Celso Albelo

Después de haber sido aclamado con su primer Rodolfo de La Bohème el pasado mes de febrero en el Teatro La Fenice de Venecia con gran éxito de público y crítica, el tenor canario Celso Albelo cantará por primera vez en Brasil, y lo hará debutando otro rol pucciniano, el de Pinkerton de la popular Madama Butterfly. La cita es en el emblemático Theatro Municipal de São Paulo, uno de los escenarios más importantes y de mayor tradición operística del país sudamericano. Albelo se muestra “entusiasmado” ante este doble debut, ante el que, asegura, lleva meses “sumergido en el universo pucciniano, con mucho tiempo de análisis para debutar primero Rodolfo en Venecia y ahora Pinkerton en São Paulo”. El cantante español dice sentirse “impresionado” por el personaje que ahora asume, “y por todo lo que acontece en Madama Butterfly, ya que a la maestría con la que Puccini desgrana la historia haciendo partícipe al público de todas las emociones y del drama de estos personajes, se unen mil aspectos morales y críticos que te hacen reflexionar. Vivirlo desde dentro me ha permitido disfrutar del repertorio al que siempre quise llegar tras la experiencia de más de veinte años en el bel canto romántico”, asegura.

Por otra parte, Celso Albelo afirma estar “feliz de debutar en un país como Brasil, en el que sé que hay una gran pasión por la música, más todavía al hacerlo en una ciudad que fundó un hombre visionario nacido, como yo, en San Cristóbal de La Laguna, el padre José de Anchieta, beatificado por el papa Juan Pablo II en 1980. Un motivo de orgullo para los laguneros y tinerfeños en general”.

El tenor español interpretará a Pinkerton en cuatro funciones, los días 15, 17, 20 y 23 de marzo, compartiendo escenario con Carmen Giannattasio como Cio-Cio San, Ana Lucia Benedetti como Suzuki y Douglas Hahn como Sharpless, en una producción firmada por Livia Sabag, con el maestro Roberto Minczuk al frente de la Orquestra Sinfônica Municipal y de la Coral Paulistano, un montaje del Teatro Colón de Buenos Aires.

Fotografía © Leila Leam

Celso Albelo

Celso Albelo continua ampliando su repertorio, esta vez con el paradigmático rol de Rodolfo de La Bohème de Puccini. Tras casi 20 años conquistando los escenarios más importantes del mundo con los títulos más emblemáticos del bel canto romántico, desde hace un par de temporadas, y sin dejar a Donizetti o Bellini, ha ido añadiendo roles más líricos como Macduff de Macbeth de Verdi –que debutó la temporada pasada en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona–, Manrico de Il trovatore de Verdi –que en junio de 2023 le trajo grandes alegrías al incorporarlo con gran éxito de público y crítica en ABAO Bilbao Opera– o su primer Des Grieux de Manon de Massenet, con el que conquistó al público de la Ópera de Oviedo inaugurando la temporada 2023-24. Ahora es el turno de Puccini, del que en 2024 se conmemora el centenario de su fallecimiento, y de su apasionado Rodolfo de La Bohème, que cantará por primera vez en el Teatro La Fenice de Venecia los días 2, 4, 6, 8 y 10 de febrero, un escenario en el que ha triunfado en numerosas ocasiones en los últimos años, incluso haciendo historia al bisar la popular aria de “Una furtiva lagrima” de L’elisir d’amore en 2010.

El tenor español afronta este compromiso con una “gran emoción”, asegura, “sobre todo porque vuelvo a un teatro, La Fenice, en el que he vivido algunas de las noches más bonitas de mi carrera. Nuevos roles significan nuevos retos, y en un momento de madurez vocal e interpretativa como la que vivo incorporar a Rodolfo (que también cantaré en Bilbao esta temporada) es simplemente un sueño hecho realidad. Es el resultado de la evolución natural de mi voz, que me ofrece la oportunidad de afrontar un repertorio más pesado y ante una orquesta mucho más amplia. Con los años he aprendido a entender las señales que me ha ido dando mi voz y mi cuerpo y me encantó sentir esas nuevas sensaciones vividas con los títulos verdianos que he incorporado. No veo la hora de lanzarme al vuelo musical pucciniano, que durante la etapa de estudio me ha puesto la piel de gallina; es una música maravillosa que sé que me regalará grandes momentos en el futuro; todo ello sin dejar de lado el bel canto, claro, porque ahí está la esencia de todo, y seguiré interpretando algunas de esas óperas que me permiten mantener la voz sana y flexible para abordar el repertorio más lírico desde otra perspectiva”.

En La Fenice se verá una producción de Francesco Micheli con Stefano Ranzani en el podio. En la apasionante historia de los cuatro bohemios del Barrio Latino de París que sufren y gozan por amor, junto al Rodolfo de Albelo estarán la Mimì de Claudia Pavone, el Marcello de Alessio Arduini, el Schaunard de Armando Gabba, el Colline de Adolfo Corrado y la Musetta de Mariam Battistelli.

Tras el compromiso en Venecia, Celso Albelo debutará en el Festival Ljubljana con su primera Messe de Requiem de Camille Saint-Saëns, debutará el rol de Pinkerton de Madama Butterfly en el Theatro Municipal de São Paulo y regresará a ABAO Bilbao Opera con más funciones de La Bohème, de la que en la próxima temporada también le esperan otras funciones en teatros nacionales e internacionales todavía por anunciar.

Fotografía © Leila Leam

Turandot20230
La primera referencia que tenemos de la leyenda de Turandot aparece en el libro Las siete bellezas, del poeta persa Nizami en el siglo XII. En 1710 François de la Croix lo incluye en su recopilatorio de cuentos Los mil y un días. Y en 1760 el poeta y dramaturgo veneciano Carlo Gozzi convierte la historia de Turandot en una obra de teatro.
No fue hasta el siglo XX, concretamente en 1904, cuando Ferruccio Busoni compone una pequeña partitura para acompañar la obra de teatro de Gozzi. Obra y música se estrenaron en Londres en 1913, representación a la que asistió el propio Puccini. Unos años más tarde, en 1917, Busoni, que había seguido trabajando en Turandot, la estrena como ya como ópera.
Pero Puccini, que tenía casi por costumbre utilizar temas que ya habían sido usados por otros compositores, algo que le había ocasionado algunos problemas, pensaba ya en su propia Turandot desde que la escuchó en Londres.
Puccini encargó el argumento de Turandot a dos libretistas, Renato Simone, periodista del Corriere della Sera que había sido corresponsal en China, y a Giuseppe Adami, que ya había trabajado con el maestro italiano.
Durante los cuatro años que duró la composición de esta ópera, Puccini decide junto a sus dos libretistas realizar una serie de modificaciones con respecto a la historia original. Los cinco actos iniciales, pasaron a ser tres. Los cuatro personajes que Gozzi había incorporado en su obra procedentes de la ‘comedia del arte’, y el teatro de máscaras, Tartaglia, Brighella, Pantalone y Truffaldino, fueron sustituidos por tres ministros, Ping, Pang y Pong, que resultan ser meros observadores de la acción sin participar directamente en ella. Son personajes ambiguos que van derivando a lo largo de la obra en grotescos.
En su obsesión por mostrar la compleja psicología de la princesa Turandot, muy diferente al resto de protagonistas de sus obras, Puccini incorpora al libreto un nuevo personaje. Se trata de Liú, esclava de Timur y secretamente enamorada de Calaf, una mujer llena de dulzura y bondad, más del gusto de las protagonistas tradicionales de sus obras. Liú es el contrapunto a la princesa Turandot, mujer increíblemente hermosa, pero terriblemente cruel, sobre todo con los hombres, a los que culpaba de manera enfermiza de la muerte de una antepasada suya a manos de un príncipe extranjero.
Puccini no pudo terminar de escribir su última ópera.
La partitura de Turandot llegaba hasta la muerte de Liú. Faltaba la primera escena del tercer acto y una escena final para concluir la ópera. Aunque tenía el libreto con el final, el compositor no acababa de estar satisfecho y no conseguía resolver el final. Dice Robert Wilson que “Puccini no terminó Turandot porque no sabía cómo hacerlo”.
Cuando en septiembre de 1924 el compositor retoma de nuevo su obra, se reúne con Arturo Toscanini, que era por entonces director musical del Teatro alla Scala de Milán, para decirle: ‘¡si algo me sucediera, no abandones mi Turandot!’.
Al poco tiempo, el cáncer de garganta que le habían diagnosticado y del que fue operado en Bruselas, derivó en un fallo cardíaco que le produjo la muerte sin haber podido terminar su obra.
Toscanini encargó entonces el final de la partitura al compositor Franco Alfano que, a partir de una serie de manuscritos y algunas indicaciones dejadas por Puccini antes de morir, consiguió acabar la obra. En principio su composición duraba unos 22 minutos, que quedaron reducidos a 15 tras la intervención de Toscanini, y que afectaban sobre todo al aria de Turandot ‘Del primo pianto‘.
El Turandot de Robert Wilson, un clásico.
Dedicada al tenor Pedro Lavirgen, recientemente fallecido, y que fue uno de los más importantes Calaf de su generación, esta producción de Robert Wilson puede considerarse ya como todo un clásico.
Wilson es un maestro de la iluminación y la creación de atmósferas, sobre todo con la utilización que hace de las sombras. Pero también son conocidas sus producciones por la quietud, a veces exagerada, de sus personajes en escena. El motivo, como él mismo dice, se debe al absoluto respeto por la música y los cantantes, y el intento de facilitar el canto. Sin que complejas coreografías les distraigan. Aunque muchos no estén de acuerdo con el absoluto estatismo de los personajes, es innegable el alto valor estético de sus composiciones escénicas.
Como corresponde a la última producción de la temporada, en la que tradicionalmente se programa un buen número de representaciones de una de las óperas más conocidas del repertorio, este Turandot tiene tres repartos protagonistas. Todos ellos muy interesantes. Canceló Nadine Sierra, que debutaba el personaje. No se entiende muy bien que cancelara por cansancio, pues esta producción parece estar hecha para que los cantantes descansen. Tendremos que esperar para verla en este rol, del que dicen es para sopranos más maduras, vocalmente hablando.
En esta representación la protagonista ha estado a cargo de Saioa Hernández. Había también muchas ganas de verla en su debut en este rol, sobre todo después de los múltiples éxitos que está teniendo allá por donde pasa. Su técnica y dicción son impecables y lo ha vuelto a demostrar. Su voz de soprano spinto recorrió desde los graves a las notas más agudas con soltura y una clase que ya es marca de la casa. Solo echamos de menos un poco más de expresividad en el canto. Algo en lo que seguro tuvo que ver la escenografía.
Martin Muehle fue más que correcto en su interpretación de un heroico Calaf, estuvo a la altura del personaje, incluso cuando abordó Nesum Dorma, aria que añade a su dificultad, el hecho de ser la más conocida y esperada por el público.
Miren Urbieta-Vega fue una de las más aplaudidas por el público. Su Liú estuvo sobrada de dulzura y delicadeza, pero sobre todo del talento interpretativo de la soprano donostiarra. Es este un personaje que conoce y que ya le escuchamos en este teatro hace unos años, pero que ha hecho evolucionar de manera magistral.
Fernando Radó es un bajo barítono muy conocido ya en Madrid y un valor seguro cada vez que sube al escenario. Así quedó demostrado una vez más con su sentida interpretación de Timur.
Los tres ministros estuvieron a cargo de Germán Olvera, Moisés Marín y Mikeldi Atxalandabaso. La actuación de los tres fue impecable, tanto en lo vocal como en la parte escénica. Al ser tres personajes fuera del contexto del libreto, Wilson les ha diferenciado del resto de personajes vistiéndoles de forma diferente y haciendo que fueran los únicos que, no solo tienen movimiento, sino que no dejan de hacer piruetas por todo el escenario. Lo que añade mérito a su interpretación.
Muy buena actuación del resto de comprimarios en esta producción, contribuyendo al buen nivel. Vicenç Esteve, Gerardo Bullón y David Romero.
La dirección musical ha recaído en Nicola Luisotti, gran especialista, como no podía ser de otra manera, del repertorio italiano. Sabe como nadie imprimir ese carácter alegre y casi excesivo en estas composiciones, a una orquesta a la que conoce bien. No en vano, está en su casa.
Esta ópera es también la despedida del maestro Andrés Máspero, el director que ha llevado la calidad del coro del Teatro Real a sus mejores niveles. Gracias, maestro, y hasta siempre.
Un fantástico cierre a una temporada intensa, que termina con la semana de la ópera y la ya tradicional proyección en la plaza, en pantalla gigante, de una de las representaciones de Turandot.
Turandot

Como en las siete ediciones precedentes, la programación de la  Semana de la Ópera del Teatro Real, del 10 al 16 de julio, se basa en las enormes posibilidades que ofrecen las nuevas tecnologías audiovisuales y las redes sociales para la difusión de la ópera de una manera interactiva, en la que el público puede disfrutar, participar, aprender y compartir experiencias que fomentan el diálogo, la reflexión y la crítica.

La ópera Turandot, en escena en el Teatro Real hasta el 22 de julio, será el eje de la programación de la Semana de la Ópera: el 14 de julio, viernes, a las 21.00 horas, podrá ser vista en una pantalla instalada en la Plaza de Isabel II (Plaza de Ópera) de Madrid y también en plazas, centros culturales, museos, auditorios y teatros de toda España. Más de cien ciudades y pueblos de distintas autonomías retransmitirán la ópera para sus vecinos.  Las inscripciones siguen abiertas hasta el lunes 10 de julio a través de este enlace. Televisión Española realizará la grabación de esta ópera y la emitirá en diferido.

En la presente edición de la Semana de la Ópera destaca  la retransmisión, en una pantalla instalada en la Plaza de Isabel II (Plaza de Ópera),  de cuatro espectáculos de formatos muy distintos –concierto lírico, flamenco, ópera y  ballet– en días sucesivos, del 12 al 15 de julio, que podrán ser seguidos gratuitamente. Se colocarán 1000 sillas para el público, que podrá ocuparlas por orden de llegada, hasta completar aforo.

12 de julio, miércoles, a las 21 horas

CONCIERTO DE JAVIER CAMARENA CON LA ORQUESTA CIUDAD DE GRANADA

Retransmisión en directo desde el Teatro Real, con un desfase de una hora y media para que no haga tanto calor.

Javier Camarena, el cantante con más bises en la historia del Teatro Real, regresa al ciclo Voces del Real para ofrecer un programa de ópera, zarzuela y canciones populares de su México natal. Acompañado por la Orquesta de la Ciudad de Granada, que debuta en el coliseo madrileño bajo la dirección de Iván López-Reynoso, interpretará famosas arias de Donizetti, Verdi, Massenet, Chapí, Moreno Torroba, Sorozábal, Chabrier, Gardel y Velásquez.

Para completar la velada, el tenor interpretará algunos de los títulos universales de la música popular mexicana junto al Mariachi Sol de América. Canciones como Si nos dejan, La bikina, La malagueña o El rey cerrarán este recorrido musical en la voz de uno de los más grandes tenores de la actualidad.

13 de julio, jueves, a las 21 horas

ACTUACIÓN DEL BAILAOR EDUARDO GUERRERO EN ‘FLAMENCO REAL’

Retransmisión de Origen, última creación del bailaor Eduardo Guerrero, que tuvo lugar en el Salón de Baile del Teatro Real el pasado 29 de junio, en el marco del ciclo FLAMENCO REAL.  Guerrero actuó con el guitarrista Pino Losada y las cantaoras Pilar Sierra Villar, Ana Polanco y Eva Ruiz.

Origen es una experiencia artística que transmite los valores del flamenco con un trazo de vanguardia: original, transgresor, inspirado y directo, siempre en busca de la complicidad del espectador.

El espectáculo ha contado con la colaboración de Palomo Spain en el diseño del vestuario.

14 de julio, viernes, a las 21 horas

TURANDOT, DE GIACOMO PUCCINI

Retransmisión en directo desde el Teatro Real a pueblos y ciudades de toda España, con un desfase de una hora y media para que no haga tanto calor.

El personal lenguaje estético y escenográfico tan característico de Robert Wilson, responsable de la puesta en escena, decorado e iluminación de Turandot, concede a la ópera de Puccini un aura espectral muy ajustada al universo dramatúrgico y sonoro de la partitura, que evoca un mundo ancestral de reminiscencias orientales. Los personajes se convierten en arquetipos legendarios y hieráticos, y la sutil paleta lumínica de Wilson se recrea con los colores orquestales de Puccini.

La dirección musical es de Nicola Luisotti, que estrenó la producción junto a Robert Wilson en 2018. Se pondrá nuevamente al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real ─y también de los Pequeños cantores de la JORCAM─ para dar vida a la genial partitura de Puccini, que tendrá como protagonistas a Anna Pirozzi (Turandot), Michael Fabiano (Calaf), Ruth Iniesta (Liù) y Liang Li (Timur).

15 de julio, sábado, a las 21 horas

ESPECTÁCULO DEL NEW YORK CITY BALLET

Memorable actuación de la mítica compañía estadounidense New York City Ballet en el Teatro Real el pasado mes de marzo.

Dirigido en la actualidad por Jonathan Stafford, el New York City Ballet ha presentado tres coreografías llenas de simbolismo para la formación: Serenade y Square Dance, creadas por George Balanchine, y The Times Are Racing, obra de Justin Peck, coreógrafo residente de la compañía y uno de los grandes talentos de la actualidad.

Además de las retransmisiones,  a lo largo de toda la semana se ofrecerá el acceso gratuito, en MyOperaPlayer, a tres óperas retransmitidas en ediciones anteriores de la Semana de la Ópera: Lucia di Lammermoor, Tosca y Nabucco.

Asimismo, entre el 10 y el 16 de julio, la adquisición de suscripciones anuales y semestrales a MyOperaPlayer tendrá un 40% de descuento para todos los interesados en abonarse a la plataforma audiovisual del Teatro Real, en cuyo catálogo hay títulos procedentes de 50 teatros y auditorios de Europa, América y Asia, con novedades semanales y retransmisiones en directo de las producciones más importantes del Teatro Real.

Pondrá fin a la Semana de la Ópera del Teatro Real, como suele ser habitual, una jornada de puertas abiertas. El 16 de julio, entre las 10.00 y las 14.00 horas, los visitantes podrán acceder al Teatro de manera gratuita por la plaza de Oriente y recorrer la caja escénica, la sala principal, los palcos y los salones de la segunda planta. En estos espacios, guías del Teatro Real estarán disponibles para ofrecer información. Además, los asistentes podrán participar en sorteos de diversos premios a través de códigos QR disponibles en los distintos espacios del edificio.

Fotógrafo: © Javier del Real | Teatro Real

Moisés Marín

El tenor granadino Moisés Marín vuelve a pisar las tablas del Teatro Real, la ópera de Madrid, en esta ocasión interpretando al ministro Pang en Turandot, obra póstuma de Giacomo Puccini (1926). La obra se estrenará el 3 de julio y podrá verse a lo largo de 17 funciones, hasta el 22 de julio. El cantante trabaja a las órdenes de Robert Wilson, director de escena estadounidense de vanguardia, en esta espectacular producción que ya se estrenó en 2018 en el Teatro Real.

La dirección musical corre a cargo del italiano Nicola Luisotti, y Moisés Marín compartirá escenario con los cantantes Anna Pirozzi, Saioa Hernández, Jorge de León, Michael Fabiano, Ruth Iniesta, Miren Urbieta, Adam Palka, entre otros.

De su papel como el ministro Pang, el artista destaca que se trata de “un claro guiño a la Commedia dell’Arte”, así como “un contrapunto de color fúnebre al resto de compañeros, que obliga a desplegar toda su paleta de colores (cómicos, dramáticos, melancólicos, satíricos, bellos y agrios) y hace de la comedia el respiro ideal para seguir con la Fábula de la princesa de hielo”.

Por otro lado, el 12 de julio podrá disfrutarse de Turandot en el marco del Festival Internacional de Música y Danza de Granada, en su versión de concierto. Esta cita supone el debut del tenor en el certamen de su ciudad natal. Además, será la primera vez que la obra se pueda ver de forma completa en el festival. La cita será a las 22:00 en el Palacio de Carlos V (La Alhambra).

Para Moisés Marín, regresar al Teatro Real supone “seguir tocando el cielo del mundo lírico, y por tanto un privilegio y una bendición que la vida me regala, por la que estoy tremendamente agradecido y entusiasmado”. Este proyecto, sumado a su debut en Granada, hace que el mes de julio sea para el tenor “un momento especialmente bello en mi carrera”.

Con este papel, Moisés Marín continua su intensa actividad artística en los principales teatros de ópera españoles en una temporada en la que ha puesto de manifiesto su capacidad para explorar diferentes registros. El verano pasado protagonizó en el festival Rossini de Wildbad exigentes roles de baritenor, como Pirro en Ermione y Goffredo en Armida. Además, Moisés ha sido Pollione en Norma, estrenada en La Coruña y Oviedo el pasado otoño, y ha participado en óperas como Tosca en el Gran Teatre del Liceu y ABAO Bilbao, o Tristán e Isolda en el Palau de Les Arts de Valencia.

La temporada próxima también viene cargada de proyectos importantes para el tenor, como es el papel principal (Belmonte) en El rapto en el serrallo, que verá la luz en abril de 2024 en ABAO Bilbao.

Moisés Marín: fuerza y versatilidad

Desde que en la temporada 17/18 terminó su formación en el Centre de Perfeccionament del Palau de les Arts de Valencia, Moisés Marín se ha convertido en un habitual de las temporadas líricas españolas, teniendo presencia desde entonces en el Teatro Real, el Gran Teatre del Liceu, ABAO, el Teatro Campoamor de Oviedo y el de la Maestranza de Sevilla. En 2022 el cantante recibió el premio al Cantante Revelación otorgado por Amics de l’Òpera y de les Arts de la Comunidad Valenciana tras triunfar con Los cuentos de Hoffmann.

Ha sido miembro del Centre de Perfeccionament del Palau de les Arts. En este periodo de dos años como estable en Les Arts, ha tenido la oportunidad de trabajar técnica y musicalmente con artistas como Plácido Domingo, Fabio Biondi, Roberto Abbado, Mariella Devia, Gregory Kunde, Emilio Sagi y Davide Livermore. Es ganador del 1º Premio en el Concurso Internacional de Canto Ciudad de Logroño y premio especial de Zarzuela. Ha sido alumno del bajo-barítono Carlos Chausson y de la soprano Renata Scotto. Actualmente sigue bajo la tutela del aclamado bajo Eric Halfvarson.

Fotografía: Kiko Lozano

Turandot

Entre los días 3 y 22 de julio, el Teatro Real ofrecerá 17 funciones de Turandot, de Giacomo Puccini, en la reposición de la producción del Teatro Real estrenada en noviembre de 2018, en coproducción con el Teatro Nacional de Lituania, la Canadian Opera Company, la Houston Grand Opera y la Opéra national de Paris, teatros donde, como en el Real, la producción ha obtenido tanto éxito que ya se ha presentado dos veces en Lituania y volverá en noviembre al escenario de la Ópera de París.

El personal lenguaje estético y escenográfico de Robert Wilson, responsable de la puesta en escena, decorado e iluminación de Turandot, concede a la ópera de Puccini un aura espectral muy ajustada al universo dramatúrgico y sonoro de la partitura, que evoca un mundo ancestral de reminiscencias orientales.

El concepto dramatúrgico, metafórico y visual de la puesta en escena de Wilson, con siluetas a contraluz, máscaras y movimientos casi rituales, es el ideal para contar la leyenda de la fría, despiadada y sanguinaria princesa china, enmarcada en su espacio escenográfico y estético ‘natural’, que entronca directamente con el milenario teatro de sombras oriental.

Los personajes se convierten así en arquetipos legendarios y hieráticos, y la sutil paleta lumínica de Wilson se recrea con los colores orquestales de Puccini y con poéticas sinestesias que van de los tonos glaciales de la desalmada protagonista a las tonalidades cálidas del recogimiento de Liù, cuya muerte, en la partitura, coincide con la del propio compositor, quien dejó la obra inacabada.

Giacomo Puccini falleció en Bruselas en 1924, cuando se sometía a un tratamiento del cáncer de garganta que padecía. Se encontraba entonces en una encrucijada para concluir el tercer acto de Turandot, con un sorprendente final feliz en el que el amor triunfa sobre la perfidia. Su discípulo, Franco Alfano, se encargó de concluir la partitura partiendo de los esbozos y notas dejados por su maestro y bajo la atenta supervisión de Arturo Toscanini, quien dirigió el estreno póstumo de la ópera en La Scala de Milán, en 1926, en una célebre representación en la que el director italiano cortó abruptamente la interpretación ─después del adagio que entona el coro tras la muerte de Liù─ y se dirigió al público diciendo: ‘Qui il Maestro finí’ (Aquí terminó el maestro). En las sucesivas funciones se ha utilizado el final de Alfano, que es el que desde entonces se emplea normalmente, pese a que Luciano Berio escribió otra versión estrenada en 2002 en Salzburgo.

En Turandot, Giacomo Puccini da un enorme salto hacia delante en su escritura compositiva: se aleja del realismo y de su genial maniqueísmo de las emociones y explora un nuevo universo dramatúrgico pertrechado con su eximio arte de orquestar, su eclecticismo y su portentoso olfato teatral. La ópera entrelaza motivos epigramáticos con una impresionante eficacia dramatúrgica, otorgando al coro una relevancia dramática desconocida en sus óperas anteriores. Explora universos armónicos más audaces con pasajes bitonales y disonantes articulados con su proverbial melodismo, abriéndose un floreciente camino truncado por su repentina muerte.

Turandot traerá al Real, una vez más, a su principal director invitado, Nicola Luisotti, que estrenó la producción junto a Robert Wilson en 2018. Se pondrá nuevamente al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real ─y también de los Pequeños cantores de la JORCAM─ para dar vida a la genial partitura de Puccini, en la que se alternarán tres cuartetos protagonistas, con las sopranos Anna Pirozzi, Ewa Płonka y Saioa Hernández (Turandot), los tenores Jorge de León, Michael Fabiano y Martin Muehle (Calaf), las sopranos Salome Jicia, Ruth Iniesta y Miren Urbieta-Vega (Liù) y los bajos Adam Palka, Liang Li y Fernando Radó (Timur).

Con Turandot, Andrés Máspero concluye su trabajo al frente del Coro Titular del Teatro Real (Coro Intermezzo), del que es director desde su creación, en 2010, concediendo a esta formación un enorme prestigio y reconocimiento nacional e internacional. El importante papel del coro en la postrera y genial partitura de Puccini será también un homenaje a este gran director y a toda su brillante carrera.

Las funciones de Turandot estarán dedicadas a la memoria del gran tenor Pedro Lavirgen (Bujalance, Córdoba, 31 de julio de 1930 – Madrid, 2 de abril de 2023), uno de los grandes intérpretes del papel de Calaf de su generación.

Lavirgen no pudo interpretar en el Teatro Real a los grandes personajes que lo encumbraron porque el apogeo de su brillante carrera transcurrió durante el período en el que el coliseo de la Plaza de Oriente fue sala de conciertos y las óperas se representaban en el vecino Teatro de la Zarzuela. Pero en 2018 el Real le dedicó las funciones de Aida, también con dirección musical de Nicola Luisotti. Entonces el tenor ocupó un lugar protagonista en la rueda de prensa de presentación de la ópera, recordando su larga carrera, llena de éxitos y anécdotas y en la que tuvo siempre el cariño del público y de sus compañeros.

También se homenajeó a Padro Lavirgen pocos días después de su fallecimiento, en una actuación lírica en la Carroza del Teatro Real en Córdoba -con la soprano Sonia Suárez, la mezzosoprano Alejandra Acuña, el barítono Willingerd Giménez y la pianista Cristina Sánz– y a él estará dedicada la última edición de Enfoques de esta temporada, el próximo 28 de junio a las 20.15 horas.

Fotógrafo: © Javier del Real | Teatro Real

Turandot

El Teatro Real ha querido sumarse a la celebración del Día Europeo de la Música, que se conmemora hoy, miércoles 21 de junio, poniendo a disposición del público más de dos mil entradas a precio reducido para poder asistir a la ópera Turandot, de Giacomo Puccini, cuyo estreno tendrá lugar en su escenario el próximo mes de julio.

Así, a partir de hoy y hasta mañana, 22 de junio, a las 23:59 horas, la sala abrirá todas sus zonas a todos los públicos, con un 40% de descuento en la zonas A, Premium y Premium Plus, un 35% de descuento en zona B y un 30% de descuento en la zona C hasta la E en las funciones de Turandot de los días 10, 17, 18, 20 y 21 de julio de 2023.

El canal digital del Teatro Real, My Opera Player, también participa de esta celebración con un 25% de descuento en su suscripción, que sólo podrá adquirirse en las próximas 48 horas, y que dará acceso a todo su catálogo de ópera, danza, conciertos y flamenco, entre otros contenidos.

Entre los días 3 y 22 de julio, el Teatro Real ofrecerá 17 funciones de Turandotde Giacomo Puccini, en la reposición de la producción del Teatro Real estrenada en noviembre de 2018, en coproducción con el Teatro Nacional de Lituania, la Canadian Opera Company, la Houston Grand Opera y la Opéra national de Paris, teatros donde, como en el Real, la producción obtuvo un grandísimo éxito.

El personal lenguaje estético y escenográfico tan característico de Bob Wilson, responsable de la puesta en escena, decorado e iluminación de Turandot, concede a la ópera de Puccini un aura espectral muy ajustada al universo dramatúrgico y sonoro de la partitura, que evoca un mundo ancestral de reminiscencias orientales. Los personajes se convierten en arquetipos legendarios e hieráticos, y la sutil paleta lumínica de Wilson se recrea con los colores orquestales de Puccini.

Turandot traerá al Real, una vez más, a su principal director invitado, Nicola Luisotti, que estrenó la producción junto a Bob Wilson en 2018. Se pondrá nuevamente al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real ─y también de los Pequeños cantores de la ORCAM─ para dar vida a la genial partitura de Puccini, en la que se alternarán tres cuartetos protagonistas, con las sopranos Anna PirozziEwa Płonka y Saioa Hernández (Turandot), los tenores Jorge de LeónMichael Fabiano y Martin Muehle (Calaf), las sopranos Salome JiciaRuth Iniesta y Miren Urbieta-Vega (Liù) y los barítonos Adam PalkaLiang Li y Fernando Radó (Timur).

Fotografía Turandot © Javier del Real | Teatro Real

Tosca ABAO

ABAO Bilbao Opera presenta en febrero una de las óperas más conocidas y representadas de todos los tiempos: TOSCA, con el patrocinio de la Fundación BBVA. Estrenada en 1900, la inmortal ópera de Puccini es una de las más representativas del repertorio verista italiano por su intensidad dramática y por contener algunas de las arias más bellas y reconocidas de la historia de la ópera. ABAO ha programado cuatro funciones para los días 18, 21, 24 y 27 de febrero en el Euskalduna Bilbao. La representación del sábado 18 dará comienzo a las 19:00h, y el resto de las funciones se iniciarán las 19:30h.
Ubicada en el periodo postromántico, la obra supuso una revolución, abriendo una nueva página de la ópera italiana y el camino hacia un Puccini completamente maduro. El libreto esboza una estructura dramática perfecta, con unidad de tiempo, lugar y acción, y con una tensión dramática constante, que combina amor, intriga, lujuria, política, violencia, pasión y muerte. Opera lirica en tres actos, está basada en la pieza teatral homónima del francés Victorien Sardou y se desarrolla en la Roma de principios del siglo XIX, en tres lugares reales: la Iglesia de Sant’Andrea della Valle, el Palazzo Farnese y el Castel Sant’Angelo, y en un periodo de 24 horas que comprime la fuga de un prisionero político, una escena de tortura, un intento de violación, un asesinato, una ejecución y un suicidio.

El propio compositor viajó a Roma para visitar personalmente los lugares auténticos donde se desencadenaban los hechos, especialmente el Castel Sant’Angelo, para escuchar el cantar de los pájaros, el concierto matinal de las campanas de las diversas iglesias de la ciudad, recreado en el tercer acto con una atmósfera bellísima, y el ambiente tan especial que tiene aquel lugar a las orillas del Tíber al amanecer. Puccini se sintió atraído por la obra de Sardou porque incluía temas universales para el gran teatro: sexo, violencia, política y mentiras. El propio Sardou llegó a decir que la ópera superaba con creces a su obra original.
La catedrática Alexandra Wilson, una de las voces más respetadas del universo pucciniano describe Tosca como, “una historia de amor. Un thriller. Un relato de hechos históricos reales. Una obra política despojada de su impacto político. Un ejemplo de arte de altos vuelos. Una ópera con alguna de las mejores melodías jamás escritas. Una ópera con una heroína fuerte. Una ópera que suscita cuestiones perturbadoras en la era del #MeToo. Tosca de Puccini se ha tenido por todas estas cosas y más”.

ÉXTASIS EMOCIONAL DE MÚSICA Y VOCES MAGISTRALES
Profundamente emotiva, toda la trama que rodea a los protagonistas induce irremediablemente a un final trágico. El asesinato, el suicidio y la tortura entrelazan escena con escena creando una tensión dramática, cruel y conmovedora, con una partitura que avanza a toda velocidad.

Es una pieza teatral apasionante y una de las obras más exigentes vocalmente, que requiere experiencia, técnica, oficio actoral y tensión dramática. Para encarnar a la protagonista Floria Tosca que da nombre a la ópera, una soprano con larga y sólida trayectoria, solvencia vocal y habilidad teatral: Oksana Dyka. Un personaje intenso que debe transmitir una difícil variedad de emociones como en la conocida aria “Vissi d’arte”, una de las escenas más esperadas y aclamadas de la ópera, que expresa a lo largo de 35 compases la desesperación de Tosca por el chantaje sexual del Barón Scarpia. El ardiente dúo del acto primero o el del final a partir de “O dolci mani” son otros momentos que poseen toda la grandeza de Puccini y de su habilidad para reflejar las pasiones amorosas.

El revolucionario pintor Mario Cavaradossi enamorado de Tosca y perseguido por sus ideas políticas está interpretado por el tenor Roberto Aronica. Con una voz de bello timbre y rotunda potencia, Aronica aborda las célebres y conmovedoras arias “Recondita armonía”, delicada pero encendida declaración de amor que culmina sobre un Si bemol, y “E lucevan le stelle”, expresiva, refinada y con un difícil registro agudo al final. Ambas son ejemplos inigualables de verismo melódico.
El barítono Gabriele Viviani es el malvado, sádico y corrupto Barón Scarpia. Con un registro grave sólido y fuerte, retrata toda la perversión del despiadado personaje, un hombre sin escrúpulos, cruel y vengativo. En el primer acto, tras la palabras “Tre sbirri, una carrozza, presto” se construye un espectacular final en continuo crescendo que desemboca en el famoso, brillante y espectacular “Te Deum”. En el segundo acto, la escena entre Scarpia y Tosca es una pieza magistral, un auténtico pulso dramático entre ambos personajes, por el terror que atenaza a Tosca y por el sadismo que desbordan las órdenes de Scarpia a sus esbirros, especialmente los “Più forte” en alusión a las torturas de Cavaradossi.

Acompañan a este trío protagonista un equipo de conocidas voces del panorama nacional con consistencia y equilibrio: Alejandro López como Cessare Angelotti, Fernando Latorre como Sacristán, Moisés Marín encarnando a Spoletta, José Manuel Díaz en el papel de Sciarrone y Gexan Etxabe y Helena Orcoyen como Carcelero y Pastor, respectivamente.

PEDRO HALFFTER AL FRENTE DE LA BOS, DIRIGE UNA DE LAS MÁS ESTREMECEDORAS PARTITURAS PUCCINIANAS
La dirección orquestal recae en Pedro Halffer, uno de los grandes maestros habituales en los principales teatros del circuito internacional, con el reto de abordar la tensa y compleja partitura de Tosca, llena de estilos armónicos intensos, enérgicas variaciones orquestales, acción trepidante, continuos cambios de compás, leitmotivs y dinámicas que contribuyen a subrayar el trasfondo melodramático de la obra. Una experimentada batuta para comandar a la Bilbao Orkestra Sinfonikoa en el que será su 97 título con ABAO Bilbao Opera.

Todo es fulgurante, vertiginoso y trágico en Tosca. Sin preludio ni obertura, es una sucesión sin pausa de puro teatro lírico donde alternan piezas corales imponentes como la del “Te Deum”, con arias delicadas como “Recondita armonía”, emotivas como “Vissi d’arte” o trascendentales como “E lucevan le stelle”.
El Coro de Ópera de Bilbao, dirigido por Boris Dujin, y el coro infantil Leioa Kantika Korala de la mano de Basilio Astulez, completan este apartado.

UNA PRODUCCIÓN HISTÓRICA Y MONUMENTAL
La dirección de escena es del emblemático regista Mario Pontiggia, un director caracterizado por el rigor de sus propuestas, con una producción del Teatro Massimo di Palermo.

La magnífica escenografía, con un diseño histórico y monumental, actúa como una caja de resonancia apoyando el impresionante valor pictórico del conjunto escénico, proyectando al espectador en un espacio opulento, dominado visualmente por los símbolos de la Roma papal de 1800, sometida por la cruel policía del Vaticano entre fanatismo, violencia y pompa.

Toda la escenografía de Francesco Zito es colosal, desde el corte en perspectiva de la cúpula de Sant’Andrea della Valle del primer acto, a los grandes elementos del Palazzo Farnese guarida del diabólico Scarpia, hasta el trágico epílogo en la terraza del Castel Sant’Angelo, donde el escudo de armas papal actúa como un trasfondo simbólico de la muerte de Tosca.

El vestuario, también de Francesco Zito posee esplendor, opulencia cromática y elegancia, y la iluminación de Bruno Ciulli aporta una gran espectacularidad al conjunto escénico.

RUBÉN AMÓN INTRODUCE LA FIGURA Y OBRA DE PUCCINI EN EL CICLO EL ABC DE LA ÓPERA
El ciclo “El ABC de la Ópera” tiene como objetivo promover el conocimiento de la ópera en sentido participativo, construyendo a través de conferencias y encuentros con expertos, una red de experiencias culturales innovadoras, en espacios de participación asequibles a toda la sociedad. El programa descubre los aspectos más relevantes de cada título de la temporada, en una conferencia la víspera del estreno en la Biblioteca CRAI de la Universidad de Deusto, en colaboración con DeustoBide.
El viernes 17 de febrero, el periodista y escritor Rubén Amón, será el encargado de desvelar los entresijos de esta ópera y la obra de su compositor.

Periodista y escritor. Trabaja en el diario digital El Confidencial y participa habitualmente en diferentes medios radiofónicos y audiovisuales, como Onda Cero, Antena3 y La Sexta. Ha publicado varios libros de diferentes temáticas, como una investigación sobre Los secretos del Prado (Temas de Hoy 1997), la biografía de Plácido Domingo, Un coloso en el teatro del mundo (Planeta 2012) o El triunvirato: Carreras, Domingo y Pavarotti, cuando la ópera llena estadios (Temas de Hoy 1996). Sangre, poesía y pasión: Dos siglos de música, ruido y silencio en el Teatro Real (Alianza Editorial 2018).

Para acceder a esta actividad gratuita es necesaria acreditación previa a través de la web de ABAO o llamando al teléfono 944 355 100, desde el lunes 13 de febrero. La conferencia será retransmitida en directo a través del canal de ABAO Bilbao Opera en YouTube.

FUNDACIÓN BBVA: IMPULSO AL CONOCIMIENTO CIENTÍFICO Y CULTURAL
La Fundación BBVA, cuyo rasgo diferencial es el impulso al conocimiento tanto científico como cultural, articula su programa de Música como un recorrido completo por las distintas formas en que la sociedad puede beneficiarse y disfrutar de esta manifestación artística. Así, promueve la creación de obra nueva con encargos de composición y hace posible su preservación y difusión por medio de grabaciones en colaboración con sellos e intérpretes de primera línea.

Fomenta la música en directo a través de ciclos de conciertos que, de forma gratuita, ponen al alcance del público ensembles y solistas de referencia en el repertorio contemporáneo. Organiza ciclos de conferencias y edita publicaciones para comprender mejor el trabajo de ciertos autores o sumergirse en el estudio de determinados períodos compositivos y lleva a la práctica proyectos de investigación y creación altamente innovadores con las Becas Leonardo en Música y Ópera.

Organiza simposios especializados sobre gestión de orquestas, colabora con formaciones musicales y teatros de todo el país y reconoce la excelencia a través del Premio Fronteras del Conocimiento en Música y Ópera y el Premio de Composición AEOS-Fundación BBVA, en colaboración con la Asociación Española de Orquestas Sinfónicas. El esfuerzo sostenido de la Fundación en este ámbito ha sido reconocido con el Premio Ópera XXI a la Mejor Iniciativa de Mecenazgo.

Las representaciones de Tosca están patrocinadas en exclusiva por la Fundación BBVA, principal patrocinador de ABAO Bilbao Opera, que contribuye de esta manera a fomentar la cultura operística y a llevar al público espectáculos de la máxima calidad.

Manuel Busto

El próximo 18 de septiembre, el director de orquesta sevillano Manuel Busto regresará al Festival Internacional de Ópera y Ballet “Maria Biesu” de Chisináu, para dirigir La Bohème de Puccini en el marco de la celebración del trigésimo aniversario del conocido festival creado por iniciativa de la famosa primadonna moldava Maria Biesu, que cada año reúne a artistas locales e internacionales, convirtiéndose en todo un símbolo cultural de la República de Moldavia.

Busto, que ya dirigió Aida y La Traviata en anteriores ediciones del festival, se pondrá al frente de un reparto encabezado por las voces de la soprano moldava Natalia Tanasiiciu (Mimì) y el tenor egipcio Ragàa Eldìn (Rodolfo), en una producción con firma escénica de Rodica Picireanu. Se trata de la primera Bohème para el director de orquesta andaluz, que ya ha dirigido numerosos títulos operísticos en teatros de renombre internacional como el Teatro Lirico Giuseppe Verdi de Trieste, la Dutsch National Opera de Ámsterdam, la Taiwan National Opera House o el propio Teatro Nacional de Ópera y Ballet “Maria Biesu” de Moldavia, entre otros.

Su temporada 2022/2023 incluye también otros importantes compromisos, entre los que cabe destacar el debut con la Orquesta Ciudad de Granada y el regreso al Teatro Comunale di Bologna, además de un concierto extraordinario con la ROSS en la Catedral de Sevilla y el Miserere de Eslava en atriles.

ABAO Bilbao Opera

El sábado 24 de septiembre, un espectacular concierto inaugura la 71º Temporada de ABAO Bilbao Opera y despide con honores el emblemático proyecto Tutto Verdi, tras 16 años de actividad. La nueva temporada trae numerosas propuestas, actividades culturales, programas sociales, y una programación artística que incluye cinco títulos en el Euskalduna Bilbao y cuatro espectáculos en el Teatro Arriaga. Voces legendarias, grandes maestros, producciones inéditas y una apuesta permanente por la máxima calidad en todo su ámbito de actuación, vertebran la nueva temporada de ópera en Bilbao, inspirada en las claves del Romanticismo musical.

La 71º temporada propone a los aficionados y público en general, una programación emocionante, diversa, sugestiva y de incuestionable calidad artística.

PRINCIPALES MAGNITUDES DE LA NUEVA TEMPORADA
ABAO Bilbao Opera y la Fundación BBVA, principal patrocinador de la temporada, contribuyen a fomentar la excelencia y la cultura operística y a llevar al público espectáculos de la máxima calidad.

El repertorio italiano protagoniza la temporada con títulos muy conocidos como Tosca, Così fan tutte e Il Trovatore, y otros menos frecuentes como I puritani y Anna Bolena.

Entre las óperas y espectáculos programados, hay una producción propia, estreno absoluto: Così fan tutte y dos producciones estreno en España, Il Trovatore y la coproducción internacional de ABAO: Anna Bolena.

Se ofrecen un total de 44 funciones: 26 en la temporada general en el Euskalduna Bilbao, 17 para el público infantil y juvenil en la temporada Abao Txiki en el Teatro Arriaga, y una función del Concierto Tutto Verdi también en el Euskalduna.

Seis grandes batutas visitan la nueva temporada: Daniel Oren, Giacomo Sagripanti, Jordi Benacer, Óliver Díaz, Pedro Halffter y Francesco Ivan Ciampa para dirigir a la Bilbao Orkestra Sinfonikoa y la Euskadiko Orkestra, que junto al Coro de Ópera de Bilbao, amplían su repertorio reforzando el prestigio artístico de los colaboradores estables de ABAO.

Debutan 9 cantantes junto a importantes y destacados intérpretes que triunfan en los principales teatros de ópera del mundo.

ABAO Txiki ofrece 4 espectáculos para diferentes edades. Tres de ellos tendrán sesiones escolares revalidando el compromiso de ABAO con la formación y el público infantil y juvenil.

Tres estrenos en la temporada ABAO Txiki: Historia de una semilla, Hansel & Gretel e Itsasotik.

El programa didáctico y formativo ofrece mu ltitud de actividades gratuitas en distintos programas de actuación que incluyen charlas pedagógicas, talleres, coloquios y ciclos de conferencias para colectivos de distintas edades y procedencias.

Continúa con éxito el programa Gazteam con actividades e incentivos económicos para los menores de 25 y 30 años.

El programa “Ópera y +” en el Hospital Universitario Cruces consolida su actividad con actividades tanto dentro como fuera del Hospital, para pacientes, familiares y profesionales sanitarios de las u nidades de Nefrología, Hospital de Día, Digestivo, Pediatría y Neonatología. El programa cuenta c on la colaboración de la Fundación EDP, Fundación “la Caixa” y Zabalgarbi.

71º TEMPORADA DE ÓPERA
La nueva temporada incluye cinco títulos, más un gran concierto y se inspira en los postulados del Romanticismo musical, entre los años 1810 y la primera década del siglo XX y la aparición del verismo. Las óperas y las propuestas artísticas resaltan la cualidad de la expresión de los sentimientos y las emociones íntimas y personales con un estilo imaginativo, novelesco y lleno de cromatismo musical.

Cinco compositores: Verdi, Bellini, Donizetti, Mozart y Puccini traen a la escena bilbaína conocidos títulos del repertorio italiano como Tosca, Così fan tutte e Il Trovatore, y otros menos frecuentes como I puritani y Anna  Bolena. El Concierto Tutto Verdi presenta algunos de los pasajes más conocidos del compositor con piezas de
Macbeth, Il trovatore, Don Carlos, Un ballo in maschera, Aida y Nabucco, y una pieza inédita en ABAO: el Himno de las Naciones.

Una nueva temporada en la que debutan nueve cantantes y dos directores de escena y seis grandes batutas estarán al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa y la Euskadiko Orkestra. El Coro de Ópera de Bilbao, dirigido por Boris Dujin, se ocupa de la parte coral de la temporada.

Haciendo gala de su merecida fama de institución de grandes voces, ABAO reúne algunas de las más solicitadas en los principales teatros del mundo como: Jessica Pratt, Xabier Anduaga, Silvia Tro Santafé, Marko Mimica, Vanessa Goikoetxea, Oksana Dyka, Roberto Aronica, Mikeldi Atxalandabaso, Anna Pirozzi, Ekaterina Semenchuk o Celso Albelo, entre otros.

La Fundación BBVA cuyo rasgo diferencial es el impulso al conocimiento científico y la creación cultural, colabora con ABAO Bilbao Opera como patrocinador principal de la temporada.

Eleonora Buratto

La soprano italiana Eleonora Buratto, considerada una de las mejores intérpretes del personaje pucciniano, vuelve al coliseo madrileño para interpretar seis funciones de La Bohème en una temporada en la que también la cantará en Nueva York.

La carrera de Eleonora Buratto no para de conquistar escenarios y de ganar adeptos en todo el mundo. No es para menos: su agenda apunta compromisos en los más importantes teatros del panorama lírico internacional gracias a una voz de impresionante belleza y a un temperamento que deja sin aliento a críticos y público allá donde actúa.

La cantante llega a Madrid con su aclamada Mimì de La Bohème después de haber triunfado con el popular personaje de Puccini en la Metropolitan Opera de Nueva York cosechando un impresionante éxito de público y crítica, escenario en el que volverá a interpretar a la costurera parisina este mismo curso. En el Teatro Real ya ha cantado, desde su debut en 2012 con I due Figaro, títulos como Don Pasquale, L’elisir d’amore, Le nozze di Figaro, Carmen e Idomeneo. Ahora regresa con La Bohème, que interpretará los días 13, 16, 19, 27 y 30 de diciembre y 3 de enero, en un montaje firmado escénicamente por Richard Jones y con Nicola Luisotti en el podio al frente de la Orquesta Sinfónica de Madrid. Se trata de una coproducción del Teatro Real, la Royal Opera de Londres y la Lyric Opera de Chicago. “Me entusiasma enfrentarme a nuevas aventuras artísticas, pero, en esta ocasión, a la alegría le sumo la emoción de cantar para un teatro con el 100% de su capacidad”, afirma la cantante nacida en Mantua. “Estoy en Madrid en plenos ensayos de La Bohème encarnando a Mimì, uno de mis roles distintivos. Es además el último personaje que canté a principios de 2020, antes del confinamiento, en la Royal Opera de Londres. Y ninguno de nosotros podía imaginar en ese momento que el mundo entero y el de la ópera estaban a punto de paralizarse a causa de la pandemia. Espero que el círculo se cierre definitivamente y que, aunque con todas las precauciones necesarias, estemos retomando la vida como antes”.

Ya en el verano de 2020 Eleonora Buratto pudo reiniciar la actividad artística con el Réquiem de Donizetti y el de Verdi. “También debuté dos apasionantes roles verdianos como Elvira y Desdemona, además de la Fiordiligi mozartiana en Così fan tutte, primero en La Scala y luego en Turín –con Riccardo Muti–, y Anaïs en Moïse et Pharaon en el Rossini Opera Festival, pero ensayar ahora con un auténtico espíritu de normalidad como el que estamos viviendo en el Teatro Real es un regalo maravilloso. Estoy vinculada a este teatro desde 2012; aquí he realizado importantes debuts como el de Elettra en Idomeneo, entre otros. Ahora es el turno de Mimì. Espero trasmitir al público español las emociones de un rol y una obra que desde hace más de un siglo ha hablado al público de todo el mundo del amor, la alegría, la enfermedad, el dolor y, sobre todo, la infinita melancolía que conlleva el fin de la juventud. Creo que hoy, más que nunca, La Bohème es capaz de regalarnos las emociones más verdaderas y compartidas”, concluye la soprano.

Tras su compromiso madrileño viajará a Roma para participar en tres conciertos Rossini junto a la Orchestra e Coro dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia dirigidos por Antonio Pappano, a París para cantar el Réquiem de Verdi dirigida por Daniele Gatti en el Théâtre des Champs-Élysées y regresará a Nueva York, esta vez para debutar Madama Butterfly y encarnar nuevamente a Mimì de La Bohème, ambos compromisos en la Metropolitan Opera House durante marzo, abril y mayo de 2022

Navidad con la La bohème

Esta navidad, entre el 12 de diciembre y el 4 de enero el Teatro Real ofrecerá 15 funciones de La bohème, de Giacomo Puccini, en una coproducción del Teatro Real con la Royal Opera House de Londres y la Lyric Opera de Chicago, que se presentó en su escenario en 2017.

La génesis de La bohème, y también el desarrollo de todo su proceso creativo hasta el estreno de la ópera en el Teatro Regio de Turín el 1 de febrero de 1896, están minuciosamente documentados gracias a la abundante correspondencia entre Giacomo Puccini, su editor y mentor Giulio Ricordi, y los libretistas Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, que iniciaron su tormentosa y fructífera colaboración en esta ópera, escribiendo posteriormente los libretos de Tosca y Madama Butterfly.

Partiendo del libro Escenas de la vida bohemia, de Henri Murger (1822-1861), nacido como una serie de relatos autobiográficos publicados en forma de folletín, los dos libretistas, siempre celosamente dirigidos por Puccini, construyeron un libreto coral, en el que cuatro jóvenes bohemios -un escritor (Rodolfo), un pintor (Marcello), un músico (Schaunard) y un filósofo (Colline)- sortean las dificultades económicas y las inclemencias del tiempo con humor e ilusión, buscando su lugar en un París efervescente, bullicioso e invernal.

La historia de amor trágica entre uno de ellos, Rodolfo, aspirante a poeta, y la sastrecilla Mimì, cuya muerte por tuberculosis, inexorable, les sorprende, articula una especie de camino iniciático que despide los desenfrenos y sueños de la juventud y revela la vida real, con toda su contundencia y trascendencia.

Con su genial paleta orquestal, su dominio de la prosodia y su enorme talento dramático, Puccini va construyendo la personalidad de los jóvenes con su característica habilidad para articular los destellos más anecdóticos y divertidos de lo cotidiano con los sentimientos más hondos, pasionales y arrebatadores. Así, entrelaza sus frases cortas “de conversación” con otras de enorme aliento melódico y dramático. Su orquestación sugiere, con enorme eficacia tímbrica, desde detalles tan nimios como el serpenteo de las llamas o el tintineo de las monedas, hasta las ‘ambientaciones’ casi cinematográficas de la desangelada buhardilla, del bullicio del París navideño o de la soledad y privaciones de la pobreza.

La evocación de momentos pasados, como si fueran destellos que la memoria revive y actualiza, está magistralmente recreada con la utilización de motivos musicales asociados a emociones, sentimientos, o incluso a objetos a los que Puccini concede un enorme poder simbólico, como la vela de Mimì, la cofia rosa que le compra Rodolfo, el gabán de Colline, o el manguito que calienta las manos frías de la protagonista en su lecho de muerte.

Son estos momentos que vienen y vuelven con la memoria, que están escondidos y asoman con las vivencias que suman y construyen el camino la vida, los que vertebran la producción de La bohème que se podrá ver en el Teatro Real.

En su propuesta dramatúrgica, el prestigioso director británico Richard Jones y el escenógrafo y figurinista Stewart Laing presentan la ópera como una sucesión de Escenas de la vida bohemia presentadas al espectador sin ocultarle los trabajos de backstage que normalmente desarrollan los técnicos detrás del escenario. Así, el público ve cómo se cambian los decorados, cómo se utilizan diferentes artilugios para lograr efectos teatrales y cómo se amontonan elementos escenográficos en las bambalinas, como si fueran retazos de vida apiñados en la memoria.

Situándose en un lugar privilegiado, el espectador contempla permanentemente el pasado y el presente de los personajes, incapaz de sumergirse en el París frío y efervescente de los jóvenes bohemios porque lo verá siempre representado sobre el escenario.

Pero este artificio del ‘teatro dentro del teatro’, en que se confunden el tiempo real y el teatral, el espacio del público y del artista, el drama de la ópera y sus metáforas, llevará al espectador a una interpretación más rica de la obra de Puccini, potenciada por su visión desde distintos ángulos, pero también con sus reflejos.

Dos repartos darán vida a esta popular ópera coral, en la que destacan, en los papeles principales, las sopranos Ermonela Jaho y Eleonora Buratto (Mimì) y los tenores Michael Fabiano y Andeka Gorrotxategi (Rodolfo), secundados por las sopranos Ruth Iniesta y Raquel Lojendio (Musetta); los barítonos Joan Martín-Royo y Manel Esteve (Schaunard), los tenores Vicenç Esteve y Pablo García López (Benoît); los barítonos Lucas Meachem y Andrzej Filonczyk (Marcello); y los bajos Krzysztof Baczyk y Solomon Howard (Colline) y Roberto Accurso (Alcindoro).

La dirección musical correrá a cargo de Nicola Luisotti, con excepción de los días 30 de diciembre y 3 de enero, en los que la ópera será dirigida por Luis Miguel Méndez.

La bohème será el décimo título que Nicola Luisotti dirigirá en el Teatro Real, después de Il trovatore (2007), La damnation de Faust (2009), Rigoletto (2015), Aida y Turandot (2018), Don Carlo (2019), La traviata y Un ballo in maschera (2020) y Tosca (2021).

Además del Coro Titular del Teatro Real, dirigido por Andrés Máspero, participa en la producción el coro infantil Pequeños Cantores de la JORCAM, preparados por Ana González.

La Bohème vuelve al Teatro Real en fechas navideñas, trayendo a su escenario la alegría, complicidad y sueños de cuatro jóvenes que se encuentran con la vida real, paradójicamente, encontrándose con la muerte.

Fotografía © Javier del Real | Teatro Real

Madama Butterfly Les Arts

El Palau de les Arts estrena este próximo 10 de diciembre ‘Madama Butterfly’, de Puccini, con dirección musical de Antonino Fogliani y Marina Rebeka como protagonista.

El director artístico de Les Arts, Jesús Iglesias Noriega, ha presentado hoy en rueda de prensa este montaje con el que “regresa a la Sala Principal el que, posiblemente, sea el compositor más apreciado por el público valenciano, Giacomo Puccini”. Durante la presentación, Iglesias Noriega ha estado acompañado del director musical de la ópera, Antonino Fogliani; el director de escena, Emilio López; la soprano Marina Rebeka; y el tenor Piero Pretti.

“Dentro de nuestra búsqueda de nuevos estilos y repertorios, como expliqué en su momento, no se pueden obviar las sensibilidades del público. Puccini, así lo indican las cifras, es el compositor predilecto de la platea de Les Arts. Y dentro de su repertorio, ‘Madama Butterfly’ destaca por ser una de las obras de referencia del verismo, además de por la riqueza de su partitura o el exotismo de su música”, ha explicado Iglesias Noriega.

“Para Les Arts, supone también musicalmente la presentación en el foso de uno de los nombres más destacados de la nueva generación de batutas italianos, Antonino Fogliani, así como el debut de una de las grandes sopranos del momento, Marina Rebeka, en el rol protagonista”, ha señalado.

Destacados intérpretes, entre los que se incluyen algunos de los cantantes nacionales más relevantes, acompañan a la diva letona en el escenario: el tenor Piero Pretti (Pinkerton), la ‘mezzosoprano’ valenciana Cristina Faus, el barítono catalán Àngel Òdena (Sharpless), el tenor asturiano Jorge Rodríguez-Norton (Goro) y el bajo-barítono bonaerense Ferando Radó (Lo zio Bonzo). Además, la soprano italiana Maria Teresa Leva cantará el papel de Cio-Cio-San el día 17 de diciembre.

Antonino Fogliani, principal director invitado de la Deutsche Oper am Rhein y buen conocedor del repertorio italiano, considera que, más allá de los elementos orientales, “a Puccini lo que le interesaba era mostrar a una mujer muy fuerte. No sabemos hasta qué punto Cio-Cio-San estaba realmente enamorada o si quería huir a través de esa relación de las cadenas que le imponían la familia, la religión, una cultura sofocante”.

Les Arts recupera su producción propia de la ópera, con dirección escénica de Emilio López, realizada junto a profesionales del equipo técnico de Les Arts: Manuel Zuriaga (escenografía), Antonio Castro (iluminación) y Miguel Bosch (video creación), junto con la figurinista italiana Giusi Giustino.

Según ha explicado Emilio López: “Para realizar ‘Madama Butterfly’ trabajé, sobre todo, en el carácter y en la psicología de Cio-Cio-San, a quien siempre he visto como ‘una muñeca rota’, que sufre una destrucción interior enorme. Esa destrucción interior la he querido plasmar en la escenografía del montaje e, históricamente, en el ambiente bélico de la II Guerra Mundial, entre 1941 y 1945, desde el bloqueo estadounidense hasta la finalización de la guerra”.

“El personaje de Pinkerton -añade López- se inspira en el piloto que soltó las bombas de Hiroshima y de Nagasaki, Charles Sweeney, que tenía 25 años entonces. Un chico inconsciente que nunca fue capaz de ver las consecuencias de sus actos. Un cobarde”.

Marina Rebeka regresa a Les Arts para debutar en el papel de Cio-cio-san. La soprano letona, una de las grandes intérpretes de ‘La traviata’, papel que cantó en València en 2017, asume uno de los retos de su carrera según ella explica: “no solo en el plano musical, por envergadura vocal y duración, sino también dramático por la complejidad psicológica y cultural que entraña el papel de Cio-cio-san”.

La artista báltica considera a la ‘geisha’ como una mujer que quiere engañarse a sí misma e intenta no ver la realidad hasta que se confronta bruscamente con ella y entonces no ve más salida honorable que quitarse la vida. En este sentido, Marina Rebeka apunta que “uno de sus mayores desafíos ha sido estudiar la cultura japonesa para acercarse a ella con el mayor rigor y respeto”.

Piero Pretti interpreta el papel de Pinkerton, rol con el que canta por primera vez en València. El tenor italiano es uno de los valores indiscutibles del repertorio italiano, invitado asiduamente por los teatros de más renombre: Londres, París, Milán, Berlín, etc.

Además de su estreno el día 10 de diciembre, ‘Madama Butterfly’ también se representará los días 13, 16, 17, 19 y 22 de diciembre.

Les Arts informa que la representación del día 19 se retransmitirá en ‘streaming’ desde OperaVision, auspiciada por Opera Europa, que reúne a 30 compañías de ópera de 18 países del continente.

Piero Pretti

El famoso tenor italiano Piero Pretti será Pinkerton en la producción de Madama Butterfly del Palau de Les Arts, con dirección musical de Antonino Fogliani y puesta en escena de Emilio López. Pretti, que cantará los días 10, 13, 16, 17, 19 y 22 de diciembre, hará su debut en Valencia como Benjamin Franklin Pinkerton, el oficial de la marina americana que ya ha interpretado con gran éxito en la Metropolitan Opera de Nueva York, la Bayerische Staatsoper de Munich, la Wiener Staatsoper, la Opernhaus Zürich, la Ópera Nacional de París, la Deutsche Oper de Berlín, o el Teatro di San Carlo de Nápoles, entre otros.

“Puccini requiere tener un profundo conocimiento de la partitura y tener claro su  lenguaje musical, que es diferente del de Verdi como también lo es naturalmente de otros compositores. Además, hay que tener en cuenta una serie de detalles técnicos cuando se canta un rol pucciniano porque el fiato cambia debido al legato, y también cambian los acentos y los rubati”, señala Pretti, cuyo extenso repertorio va desde el belcanto (Il Pirata, Lucia di Lammermoor) al Verismo (Cavalleria Rusticana), con especial atención a Verdi (Un Ballo in Maschera, La Traviata, Il Trovatore, Rigoletto, Don Carlo).

Nacido en Cerdeña, Piero Pretti es invitado habitual de los principales teatros de ópera como La Scala de Milán, La Fenice de Venecia, la Ópera Estatal de Baviera, la Ópera Estatal de Viena, el Teatro dell’Opera de Roma, el Liceu de Barcelona, el Teatro Real de Madrid, la Arena de Verona o la Royal Opera House de Londres, y ha colaborado entre otros directores de renombre internacional, con Riccardo Muti, Gianandrea Noseda, Roberto Abbado o Myung-Whun Chung. Sus compromisos más inmediatos incluyen Les vêpres siciliennes de Verdi, en la nueva producción con regia de Emma Dante que inaugurará la stagione del Teatro Massimo de Palermo, y en una nueva producción de Olivier Py que se podrá ver en la Deutsche Oper de Berlín; además, cantará Rigoletto en una nueva producción de Mario Martone para la Scala de Milán.

Información

Tosca en el Teatro Real

Entre el 4 y el 24 de julio se ofrecerán 16 funciones de Tosca, con retransmisiones gratuitas en distintos formatos ­canales de YouTube, MyOperaPlayer, La 2 de TVE, Radio Clásica de RNE y pantallas exteriores en la Plaza de Oriente y Plaza de Isabel II­, que llevarán el popular título de Puccini a todos los rincones, celebrando el final de una programación operística intensa y muy especial, ya que el Real ha sido el único teatro lírico del mundo en presentar una temporada 2020-2021.

Nicola Luisotti ha tenido un importante papel durante este largo período de convivencia con la pandemia, dirigiendo la excepcional Traviata después del confinamiento estricto, inaugurando la presente temporada el pasado septiembre con Un ballo in maschera y estimulando, con su dedicación, confianza y entrega, a los artistas, trabajadores y al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real durante estos tiempos de incertidumbre.

Con Tosca, Luisotti dirigirá su novena ópera en el Teatro Real, en esta ocasión al frente de tres repartos ­con cuatro Cavaradossi­, trabajando junto a Paco Azorín, que ha renovado para el Real la producción creada en 2014 para el Liceu de Barcelona y la Maestranza de Sevilla.

Concebida como un thriller cinematográfico, con apoyo de proyecciones y un decorado circular que evoluciona del realismo del primer acto a un progresivo lenguaje más conceptual y simbólico, Azorín lleva al espectador a penetrar en la atmósfera revolucionaria, caótica y despiadada de las luchas napoleónicas y contrarrevolucionarias, germen de los movimientos que llevarían a la unificación de Italia años más tarde.

Haciendo un paralelismo entre la trágica historia amorosa de la protagonista y la lucha contra un poder corrupto y autocrático, Tosca lucha por el hombre al que ama hasta la humillación y el asesinato, encarnando simbólicamente la defensa a ultranza de los ideales revolucionarios.

Paco Azorín, que inició su carrera como escenógrafo ­en el Real se han visto sus decorados para las óperas Il prigioniero y Suor Angelica (con dirección de Lluís Pasqual) y para los ballets 2 you Maestro, El amor brujo y Electra­, asume en esta producción también la dirección de escena, adaptando las directrices de la interpretación actoral a la idiosincrasia de cada cantante.

En la producción que se verá en el Real se ha mantenido la dramaturgia original, pero se han introducido algunos cambios, como la incorporación de una actriz que simboliza la revolución, o el nuevo diseño del vestuario del personaje titular, concebido por Ulises Mérida, con el que se pretende reforzar el carácter de diva operística de Tosca, completando el figurinismo original de Isidre Prunés, fallecido en 2014.

La ópera, coproducción del Gran Teatre del Liceu de Barcelona y del Teatro de la Maestranza de Sevilla estrenada en 2014, estará protagonizada por tres repartos encabezados por las sopranos Sondra Radvanovsky, Maria Agresta y Anna Netrebko; los tenores Joseph Calleja, Michael Fabiano, Yusif Eyvazov y Jonas Kaufmann; y los barítonos Carlos Álvarez, Gevorg Hakobyan y Luca Salsi.

Sondra Radvanovsky, que ya interpretó a Tosca en 2011, volverá al Real con este papel, después de encarnar a Amelia en Un ballo in maschera en la inauguración de la presente temporada. También regresa la soprano Maria Agresta, que protagonizó Norma (2016), Il trovatore (2019) y Don Carlo (2019). Anna Netrebko interpretará su segunda ópera en el Real, después de su participación en Guerra y Paz, de Serguéi Prokófiev, en 2001.

El tenor estadounidense Joseph Calleja debuta en el Teatro Real, Michael Fabiano asume un nuevo papel protagonista después de su participación en Cyrano de Bergerac (2012), I due Foscari (2016), Giovanna d’Arco (2019), La traviata (2020) y Un ballo in maschera (2020), y Yusif Eyvazov interpretará por primera vez una ópera en el coliseo madrileño, después de haber participado en un concierto al lado de Anna Netrebko en 2019. Finalmente, Jonas Kaufmann, que actuó en una función de La clemenza di Tito en 2009, encarnará ahora a Cavaradossi en dos funciones.

El papel de Scarpia será defendido por Carlos Álvarez ­que cambia completamente de registro después de su reciente triunfo en Viva la Mamma­, Gevorg Hakobyan, que debuta en el Real, y Luca Salsi, que ya actuó en Rigoletto (2015) y Don Carlo (2019).

Después de la reapertura del Real, se han ofrecido 32 funciones de Tosca en las temporadas 2003-2004 y 2010-2011, todas con dirección de escena de Nuria Espert. Este popular título operístico regresa con un nuevo enfoque, que nace de la riqueza musical y dramática de esta trepidante obra maestra de Puccini.

Fotografía © Antoni Bofill

Adriana González

El próximo 18 de junio, cuatro años después de su aplaudido debut como Corinna (Il viaggio a Reims, Rossini), la soprano Adriana González regresa al escenario del Gran Teatre del Liceu como la protagonista femenina de La bohéme de Puccini, en una producción que lleva firma escénica de Álex Ollé, dirigida por Giampaolo Bisanti. Además, cantará también las funciones de los días 22 y 27 de junio, y 1 de julio. Licenciada en Música en Guatemala, Adriana González dio sus primeros pasos como cantante en Europa como miembro de l’Atelier Lyrique de l’Opéra national de París, donde por su destacado desarrollo recibió el Prix Lyrique du Cercle Carpeaux, realizando sus primeros debuts en la Opéra Bastille y la Ópera Garnier, antes de incorporarse al International Opera Studio de la Ópera de Zúrich.

Galardonada con numerosos premios internacionales como el Concurso de Canto Otto Edelmann de Viena, el Concurso Internacional de Canto Veronica Dunne de Irlanda, o el Concurso Internacional de Canto “Francisco Viñas”, entre otros muchos, la soprano Adriana González saltó a la fama como ganadora del Primer Premio y Premio Zarzuela del Concurso Operalia 2019.

En 2019, firmó un contrato con el sello discográfico Audax Records, con el que grabó un disco dedicado a las mélodies de Robert Dussaut (1896-1969) y su mujer Hélène Covatti (1910-2005), junto al pianista y director de orquesta Iñaki Encina Oyón, y el próximo mes de octubre saldrá al mercado su segundo trabajo discográfico, con la integral de las canciones de Isaac Albéniz.

Sus próximos compromisos incluyen un concierto en el Festival Radio France Occitanie Montpellier, junto a la Orchestre Philharmonique de Radio France dirigida por Santtu-Matias Rouvali, Mimì (La bohème) en Tokio y Juliette (Roméo et Juliette) en la Houston Grand Opera, bajo la batuta de Speranza Scapucci.

Fotografía (c) Aline Kundig

Adriana González

Piotr Beczala

El Teatro Real cerrará su ciclo de Las Voces del Real con el  concierto protagonizado por el tenor Piotr Beczala, sin duda una de las grandes estrellas del mundo de la lírica actual, que tendrá lugar el próximo sábado, 1 de mayo, a las 19.30 horas, y en el que estará acompañado por la Orquesta Titular del Teatro Real bajo la dirección de Łucasz Borowicz.

Su cuidado en la elección del repertorio, su flexibilidad vocal, su dominio de la técnica y el color de la voz le han convertido en el gran deseado por los teatros más importantes del mundo, por los que transita con inusual sencillez y trato cálido.

Para su cita en Madrid, Beczala ha contado en el programa con una importante presencia de compositores procedentes de Polonia, su país de origen. Autores menos conocidos por el gran público como Stanislaw Moniuszko, padre de la ópera polaca; Władysław Żeleński, el gran representante del neorromanticismo en su país, o el laureado Feliks Nowowiejski, por citar algunos.

No faltarán, sin embargo, arias de óperas como Turandot, de Puccini, o Cavalleria rusticana, de Pietro Mascagni,  y Andrea Chenier, de Umberto Giordano, autores con los que el tenor se adentra en el territorio verista en el camino de evolución natural de su voz, sin perder el dominio y el brillo de su amplio registro, pero dotándola ahora de mayor expresividad dramática, como muestra el disco grabado el pasado año en el que hace ya suyos los roles que han de venir.

Nacido en Varsovia,  Łucasz Borowicz ha sido director principal de la Orquesta Sinfónica de la Radio Polaca entre 2007 y 2015, conjunto con el que debutó como director de ópera con Don Giovanni y es director invitado principal de la Poznań Philharmonic desde 2006.

Fotografías de © Javier del Real / Teatro Real

ABAO Bilbao Opera programa por primera vez dentro de su historia La fanciulla del West, la ópera más colorista, armoniosa y sutil de Puccini. Los próximos días 15, 18, 21 y 24 de febrero, con el patrocinio exclusivo de la Fundación BBVA, sube a escena este título que narra la romántica y poética historia de ‘Minnie’ en el Salvaje Oeste. Un mundo cruel y sin leyes que es descrito musicalmente con brillantez y plasmado en escena con gran espectacularidad.

Un acontecimiento imprescindible y seis razones para no perdérselo:

  1. Es la ópera más original de Puccini y su partitura más innovadora y sinfónica con un gran protagonismo de la orquesta.
  2. Narra una historia diferente, ambientada en un espacio, un lugar y un tiempo poco habituales en la lírica.
  3. Es una obra coral, con 17 personajes y más de 197 personas en el escenario entre artistas, cuerpo técnico y equipo creativo. Un espectáculo redondo y una experiencia teatral y musical que atrapa al espectador desde el primer momento.
  4. Una espectacular producción con tres escenarios diferenciados que reúne todos los elementos del realismo duro y poético de la narrativa del Viejo Oeste. La atmósfera sucia de la mina, el sórdido ambiente del Saloon ‘La Polka’ y la pobreza de la cabaña de ‘Minnie’, despliegan el espacio dramático donde se mezclan amor, acción y desesperanza.
  5. Una estética que evoca los grandes musicales de Broadway, pero con el añadido de la extraordinaria calidad de producción e interpretación de un gran espectáculo de ópera.
  6. En 2020 este título sólo está programado en siete teatros en el mundo: Bilbao, Munich, Seúl, Orlando, Taillín, San Petersburgo y Estocolmo. Poder disfrutar de la belleza de esta ópera aquí, es una oportunidad única.

La ópera: un auténtico tesoro del compositor italiano

Esta ópera de intenso pulso dramático, cuya brillante y novedosa partitura anuncia ya lo que será la extrema originalidad de Il tabarro y Turandot, es una de las joyas del catálogo pucciniano.

Después de una serie de personajes femeninos destinados al sacrificio como ‘Manon’, ‘Mimì’, ‘Tosca’, ‘Cio-Cio-San’, con ‘Minnie’, la única mujer en un mundo de hombres rudos, bandidos y mineros, Puccini descubre un nuevo modelo de feminidad: una heroína valiente, una guerrera fuerte pero al mismo tiempo apasionada y decidida a defender su felicidad a toda costa.

En medio de la historia de amor que enmarca el tema principal, redime al protagonista masculino, le salva la vida y limpia sus pecados, la ópera narra también uno de los episodios más destacados de la época: la epopeya de la conquista del Oeste y la esperanza de fortuna de los buscadores de oro.

Las voces: 17  grandes voces ponen acción y emoción a la historia de amor y fortuna

La soprano ucraniana Oksana Dyka, una cantante consagrada con compromisos en los principales coliseos del mundo, debuta en ABAO para interpretar a ‘Minnie’, un exigente papel en una tesitura difícil y plagada de dificultades armónicas con poderosos agudos que suponen un  gran desafío a nivel actoral y vocal. El tenor Marco Berti, una voz de grandes dimensiones, potente zona aguda y buen squillo, en el rol del bandido ‘Dick Johnson’, y el barítono Claudio Sgura como el Sheriff ‘Jack Rance’ cierran el trío protagonista. Completan el amplio reparto de 16 cantantes el tenor Francisco Vas como ‘Nick’, el barítono Manel Esteve como ‘Sonora’, el bajo Paolo Battaglia como ‘Ashby’, el tenor Manuel de Diego Pardo como ‘Trin’, el barítono Isaac Galán como ‘Sid’, el también barítono Carlos Daza como ‘Bello’, los tenores Jorge Rodríguez-Norton y Gerardo López como ‘Harry’ y ‘Joe’ respectivamente, el barítono José Manuel Díaz como ‘Happy’, el bajo-barítono Fernando Latorre como ‘Larkens’, el bajo Cristian Díaz como ‘José Castro’ y ‘Billy Jackrabbit’, la mezzosoprano Itxaro Mentxaka como ‘Wowkle’, el bajo David Lagares como ‘Jake Wallace’ y Santiago Ibañez como ‘Postiglione’.

La dirección musical: Josep Caballé Domenech al frente de la Euskadiko Orkestra Sinfonikoa

En el foso el director titular de la Colorado Springs Philharmonic Orchestra y Director Musical de la Orquesta del Festival de Moritzburg, Josep Caballé Domenech. El maestro regresa a la temporada de ópera bilbaína tras su exitosa dirección de Roberto Devereux en 2015, para al frente de la Euskadiko Orkestra Sinfonikoa dirigir una partitura refinada y culta en la que se aprecia la influencia de la obra de Claude Debussy y Richard Strauss y cuya orquestación, la más extensa que Puccini utilizó nunca, es tan poderosa como sutil, ya sea conjurando una tremenda tormenta de nieve, una tensa partida de póquer o gotas de sangre que fluyen. “Es una obra muy original, plena de poder sinfónico, con una orquestación mucho más minuciosa y detallista que otras óperas del compositor”, afirma Caballé Domenech.

Completando este apartado y encarnando al coro de mineros, cuya nostalgia por su hogar es un importante hilo dramático que atraviesa toda la ópera, el Coro de Ópera de Bilbao, dirigido por Boris Dujin.

Momentos cumbre de La fanciulla del West

Entre los fragmentos más destacados de este título se encuentran el aria ”Ch’ella mi creda libero e lontano” y el dueto de amor “Dolce viver cosi, cosi moriré”. Otro de los momentos más intensos de esta obra es el juego de cartas que sostiene Minnie con el sheriff Jack Rance: “Una partita póker… siete pronto”, o el extraordinario dúo “Voi potete restar un’ora, due, o più”.

La puesta en escena: nueva coproducción  de ABAO estreno a nivel nacional

En el escenario una nueva coproducción de ABAO Bilbao Opera y el Teatro San Carlo di Napoli, que se estrena por primera vez en España, concebida por uno de los grandes directores de escena del momento Hugo de Ana, encargado también de la escenografía y el vestuario.

Basado en una narración limpia, ligera y fácil de intuir por el espectador, y con un estilo cinematográfico inspirado en los clásicos westerns de John Ford o Sergio Leone, Hugo de Ana presenta una visión fresca sobre la gran aventura de colonización, el amor y la eterna lucha por la búsqueda de la felicidad y la fortuna.

La acción tiene lugar en un campamento de buscadores de oro de las altas montañas de Sierra Madre en California, donde no falta de nada: la vieja mina con su gran molino, railes y vagonetas, el Saloon ‘La Polka’ y su ambiente de tahúres, naipes y alcohol, y la humilde casa de ‘Minnie’ donde esconde a su amado. Todo cuidado hasta el mínimo detalle en una superproducción que congrega más de 197 personas entre artistas, técnicos y creativos.

Un espectáculo al alcance de todos

Disfrutar de esta ópera y dejarse seducir por la grandeza de la obra de Giacomo Puccini nunca fue más fácil. Existe un amplio abanico de precios en las localidades. Así, los menores de 35 años disponen de entradas desde 37€ y a partir de 36 años, hay muchas opciones desde 56€.

Además, el programa Gazteam ABAO propone a los jóvenes la posibilidad de disfrutar de la ópera, en cualquier función y localidad con una tarifa plana de 25€ hasta 25 años y 30€ entre 26 y 30 años. El programa se completa con muchas otras actividades para disfrutar en comunidad.

Ciclo ABC de la ópera: Rubén Amón descubre La fanciulla del West

El ciclo “El ABC de la ópera” que ABAO Bilbao Opera organiza en el Museo Bellas Artes, permite descubrir de forma gratuita los aspectos más relevantes de cada título de la temporada, en una conferencia magistral previa al estreno.

El viernes 14 de febrero el conocido periodista y escritor Rubén Amón, será el encargado de desvelar los detalles de La fanciulla del West y la obra de Puccini.

Rubén Amón participa habitualmente en diferentes medios radiofónicos y audiovisuales, como Onda Cero, Antena3 y La Sexta. Ha publicado varios libros de diferentes temáticas como  una investigación sobre Los secretos del Prado (Temas de Hoy 1997),  la biografía de Plácido Domingo, Un coloso en el teatro del mundo (Planeta 2012) o El triunvirato: Carreras, Domingo y Pavarotti, cuando la ópera llena estadios.

Fundación BBVA: impulso al conocimiento científico y cultural

La Fundación BBVA, cuyo rasgo diferencial es el impulso al conocimiento tanto científico como cultural, articula su programa de Música como un recorrido completo por las distintas formas en que la sociedad puede beneficiarse y disfrutar de esta manifestación artística. Así, promueve la creación de obra nueva con encargos de composición y hace posible su preservación y difusión por medio de grabaciones en colaboración con sellos e intérpretes de primera línea.

Fomenta la música en directo a través de ciclos de conciertos que, de forma gratuita, ponen al alcance del público ensembles y solistas de referencia en el repertorio contemporáneo. Organiza ciclos de conferencias y edita publicaciones para comprender mejor el trabajo de ciertos autores o sumergirse en el estudio de determinados períodos compositivos y lleva a la práctica proyectos de investigación y creación altamente innovadores con las Becas Leonardo en Música y Ópera.

Organiza simposios especializados sobre gestión de orquestas, colabora con formaciones musicales y teatros de todo el país y reconoce la excelencia a través del Premio Fronteras del Conocimiento en Música y Ópera y el Premio de Composición AEOS-Fundación BBVA, en colaboración con la Asociación Española de Orquestas Sinfónicas.

Las representaciones de La fanciulla del West están patrocinadas en exclusiva por la Fundación BBVA, principal patrocinador de ABAO Bilbao Opera, que contribuye de esta manera a fomentar la cultura operística y a llevar al público espectáculos de la máxima calidad.

Fotografía: E. Moreno Esquibel

La rompedora producción dirigida por Franc Aleu abre la temporada del 20 aniversario con el mismo título que debía representarse antes del incendio y que reabrió el Teatre en 1999.

Un reparto inmejorable dará vida a la ópera inacabada de Puccini: Iréne Theorin, Lise Lindstrom, Jorge de León, Gregory Kunde, Ermonela Jaho y Anita Hartig entre muchos otros.

El maestro Josep Pons dirige esta ópera “delicada, rica y bella” que contará con una Orquesta de 95 músicos y un Coro también de 95 voces.

La nueva producción está llena de metáforas visuales y hace uso de las últimas tecnologías: escenografía en movimiento de Carles Berga, cobots –robots colaborativos- de Universal Robots y el vestuario de luces led de Chu Uroz.

El Liceu estrena también nueva fachada en el marco del 20 aniversario, que incluye la intervención en el reloj, la iluminación y las vidrieras wagnerianas.

El 7 de octubre de 1999 el Gran Teatre del Liceu reabría sus puertas después del fatídico incendio con la Turandot dirigida por Núria Espert. Exactamente veinte años más tarde, el Teatre vuelve a inaugurar temporada con esta ópera inacabada de Puccini, una producción ‘high tech’, futurista y poética de Franc Aleu y con la dirección musical de Josep Pons. Un estreno mundial que reunirá del 7 al 25 de octubre algunas de las mejores voces del momento, encabezadas por Iréne Theorin, Lise Lindstrom, Jorge de León, Gregory Kunde, Ermonela Jaho y Anita Hartig entre muchas otras.

De la genialidad de Franc Aleu nace esta espectacular propuesta ‘high-tech’ llena de metáforas visuales y que hace uso de las últimas tecnologías para inundar el escenario de colores, texturas y videocreaciones: cobots (robots colaborativos de Universal Robots), tecnología 3D, audiovisuales de vanguardia…

Una gran pirámide preside el espacio escénico emulando el trono del emperador y hogar de Turandot. Una impresionante estructura giratoria con seis bloques de escalas y coronada por dos brazos robóticos que sirve para crear una alegoría del poder y de la sociedad contemporánea en sus obsesiones más morbosas: la intromisión en la vida privada de los otros, el espectáculo del linchamiento y la fascinación por los mecanismos de control social… “Un mundo creado para atraparnos como moscas y crearnos una adicción irresistible”, asegura Aleu.

Los tres actos comparten la misma escenografía, pero va cambiando en cada escena, “como quien cambia de pantalla en un videojuego”, asegura Aleu. Un mundo virtual que ha sido posible gracias un equipo de lujo formado por  Susana Gómez, codirectora de escena, el espacio escénico de Carles Berga, el vestuario lleno de detalles tecnológicos como  luces led controladas por wifi de Chu Uroz y el complejo sistema de iluminación de Marco Filibeck.

La última ópera que compuso Puccini y que, de hecho, dejó inacabada, será uno de los retos de la temporada para la Orquesta Sinfónica y el Coro del Liceu, que para esta ocasión contará con 95 miembros en cada formación. Al frente, Josep Pons afrontará esta ópera (con el final que creó Franco Alfano) que califica de “delicada, rica y bella” y que está llena de grandes momentos musicales como el que protagoniza Turandot en el segundo acto con su aria más exigente y poderosa “In questa reggia”, una auténtica montaña rusa de agudos difíciles de sostener o el llanto final de Liù antes de quitarse la vida en el tercer acto con “Tu che di gel sei cinta”. Pero sin duda el clímax es la que probablemente sea el aria más famosa en el mundo, el “Nessun dorma” de Calaf en el tecer acto.

Fotografía: Caterina Barjau

Celso Albelo continúa ampliando su repertorio al incorporar el papel protagonista en la exhumación de una ópera barroca que se graba en Roma y su primer personaje de Puccini: el emblemático Rodolfo de La Bohème.

Durante la primera semana de septiembre el cantante canario se encuentra en Roma realizando la primera grabación de la ópera Enea in Caonia del compositor barroco Johann Adolf Hasse, una joya hoy desconocida del autor alemán que regresa a la vida después de 300 años de olvido en la primera grabación que se realiza en el histórico Teatro di Villa Torlonia. La recién creada Enea Barock Orchestra que lidera la contralto Francesca Ascioti junto a Alessio Arzilli y al musicólogo Giovanni Andrea Sechi, está dirigida por Stefano Montanari. Para Albelo esta primera incursión en el estilo barroco “es una oportunidad para aplicar mi tradicional línea belcantista a una manera de cantar en la que me encuentro muy cómodo. Realmente haber comenzado en el género lírico cantando bel canto romántico me ayuda a sumir estos retos en los que hay que aplicar un fraseo cargado de sentido dramático que se une al virtuosismo propio del estilo”. Con el tenor español al frente del reparto como Niso, también participan en el proyecto Carmela Remigio, Paola Valentina Montanari y Raffaella Lupinacci. El disco se presentará en 2020 con una gira de conciertos que se iniciará en Roma y que recalará en diversas ciudades europeas.

Celso Albelo estará también, un año más, en la Programación Lírica de A Coruña, en la que actúa desde hace más de diez años para la Asociación de Amigos de la Ópera de esa ciudad gallega, entidad de la que es Socio Honorífico. El 8 de septiembre inaugurará el ciclo 2019 en el Teatro Colón con un programa de música latinoamericana, ópera y zarzuela en recital acompañado al por Juan Francisco Parra.

Ya entrado el mes de octubre, el cantante canario realizará un nuevo paso fundamental en su carrera al incorporar su primer personaje pucciniano, nada menos que Rodolfo de La Bohème. “Para todo cantante de mi cuerda este es un papel emblemático y, en mi caso, además, se trata de un sueño cumplido, de una meta que perseguía desde hace tiempo y que llega en el momento adecuado. El personaje es entrañable, tanto como la popular historia de los bohemios, con una música extraordinaria nacida de uno de los grandes genios del teatro musical de todos los tiempos. Es cierto que la orquesta pucciniana es mucho más densa que la belcantista, pero llevo meses preparándome para afrontarla de la mejor manera. La verdad es que estoy encantado”, afirma el cantante, que debutará el papel en la Royal Opera House de Mascate, en el Sultanato de Omán. En esta ocasión, Giuseppe Finzi estará al mando del Coro de la Opéra de Monte-Carlo y de la Orchestre Philharmonique del principado en una producción de Jean-Louis Grinda, con la soprano Irina Lungu como Mimì.

Foto: Celso Albelo © Joan TOMÀS / Fidelio Artist

www.celsoalbelo.com

José Miguel Pérez-Sierra

Después de conseguir un éxito sin precedentes en Marsella dirigiendo la ópera de Rossini La donna del lago, el director español José Miguel Pérez-Sierra regresará un año más al Opéra-Théâtre de Metz (Francia) para dirigir su octavo título pucciniano: Tosca. Efectivamente, el maestro madrileño asume la tragedia de la cantante-actriz Floria Tosca y de su amante, el pintor Mario Cavaradossi, después de haber incorporado a su repertorio las óperas de Puccini Madama Butterfly, Turandot, La Bohème, Il Trittico  –integrado por Il tabarro, Gianni Schicchi y Suor Angelica– y Manon Lescaut, faltándole únicamente cuatro obras para completar el catálogo del compositor italiano (La fanciulla del West, La rondine y las raramente programadas Edgar y Le Villi).

Ante su primera Tosca Pérez-Sierra no oculta su entusiasmo: “Se trata de una de las obras icónicas no solo de la obra de Puccini, sino también de todo el repertorio operístico”. Serán tres funciones los días 1, 3 y 5 de febrero en una nueva producción que firma el director de escena Paul-Émile Fourny, responsable artístico del coliseo francés. Entre otros compromisos se apuntan en la agenda de José Miguel Pérez-Sierra la zarzuela El barberillo de Lavapiés en Madrid, Carmen en Metz y L’italiana in Algeri en la Ópera Nacional de Chile.

Foto: José Miguel Pérez-Sierra © Pedro Aijón

Turandot 1

Turandot2

Turandot 3

Turandot 4

Turandot 5

Turandot 6

 

Turandor, lucen y sombras Giacomo Puccini (1858-1924) Drama lírico en tres actos Libreto de Giuseppe Adami y Renato Simoni, basado en la fábula homónima de Carlo Gozzi D. musical: Nicola Luisotti D. escena e iluminación: Robert Wilson Figurinista: Jacques Reynaud Maquillaje y peluquería: Manu Halligan Videocreador: Tomek Jeziorski Dramaturgo: José Enrique Macián D. coro: Andrés Máspero D. coro de niños: Ana González Reparto: Oksana Dyka, Raúl Giménez, Giorgi Kirof, Roberto Aronica, Miren Urbieta-Vega, Joan Martín Royo, Vicenç Esteve, Juan ANtonio Sanabria, Gerardo Bullón Coro y Orquesta titulares del Teatro Real Noviembre de 1924, Puccini se traslada al Bruselas, el Doctor Ledoux es el único que puede abordar con éxito el cáncer de garganta que le ha sido diagnosticado. Lleva con él parte de la partitura de Turandot, pretende acabar el dúo final y a su regreso terminar la que sería su última ópera. La muerte le sorprende el 29 de noviembre y sus planes y el final de Turandot quedan inacabados. Turandot es una ópera que no sigue las mismas coordenadas de las obras escritas hasta ese momento por Puccini. Contiene demasiadas incógnitas, a parte de su inacabado dúo final. Para responder algunas de estas cuestiones, debemos remontarnos unos 15 años atrás… En 1909, Doria Manfredi es una joven de 24 años que trabaja en casa de Puccini. Elvira, la mujer del maestro, acusa a Doria de haber intentado seducir a su marido y dice haberles descubierto juntos. Las habladurías y la vergüenza de la familia llevan a la joven Doria al suicidio. Tras 5 días de sufrimiento y dolores atroces que le había producido el veneno que había tomado, Doria Manfredi muere. El informe de defunción desvela que Doria había muerto virgen. Quedando evidenciado que las acusaciones lanzadas por Elvira eran falsas, llegando incluso a ser detenida durante las pesquisas policiales por incitación al suicidio. Pero Puccini paga una importante suma de dinero a la familia Manfredi y las acusaciones no van más allá. Durante los 15 años siguientes, Puccini padece este acontecimiento de manera tormentosa, como queda reflejado en numerosas de sus cartas en las que afirma no poder soportar la muerte de esta inocente. Cuando Puccini conoce el alcance de su enfermedad es cuando decide cambiar la suerte de Liu. Los últimos versos de Kalaf y Timur con motivo del suicidio de Liu, son la justificación del compositor, las disculpas que lanza al mundo en su nombre y en el de su mujer por ese suicidio del que se siente culpable. Esta fue una petición pública de perdón por un acontecimiento que marcó la vida de Puccini y que lamentó justo antes de su muerte. El 25 de abril de 1926 se estrena Turandot en el Teatro alla Scalla de Milán con el final escrito por Franco Alfano, siguiendo las indicaciones que Puccini había dejado escritas. 20 años después de su estreno, vuelve el cuento fantástico de Turandot al Teatro Real. Robert Wilson es el encargado de vestir, o no, este cuento y llenarlo, o no, de magia y elemento fantásticos. Robert Wilson dice que cuando se dispone a crear una escenografía se pregunta qué no debería hacer, para, precisamente, hacerlo. Considera que el corpus de la obra de un artista es siempre el mismo y éste debe reconocerse a lo largo de toda su trayectoria. Y la obra de Wilson es siempre perfectamente reconocible. En unas producciones con más acierto que en otras, pero siempre es Bob Wilson. Este Turandot tiene la voluntad de estar más o menos vacío, escenográficamente hablando, desnudo de elementos escénicos pero con su inconfundible y exquisita iluminación que sostiene, a veces casi exclusivamente, el drama escénico. Otro elemento importante en la escenografía de Wilson es la ausencia de movimiento. Los personajes ni se miran ni se tocan en ningún momento y apenas dan pequeños y mecánicos pasos. Lo que deja huérfana de pasión y romanticismo alguna de las escenas principales, como el suicidio de Liu, que pasa casi desapercibido. Pero todas estas ausencias producen también otras sensaciones. El estatismo de los personajes sobre la extraordinaria iluminación de Wilson, crean una verdadera atmósfera mágica, llena de sombras que parecen dibujadas y que te arrastran al interior del relato proyectando toda la atención sobre la música. Los figurines diseñados por Jacques Reynaud proporcionan, a falta de expresión en los personajes, la dramaturgia y teatralidad de la obra. El resultado de conjunto es de una extrema sofisticación, tanto de los personajes, como de la escenografía, permitiendo, como quiere Wilson, que haya grandes espacios, aparentemente vacíos, para que el espectador recree su propio cuento. Nicola Luisotti obtiene un magnífico rendimiento de la Orquesta y del Coro, que tiene un papel primordial en esta obra y lo ejerce con gran acierto. Luisotti extrae de la partitura toda su riqueza orquestal y consigue recrear el exotismo oriental imaginado por Puccini. Su dirección, siempre elegante, está llena de detalles y colorido, sobre todo en el tratamiento de las cuerdas. La música llena los espacios escénicos que aparecen viudos de dramatismo y pone el sentimiento reflejado por el compositor en la partitura. La princesa Turandot de la ucraniana Oksana Dyka resulta bastante gritona, con agudos tirantes y un color de voz un tanto amarillento. Gran volumen de voz, como requiere el personaje para no ser engullida por la orquesta. Consigue transmitir la actitud hierática y llena de crueldad de la protagonista, a pesar de no mover ni un pelo. El Calaf de Roberto Aronica fue digno, sin más. También resultó un poco gritón y falto de delicadeza y romanticismo. Había que elegir entre volumen o matiz y se decantó por el primero. No le favoreció ni el estatismo ni el vestuario de su personaje. Giorgi Kirof ofreció un Timur algo flojo y de voz apagada. Algo mejor estuvo el Emperador Altoum de Raúl Giménez, que estuvo creíble en su personaje y no hay que despreciar el mérito que tiene cantar a unos 10 metros de altura. La más aplaudida de la noche fue la soprano donostiarra Miren Urbieta-Vega como Liu. Llenó su personaje de pasión y sentimiento con una potente voz, buen fraseo y abundante fiato. Lástima que su vestuario tampoco le favoreció. Los ministros Ping Pang y Pong, dado su carácter bufo y casi grotesco, fueron los únicos personajes que se movían sobre el escenario casi compulsiva y exageradamente, si tenemos en cuenta que el resto no movían ni las cejas. Muy bien interpretados en lo vocal y, sobre todo, en lo teatral por Joan Martín Royo, Vicenc Esteve y Juan Antonio Sanabria. Texto: Paloma Sanz Fotografías: Javier del Real Vídeos: Teatro Real
Turandot

El Teatro Real ofrecerá, entre los días 30 de noviembre y 30 de diciembre, 18 funciones de una nueva producción de Turandot, de Giacomo Puccini, en coproducción con la Canadian Opera Company, el Teatro Nacional de Lituania y la Houston Grand Opera, que se estrenará en Madrid antes de recalar en los demás teatros.

Turandot, que se presentó en la primera temporada del reinaugurado Teatro Real ─con dirección musical de Wladimir Jurówski y escénica de Jeremy Sutcliffe; y con Jane Eaglen, Vladimir Galouzine y Verónica Villaroel en los papeles principales─, vuelve, 20 años después, con dirección de escena, escenografía e iluminación de Bob Wilson, cuyo personalísimo universo teatral concede a la ópera un aura espectral muy ajustada al universo sonoro de la partitura, que evoca un mundo ancestral de reminiscencias orientales, muy alejado de la aproximación realista de las óperas anteriores de Puccini: Manon Lescaut, La Bohème, Tosca, Madama Butterfly, La fanciulla del West, La rondine, Il trittico, etc.

El carismático lenguaje visual y dramatúrgico de Wilson, con siluetas a contraluz, máscaras y movimientos casi rituales, es el ideal para contar la leyenda de la sanguinaria princesa China, enmarcada en su espacio escenográfico ‘natural’, que entronca directamente con el milenario teatro de sombras oriental.

Los personajes se convierten así en arquetipos legendarios e hieráticos, y la sutil paleta lumínica de Wilson se recrea con los colores orquestales de Puccini y con poéticas sinestesias que van de los tonos glaciales de la despiadada protagonista a las tonalidades cálidas del recogimiento de Liù, cuya muerte, en la partitura, coincide con la del propio compositor, que deja la obra inacabada.

Giacomo Puccini falleció en Bruselas en 1924, cuando se sometía a un tratamiento del cáncer de garganta que padecía. Se encontraba entonces en una encrucijada para concluir el tercer acto de Turandot, con un sorprendente final feliz en el que el amor triunfa sobre la perfidia. Su discípulo, Franco Alfano, se encargó de concluir la partitura partiendo de los esbozos y notas dejados por su maestro y bajo la atenta supervisión de Arturo Toscanini, quien dirigió el estreno póstumo de la ópera en La Scala de Milán, en 1926, en una célebre representación en la que el director italiano cortó abruptamente la interpretación ─después del adagio que entona el coro tras la muerte de Liù─ y se dirigió al público diciendo: ‘Qui il Maestro finí’ (Aquí terminó el maestro). En las sucesivas funciones se ha utilizado el final de Alfano, que es el que desde entonces se emplea normalmente, pese a que Luciano Berio escribió otra versión estrenada en 2002 en Salzburgo.

En Turandot Giacomo Puccini da un enorme salto hacia delante en su escritura compositiva: se aleja del realismo y de su genial maniqueísmo de las emociones y explora un nuevo universo dramatúrgico apertrechado con su eximia arte de orquestar, su eclecticismo y su portentoso olfato teatral. La ópera entrelaza motivos epigramáticos con una impresionante eficacia dramatúrgica, otorgando al coro una relevancia dramática desconocida en sus óperas anteriores. Explora universos armónicos más audaces con pasajes bitonales y disonantes articulados con su proverbial melodismo, abriéndose un floreciente camino truncado por su repentina muerte.

Dos repartos se alternan en la interpretación de las 18 funciones de Turandot, que traen al Real, una vez más, a Nicola Luisotti, su director musical asociado, cuya relación con el Teatro comenzó hace 10 años con Il trovatore, y al que hemos visto en recientes temporadas con Rigoletto y Aida. Después de sus triunfos con Verdi, Luisotti se pondrá nuevamente al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real ─y también de los Pequeños cantores de la ORCAM─ para dar vida a la genial partitura de Puccini.

Encabezan los elencos de Turandot dos sopranos que debutan en el Teatro Real: la sueca Irene Theorin y la ucraniana Oksana Dyka, ambas aclamadas intérpretes del rol titular de la ópera. Estarán secundadas por las sopranos españolas Yolanda Auyanet y Miren Urbieta-Vega, como Liù; los tenores Gregory Kunde, Roberto Aronica y Jae-Hyoeung Kim ─que se alternarán en papel de Calaf─, y por los bajos Andrea Mastroni y Giorgi Kirof, que interpretarán a Timur.

 Turandot despide la riquísima tradición operística italiana que, como ave fénix, abriría nuevos rumbos en el devenir de la música dramatúrgica, que daba sus primeros pasos en el inmenso mundo del cine, hoy, tan cercano a la ópera.

AGENDA | ACTIVIDADES PARALELAS

22 de noviembre, a las 20.15 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

Enfoques: encuentro con Nicola Luisotti, director musical asociado del Teatro Real y de Turandot, Bob Wilson, director de escena, escenógrafo y figurinista de la ópera, y Joan Matabosch, director artístico del Teatro Real.

 2 de diciembre, a las 12.00 horas | Teatro Real, Sala principal

Domingos de cámara: concierto con obras de Wolfgang Amadeus Mozart, Francis Poulenc, Leos Janacek, Russell Peck, Luis Fonseca y Consuelo Díez.

Ver Programa

Solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real

 2 de diciembre, a las 12.00 y a las 17.00 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

¡Todos a la Gayarre! El nombre secreto: el tenor no nos dejará dormir hasta adivinar los tres acertijos inspirados en la ópera Turandot.

Con el tenor Pancho Corujo y el pianista Miguel Huertas

 9 de diciembre, a las 11.00 horas | Teatro Real, Sala principal

Ópera en cine: proyección de La bohème, de Giacomo Pucinni, producción del Teatro Real en coproducción con la Royal Opera House de Londres y la Lyric Opera de Chicago, con dirección musical de Paolo Carignani y puesta en escena de Richard Jones, con Anita Hartig y Stephen Costello en los papeles protagonistas.

1 y 15 de diciembre, a las 19.30 horas | Casa Árabe, Madrid

Turandot y otros nombres secretos: espectáculo de narración oral para adultos, a cargo de Héctor Urién, basado en algunos de los relatos más célebres de la tradición cuentística árabe y persa.

 14 de diciembre, a las 20.00 horas | Museo Lázaro Galdiano

Visita literaria: velada literaria dedicada al amor, recorriendo diversas salas del museo.

Inscripciones en info@museolazarogaldiano.es (Máximo 25 personas)

 14 de diciembre, a las 19.30 horas | Casa Árabe, Córdoba

Turandot y otros nombres secretos: espectáculo de narración oral para adultos, a cargo de Héctor Urién, basado en algunos de los relatos más célebres de la tradición cuentística árabe y persa.

Turandot

El Palau de les Arts dedicará las funciones de ‘Turandot’, de Puccini, a la memoria de la soprano Montserrat Caballé, fallecida el pasado 6 de octubre, según ha anunciado la presidenta del Patronato del teatro de ópera, Susana Lloret, en rueda de prensa.

“Les Arts quiere honrar así a «La Superba», quien fue una sublime intérprete del papel de Liù y una excelente Turandot, además de protagonista de grabaciones de referencia de este título”, ha añadido.

El centro de artes ha acogido hoy la presentación de ‘Turandot’, de Puccini, título principal de la pretemporada y fruto de la colaboración con Turisme de la Comunitat Valenciana, dentro del proyecto “La ruta de la seda en música” que desarrollan ambas instituciones.

‘Turandot’ es, según ha recordado Susana Lloret, una producción valenciana que atrajo a la Comunitat al prestigioso cineasta chino Chen Kaige y, a su vez, fue la carta de presentación Les Arts en China, cuando Cantón, tercera ciudad del país, solicitó el montaje para inaugurar su nuevo teatro de ópera.

Por cuarta ocasión, la última ópera de Puccini cuelga el cartel de “No hay entradas”, pero -como ha recalcado la presidenta del Patronato- es la primera vez que podrá verse con precios desde 7 a 50 euros, y, por tanto, “orientada a ese nuevo público que queremos sumar a este gran espacio cultural sin que esto suponga pérdida alguna de calidad artística”, ha apuntado.

“Los cuerpos estables del Palau de les Arts, el Cor de la Generalitat, y la Orquestra de la Comunitat Valenciana, junto con el premiado montaje de Chen Kaige se unen a una importante nómina de artistas, que combina reputados intérpretes con ascendentes artistas que han cursado formación en el Centre Plácido Domingo”.

El joven director británico Alpesh Chauhan debuta con la Orquestra de la Comunitat Valenciana. El titular de la filarmónica Arturo Toscanini de Parma, que a un ritmo vertiginoso se está revelando como una de las batutas más prometedoras, ha dirigido sendos conciertos en los prestigiosos Proms de la BBC, así como a la London Symphony Orchestra en la temporada principal del Barbican de Londres, o la propia ‘Turandot’ en el teatro Lirico di Cagliari.

El trabajo escénico recae en Allex Aguilera, de Les Arts y gran conocedor del trabajo del cineasta, quien ha delegado en él para todas sus reposiciones. Autor de montajes como ‘Opérame’, ‘Tristan und Isolde’ o ‘La Clemenza di Tito’, Aguilera desarrolla también una importante carrera internacional con ‘Don Giovanni’ en Trieste, ‘I pagliacci’ en Montecarlo’, ‘Lucia di Lammermoor’ en Lima, y compromisos en Palermo (‘La favorite’) y en Montecarlo (‘Otello’).

Según ha explicado el ‘regista’, Kaige toma elementos de la ópera tradicional china para plantear una dualidad entre lo real y lo irreal. La escenografía realista de Liu King está inspirada en la Ciudad Prohibida que acogió el palacio imperial durante las dinastías Ming y Qing, mientras que el vestuario de Chen Tong Xun aporta contraste con elementos coloristas y exagerados para evidenciar que ‘Turandot’ es un drama de personajes en un escenario real.

Dos conocidos por el público de Les Arts encabezan el reparto. La soprano estadounidense Jennifer Wilson, inolvidable Brünnhilde en la ‘Tetralogía’ de Wagner y también recordada por sus incursiones en ‘Fidelio’ y ‘Tristan und Isolde’, protagoniza Turandot, ópera que ya en 2014 grabó con Zubin Mehta y la Orquestra de la Comunitat Valenciana.

El tenor italiano Marco Berti se reencuentra con el público de València con el papel de Calaf, que ya cantó con Zubin Mehta en el estreno de este montaje en 2007 y un año después repitió en Les Arts bajo la dirección de Lorin Maazel. Reconocido por su calidad vocal y por su presencia escénica, Berti está considerado como uno de los grandes intérpretes de Verdi y Puccini.

Por su parte, la soprano vasca Miren Urbieta-Vega interpreta el rol de Liù, que le valió el galardón cantante revelación en los Premios Líricos Teatro Campoamor 2015. Artista del Centre de Perfeccionament Plácido Domingo durante la temporada 2010-2011 es una de las sopranos españolas de mayor proyección.

Abramo Rosalen, que también se formó en Les Arts durante el curso 2009-2010 del Centre de Perfeccionament, encarna a Timur. El joven bajo desarrolla una importante carrera en Italia, donde ya cuenta con trabajos en Milán, Florencia o Venecia.

Completan el elenco de ‘Turandot otros dos destacados tenores que han pasado por el Centre Plácido Domingo, Valentino Buzza y Pablo García López, junto con el tenor valenciano Javier Agulló, el barítono jienense Damián del Castillo y César Méndez de la actual promoción de artistas que Plácido Domingo ha seleccionado para su Centre.

Además, para la función del día 26, dos emergentes intérpretes debutan en Les Arts en los papeles protagonistas, Teresa Romano (Turandot) y Amadi Lagha (Calaf).

En total, Les Arts ofrecerá seis representaciones de ‘Turandot’ los días 17, 20, 23, 26, 28 y 31 de octubre. Las localidades están agotadas, salvo el 5 % que se reserva para la venta el mismo día de cada función.

Tosca

El Palau de les Arts estrena el domingo 6 de mayo ‘Tosca’, de Puccini, en una producción en plano secuencia de Davide Livermore para el Teatro Carlo Felice de Génova, con dirección musical de Nicola Luisotti. La ópera ha batido récords de taquilla con las entradas agotadas desde finales del pasado mes de febrero.

La soprano Lianna Haroutounian (Tosca), el tenor Alfred Kim (Cavaradossi) y los barítonos Claudio Sgura y Gevorg Hakobyan, que alternan el papel de Scarpia en las seis funciones, conforman el elenco protagonista.

Nicola Luisotti, director musical de la Ópera de San Francisco y del Teatro San Carlo de Nápoles, se reencuentra con la Orquestra de la Comunitat Valenciana, a la que anteriormente ha dirigido en ‘Mefistofele, de Arrigo Boito, y en ‘Nabucco’, de Verdi.

Según explica el maestro de Viareggio, el éxito de Puccini y de ‘Tosca’ radica “en que el lenguaje musical de Puccini ha sido siempre muy próximo al público, por su escritura, por sus armonías y por las melodías que utiliza”.

‘Tosca’ es una de las obras más conocidas y representadas del repertorio. El compositor de Lucca aúna en la trágica historia de la cantante Floria Tosca y el pintor Mario Cavaradossi ‒con el barón Scarpia como fatal mediador‒ política, pasión, revolución y celos.

En su adaptación, Davide Livermore, autor también de la escenografía y la iluminación del espectáculo, reflexiona sobre el poder temporal de la Iglesia en una producción ambientada en el año 1800.

“La escenografía crea una relación dinámica con el público, como un gran plano secuencia continuo, con un giratorio sobre el cual he dibujado mi representación de la deformación del poder temporal de la Iglesia. Una gran superficie de mármol peligrosamente inclinada, como peligroso es este triángulo de pasión, amor y sexo.”

“Gracias también al vestuario de Gianluca Falaschi –prosigue el regista turinés– estaremos en los tres lugares de esta obra de arte: la iglesia de Sant’Andrea della Valle, el Palazzo Farnese y el techo de la prisión del Castel Sant’Angelo”.

Con un final inspirado en ‘Der Himmel über Berlin (1987)’, de Wim Wenders, Livermore explica las referencias al lenguaje del séptimo arte por la naturaleza cinematográfica de la propia ópera, que confirma a Puccini como “maestro del suspense”.

Lianna Haroutounian debuta en Les Arts con el papel de Floria Tosca. La crítica ha elevado a la diva armenia entre las sopranos verdianas más prometedoras de su generación. “Para mí, Tosca, en su vida –explica– lo decide todo: la hora de su amor y la hora de su muerte”.

Alfred Kim encarna a Mario Cavaradossi. El tenor coreano se presenta por primera vez en València con este papel que ha cantado en Roma, Frankfurt, Barcelona y Seúl, cuenta con trabajos para el Covent Garden de Londres, la Staatsoper de Viena o la Deutsche Oper de Berlín.

Los barítonos Claudio Sgura (6, 12, 18) y Gevorg Hakobyan (9, 15, 21), que alternan el papel de Scarpia en las seis funciones programadas, cierran el elenco protagonista.

El reparto se completa con las voces de Alejandro López (Cesare Angelotti), Moisés Marín (Spoletta), César Méndez (Sciarrone), Alfonso Antoniozzi (Sagrestano), Andrea Pellegrini (Carceriere) y Alejandro Navarro (Pastorello), junto con la Escola Coral Veus Juntes de Quart de Poblet y el Cor de la Generalitat.

Les Arts recuerda que hay seis funciones programadas de ‘Tosca’ los días 6, 9, 12, 15, 18 y 21 de mayo. Las localidades para todas las representaciones están agotadas salvo el cinco por cien que se reserva para el mismo día de cada representación.

La Bohème

El Teatro Real se acerca al final del año con la ilusión de volver a acercar la ópera a todos los públicos gracias a la retransmisión en directo de La bohème, de Giacomo Puccini, el próximo 29 de diciembre, en trenes AVE que circulen esa tarde.

Se trata de una iniciativa pionera que el Teatro Real va a llevar a cabo en colaboración con Renfe y Telefónica a través de la aplicación PlayRenfe, que dará la oportunidad a los viajeros del AVE – en los trayectos Madrid-Sevilla y Madrid Valencia, en ambos sentidos –  de compartir las vivencias de los protagonistas de La bohème, en tiempo real, mientras viajan a 300 km/h. y en el dispositivo que prefieran.

La señal de alta definición en directo viajará desde el Teatro Real hasta los trenes por dos caminos: vía satélite y a través de la red móvil 4G, permitiendo que por primera vez se retransmita una ópera en directo en un tren de alta velocidad.

La conectividad de los viajeros en el interior de los trenes se realiza vía wifi, con un punto de acceso y dos antenas en cada vagón. Dentro de cada tren se ha instalado una red de área local de 1Gbps de velocidad que da acceso al servidor; así los viajeros pueden disfrutar de La bohème en directo a través del canal de televisión Live TV de la aplicación PlayRenfe.

Los espectadores que no viajen, podrán conectarse a la retransmisión en el perfil de Facebook del Teatro Real, en el enlace www.labohemeendirecto.com y podrán compartir sus impresiones y la experiencia en la conversación con el hashtag #LaBohemeEnDirecto.

En la última edición de ópera en directo del Teatro Real, el pasado mes de julio, con Madama Butterfly, también de Giacomo Puccini, el alcance de la retransmisión en el canal Facebook del Teatro Real llegó a más de 900.000 usuarios, superando las cifras de las anteriores retransmisiones de I puritani y El holandés errante, y en Twitter el hashtag #MadamaEnDirecto fue trending topic nacional durante toda la emisión.

Pablo Carignani es el director musical de esta renovada propuesta de la obra de Giacomo Puccini (1858-1924), que cuenta con el prestigioso director de escena británico Richard Jones y el escenógrafo y figurinista Stewart Laing. El montaje plantea la ópera como una sucesión de escenas de la vida bohemia presentadas al espectador sin ocultarle los trabajos de backstage que normalmente desarrollan los técnicos detrás del escenario. Así, el público ve cómo se cambian los decorados, cómo se utilizan diferentes artilugios para lograr efectos teatrales y cómo se amontonan elementos escenográficos en las bambalinas.

El frío diciembre de Madrid nos transportará al invierno parisino, teñido de melancolía, para acompañar el amor truncado del aspirante a poeta Rodolfo, interpretado por el tenor Stephen Costello, y la sastrecilla Mimì, en voz de Anita Hartig. Junto a ellos, la también soprano Joyce El-Khoury y el barítono Etienne Dupuis, darán vida a Musetta y Marcello, respectivamente. La muerte de la protagonista femenina actúa como desencadenante de un camino iniciático que despide los desenfrenos y sueños de juventud para revelar la contundencia y trascendencia de la vida real.

La belleza musical, la eficacia dramática, los motivos orquestales y la narración sentimental propia del melodrama italiano hacen de La bohème una de las óperas más queridas.

Ángeles Blancas

Ángeles Blancas continúa abriendo caminos. Son muy pocas las sopranos latinas que se atreven con el repertorio centroeuropeo o con papeles veristas de alto riesgo, como Minnie, de la pucciniana La fanciulla del West, ópera que este mes debuta en el Palacio Bellas Artes de México. “Me interesan sobre todo las heroínas que tienen algo que decir”, afirma la cantante, “personajes con personalidad y que representan un buen canal para la expresividad”. De ahí su interés por Wagner, Janácek, Rhim o Richard Strauss, sin olvidar a otros autores que le apasionan, como Verdi, Puccini o Mozart.

Sus particulares características vocales y su vocación dramática la ha llevado a interesarse por papeles de gran complejidad musical y psicológica como Lady Macbeth (Macbeth, Verdi), Elisabetta de Valois (Don Carlo, Verdi), Emilia Marty (Vec Makropulos, Janácek), Kostelnicka (Jenufa, Janácek), Salome (Salome, Richard Strauss) o Katia (Katia Kabanová, Janácek). Después de inaugurar la temporada 2017/18 interpretando a Minnie de La fanciulla del West (Puccini) en el Palacio de Bellas Artes de México, entre sus próximos compromisos destacan Das Gehege, de Wolfgang Rihm para soprano, mimo y orquesta– y el papel de la Madre de Il Prigioniero de Dallapiccola en La Monnaie (Bruselas) y en la Ópera Stuttgart. Antes, en octubre, inaugurará la temporada de la Orquesta Sinfónica de Extremadura con los Vier letzte Lieder de Richard Strauss bajo la dirección del titular del conjunto extremeño, Álvaro Albiach, y ofrecerá un recital con obras de Verdi y Wagner para los Amigos de la Ópera de A Coruña, cuya programación 2017 está dedicada a la me-moria de la madre de la cantante, la también soprano Ángeles Gulín, en el 15º aniversario de su fallecimiento.

Cerca de 120.000 personas han podido ver Madama Butterfly ayer en los más de 250 puntos de emisión de la ópera en toda España: museos, auditorios, teatros, plazas, jardines, playas, centros culturales, plazas de toros, cine clubs y otros espacios habilitados para la retransmisión de la ópera.

A la Plaza de Oriente, donde se instalaron tres pantallas, han acudido cuatro ministros a ver la ópera: Íñigo Méndez de Vigo, ministro de Educación, Cultura y Deporte, y Portavoz del Gobierno; Soraya Saénz de Santamaría, vicepresidenta, ministra de la Presidencia y para las Administraciones Territoriales; Rafael Catalá, ministro de Justicia; y Álvaro Nadal, ministro de Energía, Turismo y Agenda Digital.

Asimismo Madama Butterfly se retransmitió gratuitamente para todo el mundo en FacebookPalco Digital ─plataforma online del Teatro Real─ y The Opera Platform ─canal europeo de opera en streaming─, batiendo todos los récords de seguimiento. El alcance de la retransmisión en el canal Facebook del Teatro Real ha sido superior a los 800.000 usuarios. En Twitter la retransmisión de Madama Butterfly fue trending topic nacional con el hashtag #madamaendirecto, alcanzando una audiencia de 18.000.000 usuarios con todas las publicaciones.

También Televisión Española se ha unido a esta gran fiesta, retransmitiendo la ópera en La 2, con una audiencia de 335.000 espectadores.
El próximo evento de la Semana de la Ópera será mañana, 2 de julio, a las 22.00 horas, en la Plaza Mayor de Madrid, con la retransmisión de la zarzuela Luisa Fernanda, en la celebrada producción del Teatro Real dirigida por Emilio Sagi y protagonizada por Plácido Domingo, Nancy Herrera, José Bros y Mariola Cantarero.

Vincenzo Costanzo

El joven tenor italiano, que el pasado año debutaba en el Teatro Real de Madrid en el rol verdiano de Rodolfo (Luisa Miller), regresa al coliseo madrileño tras su reciente éxito el rol protagonista de La Rondine de Puccini, en la Deutsche Oper Berlin, para dar vida a otro personaje pucciniano, subteniente Benjamín Franklin Pinkerton en Madama Butterfly.

Vincenzo Costanzo, es uno de los tenores más jóvenes y con mayor proyección internacional del panorama lírico italiano. A sus veinticinco años, el talentoso cantante napolitano, licenciado en Ingeniería Informática, ya ha dejado de ser una joven promesa que ha conquistado con su atractiva voz solar importantes premios de la lírica como el Concurso de Voces Verdianas de Busseto o el conocido como Oscar de la ópera (New Generation Award Tenor), y ha pisado algunos de los escenarios líricos más célebres del mundo: La Fenice de Venecia, Teatro San Carlo de Nápoles, Teatro de la Ópera de Ámsterdam, Teatro Massimo de Palermo, Ópera de San Francisco, Deutsche Oper Berlín…

Su aplaudido rol pucciniano de B. F Pinkerton en la ópera de San Francisco, supuso su exitoso debut en EE.UU en un rol que ya se ha convertido en su seña de identidad. Desde su debut, a los veintidós años como B.F.Pinkerton en el Maggio Musicale Fiorentino, ha cantado el rol pucciniano en numerosas ocasiones en La Fenice de Venecia, y entre otros famosos teatros italianos como el Teatro di San Carlo di Napoli, Opera de Firenze, Teatro Giuseppe Verdi de Salerno, HNK Zagreb; tras su paso por el Teatro Real de Madrid, sus compromisos más inmediatos como Pinkerton, incluyen La Fenice de Venezia o la Staatsoper de Hamburgo.

Su regreso a España, viene avalado por los magníficos resultados artísticos que ha cosechado en la última temporada. En el Teatro Real de Madrid cantará las funciones del 1, 4 y 20 de julio en la aplaudida producción de Madama Butterfly con firma escénica de Mario Gas y dirección musical de Marco Armiliato.

Vincenzo Costanzo

 

Madama Butterfly

Desde el corazón de la Ópera en Madrid a todos los rincones de España.

La presente edición cuenta con la participación popular más alta de todas las celebradas, 250 puntos de emisión en todo el país, desde pequeñas poblaciones con apenas 600 habitantes hasta las grandes ciudades.

Se instalarán tres pantallas en la Plaza de Oriente y en más de cincuenta plazas y jardines de Madrid y de otros municipios de la geografía española

Los museos e instituciones más importantes del país se han sumado a esta iniciativa y abrirán sus salas y auditorios, con acceso gratuito, para todos los ciudadanos (ver listado adjunto)

Veranos de la Villa, del Ayuntamiento de Madrid, cederá espacios públicos en los 21 distritos de la capital para ofrecer Madama Butterfly como parte de su programación (ver listado adjunto)

Se podrá acceder a la retransmisión a través del canal de Facebook del Teatro Real y compartir en redes la experiencia con#MadamaEnDirecto

Palco Digital del Teatro Real también emitirá la representación en abierto, dentro y fuera de nuestras fronteras

La 2 de Televisión Española comenzará la emisión de la ópera, esa misma noche, a partir de las 22.00 horas

El día 2 de julio, a las 22.00 horas, se proyectará en la Plaza Mayor de Madrid la zarzuela Luisa Fernanda, producción del Teatro Real protagonizada por Plácido Domingo, Nancy Herrera, José Bros y Mariola Cantarero

El martes 4 de julio se celebrará un concierto solidario en la Sala principal del Teatro, donde se estrenará la cantata Somos Naturaleza, obra original de Eva Guillamón con música de Sonia Megías, protagonizada por los menores participantes del Aula Social del Teatro Real

Los niños tendrán su día especial el sábado 8 de julio, a las 11.00 y a las 13.00 horas, con un divertido espectáculo infantil cuyo escenario estará ubicado en la explanada de la Plaza de Oriente, frente al Palacio Real

El domingo 9 de julio se clausurará esta gran fiesta con una Jornada de Puertas Abiertas entre las 10.00 y las 14.30 horas

Esta iniciativa, enmarcada en la celebración del Bicentenario del Teatro Real, cuenta con el patrocinio de Telefónica, Endesa, Mutua Madrileña, Loterías y Apuestas del Estado y Redexis Gas

El Teatro Real inaugurará hoy la tercera edición de la Semana de la Ópera, que tendrá lugar entre los días 30 de junio y 9 de julio, que dará comienzo con la retransmisión de la ópera Madama Butterfly, de Giacomo Puccini, que, desde el escenario madrileño y las tres pantallas instaladas en la Plaza de Oriente, llegará a toda España, de forma gratuita, gracias a la participación de instituciones culturales, ayuntamientos, auditorios y teatros que abrirán sus puertas de forma desinteresada.

Los que no puedan desplazarse a ninguno de los puntos de emisión tendrán la oportunidad de seguir la retransmisión a través del canal de Facebook del Teatro Real, pionero en España de este proyecto, conectándose de forma gratuita a Palco Digital, plataforma online del Teatro y por el canal The Opera Platform. Televisión Española emitirá la representación esa misma noche, a partir de las 22.00 horas, a través de La 2.

Más de 250 puntos en todo el país, cincuenta de ellos con pantallas al aire libre en plazas, jardines y playas, ofrecerán la representación. Desde localidades con apenas 600 habitantes hasta las grandes ciudades, la presente edición cuenta con la participación popular más alta de todas las celebradas.

Los museos y centros de arte más importantes del país que abrirán sus auditorios son: el Museo del Prado, el Museo Thyssen-Bornemisza, el Museo Arqueológico Nacional, el Círculo de Bellas Artes, la Filmoteca Nacional, la Fundación Giner de los Ríos, la Residencia de Estudiantes, y la Fundación del Canal de Isabel II en Madrid; el Museo Guggenheim Bilbao; Colección del Museo Ruso de San Petersburgo y el Museo Carmen Thyssen, en Málaga; el Museo Diocesano de Barbastro-Monzónen Huesca; el Museo de las Ciencias de Castilla-La Mancha, en Cuenca y el Centro Niemeyer de Avilés, en Asturias, entre otros.

El Ayuntamiento de Madrid colaborará, como en anteriores ocasiones, con la colocación de sillas y el acondicionamiento de la Plaza de Oriente para el público asistente, además de incluir la retransmisión de la ópera como parte de la programación de Veranos de la Villa. Y el domingo 2 de julio, a las 22.00 horas, hermanará la celebración del Bicentenario del Teatro Real con el IV Centenario de la Plaza Mayor, donde se proyectará la castiza zarzuela Luisa Fernanda, de Federico Moreno Torroba, grabada en el Teatro Real y protagonizada por Plácido DomingoNancy Herrera, José Bros Mariola Cantarero.

El 4 de julio, a las 12:00 horas, se celebrará un concierto solidario con el estreno de la cantata infantil Somos Naturaleza, obra original de Eva Guillamón, con música de Sonia Megías, cuya producción reunirá sobre el escenario a los niños y niñas que participan en el Aula Social del Teatro Real, coordinada por Acción Social por la Música, para bailar y cantar en un coro al que se unirán otros pequeños de entidades colaboradoras del proyecto: Fundación ANAR, Fundación Síndrome de Down Madrid, Federación Autismo Madrid, Federación Española de Padres de Niños con Cáncer, Fundación Víctimas del Terrorismo y Fundación Ayuda en Acción.

Este concierto contará con la participación de artistas como la pianista Rosa Torres-Pardo, la actriz Clara Muñiz, o la mezzosoprano Beatriz Oleaga. Al tratarse de una función solidaria se ha fijado un precio simbólico de cinco euros por localidad y se ha habilitado una fila cero para ofrecer la posibilidad de colaborar con el proyecto por esta vía. Las entradas pueden adquirirse por los canales habituales de venta del Teatro Real y la participación Fila 0 se realizará en el número de cuenta bancaria: IBAN ES40 2100 5731 7102 0002 9863 (especificando en el concepto: Programa Social).

La mañana del sábado 8 de julio, sobre un escenario ubicado en la explanada de la Plaza de Oriente, frente al Palacio Real, los más pequeños serán los aliados de un “curioso proyecto musical”. Bajo la apariencia de un concierto, unos músicos excéntricos prepararán una propuesta musical con la que los niños y niñas asistentes disfrutarán del lado más divertido de la música clásica.

Y el fin de fiesta llegará el domingo 9 de julio con una de las actividades con mejor acogida por parte del público de Madrid, la Jornada de Puertas Abiertas. Desde las 10.00 y hasta las 14.30 horas, quienes todavía no conozcan el interior del Teatro, podrán acceder al edificio para conocer sus zonas más emblemáticas: su espectacular Sala, los salones imperiales decorados con obras de arte originales y las mejores vistas de la Plaza de Oriente.

La Semana de la Ópera buscará, un año más, acercar el mundo de la lírica y de la música clásica a todos los que todavía no han tenido oportunidad de descubrirlo, pero también quiere dar a conocer detalles de la vida del Teatro, de sus artistas, y crear un vínculo más fuerte, y complicidad, con la que se ha convertido en la institución cultural de referencia en nuestro país.

La  Semana de la Ópera  del Teatro Real  cuenta  con  el  patrocino  de  Mutua  Madrileña,  Loterias  y  Apuestas  del  Estado,

Telefonica, mecenas principales del Bicentenario.

Endesa, mecenas energético del Bicentenario.

La retransmisión de Madama Butterfly cuenta con el patrocinio de Redexis Gas.

La bohème

La bohème de Giacomo Puccini, una de las óperas más amadas del gran público, pone el broche final al ciclo de ópera del Maestranza en seis funciones entre el 28 de mayo y el 10 de junio.

La producción que ya triunfó en el Palau Les Arts Reina Sofía de Valencia, llega al Teatro de La Maestranza de la mano de su director musical Pedro Halffter, la dirección de escena, escenografía e iluminación de Davide Livermore y como principales intérpretes: Anita Hartig (Mimì), José Bros (Rodolfo), Juan Jesús Rodríguez (Marcello), Mª José Moreno (Musetta), Fernando Radó (Colline), Alberto Arrabal (Benoît / Alcindoro), David Lagares (Schaunard), Francisco Castellano (Parpignol), entre otros. Producción, Palau de les Arts Reina Sofía de Valencia, Real Orquesta Sinfónica de Sevilla,  Coro de la A.A. del Teatro de la Maestranza, Escolanía de Los Palacios.

Las representaciones tendrán lugar los días 28, 31 de mayo, 2, 5, 7 y 10 de junio, 2017.

Argumento

Acto Primero

La Nochebuena de 1830 en el barrio latino de París.

El pintor Marcello y el poeta Rodolfo están trabajando en su estudio en una buhardilla. Ambos tienen frío, pero no hay leña, así que Rodolfo decide echar al fuego su manuscrito. A ellos se une el filósofo Colline y disfrutan un momento del calor de la chimenea. Como el fuego se apaga, los compañeros abuchean al autor. De pronto entran dos recaderos con comida, vino y carbón, seguidos del cuarto bohemio, el músico Schaunard. Éste deja sobre la mesa el dinero que le ha quedado tras las compras y explica cómo lo ha ganado. Los compañeros le ignoran y preparan la mesa. Schaunard se da cuenta de lo que están haciendo y propone que, ya que es Nochebuena, lo celebren cenando fuera.

Llaman a la puerta, es Benoit, el casero, que viene a cobrar el alquiler atrasado. Marcello recibe al viejo y le deja ver el dinero que hay encima de la mesa, pero Benoit cae enseguida en la trampa que le tienden: le hacen beber y le animan a que se jacte de su éxito con las mujeres y, cuando dice que está casado, los compañeros fingen escandalizarse y le ponen en la puerta (sin el dinero del alquiler). En el momento de salir, Rodoldo dice que él se queda, pues debe terminar un artículo, de modo que se reunirá con ellos más tarde. Ya a solas, Rodolfo se da cuenta de que no está de humor para escribir. Le interrumpe una llamada en la puerta: es Mimì, la vecina, que pide fuego para su vela. Cuando cruza el umbral, siente un momento de debilidad y deja caer la luz y la llave de su habitación. Rodolfo recoge la vela y la enciende de nuevo pero, cuando va a salir Mimì, se acuerda de su llave y una corriente de aire apaga otra vez la vela. Buscando la llave en la oscuridad, Rodolfo la encuentra enseguida, pero la esconde, y luego consigue tocar la mano de Mimì, lo cual da pie a que cada uno hable de su vida. De la calle llegan los gritos de sus amigos; Rodolfo, desde la ventana, les cita en el Café Momus. Al girarse y ver a Mimì iluminada por la luz de la luna, se dan cuenta de su amor. Juntos, van a reunirse con los amigos.

Acto Segundo

Un poco más tarde, en el Café Momus, la calle está abarrotada de gente y de vendedores ambulantes que pregonan sus mercancías. Mimì y Rodolfo se detienen en la tienda de una modista, donde compran un gorrito rosa. Luego se unen a los demás y Mimì es presentada con graciosa formalidad. La tranquilidad de los amigos se ve trastornada por la llegada de Musetta, un antiguo amor de Marcello, acompañada de su nuevo amante, el viejo y rico Alcindoro. Al ver a Marcello, obliga a su amante a detenerse en el café y trata de atraer su atención. El comportamiento de la mujer se vuelve cada vez más exagerado, haciendo que Alcindoro se sienta incómodo y, al mismo tiempo, consigue que Marcello se rinda nuevamente a ella. Ahora hay que librarse del viejo y, para ello, Musetta finge un dolor en el pie por culpa del zapato. Cuando envía al viejo a comprar otro par, Marcello y ella se abrazan. Llega la cuenta, pero el dinero de Schaunard ya se ha gastado. El paso de una banda militar permite a los cuatro bohemios, junto con las dos muchachas, confundirse entre la multitud dejando que la cuenta la pague Alcindoro.

Acto Tercero

En la Barrière d’Enfer, una de las barreras de peaje de París, una mañana a primeros de febrero.

Marcello y Musetta viven en una posada del puesto, donde Marcello trabaja pintando unos murales en la fachada. Se presenta Mimì, viene a ver a Marcello para pedirle consejo sobre su relación con Rodolfo, que se está volviendo insostenible. Mimì se lamenta de los celos de Rodolfo; Marcello le aconseja que le abandone. Rodolfo, que llegó mucho antes que ella, y se echó a dormir en un banco, cuando se despierta va a hablar con Marcello. Para evitar que la vea, Mimì se esconde y, escuchando lo que dice Rodolfo, descubre la verdadera razón de su comportamiento: la joven está gravemente enferma y, viviendo con él en tan míseras condiciones, acabará muriendo. Mimì tiene un ataque de tos y Rodolfo, al verla, corre a ayudarla. En la posada resuena una carcajada de Musetta, y Marcello, sospechando un coqueteo de su frívola compañera, entra parar reprenderla. Conscientes ahora ambos de la necesidad de separarse, Mimì pasará a recoger sus cosas, salvo el gorrito rosa, que lo deja como recuerdo. Finalmente, prefieren pasar juntos el invierno; se separarán cuando llegue la primavera. Mientras, en la posada, Musetta y Marcello también acuerdan separarse como resultado de la pelea que acaban de tener.

Acto Cuarto

La misma buhardilla del acto primero, donde Marcello y Rodolfo, ya separados de Musetta y Mimì, fingen trabajar, pero no pueden evitar acordarse de sus compañeras, de las que siguen enamorados. Entran Schaunard y Colline trayendo un miserable arenque por toda comida, que los cuatro consumen con cómica solemnidad. Tras la cena, disponen un baile, en el que Colline y Schaunard intercambian insultos en broma y se retan a duelo, atacándose con la paleta y las tenazas de la chimenea. De improviso aparece en la puerta Musetta: Mimì está en la calle, enferma y demasiado débil para subir la escalera. Rodolfo corre a buscarla mientras los demás preparan la cama. Mientras Rodolfo se ocupa de Mimì, Musetta cuenta que, habiendo oído que Mimì estaba moribunda, fue a buscarla, y la desdichada le pidió que la llevara con Rodolfo. La miseria de los bohemios no les permite hacer nada por ella. Musetta entrega a Marcello sus pendientes para que vaya a empeñarlos y traiga alguna medicina y un médico, aunque acaba saliendo con él para comprar un manguito para Mimì, que ha deseado en su última hora para tener las manos calientes. Colline quiere ayudar empeñando su gabán y, al salir, le dice a Schaunard que él ayude dejándoles solos.

Durante la ausencia de los amigos, Mimì y Rodolfo evocan su amor y su primer encuentro. Cuando regresan Marcello y Musetta, Mimì duerme. Musetta se arrodilla y reza. Poco después, cuando vuelve Colline y pregunta por Mimì, Rodolfo advierte el trágico ambiente en la habitación que los demás ya han percibido: Mimì ha muerto.

José Miguel Pérez-Sierra

Con cuatro funciones de Manon Lescaut, una de las obras más complejas y exigentes de Giacomo Puccini, debutará en el podio del Teatro Massimo Bellini de Catania (Italia) el maestro español José Miguel Pérez-Sierra, dueño de una impresionante carrera internacional. El director madrileño se acercará por vez primera a esta partitura, contando con dos puccinianos de pura raza para los papeles protagonistas como son la soprano Norma Fantini y el tenor Marcello Giordani (días 19, 22, 24 y 26 de marzo). Su batuta vuelve a Puccini después de haber inaugurado la temporada del Opéra-Théâtre de Metz (Francia), precisamente con un gran Puccini: Il Trittico, compuesto por las óperas Il tabarro, Gianni Schicchi y Suor Angelica.

El maestro Pérez-Sierra continúa de esta manera con una actividad frenética que ha incluido títulos como Lucrezia Borgia en Bilbao, su debut en la temporada de la Orquesta Nacional de España en Madrid o una gira de conciertos con la soprano Ainhoa Arteta por diversas ciudades españolas.

Después de su compromiso en Catania, dirigirá la ópera Il signor Bruschino de Rossini en la Opéra National du Rhin (Francia) con representaciones en Mulhouse (29 y 30 de abril), Colmar (6 de mayo) y Estrasburgo (12 y 13 de mayo).

Más información.

María Katzarava

Después de cantar en México La Voix Humaine, de Poulenc, y de debutar con gran éxito en el Festival Castell de Peralada (España) con Liù de Turandot, de Puccini, la soprano mexicana Maria Katzarava se apunta a un nuevo reto en su carrera: debutar el emblemático papel de Cio-Cio San, la protagonista de Madama Butterfly, el sueño de toda soprano lírica. Lo hará en el Teatro Massimo de Palermo (Italia) los días 17, 20, 23 y 25 de septiembre. “Estoy muy entusiasmada y feliz con este nuevo debut”, afirmó la intérprete, “ya que se trata de un personaje al que Puccini dotó de innumerables detalles de personalidad que se reflejan en la partitura. Veo a Butterfly como una mujer muy fuerte, determinada y que sabe lo que hace. La música es bellísima y la dramaturgia es puro teatro. Será además todo un reto y un honor debutarla ante un público de tanta tradición como el italiano y estoy segura de que será una ópera que me acompañará muchos años”.

Después de este debut en Sicilia, la ganadora del Concurso Operalia regresará a México, esta vez para cantar de nuevo La Voix Humaine en Monterrey (30 de septiembre) y para ofrecer, el 4 de octubre, un concierto en el Auditorio Blas Galindo de Ciudad de México a beneficio de su recién inaugurada Fundación Centro Cultural el Tecolote a través de la cual apoyará a jóvenes artistas de escasos recursos del estado de Guerrero; en octubre (días 8, 9, 11 y 12) asumirá por vez primera, siempre en México, el rol protagonista de Florencia en el Amazonas, de Daniel Catán; el 6 de noviembre brindará un recital benéfico dentro del ciclo Life Victoria organizado por la Fundación Victoria de los Ángeles en Barcelona, para después cambiar rápidamente de registro y meterse en la piel de un personaje que conoce muy bien y que también le fascina: el de Violetta Valéry, la sufrida protagonista de La Traviata, de Giuseppe Verdi. Lo hará en una nueva producción de la cineasta Alice Rochwacher y con la que, entre el 4 de noviembre y el 19 de enero de 2017, se irá de gira por diversas ciudades del norte de Italia, como Reggio Emilia, Módena, Como, Bérgamo, Cremona, Brescia y Pavía. El 10 de enero interrumpirá la gira italiana para debutar en el prestigioso ciclo Rosenblatt Recitals de Londres.

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Turandot

El Festival Castell Peralada ha celebrado su treinta edición, destacando en su programación las dos representaciones del pucciniano Turandot, que tuvieron lugar los pasados días 6 y 8 de agosto, con un gran éxito de público que llenó por completo el Auditori Parc del Castell. Turandot se representaba por primera vez en el festival ampurdanés.

Pero, vayamos por partes, ya que antes de enjuiciar estas representaciones de Turandot, me gustaría introducir al lector en los orígenes, génesis y grandes interpretes de esta ópera, que puede considerarse la obra maestra de Giacomo Puccini, siendo su última e inacabada composición y donde el gran maestro de Lucca construye una partitura de rabiosa modernidad, donde se muestra receptivo a los grandes cambios musicales introducidos en la primera parte del Siglo XX, por autores como Claude Debussy, Igor Stravinski, Richard Strauss e incluso Arnold Schoenberg. Sin embargo, reserva espacios para ese fino melodismo presente en sus óperas anteriores.

Renato Simone y Giuseppe Adami, fueron los encargados de escribir el libreto, adaptando la obra teatral Turandotte del dramaturgo veneciano Carlo Gozzi, donde se incorporaban elementos de la «comedia del arte», con personajes del teatro de máscaras, y cuyo estreno se produjo en 1762, en el Teatro San Samuele de Venecia. La obra de Gozzi fue traducida al alemán por Friedrich Schiller, siendo representada en tierras germánicas a comienzos del Siglo XIX. En 1917, y en el Teatro de la Ópera de Zurich se estrenó la ópera Turandot, de Ferruccio Busoni, quien además de la composición musical, se encargó de escribir el libreto en alemán a partir de la obra de Carlo Gozzi. Por tanto, a Puccini y sus libretistas se les planteaba el desafío de retomar un tema ya reiteradamente tratado.

La génesis de Turandot se produjo de manera muy lenta, comenzando en 1920 y alargándose durante un largo período de cuatro años. En la primavera de 1924, Simone y Adami completaban el libreto; que, con respecto a la obra de Gozzi, presentaba algunas sustanciales modificaciones, como la creación de un personaje esencial en el desarrollo de la obra: la esclava Liù, mujer dulce, de gran feminidad y abnegación, en contraposición con la bella y cruel princesa Turandot. Las máscaras Tartaglia, Pantalone y Truffaldino que aparecen en la obra de Carlo Gozzi y en la ópera de Ferruccio Busoni, se convierten en Ping, Pang y Pong que ejercen como ministros del imperio chino. Debido a un cáncer de garganta, Puccini falleció en noviembre de 1924, dejando musicalmente inacabada la parte final de la ópera, a partir de la muerte de Liù. Arturo Toscanini se hizo cargo de la partitura, encargando al compositor Franco Alfano su conclusión. Alfano trabajó a partir de unos escasos apuntes dejados por Puccini antes de morir, agregando algo de música propia y retomando algunos temas anteriores de la ópera, con una conclusión brillante y triunfalista. En principio, el trabajo de Alfano tenía una duración aproximada de veintidós minutos, que Toscanini redujo a quince. Este final más corto de Alfano, es el que habitualmente se ha venido representando desde el estreno de la ópera, acaecido el 25 de abril de 1926, en el Teatro alla Scala de Milán, con dirección de Arturo Toscanini y el conjunto de interpretes formado por la soprano polaca Rosa Raisa como Turandot, el Calaf de nuestro gran Miguel Fleta y María Zamboni en el personaje de Liù. En aquella premiere de Turandot, y justo después de la muerte de Liù, el maestro Toscanini dejó la batuta, y cuando el telón descendía lentamente, se dirigió al público con estas emocionadas palabras «Aquí finaliza la ópera, porque en este punto murió el maestro» En la segunda función se incluyó el final de Franco Alfano

El 25 de enero de 2002, con Riccardo Chailly al frente de la Orquesta del Concertgebow de Amsterdam, se estrenó en el Festival de Las Palmas de Gran Canaria, un nuevo final realizado por el compositor Luciano Berio, basándose en los apuntes dejados por Puccini, y también con música propia, donde se incluye un largo interludio musical, como transición del cambio radical de actitud de Turandot hacia Calaf. Y, el momento final de la ópera, se plantea abierto y meditativo con sonidos en piano, en comparación con el contundente y triunfalista propuesto por Franco Alfano. En nuevas producciones de Turandot, el final compuesto por Luciano Berio va siendo adaptado cada vez con mayor frecuencia.

Turandot tuvo una época dorada entre el final de los años cincuenta y principio de los setenta del pasado siglo, cuando confluyeron dos grandes cantantes: Birgit Nilsson como Turandot y el Calaf de Franco Corelli, quienes no solo interpretaban sus respectivos personajes, sino que, en una rara identificación vocal y dramática, eran realmente Turandot y Calaf. Coincidieron en escena en más de cincuenta ocasiones, habiéndonos legado varias grabaciones tanto en estudio como tomas en directo, donde se pueden escuchar sus extraordinarias creaciones, en compañía de alternativas y magníficas Liù, como Mirella Freni, Renata Scotto, Rossanna Carteri, Clara Petrella, Teresa Stratas, Anna Moffo, Pilar Lorengar o la rusa Galina Visnevskaja. A mediados de los años setenta y casi al unísono de las últimas actuaciones de Birgit Nilsson como Turandot, recoge el testigo la soprano búlgara Ghena Dimitrova, y unos años más tarde la húngara Eva Marton. Ambas cantantes realizaran magníficas interpretaciones de la terrible princesa china, prácticamente hasta fines del pasado siglo. Plácido Domingo ha realizado numerosas y brillantes interpretaciones de Calaf, siendo el único que ha llegado a cantarlo con Birgit Nilsson, Ghena Dimitrova y Eva Marton. La soprano sueca Irene Theorin, se ha convertido en los últimos diez años en la Turandot oficial, habiéndola interpretado en más de cien representaciones. Su poderosa vocalidad y gran presencia escénica han sido el gran aliciente de las dos funciones de Turandot, representadas en Peralada los pasados días 6 y 8 de agosto.

Uno de los atractivos de esta nueva producción de Turandot realizada para el Festival de Peralada, es el diseño de escenografía realizado por Paco Azorín, cuyo carácter minimalista no le resta un ápice de atractivo visual, y que plantea una estructura central giratoria con un entramado de maderas en forma de pagoda, y una escalera interior que lleva a una plataforma elevada donde aparecerá de manera mayestática la princesa Turandot en el Acto I. Escalera interior y plataforma desaparecen a partir del Acto II. El fondo del escenario está dominado por un gigantesco gong, iluminado con diferentes colores en función del desarrollo de la acción dramática. En los extremos del escenario se sitúan dos palcos, que darán cabida a diferentes acciones a lo largo del desarrollo de la representación. Sin duda, este conjunto de sencillas estructuras posibilitaban una interesante puesta en escena, que en manos de Mario Gas, resultó sumamente estática. Solamente, la fulgurante aparición en escena de los ministros Ping, Pang y Pong, sobre sendos carritos chinos y sus actuaciones teatrales a lo largo de toda la representación producen cierto dinamismo escénico. Esos carritos vuelven a reaparecer portando a bellas cortesanas, cuando los ministros quieren sobornar a Calaf en el Acto III. Debe señalarse el acierto de Mario Gas al mostrar a una Turandot con presencia de diosa sobre una plataforma elevada, en su primera aparición escénica, que va convirtiéndose en un ser más humano e inseguro, cuando casi se desvanece sobre el escenario al comprobar que Calaf ha acertado el tercero de los enigmas. Ping, Pang y Pong también están muy bien caracterizados, mostrándose su carácter ambivalente: cómicos y grotescos en el Acto I, de extrema crueldad cuando hacen torturar a Liù en el Acto III; y, en su gran escena del Acto II, Mario Gas los presenta como unos auténticos vividores, que beben, esnifan coca y fuman opio. Otros detalles de esta puesta escena, están bastante fuera de lugar, como la utilización, al comienzo de la ópera, de uno de los mencionados palcos laterales, por dos cortesanas que traducen mediante un lenguaje de signos el edicto del mandarín, posibilitando que los espectadores no se concentren debidamente ni en la interpretación del cantante, ni en la escucha de la impactante música que se está ejecutando. Ello vuelve a repetirse en el Acto II, esta vez por parte de Ping, Pang y Pong, cuando reaparece el mandarín. Y, resulta totalmente incongruente, que esos dos palcos sean utilizados, en el Acto III, por Pang y Pong, para degollar pollos, mientras Ping tortura a Liú, convirtiendo en grotesco y de mal gusto uno de los momentos más dramáticos de toda la obra. Después de la muerte de Liù, la orquesta se para, y el propio Mario Gas lanza por megafonía el ya mencionado discurso de Arturo Toscanini, el día del estreno de Turandot; para, a continuación, y de manera muy discutible, ejecutarse todo el final de la ópera -versión corta de Franco Alfano- con los interpretes ataviados con modernos trajes de gala, como si se tratase de una representación en forma de concierto.

Resulta adecuado el diseño de vestuario realizado por Antonio Belart, sobre todo en los suntuosos vestidos de Turandot, y en general de toda la clase noble, resultando sumamente originales los atuendos que exhiben Ping, Pang y Pong, con trajes de gala netamente occidentales cubiertos por capas típicamente chinas. Y, en contraposición, las pobres vestimentas de las clases populares, con claros guiños a la época maoista. Excelente el diseño de iluminación a cargo de Quico Gutierrez, cuya acertada utilización, complementa y da brillo a la sencilla escenografía.

La actuación de la Orquesta Sinfónica del Liceu, resultó discreta, ya que el director Giampaolo Bisanti no consiguió dar suficiente relieve a la riquísima orquestación realizada por Puccini. También, es preciso señalar los problemas de acústica que se producen en un escenario al aire libre, sobre todo en una ópera de tan contrastadas sonoridades. La dirección Bisanti consiguió sus mejores logros en los momentos de más bello contenido melódico, como es el caso de la escena del «canto a la luna» en el Acto I, de claro sabor impresionista. También en la ejecución de la exótica música, de estilo claramente chino, que acompaña las intervenciones de Ping, Pang y Pong, en su larga escena del Acto II. En los momentos de mayor espectacularidad, Bisanti abusó de sonidos en fortísimo. Cabe señalar la buena labor concertadora del director italiano en el acompañamiento a los cantantes, especialmente en las delicadas arias interpretadas por Liù, o en esas preciosas frases cuando Calaf insta a Turandot a adivinar su nombre antes del alba: “Il mio nome non sai. Dimmi il mio nome. Dimmi il mio nome prima dell’alba e all’alba moriró”, sin duda, uno de los momentos más bellos de esta ópera.

En lo que respecta a los cantantes solistas, cabe señalar en primer lugar la gran actuación de Irene Theorin como Turandot, exhibiendo su bella y poderosa voz de timbre aterciopelado, con un perfecto legato y gran capacidad en las regulaciones, desde sonidos en forte a delicadas notas en pianissimi, junto a una matizada interpretación, dando auténtico relieve dramático a cada frase, a cada palabra cantada. La soprano sueca encaró con fuerza y valentía la terrorífica tesitura de “In questa reggia”, con gran profusión de notas agudas que deben ser atacadas verticalmente, alguna de ellas emitida por Theorin con cierta tirantez. Su prestación fue ganando en calidad e intensidad en el transcurso de la escena de los enigmas, seguida del aria “Figlio del cielo”, donde alterno con maestría el canto piano y forte, ofreciendo esta vez, unas notas agudas muy bien colocadas. Su interpretación resultó verdaderamente extraordinaria en todo el final de la ópera, junto al Calaf de un Roberto Aronica de timbre leñoso y emisión irregular, que ya se había puesto de manifiesto al ser incapaz de matizar los poéticos acentos de aria “Non piangere Liù”. Tuvo auténticos problemas en el final del primero de los enigmas, y omitió el alternativo Do4, que se plantea, en la frase “No, no, principessa altera! Ti voglio tutta ardente d’amor”, cuando Calaf increpa a Turandot, después de la escena de los enigmas. Su interpretación del famoso “Nessum dorma”, no pasó de discreta, con ciertos desajustes con respecto al sonido orquestal.

Gran actuación de la soprano María Katzarava, como Liù, con una voz de atractivo timbre, mostrando un amplio y elegante fraseo, gran capacidad para regular el sonido y buen dominio de todos los registros desde unos graves bien emitidos a unas brillantes ascensiones al agudo. Mostró una delicada línea de canto en “Signore, ascolta”, del Acto I, para acabar el aria regulando el sonido de pianissimi a forte y de nuevo a pianissimi en una brillante “messa di voce”. Ya en el Acto III, su actuación rayó a gran altura en sus dos arias consecutivas: “L’amore?…Tanto amore segreto e inconfesato”, y sobre todo, en el precioso andantino “Tu che di gel sei cinta”, cantado con dolorosa expresión. En suma, una gran interpretación de la joven soprano mexicana, destinada a realizar una magnífica carrera.

Buena interpretación como Timur del joven bajo Andrea Mastroni, dotando de nobles acentos a todas sus intervenciones, especialmente en el concertante con el que finaliza el Acto I, y en su patético cantable ante el cadáver de Liù.

Otro de los alicientes de estas representaciones fueron las magníficas interpretaciones del barítono Manuel Esteve y los tenores Francisco Vas y Vicenç Esteve, respectivamente como los ministros Ping, Pang y Pong, sobre todo en su gran escena del Acto II. De los tres, brilló de sobremanera Francisco Esteve, quien tiene a su cargo las más largas intervenciones. Todos ellos conjugaron una excelente vocalidad y gran capacidad teatral en sus cambiantes actitudes a lo largo de toda la representación.

Todo un lujo la presencia del tenor Josep Fadó como el emperador Altoum, dándole auténtico relieve a un papel casi siempre asignado a tenores en franca decadencia. Sin duda, en su dúo con Calaf del Acto II “Un giuramento atroce mi costringe” su prestación fue incluso mejor que la de Roberto Aronica. Bien la interpretación de Jose Manuel Díaz como el mandarín, en sus dos apariciones escénicas.

Los coros resultan fundamentales en esta ópera, con su casi continua presencia escénica, donde va subrayando las cambiantes actitudes del pueblo ante los acontecimientos que se van desarrollando. La prestación de coro Intermezzo dirigido por Enrique Rueda resultó un tanto irregular, con momentos auténticamente brillantes, como en toda las escena del «canto a la luna» o en la del cortejo hacia la muerte del príncipe de Persia, junto a otros de mayor contundencia sonora, emitidos con excesivo volumen. También es preciso comentar ciertos desajustes en el coro femenino, y que el sonido, por momentos, no resultara compacto, posiblemente debido a la dispersión de los cantantes por todo el escenario. Muy buena actuación del coro de niños Amics de la Uniò dirigido por Josep Vila en su deliciosa intervención del Acto I, retomado en la introducción de la imponente aria de Turandot “In questa reggia”.

Maria Katzarava

Maria Katzarava acaba de regresar de México donde realizó un verdadero tour de force lírico al enfrentarse a la solitaria protagonistas de La Voix Humaine, de Francis Poulenc y libreto de Jean Cocteau, en una producción independiente que también subió al escenario del Palacio Bellas Artes de la capital mexicana. Después de ese aplaudido debut, que se une a otras
recientes incorporaciones en su repertorio (Marguerite de Faust en la Opéra de Lausanne, Suiza, y Desdemona del Otello verdiano en el Liceu de Barcelona, España), la cantante mexicana de origen georgiano debutará en el Festival Castell de Peralada (España) con su inigualable Liù de Turandot, de Puccini. «Se trata de un personaje que me encanta y que ya interpreté en el Festival de Caracalla, en Roma, el pasado verano, precisamente junto a Iréne Theorin como Turandot, quien también cantará este personaje en Peralada», afirmó la cantante ganadora del concurso Operalia en 2003. «Muchos
consideran que la esclava Liù es débil y frágil, pero yo creo todo lo contrario: su voluntad, que nace del amor, es valiente. Su honestidad, fidelidad y fuerza espiritual la definen como una mujer decidida, nada débil y nada frágil. También es emocionante saber que Puccini dejó inacabada la ópera Turandot precisamente cuando Liù se suicida».

El Festival Castell de Peralada es el evento lírico estival más importante de España y este verano celebra su 30ª edición. Este debut se avanza a otro hito en la carrera de Maria Katzarava: en el Teatro Massimo de Palermo (Italia), cantará en septiembre, y por primera vez, el papel protagonista de una de las óperas más populares de Puccini: Madama Butterfly.

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Manon Lescaut

ABAO-OLBE (Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera) recupera tras trece años desde su última representación Manon Lescaut de Puccini. Los días 20, 23, 26 y 29 de febrero, con el patrocinio de la Diputación Foral de Bizkaia, sube a escena esta fascinante y trágica historia que encumbró al maestro toscano como uno de los referentes de la escuela verista.

La pasión, la virtud, el deseo, la templanza y el amor desesperado y urgente de la juventud atraviesan las escenas de esta tragedia lírica inspirada en un personaje literario considerado como uno de los grandes mitos de la historia moderna: la mujer fatal. Manon es una mujer que posee una personalidad magnética y se mueve entre la ingenuidad, la falta de moral, la ternura y el engaño llevando la desgracia a sí misma y a quienes la rodean. Para dar vida a los personajes de esta ópera, ABAO-OLBE ha reunido un elenco encabezado por la soprano guipuzcoana Ainhoa Arteta, recientemente galardonada con la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes, quien regresa a Bilbao para poner voz a ‘Manon Lescaut’. A su lado y completando el dúo protagonista el tenor norteamericano Gregory Kunde, distinguido como mejor cantante masculino en los Premios Líricos Teatro Campoamor por su interpretación de ‘Canio’ y ‘Turiddu’ en la producción de ABAO de Cavalleria Rusticana y Pagliacci entre otras, se hace cargo del rol del enamorado ‘Renato des Grieux’. Junto a ellos cierran el cartel el barítono santanderino Manuel Lanza como ‘Lescaut’, el bajo catalán Stefano Palatchi como ‘Geronte di Ravoir’, la mezzosoprano guipuzcoana Marifé Nogales como ‘Un Musico’, el tenor cántabro Manuel de Diego como ‘Edmondo’, el barítono vizcaíno Gexan Etxabe como ‘Parrucchiere / Comandante di Marina’, el bajo bilbaíno David Aguayo como ‘Sergente’ y el tenor Eduardo Ituarte como ‘Il Maestro di Ballo / Un Lampionaio’

En el foso el esperado debut en ABAO-OLBE del maestro Pedro Halffter, gran conocedor del repertorio pucciniano, para al frente de la Euskadiko Orkestra Sinfonikoa dirigir una partitura compleja que combina una melodía suave y sensual con momentos pasionales de gran intensidad dramática. La parte coral es, una vez más, tarea del Coro de Ópera de Bilbao, con Boris Dujin al frente.

En el escenario una producción procedente del Teatro Regio di Parma, concebida por el debutante en ABAO Stephen Medcalf, caracterizada por una ambientación clásica, ajustada al libreto, con un cuidado vestuario profuso en detalles y caracterización de época de Jaime Vartan y sutiles efectos de luz diseñados por Simon Corder. La escenografía es un universo de colores puros de gran eficacia visual con sorprendentes efectos simbólicos y elementos versátiles como los espejos que representan en primer lugar la opulencia que seduce a la protagonista para posteriormente convertirse en su prisión, o ingeniosos como la simulación de la carroza y el barco.

Conferencia sobre “Manon Lescaut”

Con el fin de analizar, con carácter previo al estreno, los aspectos más relevantes de esta ópera de Puccini, ABAO-OLBE ha organizado una conferencia, de entrada libre, que tendrá lugar el viernes 19 de febrero a las 20.00 horas en el Hotel Ercilla. En esta ocasión, Iñigo Arbiza, crítico musical de Scherzo y Noticias de Gipuzkoa, y Jefe de Comunicación de la ONCE en Euskadi, descubre los entresijos de Manon Lescaut.

Rancatore

Volvió y arrasó: la soprano italiana Desirée Rancatore volvió a meterse al público de Japón en el bolsillo de la mano de su conmovedora Traviata que paseó por Omiya, Tokyo, Osaka y Nagoya, agotando localidades en pocas horas, el mismo día en que se pusieron a la venta. Y de Verdi a Puccini: la diva de Palermo se meterá por primera vez en la piel de uno de los personajes
creados por Giacomo Puccini, en este caso, en uno de los más carismáticos de La Bohème, Musetta, todo carácter, alegría y humanidad. Lo hará en Italia, a caballo entre diciembre y enero, en el Teatro Carlo Felice de Génova.

Contando con la dirección de escena del legendario Ettore Scola, Rancatore debutará el 17 de diciembre su primer personaje pucciniano en un nuevo paso en su trayectoria artística: «Mi voz se ha ido enriqueciendo en armónicos y en colores más oscuros, ya no es lo propio de una soprano de coloratura», apunta la cantante. «Ello responde a la evolución natural de la voz, a mi propia madurez. Y Musetta, junto con Lauretta de Gianni Schicchi serán mis primeros roles puccinianos. En el futuro, ¿por qué no? También podría ser Mimì».

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Goyescas

El próximo 30 de junio el Teatro Real estrenará Goyescas, de Enrique Granados (1867-1916), primera y única ópera del compositor catalán, con la que triunfó en la Metropolitan Opera House de Nueva York en 1918. En su viaje de vuelta a España, en los albores de la primera guerra mundial, el navío inglés en el que viajaba fue bombardeado por la armada alemana, dejando truncada su vida antes de cumplir los 50 años.

Esta pequeña ópera, que se presentará por primera vez en el Teatro Real, se ofrecerá en versión de concierto, encabezada por la soprano María Bayo, el tenor Andeka Gorrotxategui y el barítono José Carbó, que actuarán junto al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, bajo la dirección de Guillermo García Calvo, que debutará en el Real.

Dos años antes, también en la Metropolitan Opera House, Giacomo Puccini (1867-1916) había estrenado su última ópera completa, Gianni Schicchi, con la que culminaría su célebre Trittico, después de Il tabarro y Suor Angelica, creado a partir de los tres tomos de la magna trilogía de Dante.

Esta fabulosa ópera cómica llegará al Teatro Real en una producción procedente de la Los Angeles Opera, con dirección de escena de Woody Allen y escenografía y figurines de Santo Loquasto. Será protagonizada por los barítonos Nicola Alaimo y Lucio Gallo, que se alternarán en la interpretación del papel titular. Estarán acompañados por un elenco coral mayoritariamente español y por la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Giuliano Carella.

SINOPSIS DE GOYESCAS

Cuadro primero

Un grupo de majos y majas se divierten bajo un sol radiante en la pradera de San Antonio de la Florida, a orillas del río Manzanares, en Madrid. Algunos mantean un pelele. El torero Paquiro se pavonea entre la muchedumbre y piropea a las jóvenes. Su prometida, la popular Pepa, llega en calesa y ambos se hacen la corte. Aparece también Rosario, distinguida mujer aristócrata que espera encontrarse con su amante Fernando, capitán de la Guardia Real. Paquiro, insinuante, invita a Rosario a acompañarle al popular Baile del Candil, provocando los celos de Fernando, quien obliga a Rosario que vaya al baile, pero en su compañía.

Cuadro segundo

El Baile del Candil está en pleno apogeo. La actitud arrogante de Fernando, avivada por las provocaciones de Pepa, no presagia nada bueno. Rosario se desmaya, y Paquiro y Fernando aprovechan el incidente para retarse en duelo esa misma noche. La fiesta vuelve a animarse una vez se han marchado Rosario y Fernando.

Cuadro tercero

En el jardín de su residencia, Rosario escucha el canto del ruiseñor y le acompaña cantando una melodía amorosa. Llega Fernando y juntos entonan un dúo de amor. Una campana anuncia la hora del desafío. Rosario ruega a Fernando que no vaya, pero este desoye sus súplicas y sale en busca de Paquiro. Ella, temerosa de lo que pueda suceder, le sigue y le encuentra herido de muerte. Fernando fallece en los brazos de Rosario.

SINOPSIS DE GIANNI SCHICCHI

Ha muerto Buoso Donati, un rico terrateniente. Su familia rodea su lecho, en el que todavía yace el fallecido, y llora sentidamente su pérdida, aunque muestran bastante más interés por el contenido de su testamento. Entre los presentes se encuentran, entre otros, los primos de Donati, Zita y Simone, su cuñado Betto di Signa y el sobrino de Zita, Rinuccio, enamorado de la joven Lauretta, hija de Gianni Schicchi. Ante el rumor de que Donati ha legado la mayoría de su herencia a los monjes del monasterio local, la familia empieza a buscar el testamento frenéticamente para cambiarlo. Lo encuentra Rinuccio, quien antes de abrirlo persuade a su tía Zita para que, dado que la familia va a ser tremendamente rica, le permita casarse con Lauretta.

Los temores de la familia son fundados: Donati ha legado su herencia a los monjes. Rinuccio sugiere pedir consejo a Schicchi ante la reticencia general, pues se le considera un advenedizo. Llegan Schicchi y Lauretta, que son recibidos de manera hostil por la familia. Finalmente, se accede a que Schicchi examine el testamento. Tras enviar a Lauretta al balcón y asegurarse de que nadie más sabe que Donati ha muerto, Schicchi se hace pasar por él y asegura al doctor, de visita médica, que se encuentra mucho mejor. El doctor parte y Rinuccio va a buscar al notario mientras la familia se pelea por el reparto de los bienes de Donati. Schicchi dicta un nuevo testamento al notario en el que, ante la furia de los familiares, otorga los mejores bienes a “mi leal amigo Gianni Schicchi”. En la terraza, Rinuccio y Lauretta se declaran su amor ya exento de barreras, dado que Lauretta cuenta ahora con una jugosa dote.

Plácido

Tal como se anunciamos la semana pasada, Plácido Domingo no interpretará el papel titular de Gianni Schicchi, de Giacomo Puccini, debido al reciente fallecimiento de su hermana, a la que se sentía muy unido, y que le impide interpretar, con intensidad y entrega, una ópera de carácter cómico.

No obstante, por deferencia con el público de Madrid y con el Teatro Real, ofrecerá un pequeño concierto entre las óperas Goyescas y Gianni Schicchi, en las cinco funciones que tendrán lugar en el Teatro Real los días 30 de junio y 3, 6, 9 y 12 de julio.

Al finalizar la ópera de Enrique Granados, en versión de concierto, Plácido Domingo interpretará, acompañado por la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Giuliano Carella, arias y escenas de La Traviata y Macbeth, de Giuseppe Verdi, y Andrea Chénier, de Umberto Giordano, en papeles destinados a la cuerda de barítono.

Domingo

El tenor Placido Domingo no participará en las funciones de la ópera Gianni Schicchi, de Giacomo Puccini, previstas para los días 30 de junio y 3, 6, 9 y 12 de julio, tal y como estaba anunciado.

El reciente fallecimiento de su hermana, a la que se sentía muy unido, le impide representar un papel de carácter cómico y entregarse al público con la intensidad y dedicación que siempre le han caracterizado.

En su lugar, el papel de Gianni Schicchi será interpretado por el barítono Nicola Alaimo, los días 30 de junio; 3 y 6 de julio de 2015, y por el barítono Lucio Gallo en las funciones de los días 9 y 12 de julio de 2015.

Pérez-Sierra

Este mes el maestro José Miguel Pérez-Sierra debuta en el podio de la Opéra de Reims (Francia) para dirigir, los días 17 y 19 de mayo, la ópera de Giacomo Puccini La Bohème por primera vez, en un montaje teatral que firma Nadine Duffaut. El director madrileño encara este nuevo compromiso después de haber realizado una aplaudida gira con la Euskadiko Orkestra Sinfonikoa con un programa que incluía obras de Usandizaga, Illarramendi y Dvorak. «Me siento muy cómodo tanto en el repertorio sinfónico, como el que tocamos con la Sinfónica de Euskadi, como haciendo ópera», afirma el músico español.

En este regreso a Francia -a pesar de su juventud es un viejo conocido en compañías como la de la Opéra-Théâtre de Metz, en la que este curso ha inaugurado por segunda vez su temporada lírica-, Pérez-Sierra se enfrentará una vez más a uno de sus compositores favoritos, Puccini, de quien ha dirigido Madama Butterfly en diversos escenarios, incluyendo el Gran Teatre del Liceu de Barcelona o el mismísimo Festival Puccini de Torre del Lago (Italia).

Entre sus próximos compromisos destacan Falstaff en el Teatro Verdi de Trieste (Italia), un concierto con la mezzosoprano Marianna Pizzolato y L’Italiana in Algeri en el Belcanto Opera Festival Rossini de Wildbad (Alemania), Il Turco in Italia tanto en el Teatro Municipal de Santiago de Chile como en la Opéra-Théâtre de Metz y La Sonnambula en Bilbao para la temporada de ABAO-OLBE.

Museo del Traje

El Museo del Traje se suma a las actividades de la Semana de la Ópera del Teatro Real, que tendrá lugar la primera semana de mayo, con la exposición Vístete de Ópera, en la que se exhibirá una selección de trajes y pelucas utilizadas en algunas de sus producciones más bellas, y cuyas piezas han sido elaboradas en los talleres de sastrería y caracterización del Teatro.

El jueves 30 de abril, a las 12.00 horas, ha tenido lugar en el Museo del Traje la inauguración de la muestra con la presencia del director general del Teatro Real, Ignacio García-Belenguer, el subdirector del Museo, Rodrigo de la Fuente, y el responsable de los Departamentos de Sastrería y Caracterización del Teatro, Ovidio Ceñera, quien nos acompañará en el recorrido de la exposición para ofrecer las explicaciones técnicas de la elaboración de las piezas y sus datos más curiosos.

Entre los días 30 de abril y 17 de mayo, con acceso gratuito para todos los públicos, se podrá descubrir una parte de la magia del Teatro lírico, a través de los trajes que han vestido reconocidas figuras del canto en títulos tan emblemáticos como Madama Butterfly, La Traviata, La bohème o Las bodas de Fígaro.

El Museo del Traje tiene abiertas sus puertas de martes a sábado de 10.00 a 19.00 h y los domingos y festivos de 10.00 a 15.00, en la Avenida de Juan de Herrera, nº 2. Más información en www.museodeltraje.mcu.es.

Las producciones del Teatro Real seleccionadas para la exposición Vístete de ópera son:

· La vida breve, de Manuel de Falla, con figurines diseñados por Rosa García Andújar. Este título, junto al ballet El sombrero de tres picos, del mismo compositor, formaron el programa de la reapertura del Teatro Real en octubre de 1997.

· Madama Butterfly, de Giacomo Puccini. En 2002, la ganadora de un Óscar Franca Squarciapino fue la responsable de uno de los vestuarios más bellos pensados para este título.

· La Traviata, de Giuseppe Verdi (2003) y L’incoronazione di Poppea, de Claudio Monteverdi (2010), contaron con la participación de uno de los nombres más apreciados en los teatros de ópera del mundo, Pier Luigi Pizzi, responsable en ambas producciones del vestuario, escenografía y dirección de escena.

· La bohème, de Giacomo Puccini (2006). Los trajes de Michael Scott constituían uno de los aspectos más destacados de esta producción, que reflejaba con gran realismo el ambiente bohemio del París de 1830.

· Le nozze di Figaro, de Wolfgang A. Mozart (2009). Renata Schussheim supo reflejar, con enorme acierto, la diferencia de clases entre los personajes que forman parte de la trama de esta opera buffa. La obra pictórica de Schussheim ha sido expuesta en la Bienal de Venecia.

· El Público, de Mauricio Sotelo (2015). La obra de Federico García Lorca, concebida por primera vez como ópera, tuvo su estreno mundial el pasado mes de febrero en el Teatro Real. El creador del complejo vestuario de esta produción fue Wojciech Dziedzic.

ABAO-OLBE

El 24 de octubre da comienzo la 64 temporada de ABAO-OLBE con una programación lírica que incluye cinco grandes obras representativas de la mejor ópera. Verdi, Donizetti, Bellini, Puccini y Rossini traen a la escena bilbaína dos títulos poco frecuentes: Manon Lescaut y Roberto Devereux; dos de referencia en la historia de la lírica: La sonnambula e Il barbiere di Siviglia; y un estreno: la versión original de 1867 de Don Carlos. Además, ABAO programa por primera vez en su historia la colosal Messa da Requiem de Verdi.

Una nueva temporada de grandes historias. Ópera y literatura como catalizador de música, voces y sentimientos, y donde debutan quince cantantes, dos directores de escena y dos maestros de primer nivel junto a destacados intérpretes conocidos en Bilbao como: Daniela Barcellona, Orlin Anastasov, Gregory Kunde, Elena Mosuc, Antonino Siragusa, Mirco Palazzi, José Antonio Sanabria, Ainhoa Arteta, Angela Meade o Erwin Shrott.
Además, ABAO-OLBE mantiene todas las actividades de su programa socio-cultural, en un paso más por integrar a la sociedad en un amplio proyecto multidisciplinar que engloba: formación, divulgación, actividades artísticas y editoriales, total o parcialmente subvencionadas por la Asociación: la publicación de la revista Scena y del libro de temporada, con artículos inéditos de especialistas; una nueva edición del ciclo gratuito de Conferencias de introducción a la ópera programado para descubrir los entresijos de cada título; la Semana Verdi de ABAO que cumple su X edición al igual que el programa Opera Berri para atraer nuevos aficionados; la temporada Abao Txiki y el programa didáctico que cumple 25 años de actividad.

64 TEMPORADA DE ÓPERA CON SABOR ITALIANO

DON CARLOS
· Versión íntegra en francés, con el acto de Fontainebleau y el ballet de la Peregrina, interpretado por el Malandain Ballet de Biarritz.
· Debuts extraordinarios de Giuseppe Gipali, Mª José Siri y Mika Kares.
Don Carlos de Giuseppe Verdi inaugura la temporada el 24 de octubre. Basado en el drama “Dom Karlos, Infant von Spanien” de Schiller, narra los hechos históricos y los conflictos del infante Don Carlos, Isabel de Valois y el rey Felipe II. Casi cinco horas de ópera monumental. Una joya indiscutible que pocas veces puede verse y que se estrena por primera vez en Bilbao.
El reparto está encabezado por los debuts de Giuseppe Gipali, Mª José Siri y Mika Kares y los regresos de Daniella Barcellona, Orlin Anastassov y Juan Jesús Rodríguez. En el foso el maestro Massimo Zanetti, que vuelve a Bilbao tras dirigir con éxito Madama Butterfly el pasado mes de febrero, para ponerse al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa. En escena una nueva producción de ABAO, en coproducción con Sevilla, Oviedo y Tenerife, firmada por el polifacético Giancarlo del Monaco. Elegante, sugerente, muy cuidada en lo teatral y muy vistosa gracias a la iluminación y un vestuario rico en matices y lleno de detalles suntuosos.

ROBERTO DEVEREUX
· Grandes voces en el olimpo internacional: Gregory Kunde y Elena Mosuc.
· Duelo de divas con el esperado debut de Clementine Margaine.
· En la dirección musical, Josep Caballe-Domenech, una de las batutas más importantes de la actualidad.
En noviembre llega Roberto Devereux de Donizetti, obra que cierra el ciclo Tudor o “trilogía de las reinas” del compositor italiano. Gregory Kunde, Elena Mosuc, el debut de Clementine Margaine y Vladimir Stoyanov en el cuarteto protagonista. Al frente de la Euskadiko Orkestra Sinfonikoa el maestro de gran proyección internacional Josep Caballé-Domenech. En el escenario una producción de la Ópera de Las Palmas-ACO de corte clásico, con momentos de carga dramática sublime en algunos pasajes, ideada por el debutante Mario Pontiggia.

LA SONNAMBULA
· Ópera cumbre del bel canto romántico italiano y una de las más representadas de Bellini.
· Jessica Pratt interpreta el rol de Amina en su presentación en Bilbao.
2016 se abre con La Sonnambula de Bellini, una de las cumbres del bel canto romántico italiano. De los dos personajes principales se encargan Jessica Pratt, debutante en la temporada bilbaína, y Antonino Siragusa. En escena una producción muy visual del Teatro Bolshói de Moscú concebida por Pier Luigi Pizzi, poética, muy visual y con mucho movimiento escénico. En el foso, José Miguel Pérez Sierra hábil conocedor del bel canto italiano, dirigiendo a la Bilbao Orkestra Sinfonikoa.

MANON LESCAUT
· Un dúo de excepción: Ainhoa Arteta y Gregory Kunde.
· Pedro Halffter en el foso y Stephen Medcalf en la dirección de escena debutan en ABAO.
La obra de Puccini llega en febrero para envolvernos en una fascinante y trágica historia que encumbró al maestro toscano como uno de los referentes de la escuela verista. Ponen voz a esta sinfonía en cuatro movimientos que no va a dejar indiferente a nadie, un dúo de excepción: Ainhoa Arteta y Gregory Kunde. Hace su presentación en ABAO el destacado director musical Pedro Halffter para afrontar una de las partituras más complejas del repertorio pucciniano. Atenta a su batuta la Euskadiko Orkestra Sinfonikoa. Producción basada en los flashbacks procedente del Teatro Regio di Parma ideada por el debutante en ABAO Stephen Medcalf, con una escenografía de gran eficacia visual llena de elementos versátiles.

IL BARBIERE DI SIVIGLIA
· Debuts de Marco Caria y Annalisa Stroppa en los roles principales y de Ottavio Datone en la dirección musical.
· Premiada puesta en escena de Emilio Sagi, para celebrar el bicentenario del estreno de esta ópera.
En mayo la ópera bufa por antonomasia de Rossini, llena de gracia, humor y vitalidad, pone un magnífico colofón a la temporada en el año que se celebra el bicentenario de su estreno. En el elenco las presentaciones de Marco Caria y Annalisa Stroppa junto a MIchele Angelini, Carlos Chausson y Nicola Uliveri. En el escenario una exquisita producción, Premio Teatro Campoamor 2005 de Emilio Sagi de ágil escenografía y espectacular vestuario proveniente del Teatro Real. Debut de una de las batutas que mejor conoce este tipo de repertorio en el ámbito internacional, Ottavio Dantone, al frente de la Orquesta Sinfónica de Navarra.
El Coro de Ópera de Bilbao, dirigido por Boris Dujin, se ocupa de la parte coral de la temporada.

POR PRIMERA VEZ EN ABAO: MESSA DA REQUIEM DE VERDI
El 16 de abril ABAO estrena por primera vez en su historia esta composición sacra, considerada como la gran obra maestra de Giuseppe Verdi. Es una composición en siete movimientos con un poder dramático indescriptible, para gran orquesta, gran coro y cuatro voces solistas. En Bilbao estará interpretado por la debutante Angela Meade, Erwin Shortt, Dolora Zajick, y un tenor aún por confirmar; arropados por el coro de Ópera de Bilbao, dirigido por Boris Dujin, y la Orquestra Sinfónica de Navarra, bajo la batuta del director de orquesta italiano Francesco Ivan Ciampa.

OPERA BERRI ALCANZA LA X EDICIÓN
· Se recupera el programa de dos títulos en la X edición de Opera Berri: La sonnambula e Il babiere di Siviglia.
· Se esperan 4.200 espectadores y volver a colgar el cartel de “no hay entradas”.
Esta iniciativa de ABAO-OLBE, desarrollada con el objetivo de acercar la ópera a nuevos públicos con títulos muy conocidos y entradas que rondan el 50% de su precio habitual, es un proyecto con enorme aceptación, que cumple una función socio-cultural aportando valor a la sociedad y que en su X aniversario recupera el programa de dos títulos.
Esta edición las óperas representados serán: La Sonnambula de Bellini el 30 de enero con Irina Duvrovskaia y José Antonio Sanabria en los roles de Amina y Elvino, y el 15 de mayo Il barbiere di Siviglia de Rossini con Damián del Castillo y Marifé Nogales como Figaro y Rosina.

ABAO TXIKI, ESPECTÁCULOS PARA TODA LA FAMILIA
Cinco títulos suben a las tablas del Teatro Arriaga, un estreno absoluto en euskera y cuatro reposiciones, dentro de la undécima temporada de ópera dirigida a los espectadores más jóvenes y para el disfrute de toda la familia. Una reafirmación del compromiso social y educativo que asume ABAO-OLBE para despertar el interés cultural del público de menor edad.
El concierto dramatizado Soñando el carnaval de los animales con música de Debussy y Saint-Saëns e ideado por la Compañía Etcétera abre en octubre la temporada.
En enero llega El flautista de Hamelin, una ópera basada en el popular cuento de los hermanos Grimm con música de Iñigo Casalí, y dirección de escena de Pablo Ramos.
A finales de febrero sube a escena, La cenicienta; una adaptación para el público infantil de La Cenerentola de Rossini llevada a cabo por Comediants.
El estreno absoluto de la temporada llega en marzo, Txanozuritxu, ópera en euskera para cinco músicos y ocho cantantes. Una versión libre del popular cuento infantil con música de Carlos Imaz y dirección de escena de Mitxel Santamarina producida por ABAO-OLBE para conmemorar el 25 aniversario del Programa Didáctico.
Cierra este programa a finales de mayo Guillermo Tell, una trepidante y divertida adaptación de la ópera de Rossini producida por el Gran Teatre del Liceu.
La undécima temporada de ABAO TXIKI cuenta con diecisiete funciones de sesiones en familia y cinco funciones escolares en las que participan 35 centros educativos y 4.000 alumnos.

EL PROGRAMA DIDÁCTICO CUMPLE 25 AÑOS
El Programa Didáctico de ABAO-OLBE complementa la temporada de ópera infantil con su amplia oferta de actividades para acercar el mundo de la lírica a los jóvenes a través de charlas didácticas, talleres, visitas al teatro y asistencia a ensayos pregenerales y generales. 180 centros educativos y más de 19.000 personas participan anualmente en las distintas actividades desarrolladas.
ABAO-OLBE celebra este año el 25 aniversario de esta iniciativa, pionera en el Estado con el estreno absoluto de la ópera en euskera Txanozuritxu.

TUTTO VERDI
Esta temporada el emblemático proyecto de ABAO-OLBE, TUTTO VERDI, alcanza su décima edición y continua fiel a su objetivo de descubrir al genial maestro italiano en sus todas sus facetas. En la parte artística, los dos estrenos de la temporada: Don Carlos y la Messa da Requiem de Verdi. En la cultural, entre otras actividades, la X Semana Verdi de ABAO, en colaboración con Deusto Forum, que ya ha traído a Bilbao más de medio centenar de conferenciantes de Europa y América y que esta edición contará con la presencia entre otros de Chrisytian Merlin, Luisa Cymbron, Suddeutsche Zeitung y Jorge Volpi, para situar la figura de Verdi en Francia, Portugal, Alemania y Latinoamérica; Ignacio Cobeta para ofrecer la relación de Verdi y la vocalidad, y una visión transversal de la obra del maestro y la gastronomía.

 

Annalisa Stroppa

La mezzosoprano italiana Annalisa Stroppa volverá a meterse este mes de abril en la piel de Rosina, el personaje protagonista de Il Barbiere di Siviglia, de Rossini, que tantos éxitos le ha deparado en su imparable carrera internacional. Lo hará en una nueva producción de la Fondazione Arena di Verona en el Teatro Filarmonico de esa ciudad italiana, un montaje coproducido con el Teatro Operabalet Maribor y el Maggio Musicale Fiorentino (días 12, 14, 16, 19 abril). «Me encanta este personaje, fundamental en el bel canto romántico, un estilo que me va muy bien a pesar de que exige gran calidad técnica e interpretativa, ya que es puro atletismo vocal», afirma la cantante que debutó el papel en Roma en 2012 y bajo la batuta de un reconocido belcantista como es el maestro Bruno Campanella. A pesar de su juventud la Rosina de Annalisa Stroppa ha calado hondo allí por donde va, repitiendo el éxito en teatros de ópera de Berlín, Lausanne, Barcelona o Tel-Aviv.

En este regreso a Rossini, Stroppa estará dirigida por el maestro Stefano Montanari en esta nueva producción con regia de Pier Francesco Maestrini. En próximos compromisos, Annalisa Stroppa cantará en el Teatro Regio de Turín (Hänsel und Gretel de Humperdinck), el Teatro alla Scala de Milán (Otello de Rossini) y en la Opéra National de París (Madama Butterfly de Puccini).

Fiorenza Cedolins

Fiorenza Cedolins, una de las grandes divas de la última generación de cantantes líricas regresa al Teatro de la Maestranza, donde en 2011 emocionó al público con su gran Isabel de Valois del Don Carlo de Verdi, esta vez para mostrar su arte desnudo en un recital de arias acompañada por la pianista bielorrusa Inessa Filistovich.

Poseedora de una de las voces líricas de registro amplio más interesantes de nuestros días Fiorenza Cedolins ha sido, a lo largo de su carrera, un modelo de profesionalidad y amor al “bel canto”. La crítica ha elogiado unánimemente su timbre cálido, su dicción clara y su esmerada técnica que le han permitido, ya desde sus comienzos, enfrentarse a un repertorio que va desde el primer Verdi hasta el Verismo, sin olvidar al Bellini de Norma.

En la velada del próximo domingo, interpretará obras de Puccini, Albéniz, Falvo, Cotrrau, Granados, Giordano, Manuel de Falla, Glinka o Mascagni, entre otros compositores que hicieron del “bel canto”, en un periodo u otro, una de las expresiones musicales más emocionantes de la Historia.

Para esta ocasión y, como viene ocurriendo asiduamente desde hace unos años, Fiorenza Cedolins estará acompañada por la pianista Inessa Filistovich, habitual colaboradora de la Scala de Milán y de otros grandes intérpretes como Mirella Freni, Jaume Aragall o Bruno Cavallo.

Las entradas, cuyos precios oscilan entre los 36 € para patio y los 21 € para Paraíso, se pueden adquirir en las taquillas del Teatro, o bien a través de Internet en la web http://ww.teatrodelamaestranza.es/

15 de marzo 2015, a las 20,30 horas

Programa

I

Giacomo Puccini (1858-1924)

Vissi d’arte de Tosca

O mio babbino caro de Gianni Schicchi

Isaac Albéniz (1860-1909)

Malagueña de España

Rodolfo Falvo (1873-1937)

Dicitenciello vuje

Teodoro Cottrau (1827-1879)

Santa Lucia

Guglielmo Cottrau (1797-1847)

Fenesta ca lucive, atribuido a Vincenzo Bellini (1801-1835)

Francesco Paolo Tosti (1846-1916)

A vucchella

Salvatore Cardillo (1874-1947)

Core ‘ngrato

Luigi Denza (1846-1922)

Funiculì funiculà

Enrique Granados (1867-1916)

Andaluza de Doce danzas españolas

Giacomo Puccini (1858-1924)

In quelle trine morbide de Manon Lescaut

Tu che di gel sei cinta de Turandot

 

II

Umberto Giordano (1867-1948)

La mamma morta de Andrea Chénier

Mikhail Glinka (1804-1857)

Nocture ‘La Séparation’

Fernando Obradors (1897-1945)

Del cabello más sutil

Manuel de Falla (1876-1946)

Nana de Siete canciones populares españolas

Arrigo Boito (1842-1918)

L’altra notte in fondo al mare de Mefistófele

Rodión Shchedrín (1932)

A la Albéniz

Pietro Mascagni (1863-1945)

Son pochi fiori de L’amico Fritz

Voi lo sapete o mamma de Cavalleria rusticana

Actualidad