centre de Londres el 2 de octubre de 2021.

Rene Pape

René Pape interpreta obras de Dvořák, Mozart, Sibelius y Quilter este domingo, 16 de mayo, a las 18.00 horas, en la Sala Principal del Palau de les Arts.

El artista alemán, considerado como el mejor bajo de su generación, es el encargado de clausurar la segunda edición de ciclo de ‘Les Arts és Lied’, en el que, a lo largo de la temporada, han actuado algunas de las voces más cotizadas como Lise Davidsen, Ainhoa Arteta, Anita Rachvelishvili, Christian Gerhaher y Sonia Yoncheva.

Desde que cantara el papel de Sarastro en ‘La flauta mágica’ de Mozart en el Festival de Salzburgo de 1995 dirigido por Georg Solti, René Pape se ha convertido en un nombre imprescindible para los principales teatros y auditorios del mundo, especialmente en el Metropolitan de Nueva York, donde ha interpretado 18 roles en más de 160 funciones, y en la Staatsoper de Berlín, compañía de la que es miembro desde 1998.

La ópera alemana es la gran especialidad del bajo de Dresde, que compagina con una dilatada carrera como liederista, en la que hace gala de su reconocido dominio técnico y de sus dotes interpretativas. Ganador de dos Grammys, fue designado como ‘Vocalista del año’ por Musical America, y ‘Artista del año’ en 2006 por la asociación de crítica alemana.

René Pape se presenta en Les Arts acompañado por el pianista Camillo Radicke, con quien forma uno de los tándems más celebrados por sus recitales dedicados al ‘lied’. Se trata de la primera ocasión en que el artista se presenta en la Sala Principal del teatro. René Pape debutó en 2008 en el Auditori, bajo la dirección de Lorin Maazel, en el ‘Requiem’ de Verdi.

Les Arts recuerda que las localidades para el recital de René Pape tienen un rango de precios que oscila entre 20 y 40 euros.

Fotografía: Jiyang Chen

Judith Jáuregui

La pianista donostiarra Judith Jáuregui ofrecerá sus dos primeros conciertos de este nuevo año los días 22 y 23 de enero en el Teatro Monumental de Madrid junto a la Orquesta Sinfónica Radiotelevisión Española dentro de su temporada de abono, dedicada a las Revoluciones Musicales, bajo la dirección del holandés Jan Willem de Vriend. Judith interpretará el Concierto Nº 20 de Mozart, su concierto más dramático y atormentado. El programa se completa con la Sinfonía nº 1 de Mendelssohn y la obertura ‘Orfeo y Eurídice’ de Gluck a cargo de orquesta y director. “Escrito en re menor como su Requiem o su Don Giovanni –explica la pianista- el 20 de Mozart es revolucionario en su forma, con el autor introduciendo la novedad de la entrada del piano totalmente diferente a la introducción de la orquesta, y fue un éxito desde su estreno en 1785. Se convirtió en una de las obras favoritas de Beethoven que escribió cadencias para el primer y tercer movimiento y mantuvo la admiración de los románticos, quienes a veces tachaban el estilo mozartiano de demasiado ‘ligero’, pero sí se identificaron con la tormenta y el ímpetu de esta gran obra. Artistas como Clara Schumann, Brahms o Busoni la tocaban recurrentemente”.

Las dos citas en el Monumental suponen los primeros conciertos del año para Judith Jáuregui, dentro de una temporada que comenzó en el Teatro Victoria Eugenia de San Sebastián y en la que pudo cruzar alguna frontera llegando a tocar en República Checa, pero que ahora se prevé más centrada en España, tras quedar pospuestos sus compromisos en Italia y Suiza. En este sentido, la pianista valora especialmente la posibilidad de ofrecer este concierto a pesar de las circunstancias. “En un momento tan complejo y con tanto peso emocional como el que estamos viviendo a todos los niveles, desde la incertidumbre personal a los desafíos a los que nos estamos enfrentando como sociedad desde hace ya 8 meses, juntarme con la ORTVE y el Maestro de Vriend para hacer este Mozart en concreto lo vivo como una especie de milagro –declara-. Aplaudo a los ciclos y orquestas españolas que están, a pesar de las dificultades, manteniéndose en pie como pueden y siendo ejemplo de valentía y compromiso con la música, la cultura y los artistas y equipos humanos que la hacen posible. Volviendo a Mozart, dentro de la tragedia, en su música siempre se encuentra la esperanza. Sus melodías buscan la luz, y en este momento esa luminosidad es una enorme inspiración para seguir adelante –concluye Judith-”.

Tras los aplazamientos en el extranjero, la agenda de Judith se vuelca en España, con conciertos en los primeros meses del año en el Palau de la Música de Valencia, el Auditorio de Zaragoza, el Auditorio de Alicante junto a la ADDA Simfònica, el Teatro Principal de Pontevedra, el Euskalduna de Bilbao y el Auditorio Nacional de Madrid, entre otros.

Revoluciones Musicales 3
Viernes 22/01/2021 – 19:30 h y Sábado 23/01/2021 – 19:30 h. Teatro Monumental (Madrid)
Orquesta Sinfónica RTVE. Director: Jan Willen de Vriend
C. W. Gluck – Obertura Orfeo y Eurídice
Wolfgang A. Mozart – Concierto para piano Nº 20 en Re menor K.466
Judith Jáuregui, piano
Felix Mendelssohn – Sinfonía Nº 1 en Do menor Op.11

Con su estilo enormemente personal, elegante y creativo, Judith Jáuregui se ha convertido en una de las pianistas más cautivadoras de la actualidad. En palabras de la revista alemana Piano News, “no es solo la impecabilidad de su interpretación la que cuenta, sino la impresión de escuchar a una pianista que verdaderamente tiene algo que decir”.

Nacida en San Sebastián, ha estado unida a diversas culturas desde su infancia: de madre vasca y padre mexicano de nacimiento y francés de adopción, Judith se inició en la música en su ciudad natal para después finalizar sus estudios en Munich, Alemania, bajo la tutela del maestro ruso Vadim Suchanov. En las últimas temporadas ha sido recibida con entusiasmo en salas de referencia como el Auditorio Nacional de Madrid, el Palau de la Música de Barcelona, el Southbank Centre de Londres, Auditorio Louvre de París, el Konzerthaus de Berlín, Suntory Hall de Tokio, NCPA Pekín, el Festival de Piano de La Roque d’Anthéron, el Festival de Piano de Lille, el Festival Radio France de Montpellier en Francia, Schloss Elmau, Murten Classics y Klosters Music.

Ha colaborado con la Britten Sinfonia, Neubrandenburger Philharmonie, PFK Prague Philharmonia, Das Neue Orchestre Köln, Orquesta Sinfónica de Aarhus, Slovak Sinfonietta y la Orquesta Simón Bolívar de Venezuela, así como con grandes orquestas españolas, incluidas la Orquesta Nacional de España, y las sinfónicas de Euskadi, de Bilbao o de Castilla y León.

En junio 2020 vio la luz su último álbum ‘Die romantische Seele’ con música de Robert y Clara Schumann, grabado junto a la Orquestra Simfònica Camera Musicae y Tomàs Grau para el sello alemán Ars Produktion. Su discografía anterior da muestra de su amplio repertorio y recoge diferentes autores y épocas: desde el mismo Schumann, a quien dedicó su primer álbum editado en 2010 y fue galardonado como Mejor Álbum de Clásica en los Premios de la Música Independiente, a otros compositores como Granados, Liszt, Chopin, Falla, Mompou, Albéniz, Szymanowski o Scriabin. En 2019 su quinto trabajo Pour le tombeau de Claude Debussy (Ars Produktion) fue un registro en directo desde un concierto íntimo en Viena y recibió una calurosa bienvenida en la prensa musical, que alabó la interpretación de Judith definiéndola como soberanía pianística poesía que brilla con luz propia, sorprendente por su extroversión y frescura, ciertamente, una artista cuyas próximas publicaciones deberán seguirse muy de cerca’. El disco además fue seleccionado como nominado a los Premios Opus Klassik 2020 dentro de la categoría Grabación en Vivo del año. Judith Jáuregui es una artista Bösendorfer.

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Don Giovanni
Wolfgang A. Mozart (1756-1794)
Dramma giocoso en dos actos
Libreto de Lorenzo Da Ponte, basado en el Burlador de Sevilla (1616) de Tirso de Molina y en el libreto de Giovanni Bertati para la ópera Don Giovanni Tenorio ossia il convitato di pietra (1787)
Producción de la Staatsoper de Berlín, procedente de Salzburger Festpiele
Teatro Real, Madrid 29 de diciembre de 2020
D. musical: Ivor Bolton
D. escena: Claus Guth
Responsable de la reposición: Julia Burbach
Iluminador: Olaf Winter
Dramaturgia: Ronny Dietrich
Coreógrafos: Ramses Sigl
D. coro: André Máspero
Intérpretes: Adrian Eröd, Goran Juric, Adela Zaharia, Airam Hernández, Federica Lombardi, Marco Mimica, Cody Quattlebaum, Marina Monzó
Coro y Orquesta Titulares del Teatro RealPersonalmente tengo que decir que he tenido mala suerte con los Don Giovanni a los que he asistido. Tan mala suerte que creo que este es el mejor que he visto. Y tengo también que reconocer que me surgen unas cuantas contradicciones después de ver la representación. Unas cosas me gustan mucho, otras, menos. Pero si nos fijamos en el conjunto, en todos los elementos (que no son pocos) que componen esta producción, puedo decir que salí del Teatro contenta después de haber disfrutado.Don Giovanni parece tener algún tipo de maldición en Madrid, pues las representaciones que de él se han hecho en las últimas décadas no han sido precisamente brillantes. La de Claus Guth, que se estrenó en 2008 en el Festival de Salzburgo y que llega ahora al Teatro Real, se mantiene desde entonces en los escenarios con bastante dignidad. Es además la única ópera de Mozart que permaneció en el repertorio desde su estreno en el período romántico, cuando el resto habían desaparecido de las programaciones.Existen dos versiones de Don Giovanni, la de Praga de 1787 y la de Viena en 1788, que es la que se representa en esta ocasión, aunque se ha prescindido del sexteto final y del dúo entre Zerlina-Leporello. Como Mozart escribía para los cantantes, adaptó la versión de Viena para la soprano austríaca Caterina Cavalieri para el rol de Elvira, una de las más famosas cantantes del momento. Lo mismo hizo con el papel de Don Ottavio, que en Viena fue interpretado por Francesco Morella, para quien escribió el aria de Il mio tesoro, un tenor con más habilidad y facilidad para la coloratura que Antonio Baglioni, que estrenó la versión en Praga.Guth ha creado un bosque de un realismo extraordinario. Giratorio, como no podía ser de otra manera tratándose del director alemán. El bosque… ese lugar donde nos escondemos o nos amamos. Un lugar en el que podemos sentir miedo, nos perdemos e inquietamos, pero donde siempre las emociones son fuertes.La escenografía de Claus Guth empieza alterando el libreto, pues el Comendador hiere de muerte a Don Giovanni ya en la obertura, a modo de spoiler. A partir de aquí asistimos a la agonía, en tiempo real, de un Don Giovanni que es como un animal cazado y herido en un bosque que, al girar, además de resultar un poco mareante, va desvelando los misterios y rincones en los que transcurren las escenas. Todo ello en una permanente y brillante penumbra creada por Olaf Winter. Hay espacio para un coche, una parada de autobús o un columpio. Todo, menos un palacio.Tampoco acompaña a sumergirse en la obra mozartiana el vestuario ni elementos escénicos incomprensibles, como la alusión a las drogas de Don Giovanni y, en general, la falta de sensibilidad en una obra como esta.Ivor Bolton, que se maneja muy bien en el repertorio mozartiano, tuvo un resultado un tanto desigual en esta ocasión. Fue de menos a más, tras una obertura un poco apagada, como casi toda la primera parte, llegó una segunda con mayor musicalidad y refinamiento en las cuerdas. La música conseguía sofocar los momentos en los que la escenografía te sacaba de la obra. No entendí que la mandolina de James Ellis tuviera que estar amplificada. No se si fue esta la causa de la falta de pulcritud en su emisión en un aria que, por otra parte, estuvo hábilmente iluminada creando uno de los momentos más sublimes de la representación.El cuadro de cantantes ha estado muy equilibrado. Cabes destacar la interpretación del Don Giovanni de Adrian Eröd, de un alto nivel interpretativo. Frívolo y apresurado en sus conquistas mientras agoniza. Lástima que su emisión no fuera limpia, parecía que tenía algún problema. El frio, quizá. Un personaje tratado escénicamente como un pobre hombre errático. Nada que ver con el Don Juan que tenemos interiorizado.El croata Goran Jurik ofrece una buena imagen de Comendador, gracias a su presencia escénica y su poderosa voz de bajo en un rol poco agradecido, por breve.Adela Zaharia me gustó en su papel de Donna Anna. La soprano rumana combinó sensibilidad con solvencia vocal y una buena interpretación. Ella, como el resto de solistas, tuvieron que cantar mientras mantenían el equilibrio sobre un escenario irregular. A veces se piensa poco en los cantantes y mucho en elementos inestables e innecesarios del decorado.Tampoco estuvo mal la Donna Elvira de Federica Lombardi, con una solida zona central y buenos en los agudos que le permitieron momentos de brillantez.El Leporello del croata Marko Mimica tuvo casi más protagonismo vocal que el propio Don Giovanni. No así en la faceta interpretativa. Aunque se echan de menos voces verdaderamente graves en la actualidad, Mimica cumplió con su rol.

El papel de Don Ottavio ha estado interpretado por Airam Hernández, un personaje pusilánime que quedó bien retratado por el tenor tinerfeño que estuvo a buen nivel también en la parte vocal.

La Zerlina de Marina Monzó fue una de las satisfacciones de la noche, que no sorpresa. Junto al Masetto de Cody Quattlenaum, crearon una pareja bien compenetrada en la parte teatral.

Otra noche de ópera en el Teatro Real, que se está comportando como un gran buque que avanza, contra viento y marea y manteniendo el rumbo, en un inmenso océano de hielo.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real/Teatro Real
Vídeos: Teatro Real

Don Giovanni

Entre los días 18 de diciembre y 10 de enero el Teatro Real ofrecerá 15 funciones de Don Giovanni, de Wolfgang Amadeus Mozart, en una producción de la Staatsoper de Berlín, estrenada en el Festival de Salzburgo en 2008, con el mismo dúo protagonista que actuará en el Real: el barítono británico Christopher Maltman, como Don Giovanni, y el bajo-barítono hispano-uruguayo Erwin Schrott, como Leporello.

La interpretación de ambos, alabada unánimemente por la crítica, adquiere en este montaje un significado especial, ya que Claus Guth refuerza, en su puesta en escena, el macabro vínculo de los dos personajes, cuya complicidad y piedad aportan, quizás, los únicos momentos tiernos y compasivos de la producción.

La trama transcurre en un bosque de abetos muy versátil, diseñado por el escenógrafo Christian Schmidt, donde se van sucediendo los distintos cuadros de la ópera, distorsionados por la agonía de Don Giovanni, que se desangra lentamente desde la primera a la última escena.

Herido por el Comendador al inicio de la ópera, en el paroxismo de la muerte desfilan por su cabeza los perversos juegos de seducción que han llenado su vida trepidante, caminando hacía la enajenación y la muerte sin abandonar nunca su espíritu impetuoso, lúbrico y blasfemo.

Ayudado por Leporello, el amigo junkie y compinche de aventuras que lo acompaña en el doloroso trance, Don Giovanni mezcla, en la ópera, los recuerdos vívidos alentados por su afán hedonista, con las visiones borrosas que preceden la muerte. Escondido en los meandros y recovecos de un bosque siempre cómplice, sabiamente iluminado por Olaf Winter, la floresta refleja el drama de los personajes, en un juego pictórico de claroscuros que enlaza el universo barroco del libertino de Tirso de Molina, con el mundo turbio de los tarados sexuales del siglo XXI.

Dos elencos de cantantes de reconocido prestigio internacional encarnan los personajes de Don Giovanni, dirigidos con la pericia y hondura por Claus Guth, que ya dejó su impronta en tres producciones presentadas en el Teatro Real: Parsifal (15/16), Rodelinda (16/17) y Lucio Silla (17/18).

Los barítonos Christopher Maltman y Adrian Eröd (Don Giovanni), los bajo-barítonos Erwin Schrott y Marko Mimica (Leporello), las sopranos Anett Fritsch y Federica Lombardi (Donna Elvira), los tenores Mauro Peter y Airam Hernández (Don Ottavio), las sopranos Brenda Rae, Adela Zaharia y María José Moreno (Donna Anna), y también Louise Alder y Marina Monzó (Zerlina), así como los bajos Krzysztof Baczyk y Cody Quattlebaum (Masetto), y Tobias Kehrer y Goran Juric (El comendador), se alternarán en las 15 funciones programadas, siempre bajo la dirección de Ivor Bolton, que dirigirá su quinto título de Mozart en el Real, al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro o Real.

Don Giovanni se presentará por cuarta vez desde la reinauguración del Teatro Real: en junio de 1999 con Daniel Barenboim y Thomas Langhoff; en octubre de 2005 con Víctor Pablo Pérez y Lluis Pasqual; y en abril de 2013, con Alejo Pérez y Dmitri Tcherniakov.

La producción que llega ahora al Real se ofrece en un período de incertidumbre y dificultades, exigiendo por parte de todos un esfuerzo suplementario para presentar la ópera dentro de la normativa de seguridad sanitaria.

El director de escena Claus Guth ha modificado varios detalles de la puesta en escena y el Coro Titular del Teatro Real actuará con unas mascarillas diseñadas especialmente para cantantes, que favorecen la proyección de la voz y el movimiento facial sin liberar los aerosoles. Pero estas y otras adaptaciones no impedirán al Teatro Real ofrecer, con la máxima calidad, una perspectiva distinta del gran mito de la literatura española, con nuevas interpretaciones que siguen enriqueciendo su aura.

EL PATROCINIO DE ENDESA

Para José Bogas, consejero delegado de Endesa “contribuir a que la cultura no se pare y, en particular, apoyar al Teatro Real, es un enorme orgullo para Endesa. Valoramos enormemente que el Teatro Real sea una de las escasas Opera House del mundo que ha mantenido su programación contra viento y marea, a pesar de la pandemia; además, lo ha hecho con una enorme calidad y sin descuidar la seguridad. Y eso es lo que vamos a comprobar con este ‘Don Giovanni’ que Endesa patrocina.

cosi fan tutte

El Palau de les Arts reflexiona sobre la soledad y la fragilidad de las relaciones humanas en una producción de ‘Così fan tutte’ adaptada a la nueva normalidad, con la que se inaugura el 27 de septiembre la temporada 2020-2021 en la Sala Principal.

Les Arts ha presentado hoy en rueda de prensa este título que, bajo la dirección musical de Stefano Montanari y escénica de Silvia Costa, protagoniza un reparto de jóvenes pero experimentados intérpretes, habituales en este repertorio en los repartos de los teatros y festivales de mayor prestigio: Federica Lombardi, Paula Murrihy, Marina Monzó, Anicio Zorzi Giustiniani, Davide Luciano y Nahuel Di Pierro.

El director artístico del teatro, Jesús Iglesias Noriega, ha subrayado el esfuerzo no solo del equipo artístico y creativo, sino también del equipo técnico, artístico y administrativo del teatro, así como del Cor de la Generalitat y de la Orquestra de la Comunitat Valenciana por poner en marcha esta nueva producción en apenas dos semanas tras la cancelación de la adaptación escénica de Romeo Castellucci del ‘Réquiem’ de Mozart.

“Un teatro es una institución dinámica y no puede parar. Es nuestra obligación seguir adelante para mantener viva la cultura y ofrecer a la ciudadanía un espacio y foros de reflexión y crítica con las máximas garantías de seguridad para público y artistas”.

El violinista y director Stefano Montanari, batuta de acreditado prestigio en los repertorios barroco y clásico, regresa a Les Arts, donde actuó por primera vez en 2006 como solista con la Accademia Bizantina en ‘L’isola del piacere’ de Martín i Soler. En esta ocasión, debuta en el podio con el Cor de la Generalitat y la Orquestra de la Comunitat Valenciana en una producción que, como él mismo señala, permite la perfecta relación entre música y escena.

En el apartado escénico, Silvia Costa propone una visión atemporal, un espacio simétrico y abstracto que confronta dos mundos. El montaje, con atrezo y vestuario confeccionado por el equipo técnico del teatro, e iluminación de Marco Giusti, pone su foco, según la ‘regista’, en “soledad de personajes” y “la fragilidad de las relaciones humanas”, como apunta también el director musical.

Ascendentes intérpretes

Debuta en Les Arts, con el papel de Fiordiligi, la ascendente soprano Federica Lombardi, consagrada pese a su juventud como una de las intérpretes más cotizadas, especialmente en los papeles mozartianos, en teatros como La Scala de Milán, el Metropolitan de Nueva York, la Staatsoper de Viena o la Ópera de Múnich.

En el rol de su hermana Dorabella, se presenta ante el público valenciano la mezzosoprano Paula Murrihy. Habitual en los teatros de ópera europeos y estadounidenses, la cantante irlandesa es además una de las voces de referencia para Teodor Currentzis, con quien colabora regularmente con su agrupación MusicAeterna.

La valenciana Marina Monzó cierra la terna femenina como la intrigante doncella Despina. La emergente artista, después de su aplaudido trabajo en ‘La tabernera del puerto’ la pasada temporada, hará con ‘Così fan tutte’ su esperado debut operístico en Les Arts.

En el apartado masculino, canta por primera vez en la Sala Principal el barítono italiano Davide Luciano (Guglielmo) que, gracias a sus incursiones en el repertorio clasicista y belcantista, se ha revelado como uno de los nuevos valores en su tesitura con trabajos en Nueva York, Milán, Berlín o Moscú, entre otras plazas.

https://www.lesarts.com/es/

Fotografía: Miguel Lorenzo

Palau Les Arts de Valencia

El Palau de les Arts inaugurará la temporada 2020-2021 con una versión de ‘Così fan tutte’, de Mozart, adaptada a los requisitos de la actual realidad sanitaria.

Esta ópera sustituirá en el calendario a las representaciones de la impactante recreación escénica de Romeo Castellucci del ‘Réquiem’ de Mozart que se había anunciado como título inaugural.

Ante la evolución de la situación de la COVID-19 en las últimas semanas, Les Arts considera apropiado posponer, por su complejidad escénica, el aplaudido montaje del dramaturgo y artista plástico italiano.

La coproducción de Les Arts con Festival d’Aix-en-Provence, Adelaide Festival, Theatre Basel, Wiener Festwochen y La Monnaie se estrenará dentro de la temporada 2021-2022.

Con el fin de garantizar la seguridad de artistas y público, se ofrecerá una versión de ‘Così fan tutte’ con una duración aproximada de 2 horas y 15 minutos sin descanso.

El violinista y director Stefano Montanari, batuta de acreditado prestigio en los repertorios barroco y clásico, dirigirá esta ópera, con la que se cierra la llamada trilogía Mozart-Da Ponte.

Les Arts continúa así con su apuesta por el repertorio de Wolfgang Amadeus Mozart, que ya inauguró la pasada temporada con ‘Le nozze di Figaro’, el primero de los títulos de la trilogía, que surge como fruto de la colaboración del compositor de Salzburgo con el exitoso libretista de Treviso Lorenzo Da Ponte.

Silvia Costa, estrecha colaboradora de Romeo Castellucci, firma la concepción de esta propuesta semiescenificada, que se realizará ‘ad hoc’ para sus representaciones en Les Arts, y que cuenta con iluminación de Marco Giusti.

Destacados intérpretes mozartianos conforman el reparto. Anett Fritsch, Anicio Zorzi Giustiniani, Davide Luciano, Nahuel Di Pierro, entre otros, protagonizan los enredos del celebrado ‘dramma giocoso’, que supondrá también el debut operístico en Les Arts de la valenciana Marina Monzó con el papel de Despina.

En los próximos días, Les Arts contactará con sus abonados para informarles de las diferentes opciones ante este cambio en la programación.

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Sala principal del Palau de Les Arts. Fotografías Miguel Lorenzo / Mikel Ponce

La Orquestra de la Comunitat Valenciana, los artistas del Centre de Perfeccionament y el Cor de la Generalitat protagonizan las distintas sesiones.

Las localidades tienen un precio único de 5 euros y solamente se podrán adquirir a través de la web de Les Arts y en la línea 902 202 383.

El Palau de les Arts pone a la venta este lunes, 8 de junio a las 10.00 h, las entradas para el ciclo de conciertos y recitales ‘Torna a Les Arts’, con el que el centro cultural reanuda la actividad artística después del periodo de confinamiento.

Tras el concierto dedicado al personal sanitario el viernes, 12 de junio, la Sala Principal, acogerá, a partir del sábado 13 de este mismo mes, diez sesiones con diferentes propuestas a cargo de la Orquestra de la Comunitat Valenciana, los artistas del Centre de Perfeccionament y del Cor de la Generalitat.

Los conciertos, con localidades con un precio único de 5 euros, tendrán una hora de duración, sin descanso, y se celebrarán los jueves, viernes y sábados, hasta el próximo 11 de julio.

En virtud de los protocolos sanitarios, las sesiones se comercializan con butaca numerada. y un aforo siempre ajustado a la normativa vigente. Les Arts recuerda que, dentro de su apuesta por fomentar la lírica y la música clásica para los más jóvenes, las sesiones de los viernes se reservarán exclusivamente a menores de 29 años.

Las entradas pueden adquirirse a través la página web de Les Arts, así como en el teléfono 902 202 383, que estará operativo de lunes a viernes de 10.00 h a 14.30 h. La compra mínima es de dos localidades contiguas. Las entradas individuales únicamente pueden solicitarse a través de la línea de venta telefónica.

La dirección artística de Les Arts ha adaptado las diferentes propuestas y programas musicales a los requisitos de la situación actual. Tanto la Orquestra de la Comunitat Valenciana, en agrupación camerística, como el Cor de la Generalitat, con una plantilla reducida, mantendrán en todo momento las exigencias de distanciamiento sobre el escenario.

La Orquestra de la Comunitat Valenciana ofrecerá tres programas diferentes durante este ciclo: uno para instrumentos de cuerda, con páginas de Mozart, Dvořák, Barber y Chaikovski, otro dedicado exclusivamente a la sección de vientos, con obras de Donizetti, Gounod y Beethoven y una tercera propuesta para vientos y cuerdas con partituras de Cimarosa, Mozart y Haydn.

El Cor de la Generalitat, por su parte, en su única actuación el 2 de julio, interpretará obras de Victoria, Palestrina, Guerrero, Bach, Elgar, Bruckner, Poulenc y Fauré, entre otros, con el acompañamiento de Francisco Hervás al piano.

Los cantantes del Centre de Perfeccionament, acompañados por los pianistas José Miguel Román y Stanislav Angelov, interpretarán diferentes programas con arias y romanzas de ópera y zarzuela en sus respectivas sesiones.

Fotografía: Miguel Lorenzo / Mikel Ponce

La flauta mágica, ¡de cine!
La flauta mágica
W. A. Mozart (1756 – 1791)
Die Zauberflöte
Singspiel en dos actos
Libreto de Emanuel Schikaneder
Producción de la Komische Oper de Berlín
Teatro Real Madrid 17/02/20
D. musical: Ivor Bolton
D. escena: Suzane Andrade, Barrie Kosky
Concepto: 1927 (Suzane Andrade & Paul Barritt)Barrie Kosky
Escenografía y figurinista: Esther Bialas
Iluminador: Diego Leetz
Dramaturgo: Ulrich Lenz
D. coro: Andrés Máspero
D. coro JORCAM: Ana González
Reparto: Rafal Siwek, Paul Appleby, Rocío Pérez, Olga Peretyatko, Andreas Wolf, Ruth Rosique, Mikeldi Atxalandabaso, Elena Copons, Grmma Coma-Alabert, Marie-Luise Dreben, Catalina Peláez, Celia Martos, Patricia Ginés, Antonio Lozano, Felipe Bou
E l Teatro Real ha tirado de fondo de armario (lo hizo también esta temporada con su L´elissir d´amore) y ha programado La Flauta mágica que con tanto éxito estrenó la temporada 2016. Hay que decir que en esta ocasión el éxito no ha sido menor. Barrie Kosky y Suzanne Andrade firman una escenografía que hace las delicias de todo tipo de público en una de las obras más populares del repertorio.Le quedaban a Mozart apenas unos meses de vida cuando se estrenó La Flauta mágica, atendiendo un encargo que podría ayudar a sanear su maltrecha economía. El más influyente personaje de la vida cultural de Viena, Emanuel Schikaneder, libretista, empresario, cantante, actor, compositor y director de escena, había pedido a Mozart la composición de un Singspiel, lo que se entendía tradicionalmente por una comedia costumbrista, con personajes campesinos y muy populares en el que se alternaban partes cantadas con recitadas.El género fue evolucionando y empezó a incorporar otros personjes, como nobles y burgueses, sin abandonar nunca el costumbrismo y la humorada.
Mozart consiguió elevar el género del Singspiel introduciendo para ello personajes más propios de la ópera seria y elaborando partituras más complejas musicalmente para alguno de los roles. En La flauta mágica Mozart llena la partitura y el libreto de una serie de claves y referencias masónicas, logia a la que pertenecían tanto Mozart como Schikaneder, y que recorría Europa de la mano de las nuevas ideas de la ilustración. Todos estos elementos enriquecen el género más popular en esos momentos en Alemania y Austria.

Teniendo como eje principal la popularidad de la obra, Barrie Kosky y Suzanne Andrade han desarrollado una escenografía inspirada en el cine y la animación. Para ello han contado con la colaboración de la compañía de teatro 1927, que tiene ya cierta experiencia en trabajar vinculando la animación con personajes reales. El resultado no puede ser más espectacular y atractivo para el público. Pero también entraña algunos riesgos, sobre todo para unos cantantes que, de manera intuitiva, deben interactuar con unas proyecciones que no pueden ver. Otro problema que pueden presentar las proyecciones cinematográficas es que el público preste más atención al vídeo que a los cantantes y la partitura.

Se puede decir que esta producción no tiene escenografía, tan solo una enorme pantalla en boca de escenario sirve para que los cantantes, a través de pequeñas gestualizaciones que imitan el cine mudo, interpreten su papel junto a las imágenes que se proyectan.
En algunos momentos el volumen de imágenes y el movimiento constante puede resultar abrumador para el público. Pero lo cierto es que las nuevas tecnologías y la realidad virtual al servicio del teatro, abren unas posibilidades escénicas, casi infinitas.

La Flauta mágica es una ópera en la que a menudo se prescinde de los recitativos cuya presencia era tan importante en el momento de su composición. Esta producción no es una excepción. Se han eliminado dejando la parte más superficial e infantil, renunciando a la filosofía más profunda e instruida de la obra creada por Mozart. A cambio aparecen entre escenas los típicos carteles que acompañaban el cine mudo y que van narrando brevemente la historia. Todo muy bien encajado en la línea cinematográfica de la producción. En esta ocasión están acompañados del fortepiano de Ashok Gupta, interpretando fragmentos de la Fantasía en Do menor de Mozart.

La dirección musical ha estado a cargo del titular del teatro, Ivor Bolton. Su técnica y corrección a la hora de dirigir es absoluta, pero en esta ocasión la orquesta sonó plana, apagada, con escaso volumen de sonido y sin matizaciones. Faltó la chispa que acompaña las obras Mozart que en esta ocasión solo fue correcto.

Del cuadro de cantantes, que podía haber estado más equilibrado, hay que resaltar su esfuerzo para cantar en unas condiciones en las que habría que verse. Aparecían las más de las veces en pequeñas plataformas a varios metros del suelo. Aunque estaban bien amarrados, hay que valorar su disposición y buen trabajo.
La Pamina de Olga Peretyatko fue de lo mejor de la noche. Una muy buena línea de canto y fraseo para una voz con buen volumen y hermosos timbre.

El norteamericano Paul Appleby fue un Tamino irregular. Posee un bonito timbre, sobre todo en los agudos, a los que llega de un modo extraño en los apoyos.

Rocío Pérez fue la Reina de la noche, pero solo por reparto de roles. Abordó su personaje sin miedo, que no es poco, pero sus sobreagudos quedaros algo tirantes. Mejor su primer aria. Por lo visto en los tres repartos de este papel, hay cierta crisis de reinas.

Muy bien el Papageno de Andreas Wolf. Voz poderosa y excelente fraseo, ser alemán ayuda en estos casos.
Otro de los triunfadores fue Mikeldi Atxalandabaso, que interpretó un Monostratos evocador de Nosferatum lleno de matices vocales e interpretativos.

La Papagena de Ruth Rosique estuvo en su punto, divertida y chispeante. Muy bien también las tres damas Elena Compons, Marie-Luise Dreben y Gemma Coma-Alabert, a pesar de la indisposición de esta última.

Buena labor realizó Rafal Siwek, como Sarastro, posee un buen registro central, aunque sus graves eran casi inaudibles. Solvente la interpretación de Antonio Lozano y Felipe Bou, como dos hombres con armadura.

Los tres muchachos que interpretan los pequeños cantores de la JORCAM Catalina Peláez, Lucía Seriñán, Celia Martos, Chandra Henderson y Patricia Ginés, María Guzmán, son de esas voces que nunca fallan. Aunque estén casi colgadas a varios metros del suelo.

Un éxito más de esta reedición de una Flauta mágica que siempre es una garantía. Taquilla, espectáculo y público feliz. Misión cumplida.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real

Una flauta mágica de cine

El Teatro Real comenzará el nuevo año con la reposición de la deslumbrante producción de La flauta mágica, de Wolfgang Amadeus Mozart, concebida por Suzanne Andrade, Paul Barritt y Barrie Kosky, presentada con gran éxito en su escenario en enero de 2016.

En esta ocasión se ofrecerán 13 funciones, entre el 19 de enero y el 24 de febrero, nuevamente con el director musical de Teatro Real, Ivor Bolton, al frente de un doble reparto, del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real y de los Pequeños cantores de la JORCAM.

La creativa y trepidante puesta en escena del director australiano Barrie Kosky, estrenada en la Ópera Cómica de Berlín en 2012, devuelve a La flauta mágica su carácter de alegoría moral para todos los públicos, pero con múltiples capas interpretativas ─del cuento infantil a la reflexión filosófica─, referencias estéticas ─del cine surrealista al comic─, y guiños cómplices al espectador.

La producción carece de decorados y en ella los cantantes interactúan ─con muy escasa movilidad y un meticuloso y preciso trabajo actoral─, con las proyecciones de una película de animación llena de ritmo, humor e imaginación.  En las partes habladas de la ópera ─en realidad un singspiel, que mezcla texto hablado y cantado─ los diálogos aparecen proyectados en cartelas y acompañados al pianoforte por Ashok Gupta, que interpretará fragmentos de la Fantasía en Do menor de Mozart.

El éxito de esta propuesta escénica y dramatúrgica radica en su enorme facilidad para comunicar con el público, su humor, su derroche de creatividad y la complicidad con el espectador a través de un universo visual en el que los personajes mozartianos de hace dos siglos llegan al público convertidos con naturalidad en referentes tan cercanos para nosotros como un galán tipo Rodolfo Valentino (Tamino), una seductora pizpireta como Louise Brooks (Pamina), un malvado como el terrible Nosferatu (Monostatos), o un hilarante, torpe e ingenuo Buster Keaton (Papageno)…

La ausencia de un decorado tradicional, con una ‘escenografía virtual’ reducida a la presencia de una pantalla en el escenario, obliga a los cantantes a actuar con una enorme concentración, talento actoral y movimientos sincronizados, que deben tener la frescura del gag y una precisión de relojería en su coordinación con la proyección de los dibujos.

Un doble reparto se alternará en las representaciones dando vida a los personajes principales ─Andrea Mastroni y Rafal Siwek (Sarastro/Orador), Stanislas de Barbeyrac y Paul Appleby (Tamino), Albina Shagimuratova, Aleksandra Olczyk y Rocío Pérez (La Reina de la Noche), Anett Fritsch y Olga Peretyatko (Pamina), Ruth Rosique (Papagena), Andreas Wolf y Joan Martín-Royo (Papageno) y Mikeldi Atxalandabaso (Monostatos), que estarán secundados por las tres damas de  Elena Copons, Gemma Coma-AlabertMarie-Luise Dreßen y los dos hombres con armadura interpretados por Antonio Lozano y Felipe Bou.

En el foso estará el director musical del Teatro Real, Ivor Bolton, gran experto en la obra de Mozart y titular entre 2004 y 2014 de Orquesta del Mozarteum de Salzburgo, donde ha dedicado más de 10 años a la interpretación del repertorio clásico en la cuna del compositor.

Bolton volverá a dirigir al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, en uno de los títulos operísticos más populares, que se presentará por cuarta vez en el reinaugurado Teatro Real después de haberlo hecho en enero de 2001 (Frans Brüggen / Marco Arturo Marelli), julio de 2005 (Marc Minkowski / La Fura dels Baus) y enero de 2016, con esta misma producción.

Coincidiendo con las funciones de La flauta mágica el Teatro Real ha organizado una serie de actividades paralelas relacionadas con la ópera de Mozart y el cine mudo de los años 20 que inspiró la dramaturgia y propuesta escénica de la producción que se verá en su escenario.

Las funciones de La flauta mágica están patrocinadas por la Fundación BBVA como parte de su programa de Música, que se concibe como un recorrido completo por las distintas formas en que la sociedad puede beneficiarse y disfrutar de esta manifestación artística.

Fotografía: Javier del Real

Orquesta Sinfónica de Castilla y León

El Área Socioeducativa de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, con el director Alejandro Garrido, presenta el sábado una propuesta innovadora en torno obras de Mozart y Stravinski, que se desarrollará en una emblemática sala del Museo Nacional del Prado, con motivo de la clausura de los actos de su Bicentenario. Esta propuesta forma parte del Proyecto Ibérico Orquestal, impulsado por la Junta de Castilla y León.

El Proyecto Ibérico Orquestal (PIO) de emprendimiento y liderazgo comenzaba en el año 2017 como una iniciativa singular del Área Socioeducativa de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, con la colaboración del Centro Cultural Miguel Delibes, en el que participan jóvenes músicos procedentes de Andorra, España y Portugal seleccionados por las principales agrupaciones de jóvenes instrumentistas de los tres países. Al ser un trabajo multidisciplinar se suman tres bailarines de la Escuela Profesional de Danza de Castilla y León y el joven barítono portugués, Frederico de Vasconcelos, además de una veintena de jóvenes músicos.

El secretario general de Cultura y Turismo de la Junta de Castilla y León, Gregorio Muñoz Abad, ha estado presente en la presentación del programa diseñado con motivo de los actos de clausura del Bicentenario del Museo del Prado. El repertorio que PIO presentará en dos performances en la pinacoteca el próximo sábado, 14 de diciembre, está formado por las siguientes piezas: ‘Madamina, il catalogo è questo’ (Aria para barítono de Mozart), ‘Andante’ (Stravinski), ‘Deh vieni alla finestra’ (Aria para barítono de Mozart), ‘X14’ (Alejandro Garrido) y ‘Aprite un po´ quegli ochhi’ (Ara para barítono de Mozart), bajo la dirección de Alejandro Garrido.

Durante la mañana tendrán lugar ensayos abiertos en tres espacios diferentes del Museo del Prado, y por la tarde sorprenderán al público visitante con dos performances en una emblemática sala de la colección permanente del Museo. Durante la jornada del sábado (también los días 12, 13 y 15 de diciembre) el público podrá disfrutar de un espectáculo audiovisual en la calle que incluye música en directo y juego de luces, en homenaje a la institución a través de un recorrido por sus obras.

La intervención audiovisual se desarrollará sobre la fachada de Goya con la colaboración artística de Daniel Canogar. Los objetivos del PIO son la innovación, disrupción, atrevimiento, compromiso, formación, liderazgo, multiculturalidad, territorio. En el contexto de la OSCyL, el Proyecto Ibérico Orquestal, al margen de incidir en la formación artística de alto nivel, se amplía con una formación para preparar a los jóvenes para el futuro, dando respuesta a la alta profesionalización del sector y a un entorno de alta competitividad.

También se incide en aportar una visión diferente sobre la expresión musical, corporal y la puesta en escena. En realidad, el músico se convierte en una figura interdisciplinar: en bailarín, músico y actor a la vez, tomando la idea de que a través de lo interdisciplinar, se potencia la interpretación musical, donde los jóvenes músicos actúan sin partitura.

En el Proyecto Ibérico Orquestal colabora también activamente la Fundación Personas, gracias a la implicación de hasta 60 personas con discapacidad de la Fundación. Además, el vestuario diseñado por Nina Cruz, y que utilizan en sus actuaciones, ha sido confeccionado en los talleres textiles de la Fundación Personas en Guardo (Palencia). La Fundación tiene como objetivo fomentar la prevención, atención e inclusión de las personas con discapacidad intelectual y prestar servicios que mejoren su calidad de vida y la de sus familias.

El Proyecto Ibérico Orquestal ha actuado en estos tres años buscando nuevos espacios escénicos en capitales como Madrid, Lisboa y Valladolid.

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William Christie debuta en el Palau de les Arts con ‘La finta giardiniera’, de Mozart, este domingo, 10 de noviembre, a las 18.00 horas. La Sala Principal acoge esta única función de la primera ópera cómica del genio de Salzburgo, que se representa en versión semiescenificada.

El respetado clavecinista, director de orquesta, musicólogo y profesor visita el centro de artes con su formación, Les Arts Florissants, que celebra este año su 40 aniversario y está considerada el ‘ensemble’ de referencia en la recuperación e interpretación de música barroca y clásica con instrumentos antiguos.

El reparto de la obra está integrado por solistas de Le Jardin des Voix, la academia de canto para jóvenes artistas de Les Arts Florissants, que dirigen William Christie y Paul Agnew. Mariasole Mainini (Sandrina), Lauren Lodge-Campbell (Serpetta), Deborah Cachet (Arminda), Théo Imart (Ramiro), Moritz Kallenberg (Il contino Belfiore), Rory Carver (Il podestà) y Sreten Manojlovic (Nardo) conforman el elenco. Su actuación supone, además, la única visita de los talentos de Le Jardin des Voix programada en España para 2019.

Sophie Daneman dirige esta versión semiescenificada de ‘La finta giardiniera’, con escenografía de Adeline Caron y vestuario de Pauline Juille, que se estrenó este pasado verano en el festival Dans les Jardins de William Christie.

‘La finta giardiniera’ supone la segunda incursión de Les Arts esta temporada en el repertorio mozartiano tras el éxito de ‘Le nozze di Figaro’, que inauguró ‘Les Arts és Òpera’. Los interesados en asistir pueden adquirir sus localidades en las taquillas del teatro, en www.lesarts.com y en la línea de venta telefónica 902 202 383. Los precios de las entradas oscilan entre 24 y 60 euros.

Primera ópera cómica

Mozart compuso con apenas 18 años ‘La finta giardiniera’, ópera bufa en tres actos con libreto de Giuseppe Petrosellini. Estrenada el 13 de enero de 1775 en el Salvatortheater de Múnich con gran éxito, se trata de la primera ópera cómica del genio de Salzburgo.

Comedia de engaños, encuentros y desencuentros entre tres parejas con momentos de gran nobleza musical. La acción transcurre en una hacienda a las afueras de Milán a mediados del siglo XVIII. Para estar cerca de su amado, el conde Belfiore, la marquesa Violante Onesti decide hacerse pasar por una joven jardinera, Sandrina, para buscar empleo en la corte del ‘podestà’ de la hacienda. Su criado Nardo finge ser su hermano.

Estos y otros protagonistas como Arminda, la sobrina del ‘podestà’, el caballero Ramiro y la criada Serpetta se sumergen en un alegre caos en tres actos, en los cuales todas las parejas de amantes tienen su propio final feliz.

Le Jardin des Voix 2019

Le Jardin des Voix se ha convertido en un proyecto ineludible tanto para el público como para programadores, que hallan en este espacio la cantera de jóvenes talentos que se incorporan a la escena musical internacional, entre ellos Sonya Yoncheva, Lea Desandre, Marc Mauillon o Christophe Dumaux, que fueron, al comienzo de sus carreras, los primeros frutos de este jardín floreciente. Con motivo del 40 aniversario de Les Arts Florissants, la novena edición de Le Jardin des Voix ha optado por la interpretación de la ópera ‘La finta giardiniera’, escrita por un Mozart de 18 años y, por tanto, aún más joven que estos cantantes, que no llegan siquiera a los treinta. Para un programa llamado “El jardín de las voces”, la elección de esta “jardinera fingida” no es inocente, ya que ha sido creada en los jardines de William Christie, en Vendée (Francia), en versión semiescenificada firmada por Sophie Daneman.

William Christie

Clavecinista, director, musicólogo y profesor, William Christie es pionero en el redescubrimiento y acercamiento de la música barroca francesa al gran público. Originario de Búfalo y formado en las universidades de Harvard y Yale, su carrera tomó un giro decisivo cuando formó Les Arts Florissants. A la cabeza de este conjunto, en 1987 logró su consagración pública con la producción de ‘Atys’, de Lully, en la Opéra-Comique de París, proyecto seguido de otros muchos éxitos centrados en el repertorio barroco francés y europeo. Interesado por profundizar en su labor como formador, William Christie, junto con Les Arts Florissants, creó en 2002 Le Jardin des Voix, una academia bienal para jóvenes cantantes.

Les Arts Florissants

Es una de las agrupaciones barrocas vocales e instrumentales más solicitadas del mundo. Fundada en 1979 por William Christie, está especializada en la interpretación con instrumentos de época y ha jugado un papel pionero en la recuperación del repertorio de los siglos XVII y XVIII. Bajo la batuta de William Christie y Paul Agnew, el conjunto ofrece alrededor de cien conciertos y funciones de ópera en las salas más prestigiosas del mundo.

El miércoles 9 de octubre a las 19.30 horas, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) inaugura la serie de conciertos protagonizados por la violinista alemana Isabelle Faust, “Artista Residente” del centro para la temporada 19/20. En esta residencia, Isabelle Faust viajará desde el siglo XVII hasta las creaciones actuales, algunas escritas específicamente para ella. En el primer concierto, que se celebrará en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música, dentro del ciclo Liceo de Cámara XXI, Faust liderará un octeto de grandes instrumentistas integrado por Anne-Katharina Schreiber (violín), Danusha Waskiewicz (viola), Kristin von der Golt (violonchelo), James Munro (contrabajo), Lorenzo Coppola (clarinete) Javier Zafra (fagot) y Teunis van der Zwart (trompa). El programa estará formado por las Seis bagatelas para cuarteto de cuerda de A. Webern y dos obras clave de F. Schubert: el Cuarteto de cuerda nº 12 en do menor ‘Quartettsatz’ y el Octeto en fa mayor.

A lo largo de la temporada Isabelle Faust participará en cuatro conciertos más incluidos en tres ciclos diferentes de la programación del CNDM. La próxima cita será el 4 de noviembre en el Auditorio 400 del Museo Reina Sofía, dentro del ciclo Series 20/21, donde Isabelle Faust abordará un programa solista integrado por obras de G. Rochberg, L-G. Guillemain, H. Holliger, J. Georg Pisendel, G. Benjamin y H.I. Franz von Biber. Junto a la Akademie für Alte Musik Berlin, la violinista alemana hará su incursión en el ciclo Universo Barroco, acompañada de Bernhard Forck (concertino y director) y Xenia Löffler (oboe) para interpretar el gran repertorio de J.S. Bach y C.P.E. Bach. El concierto se celebrará el 2 de marzo en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional. El 4 de junio tres músicos clave de la escena actual se unirán a Isabelle Faust en una de las citas más esperadas del ciclo Liceo de Cámara XXI. El violonchelista Jean-Guihen Queyras, el pianista Pierre-Laurent Aimard y el clarinetista Jörg Widmann tocarán junto a Faust una de las obras más importantes del siglo XX: el Cuarteto para el fin de los tiempos de O. Messiaen. Completará el programa la música de A. Berg, M. Ravel y E. Carter. Por último, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional, el CNDM realizará un concierto en coproducción con la Orquesta Sinfónica de Galicia con Isabelle Faust como solista de la primera versión del Concierto para violín y orquesta en re menor de J. Sibelius. La cita será el 10 de junio de 2020.

Isabelle Faust fascina a sus oyentes con sus sólidas interpretaciones. Profundiza en cada pieza consciente del contexto musical, los instrumentos históricamente apropiados y la autenticidad de acuerdo con un estado de conocimiento contemporáneo. Destaca constantemente en un repertorio que va desde H. I. Franz von Biber a H. Lachenmann. Después de ganar el Concurso Leopold Mozart y el Paganini, actuó muy pronto con las orquestas más importantes del mundo, como la Orquesta Filarmónica de Berlín, la Orquesta Sinfónica de Boston, la Orquesta Sinfónica de NHK en Tokio, la Chamber Orchestra of Europe y la Orquesta Barroca de Friburgo. Faust disfruta actualmente de una estrecha colaboración con directores como Giovanni Antonini, Frans Brüggen, Sir John Eliot Gardiner, Bernard Haitink, Daniel Harding, Philippe Herreweghe, Andris Nelsons y Robin Ticciati. La gran curiosidad artística de Isabelle Faust y su mente abierta abarcan todas las épocas y formas de cooperación instrumental. Además de los grandes conciertos de violín sinfónico, toca, por ejemplo, el Octeto de Schubert con instrumentos históricos y los Fragmentos de Kafka de G. Kurtág con Anna Prohaska o Historia de un soldado de I. Stravinski con Dominique Horwitz. Con gran compromiso, presta un servicio excepcional a la interpretación de la música contemporánea y en las próximas temporadas estrenará obras de P. Eötvös, O. Adámek, M. Stroppa, O. Strasnoy y B. Furrer. Las grabaciones de Faust han sido elogiadas unánimemente por la crítica y galardonadas con el Premio Diapason d’Or, Grammophone Award, Choc de l’année y otros premios. Las más recientes incluyen los conciertos de violín de Mozart con Il Giardino Armonico bajo la dirección de Giovanni Antonini. Isabelle Faust cuenta también en su discografía con grabaciones destacadas, entre otras, de sonatas y partituras para solo de violín de J.S. Bach, así como conciertos de violín de L.v Beethoven y A. Berg bajo la dirección de Claudio Abbado. Faust mantiene una larga colaboración en música de cámara con el pianista Alexander Melnikov, con el que ha publicado todas las sonatas para piano y violín de L.v Beethoven, así como otras obras. Isabelle Faust ha sido artista residente en Kölner Philharmonie durante la temporada 2018/2019.

Fotografía: Felix Broede

El Palau de les Arts inaugura el viernes, 27 de septiembre, la temporada 2019-2020 con el estreno en la Sala Principal de ‘Le nozze di Figaro’, de Mozart.

El director artístico de Les Arts, Jesús Iglesias Noriega, ha presentado en conferencia de prensa este montaje acompañado de su director musical, el británico Christopher Moulds, así como de Emilio Sagi, artífice de la puesta en escena.

“Mozart es un compositor imprescindible para cualquier teatro con vocación internacional y así va a ser en Les Arts a partir de esta temporada, en la cual ya podremos escuchar un título inédito para nuestro público, como es ‘La finta giardiniera’, el próximo mes de noviembre”, ha señalado Iglesias Noriega. “Y también es un autor indispensable dentro de nuestro compromiso con la formación de nuevos públicos. Por eso, ‘Le nozze di Figaro’ es uno de los títulos que Les Arts ha programado con precios populares, entre 18 y 60 euros, pero con el mismo nivel artístico que el resto de las propuestas de la temporada”, ha señalado.

Christopher Moulds, internacionalmente reconocido por sus trabajos en el Barroco y Clasicismo musical, debuta con el Cor de la Generalitat y la Orquestra de la Comunitat Valenciana.

El maestro británico, que ha tenido palabras de elogio para los cuerpos estables del teatro, ha trabajado desde la perspectiva de la música de cámara para extraer un sonido más clásico de la OCV, ‘una formación de costumbres románticas’, tal y como ha apuntado.

Emilio Sagi firma la puesta en escena de ‘Le nozze di Figaro’, que es una coproducción del Teatro Real de Madrid con la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera (ABAO) y el Teatro Nacional de Ópera y Ballet de Lituania, con escenografía de Daniel Bianco, vestuario de Renata Schussheim, iluminación de Eduardo Bravo y coreografía de Nuria Castejón.

Figura imprescindible en la historia de Les Arts, donde ha presentado producciones como ‘La bruja’, ‘El rey que rabió’, ‘El dúo de ‘La Africana’’, ‘Katiuska’, ‘Luisa Fernanda’, ‘Lucrezia Borgia’, ‘Tancredi’, ‘Il mondo della luna’ o ‘Rigoletto’, Sagi reproduce con fidelidad la sensualidad de la ciudad de Sevilla a mediados del siglo XVIII.

El director ovetense, que considera ‘Le nozze di Figaro’ como una pieza teatralmente perfecta en la que caben alteraciones, plantea un Mozart ‘hiperrealista’, exagerando el carácter español del argumento, con elementos como el vestuario de Schussheim, de corte claramente goyesco.

Les Arts reúne en este reparto a reconocidas voces del repertorio mozartiano, con dos de las sopranos españolas más internacionales, María José Moreno y Sabina Puértolas, en los papeles de Condesa de Almaviva y Susanna, respectivamente. Asimismo, el centro de artes presenta al barítono canadiense Robert Gleadow, aclamado por público y crítica como el nuevo intérprete de referencia en el rol de Figaro.

El emergente barítono polaco Andrzej Filończyk, como el Conde de Almaviva; o la sobresaliente ‘mezzosoprano’ rossiniana Cecilia Molinari, que interpreta al ingenuo Cherubino, cierran el quinteto protagonista. Completan el elenco de la producción la soprano Susana Cordón, el bajo-barítono Valeriano Lanchas, el tenor José Manuel Montero, el bajo Felipe Bou, y los artistas del Centre de Perfeccionament Plácido Domingo Joel Williams, Vittoriana De Amicis, Aida Gimeno y Evgeniya Khomutova.

‘Le nozze di Figaro’ se representará en Les Arts el 27 y el 29 de septiembre, así como los días 2, 4 y 6 de octubre en la Sala Principal.

‘Le nozze di Figaro’

 ‘Le nozze di Figaro’ es una ópera bufa en cuatro actos con libreto en italiano de Lorenzo Da Ponte, que se basó en la obra de Pierre Augustin Caron de Beaumarchais, ‘Le mariage de Figaro’.

Con este título comienza la llamada trilogía Mozart-Da Ponte, que surge como fruto de la colaboración del compositor de Salzburgo con el exitoso libretista de Treviso, Lorenzo Da Ponte, y a la que pertenecen ‘Don Giovanni’ y ‘Così fan tutte’.

Ambientada en la segunda mitad del siglo XVIII, en la residencia de un noble español en los campos de Sevilla, ‘Le nozze di Figaro’ escenifica el conflicto moral en torno al derecho feudal de pernada. De fondo, un fresco de la vida cotidiana en el que evolucionan los siervos, los burgueses y los señores al son de la burla final a las leyes arcaicas de que aún gozan los señores.

La obra está considerada un canto en pro de un nuevo orden social en el que el don de la inteligencia nada le debe al dinero y la cuna, y el valor de las clases fabriles se contrapone a la inoperancia frívola de las clases dominantes y pasivas. Su estreno tuvo lugar el 1 de mayo de 1786 en Viena, a tres años del estallido de la Revolución Francesa.

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan dos programas dirigidos al público familiar interpretados por la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (JORCAM) los días 12 y 18 de mayo de 2019.

En primer lugar, el día 12 de mayo, los integrantes de los Pequeños Cantores de la JORCAM interpretarán en la Sala Verde el programa Música en colores II. Un repertorio en el que las propias obras reflejarán con su musicalidad distintos colores y los ambientes que los evocan con obras como Las nubes en el cielo azul de Holst, Green songs y Cuatro baladas amarillas de Chilcott o Acuarelas de Antón García Abril.

El día 18 el grupo Timbarimba realizará un apasionante recorrido por el mapamundi a través de las experiencias de una marimba viajera. Desde música de autores clásicos, como Bach y Mozart, hasta canciones pop actuales, pasando por música folklórica, étnica y bandas sonoras.

El Grupo Timbarimba está especializado en diseñar y protagonizar espectáculos con un carácter divulgativo para el público familiar, donde niños y mayores pueden disfrutar de la música. Timbarimba son tres  profesionales percusionistas con formación musical, alma de clown y espíritu artístico.

En su décima edición, el Ciclo Ibercaja de Música ha consolidado su actividad manteniendo un sello de calidad e innovación, dirigiendo su oferta a todo tipo de público, y conservando el compromiso con los conciertos didácticos y familiares, en un formato ameno y, a la vez, formativo. De la mano de la JORCAM, un proyecto joven con una gran conexión con la sociedad, este ciclo está diseñado para brindar una oportunidad a jóvenes intérpretes, con el fin de que puedan compartir su talento y creatividad.

La Joven Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (JORCAM), en sus diferentes formaciones (Joven Orquesta, Jóvenes y Pequeños Cantores y la Camerata Infantil Fundación BBVA) está integrada por unos 370 jóvenes (210 instrumentistas y en torno a 160 voces). Su objetivo principal es ampliar y desarrollar los conocimientos musicales a fin de facilitar y preparar a sus miembros para un futuro acceso a las agrupaciones profesionales. Este aprendizaje se realiza a través del conocimiento y la práctica del repertorio coral y orquestal, de la experiencia en agrupaciones de cámara, de la participación en proyectos artísticos integrales como la danza, el teatro musical, la ópera, etc.

Programa 12 mayo

Acuarelas                                                     A. García Abril
KolorezkoKaiola                                           D. Azurza
Cuatro baladas amarillas                             B. Chilcott
Cuckoo, Jazz-man, Old Abram                    B. Britten
El Cañaveral                                                R. Alarco
Viento que sopla                                          J. Busto
Nigra sum                                                    P. Casals
Gaubeltza                                                    D. Azurza
Mi padre tiene un castillo                            A. García Abril
El manguito                                                 M. Bor
Tres hojitas                                                  R. Lluch
Green Songs                                               B. Chilcott
Las nubes en el cielo azul                          G. Holst
Lullaby in Blue                                            B. Chilcott
El mar azul                                                 A. Grau
Paramparam                                              D. Azurza

Programa 18 de mayo
Sonata para violín nº2 (Adagio)                              J. S. Bach
Rondó a la Turca                                                     W. A. Mozart
Ghanaia                                                                   M. Schmitt
The Entertainer                                                        S. Joplin
Srpska Igra                                                              N. J. Zivkovic
Sweet Dreams                                                         P.I.Tchaikowsky
Remains of the day                                                 D. Elfman
The Little Mermaid                                                   A. Menken & H. Ashman
La Tortuga                                                               Arr. P. Spiesser
Spain                                                                        C. Corea

Annalisa Stroppa

Después de conseguir un gran éxito en la Carmen del pasado curso de la Temporada Alfredo Kraus de los Amigos de la Ópera de Canarias (ACO), Annalisa Stroppa regresa en mayo a Las Palmas de Gran Canaria para interpretar a la deliciosa Dorabella, una de las protagonistas de la coral Così fan tutte, una obra maestra de Mozart y de la trilogía que el compositor de Salzburgo realizara junto a Lorenzo Da Ponte como libretista. Stroppa, que ha interpretado a la simpática hermana de Fiordiligi en el Teatro Regio de Turín (Italia, 2018), en la Saatsoper de Viena (Austria, 2016), en la Opéra de Rouen-Normandie (Francia, 2016) y en el Teatro Verdi de Sassari (Italia, 2013), afronta el personaje “con especial ilusión”, ya que se trata “de uno de los papeles más interesantes de los concebidos por Mozart para la cuerda de mezzosoprano”.

Para Stroppa, Dorabella “es una mujercita que comienza a comprender que en el juego del amor nadie está completamente seguro. La obra, una comedia de enredos con una visión que hoy en día que podría tildarse incluso de machista, propone un divertido engaño a dos hermanas enamoradas a quienes les intercambian sus prometidos. Dorabella es la primera en caer, quizás por ser la más ingenua. En todo caso posee una música maravillosa y arias, dúos y números de conjunto son entrañables”.

Annalisa Stroppa consiguió hace precisamente un año, en la pasada temporada en Las Palmas de G. C., un gran éxito como protagonista de Carmen de Bizet. “Este es un personaje completamente diferente, y me encanta que el público canario pueda verme en esta faceta más cómica y relajada. Me encantó cantar allí y es un honor regresar. Estoy segura que los amigos de ACO conseguirán un nuevo éxito con esta fantástica ópera de Mozart”.

Stroppa regresa a Canarias procedente de Múnich, donde ha sido Suzuki de Madama Butterfly y Adalgisa de Norma, parte de una agitada agenda que también la ha llevado a Nápoles (Les contes d’Hoffmann), Berlín (Il Barbiere di Siviglia), Padua (La Cenerentola) o Buenos Aires (Norma), un periplo que, después de Las Palmas continuará en el festival de las Chóregies de Orange (Don Giovanni), Parma (Nabucco) y Hamburgo (La Cenerentola).

Info:

http://www.annalisastroppa.it/  

http://www.operalaspalmas.org

Foto © Víctor Santiago

Idomeneo 1

Idomeneo 3

Idomeneo 4

Idomeneo 5

Idomeneo 6

 

Idomeneo, Rè di Creta
Idomeneo, Rè di Creta
Wolfgang Amadeus Mozart
Ópera seria en tres actos, K. 36
Teatro Real, 20 de febrero de 2019
Libreto de Giovanni Battista Varesco, basado en la obra Idoménée (1712) de Antoine Danchet, inspirada en la obra teatral homónima (1705) de Prosper de Crébillon
Versión revisada por Mozart para el estreno en el palacio de
Auersperg de Viena el 10 de marzo de 1786
Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con
la Canadian Opera Company de Toronto y el Teatro dell’Opera di Roma
D. musical: Ivor Bolton
D. escena: Robert Carsen
Escenógrafos: Robert Carsen y Luis F. Carvalho
Figurinista: Luis F. Carvalho
Iluminadores: Robert Carsen y Peter van Praet
Director de movimiento: Marco Berriel
Diseñador de vídeo: Will Duke
D. del coro: Ándres Máspero
Reparto: Jeremy Ovenden, Anicio Zorzi Giustiniani, Sabina Puertolas,
Hulkar Sabirova, Krystian Adam, Oliver Johnston, Alexander Tsymbalyuk
Coro y Orquesta Titulares del Teatro RealLas guerras entre griegos y troyanos, descritas por Prosper Jolyoy de Crébillon en 1705, inspiraron el Idoménée de Antoine Danchet en el que se basa el libreto de Giovanni Battista Varesco. En la obra de Mozart son los descendientes de los protagonistas de la Ilíada los que se enfrentan, pero en esta ocasión no termina con la destrucción de Troya, este Idomeneo mozartiano se resuelve con la reconciliación de los pueblos a través del matrimonio de la troyana Ilia y el griego Idamante.La composición de Idomeneo, Rè di Creta constituye un enorme salto creativo. Mozart se implicó de lleno en la elaboración del libreto, lo que le supuso no pocas disputas con Varesco. Quería que la dramaturgia tuviera un gran protagonismo y fuera lo más convincente posible.Su influencia en el libreto le llevó a elaborar varias versiones. Entre la primera, estrenada en el Resodenztheater de Múnich el 29 de enero de 1781, y la segunda, estrenada en Viena cinco años después, Mozart realizó numerosos cambios hasta justo antes del estreno.Aunque los coros y las marchas siguen el estilo francés de la Tragédie lyrique, Mozart, con su empeño de actualizar permanentemente la obra y consciente del declive del Teatro Barroco de corte italiano, decide acortar los largos y secos recitativos, que aligeró con acompañamientos musicales, elaboró una línea vocal más amplia, utilizó cantantes italianos y una orquesta mucho más rica en instrumentos y timbres. Todos estos elementos otorgaron a la partitura mucha más profundidad y frescura.Mozart contaba en Múnich con el famoso y virtuoso tenor Anton Raaff, conocido por su coloratura, para el que compuso dos arias cargadas de pirotecnia vocal. Estas arias desaparecieron en la versión de Viena, no sabemos si porque el cantante en esta ocasión no era tan brillante. Otro cambio importante fue la sustitución, del rol de Idamante, que inicialmente escribió para contratenor y que pasó a ser tenor.

A Mozart le hubiera gustado estrenar su Idomeneo en Viena en lugar de en Munich, pero el peso de Gluck en esos momentos era demasiado importante. En Viena se representaba Iphigenia in Tauride primero y Alceste después, impidiendo que se programaran a la vez las obras de un consagrado Gluck y las de un joven de 25 años aún desconocido, como Mozart.

La versión que ofrece el Teatro Real está inspirada en la revisión de Viena. Prescindiendo de las dos largas arias de Arbace, como ya hizo Mozart. Lo hace en coproducción con los teatros de Toronto, Roma y Copenhague. La escenografía corre a cargo de Robert Carsen y, como es habitual en él, el escenario está despejado. Una playa y el mar son los únicos elementos donde unos actualizados griegos y troyanos, vencedores y vencidos, aparecen como militares y refugiados evidenciando que la tragedia continua siendo actual.

Un mar de chalecos naranjas y la proyección de una ciudad destruida, completan la escena. Un alegato pacifista un tanto forzado y que, de tan manido, resulta cansino y carente de originalidad.

Lo que si hace muy bien Carsen es gestionar las multitudes que coloca sobre el escenario. Más de 60 miembros del coro y unos 100 figurantes llenaban el escenario perfectamente sincronizados. Reservando la intimidad escénica más absoluta para los protagonistas, sobre todo los dúos de Idomeneo con Idamante, o las arias de Elettra.

Una escenografía oscura, donde destaca la sutil iluminación de Carsen y Peter van Praet, que proyectan la enorme sombra de un afligido Idomeneo. Una iluminación llena de detalles e información que amplifica los espacios abiertos y ayuda a crear las atmósferas más reservadas.

Extraordinaria es la labor que al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real realiza su director Ivor Bolton. La inclusión de algunos instrumentos de época, como las trompas con sordina, ideadas por Leopoldo Mozart, o las flautas de madera, consiguen un sonido auténticamente mozartiano. Bolton realiza una lectura llena de detalles y refinamiento que, junto a su peculiar y entusiasta manera de dirigir, a la vez que acompaña al clave, hace que la música quede por encima del resto de elementos de la producción, como no podía ser de otra manera.

Otro de los protagonistas de estas representaciones a destacar, es el coro. Cada vez más inspirado, tanto en la parte vocal, como en la interpretativa. Este coro, de la mano de su director Andrés Máspero, parece no tener límites. No hay partitura ni escenografía que se les resista. ¡Brillante!

Idomeneo, personaje que requiere de cierta agilidad y refinamiento, estuvo interpretado por Jeremy Ovenden. Su voz es demasiado ligera para un rey. Su escaso volumen se notaba en las arias de conjunto, en las que apenas se le escuchaba.

Elettra ha sido interpretada por Hulkar Sabirova. Este personaje precisa de una soprano dramática de agilidad. Vigorosa, para esos momentos di forza, en los que lucha por el amor de Idamante. La soprano uzbeka, que fue la más aplaudida por el público, consiguió dotar a su personaje de fuerza y de lirismo, con un gran volumen de voz e intensidad dramática.
El personaje de Ilia estuvo interpretado por la soprano española Sabina Puértolas. La mayor dificultad de este rol, para una soprano lírica como Puértolas, se encuentra en sus coloraturas. Supo abordar el personaje con valentía y con esa línea vocal fresca y elegante de la que siempre hace gala. Su voz se está ensanchando, ganando en cuerpo y sonoridad. Solo le faltó un poquito de volumen.

El papel de Idamante, que Mozart compuso inicialmente para castrato, en la versión de Viena lo modificó y pasó a ser tenor. En El Real ha sido interpretado por el italiano Anicio Zorzi Giustiniani con bastante discreción. Posee un hermoso timbre pero lo llena de sonidos extraños y, como el resto del reparto, que en esto si es equilibrado, el volumen es muy escaso.

Una buena lectura del Idomeno mozartiano, musiclamente hablando, que es lo importante.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real

Idomeneo

El próximo 19 de febrero el Teatro Real estrenará una nueva producción de Idomeneo, Rè di Creta, coproducción con la Canadian Opera Company de Toronto y el Teatro dell’Opera di Roma, donde se presentará posteriormente. La ópera, que estará en escena hasta el 1 de marzo ─9 funciones con doble reparto─, será grabada para su edición en DVD, retransmitida en directo para toda Europa (Radio Clásica y UER) y en diferido por el canal de televisión Mezzo.

La dirección de escena de Robert Carsen ─que firma también la escenografía, junto con Luis F. Carvalho, y la iluminación, compartida con Peter van Praet─, traslada las luchas homéricas entre griegos y troyanos, trasfondo original de la ópera, a una isla del Mediterráneo en la actualidad, donde cerca de 170 intérpretes ─miembros del coro y actores─ representan al ejército, deportados, refugiados y víctimas de guerra. Personajes que, según Carsen, “han perdido sus puntos de referencia: desnortados por la guerra y el dolor, no saben hacia dónde dirigirse…”

El mar, tan genialmente evocado en la instrumentación de Mozart, está omnipresente en la producción, reforzando la sensación de desarraigo, soledad, inseguridad o temor de los personajes.  A sus orillas se desarrollan los grandes temas de la ópera, articulada a partir de una versión ilustrada y afrancesada del canto XXIV de la Iliada en el que Idomeneo, de regreso a Creta después de vencer a los troyanos, para salvar su vida amenazada por la furia del mar, promete a Neptuno sacrificar a la primera persona que encuentre en la orilla, que resultará ser su propio hijo Idamante.

La compleja, dolorosa y tensa relación entre padre e hijo, que late a lo largo de toda la ópera, se suele comparar con la que vivía entonces el propio Mozart, que a sus 25 años había dejado Salzburgo y la casa paterna, componiendo gran parte de la partitura en Munich, lejos del yugo y la protección de su progenitor.

En la partitura late esa libertad y frescura, con una invención melódica desbordante y una orquestación llena de hallazgos y osadías armónicas, pese a encontrase encorsetada entre dos modelos de ópera ─la italiana y la francesa─ que convivían en la Europa convulsa de entonces.

Mozart enlaza magistralmente los recitativos, con las arias, números de conjunto y partes corales en una partitura bisagra entre dos estilos que Ivor Bolton conoce con profundidad y veteranía. El director musical del Teatro Real, que dirigirá su cuarto título mozartiano al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real ─después de Las bodas de Figaro, La flauta mágica y Lucio Silla─ interpretó también Alceste, de Christoph Gluck, en 2014, con la que Idomeneo encuentra muchas afinidades, sobre todo en los maravillosos números para coro, marchas e interludios orquestales.

Encarnan el doble cuarteto protagonista los tenores Eric Cutler y Jeremy Ovenden (Idomeneo), y David Portillo y Anicio Zorzi Giustiniani (Idamante); y las sopranos Anett Fritsch y Sabina Puértolas (Ilia), y Eleonora Buratto y Hulkar Sabirova (Elettra), que estarán acompañados por Benjamin Hulett Y Krystian Adam (Arbace), Oliver Johnston (El gran sacerdote de Neptuno) Y Alexander Tsymbalyuk (La voz de Neptuno).

El Coro Titular del Teatro Real preparado, como siempre, por su director Andrés Máspero, tiene en Idomeneo un papel de gran importancia dramatúrgica y musical, interpretando algunas de las más bellas páginas mozartianas.

Idomeneo, Rè di Creta se ofreció en el Teatro Real en julio de 2008, en una coproducción del Teatro Real con La Scala de Milán y la Ópera Nacional de París, con dirección musical de Jesús López Cobos y dirección de escena de Luc Bondy. Entonces se interpretó la versión de Munich, de 1781, con el papel de Idamante, escrito originalmente para castrato, interpretado por las mezzosopranos Bernarda Fink y Joyce DiDonato. En esta ocasión se ofrecerá una versión basada en la que Mozart reescribió, con sustanciales modificaciones, para Viena, en 1786, con el rol de Idamante destinado a un tenor, pero prescindiendo de las arias de Arbace y del ballet, en beneficio de la coherencia dramatúrgica de la ópera.

Idomeneo vuelve al Real en la concepción de Robert Carsen, como una “declaración anti-belicista potente, con un final lleno de esperanza: la posibilidad de que una nueva generación traiga el amor y la paz y pueda transformar un mundo herido por el poder, la guerra y la destrucción”.

Fotografía: Javier del Real

Eleonora Buratto

La soprano Eleonora Buratto, una de las cantantes favoritas del maestro Riccardo Muti, con quien desde hace una década trabaja habitualmente en los más célebres escenarios internacionales, será Elettra en el próximo estreno del Teatro Real: Idomeneo, re di Creta de Mozart, con dirección musical de Ivor Bolton y firma escénica de Robert Carsen. Tras su extraordinario éxito en su debut en la Royal Opera House como Micaëla (Carmen), y antes de su actuación en Simón Boccanegra de Verdi junto a Plácido Domingo en la Wiener Staatsoper, Eleonora Buratto regresa al escenario del coliseo madrileño para interpretar, por primera vez, a la princesa de Argos, enamorada de Idamante; rol mozartiano que interpretará de nuevo en abril en el Teatro Massimo de Palermo. Tres años después de su aplaudida Mimì (La bohéme) en el Gran Teatre del Liceu, el próximo mes de julio, la soprano de Mantua volverá al coliseo barcelonés, para debutar el rol de Luisa Miller de Verdi.

Considerada por público y crítica como una cantante de extraordinario talento,  la joven soprano italiana cuenta con un amplio currículum de actuaciones en los más célebres  festivales y teatros de ópera de reconocido prestigio internacional como el Festival de Salzburgo, el Festival Aix-en-Provence, el Festival de Ravenna, la Arena di Verona, el Teatro alla Scala de Milán, la Metropolitan Opera de Nueva York, la Lyric Opera de Chicago, la Wiener Staatsoper, la Royal Opera House de Londres, la Opernhaus de Zurich, el Teatro San Carlo de Nápoles, el Teatro all’Opera di Roma, el Teatro Real de Madrid, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, la Semperoper de Dresde o la Dutsch National Opera de Ámsterdam, entre otros. Muy activa también en el campo concertístico, ha cantado Stabat Mater de Rossini con la Orquesta y Coro del Teatro Real en la Catedral de Toledo, en Roma junto a la Accademia Nazionale de Santa Cecilia, y en el Teatro Comunale de Módena, en un homenaje a su maestro Luciano Pavarotti; la Petite Messe Solennelle de Rossini en el Wiener Konzerthaus y en la Philharmonie de Luxemburgo; la Sinfonía nº 4 de Mahler, los Vier letzte Lieder y el Requiem de Verdi en el Teatro San Carlo de Nápoles; la Sinfonía nº 2 de Mahler en la Ópera de Florencia, y la Misa en si menor de Bach en Chicago, acompañada por la Chicago Symphony Orchestra.

Eleonora Buratto ha colaborado con destacados directores como Zubin Mehta, Riccardo Muti, Daniele Gatti, Gianandrea Noseda, Ivor Bolton, Daniel Harding, Fabio Luisi, Ottavio Dantone, Michele Mariotti o Juraj Valcuha, entre otros.

Sus próximos compromisos incluyen su regreso al Metropolitan Opera de Nueva York y el debut en la Staatsoper de Berlín, además de actuaciones en Londres, Tokio y Ámsterdam.

http://www.eleonoraburatto.com/

Mozart en Les Arts

El Palau de les Arts ofrece el 26 y el 27 de enero 25 actividades gratuitas en los diferentes espacios y salas del edificio para celebrar el cumpleaños de Mozart con la tercera edición de ‘Mozart Nacht und Tag’.

El programa didáctico de Les Arts canaliza esta iniciativa de 25 horas ininterrumpidas de actividad con representaciones de ópera, conciertos espectáculo y sinfónicos, recitales, música de cámara, charlas-café, talleres didácticos, lecturas, cine y una sesión con DJ alrededor de la figura del genio de Salzburgo y su repercusión en las diferentes disciplinas artísticas.

Desde las 20.00 horas del 26 de enero hasta las 21.00 horas del día 27, la Sala Principal, el Auditori, el Teatre Martín i Soler, el Aula Magistral, el Espai Los Toros y los vestíbulos de las salas del teatro encadenarán un completo programa para todos los públicos que, a excepción de los talleres didácticos, serán de libre acceso hasta completarse el aforo de los diferentes espacios habilitados.

La puesta en marcha de la tercera edición de ‘Mozart Nacht und Tag’ ha sido posible gracias a la colaboración desinteresada de artistas e instituciones: la Subdirección de Música del Institut Valencià de Cultura; la Universitat de València, a través de los departamentos de Filología Inglesa y Alemana; los Conservatorios Joaquín Rodrigo (CSMV), José Iturbi y número 1 de València; así como el Instituto de Secundaria Lluís Vives, el Centre Plácido Domingo, la UNED, el DJ Eduardo Díaz, la solista de la OCV Susanna Gregorian, Gourmet Catering & Espacios y Tossal Producciones.

La actividad comienza a las 20.00 horas del 26 de enero con la primera representación del concierto espectáculo ‘Lumina’, primera colaboración entre Les Arts y la Subdirección de Música y Cultura Popular del Institut Valencià de Cultura.

Hilari García dirige a los cantantes del Centre Plácido Domingo y a la Jove Orquestra de la Generalitat Valenciana en este montaje con dirección de escena de Allex Aguilera, que enlaza fragmentos de las óperas de Mozart con la luz como hilo conductor.

De forma paralela, 35 alumnos de Educación Primaria, que pertenecen al Conservatorio Profesional de Música de València, llegarán al teatro, alrededor de las 20.45 horas, para pasar una noche en el Palau de les Arts y conocer mejor la figura de Mozart gracias al trabajo de alumnos del máster universitario de Profesor/a de Educación Secundaria, que organiza el Departamento de Filología Inglesa y Alemana de la Universitat de València.

A las 21.30 horas, el vestíbulo del Teatre Martín i Soler acogerá una lectura acompañada de piano de las cartas de Mozart, realizada en colaboración con el alumnado de Lengua Alemana del Instituto Lluís Vives, a la que seguirá un recital de violín de la profesora de la Orquestra de la Comunitat Valenciana, Susanna Gregorian, en el Teatre Martín i Soler a las 22.45 horas.

Y, mientras los más pequeños se preparan para irse a dormir a la Sala Principal, el vestíbulo del Teatre Martín i Soler se transformará en un animado café para charlar sobre las cartas de Mozart e intercambiar opiniones sobre la figura del genio de Salzburgo en un debate organizado por la UNED.

A partir de la medianoche, Les Arts propone dos alternativas para el público más trasnochador: ópera o sesión de música con DJ. El Teatre Martín i Soler se convertirá en un cine para 380 personas con la proyección de la ópera ‘La flauta mágica’ retransmitida desde la Ópera de Garsington a través del portal OperaVision.

Y, por su parte, el vestíbulo del Aula Magistral se transformará en una singular pista de baile con una sesión de música con DJ sobre la obra de Mozart, con el DJ Eduardo Díaz como artífice del espectáculo.

Propuestas matinales

 La mañana del día 27 comienza con el desayuno, en el vestíbulo principal, de los más pequeños que han pasado la noche en la Sala Principal. La actividad, cortesía de Gourmet Catering & Espacios, pone punto y final al taller didáctico.

A partir de las 11.00 horas, se retoma la actividad artística con un ciclo ininterrumpido de conciertos y recitales en los principales espacios escénicos de Les Arts.

Mientras que los alumnos del Conservatorio Superior de Música Joaquín Rodrigo protagonizan un recital con arias y fragmentos de las óperas más populares del compositor en el Aula Magistral, el Espai Los Toros recibe a estudiantes de instrumentos de cuerda de esa misma institución para interpretar el ‘Cuarteto para cuerdas en re menor K 421’ del genio de Salzburgo.

La Orquesta sinfónica del CSMV Joaquín Rodrigo, por su parte, debutará en el Auditori de Les Arts con un concierto sinfónico a mediodía, que incluirá páginas como ‘Concierto para piano y orquesta en re menor número 20’ y el motete para orquesta y cuerda ‘Exsultate, Jubilate’. Como cierre del programa, la orquesta rendirá homenaje a Salvador Giner, figura imprescindible en la puesta en marcha de su centro de formación musical.

 El Teatre Martín i Soler, centro neurálgico del maratón de Mozart, presenta a las 13.00 horas ‘El empresario’, una producción de Tossal Producciones del ‘singspiel’ ‘Der Schauspieldirektor’, que el genio compuso como encargo del emperador para unos festejos en el Palacio de Schönbrunn.

Se trata de una de las óperas menos conocidas del compositor salzburgués. El libreto narra las vicisitudes de un empresario de ópera para llevar a cabo un montaje en la época de la Viena imperial. Manuel Pérez Múgica dirige musicalmente esta obra inédita en Les Arts, que reúne a antiguos alumnos del Centre Plácido Domingo bajo la coordinación escénica de Zvonimir Ostoic.

De manera simultánea, el centro de artes continúa con su oferta de conciertos y recitales, que incluyen un cuarteto de cuerdas formado por alumnos del CSMV con la obra ‘Las disonancias K465’, a las 13.15 horas en Los Toros, y una propuesta camerística en el Aula Magistral con ‘Trío para clarinete, viola y piano en Mi bemol Mayor K 498’.

El también conocido como ‘Trío Kegelstatt’ se podrá escuchar de nuevo a las 19.00 horas interpretado también por alumnos de este conservatorio en el mismo escenario.

Tras la pausa de mediodía, a las 15.30 horas se retoma la actividad en el Aula Magistral. Alumnos del Conservatorio Profesional de Música número 1 de València ofrecen una selección de fragmentos de una de las óperas más apreciadas y representadas del compositor: ‘Le nozze di Figaro’. Para aquellos interesados, el centro de artes informa de que el espectáculo se volverá a representar a las 16.45 horas.

El alumnado del Joaquín Rodrigo protagoniza la oferta vespertina de recitales y de música de cámara, que comienza a las 16.00 horas en el Teatre Martín i Soler con el segundo recital de voz y piano de esta maratón mozartiana. Media hora después, instrumentistas del CSMV interpretarán en el Espai Los Toros ‘Quinteto con clarinete en La Mayor, K. 581’ y a las 17.45 horas, en el Teatre Martín i Soler, ofrecerán una de las partituras más populares: ‘Eine kleine Nachtmusik K525’.

Por su parte, estudiantes de flauta y de guitarra del Conservatorio Municipal de Música José Iturbi ofrecen un divertimento mozartiano en el Espai Los Toros a las 19.00 horas como penúltima actividad de la jornada.

El segundo pase del concierto-espectáculo ‘Lumina’, realizado en colaboración con la Subdirección de Música del IVC y el Centre Plácido Domingo, cerrará la edición de 2019 de ‘Mozart Nacht und Tag’.

Kursaal

La próxima temporada de Kursaal Eszena arrancará el 22 y el 23 de febrero con “La flauta mágica” de Mozart, producción de Opus Lirica,  la primera de las dos óperas protagonistas de esta temporada. “La flauta mágica” es una de las óperas más célebres de la historia de la música y muestra una combinación entre el tradicional cuento dramatizado vienés y el rito escénico en el que se representan los ideales humanistas de la ilustración. Además, para el 24 de febrero Opus Lirica ha diseñado una versión reducida de “La flauta mágica” con piano para el público más joven. El 29 de junio tendrá lugar la segunda ópera,  una cita imprescindible dentro de esta  temporada. Se trata de la joya lírica “Mendi Mendiyan”, una de las grandes composiciones de José María Usandizaga, en la que Calixto Bieito vuelve a enfrentarse al reto de llevar a escena una gran obra de un autor vasco de primer nivel. La producción  se estrenará en el Teatro Arriaga y a continuación se presentará en el Kursaal.

El arranque del abono de música clásica será será el 26 de febrero, con La Cetra Barockorchester Basel y la soprano Patricia Petibon, que nos guiarán por un fascinante viaje entre el Viejo y el Nuevo Mundo, a través de una selección de arias conocidas y curiosidades musicales del siglo XVII. Interpretarán arias en las que el viejo continente lo representan melodías barrocas francesas, inglesas y españolas, y el Nuevo Mundo se materializa en canciones populares de América Latina, que Patricia Petibon rescata del olvido.

Otra de las grandes citas de la temporada será el 7 de marzo, con la interpretación de la “3ª sinfonía” de Mahler en la que el compositor expresó su gran amor por la naturaleza y que será interpretada por la joven orquesta Gustav Mahler Jugendorchester. El 7 de abril,  Concertgebouw Chamber Orchestra ofrecerá un original programa en el que se podrán escuchar obras desde el clasicismo de un concierto de Mozart hasta Webern, uno de los máximos exponentes de la Segunda Escuela de Viena.

La Akademie Für Alte Musik Berlin actuará en el Kursaal el 25 de mayo. La Orquesta de Cámara de Berlín interpretará una de las piezas más populares del repertorio barroco, la “Música Acuática” de Haendel, junto a otras obras de Marais, Telemann y Delalande inspiradas por el mismo elemento líquido.

La Flauta Mágica 1

La Flauta Mágica 2

La Flauta Mágica 3

La Flauta Mágica 4

La Flauta Mágica 5

La Flauta Mágica 6

La Flauta Mágica 7

La Flauta Mágica 8

https://youtu.be/mMmEwLvgk3Q

Una polémica «Flauta Mágica» abre temporada en Les ArtsPor Diego Manuel García Pérez.

Muy controvertida esta Flauta mágica, con una transgresora puesta en escena de Graham Vick, que pretende mostrar los graves desequilibrios que afectan a la sociedad actual, con un claro enfrentamiento entre las clases más privilegiadas y las más desfavorecidas. Grandes cartelones y pancartas reivindicativas dominaban el espacio escénico así como los extremos laterales de las diferentes plantas de la sala, junto  a una gran cantidad de figurantes, que se movían tanto en el escenario como fuera de él. Todo ello, lo que produce es desviar la atención de los espectadores de lo que realmente importa: la maravillosa música mozartiana. Afortunadamente, la orquesta  de la Comunitat Valenciana, bien dirigida por Lothar Koenigs,  ofreció un excelente sonido y el Coro de la Generalitat estuvo a su gran altura habitual. Notable prestación del grupo de cantantes solistas, donde cabe destacar a la soprano italiana Mariangela Sicilia, que ofreció una excelente creación de Pamina.

Die Zauberflöte (La flauta mágica) es un Singspiel (ópera cantada en alemán donde se incluyen diálogos teatrales), en dos actos con música de Wolfgang Amadeus Mozart y libreto de Emanuel Schikaneder. Su estreno tuvo lugar en el popular Theater auf der Wieden de Viena el 30 de septiembre de 1791, dirigido por el propio Mozart y con Schikaneder interpretando el personaje de Papageno. Fue el último estreno del compositor, que moriría dos meses después, el 4 de diciembre, con solo treinta y cinco años. Hoy parece demostrado que fue Mozart quien propuso a Schikaneder (personaje multifacético: empresario, actor, cantante, libretista y director teatral), y no a la inversa, la creación de una ópera alemana  de carácter mágico. Quería repetir el gran éxito obtenido, en 1782, con el Singspiel Die Enführung aus dem Serail (El rapto en el serrallo). El argumento ha sido muy controvertido, por su desordenado entramado. Parece ser que empezaron a redactarlo Schikaneder y el actor y cantante Ludwig Giesecke, junto al propio Mozart, y que cambiaron de criterio una vez escritas las primeras escenas, por lo que, de comedia mágica con una Reina atribulada por el rapto de su hija la princesa Pamina y el galante príncipe Tamino encargado de rescatarla, se convirtió en algo más complejo:  una apología de la francmasonería, a la que se alude claramente al convertir al malvado raptor de Pamina, en el sabio sacerdote Sarastro, quien gobierna un templo al que se accede superando unas pruebas donde se debe mostrar valor y firmeza de carácter. Tamino y Pamina, logran superarlas sellando así su amor, a pesar de las maquinaciones de La Reina de la Noche y de las tres damas a su servicio. El personaje más entrañable de la obra es el sencillo Papageno, cazador de pájaros, en principio al servicio de la Reina de la Noche, y posteriormente convertido en protector de la relación amorosa entre Pamina y Tamino. Este deslavazado argumento es cohesionado por la extraordinaria música de Mozart, en cuyo entramado orquestal se insertan las voces de los diferentes personajes como un instrumento más. Obviamente, al tratarse de una ópera de repertorio habitual, existen muchas grabaciones tanto en CD como DVD. Cabe citar dos grabaciones históricas, con magníficas orquestas y excelentes interpretes, tomadas en estudio y que pueden escucharse completas en YouTube. La primera de ellas fue realizada en Berlín entre 1937 y 1938, con el gran director inglés Sir Thomas Beecham, al frente de la Filarmónica de Berlín. En un ambiente ya prebélico, Beechan no pudo terminar la grabación; que, parece ser, fue concluida por un joven Herbert von Karajan. El reparto estaba encabezado por dos sensacionales interpretes: la soprano alemana Tiana Lemnitz como Tamina, ofreciendo una voz de gran pureza y plena de melancolía, junto al Tamino del tenor danés Helge Roswaenge, voz voluminosa y de gran belleza, con un magnífico fraseo y absoluto dominio del estilo mozartiano. La soprano Erna Berger realiza una excelente creación de la Reina de la Noche. La edición remasterizada por el sello NAXOS, mejora sensiblemente el sonido original. La segunda grabación  recomendada, fue la realizada por EMI, en 1950, con la bellísima respuesta orquestal de la Filarmónica de Viena dirigida por Herbert von Karajan, y un gran elenco vocal con el excelente Tamino del tenor esloveno Antón Dermota, auténtico estilista mozartiano, de una depurada línea de canto, junto a la soprano alemana Irmgard Seefried, una voz de gran belleza tímbrica que interpreta a una sensible y delicada Pamina. Wilma Lipp realiza una gran creación de La Reina de Noche, con magnífico dominio de la coloratura. El resto de personajes están interpretados por excelentes voces: el gran bajo Ludwig Weber, interpreta un sensacional Sarastro, Erich Kunz (Papageno), George London (Sprecher), Emmy Loose (Papagena). A mediados de los años cincuenta del pasado siglo, irrumpe en el panorama lírico el extraordinario tenor alemán Fritz Wunderlich, de bellísima vocalidad y gran temperamento dramático, cuya creación de Tamino resulta antológica, llegando a interpretarlo en muchas ocasiones. En 1964 (dos años antes de su muerte, con apenas treinta y seis años) interpretó Tamino en una grabación de estudio DEUSTCHE GRAMMOPHON, con Karl Böhm al frente de la Filarmónica de Berlín, el gran Hans Otter (Sprecher), Franz Grass (Sarastro), Dietrich Fischer-Dieskau (Papageno), Evelyn Lear (Pamina) y Roberta Peters (Reina de la Noche). Escuchar a Fritz Wunderlich en el aria del retrato “Dies Bildnis ist bezaubernd schön”, es un verdadero deleite canoro.

Existen dos tomas en video, que pueden escucharse completas en YouTube. La primera de ellas realizada en 1983, en la Ópera de Munich, con dirección orquestal de Wolfgang Sawalisch, y comercializada en DVD por DEUSTCHE GRAMMOPHON, con el magnífico Tamino del tenor mejicano Francisco Araiza, de bello timbre y perfecta adecuación estilística al repertorio mozartiano, junto a la excelente Pamina de la gran soprano checa Lucia Popp, con una voz de cristalina pureza, y la Reina de la Noche de Edita Gruberoba, quien muestra su absoluto dominio de la   coloratura. La segunda toma en video recomendada, fue realiza en la Ópera de Zurich, en le año 2000 y comercializada en DVD por ARTHAUS MUSIC, con dirección orquestal de Frantz Welser-Möst, con el magnífico Tamino del tenor polaco Piotr Beczala, cuya voz recuerda la de Fritz Wunderlich, junto a la Pamina de la soprano sueca Malin Hartelius, quien aporta belleza vocal y escénica. El gran bajo finlandés Matti Salminen, compone un imponente Sarastro. Clásica y muy adecuada la propuesta escénica de Jonathan Miller.

No puede decirse lo mismo del montaje escénico de Graham Vick, que ha podido verse en Valencia, con la coproducción del Palau de les Arts, la Ópera de Birminghan y el Festival de Macerata. Los espectadores que entraban en la sala quedaban sorprendidos por una serie de grandes cartelones colgados desde todos los pisos con reivindicativos mensajes: “Contra la violencia machista”, “En defensa de los derechos y la libertad”, “El sistema no puede combatir la corrupción porque la corrupción es el sistema”, “Pensiones justas, ya”. Cantidad de figurantes invadían tanto el escenario como los espacios de unos sufridos espectadores que, lo que pretendían, era pasar un buen rato escuchando la maravillosa música de Mozart. Y, todo ello, es el envoltorio de la propia escenografía, realizada por Stuart Nunn, (también responsable del diseño de vestuario), donde pueden verse tres edificios colindantes: uno de gran altura, en cuya parte superior, aparece el símbolo del euro (El poder financiero), una tienda de Appel (El poder informático, también sede del templo masónico) y una reproducción de la Basílica de San Pedro (El poder de la iglesia). De estos edificios, en algún momento de la función, salen cantidad de figurantes: ejecutivos financieros elegantemente vestidos y rodeados de mujeres sofisticadas, junto a militares y eclesiásticos de rojas púrpuras, que conforman los poderes fácticos, opresores de ese pueblo que se manifiesta con significativas pancartas: “No, es no”, “Nosotros también tenemos voz”, “No nos robéis el futuro”, “Diversidad, Igualdad y Unidad”, en las cercanías de esos emblemáticos edificios, acotados con defensivas vallas. El edificio financiero es girado en algún momento, pudiendo verse en su parte posterior, una batería de misiles ¡connivencia del poder económico y militar! o se nos muestra la parte posterior de la basílica, donde aparece una gran madonna, con la boca tapada ¡la  marginación de la mujer en los centros de poder del mundo eclesiástico católico! Resulta inadmisible la manipulación realizada por Graham Vick de los brillantes diálogos en alemán del texto original, con la inserción de frases en español, donde ese improvisado coro de figurantes actúa a modo de corifeo griego, advirtiendo a los personajes de las posibles consecuencias de sus acciones o reprochándoles su conducta. La pretensión de trasladar una obra inmersa en el mundo de finales del Siglo XVIII a la problemática actual, debería llevar por título: La Flauta mágica con música de Wolfgang Amadeus Mozart y texto de Emanuel Schikaneder, revisado por Graham Vick. El vestuario resulta variopinto, desde ese elegante traje de ejecutivo que porta Sarastro, hasta Papageno envuelto en un disfraz de pollo, pasando por Tamino vestido con chándal y Pamina con una vestimenta que recuerda a la muñeca Olympia de Los cuentos de Hoffmann, o las tres damas embutidas en monos de trabajadoras, que se quitan exhibiendo atractivas vestimentas en consonancia con la que lleva su jefa, la malvada Reina de la Noche ¡Ah! Y, también señalar la presencia de una pala excavadora que hace las veces de la serpiente que persigue a Tamino, y de unos patinetes donde se desplazan los niños soprano. Al final, el desplome de los tres edificios emblemáticos seguido de una macrodanza donde evolucionan todos los participantes ¡preámbulo de un mundo donde reina la paz y la armonía!

Ante tantos figurantes, con sus continuos movimientos escénicos, tiene mucho merito la labor directorial y concertadora de Lothar Koenigs, con el excelente sonido de la Orquesta de la Comunitat Valenciana, que ya se pone de manifiesto en la obertura, la más extensa compuesta por Mozart, con un sorprendente uso del contrapunto, y que tiene su continuación con esa música que envuelve el arioso de un asustado Tamino y la irrupción escénica de las tres damas. Destacar la resolución orquestal tanto del quinteto de Tamino, Papageno y las tres damas, como  del precioso dúo de Pamina y Papageno. La orquesta brilla de sobremanera en todo el amplísimo final del Acto I, con ese solemne acompañamiento que confiere auténtico énfasis al dúo de Tamino y el Sprecher, o el sonido de la flauta mágica en la segunda intervención solista de Tamino, junto a la música que marca la presencia escénica de Sarastro,  y el conjunto orquesta-coro, con el que concluye ese Acto I. Ya, en el Acto II, cabe resaltar el sonido orquestal introductorio con esa “Marcha de los sacerdotes” y la brillante combinación de orquesta y coro en el “Coro de los sacerdotes”. El sonido orquestal envuelve de manera brillante las dos intervenciones solistas de Sarastro. Muy destacada actuación orquestal en las intervenciones solistas de Papageno, con la continua presencia sonora del “glockenspiel”. Pero, sobre todo, cabe destacar, el excelente sonido orquestal en todo el amplio final de la obra, con momentos musicales de extraordinaria calidad: esa gran escena, donde, primeramente, intervienen los dos hombres armados del templo junto a Tamino, con unos sonidos que recuerdan un oratorio dramático, seguido de ese sublime dúo de Pamina y Tamino, en el que se insertan preciosos interludios orquestales donde luce el sonido de la flauta, junto a una coda conclusiva donde se conjuntan de manera brillantísima coro y orquesta. Como en tantos momentos de esta obra, se muestran los contrastes entre el mundo idealizado en el que se mueven Tamino y Pamina, y la realidad tangible, con ese cómico dúo de Papageno y Papagena, donde también –en otro plano- el sonido orquestal resulta muy brillante. Hermosa conjunción de orquesta, voces solistas y coro en el brillantísimo final de este Singspiel. Dentro del alto nivel de todas las secciones orquestales cabe destacar el sonido de oboes, clarinetes y fagots con una especial mención a la flauta solista.

Del extenso grupo de cantantes cabe destacar la magnífica Pamina de la soprano italiana Mariangela Sicilia, voz de atractivo timbre, con anchura y extensión, junto a un excelente fraseo y capacidad para las regulaciones de sonido. Ya muestra su calidad vocal en el precioso dúo con Papageno del Acto I, ofreciendo su mejor prestación en el aria del Acto II  “Ach, ich fühl’s, esist verschuwunden”, cantada con buen estilo mozartiano y gran capacidad dramatica. Magnífica su interpretación de ese sublime dúo “Tamino mein! O welch ein Glück” junto al Tamino interpretado por el tenor ucraniano Dmitry Korchak, de voz ancha con buen registro agudo, aunque mostrando carencias estilísticas, sobre todo al afrontar la dificilísima aria del retrato “Dies Bildnis ist bezaubernd schön”, que exige depurada técnica y gran expresividad. Su actuación mejora en el aria “Wie stark ist nicht dein Zauberton” acompañado por su flauta mágica. Destacar su intervención en el trío del Acto II junto a Pamina y Sarastro, interpretado por el bajo alemán Wilhelm Schwinghammer, de muy elegante presencia escénica, canta con estilo, aunque adolece de esas profundas notas graves que requiere el personaje. También está sometido a las ocurrencias de Graham Vick, teniéndose que mover por el patio de butacas y emitir algunas palabras en español. El barítono inglés Mark Stone, compone un gracioso Papageno, notable en el plano vocal y sobre todo interpretativo, teniendo también que cantar frases en español. Como Reina de la Noche, la soprano checa Tetiana Zhuravel, ofrece una atractiva presencia escénica; y, aunque su voz resulta  pequeña y en exceso ligera, logra resolver de manera notable la coloratura del aria “Der Hölle rache kocht in meinen Hertz”, con esas dificilísimas notas picadas. Bien el Monostatos de Moisés Marín. Muy graciosas las tres damas: Camila Titinger, Olga Syniakova y Marta Di Stefano, pertenecientes al Centro Plácido Domingo. Aceptable el Sprecher interpretado por el bajo Deyan Vatchkov. Notable la creación de Papagena de la soprano Júlia Farrés-Llongueras, quien, en su primera aparición, Graham Vick, la obliga a permanecer cual contorsionista en un pequeño contenedor, y que dota de auténtica comicidad  a su dúo con Papageno. Bien el resto de interpretes incluidos los tres niños-soprano que se desplazan en patinete.

El Coro de la Generalitat vuelve a mostrar su gran calidad en sus muchas intervenciones a lo largo de la obra.

 

La flauta mágica

El Palau de les Arts reivindica la figura de la mujer en el nuevo montaje de ‘La flauta mágica’, de Mozart, que firma el prestigioso director inglés Graham Vick.

El centro de artes inaugura este sábado, 1 de diciembre, su decimotercera temporada de abono con este título, coproducido con el Festival de Macerata (Italia), y que podrá verse hasta el día 15 de este mismo mes en la Sala Principal.

Lothar Koenigs debuta en el foso con los cuerpos estables de Les Arts, el Cor de la Generalitat, la Orquestra de la Comunitat Valenciana y los artistas del Centre Plácido Domingo.

El director alemán, según ha recordado la presidenta del Patronato de Les Arts, Susana Lloret, es una reputada batuta mozartiana, que, tras su paso por València, dirigirá en el Metropolitan de Nueva York ‘La clemenza di Tito’.

Nacido en Aquisgrán, el maestro Koenigs cultiva un repertorio que abarca desde Mozart hasta Alban Berg, con trabajos en las principales capitales líricas como Viena, Nueva York, Múnich o Milán.

Para Lothar Koenigs, ‘La flauta mágica’ tiene una música que “te atrapa y puedes sentir desde dentro. En ella se reconocen diferentes elementos: como las referencias a la música sacra en Sarastro, las melodías sencillas y de fácil retención en Papageno, los elementos oscuros en la segunda aria de la Reina de la Noche…”

El alemán también ha subrayado la importancia del texto que incluye referencias a lo que será el futuro de la ópera, como la escena entre Tamino y el Sacerdote, donde ya se adivina figuras como Wagner.

Versión novedosa

‘La flauta mágica’ es la tercera puesta en escena de Graham Vick que presenta Les Arts, pero la primera realizada por el prestigioso ‘regista’ para el centro operístico valenciano, en colaboración con el Festival de Macerata (Italia).

Graham Vick es uno de los grandes nombres de la escena operística, además de uno de sus mayores renovadores. Como fundador y director artístico de la Ópera de Birmingham, ha convertido a la compañía en estandarte de la modernización y democratización de la ópera. Reconocido con las más altas distinciones, ha desarrollado su faceta de director de escena en los principales teatros del mundo.

Para esta coproducción de ‘La flauta mágica’, el veterano inglés se ha rodeado de un equipo formado por Stuart Nunn, responsable de la escenografía y del vestuario, Giuseppe Di Iorio, artífice de la iluminación, y Ron Howell, coreógrafo.

Según explica Vick, se trata de la quinta producción en su carrera del Singspiel mozartiano. En esta ocasión el inglés ha concebido “una versión totalmente novedosa, incluyendo un final más abierto que suscita muchas preguntas y subraya aspectos como el papel de la mujer”.

En este sentido, el fundador de la Ópera de Birmingham recuerda que la obra de Mozart está influenciada por la masonería: “La sociedad masónica era exclusivamente patriarcal, una realidad también en la Iglesia católica, donde la mujer no tiene poder y no se le permite nunca opinar. Es muy interesante ver que estos dos enemigos tengan eso en común, además del silencio y el secretismo”.

Asimismo, Graham Vick ha reducido el texto en alemán para añadir diálogos en español en los que intervienen los 73 ciudadanos que invitó a participar en el montaje a modo del coro de una tragedia griega, o de una comedia de Aristófanes.

“Recurro a actores no profesionales −idea con la que llevo experimentando veinte años− con la intención de enriquecer la función de ópera, como deber cívico, tanto desde el punto de vista de la representación como del público. Busco un público democrático y un formato de ópera que se dirija a cualquier escala, raza o credo de la comunidad en que vivimos”, ha explicado.

Veteranía y juventud

Les Arts combina veteranía y juventud para el reparto de esta producción, “con la excelencia artística como denominador común”, como ha recordado Susana Lloret en la presentación de la producción.

Dmitry Korchak, uno de los tenores belcantistas más aclamados, regresa al centro de artes para cantar el papel de Tamino. Vinculado al centro operístico valenciano desde sus inicios, el público recordará sus interpretaciones en ‘L’enfant et les sortilèges’, de Ravel, ‘Eugenio Oneguin’, de Chaikovski, ‘La cenerentola’, de Rossini, o ‘Don Giovanni,’ de Mozart.

Debuta en el Palau de les Arts, Mariangela Sicilia como Pamina. Desde su reconocimiento en Operalia 2014, la joven cantante se ha revelado como una de las sopranos italianas con mayor proyección. Le acompaña en su presentación en València la también soprano Tetiana Zhuravel, que encarnó a la Reina de la Noche en el estreno de este montaje en Macerata y que repite este mismo rol.

Mark Stone da vida a Papageno, papel que ha cantado anteriormente en compañías como la Opera de Philadelphia. El barítono británico, que desarrolla una importante carrera como intérprete de recital, posee asimismo una premiada trayectoria discográfica.

Por su parte, el bajo Wilhelm Schwinghammer, figura habitual de festivales de prestigio como Bayreuth o Salzburgo, canta el papel de Sarastro.

Completan el reparto, el bajo búlgaro Deyan Vatchkov (orador/primer sacerdote), el tenor granadino y antiguo alumno del Centre Plácido Domingo Moisés Marín (Monóstatos), el bajo galés Richard Wiegold (segundo armado), la soprano catalana Júlia Farrés-Llongueras (Papagena), la soprano italo-brasileña Camila Titinger (primera dama), las mezzosopranos del Centre Plácido Domingo Olga Syniakova y Marta Di Stefano, el tenor valenciano y también integrante del Centre de Perfeccionament Vicent Romero y los niños del Trinity Boys Choir: Lucas Rebato, Kiran Patel y Dionysios Sevastakis.

En total, Les Arts ofrecerá seis funciones de este innovador montaje de ‘La flauta mágica’ los días 1, 4, 7, 9, 13 y 15 de diciembre.

Wilhelm Schwinghammer

Wilhelm Schwinghammer es uno de los bajos más reconocidos de su joven generación. Su amplio repertorio abarca desde el barroco a la música contemporánea, e incluye los roles más importantes de su tesitura como Figaro (Le Nozze di Figaro), Leporello (Don Giovanni), Sarastro (Die Zauberflöte), Osmin (Die Entführung aus dem Serail), König Heinrich (Lohengrin), König Marke (Tristan und Isolde), Landgraf Hermann (Tannhäuser), Daland (Der fliegende Holländer), Fasolt (Das Rheingold), Rocco (Fidelio), Sparafucile (Rigoletto) y Orest (Elektra). En Mayo 2018 debutó como Baron Ochs (Der Rosenkavalier) en la Ópera de Estocolmo.

Ha cantado en la mayoría de los principales teatros de ópera como Múnich, Berlín, Dresde, Lyon, Milán, Viena, Barcelona, Los Angeles, Washington, Chicago y Hong Kong Arts Festival. Wilhelm Schwinghammer se ha ganado también una sólida reputación como concertistas y actúa habitualmente con renombradas orquestas como la Filarmónica de Berlín, Sinfónica de Boston, Sinfónica de Bamberg,  NDR Elbphilharmonie Orquesta y il Concerto Köln. En ópera y conciertos ha sido dirigido por Daniel Barenboim, Zubin Mehta, Kirill Petrenko, Andris Nelsons, Sir Simon Rattle, Marek Janowski, Sebastian Weigle, Philippe Herreweghe, entre otros prestigiosos directores.

En 2005 debutó en el Festival de Salzburgo como Dr. Grenvil en La Traviata con Anna Netrebko y Rolando Villazón. En 2011 volvió al Festival de Pascua de Salzburgo con Salome, dirigida por Sir Simon Rattle. Canta regularmente en el Festival de Bayreuth, donde debutó triunfalmente en 2012 como König Heinrich en Lohengrin, rol que repitió en los años sucesivos, y en 2014 y 2015 cantó, además, Fasolt en Das Rheingold, con dirección escénica de Frank Castorf.

Entre sus éxitos recientes cabe destacar una nueva producción del Ring en Chicago (dirección escénica de David Poutney), el rol titular en la nueva producción de Le Nozze di Figaro de Stefan Herheim en Hamburgo, y, en ese mismo teatro, Osmin en Die Entführung aus dem Serail.

Wilhelm Schwinghammer nació en Baviera e inició sus estudios musicales con los famosos Regensburger Domspatzen. Estudió en la Universidad de Berlín (Universität der Künste) con Harald Stamm y asistió a master-classes con Kurt Moll y Marjana Lipovšek. En 2003 fue admitido en el Programa Joven de la Ópera de Hamburgo y en 2006 entró a formar parte del conjunto estable de dicho teatro. Desde 2017 actúa como artista freelance. Ha sido premiado en diversas ocasiones y el 2009 ganó el prestigioso ARD Music Competition, donde también obtuvo el Premio del Público.

Maria João Pires

El miércoles 14 de noviembre, la pianista Maria João Pires regresa a Madrid de la mano de La Filarmónica para ofrecer un concierto con un repertorio muy poco habitual en el que se interpretaran las Sonatas para piano a cuatro manos de Mozart.

Miércoles 14 de noviembre de 2018 | 19.30 | Sala de Cámara del Auditorio Nacional

EL REGRESO A MADRID

Cada una de las apariciones de Maria João Pires ha sido un gran acontecimiento: después de sus exitosas apariciones, la referencia universalmente venerada y admirada regresa por cuarta vez a Madrid de mano de La Filarmónica. En esta ocasión la acompaña la joven pianista armenia Lilit Grigoryan, la cual debuta en la temporada. Ambas nos deleitaran con las Sonatas para piano a cuatro manos de Mozart, tan bellas como raramente interpretadas.

MOZART Y SUS SONATAS PARA PIANO A CUATRO MANOS

Durante su juventud, Wolfgang Amadeus Mozart y su hermana mayor Nannerl acostumbraban a tocar juntos con mucha frecuencia; durante sus largas giras por Europa, popularizaron la interpretación de pequeñas piezas para piano a cuatro manos. Destaca la Sonata para piano a cuatro manos, K.19d en do mayor, la primera que compuso Mozart con tan solo nueve años. Esta requiere una importante parte técnica por parte de los intérpretes.

El compositor no volvió a componer música para piano a cuatro manos hasta el verano de 1786, en el que despuntan la Sonata para piano a cuatro manos, K.497 en fa mayor, uno de los duetos más grandes y ambiciosos del compositor seguida de la Sonata para piano a cuatro manos K. 521 en do mayor.

PIRES & GRIGORYAN, PROYECTO PARTITURA

Entre los años 2012 y 2016, Lilit Grigoryan fue artista residente en la institución belga dirigida a la enseñanza superior artística Chapelle Musicale Reine Elisabeth. El primer año, la joven pianista armenia estuvo bajo la dirección del pianista libanés Abdel Rahman El Bacha; los siguientes junto con Maria João Pires. Ésta última fue una colaboración intensa e inspiradora con la pianista y permitió a Lilit encontrar nuevas maneras de comunicarse y compartir su pasión por la música clásica con otra gente.

Con la célebre pianista al frente del “Proyecto Partitura”, en 2016, Pires cuenta con Grigoryan y algunos de sus colegas para participar y colaborar. El proyecto cuestiona el lugar, la responsabilidad estética, ética, social, pedagógica y espiritual en una sociedad donde algunos de los valores humanos más fundamentales parecen estar en crisis. El equipo (formado por varios pianistas, un musicoterapeuta, una soprano, un compositor y un autor) trabaja para transmitir educación mediante el fomento de la escucha recíproca entre generaciones: músicos conocidos para fomentar a músicos jóvenes e invitarles a compartir el escenario de los conciertos. El objetivo es permitir un diálogo abierto entre los diferentes géneros del arte y la ciencia y contribuir a una comprensión más completa de los seres humanos en su entorno.

Maria João Pires, piano

Nacida el 23 de julio de 1944 en Lisboa, Maria João Pires realizó su primera actuación pública a los 4 años. Empezó sus estudios de piano con Campos Coelho y Francine Benoît, y posteriormente con Rosl Schmid y Karl Engel en Alemania.

Además de sus numerosas actuaciones, ha hecho grabaciones para el sello Erato durante quince años y para Deutsche Grammophon durante veinte.

Desde 1970 ha dedicado su labor a reflejar la influencia que tiene el arte sobre la vida, la comunidad y la educación, buscando nuevas maneras de implementar teorías pedagógicas en la sociedad y fomentar el intercambio de ideas mediante el desarrollo de las culturas y el respeto a éstas. En 1999 creó el Centro de Belgais para el Estudio de las Artes, en Portugal. Posteriormente amplió este proyecto con iniciativas en las ciudades de Salamanca (España) y Salvador de Bahía en Brasil.

En 2012, en Bélgica, inició dos proyectos complementarios: el Proyecto Equinox, que ofrece ayuda a niños desfavorecidos a través del canto coral, y el Proyecto Partitura, cuyo objetivo es crear una interacción entre artistas de diferentes generaciones y ofrecer una plataforma de desarrollo alternativa a un mundo demasiado centrado en la competitividad.

Lilit Grigoryan, piano Nacida en Ereván (Armenia) en 1985, Lilit Grigoryan comenzó a tocar el piano a los siete años con Arkuhi Harutyunyan; más tarde fue alumna de Sergey Sarajyan y Matthias Kirschnereit.  Se graduó en la Universidad de Música y Teatro de Rostock (Alemania) con las distinciones más altas. Entre 2012 y 2016, Lilit también fue artista en residencia en la Chapelle Musicale Reine Elisabeth en Bélgica, bajo la dirección de Maria João Pires. La intensa e inspiradora colaboración con la pianista, le dio la oportunidad de compartir y comunicar su pasión por la música clásica, creando en 2016, junto a varios de sus compañeros, el “Proyecto Partitura”, bajo la iniciativa de Maria Joao Pires.  Lilit ha realizado giras por todo el mundo y ha actuado en salas de concierto conocidas mundialmente como el Konzerthaus de Berlín, la Philharmonie de Essen (Alemania), Elbphilharmonie o el Laeiszhalle de Hamburgo, el Concertgebouw de Ámsterdam, el Mozarteum Hall en Salzburgo, la Salle Cortot y la Cité de la Musique en París, el Centro Artístico Bozar o el Flagey en Bruselas, el Palau de la Música Catalana de Barcelona y el Steinway Halls en Nueva York, Londres y Hamburgo.  Lo más destacado de la temporada 18/19 incluye el lanzamiento de su nuevo álbum en solitario Orchid Classics con obras de Szymanowski, Beethoven, Mendelssohn, Bizet y Bach / Busoni, recitales solistas en toda Europa y numerosos recitales a dúo con artistas como Maria João Pires, Sarah Christian y Hiyoli Togawa.

Programa

MOZART, Sonata para piano a cuatro manos en do mayor, K. 19d
MOZART, Sonata para piano en si bemol mayor, K. 333

MOZART, Adagio y Allegro para piano a cuatro manos en fa menor, “Ein Stück für ein Orgelwerk in einer Uhr”, K. 594
MOZART, Fuga para piano a cuatro manos en sol menor, K. 401/375e
MOZART, Sonata para piano en re mayor, K. 576
MOZART, Sonata para piano a cuatro manos en do mayor, K. 521

Intérpretes
Maria João Pires, piano
Lilit Grigroryan, piano

Davini Rodríguez

La agenda de Davinia Rodríguez continúa consolidándose en el circuito internacional. Después de haber debutado en febrero pasado como protagonista de la ópera Thaïs de Massenet en el China National Centre for the Performing Arts de Pequín (NCPA), la diva canaria regresará en noviembre a ese escenario esta vez para meterse en la piel de Donna Elvira, una de las mujeres engañadas por Don Juan, el mito erótico español que inspiró a Mozart para su genial Don Giovanni. “Tengo un fantástico recuerdo de mi debut en ese impresionante teatro de la capital de China”, apuntó la cantante, “donde me llamó la atención lo atento y cariñoso que es el público chino, y ahora vuelvo con otro personaje que adoro y que ya canté en el Festival dei Due Mondi de Spoleto (Italia)”.

La intérprete española conoce muy bien la obra, ya que también tiene en repertorio a la otra gran engañada por Don Juan, Donna Anna, que cantó en Bilbao. “Son dos personajes que se complementan y cada uno tiene grandes momentos en esa obra maestra de toda la historia de la lírica que es Don Giovanni”. Por último añade que “eso que dicen de que volver a Mozart de tanto en tanto es muy sano para la voz es una gran verdad, ya que te ayuda a mantenerte en buenas condiciones, más todavía si vengo de cantar papeles más demandantes como son roles verdianos, que tienen que vérselas con orquestas mucho más grandes que las mozartianas”.

Davinia Rodríguez acaba de triunfar en el Festival Verdi de Parma, el más importante dedicado a la obra del compositor italiano, nada menos que metida en la piel del temido papel de Lady Macbeth, que debutó en Viena en 2016. Ahora, en este nuevo regreso al repertorio mozartiano, actuará en Pequín los días 27 y 29 de noviembre y 1 de diciembre. Más tarde, el 28 y 29 de diciembre, le esperan dos conciertos de Año Nuevo junto a la Sinfónica de Las Palmas de Gran Canaria en el Auditorio Alfredo Kraus de la capital grancanaria.

Más información

Benjamin Grosvenor

Conocido por sus eléctricas y penetrantes interpretaciones, el joven pianista británico Benjamin Grosvenor será el encargado de reanudar la programación del Ciclo Grandes Intérpretes de la Fundación Scherzo tras el parón veraniego. Grosvenor, uno de los intérpretes más solicitados del mundo, debutará el próximo 9 de octubre en el escenario del Auditorio Nacional de Música con un programa que incluye obras de Bach, Mozart, Chopin, Granados y Ravel. 

El crítico de The New York Times David Allen ha dicho de él que manda en el escenario con una facilidad aristocrática… Grosvenor te hace suspirar con alegría… una característica extraña en el pasado, y mucho más en la actualidad”. Su virtuosa inspiración en las más extenuantes complejidades técnicas nunca compromete la profundidad y la inteligencia de sus interpretaciones. Grosvenor es reconocido por su sonido personal y descrito como “poético y sutilmente irónico, brillante, de mente clara pero con humor, todo lo traduce de forma maravillosa a través de un detalle nítido” (The Independent). 

En 2004, a los 11 años, Grosvenor ganó la final de piano de la BBC Young Musician Competition. Desde entonces, se ha convertido en un pianista internacionalmente reconocido, realizando conciertos con orquestas de renombre como la Filarmónica de Londres, RAI Torino, la Orquesta Filarmónica de Nueva York, Philarmonia Orchestra, Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig, Tokyo Symphony; y se ha presentado en el Royal Festival Hall, Barbican Centre, Victoria Hall de Singapur, The Frick Collection y en el Carnegie Hall, entre otras.

Con 19 años, Benjamin actuó con la BBC Symphony en la primera noche de los BBC Proms, llenando el Royal Albert Hall. Volvió a los BBC Proms en 2012 junto con la Royal Philharmonic Orchestra y Charles Dutoit y, en 2014, con la Orquesta Filarmónica de la BBC y Gianandrea Noseda. En 2015 debutó en la última noche de este ciclo de conciertos con la BBC Symphony Orchestra y Marin Aslop.

Entre sus recientes y próximos proyectos destacan sus colaboraciones con la Boston Symphony, la Orquesta Sinfónica de la Radio Finesa, la Orquesta Gürzenich de Colonia, con las orquestas de Cleveland, Gulbenkian y Hallé, la Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig, la Filarmonica della Scala; así como sus proyectos con la London Symphony y las orquestas de Melbourne, San Francisco, Singapur, Tokio y la Washington National Symphony. Entre sus principales recitales destacan sus actuaciones en el Konzerthaus de Viena, Théâtre des Champs Elysées de París, Muziekgebouw de Ámsterdam, Carnegie Hall de New York, Konzerthaus de Berlín, Barbican Centre de Londres, Musashino Civic Cultural Hall de Tokio, los festivales de Lucerna y Gilmore, La Roque d’Antheron, en las series internacionales del Southbank Centre, así como su primera gira por Latinoamérica. 

En España, Grosvenor debutó en el Palau de la Música Catalana (Piano 100) antes de llegar este 2018 al ciclo de Grandes Intérpretes en el Auditorio Nacional de Madrid. El próximo año hará su primera actuación con la Orquesta Nacional de España y regresará al Palau de la Música Catalana.

Grosvenor es artista exclusivo de Decca y firmará discos después del recital.

Este será el séptimo concierto de la 23ª temporada del Ciclo Grandes Intérpretes de la Fundación Scherzo. Además de la de Grosvenor, el público podrá disfrutar de otras tres citas más: Murray Perahia (13 noviembre); Jan Lisiecki (11 diciembre); y el concierto extraordinario ofrecido por el director Gustavo Dudamel – que cosechó un enorme y sonado éxito en la anterior temporada – que regresa al ciclo al frente de la Mahler Chamber Orchestra (20 de septiembre). A lo largo de 2018, pianistas de amplia experiencia como Mitsuko Uchida, Grigori Sokolov o Radu Lupu, han compartido escenario con jóvenes y talentosos artistas como Yuja Wang. 

El precio de las entradas se sitúa a partir de los 25 euros. Los jóvenes menores de 26 años podrán asistir a los conciertos por 10 euros acudiendo a la taquilla del Auditorio Nacional media hora antes del comienzo del conciertoA lo largo de las más de dos décadas de vida de este ciclo patrocinado por El País y la Cadena Ser, han actuado casi un centenar de pianistas en más de 200 conciertos. Estas cifras lo han convertido en uno de los mejores ciclos en su especialidad a nivel europeo.

PROGRAMA MARTES 9 DE OCTUBRE DE 2018
Auditorio Nacional de Música de Madrid, 19:30 horas

J. S. BACH
Suite Francesa nº5 en Sol Mayor, BWV 81
 
W. A. MOZART
Sonata nº13 en Si bemol mayor, K. 333
 
F. CHOPIN
Barcarola op. 60
 
E. GRANADOS
Dos piezas de Goyescas:
Los requiebros
La maja y el ruiseñor
 
M. RAVEL
Gaspard de la Nuit
Joel Prieto

El tenor Joel Prieto comenzará la temporada 18/19 con uno de sus papeles favoritos y debutando en la Opéra de Lausanne: será Ferrando en Così fan tutte. La ópera de Mozart se presentará en el coliseo suizo los días 28 y 30 de octubre y 2, 4 y 7 de noviembre, en una producción de Jean Liermier y bajo la dirección de Joshua Weilerstein, ocasión en la que el tenor puertorriqueño de origen español volverá a uno de los compositores que más abundan en su repertorio.

El genio de Salzburgo forma parte del ADN de Prieto, ganador en 2009 del concurso Operalia de Plácido Domingo. “La verdad es que con Mozart me siento como en casa, muy cómodo; su obra me ha acompañado desde el comienzo de mi carrera y adoro cada uno de los personajes mozartianos que he interpretado, pero también es cierto que el horizonte se está abriendo a otros repertorios en los que también me encuentro muy cómodo; mi voz está evolucionando y me encanta afrontar nuevos retos”, apunta el cantante.

Pero volver a Mozart de tanto en tanto es sinónimo de salud vocal. Ferrando de Così fan tutte es, precisamente, uno de los personajes del universo mozartiano que Joel Prieto más ha interpretado. “Y es muy bueno para mi vocalidad. Lo he hecho en todo tipo de puestas en escena, tradicionales, modernas y hasta rompedoras. En todo caso, siempre acaba imponiéndose la nobleza y la humanidad de un rol que posee una de las arias en apariencia más sencillas de Mozart, pero que es muy exigente en cuanto a concentración y línea de canto, ‘Un aura amorosa’”. Hace ya una década que Joel Prieto mantiene en repertorio a Ferrando, habiéndolo debutado en 2009 en el Palau de Les Arts de Valencia y que después ha interpretado, entre otros escenarios, en la Scottish Opera de Glasgow, la Ópera de Luxemburgo, Palm Beach Opera de Florida (EE. UU.), Bayerische Staatsoper de Múnich, Washington National Opera o Gran Teatre del Liceu de Barcelona, además de pasearlo por festivales como los de I “mondi de Spoleto, Aix-en-Provence, Edimburgo, BBC Proms de Londres y Mostly Mozart de Nueva York. Más adelante le esperan compromisos en el La Monnaie/De Munt de Bruselas (Don Pasquale, Donizetti), Liceu de Barcelona (Rodelinda, Händel), Teatro Real de Madrid (Falstaff, Verdi) y Teatro dell’Opera de Roma (Idomeneo, Mozart).

https://www.facebook.com/JoelPrietoTenor

Jonas Kaufmann

Jonas Kaufmann ofrecerá su primer concierto en el Teatro Real, aunque el debut de este gran tenor en su escenario fue el 14 de marzo de 1999, cuando reemplazó a Zoltan Todorovich, al que una afección vocal impidió interpretar el papel titular de La clemenza di Tito, de Wolfgang Amadeus Mozart.

El concierto de Jonas Kaufmann que tendrá lugar mañana estuvo inicialmente previsto para el 10 de enero de 2017 y, posteriormente, para el 22 de noviembre del mismo año, pero en ambas ocasiones el tenor tuvo que cancelar su actuación debido a problemas de salud.

En esta ocasión vendrá con un programa compuesto por arias de ópera de compositores franceses ─Camille Saint-Saëns, Charles Gounod, Georges Bizet, Jacques F. Halévy y Jules Massenet─ en la primera parte, y arias wagnerianas de La Valquiria, Los maestros cantores de Núremberg y Lohengrin, en la segunda. Un programa en el que exhibirá su reconocido talento y versatilidad, que concilia excelentes dotes vocales y dramáticas para los más exigentes papeles wagnerianos, con una gran hondura y sensibilidad en la interpretación del repertorio francés, que está explorando y ampliando cada vez más en los últimos años.

PARTE I
CAMILE SAINT-SAËNS (1835-1921)
Samson et Dalila
«Bacchanale»
CHARLES GOUNOD (1818-1893)
Roméo et Juliette
«Ah, lève-toi, soleil!»
GEORGES BIZET (1838-1875)
Carmen Suite nº 2
«Danse bohème»
Carmen
«La fleur que tu m’avais jetée»
EMMANUEL CHABRIER (1841-1894)
Habanera
JACQUES-FRANÇOIS HALÉVY (1799-1862)
La Juive
«Rachel quand du Seigneur»
JULES MASSENET (1842-1912)
La vierge
«Le dernier sommeil de la vierge»
Le Cid
«Ô souverain»
PARTE II
RICHARD WAGNER (1813-1883)
Die Walküre
«Cabalgata de las valkirias»
«Ein Schwert verhiess mir der Vater»
Die Meistersinger von Nürnberg
Preludio del acto I
«Morgenlich leuchtend im rosigen Schein»
Lohengrin
Preludio
«In fernem Land»
JONAS KAUFMANN, TENOR
JOCHEN RIEDER, DIRECTOR
ORQUESTA TITULAR DEL TEATRO REAL
MIÉRCOLES 25 DE JULIO DE 2018. 20:00 HORAS
La Clemenza di Tito

El Palau de les Arts estrena el domingo 24 de junio, a las 18.00 h, ‘La clemenza di Tito’, de Mozart, en el Auditori. Les Arts, que ofrecerá una segunda función el 28 de este mismo mes, presenta esta obra, con dirección musical de Nimrod David Pfeffer, en versión semiescenificada.

El reparto de ‘La clemenza di Tito’ reúne a reconocidos intérpretes mozartianos y a jóvenes artistas de las últimas promociones del Centre Plácido Domingo. El tenor Carlo Allemano, la soprano Eva Mei y la ‘mezzosoprano’ Margarita Gritskova comparten escenario con jóvenes profesionales formados en València: la soprano Karen Gardeazabal, la ‘mezzosoprano’ Nozomi Kato y el bajo Andrea Pellegrini.

Allex Aguillera firma el concepto escénico de este montaje, de producción propia de Les Arts, con escenografía de Manolo Zuriaga, vestuario de José María Adame e iluminación de Antonio Castro.

‘La clemenza di Tito’ es el último ‘dramma per musica’ que dejó escrito el genio de Salzburgo y la penúltima ópera que estrenó antes de su muerte. Mientras finalizaba ‘La flauta mágica’, Mozart asumió el encargo de la partitura, que serviría como acto principal de los fastos de coronación de Leopoldo II de Austria como rey de Bohemia.

El 6 de septiembre de 1791 se estrenaba en el teatro Nacional de Praga esta ópera seria en dos actos y con libreto en italiano de Caterino Tommaso Mazzolá, basado en el drama de Pietro Metastasio.

La obra ofrece la imagen de Tito, emperador romano de reconocida rectitud, pero clemente con su pueblo, incluso ante un intento de asesinato contra su persona orquestado por Vitellia, hija del emperador derrocado, y llevado a cabo por Sesto, amigo del gobernante, aunque enamorado de la ambiciosa joven.

Artistas consolidados y jóvenes valores

El ascendente maestro y reconocido pianista Nimrod David Pfeffer (Tel Aviv, 1984) debuta con los cuerpos estables de Les Arts, el Cor de la Generalitat y la Orquestra de la Comunitat Valenciana. El joven director, en la actualidad director asistente del Metropolitan de Nueva York y director musical de la Ópera Lírica de Guatemala desde 2016, debutó el pasado febrero en la Israeli Opera.

La soprano italiana Eva Mei asume el rol de Vitellia. Intérprete refinada del bel canto italiano –Bellini, Rossini, Donizetti y Verdi–, nunca ha dejado de cantar Mozart y ha interpretado casi todos los papeles titulares más interesantes de este compositor.

En las dos últimas décadas ha actuado en los teatros de ópera más importantes de todo el mundo y ha sido dirigida por batutas como las de Nicolas Harnoncourt, Claudio Abbado, Zubin Mehta, Riccardo Muti, Colin Davis, Daniel Barenboim, Lorin Maazel, Franz Welser-Möst, William Christie, Daniele Gatti, Fabio Luisi, Myung-whun Chung, Antonio Pappano y Jonathan Nott.

Carlo Allemano canta el papel de Tito. Los inicios del tenor, premiado en certámenes como el concurso Toti dal Monte en Treviso (1989) y el concurso Mozart en la Staatsoper de Viena (1990), le han permitido forjar una sólida carrera, con actuaciones en La Scala de Milán, la Staatsoper de Viena, la Bayerische Staatsoper y en festivales como los de Salzburgo o Glynndebourne.

Asimismo, ha trabajado con destacados directores, entre los que figuran Christophe Rousset, Emmanuelle Haïm, René Jacobs, Wolfgang Sawallisch, Claudio Abbado, Riccardo Muti, Zubin Mehta, Leopold Hager, Gianandrea Gavazzeni, Marco Guidarini y Alessandro De Marchi.

Cierra la terna protagonista la ‘mezzosoprano’ rusa Margarita Gritskova (Sesto). Galardonada en varios concursos internacionales, es desde 2012 solista de la Staatsoper de Viena, donde ha trabajado con artistas como Anna Netrebko o Piotr Beczala. Asimismo, ha cantado en el Festival de Salzburgo, en el Festival Rossini de Wildbad, las óperas de Lyon y Colonia, así como la Deutsche Oper de Berlín.

Lusine y Sergey Khachatryan

Khachatryan, el excepcional violinista armenio

El violinista Sergey Khachatryan debutará el próximo 21 de marzo en La Filarmónica. Su nivel instrumental extraordinario y su profunda musicalidad le han convertido en uno de los violinistas más destacados del panorama. Khachatryan, músico de gran seriedad, concede muy pocos recitales al año y cada una de sus apariciones es todo un acontecimiento. Al mismo tiempo, Khachatryan se siente muy orgulloso de la cultura de su país de origen, Armenia, un pequeño territorio que tiene una gran riqueza de música popular que los compositores e intérpretes armenios siempre han reivindicado.

Debut de un dúo de hermanos

El dúo de hermanos Lusine y Sergey Khachatryan debutará en La Filarmónica, con obras de Mozart, Prokofiev y Franck. Hijos de familia de músicos, han crecido estudiando bajo la tutela de sus padres, ambos concertistas de piano y pedagogos. Lusine y Sergey comparten una exitosa carrera, llena de premios internacionales y debuts en las principales salas del mundo. Desde 2002 han grabado numerosos CD’s, el último de los cuales lleva por título “My Armenia”, con obras de compositores armenios (2015).

Sonata de Franck, uno de los hitos de la literatura violinística

El recital empezará con la Sonata para violín núm. 32, de Mozart, también conocida como Sonata Strinasacchi; seguida de la Sonata núm. 2 en re mayor, de Prokofiev, escrita en un remoto refugio para artistas soviéticos durante la Segunda Guerra Mundial. El concierto finalizará con uno de los hitos de la literatura para violín: la Sonata de César Franck, obra de madurez, de melodías puramente románticas, que fue inspirada por el amigo y compatriota del compositor, el violinista belga Eugene Ysaye.

Sonata de Franck

SERGEY KHACHATRYAN, violín

LUSINE KHACHATRYAN, piano

Mozart, Sonata en si bemol mayor, K. 454

Prokofiev, Sonata núm. 2, en re mayor, op. 94 bis

Franck, Sonata en la mayor

Miércoles, 21 de marzo de 2018, 19:30 h
Auditorio Nacional – Sala Sinfónica

SERGEY, Violín

Nacido en Yerevan, Armenia, Sergey Khachatryan ganó el primer premio en el VIII Concurso Internacional Jean Sibelius de Helsinki en el 2000, convirtiéndose así en el ganador más joven de la historia de este concurso. En 2005 obtuvo el primer premio en el Concurso Queen Elisabeth de Bruselas.

En las últimas temporadas, Sergey ha actuado con la Bamberger Symphoniker (Herbert Blomstedt y Jonathan Nott), Munich Philharmonic (James Gaffigan), Swedish Radio Symphony Orchestra (Valcuha), Orquesta del Teatro Mariinsky (Valery Gergiev) y Orquesta de París (Andris Nelsons y Gianandrea Noseda). Ha colaborado con la Filarmónica de Berlín, Orquesta del Concertgebouw, Radio Filharmonisch Orkest, Filarmónica de Rotterdam, Sinfónica de la NHK de Tokio y Orquestas Sinfónicas de Sydney y Melbourne.

La temporada 2017/18 incluye el debut de Sergey en el Festival de Aspen de Colorado, Elbphilharmonie Hamburgo con Hamburger Symphoniker y Festival de Salzburgo interpretando el concierto para violín de Beethoven. Es invitado de nuevo para actuar con la Finnish Radio Symphony Orchestra, Orchestra dell’Accademia di Santa Cecilia, Filarmónica de Róterdam, Royal Flemish Philharmonic Orchestra, Filarmónica de San Petersburgo y Orquesta de Cleveland.

Inauguró la temporada anterior con una gira en Japón con la Fundación Nippon y regresó con la Seattle Symphony junto a Ludovic Morlot, con la Orquesta Nacional de Francia, Philharmonia Orchestra, Orchestre National de Bordeux Aquitaine, Orquesta Nacional de Bélgica, Luxembourg Philharmonic, National Symphony Orchestra de Washington y Orchestre de la Suisse Romande. Sergey debutó con la Ulster Orchestra, Gulbenkian Orchestra, Stavanger Symphony Orchestra y Nuremberg Symphony.

A principios de la temporada 2014/15, Sergey participó en el Festival de Lucerna interpretando el concierto para violín de Beethoven con la Filarmónica de Viena y Gustavo Dudamel con el prestigioso Premio Credit Suisse Young Artist Award.

Sergey y su hermana, la pianista Lusine, actúan regularmente como dúo. Entre sus grabaciones más recientes se encuentran el CD “Mi Armenia” lanzado con Naïve Classique y dedicado a 100 aniversario de conmemoración del genocidio Armenio, que recibió el premio Echo Klassik en la categoría de Grabaciones de Música de Cámara. Además, han grabado juntos tres sonatas para piano y violín de Brahms. La discografía de Sergey incluye una grabación del concierto de Sibelius y de Khachaturian con la Sinfónica de Varsovia y Emmanuel Krivine, así como ambos conciertos de Shostakóvich con la Orquesta Nacional de Francia y Kurt Masur, las sonatas de Franck y Shostakóvich para violín y piano y la integral de sonatas y partitas para violín solo de J.S. Bach.

Sergey toca un violín ‘Ysaÿe’ Guarneri del año 1740 por gentileza de Nippon Music Foundation.

LUSINE KHACHATRYAN, piano

En el mundo de la música clásica actual, Lusine Khachatryan está considerada una «Poeta del teclado».
Nacida en Ereván, Armenia, en una familia musical, Lusine comenzó sus estudios de piano bajo la tutela de
sus padres, Irina Hovhannisyan y Vladimir Khachatryan, ambos pianistas de concierto y pedagogos.

De 2001 a 2008 Lusine estudió en la Academia de Música de Karlsruhe (Musikhochschule) y se graduó
con una doble maestría con especialización en piano con el Prof. S. Speidel y en Música de Cámara con el Prof. Dr. S. Tatubaeva. Los exitosos conciertos internacionales de Lusine Khachatryan han inspirado al público en lugares como, Alte Oper en Frankfurt , Main, Friedrich-Thiersch-Saal, Kurhaus en Wiesbaden, Herkulessaal en Munich, Liederhalle en Stuttgart, Tonhalle en Zürich, Concertgebouw en Amsterdam, el Louvre, la Salle Gaveau y el Théâtre des Champes-Élysees en París, Wigmore Hall en Londres, Flagey y Palais des Beaux Arts en Bruselas, National Concert Hall en Dublín, Palau de la Música en Barcelona; Auditorio Nacional Madrid, Carnegie Hall en Nueva York, Grande Théâtre de Québec, Oscar Peterson Hall en Montreal, Oji Hall en Tokio y A. Khachaturyan Concert Hall en Erevan.

Lusine Khachatryan ha recibido numerosos premios a lo largo de su carrera artística. Entre ellos se encuentra el Musical Advancement Award of de la Baden Cultural Foundation, la beca de los «Freundeskreis» de la Music Academy of Karlsruhe, y una beca especial de la fundación alemana, Deutsche Stiftung Musikleben. Además ha sido galardonada en el Concurso Internacional de Piano en «Città di Ostra», «Città di Marsala», en Italia (2003) y en el 2º Concurso Europeo de Piano en Normandía, Ouistreham y Le Havre en Francia (2009).

Lusine Khachatryan ha actuado en muchos festivales de renombre como el I Festival del Mediterrani
(Valencia, España),el Festival de Piano Vladimir Nielsen, el Festival de Música Ravinia (EE. UU.), el
Musikfest Bremen, el Festival de Música de Schleswig-Holstein (Alemania), Edimburgo Internacional
Festival de música (Escocia), el Festival Internacional de Música «Bartok + Mozart» (Miskolci, Hungría),
el Festival de Música «Snow and Symphony» (St. Moritz, Suiza); y el «Nuit du Succee»(Cannes, Francia).

Ella es una artista intérprete o ejecutante igualmente convincente con la cámara y orquestas sinfónicas que han realizado con la Orquesta Filarmónica Estatal de Rheinland-Pfalz, la Orquesta Regional de Cannes, la
Orquesta Sinfónica de Varsovia, Orquesta de Cámara «Euregio», Filarmónica de Armenia
Orquesta, la Orquesta Sinfónica Nacional del Ecuador, y otros.

Lusine Khachatryan también se presenta regularmente como dúo con su hermano, el violinista Sergey Khachatryan. Juntos han grabado su «Debut CD» en EMI Classics en 2002; con la etiqueta francesa Naïve, las Sonatas para violín y piano de C. Franck y D. Schostakovitch (2007), las Sonatas completas para Piano y violín de J.Brahms (2013) y su nuevo lanzamiento del CD «My Armenia» con obras de compositores armenios (2015).

En 2012, Lusine Khachatryan creó una nueva forma de arte: «The Piano-Theatre», en la que el arte dramático
y la música clásica de piano se fusionan en una sola pieza. A través del mundo teatral, la música alcanza una dimensión e intensidad única. Lusine ha escrito y producido hasta ahora las siguientes producciones de Piano Theatre: «Maria Stuart» después F.Schiller (2012), «Chopin – “The piano is my second self» (2013), «“Clara Wieck plays Schumann»(2013) y «ԿԱՐՈՏ» / «Nostalgia» sobre el alma y la cultura armenia (2015).

LA FILARMÓNICA, SOCIEDAD DE CONCIERTOS

La Filarmónica ofrece grandes conciertos con los mejores artistas de la actualidad del panorama internacional. Su programación abarca desde el barroco al siglo XX, de la gran orquesta sinfónica al recital más íntimo y está pensada para que los amantes de la música disfruten de ella con los mejores intérpretes de cada repertorio.

Joel Prieto

Bajo la dirección del director titular de la Sinfónica de Puerto Rico, Maximiano Valdés, el tenor Joel Prieto, nacido en Madrid y crecido en Puerto Rico, regresa a su isla para clausurar la edición 2018 del Festival Casals, un evento que apela a la concordia internacional y al entendimiento después de la tragedia que ha marcado la agenda de ese país, recientemente devastado por los huracanes Irma y María. «Entre todos estamos luchando por levantar el país», afirma el tenor Joel Prieto, «y la actividad musical, que reconforta el alma e insufla fuerzas para salir adelante, es fundamental en momentos como este». Prieto acudirá al Festival Casals para actuar en la ceremonia de clausura, ocasión en la que interpretará el Requiem de Mozart el próximo 17 de marzo junto a la Sinfónica de Puerto Rico, la Coral Filarmónica de San Juan y solistas como la soprano Zulimar López, la mezzosoprano Celia Sotomayor y el bajo Hermán Iturralde.

El tenor viaja a la isla caribeña en un paréntesis de sus actuaciones en el Teatro Real de Madrid de la obra de Kurt Weill Street Scene (estrenada en febrero y que vuelve a la cartelera madrileña en mayo y junio); en abril interpretará a Don Ottavio en la ópera Don Giovanni, también de Mozart, en su regreso a la Ópera Nacional de Santiago de Chile y a inicios de mayo volverá a Puerto Rico para ofrecer un concierto junto al Coro de Niños de San Juan.

Más información

Tras un exitoso debut de crítica y público en el Festival de Salzburgo en 2005, Maite Beaumont no se ha bajado de los escenarios más importante de Europa, como Opéra national de Paris; Théâtre Royal de La Monnaie; Bayerische Staatsoper;  Staatsoper unter den Linden Berlin; Théâtre du Capitole en Toulouse;  Teatro Real en Madrid; Teatro della Scala en Milan; Teatro Municipal de Santiago de Chile; y Lyric Opera Chicago. Los próximos 1 y 3 de diciembre podremos volver a escucharla en el Gran Teatre del Liceu como Ottavia, de L’Incoronazione di Poppea. Un repertorio, el barroco, para el que la profundidad y calidez de su voz, acompañada de presencia escénica, han hecho de la mezzo-soprano española, una de las cantantes más solicitadas de su cuerda.

Brío Clásica: Cada vez tiene más presencia nacional e internacional y son numerosas las ocasiones que tenemos para poder disfrutar su arte, pero nos gustaría saber más sobre usted. Háblenos de sus inicios, ¿de dónde viene su afición por la música y el canto?

Maite Beaumont: Vengo de una familia de músicos. Mi madre fué directora de coros, profesora de Pedagogía Musical en la Universidad ,mi padre cantante amateur y mi hermana cantante profesional. He tenido la suerte de tener educación musical desde muy niña, respirando la pasión por la música que había en mi casa. He podido asistir a muchos ensayos de coro desde muy niña, donde mi madre dirigía y mis hermanas y padre cantaban.

Mi padre siempre ponía en casa música vocal: es un apasionado del canto. Él mismo tiene una voz excepcional, pero no se ha dedicado profesionalmente. Hemos sido dos de las cuatro hijas, que nos hemos dedicado a ello. Mi hermana me ha sabido ayudar y aconsejar en los momentos más importantes de mi vida.

B.C.: Una vez que se toma conciencia de poder dedicarse profesionalmente a la música, ¿Cómo se planifica una carrera como esta?

M.B.: Con 18 años, no me podía imaginar que pudiera dedicarme en un futuro al canto profesionalmente. Lo bueno que tenía, es que la base musical estaba. Estudié siempre Música y canto. Mi hermana fué mi ejemplo a seguir: fué ella la que se fué a estudiar a Alemania y yo, después de estudiar Sociología, me animé a irme. Y allí, es donde empezó todo.

B.C.: Muy pronto se trasladó a Alemania. Allí son habituales los ensemble de ópera. ¿Qué diferencia encuentra entre formar parte de un ensemble y ser Freelance? ¿Qué ventajas e inconvenientes tienen cada una de ellas?

M.B.: Para mí, lo bueno de un Ensemble es que adquieres una base muy buena que te va a servir para toda tu carrera. Poder probar pequeños, medianos, grandes papeles con una buena supervisión, es primordial. El poder compartir cartel con profesionales ya muy experimentados te da mucha motivación y el conocer el día a día de un cantante, con ensayos, estudio, funciones… es importantísimo.

El único inconveniente que veo, es que llegado una edad es bueno salir, conocer gente nueva, otras formas de hacer, de trabajar, de hacer música… Eso lo tiene que elegir cada uno, según su carácter y su fase en la vida.

B.C.: Estamos celebrando el 450 aniversario del nacimiento de Claudio Monteverdi y, precisamente, el 1 y el 3 de diciembre interpreta en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona a Ottavia, de L’Incoronazione di Poppea, un personaje que conoce bien. Tampoco podemos olvidar su Sesto de La clemenza di Tito, de Mozart, la temporada pasada en el Teatro Real. No es fácil abordar estos repertorios. ¿Cómo se llega al barroco? ¿Qué exigencias tiene?

M-B.: He tenido desde muy temprano una afinidad muy especial con este repertorio.

La exigencia más grande que veo, es el estilo.

B.C.: Para usted tienen gran importancia los recitativos, algo que algunos directores suelen modificar para acomodarlos a determinadas producciones. ¿Cree que en la actualidad son imprescindibles? ¿por qué?

M.B.: Para mí, el recitativo tiene importancia si sirve para entender mejor la trama de la ópera, si nos da información sobre lo que ocurre o va a ocurrir. Yo lo concibo como puro teatro, hablar cantando.

No es que sean más imprescindibles ahora que antes. La diferencia es que ahora se trabaja más la parte teatral. La dirección de escena ha evolucionado tanto, que no sólo hay que saber cantarlos bien, también interpretarlos.

Por ejemplo, el recitativo en Mozart es de una riqueza digna de una obra de teatro.

B.C.: La música barroca tiene un amplio margen para la improvisación, sobre todo el barroco italiano. La decisión de variar o adornar una aria Da capo, ¿pertenece al cantante o al director?

M.B.: En realidad pertenece al cantante. El director sugiere y es el cantante el que al final decide cuáles le vienen mejor.

Lo importante es estar en estilo, esto se aprende como cualquier otra cosa. Hay otros que les gusta tenerlo todo más controlado. Todo depende del cantante y del director. Para mí , se trata de un trabajo en equipo: una mezcla entre lo que gusta al director y los ornamentos que van bien a tu voz.

B.C.: Siguiendo con el repertorio barroco, ¿qué dificultades técnicas se pueden encontrar en una partitura que, en su origen, fue escrita para las características físicas de un hombre?

M.B.: La voz de mezzo-soprano , por su timbre y color, se asemeja o evoca la que más a una voz masculina. Para mí, físicamente tenemos la misma fuerza que podría tener un castrato. Incluso más, diría yo. Depende del temperamento de cada uno, independientemente de ser hombre o mujer. Bajo el punto de vista vocal, las mujeres podemos usar más la voz de pecho, obteniendo más potencia que un castrato. Pero bueno, todo depende. Ahora hay muchos contratenores con muy buena técnica.

B.C.: Aunque cada vez se programan más obras barrocas, ¿cuáles cree que son las razones por las que continua siendo escasa su presencia en las programaciones españolas?

B.M.: Es un público muy específico al que le gusta el barroco. Yo creo que la cultura operística en España va incrementando. Cada vez más gente se atreve a ir a una función. Es mejor empezar por repertorio más tradicional, para después crear gusto y atraer a títulos más especiales como los barrocos.

B.C.: Su repertorio no se limita al barroco. Podemos escuchar sus interpretaciones de Lied, o de obras de compositores contemporáneos como Kurt Weill. También sabemos de su gusto por el Bel canto, ¿cómo se realiza el tránsito hacia estos estilos?

M.B.: Conforme se va desarrollando la voz, se va afrontando nuevo repertorio que requiere más madurez vocal, como es el caso del Bel Canto.

B.C.: ¿Se inspira en alguna cantante a la hora de preparar un nuevo rol?

M.B.: Siempre hay una cantante a la que te gustaría parecer.Primero estudiar el papel y después comparar diferentes versiones para hacerse una idea de cómo quieres que sea tu propia versión.

B.C.: ¿Cómo ve la evolución de su voz? ¿qué repertorios se ve cantando en un futuro más lejano?

M.B.: Me encuentro en un momento, donde ya me siento segura para abordar el repertorio belcantista. Hasta ahora he hecho mucho barroco y Mozart , además de otras cosas, pero es ahora cuando me encuentro en el momento oportuno para cantar Isabella, Adalgisa, Elisabetta, Giovanna Seymour… Después de haber estado tanto tiempo en Alemania, también me siento preparada para los papeles del repertorio alemán para mezzo-soprano lírica como Oktavian y Komponist.

Dentro de unos diez años, ya veremos cómo me voy desarrollando y hacia dónde.

B.C.: ¿Cuándo podremos volver a escucharla en Madrid?

M.B.: En el 2019 voy a cantar la Meg en Falstaff de Verdi. Después, espero que en muchos más papeles interesantes, donde pueda enseñar todas mis facetas.

Daniel Barenboim
¿Existe hoy en día un músico más prodigioso, talentoso y versátil que Daniel Barenboim? Director de ópera y orquestas sinfónicas a la vez que pianista de conciertos, recitalista, músico de cámara, acompañante de Lieder por excelencia, el músico argentino-israelí también es uno de los artistas con más grabaciones de todos los tiempos. Sony Classical se complace en presentar la primera colección retrospectiva completa de sus álbumes para CBS/Sony Classical y RCA Red Seal en 46 CDs y DVDs.
Barenboim, en su faceta de pianista, publicó sus primeras grabaciones comerciales en 1958 y pronto comenzó a registrar en formato disco sus vitales e innovadoras interpretaciones de Mozart y Beethoven. No pasó mucho tiempo antes de que añadiera su faceta como director a su ya intensa actividad musical, y en 1965 empezó una estrecha relación con la Orquesta Inglesa de Cámara. Gran parte de esa colaboración se puede escuchar en esta nueva colección de Sony, en particular sus grabaciones de conciertos de Mozart en las que el profundo conocimiento que Barenboim posee de este compositor está al servicio de los violinistas Isaac Stern y Pinchas Zukerman.
Muy pronto Barenboim dirigiría las mejores orquestas sinfónicas estadounidenses y europeas. Entre las agrupaciones que destacan en esta nueva colección se encuentra la Filarmónica de Londres, con la cual Barenboim grabó una serie de obras de Elgar, incluyendo “una apasionada interpretación” (Penguin Guide) de la Segunda Sinfonía: “La interpretación de la Orquesta Filarmónica de Londres es en todo momento soberbia y la agrupación responde a todos los caprichos de Barenboim … Pocas veces la música me emociona hasta las lágrimas, pero confieso que la suave interpretación de los últimos compases, del ‘molto lento’, lo consiguió”. (Gramophone).
 Otro de los tesoros del proyecto conjunto compuesto por el tándem Barenboim/Orquesta Filarmónica de Londres fue el que llevaron a cabo con el legendario Arthur Rubinstein en Los conciertos completos de Piano de Beethoven (cuando su grabación como solista acompañando a Otto Klemperer ya se había convertido en una grabación emblemática). De este álbum ganador del Grammy al “Mejor álbum clásico” en 1977, Gramophone escribió: “¿Han sido los conciertos de Beethoven mejor acompañados alguna vez, si se puede definir esta interpretación como ‘acompañamiento’? … En cada una de las piezas [Barenboim y la orquesta] ofrecen un inicio conjunto de tal peso, riqueza de caracterización y belleza de sonido que la entrada del solista, tan bien preparada, llega casi como un anti-clímax. Pasará un tiempo antes de que incluso la personalidad de Rubinstein pueda igualar el esplendor de la escena que se ha preparado para él.”
La lista de otras colaboraciones notables de Barenboim en esta edición es muy extensa e incluye, entre otras: Las sonatas para violín de Brahms con Itzhak Perlman –que aquí aparecen no solo en CD, sino también y por primera vez, en DVD; El Concierto para violín de Beethoven (Filarmónica de Nueva York) y El Tercer concierto de Saint-Saëns (Orquesta de París) con Isaac Stern; El concierto para chelo de Elgar con la Orquesta de Filadelfia y Jacqueline du Pré; El Concierto para violín de Elgar (Filarmónica de Londres) con Pinchas Zukerman (“Una lectura que combina de manera gloriosa el pavoneo virtuoso de Heifetz con la ternura y calidez del joven Menuhin. Barenboim es un acompañante espléndido”)  y con él también como viola solista en Harold en Italia de Berlioz (Orquesta de París); conciertos de guitarra de Rodrigo y Villa-Lobos (Orquesta Inglesa de Cámara) con John Williams, y también colaboró con Dietrich Fischer-Dieskau, en ciclos de canciones de Mahler (Filamónica de Berlín).
En la amplia variedad de trabajos sinfónicos de esta colección, Daniel Barenboim dirige la Cuarta sinfonía de Tchaikovsky (Filarmónica de Nueva York); la Séptima de Beethoven —del ya legendario concierto de en el Muro de Berlín en 1989—; la Sinfonía inacabada de Schubert y la Sinfonía fantástica de Berlioz (Filarmónica de Berlín) y Pelleas und Melisande de Schoenberg (Orquesta de París). Barenboim también puede escucharse en su faceta como artista solista en conciertos de piano de Brahms (con Zubin Mehta y la Filarmónica de Nueva York) y Beethoven (dirigiendo él mismo la Filarmónica de Berlín desde el piano). También hay un trabajo coral a gran escala, el Berlioz Te Deum, en una magnífica grabación realizada en St. Eustache con la Orquesta de París.
Los vídeos incluidos en la nueva colección son especialmente interesantes. Como ya hemos mencionado, se publican por primera vez en DVD las Sonatas para violín de Brahms con Itzhak Perlman, junto al Trío para trompa de Brahms (con el famoso Dale Clevenger de la Sinfonía de Chicago). También se incluye en CD y DVD la extraordinariamente innovadora y heterogénea interpretación del Concierto de Año Nuevo junto a la Filarmónica de Viena en 2014, sin duda, una de las más admiradas en los últimos años. The Times of London destacó: “Los conciertos de Año Nuevo más recientes han sido más bien planos, pero el champán fluye sin límite alguno en el segundo periodo de Daniel Barenboim en el podio… The plums (bis aparte) es un seductor Cuentos de los bosques de Viena (Johann II) y un maravilloso ‘Interludio de luz de luna’ de Capriccio”, mientras Presto Classical escribió: “A pesar de que comunmente se lo relaciona con compositores austríacos de más peso, Barenboim no se excede en ningún momento y se sabe la pieza al dedillo… moldea y da ritmo a las cosas de una forma maravillosa, desvelando toda clase de detalles.”
Contenido de la colección:
DISCO 1: MS 7179
Berg: Concierto de cámara para violín y 13 instrumentos de viento (Pierre Boulez, Daniel Barenboim, piano; Saschko Gawriloff, violín)
Berg: Tres piezas para orquesta, Op. 6 (Pierre Boulez)
Berg: Altenberg Lieder, Op. 4 (Pierre Boulez, Halina Łukomska, soprano)
DISCO 2: M 30055
Mozart: Concierto No. 5 en la mayor, K. 219, «Turkish» (Pinchas Zukerman, violín)
Mozart: Concierto No. 4 in re mayor, K. 218 (Pinchas Zukerman, violín)
DISCO 3: M 30572
Tchaikovsky: Sinfonía No. 4 en fa menor, Op. 36
DISCO 4: M 31369
Mozart: Sinfonía Concertante para violín, viola y orquesta en mi bemol mayor, K. 364 (Isaac Stern, violín; Pinchas Zukerman, viola)
Stamitz: Sinfonía Concertante para violín, viola y orquesta en re mayor (Isaac Stern, violín; Pinchas Zukerman, viola)
DISCO 5: M 31997
Elgar: Sinfonía No. 2 en mi bemol mayor, Op. 63
DISCO 6: M 32599
Elgar: Falstaff (Sinfonía de estudio) para orquesta, Op. 68
Elgar: Overtura «Cockaigne» (In London Town), Op. 40
DISCO 7: M 32807 
Elgar: Sinfonía No. 1 en la bemol mayor, Op. 55
DISCO 8: M 32301 
Mozart: Concierto para violín No. 1 en si bemol mayor, K. 207 (Pinchas Zukerman, violín)
Mozart: Concierto para violín No. 3 en sol mayor, K. 216 (Pinchas Zukerman, violín)
DISCO 9: M 32936
Elgar: Marchas de pompa y circunstancia, Op. 39
Elgar: La corona de India – Suite, Op. 66
Elgar: Marcha imperial, Op.32
DISCO 10: M 32937
Mozart: Concertone en do mayor para dos violines y orquesta, K. 190 (Isaac Stern, violín; Pinchas Zukerman, violín; Neil Black, oboe)
Pleyel: Sinfonía concertante en si bemol mayor para violín, viola y orquesta, Op. 29 (Isaac Stern, violín; Pinchas Zukerman, violín; Neil Black, oboe)
DISCO 11: M 33206
Mozart: Concierto No. 2 en Re mayor para violín y orquesta, K. 211 (Pinchas Zukerman, violín)
Mozart: Rondo en do mayor, K. 373 (Pinchas Zukerman, violín)
Mozart: Adagio e mi mayor, K. 261 (Pinchas Zukerman, violín)
Mozart: Rondo en si bemol mayor para violín y orquesta, K. 269 (Pinchas Zukerman, violín)
DISCO 12: M 33208
Rodrigo: Concierto de Aranjuez (John Williams, guitarra)
Villa-Lobos: Concierto para guitarra y pequeña orquesta (John Williams, guitarra)
DISCO 13: M 33584
Elgar: Chanson de Matin, Op. 15, No. 1
Elgar: Chanson de Nuit, Op. 15, No. 2
Elgar: Elegía para cuerdas, Op.58
Elgar: Serenata para cuerdas, Op.20
Elgar: Salut d’amour, Op.12
Elgar: Romance, Op. 62 para fagot y orquesta (Martin Gatt, fagot)
Elgar: Rosemary
Elgar: Carissima
Elgar: Sospiri, Op. 70
DISCO 14: M 33587
Beethoven: Concierto para violín y orquesta en re mayor, Op. 61 (Isaac Stern, violín)
DISCO 15: CRL5-1415
Beethoven: Concierto No. 1 para piano y orquesta, Op. 15 en do (Arthur Rubinstein, piano)
Beethoven: Concierto No. 2 para piano y orquesta, Op. 19 en si bemol (Arthur Rubinstein, piano)
DISCO 16: CRL5-1415
Beethoven: Concierto No. 3 para piano y  orquesta, Op. 37 en do menor (Arthur Rubinstein, piano)
Beethoven: Concierto No. 4 para piano y orquesta, Op. 58 en sol (Arthur Rubinstein, piano)
DISCO 17: CRL5-1415
Beethoven: Concierto No. 5 para piano y orquesta, Op. 73 en mi bemol (Arthur Rubinstein, piano)
DISCO 18: M 34500
Ravel: Daphnis y Chloe, Suite No. 2
Chabrier: España
Debussy: Preludio a la siesta de un fauno
Ibert: Escalas
DISCO 19: M 34517
Elgar: Concierto para violín en si menor, Op. 61 (Pinchas Zukerman, violín)
DISCO 20: M 34530
Elgar: Concierto para chelo y orquesta en mi menor, Op. 85 (Jacqueline du Pré, chelo)
Elgar: Variaciones en un tema original para orquesta, Op. 36 «Enigma»
DISCO 21: M 34536
Berlioz: Te Deum, Op. 22
DISCO 22: M 34541
Berlioz: Harold en Italie, Op. 16 (Harold en Italia) (Pinchas Zukerman, viola)
DISC 23: M 34550
Saint-Saens: Concierto para violín y orquesta No. 3 en si menor, Op. 61 (Isaac Stern, violín)
Chausson: Poème, Op. 25 (Isaac Stern, violín)
Fauré: Berceuse, Op. 16 (Isaac Stern, violín)
DISCO 24 : M 35112 
Berlioz : Chasse royale et orage/Caza real y tormenta
Berlioz: Roméo et Juliette, op. 17 Suite
DISCO 25: M 35160
R. Strauss: Concierto para oboe y pequeña orquesta (Neil Black, oboe)
R. Strauss: Le bourgeois gentilhomme: Suite, Op. 60 (Peter Frankl, piano)
DISCO 26: M 35880
Elgar: Pinturas marinas para contralto y orquesta, Op. 37 (Yvonne Minton, soprano)
Elgar: Overtura En el Sur, Op. 50, «Alassio»
DISCO 27: M 35885
Brahms: Concierto No. 2 para piano y orquesta en si bemol mayor, Op. 83 (Zubin Mehta, Daniel Barenboim, piano)
DISCO 28: M 35884
Brahms: Concierto No. 1 en re menor para piano y orquesta, Op. 15 (Zubin Mehta, Daniel Barenboim, piano)
DISCO 29: M 38557
Schoenberg : Pelleas und Melisande: poema sinfónico, Op. 5
DISCO 30: IM 39859
Berlioz: Symphonie fantastique, Op. 14
DISCO 31: IM 39676
Schubert: Sinfonía No. 2 en si mayor, D. 125
Schubert: Sinfonía No. 8 en si menor, D. 759 «inconclusa»
DISCO 32: IM 39671
Schubert: Sinfonía No. 3 en re mayor, D. 200
Schubert: Sinfonía No. 5 en si bemol mayor, D. 485
DISCO 33: M 42072
Schoenberg: Pierrot Lunaire, Op. 21 (Pierre Boulez, Daniel Barenboim)
DISCO 34: M 42316
Schubert: Sinfonía No. 9 en do mayor, D. 944 («The Great»)
M 42322
R. Strauss: Sinfonia Domestica, Op. 53, TrV 209 (Mehta, Zubin)
R. Strauss: Burleske e re menor para piano y orquesta, TrV 145 (Zubin Mehta, Daniel Barenboim, piano)
DISCO 35: M2K 42489
Schubert: Sinfonía No. 1 en re mayor, D. 82
Schubert: Rosamunde, D. 797 (fragmentos)
DISCO 36: M2K 42489
Schubert: Sinfonía No. 4 en do menor, D. 417 «Trágica»
Schubert: Sinfonía No. 6 en do mayor, D. 589
DISCO 37: SK 45830
Beethoven: Concierto para piano No. 1 en do mayor, Op. 15
Beethoven: Sinfonía No. 7 en la mayor, Op. 92
DISCO 38: SK 44922
Mahler: Des Knaben Wunderhorn (Dietrich Fischer-Dieskau, barítono)
Mahler: Lieder eines fahrenden Gesellen (Dietrich Fischer-Dieskau, barítono)
DISCO 39: S2K 44504
Schubert: Sonata (Sonatina) para piano y violín, Op. Posth. 137, No. 1, D. 384 (Isaac Stern, violín, Daniel Barenboim, piano)
Schubert: Sonata (Sonatina) para piano y violín en la menor, Op. Posth. 137, No.2, D.385 (Isaac Stern, violín, Daniel Barenboim, piano)
Schubert: Sonata (Sonatina) para piano y violín en sol menor, Op. Post.137, No. 3, D.408 (Isaac Stern, violín, Daniel Barenboim, piano)
DISCO 40: S2K 44504
Schubert: Sonata (Dúo) para piano y violín en la mayor, Op. 162. D. 574 (Isaac Stern, violín, Daniel Barenboim, piano)
Schubert: Fantasía para violín y piano en do mayor («Sei mir gegrusst!»), Op. Post.159, D. 934 (Isaac Stern, violín, Daniel Barenboim, piano)
Schubert: Rondo (Rondeau Brillant) para piano y violín en si menor, Op.70, D. 895 (Isaac Stern, violín, Daniel Barenboim, piano)
DISCO 41: SK 45819
Brahms: Sonata para violín No. 1 en sol mayor, Op. 78 (Itzhak Perlman, violín, Daniel Barenboim, piano)
Brahms: Sonata para violín No. 2 en la mayor, Op. 100 (Itzhak Perlman, violín, Daniel Barenboim, piano)
Brahms: Sonata para violín No. 3 en do menor, Op. 108 (Itzhak Perlman, violín, Daniel Barenboim, piano)
DISCO 42/43:
Concierto de Año Nuevo de 2014
DISCO 44: DVD
Concierto del Muro de Berlín 1989
DISCO 45: DVD
Brahms: Sonata para violín No. 1 en sol mayor, Op. 78 (Itzhak Perlman, violín, Daniel Barenboim, piano)
Brahms: Sonata para violín No. 2 en la mayor, Op. 100 (Itzhak Perlman, violín, Daniel Barenboim, piano)
Brahms: Sonata para violín No. 3 en re menor, Op. 108 (Itzhak Perlman, violín, Daniel Barenboim, piano)
Brahms: Trio para violín, trompa y piano en mi bemol mayor, Op. 40
DISCO 46: DVD
Concierto de Año Nuevo de 2014
Lucio Silla

Con tan solo 14 años, y durante una gira por los entonces Reinos de Italia junto a su padre, Mozart estrena la primera ópera seria de su carrera, Mitridate, rè di Ponto. Tal fue el éxito obtenido que el joven Mozart recibió otro encargo del Teatro Regio Ducal de Milán, una ópera para celebrar, dos años más tarde, los carnavales de invierno de la capital lombarda.

Lucio Silla es una obra crucial en la evolución del lenguaje musical de Mozart. Aunque conserva muchos de los convencionalismos de las óperas del siglo XVIII, como el protagonismo de un personaje histórico e interminables recitativos seguidos de interminables arias. Sin embargo, encontramos ya algunos elementos inéditos, como el acompañamiento orquestal de los recitativos. Esta nueva estructura musical anticipa los cambios que se consolidarán con Idomeneo y que formarán parte del estilo inconfundible de sus óperas más maduras, como Don Giiovanni o Cosí fan tutte.

Mozart trabajaba con gran disciplina y sin apenas tiempo. Había convocado a los más virtuosos cantantes del momento a 6 semanas del estreno para comenzar los ensayos. Como era costumbre en la época, las particelas fueron compuestas pensando en las características vocales de cada intérprete, llevándolos al límite de su capacidad. Esto hacía casi inviable que cualquier otro cantante pudiera abordar el papel. Razón principal por las que Lucio Silla, una vez estrenada, tardase 200 años en volver a ser representada.

Los papeles principales estaba a cargo del gran tenor Arcangelo Cortoni, como Lucio Silla, el castrato Venanzio Rauzzini, en el papel de Cecilio y la soprano Anna de Amicis, como Giunia. Pero la mejor prueba de la genialidad del adolescente Mozart llegó cuando solo faltaban 6 días para el estreno. El protagonista Cortoni cayó enfermo y tuvo que ser sustituido a toda prisa por otro tenor. Nadie se atrevía a asumir las dificultades de aquel papel y fue un mediocre cantante de oratorios quien, muerto de miedo por la dificultad del personaje, se atrevió con el. Para ello, Mozart tuvo que mutilar seriamente la partitura del dictador adaptándolo a las posibilidades vocales del cantante. A pesar de reducir su intervención en solo 2 arias, Mozart consigue transmitir la psicología del personaje, complicadamente dubitativo e incapaz de expresar lo que siente, dejando la responsabilidad de expresar los sentimientos de Silla a la orquesta.

Una escenografía de alto voltaje teatral

Para un director de escena, Lucio Silla es un regalo envenenado. A lo largo de la historia ha sido considerada una obra imposible por su estatismo. Las obras barrocas despiertan no pocos recelos entre los directores de escena por sus arias

dacappo y la dificultad que entraña esta estructura musical a la hora de dotar a la escenografía de la fluidez deseada. Lucio Silla no es escénicamente como otras obras posteriores de Mozart, piezas teatrales en si mismas. El espíritu de los personajes tiene más peso que su vocalidad, aunque ésta sea endiablada para los cantantes.

Esta ópera, casi contemplativa, posee también una gran carga dramática que Claus Guth ha sabido captar a la perfección. Ha conseguido crear una escenografía donde los cuadros fluyen ante el público con ritmo, venciendo el estatismo con un efecto de movimiento continuo casi cinematográfico.

Como es costumbre en el desarrollo escénico de Guth, se presenta una radiografía psicológica de los personajes y sus sentimientos. Este viaje a la introspección de los protagonistas lo consigue a través de las atmósferas, siempre opresivas, que describen con gran exactitud la intención de los protagonistas. Destaca una buena dirección de actores y una estructura arquitectónica giratoria con túneles subterráneos. Un submundo en el que se desarrollan sueños y pesadillas. Es aquí donde los juegos de luces y sombras de Manfred Voss, que han sido actualizados para la ocasión por Jünger Hoffmann, adquieren gran belleza y protagonismo.

Acertada es también la fría desolación que acompaña a Lucio Silla. Una estancia que descifra la compleja psicología de un dictador de carácter voluble, vacilante e imprevisible. Silla aparece en una habitación de decadentes azulejos blancos que se van manchando con la sangre que derrama. Parece la estancia de un carnicero.

La dirección de Ivor Bolton

Lucio Silla es una partitura impropia de un adolescente de 16 años por su complejidad, por su madurez y por ser tan prolija en detalles. Se han mantenido las arias originales con pequeñas adaptaciones para mejorar los tempis, lo que ha facilitado la fluidez en la dirección de un Ivor Bolton que continua la extraordinaria senda marcada la temporada pasada con Billy Budd y Rodelinda.

En esta ocasión, y ya desde la larga obertura, consigue un perfecto equilibrio entre metales y cuerdas. Su lectura de la obra y el trabajo realizado con la orquesta, tomando la letra y no la música como punto de partida, ha dado al sonido la vibración y el pulso que la partitura precisa. Sobre todo en los momentos en los que la orquesta desmenuzaba los entresijos del personaje principal. Los recitativos están acompañados al clave por el propio Bolton, lo que permite una conexión mayor con la orquesta. Siempre atento a los detalles y pendiente de los cantantes, a los que facilita mucho el trabajo, junto con una escenografía que facilita la proyección de la voz y el canto en boca de escenario.

Un reparto muy equilibrado

Lucio Silla requiere por igual cualidades vocales y dramáticas. Y en esa línea están los protagonistas de esa producción, Kurt Streit y Patricia Pertibon.

El tenor estadounidense Kurt Streit, encargado de dar vida al protagonista, es un gran conocedor del estilo mozartiano y excelente actor, algo muy importante en esta producción. Nos presenta un Lucio Silla vacilante y de poca entidad, inseguro y sin carácter. Al final de la obra, cuando se transforma en magnánimo y abandona el trono, aparece una acertada intención histriónica. Su excelente interpretación compensa una voz ya en franca decadencia.

Patricia Petibon es puro teatro. Su expresividad y personalidad sobre el escenario tuvieron merecida respuesta por parte del público. Tuvo algún momento de dificultad en el aria ¡Ah, se il crudel periglio! donde la coloratura se hace imposible, pero lo compensó con creces con un amplio repertorio de gestos que describen la angustia del personaje. La intensidad dramática de Petibon, por encima de la vocalidad, no desmerece ni al personaje ni a la partitura, sobre todo tras improvisar un desgarrador pasaje al final de la primera parte.

A Silvia Tro Santafé le tocó dar vida al complejo papel de Cecilio. Una partitura casi imposible que la valenciana solventó con una profesionalidad impecable. Su aria inicial “Il tereno momento”, de una dificultad extrema por los cambios de registro, fue resuelta con una solvencia solo superada por el virtuosismo. Voz de gran volumen y expresividad, con un fraseo en italiano y una línea de canto impecables. El dúo con Giunia fue un momento de gran belleza y delicadeza. Siendo una de las mezzosopranos más destacadas y valiosas en estos momentos, sorprende que no tenga más presencia en escenarios nacionales.

María José Moreno fue otra de las alegrías de la noche. Su personaje no alcanza las exigencias vocales de los protagonistas, pero tiene unos sobreagudos que la soprano granadina emitió sin despeinarse. El rol de Cecilia resulta un poco melindroso, pero sus tres intervenciones (se ha eliminado una de sus arias) son brillantes. Aportó frescura con su hermoso y mediterráneo timbre y una dicción perfecta.

La mezzosoprano letona Inga Kalna en su papel de Lucio Cinna, exageró un poco la masculinidad del personaje y resultó algo tosca. Buen volumen de sonido pero poco refinado. Pero supo mantenerse a la altura del reparto.

Sin duda este ha sido un buen inicio de temporada en un año importante para un Teatro Real que celebra su 200 aniversario. La temporada se presenta muy atractiva y la ópera es uno de esos lugares donde los sueños encuentran refugio. Ríndanse al arte.

LUCIO SILLA
Dramma per musica en tres actos
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
Libreto de Giovanni de Gamerra
Estrenada en el Teatro Regio Ducal de Milán el 26 de diciembre de 1772
Nueva producción del Teatro Real
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
D. musical: Ivor Bolton
D. escena: Claus Guth
Reposición: Tine Buyse
Escenografía y figurines: Christian Schmidt
Iluminación: Manfred Voss
Dramaturgia: Ronny Dietrich
D. del coro: Andrés Máspero
Reparto: Kurt Streit, Patricia Petibon, Silvia Tro Santafé,
Inga Kalna, María José Moreno, Kenneth Tarver

Lucio Silla

El próximo 13 de septiembre la ópera Lucio Silla, de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) inaugurará la nueva temporada del Teatro Real, reparando finalmente una deuda con el público de Madrid, que no pudo ver nunca esta ópera representada, pese a la indudable calidad y belleza de su música.

La ópera llegará al Teatro Real en una producción concebida por Claus Guth, que ha triunfado en varios teatros desde su estreno en el Festival Wiener Festwochen en 2005. El director de escena alemán despoja la obra de su contenido más anecdótico y se recrea explorando la relación psicológica entre los personajes y la interioridad de cada situación dramática, insuflando a la ópera un enorme dinamismo.

Para ello recurre una vez más a un ingenioso decorado giratorio diseñado por el escenógrafo y figurinista Christian Schmidt ─autor también de las escenografías de Parsifal y Rodelinda─ que permite agilizar la continua sucesión de las escenas que componen la obra.

Aunque Mozart estrenó la partitura en Milán en 1772, con apenas 16 años, el joven compositor llevaba escribiendo obras escénico-musicales de diferentes formatos desde los 11 años, y Lucio Silla era ya la tercera ópera que presentaba con éxito en Italia, después de Mitrídate, rè di Ponto y Ascanio in Alba.

Siguiendo la estela de la ópera seria dieciochesca entonces en boga, el libreto se inspira en las hazañas de un personaje de la Antigüedad Clásica, sin atender a ningún prurito de verosimilitud o rigor histórico. De hecho, los lazos de parentesco, amoríos y magnanimidad del Lucio Silla de Mozart distan mucho de lo que alumbra la historiografía sobre la vida del tirano sanguinario y gran estratega militar Lucio Cornelio Sila (138-78 a.C.).

La trama, dramatúrgicamente endeble, es, sin embargo, estructuralmente consistente por las complejas relaciones entre los seis personajes, pertenecientes a dos bandos rivales y enemigos, entre los que fluyen sentimientos y pasiones contradictorias, incontroladas y capaces de resquebrajar los códigos de honor que escudan tantas atrocidades y luchas de poder.

Musicalmente la ópera se amolda a los cánones rígidos de la ópera seria, en que se alternan arias y recitativos, con algunos maravillosos números de conjunto e interludios orquestales. Pero el genio de Mozart logra imprimir a cada escena una atmosfera única, con grandes contrastes, líneas de canto de conmovedor aliento dramático y una orquesta cada vez más autónoma en la expresión dramatúrgica de los personajes.

Aunque Mozart haya contado con los mejores cantantes de la época para la interpretación de su Lucia Silla, la sustitución, en los días previos al estreno, del tenor protagonista por otro de mucho menor rango, obligó al compositor a adaptar ese rol a las nuevas circunstancias, simplificando su música y desposeyendo al personaje de la grandeza que debería tener el papel titular, que en el Real interpretarán los tenores Kurt Streit y Benjamin Bruns.

Como dos de los personajes masculinos destinados originalmente a ser cantados por castrati serán interpretados por una mezzosoprano y una soprano, se puede decir que en Lucio Silla la gran dificultad vocal recae sobre las cuatro cantantes femeninas, sobre todo Giunia, cuyo dificilísimo papel será interpretado alternadamente por las sopranos francesas Patricia Petibon y Julie Fuchs. Estarán secundadas por las mezzosopranos Silvia Tro SantaféMarina Comparato (Cecilio), las sopranos Inga Kalna y Hulkar Sabirova (Lucio Cinna) y María José Moreno y Anna Devin (Celia). Completan los repartos los tenores Kenneth Tarver y Roger Padullés (Aufidio).

Junto a ambos elencos actuarán la Orquesta y Coro Titulares del Teatro Real, bajo la sensible dirección musical de Ivor Bolton, con amplísima experiencia en el repertorio mozartiano.

 LUCIO SILLA | ACTIVIDADES PARALELAS

15, 19 y 21 de septiembre | Museo Arqueológico Nacional

Visitas guiadas temáticas  gratuitas con aforo limitado.

Roma en el Museo Arqueológico Nacional: 15 de septiembre, 18.00 h.

Cara a cara con Lucio Cornelio Sila (138-78 a.C.): 19 de septiembre, 18.00 h. y  21 de septiembre, 12.00 h.
Imprescindible reservar en: visitasgrupos.man@mecd.es

 17 de septiembre, a las 12.00 horas | Teatro Real, sala principal

Los domingos de Cámara

Concierto íntegramente dedicado a Wolfgang Amadeus Mozart

Adagio en La Mayor KV 580 a
Cuarteto en Do Mayor KV 465, Disonancia
Sonata para fagot y violoncello en Si bemol mayor K 292
Quinteto para piano y viento en Mi bemol mayor K 452

Solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real

 19 de septiembre, a las 17.30 horas | Filmoteca Española, sala 1

Proyección de la película Nannerl, la hermana de Mozart (Nannerl, la soeur de Mozart),

de René Féret (2010)

Programa detallado

 23 de septiembre, a las 19.00 horas

Retransmisión en directo de Lucio Silla en el canal de televisión MEZZO.

Joel Prieto

Tras una temporada en la que ha acumulado debuts y triunfos en Europa, Estados Unidos y Asia con compromisos en Toulouse, Varsovia, Tokyo, Los Angeles, Dresde, Moscú y Beijing, Joel Prieto comenzará el nuevo curso en octubre afrontando por primera nuevamente el rol de Iopas en la ópera de Berlioz Les Troyens, título que el tenor ya ha cantado en la Deutsche Oper Berlin y que se representará en la emblemática Semperoper de Dresde los días 3, 6, 9, 21 y 27 de octubre y 3 de noviembre.

Con una partitura vibrante y musicalmente apasionante, esta grand opéra basada en la Eneida de Virgilio y raramente representada por su complejidad cuenta una historia épica de guerra y paz, fiel al espíritu del Romanticismo francés, y reúne sobre el escenario a más de 120 cantantes entre coro y solistas. Las representaciones en Dresde estarán dirigidas musicalmente por Lothar Koenigs en una nueva producción que firma Lydia Steier. Para Joel Prieto, la temporada pasada «ha sido de vértigo, un curso en el que me ha acompañado mi querido Mozart en debuts que me llenaron de emoción y que me permitieron subir a emblemáticos escenarios en los que siempre soñé cantar como son la Ópera de Varsovia, la Ópera de Los Ángeles, el Teatro Bolshoi de Moscú o el Tianqiao Performing Arts Center de Beijing, además de poder interpretar la Novena Sinfonía de Mozart nada menos que junto a la NHK Symphony Orchestra de Tokyo», comenta el tenor. «En los próximos meses tengo unas ganas enormes de lanzarme a nuevos repertorios en los que estoy seguro que voy a tener una maravillosa experiencia», añade.

Tras este arranque en Alemania a Joel Prieto le esperan su regreso al Teatro Real de Madrid -su ciudad natal-, escenario en el que debutó hace dos temporadas con La Flauta Mágica y al que vuelve con uno de los acontecimientos más esperados de la cartelera española como es el estreno madrileño de Street Scene, de Kurt Weill (febrero de 2018); su esperada vuelta a Puerto Rico, donde el artista creció junto a su familia, ocasión que marcará un momento muy especial en su agenda interpretando el Requiem de Mozart dentro de la programación del Festival Casals (marzo de 2018); en abril regresará al Teatro Municipal de Santiago de Chile, esta vez para meterse en la piel de Don Ottavio en Don Giovanni, de Mozart.

Más información: http://joelprieto.com/

Las bodas de Figaro

El Teatro Auditorio San Lorenzo de El Escorial de la Comunidad de Madrid presenta Las bodas de Fígaro, una producción de Spoleto Festival dei 2Mondi con dirección musical de Yi Chen Lin y dirección de escena de Giorgio Ferrara. Esta producción se podrá disfrutar en dos únicas funciones los días 20 y 22 de julio dentro de la programación del Festival de Verano.

Junto con la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid, el elenco de esta producción de Las bodas de Fígaro está encabezado Lucas Meachem, Carmela Remigio, Simón Orfila y Katerina Tretyakova.

Compuesta entre octubre de 1785 y abril de 1786, Las bodas de Fígaro, de Wolfgang Amadeus Mozart, es la primera de las tres óperas escritas por el compositor salzburgués sobre un libreto de Lorenzo da Ponte. Una extraordinaria colaboración que produciría otras dos obras maestras del teatro lírico como Don Giovanni y Così fan tutte. El tema del libreto se extrajo de la comedia de Beaumarchais, Le mariage de Figaro de 1781.

Una trama rápida y cautivadora, en la que mujeres y hombres se contraponen a lo largo de un “día disparatado”, lleno de eventos dramáticos y cómicos, que permite una investigación musical de las psicologías en juego. Una sátira sobre las clases sociales privilegiadas de la época, pero también una aguda metáfora de las diversas fases del amor.

La ópera, puesta en escena por primera vez en el Burgtheater de Viena el 1 de mayo de 1786, está articulada en cuatro actos y narra, entre miles de complicaciones, la ardua pero victoriosa defensa que Fígaro, criado del conde de Almaviva, hace de Susanna, su novia, perseguida por el capricho del patrón, a quien engañan y termina siendo la burla de todos, viéndose obligado a consentir la boda entre ambos criados.

El público podrá disfrutar de la programación del Festival de Verano hasta el 5 de agosto y por delante quedan espectáculos como el estreno absoluto de la ópera de cámara Tenorio, de Tomás Marco y Free Bach 212, de la Fura dels Baus, entre otras citas musicales.

Bastián y Bastiana

El Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial presenta la ópera Bastián y Bastiana, interpretado por los Pequeños Cantores de la Joven Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (JORCAM) con la dirección musical de Ana González y la dirección de escena de Marian Bollain. Esta ópera, que forma parte de la programación del  Festival de Verano, se podrá ver en tres únicas funciones los días 7, 8 y 9 de julio. Las bodas de Fígaro, un homenaje a Piazzolla y la Fura dels Baus, son algunos de los protagonistas de los 17 espectáculos y conciertos de esta nueva edición.

Bastián y Bastiana, un singspiel en un acto, es una de las primeras óperas de Mozart, escrita en 1768 cuando sólo tenía doce años de edad. Se supone que esta obra fue un encargo para realizar una sátira del género “pastoral” entonces prevalente, en concreto una parodia de la ópera Le devin du village de Jean-Jacques Rousseau.

La historia tiene lugar en una villa de pastores, en un tiempo no determinado. La pastora Bastiana teme haber perdido el amor de Bastián y recurre a un brujo, Colas, para volver a enamorarlo gracias a sus poderes mágicos. Colas la reconforta diciéndole que Bastián no la ha abandonado, más bien está deslumbrado por los regalos que una noble dama le hace. El mago Colas aconseja a Bastiana que actúe con frialdad hacia Bastián y así, él volverá corriendo.

Mozart escribió la ópera con tan solo doce años. La historia de los dos pastores pone de relieve una realidad que no ha pasado de moda: el adolescente Bastián se deja deslumbrar por una niña más chic que su Bastiana y esta tendrá que espabilar para recuperar a su chico.

En este montaje, Bastián y Bastiana estudian en un instituto actual. Siempre han estado juntos, pero al llegar a la adolescencia hay mucha gente nueva en clase y Bastián, deslumbrado por sus nuevas compañeras, olvida a Bastiana, Las otras chicas visten ropa de marca, se maquillan y son mucho más desenvueltas que Bastiana. Colás, un profesor algo diferente, ayudará a reconciliar a los enamorados.

El montaje cuenta con jóvenes intérpretes de los Pequeños Cantores de la JORCAM y alumnos de la Escuela Superior de Canto de Madrid. Varios repartos cubrirán tanto los papeles protagonistas como los compañeros de clase de Bastián y Bastiana. La escenografía, sencilla y realista, muestra el ambiente de un instituto de secundaria.

Los más pequeños de la JORCAM

En septiembre de 2009, dentro de la estructura de la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid, se creó el coro de niños de los  Pequeños Cantores, un grupo con edades comprendidas entre los 6 y los 15 años. El Coro está dirigido por la Profesora Ana González, directora de vasta experiencia en el campo vocal infantil.

Los Pequeños Cantores han participado en diferentes producciones en los Teatros del Canal (La Revoltosa, Pepita Jiménez) además a partir de la temporada 2010/2011 y hasta la fecha, los Pequeños Cantores son el coro de niños titular de las producciones de ópera del Teatro Real de Madrid y así mismo, han cantado en Teatro de la Zarzuela de Madrid.

En septiembre de 2015 fueron dirigidos por el Mtro. ZubinMetha en la 3ª Sinfonía de G. Mahler junto con la Orquesta del Maggio Musicale Fiorentino y el Orfeón Donostiarra. En junio de 2015, los Pequeños Cantores fueron invitados por el Coro de Niños de la Ópera de Viena, realizando un concierto conjunto en la Sala Mahler de dicho Teatro, además de otros recitales en esta capital europea.

Joel Prieto

Después de su paso en los últimos dos meses por los coliseos líricos de Dresde, Düsseldorf, Varsovia y Moscú, el tenor hispano-puertorriqueño Joel Prieto volverá a vestirse del Príncipe Tamino de La flauta mágica de Mozart, con el que acaba de debutar con gran éxito en el Teatro Bolshoi, esta vez para su debut en China, en el Tianqiao Performing Arts Center de la capital del gigante asiático (21 y 23 de julio). Y lo hace nuevamente en la genial puesta en escena de Barrie Kosky y Suzanne Andrade para la Komische Oper de Berlín que rinde homenaje al cine mudo y que Joel Prieto ya ha interpretado en el Teatro Real de Madrid, en la Ópera de Varsovia y en el Bolshoi moscovita.

En lo que va de año el joven tenor ha subido a algunos de los escenarios más importantes del mundo incluyendo, siempre con Mozart, la Ópera de Los Ángeles (El rapto del Serrallo); la Semperoper de Dresde (El rapto del Serrallo); Gran Teatro de Varsovia (La flauta mágica); y Teatro Bolshoi de Moscú (La flauta mágica).

Aunque no todo es Mozart en la agenda de Joel Prieto: tras su debut en Beijing (China) se anuncia su vuelta a la Semperoper de Dresde como Iopas en Les Troyens, de Berlioz; al Teatro Real de Madrid para participar en Street Scene, de Kurt Weill; su debut en el Festival Casals de Puerto Rico con el Requiem de Mozart; y su regreso al Teatro Municipal de Santiago de Chile como Don Ottavio de Don Giovanni.

http://joelprieto.com/

Carmela Remigio

Tras alcanzar en el pasado Festival de Salzburgo el récord de 400 actuaciones en Don Giovanni, la famosa soprano italiana, Carmela Remigio, recientemente galardonada como mejor cantante con el prestigioso “Premio Abbiati”, debuta en el Gran Teatre del Liceu como Donna Anna, el próximo 19 de junio.

Claudio Abbado la eligió personalmente para dar vida a Donna Anna en la prestigiosa edición de Don Giovanni con el sello Deutsche Grammophon. Desde entonces, la soprano nacida en Pescara, ha realizado 350 actuaciones en los escenarios líricos más prestigiosos del mundo, en el rol de Donna Anna y, cincuenta, como Doña Elvira, en el famoso dramma giocoso de Mozart.

La soprano italiana, probablemente la mejor Donna Anna de la actualidad y la más solicitada, señala: “Anna es uno de los personajes mozartianos más refinados. Hay algo de milagroso en cada pulso, así como el germen de tantos otros personajes del belcanto. Sus recitativos y arias son de una perfección y de una pulcritud, que no tiene parangón en la historia de la música. Parecen anticipar la melodía y el fraseo de obras maestras sucesivas como Anna Bolena, Norma e I puritani. Para comprender, precisamente, en profundidad a Anna – continúa la Remigio–, he cantado también el rol de Donna Elvira en algunas producciones de Don Giovanni y volveré a cantarlo en La Fenice de Venecia en otoño. Son dos personajes muy distintos: Elvira es más dramática, mientras que Anna, en cambio, es más enigmática y sinuosa. Y, por tanto, se complementan, en cierto sentido; una es espejo de la otra.”

Tenía solo dieciocho años, cuando Pavarotti se enamoró del color cristalino de su voz y se convirtió en flamante ganadora de su famoso concurso “Luciano Pavarotti International Voice Competition” en Filadelfia. Más tarde, Carmela Remigio le acompañaría en cientos de conciertos y giras por todo el mundo.

Heredera de la mejor tradición vocal italiana, la soprano Carmela Remigio ha cantado en los principales teatros, festivales y salas de concierto internacionales: Teatro alla Scala de Milán, Festival de Salzburgo, Royal Opera House de Londres, Teatro San Carlo de Nápoles, la Monnaie de Bruselas, Teatro Massimo de Palermo, Festival de Aix-en-Provence, La Fenice de Venecia, Rossini Opera Festival de Pésaro, Carnegie Hall de Nueva York o Royal Albert Hall de Londres, entre otros.

Carmela Remigio debuta en el coliseo barcelonés, tras sus recientes éxitos en su regreso al Teatro dell’ Opera de Roma, interpretando por primera vez el papel de Elisabetta en Maria Stuarda de Donizetti y en el Maggio Musicale Fiorentino, en el exigente rol de otra heroína mozartiana, Elettra (Idomeneo, re di Creta).

En la aclamada producción de Don Giovanni, que firma Kasper Holten, con dirección musical de Josep Pons, la soprano Carmela Remigio cantará junto a Mariusz Kwiecen (Don Giovanni), Eric Halfvarson, (Il Commendatore), Dmitry Korchak (Don Ottavio), Miah Persson (Donna Elvira) y Simón Orfila (Leporello).

http://www.carmelaremigio.net

David Alegret

El Palau de la Música Catalana recibirá el próximo 1 de junio al tenor David Alegret, un cantante con una carrera consolidada en el campo de la ópera internacional -especialmente en el rossiniano y mozartiano- y del oratorio, pero que, además, se declara un enamorado del repertorio de recital. En su actuación tendrá un especial protagonismo el «Lied» catalán, una selección del contenido del disco de Alegret «Impressions de natura» (editado por Columna Música y grabado en el Petit Palau) centrado, precisamente, en este repertorio y que incluye algunos hallazgos del pianista Daniel Blanch, intérprete que acompaña al tenor catalán en el recital del Palau y en el disco. Blanch es el presidente de la Fundació Joan Manén, entidad que reivindica no solo la obra de este virtuoso compositor, sino también la de otros autores catalanes. Además del repertorio pianístico habitual, Blanch ha trabajado para rescatar del olvido llevando al disco y recuperando obras, entre otros, de Manén, Joaquín Nin-Culmell, Xavier Montsalvatge, Carlos Suriñach, Manuel Blancafort o Ricard Lamote de Grignon, de quienes se incluyen en el disco y en el recital algunas de sus piezas para canto y piano conjuntamente con otras de su padre, Joan Lamote de Grignon, que destacó por su catálogo de canción culta que llegó al centenar de obras. «Impressions de natura» también incluye obras de Francesc Montserrat -el nombre del disco nace de una de sus piezas-, Francesc Pujol -cuyas partituras inéditas se han encontrado en la Biblioteca del Palau de la Música Catalana- y del mucho más conocido Eduard Toldrà.

Después de esta cita con el público barcelonés, la carrera internacional de David Alegret lo llevará al Teatro Massimo Bellini de Catania (Der Rose Pilgerfahrt, de Schumann), al Festival de Granada (concierto de arias de Mozart con la Orquesta de Granada dirigida por Pablo González), de regreso al Palau de la Música Catalana (Novena Sinfonía de Beethoven y Pasión según San Juan de Bach con la Orquesta Simfònica del Vallès), al Festival Life Victoria de Barcelona para ofrecer un recital de Lied acompañado por el pianista Albert Guinovart, al Gran Teatre del Liceu barcelonés (Roméo te Juliette, de Gounod, dirigido por Josep Pons), a la Ópera de Toulon (Il Barbiere di Siviglia, de Rossini) y a la Ópera de Oviedo (Il Turco in Italia, de Rossini).

www.davidalegret.com

Joel Prieto

El tenor Joel Prieto continúa cosechando triunfos y conquistando nuevas plazas operísticas. Si el pasado enero debutó en la Ópera de Los Ángeles
(Estados Unidos) con la mozartiana El rapto del Serrallo, en marzo participó en la tradicional AIDS Gala 2017 de la Deutsche Oper am Rhein en Düsseldorf; en abril regresó a la Semperoper de Dresde (Alemania) con su Belmonte de El rapto del Serrallo por primera vez en Europa -en siete funciones que se alargarán durante mayo y junio- sin olvidar, siempre en abril, una única actuación como Tamino de La flauta mágica en el Gran Teatro de Varsovia (Teatr Wielki, Polonia), sede de la Ópera Nacional Polaca, en la aplaudida puesta en escena de Barrie Kosky y Suzanne Andrade que rinde homenaje al cine mudo y que Joel Prieto ya ha interpretado en el Teatro Real de Madrid.

Joel Prieto sumará en mayo un nuevo debut que le ilusiona especialmente: subir por primera vez al escenario del Teatro Bolshoi de Moscú, en el que cantará -los días 24 y 26 de mayo- su aclamado Príncipe Tamino, de La flauta mágica, y en la misma y exitosa producción de Kosky que ya tiene todas las localidades vendidas. «Lo cierto es que está siendo un año de debuts tanto de personajes como de nuevos escenarios. Cantar en un teatro emblemático y de gran tradición como es el Bolshoi me apasiona, más teniendo en cuenta que lo haré en una producción que ya he cantado en varios teatros y que me encanta», comenta el cantante.

El que fuera ganador del Concurso Operalia en 2008, además de triunfar con Mozart allí donde va también se pasea por otros repertorios como el del bel canto romántico y el de la ópera romántica francesa, así como algunos de los títulos más emblemáticos de zarzuela. Joel Prieto tiene compromisos cerrados en su agenda para los próximos tres años, entre los que destacan su debut en Beijing (China) con La flauta mágica; su vuelta a la Semperoper de Dresde como Iopas en Les Troyens, de Berlioz; al Teatro Real de Madrid para participar en Street Scene, de Kurt Weill, en una nueva coproducción del coliseo madrileño con la Opéra de Monte-Carlo y la Oper Köln de esta «ópera estadounidense», tal y como la bautizó el propio Weill; su debut en el Festival Casals de Puerto Rico con el Requiem de Mozart, además volver al Teatro Municipal de Santiago de Chile, esta vez para asumir el rol de Don Ottavio en Don Giovanni.

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Bejun Mehta
El domingo 23 de abril a las 19.30 horas, el ciclo Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta su penúltima cita en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música de Madrid con «Cantata» recital del contratenor Bejun Mehta acompañado por la reputada Akademie Für Alte Musik Berlin. Mehta vuelve a la temporada barroca del CNDM tras su espléndido Orfeo de Gluck de hace tres temporadas y tras el reciente éxito como Bertarido en la ópera Rodelinda de Haendel programada en el Teatro Real de Madrid. Mehta, uno de los contratenores más refinados de su cuerda, presenta un programa que nos acercará a la época álgida de los castrati, recreando un universo poliédrico que contiene arias de oratorios ingleses de Haendel junto a cantatas sacras y profanas de BachVivaldi. Un viaje que nos transportará al corazón musical del siglo XVIII.

Considerado uno de los contratenores actuales más reputados, Bejun Mehta es invitado habitual de las principales salas internacionales de ópera y concierto. El estadounidense es, durante la presente temporada, Artista Residente en la Filarmónica de Dresde, donde está demostrando su versatilidad artística con cuatro programas diferentes como cantante y director, en los que presenta arias de las grandes óperas y oratorios de Haendel y Mozart además de la obra Dream of the Song de George Benjamin, cantata escrita para él y ya estrenada en Francia y Estados Unidos. En la escena operística acaba de obtener un gran éxito en el Teatro Real de Madrid como Bertarido en Rodelinda de Haendel.

Otras producciones le han llevado a interpretar a Farnace en Mitridate de Mozart en la Royal Opera House de Londres, el papel protagonista de Tamerlano de Haendel en Teatro alla Scala de Milán y Oberon en A Midsummernight’s Dream de Britten. Entre sus momentos más destacados de las últimas temporadas se incluyen el estreno mundial de Stilles Meer de Toshio Hosokawa para la Staatsoper de Hamburgo (papel de Stephan), que volverá a interpretarse en la temporada 17/18, y una nueva producción de Orfeo ed Euridice de Gluck bajo la dirección de Daniel Barenboim en la Staatsoper de Berlín. Además de su trabajo como cantante, Mehta está impulsando su faceta como director con un par de compromisos por temporada, caso de su labor con la Filarmónica de Dresde, y está ofreciendo clases magistrales de Canto, como las impartidas dentro del Proyecto de Jóvenes Cantantes del Festival de Salzburgo. Mehta cuenta con un amplio catálogo de discos, entre los que se encuentran Che Puro Ciel, una colección de arias clásicas con la Akademie für Alte Musik Berlin y René Jacobs, publicado en otoño de 2014 por Harmonia Mundi y galardonado con Le Diamant d’Opera Magazine y Choc de Classica y el disco en directo de Dream of the Song de George Benjamin con la Orquesta del Concertgebouw de Ámsterdam y George Benjamin dirigiendo, publicado en 2016 dentro de las series RCO Live, Horizon7 de dicha orquesta.

PROGRAMA:
George Frideric Haendel (1685-1759)
Siete rose rugiadose (1711/12)
Cantata Mi palpita il cor (ca.1709)
Antonio Vivaldi (1678-1741)
Concierto para cuerdas en re menor ‘Madrigalesco’ (ca. 1720)
Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Cantata Ich habe genug (1727)
Johann Christoph Bach (1642-1703)
Cantata (lamento) Ach dass ich wasser g’nug hätte zum weinen
A. Vivaldi
Cantata Pianti, sospiri e dimandar mercede
Antonio Caldara (1670-1736)
De La Passione di Gesù Cristo Signor Nostro 
Sinfonía para cuerdas y continuo nº 12 en la menor (1730)
Melchior Hoffmann (1679-1715)
Schlage doch, gewünschte Stunde (atribuida a J.S. Bach)
G.F. Haendel
I will magnify Thee (1717/18)

Cecilia Bartoli

Los amantes del barroco estamos de fiesta con la programación que el Teatro Real ha preparado para esta primavera. Cecilia Bartoli y Franco Fagioli en su ciclo de “Voces del Real”, para preparar el estreno de Rodelinda, la obra de Händel que llega por primera vez a este teatro.

Cecilia Bartoli llegaba acompañada del siempre original Sergio Ciomei al piano. «Un viaje por 400 años de música italiana» es el nombre de la gira que la mezzosoprano italiana realiza estos días por España. No resulta fácil hacer una selección de 20 obras de un período tan amplio, ni mucho menos tener la capacidad de interpretar tan variado repertorio. Pero Cecilia Bartoli tiene el poder de la versatilidad, entre otros.

Lo ha demostrado una vez más este domingo en el Teatro Real, ofreciendo un recital de largo recorrido que tuvo como protagonistas a Giulio Caccini (1551-1618), Alessandro Scarlatti (1660-1725), Antonio Caldara (1670-1736), Antonio Vivaldi (1678-1741), Georg Friedrich Händel (1685-1759), Mozart (1756-1791), Gioacchino Rossini (1792-1868),
Vincenzo Bellini (1801-1835), Gaetano Donizetti (1797-1848), Giacomo Puccini (1858-1924), Francesco Paolo Tosti (1846-1916), Stefano Donaudy (1879-1925), E.A. Mario (1884-1961), Salvatore Gambardella (1871-1913), Ernesto de Curtis (1875-1937) y el mismísimo Domenico Modugno (1928-1994).

La Bartoli aborda este variado programa otorgando a cada obra el carácter y personalidad que le corresponde. Y lo hace como siempre, con maestría y sin aparente esfuerzo. Profundiza como nadie en las arias dramáticas e intensifica las de bravura, en ese repertorio barroco que conoce a la perfección.

Las cualidades de Cecilia Bartoli no son solo vocales. La singularidad en su forma de interpretar, su capacidad de transmitir y comunicarse con un público que la adora y al que mantuvo en efervescente tensión durante las dos horas que duró el recital, son habilidades que la cantante romana gestiona con la misma destreza que la coloratura o unos pianísimos que encandilaron a todos.

El público le pidió verla en una ópera completa. Esperemos que así sea.

Minkowski y Bach

Les Musiciens du Louvre, considerada una de las mejores orquestas del mundo dedicadas a la música barroca, debutan en Ibermúsica con una obra emblemática: la Pasión según San Juan, BWV 245, de Johann Sebastian Bach, una pieza escrita para voces solistas, coro y orquesta, basada en el Evangelio de San Juan. En el concierto que tendrá lugar el jueves 6 de abril en el Auditorio Nacional de Música, la agrupación francesa estará dirigida por su fundador, Marc Minkowski.

Del músico de Leipzig han llegado a nuestros días dos pasiones, la que abordarán Les Musiciens en la 47ª temporada de Ibermúsica y la de San Mateo (BWV 244). Ambas composiciones están consideradas como las más destacadas de este género en la historia de la música. En el caso de la Pasión según San Juan –estrenada el Viernes Santo de 1724 en la Iglesia de San Nicolás, Leipzig– se trata de una obra más, tensa y dramática que la dedicada al Evangelio de San Mateo.

LES MUSICIENS DU LOUVRE

Fundada en 1982 por Marc Minkowski, esta orquesta ofrece una reinterpretación del repertorio lírico y sinfónico desde el período Barroco hasta el Moderno con instrumentos de época. A lo largo de su historia ha forjado su reputación con exitosas representaciones de Haendel, Purcell y Rameau; pero también de Haydn y Mozart (Misa en do menor) y más recientemente de Bach (Misa en si menor, Pasión de San Juan) o de Schubert (la integral de las sinfonías) en grabación y en concierto.

También es muy apreciado por su interpretación de la música francesa del siglo XIX. Ha organizado proyectos focalizados en Berlioz (Sinfonía Fantástica, Les Nuits d’été, Harold en Italie), Bizet (música adicional para L’Arlésienne) y Massenet (Cendrillon).

Sus éxitos líricos más recientes son Alceste (Opéra Garnier, París); Orfeo ed Euridice, de Gluck (Salzburgo, Grenoble); Platée, de Rameau (Opéra Garnier, París); una Gala Mozart para celebrar los 30 años de la Orquesta; Cuentos de Hoffmann, de Offenbach (Salle Pleyel, París); El holandés errante; de Wagner (Versailles Opéra, Grenoble, Konzerthaus de Viena, Palau de la Música, Theater an der Wien); Lucio Sillade Mozart (Mozartwoche, Festival de Verano de Salzburgo y Festival de Bremen, donde la orquesta es regularmente invitada desde 1995); Las bodas de Fígaro (Versailles Opéra) y Fidelio (Wienerfestwochen).

En esta temporada, Les Musiciens ha sido testigo de la creación del segundo opus de la Trilogía Mozart/ Da Ponte, Don Giovanni en Versalles, Armide (Gluck), al mismo tiempo que Alcina (Haendel) en Wiener Staatsoper, que serán escuchadas en versión de concierto en Burdeos y París. Asimismo han interpretado un programa de sinfonías y un concierto de Mozart y Haydn en la Ópera Nacional de Lyon y en Grenoble, donde han compartido escenario con la violonchelista Anne Gastinel.

En cuanto a su discografía, después de grabar la integral Sinfonías londinenses de Haydn para Naïve (2010) y Sinfonías de Schubert (2012), la Orquesta publicó El holandés errante de Dietsch y de Wagner  (2013).

MARC MINKOWSKI

Desde muy joven, Marc Minkowski decidió convertirse en director. A los 19 años fundó Les Musiciens du Louvre, que ha jugado un papel muy activo bajo su liderazgo en el renacimiento de la interpretación Barroca. Inicialmente, el grupo se centró en los compositores franceses y la música de Haendel antes de expandir su repertorio para incluir a Mozart, Rossini, Offenbach y Wagner.

Es invitado habitual en las salas de París, donde ha dirigido producciones como PlatéeIdomeneoLa flauta mágicaAriodante y Alceste en la Ópera Nacional; La Bella HelenaCarmen y Die Feen en Théâtre du Châtelet; así como La dama blancaPelléas et Mélisande y Die Fledermaus en Opéra Comique. Ha dirigido también proyectos operísticos en el Festival de Salzburgo (El rapto en el serralloMitridateCosì fan tutteLucio Silla), Bruselas (Les Huguenots y Il Trovatore), Zurich, Venecia, Moscú, Berlín, Ámsterdam, Viena (Hamlet y El holandés errante en Theater an der Wien y Alcina en Wiener Statsoper) y Aix-en-Provence (L’incoronazione di PoppeaLas bodas de FígaroEl rapto en el serralloIdomeneoDon Giovanni e Il turco in Italia). En la temporada 14/15 debutó en Royal Opera House, Covent Garden y en Teatro alla Scala de Milán. Para el Festival Drottningholm en Suecia trabaja actualmente en la Trilogía Mozart/ Da Ponte, que arrancó en el verano de 2015 con una magnífica interpretación de Las bodas de Fígaro.

Es también un director muy demandado en la escena de conciertos, dirigiendo orquestas como Staatskapelle Dresden, Berliner Philharmoniker y Wiener Philharmoniker, Orquesta Mozarteum de Salzburgo, Mahler Chamber Orchestra, Cleveland Orchestra y la Orquesta del Teatro Mariinski, donde también dirige obras de los siglos XIX y XX.

Como director artístico de la Semana Mozart desde 2013, invitó a Bartabas y su Academia ecuestre de Versalles a actuar en una producción de Davide penitente, de Mozart, en 2015 en Felsenreitschule, la antigua escuela de equitación Barroca de verano. En 2011 fundó el Festival Ré Majeure en la Isla de Ré, en la costa atlántica francesa. Desde septiembre de 2016 Minkowski ejerce como nuevo gerente de la Opéra National de Bordeaux.

 PROGRAMA JUEVES 6 DE ABRIL

Auditorio Nacional de Música, Sala Sinfónica, 19:30 horas

Duración aproximada 134 minutos

Les Musiciens du Louvre

Marc Minkowski, director titular

Bach La Pasión según San Juan, BWV. 245

Joel Prieto

El tenor Joel Prieto, ganador del Concurso Operalia en 2008, debutó en enero en la Ópera de Los Ángeles (Estados Unidos) como Belmonte en la ópera mozartiana El rapto del Serrallo -«probablemente el papel más difícil que he cantado en mi carrera», según el joven cantante-, obteniendo un considerable triunfo personal, tanto de público como de crítica [«Prieto aportó virtudes vocales mozartianas con una delicada línea de canto, excelente en el pasaje y con un fiato infinito… La suya es una voz de auténtica calidad… Su actuación rozó la perfección». «Joel Prieto cantó un Belmonte casi con el sonido de un oboe, siempre en el centro exacto de la nota»]. El tenor nacido en Madrid, criado en Puerto Rico y formado en Nueva York, sigue fiel a Mozart y en abril, mayo y junio regresará a la Semperoper de Dresde (Alemania) esta vez para mostrar su Belmonte en siete funciones, mientras que, el 28 de abril, ofrecerá una única actuación como príncipe Tamino de Die Zauberflöte en el Gran Teatro de Varsovia (Teatr Wielki, Polonia), sede de la Ópera Nacional Polaca. Se trata de una reposición de la aplaudida puesta en escena de Barrie Kosky y Suzanne Andrade que Prieto ya ha interpretado tanto en el Teatro Real de Madrid (España) como en el principal coliseo de la capital polaca.

En Dresde, en cambio, Joel Prieto será Belmonte en un montaje firmado por Michiel Dijkema, con Christopher Moulds a la batuta.

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Don Giovanni ABAO-OLBE

ABAO-OLBE (Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera)  programa por tercera vez en su historia Don Giovanni de Mozart, obra maestra de la historia y la cultura. Los próximos días 18, 21, 24 y 27 de febrero, con el patrocinio de la Diputación Foral de Bizkaia, sube a escena esta ópera a la que Wagner calificó como “la ópera de las óperas” y Rossini consideraba “su biblia particular”.

Este drama jocoso, que recrea el mito de Don Juan, tan popular en todos los ámbitos de la cultura, es un drama con guiños bufos,  en el que se representa un relato complejo y ambiguo, lleno de dolor, pasión amorosa, venganza, ira y muerte. Para dar vida a los protagonistas de este título que cierra la trilogía de Da Ponte del compositor austriaco, ABAO-OLBE  ha reunido a un elenco encabezado por el barítono británico Simon Keenlyside CBE quien debuta en la Asociación bilbaína para dar vida al libertino de vitalidad deslumbrante ‘Don Giovanni’. A su lado regresa a Bilbao el bajo menorquín Simón Orfila como el sirviente ‘Leporello’, el rol de ‘Doña Anna’ recae en la soprano canaria Davinia Rodríguez en el que también es su retorno a la capital vizcaína. Junto a ellos completan el cartel la soprano italiana Serena Farnocchia como ‘Doña Elvira’ en la que es su presentación en ABAO, los regresos del tenor navarro José Luis Sola como ‘Don Ottavio’ y la soprano donostiarra Miren Urbieta-Vega como ‘Zerlina’ y los debuts de los bajos italianos Giovanni Romeo y Gianluca Buratto como ‘Masetto’ y ‘Comendador’ respectivamente.

La parte musical está a cargo de una batuta conocida por el público bilbaíno, la directora musical canadiense Kery-Lynn Wilson, quien se pone al frente de la Euskadiko Orkestra Sinfonikoa  para  dirigir una de las obras maestras del genio austriaco. La parte coral es una vez más tarea del Coro de Ópera de Bilbao, con Boris Dujin al frente.

En el escenario una producción del Palau de les Arts de Valencia ideada por uno de los grandes revolucionarios de la escena operística Jonathan Miller CBE, quien firma también la escenografía y la iluminación. De concepción clásica, corpórea y absolutamente respetuosa con el libreto, destaca un vestuario suntuoso lleno de detalles firmado por Claire Mitchel. La reposición en Bilbao la dirige Allex Aguilera, e incluye el minuet y las bandas en escena donde actúan cuarenta coralistas y veinte actores y bailarines.

Conferencia sobre “Don Giovanni”

Con el fin de analizar, con carácter previo al estreno, los aspectos más relevantes de esta ópera de Mozart, ABAO-OLBE ha organizado una conferencia, de entrada libre hasta completar aforo, para el viernes 17 de febrero en el Auditorio del Museo de Bellas Artes (entrada por la puerta Chillida) a las 19.15 horas. En esta ocasión, Carlos Imaz, músico, barítono y colaborador habitual de ABAO-OLBE, descubre los entresijos de Don Giovanni.

Sokolov_Klaus Rudolf

“Con un grande del piano como Sokolov es difícil mantener contenido el entusiasmo” The Times

Maestro del piano y artista de culto, Grigory Sokolov regresa al escenario del Auditorio Nacional de Música de Madrid el próximo 20 de febrero, dentro de la programación de la 22ª temporada del Ciclo Grandes Intérpretes de la Fundación Scherzo. El calificado como “mejor pianista vivo” por músicos mediáticos como James Rhodes, abordará en esta ocasión obras de W. A. Mozart y L. V. Beethoven. Cierra así una gira por España que comienza en Barcelona (12 de febrero) y continúa en Oviedo (14 de febrero), Bilbao (16 de febrero), Valencia (18 de febrero) y, finalmente, Madrid. Además, este año será la vigésima ocasión que Sokolov actúe dentro de la programación de Scherzo. Desde su debut en 1996 ha participado en prácticamente todos los ciclos organizados, primero, por la revista Scherzo y, posteriormente, por la Fundación Scherzo.

Sokolov nació en San Petersburgo (entonces Leningrado) en 1950. Allí se formó musicalmente en el conservatorio y ofreció su primer recital a los 12 años. Con tan solo 16 ganó el Concurso Internacional Chaikovski de Moscú y su candidatura fue defendida por el presidente del jurado, Emil Gilels. No obstante, mientras que anteriores premiados en este mismo concurso alcanzaron rápidamente fama mundial, el viaje de Sokolov quedó restringido. Otros artistas soviéticos huyeron a Occidente en busca de una mayor libertad personal, pero el intérprete prefirió quedarse en Leningrado para centrarse en su arte. Sólo después de la caída del Muro de Berlín empezó a disfrutar de un reconocimiento internacional más amplio.

Ha trabajado con orquestas como Concertgebouw de Ámsterdam, Filarmónica de Nueva York, Filarmónica de Múnich, Sinfónica de Viena, Sinfónica de Montreal, Orquesta del Teatro alla Scala y Filarmónicas de Moscú y San Petersburgo y entre las españolas con la Orquesta Sinfónica de Galicia. Hace unos años decidió dedicarse por completo a los recitales. Así, actúa regularmente en la Konzerthaus de Viena, la Philharmonie de Berlín, el Théâtre des Champs-Elysées de París, la Tonhalle de Zúrich, la Filarmonía de Varsovia, el Auditorio Nacional de Madrid, el Conservatorio de Milán, la Academia de Santa Cecilia de Roma, La Fenice de Venecia; así como en salas de Múnich, Hamburgo, Barcelona, Estocolmo, Helsinki, Lisboa, Luxemburgo, el Festival Klavier, el Festival de Colmar y el Festival de La Roque d’Anthéron.

Sokolov es artista exclusivo del sello Deutsche Grammophon. Debutó en esta discográfica en 2015 con su Salzburg Recital, que obtuvo un gran éxito y se convirtió en el disco más vendido de música clásica esa temporada. Su último álbum, publicado en enero de 2016, recoge algunas de las últimas piezas de Schubert, como los Impromptus, o la poderosa sonata de Beethoven, Hammerklavier.

Ha actuado en 19 ocasiones en el Ciclo de Grandes Intérpretes, haciendo de cada concierto una de las citas sublimes del calendario. Tras uno de sus últimos conciertos en España, el periodista Javier Pérez Senz comentó: “Es tanta la sabiduría y la humildad de este generoso intérprete -entra y sale rápido del escenario, casi sin pararse a recibir los aplausos- que al salir del concierto, tras una apoteósica tanda de seis propinas, te sientes mucho más feliz y agradecido por tanta emoción compartida”.

Tras la inauguración de la 22ª temporada de Grandes Intérpretes por Daniil Trifonov, Sokolov es el segundo artista invitado. Entre los meses de enero y noviembre de 2017 están programados una decena de conciertos: nueve recitales de piano y un concierto extraordinario de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar junto al Orfeó Català. La 22ª edición del Ciclo Grandes Intérpretes reunirá a músicos de la talla del propio Sokolov, Perianes, Zacharias, Angela Hewitt , Ashkenazy o Piotr Anderzewski. A lo largo de las más de dos décadas de vida de este ciclo, han actuado un total de 80 pianistas en más de 200 conciertos, de los que han disfrutado 300.000 personas.

PROGRAMA LUNES 20 FEBRERO
Auditorio Nacional de Música, 19:30 horas

  1. A. MOZART

Sonata en Do Mayor nº16 “Facile” , K.545 (1788)

Allegro, Andante, Rondo allegretto

Fantasía en Do menor K.475 (1785)

Adagio, Allegro, Andantino, Più allegro; Tempo primo

Sonata en Do menor  KV.457 (1784)

Molto allegro, Adagio, Allegro assai

  1. V. BEETHOVEN  

Sonata en Mi menor n. 27 op. 90 (1814)

  1. Mit Lebhaftigkeit und durchaus mit Empfindung und Ausdruck
  2. Nicht zu geschwind und sehr singbar vorgetragen

Sonata en Do menor n. 32 op. 111  (1822)

  1. Maestoso – Allegro con brio ed appassionato
  2. Arietta: Adagio molto semplice cantabile
28 horas en Les Arts

El Palau de les Arts Reina Sofía ofrece 28 horas ininterrumpidas de actividad gratuita para celebrar el cumpleaños de Wolfgang Amadeus Mozart con ‘Mozart Nacht und Tag’, los días 27 y 28 enero. Se trata de una nueva iniciativa para todos los públicos alrededor de la figura del genio de Salzburgo y su repercusión en las diferentes disciplinas artísticas.

Según ha explicado hoy en conferencia de prensa el Intendente de Les Arts Davide Livermore, la idea surge de una propuesta que él mismo introdujo en el Teatro Baretti de Turín y que en Les Arts se canaliza a través del Programa Didáctico, que dirige Víctor Gil.

Diferentes profesionales, instituciones y artistas colaboran de forma voluntaria en la puesta en marcha de esta “inédita maratón artística”: la Universitat de València, a través de los departamentos de Filología Inglesa y Alemana; el Conservatorio Superior Salvador Seguí, de Castelló; los Conservatorios Joaquín Rodrigo, José Iturbi y número 1 de Valencia; así como el Instituto de Secundaria Lluís Vives, el Centre Plácido Domingo, los músicos Eduardo Díaz, Elizabete Šīrante, Gianluca Tavaroli y la solista de la OCV Susana Gregorian.

Davide Livermore les ha trasladado su gratitud junto a los profesionales de Les Arts implicados en la actividad, además de a Gourmet Catering & Espacios por su contribución “para lograr la I edición de ‘Mozart Nacht und Tag”.

El abanico de posibilidades abarca desde talleres didácticos, recitales, sesiones de música DJ, proyecciones, lecturas, música de cámara, ballet y una charla-café que acogerán el Aula Magistral, el Teatre Martín i Soler y la Sala Principal. Un total de 21 propuestas, que a excepción de los talleres, serán de libre acceso hasta completar el aforo de las salas o espacios habilitados.

La actividad comienza a las 20.00 h del 27 de enero con un recital de Lied a cargo de los cantantes del Centre Plácido Domingo, en el Teatre Martín i Soler.

De forma paralela, 35 alumnos de Educación Primaria llegarán al teatro, alrededor de las 20.30 h, para ser los primeros en pasar una noche en el Palau de les Arts y conocer mejor la figura de Mozart gracias al trabajo de alumnos del Máster Universitario en Profesor/a de Educación Secundaria, que organiza el departamento de Filología Inglesa y Alemana de la Universitat de València.

Media hora después, el Vestíbul del Teatre Martín i Soler acogerá una Lectura acompañada de piano de las ‘Cartas’ de Mozart, realizada en colaboración con los alumnos de Lengua Alemana del Instituto Lluís Vives, seguido de un recital de violín de la profesora de la Orquestra de la Comunitat Valenciana, Susanna Gregorian.

A las 22.30 h, antes de dirigirse a la Sala Principal para dormir, los más pequeños asistirán

a una sesión educativa sobre “La flauta mágica”, la ópera de Mozart que goza del favor de niños y adultos, en la Sala de Ensayos A, que Les Arts utiliza para los trabajos previos a los ensayos en la Sala Principal.

Al mismo tiempo, el vestíbulo del Teatre Martín i Soler se transformará en un animado café para charlar sobre las ‘Cartas’ de Mozart e intercambiar opiniones sobre la figura del genio de Salzburgo.

A partir de la medianoche, Les Arts propone dos alternativas para el público más trasnochador cine o música DJ.

El Teatro Martín i Soler se convertirá en un cine para 380 personas con dos proyecciones emblemáticas: ‘Juan’, de Kasper Holten, prestigioso director de escena danés y anterior director artístico del Covent Garden, con el barítono Christopher Maltman como protagonista, y ‘Amadeus’, la oscarizada visión de  Miloš Forman sobre el genial compositor.

Por su parte, el vestíbulo del Aula Magistral se transformará en una singular pista de baile con dos sesiones de música DJ sobre obras de Mozart, con los pinchadiscos Gianluca Tavaroli y Eduardo Díaz como artífices del espectáculo.

La mañana del día 28 comienza con el desayuno de los más pequeños, cortesía de Gourmet Catering & Espacios, en el Vestíbul Principal, que pone punto y final al taller didáctico alrededor de Mozart.

A partir de las 11.00 h el Teatre Martin i Soler y el Aula Magistral albergan un intenso ciclo de recitales junto con una sesión de ballet. A las 11.00 h, Elizabete Šīrante, del Conservatorio Superior Joaquín Rodrigo, protagoniza una matinée pianística con obras del prodigioso autor. Hora y media después, la danza llega de la mano de jóvenes bailarines que han mostrado su talento en diferentes espectáculos de Les Arts y que se suman de manera voluntaria a estas jornadas con el montaje ‘Mozart und Tanz’ en el Teatre Martín i Soler.

Mozart Nacht und Tag’ incluye cuatro propuestas de música de cámara y dos recitales de voz. El Aula Magistral recibe, a las 13.00 h, a músicos del Conservatorio Municipal José Iturbi para la primera sesión camerística, que dejará paso a un recital a cargo de alumnos del Conservatorio Superior Joaquín Rodrigo, a las 15.45 h. El epicentro musical se desplaza a partir de las 16.00 h al Teatre Martín i Soler con dos sesiones de cámara que ofrecen instrumentistas del Conservatorio José Iturbi, a las 16.00 h, y del Conservatorio Superior Salvador Seguí, a las 18.15 h.

Los intérpretes del Conservatorio Superior Joaquín Rodrigo son los protagonistas de las dos últimas sesiones de música de cámara y de música vocal que ofrece Mozart Nacht und Tag, a las 19.15 h en el Aula Magistral y a las 20.30 h en el Teatre Martín i Soler.

Los artistas del Centre Plácido Domingo clausurarán la maratón mozartiana a las 22.30 h con un recital con arias de óperas del genio de Salzburgo en su escenario de referencia, el Teatre Martín i Soler.

Davinia Rodríguez

La versátil soprano española Davinia Rodríguez vuelve a meterse en la piel de un personaje mozartiano, esta vez en la temporada bilbaína de ABAO-OLBE:
será la Donna Anna del Don Giovanni mozartiano que la Ópera de Bilbao propone los días 18, 21, 24 y 27 de febrero. “Siempre es sano volver a Mozart”, asegura la cantante canaria, “ya que su música y la forma en la que están escritas las líneas vocales de sus personajes poseen tanta perfección y frescura que le hacen muy bien a las voces”.

Davinia Rodríguez, ya conocida por el público bilbaíno, se muestra “muy feliz” de volver a cantar en esa temporada artística, “una de las más importantes de España; en Bilbao, además, me encuentro muy a gusto, es como volver a casa”, apunta. Ahora lo hace tras haber incorporado a su repertorio en las últimas semanas a dos personajes emblemáticos como son la verdiana Lady Macbeth de Macbeth –considerado como uno de los más complejos y difíciles de su cuerda– en Viena y Nedda, de Pagliacci, de Leoncavallo, en Turín. “Como Donna Anna, se trata de mujeres con mucho carácter y que saben cómo desenvolverse en sus respectivos ambientes. Claro que la Lady y Nedda no acaban nada bien, pero tampoco Donna Anna, ya que aunque vengue la muerte de su padre, el Comendador, se queda sin su amado seductor”.

El Don Giovanni de Bilbao, una producción de Jonathan Miller, contará con la dirección musical de Keri-Lynn Wilson y junto a Davinia Rodríguez encabezan el reparto Simon Keenlyside, Simon Orfila y María Bayo.

Más info:
www.daviniarodriguez.com

Joel Prieto

Joel Prieto viene dedicando gran parte de su trayectoria profesional a la obra de Mozart. Desde que se hiciera con el primer premio del Concurso de canto Operalia en 2008, el tenor nacido en Madrid y formado en Puerto Rico y Nueva York ha encontrado en la obra del genio de Salzburgo a uno de sus grandes aliados. A finales de enero debutará en la Ópera de Los Ángeles (Estados Unidos) interpretando por primera vez en su carrera a otro hijo de Mozart, Belmonte, protagonista de El rapto del Serrallo. Después de un año consagrado casi en exclusiva a Tamino, el príncipe de Die Zauberflöte (en Madrid y Varsovia y a Ferrando, de Così fan tutte (en Aix-en-Provence, Nueva York, Londres y Edimburgo), Joel Prieto comienza 2017 con la incorporación de este nuevo rol en su repertorio, título que más tarde interpretará en la Semperoper Dresde (Alemania). «El papel de Belmonte es probablemente el personaje mozartiano más difícil que he cantado hasta ahora. Es una especie de mezcla de Tamino, Don Ottavio y Ferrando, todo en uno. Se necesita un buen dominio de la línea de canto, tener buena dicción, controlar las coloraturas, negociar bien el pasaje de la voz; además es agudo y hay que profundizar mucho en el plano emocional. Con este tipo de roles se necesita mucha experiencia en el estilo. De hecho me lo ofrecieron hace muchos años y entonces dije que no, porque intuitivamente sabía que tenía mucho que aprender». Para el tenor se trata de un personaje «muy completo, el cual estoy muy contento de debutar en este momento de mi carrera después de haber cantado diversos roles mozartianos por más de 10 años en muchos teatros del mundo».

Pero no todo es Mozart en la agenda del joven cantante. Además de haber cantado la ópera de Berlioz Béatrice et Bénédicte (Toulouse) en septiembre y octubre, en diciembre se consagra a Beethoven al viajar a Tokio con la Novena Sinfonía junto a la NHK Symphony Orchestra y al coro de los Tokyo Opera Singers.

En Los Ángeles interpretará seis funciones de El rapto (28 de enero, y 4, 8, 12, 16 y 19 de febrero) en una producción que firma James Robinson contando con el director musical de la LA Opera en el podio, James Conlon.

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La clemenza de Tito en el Teatro Real de Madrid

«Apartemos de nuestra vida todo lo que no sea amor…”, cantan a dúo Annio y Servilia en uno de los momentos de mayor romanticismo de esta ópera. Y muy enamorado hay que estar para adentrarse con éxito en el hielo escenográfico que proponen Ursel y Karl-Eenst-Rousset en su propuesta de la última ópera compuesta por Mozart escrita para los fastos de coronación de Leopoldo II como Rey de Bohemia.

El tiempo pasa para esta producción que resultó un éxito en su estreno, allá por 1982. Ya había envejecido cuando se llegó a este mismo teatro en 2012, y ahora ha envejecido aún más. Sigue pareciendo la sala de espera de un geriátrico de la antigua Unión Soviética, como contamos en 2012.

Una caja escénica de un blanco radiantemente iluminado que no permitía a los espectadores de patio de butacas leer los subtítulos, terminó aburriendo y enfriando, no solo al público, también a unos cantantes a los que les costaba seguir el ritmo de la obra. En parte por el contagio del ártico escenario, y en parte por los eternos silencios para realizar mínimos cambios escénicos en los que Roma, una de las protagonistas del libreto, apenas se insinúa con la aparición de alguna columna. No es mala la intención de los directores de escena al querer resaltar los aspectos más psicológicos de los personajes potenciando la ausencia de elementos en el escenario, pero no era necesario llegar a tanto.

Los recitativos se convierten en rutinarios cuando no existe nada en lo que apoyarse, ni visual ni escénicamente. Menos mal que Mozart acudía permanentemente al rescate de todos, público y cantantes, quedando inmediatamente confortados por la música del genio.

La dirección musical de Christophe Rousset, buen conocedor de este repertorio y experto clavecinista, fue haciéndose lenta tras una buena obertura. Los recitativos, acompañados por el propio Rousset al fortepiano, resultaban pobres, si tenemos en cuenta su virtuosismo, y se hacían eternos. Sobre todo en una segunda parte algo tediosa.

Sin duda el conjunto vocal de esta producción mejora el de 2012. Bernard Richter es un tenor lírico con un buen volumen de voz y la agilidad suficiente para construir un Tito resuelto. Sus medios y agudos son potentes y brillantes. Más dificultades tuvo con los graves y con el tempi de los recitativos.

La canaria Yolanda Auyanet estuvo espléndida en su papel de Vitellia. Una voz que está madurando con gran calidad. Limpia y sin artificios. Buen fraseo que recorría con agilidad su particella. Pero brilló aún más en la parte interpretativa. Puso la chispa y la intención en el desangelado escenario.

También brilló la pamplonesa Maite Beaumont como Sesto. Se esforzó sobremanera para que se escuchara su voz. Mejor en boca de escenario.

Anna Palimina, nacida en Moldavia, se desenvolvió muy bien en el papel de Servilia. La pena fue el vestuario que le pusieron, sobre todo los zapatos.

Otra sorpresa agradable de la noche fue la mezzosoprano canadiense Sophie Harmsen como Annio. Voz ligera y de hermoso timbre. Sus agudos bien podrían hacerle pasar por soprano.

El barítono italiano Guido Loconsolo tiene una buena presencia escénica, pero su Publio se sentía muy incómodo fuera de los registros más graves. Como al resto, los lentos y aburridos recitativos fueron más un problema que un desahogo.

El Coro Titular del Teatro Real como siempre, magnífico. Se esperaba su participación como agua de mayo para romper la rutina escenográfica.

Una reposición que ha servido para rendir homenaje al recordado Gerar Mortier, quien encargó esta producción. Fuera de esta conmemoración, esta Clemenza no da para mucho más.

LA CLEMENZA DE TITO
Wolfgang Amadeus Mozart
Ópera seria en dos actos
Libreto de Pietro Metastasio, adaptado por Caterino Mazzolà
Estrenada en el Teatro Nacional de Praga el 6 de septiembre de 1791
Estrenada en el Teatro Real el 12 de marzo de 1999
D. musical: Christophe Rousset
D. escena: Ursel y Karl-Ernst Herrmann
Escenógrafo, figurinista e iluminador: Karl-Ernst Herrmann
D. coro: Andrés Máspero
Reparto: Bernard Richter, Yolanda Auyanet, Maite Beaumont, Anna Palimina, Sophie Harmsen, Guido Loconsolo
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real
Vídeos: Teatro Real

La clemenza de Tito

El Teatro Real estrenará el próximo sábado, 19 de noviembre, la ópera La clemenza di Tito, último título de Wolfgang Amadeus Mozart, que regresa al Teatro Real con la mítica producción creada y dirigida por el matrimonio Ursel y Karl-Ernst Herrmann, procedente del Festival de Salzburgo y precedida por el éxito que la acompañó en su presentación en el Real en 2012 programada por Gerard Mortier.

En esta ocasión, La clemenza di Tito contará con la dirección musical del reputado director Christophe Rousset, gran experto en este repertorio, que se colocará frente a un doble reparto y el Coro y la Orquesta Titulares del Teatro Real.

En la interpretación de los papeles principales se alternarán los tenores Jeremy Ovenden y Bernard Richter (Tito), las sopranos Karina Gauvin y Yolanda Auyanet (Vitellia), las mezzosopranos Monica Bacelli y Maite Beaumont (Sesto) y las sopranos Sylvia Schwartz y Anna Palimina (Servilia).

La clemenza di Tito fue escrita con motivo de la coronación de Leopoldo II como rey de Bohemia y se estrenó el 6 de septiembre de 1791, en el Teatro Nacional de Praga, horas después de la ceremonia. Fue la última creación del compositor de Salzsburgo, pero no en ser estrenada, pues unos días después, el 30 de septiembre, vería la luz La flauta mágica.

La ópera cuenta la historia del emperador Tito, al que retrata como hombre recto y justo, pero también clemente, capaz de perdonar a su amigo íntimo, Sesto, y a su prometida, Vitellia, que habían intentado asesinarle. Basada en la obra original de Pietro Metastasio, adaptada por Caterino Mazzolà, seis personajes se enfrentan a una partitura tan hermosa como difícil, en la que la voz es un instrumento más, y donde cada uno ofrece al espectador sus más íntimos sentimientos, como en una tragedia griega.

Ursel y Karl-Ernst Herrmann conciben un espacio escénico desnudo, blanco y luminoso que consigue realzar el conflicto de pasiones que teje el argumento. La acción interior se concentra en un lugar único, “frío y casi abstracto”, en el que los sentimientos contradictorios del drama, con su mensaje atemporal, resultan aún más desgarradores. La acción exterior abre las puertas sobre una imaginada Roma imperial.

Mortier amaba de forma especial esta ópera y sentía gran predilección por la puesta en escena de los Herrmann, a quienes se la había encargado cuando dirigía el Teatro de La Monnaie en Bruselas y que supuso el inicio del tándem como codirectores de escena, diseñadores de escena y vestuario. De La clemenza afirmaba: “es el ejemplo de una inspirada narración moderna del siglo XVIII sobre la grandeza de la clemencia por parte de los gobernantes. Una grandeza que se refleja en el espacio blanco de la escena en el que los personajes son desmenuzados hasta el más pequeño detalle“.

Así, con la reposición de esta producción, el Teatro Real quiere rendir homenaje al que fue su director artístico.

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Joel Prieto

Joel Prieto, nacido en Madrid y criado en Puerto Rico, continúa imparable con su carrera internacional, muy centrado en la obra de su compositor predilecto, Wolfgang Amadeus Mozart. Después de ser Tamino (Die Zauberflöte) en Madrid y Ferrando (Così fan tutte) en el Festival de Aix-en-Provence (Francia), el Mostly Mozart de Nueva York, en los Proms de Londres y en el Festival de Edimburgo (Escocia), este afamado cantante formado entre Puerto Rico y Estados Unidos ha realizado una pausa en su agenda mozartiana para encarnar a Bénédicte de la ópera de Berlioz Béatrice et Bénédicte en el Théâtre du Capitole de Toulouse (Francia) durante septiembre y octubre.

En diciembre debutará en el Teatr Wielki, el Gran Teatro de Varsovia (Polonia), para volver a meterse en la piel del Príncipe Tamino de Die Zauberflote, y lo hará en la misma producción en la que triunfara en el Teatro Real de Madrid el pasado mes de enero, firmada por Suzanne Andrade y Barrie Kosky, y en la que la obra del genio de Salzburgo se presenta como un homenaje a las películas del cine mudo (días 11, 13, 15  de diciembre).

Más tarde viajará a Tokio (Japón) para interpretar la Novena Sinfonía de Beethoven junto a la NHK Symphony Orchestra y al coro de los Tokyo Opera Singers (21, 23, 24, 25, 27), bajo la  dirección del maestro Herbert Blomstedt; este compromiso marcará su  debut en el país asiático y será la primera vez que cante la  monumental composición del maestro de Bonn.

Joel Prieto comenzará 2017 con un nuevo e importante paso en su carrera: su debut en la Ópera de Los Ángeles (Estados Unidos), siempre con Mozart, esta
vez con Belmonte de El rapto en el Serrallo.

http://joelprieto.com/

San Sebastián

La Quincena Musical de San Sebastián inicia su 77º edición, que se celebra entre el 4 y el 31 de agosto, con 16.000 entradas vendidas y siete citas con cartel de no hay billetes o a punto de llenar todas las localidades. «La Quincena 2016 empieza con buen pie: a pocos días del comienzo tenemos agotados dos de los grandes conciertos del Kursaal -¡el de clausura se vendió en menos de dos horas!- y hay otros cinco que están al borde del lleno. Además, la renovación de abonos ha sido del 100%”, ha señalado Patrick Alfaya, director artístico del festival. Según el responsable de la programación, esta edición resalta como la más coral de los últimos años. Además de las agrupaciones habituales (Orfeón Donostiarra, Andra Mari o Easo), también estarán Monteverdi, Collegium Vocale Gent, Balthassar Neumann y Orfeón Pamplonés.

El ciclo del Auditorio Kursaal arranca el 5 de agosto con “La Pasión según San Mateo”, de J.S. Bach, a cargo de sir John Eliot Gardiner, que dirigirá a English Baroque Soloist, Monteverdi Choir y la veintena de jóvenes que componen el Easo Eskolania. Las entradas para este concierto ya están agotadas. Así como las del espectáculo de clausura el 31 de agosto, un cierre histórico que reunirá por primera vez sobre el escenario a 400 músicos de la Orquesta Sinfónica de Euskadi y la de Bilbao para interpretar el “Te Deum” de Berlioz, además de los orfeones Donostiarra y pamplonés junto a la Escolanía Easo.

Otras citas que han despertado el interés del público son la ópera “Don Giovanni”, ofrecida en versión semi – escenificada con un reparto que incluye al barítono Christopher Maltman (13 de agosto); también la actuación del conjunto de Budapest Festival Orchestra y el Orfeón Donostiarra (21 de agosto); y la de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Frankfurt con la agrupación de música coral Andra Mari Abesbatza (27 de agosto).

El festival más antiguo de música clásica en España es además, el más sostenible y en esta edición dedica un especial protagonismo a W. A. Mozart. Busca ampliar su público a través de iniciativas como #conversanDO. Gracias a este proyecto, la Quincena invita a ocho personas de edades comprendidas entre 18 y 30 años (en las jornadas del 13, 23, 24 y 27 de agosto), y de entre 30 y 55 años (21, 23, 24 y 31 de agosto), para que acudan por primera vez a un concierto de música clásica. Hasta el momento, cerca de 200 personas han disfrutado de su primer contacto con este género. De esta manera, la cita se ha convertido en una referencia esencial, reforzando la imagen de San Sebastián como ciudad cultural.

Davinia Rodríguez

Davinia Rodríguez continúa desarrollando su carrera profesional con grandes éxitos en el extranjero. La soprano canaria regresará a Italia este verano para inaugurar el Festival de Spoleto encarnando el personaje de la Condesa en la obra maestra de Mozart Le nozze di Figaro. «Se trata de un personaje al que le tengo mucho cariño», afirma Davinia Rodríguez, «un papel que ya interpreté en Sassari en 2012 y al que me encanta poder regresar después de un período en el que he estado muy concentrada en mi nuevo repertorio, con papeles de mucha envergadura. Siempre es saludable para la voz volver a Mozart».

La cantante española acaba de obtener un gran éxito como Amelia de Simon Boccanegra en su debut en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona junto a Plácido Domingo. «Además se trató de unas funciones muy especiales, ya que Plácido celebraba los 50 años de su debut en España y para mí fue todo un honor acompañarle».

Más adelante le espera uno de los debuts más importantes en la carrera de toda soprano: el del personaje de Lady Macbeth del Macbeth verdiano, con el que inaugurará la temporada del Theater an der Wien en Viena (Austria), siempre junto a Plácido Domingo.

Info: http://www.daviniarodriguez.com

Idomeneo, Mozart

El Palau de les Arts de Valencia ha realizado una fuerte apuesta, al poner en escena con producción propia, una ópera de Mozart como Idomeneo, re di Creta, poco conocida del público español, a pesar de su altísima calidad musical, ya que se suele representar en muy contadas ocasiones, al menos en comparación con otros famosos títulos mozartianos como: Las bodas de Fígaro, Don Giovanni , Così fan tutte o La flauta mágica. Las cinco representaciones programadas de Idomeneo, han resultado todo un éxito, por la masiva asistencia de público, que ha aplaudido con fuerza al final de las mismas.

Mozart recibió en el verano de 1780, el encargo del elector Karl Theodor de Baviera, de componer una ópera seria escrita en italiano, que finalmente llevaría el título de Idomeneo, re di Creta, para ser estrenada en el carnaval de Munich de 1781. El abate Giambattista Varesco fue el encargado de elaborar el libreto, donde se narraba el drama mitológico del rey de Creta Idomeneo, a su regreso de combatir en la Guerra de Troya. El prolijo y extenso libreto elaborado por Varesco ofrecía a Mozart un amplio campo para escribir música, pero pronto empezó a tener dudas sobre su estructura dramática, teniendo que revisarlo a fondo, en un intento de adecuar al máximo texto y música. Mozart estaba especialmente interesado en mostrar los contrastes entre las dos parejas de interpretes femeninos y masculinos: la dulce y bondadosa Ilia, en contraposición con la malvada y manipuladora Elettra, con sus estallidos de odio, celos e ira; el vacilante Idomeneo en contraposición con la sinceridad e idealismo que siempre muestra su hijo Idamante. Mozart comenzó la composición de la partitura a fines del verano de 1780 y, una vez terminados los dos primeros actos, en noviembre de ese mismo año, marchó a Munich donde concluyó el tercer y último acto, que le costó un gran esfuerzo, con continuas revisiones, hasta muy poco antes del estreno en el Teatro de la Corte de Munich el 29 de enero de 1781. Mozart eliminó en ese estreno muniqués varias arias ya compuestas para el Acto III: de Idomeneo “Torna la pace al core”, de Idamante “No, la morte”, la muy compleja de Elettra “D’Oreste, d’Aiace”y la de Arbace (consejero de Idomeneo) “Se colà en fati è scrito”. En el estreno de Munich, también se incluía una brillante música de ballet.

Mozart realizó una revisión de Idomeneo que se presentó de forma privada el 13 de marzo de 1786 en el Palacio del príncipe Johans Adam Auersperg de Viena. Los cantantes eran todos aficionados y pertenecientes a la nobleza. En esa versión de Viena, el papel de Idamante lo cantaba un tenor, mientras que en la de Munich lo había hecho un castrato. Mozart introdujo algunas modificaciones en la partitura: la escena de Idomeneo y Arbace en el comienzo del Acto II, es cambiada por otra donde intervienen Ilia e Idamante. En el Acto III, se incluye un nuevo dúo de Ilia e Idamante, que sustituye al escrito para el estreno de Munich.

Idomeneo cayó en el más profundo de los olvidos, y su recuperación se produjo en el Festival de Glyndebourne de 1951, con una serie de representaciones dirigidas por Fritz Busch, siendo su ayudante John Pritchard, quien se convierte en el gran avalista de esta ópera, que dirigirá en muchas ocasiones, fundamentalmente la Versión de Viena: puede escucharse el Idomeneo grabado en estudio, en 1956, con John Pritchard al frente de la Orquesta del Festival de Glyndebourne, e interpretada por Sena Jurinac (Ilia), Leopold Simoneau (Idamante), Richard Lewis (Idomeneo) y Lucilla Udovick (Elettra). También, con dirección de Pritchard, existe una toma en directo realizada en el Festival de Glyndebourne de 1964, con el Idamante, muy bien cantado por un joven Luciano Pavarotti, junto a Gundula Janowiz (Ilia), Richard Lewis (Idomeneo) y la soprano catalana Enriqueta Tarrés como Elettra. Ya, a partir de los años setenta del pasado siglo, se empezó a representar, fundamentalmente, la “Versión de Munich”, donde el papel de Idamante es cantado por una mezzo lírica. Esta es la versión que ha podido escucharse en Valencia, con la inclusión de la dificilísima aria de Elettra del Acto III “D’Oreste, d’Aiace”, que como ya se ha indicado fue suprimida por Mozart en el estreno de Munich.

Esta nueva producción de Idomeneo realizada por el Palau de les Arts, tiene como director escénico y escenógrafo a su actual Intendente Davide Livermore, quien realiza una propuesta escénica de fuerte componente visual, que se manifiesta desde el mismo comienzo de la ópera, cuando se está ejecutando la obertura, mostrándose al mismo tiempo, la imagen del rostro partido de una estatua, que se va convirtiendo en la cara de un Idomeneo, que envejece con gran rapidez, y en uno de cuyos ojos se adentra la cámara para mostrar a un astronauta vagando por el espacio (claramente inspirada en la famosa película 2001, una odisea del espacio de Stanley Kubrick) para, seguidamente, mostrarse otra imagen en cuyo fondo aparece una plataforma de lanzamiento espacial, y en un primer plano, la figura de Idomeneo despidiéndose de un niño ¡su hijo Idamante! Esta serie de imágenes coinciden con la ejecución de la obertura de la ópera, y ello -es una opinión personal- puede distraer al espectador de concentrarse en la audición de la brillante música que se está interpretando.

Esa fuerte componente visual se mantiene durante toda la representación, con proyecciones, un tanto reiterativas, de un mar en calma, o embravecido con grandes olas que rompen contra acantilados y llegan a una playa, que tiene su continuación en el propio escenario, con una lámina agua presente durante toda la representación. La escenografía se completa con plataformas metálicas que se transforman en pasarelas donde deambulan personajes como Elettra, o esos modernos atriles utilizados por Idamante e Idomeneo para dirigirse a sus súbditos.

La estética de 2001, una odisea del espacio, vuelve a estar presente en la parte final de la ópera: en primer lugar, cuando se escucha la voz del Oráculo y aparece una elegante sala dieciochesca, que vuelve a verse en el momento final de la ópera, ya con toda la simbología utilizada por Kubrick en su película: el monolito, las bolsas fetales y un personaje que avanza hacia Idomeneo para ambos fundirse en un mortal abrazo. Aunque, en realidad, Idomeneo no muere en la historia, solamente abdica en favor de su hijo Idamante. La acertada iluminación creada por Antonio Castro, produce bellos efectos que aumentan el atractivo visual escénico.

Resaltar la labor de Mariana Fracasso como diseñadora de un variopinto e intemporal vestuario, que incluye trajes espaciales, vestimentas de míticos guerreros griegos, en contraposición con modernos uniformes de soldados y policías. Y, en el caso de Elettra, el suntuoso modelo que exhibe en su entrada escénica, en comparación con ese otro vestido con minifalda y botas que utiliza en el Acto II.

Pero, la parte esencial de Idomeneo es su brillantísima música, servida por un suntuoso entramado orquestal. Aquí tuvo una muy destacada actuación Fabio Biondi al frente de la Orquesta de la Comunidad Valenciana, que volvió a demostrar su gran calidad ya desde la misma ejecución de la obertura, con el espléndido sonido de la cuerda elaborando un tema que asemeja el violento oleaje marino, y que reaparecerá de manera recurrente en diferentes momentos de la ópera. Gran labor de Biondi en los recitativos: muchos de ellos con acompañamiento orquestal que los convierten en auténticos ariosos. El sonido orquestal luce de sobremanera en las brillantes marchas y en sus diversas intervenciones junto al coro, sobre todo, en el intermedio de los dos primeros actos, en el imponente final del Acto II, y el conclusivo de la ópera. Resaltar la labor concertadora de Fabio Biondi, ya que la orquesta no se limita a subrayar y complementar a las voces, sino ir por encima y por delante de ellas. Finalmente, señalar la gran actuación orquestal en la ejecución de la brillante música de ballet (Chaconne), que cierra la representación, así como de otro pequeño ballet: “Il ballo delle donne cretesi”, que en esta producción se interpreta al reanudarse la representación, después de intermedio que se produce, durante el Acto II, al concluir el aria de Idomeneo “Fuor del mar”.

Destacada actuación de Gregory Kunde como Idomeneo, que ya se pone de manifiesto en su entrada escénica, en el Acto I, con el recitativo “Eccoci salvi alfine” seguido del aria “Vendromi intorno” muy bien cantada, alternando momentos de intenso lirismo con otros llenos de bravos acentos. Magnífica resulta su actuación en la preciosa cavatina con coro, marcada por sonido de la cuerda en pizzicato “Acogli, oh re del mar” perteneciente al Acto III, o en ese cálido discurso final “Popoli, a voi l’ultima legge”. Kunde afronta de manera notable la famosa aria del Acto II “Fuor del mar”, sobre todo en los pasajes que requieren un canto lleno de bravura, o luciendo su magnífico registro agudo en la escala ascendente con la que finaliza el aria, donde emite un si natural seguido de un do4. Tiene ciertas dificultades en los pasajes profusamente adornados que salpican este aria y que requieren una gran agilidad vocal. La joven soprano brasileña Lina Mendes, resulta excesivamente ligera en su papel de la princesa troyana Ilia, aunque ofrece su agradable timbre, junto a una buena proyección y excelente dominio de las agilidades; y, ello se puso de manifiesto, en cada una de sus líricas intervenciones: en el mismo arranque de la ópera, al interpretar con expresividad y delicados acentos “Padre, germani, addio”. Mostrando una excelente línea de canto en su aria del Acto II, “Se il padre perdei”. Su mejor momento se produce al afrontar la preciosa y delicada aria “Zeffirelli lusinghieri” del Acto III. En el papel de Idamante, la veterana mezzo Monica Bacelli, mostró un alto grado de expresividad, aunque la voz resultaba pequeña y con poca proyección, y ello se hace ostensible en sus dúos con la Ilia de Lina Mendes. Solo correcta resultó su interpretación de la primera de sus arias del Acto I “Non ho colpa, e mi condani”, mejorando su actuación en la segunda “Il padre adorato”, cantada con fuertes acentos marcados por el ritmo vertiginoso de la orquesta. Bacelli consiguió sus mejores momentos en el recitativo-dúo con Idomeneo del Acto III “Padre, mio caro padre”.

Elettra es el personaje de mejor definición dramática de toda la obra, y encontró una excelente interprete en la soprano valenciana Carmen Romeu, de bella y rotunda voz, muy bien manejada. Realizó una gran actuación, llena de teatralidad en su gran escena del Acto I, que arranca con el recitativo “Estinto è Idomeneo”, cuyo acompañamiento orquestal le da un carácter de arioso, con un canto lleno de furia y crispación, cuyo tono va in crescendo en el aria llena de dificultad “Tutte nel cor vi sento”, resolviendo con pericia los saltos de octava y con excelente dominio de las agilidades. Ya en el Acto II, su voz mostró cálidos acentos en el recitativo-aria “Chi mai del mio provo piacer piu dolce……Idol mio, se ritroso”, con una bella música en forma de danza, donde la cantante mostró un fraseo lleno de intencionalidad, en una perfecta simbiosis con la música orquestal. La actuación de Carmen Romeu tuvo su momento culminante en el aria “D’Oreste, d’Aiace” del Acto III, donde volvió a ofrecer ese canto salvaje y enloquecido del Acto I, dominando una endiablada coloratura, con muy complejas inflexiones vocales, donde mostró un amplio fiato. Algunos agudos un tanto tirantes no empañaron la excelente actuación la soprano valenciana.

Esta ópera contiene dos páginas de bella factura: el terceto del Acto II “Pria di partir, oh Dio” donde intervienen Idomeneo, Idamante y Elettra, junto al cuarteto del Acto del Acto III “Andrò ramingo e solo”, cantado por Idomeneo, Idamante, Ilia y Elettra, bien resuelto en ambos casos por los cantantes, aunque con desequilibrio entre las voces grandes de Gregory Kunde y Carmen Romeu en comparación con las más pequeñas de Lina Mendes y Monica Bacelli. Emmanuelle Faraldo en el papel de Arbace, mostró en su aria del Acto II “Se il tuo duol”, una voz en exceso ligera y de feo timbre, aunque con facilidad en el registro agudo. Las actuaciones de Alejandro López y Michael Borth, interpretando respectivamente La Voz y el Gran Sacerdote de Nettuno, no pasaron de discretas.

Gran actuación del Coro de la Generalitad en sus numerosas intervenciones: en el Acto I “Godiam la pace” de marcado tono festivo y “Pieta! Numi pietà!” con hermosísimos efectos al dividirse el coro en dos partes que producen sonidos cercanos y lejanos. Ya en el Acto II, el bellísimo “Placido è il mare” y los imponentes “Qual nuovo terrore” y “Corriamo, fuggiamo». En el Acto III, el impresionante “Oh voto tremendo” y el conclusivo de la ópera “Scenda Amor, scenda Imeneo”, con magnífica concatenación de coro y orquesta. La actuación del Ballet de la Generalitad en la “Chaconne” que cierra la representación, quedó algo deslucida, al tener sus componentes que bailar, con evidentes dificultades, sobre la lámina de agua existente en el escenario.

Estas representaciones de Idomeneo se han dedicado a la memoria del director Nikolaus Harnoncourt, recientemente fallecido, y gran estudioso de esta partitura.

Por Diego Manuel García Pérez

IDOMENEO, RE DI CRETA
Wolfgang Amadeus Mozart
Dramma per música en tres actos, K 366
Libreto de Giambattista Varesco, adaptado de un texto francés de Antoine Danchet
Estreno: Múnich, 29 enero 1781,
Residenztheater Edición: Alkor Edition Kassel GmbH
D. musical: Fabio Biondi
Dirección de escena y escenografía: Davide Livermore
Vestuario: Mariana Fracasso
Iluminación: Antonio Castro
Videocreación: D-WOK
Coreografía: Leonardo Santos
Nueva producción Palau de les Arts Reina Sofía
Ballet de la Generalitat
Cor de la Generalitat Valenciana
Francesc Perales, director
Orquestra de la Comunitat Valenciana
Reparto: Gregory Kunde, Monica Bacelli, Lina Mendes,
Carmen Romeu, Emmanuel Faraldo, Michael Borth
y Alejandro López

Mapping del Teatro Real de Madrid

El próximo fin de semana se celebrarán los Días Europeos de la Ópera. El Teatro Real ha querido sumarse este año a las conmemoraciones desde su lado más innovador,  el uso de las nuevas tecnologías para la difusión del arte, la cultura y, sobre todo, la música. Así, desde el viernes 6 y hasta el próximo domingo 8 de mayo,  la plataforma de retransmisión online del Teatro Real, Palco Digital (www.palcodigital.com) tendrá acceso gratuito y pondrá a disposición de todos los públicos los títulos de su videoteca.

El Teatro Real se ha convertido en una de las instituciones más destacadas del mundo de la lírica en el plano tecnológico gracias a un equipamiento audiovisual de alta calidad, su adhesión a los proyectos de grabación y transmisión de espectáculos musicales a través de todos los canales a su alcance (web, televisión, cine…) y una exigente política de producción audiovisual. El pasado mes de abril, el Teatro Real se convertía en uno de los primeros teatros de ópera de Europa en utilizar la realización 4K para la grabación y emisión de una ópera.

Hace justo un año, el 8 de mayo, nacía en el Teatro Real The Opera Platform, una plataforma completamente dedicada a la ópera de acceso libre, rico en información, con actuaciones completas y extractos de ópera, sinopsis y material histórico, entrevistas con artistas y documentales backstage, a través del enlace www.theoperaplatform.eu.

El Teatro Real, a través del Google Cultural Institute, cuenta también con una exposición online  que permite realizar un paseo virtual por las entrañas del Teatro y acceder tanto a las zonas públicas como a las técnicas, para conocer en detalle lo que sucede en los talleres, espacios escénicos y mucho más. Así, el público que visite este espacio puede acceder a exposiciones virtuales que permitirán conocer su historia, el edificio en detalle y su proyecto cultural y artístico www.google.com/culturalinstitute/u/0/collection/teatro-real?hl=es.

Uno de los principales atractivos para aficionados y curiosos es el de acceder, por primera vez y con un sólo clic, a un visita virtual que explora gran parte de los 65.000m cuadrados del edificio, gracias a la tecnología Street View de Google, que captura imágenes 360º de alta calidad y ofrece experiencias online como si fueran la realidad misma.

Adjuntamos imágenes de algunos de los títulos disponibles en Palco Digital, todas ellas de  @Javier del Real/Teatro Real

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COSÌ FAN TUTTE (W.A. Mozart)

Director musical: Sylvain Cambreling

Director de escena: Michael Haneke

Reparto: Fiordiligi, Anett Fritsch; Dorabella, Paola Gardina; Guglielmo, Andreas Wolf; Ferrando, Juan Francisco Gatell; Despina, Kerstin Avemo;Don Alfonso, William Shimell 

J36

LA TRAVIATA (G. Verdi)

Director musical: Jesús López Cobos

Director de escena: Pier Luigi Pizzi

Reparto: Violetta Valery, Norah Amsellem; Alfredo Germont, José Bros; Giorgio Germont, Renato Bruson

1563

IOLANTA (P.I. Tchaikovski)

Director musical: Teodor Currentzis

Director de escena: Peter Sellars

Reparto: Iolanta, Ekaterina Scherbachenko; Robert, Alexej Markov; Conde Vaudémont, Pavel Cernoch,; Ibn-Hakia, Willard White. 

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LUISA FERNANDA (F. Moreno Torroba)

Director musical: Jesús López Cobos

Director de escena y diseñador de elementos escénicos: Emilio Sagi

Reparto: Luisa Fernanda, Nancy Herrera; Vidal, Plácido Domingo; Javier Moreno, José Bros, y La duquesa Carolina, Mariola Cantarero

Idomeneo

El Palau de les Arts Reina Sofía estrena el próximo 21 de abril “Idomeneo”, de Mozart, “un viaje del hombre hacia el interior de su alma”, como ha señalado el Intendente y director de escena de esta producción, Davide Livermore, en conferencia de prensa.

Davide Livermore incardina este título en la apuesta por diversificar y ampliar el relato artístico de Les Arts, después de la excelente acogida de la ópera de Mozart con títulos como “Don Giovanni”, “Le nozze di Figaro”, “Così fan tutte” o “Die Zauberflöte” (“La flauta mágica”) en sus montajes tanto en la Sala Principal como en el Teatro Martín i Soler desde la primera Temporada del teatro.

La primera nueva producción de Les Arts en 2016 cuenta con escenografía del propio Davide Livermore, vestuario de Mariana Fracasso, iluminación de Antonio Castro, videocreación de D-WOK y coreografía de Leonardo Santos, que ejecuta el Ballet de la Generalitat.

Livermore se ha inspirado en un conjunto de simbolismos que responden a tres preguntas que plantea la obra: “quién es Dios, dónde está el hombre y quién es el monstruo”.

Según explica el ‘regista’ turinés, “Mozart compone una obra profundamente masónica, en una época en que la masonería aportó conceptos fundamentales en el desarrollo del hombre, como libertad, fraternidad e igualdad”.

“Cuando Mozart da voz a Neptuno –prosigue Livermore- está hablando de un dios arcaico que dice al hombre: Idomeneo, tú te salvarás pero para ello tendrás que sacrificar a tu hijo. Es una lectura iluminista porque el único que puede salvar al hombre es el propio hombre. El hombre puede ser a la vez un dios y un monstruo, somos capaces de acciones crueles y también tenemos la capacidad de cambiar”.

La dirección escénica propone una contextualización contemporánea, con elementos y referencias a joyas cinematográficas como “2001 Una odisea del espacio”, de Stanley Kubrick, u otros largometrajes que desarrollan descubrimientos y acciones ‘on the road’. Todo ello, con una importante carga de efectos visuales, como el mar, la lluvia, la tormenta y el huracán… “es una superproducción con supermilagros en el presupuesto, ha señalado Livermore”.

Primera ópera de Fabio Biondi en la Sala Principal

Fabio Biondi debuta en la Sala Principal con su tercer Mozart en Les Arts. El director titular de la OCV dirigió por primera vez a la formación con “Davidde Penitente” en el Auditori, y recientemente, en la misma sala, con su “Sinfonía Júpiter”.

Para Biondi, “Idomeneo” es “la más deslumbrante de las partituras de Mozart a nivel de orquesta” y una “magnífica propuesta para la calidad de la OCV”. El maestro ha apuntado también que la inclusión de los ballets en el montaje, a cargo del Ballet de la Generalitat, permite, además “la confluencia de las fuerzas de Les Arts”.

“Era la primera ópera en su corazón”, ha proseguido Fabio Biondi, que asimismo ha explicado que habrá en el foso “un pianoforte y un clave, dos instrumentos de continuo, que galvanizan la operación en el sentido musicológico”.

Davide Livermore ha recordado que la dirección musical de la representación del 28 de abril recae en José Ramón Martín. Asistente a la dirección musical y clave de “Idomeneo”, el músico valenciano se estrena en el foso de la Sala Principal.

Ha sido maestro repertorista para Lorin Maazel, Zubin Mehta, Nicola Luisotti o Plácido Domingo, labor que ha compatibilizado con incursiones en la asistencia a la dirección musical de maestros como Roberto Abbado, Fabio Biondi, Riccardo Chailly, Ottavio Dantone u   en el centro de artes valenciano.

El centro de artes reúne a consolidadas estrellas, ascendentes intérpretes y jóvenes cantantes en “un reparto de máximo nivel y equilibrio”, en palabras de Davide Livermore.

Gregory Kunde protagoniza su segunda ópera en la X Temporada de Les Arts. El tenor estadounidense, “uno de los pilares del proyecto artístico del teatro”, como ha apuntado el Intendente, encarna el rol de Idomeneo.

Su papel permite al tenor usar la experiencia que ha tenido en esta vida, “pues aborda cuestiones muy frecuentes a alguien de mi edad, la relación con tu dios y tus hijos”.

La mezzosoprano Monica Bacelli, una de las grandes damas del repertorio mozartiano canta por primera vez en Les Arts. Premio Abbiati de la crítica italiana ha trabajado para los principales teatros italianos e internacionales con un repertorio que comprende desde la ópera barroca, Mozart, hasta la lírica francesa de los siglos XIX y XX.

El papel de Idamante, el hijo de Idomeneo, como ha matizado Bacelli, estaba escrito para los ‘castratti’, pero es muy frecuente que hoy en día recaiga en las mezzosopranos. Tras su paso por esta producción, la diva italiana, que ha cantado esta obra en numerosas ocasiones, “dice que ha trabajado en la profundidad del fraseo y de la expresión como nunca”.

Carmen Romeu, Premio Campoamor por su Musetta en “La Bohème” en 2012 en Valencia, regresa como Elettra. Artista con destacada trayectoria en los teatros españoles, es “una de las sopranos valencianas con mayor proyección internacional”, ha subrayado el Intendente de Les Arts.

Preguntada por su personaje, Romeu ha destacado que “en Elettra se pueden ver todas las miserias del ser humano, la música se torna tormentosa cada vez que aparece en escena. Es una mujer que vive en una fantasía, su único vínculo con la historia de “Idomeneo” es querer conseguir el poder a través del amor de Idamante. Es, sin duda, la antagonista de la ópera”.

La soprano Lina Mendes encarna a Ilia. Artista de la anterior promoción del Centre Plácido Domingo, la cantante brasileña interpreta su segundo papel en la Sala Principal tras su Musetta en “La Bohème” que inauguró la primera Pretemporada de Les Arts en 2015.

El reparto se completa con los actuales artistas del Centre Plácido Domingo Emmanuel Faraldo (Arbace), Michael Borth (Sumo Sacerdote) y Alejandro López (La voz).

El estreno de “Idomeneo” es el próximo 21 de abril. Las restantes funciones tendrán lugar los días 24 y 28 de este mismo mes, y el 1 y 4 de mayo.

Les Arts per a tots, entradas al 50%

Las localidades para “Idomeneo” oscilan entre los 15 y los 135 euros. En este sentido Les Arts recuerda que el próximo día 19 tendrá lugar una jornada de venta especial ‘Les Arts per a tots’, con descuentos del 50% para colectivos beneficiarios del programa ‘Un espacio para todos los públicos’: titulares del carnet Joven, ISIC, jubilados, personas en situación de desempleo, familias numerosas o ciudadanos con un grado de minusvalía superior al 33%.

El centro de artes recuerda también que mantiene el descuento “Last Minute” para este título, con una rebaja del 50% sobre el precio de todas las localidades en compras efectuadas 2 horas antes del inicio de la función el mismo día de representación, de lunes a viernes, y 1 hora antes los sábados, domingos y festivos.

Una mañana con ‘Idomeneo’

El domingo, 17 de abril, a las 12.00 h, Les Arts propone su primera actividad orientada al público familiar e intergeneracional: “Una mañana con Idomeneo”, un taller práctico que explica a jóvenes y no tan jóvenes el proceso de construcción de un montaje operístico desde el corazón del teatro, el escenario de la Sala Principal. La duración prevista es de 1 hora y 45 minutos.

El precio de las entradas es de 15 euros para el público general, 12 para abonados y 7 euros para jóvenes hasta 20 años. Como principal novedad Les Arts introduce la tarifa Mentor (10 euros) para quienes acompañen a un joven de su entorno en esta actividad.

Los asistentes a “Una mañana con Idomeneo” se beneficiarán de un descuento del 50% en la compra de localidades para esta ópera que se estrena el próximo 21 de abril.

Además los participantes en esta actividad, si realizan reserva previa, pueden disfrutar de un menú especial en el restaurante “Contrapunto” por 20 euros presentando su localidad de “Una mañana con Idomeneo”.

Sobre “Idomeneo”

Estrenada el 28 de enero de 1781 en el Residenztheater de Múnich, dos días después de que Mozart cumpliera 25 años, “Idomeneo” fue un encargo de Carlos Teodoro, duque de Baviera, para el carnaval de la capital bávara.

Giambattista Varesco, sacerdote de la corte de Salzburgo, se responsabilizó de la elaboración del texto –a partir de la tragedia lírica francesa “Idoménée”, de Antoine Danchet, con música de André Campra, al que dotó de un final feliz para cumplir con la tradición imperante en aquella época.

La trama narra el retorno de Idomeneo, rey de Creta, de la Guerra de Troya. En la travesía, sus barcos se enfrentan a una terrible tormenta. Idomeneo pide el favor del dios Neptuno para que salve su flota, a cambio sacrificará al primer ser que se encuentre al llegar Creta, que, para su desgracia, será su hijo Idamante.

Palau les Arts

Roberto Abbado y Fabio Biondi, directores musicales del Palau de les Arts Reina Sofía, comparten el podio en el Concierto Abbado-Biondi que acoge el Auditori el 7 de abril con obras de Mozart, Beethoven y Vitali.

Según ha explicado el Intendente Davide Livermore en conferencia de prensa, se trata de una propuesta inédita para ambos maestros, además de una muestra del funcionamiento de la doble titularidad de la Orquestra de la Comunitat Valenciana que ostentan Roberto Abbado y Fabio Biondi desde su nombramiento en 2015.

“Sé que hubo dudas cuando presenté una dirección musical compartida, pero a falta de dos títulos –Idomeneo, de Mozart, en el caso de Fabio Biondi, y A Midsummer Night’s Dream, de Britten, para Roberto Abbado- el éxito de los dos maestros con la formación titular de Les Arts es una realidad innegable”, ha señalado Livermore.

Antes de cederles la palabra, el Intendente les ha agradecido también su compromiso con Les Arts y sus propuestas, cuerpos estables y excelencias: el Cor de la Generalitat Valenciana, la OCV y el Centre Plácido Domingo.

Según ha indicado Roberto Abbado, el concierto se divide en tres partes. Comienza con Fabio Biondi en el podio con la Sinfonía número 41 en Do mayor, ‘Júpiter’ de Mozart. Tras el descanso, Roberto Abbado ofrece la Quinta sinfonía de Beethoven. Cierra la velada la Ciaccona para violín, órgano y cuerda de Tomaso Antonio Vitali en la orquestación de Ottorino Respighi con Fabio Biondi como solista y Roberto Abbado como director.

Se trata de dos grandes obras del repertorio sinfónico -como ha recordado Abbado- que tienen como clausura una pieza de gran profundidad y espiritualidad “con sabor a principios del S. XX y la estética decadentista predominante”.

Según ha abundado Fabio Biondi, supone también un punto de encuentro entre los repertorios de ambos maestros, pues “se trata una mirada a cómo se ha desarrollado el interés por el Barroco a finales del S. XIX”.

La Cicaccona, ha apuntado Biondi, es una obra que se conoce en 1860 con la publicación de las sonatas de Vitali y de la que el Respighi violinista se enamora y finalmente orquesta en 1908. El compositor italiano, miembro de la ‘generazione dell’Ottanta’”, fue uno de los motores primarios en la recuperación de la música barroca.

Teatro Real

El Teatro Real se prepara para un nuevo estreno de su temporada más familiar, con la puesta en escena de La flauta encantada, un espectáculo creado a partir de La flauta mágica, de W.A. Mozart, en el que los más pequeños de la casa disfrutarán con las aventuras y la música de una de las óperas más conocidas del compositor alemán, los días 27 y 28 de febrero y 5 y 6 de marzo, en sesiones dobles, a las 12.00 y a las 17.00h.

Para llevar a cabo este proyecto, en el que el video, la música y la palabra se integran creando una atmósfera mágica, el Teatro Real ha contado con un equipo artístico encabezado por la polifacética actriz Pilar Massa, responsable del guión, la puesta en escena y la creación videográfica, cuya interpretación es la columna vertebral de este “cuento”. Pilar relata las peripecias de Tamino y Papageno en busca de la princesa Pamina, representados en los coloristas dibujos de Ximena Maier.

El espectáculo transita a través de los momentos musicales más conocidos de La flauta mágica, entre la obertura y un originalísimo final, versionados por el quinteto de cuerda Wiener Kammersymphonie, en directo, con dirección musical de Sergio Mastro. Se suceden, a lo largo de una hora, algunas de las arias más famosas de la ópera de Mozart, que sirven de guía “para que la Reina de la Noche recuerde la historia de esta Flauta encantada tal y como ‘suena’. Su música tiene tanta emoción que las fieras del bosque, los niños, y hasta la Reina de la Noche se acercan a escucharla como por encantamiento”, tal y como nos describe la guía didáctica del espectáculo.

El Programa Pedagógico de La flauta encantada cuenta con el patrocinio de La Caixa y con el apoyo del Banco de España.

Más información en la guía didáctica del espectáculo, disponible en la web del Teatro Real, con acceso libre y gratuito.

La flauta encantada

Espectáculo musical con proyecciones

Nueva producción en el Teatro Real

INTÉRPRETES

Wiener Kammersymphonie (Quinteto de Viena)

Dirección Musical: Sergio Mastro

Guión, puesta en escena e interpretación: Pilar Massa

Diseño de dibujos: Ximena Maier

Diseño de luces: Paco Ariza

Edición de proyecciones: Insuel SL

Duración:  60 minutos aproximadamente

Público preferente: a partir de 4 años

Teatro Real. Sala Gayarre

*Entradas agotadas para todas las funciones, todos los días

Flauta mágica

Acreditado está que las situaciones más críticas extraen de cada persona su “yo” más extraordinario. Trasladada esta teoría a un genio como Mozart y mezcladas con sus ideales masónicos, el resultado es una de las más sublimes obras de arte de la música. Una obra que, lejos de ser un cuento para niños, navega en los sueños más profundos de la ilustración.

Con La flauta mágica Mozart elevó el Singspiel, la música más popular, a su máxima expresión. Estrenada en 1791 en el Theater auf der Wieden, un teatro de segunda de la ciudad de Viena, la composición resultó ser una obra maestra. Con libreto de Emanuel Schikaneder, amigo de Mozart y masón como él, e influenciados ambos por los vientos de cambio que llegaban de Francia, crearon una obra llena de dualidades. El tránsito entre la oscuridad que representan las ideas religiosas, y la luz de los nuevos ideales de la ilustración del siglo XVIII.

Partiendo de este concepto general que La flauta mágica representa, Barrie Kosky y Suzanne Andrade han sabido captar magistralmente la esencia de la ópera del compositor alemán. Del mismo modo que Mozart recupera el Singspiel como forma más popular e inteligible de llegar al público de los suburbios de Viena, Barrie Kosky recurre a otro método también popular e inteligible como es el cine mudo. La compañía de Teatro 1927, acostumbrada a trabajar con las claves del relato fílmico, fue la inicialmente encargada de transformar esta obra en magia cinematográfica. Una perfecta recodificación con las mismas claves operísticas que llevaron a su composición y que harían que Mozart disfrutara al máximo esta producción.

No es fácil sorprender al público con una ópera tantas veces representada, pero es ahí donde reside el éxito de esta versión de Barrie Kosky. Mantiene siempre el interés del público.

La escenografía no existe. Es sustituida por una gran pantalla donde se proyectan animaciones con las que los cantantes-actores interactúan en un engranaje milimétricamente perfecto evocando el cine mudo de los años 20. Los recitativos, de los que en tantas producciones de esta ópera se prescinde, en esta son sustituidos por la proyección de un conciso texto que los cantantes interpretan mímicamente. A esos textos pone música un piano, que hace las veces de continuo, interpretando las Fantasías en Do menor y en Re menor del propio Mozart. El resultado no puede ser más seductor. Magnífica la agudeza de quien ha sabido integrar todos estos complejos elementos y cuya consecuencia es la sencillez más estimulante. La disposición de la pantalla en el escenario facilita la proyección de las voces por su cercanía al foso.

El único pero en esta producción puede ser su exceso de protagonismo. El espectáculo es tan intenso que puede distraer de las voces o incluso la música.

El cuadro de cantantes tiene una importante cualidad, el equilibrio. Dos potentes repartos en los que hay que destacar que 13 de ellos son españoles. Y como muy bien dijo Joan Mataboch, “están aquí no por españoles, sino por extraordinarios cantantes”.

El reparto brilló más en conjunto, pero también hubo muy buenas individualidades. El debutante en el Real Joel Prieto, como Tamino, fue de los más destacados. Su hermoso timbre, lleno de tersura, se suma a una elegante y homogénea línea de canto, perfecta dicción, notable volumen y gusto en la interpretación. Sobre todo en el aria “Dies Bildnis ist bezaubernd schön”.

La inglesa Sophie Bevan, ejerció de Pamina-Louise Brooks con soltura. Fue de menos a más y regaló al público una sentida “ach, ich fühl´s”.

Otro destacado de la noche fue el barítono Joan Martín-Royo, interpretando un Papageno-Buster Keaton de gran comicidad, sin caer nunca en la exageración. Una voz amplia y fresca, con un perfecto fraseo, llenó de acertada intención todas sus intervenciones.

Christof Fischesser, en su doble papel de Sarastro y orador, sorprendió por su timbre y tesitura. Una voz extensa y redonda, alcanzando unos graves oscuros y consistentes. No alcanza las tesituras abisales de los bajos de otra época, pero tampoco es habitual ya escuchar graves profundos.

Mikeldi Atxalandabaso, como Monostatos-Nosferatu, fue otra agradable sorpresa. Tuvo una brillante interpretación interactuando con las imágenes de manera magistral y divertida. Una voz caudalosa y brillante que imprimió un acentuado carácter al personaje.

La gaditana Ruth Rosique nos dejó con la miel en los labios pues su papel de Papagena no da para más. Su pizpireta interpretación estuvo a gran altura y esperamos volver a escucharla pronto en un papel más extenso.

La soprano de Macedonia Ana Durlovski interpretó a una malvada Reina de la noche caracterizada de gran araña. Fue la más aplaudida, como lo es casi siempre este personaje. Sus cualidades pirotécnicas para interpretar sus dos arias son innegables. Mejor la segunda que la primera. Pero en ambas le faltó emoción. Sus sobreagudos fueron endiabladamente ágiles.

Muy bien las tres Damas, interpretadas por Elena Copons, Gemma Coma-Alabert y Nadine Weissmann. Dan vida a unas Damas llenas de carisma y simpatía que en lo vocal estuvieron a la altura del potente reparto.

Si hay un “personaje” que es siempre una garantía en sus interpretaciones, tanto en el empaste, la homogeneidad y la expresividad, ese es, sin duda, el Coro del Teatro. Impecable.

Ivor Bolton desde el foso estuvo toda la noche muy inspirado. Posee una especial sensibilidad para este tipo de repertorio. Su entusiasmo dirigiendo contagia a la Orquesta. Pendiente de los cantantes les dirigía incluso vocalizando sus textos. Se notó una notable presencia de las trompetas, al gusto de la obra y también del director, pero que en algún momento eclipsaron la sutil interpretación del resto de instrumentos.

Sin duda esta flauta mágica ha sido, hasta el momento, lo mejor de la temporada. También ha sido acertada la política de captación de nuevos públicos invitando a los ensayos a jóvenes y niños. Energía estimulante que nos lleva al Teatro como quien acude a un templo.

La flauta mágica
(Die Zauberflöte)
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
Singspiel en dos actos
Libreto de Emanuel Schikaneder
Producción de la Komische Oper de Berlín
D. musical: Ivor Bolton
Directores de escena: Suzanne Andrade, Barrie Kosky
Concepto: 1927 (Suzanne Andrade, Paul Barrit),Barrie Kosky
Escenografía y figuración: Esther Bialas
Iluminador: Diego Leetz
D. coro: Andrés Máspero
D. pequeños cantores: Ana González
Reparto: Christof Fischesser, Joel Prieto, Ana Durlovski, Sophie Bevan, Joan Martín-Royo, Mikeldi Atxalandabaso,
Ruth Rosique, Elena Copons, Gemma Coma-Alabert,
Nadine Weissmann, Catalina Peláez, Celia Martos,
Patricia Ginés, Airam Hernández, David Sánchez,
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real,
Pequeños Cantores de la ORCAM

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real
Vídeos: Teatro Real

Heras-Casado

El director granadino Pablo Heras-Casado (Granada, 1977) debutará el 30 de enero 2016 con la Filarmónica de Viena dentro de la programación de la Semana de Mozart en Salzburgo (Mozartwoche). Se presentará con un repertorio dedicado a Mendelssohn – Bartholdy como el primer español que lo hace frente a la orquesta en la historia, después de que Plácido Domingo la dirigiera en un Concierto para Europa en los jardines de Schönbrunn hace diez años. Heras-Casado es un invitado habitual de la fiesta que se celebra en la cuna del genio austriaco, donde previamente (hoy día 26) dirigirá también la Camerata Salzburg.

Antes de su debut con la Filarmónica, el músico andaluz actuó junto a la Sinfónica de Viena en el Concierto de Año Nuevo con la Novena de Beethoven, donde se presentó los días 30 y 31 de diciembre y el primero de enero en la capital austriaca. Al tiempo, acaba de aparecer en el sello harmonia mundi su último disco con la Tercera y Cuarta Sinfonías de Mendelssohn.

Considerado el director de orquesta del año 2014, según Musical America, Pablo Heras-Casado, disfruta de una inusual y variada carrera que abarca desde la gran música sinfónica hasta el repertorio operístico, alternando interpretaciones bien fundadas históricamente y partituras de vanguardia. Fue nombrado Director Principal de la Orquesta de St. Luke’s de Nueva York en la temporada de 2012/13, así como Principal Director Invitado del Teatro Real de Madrid en 2014.
Heras-Casado es un invitado habitual de las orquestas sinfónicas de Chicago y San Francisco, la Filarmónica de Los Ángeles,la Orquesta Estatal de Berlín, la Orquesta Filarmónica de Múnich, la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, la Orquesta Mariinsky y la Ópera Metropolitana.

En 2015/16 regresó a la Orquesta Philharmonia, la Sinfónica de Londres, la de la Academia Nacional de Santa Cecilia y la Filarmónica de Rotterdam. Hizo su debut con la Orquesta de Filadelfia, la Filarmónica de Israel y la Sinfónica de Viena; continuó colaborando con el Ensemble Intercontemporain parisino, la Orquesta Barroca de Friburgo y el Balthasar Neumann Chor & Ensemble. Aparece regularmente en el Mozarteum de Salzburgo, donde es invitado cada año para la Mozartwoche.
Sus proyectos de ópera para esta temporada incluyen Rigoletto en la Ópera Metropolitana de Nueva York (Octubre/Noviembre 2015) además de I due Foscari en el Teatro Real en Julio 2016.

En temporadas anteriores ha dirigido la Orquesta del Gewandhaus de Leipzig, la Concertgebouw de Amsterdam, la Tonhalle-Orchester de Zúrich, la Filarmónica de Nueva York, la Sinfónica de Boston, la Orquesta de Cleveland y la Mahler Chamber. También ha estado presente en la Festspielhaus Baden-Baden, el Festival de Salzburgo y el de Aix-en-Provence, además de regresar regularmente al de Lucerna.

Heras-Casado graba con harmonia mundi, así como con Deutsche Grammophon’s Archiv Produktion, sello del cual es Embajador Archiv. Ha recibido numerosos premios por sus discos, incluyendo tres premios ECHO Klassic, un Preis der deutschen Schallplattenkritik, dos Diapason d’Or y un Grammy Latino.

Sus recientes lanzamientos con harmonia mundi incluyen Conciertos de Piano y Violín de Schumann, con Isabelle Faust y Alexander Melnikov. Según The New York Times se trata de una de las mejores grabaciones del año mientras que la Revista Forbes la colocó en su top 10. Además publicó las Sinfonías de Schubert Nos. 3 y 4 con la Orquesta Barroca de Friburgo y la Sinfonía No. 2 de Mendelssohn con la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera. Ha grabado un disco para Archiv con los trabajos de Jacob, Hieronymus y Michael Praetorius, y un álbum para conmemorar al legendario cantante castrato y maestro Farinelli. También ha aparecido en el lanzamiento de las arias de barítono de Verdi para Sony con Plácido Domingo y en un DVD de la Deutsche Grammophon del Elixir de Amor de Donizetti de la Festspielhaus Baden-Baden.

Pablo Heras-Casado posee la Medalla de Honor de la Fundación Rodríguez Acosta. En febrero de 2012 recibió la Medalla de Oro al Mérito del Ayuntamiento de Granada, su ciudad natal, de la cual es también un Embajador Honorario y este noviembre fue nombrado el hijo predilecto por la Diputación de Granada. En junio de 2014 se unió a la organización benéfica española Ayuda en Acción para apoyar la causa de la erradicación de la pobreza y la injusticia del mundo.

http://pabloherascasado.com

http://www.harrisonparrott.com/artist/profile/pablo-heras-casado

http://www.mozarteum.at/en/program-tickets.html?block=1970#1970

La flauta mágica

Entre los días 16 y 30 de enero el Teatro Real ofrecerá doce funciones de La flauta mágica, de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), en una producción procedente de la Komische Oper de Berlín, que desde su estreno en 2012 se ha presentado en varios teatros y festivales de manera casi ininterrumpida: Óperas de Los Ángeles y de Minnesota, Óperas de Düsseldorf y Duisburgo, Festivales de Edimburgo y de Sankt Poelten y una gira por las ciudades chinas de Cantón y Xiamen. Después de Madrid la producción seguirá su andadura por París y Barcelona.

El éxito de esta propuesta escénica y dramatúrgica radica en su enorme facilidad para comunicar con el público, su humor, su derroche de creatividad y los guiños cómplices al espectador a través de un universo visual tan conocido como el cine mudo de los años 20, en el que desfilan desde un galán tipo Rodolfo Valentino (Tamino) a una Pamina que recuerda a Louise Brooks en Lulu, o el Nosferatu evocado por la figura del malvado Monostatos. El inconfundible lenguaje corporal de Buster Keaton (Papageno) aflora en la gestualidad de muchos de los personajes en su diálogo con la pantalla, transformada en una escenografía virtual realizada con las más sofisticadas técnicas del cine de animación por Suzanne Andrade, Paul Barritt y su compañía 1927, creada por ambos en Londres en 2005.

La ausencia de un decorado tradicional propicia también la movilidad de la producción, que vive del talento actoral de los intérpretes, cuyos movimientos deben tener la frescura del gag y una precisión de relojería en su coordinación con la proyección de los dibujos de la pantalla.

Dos repartos corales -con Joel Prieto y Norman Reinhardt (Tamino), Sophie Bevan y Sylvia Schwartz (Pamina), Joan Martín-Royo y Gabriel Bermúdez (Papageno), Ana Durlovski y Kathryn Lewek (la Reina de la Noche), Christof Fischesser y Rafal Siwek (Sarastro) y Ruth Rosique (Papagena), entre otros- han trabajado meticulosamente bajo la dirección de Tobias Ribitzki, asistente de Barrie Kosky y encargado de todas las reposiciones de la producción.

En esta evocación del cine mudo los diálogos hablados de La flauta mágica aparecen proyectados en cartelas y acompañados al pianoforte por Luke Green, que interpretará fragmentos de la Fantasía en Do menor de Mozart.

En el foso estará el Director Musical del Teatro Real, Ivor Bolton, titular desde 2004 de la Orquesta del Mozarteum de Salzburgo, donde ha dedicado más de 10 años a la interpretación del repertorio clásico en la cuna del compositor. Bolton volverá a dirigir el Coro y Orquesta titulares del Teatro Real en uno de los títulos operísticos más populares, que se presentará por tercera vez en el reinaugurado Teatro Real después de haberlo hecho en enero de 2001 (Frans Brüggen / Marco Arturo Marelli) y julio de 2005 (Marc Minkowski / La Fura dels Baus).

Coincidiendo con las funciones de La flauta mágica el Teatro Real ha organizado una serie de actividades paralelas relacionadas con la ópera de Mozart y con el cine mudo de los años 20 que inspiró la dramaturgia y propuesta escénica de la producción que se verá en su escenario.

‘LA FLAUTA MÁGICA’

ACTIVIDADES PARALELAS

Círculo de Bellas Artes – Proyecciones

Ciclo de películas dedicado a Buster Keaton

http://www.circulobellasartes.com/ciclos-cine/generacion-keaton-3/

Coincidiendo con la representación en el Teatro Real de La flauta mágica con una escenografía y una puesta en escena tomada de Buster Keaton y de los pioneros de la comedia americana, el Cine Estudio realiza un amplio ciclo dedicado al slapstick. En él tienen cabida Buster Keaton, Charles Chaplin, Stan Laurel, Oliver Hardy y Fatty Arbuckle, pero también muchos cómicos (y cómicas) hoy olvidados que rescatamos para nuestros espectadores.
7 a 31 de enero.

Círculo de Bellas Artes – Cine Estudio

Filmoteca Española
La flauta mágica (Trollflöjten), de Ingmar Bergman, 1975

http://www.mecd.gob.es/cultura-mecd/areas-cultura/cine/mc/fe/cine-dore/programacion.html

Adaptación televisiva de la ópera de Mozart, desde la visión personal del director sueco.
21 y 31 de enero de 2016

Cine Doré

Los domingos de cámara

De Mozart a Wagner

Actividad paralela a La flauta mágica y La prohibición de amar

http://www.teatro-real.com/es/espectaculos/1976

Programa

Parte I

Serguéi Prokofiev: Sonata para dos violines en do mayor Op. 56
Richard Wagner / Karl Stiegler: Lohengrin – Fantasía para 8 trompas

Parte II

Wolfgang Amadeus Mozart: Quinteto para clarinete y cuerda en la mayor, K 581

Solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real

17 de enero, a las 12.00 h.

Teatro Real. Sala principal

¡Todos a la Gayarre! 

La flauta mágica
Cita con la Reina de la Noche y Papageno, en la que se interpretarán canciones,

 cuentos y juegos de muy distintos estilos.

http://www.teatro-real.com/es/espectaculos/1982

Taller concebido y presentado por Fernando Palacios

Con la participación del pianista Federico Lechner

17 de enero, a las 12.00 y a las 17.00 h.

Teatro Real. Sala Gayarre

Entrada por la calle Felipe V

Bejun Mehta

Che puro ciel es el título del recital que ha ofrecido el pasado 16 de diciembre el contratenor Bejun Mehta en el ciclo Grandes Voces del Teatro Real. También es el título de un aria de Orfeo de Gluck. Tristemente no la pudimos escuchar. Pero el repertorio que preparó para este recital y sobre todo, la música de la Akadamie für Alte Musik Berlin, colmaron con creces las expectativas del público que ocupaba no mucho más de la mitad del aforo del Teatro.

Una de las orquestas más prestigiosas de su género, la Akadamie für Alte Musik Berlin, dirigida por Elfa Rún Kristinsdóttir, interpretó con sus instrumento de época obras de Mozart, Bach y Hasse de manera exquisita. Alcanzó su culmen en la obertura de Ezio, de Adolph Hasse, que entusiasmó a un público ya entregado.

La elegancia de Bejun Mehta en sus interpretaciones le sitúa entre los mejores de su cuerda. Con obras de Gluck y Bach, Mehta se fue creciendo a medida que avanzó el recital. Sus mejores arias fueron las de la ópera Ezio, de Gluck. Brilló en las coloraturas, pero tuvieron mayor intención las obras dramáticas. El público, sin embargo, sigue prefiriendo el estrépito de la coloratura frente a la calma del aria dramática, mucho más elaborada y compleja.

Joel Prieto

El tenor de Puerto Rico Joel Prieto desembarca en Madrid con toda la ilusión que le depara debutar en su ciudad natal. Considerado como el más importante tenor mozartiano del momento, el cantante madrileño será el Príncipe Tamino en el Teatro Real los días 16, 19, 22, 24, 26, 28 y 30 de enero de 2016 en la aclamada producción de Barrie Kosky de La flauta mágica. Después de sus últimas actuaciones -Narraboth en la Salome de Richard Strauss en Lyon (Francia) y Timonel en El Holandés errante en la Staatsoper de Berlín (Alemania)-, Prieto vuelve a España tras su aplaudido regreso al Gran Teatre del Liceu barcelonés el curso pasado como Ferrando de Così fan tutte. En Madrid el joven ganador de Operalia actuará bajo la dirección de Ivor Bolton, con quien ya ha trabajado anteriormente: «Nos llevamos muy bien con el maestro y siempre nos da buenos consejos a los cantantes», afirma el tenor. «Además estaré junto al Papageno de Joan Martín Royo, a quien también conozco mucho, o sea que en el Real nos vamos a sentir como en casa».

Respecto de su debut madrileño, confiesa que está muy emocionado: «Me llena de alegría cantar en la ciudad en que nací y pasar un tiempo con mi familia española». El tenor debutó profesionalmente como Tamino en 2006 en la Deutsche Oper de Berlín, papel que retomó en 2011 para su debut en la Staatsoper Unter den Linden berlinesa y con el que regresó a ese mismo escenario en 2013 junto a estrellas como Anna Prohaska y René Pape. Saludado por su amplio dominio del repertorio mozartiano, es uno de los artistas más solicitados de su generación sobre todo desde que en 2008 ganara el prestigioso concurso Operalia creado y presidido por Plácido Domingo.

JD. Flórez

Un relajadísimo Juan Diego Flórez ofrecía el pasado 16 de noviembre un recital en el Teatro Real de Madrid. Un Real abarrotado, para el que no quedaban entradas desde hacía tiempo, recibió al tenor peruano con la ansiedad que solo produce una adicción.

El recital comenzó con tres canciones de Henri Dupartc que dedicó a las víctimas de los recientes atentados de París. Esta nueva incursión en el repertorio francés es una esperanzadora oportunidad de ampliar horizontes bocales.

La primera parte brilló con obras de Mozart como “Il mio tesoro”, de Don Giovanni, en la que hizo gala de un extraordinario fiato. Siguieron obras de Donizetti y Rossini. La segunda parte, algo más inconsistente, finalizó con un más que aceptable “T´amo qual s´ama”, de Lucrezia Borgia.
Regaló al público, a esas alturas ya enardecidamente entregado, cinco propinas. La primera, su ya célebre “Ah! mes amis” de La Fille du Régiment de Donizetti. Después, guitarra en mano, una canción popular peruana, “José Antonio”, magistralmente interpretada. Una simpática “Au Mont Ida”, de La bella Hélène, de Offenbach, «Una furtiva lagrima» de L´elisir d´amore de Donizetti, para terminar con “La donna e mobile”.

A una voz como la de Juan Diego Flórez y a un Teatro como el Real hay que exigirle un programa más exigente y equilibrado que el que nos han ofrecido. Se notaba cierta improvisación. También en la coordinación con el pianista Vincenzo Scalera, que subsanó, con maestría y unas poderosas tablas, las idas y venidas de Flórez en escena. Unas ausencias tal vez motivadas por la sequedad de los aires de Madrid, tan de moda últimamente, que le obligaron a utilizar un inhalador.

Posee sin duda uno de los mejores instrumentos de su cuerda. A su hermoso timbre se unen un fraseo perfecto, un brillo metálico en los agudos que multiplica los armónicos y un gusto exquisito en la interpretación. Aunque mucho más suelto y relajado que en otras ocasiones (se le ve feliz) sigue siendo la rigidez una de sus dificultades en escena. Su voz no es grande, pero si suficiente. Aunque fue necesario mantener el piano casi cerrado.

Seguimos esperando su participación en Madrid en una ópera representada. El éxito está ya asegurado.

Críticas