ópera Archives - Página 2 de 9

Los próximos días 22, 23 y 24 de octubre, el extraordinario bailarín y polifacético artista Carlos Acosta presentará en el Teatro Real su compañía, Acosta Danza, fundada en La Habana en 2015 con el objetivo de mostrar al mundo el nuevo talento artístico de Cuba, a través de un programa que aúna danza clásica, contemporánea y ritmos cubanos.

Carlos Acosta es un bailarín de leyenda. Su talento innato, unido a una extraordinaria capacidad física, y una trayectoria cimentada en el esfuerzo profesional y personal, han hecho de él uno de los mejores bailarines de su generación. Premios importantes, las compañías más prestigiosas del mundo y el Royal Ballet de Londres, donde ha desarrollado la mayor parte de su carrera como Primer Bailarín, son la carta de presentación de un hombre que nunca ha olvidado sus orígenes y el latido de la cultura de su país natal, donde la danza ocupa un destacado lugar.

Por esta razón, tras retirarse de la danza clásica, Carlos Acosta emprende la aventura de reunir a los mejores bailarines de Cuba para dar a conocer su talento y versatilidad en los grandes escenarios internacionales: Acosta Danza. Ahora, para su presentación en Madrid, la compañía ha seleccionado trabajos de coreógrafos cuyos trabajos han encontrado inspiración en el alma de la isla, en sus ritmos y en sus bailes.

Evolution abrirá la velada con la coreografía de Raúl Reinoso, Satori. En el budismo zen este vocablo se refiere a la iluminación espiritual; así, esta creación ilustra el viaje hacia lo interior desde varias escenas abstractas: las interrogantes iniciales, la búsqueda, los estancamientos, la derrota de los obstáculos y, finalmente, el instante del conocimiento, el hallazgo de la verdad, de la belleza, la luz.

Carlos Acosta asumirá la interpretación de Mermaid, creación del belga Sidi Larbi Cherkaoui para la compañía, sobre música de Woojae Park y Erik Satie. En ella, la danza contemporánea abraza a la clásica para contar la historia de una sirena, en la que el vestuario y la luz se apuntan como referencias fundamentales. Acosta volverá a bailar en la segunda parte del programa con la coreografía Two, de Russel Maliphant.

Con Paysage, soudain, la nuit, el coreógrafo sueco Pontus Lidberg, inspirado en la música tradicional cubana a través de la rumba y su raíces africanas, celebra la juventud, entre los atardeceres y el amanecer, tomando como punto de partida la partitura del compositor Leo Brouwer con la complicidad de la instalación artística Vientos (2017) de la cubana Elizabet Cerviño.

Y cerrará la noche Twelve, del español Jorge Crecis, una pieza de danza-deporte, en un universo regulado por complejas permutaciones matemáticas y gráficas, con un riesgo real que pone a prueba la resistencia física y mental de 12 bailarines que tienen que hacer lo imposible para lograr lo imposible. Twelve es una combinación de lógica, estética y emoción, un rompecabezas que juega con los conceptos de éxito y fracaso, riesgo y pragmatismo y que explora los límites del cuerpo humano. Twelve ha sido una recreación exclusiva para Acosta Danza a partir de la pieza 36 creada en 2011 para la compañía Edge y presentada en 2012 en la Royal Opera House de Londres.

Serán precisamente estas dos coreografías, Paysage, soudain, la nuit y Twelve, las protagonistas de la función familiar que, bajo el nombre Aprendiendo a volar, tendrá lugar la mañana del sábado 23 de octubre a las 12.00 horas. Su gran fuerza rítmica, luminosa expresión y creatividad atraparán a los más jóvenes. La sesión contará con la participación especial de Carlos Acosta, en un encuentro con el público, en el que desvelará los secretos de la danza respondiendo a las preguntas de los asistentes, entre una y otra coreografía.

Para coordinar esta acción, los espectadores podrán enviar sus cuestiones sobre el mundo de la danza a través de un formulario disponible en la web hasta el viernes 22 a las 12.00 h. De entre todas las preguntas se realizará una selección que será respondida por Carlos Acosta durante la función.

BIOGRAFÍAS

ACOSTA DANZA

Acosta Danza se fundó el 28 de septiembre del 2015 en La Habana gracias al empeño de Carlos Acosta, e hizo su primera aparición frente al público el 8 de abril de 2016. Insertada en el panorama escénico cubano bajo una línea contemporánea, la compañía no ha dejado de lado el desarrollo técnico del ballet clásico, con la clara intención de recoger la visión artística y profesional de su creador. Su creación es el resultado del amplio desarrollo de la danza en Cuba, país en el que este arte es manifestación esencial de la idiosincrasia nacional, y cuenta con un reconocido desempeño escénico en los ámbitos del ballet, la danza contemporánea y el folclore. El repertorio coreográfico incluye títulos de Carlos Acosta, Marianela Boán, Sidi Larbi Cherkaoui, Justin Peck, Saburo Teshigawara, Goyo Montero, Pontus Lidberg, María Rovira, Rafael Bonachela, Miguel Altunaga, Alexis Fernández (Maca), Mickael Marso, Jorge Crecis y Raúl Reinoso, entre otros.

Acosta Danza está apoyada por el Consejo Nacional de la Artes Escénicas de Cuba y cuenta con la coproducción del teatro Sadler’s Wells de Londres –uno de los escenarios más importantes de Europa, asociado a nombres de la danza internacional tan reconocidos como el de Sylvie Guillem, Sidi Larbi Cherkaoui, Akram Khan– y Valid Productions, empresa logística encargada de gestionar la compañía internacionalmente.

La compañía se define como un espacio de renovación, de búsqueda e experimentación, no solo para artistas cubanos, sino también para creadores de todo el mundo como coreógrafos, músicos, diseñadores, artistas de la plástica y de los audiovisuales, a los que la compañía abre sus puertas. Con todos ellos, la compañía realiza espectáculos de danza que reflejan las últimas tendencias internacionales tanto en movimientos coreográficos como en todo lo referente a la escena. El resultado es una compañía joven, dinámica y de calidad que propone convertirse en una de las más efectivas cartas de presentación de la cultura cubana. En 2021 Acosta Danza ha sido nominada por la Sección de Danza del Círculo de Críticos del Reino Unido para el Premio Nacional de Danza de ese país como mejor compañía independiente.

CARLOS ACOSTA

Considerado uno de los más célebres bailarines de las últimas décadas, nació en La Habana y se formó en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba. Ha bailado en calidad de primera figura en compañías como el Royal Ballet de Londres, el Ballet Nacional de Cuba, el Ballet de Houston, el American Ballet Theatre, el Ballet del Teatro Bolshoi, el Ballet de la Ópera de París, el English National Ballet y el Ballet de Australia. Su repertorio está compuesto por los títulos más significativos del ballet tradicional y contemporáneo. Como coreógrafo ha creado el espectáculo Tocororo, fábula cubana, y sus versiones de Don Quijote y Carmen.

En el 2015 fundó Acosta Danza. En 2018, la directora Icíar Bollaín estrenó Yuli, la película inspirada en la vida del bailarín. En ese año, también fue merecedor del Queen Elizabeth II Coronation Award que otorga la Real Academia de la Danza británica. Desde el 2020 Carlos Acosta dirige el Birmingham Royal Ballet. Es Comendador de la Orden del Imperio Británico, posee el Premio Benois de la Danza y fue nombrado Premio Nacional de Danza de Cuba.

ACOSTA DANZA

Director: Carlos Acosta

SATORI

Música Pepe Gavilondo (1989)

Coreografía Raúl Reinoso

Concepción musical Pepe Gavilondo, Raúl Reinoso

Figurinista Ángelo Alberto

Iluminación Fabiana Piccioli

Intérpretes Zeleidy Crespo, Laura Rodríguez, Patricia Torres,

Arelys Hernández, Penélope Morejón, Mario Sergio Elías,

Enrique Corrales, Alejandro Miñoso, Yasser Domínguez,

Maikel Pons

MERMAID

Música Woojae Park (1981) Sidi Larbi Cherkaoui (1976)

Erik Satie (1866-1925)

Coreografía Sidi Larbi Cherkaoui

Figurinista Hussein Chalayan

Iluminación Fabiana Piccioli

Intérpretes Carlos Acosta, Liliana Menéndez

PAYSAGE, SOUDAIN, LA NUIT

Música Leo Brouwer (1939): Paisaje cubano con rumba

Stefan Levin (1964): Cuban Landscape

Coreografía Pontus Lidberg

Escenografía Elizabet Cerviño

Figurinista Karen Young

Iluminación Patrik Bogårdh

Dramaturgo Adrian Silver

Intérpretes Laura Rodríguez, Liliana Menéndez, Penélope Morejón, Patricia Torres, Yasser Domínguez, Enrique Corrales, Mario Sergio Elías, Alejandro Miñoso, Raúl Reinoso, Maikel Pons, Javier Aguilera

TWO

Música Andy Cowton (1962)

Coreografía Russell Maliphant

Iluminación Michael Hulls

Intérprete Carlos Acosta

TWELVE

Música Vincenzo Lamagna (1982)

Concepto coreográfico y dirección Jorge Crecis

Asistente de coreografía Fernando Balsera

Figurinista Eva Escribano

Iluminación Michael Mannion, Warren Letton, Pedro Benítez

Intérpretes Laura Rodríguez, Liliana Menéndez, Penélope Morejón,

Patricia Torres, Arelys Hernández, Zeleidy Crespo,

Yasser Domínguez, Enrique Corrales, Mario Sergio Elías, Javier Aguilera, Raul Reinoso, Maikel Pons

ESTRENO EN EL TEATRO REAL

Producción de Valid Productions y Sadler’s Wells,

junto con Ysarca Promotions

Fechas 22, 23 de octubre, 19.30 h

24 de octubre, 18.00 h

Duración aproximada 2 horas y 8 minutos

PARTE I: 1 hora

Pausa de 25 minutos

PARTE II: 43 minutos

ABAO Bilbao Opera inaugura su 70º Temporada con Les contes d’Hoffmann de Offenbach. Una de las óperas imprescindibles del repertorio francés, que sube a escena por tercera vez en Bilbao los días 23, 25, 27 y 30 de octubre y 1 de noviembre, con el patrocinio exclusivo de la Fundación BBVA. Las funciones darán comienzo a las 19:30h salvo la del sábado día 23 que comenzará a las 19:00h.

OBRA CUMBRE DEL REPERTORIO FRANCÉS
Les contes d’Hoffmann, cuya partitura dejó sin acabar Offenbach a su fallecimiento en 1880, cuenta las aventuras y desventuras amorosas del poeta alemán E.T.A. Hoffmann, que se convierte en protagonista de la ópera.
La historia es un tránsito sublime y delirante por los tres relatos del poeta romántico alemán que enamorado de la cantante Stella, se embarca en la búsqueda de esta mujer ideal a través de las mujeres que ha conocido y amado a lo largo de su vida: Olympia, una muñeca, Antonia, una joven que cuando canta se pone enferma y Giulietta, una cortesana, y todas ellas forman una sola: su enamorada Stella.
UN REPARTO ESTELAR PARA INAUGURAR LA TEMPORADA
Para protagonizar esta ópera apasionante, embriagadora y sublime, que recorre el camino entre la redención de la confesión y la añoranza del amor perdido, ABAO ha reunido a un elenco de grandes artistas encabezado por Jessica Pratt que arranca la temporada con un verdadero tour de force al interpretar los cuatro papeles principales para soprano: Olympia, Antonia, Giulietta y Stella, todo un hito en su exitosa carrera. Resolver la ecuación de los cuatro roles femeninos, la personalidad específica de cada heroína, su expresividad escénica y todos los imperativos líricos y dramáticos que conlleva, es un enorme desafío para el talento y el virtuosismo vocal de la soprano inglesa.
Michael Fabiano, un tenor en estado de gracia, encarna al atribulado Hoffmann en un papel extenuante que requiere toda la fuerza, seguridad y naturalidad vocal del intérprete, su exquisita pronunciación y el control absoluto de la modulación de su voz para abordar momentos de gran intensidad teatral y escenas de íntima delicadeza. Elena Zhidkova, fiel a su característica entrega dramática, es la encargada de componer la protectora Niklausse, la maternal La Musa y la fantasmagórica La voix de la tombe, y Simón Orfila encarna Los 4 villanos: Lindorf, Coppélius, Dr. Miracle y Dapertutto, con el carácter y la enérgica expresividad del barítono-bajo menorquín.
Completan el reparto el talento impecable de Mikeldi Atxalandabaso, José Manuel Díaz, Moisés Marín, Fernando Latorre y Gexan Etxabe.

CARLO MONTANARO RECREA UN DISCURSO MUSICAL ORIGINAL Y TREPIDANTE
En el apartado musical, el maestro Carlo Montanaro se pone al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa para dirigir una partitura trepidante, llena de momentos hipnóticos y exuberantes, con una estructura musical compleja y prácticamente sin sosiego.
La partitura elegida, editada por Jules Paul Barbier, Michael Kaye y Jean-Christophe Keck para Schott, culmina el acto de Venecia y añade distintas arias, y está reconocida como la más integral y legítima de las versiones desde el punto de vista musicológico.

CLASICISTA Y MONUMENTAL JUEGO ESCÉNICO DE VINCENT HUGUET
En el escenario una producción estreno a nivel nacional de Vincent Huguet, quien debuta en ABAO con una propuesta clasicista, imponente y modular, hecha de escaleras y puertas monumentales que representa un teatro y sitúan la trama durante una actuación de Don Giovanni.
Huguet, considerado el enfant terrible de la escena actual, recorre el universo fantástico y onírico de la ópera con la colaboración de Louis Geisler, que participa en la construcción dramatúrgica de los personajes y Aurélie Maestre en la escenografía. La iluminación de Christophe Forey y el vestuario de Clémence Pernoud y Laurianne Scimemi consiguen plasmar una poderosa estampa visual.

RUBÉN AMÓN INTRODUCE LES CONTES D’HOFFMANN EN EL CICLO EL ABC DE LA ÓPERA
El ciclo El ABC de la ópera que descubre los aspectos más relevantes de cada título de la temporada
en una conferencia magistral la víspera del estreno, inaugura una nueva edición en el Auditorio del
Museo Bellas Artes de Bilbao el viernes 22 de octubre.

El ponente encargado de desvelar todos los detalles de esta ópera es el conocido periodista y escritor
Rubén Amón, quien participa habitualmente en diferentes medios radiofónicos y audiovisuales, como
El Confidencial, Onda Cero, Antena3 y La Sexta. Ha publicado varios libros de diferentes temáticas,
como una investigación sobre Los secretos del Prado (Temas de Hoy 1997), la biografía de Plácido
Domingo, Un coloso en el teatro del mundo (Planeta 2012) o El triunvirato: Carreras, Domingo y
Pavarotti, cuando la ópera llena estadios (Temas de Hoy 1996). Sangre, poesía y pasión: Dos siglos de
música, ruido y silencio en el Teatro Real (Alianza Editorial 2018).

EL 25 DE OCTUBRE ABAO SE UNE A LAS CELEBRACIONES DEL DÍA MUNDIAL DE LA ÓPERA
La función de Les contes d’Hoffmann el lunes 25 de octubre conmemora el Día Mundial de la Ópera,
una iniciativa bajo el paraguas de todos los teatros y organizaciones de ópera en Europa que cumple

su tercera edición, y que se presenta este año con el lema “Ópera Reboot”, como la idea de empezar
de nuevo y empezar mejor, con objetivos duraderos y en armonía con la sociedad.

Para celebrarlo, ABAO pone a la venta los días 21 y 22 de octubre entradas para la función del día 25
por 36€ para adultos y 18€ para jóvenes hasta 35 años, en seis zonas distintas, que podrán adquirirse
en las oficinas de ABAO o a través de su página web.

ABAO BILBAO OPERA RINDE HOMENAJE A SANITARIOS, SOCIOSANITARIOS Y VOLUNTARIOS EN
LA FUNCIÓN DEL 27 DE OCTUBRE
Algunos de los sectores que más han contribuido en la lucha contra el COVID-19 son sin duda el
entorno sanitario, sociosanitario y los voluntarios del Banco de Alimentos de Bizkaia. Su esfuerzo,
dedicación y entrega infatigable durante la pandemia les ha convertido en los verdaderos héroes de
esta crisis sanitaria. Por este motivo, ABAO Bilbao Opera quiere rendirles un sentido homenaje de

respeto, agradecimiento y orgullo, en la función de Les contes d’Hoffmann el miércoles 27 de
octubre en el Euskalduna Bilbao a las 19:30h, que podrán disfrutar con entradas por valor de un
donativo de 10€.
Un homenaje con una doble finalidad, por un lado reconocer y agradecer la labor de los profesionales
y trabajadores de la salud que estuvieron en primera línea de batalla combatiendo el virus en
hospitales, centros sanitarios, residencias y centros de mayores; y por otro lado para contribuir y
apoyar con la entrega íntegra de todos los donativos recogidos, la encomiable labor del Banco de alimentos de Bizkaia/ Bizkaiko Elikagaien Bankua, que ayudaron y continúan haciéndolo a las familias y
personas más vulnerables.
La relación de profesionales y colectivos que pueden acceder a este programa se puede consultar en
la página web de ABAO. Los interesados podrán adquirir sus entradas en las oficinas de la asociación
y en la taquilla del Euskalduna Bilbao el día de la función, para lo que será necesario presentar una
acreditación o identificación oficial que certifique la condición de profesional perteneciente a los
colectivos señalados.
Esta iniciativa se enmarca en la campaña global #TeMerecesÖpera cuya finalidad es poner en relieve la
importancia de la cultura como bien esencial. ABAO Bilbao Opera se suma así al reconocimiento al
esfuerzo y la labor desarrollada por estos colectivos desde el inicio de la pandemia, y al sentimiento de
gratitud de toda la sociedad hacia unos profesionales, trabajadores y voluntarios que han arriesgado
su salud y sus vidas para salvar las de muchas otras personas, y nos han permitido que podamos
recuperar la normalidad de nuestras actividades culturales.

FUNDACIÓN BBVA: IMPULSO AL CONOCIMIENTO CIENTÍFICO Y CULTURAL
La Fundación BBVA, cuyo rasgo diferencial es el impulso al conocimiento tanto científico como
cultural, articula su programa de Música como un recorrido completo por las distintas formas en que
la sociedad puede beneficiarse y disfrutar de esta manifestación artística. Así, promueve la creación
de obra nueva con encargos de composición y hace posible su preservación y difusión por medio de
grabaciones en colaboración con sellos e intérpretes de primera línea.

Fomenta la música en directo a través de ciclos de conciertos que, de forma gratuita, ponen al alcance
del público ensembles y solistas de referencia en el repertorio contemporáneo. Organiza ciclos de
conferencias y edita publicaciones para comprender mejor el trabajo de ciertos autores o sumergirse
en el estudio de determinados períodos compositivos y lleva a la práctica proyectos de investigación y
creación altamente innovadores con las Becas Leonardo en Música y Ópera.

Organiza simposios especializados sobre gestión de orquestas, colabora con formaciones musicales y
teatros de todo el país y reconoce la excelencia a través del Premio Fronteras del Conocimiento en
Música y Ópera y el Premio de Composición AEOS-Fundación BBVA, en colaboración con la
Asociación Española de Orquestas Sinfónicas.

Las representaciones de Les contes d’Hoffmann están patrocinadas en exclusiva por la Fundación
BBVA, principal patrocinador de ABAO Bilbao Opera, que contribuye de esta manera a fomentar la
cultura operística y a llevar al público espectáculos de la máxima calidad.

Tras su debut abaísta con Lucia di Lammemoor en 2011 y su regreso a la capital bilbaína en 2018 cosechando un gran éxito como Chevalier des Grieux en Manon de Massenet, Michael Fabiano vuelve pletórico para inaugurar el curso de Abao Bilbao Opera metiéndose en la piel de uno de los personajes más emblemáticos del repertorio de tenor, Hoffmann, el protagonista de Les contes d’Hoffmann, de Offenbach. El cantante nacido en New Jersey, que debutó el atormentado personaje nada menos que en la Opéra de París en enero de 2020 –justo antes de que el mundo se paralizara a causa de la pandemia– considera que el rol es “muy complejo pero apasionante, tanto vocal como actoralmente. Está lleno de desafíos que hay que saber afrontar”, a lo que se une su omnipresencia en el escenario. “Es un hombre sumergido en la obsesiva búsqueda de lo absoluto y del ideal femenino, del amor, una historia que retrata cuatro épocas de su vida sentimental a través de una partitura muy rica, con una orquesta gigante. Sin duda es uno de esos roles que los tenores anhelamos interpretar en algún momento de nuestra carrera, cuando hay madurez vocal e interpretativa. Pude debutarlo en París en 2020 y ahora regreso a él con enorme entusiasmo ante el público de Bilbao, donde ya he cantado otras veces y donde me siento como en casa”, afirma Fabiano.

En Bilbao Michael Fabiano compartirá escenario con la soprano Jessica Pratt que asumirá los cuatro papeles femeninos protagonistas (Olympia, Giulietta, Antonia y Stella) y con el bajo barítono Simón Orfila, quien, a su vez, encarnará a los cuatro demonios. Elena Zhidkova será Niklausse, La Musa y la Madre de Antonia, en una producción firmada escénicamente por Vincent Huguet y con dirección musical de Carlo Montanaro que subirá a escena los días 23, 25, 27 y 29 de octubre y 1 de noviembre.

Tras su paso por la capital vasca, el tenor norteamericano regresará al Teatro Real de Madrid –cuya temporada inauguró el curso pasado con Un ballo in maschera– esta vez para interpretar La Bohème (diciembre), para después cantar Carmen en La Monnaie-De Munt de Bruselas (enero y febrero) y en el Grand Thêatre de Luxemburgo (marzo), para más tarde debutar en la Washington National Opera, siempre como Don José de Carmen (mayo) antes de regresar al Teatro San Carlo de Nápoles con Evgene Onegin (junio).

Michael Fabiano Photo by Jiyang Chen

Michael Fabiano

ABAO Bilbao Opera

Brío Clásica: Este es el segundo trabajo que realizan juntos. El primero es una selección de obras de Robert Dussaut y Hélène Covatti, compositores desconocidos para el gran público. Tampoco son muy conocidas la treintena de canciones de Albéniz que presentan en este segundo trabajo. Es, sin duda, una brillante labor de divulgación. ¿Cómo llegaron a este repertorio y por qué lo eligieron para estos trabajos discográficos?

B.C.: Estas canciones son producto de la madurez artística de Albéniz, cuando ya había compuesto alguna de sus más importantes obras. Son textos en español, francés, italiano e inglés, manteniendo siempre la personalidad en cada una de ellas. ¿Podría hablarnos del carácter de estas obras y de las características de su escritura?

Il tuo Sguardo

Audax Records

Separated!

B.C.: Su colaboración parece de largo recorrido. ¿Hay un hilo conductor en sus proyectos o surge de manera más espontánea.

B.C.: ¿Por qué creen que en España se programan tan pocos recitales de canción de concierto española?

Web de Adriana

B.C.: Interpretar este tipo de repertorio romántico, en una sala pequeña, acompañada únicamente de un piano o cantar una producción operística en el escenario de un gran teatro de ópera, ¿qué diferentes sensaciones se tienen?

B.C.: Recientemente ha sido Mimí, anteriormente la vimos en el rol de Corinna, de Il viaggio a Reims, ambas en el Liceu, ¿Qué roles está preparando a corto y medio plazo y cuáles sueña para el futuro?

B.C.: Ha dedicado estas Canciones de Albéniz a la que fue su profesora, Bárbara Bickford. Háblenos un poco de ella y por qué es tan importante para Usted.

B.C.: ¿Tiene alguna referencia importante a la hora de preparar un rol, en quién se fija?, ¿a quién admira Adriana González?

B.C.: ¿Cuándo vamos a poder escucharla en Madrid presentando este trabajo o en alguno de esos roles que prepara?

Web de Iñaki

B.C.: Cuando llegó al Musikene de San Sebastián fue seleccionado para piano, director de coro y director de orquesta. Tuvo que elegir uno de ellos y se decantó por el último, ¿qué le llevó a tomar esta decisión y qué cualidades, según usted, debe tener un director de orquesta que se precie?

B.C.: Esta Iphigénie en Tauride está dirigida escénicamente por Krzystof Warlikowski, director que no suele dejar a nadie indiferente, ¿cómo ha funcionado esta escenografía en la sala Garnier?, ¿Cómo se lleva con los directores de escena?

B.C.: En 2005 pasó a formar parte de La Academia de la Ópera Nacional de París y ahora debuta en París con Iphigénie en Tauride, ¿qué supone para Usted debutar en una Casa de Ópera como la de París?

B.C.: Dirigir un repertorio sinfónico es muy diferente a dirigir uno lírico, ¿si tuviera que elegir, por cuál se decantaría y por qué?

B.C.: ¿Cuándo vamos a poder verle en Madrid, dirigiendo o presentando este trabajo de Canciones de Albéniz?

El próximo 5 de noviembre el tenor Pablo García-López volverá a subir al escenario de la Ópera de Lausanne para participar en una nueva producción de Le Nozze di Figaro de Wolfgang Amadeus Mozart en la que interpretará el papel de Don Basilio. Una velada que a buen seguro adquirirá un tinte especialmente emotivo ya que el teatro reabre por primera vez sus puertas a la ópera tras el cierre provocado por la pandemia. Para Pablo García-López supone el regreso a un teatro en el que ha cantado en diversas ocasiones; en concreto en 2016 en La Traviata, en 2020 en Doña Francisquita, así como un recital que ofreció en el Òpera Forum. En próximas temporadas, la voz del tenor resonará en otro teatro suizo, en concreto en la Ópera de Zurich.

En Lausanne Pablo García-López compartirá escenario junto con un reparto que incluye a la soprano Valentina Nafornita, en su debut como la Contessa, y la mezzosoprano Lea Desandre como Cherubino, entre otras figuras. Le Nozze de Figaro que podrá disfrutarse a partir del 5 de noviembre es una nueva coproducción de la Ópera de Lausanne junto con el Théâtre des Champs-Elysées, Los Angeles Opera, Opéra National de Lorraine y Les Théâtres de la Ville du Luxembourg. Una propuesta que se redondea con la dirección de escena del cineasta norteamericano John Gray, la dirección musical de Frank Beermann, y vestuario del legendario Christian Lacroix. La producción podrá verse a lo largo de cinco funciones, los días 5, 7, 10, 12 y 14 de noviembre.

Compromisos exigentes para una carrera en alza

Además de esta inminente cita internacional, la agenda de Pablo García-López incluye en la temporada 21/22 otros importantes compromisos, como su paso por el Teatro Real en el papel de Benoît en La Bohème que se estrenará el próximo mes de diciembre. Asimismo, en 2022 debutará como solista en el Auditorio Nacional en dos ciclos distintos: por una parte, junto con la Orquesta Sinfónica de Castilla y León en el XLIX Ciclo de Grandes Intérpretes poniendo su voz al oratorio Nach Bildern Der Bibel de Fanny Mendelssohn con la Orquesta Sinfónica de Castilla y León; por otra, cantará en la Salomé de Richard Strauss con la Orquesta Nacional de España bajo la dirección de David Afkham.

Pablo García-López ha cantado en los últimos años en escenarios nacionales e internacionales de prestigio, debutando en teatros como Royal Opera Wallonie de Liège, Royal Opera House of Muscat, Palau de Les Arts Reina Sofía de Valencia y Théâtre du Capitole de Toulouse. Ha trabajado con directores musicales como Zubin Mehta, Riccardo Chailly, Jesús López-Cobos y Omer Meir Wellber, entre otros.

En 2021 participó en el estreno mundial de Tránsito, ópera de Jesús Torres, coproducción del Teatro Real y el Teatro Español, por la que recibió excelentes críticas. Su pasión por la música contemporánea le ha llevado a interpretar estrenos mundiales como la Sinfonía Córdoba y Escenas de una primavera alemana de Lorenzo Palomo, Café Kafka de Francisco Coll en el Palau de les Arts, Fuenteovejuna de Muñiz en la Ópera Oviedo, El Guardián de los Cuentos de Miquel Ortega en el Baluarte de Pamplona, así como los ciclos de canciones Hijo Mío de Jesús Torres y Caminos de la tarde de Hermes Luaces.

Su primer álbum en solitario titulado Rutas junto el pianista Aurelio Viribay se publicó en 2020, dedicado a la canción española con obras de Eduard Toldrá, Oscar Esplá, Joaquín Reyes y Ramón Medina Hidalgo. El disco fue premiado con el “Melómano de Oro” por la revista Melómano. Su discografía se completa con Turandot (Decca) dirigida por Zubin Mehta, La bohème (Accentus) dirigida por Riccardo Chailly, ambas de Puccini, y la Sinfónía Córdoba de Lorenzo Palomo (Naxos) dirigida por Jesús López-Cobos.

El periódico El Mundo ha elogiado la voz de Pablo García-López por su “musicalidad incuestionable llamada a progresar en comunicabilidad, atrae al oyente por la determinante belleza de su natural emisión, timbre y afinación”.

Pablo García López

La Cenerentola estrena la temporada en el Teatro Real

La Cenerentola
Gioachino Rossini (1792-1868)
Dramma giocoso en dos actos
Libreto de Jacopo Ferreti, basado en el cuento Cendrillon (1697) de Charles Perrault
D. musical: Riccardo Frizza
D. escena y escenógrafas: Stefan Herheim y Daniel Urgen
Figurinista: Esther Bialas
Iluminador: Andreas Meier-Dörzenbang
Diseñador de vídeo: Torge Moller (fettFilm)
D. coro: Andrés Máspero
Reparto: Michele Angelini, Borja Quiza, Nicola Alaimo, Rocío Pérez, Carol García, Aigul Akhmetshina, Riccardo Fassi, Orquesta y Coro Titulares del Tratro Real

Un 29 de febrero, día de su cumpleaños, Rossini firma el contrato para escribir una nueva ópera que será estrenada en Roma para abrir la temporada. El exceso de encargos y algún que otro problema con los censores, llevan a Rossini y su libretista Jacopo Ferreti, a tener que improvisar un nuevo libreto del gusto de la censura. Nace así, y en menos de 24 días, La Cenerentola.

El virtuosismo de Rossini cabalga ya entre la ilustración y el romanticismo y La Cenerentola es un gran ejemplo de ello. Utiliza escenas estructuradas igual que en la ópera seria, pero con un marcado carácter buffo. En el libreto de Ferreti desaparece el hada que es sustituida por un personaje menos mágico, Alidoro, una especie de filósofo que asesora de alguna manera a la protagonista. Esta es una primera concesión a la ilustración, la sustitución de elementos mágicos por otros racionales.

También utiliza personajes serios, como la propia Cenerentola, Alidoro y el Príncipe Don Ramiro. Hay un rol intermedio, que es el Dandini, su papel es cómico pero se trata de un barítono serio. El resto de protagonistas tienen un marcado carácter buffo, como Don Magnifico y las hermanastras Clorinda y Tisbe.

A pesar de los esfuerzos de Rossini y Ferreti, La Cenerentola no se pudo estrenar a tiempo y lo hizo el 25 de enero de 1817, ya iniciada la temporada. Ferreti cuenta en sus memorias que el estreno de Cenerentola fue turbulento, pero no se entiende muy bien a qué se refiere, pues se ofrecieron 22 representaciones y se programó, ese mismo año, en otros siete teatros italianos. Su éxito pudo deberse, en gran medida, a que el personaje de Cenerentola estuviera interpretado por las más famosas mezzosopranos del momento, Isabella Colbran y Pauline Viardot. Durante todo el siglo XIX los compositores belcantistas fueron muy famosos y gozaron de gran éxito, cayendo después en el olvido y llegando a desaparecer del repertorio, con algunas excepciones, como El Barbero de Sevilla.

En la segunda mistad del siglo XX se recupera La Cenerentola y comienza a representarse, cada vez más a menudo, en los principales teatros de ópera. Esta recuperación del título y su paulatina incorporación al repertorio, tiene dos nombres propios, Conchita Supervía y Teresa Berganza, ambas dieron vida al personaje de Angelina. Por cierto, todas las funciones de esta producción del Teatro Real están dedicadas a Teresa Berganza.

La partitura es una obra maestra. Su escritura es muy sencilla, lo que le aporta agilidad y frescura. En toda la obra hay una clara preferencia de los conjuntos sobre las arias y los construye casi por acumulación. Comienza el aria un personaje y se van incorporando los demás progresivamente, empieza uno y terminan seis. Las melodías están elaboradas como un juego de permutaciones de arpegios con un virtuosismo y una precisión extrema. El resultado es, por ejemplo, el sexteto del segundo acto, Questo è un nodo avviluppato. Para ello se precisan, claro está, voces de gran agilidad.

Tras veinte años de ausencia, vuelve La Cenerentola al Teatro Real en una coproducción de Norske de Oslo y la Opéra National de Lyon. En el foso, uno de los directores que mejor conoce este repertorio, Riccardo Frizza.

En la dirección de escena, el noruego Stefan Herheim, que ha basado su escenografía en el ya tradicional juego del teatro dentro del teatro. Ha presentado una cenicienta clásica a la que ha actualizado vistiéndola de limpiadora del Teatro, con su carrito de materiales incluido. La escenografía es colorista y alegre, sobre todo el magnífico vestuario de Esther Bialas y los vídeos de Torge Moller, que proyecta imágenes del castillo del príncipe, muy evocadores de los castillos Disney, lo que ayuda a crear esa atmósfera de cuento. Aunque la escenografía es más clara y efectiva, en cuanto al desarrollo de la historia, a partir del segundo acto.

Riccardo Frizza domina este repertorio al que imprime su impronta para acentuar el estilo rossiniano. La orquesta sonó muy bien para lo poco que ha tocado Rossini en los últimos años. Los tiempos fueron algo lentos, poco chispeantes, pero el resultado estuvo lleno de matices. El primer acto resultó algo desajustado, tanto en la escenografía como en lo vocal, y de cierta desconexión entre escenario y foso. Frizza ayudó a que la orquesta no engullera alguna de las voces de volumen más bien escaso que se esforzaban sobre el escenario. Y es que la música de Rossini, como dice el propio Frizza, está a la altura de los grandes y no es fácil lidiar con sus partituras. La dirección musical, como la escenografía y las voces, se fueron creciendo a medida que avanzaba la obra, creando en el segundo acto una atmósfera rossiniana absoluta. En esta ocasión el director musical tuvo una participación activa en la representación, interviniendo en escena y conversando con los cantantes en varias ocasiones. Un detalle simpático que agradó al público.

Este segundo reparto estuvo encabezado por una jovencísima debutante que resultó una gran sorpresa, la rusa Aigul Akhmetshina. Posee una voz caudalosa y, sin embargo, con gran capacidad para las agilidades, que dominó en todo momento. Un buen registro central y potentes graves. Su Angelina fue sin duda quien más brilló esa noche, también en la parte interpretativa.

El príncipe Don Ramiro estuvo representado por el italo-americano Michele Angelini. Su timbre es agradable, pero tuvo problemas con su escaso volumen, sobre todo en las partes más agudas, donde parecía que su voz se estrangulaba. Tampoco tuvo en las agilidades su punto más fuerte.

El Don Magnifico de Nicola Alaimo fue el personaje más rossiniano de cuantos participaron esa noche. Respondió con soltura a sus dos roles, pues era también el Rossini principal en escena y el único, junto a la Angelina de Akhmetshina, que respondió a las exigentes agilidades de su rol.

El Dandini estuvo a cargo del Barítono Borja Quiza, de potente voz y gran capacidad escénica, pero este personaje no encaja bien con una voz tan lírica. Le faltó expresividad y ligereza que suplió, en parte, por su buen hacer sobre el escenario.

Muy bien estuvieron las dos malvadas hermanastras de Cenicienta, las sopranos Rocío Pérez y Carol García, muy bien en los concertantes y en sus roles, en los que se desenvolvieron con gran comicidad.

Mención especial merece el coro, solo hombres en esta ocasión, dirigidos por Andrés Máspero. No solo brillaron en lo vocal, tuvieron también unas inspiradísimas apariciones en escena.

Se entrena así una de las temporadas más especiales del Teatro Real, que continúa recibiendo todo tipo de felicitaciones por su buena gestión en una temporada tan difícil como la pasada. Un Teatro Real que no deja de ser valiente y lo demuestra programando esta Cenerentola, toda una declaración de intenciones.

El 19 de noviembre, Cecilia Bartoli lanzará un álbum de dramáticas arias de concierto de la época clásica. Estas piezas, notables por su dificultad, fueron compuestas por los grandes compositores de la era clásica para las sopranos más destacadas de la época. El proyecto lleva casi una década en proyecto, y la música se grabó en 2013 con la Orquesta de Cámara de Basilea bajo la batuta de Muhai Tang. La lista de títulos la ultimó Bartoli cuando la pausa en su programa de actuaciones que supuso la pandemia permitió a la cantante volver la vista a sus trabajos inacabados.

«Me gustó poder ocuparme de tantas cosas que había dejado sin terminar, pospuestas u olvidadas. Por fin tuve la oportunidad de rebuscar entre mis archivos de sonido en busca de joyas ocultas. Entre los numerosos amigos reencontrados que salieron a la luz, siento un apego especial por las grabaciones de este álbum». – Cecilia Bartoli

Con más de 12 millones de grabaciones de audio y vídeo vendidas, Cecilia Bartoli es una de los artistas clásicos de más éxito de nuestros tiempos. Bartoli lleva desde 1988 grabando en exclusiva para Decca Classics y ha recibido cinco premios Grammy, más de una docena de premios Echo y Brit, el premio Polar Music, el premio Léonie-Sonning-Music y el premio Herbert von Karajan. Ha actuado en los auditorios, óperas y festivales más prestigiosos del mundo, trabaja como directora artística del Festival de Pentecostés de Salzburgo, y en enero de 2023 se convertirá en directora de la Ópera de Monte Carlo, la primera mujer de la historia en dirigirla.

En Unreleased, Bartoli ejecuta dramáticas arias de concierto compuestas a lo largo de un período de 23 años por cuatro compositores cuya influencia mutua queda patente, y cuyas composiciones reflejan la medida de las sopranos para las que se escribieron.

Ah! Perfido de Beethoven, compuesta para la célebre cantante Josepha Duschek durante la visita del compositor a Praga en 1796, puede presagiar parte de la música escrita para la única heroína operística de Beethoven: Leonore de Fidelio.

Duschek estrenó también Bella mia fiamma, de Mozart, quien también compuso originalmente para ella Ah, lo previdi, y que finalmente cantó Aloysia Weber. Otras piezas de Unreleased son arias de Mozart compuestas originalmente para otros grandes cantantes del siglo XVIII, como el castrato Tommaso Consoli, que fue el primero en interpretar L’amerò, sarò costante de Mozart en la ópera El Rey Pastor.

Bartoli continúa su labor con obras que raramente se interpretan con Se mai senti. Escrita por el compositor checo Josef Mysliveček, esta aria pertenece a su ópera de 1734 La Clemencia de Tito y fue compuesta para Pietro Benedetti (que también estrenó algunas de las óperas tempranas de Mozart). Mysliveček, que fue molinero en su Praga natal antes de trasladarse a Italia, ya se había convertido en el compositor de óperas de mayor éxito y mejor remunerado de Europa cuando entabló amistad con Mozart.

Bartoli ha cantado anteriormente Scena di Berenice de Haydn en concierto con gran aclamación del público, y su interpretación de 2001 en el Festival Styriarte fue descrita por Gramophone como «uno de los conciertos mejor grabados en DVD». Esta es la primera grabación de estudio de Bartoli de la difícil aria de Haydn, que estrenó Brigida Bant en London en 1791.

El violinista, violista y director israelí de origen ruso Maxim Vengerov toca dos solos de violín en dos de las piezas: L’amerò sarò costante y Ch’io mi scordi di te?

«Me gustaría dar las gracias a mi estimado colega y amigo Maxim Vengerov, que siempre ha sido una gran fuente de inspiración para mí y me ha acompañado en la grabación de estas dos hermosas arias de Mozart».

– Cecilia Bartoli

LISTA DE TÍTULOS

Beethoven: Ah! Perfido, Op. 65

Mozart: Ch’io mi scordi di te? K.505

Mysliveček: Se mai senti de La Clemencia de Tito

Mozart: Ah, lo previdi!…Ah, t’invola…Deh, non vicar K.272

Mozart: Bella mia fiamma, addio… Resta, oh cara, K528

Mozart: L’amero, sarò costante de El Rey Pastor. K.208 (solo de violín: Vengerov)

Haydn: Scena di Berenice, Hob. XXIVa:10

El próximo 2 de octubre, el director de orquesta vasco Iñaki Encina Oyón se pondrá al frente de la Orchestre et Choeurs de l’Opéra national de París, para dirigir Iphigénie en Tauride de Gluck (1714-1787) en el Palais Garnier, en una original producción con firma escénica de Krzysztof Warlikowski. La mezzosoprano irlandesa Tara Erraugh (Iphigénie), el barítono americano Jarrett Ott (Oreste) y el tenor francés Julien Behr (Pylade) encabezan el reparto de esta tragédie lyrique en cuatro actos estrenada en París en 1779.

El director de orquesta Iñaki Encina Oyón, que en 2005 se incorporó al Atelier Lyrique de la Opéra national de París, es batuta habitual del circuito musical francés, donde ha dirigido numerosas óperas y oratorios como La Finta Giardiniera de Mozart, Madame Butterfly de Puccini, Bastián y Bastiana de Mozart, L’Isola Disabitata de Haydn, Idomeneo de Mozart, Hippolyte et Aricie de Rameau, Abu Hassan de Weber, Falstaff de Salieri, Athalia de Haendel, San Giovanni Battista de Stradella, Il trionfo del tempo e del disinganno de Haendel, y Der Tag des Gerichts de Telemann. Su extenso repertorio incluye también títulos de compositores contemporáneos como Barber, Xavier Dayer, Philippe Fénelon o Kaija Saariaho, entre otros. Desde 2016, es el director musical de la Académie Baroque Internationale del prestigioso Festival du Périgord Noir, y ha trabajado como director asistente de Thomas Hengelbrock en el Festival de Aix-en-Provence.

El 15 de octubre, saldrá al mercado el segundo proyecto discográfico de Iñaki Encina Oyón en su faceta como pianista, junto a la soprano guatemalteca Adriana González; se trata de Complete Songs de Albéniz, en el sello Audax Records. Sus compromisos más inmediatos incluyen un recital junto a Adriana González en la Opéra de Lille, Le Nozze di Figaro de Mozart en la Opéra de Toulon, y Alcina de Haendel en la Opéra national de París.

Fotografía © Marine Cessat-Bégler

Iñaki Encina Oyón

El Palau de les Arts comienza el próximo jueves, 30 de septiembre, la temporada lírica con el estreno en España de la versión teatralizada del ‘Réquiem’, de Mozart, realizada por Romeo Castellucci, bajo la dirección musical de James Gaffigan.

Jesús Iglesias Noriega, director artístico de Les Arts, ha presentado hoy en rueda de prensa el primer título del apartado ‘Les Arts és Òpera’ como “una de las apuestas más relevantes en esta nueva etapa del teatro como impulsor de nuevas estéticas y propuestas de referencia en el circuito operístico”.

“Romeo Castellucci, uno de los protagonistas del espacio teatral vanguardista en Europa, estrena en España su aplaudida versión de la inacabada misa de difuntos de Mozart. Escenificada como un canto a la vida de extraordinaria belleza plástica y arrolladora fuerza teatral, la propuesta del dramaturgo y artista plástico está considerada como uno de los espectáculos imprescindibles de los últimos años”.

‘Réquiem’ es una coproducción de Les Arts con Festival d’Aix-en-Provence, Adelaide Festival, Theatre Basel, Wiener Festwochen y La Monnaie / De Munt con Romeo Castellucci como artífice de la dirección de escena, escenografía, vestuario e iluminación. Silvia Costa (directora de escena asociada), Evelin Facchini (coreografía) y Piersandra di Matteo (dramaturgia) completan el equipo creativo.

Iglesias Noriega ha destacado, además, “los excelentes miembros con los que Les Arts aborda uno de los mayores retos, tanto en su faceta musical como técnica, de la temporada 2021-2022”.

“James Gaffigan, buen conocedor de la música de Mozart, y particularmente de su ‘Réquiem’, debuta como director musical en la Sala Principal al frente de los cuerpos estables del teatro: el Cor de la Generalitat, excepcional en uno de sus trabajos más complejos y exigentes tanto a nivel vocal como escénico, y la Orquestra de la Comunitat Valenciana, formación de referencia en el foso”.

“En el apartado de solistas, Les Arts reúne a destacados intérpretes del repertorio mozartiano: Elena Tsallagova, Sara Mingardo, Sebastian Kohlhepp y Nahuel Di Pierro, así como el niño soprano Juan José Visquert de la Escolania de la Mare de Déu dels Desemparats”, ha apuntado.

Por su parte, James Gaffigan ha remarcado el gran trabajo de Castellucci con su puesta en escena, que jamás distrae al espectador ni perturba la música de Mozart, sino que, todo lo contrario, realza su excelencia. Asimismo, el músico neoyorquino ha elogiado el gran trabajo del Cor de la Generalitat tanto a nivel musical como escénico para llevar a cabo las exigencias de la producción.

Despedirse de la vida

Asumiendo completamente el carácter fragmentado del ‘Réquiem’, Castellucci da vida a un espectáculo construido a partir de una serie de imágenes mudas capaces de expresar la necesidad imperiosa de despedirse de la vida.

El artista italiano captura el desvanecimiento de la vida como el origen de todas las posibles bellezas humanas. Este ‘Réquiem’ se opone a lo que cabría esperar de una misa de difuntos; no es un espacio de lamentación, quiere celebrar la vida en la fragilidad que le pertenece.

Una proyección constante de nombres de animales, plantas, pueblos, idiomas, ciudades, sentimientos extinguidos se pueden leer en paralelo a lo que sucede sobre el escenario. Las frases adoptan la forma de un adiós a los elementos en conexión con las vidas de cada uno de los espectadores, gracias a un acercamiento a nuestra época y al abandono de las cosas próximas al espectador.

Como explicó el propio Castellucci, “el ‘Réquiem’ aborda la cuestión fundamental del tiempo, de la esperanza de renacer; explora el origen y el fin, pero también el fin como origen”.

‘Réquiem’

Les Arts ha programado seis funciones del ‘Réquiem’ de Mozart los días 30 de septiembre y 2, 3, 6, 8 y 10 de octubre.

Si hay algún rasgo que caracteriza la trayectoria artística del tenor tinerfeño Airam Hernández es su versatilidad. Ha cantado los más variados repertorios, desde oratorios barrocos hasta óperas de Verdi o música contemporánea, pero ahora disfruta con uno de sus compositores favoritos: Mozart. Y lo hace a lo grande, con uno de los personajes más importantes para su cuerda, el del príncipe Tamino de la inmortal Flauta mágica en la Ópera de Oviedo. Será en una nueva producción que firma el regista Albert Estany, con dirección musical de Lucas Macías. El viaje al mundo mozartiano ha sido todo un descubrimiento para el cantante, un repertorio en el que, afirma, puede explotar todos sus recursos, “especialmente en los roles de carácter heroico, que requieren de una voz lírica, pero dúctil”. El canto elegante y refinado del tenor español le va como anillo al dedo al personaje de Tamino. “Este es un estilo de gran exigencia vocal en el que hay que encontrar un equilibrio entre el carácter dramático del personaje y la línea pura y limpia. Llevo un tiempo especializándome en este repertorio y espero poder debutar todos los personajes del compositor que me vayan bien a lo largo de mi carrera”, apunta el cantante. La obra se estrenará en el Teatro Campoamor de la capital asturiana el 8 de octubre, completando el calendario con funciones los días 10, 12, 14 y 16 de octubre.

Hernández, de sólida formación musical primero como intérprete de trompa y más tarde como miembro del Coro del Liceu barcelonés y del ensemble de la Ópera de Zúrich, se encuentra en un momento muy dulce de su carrera, habiendo realizado gran parte de su trayectoria a nivel internacional con debuts en media Europa y en Estados Unidos; este curso, por fin, se le verá en varios escenarios españoles. Entre otros compromisos, además de este debut en Oviedo, regresa a la temporada del Teatro Real de Madrid interpretará a Federico García Lorca en el estreno absoluto de la ópera El abrecartas de Luis de Pablo. También le esperan actuaciones en el Teatro de La Maestranza de Sevilla (I Capuleti ed i Montecchi de Bellini), en la Ópera de Tenerife (Florencia en el Amazonas de Daniel Catán) o en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona (Norma de Bellini).

Airam Hernández

Ópera de Oviedo

La Comisión Ejecutiva del Patronato de la Fundación de Les Arts ha aprobado nombrar a Jorge Culla Bayarri nuevo director general de la institución. Su elección para el cargo ha sido evaluada y aprobada siguiendo las pautas establecidas por el procedimiento estipulado en estos casos por el órgano de gobierno de Les Arts. De esta forma, el reconocido profesional valenciano se incorpora como máximo responsable de la gestión administrativa en el equipo de gerencia del teatro, con Jesús Iglesias Noriega a cargo de la dirección artística.

Con más de 30 años de experiencia en la gestión musical y de artes escénicas, el nombramiento de Culla Bayarri se enmarca en la hoja de ruta prevista por el Patronato para la consolidación de Les Arts como emblema cultural valenciano y su proyección en los circuitos nacional e internacional. Jorge Culla asumirá las funciones previstas en los estatutos de la Fundación para la dirección general a partir del próximo mes de octubre, fecha en la que se producirá su contratación efectiva. En este sentido, la Comisión Ejecutiva ha agradecido a José Carlos Monforte Albalat la labor que ha desarrollado desde diciembre de 2018 al frente de la dirección general de Les Arts. El órgano de gobierno de Les Arts reconoce la profesionalidad de Monforte Albalat, así como su dedicación al servicio de la institución, particularmente en la compleja gestión de la pandemia, que ha permitido el mantenimiento de la actividad del teatro, así como la tramitación administrativa de la institución en aras de lograr la máxima
eficiencia económica de los presupuestos de Les Arts.

Jorge Culla Bayarri
Nacido en València, es hijo y nieto de empresarios teatrales vinculados a los teatros Ruzafa y Apolo, a compañías de zarzuela y de revista, y a la comedia valenciana; vive el mundo de la música y el teatro desde niño. Comienza su andadura profesional en 1987 como coordinador de Producción en el Palau de la Música de València, dos años más tarde da el salto a Madrid como director adjunto del Centro Dramático Nacional, y regresa a finales de 1991 al Palau de la Música como subdirector. En 1997 asume un nuevo reto profesional en Madrid como gerente y director técnico de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid. Desde 2009 ocupa el cargo de intendente de Teatros del Canal y del Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial, donde también dirige los festivales de este municipio de la Comunidad de Madrid. Durante estos años de vida profesional ha ocupado diferentes cargos de responsabilidad en algunas instituciones del sector de las artes escénicas y de la música. Ha presidido la Asociación Española de
Orquestas Sinfónicas y la Asociación Española de Festivales de Música Clásica (Festclásica). Ha sido miembro del Consejo de Cultura de la Comunidad de Madrid y del Consejo Estatal de las Artes Escénicas y la Música. Es miembro fundador de la Academia de las Artes Escénicas de España.

La Orquestra de la Comunitat Valenciana (OCV) debuta en el festival ENSEMS el próximo viernes, 17 de septiembre, bajo la dirección musical de Juanjo Mena en el Auditori de Les Arts a las 20.00 horas.

La formación titular de Les Arts realiza su primera incursión en el festival decano de música de vanguardia y experimental en España con un programa dedicado a la compositora finlandesa Kaija Saariaho, figura imprescindible en la música de los siglos XX y XXI, de quien se interpretan dos de las obras más representativas: ‘Circle Map’ y el concierto para clarinete ‘D’Om le Vrai Sens’.

Saariaho, pese a ser una autora inédita en la programación de la OCV, es, como señala el director artístico de Les Arts, Jesús Iglesias Noriega, “una de las referencias de la composición actual en términos absolutos, con presencia en los principales teatros y auditorios del mundo”.

“En este sentido”, explica Iglesias Noriega, “el concierto que dirige Juanjo Mena insiste en la apuesta de Les Arts por ampliar repertorios y mostrar la mayor diversidad de estilos musicales, así como por reforzar los vínculos de la institución y de sus activos artísticos con el tejido cultural valenciano, que por primera vez toman parte activa en ENSEMS”.

La expresiva música de Saariaho fusiona las tendencias modernas de composición con la tradición, y refleja su pasión por la naturaleza. Sus obras son programadas por orquestas del prestigio de las filarmónicas de Los Ángeles y Berlín, y ha escrito óperas por encargo para los teatros y festivales más importantes.

Destaca en su trayectoria la colaboración con el Festival de Salzburgo, donde se estrenó ‘L’amour de loin’, posteriormente representada en el Metropolitan de Nueva York. Asimismo, este verano, el Festival de Aix-en-Provence acogió el estreno mundial de su última ópera, ‘Innocence’, celebrado con gran éxito de público y el aplauso unánime de la crítica internacional, que ha calificado el trabajo de la finlandesa como su gran obra maestra.

Juanjo Mena está considerado como una de las batutas españolas con mayor proyección internacional. El actual director principal del Cincinnati May Festival y acreditado experto en la música contemporánea asume la dirección musical de este concierto después de inaugurar la temporada de Les Arts en Alicante con dos conciertos en Teulada y Alcoy.

El programa

Saariaho fusiona música orquestal y electrónica a partir de seis estrofas de poesía del poeta persa Rumi del siglo XIII en ‘Circle Map’ (2012). La obra, que gozó de una excelente acogida por parte de la crítica, se ha estrenado en los principales auditorios internacionales. El propio Juanjo Mena dirigió la obra en su estreno americano con la Boston Symphony Orchestra.

‘D’Om le Vrai Sens’ (2010) es un concierto para clarinete y orquesta en seis movimientos, que Saariaho compuso para su compatriota Kari Kriikku, virtuoso clarinetista que también interpretará la pieza para el público de Les Arts. La obra está inspirada en el ciclo medieval de seis tapices ‘La dama y el unicornio’, que describe de forma simbólica los cinco sentidos del ser humano junto con un misterioso sexto.

Les Arts és Simfònic

Les Arts recuerda que el precio de las localidades para el concierto de Juanjo Mena con la Orquestra de la Comunitat Valenciana oscila entre los 15 y 25 euros.

El Auditori de Les Arts recibirá dentro de la temporada 2021-2022 a las principales batutas del circuito internacional. Junto con los regresos de los directores españoles más internacionales, Gustavo Gimeno, Juanjo Mena y Josep Pons, la Orquestra de la Comunitat Valenciana trabajará por primera vez con Riccardo Minasi y Mark Elder en el primer año de James Gaffigan como director musical.

El próximo 20 de septiembre el Teatro Real de Madrid inaugura la temporada 2021/2022 con La Cenerentola, con dirección de escena de Stefan Herheim y dirección musical de Riccardo Frizza. La ópera rossiniana estará en escena desde el 23 de septiembre al 9 de octubre con un total de 14 funciones, además del preestreno del 20 de septiembre con acceso solo por invitación. “España es el país en el que vivo y que ha significado mucho en mi vida profesional” afirma Riccardo Frizza. “Precisamente desde España llega este año un reconocimiento que me enorgullece: el Premio Ópera XXI, otorgado por la asociación de teatros y festivales de ópera españoles por la funciones de Lucia di Lammermoor que dirigí en 2019 en ABAO Bilbao Opera, y que recibiré el 11 de septiembre en el Teatro de La Zarzuela de Madrid”. La gala de entrega de premios se podrá ver en directo desde la plataforma digital OperaVision.

Respecto de su regreso al podio del Teatro Real, Frizza asegura que, por temas de agenda, hasta el momento solo había dirigido una única vez en el Real, “en 2007, cuando tuve la oportunidad irrepetible de ofrecer dos versiones de Tancredi de Rossini, la de Venecia y la de Ferrara. Fue una experiencia extraordinaria, tanto desde el punto de vista teatral –con una espléndida dirección de escena de Kokkos–, como musical, ya que se creó una muy buena sintonía entre el equipo creativo y los dos elencos, e incluso desde el punto de vista filológico gracias a la asistencia de la Fondazione Rossini de Pésaro con la edición crítica de su partitura. Fue una gran oportunidad para sondear una ópera compuesta por un Rossini de poco más de veinte años, muy lograda en relación a la edad del compositor y sin duda un eslabón importante en una cadena de obras maestras inmortales”.

Después de catorce años el maestro Frizza está muy satisfecho con el “reencuentro con un coro y una orquesta espectaculares, dos repartos solistas muy bien equilibrados y mucho entusiasmo. En estos años el mundo ha cambiado y la pandemia ha causado estragos en el sector, pero la música y la ópera han resistido, sobre todo en España y especialmente en el Teatro Real, ayudándonos a mantener el rumbo. Quizás ahora todos seamos un poco más maduros después de esta experiencia a nivel global”.

Director musical del Festival Donizetti de Bérgamo, Riccardo Frizza es uno de los más aclamados directores de orquesta de su generación, invitado regularmente de teatros y festivales internacionales como la Opéra de París, Lyric Opera de Chicago, Metropolitan Opera de Nueva York, Bayerische Staatsoper, Teatro alla Scala de Milán, Rossini Opera Festival de Pésaro, Festival Verdi de Parma, Maggio Musicale Fiorentino, Accademia Nazionale de Santa Cecilia de Roma, Gran Teatre del Liceu de Barcelona, Gewandhausorchester de Leipzig y Sachsische Staatskapelle de Dresden.

Riccardo Frizza

Fotografía © Gianfranco Rota

El año próximo se cumplirán 120 del estreno de ‘Circe’, la grandiosa ópera de Ruperto Chapí que en 1902 inauguró con más de veinte funciones el desaparecido Teatro Lírico, un Titanic absoluto del género, el más grande recinto lírico habido en Madrid. Diez años después, ‘Circe’ viajó a Buenos Aires para conquistar asimismo al público del Teatro Colón; suerte inmensa –cuyo verdadero alcance todos ignoraban– la de los espectadores de una y otra orilla que tuvieron la ocasión de asistir a alguna de esas representaciones. Y es que a partir de ahí, la historia fue muy distinta: ‘Circe’, la obra que muchos consideraron «cimiento y base de la ópera española», cayó en un olvido total e inconcebible –no volvió a representarse, no se volvió a escuchar– del que ahora el Teatro de la Zarzuela la rescata para que el público de 2021 también pueda alimentarse con aquella composición que giró hacia donde nadie había osado (o sabido). Para admirar a un Chapí hasta la fecha (de entonces y de ahora) desconocido. Los días 10 y 12 de septiembre (20h00 y 18h00 respectivamente) el Teatro de la plazuela de Jovellanos presentará en versión de concierto esta obra hoy absolutamente “nueva”.

De esta manera el coliseo cumple una vez más con las exigencias irrenunciables recogidas en sus estatutos como son la preservación, la recuperación, la revisión y la difusión de nuestro patrimonio lírico. Estos son los obligados cometidos que el Teatro cumple minuciosamente cada temporada al menos por partida doble.

‘Circe’, con libreto de Miguel Ramos Carrión, se estrenó en el Teatro Lirico de Madrid el 7 de mayo de 1902, y como indica el musicólogo Emilio Casares, uno no puede acercarse a ella con el mismo espíritu con que se acude a un oír ‘La traviata’ o ‘Doña Francisquita’. “Más bien hay que pensar en cualquiera de los dramas de Wagner o en el ‘Pelléas et Mélisande’ de Debussy”, afirma el experto, quien explica que ‘Circe’ no se define por las grandes arias, dúos o números concertantes —no tiene números—, “sino como un drama musical continuo, donde música, texto, y visualidad actúan en conjunto”. Como un todo absoluto.

Los dos conciertos que ahora hacen justicia a la obra, estarán dirigidos por Guillermo García Calvo, director musical del Teatro de la Zarzuela, quien al frente de la Orquesta Titular de este, la ORCAM, y de su Coro Titular dirigido por Antonio Fauró, deberá afrontar una partitura extraordinariamente exigente, escrita con una inteligencia musical fuera de lo común.

Será asimismo una ocasión única para complacerse con un reparto muy acorde a las necesidades que solicita una obra de estas características, integrado por Saioa Hernández, Alejandro Roy, Rubén Amoretti y Marina Pinchuk en sus papeles protagonistas.

La grabación que Radio Clásica efectuará de una de las dos sesiones, puede considerarse como histórica, ya que será el primer registro sonoro de la obra.

En las funciones del estreno de ‘Circe’ la aclamación fue in crescendo hasta lograr un entusiasmo unánime, y eso que Chapí no dirigió su trabajo a atraer al público de siempre, pensado en grandes números que han de terminar con el consabido aplauso. Como nos desvela Emilio Casares, “las bellezas saltan a la vista pero de otra manera, con una orquestación siempre rica, con numerosos momentos transicionales, con un magistral trabajo motívico, o por su colorismo. No hay sitios para las grandes cadenzas, o para momentos de fioritura”.

El maestro García Calvo señala al respecto que ‘Circe’ es “una ópera histórica, europea en el estilo de la ‘Elektra’ de Strauss o el ‘Edipo’ de Enescu. Una ópera que describe el ambiente mítico de La Odisea de Homero en un viaje de descubrimiento para todos”. El director muestra asimismo su admiración por Chapí aludiendo a la versatilidad de su capacidad creativa: “En cada obra que escribe parece de un nuevo compositor. Qué distinta su música”. Y de acuerdo a esta idea concluye: “El de ‘Circe’ es un Chapí absolutamente desconocido”.

El consagrado director español José Miguel Pérez-Sierra arranca su curso 2021-2022 el 4 de septiembre en la Cité Musicale Metz con un concierto de sabores brasileños junto al virtuoso compositor e intérprete de mandolina Hamilton de Holanda, gran figura del panorama artístico brasileño que se mueve entre el jazz, la samba y la música clásica. En el programa, dentro de la temporada de la Orchestre national de Metz, se incluyen las Saudades do Brasil, de Milhaud, las Bachiana brasileira N°8, para orquesta, de Villa-Lobos, y la Symphonie monumentale compuesta por el mismo Hamilton de Holanda.

El 11 de septiembre volverá a la Programación Lírica de Amigos de , en la que ha dirigido en numerosas ocasiones, ahora para ponerse al mando de un concierto junto a la soprano noruega Lise Davidsen en el que interpretarán arias y escenas de óperas Beethoven, Verdi, Wagner y Strauss junto a la Sinfónica de Galicia. Más tarde, los días 24 y 26 de septiembre y siempre en el Teatro Colón de la capital gallega, dirigirá la ópera Pagliacci, de Leoncavallo, con un cast en el que figuran Alejandro Roy (Canio), Vanessa Goikoetxea (Nedda), Zeljko Lucic (Tonio), Enrique Alberto Martínez (Peppe) y César San Martín (Silvio), con la Sinfónica de Galicia en el foso y en una imaginativa producción del Teatro de La Zarzuela dirigida escénicamente por Ignacio García.

Entre otros compromisos y en lo que queda de temporada, el maestro José Miguel Pérez-Sierra celebrará el bicentenario del “Mozart español”, Emilio Arrieta, dirigiendo su ópera Marina en el Auditorio Baluarte de Pamplona, regresará a la Opéra de Marseille (Francia) con Armida de Rossini, ofrecerá un concierto junto a la Orquesta Sinfónica de Navarra, debutará en el Théâtre de La Monnaie/De Munt de Bruselas al mando de la popular ópera Carmen, de Bizet, un título que también dirigirá en Grand Théâtre de Luxemburgo. Este curso el director madrileño también volverá al Teatro de La Zarzuela de Madrid para volver a revisar la comedia de Barbieri El Barberillo de Lavapiés, título que ya ha paseado por varios escenarios líricos españoles.

Fotografía: Pedro Aijón

Cité Musicale Metz

Amigos de la Ópera de A Coruña

Anna Netrebko interpreta una selección de arias de ópera muy diversas en su última grabación para Deutsche Grammophon. Amata dalle tenebre, cuyo lanzamiento internacional está previsto para el 5 de noviembre de 2021 en todos los formatos, con inclusión del sonido surround 3D de Dolby Atmos, es el primer álbum clásico a solo que graba esta soprano superestrella en los últimos cinco años. Ha interpretado la música que ella misma ha elegido, y que incluye algunas de las arias más dramáticas y apasionadas de todo el repertorio, en la legendaria La Scala de Milán, con la Orquesta del Teatro alla Scala bajo la batuta del director musical de La Scala, Riccardo Chailly. La cineasta italiana Elena Petitti di Roreto ha inmortalizado cuatro de las interpretaciones de Netrebko en vídeos musicales que forman parte de su nueva y original película: Anna – Escenario de emociones, una mezcla radical de la esencia sensual de la ópera y un vocabulario visual contemporáneo.

En Amata dalle tenebre, Anna Netrebko presenta el optimismo injustificado de “Un bel dì vedremo” de Puccini, cantada por Madama Butterfly; la desesperación de “Sola, perduta, abbandonata!” de Manon Lescaut de Puccini; y la resignación y el anhelo intrínsecos a “Tu che le vanità”, un tour-de-force emocional de Don Carlo de Verdi. En los últimos años, la cantante se ha decantado, con notable éxito, por algunos de los papeles más dramáticos de la literatura operística y aquí demuestra también su maestría en este repertorio, aportando unos colores maravillosamente suntuosos y oscuros a “Ritorna vincitor! … Numi, pietà del mio soffrir!” de Aida de Verdi; a “Poveri fiori” de Adriana Lecouvreur de Cilea; y al Aria de Lisa de La dama de picas de Chaikovski. Netrebko canta también dos piezas en alemán: la trágica y, sin embargo, extática Liebestod de Isolda, de Tristán e Isolda de Wagner, y la descripción que hace Ariadne, con el corazón roto, del país de la muerte, “Es gibt ein Reich”, de Ariadne auf Naxos de Richard Strauss. Finalmente, a modo de inclusión sorpresa, regala a sus oyentes una desgarradora interpretación de “When I am laid in earth”, de Dido y Eneas de Purcell.

Netrebko se ha introducido también en nuevos territorios al colaborar con la famosa cineasta Elena Petitti di Roreto en la grabación de una serie de vídeos musicales para cuatro de las piezas del nuevo álbum. La película de la directora italiana, Anna – Escenario de emociones, es en parte documental, en parte una respuesta abstracta y visualmente deslumbrante a algunos de los poderosos temas que se encuentran presentes en esta música, desde el amor y la esperanza a la muerte y la desesperación. Recoge los retratos que hace Anna Netrebko de cuatro grandes heroínas operísticas –Aida, Lisa, Dido e Isolda–, todas las cuales cobran vida individualmente gracias al lenguaje y el estilo visual único de la directora. Intercalados con los cuatro vídeos musicales puede verse también una entrevista en profundidad con Netrebko, que habla tanto de los distintos papeles como de su propia vida. Rodada en gran medida en el marco majestuoso del famoso auditorio de La Scala, la película establece conexiones con la venerable historia de este teatro de ópera (aquí se celebró el estreno mundial de Madama Butterfly) y su excelencia artística ininterrumpida, en la actualidad bajo la dirección del Maestro Chailly. Anna – Escenario de emociones es el complemento perfecto de Amata dalle tenebre.

Dentro de la programación del Festival Euroclassics, la artista albanesa protagonizará en el Palau de Congressos de Palma las piezas grabadas para celebrar el 50 aniversario de Opera Rara, en su primer disco de recital –Anima Rara-, presentado en septiembre de 2020, y grabado en Valencia en 2019 con la Orquesta de la Comunidad Valenciana y Andrea Battistoni. Dicha grabación recibió el premio de música vocal del ICMA (International Classical Music Awards), del presente año.

Jaho interpretará piezas de Leoncavallo, Bellini, Verdi, Massenet o Puccini. Durante sus 50 años de historia, Opera Rara ha establecido estrechas relaciones con varios cantantes y ha ayudado a nutrir sus carreras. La compañía le dio a Jaho su primera oportunidad de grabar en estudio en 2015 cuando cantó el papel principal de Zazà de Leoncavallo, que también marcó la primera incursión de Opera Rara en el verismo. En 2018, volvió a cantar el papel de Anna cuando Opera Rara presentó el estreno moderno de la primera ópera de Puccini, Le Willis, en su versión original de un acto. Para lanzar las celebraciones del 50 aniversario a principios del 2020, Opera Rara presentó el recital debut de Jaho en el Wigmore Hall de Londres, con un programa que presentaba gran parte del repertorio escuchado en Anima Rara, además de canciones raramente escuchadas de Bellini, Verdi, Toscanini y Tosti.

Como señaló The Independent: “El sonido de Jaho es por turnos ligero y transparente, o lujosamente lleno, y llega a grandes clímax cuando la música lo exige. Lo que hace con la terrible escena de 13 minutos de Lodoletta de Mascagni, rara vez interpretada, tiene una fuerza demoledora. Un debut asombroso”.

Anima Rara: “Es fácil apreciar algo bien establecido y probado ante el público, pero se requiere una visión artística para pedirle al público que dé una nueva mirara a una obra de arte que se ha perdido en las brumas del tiempo. Esta es la visión de Opera Rara, y la comparto con pasión. El repertorio que hemos grabado aquí es diverso, pero lo que lo une es la verdad emocional, el alma que encontramos en la música”.

Residente en Nueva York, Ermonela Jaho nació en Albania y comenzó a tomar lecciones de canto cuando tenía solo seis años. A los 14 años, la llevaron por primera vez a la Ópera de Tirana, donde escuchó La Traviata y decidió convertirse en cantante de ópera. A los 19 se trasladó a Roma para continuar sus estudios en la Accademia Nazionale di Santa Cecilia. Durante los años siguientes, ganó muchos concursos de canto en Italia, abriendo las puertas de su carrera como cantante. Las vívidas interpretaciones de Ermonela Jaho y su excepcional identificación con los roles que interpreta se destacan en todas sus reseñas.

Durante el último año, las ovaciones de pie la siguieron desde Londres, París, Nueva York, Múnich, Berlín, Madrid y otros lugares intermedios, y The Economist la describió como «Ángel ardiente … la soprano más aclamada del mundo», Financial Times «. lanza corazón y alma a su canto. ¡Ni siquiera intentes resistirte! ”, The Independent como“ la mejor Madama Butterfly que Londres ha visto en años ”y el Daily Telegraph de Australia la describe como“ un fenómeno imparable ”.

Demandada en todo el mundo, Ermonela Jaho es particularmente reconocida por sus interpretaciones de Violetta (La traviata), Madama Butterfly y Suor Angelica (Il trittico) y muchos otros papeles donde deja su marca indeleble en todo lo que canta.
En la temporada 2021-22, Ermonela Jaho interpretará en París Thaïs de Massenet, mientras que en España será Mimí en La Bohème del Teatro Real, así como Adriana Lecouvreur en la ópera homónima en la Ópera de Oviedo. “’Cuando tengo que llorar, lloro, seguro. Si tengo que gritar, grito de verdad ». Ermonela Jaho habla del escenario como si fuera el único lugar donde te ves
obligado a no engañar nunca. Todo el artificio y el arte y los preparativos técnicos cuentan poco, dice, sin una emoción genuina «.
Revista de música de la BBC Opera Rara.

Opera Rara se fundó en 1969 por Patric Schimd y Don White con una gran ambición: documentar toda la música de Donizetti a través de grabaciones y, cuando sea necesario, nuevas ediciones interpretativas. Bajo el mandado de ocho años de Sir Mark Elder, Opera Rara amplió su repertorio para incluir la gran ópera francesa, la opereta francesa y obras de verismo italiano. Junto con su nuevo director artístico, Carlo Rizzi, la compañía continua con su misión de “redescubrir, restaurar, grabar e interpretar” obras maestras operísticas olvidadas.

Programa del recital del 4 de septiembre en Mallorca:
Ermonela Jaho, soprano
Elda Laro, piano
Anima Rara
1. Leoncavallo, La Boheme.”Musette svaria sulla bocca viva.
2. Bellini, “Vaga luna che inargenti”
3. Bellini, “Malinconia, ninfa gentile”
4. Verdi, “il Brindisi”
5. Giordano Valzer (Elda Laro)
6. Leoncavallo, Zaza. “Mamma? Io non l’ho avuta mai”
7. Tosti, “Tristezza”(extra)
8. Mascagni, Iris. “Un di ero piccina”
—
1. Gounod, “Serenade”
2. Bizet, “Chanson d’Avril”
3. Massenet, Sapho. “Pendant un an, je fus ta femme”
4. Giordano Romanza (Elda Laro)
5. Puccini, “Sole e amore”
6. Giordano, Siberia. “Nel suo amore rianimata”
7. Mascagni, Lodoletta. “Flammen perdonami (tutta la scena finale )

El Ayuntamiento de Benicàssim retoma este verano su Festival Lírico. La alcaldesa, Susana Marqués, junto al concejal de Cultura, Javier Alonso, y al director del certamen, Roberto Turlo, presentaron la XIII edición que tendrá lugar del 2 al 8 de agosto y que contará con un programa de cinco conciertos y un seminario sobre zarzuela, actividades que se ofrecerán en el Teatre Municipal Francesc Tárrega y el emblemático palacete municipal Villa Elisa de Benicàssim.

Ópera Benicàssim, junto a la promotora y productora de espectáculos AIM – América Iber Música han preparado un ambicioso programa que, como ha indicado la alcaldesa de Benicàssim, “el Festival, año tras año, suma internacionalidad por la calidad de sus artistas y hará que Villa Elisa y el Teatro Municipal se conviertan en el epicentro de la lírica durante una semana”.

Roberto Turlo, oboista, director y alma del certamen desde su creación, ha comentado por su parte que se trata de “un proyecto ilusionante, con más de una década de recorrido y que se lleva a cabo gracias al esfuerzo de muchas personas, tanto por parte de la administración –que año tras año apuesta por su celebración– como de todos los artistas implicados. En esta edición, tras tanta incertidumbre que ha causado la pandemia, regresamos con unas ganas inmensas y con una programación fantástica –siempre con artistas de primera división– y, esta vez, con un guiño a la zarzuela, un género que nos encanta divulgar; nuestro objetivo sigue siendo acercar la música y la cultura a nuestro público, el de casa y al itinerante”.

El concejal de Cultura, Javier Alonso, ha añadido que se continúan “sumando propuestas de calidad y envergadura a ese gran contenedor de cultura que se está convirtiendo Villa Elisa, lugar en el que, junto con el Teatro Municipal, se conjugará a la perfección la buena música con todas las medidas de seguridad sanitaria para seguir con nuestra apuesta firme por la cultura segura”.

En cuanto a la programación, el evento se inaugurará con un recital de la soprano valenciana Carmen Romeu (4 de agosto, Teatre Municipal) que, acompañada del piano de Rubén Fernández Aguirre, ofrecerá un programa de canción española y francesa. El barítono madrileño Alfredo García junto al pianista Enrique Bagaría proponen un recital dedicado a canción de autores sudamericanos y españoles como Cluzeau-Mortet, Guastavino, R. Halffter, Sorozábal, Guerrero, Moreno Torroba, Chueca o Soutullo y Vert (5 de agosto, Villa Elisa). La programación se completará con un concierto a cargo de la soprano irlandesa Laura Sheerin acompañada por el septeto Solistas de Valencia (7 de agosto, Teatre Municipal) que incluirá arias de óperas como La Rondine, L’amico Fritz, Rusalka o Gianni Schicchi, así como canciones de compositores irlandeses y americanos.

Este año, además, gracias al acuerdo alcanzado por el Festival con la Asociación Zarzuela por el Mundo que preside Plácido Domingo, los conciertos se desarrollarán paralelamente al Seminario Zarzuela XXI, un encuentro que quiere profundizar tanto en el género lírico español como en la música española en general que contará con una ponencia de la musicóloga María Luz González sobre música española (5 de agosto, Villa Elisa), así como clases magistrales a cargo de profesores especialistas en cada área de la talla de la mezzosoprano Nancy Fabiola Herrera, que aportará toda su experiencia en el género y de su reconocida carrera internacional; el director de orquesta Óliver Díaz (exdirector musical del Teatro de La Zarzuela de Madrid), la actriz Isabel Cámara (actuación, dicción y enfoque de los textos teatrales) y del profesor Vincenzo Spatola (técnica vocal).

Marcello Pérez Pose, director de América Iber Música, organizador del Seminario Zarzuela XXI y profesor del mismo, afirma que está convencido “de la importancia de dar a conocer, profundizar, investigar y difundir el género de la zarzuela, motivo por el cual creamos la Asociación Zarzuela por el mundo, una entidad itinerante que propone herramientas motivacionales que permitan la divulgación y representación de espectáculos de zarzuela por todo el mundo, pero sobre todo de calidad”. El seminario culminará con una gala de zarzuela a cargo de los alumnos participantes en el encuentro (6 de agosto, Villa Elisa) y con el espectáculo Un manojo de zarzuela (8 de agosto, Teatre Municipal Francesc Tàrrega) como cierre del Festival. Se trata de una producción de Ópera Colombia dirigida por el barítono Antonio Torres, quien además encabeza el elenco de artistas completado por la soprano y flautista colombiana Liliana Mestizo, la mezzo mexicana Zayra Ruíz, y el pianista cubano Leonardo Milanés, quienes con su arte proponen un viaje por el mundo de la zarzuela con hits del género como María la O, La del manojo de rosas, La leyenda del beso, La tabernera del puerto, Don Gil de Alcalá, Katiuska, Cecilia Valdés, Los sobrinos del Capitán Grant, María la O, etc.

Tosca brilla en el Teatro Real
Tosca
Giacomo Puccini (1858-1924)
Melodramma en tres actos
Libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, basado en la obra La Tosca de Victorien Sardou
8 de julio de 2021 Teatro Real de Madrid
D. musical: Nicola Luisotti
D. escena: Paco Azorín
Figurinista: Isidre Prunés
Vestuario de Floria Tosca: Ulíses Mérida
Iluminador: Pedro Yagüe
Vídeo: Alessandro Arcangeli
Coreógrafo: Carlos Martos de la Veja
D. coro: Andrés Máspero
D. coro Pequeños Cantores: Ana González
Reparto: María Agresta, Michael Fabiano, Gevorg Hakobyam, Gerardo Bullón, Valeriano Lanchas, Mikeldi atxalandabaso, David Lagares e Inés Ballesteros
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real y Pequeños Cantores de la JORCAMAbril de 1889, Puccini acaba de tener un sonoro fracaso en La Scala con el estreno de Edgar. Al cabo de unas semanas escribe a su editor Giulio Ricordi, para pedirle que solicite a Victorien Sardou una autorización para poder adaptar su obra La Tosca (1887).La obra de Sardou había recorrido los principales teatros europeos con gran éxito de público, teniendo a Sarah Bernhadt como protagonista. Puccini, que había asistido a una representación, quedó prendado por la fuerza escénica del personaje y de la manera teatral de mezclar la pasión amorosa con la pasión de los poderes políticos y eclesiásticos. Encarga entonces a sus dos libretistas, que acababan de tener un enorme éxito con la Bohéme, que inicien los trabajos de un nuevo libreto que será la envidia, entre otros, del propio Verdi.Tosca se convirtió en un claro ejemplo de verismo. No sin antes ser convenientemente dulcificada para agradar a los paladares más exquisitos, que no dudaban en criticar un libreto y unos personajes no muy refinados. La Tosca de Puccini resultó más sofisticada y femenina que la de Sardou.Pero los cambios no solo se centraron en los personajes. La música de Puccini marcó una gran diferencia y ruptura con los convencionalismos operísticos que se remontaban al barroco. La fluidez de la trama favorecía el conjunto y las, hasta ese momento, todopoderosas arias, quedaban disueltas y entrelazadas dentro de la globalidad de la obra. En Tosca las arias se reducen a tres, eso si, de enorme personalidad y belleza. “Recondita armonia”, que Cavaradossi interpreta en el primer acto, “Vissi d’arte”, aria emblemática de Floria Tosca y “E lucevan le stelle”, también interpretada por Cavaradossi justo antes de morir.El éxito de Tosca, como representante del verismo, está en su capacidad de crear clímax con una insoportable tensión dramática. Otra característica de Tosca es la utilización de los leivmotivs, que sin la sofisticación de los wagnerianos, eran muy efectivos dramáticamente y muy del gusto italiano. El más importante y constante a lo largo de la obra es el que representa al malvado Scarpia, jefe de la policía política y cuyo leivmotiv es una verdadera metáfora musical del terror político de la dictadura que en esos momentos dominaba Roma, como se demuestra en una de las frases que le dirige Tosca después de asesinarle, “E avanti a lui tremava tutta Roma!”.La producción de Tosca que presenta ahora el Teatro Real, es una coproducción del Gran Teatre del Liceu de Barcelona y el Teatro de la Maestranza de Sevilla. La dirección escénica ha estado a cargo de Paco Azorín. Se nota que viene del mundo del teatro. Realiza tres escenas distintas con un único escenario, aprovechando la movilidad y recursos que ofrece el Real y que no tienen otros, como quedó demostrado en el tercer acto, haciendo desaparecer y aparecer simultáneamente dos escenarios de manera espectacular.Azorín se toma demasiadas licencias durante la obra. Aparecen frases proyectadas en escena que nada tienen que ver conel libreto y que repiten como un cansino mantra la palabra revolución, esas a las que algunos han llegado tarde. Tampoco tiene que ver ni se encuentra mcho sentido a una mujer desnuda que aparece en los momentos clave, restando protagonismo a las escenas y personajes y que, según Azorín, es la Libertad guiando al pueblo, de Delacroix. Imaginación no le falta.En conjunto la escenografía tiene elementos interesantes, como los ojos, a modo de gran hermano, que vigilan a Tosca. O la impresionante escena del Te Deum y, sobre todo, la buena disposición de los cantantes sobre el escenario.La dirección musical de Nicola Luisotti favorece enormemente este tipo de obras. Su manera de dirigir, llena de energía y musicalidad, acentuó la espectacularidad de las escenas más brillantes. Creó tensión dramática y permitió momentos de respiro e intimidad de manera acertada. Supo obtener de la orquesta el carácter italiano que respira la obra.Los repartos en esta ocasión son espectaculares. Tres son las Toscas, Anna Netrebko, que estará solo en las funciones del 21 y 24, Sondra Radvanovky, de voz homogénea y sonora cuya capacidad de dramatización hace que este personaje le encaje a la perfección y María Agresta, nuestra protagonista de hoy. Posee también una notable capacidad dramática. Su Tosca es más sutil y sentimental, también en lo vocal. Es un rol el de Tosca que tiene sus dificultades y Agresta las resolvió mejor en el segundo y tercer acto que en el primero. Pero también tuvo momentos de lucimiento, su “Vissì d’arte” estuvo lleno de emotividad. Toda una hazaña teniendo en cuenta que tuvo que interpretarlo tumbada en el suelo.Para el papel de Mario Cavaradossi tenemos cuatro tenores. Joseph Calleja, de hermoso y cálido timbre, Yusif Eyvazov, que casualmente actúa los mismos días que su esposa, Anna Netrebko, el mediático Jonas Kaufmann, solo dos funciones también, y Michael Fabiano, que se mostró más bien estático en escena y falto de naturalidad. Menos mal que estuvo más inspirado en lo vocal. Aceptable su “Recondita armonia”, y bastante bien en “E lucevan le stelle”, apianando con gusto. Fue el más aplaudido de la noche.Al Scarpia de Gevorg Hakobyan le faltó presencia escénica y, en algunos momentos, también vocal. Empezó bien, pero fue perdiendo maldad a medida que se acercaba el momento de su muerte. Tiene unos buenos y baritonales graves, pero a su Scarpia le faltaron quilates. No ayuda en estos casos tener en los otros repartos a Carlos Álvarez, que ha construido un magnífico Scarpia o a Luca Salsi, que acompaña al matrimonio Netrebko.El resto de comprimarios tuvieron una buena actuación. Muy bien Gerardo Bullón en su rol de Cesare Angelotti. Valeriano Lanchas interpretó a un resuelto y desenfadado sacristán. Mikeldi Atxalandabaso, como Spoletta, cumplió con su profesionalidad habitual, al iguañ que David Lagares, con su Sciarrone y la hermosa voz del pastorcillo de Inés Ballesteros.Magnífico el Coro Intermezzo, Titular del Teatro Real, que continúa dando una lección de profesionalidad y esfuerzo enfrentándose y venciendo a los elementos y a las mascarillas. Bien también el Coro de Pequeños Cantores de la JORCAM, bajo la dirección de Ana González.Con Tosca termina la temporada lírica del Teatro Real, una temporada que puede catalogarse de histórica. Donde la calidad artística, que la ha tenido, puede quedar en un segundo plano ante una decisión difícil y extraordinariamente valiente que tomó el Teatro hace ahora un año, permanecer abierto y con su programación, a pesar de la situación pandémica mundial demostrando, que no solo era posible, sino necesario, levantar el telón.Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real
Vídeos: Teatro Real

Anima Aeterna, es la nueva aventura del contratenor de origen polaco en la que explora arias sagradas y motetes del siglo XVIII. Sigue la línea de Anima Sacra, publicado en 2018, que anunciaba la llegada de Jakub Józef Orliński, tal y como describió la revista Gramophone, “una voz con un gran futuro”.

Al igual que Anima Sacra, el nuevo álbum incluye varias grabaciones de estreno mundial. A Jakub se unen nuevamente los instrumentistas de Il pomo d’oro, dirigido en esta ocasión por Francesco Corti. Una innovación que encontramos en este nuevo álbum es la participación del coro Il Pomo D´Oro y la presencia de otra solista vocal; la cautivadora soprano Fatma Said, cuyo reciente álbum debut El Nour causó sensación a nivel mundial. Fatma se une a Orliński para el brillante motete ‘Laetatus sum’ del compositor bohemio Jan Dismas Zelenka. El coro contribuye a otro motete, y a una de las grabaciones de estreno mundial, «Laudate Pueri, laudate Dominum» del compositor napolitano Gennaro Manna.

“Anima Aeterna pretende ser una continuación de Anima Sacra”, dice Jakub Józef Orliński. “Ofrece una especie de diálogo, una conversación entre los dos programas. Siempre quise que mis álbumes en solitario fueran declaraciones artísticas y presentaran ideas, contando grandes y pequeñas historias, creando conexiones y argumentos a través de sus programas».

Para concebir e idear esta segunda Anima, Orliński volvió a trabajar con el músico y musicólogo polifacético Yannis François. Además de Zelenka (también representada por un virtuoso motete solo, ‘Barbara dira effera’, compuesta para el célebre castrato Domenico Annibali) y Manna, ofrece obras de Handel, Fux y dos compositores que, como Manna, son ‘redescubrimientos’: Francisco António de Almeida y Bartolomeo Nucci. De hecho, Yannis François cree que el aria de Nucci, de un oratorio sobre la historia de David y Goliat, constituye la primera aparición del compositor toscano en todo el catálogo grabado. La edición en LP de Anima Aeterna incluye una pista adicional y otra grabación de estreno mundial: «Gratias agimus tibi» del compositor napolitano Davide Perez.

“Una vez más, este álbum no trata tanto del lado religioso de las obras del programa como de las emociones que contienen”, continúa Orliński, “y de los diferentes instrumentos y voces que presentan. Puede encontrar composiciones con orquestaciones totalmente diferentes: con trompeta solista, violín, fagot, violonchelo, órgano y viola di bordone [un tipo de viola también conocida como baryton]. También hay un motete completo con coro y la maravillosa soprano, Fatma Said.

“Todo esto muestra aún más los matices y colores que se escuchan en la música sacra de la época barroca y, lo más importante, cómo pueden tocar el alma de las personas, incluso hoy. Anima Aeterna significa «alma eterna», que para mí significa naturaleza. Algo tan fuerte y duradero … Algo tan vital, salvaje y peligroso, pero también tan tranquilo, fascinante y curativo «.

Su cara y su nombre se han hecho populares tras alzarse con la victoria en la primera edición del programa The Dancer, el concurso de talentos que la ha consagrado como mejor bailarina de España, pero Macarena Ramírez tenía ya un lugar destacado en el mundo del Flamenco, donde su arte, su técnica y su estilo ya eran reconocidos por compañeros y aficionados.

Como tantos bailaores, Macarena Ramírez comenzó su formación profesional siendo muy niña. Con sólo 6 años ya pisaba el escenario, empezando un camino que la llevaría, un año después, a ganar el Premio Revelación de Andalucía y, recién cumplidos los 12, a dar vida a una Lola Flores adolescente en la película Lola. Ha perfeccionado su técnica con figuras como Eva la Yerbabuena, Carmen la Talegona o Rubén Olmo, por citar algunos, y ha trabajado en las compañías de Sara Baras, Antonio “El Pipa” y María Pagés, entre otros.

Destacan de ella su técnica, de pies velocísimos, y la delicadeza de sus manos. Afianzada en el flamenco más puro, sus movimientos denotan la esencia femenina, con su delicadeza y su fuerza, y una forma de girar y de expresar que la hacen reconocible en cuanto pisa el escenario.

En Efímero, su último trabajo, nos contará una historia de encuentro y aprendizaje, de amor con su trenza de alegría, fortaleza y fragilidad; de amor intenso que pasa, efímero, dejando marca en el alma. Una narración a dos en la que contará con la participación especial del bailaor Eduardo Guerrero, un artista con quien ha compartido cartel y cuyos bailes se entienden y complementan.

La banda sonora la pondrán la guitarra de Juan José Alba, el cante de Ismael de la Rosa “el Bola” y Miguel Lavi, y la percusión de Carlos Merino.

FLAMENCO REAL, en coproducción con SO-LA-NA, está adaptado a la actual normativa de seguridad sanitaria sustituyendo el formato anterior. Los espectáculos tienen lugar cada tres semanas, los jueves o los viernes, en sesión doble; se han rebajado los precios un 15%, en relación con las ediciones anteriores, y se ha creado una nueva categoría de localidades con precios que oscilan entre los 25 y los 65 euros.

Flamenco Real cuenta con el patrocinio principal del Grupo Ership y Herbert Smith Freehills y la colaboración de Grupo Index, Leaderland, las bodegas de Juan Gil, Grupo Corporalia y Caballero Ventura.

Fotografía © Isa de la Calle

Se acerca el final de una temporada de ópera que el Teatro Real ha vivido con especial intensidad, ya que ha sido el único teatro lírico del mundo que ha presentado una programación completa en el periodo 2020-2021, y en la que cada vez que se ha levantado el telón se ha sentido como una recompensa artística y humana en defensa de la cultura segura.

Con este ánimo, el Teatro Real quiere compartir con todos estas citas, antes del descanso estival y cuando se cumple justo un año de la reapertura después del confinamiento, retransmitiendo en pantallas al aire libre, en la Plaza de Oriente y en la Plaza de Isabel II (Ópera), dos de sus espectáculos de esta Temporada. Para ello, se ha adaptado el espacio público a la normativa de seguridad sanitaria de la Comunidad de Madrid frente a la COVID-19, procurando un aforo limitado, con distancia de seguridad, al que se accederá con localidades gratuitas obtenidas previa reserva en la página web del Teatro a partir del 5 de julio a las 11.00 horas.

Ese mismo día, para quienes no puedan desplazarse o vivan fuera de la Comunidad, la ópera también se retransmitirá gratuitamente, a las 21.00 horas, en MyOperaPlayer (donde pasará a formar parte del catálogo) y en los canales de YouTube del Teatro Real y de RTVE, coproductora de la producción audiovisual. Al día siguiente, 11 de julio, a las 23.00 horas, Tosca será emitida en La 2 de TV.

La gran fiesta comenzará el sábado a las 12.00 horas con la retransmisión de la Novena Sinfonía de Beethoven, Sinfonía nº 9 en re menor, op. 125 “Coral”, interpretada en el Teatro Real el pasado mes de septiembre para conmemorar el 250 aniversario del nacimiento del compositor alemán, dirigida por Gustavo Dudamel al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real.

El concierto contó también con la participación de los Alumnos de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, el

Orfeo Català, el Cor de Cambra del Palau de la Musica Catalana, la soprano Susanne Elmark, la mezzosoprano Aigul Akhmetshina, el tenor Leonardo Capalbo, y el barítono José Antonio López.

A las 21.00 horas, una hora y media después del inicio de la ópera en el escenario, para evitar el calor y la excesiva claridad que puede haber a las 19.30 horas, dará comienzo la retransmisión de Tosca, de Giacomo Puccini, uno de los títulos más bellos y populares del repertorio lírico. La obra estará protagonizada por las voces de la soprano Sondra Radvanovsky (Floria Tosca), el tenor Joseph Calleja (Cavaradossi) y el barítono Carlos Álvarez (Scarpia).

Al frente del extraordinario elenco y del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real estará el maestro Nicola Luisotti, director principal invitado del Teatro Real, cuya presencia ha sido fundamental durante este largo período de convivencia con la pandemia, dirigiendo la excepcional Traviata después del confinamiento estricto (hace justo un año) e inaugurando la presente temporada, el pasado septiembre, con Un ballo in maschera, estimulando con su dedicación, confianza y entrega, tanto a los artistas como a los trabajadores.

El director de escena Paco Azorín concibe la ópera como concebida como un viaje del exterior al interior de los personajes, con apoyo de proyecciones y un decorado circular que evoluciona del realismo del primer acto a un progresivo lenguaje más conceptual y simbólico, llevando al espectador a penetrar en la atmósfera revolucionaria, caótica y despiadada de las luchas napoleónicas y contrarrevolucionarias, germen de los movimientos que llevarían a la unificación de Italia años más tarde.

Haciendo un paralelismo entre la trágica historia amorosa de la protagonista y la lucha contra un poder corrupto y autocrático, Tosca lucha por el hombre al que ama hasta la humillación y el asesinato, encarnando simbólicamente la defensa a ultranza de los ideales revolucionarios.

En la producción que se verá en el Real se ha mantenido la dramaturgia original, pero se han introducido algunos cambios, como la incorporación de un personaje inspirado en el cuadro La libertad guiando al pueblo, de Eugène Delacroix, que simboliza la revolución, o el nuevo diseño del vestuario del personaje titular, concebido por Ulises Mérida, con el que se pretende reforzar el carácter de diva operística de Tosca, completando el figurinismo original de Isidre Prunés, fallecido en 2014.

Fotografía: Javier del Real

El Palau LEs Arts Reina Sofia ha presentado la temporada 2021-2022, que marca también el inicio de un nuevo periodo para la Orquestra de la Comunitat Valenciana que, con la designación de James Gaffigan como nuevo director musical de Les Arts para los próximos cuatro años, inicia un periodo de estabilidad y crecimiento”.

James Gaffigan será el encargado de inaugurar y concluir la temporada con dos citas de referencia: la revolucionaria escenificación del ‘Réquiem’ de Mozart de Romeo Castellucci; y la vanguardista y todavía inédita ‘Wozzeck’, de Alban Berg; además de un concierto, en el que dirige obras de Rodrigo, Ravel y Dvořák.

Dossier nueva temporada 21-22 Les Arts

Según su director, Jesús Iglesias Noriega, los ejes de la programación se mantienen: la presencia de Mozart (‘Réquiem’) y de Verdi con ‘Macbeth’; la recuperación del repertorio centroeuropeo, con ‘Wozzeck’; la restitución del patrimonio español, con Manuel García; la inclusión de obras maestras inéditas con ‘Les contes d’Hoffmann’, de Offenbach; así como diversidad de estilos, desde el Barroco de ‘Ariodante’ y ‘Partenope’ de Händel, pasando por el verismo de Puccini o la ópera contemporánea con ‘Trouble in Tahiti’, de Bernstein”.

La búsqueda de nuevas estéticas se materializa con el estreno de la coproducción del ‘Réquiem’ en la que Castellucci transforma la inacabada misa de difuntos en un canto a la vida; la adaptación de Richard Jones de la intriga caballeresca de ‘Ariodante’ a una isla de pescadores en la Escocia del siglo XX; el poderoso ejercicio teatral de Johannes Erath en ‘Les contes d’Hoffmann’; la sobria puesta en escena de Benedict Andrews de ‘Macbeth’; o la producción de Andreas Kriegenburg de ‘Wozzeck’, montaje de referencia de la obra.

En la puesta en escena, dos mujeres rubrican las dos únicas nuevas producciones de la temporada: Bárbara Lluch, con una creciente presencia en el panorama nacional, dirige ‘Un avvertimento ai gelosi’, de Manuel García; mientras que Sol Picó presenta un nuevo espectáculo de danza, ‘Titanas’, en la que la convergen su reconocido talento junto con el lenguaje propio de otras tres coreógrafas.

La dirección musical de cada una de las propuestas se confía a especialistas en cada uno de los títulos: William Christie y Andrea Marcon en el repertorio Barroco; Marc Minkowski para dirigir con la OCV la edición crítica de ‘Les contes d’Hoffmann’; Michele Mariotti como reputado verdiano; el emergente Antonino Fogliani para Puccini; o Jordi Bernàcer para ‘Doña Francisquita’.

De la misma forma, en el apartado sinfónico los directores de mayor prestigio trabajan con la OCV: Juanjo Mena con un monográfico de Kaija Saariaho, figura clave de la música contemporánea; Gustavo Gimeno en su ascenso en el universo mahleriano; el emergente Riccardo Minasi en un sugerente programa que aúna la fascinación vienesa por el imaginario italiano; Josep Pons para Falla y Ravel; o el cotizado Mark Elder que debuta en Les Arts con Strauss y Stravinsky.

En el apartado de voces, el director artístico ha subrayado tres citas de referencia. Marina Rebeka, que cautivó en 2018 con su Traviata, hará su primera incursión en el rol de Cio-Cio-San en ‘Madama Butterfly’. Mientras que otra de las grandes estrellas del momento, Pretty Yende, debutará con uno de los grandes retos de su carrera: encarnar por primera vez a las cuatro musas de ‘Les contes d’Hoffmann’. Además del regreso de Carlos Álvaro a Les Arts para protagonizar ‘Macbeth’.

Entre los intérpretes se podrán escuchar voces inéditas como Piero Pretti (‘Madama Butterfly’), John Osborn y Alex Esposito (‘Les contes d’Hoffmann’), David Hansen, Christophe Dumaux, Jane Archibald y Sandrine Piau (‘Ariodante’) y Peter Mattei (‘Wozzeck’).

Regresan también artistas consagrados como Anna Pirozzi y Marco Mimica, en ‘Macbeth’; o reputadas voces del repertorio alemán como Eva-Maria Westbroek y Christopher Ventris en ‘Wozzeck’ junto con Ruth Iniesta e Ismael Jordi en ‘Doña Francisquita’.

Después de sus exquisitas actuaciones esta temporada, Joyce DiDonato y Marianne Crebassa protagonizan dos de las sesiones de ‘Les Arts és Lied’, en el que la platea de Les Arts podrá escuchar por primera vez a artistas de la talla de Matthias Goerne, Benjamin Bernheim, Lissette Oropesa y Jakub Józef Orliǹski. Mientras que ‘Les Arts és Grans Veus’, ofrece el reencuentro de dos cantantes muy apreciados por nuestro público, Leo Nucci y Erwin Schrott, con un programa dedicado a Giuseppe Verdi.

Por su parte, ‘Les Arts és Dansa’ continúa con su apuesta por mostrar las distintas vertientes de esta disciplina. Además de la nueva producción ‘Titanas’ con la alcoyana Sol Picó, la danza española llegará de la mano del Ballet Nacional de España, que presentará ‘Invocación’, que incluye alguna de sus creaciones más recientes. Clausurará el ciclo una de las grandes obras del repertorio, ‘La Bayadère’, con la que se presenta el Ballet de la Ópera de Perm, una de las compañías con más tradición en Rusia.

Además, en colaboración con el CNDM se instaura un nuevo apartado para atender una deuda histórica de la programación con la música barroca y antigua y su importante tradición nacional. Las principales formaciones integran ‘Les Arts és Barroc i Música Antiga’, en el que debuta en Les Arts Carles Magraner y su Capella de Ministrers junto con la también valenciana Harmonia del Parnàs de Marian Rosa Montagut.

Finalmente, Jesús Iglesias Noriega ha recordado que se mantienen y crecen en diversidad las restantes líneas de la programación, con nuevas citas en ‘Les Arts és Flamenco’ y ‘Les Arts és Altres Músiques’, además del ciclo ‘Les Arts és Per a Tots’ y los apartados de educación y formación.

Fotografía: Mikel Ponce

Entre el 4 y el 24 de julio se ofrecerán 16 funciones de Tosca, con retransmisiones gratuitas en distintos formatos canales de YouTube, MyOperaPlayer, La 2 de TVE, Radio Clásica de RNE y pantallas exteriores en la Plaza de Oriente y Plaza de Isabel II, que llevarán el popular título de Puccini a todos los rincones, celebrando el final de una programación operística intensa y muy especial, ya que el Real ha sido el único teatro lírico del mundo en presentar una temporada 2020-2021.

Nicola Luisotti ha tenido un importante papel durante este largo período de convivencia con la pandemia, dirigiendo la excepcional Traviata después del confinamiento estricto, inaugurando la presente temporada el pasado septiembre con Un ballo in maschera y estimulando, con su dedicación, confianza y entrega, a los artistas, trabajadores y al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real durante estos tiempos de incertidumbre.

Con Tosca, Luisotti dirigirá su novena ópera en el Teatro Real, en esta ocasión al frente de tres repartos con cuatro Cavaradossi, trabajando junto a Paco Azorín, que ha renovado para el Real la producción creada en 2014 para el Liceu de Barcelona y la Maestranza de Sevilla.

Concebida como un thriller cinematográfico, con apoyo de proyecciones y un decorado circular que evoluciona del realismo del primer acto a un progresivo lenguaje más conceptual y simbólico, Azorín lleva al espectador a penetrar en la atmósfera revolucionaria, caótica y despiadada de las luchas napoleónicas y contrarrevolucionarias, germen de los movimientos que llevarían a la unificación de Italia años más tarde.

Paco Azorín, que inició su carrera como escenógrafo en el Real se han visto sus decorados para las óperas Il prigioniero y Suor Angelica (con dirección de Lluís Pasqual) y para los ballets 2 you Maestro, El amor brujo y Electra, asume en esta producción también la dirección de escena, adaptando las directrices de la interpretación actoral a la idiosincrasia de cada cantante.

En la producción que se verá en el Real se ha mantenido la dramaturgia original, pero se han introducido algunos cambios, como la incorporación de una actriz que simboliza la revolución, o el nuevo diseño del vestuario del personaje titular, concebido por Ulises Mérida, con el que se pretende reforzar el carácter de diva operística de Tosca, completando el figurinismo original de Isidre Prunés, fallecido en 2014.

La ópera, coproducción del Gran Teatre del Liceu de Barcelona y del Teatro de la Maestranza de Sevilla estrenada en 2014, estará protagonizada por tres repartos encabezados por las sopranos Sondra Radvanovsky, Maria Agresta y Anna Netrebko; los tenores Joseph Calleja, Michael Fabiano, Yusif Eyvazov y Jonas Kaufmann; y los barítonos Carlos Álvarez, Gevorg Hakobyan y Luca Salsi.

Sondra Radvanovsky, que ya interpretó a Tosca en 2011, volverá al Real con este papel, después de encarnar a Amelia en Un ballo in maschera en la inauguración de la presente temporada. También regresa la soprano Maria Agresta, que protagonizó Norma (2016), Il trovatore (2019) y Don Carlo (2019). Anna Netrebko interpretará su segunda ópera en el Real, después de su participación en Guerra y Paz, de Serguéi Prokófiev, en 2001.

El tenor estadounidense Joseph Calleja debuta en el Teatro Real, Michael Fabiano asume un nuevo papel protagonista después de su participación en Cyrano de Bergerac (2012), I due Foscari (2016), Giovanna d’Arco (2019), La traviata (2020) y Un ballo in maschera (2020), y Yusif Eyvazov interpretará por primera vez una ópera en el coliseo madrileño, después de haber participado en un concierto al lado de Anna Netrebko en 2019. Finalmente, Jonas Kaufmann, que actuó en una función de La clemenza di Tito en 2009, encarnará ahora a Cavaradossi en dos funciones.

El papel de Scarpia será defendido por Carlos Álvarez que cambia completamente de registro después de su reciente triunfo en Viva la Mamma, Gevorg Hakobyan, que debuta en el Real, y Luca Salsi, que ya actuó en Rigoletto (2015) y Don Carlo (2019).

Después de la reapertura del Real, se han ofrecido 32 funciones de Tosca en las temporadas 2003-2004 y 2010-2011, todas con dirección de escena de Nuria Espert. Este popular título operístico regresa con un nuevo enfoque, que nace de la riqueza musical y dramática de esta trepidante obra maestra de Puccini.

Fotografía © Antoni Bofill

El sábado 23 de octubre se inaugura la 70º Temporada de ABAO Bilbao Opera con numerosas propuestas, actividades culturales, programas sociales, y una programación artística que crece con seis nuevos títulos y una apuesta permanente por la máxima calidad en todo su ámbito de actuación.

Tras haber tenido que detener y reprogramar parte de la actividad artística durante la pandemia, y haberse reinventado con nuevas propuestas como el exitoso programa ABAO on Stage, ABAO Bilbao Opera sigue trabajando en todo momento con la ilusión, el esfuerzo y el mismo objetivo de siempre: difundir la cultura y la ópera, y presenta la temporada 2021-2022 sobre un escenario de optimismo y esperanza en el retorno paulatino de la mayor normalidad posible.

La 70º temporada propone una programación ambiciosa, emocionante, variada, llena de estrenos y de la máxima calidad artística.

La nueva temporada incluye ocho títulos, cuatro de ellos en programa doble, más un concierto que añade dos nuevos títulos, con la figura de la mujer como eje vertebrador. Todas las óperas y las propuestas artísticas rescatan las protagonistas femeninas del relato. Mujeres que permiten reflexionar sobre la condición humana, las pasiones, los deseos, y las emociones que las mueven y las empoderan, o las destruyen.

Nueve compositores: Offenbach, Mascagni, Leoncavallo, Mozart, Poulenc, Zemlinsky, Rossini, Verdi y Puccini traen a la escena bilbaína óperas de los repertorios italiano, francés y alemán. Las óperas Les contes d’Hoffmann, Cavalleria Rusticana y Pagliacci en programa doble y Madama Butterfly, combinan con los estrenos en Bilbao de La clemenza di Tito, Alzira, que clausura el proyecto Tutto Verdi, el programa doble de La voix Humaine y Eine Florentinische Tragödie, y el concierto también doble de Giovanna d’Arco y Stabat Mater en el Teatro Arriaga.

Una nueva temporada en la que debutan diez cantantes tres directores de escena y tres directores musicales al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa, Euskadiko Orkestra, Orquesta Sinfónica Verum, Orquesta Bilbao Sinfonietta y del Coro de Ópera de Bilbao, que dirigido por Boris Dujin, se ocupa de la parte coral de la temporada.

ABAO sigue haciendo gala de su fama de institución de grandes voces y trae a escena destacados intérpretes que triunfan en los principales teatros de ópera del mundo como Michael Fabiano, Jessica Pratt, Elena Zhidkova, Jorge de León, Ekaterina Semenchuck, Ambrogio Maestri, Daniela Barcellona, Ainhoa Arteta, Angela Meade, Sergio Escobar o Juan Jesús Rodríguez, entre otros.

Llegaba por primera vez al Teatro Real Orlando Furioso, la obra de Antonio Vivaldi basada en el libreto italiano de Grazio Bracciolli, basado a su vez en el poema épico Orlando Furioso de Ludovico Ariosto. Un Dramma per música en tres actos. Orlando Furioso es una de las pocas obras que han sobrevivido completas a las más de 90 que compuso Vivaldi. Está llena de múltiples tramas que sirvieron de inspiración a numerosos compositores. Solo unos años después, Händel compuso Orlando (1733) y Alzina (1735), obras independientes sobre sus principales protagonistas.

El Teatro Real ha programado una única función, en versión concierto, un tanto descafeinada, pues se habían suprimido las partes corales, dejando solo dos piezas interpretadas por todos sus protagonistas.

Las voces tuvieron una actuación desigual. Se esperaba mucho más, sobre todo del contratenor croata Max Emanuel Cencic en el papel protagonista de Orlando. Domina con destreza las agilidades y el recitativo, pero nos ha gustado más en otras ocasiones en las que demostró una línea de canto más refinada y un timbre más homogéneo. Sus intervenciones del último acto fueron algo exageradas en la interpretación.

La soprano rusa Julia Lezhneva fue la más aplaudida por el público en su papel de Angelica. De agradable timbre y voz equilibrada, se lució con las agilidades, sobre todo en la famosa aria Agitata da due venti.

La mezzosoprano rumana Ruxandra Donnose como Alzina tuvo también una notable actuación, con unos tonos graves bien definidos. La joven contralto inglesa Jess Dandy, en el rol de Bradamante, tuvo serios problemas para controlar su instrumento, tanto, que no lo consiguió.

El bajo ruso Pavel Kudinov, como Astolfo, tuvo una actuación discreta pero eficaz y suficiente. El contratenor canadiense de origen coreano David Dq Lee tuvo una primera intervención esperanzadora, pero fue de más a menos y pasó por dificultades en sus últimas intervenciones. La terna de contratenores se completaba con el alemán Philipp Mathmann. Tiene un timbre limpio y claro, pero de una emisión pobre y poco consistente, pero con mucho margen de mejora, dada su juventud.

La camerata Armonia Atenea, con su director George Petrou al frente, ofreció una versión ajustada pero poco colorida. Faltó mordente en algunos momentos. No se entendió muy bien la falta de metales. Petrou acompañó alguno de los recitativos al teclado de un segundo clave.

Se agradece en cualquier caso el haber podido escuchar, por primera vez en este Teatro, una obra como Orlando Furioso, importante e influyente desde su composición.

Fotografía © Javier del Real

El próximo 17 de junio el escenario del Teatro Real se llenará con la música de una de las joyas del barroco, Orlando Furioso, de Antonio Vivaldi. Interpretada por la formación Armonia Atenea, bajo la dirección del gran especialista en el repertorio, George Petrou, cuenta con un reparto de grandes voces encabezadas por el contratenor Max Emanuel Cencic en el papel protagonista.

Completan el elenco la soprano Julia Lezhneva (Angelica), la mezzosoprano Ruxandra Donose (Alcina), la contralto Jess Dandy (Bradamante), los contratenores Philipp Mathmann (Medoro) y David D.Q. Lee (Ruggiero) y el bajo barítono Pavel Kudinov (Astolfo).

Orlando furioso es una ópera en tres actos de Antonio Vivaldi, con libreto en italiano de Grazio Braccioli, basado en el poema épico Orlando Furioso de Ludovico Ariosto. La obra cuenta la historia de Orlando, un noble caballero valiente y enamorado, aunque no correspondido, atrapado en la isla de la bella hechicera Alcina. La escena, tejida con triángulos amorosos, enredos y magia, combina varios argumentos de la obra original y compone una historia de amor, celos y locura.

El poema épico caballeresco escrito por Ariosto en 1532 contiene varios personajes principales, a pesar de que solo uno le dé nombre, y ha servido de inspiración a numerosos autores, desde Lully hasta Haydn. Años después del estreno de este Vivaldi, verían la luz dos de los títulos más conocidos de Händel: Alcina (1735) y Orlando (1733).

La primera representación del título tuvo lugar en Venecia, en el Teatro Sant’Angelo, en 1727, y es una de las pocas que se conservan de la prolífica creación del compositor veneciano. Su exigente escritura vocal -cargada de arias y recitativos tan bellos como difíciles-, su compleja trama –que hace evolucionar a los personajes en su color dramático- y la extensión de la obra, precisa de un conjunto de voces de primer nivel, como el que ahora se da cita en el Teatro Real.

Armonia Atenea es un proyecto de la Camerata de Atenas, fundado en 1991 en la inauguración de la sala de conciertos Megaron de Atenas, donde tiene su sede desde entonces. En otoño de 2009, inició una colaboración regular con el director de orquesta George Petrou, interpretando con instrumentos de época un amplio repertorio que va del barroco al clasicismo. Además de sus actividades habituales con instrumentos de época, la orquesta mantiene diversos proyectos en el ámbito de la ópera y la música contemporánea.

Petrou está considerado como uno de los principales especialistas del barroco del mundo, sin embargo, su actividad musical es muy amplia, e incluye música del siglo XX y contemporánea.

Diseño de fotografía © Pep Carrió

Después de dirigir en mayo por segunda vez en la temporada del Liceu barcelonés (Les contes d’Hoffmann y el espectáculo Las Tres Reinas de Donizetti junto a la soprano Sondra Radvanovsky), y ser recientemente premiado por Ópera XXI al mejor director musical por su labor al frente de las funciones de Lucia di Lammermoor, de Donizetti, que inauguraron la temporada 2019-2020 de ABAO Bilbao Ópera, el director de orquesta italiano Riccardo Frizza regresa mañana a la cartelera de París, cuyo público le conoce bien al haber dirigido en varias ocasiones en diversos escenarios de la ciudad del Sena. En esta ocasión será para liderar la Orchestre de Chambre de Paris desde el podio del Théâtre des Champs-Élysées uno de los títulos fundamentales del bel canto romántico, La Sonnambula, de Bellini, y que llega al coliseo parisino en un nuevo montaje con dirección de escena firmada por el también tenor, gestor y escritor Rolando Villazón –debutando como director en París– y coproducido entre el Champs-Elysées, la Semperoper Dresden, la Metropolitan Opera de Nueva York y la Opéra de Nice Côte d’Azur. Frizza, director musical del Festival Donizetti de Bérgamo y toda una autoridad en el repertorio belcantista, tendrá sobre el escenario, entre otros, a la soprano surafricana Pretty Yende en el exigente papel de Amina, a Francesco Demuro como Elvino y a Alexander Tsymbalyuk como Rodolfo. La Sonnambula será retransmitida por France Musique y las funciones serán los días 15, 17, 20, 22, 24 y 26 de junio.

Tras su compromiso en la capital francesa, Riccardo Frizza dirigirá un concierto junto al tenor Bryan Hymel en el Teatro Regio de Parma enmarcado en el la edición 0 del Festival Toscanini (21 de junio) y de cara al verano ofrecerá unas clases magistrales organizadas por la Bienal de Venecia entre el 2 y el 11 de julio antes de volver a España para inaugurar en septiembre la temporada del Teatro Real de Madrid con La Cenerentola, de Rossini.

Riccardo Frizza

Théâtre des Champs-Élysées

El próximo 18 de junio, cuatro años después de su aplaudido debut como Corinna (Il viaggio a Reims, Rossini), la soprano Adriana González regresa al escenario del Gran Teatre del Liceu como la protagonista femenina de La bohéme de Puccini, en una producción que lleva firma escénica de Álex Ollé, dirigida por Giampaolo Bisanti. Además, cantará también las funciones de los días 22 y 27 de junio, y 1 de julio. Licenciada en Música en Guatemala, Adriana González dio sus primeros pasos como cantante en Europa como miembro de l’Atelier Lyrique de l’Opéra national de París, donde por su destacado desarrollo recibió el Prix Lyrique du Cercle Carpeaux, realizando sus primeros debuts en la Opéra Bastille y la Ópera Garnier, antes de incorporarse al International Opera Studio de la Ópera de Zúrich.

Galardonada con numerosos premios internacionales como el Concurso de Canto Otto Edelmann de Viena, el Concurso Internacional de Canto Veronica Dunne de Irlanda, o el Concurso Internacional de Canto “Francisco Viñas”, entre otros muchos, la soprano Adriana González saltó a la fama como ganadora del Primer Premio y Premio Zarzuela del Concurso Operalia 2019.

En 2019, firmó un contrato con el sello discográfico Audax Records, con el que grabó un disco dedicado a las mélodies de Robert Dussaut (1896-1969) y su mujer Hélène Covatti (1910-2005), junto al pianista y director de orquesta Iñaki Encina Oyón, y el próximo mes de octubre saldrá al mercado su segundo trabajo discográfico, con la integral de las canciones de Isaac Albéniz.

Sus próximos compromisos incluyen un concierto en el Festival Radio France Occitanie Montpellier, junto a la Orchestre Philharmonique de Radio France dirigida por Santtu-Matias Rouvali, Mimì (La bohème) en Tokio y Juliette (Roméo et Juliette) en la Houston Grand Opera, bajo la batuta de Speranza Scapucci.

Fotografía (c) Aline Kundig

Adriana González

El lunes 14 de junio, el barítono austriaco Florian Boesch ofrecerá el último recital de la temporada del Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) coproducido con el Teatro de la Zarzuela. Con este concierto, Florian Boesch culmina su etapa como artista residente en el ciclo, que se ha traducido en 3 conciertos a lo largo de la temporada 20/21. En este su tercer y último recital, el cantante pondrá su versatilidad vocal y amplios recursos expresivos al servicio del ciclo postromántico del compositor austriaco Ernst Krenek, Reisebuch aus den österreichischen Alpen (Libro de viaje a través de los Alpes austriacos), un exigente tour de force vocal y emocional para cualquier cantante lírico. Las entradas para el concierto tienen un precio general de 4 a 35 euros, y están a la venta en www.entradasinaem.es, en el teléfono 91 193 93 21, así como en las taquillas del Teatro de la Zarzuela y red de teatros del INAEM.

El “Libro de viaje” de Ernst Krenek (1900-1991) es una de sus obras más célebres y refleja el amor del compositor por los paisajes de su tierra natal y su naturaleza. También es un producto de la década de 1920, cuando los recuerdos del horror de la Primera Guerra Mundial todavía estaban calientes y se anticipaba la catástrofe inminente de la Segunda. Según la crítica, la obra ofrece claras resonancias de Schubert, cuya obra influyó considerablemente en Krenek durante su primer periodo creativo. Acompañará al piano a Florian Boesch el prestigioso Malcolm Martineau.

En su primer concierto como artista residente en el ciclo de lied el pasado 28 de septiembre y acompañado al piano por Justus Zeyen, Boesch interpretó una selección de lieder de Franz Schubert y Hugo Wolf junto a los Sechs Monologe aus “Jedermann” de Frank Martin. En el segundo recital, celebrado el 25 de enero, y de nuevo junto a Zeyen, Boesch dio vida al imprescindible Winterreise de Schubert.

Con diez conciertos programados entre septiembre de 2020 y junio de 2021, a lo largo del XXVII Ciclo de Lied han pisado las tablas del Teatro de la Zarzuela algunas de las voces líricas más importantes de la actualidad, como las de Anna Lucia Richter, Sabine Devieilhe, Matthew Polenzani, Christian Gerhaher, Bejun Mehta, Christoph Prégardien y Núria Rial. Diferentes estilos, timbres y colores para una edición que ha logrado reunir a algunas de las voces que resuenan en las mejores salas de música mundiales.

Florian Boesch, fuerza y emoción

Nacido en Saarbrücken en 1971, Florian Boesch es uno de los más destacados intérpretes de lied de nuestros tiempos. Ha cantado en salas como el Wigmore Hall de Londres, Musikverein y Konzerthaus de Viena, Het Concertgebouw de Ámsterdam, Laeiszhalle de Hamburgo, Philharmonie de Colonia, así como en los Festivales de Edimburgo y Schwetzingen, Maifestspiele Wiesbaden, Festival de Salzburgo, así como en el Carnegie Hall de Nueva York. Fue artista residente en el Wigmore Hall de Londres en la temporada 2014-2015 y en la Konzerthaus de Viena en la 2016-2017. Trabaja habitualmente con las orquestas y directores más prestigiosos del panorama actual: Wiener y Berliner Philharmoniker, Royal Concertgebouw Orkest de Ámsterdam, Gewandhausorchester de Leipzig, Staatskapielle de Dresde, London Symphony Orchestra, entre otras, y directores de la talla de Ivor Bolton, Riccardo Chailly, Gustavo Dudamel, Adam Fischer, Iván Fischer, Valery Gergiev, Stefan Gottfried, Daniel Harding, Philippe Herreweghe, Pablo Heras-Casado, Mariss Jansons, Sir Roger Norrington, Sir Simon Rattle, Robin Ticciati y Franz Welser-Möst. En la temporada 2019/2020 ofreció una variedad de conciertos que incluyeron War Requiem (Britten) con la Orchestre de Paris y Daniel Harding, Monologe aus “Jedermann” (Martin) con la Konzerthausorchester Berlin y Juraj Valčuha, Requiem (Mozart) con la Orquesta Nacional de España y David Afkham. Durante la temporada 2019/2020, Florian Boesch ha cantado en la Ópera de Frankfurt, el Festival Liszt en Raiding, el Musikverein de Viena, el Concertgebouw en Ámsterdam, el May Festival en Wiesbaden y el Konzerthaus Berlin con Vikingur Ólafsson. Sus grabaciones han sido aclamadas por la prensa internacional y ha recibido numerosos premios, incluido el Edison Klassiek Award. Die schöne Müllerin fue nominado para un Grammy 2015 en la categoría Mejor Solista Vocal Clásico. A principios de septiembre de 2017, Hyperion lanzó una nueva grabación de Winterreise de Schubert con Roger Vignoles al piano. En el otoño de 2018 realizó una grabación con obras de Schubert con Concentus Musicus Vienna bajo la batuta de Stefan Gottfried. Las grabaciones de Boesch con obras de Schumann y Mahler fueron galardonadas en los Premios de la BBC Music Magazine.

El austríaco Manfred Honeck, una de las batutas de mayor reconocimiento en el circuito internacional, dirigirá las sinfonías 1 y 5 de Beethoven con la Orquestra de la Comunitat Valenciana (OCV) los días 18 y 19 de junio en el Auditori del Palau de Les Arts.

Les Arts sustituye la ‘Novena’ de Beethoven por este programa, con obras del mismo compositor, con el fin de preservar las garantías artísticas que permitan al público disfrutar del debut del prestigioso maestro al frente de la OCV.

Manfred Honeck es, desde 2008, director titular de la Sinfónica de Pittsburg, una de las agrupaciones más antiguas de Estados Unidos, con la que ha recibido numerosos reconocimientos y distinciones por sus grabaciones de Beethoven, Bruckner, Chaikovski, Strauss y Shostakóvich, entre los que destaca el premio Grammy de la industria estadounidense.

En su primera visita a Les Arts, Honeck mantiene la obra sinfónica de Beethoven como carta de presentación. El director austríaco ha seleccionado la ‘Sinfonía Nº1”, que permite vislumbrar la esencia del genio alemán en su primera incursión en el campo sinfónico, para concluir con la ‘Quinta’, una de las páginas más apreciadas del repertorio y todavía inédita en Les Arts, cuyas cuatro primeras notas forman parte del imaginario universal de la música clásica.

Les Arts recuerda que el concierto del viernes 18 comienza a las 20.00 h, mientras que el sábado 19 la hora de inicio será las 19.00 h. Los precios de las entradas oscilan entre 30 y 45 euros.

Manfred Honeck

Manfred Honeck está considerado como uno de los directores de orquesta más relevantes del circuito. Formado en la más genuina tradición musical vienesa, el inconfundible sello de sus interpretaciones le ha valido el reconocimiento internacional de crítica y público, así como numerosas distinciones, como el premio al ‘Artista del año’ que recibió en los International Classical Music Awards de 2018.

Su presencia es habitual en las orquestas de mayor prestigio en Europa y Estados Unidos. En este sentido, destacan formaciones europeas como las Filarmónicas de Berlín y Viena, la Staatskapelle de Dresde, la Tonhalle de Zúrich, la Concertgebouw de Ámsterdam, la Orquesta de París o la Sinfónica de Londres, o las agrupaciones que integran el ‘Big five’ estadounidense: la Filarmónica de Nueva York, las Sinfónicas de Boston y Chicago y las Orquestas de Cleveland y Filadelfia.

Manfred Honeck cultiva, asimismo, una importante faceta operística. Director musical de 2007 a 2011 en la Ópera de Stuttgart, ha colaborado asimismo con la Semperoper de Dresde, el Festival de Salzburgo, la Komische Oper de Berlín, el Teatro de la Monnaie en Bruselas, la Ópera de Copenhague o el Theater an der Wien, entre otros.

Le convenienze ed inconvenienze teatrali
¡Viva la Mamma!
Gaetano Donizetti (1797-1848)
Dramma giocoso en dos actos
Teatro Real, Madrid 5 junio de 2021
Libreto de Domenico Gilardoni, basado en las obras Le convenienze teatrali
(1794) y Le inconvenienze teatrali (1800) de Antonio Simeone Sografi
Coro y Orquesta titulares del Teatro Real
D. musical: Evelino Pidò
D. escena: Laurent Pelly
Figurinista: Jean-Jacques Delmotte
Escenógrafa: Chantal Thomas
Iluminador: Joël Adam
D. coro: Andrés Máspero
Reparto: Sabina Puértolas, Gabriel Bermúdez, Luis Cansino, Francesca Sassu,
Alejandro del Cerro, Carol García, Enric Martínez-Castignani, Piotr Micinski,
Luis López NavarroLa ópera es una expresión artística muy amplia. El Arte total, del que hablaba Wagner. Y detrás de las historias propias que nos cuenta una ópera, existen otras que se van tejiendo entre quienes participan en ellas. Hasta tal punto esas otras historias fueron importantes, que llegaron a ser un género dentro del panorama compositivo operístico hacia la segunda mitad del siglo XVIII, en pleno clasicismo.El gran animador de este nuevo género fue Benedetto Marcello. Relacionado con la ópera a través de sus múltiples facetas como compositor, escritor y empresario, en 1720 publica una especie de panfleto satírico titulado “Il teatro alla moda”, que rápidamente generó un movimiento de críticos adeptos a su causa y que no dejaba títere con cabeza, ya fueran compositores, cantantes, empresarios o simples tramoyistas. Marcello pensaba que la ópera clásica había sucumbido a los caprichos de las divas y la superficialidad de las escenografías.

El “Il teatro alla moda” en realidad tenía mucho que ver con la forma de hacer teatro de la época con gran éxito entre el público. En aquel momento todavía se desarrollaba una especie de espectáculo operístico fuertemente jerarquizado, donde los cantantes tenían el mando. Las partituras estaban al servicio de los intérpretes, llegando incluso a escribirse las obras sobre la marcha en función de los gustos o caprichos del cantante de turno.

Se escribieron entonces un buen número de obras sobre el tema, pero con el transcurrir del tiempo se invirtieron los papeles y fueron los directores y empresarios los que pasaron a tomar el mando. A partir de ese momento dejaron de tener sentido estas obras y fueron quedando en el olvido.

Una de estas obras es ¡Viva la Mamma!, cuyo verdadero título es Le convenienze ed inconvenienze teatrali. Era un título demasiado largo que fue sustituido por ¡Viva la Mamma! cuando regresó a los escenarios. Fue una de las últimas composiciones de este género y es la primera vez que Donizetti escribe el libreto de una de sus obras. Una divertida sátira que habla de los enredos y rivalidades que se producen durante el montaje y representación de una ópera.

Estas obras tan populares tenían también una gran flexibilidad para introducir cambios. Donizetti compuso una primera versión que constaba de un solo acto y, como si fuese una zarzuela, tenía partes habladas que estaban escritas en dialecto napolitano.

Cuatro años después se estrena en Milán y el compositor le añade un segundo acto, eliminando el napolitano de la partitura para que pudiera llegar a todo el público.

Laurent Pelly es el director de escena de esta nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la Opéra National de Lyon y el Grand Théâtre de Ginebra. La escenografía, utilizando la idea del olvido de este tipo de obras, presenta un viejo teatro que es utilizado como parking. Sobre el escenario, van desfilando los personajes que rivalizan por el papel protagonista o por cantar las mejores arias, siendo las víctimas de estas guerras internas, empresarios, compositores y libretistas.

Pelly ha recurrido al teatro dentro del teatro y ha creado unos personajes, más bien pertenecientes al pasado, que son divertidos a la vez que producen una cierta melancolía. Personajes que, como escribieron sus autores y describía bien Benedetto Marcello, exageran sus defectos para causar mayor hilaridad. Personajes para los que se necesitan cantantes que tengan un nivel interpretativo muy importante, a parte de las exigencias vocales, que no son pocas en esta partitura.

Este segundo reparto ha estado encabezado por la soprano Sabina Puértolas y su Daria, la prima donna. Un caramelo que Puértolas borda gracias a su sofisticación sobre el escenario y una muy buena ejecución de la cabaletta del primer acto, llena de dificultad por sus exigentes agilidades.

Procolo es el marido de Daria, interpretado por Gabriel Bermúdez. Un marido tóxico que pretende ser otra prima donna como su esposa. Bermúdez logra una gran interpretación, divertida y con un buen nivel vocal.

El tenor Alejandro del Cerro interpretó a Guglielmo, el primo tenore, que bordó el personaje estirado y con acento alemán. Tuvo algunos momentos muy inspirados, como en su aria del segundo acto.

Sin duda el triunfador de la noche fue Luis Cansino y su rol de Mamma Agata. Un travestido a la inversa, pues hasta entonces solo las mujeres se vestían de hombre. Cansino se mete en este rol del que se puede decir que es un especialista. Recreó brillantemente a la retorcida mamma de la seconda donna con la pretensión de ser ella misma la diva. Cambiaba su registro de baritonal a falsetone con toda naturalidad en esas notas no escritas y con las que jugó con maestría.

Luigia, la seconda dona, hija de Mamma Agata, corrió a cargo de la italiana Francesca Sassu. Interpretó muy bien el carácter apocado y tímido de comprimaria y dejó muestras de la calidad de su instrumento, estando a un muy buen nivel.

El resto del reparto tuvo una participación a la altura de los protagonistas. El director de escena Luis López Navarro, el empresario Piort Micindki, el poeta Enric Martínez-Catignani y el divertido Pipeto de Carol García.

Evelino Pidó conoce bien este repertorio y se nota que tiene oficio y experiencia. Resolvió muy bien el equilibrio entre foso y escenario en una obra tan chispeante.

La representación termina con un grupo de trabajadores que entran en escena con sus máquinas destructoras, lo que supone un auténtico alegato en defensa de la cultura en un año tan complicado como este. Pero también queda demostrada la fortaleza de quienes, en las peores circunstancias, la han defendido.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real

Daniel Bianco, director del Teatro de la Zarzuela: “Una nueva temporada es una nueva ilusión que promete un futuro, es un horizonte que ofrece esperanza, algo que todos necesitamos ahora más que nunca”

Se presentarán 10 títulos de teatro musical, 4 recuperaciones de patrimonio lírico, 6 producciones de gran repertorio y 5 nuevas producciones

Se ofrecerán 164 funciones, manteniendo la media de los últimos años

Una de las líneas maestras de la programación vuelve a ser la figura de la mujer en la música española, ampliando y dedicando el ciclo Domingos de Cámara Mujeres con Ñ íntegramente y por segundo año consecutivo a las compositoras españolas, así como el recital de “Notas del Ambigú” Una Mujer en la música –con motivo del Día Internacional de la Mujer– y los conciertos Zarzuela tiene nombre de mujer de Rosa Torres-Pardo y Nancy Fabiola Herrera a base de romanzas que tienen a la mujer como protagonista y Mujeres de Música de Sole Giménez

El Proyecto Zarza –zarzuela hecha por jóvenes para jóvenes– recientemente galardonado con el Premio Ópera XXI a la Mejor Iniciativa de Fomentode la Lírica, será de nuevo pieza fundamental de la temporada, y los proyectos didácticos volverán a superar el 20% de la programación

El ciclo de Conciertos ofrecerá 8 propuestas de algunas de las más destacadas voces de la lírica, el flamenco, el pop y la música popular

El ciclo ‘Notas del ambigú’, que continúa su incesante éxito de público, ofrece 10 recitales

Se crea el ciclo, “A propósito de…”, de la mano del director musical del Teatro, Guillermo García Calvo

Volverán, asimismo, el Teatro Musical de Cámara en coproducción con la Fundación Juan March y el ciclo de Lied, coproducido con el CNDM

Se mantienen los precios populares (4 a 50€), e importantes descuentos (entre el 20 y el 60 % del PVP) para jóvenes, mayores, desempleados, familias numerosas, grupos o último minuto.

El Teatro de la Zarzuela presenta la Temporada 2021/2022 cuyas 164 funciones programadas, que mantienen la media de los últimos años, serán la plasmación de que ya se vislumbra un nuevo horizonte. Así lo señala Daniel Bianco, director del coliseo, que tilda el nuevo curso como “la temporada de la ilusión”. Y la confianza y la buena sintonía no es para menos, ya que en la temporada que aún estamos la feroz amenaza de la covid no ha podido con este Teatro: “Podemos decir con orgullo que no hemos retrasado ni una sola función ni cancelado un solo día por causa de la covid”, señala, e indica que “todas las producciones propias del teatro, conciertos y recitales hasta el día de hoy se han podido llevar a cabo”.

Y no quiere dejar de mencionar a nadie en esta ardua tarea que ha supuesto sacar adelante toda una programación con las hostiles circunstancias a las que toda la sociedad aún hace frente: “Ha sido un esfuerzo de todos. Técnicos, Coro, Cantantes, Bailarines, Actrices, Actores y Artistas que aman y arman el Teatro con la misión de levantar el telón cada noche. Y así lo hemos hecho, misión cumplida”, afirma con una nada disimulada satisfacción.

Esto explica la ilusión a la que el director alude como lema de la temporada en el titular de la presentación; ilusión porque la música, la zarzuela, continuará sonando en este escenario en la próxima temporada. “Creo firmemente que la música y la escena son capaces de cambiar el mundo y juntas de mejorarlo, y que su milagro se hace presente cuando público y artistas participan de un mismo ritmo, un mismo canto, un mismo sueño, una misma respiración”.

Y la complacencia se transforma en profunda emoción cuando alude al público. “Cuando comenzamos la temporada no sabíamos de qué manera iba a reaccionar, si nos acompañaría en este camino, si tendría miedo a volver… Pero la respuesta ha sido excelente: ha demostrado una vez más su fidelidad acudiendo a todas nuestras funciones, siguiendo nuestras retransmisiones por streaming, nuestras conferencias y encuentros online con artistas. Formando parte de la vida, del día a día de este teatro”. Y con una afirmación categórica, apoya la certeza de que solo hay lugar para la emoción y el agradecimiento: “Sin el público este teatro no existiría”.

Y quiere Daniel Bianco recordar aquella extremada prudencia a la que al comienzo de la temporada que ahora termina, aludía como la única manera posible de funcionar: “Como teatro público esta es nuestra primera responsabilidad y nuestro compromiso: la prudencia ha guiado nuestros pasos y hemos completado la temporada entera cumpliendo con rigor todas las recomendaciones y normas que nos protegen del coronavirus dictadas en el protocolo del INAEM”.

La Temporada

Esta que se presenta es la sexta temporada desde que Daniel Bianco llegó al Teatro (aunque también se podría presentar como la temporada 162 desde su fundación en 1856): “Se trata de una etapa más de un proyecto de largo alcance cuyo objetivo persigue un fin concreto: que el Teatro de la Zarzuela siga cumpliendo con la misión con la que nació, que no es otra que ser el escenario privilegiado del teatro musical español, con la vocación irrenunciable de ser un teatro público, accesible y asequible, abierto para todo aquel que quiera descubrir y disfrutar el patrimonio lírico español. Estas son las razones por las que –como dicen nuestros estatutos– somos y seguiremos siendo el Teatro Lírico Nacional”.

Por ello, y bajo esa máxima, en la próxima temporada se presentarán 164 funciones, manteniendo la media de funciones de los últimos años; 10 títulos de teatro musical, de los cuales 4 son recuperaciones del patrimonio lírico español: dos de ellos en concierto y dos en escena; además de 6 títulos líricos del gran repertorio zarzuelístico. El ciclo de conciertos con 8 propuestas que van de la lírica, al flamenco, el pop o la música popular y el ciclo notas del ambigú con 10 recitales. Además, se amplía el ciclo Domingos de Cámara dedicado a las creadoras españolas e echa a andar un nuevo ciclo de la mano del director musical del Teatro, Guillermo García Calvo.

De igual manera, continúan las colaboraciones ya veteranas con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en el ciclo de Lied, y con la Fundación Juan March en el ciclo de Teatro Musical de Cámara.

En cuanto a las entradas, se mantienen los precios populares (de 4 a 50€), e importantes descuentos (entre el 20 y el 60 % del PVP) para jóvenes, mayores, desempleados, familias numerosas, grupos o último minuto. Daniel Bianco manifiesta al respecto que esta es una de las funciones esenciales de un teatro público: ser “verdaderamente” el teatro de todos. Mantener esta escala de precios ”supone un enorme esfuerzo, un sacrificio que es absolutamente necesario”, indica.

LÍRICA

Los estatutos que rigen el espíritu y el funcionamiento del Teatro de la Zarzuela lo dicen bien claro: el coliseo erigido en 1856 debe, sin ningún tipo de pretexto, salvaguardar y difundir el género lírico español. Por ello, comenzará la temporada con la recuperación de uno de los títulos capitales de la ópera española. Hablamos de ‘Circe’, obra de gran significación en la historia de la ópera española porque en ella Ruperto Chapí desarrolla hasta sus últimas consecuencias un estilo propio que asumen las vanguardias de corte wagneriano y las traspone a la lírica española. No en vano, ‘Circe’ fue (junto a ‘Farinelli’ de Bretón y ‘María del Pilar’ de Giménez, ambas también recuperadas recientemente por el Teatro de la Zarzuela) uno de los títulos de la temporada inaugural del Teatro Lírico de Madrid, coliseo que se levantó precisamente para dar espacio y oportunidades a la ópera española, en contraposición con la ópera italiana y francesa que dominaba la cartelera lírica de la ciudad. Estará dirigida por Guillermo García Calvo y contará con las voces de Saioa Hernández, Alejandro Roy, Rubén Amoretti y Pilar Vázquez. Serán 2 funciones en versión de concierto los días 10 y 12 de septiembre.

Después de 20 años sin representarse en el Teatro de la Zarzuela, vuelve a su escenario uno de los títulos más queridos y celebrados por el público fiel al género y su teatro: ‘Los Gavilanes’. Esta fue precisamente la primera incursión del Maestro Jacinto Guerrero en la zarzuela grande, y se ha mantenido hasta hoy en el repertorio y en la memoria sentimental de los aficionados. La obra habla de la inmigración, del paso del tiempo, de los amores jóvenes y de los amores olvidados. Esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela tendrá como director musical a Jordi Bernàcer y como director de escena a Mario Gas. Se han programado 13 funciones del 8 al 24 de octubre, y contará con la participación de Juan Jesús Rodríguez, Javier Franco, María José Montiel, Sandra Ferrández, Marina Monzó, Leonor Bonilla, Ismael Jordi, Alejandro del Cerro,
Lander Iglesias, Esteve Ferrer, Ana Goya, Trinidad Iglesias, Enrique Baquerizo, Mar Esteve y Raquel del Pin. La escenografía será de Ezio Frigerio, el vestuario de Franca Squarciapino y la iluminación de Vinicio Cheli.

Hace ahora un año, cuando todavía estábamos saliendo del confinamiento, el Teatro de la Zarzuela se comprometió a reubicar todos los espectáculos que se vieron afectados entre marzo y junio de 2020. Durante la presente temporada se han reprogramado todos los conciertos y recitales que tuvieron que ser aplazados, y el pasado mes de enero se estrenó la nueva producción de ‘Luisa Fernanda’ prevista para mayo de 2020. En noviembre de 2021 se recuperará ‘La Tabernera del puerto’, una producción que no sólo se vio afectada por el confinamiento, sino también por las huelgas de 2018 contra la fusión del Teatro Real y el Teatro de la Zarzuela. En aquella ocasión solo pudieron celebrarse cinco funciones. En noviembre de este año, el público podrá disfrutar, entre el 19 y el 28 de noviembre de 8 funciones de este título imprescindible de Pablo Sorozábal, con dirección musical de Óliver Díaz, escénica de Mario Gas, escenografía de Ezio Frigerio, vestuario de Franca Squarciapino e iluminación de Vinicio Cheli. En los repartos participarán María José Moreno, Sofía Esparza, Damián del Castillo, Rodrigo Esteves, Antonio Gandía, Antoni Lliteres, Rubén Amoretti, Ruth González, Vicky Peña, Pep Molina, Ángel Ruiz, Abel García y Agus Ruiz.

Si ‘La Tabernera del puerto’ es una de las obras más populares de nuestro género, el Maestro Sorozábal tiene joyas no tan conocidas, como es el caso de ‘Entre Sevilla y Triana’, sainete lírico en dos actos estrenado en 1950. Entre el 26 de enero y 6 de febrero se ofrecerán 10 funciones históricas de esta obra que llega por vez primera al escenario de La Zarzuela. Como suele pasar en todas las obras del compositor donostiarra, nadie quedará indiferente: en esta ocasión, se reivindica la dignidad de la mujer (en la figura de una madre soltera) contra las costumbres y moralidad de una época que por fortuna ya es historia. En ella nos deslumbraremos con el Sorozábal más andaluz que existe, con una melodías llenas de luz y otras de profundo dramatismo. Se trata de una producción de 2012 del Teatro Arriaga de Bilbao, el Teatro de la Maestranza de Sevilla, los Teatros del Canal de Madrid y el Teatro Campoamor de Oviedo. El director musical será Guillermo García Calvo, director musical de la casa, y el de escena Curro Carreres. La escenografía es de Ricardo Sánchez Cuerda, el vestuario de Jesús Ruiz y la coreografía de Antonio Perea. Los dos elencos contarán con Carlos Álvarez, Javier Franco, Ainhoa Arteta, Carmen Solís, Andeka Gorrotxategi, Alejandro del Cerro, Anna Gomà, Jesús Méndez, Gurutze Beitia, Pedro Bachura, Antonio Martínez, Rocío Galán, Natán Segado y Lara Chaves.

Los días 4 y 6 de marzo, y de nuevo siguiendo con la política de recuperación del patrimonio lírico español del Teatro, será rescatada del olvido ‘Tabaré’, obra magnífica como todas las de Tomás Bretón. Estrenada en su día por el tenor Francisco Viñas en 1913 en el Teatro Real, solo pudo escucharse en tres únicas funciones y hasta el día de hoy no ha sido representada nunca más. Se trata de una composición de madurez que sintetiza el lirismo melódico de la tradición italiana, el tratamiento armónico de la ópera wagneriana y sonoridades propias del impresionismo. El propio Bretón la consideraba su obra más personal e independiente. Y el tema sobre el que se desarrolla el argumento no puede ser más particular: la lucha entre los indios charrúas (que poblaban en el siglo XVI lo que hoy es Uruguay) y los españoles. Una temática nada convencional con libreto del propio Tomás Bretón basado en el poema épico homónimo de Juan Zorrilla de San Martín. Será dirigida por el maestro Ramón Tebar al frente de la orquesta Titular del Teatro, Orquesta de la Comunidad de Madrid, ORCAM, y del Coro Titular del Teatro de la Zarzuela, y de un reparto que cuenta con Andeka Gorrotxategi, Maribel Ortega y Juan Jesús Rodríguez.

Otro momento especialmente importante se vivirá en el mes de abril: la recuperación escénica de la comedia musical de Isaac Albéniz ‘The Magic Opal’. Se trata de la primera obra escénica que compuso Albéniz para el público inglés. Estrenada en Londres, en inglés, en 1893, rápidamente fue traducida al español y presentada en 1894 en el Teatro de la Zarzuela.
En esa ocasión, el público no entendió la obra por estar alejada de la tradición musical española. Sin embargo, se trata de una obra colorista, sugestiva y fresca: un Albéniz diferente. La traducción del libreto de 1894 –titulado entonces ‘La Sortija’– no se ha conservado, y esa es la razón por la que para esta representación que recupera el título se ha encargado una nueva traducción al castellano elaborada por Javier L. Ibarz y Pachi Turmo. La dirección musical será de Guillermo García Calvo, la dirección de escena y escenografía de Paco Azorín, el vestuario de Juan Sebastián Domínguez, la iluminación de Pedro Yagüe y el diseño de audiovisuales de Pedro Chamizo. Encabezarán los repartos Ruth Iniesta, Carmen Romeu, Santiago Ballerini, Leonardo Sánchez, Luis Cansino, Rodrigo Esteves, Damián del Castillo y César San Martín. Están programadas 8 funciones del 1 al 10 de abril.

El siguiente título es un ejemplo de gran maestría: con tan solo una orquesta compuesta por las secciones de cuerda y dos arpas, Manuel Penella consigue escribir uno de los títulos más bellos del repertorio. Hablando de ‘Don Gil de Alcalá’, una ópera ambientada en el Virreinato de Nueva España en el siglo XVIII, que se presentará en una producción del Festival de Teatro Lírico Español de Oviedo firmada por Emilio Sagi en 2017. Se ofrecerán 14 funciones del 5 al 22 de mayo, la dirección musical será de Lucas Macías y en los repartos intervendrán Celso Albelo, José Luis Sola, Sabina Puértolas, Irene Palazón, Carlos Cosías, Facundo Muñoz, Carol García, Lidia Vinyes-Curtis, Manel Esteve, Eleomar Cuello, Stefano Palatchi, Simón Orfila, María José Suárez, David Sánchez, Ricardo Muñiz y Miguel Sola. La escenografía es de Daniel Bianco, el vestuario de Pepa Ojanguren, la iluminación de Eduardo Bravo y la coreografía de Nuria Castejón.

Y para rematar la temporada lírica, uno de los títulos ineludibles de zarzuela, de los que hacen grande al género y crean afición, ‘El barberillo de Lavapiés’ de Francisco Asenjo Barbieri, que llegará al escenario en la producción del coliseo que se estrenó con atronador éxito en 2019, y que ha viajado con idéntica suerte a Sevilla, Oviedo y Valencia. Firmada por Alfredo Sanzol, uno de nuestros más destacados dramaturgos y directores, Premio Nacional de Literatura Dramática en 2017, en lo musical volverá a dirigirla José Miguel Pérez-Sierra; la escenografía y el vestuario son de Alejandro Andújar, la iluminación de Pedro Yagüe y la coreografía de Antonio Ruz. Borja Quiza, David Oller, Cristina Faus, Carol García, María Miró, Cristina Toledo, Javier Tomé, Francisco Corujo, Gerardo Bullón y Abel García compondrán los elencos en las 10 funciones que irán del 15 al 26 de junio.

Con la presentación de estos 8 títulos el teatro seguirá siendo un año más ejemplo único en la conservación, difusión y exhibición de nuestra lírica, tan fecunda como heterogénea.

CONCIERTOS: SALA PRINCIPAL, NOTAS DEL AMBIGÚ, Domingos de Cámara, LIED

Tras el éxito obtenido en sus cinco primeras temporadas, el CICLO DE CONCIERTOS en la sala principal presenta 8 nuevas propuestas con algunas de las más destacadas voces de la lírica, la canción popular, el flamenco y el pop. Esto convierte al Teatro en un espacio fundamental en nuestro teatro porque en él tiene cabida la pluralidad de la música española, sin prejuicios y con un espíritu abierto a todos los públicos. Abrirá el ciclo la cantante Sole Giménez presentando ‘Mujeres de Música’, continuación del concierto que ya ofreciera la pasada temporada como parte de un amplio proyecto que reúne grandes canciones compuestas y escritas por mujeres con la intención de visibilizar el trabajo de la mujer como autora en el mundo de la música (18 de octubre); la soprano Lisette Oropesa, aclamada internacionalmente, debuta en el Teatro de la Zarzuela y cantara por primera vez en su carrera un recital de romanzas de zarzuela española y cubana: ‘Zarzuela de ida y vuelta’. Un concierto muy especial con el que la cantante quiere rendir un sentido homenaje a Cuba, la tierra de sus padres, y en el que estará acompañada al piano por Rubén Fernández Aguirre (13 de diciembre); el tradicional Concierto de Navidad, con el Maestro Guillermo García Calvo como director musical, a quien acompañará la soprano Ainhoa Arteta con la Orquesta de la Comunidad de Madrid y el Coro Titular del Teatro de la Zarzuela (30 de diciembre); Estrella Morente, con su voz privilegiada, sentido único del ritmo, pasión y la herencia de sus mayores, este referente indiscutible del flamenco y de la música española vuelve a su casa en Madrid a celebrar 20 años como artista única. (31 de enero); y de una estrella del firmamento flamenco a otra: Arcángel, uno de los cantaores de referencia en el panorama actual del flamenco con una extensa carrera caracterizada por el equilibrio entre la tradición y la vanguardia, nos presenta ‘Bel cante’. Con esa incansable búsqueda de nuevos caminos, sumergirá al público en una travesía por la zarzuela, el flamenco y la ópera junto al Quinteto Tottem Ensamble (5 de marzo); luego llegará el espectáculo ‘Zarzuela tiene nombre de mujer’ en el que dos artistas imprescindibles, la pianista Rosa Torres-Pardo y la mezzosoprano Nancy Fabiola Herrera se reúnen en un recital en el que “conversarán” a través de diferentes romanzas que tienen a la mujer como protagonista (5 de abril); Silvia Pérez Cruz. ‘Farsa (género imposible)’. Sola: la reconocidísima artista de Palafrugell regresa a este escenario, sola, con su guitarra, creando un espacio íntimo para presentar su último proyecto discográfico. (9 y 10 de mayo); Xabier Anduaga. ‘Nuestra música’. El tenor donostiarra, brillante ganador del International Opera Award y del Premio Ópera XXI como mejor cantante joven y antes del Premio Zarzuela Operalia y también al Mejor Cantante Joven del Concurso International Opera World, cantara por primera vez en este Teatro un recital de zarzuela y canciones de compositores españoles. Además, seducirá al público con romanzas y arias de zarzuela (21 de junio).

Desde su creación, hace ya cinco temporadas, todos los conciertos del CICLO NOTAS DEL AMBIGÚ han colgado el cartel de ‘localidades agotadas’ y han dejado un gusto dulce y diferente a cualquier experiencia musical por la proximidad del artista con el público que crea una atmósfera emocionante y feliz. En esta ocasión, los protagonistas serán la soprano Sabina Puértolas junto al pianista Rubén Fernández Aguirre, que ofrecerán un recital dedicado íntegramente a Emilio Arrieta (1821-1894) en conmemoración del bicentenario de su nacimiento (28 de octubre); los cantantes y actores Nuria Pérez y David Pérez Bayona, que acompañados por el pianista Álvaro Ortega Luna, presentarán ‘Enzarzados. Del teatro musical a la zarzuela’. La historia de dos jóvenes provenientes del teatro musical que iniciaron su andadura en el Proyecto Zarza y descubrieron en la zarzuela un género que, sin saberlo, les pertenecía (20 de octubre); el bandoneonista Claudio Constantini y la pianista Louiza Hamadi que conmemorarán el centenario del nacimiento de Astor Piazzolla (1921-1992) (2 de diciembre); el contratenor Alberto Miguélez Rouco con Pablo Fitzgerald (laúd) y Teodoro Baú (viola da gamba) nos ofrecerán un programa dedicado a Cantadas de Jose de Torres (1670-1738), uno de los compositores más importantes del Barroco español; maestro de capilla, editor musical, organista y compositor de zarzuela (4 de enero); el tenor Enrique Viana, acompañado por el pianista Ramón Grau, regalará al público una hora y cuarto de lírica, ironía y crítica, de reflexión y surrealismo, de absurdo y realidad contada y cantada. Un ≪cabaret lirico≫ con músicas de nuestra zarzuela bajo el título ‘Luisa Fernanda, ya tengo Instagram’ (7, 8 y 9 de enero); La soprano Carmen Romeu y el pianista Borja Mariño presentarán ‘La meua llar’, un programa con el que nos harán descubrir música de compositores valencianos como Oscar Esplá, Manuel Palau Boix, Miquel Asins Arbó, Ángeles Lopez Artiaga y Matilde Salvador, entre otros (11 de febrero); con ocasión del Día Internacional de la mujer, la actriz-cantante Gurutze Beitia ofrecerá el recital ‘Una mujer en la música’ dedicado a mujeres compositoras de música popular como Chabuca Granda, Mercedes Sosa, Violeta Parra, Consuelo Velázquez o Cecilia, y con César Belda al piano (8 de marzo); el tenor David Alegret y el pianista Rubén Fernández Aguirre ofrecerán el recital ‘Catalanes por el mundo’ con obras de compositores catalanes que compusieron también en otros idiomas: en catalán, Eduard Toldrà; en alemán, Joan Manen; en francés, Pau Casals; en castellano, Jaume Pahissa; o en italiano, Isaac Albéniz; entre otros (18 de abril); ‘Música española contemporánea’. Con el propósito de fomentar la creación de nuevas obras para grupo de cámara, el Teatro de la Zarzuela, en colaboración con el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, convoca un concurso de composición para jóvenes compositores. Las tres obras ganadoras se estrenarán en este concierto por el Ensemble Opus 22 (28 de junio); y para cerrar el ciclo el guitarrista Rafael Aguirre dedicará su recital ‘Los últimos románticos’ a la música de Francisco Tárrega e Isaac Albéniz (4 de julio).

El CICLO DOMINGOS DE CÁMARA: MUJERES CON Ñ. Tercera edición del ciclo de música española de cámara que por segundo año consecutivo estará dedicado íntegramente al papel de la mujer en la música en su faceta como compositora. Con este ciclo el Teatro quiere continuar con la difusión de estas obras, muchas inéditas, y descubrir al público la excelente calidad de las creaciones de estas compositoras españolas que rara vez tuvieron o tienen el debido reconocimiento por sus creaciones. De esta manera, se pondrá en valor a algunas de nuestras compositoras del siglo XX y XXI como Maria Teresa Prieto, Raquel Garcia-Tomás, Claudia Montero, Diana Perez Custodio, Iluminada Perez Frutos, Laura Vega, Maria Jose Arenas, Mercedes Zavala, Dolores Serrano, Marisa Manchado, Sonia Magías, Cruz Lopez de Rego, Zulema de la Cruz, Maria Rosa Ribas, Emma Chacón, Elena Mendoza, Emiliana de Zubeldia, Gabriela Ortiz, Nuria Núñez o Teresa Catalán, entre otras. Y el compromiso del Teatro de la Zarzuela es también con el futuro de las autoras, por lo que cada concierto contará con un estreno absoluto de jóvenes compositoras, alumnas del real Conservatorio de Música Superior de Madrid. Las cinco citas de esta edición serán: Cuarteto Bretón (7 de noviembre), Cristina Montes, arpa (20 de febrero), Cuarteto Sax-Ensemble (20 de marzo), Trío Arbós (24 de abril) y Mario Prisuelos, piano (5 de junio). Lo estrenos absolutos serán de las alumnas Amanda Garrido, Adela Rodríguez Yus, Laura de las Heras, Miriam Sanz Ortega y Nuria M. Sánchez Sánchez.

Por otra parte, el CICLO DE LIED, en coproducción con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), celebrará su XXVIII edición con 10 recitales: La mezzosoprano Ekaterina Semenchuck (4 de octubre), la soprano Marlis Petersen (23 de noviembre), la soprano Eva-Maria Westbroek (20 de diciembre), el barítono Matthias Goerne (7 de febrero), el barítono Josep-Ramon Olivé (21 de marzo), la soprano Katharina Konradi (4 de abril), el barítono Andrè Schuen (17 de mayo), el tenor Mark Padmore (20 de junio), la soprano Julia Kleiter con el barítono Christian Gerhaher (11 de julio) y la mezzosoprano Anna Lucia Richter también junto al barítono Christian Gerhaher (18 de julio) y de nuevo el barítono Florian Boesch (14 de junio), completan la propuesta de la nueva temporada.

PROYECTOS DIDÁCTICOS. PROYECTO ZARZA. CLASES MAGISTRALES

El Teatro de la Zarzuela continúa dando una importancia muy especial a la formación y la información para ese amplio público joven al que corresponderá llenar la sala de este teatro en el futuro y que, a su vez, deberá formar a la generación que le tome el relevo. “Tenemos la obligación de seducirlos y hacerles asequible la zarzuela en este siglo que nos toca”, asevera Daniel Bianco, quien lleva a la práctica su intención como muestra el hecho de que más del 20% de la programación del Teatro esté dedicada al público joven, y hasta tal punto la respuesta es positiva que la edad media de los espectadores del Teatro se ha reducido en las cinco últimas temporadas en una década.

En la nueva Temporada se ofrecerá un total de 30 funciones entre los espectáculos que conforman el proyecto didáctico.

El PROYECTO ZARZA, zarzuela hecha por jóvenes para jóvenes, un proyecto que acaba de recibir el Premio Ópera XXI a la Mejor Iniciativa de Fomento de la Lírica, supone un éxito rotundo cada temporada. En las cinco que lleva funcionando, han pasado por las butacas del Teatro más de 35.000 espectadores –de los que más de 21.000 han sido escolares de entre 12 y 18 años– que acudieron a las funciones de ‘La revoltosa’, ‘El dúo de La Africana’, ‘La verbena de La Paloma’, ‘Agua, Azucarillos y Aguardiente’ y ‘Amores en Zarza’, y cerca de 100.000 que han podido disfrutarlo online. Como no podía ser de otra forma, en la Temporada 2021/2022 el proyecto vuelve con fuerza y con una cifra récord de presentación de candidaturas a las audiciones: más de 800 jóvenes artistas se han presentado a las mismas. Este año el proyecto presentará una nueva producción del musical del maestro Jacinto Guerrero ‘El sobre verde’ el libreto original de Enrique Paradas y Joaquín Jiménez estará revisado por el dramaturgo Álvaro Tato. Con dirección de escena de Nuria Castejón, musical de Cecilia Bercovich, escenografía de Ricardo Sánchez Cuerda y vestuario de Gabriela Salaverri, el reparto como de costumbre estará formado, por un grupo de jóvenes cantantes y actores de entre 18 y 30 años elegidos tras un proceso de audiciones y acompañado por un conjunto musical de cámara. Las 12 funciones se ofrecerán del 21 al 26 de febrero de 2022.

Y los proyectos didácticos destacan un año más porque, gracias a ellos, el Ambigú del Teatro vuelve a tener por quinto año consecutivo la función de espacio de espectáculos. Tras las dos emocionantes entregas de ‘Perdida en el Bosco’ y las del éxito arrollador de ‘La increíble historia de Juan Latino’, volverá al Ambigú el teatro de títeres con música en directo. La propuesta será en esta ocasión el estreno de la obra ‘El cielo de Sefarad’, coproducido por el Teatro y la Compañía Claroscvro. Serán otras 18 funciones entre el 25 de mayo y el 3 de junio de 2022.

También enmarcado en los proyectos didácticos, la soprano Nicola Beller Carbone, que se distingue por un perfil artístico peculiar, en el que cuida los aspectos interpretativos tanto como los musicales, y que en 2019 fundó LIBERAinCANTO para impartir clases magistrales para cantantes liricos en las que trabaja la actuación y el canto desde la imaginación y la creatividad, ofrecerá del 21 al 27 de marzo clases magistrales a jóvenes artistas.

DANZA

En la temporada próxima también la danza será protagonista a través de las dos compañías nacionales, residentes del Teatro: El Ballet Nacional de España llega con el programa ‘Invocación’, diseñado expresamente para la compañía por su director, Ruben Olmo, ofrece una visión global de la danza española, abarcando la mayor parte de sus estilos, desde la escuela bolera a la danza estilizada y el flamenco estilizado. Incluye además un especial homenaje al bailarín y coreógrafo Mario Maya (1937-2008), uno de los grandes maestros de nuestra danza. Serán once funciones del 10 al 22 de diciembre. Por su parte, la Compañía Nacional de Danza dirigido por Joaquín de Luz presentará un programa triple integrado por las coreografías ‘Polyphonia’ de Christopher Wheeldon con música de György Ligeti, ‘Grosse Fuge’ de Hans van Manen con música de Ludwig van Beethoven y ‘Concerto DSCH’ de Alexei Ratmansky con música de Dmitri Shostakovich. Serán diez funciones del 7 al 17 de julio.

TEATRO MUSICAL DE CÁMARA

Otro de los ciclos que prevalece cada año renovado de energía e intenciones es el dedicado al Teatro Musical de Cámara en colaboración con la Fundación Juan March. Del 26 de septiembre al 4 de octubre se presentarán las siete funciones de ‘I Tre Gobbi’ (‘Los tres jorobados’) de Manuel García, que no pudo estrenarse en su día por culpa de la pandemia. Con libreto del propio músico sevillano del siglo XVIII, basado en el intermedio de Carlo Goldoni, se trata de una nueva coproducción entre ambas instituciones, que vuelve a demostrar que la suma de esfuerzos permite llegar más lejos. La dirección musical de esta ópera de cámara será de Rubén Fernández Aguirre, uno de los más destacados expertos en la obra de Manuel García, que también interpretará la música al piano. La dirección de escena es de José Luis Arellano, la escenografía de este y Pablo Menor Palomo, el vestuario de Ikerne Giménez, la iluminación de David Picazo, la coreografía de Andoni Larrabeiti y el reparto lo componen Cristina Toledo, David Alegret, David Oller, Javier Povedano y Andoni Larrabeiti. Como es habitual, las representaciones serán en la Fundación Juan March.

GRANDES VOCES PARA LA ZARZUELA

Uno de los logros que distingue al Teatro de la Zarzuela es el de reunir en cada temporada a las grandes voces líricas que cantan en español. Así, en la próxima tendremos la oportunidad de disfrutar del arte de cantantes como CARLOS ÁLVAREZ, AINHOA ARTETA, SAIOA HERNÁNDEZ, LISETTE OROPESA, NANCY FABIOLA HERRERA, ISMAEL JORDI, MARÍA JOSÉ MONTIEL, JUAN JESÚS RODRÍGUEZ, SABINA PUÉRTOLAS, XABIER ANDUAGA, ANDEKA GORROTXATEGI, CELSO ALBELO, RUTH INIESTA, SIMÓN ORFILA, CARMEN ROMEU, JOSÉ LUIS SOLA, CAROL GARCÍA, MARINA MONZÓ, BORJA QUIZA, CRISTINA FAUS…, y tantos y tantos otros que solo sus nombres hacen de la temporada una experiencia ciertamente única.

El Rey que rabió
Zarzuela en tres actos
Música de Ruperto Chapí
Libreto de Miguel Ramos Carrión y Vital Aza
D. musical: Iván López Reinoso
D. escena: Bárbara Lluch
Escenografía: Juan Guillermo Nova
Vestuario: Clara Peluffo Valentini
Iluminación: Vinivio Cheli
Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid
Reparto: Enrique Ferrer, Rocío Ignacio, María José Suerez, Rubén Amoretti, José Manuel Zapata, Carlos Cosías, Ígor Peral, José Julian Frontal, Alberto Frías, Sandro Cordero, Pep Molina, Ruht González y Antonio BuendíaEl Teatro de la Zarzuela ha querido terminar esta temporada tan especial, con un título imprescindible de la lírica española, “El Rey que rabió”, del maestro Ruperto Chapí, 130 años después de su estreno el 20 de abril de 1891 en este mismo Teatro.

En aquel momento era regente la Reina María Cristina, a la espera de la mayoría d edad de Alfonso XIII. Pero no es este rey al que alude la obra, sino a Alfonso XII y otros políticos y militares de la época.

El libreto es de dos de los mejores dramaturgos y humoristas del momento, Miguel Ramos Carrión y Vital Aza, que crearon un libreto lleno de situaciones y personajes atemporales, de enredos y cómicas situaciones en la España de la Restauración. Un libreto crítico con todos los estamentos de poder, resaltando con mucho humor la parte más teatral de la política desarrollada en una corte que bien podrían pertenecer al momento de su estreno o, como nunca antes, al presente más actual, con el engaño de los gobernantes como protagonista principal.

Esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela del “Rey que rabió” ha estado a cargo, escénicamente, de la ya aclamada en este Teatro por “La Casa de Bernarda Alba” en 2018, Bárbara Lluch. En esta ocasión, la escenografía, potenciada por el vestuario de Clara Peluffo Valentini, dan a la obra aspecto de función escolar, esa que se hace a final de curso. El vestuario es muy vistoso y alegre, pero junto al resto de elementos escénicos, crean un conjunto exageradamente infantil. Al igual que la teatralización de los personajes, casi todos demasiado histriónicos, sobre todo el Capitán de Alberto Frías, que pecó de sobreactuación buffa. María José Suárez y Sandro Cordero, como María y Juan, estuvieron un poco más equilibrados en su parte cómica, aunque igualmente exagerados.

Los más destacados fueron Ruth González Mesa, como el Paje Criado del Rey, Rubén Amoretti, como El General, que dejó entrever su calidad vocal cuando las humoradas se lo permitían y un Manuel Zapata como Jeremías, algo pasado también, pero que supo mantener el equilibrio teatral y no arrastrar al personaje.

Los protagonistas principales no supieron estar a la altura. La soprano Rocío Ignacio, como Rosa, no pareció en ningún momento una campesina. Más bien seguía interpretando su papel de Luisa Fernanda esta misma temporada. Le costó algún que otro abucheo por parte del público.

EL otro protagonista era Enrique Ferrer, el Rey, que no sabemos si rabió o no, pero que tampoco tuvo su noche. Poca gracia en la interpretación y poca consistencia vocal. No resultó acertada la elección de un tenor para este papel, cuando la partitura de Chapí indica que es para soprano.

Tan solo el conocido Coro de doctores nos trasladó a la maravillosa música del compositor, con una actuación del coro brillante, como de costumbre. La iluminación de Vinicio Cheli contribuyó a que esta escena fuera lo mejor de la representación.

No fue tampoco la noche del director musical Iván López Reinoso. Lento hasta la extenuación, con un sonido a ráfagas y sin sacar provecho a una orquesta que demuestra, en cuanto tiene ocasión, la calidad que atesora.

Una pena terminar así una temporada tan especial y que ha estado a tan alto nivel. Pero, el mejor escribano echa un borrón y esperamos con ilusión la próxima temporada.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier de Real

Dedicado por completo esta temporada a la música compuesta por mujeres, el ciclo ‘Domingos de cámara’ del Teatro de la Zarzuela pondrá el cierre de oro este próximo domingo 6 de junio a las 12h00 con el recital ‘Hacer las américas’.

La razón del título ‘Hacer las Américas’ es geográfica, cultural, histórica y hasta sentimental. Resultado de ese importante y mágico flujo de ida y vuelta que lo impregna todo a uno y otro lado del Atlántico y que lo hace crecer en cada orilla antes de emprender el regreso. El concierto de este domingo será retrato de esta marea sin fin que aúna valores y tradición. Dos de las compositoras son iberoamericanas: Macarena Rosmanich, de Chile, y Ana Lara, de México, y otra, Diana Pérez Custodio, gaditana (Cádiz, puerto crucial en la ruta de las Américas). Por último, al igual que en el resto de conciertos del ciclo, el recital incluye un estreno absoluto de una alumna del conservatorio Superior de Música de Madrid, y en este caso será de Sofía Sainz con su obra ´Yugen, para arpa, violonchelo y contrabajo‘.

Los solistas de la Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM), titular del Teatro, que participarán en el concierto del domingo serán Amaya Barrachina (violín), Eva Martín (viola), Ángel García Jermann (violonchelo), Luis Navidad (contrabajo) y Ana María Reyes (arpa).

Esta segunda edición del ciclo ‘Domingos de Cámara‘, que con este concierto llega a su fin, ha significado un emocionante viaje a través de un patrimonio musical español desconocido. De la mano de solistas de la ORCAM, cada concierto ha destacado el extraordinario valor de las compositoras españolas de los siglos XX y XXI como María Rodrigo, María Teresa Prieto, Pilar Jurado, Teresa Catalán, Mercedes Zavala, Zulema de la Cruz, Marisa Manchado, Rosa Alarcó o Diana Pérez Custodio entre muchas otras.

El ciclo ha acogido cuatro estrenos absolutos de alumnas del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid: Amanda Garrido, Miriam Sanz Ortega, Laura de las Heras y Sofía Sainz.

El Teatro Real ha presentado esta mañana la primera edición de un proyecto que esperamos sea de largo recorrido. Veinte cantantes menores de 35 años y de ocho nacionalidades España, Rumanía Ucrania, Colombia, Noruega, Alemania, Venezuela y Chile participan desde el pasado mes de marzo en el programa CRESCENDO, creado por la Fundación Amigos del Teatro Real e impulsado por Fonds de Dotation Porosus y Edmond de Rothschild Foundations.

Este proyecto internacional, con vocación pedagógica e inclusiva, pretende complementar la formación académica adquirida por los jóvenes cantantes en sus centros de estudio, ofreciéndoles talleres, clases magistrales, debates y distintas actividades transversales que enriquezcan su desarrollo artístico y humano para afrontar una carrera profesional de gran exigencia, exposición pública y competencia.

Pero quizás la dimensión más importante y estimulante del proyecto sea la creación de oportunidades reales para que los jóvenes participantes inicien su carrera profesional, con actuaciones en diferentes iniciativas del Teatro Real.

A través de audiciones con la dirección artística del Teatro Real y los directores implicados en las distintas producciones o iniciativas, se han seleccionado cantantes para actuar en la presentación de la Temporada 2021-2022 el pasado 20 de mayo (emitida por el Canal de YouTube del Teatro Real), en la carroza itinerante instalada en Fitur con actuaciones muy bien recibidas por los asistentes los días 20, 21, 22 y 23 de Mayo- y en varios eventos a corto y medio plazo:

Festival Real Junior: concierto de clausura de la Temporada 2020-2021 de El Real Junior. Sala Principal del Teatro Real, 12 de junio de 2021 a las 12 horas.
Semana de la Ópera del Teatro Real: recital lírico. Sala Gayarre, 9 de julio
Mozart Revolution: concierto de apertura de la Temporada 2021-2022 de El Real Junior. Sala Principal, 3 de octubre de 2021 a las 12 horas.
La cenicienta: ópera de Pauline Viardot. Producción del Teatro Real, en coproducción con el Teatro de la Maestranza de Sevilla, el Teatro Cervantes de Málaga y la Fundación Ópera de Oviedo. Teatro Real, Sala Principal, 20, 21 y 23 de noviembre de 2021, a las 11 y 13 horas. Actuaciones posteriores en los teatros coproductores.
¡Todos a la Gayarre!: talleres para toda la familia que se desarrollarán a lo largo de la temporada Sala Gayarrre, fines de semana a las 12 y 17 horas.

CANTANTES PARTICIPANTES EN CRESCENDO (orden alfabético)

Agustín Gómez Cortez, tenor (España)
Alejandra María Acuña Manrique, mezzosoprano (Colombia)
Beatriz Arenas Lago, soprano (España)
Celia Cuéllar Calvín, soprano (España)
Christian Gil Borrelli, contratenor (España)
Cristina Van Roy Roy Rathe, soprano (Noruega)
Estíbaliz Martyn, soprano (España)
Gabriel Alonso Diaz, barítono (España)
Guiomar Cantó Gómez, soprano (España)
Juliane Stolzenbach Ramos, soprano (Alemania/Portugal)
María de los Ángeles Gómez Rojas, soprano (Venezuela)
María Eugenia Barcia Mendiola, soprano (España)
Mario Méndez Saavedra, tenor (España)
Marta Briales Villalba, soprano (España)
Míriam Silva Martínez, soprano (España)
Olga Syniakova, mezzosoprano (Ucrania)
Paola Andrea Leguizamón Santos, mezzosoprano (Colombia)
Ramina Scrob, soprano (Rumania)
Ramiro Maturana Coronado, barítono (Chile/Argentina)
Vanessa Cera Bula, soprano (Colombia)

FESTIVAL REAL JUNIOR PARA TODA LA FAMILIA

Sala Principal del Teatro Real

12 de junio, sábado, a las 12 horas

Guión y presentación de Fernando Palacios

Una visita atractiva, divertida y sorprendente a rincones insospechados del mundo con músicas excitantes: cantos nativos de indios del Amazonas, ritos de Malasia y Bali, danzas para acompañar el paso chulesco de una Pantera Rosa o de una ópera barroca, ritmos trepidantes de Vivaldi y Mozart, bandas sonoras de piratas y novelas, paseos por el centro de Madrid… Un variado surtido de cantos y danzas que serán interpretados por jóvenes del Coro y Orquesta de la JORCAM, con la participación de la mezzosoprano Olga Syniakova bajo la dirección de Rubén Gimeno.

LOS PATROCINADORES DE CRESCENDO

El Fondo de dotación de Porosus tiene la misión de ayudar a los jóvenes talentos que surgen en los ámbitos deportivo y artístico. Su objetivo es apoyar y promover sus carreras. Los proyectos deportivos apoyados incluyen el golf, el surf, la equitación, el bádminton, el patinaje artístico, etc. Las disciplinas artísticas concernientes son, entre otras, las artes escénicas, la danza, la música, el cine… El fondo de dotación de Porosus tiene como objetivo la excelencia y el alto nivel para apoyar a los jóvenes talentos más meritorios en sus esfuerzos deportivos y artísticos.

En las Fundaciones Edmond de Rothschild superan los límites de la filantropía. Encuentran formas disruptivas de involucrar a los socios y de establecer colaboraciones imprevistas entre la sociedad civil, el sector privado y las instituciones públicas. Al ampliar el impacto, promover la diversidad y aprovechar el celo empresarial, realizan un verdadero cambio. El resultado es más que la suma de todas las partes para crear juntos el futuro.

El Teatro Real acogerá, un año más, el concierto de los ganadores del Concurso Internacional de Canto Tenor Viñas, que el pasado mes de enero celebraba su 58ª edición y en el que la mezzosoprano donostiarra Carmen Artaza se alzó con el Primer Gran Premio, además de obtener el Premio Mozart y el premio extraordinario a la Mejor Cantante Española.

Junto a ella, el público tendrá la oportunidad de escuchar las voces de la mezzosoprano ucraniana Olga Syniakova (Segundo Premio ofrecido por el grupo Amics del Concurs Tenor Viñas); el barítono argentino Germán Enrique Alcántara (Tercer Premio “Maria Esperança Salvans Piera”) y el barítono ruso Vasily Sokolov (Cuarto Premio).

Los jóvenes cantantes interpretarán arias de Mozart, Rossini, Donizetti, Bellini, y Chaikovski, entre otros, acompañados por la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección del maestro Álvaro Albiach.

La edición de este año, marcada por las restricciones que imponía la pandemia, celebró las audiciones preliminares de forma telemática desde Barcelona, Madrid, Londres, Nueva York, París, Berlín, Milán, Los Ángeles, Pekin y Moscú, con una participación de inicial de 447 cantantes procedentes de 55 países. Las dos últimas pruebas pudieron celebrarse en Barcelona y los galardonados ofrecieron el tradicional concierto en el Gran Teatre del Liceu.

Fundado en 1963 en Barcelona, el Concurso Internacional de Canto Francisco Vinas quiere mantener viva la memoria de uno de los tenores más importantes de nuestro país –fue la gran voz wagneriana en España y el responsable de estrenar Tristán e Isolda en el Teatro Real- y es trampolín de muchas de las voces más importantes del panorama lírico actual, ya que se ha convertido en una de las competiciones más prestigiosas del mundo.

Entre los nombres galardonados a lo largo de su historia figuran Javier Camarena, Violeta Urmana, Marina Rebeka, Giuseppe Filianoti, Dmitri Korchak o el ganador del último International Opera Awards, Xabier Anduaga, por citar solo algunos.

En la actualidad, forman parte de la organización del concurso grandes centros líricos de todo el mundo como el Gran Teatre del Liceu, el Bolshoi de Moscú, la Opéra national de Paris, la Royal Opera House Covent Garden de Londres, la Metropolitan Opera House de Nueva York, la San Francisco Opera, el Teatro alla Scala de Milán, la Staatsoper Berlín, el Centro nacional de las Artes Escénicas de Pekín y el Teatro Real.

En ocasiones la frescura y la actualidad no están reñidas con el paso del tiempo. 130 años, un siglo y tres décadas exactas hace que se estrenó ‘El rey que rabió’ en el Teatro de la Zarzuela -a cuyo escenario no sube desde hace 12-, y el público sigue esperándola con entusiasmo y disfrutando de ella con idéntica implicación que si de una nueva creación se tratara. Ese es uno de los más memorables secretos que hacen del teatro una experiencia mágica, una manifestación única y universal. Afortunadamente podremos volver a comprobarlo, a saborear ese valioso distintivo, durante las 14 funciones que de la nueva producción de la obra de Ruperto Chapí, Ramos Carrión y Vital Aza se ofrecerán del 3 al 20 de junio en el mismo Teatro que entre unánimes aplausos y fabulosas críticas la vio nacer a finales del convulso siglo XIX.

‘El Rey que rabió’, verdadera zarzuela grande, fue creada por Carrión, Aza y Chapí en 1891, y hoy por hoy es un hito del teatro lírico y, por supuesto, de la historia única y particular del Teatro donde nació con el propio maestro alicantino en el podio. Porque pocos reyes, ni los más populares de la Historia, ni los más queridos de sus pueblos, habrán sido más aclamados, aplaudidos y vitoreados que nuestro Rey en este reino exclusivo que es el Teatro de la Zarzuela.

Y si este título es ya de por sí una obra maestra, comprobar el equipo artístico y los repartos responsables de armarla de nuevo hace que sea mayúsculo el interés de este estreno de junio que cerrará la temporada lírica 2020/2021 del coliseo.

Música y escena. Excelencia y luminosidad

La dirección musical correrá a cargo del maestro Iván López Reynoso, una de las más importantes batutas jóvenes de México, recién nombrado director artístico de la Orquesta del Teatro de Bellas Artes y partenaire musical del tenor Javier Camarena en tantos conciertos –incluido el ofrecido en el Teatro de la Zarzuela hace varias temporadas–. También violinista, pianista y contratenor de éxito, como director de orquesta es especialista en muy diversas disciplinas –ópera, ballet, danza moderna, música antigua y música contemporánea–, ocupará el foso al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid, ORCAM –Titular del Teatro–, del Coro Titular del Teatro de la Zarzuela –que en esta ocasión tiene como desafío la interpretación de algunos de los números corales más emblemáticos del género– y de dos espléndidos y más que equilibrados repartos.

La propuesta escénica de esta nueva producción de ‘El rey que rabió’ es en verdad sorprendente. La dinámica e inteligente directora Bárbara Lluch –responsable de rotundos éxitos como el de la premiada ópera de la Zarzuela ‘La casa de Bernarda Alba’ de Miquel Ortega– ha puesto en marcha un luminoso planteamiento muy acorde con el espíritu original de la obra: “Se trata de dar la máxima libertad posible al público”, explica la regista, cuya intención es “que cada espectador sienta, empatice e interprete los personajes, el lugar y las relaciones entre ellos desde su propio punto de vista. Desde su propia y única perspectiva.” Y advierte al respecto que es por esa razón por la que los libretistas no dieron nombre ni al Rey, ni al General, ni al Gobernador, ni al Almirante, ni al Intendente… “Porque podría haber tantos reyes, generales, almirantes, gobernadores e intendentes diferentes como espectadores haya en la sala”, reflexiona Lluch.

Repartos a medida

Y en este punto llegamos a quienes tendrán que llenar de intenciones y buena voz a esos disparatados prototipos surgidos del talento intelectual, irónico y divertido del dramaturgo, periodista y humorista Miguel Ramos Carrión –creador también de los libretos de ‘Los sobrinos del capitán Grant’, ‘La tempestad’, ‘La bruja’ o ‘Agua, azucarillos y aguardiente’–, y del poeta, comediógrafo y también humorista Vital Aza, que, como dato interesante, fue junto al propio Chapí uno de los fundadores de la Sociedad de Autores y su primer presidente.

Esta hilarante historia de un rey a quien el profundo aburrimiento en el que está sumido le lleva a emprender un viaje de incógnito por el país; la de sus poderosos y más próximos consejeros que sin éxito tratan de impedirlo para que el soberano no descubra la triste realidad en la que sus súbditos habitan, y poder así seguir mangoneándole a su gusto y manera; la de todos los estrambóticos personajes que el monarca va encontrando en el camino; este cuento divertido (mucho) en el que también el amor, cómo no, juega su crucial papel, será defendido por dos elencos que sin duda harán levantar al público literalmente de sus butacas. Llenarán la sala de la mejor música, risas (cuando no carcajadas) y alegría.

Los tenores Enrique Ferrer y Jorge Rodríguez- Norton darán vida al Rey –un papel que en sus orígenes era femenino, interpretado por una mezzosoprano o una soprano central; y es que al ser el monarca joven se presentaba en forma de papel travestido, algo que, como recordaría Luis Gracia Iberni, uno de los más reconocidos expertos en la obra de Ruperto Chapí, más allá de la histórica tradición de este recurso en el teatro musical, en aquella época se hacía obligatorio por la falta de tenores líricos dedicados a la zarzuela. El papel de Rosa, la joven de la que el Rey por sorpresa se enamora con la suerte de ser correspondido, lo interpretarán las sopranos Rocío Ignacio y Sofía Esparza; el de María, la mujer del Labrador, lo hará María José Suárez, y el General será el bajo Rubén Amoretti y el bajo-barítono Miguel Sola; Jeremías, ese sobrino del alcalde enamorado sin premio de su prima Rosa y a quien suceden todas las peripecias imaginables, lo encarnará José Manuel Zapata; Carlos Cosías, Igor Peral y José Julián Frontal se meterán a su vez en la piel del Almirante, el Intendente y el Gobernador, respectivamente; Alberto Frías –surgido de esa fructífera cantera de cantantes-actores que es el Proyecto Zarza del Teatro de la Zarzuela– recreará las chispeantes idas y venidas del Capitán; y Sandro Cordero, Pep Molina, Ruth González y Antonio Buendía, harán las veces del Labrador, el Alcalde, el Paje y el Corneta. Y a todos ellos habrá que sumar tres actores y tres figurantes.

En cuanto al equipo artístico, lo componen Juan Guillermo Nova, responsable de la onírica y especialmente bella escenografía, la diseñadora del fantástico y genial vestuario Clara Peluffo Valentini y el maestro de la iluminación Vinicio Cheli.

Obra maestra del repertorio. Música teatral

El maestro López Reynoso considera que la partitura de ‘El rey que rabió’ “es indudablemente una de las obras maestras del repertorio lírico español. Ágil, expresiva, refinada y llena de colores”, a lo que hay que sumar “el atinado uso de la teatralidad en la escritura musical que hace que la acción dramática corresponda de una manera notable con el discurso musical”. Por eso, el director opina que se trata de “una obra redonda, completa, contrastante y divertida que, gracias a todas las características anteriores, logra siempre convertirse en un éxito muy querido por el público.”

Y es precisamente en esa conciliación entre la música y la palabra en la que incide la musicóloga mediática Eva Sandoval, quien recuerda que Chapí y sus libretistas fueron figuras clave en el desarrollo del estilo musical y dramático de la zarzuela desde la década de 1880. Sandoval rescata asimismo una afirmación contenida en la crónica que con motivo del estreno escribió el crítico de la época Joaquín Arimón quien viene a subrayar esta crucial característica: “La música se adapta perfectamente a las condiciones del poema y toda ella es hermosa e inspirada”.

Eva Sandoval sostiene al respecto que esa adecuación e interrelación de ambos códigos, el lingüístico y el musical, se puede apreciar a lo largo de los diecinueve números de los que consta la obra. “La brevedad de todos ellos también ayuda a procurar dinamismo y agilidad y favorece la dramatúrgica, de tal forma que la música acompaña la acción: ni la fuerza, ni la obliga, ni la condiciona”. El autor, de acuerdo con las palabras de la experta, “consigue impregnar cada pasaje del color musical y la atmósfera que la trama requiere, como, por ejemplo, en el sencillo pero efectivo preludio. Escrito en forma de marcha de corte militar, podría ejercer perfectamente como himno nacional del país imaginario en el que se sitúa la acción.”

También es especialmente reseñable para la musicóloga el hecho de que ‘El rey que rabió’ utilice “la misma táctica teatral y pedagógica que la opereta: la del «mundo al revés”, incorporando a nuestra lírica recursos y lenguajes de la opereta centroeuropea.

Rey imperecedero y online

Como ya es habitual, una de las funciones de ‘El rey que rabió’ se emitirá en directo en streaming a través del canal de YouTube, el perfil de Facebook y la página web del Teatro. La fecha elegida en esta ocasión es el jueves 17 de junio a las 20h00 (hora peninsular española).

Asimismo, se pueden ya disfrutar en YouTube y Facebook la conferencia impartida por Eva Sandoval y un nuevo capítulo de la serie ‘Viaje por la zarzuela’, con el maestro López Reynoso y Bárbara Lluch como protagonistas.

‘El Rey que rabió’ se mantuvo ininterrumpidamente en escena desde el 20 de abril de 1891, cuando se estrenó en el Teatro de la Zarzuela de Madrid con el propio Chapí a la batuta, hasta el 15 de junio de ese mismo año. Además, se repuso en este mismo escenario en diciembre de ese año y enero de 1892, y poco después se presentaría en otros teatros capitalinos y de provincias. Mención especial merece su estreno en México con la Compañía de Zarzuela Española a mediados de julio del mismo 1891, solo unos meses después de su estreno en España. El eco que la obra de Chapí obtuvo en los medios de comunicación de la época fue extraordinario, hasta el punto de que el compositor de Villena se afianzó como autor de zarzuela grande.

Y es que nuestro Rey llegó para quedarse con nosotros, de generación en generación, y así desde hace 130 años. Ya lo advirtió el cronista tras asistir al estreno –en un artículo que tras la enigmática firma de K. es muy posible que estuviera el notorio periodista José Gutiérrez Abascal–: “’El Rey que rabió’ está asegurado por mucho tiempo en su trono de La Zarzuela”. Y se añadía con cierto retintín: “No hay peligro de que sea destronado.” (El Heraldo de Madrid, 21 de abril de 1891).

Antonello Manacorda debuta en el Palau de les Arts con obras de Berlioz, Debussy y Mendelssohn-Bartholdy mañana sábado, 29 de mayo, a las 19.00 h en el Auditori. El director turinés, una de las batutas de mayor proyección en el circuito, dirige por primera vez a la Orquestra de la Comunitat Valenciana con una sugerente selección de obras, para la que contará con la ascendente ‘mezzosoprano’ Marianne Crebassa como solista.

Inicia el programa la célebre obertura de ‘El sueño de una noche de verano’ que Felix Mendelssohn- Bartholdy compuso con tan solo 17 años, fascinado e inspirado por la comedia homónima de William Shakespeare. Le seguirá, manteniendo las noches estivales como hilo conductor y la figura de Shakespeare, el ciclo de canciones ‘Les nuits d’été’, de Berlioz, con el que la ascendente ‘mezzosoprano’ Marianne Crebassa cantará por primera vez en Les Arts. Compuesto a partir de poemas de su amigo Théophile Gautier, Hector Berlioz evoca con esta obra su conocida admiración por el genio de la literatura inglesa.

Cierra la velada una de las páginas para orquesta más apreciadas de Claude Debussy, ‘La mer’, además de ser una de las obras más estrechamente vinculadas a la historia de la Orquestra de la Comunitat Valenciana, con la que la formación titular de Les Arts protagonizó su primera actuación internacional en La Fenice de Venecia en 2007.

Les Arts recuerda que los precios de las localidades para este concierto oscilan entre los 30 y los 45 euros. Antonello Manacorda
Estrecho colaborador de Claudio Abbado, con quien fundó la Mahler Chamber Orchestra, formación de la que fue concertino durante ocho años, Antonello Manacorda es actualmente uno de los directores con mayor proyección de su generación, requerido por los principales teatros y orquestas.

Especialmente apreciado por su versatilidad, la riqueza de su bagaje musical y cultural ha permitido al director turinés consolidar un amplio repertorio —tanto operístico como sinfónico—, principalmente de compositores franceses, alemanes e italianos.
Asimismo, Manacorda cultiva una importante faceta discográfica. Director artístico de la Kammerakademie Potsdam desde 2010, ha grabado con la formación sendos ciclos de Mendelssohn y Schubert, que han recibido los mayores elogios de la crítica así como el ECHO Klassik 2015 en la categoría ‘Mejor orquesta del año’. Con la Het Gelders Orkest, formación de la que es director principal
desde 2011, ha registrado, asimismo, piezas de Ravel y Debussy, Mahler y Berlioz.

Marianne Crebassa
Desde su debut a los 21 años en la Ópera de Montpellier, la ‘mezzosoprano’ Marianne Crebassa ha protagonizado una fulgurante trayectoria hasta convertirse en una de las voces más cotizadas en su tesitura. Reconocida y premiada por sus exquisitas interpretaciones, los principales teatros de ópera, festivales, salas de concierto y auditorios, desde el Festival de Salzburgo o los Proms londinenses, hasta Viena, Berlín, Milán, Nueva York o París, requieren la presencia de la joven artista francesa.

Fotograía © Nikolaj Lund

ABAO Bilbao Opera clausura el ciclo de esta Temporada, ABAO on Stage, el próximo sábado 29 de mayo en el Euskalduna Bilbao, con Ainhoa Arteta y Teodor Ilincai en el concierto Tosca on Stage que ha colgado el cartel de “Entradas agotadas”. El concierto está patrocinado por la Fundación BBVA.

Las localidades a la venta se han acabado en pocos días, dada la gran expectación que ha generado la presencia en Bilbao del dúo formado por la soprano Ainhoa Arteta y el tenor Teodor Ilincai, dos auténticos titanes de la lírica.

Ambos intérpretes se enfrentan a un programa que incluye escenas de títulos muy conocidos como Mirentxu, Turandot, Don Carlo, Pagliacci y una especial atención a Tosca, en la segunda parte del concierto, con las arias más relevantes de la célebre ópera de Puccini. El afamado director Yves Abel dirige a la Bilbao Orkestra Sinfonikoa.

Desde el gran éxito de la soprano Lisette Oropesa, que el 6 de febrero puso en pie el auditorio en el primer recital del ciclo ABAO on Stage, el desfile de estrellas de la lírica no ha cesado en la programación. Anita Rachvelishvili, Pedro Halffter, Carlos Álvarez, Rocío Ignacio, Carmen Solís, Itziar de Unda, Silvia Tro Santafé, Celso Albelo, Sergio Escobar, Moisés Marín, Juan Jesús Rodríguez, Simón Orfila, Sondra Radvanovsky y Sonya Yoncheva han llenado los escenarios del Euskalduna Bilbao y la Sociedad Filarmónica Bilbao durante estos meses. El próximo sábado serán Ainhoa Arteta y Teodor Ilincai los encargados de poner el broche de oro final, con récord de asistencia.

La Sala Fernando Arrabal A de Naves del Español en Matadero, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, acoge del 29 de mayo y hasta el 5 de junio el estreno mundial de Tránsito, ópera de cámara con música y libreto de Jesús Torres, dirección musical de Jordi Francés y dirección de escena de Eduardo Vasco, a partir de la obra de teatro breve del mismo nombre que Max Aub escribió en 1944 desde su exilio en México y que nos habla del conflicto, la lealtad, el compromiso y la obligación de los españoles que sufrieron el destierro tras la Guerra Civil. El elenco de Tránsito está compuesto por el barítono Isaac Galán (Emilio) y la soprano María Miró (Cruz) en los papeles principales, junto con la mezzosoprano Anna Brull (Tránsito), el barítono Javier Franco (Alfredo) y el tenor Pablo García López (Pedro).

Tránsito es un encargo y una nueva coproducción del Teatro Real y el Teatro Español que podrá verse en seis únicas funciones: 29 y 30 de mayo y 1, 2, 4 y 5 de junio, a las 19 horas.

En Tránsito, obra de teatro en un acto escrita en 1944 pero ambientada tres años después, en una noche de duermevela de 1947, Max Aub reflejó la historia de Emilio, un español en el exilio mexicano que dialoga, simultáneamente, con Cruz, la esposa que se quedó en España junto a sus hijos, y con Tránsito, su actual compañera sentimental. Emilio se enfrenta a la complejidad y a las dudas de construir una vida y un amor en el exilio que convivan con el compromiso y el recuerdo de su vida y de sus ideales políticos en España. Unos sentimientos en permanente conflicto marcados por la inseguridad, el destierro, el abandono, la distancia, la posibilidad del regreso y la culpa.

Cuando todavía muchos excombatientes y exiliados republicanos españoles conservaban la esperanza de que los ejércitos aliados contendientes en la II Guerra Mundial pusiesen fin al régimen franquista, Max Aub adelantó la detención total del tiempo con la que la historia habría de condenar a todos ellos en un laberinto de lealtades encontradas, desgarros y desengaños políticos y personales. Esta pieza de teatro breve constituye un testimonio ético de dicho momento histórico y la base literaria de esta ópera de cámara en un acto dividida en 12 «instantes» del zaragozano Jesús Torres, galardonado con el Premio Nacional de Música 2012.

El debut operístico de Torres está avalado por una sólida trayectoria artística de más de tres décadas, una voz autónoma y versátil que ha experimentado con el paso del tiempo una creciente libertad, intensidad y emoción y un apasionado vínculo con la poesía castellana reflejado permanentemente en su producción musical. Desde los primeros compases del prólogo orquestal, la música es densa y compleja, reflejo del inquietante texto de Max Aub.

“La idea de escribir una ópera me persigue desde mis inicios como compositor”, explica Jesús Torres. “El teatro breve del exilio de Max Aub me sedujo y creí encontrar un argumento sólido para embarcarme en mi primera ópera, Tránsito, cuando hubiera una oportunidad cierta para estrenarla. Ha sido un reto poner música a un texto que en esencia es coloquial. El trazado melódico de las voces está íntimamente ligado a la fonética de nuestra lengua y esto, en consecuencia, provoca que toda la orquesta esté impregnada de esa calidez melódica y armónica”.

La dirección de escena corre a cargo de Eduardo Vasco. “No siempre se encuentra uno con un regalo como este: verse inmerso en el proceso de llevar a escena una ópera contemporánea que se está escribiendo en el momento, de un compositor al que se admira y de la mano de un maestro de prestigio. Pero, además, el disfrute se multiplica cuando la complicidad comienza a funcionar desde los primeros encuentros con un denominador común tan potente como el nombre de Max Aub”, apunta el director de escena. Y continúa: “Nos une de una manera muy fuerte la temática que desarrolla la obra sobre aquellos españoles republicanos exiliados en México tras la Guerra Civil, perdidos en un limbo hospitalario, aunque ajeno, desenraizados, trasterrados y perdidos en un laberinto sin salida del que, en su mayoría, no lograron salir. Y también que pensamos que este drama, como otros casi olvidados ya de nuestro pasado, ha sido guardado sin contemplaciones en el cajón de los tópicos que alimenta la simpleza de nuestra política actual, y tratarlo con delicadeza, a través de este montaje, nos parece un asunto de urgencia nacional.

Tránsito es una coproducción del Teatro Real y el Teatro Español con música y libreto de Jesús Torres, dirección musical de Jordi Francés, dirección de escena de Eduardo Vasco, diseño de escenografía de Carolina González, diseño de iluminación de Miguel Ángel Camacho y diseño de vestuario de Lorenzo Caprile.

Fotografía © Javier del Real | Teatro Real

El VIII Concurso Internacional de Canto Alfredo Kraus, contará en esta ocasión entre sus numerosos atractivos con al histórico barítono italiano Leo Nucci que ejercerá como presidente del jurado. Convocado por el Cabildo de Gran Canaria y la Fundación Internacional Alfredo Kraus, esta octava edición del certamen –tercera de la segunda etapa– coincide con el 65 aniversario del debut profesional de Alfredo Kraus y tendrá lugar en Las Palmas de Gran Canaria del 20 al 25 de septiembre.

Fiel a la concepción que el gran tenor imaginara en 1989, el objetivo del certamen es apoyar a los jóvenes cantantes líricos y permitir su acceso al circuito laboral internacional. Tales fueron los propósitos de Alfredo Kraus al inaugurar su primer concurso en 1990, organizándolo hasta la edición 1999, año de su desaparición. Manteniendo estos principios, Rosa Kraus Ley –hija del tenor y presidenta de la Fundación que custodia su legado artístico– y Antonio Morales Méndez –presidente del Cabildo de Gran Canaria– deciden retomar el certamen a partir de la edición de 2017, a dieciocho años del cierre de aquella primera etapa.

Los postulados del certamen permanecieron inalterables: la participación de jóvenes cantantes nacionales y extranjeros, un jurado artísticamente competente y sede en la ciudad natal del tenor.

Para posibilitar este ambicioso proyecto, ha sido fundamental el patrocinio del Cabildo de Gran Canaria. A esto, se ha sumado la colaboración del Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria, de la Fundación Canaria Auditorio y Teatro de Las Palmas de Gran Canaria, de la Fundación Orquesta Filarmónica de Gran Canaria y la de los teatros nacionales y europeos que han colaborado con este concurso hasta la fecha.

Por supuesto, esta nueva edición del CICAK se ve condicionada por la pandemia sanitaria que afecta al mundo entero. Eso ha requerido un esfuerzo excepcional para coordinar las actuaciones que se llevan a cabo en los distintos teatros internacionales. Por ello, se ha requerido tanto a organizadores como participantes el cumplimiento de unas pautas sanitarias de acuerdo a los requerimientos institucionales de cada país. El cualquier caso, fieles a los protocolos COVID oportunos, la organización del VIII CICAK sigue trabajando para hacer realidad este encuentro, convencida de que hay posibilidades para celebrar con total seguridad este evento cultural.

El jurado

Estará presidido por el barítono italiano Leo Nucci, figura señera de la lírica internacional. En calidad de colega de profesión, amigo y admirador de Kraus –de quien él mismo destaca el arte, la inteligencia técnico-musical y la ética del tenor grancanario–, Leo Nucci ha aceptado presidir este jurado, un cargo que no asume con frecuencia. Alfredo Kraus y Leo Nucci compartieron escenario en teatros como la Staatsoper de Viena, el Regio de Parma, el Liceo de Barcelona o la Scala de Milán.

En calidad de vocales, intervendrán los representantes de los teatros colaboradores: Daniel Bianco, director del Teatro de la Zarzuela de Madrid; Anton Gradsack, director de casting del Teatro del Maggio Musicale Fiorentino de Florencia y Elisabete Matos, directora artística del Teatro de São Carlos de Lisboa. A ellos se suman Alessandro Galoppini, director de casting del Teatro alla Scala de Milán; Celestino Varela, director general y artístico de la Ópera de Oviedo; Ulises Jaén, director general y artístico de la Ópera de Las Palmas de Gran Canaria / ACO y dos vocales de honor, Guillermo García-Alcalde y Jerónimo Saavedra Acevedo.

Como en las dos últimas ediciones, la presidencia del concurso será asumida por Rosa Kraus Ley –presidenta de la FIAK y el CICAK– y la dirección artística y secretaría estarán a cargo de Mario Pontiggia –director artístico de la FIAK y el CICAK–.

Inscripción y pruebas

El VIII CICAK 2021 está abierto a cantantes sin distinción de nacionalidad, con edades comprendidas entre los 18 y 32 años –para las voces de soprano, contratenor y tenor–, y entre los 18 y 35 años –para las voces de mezzosoprano, contralto, barítono, bajo–barítono y bajo–. Los interesados deberán formalizar su inscripción mediante un formulario digital a descargar en la página web del concurso (www.fiak.es).

El pasado 15 de mayo ha cerrado la inscripción de Madrid –donde han llegado 25 candidaturas– y el día 19, la de Florencia –que ha recibido 30 candidaturas–. Quedan aún los cierres de Lisboa (5 de junio) y de Las Palmas de Gran Canaria (28 de junio), si bien para estas dos últimas pruebas ya se han recibido más de 20 solicitudes de inscripción.

Las pruebas preliminares del VIII CICAK se llevarán a cabo en el Teatro de la Zarzuela de Madrid (26 y 27 de mayo), en el Teatro del Maggio Musicale Fiorentino de Florencia (30 y 31 de mayo), en el Teatro de São Carlos de Lisboa (16 y 17 de junio) y en el Auditorio Alfredo Kraus de Las Palmas de Gran Canaria (17 y 18 de septiembre). Los candidatos a las mismas serán evaluados por un tribunal integrado por la presidenta y el director artístico de la FIAK y el CICAK, y representantes de las instituciones colaboradoras que alojan cada prueba.

Las pruebas semifinales (20 y 21 de septiembre) y Final (25 de septiembre) tendrán lugar en el Auditorio Alfredo Kraus, icónico edificio inaugurado por el propio tenor en 1997. En estos dos casos, los concursantes serán evaluados por el jurado. La prueba Final que precede a la premiación, se desarrollará en el marco de una gala pública, que contará con la actuación de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria –formación oficial desde el primer concurso de 1990– dirigida en esta ocasión por el maestro Óliver Díaz.

Premios

Los concursantes del VIII CICAK podrán optar a atractivos premios. Los tres Premios Oficiales –de 14.000, 12.000 y 10.000 euros respectivamente, más medalla y diploma-, así como el Premio del Público –de 2.500 euros más diploma- son parte de la importante dotación económica que prevé el patronazgo del Cabildo de Gran Canaria.

A estos galardones, se suman dos premios especiales: el del Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria –con 3.000 euros más diploma, destinado al mejor cantante de nacionalidad española-, y el de la Fundación Martín Chirino de Las Palmas de Gran Canaria –con 2.500 euros más medalla y diploma- destinado al mejor intérprete canario. Los finalistas tendrán también la posibilidad de ser invitados a audiciones y/o producciones, conciertos o recitales por parte de los miembros del jurado y los teatros que representan.

VI y VII CICAK

La recuperación del Concurso, en esta “segunda etapa” constituyó todo un éxito, y las candidaturas superaron con creces el historial de inscripciones de las cinco ediciones precedentes.

El VI CICAK contó con 105 inscritos de 22 nacionalidades. El proyecto de retomar este certamen grancanario tuvo gran repercusión en los medios locales, nacionales e internacionales, incrementándose su difusión por las redes sociales.

Tras las pruebas preliminares -efectuadas en la Escuela Superior de Canto de Madrid, el Teatro del Maggio Musicale Fiorentino de Florencia y el Auditorio Alfredo Kraus de Las Palmas de Gran Canaria-, la Final tuvo lugar el 29 de septiembre de 2017 en la Sala Sinfónica del Auditorio Alfredo Kraus. Los 10 finalistas del VI CICAK se presentaron con la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, dirigida por el maestro José Miguel Pérez-Sierra. El jurado, presidido por el tenor español Jaume Aragall, otorgó sus galardones al barítono Carles Pachón (España / 1º Premio y Premio al mejor cantante de nacionalidad española), al tenor Galeano Salas (México – EEUU / 2º premio) y a la soprano Leonor Bonilla (España / 3º Premio y Premio del público). El evento fue retransmitido en dos ocasiones por la RTVC. El VII CICAK tuvo lugar en 2019, y efectuó sus pruebas preliminares en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, el Teatro del Maggio Musicale Fiorentino de Florencia, el Teatro di San Carlo de Nápoles y el Auditorio Alfredo Kraus de Las Palmas de Gran Canaria.

En esta ocasión, el jurado fue presidido por la soprano italiana Mariella Devia, habiéndose inscrito 110 candidatos de 31 nacionalidades. En la Gala Final con público, llevada a cabo en la Sala Sinfónica del Auditorio Alfredo Kraus, participaron 9 finalistas y la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria bajo la dirección del maestro Oliver Díaz. Tras la deliberación, el jurado concedió los premios al bajo-barítono Manuel Fuentes Figueira (España / 1º Premio, Premio al mejor cantante de nacionalidad española y Premio del público), al contratenor Rodrigo Sosa dal Pozo (Venezuela – Italia / 2º Premio) y a la soprano María Caballero (México / 3º Premio).

Preservación y promoción del legado de Alfredo Kraus

El CICAK es uno de los proyectos más ambiciosos de la Fundación Internacional Alfredo Kraus y el Cabildo de Gran Canaria para preservar y promocionar el legado artístico de Alfredo Kraus.

Además, el Cabildo de Gran Canaria trabaja en otro auspicioso proyecto que pondrá en valor y adecuará parte del antiguo internado insular de San Antonio, situado en el barrio de Vegueta, barrio natal del tenor. Allí se establecerá la sede de su Fundación para albergar un museo, archivos y un centro de formación, investigación y difusión de su legado artístico y didáctico.

Durante 2021, la FIAK continua, tal como lo hace desde 2017, con los ciclos de conferencias que difunden la figura artística de Alfredo Kraus y la cultura musical de Gran Canaria y con las actividades didácticas para jóvenes intérpretes, propósitos estos volcados por el propio Alfredo Kraus en el acta original de su Fundación.

Entre el 2 y el 13 de junio, el Teatro Real ofrecerá 11 funciones de la ópera Las conveniencias e inconveniencias teatrales (Le convenienze ed inconvenienze teatrali), de Gaetano Donizetti, que se estrenará en el Teatro Real.

La nueva producción del Teatro Real, cuyo título, Viva la Mamma, fue acuñado por el director de cine Helmut Käutner, es una coproducción con las Óperas de Lyon y de Ginebra, donde fue presentada con gran éxito.

Laurent Pelly, que en el Real ha dirigido La fille du régiment (2014), Hänsel und Gretel (2015), El gallo de oro (2017) y Falstaff (2019), vuelve con otro título lleno de humor en el que muestra, una vez más, su genio e ingenio en el tratamiento de la comedia y en la dirección de actores.

También Evelino Pidò estará al frente, nuevamente, del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, que ya dirigió en La Gioconda (2007) e I puritani (2016). Tres de las 11 funciones estarán dirigidas por José Miguel Pérez Sierra, director musical, recientemente, de Don Fernando el Emplazado.Un doble reparto dará vida a los grotescos personajes de Donizetti, en el que destacan Carlos Álvarez y Luis Cansino, Nino Machaidze y Sabina Puértolas, Xabier Anduaga y Alejandro del Cerro, Borja Quiza y Gabriel Bermúdez, Sylvia Schwartz y Francesca Sassu, secundados por Pietro di Bianco, Enric Martínez-Castignani, Piotr Micinski y Luis López Navarro.

En torno a Viva la Mamma se han organizado actividades en el Teatro Real, Sala Berlanga, Museo del Romanticismo y Biblioteca Regional de Madrid.

Las funciones comenzarán a las 19.30 horas (los domingos, a las 18.00 horas), tendrán un aforo máximo del 66% (frente al 75% autorizado por la Comunidad de Madrid) y habrá una butaca vacía interpuesta entre cada grupo de convivientes.

Radio Clásica, de RNE, grabará la ópera Las conveniencias e inconveniencias teatrales –Viva la Mamma para su posterior emisión en España y en los países de la Unión Europea de Radiodifusión (UER).

Las funciones de Viva la Mamma cuentan con el patrocinio de la Junta de Amigos del Teatro Real.

Entre el 2 y el 13 de junio, el Teatro Real ofrecerá 11 funciones de la ópera Las conveniencias e inconveniencias teatrales (Le convenienze ed inconvenienze teatrali), de Gaetano Donizetti, nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la Opéra National de Lyon y el Grand Théâtre de Ginebra, donde ya fue presentada con gran éxito.

Esta ópera estrenada en Nápoles en 1827, perteneciente al primer período de la prolífica carrera de Gaetano Donizetti (1797-1848) y durante mucho tiempo olvidada, fue redescubierta en los años 60, y desde entonces viene cautivando a la audiencia. Su título, tan serio como poco atractivo, en nada sugiere la trama burlesca y crítica del libreto, la ironía del texto y la habilidad de Donizetti para burlarse de los cánones de la ópera seria y de la ópera buffa que entrelaza magistralmente y para caricaturizar musicalmente los personajes y situaciones, con chispa, agudeza y gran economía de medios.

El título Viva la Mamma, acuñado por el director de cine Helmut Käutner y reutilizado, con éxito, desde entonces, remite inmediatamente al eje de la trama jocosa de la ópera, en la que el personaje más histriónico es una matriarca ¡interpretada por un barítono! que no se conforma con que su hija cantante sea la seconda donna de la ópera. Y mientras lucha, con todas sus malas artes, para otorgarle el protagonismo de una prima donna, aspira ella misma a tenerlo, a cualquier precio, peleándose por la interpretación de un papel a su medida.

Las conveniencias e inconveniencias teatrales es, pues, una crítica a los excesos y tiranía de los divos, sus mezquindades, envidias y luchas de poder; una parodia sobre las jerarquías en el seno de las producciones operísticas, con los creadores -compositor y libretista- subordinados a los caprichos de los cantantes, disposiciones de los empresarios y arbitrariedades del público.

En el género cómico, la ópera que se mira al espejo y se ríe de su propio mundo ha ocupado un importante lugar, como pasaría posteriormente con los musicales y en un ingente número de películas de Hollywood, que han contado los sueños, desengaños, ambiciones y espejismos del mundo del celuloide y del papel cuché.

Es precisamente ese universo centelleante de Broadway y de la fiebre modernizadora de los años 50 que sirve de inspiración a la producción creada por Laurent Pelly que también firma el vestuario, con escenografía de Chantal Thomas, iluminación de Joël Adam.

Concebida como un flash-back, la trama se desarrolla en un parking construido en un espacio para siempre mágico que antes había ocupado un teatro de provincias, demolido sin contemplaciones. Por ahí desfilan los arrebatadores y excesivos personajes que antes brillaron en su escenario, como espectros henchidos de ternura y poesía con la pátina del tiempo. Un universo con claras reminiscencias del teatro de variedades y del célebre musical Follies, de Stephen Sondheim, que disfraza la autocrítica de diversión, la burla, de reflexión, siempre con una pizca de melancolía en la evocación de un pasado de luces y purpurina, que la epidemia ha alejado todavía más, como recuerda Joan Matabosch en su artículo del programa de mano (incluido en el dossier de prensa).

ACTIVIDADES PARALELAS

28 de mayo, a las 20.15 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

ENFOQUES: encuentro con Evelino Pidò y José Miguel Pérez Sierra (directores musicales), Laurent Pelly (director de escena), Stefano Rossomanno (musicólogo) y Joan Matabosch (director artístico del Teatro Real).

8 y 9 de junio | Fundación SGAE, Sala Berlanga

CINE Proyección de Mamá cumple cien años -dirigida por Carlos Saura- y La noche que mi madre mató a mi padre –obra de Inés París-, dos comedias españolas con tintes negros, en torno a dos madres de personalidades altamente adictivas para el espectador.

Información: www.salaberlanga.com

8 de junio, a las 18.30 horas | Biblioteca Regional de Madrid

CONFERENCIA Bajo el título Gargantas de cristal con egos de hormigón, Joaquín Turina, el mejor conocedor de la historia del Teatro Real nos hará un recorrido a través del tiempo para conocer las manías, bulos, exigencias y caprichos de las divas que pasaron por el escenario de la plaza de Oriente.

Actividad gratuita

Información e inscripciones: www.madrid.org/bibliotecaregional

5, 19 y 26 de junio, a las 11.00 horas | Museo del Romanticismo

TALLERES DE IMPROVISACIÓN Como homenaje al teatro del XIX, el Museo propone una divertida actividad para niños entre 8 y 12 años titulada Saliendo del cuadro. Improvisando en el Museo. En ella, los participantes, además de descubrir a algunos autores de la escena española, conocerán técnicas y trucos que se utilizan sobre el escenario.

Actividad gratuita

Información e inscripciones: www.museodelromanticismo.es

Recién presentada la programación del Donizetti Opera Festival, el más importante dedicado al compositor bergamasco, Riccardo Frizza encara con entusiasmo la edición de 2021 dirigiendo L’elisir d’amore con Javier Camarena a la cabeza del reparto, en una temporada en la que también destacan la inauguración de curso del Teatro Real con La Cenerentola y su regreso al Metropolitan de Nueva York con Lucia di Lammermoor.

“La pasada edición del Donizetti Opera Festival fue la de la pandemia y fue complicada”, afirma Riccardo Frizza desde París, donde se encuentra en plenos ensayos de la producción de La Sonnambula que se estrena en el Théâtre des Champs-Elysées el 15 de junio. Pese a las restricciones impuestas por la difícil situación que se vivía en Italia, el Festival creó un canal de TV online específico para la programación de 2020 (con lógicos retoques a causa de la pandemia), convirtiéndose en el primero en ofrecer espectáculos desde un teatro cerrado al público. “Es muy emocionante ver que ha valido la pena el durísimo trabajo realizado en todos estos meses tan difíciles para el Festival y para el país, pero, por suerte, este año afrontamos el futuro con luz y esperanza, en una edición en la que nos encontraremos con nuestro público fiel en la sala del recientemente renovado Teatro Donizetti”, comenta Frizza, director musical del festival. El certamen se celebrará entre el 18 de noviembre y el 5 de diciembre, y Frizza se pondrá al mando de la primera ópera, L’elisir d’amore, con un elenco en el que brillará el tenor mexicano Javier Camarena en el rol de Nemorino en una nueva producción firmada por Frederic Wake-Walker (funciones los días 19 y 28 de noviembre y 5 de diciembre).

El Festival se iniciará con un operashow con fragmentos de obras de Donizetti, Offenbach, Rossini o Mozart, con dramaturgia de Alberto Mattioli y Francesco Micheli –director del Festival–, en la que destaca la participación del bajo nacido en Bérgamo Alex Esposito y de artistas de la academia Bottega Donizetti (18 de noviembre). La programación operística se completará con dos títulos más: La fille du régimen, con la Marie de la española Sara Blanch junto a John Osborn como Tonio y Paolo Bordogna como Sulpice, en una nueva producción dirigida escénicamente por Ernesto Doñas (21 y 26 de noviembre y 3 de diciembre). La tercera ópera del cartel vendrá de la mano de Simon Mayr –maestro de Donizetti– y su Medea in Corinto y un elenco formado por Roberto Lorenzi, Michele Angelini y Carmela Remigio, con dirección de escena de Francesco Micheli y bajo la batuta de Jonathan Brandani (20 y 27 de noviembre y 4 de diciembre).

Todos los títulos de ópera serán, como siempre, interpretados a partir de las nuevas ediciones críticas; completarán la programación un recital a cargo de Sara Blanch y Paolo Bordogna en el Teatro Sociale de la ciudad de Donizetti.

Riccardo Frizza, durante la temporada 2021-2022, además de su participación en el Festival Donizetti inaugurará en septiembre el curso del Teatro Real de Madrid con La Cenerentola de Rossini y volverá al Metropolitan de Nueva York con Lucia di Lammermoor de Donizetti en abril de 2022, entre otros compromisos.

Fotografía: Gianfranco Rota

Riccardo Frizza

Festival Donizetti

Todavía en medio de la conmoción social y las secuelas económicas provocadas por la pandemia, la 25ª temporada del Teatro Real después de su reinauguración, se presenta en un contexto más esperanzador, reivindicando la paulatina vuelta a la normalidad.

Es una programación ambiciosa y ecléctica con un recorrido por 5 siglos, que incorpora 10 nuevos títulos al repertorio lírico que el Teatro Real ha ido conformando a lo largo de su historia y que llegará este año a su temporada número 100.

Además de todas las actividades paralelas dentro y fuera del Teatro, de su oferta de cursos, talleres y proyectos con centros educativos, la Temporada 2021-2022, con gran variedad de épocas y estilos, está compuesta por 16 títulos de ópera, 3 programas de danza, 9 conciertos más los 6 que conforman Los domingos de cámara; 8 producciones para niños y adolescentes enmarcadas en El Real Junior además de los 9 talleres infantiles ¡Todos a la Gayarre!; y 5 proyecciones de producciones del Real dentro del ciclo Ópera en Cine.

En la programación de Ópera destaca el estreno absoluto de la ópera de Luis de Pablo, El abrecartas, a partir de la novela homónima de Vicente Molina Foix, libretista, una vez más, del compositor; y el estreno de la versión escénica de la ópera de cámara Las horas vacías, de Ricardo Llorca.

Junto a títulos populares del repertorio lírico, como Las bodas de Fígaro, La Cenerentola, Nabucco, El ocaso de los dioses, Lakmé o La bohème, se ofrecerán obras poco conocidas del barroco inglés como Parténope, de Georg Friedrich Händel (estreno en España) y Rey Arturo, de Henry Purcell, y 3 obras del siglo XX raramente interpretadas: Juana de Arco en la hoguera, de Arthur Honegger, El ángel de fuego, de Sergéi Prokófiev (estreno en España) y Siberia, de Umberto Giordano.

Cinco interesantes propuestas dramatúrgicas evidencian el sincretismo de la programación de ópera: la puesta en escena del oratorio Juana de Arco en la hoguera, de Arthur Honegger, y de la cantata La damoiselle élue, de Claude Debussy; el estreno absoluto de Extinción producción concebida a partir de dos misas del compositor barroco español Joan Cererols; la miscelánea de fragmentos de ópera y danza del siglo XVII titulada El nacimiento del Rey Sol; o la propuesta híbrida del músico Rufus Wainwright, Hadrian, ‘belcantismo pop’ con fotografías de Robert Mapplethorpe.

PROGRAMACIÓN DE ÓPERA

La Cenerentola, de Gioachino Rossini

Coproducción de la Den Norske Opera de Oslo (2017) y la Opéra National de Lyon.

Inaugurará la temporada lírica el 23 de septiembre, precedida de un preestreno para jóvenes menores de 35 años, el 20 de septiembre. La puesta en escena de Stefan Herheim, que debuta en el Real, es una deliciosa y divertida lectura del drama giocoso de Rossini, con la presencia en el escenario del mismísimo compositor, que con esta partitura se despidió para siempre de la ópera buffa, género en el que fue insuperable.

Riccardo Frizza, especialista en repertorio italiano, contará con dos selectos repartos belcantistas, encabezados por las mezzosopranos Karine Deshayes y Aigul Akhmetshina y los tenores Dmitry Korchak y Michele Angelini.

23 septiembre – 9 octubre | 14 funciones | 2 repartos

Las horas vacías, de Ricardo Llorca | Estreno de la versión escénica | Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con los Teatros del Canal y la colaboración de la New York Opera Society.

José Luis Arellano García es el responsable de la primera puesta en escena de esta ópera de cámara que indaga sobre la soledad de una mujer adicta a internet que confunde el mundo real y el imaginario, protagonizada por la soprano Sonia de Munck. La dirección musical es de Alexis Soriano.

9 noviembre – 14 noviembre | 5 funciones | Teatros del Canal

Parténope, de Georg Friedrich Händel | Estreno en España | Estreno el Teatro Real

Coproducción de la English National Opera (2008), la San Francisco Opera y la Opera Australia.

Cuatro pretendientes, uno de ellos travestido, luchan por la misma mujer en una ópera satírica, obscena, ágil y ligera, poco habitual en el catálogo haendeliano.

Ivor Bolton, especialista en este repertorio, estará al frente de dos repartos de cantantes ‘del universo barroco’ -como Brenda Rae, Sabina Puértolas, Iestyn Davies, Franco Fagioli, Anthony Roth Constanzo, Jeremy Ovenen o Juan Sancho– que darán vida a esta divertida comedia de enredo con la que el director de escena Christopher Alden conquistó el premio Oliver a la mejor producción operística en 2009.

13 noviembre – 23 noviembre | 9 funciones | 2 repartos

La bohème, de Giacomo Puccini

Coproducción del Teatro Real (2017), en coproducción con la Royal Opera House de Londres y la Lyric Opera de Chicago.

Se repone la producción concebida por Richard Jones en la que el espectador, transformado en voyeur, sigue las Escenas de la vida bohemia de los protagonistas, pero también los entresijos de las bambalinas y trabajos de backstage. Ermonela Jaho y Michael Fabiano, y Eleonora Buratto y Andeka Gorrotxategi, encabezan dos repartos corales que actuarán bajo la batuta segura y meticulosa de Nicola Luisotti.

12 diciembre – 4 enero | 15 funciones | 2 repartos

El ocaso de los dioses, de Richard Wagner

Producción de la Ópera de Colonia (2007).

Culmina la visionaria Tetralogía wagneriana con la alegoría ecologista ‘demasiado real’ de Robert Carsen y Patrick Kinmonth, en la que el capitalismo y el consumismo salvajes conducen a la devastación del planeta y a la extinción de la humanidad.

Pablo Heras-Casado culminará la saga al lado de cantantes como Andreas Schager, Ricarda Merbeth, Martin Winkler, Lauri Vasar o Stephen Milling.

26 enero – 27 febrero | 9 funciones

El Abrecartas, de Luis de Pablo, con libreto de Vicente Molina Foix | Estreno en el Teatro Real

Estreno absoluto. Nueva producción del Teatro Real.

Vicente Molina Foix transforma en libreto la primera parte de su novela El abrecartas, caleidoscopio del mundo político, social y cultural español de la primera mitad del siglo XX, que funde lo íntimo y lo público, lo personal y lo histórico, a través de personajes anónimos y otros reales como Vicente Aleixandre, Federico García Lorca, Miguel Hernández o Eugenio D’Ors, a los que De Pablo da voz con una partitura de grandísima riqueza orquestal, llena de reminiscencias y evocaciones musicales que la harán más cercana al espectador que sus óperas anteriores. La dirección musical será de Fabián Panisello y la puesta en escena de Xavier Albertí –que debuta en el Real- con la complicidad de un gran reparto de cantantes españoles.

16 febrero – 26 febrero | 6 funciones

Lakmé, de Leo Delibes

El director inglés Leo Hussain será el encargado de la dirección musical de esta ópera tan representativa del exotismo orientalista y trágico de la ópera francesa decimonónica. Sabine Devieilhe interpretará el comprometido papel titular, al lado de Xabier Anduaga, Stéphane Degout y el resto del elenco.

1, 3 marzo| 2 funciones | Ópera en versión de concierto

El ángel de fuego, de Sergéi Prokófiev | Estreno en España | Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real, en colaboración con la Opernhaus de Zúrich (2017).

En esta intensa ópera que Prokófiev no pudo ver estrenada por la represión soviética, Renata, dificilísimo papel en el que se alternarán Austine Stundyte y Elena Popovskaya, busca a un extraño ángel de fuego, transformado en obsesiva pasión erótica, vivida entre una especie de triángulo amoroso, en el que no faltan el esoterismo, la locura y las emociones exacerbadas, que Calixto Bieito trata con un brillante artificio dramatúrgico y conceptual. En la dirección musical estará el español Gustavo Gimeno, con una imparable carrera internacional, que debutará en el Teatro Real al frente de un gran (y doble) reparto coral.

22 marzo – 5 abril | 10 funciones

Rey Arturo, de Henry Purcell | Estreno en el Teatro Real

El grupo vocal e instrumental belga Vox Luminis, con su director Lionel Meunier, es el ideal para revivir esta obra de Purcell de manera atractiva e imbuida de la atmósfera del barroco inglés, que saben recrear con gran esmero.

27 marzo | 1 función | Ópera en versión de concierto dramatizada

Extinción: Misa de Batalla y Misa pro defunctis de Joan Cererols | Estreno en el Teatro Real

Estreno absoluto. Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con el Teatro de la Abadía y en colaboración con el Festival Internacional de Arte Sacro (FIAS).

La versátil Agrupación Señor Serrano y el Ensemble Nereydas, dirigido por Javier Ulises Illán, ofrecerán el estreno absoluto de una producción creada a partir de dos misas del siglo XVII de Joan Cererols presentadas con un poderoso discurso dramatúrgico y audiovisual, que reflexiona sobre el expolio de la naturaleza.

12 abril – 24 abril | 12 funciones | Teatro de la Abadía

Las bodas de Fígaro, de Wolfgang Amadeus Mozart | Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real en coproducción con el Festival d’Aix-en-Provence.

El próximo 30 de junio se estrenará en el Festival d’Aix-en-Provence esta nueva coproducción con el Teatro Real, en la que la directora holandesa Lotte de Beer se sumerge en la parte más invisible de las relaciones entre los personajes, desvelando los secretos de la partitura con la complicidad de Ivor Bolton, gran director mozartiano, y de un doble reparto que destaca por la calidad musical y actoral de sus cantantes, tan necesaria para el éxito de esta genial comedia de enredo.

22 abril – 12 mayo | 13 funciones | 2 repartos

Siberia, de Umberto Giordano | Estreno en el Teatro Real

El director venezolano en alza Domingo Hindoyan, ‘hijo’ del Sistema de José Antonio Abreu, será el responsable de la dirección musical de esta ópera olvidada, en la que sobresale la fuerza dramatúrgica de Umberto Giordano, que utiliza las melodías rusas para reforzar la veracidad del drama.

6, 9 mayo | 2 funciones | Ópera en versión de concierto

La damoiselle élue, de Claude Debussy | Estreno en el Teatro Real

Juana de Arco en la hoguera, de Arthur Honegger | Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real en coproducción con la Oper Frankfurt (2017).

Àlex Ollé une el oratorio dramático de Honegger con texto de Paul Claudel y la cantata simbolista de Debussy a partir del poema homónimo de Dante Gabriel Rossetti a través del icono femenino de heroína y mártir, que vertebra ambas partituras, con discursos musicales casi antagónicos.

Juanjo Mena será el responsable de crear el universo musical de cada una de estas obras, en las que destaca la participación de la soprano Camilla Tilling, como La Damoiselle, en la primera, y de la actriz Irene Escolar, como Juana de Arco, en la segunda.

7 junio – 17 junio | 8 funciones

El nacimiento del Rey Sol, de varios compositores | Estreno en el Teatro Real

Esta deliciosa miscelánea de ópera y danza con obras de varios compositores del siglo XVII será recreada por el Ensemble Correspondances dirigido por el clavecinista Sébastien Daucé.

19 junio | 1 función| Semiópera en versión de concierto

Nabucco, de Giuseppe Verdi

Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la Opernhaus de Zúrich (2019).

Nabucco fue el primer título verdiano que sonó en el Teatro Real, en las pruebas acústicas previas a su inauguración. La ópera se estrenó en 1853 y se presentó en temporadas sucesivas, siempre con gran éxito, hasta 1871. Desde entonces no ha vuelto a ofrecerse en su sala. Ahora, 151 años después de la última función, regresa con dirección de escena de Andreas Homoki, que debutará en el Teatro Real.

Nicola Luisotti extraerá todo el jugo de la partitura, potenciando su riqueza dramatúrgica, en la que Verdi tiene ya rasgos del genio que florecería en obras posteriores. Tres elencos de grandes voces darán vida al popular drama verdiano situado en la Italia del risorgimento, con suntuoso vestuario de Susana Mendoza.

9 julio – 14 julio | 15 funciones | Teatro Real

Hadrian, de Rufus Wainwright | Estreno en España | Estreno en el Teatro Real

La desolación del emperador Adriano por la muerte de su joven amante Antínoo, que inspiró tantas grandes obras literarias y musicales, fue también la fuente de inspiración del cantautor canadiense Rufus Wainwright para su nueva incursión en el mundo de la ópera con la ayuda de Jorn Weisbrodt en la dirección de escena, apoyada en las potentes imágenes del mítico fotógrafo Robert Mapplethorpe.

27 julio | 1 función | Universal Music Festival | Versión de concierto semiescenificada

ÓPERAS DE LA TEMPORADA POR ORDEN CRONOLÓGICO DE CREACIÓN:

La PROGRAMACIÓN DE DANZA traerá al Teatro Real 3 compañías que representan diferentes universos coreográficos. El Ballet Nacional de España celebrará en nuestro escenario el Centenario de Antonio Ruiz Soler, ‘Antonio el Bailarín’, con un programa compuesto por coreografías de esta mítica figura de la danza española junto a otras de Rubén Olmo, actual director del BNE, y Carlos Vilán. Acosta Danza, compañía fundada por el gran nombre de la danza clásica, Carlos Acosta, rendirá homenaje a su Cuba natal a través de la mirada de algunos de los coreógrafos más relevantes del momento, entre los que figuran Sidi Larbi Cherkaoui y Russell Maliphant, entre otros. El broche de la temporada lo pondrá el Ballet Bolshói, que regresa al Teatro Real con uno de los títulos más emblemáticos de la danza clásica, La bayadera, en la versión de Yuri Grigorovich sobre el original de Marius Petipá.

El ciclo VOCES DEL REAL está compuesto en esta temporada por 6 conciertos protagonizados por algunos de los mejores artistas líricos del mundo: Juan Diego Flórez, Ana Netrebko y Yusif Eyvazof, Lise Davidsen y Leif Ove Andsnes (piano), Lisette Oropesa, Jakub Józef Orlinski y Bejun Metha.

Completan la oferta de CONCIERTOS los 6 que conforman el ciclo DOMINGOS DE CÁMARA, y otras 3 interesantes propuestas. Bajo el título Rossini y España. Isabel Colbrán, la musa, la soprano Olga Syniakova y la directora de orquesta Lucía Marín, al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real, actuarán en la Fundación Juan March. El pianista Lang Lang será el protagonista del Concierto de la Fundación Amigos del Teatro Real y, una vez más, el Teatro Real acogerá el Concierto del Concurso Tenor Viñas, en el que intervendrán los ganadores de la 59ª edición del certamen, junto a la Orquesta Titular del Teatro Real bajo la dirección de Daniel Montané.

ÓPERA EN CINE afianza su espacio con un ciclo de 5 títulos que podrán verse en la sala principal, todos ellos grabados en su escenario: La pietra del paragone, de Gioachino Rossini (Alberto Zedda/Pier Luigi Pizzi); Alcina, de Georg Friedrich Händel (Christopher Moulds/David Alden); Idomeneo (Ivor Bolton/Robert Carsen); Rusalka, de Antonín Dvorák (Ivor Bolton/Christof Loy) y Aida, de Giuseppe Verdi (Nicola Luisotti/Hugo de Ana).

La programación infantil y juvenil tiene su espacio en EL REAL JUNIOR con 8 espectáculos para diferentes edades y distintos formatos como cuentos musicales, cine, danza y conciertos dramatizados, destinados al público familiar y a centros escolares.

La temporada más joven se inaugura el 3 de octubre, en la Sala Principal, con el desenfadado y alegre concierto Mozart Revolution, interpretado por la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (JORCAM) y cantantes noveles del proyecto Crescendo, creamos ópera, primer programa de promoción de jóvenes talentos organizado por la Fundación Amigos del Teatro Real, todos ellos bajo la dirección de Rubén Gimeno, con guión y presentación de Ana Hernández Sanchís. El piano protagonizará dos citas mágicas de la temporada joven; por un lado, con la proyección de la película de animación Magic Chopin, por primera vez en España, con música en vivo interpretada por la pianista ucraniana Mariana Gurkova, y, por otro, con Piano sin límites, esta vez con la artista Karina Azizova al teclado, en el marco incomparable de la Sala de Orquesta. Ambos espectáculos serán guionizados y presentados por Fernando Palacios. Y recuperamos el homenaje a Beethoven, truncado por la pandemia, de la mano de Luis Piedrahita y la directora de orquesta Lucía Marín, al frente de la JORCAM, para interpretar sus obras en un concierto didáctico con el humor e ingenio del título ¡Alabín, alabán, a la Ludwig van! ¡Beethoven, Beethoven y nadie más!

En paralelo a las funciones de Acosta Danza, la compañía ofrecerá una cita única, a modo de clase magistral y de iniciación al mundo del ballet, destinada a todos los públicos, bajo el título Aprendiendo a volar. Y la ópera tendrá su protagonismo con La Cenicienta, de Pauline Viardot, con la participación de cantantes solistas del programa Crescendo.

La Sala Gayarre sigue siendo un lugar de referencia en el Real Junior. Regresa a su escenario Una sonrisa sin gato, espectáculo concebido por Ferrán Carvajal e inspirado en Alicia en el país de las maravillas, del que tanto han disfrutado este año los pequeños, y cerrará la temporada Juego de niños, donde la obra de Georges Bizet y los juegos tradicionales, de la mano de Fernando Palacios, ayudarán a comprender y escuchar mejor la música. Aquí también tendrán lugar las citas mensuales ¡Todos a la Gayarre!, para toda la familia, con su mirada desenfadada y entretenida sobre los grandes títulos de temporada de ópera.

El PROGRAMA DE FORMACIÓN consolida sus cursos destinados tanto a universitarios como al público en general y abordará tanto la formación presencial como online.

En el apartado La Ópera al Descubierto, que desvela el proceso de montaje de una producción operística desde dentro, se han organizado 4 talleres centrados en: Parténope (noviembre), La bohème (diciembre-enero), El ángel de fuego (marzo-abril), Juana de Arco en la hoguera (junio).

Los Cursos relacionados con la temporada ofrecerán 4 monográficos denominados Comprender a… Rossini (La Cenerentola), Händel (Parténope), Wagner (El ocaso de los dioses) y Verdi (Nabucco).

La novedad de esta temporada serán los Cursos sobre danza, divididos en Conceptos fundamentales de la danza e Historia y teoría del flamenco. Proseguirán los cursos para estudiantes de educación superior dentro del programa La Universidad a Escena y los Cursos de formación en artes escénicas y gestión empresarial desde la cultura: Ópera y liderazgo I: el arte de trabajar con equipos de alto rendimiento, Ópera y liderazgo II: el arte de transformar retos en oportunidades y Fotografía de escena.

Además de estas propuestas formativas, EL REAL JOVEN, programa de dinamización cultural y fidelización del público joven con edades comprendidas entre los 18 y los 35 años, contará con espacios exclusivos, canales de venta preferente y eventos diseñados para este colectivo en colaboración con un comité propio compuesto por representantes de distintos ámbitos de la sociedad civil.

Regresa al escenario del Teatro Real, tras el largo paréntesis forzado por la pandemia, el UNIVERSAL MUSIC FESTIVAL, que celebrará en verano su sexta edición, y FLAMENCO REAL consolida su ciclo de actuaciones en el Salón de Baile del Teatro Real, por cuarto año consecutivo.

El Teatro Real incrementará la difusión nacional e internacional de su programación a través de nuevas grabaciones y retransmisiones y la ampliación del catálogo de MyOperaPlayer.

LA TEMPORADA EN NÚMEROS

FUNCIONES | Se ofrecerán un total de 272 funciones: 124 funciones de ópera repartidas entre 16 títulos; 14 funciones de danza con 3 diferentes espectáculos; 15 conciertos de distintos formatos (6 conciertos de Voces del Real; 6 conciertos de Los domingos de cámara, 3 conciertos extraordinarios); 60 funciones de El Real Junior y 5 proyecciones de Ópera en Cine.

PRODUCCIONES DE ÓPERA | Se ofrecerán 8 producciones del Teatro Real, incluyendo el estreno mundial de 1 una ópera (El abrecartas) y el estreno de 2 nuevas producciones (El abrecartas y Extinción); 10 títulos que nunca se han interpretado en el Teatro Real; 3 producciones invitadas ─La Cenerentola, Parténope, El ocaso de los dioses; y 5 propuestas en versión de concierto con distintas variantes, incluyendo 1 versión dramatizada (Rey Arturo) y 1 versión semiescenificada (Hadrian).

PRODUCCIONES OPERÍSTICAS PATROCINADAS | Telefónica patrocina La Cenerentola; Endesa patrocina Parténope y Las bodas de Fígaro; Fundación BBVA patrocina La Bohème y Nabucco; Fundación Santander patrocina Juana de Arco en la hoguera y La damoiselle élue; y la Junta Amigos del Teatro Real patrocina El ocaso de los dioses.

OBRAS POR SIGLOS DE LA TEMPORADA DE ÓPERA | Habrá 3 producciones con obras del siglo XVII (Extinción, El nacimiento del Rey Sol y El Rey Arturo); 2 óperas del siglo XVIII (Parténope y Las bodas de Fígaro); 6 obras del siglo XIX (La Cenerentola, Nabucco, El ocaso de los dioses, Lakmé, La damoiselle élue y La Bohème); 3 obras del siglo XX (Siberia, Juana de Arco en la hoguera y El ángel de fuego); y 3 títulos del siglo XXI (Las horas vacías, Hadrian y El Abrecartas).

OBRAS POR ÁREAS GEOGRÁFICAS | Se presentarán 4 óperas italianas, 3 producciones españolas, 2 óperas germánicas (1 de ellas, Las bodas de Fígaro en italiano), 2 óperas inglesas (1 de ellas, de Händel -alemán afincado en Inglaterra-, en italiano), 3 producciones con obras francesas, 1 ópera rusa y 1 ópera estadounidense.

DANZA | Habrá 14 funciones protagonizadas por 3 compañías: Ballet Nacional de España, Acosta Danza y Ballet Bolshói.

EL REAL JUNIOR | La programación infantil y juvenil del Teatro Real está compuesta por 84 funciones –60 para todos los públicos y 24 para centros escolares- con 8 programas, incluyendo 18 talleres ¡Todos a la Gayarre!

PROGRAMA DE FORMACIÓN | Se ofrecerán 4 talleres de Ópera al Descubierto, 4 cursos monográficos relacionados con la Temporada, 3 cursos de conocimientos generales sobre la ópera, 3 cursos sobre Conceptos fundamentales de la historia de la ópera, 3 cursos de formación en Artes escénicas y gestión empresarial desde la cultura, 2 cursos de danza y 1 nueva edición del programa La Universidad a Escena.

El Palau de les Arts cierra su temporada de ópera con ‘Cavalleria rusticana’, de Pietro Mascagni, y ‘Pagliacci’, de Ruggero Leoncavallo, que se estrenan el domingo, 23 de mayo en la Sala Principal.

Jesús Iglesias Noriega, director artístico del teatro, ha presentado hoy en rueda de prensa este doble programa, considerado como el díptico más representativo del verismo italiano, junto con Jordi Bernàcer, director musical; Giancarlo del Monaco, director de escena; y los cantantes Jorge de León, Ruth Iniesta y Sonia Ganassi.

“Pasiones, celos, venganza y traición son el denominador común de ‘Cavalleria rusticana’ y ‘Pagliacci’, dos obras que comparten una historia de más de 100 años de maridaje escénico, y que, finalmente, se reencuentran para nuestro público”, ha apuntado Iglesias Noriega, que ha recordado que Les Arts representó ‘Cavalleria rusticana’ en 2010 pero emparejada con ‘La vida breve’ de Manuel de Falla.

En este sentido, el director artístico, ha explicado que la elección de este programa se enmarca también en la apuesta de ‘Les Arts és Òpera’ por mostrar los diferentes estilos, periodos y autores del género lírico, que en la presente temporada ha incluido desde el clasicismo de Mozart hasta la ópera del siglo XXI con Kurtág.

Pietro Mascagni y Ruggero Leoncavallo, además de representantes de la Giovane Scuola italiana, que incluye también a autores como Giacomo Puccini o Umberto Giordano, “son dos de los de máximos exponentes de un movimiento estético, el verismo, que convierte la realidad cotidiana en objeto operístico”, ha señalado Iglesias Noriega.

En este sentido, Jordi Bernácer, ha apuntado que con el verismo la ópera se convierte en un espejo para los espectadores, puesto que el escenario reproduce situaciones reales con las que puede verse identificado el espectador y tanto ‘Cavalleria rusticana’ como ‘Pagliacci’ son obras paradigmáticas de esta corriente musical.

El maestro alcoyano, que anteriormente ha dirigido en València títulos como ‘Manon’, ‘Simon Boccanegra’, ‘Manon Lescaut’, ‘Luisa Fernanda’ y ‘Nabucco’, se pone al frente de los cuerpos estables del teatro, el Cor de la Generalitat y la Orquestra de la Comunitat Valenciana, y de un reparto con destacadas voces del panorama nacional e internacional.

Giancarlo del Monaco firma esta doble producción del Teatro Real, con escenografía de Johannes Leiacker, figurines de Birgit Wentsch e iluminación de Wolfgang von Zoubek, merecedora del Premio Campoamor a la mejor dirección de escena. Se trata de uno de los trabajos más excepcionales y requeridos del ‘regista’ italiano, que ha podido verse en Bonn, Oslo, Turín, Stuttgart, Hamburgo, Fráncfort, Montpellier, Múnich y París.

El planteamiento escénico se adentra en la psicología de los personajes para profundizar en las dimensiones de ambos dramas. Para ello, sitúa ‘Cavalleria rusticana’ en una inmensa cantera de mármol, que despoja de parte de los tópicos el entorno siciliano, aunque mantiene referencias como el peso de la religión. En ‘Pagliacci’, del Monaco traslada la trama de finales del siglo XIX a los años 50 y 60 del siglo XX.

Jorge de León regresa a Les Arts como protagonista masculino de ambas óperas. El tenor tinerfeño, uno de los favoritos del público valenciano, interpreta los exigentes papeles de Turiddu en ‘Cavalleria rusticana’ y de Canio en ‘Pagliacci’, papel con el que sumará su décimo rol en València después de sus incursiones en ‘La bruja’, ‘La vida breve’, ‘Cavalleria rusticana’, ‘Carmen’, ‘Aida’, ‘Tosca’, ‘Le Cid’, ‘Il trovatore’ y ‘Turandot’.

De León comparte protagonismo en la ópera en un acto de Mascagni con Sonia Ganassi, una de las mezzosopranos más reconocidas de su generación y habitual en los principales teatros del circuito. Experta en el repertorio italiano, la intérprete de Reggio Emilia está considerada como una de las voces de referencia para el papel de Santuzza.

La mezzosoprano María Luisa Corbacho (Mamma Lucia), el barítono Misha Kiria (Alfio) y la mezzosoprano del Centre de Perfeccionament Amber Fasquelle (Lola) completan el elenco de ‘Cavalleria rusticana’.

Por su parte, Ruth Iniesta debuta el papel de Nedda en esta producción de ‘Pagliacci’. La soprano zaragozana, galardonada con los premios Campoamor y Codalario en 2015, se reencuentra con el público valenciano, después de la exitosa acogida la pasada temporada de su incursión como Madama Cortese en ‘Il viaggio a Reims’.

Cierran el elenco de la obra de Leoncavallo, los barítonos Mattia Olivieri (antiguo alumno del Centre de Perfeccionament y hoy artista habitual en La Scala), Misha Kiria que, con el rol de Tonio, culmina también doblete operístico como Jorge de León, y el tenor Joel Williams del Opera Studio de Les Arts.

‘Cavalleria rusticana’ y ‘Pagliacci’ se representarán los días 23, 27 y 30 de mayo, así como el 2 y 5 de junio.

Preestreno

El jueves, 20 de mayo, Les Arts celebrará, a las 19.00 horas, la última ‘Preestrena fins a 28’ de la temporada. Con localidades a un precio único de diez euros y con la reserva exclusiva del aforo de la sala a público de hasta 28 años de edad, el centro cultural ha consolidado esta propuesta destinada a fomentar y divulgar la lírica entre los más jóvenes, además de facilitar su integración en Les Arts.

Tras los éxitos de público de espectáculos como ‘La Cenerentola’, ‘Falstaff’ o ‘El barberillo de Lavapiés’, las taquillas de Les Arts han vuelto a colocar el cartel de ‘no hay localidades’ para ‘Cavalleria rusticana’ y ‘Pagliacci’, salvo el cupo reservado para el mismo día de la función.

Fotografía: Miguel Lorenzo

Como “un músico apasionado y comprometido”. Así se define a sí mismo Jordi Francés (Banyeres de Mariola, Alicante), el director musical que a finales de mayo se pone al mando de un grupo de solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real de Madrid (Sinfónica de Madrid) y de un selecto reparto con el que compartirá protagonismo en el estreno absoluto de la ópera Tránsito, con música y libreto de Jesús Torres basada en la obra teatral homónima (1944) de Max Aub. La ópera de cámara, un encargo del Teatro Real, se inscribe en la programación del coliseo madrileño en coproducción con el Teatro Español y verá la luz los días 29 y 30 de mayo y 1, 2, 4 y 5 de junio en la Sala Fernando Arrabal A de Naves del Español en Matadero de Madrid. “Es una obra muy exigente tanto desde el punto de vista vocal e instrumental como teatral”, afirma el director. “Se trata de una partitura extraordinariamente bien orquestada, en la que cada detalle está muy cuidado. Hay algunas partes muy exigentes, como es el caso del acordeón, el piano o la percusión, resultando una ejecución de enorme dificultad”.

Tránsito se estrena en una producción que escénicamente firma Eduardo Vasco; el figurinista es nada menos que el popular modista Lorenzo Caprile y en el reparto figuran Isaac Galán, María Miró, Anna Brull, Javier Franco y Pablo García López. Compuesta durante los meses del confinamiento, la ópera pone en música Tránsito, una obra de teatro escrita en 1944 cuando Max Aub se encontraba en el exilio en México y ambienta la acción en dos planos paralelos que se mezclan, el de la realidad y el de la fantasía que vive el protagonista en su mente. Tránsito, su amante mexicana, y Cruz, su mujer a la que deja en España huyendo de la Guerra Civil, encarnan estos dos ámbitos.

Para Francés, “musicalmente la ópera está planteada con una inteligencia tremenda; música y texto conviven y evolucionan de la mano. Además, Jesús ha logrado algo que no todos consiguen, unas líneas vocales en las que el castellano funciona tan bien para el canto como lo hacen otras lenguas de la tradición operística. Conozco a Torres desde hace 15 años, he estrenado diversas obras suyas y compartimos una muy buena química a la hora de trabajar. Es un creador con una fuerte personalidad y una gran determinación para hacer llegar al público las ideas que hay detrás de su música; esta virtud nos sitúa a los intérpretes en una tesitura muy potente y estimulante”, concluye.

El maestro alicantino, que debutó en la programación del Teatro Real en 2016 con Brundibar, lleva a sus espaldas una ascendente trayectoria en podios de importantes orquestas y teatros de Europa y América, afrontando un repertorio tanto operístico como sinfónico, clásico y de nueva creación. Ha dirigido conjuntos como la Orquesta Nacional de España, la de la Comunidad de Madrid, la de Valencia, la BBC Philharmonic, el Ensemble InterContemporain o la Sinfónica de Bilbao.

Entre otros compromisos, Jordi Francés regresará a Madrid el mes de junio para ensayar un programa con obras de Brahms y Schumann que dirigirá ese mismo mes, ante la Orquesta Freixenet, en Mérida.

Web Jordi Francés

Web Teatro Real

El tenor cordobés Pablo García-López, en el papel de Pedro, el hijo del protagonista, se une al elenco de Tránsito, la primera ópera del compositor zaragozano Jesús Torres, basada en el texto homónimo de Max Aub, coproducción del Teatro Real y el Teatro Español, que se estrena el 29 de mayo en Matadero en Madrid.

Para Pablo García-López su participación en esta ópera de cámara supone “una experiencia única no solo por el hecho de cantar música actual sino por la posibilidad de trabajar en estrecha colaboración con el propio compositor, compartiendo ideas y visiones que contribuyen a ir perfilando el resultado final de un emocionante estreno absoluto”.

Tránsito está basada en la obra homónima de Max Aub de 1944 que aborda el tema del exilio republicano español y su conflicto entre el posible regreso o la permanencia en la nueva tierra. La ópera se desarrolla en un acto dividido en doce “instantes”, en los que el protagonista, Emilio, va interactuando con el resto de personajes durante una noche de duermevela.

Como explica el propio autor de la ópera, el papel de Pedro, uno de los cinco únicos de Tránsito, se adapta perfectamente al momento y características del tenor Pablo García López,. “En 2019, cuando Joan Matabosch y yo hablamos de los cantantes para mi ópera Tránsito, coincidimos en que Pablo García López era el tenor ideal para el rol de Pedro –explica Torres-. Por compromisos fuera de España, a Pablo no le fue posible estar en el inicio de este proyecto. Tres días antes del comienzo de los ensayos, y por enfermedad del sustituto, se volvió a solicitar desde el Teatro Real su participación y en esta ocasión sí que confirmó su presencia. Creo que ha sido una elección muy acertada –continúa el autor-. Pablo está en un momento radiante de su carrera, con un bellísimo timbre y potencia amplia, y en el rol de Pedro, el joven hijo de Emilio y protagonista de la ópera, aporta toda la carga expresiva necesaria para este personaje trágico”.

García López llega a este estreno tras su reciente participación en Manon Lescaut, de Puccini, en Baluarte de Pamplona, en enero y, su concierto “La Canción Española”, en el Gran Teatro de Córdoba el 3 de marzo. Entre sus próximos proyectos destacan su Basilio en “Las bodas de Fígaro” en la Ópera de Lausanne en noviembre y la presentación de su último disco, “Rutas”, en el Club Matador, de Madrid, el 21 de junio.

TRÁNSITO

Ópera de cámara, estreno absoluto

29 de mayo al 5 de junio de 2021, Sala Fernando Arrabal A, Las Naves del Español, Matadero

Música y libreto: Jesús Torres
Dirección musical: Jordi Francés
Dirección de escena: Eduardo Vasco
Isaac Galán (barítono) ‐ Emilio
María Miró (soprano) ‐ Cruz
Anna Brull (mezzosoprano) ‐ Tránsito
Javier Franco (barítono) ‐ Alfredo
Pablo García López (tenor) ‐ Pedro
Orquesta Titular del Teatro Real

La soprano catalana Núria Rial y al prestigioso pianista alemán Andreas Staier se presentarán el próximo lunes 17 de mayo a las 20h00 en el Ciclo de Lied coproducido por el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de La Zarzuela.

Núria Rial, una de nuestras cantantes más solicitadas en el ámbito internacional, pondrá su voz cristalina al servicio de ocho canciones de Mozart además de las cinco composiciones que integran el ciclo The Mermaid’s Song y la hermosa cantata Arianna a Naxos, obras ambas de Joseph Haydn.

Con Andreas Staier al fortepiano, la velada adquiere una relevancia especial al ponerse el criterio musical historicista al servicio de algunas de las páginas más bellas del clasicismo.

La cantante debuta en el ciclo de lied tras cosechar grandes éxitos mundiales en el campo de la música barroca, en sus participaciones operísticas y en sus grabaciones discográficas. En este último aspecto es relevante mencionar su reciente galardón como Mejor Solista de Álbum Vocal en los Premios Opus Klassics por su trabajo junto a la Accademia del Piacere de Fahmi Alqhai en el disco ‘Muera Cupido’.

Las entradas del recital tienen un precio general de 8 a 35 euros y están a la venta en entradasinaem.es, en el teléfono 91 193 93 21, así como en las taquillas del Teatro de la Zarzuela y red de teatros del INAEM.

Biografías

Nuria Rial, pureza y luminosidad vocal

Frecuentemente reseñada por su pureza y luminosidad vocal, la naturalidad y emotividad de su canto, y la elegancia de su fraseo, Núria Rial es una de las voces paradigmáticas del repertorio barroco y clásico de los últimos años. Con una actividad que tiene su epicentro en el ámbito concertístico y discográfico, con más de treinta álbumes publicados, los amplios intereses artísticos de Núria incluyen también la música del Romanticismo y los siglos XX y XXI, la fusión con estilos como el jazz o el flamenco, el diálogo con otras disciplinas, o expresiones musicales como el Lied y la ópera, habiendo actuado de la mano de directores como René Jacobs o Iván Fischer y directores de escena como Peter Sellars, en teatros como la Monnaie, Staatsoper unter den Linden, Théâtre des Champs Elysées, Grand Théâtre de Genève, Teatro Carlo Felice de Genova o Teatro Real de Madrid, interpretando roles de tan amplio espectro como la Euridice de Monteverdi, Pamina de Mozart, o Nuria en Ainadamar de Osvaldo Golijov.

Formada en Basilea con Kurt Widmar, actúa habitualmente en las principales salas de concierto y festivales europeos, como el Salzburger Festspiele, el Lucerne Festival o el Bachfest Leipzig, con directores como Antonini, Bonizzoni, Capuano, Cummings, Currentzis, Fischer, Goodwin, Hengelbrock, Jacobs, Leonhardt, Marriner, Minkowski o Pinnock, y es solicitada con regularidad por grupos como Akademie für Alte Musik Berlin, Bach Stiftung St. Gallen, Balthassar Neumann Ensemble, Bayersiche Rundfunk München, Budapest Festival Orchestra, Café Zimmermann, Camerata Köln, Concerto Köln, Il Giardino Armonico, Il Pomo d’Oro, Kammerorchester Basel, L’Arpeggiata, Les Musiciens du Louvre, Orchestra of the Eighteenth Century, Stuttgart Kammerorchester o The English Concert.

Su vasta discografía ha sido premiada con galardones como el Orphée d’Or en 2010, por su trabajo sobre las arias alemanas de Händel con Michael Oman y la Austrian Baroque Company, así como con diversos premios en los Echo Classical Music Awards (actualmente Opus Klassik Awards) en diferentes categorías, como la de «artista femenina del año» en 2009 o el premio al mejor disco de ópera por su CD sobre Telemann junto a la Kammerorchester Basel en 2012.

Andreas Staier, indiscutible maestría musical

Uno de los intérpretes más destacados del mundo, Andreas Staier ha dejado su huella en la interpretación del repertorio barroco, clásico y romántico para instrumentos de época.

Nacido en Göttingen, estudió piano y clavicémbalo en Hannover y Amsterdam. Durante tres años fue clavecinista de Musica Antiqua Köln, con quien realizó numerosas giras y grabaciones. Como solista, Andreas Staier actúa en toda Europa, Estados Unidos y Asia con orquestas como Concerto Köln, Freiburger Barockorchester, Akademie für alte Musik Berlin y Orchestre des Champs – Elysées Paris.

Ha grabado extensamente para BMG, Teldec Classics, con quien tuvo un contrato de exclusividad durante siete años, y harmonia mundi France. Su catálogo cuenta con numerosos premios, entre ellos un Diapason d’or, el Preis der Deutschen Schallplattenkritik de 2002 y el Baroque Instrumental Gramophone Award de 2011. Entre sus últimos lanzamientos se encuentra un muy esperado CD de conciertos para clavicémbalo de J.S. Bach con la Freiburger Barockorchester, la música para cuatro manos de Schubert junto con Alexander Melnikov, y una colección de música inspirada en la Península Ibérica con la Orquestra Barroca Casa da Música.

Es Artista Asociado de la Opera de Dijon desde septiembre de 2011 y fue residente del Wissenschaftskolleg zu Berlin hace dos temporadas.

René Pape interpreta obras de Dvořák, Mozart, Sibelius y Quilter este domingo, 16 de mayo, a las 18.00 horas, en la Sala Principal del Palau de les Arts.

El artista alemán, considerado como el mejor bajo de su generación, es el encargado de clausurar la segunda edición de ciclo de ‘Les Arts és Lied’, en el que, a lo largo de la temporada, han actuado algunas de las voces más cotizadas como Lise Davidsen, Ainhoa Arteta, Anita Rachvelishvili, Christian Gerhaher y Sonia Yoncheva.

Desde que cantara el papel de Sarastro en ‘La flauta mágica’ de Mozart en el Festival de Salzburgo de 1995 dirigido por Georg Solti, René Pape se ha convertido en un nombre imprescindible para los principales teatros y auditorios del mundo, especialmente en el Metropolitan de Nueva York, donde ha interpretado 18 roles en más de 160 funciones, y en la Staatsoper de Berlín, compañía de la que es miembro desde 1998.

La ópera alemana es la gran especialidad del bajo de Dresde, que compagina con una dilatada carrera como liederista, en la que hace gala de su reconocido dominio técnico y de sus dotes interpretativas. Ganador de dos Grammys, fue designado como ‘Vocalista del año’ por Musical America, y ‘Artista del año’ en 2006 por la asociación de crítica alemana.

René Pape se presenta en Les Arts acompañado por el pianista Camillo Radicke, con quien forma uno de los tándems más celebrados por sus recitales dedicados al ‘lied’. Se trata de la primera ocasión en que el artista se presenta en la Sala Principal del teatro. René Pape debutó en 2008 en el Auditori, bajo la dirección de Lorin Maazel, en el ‘Requiem’ de Verdi.

Les Arts recuerda que las localidades para el recital de René Pape tienen un rango de precios que oscila entre 20 y 40 euros.

Fotografía: Jiyang Chen

El Teatro Real ha recibido esta noche el International Opera Award 2021 a la Mejor Teatro de Ópera, que reconoce la calidad de la programación artística a lo largo de 2019 y ha recibido el homenaje de la profesión a una trayectoria que ha afianzado su proyección internacional convirtiéndole en uno de los teatros de referencia en el mundo.

El director artístico del Teatro Real, Joan Matabosch, ha agradecido el premio, en nombre de la institución, y alabado el esfuerzo de la organización para llevar a cabo esta gala, a pesar de las complicadas circunstancias actuales, por el respaldo que supone para todos y el estímulo para recuperar la normalidad lo antes posible. Sus palabras han tenido un emotivo reconocimiento para todo el equipo del Teatro Real, tanto para sus órganos de gobierno como para todos y cada uno de los trabajadores que “cada día, con tesón, profesionalidad e ilusión consiguen levantar el telón”.

En este sentido, la organización de los International Opera Awards ha realizado una mención especial al Teatro Real por el trabajo realizado durante la pandemia – el 1 de julio se convertía en el primer teatro del mundo en reabrir sus puertas y durante los meses siguientes fue el único con actividad escénica ininterrumpida- lo que le ha convertido en símbolo de fortaleza, creatividad y esfuerzo en el panorama internacional.

El Teatro Real competía en la categoría de Mejor Compañía de Ópera con la Royal Opera House (Londres), la Finnish National Opera (Helsinki), la Ópera de Frankfurt, Opéra Comique (París) y La Monnaie/De Munt (Bruselas), siendo la segunda ocasión en la que optaba como finalista a este premio (fue nominado en 2018).

El Teatro Real estrenó, en 2019, nuevas producciones de Idomeneo, de Mozart (con Ivor Bolton en la dirección musical y escénica de Robert Carsen, nominado también en esta edición como Mejor Director de Escena); Falstaff, de Verdi (con Daniele Rustioni y Laurent Pelly); Capriccio, de Richard Strauss (con Asher Fish y dirección de escena de Christof Loy) e Il Pirata, de Bellini (con Maurizio Benini y Emilio Sagi).

Ese mismo año inició la Tetralogía wagneriana con El oro del Rin (con Pablo Heras-Casado y Robert Carsen); se estrenó La Calisto, de Cavalli (con Ivor Bolton y David Alden); regresó Dido & Aeneas, de Purcell (Christopher Moulds/Sasha Waltz), y se presentaron títulos tan populares como Il Trovatore (Maurizio Benini / Francisco Negrín) y Don Carlo (Nicola Luisotti / David McVicar) de Verdi, y L’elisir d’amore, de Donizetti (MarcPiollet/Damiano Michieletto), además del estreno absoluto de Je suis narcissiste, de Raquel García Tomás.

En mayo de 2018 el Teatro Real obtuvo también cuatro nominaciones: Mejor Coro, Mejor Compañía de Ópera, Mejor Obra Recuperada (Bomarzo) y Mejor Nueva Producción por Billy Budd, consiguiendo el primer galardón para esta última, dirigida en la escena por la británica Deborah Warner y en el foso por Ivor Bolton, y con especial mención a la excelente interpretación musical de los solistas, el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

En la presente edición, el Teatro Real había obtenido otras tres nominaciones en las categorías de Mejor Orquesta, con la Orquesta Titular del Teatro Real, Orquesta Sinfónica de Madrid; Mejor Estreno Absoluto, con la ópera Je suis narcisiste, de la compositora Raquel García Tomás, y Mejor Grabación Audiovisual por el DVD de Street Scene.

Esta noche hemos celebrado también el premio al Mejor Cantante Joven, otorgado a Xabier Anduaga, quién se encuentra estos días en el Teatro Real ensayando la ópera Viva la mamma, de Gaetano Donizetti, cuyo estreno tendrá lugar el próximo 2 de junio, en el que también participa el barítono Carlos Álvarez, uno de los cuatro finalistas a Mejor Cantante Masculino.

El Teatro Real quiere agradecer a todos: público, artistas, instituciones, patrocinadores y medios de comunicación, su apoyo decidido al proyecto cultural y artístico que, a lo largo de estos casi 25 años de trabajo desde su reapertura, le han convertido en uno de los teatros de ópera más importantes del mundo.

El próximo lunes, 10 de mayo se conocerán los ganadores de los International Opera Awards 2021 en una emocionante gala virtual, en la que se fallarán las candidaturas de 2019 , tras suspenderse la edición del pasado año debido a la pandemia, en los que el Teatro Real está nominado en las categorías de Mejor Teatro, Mejor Orquesta, Mejor Estreno Absoluto (Je suis narcisiste) y Mejor Grabación en DVD (Street Scene).

El formato en streaming no restará emoción al esperado anuncio de los ganadores en una ceremonia que también quiere rendir homenaje a la resilencia de la industria de la ópera durante los meses pasados, tan duros para todos, en los que el Teatro Real se ha convertido en símbolo de fortaleza, creatividad y perseverancia en el panorama internacional. Su proyección, dentro y fuera de nuestras fronteras, y la calidad de la programación artística a lo largo de 2019, le harán competir en la categoría de Mejor Compañía de Ópera frente a la Royal Opera House (Londres), la Finnish National Opera (Helsinki), la Ópera de Frankfurt, Opéra Comique (París) y La Monnaie/De Munt (Bruselas). Esta es la segunda ocasión en la que el Teatro Real opta a este premio.

El Teatro Real estrenó en 2019 nuevas producciones de Idomeneo, de Mozart (con Ivor Bolton en la dirección musical y escénica de Robert Carsen, nominado también en esta edición como Mejor Director de Escena); Falstaff, de Verdi (con Daniele Rustioni y Laurent Pelly), Capriccio, de Richard Strauss (con Asher Fish y dirección de escena de Christof Loy) e Il Pirata, de Bellini (con Maurizio Benini y Emilio Sagi).

Ese mismo año inició la Tetralogía wagneriana con El oro del Rin (con Pablo Heras-Casado y Robert Carsen); se estrenó La Calisto, de Cavalli (con Ivor Bolton y David Alden); regresó Dido & Aeneas, de Purcell, y se presentaron títulos tan populares como Il Trovatore (Maurizio Benini / Francisco Negrín) y Don Carlo (Nicola Luisotti / David McVicar) de Verdi, y L’elisir d’amore, de Donizetti, además del estreno absoluto de Je suis narcissiste, de Raquel García Tomás.

La Orquesta Titular del Teatro Real es, en la actualidad, una de las formaciones mejor valoradas por los grandes directores de ópera por su profesionalidad, versatilidad y entrega, cuyos valores musicales han conseguido el reconocimiento de la crítica y el aplauso del público, tras demostrar sus capacidades de interpretación en títulos desde Mozart a Wagner, de Verdi a Janáček, de Britten a Zimmermann.

Je suis narcissiste, es una ópera bufa de la compositora española Raquel García-Tomás, con libreto de Helena Tornero, en el que se denuncia, en clave de humor, el delirante narcisismo imperante en la sociedad actual. Con dirección musical de Vinicius Kattah y escénica de Marta Pazos, la ópera contó con la interpretación de las sopranos Elena Copons y María Hinojosa, el barítono Toni Marsol, el tenor Joan Ribalta y la Orquesta Titular del Teatro Real. Un apasionante proyecto con equipo esencialmente joven y femenino, que puso en pie una historia llena de frescura y cargada de humor negro en un proyecto en el que, por primera vez, colaboraban el Teatro Real y el Teatro Español, en coproducción con la Òpera de Butxaca i Nova Creació y el Teatro Lliure de Barcelona

El DVD grabado en el Teatro Real de Street Scene, de Kurt Weill, realizado en coproducción con Bel Air Classiques y ganador del prestigioso premio Diamant d’Opéra Magazine en diciembre de 2018, es uno de los nominados a la Mejor Grabación de una Ópera Completa. Street Scene, producción del Teatro Real en coproducción con las Óperas de Colonia y de Montecarlo, fue estrenada en Madrid con dirección musical de Tim Murray y escénica de John Fulljames, quien recreaba la atmósfera de los años 40 neoyorquinos.

Las nominaciones reconocen también el trabajo de grandes voces de la lírica –Mejor Cantante Femenino y Mejor Cantante Masculino- muchas de las cuales han podido escucharse ya en distintas producciones del Teatro Real como Maria Agresta, Lisette Oropesa, Javier Camarena, René Pape, Carlos Álvarez o George Petean, entre otros. Entre los candidatos a Mejor Cantante Joven destaca la presencia del tenor español Xabier Anduaga, quien competirá con nuevas promesas del canto como Teresa Iervolino, Roberta Mantegna o Adela Zaharia, también conocidas por el público madrileño.

Tanto Carlos Álvarez como Xabier Anduaga están actualmente ensayando en el Teatro Real la ópera Viva la mamma, cuyo estreno tendrá lugar el próximo 2 de junio.

Los International Opera Awards se crearon en 2012 por la revista británica Opera, y desde el principio fueron consideraron los Oscar del mundo de la ópera. Con ellos se quiere galardonar anualmente a los mejores en el mundo de la lírica (producciones, cantantes, directores, teatros, orquestas…), reconociendo así públicamente a sus protagonistas, y apoyando la formación de nuevos talentos a través de becas financiadas con los beneficios obtenidos en la gala.

Fotógrafo: © Javier del Real / Teatro Rea

Consulta aquí todas las nominaciones a los premios y sus diferentes categorías.

Mejor Compañía de Ópera

– Finnish National Opera

– La Monnaie/De Munt

– Oper Frankfurt

– Opéra Comique

– Royal Opera House

– Teatro Real

Mejor Orquesta

– Bayerische Staatsoper / Bayerisches Staatsorchester

– La Fenice

– Le Concert d’Astrée

– Oper Leipzig / Gewandhausorchester

– Opera Vlaanderen

– Teatro Real

Mejor Estreno Absoluto

– García-Tomás: Je suis narcissiste (Teatro Real)

– Glanert: Oceane (Deutsche Oper Berlin)

– Kats-Chernin: Whiteley (Opera Australia)

– MacRae: Anthropocene (Scottish Opera)

– Nishimura: Asters (New National Theatre Tokyo)

– Reid: p r i s m (Beth Morrison Projects)
Schreier: Schade, dass sie eine Hure war (Deutsche Oper am Rhein)

– Venables: Denis & Katya (Opera Philadelphia)

Mejor Grabación Audiovisual

– Beethoven: Leonore (Harmonia Mundi)

– Gounod: Faust (Bru Zane)

– Moniuszko: Halka (Fryderyk Chopin Institute)

– Picker: Fantastic Mr Fox (Boston Modern Orchestra Project)

– Thomas: Hamlet (Naxos)

– Weill: Street Scene (Bel Air Classiques)

Cuando uno se adentra a un terreno que no es el suyo y no conoce a la perfección, puede ser por dos razones, o es un imprudente o es muy valiente. Y para ser valiente hay que tener, además, otras cualidades.

El recital de Sonya Yoncheva en el Teatro de la Zarzuela este pasado 29 de abril, es un ejemplo claro de valentía, entre otras cosas. Hay que ser valiente para presentarse en el Teatro del género con un recital de zarzuela y hay que serlo aún más, para hacerlo sin conocer mucho este género.

A pesar de tener que echar mano de las partituras y de tener un inicio algo inseguro, Sonya Yoncheva ha demostrado, no solo tener un instrumento de una calidad indiscutible, una voz brillante, soleada, que llenó la sala de armónicos, con un registro central poderosísimo y un notable fraseo en español, sino que también hizo gala de un tremendo arrojo a la hora de interpretar con un éxito extraordinario un repertorio de romanzas que hizo vibrar al público. Un público que siempre sabe agradecer y premiar a quienes se acercan a este género con respeto y dedicación.

Yoncheva inició el recital con la romanza “Noche hermosa”, de Katiuska de Sorozábal, como digo, algo fría. Pero fue entrando en calor a medida que avanzaba el recital. Continuó con “Tres horas antes del día”, de la Machenera del maestro Moreno Torroba, su pieza favorita, como ella misma indicó, y que ofreció también como primera propina. Continuó con otras tres romanzas, “Lágrimas mías en dónde estáis”, del Anillo de hierro de Miquel Marqués, “La luz de la tarde se va”, del Pájaro azul de Rafael Millán y terminó esta primera parte con “Yo me vi en el mundo desamparada”, de El juramento, de Joaquín Gaztambide.

La segunda parte se inició con el dúo “¡Vaya una noche bonita!” del Gato montés, de Manuel Penella. Aquí estuvo acompañada en la réplica por un enérgico Alejandro del Cerro. Con una voz arrebatadora y de hermoso y metálico timbre, puso su granito de arena, junto a la vibrante dirección de Miquel Ortega, para que el público se entregara definitivamente al disfrute.

Siguió con “No corté más que una rosa”, de La del manojo de rosas de P. Sorozábal y “De España vengo” del Niño judío de Pablo Luna, ya entregada desde el escenario y plena de voz. Terminó con “Al pensar en el duelo de mis amores”, de La hija del cebedeo, de Ruperto Chapí y “¡Yo soy Cecilia!”, de Cecilia Valdés de Gonzalo Roig, donde derrochó gran simpatía y capacidad para disfrutar sobre el escenario. El segundo bis que ofreció, tras la repetición de la Machenera, fue la habanera de Carmen. Recorriendo todo el escenario, incluido el podio del director, que la acompañaba al piano. En ese momento el teatro estaba rendido a sus pies desnudos.

Muy destacada fue la labor del maestro Miquel Ortega al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid. No solo siempre atento a las necesidades de Yoncheva, aportándole seguridad, su dirección en todo momento fue especialmente destacada y las intervenciones de las obras orquestales levantaron al público que en ese momento se había abandonado al buen hacer de la orquesta. Se iniciaron con el preludio de La alegría de la huerta, de Chueca, para después ofrecer el Intermedio de Los Burladores, de P. Sorozábal, El Preludio de Los Borrachos, de Gregorio Giménez y terminar con una magistral y electrizante interpretación del Intermedio de La Leyenda del beso de Reveriano Soutullo y Juan Vert.

Una noche para recordar, junto al recital en esta misma sala de Elyna Garanca, de quienes se acercan a nuestro género lírico para conocerlo, divulgarlo y hacerlo aún más grande.

Peter Grimes, del rumor a la destrucción
Peter Grimes
Benjamin Britten (1913-1976)
Ópera en un prólogo y tres actos
D. musical: Ivor Bolton; D. escena: Deborah Warner; Escenógrafo: Michael Levine; Figurinista: Luis Carvalho; Iluminador: Peter Mumford; Diseñador de vídeo: Will Duke; D. coro: Andrés Máspero
Reparto: Allan Clayton, Maria Bengtsson, Christopher Purves, Catherine Why-Rogers, Hohn Graham-Hall, Clive Bayley, Rosie Aldridge, James Gilchrist, Jacques Imbrailo, Barnaby Rea, Rocío Pérez, Natalia Labourdette, Saúl EsguevaLas teorías de masas han sido siempre un atractivo objeto de estudio para sociólogos y psicólogos. Pero no solo despiertan la curiosidad de investigadores en la materia. Como punto de partida para los movimientos de masas, existe un elemento que funciona como catalizador, el rumor. Los rumores se asocian a la defensa de la identidad social (Rouquette, 1997). Generalmente evocan consecuencias o resultados negativos o temidos y su puesta en circulación es una forma de validar prejuicios y estereotipos. Cuando existe una situación crítica, nace la necesidad de construir una referencia afectiva común, siendo el rumor un vehículo eficaz de cohesión social. Participar en la difusión de un rumor y validarlo, aumenta la percepción de pertenencia al grupo.
Peter Grimes es el personaje ideal para poner en marcha la rumorología cohesionadora de uno de los protagonistas de la obra, Borough. El pueblo imaginario de la costa del condado de Suffolk, lugar de nacimiento del compositor, y cuya situación socioeconómica puede ayudar a explicar el comportamiento de una sociedad en contra del diferente, que en este caso no es precisamente un personaje con el que se pueda empatizar. Es oscuro, atormentado, desconfiado, solitario y desabrido, que vive al margen de toda norma social y despierta la desconfianza de los que le rodean.Esta obra fue un encargo realizado por Sergei Koussevitzkt, director de la Orquesta Sinfónica de Boston, durante la estancia de Britten en EEUU, entre 1939 y 1942. Está basada en el libreto de Montagu Slater, inspirado a su vez en el poema de la colección de The Borough (1810) de George Crabbe.De regreso a Inglaterra, tras su decepcionante estancia en EEUU, Britten se puso manos a la obra con su nuevo proyecto que se estrenó apenas un mes después del final de la Segunda Guerra Mundial, en un ambiente de euforia por la victoria. En esta obra Britten trata un tema recurrente en muchas de sus óperas, el drama de personajes marginales que se enfrentan a sociedades hipócritas. Una situación que el propio Britten conocía muy bien.

Peter Grimes no se estrena en el Teatro Real hasta noviembre de 1997, tras su reapertura. Aunque es una ópera que ya forma parte del repertorio en muchos teatros, su programación sigue siendo una decisión valiente, pues supone un desafío incómodo por la crudeza de los temas que trata.

Ahora llega de nuevo al Real el título más conocido de Britten, después de haber dedicado a este compositor un importante espacio en los últimos años, desde Muerte en Venecia, pasando por Gloriana y el premiado Billy Budd. Y lo hace escénicamente de la mano maestra de Deborah Warner.

Warner ha situado la escenografía en la actualidad. Como siempre en los trabajos del tándem Warner – Levine, la elegancia está presente incluso en los más sórdidos decorados. La escena inicial del pueblo con sus linternas buscando a Grimes es magistral. La dirección de actores y los movimientos que se desarrollan sobre el escenario a cargo de Kim Brandstrup están muy cuidados, son perfectos. Igual que la extraordinaria iluminación de Peter Mumford. Todas las atmósferas que crean resultan emotivas y turbadoras. Nada está situado al azar ni de manera frívola o gratuita. Todo tiene sentido para describir el puerto, lleno de aparejos y cajas en perfecto desorden. O la taberna, un lugar caótico y cochambroso en el que los habitantes del pueblo van entrando a oleadas, al ritmo que marca la tormenta y donde, por supuesto, tampoco es bien venido el protagonista que, de cara a la puerta y de espalas a todos, interpreta “now the great bear and pleiades”, creando uno de los momentos más emotivos.

Los famosos seis interludios tienen su protagonismo, tanto en lo musical como en lo escénico. Sirven para reflexionar, a veces sobe los personajes, a veces sobre la acción, pero siempre creando una atmósfera especial.

Al frente de la Orquesta, un Ivor Bolton que, como ya hizo en Gloriana y Billy Budd, demuestra ser un gran especialista en Britten. Supo poner a la orquesta al servicio del drama, en una perfecta coordinación con la escenografía. Tal vez ese equilibrio entre foso y escenario fuera la causa de la lentitud orquestal en algunos momentos. Pero la calidad del sonido, sobre todo en alguno de los interludios, estuvo a un nivel muy alto.

El Coro, uno de los personajes principales en esta obra, tiene una participación brillante en esta producción. Además del esfuerzo que viene haciendo al tener que cantar con mascarilla, realiza de manera intachable su papel depredador y amenazante. Tiene momentos sobresalientes, como en la última escena.

El cuadro de cantantes ha estado a una altísimo nivel. La calidad de todos ellos ha creado un conjunto muy equilibrado y compacto, combinando magníficos cantantes con asombrosos actores.

Allan Clayton interpretó un Peter Grimes excepcional. El dramatismo de su actuación construyó el personaje más idóneo, sin excesos ni histrionismos. Su voz fresca acompañó con gran sensibilidad los momentos de mayor intimidad de Grimes, que fueron los más destacados. Supo resaltar esa parte más vulnerable e íntima del rudo personaje. A este lirismo tal vez le ayuden sus orígenes barroquistas. Sin duda fue el triunfador de la noche.

Maria Bengtsson fue una conmovedora Ellen Orford, la recién llegada y también diferente y extraña a ojos del pueblo. Su voz ligera dotó al personaje de una gran delicadeza. Destacó también en la parte dramática, enamorada de Grimes y siempre atenta y tierna con el malogrado aprendiz.
Otra de las voces más destacadas ha sido la de Christopher Purves. Un Capitán Balstrode que entiende perfectamente a Grimes y le aprecia, pero sabe también que no debe traspasar la delgada línea que haría ponerse en contra a todo el pueblo. En el plano vocal estuvo a un nivel muy alto. Con una voz homogénea y un timbre cálido, como su personaje.

Catherine Wyn-Rogers como Auntie, la irritante dueña de la taberna cuya voz estuvo perfectamente ajustada al rol y su interpretación fue impecable.

La Sedley de Rosie Aldridge también brilló en la interpretación. Creó el personaje perfecto de cotilla del pueblo, de donde parten casi todos los rumores. Tan solo en algunos momentos quedó tapada por la orquesta.

James Gilchrist dio vida al reverendo Adams, el desagradable representante de la iglesia con un comportamiento impostado y ampuloso. Su timbre tenoril encajaba bien en el personaje. También fue acertada la interpretación de John Graham-Hall como Bob Boles, el histriónico personaje que supo caracterizar de manera impecable. Resaltar también a Jacques Imbrailo, que fue el flamante Billy Budd de 2017 y aquí ha interpretado a Ned Keene.

Las dos únicas españolas del reparto, pues todos eran británicos, has sido Rocío Pérez y Natalia Labourdette, como las sobrinas de la dueña de la taberna. Ambas supieron estar al nivel del resto del reparto.

Nuevo éxito del Teatro Real con este Peter Grimes, una ópera nada fácil, ni para los que la llevan a cabo, ni para el público, que salió entusiasmado del Teatro. Pero nada es fácil en estos tiempos. Y para desafíos y aciertos, el Teatro Real.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real
Vídeos: Teatro Real

El Palau de les Arts programa este domingo, 2 de mayo, dos representaciones abiertas a todos los públicos de ‘Pulcinella’, una propuesta de carácter didáctico que aúna repertorio sinfónico y teatro con el fin de que los más jóvenes puedan disfrutar de su primera experiencia con la música clásica.

Música y palabra se unen en un espectáculo basado en la suite ‘Pulcinella’, de Ígor Stravinski, en el que la pedagoga y actriz Ana Hernández-Sanchiz narra este cuento musical, a la vez que encarna al personaje principal de la historia, mientras que la Orquestra de la Comunitat Valenciana interpreta la partitura del genial compositor ruso bajo la dirección de Ignacio García-Vidal.

‘Pulcinella’ está elaborada a partir del ‘ballet’ homónimo, para soprano, tenor, bajo y orquesta, que el compositor escribió en torno al personaje Pulcinella, originario de la ‘Commedia dell’Arte’. Para su creación, Stravinski orquestó música atribuida al compositor barroco Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736).

La obra se estrenó el 15 de mayo de 1920 por los Ballets Rusos de Diaghilev en la Ópera de París, con coreografía de Leonid Massine y decorados y figurines de Pablo Picasso.

Dos años después, Stravinski compuso la ‘suite’ integrada por 11 partes de las 18 de que consta el ‘ballet’. En ella, las voces son sustituidas por instrumentos que interpretan la línea del canto. ‘Pulcinella’, que marcaría el inicio del periodo neoclásico del autor, está considerada como una de las páginas más bellas de la música del siglo XX.

La partitura del autor de ‘La consagración de la primavera’ supone, además, el debut de Ignacio García-Vidal (Cocentaina, 1979) con la formación titular de Les Arts. El director de orquesta es una de las batutas valencianas más consolidadas; con una importante agenda y proyección, García-Vidal destaca, asimismo, por su especial compromiso con acciones educativas y de acercamiento de la música a todos los públicos.

El Auditori de Les Arts acoge este domingo, a las 10.00 y a las 12.30 horas, dos pases familiares de este espectáculo con entradas a 7 y 9 euros. La ‘suite’ ‘Pulcinella’ está dirigida principalmente a niños y niñas con edades comprendidas entre 4 y 12 años.

Para más información, los interesados pueden consultar www.lesarts.com.

Ignacio García-Vidal

Ignacio García-Vidal es un director de orquesta y musicólogo de profunda formación académica y humanista. Se formó en Dirección de Orquesta principalmente en España y Rusia con los maestros Enrique García Asensio, George Erzhemski y Piotr Alexievich Gribanov, ampliando sus conocimientos en espacios formativos de Estonia, San Petersburgo y Viena.

Desde su debut profesional con 24 años, Ignacio García-Vidal dirige regularmente con éxito de público y crítica importantes orquestas, así como exitosas giras y participaciones en grandes festivales.

García-Vidal mantiene un especial compromiso con acciones educativas y de acercamiento de la música a todos los públicos, dedicando especial atención como director y pedagogo a proyectos de orquestas y coros infantiles y juveniles en zonas con pocos recursos de América del Sur, así como a la creación de conciertos en nuevos formatos.

Pulcinella_OCV©Miguel Lorenzo_LesArts

El Teatro Real y la Escuela Superior de Música Reina Sofía han firmado un acuerdo de colaboración gracias al cual los usuarios de la plataforma audiovisual My Opera Player podrán disfrutar de nuevos contenidos musicales y didácticos interpretados por quienes representan el futuro de este arte universal.

Esta iniciativa, que amplía el vínculo que une a ambas instituciones desde hace largo tiempo y refuerza el proyecto conjunto para la difusión de la música y las artes escénicas, ofrece la doble oportunidad de escuchar, por un lado, los conciertos en los que participan los alumnos de la Escuela Superior de Música Reina Sofía y, por otro, descubrir detalles de técnica interpretativa a través de clases magistrales ofrecidas por reconocidos profesionales como el violonchelista Asier Polo (antiguo alumno de la Escuela), el violinista Oliver Wille, el clarinetista Pascal Moraguès (profesor de la Escuela) o grandes figuras del canto como el tenor Javier Camarena o el barítono Leigh Melrose.

El Teatro Real quiere comprometerse aún más en su apuesta por el talento y el público joven, siendo altavoz del proyecto docente de una de las escuelas de música más importantes del mundo a través de los conciertos grabados en el Auditorio Sony de la Escuela Reina Sofía, en Madrid, y en el Centro Botín de Santander, entre otros. Conciertos sinfónicos, música de cámara, recitales y sesiones líricas mostrarán el trabajo de los nuevos músicos.

La programación está disponible en My Opera Player a partir de hoy, viernes 30 de abril, con la presentación de dos conciertos interpretados por los alumnos de la Escuela Superior de Música Reina Sofía para el Ciclo Jóvenes Talentos de la Fundación Banco Sabadell, con Vincenzo Bellini y Antonín Dvorák como protagonistas, y una sesión denominada “Reencuentro musical con vistas al mar” en el que participan la extraordinaria pianista Pallavi Mahidhara – antigua alumna de la Escuela- y el joven violonchelista Hayk Sukiasyan.

Además de las actuaciones musicales, los contenidos se completarán con las dos primeras clases magistrales; una de ellas a cargo de Asier Polo, en la que desvelará la esencia de Brahms y sus códigos, y otra impartida por el violinista y cofundador del Kuss Quartett, Oliver Wille, quien compartirá sus conocimientos sobre Beethoven.

Los contenidos se irán incrementando en los próximos meses, con nuevas grabaciones y actividades docentes, que permitirán ampliar los conocimientos musicales y la diversidad de sus intérpretes.

El Teatro Real cerrará su ciclo de Las Voces del Real con el concierto protagonizado por el tenor Piotr Beczala, sin duda una de las grandes estrellas del mundo de la lírica actual, que tendrá lugar el próximo sábado, 1 de mayo, a las 19.30 horas, y en el que estará acompañado por la Orquesta Titular del Teatro Real bajo la dirección de Łucasz Borowicz.

Su cuidado en la elección del repertorio, su flexibilidad vocal, su dominio de la técnica y el color de la voz le han convertido en el gran deseado por los teatros más importantes del mundo, por los que transita con inusual sencillez y trato cálido.

Para su cita en Madrid, Beczala ha contado en el programa con una importante presencia de compositores procedentes de Polonia, su país de origen. Autores menos conocidos por el gran público como Stanislaw Moniuszko, padre de la ópera polaca; Władysław Żeleński, el gran representante del neorromanticismo en su país, o el laureado Feliks Nowowiejski, por citar algunos.

No faltarán, sin embargo, arias de óperas como Turandot, de Puccini, o Cavalleria rusticana, de Pietro Mascagni, y Andrea Chenier, de Umberto Giordano, autores con los que el tenor se adentra en el territorio verista en el camino de evolución natural de su voz, sin perder el dominio y el brillo de su amplio registro, pero dotándola ahora de mayor expresividad dramática, como muestra el disco grabado el pasado año en el que hace ya suyos los roles que han de venir.

Nacido en Varsovia, Łucasz Borowicz ha sido director principal de la Orquesta Sinfónica de la Radio Polaca entre 2007 y 2015, conjunto con el que debutó como director de ópera con Don Giovanni y es director invitado principal de la Poznań Philharmonic desde 2006.

Fotografías de © Javier del Real / Teatro Real

La magia belcantista protagoniza el recital de la gran soprano norteamericana Sondra Radvanovsky, el sábado 1 de mayo en el Euskalduna Bilbao a las 19:00h con el patrocinio de la Fundación BBVA.

Sondra Radvanovsky es una de las sopranos más aclamadas en la actualidad. La sinceridad, la pasión y la fuerza que desprende sobre el escenario, la han convertido en una gran figura, aplaudida tanto por la crítica como por el público. Deslumbra en los mejores teatros del mundo por su carisma y poderío vocal.

Muy conocida como relevante soprano verdiana, interpreta también con enorme éxito roles como Tosca, Aida o Rusalka. En 2016 recibió el encargo del MET de interpretar las tres reinas de Donizetti: Ana Bolena, Maria Stuarda y Roberto Devereux, convirtiéndose en la primera soprano en llevar a cabo esta hazaña en una misma temporada. Desde entonces estos roles son icónicos en su carrera y le han valido el calificativo de “reina de reinas”.

En ABAO Bilbao Opera ya demostró su brillante capacidad vocal con sus interpretaciones de Leonora en Il Trovatore en 2002, Rusalka en 2005 y Maria Stuarda, uno de sus personajes emblemáticos, en 2013, convirtiéndose en una de las voces predilectas del público bilbaíno.

Composiciones de Caccini, Gluk, Bellini, Verdi, Puccini y GIORDANO

En su regreso al escenario de ABAO, acompañada al piano por el maestro Vincenzo Scalera, con quien ha actuado recientemente en el Metropolitan de Nueva York en un recital junto a Piotr Beczała, ha escogido un interesante repertorio que combina escenas de ópera con canciones líricas de gran belleza melódica. Su voz profunda y de gran belleza y el volumen espectacular de su registro, auguran una actuación espectacular, de las de quedan para el recuerdo del aficionado.

Inicia el programa con el tema “Amarilli mia bella” de Giulio Caccini, un aria que aunque no está inscrita en una ópera, la letra proviene de una historia de amor legendaria: la de Alteo y Amarilis.

Continúa con otra historia de amor mitológica con “O, del mio dolce ardor” de Paride ed Elena de Gluck. La declaración de amor de Paris es una pieza de gran dificultad y enorme belleza, y se interpreta por primera vez en ABAO. Le sigue una selección de cuatro canciones, “Danza fanciulla gentile” de Durante, y tres de Bellini: “Per pieta, bell’idol mio”, “Ma rendi pur content” y “La Ricordanza”. Las piezas de Bellini tienen todo el encanto y la elegancia del estilo romántico del compositor y transmiten su pureza melódica.

Continúa con Bellini y la escena final de Imogene de Il pirata. Un aria deslumbrante llena de fuerza dramática.

Considerada una de las mejores sopranos verdianas de la actualidad, no podía faltar en el programa el compositor de Busetto. “Tacea la notte placida” de Il trovatore y “Mercè, dilette amiche” de I vespri Siciliani, ambas requieren una sublime y refinada escritura vocal con momentos de gran delicadeza y otros de emocionante expresividad.

En un cambio de estilo y expresión llega la irresistible “Sola, perduta, abbandonata” de Manon Lescaut de Puccini, que traerá un clima de extraordinaria pasión y sentido dramático. Una de las grandes arias de repertorio, con los sentimientos de la heroína pucciniana a flor de piel, y un momento de gran lucimiento para la soprano.

Cierra el programa un aria de poderoso efecto dramático: “La mamma morta” de Andrea Chénier, con la impresionante intensidad lírica de la obra de Giordano. Introducida por un solo de violonchelo y apasionada como pocas, la honda emoción de la célebre aria de Maddalena di Coigny pondrá broche de oro a la fuerza y brillantez de la soprano.

Entradas A PRECIOS ASEQUIBLES

Las localidades para el recital pueden adquirirse con tarifas asequibles para todos los públicos: 20€ los socios de ABAO hasta 35 años, y 40€ el resto de socios de ABAO; y 30€ el precio de venta al público joven hasta 35 años y 60€ el público adulto.

Se pueden adquirir en las oficinas de ABAO, a través de www.abao.org y en el teléfono: 944 355 100

Después de dirigir Rigoletto en el Maggio Musicale Fiorentino el pasado mes de febrero en una producción dirigida escénicamente por Davide Livermore que se grabó a puerta cerrada debido al actual cierre de los teatros en Italia y que se emitirá próximamente en streaming, Riccardo Frizza regresa a Barcelona en mayo para ponerse nuevamente al mando de la sinfónica liceísta los días 6 y 8 de mayo para dirigir a la soprano Sondra Radvanovsky en el concierto The Three Queens, con las escenas finales de la trilogía Tudor de Donizetti (Anna Bolena, Maria Stuarda y Roberto Devereux). El espectáculo, estrenado en la Ópera de Chicago en 2019, contará con la dirección escénica de Rafael R. Villalobos, quien ha diseñado una ambientación y un vestuario específico para cada reina. Ante este reencuentro con Sondra Radvanovsky, Frizza asegura que “no se le ocurre” pensar en “una mejor voz que pueda afrontar un reto de estas características” que la de la cantante norteamericana, “ya que sabe sumergirse en el estilo logrando una interpretación, tanto desde el punto de vista vocal como dramático, yo diría que sublime”.

Este concierto escenificado debía haberse estrenado en diciembre pasado, pero las condiciones sanitarias derivadas de la pandemia obligaron al coliseo barcelonés a posponerlo hasta esta primavera. “Me siento muy feliz de volver al Liceu por segunda vez en esta misma temporada, tras Les contes d’Hoffman del pasado mes de enero, un teatro en el que me siento como en casa y al que regresaré en próximos e interesantes proyectos”, concluye el director italiano.

Tras su compromiso en Barcelona, el responsable musical del Festival Donizetti de Bérgamo volverá a París, esta vez para dirigir en el Théâtre des Champs-Elysées La sonnambula, de Bellini, los días 15, 17, 20, 22, 24 y 26 de junio ante la Orchestre de Chambre de Paris y del Chœur de Radio France en un montaje cuya dirección de escena firma el tenor Rolando Villazón y con un reparto de lujo entre los que destacan la soprano Pretty Yende como Amina y Francesco Demuro en el rol de Elvino.

De cara al verano, Riccardo Frizza ofrecerá unas clases magistrales organizadas por la Bienal de Venecia entre el 2 y el 11 de julio antes de volver al Teatro San Carlo de Nápoles para dirigir cinco funciones de L’elisir d’amore los días 23, 25, 27, 29 y 31 del mismo mes.

Riccardo Frizza_Belcanto Concert © Opéra de Monte-Carlo

Riccardo Frizza

Gran Teatre del Liceu

Théâtre des Champs-Elysées

Parece que poco a poco van abriendo los teatros de ópera en Europa. El próximo en hacerlo será la Ópera Estatal de Viena tras seis meses cerrada por culpa de la pandemia. La reapertura al público será el próximo 19 de mayo. En estos momentos, la dirección del coliseo vienés trabaja para ofrecer a sus espectadores un nuevo calendario de representaciones, del que ofrecerá información detallada en cuanto sea posible.

Durante estos seis meses la Ópera de Viena, al igual que otros muchos teatros, ha ofrecido numerosas actuaciones en televisión y retransmisiones en streaming, la última de las cuales ha sido la nueva producción de Parsifal protagonizada por Jonas Kaufmann.

“Aunque a través de estas actividades hemos llegado a un total de más de 5 millones de conexiones en todo el mundo, todavía no es comparable con una sala llena, con unas representaciones delante de ustedes, querido público. Nada puede reemplazar la experiencia en el teatro”, ha comentado Bogdan Roščić, director de la Ópera de Viena.

La Gala ABAO on Stage reunirá el sábado 24 de abril en el Euskalduna Bilbao a las 19:00h, a ocho grandes artistas como homenaje a la cultura y como acto de reconocimiento a los cantantes que se han visto afectados por la imposibilidad de celebrar algunas de las óperas de la temporada. Carmen Solís, Itziar de Unda, Silvia Tro Santafé, Celso Albelo, Sergio Escobar, Moisés Marín, Juan Jesús Rodríguez y Simón Orfila, cantarán en ABAO por primera vez un programa combinado de ópera y zarzuela, con el patrocinio de la Fundación BBVA.

La Gala nace de la voluntad de apoyar a los artistas que están sufriendo de manera singular las consecuencias de la pandemia, con un mensaje inequívoco de defensa de la cultura y el talento de los profesionales que colaboran la Asociación.

TRECE ESCENAS DE CONOCIDOS TÍTULOS DE ÓPERA Y ZARZUELA

Siete dúos y arias de ópera y seis de zarzuela.
Una velada inédita en ABAO, que sólo ha representado zarzuela en dos ocasiones con El Caserío y Marina, ambas en 1980.

Títulos de Saint-Saëns, Bellini, Bizet, Verdi y Donizetti, ponen música a la primera parte, dedicada a la ópera. El extenso y variado programa dará comienzo con la delicada obertura de La princesse jaune de Camille Saint-Saëns, que se interpreta por primera vez en ABAO, y destaca por su calidad sinfónica e instrumental.

Carmen Solís y Silvia Tro Santafé comenzarán con el dúo “Mira o Norma… Si, fino all’ore estreme” de Norma. Una pieza de repertorio para soprano y mezzosoprano, de gran fuerza dramática y una de las más conocidas de la ópera de Bellini.

Celso Albelo tomará el relevo con “Je crois entendre encore” de Les pêcheurs de perles, el difícil aria para tenor más emblemática de la ópera de Bizet, que conmueve por su mágica belleza.

El bajo Simón Orfila comenzará con “Mentre gonfiarsi l’anima parea… Oltre quel limite, t’attendo, o spettro” de la ópera Attila de Giuseppe Verdi. El aria del protagonista de la ópera que sueña que en su avance hacia Roma, un anciano alto y fuerte le impide el paso.

Otro dúo, esta vez formado por el tenor Sergio Escobar y el barítono Juan Jesús Rodríguez, darán cuenta de la pieza “È lui! Desso! L’infante!… Dio che nell’alma infondere” de la versión italiana de Don Carlo de Giuseppe Verdi, con gran riqueza musical y profunda sonoridad.

Continúa Verdi en el programa con el barítono Juan Jesús Rodriguez interpretando “Eri tu” de Un ballo in masquera. Una de las arias más bellas del compositor de Busseto para barítono, que canta Renato al inicio del tercer acto de la ópera, y que descubre los fuertes sentimientos del personaje. El arpa juega un papel fundamental en esta pieza.

Las dos últimas escenas de esta parte del programa son para obras de Gaetano Donizetti. En la primera, el dúo protagonizado por Silvia Tro Santafé y Simón Orfila interpretará “Tutta in voi la luce mia” de Anna Bolena, un tema de gran lirismo y brillante sonoridad sinfónica.

Itziar de Unda y Moisés Marín pondrán fin a la primera parte con “Caro elisir! sei mio!… Esulti pur la barbara” de L’elisir d’amore, una de las óperas más representadas de todos los tiempos.

La segunda parte del programa está dedicada a la zarzuela con obras de Jacinto Guerrero, Ernesto Lecuona, José Serrano, Pablo Sorozábal y Manuel Fernández Caballero.

La vitalidad, el colorido, la música popular y contagiosa y la alegría, vendrán de la mano de dúos y solistas en las piezas seleccionadas de: La Montería, Maria de la O, La alegría del batallón, La tabernera del puerto, La del manojo de rosas y El dúo de la Africana.

ÓLIVER DÍAZ, UNO DE LOS DIRECTORES ESPAÑOLES MÁS RENOMBRADOS

Tras cursar sus estudios de piano en el Peabody Conservatory of the John Hopkins University, fue el primer español premiado con la prestigiosa beca «Bruno Walter» de dirección de orquesta para estudiar en la Juilliard School of Music de Nueva York.

Su carrera le ha llevado a dirigir la mayoría de las orquestas españolas de primera línea y ha trabajado en importantes teatros de ópera españoles. Entre 2015 y 2019 ha sido el Director Musical titular del Teatro de la Zarzuela.

Dirige a la Bilbao Sinfonietta, una orquesta de cámara integrada por instrumentistas de larga trayectoria que avalan el talento de esta enérgica y sólida formación.

Grandes artistas queridos por el público bilbaíno

CARMEN SOLÍS

Una de las voces españolas de soprano más destacadas del panorama actual. Ha actuado en los principales escenarios nacionales, destacando sus interpretaciones en óperas como Un Ballo in Maschera, Il trovatore, Tosca, Cavalleria rusticana, Pagliacci, La Bohème, Le nozze di Figaro o la zarzuela El gato montés. En ABAO Bilbao Opera actuó en 2010 con Le nozze di Figaro.

ITZIAR DE UNDA

En el repertorio de la soprano bilbaína destacan: La Bohème, Jenufa, Il viaggio a Reims, Der Schauspieldirektor, Parsifal, Le nozze di Figaro, Otello, Carmen, entre otras. También destaca en zarzuela y oratorio con actuaciones en El barberillo de Lavapiés o La costurerita. En la temporada 2015-2016 participó en el estreno absoluto de la ópera Txanozuritxu en la temporada Abao Txiki. En ABAO Bilbao Opera ha colaborado desde 2003 en más de una decena de títulos, la última vez en Semiramide en 2019.

SILVIA TRO SANTAFÉ

La valenciana mezzosoprano canta en los mejores teatros y festivales del mundo donde destaca con títulos como Il barbiere di Siviglia, L’italiana in Algeri, Così fan tutte, La cenerentola, I Capuleti e i Montecchi, Werther, Maria Stuarda, Lucrezia Borgia, entre un amplio repertorio. En ABAO Bilbao Opera ha actuado en Roberto Deverux en 2015 y en Norma en 2018.

CELSO ALBELO

El internacional tenor tinerfeño canta en los grandes teatros del mundo en títulos como, I Puritani, L’elisir d’amore, Lucia di Lammermoor, La Favorite, Roberto Devereux, Lucrezia Borgia, Maria Stuarda, Anna Bolena, Werther o Rigoletto. En ABAO Bilbao Opera debutó en 2012 con L´elisir d´amore protagonizando el primer bis en el Euskaluna. Posteriormente ha actuado en el Concierto de ABAO junto a Patrizia Ciofi en 2013, I puritani en 2014 y Lucrezia Borgia en 2016.

MOISÉS MARÍN GARCÍA

Intérprete habitual en las principales temporadas líricas del país, el tenor destaca en roles de carácter como Goro, Jaquino, Albazar, Incredibile, Steuermann, Monostatos, Pang, Remendado, Don Curzio, Abdallo, Normanno o Spoletta. En ABAO Bilbao Opera debutó la temporada pasada en el Jerusalem de Verdi.

SERGIO ESCOBAR

Desde su debut en 2012 con Don Carlo, el tenor nacido en Toledo ha actuado en Europa y América en títulos como Tosca, Macbeth o Madama Butterfly, entre otros, con gran éxito. En ABAO Bilbao Opera debutó en 2019 con el rol de Arvino en I Lombardi alla prima crociata.

JUAN JESÚS RODRÍGUEZ

Considerado uno de los mejores barítonos verdianos en la actualidad, ha desarrollado una importante carrera internacional en los grandes teatros de ópera del mundo con títulos como: Rigoletto, Simon Boccanegra, l Trovatore, La Traviata), Otello, Nabucco, Macbeth, Don Carlo, Un Ballo in Maschera, Attila, I Vespri siciliani, Falstaff, Luisa Miller, Cavalleria Rusticana, Pagliacci, Lucia di Lammermoor, I Puritani, Roberto Devereux, o La Boheme. Gran amante y defensor del repertorio español es invitado habitualmente en el Teatro Nacional de la Zarzuela. En ABAO Bilbao Opera ha actuado en cinco ocasiones, la última la pasada temporada como Lord Enrico Ashton en Lucia di Lammermoor.

SIMÓN ORFILA

El repertorio del bajo-barítono Simón Orfila incluye títulos como Don Giovanni, Le nozze di Figaro, La Clemenza di Tito, Norma, I Puritani, Anna Bolena, L’elisir d’amore, Maria Stuarda, Lucia di Lammermoor, La Favorita, Lucrezia Borgia, La Donna del Lago, La Cenerentola, Il barbiere di Siviglia, Guglielmo Tell, Semiramide, L’Italiana in Algeri, Don Carlo, Carmen o La Bohème. Canta regularmente en los mejores teatros con los directores de orquesta más reputados. En ABAO Bilbao Opera ha interpretado cuatro títulos: Lucia di Lammermoor, I puritani, Don Giovanni y Semiramide.

Entradas A PRECIOS ASEQUIBLES

Las localidades para el recital pueden adquirirse con tarifas asequibles para todos los públicos: 25€ los socios de ABAO hasta 35 años, y 50€ el resto de socios de ABAO; y 35€ el precio de venta al público joven hasta 35 años y 70€ el público adulto.

Se pueden adquirir en las oficinas de ABAO, a través de www.abao.org y en el teléfono: 944 355 100

Amaya de Miguel, directora general del INAEM, Francisco Lorenzo, director del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el director de orquesta James Conlon, a través de un videomensaje en diferido desde Los Ángeles, han presentado esta mañana en el Auditorio Nacional de Música la VI edición de ¡SOLO MÚSICA! «DUELO ROMÁNTICO». Se desvela así el programa de la nueva edición de este maratón musical bienal, que el CNDM y el Auditorio Nacional de Música (ambas unidades del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música, INAEM, perteneciente al Ministerio de Cultura y Deporte), organizan desde hace diez años para conmemorar el “Día de la Música”, conmemoración que se celebra en toda Europa cada 21 de junio con la llegada del solsticio de verano.

Bajo el sugerente título de “Duelo Romántico” y apoyado en una llamativa imagen obra del ilustrador madrileño Iván Solbes, la nueva edición de ¡SOLO MÚSICA! pretende, al igual que las anteriores, convertirse en una gran fiesta, en una jornada de celebración en la que el Auditorio abre sus puertas de par en par a todo el mundo, acercándose a nuevos públicos, especialmente a aquellos poco habituados a la experiencia de la música clásica en directo. Todo ello a través de grandes conciertos de calidad, dirigidos por maestros de primera fila, con las mejores orquestas del panorama nacional y a precios asequibles.

Las anteriores ediciones de ¡SOLO MÚSICA!, celebradas en 2011, 2013, 2015, 2017 y 2019, reunieron a cerca de 100.000 espectadores.

A diferencia de anteriores ediciones en las que el maratón musical se celebraba a lo largo de un día completo, en esta ocasión y observando las medidas de seguridad que impone la actual situación sanitaria, la sesión se desarrollará a lo largo de un fin de semana completo, con cuatro conciertos repartidos entre el viernes 18, sábado 19 y domingo 20 de junio.

Estos conciertos tendrán como eje central las sinfonías nº 1, 2, 3 y 4 de Schumann y de Brahms -ocho sinfonías en total- en un amistoso “duelo romántico” en el que estos dos emblemáticos músicos del Romanticismo, muy vinculados entre sí a nivel personal se “enfrentan” en un apasionante vis a vis dirigido por un solo maestro: James Conlon, uno de los más brillantes y versátiles directores musicales de todo el panorama mundial. Según ha afirmado James Conlon, “interpretar estas ocho sinfonías es un reto para cualquier director, un tour de force en el que es preciso encontrar el equilibrio entre la búsqueda de la perfección formal y la libertad creativa del romanticismo”. Esta nueva edición de ¡SOLO MÚSICA! es la primera que cuenta con un director de orquesta extranjero, por lo que nuestra cita bienal alcanza un perfil más internacional. Al mismo tiempo, y para llevar a buen puerto este apasionante maratón, James Conlon se pondrá al frente de cuatro de las más importantes orquestas españolas: Orquesta Nacional de España, Orquesta Sinfónica de Galicia, Orquesta Sinfónica de Castilla y León y Joven Orquesta Nacional de España.

Los dos protagonistas de esta nueva edición de ¡SOLO MÚSICA!, Robert Schumann (1810-1856) y Johannes Brahms (1833-1897), responden a los paradigmas de los artistas de la generación romántica, para los que el eje central de la existencia era el amor apasionado y a menudo no correspondido, la exaltación de los sentimientos, la admiración de la naturaleza y la fuerza dramática de los paisajes, así como un innegable sentimiento trágico de la vida; aspecto este último que en el caso de Schumann se hizo realidad en su turbulenta biografía. Ambos compositores compartieron una profunda y enriquecedora amistad, siendo Brahms admirador de Clara, la esposa de Schumann, a su vez pianista y compositora, e innegable fuente de inspiración para el trabajo de los dos músicos. La obra de Brahms, 22 años más joven que Schumann, estuvo muy influida por la de éste.

Según apunta el maestro Conlon, “nos encontramos ante dos visiones distintas pero complementarias del Romanticismo, la obra de dos autores que escribieron algunas de las páginas más conmovedoras y brillantes de todo este periodo”. Ambos compusieron respectivamente 4 grandes obras sinfónicas, cuya “integral” -ocho sinfonías- podrá escucharse en esta nueva edición de ¡SOLO MÚSICA!

El programa completo de ¡SOLO MÚSICA 2021! es el siguiente:

Viernes 18 de junio
20:00h ORQUESTA NACIONAL DE ESPAÑA
Sinfonía nº 1 de Schumann
Sinfonía nº 1 de Brahms

Sábado 19 de junio
12:00h ORQUESTA SINFÓNICA DE GALICIA
Sinfonía nº 2 de Schumann
Sinfonía nº 2 de Brahms

20:00h ORQUESTA SINFÓNICA DE CASTILLA Y LEÓN
Sinfonía nº 3 de Schumann
Sinfonía nº 3 de Brahms

Domingo 20 de junio
12:00h JOVEN ORQUESTA NACIONAL DE ESPAÑA
Sinfonía nº 4 de Schumann
Sinfonía nº 4 de Brahms

Abonos a partir del 15 de abril, localidades individuales a partir del 12 de mayo

¡SOLO MÚSICA! mantiene su objetivo de abrir la música en directo a todo el público, ofreciendo precios asequibles para una experiencia musical de excelencia. Así, los “románticos integrales” que deseen acudir a todo el ciclo completo en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional podrán hacerlo adquiriendo un abono de entre 14 y 42 euros para los 4 conciertos; otra opción son los abonos mixtos, de 8 a 24 euros (incluyen 2 conciertos en dos modalidades: 2 conciertos por la mañana, “matinés románticas” ó 2 conciertos por la tarde, “tardes románticas”).
Las localidades sueltas tienen un precio de 5 a 15 euros para el público general y de 4 a 12 euros para menores de 30 años. La venta de abonos estará disponible desde el 15 de abril al 11 de mayo y las localidades sueltas a partir del 12 de mayo en los canales habituales de venta del CNDM (taquillas del Auditorio Nacional y red de teatros del INAEM, por teléfono en el 91 193 93 21 y en la web www.entradasinaem.es)

¡SOLO MÚSICA! es posible gracias a colaboradores habituales del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), como son la Orquesta Nacional de España y la Joven Orquesta Nacional de España (ambas unidades también del INAEM), la Orquesta Sinfónica de Galicia, la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, así como la colaboración de Radiodiotelevisión Española, que ofrecerá contenidos vinculados a esta nueva edición dentro de su programación dedicada a la música clásica.

James Conlon, la batuta más exigente

James Conlon, uno de los directores más versátiles y prestigiosos de la actualidad, ha cultivado un vasto repertorio sinfónico, operístico y coral. Ha dirigido prácticamente todas las orquestas sinfónicas importantes de Estados Unidos y Europa desde su debut con la Filarmónica de Nueva York en 1974. Gracias a sus giras por todo el mundo, su extensa discografía y videografía, numerosos ensayos, apariciones frecuentes en medios de comunicación y sus conferencias, James Conlon es uno de los intérpretes de música clásica más reconocidos de nuestros tiempos.
James Conlon es desde 2006 director musical de la Ópera de Los Ángeles y en septiembre de 2021 asumirá el cargo de asesor artístico de la Ópera de Baltimore. Ha sido director principal de la Orquesta Sinfónica Nacional RAI en Turín, Italia (2016-20); director principal de la Ópera de París (1995-2004); director general de Música de la Ciudad de Colonia, Alemania (1989-2003), dirigiendo simultáneamente la Orquesta Gürzenich y la Ópera de Colonia; y director musical de la Orquesta Filarmónica de Róterdam (1983-1991). Ha trabajado como director musical del Festival de Ravinia, sede veraniega de la Sinfónica de Chicago (2005-15), y actualmente es director musical laureado del Festival de Mayo de Cincinnati, el festival coral más antiguo de los Estados Unidos, donde fue director musical durante 37 años (1979-2016), marcando uno de los períodos más largos de cualquier director de una institución de música clásica estadounidense.

Como director invitado en el Metropolitan, ha dirigido más de 270 actuaciones desde su debut en 1976. También ha dirigido en importantes teatros de ópera y festivales, como la Ópera Estatal de Viena, Festival de Salzburgo, La Scala, Ópera de Roma, Mariinski, Covent Garden, Ópera Lírica de Chicago y Teatro del Mayo Musical Florentino.
Como director musical de la Ópera de Los Ángeles desde 2006, James Conlon ha dirigido más actuaciones que cualquier otro director en la historia de la compañía; hasta la fecha, casi 400 representaciones de más de 50 óperas diferentes de más de 20 compositores. Los aspectos más destacados de su mandato en la Ópera de Los Ángeles incluyen la dirección del primer ciclo de El anillo del nibelungo de la compañía; el inicio de la innovadora serie Recovered Voices, un compromiso continuo con la puesta en escena de obras maestras de la ópera europea del siglo XX que fueron suprimidas por el Tercer Reich. Entre las actuaciones que dirige durante la temporada 2020-21 de la compañía se encuentra una puesta en escena de El amante anónimo, de Joseph Bologne, Chevalier de Saint-Georges, un destacado compositor negro de la Francia del siglo XVIII. Conlon volverá a actuar en vivo en el Dorothy Chandler Pavilion en producciones de Don Giovanni, de Mozart, y Aida, de Verdi.

En un esfuerzo por llamar la atención sobre obras menos conocidas de compositores silenciados por el régimen nazi, James Conlon se ha dedicado a una amplia programación de esta música en Europa y América del Norte. En 1999 recibió el Premio Zemlinsky, con sede en Viena, por sus esfuerzos para llevar la música de ese compositor a la atención internacional; en 2013 recibió el Premio Roger E. Joseph en el Instituto Judío de Religión del Hebrew Union College por sus extraordinarios esfuerzos para erradicar la discriminación y los prejuicios raciales y religiosos; y en 2007 recibió el premio Crystal Globe de la Anti-Defamation League. Su trabajo en nombre de compositores suprimidos llevó a la creación de la Fundación OREL, un recurso imprescindible sobre el tema para amantes de la música, estudiantes, músicos y académicos, y la Iniciativa Ziering-Conlon para Voces Recuperadas en la Escuela Colburn.

La extensa discografía y videografía de James Conlon se puede encontrar en los sellos Bridge, Capriccio, Decca, EMI, Erato y Sony Classical. Sus grabaciones de producciones de la Ópera de los Ángeles han recibido cuatro premios Grammy, dos respectivamente por Los fantasmas de Versalles, de John Corigliano, y Ascenso y caída de la ciudad de Mahagonny, de Kurt Weill.

James Conlon tiene cuatro doctorados honorarios y ha recibido muchos otros premios. Fue nombrado Commendatore Ordine al Merito della Repubblica Italiana por Sergio Mattarella, presidente de Italia. También fue nombrado Commandeur de L’Ordre des Arts et des Lettres por el Ministro de Cultura francés y, en 2002, aceptó personalmente el más alto honor del país, la Legión de Honor, de manos del entonces presidente de Francia, Jacques Chirac.

Inspirado en el maravilloso cuento de Lewis Carroll, Alicia en el país de las maravillas, llega al Real Junior una delicada y colorida propuesta para los más pequeños: Una sonrisa sin gato, nueva producción para el Teatro Real en la que se darán la mano danza, teatro, música y fantasía, los días 17, 18 y 24 de abril y 1, 2, 8 y 9 de mayo, en sesión doble, a las 12.00 y a las 17.00 horas.

A lo largo de casi una hora, los pequeños –la función está concebido para niños a partir de 4 años- reconocerán muchos de los personajes que intervienen en el mítico cuento: el Conejo Blanco, la Reina de Corazones, el Sombrerero loco y por supuesto, el Gato de Cheshire, cuya sonrisa permanecía flotando en el ambiente cuando el felino ya había desaparecido y que tanto sorprendía a Alicia.

El espectáculo ha sido concebido por el polifacético Ferrán Carvajal, responsable de la dirección escénica, dramaturgia y coreografía. A través de su singular visión artística acompañamos a la protagonista en el descubrimiento de un mundo nuevo, en el que se adentra empujada por su curiosidad y sus ganas de entender el mundo, a través de una desbordante fantasía.

Completan el equipo artístico Elisa Sanz, creadora de la escenografía y el vestuario; Eduardo Bartrina, en la iluminación y los intérpretes bailarines Daniel Arancibia, Sara Sanz y Anna Serra.

La música de José Luis Greco, camino y banda sonora de esta historia, será interpretada por el violinista Alejandro González Romero, la flautista Olga Ramón Chiquero y los percusionistas Robert Úbeda Bordería y Elezar Higuera Barragán, todos ellos solistas de la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid.

Tras la buena acogida de los recitales de Lisette Oropesa y Anita Rachvelishvili en febrero y de Pedro Halffter en marzo, llega una nueva entrega del ciclo ABAO on Stage con el extraordinario dúo formado por el barítono Carlos Álvarez y la soprano Rocío Ignacio, el sábado 17 de abril a las 19:00h en la Sociedad Filarmónica Bilbao, patrocinado por la Fundación BBVA.

Fiel a su compromiso de seguir ofreciendo cultura y espectáculos en directo en cualquier circunstancia, ABAO Bilbao Opera continúa con el programa del ciclo ABAO on Stage que incluye ocho selectos recitales con algunas de las figuras líricas más aclamadas actualmente.

La fusión vocal de DOS GRANDES ARTISTAS

Barítono y soprano en perfecta armonía por destacados territorios líricos y artísticos.
Dúos y arias de grandes óperas.
Al piano el maestro bilbaíno Rubén Fernández Aguirre.

El carismático Carlos Álvarez una de las voces más bellas de barítono lírico verdiano de las últimas décadas, y uno de los cantantes españoles más internacionales, y la versátil Rocío Ignacio una de las sopranos más destacadas de su generación, darán muestra de su desenvoltura escénica y gran personalidad con un programa atractivo y minuciosamente escogido con escenas de grandes óperas.

Con oficio, técnica y generosidad artística, Carlos Álvarez ofrecerá una selección de piezas llenas de matices, carácter y fuerza, en la que su excepcional voz destaca la belleza del repertorio interpretado en solitario: “Qui donc commande…” de Hery VIII de Saint-Säens, “Zazà piccola zíngara…” de Zazà de Leoncavallo y “Eri tu” de Un ballo in maschera de Verdi.

Las grandes virtudes de Rocío Ignacio, el volumen de su voz, sus agilidades, y el buen gusto de su proyección escénica, quedará patente en sus interpretaciones: “Depuis le jour” de Louise de Charpentier, “Signore ascolta” de Turandot de Puccini y en “Come in quest’ora bruna” de Simon Boccanegra, defendiendo a la heroína verdiana.

Con sus actuaciones a dúo, ambos intérpretes regalarán al público una de esas veladas inolvidables llenas de presencia en el escenario, madurez vocal y distinguida plasticidad artística con: “Monseigneur! – Ophélie” de Hamlet (Thomas), “Silvio a quest´ora” de Pagliacci (Leoncavallo) y “Udiste? Come albeggi” de Il Trovatore (Verdi). Todo un alarde de elegancia, sabiduría dramática, fusión vocal y lírica conmovedora.

Al piano, el maestro vasco Rubén Fernández Aguirre que interpretará en solitario la pieza “Preludio” de la ópera L’Arlesiana de Francesco Cilea.

Carlos álvarez, UN INTÉRPRETE ADMIRADO Y RESPETADO EN EL CIRCUITO INTERNACIONAL

En la cumbre de una trayectoria artística modélica, pasará a la historia como uno de los grandes barítonos verdianos que sabe darlo todo en el escenario. Poseedor de una voz regia, admirado y respetado en el circuito internacional, destaca con una impresionante carrera.

Desde que hizo su debut en 1990 ha cantado en los principales teatros de ópera del mundo junto a los artistas más renombrados y los mejores directores musicales. Destacan sus actuaciones en el Festival de Salzburgo donde interpretó Don Carlo dirigido por Lorin Maazel, Otello en el Covent Garden bajo la dirección de Sir Colin Davis, I Pagliacci en Amsterdam dirigido por Riccardo Chailly, Don Giovanni en La Scala con Riccardo Muti, Don Carlo en L’Opera Bastille de París, Rigoletto en la Arena de Verona, en Viena La Forza del Destino dirigida por Zubin Mehta, Otello en Salzburgo bajo la dirección de Riccardo Muti, y sus grandes éxitos en el Metropolitan de Nueva York con Un Ballo in Maschera , Luisa Miller y Rigoletto, entre otros.

Entre sus numerosos premios, mencionar el Premio a la Labor Cultural (2001), Premio Grammy (2001 y 2005), Classical Award de Cannes, Medalla de Oro de Bellas Artes (2003), Medalla de Oro al Mérito Artístico (2003), Premio Nacional de Música (2003), Kammersänger por la Opera de Viena (2007), Medalla de Oro del Gran Teatre del Liceu (2013), Premio Ópera Actual (2015), y más recientemente ha recibido el Premio al Mejor Intérprete de Ópera por los Premios Campoamor de Oviedo y el de la Crítica Catalana.

Ha visitado ABAO Bilbao Opera en dos ocasiones, en 2000 con Il barbiere di Siviglia en el rol de Figaro y la segunda en la impresionante Carmen de Calixto Bieito en 2014, con Escamillo.

ROCÍO IGNACIO, UNA voz reveladora

Desde 2011 la sevillana soprano Rocío Ignacio poseedora de una gran generosidad vocal y un indiscutible componente actoral, desarrolla su carrera fundamentalmente en teatros españoles e italianos y fue la primera soprano española en cantar en la Ópera de Dubai.

Su largo repertorio comprende, entre otros títulos, Rigoletto, Die Zauberflöte, Marina, Carmen, L’elisir d’amore, Il barbiere di Siviglia, La bohème, Il viaggio a Reims, Don Giovanni, Turandot y Falstaff.

En las últimas temporadas su carrera ha tomado impulso con títulos como Katiuska en Madrid, Otello en Málaga, Jerusalem en ABAO y Die Zauberflöte en Jerez. Recientemente ha interpretado también, Simon Boccanegra en el Teatro Cervantes de Málaga y Luisa Fernanda en el Teatro de La Zarzuela

En el escenario de ABAO Bilbao Opera ha actuado en dos ocasiones, la primera como Adina en L’elisir d’amor en 2012 y la pasada temporada como protagonista en el estreno de Jérusalem de Giuseppe Verdi.

Entradas A PRECIOS ASEQUIBLES.

Las localidades para el recital pueden adquirirse con tarifas asequibles para todos los públicos: 15€ los jóvenes Gazteam; 20€ los socios de ABAO hasta 35 años, y 40€ el resto de socios de ABAO; y 30€ el precio de venta al público joven hasta 35 años y 60€ el público adulto.

Se pueden adquirir en las oficinas de ABAO, a través de www.abao.org y en el teléfono: 944 355 100

Entre el 19 de abril y el 10 de mayo, el Teatro Real ofrecerá 9 funciones de Peter Grimes, de Benjamin Britten, nueva producción del Teatro Real en coproducción con la Royal Opera House de Londres, la Opéra national de Paris y el Teatro dell’Opera di Roma.

En esta ópera magistral, los habitantes de un pequeño pueblo costero, cuya dura vida transcurre bajo el influjo implacable del mar, se enfrentan, sentencian, calumnian y humillan a un pescador hosco y violento que anhela torpemente integrarse en esa sociedad que lo desprecia. La pregunta que late a lo largo de todo el drama -¿es Peter Grimes el asesino de un niño?- desencadena muchas otras, de gran hondura, a las que Britten no contesta, aunque su música trata siempre con una conmovedora compasión a los seres marginados y solitarios.

Cuando en 1941, durante la Segunda Guerra Mundial, Benjamin Britten (1913-1976) y su inseparable pareja, el tenor Peter Pears, se encontraban en California, descubren la obra del poeta inglés George Crabbe (1754-1832) que, como Britten, había nacido en un pueblo de la costa de Suffolk, escenario de todas sus historias. Fue tal la identificación y empatía de Britten con ese mundo tan cercano y añorado, que decide volver a Inglaterra impulsado por un revelador sentimiento de pertenencia y arraigo que lo llevan a fijar su residencia, para siempre, en esas tierras a orillas del mar del Norte. Allí mismo vive también el desdichado Peter Grimes, personaje del poema The Borough, de Crabbe, que Britten decide transformar en una ópera, esbozada, con la ayuda de Pears, durante la travesía en barco que los dos hicieron de vuelta a su patria.

En Inglaterra, donde la homosexualidad estaba penalizada, les esperaba una vida difícil en la que tendrían que esconder su amor de la sociedad bien pensante. Este hecho subyace en la ópera y en casi toda la producción operística de Britten, protagonizada por seres insondables, oscuros, a los que se contraponen generalmente víctimas inocentes.

Para mostrar en toda su crudeza el drama de Peter Grimes, estigmatizado en una sociedad que crea sus propios monstruos, Deborah Warner, con la complicidad del escenógrafo Michael Levine, ha situado el drama en una población muy pobre de la costa de Suffolk. Ahí permanecen la misma línea del horizonte, la furia del mar y la playa de guijarros que inspiraron la poesía de Crabbe y la ópera de Britten. Pero la miseria y el desamparo de sus gentes en la actualidad son fundamentales en la puesta en escena, en la que sobresale el meticuloso trabajo de Warner, que explora siempre la hondura psicológica de los personajes.

Para ello cuenta con un reparto en el que destacan el debut, en sus respectivos papeles, del tenor Allan Clayton (Peter Grimes) y de la soprano Maria Bengtsson (Ellen Orford), y la vuelta al Teatro Real del barítono Christopher Purves (Capitán Balstrode), protagonista del estreno mundial de The Perfect American, de Philip Glass, en 2013 y de Written on Skin, George Benjamin, en 2016.

También vuelven al Real dos intérpretes que actuaron en Billy Budd en 2017: Jacques Imbrailo, protagonista de la ópera en 2017 y que ahora interpreta el papel de Ned Keene, y Clive Bayley como Swallow. Les acompañan Catherine Wyn-Rogers (Auntie), John Graham Hall (Bob Boles), Rosie Aldridge (Mrs. Sedley), James Gilchrist (Rev. Horace Adams), Barnaby Rea (Hobson), Rocío Pérez (sobrina primera) y Natalia Labourdette (sobrina segunda).

El Coro Titular del Teatro Real, preparado, como siempre, por su director Andrés Máspero, tiene en esta ópera un importante cometido tanto musical como dramatúrgico. Actuará junto a la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de su director musical Ivor Bolton.

Benjamin Britten ha ocupado un lugar privilegiado en la programación del Teatro Real desde su reapertura. En 1997, dos meses después de la reinauguración, Peter Grimes obtuvo un gran éxito, en una producción con dirección escénica de Willy Decker procedente del Teatro de La Monnaie de Bruselas, con su coro y orquesta titulares dirigidos por Antonio Pappano. Le han seguido el Sueño de una noche de verano (2005/2006), La violación de Lucrecia (2007/2008), Otra vuelta de tuerca (2010/2011), Muerte en Venecia (2014/2015), Billy Budd (2016/2017), Gloriana (2017/2018) y las obras infantiles El pequeño deshollinador (2004/2005, 2005/2006 y 2007/2008) y El diluvio de Noé (2007/2008).

Todas estas obras dan fe del inmenso talento musical y dramatúrgico de Benjamin Britten como compositor operístico, que ha expresado a través de sus personajes los dramas, sueños, traumas, pasiones e inquietudes más hondas e inconfesables del individuo, con una profunda compasión por las miserias de la condición humana.

En el marco de apertura a otras audiencias, el Teatro Real lanza en su canal de YouTube Aventura en el Real, una iniciativa para todos los públicos protagonizada por los youtubers y divulgadores Jaime Altozano y Ter, ambos miembros del Comité Joven del Teatro Real, quienes, a través de un juego de vídeos interactivos, explorarán y descubrirán las diferentes zonas del teatro y sus secretos, ofreciendo a los ganadores la posibilidad de participar en un sorteo final de distintos premios vinculados con el mundo de la música y la lírica. El concurso permanecerá activo hasta el 20 de abril.

Se trata de la primera iniciativa dentro del proyecto de intensificación de contenidos divulgativos en el Canal YouTube del Teatro Real dirigido a todos los públicos pero, de forma especial, a nuevas audiencias y a quienes se están iniciando en el mundo de la ópera.

Uno de los puntos más destacados de este proyecto será la emisión en el canal de YouTube del Teatro Real de encuentros con artistas y creadores y de algunos de los títulos más emblemáticos de la historia del Teatro como La traviata, Lucia di Lammermoor, Il trovatore, o Madama Butterfy.

La oferta de óperas en streaming se enmarca en la ambiciosa política divulgativa y audiovisual del Teatro Real, que tiene en MyOperaPlayer, plataforma pionera en España en difusión audiovisual lírica, su principal activo y que cuenta con el patrocinio de Telefónica y Endesa. La plataforma posibilita el acceso a una amplia videoteca, con más de 150 títulos, que se enriquece con lanzamientos mensuales y con emisiones de óperas en directo.

Asimismo, el Teatro lanzará nuevas colecciones dentro de su página en Google Arts & Culture, plataforma de la que forma parte desde su lanzamiento en España en 2015. A lo largo de este año se desarrollarán nuevos contenidos, imágenes, vídeos y actividades que completarán la exposición online de la que está considerada la primera institución española de las artes escénicas y musicales, e iniciativas tipo “Quiz” en las que se desvelarán las claves y curiosidades de los procesos creativos que tienen lugar en el Real, desde la creación de un espectáculo (estudios, ensayos, preparaciones técnicas) a las experiencias artísticas o los detalles históricos.

Para los que dan sus primeros pasos como curiosos o aficionados a la lírica y a la música escénica, se han preparado contenidos especiales denominados Conceptos y ritos no escritos en la experiencia de la ópera.

En la actualidad se puede acceder a la visita virtual que explora gran parte de los 77.000 m2 del edificio, gracias a la tecnología Street View, que captura imágenes 360º de alta calidad, y que transita tanto por espacios públicos (sala principal, salones) como por lugares inaccesibles como el escenario, los talleres, salas de ensayo y el tejado, desde el que se disfruta de la espectacular vista panorámica.

Tras el esfuerzo de presentar simultáneamente Siegfried y Norma, llega al Teatro Real, el próximo 19 de abril, el esperado estreno de la nueva producción de Peter Grimes, de Benjamin Britten, coproducción con la Royal Opera House de Londres, la Opéra national de Paris y el Teatro dell’Opera di Roma.

El cambio de fechas del estreno –del 8 al 19 de abril– se ha debido a distintos factores: al retraso en la incorporación de los artistas a los ensayos provocado por las restricciones de movilidad y las trabas burocráticas del Brexit (la mayoría son británicos) y también a un reajuste completo de todos los ensayos.

Así, las 9 funciones de Peter Grimes tendrán lugar los días 19, 22, 24, 27 y 29 de abril y 2, 5, 7 y 10 de mayo, a las 19 horas (domingos, a las 18 horas), lo que afectará a la siguiente ópera, Lessons in Love and Violence, de George Benjamin, que será trasladada a otra temporada.

Aunque durante 3 semanas los ensayos de Peter Grimes se han desarrollado en la sala de puesta en escena, la sala de ballet y la sala de coro, el único espacio que se ha considerado idóneo para reunir a todos los artistas y al equipo técnico de la producción –y hacer el máximo de ensayos posibles– es el escenario.

Este hecho ha obligado a suspender los ensayos en las distintas salas del Teatro hasta tener montado en el escenario el decorado de la ópera, después del desalojo de las escenografías de Norma y Siegfried.

Una vez más el Teatro Real se ha visto obligado a reorganizar toda su actividad para adaptarse a las directrices de su Comité Médico y a las limitaciones de movilidad de los artistas.

Peter Grimes, con dirección musical de Ivor Bolton, dirección de escena de Deborah Warner y escenografía de Michael Levine –el mismo equipo artístico de Billy Budd, también de Benjamin Britten, que triunfó en 2017–es la más importante nueva coproducción internacional desde el inicio de la pandemia, no solo por la excelencia de su equipo artístico, sino porque está coproducida con tres de los más relevantes teatros europeos, que presentarán la ópera posteriormente.

La producción será protagonizada por un selecto reparto, mayoritariamente británico, en el que destaca el debut del tenor Allan Clayton en el rol titular. A su lado tendrá un papel importantísimo el Coro Titular del Teatro Real preparado, como siempre, por su director, Andrés Máspero, que actuará junto a la Orquesta Titular del Teatro Real.

El domingo 28 de marzo a las 19 horas, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) prosigue su ciclo Universo Barroco en la Sala Sinfónica del Auditorio con la ópera Argippo, de Antonio Vivaldi, interpretada en concierto por un equipo de auténtico lujo: Europa Galante, con su director y fundador Fabio Biondi al frente y con un extraordinario elenco vocal encabezado por la mezzosoprano norteamericana Vivica Genaux, junto a la soprano Marie Lys, las mezzosopranos Giuseppina Bridelli y Delphine Galou y el bajo Luigi de Donato. Juntos darán vida a esta ópera recuperada en pleno siglo XXI y plasmada en un reciente trabajo discográfico firmado por Fabio Biondi y Europa Galante que ha cosechado grandes críticas en los medios especializados más influyentes y liderado ránkings como el reciente “Disco Excepcional” de la revista Scherzo. Fue el propio Fabio Biondi quien rescató en Darmstadt el manuscrito íntegro de esta enigmática obra de Vivaldi. No en vano el músico italiano está considerado como uno de los mayores especialistas mundiales en Vivaldi, siendo su multipremiada grabación de Las cuatro estaciones todo un referente en este repertorio. Según ha subrayado el propio Biondi, Argippo ocupa un lugar relevante en la obra de Vivaldi y es un trabajo ideal para demostrar el gran talento del compositor como operista, una faceta tardía pero fructífera del veneciano, con 40 títulos atribuidos a su autoría. Argippo llega a Madrid al día siguiente de su paso por Sevilla el sábado 27 en el marco del FeMÀS, en un concierto en colaboración con el CNDM que constituye el estreno en España y en tiempos modernos de esta ópera.

Las entradas para el concierto de Europa Galante tienen un precio general de 12€ a 40€. Pueden adquirirse en las taquillas del Auditorio Nacional y red de teatros del INAEM, en entradasinaem.es y por teléfono en el número 91 193 93 21.

Fabio Biondi, estilo y visión

Impulsado por una profunda curiosidad cultural, Fabio Biondi es un músico polivalente que busca sin cesar un estilo libre de limitaciones. Desde sus inicios, Biondi ha demostrado su capacidad para moverse en repertorios muy diversos abarcando tres siglos de música. En 1990, tras una amplia labor con conjuntos especializados, como Les Musiciens du Louvre y The English Concert, Biondi fundó Europa Galante, grupo que se ha forjado una altísima reputación, insuflando nueva vida a los repertorios barroco, clásico y romántico temprano en los principales festivales y escenarios internacionales. En las últimas temporadas, Biondi ha llevado de gira Silla de Haendel a China y Japón. Entre las actuaciones más recientes se encuentran sus conciertos con la Sinfónica de Chicago, la Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, la RAI de Turín, la NDR Radiophilharmonie, la Sinfónica de la Radio de Fráncfort, la Filarmónica de Bergen, la Sinfónica de la Radio Finlandesa, la Orquesta de Cámara de Mahler y la Mozarteumorchester de Salzburgo. Fue director artístico de música barroca de la Orquesta Sinfónica de Stavanger. Recientemente, ha trabajado en el Gran Teatro de Ginebra en Die Entführung aus dem Serailand, de Mozart, con la Orchestre de la Suisse Romande, o en la Staatsoper unter den Linden de Berlín en La Vergine addolorata, de Scarlatti, con la Akademie für Alte Musik Berlin. Asimismo, ha participado en otras importantes producciones de óperas de Donizetti, Rossini, Haydn o Verdi. Como violinista, es reconocido como un virtuoso y actúa en recitales en todo el mundo. Su amplia discografía en Warner, Virgin y Glossa le ha valido numerosos premios. Su aclamada grabación con Europa Galante de Las cuatro estaciones de Vivaldi fue nombrada disco del año en numerosas publicaciones y premiada por la crítica de varios países. Ha grabado con intérpretes como Joyce DiDonato, Diana Damrau, Philippe Jaroussky, Vivica Genaux o Rolando Villazón. Su álbum Sonatas for violin & guitar, de Paganini, fue Editor’s Choice por Gramophone y la BBC Music Magazine. Biondi es académico de la Accademia Nazionale di Santa Cecilia y oficial de la Orden Nacional de las Artes y las Letras por el Ministerio de Cultura de Francia. Fue artista residente en la temporada 18/19 del Centro Nacional de Difusión Musical. Toca un Gennaro Gagliano de 1766, propiedad de su maestro Cicero, que le cede la Fundación Salvatore Cicero de Palermo.

Europa Galante, una aventura musical

Tras su fundación en 1990 por Fabio Biondi, Europa Galante se estableció rápidamente como el principal conjunto de instrumentos del período italiano, insuflando nueva vida al repertorio barroco y clásico. El conjunto se especializó inicialmente en los compositores italianos de los siglos XVII y XVIII y, tras la publicación de su primer disco dedicado a los conciertos de Vivaldi, el conjunto ha recibido un reconocimiento mundial, ganando constantemente el más alto nivel de aclamación de la crítica, incluyendo el Diapasón de Oro de l’Année y el Choc de Musique. Europa Galante interpreta ahora una variedad de repertorio muy conocido y descubre gemas ocultas desde la ópera de Haendel hasta las suites orquestales de Bach, desde la ópera de Rossini hasta la música de cámara de Boccherini. Desde que fue fundada hace 30 años, Europa Galante ha realizado numerosas giras internacionales, actuando en muchas de las principales salas de conciertos y teatros del mundo, como el Teatro alla Scala de Milán, el Théatre des Champs Elysées, la Accademia di Santa Cecilia de Roma, el Concertgebouw de Ámsterdam, el Wiener Musikverein, el Lincoln Center y el Carnegie Hall de Nueva York, el Suntory Hall de Tokio y la Ópera de Sydney. Las últimas aportaciones a su discografía con Warner Classics, Virgin y Glossa incluyen los Conciertos para violín ‘Dell’addio’ o Conciertos para violín ‘La bohemia’ de Vivaldi, Capuleti e Montecchi de Bellini y Macbeth de Verdi, así como diversas óperas de Vivaldi: Bajazet, L’oracolo in Messenia y Ercole sul Termodonte, recuperadas por Warner Classics con la participación destacada de Joyce DiDonato, Diana Damrau, Philippe Jaroussky, Vivica Genaux o Rolando Villazón, entre otros. Y en 2019 se publicó la grabación de Argippo, de Vivaldi, en Naïve. Europa Galante es la orquesta residente de la Fondazione Teatro Due en Parma.

Norma
Vincenzo Bellini (1801-1835)
Tragedia lírica en dos actos
Libreto deFelice Romani, basado en la obra Norma, ou l´infanticide (1831) de Alexandre Soumet
Nueva producción del Teatro Real
D. musical: Marco Armiliato
D. escena: Justin Way
Escenógrafo: Charles Edwards
Figurinista: Susan Willmington
Iluminador: Nicolas Fischtel
Coreografía: Jo Meredith
D. coro: Andrés Máspero
Reparto: Hibla Gerzmava, Annalisa Stroppa, John Osborn, Fernando Radó, Berna Perles, Juan Antonio SanabriaLlega al Teatro Real Norma, de Bellini, en una nueva producción propia. Lo hace coincidiendo con Siegfried, de Wagner, al que no le gustaba precisamente la ópera italiana y que, sin embargo, mostraba una gran admiración por el maestro italiano. Concretamente era Norma una de las obras por las que el maestro alemán mostraba mayor interés. Norma trascendía el bel canto, contaba con algunos elementos nuevos y plenos de romanticismo y capacidad expresiva. El declamato-cantato belliniano que en Norma alcanzaba su máxima expresión, donde las arias no son menos importantes que los diálogos y la manera, casi en forma de duelo, en los que se enfrentaban los distintos personajes mediante duetos y tercetos, dejando así de lado la tradicional sucesión de arias virtuosas que definían hasta ese momento la tradición de ópera italiana.Los personajes de esta obra, sobre todo su protagonista Norma, tienen múltiples caras. Algunas incluso contradictorias, lo que les otorga ese halo enigmático que llena el argumento de intrigas y situaciones románticas, con las que Bellini y su libretista Felice Romani pretendían hacer llorar de emoción a su público.En esta producción del Teatro Real, la escenografía de Justin Way repite el ya clásico teatro dentro del teatro, situado en la Italia anterior a la reunificación. Pero la escenografía, que está llena de originalidad y numerosos guiños a los decorados de 1831, cuando se estrenó en la Escala de Milán, se presta a cierta confusión entre las dos escenas que se combinan y que no quedan muy bien diferenciadas.Marco Armiliato ha sido el encargado de sustituir a Maurizio Benini. El cambio puede que haya ganado en sonoridad y volumen, pero quizá haya perdido matices y delicadeza. Norma es una de esas óperas por excelencia, que definen por si solas lo que es este género.

La partitura es de gran riqueza y, al mismo tiempo, sencilla. Su orquestación es de una gran delicadeza. No pretende acompañar al cantante, sino servirles de delicado colchón. Esta es sin duda una de sus mayores dificultades a la hora de abordarla, tanto para la orquesta como para los cantantes.

En esta ocasión el Teatro Real presenta dos repartos de gran altura. En este ensayo general asistimos a un segundo de extraordinario nivel que promete unas funciones de gran calidad interpretativa. Es la primera Norma a la que se enfrenta la rusa Hibla Gerzmava y la aborda con valentía. Posee un buen volumen de voz y gran dramatismo. Además de esa ligereza que exige el personaje, brilló en el duetto con Adalgisa, en el que empastaron a la perfección.

La Adalgisa de Annalisa Stroppa es sin duda la voz más claramente belcantista del reparto. Su línea de canto está muy bien definida, frasea con delicadeza y con intención belliniana. Dibuja una Adalgisa llena de sensibilidad y expresividad. Elegante siempre sobre el escenario, destacó en el duetto con Norma y el terceto del segundo acto, logrando algunos momentos de brillante lirismo. No en vano es una experimentada Adalgisa.

Otra de las voces más acertadamente belcantistas es la del Polione del estadounidense John Osborn. Sus características vocales son muy adecuadas para el personaje y para este estilo de declamato belliniano.

El resto des reparto está a gran altura. A destacar Fernando Radó, como Orobeso. Bien la Clotilde de Berna Perles y el Flavio de Juan Antonio Sanabria.
El Teatro Real acierta con esta obra del repertorio clásico que es un respiro para el aficionado tras haber asistido al interminable y descontextualizado Siegfried.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real
Vídeos: Teatro Real

El lunes 15 de marzo a las 20 horas, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), en coproducción con el Teatro de la Zarzuela, presenta en el XXVII Ciclo de Lied a Bejun Mehta, uno de los contratenores más reconocidos, aclamados y solicitados a nivel mundial. El cantante norteamericano mostrará su impresionante dominio de la coloratura y sentido de la musicalidad al servicio de un programa ambicioso, que abarca obras firmadas por cuatro gigantes a lo largo de tres siglos. Así, Bejun Mehta hará gala de su versatilidad acometiendo un repertorio muy diverso -desde el clasicismo hasta el siglo XX, pasando por el romanticismo-, que incluye piezas de W.A. Mozart (Ombra felice! Io ti lascio), Joseph Haydn (Arianna a Naxos, Hob XXVIb:2), L.van Beethoven (An die ferne Geliebte) y Benjamin Britten (Canticle – ‘My beloved is mine’). Estará acompañado al piano por Jonathan Ware, por primera vez en este ciclo. Las entradas, con un precio general de 8 a 35 euros, están a la venta en las taquillas del Teatro de La Zarzuela, red de teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y en los teléfonos 91 193 93 21 y 902 22 49 49.

Bejun Mehta, un intérprete fascinante

Según Opera News “quizás el más sofisticado y musicalmente satisfactorio de los contratenores actuales”, Bejun Mehta fascina con una expresión vocal increíble, una gran musicalidad y una fuerza apasionante como intérprete. Es un invitado habitual en los principales teatros de ópera del mundo, como la Royal Opera House, La Scala de Milán, Theatre an der Wien, la Ópera Estatal de Berlín, la Ópera Estatal de Baviera en Múnich, el Théâtre Royal de La Monnaie, la Nederlandse Opera, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, el Teatro Real de Madrid, la Ópera de Zúrich, la Ópera Nacional de París, la Ópera Metropolitana, la Ópera Lírica de Chicago, la Ópera de Los Angeles, así como los Festivales de Salzburgo, Glyndebourne, Aix-en-Provence y el Wiener Festwochen. Conciertos con importantes orquestas y recitales en solitario han llevado a Bejun Mehta a las principales salas de conciertos, donde recorre sus premiados trabajos discográficos e interpreta repertorios que van desde el barroco hasta la música contemporánea. Es invitado frecuente en el Concertgebouw de Ámsterdam, el Wigmore Hall de Londres, el Konzerthaus y el Wiener Musikverein en Viena, Carnegie y Zankel Hall en Nueva York, Palais des Beaux-Arts de Bruselas, Palau de Les Arts en Valencia, Teatro de la Zarzuela de Madrid, Cité de la Musique en París, Prinzregententheater de Múnich, Konzerthaus de Berlín, Rudolfinum en Praga y los festivales de Edimburgo, San Sebastián, Verbier, Schleswig-Holstein y BBC Proms en Londres. En los últimos años, Bejun Mehta se ha forjado un nombre como director de orquesta, trabajando con la hr-Sinfonieorchester, la Philharmonie de Dresden, la Orquesta Sinfónica de Bochum, así como la Kammerakademie Potsdam y la Württembergisches Kammerorchester Heilbronn. Además de su interés en trabajar el repertorio del barroco y los períodos clásicos con orquestas modernas, su énfasis particular está en la combinación entre orquesta y voz, ya sea con solistas invitados o en programas especialmente desarrollados que lo presentan como cantante y director. Así, podemos destacar la reposición de Rodelinda de Claus Guth (una producción realizada originalmente para Bejun Mehta en el Teatro Real de Madrid) en la Ópera Nacional de Holanda, Arias de Mozart con la Filarmónica de Viena en el Musikverein, El sueño de la canción de George Benjamin, una cantata compuesta específicamente para él –con la Concertgebouw Orchestra Amsterdam, y representaciones de Escrito en la piel de Benjamin en el papel de Ángel I/Niño, también compuesto específicamente para él– con la Mahler Chamber Orchestra. Como cantante y director, Bejun Mehta ha realizado giras por Alemania y Austria con la Württembergisches Kammerorchester y su programa Mozart-The Dramatist en lugares como el Musikverein de Viena y el Herkulessaal Munich. A este, le han seguido otros programas de canto y dirección con Hessischer Rundfunk, Bochumer Symphoniker y Kammerakademie Potsdam. En el otoño de 2019, Bejun Mehta interpretó el papel principal en una nueva producción de Giulio Cesare de Robert Carsen en La Scala de Milán, el primer contratenor en interpretar ese papel en La Scala.

Jonathan Ware, sólida carrera al alza

Nacido en Texas, el pianista Jonathan Ware se formó en la Eastman School of Music en Rochester, en la Juilliard School de Nueva York y en la Hochschule für Musik «Hanns Eisler» de Berlín. Ware ha ganado importantes premios, incluido el primer premio del concurso de lied 2014 de la Internationale Hugo-Wolf-Akademie en Stuttgart con el barítono Ludwig Mittelhammer, así como el premio en la categoría de pianista acompañante en el Concurso Internacional de la Canción del Wigmore Hall y el Concurso “Das Lied”. Su carrera le ha llevado a escenarios como el Alice Tully Hall y el Weill Recital Hall dentro del icónico Carnegie Hall en Nueva York, al Wigmore Hall de Londres, al Festival de Ravinia y al Berliner Festspiele, entre otros. Durante varios años ha sido pianista acompañante del Festival Akademie Lied de Heidelberger Frühling, así como coordinador de la Academia de Piano en el Festival de Verbier. En 2020 Jonathan Ware hizo su debut en la Scala de Milan junto a Bejun Mehta. Ware ha actuado en otros escenarios europeos como la Filarmónica de Múnich, la Filarmónica de Colonia, la Konzerthaus de Berlín, el Festival “Diálogos” en el Mozarteum de Salzburgo. Entre sus colaboradores musicales se encuentran artistas como Dame Felicity Lott, Christiane Oelze, Golda Schultz, Robin Tritschler, Elsa Dreisig, Ludwig Mittelhammer el Vogler Quartett y Bejun Mehta. Jonathan es profesor de la Hochschule für Musik «Hanns Eisler» de Berlín y es miembro de la facultad de la Barenboim-Said Akademie.

Sábado 13, 11.00 horas: el cicloÓpera en Cine proyectará la multipremiada producción de Billy Budd, de Benjamin Britten, estrenada en el Teatro Real en 2017 con entusiasta acogida del público y el reconocimiento unánime de la crítica nacional e internacional .

Con Billy Budd comienza el ciclo dedicado a Britten que incluye la proyección de Gloriana, el 5 de junio, y el estreno de la nueva producción de Peter Grimes, el 13 de abril.

Viernes 12 y sábado 13, a las 19.00 horas: Se ofrecerán dos funciones de la ópera Norma, con dirección musical de Marco Armiliato y escénica de Justin Way, en las que se alternarán en la interpretación del papel protagonista la soprano española Yolanda Auyanet y la rusa Hibla Gerzmava.

Domingo 14, a las 12.00 horas y a las 17.00 horas: dos nuevas sesiones familiares de ¡Todos a la Gayarre! descubrirán Los embrujos de una maga, cuyos hechizos giran en torno a Norma.

Domingo 14, a las 17.30: Pablo Heras-Casado volverá a colocarse al frente de un elenco de grandes voces wagnerianas y de la Orquesta Titular del Teatro Real, para representar la colosal partitura de Siegfried, tercera de las cuatro óperas que conforman el ciclo El anillo del Nibelungo, que se está presentando en cuatro temporadas sucesivas.

El Teatro Real se prepara para el fin de semana con una programación que se presenta en distintos formatos y para todos los públicos. En el escenario se alternarán dos grandes títulos de ópera, Norma y Siegfried; la Sala Gayarre se entregará al público familiar y en la sala principal dará comienzo el ciclo dedicado a Britten con la proyección de Billy Budd, que incluye la proyección de Gloriana, el 5 de junio, y el estreno de la nueva producción de Peter Grimes, el 13 de abril.

Estrenada en enero de 2017, Billy Budd ha sido la producción más premiada del Teatro Real y cuenta entre sus galardones con el International Opera Award 2018 a la Mejor Nueva Producción y el Premio Olivier a la mejor nueva producción operística 2020 en el Reino Unido, además de los reconocimientos obtenidos por su grabación audiovisual, entre los que destacan los premios de las revistas Diapason (Diapason d’or) y BBC Music Magazine.

Tanto la versión de Billy Budd, que se proyectará el próximo sábado, como la nueva producción de Peter Grimes que veremos esta primavera, cuentan con dirección de escena de Deborah Warner, escenografía de Michael Levine, y la parte musical estará bajo la batuta del director musical del Teatro Real, Ivor Bolton.

Esta ópera coral, para la que Deborah Warner crea un espacio escénico de gran simbolismo y enorme complejidad técnica -el tumultuoso barco de Billy Budd se transforma en una inmensa cárcel flotante que refuerza la universalidad de la obra- contó con un elenco exclusivamente masculino que tuvo como protagonistas al barítono Jacques Imbrailo, el tenor Toby Spence y el bajo Brindley Sherratt, junto a las 60 voces masculinas del Coro Titular del Teatro Real y los niños de los Pequeños Cantores de la Comunidad de Madrid, que actuaron junto a la Orquesta Titular del Teatro Real.

El 5 de junio, también como parte de la programación de Ópera en Cine, se proyectará Gloriana, estrenada y grabada en el Real en abril 2018 (donde se representaba por primera vez en Madrid) bajo la atenta dirección musical del maestro Ivor Bolton, presente en las tres producciones confirmando su profundo conocimiento del compositor británico, y dirección de escena de David McVicar, quien concibe una escenografía depurada y conceptual en el que el rico vestuario isabelino concebido por Brigitte Reiffenstuel asume un carácter casi escenográfico.

Completará el ciclo dedicado a Britten el estreno de Peter Grimes, considerada la ópera inglesa más importante desde los tiempos de Henry Purcell. El compositor construye en ella una oscura parábola sumergida en un ambiente marino, donde el conflicto entre la masa y el individuo, la rudeza de las vidas y de las pasiones de los habitantes de este pueblo del mar del Norte y el carácter complejo e impenetrable del protagonista, configuran una tragedia que fermenta y estalla sumida en el estruendo de los silencios y las habladurías. La directora de escena Deborah Warner vuelve al Real para estrenar esta coproducción realizada junto a la Royal Opera House de Londres, la Opéra national de Paris y el Teatro dell’Opera de Roma.

El viernes 12 y el sábado 13, reinará en el escenario Norma. Considerada una de las obras cumbres del belcanto, su extraordinaria belleza melódica enmascara una enorme dificultad vocal, especialmente en el papel protagonista, en cuya interpretación se alternarán la soprano española Yolanda Auyanet y la rusa Hibla Gerzmava. Su extraordinaria dramaturgia expone a los personajes en diferentes niveles y muestra con valentía sentimientos y actitudes casi ocultos hasta entonces en la mujer, en una producción concebida por Justin Way y dirigida musicalmente por Marco Armiliato.

Dos nuevas sesiones familiares de ¡Todos a la Gayarre!, Domingo 14, a las 12.00 horas y a las 17.00 horas descubrirán Los embrujos de una maga, cuyos hechizos giran en torno a Norma. Fernando Palacios, responsable del guion y la presentación, contará con la complicidad de la soprano Cristina Toledo y el pianista Aurelio Viribay. Juntos tratarán de averiguar qué quiere hacer la druida con “los hierbajos y aromas secretos” que atesora.

Y ese mismo domingo, por la tarde, Pablo Heras-Casado volverá a colocarse al frente de un elenco de grandes voces wagnerianas y de la Orquesta Titular del Teatro Real, para representar la colosal partitura de Siegfried, tercera de las cuatro óperas que conforman el ciclo El anillo del Nibelungo, que se está presentando en cuatro temporadas sucesivas.

La soprano Cristina Toledo, acompañada al piano por Aurelio Viribay, darán visibilidad a mujeres que se dedicaron a la composición de zarzuelas y música española a pesar de las dificultades.

Especialmente emotivo será el recital que el próximo lunes 8 de marzo (20h00) ofrecerán la soprano Cristina Toledo y el pianista Aurelio Viribay en el Teatro de la Zarzuela dentro del ciclo Notas del Ambigú. Bajo el título explícito de ‘Zarzuela en femenino’, se dará visibilidad a las mujeres que, a pesar de las dificultades para hacerlo y la ingratitud del olvido, se dedicaron a la composición de zarzuelas y música española.

En el concierto se oirán obras de autoras como María Rodrigo, a cuyas composiciones estará dedicada buena parte del programa. Desde una copla para piano solo (‘La copla intrusa’), a una selección de su zarzuela cómica ‘Diana cazadora o Pena de muerte al amor’, con libreto de los Álvarez Quintero, pasando por el trío de coplas ‘Ayes’ con texto de María Lejárraga, o ‘Viendo esta tierra de mis amores’ de ‘Su última canción’ con libreto de Carmen de Cantó, entre otras composiciones.

Esta será la segunda parte del recital. Antes, oiremos romanzas de zarzuelas compuestas por Remedios Selva y Torres o Carmen de Cantó (Carmen Climent) –autoras asimismo de los libretos de sus obras–, de Blanca Lozano, María de Pablos, María Teresa Prieto –responsable también de sus textos–, Elena Romero o Adela Anaya Ruiz.

Sin duda será una noche de mágicas revelaciones y de esperanza. La de que el olvido no vuelva a ser destino inevitable de estas y tantas otras sacrificadas luchadoras de la música.

Los Ambigús que vienen

Al concierto de Cristina Toledo y Aurelio Virivay, seguirá el de Lamentatio. Música trobada con obras desconocidas del barroco español, más concretamente de la escuela valenciana de música sacra (22 de marzo), el de la mezzosoprano María Antúnez con Rubén Fernández Aguirre al piano dedicado a la ‘Música uruguaya’ (19 de abril), el de la soprano Rocío Pérez y el pianista Ramón Grau con la Integral del ciclo ‘Canciones clásicas españolas’ de Fernando Obradors (10 de mayo) y el del artista Ángel Ruiz, acompañado por el pianista César Belda, que presentará ‘Tributo a Iberoamérica’ (15 de junio).

Entrevistamos a Annalisa «Adalgisa» Stroppa.
Llega con su mascarilla y tras ella una gran sonrisa, hay vida en la calle, ha salido el sol y se dispone a tomar un café en una terraza. Algo muy diferente a lo que ocurre en su Brescia natal. Es su décima producción de Norma, pero para ella es como la primera vez. Y es que nada es igual, tampoco para Annalisa Stroppa, una Adalgisa puramente belcantista capaz de describir con su voz todos los colores de las emociones que vive su personaje en escena.Brío Clásica: Annalisa Stroppa llega al Teatro Real para interpretar Adalgisa en la Norma, de Bellini, un compositor por el que siente debilidad. ¿Qué le atrae tanto de este compositor?Annalisa Stroppa: Adalgisa es un personaje al que quiero y me gusta por diferentes motivos. El primero es el estilo de escritura de Bellini. A parte de ser mi compositor favorito, siempre pone las voces por encima de todo. La expresividad que puede haber en cada palabra, para él es lo primero. Ninguno como Bellini ha dado tanta importancia al sonido, a la mezza voce, al legato y al declamato, conocido ya como declamato belliniano. Pero las partituras de Bellini no son fáciles. Los cantantes deben comportarse como atletas. Son necesarios diferentes colores de voz para poder expresar el texto y Bellini permite mucha libertad en la expresión.Esta es una de las razones por las que Wagner admiraba tanto a Bellini. Por esta escritura belliniana tan particular. Por eso, para mi es extraordinario poder utilizar la voz para expresar de esta manera, coloreando cada palabra. Para Bellini es muy importante la expresión y lo acompaña orquestalmente de una manera muy sutil. Es aquí donde está la dificultad, en que la orquesta tiene que sostener lo que dices, pero no como un acompañamiento, sino teniendo el mismo sonido y la misma intención con la que se expresa el cantante.B.C: ¿Cómo es vocalmete Adalgisa y qué dificultades tiene?A.S: En este momento puedo decir que esta música es mi territorio vocal. Me siento muy cómoda expresándome a través del bellcanto y del repertorio francés. Pero Bellini es lo que más se acerca a mi vocalidad en este momento.
La dificultad que tiene Adalgisa es su amplia tesitura, llega hasta el Do5. Pero, si la voz te lo permite y te sientes cómoda, es perfecto. Las partituras de Bellini tienen una línea melódica bellísima e inimitable. Con muy pocas notas te atrapa el corazón.A nivel de personaje y también vocalmente, es el contrapunto perfecto de Norma. porque ellas, en los duetos y en la cadencia, llegan a ser la misma persona. Sus voces se entrelazan y se funden en una sola. y esto es mágico. Deben tener una gran sincronización en el sonido y en la expresión. Cuando todo esto ocurre el resultado es espectacular.B.C: ¿Cómo es el carácter de la Adalgisa que construye Annalisa Stroppa?A.S: Adalgisa es una mujer muy pura, una mujer que permanece siempre fiel a sí misma desde el principio de la obra, siendo muy respetuosa con Norma, nunca la traiciona y siempre está cerca de ella. El rol de Adalgisa me permite jugar con la expresión y los matices de la voz. Al principio ella muestra su esfuerzo, sus dudas, su sufrimiento. Está tan enamorada de Polione que está dispuesta a dejar sus votos como sacerdotisa. Este es para ella un conflicto muy profundo, esta enamorada y, a la vez, quiere mantener la fidelidad a su Dios y a la vida religiosa. Esto requiere de una gran delicadeza a la hora de expresarlo. Ella teme la reacción de Norma cuando conozca sus intenciones. Descubre entonces la gran humanidad de Norma que comprende su situación. Hasta que se da cuenta de la doble vida de Norma y Polione y de sus dos hijos en común. ¡Cuantos colores y expresiones hay en este argumento!. Y Bellini permite traducir con la voz el color del amor, de la humildad, de la desesperación… Todo esto está en la música de Bellini. Hasta que en el dueto del segundo acto, se revela leal y coherente con Norma. Se quedará con ella para que pueda reunir a su familia y volver con Polione. Esto es de una pureza muy grande. Ella permanece fiel a Norma pues el traidor es Polione.Esta producción de Norma en el Teatro Real es además nueva para mi. Es la primera vez que trabajo con el maestro Marco Armiliato y con el Regista Justin Way, por eso es una experiencia nueva. Me he encontrado además con un equipo de colegas maravilloso. La labor que estamos haciendo entre todos es espectacular, aunque sea con mascarilla. Es empezar de nuevo a vivir y estoy feliz.B.C: Al enfrentarse de nuevo a este personaje en estos momentos, ¿qué emociones nuevas tiene o espera?A.S: Cada vez que voy a cantar, no canta solo Adalgisa, canta también una parte de mi. Y sobre todo ahora, después de todo lo que estamos pasando, de todo este sufrimiento que todos estamos viviendo, de ese silencio de nuestro interior que tiene ahora tanto que decir… Todas estas razones harán mi Adalgisa diferente. Porque vuelvo al escenario con el calor del público que tanta falta me hace. Yo se que me voy a emocionar, porque lo que hasta hoy era normal, ahora va a ser muy especial. Vuelvo a compartir las emociones y la atmósfera que se va a generar en ese momento, siempre diferente. Lo que ahora agradezco es poder estar aquí. Gracias al Teatro Real por darme esta oportunidad y lo que me gustaría es transmitir mi emoción a través de mi voz. No se cuando volveré a cantar otra vez, por eso ahora lo haré como si fuera la primera y la última vez. Sin preocuparme de nada, solo por la emoción de volver a cantar con un público que comparte conmigo esta emoción.Por eso mi Adalgisa ahora será muy diferente a las anteriores. Esta es la décima producción de Norma en la que participo, y todas mis Adalgisas son diferentes, por distintas razones. La madurez de la voz, la madurez de la persona y vivirlo de manera diferente. También influye la Norma que me acompaña. Recuerdo con especial cariño las producciones con la Señora Mariela Devia y Edita Gruberová, por ser dos damas históricas y grandísimos iconos de la ópera.

B.C: Cuando sale del teatro, después de haberlo dado todo por un personaje como este, ¿Cómo se libera una de un roltan intenso?

A.S: No es fácil liberarse de un personaje así. Lo sientes tan fuerte en tu propia piel, que creo que hasta el final de la producción, incluso semanas después, forma parte de ti. Porque lo construyes, lo vives y le descubres siempre algo nuevo que, al final, lo llevas contigo. No son dos personas separadas, están juntas. Es como un juego muy divertido porque, a veces, los directores, me llaman Adalgisa en lugar de Annalisa (risas).

Yo no tengo capacidad de vivir de manera separada las dos personas. En el escenario llevo una parte de Annalisa con sus emociones, su vida… y las traduzco en las emociones de Adalgisa. No puedo separarlas. A veces sucede que, después de interpretar un papel, tienes que empezar rápidamente con otro, sin el tiempo necesario para decantar, como el vino, un nuevo personaje pasando página del anterior. Cuando abandonas un personaje tienes que despedirle con respeto y saludar, también con respeto, al nuevo personaje. Son nuestras pequeñas criaturas, que has elaborado con tiempo, con amor y cuidado para crear algo especial que forma parte de ti y que no desaparece de repente tras la última función.

B.C: Cuando llega a una ciudad, como ahora a Madrid, ¿cómo es el día a día fuera y dentro del teatro?

A.S: Ahora no es fácil porque lo que estamos viviendo no es normal. Siempre te cuidas, descansas, cuidas la voz pero, claro, en el día libre podía ver amigos, visitar un museo, dar un paseo por la calle… Para mi no ha sido un cambio muy grande en este aspecto pero, lo que más se nota es la tristeza. Aquí en Madrid no he sentido mucho este cambio porque la gente del teatro me hace sentir tan bien, es increíble como te cuidan. Están siempre atentos a todas las necesidades que puedas tener, a cómo te sientes. Con esto lo que demuestran es que todo esto se puede hacer y se puede hacer bien.

Siempre que llego a Madrid me siento como en casa. Por eso estar aquí para mi es tan especial. Me siento muy querida y apreciada. Si tuviera que elegir otro país donde vivir, sin duda sería España.

Sin duda es muy importante la salud física, pero es también muy importante la salud mental y emocional y la música nos cura. Es como una medicina del alma. Hay mucho público que quiere volver al teatro y espero que en Italia se pueda encontrar muy pronto una solución, por el público, por nosotros y por toda la familia que está dentro del escenario, que no se ve y que lo está pasando muy mal. El teatro es un engranaje de una máquina que funciona cuando todas las partes están presentes, como la vida.

B.C: ¿Qué opina que Madrid esté siendo casi la única ciudad de Europa que tiene los teatros abiertos?

A.S: ¡Es un milagro!. Yo, hasta el último minuto antes de tomar el avión para llegar hasta aquí, no sabía si podría venir. No me lo creía, por eso digo, ¡viva Madrid!, que ha puesto la música y la cultura en un lugar importante. La salud es importante, la economía es importante pero… no se puede quitar a la gente la posibilidad de soñar, de vivir y de compartir emociones, esto forma parte de la vida. La música es oxígeno, es vida. Gracias Madrid por ser un ejemplo en el que pueden inspirarse los demás, es la demostración de que se puede hacer. Madrid es un ejemplo de como se puede seguir adelante.

B.C: En mayo volvió a los escenarios en Wiesbaden, ¿cómo fue esa experiencia en un momento tan dramático como el que estábamos pasando?

A.S: Marzo y abril fueron unos meses muy crueles en el lugar donde yo vivo. En dos meses no pude cantar porque en ese momento había mucho sufrimiento, muchas víctimas. Era como una guerra. Y la voz participaba de este luto y no sentía la necesidad de volver a cantar.

Wiesbaden ha sido como un arco iris en el cielo después de la lluvia y la tormenta. Yo tenía este contrato hacía tiempo y pensaba que el recital se iba a cancelar. Pero no se canceló. Alemania decidió representarlo sin escenificación y lo organizaron todo. Al llegar al aeropuerto de Malpensa, desértico, yo empecé a llorar al ver a toda la gente cubierta con trajes de protección, era todo increíble. Cuando llegué a Alemania, su situación sanitaria no era tan mala y todo me pareció como un sueño. No lo podía creer.

La peculiaridad es que tenía que hacer la función sin coro y sin orquesta, era una selección de arias y duetos de Carmen y en el camerino estaba yo sola. Había llevado una maleta con vestidos similares a los de la producción, pero míos. Cantaba un aria, volvía al camerino a cambiarme para la siguiente aria pero lo hacía todo sola, no había nadie para ayudarme o indicarme. Al final, lo importante es que la música estaba ahí y yo estaba cantando. En el teatro había unas 200 personas y me pareció que estaba lleno. Ese día salió de mi todo lo acumulado en mi corazón los meses anteriores. Todo el sufrimiento, todas las emociones, todas las reflexiones, todo traducido en música. Creo que esta intensidad llegó al público porque al final lloramos juntos de la emoción. Es algo que no podré olvidar.

B.C: ¿Cómo se está trabajando ahora de cara al futuro, no tiene que ser fácil preparar una agenda?.

A.S: No, no lo es. Lo difícil es reorganizar todas las cancelaciones que ha habido todo este año. Yo tengo actuaciones que se habían cancelado y ahora se han programado en fechas donde ya tengo otros compromisos. La situación es complicada para conseguir cuadrar fechas, a pesar de la incertidumbre. Pero soy una cantante muy afortunada porque en estos meses he podido seguir trabajando, menos marzo y abril que para mi han sido meses de silencio.

Nuestra vida era muy acelerada, siempre corriendo y viajando a todas partes y, de repente, todo se paró. Durante esos meses he tenido mucho tiempo para reflexionar, para disfrutar de mi familia. Empiezas a dar valor a las cosas pequeñas, aquellas cosas que son realmente importantes. Es extraño porque descubrimos cosas que ya sabíamos pero que observas con otro punto de vista.

B.C: ¿En qué situaciones especiales se ha visto profesionalmente en estos meses?

A.S: Todo lo que ha pasado nos ayuda a redimensionarnos. He cantado en streaming en un teatro vacío y he llorado de emoción. He cantado en el cementerio de Bérgamo como homenaje a las víctimas de nuestra tierra. En abril pude cantar en la misa de Pascua en mi ciudad, después de dos meses en que mi voz no quería expresarse pero, en esos momentos, la voz se proyecta. Y lo hace porque tiene un motivo, era como una plegaria. La voz retomó su camino para volver a cantar porque, al final, no cantamos solo con la cabeza. Estamos acostumbrados a cantar en situaciones diversas, pero estas han sido especiales.

Entrevista: Paloma SanzAdalgisa-AnnalisaStroppa

Tras el éxito de su primer concierto como conjunto residente del II Círculo de Cámara, el Cuarteto Mandelring regresa a Madrid para ofrecer el segundo concierto de la integral de los Cuartetos de Dmitri Shostakóvich (1906-1975). Esta nueva cita con el prestigioso cuarteto alemán tendrá lugar el domingo 7 de marzo, en el Teatro Fernando de Rojas del Círculo de Bellas Artes. En esta ocasión, el Cuarteto formado por Sebastian Schmidt (violín), Nanette Schmidt (violín), Andreas Willwohl (viola) y Bernhard Schmidt (violonchelo), interpretará el Cuarteto nº 5, op. 92 (1952), el Cuarteto nº 6, op. 101 (1956), el Cuarteto nº 7, op. 108 (1960) y el Cuarteto nº 8, op. 110 (1960).

Días después, el Cuarteto Mandelring viajará a Valencia para ofrecer un concierto el día 9 con obras de Haydn, Shostakóvich y Dvorak, en el marco de la programación de la Sociedad Filarmónica de Valencia.

Además, el Cuarteto Mandelring anuncia la salida al mercado de un doble trabajo discográfico dedicado enteramente al repertorio francés. El próximo mes de abril se publicará el primer disco, con cuartetos de Ravel y Fernand de La Tombelle.

https://mandelring.com/

Con ‘Amores en zarza’ se cumple la quinta temporada del Proyecto Zarza del Teatro de la Zarzuela, zarzuela hecha por jóvenes y para jóvenes, que nació de la mano de su director, Daniel Bianco, con el propósito de popularizar el género entre las nuevas generaciones, las del siglo XXI. El público joven tiene una relevancia decisiva en el actual proyecto del coliseo, que de esta forma pretende que aquel se aproxime sin miedo y exento de prejuicios a la zarzuela, dando así continuidad al género y afianzando su futuro.

Es por ello que el Proyecto Zarza es una de las iniciativas estrella del Teatro. Dirigido a un público de entre 12 y 18 años, el título escogido en esta quinta edición es ‘Amores en Zarza’, con texto original del dramaturgo y novelista Nando López, especialista en literatura juvenil, entre cuyo público es una auténtica estrella. Se trata de una historia coral que describe diferentes formas de vivir el amor sin prejuicios, escrita en torno a composiciones de diversas zarzuelas de Federico Chueca, Joaquín Valverde, José Serrano, Pablo Sorozábal, Ruperto Chapí y Gerónimo Giménez. Y como ya es habitual, estará interpretada por jóvenes cantantes de entre 18 y 30 años elegidos a través de un riguroso proceso de audiciones en las que han participado más de 250 artistas. Puede decirse que estos cantantes-actores forman hoy por hoy la joven compañía del Proyecto Zarza, y que cumplen también la misión de servir como cantera para las grandes producciones del Teatro. Y es que, a partir de su participación en el Proyecto, un buen número de ellos ha intervenido ya en algún título de las temporadas líricas.

En Esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela, la dirección musical y la escénica correrán a cargo, respectivamente, del Maestro Miquel Ortega (desde el piano) y de Rita Cosentino, y los diecisiete actores-cantantes estarán acompañados por una orquesta de cámara integrada por ocho jóvenes músicos. Las funciones programadas se presentarán en la sala principal del Teatro de la Zarzuela del 26 de febrero al 5 de marzo, y se alternarán pases escolares (para alumnos de ESO y Bachillerato) y funciones para el público general (26, 27 y 28 de febrero y 4 y 5 de marzo) con un total de 9 sesiones. Tal y como se ha venido haciendo en las cuatro ediciones precedentes, tras el espectáculo se celebrará un coloquio entre el público y los artistas.

La función escolar del martes 2 de marzo (11h00) será emitida en directo a través de Facebook, YouTube y la página web del Teatro.

El Proyecto Zarza, zarzuela hecha por jóvenes para jóvenes, supone un éxito rotundo cada temporada. Desde que se iniciara hace ya cuatro, han ocupado las butacas del Teatro 26.000 espectadores que acudieron a las funciones de ‘La revoltosa’, ‘El dúo de La Africana’, ‘La verbena de La Paloma’ y ‘Agua, Azucarillos y Aguardiente’, y otras decenas de miles que han podido disfrutar de ellas online.

El amor y la magia

Estos ‘Amores en zarza’ están concebidos de acuerdo con el espíritu, la filosofía y la intención que desde el principio mueven este admirable Proyecto Zarza: acercar el género de la zarzuela a las nuevas generaciones, “y qué mejor manera de hacerlo que a través de sus propias inquietudes”, señala Nando López. Para ello, esta historia que comienza en el anochecer de un 15 de agosto cualquiera del siglo XXI, con un grupo de jóvenes que se reúne en un parque de las afueras de la ciudad dispuestos a subirse a un Cercanías rumbo a la Latina para celebrar las fiestas de La Paloma. A partir de ahí suceden muchas cosas, se tejen esperanzas inesperadas con sueños pendientes y, como dice el propio autor, “quizá no sea el azar el verdadero culpable de cuanto ocurre en esta particular —y algo shakespeariana— noche de verano en la que se acabarán enzarzando las vidas de todos…”. La magia es crucial en este particular cuento. Real como la vida misma.

Esta nueva dramaturgia juega y se recrea con composiciones de zarzuelas como el Pasacalle de ‘El año pasado por agua’ de Chueca y Valverde, “A una gitana presiosa” de ‘La alegría del batallón’ de Serrano, “¡Qué partío has perdido, chiquillo!” y “La petenera” de ‘Don Manolito’ de Sorozábal, “Hágame usté el favor de oírme dos palabras” de ‘El año pasado por agua’ de Chueca y Valverde, “Yo soy español” de ‘La patria chica’ de Chapí, “Chinochilla de mi charniqué” y “¿Quién es usté?” de ‘La del manojo de rosas’ de Sorozábal, “Tambié yo me sofoco” de “La boda de Luis Alonso” de Giménez, el Fandango de ‘Los burladores’, “Yo soy español” de ‘La patria chica’ de Chapí, ‘Bailar al fin podemos ya’ de ‘El baile de Luis Alonso’ de Giménez o el Pasacalle de ‘La alegría de la huerta’ de Chueca.

Sugestiva, dinámica, fresca y poderosa apuesta que una vez más celebra el compromiso del Teatro con los jóvenes artistas y los jóvenes espectadores.

Viernes 26 de febrero 19h00 (función abierta)

Sábado 27 de febrero 19h00 (función abierta)

Domingo 28 de febrero 12h00 (función abierta)

Lunes 1 de marzo 12h00 (función escolar)

Martes 2 de marzo 11h00 (función escolar) en directo en STREAMING

Miércoles 3 de marzo 11h00 (función escolar)

Jueves 4 de marzo 12h30 (función escolar) y 19h00 (función abierta)

Viernes 5 de marzo 11h00 (función escolar) y 19h00 (función abierta)

El tenor Pablo García-López regresa el 3 de marzo al escenario del Gran Teatro de Córdoba, su ciudad natal, para ofrecer un programa de canciones de autores españoles entre los que se incluyen Óscar Esplá, Eduardo Toldrá, Falla, Turina o Antón García Abril.

“Es un programa que conozco muy bien y al que tengo enorme cariño. Soy un gran defensor de la canción española de concierto, que lamentablemente creo que se está perdiendo, especialmente en las interpretaciones de hombres, por lo que el concierto de Córdoba es una excelente ocasión para rescatar y valorar este gran repertorio”, señala el tenor.

No en vano, algunas de las canciones del concierto del día 3 de marzo se incluyen en el disco Rutas, grabado por Pablo García-López con Aurelio Viribay al piano en 2020. Las de Toldrá y Esplá, de las más conocidas de este concierto, por ejemplo, “son canciones con las he crecido –explica Pablo García-López- y gracias a ellas empecé a amar la música española”.

Tanto la canción española como el lied, que el tenor conoció profundamente en sus años de residencia en Alemania, son géneros con los que conecta muy bien en lo emocional y en lo técnico, por lo que forman parte importante de su repertorio y su carrera.

Pablo García-López actuará en Córdoba el 3 de marzo, tras su último trabajo en enero de este año en Manon Lescaut, de Puccini, en Baluarte de Pamplona. Su siguiente compromiso lo sitúa en mayo en la Ópera de Zúrich, con Capricho, de Richard Strauss.

GRAN TEATRO DE CÓRDOBA

LA CANCIÓN ESPAÑOLA

3 de Marzo de 2021 (hora por determinar)

Pablo García-López, tenor

Orquesta de Córdoba

Director: Carlos Domínguez-Nieto

PABLO LUNA (1879-1942): La canción española – El niño judío (1918) – Versión orquestal

OSCAR ESPLÁ (1889-1976): Canciones playeras (1930)

ANTÓN GARCÍA ABRIL (1933*): Canción de la noche blanca (1992)

EDUARD TOLDRÁ (1895-1962): Tres canciones castellanas (1941), La zagala alegre (Orq.-Ros Marbá), Madre unos ojuelos vi (Orq.-Toldrá), Nadie puede ser dichoso (Orq.-Ros Marbá)

JESÚS GURIDI (1886-1961): Amorosa de las «10 Melodías vascas» (1940)

FREDERIC MOMPOU (1893-1987): Combat del somni (1950)

TOMÁS BRETÓN (1850-1923): Polo gitano de «Escenas andaluzas» (1894)

JOAQUÍN TURINA (1882-1949): Poema en forma de canciones, op. 19 (1917) Dedicatoria, Nunca olvida, Los dos miedos, Cantares

MANUEL de FALLA (1882-1949): Jota de «El sombrero de tres picos» (1919)

Si bien autores como el abate Ranieri Capponi, Niccolò Susier, Nicola Romaldi, Giovanni Pietro Sesto da Trento o Francesco Piccone en la actualidad no son tan conocidos por el gran público como Vivaldi, Bach o Händel, su obra merece la pena rescatarla del olvido al tratarse de auténticas joyas del Barroco. Es lo que han realizado Juan Carlos Muñoz y Mari Fe Pavón, miembros fundadores del afamado grupo Artemandoline que, con sus instrumentos originales, vienen brindando nueva vida al repertorio de la mandolina barroca en todas sus expresiones. En Italian Baroque Mandolin Sonatas, su nuevo trabajo discográfico, ambos revisan obras maestras de los compositores antes citados aportando, además, primeras grabaciones mundiales de cinco obras nunca antes editadas en CD.

El repertorio del disco, producto de años de investigación musicológica, pertenece a un período muy fértil en la historia del instrumento y de la forma sonata. En la época del Barroco la mandolina estaba en pleno auge y eran muchos los músicos que se interesaron en explorar los nuevos medios de expresión que ofrecían, consolidando un gran refinamiento estético gracias al pleno desarrollo de la técnica interpretativa.

La sonata italiana, que llega a su punto álgido en este período, es la forma que predomina en un disco que se pasea entre los siglos XVII y XVIII centrado en creadores que resultaron ser auténticos precursores tanto de la forma como de la técnica interpretativa. “Al acercarnos a las sonatas de mandolina en esta grabación nos sedujo inmediatamente su alta calidad de escritura, su variedad y su lado jubiloso”, afirma Juan Carlos Muñoz. “Las sonatas son animadas y están imbuidas de movimientos contrastantes, marcados por cambios de carácter y de tempo”.

Se trata de composiciones de gran libertad en la estructura, “aspecto que, como intérpretes, también nos deja muy libres en la interpretación”, apunta Mari Fe Pavón. “El uso frecuente de patrones de bajo ostinato permite una forma más creativa de tocar que resalta en la interpretación la búsqueda de colores como modo de expresión. En relación a las posibilidades de articulación, los cambios de tempi y matices, podemos, en esta música, transcribir afectos y emociones abriendo un camino directo al corazón del público”. Juan Carlos Muñoz también puntualiza que “los colores buscados no se deben al azar, porque nuestro objetivo es que las sonatas ganen siempre en novedad y frescura. El bajo continuo, en este sentido, permitió muchas variaciones en instrumentos como el clavecín, órgano, violonchelo, tiorba, guitarra y violone”.

Para comprender mejor la tradición de la sonata italiana e identificar los rasgos estilísticos del repertorio instrumental “hay que saber apreciar el aporte de compositores como Capponi, Romaldi, Trento o Susier, relegados con demasiada frecuencia a un segundo plano en comparación con los compositores de esa época”, explica Mari Fe Pavón. “Se trata de músicos que con su obra contribuyeron al modelo compositivo de la sonata de principios del siglo XVIII, un género independiente en la vida musical de la época que se convirtió en parte integral del entretenimiento cortesano”.

Italian Baroque Mandolin Sonatas propone un programa ambicioso y fascinante que se pasea por lo mejor de la creación de la mandolina barroca de la época deteniéndose sobre todo en centros de producción tan importantes como fueron Florencia y Roma.

Con su disco más reciente, Venice’s Fragrance, grabado junto a la soprano Núria Rial, Artemandoline ha conseguido una nominación para los International Classical Music Awards 2021.

Artemandoline

Tras el gran éxito de crítica y público recogido por la soprano Lisette Oropesa, que el pasado 6 de febrero puso en pie el auditorio del Euskalduna Bilbao en el primer recital del ciclo ABAO on Stage, ABAO Bilbao Opera presenta ahora los protagonistas de los próximos tres nuevos recitales: el debut en ABAO de la magnética mezzosoprano Anita Rachvelishvili, el indiscutible maestro y compositor Pedro Halffter, y el extraordinario dúo formado por el barítono Carlos Álvarez y la soprano Rocío Ignacio. Todos los recitales están patrocinados por la Fundación BBVA, patrocinador principal de la temporada.

La voluntad y el compromiso de ABAO Bilbao Opera sigue siendo ofrecer espectáculos en vivo y en directo y emocionar al público, tal y como lo ha hecho históricamente.

Respetando todos los protocolos sanitarios y de seguridad, y las medidas adoptadas para frenar el Covid 19, ABAO quiere demostrar su buena salud artística, haciendo gala de su reputación como institución operística de grandes voces, con seis selectos recitales con algunas de las figuras más aclamadas del momento, y representaciones en el Euskalduna Bilbao y en la Sociedad Filarmónica de Bilbao. El programa ABAO on Stage se desarrolla entre los meses de febrero a mayo.

Anita Rachvelishvili, la mejor mezzosoprano verdiana de la actualidad

La mezzo más destacada en roles que demandan voz poderosa y timbre seductor.
Una ocasión única para disfrutar del magnetismo y la potencia vocal de la artista, en un exclusivo programa para voz y piano.
Al piano el reconocido maestro Vincenzo Scalera.

El recital del sábado 27 de febrero a las 19:00h en el Euskalduna Bilbao lo interpretará la poderosa mezzosoprano Anita Rachvelishvili.

La cantante, que debuta en ABAO, está considerada como la reina indiscutible de las mezzos dramáticas. Apadrinada por Daniel Barenboim y bendecida por Riccardo Muti como “la mejor mezzosoprano verdiana de la actualidad”, Anita Rachvelishvili es una intérprete requerida por los mejores teatros del mundo cuya actuación deja sin aliento a quienes tienen la fortuna de verla en vivo y en directo.

Intérprete de raza, galardonada con el Opera Awards 2020 como “Best Singer”, la georgiana posee una impresionante potencia vocal que acapara la actualidad por su fuerte instinto dramático y temperamento arrollador.

La crítica internacional dice de ella que “seduce al público con su voz exuberante y timbrada, amplio registro, intensa expresividad y magnética presencia escénica”.

El programa está marcado por piezas y arias que son significativas para la artista, donde explora la parte más dramática del repertorio de mezzosoprano y estará acompañada al piano por el conocido maestro italiano Vincenzo Scalera.

Comenzará el recital con grandes nombres del repertorio ruso con “Un corazón solitario”, “Noche” y “Reconciliación”, de Chaikovski, tres canciones dedicadas al amor y sus sufrimientos, a las que seguirán tres piezas de delicada melancolía: “Aquí se está bien”, “¡Oh! No te aflijas” y “No cantes más” de Serguéi Rajmáninov. Las piezas eslavas darán paso a “Siete canciones populares españolas” de Manuel de Falla, un alarde lleno de pasión, fuerza y expresividad.

La segunda parte comenzará con el italiano Francesco Tosti con “Non t’amo più” y “Tristezza”, que demuestra la versatilidad de la artista, y continuará con las famosas arias de Il Trovatore, “Stride la vampa” y Don Carlo, “Nel giardin del bello saracin ostello” de Verdi, una pieza de carácter lírico que exige agilidades donde la artista destaca por la explosión brillante de sus medios vocales. Concluye el programa con el aria “Mon coeur s’ouvre à ta voix” de Samson et Dalila, donde Rachvelishvili transmite toda la fuerza, el intimismo y la intensidad de seducción de la ópera de Saint-Saëns.

Pedro Halffter, la ebullición creativa del maestro y compositor

Experto en el esplendor del repertorio alemán.
Sus actuaciones destacan por su sensibilidad emocionante y compleja.
Una sorprendente y personal interpretación a piano de la magnífica producción wagneriana.

El director de orquesta y compositor Pedro Halffter, considerado el director español de referencia en el repertorio wagneriano, y que la temporada pasada dirigió un magnífico Der fliegende Holländer en ABAO, actuará en la Sociedad Filarmónica el 13 de marzo a las 19:00h.

Halffter, celebrado y aplaudido en el mundo de las artes donde destaca por su enorme y compleja sensibilidad, y aclamado como uno de los directores más importantes del repertorio sinfónico de su generación, nos invita a un viaje emocionante por las páginas más famosas del repertorio wagneriano, con un programa para piano que incluye piezas de Parsifal, Der fliegende Holländer, Götterdämmerung, Rienzi y Tristan und Isolde.

El maestro hará una breve introducción comentada a cada pieza, aportando un importante valor añadido al excepcional programa, y transmitiendo de forma completa el impulso creativo y la originalidad de la obra de Richard Wagner.

La fusión vocal de Carlos Álvarez y Rocío Ignacio

Barítono y soprano en perfecta simbiosis que revela los territorios artísticos en el que destacan ambos artistas.
Un programa extenso con dúos y arias de conocidas óperas.
Al piano el maestro bilbaíno Rubén Fernández Aguirre.

El recital del dúo formado por el carismático Carlos Álvarez una de las voces más bellas de barítono lírico verdiano de las últimas décadas, y la versátil Rocío Ignacio una de las sopranos más destacadas de su generación, intérpretes muy queridos por el público bilbaíno, se celebrará el 17 de abril a las 19:00h en la Sociedad Filarmónica.

Álvarez e Ignacio, poseedores de una dilatada y contrastada carrera profesional, darán muestra de su desenvoltura escénica y gran personalidad a través de un programa extenso, con dúos y arias de óperas tan conocidas como: Henry VIII, Louise, Hamlet, Turandot, Zazà. Paggliacci, Un ballo in maschera, Simon Boccanegra e Il Trovatore.

Acompañados al piano por el maestro vasco Rubén Fernández Aguirre, darán muestra de su dominio, elegancia, sabiduría dramática, fusión vocal y lírica conmovedora.

Fundación BBVA: impulso al conocimiento científico y cultura

La Fundación BBVA, cuyo rasgo diferencial es el impulso al conocimiento tanto científico como cultural, articula su programa de Música como un recorrido completo por las distintas formas en que la sociedad puede beneficiarse y disfrutar de esta manifestación artística. Así, promueve la creación de obra nueva con encargos de composición y hace posible su preservación y difusión por medio de grabaciones en colaboración con sellos e intérpretes de primera línea.

Fomenta la música en directo a través de ciclos de conciertos que, de forma gratuita, ponen al alcance del público ensembles y solistas de referencia en el repertorio contemporáneo. Organiza ciclos de conferencias y edita publicaciones para comprender mejor el trabajo de ciertos autores o sumergirse en el estudio de determinados períodos compositivos y lleva a la práctica proyectos de investigación y creación altamente innovadores con las Becas Leonardo en Música y Ópera.

Organiza simposios especializados sobre gestión de orquestas, colabora con formaciones musicales y teatros de todo el país y reconoce la excelencia a través del Premio Fronteras del Conocimiento en Música y Ópera y el Premio de Composición AEOS-Fundación BBVA, en colaboración con la Asociación Española de Orquestas Sinfónicas.

Entradas a la venta

Las localidades para el recital pueden adquirirse con tarifas asequibles para todos los públicos: 15€ para los jóvenes Gazteam ABAO, 20€ y 40€ para los socios de ABAO joven y adulto respectivamente, y 30€-60€ precio de venta al público joven hasta 30 años y adulto.

Se pueden adquirir en las oficinas de ABAO, a través de www.abao.org y en el teléfono: 944 355 100

Música, drama y emoción serán absolutos protagonistas del escenario del Teatro Real con la llegada de Norma, ópera de Vincenzo Bellini (1801-1835), de la que se ofrecerán 12 funciones entre el 3 y el 19 de marzo en una nueva producción concebida por el director de escena Justin Way, con dirección musical de Marco Armiliato.

Considerada una de las obras cumbres del belcanto, su extraordinaria belleza melódica enmascara una enorme dificultad vocal, especialmente en el papel protagonista, y con ella Bellini manipula como nadie las emociones más encendidas del melodrama. Norma posee, además, una extraordinaria dramaturgia que expone a los personajes en diferentes niveles y muestra con valentía sentimientos y actitudes casi ocultos hasta entonces en la mujer. Es, quizás, esa percepción fuerte y moderna del mundo femenino la que hace de esta ópera uno de los títulos más deseados de la temporada.

Justin Way sitúa la acción en el interior de un viejo teatro italiano con toda la compañía ensayando Norma. En el exterior, el siglo XIX, que ha comenzado marcado por el Congreso de Viena tras la derrota de Napoleón, mantiene el norte de Italia bajo la dominación austriaca, cuyo gobierno reaccionario provoca el nacimiento de los primeros movimientos nacionalistas. Entre ambos mundos, los dos intérpretes principales de la función mantienen una relación secreta sometida a tensiones personales y sociales, inmersa en un conflicto que no saben gestionar.

La propuesta plantea un paralelismo entre el argumento de la ópera y la realidad histórica del momento de su estreno en Milán en 1831, ofreciendo al espectador la dualidad prima donna/Norma, austriacos/romanos, coro/patriotas italianos…en una narración de la que es doblemente observador.

La escenografía de Charles Edwards reproduce la estructura de un teatro en decadencia, con viejos telones pintados similares a los utilizados por los grandes ballets románticos, y el vestuario de Sue Willmington dibuja una imaginativa indumentaria para druidas y romanos, muy al gusto de la época, alternándose con figurines decimonónicos para la vida “real”. Nicolas Fischtel, responsable de la iluminación, evoca las candilejas de los escenarios de otros tiempos, cuya cálida luz contribuye al juego onírico en el que conviven ambas realidades.

El maestro Marco Armiliato, de cuya sensibilidad pudimos disfrutar en Tosca (2004) y Madama Butterfly (2017) regresa al foso del Teatro Real para ponerse al frente del Coro y la Orquesta Titulares, junto a un doble reparto encabezado por la soprano española Yolanda Auyanet – a quien escuchamos en el Real como Vitellia en La clemenza di Tito (2016); Mimi en La bohème (2017) y Liu en Turandot (2018)- y la rusa Hibla Gerzmava, intérprete de Leonora en Il trovatore del Real en 2019.

Completan el trío protagonista los tenores Michael Spyres y John Osborn, encarnando al romano Pollione y las mezzosopranos Clémentine Margaine y Annalisa Stroppa, dando vida a la virginal Adalgisa. El papel de Oroveso estará en manos de los bajos Roberto Tagliavini y Fernando Radó.

En torno a este título, el Teatro Real ofrecerá una nueva sesión de Enfoques en la que participarán los principales artistas de la producción y donde se interpretará el aria de Oroveso compuesta en 1837 por Richard Wagner “a la manera de Bellini”, en complicidad con el compositor de Siegfried, cuyas representaciones se alternarán durante este mes con Norma. La cita será el próximo miércoles, 24 de febrero, a las 20.15 horas en la Sala Gayarre (a la que se puede asistir con aforo limitado) y on line a través del canal de Youtube del Teatro. Y el día 14 de marzo, con el tono alegre y desenfadado de los talleres familiares ¡Todos a la Gayarre!, entre pócimas y conjuros, descubrirán la otra cara de Norma.

Debido al toque de queda vigente en la Comunidad de Madrid, relativa a los protocolos Covid-19, todas las funciones de Norma darán comienzo a las 19.00 horas, con excepción del domingo 7 de marzo, que será a las 18.00 horas.

ACTIVIDADES PARALELAS · NORMA

Museo Arqueológico Nacional

24 de marzo, a las 17.30 horas. Visita guiada: Norma. Veni, vidi, vici. Roma conquistadora

Aforo limitado. Información

Veni, vidi, vici. Así señalaba Julio César la rapidez con la que se consigue un éxito. En este itinerario nos trasladamos a época romana para conocer cómo se fue forjando lo que acabaría siendo uno de los mayores imperios. Un ejército muy bien estructurado, una lengua común, el derecho romano y otros aspectos serán claves para la romanización de Hispania.

Museo Nacional del Romanticismo

Marzo. Una obra, una ópera.

Actividad gratuita

Para Una obra, una ópera, el Museo del Romanticismo ha seleccionado un conjunto de figuras policromadas de su colección, datado hacia 1840, que recuerda a una escena de la ópera en la que Norma, cuchillo en mano, entra en la habitación donde duermen los niños. Polión, por su parte, con su mano derecha en el corazón parece conmovido en la escena final de la obra, en el momento en el que Norma expresa ante el pueblo su amor por Polión y reconoce haber infringido sus votos sagrados.

Fotografía: Javier del Real

Siegfried, el heroicoSiegfried
Richard Wagner (1813-1883)
Segunda jornada en tres actos del festival escénico Der Ring des Nibelungen
Estrenada en el Festtspielhaus de Bayreuth en 1876
D. musical: Pablo Heras-Casado
D. escena: Robert Carsen
Escenógrafo y figurinista: Patrick Kinmonth
Iluminador: Manfred Voss
Orquesta Titular del Teatro Real
Reparto: Andreas Schager, Andreas Conrad, Tomasz Konieczny, Martin Winkler. Jongmin Park, Okka von der Damerau, Ricarda Merbeth, Leonor BonillaEn momentos extraordinarios, hacer el trabajo de cada día puede convertirse también en algo extraordinario. Eso está ocurriendo en el Teatro Real, que continua con su programación y estos días representa la tercera entrega del Anillo wagneriano, nada menos que ‘Siegfried’.Y lo hace sin que le falte de nada. ¿Qué la orquesta no cabe en el foso, por aquello de la distancia de seguridad?, pues se reparte por los palcos de platea. Arpas a un lado, metales a otro. ¿Qué la obra dura casi cinco horas y a las 22:00 hay que estar en casa?, pues se empieza a las 16:30. ¿Qué es mucho tiempo en una sala cerrada para tanto público?, pues se mejora el sistema de renovación de aire y en lugar de renovarlo 4 veces a la hora, se renueva 8. ¿Qué coincide con las representaciones de Norma?, ¡pues como en otras ocasiones!, ¿dónde está el problema?. Está claro que el problema lo tienen otros.Llegamos con Siegfried a la segunda jornada del festival escénico Der Ring des Nibelungen. Aunque en realidad es la tercera de la tetralogía, ya que Wagner compuso esta obra descomunal empezando por el final, demostrando su control sobre la unidad dramática mucho antes de iniciar su composición.Todo empezó hace dos temporadas con Das Rheingold, donde Wagner contextualiza la historia. Continuó la temporada pasada con Die Walküre, que nos muestra los orígenes del protagonista. Ahora llega Siegfried, que expresa su máximo esplendor. Y la próxima temporada veremos Götterdämmerung, que narra el ocaso y derrota del personaje.En este aparente caos en el orden compositivo, Wagner realizó varias interrupciones y diversas modificaciones, tanto en el libreto como en la partitura, durante la composición de Siegfried. En mayo de 1857, abandona la composición de esta obra en pleno segundo acto para centrarse en Tristan und Isolde y Die Meistersinger von Nürnberg. No sería hasta doce años después, en 1869, cuando reanudó su composición que dio por terminada del todo en 1871.

Fascinado por la mitología y amante de la naturaleza, Wagner crea un universo oscuro presidido por la destrucción. Y los dioses, que son muchas veces metáfora del ser humano, personifican esta destrucción.

Dentro de este universo de devastación, Wagner ve en Siegfried el modelo de hombre nuevo, que está libre de moral y convenciones sociales, que no se sujeta a las leyes que rigen el mundo y que es capaz de enfrentarse sin miedo a los dioses. Pero este comportamiento casi heroico es también muy inocente, pues Siegfried no es consciente de que sus hazañas benefician a aquellos contra los que lucha, el universo desolador en el que reina Wotan.

Como esta es la crónica del ensayo general, no hablaremos de las voces. Pero si quiero advertir de su excelente nivel, sobre todo el Siegfried del tenor austríaco Andreas Schager, que opina que ”para hacer Siegfried no hay que tener miedo a nada”, y Schager demuestra no tenerlo.

El resto de voces están a una gran altura. Mucha calidad en este reparto con Ricarda Merbeth, como Brünnhilde. El Mime del italiano Andreas Conrad. Tomasz Konieczny, como el caminante. El nibelungo Alberich interpretado por Martin Winkler. El coreano Jongmin Park como Fafner. Erda, la diosa de la tierra, magnífica en la voz y la interpretación de Okka von der Damerau y la sevillasa Leonor Bonilla, que se encargó de poner voz al pájaro del bosque.

Como en el resto de la tetralogía, Siegfried requiere de una orquesta de dimensiones máximas y desconocidas hasta ese momento. Es aquí donde el Teatro Real obra el primer milagro, y haciendo de la necesidad virtud, manteniene las seis arpas que exige el compositor situadas en uno de los palcos de platea, los más próximos al foso. En el palco opuesto, se sitúan el grupo de metales más graves. De esta forma, el grueso de la orquesta apenas ha quedado reducida. Tan solo se ha prescindido de algunos elementos de cuerda, un par de violines, un par de chelos… El resultado sonoro es envolvente, pero evidencia algunas dificultades a la hora de empastar o de mantener ciertos equilibrios sonoros.

Para abordar la escenogafía, Robert Carsen y Patrick Kinmonth, utilizan como metáfora la destrucción de la naturaleza, dando continuidad a la línea iniciada hace dos temporadas. El resultado escénico es, básicamente, feo y desolador.

Carsen descontextualiza completamente la música de Wagner y lo cede todo a un espectáculo, que no es tal. La naturaleza aparece devastada, el pájaro está muerto, los árboles han sido talados y solo la inocencia de los dos protagonistas despiertan un poco de luz y esperanza.

Se limita a ejercer la crítica sobre el cambio climático de manera simple y llena de lugares comunes, con escenografías cada vez más austeras y minimalistas. La belleza permanece ausente de sus producciones actuales. Como nos acordamos de aquella Katia Kavanovà (2008) o Dialogues de carmélites (2006).

Otro éxito que se apunta el Teatro Real ante la incredulidad y el asombro del resto de teatros del mundo. Como dice su director, Joan Mataboch (que como Siegfried, no tiene miedo a nada), el secreto está es anticiparse a los acontecimientos para dar solución a los posibles problemas. Lo que está claro es que si se quiere respirar aire limpio hay que ir a Teatro Real.

Texto: Paloma Sanaz
Fotografías: Javier del Real
Vídeos: Teatro Real

Daniele Rustioni dirigirá las representaciones de ‘Falstaff’, de Verdi, que el Palau de les Arts ha programado en los días 2, 7, 11 y 14 de marzo.

Rustioni es uno de los jóvenes directores con mayor proyección en el circuito operístico. Premiado en los Opera Awards de 2013 como artista revelación, ha trabajado en los teatros más respetados como la Ópera de Baviera, la Scala de Milán, el Covent Garden de Londres, la Bastilla de París, el Metropolitan de Nueva York o las óperas de Zúrich y Stuttgart.

El ascendente director milanés toma el relevo en el foso al neoyorquino James Gaffigan que, por cuestiones de agenda, no ha podido atender el nuevo periodo de funciones de esta ópera, que tuvo que ser aplazada el pasado mes de enero por motivos sanitarios.

Rustioni comenzará esta próxima semana los trabajos con el elenco y los cuerpos estables de Les Arts: el Cor de la Generalitat y la Orquestra de la Comunitat Valenciana, a los que dirige por primera vez en su carrera. En este sentido, Les Arts informa de que se mantienen los principales intérpretes que se anunciaron para este título.

Ambrogio Maestri se pondrá una vez más en la piel de Sir John Falstaff, papel de referencia en su currículo. El barítono italiano se erige como el gran intérprete de su generación del ‘bon vivant’ que retrató Shakespeare y que ha encarnado en La Scala, el Festival de Salzburgo, el Metropolitan y la Ópera de París, además de en Zúrich, Múnich y Tokio.

Ainhoa Arteta hará finalmente su debut operístico en Les Arts como Alice Ford. La soprano guipuzcoana interpretará ante el público valenciano uno de los roles que más éxitos le han brindado en la escena internacional, en teatros como la Ópera de San Francisco o el Covent Garden de Londres.

Regresa también para este nuevo ciclo de representaciones Violeta Urmana, una de las divas predilectas de la platea de Les Arts por sus trabajos en ‘Parsifal’, ‘Iphigénie en Tauride’, ‘Medea’ o ‘Don Carlo’. La estrella lituana presenta una nueva incursión en su repertorio de ‘mezzosoprano’ con un rol inédito en su dilatada carrera, Mrs. Quickly.

El barítono italiano Davide Luciano, que recientemente debutó en València con ‘Così fan tutte’, da vida a Mr. Ford. Reconocido por sus incursiones en la ópera clasicista y belcantista, se ha revelado como uno de los nuevos valores en su tesitura con trabajos en Nueva York, Milán, Berlín o Moscú. Davide Luciano sustituye a Mattia Olivieri, que por motivos artísticos no podrá estar en València para las nuevas fechas.

Contrastados intérpretes completan el elenco de la producción, con Sara Blanch (Nanetta), Chiara Amarù (Mrs. Meg Page), Juan Francisco Gatell (Fenton), Jorge Rodríguez-Norton (Dr. Cajus), Antonio Di Matteo (Pistola) y el cantante del Centre de Perfeccionament Joel Williams (Bardolfo).

Les Arts presentará la comedia crepuscular de Verdi en la misma producción de la Staatsoper de Berlín que presentó el pasado mes de enero, con dirección escénica de Mario Martone, con escenografía de Margherita Palli, vestuario de Ursula Patzak, iluminación de Pasquale Mari y coreografía de Raffaella Giordano y Anna Redi.

La propuesta de Martone traslada la acción a la actualidad, en una gran metrópoli, con sus grafitis, clubes de dudosa reputación y personajes anacrónicos. Sir John Falstaff se convierte en un espíritu rebelde, fiel a su chaqueta de cuero y a sus patillas, que envejece pasando su tiempo en una especie de centro comunitario junto con turbulentos personajes.

Fotografía de Davide Cerati

El próximo 18 de febrero se inaugura la segunda edición del Ciclo Jóvenes Talentos Fundación Banco Sabadell, una iniciativa organizada por la Fundación Amigos del Teatro Real en colaboración con la Fundación Banco Sabadell y con la participación de los alumnos de la Escuela Superior de Música Reina Sofía. En esta segunda edición se incorporarán sesiones formativas a cargo de algunos de los directores musicales y escénicos que participan en las producciones del Teatro Real, que ayudarán a los jóvenes músicos a profundizar en el conocimiento de las óperas programadas en la presente temporada, vinculando sus explicaciones con el repertorio del Ciclo.

Las sesiones, que tendrán lugar en la Sala Gayarre del Teatro Real y en el Auditorio Sony de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, tienen como objetivo proporcionar una experiencia formativa y una oportunidad profesional a los jóvenes alumnos de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, al mismo tiempo que ofrecen contenido cultural y artístico con acceso gratuito a los Amigos Jóvenes del Teatro Real, estudiantes y Amigos Jóvenes de la Escuela Superior de Música Reina Sofía.

Tomando como referencia las óperas de la Temporada 2020-2021 del Teatro Real, el ciclo se inaugura con oberturas de Wagner, cuya ópera Siegfried se está representando estos días en el escenario madrileño.

El segundo concierto contará con un repertorio clásico y romántico, de Joseph Haydn a Vincenzo Bellini, en consonancia con la ópera Norma, en escena durante el mes de marzo en el Teatro Real.

La tercera cita del Ciclo ofrecerá obras de Benjamin Britten, autor de Peter Grimes, y para el último concierto se ha diseñado un programa dedicado al barroco musical, con piezas de Johann Sebastian Bach, Benedetto Marcello y Antonio Vivaldi, éste último de autor de la ópera Orlando Furioso, cuyo estreno tendrá lugar el próximo mes de junio en el Teatro Real.

CICLO JÓVENES TALENTOS FUNDACIÓN BANCO SABADELL

Concierto nº1
Fecha: Jueves, 18 de febrero, a las 19:30 horas
Ópera en cartel: Siegfried, de Richard Wagner
Programa:
RICHARD WAGNER: Oberturas de Tannhäuser, Lohengrin y Parsifal
FRANZ LISZT: Sonata para piano en Si menor
HENRYK WIENIAWSKI: Fantasía para violín y piano sobre temas de la ópera “Faust”, de Gounod, Op.20

Concierto nº2
Fecha: Martes, 2 de marzo, a las 20:00 horas
Ópera en cartel: Norma, de Vincenzo Bellini
Programa:
JOSEPH HAYDN: Cuarteto de cuerdas en Mi bemol Op.33 nº2
VINCENZO BELLINI: Concierto para oboe y piano en Mi bemol mayor
ANTONIO PASCULLI: Omaggio a Bellini, para corno inglés y piano
FRÉDÉRIC CHOPIN: Nocturno Op.27, nº2 en Re bemol mayor; Vals Op.64 nº3 en La bemol Mayor y Balada nº4 en Fa menor, Op.52

Concierto nº3
Fecha: Jueves, 29 de abril, a las 20:00 horas
Ópera en cartel: Peter Grimes, de Benjamin Britten
Programa:
BENJAMIN BRITTEN: Cuarteto-fantasía para oboe y cuerdas Op.2, Cuarteto de cuerdas nº2 en Do mayor, Op. 36 y Lachrymae para viola y cuarteto de cuerdas, Op.48

Cuarteto nº 4
Fecha: Martes, 29 de junio, a las 20:00 horas
Ópera en cartel: Orlando Furioso, de Antonio Vivaldi
Programa:
ANTONIO VIVALDI: Concierto para fagot en Sol menor, RV 495
ANTONIO VIVALDI / JOHANN SEBASTIAN BACH: Concierto en Re mayor, BWV 972
ANTONIO VIVALDI: Concierto para oboe La menor, RV 461
BENEDETTO MARCELLO /JOHANN SEBASTIAN BACH: Concierto en Re menor, BWV 974
JOHANN SEBASTIAN BACH: Concierto de Brandemburgo nº5 en Re mayor, BWV 1050

El ciclo Notas del Ambigú 20/21 del Teatro de la Zarzuela propone en su nueva apuesta un sorprendente viaje del Renacimiento al Barroco español a través de las influencias que la música profana y sacra ejercieron entre sí en tiempos en que las representaciones teatrales, que antes quedaban adscritas al ámbito litúrgico, comenzaban a tomar un carácter más profano para, poco a poco, salir del templo al teatro. De ahí el título de este recital de la Capilla Jerónimo de Carrión, liderada por Alicia Lázaro. ‘Del templo al teatro. Dos siglos de música sacra y profana’, se presentará el jueves 15 de febrero a las 19h00.

Acompañarán en esta ocasión a Alicia Lázaro –dirección, laúd y guitarra barroca–, la soprano Delia Agúndez, el tenor Ariel Hernández, la arpista Sara Águeda y María Alejandra Saturno a la viola da gamba.

Con un programa integrado con músicas de Juan de Urrede, Francisco Guerrero, Juan Hidalgo o Sebastián Durón, entre otros compositores, los intérpretes recorrerán en su hipnótico viaje dos siglos de música sacra y profana.

Y es que, como recuerda Alicia Lázaro, en nuestra península y con la cristianización, los templos sustituyeron a los teatros romanos como lugares de encuentro. “La liturgia es la nueva forma de representación: un conjunto de ritos por medio de los cuales la Iglesia manifiesta su devoción”, explica, y recuerda que “es en los templos católicos donde aparecerán las primeras muestras de teatro, los tropos y secuencias, los primeros indicios dramáticos en el occidente cristiano”.

Con estos antecedentes, no es de extrañar que templos y teatros pronto hayan compartido sus músicas.

Los Ambigús que vienen

Al concierto de la Capilla Jerónimo de Carrión de Alicia Lázaro, seguirá el que la soprano Cristina Toledo, acompañada por el pianista Aurelio Virivay, ofrecerá el concierto ‘Zarzuela en femenino’ con ocasión del Día Internacional de la Mujer (8 de marzo); Lamentatio. Música trobada, obras desconocidas del barroco español, más concretamente de la escuela valenciana de música sacra (22 de marzo); la mezzosoprano María Antúnez, acompañada por Rubén Fernández Aguirre al piano, ofrecerá un recital dedicado a la ‘Música uruguaya’ (19 de abril); la soprano Rocío Pérez y el pianista Ramón Grau presentarán la Integral del ciclo ‘Canciones clásicas españolas’ de Fernando Obradors (10 de mayo) y el artista Ángel Ruiz, acompañado por el pianista César Belda, presentará ‘Tributo a Iberoamérica’ (15 de junio).

Los artistas del Centre de Perfeccionament del Palau de les Arts estrenan este próximo sábado, 13 de febrero, ‘L’isola disabitata’, de Manuel García, en el Teatre Martín i Soler.

El director artístico de Les Arts, Jesús Iglesias Noriega, acompañado por el director de escena del montaje, Emilio Sagi, ha presentado hoy esta obra, que supone una nueva apuesta por la apertura a nuevos autores, además de una excelente oportunidad para los intérpretes del Centre de Perfeccionament.

Manuel García, según ha explicado Iglesias Noriega, es una figura fascinante de la vida cultural del siglo XIX. El sevillano fue cantante, compositor, actor, empresario, maestro de canto y fundador de una dinastía musical que ha llenado páginas en la historia de la lírica.

“Amigo personal de Gioachino Rossini y primer intérprete de sus títulos más importantes; padre de dos divas legendarias como las cantantes María Malibrán y Pauline Viardot-García, y también progenitor de Manuel Patricio Rodríguez García, el maestro de canto más influyente de los siglos XIX y XX, tanto su figura como su obra merecen ser objeto de estudio y reconocimiento”, ha explicado.

Para ello, Les Arts programa ‘L’isola disabitata’, una ópera de cámara —con libreto del poeta Pietro Metastasio— concebida para cuatro cantantes y acompañamiento pianístico que García compuso en 1831, un año antes de su muerte, y que, gracias a Emilio Sagi, ha vuelto al repertorio de los teatros españoles.

El director de escena ovetense dirige este montaje del Teatro Arriaga de Bilbao en coproducción con el Teatro de la Maestranza de Sevilla, con escenografía de Daniel Bianco, vestuario de Pepa Ojanguren e iluminación de Albert Faura.

Los artistas del Centre de Perfeccionament de Les Arts conforman el equipo artístico de la producción. Con el pianista Carlos Sanchis en el acompañamiento musical, Larisa Stefan (Costanza), Evgeniya Khomutova (Silvia), Jorge Franco (Gernando), Oleh Lebedyev y Max Hochmuth (Enrico) interpretan esta ópera de un solo acto y de 1 hora y 30 minutos de duración.

Ópera de salón

Según ha apuntado el propio Emilio Sagi, Manuel García compuso en sus últimos años ‘L’isola disabitata’. La obra forma parte del ciclo de óperas de salón que el tenor sevillano dejó escritas durante su periodo al frente de su respetada escuela de canto en París.

La partitura, pese a haber sido compuesta para sus alumnos, entraña una gran dificultad para los cantantes, con páginas de gran intensidad, “arias que recuerdan a Bellini, Donizetti o Rossini, los dúos del barítono y la ‘mezzo’ o una introducción musical con visos de gran obertura”.

La acción de ‘L’isola disabitata’ se desarrolla en una isla desierta donde Gernando ha llevado a su esposa, Costanza, y su hermana, Silvia, para refugiarse. Una noche, mientras duermen, Gernando es secuestrado por unos piratas. Ambas mujeres quedan abandonadas a su suerte en el lugar.

A la hora de plantear la puesta en escena, el director de escena propone un montaje quirúrgico, poco narrativo y nada realista. “Lo que más me gustó fue pensar que una isla deshabitada puede ser cualquier sitio. Todos podemos tener nuestra propia isla o en algún momento haber sentido que vivimos en una porque no encontramos a nadie con alma alrededor”, explica Sagi.

Para ello, la escenografía diseñada por Daniel Bianco cambia la vegetación y las rocas por sillas, “que son un elemento cotidiano”, mientras que Pepa Ojanguren propone un vestuario limpio y sencillo, inspirado en la moda Adlib ibicenca.

Además del estreno de este sábado, 13 de febrero, Les Arts ha programado dos funciones más de ‘L’isola disabitata’ los días 19 y 21, así como dos representaciones (16 y 24) reservadas para el Programa Didáctico. Las localidades para este espectáculo tienen un precio único de 35 euros.

Castelló y Alcoy

Según ha remarcado Jesús Iglesias Noriega, Les Arts continuará esta temporada con acciones que permitan exportar su programación más allá del edificio diseñado por Santiago Calatrava dentro de la vocación autonómica del actual proyecto artístico.

Por segundo año consecutivo, los artistas del Centre de Perfeccionament y el equipo técnico del teatro viajarán a Castelló para ofrecer un espectáculo operístico. El próximo 4 de marzo, el Teatro Principal acogerá una representación de ‘L’isola disabitata’, con la que se busca ampliar la presencia de Les Arts en la capital de La Plana junto con acciones ya consolidadas como los recitales del Centre de Perfeccionament en el Museo de Bellas Artes y los conciertos de la Orquestra de la Comunitat Valenciana en el Auditori.

Asimismo, el Calderón de Alcoy se convertirá el próximo 7 marzo en el primer teatro de la provincia de Alicante que albergue una representación de un montaje de Les Arts. La localidad alicantina, capital cultural valenciana de 2021, cerrará el ciclo de funciones de esta ópera de Manuel García.

Mañana, 12 de febrero China dará la bienvenida al Año del Buey, una fecha que tradicionalmente se celebra de forma festiva, dentro y fuera de sus fronteras, y que este año estará marcada por las restricciones provocadas por el COVID-19, que limitarán todas las actividades organizadas en torno a esta fecha, concentrando todos los eventos de forma virtual.

El Teatro Real ha querido sumarse a estas celebraciones con la retransmisión en su plataforma de vídeo, My Opera Player, del Concierto para el Año Nuevo Chino celebrado en Pekín el pasado 13 de diciembre en el National Centre for Performing Arts (NCPA), en el que su orquesta titular, dirigida por Lü Jia, interpretó música popular china, clásicos occidentales y conocidas arias de ópera.

Así, junto a la Oda a la Bandera Roja, de Lyu Quiming, y el Capricho del Lago Honghu para erhu y orquesta, que contó con la participación de Deng Jiandong en el delicado instrumento oriental, los asistentes pudieron escuchar conocidas arias de ópera como “Una furtiva lagrima», del L’Elisir d’Amore de Gaetano Donizetti; “Mercè, dilette amiche”, de I Vespri Siciliani de Giuseppe Verdi y el brindis de La Traviata, interpretados por la soprano Hui He y el tenor Jinxu Xiahou junto al coro y orquesta de la NCPA.

El concierto se ha unido también a las celebraciones del Año Beethoven al incluir en el programa la Obertura Egmont y el Concierto para Piano Núm. 5 en Mi Bemol Mayor, con Haochen Zhang como solista.

El Teatro Real forma parte de la Silk Road International League of Theaters (Liga Internacional de Teatros de la Ruta de la Seda), plataforma cultural creada por el gobierno chino para promocionar el intercambio artístico en el ámbito de las artes escénicas entre el país asiático y los demás países miembros, un total de 56, entre los que se encuentran Estados Unidos, Rusia y Francia.

My Opera Player cuenta con la participación tecnológica de Telefónica y el patrocinio de Endesa.

La mezzosoprano italiana vuelve al coliseo madrileño ahora con la ópera de Bellini e interpretando a uno de sus personajes favoritos en una temporada que también la llevará a actuar en Nápoles, Piacenza, Florencia, Festival de Savonlinna en Finlandia y al Festival Arena de Verona.

“Adalgisa es un personaje de una pureza extraordinaria”, afirma la cantante italiana Annalisa Stroppa ante su próximo compromiso madrileño con la ópera Norma de Vincenzo Bellini. Nacida en Brescia, Stroppa se ha impuesto en las programaciones de los grandes teatros del circuito internacional y ahora acaba de llegar a Madrid para iniciar los ensayos de la ópera belliniana, cumbre del bel canto romántico, que ha programado el Teatro Real. Con dirección de escena de Justin Way y con Marco Armiliato en el podio, Annalisa Stroppa asumirá el rol de la joven sacerdotisa los días 4, 7, 10, 13, 17 y 19 de marzo en el escenario madrileño.

“Cada vez que interpreto a Adalgisa disfruto de las vivencias de esta joven sacerdotisa atrapada en las redes de su primer amor. En ella todo es etéreo y la veo como una gran soñadora que, sin embargo, madura a lo largo de la ópera debido a la realidad a la que se enfrenta, muy lejana a sus fantasías, a causa del engaño de Pollione. Se trata de un personaje plagado de matices que procuro transmitir sumergiéndome en todos los sentimientos que el compositor plasmó en la partitura”, continúa la mezzo italiana. “Desde el punto de vista vocal es un rol difícil de interpretar y, al mismo tiempo, maravilloso; tengo claro que la belleza e ingravidez de las melodías de Bellini ayudan a que afloren los sentimientos más íntimos y profundos del ser humano; el suyo es sin duda el canto del alma, razón por la que adoro su música”, concluye.

Annalisa Stroppa conoce muy bien el personaje de Adalgisa, puesto que lo ha interpretado en grandes escenarios como los del Teatro Massimo de Palermo, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, el Calderón de Valladolid, el Teatro Verdi de Padua, el Staatstheater Wiesbaden, el Carlo Felice de Génova, el Colón de Buenos Aires, la Bayerische Staatsoper de Múnich o el Teatro San Carlo de Nápoles.

La mezzosoprano italiana se muestra entusiasmada de volver a España, un país, asegura, en el que se siente “como en casa. Me encanta la comida, el idioma, el carácter de la gente… Y es uno de los pocos países en los que, a pesar de la pandemia que tan negativamente ha afectado a la sociedad, ha sabido defender la cultura con teatros abiertos, los cuales están haciendo grandes esfuerzos para seguir adelante con sus programaciones con todas las medidas de seguridad necesarias. Por eso siento unas ganas inmensas de regresar ante el público madrileño”.

Tras su paso por Madrid, Annalisa Stroppa seguirá con su agenda internacional que la llevará al Teatro San Carlo de Nápoles para dar vida a Suzuki en Madama Butterfly, además de cantar el Requiem de Verdi en el Teatro Municipale de Piacenza, el rol de Preziosilla de La forza del destino en el Maggio Musicale Fiorentino, su aclamada Rosina de Il barbiere di Siviglia en el Festival de Savonlinna en Finlandia y Fenena de Nabucco en el Festival Arena de Verona.

Annalisa Stroppa

Teatro Real

Se ofrecerán 8 funciones de la ópera, entre el 13 de febrero y el 14 de marzo, que se alternarán con la nueva producción de Norma, de Vincenzo Bellini.
En la producción de la tetralogía wagneriana concebida por Robert Carsen y Patrick Kinmonth, el joven Siegfried, llamado a ser un prohombre, va descubriendo un mundo decadente, contaminado e inhóspito, resultado de la sobreexplotación irresponsable de la naturaleza.
El primer director musical invitado del Teatro Real, Pablo Heras-Casado, estará nuevamente al frente de un elenco de grandes voces wagnerianas y de la Orquesta Titular del Teatro Real.
Protagonizan la ópera Andreas Schager (Siegfried), Andreas Conrad (Mime), Tomasz Konieczny (El viandante/Wotan), Martin Winkler (Alberich), Jongmin Park (Fafner), Okka von der Damerau (Erda), Ricarda Merbeth (Brünnhilde) y Leonor Bonilla (Voz del pájaro del bosque).
Para interpretar la partitura de Siegfried guardando la distancia de seguridad sanitaria, los músicos de la Orquesta Titular del Teatro Real ocuparán, además del foso, 8 palcos a ambos lados del escenario.
Debido a la larga duración de la ópera (cerca de 5 horas) y al toque de queda vigente actualmente en la Comunidad de Madrid (22.00 horas), todas las funciones comenzarán a las 16.30 horas.
En torno a Siegfried se han organizado actividades paralelas en el Teatro Real –Enfoques, La universidad a escena y ¡Todos a la Gayarre!–, en el Museo del Romanticismo y en la Universidad Nebrija.
El Teatro Real proseguirá la grabación audiovisual de La tetralogía para su distribución internacional y emisión en My Opera Player.
Radio Clásica, de Radio Nacional de España, retransmitirá en diferido la ópera, tal como ha hecho con los dos títulos anteriores de la saga.
El Teatro Real agradece a la Junta de Amigos el patrocinio de Siegfried.

Entre el 13 de febrero y el 14 de marzo el Teatro Real ofrecerá 8 funciones de Siegfried, de Richard Wagner (1813-1883), tercera de las cuatro óperas que conforman el ciclo El anillo del Nibelungo, que se está presentando en cuatro temporadas sucesivas, con dirección musical de Pablo Heras-Casado y la icónica puesta en escena de Robert Carsen y Patrick Kinmonth concebida para la Ópera de Colonia, donde la producción se ha repuesto en varias ocasiones, siempre con un gran respaldo del público y de la crítica.

En La valquiria, Wotan, el dios que articula las cuatro óperas de La tetralogía, acaba fracasando estrepitosamente en su intento férreo de dominar el mundo. La liberación de ese gran cometido le produce una suerte de relajación que encaja con la categoría de scherzo muchas veces atribuida a la ópera Siegfried. El dios, disfrazado de Viandante cuando le conviene, indaga, reflexiona y maquina sobre el rumbo de la ‘humanidad’, velando ahora por el destino mesiánico de su nieto Siegfried.

En los dos primeros actos de la ópera, Wagner se recrea recapitulando, de forma filosófica, especulativa, dialéctica, y muchas veces irónica, todo lo acaecido en El oro del Rin y La valquiria, mientras el joven Siegfried, llamado a ser el ‘Hombre Moderno’, va descubriendo el mundo como un niño salvaje, sin miedo, sin pasado y libre de ataduras atávicas, morales y afectivas.

Entre la partitura de estos dos actos casi íntegros –una genial y endiablada prosodia musical llena de evocaciones, predicciones y advertencias entrelazadas en un sinfín de leitmotiv– y la escritura del final del segundo acto y todo el tercero, hubo un interregno de doce años con importantes cambios en la biografía de Wagner y la creación de otras obras magnas: Tristán e Isolda y Los maestros cantores de Nuremberg.

Cuando retoma la composición de Siegfried, su lenguaje musical había experimentado una gran evolución y también su visión del devenir de la saga, enriquecida por ávidas lecturas filosóficas –de Bakunin a Schopenhauer–, vivencias políticas –en una Europa en plena revolución industrial y luchas nacionalistas– y también cambios radicales en su turbulenta vida amorosa.

En el tercer acto, paroxismo de El anillo, la música alcanza un alto voltaje orquestal y armónico, cuando el temerario, indómito e infantil Siegfried descubre el miedo y tiembla finalmente con el éxtasis del amor al contemplar a Brünhilde, liberándola de su castigo con un beso redentor. Con este final feliz y luminoso culmina el ascenso del héroe antes de su fatal desenlace en El ocaso de los dioses.

En su concepción de El anillo del nibelungo, Robert Carsen, junto con el escenógrafo y figurinista Patrick Kinmonth y el iluminador Manfred Voss, trasladan el visionario universo mitológico wagneriano a un mundo también metafórico, pero más cercano a nuestra realidad, confrontando al espectador con el poder destructivo del capitalismo voraz, cuando la ambición desmesurada de poder y de riqueza conduce inevitablemente a la destrucción de la humanidad, de las relaciones interpersonales y de los lazos familiares.

Siegfried, huérfano, ingenuo, ignorante y dotado de poderes que pueden cambiar el rumbo del universo, deambula, juega y se divierte peligrosamente en un mundo contaminado y agreste, ajeno a todas las manipulaciones y maquinaciones que le harán partícipe de la destrucción de la humanidad.

Ocho cantantes con destacadas voces wagnerianas protagonizarán la ópera: los tenores Andreas Schager (Siegfried) y Andreas Conrad (Mime), los bajo-barítonos Tomasz Konieczny (El viandante / Wotan) y Martin Winkler (Alberich), las sopranos Ricarda Merbeth (Brünnhilde) y Leonor Bonilla (Voz del pájaro del bosque), la mezzosoprano Okka von der Damerau (Erda) y el bajo Jongmin Park (Fafner).

Tomasz Konieczny volverá a encarnar a Wotan (aquí disfrazado de Viandante), después de su interpretación del papel en La valquiria, y Ricarda Merbeth repetirá como Brünnhilde, volviendo a terminar la ópera como encarnación del Amor.

Para mantener la distancia de seguridad sanitaria entre sus integrantes, la Orquesta Titular del Teatro Real interpretará la colosal partitura de Siegfried, bajo la dirección de Pablo Heras-Casado, con el esfuerzo adicional de cuidar el equilibrio sonoro y la concertación con los músicos ubicados en el foso (con extensiones laterales) y en 8 palcos a ambos lados del escenario: en el izquierdo estarán la percusión y seis arpas –que tocan juntas solamente en el tercer acto de la ópera–, y en el derecho, la tuba, trompetas y trombones, que en Siegfried tienen una presencia mucho más discreta que en las restantes óperas de El anillo.

La gran gesta wagneriana culminará en la próxima temporada con El ocaso de los dioses, en la que seguiremos los pasos del héroe de la tetralogía, desde su glorificación hasta el cataclismo final, en la visión inquietante, pero también esperanzadora de Carsen y Kinmonth: un alegato en defensa de la naturaleza como un bien común que todos debemos preservar porque “solo la consciencia de los problemas de la humanidad y de nosotros mismos, permite su solución.”

Vuelve a los escenarios por primera vez este año el tenor cordobés Pablo García-López, para participar en la Temporada lírica 2020/21 de la Fundación Baluarte los próximos días 5 y 7 de febrero.

Interpretará el papel de Edmondo, el maestro de música, en una versión semiescenificada de la ópera Manon Lescaut, con dirección de Susana Gómez. García-López se une al reparto encabezado por Berna Perles (Manon Lescaut) y Walter Fraccaro (Renato des Grieux), en el que también se incorpora la Orquesta Sinfónica de Navarra y el Coro lírico de AGAO, bajo la dirección musical de Manuel Hernández-Silva.

Es el tercer título Pucciniano que el joven cantante aborda, seguido de Tosca (2015) y Turandot (2014), este último se grabó en CD bajo la dirección musical de Zubin Mehta. En ocasiones anteriores ha interpretado en el auditorio Baluarte de Pamplona La Misa en do menor de Mozart (2018) y la única ópera de Beethoven Fidelio (2020).

Recientemente, el tenor interpretó La Adelfa por última vez en noviembre de 2020 en el Gran Teatro de su natal Córdoba, como parte del programa ‘La canción española’. El concierto se ha pospuesto hasta el 3 de marzo, donde presentará su primer álbum en solitario titulado Rutas, ganador del Melómano de Oro.

Para más información y venta de entradas

Luisa Fernanda, o el deseo indómmito de luchar por la belleza
Luisa Fernanda
Federico Moreno Torroba
Libreto: Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw
Yeatro de la Zarzuela, Madrid, 28 de enero de 2021
D. musical: Karel Mark Chichon
D. escena: Davide Livermore
Escenografía: Giò Forma
Vestuario: Mariana Fracasso
Iluminación: Antonio Castro
Coreografía: Nuria Castejón
Diseño audiovisual: Pedro Chamizo
D. coro: Antonio Fauró
Orquesta y Coro Titulares del Teatro de la Zarzuela
Intérpretes: Yolanda Auyanet, Juan Jesús Rodríguez, Rocío Ignacio, Jorge de León, María José Suárez, Nuria García-Arrés, Emilio Sánchez, Antonio Torres, Didier Otaola, Rafael Delgado, César Diéguez, Julia Barbosa y Román Fernández-Cañadas.
El 30 de abril de 2020 estaba previsto el estreno en el Teatro de la Zarzuela de Luisa Fernanda. Pero como tantas cosas en aquellos días, Luisa Fernanda quedó aplazada, que no suspendida. Ahora llega de nuevo a un Madrid azotado, pero valiente, en ese “deseo indómito de luchar por la belleza”.Estrenada en Madrid en 1932, es una de las zarzuelas más populares y de mayor aceptación. Una de esas obras que podrían representarse en cualquier teatro del mundo y que está a la altura de cualquier obra del repertorio italiano.

En esta ocasión, el Teatro de la Zarzuela, siguiendo su afán de internacionalizar el género, ha querido contar como directores músical y escénico con el británico Karel Mark Chichon y el italiano Davide Livermore, respectivamente. Se trata de una manera más de acercarse a la zarzuela sin prejuicios y de mostrar otras visiones de ver y sentir nuestra lírica.
Es la primera zarzuela completa a la que se enfrenta Chichon, un profundo conocedor de nuestro repertorio lírico que, junto a su esposa, la mezzosoprano Elina Garança, demuestran su afecto al este género interpretándolo por todo el mundo.

El conocimiento que de la zarzuela tiene Davide Livermore es más reciente, se remonta a su etapa de intendente en el Palau de Les Arts. Se acerca al género con un profundo respeto a sus principios, pero con poco acierto al escoger los elementos que protagonizan la escena. No se por qué se empeñan muchos escenógrafos en hacer que todo gire, incluso, demasiado. Aparte de casi proyectar en uno de los giros escénicos a la pobre Luisa Fernanda, resulta mareante y distrae de la escena.
A Livermore, al que le gusta los elementos escénicos de buen tamaño, se le fue un poco la mano con la buena reproducción que ha hecho de la fachada del Cine Doré. Suerte que el cuerpo de baile el coro y los cantantes, tenían una buena dirección de actores y bien aprendida la puesta en escena. No era nada fácil, sobre todo en algunos momentos, moverse por un escenario lleno de trampas y en constante movimiento.
Resultó muy romántica la idea del cinematógrafo y la proyección, a modo de película, de distintas escenas de los protagonistas y otras de la época. Si, además, las proyecciones hubieran tenido coherencia entre ellas, el resultado habría sido brillante. Más acertada fue la escena de los vareadores, con una dehesa de Extremadura bien dibujada.
En definitiva, una escenografía exagerada que parecía la recopilación de elementos de distintas obras, todas ellas de épocas diferentes. Lo que viene a ser una escenografía de aprovechamiento.

La Orquesta titular del Teatro, a las órdenes de Chichon, sonó con gran dignidad, algo lenta en algunos momentos, pero con casticismo y color. Muy meritorio para un foso formado por apenas 23 maestros por cuestiones pandémicas.
Lo mismo ocurre con un coro reducido a cinco voces masculinas y cinco femeninas. La mascarilla no impidió una magnífica actuación, con algún pequeño desajuste inicial, y el reconocimiento del esfuerzo de todos estos profesionales que forman parte del Teatro de la Zarzuela.

La labor del director musical y de escena estuvo siempre apoyada en la capacidad teatral de un buen elenco de actores/cantantes sobre el escenario.

El personaje de Vidal estuvo interpretado por Juan Jesús Rodríguez. Antes del inicio de la obra se informó de su merma vocal causada por una laringitis. Fue muy meritoria su actuación, pero se notaban sus dificultades, sobre todo en la renuncia a los registros más agudos.

Luisa Fernanda corrió a cargo de Yolanda Auyanet, que se marcó de entrada un buen recitativo, previo a sus números musicales. Como bien dice Livermore, “los recitativos no son un descanso a la espera del número musical, tienen que estar bien sujetos por una buena actriz”. Este es el caso de Auyanet, que brilló en la interpretación apoyada en una buena declamación. Su voz ha perdido algo de agilidad, pero conserva un centro poderoso y un gusto exquisito en el fraseo.

A Jorge de León vamos a terminar cogiéndole manía por la villanía de muchos de sus personajes. Debe ser por clavarlos en la interpretación. Empezar con la romanza “De este apacible rincón de Madrid”, sin haber apenas entrado en materia, puede ser un hamdicap. De León comenzó algo destemplado para entonarse con el avance de la obra. Su emisión es limpia y potente, pero su canto resulta poco natural y con sonidos engolados.

La Condesa Carolina estuvo bien interpretada por Rocío Ignacio. Supo darle el punto de frivolidad y sofisticación que requiere este personaje. Posee una voz potente y buenos agudos, pero su excesivo vibrato impide una buena dicción.

María José Suarez, en el papel de Marisa, siempre es una garantía sobre el escenario. Su presencia escénica y capacidad actoral ponen siempre ese necesario punto histriónico en cada representación.
El resto de comprimarios estuvieron a muy buen nivel. Resaltar sobre todo el revolucionario Luis Nogales, de Antonio Torres y del veterano Emilio Sánchez, como Don Florito.

Una noche de zarzuela que nos rescata de la realidad. Siempre con el miedo de una suspensión en el último momento, pero manteniendo siempre este ejercicio de resistencia frente a la realidad. Pero ¡ojo!, que esto del teatro es tan real como todo lo demás.

Título insignia de la Ilustración, Platée es una joya barroca y también la página más alegre del compositor Jean-Philippe Rameau, que habla de la obsesión de la ninfa Platée por el amor de Júpiter.

La ópera, en versión concierto, se estrenará en España bajo la dirección de William Christie y Les Arts Florissants, y resonará por primera vez en el escenario del Liceu con las voces de Marcel Beekman, Emmanuelle de Negri, Jeanine de Bique, Emilie Renard y Edwin Crossley-Mercer.

El horario de la función se avanza a las 19h para permitir a todo el público poder volver a sus casas antes del toque de queda establecido por las restricciones de la pandemia.

El público del Gran Teatre del Liceu podrá disfrutar del estreno en España de la ópera Platée, en versión concierto, de Jean-Philippe Rameau el próximo 3 de febrero. A pesar de ser uno de los compositores operísticos más importantes de la Ilustración, raramente se le ha podido escuchar en nuestro país. Con la programación de la obra, el Liceu deja escuchar por primera vez entre sus paredes esta ópera barroca francesa, de la mano de uno de los mejores directores musicales especializados en este período: William Christie, con el conjunto vocal e instrumental Les Arts Florissants.

Un reparto artístico que se suma a un excelente elenco vocal, liderado por el tenor holandés Marcel Beekman (Platée), un veterano especializado en repertorio barroco. Completan el reparto un equilibrado conjunto de voces jóvenes y otros de afianzada trayectoria donde destacan las sopranos Emmanuelle de Negri (Amour / Clarine), Jeanine de Bique (La Folie), la mezzosoprano Emilie Renard (Junon), el bajo Edwin Crossley-Mercer (Jupiter), el tenor Cyril Auvity (Mercure) y el barítono Marc Mauillon (Cithéron).

Jean-Philippe Rameau compuso Platée para representarla en Versalles en 1745, con motivo de la boda de Luis XV con la infanta María Teresa de España. Era un evento especial y Rameau decidió hacerlo desde el humor y la danza, con rasgos de comedia lírica. A partir de un libreto original de Jacques Autreau, adaptado por Adrien-Joseph le Valois de Orville, la obra expone como la falsa vanidad conlleva el precio de la humillación y la burla. De este modo, la trama dibuja la obsesión de Platée (una ninfa acuática) por el amor de Júpiter y de cómo éste le prepara una gran broma. Al final, en plena boda, se hace visible el engaño, y Platée, humillada, salta volviendo a su pantano.

Platée es una obra más del período tardío del Barroco que se adentra en fuentes clásicas e historias mitológicas. Su lenguaje es más cercano al Settecento -las partes cantadas mantienen el equilibrio entre la narración y el despliegue virtuoso en los ornamentos-, completado por una orquestación vibrante, colorista y que sorprende por su maravillosa riqueza de matices. En este sentido, la partitura está llena de grandes momentos musicales como el que protagoniza Platée en el segundo acto con À la aspect de ce nuage, la parte individual más larga de toda la ópera. El personaje de La Folie también se enfrenta en el segundo acto a una pieza que requiere de una gran habilidad técnica y capacidad de concentración: Aux langueur d’Apollon. Jeanine De Bique será la encargada de cantar una tonada con subidas y bajas vertiginosas de escala, con una alta exigencia interpretativa.

Liceu, un espacio seguro

El Gran Teatre del Liceu ha trabajado desde el inicio de la pandemia para poder habilitar una serie de medidas adaptadas para garantizar la seguridad sanitaria dentro del Teatre. Un protocolo que tiene la finalidad de dar cumplimiento a la normativa del departamento de Salud y las condiciones específicas del Procicat en materia de espacios culturales.

Con la intención de asegurar al máximo que el Liceo sea un espacio seguro recordamos que es obligatorio el uso de mascarilla y gel hidroalcohólico dentro del Teatre. Entre otras medidas se encuentran el control de temperatura en los accesos, la desinfección constante de los espacios, la renovación permanente del aire a través de dos nuevos ventiladores que se han instalado el agosto del 2020, la inhabilitación del guardarropa, y el uso del formato digital para los programas de mano.

Para que el público pueda devolver en sus casas antes del toque de queda, el horario de la función será a las 19h

Fotografía: Oscar-Ortega

Con ‘Luisa Fernanda’ vuelve al Teatro de la Zarzuela un clásico de los escenarios líricos españoles y americanos. Y en esta ocasión lo hace de forma única y especial. El género de la zarzuela no debe aspirar a quedar encerrado en la jaula de oro de “lo español”, como un exótico señuelo para el público y los artistas foráneos, sino que por calidad, por relevancia y por mero sentido común, debe aspirar a “lo universal”. Por esta razón es una ocasión única el que al timón de este nuevo barco impulsado por el Teatro de la Zarzuela, estén nada menos que el italiano Davide Livermore –en la actualidad uno de los directores más reclamados y aclamados en los más importantes Teatros de ópera del mundo y responsable de la apertura del Teatro alla Scala de Milán en las dos últimas temporadas–, y el Maestro británico Karel Mark Chichon, gran conocedor, amante e infatigable difusor de la música española. Ambos convierten la obra maestra del compositor Federico Moreno Torroba y los libretistas Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw en un espectáculo teatral sorprendente y emocionante a través de su intrínseco lenguaje teatral y musical, que se presenta al público como un todo compacto.

El Teatro de la Zarzuela ofrecerá 14 funciones, entre el 28 de enero y el 14 de febrero, de este espectáculo musical total en torno a una de las más grandes creaciones del repertorio, definida por Livermore como “una obra de arte de la cultura española y de la cultura universal”. El regista turinés afirma que ‘Luisa Fernanda’ “tiene una partitura que llega siempre al corazón del público, y tanto antes como ahora y dentro de cincuenta o cien años, la belleza musical de esta obra ha tenido, tiene y tendrá una atracción especial para todos los que llegamos a ella.”

Por su parte, el Maestro Karel Mark Chichon, que por primera vez dirige una producción de zarzuela en este escenario, sostiene que ‘Luisa Fernanda’ es “la última gran zarzuela romántica, y debe mucho a las obras maestras de la zarzuela grande y del género chico que la precedieron.” A esto añade que musicalmente se trata de uno de los mejores ejemplos del casticismo con el que tanto se identificaba Moreno Torroba, “combinando la gracia y colorido de la música española con la elegante comedia vienesa y el verismo de la ópera italiana.” Lo que convierte a la obra en una zarzuela “de melodías memorables con un instinto teatral infalible.”

Chichon, que estará al frente de la Orquesta Titular del Teatro de la Zarzuela -Orquesta de la Comunidad de Madrid-, del Coro Titular del Teatro de La Zarzuela y de dos repartos extraordinarios, se alternará en el podio del foso con el Maestro David Gómez Ramírez que dirigirá las funciones de los días 3, 4 y 5 de febrero.

El valor de los repartos

Los dos repartos que participan en esta nueva y esperada presentación de ‘Luisa Fernanda’ –que iba a estrenarse el 30 de abril de 2020 y que tuvo que posponerse a causa de la pandemia y el consecuente confinamiento– están integrados por cantantes especialmente diestros, enérgicos, eficaces, exigentes, intensos y equilibrados. Calificativos que solo son una mínima parte de sus virtudes.

Luisa Fernanda, la hija de un funcionario jubilado que guarda ausencia a Javier Moreno, ese joven militar, antiguo mozo de posada y ahora ascendido a coronel, será interpretada por las sopranos Yolanda Auyanet (Luisa Fernanda por antonomasia) y Maite Alberola. Por otra parte, está Vidal Hernando, un rico hacendado extremeño que se disputa el amor de Luisa Fernanda con Javier, a quien darán vida los barítonos Juan Jesús Rodríguez (Vidal por excelencia) y Javier Franco. La duquesa Carolina, aquella joven hermosa y persuasiva, estará encarnada por las sopranos Rocío Ignacio y Leonor Bonilla. Y el papel de Javier Moreno, que desde que ascendió de rango tiene descuidada a su novia Luisa, lo asumirán los tenores Jorge de León y Alejandro del Cerro.

Completan el elenco María José Suárez y Nuria García-Arrés como Mariana y Rosita, Emilio Sánchez y Antonio Torres, como don Florito y Luis Nogales, Didier Otaola como Aníbal; los actores Rafael Delgado, César Diéguez y Julia Barbosa, los integrantes del Coro Titular del Teatro, Román Fernández-Cañadas, Francisco José Pardo, Graciela Moncloa, Daniel Huerta, Rodrigo Álvarez, Ricardo Rubio, Antonio González y Quique Bustos; además de 4 figurantes y 12 bailarines.

En cuanto al equipo artístico, lo completan el estudio Giò Forma, responsable de la escenografía, la diseñadora de vestuario Mariana Fracasso, el iluminador Antonio Castro, la coreógrafa Nuria Castejón y el diseñador audiovisual Pedro CHamizo.

Amor, cine y revolución

El escenario es un espacio arquitectónico reconocible de Madrid en el que se proyectan los sentimientos de amor, dolor y angustia, “un mundo figurativo o desfigurado que evoluciona en 360 grados ante nuestros propios ojos…”, como explica el propio Davide Livermore, que para ello emplea técnicas y recursos del lenguaje cinematográfico inspirados en obras del séptimo arte.

Los hechos históricos en torno a la Gloriosa (o Revolución de 1868 que culminó con el exilio de Isabel II), que aparecen o se mencionan en esta zarzuela, son el trasfondo de lo que viven sus personajes. Entonces, como ahora, la historia de los jóvenes Luisa y Javier sorprenderá y emocionará al público, porque este episodio se combina con la vida de los espectadores de una sala de cine –a modo de plaza, de lugar de encuentro y de vida– en la también joven República (la trama se desarrolla tal cual fue escrita, pero trasladada a la fecha de su feliz estreno en el Teatro Calderón de Madrid en 1932); y aquel salón modernista no es otro que el Cine Doré, entonces uno de los más conocidos de Madrid y en la actualidad el cine en activo más antiguo de España.

Y por encima de tramas políticas y revoluciones, de galanterías y devaneos, lo que al fin de verdad importa es querer y ser querido. El amor: esa rueda que mueve el mundo.

Online y en las ondas

Como ya es habitual, una de las funciones se emitirá en directo por streaming a través del canal de YouTube, el perfil de Facebook y la página web del Teatro. La fecha elegida en esta ocasión es el miércoles 10 de febrero a las 20h00 (hora peninsular española).

Asimismo, una de las funciones será grabada por Radio Clásica de Radio Televisión Española para emitir en próximas fechas.

También en estos días se podrá disfrutar en YouTube y Facebook de la conferencia impartida por la musicóloga Mª Luz González Peña y de un nuevo capítulo de la serie ‘Viaje por la zarzuela’, en esta ocasión centrado en ‘Luisa Fernanda’ con Yolanda Auyanet, Juan Jesús Rodríguez y Davide Livermore como protagonistas, y, como siempre, con sorpresa incluida.

La llegada al Teatre de Anna Netrebko, la gran estrella de la ópera, es una cita muy esperada por el público liceísta. La cantante canceló su participación en la obra Il trovatore a raíz de su convalecencia por Covid-19.

Considerada una de las grandes divas de nuestros tiempos, Netrebko ofrecerá uno de los pocos recitales a piano que actualmente hace en su carrera. La cantante cuenta con una voz de pureza y precisión inusuales, una gran gama dinámica, imaginación y enorme carisma.

Estará acompañada por el pianista Pavel Nebolsin, la mezzosoprano Elena Maximova y Giovanni Andrea Zanon al violín, con un íntimo programa que mostrará la extensión de la paleta estilística de la soprano rusa.

El horario de la función se avanza a las 19h para permitir a todo el público poder devolver a sus casas antes del toque de queda establecido por las restricciones de la pandemia.

El Gran Teatre del Liceu se prepara para volver a recibir la reina indiscutible de los escenarios de ópera más importantes del mundo. Anna Netrebko deleitará al público barcelonés el próximo 27 de enero con un íntimo recital Jour et nuit acompañada del piano de Pavel Nebolsin, la mezzosoprano Elena Maximova y Giovanni Andrea Zanon al violín. Una nueva oportunidad para reencontrarla al Teatro puesto que el pasado octubre, la soprano rusa tuvo que cancelar su participación a la obra Il trovatore debido a su convalecencia por Covid-19.

El programa de canto y piano permitirá escuchar los colores infinitos de la voz de la cantante, recorriendo piezas de diferentes compositores que nos hacen viajar en la poesía del día y la noche. La audición de esta sesión única contará con algunas de las piezas más célebres de todos los tiempos, que empezará con obras de Rachmàninov, Korsakov, Strauss, Debussy, Bridge, entre otros. La segunda parte se inicia con las sensibles canciones de Txaikovski para dar a las composiciones de Bridge, Fauré, Dvorák, entre otros.

Anna Netrebko, la soprano admirada

La prima donna del siglo XXI, Anna Netrebko, fue descubierta por Valery Guérguiev hace 25 años al Teatro Mariïnsky de San Petersburgo, y desde entonces, ha redefinido el concepto de estrella de la ópera. Desde cantar a la ceremonia de los Juegos Olímpicos de Invierno de 2004 hasta devenir el primer artista clásico al aparecer a la lista de las 100 personas más influyentes del mundo en la revista TIME, Netrebko se ha convertido en la embajadora mundial de la ópera y es reconocida como una de las artistas escénicas más convincentes y comprometidas de la actualidad. Sus interpretaciones han sido grabadas y galardonadas en numerosas ocasiones, y actualmente se aventura en un repertorio cada vez más audaz y dramático.

La última actuación de la soprano en el Liceu fue en noviembre del 2019, cuando Anna Netrebko cantó Verdi acompañada del tenor Yusif Eyvazov y el barítono Christopher Maltman. Este magnífico trío de voces compartió escenario con la Orquesta Sinfónica del Liceu, bajo las órdenes del maestro Denis Vlasenko.

Liceu, un espacio seguro

Para que el público pueda devolver en sus casas antes del toque de queda, el horario de la función será a las 19h

En estos días de frío y lluvia, las puertas del Teatro Real se abren para reunir a toda la familia en un entorno cálido en el que disfrutar de las historias de siempre de la mano de los Hermanos Grimm y la compañía checa Karromato que, con sus marionetas de hilo y su teatro de sombras, nos devolverá a la tradición de los Cuentos al calor del hogar.

Se ofrecerán ocho funciones repartidas entre este fin de semana, sábado 24 y domingo 25, y el siguiente, sábado 30 y domingo 31, a las 12 y a las 17.00 horas, todas ellas en la Sala Gayarre.

Karromato recupera los cuentos originales, sin versiones ni adaptaciones, dejando la narración en el poder de la comunicación de las marionetas y la música, interpretada en esta ocasión por la violinista Silvia Romero y el pianista Duncan Gifford que convertirán en “palabras” la música de Robert Schumann, creando una atmósfera mágica de singular belleza.

A través de estas historias se enseña a los pequeños a superar los miedos, a afrontar los retos que les presenta la vida, a descubrir los secretos que se esconden en lo cotidiano, que serán sus herramientas del futuro. Recuerdan así los tiempos en que los ancianos transmitían a los niños y jóvenes la tradición y la sabiduría, en forma de fábula.

Karromato es una compañía europea de Marionetas con sede en Praga. Sus miembros provienen de España, Hungría y la Republica Checa, unidos por el interés en la técnica de la marioneta de hilo tradicional, en cuya construcción y manipulación están implicados desde 1997, trabajando la madera y poniendo sumo cuidado en los detalles.

Como en otros espectáculos de El Real Junior, está disponible en la página web una interesante guía didáctica con información sobre el espectáculo, detalles históricos y juegos y actividades concebidas para hacer de forma participativa en casa, antes o después de la función. Ya está disponible en el siguiente enlace: Cuentos al calor del hogar.

Producción de Karromato con la colaboración del Centro Checo de Madrid

EQUIPO ARTÍSTICO

Idea y Dirección: Compañía Karromato

Música: Robert Schumann

Adaptación musical: Marko Ivanovic

Escenógrafo: Luis Montoto

Constructor de marionetas: Jan Ruzicka

Diseñador de sombras: Ettore Battaglia

Violinista: Silvia Romero Ramos

Pianista: Duncan Gifford

El Teatre del Liceu de Barcelona se ve obligado a modificar proyectos de la temporada para poder realizar la programación con todas las garantías de seguridad en el escenario y fuera de él y seguir, así, con la exigencia que requiere la cultura segura.

Los proyectos con gran orquesta se ven afectados por la imposibilidad de garantizar las distancias mínimas entre músicos: la solución para la ópera Lessons in Love and Violence es extender el foso hasta las primeras filas de platea, y para el concierto sinfónico La consagración de Stravinsky: los tres ballets rusos modificará su programa.

Tanto la gran orquesta, como el voluminoso coro, así como la puesta en escena obligan al Liceu a cancelar la ópera Tannhäuser. Después de varios estudios, ha sido inviable la implantación de los cuerpos estables imposibilitando su representación. El Teatre trabaja para reprogramar la ópera de Wagner en un futuro.

Las limitaciones en el transporte europeo imposibilitan la llegada de la producción Otello -Royal Opera House- desde Londres. Será, pues, el montaje de la Bayerische Staatsoper el que se podrá ver en el Liceu del 27 de marzo al 14 de abril con la dirección de escena de Amélie Niermeyer.

Las restricciones vigentes en la movilidad y la limitación en las interacciones entre diferentes grupos posponen el proyecto participativo El monstre al laberint de febrero a abril, momento en el que se espera llevar a cabo el proceso creativo entre las múltiples escuelas y alumnos que participan en el proyecto.

Uno de los conciertos más esperados de la temporada, Les Tres reines con la soprano Sondra Radvanovsky ha reprogramado la función del pasado 23 de diciembre al 6 de mayo, y abre una nueva función el 8.

Además, el Liceu habilita una nueva función LiceUnder35 de la ópera Lucia di Lammermoor con un nuevo reparto para poder llegar a más jóvenes esta temporada.

El Liceu avanza los horarios de todos los espectáculos de la temporada y pasa las funciones previstas a las 20h, a las 19h. En el caso de la doble función de Solstice, el 6 de febrero, será a las 16:30h y a las 20:30h.

El Gran Teatre del Liceu ha velado, desde el inicio de la pandemia, por una cultura segura en el escenario y fuera de él, articulando medidas para público y artistas que garanticen la correcta ejecución de las restricciones decretadas por las autoridades, así como el protocolo desarrollado por el propio Teatre validado por el Procicat. Es por ello, que el Liceu se ve obligado a modificar algunos de sus espectáculos para dar cumplimiento a la normativa vigente y seguir disfrutando de un Liceu seguro y con todas las garantías.

Las afectaciones más complejas han sido las implantaciones de orquesta, que se han analizado detenidamente para aprobar su viabilidad, ya que tanto el espacio reducido del foso como el del escenario dificultan que las grandes formaciones puedan distribuirse con la mínima distancia de seguridad entre artistas. De este modo, se anuncian tres afectaciones: la ópera Lessons in Love and Violence de George Benjamin que reubica a los músicos de la Orquesta retirando parte de las filas de la platea (de la 1 a la 4) para poder ubicar la totalidad de los músicos con la distancia necesaria para evitar el contagio (1,5 m y 2m para los vientos). En esta ópera no hay Coro en escena, hecho que facilita que sea una ópera escénicamente viable y segura. En segundo lugar, el concierto sinfónico La consagración de Stravinsky: los tres ballets rusos modifica la totalidad de su programa con el fin de poder reducir el centenar de músicos que participan en esta pieza. Este cambio, llevará al maestro titular del Liceu, Josep Pons, a afrontar un repertorio de Danzas del mundo eslavo con piezas de Brahms, Dvorak, Kodály, Liszt, Bartók y Borodin, donde el ritmo y los sonidos del Este de Europa serán los protagonistas. Consulta el programa aquí.

En el caso de Tannhäuser han sido tres los factores clave que han hecho ver al Teatre y al equipo artístico la inviabilidad de su representación, es por este motivo que se ha cancelado esta ópera con la intención de reprogramarla en un futuro. Los factores han sido: la imposibilidad de alojar la Orquesta en el foso con la distancia mínima de seguridad, el gran número de cantantes del Coro que también hace inviable su implantación en el escenario y, por último, una puesta en escena que se vería extremadamente afectada si se hicieran las rectificaciones escénicas para mantener los grupos burbuja requeridos en los protocolos. Estos múltiples factores hacen imposible la representación de esta obra durante las restricciones sanitarias y, por este motivo, el Liceu ha decidido reprogramar la ópera a futuras temporadas como ha hecho con el resto de producciones que se ha visto obligado a cancelar. El importe de las localidades será devuelto a todos los abonados el próximo 1 de febrero.

La producción Otello también se ve afectada por las restricciones de la pandemia. Las limitaciones actuales en los transportes europeos imposibilitan la llegada de la producción de la Royal Opera House desde Londres. De este modo, el Liceu ha programado la producción de la Bayerische Staatsoper, con la dirección de escena de Amélie Niermeyer, que puede garantizar la llegada al Teatre para su representación del 27 de marzo al 14 de abril. Este montaje, que se estrenó en 2018 en Múnich, muestra la lucha interior y exterior que habita en el texto de Shakespeare y pone también en el centro la figura de Desdémona subrayando el feminicidio y la misoginia a través de la mirada del realismo actual. Además de esta modificación, también se ha tenido que suspender la participación del Cor Vivaldi – Petits Cantors de Catalunya en esta ópera, debido a los múltiples grupos burbuja del mismo Coro y la interacción con el resto de los artistas. Las voces femeninas del Coro del Liceu serán las encargadas de interpretar las partes del coro infantil.

Uno de los nuevos proyectos de la temporada 2019/20, El Monstre al laberint de Jonathan Dove, una ópera participativa con alumnos de diferentes centros educativos de toda Cataluña, también se ha visto afectado por las restricciones actuales. Este espectáculo, que inició su proceso creativo el curso pasado, vio truncado su desarrollo el mes de marzo, por la plena irrupción de la pandemia. Este curso, los diferentes centros ya han iniciado el proceso de preparación y han comenzado con las acciones de formación complementarias que hacen de este espectáculo un proyecto de aprendizaje transversal. A su vez, Paco Azorín, que es quien firma escénicamente el espectáculo, está haciendo todas las adaptaciones escénicas necesarias para adecuar el espectáculo a la realidad de la pandemia. Ahora, después de este periodo inicial de preparación, hay que moderar el proceso creativo del proyecto debido a las restricciones vigentes que afectan a los desplazamientos y a las interacciones entre grupos. De este modo, el Liceu pospone el espectáculo para poder hacerlo viable con todas las garantías puesto que las condiciones actuales no son óptimas para poder estrenar el espectáculo en febrero del 2021, tal como estaba previsto. Es por ello que El monstre al laberint pospone sus funciones a los días 19, 21 y 24 de abril.

Parte de estos cambios y modificaciones en la programación también han permitido poder reubicar uno de los conciertos más esperados de la temporada: Las Tres Reinas con la soprano Sondra Radvanovsky que se podrá ver el próximo 6 de mayo, función que sustituirá la cancelada el pasado 23 de diciembre. Adicionalmente se habilita una nueva función el 8 de mayo que se pondrá a la venta el próximo 3 de febrero. Esta nueva propuesta semi escenificada cuenta con el director de escena Rafael Villalobos.

Además, el Liceu ha programado una nueva función del LiceUnder35 con la ópera Lucia di Lammermoor de Donizetti el 27 de julio con la intención de aumentar el número de jóvenes que podrán acceder a estas actividades exclusivas para menores de 35 años, puesto que la primera función Under 35 fue al 50% del aforo, y la segunda con un máximo de 500 personas. Es por ello, que el Teatre propone un nuevo reparto formado íntegramente por jóvenes cantantes que debuten en el rol: la catalana Serena Saéz como Lucia di Lammermoor, el colombiano César Cortés como Edgardo y el catalán Carles Pachón como Enrico. Este nuevo Under35 estará disponible a partir del 28 de junio a las 16h solo para menores de 35 años a un precio único de 15€.

Cambios de reparto

Hasta el momento, para la ópera Lessons in Love and Violence de George Benjamin se anuncia un cambio de reparto debido a las restricciones de mobilidad de la pandemia. El rol de Mortimer será interpretado por Peter Hoare, en substitución de William Burden. Hoare interpretó el rol en el estreno de la ópera en la Royal Opera House en mayo de 2018. Además, los papeles de Witness 2/Singer 2 y Woman 2 serán interpretados por Gemma Coma-Alabert que substituye a Marta Fontanals-Simmons.

Cambios en los horarios

Y ya para finalizar, el Gran Teatre del Liceu también anuncia el cambio horario de todas las funciones de la temporada para facilitar la movilidad de los espectadores hasta julio. Todas las funciones previstas a las 20h, pasarán automáticamente a ser representadas a las 19h. Las funciones de fin de semana previstas a las 17h o a las 18h se mantendrán con el mismo horario. Sin embargo, de momento solo habrá la excepción de la doble función de Solstice del 6 de febrero que será a las 16:30 y 20:30.

Este cambio de horarios también afecta al de taquillas que se adapta a partir del 1 de febrero para atender al público de lunes a viernes de 10h a 19h y los fines de semana: sábados de 10 a 18h (días con representación abiertas hasta inicio función) y domingos y festivos cerradas, excepto los días de representación que las taquillas permanecerán abiertas 2 horas antes del inicio de la función, y 1 hora antes en el caso de El Petit Liceu.

El Palau de les Arts suspende las representaciones de ‘Falstaff’, de Verdi, ante la aparición de casos de coronavirus en el equipo de la producción. La detección ha sido posible debido a los controles sanitarios establecidos en Les Arts, por los cuales los integrantes de cada espectáculo de la programación reciben un seguimiento adecuado de prevención y detección. Además de las pertinentes medidas de seguridad: toma de temperatura, medidas de distanciamiento y uso de elementos de protección, Les Arts tiene establecido un protocolo de cribado por PCR semanal para los solistas, director de orquesta, equipo creativo y figuración.

Ante esta situación, Les Arts ha activado los pertinentes protocolos de seguridad sanitaria y someterá a control a todo el personal vinculado con este montaje operístico. De esta forma, se suspenden las representaciones previstas para los días 21, 24, 27, 29 y 31 de enero. En función de la evolución de la situación y dentro de los plazos estipulados por los protocolos sanitarios, Les Arts decidirá sobre la posible reubicación de dichas funciones dentro de la programación de la presente temporada.

En los próximos días, las taquillas de Les Arts informarán a los afectados por la suspensión de las funciones de las diferentes opciones para la devolución o canje de las localidades para ‘Falstaff’.

Fotografía: Miguel Lorenzo

Belcantismo andaluz

Desde hace algunos años, dos voces andaluzas protagonizan los mejores cartelones belcantistas de los grandes teatros de ópera del mundo. De un lado, Mariola Cantarero (Granada, 1978) y, de otro, Ismael Jordi (Jerez de la Frontera, 1973) han seducido a la audiencia con la belleza de sus timbres, su dominio de las agilidades o la intensidad escénica con la que interiorizan sus personajes de Donizetti, Bellini, Mozart o Verdi.

Protagonistas de carreras meteóricas desplegadas sobre un talento innato, Mariola Cantarero, quien a finales de 2019 dirigió su primera ópera, o Ismael Jordi, forjado a la sombra de Alfredo Kraus, vuelven a reunirse en torno a un programa de canciones de Turina y Barrios completado con romanzas y dúos de zarzuela y ópera, en un Teatro donde una vez fueron la pareja explosiva de una Traviata inolvidable y sobre cuyo escenario han crecido como los grandes reclamos del belcantismo andaluz más internacional.

El tenor español Ismael Jordi nació en Jerez de la Frontera y estudió en la Escuela Superior de Música Reina Sofía con Alfredo Kraus. Hizo su debut en el Teatro Villamarta de Jerez, cantando Ernesto de Don Pasquale.

ISMAEL JORDI, tenor

MARIOLA CANTARERO, soprano

Canciones de Joaquín Turina y Ángel Barrios, romanzas y dúos de ópera y zarzuela.

Piano: Rubén Fernández Aguirre

Teatro de la Maestranza, 13 de febrero de 2021

Ha cantado en teatros de toda Europa, en Francia: Estrasburgo (Don Pasquale, Falstaff, L’elisir d’amore), Toulouse (Gianni Schicchi, Doña Francisquita, Der Rosenkavalier), Burdeos (Il barbiere di Siviglia, La Traviata), Marsella (La Traviata), Aviñón (Rigoletto, I Capuleti e i Montecchi, La Traviata, Maria Stuarda, Anna Bolena), Toulon (Anna Bolena), Opéra Comique (Mignon) y Opéra National Paris-Bastille (La traviata), Chorégies d’Orange (Spanish Night, junto a P. Domingo), Monte Carlo (Lucia di Lammermoor). En Alemania: Dusseldorf (Il barbiere di Siviglia), Staatsoper Berlin (Il barbiere di Siviglia, L’elisir d’amore), Deutsche Oper Berlin (La Traviata, Lucia di Lammermoor, Rigoletto), Hamburgo (La Traviata, Rigoletto), Frankfurt (Anna Bolena), Dresde (Lucia di Lammermoor), Múnich (Lucrezia Borgia). En Austria: Volksoper Wien (Martha, La Traviata). En España: Jerez de la Frontera (La Traviata, Rigoletto, Eugen Onegin, Roméo et Juliette, Fausto), Sevilla (La Traviata, Anna Bolena), y Oviedo (L’elisir d’amore, La Traviata), Bilbao (I Capuleti e i Montecchi, Eugen Onegin, Rigoletto, Lucia di Lammermoor), Valencia (Iphigénie en Tauride), Barcelona (Linda di Chamounix, La Traviata, Lucia di Lammermoor), Teatro Real de Madrid (L’elisir d’amore, Roberto Devereux, Lucia di Lammermoor, Faust). En Países Bajos: Ámsterdam (Lucia di Lammermoor, La Traviata, Roméo et Juliette, Der Rosenkavalier). En Bélgica: Lieja (Lucrezia Borgia, Manon), Amberes-Gent (el estreno mundial de Le Duc d’Albe de Donizetti-Battistelli). En Suiza: Zúrich (Lucia di Lammermoor, Anna Bolena, Rigoletto), Lausanne (La Traviata, Doña Francisquita). En Italia: Macerata (Rigoletto), Padua (Lucia di Lammermoor), Verona (Rigoletto), Nápoles (Lucia di Lammermoor, La Traviata), Venezia (La Traviata), Roma (Linda di Chamounix, Rigoletto).En Reino Unido: ROH Covent Garden en Londres (Maria Stuarda, La Traviata, Lucia di Lammermoor); en Grecia: Greek National Opera en Atenas (Roméo et Juliette); en Japón: Tokio (Lucia di Lammermoor). En Corea: Korea National Opera de Seúl (Manon); en Canadá: Montréal (Roméo y Juliette), etc.

Aparece regularmente en recitales y conciertos. Sus grabaciones incluyen Martha en el Volksoper de Viena, La Traviata con el Teatro Villamarta de Jerez y Le Duc d’Albe en el De Vlaamse Opera.

Sus proyectos hasta 2025 incluyen: La Traviata y María Stuarda en el Teatro Real de Madrid; La Favorita en Málaga y Bilbao; Anna Bolena, Maria Stuarda y Roberto Devereux en Ámsterdam y Valencia; L’elisir d’amore en el Festival de Orange; Roméo et Juliette en la Metropolitan Opera de Nueva York; Lucia di Lammermoor en el ROH Covent Garden London y en el ORW de Lieja; Los Gavilanes, Luisa Fernanda, La Generala en el Teatro de la Zarzuela de Madrid; Doña Francisquita en Sevilla, etc.

Considerada uno de los máximos exponentes del repertorio belcantista de los últimos años, Mariola Cantarero ha obtenido también importantes triunfos en obras como La Traviata, Rigoletto o La bòheme, en la búsqueda continua de las obras más adecuadas a su evolución vocal, ampliando su repertorio con éstas y otras obras como María Stuarda, Lucrezia Borgia, Anna Bolena, así como Don Giovanni o Così fan Tutte.

Granadina de nacimiento, comienza sus estudios musicales en el Conservatorio de su ciudad natal, y posteriormente los amplía con el Catedrático de canto Carlos Hacar, y ya en carrera se perfecciona con Ruthilde Böesch en Viena. Es premiada en diferentes concursos internacionales de canto como el «Francisco Viñas», «Operalia´99», «Pedro Lavirgen» y «A.S.L.I.C.O. 2000».

Recibe distintos premios por su trayectoria como «Premio ópera Actual», «Revelación del círculo de amigos del Liceo», «Premio Imagen de la Ciudad de Granada», «Ojo Crítico de RNE», «La Mención de Honor de la Diputación de Granada», «La Medalla de Oro de la Ciudad de Granada», así como «La Medalla de Oro de Andalucía».

Debuta en el Teatro Carlo Felice de Génova con Le Comte Ory de Rossini en el 2000, y desde entonces se convierte en soprano habitual de los principales teatros de Europa como el Teatro Real de Madrid, Liceu de Barcelona, Maggio Fiorentino, San Carlo de Nápoles, Ópera de Roma, Rossini Opera Festival, Hamburgo, Berlín, Zúrich, Ámsterdam, Estrasburgo, y más allá de nuestro continente en la Ópera Nacional de Corea, Oriental Art Center de Shanghai, San Juan de Puerto Rico, Santiago de Chile, Ópera de São Paulo, Ópera de Detroit, New Jersey.

Ha sido dirigida por directores como Zubin Mehta, Alberto Zedda, Jesús López Cobos, Daniel Oren, Bruno Campanella, o Roberto Abbado.

Entre su amplia discografía cabe destacar Luisa Fernanda junto a Plácido Domingo en el Teatro Real de Madrid, Falstaff dirigida por Zubin Mehta en el Maggio musicale Fiorentino, La gazza ladra del Rossini Opera Festival, Il viaggio a Reims en el Liceu de Barcelona, I puritani de la Ópera de Ámsterdam, Belcanto con Simón Orfila y Canciones en la Alhambra.

Etiqueta: ópera

Il tuo Sguardo

Separated!

Actualidad

María Zubimendi clausura el ciclo Km0 y estrena ‘Festa’ de Mikel Chamizo

‘Juan José’, la sobrecogedora ópera de Sorozábal, regresa al Teatro de la Zarzuela

El tenor Airam Hernández arranca una gira de recitales por Tenerife

Martha Argerich y Nelson Goerner en el Ciclo de Grandes Intérpretes de la Fundación Scherzo

Avance de la Programación de la 85 Quincena Musical de San Sebastián

Christoph Prégardien dirige La pasión según san Mateo en el Auditorio Nacional de Música

El tenor Manuel Gómez Ruiz lanza el disco “Escuchar todos sus nombres”

Andrea Carè rinde homenaje a Verdi en el disco-libro, Ad una Stella

El Teatro Real presenta la versión original de Carmen, tal y como la pensó Bizet

José Luis Basso, nuevo director desde esta temporada, del Coro Titular del Teatro Real (Coro Intermezzo)

La soprano española Mar Morán, tercer premio en el Concurso Lírico Internacional Tebaldi-Gigli-Corelli

Jorge Torres dirige la reposición de “Juan José” en el Teatro de la Zarzuela

Matthias Goerne y Evgeny Kissin juntos en España en una única cita en Ibermúsica

Cine mudo con música en vivo, para toda la familia, en el Real Teatro de Retiro

‘L’incoronazione di Poppea’ de Monteverdi llega al CNDM de la mano de The English Concert y Jeanine de Bique

Páginas