Brioclasica, Author at Brío Clásica

El 12 de diciembre Ibermúsica recibirá por primera vez en su ciclo a Emmanuelle Haïm y su ensamble Le Concert d’Astrée en el Auditorio Nacional de Música. El conjunto se presentará con un programa dedicado a los dos grandes maestros del barroco, Bach y Haendel, con tres de sus obras más célebres.

Haïm y Le Concert d’Astrée interpretarán la Tercera Suite Orquestal de Bach, cuyo segundo movimiento, ‘Air’, es una de las piezas más versionadas de la historia. De Haendel, ofrecerán las dos suites de Música acuática, encargadas por el rey Jorge I para acompañar sus paseos en barcaza por el Támesis, y Música para los Reales fuegos artificiales, encargada por Jorge II para los fuegos artificiales que tuvieron lugar en el Green Park de Londres para celebrar el fin de la Guerra de Sucesión Austriaca.

Reconocida como una de las principales figuras de la música antigua y barroca en el panorama mundial, Emmanuelle Haïm fue la primera mujer en dirigir la Ópera Lírica de Chicago, la tercera en subirse al podio de la prestigiosa Filarmónica de Viena y es invitada frecuente de las principales orquestas del mundo. En el 2000 funda Le Concert d’Astrée, y su labor continuada durante casi 25 años les ha encumbrado como uno de los conjuntos más reconocidos del mundo. Su paso por Ibermúsica forma parte de una gira española que comenzará el día 11 en Barcelona (ciclo BCN Clàssics) y concluirá el día 13 en Santander (Palacio de Festivales).

Le Concert d’Astrée, conjunto instrumental y vocal dedicado a la música barroca y dirigido por Emmanuelle Haïm, se ha convertido en uno de los conjuntos de referencia en este repertorio. Fundado en 2000, reúne a consumados instrumentistas en torno a Emmanuelle Haïm y ha cosechado un rápido éxito en Francia y en el extranjero, gracias a una residencia a largo plazo en la Ópera de Lille desde 2004.

Numerosas giras la llevan regularmente a las grandes salas de concierto de todo el mundo, donde actúa junto a prestigiosos solistas en programas dedicados a la música de los siglos XVII y XVIII. Le Concert d’Astrée ha participado en numerosas producciones escénicas en la Ópera de Lille, la Staatsoper de Berlín, la Ópera Nacional Holandesa de Ámsterdam, el Grand Théâtre de Luxembourg, la Ópera de Dijon, el Théâtre des Champs-Élysées de París (Palais Garnier, Théâtre du Châtelet), el Théâtre de Caen y el Festival d’Aix-en-Provence.

En la temporada 2024-25, Le Concert d’Astrée, dirigido por Emmanuelle Haïm, presentará Sémélé de Haendel con dirección escénica de Oliver Mears en el Théâtre des Champs-Élysées, y una reposición de Dido y Eneas de Purcell con dirección escénica de Franck Chartier-Peeping Tom en el Grand Théâtre de Genève. También aparecerán de gira por España, en residencia en Walt Disney Hall de Los Ángeles y en el Festival de Salzburgo.

EMMANUELLE HAÏM

Después de estudiar piano, clave y órgano, Emmanuelle Haïm se decidió por la dirección orquestal y fundó el Concert d’Astrée en 2000. Apodada “La Sra. Dinamita del Barroco francés”, por la prensa inglesa, fue la primera mujer en dirigir la Lyric Opera of Chicago, actúa en los grandes escenarios franceses e internacionales, con un repertorio dedicado a la música de los siglos XVII y XVIII, junto con los más destacados cantantes de ópera y coreógrafos. Incansable exploradora de nuevos talentos y repertorios, su discografía para Erato ha sido aclamada por el público y la crítica.

En los próximos meses, ofrecerán numerosas nuevas actuaciones: Sémélé de Haendel, en una producción de Olivier Mears en el Théâtre des Champs Elysées; y Dido y Eneas de Purcell, en una producción de Franck Chartier, en el Théâtre de Genève.

A comienzos de la temporada 2024-25, Emmanuelle Haïm será artista asociada para un festival anual en Walt Disney Hall, Los Ángeles, reuniendo los talentos de los coros y orquesta Le Concert d’Astrée con la Los Angeles Philharmonic Orchestra. Asimismo, realizará, conjuntamente con Le Concert d’Astrée, una gira por España, en 2024, y participarán en el Festival de Salzburgo en 2025.

Tras su debut en la primera temporada del ciclo de música de cámara “Salón del Ateneo”, interpretando las tres primeras suites para violonchelo solo de Johann Sebastian Bach, el violonchelista del Cuarteto Casals Arnau Tomàs regresa al mismo escenario para completar la integral de las suites para violonchelo solo. El concierto “Otras tres Suites de Bach” tendrá lugar el próximo 22 de diciembre a las 19:30h en la Cátedra Mayor del Ateneo de Madrid.

El repertorio para este recital se centra en la Suite no. 4 para violonchelo solo en Mi bemol mayor, BWV 1010; en la Suite no. 5 para violonchelo solo en Do menor, BWV 1011 y en la Suite no. 6 para violonchelo solo en Re mayor, BWV 1012.

Este conjunto de piezas ambiciosas y complejas, las primeras escritas para violoncello por el compositor durante su estancia como Capellmeister (director musical) en Cöthen, son consideradas, obra cumbre del repertorio para violonchelo del periodo barroco.

Con este concierto, “Salón del Ateneo”, organizado por TALA Producciones, concluye el primer año de la temporada 24/25 de un ciclo que se ha consolidado como un referente en la música de cámara en Madrid. La próxima cita será el 18 de enero con el recital “Diálogos” a cargo del Trío Catch.

Las entradas para el concierto se pueden adquirir en la web de Tala Producciones

Nacido en Barcelona, Arnau Tomàs es actualmente reconocido como uno de los violonchelistas más versátiles y polifacéticos de su generación, combinando proyectos solísticos con una intensa actividad camerística, siendo fundador del Cuarteto Casals y el Trio Ludwig.

Premiado en diversos Concursos Nacionales e Internacionales, ha ofrecido numerosos recitales de violonchelo y ha actuado como solista con las Orquestas de Radiotelevisión Española, Sinfónica de Tenerife, OSV, Sinfónica de Galicia y OBC entre otras. En 1992, participó activamente en la filmación de un reportaje televisivo sobre Yo Yo Ma en el Concertgebouw de Amsterdam, tocando suites de Bach para él.
Arnau Tomàs es invitado regularmente en los festivales y ciclos de conciertos más prestigiosos.

Su producción a nivel discográfico es extensa, con música desde el periodo barroco hasta el siglo XX, con más de 15 cds. Destacan especialmente sus grabaciones de las suites de Bach (2014) y de las sonatas y variaciones de Beethoven (2016), en ambas utilizando arcos históricos del periodo de su composición.

Al margen de su actividad concertística, ha sido profesor invitado en la Musikhochschule de Colonia además de participar en masterclasses tanto en Europa como en Estados Unidos.

Programa

Johann Sebastian Bach (1685-1750)

Suite no. 4 para violonchelo solo en Mi bemol mayor, BWV 1010

I.Prelude

Allemande

III. Courante

Sarabande
Bourree I + II

VI.Gigue

Suite no. 5 para violonchelo solo en Do menor, BWV 1011

I.Prélude

II.Allemande

III. Courante

IV.Sarabande

Gavotte I
Gavotte II

VII. Gigue

Suite no. 6 para violonchelo solo en Re mayor, BWV 1012

I.Prélude

II.Allemande

III.Courante

IV.Sarabande

V.Gavotte I

VI.Gavotte II

VII.Gigue

El ciclo “Salón del Ateneo” nace con la vocación de dotar a la música de cámara – especialmente a aquella de nueva creación- de un espacio de difusión estable en la escena musical madrileña. Enfocándose en intérpretes emergentes del panorama nacional y europeo, el ciclo Salón del Ateneo tiene como objetivo favorecer la difusión de la música contemporánea, poniéndola en comunicación con repertorios de nuestra tradición musical reciente, en el marco inigualable del Ateneo de Madrid, que desde su constitución en 1820 se ha convertido en un espacio de progreso y promoción de las artes. Organizado por TALA Producciones, la temporada 2024-2025 presenta un total de nueve conciertos que tendrán lugar entre el 21 de septiembre de 2024 y el 22 de junio de 2025.

TALA Producciones se dedica desde 2014 a la producción y promoción de conciertos de música clásica, con especial foco en la música de cámara y la creación contemporánea. Asimismo, representa a un selecto grupo de compositores e intérpretes guiada por su compromiso por la excelencia artística y la vocación por promover el talento.

La Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM) arranca el mes de diciembre con una programación navideña muy especial compuesta por diferentes actividades y conciertos dirigidos a todo tipo de públicos, que se podrán disfrutar hasta el próximo 13 de enero de 2025.

Uno de los eventos más destacados será Viaje espiritual, cuarto concierto dentro del Ciclo Sinfónico de la ORCAM, en el que el público podrá escuchar uno de los clásicos de navidad más famosos de la historia: El Mesías de George Frideric Handel. La actuación tendrá lugar el 16 de diciembre en el Auditorio Nacional y contará con la dirección del maestro Josep Vila i Casañas. El conjunto estará acompañado por la soprano Irene Más, la contralto Anna Alàs, el tenor Juan Sancho, el bajo Elías Arranz y Javier Carmena como director del Coro de la Comunidad de Madrid.

Viaje espiritual también se presentará en una versión reducida en la Basílica de Santa María de Alicante, con la colaboración de la Fundación Sociedad de Conciertos Alicante (19 de diciembre); la Iglesia de Santa Bárbara de Madrid (20 de diciembre) y el Teatro Real Carlos III de Aranjuez (22 de diciembre).

Villancicos, ballet y mucho más

Los días 7, 8, 14 y 15 de diciembre (sábados y domingos) será el turno de la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (JORCAM) y la Joven Camerata de la ORCAM que interpretarán obras de Wolfgang Amadeus Mozart, Arcangelo Corelli o Georg Friedrich Handel en el Concierto de Navidad que Lara Diloy dirigirá en el Real Teatro del Retiro. La actividad, que ya tiene todas las entradas agotadas, invitará al público a reunirse con familia y amigos para evocar, a través de la música, los mejores sentimientos de estas fechas.

Los días 14 y 15 de diciembre solistas de la ORCAM protagonizarán Villancicos del Norte, actuaciones que pondrán broche de oro al Ciclo de Música de Cámara 2024 de Fundación Canal. Manon Chauvin y Vanessa García (sopranos), Teresa López y Julieta Navarro (altos), Diego Neira e Igor Peral (tenores), Fabio Barrutia y Fernando Rubio (bajos), y Javier Carmena (piano y dirección), iluminarán la magia navideña con una selección de villancicos tradicionales ligados a Galicia y País Vasco. El programa descubre piezas poco conocidas, además de villancicos tradicionales como Los peces en el río o Campanas de Belén.

También habrá espacio para la danza con La Sylphide, el ballet en dos actos que la Compañía Nacional de Danza presenta en el Teatro de la Zarzuela del 12 al 22 de diciembre. La Orquesta de la Comunidad de Madrid, agrupación titular del histórico teatro de la calle Jovellanos, interpretará la partitura de Herman S. Løvenskiold bajo la dirección del maestro Daniel Capps. El montaje –que regresa tras el éxito de la temporada pasada– presenta la versión del coreógrafo August Bournonville, el que fue el primer gran ballet que se popularizó en Madrid, con múltiples montajes y versiones.

Conciertos extraordinarios de todas las agrupaciones

Una de las actividades más especiales de la programación será la actuación que el Proyecto Social de la ORCAM dará el 18 de diciembre en el Centro Cultural Paco Rabal. El Coro Abierto y el Grupo de Percusión ‘A Tu Ritmo’ –dirigidos por Carmen Sanchis y Jorge González, respectivamente– junto con músicos voluntarios de la ORCAM, ofrecerán este concierto a los usuarios de los centros de la Agencia Madrileña de Atención Social (AMAS). Interpretarán conocidos temas como El Ciclo de la Vida, All You Need Is Love, Oye, cómo va, La bamba o I love rock & roll, entre otros.

El 22 de diciembre los Pequeños Cantores de la ORCAM dirán adiós a 2024 desde la Iglesia de Nuestra Señora de la Asunción de Chinchón, con un concierto repleto de ritmos navideños para disfrutar con familia y amigos. Bajo la dirección de Ana González y con Álvaro Martín al piano, a lo largo del programa sonarán obras populares como Campana sobre campaña, Noche de paz, Adeste fideles o Jingle bell Rock.

En 2025, la Orquesta de la Comunidad de Madrid dará la bienvenida al año con Festejando el porvenir, un concierto de año nuevo dirigido por Álvaro Albiach, que se podrá disfrutar el 4 de enero en el Teatro de la Zarzuela. El evento contará con las interpretaciones de la soprano Ángeles Blancas y el tenor Alejandro Roy, además del Coro del Teatro de la Zarzuela dirigido por Antonio Fauró.

Uno de los mejores violines del mundoTras las vacaciones, la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid presentará el 13 de enero en el Auditorio Nacional El violín de Braunstein, concierto dirigido por la directora titular y artística de la ORCAM, Alondra de la Parra, que será una oportunidad única para escuchar a Guy Braunstein, uno de los mejores violinistas del panorama internacional. El virtuoso artista israelí interpretará partituras de Grażyna Bacewicz, Antonín Dvořák y Rimski-Kórsakov, en la que será la quinta cita del Ciclo Sinfónico de la ORCAM.

El Palau de les Arts Reina Sofía propone una reflexión sobre la guerra y la venganza con la impactante producción de Àlex Ollé de ‘Il trovatore’, de Giuseppe Verdi, que contará con la dirección musical de Maurizio Benini en sus representaciones del 8 al 22 de diciembre.

Les Arts recupera el único de los tres títulos de la magistral ‘Trilogía popular’ de Verdi -que conforman ‘La traviata’, ‘Rigoletto’ y el propio ‘Trovatore’- que no se había vuelto a programar en el centro de artes. Curiosamente, se trata de la única ópera del compositor nacido en Busseto con vínculos valencianos.

La trama original se desarrolla en paralelo a la revuelta de Jaime de Urgel contra Fernando de Antequera, a raíz del resultado del Compromiso de Caspe (1412), convocado para designar el sucesor de Martín el Humano al trono aragonés. La huella histórica en la ópera de Verdi se plasma en Manrico, un trovador y oficial del ejército de Jaime de Urgell, mientras que su rival por el corazón de Leonora, el conde de Luna, es un noble al servicio de Fernando I de Aragón.

En dicho contexto, Verdi explora la irracionalidad de las grandes pasiones humanas que imperaron en el Romanticismo. Según explica Àlex Ollé: “Il trovatore’ es casi un retrato de cómo el hombre de mediados del siglo XIX quería verse a sí mismo: apasionado, sentimental, heroico, rebelde, solitario, arrastrado por las fuerzas oscuras de la noche y el amor, dispuesto al máximo
sacrificio por salvaguardar aquello que ama, ya sea la madre, ya sea la amada”.

A la hora de abordar este título en la actualidad, el director catalán, que disfrutó de un inmejorable debut en València con su ‘Tristan und Isolde’, hace hincapié en la guerra como el marco en el que explicar las pasiones desaforadas, los odios absurdos y las acciones irracionales sin tiempo para la reflexión para “hacer verosímil la historia extrañísima de amor maternal y venganza ciega que es, en el fondo, el eje vertebrador de la ópera de Verdi”.

Para ello, Ollé, junto con Alfons Flores (escenografía), Lluc Castells (vestuario) y Urs Schönebaum (iluminación) recrean el paisaje fantasmagórico de las trincheras de la I Guerra Mundial como espacio escénico en el que el triángulo amoroso entre el conde de Luna, Lenora y Manrico convive con los deseos de venganza de la madre de éste, Azucena, deseosa de resarcir la
condena a muerte de su madre por orden del padre del actual conde de Luna.

Lidera el apartado musical, Maurizio Benini que goza del reconocimiento internacional como uno de los grandes expertos en el repertorio italiano. Tras sus elogiados trabajos con el Cor de la Generalitat y la Orquestra de la Comunitat Valenciana en ‘Anna Bolena’ y ‘Maria Stuarda’, de Donizetti, regresa para dirigir los cuerpos estables del teatro en uno de los títulos más desafiantes del compositor de Busseto, que a su vez requiere también uno de los repartos más exigentes de toda la producción verdiana.

Debuta en València la joven y ascendente soprano Olga Maslova (Leonora), solista del Teatro Mariinsky, y reconocida ya por la prensa especializada como una de las nuevas voces con mayor proyección en el repertorio italiano tras sus actuaciones en roles no menos comprometidos como Aida y Turandot.

Después de 14 años de su primer papel en Les Arts (‘Lucia di Lammermoor’), regresa Antonio Poli en el desafiante y temido papel de Manrico, que tiene en la cabaletta ‘Di quella pira’ uno de los mayores ‘tour de force’ de toda la ópera.

Otro celebrado reencuentro para el público valenciano lo protagoniza Ekaterina Semenchuk, que interpreta a la gitana Azucena, el mismo rol con el que se presentó en Les Arts en 2012 para encadenar sucesivos éxitos ante el público valenciano tanto en su faceta como intérprete de ópera y ‘Lied’.

Asimismo, el reparto cuenta con Artur Ruciński, que también ha tenido una activa presencia en el teatro de ópera valenciano desde sus primeras temporadas, el barítono polaco dará vida a Il Conte di Luna en la que será quinta su incursión en una ópera en la Sala Principal.

Cierra el elenco protagonista, el emergente bajo italiano Adolfo Corrado (Ferrando), una de las revelaciones con su Masetto en ‘Don Giovanni’ en 2023, que suma un nuevo papel en su prometedora carrera. Fiel a su apuesta por los nuevos talentos de la lírica, el reparto de ‘Il trovatore’ también cuenta con las voces de Holly Brown (Inés) y Filipp Modestov (Ruiz), cantantes del Centre de Perfeccionament de Les Arts.

‘Il trovatore’ es una coproducción de la Dutch National Opera, la Opéra national de Paris y el Teatro dell’Opera de Roma. Les Arts ha programado cinco funciones los días: 8, 11, 14, 19 y 22 de diciembre.

Àlex Ollé ©Miguel Lorenzo-Les Arts

La Navidad está a la vuelta de la esquina y el Real Teatro de Retiro se convierte en el lugar perfecto para vivir momentos mágicos en familia. Desde el 1 de diciembre hasta el 5 de enero, el nuevo espacio del Teatro Real y el Ayuntamiento de Madrid para niños y jóvenes, ofrece una programación con propuestas variadas que incluyen conciertos, ballet y cine con música en directo.

El domingo 1 de diciembre, a las 12.00 h., comienza el nuevo ciclo Miniclásica, que invita a los más pequeños a descubrir la música en un espacio excepcional pensado para ello. Se trata del espectacular atrio, en el que pueden moverse, bailar, gatear a plena luz del día y explorar la riqueza del mundo sonoro. El programa cuenta con dos citas en el periodo navideño: Descubriendo el Arpa, el 1 de diciembre, donde los niños podrán explorar las encantadoras sonoridades del arpa en un cuento musical interpretado por Camille Levecque; y Descubriendo el blues, el 5 de enero a las 12.00 h., en compañía del Aftershave Quartet y su concierto Los barberos de los Reyes Magos, con música vocal cantada a cappella con una vibrante mezcla de jazz, blues y pop-rock.

El Concierto de Navidad se multiplica esta temporada para ofrecer cuatro sesiones -los fines de semana del 7-8 y 14-15 de diciembre, siempre a las 12.00 horas- en las que se escucharán conocidas melodías de grandes compositores como Mozart, Corelli y Händel, entre otros, junto a clásicos navideños, interpretados por la Joven Camerata de la ORCAM y la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (JORCAM), bajo la dirección musical de Lara Diloy.

Continúa la serie de talleres musicales en familia, dirigidos y presentados por Fernando Palacios, ¡Todos al Real Teatro!. En esta ocasión, el domingo 15 de diciembre (en doble sesión, a las 11.00 y a las 12.00 horas) explorará el universo sonoro de la ópera Maria Stuarda, de Donizetti, de la mano de la soprano Dragana Paunovic y el pianista Samuel Martín.

La danza estará presente con el más clásico y entrañable cuento navideño, El cascanueces. Niños y mayores intercambian regalos en la casa familiar donde la pequeña Clara recibe como presente un precioso cascanueces con forma de soldadito de madera. A partir de la media noche, la imaginación de la joven protagonista desata una colorida aventura en la que juguetes, animales y personas recrearán sus anhelos y sus pesadillas.. y así lo contarán el África Guzmán Dance Project y la Escuela de Ballet África Guzmán, con la inolvidable música de Chaikovski, en una versión para todos los públicos de una hora y cuarenta de duración.

En el camino que despide 2024 y recibe el Año Nuevo, nos acompañará Pedro y el lobo live (Peter and the wolf), la multipremiada película de Suzie Templeton, producida por Break Thru Films, ganadora en 2007 del Oscar y el BAFTA al Mejor Cortometraje de Animación, y de dos premios en el Festival de Annecy, Mejor Cortometraje y Premio del Público. La proyección cobra vida con la música conmovedora de Serguéi Prokófiev interpretada en directo por la Orquesta Titular del Teatro Real, en la que toda la familia podrá disfrutar de una experiencia única y emocionante con cine y música en vivo.

En colaboración con el Teatro Real y el Real Teatro de Retiro, el Real Jardín Botánico de Madrid ha organizado dos actividades destinadas al público familiar los días 23, 27, 28 y 30 de diciembre de 2024 y 2 y 3 de enero de 2025. Por un lado, se realizarán los talleres »Los ‘animhojas’ del Jardín y los secretos de la Navidad», pensado para niños a partir de 4 años, a las 11.00 horas, y la visita guiada »Las plantas de la Navidad’‘, para un público a partir de 7 años, cada día a las 12.30 horas.

PROGRAMACIÓN DE NAVIDADMINICLÁSICA: DESCUBRIENDO EL ARPA

Domingo 01 de diciembre 2024 – 12.00h.

Atrio del Real Teatro de Retiro

Precio: 1 € bebés entre 0 y 3 años / 8 € tarifa única a partir de 3 años

En esta primera sesión del nuevo ciclo Miniclásica, se exploran las sonoridades del arpa de Camille Levecque y su cuento musical lleno de entrega y pasión con tres divertidos personajes: una concertista, una aventurera y una estudiante que, al finalizar su historia invitará a los pequeños a probar el arpa con sus propias manos.

CONCIERTOS DE NAVIDAD

7 – 8 y 14 – 15 de diciembre de 2024, a las 12.00h.

Sala Principal

Concierto para todos los públicos.

Precio: 15 € (niños) y 20 € (adultos)

Melodías de Mozart, Corelli y Händel, entre otros grandes compositores, interpretados en directo por la Joven Camerata de la ORCAM y la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (JORCAM), bajo la dirección musical de Lara Diloy.

¡TODOS AL REAL TEATRO! MARiA STUARDA

15 de diciembre de 2024 a las 11.00h y a las 13.00h.

Sala Pacífico

Talleres familiares.

Precio: 15 € (niños) y 20 € (adultos)

Aprender en familia es muy divertido con este taller de introducción a la música para conocer todo sobre la ópera y sus personajes. Una sesión de canciones y juegos con Fernando Palacios junto a varios artistas invitados para explorar la ópera Maria Stuarda, de G. Donizetti, programada en el Teatro Real.

EL CASCANUECES

18, 19, 20 y 21 de diciembre de 2024 a las 18.00h

21 de diciembre de 2024 a las 12.00 y a las 18.00h

Sala Principal

Ballet para todos los públicos.

Precio: 15 € (niños) y 20 € (adultos)

Todo un clásico navideño, El cascanueces, en una adaptación de la compañía África Guzmán Dance Project con la inolvidable música de Chaikovski, en una versión para todos los públicos de una hora y cuarenta de duración. En la víspera de Navidad, una niña recibe un cascanueces como regalo y esa misma noche, algo mágico pasará…

PEDRO Y EL LOBO LIVE

27, 28, 29 y 30 de diciembre de 2024 a las 12.00h

2, 3, 4 de enero de 2025 a las 12.00h.

Sala Principal

Cine de animación con música en vivo

Proyección de Pedro & el lobo, cinta producida por Break Thru Films y firmada por Suzie Templeton, ganadora del Oscar y el BAFTA al Mejor Cortometraje Animado en 2007, con la que toda la familia podrá disfrutar del cine y la música en vivo con la Orquesta Titular del Teatro Real, con dirección musical de Lara Diloy.

MINICLÁSICA: DESCUBRIENDO EL BLUES

Domingo 05 de enero 2025 – 12.00h

Atrio del Real Teatro de Retiro

Precio: 1 € bebés entre 0 y 3 años / 8 € tarifa única a partir de 3 años

Miniclásica invita a los más pequeños a descubrir la música en un espacio en el que pueden moverse, bailar y gatear a plena luz del día. Con el Aftershave Quartet y su concierto Los barberos de los Reyes Magos el público disfrutará de conocidas y evocadoras músicas de jazz y blues.

El próximo 14 de diciembre el Teatro Real estrenará una nueva producción de Maria Stuarda, de Gaetano Donizetti, que se presentará posteriormente en los teatros coproductores: el Gran Teatre del Liceu, el Donizetti Opera Festival-Bergamo, La Monnaie de Bruselas y la Ópera Nacional de Finlandia.

En la ingente producción operística de Gaetano Donizetti (1797-1848) -70 óperas escritas con increíble premura a lo largo de su corta y azarosa vida-, destaca la llamada “Trilogía Tudor” –Anna Bolena (1830), Maria Stuarda (1835) y Roberto Devereux (1837)-, cuya trama gravita, directa o indirectamente, en torno a la figura centrípeta, implacable y extraordinaria de Isabel I de Inglaterra. Las luchas de poder sanguinarias en su corte, con maquinaciones cortesanas, traiciones, asesinatos, amoríos y sentimientos desenfrenados encajaban perfectamente con el ímpetu creador de Donizetti, que unió con increíble habilidad y simplicidad el melodismo belcantista de las emociones exacerbadas con el paroxismo de las situaciones dramáticas.

Maria Stuarda es un duelo de reinas que luchan por el mismo cetro y el mismo amor, víctimas ambas de fuerzas políticas y religiosas que manipulan sus destinos desde la infancia en los bajos fondos de las encarnizadas guerras de poder que las involucran y trascienden.

Partiendo de la obra homónima de Friedrich von Schiller (1759-1805), alejada de la verdadera historia de la reina católica escocesa, por la que toma partido en relación con su rival anglicana, Donizetti creó una partitura de grandes vuelos melódicos y contrastes abruptos que privilegia el perfil psicológico de las protagonistas, atrapadas por una red asfixiante de relaciones disfuncionales y tóxicas. Es precisamente esta caracterización musical y dramatúrgica la que seduce actualmente a importantes directores de escena, más allá de la belleza de su belcantismo.

David McVicar, que dirigirá su sexto título en el Teatro Real -después de Otra vuelta de tuerca (2010), La traviata (2015), Rigoletto (2015), Gloriana (2028) y Adriana Lecouvreur (2024)- ofrece una visión intimista de la ópera, que explora la complejidad de los sentimientos y pasiones de los personajes, caracterizados con un espectacular vestuario renacentista diseñado por Brigitte Reiffenstuel.

La escenografía parte del dibujo de una escena de la ejecución de la reina María I de Escocia realizado por Robert Beale, diplomático de la reina Isabel I presente en el acto. Sobre las líneas de ese esbozo se irguió un decorado conceptual, transformando la ópera en el trágico camino de la protagonista hacía el patíbulo como destino inexorable que subyace bajo toda la trama.

En ese decorado simbólico, concebido por la escenógrafa Hannah Postlethwaite, bajos relieves de orejas y ojos evocan el permanente estado de vigilancia, tensión y alerta; ráfagas de sombras insinúan la sangre derramada, o una contundente orbe irrumpe con el implacable peso del poder político y religioso, indisociable en esos tiempos en los que Inglaterra luchaba por su desvinculación de la curia romana.

Este espacio diáfano está concebido para que brillen las voces de los dos repartos que se alternarán en el escenario del Teatro Real -las sopranos Lisette Oropesa y Yolanda Auyanet (Maria Stuarda), las mezzosopranos Aigul Akhmetshina y Silvia Tro Santafé (Elisabetta), los tenores Ismael Jordi y Airam Hernández (Roberto, conde de Leicester), los bajos Roberto Tagliavini y Krzysztof Baczyk (Giorgio Talbot), los barítonos Andrzej Filonczyk y Simon Mechlinski (Lord Guglielmo Cecil) y Elissa Pfaender y Mercedes Gancedo (Anna Kennedy)- que actuarán junto al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, bajo la dirección de José Miguel Pérez-Sierra.

Fotógrafo: © Javier del Real | Teatro Real

MARIA STUARDA

Tragedia lírica en dos actos

Música de Gaetano Donizetti (1797-1848)

Libreto de Giuseppe Bardari, basado en la obra Maria Stuart, de Friedrich von Schiller

Estrenada en el Teatro alla Scala de Milán el 30 de diciembre de 1835

Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real, en coproduccion con el Gran Teatre del Liceu, el Donizetti Opera Festival de Bergamo, La Monnaie de Bruselas y la Ópera Nacional de Finlandia

Dirección musical: José Miguel Pérez-Sierra

Dirección de escena: David McVicar

Escenografía: Hannah Postlethwaite

Vestuario: Brigitte Reiffenstuel y David McVicar

Iluminación: Lizzie Powell

Dirección de movimiento: Gareth Mole

Dirección del coro: José Luis Basso

Asistente de la dirección musical: Jon Malaxetxebarria

Asistentes de la dirección de escena: Greg Eldridge y Isabelle Kettle

Desde el inicio de su trayectoria internacional, el tenor tinerfeño Airam Hernández ha conseguido prodigarse en un repertorio diverso en estilos, épocas y géneros: óperas de Mozart o Cherubini, pasando por el bel canto romántico de Donizetti o Bellini, por obras de Verdi, Mussorgsky o títulos de autores de los siglos XX y XXI, así como piezas fundamentales del ámbito sinfónico, del oratorio, del Lied o de la canción española. Han sido sus herramientas para forjar una hoy consolidada carrera en teatros y auditorios de Europa, Asia y Estados Unidos, un repertorio que sigue creciendo al asumir, esta temporada, su primera ópera de Wagner. Pero si el verano pasado obtuvo un triunfo de público y crítica en el Festival della Valle d’Itria en Martina Franca (Italia) con su aclamado Pollione de Norma de Bellini, en diciembre volverá a meterse en otro rol belcantista como es el de Roberto, Conde de Leicester, de Maria Stuarda de Gaetano Donizetti: será su debut en el personaje coincidiendo con su regreso al Teatro Real de Madrid, donde ya ha actuado en Don Giovanni y dando vida a Federico García Lorca en el estreno absoluto de la ópera El abrecartas, de Luis de Pablo.

“Volver al bel canto es siempre un buen método para reafirmar la técnica con personajes increíbles”, afirma el tenor tinerfeño. “Aunque me motiva moverme en todo tipo de repertorios, algo que he querido hacer desde siempre, y pese a la dificultad, me entusiasma regresar a la melodía pura y genuina de Donizetti, autor –junto a Bellini– que fue clave para definir los principios estéticos del bel canto romántico; interpretar su música te lleva inexorablemente a cuidar con mimo el fraseo, el canto legato y a teñir la voz de infinidad de colores para conseguir la máxima expresividad en el canto. Maria Stuarda junto a las otras dos óperas que conforman la Trilogía Tudor, Anna Bolena y Lucrezia Borgia, reúne algunos de los mejores momentos de Donizetti, y para interpretar a Leicester tradicionalmente hay que controlar la línea de canto manteniendo la elegancia en el fraseo, base del estilo. Así lo preparé con mi maestra, Mariella Devia, aunque el punto de vista del personaje del director de escena del montaje que estamos preparando en el Teatro Real, David McVicar, es diferente, ya que concibe a Leicester lejos de la idea romántica: no lo reduce al típico enamorado que da su vida por la mujer que ama, dejándolo en un sólo tono dramático, sino que propone mayor dimensión del personaje, ofreciendo una nueva lectura en la que Leicester se muestra como un tipo ambicioso que se mueve en un registro mucho más rico en emociones, capaz de usar todos los recursos que están a su alcance para lograr sus objetivos”.

La ópera de Donizetti sube al coliseo madrileño es una nueva coproducción con el Liceu, el Donizetti Festival de Bérgamo, el Teatro La Monnaie/De Munt de Bruselas y la Ópera de Finlandia, con José Miguel Pérez-Sierra en el podio. Airam Hernández interpretará cuatro funciones los días 16, 19, 27, 30 de diciembre compartiendo escenario con Silvia Tro Santafé (Elisabetta), Yolanda Auyanet (Maria Stuarda) y Krzysztof Baczyk (Giorgio Talbot).

Tras esta producción le esperan Das Lied von der Erde (Mahler) en la Opernhaus Stuttgart; Giovanna d’Arco (Verdi) en la Ópera de Tenerife; el Requiem de Mozart junto a la Filarmónica de Gran Canaria; L’enfant prodigue (Debussy) con la Sifónica de Tenerife; y su debut en Der fliegende Holländer (Wagner) en el Théâtre du Capitole de Toulouse.

El próximo 29 de noviembre, el compositor catalán Marc Migó sumará una nueva obra a su extenso catálogo, cuando Metamorphosen Berlin, el conjunto de cámara alemán dirigido por el famoso chelista Wolfgang Emanuel Schmidt, interprete la première de su primera sinfonía en la Kammermusiksaal de la Philharmonie de Berlín.

“La sinfonía lleva por título Conspiranoia, y la realicé por encargo del propio Metamorphosen Berlin, a quien también he dedicado esta obra. Una obra que explora la era de la postverdad en la que estamos sumidos”, señala Marc Migó, cuya música volverá a sonar en la Philharmonie de Berlín, tras el gran éxito de su Romança melòdica el pasado mes de octubre, cuando el laureado cuarteto de cuerda Alinde Quartett, la interpretó en la prestigiosa sala de conciertos de la Herbert-von-Karajan-Straße. En febrero del próximo año, el Alinde Quartett tocará, de nuevo, otra obra del compositor barcelonés: Sardana Quodlibet, en el Konzerthaus de la capital alemana.

Marc Migó, que acaba de recibir el título de doctor en composición por la prestigiosa Juilliard School de Nueva York, se prepara para un nuevo año lleno de Highlights a ambos lados del Atlántico: el próximo año 2025 será ‘Composer in Spotlight’ de la Althafen Foundation y su obra para orquesta The Ecstasy of Saint Teresa sonará en Michigan con la Lansing Symphony Orchestra. El Carnaval de las Indias, con texto de Gonzalo de María, se escuchará en Buffalo con la Western Chamber Symphony Orchestra y en Florida con el Soundbox Ventures Ensemble. Y last but not least: El Carnaval de las Indias llegará también al Palau de la Música de Barcelona, de la mano de la Orquesta del Real Círculo Artístico bajo la batuta del director americano Glen Cortese, con la legendaria pianista argentina Martha Argerich, el también pianista argentino Alan Kwiek, y la voz de Annie Dutoit-Argerich como narradora.

Considerado como uno de los compositores con mayor proyección internacional de su generación, Marc Migó ha estrenado sus obras en numerosas instituciones de renombre como el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, el Cluj Festival de Rumanía, la Kölner Philharmonie, la Dutch National Opera, el Alice Tully Hall de Nueva York, el Palau de la Música de Barcelona, L’Institut de France en París, el Tchaikovsky Concert Hall de Moscú o el Festival de Cabrillo en California. Además, su música ha sido interpretada, entre otros, por ensembles y orquestas como Verità Baroque, la National Symphony Orchestra of Ukraine, el New Juilliard Ensemble o la Minnesota Symphony Orchestra. Y ha sido galardonado con destacados premios y reconocimientos internacionales como el Leo Kaplan Award 2023, el George Enescu Prize 2020, la Dominick Argento Fellowship for Opera Composition, el primer premio de la Organ Taurida International Competition o la Medalla de plata del Concurso Internacional Classic Pure Vienna, entre otros.

Marc Migó (c) Andrej Grilc

Annalisa Stroppa regresa a España este mes de diciembre y a su “amado” Liceu para meterse en la piel de Suzuki en Madama Butterfly. Tras debutar el emblemático rol pucciniano en la Opéra de París en 2015, después lo ha interpretado en escenarios como el Teatro alla Scala de Milán inaugurando la temporada 2016-2017 bajo la dirección de Riccardo Chailly, la Bayerische Staatsoper de Múnich (2019 y 2023), la Opéra de Montecarlo (2021) o el Bregenzer Festspiele (2022 y 2023).

La cantante italiana confiesa que a Suzuki, la fiel aliada de Butterfly, le tiene un “especial cariño” puesto que, asegura, ha tenido la oportunidad de cantarlo en casi 50 funciones y en distintas producciones, siempre “con visiones muy diferentes, y en cada propuesta escénica he podido aprender algo nuevo que me ha permitido consolidar este precioso personaje aparentemente simple. Por suerte la he podido interpretar con la dirección musical de grandes directores, un factor fundamental para retomarlo, a lo que ahora se suma el Centenario Puccini. Es un rol inundado de humanidad y acariciado por la maravillosa y descriptiva música de Puccini, quien supo como nadie trasladar al público todo el drama que vive Butterfly junto a su fiel Suzuki”.

En el Gran Teatre del Liceu barcelonés, un escenario al que no regresaba desde hace casi una década y que la ha visto triunfar en roles como Rosina (Il Barbiere di Siviglia), Adalgisa (Norma) o Ascanio (Benvenuto Cellini), Stroppa participará en seis funciones de Madama Butterfly los días 9, 13, 16, 20, 23 y 27 de diciembre, en una coproducción del teatro barcelonés junto a la Royal Opera House de Londres firmada escénicamente por Moshe Leiser y Patrice Caurier, con el maestro Paolo Bortolameolli en el podio.

Este compromiso en la Ciudad Condal marca el regreso de Annalisa Stroppa a España, un país al que confiesa “adorar”. La cantante italiana, explica, ha vivido experiencias inolvidables “junto al cariñoso público español. Cada vez que vuelvo me siento como en casa, y por eso estoy feliz de volver a mi querido Liceu para rendir homenaje al gran Puccini”, asegura. Entre los escenarios españoles en la trayectoria de Annalisa Stroppa figuran, además del Liceu, el Teatro Real de Madrid (I due Figaro; Faust; Norma), Abao Bilbao Ópera (Il barbiere di Siviglia), la Ópera de las Palmas (Carmen; Così fan tutte; La Gioconda) el Teatre Principal de Palma (Carmen; Les Contes d’Hoffmann) o el Teatro Calderón de Valladolid (Norma).

Annalisa Stroppa inició la temporada 2024-2025 en septiembre en el Teatro Grande de Brescia, su ciudad natal, como Romeo en I Capuleti e i Montecchi (Bellini) para después interpretar Charlotte en Werther (Massenet) en el Teatro Comunale de Bolonia. Tras la Madama Butterfly en el Liceu con la que despide el año, en 2025 le esperan una gira por Italia con más funciones de I Capuleti e i Montecchi en las ciudades de Como, Reggio Emilia, Cremona y Pavia; Carmen (Bizet) en el Teatro Carlo Felice de Génova; La canzone dei ricordi (Martucci) en el Teatro Politeama Garibaldi de Palermo; Roberto Devereux en el Teatro San Carlo de Nápoles; y el Requiem de Verdi con la Royal Liverpool Philharmonic.

El Auditorio Ciudad de León acogerá la XIII edición del Festival Internacional de Música de Cámara “Fundación MonteLeón” del 4 al 8 de diciembre. Un total de cinco conciertos, que convertirán a León en el place to be para escuchar la mejor música de cámara.

La edición de este año tendrá un carácter muy leonés, porque para celebrar el 35º aniversario de la Fundación MonteLeón, el Festival Internacional de Música de Cámara “Fundación MonteLeón” ha querido reunir a seis músicos leoneses, con amplia trayectoria nacional e internacional, que participarán en los conciertos de los cuatro grupos jóvenes.

Convertido en un auténtico referente para los amantes de la música de cámara en nuestro país desde hace más de una década, la XIII edición del Festival MonteLeón contará con diversas formaciones camerísticas. El concierto de apertura, que tendrá lugar el miércoles 4 de diciembre, correrá a cargo del Trío Cassia, fundado en 2020 con el objetivo de interpretar obras desde el Barroco tardío hasta el Romanticismo con instrumentos de época. Integrado por el chelista chileno Fernando Mansilla y las leonesas Rocío García Pérez (violín barroco) y Sara Johnson Huidobro (clave), interpretarán un programa dedicado a Joseph Haydn y Carl Philipp Emanuel Bach. El jueves 5 de diciembre, será el turno del dúo formado por el chelista leonés David Martín y el pianista valenciano Enrique Lapaz, que tocarán la Suite Italienne de Stravinsky, y sonatas para chelo y piano de Francis Poulenc, Debussy y Prokofiev. El viernes 6 de diciembre, el dúo de violín y piano formado por el violinista leonés Alberto Reguera y el pianista catalán Marc Piqué ofrecerá Sicilienne, de la compositora, pianista y cantante ciega vienesa Maria Theresia von Paradis; sonatas de Mozart, Beethoven y Schumann completan el programa. El sábado 7 de diciembre, la pianista, compositora y artista sonora leonesa Hara Alonso, presentará su espectáculo Touch·me·not, junto a la artista sueca Ellen Söderhult (voz y guitarra) y el percusionista leonés Luis Martínez. Esta original propuesta musical y visual, en la que la propia Alonso se encarga del piano y la electrónica, contará también con Montse Pinheiro, en el diseño de luces.

El reconocido Cuarteto Quiroga, grupo invitado de este año, pondrá el broche de oro de la XIII edición del Festival MonteLeón en su regreso al festival leonés para protagonizar la matinée extraordinaria de clausura, con el Cuarteto en sol mayor Op. 3 nº 5 de Manuel Canales y el Cuarteto nº15 en la menor, Op. 132.

Carmen Mayo, directora artística del Festival MonteLeón, consternada por lo acontecido recientemente en Valencia, ciudad en la que ha ejercido como Catedrática de Música de Cámara en el Conservatorio Superior de Música desde 1990, acaba de anunciar que la Fundación MonteLeón destinará íntegramente la recaudación obtenida por la venta de entradas a los afectados por la DANA.

Fotografía Cuarteto-Quiroga © IGOR-STUDIO

Coincidiendo con el Día Internacional de la Música, el Teatro Real presenta un proyecto para acercar la ópera a las nuevas generaciones, “Ópera en Corto”.

Se han seleccionado las óperas más populares disponibles en el catálogo de My Opera Player para la realización de programas monográficos de 45 minutos, en los que se articulan los fragmentos más importantes de cada título con explicaciones multidisciplinares ofrecidas, de manera dinámica, atractiva, divertida e informativa por una recreación virtual de Francesca Caccini (1587-1641), autora de La liberazione di Ruggiero dall’isola d’Alcina, que se presentó el pasado junio en los Teatros del Canal, en una coproducción con el Teatro Real con dirección musical de Aarón Zapico y dirección de escena y coreografía de Blanca Li.

Partiendo de documentos que retratan a la compositora florentina, el Teatro Real y NTT DATA han creado, a través de inteligencia artificial, un boceto tridimensional al que se ha dado una voz propia.

Para generar el personaje digital, NTT DATA, apoyada por su agencia creativa Tangity, ha utilizado distintas tecnologías de vanguardia: Unreal Engine 5, que aporta gráficos y efectos avanzados; Metahuman, que ofrece avatares detallados con expresiones faciales auténticas; y Rokoko, que captura cada movimiento y gesto en tiempo real, logrando así que Francesca Caccini se vea natural y cercana al momento actual.

A lo largo de cada programa de “Ópera en Corto”, Caccini desvelará a los usuarios-espectadores los secretos de una producción operística con explicaciones sobre el libreto, la música, contexto histórico y social o anécdotas relativas a cada título, articulando sus comentarios con las grabaciones realizadas en el Teatro Real, en las que participan los más importantes directores y cantantes del mundo lírico.

Estos programas de síntesis de una ópera estarán abiertos a todos los usuarios, gratuitamente, en My Opera Player y disponibles para su emisión en los centros escolares adscritos a la comunidad de El Real en tu clase con el apoyo de Telefónica.

El primer título del proyecto es La bohème, en la producción que triunfó en el Teatro Real en 2017, con dirección musical de Paolo Carignani, dirección de escena Richard Jones y un fantástico reparto encabezado por la soprano Anita Hartig (Mimì), el tenor Stephen Costello (Rodolfo) y la soprano Joyce El-Khoury (Musetta), que actúan junto al resto de elenco con el Coro y la Orquesta Titulares del Teatro Real y los Pequeños Cantores de la ORCAM.

La iniciativa ha sido presentada hoy, tras la firma de un convenio de patrocinio entre el Teatro Real y la multinacional tecnológica NTT DATA, responsable de la creación de Francesca Caccini.

Sobre “Ópera en Corto”, Ignacio García-Belenguer, director general del Teatro Real, destacó que “la unión de ópera y tecnología es un vehículo excepcional para acercar el arte más completo que existe al público del futuro, es decir a los niños y jóvenes en los centros escolares, gracias al ambicioso programa audiovisual de formación y difusión del Teatro, El Real en tu clase, y a instituciones como ayuntamientos o centros hospitalarios. Este proyecto que presentamos hoy con NTT Data permite de una forma didáctica a la vez que entretenida hacer nuevos aficionados a la ópera”.

EL REAL EN TU CLASE

El Real en tu clase es el programa del Real que permite a los centros educativos emitir en sus aulas y auditorios producciones del Teatro Real -ópera, danza, conciertos, espectáculos infantiles, etc.- adaptadas a su alumnado.

Los centros de enseñanza primaria, secundaria o de bachillerato deberán estar adscritos al proyecto a través de las consejerías de educación de sus comunidades, previa firma de un convenio de colaboración con el Teatro Real.

Con este proyecto el Teatro Real pretende acercar la ópera, la música clásica y las artes escénicas a niños, adolescentes y jóvenes a través de producciones de gran calidad artística que han triunfado en su escenario.

FRANCESCA CACCINI

Huesos de ballena, monstruos marinos, caballos con alas… Todo eso y una música deliciosamente sugestiva componen La liberazione di Ruggiero Dall’Isola D’Alcina, la primera ópera de la historia compuesta por una mujer, Francesca Caccini, que interpretó además el papel de Alcina.

El Teatro Real recuperó ese título, compuesto hace casi 400 años y nunca estrenado en España, en la temporada 23/24 con un gran éxito. La italiana, a la que llamaban la Cecchina, fue tan precoz que con solo 13 años -en 1600- participó en el estreno de Euridice, de Jacopo Peri, la ópera más antigua cuya partitura se conserva.

Caccini, que fue la música “de cabecera” de la familia de los Medici, decidió retirarse de la vida social italiana para dedicarse solo a componer, cantar y enseñar hasta su muerte, en 1641.

El famoso conjunto con sede en París liderado por el violinista Johannes Pramsohler, consolidado como uno de los principales grupos europeos de música barroca con instrumentos de época, acaba de sacar al mercado su último proyecto discográfico en el sello Audax Records, bajo el título Fra l’ombre e gl’orrori, con arias para bajo de Monteverdi, Cavalli, Antonio Sartorio, Ziani, Giannettini, Bononcini, Handel, Alessandro Scarlatti y Vivaldi. En este nuevo disco, el Ensemble Diderot se presenta por primera vez en formato de orquesta, bajo la dirección del propio Pramsohler, para proponernos un viaje que recorre cien años de la historia de la ópera, junto al bajo argentino Nahuel Di Pierro.

El programa del CD, que ha sido concebido en base al rango vocal de dos octavas y media de Di Pierro, combina conocidas arias para bajo de Monteverdi (L’incoronazione di Poppea), Francesco Cavalli (Ercole amante), Vivaldi (Tito Manlio, Orlando), Alessandro Scarlatti (La gloria di primavera) y Handel (Rinaldo, Agrippina, Orlando, Aci, Galatea e Polifemo), con arias menos escuchadas y algunas incluso en primera grabación mundial de compositores italianos como Sartorio (La Prosperità di Elio Seiano), Ziani (Alba Soggiogata da’ Romani), Giannettini (L’ingresso alla gioventù di Claudio Nerone), y Bononcini (Il ritorno di Giulio Cesare). Además, el disco se completa con partes enteramente instrumentales de Michelangelo Rossi, Ziani, Alessandro Scarlatti y Bononcini a cargo del Ensemble Diderot.

“El programa de este disco pone de relieve el fascinante rango de la voz de bajo y recorre el repertorio escrito para esta tesitura desde los inicios de la ópera hasta su apogeo en el periodo barroco en los más prestigiosos teatros de Venecia, Roma, Nápoles, Viena, París y Londres. No queríamos grabar solo las grandes arias del repertorio barroco, sino mostrar también esa especie de vacío musical de sesenta años que parece existir entre Monteverdi y Handel, presentando arias de esos compositores intermedios”, señala Johannes Pramsohler en las notas del extenso booklet de 92 páginas en inglés, alemán, francés y japonés. “En las óperas, el bajo suele dar voz a padres, dioses, filósofos, emperadores, magos… y rara vez es el protagonista de la ópera, ya que suele ser la soprano o el tenor. Sin embargo, en muchas ocasiones, el bajo es la llave que guía toda la historia y por eso queríamos poner el foco precisamente en él”, concluye Pramsohler, que ya había colaborado anteriormente con Nahuel Di Pierro, en el disco German Cantatas with Solo Violin, en la label Audax Records.

El Ensemble Diderot, cuyo último disco Berlin Harpsichord Concertos acaba de ser nominado a los International Classical Music Awards 2025, debuta este sábado 23 de noviembre en el Espacio Turina de Sevilla, donde interpretará el programa “Sanguineus & Melancholicus”, con Trio Sonatas de Graun, Kirnberger, Goldberg y Carl Philipp Emanuel Bach, entre otros. Además, en el mes de febrero, el Ensemble Diderot regresará a España para ofrecer conciertos en el Auditorio de Tenerife, el Palau de la Música de Valencia, el Festival Musika Música de Bilbao, el Teatro Jovellanos de Gijón, y la Fundación Caja Cantabria de Santander.

Tras el éxito obtenido la pasada temporada con la Novena de Beethoven, la Orquesta ADDA Simfònica y su director titular Josep Vicent regresan a Ibermúsica junto al Orfeón Donostiarra para ofrecer otra de las grandes obras del repertorio sinfónico-coral: Carmina Burana de Carl Orff. El coro estará dirigido por el Maestro Sainz Alfaro y, como solistas, contarán con las voces de Sabrina Gárdez, Rafael Quirant y Milan Perišić.

La cita en Madrid forma parte de una gira que dará comienzo en la sede de la orquesta en Alicante el domingo 1 de diciembre y les llevará, además, a Zaragoza (martes 3) y a Barcelona (miércoles 4, ciclo BCN Clàssics).

Basada en una colección de 24 poemas medievales, desde su estreno en 1937 en la Ópera de Fráncfort Carmina Burana ha sido aclamada tanto por su innovación musical como por su capacidad para capturar la emoción humana. Dividida en cinco vibrantes secciones, la cantata encierra todo un viaje musical que comienza y culmina con una de las piezas más reconocibles y populares del género: O Fortuna. La agrupación alicantina completará el programa de la velada con una evocadora obra de Ravel, la segunda suite de Daphnis et Chloe.

ADDA SIMFÒNICA ALICANTE

Orquesta Sinfónica estable de la “Fundación de la Comunitat Valenciana – ADDA”, es a la vez la orquesta residente del Auditorio de la Diputación de Alicante. Se ha convertido en una parte importante de la vida musical valenciana con presencia en el Palau de les Arts Reina Sofía, actuando en Festivales de toda España, debutando internacionalmente en 2022 con un aclamado doble concierto en Berlín y en los festivales Berlioz y Liubliana.

En 2024/25 colabora con artistas de la talla de Pinchas Zukerman, Yeol Eum Son, Judith Jáuregui o Pablo Saínz Villegas. Junto a Josep Vicent, aguardan proyectos destacados con el Orfeón Donostiarra en el Auditorio Nacional, Palau de la Música Catalana, Auditorio de Zaragoza; el Ballet escénico Romeo y Julieta de Prokófiev; participaciones en el Festival Liubliana 2025 y el Festival Berlioz; y una gira por Japón.

Ha desarrollado una intensa producción para los sellos Warner Classics, Aria Classics, Parma Recordings, Discmedi, IMM Klassik… consiguiendo cuatro veces el Melómano de Oro y siendo nominado por segundo año consecutivo a los GRAMMY y Latin GRAMMY 2023 & 2024 por sus álbumes “Ritmo, The Chick Corea Symphony Tribute” y “Latin Rites”.

Le han dejado huella directores y solistas de renombre como Valery Gergiev, María João Pires, Javier Perianes, Paquito D’Rivera, las Hermanas Labèque, Joaquín Riquelme, Juan Pérez Floristán, Ginesa Ortega, Denis Kozhukhin, Ángeles Blancas, Ramón Vargas, Pacho Flores, Spanish Brass, Jurjen Hempel, Carles Magraner, Joaquín Achúcarro, Juan Manuel Cañizares, Marina Heredia entre otros.

JOSEP VICENT

Nominado por 2.º año consecutivo en 6 categorías a los GRAMMY y Latin GRAMMY por sus álbumes “Ritmo” y ‘Latin Rites’ al frente de ADDA Simfònica, de la que es Director Artístico y Titular, recibe el Premio de la Academia Española de la Música (2024).

Músico polifacético y de amplia trayectoria internacional, ha estado al frente de algunos de los conjuntos más prestigiosos: London Symphony, Teatro Mariinsky, Filarmónica de San Petersburgo, Royal Philharmonic, Teatro Colón, Royal Philharmonic, Gewandhaus Leipzig, Nacional de España, Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña, las Sinfónicas Nacionales de Bélgica, Chile, Uruguay, México y Brasil, entre otras.

Fue Titular de la Sinfónica de Baleares y de The World Orchestra (2005/2015) con más de 15 giras conjuntas y actividad de cooperación diplomática en 4 continentes. Recientemente ha debutado con Filarmónica de Buenos Aires, WDR, Ópera de Rouen, Orchestre National de Lille y la OSPA en el concierto de los Premios Princesa de Asturias.

Trabaja como director musical con “Fura dels Baus” desde 2014. Galardonado con el Premio de Interpretación de Juventudes Musicales, el Premio de las Artes “Ciudad de Valencia” 2013 y el Premio “Óscar Esplá” Ciudad de Alicante. Es Embajador Internacional designado por D. Federico Mayor Zaragoza para la Fundación Cultura de Paz. Colabora con solistas como Maria João Pires, las Hermanas Labèque, Zukerman, Paquito D’Rivera, Miura, Ramón Vargas, Iréne Theorin…en los Festivales y salas más prestigiosas, Carnegie Hall, Concertgebouw, Berlin Philharmonie, Royal Albert Hall, Festival de Lujbljiana, Berlioz Festival… Su amplia discografía se encuentra en Warner Classics, Aria Classics, Etcétera Records, Columna Música o Deutsche Grammophone.

ORFEÓN DONOSTIARRA

Una de las más importantes agrupaciones corales de Europa, su repertorio abarca obras sinfónico-corales, óperas, zarzuelas, obras de folklore y polifonía. Mantiene el espíritu de coro amateur con una dedicación profesional capaz de ofrecer una media de 35 a 40 conciertos por año. Su director es José Antonio Sainz Alfaro.

Participa en los festivales de música más importantes de España. Es incondicional de Quincena Musical, que en 1997 le otorgó su Medalla de Oro, o el de Santander y ha estado presente en los festivales europeos de Salzburgo, del Rhin, la Trienal del Rhur, el Festival de Lucerna, el de Saint-Denis de París, el Chorégies d’Orange, el de Radio France y Montpellier y los BBC Proms. Entre actuaciones internacionales sobresalen las de Philharmonie de París (2019 y 2015), Múnich (2018), Rotterdam (2018), los BBC Proms (2017), Lucerna (2016), la sala Pleyel de París o Halle aux Grains de Toulouse. Ha colaborado con las filarmónicas de BBC, Berlín, Checa, Dresde, Israel, Los Ángeles, Nueva York y la Scala; English Chamber, las sinfónicas de Hamburgo y Estambul, London Symphony, Lucerne Festival Orchestra, RSO Viena, Orquesta Nacional de España, RTVE, Teatro Mariinsky, RSO Frankfurt, Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, RSO Berlin, Nacional Rusa, Nacional de Ópera de Sofia o Royal Philharmonic, entre otras.

El Orfeón Donostiarra ha sido dirigido por Abbado, Argenta, Barenboim, Chailly, Dudamel, Frühbeck, Gergiev, Gimeno, Heras-Casado, López Cobos, Maazel, Markevich, Masur, Mehta, Muti, Rattle o Salonen. Entre sus numerosos galardones resaltan: 1941 Premio Nacional de la Música, 1975 Medalla de Oro de Bellas Artes, 1984 Premio Príncipe de Asturias de las Artes, 1985 Medalla de Oro de Guipúzcoa, 1997 Vasco Universal.

La frescura, sabiduría y pasión de la bailaora Patricia Donn protagonizarán la próxima cita de Flamenco Real, los días 27, 28 y 29 de noviembre, ciclo en el que la artista se presenta por primera vez, con un espectáculo creado y coreografiado por ella donde celebra la riqueza del flamenco, en todo su abanico de expresiones y sentimientos, bajo el título de Patricia Donn en concierto.

Patricia Donn y su compañía proponen un recorrido por los diversos palos flamencos, desde los más ancestrales, como el martinete y la soleá, a los que fusionan expresiones de otras culturas como los tangos de ida y vuelta o el recién creado por la artista el repique del colibrí, pura exhibición de gracia y ligereza con un taconeo de puntillas que requiere extraordinaria rapidez y precisión. Con el icónico mantón en guajiras y la intensidad de la soleá y bulería, el espectáculo es un despliegue de pasión y virtuosismo que se fijará en la memoria de los espectadores.

La bailaora estará acompañada por la guitarra de Israel Cerreduela, la percusión de Iván Losada, el violonchelo de Barnabas Hangonyi “Batio”, el cante de Saúl Quirós y la réplica en el baile de Dani Caballero.

Nacida en Granollers, y formada en la escuela de flamenco de Paca García, en Barcelona, ha estudiado danza clásica, contemporánea y clásico español, lo que la convierte en una de las mejor preparadas de su generación, conocimientos que, unidos a su duende y su talento natural, hacen de ella una bailaora única. Ha tenido como maestros a Eva Yerbabuena, Antonio Canales, Lola Greco, Farruquito y Gala Vivancos, entre otros, y ha obtenido el Primer Premio en el Concurso Flamenco Tablao Las Carboneras de Madrid (2018).

En 2022 Patricia Donn se estrena como coreógrafa y directora, además de intérprete, con su primer espectáculo en solitario denominado Mujeres, y en 2023 crea su propio Ballet Flamenco Teatro/Danza que se estrena con el espectáculo Ángeles y Demonios. En junio de este año participa en la gira internacional del Teatro Real y Fever, Authentic Flamenco, en coproducción artística con SO-LA-NA, con la que visita Los Ángeles, San Diego, San Francisco, San José, Sacramento, Portland y Vancouver, con un extraordinario reconocimiento de la crítica.

Sólo decir su nombre nos evoca la magnífica interpretación de Rusalka en el escenario del Teatro Real en 2020. Ahora, cuando se cumplen justo cuatro años de su presentación en el coliseo madrileño, Asmik Grigorian regresa para ofrecer un concierto en el que demostrará, junto a la Orquesta Titular del Teatro del Real, bajo la batuta de Henrik Nánási, su maestría musical, la versatilidad de su voz y la capacidad para dotar de intensa emoción cada uno de los papeles que aborda.

El próximo 24 de noviembre, domingo, a las 18.00 horas, la cantante lituana de origen armenio interpretará un programa cargado de romanticismo que palpitará en la primera parte a través de la enérgica musicalidad de compositores eslavos -como los rusos Chaikovski, Rimski-Kórsakov y Glinka; el armenio Tigranian, el lituano Dvarionas o el checo Dvořák- y reservará para la segunda parte el protagonismo sobre tres personajes de la ópera italiana que Grigorian acaba de debutar con gran éxito: Manon Lescaut y Madama Butterfly, de Giacomo Puccini, y Elisabetta di Valois, del Don Carlo verdiano.

Con excepción de La dama de picas (Pikovaya Dama), representada en el Teatro Real en 2004, y la inolvidable Rusalka, protagonizada por la propia Grigorian en 2020, las obras ofrecidas en la primera parte serán un descubrimiento para el espectador del Real. Comenzará la velada con la enérgica, exuberante y colorida obertura de Ruslan y Ludmilla, de Glinka, cuyo alegre torrente abrirá las puertas a la historia de cuatro mujeres cuyos destinos están marcados por un mismo triste y dramático final: Anoush, que da su nombre a la ópera del compositor Armen Tigranian, considerada un tesoro nacional armenio, país de origen del padre de la soprano (el tenor Gegam Grigorian); Dalia, de Balys Dvarionas; Marfa, protagonista de La novia del Zar, de Rimski-Kórsakov, y Kuma, personaje femenino de La hechicera, de Chaikovski.

Las tres protagonistas femeninas de la segunda parte hablan italiano y Grigorian ha convertido su interpretación en un referente para los grandes teatros líricos. Tanto en Manon Lescaut como en Madama Butterfly, la soprano construye personajes creíbles, alejados de los excesos del melodrama, cargados de sinceridad, conmovedores, fuertes y frágiles al mismo tiempo, gracias a su extraordinaria teatralidad y a un canto cristalino, de hermoso fraseo y depurada técnica. De su recién estrenada Elisabetta di Valois (debutó el rol el pasado septiembre en la Ópera de Viena) la crítica ha destacado su construcción de una reina digna, pero torturada por sus sentimientos, cuya voz limpia y contenida en el comienzo se transforma en poderosa hasta desatar el torrente que hace crecer el personaje.

Se configura así un interesante y apasionado concierto con el que disfrutar de una de las mejores sopranos del momento.

Asmik Grigorian recibió el pasado 1 de septiembre el Premio Especial del Jurado de los prestigiosos galardones Österreichischer Musiktheaterpreis, que reconocen las contribuciones excepcionales a la escena operística y teatral de Austria, en una ceremonia que tuvo lugar en la Ópera Popular de Viena.

Asmik Grigorian © Olivia Kahler

Sabine Devieilhe regresaba al Teatro de la Zarzuela para inaugurar el XXXI Ciclo de Lied que organizan este Teatro y el Centro Nacional de Difusión Musical. Su repertorio es muy amplio y abarca distintos géneros y épocas, desde el barroco a la música contemporánea, para lo que Devieilhe posee grandes cualidades, no solo vocales, también interpretativas, además de una arrolladora personalidad sobre el escenario y gran originalidad a la hora de seleccionar las obras.

Y así ha quedado demostrado en este recital junto a su pianista acompañante habitual, Mathieu Pordoy. Ambos han realizado un recorrido romántico por obras de distintos autores, incluyendo Lieder de Liszt, Franz Schubert o Richard Strauss, junto a obras de destacadas compositoras francesas como Lili Boulanger, Cécile Chaminade, o Marguerite Monnot, entre otras.

Sabine Devieilhe (Calvados, Francia, 1985), que es una de las sopranos coloratura más reconocidas en la actualidad, comenzó con una obra evocadora y romántica sobre el mito de Lorelay, personaje que resultó fascinante para un Franz Liszt que llegó a publicar hasta tres versiones sobre el tema. En esta ocasión escuchamos Die Lorelay, S 273, que fue repetida como último bis tras una mala pasada del soporte electrónico de Mathieu Pordoy al inicio del recital.

Siguió con un ciclo de nanas, pequeñas obras íntimas que, bajo este hilo conductor, tejieron un clima relajante y armonioso que recorría la sala. Empezó con la delicada interpretación de Ever shel shoshanim, de Josef Hadar, pieza tradicional hebrea que suele ser interpretada durante las celebraciones de boda, y que fue el punto de partida de una primera parte cargada de emoción.

Después llegó el momento de la divertida participación de Pordoy en la obra anónima Le petit chat triste, interpretada con jovial frescura. Esta obra dio paso a un conjunto de piezas puramente liederísticas, con Du bist die Ruh y Nacht und Träume, ambas de Schubert, que por su carácter pueden ser una oración o una canción de amor, como bien señala María del Ser en las notas del programa. Igual sensación de serenidad y sosiego aportaron las interpretaciones de Meinem Kinde, nº 3 y Die Nacht, nº 3, de Richard Strauss. Para terminar esta primera y onírica parte con Ein Traum, nº 6 de Edvard Grieg.

Tras el descanso Devieilhe comenzó con el entusiasmo floral de tres Lieder del ciclo Mädchenblumen, op. 22, nº 1. De Strauss, para continuar, ya hasta el final, con una melodiosa atmósfera francesa.

La soprano abordó las tres piezas del ciclo Clairières dans le ciel de Lili Boulanger, para continuar con Ma première lettre de Cécile Chaminade y tres obras de Germaine Tailleferre, que utiliza textos franceses de los siglos XVI y XVII, pertenecientes a su primera colección Six chansons françaises, todas ellas interpretadas con el carácter y la sensibilidad con la que sabe impregnar cada frase, y demostrando su dominio sobre los filatos.

Para terminar con “Tay toy, babillarde arondelle” de la colección Chansons de Ronsard, de Darius Milhaud y con todo un himno en Francia, la icónica Hymne à l’amour de Marguerite Monnot, que popularizó otra referencia de la música francesa, Édith Piaf.

En cada una de las partes Mathieu Pordoy interpretó una obra a piano solo: En reve: Nocturne, s 207, de Liszt, que terminó de interpretar con la sala completamente a oscuras, demostrando un gran dominio del teclado y creando un efecto original en este tipo de recitales. En la segunda parte el protagonismo al piano lo tuvo Francis Poulenc, con Improvisation n.º15 en do menor “Hommage à Édith Piaf”.

La entusiasta reacción del público llevó a los intérpretes a ofrecer dos bises, a parte de la repetición de Die Loreley, una endiablada “Vocalise étude en forme de habanera”, de Ravel, y “Una noche en el gallinero”, una divertida pieza de la opereta “Schnock”, de Laforge, en la que volvió a ser protagonista la simpatía de ambos intérpretes.

Una noche mágica en el Teatro de la Zarzuela, otra más, que disfrutamos y recordaremos.

Fotografía (c) Rafa Martín

La producción de ‘La del manojo de rosas’ de Sorozábal firmada por Emilio Sagi hace 34 años, es sin lugar a dudas el montaje más representativo, acreditado y aplaudido del Teatro de la Zarzuela. En aquel estreno de septiembre de 1990, el público y la crítica la recibieron con especial entusiasmo, y así ha seguido siendo durante las más de tres décadas transcurridas desde aquella puesta de largo. No es fácil adivinar la suerte que en el futuro le espera a un montaje teatral. Se puede intuir si funcionará. Si gozará de la aprobación del público. Pero no saber a ciencia cierta si con el paso de los años (de muchos años) seguirá levantando telones y pasiones. Esto último es precisamente lo que le ocurre a esta mágica e irresistible lectura escénica de la obra de Pablo Sorozábal con libreto de Francisco Ramos de Castro y Anselmo Cuadrado Carreño.

El Teatro de la Zarzuela revivirá estos éxitos con diez funciones entre el 20 de noviembre y el 1 de diciembre, que servirán para seguir celebrando el que es su montaje más aplaudido y viajero. Varias generaciones de cantantes, artistas, técnicos y público han participado o disfrutado del que es ahora el título más conocido de Pablo Sorozábal, vinculado de forma especial con el recinto de la plazuela de Teresa Berganza.

Los ingredientes son muchos para que esta nueva presentación de ‘La del manojo de rosas’ vuelva a ser una fiesta de las que difícilmente se olvidan. Y aún hay más: la Maestra mexicana Alondra de la Parra, una de las directoras de orquesta más requeridas y veneradas del momento, ocupará el podio del foso al frente de la orquesta de la que es titular, la Orquesta de la Comunidad de Madrid (titular a su vez del coliseo), del Coro del Teatro de La Zarzuela y de dos espléndidos y compensados repartos.

Emilio Sagi no es ajeno a la emoción. La siente profundamente y sabe que estos días tienen algo nuevo, distinto: “Para mí cada reposición ha sido como la primera vez. Es tremendamente emocionante ver cómo los personajes van adquiriendo vida”.

No en vano, ‘La del manojo de rosas’ tiene, por muchas razones, un significado muy especial para él. Fue su primer trabajo de zarzuela en España —ya había montado ‘La Revoltosa’ y ‘La verbena de La Paloma’, pero curiosamente había sido en La Habana y Buenos Aires—. Fue un encargo del entonces sobreintendente de La Zarzuela, José Antonio Campos, que le iba a permitir acercarse aún más, si cabe, a la figura de su tío Luis Sagi Vela, para quien Sorozábal, Ramos de Castro y Cuadrado Carreño, crearon expresamente el personaje de Joaquín.

Fundamento lírico y dramático

Los dos repartos que intervienen en esta séptima presentación del montaje en el Teatro de la Zarzuela (donde se ha podido disfrutar en 1990, 1991, 1999, 2004, 2013, 2020 y ahora en 2024) están cargados de artistas de nervio y fundamento lírico y dramático.

En la piel de Ascensión, florista soñadora y moderna, orgullosa de su origen obrero que no quiere oír hablar de amores más que con un hombre de su clase, se meterán en esta ocasión las sopranos Vanessa Goikoetxea y Beatriz Díaz. El personaje de Joaquín, ese joven señorito que simula ser mecánico y que pretende a aquella, será interpretado por Manel Esteve Madrid y por el también barítono David Menéndez. Gerardo López encarnará a Ricardo, aviador que también bebe los vientos por la chica de ‘El manojo de rosas’ (que así se llama la floristería donde brega), y que por ello está en constante disputa con Joaquín. En contraste con este conflicto amoroso a tres bandas, surge otro entre Clarita –una coqueta y «superculta» manicura–, Capó –aprendiz de mecánico– y Espasa –camarero del bar de la plaza–. Aunque novia del primero, ella se deja querer por el segundo para así poner a prueba el cariño de Capó. Jesús Álvarez Carrión y Joselu López y Nuria García Arrés y Rocío Faus, darán vida a Capó y a Clarita. Por su parte, del pomposo y divertido Espasa se encargará el polifacético cantante y actor Ángel Ruiz.

Y llegados a este punto, hay que hacer un merecido inciso, ya que la madre de Joaquín, Doña Mariana, como ya sucediera hace cuatro años, estará interpretada por Milagros Martín, una de las artistas que en las últimas tres décadas más ha pisado las tablas del Teatro de la Zarzuela, y que en la primera reposición del montaje de Sagi, en 1991, hacía las veces de Asunción (papel que luego representó durante años).

Completan el reparto Enrique Baquerizo y Abel Vitón como Don Daniel y Don Pedro, padres de Ascensión y Joaquín respectivamente; los actores Ángel Burgos y Joseba Pinela, los integrantes del Coro Titular del Teatro, Francisco José Pardo, Ricardo Rubio, Alberto Ríos, Alberto Camón, Francisco Díaz, Román Fernández-Cañadas y Francisco José Rivero; además de 19 bailarines-figurantes.

En cuanto al equipo artístico, lo rematan el escenógrafo Gerardo Trotti, la añorada diseñadora de vestuario Pepa Ojanguren, el iluminador Eduardo Bravo y la coreografía, de cuya reposición se encarga Nuria Castejón, es del también desaparecido y admirado Goyo Montero.

Las funciones están asimismo planteadas como un sentido homenaje al Maestro Miguel Ángel Gómez-Martínez, fallecido el pasado 4 de Agosto, que de 1985 a 1991 fue director artístico del Teatro de la Zarzuela, desde cuyo foso dirigió en 2013 esta misma producción de ‘La del manojo de rosas’.

90 años de aplausos y viajes

A nadie se le escapa que con ‘La del manojo de rosas’ Emilio Sagi realizó uno de los mejores trabajos de su larga y muy productiva carrera. En todos estos años el Teatro de la Zarzuela ha llevado la producción a otros doce escenarios del país —Valencia, Málaga, Oviedo, Bilbao, Santander, Barcelona, Sevilla, Jerez de la Frontera, San Sebastián, Valladolid, Santiago de Compostela, Pamplona—, así como a otras dos capitales europeas —Roma y París—, y siempre ha cosechado grandes éxitos de público y crítica por igual. Porque, como los autores explicaron en su estreno en 1934, “el sainete debe ser como un reflejo sentimental y gracioso de la vida popular”, aclarando que a lo largo de los años y de las geografías cambia lo externo: atuendo, diálogo, lugar de acción, “aunque los sentimientos del pueblo no varían”.

‘La del Manojo de Rosas’, que ya cuenta con 90 años (se estrenó en el Teatro Fuencarral de Madrid el 13 de noviembre de 1934), es el título que mejor refleja el Madrid moderno de aquellos años. Después de todo, esa fue la intención de Sorozábal, «hacer una música sencilla, espontánea, garbosa, que tuviera salero y sentimiento, con sabor popular». Es el momento en el que las mujeres tuvieron la libertad de aprender y de decidir, y así lo muestran en escena Ascensión y Clarita, dos chicas sacadas de uno de esos ateneos femeninos del momento, ya sea el Lyceum Club o La Cívica, porque hablan de sus sueños y deseos sin sentimentalismos, y dicen con claridad lo que saben y lo que piensan.

La zarzuela es, en definitiva, como todas las artes, algo vivo que evoluciona con los autores que viven en la sociedad; eso se refleja en la adaptación de sus obras a cada época y lugar. En ese sentido, ‘La del Manojo de Rosas’ sirve de modelo de una época, la República, en la que se fusionan géneros musicales e ideologías en un Madrid cambiante y moderno. Y esta producción de hace “solo 34 años” ya se ha convertido en el mejor legado del escenario del Teatro de la Zarzuela al Madrid de entonces y de ahora.

La Fundación Scherzo celebra su Concierto Extraordinario de Otoño el próximo 18 de noviembre en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música. Para esta ocasión única, el prestigioso conjunto barroco Gli Incogniti, dirigido por la violinista Amandine Beyer, interpretará una selección de obras de Johann Sebastian Bach (1685-1750) bajo el evocador título Non sei solo. Este concierto será especialmente significativo, ya que estará dedicado a la memoria de Javier Rodríguez-Miñón Falero.

Gli Incogniti fue fundado en 2006 por Beyer y rápidamente se consolidó como uno de los conjuntos más destacados en la interpretación del repertorio barroco y clásico. Con un nombre que rinde homenaje a la Accademia degli Incogniti de la Venecia del siglo XVII, el conjunto ha sido aclamado por su autenticidad y profundidad interpretativa. Sus actuaciones en las más prestigiosas salas y festivales internacionales han sido aplaudidas por crítica y público, consolidando su reputación y su compromiso con la excelencia artística. Además, colaboran con solistas de renombre y graban en exclusiva para el sello Harmonia Mundi, que recoge el trabajo minucioso y apasionado que caracteriza sus interpretaciones.

El programa de esta velada incluirá obras sublimes de Bach: el Concierto para dos violines en re menor BWV 1043, el Concierto para clave y orquesta en fa menor BWV 1056, y dos de sus emblemáticos Conciertos de Brandemburgo (n.º 3 en sol mayor BWV 1048 y n.º 6 en si mayor BWV 1051), además del Concierto para tres violines en re mayor BWV 1064R. Este repertorio celebra el esplendor de la música de cámara de Bach y se inspira en el espíritu de camaradería y creatividad que caracterizó los años de plenitud del compositor en Köthen. Allí, rodeado de músicos excepcionales y alentado por un mecenas amante de la música, Bach halló el entorno perfecto para componer algunas de sus obras más innovadoras y complejas.

La interpretación de este programa por parte de Gli Incogniti busca recordar al maestro de Köthen que no estaba solo, un mensaje de comunión y consuelo que se traduce en la música vibrante y llena de matices que Amandine Beyer y su grupo traerán al escenario del Auditorio Nacional.

El concierto Non sei solo, en palabras de Amandine Beyer, es «una invitación a reflexionar sobre la soledad, el duelo y la creatividad», recordando la resiliencia y el amor a la música que caracterizaron la vida y obra de Bach.

Este Concierto Extraordinario de Otoño promete ser un evento inolvidable, una celebración de la música barroca y un homenaje al genio de Bach, resonando con fuerza en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional.

El próximo 12 de noviembre, la Sala de Cámara del Auditorio Nacional recibirá a Alexandre Kantorow en un concierto excepcional y exclusivo para los abonados del Ciclo de Grandes Intérpretes, con motivo del 30º aniversario de la Fundación compromiso con este prestigioso ciclo. No habrá entradas a la venta, lo que convierte este concierto en un verdadero regalo para quienes han sido parte fundamental de esta historia musical.

Con solo 27 años, Alexandre Kantorow ha dejado una huella imborrable en el mundo de la música clásica. Reconocido como el pianista más joven en recibir el Gilmore Artist Award en 2024 y el primer francés en obtener este galardón, Kantorow es una de las figuras más prometedoras y solicitadas a nivel internacional. Cuatro años antes, con tan solo 22 años, se coronó como el primer pianista francés en ganar la medalla de oro y el Grand Prix del Concurso Internacional Chaikovski, una hazaña alcanzada en pocas ocasiones en la historia del certamen. Su virtuosismo impactante, combinado con un inconfundible lirismo poético y una claridad interpretativa, han conquistado al público en las salas más renombradas, incluyendo el Royal Concertgebouw de Ámsterdam, la Queen Elizabeth Hall en Londres y la Philharmonie de París.

El programa del recital para esta ocasión especial promete ser un viaje por el alma de grandes compositores. Kantorow interpretará la Rapsodia op.79 n°1 de Brahms, la deslumbrante Chasse Neige y Vallée d’Obermann de Liszt, la Rapsodia op.1 de Bartók, la grandiosa Sonata n°1 op.28 de Rachmaninov y culminará con la imponente Chacona de Bach en la transcripción de Brahms.

Este concierto único no solo será un homenaje al Ciclo de Grandes Intérpretes, sino también una oportunidad de presenciar en directo a uno de los pianistas más destacados de nuestra época.

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela inauguran su XXXI Ciclo de Lied de esta temporada con el recital de la gran soprano Sabine Devieilhe y el pianista Mathieu Pordoy, que debuta en esta programación. En esta ocasión, ambos artistas ofrecerán un repertorio repleto de piezas emblemáticas del género de la canción, que incluye lieder de Franz Schubert y Richard Strauss, junto a mélodies de destacadas compositoras como Lili Boulanger, francesa y primera mujer en ganar el prestigioso Premio de Roma, Cécile Chaminade, o Marguerite Monnot, entre otras. El recital tendrá lugar el lunes 11 de junio, a las 19:30h, en el Teatro de la Zarzuela.

Sabine Devieilhe (Calvados, Francia, 1985) es una de las sopranos más aclamadas del panorama internacional, con interpretaciones y recitales que le han brindado un gran reconocimiento tanto del público como de la crítica. Su nombre es habitual en las programaciones de los principales teatros de ópera del mundo, como la Ópera Nacional de París, la Opernhaus Zürich, la Ópera Estatal de Viena o La Scala de Milán. Junto a Mathieu Pordoy, destacado pianista que colabora habitualmente con Devieilhe, presenta en este concierto un programa que hará un recorrido romántico desde los paisajes austrohúngaros hasta el corazón de Francia.

De los lieder a las mélodies

El recital comenzará con Die Loreley de Franz Liszt, con el que el público del Teatro de la Zarzuela se introducirá en la evocadora e hipnótica música del Romanticismo. La obra captura al máximo la esencia trágica y misteriosa de la leyenda de Loreley, una sirena que con su canto atraía a los navegantes hacia su perdición en el río Rin. Sabine también sorprenderá a los oyentes con Erev shel shoshanim, una transcripción melódica de una pieza tradicional hebrea del compositor Josef Hadar, así como con dos piezas anónimas: Le petit chat triste y Berceuse cosaque, ambas cargadas de un poderoso misterio y de una tierna melancolía.

De forma intercalada, también aparecerá un joven, tranquilo e introspectivo Franz Schubert con Du bist die Ruh y Nacht und Träume, ambas compuestas en 1823. En este programa no podía faltar tampoco uno de los compositores de lieder por excelencia, Richard Strauss, con Meinem Kinde, nº 3 de carácter onírico y Die Nacht, nº 3, con un texto envolvente sobre el poder omnipresente de la noche. Y para cerrar la primera parte, Ein Traum, nº 6 de Edvard Grieg, conun marcado carácter expresivo y una perfecta integración del acompañamiento con la línea vocal.

Tras la pausa, volverá la musicalidad de Richard Strauss sobre textos de Felix Dahn, con tres lieder de su ciclo Mädchenblumen, op. 22, nº 1. A partir de aquí el programa se torna francés con la presentación de tres piezas del ciclo Clairières dans le ciel de Lili Boulanger, que evocan emociones apacibles y fenómenos naturales fugaces. Esta compositora se caracteriza por la fuerte carga emocional de sus piezas y la sencillez de sus melodías. Le sigue Ma première lettre de Cécile Chaminade, talentosa compositora francesa.

Germaine Tailleferre emerge en el programa con tres piezas de su colección Six chansons françaises: “Non, la fidélité…”, “Mon mari m’a diffamée” y “Les trois présents”. En ellas, la compositora usó textos franceses antiguos para abordar temas sentimentales y dedicó cada una de las canciones a una mujer diferente de su entorno. Y para concluir el recital, cargado de absoluta sensibilidad y delicadeza, el dúo interpretará por un lado “Tay toy, babillarde arondelle” de la colección Chansons de Ronsard de Darius Milhaud, quien combina elementos clásicos con el espíritu de la chanson evocando el París de mediados del siglo XX, y por otro, Hymne à l’amour de la compositora del siglo XX Marguerite Monnot.

Programación XXXI Ciclo de Lied 24/25

El veterano Ciclo de Lied celebrará su XXXI edición en el Teatro de la Zarzuela con 7 conciertos. Por primera vez, el ciclo contará con la soprano Patricia Petibon, en una novedosa formación junto a la pianista Susan Manoff y al violonchelista Christian-Pierre La Marca, para interpretar un original repertorio que aglutina desde canciones populares españolas y francesas, hasta autores actuales como Yann Tiersen. Asimismo, debuta en el ciclo el tenor Julian Prégardien, junto al pianista Kristian Bezuidenhout, con uno de los primeros ciclos de lied de la historia, Die schöne Müllerin de Franz Schubert. El ciclo contará también con las jóvenes y brillantes voces del barítono Andrè Schuen, junto a Daniel Heide, en un recital que unirá a Franz Schubert con Gustav Mahler; y del también barítono Konstantin Krimmel, que acudirá con el pianista Ammiel Bushakevitz para cantar a Franz Schubert y Carl Loewe. Visitan nuevamente el ciclo grandes figuras del género como son la soprano Julia Kleiter, con el pianista Michael Gees, y el bajo Franz-Josef Selig, con Gerold Huber al piano. Kleiter interpretará lieder de Richard Strauss, Gustav Mahler y Johannes Brahms junto a una sugestiva aproximación a Arnold Schoenberg, mientras que Selig explorará los imponentes lieder sobre Michelangelo de Dmitri Shostakóvich.

Sabine Devieilhe, soprano

Originaria de Normandía, Sabine Devieilhe estudió primero violonchelo y musicología, antes de dedicarse por completo a sus estudios vocales en el Conservatorio Nacional Superior de París. Poco después de graduarse, fue invitada al Festival de Aix-en-Provence para cantar La finta giardiniera de Mozart, a Montpellier para Lakmé de Delibes y a Lyon para su debut en Die Zauberflöte de Mozart. En 2013 fue nombrada «Révélation Artiste Lyrique» en la vigésima edición de las Victoires de la Musique. Desde entonces, ha actuado en el Teatro de los Campos Elíseos, la Ópera Cómica, el Teatro de la Monnaie de Bruselas, la Ópera de Zúrich, la Ópera Estatal de Viena, La Scala de Milán, la Royal Opera House Covent Garden de Londres, el Festival de Glyndebourne y el Festival de Salzburgo. Devieilhe celebró sus éxitos más recientes en Alcina de Haendel en la Ópera de París, Hamlet de Thomas en la Ópera Cómica, Giulio Cesare de Haendel en el Teatro de los Campos Elíseos e Idomeneo de Mozart en el Festival de Aix-en-Provence. Su temporada 2022-2023 incluyó Dialogues des carmélites de Poulenc en la Ópera Estatal de Viena y Les mamelles de Tirésias de Poulenc y Le rossignol de Stravinski en el Teatro de los Campos Elíseos. En el verano de 2023, Devieilhe debutó en Le nozze di Figaro de Mozart en el Festival de Salzburgo, seguido de Lakmé de Delibes en la Ópera Nacional del Rin de Estrasburgo. En la Ópera Estatal de Baviera, en Múnich, cantó Pelléas et Mélisande de Debussy. En la temporada 2024-2025, Devieilhe interpretará Der Rosenkavalier de Strauss en La Scala de Milán y Pelléas et Mélisande en la Ópera de París. También volverá a interpretar Arabella de Strauss en la Ópera Estatal de Viena. Devieilhe también participa en conciertos, ya sea con obras de Haendel y Bach con el Ensemble Pygmalion y Raphaël Pichon o con obras de Britten con la Orquesta Estatal de Baviera y Vladimir Jurowski. En 2023, debutó con la Filarmónica de Berlín y Maxim Emelyanychev, así como con la Orquesta del Concertgebouw y Klaus Mäkelä. Su primera colaboración con Sir Simon Rattle ha sido en Idomeneo de Mozart. En la temporada 2024-2025, actuará con el Ensemble Pygmalion y Raphaël Pichon en el Réquiem de Brahms, el Réquiem de Fauré, y hará una selección de Hamlet de Thomas. Devieilhe recibirá el Año Strauss 2025 con el Frühlingsstimmen-Walzer, junto a la Orquesta de París y Daniel Harding. Tras publicar su nuevo álbum con obras de Mozart y Strauss, en 2024 aborda un programa de lied que interpretará junto a Mathieu Pordoy en una gira europea. También cantará en París, Viena, Hamburgo, Dortmund y Lausana. Sabine Devieilhe ha participado en una edición del Ciclo de Lied: XXVII (20-21).

Mathieu Pordoy, piano

Natural del suroeste de Francia, es pianista y director vocal, graduado con honores del Conservatoire National de Musique de París. Artista versátil y de renombre, se siente igualmente cómodo tanto en el escenario como tras las bambalinas. Con frecuencia participa como pianista acompañante en recitales y ha actuado con la soprano Sabine Devieilhe, con la que grabó un álbum de canciones de Mozart y Strauss, lanzado por el sello Erato, que ha recibido excelentes críticas de Télérama, Opéra Magazine y Opernwelt, entre otros. Sabine Devieilhe y Mathieu Pordoy forman un excelente dúo que ha actuado en numerosos escenarios internacionales, como el Carnegie Hall, el Musikverein Wien, el Wigmore Hall de Londres, el Concertgebouw de Ámsterdam y la Filarmónica de Berlín. Mathieu Pordoy también colabora con el barítono-tenor Michael Spyres, con quien ha actuado durante años desde su primer recital en la Ópera de Burdeos, lo que los ha llevado a realizar giras por Europa (París, Fráncfort, Roma), Estados Unidos (Nueva York, Washington DC), Canadá (Lanaudière) y Seúl (Corea del Sur). Junto con la soprano Marina Rebeka, grabó el álbum de canciones Voyage(s) para el sello Prima Classic, en colaboración con el Palazzetto Bru Zane. Además, Pordoy ha ofrecido recitales en el Teatro Real de Madrid, el Conservatorio Chaikovski de Moscú, la Salle Gaveau de París o el Palau de les Arts de Valencia, entre otros. Asimismo, ha actuado con el tenor Benjamin Bernheim en el Festival de Salzburgo y el Teatro de los Campos Elíseos, con la soprano Diana Damrau en Hong Kong y con el tenor Pene Pati en Aix-en-Provence y Burdeos. Como director vocal, Mathieu Pordoy es especialista en el repertorio lírico francés, que ha llevado a algunos de los teatros más importantes del mundo, como la Ópera Estatal de Viena, la Ópera de Zúrich, la Ópera de París, el Festival de Aix-en-Provence y la Ópera de Montecarlo, junto a eminentes directores como François-Xavier Roth, Fabio Luisi, Mikko Franck, John Eliot Gardiner, Louis Langrée y Michele Mariotti. Deseoso de transmitir su conocimiento a través de la enseñanza, es invitado a formar a jóvenes cantantes en Canadá, Rusia y en la Academia de la Ópera de París. También es coordinador artístico de la Academia de la Ópera Cómica y consultor de casting de la Ópera de de Dijon y la Ópera Cómica de París. Mathieu Pordoy participa por primera vez en el Ciclo de Lied.

El próximo 9 de noviembre se estrenará en el Real Teatro de Retiro una nueva producción de El niño y los sortilegios (L’Enfant et les Sortilèges) de Maurice Ravel (1875-1937), con libreto de la escritora francesa Sidonie-Gabrielle Colette (1873-1954), que esbozó, en apenas una semana, un cuento sencillo, en el cual un niño enrabietado, en la soledad de su habitación, va ordenando sus ideas a través de la imaginación y la fantasía, llenando de sentido su pequeño mundo.

Ravel tomó muy en serio la recreación de este universo infantil, con una orquestación brillante y llena de color y una partitura que mezcla elementos de la música clásica, melodías tradicionales y ritmos de jazz, escrita como un refugio de fantasía después de la primera guerra mundial. La ópera se estrenó en Montecarlo en 1926 y desde entonces se ha incorporado al repertorio lírico infantil y juvenil.

La producción que se presentará en el Real Teatro de Retiro, cantada en castellano, fue concebida como una ópera-estudio en la que todo el equipo artístico, incluyendo los ocho cantantes y los dos pianistas, han creado juntos la dramaturgia, bajo la tutela del director de escena Alfonso Romero.

La soprano Aida Turganbayeva interpreta al niño protagonista; Andrea Rey Gil, mezzosoprano, dará vida a los personajes de Mamá, Taza china y Libélula; Ivana Andrea Ledesma, soprano, será en escena Poltrona, Lechuza y Murciélago; Dragana Paunovic, soprano, interpreta los personajes de Gata y Ardilla. Estíbaliz Martyn, también soprano, será Fuego, Ruiseñor y La princesa de un cuento de hadas. Entre las voces masculinas se encuentran el barítono Gonzalo Ruiz, que dará vida a Sillón y Árbol; Enrique Torres, también barítono, interpretará Gato y Reloj de pie. Por último, el tenor Pablo Puértolas será Tetera, Ranita y Aritmética con momentos realmente exuberantes. Junto a todos los solistas, Samuel Martín y Sergio Berlinches harán sonar el piano como si fuera una encantadora orquesta.

De acuerdo con Alfonso Romero, la producción evoca “la visión cosmológica de un niño de corta edad y su proceso de evolución psicológica desde el egocentrismo propio de su edad hasta el nacimiento de la empatía”.

La dramaturgia, y también la escenografía, “están inspiradas en el teatro de marionetas, de títeres, el teatro negro, el teatro Kabuki y especialmente el Bunraku, en el que cada títere es manipulado al menos por tres artistas en una perfecta coordinación y fluidez de movimientos.” Así, el público y el niño protagonista verán solamente a los objetos, como si su alma, la música y voz de los cantantes, emanara de los mismos.

La Grande Chapelle, una de las agrupaciones españolas especializadas en música antigua más internacionales, inaugura el ciclo Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical con la recreación de la gran fiesta Barroca que el III duque de Osuna hizo representar en 1620 en Nápoles por el restablecimiento de la salud del rey Felipe III. Bajo la dirección de Albert Recasens, esta agrupación vocal e instrumental interpretará Festa a ballo, un espectáculo musical que incluye siete recuperaciones históricas que verán su estreno en tiempos modernos en el CNDM. El concierto tendrá lugar el jueves 7 de noviembre, a las 19:30 horas, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música de Madrid, y es una coproducción del CNDM, la Fundación Tatiana y el Centro de Estudios Europa Hispánica.

Albert Recasens y La Grande Chapelle, reconocidos por su incansable dedicación en la recuperación del patrimonio musical español, recrean en esta cita el rico repertorio Barroco que hizo las delicias de los asistentes a la fiesta en el Palacio Virreinal de Nápoles el 1 de marzo de 1620. Se escuchará música de Giovanni Maria Trabaci, que fue maestro de la Capilla Real, y Francesco Lambardi, entre otros. Esta celebración fue tan solo una de las muchas que animaban anualmente las veladas del palacio durante la época anterior a la revolución de Masaniello. En el concierto se incluyen bellos madrigales y arias, y además, como broche de oro, se escuchará la exquisita Delizie di Posillipo boscarecce e maritime, que se inscribe en el género de la mascarada cortesana y es todo un espectáculo de obras vocales con una majestuosa instrumentación.

Este festín musical barroco conmemora el IV centenario de la muerte de Pedro Téllez, III duque de Osuna, virrey de Nápoles y una figura de grandísima influencia en el mundo cultural de la época. Por ello, en palabras de Albert Recasens, “el concierto invita a sumergirnos en uno de los periodos artísticamente más fecundos del virreinato español de Nápoles. También permite revisar, en el año de su centenario, el papel del Grande Osuna en la vida musical de la Monarquía Hispánica”.

Compromiso con el patrimonio español

La Grande Chapelle es una de las formaciones que más han investigado con pasión, compromiso y rigor en el patrimonio olvidado de la música española. Fundada en 2005, esta agrupación se ha dedicado a redescubrir y dar vida a obras que, a pesar de su gran valor artístico e histórico, permanecían en el olvido. Bajo la dirección de Albert Recasens, La Grande Chapelle ha desarrollado un trabajo minucioso de recuperación de repertorios renacentistas y barrocos, con especial atención a las composiciones sacras y a obras de los siglos XVI al XVIII, para aportar una nueva perspectiva a la interpretación de estos tesoros de la tradición española. La labor del grupo ha sido reconocida internacionalmente, y sus proyectos, ampliamente premiados, han contribuido a la difusión y preservación de la música antigua. Este concierto del CNDM es una muestra más del compromiso por el rico y variado patrimonio musical español.

Sobre La Grande Chapelle

La Grande Chapelle es un conjunto vocal e instrumental de música antigua con vocación europea, cuyo principal objetivo es realizar una nueva lectura de las grandes obras vocales españolas de los siglos XVI a XVIII, con especial predilección por la producción policoral del Barroco. Al mismo tiempo, tiene el propósito de contribuir a la acuciante labor de recuperación del repertorio musical hispano. La Grande Chapelle ha actuado en los principales ciclos de España y en los festivales de Haut-Jura, Musica Sacra Maastricht, Laus Polyphoniae de Amberes, Rencontres musicales de Noirlac, Cervantino de Guanajuato, Radio France, Ribeauvillé, Saint-Michel en Thiérache, Saintes, Île-de-France, Van Vlaanderen, Lyon, Herne, Cremona, Estocolmo, La Valeta (Malta), Resonanzen de Viena o Utrecht, así como en las temporadas de la Cité de la Musique de Paris, UNAM de México, DE SINGEL (Amberes), Teatro Mayor (Bogotá) y Gran Teatro Nacional de Lima, entre otros. Desde su fundación en 2005 y estimulado por la voluntad difundir el patrimonio musical hispano, creó su propio sello, Lauda, con el que edita cuidadas grabaciones de alto interés musical y musicológico, desde una posición independiente. Dos han sido los principales ejes: explorar la relación entre música y literatura de los Siglos de Oro y recuperar la producción de los más destacados compositores españoles del Renacimiento y el Barroco, siempre con primeras grabaciones mundiales, especialmente a través de recreaciones musicológicas que sitúan en su contexto una determinada obra o autor. En 2010, recibió el I Premio FestClásica (Asociación Española de Festivales de Música Clásica), por su contribución a la interpretación y recuperación de música inédita española. Por su calidad y su solvencia artística, los discos de La Grande Chapelle (Lauda) han obtenido galardones y premios nacionales e internacionales de reconocido prestigio en el mundo de la música antigua, tales como dos Orphées d’Or (Academia del Disco Lírico de París, en 2007 y 2009), Sello del año de los Prelude Classical Music Awards 2007, 5 de Diapason, Excepcional de Scherzo, Choc de Classica, Preis der deutschen Schallplattenkritik (PdSK), Editor’s Choice y Critics’ Choice de Gramophone, etc.

Sobre Albert Recasens

Tras sus estudios musicales en Tarragona, Barcelona, Brujas y Gante, cursó la carrera de musicología en la Universidad Católica de Lovaina, donde se doctoró con una tesis sobre la música escénica madrileña del siglo XVIII . Desde los inicios de su carrera, combina la práctica musical, la gestión y la investigación musicológica, convencido de que es necesario un esfuerzo interdisciplinar y un compromiso total para divulgar el patrimonio musical olvidado. Ha publicado artículos musicológicos en varias revistas y enciclopedias nacionales y extranjeras, y ha sido miembro de proyectos de investigación (UAM, UB). Su proyecto de recuperación «Pedro Ruimonte en Bruselas» fue beneficiario de las Ayudas Fundación BBVA a Investigadores y Creadores Culturales en 2016. En 2005, inició un ambicioso proyecto de recuperación del patrimonio musical español con la fundación del conjunto La Grande Chapelle y el sello discográfico Lauda. Desde entonces, está dando a conocer obras inéditas de los grandes maestros de los siglos XVI a XVIII (Alonso Lobo, Pedro Ruimonte, Joan Pau Pujol, Carlos Patiño, Juan Hidalgo, Cristóbal Galán, Sebastián Durón, Juan García de Salazar, Francesc Valls, José de Nebra, Antonio Rodríguez de Hita, Francisco Javier García Fajer, José Lidón, etc.), en lo que constituyen estrenos o primeras grabaciones mundiales. En 2007, asumió la dirección artística de La Grande Chapelle. Desde entonces ha dirigido numerosos conciertos tanto de polifonía como de música barroca. Entre los estrenos de música teatral, cabe citar el auto sacramental La paz universal de Calderón de la Barca (con Juan Sanz y Ana Yepes), la ópera Compendio sucinto de la revolución española (1815) de Ramón Garay y Fortunas de Andrómeda y Perseo (1653) de Calderón, con música atribuida a Juan Hidalgo. Considera una verdadera misión la edición discográfica que recoja los resultados de las investigaciones llevadas a cabo para las restituciones musicales de La Grande Chapelle. Desde septiembre de 2019, es investigador del grupo Vínculos, creatividad y cultura en el Instituto Cultura y Sociedad (ICS) de la Universidad de Navarra. En 2023 fue reconocido con el Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid en la categoría de música clásica, por la «contribución que lleva a cabo en la difusión y conocimiento del patrimonio histórico musical español».

ABAO Bilbao Opera celebra el próximo miércoles 6 de noviembre a las 19:00h, en la Sociedad Filarmónica de Bilbao, un recital extraordinario en homenaje y agradecimiento a sus socios y empresas colaboradoras por su fidelidad y apoyo a la Asociación.

La artista invitada es la soprano estadounidense de origen cubano Lisette Oropesa, que en 2021 ofreció su primer recital en España dentro el programa ABAO on Stage, donde se colgó el cartel de “entradas agotadas”.

Acompañada al piano por el maestro Alessandro Praticò, que debuta en ABAO Bilbao Opera, hará con su delicada voz y absoluta maestría técnica, un recorrido por arias y piezas conocidas del repertorio italiano y francés. Lisette Oropesa, la primera intérprete femenina que logró hacer un bis en solitario en el Teatro Real interpretando el aria «Addio del passato» de La Traviata, comenzó su carrera en el Metropolitan Opera de Nueva York donde ha cantado numerosos roles entre los que destacan Gilda (Rigoletto), Manon (Manon Lescaut), y Violetta (La Traviata). Admirada por su naturalidad, simpatía y extraordinaria presencia escénica, es aclamada en los mejores teatros del mundo por la intensidad de sus actuaciones. Tras abrir la temporada en la Wiener Staatsoper con La Traviata, le esperan compromisos en París, Nueva York, Ginebra, Madrid, Nápoles, Londres y Múnich.

UN PROGRAMA DE PODEROSA INTENSIDAD LÍRICA

La intérprete comenzará el programa con el exotismo idealizado y riqueza armónica de Maurice Ravel, un clásico de la música de nuestro siglo, y la «Chanson espagnole», primero, y un canto vocalizado, «Vocalise-étude en forme de habanera», después. Maestro de la orquestación, el interés por lo español del compositor de origen vascofrancés configura la esencia de algunas de sus obras pianísticas más importantes.

La siguiente pieza será «Les filles de Cadix» de Léo Delibes, autor de la célebre ópera Lakmé, que compuso también bellas canciones y romanzas de salón, muchas de ellas inspiradas en países como España. Este bolero es una pieza dotada de gran virtuosismo, concebida para la exhibición de la técnica vocal.

Jules Massenet continúa el aire español de esta primera parte con dos piezas: «Chanson Andalouse» y «A Séville, belles Señoras», de la opéra comique Don César de Bazan, fieles al estilo belcantista.

El exotismo seguirá presente en dos piezas de Georges Bizet: «Ouvre ton coeur», incluida como sérénade espagnole en su oda sinfónica Vasco da Gama, y «Adieu de l’hôtesse árabe», inspirado en el famoso poema de Víctor Hugo y que está incluido en su segundo álbum Aux filles du désert. Una magistral ambientación del compositor, que la cantante llena de profunda emoción.

La última pieza de la primera parte será el aria de la ópera Robert le diable, «Robert, toi que j’aime», del compositor Giacomo Meyerbeer, considerada a menudo como la primera grand opéra. La pieza destaca por su dramatismo y emoción.

Tras el intermedio, la segunda parte del recital comenzará con Gaetano Donizetti y la bella aria «Prendi per me sei libero» de L’elisir d’amore, la escena que relata que Adina ha comprado la patente que libera a Nemorino de sus obligaciones militares. Un aria elegante y con una melodía encantadora.

Le siguen dos piezas de Saverio Mercadante, la romanza «La Stella» y la canzonetta «La primavera». Dos páginas de salón de enérgica y brillante melodía que la soprano interpreta con una intensa línea de canto.

Giuseppe Verdi protagoniza la última parte del recital con cuatro canciones y romanzas de salón: «È la vita un mar d’affanni», dedicada a Chiara, la hija del escritor Jacopo Ferretti; «Stornello» un aria de cámara en atención al poeta Piave que habla de volar libres como pájaros en asuntos amorosos; y dos piezas inspiradas en los versos de Goethe: «Chi i bei dì m’adduce ancora», un regalo del compositor a Sophia de Medici, y la romanza «Perduta ho la pace», texto tomado de Faust, e inspirada en el famoso monólogo de la escena de Margarita en la rueca.

Termina el recital el aria de agilidad y coloraturas «Merci, jeunes amies» de Les vêpres Siciliennes.

LISETTE OROPESA, PRIMA DONNA DEL BEL CANTO

Es una de las sopranos líricas más solicitadas en la actualidad, que triunfa en los teatros más importantes de Europa y Estados Unidos. Recientemente ha tenido un gran éxito como Violetta en La Traviata en Roma y en el Teatro Real con Il turco in Italia. Esta temporada, debuta en la Royal Opera House en una nueva producción de Rigoletto.

Conocida por su legato líquido y su técnica perfecta, lenguaje impecable, integridad estilística, coloratura precisa y su actuación superlativa, la intérprete destaca en el repertorio del bel canto, Mozart y compositores franceses.

En 2023, ganó el premio a la «Mejor cantante femenina del año» de la revista Oper!, así como el premio «Franco Abbiati» de la Asociación Nacional de Críticos de Música de Italia.

En la temporada 2024/25, ha interpretado La Traviata tanto en el Teatro di San Carlo como en la Wiener Staatsoper, cantará Hamlet en el Salzburger Festspiele y Manon en el Palau de les Arts. También hará dos importantes debuts: Maria Stuarda en Madrid y Faust en el Covent Garden. Otras actuaciones incluyen su debut en I Puritani en París, Alcina en Versalles y I Masnadieri en la Bayerische Staatsoper, junto con conciertos y recitales.

En 2024 y 2025, sus nuevos álbumes incluirán I puritani, Lucia di Lammermoor y un álbum muy esperado de arias de zarzuela.

Fotografía: Steven Harris

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) inaugura su ciclo Universo Barroco con un importante estreno en tiempos modernos, la recuperación histórica de El robo de las sabinas de Francisco Corselli, uno de los compositores más importantes del Barroco español. De la mano de Alberto Miguélez Rouco, artista residente del CNDM en la temporada 24/25 y una de las voces y batutas más sólidas entre las nuevas generaciones, su prestigioso ensemble Los Elementos y un elenco vocal extraordinario, el público podrá disfrutar en versión de concierto de la única ópera con libreto en castellano conservada hasta la fecha de Corselli. El concierto tendrá lugar el domingo 10 de noviembre, a las 18:00 horas, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música.

Compuesta en 1735, El robo de las sabinas se estrenó en el teatro madrileño de los Caños del Peral por parte de las dos mejores compañías teatrales del momento y con la presencia de algunas de las más destacadas voces de la época. Estructurada en dos actos, siguiendo la tradición teatral española, la ópera narra un conocido episodio mitológico, el secuestro de las mujeres de los sabinos por parte de los fundadores de Roma. Pasiones cruzadas, fiestas paganas y una gran batalla se suceden en una trepidante historia que se articula, principalmente, en torno a los personajes de Rómulo y Eresilea.

Francesco Corselli está considerado uno de los más grandes compositores del Barroco español, junto con José de Nebra. Acababa de llegar de Italia cuando compuso esta ópera. Tras su exitosa carrera en Venecia, donde estuvo en contacto con compositores de la talla de Baldassare Galuppi, Johann Adolf Hasse o Antonio Vivaldi, Corselli llegó a España en 1733 para ser maestro de los infantes. Cinco años después, fue nombrado maestro de la Capilla Real de Madrid, puesto que mantuvo durante más de cuarenta años. En El robo de las sabinas, una obra cargada de recitativos y bellas arias combinadas con ricos pasajes orquestales, su influencia italiana se despliega en todo su esplendor.

Este proyecto se enmarca en las acciones que el CNDM impulsa cada temporada para la difusión del patrimonio musical español; y ha sido posible gracias a la gran labor de investigación y recuperación del manuscrito liderada por Alberto Miguélez Rouco. Según señala este artista, “con esta representación queremos devolver a Francisco Corselli al lugar que se merece en la historia de la música española e internacional, esperando que sea la primera de muchas interpretaciones de sus obras de gran formato”.

Un elenco excepcional

El elenco de esta ópera barroca incluye a grandes voces especializadas como las de las sopranos Jone Martínez (Tacio), María Espada (Elicia), Carlotta Colombo (Eresilea), y Aurora Peña (Justino, Esclavonio, Julieta); así como las de las mezzosopranos Natalie Pérez (Rómulo), Lucía Caihuela (Camilo), y Judit Subirana (Pastelón). Ellas serán las encargadas de recrear el esplendor vocal de la época de Corselli, junto a la agrupación Los Elementos. Este conjunto está compuesto por músicos de diversas nacionalidades, la mayoría de ellos vinculados a la prestigiosa escuela de alto rendimiento y especialización musical Schola Cantorum Basiliensis de Suiza, y tiene entre sus objetivos la interpretación, recuperación y difusión del rico patrimonio musical español, especialmente el del siglo XVIII.

Contextos Barrocos

Como preludio al concierto, a las 17:00 horas tendrá lugar una charla previa en el salón de Actos del Auditorio Nacional de Música en el marco de los “Contextos Barrocos del CNDM”, una serie de encuentros que buscan profundizar en la historia de la ópera y sus intérpretes. Con una duración de 45 minutos, esta sesión permitirá al público sumergirse en el fascinante mundo de El robo de las sabinas, y descubrir las claves para la comprensión de su música y personajes. El encuentro será dirigido por el musicólogo y crítico Mario Muñoz y contará con la participación del director y contratenor Alberto Miguélez Rouco. Entrada entrada libre hasta completar aforo para asistentes al concierto.

Sobre Los Elementos

El Ensemble Los Elementos nace en 2018 con la finalidad de interpretar por primera vez con instrumentos de época la zarzuela Vendado es Amor, no es ciego, del bilbilitano compositor José de Nebra, uno de los mayores exponentes del barroco español. Fundado por Alberto Miguélez Rouco, está compuesto por músicos de diversas nacionalidades, la mayoría de ellos vinculados a la Schola Cantorum Basiliensis de Suiza. Uno de sus principales objetivos es la interpretación, recuperación y difusión del rico patrimonio musical español, especialmente el del siglo XVIII. En 2019 graba esta zarzuela en colaboración con la Schola Cantorum Basiliensis para el prestigioso sello discográfico Glossa, publicado en junio de 2020 y obteniendo excelentes críticas en revistas especializadas tanto nacionales como internacionales. En septiembre de 2020 graban su segundo disco, Cantadas, en el que Alberto Miguélez Rouco recupera cuatro cantadas inéditas para contralto de los maestros Francisco Corselli y José de Nebra. Asimismo interpretan en el Festival de Amigos de la Ópera de La Coruña la zarzuela Vendado es Amor, no es ciego con un gran éxito. En noviembre de 2021 graban para el sello Glossa la zarzuela de José de Nebra Donde hay violencia, no hay culpa, y en 2023 la ópera Venus y Adonis. En marzo de 2023 interpretaron en el Teatro de la Zarzuela Donde hay violencia, no hay culpa, y en junio inauguraron el prestigioso Stockholm Early Music Festival. En el verano de 2024 hacen su debut en los festivales de Innsbruck, Saintes y Prades. Entre sus compromisos de la temporada 2024-2025 se encuentran El robo de las sabinas de Corselli, el Requiem de José de Torres en Versailles o Clori, Tirsi e Fileno de George Frideric Haendel.

Fotografía: Javier Salas

Sobre Alberto Miguélez Rouco, clave y dirección

Nacido en La Coruña en 1994, Alberto Miguélez Rouco comenzó sus estudios de piano a los 8 años, obteniendo el Grado Profesional con Premio Extraordinario en 2012 bajo la tutela de Cristina López. Paralelamente, se formó en canto con el tenor Pablo Carballido del Camino. En 2015 completó sus estudios superiores en la Musik Akademie de Basilea (Suiza) con la mezzosoprano Rosa Domínguez, con quien continúa trabajando. Posteriormente, realizó dos másteres en interpretación y pedagogía del canto, y estudió clave y bajo continuo con Francesco Corti, Giorgio Paronuzzi y Jesper Christensen. En ópera, ha interpretado roles como Ottone en L’incoronazione di Poppea de Monteverdi (Colonia, Valencia), Ascalax en el Orpheus de Telemann con René Jacobs (Basel), Armindo en Partenope de Haendel con William Christie (París, Barcelona, Lucerna, Valencia) y Adelberto en Ottone de Haendel (Innsbruck). También ha trabajado en producciones como La Divisione del Mondo de Legrenzi (Estrasburgo, Versalles, Nancy, Colonia), Il ritorno d’Ulisse in Patria de Monteverdi (Vicenza), Dido y Eneas de Purcell y La flauta mágica de Mozart, colaborando con directores como Jetske Mijnnsen, Anna Magdalena Fitzi y Deda Cristina Colonna. En oratorio, ha interpretado papeles como Amor Celeste en Maddalena ai piedi di Cristo (René Jacobs), la Johannes-Passion de Bach, Israel in Egypt de Haendel, y Il trionfo del Tempo e del Disinganno. Ha cantado obras de Hasse, Pasquini, Haydn, Saint-Saëns y Pergolesi. Asistió a clases magistrales con Mariella Devia, Margreet Honig, Sara Mingardo, Philippe Jaroussky, y ha trabajado bajo la dirección de René Jacobs, William Christie, Georges Petrou y Josep Pons. Ha colaborado con orquestas como Freiburger Barockorchester, Les Arts Florissants, Bach Vereniging y Ensemble Elyma. Ganador del X Jardin des Voix, realizó una gira mundial (2021-2023) con Les Arts Florissants y William Christie, interpretando Armindo en Partenope de Haendel. Desde 2020 forma parte de la Academia Musical de Philippe Jaroussky. Con su ensemble Los Elementos, ha grabado la obra escénica de José de Nebra: Vendado es Amor, no es ciego (2019), Donde hay violencia, no hay culpa (2021) y Venus y Adonis (2023). En 2020 lanzó su primer álbum solista, Cantadas, y en 2023 dirigió la zarzuela Donde hay violencia, no hay culpa en el Teatro de la Zarzuela. En la temporada 2024-2025, será músico residente del CNDM, participando en la recuperación de la ópera El robo de las sabinas de Francisco Corselli y la cantata Clori, Tirsi e Fileno de Haendel. En mayo y junio de 2025, interpretará Giulio Cesare de Haendel en el Liceo de Barcelona bajo la dirección de William Christie. El Ensemble Los Elementos, fundado por Miguélez Rouco en 2018, interpreta zarzuelas del siglo XVIII con instrumentos de época, como las de Nebra. Compuesto por músicos vinculados a la Schola Cantorum Basiliensis, busca recuperar el patrimonio musical español.

Entre el 11 el 23 de noviembre el Teatro Real ofrecerá una versión escenificada del oratorio Theodora, de Georg Friedrich Händel (1685-1759) -que ya se presentó en versión de concierto en 2009- en una nueva coproducción con la Royal Opera House estrenada con gran éxito en 2022.

Händel escribió la partitura de Theodora en poco más de un mes, a los 65 años, aunque se encontraba exhausto, envejecido y enfermo. La obra, estrenada sin el aprecio del público en la cuaresma de 1750 en el Covent Garden de Londres, es el único oratorio de su catálogo sobre un tema cristiano y dotado de una estructura dramatúrgica casi operística que lo diferencia de todos los demás.

El libreto de Thomas Morell, basado en la obra Love and Religion Demonstrated in the Martyrdom of Theodora and Didymus del célebre físico, filósofo y alquimista Robert Boyle, narra el final de la vida de Theodora, fervorosa cristiana condenada a ejercer la prostitución por negarse a participar en los sacrificios en honor a Júpiter, como exigía el edicto del gobernador romano.

La pugna entre los paganos -déspotas y dominantes- y los cristianos -oprimidos pero valerosos- determina la estructura, orquestación y melodías de la partitura, ya que Händel trata de manera diferenciada los coros y personajes adscritos a uno u otro bando, y también a aquellos que están entre ambos, con una música de grandísima inspiración y eficacia dramatúrgica.

La directora de escena Katie Mitchell, que desde hace años imprime una lectura feminista, irreverente e iconoclasta a las obras que dirige, rehúye la visión de las mujeres cristianas como mártires pasivas y sumisas, y las convierte en secretas guerrilleras que luchan contra el sistema, representado por sus jefes tiranos que someten a las mujeres y a las minorías religiosas.

En su propuesta dramatúrgica, Mitchell traslada la acción original del siglo IV a nuestro tiempo, situando la trama en distintos espacios de una embajada -escenografía de Chloe Lamford-, en la que los empleados cristianos -una radical minoría religiosa encabezada por Theodora- se rebelan activamente contra sus opresores.

La protagonista de Theodora, Julia Bullock -que protagonizó The Indian Queen en 2013 bajo la dirección de escena de Peter Sellars- ha participado activamente en la dramaturgia de la producción, junto a Katie Mitchell, quien ha recurrido a la ayuda de la coordinadora de intimidad, Ita O’Brien, para la realización de las escenas de violencia y contenido sexual.

Junto a Bullock, darán vida a los personajes la mezzosoprano Joyce DiDonato (Irene) -asidua en los elencos del Teatro Real-, el contratenor Iestyn Davies (Didymus) -que ya interpretó el mismo papel en el Real hace 15 años, actuando posteriormente en Parténope-, el tenor Ed Lyon (Septimus) -que cantó en Il ritorno di Ulisse in Patria, Fidelio y La Calisto-, el bajo Callum Thorpe (Valens) y el tenor Thando Mjandana (Mensajero), que debutan en el Real.

La dirección musical será de Ivor Bolton, gran especialista en el repertorio barroco, que dirigirá su cuarto título de Händel al frente de la Orquesta y Coro Titulares del Teatro Real después del éxito de Rodelinda (2017), Parténope (2021) y Orlando (2023).

Theodora es singular dentro del catálogo de Händel, quien tenía una especial predilección por esta obra, despreciada por el público de su época. Quizás el espectador de hoy tenga mayor capacidad para disfrutar y comprender la genialidad y alcance de esta partitura, cuya esencia y valores potencia la descarnada dramaturgia de Katie Mitchell, la musicalidad y hondura de Ivor Bolton, la interpretación de un excelente reparto y la maestría del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

El Festival Internacional de Música de Cámara “Fundación MonteLeón” acaba de dar a conocer el cartellone de la XIII edición, que tendrá lugar del 4 al 8 de diciembre en el Auditorio “Ciudad de León”.

En el marco de un acto celebrado en el Salón de los Reyes del Excmo. Ayuntamiento de León, Carmen Mayo, directora artística del festival, destacó el carácter especial que marcará la programación de esta edición: “Hemos planteado una edición eminentemente leonesa, en la que participará un gran número de músicos de origen leonés, de amplia trayectoria y gran proyección internacional, coincidiendo con el 35º aniversario de la Fundación MonteLeón. Además, tendremos al Cuarteto Quiroga, uno de los cuartetos más destacados de España y un auténtico referente en el ámbito de la música de cámara, que regresa a nuestro festival. Y ofreceremos una programación muy variada, que va desde el siglo XVIII hasta nuestros días”.

Como en anteriores ediciones, la XIII edición del Festival MonteLeón contará con un total de cinco conciertos, que estarán protagonizados por diversas formaciones de cámara: el miércoles 4 de diciembre, el Trío Cassia, integrado por la violinista leonesa Rocío García Pérez, la clavecinista leonesa Sara Johnson Huidobro y el chelista chileno Fernando Mansilla, interpretará el programa “Entre dos tiempos: los albores del Clasicismo”, en el que sonarán obras de Joseph Haydn y Carl Philipp Emanuel Bach. El jueves 5 de diciembre, el chelista leonés David Martín tocará obras de Stravinsky, Poulenc, Debussy y Prokofiev, junto al pianista Enrique Lapaz. El viernes 6 de diciembre, será el turno del dúo de violín y piano formado por el violinista leonés Alberto Reguera y el pianista catalán Marc Piqué, con sonatas de Mozart, Beethoven y Schumann. Además, tocarán una obra de la compositora vienesa Maria Theresia von Paradis. El sábado 7 de diciembre, la pianista, compositora y artista sonora leonesa Hara Alonso, presentará su espectáculo Touch·me·not, junto a la artista sueca Ellen Söderhult (voz y guitarra) y el percusionista leonés Luis Martínez. Esta original propuesta musical y visual, en la que la propia Alonso se encarga del piano y la electrónica, contará también con Irene Cantero, en el diseño de luces. Y last but not least: el domingo 8 de diciembre, el conocido Cuarteto Quiroga, grupo invitado de este año, será el encargado de clausurar la XIII edición del Festival Internacional de Música de Cámara de León con una matinée y obras de Manuel Canales y Ludwig van Beethoven en atriles.

El acto de presentación de esta edición especial, en la que participarán seis músicos y músicas leoneses, contó con la presencia y participación de José Antonio Díez, alcalde de León, Elena Aguado, concejala de Acción y Promoción Cultural, Francisco J. García Paramio y Ángel Zurita Fernández, director de zona de Caja Rural de Zamora.

El concejal de cultura del Ayuntamiento de Segovia, Juan Carlos Monroy, junto a la directora adjunta y coordinadora artística del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), Maider Múgica, y la directora de las Jornadas de Música Contemporánea de Segovia y coordinadora de la Fundación Don Juan de Borbón, Noelia Gómez, han presentado esta mañana las XXXII Jornadas de Música Contemporánea de Segovia, que tendrán lugar del 8 de noviembre de 2024 al 24 de mayo de 2025 en distintos espacios emblemáticos de la ciudad.

Según han destacado los presentes, este ciclo se ha consolidado como uno de los principales referentes de la música contemporánea en nuestro país. Esta edición contará con siete conciertos y catorce estrenos de la mano de prestigiosas agrupaciones e intérpretes nacionales e internacionales. Además, la programación se completa con dos actividades pedagógicas a cargo del pianista y compositor Carlos Bianchini, con el objetivo de potenciar la creación artística entre los jóvenes y ampliar aptitudes sociales a través de la música.

Las jornadas comenzarán el viernes 8 de noviembre con un concierto a cargo de la Orquesta Sinfónica de Segovia, dirigida por Geni Uñón. El programa invitará al público a reflexionar sobre la herencia cultural y su evolución a través de la innovación musical. En él destacan la vibrante Suite del ballet ‘Estancia’ de Alberto Ginastera, y dos estrenos: Amaralina de Ramón Paus, y Afrocubana fantasy de Flores Chaviano. Completan el repertorio la poderosa Espartaco, suite n.º 2 de Aram Khachaturian, y el popular Danzón n.º 2 de Arturo Márquez. El concierto tendrá lugar en el teatro del Instituto Andrés Laguna, a las 20.00 horas.

Al día siguiente, el sábado 9 de noviembre, en la sala Julio Michel, a las 19.00 horas, el joven y brillante pianista Luis González Lladó ofrecerá un exquisito recital que refleja una genealogía del pianismo español contemporáneo. El programa incluye obras de Isaac Albéniz, Federico Mompou, Mercedes Zavala y otros importantes compositores contemporáneos españoles, entre los que destaca Jesús Torres con el estreno absoluto del segundo de sus dos Grabados de Goya.

En el mes de enero, el viernes 24, la violista Cecilia Bercovich y el pianista Javier Negrín serán los encargados de presentar, en la sala Julio Michel, Sin fronteras, que incluye diez estrenos absolutos de las compositoras españolas Teresa Catalán, Diana Pérez, Carme Fernández, Consuelo Díez, Laura Vega, María Dolores Serrano, Celia Izquierdo, Ana Fontecha, Carmen Verdú y María del Mar Ortiz. Estas composiciones, fruto de encargos del CNDM y el Festival de Música Española de Cádiz, ofrecerán una panorámica de la creación musical contemporánea de la mano de creadoras en España.

La relación entre cine y música tendrá un espacio destacado en esta edición de las Jornadas con el concierto que ofrecerá Juan Carlos Garvayo el sábado 15 de febrero también en la sala Julio Michel. El pianista interpretará su banda sonora original para la película de cine mudo La aldea maldita (1930) de Florián Rey, grabada parcialmente en Segovia, con Agustín Diassera a la percusión. La película se proyectará durante el concierto.

El prestigioso Cuarteto Attacca, ganador de un Grammy, será el protagonista del concierto del viernes 21 de marzo en el IES Mariano Quintanilla. El popular cuarteto norteamericano presentará el Cuarteto de cuerda n.º 3 ‘Mishima’ del conocido Philip Glass, así como obras de la estadounidense Caroline Shaw, ganadora del Premio Pulitzer, y el estreno de una pieza de la reconocida compositora mexicana Gabriela Ortiz, encargo del CNDM, el Carnegie Hall, el Palau de la Música Catalana y la Phillips Collection en Washington DC.

Las jornadas continúan en el mes de abril con la Philharmonie Zuidnederland, la Orquesta Filarmónica del Sur de los Países Bajos, dirigida por Duncan Ward, y con la violinista Veronika Eberle como solista. El concierto, que tendrá lugar en el Conservatorio de Segovia, representa una oportunidad única para escuchar a estos virtuosos músicos en Segovia, e incluye la obra Distorted fantasia de Joey Roukens, el Concierto para violín de Alban Berg, y las Variaciones ‘Enigma’ de Edward Elgar.

Finalmente, será el Trío Elián, formado por Anne Matxain (violín), Enrique Bagaría (piano) y Josep Trescolí (violonchelo), el encargado de clausurar en el salón de actos del IES Mariano Quintanilla las Jornadas el sábado 24 de mayo, con un programa que une tradición y vanguardia. Se interpretarán el Trío en la menor de Maurice Ravel, el Trío n.º 2 ‘Elegía española’ de Jesús Torres, y Proemio de Alberto Posadas, compositor residente del CNDM en esta temporada 24/25.

Fotografía: David Goddard

Actividad pedagógica

Durante el mes de febrero, el compositor y pianista, Carlos Binachini impartirá los talleres y conciertos para escolares. Bajo el título “El compositor en el aula”, los talleres se desarrollarán los días 3 y 4 de febrero, en la Sala Expresa de La Cárcel de Segovia_Centro de Creación, con diferentes contenidos para grupos de infantil, primaria y secundaria. El día 5 de febrero ofrecerá en tres pases el concierto “Los colores de la música”, sobre música y sinestesia, también para los distintos niveles educativos. Las inscripciones para participar en estos talleres estarán abiertas entre el 13 y el 17 de enero.

Las Jornadas de Música Contemporánea de Segovia, promovidas desde su origen por el Ayuntamiento de Segovia, a través de la concejalía de Cultura, están coproducidas entre el Centro Nacional de Difusión Musical y la Fundación Don Juan de Borbón. Además, se enmarcan en los circuitos del CNDM, los ciclos, conciertos y festivales que esta entidad promueve con el objetivo de vertebrar la actividad musical a lo largo de toda la geografía española.

Ibermúsica recibirá a la Filarmónica de Luxemburgo junto a su director titular, el maestro valenciano Gustavo Gimeno, los próximos 6 y 7 de noviembre a las 19.30 horas en el Auditorio Nacional de Madrid. La formación luxemburguesa regresa a nuestro país para ofrecer su última gira por España bajo la batuta de Gimeno, quien finaliza su titularidad frente a la orquesta en 2025.

El miércoles 6 ofrecerán un programa que va del jazz al sinfónico con el Concierto para piano de George Gershwin, interpretado por el solista ruso Denis Kozhukhin, y la Sinfonía núm. 3 de Prokófiev, basada en los materiales musicales de su ópera El ángel de fuego.

Por su parte, el jueves 7 de noviembre, escucharemos el monumental órgano del Auditorio Nacional en manos de la solista letona Iveta Apkalna, que debuta en Ibermúsica con el Concierto para órgano de Francis Poulenc. El programa se completa con tres obras de carácter programático, Mi madre la oca de Ravel, Fiestas romanas y Pinos de Roma, de Ottorino Respighi.

Esta será la primera vez que se interpreten en Ibermúsica tanto el concierto de Gershwin como el de Poulenc en los 55 años de historia del ciclo madrileño.

La visita de la Filarmónica de Luxemburgo se enmarca en la gira española de la orquesta, que inicia el 4 de noviembre en Barcelona, continúa en Valencia el día 5 y finaliza en Madrid con estos dos conciertos. Gustavo Gimeno, titular de la orquesta desde 2015, ha visitado Ibermúsica junto a esta formación en otras tres ocasiones (2016, 2018 y 2022).

FILARMÓNICA DE LUXEMBURGO

Encarna la vitalidad cultural del país, en el centro de Europa, como parte de las actividades de Radio Luxembourg (RTL). Desde 1996, pertenece a la administración pública y, en 2005, estableció su residencia en la Philharmonie, una sala de excelente acústica. Compuesta por 99 músicos de unas 20 naciones, ha desarrollado un sonido que la distingue, a lo largo de sus casi 100 años de existencia, emblema del espíritu del país y de su actitud abierta hacia Europa.

Sus directores titulares han sido, sucesivamente, Henri Pensis, Carl Melles, Louis de Froment, Leopold Hager, David Shallon, Bramwell Tovey, Emmanuel Krivine y Gustavo Gimeno, para quien esta es su décima y última temporada.

Pentatone ha editado nueve álbumes con la Luxembourg Philharmonique, entre 2017 y 2021, cuando la orquesta inició una nueva colaboración con harmonia mundi France, que ha producido, hasta la fecha, grabaciones de Stabat Mater de Rossini; Apolo, líder de las musas y El pájaro de fuego de Stravinski; Messa di Gloria y obras orquestales de Puccini y, más recientemente, Métaboles, Tout un monde lointain… y Sinfonía núm.1 de Dutilleux. Durante la temporada 2024/25, colabora con Tabea Zimmerman, Iveta Apkalna, Tarmo Peltokoski, Tugan Sokhiev y Kazuki Yamada. Realiza una gira por Alemania y España, y actúa en Viena, Aix-en-Provence, Estrasburgo y Bruselas.

GUSTAVO GIMENO

Asumió el puesto de director titular de la Philharmonique du Luxembourg en 2015. El maestro español, cuyos mentores fueron Mariss Jansons, Bernard Haitink y Claudio Abbado, atrajo por primera vez la atención internacional en los escenarios concertísticos de los Países Bajos, antes de ser nombrado para ocupar su puesto en Luxemburgo, y ha encontrado su lugar entre las grandes obras clásicas y obras singulares del repertorio.

La increíble diversidad de obras que Gustavo Gimeno ha interpretado a lo largo de los años, en la Philharmonie y en giras por el extranjero, dan fe de este hecho, así como su voluminosa discografía para los sellos discográficos Pentatone y harmonia mundi, con un repertorio que abarca desde Rossini hasta Franck y Coll. De su temporada 2024-25 en Luxemburgo, cabe destacar un nuevo concierto de percusión de Sauli Zinovjev, con Vivi Vassileva; la Sinfonía núm.15 de Shostakóvich; y los poemas tonales Feste Romane y Pini di Roma de Respighi.

Es, asimismo, Director Titular de la Toronto Symphony Orchestra, y actúa como director invitado en todo el mundo. En la presente temporada, colabora con la Chicago Symphony, Los Angeles Philharmonic, la Münchner Philharmoniker, y la Orchestre Philharmonique de Radio France, y dirige una nueva producción de Evgueni Onegin en el Teatro Real de Madrid.

Se prepara para asumir la dirección musical del Teatro Real de Madrid, a partir de la temporada 2025/26. Aquí y allí, su labor está inspirada por el fuerte deseo de dar algo a los demás.

Fotografía © Marco Borrgreve

DENIS KOZHUKHIN

Un pianista de técnica excepcional, profundidad emocional y sofisticación, ha ganado un reconocimiento significativo gracias a sus poderosas interpretaciones, consolidándose como uno de los músicos más destacados de su generación.

En la temporada 2024/25 regresará a la Orquesta Filarmónica de la Radio de los Países Bajos, la Philharmonique du Luxembourg, la BBC Scottish y la Filarmónica Zuidnederland. También ofrecerá recitales en Carnegie Hall, Concertgebouw de Ámsterdam, Bozar de Bruselas, Musikverein de Viena, la Philharmonie de París y de Colonia, el Konserthus de Estocolmo, el Pierre Boulez Saal de Berlín, así como en el Wigmore Hall. Este verano regresó a los BBC Proms y debutó en el Hollywood Bowl.

IVETA APKALNA

La organista letona es considerada una de las principales instrumentistas del mundo. Desde 2017, es organista titular del órgano Klais en la Elbphilharmonie de Hamburgo. En la inauguración de esta sala, en enero 2017, participó en los estrenos mundiales de Triptychon und Spruch in memoriam Hans Henny Jahnn de Rihm, y ARCHE, de Widmann.

Tras debutar con la Berliner Philharmoniker y Abbado en 2007, actuó con muchas de las mejores orquestas, incluyendo la Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Royal Concertgebouw Orchestra, la Los Angeles Philharmonic, la Real Filarmónica de Estocolmo, la Cleveland Orchestra y la Orchestra dell’ Accademia Nazionale di Santa Cecilia. Ha colaborado con directores, como Jansons, Janowski, Nagano, Hengelbrock, Dudamel, Pappano y Nelsons, y ha participado en los prestigiosos festivales de Lucerna, Rheingau, el Festival del Castillo de Ludwigsburg y Schleswig-Holstein.

Es Organista Residente del Konzerthaus Berlin y Artista Residente de la Konzertkirche Neubrandenburg, donde grabó su último CD Tryptichon, con obras de Vasks, Bach y Liszt, para Berlin Classics.

El próximo 3 de noviembre, domingo, a las 18.00 horas, el Teatro Real reunirá en su escenario, dentro del ciclo Voces del Real, a la soprano Sondra Radvanovsky y al tenor Piotr Beczala en un concierto único en el que estas dos grandes voces de la lírica rendirán homenaje al compositor Giacomo Puccini, cuando se cumplen cien años de su fallecimiento.

Radvanovsky y Beczala, protagonistas de tantas funciones inolvidables en el Teatro Real –Aida, Tosca, Un ballo in maschera y el concierto Las tres reinas de Donizetti, en el caso de la soprano, y La damnation de Faust, Faust, Aida, Halka y dos conciertos, en 2014 y 2021, por parte del tenor- interpretarán emblemáticas arias de las óperas del compositor italiano como Tosca, Manon Lescaut y Le villi, en un concierto cuyo programa se completará con fragmentos de Rusalka, de Antonín Dvořák, y Andrea Chénier, de Umberto Giordano. (Ver programa adjunto)

La extraordinaria combinación de sus voces y la complicidad de sus personalidades -ambos han actuado juntos en numerosas ocasiones- son el instrumento perfecto para abordar una propuesta que une a tres compositores fundamentales en la historia de la música. A través de sus obras caminaremos hacia el verismo, viviremos pasiones extremas y se liberarán sentimientos básicos, ocultos y descarnados, con arias tantas veces escuchadas, que siempre consiguen despertar la emoción en una unión perfecta de teatralidad y música.

La cita acogerá el debut en el Real de la directora de orquesta canadiense Keri-Lynn Wilson, al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real. La maestra, que ha dirigido las óperas puccinianas en los grandes escenarios líricos del mundo, es también gran conocedora de la obra de Dvořák. Destacada por la crítica por su enorme sensibilidad, sabiduría al mando de la interpretación lírica y capacidad para extraer de las orquestas toda su musicalidad, llega a Madrid con la mejor compañía.

Fotografía: Julia Wesely

EL NIÑO Y LOS SORTILEGIOS:

DEL EGOCENTRISMO A LA EMPATÍA

ALFONSO ROMERO MORA

¨El hombre sin los demás no es nada, no se podría expresar.

Lo que cuenta es lo que nos une: la solidaridad.¨

Max Aub

En la fantasía lírica El niño y los sortilegios se muestra en escena la visión cosmológica de un niño de corta edad y su proceso de evolución psicológica desde el egocentrismo propio de su edad hasta el nacimiento de la empatía. Si en el principio todo el universo gira de forma natural en torno a él mismo, a medida que escucha el lamento de los objetos y animales que ha maltratado va comprendiendo poco a poco que existen otras realidades, otras sensibilidades que le rodean merecedoras de su consideración, en definitiva, el descubrimiento de la empatía.

El niño entiende el mundo como algo absolutamente externo a su persona y organizado por “los otros”, los adultos, que dictan normas e imponen tareas sin pedir su opinión. Este mundo exterior, el de los adultos que él no entiende, será representado en escena por unas figuras anónimas, idénticas unas a otras. Estas presencias (todo el elenco de solistas excepto el niño) serán visibles para el espectador y funcionarán como la estructura que sostiene la realidad en torno al niño que no será consciente de su existencia. Lo único que el protagonista verá serán los objetos y elementos que sostengan en sus manos o que sumen a su indumentaria dependiendo del momento y el personaje que interpreten. Estas figuras omnipresentes servirán como fondo neutro en el que resalten los objetos de utilería visibles para el niño y necesarios para identificar cada uno de los personajes de la ópera, casi a la manera de los “Kurogo” (“vestidos de negro”) o asistentes invisibles propios del teatro Kabuki.

La escenografía estará formada fundamentalmente por estas figuras misteriosas, por estos andamios animados que darán a la escena agilidad y todo tipo de efectos como travelling o cambios a vista de escena coreografiados.

Esta implicación de toda la compañía en el espectáculo es la base de mi concepto escénico y enlaza con la filosofía de la ópera estudio, en el sentido de crear una conciencia de comunidad de trabajo donde todos sean partícipes indispensables para el desarrollo de la escena.

Tanto en mi labor educativa como en mis puestas en escena he considerado siempre primordial el concepto de solidaridad, crítica constructiva colectiva y trabajo en equipo, sin desdeñar por supuesto la importancia de las individualidades y talentos únicos de cada artista.

En el caso de ¨El niño y los sortilegios¨ se puede recurrir fácilmente a una puesta en escena basada en una sucesión de ¨mini-arias¨ o breves números de lucimiento vocal del cantante, creando una sensación en el elenco de ¨hago mi parte y me despreocupo del resto¨.

Precisamente esta dinámica es la que quisiera evitar con mi concepto escénico y dinámica de trabajo, haciendo imposible que ningún personaje, a excepción del niño, pueda ser interpretado solamente por un cantante.

En el proceso de ensayos quiero que la creación de cada personaje (tanto sus rasgos psicológicos como la cualidad y diseño de sus movimientos) sea un ejercicio de fantasía e investigación grupal, ya que será un equipo de personas el que le dé vida durante la representación. Los solistas serán de forma práctica ¨co-creadores¨ de todas las escenas, y no solamente de sus números individuales.

La carrera profesional de estos jóvenes cantantes tenderá de forma irremediable hacia el individualismo, por lo que con esta experiencia de trabajo colectivo deseo que experimenten el placer de sentirse partícipes de un todo más grande. Para el rol de la Princesa o el Fuego serán necesarios cuatro cantantes, para el de la Rana o la Ardilla tres, y así con el resto de personajes.

Referentes artísticos en la puesta en escena son el teatro Kabuki y especialmente el Bunraku, en el que cada títere es manipulado al menos por tres artistas en una perfecta coordinación y fluidez de movimientos. De hecho, en esta manifestación teatral tradicional japonesa (declarada en 2005 como Obra Maestra del Patrimonio Intangible de la Humanidad) la voz del títere no es la de uno de sus manipuladores, sino la de un recitador externo, con lo que sumado al intérprete de ¨Shamisen¨, hace necesaria la intervención de cinco artistas para dar vida y voz a cada personaje principal. Este delicioso trabajo en equipo y perfecta coordinación son los ejes principales sobre los que quiero trabajar, tomando como ejemplo la mano humana, en la que cada dedo es fundamental para su funcionalidad, aun siendo cada uno de ellos totalmente diferente e independiente del resto.

Tras la gran acogida de sus últimas grabaciones de los Concerti Grossi de Händel (Diapason d’Or, Premio Abbiati del Disco 2023) y Corelli (Diapason d’Or), la Accademia Bizantina y Ottavio Dantone acaban de sacar al mercado un nuevo disco con los Concerti Grossi Op. 3 de Francesco Geminiani (1687-1762).

Grabado en la Chiesa di San Girolamo en Bagnacavallo (RA) y con edición crítica del musicólogo italiano Bernardo Ticci, el presente CD dedicado a Geminiani cierra la serie discográfica iniciada en 2022 en torno al género del Concerto grosso por el sello HDB Sonus. “Cuando decidimos llevar a cabo este proyecto en torno al Concerto grosso a través de la publicación de una trilogía, que incluyera tres autores diferentes, la elección del tercer exponente de esta forma recayó, sin ninguna duda, en Francesco Geminiani; un músico de gran talento y muy versátil como violinista y compositor, aunque también recibiera numerosas críticas por parte de sus contemporáneos”, explica Ottavio Dantone en sus Note del Direttore, incluidas en el extenso booklet bilingüe. “Estamos convencidos de que el desconcierto de algunos de sus detractores, tanto antiguos como modernos, tiene que ver, sobre todo, con la dificultad para transmitir plenamente su personalísima poética… Si analizamos sus composiciones, se puede apreciar una marcada italianità en su escritura, que se vuelve incluso más fascinante por la influencia de otras culturas, a través de las experiencias vividas por Geminiani en sus innumerables viajes”, concluye Ottavio Dantone, director musical y artístico de Accademia Bizantina, que ha querido completar el disco con la transcripción que hizo el propio Geminiani de la célebre Follia (Op. 5) de Corelli.

Al igual que en los anteriores trabajos discográficos con los Concerti Grossi de Händel y Corelli, esta grabación dedicada a Geminiani forma parte del proyecto The Exciting sound of baroque music; la original propuesta de la Accademia Bizantina para presentar el repertorio barroco al oyente contemporáneo, a través de contenidos interactivos como la serie Dantone Talks, y la participación de artistas de otras disciplinas. En esta ocasión, AB ha lanzado un videoclip junto a la action painter Cinzia Fiaschi

La Accademia Bizantina, que el pasado verano celebró 40 años de actividad y estrenó su residencia artística en el prestigioso festival Innsbrucker Festwochen der Alten Musik, regresará a los escenarios españoles esta temporada 2024/2025, con dos títulos operísticos en programa: Giulio Cesare de Händel en Tenerife e Il Giustino de Vivaldi en el Auditorio Nacional de Madrid, el Palau de la Música de Barcelona y la Sociedad Filarmónica de Bilbao.

Escuchar el disco en streaming

Ver ‘Making Of’

Tras pasar por 23 municipios de 17 provincias, la Carroza del Teatro Real ofrecerá su último concierto de 2024 el próximo sábado, 26 de octubre, a las 20.00 horas, en la Plaza Juan XXIII de Cartagena (Murcia), con la participación de jóvenes artistas del programa Crescendo y la imprescindible colaboración del Ayuntamiento de la ciudad.

Este año ha sido el primero en que la Carroza ha visitado la comunidad autónoma de Murcia –además de Cartagena también estuvo en San Javier, en agosto-, las Islas Baleares y La Rioja.

El escenario itinerante del Teatro Real ha logrado consolidarse como un gran agente de descentralización y difusión de la ópera a todo el territorio español, con espectáculos, este año, en 17 provincias: Badajoz, Burgos, Cáceres, Cádiz, Cantabria, Ciudad Real, Cuenca, Huelva, Islas Baleares, Jaén, La Rioja, Madrid, Málaga, Murcia, Teruel, Toledo y Zaragoza.

Desde su creación, 2022, cerca de 60.000 asistentes han podido disfrutar de las atractivas y muy diversas actuaciones ofrecidas en La Carroza del Teatro Real, que ha recorrido 40.000 km en 24 provincias: Badajoz, Burgos, Cáceres, Cádiz, Cantabria, Castellón, Ceuta, Ciudad Real, Córdoba, Cuenca, Huelva, Islas Baleares, Jaén, La Rioja, Madrid, Málaga, Murcia, Sevilla, Soria, Teruel, Toledo, Valladolid y Zaragoza.

Todos los espectáculos han contado con la colaboración de jóvenes artistas del programa Crescendo de la Fundación Amigos del Teatro Real, cuyo objetivo es apoyar el desarrollo artístico y profesional de promesas de la creación operística.

El programa del concierto de Cartagena incluye algunas de las arias y dúos más hermosos y populares del repertorio lírico, que serán interpretados por la soprano Sonia Suárez, la mezzosoprano Alejandra Acuña y el barítono Alejandro von Büren. Estarán acompañados por la pianista Cristina Sanz, que iniciará el recital con el Nocturno op.15 nº2, de Frédéric Chopin. Le seguirán obras de Giacomo Puccini (Gianni Schicchi), Camille Saint-Saëns (Samson et Dalila), Giuseppe Verdi (Don Carlo), Wolfgang Amadeus Mozart (Don Giovanni) y Léo Delibes (Lakmé), en la primera parte; y piezas de Vincenzo Bellini (Norma), Georges Bizet (Carmen), Jacques Offenbach (Les contes d’Hoffmann), Ruperto Chapí (La Revoltosa) y Franz Lehár “Lippen schweigen” (La viuda alegre), en la segunda.

Promovido por la Fundación Amigos del Teatro Real, el programa Crescendo cuenta con el impulso de Porosus Fonds de Dotation, Sabadell Fundación y Mitsubishi Electric y el apoyo de la Asociación de Guitarra Clásica Ángel G. Piñero.

Su objetivo es complementar la formación académica adquirida por jóvenes cantantes de todo el mundo y crear oportunidades reales para que inicien su carrera profesional, con actuaciones en diferentes actividades del Teatro Real, como espectáculos del programa Real Junior en el Real Teatro de Retiro y actuaciones en la Carroza para toda España. Ochenta jóvenes artistas de catorce nacionalidades han participado en las cuatro ediciones que se han celebrado ya de este programa.

Galardonada con el Premio Europeo “Art Explora” Academia de Bellas Artes 2022, la Carroza del Teatro Real mide 16 metros de largo por 5,80 metros de alto y pesa cerca de cinco toneladas y media. Simula el escenario de un teatro –con su embocadura, telones y bastidores – y se ha construido transformando un camión tráiler como los que habitualmente se utilizan para el transporte y almacenaje de escenografía, atrezzo y vestuario de las óperas. Su interior puede adaptarse para distintas escenografías, exposiciones, recitales y conciertos según las necesidades de cada evento o actuación.

El reconocimiento unánime internacional a Nacida sombra (2017) y Ariadna Al hilo de mito (2020), llevaron nuevamente y de forma natural a la estrecha colaboración entre la coreógrafa y directora Rafaela Carrasco y el dramaturgo y poeta Álvaro Tato. Ellos, junto a un equipo a la medida de esta nueva propuesta, comparten este proceso creativo, ‘Nocturna’, que lleva la música y el baile flamenco a un nuevo territorio de exploración y búsqueda, y que ahora llega al Teatro de la Zarzuela de Madrid donde se presentará el sábado 26 de octubre (19h30) y el domingo 27 (18h00).

Un piano. Una voz. Cuerpos en movimiento. Un viaje insomne del ocaso al amanecer para evocar los misterios del sentimiento, la conciencia y la memoria. Eso es Nocturna. A través de las palabras y los cuerpos, plantea una exploración dancística, musical y poética en torno a los grandes motivos y contradicciones que genera la noche vista desde la lucidez y la alucinación de quien vela, de quien vive el insomnio: la ensoñación contra la pesadilla, el subconsciente contra el pensamiento, la fiesta contra la calma… Sin olvidarnos de la noche como experiencia mística, como camino visionario, y su contrario: la noche como juego, como ritual lúdico de confusión de identidades.

La tercera edición de Atrium Musicae reunirá en Cáceres del 30 de enero al 2 de febrero de 2025 a algunos de los intérpretes más destacados del panorama actual nacional e internacional. Se ofrecerán un total de diez conciertos en seis espacios emblemáticos del patrimonio cultural y monumental de Cáceres y Malpartida (Museo Vostell).

Entre las novedades que presenta esta nueva edición está la incorporación del Museo Helga de Alvear como nueva sede del festival y el inicio de una colaboración estable con los alumnos del Conservatorio Hermanos Berzosa de Cáceres. Atrium Muiscae presentará en Cáceres artistas de reconocido prestigio internacional como los pianistas Christian Zacharias y Yulianna Avdeeva, el reputado organista y clavecinista francés Benjamin Alard en dos sesiones, el gran barítono alemán Andrè Schuen, acompañado por el pianista Daniel Heide y el versátil saxofonista y flautista Andreas Pritwitz.

Entre los intérpretes españoles, figuran el Cuarteto Quiroga , que actuará en solitario y junto a la pianista Yulianna Avdeeva, el conjunto Neopercusión, que lidera Juanjo Guillén, el Coro Joven de Andalucía, con dirección musical de Marco Antonio García de
Paz, y el Brass Ensemble formado por alumnos del Conservatorio de Cáceres.

Se establece un abono de 7 conciertos desde 12 euros, cuatro de pago y tres de entrada libre, con acceso prioritarios a los abonados. Los abonos se podrán adquirir desde el 28 de octubre. Las localidades para cada concierto estarán disponibles a partir del 10 de enero.

Atrium Musicae es un proyecto de la Fundación Atrio Cáceres y su organización es posible gracias al mecenazgo de Endesa y la imprescindible colaboración de la Fundación Sabadell.

Cáceres se inunda de música en cuatro días

La tercera edición de Atrium Musicae ofrecerá diez conciertos en seis espacios emblemáticos del rico patrimonio monumental y cultural de Cáceres, tales como la Concatedral de Santa María, la Iglesia de Santiago, el Arco de la Estrella en el recinto amurallado, los Museos Helga de Alvear y Vostell (Malpartida) y el Gran Teatro.

La inauguración del Festival tendrá lugar el 30 de enero en el recinto amurallado de Cáceres, incorporado las fanfarrias de metales a los actos de apertura con una llamada desde el Arco de la Estrella para conducir a aficionados y curiosos al primer concierto del festival, que se celebrará a apenas 100 metros de allí, en la Concatedral de Santa María, donde una hora después actuará el Coro Joven de Andalucía, dirigido por García de Paz, un conjunto avalado por una trayectoria de éxito allí donde se ha presentado. En
Cáceres ofrecerá un programa de polifonía religiosa del Renacimiento y el Barroco en el que se fundirán músicas peninsulares con americanas de autores tan importantes como Guerrero y Lobo (sevillanos, ambos maestros de capilla de la Catedral hispalense); Gutiérrez de Padilla (malagueño, que fue maestro de capilla de Puebla en Mexico); López Capillas nacido ya en México, donde fue maestro de su Catedral metropolitana, y Tomás Luis de Victoria, quizás el mayor compositor jamás nacido en España.

Benjamin Alard es uno de los grandes representantes actuales de la extraordinaria escuela de clavecinistas y organistas franceses. Alard se presentará en Cáceres el viernes, 31 de enero en la tribuna del órgano de Santa María y dos días después ofrecerá un
recital matinal de clavecín en el Museo Vostell de Malpartida con un programa íntegramente dedicado a Johann Sebastian Bach.
El gran pianista alemán Christian Zacharias lleva medio siglo destacando como un intérprete de sonido refinado y distinguido, muy afin al universo clásico, pero capaz de concebir programas tan originales y sugestivos como el que ofrecerá en su debut
extremeño con una mezcla audaz que combina dos chispeantes compositores franceses separados por dos siglos y medio, Couperin y Poulenc, además de una sonata de Domenico Scarlati situada en el centro del programa. Antes, en la primera parte, tendremos dos compositores muy queridos por el pianista: Schubert y Haydn.

Y será precisamente F. J. Haydn el protagonista de la quinta entrega del festival en un concierto que tendrá lugar en la hermosa Iglesia de Santiago, que se incorpora como nueva sede del festival en esta edición. A mediados de la década de 1780, Haydn, el más célebre compositor de la Europa del momento, recibió un sorprendente encargo de un clérigo gaditano que le solicitaba una curiosa composición con siete adagios, precedidos por una Introducción en re menor. El resultado fueron Las siete palabras de Cristo en la Cruz, que aquí serán ofrecidas en su versión para cuatro arcos por el Cuarteto Quiroga, que ha celebrado sus veinte años de vida en la cima de la música de cámara española.

El universo íntimo del Lied volverá a estar presente en el Gran Teatro de Cáceres, esta vez a cargo del barítono André Schuen, que se ha convertido en una de las voces más versátiles y reconocidas de este mundo tan singular que aúna poesía y música. Junto a su acompañante habitual, Daniel Heide, abordaran un exigente programa con algunas de las más memorables creaciones de Schubert, flanqueadas por dos de los grandes ciclos de Mahler, las Canciones del camarada errante y esa cumbre absoluta del género que son los Rückert-Lieder.

Fundado en 1994 y liderado por Juanjo Guillem, Neopercusión es uno de los conjuntos españoles más distinguidos del panorama internacional que ha explorado una amplia gama de estilos y géneros, abarcando tanto música escrita como improvisada. En este
doble encuentro cacereño, que tendrá lugar en elzaguán y los jardines del Museo Helga de Alvear, Neopercusión contará con la colaboración de un grupo de jóvenes músicos, seleccionados del Conservatorio Hermanos Berzosa de Cáceres. Por su parte, Andreas Pritwitz, uno de los grandes improvisadores de la escena nacional, ofrecerá ya dentro del Museo un original recital improvisando jazz y música actual estableciendo un dialogo musical con las obras de arte expuestas.

El Cuarteto Quiroga culminará su participación en el Festival en el concierto de clausura, junto a la gran pianista moscovita Yuliana Avdeeva, ganadora del prestigioso Concurso Chopin y figura de referencia en los mejores escenarios mundiales. Juntos presentarán un singular programa por su combinación de Bach y Shostakóvich y en la alternancia entre la pianista (virtuosa tocata, insinuantes preludios y fugas) y el cuarteto (más fugas de Bach, arregladas ¡por Mozart!), para concluir con el célebre Quinteto con piano del gran compositor ruso, una de las obras más poderosas del repertorio camerístico del siglo XX.

El LIFE Victoria ha culminado esta semana su edición centenario dedicada a celebrar, durante un año continuado, la vida y el legado de Victoria de los Ángeles.

Con más de 40 recitales y más de cien artistas en escenario, el LIFE Victoria ha concluido victorioso un ciclo por el que pasaron voces de gran recorrido en el panorama mundial, como lo son Felicity Lott, Natalie Dessay, Julie Fuchs, Elena Pankratova, Adriana González o Marina Viotti; artistas nacionales de primer nivel como Xavier Sabata, Ofelia Sala, Montserrat Seró o Mercedes Gancedo; así como nuevos talentos emergentes de todo el mundo como Natalia Labourdette, Kunal Lahiry, Laurence Kilsby o Valerie Eickhoff, que se unieron a este gran homenaje a la soprano catalana.

Esta edición ha estado dedicada a los diálogos posibles e imposibles con Victoria de los Ángeles, basados en una entrevista que la soprano dio en el programa Desert Island Discs de la BBC, en 1978, en la que elegía los discos que se llevaría a una isla desierta. Entre los que escogió se encuentran obras de Debussy (Pelléas et Mélisande y Images), Mozart (Concierto para violín), así como grandes óperas como Tristan und Isolde interpretada por Kirsten Flagstad o Carmen, por Conchita Supervía.

Los encargados de poner broche a esta celebración musical fueron la soprano valenciana Ofelia Sala y el pianista británico Julius Drake, quienes ofrecieron un recital profundamente simbólico el pasado 21 de octubre, pues Sala fue también la primera voz que le rindió homenaje a Victoria tras su fallecimiento, en 2005.

En el recital de clausura también participó el Cuarteto de la Orquesta Sinfónica Victoria de los Ángeles, integrado por Laia Pujolassos (violín), Maria del Mar Aldomà (violín), Patricia Torres (viola) y Eduard Raventós (violonchelo).

En palabras de Marc Busquests, director artístico del LIFE Victoria, «Estamos muy satisfechos con el resultado de esta edición porque creo que hemos hecho que el público conozca más a Victoria a través de sus gustos musicales, y ese era uno de los objetivos del centenario».

Busquets también destacó que «este año hemos seguido con la política de innovación de formatos que hace tiempo llevamos a cabo en el Festival, ofreciendo recitales escénicos como Mild und Leise con Elena Pankratova y Josep Breinl, o recitales poéticos alrededor de los textos de Rilke en diálogo con la música de Schubert y Bach; una línea que, sin duda, vamos a impulsar en las futuras ediciones del Festival».

En esta edición también sobresale la gran acogida del público, con un promedio de ocupación de las salas del 95% durante todo el año.

De esta forma, el LIFE Victoria despide su programación por todo lo alto para regresar en febrero de 2025 con una edición impasse hasta junio y con una temporada 2025-26 -de septiembre 2025 hasta mayo 2026- que traerá gratas sorpresas para el mundo del lied y con la que se seguirá difundiendo el legado de Victoria de los Ángeles y dando apoyo a futuras generaciones de cantantes, siguiendo el ejemplo de la soprano, como dice la misma misión de la Fundación.

Entre la medianoche del 24 de octubre y la medianoche del 27 de octubre, el Teatro Real ofrecerá un 35% de descuento en la compra de entradas (con excepción de las zonas F, G y H) para Theodora, de Georg Friedrich Händel, que estará en escena del 11 al 23 de noviembre, en una impresionante nueva producción, con dirección musical de Ivor Bolton y puesta en escena de Katie Mitchell.

También hasta el domingo 27 de octubre, tendrán un 30% de descuento las suscripciones a My Opera Player, plataforma audiovisual del Teatro Real, que cuenta actualmente con un catálogo de más de 300 títulos, incluyendo ópera, conciertos, danza y espectáculos de flamenco.

El Real Teatro de Retiro realizará un sorteo de entradas, a través de Instagram, para el estreno de la ópera El niño y los sortilegios, de Maurice Ravel, primera nueva producción propia de la presente temporada.

El mismo teatro ha preparado, a partir de las 14:00 horas del Día Mundial de la Ópera, una «entrevista performativa» en directo, en Instagram, con Cristina Cubells -la creadora del cuento musical Pinocchio, dónde estás, actualmente en escena-, su mediador, Christian Fernández, y la directora artística del Real Teatro de Retiro, Susana Gómez, en que dialogarán sobre el icónico muñeco de madera.

El Teatro Real anima a todos a escuchar al menos un aria de ópera italiana en el Día Mundial de la Ópera, entrando en My Opera Player, donde podrán encontrar una excelente colección de títulos procedentes del país donde nació este arte, que no deja de crecer, transformarse y actualizarse.

El Teatro Real se une a la celebración del Día Mundial de la Ópera, que se conmemora anualmente el 25 de octubre desde su creación en Madrid, en 2018, durante la primera reunión del World Opera Forum, con la participación de Opera Europa, OPERA América y Ópera Latinoamérica.

Durante los tres días del fin de semana -de la medianoche del jueves, a la medianoche del domingo- se ofrecerá un 35% de descuento en la compra de entradas (con excepción de las zonas F, G y H) para Theodora, de Georg Friedrich Händel, que estará en escena del 11 al 23 de noviembre.

Este maravilloso “oratorio dramático” compuesto por Händel al final de su vida, se presentará en una nueva, impresionante y audaz coproducción del Teatro Real y la Royal Opera House, donde se estrenó, con gran éxito, hace dos años.

En la obra de Händel, Theodora, fervorosa cristiana, es condenada porque rehúsa participar en los sacrificios en honor a Júpiter. Como castigo es obligada a prostituirse, “sirviendo” a los romanos que honran a los dioses paganos. Pero en la osada producción que se verá en el Real, la irreverente directora de escena Katie Mitchell rehúye la visión de las mujeres cristianas como mártires pasivas y las convierte en exaltadas guerrilleras que luchan contra el sistema, representado por sus jefes, tiranos que someten a las minorías religiosas.

Un fantástico reparto de grandes cantantes y también admirables actores (Joyce DiDonato, Julia Bullock, Iestyn Davies, Ed Lyon y Callum Thorpe) defenderá esta producción, cuyas escenas de mayor contenido sexual están concebidas, por primera vez en el Real, con la mediación de una “coordinadora de intimidad”.

También en el marco del Día Mundial de la Ópera, en el Real Teatro de Retiro se sortearán entradas, a través de Instagram, para El niño y los sortilegios, de Maurice Ravel, que estará en escena entre el 9 y el 24 de noviembre.

Esta nueva producción, concebida para el público familiar (niños y niñas a partir de los 8 años), cuenta con dirección musical de Miguel Huertas, puesta en escena de Alfonso Romero, y un reparto joven y divertido que interpretará a los más increíbles personajes de esta ópera, en la que el niño protagonista convive con la Aritmética, el Fuego, la Princesa, la Mamá, un montón de animales -Libélula, Lechuza, Murciélago, Ranita, Ruiseñor, Ardilla y Gato- y hasta cosas -Taza china, Tetera, Poltrona, Reloj, Árbol y Fuego-, en un asombroso mundo de fantasía, en el que Ravel combina la rica tradición de la música clásica con melodías populares y ritmos de jazz. (Ver Guía Didáctica del espectáculo).

El mismo teatro, el Día Mundial de la Ópera, a partir de las 14:00 horas, se emitirá en directo, en Instagram una «entrevista performativa» con Cristina Cubells, la creadora de Pinocchio, dónde estás (con música de Miquel Ortega), su mediador Christian Fernández, y la directora artística del Real Teatro de Retiro, Susana Gómez.

Con este diálogo se pretende profundizar en el universo recreado en el cuento musical, en escena en el Real Teatro de Retiro hasta el 3 de noviembre, en el que dos cantantes, un pianista y un percusionista presentan un nuevo enfoque del mundo de Pinocho que, acompañado por Arlecchino, Pulcinella y Lucignolo, quiere vender su abecedario a Mangiafuoco, desencadenando un insólito drama. (Ver Guía Didáctica del espectáculo).

Este año el Día Mundial de la Ópera está dedicado a homenajear la práctica del canto de ópera en Italia, declarada Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, por lo que el Teatro Real invita a todos a escuchar, ese día, por lo menos una de las maravillosas arias del país donde nació, en el siglo XVII, un arte que entonces como ahora nos emociona, deleita, divierte, inquieta, hechiza y transforma.

El pianista Chano Domínguez (Cádiz, 1960), uno de los grandes referentes de la escena jazzística nacional e internacional, será el encargado de inaugurar la nueva temporada del ciclo Jazz en el Auditorio del Centro Nacional de Difusión Musical. El prestigioso intérprete, que siempre ha destacado por situarse a la vanguardia del género, tiene un estilo personal que lo ha situado como uno de los máximos representantes del flamenco jazz. En esta ocasión, ofrecerá un recital a solo basado en la improvisación y en el que no faltarán las referencias a dos de sus grandes ídolos y mentores, Paco de Lucía y Chick Corea. El concierto tendrá lugar el viernes 25 de octubre a las 20:00 horas en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música.

Considerado uno de los músicos de jazz más admirados y reconocidos del panorama actual, Chano Domínguez ha creado un estilo propio que ha cautivado a audiencias en todo el mundo y ha influido en toda una generación de músicos. En 2020, el pianista y compositor gaditano recibió el Premio Nacional de las Músicas Actuales, galardón que reconoció su habilidad única para fusionar el jazz con el flamenco, sentando las bases de uno de nuestros géneros más únicos. Su imaginación y expresividad lo han llevado a colaborar con grandes figuras musicales de la talla de Wynton Marsalis, Paco de Lucía o Enrique Morente, entre otros, y su obra ha sido aclamada por la crítica por su capacidad para innovar sin perder la esencia de ambas tradiciones musicales.

Con una carrera que abarca más de cuatro décadas, Domínguez ha sido un pionero en la evolución del jazz flamenco, actuando en algunos de los escenarios más prestigiosos del mundo, como el Lincoln Center de Nueva York. En esta ocasión, regresa a las tablas del Auditorio Nacional de Música, en el marco de la programación del CNDM, para sorprender al público en una velada jazzística inolvidable que estará cargada de creatividad y algunos de sus últimos trabajos.

Jazz en estado puro

El ciclo Jazz en el Auditorio celebrará 6 conciertos en la Sala de Cámara Auditorio Nacional de Música, con propuestas de uno y otro lado del Atlántico. Nos visitarán dos exponentes del jazz latinoamericano: el pianista cubano Alfredo Rodríguez, con la presentación de su nuevo proyecto en formato trío, “Coral way”, y el cuarteto del puertorriqueño Miguel Zenón, uno de los saxofonistas más innovadores e influyentes de su generación. El saxo tendrá un papel protagonista en otras dos suculentas citas. Por un lado, con el regreso al CNDM del experimentado saxofonista, compositor y productor Joe Lovano, y The Paramount Quartet, su recién estrenado proyecto en que también participa el famoso guitarrista Julian Lage. Por el otro, la visita y debut en el CNDM de la saxofonista Lakecia Benjamin con la presentación de “Phoenix”, un proyecto muy personal que evoca el sonido del jazz de los años 70. En cuanto a las citas nacionales, abrirá el ciclo el pianista Chano Domínguez, uno de los máximos exponentes de la escena jazzística nacional, en esta ocasión en su versión más íntima de piano solo; y también recibiremos al contrabajista Pablo Martín Caminero, con el estreno de su nuevo proyecto “51”, encargo del CNDM que celebra su medio siglo de vida y su salto a la madurez artística.

Fotografía: Ana Zaragoza

La famosa soprano Sonya Yoncheva llega a Madrid el próximo 24 de octubre de 2024 para interpretar Dido y Eneas de Henry Purcell en el Auditorio Nacional de Música junto con la prestigiosa Orquesta y Coro de la Ópera Real de Versalles y bajo la dirección de Stean Plewniak. Será la primera vez que la conocida artista búlgara interprete el papel de Dido en la capital, en un evento que dará el pistoletazo de salida al ciclo IMPACTA, una serie de seis conciertos que incluye a estrellas de la música como el pianista Lang Lang, el contratenor Philippe Jaroussky, el director William Christie o el pianista Arcadi Volodos.

Dido y Eneas también se podrá disfrutar en versión concierto el próximo 26 de octubre en el Auditorio Príncipe Felipe de Oviedo. La obra, que se estrenó con éxito el pasado 7 de octubre en la Opéra national du Capitole de Toulouse, se presentará en versión escenificada en la Ópera Real del Palacio de Versalles los días 18, 19 y 20 de octubre.

Sonya Yoncheva ha interpretado el papel de Didoen el pasadocon Les Arts Florissants y William Christie en Nueva York, Moscú, San Petersburgo y Valladolid, entre otros. Ahora, después de más de diez años, la soprano vuelve a ponerse en la piel de uno de los personajes trágicos más universales de la ópera. Y lo hace acompañada por la extraordinaria Orquesta y Coro de la Ópera Real de Versalles, un conjunto con una fascinante historia que se remonta a la creación de la institución en 1770 por el rey Luis XVI de Francia. Tanto la famosa soprano como la extraordinaria orquesta y coro francesa apadrinarán, con su excepcional calidad artística, la presentación en sociedad del nuevo ciclo de conciertos IMPACTA.

Considerada como la primera ópera nacional inglesa, Dido y Eneas de Henry Purcell es una de las óperas más relevantes del barroco, así como uno de los dramas más conocidos del compositor inglés.

Después del estreno de Dido y Eneas, el ciclo IMPACTA continuará el 4 de noviembre con un recital de Philippe Jaroussky, en el que el reconocido contratenor presentará temas de su nuevo disco Schubert Lieder -además de otras piezas- en una velada única en la que estará acompañado por el pianista Jérôme Ducros. Jaroussky está considerado uno de los mejores contratenores de los últimos tiempos, célebre por su gran maestría técnica y su sorprendente coloratura de voz.

Sobre Sonya Yoncheva

Nacida en 1981 en Plovdiv (Bulgaria), la soprano superestrella Sonya Yoncheva está considerada una de las artistas más aclamadas e impresionantes de su generación.

Ganadora del Opus Klassik 2021 a Cantante del Año, desde su debut se ha convertido en una figura solicitada en los principales escenarios del mundo, entre ellos, la Metropolitan Opera de Nueva York, la Royal Opera House en Londres, el Teatro alla Scala de Milán, el Teatro Real de Madrid o la Ópera de París. Gracias a sus inolvidables interpretaciones de papeles icónicos ha recibido numerosos premios y reconocimientos, además de grandísimos elogios tanto de la crítica como del público. El extenso repertorio de Sonya Yoncheva incluye joyas del canon barroco, así como obras de Bellini, Cherubini, Giordano, Puccini, Tchaikovsky y Verdi.

Aclamada por la belleza extraordinaria de su voz y su excepcional presencia dramática, Sonya es una artista que transciende de la música clásica y llega a una audiencia muy amplía gracias a su carisma y a su modo de conectar con el público. Ha colaborado, por ejemplo, con artistas pop como Sting y Elvis Costello, y ha salido en programas de la Televisión Nacional Búlgara.

Los álbumes en solitario de Sonya como artista exclusiva de Sony Classical incluyen Rebirth, Handel, The Verdi Album o Paris mon amour; sobre Stabat Mater de Pergolesi. Sonya Yoncheva se convirtió en productora en 2020 y creó su empresa SY11 para organizar sus propios conciertos y actividades. Su último álbum en solitario, lanzado en 2023 con su compañía, es The Courtesan. En 2023 lanzó su primer libro con SY11, Fifteen Mirrors: un glamurosa publicación de fotografías de Sonya donde presenta 15 personajes icónicos de la ópera. Y en otoño de 2024 lanzará su primer álbum de recital con SY11, GEORGE.

La conocida artista búlgara se graduó en piano y cantó en su ciudad natal bajo las directrices de Nelly Koitcheva. Posteriormente, obtuvo su Máster en Canto en el Conservatorio de Ginebra, estudiando con Danielle Borst. También es alumna de Le Jardin des Voix del prestigioso director William Christie.

En noviembre de 2021, Sonya Yoncheva se convirtió en embajadora de UNICEF en Bulgaria. Es, además, embajadora mundial de Rolex.

Sobre la Orquesta y Coro de la Ópera Real de Versalles

La Ópera Real del Palacio de Versalles acoge en su prestigioso escenario cien representaciones por temporada musical, por la que suelen pasar todos los grandes nombres e intérpretes internacionales. La Orquesta de esta histórica institución nació en diciembre de 2019 en Versalles para las representaciones de la ópera de John Corigliano Los Fantasmas de Versalles. La Orquesta surgía así con el objetivo de adaptarse a los proyectos artísticos programados en la Ópera Real y a sus artistas invitados. Después, en 2022, hacía su debut el Coro, dotando a la Ópera Real del Palacio de Versalles de una verdadera identidad musical, junto a la orquesta ya existente.

La Orquesta del Palacio de Versalles, compuesta por músicos que trabajan con los principales directores de orquesta, tanto en el repertorio barroco como en el romántico, actúa habitualmente en los conciertos de la Ópera Real.

Entre sus últimos proyectos destacan algunas producciones escénicas de gran envergadura: Giulietta e Romeo de Zingarelli, bajo la dirección de Gilles Rico (octubre de 2023); Don Giovanni de Mozart (noviembre de 2023); la versión francesa de El rapto en el serrallo de Mozart, dirigida por Michel Fau (mayo de 2024) o Gloria e Imeneo de Vivaldi (junio de 2024). Además, la Orquesta suele participar en varios festivales como Uzès, Prades, Sablé-sur-Sarthe, Sisteron o Valloire.

En esta temporada 2024-2025, la Orquesta de la Ópera Real estará muy presente en el foso y en la Capilla con más de veinte producciones para más de cuarenta representaciones, sin contar las giras en Francia y en el extranjero. En particular, participará en la creación y reposición de producciones puestas en escena por la Ópera Real: Dido y Eneas de Purcell, Polifemo de Porpora, Carmen de Bizet, La hija del regimiento de Donizetti y La Senna festeggiante de Vivaldi.

La Orquesta de la Ópera Real graba habitualmente para el sello discográfico Château de Versailles Spectacles. Entre los numerosos proyectos que tienen, destaca Dis-moi Vénus, con arias procedentes de grandes óperas barrocas francesas, con la soprano Marie Perbost; además de Las cuatro estaciones de Vivaldi con Stefan Plewniak, Bastien y Bastienne de Mozart, La Serva Padrona de Pergolesi o El Mesías de Haendel. A pesar de la corta historia del grupo, las grabaciones de la Orquesta de la Ópera Real ya han sido ampliamente galardonadas. Ha recibido, entre otros reconocimientos, la calificación de diamante de Opera Magazine, el Choc de Classica y 5 diapasones.

El 29 y el 30 de octubre Ibermúsica recibirá en el Auditorio Nacional a una de las agrupaciones más brillantes de Europa, la Tonhalle-Orchester Zürich. La orquesta suiza llega bajo la batuta de su director titular Paavo Järvi en la que será la primera visita del maestro a nuestro país desde que asumió la dirección de la orquesta suiza en 2019.

El martes 29 disfrutaremos la obertura «Don Giovanni» de Mozart, la «Sinfonía núm. 6» de Shostakóvich y el «Concierto para violín núm. 2» de Prokófiev, para el que contarán con una invitada de lujo: la aclamada Lisa Batiashvili. El miércoles 30 el protagonismo recaerá sobre Mahler con una de sus obras más enigmáticas, la «Sinfonía núm. 7», vertebrada sobre los misterios de la noche y las fantasías del mundo onírico. La dualidad de la Séptima y sus ideas musicales antagónicas, reflejo del propio mundo, hacen de ella una obra todavía abierta a diferentes interpretaciones sobre lo que Mahler quería expresar en esta partitura.

Esta visita a Madrid se enmarca en una gira española que les llevará, además, a Alicante el domingo 27, Barcelona el lunes 28 (inauguración del ciclo BCN Clàssics) y a Zaragoza el jueves 31.

TONHALLE-ORCHESTER ZÜRICH

Música clásica desde Mozart hasta Messiaen, es la pasión de la Tonhalle-Orchester Zürich, y lo ha sido desde el año de su fundación en 1868.

Cuando la dirige su director titular, Paavo Järvi, se genera una energía especial, ya que cada concierto es una experiencia única. La orquesta aprecia y disfruta de los diversos estímulos que recibe de sus directores invitados y de los desafíos frente a los más aclamados solistas. Junto con su público, la orquesta mantiene una viva curiosidad por obras maestras desconocidas y nuevas obras de encargo. Fundada por músicos de la misma Zúrich, proclama su sede musical en el nombre de la propia orquesta: Tonhalle, y lleva su excelente reputación por todo el mundo, a través de giras y grabaciones.

La Tonhalle-Orchester Zürich reúne músicos de 20 naciones distintas, unos 100 artistas que interpretan alrededor de 50 programas diferentes en más de 100 conciertos cada temporada. La orquesta ha sido invitada para actuar en más de 100 ciudades de 30 países y además de sus proyectos orquestales, los músicos también han creado su propia serie de música de cámara.

Ha editado más de 40 grabaciones en CD. En 2022, la Tonhalle-Orchester Zürich y Paavo Järvi recibieron el Premio de la Cultura Europea.

PAAVO JÄRVI

Ganador de un Grammy, el estonio Paavo Järvi es considerado como uno de los más importantes directores de nuestros días. Ha dirigido las más prestigiosas orquestas internacionales. Es director titular de la Tonhalle-Orchester Zürich, de la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen y, fundador y director titular de la Estonian Festival Orchestra.

Cada temporada concluye con dos semanas de actuaciones y clases magistrales de dirección en el Festival de Música de Pärnu, Estonia, fundado por él en 2011. El éxito del festival y de su orquesta residente –Estonian Festival Orchestra– les ha llevado a ser invitados a numerosos y destacados escenarios, como la Berliner Philharmonie, la Wiener Konzerthaus, los BBC Proms y Suntory Hall de Tokio. Paavo Järvi mantiene estrechas relaciones de colaboración con sus anteriores orquestas, incluyendo Orchestre de Paris, Orquesta Sinfónica de la Radio de Fráncfort, la Berliner Philharmoniker, Royal Concertgebouw Orchestra, Philharmonia y la Filarmónica de Nueva York.

En 2013, el Presidente de Estonia le concedió la Orden de la Estrella Blanca por su compromiso con la cultura de su país. Otros premios y distinciones recibidos incluyen un Grammy, Artista del Año de Gramophone Magazine (Reino Unido), Diapason (Francia), y la Medalla Sibelius; Director del Año 2019 (Opus-Klassik) y Premio de Música Rheingau; y, más recientemente, el Premio Europeo de la Cultura 2022.

Fotografía © Alberto Venzago

LISA BATIASHVILI

De origen georgiano y nacida en Alemania, su virtuosismo es elogiado por público, crítica y compañeros por igual. Ganadora de varios premios, ha construido vínculos duraderos con las principales orquestas, directores y músicos de todo el mundo. En 2021 creó la Lisa Batiashvili Foundation, de la que es directora, cumpliendo un sueño largamente anhelado y el compromiso de apoyar y ofrecer formación a jóvenes músicos georgianos con talento.

En 2023/24, comenzó su residencia con la Berliner Philharmoniker, actuando en su sede berlinesa y en gira con Kirill Petrenko y Daniel Barenboim. También interpreta música de cámara con Emmanuel Pahud y músicos de la Wiener Philharmoniker, así como con Jorg Widmann o Denis Kozhukhin. También ha colaborado con la Münchner Philharmoniker, San Francisco Symphony, Netherlands Philharmonic Orchestra, la Filarmónica de Nueva York, ,Philharmonia Orchestra, Chamber Orchestra of Europe, London Symphony Orchestra, Royal Concertgebouw Orchestra, o la Wiener Philharmoniker en la Wiener Konzerthaus.

Batiashvili es artista exclusiva de Deutsche Grammophon y toca un violín Giuseppe Guarneri del Gesù de 1739, cedido generosamente por un coleccionista privado.

La Fundación SGAE y el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) anuncian las cuatro obras finalistas que optarán al Premio Jóvenes Compositores Fundación SGAE-CNDM 2024 en la final de su trigésimo quinta edición, que tendrá lugar en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía dentro del ciclo Series 20/21, programado por el CNDM, el próximo 18 de noviembre a partir de las 19.30 horas con entrada libre hasta completar aforo.

Anatomías del abismo de Antón Alcalde (Rianxo, 1992), La ecuación del calor de Bernat Cucarella Sifre (Alzira, 2001), Agnosia de Aarón Esteve Gandía (Valencia, 1997) y still here de Esther Pérez Soriano (Yecla, 1990) han sido las cuatro piezas, seleccionadas de entre las 18 recibidas en la convocatoria por un jurado compuesto por los compositores Beatriz Arzamendi, Marcos Fernández-Barrero, Marc García Vitoria, Manuel Martínez Burgos y Laura Vega, también encargados de dirimir el ganador en la mencionada final.

Estreno de obras y entrega de premios, el 18 de noviembre

El Ensemble Vigo 430, dirigido por Lara Diloy y formado por Rafael Yebra a los saxofones, Mario Peris al violín, Elena Marigómez al contrabajo, Brenda Vidal al piano, Manuel Cebrián a la guitarra eléctrica y David Rodríguez a la percusión, interpretará las cuatro obras seleccionadas el próximo 18 de noviembre de 2024 (19:30 horas) en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, con acceso libre hasta completar aforo.

El estreno absoluto de las obras permitirá a los miembros del jurado, presentes en el auditorio, decidir cuál es la pieza ganadora y el reparto de los siguientes galardones, valorados en total en 11.700 euros: primer premio Xavier Montsalvatge, dotado con 6.000 €; segundo premio Carmelo Alonso Bernaola, de 3.000 €; tercer premio Francisco Guerrero Marín, de 1.500 €, y la mención honorífica Juan Crisóstomo Arriaga, reconocida con la cantidad de 1.200 €. Todos ellos acompañados de diploma acreditativo.

Además, para contribuir a la posterior promoción y difusión de las obras ganadoras, la Fundación SGAE producirá un disco promocional con la grabación en directo de las interpretaciones en el concierto final.

Compositor Residente de la Red de Músicas

A estos cuatro galardones se suma el Premio Especial JM España que otorga Juventudes Musicales de España. De este modo, el ganador del Primer Premio de esta edición se convertirá en Compositor Residente de la Red de Músicas de JM España durante la temporada 2025-2026. JM España le encargará dos obras de música de cámara y le otorgará 1.500 euros por cada pieza. El compositor escogerá dos formaciones de entre las seleccionadas en la Red de Músicas que las estrenarán e interpretarán en todos los recitales que den en este circuito, que organiza más de 200 conciertos al año.

Acerca del premio

La Fundación SGAE y el CNDM convocan anualmente este premio con el propósito de estimular la creación en el campo de la música clásica contemporánea entre los jóvenes creadores de hasta 35 años y contribuir así al desarrollo y conocimiento social de nuevos lenguajes, tendencias y modos de expresión musicales. Creado en 1987 por la SGAE, se ha convertido en uno de los más importantes certámenes de su tipo, por su nivel de organización y su rigurosidad, por el prestigio de los intérpretes y de los jurados participantes.

Entre los ganadores de sus anteriores ediciones destacan nombres ya consolidados dentro del panorama de la composición actual, con carreras internacionales que demuestran la buena salud de la creación musical española: Agustín Charles, Mauricio Sotelo, José María Sánchez-Verdú, Jesús Rueda, Jesús Torres, Pilar Jurado, Gabriel Erkoreka, Joseba Torre, Sergio Blardony, Eneko Vadillo o Nuria Núñez, han sido protagonistas de esta cita indispensable en el apartado de la composición para ensemble a nivel nacional.

Acerca de los finalistas

Antón Alcalde
Gallego, pero afincado en Taiwán, Antón Alcalde (Rianxo, 1992) tiene en su haber más de una veintena de premios nacionales e internacionales y su obra ha sido interpretada por formaciones de todo el mundo. Además, ha colaborado en numerosas ocasiones como director invitado de la Hsinchu Municipal Wind Orchestra (Taiwán), así como de la Alumni WindBand de la High School of National Taiwan Normal University y la orquesta del Hsinchu County Cheng-Gong Junior High School (Taiwán). En 2019, obtuvo el tercer premio en la XXX edición del Premio Jóvenes Compositores Fundación SGAE – CNDM. Este año es finalista con Anatomías del abismo, una composición con referencias nietzscheanas que se presenta como “una meditación autónoma que invita a la reflexión”.

Bernat Cucarella Sifre
Influenciado por la música de big band y por el concepto de jazz, el joven compositor Bernat Cucarella Sifre (Alzira, 2001) consiguió, el año pasado, el primer premio en el concurso internacional de composición para quinteto de metales, organizado por Spanish Brass en el festival SBALZ 2023, y el galardón a la Mejor obra solo en el festival DYCE a nivel europeo. Comenzó su formación a los 4 años, estudiando violín, pero posteriormente cambió a la percusión y se formó en composición en el Conservatorio Superior de Música Joaquín Rodrigo de Valencia, bajo la tutoría de Voro García. En La ecuación del calor describe la distribución del calor (o variaciones de la temperatura) en una región a lo largo del transcurso del tiempo, a través de un planteamiento puntillista, variedad rítmica y modulaciones tímbricas.

Aarón Esteve
El compositor Aarón Esteve Gandía (Valencia, 1997) se formó en el Conservatorio Superior de Música Joaquín Rodrigo de Valencia, recibiendo clases de profesionales como Voro García, José Luis Escrivà, Héctor Oltra o Carlos Foncuberta. Además, completó sus estudios bajo la batuta de Telmo Marques, Dimitrios Andrikopoulos y Angela Da Ponte en Oporto, gracias a una beca Erasmus, y también ha sido alumno de Agustí Charles, George Aperghis, Luis Naón, Maurilio Cacciatore y Joan Magrané. Sus obras han formado parte de diversos proyectos como la Gira Nacional del Plural Ensemble 2023 y el Festival de Música Contemporánea SoXXI en su XIV edición. Con Agnosia pretende reflejar “un punto de intersección entre lo familiar y lo incierto, donde una parte de ti quiere aferrarse a lo conocido, mientras que otra reconoce que el cambio es inevitable”.

Esther Pérez Soriano
La murciana Esther Pérez Soriano (Yecla, 1990) se formó en composición en el Conservatorio Superior de Música de Valencia, bajo la batuta de Voro García. Durante su carrera ha estrenado obras en el Festival Ensems, Festival SoXXI, Mostra Sonora de Sueca o Festival Midt i Marts (Dinamarca); y en los últimos años ha trabajado con agrupaciones como Fabrik Quartet, Jove Orquestra de la Generalitat Valenciana, CrossingLines, Syntagma Piano Duo o Neopercusión y Projecte SoXXI. El año pasado consiguió el tercer premio en el XXXIV Premio Jóvenes Compositores Fundación SGAE – CNDM, gracias a su obra Neighborhood. Este año intentará conquistar el primer premio con still here, una composición que refleja la tensión entre la resistencia y la insistencia frente a lo indefinido, cuestionando si hay un verdadero fin o claridad en el proceso.

El LIFE Victoria prosigue con la programación de su ‘edición centenario’ este sábado, 19 de octubre, a las 20 horas, con un recital escénico que tendrá lugar en Recinte Modernista Sant Pau.

El recital estará a cargo de la actriz Núria Prims, la pianista Marta Puig -residente del LIFE Victoria-, el concepto escénico de Marc Busquets y la participación especial de la soprano Rita Morais. Juntos, propondrán un diálogo entre la poesía de Rainer Maria Rilke y la música de Bach, Stölzel, Schubert y Busoni.

Titulado Cartas a un joven poeta, este recital está inspirado en el libro homónimo de Rilke, uno de los predilectos de Victoria de los Ángeles y quien, en su famosa entrevista en el programa Desert Island Discs de la BBC, lo escogió como aquel que se llevaría a una isla desierta.

En la entrevista de la BBC, en 1978, el entrevistador le pregunta a Victoria si leería el libro en alemán. «Me encantaría saber tanto, pero tengo una versión en alemán y castellano» responde ella. Con Cartas a un joven poeta, el LIFE Victoria rinde homenaje a Rilke y a Victoria a través de la poesía y la música de compositores principalmente alemanes y austriacos.

ABAO Bilbao Opera, abre su nueva temporada en octubre con una explosión de alegría belcantista: Don Pasquale de Gaetano Donizetti. ABAO ha programado cinco funciones para los días 19, 22, 25, 26 y 28 de octubre en el Euskalduna Bilbao, la primera de ellas patrocinada por Telefónica que conmemora su Centenario con este acto cultural en la capital vizcaína. Las representaciones en sábado los días 19 y 26 darán comienzo a las 19:00h, y el resto de las funciones se iniciarán las 19:30h.

Este título, la última de las grandes óperas bufas italianas, se estrenó en 1843 en el Théâtre des Italiens de París, ciudad de residencia de Donizetti en la etapa final de su carrera compositiva, con enorme éxito. Inmediatamente después se representó en la Scala, Viena, Bruselas y Londres donde repitió de nuevo el triunfo. El libreto de Giovanni Ruffini tuvo la colaboración del propio compositor, y la historia, inspirada en la commedia dell’arte, cuenta con todos los ingredientes de una comedia de enredo arquetípica, divertida, irónica y con final feliz, pero que también esconde sentimientos profundos.

En ABAO Bilbao Opera este título se ha programado anteriormente en cuatro ocasiones, siendo la primera vez en 1958, con Renata Scotto y Alfredo Kraus en el reparto. En 1995 Carlos Chausson y Manuel Lanza protagonizaron el tercer y último bis en el Coliseo Albia. La última vez se puso en escena en 2017, de nuevo con Chausson y Jessica Pratt, bajo la dirección de Roberto Abbado que calificaba esta ópera como «la obra más equilibrada y perfecta de Donizetti».

CRÍTICA SOCIAL EN CLAVE DE HUMOR

Donizetti buscaba en esta ópera una crítica de las costumbres sociales como hilo conductor de la trama, y para ello construyó una comedia centrada en cuatro personajes: el imperioso, necio y amargado Don Pasquale, los enamorados Ernesto y Norina, y el Dottor Malatesta en el tradicional papel de celestino y cómplice de intrigas. Una comedia llena de emoción y sentimiento en la que se suceden escenas cómicas y líricas, superficiales y sensibles, sarcásticas y amorosas, con una cuidadosa combinación de arias, dúos y números de conjunto en el más puro estilo belcantista.

Encarna al engañado, viejo y rico solterón Don Pasquale, el bajo-barítono Simón Orfila. Siempre una apuesta segura, con un gran dominio de recursos expresivos y actorales y un torrente de voz, Orfila tiene escenas destacadas como «Ah! un foco insolito», «Quando avrete introdotto» o «Qualche nota di cuffie», pero la escena más famosa es el dúo del tercer acto con Malatesta «Cheti cheti immantinente», uno de los pasajes más conocidos de la ópera. Es un personaje caricaturesco que al final, provoca compasión por su torpeza.

Le da réplica como la caprichosa y astuta Norina la soprano María José Moreno. Con una voz ágil, brillante y llena de matices para los pasajes de agilidad, destaca la famosa cavatina «Quel guardo il cavaliere», el terceto con Don Pasquale y Malatesta «Via, da brava» o el aria final con el coro «La morale in tutto questo».

Francesco Demuro interpreta al ingenuo enamorado Ernesto. El tenor italiano que con una exquisita línea de canto acaba de triunfar en la Royal Opera House de Londres con La traviata, tiene escenas llenas de encanto como el aria con recitativo y cabaletta «Povero Ernesto…» del inicio del segundo acto, la famosa serenata del tercer acto «Com’è gentil la notte» o el dúo romántico con Norina «Tornami a dir che m’ami».

Interpreta el rol del entrañable Dottor Malatesta, Damián del Castillo. El barítono jienense, de timbre brillante y perfecta articulación, estuvo por última vez en ABAO en 2022 con Madama Butterfly. Destaca, además del famoso dúo con Don Pasquale, el aria «Bella siccome un angelo», y el dúo con Norina en el que intrigan para engañar a Don Pasquale, «E il Dottor non si vede».

El conocido actor Pedro Mari Sánchez, que forma parte por derecho propio de la historia de la escena y la televisión de este país, se embarca en la aventura de la ópera interpretando el rol del Notaro, un personaje simpático que en esta producción tendrá un papel singular como maestro pizzero.

El 26 de octubre este título tendrá función Opera Berri. Esta iniciativa sociocultural de ABAO Bilbao Opera, cumple su XIX edición y tiene el objetivo de acercar la ópera a la sociedad, con títulos muy conocidos y entradas hasta el 70% de su precio habitual. El segundo elenco está formado por Enric Martínez-Castignani, que ha debutado recientemente en la Scala de Milán con gran éxito de público y crítica, Sofía Esparza y Juan Antonio Sanabria.

SESTO QUATRINI DIRIGE A LA EUSKADIKO ORKESTRA

Debuta en ABAO Bilbao Opera el maestro Sesto Quatrini, uno de los directores de orquesta más reconocidos de su generación. Habitual en los grandes teatros de ópera europeos, se enfrenta a la partitura de Donizetti al mando de la Euskadiko Orkestra.

Destaca la partitura de Don Pasquale por su frescura y sutileza llena de encanto. El compositor utilizó algunas partes de otras de sus obras, pero a pesar de ello la ópera tiene una absoluta unidad de estilo, desde la poderosa obertura hasta el aria final de la protagonista con el coro. Donizetti crea en esta ópera una partitura llena de color y ritmo, con gran protagonismo de la orquesta y por momentos, de solos instrumentales de violonchelo, fagot, trompa, trompeta o flauta, destacando la elegancia con la que consigue retratar las situaciones cómicas, sin caer en la caricatura.

Don Pasquale sigue los dictados estilísticos del belcantismo y las voces son las grandes protagonistas, enlazando cavatinas, serenatas, dúos, tercetos y escenas de conjunto con la manifiesta maestría del talento melódico de Donizetti.

El Coro de Ópera de Bilbao, dirigido por Boris Dujin, completa el apartado musical.

NUEVA PRODUCCIÓN DE ABAO BILBAO OPERA FIRMADA POR EMILIANO SUÁREZ

En el escenario, el estreno de una producción de ABAO Bilbao Opera y Okapi Producciones, firmada por el polifacético artista Emiliano Suárez. En su debut en ABAO Bilbao Opera como director de escena, presenta una propuesta contemporánea, original, ocurrente, ingeniosa y llena de movimiento, con gran profusión de detalles que aportan una mirada actual, realista y sugestiva.

En un ambiente familiar típicamente napolitano, una caja de pizza actúa como «cajón de sastre» diverso y fascinante. La escenografía del laureado Alfons Flores busca un alto nivel de realismo, y a través del girevole, cada movimiento descubre los distintos espacios: una zona de cocina, una barra, unas mesas para comer o un lugar para aparcar las motocicletas del reparto a domicilio. Una profusión de espacios llenos de detalles, con una impactante iluminación creada por David Picazo, Premio Talía 2024, y el vestuario de Carola Baleztena en colaboración con la firma de moda Scalpers.

TELEFÓNICA CELEBRA SU CENTENARIO EN DON PASQUALE

Para conmemorar el aniversario más especial de su historia, Telefónica ha puesto en marcha distintas iniciativas a lo largo del año 2024 con sus profesionales, sus clientes, sus accionistas y la sociedad en su conjunto.

La celebración en Bilbao se enmarca en la inauguración de la 73ª Temporada de ABAO Bilbao Opera con un evento en Don Pasquale el 19 de octubre, y muestra así el histórico apoyo a la cultura de la compañía presidida por José María Álvarez-Pallete.

Cien años de transformación constante han convertido a Telefónica en una compañía tecnológica líder con un propósito que se ha mantenido inalterable desde su nacimiento: hacer nuestro mundo más humano conectando la vida de las personas.

PROGRAMA DE ACTIVIDADES PARALELAS CON ENTRADA LIBRE

El programa de actividades culturales paralelas que desarrolla ABAO Bilbao Opera con carácter abierto y para todos los públicos, ofrece múltiples oportunidades de acercarse a la ópera como sucedió el pasado 27 de septiembre, con una conferencia en el espacio Bizkaia Aretoa de la UPV-EHU de Bilbao con el musicólogo Pablo L. Rodríguez, o las distintas conferencias que el compositor Carlos Imaz ofrece en los centros de cultura municipales de Bilbao y Durango.
Las próximas citas son:

16 de octubre. Podcast en directo: “Concierto Desorden”. Gonzalo Lahoz, crítico musical y codirector de Platea Magazine, compartirá en directo con el público asistente los momentos imprescindibles de Don Pasquale. Disponible en Spotify, Ivoox, Amazon Music, Podimo, Apple, Google. Bizkaia Aretoa UPV-EHU. 19:00h. Entrada libre hasta completar aforo.
18 de octubre. El ciclo de conferencias “El ABC de la Ópera” en colaboración con la Universidad de Deusto, trae a los periodistas Mariela Rubio y Rafa Bernardo, para presentar la ópera Don Pasquale y la obra de su compositor. La conferencia se retransmite en directo a través del canal de YouTube de ABAO. Biblioteca CRAI Universidad de Deusto. 18:30h. Entrada libre previo registro en la web de ABAO
23 de octubre. Santander acogerá una conferencia sobre el título en cartel. Aitziber Aretxederra, responsable del programa didáctico de ABAO, repasará el argumento y comentará los mejores y más emocionantes momentos musicales. Ateneo de Santander. 19:30h. Entrada libre hasta completar aforo.

El próximo miércoles 23 de octubre Ibermúsica inaugura la segunda edición del ciclo km0 con un recital de violonchelo y piano protagonizado por Ángel García Jermann y Oleksandra Totkalova.

Los recitales del ciclo km0, de una hora de duración, cuentan con intervenciones y explicaciones de las obras por parte de los artistas y algunos de los compositores del programa. El día 23 pasarán por el escenario de la Sala de Cámara del Auditorio Nacional para ofrecer el contexto y las claves de sus obras los compositores españoles Jorge Fernández Guerra («Fantasía para violonchelo y piano«), Consuelo Díez Fernández («Viento, Silencio, Silente luna«) e Iris Azquinezer Escribano, que presentará el estreno de su obra «Almanzor«, encargo de la Fundación Ibermúsica.

El programa contará, además, con obras de Nadia Boulanger («Trois pièces«), Joaquim Cassadó («Plus ultra, un pensamiento musical«), Ricard Lamote de Grignon («Tres bagatelas de Fin de Siglo» y «Serenata«) y romanzas de Juan María Guelbenzu y Gerónimo Jiménez.

Comprometidos con el fomento de los talentos nacionales, la Fundación Ibermúsica puso en marcha en 2023 un nuevo ciclo de conciertos denominado km0. Se trata de una programación extraordinaria de conciertos de pequeño formato, con intérpretes de proximidad, obras de recuperación patrimonial de artistas españoles y de nueva creación protagonizados por músicos del país. El repertorio abarca desde el renacimiento hasta la época contemporánea con el fin de dar a conocer un tipo de música desconocida para muchos. El importe para todos los recitales del ciclo es de 15€ por concierto.

ÁNGEL GARCÍA JERMANN

De origen hispano alemán, Ángel García Jermann es uno de los violonchelistas más destacados de su generación en España. Ha sido Catedrático de violonchelo en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid durante 17 años y durante 11 años ha sido Solista de la Orquesta Sinfónica de RTVE. Como solista, en recitales y con diversos conjuntos de cámara ofrece conciertos en diversos países europeos y Latino América. Ha impartido clases magistrales en España, Alemania, Suiza y Polonia.

OLEKSANDRA TOTKALOVA

Natural de Ucrania, Oleksandra Totkalova comienza sus estudios de piano a los cinco años destacando muy pronto en numerosos concursos juveniles tanto nacionales como internacionales. En 2015 se traslada a España para continuar sus estudios y su éxito en concursos internacionales no cesa desde entonces (II Livorno Piano Competition, XVIII Concurso de Jóvenes Intérpretes “CIUTAT DE XÀTIVA”, VI Concurso Internacional “Gran Klavier»…). En 2020 se gradúa con máximas calificaciones en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, y ha ofrecido conciertos y recitales, entre otros, en el Auditorio Nacional de Música de Madrid, en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando o en los festivales SonCello de Galicia y CelloLeón.

El LIFE Victoria continúa su programación con dos recitales profundamente simbólicos que rememoran momentos clave en la vida y la carrera de Victoria de los Ángeles. Ambos tendrán lugar en el Recinte Modernista Sant Pau.

Canto de libertad con Golda Schultz y Gary Matthewman

La primera cita será este martes 15 de octubre a las 20 horas con la soprano sudafricana Golda Schultz y el pianista británico Gary Matthewman. Juntos ofrecerán un recital inspirado en la gran amistad entre la cantante afroamericana Marian Anderson y Victoria de los Ángeles, quienes coincidirían en varias actuaciones en Nueva York, entre ellas una gala televisada a mediados de los años 50 en la que participaron grandes nombres del canto.

Marian Anderson, contralto y cantante de distintos géneros musicales, desde spirituals hasta ópera, sufrió varios casos de discriminación en lugares públicos de Nueva York por su color de piel. Testigo de ello fue Victoria de los Ángeles quien públicamente defendió la igualdad, los derechos civiles y la libertad. De hecho, es muy recordado el día en que Victoria invitó a Marian a una cena al Warldorf Astoria de Nueva York como su acompañante, apareciendo al día siguiente en una foto en la prensa junto a Margaret Truman, hija del presidente de los Estados Unidos; un hecho impensable en aquel contexto y absolutamente disruptivo.

Inspirada en Marian y en el movimiento por los derechos civiles, Victoria de los Ángeles grabó el spiritual Sometimes I Feel Like a Motherless Child.

En honor a esa amistad, el recital del LIFE Victoria con Schultz y Matthewman incluye las Three Browning Songs de Amy Beach y se completa con obras de Clara Wieck Schumann, Mozart, Strauss y Carter.

Cartas a un joven poeta con Prims, Puig y Busquets

La segunda cita, el sábado 19 de octubre a las 20 horas, es un recital escénico a cargo de la actriz Núria Prims, la pianista Marta Puig y el concepto de Marc Busquets inspirado en Cartas a un joven poeta, de Rainer Maria Rilke, uno de los libros preferidos de Victoria de los Ángeles. En la famosa entrevista que dio la soprano en el programa Desert Island Discs de la BBC en 1978, Victoria escogió el título de Rilke como aquel que se llevaría a una isla desierta.

En este recital, que cuenta con la participación de la soprano Rita Morais, los artistas proponen un diálogo entre la poesía del escritor austríaco y la música de Bach, Stölzel, Schubert y Busoni como homenaje al poeta y a la cantante.

Tras iniciar el curso en septiembre con Carmen en la Staatsoper de Hamburgo, el maestro Sesto Quatrini llega nuevamente a España, esta vez para inaugurar la temporada de Abao Bilbao Opera con Don Pasquale, la última de las grandes óperas bufas italianas. Para el director italiano, es “un verdadero privilegio” debutar ante el público bilbaíno, “más todavía al hacerlo con esta obra maestra de Donizetti, un título que adoro y que exige una gran concentración si se quiere transmitir la idea del compositor, ya que no se trata de una ópera cómica tout-court, sino más bien de una obra llena de humor y de alternancias constantes y repentinas de escenas de chispeante hilaridad con otras con destellos de patetismo profundo”, asegura. “Estos no son aspectos triviales, y hay que gestionarlos a lo largo de toda la obra, también porque el mecanismo teatral desencadenado por la música debe ser perfecto y altamente sincronizado para que todo funcione, tanto con la puesta en escena como con los solistas”.

El Don Pasquale de Bilbao que se estrena el 19 de octubre es una nueva producción con dirección de escena de Emiliano Suárez, y sin duda, continúa el maestro, representa “un apoyo para mi visión musical de la obra, porque, al no insistir en la tradición cómica de la caricatura, devuelve la dignidad a los protagonistas, ya que como sucede en las obras maestras de ese período, son siempre y para siempre contemporáneos; además, todo el equipo nos comprometemos con esta versión de Don Pasquale –presentada en su versión completa, sugerencia inmediatamente aceptada por la dirección artística del teatro– a acercar al público de Bilbao toda la belleza y profundidad de su música, su capacidad de entretener y de hacernos reflexionar sobre la dinámica del amor y la modernidad del protagonista, obligado por la melancolía a abandonar sus últimas ambiciones eróticas y nupciales ante el amor entre dos jóvenes”.

Esta obra maestra de Donizetti se representará en Bilbao los días 19, 22, 25 y 28 de octubre con un reparto que incluye a Simón Orfila (Don Pasquale), María José Moreno (Norina), Francesco Demuro (Ernesto), Damián del Castillo (Dottor Malatesta) y Pedro Mari Sánchez (Notario), mientras que el 26 de octubre se ofrecerá una función Opera Berri, iniciativa sociocultural de ABAO Bilbao Opera para acercar la ópera a la sociedad con precios reducidos y que contará con Enric Martínez-Castignani, Sofía Esparza y Juan Antonio Sanabria en los roles protagonistas.

Tras su compromiso en Bilbao, a Sesto Quatrini le esperan Nabucco en la Ópera de Colonia; Madama Butterfly en la Opéra National de Lyon; Roméo et Juliette en el Teatro San Carlo de Nápoles y L’Italiana in Algeri en el Teatro dell’Opera de Roma; además de conciertos con la Filarmonica Arturo Toscanini en Parma, Piacenza, Trento y Bolzano y el concierto de Fin de Año con la Orchestra Farnesiana en el Teatro Municipale de Piacenza.

La Fundación Scherzo, en su ininterrumpido esfuerzo por acercar al público español lo mejor del panorama internacional de la música clásica, presenta en su prestigioso ciclo Grandes Intérpretes a uno de los más reconocidos y versátiles violinistas de nuestro tiempo, Maxim Vengerov, acompañado por la Franz Schubert Filharmonia bajo la batuta del talentoso director Tomàs Grau. Este evento de primer nivel tendrá lugar el próximo 21 de octubre en el Auditorio Nacional de Música de Madrid, prometiendo una velada de excepcional calidad artística.

Un programa cargado de virtuosismo y emoción

El programa de la noche incluye tres obras que permitirán al público deleitarse con la maestría técnica y expresiva de Vengerov, así como la impecable dirección de Grau frente a la Schubert Fhilharmonia, orquesta que ha destacado por su profundo respeto por las obras de los grandes maestros de la música clásica.

Concierto para violín y orquesta nº 1, KV 207 – W. A. Mozart

El Concierto para violín nº 1 en si bemol mayor, KV 207, compuesto en 1773, es una de las primeras muestras del virtuosismo de Wolfgang Amadeus Mozart como compositor para violín. Tenía escasos diecisiete años, pese a que ya se pueden observar las bases de su inconfundible estilo. El concierto destaca por su frescura juvenil y vigorosa energía. En tres movimientos, la obra nos
transporta desde un vivaz Allegro moderato hasta el encantador lirismo del Adagio, finalizando con un ágil y brillante Presto. Una pieza que combina destreza técnica y la elegancia característica de la música de cámara mozartiana, que Maxim Vengerov interpretará con su maestría inigualable.

Concierto para violín nº 3 en sol mayor, KV 216 — W. A. Mozart

El Concierto para violín nº 3 en sol mayor, KV 216, compuesto en 1775, es uno de los más populares y emblemáticos de Mozart. Con una estructura clásica en tres movimientos, esta obra es un verdadero testimonio de la madurez temprana de Mozart como compositor. Conocido como el Concierto de Estrasburgo debido a una melodía del último movimiento que recuerda a una danza
popular de la región, se distingue por su equilibrada combinación de elegancia y solidez técnica.

Sinfonía n.º 1 en do menor, op. 68 — J. Brahms

La Sinfonía n.º 1 en do menor, op. 68 de Johannes Brahms, completada en 1876 tras casi 20 años de trabajo, es considerada una obra maestra del repertorio sinfónico. Influenciada por Beethoven, lamnsinfonía muestra un equilibrio entre el rigor estructural y la profunda expresividad. Su primer movimiento es dramático y poderoso, seguido por un andante melódico y sereno. El tercer
movimiento es más ligero, casi pastoral, y el final culmina en un tema triunfal, evocador del estilo beethoveniano. La obra consolidó a Brahms como uno de los grandes sinfonistas del Romanticismo.

Maxim Vengerov: un talento insuperable
Maxim Vengerov, nacido en Novosibirsk en 1974, es una leyenda viva del violín. Desde su temprana infancia demostró un talento extraordinario que le ha llevado a ser uno de los solistas más solicitados del mundo. Su versatilidad le ha permitido sobresalir tanto en el repertorio tradicional como en incursiones en la dirección de orquesta y la enseñanza musical, siendo además Embajador de Buena Voluntad de UNICEF. A lo largo de su carrera ha colaborado con los más grandes directores y orquestas, destacando siempre por su capacidad para conectar profundamente con el público y por una técnica virtuosa que nunca sacrifica la expresividad.

Este concierto representa una nueva ocasión para disfrutar de la maestría de Vengerov en directo, quien ha sido elogiado no solo por su virtuosismo sino también por la pasión y el profundo entendimiento de las obras que interpreta. Su debut en el ciclo de Grandes Intérpretes supone toda una novedad dentro de la programación de uno de los ciclo de piano más antiguos del mundo.

La Schubert Filharmonia y Tomàs Grau
La Schubert Philharmonia es una formación de referencia dentro del panorama musical europeo, caracterizada por su respeto por el repertorio clásico y romántico. Fundada en 2016, ha realizado giras por Europa y ha colaborado con renombrados solistas. Su director, Tomàs Grau, ha sido reconocido por su claridad en la dirección y su capacidad para extraer lo mejor de cada orquesta,
llevando a la Schubert Philharmonia a nuevas alturas interpretativas.

Foto: Davide Cerati

Su nuevo álbum, que saldrá a la venta el 14 de febrero de 2025, incluye también la primera grabación mundial de De Cuerda y Madera, de Gabriela Ortiz.

María Dueñas encuentra el equilibrio perfecto entre arte y técnica al abordar un icono del repertorio en su segundo álbum para Deutsche Grammophon. Tras haber obtenido excelentes críticas y el premio OPUS KLASSIK al Joven Talento del Año 2024 por su debut en DG, Beethoven and Beyond, la violinista española aborda ahora los legendarios 24 Caprichos de Paganini. Los combina con una selección de obras posteriores inspiradas en Paganini, presentando música de compositores que van desde Berlioz a Gabriela Ortiz. Dueñas está acompañada en las piezas de cámara por Boris Kuschnir, los pianistas Itamar Golan y Alexander Malofeev y el guitarrista Raphaël Feuillâtre, y en los caprichos orquestales por la Deutsches Symphonie-Orchester Berlin dirigida por Mihhail Gerts.

«Los 24 Caprichos de Paganini son un hito para todo violinista», explica Dueñas cuando se le pregunta por su repertorio. «Crecí escuchándolos e interpretándolos, y cuando oímos la palabra ‘capricho’ pensamos instantáneamente en Paganini, pero hay tantos otros caprichos, desde el Rondo capriccioso de Saint-Saëns hasta obras de compositores contemporáneos como Cervelló, por ejemplo. Realmente quería mostrar cómo se unen muchos pequeños momentos del mundo musical».

Próximas fechas confirmadas en España

12 enero / Auditorio Nacional (Madrid) / Marin Alsop, Philharmonia Orchestra

13 enero / Palau de la Música (Barcelona) / Marin Alsop, Philharmonia Orchestra

13 y 14 marzo / Sala Sinfónica Jesús López Cobos (Valladolid) / Vasily Petrenko,

Or. Sinf. Castilla y León

20 y 21 marzo / Teatro Monumental (Madrid) / Christoph König, Orquest Sinfónica RTVE

Entre el 15 y el 22 de octubre el Teatro Real ofrecerá ocho funciones de El lago de los cisnes interpretadas por el San Francisco Ballet, que hace su presentación en Madrid, con la versión coreográfica de Helgi Tomasson sobre este título, clásico entre los clásicos, del ballet.

Será también la primera vez de Tamara Rojo en el Teatro Real como directora artística de la compañía, cargo que asumió en junio de 2022, cuando Helgi Tomasson, después de 37 años al frente del San Francisco Ballet, dejaba el cargo cerrando su última temporada con la producción de El lago de los cisnes que veremos en el Real.

Estrenada en 2009, la coreografía de Tomasson, sobre el original de Marius Petipa y Lev Ivanov, trata de abordar la historia desde otra perspectiva, aportando frescura y acercando el argumento a las nuevas audiencias para hacer más comprensible la narrativa –por ejemplo, con el explícito prólogo sobre la figura de Odette y su destino- pero manteniendo al mismo tiempo la herencia clásica del ballet y el respeto por la coreografía original.

La producción cuenta con un diseño escénico minimalista y un sofisticado vestuario de Jonathan Fenson que, apoyado en la inteligente y delicada iluminación de Jennifer Tripton y las proyecciones de Sven Ortel, consigue un gran efectismo escénico, lleno de momentos sutiles, amplía los límites visuales y ensambla el conjunto de forma que la historia resulta clara y convincente, elegante y contemporánea sin dejar de reflejar los temas y emociones centenarios de la obra. Razones, todas ellas, que han convertido este trabajo en uno de los emblemas del repertorio de la compañía.

Las funciones tendrán en el foso a la Orquesta Titular del Teatro Real dirigida por Martin West, director musical del San Francisco Ballet, con excepción de los días 17 (17.30 h) y 21 de octubre, en los que la parte musical estará a cargo del maestro Ming Luke.

Las bailarinas Sasha de Sola, Wona Park, Nikisha Fogo y Jasmine Jimison, se alternarán en la interpretación del rol principal Odette/Odile. Junto a ellas, Aaron Robison, Wei Wang, Max Cauthorn y Harrison James, darán vida al príncipe Siegfried, y Nathaniel Remez, Jakub Groot y Rubén Cítores encarnarán al malvado Von Rothbart.

La producción contará con la participación de jóvenes alumnos del Conservatorio Profesional de Danza Carmen Amaya, seleccionados en Madrid por la compañía norteamericana.

Imagen © Erik Tomasson

El prestigioso director británico Sir Mark Elder inaugura esta semana con ‘La Sexta’ de Mahler la temporada sinfónica de abono de la Orquestra de la Comunitat Valenciana en Castellón (10 de octubre) y València (11 de octubre).

Para su esperado tercer concierto con la formación titular del Palau de les Arts Reina Sofía, el director emérito de la Orquesta Hallé de Manchester y principal director invitado de la Filarmónica de Bergen ha escogido esta obra -inédita en el repertorio de la OCV-, reconocida como uno de los mayores desafíos artísticos para una orquesta sinfónica y su director.

La ‘Sinfonía N˚ 6’, también conocida como ‘La Trágica’, precisa de un profundo conocimiento además de una agrupación instrumental de contrastado nivel. Tras sus celebradas incursiones en València con Shostakóvich, Strauss, Stravinsky y la inacabada ‘Décima’ de Mahler, el director británico y reputado mahleriano se adentra en esta partitura de inmensa complejidad y profundidad emocional.

Premonitoria de los trágicos acontecimientos que tanto afectarían emocionalmente al compositor nacido en Bohemia, como profetizan los potentes golpes de martillo que se hacen oír en el Finale, ‘La Trágica’ de Mahler cautiva al oyente por su profunda y conmovedora exploración de la experiencia humana.Sir Mark Elder dirigirá a la OCV con este programa el jueves, 10 de octubre,
en el Auditori i Palau de Congressos de Castelló y, posteriormente, el viernes 11 en el Auditori de Les Arts.

Imagen ©Mikel Ponce

El Ballet Español de la Comunidad de Madrid de la mano del bailaor y coreógrafo Jesús Carmona, con 20 bailarines y tres músicos, debutará este sábado 12 de octubre en Teatros del Canal coincidiendo con Hispanidad 2024. La Sala Roja de los Teatro del Canal será el escenario elegido por la nueva compañía madrileña para representar Suite Española, de Isaac Albéniz, y Epifanía de lo flamenco.

Estas dos primeras obras suponen la carta de presentación de este proyecto del Gobierno regional que nace con una dotación económica de 1.300.000 euros y con las máximas de innovación coreográfica y la preservación del patrimonio de la danza española en sus modalidades académica, estilizada, folclore, bolera y flamenca.

Así, Suite Española tendrá una duración de 45 minutos y será la primera parte del programa. Será coreografiada por primera vez en su orden original salvaguardando así su historia y tradición, renovadas gracias a la técnica dancística. El elenco de bailarines estará acompañado por la orquesta completa de la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (JORCAM).

La segunda pieza, Epifanía de lo flamenco, durará unos 60 minutos y contará con música original de Juan Requena. Se trata de un viaje a través del tiempo, desde los palos fraguados entre España y las Américas, conocidos como cantes de ida y vuelta, a los Caracoles, el palo flamenco más representativo de Madrid. Eduardo Martínez y Arancha Carmona serán coreógrafos invitados.

El Ballet Español de la Comunidad de Madrid es una iniciativa conjunta de las Consejerías de Educación, Ciencia y Universidades, y Cultura, Turismo y Deporte, dirigidas por Emilio Viciana y Mariano de Paco Serrano, respectivamente, que forma parte del Plan Integral de Danza del Ejecutivo autonómico. Se ha constituido como una Fundación con sedes en los Teatros del Canal de la capital y el Auditorio de El Escorial y será la encargada de su gestión.

Al frente de esta compañía está el bailaor y coreógrafo Jesús Carmona, Premio Nacional de Danza 2020 y Premio Benois de la Danse al Mejor Bailarín del Mundo, otorgado por el prestigioso Teatro Bolshoi de Moscú. También fue galardonado en la XXI edición de los Premios de Cultura de la Comunidad de Madrid en la categoría de Danza.

Después de su estreno este sábado, el Ballet Español ofrecerá funciones los días 13, 16, 17, 18, 19, 20, 23, 24, 25, 26 y 27 de octubre. Las entradas se pueden adquirir en la página web de este reconocido espacio escénico.

Equilibrando el repertorio sinfónico con el operístico, el director de orquesta vasco Diego Martin-Etxebarria inaugura la próxima semana la temporada del Auditorio de Tenerife con su debut en la compañía de ópera de la capital tinerfeña dirigiendo una de las obras maestras de Richard Strauss, Ariadne auf Naxos. Obra de dimensiones colosales y de gran complejidad, el ascendente director español cuenta con una amplia experiencia en el repertorio germánico al haber sido director estable de dos compañías en Alemania durante casi una década. Hoy, como director invitado, está desarrollando una aclamada carrera en la que multiplica escenarios y géneros, ya que también dirige zarzuela y ballet, todo en un arco estético que va desde la música antigua a la contemporánea.

En su regreso al podio tinerfeño –hace una década dirigió a la Sinfónica de Tenerife, pero ahora debuta en la temporada lírica–, presentarse con una obra de Strauss ante los melómanos es como un sueño hecho realidad. Y también un reto, ya que, asegura, Ariadne auf Naxos es una obra con una partitura “de gran complejidad, tanto para los músicos como para los cantantes, sin olvidar a los responsables musical y de la puesta escena”.

Dividida en dos actos, el primero, a modo de prólogo, representa “un diálogo constante entre los personajes, con todo especificado hasta el detalle” en la que un grupo de operófilos reflexionan con un compositor sobre el estreno de una obra, la cual se desarrolla en el segundo acto. “En la segunda parte la escritura es radicalmente diferente: grandes líneas vocales, arias de gran complejidad tanto por la tesitura como por la exigencia de fiato junto con pasajes de conjunto llenos de contrapunto”. El reto también se extiende a los miembros de la sinfónica de Tenerife. “La escritura camerística convierte a todos los músicos en solistas, incluidos los de cuerda que normalmente tocan la misma línea”.

La obra se presenta en una nueva producción dirigida escénicamente por Nicola Berloffa, contando con un reparto encabezado por Irina Churilova (Ariadne), Serena Sáenz (Zerbinetta), Na’ama Goldman (Compositor) y Michael König (Bacchus). Se anuncian funciones los días 15, 17 y 19 de octubre.

El maestro Martin-Etxebarria arrancó el curso dirigiendo obras de Arriaga y Mozart con la Bilbao Orkestra Sinfonikoa y más tarde le esperan en la Real Filharmonía de Galicia para ponerse al mando de una gala lírica; en la Filarmónica de Málaga dirigirá obras de Haydn, Liszt y Mozart; en el Staatstheater Kassel dirigirá Katja Kabanova de Janácek; en el Festival de Teatro Lírico Español de Oviedo volverá a dirigir Doña Francisquita y en la temporada de la Orquesta Nacional de España con obras de Ambroise Thomas, Miquel Marqués, María Rodrigo y Julio Gómez.

La Joven Orquesta Nacional de España (JONDE) en coproducción con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), ambas unidades del INAEM (Ministerio de Cultura), realizará su próxima gira de conciertos en torno a la música barroca de la mano del prestigioso director y clavecinista Richard Egarr, quien fue durante 15 años director musical de la Academy of Ancient Music. Los conciertos de la JONDE se integran en la programación del CNDM para la temporada 24/25 y tendrán lugar en Salamanca (28 de noviembre – Auditorio Hospedería Fonseca, Ciclo Salamanca Barroca de la USAL), Madrid (29 de noviembre – Auditorio Nacional de Música, Ciclo Universo Barroco – Cámara) y Úbeda (30 de noviembre – Auditorio del Hospital de Santiago, Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza).

Dos concerti grossi del compositor George Frideric Haendel abrirán el programa a través de un diálogo musical entre las partes solistas y orquestales. La Sinfonía en re mayor BWV 1045 de Johann Sebastian Bach, obra enigmática de apertura de una cantata no identificada, será el hilo musical que conecte con la ópera The Fairy Queen, una las obras icónicas de Henry Purcell, interpretada en forma de Suite. Los atisbos de la música cantada llevarán a cerrar el programa con la Suite para orquesta n.º 3 de Bach cuyo segundo movimiento se ha convertido a través del tiempo en una insignia de la música barroca.

La semana previa a la celebración de los tres conciertos, la JONDE celebrará su cuarto Encuentro anual en Salamanca, en el cual 20 músicos de entre 18 y 26 años recibirán formación especializada para preparar este exigente programa de la mano de tres profesores especialistas en su interpretación: Leo Duarte, Daniela Helm y Joseph Crouch, integrantes de prestigiosas agrupaciones como la Academy of Ancient Music, la Orchestra of the Age of Enlightenment, la Freiburger Barockorchester o The English Concert. El maestro Richard Egarr, actual director invitado principal de la Residentie Orkest y socio artístico de la St Paul Chamber Orchestra, liderará la formación musical y concertística de la JONDE.

La información sobre las entradas para los tres conciertos se puede consultar a través la página web del ciclo Salamanca Barroca de la Universidad de Salamanca, ciclo Universo Barroco (Cámara) y del Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza (FeMAUB).

Con una voz más lírica y expresiva, pero con el mismo carisma y simpatía de siempre, regresa Celso Albelo al Teatro de la Zarzuela en un rol que conoce bien, pues hace once años que, en este mismo Teatro, dio vida a Jorge en “Marina” de Emilio Arrieta. Muchas cosas han cambiado desde entonces pero hay algo que permanece, la melancolía con la que los canarios añoran su tierra, unas Islas Canarias que son toda una multinacional de extraordinarias voces líricas y de la que Celso Albelo es uno de sus máximos exponentes.

Su nombre está vinculado a Flamenco Real desde su creación y ha participado en todas sus temporadas, siempre con propuestas personales, arriesgadas y únicas. Ahora Eduardo Guerrero es el encargado de estrenar la séptima temporada de Flamenco Real con su nuevo espectáculo Códigos, en el que explora las reglas tradicionales del flamenco mostrando la esencia de su estilo, que fusiona una técnica impecable y elegante con la emoción del flamenco puro.

Las funciones para este nuevo espectáculo tendrán lugar los días 16, 17 y 18 de octubre a las 20:00 horas y el 19 de octubre, a las 19.30 y a las 21.30 horas, en el Salón de Baile del Teatro Real, y en ellas estará acompañado por Benito Berbal, a la guitarra, y Antonio Carmona, a la percusión, junto a las voces de Pilar Sierra, habitual colaboradora del bailaor, y Anabel Rivera, cantaora destacada por su estilo apasionado y profundo.

Eduardo Guerrero llega al Teatro Real en un momento cúspide de su creación artística tras recibir el pasado lunes 30 de septiembre el Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid en la categoría de Danza por su gran trayectoria coreográfica y su contribución al desarrollo sociocultural de la región. El bailaor, que acaba de presentar un montaje innovador junto al Ballet Nacional de Canadá en el Museo Aga Khan de Toronto, tiene en el Teatro Real el escenario donde mostrar al público madrileño su inconfundible estilo. Con su baile definido, en el que deconstruye las raíces flamencas para dibujar un universo modelado por sus experiencias vitales, y una concepción del espectáculo en el que cuida la puesta en escena, la elección de las canciones y el diseño del vestuario, se ha convertido en el nombre del nuevo flamenco.

Códigos es un espectáculo que reflexiona sobre cómo, en su origen, leyes y códigos nos defendieron de la barbarie, pero también contribuyeron a amordazarnos, o, quizá, nos salvaron. Llevando al extremo la rítmica, el trabajo físico y la descomposición de la escena, Eduardo Guerrero muestra su código flamenco, del valor del cuerpo, de sus luces y sombras, de su delicadeza y desarrollo. Con este espectáculo quiere mostrar la intangibilidad de la danza, la delicadeza de los acordes en la guitarra, el cante puro y la percusión como símbolo primitivo, la irrealidad del arte que conecta con el misticismo… Un mundo cargado de significados ambiguos y de comprensión irracional. Los códigos hechos realidad.

El bailaor gaditano siempre se ha sentido un ser libre. No es de estirpe gitana, no ha crecido en el seno de una familia de artistas, su sed de baile nace de un impulso íntimo, de la necesidad de expresarse a través del cuerpo desde la cultura de su tierra, ese Cádiz natal donde comenzó a formarse y donde dio sus primeros pasos en la escuela de Carmen Guerrero con tan solo seis años. Entendió desde el principio que el flamenco es una manera de contar y de mostrar el mundo y que su generación tiene otras inquietudes y unos problemas muy distintos de los de antaño, por eso arriesga, evoluciona, apuesta y desnuda su alma ante el público.

Eduardo Guerrero ha trabajado con grandes artistas del panorama nacional desarrollando papeles principales en la Compañía de Aida Gómez, Eva La Yerbabuena, Rocío Molina, el Ballet Nacional de España, Javier Latorre o Rafael Aguilar. En 2011 obtiene el Premio Concurso Coreográfico Conservatorios Profesionales con su coreografía “Mayo” y, poco después, se suceden los reconocimientos: Premio Desplante del Festival de las Minas de la Unión (2013); Premio del Público del Festival de Jerez, espectáculo Guerrero (2017); Premio Pata Negra (2018) y Premio Fiver, Internacional Dance Film Festival, con Symphony of the body (2019).

Es uno de los artistas más asiduos en las temporadas de Flamenco Real, ha participado en dos de las giras internacionales organizadas por el Teatro Real bajo el título de Authentic Flamenco, cosechando un gran éxito y reconocimiento en diversas ciudades de India y Brasil.

Homenaje de Flamenco Real

Flamenco Real rinde homenaje, en su séptima temporada, a dos grandes leyendas del flamenco: el guitarrista Víctor Monje “Serranito” y la bailaora Francisca Sadornil “La Tati”.

Víctor Monge, Serranito, Madrid, 1942. Guitarrista y compositor madrileño, es considerado uno de los grandes virtuosos del flamenco y la guitarra española, con una carrera que comenzó a los 8 años. Autodidacta y pionero, ha sido fundamental en la evolución del flamenco y ha logrado reconocimiento incluso en el ámbito de la música clásica. Con más de 60 años de trayectoria y 20 trabajos discográficos, se le ha otorgado la Medalla de Oro de las Bellas Artes (2019) y está realizando su gira de despedida, «Como un Sueño», celebrando 65 años en los escenarios.

Francisca Sadornil, La Tati, Madrid, 1945. Bailaora de flamenco, a lo largo de su carrera, ha sabido conjugar la tradición flamenca con una sensibilidad artística única, cautivando al público con su presencia escénica y dominio técnico. Su trayectoria incluye actuaciones en prestigiosos teatros y colaboraciones con grandes artistas del flamenco. Sadornil se ha consolidado como una embajadora de la cultura flamenca, llevando su arte por el mundo. Es miembro del Consejo Internacional de la Danza de la Unesco.

Fotógrafo © Juanlu Vela

La mezzosoprano Fleur Barron, la pianista Marta Puig y un fabuloso quinteto con piano protagonizan este recital del LIFE Victoria dedicado a Mahler y Schubert.

El programa incluirá el Adagietto de la Sinfonía núm. 5 de Mahler, los Rückert-Lieder del compositor bohemio, y Die Forelle y Forellenquintet de Schubert.

El quinteto, creado para esta ocasión, está integrado por jóvenes talentos nacionales: Federico Piccotti en el violín, Edgar Francis en la viola, Pau Codina en el violonchelo, Nicholas Santangelo Schwartz en el contrabajo y Marta Puig al piano.

El LIFE Victoria ofrece un nuevo recital lírico este jueves 10 de octubre a las 20h en Sant Pau Recinte Modernista a cargo de la mezzosoprano británica-singapurense Fleur Barron, la pianista catalana Marta Puig -residente del LIFE Victoria- y un quinteto creado especialmente para la ocasión, integrado por Daniel Piccotti, Edgar Francis, Pau Codina, Nicholas Santangelo Schwartz y la propia Puig.

El programa, dedicado a Mahler y Schubert, incluye el Adagietto de la Sinfonía núm. 5 del compositor bohemio, interpretado al piano por Marta Puig, así como las versiones con quinteto de los Rückert-Lieder de Mahler, y Die Forelle y Forellenquintet de Schubert, obras que fascinaban a Victoria de los Ángeles y que en esta ocasión estarán en manos de jóvenes intérpretes que ya forman parte del legado musical de la soprano.

El recital que Ludovic Tézier nos brindó el pasado 3 de octubre en el Teatro Real, tenía como primer atractivo la original selección de obras, ya que no suelen ser las más habituales en este tipo de recitales, con una primera parte dedicada al repertorio francés y una segunda parte dedicada íntegramente a Wagner.

Domina, como no puede ser de otra manera, el repertorio francés. Empezó con una extraordinaria versión de “Scintille, diamant”, de Les contes d’Hoffmann de Offenbach, con una delicada y luminosa interpretación.

Continuó con Sois “immobile”, de Guillaume Tell de Rossini, interpretada con el nervio y la contundencia de su voz baritonal, terminando esta primera parte con “Qui donc commande quand il aime?”, de Henry VIII de Saint-Saëns y “Voici donc la terrible cité”, de la Thaïs de Massenet. Fue en estas dos versiones en las que Tézier demostró su capacidad dramática. A su riqueza timbrica y voz voluminosa, se unen unos bajos profundos y potentes y un centro y agudos baritonales ricos en colores y densidades. Posee un registro amplio que le permite abordar ciertos roles wagnerianos, como demostró en la segunda parte del recital.

Comenzó esta segunda parte con “O du mein holder Adendstern”, del Wolfram de Tannhäuser, para llegar a los dos monólogos más importantes de Wotan, “Abendlich strahlt der Sonne Auge”, de Das Rheingold y “Wotans Abschied und Feuerzauber”, de Die Walküre, donde tuvo sus momentos de mayor lucimiento, tanto en lo vocal como en la interpretación. Su ascenso al Wallhala fue conmovedor, con variedad de matices, amplia tesitura y una gran carga de profundidad.

La sorpresa de la noche vino de la mano del joven director berlinés Marcus Merkel (1991), al frente de la Orquesta Titular del Teatro, ya que una parte importante del recital tuvo como protagonista obras orquestales de los mismos compositores. Empezaron con una obra animada, la Obertura de La perle du Brésil, de Félicien David. Seguido de la “Bacanal” de Samson et Dalila, para terminar esta primera parte con la “Meditación” de Thais.

La segunda parte de la orquesta también estuvo protagonizada por Wagner. Empezaron con el preludio de Los maestros cantores, que tienen muy reciente, para terminar con la Cabalgata de las Walquirias. La orquesta sonó homogénea y elegante, con un sonido limpio y mostrando la personalidad de cada obra. Muy bien los solistas, sobre todo el primer violín en la pieza de Massenet.

Las propinas no se quedaron atrás en este despliegue vocal y orquestal. Después del intenso y emocional repertorio francés y de la exigencia de Wagner, Tézier se marcó el aria final del Macbeth verdiano y una conocida canción Del hombre de La Mancha.

Un recital que terminó con el público en pie ante el alarde vocal y la presencia escénica que siempre nos ofrece un grande como Lusovic Tézier.

Fotografía © Javier del Real | Teatro Real

El prestigioso Cuarteto Belcea inaugurará la temporada 24/25 del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en el Auditorio Nacional de Música con dos obras maestras del repertorio de música de cámara junto con la reconocida violista Tabea Zimmermann, estrella indiscutible del instrumento y una de las intérpretes más solicitadas internacionalmente. El programa incluye dos quintetos de Wolfgang Amadeus Mozart. El concierto tendrá lugar el viernes 11 de octubre, a las 19:30 horas, en el marco del ciclo Liceo de Cámara XXI del CNDM, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música.

El programa se abrirá con el Quinteto de cuerda n.º 2 en do menor, K 406 de Mozart, que constituye la transcripción de la conocida Serenata para instrumentos de viento, K 388. Este quinteto, que contiene vibrantes y enérgicos pasajes, es un ejemplo de la maestría del compositor austríaco en la elaboración contrapuntística así como de su capacidad para describir, a través de la música, estados de ánimo diversos y contrapuestos. Por su parte, el Quinteto de cuerda n.º 3 en do mayor, K 515 se concluyó justo antes de que el compositor comenzara a trabajar en la famosa ópera Don Giovanni, con cuyos pasajes más solemnes y majestuosos comparte ciertas similitudes. Junto con el quinteto anterior, es una de las obras cumbre del periodo pletórico de la creación mozartiana.

De la mano del Cuarteto Belcea y Tabea Zimmermann, el público podrá asistir a una velada que promete ser una de las grandes citas musicales de la nueva temporada del CNDM. Formado en 1994, el Belcea es uno de los cuartetos más sobresalientes del panorama actual. La formación está integrada por la violinista rumana Corina Belcea, la violinista coreano-australiana Suyeon Kang, el violista polaco Krzysztof Chorzelski y el chelista francés Antoine Lederlin, músicos que cuentan con orígenes artísticos diferentes para crear una excelencia única. El cuarteto se caracteriza por su virtuosismo interpretativo en perfecto equilibrio con una expresividad inigualable, un elemento que también caracteriza a la violista Tabea Zimmermann, quien ha figurado durante más de cuatro décadas entre las principales violistas de su tiempo.

Liceo de Cámara XXI

El ciclo Liceo de Cámara XXI del CNDM estará compuesto por 12 conciertos de los mejores cuartetos y solistas del momento. Por primera vez, nos visitará la violista española Sara Ferrández, en compañía del violinista Yamen Saadi (concertino de la Filarmónica de Viena) y el violonchelista Kian Soltani, este último fiel colaborador del maestro Daniel Barenboim. Interpretarán en formato trío las famosísimas Variaciones Goldberg. Soltani también nos visitará junto al pianista Mao Fujita y el violinista Renaud Capuçon. El tercer trío destacado será el de Vilde Frang y Valeriy Sokolov junto al violista Lawrence Power. El cuarteto integrado por el pianista Jonathan Biss, la violinista Liza Ferschtman, la violista Malin Broman y el violonchelista Antoine Lederlin interpretará, entre otras, una pieza de Fanny Hensel-Mendelssohn. Esta constante incorporación de repertorio de mujeres compositoras en el ciclo se podrá apreciar también en el concierto que ofrecerá la pianista Judith Jáuregui junto al Cuarteto Gerhard, con un programa que incluye el quinteto para piano de Amy Beach, una de las más destacadas compositoras y pianistas estadounidenses del pasado reciente. Contaremos, nuevamente, con los mejores cuartetos del panorama actual, como el Cuarteto Casals y el Cuarteto Cosmos, el Cuarteto de Cuerda de la Staatskapelle Berlin junto a la pianista Elisabeth Leonskaja o el Cuarteto Belcea con la violista Tabea Zimmermann, que nos visita en esta ocasión. A dúo disfrutaremos de la violinista Patricia Kopatchinskaja y la violonchelista Sol Gabetta, o del violonchelista Gautier Capuçon con el pianista Alexandre Kantorow, en su debut en el CNDM. Por último, contaremos con un concierto extraordinario que acogerá, por primera vez en esta programación, la visita de la arrolladora violinista Janine Jansen junto al pianista Denis Kozhukhin.

Sobre el Cuarteto Belcea

Pasión, unida a precisión, expresividad inaudita y emoción pura caracterizan los conciertos del Cuarteto Belcea. Con la violinista rumana Corina Belcea, la coreano-australiana Suyeon Kang al segundo violín, el violista polaco Krzysztof Chorzelski y el violonchelista francés Antoine Lederlin, cuatro procedencias artísticas diferentes se encuentran y se unen para crear una excelencia única. El repertorio del conjunto abarca desde Haydn, Mozart y Beethoven hasta Bartók, Janacek y Szymanowski. También siguen presentando al público nuevas obras de compositores actuales como Guillaume Connesson (2023), Joseph Phibbs (2018), Krzysztof Penderecki (2016), Thomas Larcher (2015) y Mark-Anthony Turnage (2014 y 2010). Esta temporada se estrenará una nueva obra de Julian Anderson. Estas obras de encargo se crean en asociación con el Belcea Quartet Trust, la propia fundación del cuarteto, cuyo objetivo es ampliar continuamente la literatura del cuarteto de cuerda, así como apoyar a los cuartetos jóvenes a través de sesiones concentradas de ensayo conjunto. De este modo, también pueden transmitir a la siguiente generación la experiencia que adquirieron como alumnos del Cuarteto Amadeus & Alban Berg. Además de las grabaciones completas de los Cuartetos de cuerda de Bartók, Beethoven, Brahms (Diapason d’or de l’année 2016) y Britten, la amplia discografía del cuarteto incluye obras de Berg, Dutilleux, Mozart, Schoenberg, Schubert, Shostakóvich, Janáček y Ligeti (entre otros). De 2017 a 2020, el cuarteto ocupó el prestigioso puesto de Ensemble en Residencia en la Sala Pierre Boulez de Berlín. Desde entonces, han actuado allí con regularidad. Además, el Cuarteto Belcea ha formado parte de una serie compartida de Cuartetos de Cuerda en el Konzerthaus de Viena desde 2010. A partir de la temporada pasada, el Cuarteto Ébène se convirtió en su conjunto asociado. Esta temporada, el Cuarteto Belcea actuará como invitado en las tres importantes bienales europeas de cuartetos de cuerda de París, Lisboa y Ámsterdam. Además, actuarán en varias salas de prestigio, como el Carnegie Hall de Nueva York, la Elbphilharmonie de Hamburgo, el Flagey de Bruselas, el National Concert Hall de Dublín, la Tonhalle de Zúrich, el Toppan Hall de Tokio o el Auditorio Nacional de Música de Madrid.

Sobre Tabea Zimmermann

Durante más de cuatro décadas, Tabea Zimmermann ha figurado entre las principales violistas de su tiempo. Ha grabado casi todo el repertorio para su instrumento, y compositores como György Ligeti, Wolfgang Rihm y Georges Lentz le han dedicado obras. Más allá de su papel como intérprete, se considera a sí misma una gran colaboradora del mundo musical. Fue la profesora más joven de Alemania y ha formado a toda una generación de violistas. Como presidenta de la Fundación Hindemith y (desde julio de 2023) de la Fundación Musical Ernst von Siemens, apoya a jóvenes artistas, especialmente en el sector de la Nueva Música. Con su propia fundación, apoya específicamente proyectos innovadores e interculturales. Por supuesto, sigue actuando como solista y músico de cámara. Tras su residencia con la Filarmónica de Berlín y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, la Orquesta de Cámara de Saint Paul ha nombrado a Zimmermann Directora Artística durante tres años. Además, en su agenda figuran actuaciones como invitada en Japón, conciertos de retrato en el Festival SWR de Schwetzingen y esta gira europea con el Cuarteto Belcea.

Fotografía: Maurice Haas

La Orquesta de Córdoba da comienzo a su temporada de abono con dos conciertos bajo la batutadel director titular Salvador Vázquez. Bajo el nombre El Año de 1808, los conciertos se celebrarán los días jueves 10 y viernes 11 de octubre de 2024, a las 20:00 h, en el emblemático Gran Teatro de Córdoba.

El programa invita a revivir una de las composiciones más emblemáticas de la historia de la música sinfónica: la Sinfonía n.º 5 en do menor, Op. 67 de Ludwig van Beethoven. Creada en el año 1808, esta sinfonía sigue resonando a lo largo de los siglos gracias a su célebre motivo inicial, el cual, según el propio Beethoven, evoca cómo “el destino llama a la puerta”. La Sinfonía n.º 5 es una obra que ha marcado la historia de la música clásica consolidándose hasta nuestros días como un hito en el desarrollo del sinfonismo.

El concierto dará comienzo con la brillante obertura de la ópera bufa La novia vendida" del compositor checo Bedřich Smetana. A continuación, el público podrá disfrutar del Gran dúo Concertante para violín y contrabajo de Giovanni Bottesini, conocido como "el Paganini del contrabajo". Esta obra, que se interpretará por primera vez por la Orquesta de Córdoba, contará con la participación de dos solistas muy especiales, Isel Rodríguez al violín y Nazaret Kiourtkchian al contrabajo, ambos músicos pertenecientes a la orquesta.

VENTA DE ABONOS

Para disfrutar de toda la temporada y no perderse ninguna de estas interpretaciones la Orquesta de Córdoba ofrece diferentes tipos de abonos que permiten vivir su temporada con tarifas ajustadas a cada necesidad.

Hay abonos de temporada completa y de ciclos específicos, con descuentos para los mayores de 65 años, desempleados y grupos a partir de 10 personas. Además, se amplía hasta los 35 años el descuento del 50% para jóvenes. Los precios varían según la ubicación y la categoría, proporcionando opciones accesibles para todos los públicos. La venta de abonos estará abierta hasta el miércoles 10 de octubre. Para más detalles sobre precios y modalidades visita la página oficial

Programa:

BIEDRICH SMETANA (1824-1884): La novia vendida, Obertura (1866)

GIOVANNI BOTTESINI (1821-1889): Gran dúo concertante para violín y contrabajo (1844) [Orq. C. Sivori]
LUDWIG van BEETHOVEN (1770-1827): Sinfonía n.º 5 en do menor, Op. 67 (1807-08)

Solistas:
Isel Rodríguez, violín
Nazaret Kiourtkchian, contrabajo

Salvador Vázquez

Salvador Vázquez es reconocido como uno de los artistas más vibrantes y carismáticos de la nueva generación de directores de orquesta en España, con un especial entusiasmo por la ópera.

Este destacado director de orquesta español ha logrado consolidarse en la escena musical tanto a nivel nacional como internacional. El director artístico de la Joven Orquesta Barroca de Andalucía (JOBA), ha sido director titular del Coro de Ópera de Málaga y director asistente en importantes instituciones como la Orquesta Académica de la Fundación Barenboim-Said, la Orquesta Joven de Extremadura y la Orquesta de Extremadura. Su creciente reconocimiento lo ha llevado a dirigir en proyectos internacionales en Brasil, Países Bajos y Rumania.

A lo largo de su carrera, ha dirigido orquestas de renombre como la Orquesta Sinfónica de RTVE, la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, la Orquesta Sinfónica de Tenerife, y la Orquestra Sinfônica de Porto Alegre en Brasil, entre muchas otras. Además, ha colaborado con destacados solistas y cantantes como Anna Fedorova, Nancy Fabiola Herrera, Raquel Lojendio, Vadym Kholodenko y Ainhoa Arteta, demostrando su versatilidad en una amplia variedad de repertorios.

Su talento ha sido reconocido con el Premio ‘Ciudad de Málaga’ a la mejor labor musical en 2015 y el Primer Premio del Concurso Internacional de Dirección de Orquesta de Córdoba en 2016, además de ser finalista en la 56ª Edición del Concurso Internacional de Dirección de Besançon. Vázquez es conocido por su carisma y su entusiasmo por la ópera, cualidades que le han valido elogios de la crítica especializada, como la revista SCHERZO, que destacó su trayectoria ascendente y su proyección hacia compromisos artísticos de mayor envergadura.

Recientemente, dirigió a la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid en su exitoso debut en el Teatro de la Zarzuela, y encabezó un ambicioso proyecto con la Oscyl y la Orquesta de Córdoba, interpretando la obra completa de los conciertos para piano de Rachmaninov en un maratón conmemorativo por el 150 aniversario del compositor.

Recién ingresada como académica de número en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (RABASF), la mezzosoprano María José Montiel brindará el próximo 10 de octubre (a las 12h) un recital en la sede madrileña de la institución con el que festeja su nombramiento celebrado el pasado mes de junio. Acompañada por el pianista Miquel Estelrich, la cantante madrileña interpretará un programa que, bajo el título “De puentes y almas”, hará un repaso a un repertorio “amplio y variado que incluye una muestra de la música que me ha acompañado durante mi vida de autores españoles y de Hispanoamérica, transitando un sendero cultural invisible, de unión y de hermandad; no faltarán canciones eternas de compositores como Falla, Turina, Halffter, Granados, Toldrà o Montsalvatge, pasando por Guastavino, Ginastera o Lecuona, entre otros”, confiesa emocionada. Montiel, que ya ha iniciado su actividad en la RABASF esta misma semana, seguirá esta temporada compaginando su actividad sobre los escenarios con su labor como catedrática de canto de la Universität der Kunste en Berlín y en los Cursos Universitarios Internacionales Música en Compostela.

Por otra parte, el 18 de noviembre recibirá el Premio Floridablanca 2024 otorgado por la Fundación Los Álamos (Murcia), galardón que reconoce “la extraordinaria trayectoria artística de María José Montiel en el mundo de la ópera y la zarzuela, abarcando tanto repertorios clásicos como contemporáneos, además de su notable labor docente e investigadora”.

Entre sus próximos compromisos figuran un Requiem de Verdi en la IV edición del Festival RenHacer organizado por la Fundación Columbus en el País Vasco.

Tras su debut en la inmortal Novena Sinfonía de Beethoven el pasado mes de septiembre junto a la Orquesta de Córdoba al mando de Salvador Vázquez en la Mezquita de Córdoba –inaugurando el XVII Congreso de la Organización de Ciudades Patrimonio Mundial–, la soprano Auxiliadora Toledano ofrecerá, el próximo 8 de octubre, un recital que incluye una selección de los Lieder más emblemáticos de uno de sus compositores de cabecera, Wolfgang Amadeus Mozart. Se trata de piezas de gran complejidad que la cantante andaluza interpretará acompañada al piano por Julio Alexis Muñoz en la exclusiva Sociedad Bilbaína, un compromiso que afronta con “gran entusiasmo y responsabilidad”, según afirma; “he diseñado un programa bastante complejo, de gran exigencia técnica, y al mismo tiempo bellísimo; lo trabajé junto a la gran Teresa Berganza –quien fuera mentora de Auxiliadora– para un recital que ofrecí unos meses después de ese trabajo conjunto, una experiencia absolutamente espectacular. Mozart, estoy convencida, es una auténtica medicina para la voz que combina a la perfección belleza y rigor técnico, aspectos que en este repertorio más íntimo quedan muy bien reflejados. La aparente sencillez de estas piezas únicas está envuelta de una gran elegancia y nobleza y rebosan humanidad, ya que sus textos hablan de amor, felicidad, tristeza o amistad; volver a interpretarlas es un sueño hecho realidad, y estoy segura de que el público las va a disfrutar muchísimo”, asegura.

Tras este compromiso, Auxiliadora Toledano seguirá en Bilbao para brindar un recital con obras de Satie, Poulenc, Coward, R. Landon, Strauss o Hahn, entre otros, en el Festival Fair Saturday (30 noviembre; Iglesia de la Encarnación); en diciembre le espera un concierto de ópera y zarzuela junto al barítono Luis Cansino en el Teatro el Silo para la Fundación Ricardo Delgado Vizcaíno.

El próximo 16 de octubre de 2024, a las 19:30h, la Fundación Scherzo tiene el honor de presentar en su Ciclo de Grandes Intérpretes al legendario pianista Ivo Pogorelich, una de las figuras más influyentes y controvertidas del piano contemporáneo. El concierto tendrá lugar en el Auditorio Nacional de Música de Madrid, en el marco de este prestigioso ciclo que celebra su 30ª edición.

Desde su irrupción en el panorama musical en los años 80, Pogorelich ha cautivado a la crítica y al público por su extraordinaria técnica, su enfoque profundo y emocional, y su inconfundible estilo interpretativo. Su regreso a este ciclo marca una oportunidad única para los amantes de la música clásica de experimentar su singular visión artística en directo.

El Ciclo de Grandes Intérpretes de la Fundación Scherzo, reconocido por traer a los más destacados pianistas del mundo, ha contado a lo largo de su historia con figuras como Grigory Sokolov, Maurizio Pollini y Maria João Pires, consolidándose como una de las citas imprescindibles de la música clásica en España.

Sobre el artista Ivo Pogorelich, nacido en Belgrado, alcanzó fama internacional en 1980 tras su controvertida participación en el Concurso Chopin de Varsovia, donde, a pesar de no haber recibido un premio, su actuación generó una polémica que lo catapultó a la fama. Desde entonces, ha sido aclamado por su estilo interpretativo único y su habilidad para aportar nuevas perspectivas a los grandes clásicos del repertorio pianístico.

Para esta cita tan esperada, el pianista ruso ofrecerá un recital con obras de Chopin, Sibelius, Schumann… Comenzando por el Preludio en Do sostenido menor, Op. 45 de Chopin, obra breve pero intensa, de tonalidad sombría y una complejidad armónica que hacen de este preludio una joya del repertorio romántico. A continuación, interpretará otro de los epítomes románticos: los Estudios Sinfónicos, Op. 13 de Schumann, una de las grandes contribuciones al repertorio pianístico, formada por toda una serie de variaciones entre las que se incluirán las menos interpretadas variaciones póstumas.

La segunda parte estará marcada por el Valse Triste, Op. 44 de Sibelius: originalmente parte de la música incidental para la obra de teatro Kuolema, este vals es una pieza melancólica que refleja la profunda tristeza y la sensación de pérdida que caracteriza muchas de las obras de Sibelius.

Por último, los Seis Momentos Musicales, D 780 (Op. 94) de Schubert, instantes musicales evocadores que demuestran el lirismo y la simplicidad de del genio de lied. Cada una de ellas captura un estado de ánimo o momento diferente, desde la serenidad hasta la agitación, destacando la habilidad de Schubert para expresar una gama de emociones en un formato breve.

De esta forma, Ivo Pogorelich vuelve al Ciclo de Grandes Intérpretes en la que será su 8ª participación. El mes de octubre proseguirá con una de las grandes novedades dentro de nuestra programación: el concierto del violinista Maxim Vengerov y la Franz Schubert Filharmonia el 21 de este mes.

Fotografía: Bernard Martinez

El Teatro de la Zarzuela comienza la nueva temporada con un título que el aficionado siempre agradece y disfruta con especial emoción. Se trata de ‘Marina’, la ópera en tres actos que Emilio Arrieta estrenara allá por 1871 en el Teatro Real de Madrid (dieciséis años antes había visto la luz en formato de zarzuela), con libreto de Francisco Camprodón y Miguel Ramos Carrión.

A lo largo de los 168 años de historia del Teatro de la Zarzuela (que se cumplen este próximo mes de octubre), ‘Marina’ —junto con ‘El barberillo de Lavapiés’, ‘Jugar con fuego’, ‘El dúo de «La africana»’ o ‘La Gran Vía’— es uno de los títulos con mayor presencia en este escenario. Pero la de Arrieta, con gran diferencia y como vuelve a ser el caso, ha protagonizado más estrenos de temporada que ninguna otra obra lírica. Sin lugar a dudas, una perla musical dentro de la vertiente española del género,

La producción que presenta estos días la Zarzuela en 10 funciones del 9 al 20 de octubre, es una nueva y deslumbrante producción con dirección de escena de la siempre cautivadora Bárbara Lluch, que tan buen sabor de boca dejó al público de este mismo teatro con sus montajes de ‘La casa de Bernarda Alba’ (2018) y ‘El rey que rabió’ (2021).

Para la ocasión, frente a la Orquesta de la Comunidad de Madrid (Titular del Teatro) ocupará el foso José Miguel Pérez-Sierra (Maestro titular de la casa), uno de nuestros directores más cosmopolitas y unánimemente celebrados.

El reparto que subirá a escena junto al Coro Titular del Teatro de la Zarzuela dirigido por Antonio Fauró, está integrado por grandes figuras internacionales como son las sopranos Sabina Puértolas y Marina Monzó (las dos “Marinas”, enamoradas en secreto del joven marino Jorge), los tenores Ismael Jordi y Celso Albelo (en el papel del capitán de buque Jorge. Enamorado a su vez y también de forma furtiva de Marina, ambos jóvenes ven peligrar su futuro por medias palabras y malos entendidos), los barítonos Juan Jesús Rodríguez y Pietro Spagnoli (que encarnan el rol del contramaestre Roque, un personaje desengañado que recurre al alcohol como refugio, y que al cabo es quien intuye los problemas y trata de poner orden en el enredo) o los bajos Rubén Amoretti y Javier Castañeda (que hacen las veces de Pascual, el tercero en discordia en esta historia de amores secretos a la orilla del mar). También participa en la producción la Rondalla Lírica de Madrid «Manuel Gil» dirigida por Antonio Ortega.

La propuesta cuenta con la sensibilidad y la belleza escenográfica de Daniel Bianco, la imaginación y la creatividad del vestuario de Clara Peluffo Valentini, el romanticismo de la iluminación de Albert Faura, y el inteligente e impactante diseño de videoproyeccciones de Pedro Chamizo.

Fuertes emociones y belleza

Bárbara Lluch dirige el punto de mira de su ‘Marina’ a un lugar muy concreto. Según avanza la obra, vemos como los personajes «se mueven entre el miedo al rechazo, al abandono, la inseguridad, los celos, los complejos o la incertidumbre»; esas emociones que «complican nuestras relaciones amorosas continuamente y que tanto daño nos hacen». Para Lluch, la obra contiene también «las músicas más bellas del mundo». Emociones y melodías se dan por tanto la mano en esta sobrecogedora historia de amores y mar.

Por su parte, José Miguel Pérez-Sierra, quien conoce bien la obra de Arrieta, considera que ‘Marina’ «es la ópera idónea para una inauguración brillante de la temporada porque requiere de grandes voces como las que tenemos en los dos repartos». Y es que «la frescura juvenil de la historia se combina con el excelente trabajo vocal y orquestal de Arrieta para ofrecernos una de las obras más bellas del repertorio español».

Sin duda, una forma magnífica de comenzar la temporada.

El próximo jueves, 3 de octubre, a las 19.30 horas, el Teatro Real ofrecerá el tercer concierto lírico de su Temporada 2024-2025, esta vez con el barítono Ludovic Tézier y la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Markus Merkel, que debutará en el Real.

El programa, que alterna arias y obras orquestales, tiene dos partes muy distintas: en la primera Ludovic Tézier interpretará arias de ópera francesa, repertorio que domina y cuyos papeles protagonistas para barítono se ajustan a su voz poderosa y a su timbre cálido y oscuro, que, unido a una técnica impecable, le permiten afrontar roles muy diversos. La segunda parte será íntegramente dedicada a Wagner, con escenas de Tannhäuser, El oro del Rin y La valquiria.

El concierto comienza con el perfume tropical de la obertura de La perle du Brésil, de Félicien David (1810 – 1876), con el exotismo del gusto francés de fin de siécle y la clara influencia de Berlioz o Meyerbeer. Le sigue la primera aria, «Scintille, diamant» de Les contes d’Hoffmann, de Jacques Offenbach (1819 – 1880), en la que Tézier da vida a Nicklausse, cantando el amor y al arte, “deslumbrantes como un diamante”, para animar a Hoffmann en medio de sus desventuras. La orquesta continúa con el intermezzo del acto IV de la misma ópera, en unas páginas teñidas de melancolía y delicada orquestación que expresan la lucha interna de Hoffmann, entre la emoción y la razón.

Cambiando completamente de registro, en el aria «Sois immobile», Guillermo Tell, en la ópera homónima de Giacomo Rossini (1792 – 1868), le pide a su hijo que permanezca inmóvil mientras él se prepara para disparar una flecha a una manzana colocada sobre su cabeza, como parte de un cruel castigo impuesto por el gobernador. Es un momento lleno de tensión dramática, con el eterno conflicto entre el amor paterno y el deber político.

Después de la «Bacchanale» de Samson et Dalila, de Camille Saint-Saëns (1835 – 1921), pieza orquestal llena de contrastes, quizás el punto culminante de la ópera, anticipando la inevitable caída de Sansón, Tézier vuelve a enfundarse el traje de un rey, ahora como Enrique VIII en la ópera homónima de Saint-Saëns, reflexionando sobre el poder y el amor.

La primera parte concluye con Thaïs, de Jules Massenet (1842 – 1912). Después de la célebre «Méditation» pieza orquestal, in

La Orquesta Titular del Teatro Real inicia la segunda parte con el Preludio de Los maestros cantores de Núremberg, de Richard Wagner (1813 – 1883), que evoca, a través de una riquísima orquestación, la vida cotidiana de Núremberg, con su herencia cultural y sus tradiciones.

Le sigue «Wie Todesahnung… O du mein holder Abendstern», aria de Tannhäuser en la que Wolfram von Eschenbach expresa su amor idealizado por Elisabeth, a través de un ambiente etéreo que evoca la comunión espiritual entre ambos.

Sonará entonces la popular «Cabalgata de las valquirias», que antecederá al crucial monólogo de Wotan «Abendlich strahlt der Sonne Auge» de El oro del Rin.

El concierto concluirá con otra conocida escena de la Tetralogía: la emocionante y trascendente «Wotans Abschied und Feuerzauber», en el final del tercer acto de La valquiria, en la que Wotan, profundamente dolido, se despide y castiga a su amada hija Brünnhilde, quien le ha desobedecido, en una profunda reflexión sobre el sacrificio y el destino.

PROGRAMA

Ludovic Tézier, barítono

Orquesta Titular del Teatro Real

Marcus Merkel, director de orquesta

PARTE I

FÉLICIEN DAVID (1810 – 1876)

La perle du Brésil

Obertura

JACQUES OFFENBACH (1819 – 1880)
Les contes d’Hoffmann

«Scintille, diamant»

Intermezzo del acto IV

GIOACHINO ROSSINI (1792 – 1868)
Guillaume Tell

«Sois immobile»

CAMILLE SAINT-SAËNS (1835 – 1921)
Samson et Dalila

«Bacchanale»

Henry VIII

«Qui donc commande quand il aime?»

JULES MASSENET (1842 – 1912)
Thaïs

«Méditation»

«Voici donc la terrible cité»

PARTE II

RICHARD WAGNER (1813 – 1883)
Die Meistersinger von Nürnberg

Preludio

Tannhäuser

«Wie Todesahnung… O du mein holder Abendstern»

Die Walküre

«Cabalgata de las valquirias»

Das Rheingold

«Abendlich strahlt der Sonne Auge

Die Walküre

«Wotans Abschied und Feuerzauber» Wotan

BIOGRAFÍAS

LUDOVIC TÉZIER, barítono

Este barítono francés formado en Marsella y París actúa regularmente en escenarios como la Metropolitan Opera House de Nueva York, la Staatsoper de Viena, la Opéra national de París, el Teatro alla Scala de Milán, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, el Grand Téâtre de Ginebra, la Royal Opera House de Londres, la Bayerische Staatsoper de Múnich, la Deutsche Oper y la Staatsoper de Berlín, así como en los festivales de Salzburgo Aix-en-Provence y Savonlinna. Ha destacado en los grandes roles verdianos, como los titulares de Macbeth, Rigoletto y Simon Boccanegra, Renato de Un ballo in maschera, Ford de Falstaff, Germont de La traviata, Posa de Don Carlo y Don Carlo de La forza del destino, así como los titulares de Hamlet, Werther y Eugenio Oneguin, el conde de Le nozze di Figaro, Yeletsky de La dama de picas, Wolfram de Tannhäuser, Scarpia de Tosca, Amfortas de Parsifal, Athanaël de Thaïs y Barnaba de La Gioconda. En el Teatro Real ha participado en Un ballo in maschera (2008), Le nozze di Figaro (2009), I puritani (2016), Il trovatore (2019) y Rigoletto (2023).

MARCUS MERKEL, director de orquesta

Este director de orquesta berlinés estudió dirección, composición, piano y canto en su ciudad natal, además de formarse como pianista de jazz y aprender contrabajo y saxofón. Ganador de varios concursos de composición en Alemania y Austria, fundó, aún como estudiante, La Joven Filarmonía de Berlín, de la cual sigue siendo director artístico. Kapellmeister de la Ópera de Graz desde la temporada 2015/16, dirigió en esta sede alrededor de 40 representaciones por temporada, con un repertorio sumamente variado. Desde la temporada 2022/23 es director musical del Theater Koblenz en Alemania, donde debutó con Parsifal y ha dirigido sendas producciones de Der Freischütz, La traviata, Nixon in China, Ariadne auf Naxos y La clemenza di Tito. En los últimos veranos ha

dirigido representaciones televisadas de Tosca, Carmen y Der Ring des Nibelungen en Graz, junto a artistas como Elīna Garanča, Erwin Schrott, Bryn Terfel, Ludovic Tézier, Ramón Vargas, Klaus Florian Vogt y Michael Volle. Como invitado, ha dirigido numerosos conciertos sinfónicos por toda Europa.

No son muchas las ocasiones en las que podemos disfrutar del barroco francés. Después de escuchar la temporada pasada Medea, el Teatro Real ha estrenado el pasado 27 de septiembre, una de las joyas de Marc-Antoine Charpentier (1643-1704), la tragedia bíblica en cinco actos con prólogo, “David et Jonathas”, que cuenta una de las relaciones más emblemáticas del Tanaj, también conocido como Mikrá, que es el conjunto de los veinticuatro Libros Sagrados canónicos en el judaísmo y que se basa en el amor, la fe y la lealtad.

El libreto es obra del religioso jesuita François de Paule Bretonneau (1660-1741), y narra la amistad entre los adolescentes David, el rey David, hijo menor del pastor Jesé, criado por el rey Saúl, y Jonathas, hijo mayor de Saúl.

David y Jonathas se aman desde que se conocieron, se juran amistad eterna provocando los celos y la furia de Saúl, que intenta matar a David, pero finalmente se reconcilian. Sin embargo, el dolor vuelve a interponerse entre los dos amigos cuando Jonathas es vilmente asesinado por los filisteos, provocando el inconsolable sufrimiento de David: “tu amor fue para mí más maravilloso que el amor de las mujeres”.

Fue precisamente gracias a los jesuitas y a su aprecio por las artes, por lo que Charpentier desarrolló el gusto por las composiciones de Historias Sagradas. Supo utilizarlas para ofrecer otro tipo de representaciones teatrales, ya que en aquel momento era Lully quien tenía el monopolio de la teatralización.

Se ha estrenado en versión de concierto con el Ensemble Correspondances, dirigido por un dinámico Sébastien Daucé. Con un control y conocimiento absoluto de la partitura, supo extraer de la orquesta todos los matices y riqueza armónica que atesora la obra.

El joven tenor checo Petr Nekoranec ha ofrecido una extraordinaria versión de David, con una gran amplitud de registro, brillando especialmente en los agudos de cabeza, sin descuidar los graves.

Lucile Richardot estuvo muy convincente en el rol de pitonisa, gracias a su original timbre y capacidad teatral.

La soprano francesa Gwendoline Blondeel, con un timbre cristalino y una emisión delicada, supo también demostrar el dramatismo y desgarro del personaje en su canto final.

El bajo Lysandre Châlon abordó con gran solvencia y aplomo sus dos personajes, dotando a cada uno de personalidad, con una voz oscura y compacta.

El resto del reparto, incluido el coro, demostró su maestría en el desarrollo de una obra compleja, que no resulta fácil abordar sin elementos escénicos. Demostraron un total dominio de la obra, ofreciendo una variedad tímbrica de voces e instrumentos de época. Los violines, el laúd y la viola de gamba ofrecieron momentos de gran inspiración e intimidad junto a las voces. Al igual que la paleta de colores ofrecida por las distintas flautas. Fue una noche inolvidable para los, cada vez más, amantes del barroco.

David et Jonathas, música de Marc-Antoine Charpentier

libreto de François Bretonneau

Estreno en el Teatro Real. En versión de concierto, 27 de septiembre de 2024

Ensemble Correspondances, bajo la dirección de Sébastien Daucé

Reparto: Gwendoline Blondeel, Lucile Richardot, Petr Nekoranec, Jean-Christophe Lanièce, Etienne Bazola, Lysandre Châlon. Ensemble Correspondances. Dirección musical: Sébastien Daucé.

Fotografía © Javier del Real |Teatro Real

La soprano madrileña Natalia Labourdette debutará el próximo 11 de octubre en el Teatro dell’Opera di Roma con la producción de Peter Grimes, dirigida por Deborah Warner, interpretando el papel de la Segunda Sobrina, mismo rol que desempeñó en su estreno en 2021 en el Teatro Real de Madrid. El Teatro romano acogerá esta producción en cinco funciones, hasta el 19 de octubre, siendo la última de las cuatro casas de ópera coproductoras de este Peter Grimes.

Labourdette, la única no británica del cast, compartirá escena con parte del elenco original de Madrid entre los que destacan artistas como Allan Clayton, Jacques Imbrailo y John Graham-Hall, y otros con los que hasta la fecha no ha compartido escenario como son Sophie Bevan y Simon Keenlyside. La dirección musical correrá a cargo de Michele Mariotti.

La obra marca el debut de Natalia Labourdette en Roma. «Este Peter Grimes en Madrid en 2021 fue muy especial por muchas razones. Saber que la producción viajaría a Londres, París y Roma me hizo soñar con la posibilidad de repetirla en alguno de estos lugares. Cuando recibí la oferta de Roma, sentí que el deseo que había proyectado desde mayo de 2021 se estaba cumpliendo. Volver a trabajar con Deborah y este elenco de artistas espectaculares es un lujo», afirma. «Roma es una ciudad que me encanta, y a veces, paseando por sus calles, aún me sorprendo de que estaré aquí dos meses completos para cantar».

Estrenada en la primavera de 1945 en el Teatro Sadler’s Wells de Londres, esta ópera fue la primera de Britten en ser aclamada tanto por la crítica como por el público. Considerada una de las mejores óperas del siglo XX, su libreto se basa en «The Borough», un poema o colección de poemas de George Crabbe, publicado en 1810. La trama sigue a Peter Grimes, un pescador atormentado que enfrenta el aislamiento y el estigma social en una pequeña comunidad costera, que busca cualquier excusa para condenarlo. De la obra emergen dos temas principales: el retrato de personas que viven del mar y la crueldad de una sociedad hacia quienes no se ajustan a sus normas.

Natalia Labourdette

La soprano madrileña Natalia Labourdette es uno de los talentos al alza del panorama operístico actual. Desde su debut en 2016, su voz ha sonado en escenarios de Berlín, Madrid, Barcelona, Piacenza, Ravenna, Sevilla y Dortmund, entre otros, y ha recibido premios en los concursos internacionales de Compostela Lírica, Ciudad de Logroño, Riccardo Zandonai y Nuevas Voces de Sevilla. En los Premios de la Crítica Operística de Cataluña para la temporada 2022-2023 se le ha otorgado el premio «Cantante Revelación» por su interpretación de Il Valetto en L’incoronazione di Poppea en el Gran Teatre del Liceu en Julio de 2023.

Ha participado en varios estrenos absolutos en el Teatro de la Maestranza, la Deutsche Oper Berlin y, más recientemente, el Festival Castell de Peralada.

Invitada a diversos festivales de Lied, en 2022 lanzó petite MORT, su primer proyecto discográfico en este género junto a la pianista Victoria Guerrero y en 2023 su segundo, ‘L’andalousie au coeur’ junto al pianista Francisco Manuel Soriano y la mezzosoprano Helena Ressurreiçao.

Cautivada por el mundo de los musicales modernos y el pop, a los dieciocho años entró en el Conservatorio, en la especialidad de canto, donde descubrió la riqueza histórica, lingüística y estilística de la ópera. El siguiente paso fue estudiar canto en la Universidad de las Artes de Berlín y, desde entonces, su introducción al mundo profesional ha sido natural.

Fotografía: Peter Grimes. Teatro Real 2021 © Claire Egan

El LIFE Victoria prosigue la programación de su Edición Centenario el próximo 30 de septiembre con un esperado recital escénico a cargo de una de las grandes wagnerianas del momento, la soprano rusa Elena Pankratova, junto con el renombrado pianista alemán Joseph Breinl.

El programa, dedicado a Mahler y a Wagner, está inspirado en la fascinación de Victoria de los Ángeles por el repertorio wagneriano, especialmente por Tristan und Isolde. “Cada vez que voy al teatro, lloro de principio a fin por este amor tan grande de los dos amantes”, decía Victoria, y es por eso que, sin dudarlo, la soprano escogió ese título como aquella grabación que se llevaría a una isla desierta, en el mítico programa Desert Island Discs de la BBC, en el que participó en 1978.

Pankratova y Breinl interpretarán el climático final de Tristan und Isolde, ‘Liebestod: Mild und Leise’, así como las cinco canciones de Wesendonck Lieder de Wagner y Rückert-lieder de Mahler.

La propuesta escénica que ha diseñado Marc Busquets para este recital busca crear un ambiente wagneriano de salón, inspirado en la casa de Richard y Cósima Wagner en Bayreuth, que potenciará aún más el modernismo de la Sala Domènech y Montaner del Sant Pau Recinte Modernista.

Victoria de los Ángeles es -aún hoy- la única cantante española que ha actuado en el Festival de Bayreuth, donde interpretó el rol de Elisabeth en Tanhäusser bajo la batuta de Wieland Wagner, nieto del compositor. De forma paralela, Elena Pankratova es la única soprano rusa que ha participado en el mítico festival de la colina verde, por lo que esta rentrée del LIFE Victoria será una doble evocación -a Victoria y a Wagner- en la que se recordará a la soprano a través de la música que más amaba y que la llevó a una de las cumbres de su carrera.

Para esta ocasión también se expondrá la obra ‘Fusta pintada i rascada’ (1960) de Antoni Tàpies, uno de los cuadros del pintor que pertenecía a Victoria de los Ángeles y con el que se recordará la profunda amistad entre la soprano y el artista en el centenario de nacimiento de ambos. Tàpies también tuvo una estrecha relación con la música de Wagner, presente en algunas de sus obras, y por eso este recital en torno a Tristan und Isolde es la ocasión perfecta para seguir recordándolo.

La orquesta barroca La Spagna, dirigida por Alejandro Marías, presenta su nuevo trabajo discográfico : “Abel: Between Two Worlds”, bajo el sello Brilliant Classics.

Este proyecto reivindica la figura de Carl Friedich Abel (1723-1787) músico y compositor alemán cuyas obras reflejan la transición entre el Barroco tardío y el Clasicismo.

Un viaje musical entre dos mundos El título del álbum, Between Two Worlds, trata de ilustrar la situación artística, social y personal en que vivió Abel: entre Europa y Londres, entre la viola da gamba y el violonchelo, entre el Barroco y el Clasicismo, entre el Antiguo y el Nuevo Régimen. Fue intérprete de viola da gamba (un instrumento largamente vinculado a la aristocracia, entonces ya en plena decadencia) al tiempo que un compositor que hoy llamaríamos «de vanguardia». Sus sinfonías sentaron la base del Clasicismo, hasta el punto de que es el verdadero compositor de la mal llamada Sinfonía nº 3 de Mozart.

“Me interesan mucho los estilos de transición, siempre son un desafío interpretativo con el objetivo de defender a autores que nuestro tiempo tiende a infravalorar. Es fácil que un Abel o un incluso un Boccherini suenen a un Haydn simplón, pero no es así. El secreto es mudar la perspectiva del oyente para situarlo en el antes, no en el después: hay que escuchar Abel con los oídos perplejos del público de Telemann, no con los oídos condescendientes del público de Mozart. Solo así se puede percibir su modernidad”, declara Marías.

Un recorrido por la obra de un genio olvidado El disco ofrece un selecto repertorio que permite apreciar la amplitud creativa de Abel, destacando su capacidad para adaptarse a los cambios estilísticos del siglo XVIII. Entre las piezas incluidas se encuentran destacadas composiciones como la Sinfonía en Do mayor, Op. 10 No. 4 o el aria Frena le belle lagrime de la ópera Sifare, interpretada magistralmente por la soprano Jone Martínez.

Además, saca a la luz partituras inéditas de gran relevancia musicológica, como el Concerto Flauto Traverso Concertato en mi menor y el Concerto a Cembalo obligato en re mayor, con la participación de los solistas Rafael Ruibérriz de Torres (flauta) y Jordan Fumadó (clave).

La Spagna es una de las referencias de la música antigua española y está integrada por algunos de los mejores músicos historicistas de la escena europea. El disco ha sido grabado en Madrid bajo la dirección artística del propio Marías, quien también toca la viola de gamba –instrumento con el que Abel destacaba como intérprete– con el virtuosismo, el rigor y la expresividad que lo caracterizan. Con este álbum, el grupo ratifica su compromiso con la recuperación y difusión del repertorio barroco y clásico olvidado.

El equipo artístico de La Spagna:

Alejandro Marías: (viola da gamba) Es profesor de viola da gamba y violonchelo barroco en el Conservatorio Superior de Música de Sevilla, director artístico del conjunto La Spagna y miembro del Cuarteto Goya.

Tras concluir su formación musical en la Haute École de Musique de Genève con Bruno Cocset y Guido Balestracci, ha actuado en una treintena de países y trabajado con orquestas como Les Musiciens du Louvre, Helsinki Baroque Orchestra o Insula Orchestra y con directores como Philippe Herreweghe, Marc Minkowski, Ton Koopman, Bruno Weil, Sigiswald Kuijken, Hervé
Niquet o Enrico Onofri.

Como solista, destacan sus grabaciones de las “3+1” sonatas para viola da gamba de J.S. Bach y la obra completa de Jacques Morel, que la revista Ritmo calificó de la siguiente manera: “La interpretación es francamente soberbia, hasta el punto de que, a
muchos, en una cata a ciegas, les vendría a la memoria el Jordi Savall de los gloriosos tiempos”.

Apasionado desde niño por compartir los conocimientos que iba adquiriendo, Alejandro Marías ha sido invitado a dar master-classes en instituciones como la Sibelius Academy de Helsinki o el Conservatorio Giovan Battista Martini de Bolonia.

Alejandro Marías toca una viola da gamba y un violonchelo construidos por Charles Riché a partir de modelos Colichon y Montagnana, respectivamente.

Jone Martínez (soprano): Natural de Sopela (Bizkaia), inició su formación vocal en el Conservatorio Juan Crisóstomo de Arriaga
de Bilbao con Olatz Saitua, para completarla posteriormente en el Conservatorio Superior de Música del País Vasco (Musikene) con Maite Arruabarrena y más tarde de la mano del contratenor y director Carlos Mena.

La crítica destaca su gran versatilidad para interpretar repertorio que abarca desde el Barroco a la música Contemporánea, virtud
que le ha permitido colaborar con las principales orquestas de España en los festivales, teatros y auditorios más importantes, así
como en Europa —bajo la dirección de Masaaki Suzuki, Andrea Marcon, Carlos Mena, Enrico Onofri, Stephan MacLeod, Alfredo
Bernardini, Pablo González o Guillermo García Calvo, entre otros— y participar en más de una decena de discos para sellos discográficos como Ibs Classical, Quartet Records, Winter & Winter o Sinkro Records.

Rafael Ruibérriz de Torres (flauta) Discípulo de Wilbert Hazelzet, Rafael Ruibérriz de Torres (Sevilla, 1983) entró en contacto con la música como corista en la Catedral de Sevilla. Estudió flauta travesera en el Conservatorio de Sevilla, donde obtuvo el prestigioso premio fin de carrera.

Becado por la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía, se especializa en flauta antigua en el Real Conservatorio de La Haya con Hazelzet.

También estudió en el Royal College of Music de Londres con Lisa Beznosiuk. Ha trabajado con directores como Michael Thomas, Daniel Barenboim, Giovanni Antonini, Jos van Immerseel, Martin Gester, entre otros. Fue flauta en The Wallfisch Band y sigue tocando regularmente con la Orquesta Barroca de Sevilla.

Jordan Fumadó (clave) Nacido en Tortosa en 1975, estudia clave con Jordi Reguant en el Conservatorio de Terrassa y continúa su formación en el Conservatorio Real de Den Haag con Jacques Ogg y en la Schola Cantorum Basiliensis con Andrea Marcon y Jesper Christensen. Recibe también formación de Rinaldo Alessandrini, Kenneth Gilbert, Pierre Hantaï, Jan Willem Jansen, Davitt Moroney, Bob Van Asperen, Yves Rechsteiner y Guido Morini.

Ha sido dirigido por Jordi Savall, Neville Marriner, José Luis López Cobos, Rafael Frühbeck de Burgos y Víctor Pablo Pérez. Clavecinista invitado por la Orquesta Nacional de España, Orquesta Sinfónica de Galicia, Orquesta Sinfónica de Tenerife y la European Union Chamber Orchestra, forma también parte de varios grupos de música antigua como La Spagna, Verba Chordis, La Galanía, Zarabanda, Carmen Veneris, La Dispersione y La Real Compañía de Ópera de Cámara.

Actualmente es profesor de Clave y Bajo Continuo en el Conservatorio Profesional “Padre Antonio Soler” de San Lorenzo de El Escorial, en Madrid.

Cientos de pueblos e instituciones se sumarán a la celebración de la IX edición de la Semana de la Ópera del Teatro Real, que entre mañana y el próximo domingo, 29 de septiembre, ofrecerá gratuitamente cinco espectáculos –dos de ellos con pases dobles- y abrirá su edificio al público con el propósito de compartir y acercar las distintas expresiones artísticas y culturales que se crean en el Teatro Real y que transitan desde los conciertos líricos al flamenco con la ópera como gran protagonista.

Desde mañana hasta el 29 de septiembre, la Plaza de Isabel II se convertirá en una gran auditorio al aire libre donde se colocarán 1000 sillas a las que el público podrá acceder, por orden de llegada, hasta completar aforo. Como novedad, este año, el Real Teatro de Retiro abrirá su Sala Principal, de forma gratuita hasta completar el aforo, con la misma programación.

Un año más, se sumarán a la experiencia más de 250 municipios de toda España para compartir la retransmisión de la ópera que inaugura su temporada, Adriana Lecouvreur, el sábado 28 de septiembre, a las 19.30 horas, en riguroso directo desde su escenario, y que será proyectada en plazas, centros culturales, museos, auditorios y teatros de las distintas localidades.

Adriana Lecouvreur, ambientada en el efervescente París de la Ilustración, está inspirada en la vida real de esta legendaria actriz, considerada la mejor intérprete de su tiempo. Murió con tan solo 38 años de edad, supuestamente envenenada por la princesa de Bouillon, examante del conde de Sajonia, con quien Adriana mantenía una relación. Su misteriosa muerte y el mito inagotable se sus interpretaciones son el origen de esta ópera, cuyo argumento tremendista, lleno de amores imposibles, muertes grandilocuentes y situaciones complejas, busca reflejar la vida real, con el mundo del teatro y sus entresijos como telón de fondo.

La propuesta del director de escena, David McVicar, recrea el teatro dentro del teatro y pone de manifiesto, con todo lujo de detalles, el fascinante mundo artístico del siglo XVIII, así como la vida y costumbres palaciegas de la época. La función que veremos en la pantalla estará dirigida musicalmente por Nicola Luisotti y contará con las extraordinarias voces de Maria Agresta (Adriana Lecouvreur), Matthew Polenzani (Maurizio) y Ksenia Dudnikova (princesa de Bouillon), en los papeles protagonistas

26 de septiembre, jueves, a las 19.30 horas

GALA PUCCINI

La soprano Anna Netrebko y el tenor Yusif Eyvazov son los protagonistas de este concierto en el interpretan emblemáticas arias, dúos y cuartetos de Turandot, Manon Lescaut, La bohème, Tosca y Madama Butterfly, junto a la soprano Daria Rybak y al barítono Jérôme Boutillier. El programa ofrece una inmersión profunda en el universo emocional de Giacomo Puccini, que el pasado 5 de septiembre, hizo vibrar de emoción y entusiasmo al público en la sala del Teatro Real y recogió unanimidad de elogiosas críticas.

La cita contó con la participación del Coro Titular del Teatro Real, dirigido por José Luis Basso, y del Coro de RTVE, dirigido por Marc Korovitch, todos ellos bajo la batuta de Denis Vlasenko

27 de septiembre, viernes, a las 19.30 horas

LA BOHÈME, de Giacomo Puccini

Cuatro jóvenes artistas bohemios sortean las dificultades económicas y las inclemencias del tiempo con humor e ilusión, buscando su lugar en un París efervescente, bullicioso e invernal. La trágica historia de amor entre Rodolfo, aspirante a poeta, y la modista Mimì, cuya muerte, inexorable, les sorprende poniendo fin a los desenfrenos y sueños de la juventud y revela la vida real, con toda su contundencia y transcendencia.

La bohème, una de las óperas de Puccini más queridas por el público, podrá verse con la propuesta dramatúrgica, del prestigioso director de escena británico Richard Jones y el escenógrafo y figurinista Stewart Laing presentan la ópera como una sucesión de escenas de la vida bohemia presentadas al espectador sin ocultarle los trabajos de backstage que normalmente desarrollan los técnicos detrás del escenario.

Destacan en los papeles principales, la soprano Anita Hartig (Mimí), el tenor Stephen Costello (Rodolfo), la soprano Joyce El-Khoury (Musetta) y el barítono Joan Martín-Royo (Marcello). La dirección musical corre a cargo de Paolo Carignani, al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real y de los Pequeños Cantores de la ORCAM.

28 de septiembre, sábado

De 10.00 a 14.00 horas

Jornada de Puertas Abiertas

Los visitantes podrán acceder al Teatro de manera gratuita por la plaza de Oriente y recorrer la caja escénica, la sala principal, los palcos y los salones, espacios emblemáticos del edificio en el que late la pasión por la cultura de la ciudad.

19.30 horas

ADRIANA LECOUVREUR, de Francesco Cilea

Inspirada en la vida real de esta legendaria actriz, la propuesta del director de escena, David McVicar, recrea el teatro dentro del teatro y pone de manifiesto, con todo lujo de detalles, el fascinante mundo artístico del siglo XVIII, así como la vida y costumbres palaciegas de la época. La función que veremos en la pantalla estará dirigida musicalmente por Nicola Luisotti y contará con las extraordinarias voces de Maria Agresta (Adriana Lecouvreur), Matthew Polenzani (Maurizio) y Ksenia Dudnikova (princesa de Bouillon), en los papeles protagonistas.

29 de septiembre, domingo

A las 11.00 y a las 13.00 horas

LA CENICIENTA, de Pauline Viardot

La trama de la ópera se inspira en el cuento de hadas de Charles Perrault, con libreto en francés (adaptado al castellano para la producción del Teatro Real) y dividido en tres breves actos en los que se alternan las partes cantadas y las habladas.

Interpretada por jóvenes solistas del programa Crescendo del Teatro Real -de programa formativo de la Fundación Amigos del Real-, cuenta con dirección musical de Francisco Soriano y escénica de Guillermo Amaya.

A las 18.00 y a las 20.0 horas

ORIGEN, con Eduardo Guerrero

Origen es una experiencia artística que transmite los valores del flamenco con un trazo de vanguardia: original, transgresor, inspirado y directo, siempre en busca de la complicidad del espectador.

El espectáculo, que tuvo lugar en el Salón de Baile del Teatro Real, contó con la participación del guitarrista Pino Losada y las cantaoras Pilar Sierra Villar, Ana Polanco y Eva Ruiz y la colaboración de Palomo Spain, en el diseño del vestuario.

SORTEOS Y PROMOCIONES

A lo largo de toda la semana, a través de la redes sociales y de su página web, se podrá participar en sorteos de premios como entradas para la ópera Adriana Lecouvreur, el ballet El lago de los cisnes (interpretado por el San francisco Ballet), el espectáculo del bailaor Eduardo Guerrero en Flamenco Real, visitas especiales al Teatro Real o una suscripción anual para My Opera Player, plataforma de vídeo del Teatro Real.

Además, se llevarán a cabo promociones especiales para los espectáculos más demandados de la actual temporada del Teatro Real. Toda la información en www.teatroreal.es.

Fotografía © Javier del Real | Teatro Real.

El concierto ‘Diálogos de Oro’ que se celebrará en el Ambigú del Teatro de la Zarzuela el próximo 15 de octubre a las 19h30 dentro del ciclo ‘Voz y alma’, será ofrecido por la soprano Ruth González en lugar de Sonia de Munck, quien se ha visto obligada a renunciar a participar en el mismo por motivos personales.

Tal y como estaba previsto, la intérprete estará acompañada por el pianista Miguel Huertas y la actriz Marta Poveda. La dramaturgia es de Raúl Losánez.

El Teatro de la Zarzuela da el pistoletazo de salida a su nueva temporada con la producción de la popular ópera en tres actos ‘Marina’, con música de Emilio Arrieta y libreto de Francisco Camprodón y Miguel Ramos Carrión.

La soprano Sabina Puértolas, reconocida internacionalmente por su voz lírica y su profundo compromiso con el repertorio español, encarnará el papel protagónico de Marina. Compartirá este rol con la joven soprano Marina Monzó con quien irán alternándose en el papel principal. Estarán acompañadas en el escenario por Ismael Jordi y Celso Albelo en el rol de Jorge, Juan Jesús Rodríguez y Pietro Spagnoli como Roque, y Rubén Amoretti y Javier Castañeda como Pascual.

La dirección musical estará a cargo del maestro José Miguel Pérez-Sierra, quien dirigirá a la Orquesta de la Comunidad de Madrid, titular del Teatro de la Zarzuela junto al Coro Titular del Teatro de la Zarzuela dirigido por Antonio Fauró. La dirección de escena estará en manos de Bárbara Lluch, junto al talento creativo de Daniel Bianco en la escenografía y Clara Peluffo Valentini en el vestuario.

‘Marina’ se erige como una piedra angular del género lírico español del siglo XIX, celebrada por su emotiva narrativa y su exquisita partitura, está ambientada en la idílica villa marinera de Pasajes. La ópera narra la historia de amor entre la humilde pescadora Marina y Jorge, un joven marinero destinado a partir hacia horizontes lejanos. Su romance, marcado por la pasión y la tragedia, destaca los ideales románticos y el carácter nacional de la España del siglo XIX.

Sabina Puértolas

Sabina Puértolas es una de las sopranos españolas más internacionales, reconocida por su talento y entrega para unir a la perfección técnica e intensidad interpretativa y ponerlas al servicio de los grandes papeles del bel canto, la ópera barroca y el repertorio de zarzuela.

Ha actuado en teatros como la Royal Opera House de Londres, el Carnegie Hall de Nueva York, el Teatro Real de Madrid, el Liceo de Barcelona, el Teatro Municipal de Santiago de Chile o la Ópera de Seattle.

Ha interpretado roles como Manon, Gilda (Rigoletto), Marie (La fille du régiment), Adina (L’elisir d’amore), Partenope y Rodelinda, Poppea (L’incoronazione di Poppea), Amina (La sonnambula) o Susanna (Le nozze di Figaro), entre otros.

Este año la soprano interpretó con gran éxito de crítica y público los papeles de Musetta en «La Bohème» en el Teatro Verdi de Salerno y a Violetta en «La Traviata» en el Teatro Villamarta de Jerez. En junio, también interpretó a Doña Francisquita en el Teatro de la Zarzuela y regresa al teatro madrileño tras interpretar el papel de Anna Bolena en la ópera de Oviedo.

Sabina Puértolas © Gemma Escribano

Ibermúsica dará comienzo a su temporada 55 por todo lo alto con la Filarmónica de Viena el lunes 1 de octubre a las 19:30 horas en el Auditorio Nacional de Música de Madrid.

Bajo la dirección del maestro italiano Daniele Gatti, la prestigiosa orquesta austriaca ofrecerá un programa dedicado a dos grandes compositores del siglo pasado, Stravinski y Shostakovich, de quienes interpretarán el ballet Apollon Musagète («Apolo líder de las musas») y la Sinfonía núm. 10, respectivamente.

El mismo programa se presentará el miércoles 2 de octubre en el Auditorio de Zaragoza, el jueves 3 en el Palau de la Música Catalana, y unos días después en París y Saarbrücken como parte de la gira europea de la orquesta.

El concierto en Madrid marca el regreso de la Wiener Philharmoniker a Ibermúsica, ciclo que ha visitado en otras 18 ocasiones desde su presentación en 1984 con Leonard Bernstein y hasta su más reciente visita en 2016 bajo la batuta de Andrés Orozco-Estrada. En su larga historia con Ibermúsica la legendaria agrupación ha sido dirigida por algunas de las más grandes batutas, como Claudio Abbado, Riccardo Muti, Zubin Mehta, Lorin Maazel, Seiji Ozawa o Daniel Barenboim.

Por su parte, Daniele Gatti liderará por quinta vez en Ibermúsica a la Filarmónica de Viena en la que será la décimo tercera visita del maestro.

WIENER PHILHARMONIKER

Es, quizás, la agrupación musical más estrechamente vinculada a la historia y tradición de la música clásica europea. Incluso hoy en día los más prestigiosos solistas y directores hacen referencia al incomparable “sonido vienés” como destacada cualidad que la distingue de otras orquestas.

La fascinación que ha provocado, desde su fundación a cargo de Otto Nicolai en 1842, en los más importantes compositores y directores, se basa en mantener un estilo musical propio y singular, así como una historia y estructura organizativa únicas. Los pilares de la “Idea Filarmónica” son una organización democrática, que pone la entera capacidad de decisión artística y organizativa en manos de los músicos, y una estrecha simbiosis con la Wiener Staatsorchester. Sus estatutos estipulan que solo los músicos de la Wiener Staatsoper pueden llegar a ser miembros de la Wiener Philharmoniker.

Ofrece aproximadamente 40 conciertos al año en Viena, entre ellos el Concierto de Año Nuevo y el Concierto Nocturno de Verano de Schönbrunn, emitidos en todo el mundo. También lleva a cabo una residencia estival anual en el Festival de Salzburgo, e interpreta más de 50 conciertos al año en sus giras internacionales.

Todas estas actividades reafirman su reputación como una de las mejores orquestas del mundo. Desde 2008, recibe el apoyo de ROLEX, su patrocinador exclusivo.

DANIELE GATTI

Graduado en composición y dirección orquestal en el Conservatorio Giuseppe Verdi de Milán, Daniele Gatti es el nuevo director titular de la Sächsische Staatskapelle Dresden desde agosto de 2024, así como director titular del Teatro del Maggio Musicale Fiorentino y Consejero Artístico de la Mahler Chamber Orchestra.

Ha ocupado el puesto de director titular del Teatro dell’Opera de Roma y, anteriormente, ostentó importantes cargos en prestigiosas instituciones musicales, entre las que cabe resaltar la Accademia Nazionale di Santa Cecilia, la Royal Philharmonic Orchestra, Orchestre National de France, Royal Opera House, Covent Garden, Teatro Comunale di Bologna, Opernhaus Zürich y Royal Concertgebouw Orchestra de Ámsterdam.

Colabora con renombradas orquestas, entre ellas, la Berliner Philharmoniker, Wiener Philharmoniker, Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks y la Orchestra Filarmonica della Scala.

En la temporada 2024-25, inaugura la temporada de la Staatskapelle Dresden y lidera varias giras de la Orquesta; inaugura la temporada de la Wiener Philharmoniker en el Musikverein de Viena, y realiza con ellos giras por las grandes ciudades europeas. En el verano de 2025, regresa al Festival de Bayreuth con una nueva producción de Los Maestros Cantores de Núremberg.

Daniele Gatti ha recibido el Premio “Franco Abbiati” al mejor director, el Premio de la crítica musical italiana, en 2015; en 2016 el título de Chevalier de la Légion d’Honneur de la República Francesa, por su labor al frente de la Orchestre National; y el de Grande Ufficiale dell’Ordine al Mérito de la República Italiana.

Gatti foto ©Anne Dokter

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM, unidad del INAEM, del Ministerio de Cultura) y la Sociedad Filarmónica de Badajoz promueven la XVI edición del ciclo de Música Actual de Badajoz, un espacio de referencia en la interpretación de la música contemporánea y pionero en el apoyo a la nueva creación. La programación se ha presentado hoy de la mano del secretario general de Cultura de la Junta de Extremadura, Francisco Palomino, junto al director del CNDM, Francisco Lorenzo, el diputado de Cultura de la Diputación de Badajoz, Ricardo Cabezas, y el presidente de la Sociedad Filarmónica de Badajoz, Javier González Pereira.

El XVI Ciclo de Música Actual de Badajoz ocupará la agenda cultural extremeña del 4 de octubre de 2024 al 24 de abril de 2025 con un programa cargado de sorpresas musicales que incluyen desde el homenaje de la música contemporánea al cantaor Porrina de Badajoz en el centenario de su nacimiento, a la visita, por primera vez a Extremadura, de la Joven Orquesta de Andalucía, que junto con Neopercusión, celebrará el 30 aniversario de ambas formaciones en Villafranca de los Barros. Otro hito es que volverá a sonar el Cuarteto para el final de los tiempos de Olivier Messiaen en el ciclo de Música Actual catorce años después. Con esta icónica obra el ensemble portugués Contemporaneous inauguró el ciclo y ahora volverá a ser interpretada por el Cuarteto Fin du Temps.

En total serán ocho formaciones que ofrecerán nueve conciertos y 14 estrenos de obras, seis de ellos estrenos absolutos. El cuarteto de saxofones Sigma Project, el percusionista portugués Nuno Aroso, el pianista alemán Florian Hölscher, la formación británica Cuarteto Ligeti, los daneses de Neko3, el dúo de guitarristas lusos de Gil Fesch y Nuno Pinto, el Cuarteto Fin du Temps y la Orquesta Joven de Andalucía junto con Neopercusión son los invitados de esta nueva edición.

Los conciertos llegarán en esta edición a Olivenza y a Villafranca de los Barros, pero las actividades, talleres y encuentros del programa didáctico se extenderán a La Zarza, Ribera del Fresno, Mérida y la localidad portuguesa de Elvas. La entrada a todos los conciertos es libre hasta completar aforo.

Organizado por la Sociedad Filarmónica de Badajoz en coproducción con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), el Ciclo de Música Actual está patrocinado por la Junta de Extremadura, la Diputación de Badajoz y la Fundación CB.

El Cuarteto Ligeti estrena una obra encargo del CNDM a la compositora Helga Arias

En el marco del ciclo, el británico Cuarteto Ligeti ofrecerá el 7 de marzo un concierto en el salón noble de la Diputación de Badajoz, a las 20:30 horas. Especializado en música contemporánea, es un grupo de cuerda con un enfoque muy transversal y abierto a todos los lenguajes. La piedra angular del repertorio que presentan es la obra de György Ligeti, y su Cuarteto para cuerda nº 1, que dialoga con el resto de las piezas. Interpretarán dos estrenos en España de los compositores londinenses Anna Meredith y Christian Mason, y el estreno absoluto de una obra de la compositora vasca residente en Alemania Helga Arias, encargo del CNDM.

El pianista aleman Florian Hölscher y la música de Alberto Posadas, compositor residente del CNDM

El pianista alemán Florian Hölscher se estrenará en el Ciclo de Música Actual de Badajoz el 25 de febrero de 2025, a las 20:30 horas, con un recital en el salón noble de la Diputación de Badajoz. Este concierto es el resultado de la colaboración con el XXIII Ciclo de Conferencias y Conciertos ‘Esteban Sánchez’, que también organiza la Sociedad Filarmónica de Badajoz con el patrocinio de la Diputación pacense. Florian Hölscher, que cuenta con una extensa carrera concertística como solista y músico de cámara a nivel internacional, abordará en este concierto la música de Alberto Posadas, compositor residente del CNDM esta temporada y con el que este pianista está muy conectado. Propone un diálogo entre el pasado y el presente, interpretando obras de Scelsi, Couperin o Schumann intercalando las piezas que ha escrito Posadas inspirado en esas obras.

El 27 de septiembre, viernes, a las 19.30 horas, el Teatro Real estrenará la ópera David et Jonathas, de Marc-Antoine Charpentier (1643-1704), que se ofrecerá en una función única, con el Ensemble Correspondances y su director musical, Sébastien Daucé, que presentaron, con gran éxito, hace dos años, El nacimiento del Rey Sol.

David et Jonathas es una grandiosa tragédie biblique en cinco actos, estrenada en París en 1688, con la estructura de una ópera y la temática de un oratorio. El libreto, del padre jesuita François de Paule Bretonneau (1660-1741), está inspirado en el conmovedor pasaje del Antiguo Testamento que narra la amistad entre los adolescentes David -el rey David, hijo menor del pastor Jesé, criado por el rey Saúl-, y Jonathas, hijo mayor de Saúl.

Jonathas y David, que se aman desde que se conocieron, se juran amistad eterna provocando los celos y la furia de Saúl, que intenta matar a David, pero finalmente se reconcilian. Sin embargo, el dolor vuelve a interponerse entre los dos amigos cuando Jonathas es vilmente asesinado por los filisteos, provocando el inconsolable sufrimiento de David: “tu amor fue para mí más maravilloso que el amor de las mujeres”.

La música de Charpentier, de gran expresividad, refleja la grandiosidad de los conflictos políticos y también el intimismo, complejidad y profundidad psicológica de los personajes, sobre todo del dúo protagonista, cuya relación emocional es el núcleo de la partitura. A través de arias, coros y escenas dramáticas, Charpentier crea un paisaje

sonoro con una música ricamente ornamentada, incluyendo distintas danzas, ritornelos y motivos melódicos de gran belleza, que enriquecen la narrativa musical.

El reparto de esta función estará formado por el contratenor Petr Nekoranec (David), la soprano Gwendoline Blondeel (Jonathas, hijo de Saúl), el barítono Jean-Christophe Lanièce (Saül, rey de los israelitas), la mezzosoprano Lucile Richardot (La Pythonisse), el tenor Etienne Bazola (Joabel) y el bajo Lysandre Châlon (Achis / L’ombre de Samuel).

El contratenor Petr Nekoranec, que dará voz al joven David, hizo su debut en el Teatro Real en 2017, en el concierto de los galardonados en el Concurso Tenor Viñas, y la mezzosoprano Lucile Richardot subió por primera vez al escenario del Real junto al contratenor Philippe Jarousky, en un concierto celebrado en octubre de 2020, y regresó en 2022 para interpretar el doble papel de La noche/Venus en El nacimiento del Rey Sol, Le ballet royale de la nuit, bajo la dirección de Sébastien Daucé.

SOBRE DAVID ET JONATHAS

SÉBASTIEN DAUCÉ

Las primeras notas que interpretó Correspondances fueron las de Charpentier. A lo largo de los años hemos construido la identidad del grupo bajo la protección de este genio de la música. Llegamos con este David & Jonathas a un punto importante para nosotros, abordar por primera vez una de las dos únicas grandes obras líricas que nos dejó.

¿Por qué David et Jonathas antes que Médée? No solo por la cronología, aunque el desarrollo de Charpentier sigue un proceso lineal muy diferente al de sus contemporáneos; siempre estuvo en una búsqueda constante, ninguna obra se parece a la anterior, nunca un descubrimiento se convierte en un sistema, nunca de un hallazgo resulta un tic repetitivo… David la compuso después de una serie de experiencias anteriores (principalmente sus Histoires sacrées, que presentamos en Caen en 2016) que renueva por completo. Así, el tema de Saúl y David, que había tratado en forma de oratorio, reaparece aquí bajo una luz totalmente nueva.

¿Una ópera? ¿Una ópera bíblica? El género de esta obra no encaja en nuestras categorías. Compuesta para el espectáculo de fin de año del Gran Colegio Jesuita Louis-le-Grand en 1688, Charpentier moviliza tanto a profesionales de la Academia Real como a los propios estudiantes en el marco de una producción importante digna de la ópera. Los actos que la componen se alternaban con los actos de una tragedia teatral sobre el mismo tema, representada en latín. Esta obra se aleja de los cánones de la tragedia inventada por Lully en su forma, pero también en su estilo musical: se dan en ella una intensidad y una interioridad singulares, un cuidado especial en la escritura vocal y en la riqueza de su acompañamiento, así como evocaciones descriptivas muy notables.

Lo que da todo su sabor a David et Jonathas hoy en día es su punto de vista. Vemos el mundo, la guerra, las tensiones familiares, la locura, el ejercicio del poder, la paranoia, el valor de la palabra, todo con la mirada de la juventud. Así, las guías de lectura del mundo de los adultos se vuelven obsoletas.

Al final de este primer cuarto del siglo XXI me parece que esta obra del siglo XVII, a pesar de la tragedia que nos presenta, respira una forma de idealismo saludable que nutre la esperanza (David quiere la paz y se esfuerza, contra viento y marea, por reconciliar a las partes) y nos dice algo sobre la fuerza de los juramentos (poco importa si se trata de amistad o amor, lo que cuenta es la palabra dada, más fuerte que todo). Alimenta, en fin, una visión del mundo, seguramente caballeresca e idealista, que solo la adolescencia se atreve a tener. Quizás esta mirada de adolescente, reforzada por la cultura y experiencias de siglos pasados, sea la clave de nuestro futuro.Sébastien Daucé es el director musical de la ópera

SINOPSIS

PRÓLOGO

Saúl acude a consultar a una pitonisa, que invoca al fantasma del profeta Samuel y le comunica las desgracias que le esperan.

ACTO I

Cuando comienza la acción, David ha sido expulsado del campamento de los israelitas a causa de los celos de Saúl. Refugiado entre los filisteos, David disfruta de la amistad de su rey Achis y de la admiración de todo el pueblo. Tras la escena inicial, en la que los escuchamos cantarle alabanzas, lo vemos en conversación con Achis, quien le anuncia que acaba de firmar una tregua con los israelitas, que debe reunirse con Saúl y que este encuentro tendrá como resultado la paz o la guerra.

ACTO II

Aparece el personaje de Joabel, general filisteo que mantiene una relación con Saúl y está celoso de la gloria de David. En una conversación con David intenta persuadirlo para que vaya a la guerra con la esperanza de que esto le acarree la muerte. David se niega, por lo que la única opción de Joabel es denunciarlo a Saúl. Jonathas y David se han reencontrado gracias a la tregua y cantan las alegrías de la amistad.

ACTO III

El tercer acto presenta el encuentro entre Saúl y Achis. El rey de los israelitas ha escuchado las calumnias de Joabel, lo que ha reforzado el odio que siente por David. También exige que se le entregue al joven como condición para la paz. Achis se niega, ya que tiene fe en la inocencia de David. Jonathas y David hacen aparición en el lugar de negociación, lo que despierta la ira de Saúl, que persigue a David. Éste, al ver que no es bienvenido, se retira. Joabel se felicita por el éxito de su complot.

ACTO IV

La batalla es ahora inevitable. Saúl está convencido de que el apoyo de Achis a David anuncia su posible traición. Achis se siente espoleado por los sentimientos de sus soldados, a quienes Joabel ha enardecido con sus planes. David y Jonathas se encuentran, lamentando la amenaza de la separación a la que se enfrentan. El héroe promete que, lejos de luchar contra Saúl, hará todo lo posible por salvarlo.

ACTO V

Nos muestra la batalla, que Saúl está perdiendo. Jonathas está herido de muerte. Ante esta visión, Saúl casi pierde la razón y, tras intentar matar a uno de sus guardias, a quien considera responsable de la muerte de Jonathas, sale en persecución de David para vengar la suerte de su hijo. Jonathas muere en los brazos de David. Solo falta que el propio Saúl ejecute a este con su espada. Entonces llega Achis para anunciar que los israelitas han elegido a David como su rey, pero el coro alegre y triunfante del final no ahoga por completo los gritos de desolación del héroe.

FICHA ARTÍSTICA

David et Jonathas

Tragédie biblique en cinco actos con prólogo

Estrenada en el Collège des Jésuites Louis-le-Grand de Paris, el 25 de febrero de 1688

Libreto de François de Paule Bretonneau

Música de Marc-Antoine Charpentier

Orquesta y Coro por el Ensemble Correspondances

Dirección musical de Sébastien Daucé

Producción escénica estrenada en el Théâtre de Caen el 9/11/2023

Reparto

David, Petr Nekoranec

Jonathas, hijo de Saúl, Gwendoline Blondeel

Saül, rey de los israelitas, Jean-Christophe Lanièce

La Pythonisse, Lucile Richardot

Joabel, Etienne Bazola

Achis / L’ombre de Samuel, Lysandre Châlon

El teatro musical de Stephen Sondheim (Editorial Akal, 2024), del profesor de historia del cine, conferenciante y estudioso Alberto Mira, presenta por primera vez en español al público hispano la figura del compositor y letrista Stephen Sondheim (1930-2021), cuyo trabajo se reconoce ampliamente como la culminación de la Edad de Oro del musical de Broadway.

Sus musicales, que se siguen reponiendo en teatros de todo el mundo, son ejemplos excepcionales del potencial del teatro musical popular, del modo en que la música contribuye a lo dramático y lo dramático adquiere nuevos significados y nuevas dimensiones a partir del uso de la música. El libro proporciona una visión de Sondheim como dramaturgo musical -alguien cuyo fin es contar historias dando el mayor rendimiento posible a sus recursos-, e indaga en los aspectos que hacen su teatro único.

Como señala Alberto Mira, “Stephen Sondheim es el gran referente del teatro musical desde la segunda mitad del siglo XX, quizá el único dramaturgo musical de Broadway sobre el que hay un consenso crítico, profundamente respetado por la profesión y la crítica, así como por todo tipo de público. Las producciones de sus musicales no han hecho más que incrementarse desde su fallecimiento en 2021, De hecho –continúa el autor- buena parte de sus obras se han estrenado en España, con versiones dirigidas, entre otros, por Mario Gas, Calixto Bieito, Antonio Banderas o Joan Lluís Bozzo.

Sondheim y Shakespeare, una comparación posible

Parte del éxito de Sondheim, explica Alberto Mira se puede atribuir también al hecho de que, “aunque sus obras son consistentemente sólidas, muy bien trabadas, permiten siempre nuevas interpretaciones. Se ha aducido a menudo una comparación entre Sondheim y Shakespeare y creo que, al menos en este sentido, la comparación es posible. Dos puestas en escena de Sondheim pueden ser totalmente distintas pero ambas funcionan”.

Precisamente, comenta Mira, “esta variedad es algo que he intentado reflejar en el libro. Se puede hacer un Sweeney Todd basado en lo social o una versión más psicológica o una versión más caricaturesca. Y el texto admite las tres. Into the Woods puede ser una obra sobre padres e hijos, un simple cuento moral o una verdadera metáfora sociopolítica. Sondheim siempre favoreció que su obra tuviese una diversidad de aproximaciones, de interpretaciones, y directores de generaciones recientes están encontrando aspectos en sus shows que no eran obvios en su estreno”.

¿Qué temas de Sondheim se deben escuchar?

El tema más famoso de Sondheim es “Send In the Clowns”, de A Little Night Music y a lo largo de casi una veintena de obras hay una mina de temas por escuchar. “En el libro, me detengo en ejemplos concretos que pueden escucharse en múltiples plataformas. Otros temas ya legendarios, interpretados una y otra vez en salas de concierto y de cabaret, son: “Losing My Mind”, “Being Alive”, “I’m Still Here”, “Not A Day Goes By”, “No One Is Alone” o “Johanna”. Otros, como “Finishing the Hat”, escrito para el personaje de Georges Seurat, son verdaderas declaraciones de principios. Pero quizá hay que dar el salto y pensar en otros números menos interpretados con gran poder teatral. Sondheim es un maestro de la escena musicalizada, una tradición que se remonta a Monteverdi, practicada por Mozart y Rossini, y que en la obra de Sondheim tiene maravillas como “A Weekend in the Country” o “Someone In a Tree”, una verdadera lección de Historia a cuatro voces de Pacific Overtures”, concluye Mira.

EL TEATRO MUSICAL DE STEPHEN SONDHEIM. Editorial Akal, 2024
SINOPSIS
El trabajo del compositor y letrista Stephen Sondheim (1930-2021), se reconoce ampliamente como la culminación del musical de Broadway. De manera más general, sus musicales son ejemplos excepcionales del potencial del teatro musical popular, del modo en que la música contribuye a lo dramático y lo dramático adquiere nuevos significados y nuevas dimensiones a partir del uso de la música. Sus musicales se siguen reponiendo en teatros de todo el mundo.

Ha recibido ocho premios Tony, además de un oscar, y el premio Pulitzer, así como varios premios honoríficos en el mundo del teatro y la cultura estadounidenses. Su debut en Broadway se produce con su contribución como letrista para West Side Story (1957), al que seguiría, dos años después, Gypsy. Pero se consideraba básicamente un compositor, y en 1962 se estrena el primer show para el que compuso letra y música: A Funny Thing Happened on the Way to the Forum (conocido en España como Golfus de Roma). A partir de ahí, cada uno de los shows en los que trabaja explora nuevos temas, nuevas maneras de potenciar lo teatral y lo dramático a partir de los números musicales. Anyone Can Whistle (1964), una sátira contra el autoritarismo y la idea de locura, fue un fracaso.

Pero a partir de 1970 trabaja en una serie de espectáculos en colaboración con el productor y director Hal Prince: Company (1970), Follies (1971), A Little Night Music (1973), Pacific Overtures (1976), Sweeney Todd (1979) y Merrily We Roll Along (1981). Localizados en lugares tan distintos como Nueva York, Suecia, Japón, o el Londres victoriano, y con materiales de partida que abarcan el cine de Bergman, la historia de Japón o el melodrama popular inglés, cada uno tiene su propio sabor musical y adopta una aproximación distinta a la relación entre música y texto.

Agotado este periodo, trabaja con el dramaturgo James Lapine en la que se considera su obra maestra, Sunday in the Park With George (1984), inspirado en el trabajo del pintor Georges Seurat, Into the Woods (1987), que parte de cuentos populares y Passion (1996) basado en una novela gótica italiana del siglo XIX. Assassins (1990) es una revista sobre quienes intentaron o lograron asesinar a presidentes de los Estados Unidos.

Sondheim siempre trabaja desde la colaboración, siempre reconoce las contribuciones de directores, dramaturgos y directores musicales. El teatro musical de Stephen Sondheim toma como punto de partida esta idea. En la primera parte del libro cada uno de los shows principales de Sondheim se estudia como producto de las ideas de diversos colaboradores, y del trabajo que el compositor realiza a partir de estas ideas. Esta sección constituye así una genealogía de los shows, desde su origen hasta sus diversas interpretaciones por parte de directores.

La segunda parte se centra en la originalidad de su trabajo específico en los números musicales, presentando ejemplos de monólogos, duetos, escenas musicalizadas y su trabajo con la función del coro, del contexto en el que aparecen dentro de la obra y de su potencial dramático. El hilo conductor aquí es el modo en que el trabajo de Sondheim dialoga con problemas centrales en la relación entre música y texto desde Eurípides hasta los videoclips: la relevancia del número, su potencial para contar una historia, los placeres y su contenido intelectual.

Sobre el autor
Alberto Mira es profesor de historia del cine en Oxford Brookes University. Fue becario Reina Sofía en el Exeter College, de la Universidad de Oxford. Ha dado seminarios y conferencias en diversas universidades del Reino Unido, Estados Unidos, Francia y Alemania, así como cursos sobre teatro musical en el Teatro Real, el Gran Teatre del Liceu y para Alternative Ways en el Convento San Francisco (Soto Iruz, Cantabria).

Entre sus quince libros, publicados en España, el Reino Unido y los Estados Unidos, destacan Historical Dictionary of Spanish Cinema, The Pop Musical: Sweat, Tears and Tarnished Utopias, 24 Frames: The Cinema of Spain and Portugal, Miradas insumisas: Gays y lesbianas en el cine y Entre la cámara y la carne, sobre homoerotismo en cine, así como ediciones anotadas de Oscar Wilde y Edward Albee publicadas por Cátedra.

Fue el autor de De Sodoma a Chueca, el primer estudio sistemático de la cultura de la homosexualidad masculina en España, publicado en 2004.

Además, es autor de varios artículos sobre cine, género, estrellato y cultura, entre los que se pueden mencionar trabajos sobre Jane Fonda, Mario Casas, Pedro Almodóvar, Ventura Pons, Iván Zulueta, Eduardo Mendicutti, Terenci Moix y Bob Fosse. Algunos de sus trabajos breves, en inglés y en castellano, pueden encontrarse en la web albertomira.com

El Teatro Real y los artistas participantes en sus producciones el pasado año, han conseguido siete nominaciones a los International Opera Awards 2024, entre ellas Mejor Nueva Producción y Mejor Estreno Mundial, cuyos ganadores se darán a conocer el próximo 2 de octubre en una ceremonia que tendrá lugar en la Bayerische Staatsoper de Munich.

El Teatro Real, que fue reconocido como Mejor Compañía del mundo en la edición de 2021 de los Iternational Opera Awards, ha logrado las siguientes candidaturas en la presente edición: Mejor Estreno Mundial (La Regenta, de Marisa Manchado); Mejor Nueva Producción (Los maestros cantores de Nüremberg); Mejor Director de Escena (Christof Loy por La voix humaine/Erwartung); Mejor Cantante Femenina (Adela Zaharia, por Rigoletto, entre otras óperas); Mejor Cantante Masculino (Gerald Finley, por Los maestros cantores de Nüremberg, entre otros títulos): Premio de los Lectores (Xabier Anduaga y Ludovic Tezier, por Rigoletto) y Mejor Grabación Solista (Saioa Hernández, Il verismo d’oro (EuroArts).

Los International Opera Awards se crearon en 2012 por la revista británica Opera, y desde sus comienzos fueron considerados los oscar del mundo de la ópera. Con ellos se quiere galardonar anualmente a los mejores en el mundo de la lírica (producciones, cantantes, directores, teatros, orquestas…), reconociendo así públicamente a sus protagonistas y apoyando la formación de nuevos talentos a través de becas financiadas con los beneficios obtenidos en la gala.

La Regenta, estrenada en Naves del Español en Matadero el 24 de octubre de 2023, se basa en la novela homónima de Leopoldo Alas Clarín, con música de Marisa Manchado, libreto de Amelia Valcárcel, dirección musical de Jordi Francés y dirección de escena de Bárbara Lluch. Después de más de un centenar de años, este texto cumbre de la literatura se ha hecho un hueco en el repertorio de ópera, estrenado gracias a una nueva colaboración entre el Teatro Real y el Teatro Español. La ópera contó con un reparto de excelentes intérpretes formado por María Miro (La Regenta, Ana Ozores), David Oller (El Magistral, Fermín de Pas), Vicenç Esteve (Álvaro Mesía), Cristian Díaz (Don Víctor), Pablo García-López (Paco Vegallana), María Rey-Joly (Obdulia), Anna Gomá (Petra), Laura Vila (Doña Paula) y Gabriel Díaz (El Sapo).

Los maestros cantores de Núremberg, de Richard Wagner, fue una nueva coproducción, estrenada el 24 de abril en el Teatro Real, que unió a dos directores muy queridos por el público de Madrid: Pablo Heras Casado, principal director invitado de la Orquesta Titular del Teatro Real, y Laurent Pelly, gran maestro del universo simbólico de la comedia –La hija del regimiento (2014), Hansel y Gretel (2015), El gallo de oro (2017), Falstaff (2019), Viva la mamma! (2021) e Il turco in Italia (2023)–. El monumental montaje de Pelly, con 135 artistas sobre el escenario, potencia el sustrato burlesco de la ópera, alejándose del tratamiento realista del gremio de los artesanos en Nüremberg.

El próximo jueves, 26 de septiembre, dará comienzo la novena edición de la Semana de la Ópera del Teatro Real para ofrecer, a todos los públicos, la posibilidad de disfrutar y compartir las distintas expresiones artísticas y culturales que se crean en el Teatro Real y que transitan desde los conciertos líricos al flamenco, con espectáculos para el público juvenil y familiar con, una vez más, la ópera como gran protagonista.

Entre los días 26 y 29 de septiembre, la Plaza de Isabel II se convertirá en una gran auditorio al aire libre donde se colocarán 1000 sillas a las que el público podrá acceder, por orden de llegada, hasta completar aforo. Como novedad, este año, el Real Teatro de Retiro abrirá su Sala Principal, de forma gratuita hasta completar el aforo, con la misma programación.

26 de septiembre, jueves, a las 19.30 horas

GALA PUCCINI

27 de septiembre, viernes, a las 19.30 horas

LA BOHÈME, de Giacomo Puccini

28 de septiembre, sábado

De 10.00 a 14.00 horas

Jornada de Puertas Abiertas

19.30 horas

ADRIANA LECOUVREUR, de Francesco Cilea

29 de septiembre, domingo

A las 11.00 y a las 13.00 horas

LA CENICIENTA, de Pauline Viardot

A las 18.00 y a las 20.0 horas

ORIGEN, con Eduardo Guerrero

SORTEOS Y PROMOCIONES

Además, se llevarán a cabo promociones especiales para los espectáculos más demandados de la actual temporada del Teatro Real. Toda la información en www.teatroreal.es.

La Fundación Victoria de los Ángeles y el Museu Tàpies se unen para ofrecer un homenaje a la soprano y el pintor catalanes en el centenario de su nacimiento. El evento tendrá lugar el viernes 20 de septiembre a las 19 horas, en el Museu Tàpies de Barcelona.

Se trata de un recital a cargo de tres jóvenes artistas, la soprano Montserrat Seró, el pianista Marc Serra y la saxofonista Gisela Dekort, que ofrecerán un programa dedicado principalmente a Xavier Montsalvage, compositor admirado por Tàpies y ampliamente interpretado por Victoria de los Ángeles. Completan el programa obras de distintas latitudes y estilos, de compositores como Falla, Matamoros, García Lorca, Mozart, Brahms o Bernstein.

El homenaje propone un singular diálogo entre música y pintura, en el que podrán apreciarse las obras de Tàpies y se remarcará la importante trayectoria internacional del pintor y la soprano, así como la estrecha amistad y profunda admiración que ambos cultivaron. Victoria adquirió varias obras de Tápies que conservaba en su domicilio y Tàpies guardaba como joyas las grabaciones de Victoria, especialmente la de Carmen, que destacaba entre su amplia colección de discos.

El programa de este recital está inspirado en los gustos musicales de ambos, así como en la importancia que tuvo Montsalvatge en la carrera de Victoria de los Ángeles, para así recordar a tres grandes nombres de la cultura catalana que fueron reconocidos en todo el mundo.

Centrado sobre todo en la obra de Gioachino Rossini, el Royal Opera Festival de Cracovia (Polonia) tiene, a partir de hoy, un director español: el maestro madrileño José Miguel Pérez-Sierra, tal y como anunció el equipo rector de esta convocatoria este mediodía en rueda de prensa. Se trata de uno de los tres certámenes estivales europeos centrados en la obra del músico italiano, hermanado, por colaboraciones y programación, con el Festival Rossini in Wildbad (Alemania). La trayectoria de Pérez-Sierra, que debutó en el Rossini Opera Festival de Pésaro (Italia), ha estado muy vinculada a las óperas rossinianas, colaborando estrechamente tanto con el certamen alemán como con el polaco, cuyas cualidades diferenciales tienen un claro acento español, ya que desde hace unas ediciones se está implantado la tradición de montar cada año un título de zarzuela. El Royal Opera Festival de Cracovia es fiel a su tradición, pero también se abre a otros repertorios, y este es, precisamente, uno de los encargos que tendrá Pérez-Sierra en su etapa como director musical y artístico. El maestro asegura que, muy probablemente, en pocas ediciones, “terminaremos sumando a nuestra oferta rossiniana y de zarzuela ópera de otras vertientes, ya que tanto el público como los músicos han demostrado su interés de explorar nuevas vías artísticas. Todo un reto”, asegura.

El maestro Pérez-Sierra compaginará su cargo en el certamen polonés con la titularidad musical del Teatro de la Zarzuela de Madrid y como principal director invitado en la Ópera de A Coruña. Entre otros compromisos, en la temporada 2024/2025, tras haber iniciado el curso con La Bohème en A Coruña, le esperan Marina en el Teatro de La Zarzuela; La verbena de la Paloma en el Palau de Les Arts en Valencia; Maria Stuarda en el Teatro Real; Turandot en el Theater Basel; la Novena Sinfonía de Mahler con la Filarmónica de Cracovia; Aida en el Estadio de Fútbol de Metz con los cuerpos estables de la Opéra-Théâtre de Metz Métropole; y La tabernera del Puerto en el Teatro de La Zarzuela.

La Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM) arranca su temporada 2024/2025 el próximo martes 24 de septiembre con un concierto inaugural en el que Alondra de la Parra se estrenará como nueva directora titular y artística de la orquesta. Bajo el título de Raíces, el primer concierto del Ciclo Sinfónico se podrá disfrutar en el Auditorio Nacional de Música de Madrid a las 19:30 h.

Raíces también contará con el solista Pablo Sáinz-Villegas, unos de los guitarristas españoles más famosos de la actualidad; aclamado por la prensa internacional como el sucesor de Andrés Segovia y solicitado en los grandes escenarios del mundo. El Coro de la Comunidad de Madrid, que este año celebra su 40.º Aniversario, estará dirigido por Josep Vila i Casañas.

El programa de Raíces lo compondrán tres de las grandes obras maestras de la música: El Sombrero de Tres Picos, de Manuel de Falla; el Concierto de Aranjuez, de Joaquín Rodrigo; y Daphnis et Chloé, de Maurice Ravel.

La directora mexicana Alondra de la Parra afronta su primera temporada al frente de la ORCAM como una de las directoras más prestigiosas a nivel internacional. Su liderazgo artístico con la batuta es magnético y la ha llevado a dirigir algunas de las orquestas más renombradas del mundo, además de a crear proyectos inspiradores como la Orquesta Filarmónica de las Américas o la Orquesta Imposible. El universo creativo de De la Parra va más allá de la dirección orquestal: también entrevista, produce, conecta, invita y promueve iniciativas para acercar la música sinfónica a un público amplio.

La programación 2024/2025 de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid incluye un total de catorce conciertos, diez del Ciclo Sinfónico y cuatro en Tiempo de Cámara. En lo que queda de este año 2024 se presentarán otros conciertos destacados dirigidos por Alondra de la Parra como Pura expresión (14 de octubre), en el que se interpretarán obras de Brahms y Dvoràk; o Catarsis (5 de noviembre), con obras de Mozart y en el que participarán las sopranos Siobhan Staag y Olivia Vermeulen, el tenor Antoni Lliteres, y el bajo Manel Esteve. El 16 de diciembre Josep Vila i Casañas dirigirá al Coro de la Comunidad en Viaje Espiritual, un concierto que presenta una de las obras más populares de la Navidad: El Mesías de Handel.

En estos meses el Coro también presentará otras dos citas musicales dentro del ciclo Tiempo de Cámara: El alma de los vientos (27 de octubre), dirigido por Josep Vila i Casañas y en el que se interpretarán obras de Stravinsky y Bruckner; y Una invitación a viajar (22 de noviembre), con Marc Korovitch como director, la participación de la pianista Karina Azizova y en el que se podrán escuchar obras de compositores como Debussy, Farué, Duparc o Rachmaninoff.

Todos los conciertos tendrán lugar en el Auditorio Nacional de Música de Madrid. Para más información sobre la programación y conocer todas las opciones de abono y venta de entradas, se puede consultar: https://orquestaycoro.fundacionorcam.org

Salvador Vázquez estrena titularidad como director de la Orquesta de Córdoba con dos conciertos extraordinarios. El primero de ellos tendrá lugar el próximo 19 de septiembre a las 20:00 horas en el Teatro Góngora.

En este concierto de apertura, el público podrá disfrutar de un recorrido por las obras y compositores más significativos que se van a interpretar a lo largo de la nueva temporada denominada “Esencia”. Una velada única para adentrarse en el universo sonoro de la orquesta y descubrir el talento de su nuevo director que, en esta ocasión, acompañará cada obra con unas explicaciones e introducciones en un tono distendido y cercano.

“Afronto esta primera temporada de la Orquesta de Córdoba como director titular y artístico con gran ilusión, entusiasmo y responsabilidad. Un gran reto junto a una entidad que admiro y que ha formado parte de mi carrera desde el inicio. Emprendemos
nuestro camino en esta temporada titulada “Esencia”, con la que esperamos seguir haciendo disfrutar al público fiel de la Orquesta de Córdoba y atraer nuevas audiencias”, explica Salvador Vázquez.

La Novena Sinfonía de Beethoven en la Mezquita – Catedral de Córdoba

La Mezquita – Catedral será el escenario que acogerá la segunda de las citas el 24 de septiembre. Para esta ocasión, Salvador Vázquez dirigirá a la Orquesta de Córdoba en la Novena Sinfonía de Ludwig van Beethoven, una de las composiciones más emblemáticas del autor. Este concierto extraordinario se celebrará dentro del marco del XVII Congreso de la Organización de Ciudades Patrimonio Mundial que acoge la ciudad de Córdoba para celebrar el 30 aniversario de la declaración del casco histórico como Patrimonio de la Humanidad.

Forman el elenco Auxiliadora Toledano, soprano; Sandra Ferrández, mezzosoprano; Juan Antonio Sanabria; tenor y Javier Franco, barítono junto al Coro de ópera de Córdoba dirigido por Alejandro Muñoz y el Coro Ziryab de Córdoba con Carlos Castiñeira a la cabeza. Una oportunidad única de escuchar esta composición que el pasado mes de mayo cumplió dos siglos desde su estreno en Viena. Las entradas para este concierto son gratuitas.

Salvador Vázquez

Salvador Vázquez es reconocido como uno de los artistas más vibrantes y carismáticos de la nueva generación de directores de orquesta en España, con un especial entusiasmo por la ópera.

Será el primer concierto de una gira internacional de Juan Diego Flórez y la Orquesta Juvenil Sinfonía por el Perú, que comenzará en el Teatro Real y proseguirá en Barcelona, Viena, Ginebra y París.

La dirección musical correrá a cargo de la joven colombiana Ana María Patiño-Osorio, que está comenzando su carrera internacional después del éxito de su trabajo como directora asistente en la Orchestre de la Suisse Romande durante dos temporadas.

El programa está compuesto por arias de Vincenzo Bellini, Gaetano Donizetti, Matteo Salvi, Giuiseppe Verdi, Charles Gounod y Jacques Offenbach; y piezas de zarzuela de Ruperto Chapí, José Serrano, Pablo Luna, Gerónimo Giménez, Reveriano Soutullo y Juan Vert.

La Orquesta Juvenil Sinfonía por el Perú, elenco principal de la organización fundada y presidida por Juan Diego Flórez, estará conformada, en esta gira, por 75 instrumentistas procedentes de los más de 20 centros donde 6.400 niños y jóvenes reciben educación musical.

Este jueves, 19 de septiembre, a las 19.30 horas, el Teatro Real ofrecerá el segundo concierto lírico de su Temporada 2024-2025, esta vez con Juan Diego Flórez y la Orquesta Juvenil Sinfonía por el Perú, bajo la dirección de Ana María Patiño-Osorio.

Será la presentación en el Teatro Real de la Orquesta Juvenil Sinfonía por el Perú, elenco principal de la organización fundada y presidida por Juan Diego Flórez, que desde 2011, ha permitido beneficiar a más de 30.000 niños y jóvenes de Perú.

En su segunda gira internacional, la orquesta estará conformada por 75 instrumentistas procedentes de los centros con los que la organización cuenta en diversas regiones de Perú, en los que actualmente 6.400 niños y jóvenes reciben educación musical.

La dirección musical será de la joven colombiana Ana María Patiño-Osorio, que está iniciando su carrera internacional después del éxito de su trabajo como directora asistente de la Orchestre de la Suisse Romande durante dos temporadas, donde fue la primera asistente femenina de la agrupación.

El ambicioso programa del concierto permitirá al público disfrutar del arte de Juan Diego Flórez en diferentes registros, estilos y lenguajes, desde la pureza del repertorio belcantista a la ductilidad de su voz en las páginas más trágicas; del refinamiento de sus interpretaciones en la ópera francesa, al canto desinhibido, con gracia y gallardía de las piezas de zarzuela o de la música popular latinoamericana.

El concierto comienza con Vincenzo Bellini y tres arias de su ópera I Capuleti e i Montecchi, donde las pasiones exacerbadas se expresan con maravillosas melodías delicadamente ornamentadas, que exigen un gran control del legato y de la expresión emocional.

Le sigue la gran escena para tenor de Roberto Devereux, de Gaetano Donizetti, de gran dramatismo, que reflejan el dolor, la desesperación, el remordimiento o el desamor, expresados con el ímpetu emocional tan característico del estilo donizettiano, que Flórez domina como nadie.

Con Matteo Salvi, menos conocido que sus contemporáneos, Flórez volverá a cantar al amor y al honor con un fraseo amplio, bello e intimista en «Inosservato, penetrava…. Angelo casto e bel…» de Il duca d’Alba, cerrando la primera parte con la heroicidad de «L’émir auprès de lui m’appelle…», de la ópera Jérusalem, de Giuseppe Verdi, que exige líneas de canto más poderosas y dramáticas, acompañadas con brío por una orquesta que acompaña a la perfección la dramaturgia del texto.

La segunda parte comienza con una de las arias más románticas y delicadas del repertorio francés, «L’amour!… Ah, lève-toi, soleil», de Roméo et Juliette, de Charles Gounod, impregnada del ingenuo fulgor juvenil, seguida de «Au mont Ida», de La belle Hélène, de Jacques Offenbach, una pieza llena de humor y donaire.

El Preludio de La revoltosa da inicio a la sesión de zarzuela, que prosigue con la vitalidad y el orgullo patriótico de «Al mismo rey del moro…», de La alegría del batallón de José Serrano.

De La pícara molinera, de Pablo Luna, Flórez interpretará «Mi locura non tien cura… Paxarín, tú que vuelas», una pieza delicada, melancólica y emotiva, que resalta la poesía del paisaje rural español.

Siempre en crescendo, llega una de las piezas más icónicas del dúo Reveriano Soutullo y Juan Vert: la romanza «Bella enamorada», de El último romántico, himno al amor y a la belleza escrito con una melodía expansiva que exige al tenor una voz más enérgica y expresiva, muy característica de la zarzuela.

La velada concluye con la popularísima Granada, de Agustín Lara, con la que, seguramente, se dará paso a los bises, que Juan Diego Flórez suele regalar con generosidad, complicidad y simpatía.

PROGRAMA

Juan Diego Flórez,

tenor

Orquesta Juvenil Sinfonía por el Perú

Ana María Patiño-Osorio,

directora de orquesta

Duración:

1 hora y 50 minutos, con un intermedio de 25 minutos

PARTE I

VINCENZO BELLINI (1801 – 1835)

Norma

Sinfonía

I Capuletti e i Montecchi

«O, di Capellio generosi amici…»

«È serbato a questo acciaro…»

«L’ amo tanto, e m’è sì cara…»

GAETANO DONIZETTI (1797 – 1848)

Roberto Devereux

«Ed ancor la tremenda….»

«Come uno spirito angelico…»

«Bagnato il sen di lagrime…»

MATTEO SALVI (1816 – 1887)

Il duca d’Alba

«Inosservato, penetrava…. Angelo casto e bel…»

GIUSEPPE VERDI (1813 – 1901)

La forza del destino

Obertura

Jérusalem

«L’ émir auprès de lui m’appelle….

Je veux encore entendre…»

PARTE II

CHARLES GOUNOD (1818 – 1893)

Roméo et Juliette

Entreacto del acto II

«L’amour!… Ah, lève-toi, soleil»

JACQUES OFFENBACH (1819 – 1880)

Orphée aux enfers

«Galop infernal» (can-can)

La belle Hélène

«Au mont Ida»

RUPERTO CHAPÍ (1851 – 1909)

La revoltosa

Preludio

JOSÉ SERRANO (1873 – 1941)

La alegría del batallón

«Al mismo rey del moro…»

PABLO LUNA (1879 – 1942)

La pícara molinera

«Mi locura non tien cura…. Paxarín, tú que vuelas»

REVERIANO SOUTULLO (1880 – 1932) y JUAN VERT (1890 – 1931)

El último romántico

«Bella enamorada»

GERÓNIMO GIMÉNEZ (1854 – 1923)

La boda de Luis Alonso

Intermezzo

AGUSTÍN LARA (1897 – 1970)

Granada

BIOGRAFÍAS

JUAN DIEGO FLÓREZ, tenor

Formado en el Conservatorio Nacional de Música de Lima y el Curtis Institute of Music de Filadelfia, este tenor peruanoalcanzó fama internacional tras su debut en el Festival Rossini de Pésaro en Matilde di Shabran y su presentación en el Teatro alla Scala de Milán, dirigido por Riccardo Muti en 1996, con solo 23 años. Excelso cultivador del bel canto y de la ópera francesa, recientemente ha incorporado a su repertorio títulos como La traviata, en la Metropolitan Opera House de Nueva York, Werther, en la Royal Opera House de Londres, La bohème, en la Opernhaus de Zúrich, y Manon y Faust en la Staatsoper de Viena. Ha sido galardonado con la Gran Cruz de la Orden del Sol y es, desde 2022, director artístico del Festival Rossini de Pésaro. En 2011, fundó Sinfonía por el Perú, un proyecto musical de inclusión social. En reconocimiento por su labor, fue nombrado Embajador de Buena Voluntad de la UNESCO y fue premiado por el World Economic Forum con el Crystal Award. En el Teatro Real ha cantado en Il barbiere di Siviglia (2005), Orphée et Eurydice (2008), I puritani (2010) y Les pêcheurs de perles (2013), y ofrecido diferentes conciertos y recitales en los años 2006, 2009, 2015, 2017 y 2021.

ANA MARÍA PATIÑO-OSORIO, directora de orquesta

Esta directora de orquesta colombiana es la ganadora del Segundo Premio, el Premio del Público y el Premio del Jurado Juvenil en el Concurso Malko para Jóvenes directores de 2024 en Copenhague. En las temporadas 22-23 y 23-24, ha ocupado el cargo de directora asistente de la Orchestre de la Suisse Romande, trabajando estrechamente con Jonathan Nott. Comenzó su formación musical como saxofonista antes de pasar a la dirección orquestal. Completó su licenciatura en Dirección de Orquesta en la Universidad EAFIT en Medellín antes de ser aceptada en el prestigioso programa de Dirección Orquestal en la Escuela Superior de Artes de Zúrich bajo la tutela de Johannes Schlae‑ i, donde se graduó con honores en 2021. Durante la temporada 2023/24 ha dirigido, entre otras, la Orquesta Iberacademy en Mozartwoche en Salzburgo, la Orchestre de Chambre de Lausanne, la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia y la Filarmónica de Bogotá, entre otras.

SINFONÍA POR EL PERÚ

Sinfonía por el Perú es una organización social, fundada y presidida por el tenor peruano Juan Diego Flórez. Desde su creación hace trece años, ha transformado las vidas de más de 30.000 niños, niñas, adolescentes y jóvenes mediante la formación musical colectiva y gratuita. Actualmente, más de 6.400 jóvenes participan en esta iniciativa en una treintena de sedes a lo largo de diez regiones del Perú. Sinfonía por el Perú no solo enseña música, sino que también fomenta habilidades y valores esenciales como la disciplina, el respeto, la cooperación y el liderazgo. La organización se ha convertido en un referente cultural y social en el país, con numerosos testimonios de beneficiarios que demuestran mejoras en autoestima, habilidades sociales y rendimiento académico. Alineada con los Derechos Humanos y los Derechos del Niño de la ONU, y guiada por los Objetivos de Desarrollo Sostenible de la Agenda 2030, Sinfonía por el Perú muestra cómo la música puede cambiar el mundo.

El Teatro Real inaugurará el próximo 23 de septiembre su Temporada de ópera 2024-2025, con Adriana Lecouvreur, de Francesco Cilea (1866-1950), que nunca se ha presentado en su escenario, pese a la gran popularidad de este título.

Aunque el nombre de Francesco Cilea aparezca normalmente asociado a los de Pietro Mascagni, Ruggero Leoncavallo, Umberto Giordano o Giacomo Puccini como uno de los representantes del verismo -movimiento operístico de cuño realista y naturalista en boga en Italia en los albores del siglo XX- su ópera más conocida, Adriana Lecouvreur, podría considerarse, de cierta manera, la despedida del gran melodrama romántico italiano, sobre todo verdiano, con tintes veristas y la elegancia y refinamiento de la ópera francesa finisecular, sobre todo de Massenet.

La ópera, ambientada en el efervescente París de la Ilustración, está inspirada en la vida real de la legendaria actriz Adrienne Lecouvreur, idolatrada y defendida por Voltaire, que destacó por sus brillantes, sinceras y originales interpretaciones en la Comédie Française. Su enorme fama, amoríos, su relación con el mariscal Mauricio de Sajonia -pareja de la celosa Madame de Bouillon-, y su muerte en extrañas circunstancias, con apenas 38 años, han inspirado, ya en el siglo XIX, la obra teatral de Eugène Scribe y Gabriel Legouvé que sirvió de base al libreto de Arturo Colautti.

Pese a que la ópera confronta las emociones exacerbadas de la pasión de Adriana Lecouvreur y los celos de la princesa de Bouillon, que aman al mismo hombre, Cilea crea una partitura de gran elegancia y contención, que combina la intensidad dramática, la belleza melódica, la exquisita orquestación y una refinada sensibilidad lírica, capaz de expresar las complejas emociones de los personajes, desde el lirismo más íntimo a los estallidos de pasión.

David McVicar respeta estrictamente la época y los espacios del libreto, con una puesta en escena espectacular, en la que la tensión emocional de la trama y de la música fluye sin obstáculos, transformando el Teatro en un personaje vivo que, con su presencia omnipresente, influye y moldea el destino de los protagonistas.

La impactante escenografía de Charles Edwards, con su mezcla de cortinajes, maquinaria teatral y juego de espejos, y el opulento vestuario dieciochesco de Brigitte Reiffenstuel, crean una atmósfera melancólica anticipando el trágico final de la ópera, con una paleta cromática dominada por tonos dorados, ocres y púrpuras, que evocan el lujo decadente de la aristocracia y la libertad, siempre marginal, de la vida sobre un escenario.

En la interpretación del arrebatador papel de Adriana Lecouvreur se alternarán las sopranos Ermonela Jaho y Maria Agresta. Estarán secundadas por Elīna Garanča (princesa de Bouillon) -que debuta en el Teatro Real en una producción operística- Brian Jagde (Maurizio) y Nicola Alaimo (Michonnet), en el primer reparto; y Ksenia Dudnikova, Matthew Polenzani y Manel Esteve, en el segundo. Junto a ellos, actuarán el Coro Titular del Teatro Real, con dirección de José Luis Basso, y la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la experta e exquisita dirección musical de Nicola Luisotti, principal director invitado del coliseo de la Plaza de Oriente.

AGENDA | ACTIVIDADES CULTURALES

19 de agosto a 21 de septiembre | TEATRO REAL, Sala de ensayo de puesta en escena y Sala principal

CURSO: Una aproximación a la dirección de escena

Coordinado por Justin Way, responsable de la reposición de Adriana Lecouvreur

El curso tiene como objetivo mostrar a los participantes el trabajo del director de escena, encargado de coordinar los elementos escenográficos y dramatúrgicos de una producción. Para ello, se hace un seguimiento del proceso de ensayos de Adriana Lecouvreur, en el que los participantes pueden conocer lo que ocurre durante el mes de ensayos y trabajos que preceden el estreno de la ópera.

20 de septiembre a 13 de octubre | MUSEO DEL ROMANTICISMO, Sala XVIII

EXPOSICIÓN: Una obra, una ópera

El museo muestra en su sala XVIII, dedicada a la literatura y el teatro, el retrato de la actriz aragonesa Teodora Lamadrid, caracterizada de Adriana Lecouvreur, el papel con el que consiguió el reconocimiento del público español del siglo XIX y con el que consolidó su prestigio en los escenarios madrileños.

Acceso gratuito con la entrada del museo en su horario de apertura.

18 de septiembre, a las 20.15 horas | TEATRO REAL, Sala de orquesta

ENFOQUES: Adriana Lecouvreur

Participan: Nicola Luisotti (director musical), Justin Way (responsable de la reposición), Ricardo de Cala (director del programa Los maestros cantores, en Radio Clásica) y Joan Matabosch (director artístico del Teatro Real).

La soprano Dragana Paunovic, acompañada al piano por Edoardo Barsotti, interpretarán dos arias de Adriana Lecouvreur: «lo son l’umile ancella» y «Poveri fiori».

22 y 29 de septiembre, y 5 y 12 de octubre, a las 11.00 y 12.30 horas | REAL JARDÍN BOTÁNICO

ITINERARIO POR EL JARDÍN: Plantas tóxicas y venenosas

El Real Jardín Botánico de Madrid ha elegido Adriana Lecouvreur para iniciar su colaboración con el Teatro Real. La misteriosa muerte de la actriz francesa con unas flores envenenadas es la excusa perfecta para realizar una visita guiada por su jardín, donde el público descubrirá las plantas tóxicas que se esconden en la naturaleza, qué partes son venenosas y cuáles no, cómo funcionan los venenos y, algo muy importante, para qué sirven además de para matar.

Más información y compra de entradas en este enlace.

24 de septiembre, a las 19.00 horas | CASA ASIA

CONFERENCIA: Artes escénicas en extremo oriente

Poniente: Horacio Curti, etnomusicólogo y maestro shakuhachi.

Una temporada más, la institución destinada a acercar el conocimiento de Asia Pacífico a España propone una actividad que permitirá al público descubrir la riqueza de la cultura asiática. En este caso utiliza el gran melodrama romántico que es Adriana Lecouvrer para demostrar la estrecha relación que existe entre la ópera oriental y la occidental. Y es que las formas y principios estéticos de las artes escénicas de Asia Oriental, en general y de Japón en particular, se dan la mano con la esencia de esta ópera de Cilea.

Entrada libre hasta completar aforo, previa inscripción en este enlace.

25 de septiembre, a las 12.00 horas y 26 de septiembre, a las 17.00 horas | MUSEO DEL TRAJE

VISITAS GUIADAS: Adriana, una mujer a la moda del siglo XVIII

La producción de David McVicar que se verá en el Real es el marco perfecto para un itinerario por el Museo que girará en torno al denominado “traje a la francesa” o “a la moda”. En él se podrán ver siluetas, formas y tejidos, además de analizar brevemente su contexto histórico, cultural y social, desde su origen a finales del XVII, en la corte de Luis XIV, a su evolución durante el primer tercio del XVIII.

Entrada libre hasta completar aforo, previa inscripción en este enlace.

28 de septiembre, a las 19.30 horas | PLAZA DE ISABEL II y distintos espacios en toda España

RETRANSMISIÓN EN DIRECTO: Adriana Lecouvreur será retransmitida en directo en la Plaza de Isabel II, en Madrid y en plazas, teatros, auditorios, museos y centros culturales de toda España en el marco de la Semana de la Ópera del Teatro Real.

Siguen abiertas las inscripciones, en este link, para todos los ayuntamientos que se quieran unir.

6 de octubre, a las 11.00 y a las 13.00 horas | REAL TEATRO DE RETIRO, Sala Pacífico

TALLER MUSICAL EN FAMILIA: ¡Todos al Real Teatro!

El caso de las violetas envenenadas explora el universo sonoro de la ópera Adriana Lecouvreur, de Francesco Cilea. Nos convertiremos en detectives para descubrir quién asesinó a una importante actriz…

Participan la soprano Aida Turganbayeva y el pianista Sergio Berlinches.

8 de octubre, a las 20.00 horas | INSTITUT FRANÇAIS

DOCUMENTAL: Sarah Bernhardt, à corps perdu

Considerada una de las mejores actrices del siglo XIX y XX, Sarah Bernhardt supo dar una dimensión especial al personaje de Adriana Lecouvreur, actriz también –como Bernhardt– de la Comédie Française y sobre la que grabó una película en 1913. Para ahondar en la vida de esta musa de escritores como Oscar Wilde, Víctor Hugo o Jean Cocteau, el Institut Français de Madrid junto al canal audiovisual francés TV5MONDE presentan un documental que la directora Sophie Jaubert realizó con motivo del centenario de la muerte de la bretona.

Entrada libre hasta completar aforo.

21 y 22 de octubre, a las 18.30 horas | CÍRCUO DE BELLAS ARTES, Sala Ramón Gómez de la Serna

CONFERENCIA: Voltaire 2024

21 de octubre. Ponentes: Juan Manuel Forte y Alicia H. Puleo. Moderador: Rodrigo Castro Orellana

22 de octubre: Ponentes: José L. Villacañas y Nuria Sánchez Madrid. Moderador: Rodrigo Castro Orellana

Voltaire, amigo cercano de Adriana Lecouvreur, y autor del Tratado sobre la tolerancia, fue enemigo del dogmatismo y de la ignorancia de su tiempo. Su figura sigue inspirando hoy en día y nos puede ayudar a reflexionar y debatir sobre los nuevos fanatismos, a combatir la disolución de la razón y la verdad, y a denunciar las nuevas manifestaciones reaccionarias.

Para ello el CBA propone dos charlas en las que cuatro filósofos pondrán de manifiesto cómo los problemas que acuciaban a Voltaire aún siguen removiendo conciencias en el siglo XXI.

Más información en este enlace.

Entrada libre hasta completar aforo.22 de octubre a las 20.00 horas | CÍRCULO DE BELLAS ARTES, Teatro Fernando Rojas

LECTURA DRAMATIZADA: Sarah Bernhardt Fan Club

En colaboración con el Círculo de Bellas Artes, el Institut français de España y la embajada francesa proponen una lectura dramatizada en francés con sobretítulos en español, escrita y dirigida por Juliette Deschamps, con los actores Judith Chemla y Bruno Blairet. Con este acto, a la vez divertido y conmovedor, en forma de biopic en 18 episodios, se homenajeará la figura de la inmensa y escandalosa actriz francesa Sarah Bernhardt, quien creó los más grandes papeles del repertorio de la época.

Compra de entradas en este enlace.

Hasta final de temporada| TEATRO REAL

EXPOSICIÓN: Puccini fotógrafo

Contemporáneo de Francesco Cilea (1866-1866), Giacomo Puccini (1858-1924) –cuyo centenario de fallecimiento se está celebrando con varias iniciativas en el Teatro Real– ejerció gran influencia en el compositor de Adriana Lecouvreur, encontrándose paralelismos entre el drama Tosca y de Adriana, dos heroínas trágicas que contraponen la libertad y trascendencia del arte, frente al drama que experimentan en sus vidas.

En la exposición Puccini-Fotógrafo, organizada en colaboración con PHotoEspaña, se pueden ver fotografías de gran formato en el foyer, las escaleras imperiales y el óvalo de la tercera planta del Teatro Real.

Hasta final de temporada| TEATRO REAL, Salón de baile y 7ª planta

EXPOSICIÓN: Centenario Victoria de los Ángeles

Victoria de los Ángeles (1923-2005) –de quien se está conmemorando el centenario de nacimiento– fue una gran intérprete de las heroínas trágicas puccinianas por su delicadísima sensibilidad, y encarnó también el rol titular de Adriana Lecouvreur, dando al personaje fragilidad y hondura.

El Teatro Real expone en el salón de baile y en el espacio expositivo que se encuentra en la séptima planta una colección de vestidos de la soprano, en colaboración con la Fundación Victoria de los Ángeles.

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM, unidad del INAEM, del Ministerio de Cultura) y la Universidad de Salamanca (USAL) coproducen la duodécima edición del ciclo Salamanca Barroca, iniciativa referente en el ámbito nacional e internacional de la interpretación musical con criterios historicistas. La programación se ha presentado hoy de la mano del rector de la Universidad de Salamanca, Juan Manuel Corchado; el director del CNDM, Francisco Lorenzo; el director del Servicio de Actividades Culturales de la USAL, Javier Panera; y el director de la Academia de Música Antigua de la USAL, Bernardo García-Bernalt.

Salamanca Barroca ofrecerá doce conciertos del 30 de septiembre de 2024 al 2 de junio de 2025. La programación presenta un recorrido diacrónico en el que participarán representantes de tres generaciones, especializados en la interpretación de música antigua. Johan Sebastian Bach, Antonio Vivaldi, Domenico Scarlatti, Arcangelo Corelli o Franz Josep Haydn, entre otros, son algunos de los compositores que sonarán en las dos sedes que acogen el ciclo: el Auditorio y la Capilla Fonseca de la Universidad de Salamanca.

Además, en paralelo a los conciertos, se celebrarán tres cursos de canto histórico y otros tres de cuerda barroca impartido por especialistas como Itziar Atutxa, Pedro Gandía, Andoni Mercero y Carlos Mena.

La mejor selección de intérpretes especializados

La Orquesta Barroca de la USAL, la más antigua de las orquestas historicistas de España y por la que han pasado jóvenes que ahora son grandes profesionales, abrirá la programación el lunes 30 de septiembre y la cerrará el lunes 2 de junio.

El primer concierto, dirigido por Pedro Gandía, nos transportará al Sacro Imperio Romano Germánico mediante una selección de piezas del que fue su último siglo, que van desde Johann Rosenmüller hasta Joseph Haydn. En el concierto de clausura, Cecilia Bernardini, una de las violinistas y directoras más dinámicas e interesantes del panorama actual, nos ofrecerá una selección de diferentes tipos de conciertos entre los que se incluyen los emblemáticos Concierto de Brandeburgo n.º 5 y Concierto para flauta, violín y clave de Johann Sebastian Bach.

El lunes 28 de octubre, el clavecinista Alfonso Sebastián presentará un interesante programa en torno a Johann Sebastian Bach y a su forma musical predilecta, la suite. Nos invitará a una incursión en las dos colecciones de suites que el autor escribió y revisó durante la tercera década del siglo XVIII.

La siguiente cita será el lunes 25 de noviembre de la mano de Sara Ruiz, violagambista al frente del Consort de Violas da Gamba de la USAL, con un programa en el que interpretarán las tablaturas que publicó Hernando de Cabezón en 1570. Las agrupaciones de la Academia de Música Antigua de la USAL estarán presentes en el ciclo en dos conciertos más. Por un lado, el que ofrecerá junto al Concento de Bozes de la USAL, bajo la dirección del contratenor Carlos Mena, el lunes 3 de marzo de 2025. Por otro, la cita junto al Coro de Cámara y Bernardo García-Bernalt, con el estreno en tiempos modernos en España de una recuperación histórica: una versión para cuarteto de cuerda, fortepiano y voces de Las siete palabras de Joseph Haydn, conservada en el Conservatorio de San Pietro a Majella de Nápoles.

El viernes 31 de enero tomará las tablas el emergente y talentoso ensemble Marsyas Baroque, que, junto con Simon Linné al archilaúd, propondrá un diálogo entre Johann Sebastian Bach y Charles François Dieupart, con la suite como hilo conductor. Por su parte, la reconocida agrupación Les Arts Florissants, dirigida por Paul Agnew, ofrecerá el miércoles 12 de febrero las delicadas Jephte de Antonio Draghi y Giacomo Carissimi.

El siguiente concierto tendrá lugar el lunes 24 de marzo con la prestigiosa formación Musica Alchemica, liderada por la violinista Lina Tur Bonet. El programa girará en torno al dúo Bach-Vivaldi y se centrará en el concierto a solo, ofreciendo una antología en la que violín, violonchelo y laúd se alternan en el papel principal. El jueves 22 de mayo será el turno de uno de los laudistas de referencia del universo de la cuerda pulsada barroca: José Miguel Moreno. En esta ocasión, se podrá escuchar su fascinante proyecto Ars melancholiae.

Como colofón a este ciclo, se celebrarán dos conciertos extraordinarios (fuera de abono) que pondrán el broche a la programación. El jueves 28 de noviembre, la Joven Orquesta Nacional de España (JONDE), de la mano del prestigioso director y clavecinista Richard Egarr, ofrecerá un recorrido por varias de las obras más representativas del período barroco, con compositores como George Friedrich Haendel, Johann Sebastian Bach y Henry Purcell. Este concierto será de entrada libre con invitación.

El segundo concierto extraordinario se enmarca dentro del ciclo transversal #Palestrina.500 del Centro Nacional de Difusión Musical, y estará protagonizado por Musica Ficta, el veterano grupo vocal creado en 1992 por Raúl Mallavibarrena. Con motivo del 500º aniversario del nacimiento del compositor italiano Giovanni Pierluigi da Palestrina, uno de los máximos exponentes del repertorio polifónico del Renacimiento, se propone un diálogo entre la obra de este compositor y Tomás Luis de Victoria, con quien coincidió en Roma. La cita tendrá lugar el martes 29 de abril en la capilla del Colegio Mayor Arzobispo Fonseca.

VENTA DE ABONOS

Público general: 104 € | Estudiantes y comunidad universitaria: 83 €. Renovación de abonos: del 22 de julio al 29 de julio de 2024. Venta de nuevos abonos: desde el 30 de julio de 2024. Abono de 10 conciertos (se excluyen los conciertos extraordinarios). Los abonos podrán adquirirse en la web http://sac.usal.es y en el punto de venta habitual Mercatus.

VENTA DE LOCALIDADES

A partir del 16 de septiembre de 2024. La compra de localidades se hará a través de la web http://sac.usal.es, en el punto de venta habitual Mercatus y en la taquilla una hora antes del concierto (excepto si se agotan).

Precios de las localidades:

ORQUESTA BARROCA DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA
ACADEMIA DE MÚSICA ANTIGUA DE LA USAL | CONSORT DE VIOLAS DA GAMBA
ACADEMIA DE MÚSICA ANTIGUA DE LA USAL | CONCENTO DE BOZES
ACADEMIA DE MÚSICA ANTIGUA DE LA USAL | CORO DE CÁMARA
ORQUESTA BARROCA DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA

Público general: 11 € | Estudiantes y comunidad universitaria: 9 €

ALFONSO SEBASTIÁN
MARSYAS BAROQUE
LES ARTS FLORISSANTS
MUSICA ALCHEMICA
JOSÉ MIGUEL MORENO

Público general: 15 € | Estudiantes y comunidad universitaria: 12 €

Concierto extraordinario (AUDITORIO HOSPEDERÍA FONSECA)
JOVEN ORQUESTA NACIONAL DE ESPAÑA
Concierto gratuito con invitación. Más información próximamente en la web https://sac.usal.es

Concierto extraordinario (CAPILLA FONSECA)
MUSICA FICTA
Público general: 20 € | Estudiantes y comunidad universitaria: 16 €

El cuarteto de cuerda alemán Gropius Quartett integrado por Indira Koch (violín), Friedemann Eichhorn (violín), Alexia Eichhorn (viola) y Wolfgang Emanuel Schmidt (violonchelo), acaba de sacar al mercado su primer disco de estudio editado por la label Hänssler Classical. Y para este debut discográfico, el Gropius Quartett presenta una original selección, en la que conocidas obras del repertorio para cuarteto de cuerda como el Cuarteto en Fa menor de Felix Mendelssohn-Bartholdy (1809-1847) y el Cuarteto en Fa mayor, op. 96,“Americano” de Antonín Dvorák (1841-1904), conviven con obras de nueva creación como Von Angst und Trauer erlöst durch die Liebe, que el compositor alemán George Alexander Albrecht (1935-2021) escribió expresamente para el Gropius Quartett en 2018. Además, el disco incluye El cant dels ocells del chelista y compositor catalán Pau Casals, en un arreglo realizado por el propio cuarteto.

Formado por cuatro músicos de amplia trayectoria internacional como solistas y músicos de cámara, que se conocen desde su época de estudiantes en la Academia Internacional de Música Menuhin de Gstaad y la Juilliard School de Nueva York, el Gropius Quartett ha recibido el elogio unánime de la crítica especializada (“extraordinaria técnica, precisión y complicidad”) desde su concierto-debut como cuarteto en el Nationaltheater de Weimar en el año 2018. Inspirados por el ejemplo de Walter Gropius (el visionario arquitecto fundador del estilo Bauhaus) y por sus maestros Yehudi Menuhin y Mstislav Rostropovich, el Gropius Quartett surge con el propósito artístico de resaltar la forma de la obra y darle vida mediante una apasionada interpretación.

Con un extenso repertorio, el Gropius Quartett ha colaborado con figuras de renombre internacional como el violinista Gidon Kremer, los pianistas Evgeny Kissin, Lily Maisky, Matthias Kirschnereit y Filipe Pinto-Ribeiro, así como los chelistas Mischa Maisky y Camille Thomas (participando incluso en la grabación de su trilogía “The Chopin Project” en Deutsche Grammophon). Y, desde su fundación en 2018, el Gropius Quartett ha desarrollado una intensa actividad en el ámbito de la música contemporánea, con encargos a compositores como Enjott Schneider, Sir Karl Jenkins y el citado George Alexander Albrecht, del que en este disco ofrecen la primera grabación de Von Angst und Trauer erlöst durch die Liebe.

El Gropius Quartett tendrá más proyectos discográficos en un futuro cercano, entre los que cabe destacar la grabación del cuarteto Divorce y el sexteto Leopards (estreno mundial) del compositor turco Fazil Say en el sello Naxos. Además, este otoño realizará una extensa gira por Estados Unidos y Canadá, y actuará por primera vez en España; la cita será el próximo 24 de noviembre en el CaixaForum de Barcelona, con un concierto en el que sonarán obras de Haydn, Puccini, Hugo Wolf, Mendelssohn y Sir Karl Jenkins.

Escuchar disco del Gropius Quartett en streaming.

Este lunes se ha presentado la vigesimosexta edición del Ciclo de Música Contemporánea del Museo Vostell Malpartida, que ofrecerá un programa de conciertos, proyecciones y actividades educativas que, como novedad, comenzará en la sede cacereña de la Filmoteca de Extremadura. Esta coproducción entre el Museo Vostell Malpartida (MVM) y el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) pone el foco en las conexiones inventivas y experienciales entre sonido e imagen y la instrumentación heterodoxa.

La programación se ha presentado en el Palacio Carvajal de Cáceres, en un acto en el que han participado el secretario general de Cultura, Francisco José Palomino; la directora adjunta y coordinadora artística del Centro Nacional de Difusión Musical, Maider Múgica; el vicepresidente tercero de Fomento, Movilidad y Agenda Provincial de la Diputación de Cáceres, Luis Fernando García Nicolás, el alcalde de Malpartida de Cáceres, Alfredo Aguilera, el director-gerente del Consorcio Museo Vostell Malpartida, José Antonio Agúndez, y el coordinador del ciclo, Alberto Flores.

Esta nueva edición dará comienzo con una novedosa propuesta de programación expandida que se celebrará el jueves 12 de septiembre en la Filmoteca de Extremadura, en Cáceres, con el propósito de recordar al compositor y artista estadounidense Phill Niblock, fallecido en enero de este año. Esta jornada de apertura comenzará con una charla de la artista Barbara Held sobre el influyente trabajo de Niblock, que es inseparable de un generoso posicionamiento vital que ha propiciado la creación de una comunidad intergeneracional de artistas en todo el globo. Seguidamente, se proyectarán películas de Phill Niblock (una de ellas firmada junto a Katherine Liberovskaya), Carlos Casas, Noemi Sjöberg/Pierre Pulisciano, Andy Graydon y Barbara Held/Richard Garet, autores que, en realidad, plantean una experiencia inmersiva que trasciende las fronteras del arte, el cine y la música. Como complemento a estas proyecciones en la Filmoteca, durante la celebración del ciclo se exhibirá en el propio MVM la película de Niblock THIR Ten Hundred Inch Radii, de 1972.

A partir de la segunda jornada, los conciertos y las actividades educativas se celebrarán en la sede habitual del museo. El viernes 13 de septiembre, la británica Vicki Bennett, conocida como People Like Us, presentará por primera vez en España su performance audiovisual The Library of Babel. Esta obra es un collage resonante de películas antiguas y modernas que, al igual que sucede con las piezas creadas por la comunidad formada en torno a Phill Niblock, constituye una práctica desprovista de la narrativa que se presupone al medio cinematográfico.

La programación de la segunda semana está orientada hacia la instrumentación heterodoxa y presenta dos conciertos de música improvisada que se celebrarán en el MVM. Primeramente, el viernes 20 de septiembre visitarán el centro museístico el español Dr. Truna (alias de Andrés Blasco) y el inglés Mike Cooper, que comentarán al público su práctica musical y ofrecerán el concierto conjunto Strange Strings, para violonchelo preparado, “maleta mágica”, guitarra hawaiana y electrónica. Como colofón, el sábado 21 de septiembre, se presentará el dúo portugués Von Calhau!, integrado por Marta Ângela y João Artur. El título del concierto, voooon Guijjjjaarrrrrrón!, indica con claridad la voluntad del dúo luso de adentrarse por terrenos musicales extraños o inexplorados, pero siempre construidos sobre una potente base teórica apuntalada en Fluxus, el mundo rural, el teatro del absurdo o el surrealismo.

Esta edición es una coproducción del Centro Nacional de Difusión Musical (unidad del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música, INAEM, del Ministerio de Cultura), el Consorcio Museo Vostell Malpartida, la Consejería de Cultura, Turismo, Jóvenes y Deportes de la Junta de Extremadura, el Ayuntamiento de Malpartida de Cáceres y la Diputación de Cáceres. Con la colaboración de la Embajada de Portugal en Madrid, el Instituto Camões, el Ministério da Cultura de Portugal, la Filmoteca de Extremadura, la Asociación de Amigos del Museo Vostell Malpartida y la Cafetería-Restaurante Museo Vostell.

Horarios del ciclo

La jornada inaugural dará comienzo a las 19:30 horas e invita a los visitantes a conducirse como lo harían en una exposición de videoarte, con libertad para entrar y salir de la sala. Por su parte, y como viene siendo habitual, las actividades educativas y los conciertos programados en el Museo Vostell Malpartida darán comienzo a las 19:30 y las 20:30 horas respectivamente. Finalmente, la película de Phill Niblock THIR Ten Hundred Inch Radii podrá verse en el MVM durante su horario de apertura al público, entre el 12 y el 21 de septiembre.

Todas las actividades del ciclo son de entrada libre. Como novedad, un servicio gratuito de autobús desde Cáceres se pone a la disposición de las personas interesadas en asistir a los conciertos que se celebran en el Museo Vostell Malpartida. Este transporte tiene prevista su salida el día 13 de septiembre de la Plaza de Obispo Galarza a las 19.30 horas. En siguientes notas de prensa se anunciarán la disponibilidad de este servicio de autobuses con los horarios de salida.

La Fundación Scherzo se complace en anunciar el primer concierto del 30º Ciclo de Grandes Intérpretes, protagonizado por la pianista rusa Yulianna Avdeeva. El concierto tendrá lugar el próximo 10 de septiembre a las 19:30 horas en el Auditorio Nacional de Música de Madrid, un escenario que acogerá la destreza y sensibilidad interpretativa de una de las figuras más destacadas del panorama pianístico internacional.

Ganadora del Primer Premio en el Concurso Internacional Chopin de 2010, Yulianna Avdeeva ha consolidado su reputación como una intérprete de extraordinaria profundidad artística y técnica impecable. Su interpretación de la obra de Chopin ha sido especialmente alabada por su capacidad para fusionar una intensa emocionalidad con un respeto riguroso por el texto musical, lo que la ha llevado a ser considerada una de las principales especialistas en la obra del compositor polaco.

El programa que Avdeeva presentará en su debut en Grandes Intérpretes refleja su versatilidad y compromiso con el repertorio pianístico más exigente. Chopin y Liszt han sido los encargados de dibujar esta fantasía sonora que, bajo el título de: “Los Misterios de Liszt”, nos descubre algunas de las grandes piezas del piano romántico.

El compositor polaco siempre ha sido un predilecto para Avdeeva. Su forma de adaptar aquellos bailes populares y de convertir la Mazurca en un género per se, han fascinado a una intérprete que ha convertido a Chopin en su particular marca de la casa. Combinando piezas de juventud, con otras de su etapa en Valdemossa, Avdeeva nos muestra un retrato del genio de Varsovia muy particular, que engloba el espíritu del piano romántico desde lo virtuoso hasta lo más introspectivo. Escucharemos sus Cuatro Mazurkas op. 30, la Barcarola op. 60, el Preludio en Do sostenido menor, op. 45, el Scherzo No. 3 en Do sostenido menor, op. 37 para concluir con uno de los grandes hitos del pianismo: el Andante spianato y Gran Polonesa Brillante op. 22.

La segunda parte de este recital, que da título al mismo, estará dedicada al otro de los grandes genios del piano romántico: Franz Liszt. Avdeeva nos ofrece tres obras del Liszt más visionario, que mira al siglo XX con cierta cercanía. La Bagatelle sans tonalité S. 216a parece acercarse a ese atonalismo o politonalidad que tanto fascinará en las vanguardias. Unstern! – Sinistre S. 208 nos sumergirá en los misterios fáusticos y en los límites entre espíritu y moralidad. Por último, no podía faltar la sonata por excelencia. El misterio mejor guardado del húngaro que, durante décadas, ha supuesto todo un mapa de interrogantes a intérpretes y musicólogos. La Sonata en Si menor será la encargada de clausurar este recital y, por ende, este debut inaugural en Grandes Intérpretes.

La presencia de Yulianna Avdeeva en Madrid es una oportunidad única para el público de la capital de disfrutar de una intérprete que combina rigor intelectual, una refinada sensibilidad y una impresionante capacidad técnica. Este concierto promete ser uno de los momentos más destacados del Ciclo de Grandes Intérpretes de la Fundación Scherzo en esta temporada.

Las entradas ya están disponibles y se pueden adquirir a través de la página web de la Fundación Scherzo.

¡No pierdas la oportunidad de presenciar a una de las pianistas más extraordinarias de nuestro tiempo!

El 5 de septiembre, jueves, a las 19.30 horas, el Teatro Real ofrecerá el primer concierto lírico de su Temporada 2024-2025, cuya inauguración oficial será el 23 de septiembre, con el estreno de la ópera Adriana Lecouvreur, de Francesco Cilea.

La velada, íntegramente dedicada a Giacomo Puccini (Lucca, 1859 – Bruselas, 1924), estará protagonizada por Anna Netrebko y Yusif Eyvazov, que ya actuaron juntos en el Teatro Real en dos conciertos (el 1 de noviembre de 2019 y el 25 de julio de 2022) y en las óperas Tosca, en 2021, y Aida, en 2022.

Netrebko y Eyvazov interpretarán arias, dúos y cuartetos de Turandot, Manon Lescaut, La bohème, Tosca y Madama Butterfly, junto a la soprano Daria Rybak y al barítono Jérôme Boutillier, que debutarán en el Real y a los que escucharemos también en solitario con arias de Turandot y Edgar.

Junto a ellos tendrá un importante papel el coro, donde se unirán las voces del Coro Titular del Teatro Real, dirigido por José Luis Basso, y del Coro de RTVE, dirigido por Marc Korovitch.

Denis Vlasenko, director artístico del Teatro Estatal Académico Bolshoi de Taskent (Uzbekistán), y con un largo vínculo artístico con Anna Netrebko, será el encargado de la dirección musical del concierto, como ya hizo, con éxito, en 2019, cuando la soprano hizo su debut en el Real junto a Yusif Eyvazov.

Anna Netrebko ha encontrado en las grandes heroínas puccinianas un terreno fértil para explorar la ductilidad de su voz y la intensidad dramática de sus interpretaciones. La combinación de su lirismo cálido, virtuosismo técnico y una profunda comprensión emocional de los personajes que encarnará en el concierto – Turandot, Manon Lescaut, Tosca, Mimi y Cio-Cio-San logra captar su complejidad, vulnerabilidad, contradicciones y la evolución dramática de los mismos, logrando versiones únicas de estos papeles, marcados por la pasión y la tragedia.

El programa del concierto ofrece una inmersión profunda en el universo emocional de Giacomo Puccini, con una selección de sus más emblemáticas arias, dúos y números de conjunto. La primera parte comenzará con Turandot, con el vibrante coro «Popolo di Pekino» y la impresionante interpretación de «In questa reggia» por Anna Netrebko, arropada por el coro. Le siguen los dramáticos diálogos entre Calaf, Liù y Turandot, que culminan en el conmovedor lamento «Tu che di gel sei cinta», que dará a conocer a Daria Rybak al público del Real. El contraste emocional se realza con el «Intermezzo» orquestal de Manon Lescaut, antes de que Netrebko vuelva al universo trágico de «Sola, perduta, abbandonata». Yusif Eyvazov aportará la pasión de «Donna non vidi mai», y el dúo de amor «Tu, tu, amore? Tu?» cerrará la primera parte con gran intensidad.

La segunda parte abrirá con la frescura y el encanto de La Bohème, seguida por el aria «Questo amor, vergogna mia» de Edgar, la menos conocida de la velada, interpretada por el barítono Jérôme Boutillier, pianista repetidor que está haciendo una interesante carrera como cantante, y que debuta en el Real. El lirismo melódico de Tosca cobra vida en las populares «Vissi d’arte» con Anna Netrebko y «Recondita armonia» con Yusif Eyvazov. Madama Butterfly cerrará el programa con el delicado «Coro a boca cerrada» y el dúo «Vogliatemi bene», brindando un final emotivo a una velada que evoca el gran genio creativo de Puccini.

PROGRAMA

Anna Netrebko, soprano

Yusif Eyvazov, tenor

Daria Rybak, soprano

Jérôme Boutillier, barítono

Christian Díaz, bajo

Mikeldi Atxalandabaso, tenor

Pablo García-López, tenor

Coro y Orquesta Titulares Del Teatro Real

Coro RTVE

Denis Vlasenko, director de orquesta

José Luis Basso, director del Coro Titular del Teatro Real

Marc Korovitch, director del Coro RTVE

PARTE I

Turandot

«Popolo di Pekino… Dal deserto al mar…»

Jérôme Boutillier y Coro

«In questa reggia»

Anna Netrebko y Coro

«Non piangere, Liù!»

Yusif Eyvazov, Daria Rybak, Jérôme Boutillier y Coro

«Sei pallido, straniero…!»

Anna Netrebko, Daria Rybak,Yusif Eyvazov y Coro

«Tu che di gel sei cinta»

Daria Rybak

«Diecimila anni al nostro imperatore!»

Coro y Anna Netrebko

Manon Lescaut

Intermezzo

Orquesta Titular del Teatro Real

«Sola, perduta, abbandonata»

Anna Netrebko

«Donna non vidi mai»

Yusif Eyvazov

«Tu, tu, amore? Tu?»

Anna Netrebko y Yusif Eyvaz

PARTE II

La bohème

«Sa dirmi, scusi, qual’è l’osteria.. Mimi!»

Anna Netrebko, Yusif Eyvazov, Daria Rybak y Jérôme Boutillier

Edgar

«Questo amor, vergogna mia»

Jérôme Boutillier

Tosca

«Vissi d’arte»

Anna Netrebko

«Recondita armonia»

Yusif Eyvazov

Madama Butterfly

Coro a boca cerrada

«Vogliatemi bene…»

Anna Netrebko y Yusif Eyvazov

El tenor español Celso Albelo vuelve a subir en los próximos días a uno de sus escenarios de referencia: la temporada lírica de los Amigos de la Ópera de A Coruña, y lo hace para inaugurar el nuevo curso de una entidad en la que debutó hace ya 18 años y de la que es socio honorífico. Ante los melómanos coruñeses el cantante de La Laguna (Tenerife) ha interpretado una parte importante de su amplio repertorio, y en este regreso lo hará como Rodolfo de La Bohème, de Puccini, conmemorando el centenario de la muerte del genial autor italiano.

Tras debutar el personaje en el Teatro La Fenice de Venecia, Albelo volvió a cosechar un nuevo éxito con su visión del joven bohemio y apasionado en la temporada de ABAO Bilbao Opera, para ahora retomarlo en las dos funciones programadas en el curso de la ciudad gallega (días 8 y 10 de septiembre). El tenor español reconoce que abordar el papel es “un gran desafío en lo vocal”, pero que, una vez controlado este aspecto técnico e interpretativo, hoy se centra más en lo escénico, en sacarle punta al rol. “Busco contar el personaje”, asegura. “Puedo sacrificar un sonido para transmitir una idea”. La obra, una de las más populares del universo pucciniano, según Albelo, “conjuga la amistad, el pulso de la juventud y la vida misma, que a veces te da golpes que no esperas”.

Más allá de la preparación propia del montaje, para Celso Albelo contar con las ideas del tenor Aquiles Machado, el director artístico de la temporada de A Coruña, es una oportunidad que sabe aprovechar. “Él ha cantado Rodolfo más de 300 veces y me nutro de sus consejos con conocimiento de causa”, afirma. Junto al tenor canario en el rol de Mimì estará la soprano Miren Urbieta-Vega, ambos secundados por Massimo Cavalleti, Matteo Peirone, Helena Abad, Manuel Mas, Simón Orfila, Pablo Carballido, Jacobo Rubianes y Alfonso Castro, en una producción con dirección de escena de Danilo Coppola y capitaneada desde el podio por José Miguel Pérez-Sierra, director principal invitado de la temporada de Amigos de la Ópera. La Sinfónica de Galicia regresará al foso, junto a los coros Gaos y Cantabile que dirigen respectivamente Fernando Briones y Pablo Carballido.

Tras su Rodolfo, Celso Albelo viajará al Teatro de la Zarzuela de Madrid para interpretar una vez más a Jorge de la ópera Marina de Arrieta (octubre), antes de su regreso al Liceu barcelonés (diciembre) con otro icono de Puccini, Pinkerton de Madama Butterfly.

Del 2 al 10 de septiembre, podrás adquirir el Abono Joven del 30º Ciclo de Grandes Intérpretes de la Fundación Scherzo por solo 90 euros. Este abono exclusivo te permite acceder a los 11 conciertos de la temporada 2024-2025, donde disfrutarás de la presencia de pianistas de renombre internacional. Además, formarás parte del club «Amantes del piano», con acceso a beneficios y experiencias exclusivas.

¿Qué incluye el Abono Joven?

A continuación, te presentamos la programación completa del 30º Ciclo de Grandes Intérpretes, una temporada que promete ser inolvidable:

10 de septiembre – Yulianna Avdeeva: La ganadora de la XVI edición del Concurso Internacional de Piano Frédéric Chopin debutará en nuestro ciclo con un programa dedicado al pianismo romántico, interpretando obras de Chopin y Liszt.

16 de octubre – Ivo Pogorelich: El arquitecto del sonido. Pogorelich, pianista indispensable del panorama contemporáneo, en su vuelta más esperada a nuestro ciclo, consolidando su posición en la memoria colectiva de melómanos e intérpretes.

21 de octubre – Franz Schubert Filharmonia y Maxim Vengerov: Como una de las grandes novedades de la temporada, contaremos con la presencia de la Franz Schubert Filharmonia bajo la dirección de Tomàs Grau, presentando un recital dedicado a los conciertos para violín de Mozart, con Maxim Vengerov como solista.

12 de noviembre – Alexandre Kantorow (Concierto exclusivo para abonados): Como parte de la dedicación especial al abonado en esta edición, Kantorow ofrecerá un recital exclusivo en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional, interpretando obras de Liszt, Rachmaninov, Bartók y Bach.

8 de enero – Stephen Hough: El pianista británico debutará en nuestro ciclo con un recital lleno de misterio y emoción, interpretando obras de Chopin y la compositora francesa Cécile Chaminade.

24 de febrero – Grigory Sokolov: Nuestro artista predilecto y emblema de la programación, Grigory Sokolov, regresa una vez más para cautivarnos con su inigualable maestría.

2 de marzo – Maria João Pires e Ignasi Cambra: La aclamada pianista portuguesa, junto con Ignasi Cambra, ofrecerá un recital a cuatro manos, una experiencia única que no te puedes perder.

25 de marzo – Rudolph Buchbinder: Tras muchos años de intentarlo, por fin debuta en nuestro ciclo uno de los pianistas más legendarios de nuestro tiempo, con un homenaje muy personal a Beethoven.

20 de abril – Seong-Jin Cho: El ganador del Concurso Internacional de Piano Frédéric Chopin 2015 regresa al ciclo con un repertorio que abarca obras de Liszt, Beethoven, Bartók y Brahms.

17 de mayo – Khatia Buniatishvili: La diva del piano nos impresionará con su virtuosismo y energía inigualables, ofreciendo un concierto que promete ser tan glamuroso como electrizante.

7 de junio – Nelson Goerner: La temporada culmina con el recital del pianista argentino, que interpretará un programa en torno a la música de Beethoven, Rachmaninov y Schumann.

¿Cómo puedes adquirir tu Abono Joven?

Es muy sencillo. Solo necesitas acercarte a nuestras oficinas en Calle Cartagena 10, 1ºC, Madrid entre el 2 y el 10 de septiembre (horario de lunes a viernes de 10 a 15h), presentando tu DNI para acreditarte como menor de 30 años. Recuerda que esta oferta es exclusivamente presencial y estará disponible por tiempo limitado.

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Hazte con tu abono y sumérgete en una temporada llena de magia musical junto a los más grandes intérpretes del piano.

Para más información sobre la programación y eventos paralelos, visita nuestra web

El próximo 6 de septiembre, la conocida pianista luxemburguesa Cathy Krier lanzará al mercado su nueva propuesta discográfica en el sello alemán GENUIN Classics: “Piano Poems”. Un reflejo de la relación entre música y literatura a través de la selección de obras de Maurice Ravel (1875-1937), Franz Liszt (1811-1886), Konstantia Gourzi (1962), Catherine Kontz (1976) y Sergei Prokofiev (1891-1953).

“Durante años, los compositores han tomado la literatura y la poesía como fuentes de inspiración, y me interesaba explorar las distintas formas en las que traducen esa inspiración en música”, señala Cathy Krier, que ha elegido conocidas obras de Ravel, Prokofiev y Liszt, porque sus planteamientos no podrían haber sido más diferentes. “Gaspard de la nuit de Ravel tiene su origen en el poema homónimo en prosa de Aloysius Bertrand, y Ravel emplea un amplio arsenal de técnicas compositivas y pianísticas para plasmar en música el sutil lenguaje de Bertrand, y describir a los diferentes personajes. Prokofiev presenta un enfoque completamente diferente en cuanto al uso de la historia, ya que transcribe literalmente Cinderella, el cuento de hadas de Perrault; estamos ante música programática. Liszt, en cambio, toma canciones de Schubert para voz y piano, y las transcribe para piano solo, dando lugar a canciones sin palabras a partir de poemas de Goethe, Rellstab y Heine” añade Krier.

Fiel a su firme compromiso con la música de nueva creación y convencida de que el intérprete tiene que ser también embajador de la música de nuestros días, Cathy Krier incluye en “Piano Poems” la primera grabación mundial de dos obras escritas expresamente para ella por la compositora griega Konstantia Gourzi y la compositora luxemburguesa Catherine Kontz; Ithaca, Op. 104 (2023) de Gourzi, fue realizada por encargo de la Philharmonie Luxembourg y muestra otra forma de acercarse a la poesía. Se inspira en el poema homónimo del poeta griego Konstantinos Kavafis, y emplea superballs, singing bowls y piedras preciosas, que hacen resonar las cuerdas del grand piano y crean una gran variedad de timbres para describir ese viaje a Ítaca. Por su parte, Murmuration (2022) de Kontz traslada a la música esas infinitas y poéticas formaciones celestiales que originan las bandadas de pájaros en el cielo.

Desde que fue “ECHO Rising Star”, Cathy Krier se ha convertido en una de las artistas más originales del panorama pianístico actual con sus innovadores recitales en los que combina obras de diversas épocas y sus proyectos interdisciplinares como Hear Eyes Move, Clara!–A compositional journey, Funeral Blues – the missing cabaret o el ciclo anual “Yoga at the Phil” en la Philharmonie Luxembourg. Krier ha actuado en prestigiosas salas de concierto como el Barbican Centre, el Konzerthaus de Dortmund, el Palau de la Música Catalana, el Konserthuset de Estocolmo, el Concertgebouw de Ámsterdam, el Bozar de Bruselas o la Musikverein de Viena, entre otras. Además, ha participado en transmisiones de radio y televisión, como el programa EUROPE@HOME del famoso violinista Daniel Hope en el canal ARTE, y desde 2018 es profesora de piano en el Conservatorio de la ciudad de Luxemburgo.

Para Borja Mariño, que se lleven al estudio una selección de sus canciones en el disco Mientras se borra el mundo es simplemente “un sueño hecho realidad”, según confiesa ante el reciente lanzamiento de este álbum. El músico de Vigo atesora a sus espaldas un importante bagaje como compositor, más allá de su consolidada trayectoria como pianista acompañante de recitales y óperas y como repertorista en los principales teatros de España, actividades que ha llevado en paralelo durante algo más de veinte años. “Hace tiempo que tenía intención de grabar algunos de los últimos ciclos de canción de concierto que he ido estrenando en pasadas temporadas, y estoy feliz de que lo hayan llevado a cabo dos magníficas voces, jóvenes y en pleno ascenso profesional, como son la soprano extremeña Mar Morán –de gran sensibilidad y belleza vocal– y el barítono gallego Gabriel Alonso –con todo su temperamento y solidez interpretativa–, ambos guiados por la mano experta en el género como es la del maestro Aurelio Viribay desde el piano”. Mariño entiende la escritura vocal y las necesidades de los cantantes gracias a su contacto directo con los intérpretes a través de su actividad como pianista repertorista y acompañante, por lo que, casi de manera natural, su alma compositiva le ha empujado a crear lírica de cámara, una de sus pasiones, que ahora reúne en Mientras se borra el mundo, incluyendo cinco de sus principales ciclos de canciones de concierto que han estrenado e interpretado, entre otros, Saioa Hernández, Carolina Moncada, Maria Miró, Patricia Blanco, Laura Crespo, David Oller, César San Martín, Gustavo Ahualli, Daniela Guzmán Égüez, Yunuet Laguna, Cristina Toledo, Mariola Cantarero, Susana Rodriguez Cazorla, Carolina Masetti, Cristina Teijeiro, Natalia Salom, Duncan Gifford, Kamal Khan, Teresa Crane o Agustin Muriago.

Versos de mujer es un homenaje a la poesía femenina con textos de Dulce María Loynaz, Alfonsina Storni, Josefina de la Torre y Carmen Jodra, además de dos escritoras vivas como son Carmina Casala y Dalia Alonso; el ciclo lo estrenó en 2022 la soprano María Miró y ha tenido una gran difusión internacional en la voz de Daniela Guzmán y Patricia Crane en Denver (USA) o Yunuet Laguna y Kamal Khan en Montevideo (Uruguay).

Tres poemas de guerra y un sueño con textos de Antonio Machado fue un encargo del barítono Gabriel Alonso; forma parte de un proyecto de tres ciclos de tres autores escritos para su trabajo de fin de carrera. Mariño se centra en los últimos poemas del escritor sevillano, en los que encara el exilio y los estragos de la Guerra Civil española; las canciones dibujan la profunda desolación retratada por el poeta, intercaladas por una cuarta, Sueño, que da un pequeño respiro a tanta oscuridad. El ciclo fue estrenado por Alonso junto al piano de Duncan Gifford en 2021 en el Auditorio Sony de la Escuela Superior de Música Reina Sofía y también se interpretó en el Ward Recital Hall de Washington por el barítono Gustavo Ahualli junto al pianista Agustín Muriago.

Campanas de sol y aire es un canto a la ciudad de Sevilla sobre poemas de cuatro escritores contemporáneos: Juan Lamillar, Lutgardo García, José María Jurado e Ignacio Trujillo, quienes imprimieron en sus poesías, desde su perspectiva personal, la belleza y el carácter de la capital hispalense. La primera de las canciones, Mientras se borra el mundo, da título al álbum. El ciclo se presentó por primera vez en 2022 en el Círculo de Labradores de Sevilla y posteriormente en Madrid y Barcelona con Carolina Moncada. Además, la soprano Mar Morán lo ha interpretado en el Ateneo de Sevilla y en Mérida.

Tríptico de Hierro fue compuesto en ocasión del centenario del poeta José Hierro y lo estrenó el barítono David Oller con el propio Mariño al piano en 2022; también se ofreció en versión sinfónica en el Auditorio Manuel de Falla de Granada y, en 2023, con César San Martín y la Orquesta de Getafe dirigida por Carlos Díez en el Teatro García Lorca.

Por último, Cuatro canciones antiguas sobre textos sefardíes es una de las primeras composiciones para voz del compositor y el ciclo gira en torno a los cuatros modos de la música antigua; los textos, recogidos por la musicóloga Susana Weich, representan diversos momentos vitales: el casamiento, la muerte, una nana y una canción de juegos. Se estrenaron en el año 2000 por Patricia Blanco y, posteriormente orquestadas, tuvieron una gran repercusión en la personal interpretación que hizo en 2013 la soprano Saioa Hernández en el Auditorio Nacional de Madrid, con el maestro Alejandro Jassán al frente de la Sinfónica Chamartín.

Recientemente se han interpretado ciclos del compositor gallego como Vaqueros en Nueva York en la Fundación Juan March y en el Festival de Granada a cargo de la soprano Raquel Lojendio y el pianista Aurelio Viribay, retransmitido en streaming y por RTVE; Versos de mujer y Tríptico de Hierro (en febrero de 2023) con la Joven Orquesta de Granada, Edmon Levon, Cristina Toledo y David Oller; Tríptico de Hierro en octubre del mismo año con la Orquesta de Getafe, Carlos Díez y César San Martín; Canciones para Emma en marzo de 2024 con la Orquesta de Cámara de Mallorca, José Luis López Antón y Marga Cloquell; en mayo de 2023 se estrenaron en Londres dos canciones sobre Shakespeare a cargo de la soprano Nadine Benjamin y el pianista Jan Rautio.

El curso-seminario sobre las canciones de Borja Mariño en las especialidades de Canto y Música de Cámara del Conservatorio de Salamanca incluyó dos conciertos finales a cargo de los más de 20 alumnos incluidos en su Festival de Música siglo XXI.

Próximamente, en el Teatro de la Zarzuela se estrenará su monodrama Contra el amor en el concierto en torno a María de la O Lejárraga que ofrecerán Aida Gimeno (soprano) y Carlos Sanchís (piano).

Esta mañana se ha presentado en Valladolid la tercera edición del «Ciclo de Recitales y Música de Cámara«, una programación del Centro Cultural Miguel Delibes que cuenta con varias coproducciones del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM). En esta ocasión, el ciclo albergará diez conciertos de los cuales el CNDM coproduce tres, que estarán protagonizados por Leticia Moreno (23 de marzo de 2025), el Cuarteto Gerhard y Judith Jáuregui (27 de abril de 2025), y el Trío VibrArt con el Ensemble de Percusión de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León (8 de junio de 2025). Los conciertos tendrán lugar en la sala de cámara del Centro Cultural Miguel Delibes desde el mes de septiembre y hasta el mes de junio del próximo año.

Esta programación forma parte de los Circuitos del CNDM, conciertos, ciclos y festivales que la entidad desarrolla gracias a las alianzas con otras instituciones, tanto públicas como privadas, para desplegar una amplia oferta cultural a lo largo de todo el territorio. En Castilla y León, además de Valladolid, el CNDM estará presente en las localidades de Ávila, León, Salamanca y Segovia durante la temporada 24/25.

10 conciertos de septiembre a junio

El primer recital del ciclo tendrá lugar el domingo 15 de septiembre y contará con el flautista Emmanuel Pahud, solista de la Orquesta Filarmónica de Berlín y artista residente de la OSCyL en la presente temporada, quien estará acompañado por el Cuarteto Ocean Drive, integrado por miembros de la OSCyL, para interpretar un repertorio camerístico para flauta y cuerdas. Este recital forma también parte de la programación del Otoño Musical Soriano, Festival Internacional de Música de Castilla y León. El domingo 13 de octubre tendrá lugar el segundo concierto, con la participación del aclamado pianista suizo-italiano Francesco Piemontesi, que actuará por primera vez en un recital en el Centro Cultural Miguel Delibes.

La soprano zaragozana Sabina Puértolas unirá fuerzas con el pianista Rubén Fernández Aguirre para ofrecer una gran fiesta lírica, en el tercer recital, que será el domingo 17 de noviembre. El domingo 1 de diciembre se contará con el violista francés Antoine Tamestit, también artista en residencia en esta temporada, que actuará junto con la pianista Noelia Rodiles y un grupo de cámara de la OSCyL para ofrecer un programa ecléctico que incluye el Concierto para piano n.º 12 en La mayor de Mozart en una versión para piano y quinteto de cuerdas. En el mismo mes de diciembre y para cerrar el año, el domingo 22, llegará el turno del gran pianista bilbaíno Joaquín Achúcarro, con una carrera de casi ocho décadas.

El domingo 26 de enero será el sexto recital, recibiendo al clavecinista de referencia internacional Mahan Esfahani, en colaboración con la Fundación Juan March. Junto con miembros de la OSCyL, interpretará un programa en el que el pasado y la música contemporánea conviven y que refleja la defensa por la vigencia y modernidad del instrumento que Mahan Esfahani promueve. Este recital podrá escucharse también en el Teatro Liceo de Salamanca. El domingo 2 de marzo se ofrecerá el estreno en España de una obra nueva de Raphaël Merlin, a cargo del Cuarteto Ébène, del que formó parte durante 25 años.

A través de las coproducciones con el Centro Nacional de Difusión Musical, el ciclo de recitales propone diversos programas como el que ofrecerán, el domingo 23 de marzo, Leticia Moreno al violín, Claudio Constantini al bandoneón, Uxia Martínez al contrabajo y Matan Porat al piano, en un recital único e innovador titulado Bach in the Jungle, en el que se podrá escuchar la música del gran genio alemán con un nuevo color. El domingo 27 de abril, el Cuarteto Gerhard, junto con la pianista Judith Jáuregui, acercará la música de Liszt, Chaikovski y Beach con el piano como protagonista. El domingo 8 de junio, el Trío VibrArt y la sección de percusión de la OSCyL cerrarán el ciclo con una combinación perfecta de obras de Schubert y Shostakóvich, celebrando el cincuentenario del fallecimiento de este importante compositor.

Entradas y abonos a la venta

Se mantienen los precios de la pasada temporada, con abonos entre 112 y 150 euros para los diez recitales, fomentando la fidelización del público a través de descuentos y precios especiales para los abonados de la OSCyL. Se contemplan descuentos para los colectivos de mayores de 65 años, desempleados, personas con discapacidad y familias numerosas. Los abonos estarán a la venta del 2 al 14 de septiembre.

Además, se podrán adquirir entradas para cada uno de los recitales, con precios entre 15 y 20 euros, que estarán a la venta desde el 6 de septiembre en taquillas y en la página web del Centro Cultural Miguel Delibes. Los estudiantes de música de Castilla y León contarán con precios reducidos, a 3 euros por recital, disponibles el mismo día del concierto.

Las familias tienen una cita con el Festival de San Lorenzo en su recta final. Este encuentro musical promovido por la Comunidad de Madrid en San Lorenzo del Escorial y Zarzalejo, quiere acercar a los niños la música del compositor barroco Juan Sebastián Bach en Va de Bach en el penúltimo de los diez espectáculos programados en esta primera edición. El último, El viento y la luz, en torno a la vida de una soprano, se estrenará como clausura del festival el 31 de agosto.

Cinco bailarines se proponen introducir a los niños el universo musical de Bach en un montaje de la compañía Aracaladanza, que se representa en el Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial el 29 de agosto. Hay emoción y risas en este Va de Bach en el que los personajes actúan como en un sueño. La pretensión de Aracaladanza es prender la llama de la imaginación del espectador, con su libérrima construcción escénica, para que disfrute sin prejuicios de la música de un compositor cuya obra define como “más que belleza creativa, más que perfección técnica, más que profundidad intelectual. Es pureza espiritual y absoluta imaginación”.

Luis Miguel Cobo se ha encargado de la reconstrucción y adaptación de algunas de las piezas de Bach que se escucharán en la función, como la Suite orquestal Nº2 BWV 1067, cantada por Sheila Blanco, y el aria Ja, tausendmal Tausend begleiten den Wagen de la Cantata Gott fähret auf mit Jauchzen BWV 43. Este montaje define la trayectoria de Aracaladanza, que desde hace ya años explora universos de artistas plásticos que han dejado huella en la conciencia colectiva como El Bosco (Pequeños paraísos), Magritte (Nubes), Miró (Constelaciones) y Leonardo da Vinci (Vuelos).

Espectáculo musical de María Rodríguez

Zarzuela y ópera se entrecruzan en la vida artística de la vallisoletana María Rodríguez. 19 temporadas en el Teatro de la Zarzuela, 11 en el Teatro Real de Madrid y 9 en el Teatro del Liceo de Barcelona. Grandes papeles (La tragédie de Carmen de Peter Brook, Tosca, Cavalleria rusticana, Agua, azucarillos y aguardiente, La revoltosa y La verbena de la Paloma) y la constancia de una carrera de fondo que actúa a favor de la voz le han dado solidez y sabiduría.

Pero su origen profesional fue la actuación. Estudió con Miguel Narros y en las clases de canto descubrió su talento vocal. A esa condición actoral regresa en El viento y la luz (31 de agosto, Teatro Auditorio), un espectáculo musical en el que interpreta a una cantante que vuelve de Nueva York a España para encontrarse con su destino en el mundo de la música, en una historia de desamor escrita por la poeta Alicia Montesquiu.

Acompañada al piano por Sergio Kuhlmann, Fernández alterna la interpretación de Casta Diva con la habanera de Carmen, y coplas como Ojos verdes con el recitado de versos de Federico García Lorca, que dibujan un relato de sombras y luces plasmado con un estilo expresionista.

Tras la celebración de su doble aniversario (quince años de actividad como ensemble, y diez años de la fundación de su propia label Audax Records), el Ensemble Diderot regresa al mercado discográfico con Berlin Harpsichord Concertos, un nuevo CD con el que explora el estilo de la escuela de Berlín. Fiel a su constante empeño por rescatar y revalorizar el repertorio menos conocido, el famoso conjunto con sede en París fundado y dirigido por el violinista Johannes Pramsohler presenta la primera grabación mundial de cuatro conciertos para clave y orquesta de compositores vinculados a Berlín y a la corte de Potsdam: el Concerto en Re menor de Christoph Nichelmann (1717-1762), el Concerto en Re mayor de Carl Heinrich Graun (c1704/05–1759), el Concerto en Do menor de Christoph Schaffrath (c1710–1763) y el Concerto en Si bemol mayor de Ernst Wilhelm Wolf (1735–1792).

Este nuevo release del Ensemble Diderot se suma a una serie de grabaciones en las que los miembros del conjunto exhiben sus cualidades virtuosísticas como solistas; en esta ocasión, el protagonista es Philippe Grisvard, miembro principal y clavecinista del Ensemble Diderot, así como asiduo colaborador de conjuntos como Le Concert d’Astrée, la Akademie für Alte Musik Berlin, el Ensemble Pygmalion o la Freiburger Barockorchester, entre otros. El booklet del disco cuenta con las reflexiones del propio Grisvard sobre la elección del programa y las cadenze interpretadas, así como un detallado artículo firmado por Peter Wollny, destacado musicólogo alemán y director del Bach-Archiv Leipzig.

“Todos conocemos los conciertos para clave de Carl Philipp Emanuel Bach, pero pocos saben que hubo otros muchos buenos compositores que cultivaron esta forma. Para muchos, el estilo berlinés como tal no existe, y por esa razón, hemos decidido hacer este nuevo proyecto con música de esa ciudad, tras haber grabado ya Trio Sonatas (The Berlin Album), conciertos para violonchelo (Cello Concertos from Northern Germany), las Sonatas para violín y clave de Bach, junto a otras sonatas de compositores alemanes, y la Ofrenda musical de Bach”, señala Johannes Pramsohler, convencido de que sí existió un estilo berlinés. “Se caracteriza, sobre todo, por la Empfindsamkeit, esa manera tan particular de expresar sentimientos y afectos opuestos”, concluye.

El Ensemble Diderot, que la pasada primavera recibió el prestigioso International Classical Music Award en la categoría de “Baroque instrumental” durante la celebración de la gala ICMA en el Palau de la Música de Valencia, regresará a España la próxima temporada 2024/2025 con destacadas citas en el Espacio Turina de Sevilla, el Auditorio de Tenerife y el Teatro Jovellanos (Sociedad Filarmónica de Gijón).

El disco está disponible en todas las plataformas de Streaming: https://www.audax-records.fr/adx11211

Tras un agosto repleto de conciertos en el que San Sebastián se ha vuelto a convertir en la capital europea de la música clásica, la 85ª edición de la Quincena Musical llega a su fin con dos recitales del más alto rango. El festival donostiarra celebrará el próximo 27 de agosto la vuelta de Riccardo Chailly al escenario principal del Kursaal. El que es maestro de maestros vuelve a la Quincena en la que será su tercera participación en el festival, para ofrecer un concierto con su alma mater, la Orchestra Filarmonica della Scala de Milán, donde es director titular desde 2015.

Conocido por su enfoque riguroso y su compromiso con la excelencia musical, presenta en San Sebastián un programa con música de Chaikovsky y Ravel. En concreto, el recital abrirá con la Sinfonía n.º 5 del compositor ruso, pieza central del repertorio sinfónico romántico y muy a menudo interpretada como una lucha contra el destino. Su profundidad emocional, la riqueza melódica y la brillantez de su orquestación reflejan, de forma clara y sin tapujos, el genio del compositor para expresar la complejidad de las emociones humanas a través de la música.

La segunda parte del recital estará marcada por las suites n.º 1 y n.º 2 de "Daphnis et Chloé" de Maurice Ravel, obra de apasionante historia ya que fue una "sinfonía coreográfica" encargada por el famoso empresario ruso Sergei Diaghilev para su compañía de ballet, los Ballets Rusos. La obra se basa en la novela pastoral homónima del escritor griego Longo, que narra la historia de los jóvenes pastores Daphnis y Chloé y su amor en un entorno bucólico y mitológico. Casualmente, la pieza ha tenido más éxito a nivel póstumo que en tiempos de su estreno, convirtiéndose ya en una asidua dentro del canon sinfónico.

La maestría de Chailly, combinada con la elegancia alla italiana de la Orchestra Filarmonica della Scala de Milán, convierte esta cita en ineludible dentro del calendario de cualquier melómano o aficionado a la música clásica. Pero la aventura musical continúa el día 30 de agosto con el que será el último concierto del festival. El Kursaal despedirá la Quincena Musical con la Orchestre Philharmonique de Radio France junto a la violonchelista Sol Gabetta.

Bajo la dirección del finlandés Mikko Franck, titular de la orquesta desde 2015, la Orchestre Philharmonique presenta en San Sebastián un programa, cuanto menos, interesante, que no solo deambula por los misterios del impresionismo y de la Belle Époque, sino que también nos descubre algunos de los secretos mejor guardados del posromanticismo.

El recital abrirá con el "Preludio a la siesta de un fauno" de Claude Debussy, obra simbolista por antonomasia, inspirada en el poema pastoral "L'Après-midi d'un faune" de Stéphane Mallarmé, publicado en 1876. El poema describe los sueños y fantasías de un fauno durante una calurosa tarde de verano. A continuación, la violonchelista argentina Sol Gabetta interpretará el Concierto para violonchelo y orquesta en re menor de Édouard Lalo, obra vital en el repertorio para violonchelo que, además, ofrece una alternativa a los más conocidos conciertos de Dvořák y Saint-Saëns. Lalo, que a menudo es más recordado por su "Sinfonía española", muestra en este concierto su habilidad para escribir música de cámara y orquestal que es a la vez técnicamente desafiante y emocionalmente cautivadora. Para semejante oda al violonchelo, la Quincena Musical no podía contar con otra solista que no fuese Sol Gabetta, violonchelista de renombre internacional, conocida por su profunda musicalidad y su técnica impecable.

La segunda parte del concierto nos deleitará con dos de las piezas más emblemáticas de comienzos del s. XX: "Shéhérazade, ouverture de féerie", de Maurice Ravel, pieza inspirada por la colección de cuentos orientales "Las mil y una noches", que se desenvuelve como un festín orquestal lleno de colores brillantes y ritmos exóticos, reflejando el interés de Ravel por las sonoridades orientales; y, para concluir, el emblemático "Pájaro de fuego" de Igor Stravinski, obra que marcó el inicio de la colaboración del joven compositor con los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev. Esta pieza no solo consolidó la reputación de Stravinski como uno de los compositores más innovadores de su tiempo, sino que también introdujo un nuevo lenguaje musical lleno de colores orquestales, ritmos complejos y armonías audaces.

De esta forma, la Quincena Musical de San Sebastián clausura su 85ª edición, con más de setenta citas musicales que han convertido la ciudad de San Sebastián en capital de la música clásica durante el mes de agosto.

El Teatro Pavón presenta con motivo de la Verbena de la Paloma 2024 el espectáculo Cállate Corazón, comedia que celebra lo mejor de la zarzuela y que se podrá disfrutar desde el 14 de agosto hasta el 15 de septiembre.

Con Cállate Corazón nos adentraremos en el camerino de una gran cantante de zarzuela que acaba de finalizar su función de La Chulapona. Josefina llega sin muchas ganas a recibir visitas en la breve pausa que tiene entre función y función, pero ese día, precisamente un 15 de agosto, parece que todo cambia. Su cuarto se convertirá en un animado rincón donde se refugiarán amigos, amores del pasado y del presente, una ambiciosa aspirante a diva del canto e incluso los propios músicos del espectáculo que no tienen un lugar donde dejar sus instrumentos.

Se trata de un homenaje a la zarzuela, pero también es una pieza de teatro llena de humor en la que se aborda la importancia de los artistas dentro de la sociedad y el valor de la música como elemento de conexión entre generaciones. Esta función convierte los números de zarzuela en grandes citas dentro de una gran trama que se aleja de las convenciones del género y da lugar a un show original en el que se hace repaso de los grandes temas del repertorio lírico español.

Cállate Corazón es una reivindicación de nuestro musical a través de un espectáculo con un libreto nuevo y lleno de gracia, que atrapará a los espectadores más veteranos del género sin olvidarse de las nuevas generaciones con las que a buen seguro conectará esta obra. Una fórmula muy habitual en el teatro anglosajón con títulos que emulan los grandes éxitos de reconocidos grupos musicales.

En definitiva, es la zarzuela de las zarzuelas, nuestro musical jukebox donde se podrá disfrutar de todos aquellos temas que han convertido al género en un referente musical para todas las generaciones.

Reparto de lujo

Cállate Corazón cuenta con un reparto estelar para dar vida y alma a las historias de nuestro género chico. Los números que conformarán el repertorio del espectáculo se amoldan a las necesidades de una historia que estará llena de vida gracias a un reparto que intercalará los títulos más reconocibles para el gran público con pequeñas grandes joyas de nuestro patrimonio lírico. Milagros Martín, Ruth González, Rebeca Cardiel, Álvaro Andrés Lara, María Rodríguez, Ángel Walter y Enrique Sánchez-Ramos, entre otros, estarán presentes en un doble reparto de gran nivel artístico.

Todo ello con música en directo bajo la dirección musical de Miguel Huerta, también pianista del espectáculo, y la dirección de escena de Susana Gómez. Una producción de ComeyCalla que contará además con la escenografía de Ricardo Sánchez Cuerda.

Los grandes ciclos vuelven a Quincena Musical en su 85ª edición para convertir lugares como el claustro del Museo de San Telmo o la Iglesia de San Vicente en paisajes sonoros donde el barroco, las músicas contemporáneas o el gran repertorio para órgano, convergen en un solo escenario.

Los ciclos de música antigua, música de cámara, música contemporánea y órgano ofrecerán más de veinte conciertos en los que cualquier melómano o aficionado podrá encontrar su lugar, bajo los lemas de rigor y calidad que siempre abandera la Quincena Musical de San Sebastián.

El Ciclo de Música Antigua, uno de los más transitados por amantes del Barroco y del Renacimiento, vuelve este año del 3 al 28 de agosto al Claustro del Museo San Telmo, con seis recitales que abarcan más de trescientos años de historia de la música.

El 3 de agosto será el turno de Al Ayre Español, encargados de inaugurar esta edición con un programa en torno a las sonatas de Arcangelo Corelli y obras inéditas de su época.

Continuará el 5 de agosto con el Bachcelona Consort, junto a los Solistas Salvat Beca Bach y Bruno Delgado, en una velada que promete explorar la riqueza de la música de Bach a las 21:00 horas.

El 9 de agosto, Egeria presentará su programa Egeria & Marco Polo. Itinerarium ad Mirabilia Mundi a las 20:30 horas, seguido por The Ministers of Pastime el 21 de agosto a la misma hora con el programa Terminīs. Música de exilio y migración en Europa en torno a 1600.

El 26 de agosto, Le Concert de l’Hostel Dieu ofrecerá su concierto a las 20:30 horas, trayendo el Barroco femenino. De Italia a Francia, el florecer del genio femenino. El cierre del programa será el 28 de agosto con una colaboración especial entre la arpista Sara Águeda y el actor Pepe Viyuela, que combinarán música y poesía a las 20:30 horas.

Si algo representa a la ciudad de San Sebastián, es su amplio paisaje patrimonial con algunos de los órganos más imponentes de la península ibérica. Es por eso que, en esta 85ª edición, no podía faltar su esperado Ciclo de Órgano, un evento que reúne a destacados organistas de la escena internacional en escenarios emblemáticos de Gipuzkoa. Este año, el ciclo se desarrollará del 1 al 13 de agosto, ofreciendo una rica programación que abarca desde interpretaciones clásicas hasta propuestas innovadoras.

El ciclo se inaugura el 1 de agosto con A2dúo en la Iglesia de San Vicente, Donostia, a las 20:30. Le seguirán Benantxi Bilbao & Javier Artigas el 2 de agosto en la Iglesia de Santa María, Deba, y Karol Mossakowski el 3 de agosto en la Basílica de Santa María del Coro, Donostia. Otros destacados intérpretes incluyen a Daniel Oyarzabal con Maddalen
y Amets Arzallus el 4 de agosto en Ataun, y Angela Metzger el mismo día en la Iglesia de San Ignacio, Donostia.

El ciclo continuará con Thomas Ospital el 5 de agosto, Jean-Baptiste Monnot el 6 de agosto y Carol Williams el 7 de agosto en diversas iglesias de Donostia. Michel Bourcier actuará el 8 de agosto, seguido del Concierto del Alumnado del Curso Internacional de Órgano Romántico el 9 de agosto en la Basílica de Santa María del Coro.

Santiago Banda & Enrique Abello se presentarán en el Santuario de Loiola, Azpeitia, el 10 de agosto.

La clausura contará con Lorenzo Ghielmi en la Iglesia Iesu el 11 de agosto, Susanne Kujala & Veli Kujala en la Iglesia de San Salvador, Usurbil, y Matías Sagreras en la Iglesia de Santa María, Tolosa, el 12 de agosto. Miriam Cepeda & Coro UPV/EHU
Abesbatza finalizarán el ciclo el 13 de agosto en la Iglesia de la Asunción, Azkoitia.

En lo que se refiere al Ciclo de Música de Cámara, este verá su comienzo el 4 de agosto con la actuación del pianista Luis Fernando Pérez, quien interpretará la Suite Iberia de Isaac Albéniz, destacando por su técnica y sensibilidad únicas. A este le seguirá el dúo formado por Iagoba Fanlo y Mario Prisuelos el 6 de agosto, quienes presentarán una exquisita selección de piezas de Guridi, Franco, Martinu y Shostakovich. El 7 de agosto, el Cuarteto Elías subirá al escenario para ofrecer una cuidada selección de cuartetos de Haydn, Schubert y Stravinsky. Posteriormente, el 22 de agosto, el Dianto Reed Quintet sorprenderá al público con un dinámico programa titulado Identidades: la magia del Duende, con obras de Albéniz, Granados, Falla, Ish-Hurwitz, Vives, Montes y Victoria.

El ciclo concluirá el 24 de agosto con la actuación del trío compuesto por Isabel Villanueva, Patrick Messina y Philippe Bianconi, quienes presentarán un programa exquisito para viola, clarinete y piano con música de Mozart, Brahms y Schumann.

En lo que se refiere al Ciclo de Música Contemporánea, celebrado en las salas polivalentes del Kursaal, los artistas invitados este año son: la agrupación Spanish Brass, con un recital el 13 de agosto con obras de Ibarrondo*, Jenkins, Pellicer, Peña Aguayo, Cucarella, Gallego y Persichetti, el Ensemble Música Práctica & Abraham Cupeiro el 27 de agosto, con obras de Torre, Balada, Stockhausen y Buide. El 28 de agosto Kea Ahots Taldea presenta Lux eterna, un programa con obras de McMillan,
Whitacre, Gjeilo, Sisask, Luc, Azurza, Ligeti y Dusapin. El ciclo concluirá el 29 de agosto con el recital de Cikada String Quartet, con un programa con obras de Ligeti, Saunders, Barajas y Tao.

Autor: Brioclasica

EMMANUELLE HAÏM

ADDA SIMFÒNICA ALICANTE

JOSEP VICENT

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FILARMÓNICA DE LUXEMBURGO

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