Enric Martínez-Castignani

El barítono Enric Martínez-Castignani interpreta el papel de Don Alfonso en la emotiva ópera “Così fan tutte” de Wolfgang Amadeus Mozart en el Teatro Calderón de Valladolid. El cantante y gestor cultural se une a un gran elenco que incluye voces
como las de Jaquelina Livieri como Fiordiligi, Carmen Artaza como Dorabella o Joel Prieto como Ferrando.

Bajo la dirección de Carlos Aragón, esta coproducción del Teatro de la Maestranza de Sevilla y el Teatro Calderón, cobra vida gracias a la gran visión creativa de Rafael R. Villalobos en escena y vestuario. Emanuele Sinisi aporta su destreza en la escenografía mientras que Albert Faura ilumina cada matiz visual de este clásico del repertorio mozartiano.

Tras Las bodas de Fígaro y Don Giovanni, Mozart y su libretista da Ponte completan con Così fan tutte su perspicaz trilogía sobre la naturaleza humana impartiendo una clase sobre la fragilidad del amor con una ópera que es una obra maestra del teatro cantado y de la alta comedia. En palabras de Enric Martínez- Castignani: “Para mí, cantar a Don Alfonso, pese a su gran dificultad, siempre ha sido un masaje vocal y un reto interpretativo. Es un personaje que cada vez que lo hago, vuelvo a estudiarlo de cero para encontrar matices y colores nuevos, y profundizar en su compleja personalidad y sabiduría”.

Con este papel, Enric Martínez-Castignani continúa la línea de otros roles operísticos propios del repertorio bufo-belcantista en los que se ha especializado a lo largo de su carrera. Unos papeles en los que ha sido elogiado por público y crítica tanto por sus cualidades vocales e interpretativas como por sus dotes actorales. Así, el barítono ha brillado como Don Pasquale/Malatesta en Don Pasquale, Bartolo en Il Barbiere di Siviglia, Dulcamara en L’elisir d’amore, Taddeo en L'Italiana in Algeri, Dr. Kolenaty en Vec Makropulos, Don Magnifico en La Cenerentola o Lescaut en Manon Lescaut.

Tras una extraordinaria temporada 2023, en la que, entre otros hitos, destacó su debut como Comte Capulet en Romeo et Juliette en Òpera Catalunya, la temporada 2024/25 estará marcada por su regreso a la ABAO en un papel principal, después de su último Bartolo del "Barbiere di Siviglia" con ellos. También podremos ver al cantante en ‘Doña Francisquita’ en el papel de Don Matías que interpretará en el Gran Teatro de Córdoba en el mes de febrero, rol que ha cantado en diferentes ocasiones en 2023 con motivo del centenario del estreno de la obra.

Fotografía (c)Ricardo Rios Visual Art

Cantante de ópera y gestor cultural

Enric Martínez-Castignani combina un doble perfil como cantante de ópera y como gestor cultural. En esta faceta ha sido creador y director artístico del “Lied Festival Victoria de los Ángeles” (LIFE Victoria-BCN) de 2011 a 2016, en el que, a través de múltiples propuestas y en un tiempo limitado, se ofrecía al público conciertos-experiencia y debates para acercarlos progresivamente al mundo del lied. En su labor como divulgador y docente da seminarios y conferencias por todo el país, es profesor del Máster de Gestión Cultural de la Universidad Carlos III de Madrid y además este curso imparte clases en el Máster de Gestión Cultural de la Universidad Complutense de Madrid.

También en esta línea, presentó en Barcelona el informe “Análisis de prácticas de equipamientos y programaciones internacionales de música clásica y ópera”, elaborado por encargo del Consell Nacional de la Cultura i de les Arts (CoNCA) en el que Enric Martínez- Castignani aborda las mejores prácticas para la gestión de teatros de ópera, auditorios y festivales. Este trabajo reúne ideas, reflexiones y análisis en torno a los problemas del sector, estudiando aspectos clave dentro del análisis de prácticas innovadoras como la tecnología y la digitalización, la propuesta creativa y el soporte a la música contemporánea, así como la
implicación con el desarrollo profesional de las jóvenes generaciones de artistas, los trabajos de públicos y audiencias o el compromiso con la Agenda 2030.

Centro Cultural Miguel Delibes

El consejero de Cultura, Turismo y Deporte de la Junta de Castilla y León, Gonzalo Santonja, junto al director del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), Francisco Lorenzo, y el gerente de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, Jesús Herrera han presentado hoy la segunda edición del ‘Ciclo de Recitales y Música de Cámara’ de Valladolid.  La programación contará con diez conciertos de los cuales el CNDM coproduce tres, que estarán protagonizados por el Cuarteto Cosmos (4 de octubre), el Cuarteto Casals (9 de enero) y el Cuarteto Quiroga (1 de junio). Los conciertos tendrán lugar en el Centro Cultural Miguel Delibes desde el mes de octubre y hasta el mes de junio del próximo año.

Con esta nueva coproducción, el CNDM amplía su oferta cultural e incorpora Valladolid a sus Circuitos Nacionales, los ciclos y festivales que organiza con el objetivo de articular una programación musical plural y de calidad por toda la geografía española. Además de en esta ciudad castellanoleonesa, el CNDM estará presente en esta región durante su temporada 23/24 en las ciudades de Ávila, Burgos, Salamanca, Segovia y León. Esta colaboración representa un paso más en su compromiso por desarrollar proyectos de alta calidad fuera de las grandes capitales que refuerzan la vertebración del territorio.

El ciclo de Recitales y Música de Cámara tiene una programación que incluye la participación de los tres cuartetos más reconocidos del panorama nacional, junto a agrupaciones de la OSCyL y solistas de primer nivel. En el marco de la presentación, Gonzalo Santonja ha destacado “el entusiasmo que genera este nuevo ciclo tras el éxito del celebrado la pasada temporada y que contribuye a fortalecer el proyecto artístico de la OSCyL”. Por su parte, Francisco  Lorenzo ha destacado el apoyo que supone a los intérpretes españoles y, en particular, a las agrupaciones camerísticas: “Hace 20 años, en nuestro país apenas existían agrupaciones de este tipo. Y gracias al esfuerzo del sector, a la valía de nuestros músicos y a coproducciones como esta, España está viviendo un momento ejemplar en relación a la música de cámara”.10 conciertos de octubre a junio

El primer recital será el miércoles 4 de octubre, a cargo del Cuarto Cosmos. Fundado en 2014 y premiado en numerosos concursos de relevancia internacional, interpretará dos obras separadas por casi dos siglos en el tiempo: el Octeto en fa mayor de Franz Schubert y el Octeto de Jörg Widmann, uno de los compositores más interesantes del momento. El cuarteto está formado por Bernat Prat, violín; Helena Satué, violín; Lara Fernández, viola y Oriol Prat, violonchelo. El recital contará, además, con artistas invitados.

El 12 de noviembre será el turno del guitarrista de música popular brasileña Yamandu Costa, que ofrecerá un concierto que mostrará la variedad del folclore brasileño y diversos ritmos latinoamericanos.

El 18 de diciembre, el violinista y director de orquesta vallisoletano Roberto González-Monjas, asiduo de la OSCyL y quien fuera principal artista invitado del Centro Cultural Miguel Delibes, ofrecerá un recital junto con el pianista alemán Herbert Schuch.

El 9 de enero, llegará la segunda de las colaboraciones con el CNDM, a través del más veterano de los tres cuartetos españoles que conforman esta colaboración: el Cuarteto Casals, formado por Abel Tomàs, violín; Vera Martínez Mehner, violín; Jonathan Brown, viola y Arnau Tomàs, violonchelo. Interpretará la conocida obra de Johann Sebastian Bach, El arte de la fuga.

El clarinetista sueco Martin Fröst unirá fuerzas junto a instrumentistas de cuerda de la OSCyL el 21 de febrero, para interpretar el famoso Quinteto con clarinete de Wolgang Amadeus Mozart, así como una selección de su álbum Night Passages, con la participación de Sébastien Dubé al contrabajo.

El 22 de marzo, un Ensemble de la  OSCyL dirigido por Jorge Francés, ofrecerá una versión brillante del Viaje de invierno de Schubert, escrita por Hans Zender y cantada por el tenor Werner Güra.

Otro de los grupos españoles jóvenes más prometedores, el cuarteto de saxofones Kebyart estará en el CCMD el 13 de abril, tras la gira que acaba de concluir por algunas de las salas más importantes de Europa, con un programa que ofrece un muestrario sonoro con la danza como eje central: desde el Barroco francés de Jean-Philippe Rameau, a la retrospectiva vanguardista hacia el estilo barroco realizada por Maurice Ravel.

El 5 de mayo, el célebre Cuarteto Casals ofrecerá un recital que incluye el noveno de los cuartetos para cuerda de Dmitri Shostakóvich. En la segunda parte del programa, el Cuarteto Casals unirá fuerzas con doce músicos de cuerda de la OSCyL para interpretar una de las grandes obras del repertorio: el gran Octeto, op. 20 de Felix Mendelssohn, en una versión extendida para dieciséis músicos.

Tras su actuación con la OSCyL en enero de 2022, el poeta del piano y virtuoso argentino Nelson Goerner ofrecerá, el 18 de mayo, en formato de recital, un programa con obras de Georg Friedrich Händel, Robert Schumann, Serguéi Rajmáninov y Mili Balákirev.

El 1 de junio concluye la programación con la última de las colaboraciones en esta temporada del ciclo con el CNDM, a través del Cuarteto Quiroga, grupo residente de la temporada 23-24 del Centro Nacional de Difusión Musical en la celebración de su vigésimo aniversario y que aprovechará para presentar una nueva obra de una de las compositoras referentes de la actualidad en nuestro país: Raquel García Tomás. La formación también interpretará la primera entrega de la monumental serie de cuartetos beethovenianos, así como cuartetos de Béla Bartók y Arnold Schönberg.

Entradas y abonos a la venta

Los abonos, con precios entre 112 y 150 euros para los diez conciertos, y las entradas, con precios entre 15 y 20 euros, estarán a la venta a partir del lunes 18 de septiembre, con abonos que fomentan la fidelización del público a través de descuentos y precios especiales para los abonados de la OSCyL. Además, también se contemplan descuentos para los colectivos de mayores de 65 años, desempleados, personas con discapacidad y familias numerosas, así como para estudiantes de música de Castilla y León. Venta en las taquillas del Centro Cultural Miguel Delibes y en https://www.centroculturalmigueldelibes.com/

Irene Alfageme
Llega con paso firme y sonriente al lugar donde hemos quedado. Irene Alfageme pertenece a una generación de jóvenes intérpretes que, sin necesidad de pompa, más sólidamente está construyendo su carrera de piano. Habla de manera apasionada de su profesión como pianista y profesora de repertorio vocal en la Escuela Superior de Canto de Madrid. Reclamada por alguno de los más importantes lideristas del panorama internacional como pianista acompañante, acaba de publicar un CD de canciones de Jesús Legido, al que pone voz Raquel Lojendio. Hoy nos habla, entre otras cosas, de todo lo que ha rodeado este trabajo.
Brío Clásica: ¿Qué tiene Jesús Legido, además de ser de Valladolid, para que haya sido el objeto primero de su tesis y ahora haya grabado este CD?

Irene Alfageme: Para mi fue una sorpresa encontrarme con su música, porque no le conocía. Le conocí en el ensayo de su concierto con el oboísta Sebastián Gimeno y con la Sinfónica de Castilla y León, querían hacer un ensayo a piano y me llamaron. Fue a partir de ahí cuando estudié su obra. Al trabajar con él, me atrajo muchísimo su música y le pregunté si por casualidad tenía repertorio para voz y piano. Mi sorpresa fue increíble cuando vi aquel repertorio. En un primer momento, al tocar sus obras al piano pensé, ¿Y esto, por qué no se toca más? ¿Por qué no se conoce y no está en las salas de concierto? Y fue entonces cuando me lancé y empecé a ver el corpus y el color que tenía, los poetas que elegía y los mundos que describía, pensé que quería algo más.

Entonces, como me interesaba muchísimo la música del siglo XX y en la escuela trabajo con todo el repertorio español y cómo se funden texto y música, decidí que sería el tema de mis tesis, que está basada en la métrica española. Y para eso las canciones de Jesús Legido son impresionantes. El respeto que tienen hacia el texto y cómo desarrolla su música a través de los poemas.

Otro elemento que me atrajo es que introduce en muchas de las canciones el recitado sobre música, es decir, recita el poema y además utiliza diferentes sistemas de notación. Jesús me decía que buscaba contraste con la parte cantada. Y esto es muy curioso, porque se utiliza relativamente poco en la canción española, pero si se utiliza en los melodramas. Esto me interesó mucho y me puse a investigar. Mi sorpresa fue descubrir que había un género en el siglo XIX que se llamaba Sinfo Mela y que era muy habitual en los recitales de salón. Po ejemplo, las rimas de Albéniz son un género Sinfo Mela.

B.C: Entonces, este CD es el proyecto final de la tesis.

I.A: El CD es el resultado final de la tesis. Pensaba que era una pena que no pudiera materializar todo ese trabajo. Por eso hice una selección, escogí todos los ciclos que nunca se habían grabado.

Pienso que la canción española es la gran abandonada de la musicología española. Sobre música española hay muy pocos trabajos, y si te pones a buscar análisis concienzudos, no los encuentras. Ahí mi tutor, que es fantástico, Iván Iglesias, me llevó muy bien, sobre todo ayudándome a establecer el método y el modelo que iba a analizar.

Mi objetivo final con la tesis era la interpretación, es la interpretación, y que el resultado se aplique como modelo analítico a todo el repertorio que hay.

B.C: Háblenos sobre Cuadernos secretos, el CD que acaba de presentar, y como se realizó la selección de las obras.

I.A: Para hacer la selección escogí todos los ciclos que nunca se habían grabado de Jesús Legido. Una curiosidad de esta selección es que la “oración en silencio”, que aparece en el CD, no estaba en su catálogo. La descubrí en 2015, Jesús había venido a un recital en la Escuela de Canto para charlar y compartir con los alumnos. Fue un encuentro precioso, y al final me dijo, como me estás haciendo revolver todos los papeles, he encontrado esta partitura de cuando estudiaba con Montsalvatge. Nunca la puse en el catálogo, porque no estaba convencido de ella. Pero cuando la escuchó, le gustó y la incluyó en el catálogo y también en el CD.

El CD está estructurado en la temática de sus canciones, que son el amor, la muerte y la vida, inspirado en el poema de Miguel Hernández Tres heridas. Llegó con tres heridas la de la vida, la del amor, la de la muerte.

Si analizas la temática de todas las canciones, de las 118 canciones que tiene, ves que la muerte es un tema muy recurrente en su primera etapa. Como en los poemas de Miguel Hernández.

Luego hace un canto a la vida, porque así es su música. Y por eso al final del disco aparece “Soledades”, que es un canto de amor a la vida, a la esperanza y a sus raíces. Por eso aparece “Romances del Bajo Duero”, que es un ciclo que él interpretó mucho en conciertos, él es muy buen pianista. Son unas canciones preciosas, con un piano difícil, muy virtuoso, pero es la conexión de todas las antologías, de todas las canciones españolas. Me parece una transición, una elaboración armónica estupenda que da a la obra un sentido y una línea.

B.C: A este trabajo le pone voz la soprano canaria Raquel Lojendio ¿Por qué pensó en ella para llevar al disco estas canciones de Legido?

I.A: Pues lo tuve clarísimo, porque son unas canciones que tienen una vocalidad muy complicada, requiere una voz que tenga mucho cuerpo, con capacidad de subir al agudo y de bajar al grave, hay que tener grave.
Nosotras coincidimos en un ensayo a piano de la vida breve y ahí la escuché. Sobre todo, la manera en la que Raquel recita, como trata el texto, lo músico que es.

Recuerdo haberla llamado en pleno confinamiento de la pandemia y decirle: ¿Raquel, tengo esto en la cabeza, Te animas? Me dijo que sí, y se vino conmigo.

Con ella es como jugar en el escenario, nos compenetramos de maravilla. Estar en el escenario con ella es mágico.

B.C: Además de grabar este trabajo, usted realiza recitales como pianista acompañante, ¿Qué es exactamente y en qué consiste la figura de pianista acompañante?

I.A: A mí no me gusta mucho la palabra acompañante, parece que estás un poco en segundo plano, y es una figura fundamental porque se trata de música de cámara.

El pianista es el colchón de la voz. Tienes que conocer la respiración, ser muy intuitivo y si algo va mal, tener recursos para tirar adelante. Eres el compañero de viaje. En función de lo que tú hagas, el sonido se funde o no. Eres el principal apoyo.

B.C: ¿Y la figura del repetidor y repertorista? Porque son también figuras muy importantes y apenas se ve su trabajo.

I.A: La labor es muy distinta sobre el escenario o en los ensayos. La figura del repertorista o vocal coach, es el que musicalmente trabaja el repertorio con el cantante, cuando prepara un recital o está estudiando un personaje para una ópera. En esos momentos tú eres sus oídos. Porque ellos no tienen desde dentro la misma percepción que puedes tener tú. De esa manera, puedes aconsejarles sobre la fonética del texto, la música, qué puede pedirles el director. Puedes plantearles todas las posibles opciones que tienen.

Luego está la figura del correpetidor, que también me gusta mucho, pero es muy ingrato, porque es un trabajo muy intenso que nadie te reconoce, salvo los compañeros que saben lo que es. Es un trabajo que no se ve, pero es impresionante. Es como más he aprendido de los cantantes y de grandes directores, porque en determinados momentos, ejerces de director.

B.C: ¿Un pianista acompañante, qué cualidades tiene que tener?

I.A: Lo primero, necesita saber muchos idiomas, italiano, francés, inglés, alemán… Eso son los básicos. Necesitas mucho conocimiento del repertorio, experiencia y mucha empatía. Y claro está, pianísticamente muchos conocimientos y una paleta de colores muy amplia, para saber trabajar siempre con los diferentes estilos. Y también mucha paciencia con los cantantes (risas). Muchas veces eres para ellos un apoyo psicológico. Los cantantes tienen vidas muy duras y muchas veces eres un pilar para ellos. Te piden consejo, desde un estudiante hasta grandísimos cantantes.

Es una relación muy importante la que se establece entre el pianista y el cantante, es una relación de confianza, ellos se fían de ti. Y eso que a veces somos muy duros, porque hay que serlo también. Es muy generosa la figura de pianista acompañante, porque el éxito luego se lo va a llevar el cantante, no te lo llevas tú. Normalmente, los mejores pianistas son los que más desapercibidos pasan. Si tuviera que definir con una palabra que es ser pianista acompañante sería generosidad. Es tocar para otros, pero dando todo lo que tú tienes.

B.C: Ha llegado alguna vez de repente, a tocar con alguien sin poder ensayar, ¿cómo fue?

I.A: Brian Terfel y Plácido Domingo. ¡Así, con estos dos! (risas). Ensayar 5 minutos antes de empezar, ¡y ya está! Ahí es sangre fría, profesionalidad. Confiar y ser flexible a lo que propongan. Ser valiente y arriesgar. No puedes mostrar inseguridad al cantante y hay que tener muy claro lo que le vas a proponer, esa es la magia de la música y con Terfel fue maravilloso. Yo estaba en el Auditorio Nacional correpitiendo un Holandés errante y fue él quien dijo que quería que yo fuera su acompañante en el recital. Y eso que el texto era en galés y no entendía lo que estaba escrito, pero entonces tenía ya mucha experiencia.

B.C: Hasta ahora hemos hablado de su trabajo como pianista acompañante, pero también realiza recitales en solitario y con orquesta ¿Cómo es tocar con una orquesta?

I.A: Cuando tocas con orquesta todo es mucho más directo, tienes que ir al límite por detrás de ellos para acabar juntos y jugar con las distancias, porque cada instrumento es diferente.

Tocando con orquesta es donde he hecho mi paleta de colores. Yo necesito la orquesta para retroalimentarme y seguir buscando colores en mi piano. Por ejemplo, con Natalia Ensemble hacíamos reducciones de sinfonías de Mahler. Ahí, mi primera partitura estaba casi en blanco, y yo iba sustituyendo los instrumentos que no estaban, violines o vientos. Buscaba la sonoridad, trataba de imitar el pizzicato del contrabajo con la reverberación, con el pedal. Es como soñar a ser mago de los sonidos, intentar hacer otros sonidos con el piano.

B.C: ¿Existen muchas diferencias entre acompañar una voz o acompañar un instrumento?

I.A: Hay diferencias, claro, y depende mucho del instrumento. Por ejemplo, la flauta es muy parecida a la voz, hay que respirar juntos y todo es muy similar. Pero, por ejemplo, con las castañuelas, y tengo un recital a finales de mayo con Tomás Martín, es muy diferente. Para acompañar a las castañuelas tengo que reforzar el punto percutivo del piano. Las castañuelas hacen ¡clack! y es ¡clack! (risas), y claro, tengo que ser mucho más rápida en los ataques. Y técnicamente es complicadísimo seguir un virtuosismo como este. Es a una velocidad que no te permite tanta libertad como te permite la voz. Pero es un repertorio que funciona fenomenal con el público.

También tienes que crear colores nuevos y hacer, por ejemplo, el legato que la castañuela no puede hacer. Es un trabajo muy difícil, porque en cualquier momento puede haber una desincronización. Pero funciona muy bien.

B.C: Dentro del acompañamiento de piano, ¿en qué pianistas se fija y cuáles son los criterios para valorarlos?

I.A: Yo a quien adoro es a Gerald Moore. Para mí es de lo mejor. Como referencia tengo también a Zanetti y Lavilla, y por supuesto a grandes pianistas actuales. Te fías de su criterio y te fijas también en el repertorio que tienen. Pero yo me suelo fijar en los dos, porque no se trata solo del pianista, sino del producto que ofrecen ambos y la interpretación. Para mi Christian Gerhaher y Gerold Huber son maravillosos, por esa compenetración que tienen. En estos casos quizá miro un poco más al cantante, en función de lo que esté buscando. Pero siempre me gusta escuchar todas las versiones diferentes que encuentre.

B.C: ¿Qué cantante le gustaría acompañar al piano?

I.A: No estaría bien quitarle Huber a Gerhaher, pero si se lo pudiera quitar, con Gerhaher haría Schumann, pero creo que me quedaría con Huber. Me encantaría acompañar a Sophie Rennert, es una mezzo austríaca con la que coincidí en Aix-en-Provence, ¡maravillosa! Esta es una generación de lideristas maravillosa. Coincidí también con Lise Davidsen, estábamos todos haciendo la residencia Mozart. Pero si, me encantaría con Sophie Rennert. Tengo que hablar con ella para hacerle alguna propuesta (risas). Está cantando con Helmut Deutsch, a nivel liderista es de las mejores de su generación. Con ella haría Schubert, concretamente Im Frühling, después haríamos Die junge Nonne, para contrastar. También podría se Schumann, porque todo lo que hace lo hace bien. Con ella me lanzaría a la piscina. Y si pudiera elegir un lugar, sería en el Palau de la Música, que es muy mágico.

Irene Alfageme

La pianista Irene Alfageme dedica su nuevo trabajo discográfico al compositor Jesús Legido (Valladolid, 1943), en el año de celebración del 80 aniversario de su nacimiento. Bajo el título “Cuadernos Secretos”, Alfageme lleva al disco su tesis doctoral dedicada a las canciones para voz y piano de Legido de la mano del sello Eudora, presentando la primera grabación mundial de una cuidada selección de sus numerosos ciclos de canciones. Y para ello, ha contado con la voz de la conocida soprano Raquel Lojendio, que canta a la vida (Violetas mojadas, Romances del bajo Duero), la muerte (Oración en silencio) y el amor (Tríptico lorquianoSoledades).

“En estas canciones de Jesús Legido, podemos apreciar su poético lenguaje, de carácter intimista y nostálgico, que toma como fuente de inspiración los poemas de Antonio Machado, Federico García Lorca, José Luis Hidalgo y Francisco Javier Martín Abril, además del folklore zamorano. Legido explora las posibilidades pianísticas y vocales con un lenguaje personal y respetuoso con el texto, como si buscara en el pentagrama la esencia de la poesía, recurriendo incluso al uso de notas repetidas que imitan el efecto parlato”, señala Irene Alfageme, que ha consultado numerosas partituras y documentación procedente del archivo personal del propio compositor para la realización de su tesis doctoral Las canciones para voz y piano de Jesús LegidoUn análisis poético-musical (Universidad de Valladolid).

El disco “Cuadernos Secretos”, que acaba de salir al mercado, se presentará en Madrid el próximo 24 de mayo en la Sede de la SGAE; Irene Alfageme y Raquel Lojendio interpretarán en vivo algunas de las obras incluidas en la grabación, en un acto conducido por María del Ser, periodista de Radio Clásica – Radio Nacional de España (RNE), en el que también intervendrán el compositor Jesús Legido, y el productor de Eudora Records, Gonzalo Noqué.

Irene Alfageme compagina su faceta como pianista especializada en música de cámara y acompañamiento vocal, y ha trabajado con grandes nombres de la lírica internacional como Felicity Lott, Bryn Terfel, Angela Denoke, Ian Bostridge, Magdalena Kožená, Plácido Domingo, Ainhoa Arteta, Ángeles Blancas o Erwin Schrott, entre otros. Además, es Profesora de Repertorio Vocal de la Escuela Superior de Canto de Madrid, y colabora asiduamente con la Orquesta y Coro Nacionales de España, y la Orquesta Sinfónica de Castilla y León.

Auditorio Miguel Delibes

La Consejería de Cultura y Turismo abre por quinto año consecutivo todos los espacios del Centro Cultural Miguel Delibes al público en general durante una jornada de puertas abiertas, en la que las grandes salas y todos los rincones de este edificio de 70.000 metros cuadrados se llenarán de magia, de manifestaciones de artes escénicas y de exhibiciones musicales de todos los géneros para dar a conocer a pequeños y mayores el constante flujo de actividad que alberga cada día. Será durante una jornada de tres horas ininterrumpidas, que culminará con una actuación de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León (OSCyL) que, precisamente, este año cumple su vigésimo quinto aniversario.

Melómanos, rockeros, amantes de la lírica, estudiantes y público en general podrán disfrutar de un completo programa que ocupará todos los espacios del CCMD. Desde las tradicionales bienvenidas en forma de fanfarrias, hasta la participación de Dj., coros, magos y actividades para los más pequeños, que harán de esta jornada un día especial para mostrar a todos los ciudadanos de la Comunidad y al público que se quiera acercar, un edificio cultural referente a escala nacional. Además, el programa incluye visitas guiadas para conocer los espacios escénicos, el ‘foyer’, el escenario, la plaza interactiva, la sala polivalente, las salas de restauración, la plaza de las palmeras, el archivo y las grandes salas de las actuaciones de música, danza y teatro, entre otros.

Esta iniciativa nació en 2012 con el objetivo de que todos los públicos conocieran de primera mano el Centro Cultural Miguel Delibes que es sede también de la OSCyL.

Amplia gama de actividades

El público que libremente acceda al Centro Cultural Miguel Delibes el próximo sábado, a partir de las 18.00 horas, podrá disfrutar de grupos de cámara (Quinteto Duero, Brunetti Ensemble, Strings with wings); de actividades didácticas como el programa ‘Tantas cuerdas que ni me acuerdo’, para acercar la música medieval y renacentista a través de los instrumentos de cuerda, o disponer de la oportunidad de tocar un piano a las mismas puertas de entrada de la Sala Sinfónica. Actuaciones de magia, microteatros y corales, conforman también un programa que, igualmente, incorpora músicas con una variedad tan dispar como el rock, el flamenco y la danza.

Asimismo, y como novedad, se proyectarán los conciertos para piano de Beethoven, con Javier Perianes al piano y la dirección del director emérito de la OSCyL, Jesús López Cobos, que fue la actuación que emitió RTVE como inicio de los actos de conmemoración de los 25 años de vida de la orquesta.

Colofón de la OSCyL

En el vigésimo quinto aniversario de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León (OSCyL), efeméride que se cumple esta temporada, no podía faltar la calidad de esta agrupación para poner el broche de oro a la quinta jornada de puertas abiertas. Será, precisamente, el grupo sinfónico el que ponga punto final a una jornada pensada por y para todos los públicos con un programa de unos 50 minutos de duración y que dará comienzo a partir de las 20.00 horas.

El programa incluye la Sinfonía número 13 en mi bemol mayor, ‘Redoble de timbal’, de Franz Joseph Haydn (1732-1809); la Sinfonía número 1 en re mayor, op. 25, ‘Clásica’, de Segruéi Prokófiev (1891-1953) y ‘Nostalgias’, obra escrita por Greg Steyer (1963), miembro de la sección de violines segundos desde la fundación de la OSCyL. Steyer compagina la interpretación con incursiones en la composición y ha escrito esta obra como homenaje y recuerdo a los 25 años de andadura de la orquesta.

La OSCyL estará dirigida en esta ocasión por el concertino-director Roberto González-Monjas (Valladolid, 1988). González-Monjas se ha consolidado como una interesante figura en el panorama musical internacional, siendo reconocido por la versatilidad y calidad de su actividad musical. Es concertino de la Orquesta de la Accademia Nazionale di Santa Cecilia en Roma y del Musikkollegium Winterthur, así como profesor de violín en la Guildhall School of Music & Drama de Londres y director artístico adjunto de la Academia Filarmónica de Medellín, en Colombia. Asimismo, Roberto González-Monjas es artista en residencia de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León.

Datos del CCMD

El Centro Cultural Miguel Delibes es un espacio cultural de referencia no sólo en España, sino también en Europa. El edificio tiene 70.000 metros cuadrados de superficie y desde su inauguración, en el año 2007, se ha concebido como espacio para el intercambio de conocimientos y para la difusión cultural y la promoción de las ideas.
La Sala Sinfónica tiene una capacidad para 1.712 personas y su fisonomía, cubierta de madera, ha sido estudiada en colaboración con el ingeniero acústico de reconocido prestigio internacional Yaying Xu.

La Sala de Cámara, con una capacidad de 513 butacas, es el espacio de uso preferente para todo tipo de reuniones y actividades en formato medio. De este espacio, destaca su cuidada estética, reforzada por el empleo de materiales de gran calidad, como el roble y el cuero en los asientos.

El Teatro Experimental Álvaro Valentín es uno de los espacios más singulares del CCMD. Supone el claro compromiso con la vanguardia cultural, expresada en la concepción estética, la funcionalidad y las nuevas tecnologías. Un espacio modulable y polivalente que hace posible que la capacidad oscile entre los 450 y las 700 butacas.

El edificio, que lleva el nombre del insigne escritor vallisoletano Miguel Delibes, es sede permanente de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, del Conservatorio Profesional de Música, de la Escuela Superior de Arte Dramático y de la Escuela Profesional de Danza.

MAcanita

Los cantaores Rancapino Chico, La Macanita y Farruquito, protagonistas esta semana de los tres conciertos que conforman el ciclo Delibes+ Flamenco del Centro Cultural Miguel Delibes.

Descendientes de estirpes claves del género en las últimas décadas, los tres artistas convertirán el espacio artístico en un gran escaparate del arte flamenco más puro. Rancapino Chico, acompañado del guitarrista Antonio Higuero, recalará el jueves, día 26, en la Sala de Cámara del espacio artístico, que la voz rota de La Macanita llenará en la jornada siguiente. Por su parte, Farruquito presentará el día 28 en la Sala Sinfónica del centro su último espectáculo, ‘Improvisao’, en el que regresa a sus orígenes.

El ciclo Delibes+ Flamenco, programado en el Centro Cultural Miguel Delibes por la Consejería de Cultura y Turismo, convertirá el espacio artístico esta semana en escaparate del arte flamenco más puro con las actuaciones de Rancapino Chico, La Macanita y Farruquito. Los tres cantaores, descendientes de algunas de las familias más representativas del flamenco en las últimas décadas, actuarán en el CCMD, respectivamente, los días 26, 27 y 28 de noviembre (jueves, viernes y sábado). Los conciertos de Rancapino Chico y La Macanita tendrán lugar en la Sala de Cámara del espacio artístico. El de Farruquito será en la Sala Sinfónica. Las tres actuaciones darán comienzo a las 21.00 horas. El precio de las entradas será de 15 euros para el concierto de Rancapino Chico y de 18 euros para el de La Macanita, mientras que los precios oscilarán entre los 13 y los 30 euros en el caso del espectáculo de Farruquito. Pueden adquirirse en las taquillas del CCMD, de lunes a viernes, en horario de 18.00 a 21.00 horas; en el Centro de Recursos Turísticos de la Acera de Recoletos, de lunes a sábado, de 09.30 a 13.30 horas; y en www.auditoriomigueldelibes.com.

El ciclo Delibes+ Flamenco arrancará el jueves con el concierto de Alonso Núñez Fernández, más conocido como Rancapino Chico, hijo del cantaor Alonso Núñez, de quien ha heredado el sobrenombre, y sobrino de Orillo del Puerto. Estará acompañado en la Sala de Cámara del espacio artístico por el guitarrista Antonio Higuero. Considerado como una de las grandes promesas del flamenco puro, empezó a darse a conocer cuando contaba tan sólo con 6 años, gracias a su participación en el programa infantil ‘Veo, veo’, presentado en Canal Sur por Teresa Rabal. Posteriormente, tras actuar junto a artistas como Juan Habichuela, Chano Lobato, Juan Villar y Paco Cepero, entre otros, participó en otros programas televisivos, como ‘Senderos de gloria’ y ‘Sabor a ti’, descubriéndose ante el gran público. Llegarían después conciertos junto a primeras figuras como Pepe de Lucía, Remedios Amaya, Diego Carrasco y Rancapino, su padre, entre otros. En la actualidad, continúa recorriendo los escenarios de todo el país junto a grandes nombres del flamenco, siendo rostro habitual en festivales de prestigio y peñas flamencas.

Ya el viernes, día 27, llegará el turno de la jerezana Tomasa Guerrero, La Macanita, que toma su nombre artístico de su padre, El Macano. Despuntó en el cante desde niña con sus primeras actuaciones en su ciudad natal, ligadas al grupo intantil España-Jerez, que dirigía el guitarrista Manuel Morao. Su primer recital en solitario tuvo lugar en 1983, cuando contaba con 15 años. En 1985, compartió escenario durante toda una temporada en los tablaos madrileños Los Canasteros y Zambra con El Torta, Ramírez, Moraíto Chico y El Capullo. Tres años después se incorporó a la Compañía Manuel Morao y Gitanos de Jerez, para grabar al poco tiempo ‘A la luna nueva’, el primero de sus cuatro discos en solitario. Durante las siguientes temporadas recaló en escenarios como L’Auditori de Barcelona, el Queen Elizabeth Hall de Londres y el Instituto de Monde Arabe de París, entre otros, y prestigiosas citas, como el Festival Flamenco de Ciutat Vella de la ciudad condal y el Festival Flamenco de Mont Marsan, en Francia. Ha logrado consolidarse como una de las voces femeninas imprescindibles del flamenco. En este año 2015 ha visto la luz el disco ‘Caijeré’, que ha grabado junto a artistas como May Fernández y Juan Villar, entre otros.

El encargado de cerrar la propuesta será Juan Manuel Fernández Montoya, Farruquito, uno de los bailaores más virtuosos del momento, con su espectáculo ‘Improvisao’. «Es una vuelta a mis orígenes, una muestra de lo que he aprendido de esta profesión», apunta el propio artista sobre este montaje. «Cante, guitarra y baile fundidos con total libertad para crear un espectáculo nuevo cada día», añade. Así, la improvisación es el leit motiv de un espectáculo que propone al espectador un acercamiento a la esencia del flamenco más auténtico e íntimo. Hijo del cantaor Juan Fernández Flores, El Moreno, y de la bailaora Rosario Montoya Manzano, La Farruca, el artista sevillano ha pasado toda su vida inmerso en el arte del flamenco más puro. Tras la muerte de su abuelo, El Farruco, cuando él tenía 15 años, asumió la tarea de perpetuar la estirpe familiar. Así, puso en marcha su primer espectáculo, ‘Raíces flamencas’, en el que se mostraba como un bailaor que aunaba la tradición con una concepción artística personal prodigiosa. Llegarían después otros exitosos montajes como ‘Alma vieja’, ‘Sonerías’ y ‘Baile Flamenco’, a los que se suma ahora ‘Improvisao’, espectáculos con los que ha recorrido el territorio nacional y países como Reino Unido, Francia, Italia y EEUU, siendo considerado por The New York Times ‘el mejor artista que pisó la Gran Manzana en 2001’.

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