JAVIER CAMARENA

Un timbre luminoso. Un canto apasionado. Una voz homogénea, ardorosa y flexible. Una seductora presencia escénica. Las valoraciones de la crítica internacional son unánimes: el mexicano Javier Camarena es uno de los grandes tenores del momento, como certificaron bien los espectadores que en 2017 llenaron el Teatro de la Maestranza para gozar de su debut en el coliseo sevillano. Entonces, Javier Camarena, rey de la ópera belcantista especializado en Mozart, Rossini, Donizetti o Bellini, puso al público en pie cantando Sevilla de Agustín Lara, deslumbrándolo con su naturalidad y su sencillez. Sobre esa tarjeta de visita, uno de los tenores latinos del momento, habitual de las grandes casas internacionales de ópera, vuelve a Sevilla para refrendar, a los 46
años, su óptimo momento vocal, con un programa que girará en torno a la obra de Francesco Paolo Tosti, (1846 – 1916), un compositor -y tenor- italiano que triunfó en Gran Bretaña -fue maestro de canto de la reina Victoria I y de su sucesor, el rey Eduardo VII- que compuso más de 500 canciones para voz y piano con un éxito popular sencillamente arrollador. Grandes tenores como Caruso, Di Stefano, Pavarotti o Kraus las llevaron en su repertorio. Y Javier Camarena, enamorado de esas canciones, también lo hace.

El entusiasmo, la intensidad expresiva o una formidable capacidad para la comunicación con el público, caracterizan los recitales de un tenor lírico ligero que asegura no olvidar “que la ópera nació como un espectáculo para el pueblo”, al que, envueltas en sus prodigiosas agilidades, devuelve perlas de la canción napolitana y otras piezas populares, como La malagueña, de Miguel Aceves, compartiendo la dignidad del bel canto italiano o la exquisitez de la ópera francesa.

He aquí una estrella internacional de la lírica reconocido con multitud de premios y que ha sido aclamado por el público que lo ha convertido en el único cantante de la historia que ha bisado en tres producciones diferentes del MET de Nueva York. Y, sin embargo, Javier Camarena -aficionado al cine, la cocina y los videojuegos- no ha perdido un ápice del origen y el carisma popular que inflama su garganta para arrastrarnos en una experiencia de una emoción inolvidable.

Javier Camarena
Reconocido por la organización International Opera Awards como Cantante Masculino del Año, se ha posicionado como uno de los artistas más destacados y solicitados, presentándose con rotundo éxito en las principales casas de ópera y salas de conciertos del mundo.

Es el único cantante en la historia que ha bisado en tres diferentes producciones en el MET de Nueva York: La Cenerentola (2014), Don Pasquale (2016) y La fille du régiment (2019) donde logró la hazaña inigualada de conseguirlo en cada una de las siete funciones en las que intervino, una de las cuales fue transmitida en vivo en Met Live HD. Repitió esta hazaña en La fille du régiment en el Teatro Real de Madrid, en el Liceu de Barcelona, así como en la Royal Opera House donde bisó su aria en cada una de sus cuatro funciones.

Ha recibido numerosas distinciones, entre ellas el Opera News Award (2020), la Medalla de Ópera de Bellas Artes, el Premio al Artista Distinguido de ISPA y la Medalla Mozart (todos en 2019). En 2014, su ciudad natal de Xalapa le otorgó la Medalla Sebastián Lerdo de Tejada como ciudadano distinguido. Durante los últimos años, la revista Líderes Mexicanos lo ha incluido en su lista de líderes a nivel nacional y global, y la revista Quién lo nombró como uno de los 50 líderes que están transformando su nación.

Las entradas, cuyos precios oscilan entre los 26€ para Paraíso y los 40€ para Patio, se pueden adquirir en las taquillas o a través de la web del Teatro.

JAVIER CAMARENA
Sogno
3 de febrero, 2024
Tenor, Javier Camarena
Piano, Ángel Rodríguez

Programa
I
Quattro canzoni d’Amaranta
I. Lasciami! Lascia ch’io respiri
II. L’alba separa dalla luce l’ombra
III. In van preghi
IV. Che dici parola del saggio?
Malìa
April
Sogno
L’ultima canzone
II
Mélodies
I. Ma bien-aimé
II. Petite valse romantique
III. Avec toi
Because
Vorrei morire!…
’A vucchella
Luna d’estate
Chitarra abruzzese

Camille Thomas

Los próximos días 7 y 8 de diciembre, la famosa chelista franco-belga Camille Thomas actuará por primera vez en Sevilla como solista invitada de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, en los conciertos que ofrecerá la formación andaluza en el Teatro de la Maestranza, bajo el título La belle époque. En su debut con la ROSS, Camille Thomas interpretará el Concierto para violonchelo y orquesta en Re menor de Édouard Lalo (1823-1892), una de las obras más conocidas del compositor francés junto a la Sinfonía española, bajo la dirección de Marc Soustrot, que ha diseñado una velada muy francesa, en la que sonarán también obras de Berlioz, Lili Boulanger y Arthur Honegger.

Considerada como una de las chelistas más destacadas del actual panorama musical internacional, Camille Thomas ya ha interpretado el concierto para chelo de Lalo junto a la Accademia Nazionale di Santa Cecilia de Roma y Mikko Franck en el Festspielhaus Bregenz (Austria), y con la Tampere Philharmonic Orchestra dirigida por el propio de Marc Soustrot en el Tampere Hall (Finlandia), entre otras ciudades, pero se siente especialmente ilusionada de interpretar esta obra en la capital hispalense: “El concierto de Lalo raramente se interpreta y creo que es una pena porque es una verdadera obra maestra y es fantástico poder tocarla en Sevilla. Además, es una obra muy especial para mí porque se estrenó en París en el siglo XIX, pero está dedicada a un chelista belga, y yo nací en París de padres belgas, así que, en cierto sentido, está muy cercana a mí… De todas formas, para mí, es una obra totalmente española porque, aunque tenga esa nostalgia y melancolía, también tiene danza, como en el último movimiento, que parece fire dancing… De hecho, cada vez que toco esta obra, siempre pienso en Sevilla y en Andalucía”.

Camille Thomas es artista de Deutsche Grammophon desde 2017, año en el que se convirtió en la primera chelista en más de cuarenta años en firmar un contrato en exclusiva con el prestigioso sello amarillo. Y su último proyecto discográfico con DG, la trilogía The Chopin Project en la que han participado, entre otros, el chelista Wolfgang Emanuel Schmidt, el violinista Daniel Hope, los pianistas Julien Brocal, Julien Libeer y Lucas Debargue, o la conocida cantante y actriz Jane Birkin, alcanzó la cifra de 10 million streams.

El próximo mes de enero, Camille Thomas regresará a España para debutar con la Orquesta Sinfónica RTVE, con la que interpretará la première madrileña de Never Give Up, el concierto para violonchelo y orquesta, que el compositor y pianista turco Fazil Say compuso expresamente para ella.

Fotografía (C) Edouard Brane

Raffaella Lupinacci
Entrevista a Raffaella Lupinacci, la Adalgisa en la Norma del Teatro de la Maestranza

Raffaella Lupinacci es una de las mezzosopranos más destacadas y
solicitadas de su generación. Alberto Zedda
la seleccionó para la Accademia Rossiniana de Pésaro. Ahora regresa a España por segunda vez, al Teatro de la Maestranza de Sevilla con el rol de Adalgisa, en la Norma de Bellini. Una oportunidad para escuchar una de las voces belcantistas más destacadas que esperamos regrese pronto a nuestro país.

Brío Clásica: ¿Cómo es el carácter de la Adalgisa de Raffaella Lupinacci?

Raffaella Lupinacci: Adalgisa es un personaje dulce, atento, ingenuo… Y trataré de transmitir de la mejor manera esas características mediante un fraseo cuidado y respetuoso con el estilo y la escritura belliniana… En esta producción en concreto, la acertada interpretación musical del Maestro Yves Abel y la íntima y elegantísima regia de Nicola Berloffa contribuyen a la exaltación de los rasgos humanos de cada personaje.

B.C: Abordar un rol absolutamente romántico como Adalgisa, ¿requiere realizar algún cambio en la vocalità o la expresividad? Sobre todo, con respecto a roles menos románticos.

R.L: Requiere más bien el conocimiento del estilo específico, en este caso el estilo belcantista, que obviamente tiene que ir acompañado de un gran dominio técnico.

B.C: Un personaje tan intenso como Adalgisa atrapa, al menos durante la función, ¿cómo se libera de un personaje después de darlo todo en escena?

R.L: Pues la verdad es que uno difícilmente se libera de los roles interpretados la misma noche de la función, y solo al día siguiente, aunque no siempre, consigue reconectarse con la realidad…

B.C: ¿Qué diferencias ve en la escritura de Rossini con respecto a la de Bellini y Donizetti?

R.L: Rossini presenta un canto con una agilidad más desenfrenada. En Donizetti y Bellini también están presentes las agilidades, pero son más suaves y se desarrollan dentro de una gran estructura dominada por el legato, y el arte del rubato encuentra mayor espacio.

B.C: Ha trabajado con el Maestro Alberto Zedda en su Accademia Rossiniana de Pésaro. ¿Qué ha significado para usted el encuentro con el Maestro Zedda y qué aprendió con él?

R.L: El encuentro con el Maestro fue fundamental no solo porque me dio la oportunidad de comenzar mi carrera como cantante profesional, sino sobre todo porque me introdujo en el buen gusto, en el estilo del belcanto, en prestar atención a la palabra, en no dar nada por sentado… Además, me hizo más fuerte como mujer y como artista, con sus consejos y sus formas tan directas. Creyó en mí desde el primer momento y le estaré eternamente agradecida por ello.

B.C: ¿Y es verdad que también ha trabajado con Mirella Freni?

R.L: Ay… ¡Ya me hubiera gustado! Pero cuando comencé mi carrera, la señora Freni ya se había retirado de los escenarios… De todas formas, es cierto que asistí a una Masterclass con ella en Vignola y conservo con cariño una partitura de Bohème con una dedicatoria suya… Tengo un bellísimo recuerdo de “alumna”…

B.C: Ha cantado varios roles del repertorio mozartiano como Cherubino, Dorabella o Donna Elvira. ¿Le gustaría cantar otros roles de Mozart en un futuro? ¿Qué se necesita, en su opinión, para cantar bien Mozart?

R.L: ¡Amo a Mozart! Y por supuesto que deseo cantar todavía mucho Mozart… Pienso en Sesto, Idamante y otros muchos roles de óperas menos conocidas. La elegancia mozartiana es única, y la búsqueda de la homogeneidad del sonido está en la base de la ejecución vocal mozartiana. Me parece que es, sin duda, uno de los compositores más difíciles de afrontar.

B.C: Y si le proponen dos obras para las mismas fechas, Mozart y Donizetti, ¿por cuál se decide y por qué?

R.L: ¡Qué pregunta cruel! Probablemente Donizetti porque me permite expresar también el lado más trágico de mi vocalità y de mi carácter.

B.C: ¿Hacia dónde evoluciona su voz?, ¿Piensa en Verdi?

R.L: Por el momento, todas mis atenciones están puestas en el belcanto o en aquello que ahora está más cercano. Veremos cómo se desarrollará mi voz con el tiempo…

B.C: También aborda el repertorio barroco, que como el belcanto, tiene sus peculiaridades, ¿qué cambios vocales, de expresión y estilo realiza al adentrarse en este repertorio? Ha grabado el dúo “Son nata a lagrimar” de “Giulio Cesare” de Händel con el contratenor Raffaele Pe, ¿le gustaría interpretar el rol de Cornelia en escena? ¿Y alguna obra de Bach?

R.L: El barroco es un mundo musical que me gusta mucho. Quizás más que Cornelia me gustaría llevar a escena el personaje de Sesto. Bach es, indudablemente, un compositor de gran interés y genialidad… La verdad es que no he tenido muchas ocasiones de acercarme de manera concreta a su música, pero estaré muy feliz de hacerlo cuando se presente la ocasión.

B.C: De los roles que interpreta, ¿hay alguno de ellos que haya significado realmente un desafío vocal e interpretativo?

R.L: Probablemente el rol de Arsace en “Aureliano in Palmira”, que interpreté recientemente en el Rossini Opera Festival, porque es un rol que requiere una extensión considerable, tanto en el grave como en el agudo. Es un rol masculino y muy débil desde el punto de vista de la dramaturgia, a pesar de ser un príncipe… Además, es un rol muy largo… Solo al final, después de tantos dúos y conjuntos, se llega a una larga y articulada gran scena… Y a eso se añade el hecho de haberlo debutado en el Rof, lo que no lo hizo nada fácil… Fue, sin duda, una gran responsabilidad pero también una experiencia que me ha regalado satisfacciones indescriptibles desde cualquier punto de vista.

B.C: Por supuesto un cantante tiene sus profesores de canto, de repertorio, etc, pero usted dispone de un vocal coach. ¿Qué diferencia tiene con los profesores tradicionales y qué le aporta a usted esta figura vocal?

R.L: En mi caso, mi vocal coach es el maestro de técnica “tradicional” con quien estudio y me reúno desde los inicios de mi carrera. Paralelamente, preparo los roles con diversos maestros especializados en mi repertorio.

B.C: Volvamos la vista atrás, ¿cuáles fueron sus primeros pasos en el mundo de la música?

R.L: Comencé a la edad de seis años estudiando piano. Con quince años, empecé a ir al Conservatorio y me diplomé en canto lírico.

B.C: Y una vez que decidió convertirse en cantante profesional, ¿le fue difícil identificar su vocalità?

R.L: La vocalità de la mezzosoprano es siempre muy particular porque, de hecho, engloba dos tipos de vocalità, y es el color el que determina la característica específica de la mezzosoprano. Yo he tenido la suerte de estar rodeada de oídos muy instruidos que han sabido dirigirme de inmediato por el buen camino … me estoy refiriendo al Maestro Zedda y al Maestro Fernando Opa.

B.C: Por cierto, ¿cuáles son sus mezzosopranos del pasado (y también del presente) de referencia?

R.L: Sin duda alguna, Lucia Valentini Terrani, Fiorenza Cossotto, Jessye Norman, Elina Garança…

B.C: La palabra es para usted muy importante, podemos observarlo en su bonito fraseo y en su amor por los idiomas. ¿Qué importancia tiene para usted la manera de decir las cosas? ¿Es verdad que estudió lenguas extranjeras en la universidad?

R.L: ¡Gracias por el halago! Un buen fraseo es la base… la atención a la palabra es fundamental. En las palabras encontramos el significado de lo que cantamos, y por tanto los colores, los matices, las emociones… Y sí, soy licenciada en lenguas y literaturas extranjeras con una tesis de licenciatura sobre “Didone ed Enea” de Purcell.

B.C: Es la segunda vez que podemos escucharla en España y nos parecen muy pocas, ¿podremos verla más a menudo en un futuro próximo? ¿qué otros compromisos le esperan después de esta “Norma” en Sevilla?

R.L: Espero poder cantar mucho más en España… Es una tierra y una cultura que me gustan mucho… Próximamente cantaré Angelina en “La Cenerentola” de Rossini en la Staatsoper Hamburg, y luego será el turno de Romeo en “I Capuleti e i Montecchi” en la Opera Royal de Wallonie… Más adelante, debutaré como Elisabetta en “Maria Stuarda” en Atenas, luego estaré nuevamente en Hamburgo y retomaré el personaje de Sara en “Roberto Devereux” en el Festival Donizetti 2024.

La reconocida mezzosoprano italiana Raffaella Lupinacci será Adalgisa en las funciones de Norma de Bellini, con dirección musical de Yves Abel y regia de Nicola Berloffa, que se podrá ver en el Teatro de la Maestranza de Sevilla los días 12, 15 y 18 de noviembre. En esta producción procedente del Teatro Regio di Parma, realizada en coproducción con el Teatro Municipale di Piacenza y el Teatro Comunale di Modena, la mezzosoprano calabresa compartirá escenario con la soprano Yolanda Auyanet (Norma), el tenor Francesco Demuro (Pollione), y el bajo Rubén Amoretti (Oroveso).

Considerada como una de las intérpretes más destacadas de Belcanto del circuito lírico actual, Raffaella Lupinacci hará su debut en la temporada operística del conocido teatro de la capital hispalense. “El rol de Adalgisa requiere mucha sensibilidad y gusto a la hora de porgere la palabra en el contexto musical. Además, dada su aguda tesitura, exige una gran flexibilidad vocal y todo un dominio técnico y estilístico a la intérprete”, señala Lupinacci, que ya cantó este rol belliniano en el escenario del teatro La Monnaie- De Munt de Bruselas.

Formada en la Accademia Rossiniana de Alberto Zedda, Raffaella Lupinacci se ha convertido en una de las voces habituales en el cartellone del prestigioso Rossini Opera Festival, donde el pasado verano recibió el elogio unánime de la crítica especializada con el personaje rossiniano de Arsace en el dramma serio Aureliano in Palmira, que aplaudió sus dotes actorales, su control del fiato, la nitidez en la coloratura y el amplio abanico de colores que fue capaz de recrear con su interpretación del rol escrito para el castrato Velluti.

Raffaella Lupinacci, que cuenta además con una carrera universitaria en lenguas extranjeras, ha cantado en numerosos teatros y festivales de renombre internacional como el Teatro Massimo de Palermo, el Teatro San Carlo de Nápoles, el Theater an der Wien, la Dutch National Opera de Ámsterdam, la Royal Opera House Muscat, la Korea National Opera, el Teatro Comunale di Bologna, la Fondazione Arena di Verona, el Wexford Festival, el Donizetti Opera Festival, o la Ópera de Florencia, entre otros.

Además, ha participado en producciones de grandes figuras de la escena como Mario Martone, Davide Livermore, Ferzan Özpetek, Rosetta Cucchi, Pier Luigi Pizzi o Giorgio Strehler. Entre los directores de orquesta con los que ha colaborado, destacan, los nombres de Francesco Lanzillotta, Michele Mariotti, Enrique Mazzola, Daniel Oren, Gianluigi Gelmetti o Sesto Quatrini. Y en su agenda de próximos compromisos, figuran dos importantes citas: el debut en la Staatsoper Hamburg con rol protagonista de La Cenerentola de Rossini, y el rol de Romeo junto a la soprano Rosa Feola (Giulietta) en I Capuleti e i Montecchi de Bellini en la Opéra royal de Wallonie, bajo la batuta de Maurizio Benini.

tristan-e-isolda-sonia-espigares

Inspirada en una leyenda medieval de origen celta, Tristán e Isolda no solo abanderó la vanguardia musical de su tiempo, llevando la tonalidad hacia un punto de no retorno, sino que, con su cromatismo, su inestabilidad armónica, su exacerbada voluptuosidad y su angustia orquestal -“música enferma”, la llamó el crítico Eduard Hanslick- constituye un símbolo de la victoria del sentimiento sobre la razón, arrastrándonos hacia el profundo misterio de la noche insondable, de un amor imposible que trasciende la vida y solo es realizable más allá de la muerte.

Cumbre del drama musical wagneriano, en el que la música, el texto y la acción escénica se funden en una continua unidad común, constituye una cima del romanticismo alemán sobre la que ronda la metafísica y gravita el descubrimiento de la filosofía de Arthur Schopenhauer, con su impacto sobre un Richard Wagner arrastrado por su pasión hacia Mathilde Wesendonck, inspiradora de esta obra y esposa de uno de sus mecenas.

El Teatro de la Maestranza estrena una nueva producción propia con dirección de escena del hispano-brasileño Allex Aguilera -quien ya puso en escena el Tristán con dirección musical de Zubin Mehta- con la ROSS en el foso dirigida por el húngaro Henrik Nánási. Stuart Skelton, Elisabet Strid y Agnieszka Rehlis lideran un apabullante reparto con el que este título esencial sobre el deseo, la sexualidad, el amor imposible y la muerte, retorna al escenario del Teatro de la Maestranza tras 14 años de ausencia.

El 27 y 30 de septiembre y el 3 de octubre, a las 19.00horas.

Una de las más bellas y perturbadoras experiencias líricas que se pueden vivir en un teatro de ópera.

Fotografía: Sonia Espigares

Jakub Józef Orliński

El contratenor Jakub Józef Orliński (Varsovia, 1990) visitará España y Portugal esta primavera para ofrecer una serie de conciertos en Oporto, Lisboa, San Sebastián, Sevilla, Girona y Madrid durante los meses de marzo y abril.  En las tres primeras ciudades presentará uno de sus últimos proyectos, Facce d’amore (Los rostros del amor), junto al aclamado conjunto orquestal Il Pomo D’Oro, que estará dirigido por Francesco Corti.

En abril presentará el programa Eroi (Héroes) junto al grupo Il Giardino D’Amore y bajo la dirección del violinista Stefan Plewniak. Actuará en el Teatro de la Maestra de Sevilla el 1 de abril, dentro del Festival de Música Antigua de Sevilla (FeMÁS); y en el Festival Castell de Peralada el 6 de abril. Orliński también presentará este programa en el prestigioso Palacio de Versalles (Francia) el 3 de abril.

Además, en esta gira Orlinski volverá al Teatro Real de Madrid, justo un año después de su exitoso debut en 2022: el 23 de abril actuará en Tolomeo, ópera en versión concierto en la que, una vez más, estará acompañado por Il Pomo D’Oro y bajo la dirección de Francesco Corti.

Considerado por The New York Times como ‘una estrella ascendente de la música clásica’, Orliński se ha convertido en poco tiempo en uno de los contratenores más destacados a nivel mundial, con actuaciones que acumulan millones de visitas en Youtube, como su interpretación de Vedrò con mio diletto (Vivaldi) en el festival Aix-en-Provence.

Artista exclusivo del sello Warner/Erato, consiguió un premio Opus Klassik con su primer disco (Anima Sacra). Su segundo álbum (Facce d’amore) fue galardonado en los International Opera Awards de 2021. Además, en diciembre de 2021 tuvo lugar su esperado debut en el Metropolitan Opera de Nueva York, donde interpretó el papel de Orfeo en la ópera Orfeo y Eurídice. En la temporada 2022/23, ha debutado en el Théâtre des Champs-Élysées en el mismo papel y ópera, bajo la batuta de Thomas Hengelbrock.

En su tiempo libre Orliński disfruta bailando breakdance, así como otros estilos urbanos de danza, llegando a quedar en cuarto lugar en la competición Red Bull BC One Poland Cypher, segundo en la Stylish Strike-Top Rock Contest y segundo en la The Style Control Competition, entre otras.

FeMÀS

El director del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), Francisco Lorenzo, junto al alcalde de Sevilla, Antonio Muñoz, y Fahmi Alqhai, director del Festival de Música Antigua de Sevilla (FeMÀS) han presentado hoy la 40ª edición del prestigioso festival, en un acto que ha contado con la participación de Carolina Morales, directora general del Área de Cultura y Ciudadanía de la Diputación de Sevilla, Javier Menéndez, director del Teatro de la Maestranza, e Isabel Ojeda, directora general de cultura del Ayuntamiento de Sevilla. El programa de esta nueva edición tendrá lugar en distintos puntos de la capital andaluza del 10 de marzo al 2 de abril de 2023.

El FeMÀS celebra sus 40 ediciones. A lo largo de estos años el Festival se ha consolidado como el decano nacional, como la muestra referente de manifestación musical obteniendo la consideración de la crítica, de los propios músicos y del público en general. Sigue siendo una de las muestras anuales más prestigiosas y valoradas de la cultura hispalense, la referencia del Sur de Europa y una manifestación artística de excelencia y de visita obligada para las grandes formaciones e intérpretes de hoy en día.

Programación del CNDM en el FeMÀS

Por décimo año consecutivo, el CNDM colabora con el FeMÀS y afianza una alianza imprescindible en su compromiso por difundir, ampliar y promocionar el patrimonio musical español y llevar propuestas musicales de alto valor por toda la geografía española. En esta ocasión, coproduce cuatro conciertos que incluyen algunas de las propuestas más sugerentes del festival: Daniel García Trío y Vandalia (15 de marzo), la Orquesta Bética de Cámara (24 de marzo); Concerto 1700 (25 de marzo) y Rafael Ruibérriz (26 de marzo).

El miércoles 15 de marzo, el espacio Turina acogerá el concierto del trío jazzístico del pianista Daniel García Diego con el conjunto vocal sevillano Vandalia. Este original espectáculo ofrecerá un programa que reúne la improvisación del jazz con un repertorio que se mueve desde la medieval escuela de Pérotin, considerado el compositor más importante de la Escuela de Notre Dame de París; hasta la gran polifonía del Renacimiento, prestando una especial atención a los compositores españoles.

El recorrido del CNDM en el marco del festival continuará el viernes 24 de marzo, también en el espacio Turina, con uno de los grandes acontecimientos del festival: la Orquesta Bética de Cámara, dirigida por Michael Thomas, que interpretará El retablo de maese Pedro, de Manuel de Falla, con motivo de los cien años de su estreno en dicha ciudad. Precisamente en Sevilla, se estrenó dicha pieza hace un siglo. Para probar la eficacia musical de su partitura, Falla reunió entonces a un grupo de músicos que hicieron posible la hazaña en dos conciertos celebrados los días 23 y 24 de marzo (los días en que en este Festival también se ha programado un coloquio y el concierto conmemorativo del centenario). El resultado fue tan satisfactorio que propició que de ese grupo de instrumentistas naciera la Orquesta Bética de Cámara, que ahora interpretará en el FeMÀS 2023 esta obra crucial del teatro musical español de todo el siglo XX. Además, la agrupación también interpretará el arreglo que para ella hizo Falla del Prélude à l’après-midi d’un faune de Debussy y el estreno absoluto de una partitura del sevillano Alberto Carretero, encargo del CNDM y la Junta de Andalucía.

El sábado 25 de marzo, en el Espacio Turina, será el turno de Concerto 1700, una de las formaciones españolas más destacadas en la interpretación y difusión de la música barroca, dirigida por el violinista Daniel Pinteño. Concerto 1700 es el grupo residente de la temporada 22/23 del CNDM. La agrupación interpretará La soberbia abatida por la humildad de San Miguel, un oratorio de Francisco Hernández Illana de 1727, que se ha recuperado recientemente y que contará con la participación de grandes voces españolas, como la soprano Aurora Peña, la mezzosoprano Adriana Mayer, el contratenor Gabriel Díaz y el tenor Diego Blázquez.

Finalmente, el domingo 26 de marzo en la Iglesia de San Luis de los Franceses, el destacado flautista Rafael Ruibérriz protagonizará un estreno en tiempos modernos de incalculable valor con la recuperación histórica de cinco sonatas para flauta traversa de Luis Misión. Se trata de una joya inédita que sale ahora a la luz tras su sorprendente hallazgo en Sevilla. Ruibérriz estará acompañado por la violonchelista Isabel Gómez-Serranillos, el clavecinista Santiago Sampedro y la soprano Cristina Bayón.

Natalia Labourdette

Tras su reciente éxito como protagonista de la ópera La Mujer tigre, la soprano Natalia Labourdette regresa a Sevilla para su debut del rol mozartiano de Susanna en Le nozze di Figaro del Teatro de la Maestranza; será los días 11, 13, 15 y 17 de diciembre en la conocida producción ideada por Emilio Sagi para el Teatro Real, junto a las voces de Vittorio Prato (Il Conte di Almaviva), Carmela Remigio (la Contessa di Almaviva) y Alessio Arduini (Figaro), entre otros, bajo la batuta de Corrado Rovaris, actual director musical de la Ópera de Filadelfia. Natalia Labourdette, que ya cantó el rol mozartiano de Despina en Così fan tutte, abordará por primera vez el rol de Susanna, un rol en la tradición de la serva astuta (Serpina, Despina, Nerina), que participa en todos los Duetti y tiene más presencia que el resto de los personajes, con dos importantes arias de lucimiento: Venite, inginocchiatevi y Deh vieni, non tardar.

Considerada como una de las sopranos españolas con mayor proyección internacional de su generación, como evidencia su reciente participación en el estreno absoluto de Lieder von Vertreibung und Nimmerwiederkehr de Bernhard Gander en la Bienal de Munich y la Deutsche Oper de Berlín, Natalia Labourdette destaca por su amplio repertorio (con roles operísticos que van de Mozart a Philip Glass), y por su intensa actividad en el género del Lied, con actuaciones en célebres festivales como el LIFE
Victoria de Barcelona o la Schubertiada de Vilabertrán.  Además, participa habitualmente como solista en el ámbito de concierto, con orquestas sinfónicas como la Orquesta Sinfónica de RTVE, la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla o la Orquesta Ciudad de Granada, entre otras. Y ha trabajado con grandes nombres de la dirección musical como Riccardo Frizza, Ivor Bolton, Nicola Luisotti, Donato Renzetti, Pedro Halffter o Iván López-Reynoso, y con régisseurs de la talla de David McVicar, Deborah Warner o Stefan Herheim.

Fiel a su continuo deseo de ampliar su repertorio y explorar nuevos retos operísticos, los próximos compromisos de Natalia Labourdette incluyen Sieben frühe Lieder de Berg con la Real Filarmonía de Galicia en el Auditorio de Galicia (Santiago de Compostela), la Segunda Sinfonía de Mahler con la Orquesta Sinfónica y Coro UPM en el Auditorio Nacional de Madrid, la Cantata para América Mágica de Ginastera, junto a la OSC & Zahir Ensemble en el Auditorio de Ingenieros de Sevilla, y L’incoronazione di Poppea de Monteverdi, con firma escénica de Calixto Bieito y dirección musical de Jordi Savall en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona. Además, ofrecerá una gira de recitales de Lied en el marco de AIEnRuta Clásicos, y presentará su proyecto petite MORT en el Teatro Arriaga, junto a la pianista Victoria Guerrero.

N. Labourdette (c) Mark Kagan

Manuel Busto

Tras el exitoso estreno de su ópera de cámara La mujer tigre en una nueva producción del Teatro de la Maestranza y el Teatro Lope de Vega, Manuel Busto regresa a la capital hispalense el próximo 22 de julio para dirigir La Traviata de Verdi en la producción de David McVicar, que ya se presentó en la Scottish Opera de Glasgow, la Welsh National Opera de Cardiff, el Teatro Real de Madrid y el Liceu de Barcelona. Busto, que hace cuatro años dirigió el famoso título de la trilogía popular verdiana en el Teatro Lirico Giuseppe Verdi de Trieste, se pondrá al frente de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS), el Coro del Teatro de la Maestranza, y un cast encabezado por la soprano Ashley Galvani Bell (Violetta), Antoni Lliteres (Alfredo Germont) y Carlos Arámbula (Giorgio Germont).

Entre los próximos compromisos del director sevillano cabe destacar su debut con la Orquesta Ciudad de Granada en el Auditorio Manuel de Falla, así como importantes engagements en el extranjero, como su regreso al Teatro Comunale di Bologna y La bohème de Puccini en el International Festival of Opera and Ballet “María Biesu” de Kishinev. Además, como compositor estará presente en la temporada del Bellas Artes de México con sus obras Jauleña e Invocación bolera, realizadas por encargo del Ballet Nacional de España.

Manuel Busto se ha convertido en uno de los directores de orquesta más solicitados  de su generación, con un amplio currículum nacional e internacional en el ámbito de ópera y ballet, colaborando con destacadas orquestas como la Taiwan National Symphony Orchestra, la Orquesta de la Comunidad Valenciana (OCV), I Pomeriggi Musicali di Milano, la BBC Symphony Orchestra, la Orquesta de la Academia Barenboim-Said, la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM), la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS), y actuando en teatros de renombre como el Palau de Les Arts Reina Sofía de Valencia, el Teatro de la Zarzuela, el Teatro de la Maestranza, el Teatro Giuseppe Verdi di Trieste, el Teatro Comunale di Bologna o la Dutch National Opera de Ámsterdam, entre otros.

Manuel Busto

Los días 12 y 13 de marzo, el Teatro Lope de Vega de Sevilla acogerá el estreno absoluto de La mujer tigre, ópera de cámara del compositor y director de orquesta Manuel Busto, realizada por encargo del Teatro de la Maestranza, en coproducción con el Teatro Lope de Vega. Con dramaturgia de Julio León Rocha y dirección de escena de Fran Pérez Román, La mujer tigre contará con la participación de la soprano Natalia Labourdette, el Trío Arbós, Proyecto Lorca, el percusionista Agustín Diassera, la bailaora Paula Comitre y la cantaora Reyes Carrasco, entre otros.

La ópera y el flamenco se dan la mano en La mujer tigre, que cuenta la historia de una mujer que despertó tigre y reflexiona sobre la monstruosidad entendida como una construcción social. “Se trata de una tonadilla escénica contemporánea; La mujer tigre tiene una serie de paralelismos con la tonadilla escénica del siglo XVIII, en la que las estéticas pre-flamencas se fundían con el lenguaje operístico de la época. Además, la temática es completamente actual, tal y como sucedía en el XVIII. La dramaturgia se desarrolla en la contemporaneidad y pone de manifiesto la realidad de la sociedad actual”, señala Manuel Busto, que también se encargará de dirigir el estreno.

La mujer tigre es la segunda ópera de cámara del compositor sevillano, que recibió recientemente la prestigiosa Beca Leonardo de la Fundación BBVA, y acaba de firmar un contrato con la famosa editorial musical Universal Edition para la edición de su catálogo de obras, entre las que se incluyen Nombre entre nardos, Jaleo’s bright, Jauleña o Invocación bolera, realizadas por encargo del Ballet Nacional de España.

Teatro de la Maestranza

AssesJazz

El próximo 4 de marzo la Asociación Sevillana de Jazz, Assejazz, estará de estreno. Justo cuando cumple diez años de vida como una de las referencias claras en torno al jazz en Sevilla y Andalucía, Assejazz inaugura el espacio que albergará su nueva Sede. Un espacio de más de 300m2 que incluye sala de conciertos, bar, cocina, aulas formativas y un magnífico patio exterior. Después de un largo recorrido lleno de esfuerzos y empeño por potenciar la investigación y difusión del Jazz Andaluz, las y los  240 socias y socios que forman esta asociación verán cumplido un gran sueño. Porque La Sede será mucho más que un local donde centralizar la actividad de socias y socios, convirtiéndose en el primer y único espacio en nuestra ciudad dedicado a la difusión del Jazz y músicas  afines.

Desde el viernes 4 de marzo a las 13h al domingo 6 por la tarde, las puertas de La Sede estarán abiertas para todas aquellas personas que deseen acercarse a conocer las nuevas instalaciones. Habrá actividades y música en directo de acceso libre durante el día y conciertos por la noche a un precio especial de 5€. Además de poder disfrutar de una rica comida en el espacio exterior. Punto de encuentro al que invitamos a profesionales, entidades culturales públicas y privadas, vecinas y vecinos y a toda la gente interesada en participar de este acontecimiento cultural.

A partir de la construcción y puesta en marcha de este espacio, el proyecto asociativo de Assejazz se compromete con la idea de hacer más accesible y comunitaria la cultura del Jazz. La consolidación, diversificación y mejora en su oferta cultural facilitará el acceso de toda la ciudadanía a la cultura, contribuyendo a crear identidad de comunidad.

La Sede se ubica en la calle Escarpia, número 2. Junto al Parque Miraflores y el polígono Store. Un entorno prolífico en la actualidad en el que Assejazz espera integrarse estableciendo diálogos con comunidades vecinales, colectivos sociales y asociaciones. Con el convencimiento de que un ecosistema cultural es sostenible cuando es  capaz de dialogar con públicos diversos y hacerlos partícipes de su actividad de forma activa.

Durante todo este tiempo, Assejazz ha alcanzado una madurez que la sitúa como una de las grandes impulsoras de la cultura musical de esta ciudad, favoreciendo el crecimiento de los profesionales y las industrias culturales.

Su actividad es muy diversa, acogiendo desde múltiples conciertos en forma de  Ciclos, Jam Sessions, Conciertos Monográficos y un Festival, que se llevan a cabo

gracias a las alianzas establecidas con tres instituciones públicas como son el Instituto de la Cultura y las Artes de Sevilla (ICAS) del Ayuntamiento, Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla (CICUS) y el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) de la Junta de Andalucía. Además de una amplia oferta de actividades formativas en forma de Cursos, Talleres vocales, Masterclasses y otras actividades, conferencias, exposiciones, etc.

Por otro lado, ASSEJAZZ mantiene activa la ASSEJAZZ BIG BAND como un proyecto propio para impulsar un espacio de aprendizaje de músicos jóvenes.

Todas estas actividades son un escenario que permite crear oportunidades para que los músicos de la Asociación y para el conjunto de músicos de las diferentes Asociaciones existentes en Andalucía  que constituyen la Federación de Asociaciones de Jazz de Andalucía (ANDAJAZZ), (más de 400 músicos), puedan

desarrollar y promocionar sus proyectos creativos,  intercambiar experiencias y compartir espacios de aprendizaje.

Airam Hernández

Airam Hernández, uno de los cantantes más importantes de su generación que continúa conquistando escenarios internacionales, regresa en diciembre al Teatro de La Maestranza de Sevilla, en esta ocasión para debutar I Capuleti e i Montecchi de Bellini. El tenor canario, asegura encontrarse “encantado” de sumar este nuevo rol a su lista de personajes belcantistas: “Bellini era una genio de la melodía; sus legati, su fraseo elegante e infinito y la enorme importancia que el compositor de Catania brinda a la palabra me enamoraron desde el primer momento en que canté una partitura suya; su música te permite colorear y volar con la belleza de sus melodías. Es maravilloso regresar a su música y será fantástico hacerlo de la mano del maestro Jordi Bernàcer y ante un público entusiasta como el sevillano; esta temporada interpreto dos personajes muy contrastados de Bellini: Tebaldo (en el espectro del repertorio más ligero) y Pollione (en el ámbito más dramático)”, concluye el tenor.

Después de cosechar un triunfo personal en el Teatro Campoamor de Oviedo con su primer Príncipe Tamino de La flauta mágica, el versátil cantante afronta el personaje belcantista en un nuevo montaje coproducido entre la Ópera de Tenerife y el Teatro Comunale de Bolonia, con dirección de escena de Silvia Paoli y contando con Jordi Bernàcer al frente de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Junto a su Tebaldo completan el elenco Daniela Mack (Romeo), Leonor Bonilla (Giulietta), Luis Cansino (Capellio) y Dario Russo (Lorenzo). Las funciones están programadas para los días 9, 11 y 13 de diciembre.

El intérprete canario viene desarrollando su carrera principalmente en escenarios europeos y americanos, pero esta temporada ha podido por fin centrar su agenda en territorio español: además del debut en Oviedo y del compromiso en el Maestranza, este curso volverá a la cartelera del Teatro Real de Madrid en la piel de Federico García Lorca en lo que será el estreno absoluto de la ópera El abrecartas del compositor recientemente fallecido Luis de Pablo. También cantará en la Ópera de Tenerife (Florencia en el Amazonas de Daniel Catán) y en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona (Norma de Bellini).

Francisco Fernández-Rueda

El próximo 25 de abril, Francisco Fernández-Rueda ofrecerá un recital en el Espacio Turina de Sevilla, en el marco del nuevo ciclo de recitales líricos organizado por el Instituto de la Cultura y las Artes (ICAS), en colaboración con la Asociación Sevillana de Amigos de la Ópera (ASAO).

El tenor sevillano presentará un variado e interesante programa bajo el título “Canto a Sevilla”, acompañado por Francisco Soriano al piano; un programa que reivindica lo andaluz y rinde homenaje a compositores andaluces como Manuel García (Yo soy LindoroFormaré mi plan, gran aria de “El poeta calculista”, y las canciones Parad avecillas y Floris, en arreglo de Pauline Viardot-García), y Joaquín Turina (Danza de la seducciónSaeta en forma de SalveCantaresLa Giralda). Además, completarán el programa arias de conocidas óperas de Mozart, Donizetti, Massenet o Gounod.

Tras su paso por la capital hispalense, Francisco Fernández-Rueda cantará Winterrerise de Schubert, junto al cuarteto de solistas de la OBS en la inauguración del Festival Ibérico de Música de Badajoz; será la primera vez que se interprete en España el conocido ciclo de Lieder en versión para voz y cuarteto de cuerda. Entre sus compromisos más inmediatos, destaca también L’Incoronazione di Poppea de Monteverdi, junto a Ivan Fischer y la Budapest Festival Orchestra (con quien ya cantó L’Orfeo) en el MÜPA de Budapest, el Teatro Olimpico di Vicenza y el Grand Théâtre de Genève.

Considerado por la crítica especializada como un cantante versátil, de hermoso timbre y gran presencia escénica, Francisco Fernández-Rueda ha actuado con directores de la talla de William Christie, Sir John Eliot Gardiner, Fabio Luisi, Fabio Biondi o Jordi Savall, entre otros, en festivales, teatros  y salas de concierto de renombre internacional como el Festival de Salzburgo, el Edinburgh Festival, l’Opéra Comique, la Philharmonie de París, la Philharmonie de Berlín, La Fenice de Venecia, el Teatro Massimo de Palermo, Auditorio Nacional de Madrid, Liceu de Barcelona y Lincoln Center de Nueva York, entre otros.

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Francisco Fernández-Rueda

Francisco Fernández-Rueda (©Michal Novak)

Rafael Riqueni

El próximo 24 de abril, el Teatro de la Maestranza de Sevilla, acogerá el estreno de “Suite Sevilla” de Rafael Riqueni, en versión de Concierto para Guitarra y Orquesta, con la interpretación del propio Rafael Riqueni, junto a la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS), dirigida por Manuel Busto.

El conocido compositor y músico sevillano, considerado una leyenda viva de la guitarra, debuta con la ROSS en este concierto organizado en colaboración con el Instituto de la Cultura y las Artes de Sevilla (ICAS) y la Bienal de Flamenco.

En 2011, Suite Sevilla fue adaptada por el Ballet Nacional de España con un espectáculo que se ha representado en numerosos escenarios de todo mundo. El famoso guitarrista Rafael Riqueni nos presenta la definitiva encarnación de Suite Sevilla, en versión de concierto para guitarra y orquesta sinfónica en cuatro movimientos (El RealMi PaseoEnsueño, y Realidad), que describen poéticos instantes, sensaciones y lugares en el curso vital de la ciudad. La orquestación de la obra ha sido realizada por Manuel Busto, uno de los jóvenes directores y compositores españoles con mayor proyección en el panorama sinfónico, que ha estrenado recientemente la doble producción El Amor Brujo – La Vida Breve en la Ópera Nacional de Taiwán; además, ha compuesto varios encargos para ser interpretados por el BNE en las últimas temporadasSu método ha sido concebido desde un profundo estudio del género flamenco y sus particularidades, completando junto a Rafael Riqueni el tándem preciso para la creación de “Suite Sevilla”, Concierto para Guitarra y Orquesta.

Suite Sevilla, disco publicado en 1993, es la primera obra que fusionó con éxito música clásica y flamenco. En conjunción directa con elementos esenciales de lo jondo, Rafael Riqueni, reconocido músico flamenco y compositor, ha desarrollado un inimitable estilo en la guitarra a través de su contrastada influencia clásica, en el que desarrolla corrientes del romanticismo español y del impresionismo para crear un definido concepto armónico en pos de la “música contemporánea andaluza”, que en 2017 encontraría un nuevo y excepcional capítulo con Parque de María Luisa, considerado uno de los mejores discos del año en España.

Rafael Riqueni (c) Manuel Naranjo

Teatro de la Maestranza

Rafael Riqueni

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John AxelrodGraduado en Harvard y alumno de Leonard Bernstein, este tejano afincado y enamorado de Sevilla es, desde 2014, Director Musical y Artístico de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS). Compagina su labor orquestal con el apoyo a jóvenes músicos a través de las actividades de su fundación CultureAll, con la que está llevando a cabo una importante labor de divulgación musical, entre otras ciudades, en Sevilla. Apasionado y sensible por todo lo que hace, John Axelrod, nos habla de su incesante actividad artística.

Brío Clásica: Los próximos días 4 y 5 de enero, dirigirá el “Concierto de Año Nuevo” con la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS) en el Teatro de la Maestranza junto a la soprano Teodora Gheorghiu. ¿Qué arias de ópera interpretarán?

John Axelrod: Serán arias muy conocidas de bel canto para soprano, elegidas por la propia Teodora Gheorghiu, que será la solista invitada del concierto y hace su debut en Sevilla. Descubrí a Teodora cuando era Director Musical en Lucerna, antes de convertirse en una destacada soprano de la Ópera Estatal de Viena. Hemos conseguido traer a magníficos cantantes para nuestros conciertos de Año Nuevo, así que me hace mucha ilusión poder dar la bienvenida en Sevilla a Teodora. Además de conocidas arias de las óperas Lastraniera, Lucrezia Borgia e Il pirata, la orquesta tocará también la Sinfonia de Il pirata, de Bellini, la obertura de La favorite de Donizetti, y la obertura de La Cenerentola de Rossini.

B.C: En la segunda parte del concierto, interpretarán también obras de Johann Strauss II, con las que quiere rendir un homenaje a la mujer.

J.A: Sí, así es. ¿Por qué un homenaje a la mujer? Simple y llanamente, porque el 2018 ha sido un año significativo para la voz de las mujeres, sin las cuales no existiríamos. Yo he sido nuevamente padre, así que también es un homenaje a mi mujer, al mismo tiempo que la ROSS y yo mostramos nuestro respeto y honramos a todas las mujeres del mundo. En realidad, todo el concierto es una celebración de la mujer, desde la diosa a la guerrera, la heroína, la femme fatale, la madonna… Strauss hijo también rindió tributo a las extraordinarias mujeres del imperio austro-húngaro. Ellas inspiraron el arte de Kokoschka, Klimt y Mucha… la música de Mahler y se convirtieron en musas de muchos otros hombres que encontraron su inspiración en la belleza y verdad del eterno femenino. Strauss nos ofrece buenos ejemplos de esto y estamos encantados de compartir estos bonbons musicales con nuestro fiel público.

B.C: Este concierto fuera de abono cuenta con el apoyo de CultureALL. ¿Cuál es el objetivo de esta asociación? ¿De qué manera apoya CultureALL a la ROSS?

J.A: El objetivo de la Asociación CultureALL, de la que soy Presidente, es tocar en lugares históricos, trabajar con grandes compositores de hoy, y contribuir al desarrollo de grandes músicos del mañana, favoreciendo el acceso de comunidades marginadas al patrimonio cultural. Sevilla, como primera Ciudad de la Música de la UNESCO ha sido beneficiaria de nuestras donaciones, así como lo han sido otras ciudades UNESCO como Venecia y Cracovia. Me enorgullece poder ofrecer este apoyo financiero a muchos proyectos de la ROSS desde que me convertí en su Director Artístico y Musical, abriendo los ensayos generales a los desfavorecidos de Sevilla. No es habitual que el Director Artístico y Musical de una orquesta contribuya al bienestar de la orquesta, pero en mi caso la ROSS es la afortunada beneficiaria de la generosidad de mi asociación. Teodora Gheorghiu es una joven soprano que se merece un reconocimiento, así como la ROSS se merece incrementar su perfil. Si puedo contribuir, a través de CultureALL, a estos interesantes proyectos, el beneficio es mutuo.

B.C: En febrero, dirigirá “Amadeus” con la ROSS, su versión de la conocida obra teatral de Peter Schaffer ¿En qué consiste este proyecto?

J.A: Todo el mundo conoce y ama a Mozart. Y la mayoría de la gente conoce la premiada película Amadeus, dirigida por Milos Forman e inspirada en la obra de Peter Schaffer. La obra y la película humanizan a Mozart. Y la envidia y conspiración de Salieri hacia Mozart revela emociones puramente humanas. ¿Quién no ha envidiado el talento de otros? Pero lo que hace tan real no son las caracterizaciones de esas figuras históricas ni la sublime música de Mozart que se escucha durante la película, sino el hecho de que la música es más importante que nosotros mismos, que un genio pueda crear lo que solo un genio es capaz de hacer: la voz de Dios. Así es como Salieri describe la música de Mozart. Y si, según la Biblia, fuimos creados a imagen y semejanza de Dios, podemos vernos reflejados en la voz musical de Mozart.

Esta obra, que he adaptado para ser interpretada en vivo, con orquesta, coro, actores y solistas, ofrece varias novedades que desde su estreno en 1998 nos hacen reconsiderar la presentación del repertorio. Por supuesto, es magnífico poder tocar la música de Mozart en concierto, pero este drama total, es una Gesamtkunstwerk de teatro y música, que desafía la idea de lo que entendemos por concierto tradicional, y ofrece un nuevo modelo: un híbrido, es decir, una experiencia interactiva que es concreta y abstracta al mismo tiempo; la historia sigue la música, de la misma manera que la música sigue el texto. El vestuario es real. La película cobra vida. “Amadeus in Concert” se ha presentado en varios países con gran éxito. El reconocido actor Roberto Quintana será quien interprete a Salieri en Sevilla, en el debut español de la obra.

B.C: En marzo, iniciará una gira por Alemania con la ROSS y el guitarrista Pepe Romero. ¿En qué salas de concierto actuarán y qué programa interpretarán? ¿Cree que servirá para reforzar la proyección internacional de la orquesta sevillana como embajadora de la Comunidad Andaluza y de España en el mundo?

J.A: El legendario Pepe Romero cumple 75 años y la ROSS celebra su cumpleaños con el inmortal Concierto de Aranjuez y L’Arlésienne de Bizet. Haremos este programa en lo que será el regreso de la ROSS al circuito internacional después de diez años. Actuaremos en la Tonhalle en Düsseldorf, en Die Glocke de Bremen, en la nueva Elbphilharmonie de Hamburgo (con “entradas agotadas”), la Philharmonie de Colonia, la Universidad de Regensburg y la Alte Oper de Frankfurt.Uno de mis objetivos desde que me convertí en Director Artístico y Musical ha sido incrementar no solo la calidad de la ROSS sino también su perfil internacional. Habiendo dirigido más de 165 orquestas en todo el mundo, puedo decir sin dudarlo, que la ROSS es una la mejores orquestas del mundo y se merece ser reconocida como tal. Afortunadamente, hemos tenido muchas críticas, tanto locales como nacionales, que así lo confirman. Por tanto, me parece dramático, que las circunstancias financieras y la inmovilidad política hayan impedido que la ROSS transmita su mensaje musical en el mundo, tanto en vivo como en disco.

Cuando dirigí por primera vez la orquesta hace casi ocho años, al igual que otros muchos colegas, me sentí gratamente sorprendido por la calidad de talla mundial de la orquesta. Sevilla es, sin duda, una de las ciudades más bellas del mundo y el escenario de más óperas que cualquier otro lugar del planeta. ¿Cómo es entonces posible que la orquesta de esta ciudad no sea reconocida internacionalmente? ¿Por qué no convertir un instrumento como la orquesta en un embajador para su ciudad, comunidad autónoma y país? Según Lonely Planet, Sevilla ya es el primer destino turístico en el mundo en 2019. Con esta gira con “todo vendido”, llevaremos Sevilla al mundo, de la misma forma que lo haremos cuando acojamos los International Classical Music Awards (ICMA) en abril de 2020, haciendo ver que la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla y su ciudad son más que una nota musical en la historia, y están escribiendo su propio capítulo en el futuro de la interpretación orquestal europea.

B.C: Otra de sus grandes apuestas ha sido atraer a un nuevo público a través del programa ROSSTV/ROSSCLUB. ¿En qué consiste este programa?

J.A: Es una iniciativa única que ninguna otra orquesta en España ha hecho; ROSSTV y ROSSCLUB tienen el potencial para revolucionar el desarrollo del público para la ROSS. La página web www.rosstv.es es un portal que sincroniza nuestra identidad online, y favorece actividades sociales que acercan la ROSS a la gente a la que sirve: su público. Nuestra ROSSTV es una nueva escuela, completamente abierta, sin fronteras. Es multilingüe. Es local, regional, nacional e internacional. ROSSTV educa, informa, hace entrevistas e inspira. ROSSCLUB es nuestras comunidad social, online y offline. Sus miembros pueden acceder a todo el contenido de ROSSTV, asistir a las actividades del ROSSCLUB y disfrutar los muchos beneficios y descuentos que ofrece. Y lo mejor de todo: es gratis.

B.C: ¿Cuáles son sus planes futuros con la ROSS?

J.A: Pues esta temporada, con el tema “La música y la palabra escrita”, está siendo todo un éxito. La idea de combinar las fuentes literarias como inspiración para los compositores permite ofrecer opciones diferentes al repertorio estándar. Nos hemos centrado, por ejemplo, en Lorca, Cervantes, Pushkin e incluso la Biblia. Y pronto tendremos un programa con Schiller y Eine Alpensinfonie de Strauss, un concierto que supondrá también el debut en Sevilla de la famosa violinista Patricia Kopatchinskaja; continuaremos con el poema sinfónico Tod und Verklärung de Strauss, y Verklärte Nacht de Schoenberg. Tendremos otros programas que girarán en torno a Fausto, un tema formidable que está presente en la obertura homónima de Wagner, y Shakespeare, el eterno poeta, completará la temporada con Sueño de una noche de Verano, con el fantástico coro del Teatro de la Maestranza, dirigido por Íñigo Sampil. Me hace especial ilusión el ciclo sinfónico de Schumann y completar los conciertos para piano de Rachmaninov, que siento muy cerca de mi corazón. Durante la feria de Sevilla, la cita anual en la que se divierten los sevillanos, todos los años disfruto mucho bailando y cantando en las casetas. Y tengo especial interés en el regreso de la famosa cantante Wallis Giunta, que mostrará su extraordinario carisma en un programa con canciones españolas y latinoamericanas.

Por otro lado, ya estamos mirando hacia la temporada 2019/2020. Hay un sinfonía que llevo queriendo hacer desde hace tiempo, la Sinfonía nº 8 de Mahler, que la ROSS interpretará por primera vez. La próxima temporada, además, nos ofrecerá la posibilidad de seguir celebrando el 500 aniversario de Primera Vuelta al Mundo de Magallanes y Elcano. Afortunadamente, todas nuestras temporadas han tenido un gran éxito, en especial la temporada presente, pero la próxima tiene todo el potencial para ser única y especial por muchas razones, no solo en términos de repertorio. Podría incluso hacer historia.

B. C: Usted ha tenido especial protagonismo durante las celebraciones del centenario de Leonard Bernstein, cuyo repertorio ha interpretado tanto con la ROSS como con otras orquestas internacionales. Y además, ha escrito Lenny and Me: On Conducting Bernstein’s Symphonies, publicado en Naxos. ¿Qué es lo que más admiraba de Lenny?

J.A: Como alumno de Lenny, y como Director Artístico y Musical de la Real Orquesta de Sevilla, programé más música de Bernstein durante el aniversario de 2018 que cualquier otra orquesta española, haciendo de Sevilla el epicentro español de las celebraciones del centenario de Bernstein. Le conocí en Houston durante el estreno de su ópera final A Quiet Place. Después de una favorable introducción, me dejó tocar el piano, y luego me ofreció estudiar con él. No era solo un director, era puro talento musical, una palabra que abarca mucho más que simplemente dirigir, y que le define mucho mejor que cualquier otra categoría. Cuando trabajamos juntos, recuerdo que tomaba una partitura de su biblioteca, la analizaba, tocaba pasajes y compartía historias sobre ella. Fue una educación mucho mejor que cualquier conservatorio. Al cabo de un mes, le dijo a mis padres que yo no solo era un pianista sino un director. Cuando le preguntaron por qué, respondió: “porque le gusta mucho la gente”. Y tenía razón; los directores tenemos que tener don de gentes porque tocamos con gente que toca instrumentos.

B.C: Entonces Axelrod era un adolescente estudiando con un gran Maestro y actualmente es considerado un “Bernsteinian”…

J.A: A menudo, imagino cómo habría reaccionado si le hubiera dicho: “Maestro, dentro de 25 años estaré dirigiendo su Candide en el Théâtre du Châtelet de París y en La Scala de Milán”. Probablemente, hubiera sonreído y brindado con Whisky escocés a mi salud, diciendo “¿Viste?, tenía razón”. Desde entonces, he dirigido todas las obras orquestales compuestas por Bernstein. Pero no solo se trata de la música de Bernstein, sino de toda la música que aprendí con Bernstein y que ha tenido una gran influencia en mi mente musical. De todos los compositores, diría que Mahler ha sido el más inspirador y enriquecedor; sin embargo, me atrevería a decir que su propia sinfonía nº 3 “Kaddish”, ha sido lo más importante. Ser considerado un “Bernsteinian”, es un gran halago. No podemos olvidar que fue el propio ciclo de Mahler de Bernstein el que ahora da credibilidad al término “Mahlerian”. Esta influencia recíproca la mostramos recientemente con la ROSS, con un programa titulado “Dos titanes; Bernstein sobre Mahler sobre Bernstein”, interpretando la Sinfonía nº 1 “Titán”, de Mahler, y la Sinfonía nº 1 “Jeremiah” de Bernstein.

B.C: ¿Por qué decidió escribir un nuevo libro sobre Bernstein?

J.A: A pesar de los cientos de libros sobre Bernstein, según su familia, nunca se había publicado un libro sobre dirigir su música. Así que fue dirigir a Lenny lo que me inspiró para escribir un libro sobre dirigir su música: Lenny & Me. Lo que yo interpreto desde la perspectiva de director es siempre teniendo a Lenny, el director/compositor, en mente.

B.C: ¿Podemos decir que Bernstein contagió a los jóvenes y al gran público su amor por la música?

J.A: El Bernstein compositor fue el mismo que el Bernstein hombre, quien, con su Whisky y cigarrillo en mano, compartió con frecuencia su amor por los juegos, las palabras, las bromas, y el humor Tin Pan Alley. Todo tenía que ver con compartir. Puede que Bernstein haya hecho más con palabras para el desarrollo de un nuevo público, que cualquier otro director, porque fue el primero que habló con su voz directamente a su público, tanto en la sala de concierto como en la televisión. Su música habla directamente al oyente. Es imposible no mover la cabeza con ritmo cuando se escucha el Mambo de West Side Story. Es imposible no considerar nuestra propia historia de amor al escuchar la Serenade. Es imposible no reír durante el Turkey Trot en el Divertimento. Es imposible no reflexionar sobre la humanidad cuando se escucha su Kaddish.

B.C: Usted también ha escrito The Symphony Orchestra in Crisis: A Conductor’s View, publicado en Naxos. ¿Qué ha querido mostrar con este libro?

J.A: ¿Está la música clásica inmersa en el caos? ¿Está la orquesta sinfónica en crisis? Son preguntas frecuentes ya que la música clásica, hoy en día, se enfrenta a muchos retos. Este libro, escrito desde mi propio punto de vista de director, es una respuesta. Aunque se trata de un tema serio, he intentado incluir algunas anécdotas interesantes e historias divertidas. Después de todo, un libro, como la música, tiene que ser entretenido. Mi esperanza es ilustrar cómo la cultura juega un papel en la música que hace una orquesta, y, al mismo tiempo, aportar algunas ideas al actual debate de cómo salvar la orquesta sinfónica.

Está escrito para el amante de la música, no para el insider, aunque me imagino que muchos del sector tendrán curiosidad, muchos se enfadarán (sin ninguna razón), o querrán ver si ellos u otros que conocen son “nombrados”. Pero mi intención es informar al lector general sobre la orquesta, valorar a los músicos y ofrecer sugerencias para un amplio debate sobre lo que podemos hacer para proteger este maravilloso instrumento. Mis palabras pueden ser malentendidas y llevadas fuera de contexto, tal como ya ha ocurrido. Pero en esta entrevista quiero recalcar mis intenciones, para que todo aquel que lea esto entienda que son buenas. Y, ¿por qué escribir este libro? Porque alguien tiene que hacerlo. La fascinación por la orquesta y el mito del director han sido objeto de numerosos debates, libros, programas, artículos, conferencias y blogs. Sin embargo, no es habitual que un director muestre su visión. La mayoría de los directores tienen miedo de revelar la verdad sobre nuestra profesión, mostrando lo que hay detrás de la cortina, quitándose la máscara que habitualmente está detrás de la orquesta, para no destrozar la ilusión que se intenta crear. No es un secreto que la música clásica se ha enfrentado a grandes problemas. El desarrollo de un nuevo público para asegurar el futuro de la interpretación orquestal es nuestro gran reto. La piratería digital, el alto coste, el sufrimiento físico y psicológico entre los músicos y la falta de responsabilidad y liderazgo en las orquestas traicionan las expectativas que el público tiene de una organización estable que tiene que exhibir talento musical profesional. La alegría de hacer música ha perdido mucho de su Freude en el proceso. Este libro, que tiene nueve capítulos, es un gran tema con muchas variaciones y todas las variaciones se dirigen hacia el tema principal: la supervivencia de la orquesta. Después de todo, nuestro público no se merece menos.

B.C: Usted ha grabado con Sony Classical, Decca, Naxos, Warner/Emi, Ondine, Naïve y Telarc. ¿Tiene previsto nuevos proyectos discográficos en un futuro cercano? ¿Algún proyecto con la ROSS?

J.A: Recientemente, ha salido al mercado HOME, el nuevo CD de la pianista Gloria Campaner, con el Concierto para piano de Schumann, que grabé junto a la Orchestra Filarmonica del Teatro la Fenice de Venecia, para Warner Classics. Y Naxos ha ofrecido un contrato de distribución y promoción, si la ROSS puede grabar en el Teatro de la Maestranza. Lamentablemente, grabar en el teatro, debido a los costes, es prohibitivo, y eso impide que la ROSS pueda grabar en su sede habitual. Tal vez haya otros lugares más flexibles para grabar, como podría ser, por ejemplo, el nuevo Cartuja Cité Center. Nuevas grabaciones distribuidas internacionalmente son realmente importantes, tanto para el lugar como para la orquesta. Esperemos que el nuevo equipo gestor del Teatro de la Maestranza se dé también cuenta de la importancia de la grabación audiovisual y pueda permitir que el Teatro y su orquesta regresen a la escena mundial de las grabaciones de primera clase a nivel internacional. Como le comentaba, la ciudad de Sevilla, como primera ciudad musical de la UNESCO, necesita ser escuchada, no solo vista.

Entrvista: Paloma Sanz

Mes de Danza

MES DE DANZA, el festival de danza contemporánea de Sevilla, presentará el próximo 28 de octubre (18h, Pabellón del Futuro) el estreno en España de “Shapers”, proyecto de formación y creación para jóvenes intérpretes en torno a la danza en espacios públicos. Un proyecto de colaboración euro-mediterránea entre Francia, España, Marruecos, Egipto y Bosnia-Herzegovina que cuenta con financiación del programa Europa Creativa.

Liderado por la veterana compañía francesa Ex Nihilo, referente en la creación coreográfica para el espacio público y que ha visitado MES DE DANZA en diversas ocasiones, “Shapers” acompaña entre abril 2016 y septiembre 2018 a 8 jóvenes bailarines provenientes de distintos países -Egipto, Francia, Marruecos, España- que se forman participando en la creación de una pieza coreográfica además de participar en otras acciones como cursos, talleres, conferencias, encuentros, todas en torno a temáticas que cuestionan la relación con la ciudad, con el espacio público y con los paseantes.

En 2016 MES DE DANZA realizo las audiciones nacionales para la incorporación de 2 bailarines españoles en el proyecto, acogió una residencia artística de “Shapers” y mostró el trabajo realizado en el ciclo “Creaciones en Proceso”. En 2017, tras periodos de trabajo colectivo en los diferentes países que participan en el proyecto, se estrena internacionalmente en el Festival Nassim El Raqs en Alejandría / Egipto el pasado mes de mayo. Ahora en esta edición 24, el equipo presenta el estreno en España de la pieza dentro del ciclo “Danza en Espacios Singulares”.

Interpretada por Shady Abdelrahman, Aurore Allo, Elvi Balboa, Lucia Bocanegra, Ayoub Kerkal, Natasha Kierbel, Mourad Koula y Ahmed Shamel, “Shapers” entrará en diálogo con un espacio en desuso de la ciudad, los exteriores del antiguo Pabellón del Futuro, revitalizándolo y aportando una mirada diferente sobre su composición arquitectónica.

“Shapers” también se representará en una función especial el en el Centro Penitenciario Sevilla I. MES DE DANZA colabora por segundo año con SOLIDARIOS, ONG que trabaja desde hace 20 años acercando la cultura a personas que están privadas de libertad, tratando de generar sinergias que favorezcan las relaciones entre los internos, los invitados y el voluntariado; la última función en el marco del MES DE DANZA será el 5 de noviembre en el C3A – Centro de Creación Contemporánea de Andalucía en Córdoba de la mano de la Casa Árabe, que ha querido sumarse de esta manera a este proyecto de cooperación intercultural.

Además como parte de la formación, los bailarines de ”Shapers” participarán junto con alumnos de Conservatorio en el Taller Coreográfico de Lali Ayguade e asistirán a todos los espectáculos de MES DE DANZA.

Por su peculiaridad y singularidad, este proyecto ha despertado un verdadero interés a nivel nacional tanto por parte de festivales como por el propio Ministerio de Cultura para su presentación en el marco de los Juegos del Mediterráneo.

Las entidades y organizaciones que conforman el proyecto“Shapers”son Cie. Ex Nihilo, In’8 circle, Momkin – espaces de possible [Francia], Centre Rézodanse y festival Nassim El Raqs [Egipto], Centro de Creación Espace Darja [Marruecos], festival Mes de Danza [España], festival Zvrk [Bosnia y Herzegovina].

“Shapers” ha contado en España con el apoyo de Instituto Francés, Fundación Tres Culturas y Casa Árabe. Asimismo, para el estreno en Sevilla MES DE DANZA ha tenido el apoyo especial de Canal Sur Radio y Televisión.

MÁS DANZA

Además de “Shapers”, entre el 26 de octubre y el 1 de noviembre, MES DE DANZA desarrollará su tradicional ciclo de Danza en Espacios Singulares con más de una veintena de representaciones en espacios como el patio del Archivo de Indias, el Muelle de Nueva York, el Paseo Colón, la Plaza de San Francisco, la Plaza Virgen de los Reyes o el Metro de Puerta Jerez.

Asimismo, la organización ha anunciado esta semana un cambio de ubicación de última hora. La función de Error Young Vibes (Mopa+Industrias94+Alumn@s del IES Gustavo Adolfo Bécquer) prevista para el 26 de octubre a las 18h en el Centro de Iniciativas Culturales de Sevilla, se traslada, en misma fecha y mismo horario, a la Escuela Superior de Arte Dramático (C/ Pascual de Gayangos).

Por otro lado, en este primer bloque de programación de MES DE DANZA 24, la sala La Fundición acogerá el espectáculo de Bárbara Sánchez “Somewhat Paler” (27 y 28 oct, 21:30h) y “Monstruo”, de la granadina Laila Tafur (30 y 31 oct, 21:30h); Laura Morales & Miguel Marín estrenarán “A life full of rivers and icy mountains” en el Teatro Central (30 y 31 oct, 20:00h) y la Sala Manuel García del Teatro Maestranza acogerá el ciclo especial de piezas cortas premiadas en certámenes nacionales (31 oct y 1 nov).

La programación de MES DE DANZA 24 se prolongará hasta el domingo 5 de noviembre y puede consultarse íntegramente en mesdedanza.es.

Mes de Danza

MES DE DANZA, el festival internacional de danza contemporánea de Sevilla, celebra del 26 de octubre al 6 de noviembre su 23ª edición. El festival acogerá a 22 compañías diferentes y un total de 43 funciones a lo largo de las cuales se trazará una programación ecléctica, en la que juegan en equilibrio transgresión y propuestas más conservadoras.

Un año más, MES DE DANZA tendrá en el ciclo Danza en Espacios Singulares una de sus señas de identidad más reconocibles, llevando la danza a rincones insólitos como el Metro Puerta Jerez, el Archivo de Indias, las pistas de skate de Plaza de Armas o los hoteles Petit Palace Marqués de Santa Ana y Petit Palace Santa Cruz. La programación en sala visitará el Teatro Central, la Sala Manuel García del Teatro Maestranza, el Teatro Alameda y La Fundición.

Creadores como Arturo Parrilla, de la mano de Danza Mobile, Teresa Navarrete, Natalia Jiménez y Jorge Gallardo, Fernando Hurtado, Jesús Rubio, Celeste González, Alberto Cortés, Marta Camuffi o Asha Thomas son algunos de los nombres que pueblan un cartel que contará con tres estrenos absolutos: “En Vano”, de Cía Danza Mobile, “Alf” de Silvia Balvín y Alberto Almenara, y “La Obra Vacía”, de Natalia Jiménez y Jorge Gallardo. “La Obra Vacía”, además, se presenta como la culminación del trabajo de creación de ambos artistas que ya pudo verse dentro del programa Creaciones en Proceso en la edición 22 del festival.

CREACIONES EN PROCESO

El programa Creaciones en Proceso tiene como objetivo proporcionar unos contextos y unos tiempos favorables para la creación coreográfica, facilitando a las compañías residencias artísticas y ofreciéndoles la posibilidad de estrenar su trabajo en el marco del festival. Así, dentro de este programa, este año podrá verse en el Centro de las Artes de Sevilla el work in progress de Miguel Marín, Laura Morales y Roser Tutusaus titulado A life full of rivers and mountains.

Dentro de estas creaciones en proceso, merece una mención a parte Shapers. MES DE DANZA participa junto con otras entidades dedicadas a la promoción de la danza de Francia, Marruecos, Egipto y Bosnia – Herzegovina en el proyecto euro-mediterraneo de formación y de creación Shapers,tutelado por la veterana compañía francesa Ex Nihilo especializada en danza en espacios públicos. Tras su paso por los países socios del proyecto, el resultado final será una obra coreográfica con la participación de 8 jóvenes bailarines provenientes de Egipto, Marruecos, Francia y España. El interés muy marcado en su programación desde sus inicios por la creación coreográfica en espacios públicos además de la contribución a la formación de jóvenes bailarines españoles han sido los alicientes para que MES DE DANZA se sumara a este proyecto, cuyo estreno espera acoger en su próxima edición.

PROYECTO PILOTO

En 2016 MES DE DANZA pone en marcha la experiencia piloto “Mi Cole Baila” es una experiencia piloto, con la que pretende acercar la Danza a las escuelas. Los alumnos de 5º de primaria del Colegio Juan Nepomuceno Rojas de Sevilla trabajarán diariamente durante tres semanas y dentro de su horario escolar una pieza de danza contemporánea. Las clases estarán impartidas por la bailarina y coreógrafa Elisa del Pozo, que lleva años trabajando con la danza como herramienta en el ámbito educativo. La pieza que se trabaje durante las tres semanas de clase se presentará en el Teatro Alameda el sábado 29 de octubre como antesala de la función para la familia del espectáculo “De Flor en Flor”, de la compañía malagueña Fernando Hurtado.

ACTIVIDADES PARALELAS

MES DE DANZA también ofrecerá en 2016 un extenso programa de actividades paralelas. Luis Castilla, fotógrafo oficial del festival desde sus comienzos, reedita su taller “Instantes en Movimientos”, una mirada de autor en la danza; el periodista Omar Kahn impartirá un taller de Periodismo y Danza enfocado a la investigación en torno al contexto actual de la danza en los países del proyecto SHAPERS (Marruecos, Egipto, Francia, España y Bosnia – Herzegovina), incidiendo en los aspectos socio-culturales que condicionan la creación en los cinco contextos sociales en que se desarrolla la iniciativa; por su parte la coreógrafa Matxalen Bilbao impartirá un curso de danza contemporánea en colaboración con el Conservatorio Superior Antonio Ruiz Soler. Las inscripciones para todas estas actividades pueden realizarse a través de mesdedanza.es

Al margen de la formación, MES DE DANZA también acoge dentro del programa de actividades paralelas una sesión de proyecciones en colaboración con el Festival Internacional de Barcelona de Cine y Danza Choreoscope y el SEFF Festival de Cine Europeo de Sevilla.

Como otra novedad reseñable, MES DE DANZA llevará por primera vez la danza contemporánea al Centro Penitenciario Sevilla 1, con la representación especial el día 3 de noviembre del espectáculo “En Vano”, de la compañía Danza Mobile. Una programación en colaboración con SOLIDARIOS, ONG que trabaja desde hace 20 años acercando la cultura a personas que están privadas de libertad, tratando de generar sinergias que favorezcan las relaciones entre los internos, los invitados  y el voluntariado.

COLABORACIONES

Junto con las colaboraciones ya mencionadas, MES DE DANZA vuelve a realizar un intercambio de programación con Festival Circada y a poner en marcha el programa “Carta Blanca A…”, que este año se ha ofrecido a la Fundición de Bilbao, que realiza desde casi 3 décadas una labor extraordinaria a favor de la divulgación de la danza y el apoyo a los creadores vascos y que ha propuesto la programación de Igor Calonge / Cielo Raso, Matxalen Bilbao y Sra Polaroiska. También se ha programado a la compañía ganadora del Certamen Mujer Contemporánea del Costa Contemporánea de Almería (Marta Camuffi).

Teatro de la Maestranza

https://www.teatrodelamaestranza.es/programacion.html

Maestranza

Días 2, 4 y 5 de diciembre, 2015
LOS DIAMANTES DE LA CORONA de Francisco Asenjo Barbieri
Dirección Musical: Oliver Díaz
Dirección de Escena: José Carlos Plaza
Principales Intérpretes: Sonia de Munck, Cristina Faus, Carlos Cosías, Fernando Latorre, Ricardo Muñiz
Producción: Teatro de la Zarzuela
Real Orquesta Sinfónica de Sevilla
Coro de la A.A. del Teatro de la Maestranza
Zarzuela

Día 3 de diciembre, 2015 (Sala Manuel García)
GABRIEL UREÑA. Violonchelo
Ludwig van Beethoven, Sonata nº 3
Robert Schumann, Fantasie-Sucke
Dmitri Shostakovich, Sonata para piano y violonchelo, op.40
Jóvenes Intérpretes

Día 10 de diciembre, 2015. Función para familias
Días 9, 10 y 11 de diciembre, 2015. Seis sesiones matinales para Centros de Educación
GUILLERMO TELL de Gioacchino Rossini
Adaptación, Dramaturgia y Dirección: La Baldufa (Enric Blasi, Emiliano Pardo y Carles Pijuan)
Adaptación Musical: Albert Romaní
Dirección Musical: Olga Kharitonina
Dirección de Escena: Ramón Molins
Escenografía y vestuario: Carles Pijuan
Principales intérpretes: Maia Planas, Marta Valero, Xavier Mendoza
Producción: Gran Teatre del Liceu
En colaboración con la Obra Social “la Caixa”
Ópera para Escolares y Familias

Día 11 de diciembre, 2015
CONCIERTO BENÉFICO FUNDACIÓN BANCO DE ALIMENTOS DE SEVILLA
REAL ORQUESTA SINFÓNICA DE SEVILLA
Director musical, Sebastian Perlowski
Soprano, Irina Lévian
Ludwig van Beethoven, Sinfonía nº 2, en Re mayor, Op. 36
Giuseppe Verdi, La forza del destino (Obertura-Pace, pace mio Dio) / Don Carlo (Tu che le vanità)
Gerónimo Giménez, La boda de Luis Alonso (Intermedio)
Federico Moreno Torroba, La marchenera (Tres horas antes del día)
Pablo Luna, El niño judío (De España vengo)
Con el patrocinio de Fundación Cajasol – Ebrofundación – KonectaConciertos
Conciertos

Día 12 de diciembre, 2015
NEW YORK CHAMBER ORCHESTRA
Sociedad Coral Excelentia de Madrid
Dirección musical: Kynan Johns
Barítono: Johannes von Duisburg
Tenor: Michael Heim
Soprano: Lee Bisset
Ludwig van Beethoven, Sinfonía nº 9 «Coral»
Organiza: La Razón / Fundación Excelentia
Conciertos

Días 15 y 16 de diciembre, 2015
FARRUQUITO Y FAMILIA
Flamenco

Días 17 y 18 diciembre, 2015
REAL ORQUESTA SINFÓNICA DE SEVILLA. Concierto Participativo de Navidad
Colabora, Obra Social Fundación «la Caixa»
Conciertos

Día 20 de diciembre, 2015
CONCIERTO DE NAVIDAD
Programa de Villancicos
Orquesta de Cámara de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla
Dirección musical: Vladimir Dmitrienco
Dirección de escena: Maribel Macías
Conciertos

Días 27, 28 y 29 de diciembre, 2015
EL PEQUEÑO DESHOLLINADOR de Benjamin Britten
Dirección Musical: J. Manuel Busto
Dirección de Escena: Juan Dolores Caballero
Escolanía de Los Palacios
Producción: Teatro de la Maestranza
Ópera para Familias

DeLucía

El Teatro de la Maestranza cierra el Ciclo de Flamenco el próximo día 25 de febrero, a las 20,30 horas, con el espectáculo Homenaje a Paco de Lucía, en el que seis guitarristas se reúnen, en el primer aniversario de su ausencia, para homenajear a la figura que revolucionó el género.

Paco de Lucía falleció el 25 de febrero de 2014, fecha que se ha escogido en 2015 para este sentido homenaje en el que participan tantos guitarristas como cuerdas tiene el instrumento. Son Antonio Sánchez, sobrino del propio Paco de Lucía y con el que participó como segunda guitarra en una gira; el joven Dani de Morón, reconocido como uno de los mejores guitarristas de su generación; el también sobrino del genio de Algeciras José María Bandera Sánchez, partícipe en algunas giras con su tío; el guitarrista clásico José María Gallardo Rey, que ha colaborado con directores de orquesta y formaciones de relevancia internacional; el músico y compositor Juan Carlos Romero, integrante de giras y actuaciones con, entre otros, Manolo Sanlúcar, Carmen Linares, Miguel Poveda o Javier Barón; y el músico jerezano Gerardo Núñez, quien se ha adentrado en otros estilos como el jazz.

En el Homenaje a Paco de Lucía, cada uno de los seis músicos interpretará desde su punto de vista una obra compuesta por el maestro y otra creada por ellos mismos. Finalmente, estas seis guitarras sonarán juntas en un éxtasis final que busca que el tiempo nunca pase por su música haciéndola eterna.

Bajo la idea original y guión de Fernando González-Caballos, la dirección artística de José Luis Ortiz Nuevo, contará con el Montaje Audiovisual de Curro Sánchez Varela, ganador del último Goya al Mejor Documental por “ Paco de Lucía, la búsqueda”.

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