Alcina

Alcina es un cuento de hadas que nos embruja con el uso de la magia para seducir a los amantes, es una de las más bellas óperas de G. F. Händel, quizá porque el compositor confía toda la potencia lírica a la capacidad arrolladora de una historia de amor atravesada por ribetes fantásticos y a una escritura musical que embelesa por la alta potencia expresiva de su belleza melódica.

En una isla encantada, Alcina es una poderosa hechicera que emplea sus poderes mágicos para enamorar a los hombres a los que luego, cansada de ellos, convertirá en animales salvajes. Sin embargo, su inesperada entrega a un amor no correspondido, en medio de un confuso enredo sentimental lleno de episodios de celos, confusión y caos, la arrastrará a una deriva emocional que
nos lleva a reflexionar sobre el uso del poder, sobre la redención y sobre la posibilidad de abrazar la empatía y el amor. Alcina es hoy una de las óperas de Händel más celebradas y programadas y ha sido cantada por voces como Renée Fleming, Natalie Dessay o Magdalena Kozená.

La soprano Jone Martínez, la mezzo Maite Beaumont, junto a Lucía Martín- Cartón, Daniela Mack, Ruth González, Juan Sancho y Riccardo Novaro, comparten un espléndido reparto de voces para el retorno de la ópera barroca escenificada al Maestranza, en una producción de la reconocida Lotte de Beer, contando en el foso con la siempre excelente Orquesta Barroca de Sevilla dirigida por un brillante especialista, Andrea Marcon.

Las entradas, cuyos precios oscilan entre los 50€ para Paraíso y los 130€ para Patio, se pueden adquirir en las taquillas o a través de la web del Teatro.

Fotografía ©Jochen_Quast

6, 8 y 10 de febrero, 2024
ALCINA de Georg Friedrich Händel (1685-1759)
Dirección musical, Andrea Marcon
Dirección de escena, Lotte de Beer
Diseño de escenografía, Christof Hetzer
Diseño de vestuario, Jorine van Beek
Diseño de iluminación, Alex Brok / Vídeo, fettFilm
Intérpretes, Jone Martínez, Lucía Martín-Cartón, Ruth González, Maite Beaumont, Daniela Mack, Juan Sancho, Riccardo Novaro
Producción de la Deutsche Oper am Rhein
Orquesta Barroca de Sevilla (Orquesta residente del Espacio Turina)

JAVIER CAMARENA

Un timbre luminoso. Un canto apasionado. Una voz homogénea, ardorosa y flexible. Una seductora presencia escénica. Las valoraciones de la crítica internacional son unánimes: el mexicano Javier Camarena es uno de los grandes tenores del momento, como certificaron bien los espectadores que en 2017 llenaron el Teatro de la Maestranza para gozar de su debut en el coliseo sevillano. Entonces, Javier Camarena, rey de la ópera belcantista especializado en Mozart, Rossini, Donizetti o Bellini, puso al público en pie cantando Sevilla de Agustín Lara, deslumbrándolo con su naturalidad y su sencillez. Sobre esa tarjeta de visita, uno de los tenores latinos del momento, habitual de las grandes casas internacionales de ópera, vuelve a Sevilla para refrendar, a los 46
años, su óptimo momento vocal, con un programa que girará en torno a la obra de Francesco Paolo Tosti, (1846 – 1916), un compositor -y tenor- italiano que triunfó en Gran Bretaña -fue maestro de canto de la reina Victoria I y de su sucesor, el rey Eduardo VII- que compuso más de 500 canciones para voz y piano con un éxito popular sencillamente arrollador. Grandes tenores como Caruso, Di Stefano, Pavarotti o Kraus las llevaron en su repertorio. Y Javier Camarena, enamorado de esas canciones, también lo hace.

El entusiasmo, la intensidad expresiva o una formidable capacidad para la comunicación con el público, caracterizan los recitales de un tenor lírico ligero que asegura no olvidar “que la ópera nació como un espectáculo para el pueblo”, al que, envueltas en sus prodigiosas agilidades, devuelve perlas de la canción napolitana y otras piezas populares, como La malagueña, de Miguel Aceves, compartiendo la dignidad del bel canto italiano o la exquisitez de la ópera francesa.

He aquí una estrella internacional de la lírica reconocido con multitud de premios y que ha sido aclamado por el público que lo ha convertido en el único cantante de la historia que ha bisado en tres producciones diferentes del MET de Nueva York. Y, sin embargo, Javier Camarena -aficionado al cine, la cocina y los videojuegos- no ha perdido un ápice del origen y el carisma popular que inflama su garganta para arrastrarnos en una experiencia de una emoción inolvidable.

Javier Camarena
Reconocido por la organización International Opera Awards como Cantante Masculino del Año, se ha posicionado como uno de los artistas más destacados y solicitados, presentándose con rotundo éxito en las principales casas de ópera y salas de conciertos del mundo.

Es el único cantante en la historia que ha bisado en tres diferentes producciones en el MET de Nueva York: La Cenerentola (2014), Don Pasquale (2016) y La fille du régiment (2019) donde logró la hazaña inigualada de conseguirlo en cada una de las siete funciones en las que intervino, una de las cuales fue transmitida en vivo en Met Live HD. Repitió esta hazaña en La fille du régiment en el Teatro Real de Madrid, en el Liceu de Barcelona, así como en la Royal Opera House donde bisó su aria en cada una de sus cuatro funciones.

Ha recibido numerosas distinciones, entre ellas el Opera News Award (2020), la Medalla de Ópera de Bellas Artes, el Premio al Artista Distinguido de ISPA y la Medalla Mozart (todos en 2019). En 2014, su ciudad natal de Xalapa le otorgó la Medalla Sebastián Lerdo de Tejada como ciudadano distinguido. Durante los últimos años, la revista Líderes Mexicanos lo ha incluido en su lista de líderes a nivel nacional y global, y la revista Quién lo nombró como uno de los 50 líderes que están transformando su nación.

Las entradas, cuyos precios oscilan entre los 26€ para Paraíso y los 40€ para Patio, se pueden adquirir en las taquillas o a través de la web del Teatro.

JAVIER CAMARENA
Sogno
3 de febrero, 2024
Tenor, Javier Camarena
Piano, Ángel Rodríguez

Programa
I
Quattro canzoni d’Amaranta
I. Lasciami! Lascia ch’io respiri
II. L’alba separa dalla luce l’ombra
III. In van preghi
IV. Che dici parola del saggio?
Malìa
April
Sogno
L’ultima canzone
II
Mélodies
I. Ma bien-aimé
II. Petite valse romantique
III. Avec toi
Because
Vorrei morire!…
’A vucchella
Luna d’estate
Chitarra abruzzese

Raffaella Lupinacci
Entrevista a Raffaella Lupinacci, la Adalgisa en la Norma del Teatro de la Maestranza

Raffaella Lupinacci es una de las mezzosopranos más destacadas y
solicitadas de su generación. Alberto Zedda
la seleccionó para la Accademia Rossiniana de Pésaro. Ahora regresa a España por segunda vez, al Teatro de la Maestranza de Sevilla con el rol de Adalgisa, en la Norma de Bellini. Una oportunidad para escuchar una de las voces belcantistas más destacadas que esperamos regrese pronto a nuestro país.

Brío Clásica: ¿Cómo es el carácter de la Adalgisa de Raffaella Lupinacci?

Raffaella Lupinacci: Adalgisa es un personaje dulce, atento, ingenuo… Y trataré de transmitir de la mejor manera esas características mediante un fraseo cuidado y respetuoso con el estilo y la escritura belliniana… En esta producción en concreto, la acertada interpretación musical del Maestro Yves Abel y la íntima y elegantísima regia de Nicola Berloffa contribuyen a la exaltación de los rasgos humanos de cada personaje.

B.C: Abordar un rol absolutamente romántico como Adalgisa, ¿requiere realizar algún cambio en la vocalità o la expresividad? Sobre todo, con respecto a roles menos románticos.

R.L: Requiere más bien el conocimiento del estilo específico, en este caso el estilo belcantista, que obviamente tiene que ir acompañado de un gran dominio técnico.

B.C: Un personaje tan intenso como Adalgisa atrapa, al menos durante la función, ¿cómo se libera de un personaje después de darlo todo en escena?

R.L: Pues la verdad es que uno difícilmente se libera de los roles interpretados la misma noche de la función, y solo al día siguiente, aunque no siempre, consigue reconectarse con la realidad…

B.C: ¿Qué diferencias ve en la escritura de Rossini con respecto a la de Bellini y Donizetti?

R.L: Rossini presenta un canto con una agilidad más desenfrenada. En Donizetti y Bellini también están presentes las agilidades, pero son más suaves y se desarrollan dentro de una gran estructura dominada por el legato, y el arte del rubato encuentra mayor espacio.

B.C: Ha trabajado con el Maestro Alberto Zedda en su Accademia Rossiniana de Pésaro. ¿Qué ha significado para usted el encuentro con el Maestro Zedda y qué aprendió con él?

R.L: El encuentro con el Maestro fue fundamental no solo porque me dio la oportunidad de comenzar mi carrera como cantante profesional, sino sobre todo porque me introdujo en el buen gusto, en el estilo del belcanto, en prestar atención a la palabra, en no dar nada por sentado… Además, me hizo más fuerte como mujer y como artista, con sus consejos y sus formas tan directas. Creyó en mí desde el primer momento y le estaré eternamente agradecida por ello.

B.C: ¿Y es verdad que también ha trabajado con Mirella Freni?

R.L: Ay… ¡Ya me hubiera gustado! Pero cuando comencé mi carrera, la señora Freni ya se había retirado de los escenarios… De todas formas, es cierto que asistí a una Masterclass con ella en Vignola y conservo con cariño una partitura de Bohème con una dedicatoria suya… Tengo un bellísimo recuerdo de “alumna”…

B.C: Ha cantado varios roles del repertorio mozartiano como Cherubino, Dorabella o Donna Elvira. ¿Le gustaría cantar otros roles de Mozart en un futuro? ¿Qué se necesita, en su opinión, para cantar bien Mozart?

R.L: ¡Amo a Mozart! Y por supuesto que deseo cantar todavía mucho Mozart… Pienso en Sesto, Idamante y otros muchos roles de óperas menos conocidas. La elegancia mozartiana es única, y la búsqueda de la homogeneidad del sonido está en la base de la ejecución vocal mozartiana. Me parece que es, sin duda, uno de los compositores más difíciles de afrontar.

B.C: Y si le proponen dos obras para las mismas fechas, Mozart y Donizetti, ¿por cuál se decide y por qué?

R.L: ¡Qué pregunta cruel! Probablemente Donizetti porque me permite expresar también el lado más trágico de mi vocalità y de mi carácter.

B.C: ¿Hacia dónde evoluciona su voz?, ¿Piensa en Verdi?

R.L: Por el momento, todas mis atenciones están puestas en el belcanto o en aquello que ahora está más cercano. Veremos cómo se desarrollará mi voz con el tiempo…

B.C: También aborda el repertorio barroco, que como el belcanto, tiene sus peculiaridades, ¿qué cambios vocales, de expresión y estilo realiza al adentrarse en este repertorio? Ha grabado el dúo “Son nata a lagrimar” de “Giulio Cesare” de Händel con el contratenor Raffaele Pe, ¿le gustaría interpretar el rol de Cornelia en escena? ¿Y alguna obra de Bach?

R.L: El barroco es un mundo musical que me gusta mucho. Quizás más que Cornelia me gustaría llevar a escena el personaje de Sesto. Bach es, indudablemente, un compositor de gran interés y genialidad… La verdad es que no he tenido muchas ocasiones de acercarme de manera concreta a su música, pero estaré muy feliz de hacerlo cuando se presente la ocasión.

B.C: De los roles que interpreta, ¿hay alguno de ellos que haya significado realmente un desafío vocal e interpretativo?

R.L: Probablemente el rol de Arsace en “Aureliano in Palmira”, que interpreté recientemente en el Rossini Opera Festival, porque es un rol que requiere una extensión considerable, tanto en el grave como en el agudo. Es un rol masculino y muy débil desde el punto de vista de la dramaturgia, a pesar de ser un príncipe… Además, es un rol muy largo… Solo al final, después de tantos dúos y conjuntos, se llega a una larga y articulada gran scena… Y a eso se añade el hecho de haberlo debutado en el Rof, lo que no lo hizo nada fácil… Fue, sin duda, una gran responsabilidad pero también una experiencia que me ha regalado satisfacciones indescriptibles desde cualquier punto de vista.

B.C: Por supuesto un cantante tiene sus profesores de canto, de repertorio, etc, pero usted dispone de un vocal coach. ¿Qué diferencia tiene con los profesores tradicionales y qué le aporta a usted esta figura vocal?

R.L: En mi caso, mi vocal coach es el maestro de técnica “tradicional” con quien estudio y me reúno desde los inicios de mi carrera. Paralelamente, preparo los roles con diversos maestros especializados en mi repertorio.

B.C: Volvamos la vista atrás, ¿cuáles fueron sus primeros pasos en el mundo de la música?

R.L: Comencé a la edad de seis años estudiando piano. Con quince años, empecé a ir al Conservatorio y me diplomé en canto lírico.

B.C: Y una vez que decidió convertirse en cantante profesional, ¿le fue difícil identificar su vocalità?

R.L: La vocalità de la mezzosoprano es siempre muy particular porque, de hecho, engloba dos tipos de vocalità, y es el color el que determina la característica específica de la mezzosoprano. Yo he tenido la suerte de estar rodeada de oídos muy instruidos que han sabido dirigirme de inmediato por el buen camino … me estoy refiriendo al Maestro Zedda y al Maestro Fernando Opa.

B.C: Por cierto, ¿cuáles son sus mezzosopranos del pasado (y también del presente) de referencia?

R.L: Sin duda alguna, Lucia Valentini Terrani, Fiorenza Cossotto, Jessye Norman, Elina Garança…

B.C: La palabra es para usted muy importante, podemos observarlo en su bonito fraseo y en su amor por los idiomas. ¿Qué importancia tiene para usted la manera de decir las cosas? ¿Es verdad que estudió lenguas extranjeras en la universidad?

R.L: ¡Gracias por el halago! Un buen fraseo es la base… la atención a la palabra es fundamental. En las palabras encontramos el significado de lo que cantamos, y por tanto los colores, los matices, las emociones… Y sí, soy licenciada en lenguas y literaturas extranjeras con una tesis de licenciatura sobre “Didone ed Enea” de Purcell.

B.C: Es la segunda vez que podemos escucharla en España y nos parecen muy pocas, ¿podremos verla más a menudo en un futuro próximo? ¿qué otros compromisos le esperan después de esta “Norma” en Sevilla?

R.L: Espero poder cantar mucho más en España… Es una tierra y una cultura que me gustan mucho… Próximamente cantaré Angelina en “La Cenerentola” de Rossini en la Staatsoper Hamburg, y luego será el turno de Romeo en “I Capuleti e i Montecchi” en la Opera Royal de Wallonie… Más adelante, debutaré como Elisabetta en “Maria Stuarda” en Atenas, luego estaré nuevamente en Hamburgo y retomaré el personaje de Sara en “Roberto Devereux” en el Festival Donizetti 2024.

La reconocida mezzosoprano italiana Raffaella Lupinacci será Adalgisa en las funciones de Norma de Bellini, con dirección musical de Yves Abel y regia de Nicola Berloffa, que se podrá ver en el Teatro de la Maestranza de Sevilla los días 12, 15 y 18 de noviembre. En esta producción procedente del Teatro Regio di Parma, realizada en coproducción con el Teatro Municipale di Piacenza y el Teatro Comunale di Modena, la mezzosoprano calabresa compartirá escenario con la soprano Yolanda Auyanet (Norma), el tenor Francesco Demuro (Pollione), y el bajo Rubén Amoretti (Oroveso).

Considerada como una de las intérpretes más destacadas de Belcanto del circuito lírico actual, Raffaella Lupinacci hará su debut en la temporada operística del conocido teatro de la capital hispalense. “El rol de Adalgisa requiere mucha sensibilidad y gusto a la hora de porgere la palabra en el contexto musical. Además, dada su aguda tesitura, exige una gran flexibilidad vocal y todo un dominio técnico y estilístico a la intérprete”, señala Lupinacci, que ya cantó este rol belliniano en el escenario del teatro La Monnaie- De Munt de Bruselas.

Formada en la Accademia Rossiniana de Alberto Zedda, Raffaella Lupinacci se ha convertido en una de las voces habituales en el cartellone del prestigioso Rossini Opera Festival, donde el pasado verano recibió el elogio unánime de la crítica especializada con el personaje rossiniano de Arsace en el dramma serio Aureliano in Palmira, que aplaudió sus dotes actorales, su control del fiato, la nitidez en la coloratura y el amplio abanico de colores que fue capaz de recrear con su interpretación del rol escrito para el castrato Velluti.

Raffaella Lupinacci, que cuenta además con una carrera universitaria en lenguas extranjeras, ha cantado en numerosos teatros y festivales de renombre internacional como el Teatro Massimo de Palermo, el Teatro San Carlo de Nápoles, el Theater an der Wien, la Dutch National Opera de Ámsterdam, la Royal Opera House Muscat, la Korea National Opera, el Teatro Comunale di Bologna, la Fondazione Arena di Verona, el Wexford Festival, el Donizetti Opera Festival, o la Ópera de Florencia, entre otros.

Además, ha participado en producciones de grandes figuras de la escena como Mario Martone, Davide Livermore, Ferzan Özpetek, Rosetta Cucchi, Pier Luigi Pizzi o Giorgio Strehler. Entre los directores de orquesta con los que ha colaborado, destacan, los nombres de Francesco Lanzillotta, Michele Mariotti, Enrique Mazzola, Daniel Oren, Gianluigi Gelmetti o Sesto Quatrini. Y en su agenda de próximos compromisos, figuran dos importantes citas: el debut en la Staatsoper Hamburg con rol protagonista de La Cenerentola de Rossini, y el rol de Romeo junto a la soprano Rosa Feola (Giulietta) en I Capuleti e i Montecchi de Bellini en la Opéra royal de Wallonie, bajo la batuta de Maurizio Benini.

tristan-e-isolda-sonia-espigares

Inspirada en una leyenda medieval de origen celta, Tristán e Isolda no solo abanderó la vanguardia musical de su tiempo, llevando la tonalidad hacia un punto de no retorno, sino que, con su cromatismo, su inestabilidad armónica, su exacerbada voluptuosidad y su angustia orquestal -“música enferma”, la llamó el crítico Eduard Hanslick- constituye un símbolo de la victoria del sentimiento sobre la razón, arrastrándonos hacia el profundo misterio de la noche insondable, de un amor imposible que trasciende la vida y solo es realizable más allá de la muerte.

Cumbre del drama musical wagneriano, en el que la música, el texto y la acción escénica se funden en una continua unidad común, constituye una cima del romanticismo alemán sobre la que ronda la metafísica y gravita el descubrimiento de la filosofía de Arthur Schopenhauer, con su impacto sobre un Richard Wagner arrastrado por su pasión hacia Mathilde Wesendonck, inspiradora de esta obra y esposa de uno de sus mecenas.

El Teatro de la Maestranza estrena una nueva producción propia con dirección de escena del hispano-brasileño Allex Aguilera -quien ya puso en escena el Tristán con dirección musical de Zubin Mehta- con la ROSS en el foso dirigida por el húngaro Henrik Nánási. Stuart Skelton, Elisabet Strid y Agnieszka Rehlis lideran un apabullante reparto con el que este título esencial sobre el deseo, la sexualidad, el amor imposible y la muerte, retorna al escenario del Teatro de la Maestranza tras 14 años de ausencia.

El 27 y 30 de septiembre y el 3 de octubre, a las 19.00horas.

Una de las más bellas y perturbadoras experiencias líricas que se pueden vivir en un teatro de ópera.

Fotografía: Sonia Espigares

RUFUS WAINWRIGHT ©Tony Hauser Wainwright

El cantautor y compositor estadounidense-canadiense Rufus Wainwright llega al Maestranza, el lunes 17 de abril a las 20,00 horas, con su último trabajo Unfollow the rules. Subiendo y bajando de la alta a la baja cultura. Oscilando entre el mainstream y el indie. Directo unas veces, barroco otras. Entre el folk y los musicales del Broadway de la edad dorada. Viajando de Verdi a Judy Garland, a la que ha vuelto con un nuevo lanzamiento discográfico en 2022. Colaborando con David Byrne lo mismo que con Burt Bacharach. Cantando en solitario al piano, acompañado por un cuarteto o respaldado por orquestas como la Amsterdam Sinfonietta. Y escribiendo sus canciones como “el mejor compositor del mundo”, según valoración de gigantes de la talla de Leonard Cohen o Elton John.

Rufus Wainwright (Nueva York, 1973) es una inclasificable figura global de la música contemporánea que ha triunfado en un pop del que ha declarado querer retirarse para concentrarse en la ópera. Extendiendo su gran éxito popular a través del cine participando en bandas sonoras de películas como El diario de Bridget Jones o Shrek o posando desnudo para camisetas del diseñador Marc Jacobs, Rufus Wainwright se ha convertido en un icono contemporáneo. Lírico o épico, desgarrador o íntimo, volcándose en baladas emocionantes o sonando solemne en temas hímnicos, pero siempre importante, un concierto de Rufus Wainwright proporciona una de las experiencias más intensas que un aficionado a cualquier tipo de música pueda presenciar.

Las entradas, cuyos precios oscilan entre los 35€ para Paraíso y los 55€ para Patio, se pueden adquirir a través de www.teatrodelamaestranza.es y en las taquillas del propio Teatro.

RUFUS WAINWRIGHT ©Tony Hauser Wainwright

JAKUB JOZEF ORLINSKI ©Jiyang Chen

En colaboración con el Festival de Música Antigua de Sevilla (FeMÀS), el sábado 1 de abril a las 20.00 horas, el contratenor polaco Jakub Józef Orliński acompañado por el ensemble barroco Il Giardino d’Amore, dirigidos por el violinista Stefan Plewniak, interpretará un repertorio con obras de Antonio Vivaldi y Georg Friedrich Haendel.

Magnético. Subyugante. Arrollador. El joven artista Jakub Józef Orliński (Varsovia, 1990) no es solo una de las voces más celebradas de su generación, del que la crítica ha proclamado tanto la extraordinaria belleza de su línea de canto como su tremendo impacto escénico. También es un cantante conectado a los impulsos contemporáneos de la joven audiencia que lo admira y lo sigue en redes sociales, pues Orliński es un apasionado b-boy, es decir, un acreditado bailarín de break- dance -hasta el punto de que ha sido premiado en competiciones de hip-hop- conectado con las culturas urbanas, ha protagonizado spots de ropa de calle y ha actuado como bailarín, modelo y acróbata para campañas de Nike, Samsung o Levi’s, entre otras grandes compañías internacionales.

Para su presentación en Sevilla, Jakub Józef Orliński viene acompañado de Il Giardino d’Amore, el excelente ensemble barroco, dotado para interpretaciones fulgurantes y expresivas, que el violinista polaco Stefan Plewniak fundó en Cracovia en 2012 y con el que actúa a menudo en giras internacionales.

Dos de los compositores relevantes en su ya importante discografía, Haendel, del que ha grabado Agrippina, más algunas arias de otras óperas, y Vivaldi, del que tiene registrado un bellísimo Stabat Mater, centran el repertorio de una velada que, organizada en colaboración con el Festival de Música Antigua de Sevilla, que incrementa su presencia en el Maestranza, promete ser uno de los grandes atractivos de la temporada.

El barroco se hace contemporáneo en la voz y la actitud de Jakub Józef Orliński, el brillante y osado contratenor de nuestro tiempo.

Las entradas, cuyos precios oscilan entre los 20€ para Paraíso y los 35€ para Patio, se pueden adquirir a través de www.teatrodelamaestranza.es y en las taquillas del propio Teatro.

JAKUB JOZEF ORLINSKI ©Jiyang Chen

FeMÀS

El director del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), Francisco Lorenzo, junto al alcalde de Sevilla, Antonio Muñoz, y Fahmi Alqhai, director del Festival de Música Antigua de Sevilla (FeMÀS) han presentado hoy la 40ª edición del prestigioso festival, en un acto que ha contado con la participación de Carolina Morales, directora general del Área de Cultura y Ciudadanía de la Diputación de Sevilla, Javier Menéndez, director del Teatro de la Maestranza, e Isabel Ojeda, directora general de cultura del Ayuntamiento de Sevilla. El programa de esta nueva edición tendrá lugar en distintos puntos de la capital andaluza del 10 de marzo al 2 de abril de 2023.

El FeMÀS celebra sus 40 ediciones. A lo largo de estos años el Festival se ha consolidado como el decano nacional, como la muestra referente de manifestación musical obteniendo la consideración de la crítica, de los propios músicos y del público en general. Sigue siendo una de las muestras anuales más prestigiosas y valoradas de la cultura hispalense, la referencia del Sur de Europa y una manifestación artística de excelencia y de visita obligada para las grandes formaciones e intérpretes de hoy en día.

Programación del CNDM en el FeMÀS

Por décimo año consecutivo, el CNDM colabora con el FeMÀS y afianza una alianza imprescindible en su compromiso por difundir, ampliar y promocionar el patrimonio musical español y llevar propuestas musicales de alto valor por toda la geografía española. En esta ocasión, coproduce cuatro conciertos que incluyen algunas de las propuestas más sugerentes del festival: Daniel García Trío y Vandalia (15 de marzo), la Orquesta Bética de Cámara (24 de marzo); Concerto 1700 (25 de marzo) y Rafael Ruibérriz (26 de marzo).

El miércoles 15 de marzo, el espacio Turina acogerá el concierto del trío jazzístico del pianista Daniel García Diego con el conjunto vocal sevillano Vandalia. Este original espectáculo ofrecerá un programa que reúne la improvisación del jazz con un repertorio que se mueve desde la medieval escuela de Pérotin, considerado el compositor más importante de la Escuela de Notre Dame de París; hasta la gran polifonía del Renacimiento, prestando una especial atención a los compositores españoles.

El recorrido del CNDM en el marco del festival continuará el viernes 24 de marzo, también en el espacio Turina, con uno de los grandes acontecimientos del festival: la Orquesta Bética de Cámara, dirigida por Michael Thomas, que interpretará El retablo de maese Pedro, de Manuel de Falla, con motivo de los cien años de su estreno en dicha ciudad. Precisamente en Sevilla, se estrenó dicha pieza hace un siglo. Para probar la eficacia musical de su partitura, Falla reunió entonces a un grupo de músicos que hicieron posible la hazaña en dos conciertos celebrados los días 23 y 24 de marzo (los días en que en este Festival también se ha programado un coloquio y el concierto conmemorativo del centenario). El resultado fue tan satisfactorio que propició que de ese grupo de instrumentistas naciera la Orquesta Bética de Cámara, que ahora interpretará en el FeMÀS 2023 esta obra crucial del teatro musical español de todo el siglo XX. Además, la agrupación también interpretará el arreglo que para ella hizo Falla del Prélude à l’après-midi d’un faune de Debussy y el estreno absoluto de una partitura del sevillano Alberto Carretero, encargo del CNDM y la Junta de Andalucía.

El sábado 25 de marzo, en el Espacio Turina, será el turno de Concerto 1700, una de las formaciones españolas más destacadas en la interpretación y difusión de la música barroca, dirigida por el violinista Daniel Pinteño. Concerto 1700 es el grupo residente de la temporada 22/23 del CNDM. La agrupación interpretará La soberbia abatida por la humildad de San Miguel, un oratorio de Francisco Hernández Illana de 1727, que se ha recuperado recientemente y que contará con la participación de grandes voces españolas, como la soprano Aurora Peña, la mezzosoprano Adriana Mayer, el contratenor Gabriel Díaz y el tenor Diego Blázquez.

Finalmente, el domingo 26 de marzo en la Iglesia de San Luis de los Franceses, el destacado flautista Rafael Ruibérriz protagonizará un estreno en tiempos modernos de incalculable valor con la recuperación histórica de cinco sonatas para flauta traversa de Luis Misión. Se trata de una joya inédita que sale ahora a la luz tras su sorprendente hallazgo en Sevilla. Ruibérriz estará acompañado por la violonchelista Isabel Gómez-Serranillos, el clavecinista Santiago Sampedro y la soprano Cristina Bayón.

Natalia Labourdette

Tras su reciente éxito como protagonista de la ópera La Mujer tigre, la soprano Natalia Labourdette regresa a Sevilla para su debut del rol mozartiano de Susanna en Le nozze di Figaro del Teatro de la Maestranza; será los días 11, 13, 15 y 17 de diciembre en la conocida producción ideada por Emilio Sagi para el Teatro Real, junto a las voces de Vittorio Prato (Il Conte di Almaviva), Carmela Remigio (la Contessa di Almaviva) y Alessio Arduini (Figaro), entre otros, bajo la batuta de Corrado Rovaris, actual director musical de la Ópera de Filadelfia. Natalia Labourdette, que ya cantó el rol mozartiano de Despina en Così fan tutte, abordará por primera vez el rol de Susanna, un rol en la tradición de la serva astuta (Serpina, Despina, Nerina), que participa en todos los Duetti y tiene más presencia que el resto de los personajes, con dos importantes arias de lucimiento: Venite, inginocchiatevi y Deh vieni, non tardar.

Considerada como una de las sopranos españolas con mayor proyección internacional de su generación, como evidencia su reciente participación en el estreno absoluto de Lieder von Vertreibung und Nimmerwiederkehr de Bernhard Gander en la Bienal de Munich y la Deutsche Oper de Berlín, Natalia Labourdette destaca por su amplio repertorio (con roles operísticos que van de Mozart a Philip Glass), y por su intensa actividad en el género del Lied, con actuaciones en célebres festivales como el LIFE
Victoria de Barcelona o la Schubertiada de Vilabertrán.  Además, participa habitualmente como solista en el ámbito de concierto, con orquestas sinfónicas como la Orquesta Sinfónica de RTVE, la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla o la Orquesta Ciudad de Granada, entre otras. Y ha trabajado con grandes nombres de la dirección musical como Riccardo Frizza, Ivor Bolton, Nicola Luisotti, Donato Renzetti, Pedro Halffter o Iván López-Reynoso, y con régisseurs de la talla de David McVicar, Deborah Warner o Stefan Herheim.

Fiel a su continuo deseo de ampliar su repertorio y explorar nuevos retos operísticos, los próximos compromisos de Natalia Labourdette incluyen Sieben frühe Lieder de Berg con la Real Filarmonía de Galicia en el Auditorio de Galicia (Santiago de Compostela), la Segunda Sinfonía de Mahler con la Orquesta Sinfónica y Coro UPM en el Auditorio Nacional de Madrid, la Cantata para América Mágica de Ginastera, junto a la OSC & Zahir Ensemble en el Auditorio de Ingenieros de Sevilla, y L’incoronazione di Poppea de Monteverdi, con firma escénica de Calixto Bieito y dirección musical de Jordi Savall en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona. Además, ofrecerá una gira de recitales de Lied en el marco de AIEnRuta Clásicos, y presentará su proyecto petite MORT en el Teatro Arriaga, junto a la pianista Victoria Guerrero.

N. Labourdette (c) Mark Kagan

Manuel Busto

Tras el exitoso estreno de su ópera de cámara La mujer tigre en una nueva producción del Teatro de la Maestranza y el Teatro Lope de Vega, Manuel Busto regresa a la capital hispalense el próximo 22 de julio para dirigir La Traviata de Verdi en la producción de David McVicar, que ya se presentó en la Scottish Opera de Glasgow, la Welsh National Opera de Cardiff, el Teatro Real de Madrid y el Liceu de Barcelona. Busto, que hace cuatro años dirigió el famoso título de la trilogía popular verdiana en el Teatro Lirico Giuseppe Verdi de Trieste, se pondrá al frente de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS), el Coro del Teatro de la Maestranza, y un cast encabezado por la soprano Ashley Galvani Bell (Violetta), Antoni Lliteres (Alfredo Germont) y Carlos Arámbula (Giorgio Germont).

Entre los próximos compromisos del director sevillano cabe destacar su debut con la Orquesta Ciudad de Granada en el Auditorio Manuel de Falla, así como importantes engagements en el extranjero, como su regreso al Teatro Comunale di Bologna y La bohème de Puccini en el International Festival of Opera and Ballet “María Biesu” de Kishinev. Además, como compositor estará presente en la temporada del Bellas Artes de México con sus obras Jauleña e Invocación bolera, realizadas por encargo del Ballet Nacional de España.

Manuel Busto se ha convertido en uno de los directores de orquesta más solicitados  de su generación, con un amplio currículum nacional e internacional en el ámbito de ópera y ballet, colaborando con destacadas orquestas como la Taiwan National Symphony Orchestra, la Orquesta de la Comunidad Valenciana (OCV), I Pomeriggi Musicali di Milano, la BBC Symphony Orchestra, la Orquesta de la Academia Barenboim-Said, la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM), la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS), y actuando en teatros de renombre como el Palau de Les Arts Reina Sofía de Valencia, el Teatro de la Zarzuela, el Teatro de la Maestranza, el Teatro Giuseppe Verdi di Trieste, el Teatro Comunale di Bologna o la Dutch National Opera de Ámsterdam, entre otros.

Rafael Riqueni

El próximo 24 de abril, el Teatro de la Maestranza de Sevilla, acogerá el estreno de “Suite Sevilla” de Rafael Riqueni, en versión de Concierto para Guitarra y Orquesta, con la interpretación del propio Rafael Riqueni, junto a la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS), dirigida por Manuel Busto.

El conocido compositor y músico sevillano, considerado una leyenda viva de la guitarra, debuta con la ROSS en este concierto organizado en colaboración con el Instituto de la Cultura y las Artes de Sevilla (ICAS) y la Bienal de Flamenco.

En 2011, Suite Sevilla fue adaptada por el Ballet Nacional de España con un espectáculo que se ha representado en numerosos escenarios de todo mundo. El famoso guitarrista Rafael Riqueni nos presenta la definitiva encarnación de Suite Sevilla, en versión de concierto para guitarra y orquesta sinfónica en cuatro movimientos (El RealMi PaseoEnsueño, y Realidad), que describen poéticos instantes, sensaciones y lugares en el curso vital de la ciudad. La orquestación de la obra ha sido realizada por Manuel Busto, uno de los jóvenes directores y compositores españoles con mayor proyección en el panorama sinfónico, que ha estrenado recientemente la doble producción El Amor Brujo – La Vida Breve en la Ópera Nacional de Taiwán; además, ha compuesto varios encargos para ser interpretados por el BNE en las últimas temporadasSu método ha sido concebido desde un profundo estudio del género flamenco y sus particularidades, completando junto a Rafael Riqueni el tándem preciso para la creación de “Suite Sevilla”, Concierto para Guitarra y Orquesta.

Suite Sevilla, disco publicado en 1993, es la primera obra que fusionó con éxito música clásica y flamenco. En conjunción directa con elementos esenciales de lo jondo, Rafael Riqueni, reconocido músico flamenco y compositor, ha desarrollado un inimitable estilo en la guitarra a través de su contrastada influencia clásica, en el que desarrolla corrientes del romanticismo español y del impresionismo para crear un definido concepto armónico en pos de la “música contemporánea andaluza”, que en 2017 encontraría un nuevo y excepcional capítulo con Parque de María Luisa, considerado uno de los mejores discos del año en España.

Rafael Riqueni (c) Manuel Naranjo

Teatro de la Maestranza

Rafael Riqueni

Grigory Sokolov

Hay excelentes maestros del teclado. Hay prodigiosos virtuosos del piano. Hay concertistas emocionantes. Y luego está… Grigory Sokolov.

Carismático. Colosal. Magnético. Crecido frente a un teclado, el ruso Grigory Sokolov (Leningrado, 1950), al pianista que James Rhodes idolatra, asombró al jurado del Concurso Internacional Chaikovski de 1966 ganando el primer premio. Tenía 16 años. Cuando, a finales de los 80, Occidente escuchó al fin aquel tesoro oculto tras el Telón de Acero, el “mito Sokolov” nació instantáneamente.

Pianista de pianistas, Sokolov solo interpreta la música que ama, siempre en vivo y rara vez en estudio. Y, a partir de su portentosa precisión técnica, de ella extrae una dimensión espiritual y sonora inédita en recitales a los que se entrega con una devoción sorprendente alargándolos con la generosidad de regalarnos media docena de propinas.

Toque lo que toque, la “experiencia Sokolov” será, sin duda, mucho más que un recital, una experiencia inolvidable.

GRIGORY SOKOLOV, piano

Teatro de la Maestranza, 23 de febrero, 2021

La naturaleza única e irrepetible de la música hecha en el momento presente es fundamental para comprender la belleza expresiva y la honestidad convincente del arte de Grigory Sokolov. Las interpretaciones poéticas del pianista ruso, que cobran vida con una intensidad mística en la interpretación, surgen del profundo conocimiento de las obras de su vasto repertorio. Sus programas de recitales abarcan desde transcripciones de la polifonía sagrada medieval y obras de Byrd, Couperin, Rameau, Froberger hasta la música de Bach, Beethoven, Schubert, Schumann, Chopin, Brahms y composiciones históricas del siglo XX de Prokofiev, Ravel, Scriabin, Rachmaninoff, Schoenberg y Stravinsky. Es ampliamente reconocido entre los pianófilos como uno de los mejores pianistas de la actualidad, un artista universalmente admirado por su perfil visionario, su espontaneidad fascinante y su inflexible devoción por la música.

Nació en Leningrado (ahora San Petersburgo) el 18 de abril de 1950. Comenzó a tocar el piano a los cinco años y, dos años después, comenzó a estudiar con Liya Zelikhman en la Escuela Especial Central del Conservatorio de Leningrado. Recibió clases de Moisey Khalfin en el Conservatorio de Leningrado y ofreció su recital de debut en Leningrado en 1962. El prodigioso talento de Sokolov fue reconocido en 1966 cuando, a los 16 años, se convirtió en el músico más joven en recibir la Medalla de Oro en el Concurso de piano Internacional Tchaikovsky en Moscú. Emil Gilels, presidente del jurado del Concurso Tchaikovsky, posteriormente defendió el trabajo de Sokolov.

Mientras Grigory Sokolov realizó importantes giras de conciertos por los Estados Unidos y Japón en la década de 1970, su arte evolucionó y maduró fuera del centro de atención internacional. Sus grabaciones en vivo de la época soviética adquirieron un estatus casi mítico en Occidente, evidencia de un artista a la vez completamente individual, como ningún otro, pero alimentado por el rico suelo de la tradición rusa de tocar el piano. Tras el colapso de la Unión Soviética, Sokolov comenzó a aparecer en las principales salas de conciertos y festivales de Europa. Actuó extensamente como solista con orquestas del más alto calibre, trabajando con, entre otros, la Filarmónica de Nueva York, la Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam, la Philharmonia de Londres, la Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks y Munich Philharmonic, antes de decidir centrarse exclusivamente en dar solo recitales. Sokolov realiza alrededor de 70 conciertos cada temporada, se sumerge completamente en un solo programa y realiza giras por toda Europa.

A diferencia de muchos pianistas, tiene un gran interés en el mecanismo y la configuración de los instrumentos que toca. Pasa horas explorando sus características físicas, consultando y colaborando con técnicos de piano para lograr sus requisitos ideales. «Se necesitan horas para entender el piano, porque cada uno tiene su propia personalidad y tocamos juntos», explica. La asociación entre artista e instrumento es de vital importancia para el flujo de ideas musicales de Sokolov. Ahorrando en el uso del pedal de sostenimiento, evoca todo, desde las más sutiles gradaciones tonales y texturales hasta los contrastes de sonido más audaces a través del puro brillo de su trabajo con los dedos. Los críticos suelen llamar la atención sobre su extraña habilidad para articular voces individuales dentro de una compleja textura polifónica y proyectar líneas melódicas sin fisuras.

El carismático arte de Grigory Sokolov tiene el poder de generar la concentración necesaria para que el público contemple incluso las composiciones más familiares desde nuevas perspectivas. Durarte el recital, atrae a los oyentes a una relación cercana con la música, trascendiendo la exhibición superficial y el espectáculo para revelar un significado espiritual profundo. El arte de Sokolov se basa en los sólidos cimientos de su personalidad única y su visión individual. Desde 2015 es artista exclusivo de Deutsche Grammophon. Su asociación ha hecho posible la publicación de diversas grabaciones, todas ellas extraídas estrictamente de conciertos en directo. La grabación más reciente (2020) combina un doble CD con música de Beethoven y Brahms con un DVD de un concierto en vivo grabado en Il Lingotto de Turín con música de Mozart y Beethoven y dirigido por Nadia Zhdanova.

Fotografía: ©Mary Slepkova- Deutsche Grammophon

Ismael Jordi

Belcantismo andaluz

Desde hace algunos años, dos voces andaluzas protagonizan los mejores cartelones belcantistas de los grandes teatros de ópera del mundo. De un lado, Mariola Cantarero (Granada, 1978) y, de otro, Ismael Jordi (Jerez de la Frontera, 1973) han seducido a la audiencia con la belleza de sus timbres, su dominio de las agilidades o la intensidad escénica con la que interiorizan sus personajes de Donizetti, Bellini, Mozart o Verdi.

Protagonistas de carreras meteóricas desplegadas sobre un talento innato, Mariola Cantarero, quien a finales de 2019 dirigió su primera ópera, o Ismael Jordi, forjado a la sombra de Alfredo Kraus, vuelven a reunirse en torno a un programa de canciones de Turina y Barrios completado con romanzas y dúos de zarzuela y ópera, en un Teatro donde una vez fueron la pareja explosiva de una Traviata inolvidable y sobre cuyo escenario han crecido como los grandes reclamos del belcantismo andaluz más internacional.

El tenor español Ismael Jordi nació en Jerez de la Frontera y estudió en la Escuela Superior de Música Reina Sofía con Alfredo Kraus. Hizo su debut en el Teatro Villamarta de Jerez, cantando Ernesto de Don Pasquale.

ISMAEL JORDI, tenor

MARIOLA CANTARERO, soprano

Canciones de Joaquín Turina y Ángel Barrios, romanzas y dúos de ópera y zarzuela.

Piano: Rubén Fernández Aguirre

Teatro de la Maestranza, 13 de febrero de 2021

Ha cantado en teatros de toda Europa, en Francia: Estrasburgo (Don Pasquale, Falstaff, L’elisir d’amore), Toulouse (Gianni Schicchi, Doña Francisquita, Der Rosenkavalier), Burdeos (Il barbiere di Siviglia, La Traviata), Marsella (La Traviata), Aviñón (Rigoletto, I Capuleti e i Montecchi, La Traviata, Maria Stuarda, Anna Bolena), Toulon (Anna Bolena), Opéra Comique (Mignon) y Opéra National Paris-Bastille (La traviata), Chorégies d’Orange (Spanish Night, junto a P. Domingo), Monte Carlo (Lucia di Lammermoor). En Alemania: Dusseldorf (Il barbiere di Siviglia), Staatsoper Berlin (Il barbiere di Siviglia, L’elisir d’amore), Deutsche Oper Berlin (La Traviata, Lucia di Lammermoor, Rigoletto), Hamburgo (La Traviata, Rigoletto), Frankfurt (Anna Bolena), Dresde (Lucia di Lammermoor), Múnich (Lucrezia Borgia). En Austria: Volksoper Wien (Martha, La Traviata). En España: Jerez de la Frontera (La Traviata, Rigoletto, Eugen Onegin, Roméo et Juliette, Fausto), Sevilla (La Traviata, Anna Bolena), y Oviedo (L’elisir d’amore, La Traviata), Bilbao (I Capuleti e i Montecchi, Eugen Onegin, Rigoletto, Lucia di Lammermoor), Valencia (Iphigénie en Tauride), Barcelona (Linda di Chamounix, La Traviata, Lucia di Lammermoor), Teatro Real de Madrid (L’elisir d’amore, Roberto Devereux, Lucia di Lammermoor, Faust). En Países Bajos: Ámsterdam (Lucia di Lammermoor, La Traviata, Roméo et Juliette, Der Rosenkavalier). En Bélgica: Lieja (Lucrezia Borgia, Manon), Amberes-Gent (el estreno mundial de Le Duc d’Albe de Donizetti-Battistelli). En Suiza: Zúrich (Lucia di Lammermoor, Anna Bolena, Rigoletto), Lausanne (La Traviata, Doña Francisquita). En Italia: Macerata (Rigoletto), Padua (Lucia di Lammermoor), Verona (Rigoletto), Nápoles (Lucia di Lammermoor, La Traviata), Venezia (La Traviata), Roma (Linda di Chamounix, Rigoletto).En Reino Unido: ROH Covent Garden en Londres (Maria Stuarda, La Traviata, Lucia di Lammermoor); en Grecia: Greek National Opera en Atenas (Roméo et Juliette); en Japón: Tokio (Lucia di Lammermoor). En Corea: Korea National Opera de Seúl (Manon); en Canadá: Montréal (Roméo y Juliette), etc.

Aparece regularmente en recitales y conciertos. Sus grabaciones incluyen Martha en el Volksoper de Viena, La Traviata con el Teatro Villamarta de Jerez y Le Duc d’Albe en el De Vlaamse Opera.

Sus proyectos hasta 2025 incluyen: La Traviata y María Stuarda en el Teatro Real de Madrid; La Favorita en Málaga y Bilbao; Anna Bolena, Maria Stuarda y Roberto Devereux en Ámsterdam y Valencia; L’elisir d’amore en el Festival de Orange; Roméo et Juliette en la Metropolitan Opera de Nueva York; Lucia di Lammermoor en el ROH Covent Garden London y en el ORW de Lieja; Los Gavilanes, Luisa Fernanda, La Generala en el Teatro de la Zarzuela de Madrid; Doña Francisquita en Sevilla, etc.

Considerada uno de los máximos exponentes del repertorio belcantista de los últimos años, Mariola Cantarero ha obtenido también importantes triunfos en obras como La Traviata, Rigoletto o La bòheme, en la búsqueda continua de las obras más adecuadas a su evolución vocal, ampliando su repertorio con éstas y otras obras como María Stuarda, Lucrezia Borgia, Anna Bolena, así como Don Giovanni o Così fan Tutte.

Granadina de nacimiento, comienza sus estudios musicales en el Conservatorio de su ciudad natal, y posteriormente los amplía con el Catedrático de canto Carlos Hacar, y ya en carrera se perfecciona con Ruthilde Böesch en Viena. Es premiada en diferentes concursos internacionales de canto como el «Francisco Viñas», «Operalia´99», «Pedro Lavirgen» y «A.S.L.I.C.O. 2000».

Recibe distintos premios por su trayectoria como «Premio ópera Actual», «Revelación del círculo de amigos del Liceo», «Premio Imagen de la Ciudad de Granada», «Ojo Crítico de RNE», «La Mención de Honor de la Diputación de Granada», «La Medalla de Oro de la Ciudad de Granada», así como «La Medalla de Oro de Andalucía».

Debuta en el Teatro Carlo Felice de Génova con Le Comte Ory de Rossini en el 2000, y desde entonces se convierte en soprano habitual de los principales teatros de Europa como el Teatro Real de Madrid, Liceu de Barcelona, Maggio Fiorentino, San Carlo de Nápoles, Ópera de Roma, Rossini Opera Festival, Hamburgo, Berlín, Zúrich, Ámsterdam, Estrasburgo, y más allá de nuestro continente en la Ópera Nacional de Corea, Oriental Art Center de Shanghai, San Juan de Puerto Rico, Santiago de Chile, Ópera de São Paulo, Ópera de Detroit, New Jersey.

Ha sido dirigida por directores como Zubin Mehta, Alberto Zedda, Jesús López Cobos, Daniel Oren, Bruno Campanella, o Roberto Abbado.

Entre su amplia discografía cabe destacar Luisa Fernanda junto a Plácido Domingo en el Teatro Real de Madrid, Falstaff dirigida por Zubin Mehta en el Maggio musicale Fiorentino, La gazza ladra del Rossini Opera Festival, Il viaggio a Reims en el Liceu de Barcelona, I puritani de la Ópera de Ámsterdam, Belcanto con Simón Orfila y Canciones en la Alhambra.

Fotografía: ©F.J. Gomez Pinteño

Teatro de la Maestranza

El Teatro de la Maestranza y la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla han decidido paralizar sus respectivas programaciones de la presente temporada, ante las nuevas medidas decretadas tras la reunión del Consejo Asesor de Alertas de Salud Pública de Alto Impacto de la Junta de Andalucía, que implican la restricción de la entrada y salida de todos los municipios comprendidos en las provincias de la Comunidad Autónoma de Andalucía, la limitación de la movilidad entre las 22 h. y las 7 h., el cierre de toda actividad no esencial a las 18 h., así como la limitación de aforos.

Por todo ello, ambas instituciones aplazarán, siempre que sea posible, sus programaciones previstas para el mes de noviembre.

Desde la ROSS, tal y como ha explicado su director gerente Pedro Vázquez “estamos trabajando en la reubicación de nuestros conciertos y aplazando las actividades afectadas como son Crecer con la ROSS y el tercer y cuarto concierto de abono con idea de celebrarlos a partir del próximo mes de febrero”.

Por su parte el director general del Teatro de la Maestranza, Javier Menéndez ha señalado que “estamos desolados al tener que suspender nuestra actividad. Esperamos que esta nueva situación afecte al menor número de espectáculos posible. Hasta el día de hoy y con las dificultades existentes de movilidad, aforo y horario, hemos llegado a representar las cuatro funciones de la ópera Cosi fan tutte, pero la pandemia nos vuelve a colocar en una situación de absoluta inviabilidad para la realización de la programación del mes de noviembre. Se ven afectados el concierto de Argentina, Noa, el ciclo de danza Vertebración X, para los que ya estamos buscando nuevas fechas, y la producción de Combattimento”.

En los próximos días se ofrecerá más información sobre el procedimiento a seguir para el cambio o devolución del importe de las localidades de los espectáculos afectados, en el caso de no poder asistir en las nuevas fechas de las actividades aplazadas.

Durante este periodo la taquilla permanecerá abierta para atender al público de 10 a 14 horas.

El Teatro de la Maestranza y la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla mantienen a la venta los espectáculos programados a partir del 1 de diciembre.

Teatro de la Maestranza

Con motivo de la Feria Internacional de Turismo, FITUR, que tendrá lugar en Madrid del 22 al 26 de enero, el Teatro de la Maestranza ha querido aprovechar para presentar los títulos de ópera y el programa doble de zarzuela de la próxima temporada 2020/2021.

Los títulos son los siguientes:

3, 5 y 7 de noviembre, 2020. COSÌ FAN TUTTE de Wolfgang Amadeus Mozart

8, 10 y 12 de diciembre, 2020. JENŮFA de Leoš Janáček

11, 14, 17 y 20 de febrero, 2021. UN BALLO IN MASCHERA de Giuseppe Verdi

18 y 19 de marzo, 2021. LA TEMPRANICA de Gerónimo Giménez / LA VIDA BREVE de Manuel de Falla

24, 27, 29, 30 de mayo; 1, 3 y 5 de junio, 2021. CARMEN de Georges Bizet

FITUR es la primera cita anual para los profesionales del turismo mundial y la feria líder para los mercados receptivos y emisores de Iberoamérica. El Teatro de la Maestranza publicitará su programación para promover que, el turismo que visite Sevilla, pueda conocer su amplia oferta cultural.

Wilhelm Schwinghammer

El joven bajo alemán Wilhelm Schwinghammer debuta mañana en el Teatro de la Maestranza de Sevilla. Cantará el papel de Rocco en la nueva producción de «Fidelio», de Ludwig van Beethoven, y dirigida por su titular, Pedro Halffter. En marzo 2018 volverá a España en una gira de conciertos de «Ariodante» de Händel, la producción se estrenará en febrero 2018 en la Opera national de Vienna (con el maestro William Christie y su orquesta »Les Arts des Florissants«). Los conciertos tendrán lugar en Barcelona (Liceu), Pamplona y Madrid (Teatro Real).

Wilhelm Schwinghammer es uno de los bajos más reconocidos de su joven generación. Su amplio repertorio abarca desde el barroco a la música contemporánea, e incluye los roles más importantes de su tesitura como Figaro (Le Nozze di Figaro), Leporello (Don Giovanni), Sarastro (Die Zauberflöte), Osmin (Die Entführung aus dem Serail), König Heinrich (Lohengrin), König Marke (Tristan und Isolde), Landgraf Hermann (Tannhäuser), Daland (Der fliegende Holländer), Fasolt (Das Rheingold), Rocco (Fidelio), Sparafucile (Rigoletto) y Orest (Elektra). En el futuro incorporará también los roles de Baron Ochs (Der Rosenkavalier) en la Ópera de Estocolmo y en una serie de conciertos con Zubin Mehta en Tel Aviv, y el Re di Scozia (Ariodante) en la Ópera de Viena.

Ha cantado en la mayoría de los principales teatros de ópera como Múnich, Berlín, Dresde, Lyon, Milán, Barcelona, Los Angeles, Washington, Chicago y Hong Kong Arts Festival. Wilhelm Schwinghammer se ha ganado también una sólida reputación como concertistas y actúa habitualmente con renombradas orquestas como la Filarmónica de Berlín, Sinfónica de Boston, Sinfónica de Bamberg, NDR Elbphilharmonie Orquesta y il Concerto Köln. En ópera y conciertos ha sido dirigido por Daniel Barenboim, Zubin Mehta, Kiril Petrenko, Andris Nelsons, Sir Simon Rattle, Marek Janowski, Sebastian Weigle, Philippe Herreweghe, entre otros prestigiosos directores.

En 2005 debutó en el Festival de Salzburgo como Dr. Grenvil en La Traviata con Anna Netrebko y Rolando Villazón. En 2011 volvió al Festival de Pascua de Salzburgo con Salome, dirigida por Sir Simon Rattle. Canta regularmente en el Festival de Bayreuth, donde debutó triunfalmente en 2012 como König Heinrich en Lohengrin, rol que repitió en los años sucesivos, y en 2014 y 2015 cantó, además, Fasolt en Das Rheingold, con dirección escénica de Frank Castorf.

Entre sus éxitos recientes cabe destacar una nueva producción del Ring en Chicago (dirección escénica de David Poutney), el rol titular en la nueva producción de Le Nozze di Figaro de Stefan Herheim en Hamburgo, y, en ese mismo teatro, Osmin en Die Entführung aus dem Serail.

Wilhelm Schwinghammer nació en Baviera e inició sus estudios musicales con los famosos Regensburger Domspatzen. Estudió en la Universidad de Berlín (Universität der Künste) con Harald Stamm y asistió a master-classes con Kurt Moll y Marjana Lipovšek. En 2003 fue admitido en el Programa Joven de la Ópera de Hamburgo y en 2006 entró a formar parte del conjunto estable de dicho teatro. Desde 2017 actúa como artista freelance. Ha sido premiado en diversas ocasiones y el 2009 ganó el prestigioso ARD Music Competition, donde también obtuvo el Premio del Público.

La bohème

La bohème de Giacomo Puccini, una de las óperas más amadas del gran público, pone el broche final al ciclo de ópera del Maestranza en seis funciones entre el 28 de mayo y el 10 de junio.

La producción que ya triunfó en el Palau Les Arts Reina Sofía de Valencia, llega al Teatro de La Maestranza de la mano de su director musical Pedro Halffter, la dirección de escena, escenografía e iluminación de Davide Livermore y como principales intérpretes: Anita Hartig (Mimì), José Bros (Rodolfo), Juan Jesús Rodríguez (Marcello), Mª José Moreno (Musetta), Fernando Radó (Colline), Alberto Arrabal (Benoît / Alcindoro), David Lagares (Schaunard), Francisco Castellano (Parpignol), entre otros. Producción, Palau de les Arts Reina Sofía de Valencia, Real Orquesta Sinfónica de Sevilla,  Coro de la A.A. del Teatro de la Maestranza, Escolanía de Los Palacios.

Las representaciones tendrán lugar los días 28, 31 de mayo, 2, 5, 7 y 10 de junio, 2017.

Argumento

Acto Primero

La Nochebuena de 1830 en el barrio latino de París.

El pintor Marcello y el poeta Rodolfo están trabajando en su estudio en una buhardilla. Ambos tienen frío, pero no hay leña, así que Rodolfo decide echar al fuego su manuscrito. A ellos se une el filósofo Colline y disfrutan un momento del calor de la chimenea. Como el fuego se apaga, los compañeros abuchean al autor. De pronto entran dos recaderos con comida, vino y carbón, seguidos del cuarto bohemio, el músico Schaunard. Éste deja sobre la mesa el dinero que le ha quedado tras las compras y explica cómo lo ha ganado. Los compañeros le ignoran y preparan la mesa. Schaunard se da cuenta de lo que están haciendo y propone que, ya que es Nochebuena, lo celebren cenando fuera.

Llaman a la puerta, es Benoit, el casero, que viene a cobrar el alquiler atrasado. Marcello recibe al viejo y le deja ver el dinero que hay encima de la mesa, pero Benoit cae enseguida en la trampa que le tienden: le hacen beber y le animan a que se jacte de su éxito con las mujeres y, cuando dice que está casado, los compañeros fingen escandalizarse y le ponen en la puerta (sin el dinero del alquiler). En el momento de salir, Rodoldo dice que él se queda, pues debe terminar un artículo, de modo que se reunirá con ellos más tarde. Ya a solas, Rodolfo se da cuenta de que no está de humor para escribir. Le interrumpe una llamada en la puerta: es Mimì, la vecina, que pide fuego para su vela. Cuando cruza el umbral, siente un momento de debilidad y deja caer la luz y la llave de su habitación. Rodolfo recoge la vela y la enciende de nuevo pero, cuando va a salir Mimì, se acuerda de su llave y una corriente de aire apaga otra vez la vela. Buscando la llave en la oscuridad, Rodolfo la encuentra enseguida, pero la esconde, y luego consigue tocar la mano de Mimì, lo cual da pie a que cada uno hable de su vida. De la calle llegan los gritos de sus amigos; Rodolfo, desde la ventana, les cita en el Café Momus. Al girarse y ver a Mimì iluminada por la luz de la luna, se dan cuenta de su amor. Juntos, van a reunirse con los amigos.

Acto Segundo

Un poco más tarde, en el Café Momus, la calle está abarrotada de gente y de vendedores ambulantes que pregonan sus mercancías. Mimì y Rodolfo se detienen en la tienda de una modista, donde compran un gorrito rosa. Luego se unen a los demás y Mimì es presentada con graciosa formalidad. La tranquilidad de los amigos se ve trastornada por la llegada de Musetta, un antiguo amor de Marcello, acompañada de su nuevo amante, el viejo y rico Alcindoro. Al ver a Marcello, obliga a su amante a detenerse en el café y trata de atraer su atención. El comportamiento de la mujer se vuelve cada vez más exagerado, haciendo que Alcindoro se sienta incómodo y, al mismo tiempo, consigue que Marcello se rinda nuevamente a ella. Ahora hay que librarse del viejo y, para ello, Musetta finge un dolor en el pie por culpa del zapato. Cuando envía al viejo a comprar otro par, Marcello y ella se abrazan. Llega la cuenta, pero el dinero de Schaunard ya se ha gastado. El paso de una banda militar permite a los cuatro bohemios, junto con las dos muchachas, confundirse entre la multitud dejando que la cuenta la pague Alcindoro.

Acto Tercero

En la Barrière d’Enfer, una de las barreras de peaje de París, una mañana a primeros de febrero.

Marcello y Musetta viven en una posada del puesto, donde Marcello trabaja pintando unos murales en la fachada. Se presenta Mimì, viene a ver a Marcello para pedirle consejo sobre su relación con Rodolfo, que se está volviendo insostenible. Mimì se lamenta de los celos de Rodolfo; Marcello le aconseja que le abandone. Rodolfo, que llegó mucho antes que ella, y se echó a dormir en un banco, cuando se despierta va a hablar con Marcello. Para evitar que la vea, Mimì se esconde y, escuchando lo que dice Rodolfo, descubre la verdadera razón de su comportamiento: la joven está gravemente enferma y, viviendo con él en tan míseras condiciones, acabará muriendo. Mimì tiene un ataque de tos y Rodolfo, al verla, corre a ayudarla. En la posada resuena una carcajada de Musetta, y Marcello, sospechando un coqueteo de su frívola compañera, entra parar reprenderla. Conscientes ahora ambos de la necesidad de separarse, Mimì pasará a recoger sus cosas, salvo el gorrito rosa, que lo deja como recuerdo. Finalmente, prefieren pasar juntos el invierno; se separarán cuando llegue la primavera. Mientras, en la posada, Musetta y Marcello también acuerdan separarse como resultado de la pelea que acaban de tener.

Acto Cuarto

La misma buhardilla del acto primero, donde Marcello y Rodolfo, ya separados de Musetta y Mimì, fingen trabajar, pero no pueden evitar acordarse de sus compañeras, de las que siguen enamorados. Entran Schaunard y Colline trayendo un miserable arenque por toda comida, que los cuatro consumen con cómica solemnidad. Tras la cena, disponen un baile, en el que Colline y Schaunard intercambian insultos en broma y se retan a duelo, atacándose con la paleta y las tenazas de la chimenea. De improviso aparece en la puerta Musetta: Mimì está en la calle, enferma y demasiado débil para subir la escalera. Rodolfo corre a buscarla mientras los demás preparan la cama. Mientras Rodolfo se ocupa de Mimì, Musetta cuenta que, habiendo oído que Mimì estaba moribunda, fue a buscarla, y la desdichada le pidió que la llevara con Rodolfo. La miseria de los bohemios no les permite hacer nada por ella. Musetta entrega a Marcello sus pendientes para que vaya a empeñarlos y traiga alguna medicina y un médico, aunque acaba saliendo con él para comprar un manguito para Mimì, que ha deseado en su última hora para tener las manos calientes. Colline quiere ayudar empeñando su gabán y, al salir, le dice a Schaunard que él ayude dejándoles solos.

Durante la ausencia de los amigos, Mimì y Rodolfo evocan su amor y su primer encuentro. Cuando regresan Marcello y Musetta, Mimì duerme. Musetta se arrodilla y reza. Poco después, cuando vuelve Colline y pregunta por Mimì, Rodolfo advierte el trágico ambiente en la habitación que los demás ya han percibido: Mimì ha muerto.

Irina Lévian

El día 24 de mayo será la soprano Irina Lévian, ganadora del Certamen de Nuevas Voces Ciudad de Sevilla 2014, la encargada de cerrar el Ciclo de Jóvenes Intérpretes; y lo hará acompañada al piano por Francisco Soriano.

La soprano Irina Lévian nació en 1985, en Krivoy Rog, Ucrania. Estudió en la Academia Internacional de Música A. Nezdanovoy en Odessa (Ucrania) y en la Academia Internacional de Música de P. I. Chaikovsky de Kiev (Ucrania). Se graduó en el Conservatorio Superior de Valencia, bajo dirección de Ana Luisa Chova. Debutó el rol de Euridice en Orfeo ed Euridice en Auditorio de Ribarroja. Durante dos años ha sido cantante en el “Centro de Perfeccionamiento Placido Domingo” en Palau de les Arts de Valencia, también ha participado en Opera Studio de Gijón y y en ISing Suzhou Festival en China.

En 2016, ha debutado en el rol de Mimí de La bohème de Puccini bajo la dirección de Manuel Coves y Davide Livermore, en Palau de les Arts. Interpretó el rol de Violetta en La traviata de Verdi en varios teatros y auditorios de España, incluido Palau de les Arts con Zubin Mehta en la producción de Willy Decker (Cover de Violetta). Ha interpretado este rol en Castellón, Huesca, Monzón, Torrent… También ha cantado el Réquiem de Mozart en Jaén y Magnificat de Bach en el Gran Teatro de Córdoba.

Durante el curso en el «Centro de Perfeccionamiento Placido Domingo» hizo el Cover de Mimí en La bohème de Puccini, bajo la dirección de Ricardo Chailly y Davide Livermore, Cover de Violetta en La traviata de Verdi y de Leonora en La forza del destino con Zubin Mehta y D. Livermore, rol de Oronte en L´incoronazione di Dario de Vivaldi con el Federico M. Sardelli y D. Livermore, Marisa en la zarzuela El dúo de la africana de Manuel Fernández Caballero con José Miguel Perez-Sierra y Emilio Sagi. También ha cantado en recitales y conciertos en el Teatro de la Maestranza, Palacio de Congresos de Sevilla, Auditorio Manuel de Falla de Granada, Palau de la Música de Valencia, y en China en el Shanghai Filarmonic Hall, Auditorio de Suzhou y Concert Hall de Gongzou. Ha trabajado con directores de orquesta como Zubin Mehta, Riccardo Chailly, Federico M. Sardelli, Manuel Coves, José Miguel Perez-Sierra, Maximiliano Murrali, Andrea Battistoni… y directores de escena como Emilio Sagi, Davide Livermore, M. Hummel, S. Martinović…

Ha asistido a clases magistrales con Plácido Domingo, Raina Kabaivanska, Alian Zhu, Hao Jiang Tian, Davide Livermore, Enedina Lloris, Cristina Gallardo-Domas, Ana Luisa Chova, Elena Pankratova, Roger Vignoles, Davide Livermore, Marta Domingo, Luigi Roni, Gregory Kunde, Alberto Zedda, Ernesto Palacio, Massimiliano Murrali…

Ha recibido numerosos premios y menciones de honor como primer premio, Premio de Zarzuela y Premio del Concierto extraordinario en Logroño; primer premio y Premio del Público en “Certamen de nuevas voces de Sevilla”; primer premio en Concurso Internacional de Canto de Colmenar Viejo; segundo premio en “Amigos de Alcoy”; finalista en el Concurso de Francisco Viñas 2016 en Barcelona, Concurso de Montserrat Caballé en Zaragoza, Concorso lírico di R. Zandonai en Riva del Garda (Italia), Concurso “Voci Verdiane” en Busseto (Italia).

Sus futuros proyectos incluyen: Réquiem de Verdi, en el Auditorio Nacional de Madrid, OpernWerkstatt y varias actuaciones en auditorios y teatros de Sigriswill, Bern, Basel o Zúrich en Suiza. Recitales con orquesta, como en el Auditorio de E. Nivelle con la Orquesta Filarmónica de Málaga y conciertos en Logroño.

FRANCISCO MANUEL SORIANO RAMÍREZ – Piano

Natural de Sevilla, completa estudios superiores de piano en el Real Conservatorio de Madrid y becado por el Ministerio de Asuntos Exteriores, Gobierno de Polonia y Junta de Andalucía, estudios de Postgrado en la Academia Superior de Música Frédéric Chopin de Varsovia.

Ha complementado su formación con los consejos de importantes maestros, como Boris Berman, Edward Wolanin, Josep Colom, Joaquín Achúcarro, Bruno Canino o Pascal Rogé entre otros.

Ha ofrecido recitales de piano por toda la geografía española y en Polonia, y en la actualidad el acompañamiento vocal y la Música de Cámara ocupan la mayor parte de su actividad artística. Desde 2002 es profesor titular de piano, y actualmente ocupa la plaza de repertorista de canto en el Conservatorio Superior Manuel Castillo de Sevilla.

Colabora habitualmente con prestigiosos cantantes, así como con óvenes promesas, junto a los que desarrolla una intensa carrera como acompañante y “coach” repertorista, ofreciendo frecuentes recitales y conciertos en importantes auditorios y festivales, como el Festival de Música Española de Cádiz, Auditorio de Zaragoza (Ciclo de la Sociedad Filarmónica), Teatro de la Maestranza, Palacio Real “Lazienki” de Varsovia o Teatro Comunale de Lodi, entre otros.

Colabora habitualmente en Masterclases de prestigiosos maestros de canto. Ha sido profesor repertorista para el Joven Coro de Andalucía, y es el pianista oficial del prestigioso Concurso Internacional de Nuevas Voces de la ASAO (Asociación Sevillana de amigos de la Ópera).

En al ámbito de la música contemporánea, colabora con “Zahir ensemble” en conciertos por toda la geografía española (Conservatorios de Badajoz y Bilbao, Universidad de Salamanca, Teatro Central, CICUS de la Universidad de Sevilla…)

Es director artístico de la compañía “Ópera de Cámara de Sevilla”, especializada en la recuperación de títulos inéditos o pocos frecuentados de la ópera de cámara, y cuya reciente producción de Cendrillon de Pauline Viardot, ha obtenido un gran éxito en el marco del XIV Festival de Música Española de Cádiz. Esta compañia participará en abril en el estreno español de The fall of the house Usher de Phillip Glass, colaborando con “Zahir Ensemble” en el Teatro Central de Sevilla.

Madeleine Peyroux

El domingo 21 de mayo, Madeleine Peyroux regresa al Teatro de la Maestranza donde ya sedujo al público en 2009, tras haberse convertido en una de las voces esenciales de nuestro tiempo.

20 años después de Dreamland, su disco debut, Madeleine Peyroux sigue su viaje musical con Secular Hymns, un álbum que explora más allá de las fronteras de lo ordinario. Una obra de arte maestra llena de alma y de sensualidad envuelta en una cautivadora mezcla de funk, blues y jazz. Acompañada por el trío con el que ha estado girando durante estos dos últimos años -el guitarrista eléctrico Jon Herington y el bajista Barak Mori- Peyroux grabó en vivo una colección de canciones con historias propias, temas de diálogos interiores, conciencia común y esencia espiritual.

“La música ha sido parte central de nuestra vida espiritual”, cuenta Madeleine, “así que creo que estos himnos, estos himnos seculares son temas muy individuales, personales e íntimos”. Con su voz expresiva y seductora Peyroux interpreta temas de artistas seminales del blues (dos de Willie Dixon y uno de Lil Green), de la cantante clásica de góspel la Hermana Rosetta Tharpe, de la estrella del dub Linton Kwesi Johnson, tres de renombrados compositores contemporáneos (Tom Waits, Townes Van Zandt, Allen Toussaint), un tema de Stephen Foster (considerado el primer gran cantautor de América) y finaliza con un canto espiritual de la tradición afro americana.

Es remarcable la manera única en la que esta grabación ha cobrado vida. La historia comienza con un concierto en una vieja iglesia en la rural Oxofordshire, una zona campestre de Inglaterra. El reconocido chef francés Raymond Blanc había adquirido una antigua casa en el diminuto pueblo de Little Milton, la bautizó como “Belmond Le Manoir” y la convirtió en sede de eventos que incluyen una comida de nueve platos. Como parte de la experiencia, antes de la cena invitaba a la gente a visitar a una iglesia cercana de estilo normando perteneciente al siglo XII para escuchar un concierto de música en vivo. El año pasado invitó a Peyroux y a su trio a actuar.

“En la prueba de sonido, estaba cantando ‘Guilty’, un tema de Randy Newman, y la manera en que sonaba mi voz en esa habitación cavernosa fue impresionante”, relata Peyroux. “Tenía un techo de madera que le daba una reverberación a mi voz. Mi ingeniero de sonido Doug Dawson me dijo que debería de grabar un disco ahí”. Fresca después de la experiencia de interpretar ahí su cancionero, regresó con su banda algunos meses después para documentar los himnos seculares que ella y su grupo habían desarrollado cuando estaban de gira.

Peyroux reservó la iglesia de 200 asientos durante tres días -el primer día para la prueba de sonido, el segundo día para un concierto en vivo, que ofreció de manera gratuita a la gente del pueblo, mismo que se grabó, y el tercero para retomar nuevas tomas de la audiencia por si se necesitaban más tarde.

Si bien Peyroux observa que con esto se aleja de lo que es el «el trío regular de jazz» la cantante lleva su sensibilidad de jazz al territorio de la música de raíces de una manera tan conmovedora que captura la celebración y alabanza implícita en las canciones.

Día 21 de mayo, 2017, a las 20,30 horas

MADELEINE PEYROUX

Secular Hymns

Madeleine Peyorux

Voz y guitarra

Jon Herington

Guitarra

Barak Mori

Contrabajo

Grandes Intérpretes

 

Montiel en La Maestranza

Tras casi tres meses metida en la piel de uno de sus personajes fetiche, el protagonista de Carmen, de Bizet, con el que acaba de triunfar en la Ópera de Miami y en el Kursaal de San Sebastián, María José Montiel vuelve a la cartelera sevillana el próximo 25 de febrero para ofrecer un recital junto al piano de Rubén Fernández-Aguirre, experto en acompañamiento de grandes voces. La cita será dentro del ciclo de recitales líricos que el Teatro de La Maestranza de la capital hispalense viene programando en las últimas temporadas e incluirá un repertorio bien conocido por la mezzosoprano española: canciones de Enrique Granados -de quien este año se celebra el 150 aniversario de su nacimiento- se alternarán con obras de los también españoles Ernesto Halffter o Joaquín Turina, sin olvidar a los grandes clásicos del cancionero brasileño, como son los compositores Jayme Ovalle o Heitor Villa-Lobos, o francés, como Reynaldo Hahn, Claude Debussy, Ambroise Thomas o Camille Saint-Saëns. Con este recital María José Montiel volverá a actuar ante el público sevillano, quien la escuchó por última vez en abril de 2016 en una Gala Lírica que celebró el XXV aniversario del Teatro de La Maestranza.

Próximos compromisos llevarán a la intérprete al País Vasco para cantar la Segunda Sinfonía de Mahler junto a la Bilbao Orkestra Sinfonikoa en el Palacio Euskalduna, a Córdoba para brindar nuevamente su famosa versión de Carmen, de Bizet, y a Palma de Mallorca para encarnar a la protagonista de María Moliner, de Antoni Parera Fons y Paco Azorín, una ópera cuyo estreno absoluto tuvo lugar en 2016 en el Teatro de La Zarzuela de Madrid con Montiel en el papel de la gran lexicógrafa aragonesa.

Más información.

Mes de Danza

MES DE DANZA, el festival internacional de danza contemporánea de Sevilla, celebra del 26 de octubre al 6 de noviembre su 23ª edición. El festival acogerá a 22 compañías diferentes y un total de 43 funciones a lo largo de las cuales se trazará una programación ecléctica, en la que juegan en equilibrio transgresión y propuestas más conservadoras.

Un año más, MES DE DANZA tendrá en el ciclo Danza en Espacios Singulares una de sus señas de identidad más reconocibles, llevando la danza a rincones insólitos como el Metro Puerta Jerez, el Archivo de Indias, las pistas de skate de Plaza de Armas o los hoteles Petit Palace Marqués de Santa Ana y Petit Palace Santa Cruz. La programación en sala visitará el Teatro Central, la Sala Manuel García del Teatro Maestranza, el Teatro Alameda y La Fundición.

Creadores como Arturo Parrilla, de la mano de Danza Mobile, Teresa Navarrete, Natalia Jiménez y Jorge Gallardo, Fernando Hurtado, Jesús Rubio, Celeste González, Alberto Cortés, Marta Camuffi o Asha Thomas son algunos de los nombres que pueblan un cartel que contará con tres estrenos absolutos: “En Vano”, de Cía Danza Mobile, “Alf” de Silvia Balvín y Alberto Almenara, y “La Obra Vacía”, de Natalia Jiménez y Jorge Gallardo. “La Obra Vacía”, además, se presenta como la culminación del trabajo de creación de ambos artistas que ya pudo verse dentro del programa Creaciones en Proceso en la edición 22 del festival.

CREACIONES EN PROCESO

El programa Creaciones en Proceso tiene como objetivo proporcionar unos contextos y unos tiempos favorables para la creación coreográfica, facilitando a las compañías residencias artísticas y ofreciéndoles la posibilidad de estrenar su trabajo en el marco del festival. Así, dentro de este programa, este año podrá verse en el Centro de las Artes de Sevilla el work in progress de Miguel Marín, Laura Morales y Roser Tutusaus titulado A life full of rivers and mountains.

Dentro de estas creaciones en proceso, merece una mención a parte Shapers. MES DE DANZA participa junto con otras entidades dedicadas a la promoción de la danza de Francia, Marruecos, Egipto y Bosnia – Herzegovina en el proyecto euro-mediterraneo de formación y de creación Shapers,tutelado por la veterana compañía francesa Ex Nihilo especializada en danza en espacios públicos. Tras su paso por los países socios del proyecto, el resultado final será una obra coreográfica con la participación de 8 jóvenes bailarines provenientes de Egipto, Marruecos, Francia y España. El interés muy marcado en su programación desde sus inicios por la creación coreográfica en espacios públicos además de la contribución a la formación de jóvenes bailarines españoles han sido los alicientes para que MES DE DANZA se sumara a este proyecto, cuyo estreno espera acoger en su próxima edición.

PROYECTO PILOTO

En 2016 MES DE DANZA pone en marcha la experiencia piloto “Mi Cole Baila” es una experiencia piloto, con la que pretende acercar la Danza a las escuelas. Los alumnos de 5º de primaria del Colegio Juan Nepomuceno Rojas de Sevilla trabajarán diariamente durante tres semanas y dentro de su horario escolar una pieza de danza contemporánea. Las clases estarán impartidas por la bailarina y coreógrafa Elisa del Pozo, que lleva años trabajando con la danza como herramienta en el ámbito educativo. La pieza que se trabaje durante las tres semanas de clase se presentará en el Teatro Alameda el sábado 29 de octubre como antesala de la función para la familia del espectáculo “De Flor en Flor”, de la compañía malagueña Fernando Hurtado.

ACTIVIDADES PARALELAS

MES DE DANZA también ofrecerá en 2016 un extenso programa de actividades paralelas. Luis Castilla, fotógrafo oficial del festival desde sus comienzos, reedita su taller “Instantes en Movimientos”, una mirada de autor en la danza; el periodista Omar Kahn impartirá un taller de Periodismo y Danza enfocado a la investigación en torno al contexto actual de la danza en los países del proyecto SHAPERS (Marruecos, Egipto, Francia, España y Bosnia – Herzegovina), incidiendo en los aspectos socio-culturales que condicionan la creación en los cinco contextos sociales en que se desarrolla la iniciativa; por su parte la coreógrafa Matxalen Bilbao impartirá un curso de danza contemporánea en colaboración con el Conservatorio Superior Antonio Ruiz Soler. Las inscripciones para todas estas actividades pueden realizarse a través de mesdedanza.es

Al margen de la formación, MES DE DANZA también acoge dentro del programa de actividades paralelas una sesión de proyecciones en colaboración con el Festival Internacional de Barcelona de Cine y Danza Choreoscope y el SEFF Festival de Cine Europeo de Sevilla.

Como otra novedad reseñable, MES DE DANZA llevará por primera vez la danza contemporánea al Centro Penitenciario Sevilla 1, con la representación especial el día 3 de noviembre del espectáculo “En Vano”, de la compañía Danza Mobile. Una programación en colaboración con SOLIDARIOS, ONG que trabaja desde hace 20 años acercando la cultura a personas que están privadas de libertad, tratando de generar sinergias que favorezcan las relaciones entre los internos, los invitados  y el voluntariado.

COLABORACIONES

Junto con las colaboraciones ya mencionadas, MES DE DANZA vuelve a realizar un intercambio de programación con Festival Circada y a poner en marcha el programa “Carta Blanca A…”, que este año se ha ofrecido a la Fundición de Bilbao, que realiza desde casi 3 décadas una labor extraordinaria a favor de la divulgación de la danza y el apoyo a los creadores vascos y que ha propuesto la programación de Igor Calonge / Cielo Raso, Matxalen Bilbao y Sra Polaroiska. También se ha programado a la compañía ganadora del Certamen Mujer Contemporánea del Costa Contemporánea de Almería (Marta Camuffi).

Tannhauser

Tannhäuser, ópera romántica de Richard Wagner vuelve de nuevo al Maestranza los días 28 de octubre y 1 y 5 de noviembre en una producción del Teatro Wielki-Poznán y el Teatro de la Maestranza con dirección de escena de Achim Thorwald y musical de Pedro Hlaffter al frente de un fabuloso reparto liderado por Peter Seiffert y Ricarda Merbeth.

Días 28 de octubre, 1 y 5 de noviembre, a las 20.30 horas

TANNHÄUSER

Ópera romántica en tres actos de Richard Wagner (1813-1883),

sobre libreto del autor.

Estreno en Teatro de la Corte Real de Sajonia, Dresde, el 19 de octubre de 1845

Tannhäuser und der Sängerkrieg auf Wartburg

(Pariser Fassung), WWV 70

Schott Music GmbH & Co, Kg

Dirección musical                                                                                                 PEDRO HALFFTER

Dirección de escena                                                                                           ACHIM THORWALD

Director del Coro                                                                                                        ÍÑIGO SAMPIL

Escenografía                                                                                                  CHRISTIAN FLOEREN

Vestuario                                                                                                        UTE FRÜHLING-STIEF

Iluminación                                                                                               JUAN MANUEL GUERRA

Coreografía                                                                                                    CAROLINA ARMENTA

REAL ORQUESTA SINFÓNICA DE SEVILLA

Director artístico y musical, John Axelrod

CORO DE LA A.A. DEL TEATRO DE LA MAESTRANZA

Director, Íñigo Sampil

Producción

Teatro Wielki-Poznán / Teatro de la Maestranza

Asistente a la dirección musical                                                                                        Manuel Busto

Asistente a la dirección de escena                                                                             Gregor Acuña-Pohl

Maestra repetidora                                                                                                       Natalia Kuchaeva

Realización de la escenografía, vestuario, utilería y calzado                                 Teatro Wielki-Poznán

Teatro de la Maestranza

Hermann, Landgrave de Turingia                                                                                      ATTILA JUN

Bajo

Tannhäuser, caballero trovador                                                                                 PETER SEIFFERT

Tenor

Wolfram von Eschenbach, caballero trovador                                                     MARTIN GANTNER

Barítono

Walter von der Vogelweide, caballero trovador                                               VICENTE OMBUENA

Tenor

Biterolf, caballero trovador                                                                       DAMIÁN DEL CASTILLO

Bajo

Heinrich der Schreiber, caballero trovador                                             JOSÉ MANUEL MONTERO

Tenor

Reinmar der Zweter, caballero trovador                                                                 DAVID LAGARES

Bajo

Elisabeth, sobrina del Landgrave                                                                      RICARDA MERBETH

Soprano

Venus                                                                                                  ALEXANDRA PETERSAMER

Soprano

Un joven pastor                                                                                             ESTEFANÍA PERDOMO

Soprano

Bailarines                          Sergio González, Leticia Gude, Paloma Jaén Rivas, Rocío Peluaga Lozada

Javier Ruiz de Velasco, Mario Salas, María Sánchez Calatayud, Marta Vilalta Rivas

Niños de la Escolanía de Los Palacios                                David Amodeo Moguer, Alba Caro Brenes

Nerea Triguero Sánchez, Antonio José Troncoso Mateo

Raúl Parejo García, Alba Vargas Crespo

Figuración                                                          Juan Carrillo Rubio, Luis Alberto Domínguez Amador

Francisco Javier Jaro Martínez, Miguel Ángel Luque Cantos

Antonio Felipe Puntas Barrios

Banda interna                    Miguel Carrasco, Manuel Enamorado, Ignacio Gallardo, Joaquín Gutiérrez

Marco Pacyga, Antonio Manuel Reyes, José Luis Reyes

Teatro de la Maestranza

https://www.teatrodelamaestranza.es/programacion.html

Teatro de la Maestranza

El próximo 30 de abril tendrá lugar, en el Teatro de la Maestranza, de la Gala Lírica conmemorativa del XXV Aniversario del Teatro de la Maestranza y de la Orquesta Sinfónica de Sevilla y el XX Aniversario de la creación del Coro de la A. A. del Teatro de la Maestranza.

Con este motivo se ofrecerá una Gala Lírica bajo la dirección orquestal de John Axelrod, con dirección de coro de Íñigo Sampil y la participación de los solistas María José Montiel, Mariola CantareroJuan Pons.

MARÍA JOSÉ MONTIEL

Mezzosoprano

Premio Nacional de Música 2015 otorgado por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte de España, revistas como Opera News (USA), Ópera Actual (España), Opéra Magazine (Francia), L?Opera (Italia) y Orpheus (Alemania) posicionan a María José Montiel como una de las grandes mezzosopranos de la actualidad alabada por la belleza de su timbre, su delicadeza interpretativa y poder comunicativo. En 2014 y 2015 ha interpretado Carmen en Israel e Italia dirigida por Zubin Mehta, un personaje que ha paseado por los escenarios más importantes de Suiza, Italia, Alemania, Francia, España, Japón, China y Estados Unidos. La gitana de Bizet transformó a la mezzo madrileña en toda una revelación internacional y sus colaboraciones con Riccardo Chailly en obras como el Réquiem de Verdi (Viena, Frankfurt, Milán, Budapest, Tokio o Leipzig) han consolidado ese imparable prestigio.

Recientemente ha debutado el rol de Ulrica en Un ballo in maschera de Verdi, en Israel y nuevamente junto a Mehta (julio de 2015) y el personaje de Dalila en Samson et Dalila de Saint-Säens, en México (septiembre 2015); ha cantado el Réquiem de Verdi con La VERDI en Milán como parte de los actos que cierran la Expo Milano 2015 y ha debutado en el Teatro San Carlo de Nápoles como protagonista de Carmen, siempre bajo la batuta del director indio. Entre sus próximos compromisos destacan el estreno absoluto de María Moliner de Antoni Parera, en el Teatro de la Zarzuela de Madrid y Shéhérazade de Ravel, con la Orquesta de Valencia.

Nace en Madrid donde cursa la carrera superior de canto en el Real Conservatorio de dicha ciudad, antes de trasladarse a Viena para perfeccionarse con O. Miljakovic. También cursa estudios de Derecho en la Universidad Autónoma de Madrid, en la que además obtiene el DEA en Historia y Ciencias de la Música.

MARIOLA CANTARERO

Soprano

Granadina de nacimiento, comienza sus estudios musicales en el Conservatorio de su ciudad natal, y posteriormente los amplia con el Catedrático de canto cordobés Carlos Hacar y ya en carrera se perfecciona con Ruthilde Böesch en Viena. Es premiada en diferentes concursos internacionales de canto como el «Francisco Viñas», «Operalia´99», «Pedro Lavirgen» y «A.S.L.I.C.O. 2000» y recibe distintos premios por su trayectoria como «Premio ópera Actual 2002», «Revalación del círculo de amigos del Liceo 2003», «Premio Imagen de la Ciudad de Granada 2003», «Ojo Crítico de RNE 2005», «La Mención de´Honor de la Diputación de Granada»,»La Medalla de Oro de la Ciudad de Granada», así como «La Medalla de Oro de Andalucía 2011».

Debuta en el teatro Carlo Felice de Genova con Le Comte Ory de Rossini, y desde entonces se convierte en soprano habitual de los principales teatros de Europa como el Teatro Real de Madrid, Liceo de Barcelona, Maestranza de Sevilla, la Ópera de Bilbao, Maggio Fiorentino, San Carlo di Napoli, L´Opera di Roma, Rossini Opera Festival, así como en la ópera de Hamburgo, ópera de Bucarest, Berlín, Zurich, Amsterdam, Strasburgo… y más allá de nuestro continente en la Ópera Nacional de Corea, Shanghai Oriental Art center de China, San Juan de Puerto Rico, Santiago de Chile, Ópera de Sao Paulo, Ópera de Detroit, New Jersey…

JUAN PONS

Barítono

Reconocido en todo el mundo como uno de los principales barítonos dramáticos de nuestro tiempo. Sus interpretaciones más reconocidas incluyen Rigoletto, Tosca, La traviata, La fanciulla del west, Gianni Schicchi, Pagliacci, Madama Butterfly, Cavalleria rusticana, etc.

A lo largo de su carrera, Juan Pons ha cantado regularmente con las compañías operísticas más prestigiosas del mundo, como por ejemplo: La Scala de Milán, el Metropolitan Opera House de Nueva York, la Ópera Estatal de Viena, el Covent Garden de Londres, el Teatro de la Bastilla de París, la Ópera Estatal de Baviera, Hamburgo y Zúrich, el Gran Teatre del Liceu, el Teatro de la Zarzuela, el Teatro Real, las óperas de Roma y Florencia, el Teatro La Fenice de Venecia, el Teatro Comunale de Bolonia, el Teatro Regio de Parma, la Arena de Verona o las Termas de Caracalla, entre muchos otros.

Programa:

I

Richard Wagner (1813-1883)

Tannhauser  (coro de invitados)

George Bizet (1838-1875)

Carmen

Prelude

Habanera  (Mª José Montiel y coro)

Aria de las cartas (Mª José Montiel)

Chanson Boheme

Franz Lehár (1870-1948)

La viuda alegre

            Vilja Lied  (Mariola Cantarero)

Giuseppe Verdi (1813-1901)

Il Trovatore

            Coro de Gitanos

Giacomo Puccini (1858-1924)

Tosca

            Te Deum  (Juan Pons y coro)

         II

Richard Wagner (1813-1883)

El ocaso de los dioses

III acto  “selección”

Ballet

Los días 7, 8, 9 y 10 de enero de 2016 el Teatro de la Maestranza de Sevilla presenta Aalto Ballett Essen interpretando Romeo y Julieta, con música de de Sergei Prokofiev y coreografía de  Ben Van Cauwenbergh. Y a la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla bajo la dirección de Johannes Witt y Yannis Pouspourikas.

Romeo y Julieta

El amor absoluto e incondicional de Romeo y Julieta inspiró a muchos compositores desde Bellini a Gounod, Tchaikovski y Bernstein pero es sin duda la partitura de Prokofiev que se ha acercado más a la tragedia Shakespeare.

Prokofiev estaba buscando algo lírico cuando le vino en mente la más conocida y trágica pareja de Shakespeare: Romeo y Julieta. Pero la transformación del hito literario del año 1596 en gran ballet amenazó con fallar, ya que “personas vivas pueden bailar y personas moribundas no bailan acostadas”. Si Romeo solo llegara un poco antes y encontrara a Julieta viva, la historia pudiera tener un final feliz.

Prokofiev estaba dispuesto a hacer algo para solucionar el problema coreográfico y transformar en éxito su ballet en su país natal. Al final decidió sin embargo quedar fiel a la obra y encontró la solución para el final mortal en un universo sonoro abrumadoramente conmovedor. El enclavamiento del material literario mundial y la expresión musical altamente emocional hace de Romeo y Julieta uno de los ballets más significantes.

A través de sus temas de amor tierno de ensueño, expresiones pujantes de hostilidad y dramáticas escenas de lucha, esta tragedia de Shakespeare crea el amor, los celos, el odio, el perdón y la muerte en todos sus sentidos. La interpretación del director artístico Ben Van Cauwenbergh combina la historia de la obra de Shakespeare y la inmediatez del lenguaje musical de Prokofiev con el vocabulario dancístico neo-clásico para crear una velada de ballet intemporal en la cual la Muerte mantiene al Amor vivo.

Maestranza

Días 2, 4 y 5 de diciembre, 2015
LOS DIAMANTES DE LA CORONA de Francisco Asenjo Barbieri
Dirección Musical: Oliver Díaz
Dirección de Escena: José Carlos Plaza
Principales Intérpretes: Sonia de Munck, Cristina Faus, Carlos Cosías, Fernando Latorre, Ricardo Muñiz
Producción: Teatro de la Zarzuela
Real Orquesta Sinfónica de Sevilla
Coro de la A.A. del Teatro de la Maestranza
Zarzuela

Día 3 de diciembre, 2015 (Sala Manuel García)
GABRIEL UREÑA. Violonchelo
Ludwig van Beethoven, Sonata nº 3
Robert Schumann, Fantasie-Sucke
Dmitri Shostakovich, Sonata para piano y violonchelo, op.40
Jóvenes Intérpretes

Día 10 de diciembre, 2015. Función para familias
Días 9, 10 y 11 de diciembre, 2015. Seis sesiones matinales para Centros de Educación
GUILLERMO TELL de Gioacchino Rossini
Adaptación, Dramaturgia y Dirección: La Baldufa (Enric Blasi, Emiliano Pardo y Carles Pijuan)
Adaptación Musical: Albert Romaní
Dirección Musical: Olga Kharitonina
Dirección de Escena: Ramón Molins
Escenografía y vestuario: Carles Pijuan
Principales intérpretes: Maia Planas, Marta Valero, Xavier Mendoza
Producción: Gran Teatre del Liceu
En colaboración con la Obra Social “la Caixa”
Ópera para Escolares y Familias

Día 11 de diciembre, 2015
CONCIERTO BENÉFICO FUNDACIÓN BANCO DE ALIMENTOS DE SEVILLA
REAL ORQUESTA SINFÓNICA DE SEVILLA
Director musical, Sebastian Perlowski
Soprano, Irina Lévian
Ludwig van Beethoven, Sinfonía nº 2, en Re mayor, Op. 36
Giuseppe Verdi, La forza del destino (Obertura-Pace, pace mio Dio) / Don Carlo (Tu che le vanità)
Gerónimo Giménez, La boda de Luis Alonso (Intermedio)
Federico Moreno Torroba, La marchenera (Tres horas antes del día)
Pablo Luna, El niño judío (De España vengo)
Con el patrocinio de Fundación Cajasol – Ebrofundación – KonectaConciertos
Conciertos

Día 12 de diciembre, 2015
NEW YORK CHAMBER ORCHESTRA
Sociedad Coral Excelentia de Madrid
Dirección musical: Kynan Johns
Barítono: Johannes von Duisburg
Tenor: Michael Heim
Soprano: Lee Bisset
Ludwig van Beethoven, Sinfonía nº 9 «Coral»
Organiza: La Razón / Fundación Excelentia
Conciertos

Días 15 y 16 de diciembre, 2015
FARRUQUITO Y FAMILIA
Flamenco

Días 17 y 18 diciembre, 2015
REAL ORQUESTA SINFÓNICA DE SEVILLA. Concierto Participativo de Navidad
Colabora, Obra Social Fundación «la Caixa»
Conciertos

Día 20 de diciembre, 2015
CONCIERTO DE NAVIDAD
Programa de Villancicos
Orquesta de Cámara de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla
Dirección musical: Vladimir Dmitrienco
Dirección de escena: Maribel Macías
Conciertos

Días 27, 28 y 29 de diciembre, 2015
EL PEQUEÑO DESHOLLINADOR de Benjamin Britten
Dirección Musical: J. Manuel Busto
Dirección de Escena: Juan Dolores Caballero
Escolanía de Los Palacios
Producción: Teatro de la Maestranza
Ópera para Familias

Fiorenza Cedolins

Fiorenza Cedolins, una de las grandes divas de la última generación de cantantes líricas regresa al Teatro de la Maestranza, donde en 2011 emocionó al público con su gran Isabel de Valois del Don Carlo de Verdi, esta vez para mostrar su arte desnudo en un recital de arias acompañada por la pianista bielorrusa Inessa Filistovich.

Poseedora de una de las voces líricas de registro amplio más interesantes de nuestros días Fiorenza Cedolins ha sido, a lo largo de su carrera, un modelo de profesionalidad y amor al “bel canto”. La crítica ha elogiado unánimemente su timbre cálido, su dicción clara y su esmerada técnica que le han permitido, ya desde sus comienzos, enfrentarse a un repertorio que va desde el primer Verdi hasta el Verismo, sin olvidar al Bellini de Norma.

En la velada del próximo domingo, interpretará obras de Puccini, Albéniz, Falvo, Cotrrau, Granados, Giordano, Manuel de Falla, Glinka o Mascagni, entre otros compositores que hicieron del “bel canto”, en un periodo u otro, una de las expresiones musicales más emocionantes de la Historia.

Para esta ocasión y, como viene ocurriendo asiduamente desde hace unos años, Fiorenza Cedolins estará acompañada por la pianista Inessa Filistovich, habitual colaboradora de la Scala de Milán y de otros grandes intérpretes como Mirella Freni, Jaume Aragall o Bruno Cavallo.

Las entradas, cuyos precios oscilan entre los 36 € para patio y los 21 € para Paraíso, se pueden adquirir en las taquillas del Teatro, o bien a través de Internet en la web http://ww.teatrodelamaestranza.es/

15 de marzo 2015, a las 20,30 horas

Programa

I

Giacomo Puccini (1858-1924)

Vissi d’arte de Tosca

O mio babbino caro de Gianni Schicchi

Isaac Albéniz (1860-1909)

Malagueña de España

Rodolfo Falvo (1873-1937)

Dicitenciello vuje

Teodoro Cottrau (1827-1879)

Santa Lucia

Guglielmo Cottrau (1797-1847)

Fenesta ca lucive, atribuido a Vincenzo Bellini (1801-1835)

Francesco Paolo Tosti (1846-1916)

A vucchella

Salvatore Cardillo (1874-1947)

Core ‘ngrato

Luigi Denza (1846-1922)

Funiculì funiculà

Enrique Granados (1867-1916)

Andaluza de Doce danzas españolas

Giacomo Puccini (1858-1924)

In quelle trine morbide de Manon Lescaut

Tu che di gel sei cinta de Turandot

 

II

Umberto Giordano (1867-1948)

La mamma morta de Andrea Chénier

Mikhail Glinka (1804-1857)

Nocture ‘La Séparation’

Fernando Obradors (1897-1945)

Del cabello más sutil

Manuel de Falla (1876-1946)

Nana de Siete canciones populares españolas

Arrigo Boito (1842-1918)

L’altra notte in fondo al mare de Mefistófele

Rodión Shchedrín (1932)

A la Albéniz

Pietro Mascagni (1863-1945)

Son pochi fiori de L’amico Fritz

Voi lo sapete o mamma de Cavalleria rusticana

DeLucía

El Teatro de la Maestranza cierra el Ciclo de Flamenco el próximo día 25 de febrero, a las 20,30 horas, con el espectáculo Homenaje a Paco de Lucía, en el que seis guitarristas se reúnen, en el primer aniversario de su ausencia, para homenajear a la figura que revolucionó el género.

Paco de Lucía falleció el 25 de febrero de 2014, fecha que se ha escogido en 2015 para este sentido homenaje en el que participan tantos guitarristas como cuerdas tiene el instrumento. Son Antonio Sánchez, sobrino del propio Paco de Lucía y con el que participó como segunda guitarra en una gira; el joven Dani de Morón, reconocido como uno de los mejores guitarristas de su generación; el también sobrino del genio de Algeciras José María Bandera Sánchez, partícipe en algunas giras con su tío; el guitarrista clásico José María Gallardo Rey, que ha colaborado con directores de orquesta y formaciones de relevancia internacional; el músico y compositor Juan Carlos Romero, integrante de giras y actuaciones con, entre otros, Manolo Sanlúcar, Carmen Linares, Miguel Poveda o Javier Barón; y el músico jerezano Gerardo Núñez, quien se ha adentrado en otros estilos como el jazz.

En el Homenaje a Paco de Lucía, cada uno de los seis músicos interpretará desde su punto de vista una obra compuesta por el maestro y otra creada por ellos mismos. Finalmente, estas seis guitarras sonarán juntas en un éxtasis final que busca que el tiempo nunca pase por su música haciéndola eterna.

Bajo la idea original y guión de Fernando González-Caballos, la dirección artística de José Luis Ortiz Nuevo, contará con el Montaje Audiovisual de Curro Sánchez Varela, ganador del último Goya al Mejor Documental por “ Paco de Lucía, la búsqueda”.

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