Autor: Brío Clásica

Espectacular producción de Adriana Lecouvreur en el Liceu

El Liceu presenta en coproducción con el Covent Garden de Londres, la Staatsoper de Viena, la Opéra de Paris y el San Francisco Opera, una producción verdaderamente teatral de Adriana Lecouvreur, con una esmerada escenografía que reproduce en sus decorados y vestuario el ambiente del siglo XVIII.
Esta ópera en cuatro actos, del compositor verista Francesco Cilea, que forma parte del gran repertorio, se estrenó en Milán en 1902 con gran éxito, al que contribuyeron con sus papeles protagonistas el famosísimo tenor Enrico Caruso y la soprano Angelica Pandolfini. El libreto de Arturo Colautti se basa en una comedia dramática de Eugène Scribe y Ernest Legouvé (1849) protagonizada por una famosa actriz de la Comédie del siglo XVIII, gran intérprete de Racine y Corneille, admirada por Voltaire, amante del mariscal Mauricio de Sajonia a quien la leyenda hizo morir envenenada por una rival. La acción se sitúa en París, en 1730.
La dirección de escena de esta nueva coproducción corre a cargo de uno de los directores más reconocidos del momento, David McVicar, que debutó en el Liceu con Manon de Massenet la temporada 2006-2007.
En esta nueva producción, el escenario se basa en una réplica del Teatro del Margrave en Bayreuth, obra maestra barroca del arte escénico. Es un teatro de ilusión y transformación, que se consigue con dispositivos mecánicos realizados con cabrestantes, poleas y paneles correderos. Charles Edwards, diseñador del escenario, destaca que el propio escenario se encuentra en el centro de la producción.
Esta ópera supone además el regreso al Teatre del Liceu del tenor Roberto Alagna, que estará acompañado en escena por Giorgio Giuseppini, Francisco Vas, Joan Pons, Barbara Frittoli y Dolora Zajick, entre otros. La dirección musical estará a cargo de Maurizio Benini.

Entre los días 10 y 22 de mayo el Teatro Real ofrecerá 5 funciones de Cyrano de Bergerac, de Franco Alfano, con dirección musical de Pedro Halffter y creación escénica de Petrika Ionesco.
La soprano Ainhoa Arteta interpretará el papel protagonista femenino de Cyrano de Bergerac, interpretado por Plácido Domingo, en el estreno de la ópera, este jueves, 10 de mayo, por enfermedad de Sondra Radvanovsky.
Esta sustitución está prevista para las dos primeras funciones de la ópera, pero el Teatro Real informará al público y abonados, por sus cauces normales de comunicación, si el cambio en el reparto afectara a otras representaciones.
El debut operístico de Ainhoa Arteta en el Teatro Real estaba previsto para abril de próximo año, en el papel de Donna Elvira, en el Don Giovanni, de Mozart.
El estreno de la ópera, el día 10 de mayo a las 20.00 horas, será retransmitido, en alta definición, a más de 200 salas de cine de España y del resto de Europa.
La función del día 19 de mayo será ofrecida en directo por Radio Clásica, de Radio Nacional de España.

Biografía de AINHOA ARTETA

Nacida en Tolosa (Guipúzcoa); fue la vencedora del Metropolitan Opera National Council Auditions de Nueva York y del Concours International de Voix d’Opera Plácido Domingo de París. Su debut operístico tuvo lugar en 1990 en Estados Unidos. A partir de ese momento su carrera se desarrolla en teatros de todo el mundo. Marcaron un hito en su carrera su actuación junto a Michael Tilson Thomas y la New World Symphony y su debut en el Carnegie Hall de Nueva York, junto a Dolora Zajick y Plácido Domingo, con quien colabora ofreciendo numerosos conciertos. Entre sus actuaciones más célebres cabe destacar su participación en La traviata, La bohème, Turandot, Roméo et Juliette, Les pêcheurs de perles, Così fan tutte, La rondine, Carmen, Fedora y Les mamelles de Tirésias. Ha recibido numerosos galardones. Durante las últimas temporadas ha obtenido grandes éxitos, destacando su debut en Manon de Massenet en Bilbao, el estreno de Dulcinea de Lorenzo Palomo en el Konzerthaus de Berlín; las giras con Sir Neville Marriner y la Orquesta de Cadaqués; su debut en el Musikverein de Viena junto al pianista Roger Vignoles; el concierto con la Orquesta Sinfónica de Galicia y Miguel Ángel Gómez Martínez; la Sinfonía nº 9 de Beethoven con la Orquesta Sinfónica de Tenerife bajo la dirección de Víctor Pablo Pérez; La bohème en el Metropolitan de Nueva York bajo la dirección de Carlo Rizzi y su debut como Blanche en Dialogues des Carmélites en Bilbao. Después de abrir la temporada del Centenario del Palau de la Música Catalana, junto al pianista Roger Vignoles, participa en la Gala lírica de Navidad con José Carreras, además de ofrecer recitales acompañada por Malcolm Martineau y Rubén Fernández Aguirre.

El tenor barcelonés David Alegret hará su debut operístico en el Teatro de La Maestranza de Sevilla el próximo 28 de junio asumiendo uno de los personajes protagonistas de la olvidada ópera Cristóbal Colón (1829), del compositor Ramón Carnicer (Tárrega, 1789 – Madrid, 1855), y cuya próxima reposición en la capital hispalense significará su estreno en tiempos modernos y uno de los acontecimientos musicales de la temporada. Se trata de una obra plenamente belcantista, con reminiscencias al gran repertorio del último Donizetti o del primer Verdi, con momentos de extrema dificultad y con mucho ornamento», apunta Alegret, quien debe defender el complejo papel de Zamoro, «muy agudo y lleno de coloraturas».
La obra de Carnicer, compositor esencial del Romanticismo musical español, autor de una docena de óperas e, incluso, de rarezas como el Himno Nacional de la República de Chile, llegará al coliseo sevillano en versión de concierto dirigida por Santiago Serrate, quien estará al mando de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla y de un reparto en el que también participan Yolanda Auyanet, Cristina Faus y Joan Martín Royo, entre otros. El estreno de esta ópera, con el nombre italianizado de Cristóforo Colombo, tuvo lujar en el Teatro del Príncipe de Madrid el 12 de enero de 1831 y la partitura, una de las mejores del catálogo del compositor español, demanda un gran virtuosismo vocal para sus intérpretes.»

El próximo diez de mayo llega al Real el “Cyrano de Bergerac” de Franco Alfano (1875-1954). Un intento de volver al verismo italiano por parte del compositor, aunque con evidentes influencias del impresionismo francés, y una estética dramática en la que se puede apreciar el momento político totalitario que padecía Italia en esos momentos.
El personaje de Cyrano será interpretado por Plácido Domingo que, junto a Sondra Radvanovsky como Roxane, Doris Lamprecht como La dueña y Cristina Toledo como Lise, estarán dirigidos por Pedro Halffter.
En su permanente búsqueda de nuevos papeles adecuados para las diversas etapas de su carrera, Plácido Domingo ha recuperado con gran éxito a Cyrano de Bergerac, el personaje creado por Edmond Rostand y popularizado por el cine, pero en esta ocasión en la versión de un compositor, Franco Alfano, más conocido por haber escrito el final de Turandot de Puccini, que por sus propias obras.

PLÁCIDO DOMINGO:
“ Vi la partitura de Cyrano y me enamoré de ella: ¡qué personaje, el de Cyrano! El drama de Rostand es extraordinario. Si se ha visto cualquier producción de la Comédie Française, o una película, se comprueba que se trata realmente de una gran obra de teatro. Cyrano de Bergerac la compuso Alfano en 1936, después de los estrenos de Wozzeck y Moses und Aron, lo que explica una escritura más moderna y no del todo melódica. La partitura contiene armonías sorprendentes, muy nuevas para la ópera italiana. La influencia de la escuela francesa –Ravel, Dukas, y sobre todo Debussy– es evidente. Para mí, la escena del balcón y el final constituyen las cimas de la ópera”.
Su mirada personal sobre el espadachín camorrista y sentimental le lleva a definirlo como uno de los personajes más complejos y completos que ha interpretado. “ Es una auténtica suerte poder expresar todas las facetas, complementarias y contradictorias, de un carácter con semejante riqueza emocional. Una de las interpretaciones más conmovedoras es la de José Ferrer en la película que le llevó a ganar un Oscar en 1950, aunque luego aprecié el Cyrano de Depardieu también; pero mis propios sentimientos me llevan al Cyrano profundamente sufriente y triste magistralmente interpretado por Ferrer.
De Cyrano comprendo su tristeza y amo su nobleza. Es totalmente incorruptible, es un espíritu libre, independiente, revoltoso, capaz de ironizar con sor Marthe cuando está a punto de expirar y lo sabe: al levantarse para ir al encuentro de Roxane, se condena, en perfecta coherencia con el lado suicida de su personalidad. A lo largo de toda su vida ha buscado el peligro y las situaciones límite: solo contra cien, la puerta de Nesle, desafiando al ejército español dos veces al día para enviar una carta a Roxane.
Cyrano nunca ha apreciado la vida, sin duda porque no se ama a sí mismo. Ni siquiera se plantea que Roxane le pueda amar tal cual es, es decir ‘feo’. Pero es él quien emplea ese adjetivo, es él quien se cree ‘feo’. Una fealdad sin duda relativa: está sobre todo en su cabeza, basada sólo en un apéndice desmesurado, sin tener en cuenta los otros elementos de su físico… Cyrano no sólo es un ser depresivo con una doble personalidad, la que muestra y la que oculta; sino que se complace en la desgracia y la tristeza. En cierto modo, está contento de ser desgraciado y elige serlo, aunque sea una elección inconsciente. Se da un auténtico desdoblamiento de personalidad en él” (Declaraciones extraídas del programa de Cyrano de Bergerac del Théâtre du Châtelet de París y publicadas en la Revista del Real).

Comunicado de prensa:

Los trabajadores del TR, en asamblea celebrada y posterior votación, han decidido desconvocar la huelga que afectaba a todas las representaciones de la ópera “Cyrano de Bergerac”.
A pesar de que el problema creado por el error de la propia empresa, respecto a la aplicación del RD 8/2010 y la exigencia a los trabajadores del pago de 1 millón de euros se halla todavía encima de la mesa, la empresa ha ampliado los plazos, aminorando la cuantía principalmente del primer pago, lo cual casi garantiza a los trabajadores una decisión judicial antes del pago de un segundo plazo. Esto no quiere decir que la problemática entre trabajadores y empresa respecto a este tema haya finalizado.
Los trabajadores del Teatro quieren agradecer al público el interés mostrado por esta problemática que afecta a la plantilla.

La soprano milanesa Amarilli Nizza, una de las más destacadas cantantes italianas de la nueva generación, debutará en el Teatro de La Maestranza de Sevilla con una de sus grandes creaciones: el personaje de Cio-Cio-San, protagonista de la popular Madama Butterfly, de Puccini.
Saludada especialmente por poseer una sólida y refinada técnica vocal, por su fraseo matizado y por su versatilidad como intérprete, Amarilli Nizza está desarrollando una carrera internacional que abarca un amplio repertorio operístico; está especialmente ilusionada con su debut en Sevilla: “Me encanta Andalucía y pasear por las calles de Sevilla es como un viaje en el tiempo y en la historia. Es la ciudad de Carmen y de Don Juan, la de Fígaro, Leonore, Florestán, Don Álvaro y la de tantos otros personajes operísticos”, afirma la cantante, quien interpretará la ópera pucciniana los días 6, 9 y 12 de junio dirigida por Pedro Halffter y en una producción que firma Mario Gas.
La carrera operística de Amarilli Nizza empezó cuando en 1992 y siendo muy joven ganó el concurso Mattia Battistini, debutando en el Teatro Flavio Vespasiano de Rieti precisamente con Madama Butterfly, una obra que ya ha cantado en el Covent Garden de Londres, en el festival pucciniano de Torre del Lago y en teatros de Roma, Nápoles, Florencia y Génova.

Esta mañana ha sido presentado en rueda de prensa el nuevo Director General del Teatro Real de Madrid. Ignacio Gracía-Belenguer, licenciado en derecho y perteneciente al Cuerpo Superior de Administradores Civiles del Estado, de cuarenta y cinco años, ha sido elegido por unanimidad por el Patronato del Teatro para sustituir a Miguel Muñiz durante los próximos cinco años y manteniendo, asimismo las funciones de administrador general que venía desempeñando desde el pasado seis de febrero.
Llega a este puesto “con satisfacción, compromiso y ganas de afrontar este proyecto” tras una experiencia de ocho años gestionando el mundo de la cultura al frente de Patrimonio Nacional.
No ha entrado a valorar la gestión de sus antecesores en el Teatro, sobre todo en relación al conflicto con sus trabajadores respecto a la aplicación del Real Decreto de 2010 que estipulaba la bajada del 5% del salario a los empleados públicos. «Hay que pasar página, lo hecho, hecho está y yo vengo con este tema heredado. Ahora es preciso trabajar para el futuro», se ha limitado a decir.
No obstante, García-Belenguer ha alabado la profesionalidad de los trabajadores del Real, “algo que no tiene nada que ver con el conflicto”, confía en “un acercamiento de las posiciones a través de la negociación y que el cariño que los trabajadores sienten por el Teatro, junto a su responsabilidad, eviten llegar a una huelga que perjudicaría a todos”. Se ha mostrado flexible a la hora de negociar y ampliar el plazo, entre otras posibilidades de acuerdo, para que los trabajadores hagan frente a esas devoluciones con el menor perjuicio para sus economías.
En cuanto a los recortes, (un 15% por parte el Ministerio de Cultura, 38% del Ayuntamiento de Madrid, y 15% de la Comunidad de Madrid), está previsto aplicar «políticas de contención de gasto, reduciendo gastos superficiales» y potenciar, por encima de todo, la eficiencia de los recursos disponibles. El objetivo: lograr el equilibrio presupuestario al finalizar el presente año. En ningún caso se verá alterada la programación de la temporada 2012-13 que ha alabado por su calidad.
Respecto a la posibilidad de un ERE en el Teatro, no lo ha descartado pero ha sido prudente a la hora de su planteamiento, “hay que ver cómo está el presupuesto, los recursos y el proyecto. En base a todo ello eso se tomarán medidas”. Esa es una decisión que hay que sopesar».
Ha mostrado su optimismo para la próxima temporada con respecto a la venta de abonos. Para la próxima temporada tan solo 191 abonados han manifestado su deseo de no renovación, mientras que al inicio de la presente temporada ese número se elevó a 2028. Parece que la sangría de abonos anunciada no ha sido tal y seguirán siendo casi 16.000 los abonados del Teatro. Abonados a los que piensa tener en cuenta puesto que son “uno de nuestros mayores activos”.
De no llegarse a un acuerdo de manera inminente, los trabajadores del Real están preparados para presentar de manera oficial los permisos para celebrar paros durante las cinco funciones de «Cyrano de Bergerac» que se estrena el próximo 10 de mayo. Algo que supondría un gran quebranto para el teatro, que tiene previsto retransmitir el estreno a más de 200 salas de cine en toda Europa. Si se confirma este extremo, el coliseo madrileño ha preparado un plan B que consistiría en presentar la ópera en versión de concierto.

El Trío Mutter, formado por Anne-Sophie Mutter (violín), Lambert Orkis (piano) y Daniel Müller Schott (chelo), han presentado en el Auditorio Nacional de Música de Madrid un concierto dentro del ciclo “Conciertos y Solistas Extraordinarios” de las Juventudes Musicales.

El programa estaba formado por el Trío nº 7 en Si bemol mayor, Op. 97 “El Archiduque”, de Beethoven, y el Trío en La menor, Op. 50 de Tchaikovsky.
Una ejecución perfecta gracias al conocimiento y sincronización marcada por Mutter.
Durante 35 años, la violinista Anne-Sophie Mutter ha seguido una trayectoria excepcional como profesional de la música y ha mostrado un compromiso firme con el futuro de la música clásica. Desde su debut internacional en el Festival de Lucerna en 1976, Anne-Sophie ha actuado en todas las principales salas de conciertos de Europa, América del Norte y del Sur y Asia.
El pianista Lambert Orkis, su asiduo acompañante, ha conseguido reconocimiento internacional por sus interpretaciones como músico de cámara, sus ejecuciones de música contemporánea, su manejo de instrumentos de época y el éxito logrado con sus grabaciones.
A destacar el joven violonchelista Daniel Müller-Schott, considerado como uno de los talentos más prometedores de su generación. Su repertorio abarca desde el barroco hasta la música del siglo XX y ya ha actuado con orquestas de la talla de la Filarmónica de Nueva York, Sinfónica de Chicago y Philarmonica de Londres, entre otras.

DIMITE MIGUEL MUÑIZ

Después de ocho años en el cargo, este jueves Miguel Muñiz abandona su puesto como director general del Teatro Real, según han confirmado a Europa Press fuentes del coliseo madrileño.
Durante esta jornada tendrán lugar reuniones del Consejo Asesor y del Patronato del Teatro, en las que se abordará la situación presente y las perspectivas de futuro de la institución.
Muñiz abandona el Real en un momento delicado, con protestas de los trabajadores ante la falta de acuerdo con la empresa, que les sigue exigiendo la devolución de más de un millón de euros, según explica el comité de empresa.
La polémica en torno a este asunto surgió al recibir los trabajadores una carta de empresa en la que se les pedía con efecto retroactivo la devolución de un millón de euros (entre 3.000 y 6.000 euros cada trabajador) al no haberse aplicado en su momento la bajada del 5% del salario a empleados públicos prevista en el Real Decreto 8/2010 de 24 de mayo.
Europa press

IGNACIO GARCÍA-BELENGUER, NUEVO DIRECTOR DEL TEATRO REAL

El Patronato del Teatro Real ha aprobado en el día de hoy el nombramiento de Ignacio García-Belenguer como Director General de la institución, por un mandato de cinco años. Ignacio García-Belenguer mantendrá también las funciones de administrador general que venía desempeñando desde el 6 de febrero.
El anterior director general, Miguel Muñiz, que había puesto su cargo a disposición del Patronato el pasado mes de diciembre, seguirá colaborando con el Teatro Real al incorporarse a su Consejo Asesor. El Patronato ha reconocido la excelente labor llevada a cabo por Miguel Muñiz en los casi ocho años de su mandato, destacando la estabilidad que con él ha tenido el proyecto del Teatro Real y sus logros en la creación de nuevas audiencias, especialmente entre el público joven, y en el desarrollo de las tecnologías audiovisuales.

Ignacio García-Belenguer (Zaragoza, 1967), es Licenciado en Derecho y tiene el master de Gestión en Políticas Públicas. Pertenece al Cuerpo Superior de Administradores Civiles del Estado y, entre otros cargos, ha sido Director de Coordinación del Patrimonio Nacional y Secretario General de la Agencia Española de Protección de Datos.
En la reunión del Patronato el nuevo director general ha presentado una actualización de los presupuestos de 2012, con una reducción de casi 1,5 millones de euros respecto a los aprobados en el pasado mes de diciembre. Con la puesta en marcha de un conjunto de diversas medidas de austeridad y de otras tendentes al incremento de los ingresos propios del Teatro Real, incluyendo los referentes al patrocinio privado, se prevé alcanzar en 2012 un equilibrio presupuestario.

Tras el abandono de la financiación de los ciclos de Lied y de Cámara del Auditorio Nacional, la Fundación Caja Madrid tampoco da explicaciones sobre el edificio que iba a darles alojamiento, el Palacio de la Música situado en el número 35 de la Gran Vía madrileña. Desde hace ya varios meses las obras de recuperación y acondicionamiento, del que sería el segundo auditorio más grande de Madrid, están paralizadas. Después de retrasar su fecha de inauguración hasta 2013, todo hace indicar que , tanto las obras, como el proyecto en sí, se encuentra en punto muerto.
Parece ser que el Palacio de la Música, construido en 1925 y sometido a una rehabilitación valorada en 15 millones €, está ahora mismo en manos del que quiera ser mejor portor. La realidad económica en la que nos movemos todos, sobre todo las entidades financieras, han llevado a Bankia a tener que tomar una decisión sobre el fututo de este Palacio de la Música, distinto al inicialmente previsto.
De momento, la incertidumbre es lo único seguro, ya que la Fundación no ofrece ninguna información al respecto.
Otro proyecto cultural que desaparece a consecuencia de la crisis.

Tamara Rojo será la directora del English National Ballet a partir del próximo mes de septiembre, según anunció este viernes la compañía británica de danza clásica, de manera que asumirá la misión, por tanto, de diseñar su nueva temporada.
Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 2005, Rojo comenzó precisamente su trayectoria británica en el English National Ballet en 1997. Este nombramiento no significa que vaya a abandonar los escenarios, pues bailará en algunas de las próximas producciones de la compañía.
Actualmente es la primera bailarina del Royal Ballet de Londres desde el año 2000. Según el English National Ballet, ha sdigo designada por su reconocida reputación y su base de leales admiradores, para alcanzar nuevas audiencias».

El 12 de marzo el Teatro Real presenta el estreno mundial de C(H)OEURS. La eterna búsqueda del director Alain Platel sobre los comportamientos del individuo dentro del grupo, le han traído hasta esta nueva experimentación compuesta de danza, coro y música. Una música para ser expresada en grupo y como exaltación de éste. El resultado es, no solo el juego de palabras que pretende ser el título, sino también una verdadera expresión de conjunto desde el corazón.
Igual que Jonathan Littell en su novela Las benévolas, Plater se pregunta sobre la responsabilidad del individuo en el grupo. Pero la cuestión esencial sigue siendo cómo nosotros, espectadores del siglo XXI, seguimos sintiendo la irresistible emoción de la música de los coros y preludios de Verdi y Wagner.
La mejor manera de experimentar las sensaciones de esta masa vocal que compone el coro titular del Teatro Real que, para la crítica nacional e internacional es uno de los mejores de Europa, es aprovechar las 40.000 entradas que para la ocasión, y a un precio muy asequible, han salido a la venta.

Cada funcionario debería de devolver entre 3.000 y 6.000 €. La cantidad exigida es la liquidación por el último convenio colectivo, que no cumple con el Decreto Ley de 2010, por el que se rebajaba el sueldo a los funcionarios.
Hacienda ha instado al Teatro Real a proceder a la liquidación de un millón de euros percibido indebidamente por sus funcionarios, ya que el coliseo firmó un convenio colectivo que contravenía el Decreto Ley de 2010, por el que se rebajaba el sueldo a todos los empleados públicos. El Comité de Empresa del teatro explica en un comunicado recogido por EFE que «la nefasta gestión de la dirección» del Real ha llevado a que se pida a los trabajadores la devolución de cerca de un millón de euros «entre 3.000 y 6.000 €» a cada funcionario, lo que les lleva «a tomar la decisión de realizar movilizaciones y huelgas que ponen en peligro el estreno de las próximas óperas».
El presidente del Comité, Iván Ortega, ha explicado que el montante exigido se debe a que a ellos no se les aplicó la rebaja del 5 % en el sueldo y de que, además, se les subió el IPC un 2,5 %, cuando el Gobierno lo había fijado en un máximo del 0,3%. «Nos lo quieren quitar con efecto retroactivo, pero nosotros no somos los culpables de que el anterior Administrador negociara mal el convenio colectivo, por eso habrá movilizaciones», ha detallado.
El director general del Real, Miguel Muñiz, ha explicado que, «efectivamente», a pesar de lo que ordenaba el Decreto Ley de 20 mayo de 2010, aplicable también al Real, entendieron en la negociación del convenio colectivo que el acuerdo al que habían llegado dirección y trabajadores «satisfacía el propósito de la ley». Después, Hacienda les advirtió, «de forma provisional», que su solución no era correcta. Hicieron alegaciones y, finalmente, en enero, la Intervención General del Estado determinó que los funcionarios del Real debían devolver lo cobrado de más. La propuesta es que lo hagan detrayéndolo de las pagas extraordinarias de 2012 y 2013, según Muñiz. «Estaríamos encantados de no tenerlo que hacer, pero es una ley y hay que cumplirla. Es un mandato y debemos hacerlo obligatoriamente. No podemos hacer nada y si deciden llevar a cabo movilizaciones, será una patada pero quien tiene que responder es el legislador», ha añadido.»

La poderosa música de Manuel de Falla y su Amor brujo son perfectas para dar entrada en escena a la mezzosoprano canaria Nancy Fabiola Herrera. Vestida con el primer traje de luces de la noche (le seguirían otros), comienza a dar vida, una tras otra, a las gitanas protagonistas del recital. Cada una con su carácter propio y todas intensas. Pero entre ellas una a destacar, sin duda, el aria de Azucena “Condotta ell´era in ceppi”, de Il Trovatore verdiano, destiló toda la intensidad sobrecogedora que es capaz de tener el personaje. Brillante estuvo también en este pasaje el coro con “Vedi, le fosche…”
Una voz, la de Nancy F. Herrera, grande, redonda, extensa y de una untuosidad envolvente, capaz de llegar sobrada a los agudos más convincente y regular con eficacia la bajada a los graves más profundos y oscuros. Una voz de verdadera mezzo, de esas que ya no son muy habituales y con una capacidad dramática que agranda al personaje y a la artista. Cuando interpreta a Carmen se transforma, crea un personaje descarado e intenso y lo llena de credibilidad.
La Orquesta y la dirección, a cargo de Cristóbal Soler, tuvieron una buena actuación, casi a la altura de Nancy F. Herrera. El coro brilló a gran altura, tal vez algo escaso de volumen en algunos momento pero en general muy acertado.
Para el anecdotario queda el comportamiento del director Soler, empeñándose toda la noche en recibir para si los aplausos dirigidos a la protagonista. Y haciendo saludar a los miembros de la orquesta a destiempo, siempre demasiado pronto cuando el público lo que pretendía era ovacionar a la solista.
En la sección correspondiente, incluimos la entrevista que realizamos a Nancy unos días antes del concierto.

El Proyecto Social del Teatro Real y Ara Malikian llenan la cárcel de color

El Teatro Real de Madrid, dentro del programa de actividades de su Proyecto Social, contará el próximo miércoles, 21 de marzo, con el talento del violinista armenio-libanés Ara Malikian, uno de los más brillantes músicos de su generación, quien en una misma mañana ofrecerá una clase magistral a los alumnos del Taller de Música y Ópera que el coliseo imparte en el centro penitenciario de Navalcarnero, Madrid IV (10,00 horas), y acto seguido, en el salón de actos de dicho centro, junto a su ensamble musical, el espectáculo “Colores”, un viaje desde la India hasta España a través de la música zíngara (12,00 horas).
Durante el encuentro en el aula, Malikian contará a una treintena de internos, alumnos del mencionado taller, su experiencia personal con la música, qué le llevó a dedicarse en cuerpo y alma a esta profesión, por qué al violín…, y, como no podía ser de otra manera, llevará consigo su inseparable instrumento para ir ilustrando musicalmente sus palabras. Una vez terminado este emotivo encuentro, le tocará el turno a “Colores”, un viaje musical muy especial, inspirado en la senda que los zíngaros recorrieron desde la India a través de Europa, para finalmente asentarse en España donde surge el flamenco. El colorido del encuentro entre culturas que el genial violinista interpretará junto a su ensamble musical integrada por Humberto Armas (viola), Luis Gallo (guitarra) y Nacho Ros (contrabajo).
Tanto la clase como la función forman parte de las actividades programadas por el Teatro en centros penitenciarios, tras la firma, en marzo de 2008, de un convenio de colaboración con la Secretaría General de Instituciones Penitenciarias.
El Teatro Real incide en el empeño de acercar la música a todo tipo de público, llevándola incluso más allá de los muros de su edificio, y el Proyecto Social del coliseo da un paso más en el desarrollo de esta filosofía, acercando la música, la danza y las artes escénicas en general a aquellas personas que no tienen oportunidad de salir voluntariamente a su encuentro.

El Proyecto Social del Teatro Real ha sido galardonado con la Medalla de Plata al Mérito Social Penitenciario de 2009 y de 2011, esta última concedida a título personal a Juan Marchán, responsable del mismo.

Cinco veces más resistente que el acero y tres veces más que las mejores fibras sintéticas modernas, la seda que fabrican las arañas es un material fascinante. Capaz de estirarse hasta un 135% de su longitud original sin romperse, los científicos estudian sus propiedades con el fin de darle los más increíbles usos. Por ejemplo, mezclada con zinc, titanio o aluminio, podría ser útil para crear tejidos super resistentes, además de material quirúrgico o tejidos artificiales para huesos, tendones y paredes de arterias. Ahora, un científico japonés ha dado una vuelta de tuerca a las posibilidades de este producto natural. Ha utilizado miles de hilos de seda de araña para crear cuerdas de violín. Al parecer, con este curioso material el instrumento suena con un timbre «suave y profundo», según publica en la revista Physical Review Letters.
Según Shigeyoshi Osaki, de la Universidad Médica de Nara, en Japón, el sonido diferente que sale de las cuerdas hechas con tela de araña tiene que ver con la forma en la que ese material ha sido retorcido, de tal manera que no queda ningún espacio libre entre las hebras, según informa la BBC. Este científico, gran conocedor de las propiedades mecánicas de la seda de araña, ha perfeccionado los métodos de obtención de grandes cantidades de esta seda de arañas criadas en cautividad. En concreto, trabaja con 300 hembras de Nephila maculata, una especie conocida por tejer telas muy complejas.
Para fabricar cada cuerda, Osaki torció entre 3.000 y 5.000 hilos individuales de seda en una sola dirección para formar un manojo. Las cuerdas entonces se prepararon con tres de esos manojos retorcidos juntos en la dirección opuesta. Después, se midió su resistencia a la tracción, para evitar la ruptura de la cadena en medio de un concierto.
Las cuerdas de seda de araña, fuertes y elásticas, soportaron menos tensión antes de romperse que una cuerda de tripa tradicional, pero más que la de una cuerda de nailon recubierta de aluminio. Osaki asegura que estas particulares cuerdas se distinguen por su fuerza y su tono único, capaz de crear «una nueva música». El investigador cree que su investigación puede suponer un paso más en el desarrollo de nuevos tipos de materiales.

Después de ajustar los compromisos con agentes artísticos, cantantes, productores, directores de escena y de orquesta, etc., el Liceu podrá recuperar parte de la programación artística que había sido cancelada.
La ópera Pelléas et Mélisande de Claude Debussy se programará tal y como estaba previsto los días 27 y 29 de junio y 1, 3, 5 y 7 de julio.
El Giravolt de maig d’Eduard Toldrà se hará en versión concierto en el Palau de la Música Catalana, el día 11 de junio, con la Orquestra Simfónica del Liceu.
Como novedad se programará, el día 22 de abril ,un Concierto del Coro y la Orquesta del Liceu interpretando grandes coros de óperas.
El Gran Teatre del Liceu ha establecido un período de compra preferente del 5 al 30 de marzo para abonados, de tal forma que puedan acceder a las localidades de su abono en las mismas condiciones y asientos.

La Asociación de Profesores del CSDMA pide apoyo para financiar las actuaciones de sus alumnos que, tradicionalmente, se celebran en la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD) y que se ven afectadas este año por los recortes presupuestarios en Educación.
Las aportaciones pueden hacerse a través de La Tahona Cultural, una plataforma online para facilitar la financiación de proyectos culturales, un punto de encuentro entre creadores y mecenas.

SOBRE EL PROYECTO
La producción para la que os pedimos colaboración son unas actuaciones de nuestros alumnos en la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD), que forman parte del proyecto global de este Conservatorio de desarrollar la creatividad, la madurez interpretativa y experiencia escénica del alumnado.
Las funciones serán los días 26, 27 y 28 de abril de 2012 y en ellas nuestros alumnos ofrecerán un espectáculo mixto de danza española y neoclásica, con coreografías de Nacho Duato, William Forsythe, La Macana, Antonio Pérez, Elvira Andrés y Rafaela Carrasco.

¿PARA QUÉ EMPLEAMOS EL DINERO?
Los coreógrafos nos ceden desinteresadamente los derechos a interpretar sus coreografías, por lo que los 3.000 euros que necesitamos están destinados únicamente a la producción del espectáculo en lo que concierne a vestuario, escenografía, iluminación y coordinación técnica.

¿QUIÉNES SOMOS?
La Asociación de Profesores del Conservatorio Superior de Danza, se creó en el año 2008, con la finalidad de apoyar al Conservatorio Superior de Danza “María de Ávila” (CSDMA) en la realización de sus proyectos. Dependiente de la Dirección General de Universidades de la Consejería de Educación de la Comunidad de Madrid, el CSDMA se crea en el año 2006. Inmerso en el nuevo Espacio Europeo de Educación Superior, el CSDMA ofrece estudios de grado, futuros estudios de doctorado en colaboración con diferentes universidades y másteres de especialización artística e investigación, así como programas de intercambio que potencian la movilidad del alumnado. Además, organiza actividades complementarias que incluyen cursos, talleres, conferencias, clases magistrales y colaboraciones con festivales, centros coreográficos y compañías de danza. Todo ello impartido por un equipo de docentes de máximo prestigio.
Tiene un amplio programa de prácticas docentes en otros centros educativos, así como prácticas escénicas, con actuaciones que posibilitan al alumnado desarrollar su creatividad a la vez de adquirir experiencia escénica y madurez interpretativa, en las que se interpretan piezas de destacados coreógrafos (William Forsythe, Nacho Duato, Tony Fabre, Javier Latorre, etc.) junto a coreografías de nuestros alumnos. La principal finalidad del CSDMA es formar bailarines, coreógrafos y docentes versátiles, emprendedores, con rigor y sensibilidad, además de ser un centro vivo de estudio, creación e investigación, en continua evolución y experimentación.

comunicacion@csdma.es
www.latahonacultural
www.csdma.es

La de ayer fue una noche memorable para el tenor español Celso Albelo y para los melómanos de Bilbao. En la última de las funciones que la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera (ABAO-OLBE) tenía programadas de L’elisir d’amore, de Donizetti, el cantante tinerfeño tuvo que repetir, a petición del público y tras insistentes aplausos, la popular aria «Una furtiva lagrima». Albelo ya había pasado por esta peculiar experiencia: tuvo que bisar la misma página de la ópera donizetiana en la temporada 2010-11 ante el exigente público de La Fenice de Venecia. En el caso bilbaíno la ocasión significó un éxito más en la carrera de Celso Albelo, pues se trataba del primer bis en la historia del Euskalduna, que acoge la temporada de ABAO, una de las más prestigiosas de España y de Europa que este curso celebra su 60º aniversario. Tampoco se recuerda que un cantante haya repetido una aria en la historia reciente de la entidad. Para Albelo, se trató de «una noche de intensas emociones. Ante todo, agradezco infinitamente al público y lo que viví anoche lo recordaré siempre. No es habitual recibir el cariño de la audiencia de una manera tan calurosa, algo que me ha dejado muy tocado».
Considerado uno de los mejores tenores de la actualidad, Celso Albelo continúa la huella de los grandes cantantes españoles y se distingue por poseer una voz de gran cuerpo y homogeneidad y un timbre brillante, elementos a los que une una línea de canto depurada y un fraseo cargado de sentido. Estas características hicieron que en 2006 saltara a la primera línea de la escena operística internacional tras su exitoso Duque de Mantua de Rigoletto (Verdi) en Busseto, junto a Leo Nucci. A partir de entonces ha sido invitado en algunos de los coliseos más importantes del panorama lírico internacional como La Scala de Milán, la Royal Opera House del Covent Garden de Londres, La Fenice de Venecia, el Rossini Opera Festival de Pésaro, la Academia de Santa Cecilia en Roma, el Teatro Verdi de Trieste, el Teatro Real de Madrid, el Pérez Galdos de Las Palmas de Gran Canaria, el Campoamor de Oviedo, el Festival de Ópera de La Coruña, el Festival Castell de Peralada, el Palau de les Arts de Valencia, la Opernhaus de Zúrich, el Festival Classic Openair de Solothurn, el de Savonlinna y el de Baden-Baden, la Ópera de Tokyo, la Ópera de Montecarlo o la de Hamburgo, entre muchos otros.

El Teatro del Liceu atraviesa en estos momentos una situación muy delicada, debido a los recortes económicos que afectan también a la cultura. O deberíamos decir, sobre todo a la cultura. Tras la decisión de suspender temporalmente las representaciones, el Liceu trata de mantener la normalidad del resto de la temporada programada. Y lo hace con un clásico del repertorio. La Bohème.
Vuelve al Liceu la historia de amor del París más bohemio. Mimì y Rodolfo se reencuentran a partir del 27 de febrero y hasta el 19 de marzo en un total de 18 funciones encabezada por cuatro repartos estelares, dirigidos musicalmente por Victor Pablo Pérez y con dirección de escena de Giancarlo del Monaco.

El Real Coliseo de Carlos III celebra la sexta edición de Febrero Lírico, con seis conciertos bajo el título de Seis esencias, seis amantes, en los que la voz cobra protagonismo, acompañada de muy pocos instrumentos. Un festival para aquellos que aman el canto, la voz en estado puro y prácticamente sin artificios.
Los artistas participantes forman parte de una generación de cantantes y músicos españoles que se han formado en las mejores escuelas y conservatorios nacionales e internacionales, que desarrollan una carrera artística sin fronteras.
El precio de las entradas es 10-15 € y los conciertos programados son:

Sábado 4 de febrero, 20:00 h.
VI FEBRERO LÍRICO – Seis esencias, seis amantes
GROUNDS AND OSTINATI
Carlos Mena, contratenor
Enrike Solinis, tiorba y guitarra barroca.
El prestigioso contratenor Carlos Mena inaugura la VI edición de Febrero Lírico con un concierto esencial en el que la voz solamente estará acompañada por un instrumento de cuerda, la tiorba, y una guitarra barroca.
Obras de H. Purcell, D. Mazzocchi, C. Monteverdi,…

Sábado 11 de febrero, 20:00 h.
VI FEBRERO LÍRICO – Seis esencias, seis amantes
PERFIDISSIMO COR
Marta Infante, mezzosoprano.
Daniel Oyarzábal, clave.
Marta Infante presenta el programa Perfidissimo cor. La mezzosoprano, que colabora habitualmente con las agrupaciones más importantes de música antigua de nuestro país y ha realizado actuaciones en numerosos países europeos así como en las principales ciudades de Sudamérica, Oriente Medio y Japón, interpreta en esta ocasión junto a Daniel Oyarzábal, espléndido intérprete de clave y órgano con una magnífica carrera premiada internacionalmente, un programa en el que la pasión sirve de nexo de unión de los compositores más importantes del Barroco .
Obras de G.F. Händel, J.S. Bach, D. Scarlatti y A. Vivaldi.

Domingo 12 de febrero, 19:00 h.
VI FEBRERO LÍRICO – Seis esencias, seis amantes
INGLATERRA VERSUS ITALIA
Jordi Domènech, contratenor.
Dani Espasa, clavicémbalo.
Oriol Aymat, cello.
El reconocido contratenor Jordi Domènech, acompañado por Daniel Espasa al clavicémbalo y Oriol Aymat al violoncello, presentan Inglaterra versus Italia, una exquisita recopilación de algunas de las más bellas cantatas y arias barrocas de autores como H. Purcell, G.F. Händel y D. Scarlatti. Un trío de lujo que derrocha belleza y solvencia técnica en sus interpretaciones.
Obras de H. Purcell, G.F. Händel y D. Scarlatti.

Sábado 18 de febrero, 20:00 h.
La Galanía. (70 minutos, sin descanso).
VI FEBRERO LÍRICO – Seis esencias, seis amantes
YO SOY LA LOCURA
Raquel Andueza, soprano.
Jesús Fernández-Baena, tiorba.
Pierre Pitzl, guitarra barroca.
La soprano Raquel Andueza presenta, junto a su grupo La Galanía, el programa de su último disco Yo soy la locura, una delicada selección de piezas del siglo XVII españolas y europeas que comparten el castellano como lengua.
La trayectoria de esta soprano ha traspasado nuestras fronteras y colabora y canta en los auditorios y teatros más importantes del mundo junto a espléndidas formaciones barrocas internacionales.
Obras de H. du Bailly, J. Marín, B. Sanseverino, G. Sanz, J. Hidalgo,…

Sábado 25 de febrero, 20:00 h.
VI FEBRERO LÍRICO – Seis esencias, seis amantes
A VOCE SOLA. LA SOLEDAD DEL CASTRATO
José Hernández-Pastor, contratenor.
Jesús Fernández-Baena, archilaúd.
Laura Salinas, viola da gamba.
Alberto Martínez, clavicémbalo.
El contratenor José Hernández-Pastor nos invita a realizar un viaje a través del barroco italiano, desde sus antecedentes renacentistas hasta Händel, de la mano de la figura del castrato. Figura de gran interés histórico que evoca la terrible paradoja de ser adorado por todos y sufrir la soledad del incomprendido. Un contraste que le lleva a poder cantar las arias más vertiginosas y el lamento más profundo en la misma noche.
Para transportarnos a esa época, el contratenor valenciano cuenta en este programa con verdaderos expertos en acompañamiento barroco.
Obras de C. Monteverdi, P.F. Cavalli, G.F. Händel,…

Domingo 26 de febrero, 19:00 h.
VI FEBRERO LÍRICO – Seis esencias, seis amantes
DULCE DESDÉN
Mariví Blasco, soprano.
Manuel Vilas, arpa.
Ramiro Morales, cuerda pulsada.
El tono Dulce desdén de Juan Arañés, que da nombre al programa y que tiene por texto un soneto de Lope de Vega, abre un concierto en el que la soprano Mariví Blasco nos deleitará con algunos de los más famosos tonos humanos y divinos. Un género vocal de cámara caracterizado como un tipo de canción ejecutada con acompañamiento instrumental perteneciente al siglo XVII, el siglo barroco por excelencia.
Obras de J. Arañés, F. Guerrero, E. Daza, C. de Borja,…

Un elenco de cantantes jóvenes subirá al escenario en las cuatro funciones, y a precios populares, para hacernos disfrutar con la divertida ópera de Mozart. Es una reposición del año 2008, dirigida por Lluís Pasqual y en la que contaremos con la batuta de Chistophe Rousset, especialista en música de los siglos XVII y XVIII, que debuta en el Liceu con esta ópera.

Le nozze di Figaro de Wolfgang Amadeus Mozart
28 y 30 de enero y 1 y 3 de febrero de 2012

A diferencia de otros países y teatros de ópera del mundo, en España no acostumbramos (tampoco) a arropar y promocionar a nuestros intérpretes. Mucho menos convertir a alguno de ellos en casi cantante titular de un teatro. Como es habitual en países como Alemania que si han sabido aprovechar a nuestros cantantes.
Felizmente hay una excepción a esta norma, y es la pareja artística que desde hace ya 50 años forman Monserrat Caballé y el Gran Teatre del Liceu.
Este idilio artístico comenzó un 3 de enero de 1962 en este Teatro. El mismo que le rinde homenaje con motivo de tan extraordinario acontecimiento. La soprano estuvo acompañada en el escenario por compañeros de profesión y alumnos suyos del Conservatorio del Teatro del Liceu. Entre los participantes hay que destacar una joven alumna africana, Preity Jende, que interpretó una dificilísima aria de Il Puritani, de Bellini. Una voz e interpretación muy interesante y con una gran proyección. Con una hermosa voz lírica con la potencia de África y la delicadeza europea. Y la reaparición de Carlos Álvarez, como una de las grandes sorpresas de la noche, esperemos que ya recuperado completamente de sus afecciones en las cuerdas vocales. El emocionante homenaje terminó con todos los participantes sobre el escenario arropando a, la que sin duda ha sido, una de las mejores sopranos españolas.

Don Quichotte. Jules Massenet
Madrid, Teatro Real 22 diciembre.
Comédie Héroïque en cinco actos en lengua francesa
En versión de concierto
D. musical: Marc Piollet
D. de coro: Andrés Máspero
Antonacci, Furlanetto, Chama, Copons, Tobella, Martínez Reyes,
Padullés, López, Marino y Silva
Coro y Orquesta titulares del Teatro Real

Una acertada y entretenida versión de la obra de Don Quijote de la Mancha. Compuesta por Massenet en 1909, mientras se encontraba en cama recuperándose de una dolencia reumática. Le sirvió de entretenimiento la composición de esta obra cómica, justo cuando este género operístico no pasaba por su mejor momento. Era el melodrama y el psicodrama como Mélisande, Salomé o Electra, las composiciones que empezaban a copar los teatros a principios de siglo.
La ópera está basada en la obra de teatro de un desconocido autor, Jacques Le Lorrain, “Le Chevalier de la lounge figure”. Una de las razones del éxito continuado de esta obra, es el juego que proporciona el papel protagonista de Don Quijote. Los más grandes bajos de la historia han tenido la oportunidad de interpretar este papel. En esta ocasión ha sido el gran bajo italiano Ferruccio Furlanetto. Con una interpretación brillante, natural, de una gran elegancia en la dramatización, esa voz profunda y redonda que brota sin aparente esfuerzo y que dota al personaje de la identidad que se le presume.
Anna Caterina Antonacci, como la Belle Dulcinée, ha recreado una Dulcinée fatale, burlona, con una voz contundente como el personaje, lustrosa y sutil cuando era necesario.
Del mismo modo resaltar la comicidad extraordinaria de Eduardo Chama como Sancho Panza. Sus apariciones en escena hacían que no se echase de menos la escenificación de la ópera en esta versión concierto.
Elena Copons, Anna Tobella, Pablo Martín Reyes y Roger Padullés, tuvieron una actuación más que aceptable. La cantera española tiene muy buena salud y un futuro más que garantizado.
Muy bien la Orquesta en manos del Director Marc Piollet, buen conocedor de la obra y enérgico en la dirección a la que supo adornar con multitud de matices.
Y un día más felicitar al Coro y a su director, Andrés Máspero. Por su potencia, sonoridad y una participación cada vez más amplia y sólida.

El Teatro Real estrena el 3 de diciembre la ópera Lady Macbeth de Mtsensk, de Dmitri Shostakóvich (1906-1975), de la que se ofrecerán 8 funciones, con dirección musical de Hartmut Haenchen y dirección de escena de Martin Kušej.
La producción que se verá en Madrid refleja con extrema crudeza la trágica historia de Katerina Ismailova, cuya pasión amorosa y deseo sexual la llevan a un camino de perdición, en el que es víctima de la opresión, despotismo, hipocresía y machismo de la sociedad rural rusa de finales del siglo XIX, retratada con descaro y escarnio por Shostakóvich, basándose en el relato homónimo de Nikolái Leskov.
Partiendo del folclore y de la tradición operística rusa, Shostakóvich compone una música vigorosa y llena de contrastes, muy cinematográfica, que alterna un lenguaje rudo y salvaje con momentos de delicada expresividad, distorsionando y deformando melodías y danzas de su país y satirizando con insolencia los personajes tipificados por la literatura rusa del siglo XIX: el terrateniente déspota, el cura lascivo, el policía corrupto, el pueblo alcoholizado, etc.
Los cantantes que interpretarán los papeles protagonistas de la ópera en Madrid, Eva-Maria Westbroek (Katerina Ismailova), Michael König (Serguéi), Vladimir Vaneev (Boris) Ludovít Ludha (Zinovi) y Carole Wilson (Aksinya) vienen avalados por sus excelentes actuaciones en la Nederlandse Opera de Ámsterdam (2007) y en la Ópera Nacional de París (2009), en donde la ópera fue presentada con gran éxito.

Y lo hace con el estreno en España de la ópera de Philipe Glass “Les Enfants Terribles”.
“Les Enfants Terribles” es ante todo una novela escrita en noventa días en 1929 por un Jean Cocteau convaleciente.
Philip Glass, el más famoso compositor vivo americano de música clásica, ha dado forma operística a la trama acompañada de tres pianos y cantada por una soprano, un barítono bajo, un tenor y una mezzosoprano.
La ópera “Les Enfants Terribles”, producida por la Opéra National de Bordeaux y coproducida por el Arriaga, es un cuento fantástico, una historia extraña, donde el amor juega contra la muerte. Los niños nos introducen en su mundo onírico, donde se inventan otros códigos para otras vidas. La sencillez de la partitura y de los temas musicales libera nuestro pensamiento y permite al mundo de los niños invadirnos suavemente.
Nueva producción del Teatro Arriaga en coproducción con la Opéra National de Bordeaux, Teatro Arriaga de Bilbao y Colisée de Roubaix.

En el Auditorio Miguel Delibes, y acompañada al piano por Miguel Harth-Bedoya y la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, la soprano Renée Fleming ofrece un recital el 18 de diciembre. Con un repertorio compuesto por obras de Erich W. Korngold, Richard Strauss y Giaccomo Puccini.
Renée Fleming es una de las grandes cantantes líricas del momento y, por condiciones vocales y maneras interpretativas, la heredera de una tradición en la que encontramos nombres legendarios como Elisabeth Schwarzkopf y Lisa Della Casa. La soprano norteamericana tiene por rasgo distintivo su concepto del “canto noble”, sostenido sobre una emisión perfecta, sin trabas ni asperezas, en que la voz resuena libre de cualquier asomo de impureza. Dotada de un instrumento de buen volumen y cálido timbre, “La Fleming” ha hecho suyos personajes tan diversos como la Condesa de Las bodas de Fígaro de Mozart, la Mariscala de El caballero de la rosa de Strauss o Rusalka de Dvorák, de la que nos ha dejado un registro discográfico antológico, aunque sus miras también abarcan el verismo pucciniano y el romanticismo tardío de Korngold. Sin duda, uno de los acontecimientos musicales de la temporada.

El Teatro Real se vestirá de gala el próximo 5 de diciembre, para recibir en su escenario a las primeras figuras de la danza clásica de los teatros rusos, entre ellos, los que poseen las compañías referentes indiscutibles del ballet clásico: el Bolshoi de Moscú y el Mariinski de San Petersburgo. La ciudad de los zares contará también con representación de uno de sus centros más antiguos, el Teatro Mikhailovski.
La escuela rusa de ballet, nacida en el siglo XVIII y consolidada en el XIX, en la que se unen lo mejor de las disciplinas francesa e italiana para dotarlas de una técnica y bravura únicas, ha superado el paréntesis generado tras la caída de la Unión Soviética para volver a su carácter inconfundible . Así, en la actualidad, los teatros rusos han recuperado el esplendor de otros tiempos con bailarines que representan la esencia pura de la danza clásica. Nombres como Svetlana Zakharova, Denis Matvienko, Uliana Lopatkina, Natalia Osipova, Ivan Vasiliev, Victoria Tereshkina, Semyon Chudin, Yevgeny Ivanchenko y Anastasia Matvienko, entre otros, estarán presentes en esta cita.
Los amantes del ballet tendrán la ocasión de disfrutar, gracias al deslumbrante despliegue de recursos estilísticos y formales de estos bailarines, de las creaciones de legendarios coreógrafos como Balanchine, Petipa o Fokin
Todos aquellos que no puedan asistir a la función, tendrán la oportunidad de ver los mejores momentos de esa noche a través de Palco Digital del Teatro Real (http://www.palcodigital.com), el día 6 de diciembre. Televisión Española grabará parte del espectáculo para su posterior retransmisión.
El Año Dual España-Rusia 2011llega a su fin tras un intenso año de actos (con un programa de más de 350 actividades) celebrados entre España y Rusia durante 2011. Este periodo de colaboración ha servido para consolidar la corriente de simpatía que fluye entre ambos países y estrechar aún más las relaciones en todos los ámbitos, llevándose a cabo importantes intercambios en los ámbitos de la cultura, la economía, la ciencia y la educación.

Clamor es un portal de conocimiento que aspira a ir incorporando toda la actividad concertística de música española desarrollada en la Fundación Juan March desde su inicio en 1975. Clamor enriquece el audio de las grabaciones en vivo, con las fotografías de los conciertos, los programas de mano, las biografías de autores e intérpretes, las partituras, las plantillas instrumentales, las conferencias de los compositores e información complementaria depositada en la Biblioteca Española de Música y Teatro Contemporáneos de la Fundación. Un sistema de navegación avanzada permite la búsqueda interconectada de estos materiales.
Sus objetivos fundamentales son la difusión, la promoción, la investigación y el conocimiento de la música española. Es un proyecto abierto diseñado con capacidad de crecimiento, que en su primera fase presenta los recitales con música española de los siglos XX y XXI celebrados en el marco de tres series de conciertos:
• Aula de (Re)estrenos: dedicadas monográficamente a la música española contemporánea interpretada en este ciclo desde 1986.
• Tribuna de Jóvenes Compositores: becas y ayudas a la creación musical concedidas desde 1982 y 1988 a jóvenes compositores españoles menores de treinta años.
• Conciertos especiales: iniciados en 1975, engloban estrenos de obras realizadas por encargo, en ocasiones presentadas por el propio compositor, y otros eventos.

La mezzosoprano española María José Montiel se encuentra en la capital siciliana donde presentará, por primera vez en el emblemático Teatro Massimo de Palermo, su personal visión de Carmen de Bizet en un montaje que ya ha protagonizado en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona y cuya dirección de escena firma Calixto Bieito.
La artista madrileña, es en la actualidad una de las grandes intérpretes de la gitana más famosa de la lírica, habiendo paseado el rol por importantes escenarios de Suiza, Alemania, Francia, España, Japón o Italia, país al que regresa después de haber protagonizado la obra maestra de Bizet en ciudades como Pisa, Lucca, Livorno, Trieste y Udine.
En el Teatro Massimo Montiel se meterá en la piel de Carmen los días 19 y 22 de noviembre y tendrá como compañero de reparto al canario Jorge de León, quien dará vida a Don José; ambos intérpretes, junto a otros solistas vocales y a los cuerpos estables del coliseo palermitano, estarán dirigidos por el maestro Karel Mark Chichon.

Teatro Real de Madrid 8-11-2011
Concierto organizado en Madrid, Kiev, Berlín, Bruselas, Londres y Varsovia dentro del programa cultural de la Presidencia polaca del Consejo de la Unión Europea.

Programa: Part. I
Piotr Ilich Chaikovski (1840-1893)
El Voievoda, op. 78
Karol Szymanowski (1882-1937)
Concierto para violín nº 1, op. 35

Part. II
Piotr Ilich Chaikovski
Sinfonía nº 4 en Fa menor, op. 36

I, Culture Orchestra
Solista: Arabella Steinbacher
Dirección musical: Sir Neville Marriner

En el marco de la programación cultural de la Presidencia Polaca del Consejo de la Unión Europea, la I. Culture Orchestra, dirigida por Sir Neville Marriner, ofrece en siete capitales europeas -Estocolmo, Kiev, Berlín, Bruselas, Londres, Madrid y Varsovia- un programa compuesto por El Voievoda y la Sinfonía nº 4 de Piotr Ilich Chaikovski (1840-1893) y el Concierto para violín y orquesta nº2 de Karol Szymanowski (1882-1937), éste con la participación de Arabella Steinbacher como solista.
La I. Culture Orchestra, está formada por músicos de entre 18 y 30 años procedentes de Polonia, Bielorrusia, Armenia, Azerbaiyán, Georgia, Moldavia y Ucrania, que han trabajado intensamente durante un largo período de residencia en la ciudad polaca de Gdansk, con el apoyo de Instituto Adam Mickiewicz. Estos jóvenes instrumentistas fueron seleccionados en audiciones de alto nivel por un jurado internacional formado por el director Pavel Kotla y solistas procedentes de las más prestigiosas orquestas europeas.
Neville Marriner (1924), con 70 años de actividad musical, es una da las más prestigiosas, longevas y prolíficas batutas británicas de la actualidad, fundador de la excelente Academy of St. Martin-in-the-Fields en 1959 y muy popular por su participación en la banda sonora de la película Amadeus, de Milos Forman. A su lado estuvo, en el concierto de Szymanowski, la magnífica violinista Arabella Steinbacher, que comenzó su carrera internacional de la mano del director británico, cuando en 2004, con 23 años, interpretaron el Concierto para violín y orquesta de Beethoven junto con la Orquesta Filarmónica de Radio France. Desde entonces han actuado juntos en innumerables ocasiones, logrando una enorme intensidad y emoción, como quedó claro a lo largo de la representación. Junto a ella su instrumento, un ooth Stradivarius, fabricado en Cremona en 1716, y generosamente ofrecido por la Fundación Nipona de Música.
La próxima Noche del Real tiene lugar el 12 de noviembre. En ella podremos disfrutar de la magnífica voz del contratenor Philippe Jaroussky en un esperado recital barroco. Repertorio del que es reconocido experto gracias a las características y cualidades de su voz.

Deutsche Grammophon ha anunciado la firma de un contrato discográfico en exclusiva con Avi Avital, el primer mandolinista en firmar con el sello.
Nacido en Israel, Avi Avital ha ganado numerosos concursos y recibido diversos premios, entre los que se encuentran el Premio Echo en Alemania, además de ser el primer mandolinista que ha recibido (en 2010) una nominación a un Grammy clásico a la “Mejor Interpretación Solista Instrumental”.
Enraizado en la tradición barroca de su instrumento, las interpretaciones de Avi Avital incluyen regularmente conciertos de Vivaldi, Paisiello y Bach, así como obras de un gran número de compositores contemporáneos, entre los que figuran Avner Dorman, David Bruce y Josef Bardanashvili. Su calendario de conciertos en 2011 le ha llevado a tocar en países como Alemania, Israel, Italia, Suiza, Gran Bretaña y Estados Unidos, además de compromisos previstos en Alemania, Francia, Gran Bretaña, China y Taiwan.
Avi Avital goza de renombre internacional gracias a sus interpretaciones en salas como el Carnegie Hall y el Lincoln Center de Nueva York, la Philharmonie de Berlín, el Wigmore Hall de Londres y la Sala de Conciertos de la Ciudad Prohibida en Pekín. También ha aparecido en los festivales de música de verano de Tanglewood, Lucerna, Spoleto y Ravenna.
Reconocido por The New York Times por su “manera de tocar exquisitamente sensible” y su “asombrosa agilidad”, el mandolinista nominado a un Grammy Avi Avital es uno de los músicos jóvenes más apasionantes del panorama actual y se halla profundamente comprometido para construir un nuevo legado para la mandolina por medio de la interpretación virtuosística y la creación de nuevo repertorio.
El debut discográfico de Avital en Deutsche Grammophon será un disco dedicado monográficamente a Bach –que incluirá transcripciones de conciertos par clave y violín en arreglos para mandolina y orquesta– con Kammerakademie Potsdam.
Cuando firmó el contrato, Avi Avital señaló: “Estoy deseando llevar la música tradicional y contemporánea para mandolina a los públicos de todo el mundo, comenzando con el mayor modernista tradicional de todos, Johann Sebastian Bach”.

Palco Digital y un nuevo sello sitúan al Teatro Real en la vanguardia de la oferta audiovisual.

La creación del nuevo sello del Teatro Real, inagurado con la grabación y producción propia e independiente de los DVDs Las bodas de Fígaro y las cuatro coreografías de Antonio Gades, culmina el desarrollo de su sofisticada infraestructura audiovisual, completamente renovada en 2008, cuando se dotó al edificio de una instalación tecnológica puntera, que le permite grabar y retransmitir en directo sus espectáculos en alta definición, con una calidad excelente de imagen y sonido, sin necesidad de intermediarios o coproductores.
El Teatro Real se encuentra hoy en la vanguardia de la oferta audiovisual de ópera, solo comparable con el Covent Garden de Londres y el Metropolitan de Nueva York. Desde sus estudios se pueden retransmitir en directo y grabar espectáculos en alta definición para su edición en DVD o blu-ray y para difundir a través de diferentes vías: cadenas de televisión nacionales e internacionales, salas de cine de todo el mundo, pantallas instaladas en el exterior del teatro o emisión en circuitos restringidos como el de las universidades adscritas al proyecto educativo «Opera Oberta».
Con la nueva instalación audiovisual del Teatro Real han tenido difusión internacional espectáculos tan importantes como la Gala del 70 Aniversario de Plácido Domingo -retransmitida en directo para toda Europa a través de Eurovisión-, el Concierto de Europa de la Orquesta Filarmónica de Berlín, con Simon Rattle, en directo para televisiones de todo el mundo, la ópera Ascenso y caída de la ciudad de Mahagonny, y los ballets de Antonio Gades, ofrecidos en directo para más de un centenar de salas de cine dentro y fuera de España.
La instalación audiovisual del Teatro Real permite grabar, editar y producir espectáculos. Este proyecto, unido a su política de coproducción audiovisual, iniciada en 2003, ha permitido realizar coproducciones con los sellos discográficos más importantes (Opus Arte, Deutsche Gramophon, Decca, François Roussillon, Dynamic o Bel-Air) y con cadenas de televisión como TVE, BBC, NHK, ARD, ZDF, ARTE, MEZZO, etc.
Esta colaboración ha llevado al Teatro Real a compartir prestigiosos premios audiovisuales, como los obtenidos con Katia Kabanova y el Diapason d’Or concedido este mes al DVD Ascenso y caída de la ciudad de Mahagonny, recientemente editado. Estos premios internacionales concedidos a DVDs grabados en el Real confirman el prestigio y calidad de sus grabaciones en alta definición.
También, desde el pasado mes de julio el Teatro Real cuenta con su propio Palco Digital, que permite a melómanos de todo el mundo disfrutar de algunas de las mejores producciones que se presentan en su escenario.
Este ambicioso proyecto, cuyo inferface será próximamente mejorado, ampliará su oferta en videoteca y reducirá sus tarifas, tanto de las conexiones puntuales como de los abonos.
Por último, en España, además de las retransmisiones ofrecidas por TVE, los telespectadores podrán ver las óperas del Teatro Real en el canal ONO, bajo demanda.

Todos los suscriptores del Heraldo de Aragón están de enhorabuena. Desde el pasado 24 de octubre, Al Ayre Español y Heraldo de Aragón ofrecen los ensayos generales de la Orquesta dirigida por el Maestro Eduardo López Banzo de manera abierta y gratuita a los suscriptores de éste periódico aragonés. A esta excelente idea se ha sumado el Auditorio de Zaragoza que presta su sala Mozart.
La iniciativa de abrir puertas a la cultura es la mejor manera de crear escuela y “criar” nuevos públicos. ¡Qué cunda el ejemplo!

Alberto Posadas, recientemente galardonado con el Premio Nacional de Música 2011 que concede el Ministerio de Cultura, estrenará en 2016 su nueva ópera “El Otro”, a partir del drama homónimo de Miguel de Unamuno. Otras dos óperas españolas encargadas por el Teatro Real tienen previsto su estreno: “El Público”, de Mauricio Sotelo, sobre la obra de García Lorca y una nueva creación de la compositora Elena Mendoza, Premio Nacional de Música 2010, basada en tres cuentos del escritor Juan Carlos Onetti.

El Teatro Real ofrecerá, en los fines de semana de octubre, tres conciertos en su Sala Principal y ocho funciones de títeres en la Sala Gayarre dirigidos al público infantil y juvenil.

El próximo día 8 de octubre el Teatro Real inicia la programación infantil y juvenil de su 15ª Temporada, llena de citas muy atractivas en este otoño, todas ellas en fines de semana, a buen precio (5 y 7 euros, menores de 30 años y 10 y 15 euros, a partir de 30 años) y dirigidas a grupos de diferentes edades.
Los sábados 8 y 15 de octubre tendremos tres conciertos en la Sala Principal del Teatro Real titulados “Instrumentos vagabundos” que, con dos diferentes programas, enseñarán a niños y jóvenes, de una forma divertida, los instrumentos de la orquesta.
Los dos conciertos del sábado 8 , llamados “ Familias vecinas ” están aconsejados para niños de 7 a 11 años. Los vientos de madera y de metal, las cuerdas y la percusión viven en la casa de la música. Como buenos vecinos, se reúnen de vez en cuando para formar grupos variados. Antes de despedirse forman una orquesta para tocar a Beethoven.
En el del sábado 15, a las 12.00 horas , denominado “ Cifras y cuerdas, y mucho más ”, 1, 2, 3, 4, 5, 6, 8… Sumándose uno tras otro, los instrumentos van formando dúos, tríos, cuartetos… El grupo aumenta hasta llegar al número 15: la perfección y el equilibrio de la orquesta de cuerda, desde Bach a Britten. En este caso, está dirigido al público juvenil, de 12 a 16 años.
Contarán con guión y presentación de Fernando Palacios e interpretación de la Orquesta-Escuela de la Sinfónica de Madrid, bajo la dirección de José Antonio Montaño.
Todavía en Octubre, los días 22, 23, 29 y 30 , se ofrecerán 8 funciones de títeres en la Sala Gayarre del Teatro Real , denominados “ El desván de los juguetes ”, con música de Debussy, concebidos e interpretados por la Compañía Etcétera y dirigidos a niños de 4 a 7 años. Precio: 10 € menores de 30 años y 18 € a partir de 30 años).
Claude Debussy, contemporáneo de los pintores impresionistas, fue uno de los grandes compositores del inicio del siglo XX, fascinado también por Oriente, el teatro de sombras y los juguetes. Esa fascinación es fuente de inspiración en el montaje realizado por la Compañía Etcétera, que indaga sobre la memoria familiar, el valor de los recuerdos y objetos que nos legan nuestros padres y abuelos.
Una completa Guía Didáctica con información detallada sobre cada uno de los conciertos infantiles y juveniles del Teatro Real se encuentra disponible en el apartado PROYECTO PEDAGÓGICO de la página web del Teatro Real, www.teatro-real.com.

La ciudad de Oviedo ha presentado en Madrid su programación cultural. Una forma de paquete turístico en colaboración con el Corte Inglés que combina: un programa de estancia en hotel y entradas a los principales programas culturales que tienen lugar en la capital del Principado de Asturias, con un importante apartado dedicado a eventos musicales, como es el Festival Lírico, los Ciclos de Grandes Conciertos, las Jornadas Internacionales de Piano Luis Iberni» y las representaciones de Ópera que se desarrollan en los diferentes teatros ovetenses.
Mientras todo esto ocurre en la ciudad de Oviedo, la Orquesta de Extremadura se encuentra al borde de la suspensión de su temporada de conciertos. Los recortes presupuestarios, y la falta de valoración por parte del propio consejero del ramo, mantienen en situación de incertidumbre a los profesionales de esta Orquesta.
Los ciudadanos tenemos la responsabilidad de concienciarnos sobre la importancia de la cultura en general, y de la música clásica en particular, si queremos que nuestros políticos lo hagan también.

La Fura dels Baus pone en escena por primera vez la ópera Oedipe de George Enescu

La Fura dels Baus ha dado un paso más en el mundo de la ópera y estrenará el próximo 22 de octubre “Oedipe”, la ópera de George Enescu, Edipo, bajo la dirección artística de Àlex Ollé con la colaboración de Valentina Carrasco. El estreno absoluto será en la Monnaie de Munt de Bruselas.
El montaje artístico concebido por Àlex Ollé pone en escena el libreto de Edmon Fleg que reúne las dos obras de Sófocles, “Edipo Rey” y “Edipo en Colonos”. Ollé apuesta en la dirección artística por la idea del tiempo cíclico y por la utilización de fragmentos y citas de diferentes épocas, no sólo como evocación, sino como escenificación. Por ejemplo, se introducen elementos históricamente reconocibles como un pórtico barroco, o la Esfinge, la gran controladora, que en la adaptación de La Fura dels Baus, se convierte en las alas de un avión de combate de la II Guerra Mundial; o un ortodoxo diván de psicoanalista que Edipo utiliza para recostarse y confesarse a Mérope.

Instituciones Penitenciarias premia al responsable del Proyecto Social del Teatro Real, Juan Marchán

El responsable del Proyecto Social del Teatro Real, Juan Marchán, recibirá el próximo viernes, 23 de septiembre, la Medalla de Plata al Mérito Social Penitenciario en un acto presidido por el Ministro Antonio Camacho. Este galardón, otorgado por la Secretaría General de Instituciones Penitenciarias, premia la intensa labor desempeñada por el coliseo en las cárceles, como apoyo a la rehabilitación de los internos a través de la música, la danza y las artes escénicas en general.

Con este programa solidario el Real incide, asimismo, en su empeño de acercar la lírica a todo tipo de público, llevándola incluso más allá de los muros de su edificio. El Proyecto Social del coliseo da un paso más en el desempeño de esta filosofía, acercando la música, la danza y las artes escénicas a aquellas personas que no tienen oportunidad de salir voluntariamente a su encuentro.
El Proyecto Social del Teatro Real, nació en la temporada 2007-2008 como apoyo a la reinserción social y a la rehabilitación hospitalaria. En este último caso, fundamentalmente dirigido a niños.

El pasado 23 de julio, La cantaora Estrella Morente rindió un sentido homenaje a su padre, el Maestro Enrique Morente, recientemente fallecido.
Sobre el escenario aparecía Estrella rodeada de familiares, su hermana, su tía, incluso su hijo Curro. Unidos por la memoria y el latido interior, ajustado, acompasado y que con tanto oficio transforman en arte. Varias generaciones sobre el escenario, las que han influido y enseñan y las que aprenden. Entre ellas, y con un tempo y sabiduría cada vez más asentado, Estrella Morente. La estampa que dibujaba en el Patio de Armas del Alcázar era bellísima. Una estética andaluza y española llena de plasticidad. Con una voz cálida que, a medida que subió de temperatura, dejó paso al desgarro y a la más honda expresión del sentimiento.
Dejó momentos de fusión musical y estética, como muestra de su herencia paterna. Estuvo magníficamente acompañada a la guitarra por el Maestro Montoyita y por El Monti. La percusión, a cargo de El Popo, proporcionó intensidad y matices al cuadro flamenco. Todo ello enmarcado en un Patio de Armas con el aforo adecuado para este tipo de eventos. Esto permitió , además, que Estrella Morente pudiera deleitarnos con su voz natural en los bises. Una voz que por si sola ocupó el recinto y lo llenó de sensaciones, algo reservado solo a los grandes.

DANZAS EUROPEAS: UN RECORRIDO POR FRANCIA ESPAÑA Y PORTUGAL
Cada vez van siendo más los festivales que en verano salpican ciudades españolas con música clásica. Dentro de estos, algunos ya consolidados, bien por el número de ediciones, bien por su calidad, bien por ambas cosas. En esta última categoría podemos clasificar el Festival de Segovia que, un verano más, y haciendo gala de su acertado eslogan, “refresca los sentidos”.
Segovia es, además, una hermosa ciudad adornada de lugares donde el sonido de una tiorba, o el de una voz delicada añaden valor estético, y a veces místico, al sonido original.
El gusto por una música barroca de calidad, ha traído a este año a Segovia, entre otros, a Il Suonar Parlante. De la mano de Vittorio Ghielmi y su labor de investigación y divulgación de esta particular técnica de emisión sonora que trata que los instrumentos imiten la voz humana.
El viernes 29 de julio, el viola Vittorio Ghielmi, y el laudista Luca Pianca, llenaron San Juan de los Caballeros de la exquisita música de Marais, Gallot, de Vissé y Forqueray, demostrando con maestría el conocimiento de un variado repertorio y unas obras pretendidamente exóticas y juguetonas. Una de las sorpresas de la noche, fue la presentación de un pequeño instrumento. El más agudo y pequeño de la familia de la viola de gamba, el pardessus. Con él interpretó tres versiones de otras tantas composiciones de Madame La Rochette en Nantes. Esta viola con aspecto de violín, permitía interpretar a las Damas de la corte piezas musicales de una manera más decorosa para la época.
Luca Pianca interpretó un solo de laúd de Falconiero, músico napolitano, de una delicada belleza que pone en valor la música y danzas europeas de los siglos XVII y XVIII.

LAS LAMENTACIONES NOCTURNAS DE JEREMÍAS
Mucha era la expectación alrededor del estreno de “Las lamentaciones Nocturnas de Jeremías”, que el sábado 30 de julio y en el Patio de Armas de El Alcázar pudimos disfrutar. Parte de esa expectación residía en el atractivo de las voces que lo iban a interpretar. Bajo la dirección de Uri Caine, las voces de Carmen Linares (acompañada de Salvador Gutiérrez), Cristina Zavalloni, Barbara Walker. El saxo bajo de Achille Succi e Il Suonar Parlante.
La mezcla de instrumentos y las voces vinculadas a una raíz propia, empastaron y trasmitieron una gran riqueza sonora y cultural. Músicas originales que se complementaban y enriquecían, voces que se reconocían en su diferente interpretación e instrumentos y sonidos que se entremezclaban de manera armoniosa.
Diferentes sensaciones causó la parte interpretada por la soprano Cristina Zavalloni. Pareciera que en aquel festival de voces enraizadas distorsionara la partitura que Uri Caine elaboró para la voz de soprano. El caso es que los “geribeques” emitidos por Cristina Zavalloni parecían no encajar con el resto de la obra.
Pero esta mezcla inconexa no restó brillantez a la calidad de los músicos y las voces. La experiencia resultó enriquecedora y merecedora de un análisis en profundidad.

El Teatro Real comunica que, por enfermedad del tenor Marcello Giordani, el papel de Mario Cavaradossi, en la ópera Tosca de Puccini, será interpretado por el tenor canario Jorge León, en las funciones de los días 14, 17, 20, 23, 26 y 28 de julio.
Será un placer volver a escuchar a Jorge de León y comprobar su evolución después después de su exitosa interpretación del rol titular de la ópera Andrea Chénier, en la pasada temporada en el Teatro Real. (Ver crítica “Andrea Chénier” en la sección opinión).
Estarán a su lado la soprano Sondra Radvanovsky, como Tosca, y el barítono George Gagnidze, como Scarpia.

Baile: Fuensanta La Moneta
Cante: Arcángel
Declamador: Juan Diego
Guitarra: Juan Manuel Cañizares
Flauta: Roberto Fabbriciani
Trío Arbós: Juan Carlos Garvayo (Piano), Miguel Borrego (Violín) y
José Miguel Gómez (Violonchelo)
Viola: Sergio Sáez
Percusión: Agustín Diassera
Electrónica: Fernando Villanueva
Director: Mauricio Sotelo
Teatro Real. Madrid

La poética musical del compositor madrileño Mauricio Sotelo se ha asomado con frecuencia al vibrante universo del cante jondo, siempre desde la perspectiva de lo que el autor denomina micro-calidades del sonido. El potente e inconfundible lenguaje de Sotelo, cuyo inédito sonido desprende también un cierto sabor añejo, se denomina hoy en Europa, Flamenco Espectral. En sus obras han colaborado grandes artistas del flamenco como Enrique Morente, Carmen Linares, Esperanza Fernández, Marina Heredia, Eva Duran, Pitingo, Rafael de Utrera, Miguel Poveda y Arcángel (éste en casi todas sus obras desde hace ya más de 10 años), así como el gran guitarrista Cañizares y la bailaora granadina Fuensanta La Moneta.
Su última composición Muerte sin fin, clausuró la Tercera Edición de la Bienal de Flamenco de Holanda y ahora se presenta en España dentro del Festival Suma Flamenca. El título de la obra está inspirado en el poema homónimo del escritor mejicano José Gorostiza. Fragmentos de ese poema se entretejen con cantes de la más pura tradición flamenca. Podríamos hablar aquí, según pensamiento de Sotelo, de una arquitectura de la memoria compuesta por doce partes que recogen los ecos y resonancias de una añeja voz de dolor que configura la dramaturgia de la figura de la bailaora.
Esa voz es la de Arcángel y ese baile, el de Fuensanta “La Moneta”, y esa guitarra la de Cañizares. El trabajo de la bailaora recorre distintas técnicas y, por supuesto, otros tantos palos o estilos flamencos como son la soleá, soleá por bulería, bulería o la trilla.
La obra proyecta, en una gran arquitectura, la tensión dramática que podemos escuchar en las pequeñas formas del flamenco.
Mauricio Sotelo cerraba las páginas de esta composición en el pasado mes de diciembre, cuando sucedió la muerte del gran cantaor Enrique Morente. Por este motivo la partitura lleva el epígrafe: A LA MEMORIA DEL GRAN ENRIQUE MORENTE.

Día de la Música 2011

El 18 de junio, fecha elegida para el comienzo de las celebraciones del día de la Música, que se extienden durante toda la semana, Madrid se sitúa a la altura de las principales ciudades europeas. De todos los acontecimiento musicales que se desarrollaron a lo largo del día, cabe destacar el organizado por el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), dirigido por Antonio Moral, en colaboración con el Auditorio Nacional.
¡SOLO MÚSICA! Comenzó a las 12.00 del medio día, en la Sala Sinfónica, con la Sinfonía nº 5 en do sostenido menor de Gustav Mahler, a cargo de la Orquesta Nacional de España, dirigida por Josep Pons.
Durante toda la jornada, dentro y fuera del Auditorio Nacional, podía disfrutarse, de manera gratuita, de una gran variedad de representaciones en distintos espacios. A parte de las salas Sinfónica y de Cámara, se habilitaron también el hall de entrada del Auditorio (con el nombre de sala de Tapices) y la plaza situada en la entrada de la Sala Sinfónica.
También el repertorio era de lo más variado, para satisfacción de todos los públicos. Popular, por conocido, y abarcando los distintos estilos y períodos musicales. No faltó a esta cita el flamenco, representado, entre otros, por una joven y prometedora cantaora, Argentina acompañada a la guitarra por José Quevedo “Bolita”, que supo transmitir con su arte todo lo que se puede esperar del flamenco.
Participaron alumnos de la Escuela Superior de Música Reina Sofía y la Orquesta Filarmónica de la Universidad de Alicante, que interpretó brillantemente el Concierto para violín y orquesta en re mayor, op. 35 de Chaikovski.
A lo largo de la tarde la afluencia de público fue en aumento, lo que demuestra que, cuando la oferta es variada y de calidad, la gente responde. Hay que apuntar este éxito a la extraordinaria organización. Madrid tiene que plantearse ya nuevos y ambiciosos horizontes musicales a la manera de otras ciudades europeas en época estival. Cuenta para ello con capacidad de organización y espacios polivalentes para ser utilizados. A veces los peores momento pueden ser un buen punto de partida.
Del 19 al 26 de junio se celebra también el I Festival de Música de Madrid. Este festival es una iniciativa de la Fundación SaludArte para ofrecer una posibilidad abierta a todos de disfrutar y convivir con los valores de la cultura. “Madrid me suena” es la continuación de eventos similares que esta institución ha organizado en los últimos años en Estados Unidos o Venezuela, junto a instituciones como la New World Symphony de Miami o el Sistema Nacional de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela (Premio Príncipe de Asturias 2008). Asimismo, este Festival es parte del programa Iberópera, también de la Fundación SaludArte.
En este Festival podremos disfrutar de la 5º Sinfonía de Mahler, la voz de María Bayo y Andreas Wolf, entre otros.

Diálogos, enfoques y recitales en torno a Messiaen

Saint François d’Assise, una de las óperas capitales del siglo XX, es también la obra cimera de uno de los compositores más singulares y únicos, Olivier Messiaen.
Sin embargo, por su longitud y sus características –con más de 130 músicos y un coro de más de 120 cantantes– se representa en contadas ocasiones, por lo que su puesta en escena supone un acontecimiento que va más allá de la representación de una ópera.
Esta obra se presentará al público español el próximo 6 de julio, escenificada por primera vez en Madrid, en un gran recinto –el Madrid Arena.
Consciente de la singularidad de este hito histórico, el Teatro Real, en colaboración con el Círculo de Bellas Artes, ha programado un ciclo de cine, charlas, conciertos y una exposición sobre la figura de Olivier Messiaen durante junio y julio que profundizan en la biografía y actividad artística del compositor.

CÍRCULO DE BELLAS ARTES
Lunes 13 de junio, 19. 30 horas
“Messiaen, compositor y pedagogo”
Introducción a cargo de Gerard Mortier y Claude Samuel
Participantes: Mauricio Sotelo, Luis de Pablo y Carles Guinovart
Intervención musical de Marie Vermeulin: Preludios

Martes 14 de junio, 19. 30 horas
“Messiaen, los pájaros y la naturaleza”
Introducción a cargo de Gerard Mortier y Claude Samuel
Participantes: José Luis Téllez y José Luis Besada
Intervención musical de Marie Vermeulin: Petites esquisses d’Oiseaux

Miércoles 15 de junio, 19. 30 horas
“Messiaen y la fe”
Introducción a cargo de Gerard Mortier y Claude Samuel
Participantes: Ismael Fernández de la Cuesta e Yvan Nommick
Intervención musical de Marie Vermeulin: Vingt regards sur l’Enfant-Jésus

TEATRO REAL
Jueves 16 de junio, 20. 00 horas. SALA PRINCIPAL
“Quatuor pour la fin du Temps”
Reservado a los patrocinadores, los miembros del Club Joven del Real, los Amigos del Real y los participantes en los encuentros del Círculo de Bellas Artes
Intérpretes: Dragos Balan / Margarita Sikoeva /, Vadim Gladkow y Vicente Alberola

Martes 5 de julio, 19.30 horas. SALA GAYARRE
“Enfoques”
Introducción a cargo de Gerard Mortier, con la participación de Sylvain Cambreling,
director musical de la ópera, y Giuseppe Frigeni, director de escena.
Interpretación del Quatuor pour la fin du Temps
Intérpretes: Dragos Balan / Margarita Sikoeva /, Vadim Gladkow y Vicente Alberola

10 razones para asistir a San Francisco de Asís

Las razones del director musical (Sylvain Cambreling):
1- Porque la música de Messiaen es tan poderosa que nos contagia su alegría.
2- Porque cuando descubrimos la obra nos transforma. Después de escucharla, salimos cambiados.
3- Porque no es necesario ser un entendido, ni ser creyente. Es mucho más sencillo: estar abierto a la escucha y disfrutar.
4- Porque no es una ópera larga, sino que hay momentos que el tiempo parece suspendido.

Nuestras razones:
5- Porque hay que empezar a vencer la pereza. Esa que nos acomoda en la costumbre y la repetición.
6- Porque no hay que tener miedo a los cambios y escuchar nuevos idiomas nos enriquece.
7- Porque San Francisco de Asís es la música por venir.
8- Porque descubrir cosas nuevas es lo más interesante de la vida.
9- Porque nunca escucharemos tantos colores en una sola partitura.
10- Porque es un monumento sonoro elevado a la humildad y la alegría (Yvan Nommick)

Ha llegado el momento. Apaguen sus móviles y enciendan su mente.

El Festival de Segovia (FS), que este año se desarrollará del 18 al 30 de julio, celebrará en esta edición 36 años, en cuya trayectoria los mejores intérpretes de la música de cámara, ópera, jazz y flamenco han dejado su huella al avalar a uno de los festivales más antiguos de España y celebrado en los rincones más emblemáticos de una ciudad Patrimonio Histórico: Segovia. Un festival que está integrado por la Semana de Música de Cámara, que cumple 42 años y por el Festival Joven, con 16 años de existencia, en el que las jóvenes promesas del panorama musical muestran su talento.
Es este un festival a medida de todos los públicos y para todos los gustos, que cuenta además con una política de precios difícil de superar y entradas que oscilan desde la gratuidad hasta los 30 euros.
En esta edición, el Festival se caracterizará por los homenajes a distintos géneros y autores, con exquisitas joyas de la música de cámara y guiños a las músicas más actuales. Maestros del flamenco en sus distintas vertientes, como Antonio Canales, Eva Durán, Estrella Morente o Carmen Linares mostrarán su arte en el Festival. Los dos primeros se unirán a los seis solistas del grupo de percusión Kimbala y al ya leyenda del jazz-flamenco Jorge Pardo, a través de una propuesta en la que la albà valenciana (canto tradicional levantino), el cante, sonido y baile flamencos encuentran un punto de encuentro gracias a instrumentos percusivos y métodos de composición de la tradición clásica europea, africana, sudamericana y asiática. Un espectáculo que no es sino un canto a la tierra, que el Festival ofrecerá de forma gratuita el 22 de julio en la Plaza de San Martín.
El 23 de julio Estrella Morente homenajeará a su padre, Enrique Morente, en un concierto en solitario en el Alcázar, mientras que Carmen Linares se unirá a las voces de Barbara Walker (soul y gospel) y Cristina Zavallotti (clásico) en un estreno absoluto que cerrará el Festival el 30 de julio: Lamentaciones de Jeremías, un espectáculo ecléctico de Uri Caine, al piano, con temas en tres idiomas (español, inglés y hebreo), el clarinete bajo de Achille Succi y Vittorio Ghielmi dirigiendo a su Ensemble de violas de gamba “Il Suonar Parlante”. Una formación, además, que ofrecerá un concierto en solitario el 28 de julio tomando como punto central El arte de la fuga de Johann Sebastian Bach y Lieder de Carl Philippe Enmanuel Bach, junto a la soprano Graciela S. Gibelli y Lorenzo Ghielmi al clave. Una de esas delicadas joyas del Festival que el día 29, en San Juan de los Caballeros, se extenderá a las danzas europeas: Un recorrido danzado en Francia, Portugal, Austria, Rusia y Hungría, con un dúo de viola de gamba y laúd.
Desde España a Rusia, la soprano Ana Häsler, una de las nuevas voces más luminosas y de mayor proyección en el panorama del canto lírico en Europa en estos últimos años -según confirman las críticas y una carrera en continuo ascensoestará acompañada por el pianista ruso-español Enrique Bernaldo de Quirós, uno de los instrumentistas más representativos de su generación en España (día 27 de julio en San Juan de los Caballeros). Y más tarde, durante la noche, los Solistas de Cámara de San Petersburgo, especializados en música de cámara rusa, aunque su repertorio abarca más de tres siglos, ofrecerán un concierto lleno de virtuosismo y sensibilidad en el Alcázar.
Tomás Luis Tomás Luis de Victoria estará representado a través del Oficio de difuntos a cargo del grupo Música Reservata, que actuará el 25 de julio, un grupo de cámara vocal cuyo objetivo es dar a conocer el repertorio menos conocido del Renacimiento y Barroco, con un especial interés por la música religiosa. La ausencia de un director fijo les ha permitido trabajar con diversos maestros y especialistas en música antigua, como Jean-Marc Andrieu, Bart Vandewege, Peter Phillips, Andrew Carwood, Bruno Turner, Josep Vila y Mireia Barrera. A caballo entre la música y la poesía, la palabra y la canción, el piano y la voz, el 24 de julio, la cantante Ana Belén, acompañada al piano por Rosa Torres-Pardo, interpretará en el Alcázar de Segovia “música callada”, un recital dirigido por José Carlos Plaza y con guión del poeta granadino Luis García Montero. Un intento de crear, sin presiones y sin tiempo, un mundo impalpable que trate de alcanzar el interior menos manipulable del espectador a través de Mozart, Juan de la Cruz, Mompou, Cernuda, Alberti o Chopin, entre otros.
Todos los pianistas y compositores españoles recibieron la influencia del gran virtuoso Liszt y siguieron su escuela, como Albéniz. El programa que ofrecerá la pianista Sylvia Torán el 26 de julio en Segovia consta de la obra maestra de Liszt, La Sonata en si menor, y una de las leyendas: San Francisco de Asís predicando a los pájaros, obra de madurez que como Los Juegos de Agua de la villa d’Este, anuncia el impresionismo de Ravel y Debussy, además de las Consolaciones escritas en 1849.
El Festival Joven contará, como en ocasiones anteriores, con los ganadores del Premio Infantil de Piano “Santa Cecilia”, Premio de Piano Infanta Cristina de la Fundación Don Juan de Borbón, Certamen Nacional de Interpretación “Intercentros Melómano”, Certamen “Pedro Bote” y Concurso Nacional de Violoncelo “Florián de Ocampo”, además de los Circuitos de Música del Injuve en sus cuatro vertientes: Piano y voz, Sexteto, Percusión y Órgano. El 18 a las 21h. se abrirá el Festival Joven, con la actuación en la Plaza de San Martín de la Banda Sinfónica californiana “The Ambassador’s”, una formación que agrupa a jóvenes talentos de la Bahía de San Francisco y que en su última gira por Japón fue ovacionada con ímpetu.
El Festival de Segovia 2011 se completará con otras actividades, como el III Ciclo de Órganos Históricos, que también homenajeará a Tomás Luis de Victoria, y que el organista belga François Houtart interpretará gracias a la recuperación de este instrumento y su existencia en distintos lugares de la ciudad; la Exposición de fotografía “Flamencos para el siglo XXI” y el IV Curso Internacional de Música “Ciudad de Segovia”. Asimismo, se llevará a cabo una mesa redonda sobre la investigación y difusión del patrimonio musical, uno de los objetivos del Festival de Segovia a lo largo de estos años, así como la presentación del CD “Alienta, mortal, alienta”, y la edición de partituras: volumen IV de la colección Maestros de Capilla de la Catedral.
El Patio de Armas de El Alcázar, la Iglesia de San Juan de los Caballeros- Museo Zuloaga, la Plaza de San Martín, la Catedral, el Conservatorio de Música y otros entornos inigualables de la ciudad, como patios y jardines, serán los escenarios para embeberse de la música de calidad y del deleite en un festival con 36 años de historia que se renueva cada año con la misma calidad.

Estreno de I due figaro de Mercadante, coproducción del Real en Salzburgo

En el marco del prestigioso Festival de Pentecostés de Salzburgo, y bajo la batuta de Riccardo Muti, reciente premio Príncipe de Asturias de las Artes, el 10 de junio tendrá lugar el estreno moderno de I due Figaro (Los dos Fígaros), de Saverio Mercadante (1795-1870).
Este montaje, coproducido por el Teatro Real, junto con el Festival de Pentecostés de Salzburgo y el Festival de Ravenna, está encabezado por un equipo artístico español: dirección de escena de Emilio Sagi, escenografía de Daniel Bianco, figurines de Jesús Ruiz, diseño de luces de Eduardo Bravo y coreografía de Nuria Castejón.
La partitura, con marcado carácter español, se encuentra en la Biblioteca Histórica Municipal de Madrid y fue recuperada por los musicólogos Víctor Sánchez Sánchez y Paolo Cascio.
Escrita por Mercadante en 1826 como parte de su contrato como director de la Compañía de Ópera del Teatro Príncipe de Madrid, su estreno se retrasó debido a una serie maquinaciones y vicisitudes, subiendo a escena en 1833, después del regreso del compositor a la capital de España, tras una breve estancia en Italia, Lisboa y Cádiz.
Se trata de una partitura escrita en la más pura tradición de la Escuela Napolitana de ópera, con una marcada influencia de Rossini y una innegable atmósfera española. Mercadante aprehende la rica tradición de nuestra música popular de la época y la proyecta con gracia y fluidez en su nueva partitura. Ya en la sinfonía inicial aflora una auténtica antología de cantos y danzas españolas —un fandango, un bolero, una tirana y una cachucha— que acompañarán a los personajes protagonistas a lo largo de toda la ópera, otorgándoles un castizo y delicioso perfume español.
Partiendo de la comedia Les deux Figaro escrita por Martelly en 1795, el libretista Felice Romani crea un ingenioso juego dramático al presentarnos los mismos personajes de Las Bodas de Fígaro, pero varios años después del tiempo en el que Mozart sitúa la acción de su ópera. Así, el Conde Almaviva y la Condesa ya tienen una hija, Inés, que el primer Figaro, marido de Susanna, tratará de casar con un “don nadie” que intenta hacerce pasar por aristócrata. Pero Cherubino, también bajo el nombre de Fígaro y auténtico protagonista de la obra, e Inés están enamorados….
Riccardo Muti, entusiasta impulsor de la recuperación de partituras olvidadas o desconocidas, ha optado por compartir este proyecto con jóvenes cantantes y músicos mayoritariamente italianos, eligiendo un reparto de excelentes voces —Antonio Polo (Conde de Almaviva), Asude Karayavuz (Condesa), Rosa Feola (Inez), Annalisa Stroppa (Cherubino) Mario Cassi (Figaro ) y Eleonora Buratto (Susanna)—, que estará acompañado por la Orquesta Giovanile Luigi Cherubini y el Coro Philharmonia de Viena, una formación también juvenil dirigida por Walter Zeh.
El de Mercadante será el tercer “Fígaro” al que Emilio Sagi dará vida en el Teatro Real, después de El barbero de Sevilla, de Rossini y Las bodas de Fígaro, de Mozart. El estreno de la primera versión moderna de I due Figaro tendrá lugar en la Haus für Mozart de Salzburgo el 10 de junio y se repetirá el día 12. Los días 24 y 26 de junio la misma producción se presentará en el marco del Festival de Ravenna y finalmente se podrá ver en el Teatro Real de Madrid los días 27, 28, 30 y 31 de marzo y el 1 de abril de 2012.

Fotografías: Silvia Lelli

El próximo 10 de junio a las 19.30h. en el Alcázar de Segovia, el músico y director de orquesta, Claudio Abbado, recibirá el Premio Don Juan de Borbón de la Música 2010 por “ser uno de los grandes directores de nuestro tiempo, y por llevar manifestando, desde hace más de 30 años, su compromiso con los jóvenes músicos, creando para ellos nuevas orquestas que aúnan la excelencia artística y la proyección profesional”. Un galardón, dotado en esta ocasión con 30.000 euros y creado por la Fundación Don Juan de Borbón, que premia la máxima excelencia en el campo de la música y su contribución a la paz y al entendimiento entre los pueblos. Un premio que algunos han querido llamar el “Cervantes” de la Música.
Hace cinco años, inauguraba la primera edición del Premio Don Juan de Borbón de la Música la pianista portuguesa María João Pires, a quien se le concedió gracias a “sus extraordinarios valores musicales en la interpretación pianística, además de por su intensa, prolongada y generosa dedicación a la enseñanza de los jóvenes, especialmente plasmada en el Centro Para o Studo das Artes, en Belgais (Portugal)”. Hace cuatro quien recibió el Premio fue José Antonio Abreu, un hombre respetado y admirado a todos los niveles en América y Europa por su excelencia musical y sobre todo por su compromiso social, un poco más conocido en nuestro país gracias a este Premio, al que siguió más tarde el reconocimiento del Premio Príncipe de Asturias de las Artes. Abreu es el creador del Sistema Nacional de Orquestas infantiles y juveniles venezolano, que tiene en la actualidad más de 200 orquestas distribuidas en todo el país, en un programa que se sirve la música clásica para cambiar la vida de miles de niños. En 2008 el galardonado fue Sir Simon Rattle y el Proyecto Educativo que, desde hace ya casi una década, desarrolla junto a la Filarmónica de Berlín, “por la inquietud y el compromiso tanto personal como institucional de extender, con nuevas fórmulas, el disfrute de la música a los más diversos sectores sociales.”
En esta edición, el Jurado del Premio Don Juan de Borbón de la Música 2010, que se dio a conocer el 15 de octubre, y que estuvo presidido por el consejero delegado del grupo 20minutos España, Eduardo Díez-Hochleitner, y formado por Luis Suñén, Antonio Moral, Julia Gállego, Jesús Hernández, y Teresa Tardío, como secretaria, eligió esta candidatura, de entre las presentadas por 50 instituciones musicales de todo el mundo, por ser Abbado “uno de los grandes directores de orquesta de la historia, un director legendario tanto por su calidad intrínseca como por su compromiso con el arte de nuestro tiempo y su entrega a los jóvenes, uniendo a talentos jóvenes de Europa oriental y occidental”, según afirmó el Jurado.
El trabajo de Claudio Abbado proporciona la idea de que la música transforma vidas. Ya en el periodo en que fue director musical del Teatro alla Scala, revolucionó la sociedad milanesa de entonces al programar conciertos para “Trabajadores y Estudiantes”, mezclando de forma natural a Beethoven con música contemporánea, y permitiendo el acceso al gran coliseo milanés a un público totalmente nuevo, todo ello gracias a una política de entradas especialmente baratas. Su gran labor educadora no se ha detenido con el paso del tiempo, sino que queda reflejada en el fomento y en el amparo, a todos los niveles, a los nuevos músicos, un compromiso firme con los jóvenes que ha materializado, desde los años 70, en la creación de diferentes orquestas a lo largo de Europa y en la última década también en Venezuela y Cuba. Con la candidatura elegida se consolida el criterio para el que el Premio fue constituido: galardonar aquellas propuestas que trascienden los límites musicales y van más allá, mostrando su capacidad para transformar la sociedad.
Claudio Abbado ha recibido numerosos premios y reconocimientos. La Filarmónica de Viena le premió con el Anillo de Honor ya en 1973, y también fue galardonado con la Medalla Dorada Nicolai en 1980. Además, ha recibido el Premio Imperial de Japón, la Medalla Mahler, el Legion d’Honneur del Ministerio de Cultura Francés; el Gran Croce, el más “grande honore” de Italia, y el mayor honor de Alemania, el Bundesverdienstkreuz (1992), el Premio Khytera, y doctorados honorarios de universidades como Ferrara, Cambridge, Aberdeen y La Habana. En 1994 Claudio Abbado recibió el premio internacional Ernst von Siemens, el premio musical más prestigioso de Alemania. En España recibió en 2006 el Premio Yehudi Menuhin a la Integración de las Artes y la Educación otorgado por la Junta de Patronos de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, y hace unos meses, justo el mismo día que era reconocido con el Premio D. Juan de Borbón de la Música, recibía también la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid.
Su carrera musical se distingue por la versatilidad y por la amplitud de su repertorio, que abarca no sólo obras clásicas de repertorio -con especial interés por el clasicismo y el romanticismo alemanes (Mahler, cuyas sinfonías ha grabado varias veces) y la música de Rossini y Verdi-, sino obras de compositores del siglo XX, como Arnold Schoenberg, Alban Berg y otros más contemporáneos, como Karlheinz Stockhausen, Luigi Nono, Pierre Boulez o Krzysztof Penderecki. Se ha atrevido con todo. Ha grabado a Hindemith y ha dejado su huella en el dodecafonismo.
Ha estrenado obras de Manzoni y de Luigi Nono, y ha realizado grabaciones de los ciclos sinfónicos más importantes: sinfonías y música coral de Johannes Brahms, sinfonías de Mahler, Chaikovski, Prokófiev, Mussorgsky, Antonín Dvořák y Mozart.
Claudio Abbado, que para quienes le conocen de cerca es una persona enormemente tímida y reservada que evita hablar en público (no suele conceder entrevistas ni ruedas de prensa), pero que destaca por una vitalidad arrolladora, ofrecerá tras la entrega del Premio y como agradecimiento, un breve concierto en la Sala de los Reyes del Alcázar. Allí dirigirá a la Orquesta Mozart, creada por él en 2004 en Bolonia y formada por instrumentistas de prestigio internacional, además de por 40 jóvenes músicos provenientes de toda Europa, que interpretará el Concierto para violín y oboe en Do menor BWV 1060 de Johann Sebastian Bach.

Para conmemorar el centenario del nacimiento de Salvador Dalí (1904-1989), el Ministerio de Cultura encargó la realización de esta ópera a Xavier Benguerel, cuyo estreno absoluto tendrá lugar el día 8 de junio en el Teatro de la Zarzuela de Madrid.
Esta coproducción de Operadhoy, Teatro de la Zarzuela y Gran Teatro del Liceo, cuenta con libreto de Jaime Salom, autor de la obra «Casi una Diosa» (1993), representada en el Teatro Bellas Artes de Madrid y en Nueva York.
La dirección musical corre a cargo de Miquiel Ortega, al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid y el Coro de la Zarzuela, mientras que Xavier Abertí es el director de escena.
Consta de 4 actos en los que se ahonda en la relación entre Gala (Marisa Martins) y Dalí (Joan Martín-Royo), al tiempo que incluye otros personajes importantes en la biografía de los protagonistas, como Paul Édluard (Antonio Comas), Goemans (Vicenç Esteve Madrid), Lorca (Carlos Cremades) y Luis Buñuel (Mariano Viñuales). Todo ello, escenificado considerando el universo imaginario y creativo del artista, en el que se confunde lo onírico y lo real.
Tras su estreno, esta producción se representará en el Gran Teatro del Liceu en la próxima temporada.

Ricardo Muti Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2011

El director de orquesta italiano Riccardo Muti (Nápoles, 1941) ha sido galardonado el miércoles 4 de mayo con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2011.
El fallo ha tenido lugar en el Hotel Reconquista de Oviedo, donde se reunió el jurado encargado de conceder el galardón, el año pasado distinguió la obra del escultor estadounidense Richard Serra.
Reconocido como uno de los mejores directores de música clásica del mundo, Riccardo Muti ha dirigido a las más prestigiosas orquestas, dejando una profunda huella con sus interpretaciones, que han alcanzado una dimensión universal.
La candidatura fue propuesta por Teresa Berganza, Premio Príncipe de Asturias de las Artes 1991, y se impuso a las 34 restantes procedentes de Alemania, Argentina, Brasil, Canadá, Colombia, Cuba, China, Estados Unidos, Estonia, Francia, Georgia, Grecia, Italia, Japón, Macedonia, México, Portugal, Reino Unido, Suiza y España.

El pasado 2 de mayo, y tras quince meses retirado de los escenarios, el barítono Carlos Álvarez hizo su reaparición en el Teatro Arriaga de Bilbao. Aquel que le vio debutar allá por finales de los ochenta. Lo ha hecho junto a la soprano Rocío Ignacio y acompañados al piano por Rubén Fernández Aguirre.
Los problemas de salud de Carlos Álvarez no le han permitido una continuidad artística durante los últimos años. En esta ocasión se ha tratado de una displasia en una de sus cuerdas vocales que le ha llevado a pasar hasta tres veces por el quirófano. Con esta reaparición acalla los rumores que sobre su posible retirada circulaban entre los aficionados.
El barítono, que tuvo que cancelar el “Attila” que ensayaba por entonces en el MET de Nueva York, quiere tomarse las cosas con mucha más calma en esta ocasión y poder así afianzar su vuelta al trabajo.

El bailarín y coreógrafo español Antonio Najarro será el próximo director del Ballet Nacional de España (BNE). El artista se incorporará al cargo a partir del 1 de septiembre de 2011 y por un periodo de cinco años. Najarro fue Primer Bailarín del BNE hasta 2002.
Esta es la segunda vez que el Instituto Nacional de las Artes Escénicas de la Música (INAEM) lleva a cabo un proceso abierto y transparente para la selección de la dirección de uno de sus centros artísticos, tras el llevado a cabo por la Compañía Nacional de Danza.
El concurso, cuya presentación de propuestas se inició el pasado 10 de diciembre de 2010, finalizó el 14 de febrero de 2011 con 16 candidaturas presentadas, entre las que figuran 11 hombres y 5 mujeres. Las propuestas debían estar acompañadas de un proyecto integral de gestión para el ballet que, según establece el nuevo estatuto de la BNE, debe ser la base del Plan Director que marcará las líneas generales de actuación del ballet en los próximos cinco años.

Continuando con su proyecto pedagógico, el Teatro Real estrena el próximo 7 de abril “EL NIÑO Y LOS SORTILEGIOS”. Es el sexto taller escénico-musical desde la temporada 2008-2009 y dirigido al público joven.
Compuesta en 1925 por Maurice Ravel, y con libreto de Colette, en una adaptación para piano a cuatro manos, flauta y violonchelo de Didier Puntos. En una producción de L’atelier Lyrique de la Ópera nacional de París.

Las representaciones estarán precedidas de “Historias Naturales”, 3 poemas para cantante y piano sobre poemas de Jules Renard.
Este taller contiene elementos diferenciadores con respecto a los anteriores que hacen que se consoliden este tipo de producciones. El hecho de seleccionar a todos los cantantes a través de audiciones, que estos no superen los 32 años, que tanto el Director musical: Didier Puntos, como el Director de escena: Jean Liermier, trabajen directamente tanto el repertorio francés, un buen fraseo en este idioma, la teatralidad y demás elementos escenográficos y vocales; convierten estas representaciones en una excepcional escuela de aprendizaje y profundización artística para nuevos jóvenes talentos. Convirtiendo estas producciones en un elemento educativo fundamental que se hacía esperar.
Los tres poemas de “Historias Naturales” serán interpretados por el barítono cubano Elier Muñoz. Los personajes de “El niño y los sortilegios” están interpretados por: Anna Moroz, de Ucrania, que interpreta al niño protagonista; Anaïs Masllorens, una española que hará los personajes de madre, la taza china y la libélula. Otra española, Carolina Moncada, es la pastorcilla, la gata, la ardilla y un pastor. Mercedes Arcuri, de Argentina, es el fuego y el ruiseñor. Virginia Bravo, española, es la princesa, el murciélago y la pastorcilla. Otro español, Gerardo López, interpreta papeles tan variados como una tetera, la aritmética, la rana y el pastorcillo. El cubano Elier Muñoz será el sillón y el árbol y el español Fabio Barrutia será el reloj y el gato.
También hay que decir que para esta ocasión, han sido seleccionados de la Orquesta Escuela dos de los músicos, Ana Estefanía Rodríguez Morán, que tocará la flauta, y Julia Torralba Porras, que se encargará del violonchelo.
Las representaciones tienen lugar los días 7, 8, 9 y 10 de abril en Los Teatros del Canal, Sala Verde y con unos precios muy populares.
Es esta una de las mejores formas de educar y de empezar a inculcar a los jóvenes el gusto por la música y la ópera.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real

La Filarmónica de Berlín en el Teatro Real

El Teatro Real ha llegado a un acuerdo con el Festival de Pascua de Salzburgo y la Orquesta Filarmónica de Berlín, para representar en Madrid los títulos de ópera que la formación alemana llevará a este prestigioso festival en sus próximas ediciones. El domingo 1 de mayo, la Orquesta Filarmónica de Berlín, y su maestro titular, Sir Simon Rattle, celebrarán en la Sala principal del Teatro Real una nueva edición del Concierto Europa, con el que conmemorará su próximo cumpleaños. El programa estará compuesto por obras de Emmanuel Chabrier, Sergej Rachmaninov y Joaquín Rodrigo, y contará con la colaboración del guitarrista español Cañizares, quien sustituirá a Paco de Lucía, quien había sido anunciado en un primer momento.
Volverá a estar presente en este escenario en las tres próximas temporadas del Real. Llegarán a Madrid Parsifal, en la temporada 2012-2013, Salome, para 2013-2014, y Carmen, en la 2014-2015

El próximo domingo 8 de mayo, el Liceu organiza una jornada de puertas abiertas, desde las 10 h de la mañana, hasta las 18 h, ininterrumpidamente, coincidiendo con el Día Europeo de la Ópera.
Se podrán visitar los espacios más emblemáticos del Teatro: La Sala, el Saló dels Miralls (Salón de los Espejos), el Foyer y el Círculo del Liceo, un claro exponente del Modernismo catalán con una excepcional colección de pinturas de Ramon Casas
Durante toda la jornada, en el Saló dels Miralls, se ofrecerán actuaciones musicales. Por la mañana, actuarán estudiantes de canto de grado superior del Conservatori Superior de Música del Liceu.
Por la tarde, presentado por Mònica Pagès, se ofrecerá un recital con las mejores piezas vocales de los principales compositores alemanes, interpretadas por cuatro reconocidos cantantes de la generación actual. La soprano Marta Matheu, la mezzosoprano Claudia Schneider, el tenor Roger Padullés y el barítono Enric Martínez-Castignani, acompañados por el pianista Francisco Poyato, ofrecerán un recorrido antológico por el lied y la ópera alemana, desde Mozart hasta Kurt Weill. Además, será el estreno absoluto de dos canciones sobre textos poéticos alemanes, compuestas por Enric Palomar y Albert Guinovart, como una contribución especial al acto. También se proyectarán en el Foyer tres óperas grabadas en el Liceu: La Pequeña Flauta Mágica y La Cenicienta, del Petit Liceu, y Manon de J. Massenet.

Después del éxito de El caso Makropulos, en 2008, el Teatro Real recibe al mismo equipo artístico para dar vida a la ópera de Szymanowski: Paul Daniel en la dirección musical, Krzysztof Warlikowski en puesta en escena y Malgorzata Szczesniak en el diseño de escenografía y figurines.
Un único reparto, encabezado por Mariusz Kwiecien (Rey Roger), Olga Pasichnyk (Roxana) y Will Hartmann (Pastor) interpretarán las 9 funciones programadas, en las que participan cerca de 250 intérpretes.
Una exposición-instalación dedicada a Szymanowski podrá verse en el Café de Palacio del Teatro Real (sexta planta), montada en colaboración con el Instituto Adam Mickiewicz y el Instituto Polaco de Cultura.

Peligra el proyecto del Palacio de la Música de Madrid

La interminable crisis y el cambio de Director en Caja Madrid, parecen ser los responsables de que el proyecto que se inició hace dos años con la compra de este edificio de la Gran Vía, peligre o, al menos, cambie de manos. La SGAE quiere adquirir a Caja Madrid el Palacio de la Música y hacerse así con su tercer edificio en la calle, junto con Coliseum y Lope de Vega, e incorporarlo a su red Arteria.
El esfuerzo económico hecho por Caja Madrid ha sido muy importante. A los 30 millones de euros que supuso la compra del edificio, hay que sumarle la gran inversión realizada para acondicionar el edificio y que tanta expectación e ilusión había generado en los aficionados a la música.
Si nadie lo remedia, la SGAE será dueña también de este edificio, parece que este organismo es el único con posibles para semejantes operaciones mercantiles, ¿por qué será?

Del 28 de febrero al 11 de abril de 2011

Con esta nueva edición del Festival de Arte Sacro, organizada por la Vicepresidencia y Consejería de Cultura y Deporte de la Comunidad de Madrid, se inicia una tercera década de su actividad, lo que representa una clara muestra de su consolidación y de la gran aceptación e interés que, año tras año, despierta su programación entre toda clase de público.
Como viene siendo habitual, esta XXI edición contempla espectáculos de música, danza, teatro y cine que se desarrollará en varios municipios: La Cabrera, Torremocha de Jarama, Aranjuez, Getafe, Alcalá de Henares, San Sebastián de los Reyes, Torrejón de Ardoz y Tres Cantos, en diversos espacios escénicos como son el Centro Comarcal de Humanidades Sierra Norte de La Cabrera y el Centro Cultural Paco Rabal y los Teatros del Canal, de Madrid.
En el ámbito musical el Festival llevará a cabo varias conmemoraciones. Por un lado, el 400 Aniversario del fallecimiento de Tomás Luis de Victoria, maestro de la polifonía, del que se ofrecerán diversas obras, entre las que destaca su Pasión según San Mateo. Por otro, el Bicentenario del nacimiento de Franz Liszt, con dos conciertos monográficos alrededor de su inmensa obra pianística y el estreno en España de su magnífico Requiem en versión original. Y, a través del estreno absoluto de su obra Soledad Sonora, encargo de la Comunidad de Madrid, se celebrará también el 80 cumpleaños del compositor Manuel Angulo.
Entre las recuperaciones musicológicas que en su haber tiene este Festival, la apertura de esta edición estará dedicada al compositor Ramón Garay, que vivió los años de nuestra Guerra de la Independencia.
Asimismo, el programa incluye varias formaciones extranjeras que ofrecerán cantos de la liturgia ortodoxa griega, danza mística persa y rituales ancestrales de la cultura mandinga de Guinea.
Por último, como novedad de esta edición cabe destacar que en la Iglesia Santuario de Nuestra Señora del Perpetuo Socorro se utilizará un órgano que acaba de ser restaurado gracias al Plan de Recuperación de Órganos Históricos financiado por el Gobierno de la Comunidad de Madrid. Con éste ya son seis los órganos que han sido restaurados gracias a este Plan.

http://www.madrid.org/artesacro/2011/index.html

El mes de septiembre de 2012 el Liceu acogerá a la orquesta, el coro y los solistas del Festival de Bayreuth con tres óperas de Richard Wagner en versión concierto:

· Der fliegende Holländer (El holandés errante)
1 y 4 de septiembre de 2012
Director musical, Sebastian Weigle
· Lohengrin
2 y 5 de septiembre de 2012
Director musical, Sebastian Weigle
· Tristan und Isolde
6 de septiembre de 2012
Director musical, Peter Schneider

El Gran Teatre del Liceu que había recibido el año 1955 la visita del Festival Wagner, un acontecimiento que conmocionó a la ciudad, volverá a acoger el Festival de Bayreuth al inicio de la temporada 2012-2013, coincidiendo en el año 2013 con el bicentenario del nacimiento de Richard Wagner. El gran proyecto de Wagner al que dedicó gran parte de su vida y música, el Festival de Bayreuth, en 2012 en Barcelona.

A partir del 20 de enero y hasta el 5 de marzo el escenario del Liceu acoge Anna Bolena de Gaetano Donizetti de la que se harán un total de 10 funciones.
Es una nueva producción del Gran Teatre del Liceu dirigida escénicamente por Rafa Duran y musicalmente por Andriy Yurkevych.
Tragedia lírica en dos actos. Libreto de Felice Romani. Música de Gaetano Donizetti. Estrenada el 20 de diciembre de 1830 en el Teatro Carcano de Milán. Estrenada en el Gran Teatre del Liceu el 17 de abril de 1847.

Con libreto de Felice Romani, se nos narra la historia de la cruel condena de Enrique VIII de Inglaterra a Ana Bolena para casarse con Juana Seymour. Con un lenguaje musical dramático más evolucionado que se impone a la tradición rossiniana por su mayor fuerza expresiva. Es especialmente famosa la escena final, premonitoria de la escena y el aria de la locura de Lucía, en la cual la reina, a punto ya de morir, alterna momentos de lucidez y delirio («Al dolce guidami»).

Recital de Measha Brueggergosman en el Teatre del Liceu

Tuvimos oportunidad de disfrutarla en el papel de Jenny Smith en la ópera de Kurt Weill, “Ascenso y caída de la Ciudad de Mahagonny”, en el Teatro Real de Madrid.
Esta joven soprano canadiense, descendiente de esclavos africanos, posee una voz excepcional y gran versatilidad, que, además del repertorio clásico (Beethoven, Berlioz), ha tenido y tiene una dedicación importante a los compositores del siglo XX y a los espirituales negros.

El concierto del Liceu nos trae obras de Bruno Mantovani (Danses Interrompues), György Ligeti (Concerto de chambre, 1969) y Peter Eötvös (Snatches of a conversation, 2001) y, en su parte vocal, la obra de Luciano Berio Recital I (1972).

Measha Brueggergosman
soprano
Ensemble Intercontemporain
D. musical: Peter Eötvös
Gran Teatre del Liceu
11 de marzo de 2011

Pocos son profeta en su tierra, y menos aún en “esta” tierra. No es el caso de Plácido Domingo, que el viernes, día 21 celebró su 70 aniversario en el Teatro Real, ante su público que quiso agradecer, desde la sala y desde la calle, décadas de una brillante y sólida carrera artística.
La gala estuvo presidida por su Majestad La Reina. Con un repertorio escogido por Mortier y dirigido por James Conlon, compañeros y amigos del tenor madrileño, entre los que se encontraban primeras figuras como Angela Denoke, René Pape o Bryn Terfel y varios ganadores de Operalia, desde Inva Mula (1993) hasta Sonya Yoncheva (2010), ofrecieron una noche inolvidable para el Maestro, con sorpresas incluidas como la aparición de Teresa Berganza, que dedicó unas emotivas palabras a un también emocionado Plácido y el regalo de una nueva composición de Tan Dun.
Esperamos más celebraciones como esta. ¡Felicidades Maestro!

PROGRAMA:

PARTE I
Richard Wagner (1813-1883)
Tanhäuser: “Freudig Begurssen” ( Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real)

Richard Strauss (1864-1949)
Der Rosenkavalier: “Da geht er hin”. Monólogo de la Mariscala (Deborah Polaski, soprano)

Richard Wagner
Parsifal: “Ich sah das Kind” (Angela Denoke, soprano)
Die Walküre: “Du bist der Lenz” (Anja Kampe, soprano)

Georges Bizet (1838-1875)
Les pecheurs de perles: “Au fond du temple saint” (Paul Groves, tenor, y Bryn Terfel, bajo-barítono)

Giuseppe Verdi (1813-1901)
La forza del destino: Obertura (Orquesta Titular del Teatro Real)
Otello: “Credo in un Dio crudel” (Juan Pons, barítono)
Don Carlo: “O don fatale” (Dolora Zajick, mezzo-soprano)

Giacomo Puccini (1858-1924)
Tosca: “Te Deum” (Bryn Terfel y Coro Titular del Teatro Real)

PARTE II
Giuseppe Verdi
Nabucco; “Va, pensiero” (Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real)
Don Carlo: “Ella giammai m’amò” (René Pape, bajo)

Rugero Leoncavallo (1857-1919)
Pagliacci: “Qual fiamma avea nel guardo … Stridonò lassù” (Inva Mula, soprano)

Umberto Giordano (1867-1948)
Andrea Chénier: “Nemico della patria” (Lado Ataneli, barítono)

Giacomo Puccini
Manon Lescaut: “Sola, perduta, abbandonata” (Ainhoa Arteta, soprano)

Paolo Tosti (1846-1916)
L’alba separa dalla luce l’ombra (José Bros, tenor)

Franz Lehár (1870-1948)
Giuditta: “Meine Lippen sie küssen so heiB” (Sonya Yoncheva, soprano)

Federico Moreno Torroba (1891-1982)
La marcherena: “Tres horas antes del día” (Ana María Martínez, soprano)

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
Don Giovanni: “Madamina, il catalogo è questo” (Erwin Schrott, bajo-barítono)

Tan Dun (1957)
PLA-CI-DO
Regalo del compositor a Plácido Domingo por encargo de Gerard Mortier. Estreno mundial.

Giuseppe Verdi
Falstaff: “Tutto nel mono è burla”
(Maite Alberola, Lado Ataneli, Raúl Giménez, Paul Groves, Xavier Moreno, Inva Mula, Natascha Petrinsky, Juan Pons, Dolora Zajick, Miguel Angel Zapater y Coro Titular del Teatro Real)

Plácido Domingo vuelve al Real con Iphigénie en Tauride

El próximo día 13 de Enero el Teatro Real estrenará Iphigénie en Tauride, con dirección musical de Thomas Hengelbrock, dirección escénica a cargo de Robert Carsen y con un reparto excepcional encabezado por Plácido Domingo, Susan Graham y Paul Graves.
Compuesta por Gluck, con libreto de Nicolas-François Guillard y basada en las tragedias homónimas de Claude Guymond de La Touche (1757) y Eurípides (c 412), se estrenó en la Academie Royale de Musique de París el 18 de Mayo de 1779.
En la rueda de prensa de presentacion de está ópera, ambos directores hicieron referencia al gran dramátismo de esta obra, en la que se combinan la música y el texto de una forma excepcional todavía no superada (Hengelbrock), en la que la voz y el cuerpo son utilizados por Gluck para representar elementos dramáticos (Carsen).
Plácido Domingo, gran protagonista de esta rueda de prensa en la que no faltaron referencias a su próximo cumpleaños y el homenaje que se celebrará en el Real, definió Iphigénie en Taurade como una sorpresa extraordinaria, en la que el contraste de armonías y las apoyaturas hacen que siga siendo una ópera moderna.
En opinión de Susan Graham es una historia de “amor, dolor y emoción” y esta producción va directa al corazón.
Esta producción, que luego viajará al Metropolitan de Nueva York, se representará hasta el día 27 de Enero y será retransmitida en directo por Radio Clásica el día 25 y en diferido el 2 de febrero en el marco del programa Opera Oberta.

El Teatro Real se estrenó en esta temporada en la celebración de una gala para despedir la última noche del año, y lo hizo con un marcado carácter español, dando cabida tanto a nuestra música culta como a la popular, el flamenco, la danza y la canción ligera.
Se abrió la gala con la orquesta sinfónica de Madrid, con el director Alejo Pérez al frente, que ejecutó con corrección la “Obertura Cubana” de Gershwin. Mientras sonaba la música, se proyectaban sobre una gran pantalla imágenes de la isla y sus gentes, así como de lo que pasaba entre las bambalinas del Real, con los artistas preparándose para su actuación. Unas imágenes muy poco adecuadas y que estorbaban más que realzar la música.
A continuación, y siguiendo con la inspiración cubana, María Bayo interpretó, sin mucho acierto, una escena de “Cecilia Valdés”, acompañada por el Coro Titular del Teatro Real, en una puesta en escena de dudoso gusto.
Fue entonces el turno para que la compañía Antonio Gades bailara algunas de las escenas de su conocido ballet “Carmen”, que ya fuera llevado al cine con éxito por Carlos Saura. Así dio comienzo la parte mas española de la gala, que continuó con dos escenas de zarzuela, pertenecientes a “La Chulapona” y a “Doña Francisquita”. Estas fueron las actuaciones más inspiradas de la gala, donde brilló especialmente el tenor Ismael Jordi, con una voz de bello timbre, delicado fraseo y apasionada interpretación, aunque las obras no fueran las mejor escogidas para su lucimiento vocal.
Tomó el relevo entonces el dúo de bailaores Aída Gómez y Christian Lozano, ejecutando algunas danzas de “El sombrero de tres picos” de Falla, dando buenas muestras de elegancia, garra, pasión, sobriedad y expresividad unidas.
A semejante altura brillo después la guitarra de Cañizares y su grupo flamenco, haciendo gala de destreza técnica y virtuosismo, unida a una exquisita musicalidad y sentido rítmico. Uno de los mejores momentos de la noche, sin duda.
Fue entonces cuando la orquesta introdujo los primeros acordes del tema de Agustín Lara “Piensa en mí”, y desde el fondo de la escena , vestida de blanco y pálidamente hermosa, surgió para interpretarlo Luz Casal, ofreció una versión limitada en recursos vocales, pero desbordante de emoción, tanto en el público como en ella misma.
El punto final lo puso María Bayo interpretando el famoso cuplé de “La corte del Faraón”, y la compañía Antonio Gades junto al Coro del Teatro, que interpretaron las sevillanas de “El Bateo” de Chueca. Todos los artistas salieron entonces a escena y brindaron junto al público por el nuevo año, poniendo fin de ese modo a la Gala entre globos, confeti y copas de cava.
Tras este espectáculo, cabe preguntarse qué es mejor, ¿improvisar y echar mano de los que hay para ofrecer, sin apenas tiempo, una gala de estas características (como parece que ha ocurrido), o esperar una temporada más y preparar una gala fin de año a la altura de los mejores teatros de Europa?

Los italianos aman la épica, su historia y su cultura. Y poseen ya una serie de lugares comunes donde se reúnen para protestar y defender aquello que sienten amenazados. Los graves incidentes que acontecieron en Milán la noche del 7 de diciembre, nos retrotraen a otros momentos de la historia de Italia en los que la ópera, como elemento identitario, sirvió como detonante para la reivindicación y la protesta. Aquel ya famoso “viva Verdi” (viva Victorio Enmanuele rey de Italia”), y en ese mismo escenario, llena de épica y romanticismo una reclamación a la que debemos unirnos, porque es la cultura la que está amenazada, no solo en Italia.
Estas protestas, que vienen ya desde el día 3 de mayo, cuando la lírica italiana hizo huelga, y continuaron el pasado 22 de noviembre, con el paro de todo el mundo de la cultura, 250.000 personas en huelga y todas las salas de cine y teatro cerradas en señal de protesta, volvieron a repetirse el día 7 de diciembre a las puertas de la Scala de Milán, en el día del estreno de la temporada.
En esta plaza tan emblemática se aglutinaban artistas y trabajadores vinculados con el mundo de la cultura protestando por los recortes a la financiación impulsados por el ministro de Bienes Culturales, Sandro Bondi. Esta protesta se unió a la manifestación de los universitarios por la reforma de la educación de la mano de la ministra María Stella Gelmini, que prevé también recortes en las universidades. El resultado de la batalla, aparte del alboroto en una zona tan emblemática de Milán, fue de 9 agentes de policía heridos y una decena de detenidos.
Los manifestantes fueron empujados por la policía hasta el fondo de la plaza de la Scala para que pudieran acceder al Teatro los invitados, entre los que no se encontraban, “por atender otros compromisos”, ni los citados ministros ni el primero, Silvio Berlusconi. Si asistió el Presidente de la República, Giorgio Napolitano, quien fue recibido con una gran ovación. La misma que le tributaron desde la plaza todos los que protestaban pidiéndole que acabara con ese tipo de políticas.
En el interior del Teatro, antes de comenzar la función, Daniel Baremboin, que ese día dirigía “Las Valquirias”, de Richard Wagner, se dirigió a los asistentes para, en primer lugar, agradecer haber sido declarado “Maestro Scalígero”, un honor del que muy pocos pueden presumir. A continuación Baremboin declaró: “Estamos profundamente preocupados por el futuro de la cultura en Italia y en Europa”. También citó el Art. 9 de la Constitución de la República que hace alusión a la obligación de ésta a proteger y promover la cultura.

Clásicos Decca se enorgullece en anunciar la renovación de su contrato exclusivo con el gran director de orquesta italiano Riccardo Chailly.
Los proyectos de este nuevo acuerdo de cinco años incluyen un nuevo ciclo de las sinfonías de Brahms que recorrerá toda Europa en 2013, el Konzertmusik de Hindemith y el Réquiem de Verdi. Decca también ha firmado un nuevo acuerdo con la Gewandhaus en Chailly ha sido Kapellmeister desde 2005.
2011 verá el lanzamiento de un nuevo gran ciclo de las nueve sinfonías de Beethoven para coincidir con la gira europea de la Gewandhaus en el otoño de 2011, que permitirá disfrutar de todo el ciclo sinfónico en Leipzig, Viena, París y Londres.
la primera grabación del Maestro Chailly para Decca fue en 1978, con sólo 25 años de edad, dirigió Guillermo Tell de Rossini, con un elenco estelar encabezado por Luciano Pavarotti y Mirella Freni. Se convirtió en artista exclusivo de Decca el 1 de enero de 1982, con una grabación clásica de oberturas de Rossini.
Desde que asumió la batuta en Leipzig, Riccardo Chailly ha realizado excelentes grabaciones de la música de su predecesor como Kapellmeister, Felix Mendelssohn, y de JS Bach – el más reciente es el Weihnachtsoratorium que se dará a conocer el día 7 de diciembre de 2010 en EEUU.
Además de su repertorio clásico importante, recientemente ha colaborado con Stefano Bollani en un álbum de Rhapsody in Blue de Gershwin y el Concierto en Fa, que actualmente está teniendo gran éxito en las listas pop en su Italia natal y se dará a conocer en el EE.UU. en 2011.

Tras su rotundo éxito en el Liceu de Barcelona, interpretando la Lulú de Alban Berg el pasado mes de noviembre, la soprano Patricia Petibon vuelve a actuar en escenarios españoles.
En esta ocasión, acompañada por Il Giardino Armonico y bajo la dirección de Giovanni Antonini actuarán en Valladolid (11 de Diciembre) y San Sebastión (16 de Diciembre), dentro de la gira que recorrerá Europa con repertorio de Mozart, Haydn, C.P.E. Bach.
La artista ha presentado recientemente «Rosso», su primer álbum dedicado al repertorio barroco italiano, acompañada por la orquesta de instrumentos de época Orquesta Barroca de Venecia dirigida por Andrea Marcon y una grabación de Carmina Burana de Orff bajo la batuta de Daniel Harding.
Además, en estos conciertos interpretarán arias del álmbun «Amoureuses», grabado con el Concerto Köln bajo la batuta de Daniel Harding y editado en España en noviembre de 2008.
La próxima oportunidad de disfrutar de la voz de esta gran soprano será los días 7,8 y 9 de Octubre del próximo año, que acompañada por la Orcheste National du Capitole de Toulouse y bajo la dirección de Josep Pons, interpretará en el Auditorio Nacional de Madrid el repertorio «Spanish Song and Arias».

Deutsche Grammophon y Decca anuncian la firma de un acuerdo con el director de orquesta y pianista Daniel Barenboim, que se prolongará más allá del 70 cumpleaños del artista en 2012.
Entre las muchas novedades que aparecerán, se encuentran las primeras grabaciones de la historia de los conciertos para piano de Chopin y Liszt por parte de Barenboim y un nuevo ciclo de sinfonías dedicado a Beethoven con su inspiradora West-Eastern Divan Orchestra.
Los primeros lanzamientos en Deutsche Grammophon, a principios de 2011, estará dedicado a Chopin: Un recital grabado en Varsovia, así como los dos conciertos con Barenboim acompañado por la Staatskapelle de Berlín bajo Andris Nelsons. En ese mismo año, también está prevista una nueva grabación con la Orquesta West-Eastern Divan que coincidirá con su gira anual que incluye la Sinfonía Patética de Tchaikovsky y las Variaciones Schoenberg Variaciones para Orquesta.
Para el 2011, año del bicentenario de Liszt, Deutsche Grammophon lanzará la primera grabación de Barenboim de los dos conciertos, con Pierre Boulez y la Staatskapelle de Berlín, junto con obras solistas, algunas de ellas grabaciones debut con el maestro Barenboim.
Respecto a este acuerdo, Baremboim ha declarado: “Lo que me hace particularmente feliz es que esta colaboración me permite priorizar mi trabajo con la Staatskapelle y la West-Eastern Divan en la misma medida. La Staatskapelle ha jugado un papel extremadamente importante en la formacion de la Divan y en esta nueva alianza con Deutsche Grammophon y Decca, nuestra comunidad musical está muy bien representada. Pienso con mucha ilusión en nuestro futuro juntos y en muchas grabaciones apasionantes”.

Desde 1985, la Sociedad Chopin en Varsovia concede el Gran Prix du Disque Frédéric Chopin a las mejores interpretaciones de la música de Chopin. La selección por un jurado de artistas famosos, revisores y directores de grabación tiene lugar cada cinco años, junto con el Concurso Internacional de Piano Chopin. En 2010, los premios fueron para son para Rafal Blechacz en la categoría «Grabaciones Contemporáneas» y para Martha Argerich en la categoría «Grabaciones históricas reeditadas».
Los trabajos premiados son:

Chopin: The Piano Concertos
Rafał Blechacz
Royal Concertgebouw Orchestra Jerzy Semkow
Deutsche Grammophon

“Argerich Plays Chopin”
Martha Argerich
Deutsche Grammophon

Lorin Maazel, director musical del Palau de les Arts Reina Sofía, al frente de la Orquestra de la Comunitat Valenciana, ultima los ensayos de Aida de Giuseppe Verdi, ópera inaugural de la Temporada 2010-2011 del centro de artes valenciano.
El maestro franco-estadounidense comparte la dirección musical de la ópera de Verdi con el israelí Omer Wellber, principal director invitado del centro operístico. En total, el Palau de les Arts ofrecerá dos ciclos de representaciones de Aida.
Maazel dirige el 13 de noviembre el estreno de esta nueva coproducción con el Covent Garden de Londres y la Den Norske Opera and Ballet de Oslo, además de otras cuatro funciones los días 19, 22, 25 y 28 de este mismo mes. Indra Thomas (Aida), Jorge de León (Radamès), Daniela Barcellona (Amneris), Gevorg Hakobyan (Amonasro), Giacomo Prestia (Ramfis) y Marco Spotti (Il Re) asumen los papeles principales en estas fechas.
Omer Wellber debuta en el foso de la Sala Principal del Palau de les Arts el día 16 de diciembre. El futuro director musical del centro de artes valenciano dirigirá otras tres funciones de Aida los días 19, 23 y 29 de ese mes. Hui He (Aida) encabeza el reparto de esta segunda tanda de representaciones, que también cuenta con Marcelo Álvarez (Radamès), Daniela Barcellona (Amneris), Marco Vratogna (Amonasro), Stephen Milling (Ramfis) y Marco Spotti (Il Re).
El escocés David McVicar firma este nuevo montaje con escenografía de Jean-Marc Puissant, vestuario de Moritz Junge e iluminación de Jennifer Tipton. David Greeves es el director de artes marciales.

El concierto aniversario de Cristóbal Halffter, que se realizará en la Sala principal el próximo 11 de noviembre (día de Santa Cecilia, patrona de la música) con motivo de su 80 cumpleaños, es el primero de los homenajes que el Teatro quiere rendir a tres de las figuras del panorama musical español con más peso internacional y que en esta temporada inauguran década: Plácido Domingo (70) y Luis de Pablo (80).
Para esta ocasión se han seleccionado del músico madrileño afincado en el Bierzo sus obras Siete cantos de España, Odradek (Homenaje a Kafka) y Tiento del primer tono y batalla imperial. La dirección correrá a cargo de Alejo Pérez, quien se situará al frente de la Orquesta Sinfónica de Madrid, de la soprano Lucrecia García y el barítono César San Martín.

La música y la literatura han tenido siempre una relación especial. En la obra vocal de Cristobal Halfter se encuentran versos y textos de distinta procedencia, desde autores clásicos hasta poesía contemporánea como la de Alberti, José Hierro, pasando por Gil Vicente, Cetina, Manrique, Cervantes, Quevedo, Brecht, Juan Ramón, Guillén…
Este mundo de la música vocal de Halffter tiene su momento más importante en la obra que centra el presente concierto: los Siete cantos de España, que tienen su origen en los Tres poemas de la lírica española que nuestro músico compuso en 1986. Los Siete cantos de España son una extensión de aquella obra, así como de sus Canciones de Al-Andalus. Y aún recordamos la honda recreación del Quijote que presentó en el Teatro Real, la ópera que, con libreto de Andrés Amorós, compuso Cristóbal Halffter a lo largo de 1997 y 1998.
Pero en la música de Halffter, que es mayoritariamente instrumental, hay también referencias a mundos literarios sin necesidad del empleo de textos. Una de sus obras más conmovedoras es la que compuso inspirado por Lorca. Se trata del concierto para violonchelo y orquesta nº2 (No queda más que el silencio) escrito, nada menos que para Rostropóvich, cuyos tres movimientos son sutiles y hondas recreaciones sonoras de algunos de los versos más desgarrados y emocionantes del poeta granadino.
Es el repertorio de este concierto muy representativo y acertado, sobre todo si se trata del merecido homenaje al Maestro Cristobal Halfter.

Desde el 3 de noviembre en Gran teatre del Liceu lleva a escena la obra de Alban Berg, Lulú. Bajo la dirección musical de Michael Boder, podremos ver un estupendo reparto con Patricia Petibon, Michael Volle, Paul Groves, Andreas Hörl, Franz Grundheber, Julia Juon, Silvia de la Muela, Will Hartmann, Robert Wörle, Monique Simon y otros.
En una ópera en la que Berg retrata de forma magistral la sociedad de su época, y basada en las tragedias románticas de Frank Wedekind, Der Erdgeist (El espíritu de la tierra) y Die Büchse der Pandora (La caja de Pandora).
Una puesta en escena de a través del personaje de Lulú que, como nueva Femme fatale plantea abiertamente la sexualidad en una sociedad llena de candidez y prejuicios. Obra polémica en su momento que acompañó la corriente liberal que se extendía por Europa a finales del XIX y principios del XX.
Una prometedora producción con Olivier Py como director de escena no apta para menores, o al menos eso anuncia el Teatro.

El 2 de Noviembre el Teatro Real estrenará su nueva producción, The Turn of the Screw (La vuelta de Tuerca), de Benjamin Britten (1913-1976) con libreto de Myfanwy Piper, y basada en la novela homónima de Herry James (1898).
Josep Pons es el director musical de este nuevo montaje, mientras que el responsable de la dirección artísitica es David McVicar.
El reparto está integrado sólo por 6 personajes: John Mark Ainsley (Quint), Emma Bell (The Governess), Peter Shafran y Jacob Ramsay-Patel (Miles), Nazan Fikret (Flora), Marie McLaughlin (Mrs. Grose) y Daniela Sindram (Miss Jessel), acompañados por 13 instrumentos que consigue una sonoridad sinfónica, acorde en todo momento con el libreto, enfatizando así la teatralidad de la obra.
Esta ópera, estrenada en La Fenice en 1954 con gran éxito, está ambientada en una mansión victoriana aislada, donde transcurren las 16 escenas que la integran, lo que contribuye a potenciar el ambiente opresor e incierto en el que se confunde lo real con lo imaginario, el mundo infantil y el de los adultos, donde la depravación sexual y la crueldad son los pilares de estas incertidumbres.
Una gran economía de medios, tanto musicales como escénicos, sirve de soporte a la ambivalencia y ambigüedad que pueden definir esta obra, en la que, el espectador tiene que interpretar y extraer sus propias conclusiones sobre la condición humana.
Si quieren buscar la respuesta a ¿qué pasa con el niño? y disfrutar de una de las obras más interesantes del siglo XX, no se pierdan esta obra. Los menores de 30, recuerden que pueden conseguir entradas con un 90% descuento.

Como ya viene siendo habitual, Cecilia Bartoli volvió a poner en píe al público del Real. Esta vez con uno de sus repertorios más habituales, Händel, en el que alternó de forma equilibrada arias dramáticas y otras de coloratura. Cuatro oberturas para disfrutar de la delicadeza de Il Giardino Armonico y el buen hacer de su director, Giovanni Antonini, que nos deleitó como solista en varios momentos.
Esta vez, Cecilia lució un sobrio vestido negro para salir al escenario, y como complementos musicales destacar ruido de viento y una plancha metálica que contribuyeron a mostrar toda la intensidad dramática que puede transmitir esta romana. Toda una declaración de intenciones en la primera pieza de Rinaldo, “Furie terribili”.
En la primera parte, destacar “Scherza infida” de Ariodante, despliegue cromático donde destacó el gran entendimiento entre Antonini y ella y gran ovación del público que celebra cada frase coloreada.
Pero en este recital, que fue de menos a más , lo mejor estaba por llegar. La segunda parte comenzó con “Felicissima quest´alma” de Apollo y Dafne interpretada con una contención sobrecogedora, para alcanzar con Alcina el punto culminante del recital, “Ah! mio cor!
Y, por si alguien no estaba satisfecho, llegaron los bises, eso que a ella tanto le gusta: La Tempestad y “Son qual nave ch’agitata», de la ópera «Artaserse», donde demostró toda su capacidad, “a capella”, barriendo al público con su voz y sorprendiendo con un fiatto que esta vez fue al público al que dejó sin aliento.
Ella, que sabe como conquistar, sonrisas y simpatía a raudales mientras se unía con su público en un abrazo afectuoso y sincero, y no cesaban los aplausos de una clá ya incondicional.

“La voz más importante de los últimos cien años” (Pavarotti)

Nació un 7 de noviembre de 1926, en Sydney, Australia. Joan Sutherland fue instruida desde muy pequeña por su madre, al mismo tiempo que por Jon y Aída Dickens. La joven Joan recorrió Australia interpretando conciertos y oratorios. Su verdadero debut se produjo también en Sydney a los 21 años en el papel de Dido, en Dido y Eneas de Purcell. Ganó el concurso de canto Mobil Quest, lo que le permitió completar sus estudios en Londres, en la Opera School del Royal College of Music.
En un principio, y dada su robustez corporal y vocal, se decidió por los papeles wagnerianos. El director y pianista australiano Richard Bonynge,(con quien se casaría en 1954), supo ver en ella la capacidad de acometer otros roles, concretamente del belcantismo italiano.
Fue capaz de destacar en papeles que por tradición , no tendrían que haber encajado en ella, el belcanto romántico. Su gran peculiaridad fue la capacidad de combinar la coloratura y las agilidades con una voz grande y poderosa, más propia de sopranos dramáticas que de coloratura. Todo ello, gracias a una técnica depuradísima y a una resonancia facial favorecida, sin duda, por la importancia de sus mandíbulas.
Estas cualidades le permitían interpretar desde una Violetta verdiana a una Norma, con unos sobreagudos perfectos, capaces de romper, no una copa, sino todas.
Otra de las herencias que deja y de las que debemos estarle agradecidos, es haber rescatado multitud de partituras casi desconocidas para el gran público y que ahora forman parte del repertorio. Tarea esta que compartió con sus grandes amigos Montserrat Caballé, Alfredo Kraus o Marylin Horne.
Sus últimas actuaciones en España se produjeron a finales de los ochenta, en el Liceu, junto a Alfredo Kraus, también en los últimos años de su carrera. Fue una enamorada de España que, ya retirada, se dejaba ver en casi todas las ediciones del festival de canto Francisco Viñas de Barcelona, como miembro del jurado.
La “Stupenda”, como se la conocía en el mundillo, ha dejado un gran legado discográfico para que podamos seguir escuchándola:

– Bellini: Beatrice di Tenda. Pavarotti, Veasey, Bonyngue. DECCA (R, 2006)
– Bellini: Norma. Caballé, Pavaroti, Ramey, Bonyngue. DECCA (R, 2006)
– Donizetti: Lucia di Lammermoor. Cioni, Merrill, Siepi, Pritchard. DECCA (R, 2006)
– Haendel: Alcina. Berganza, Alva, Sciutti, Freni, Bonyngue. DECCA (R, 2006)
– Mozart: Don Giovanni. Wächter, Taddei, Schwarzkopf, Alva, Giulini. EMI (1961)
– Rossini: Semiramide. Horne, Bonyngue. DECCA (R, 2006)
– Verdi: Rigoletto. Cioni, MacNeil, Sanzongo. DECCA (R, 2006)

Josep Pons y el director general del Liceu, Joan Francesc Marco, han firmado el 5 de octubre el contrato de incorporación del director de orquesta como Director musical del Gran Teatre del Liceu a partir de la temporada 2012-2013.
El Liceu incorpora un director de orquesta del país de primer nivel como director musical de esta institución. La implicación del maestro Pons con el Liceu es un valor añadido a su trayectoria y experiencia artística como director invitado habitualmente a las más importantes orquestas internacionales y como primera batuta de entre los directores nacionales.
Visto en perspectiva, la carrera musical de Josep Pons lo sitúa en el panorama como un forjador de orquestas. La experiencia artística y el liderazgo en los proyectos orquestales de los que ha sido el director titular (Orquestra de Cambra Teatre Lliure, Jove Orquestra Nacional de Catalunya, Orquesta Ciudad de Granada, Orquesta Nacional de España) y la dilatada experiencia discográfica lo corrobora.
Perfeccionar la calidad artística de la Orquestra Simfònica y el Cor del Liceu y garantizar y mejorar la proyección internacional del Liceu ha sido una de las máximas prioridades de Joan Francesc Marco desde el momento que asumió su responsabilidad como Director general del Liceu. Así pues, la mejora y excelencia de la calidad artística de la Orquesta y el Coro será uno de los principales objetivos del Maestro Pons, tarea en la que contará con la colaboración del director del Cor, José Luis Basso.
Josep Pons asumirá la Dirección musical del Gran Teatre del Liceu durante seis temporadas, prorrogables de mutuo acuerdo a dos más. Se establece una progresión anual por lo que se refiere al número de funciones que dirigirá, tanto en conciertos como en óperas y ballets.
El contrato también establece la participación del maestro Pons en el diseño de la actividad artística y la implicación en la decisión de la contratación de directores musicales invitados y en tota la actividad de conciertos sinfónicos y de cámara.
La incorporación del Maestro Josep Pons sin duda alguna posicionará las formaciones musicales del Gran Teatre del Liceu y la institución catalana al más alto nivel.

El Teatro Real y el Festival Internacional de Manchester presentan el estreno mundial de la nueva obra escénica: Vida y muerte de Marina Abramovic, biografía de la creadora más innovadora del art performance reinterpretada por el visionario director de escena Bob Wilson.
Protagonizado por la propia artista, junto a Willem Dafoe y un reparto de actores y creadores artísticos internacionales, y música compuesta e interpretada por Antony (Antony and the Johnsons), este revolucionario espectáculo aúna la expresión teatral, la creación artística y la música para lograr un efecto emocionante.
El equipo ha comenzado a desarrollar la idea en Madrid, el pasado mes de septiembre, con un intenso trabajo realizado en una de las salas de ensayo de los Teatros del Canal, cedidas al Teatro Real para dicho proyecto.
Para Gerard Mortier, Director Artístico del Teatro Real, “la ópera necesita desarrollar nuevas formas de creación para avanzar hacia el futuro. Esto supone, desde luego, nuevos compositores, pero también proyectos elaborados por grandes artistas visuales, actores e intérpretes que no tienen que ser necesariamente cantantes de ópera. Con toda seguridad, el lirismo de Antony en conjunción con Bob Wilson y Marina Abramovic, logarán hacer de esta producción una opera real, como a Monteverdi le habría gustado”
La obra ha sido encargada por el Teatro Real y el Festival Internacional de Manchester, en coproducción con el Teatro de Basilea, la Feria de Arte de Basilea, el Festival de Holanda y el Ayuntamiento de Salford (Reino Unido).

El estreno tendrá lugar en 2011 en Manchester y en 2012 en el Teatro Real de Madrid, antes de visitar Suiza y Holanda en 2013.

Una vez más, como casi todos los años, la soprano lituana, Violeta Urmana, no falta a su cita con el Gran Teatro del Liceu de Barcelona. Acompañada por el pianista Jan Philip Schulze, nos ofrece un recital con obras de Giacchino Rossini, Vincenzo Bellini, Franz Liszt, Gustav Mahler, Henri Duparc, Priotr L. Txaikovski y Richard Strauss. Un repertorio mayoritariamente Bellcantista del que es ya una consumada especialista.
Barcelona. Teatre del Liceu
4 de octubre , 2010 – 20.00h.

Violeta Urmana regresará a España el 8 de marzo del año próximo, lo hará concretamente a Madrid, donde ofrecerá un recital en el XVII Ciclo de Lied del Teatro de la Zarzuela.

El 30 de septiembre el Teatro Real estrena la ópera de Kurt Weill “Ascenso y caída de la ciudad de Mahagonny”. Con la direcciónn escénica de Carles Padrissa y Alex Ollé (La Fura dels Baus), la acción se desarrolla en un vertedero de basura. Una alegórica provocación de cómo ven estos directores el declive de nuestro tiempo.
El director musical Pablo Heras-Casado, cuya meteórica carrera fue impulsada por el propio Mortier cuando éste era director de la Ópera de París, cuenta para esta ocasión, con la versátil y espectacular voz de la soprano canadiense Measha Brueggergosman, que seguro veremos en más ocasiones en esta nueva etapa del Real.
Otra de las esperadas novedades que llega con Mahagonny es la presentación del nuevo coro, de la mano de su también nuevo director Andrés Máspero. Mucho tienen que trabajar para acercarse en calidad al recordado y añorado Coro del Real.
Esta ópera llega además, con nuevas formas de difusión. La función de estreno será retransmitida en directo por la cadena Mezzo TV a 127 salas de cine españolas y europeas. A esta presentación acompañará la ya clásica retransmisión por Radio Nacional el 9 de octubre, también para España y un buen número de países europeos.
Sin duda la temporada llega cargada de novedades. La era Mortier ha entrado con fuerza y sin dar respiro. Iremos desgranando una temporada que seguro ni nos aburrirá ni nos dejará indiferentes.
La primera vez que Brueggergosman visitó España nos dejó una entrevista. Pueden acceder a ella en esa sección.

Alexander Pereira, nuevo Diresctor del Festival de Salzburgo, nombra a Cecilia Bartoli directora artística del Festival de Pentecostés de Salzburgo a partir de 2012. Lo ha confirmado en rueda de prensa mostrando su satisfacción por este sorprendente fichaje.
«¡Me siento particularmente feliz de que nuestra larga y fructífera colaboración con Cecilia Bartoli comience una nueva etapa! Su admirable capacidad para defender calidad y fantasía, característico de Cecilia, me ha llevado a pedirle que sea la directora artística del Festival de Pentecostés de Salzburgo, para dar forma al festival a partir de 2012. En los últimos años Cecilia ha contribuido enormemente no sólo al repertorio barroco y clásico sino al Belcanto. Nuestra colaboración, por lo tanto, no se limitará a proyectos barrocos, sino que se extenderá a todos los ámbitos artísticos con los que se compromete.»
Cecilia Bartoli ha declarado: «Alexander Pereira ha sido uno de los primeros en apoyarme, cuando yo era muy joven y estaba al comienzo de mi carrera. A lo largo de estos años me ha brindado numerodas oportunidades para llevar a cabo mis ideas artísticas. Por todo ello, es para mí un enorme placer y honor que nuestra amistad nos lleve ahora, en Salzburgo, hacia una nueva e interesante colaboración.»
Respecto a la programación, cada año se preparará una nueva producción para Salzburgo que se representará al menos dos veces durante el fin de semana de Pentecostés. Alrededor de esta producción se programarán conciertos con la intención de ampliar y completar el tema de cada año.
Como importante innovación se llevará esta producción de Pentecostés también al Festival de Verano, y allí se volverá a representar unas 5 veces, por supuesto con el mismo reparto.

Del 27 de septiembre al 17 de octubre el escenario del Liceu acoge Carmen, de Georges Bizet, de la que se harán catorce funciones. El mismo montaje volverá al teatro del 21 de julio al 30 de julio con siete funciones más.
La nueva coproducción del Liceu de Barcelona, Teatro Massimo (Palermo) y Teatro Regio (Torino) está basada en la producción original del Festival de Peralada del año 1999. Bajo la Dirección musical de Marc Piollet y en la Dirección de escena estará Calixto Bieito.

El próximo 8 de octubre comienza la temporada en el Auditorio Nacional de Madrid. Este año las novedades son numerosas e importantes. La manera de comenzar, por ejemplo. Los cantaores Calixto Sánchez y Rocío Márquez. Estos recitales son producto de la colaboración del Auditorio con la Agencia Andaluza para el desarrollo del Flamenco.
Otra de las novedades serán los recitales acompañados de proyecciones audiovisuales, tanto en la sala principal como en los vestíbulos con abras de compositores españoles, portugueses y mejicanos.
Y en noviembre el protagonista será el compositor francés Pierre Boulez. Se interpretará un amplio repertorio de este compositor a cargo de algunos de los intérpretes y directores más importantes en la actualidad.

La temporada de ópera del Palau de les Arts Reina Sofía de Valencia, comienza este año con todo un clásico, Aida de Giuseppe Verdi. Todo empezará el 13 de noviembre bajo la dirección musical de Lorin Maazel. El reparto artístico es bastante prometedor, Indra Thomas (Aida), Jorge de León y Marcelo Álvarez (Radamès), Daniela Barcellona (Amneris), Gevorg Hakobyan y Marco Vratogna (Amonasro), Giacomo Prestia (Ramfis).
Otro de los platos fuertes de esta temporada serán los recitales. El 21 de noviembre de 2010 el Director Jesús López Cobos dirigirá la Orquesta de la Comunitat Valenciana en el recital de Plácido Domingo. En unos de sus ya clásicos repertorios de zarzuela. El 23 de enero de 2011, Juan Diego Flórez ofrecerá un recital acompañado al piano por Vincenzo Scalera.

El 7 de septiembre dio comienzo la nueva etapa del Teatro Real 2010-2011 bajo la dirección artística de Gerard Mortier, que confesó estar “nervioso y muy contento”. Lo hace con ‘Eugenio Oneguin’ de Chaikovsky, que inicia también la colaboración entre el Teatro Real y el Teatro Bolshoi de Moscú, cuyo Coro y Orquesta estarán en el escenario y el foso de Madrid en esta ocasión.
Apareció Mortier rodeado de sus principales colaboradores que dieron cuenta, cada uno de su negociado, de todos los proyectos que el Real pone desde esta temporada en marcha. La captación de nuevos públicos es uno de los principales objetivos de este equipo, junto con la optimización de los recursos. El público encontrará las primeras novedades al recibir el programa de mano. No olviden llevar las gafas de cerca. Otra de las novedades será escuchar el nuevo coro, dirigido por el argentino Andrés Máspero. 52 miembros forman este nuevo coro del que podremos disfrutar (o no) a partir de finales de septiembre en “Ascenso y caída de la ciudad de Mahagonny”.

Los próximos 4 y 5 de septiembre, RTVE retransmite por La 2 y RTVE.es Rigoletto de Giusepe Verdi. La ópera será retransmitida en directo desde Mantua, concretamente desde el Palazzo Ducale, el Palazzo Te y la Rocca de Sparafucile. Todos ellos escenarios naturales de la célebre ópera. La producción es de la Radio Televisión Italiana y estará interpretada por la Orquesta Sinfónica de la RAI, dirigida por Zubin Mehta y el papel de Rigoletto estará interpretado por Plácido Domingo. Esta será la segunda ocasión en la que Domingo, tras su aclamado Simon Boccanegra, aborde un papel escrito para barítono.
La 2 y RTVE.es, 4 de sep. Primer acto: 20.30h. 5 de sep. Segundo acto: 14.00h. Tercer acto: 23.30h.

Aunque el contrato se firmó el mes de febrero, ha sido ahora cuando se ha hecho efectivo este compromiso con la presentación de un CD en directo. Live in Viena. Una grabación que se realizó en la legendaria sala Musikverein de Viena. También saldrá a la venta un vídeo en alta definición en formato Bluray. En él se incluyen Sonatas de Beethoven; el Libro 1 de Iberia, de Isaac Albéniz y la Séptima Sonata de Prokofiev. También realiza un homenaje a Chopin con motivo del bicentenario de su nacimiento.
El joven pianista chino ha sido contratado por Sony Classical por algo más de tres millones de dólares. Perteneciendo y siendo un ídolo en su país, sobra decir que todo lo que toca se convierte en oro.
“Yo disfruto la energía innovadora y creativa de Sony”, dice Lang Lang. “Ellos no solo están mirando al futuro, también le están dando forma, y estoy encantado de formar parte de este excitante proceso. Nosotros compartimos una visión. Es por esto que nuestra relación no es solo el hacer grandes discos; es también acerca de la tecnología y su futuro.”

El pasado mes de julio se despidió como director artístico del Teatro Real Antonio Moral. Un hombre tan activo e inquieto como él no podía estar parado mucho tiempo. Es por eso que el próximo mes de octubre comienza una nueva andadura como Director del nuevo Centro Nacional de Difusión Musical del INAEM. La nueva organización permitirá optimizar recursos humanos y presupuestarios y mejorar la coordinación y difusión de las actividades. La unidad de gestión integrará, a partir del próximo 1 de octubre, al Auditorio Nacional de Música, al Centro para Difusión de la Música Contemporánea y al Centro de las Artes Escénicas y de las Músicas Históricas.

La Academia Alemania de Grabación, acaba de anunciar los ganadores de este año de sus codiciados premios Echo, uno de los galardones más prestigiosos en el mundo de la música clásica. Algunos de los artístas más destacados de los sellos discográficos Deutsche Grammophon y Decca, han sido algunos de los premiados. Entre ellos: Cecilia Bartoli, Juan Diego Flórez, Osvaldo Golijov, Hélène Grimaud, Janine Jansen, Jonas Kaufmann, Lang Lang, Albrecht Mayer, Alice Sara Ott, Bryn Terfel y el Cuarteto Fauré, han obtenido el primer premio en no menos de once categorías.
La ceremonia y entrega de premios tendrá lugar el 17 de octubre, durante la gala anual de los Premios Echo, en la ciudad Alemana de Essen.

Juanjo Mena, nacido en Vitoria hace 44 años, ha sido nombrado director titular de la Orquesta Filarmónica de la BBC, cargo que ocupará a partir de septiembre de 2011. El contrato tiene una duración inicial de tres años y de doce semanas por año.
Juanjo Mena fue director de la Orquesta Sinfónica de Bilbao desde 1999 hasta 2008 y en varias ocasiones había dirigido la Orquesta de la BBC. Sustituirá al mando de esta prestigiosa Orquesta a Gianandrea Noseda, que ha sido su director desde 2002.

La artista georgiana, aclamada por su “virtuosismo deslumbrante” (Financial Times), así como por sus golpes de arco “fluidos, sensuales” y un “sonido terso como la seda” (Gramophone), ha alcanzado ya renombre mundial por sus apariciones con orquestas entre las que se incluyen la Filarmónica de Berlín, la Orquesta Sinfónica de Londres, la Filarmónica de Nueva York, la Orchestre de Paris y la Real Orquesta del Concertgebouw, entre otras, colaborando con directores como Sir Simon Rattle, Zubin Mehta, Franz Welser-Möst, Lorin Maazel, Alan Gilbert, Sakari Oramo, Yannick Nézet-Séguin y Charles Dutoit.

Desde 1992 la Orquestra de Cadaqués convoca cada dos años el Concurso Internacional de Dirección de la Orquestra de Cadaqués con la voluntad de descubrir y promocionar jóvenes directores, ofreciéndoles la oportunidad de hacer una gira con una treintena de las orquestras más importantes de España y algunas prestigiosas orquestras internacionales.
Durante la final del Concurso Internacional de Dirección de la Orquesta de Cadaqués en el Auditori de Girona, los dos últimos participantes han tenido una hora para ensayar por última vez con la Orquesta de Cadaqués la dirección de tres composiciones, la obra de encargo de este año Hekkan IV de José María Sánchez-Verdú, el motete para soprano y orquesta Exultate, Jubilate de W. Amadeus Mozart y finalmente el jurado ha escogido una obra final entre las tres ya establecidas al plan de trabajo, la Obertura para Coriolan, op. 62 de Ludwig van Betthoven, de Felix Mendelssohn, Obertura Die Hebriden, op. 26 o la Obertura del ballet Hercule et Omphale de Ferran Sor.
Al finalizar la prueba, los miembros del jurado, presidido por Gennady Rodzhdestvensky y formado por Burkhard Glashoff, Lutz Köhler, Huw Humphreys, Gloria Isabel Ramos y la propia Orquestra de Cadaqués han escogido a Andrew Gourlay como ganador de la X edición del Concurso Internacional de la Orquesta de Cadaqués. Andrew Gourlay ha dirigido la London Symphony Orchestra en una clase magistral pública con Valery Gergiev y ha recibido otras clases magistrales de Bernard Haitink y Marin Alsop.

Un Plácido Domingo convertido en barítono regresa a Madrid, al Teateo Real, el próximo mes de julio con Simón Bocanegra, una vez recuperado de una intervención de cáncer de colon el pasado marzo, y tras su posterior reaparición en La Scala de Milán. Tras la intervención reconoció haber pasado miedo y tratar de plantearse el futuro de una manera más sosegada.
Es esta una razón más para asistir a alguna de las representaciones de este Verdi para entendidos que es Simón Bocanegra. Será interesante escuchar a un Plácido Domingo que sabrá compensar la escasez de contundencia en los registros bajos, posiblemente con un maravilloso fraseo y, como siempre, una extraordinaria presencia escénica.

La cultura y, concretamente, la ópera, nunca han sido consideradas bienes de primera necesidad por las administraciones públicas. De ahí que en momentos de crisis y recortes sea esta, la cultura, quien primero y más significativamente sufre los recortes presupuestarios y el abandono de la financiación. Como si las sensaciones que produce la lírica no fueran necesarias y su alimento prescindible.
El mundo de la lírica en Italia ha comenzado una huelga en contra de un decreto firmado ayer por el presidente Giorgio Napolitano, la cual afecta a las óperas y conciertos más importantes previstos para las semanas próximas en el país.
Napolitano firmó ayer un decreto que reforma las catorce fundaciones líricas a las que hasta ahora el Estado destinaba 240 millones de euros (unos 319 millones de dólares) al año. Éstas tienen unas pérdidas de 2.667 millones de euros (3.527 millones de dólares) y 5.600 trabajadores que cuestan otros 340 millones de euros (452 millones de dólares), informa hoy “La Repubblica”.
Para mañana ya se ha cancelado la ópera “Donna senz”ombra” en Florencia y el “Barbero de Sevilla” en Turín, el lunes 3 de mayo no tendrá lugar el concierto de Santa Cecilia en Roma, el jueves 6 de mayo se ha cancelado el concierto sinfónico en Génova al igual que la ópera “Carmen” el 11 de mayo en Bolonia y “L”Oro del Reno” previsto para el 13 de mayo en la Scala de Milán, aseguran las páginas web de los teatros.
Para el lunes 17 de mayo se han organizado manifestaciones de las catorce fundaciones en toda Italia para protestar contra el decreto.
Lo que critican los trabajadores son los artículos del decreto que cambian los criterios de asignación de los subsidios estatales a las artes escénicas y que puede suponer una pérdida en la masa salarial del 10 al 20 por ciento.
El decreto establece nuevos criterios para la “racionalización de la organización y el funcionamiento (de las fundaciones) sobre la base de los principios de eficiencia, correcta gestión y espíritu empresarial” y será convertido en ley en 60 días.

Gianandrea Noseda se convertirá en principal director invitado cuando Omer M. Wellber asuma la dirección musical del enclave operístico valenciano.
El maestro se incorpora como principal director invitado del centro de artes para la temporada 2010-2011. A partir de la temporada 2011-2012 asumirá la titularidad de la Orquestra de la Comunitat Valenciana hasta 2014 sustituyendo a Lorin Maazel.

El Teatro Real nos hace regresar en febrero al verismo más puro. Lo hace con Andrea Chénier, de Humberto Giordano. Esta es la producción que Giancarlo del Monaco presentó también en la Ópera Nacional de París y que ahora trae a Madrid. este dramma storico en cuatro actos cuenta con las conocidas voces de Marcelo Álvarez, Fabio Armiliato, Marco Vratogna, Marco di Felice, Fiorenza Cedolins y Daniela Dessi, entre otras, y la dirección musical de Víctor Pablo Pérez.
Giancarlo del Monaco, casado con una española y afincado en Madrid, posee y transmite a través de sus cinematográficas puestas en escena, el carácter y la pasión heredados de su padre, el gran tenor Mario del Monaco. De cuya mano debutó un joven Giancarlo como director de escena en Siracusa, con Samson y Dalila.