Brioclasica, Author at Brío Clásica

Un año más, la danza vuelve a ser uno de los pilares de la programación en la 85 Quincena Musical de San Sebastián, con más de una decena de citasdiferentes que abordan desde la danza más contemporánea hasta el ballet flamenco.

El certamen, que tiene lugar del 1 al 30 de agosto, concentrará cuatro espectáculos dentro del ciclo Tabakalera Dantzan, del 13 al 16 de agosto en el Centro de Creación Contemporánea Tabakalera. La danza estará también presente en el Auditorio Kursaal, en el Teatro Victoria Eugenia, Chillida Leku y el Museo Cristóbal Balenciaga de Getaria, estos dos últimos dentro del ciclo Quincena Andante, que lleva acciones del festival fuera de la ciudad.

La Jornada Inaugural del ciclo de danza será el 1 de agosto con la muestra gratuita de Kresala Dantza Taldea en el Peine del Viento con el estreno absoluto de “Hiru”, un montaje en homenaje a Eduardo Chillida en el centenario de su nacimiento. No será el único guiño al escultor vasco dentro de la programación de Quincena Andante; también DAB Dantza Konpainia, en sendas actuaciones en Chillida Leku (9 de agosto) y Cristóbal Balenciaga Museoa (10 de agosto) conmemorarán a Chillida.

Completa este ciclo el bailaor Iván Vargas que compartirá escenario el 24 de agosto con el Dúo Cassadó en Senpere con el espectáculo “Hechizo y Duende”, un homenaje a Federico García Lorca en el 125 aniversario de su nacimiento.

La Compañía de Flamenco de Úrsula López presentará el 6 de agosto en el Teatro Victoria Eugenia el espectáculo “Comedia sin título. La danza, el baile y el flamenco en la resurrección de FedericoGarcía Lorca”. Esta obra repasa el flamenco de dentro y del exilio, el que se construyó bajo el franquismo y también entre los desterrados en el exilio. En esta puesta en escena conviven los bailes «puros», de Gades a Farruco, con las dramaturgias que en su tiempo llevaron, de la mano de Lorca, al flamenco a los escenarios más vanguardistas del mundo.

La apuesta por la danza contemporánea irrumpe con el ciclo de Tabakalera Dantzan. La primera cita en el Centro de Creación Contemporánea Tabakalera será el 13 de agosto con la propuesta de la coreógrafa y bailarina Myriam Perez Cazabon y la compositora Sofía Martínez, “Esculpiendo el silencio”, un acercamiento entre la coreografía y la composición musical contemporánea. Un espacio y un tiempo donde conversan sobre el vacío, la quietud y el silencio. La composición musical estará
interpretada por el dúo de guitarristas Lallement-Marques. La obra podrá verse a las 18:30 y a las 20:00h.

El 14 de agosto será el turno de Hotel Col.lectiu Escènic en colaboración con la coreógrafa Lorena Nogal con la propuesta “AQUÍ”, una pieza pensada como site-specific para cinco intérpretes.

El 16 de agosto recalan en el Centro de Creación Contemporánea Tabakalera Javier Arozena con su programa “Schwanengesang”, y la Cía. Mal Pelo con el montaje “Bach”, creado y dirigido por María Muñoz e interpretado por Federica Porello.

El 26 de agosto, en el Auditorio Kursaal acogerá a la francesa Compagnie Käfig, dirigida por Mourad Merzouki, que presenta “Folia”. Este montaje de danza y música en vivo a caballo entre el barroco y los ritmos callejeros, que toma por título el nombre de una danza popular en la corte castellana del siglo XVII, nace gracias al mestizaje y al encuentro entre Merzouki y Frank-Emmanuel Comte, líder del grupo Le Concert de l’Hostel Dieu. El resultado es una mezcla asombrosa de danza y baile contemporáneo con música popular, barroca y hip hop.

85 QUINCENA MUSICAL
Al verano, más que nunca, le pedimos música, música en vivo, lista para ser disfrutada en sus más diversas formas. Y en San Sebastián, en agosto, hablar de música en vivo es hablar de la Quincena Musical: la mejor alternativa para disfrutar de la música clásica, y también de otras músicas, de la danza y de otras disciplinas artísticas; un festival que renueva su oferta con el afán de llegar a un público cada vez más amplio. Del 1 al 30 de agosto, la 85 Quincena Musical estará en las principales salas y espacios culturales de la ciudad y también en otras localidades de Gipuzkoa, en Araba, Navarra y Lapurdi.

Las entradas para todos los conciertos de la presente edición podrán adquirirse en la web www.quincenamusical.eus y en las taquillas del Kursaal y el Teatro Victoria Eugenia. Ser Amigo de la Quincena reporta ventajas y descuentos en la compra entradas sueltas y de abonos, con hasta un 25% de descuento en la compra de localidades.

La mezzosoprano tunecino-canadiense Rihab Chaieb debuta en España con Carmen cantará su aclamada gitana de Bizet en la Quincena Musical de San Sebastián antes de iniciar una temporada 2024/2025 de vértigo que la llevará, entre otras ciudades, a Montréal, Londres, Los Ángeles, Québec, Nueva York, Toronto, Kalamazoo, Filadelfia, Vancouver o Berlín

Su carrera no ha parado de crecer en las últimas temporadas. En tan solo cinco años y después de ser galardonada en algunos de los concursos más importantes del circuito como Operalia, el Grand Prix en el Gerda Lissner International Vocal Competition, George London Foundation Competition y las Metropolitan Opera National Council Auditions, Rihab Chaieb causa sensación allí donde actúa coronándose como una de las cantantes líricas más demandadas del circuito internacional.

Su personal visión de la protagonista de Carmen, de Bizet, que ha debutado en Glyndebourne con gran éxito de la crítica internacional, es el personaje que la lleva ahora a debutar en España, un país que la verá actuar en numerosas ocasiones en las próximas temporadas.

La mezzo canadiense de origen tunecino se muestra muy ilusionada con su “primera vez” en un escenario español, “y mucho más presentándome con Carmen, un personaje que llevo en mi ADN y que sé que formará parte de mi agenda en años venideros”, asegura. “Conozco la importantísima trayectoria de la Quincena Musical de San Sebastián, el festival de música clásica más antiguo de la geografía española, por lo que me parece una forma maravillosa de debutar en este país”, confiesa Rihab Chaieb.

Al profundizar en el personaje, la mezzosoprano lo ve como “multifacético. Se trata de una mujer luchadora, una sobreviviente que representa la honestidad y la libertad en su estado más puro; es una mujer empoderada, vivaz, carismática, y coherente con su personalidad y motivaciones. Se niega a permitir que ningún hombre, grupo o norma social la defina o dicte sus creencias. Mi deseo es llevar al escenario del Kursaal una Carmen que sea honesta, poderosa y, sobre todo, verdadera, por lo que tengo muchísimas ganas de interpretarla frente al público donostiarra”. El montaje de Carmen que protagonizará la cantante en el Kursaal de San Sebastián, los días 8 y 10 de agosto, es una nueva producción del propio certamen vasco firmada escénicamente por Emilio López que traslada la acción a la posguerra española. Junto a la gitana de Chaieb, en el reparto destacan el Don José de Dmytro Popov, la Micäela de Miren Urbieta-Vega y el Escamillo de Simón Orfila, entre otros.

Fotografía © Richard Hubert Smith

El Teatro de la Zarzuela llega a la programación de Veranos de la Villa del Ayuntamiento de Madrid, y lo hace por todo lo alto con su producción ‘Zarzuela en danza’, un espectáculo teatral diferente planteado como una fiesta que alegrará Patio Central del Centro de Cultura Contemporánea Conde Duque con tres funciones del 25 al 27 de julio (22h00). Se trata esta de una historia que recorre algunas de las más atractivas escenas de baile y danza de la historia de la Zarzuela, con la irrenunciable compañía del canto y la emoción mágica de un texto que también baila, concebido por el polifacético y reconocidísimo dramaturgo Álvaro Tato. El argumento echa a andar en brazos de un enigma: “Un bailarín tiene un sueño recurrente en el que persigue a una sombra misteriosa”. José Antonio Irastorza, al frente de la Orquesta titular de la Compañía Lírica Amadeo Vives, será el director musical de este montaje que cuenta con la dirección musical y la coreografía de Nuria Castejón.

De lo que se trata en ‘Zarzuela en danza’ es de navegar, con el viento a favor y las velas bien abiertas, por los océanos infinitos de las obras maestras que para ser danzadas compusieron los genios indiscutibles del género en las dos orillas: Bretón, Chapí, Chueca, Vives, Giménez, Soutullo y Vert, Lleó, Lleó o Roig, con el flirteo añadido de alguna nueva canción popular.

Los bailarines son Cristina Arias, Marián Alquézar, David Acero, Ángel Capel, Andro Crespo, María Ángeles Fernandez, Lucía Fernández, Olivia Juberías, Daniel Morillo, Carla Prado, Luis Romero y Cristian Sandoval, y del indiscutible valor de la producción son también culpables la escenografía de Carmen Castañón, el vestuario de Gabriela Salaverri y la iluminación de Eduardo Bravo. Eduardo Cortés, a la guitarra flamenca y al cajón flamenco, acompañará a en escena a la compañía.

Tradición y travesía

Y ‘Zarzuela en danza’ es también tradición. Tradición de raíces profundas. Tradición por los cuatro costados. Tradición en cada poro abierto. Enseñanza de un aprendizaje que viene de lejos; de quienes fueron maestros y antes discípulos de otros maestros que a su vez fueron discípulos, y así hasta los límites del conocimiento. Nuria Castejón quiere así rendir homenaje a la prodigiosa herencia de sus padres: “el amor a la zarzuela y, al mismo tiempo, a mi profesión”, porque la zarzuela nos ha acompañado a lo largo de nuestras vidas, “como parte discreta y permanente de nuestras pasiones comunes y nuestros paisajes cotidianos”. Y avisa a navegantes: “Este es un espectáculo que los amantes de la zarzuela y de la danza no deben perderse, es un emocionante viaje a través de los parajes y horizontes de la Zarzuela, contado desde la Danza”.

Ambos directores nos proponen, a través de la dramaturgia creada por Álvaro Tato, un paseo que tiene como excusa y principio de aventura ese sueño del bailarín que persigue una sombra. Esperanzado asedio que milagrosamente deriva en un viaje de varios siglos, en una travesía que recorre los diversos estilos de danza que han jalonado la historia del género lírico español.

Este sábado, 20 de julio, se cumplirán 20 años de la muerte de Antonio Gades, uno de los más grandes artistas españoles del mundo de la danza, en el que exploró todas sus vertientes: bailarín (también bailaor), coreógrafo, investigador, productor, además de polifacético creador, ya que todas sus creaciones fueron concebidas, desde su génesis, como una obra de arte total, en la que Gades, junto a los demás artistas, ideó la estructura, dramaturgia, música, iluminación, etc.

Desde su reapertura, el Teatro Real ha ofrecido en su escenario toda la obra coreográfica de Antonio Gades, que supervisó el estreno de Fuenteovejuna, en 2002, cuando la obra fue interpretada por Ballet Nacional de España (BNE), participando en la que fue su última rueda de prensa en España.

Después de su fallecimiento el Teatro Real presentó nuevamente esta obra, ya bajo la dirección artística de Stella Arauzo con la Compañía Antonio Gades, creada por la Fundación que lleva su nombre, presidida por su hija María Esteve y con dirección de su viuda, Eugenia Eiriz.

En cuatro años consecutivos, de 2011 a 2014, se ofrecieron en el Teatro Real Fuenteovejuna, Carmen, Bodas de sangre, Suite flamenca y el estreno absoluto de dos espectáculos didácticos creados por Hugo Pérez de la Pica y Maite Chico e interpretados por la Compañía Antonio Gades, con el fin de divulgar y mostrar la especificidad y el lenguaje coreográfico de la danza española: Movimientos I: la danza de la punta al tacón y Movimientos II: danzar al aire español.

En octubre de 2020, en plena pandemia y con estrictas medidas sanitarias, la Compañía Antonio Gades estrenó en el Teatro Real Fuego, en sustitución del Ballet de Múnich, que no pudo viajar a España debido a las restricciones impuestas entonces por el Gobierno alemán. Con estas actuaciones, el Real completó la presentación de la obra completa de este gran creador en su escenario.

En el apartado dedicado a la danza española en My Opera Player, están disponibles cuatro de las cinco coreografías de Gades –Fuenteovejuna, Carmen, Bodas de sangre y Suite flamenca-, entrevistas con los artistas –Carmen, Bodas de sangre y Suite flamenca– y el estreno absoluto de Movimientos II: danzar al aire español.

Las grabaciones, realizadas en los años 2011 y 2014, se llevaron a cabo en coproducción con la Fundación Antonio Gades con el fin de proteger y divulgar el legado de Gades, que sigue suscitando, 20 años después de su fallecimiento, un gran interés y reconocimiento. La Compañía acaba de recibir la Medalla de Honor del Festival Internacional de Música y Danza de Granada, 2024, después de haber cosechado varios premios nacionales e internacionales a lo largo de las dos últimas décadas, en las que la influencia de su genio y de su maestría no han dejado de crecer.

Santiago Ballerini, uno de los tenores belcantistas del momento, regresa en julio a la Gran Manzana para el estreno de Anna di Resburgo, la ópera de Carolina Uccelli (1810-1885) recuperada por el Teatro Nuovo. Las funciones tendrán lugar el 20 y 24 de julio en el Alexander Kasser Theater y en el Rose Theater, Jazz at Lincoln Center, respectivamente.

Ballerini será el encargado de dar vida a Edemondo, personaje coprotagonista de este melodrama de Uccelli, única mujer compositora en conquistar un gran teatro de ópera en el siglo XIX -San Carlos y Teatro del Fondo en Nápoles- y cuyo título no se interpretaba hace 189 años.

Anna di Resburgo marca el tercer compromiso del tenor ítalo-argentino con el Teatro Nuovo, compañía dedicada a la recuperación de obras maestras del bel canto y a la interpretación históricamente informada del repertorio italiano. Santiago Ballerini regresa tras su exitoso debut en Tancredi (2018) y su brillante papel principal en Poliuto (2023).

La ópera de Carolina Uccelli volverá a escena gracias al trabajo musicológico liderado por Will Crutchfield, director, musicólogo y fundador del Teatro Nuovo en Nueva York.

Junto al coro y orquesta de la compañía, liderados por Elisa Citteri como primer violín y jefa de orquesta, con Lucy Tucker en el clavecín y con un reparto internacional sobresaliente encabezado por Chelsea Lehnea (Anna di Resburgo), Santiago Ballerini (Edemondo) y Ricardo José Rivera (Norcesto di Cumino), el público podrá apreciar el estilo belcantista de Uccelli, admirado por el propio Rossini por su expresividad y elegancia. Así, Anna di Resburgo se convierte en uno de los grandes descubrimientos operísticos de la temporada.

Santiago Ballerini ha participado recientemente en las producciones de La traviata, de Cincinnati Opera y Don Pasquale de la Canadian Opera Company, donde se ha llevado el aplauso unánime de la crítica y el público. Sus próximos compromisos incluyen actuaciones en Madrid, Atlanta y Buenos Aires.

El tenor ítalo-argentino Santiago Ballerini es reconocido como uno de los principales tenores del repertorio belcantista, habiendo actuado en muchos de los principales teatros de ópera de Norte y Sudamérica, incluyendo el Teatro Municipal de Santiago, el Teatro Colón de Buenos Aires, la Canadian Opera Company, la Ópera de Bellas Artes y la Ópera de Dallas, así como junto a las principales orquestas internacionales y teatros de ópera de Europa, como el Teatro Regio di Torino, la Ópera Nacional de Burdeos, el Teatro Real y el Gran Teatre del Liceu, entre otros.

El violinista mallorquín afincado en Estados Unidos Francisco Fullana, regresa este mes a nuestro país como solista invitado de la Joven Orquesta Nacional de España (JONDE), con el conocido Concierto para violín nº 3 en si menor, op. 61, de Camille Saint-Saëns (1835-1921) en atriles. La tournée, que tendrá lugar del 17 al 23 de julio, contará con la dirección de Pablo González y visitará varias ciudades de la geografía española: Valencia (Palau de la Música), Llíria (Teatro de la Banda Primitiva), Cullera (Auditori Municipal), Segovia (Jardín de los Zuloaga – Festival de Música de Segovia), y Baeza (Antigua Universidad de Baeza, BAEZAFEST- Festival de Jóvenes Intérpretes). Till Eulenspiegel de Richard Strauss, Suite Iberia (Evocación, El Albaicín, Triana) de Isaac Albéniz, en orquestación de Enrique Fernández Arbós, y Daphnis et Chloé, suite nº 2, de Maurice Ravel, completan el programa de concierto.

Ganador de la prestigiosa Avery Fisher Career Grant en 2018, Francisco Fullana está considerado como uno de los violinistas de mayor proyección internacional de su generación, con engagements a ambos lados del Atlántico. Fullana, cuyo extenso repertorio que abarca desde el barroco hasta la música contemporánea, ha actuado como solista con orquestas tan destacadas como la City of Birmingham Symphony Orchestra, la Münchner Rundfunkorchester, LA Chamber Orchestra, la Chamber Orchestra of Philadelphia, la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar, la Vancouver Symphony, la Buffalo Philharmonic o la orquesta barroca Apollo’s Fire, entre otras. Además, ha trabajado con reconocidas figuras de la dirección como Sir Colin Davis, Gustavo Dudamel o Jonathan Cohen, entre otros.

Francisco Fullana, que cuenta con licenciatura y Máster por la Juilliard School y Artist Diploma por la Universidad de California del Sur USC (donde trabajó con la conocida violinista Midori), toca el violín ex-Kreisler Guarneri del Gesù “Mary Portman” de 1735. Sus próximos compromisos incluyen recitales en escenarios de prestigio como el Festival de Dresde, el Festival Heidelberger Frühling o L’Auditori de Barcelona, entre otros. Además, en enero de 2025 saldrá al mercado su nuevo proyecto discográfico con obras para violín y piano en el sello alemán Berlin Classics.

Fotografía © Shervin Lainez

Al verano, más que nunca, le pedimos música, música en vivo, y por eso mismo la Quincena Musical de San Sebastián vuelve por todo lo alto para ofrecer un amplio abanico de conciertos que convierten a la localidad donostiarra, en capital de la música clásica durante el mes de agosto.

Para celebrar su 85º cumpleaños, el que es ya el festival más longevo de España, dará su pistoletazo de salida con nuestra batuta más internacional y nuevo director musical del Teatro Real, el director valenciano Gustavo Gimeno, acompañado en esta ocasión con una de sus orquestas predilectas: la Orchestre Philharmonique du Luxembourg de quien fue director titular desde 2015 hasta 2021.

Gimeno, celebrará dos conciertos en el Kursaal los días 1 y 2 de agosto.

El 1 de agosto, como apertura del festival, el pianista Bruce Liu, flagrante ganador del Concurso Internacional de Piano Frédéric Chopin, debutará en el Kursaal interpretando el Concierto parpiano n.º 5 en Fa mayor de Camille Saint-Saëns. Obra fascinante, repleta de colorido y exotismo. Compuesta en 1896, este concierto es el último de los cinco que el compositor francés dedicó al piano y se caracteriza por su exuberancia y diversidad estilística —algo de lo que Liu, pese a su juventud, es experto y patrón.

Saint-Saëns lo escribió durante una estancia en Luxor, lo que explica la influencia de la música y los paisajes orientales en la obra. En el segundo movimiento, Allegro animato, Saint-Saëns incorpora escalas y melodías que evocan la música folclórica del medio oriente, creando una atmósfera mágica y misteriosa. Además, en esta pieza también se pueden escuchar referencias a la música javanesa, que Saint-Saëns había descubierto durante la Exposición Universal de París en 1889. Esta mezcla de influencias hace del «Egipcio» una obra única y un verdadero viaje musical a través de culturas y paisajes distantes.

Bruce Liu, el pianista canadiense de origen chino, ganó el prestigioso Concurso Internacional de Piano Chopin en 2021, destacándose por su brillante técnica y profunda interpretación. Comenzó a estudiar piano a los ocho años, relativamente tarde en comparación con otros prodigios musicales, lo que subraya su talento excepcional y dedicación. Además, su actuación en la final del concurso fue tan impresionante que el jurado decidió otorgarle el primer premio por unanimidad, un hecho poco común en la historia del certamen, subrayando su capacidad para capturar la esencia del espíritu de Chopin.

Por otro lado, la segunda parte del recital estará marcada por la Sinfonía n.º 5 en do sostenido menor de Gustav Mahler, una de las obras más emblemáticas y complejas del repertorio sinfónico. Compuesta entre 1901 y 1902, esta sinfonía marca una transición en el estilo de Mahler, alejándose de las influencias del romanticismo tardío hacia un lenguaje más moderno y personal. La sinfonía es famosa por su Adagietto, el cuarto movimiento, que es una de las piezas más interpretadas de Mahler y se dice que fue una carta de amor a su esposa, Alma Schindler. Esta sección se hizo mundialmente famosa cuando fue utilizada en la banda sonora de la película «Muerte en Venecia» de Luchino Visconti. La sinfonía comienza con una solemne marcha fúnebre y avanza a través de una amplia gama de emociones y estilos, culminando en un final jubiloso que refleja la lucha y la redención personal del propio Mahler.

La segunda cita de Gustavo Gimeno y la Orchestre Philharmonique du Luxembourg en el festival donostiarra se celebrará el 2 de agosto, teniendo en esta ocasión la participación especial del coro Easo Ahots Mistoen Abesbatza y del bajo ruso Alexander Vinogradov. En este segundo concierto podremos disfrutar de una de las rarezas por antonomasia en la música de Shostakovich: la ejecución de Stepan Razin op.119.

Basada en un poema de Yevgueni Yevtushenko, la obra narra la historia del líder cosaco Stepan Razin. Aunque Shostakóvich era conocido por sus obras llenas de referencias políticas y sociales, esta cantata incorpora un enfoque más personal y emocional. Además, el estreno de la obra fue un acontecimiento notable, ya que enfrentó críticas y controversias debido a su contenido histórico y la forma en que representaba la rebelión y ejecución de Razin, desafiando la narrativa oficial soviética.

Para su representación, la Quincena Musical cuenta con una de las voces más apabullantes del momento, el bajo ruso Alexander Vinogradov, quien debutó profesionalmente a los 21 años en el Teatro Bolshói, interpretando a Oroveso en «Norma». A partir de ahí, su carrera internacional despegó, llevándolo a escenarios como la Metropolitan Opera de Nueva York y la Ópera Estatal de Viena. Vinogradov ha destacado en papeles icónicos como el Rey Felipe en «Don Carlo» y Mefistófeles en «Fausto». Además, ha trabajado con directores de renombre mundial como Riccardo Muti y Zubin Mehta, consolidándose como uno de los bajos más aclamados de su generación.

La segunda parte del recital estará dedicada a la Sinfonía Fantástica op.14 de Héctor Berlioz, compuesta en 1830, es una obra revolucionaria del Romanticismo, famosa por su innovación en la estructura y la orquestación. Berlioz escribió esta sinfonía como una declaración de amor por la actriz irlandesa Harriet Smithson, a quien admiraba obsesivamente. Además, la sinfonía introduce el concepto de «idée fixe», un tema musical recurrente que representa a la amada del protagonista. Otro dato notable es que Berlioz incorporó en el último movimiento una melodía de «Dies irae», el canto fúnebre medieval, anticipándose a técnicas que serían comunes en la música programática del siglo XX.

Fotografía: Marco Borggreve

Continúa la exitosa y exclusiva colaboración entre Deutsche Grammophon y el Festival de Bayreuth: el sello amarillo es el socio audiovisual exclusivo del mítico festival de Wagner, y lo que se inició con la producción de 2015 de Tristán e Isolda verá ahora su última entrega, presentando la nueva producción de 2023 de Parsifal.

Por primera vez dentro de esta cooperación, esta grabación estará disponible tanto en vídeo (2 BluRay Video Set) como en audio (4 CD Set, Álbum Digital).

Parsifal, la obra maestra que Wagner compuso exclusivamente para el Festspielhaus de Bayreuth y que no quería que se representara en ningún otro lugar, se presentó en una célebre nueva producción en la colina verde en 2023.

Pablo Heras-Casado, que debutaba en Bayreuth, fue celebrado por su interpretación, al igual que su espléndido reparto, con Andreas Schager, Elīna Garanča, Georg Zeppenfeld y Derek Welton.

El director de escena Jay Scheib toma al pie de la letra una expresión que Wagner utilizó en una carta al rey Luis II: escenifica Parsifal como una «despedida del mundo»,

una obra que se enfrenta a la pregunta de cómo puede existir la esperanza cuando la vida hace tiempo que dejó de ser posible…

La caja de 4 CD incluye dos folletos, uno con información sobre la obra, su puesta en escena en Bayreuth 2023 y fotos de la producción, y otro con el libreto completo en alemán con traducción al inglés.

El Blu-ray Vídeo ofrece 3 formatos de sonido, incluido Dolby Atmos, y un libreto con fotos e información sobre la obra y esta producción.

Airam Hernández retomará este mes el rol de Pollione de la popular y fundamental ópera Norma de Bellini con la que inaugurará el Festival della Valle d’Itria en Martina Franca el próximo 17 de julio. Y lo hace por todo lo alto, ya que en este 2024 el certamen italiano cumple medio siglo de trayectoria. La cita se enmarca en una nueva producción de esta obra maestra de la lírica firmada escénicamente por Nicola Raab y bajo la batuta del director musical del festival, Fabio Luisi, que estará el frente de la Orchesta y Coro del Teatro Petruzzelli de Bari.

“El estreno se espera como todo un acontecimiento en el ambiente musical italiano”, afirma el tenor tinerfeño, que se muestra “entusiasmado” ante su debut en Italia de un personaje que cantó por vez primera en 2019 en el Théâtre du Capitole de Toulouse junto a Marina Rebeka y Karine Deshayes. Más tarde lo interpretó, en 2022, en el Gran Teatre del Liceu junto a Sonya Yoncheva y Teresa Iervolino. “No veo la hora de volver a meterme en la piel de Pollione y en el universo musical de Bellini”, asegura Airam Hernández; “Norma es el ejemplo paradigmático del género belcantista y Bellini, sin duda, un maestro de la melodía. Al tenor que canta Pollione el compositor les exige un fraseo elegante, un fuerte dramatismo y la capacidad de utilizar una amplia paleta de colores para delinear, con la correcta expresividad, la psicología de los personajes. ¡Era un genio del teatro musical! Ahora afronto el rol, que interpretaré sin los cortes tradicionales (cabaletta y variaciones incluidas) con una voz de tinte más dramático”.

Hernández, el único artista español invitado en la edición 2024 del festival italiano, y la Norma inaugural (funciones los días 17, 21 y 28 de julio y 2 de agosto) toma como referencia la edición crítica programada por la Casa Ricordi para 2025, en la que los papeles de Norma y Adalgisa –que, con Pollione, conforman el triángulo protagonista– serán confiados a dos sopranos, según las intenciones originales del Bellini, y no a una soprano y a una mezzosoprano como se hace habitualmente; Norma se creó para soprano dramática de coloratura y Adalgisa para soprano ligera, y así contrastar con las voces de Norma y Pollione.

Entre los compromisos de la temporada 2024 / 2025, a Airam Hernández le esperan su regreso al Teatro Real de Madrid para su esperado debut como Leicester en Maria Stuarda, de Donizetti; la monumental Das Lied von Erde (La canción de la tierra), de Mahler, en la Opernhaus Stuttgart; su debut como Carlo VII de Francia en Giovanna d’Arco, de Verdi, en la Ópera de Tenerife; el Requiem de Morzart junto a la Filarmónica de Gran Canaria en el Auditorio Alfredo Kraus de Las Palmas; L’enfant prodigue, de Debussy, con la Sinfónica de Tenerife; su primer Erik en Der fliegende Holländer, de Wagner, y un recital de canción junto a la pianista Anne Le Bozec, ambos compromisos en el Théâtre du Capitole de Toulouse.

Correos ha presentado hoy los sellos postales de la serie Música, dedicados a la soprano Victoria de los Ángeles y la pianista Alicia de Larrocha, en un acto que ha tenido lugar en Sant Pau Recinte Modernista en Barcelona.

A la presentación han asistido Alicia Torra de Larrocha, comisaria de la conmemoración del Centenario Alicia de Larrocha; Helena Mora, presidenta de la Fundación Victoria de los Ángeles; Marc Busquets, comisario del Año Victoria de los Ángeles; Sonnia L. Rivas-Caballero, directora de la empresa cultural Rocaviva Eventos, y Nuria Lera, directora de Filatelia y Relaciones Institucionales de Correos.

Al finalizar el acto se ha llevado a cabo el tradicional matasellado de honor y se ha ofrecido un recital de canciones de Granados a cargo de la soprano Mercedes Gancedo y la pianista Quimey Urquiaga.

Se trata de dos estampillas con las imágenes de Victoria de los Ángeles y Alicia de Larrocha -de quienes se conmemora el centenario de su nacimiento- unidas por un piano y un fragmento de la partitura La maja de Goya, de Enrique Granados, uno de los compositores más importantes en la carrera de ambas.

Correos ha emitido una tirada de 117.000 sellos de esta serie dedicada a la memoria de las dos grandes artistas catalanas que podrán ser adquiridos en las oficinas de correos, a través de Correos Market o contactando con el servicio filatélico. Cada estampilla tiene un valor de 2.17€.

Helena Mora, presidenta de la Fundación Victoria de los Ángeles, ha destacado que «se trata de un bonito homenaje que une a dos amigas, mujeres, grandes artistas, como son Victoria de los Ángeles y Alicia de Larrocha, de manera simbólica con este sello. Además, una melodía de Granados, ‘La maja de Goya’, une los dos sellos, que es un guiño a este compositor tan importante para ambas. Alicia y Victoria hicieron la primera grabación de Victoria juntas -el disco que era el premio del primer concurso que ganó la soprano en Radio Barcelona en 1940- y también la última, ‘La cançó de comiat’, de Toldrà, en el año 2000».

licia de Larrocha (Barcelona, 23 de mayo de 1923 – 25 de septiembre de 2009) y Victoria de los Ángeles (Barcelona 1 de noviembre de 1923 – 15 de enero de 2005), son dos grandes artistas internacionales a las que unió su pasión innata por la música.

Se conocieron en 1941, cuando Victoria ganó el premio de Radio Barcelona y eligió a Alicia como pianista acompañante para la grabación del disco que implicaba el galardón. Se fraguó entonces una admiración mutua y una amistad que duró toda la vida.

Victoria de los Ángeles, maravillosa soprano spinta, brilló en los más importantes escenarios del mundo. Sus recitales de lied alemán y canción francesa, catalana y española son icónicos, y protagonizó las óperas más exigentes de Puccini, Verdi, Wagner, Mozart, Bizet, Offenbach, Massenet… Para ella, su personaje más entrañable fue Mimí, de La Bohème, con el que consiguió el récord de más de tres millones de copias vendidas de una ópera completa. Fue invitada en dos ocasiones por el nieto de Wagner, siendo la única soprano española que ha cantado en el Festival de Bayreuth.

Alicia de Larrocha representa la más alta cima del pianismo mundial. Con cinco años ofreció su primer concierto, en cuyo programa el compositor Joaquín Turina elogió su prodigioso y precoz talento musical. Alcanzó fama internacional tras su exitosa gira por Estados Unidos con la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles, llegando a ofrecer casi 4.000 conciertos a lo largo de su vida. Fue excelsa intérprete de Bach, Mozart, Beethoven, Schumann, Chopin, Brahms, Rachmaninov o Ravel. Sus grabaciones de la Suite Iberia de Albéniz (Grand Prix du Disque) y de Goyescas de Granados (Premio Grammy), son consideradas referentes indiscutibles para profesionales y amantes de la música.

Entre otros muchos galardones, ambas recibieron el Premio Nacional de Música, el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, la Medalla de Oro del Spanish Institute de Nueva York y la Medalla de Oro de Barcelona.

La directora de orquesta Jhoanna Sierralta será la encargada de dirigir la ópera contemporánea de estreno absoluto: «Don Juan no existe» de Helena Cánovas en el Festival de Perelada el jueves 8 de agosto a las 22:00h.

Esta innovadora producción cuenta con libreto de Alberto Iglesias. Indaga en la historia de la escritora y dramaturga feminista Carmen Díaz de Mendoza Aguado, la condesa de San Luis, quien creó una obra de teatro titulada Don Juan no existe de la que
no hay rastro de su libreto. La ópera busca rendir homenaje a todas esas mujeres olvidadas en la historia cuyas vidas siguen siendo un misterio.

Helena Cánovas y Alberto Iglesias han querido reflejar que para contar la historia de Carmen Díaz de Mendoza Aguado realmente han tenido que inventarla y esa es, precisamente, la mayor señal del olvido.

Además de en el Festival de Perelada el 8 de agosto la obra se estrenará del 6 al 11 de mayo de 2025 en la Sala Negra de los Teatros del Canal, también bajo la dirección de Jhoanna Sierralta.

Don Juan no existe nos transporta a principios del siglo XX y sigue la aventura de Carmen Díaz de Mendoza a través de su proceso creativo enfrentándose a sus inseguridades, presiones de la sociedad y a un fantasma que parece querer detenerla. A pesar del apoyo de su amigo Miguel, la condesa se siente incomprendida y sola en su misión. En 2024 una nueva creadora se embarcará en la ardua tarea de completar una ópera sobre la casi desconocida Condesa de San Luis.

Jhoanna Sierralta será la responsable de dar vida a esta ópera de Helena Cánovas Parés por primera vez, un encargo del Festival Perelada en coproducción con el Gran Teatre del Liceu y el Teatro de la Maestranza, con la participación del Teatro Real y de los Teatros del Canal junto a un elenco de lujo. Don Juan no existe contará con: Natalia Labourdette, una joven soprano de renombre que interpretará el papel de Carmen, la condesa de San Luis, con el Cosmos Quartet, uno de los cuartetos de cuerda más interesantes del panorama musical actual y con la dirección de escena Bárbara Lluch, famosa por su innovadora visión teatral.Concha Marcos concha@thebridge.es Marisa Herranz marisa@thebridge.es Hugo García hugo@thebridge.es 91 523 2508

Jhoanna Sierralta

Jhoanna Sierralta (23 de septiembre de 1983) es una violista y directora de orquesta con una trayectoria internacional que refleja su dedicación y pasión por la música clásica. Originaria de Caracas (Venezuela), Sierralta comenzó su carrera musical en el Centro Académico Infantil de Montalbán en ‘El Sistema’ a los 12 años, un proyecto social y artístico de integración no solo de los niños y jóvenes sino también de sus familias y su comunidad. Allí nació su amor por la música y desarrolló una sólida formación como violista formando parte de la Orquesta Nacional Infantil de Venezuela, la Orquesta Juvenil de Caracas y finalmente la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar bajo la batuta de Gustavo Dudamel. Instalada en España en 2015, decidió explorar nuevos horizontes en la música y se embarcó en el estudio de la dirección de orquesta en la Academia Opus23 en Madrid. Desde entonces, se ha centrado en el ámbito de la dirección en diversos escenarios internacionales y ha dirigido algunas orquestas profesionales de España (Orquesta Sinfónica de Castilla y León, Sinfónica de Tenerife, Orquesta de Extremadura, Sinfónica de Baleares) además de haber sido asistente de dirección de la Orquesta Joven de Extremadura durante dos temporadas. Su compromiso con la educación musical y su deseo de democratizar el arte la han convertido en una figura inspiradora para la comunidad musical actual.

Estos pasados 24 al 27 de mayo, en Barcelona, Jhoanna Sierralta participó en la iniciativa de Gustavo Dudamel, Chords of Harmony, un proyecto de impacto social que destaca el poder transformador de la música y la educación musical. En colaboración con la Youth Orchestra Los Angeles (YOLA) este proyecto reunió a más de un centenar de jóvenes músicos para una serie de ensayos y actividades en la ESMUC (Escola Superior de Música de Catalunya). Sierralta fue la encargada de liderar la preparación de la sección de cuerdas demostrando su compromiso con la infancia y la juventud a la hora de generar espacios para la mejora de la sociedad a través del arte. Este proyecto culminaró el 27 de mayo de 2024 con un ensayo abierto en el Palau de la Música Catalana, donde los jóvenes de YOLA y diversos coros se unieron bajo la dirección de Dudamel.

El Dúo Dagda (piano y clarinete), del Conservatorio Superior de Música de A Coruña, se ha alzado con el Primer Premio en la XXI edición del Concurso Internacional de Música de Cámara de Arnuero (CIMCA), que cuenta con una dotación económica de 1500 euros, diploma y concierto remunerado en el ciclo “Creando futuros” del Centro Botín de Santander.

La Casa de las Mareas de Soano, en el incomparable marco del “Ecoparque de Trasmiera” (Cantabria) fue, un año más, la location de la gran final del XXI CIMCA, en la que también se entregaron el resto de los premios del concurso. El Trío Moment (piano, violín y violonchelo), del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, recibió el Segundo Premio, con una dotación económica de 1000 euros, diploma y concierto remunerado en el ciclo “Marcos Históricos” del Festival Internacional de Santander. Y el Premio al grupo cántabro más destacado de esta edición fue para el Trío Aria (piano y dos flautas), del Centro Superior de Música Katarina Gurska, dotado de diploma y concierto en la Semana Inusual de la Música organizada por el Conservatorio “Jesús de Monasterio” de Santander. Por su parte, el Premio “Ricardo Hontañón” a la mejor interpretación de una obra posterior a 1945 fue para el Trío Aro (piano, violonchelo y clarinete), fundado en la Escola Superior de Música de Lisboa, y el Premio “Jesús de Monasterio” al violinista más destacado, fue para María del Mar Jurado, con diploma y concierto patrocinado por la Real Sociedad Menéndez Pelayo, en la Casa Museo de Jesús de Monasterio (Casar de Periedo, Cantabria).

El jurado profesional de la XXI edición del CIMCA estuvo formado por los miembros del Cuarteto Quiroga, y el compositor Israel López Estelche, responsable de la obra de encargo de este año; Cibrán Sierra, violinista del Cuarteto Quiroga, ejerció de presidente. Los integrantes del jurado fueron los encargados de entregar los diplomas a los premiados, en un acto en el que también participó José Manuel Igual Ortiz, alcalde de Arnuero, y representantes del Festival Internacional de Santander y del Conservatorio «Jesús de Monasterio» de Santander.

El pianista Mario Marzo y el contratenor Nacho Castellanos se unen para presentar su nuevo proyecto ‘A quiet voice inside’, una experiencia musical donde la poesía y la música se entrelazan en un diálogo intenso. Este proyecto excepcional fusiona las obras de compositores como Henry Purcell, George Gershwin, Robert Schuman y Thomas Adès, creando un “océano sonoro” que busca la poesía como un motor común.

Este proyecto se materializará en dos conciertos que tendrán lugar el sábado 20 de julio de 2024, de 21:00 a 22:00 en el auditorio del Centro Comarcal de Humanidades Sierra Norte (La Cabrera) dentro del festival Clásicos en Verano de la comunidad de Madrid 2024 y en la jornada inaugural del festival de Quincena Musical el 1 de agosto de 2024 a las 12:00 en el Foyer del Auditorio Kursaal, con entrada gratuita, en el marco del prestigioso Festival de Quincena Musical de San Sebastián.

‘A Quiet Voice Inside’ ofrece una experiencia que trasciende épocas y estilos musicales, llevando al público en un viaje que va desde el renacimiento de John Dowland hasta las modernas bandas sonoras de Joe Hisaishi. La propuesta de Marzo y Castellanos no solo destaca por su calidad interpretativa, sino también por su capacidad para conectar diferentes periodos históricos de la música, mostrando cómo el arte del sonido y el tiempo pueden fusionarse de manera armoniosa.

El programa abarca desde el barroco hasta las vanguardias del siglo XX, pasando por el romanticismo de Schumann y el teatro cantado de Purcell.

Mario Marzo, con una destacada carrera como pianista, ha actuado junto a importantes orquestas y en prestigiosos escenarios como el Auditorio Nacional de Música y el Teatro Real de Madrid. Reconocido por su excepcional talento, combina su carrera de solista con una exitosa presencia en redes sociales y la reciente obtención de un Premio Ondas por su podcast «¿Quieres ser mi amigo?».

Nacho Castellanos, por su parte, es un contratenor que ha trabajado con orquestas como la Orquesta Clásica Santa Cecilia y ha actuado en salas como el Auditorio Nacional de Música y los Teatros del Canal. En 2023, formó su ensamble Gato Murr, con el que busca compatibilizar el repertorio barroco conocido con joyas musicales aún por descubrir.

El programa de ‘A Quiet Voice Inside’ incluye piezas icónicas como Jasbo Brown’s Blues de George Gershwin, Come unto these yellow sands de Henry Purcell, Papillons op. 2 de Robert Schumann, y One Summer’s Day de Joe Hisaishi, entre otras. Cada pieza ha sido seleccionada para crear una experiencia auditiva que empaste con la poesía y el silencio interno de cada uno de los espectadores.

El próximo 13 de julio, sábado, a las 19.30 horas, los jóvenes talentos del Teatro Real, participantes de la cuarta edición del programa Crescendo, serán los protagonistas de un recital en la Sala Principal, en la que interpretarán algunas de las arias y dúos más conocidos de óperas como La bohème, La traviata, I Puritani, Don Pasquale, Un ballo in maschera, Faust y Carmen.

A lo largo de esta temporada, el programa Crescendo, Creamos Ópera, desarrollado por la Fundación Amigos del Teatro Real, ha contado con 18 prometedores artistas, todos menores de 35 años -12 cantantes, 3 pianistas repetidores y 3 ayudantes de dirección de escena-procedentes de España, Italia, Venezuela, Argentina, Serbia y Kazajistán, que han podido completar formación y acceder a las primeras oportunidades profesionales en dos títulos de la actual temporada del Teatro Real, La liberazione di Ruggiero dall’isola d’Alcina y el estreno escénico de Tenorio, en espectáculos del programa Real Junior en el Real Teatro de Retiro, en actuaciones en la Carroza del Real por toda España, formando parte del concierto EmocionArte -de la Fundación Princesa de Girona- o del homenaje del Día Europeo de la Música –en el Metro de Madrid-, por mencionar algunos.

Importantes artistas del mundo lírico -las sopranos Sabina Puértolas y Ermonela Jaho, el bajo Leight Melrose, el director del Coro Titular del Teatro Real, José Luis Basso y el director de escena Rafael Villalobos– han ofrecido sus conocimientos en clases magistrales únicas que han contribuido a completar la formación, compartir experiencias, desarrollar actitudes personales, transmitir emociones y ampliar horizontes en un trabajo que es también la expresión artística más completa sobre un escenario.

La recaudación de las entradas del concierto, con un coste único de 10 euros en cualquier zona del teatro, estará destinada íntegramente a programas de impulso del talento joven del Teatro Real y de la Fundación Amigos. Asimismo se ha habilitado un canal de donación, con el mismo fin, mediante una fila cero con aportaciones desde 10 euros.

El recital contará con la participación de los profesores del programa Víctor Manuel Dogar, como responsable de la dramaturgia y dirección de escena, y Patricia Barton, como asesora musical. Sobre las tablas, las voces de las sopranos Aida Turganbayeva, Carmen Larios, Dragana Paunovic e Ivana Ledesma; la mezzosoprano Andrea Rey; los tenores Manuel de Filera y Pablo Puértolas, y los barítonos Alejandro von Büren, Enrique Torres y Johann Sebastian Salvatori, que estarán acompañados al piano por los pianistas Gonzalo Villarruel, Sergio Berlinches y Samuel Martín, y dirigidos en la escena por Íñigo Santacana, Marlene Michaelis y Sofía Merchán.

Crescendo, Creamos Ópera es un programa de la Fundación Amigos del Teatro Real que nace con el objetivo de ofrecer formación y oportunidades profesionales a jóvenes promesas dentro del ámbito de la creación operística, bajo un compromiso de fomentación de un ecosistema artístico diverso e inclusivo. Más de 80 jóvenes artistas de 14 nacionalidades han participado en las cuatro ediciones de este programa formativo, que ofrece una formación artística de primer nivel —a cargo de destacados profesionales y artistas vinculados al Teatro Real— y un acompañamiento al inicio de su trayectoria a través de oportunidades laborales.

Crescendo está impulsado por Fonds de Dotation Porosus, la Fundación Banco Sabadell, Mitsubishi Electric, y cuenta con el apoyo de la Asociación de Guitarra Clásica Ángel G. Piñero.

Fotógrafo: © Javier del Real @ Teatro Real

El Teatro Real se suma por primera vez como sede de la Sección Oficial de PHotoESPAÑA, que este año cumple su vigesimoséptima edición, con la exposición Puccini fotógrafo, en la que se descubre una de las grandes pasiones -hasta ahora inédita- del genial compositor italiano: la fotografía.

Comisariada por Gabriella Biagi Ravenni, Paolo Bolpagni y Patrizia Mavilla, la exposición nos desvela el resultado de esta actividad que el compositor inicia alrededor de 1894, a través de una veintena de fotografías realizadas en su Toscana natal y en los países que visitó en sus múltiples viajes.

La muestra es, además, especial, señala Bolpagni, porque nunca se había hecho fuera de Italia y la elección de Madrid y de este lugar “no es casual, ya que en este Teatro, Puccini en persona estrenó, en 1892, bajo la batuta de Luigi Mancinelli, su ópera Edgar. Fue la primera vez que una de sus óperas se interpretaba fuera de las fronteras italianas, y fue aquí, en el Teatro Real”.

Las fotografías de Puccini tienen a la naturaleza como principal protagonista, en encuadres que al mismo tiempo reducen la figura humana a una pequeña silueta en la inmensidad del paisaje, dominadas por un profundo sentimiento poético. Se trata de composiciones visuales bien calibradas, que, si bien están inspiradas en las obras de alguno de sus amigos pintores, cuentan siempre con un carácter personal.

Junto con estas instantáneas, se pueden descubrir imágenes de Nueva York, en las que dominan el imponente urbanismo y los grandes puentes de la ciudad, o Egipto, con una mirada más centrada en sus habitantes y en el paisaje.

La exposición Puccini fotógrafo está organizada por el Teatro Real, el Istituto Italiano di Cultura di Madrid y PHotoESPAÑA, bajo los auspicios de la Embajada de Italia en Madrid, y cuenta con el patrocinio de Tradichem. Han colaborado en la exposición la Fondazione Ragghianti de Lucca, la Fondazione Simonetta Puccini per Giacomo Puccini de Torre del Lago y el Centro studi Giacomo Puccini de Lucca (Italia).

Exposición homenaje a Victoria de los Ángeles

Puccini fotógrafo comparte espacio con la exposición homenaje que el Teatro Real dedica a la soprano Victoria de los Ángeles, organizada en colaboración con la Fundación Victoria de los Ángeles, en la que se muestra una selección de trajes y objetos personales que utilizó la soprano a lo largo de su carrera.

Victoria de los Ángeles (1923-2005), una de las sopranos más importantes del siglo XX, fue también una apasionada de la moda, con un gusto innato para la combinación de colores, volúmenes y tejidos, que la llevaron a confeccionar algunos de los vestidos que lució en conciertos y actos sociales, presentes en la muestra.

A través del vestuario que utilizó en las funciones, recordaremos sus inmortales interpretaciones de Rosina -ataviada con tafetán de seda y pedrería- en El barbero de Sevilla; Elisabeth -de la que se muestran vestido, capa, y corona- en Tannhäuser, y sin duda, Cio-Cio-San, papel emblemático en su carrera y del que ahora, coincidiendo con el estreno de Madama Butterfly en el Teatro Real -que ha dedicado estas funciones a su memoria- se exhiben sus vistosos kimonos.

La exposición podrá disfrutarse con las entradas para las funciones y en la visitas al edificio.

El 2 de julio a las 18.00 horas, en el marco de las actividades paralelas organizadas en colaboración con el Teatro Real de Madrid y el ciclo de encuentros ITALIA ALL’OPERA, el Istituto Italiano di Cultura di Madrid acogerá un encuentro dedicado a Puccini, Madama Butterfly y el japonismo entre los siglos XIX y XX, con Paolo Bolpagni, Director de la Fundación Ragghianti, y el Maestro Nicola Luisotti, director principal invitado del Teatro Real y director musical de la recién estrenada Madama Butterfly.

Fotógrafo: © Javier del Real | Teatro Real

Se despedía el XXX Ciclo de Lied que conjuntamente organizan el CNDM y el Teatro de la Zarzuela, y lo hacía con un formato singular en este tipo de recitales. Un dúo compuesto por la soprano kirguisa, Katharina Konradi, y la mezzosoprano escocesa-alemana, Catriona Morison.

Ambas intérpretes alternaron los dúos con intervenciones en solitario, una manera fresca y original de presentar un repertorio menos conocido. Alguna de las obras que hemos escuchado, fueron compuestas para ser interpretadas en la intimidad de los salones privados a los que asistían, principalmente, mujeres.

Con una base romántica, de amor y desamor, como tema principal, eñ recital se inició con cuatro Lieder de Schumann, Mädchenlieder (Canciones de mujeres), tres del libro de canciones españolas, Spanisches Liederspiel, y Bedeckt mich mit Blumen, (Cúbreme con flores). Estas primeras obras a dúo demostraron la buena compenetración, el dominio de coloraturas y una gran expresividad por parte de ambas. Cada una desde su cuerda, demostraron gran técnica y perfecta armonía en las dinámicas.

Esta primera parte terminó con la interpretación de obras de Brahms, primero en solitario, por parte de Catriona Morison, que hizo alarde de una gran capacidad dramática y calidad vocal en su estreno en este Ciclo de Lied.

La segunda parte, con gran variedad de compositores, se inició a dúo con repertorio francés y obras de Chausson, Malibrán, Boonis y una exquisita interpretación de la “Havanaise”, compuesta por la otra hija de Manuel García, Pauline Viardot.

Después llegó el momento de Katharina Konradi en solitario, con obras del I y IV vols. De sus Canciones Clásicas Españolas de Obradors, como “Coplas de Curro Dulce”, “Del cabello más sutil” y “El molondrón”. En su interpretación derrochó simpatía y demostró su conocimiento y aprecio por el repertorio español, acompañado por una extraordinaria dicción que, si no fuera por las pronunciadas erres, tan características en los cantantes de esas latitudes, pasaría por castiza. Muy bien la capacidad interpretativa y la variedad de matices y recursos vocales.

Para terminar, regreso el dúo, esta vez con Feauré, siguiendo con el buen empaste y perfectas articulaciones, ante un público entusiasmado por el diseño de este recital, con obras de gran atractivo y un formato, el de dúo, que ha resultado todo un éxito.

Para terminar, ofrecieron dos piezas de Saint-Saëns, “El desdichado”, un bolero de sus Chanson Espagnole A Deux, y La siesta” de Gounod.

Mención especial merece el pianista Ammiel Bushakevitz, que hizo un recorrido por el amplio repertorio con elegancia y delicadeza, llenando de matices cada época musical que abordaba y respondiendo con ello a la densidad de la partitura y su variedad de estilos.

Un estupendo final para esta temporada del Ciclo de Lied. Esperamos ya con impaciencia la próxima, que se anuncia extraordinaria. Esperamos que retomen los programas de mano tradicionales en lugar de las hojas que se entregan últimamente, en las que apenas aparece el nombre de los artistas.

Este viernes, el cuarteto 4Sonora ofrecerá un concierto en la Casa de las Mareas de Soano dedicado al compositor cántabro Israel López Estelche, musicólogo, profesor de la Escuela Superior de Música Reina Sofía y una de las figuras más destacadas de la creación musical actual de nuestro país. En el marco de este concierto, que servirá de preámbulo a la XXI edición del Concurso Internacional de Música de Cámara de Arnuero (CIMCA), se estrenará Jardín de mar. En palabras de Antonio Margallo, director del CIMCA: “Este concierto será un auténtico maridaje entre música y naturaleza, en el que nuestra Marisma Joyel servirá de escenario natural a Jardín de mar, la obra de estreno de Israel López Estelche realizada por encargo del CIMCA, que entronca de raíz con nuestro paisaje y toma como fuente de inspiración las marismas de Joyel, en el Ecoparque de Trasmiera, donde está situada la Casa de las Mareas, el emblemático lugar en el que se desarrolla el concurso. No sólo asistiremos a una experiencia musical, sino también a una experiencia paisajística y gastronómica, con degustación de productos locales incluida”.

Como marca la tradición, el concierto inaugural del CIMCA se celebrará el día 5 de julio en la Iglesia Nuestra Señora de la Asunción de Arnuero, y correrá a cargo del conocido Cuarteto Quiroga, que recala en la localidad cántabra en plena celebración de sus 20 años como cuarteto de cuerda. El programa de este concierto, que se realizará en coproducción del Centro Nacional de Difusión Musical, del que el cuarteto es conjunto en residencia la presente temporada, incluirá obras de Haydn (cuarteto en do mayor Op. 74 nº 1), Schubert (La muerte y la doncella), y Los ojos del espejo, de la compositora canaria Cecilia Díaz Pestano.

Los días 6 y 7 de julio tendrán lugar las audiciones clasificatorias y la gran final (la fase presencial del CIMCA tras la previa preselección online), ante la atenta mirada del jurado profesional, en la que participarán ocho jóvenes formaciones de cámara: el Dúo Ebenum (clave y violín) de la Hochschule für Musik de Basel, el Dúo Atenea (piano y violín), del Conservatorio Superior de Música de Málaga, el Dúo Dadga (piano y clarinete), del Conservatorio Superior de Música de A Coruña, el Trío Aro (piano, violonchelo y clarinete), de la Escuela Superior de Música de Lisboa, el Trío Aria (piano y dos flautas), del Centro Superior Katarina Gurska, el Trío Moment (piano, violín y violonchelo), del Conservatorio Superior de Música de Badajoz, el Trío Moment (piano, violín y chelo), del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, el Trío Emérita (piano, violín y chelo), del Conservatorio Superior de Música de Badajoz y el Quartet Doré, cuarteto de cuerda de la Accademia Stauffer, de Cremona (Italia).

El jurado de esta edición 2024 estará formado por el compositor Israel López Estelche y los cuatro miembros del Cuarteto Quiroga. Cibrán Sierra, violinista del Cuarteto Quiroga, ejercerá como presidente del jurado.

Fotografía ©IGOR-STUDIO

El próximo 11 de julio de 2024, a las 22:00 horas, el majestuoso Castillo de Gibralfaro de Málaga será el escenario de una representación única de la obra ‘Acis y Galatea’ de Häendel, a manos de un elenco internacional extraordinario.

La encargada de interpretar a Galatea será la soprano Channa Malkin quien ha sido aclamada internacionalmente por su emotividad y técnica. Tras su reciente visita a nuestro país en el festival Rubens la soprano regresa a España para encabezar esta emocionante producción.

El tenor Juan de Dios Mateos encarnará a Acis aportando su potente voz y carisma escénica. Regresa a España después de enfrentarse al reto que supone interpretar el papel de Brighella en la ópera ‘Ariadne y Naxos’ de Richard Strauss en una gira por Spoleto, Budapest y Vicenza y tras interpretar un repertorio puramente rossiniano en Italia con el Príncipe Ramiro en La Cenerentola en el Teatro Lirico Giuseppe Verdi de Trieste y con Lindoro en L’Italiana in Algeri en el Teatro Giuseppe Verdi de Salerno.

Completando el elenco estarán el bajo Luis López en el rol de Polifemo y el tenor Thoma Jaron-Wutz interpretando a Damón.

El coro de la Basilica de San Juan de Dios de Granada, dirigido por Nacho Rodrigo, complementará y arropará las voces de los solistas mientras que la parte instrumental estará a cargo de la Joven Orquesta Barroca de Andalucía, bajo la batuta de Salvador Vázquez.

Acis y Glatea es una ópera pastoral de Georg Friedrich Häendel que narra la trágica historia de amor basada en la mitología clásica. La trama se centra en el amor apasionado entre el pastor Acis y la ninfa del mar Galatea que se verán envueltos en una trama marcada por los celos.

Channa Malkin

La soprano Channa Malkin, conocida por su consolidada trayectoria musical y su creatividad, ha sido recientemente elogiada por medios como Opera Today por «su voz pura y suave, pero llena de sentimiento» y La Opinión de Málaga por «su equilibrio entre técnica vocal, fraseo musical y talento artístico incuestionable». Su amplio repertorio abarca desde la ópera barroca italiana, pasando por el repertorio mozartiano hasta la música de cámara sefardí.

Channa debutó a los 16 años como Barbarina (Le Nozze di Figaro) en la Ópera Nacional de Holanda. Tras un primer álbum en 2019, ‘Songs Of Love And Exile – A Sephardic Journey’ para el sello Brilliant Classics, en 2021 publicaba su segundo álbum en solitario, titulado This is not a lullaby, con el sello TRPTK, que incluye canciones de Weinberg, Tavener y Josef Malkin.

Ha interpretado diversos roles operísticos como Despina (Così fan tutte), Zerlina (Don Giovanni), Charite (Cadmus et Hermione), Eva ( en el estreno mundial de Carlijn Metselaar) y ha interpretado todos los papeles femeninos en una producción escenificada de Peer Gynt de Grieg en el Concertgebouw de Ámsterdam con la Orquesta Filarmónica de los Países Bajos. También debutó como Poppea en L’incoronazione di Poppea en Rotterdam (Operadagen), convirtiéndose este en uno de sus papeles emblemáticos.

Entre sus proyectos más recientes se encuentran su debut con recital en solitario en el Concertgebouw en enero de 2023, regresando al Concertgebouw en noviembre de ese año para interpretar la Misa en do menor de Mozart y Réquiem de Fauré. A esto se suman la interpretación de Papagena en La flauta mágica en Reisopera, su debut en el Festival de Música Antigua de Utrecht con un programa de cantatas de Bach en agosto de 2023 y recitales en España (Fundación Juan March, Auditorio Edgar Neville de Málaga, Festival Rubens), Alemania (Festival Händel de Göttingen), Turquía (Festivales de música barroca en Ankara e Istambul) y Polonia (Łomża Philharmonic).

Juan de Dios Mateos

El tenor tuvo un gran éxito en Madrid el pasado octubre de 2023 con su debut en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, como primer papel en el estreno absoluto de la nueva ópera de El Caballero de Olmedo. La obra estaba dirigida por Lluís Pasqual a partir del libreto de Lope de Vega, con una música compuesta por Arturo Díez Boscovich y bajo la dirección musical de Guillermo García Calvo y escenografía de Daniel Bianco. En noviembre representó otra gran opera de Rossini en el Teatro Municipal de Santiago (Ópera Nacional de Chile) fue ‘El viaje de Reims’ interpretando el rol del Conte di Libenskof, papel con el que el cantante debutó en la prestigiosa Deutsche Oper Berlin. La puesta en escena estuvo a cargo de Emilio Sagi. Y en diciembre, el tenor interpretó al conde Almaviva en ‘El Barbero de Sevilla’ en la Deutsche Oper de Berlín bajo la dirección de Katharina Thalbach.

Juan de Dios Mateos es un nombre destacado dentro de las nuevas voces operísticas a nivel global. Desde su debut en 2009, cuenta con un exitoso recorrido por teatros de todo el mundo. Ha cantado en la Ópera de París, la Deutsche Oper Berlin, la Ópera de Sidney o el Teatro de Santiago de Chile, entre otros. En España, ha actuado en escenarios como el Gran Teatre del Liceu o el teatro Campoamor de Oviedo. Recientemente, ha debutado en el Teatro Cervantes de Málaga, con Carmina Burana.

Entre los papeles que ha interpretado, destacan Lindoro en La Italiana en Argel; el Conde de Almaviva en El barbero de Sevilla de Rossini; roles mozartianos como Ferrando en Così fan tutte y Don Ottavio en Don Giovanni; Nemorino en El elixir de amor de Donizetti; o Mercure en Les Fêtes d’Hébé de Rameau, entre otros.

Ha recibido varios premios, como el Plácido Domingo al mejor cantante español o el de la Fundación Ferrer-Salat en el 56º Concurso Internacional Tenor Viñas. En 2021 obtuvo galardones del Teatro Real, Teatro de la Zarzuela, Teatro de la Maestranza y ABAO Bilbao, entre otros. En 2023, ganó el Premio del Público en el Concurso Internacional de Lousada.

Salvador Vázquez

Músico galardonado, en 2015 recibió el Premio ‘Ciudad de Málaga’ a la mejor labor musical. En 2016 ganó el Primer Premio del Concurso Internacional de Dirección de Orquesta de Córdoba. También fue finalista en la 56ª Edición del Concurso Internacional de Dirección de Besançon, elegido entre 270 candidatos de todo el mundo.

Ha dirigido orquestas como la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, Orquesta Sinfónica de RTVE, Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, Orquesta Filarmónica de Málaga, Orquesta Sinfónica de Navarra, Filarmonica Nationala Serguei Lunchevichi (Moldavia), Orquesta Sinfónica de Tenerife, Orquesta de Extremadura, Orquesta de Córdoba, Orquesta Ciudad de Granada, Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia o la Orquestra Sinfônica de Porto Alegre (Brasil).

Ha sido director titular del Coro de Ópera de Málaga y director artístico de la Joven Orquesta Barroca de Andalucía (JOBA). Además, también ha sido director asistente en la Orquesta Académica de la Fundación Barenboim – Said, Orquesta Joven de Extremadura y Orquesta de Extremadura.

El director artístico de Les Arts, Jesús Iglesias Noriega, ha presentado hoy, en un acto con los medios de comunicación en Madrid, la diversa y vibrante propuesta artística del teatro valenciano para su decimonovena temporada, que dará comienzo el 1 de septiembre y se extenderá hasta el 30 de junio de 2025.

En esta ocasión el Palau de les Arts Reina Sofía incorpora 10 nuevos títulos a su repertorio lírico en su XIX temporada, un viaje de 417 años de historia de la música, desde ‘L’Orfeo’ de Monteverdi (1607) hasta el estreno de la ‘Ciudad sin sueño’ (2024) de Francisco Coll en Londres.

Así será la Temporada 2024-2025 de Les Arts: 11 espectáculos de ópera y zarzuela, cinco propuestas de danza, siete potentes programas sinfónicos, cinco veladas de ‘Lied’, tres conciertos de los más grandes divos, cinco sesiones de Barroco, cinco representantes de la música valenciana más actual, seis noches con el mejor flamenco y una nutrida oferta para todos.

Jesús Iglesias Noriega ha apuntado que, en consonancia con el término ‘Redemptio’, (hilo conductor para esta temporada) la mejor forma de devolver a los valencianos todo aquello que con su contribución aportan a Les Arts es una programación de excelencia, diversa, transversal y con vocación de extender su presencia más allá del propio Palau de les Arts. Así, la temporada comenzará con una gira de la Orquestra de la Comunitat Valenciana (OCV), que con su director James Gaffigan, visitará el 30 de agosto en el Festival de Pollença.

Días después, el 5 de septiembre, la OCV con Javier Perianes, recalará en el Festival Otoño Musical Soriano. Y, finalmente, la formación titular de Les Arts y James Gaffigan protagonizarán sendas veladas en Llíria y Cullera (13 y 14 de septiembre), como prólogo a la Jornada de Puertas Abiertas del 15 de septiembre, que marca el inicio de la actividad en el edificio de Calatrava

Les Arts és Òpera incluye esta decimonovena temporada once títulos que representan a la práctica totalidad de periodos y estilos operísticos entrelazados por el ‘leit motiv’ de ‘Redemptio’. Así, en ‘Manon’ o ‘Il trovatore’, la pérdida de la vida terrenal implica la culminación de una ambición particular, o la expiación de una vida culposa. La redención por la muerte está también presente en ‘The Golden Stool’, ‘Der fliegende Holländer’ o ‘Dialogues des Carmélites’.

Orfeo redime su impaciencia perdiendo a Eurídice y Bajazet -en ‘Tamerlano’ – paga su ambición con su muerte y regala con ella la libertad de su hija. Isabel I -en ‘Roberto Devereux’– se redime en vida aceptando sus desgracias en favor de su Imperio- y los protagonistas de ‘L’heure espagnole’ y ‘Gianni Schicchi’ expían cómicamente ante el público sus excesos, engaños y codicias.

Caso particular es ‘Cabaré Pierrot’, programa doble con ‘Ein Lichtstrahl’ y ‘Pierrot lunaire’, espectáculo entre lo jocoso del primero y la mística vanguardia de Schoenberg, que señala a una trágica redención de Occidente. En plena sintonía redentora, ‘Les Arts és Sarsuela’ trae la refrescante ‘La verbena de la Paloma’, donde la redención de los pecados populares parece no exculparse del todo en un sainete lírico abierto siempre a nuevas posibilidades finales.

Lisette Oropesa, Marina Monzó, Charles Castronovo, Piero Pretti, Ekaterina Semenchuk, Artur Ruciński, Elena Stikhina, Nicholas Brownlee, Franz-Josef Selig, Stanislas de Barbeyrac, Eve-Maud Hubeaux, Iván Ayón Rivas, Doris Soffel, Ambrogio Maestri, Eleonora Buratto, Silvia Tro Santafé e Ismael Jordi son algunas de las voces que comparecerán esta temporada de ópera.

En el podio junto con James Gaffigan, expertos maestros lideran las propuestas, con Maurizio Benini, Leonardo García Alarcón, Riccardo Minasi, René Jacobs, Michele Spotti y Francesco Lanzillotta, que tendrán su réplica en la escena con respetados creadores: Willy Decker, Robert Carsen, Àlex Ollé Vincent Huguet, Moshe Leiser & Patrice Caurier, y Jetske Mijnssen. Para la zarzuela regresa un especialista como José Miguel Pérez Sierra con Nuria Castejón en la escena.

En el capítulo sinfónico, las batutas más apreciadas por el público valenciano regresan con exuberantes programas con el gran repertorio romántico y tardo-romántico como emblema: Sir Mark Elder, Gustavo Gimeno, Antonello Manacorda, Thomas Hengelbrock y James Gaffigan, titular de la OCV.

Por su parte, ‘Les Arts és Dansa’ acoge cinco espectáculos con lo más selecto del ballet clásico, la danza contemporánea y el flamenco de la mano de Lucía Lacarra, Sara Baras, Asun Noales, María Pagés y los Ballets de Monte-Carlo.

Cinco citas imprescindibles se presentan en el ciclo de Lied, con los debuts de Asmik Grigorian y Michael Volle, además de los esperados reencuentros con Simon Keenlyside, Joyce DiDonato y Michael Fabiano, en su presentación liederística. Mientras que ‘Les Arts és Grans Veus’ acogerá la primera actuación en València de la diva por excelencia, Anna Netrebko, como emblema de un impresionante cartel con Juan Diego Flórez, Piotr Beczała y Sondra Radvanosky.

Sobradamente consolidado, ‘Les Arts és Barroc i Música Antiga’, deslumbra con un insuperable triplete con René Jacobs, William Christie y Leonardo García Alarcón, en un ciclo que, gracias a la colaboración con el Centro Nacional de Difusión Musical, congregará, además, a los más respetados españoles en este repertorio: Los Elementos, de Alberto Miguélez Rouco, la soprano Núria Rial, el sopranista Samuel Mariño y los valencianos Mediterrània Consort.

Por su parte, Les Arts no faltará a su cita con las diferentes manifestaciones de la voz, con genios como José Mercé, Israel Fernández, Mayte Martín, Antonio Reyes y Jesús Méndez, El Pele y Reyes Carrasco en el flamenco, así como Marisa Monte en la música brasileña. Mientras que el tejido musical valenciano estará representado por La habitación roja, Doña Manteca, La Plata, Novembre Elèctric y Andreu Valor.

Para más información, los interesados pueden consultar la información sobre la Temporada 2024-2025, en la página web de Les Arts.

El papel de Alfredo Germont es uno de los primeros roles verdianos que el tenor español Celso Albelo incorporó a su repertorio tras su inigualable Duque de Mantua de Rigoletto. Los próximos días 28 y 30 de junio el cantante canario volverá a meterse en la piel del protagonista de La Traviata para inaugurar el festival de verano Camp de Mart de Tarragona. Una ópera, tres conciertos sinfónicos, un montaje teatral, cuatro espectáculos de circo y once conciertos de música moderna conforman la cartelera de la edición 2024 del certamen tarraconense organizado por el Área de Cultura del Ayuntamiento de Tarragona, y es precisamente la popular ópera de Verdi –que se enmarca dentro del Festival Lirica-T– la encargada de levantar el telón del certamen de la mano de la Asociación Amics del Teatre Líric de Tarragona en el Teatro auditorio Camp de Mart.

El tenor tinerfeño regresa a un rol verdiano que debutó en 2013 en la Guangzhou Opera House (China) y que también ha cantado en la Ópera de A Coruña, la Arena de Verona, la Ópera de Las Palmas de Gran Canaria o en el Teatro San Carlo de Nápoles. Ante un papel tan emblemático como es el amante de Violetta Valéry, Albelo se siente «encantado de retomarlo con más experiencia verdiana en mis venas que hace unos años, y que siempre me ha parecido apasionante; es además un verdadero placer cantar junto a un gran equipo de intérpretes que son compañeros y amigos, y en el histórico e impresionante escenario del Auditorio Camp de Mart», asegura.

Junto al Alfredo Germont de Celso Albelo se podrá escuchar a la soprano Sofia Esparza como Violetta, al barítono Ángel Ódena como Giorgio Germont y a la mezzosoprano Mireia Pinto como Flora Bervoix, entre otros. El montaje estará dirigido escénicamente por el valenciano Emilio López y contará con la colaboración de la orquesta Camerata XXI, el Coro de Ópera de Tarragona y el Ballet de la Escuela de Danza ATGN, todos bajo la dirección musical del maestro Óliver Díaz.

Entre los compromisos de la temporada 2024-2025 de Celso Albelo destacan La Bohème, de Puccini, en la inauguración de la temporada de la Ópera de A Coruña, su regreso al Teatro de La Zarzuela con Marina, de Arrieta, y La Tabernera del Puerto, Sorozábal, y al Gran Teatre del Liceu de Barcelona con Madama Butterfly de Puccini, entre otros.

El Teatro Real y la Comunidad de Madrid han conmemorado esta mañana el Día Europeo de la Música, con la celebración de un recital que ha tenido lugar en el vestíbulo de la estación de Nuevos Ministerios y en el que jóvenes artistas del programa Crescendo, de la Fundación Amigos del Teatro Real, han interpretado conocidas áreas de ópera y zarzuela con el fin de acercar la lírica y la música clásica a los usuarios del Metro.

El pianista Sergio Berlinches ha acompañado las voces de la soprano Ivana Ledesma, la mezzosoprano Andrea Rey y el barítono Enrique Torres, que han emocionado al público con las partituras de Puccini, Bizet, Delibes, Penella y Chapí, en un programa que ha incluido la interpretación al piano de la “Oda a la Alegría”, del cuarto movimiento de la Novena Sinfonía de Beethoven, convertido en el himno de Europa, en el 200 aniversario de su estreno.

El día Europeo de la Música es una conmemoración que invita a los músicos a compartir su arte en espacios públicos, de forma gratuita, para promocionar y reivindicarla como lenguaje universal de la humanidad.

Impulsado por la Fundación Amigos del Teatro Real, el programa Crescendo, con carácter internacional, pretende complementar la formación académica adquirida por jóvenes cantantes de todo el mundo y la creación de oportunidades reales para inicien su carrera profesional, con actuaciones en diferentes eventos del Teatro Real, como espectáculos del programa Real Junior en el Real Teatro de Retiro y actuaciones en la Carroza del Real por toda España.

Desde su creación, más de 80 jóvenes artistas de 14 nacionalidades han participado en esta iniciativa del Teatro Real que les ha acompañado en sus primeros pasos de la vida profesional y que cuenta con el patrocinio der Fonds de Dotation Porosus, la Fundación Banco Sabadell, Mitsubishi Electric, y cuenta con el apoyo de la Asociación de Guitarra Clásica Ángel G. Piñero

Esta es la segunda ocasión en la que el Teatro Real y el suburbano madrileño participan juntos en una actividad encaminada a la promoción de la música. En noviembre de 2023, la estación de Paco de Lucía fue el escenario elegido para una actuación con la que se conmemoraba el Día Internacional del Flamenco.

El Teatro Real también quiere celebrar este día con entradas entre al 45% de descuento para la ópera Madama Butterfly, cuyo estreno tendrá lugar en su escenario el próximo 30 de junio, que podrán adquirirse desde hoy y las 23.59 horas del sábado 22 de junio, para las funciones de los días 9, 15, 18 y 19 de julio.

Estas localidades, 1.500 distribuidas en todas las zonas de la sala, podrán adquirirse en los canales habituales de venta del Teatro Real: www.teatroreal.es, venta telefónica en el 900 24 48 48 y en las taquillas ubicadas en la puerta principal del Teatro, en la Plaza de Oriente.

Fotógrafo: © Javier del Real | Teatro Real

La soprano Katharina Konradi y la mezzosoprano Catriona Morison, dos de las cantantes líricas más reclamadas en los escenarios internacionales, ponen el broche de oro al XXX Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical y el Teatro de la Zarzuela. Junto al experimentado pianista Ammiel Bushakevitz, harán un recorrido por algunos de los lieder más exigentes y emblemáticos de Robert Schumann o Johannes Brahms, así como por partituras de compositoras como Pauline García Viardot o María Malibrán, entre otras. El recital tendrá lugar el lunes 24 de junio a las 20:00 horas en el Teatro de la Zarzuela.

Katharina Konradi, aclamada soprano de origen kirguís, y Catriona Morison, destacada mezzosoprano escocesa, se unen en este recital que promete cautivar al público con su talento y versatilidad. Konradi, conocida por su pureza vocal y emotiva interpretación, ha brillado en escenarios internacionales, desde la Ópera Estatal de Baviera hasta el Festival de Bayreuth. Por su parte, Morison, ganadora del prestigioso concurso BBC Cardiff Singer of the World, ha impresionado con su riqueza tonal y presencia escénica, actuando en teatros de renombre como la Royal Opera House y el Deutsche Oper Berlin. En esta ocasión, juntas ofrecerán una velada musical inolvidable en la que presentarán su proyecto Echoes, un álbum de canciones a dúo publicado recientemente por Deutsche Grammophon y SWR en el que unen fuerzas con Bushakevitz.

La primera parte de este recital estará protagonizada por una selección de exquisitos lieder a dúo de Robert Schumann y Johannes Brahms, maestros del género. El repertorio abarca canciones que reflejan una temática predominantemente amorosa, desde la pasión por el ser amado hasta el dolor por su ausencia. La segunda parte del concierto ofrecerá canciones francesas de Gabriel Fauré, Mélanie Bonis, una de las compositoras francesas más prolíficas de finales del Romanticismo y Ernest Chausson. También encontraremos obras de Pauline García Viardot y María Malibrán, españolas de origen, grandes divas e hijas del famoso tenor español y maestro del belcanto Manuel García. El programa también incluye tres de las Canciones clásicas españolas de Fernando Obradors.

Nueva edición del Ciclo de Lied

El CNDM y el Teatro de la Zarzuela han anunciado recientemente la 31ª edición del Ciclo de Lied, una programación que celebrará ocho recitales durante la temporada 24/25. El ciclo presentará conciertos de diferentes estilos, timbres y colores a través de programas vocales de excelencia, con un repertorio que tendrá la canción en alemán como protagonista, pero que también albergará programas con canciones de otras procedencias.

La nueva edición contará con aclamadas voces líricas internacionales como las de las sopranos Julia Kleiter y Sabine Devieilhe y la del bajo Franz-Josef Selig; así como con jóvenes y brillantes cantantes que volverán un año más a esta programación, como los barítonos Andrè Schuen y Konstantin Krimmel. Además actuarán por primera vez en el ciclo la soprano Patricia Petibon, el tenor Julian Prégardien y el barítono Ludovic Tézier.

Sobre Katharina Konradi

Katharina Konradi nació en Biskek (Kirguistán, Asia). Es la primera soprano de este país con una carrera internacional como cantante de lied, conciertos y ópera. Durante tres años, actuó en la Ópera Estatal de Hesse en la ciudad de Wiesbaden. Y, en 2018, hizo su presentación como Ännchen en Der Freischütz, de Carl Maria von Weber, en la Ópera Estatal de Hamburgo. A partir de entonces, ha cantado los principales papeles de soprano en los mejores teatros de lírica del mundo, por ejemplo, Zdenka en Arabella, de Richard Strauss, en la Semperoper en Dresde (2018-2019); la Pastora en Tannhäuser, de Richard Wagner, en el Festival de Bayreuth (2019 y 2021); o Sophie en Der Rosenkavalier, de Richard Strauss, dirigida por Vladimir Jurowski —también la ha interpretado, bajo la dirección de Barrie Kosky, en la Ópera Estatal de Baviera en Múnich (2020-2021)—. Además de participar en numerosas producciones de la Ópera Estatal de Hamburgo, lo ha hecho en la presente temporada de la Ópera Estatal de Baviera como Sophie en Werther, de Jules Massenet, y Susanna en Le nozze di Figaro, de Wolfgang Amadeus Mozart.

Sobre Catriona Morison

Ganadora el 2017 del concurso BBC Cardiff Singer of the World en las categorías Singer of the World y Song Price, la mezzosoprano escocesa-alemana Catriona Morison fue miembro de la Ópera de Wuppertal desde el 2016 hasta el 2018, pasando a ser artista residente posteriormente. Ha cantado una amplia variedad de papeles, incluyendo Nicklausse (Les contes de Hoffmann), Charlotte (Werther), Hänsel (Hänsel und Gretel), Maddalena (Rigoletto) y Cherubino (Le nozze di Figaro). En las salas de conciertos, debutó en los BBC Proms el 2019, cantando las Sea Pictures de Elgar. Como recitalista, trabaja regularmente con Malcolm Martineau, Simon Lepper o Joseph Middleton, en salas y festivales como el Wigmore Hall, el Festival Internacional de Edimburgo, el Leeds Lieder Festival y lo Weimarer Meisterkurs; recientemente fue BBC Radio 3 New Generation Artist.

Sobre Ammiel Bushakevitz

Nacido en Jerusalén, Ammiel Bushakevitz actúa regularmente en Europa, Norteamérica, África, Asia y Australia; en salas como el Carnegie Hall de Nueva York, el Wigmore Hall de Londres, la Philharmonie de París, el Concert Hall de Shanghai, el Concertgebouw de Ámsterdam y el Konzerthaus de Berlín. También ha actuado en los festivales de Aix-en-Provence, Salzburgo, Bayreuth, Lucerna, Ciudad del Cabo, Heidelberg, Melbourne y Montreal; el Festival Pontino di Latina de Roma, el Festival Casals de España y las Schubertiades de Schwarzenberg, Hohenems, Vilabertran y Jerusalén. Ammiel, uno de los últimos alumnos privados del difunto Dietrich Fischer-Dieskau, es reconocido como uno de los principales pianistas de canto de su generación, y ha actuado con cantantes de la talla de Dame Felicity Lott, Christian Gerhaher y Thomas Hampson. También ha recibido notables lecciones de Brigitte Fassbaender, Barbara Bonney, Thomas Quasthoff y Matthias Goerne. Su discografía incluye galardonados álbumes como solista y pianista de canto para BIS (Suecia), Pentatone (Holanda), Hänssler Classics (Alemania), SOLFA (España) y Gramola (Austria). Próximos lanzamientos aparecerán en sellos como Berlin Classics, Hänssler y Harmonia Mundi. Apasionado de la educación, Ammiel ha impartido clases magistrales en destacadas universidades de Australia, Israel, España, China, Sudáfrica, Nueva Zelanda y Estados Unidos. También dedica tiempo a tutelar a jóvenes músicos en países en desarrollo como Etiopía, Zimbabue, México y Marruecos.

El Teatro Real se prepara para una nueva producción de la conmovedora obra maestra de Giacomo Puccini, Madama Butterfly, en la que el barítono Gerardo Bullón encarnará el rol de Sharpless.

Bajo la dirección del aclamado director Damiano Michieletto, Madame Butterfly cobra vida de una manera completamente nueva y provocativa. La historia se traslada a un barrio marginal de una ciudad oriental, explorando temas universales como el imperialismo o la xenofobia arropados por la música atemporal de Giacomo Puccini.

La dirección musical está a cargo de los maestros Nicola Luisotti y Luis Miguel Méndez, quienes guían a la orquesta del Teatro Real a través de la exquisita partitura de Puccini. La escenografía diseñada por Paolo Fantin y el diseño de vestuario de Carla Teti generan una atmosfera deslumbrante.

La ópera narra el trágico romance entre una joven geisha, Cio-Cio-San (Butterfly) y un oficial de la marina estadounidense, el teniente Pinkerton con quien contrae matrimonio (aunque para el soldado esto no es más que una aventura amorosa durante su estancia en Japón). Con su vuelta a América, la muchacha espera el regreso de su marido mientras cuida del hijo que han tenido en común. Cuando finalmente el marine retorna a Nagasaki comienza la tragedia para Cio-Cio-San. La obra explora así temas como el amor, la traición, las diferencias culturales y el sacrificio.

Gerardo Bullón se une así a un gran elenco que cuenta con las voces de Saioa Hernández, Ailyn Pérez o Lianna Haroutounian interpretando a Cio-Cio San, Silvia Beltrami o Gemma Coma como Suzuki o Matthew Polenzani y Michael Fabiano como F.B. Pinkerton.

Gerardo Bullón

Gerardo Bullón, nacido en Madrid, es un barítono en ascenso en el mundo de la música clásica. Destaca no solo por su voz potente sino también por su gran presencia escénica. Comenzó sus estudios de canto con distinguidos maestros como Virginia Prieto, Julián Molina, Daniel Muñoz o Ricardo Muñiz.

A pesar de licenciarse en Derecho se decantó por el mundo de la música clásica estudiando canto en la Escuela Superior de Canto de Madrid y Arte Dramático. Desde su debut en Teatro Real en 2017 con dos producciones: Billy Budd de Britten y El gato con botas de Montsalvatge ha interpretado roles de gran relevancia como los de Don Giovanni, Gianni Schicchi, Rigoletto, Madama Butterfly, Così fan tutte, L’elisir d’amore, Il barbiere di Siviglia, La finta giardiniera, Carmen , La Bohème) así como otros destacados personajes de zarzuela en el Teatro Real de Madrid y el Teatro de la Zarzuela (La Revoltosa, Marina, El dúo de la Africana, Los diamantes de la corona, La gallina ciega, Luisa Fernanda, El Barquillero, La Chulapona, El bateo, Agua, azucarillos y aguardiente…)

Este pasado mes de abril encarnó el papel del infame Barón Scarpia en la nueva producción de la ópera ‘Tosca’ en la Staatsoper Stuttgart bajo la dirección musical de Markus Poschner y dirección de escena de Willy Decker.

Fotografía ©Nnani Gutierrez

Entre los días 30 de junio y 22 de julio, el Teatro Real ofrecerá 19 funciones de Madama Butterfly, de Giacomo Puccini, con puesta en escena de Damiano Michieletto y dirección musical de Nicola Luisotti, que estará al frente de 4 repartos y del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

El exotismo inspirador de los países lejanos, tan en boga en el arte y la literatura europeas del final del siglo XIX, dio a la ópera algunos antecedentes directos de Madama Butterfly: mujeres fascinadas con el hombre occidental, seductor y poderoso, que traicionan, por amor, los dogmas sagrados de su tradición y de su cultura, pagando con su vida esa transgresión, como sucede con las protagonistas de La africana (1865) de Giacomo Meyerbeer, o Lakmé (1883) de Léo Delibes.

Madama Butterfly es la sexta de las 10 grandes óperas de Giacomo Puccini (1858-1924) y su tercera colaboración con los libretistas Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, con los que ya había trabajado en La bohème y Tosca, siempre con gran tensión, disputas y desavenencias provocadas por el carácter difícil, obsesivo y perfeccionista de Puccini.

Las fuentes literarias de la ópera están fuertemente ancladas a una inquietante realidad: la impunidad con la que los hombres occidentales utilizaban sexualmente a las mujeres asiáticas, fascinados por su erotismo, misterio, delicadeza y servidumbre. Ese es el tema de la novela Madame Chrysanthème (1887), en la que el marino francés Pierre Loti describe como la ley japonesa permitía a los oficiales de las armadas realizar matrimonios temporales con geishas, generalmente a través de una transición económica, que quedarían disueltos tras un mes de abandono por cualquiera de las partes.

Pocos años después, al otro lado del Atlántico, John Luther Long publica Madame Butterfly (1898), basado supuestamente en un caso real que conoció su hermana durante una estancia en Nagasaki. Este breve relato fue transformado en pieza teatral, con gran éxito, por el dramaturgo y productor David Belasco -que volvería a colaborar con Puccini en La fanciulla del West– que la presentó en Estados Unidos y en Londres. Fue ahí que Puccini vio la obra, con tal conmoción que al final de la misma propuso directamente a su autor la compra de los derechos para la creación de su ópera homónima.

El libreto, estructurado por Luigi Illica y versificado el poeta Giuseppe Giacosa, tiene una dureza inaudita, contraponiendo la naturalidad con la que se negocia la compra y venta de una joven pobre e inocente para complacer los deseos sexuales de un marino foráneo, con la tragedia que vive la protagonista, enamorada de su seductor “marido” extranjero que la va a liberar de la miseria en la que vive.

Para conceder a la partitura la atmósfera oriental Puccini estudió el folclore japonés, los timbres de sus instrumentos, la sonoridad de las voces, los temas, ritmos y escalas más utilizados, articulando todas estas influencias con la música europea, en una relación finísima y sutil con la dramaturgia del libreto y la caracterización de los personajes.

Este “exotismo” musical potencia la riqueza tímbrica y armónica de su escritura orquestal, siempre refinada, fluida y epigramática, con hallazgos expresivos únicos, de grandísima belleza y plasticidad.

Para el director de escena Damiano Michieletto este mundo sonoro orientalizante que atraviesa toda la obra no necesita de ser reforzado con kimonos, biombos y abanicos japoneses que alejan, enmascaran y embellecen el terrible sufrimiento de la inocente Cio-Cio-San en su abnegado camino hacía madurez y el consciente suicidio.

En la producción concebida para el Teatro Regio de Torino, Michieletto despoja la ópera del esteticismo orientalista y sitúa la trama en la actualidad, en los suburbios de una bulliciosa ciudad asiática con carteles publicitarios y letreros de neón concebida por el escenógrafo Paolo Fantin, donde habita Cio-Cio-San, refugiada con sus sueños juveniles en una habitación de plexiglás.

Cuatro cantantes encarnan a esta joven enamorada, que se hace mujer a lo largo de la ópera: Saioa Hernández, Ailyn Pérez, Lianna Haroutounian y Aleksandra Kurzak. El ingrato papel de Pinkerton será asumido por los tenores Matthew Polenzani, Charles Castronovo, Michael Fabiano y Leonardo Capalbo. Completan el cuarteto protagonista las mezzosopranos Silvia Beltrami, Nino Surguladze y Gemma Coma-Alabert, como Suzuki, y Lucas Meachem, Gerardo Bullón y Luis Cansino, como Sharpless.

Madama Butterfly volverá al Real después de las 42 funciones con puesta en escena de Mario Gas, en la producción con más reposiciones desde la reinauguración del Teatro. La ópera llega ahora con el enfoque diferente y complementario de Damiano Michieletto, que nos interroga sobre la crueldad, el dolor, la humillación y el desengaño que viven las víctimas del turismo sexual de antaño y de hoy, en Japón o en los rincones de nuestras ciudades.

AGENDA | ACTIVIDADES PARALELAS

A partir del 1 de julio| Teatro Real: foyer, escaleras imperiales y óvalo de la tercera planta

Puccini fotógrafo

El Teatro Real se suma por primera vez a PHotoEspaña con una exposición que aborda la desconocida faceta como fotógrafo del compositor Giacomo Puccini.

A partir del 1 de julio se podrán ver expuestas fotografías de gran formato del autor de Madama Butterfly en el foyer, las escaleras imperiales y el óvalo de la tercera planta.

Se puede acceder a la exposición con entradas para visitas o para una función.

A partir del 30 de junio| Teatro Real de Madrid

Centenario Victoria de los Ángeles

En conmemoración del centenario del nacimiento de Victoria de los Ángeles (1923-2005), el Teatro Real expondrá una colección de vestidos de la soprano catalana que tan brillantemente interpretó a Cio-Cio San en las principales óperas de todo el mundo.

En colaboración con la Fundación Victoria de los Ángeles, se podrán ver vestidos de sus principales roles como Mimì en La Bohème, Elisabeth en Tannhäuser o la mismísima Cio-Cio San en Madama Butterfly.

23 de junio a las 11.00 y a las 13.00 horas| Real Teatro de Retiro, Sala Pacífico

¡Todos al Real Teatro! – La casa del sol naciente

Un viaje a los cerezos en flor y el rito del té de Japón.

Un taller de introducción a la música para familias, con Fernando Palacios y los Pequeños Cantores de la ORCAM, dirigidos por Ana González

2 de julio a las 18.30 | Istituto Italiano di Cultura di Madrid

Inspiraciones orientales en la Italia de la Belle Époque – Conferencia

Acceso gratuito

Durante el mes de julio | Museo de Historia de Madrid

Piezas de chinería: objetos orientales de moda en occidente en el siglo XIX

Acceso gratuito para los visitantes del museo durante el mes de julio

Dice lo que tiene que decir con su baile, sincero, apasionado y, sobre todo, libre. Yolanda Osuna regresa a Flamenco Real con un espectáculo que muestra lo más puro de ella, como un grito interno que al vuelo de sus tacones y de sus manos dibuja su esencia y se declara Y.O. Misma.

Predomina en la propuesta de la bailaora cordobesa la naturalidad, la expresión artística, la complicidad con el espectador, el gesto que llena el escenario antes de desbordar con su técnica prodigiosa. Osuna lleva a gala la pureza del baile flamenco tradicional y, desde él, lo baila en su tiempo.

Yolanda Osuna estará acompañada por la voz de Bernardo Miranda, la guitarra de Jesús Rodríguez y las palmas y el baile de Lorena Osuna.

Nacida en Córdoba, realizó su debut a los cinco años y se graduó con matrícula de honor en danza española, a los 18 años, en el Conservatorio de Danza de Córdoba. Es ganadora de los premios ‘Antonio Hidalgo’ en el Concurso Nacional de Fandangos de Lucena y ‘Jóvenes flamencos’ de la Diputación de Córdoba. También fue finalista en el Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba y en el del Cante de las Minas de La Unión.

Yolanda Osuna ha actuado en los más prestigiosos teatros y festivales de flamenco tanto de España como del extranjero. Su perfil artístico se ha caracterizado por combinar el flamenco tradicional con otras disciplinas, como la danza contemporánea, las artes plásticas y las performances, ampliando el abanico de posibilidades para expresar su arte. Ha sido una de las estrellas de las giras de Authentic Flamenco y forma parte de los elencos protagonistas de Flamenco Real desde su debut en 2016.

La mezzosoprano española María José Montiel ingresará en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando como miembro de número el próximo 23 de junio, a las 19h. en sustitución de la mezzosoprano Teresa Berganza. Lo hará en una ceremonia que se celebrará en la sede de la entidad en Madrid, ocasión en la que la cantante madrileña leerá su discurso de ingreso que será contestado por el Excmo. Sr. D. Tomás Marco, director de la Academia y reconocido compositor. El acto será retransmitido en streaming a través del Canal YouTube de la Real Academia.

María José Montiel, que próximamente ofrecerá un recital con motivo de su ingreso a la Institución, siente “una emoción inmensa” ante su inminente ingreso en la Academia. “Fue para mí una gran alegría recibir la noticia de este nombramiento el año pasado, que reconoce tantos años de carrera sobre los escenarios, y será un verdadero honor leer el próximo 23 de junio el discurso de ingreso y convertirme en académica numeraria; me vienen a la mente tantos recuerdos maravillosos que me han acompañado desde la época de estudiante en España y en Viena, pasando por tantas vivencias inolvidables en teatros y auditorios de todo el mundo, así como en mi Cátedra de Canto en la Universität der Kunste en Berlín. Mi querida y admirada Teresa Berganza fue la primera cantante en ser nombrada académica de esta prestigiosa institución, por lo que me siento muy honrada al ocupar su lugar de ahora en adelante”.

Electa como académica en 2023, María José Montiel es Premio Nacional de Música 2015, catedrática de Canto en la Universität der Kunste de Berlín (Alemania) desde 2019 y de los Cursos Internacionales Universitarios Música en Compostela desde 2021. Ha sido reconocida durante su trayectoria con diversos galardones, como el Premio a la Mejor Cantante Femenina de Ópera en la edición 2011 de los Premios Líricos Teatro Campoamor por su versión de Carmen, de Bizet, en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona; Premio Lucrecia Arana; Premio Federico Romero de la SGAE; Premio Ojo Crítico de RNE y el de la CEOE; y Premio Fundación Coca-Cola España al mejor intérprete por “la calidad de su voz, su temperamento expresivo y versatilidad de repertorio”. En 2007, además, fue galardonada con el Premio de Cultura en la modalidad de Música que otorga la Comunidad de Madrid. Desde 2017 es Embajadora de la Fundación Columbus y en 2023 fue nombrada madrina de la ONG Ópera sin Fronteras.

Inaugurada en 1752 durante el reinado de Fernando VI, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando es hoy en día la institución artística de más larga trayectoria y mayor vigencia cultural en España, con casi tres siglos de historia. Tiene su sede en el palacio de Goyeneche en Madrid y está integrada por 56 académicos de número, personalidades de reconocido prestigio en los campos de la arquitectura, pintura, escultura, música, cine, arte gráfico, fotografía, diseño e historia y teoría del arte, siendo una de las ocho Reales Academias de alcance nacional integradas en el Instituto de España. La institución tiene por objetivo «fomentar la creatividad artística, así como el estudio, difusión y protección de las artes y del patrimonio cultural, muy particularmente de la pintura, la escultura, la arquitectura, la música y las nuevas artes de la imagen».

El Teatro de la Zarzuela vuelve a presentar en estos días la producción de ‘Doña Francisquita’ (zarzuela de zarzuelas) firmada por el director de escena Lluís Pasqual (que en este montaje también escribe los textos hablados) y coproducida con el Gran Teatre del Liceu y con la Opera de Lausanne, cuya intención primera es la de otorgar a cada detalle un inconfundible espíritu de alegría y de emociones felices, dejando también, como es habitual en sus trabajos, un espacio para la reflexión útil. A un lustro desde su estreno en el coso de Madrid, esta propuesta regresa a su casa natural tras haber sido recompensada con el Premio Max a la Mejor Producción Lírica (2020), y después de recibir los aplausos cálidos y encendidos del público de Barcelona, Valencia o de Lausanne en Suiza.

Se ofrecerán 10 funciones, del 19 al 30 de junio, de la obra compuesta por Amadeo Vives, considerada como una de las partituras más brillantes e inspiradas de nuestro patrimonio musical, con textos cantados de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw inspirado en ‘La discreta enamorada’ de Lope de Vega y, como queda dicho, con textos hablados de Lluís Pasqual.

Se da además el caso, en esta ocasión, de que las funciones coinciden con la celebración de los 100 años de la primera ‘Doña Francisquita’ en el Teatro de la Zarzuela, cuatro meses después de su apoteósico estreno en el Teatro de Apolo de la calle Alcalá. Por tanto, en 1924 la obra llegó por primera vez al escenario de La Zarzuela —se conserva el cartel publicitario—, y fue en este Teatro donde la Gran Compañía Cómico-Lírica Amadeo Vives posó para la posteridad con los autores; y desde donde salió rumbo a América para llegar al Teatro Colón de Buenos Aires.

En la Francisquita que podremos disfrutar en los próximos días, frente a la Orquesta de la Comunidad de Madrid (Titular del Teatro) ocupará el foso Guillermo García Calvo, quien considera las páginas musicales de ‘Doña Francisquita’ “una de las mejores obras de música en escena no solo de nuestro repertorio, sino de toda la música occidental. Y aunque no es necesario comparar una obra con otras para destacar su valor intrínseco, el maestro observa que la calidad de esta partitura está al nivel de las mejores partituras de ópera y opereta de sus coetáneos europeos como Puccini, Richard Strauss, Kálmán o Lehár».

Pasqual, por su parte, evoca la alegría al enfrentarse cara a cara con la obra de Vives, Romero y Fernández-Shaw, y al cabo de los muchos años transcurridos desde que se la escuchara a su madre en los días luminosos: “La alegría, algo tan difícil de conseguir en el mundo en el que vivimos si uno intenta ser mínimamente consciente de la realidad que nos rodea, ha vuelto a mí, sino la misma, con el mismo perfume y la misma intensidad”. Y la emoción que esto le causa le lleva a pensar que tal vez solo la música, “evocadora y real al mismo tiempo”, sea capaz de producir esos sentimientos. El director lo tiene claro: esa alegría, “ese espíritu de fiesta compartida es lo que no podía no estar en el espectáculo”.

El reparto, que compartirá la escena de esta historia de amor a cuatro y más bandas con el Coro Titular del Teatro de la Zarzuela, volverá a contar con esas dos colaboraciones especiales de altura que son la de la inmensa maestra de las castañuelas Lucero Tena y el actor Gonzalo de Castro. Los elencos están integrados, en su mayoría, por voces habituales en los más importantes recintos líricos, muchas de las cuales repiten participación en esta producción. Así, las sopranos Sabina Puértolas y Marina Monzó darán vida a esa joven hermosa llamada Francisquita, cuyo amor se disputan Don Matías y su hijo Fernando, quien se desvive por otra hasta que Francisquita le sale al paso; los tenores Ismael Jordi y Alejandro del Cerro interpretarán el papel del estudiante Fernando, que pretende a Aurora, la Beltrana, una popular actriz que por su parte nada quiere de él, cuyo apasionado rol lo encarnarán las mezzosopranos Ana Ibarra y María Rodríguez. Los tenores Enrique Ferrer y Manuel de Diego serán Cardona, también estudiante y amigo inseparable de Fernando que urde y desurde historias. La soprano Milagros Martín dará vida a una muy especial doña Francisca, madre de Francisquita; el barítono Santos Ariño a Don Matías, padre de Fernando y pretendiente igual que este de Francisquita, y el barítono Isaac Galán a Lorenzo, alias el “pollito”, amante de Aurora que ve cómo la suerte en el amor se le escapa cuando ella se siente atrapada de Fernando precisamente desde el momento en que este la ignora en favor de Francisquita. 12 bailarines y 12 actores, completan el elenco de esta comedia lírica en tres actos y amor a cinco bandas.

La escenografía y el vestuario de esta propuesta están firmados por Alejandro Andújar, la iluminación por Pascal Mérat, la coreografía por Nuria Castejón y el diseño audiovisual es de Celeste Carrasco. Asimismo, en las funciones participa la Rondalla Lírica de Madrid «Manuel Gil».

Un gran Clásico

Que ‘Doña Francisquita’ es uno de nuestros grandes clásicos de la lírica no hay quien lo ponga en duda. Recién cumplidos cien años (lo ha hecho en 2023), hasta la fecha se han visto grandes producciones en el escenario del Teatro de la Zarzuela donde llegó por vez primera en 1924 (este año celebramos un siglo de aquello), con la misma producción del estreno de cuatro meses antes en el vecino Teatro de Apolo, firmada por Manuel Fontanals, y casi con idéntico reparto. Desde entonces, la obra de Amadeo Vives se ha representado en numerosas ocasiones en este recinto.

En 1934, ‘Doña Francisquita’ se había transformado ya en una comédie lyrique en trois actes en el escenario de la Ópera de Montecarlo, y poco después en una opérette à grand spectacle en el del Teatro Real de la Moneda de Bruselas, para en 1954 pasar a ser un Spiel aus Spanien en la Volksoper de Viena. ¡La internacional Francisquita!

Esa fue precisamente la razón por la que en 1956 fue el título seleccionado para la gala de reinauguración de la sala del Teatro de la Zarzuela con dirección de escena de José Tamayo. En 1972 volvería a subir a estas tablas nuevamente de la mano de Tamayo, aunque con una nueva propuesta escénica dirigida al público de Madrid. Pero 1985 fue realmente un año excepcional para ‘Doña Francisquita’ en el Teatro de la Zarzuela: la versión escénica de José Luis Alonso viajó a las ciudades belgas de Amberes y Gante —en el marco del Festival Cultural Europalia 85: España— y volvió a este mismo escenario de la plazuela de Jovellanos con el Ballet Nacional de España que la estrenó como un espectáculo de danza, con música de Vives, arreglos de Antón García Abril y coreografía de Alberto Lorca.

En 1998 ‘Doña Francisquita’ estuvo en Buenos Aires y Washington DC con una nueva y espectacular coproducción del Teatro de la Zarzuela dirigida por Emilio Sagi. Y por último, en 2019, volvió a Madrid con esta propuesta escénica dirigida por Lluís Pasqual, que ha viajado con éxito a Barcelona y Lausanne, coproductores del montaje, y que ahora regresa al Teatro de la Zarzuela..

Cine y Filmoteca Española

El Teatro de la Zarzuela y la Filmoteca Española firmaron hace unos años un convenio de colaboración para la restauración de la película ‘Doña Francisquita’ de Hans Behrendt (1934). Esa fue la primera vez que ambas instituciones se unían para abordar un proyecto conjunto de recuperación de patrimonio cultural español, en este caso cinematográfico y musical. Algunos de los fragmentos de dicho largometraje se ven en la producción que ahora regresa al Teatro de la Zarzuela.

En 1992 la Filmoteca Española encontró en el fondo de la Cinémathèque Française de París un negativo de imagen y sonido de una película hasta el momento desaparecida; se trataba de Doña Francisquita (1934), del director alemán Hans Behrendt, producida por la compañía Ibérica Films en los Estudios CEA de Madrid. En 1993 se logra, como intercambio entre ambos organismos, que se enviara la copia a Madrid para su restauración. Primero se restauró físicamente y luego, entre 1995 y 1996, se realizaron nuevos trabajos con el Laboratorio Polisitem de Barcelona: el duplicado del negativo de imagen, el negativo de sonido y una copia estándar. Y en 2018 el Teatro de la Zarzuela colabora con la Filmoteca Española en el tiraje de una nueva copia digital.

La película, rodada íntegramente en Madrid en el año 34 con Raquel Rodrigo (Francisquita), Fernando Cortés (Fernando), Matilde Vázquez (Aurora) y Antonio Palacios (Cardona) en el reparto, es un importante ejemplo del cine sonoro del periodo republicano en España. El promotor del proyecto original fue el hijo de Amadeo Vives, José Vives Giner, quien ejerció de supervisor artístico de esta adaptación de la popular zarzuela.

Para su segunda versión cinematográfica ‘Doña Francisquita’ se vestirá de colores y fantasía —con el nuevo Cinefotocolor— de la mano de otro director exiliado, el húngaro Ladislao Vajda, en 1952. El reparto está formado por Mirtha Legrand (Francisquita), Armando Calvo (Fernando), Emma Penella (Aurora) y Antonio Casal (Cardona). En esta ocasión la película llegará hasta las pantallas del Festival de Cannes como Mascarade d’Amour en 1953.

La soprano Maribel Ortega se embarca en esta nueva producción del Teatro de la Maestranza en coproducción con el Grand Théâtre de Genève, los Théâtres de la Ville de Luxemburgo y la Opera Ballet Vlaanderen encarnando el papel de Abigaille en Nabucco en el Teatro de la Maestranza de Sevilla. Esta obra maestra de Giuseppe Verdi ambientada en Jersualén y Babilonia es un relato épico de poder, opresión, traición, exilio, amor imposible y lucha de civilizaciones.

En esta ocasión, Maribel Ortega, se pone en la piel del complejo y apasionado personaje de Abigaille bajo la dirección escénica de la autora, directora de teatro y cineasta brasileña Christiane Jatahy y la dirección musical de Gaetano Lo Coco y Sergio Alapont.

El diseño de la producción, incluyendo iluminación y escenografía, ha sido cuidadosamente concebido por Thomas Walgrave para crear una ambientazión que esté a la altura de la grandilocuencia y la intriga de la historia. El vestuario está a cargo de de An D’huys.

Esta producción contará en su elenco con las voces de la soprano Maribel Ortega, el baritono Damiano Salerno en el papel de Nabucco o Dario Russo como Zaccaria los días 18 y 21 de junio.

Maribel Ortega

La soprano lírico-spinto Maribel Ortega es una rara avis en el paisaje lírico español de hoy. Su talento para el registro dramático no es habitual dentro de nuestras fronteras y la acerca a roles de la ópera alemana, nórdica y del este de Europa. Por eso ha interpretado la mayoría de los roles protagonistas del repertorio lírico dramático, tanto en España como en el extranjero.

Natural de Jerez de la Frontera (Cádiz), Ortega se tituló en Canto por la Guildhall School of Music and Drama de Londres y en el Conservatorio Superior de Música del Liceu con Enriqueta Tarrés. Desde entonces se ha perfeccionado con Cynthia Sanner, profesora de la Juilliard School y Carlos Aransay. Además, la soprano tiene una pasión oculta, la enología, ya que es licenciada en Ciencias Químicas, con especialización en Enología y Fermentaciones Industriales.

Desde su debut en el papel principal de Norma en la Ópera de Cataluña (2006), destacan sus colaboraciones con el Gran Teatro del Liceo, la Ópera de Oviedo, el Teatro São Pedro de Brasil, el Palau de Les Arts o el Teatro alla Scala bajo la dirección musical de Valery Gergiev y Pier Giorgio Morandi, entre otros, en roles principales de obras como Turandot, Macbeth, Madama Butterfly o Die Walküre.

Ha ganado numerosos concursos líricos y becas como la “Rosa Maria Tarruel”, el Otoño Lírico Jerezano, “Mirabent i Magrans”, “Germans Pla”, “Ciudad de Zamora”, “Jaume Aragall”, ha recibido el premio Cantante Revelación de la crítica de los Amics del Liceu por su Lady Macbeth (2006, Sabadell) y Mejor voz femenina de los Amigos del Teatre Principal de Palma por Nabucco (2016, Palma).

Maribel acaba de finalizar una exitosa gira por Cataluña con la ópera ‘Turandot’ de Giacommo Puccini, una producción dirigida por el talentoso Daniel Gil de Tejada y con la dirección de escena y vestuario a cargo de Carles Ortiz.

Fotografía: NANI GUTIÉRREZ

La Sala Sinfónica del Auditorio Nacional se viste con sus mejores galas para presentar el concierto de clausura de la 29ª temporada de la Fundación Scherzo. Un concierto protagonizado por las sonatas D. 958, 959 y 960 de Franz Schubert interpretadas por Paul Lewis.

El legado musical y pianístico del compositor vienés se puede apreciar en este testamento sonoro, ideado como una trilogía que pretendía dedicar al pianista y compositor Johann Nepomuk Hummel.

Las Tres últimas sonatas abarcan toda una amalgama de emociones y sonidos que van desde la agitación mas exacerbada de la Sonata nº 19 en do menor, D. 958 hasta la serenidad y ensoñación de la Sonata nº 21 en Si bemol Mayor, D. 960. En palabras de Eva Sandoval, quien firma además las notas al programa: «Quizás la reciente muerte de Beethoven en 1827 le liberó a Schubert de la angustia de la influencia que el gran compositor ejercía sobre él y, con estas tres geniales e imaginativas partituras, contribuyó a ensanchar los límites del concepto clásico de sonata».

Siguiendo la senda de algunos de los grandes maestros en este repertorio como son Alfred Brendel o Sviatoslav Richter, Paul Lewis nos propone una visión personal y reflexiva, que sumerge de lleno al espectador en una sonoridad donde los guiños de Schubert a Beethoven son más que recurrentes.

De esta forma, el Ciclo de Grandes Intérpretes clausura su 29ª edición, marcada por toda una serie de novedades que continuarán en el 30º Ciclo de Grandes Intérpretes, cuyo comienzo está programado para el próximo 10 de septiembre, junto a la pianista rusa Yulianna Avdeeva. Además, todos los abonados al 30º Ciclo de Grandes Intérpretes podrán disfrutar de forma gratuita del concierto de Alexandre Kantorow, el próximo 12 de noviembre.

Esta es sin duda la temporada ideal para un aficionado a la ópera barroca. Y una de las razones principales es el estreno en el Teatro Real de la Medea de Charpentier. Dirigida por William Christie, al frente del Coro y Orquesta de Les Arts Florissants y un reparto coral con Véronique Gens (Médée), Reinoud van Mechelen (Jason), Cyril Costanzo (Créon), Ana Vieira Leite (Créuse), Marc Mauillon (Oronte), Emmanuelle de Negri (Nérine), Élodie Fonnard (Cléone), Lisandro Abadie (Arcas), Lucía Martín-Cartón (El Amor), en los principales papeles.

Esta Medea se estrena después de haber iniciado la temporada con la de Cherubini. Ambas basadas en el personaje mítico que aparece en la genealogía de los dioses de Hesíodo, del siglo VIII a.C., que fue renovada por Eurípides, donde narra la epopeya de Apolonio de Rodas y el viaje de Jasón y los argonautas. La de Charpentier, escrita casi un siglo después, cuenta con el libreto de un gran autor teatral, miembro de la Academia Francesa, Thomas Corneille, hermano menor del escritor Pierre Corneille.

La música de esta Medea de Charpentier proyecta un extraordinario dramatismo. En algunos momentos puede resultar monótona, pero su escritura responde a la sobriedad y desenlace trágico del texto.

William Christie, perfecto conocedor de la obra, ha estado al frente de la Orquesta y Coro de Les Arts Florissants, convirtiéndose en personajes principales con el carácter que son capaces de dotar a esta partitura. Con una orquestación colmada de sonoridades, colores y matices, que llenan de intimidad los momentos más delicados y de exaltación y volumen los conjuntos de coro y orquesta. Todo ello acompañado de la sobriedad y elegancia de la propuesta escénica de Marie Lambert-Le Bihan y la iluminación de Fiammetta Baldiserri. El resultado es un movimiento escénico sutil, acompasando la música con la historia y dejando todo el protagonismo a la partitura y las voces.

A la cabeza del reparto vocal, Véronique Gens, que ha construido una Medea elegantemente dramática, con una voz sólida, sobre todo en los graves, y un impecable fraseo.

Muy bien el Jasón de Reinoud van Mechelent, en un rol nada fácil, con agudos falseados, casi sopraniles.

El barítono Cyril Costanzo desplegó un potente instrumento para dar vida a Creón.

El resto de reparto estuvo a un gran nivel. Incluido el coro, que tuvo momentos espectaculares junto a la orquesta. Todos echamos de menso la participación de un ballet, que tal vez hubiera dado a la escenografía otro dinamismo.

Bravo por el Teatro Real al estrenar esta obra y completar con ella una de sus temporadas más barrocas, creando un hilo conductor con dos de los mitos más importantes de la literatura y el arte, Medea y Orlando.

La nueva temporada del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), que tendrá lugar del 12 de septiembre de 2024 al 22 de junio de 2025, albergará un total de 200 citas musicales, con 150 conciertos y 50 actividades pedagógicas. Asimismo, se recuperarán 26 obras del patrimonio musical que verán su estreno en tiempos modernos en esta edición; y se reforzará el compromiso con la creación contemporánea con 40 estrenos absolutos, 25 por encargo del CNDM de los cuales la mitad serán creaciones de compositoras. La programación se desarrollará en 25 ciudades en colaboración con más de 100 instituciones.

En la temporada 24/25 del CNDM se cumplirán quince años con más de 2.600 conciertos celebrados hasta la fecha. En esta edición, destaca nuevamente la reivindicación del patrimonio musical español, con el doble de obras de nuestro repertorio musical recuperadas respecto a la temporada pasada. Otro punto importante es que la cita con los grandes títulos del Barroco español se celebrará por partida triple, con tres obras de gran formato que serán interpretadas por agrupaciones nacionales de primer nivel. Asimismo, la programación prestará especial atención a las grandes compositoras de todos los tiempos, desde el primer Barroco con las célebres Elisabeth Jacquet de la Guerre o Barbara Strozzi, hasta las más actuales, con Teresa Catalán, Helga Arias, Laura Vega, Isabel Mundry, Gabriela Ortiz, Caroline Shaw o Missy Mazzoli, pasando por por Amy Beach, Lili Boulanger o Fanny Mendelssohn.

La nueva edición se asentará en los tres pilares fundamentales del CNDM. En primer lugar, el desarrollo de la dirección artística del Auditorio Nacional de Música, dotando a este espacio de una programación pública, diversa y de máxima calidad. En segundo lugar, la promoción, difusión y ampliación del patrimonio musical nacional, a través de la programación de conciertos y actividades pedagógicas, encargos de composición y recuperaciones históricas. Y en tercer lugar, el apoyo a los creadores e intérpretes españoles.

La temporada 24/25 se apoya en la obra de David Santiago, fotógrafo especializado en naturaleza que capta lo intangible que nos emociona.

Ciclo Transversal #Palestrina.500

El ciclo transversal #Palestrina.500 celebra el quinto centenario del nacimiento del compositor italiano Giovanni Pierluigi da Palestrina, uno de los máximos exponentes del repertorio polifónico del Renacimiento y cuya música también tuvo gran influencia en nuestro país y en nuestros compositores, como en Tomás Luis de Victoria, con quien coincidió en Roma. A través de varios conciertos que tendrán lugar a lo largo de todo nuestro territorio, en ciudades como Betanzos, León, Madrid, Oviedo, Salamanca y Sevilla, se revivirán algunas de sus obras más representativas de la mano de prestigiosas agrupaciones vocales nacionales y extranjeras: Cantoría, Tasto Solo, Stile Antico, Vox Luminis y Musica Ficta.

Residencias artísticas

El CNDM mantiene un año más las residencias artísticas con el objetivo de poner en valor la carrera de compositores e intérpretes y contribuir a su trayectoria y a su reconocimiento con una programación que les permita ampliar su catálogo, o mostrar su talento durante toda la temporada. En la edición 24/25, Alberto Miguélez Rouco será el artista residente y Alberto Posadas el compositor residente.

Alberto Miguélez Rouco (La Coruña, 1994) es uno de los artistas con mayor proyección internacional en su doble faceta de cantante y director. Con su gran calidad artística y su carisma, y tras su formación en la prestigiosa Musik Akademie de Basilea (Suiza), reúne en sus proyectos a los mejores solistas y músicos especializados en la interpretación historicista nacionales e internacionales. Miguélez Rouco es fundador y director del ensemble Los Elementos y, como cantante, es reclamado por las mejores batutas como las de William Christie, René Jacobs, Christophe Rousset o Leonardo García-Alarcón.

Por su parte, Alberto Posadas (Valladolid, 1967) es uno de los compositores más audaces del panorama actual y con una sólida trayectoria a sus espaldas. Este maestro, que inició su carrera de la mano del aclamado compositor Francisco Guerrero, ha recibido encargos de reconocidas instituciones nacionales e internacionales y ha obtenido numerosos galardones, como el premio nacional de música. El CNDM invitará al público a descubrir el poético imaginario de este creador a través de estrenos y la recreación de algunas de sus obras más emblemáticas.

La programación en Madrid

En el ciclo Universo Barroco Sinfónica se celebrarán 7 conciertos. Contaremos con tres grupos españoles: Los Elementos, bajo la dirección de Alberto Miguélez Rouco, Nereydas, con Ulises Illán, y Vespres d’Arnadí, dirigido por Dani Espasa. Los dos primeros ofrecerán estrenos en tiempos modernos, con la recuperación de La cautela en la amistad y robo de las sabinas de Francisco Corselli, una ópera con libreto en castellano que se estrenó en 1735 en el teatro madrileño de los Caños del Peral, y la Didone abbandonata de Baldassare Galuppi, una ópera que se presentó en el Teatro del Buen Retiro de Madrid en 1752; proyecto que cuenta con la colaboración del Instituto Complutense de Ciencias Musicales. Por su parte, Vespres d’Arnadí interpretará el oratorio Giuseppe riconosciuto del destacado compositor Domènec Terradellas. Estos conciertos contarán con grandes voces nacionales y extranjeras, como Alicia Amo, María Espada, Aurora Peña, Jone Martínez, Natalie Pérez, Roberta Mameli o Zachary Wilder. Este año, se ampliarán las fronteras del Barroco para ofrecer la colosal Missa solemnis de Ludwig van Beethoven, con la Balthasar-Neumann-Chor und Orchestrer liderada por Thomas Hengelbrock y con la presencia de un gran elenco vocal. Presentamos dos grandes títulos operísticos de Antonio Vivaldi: Arsilda, regina di Ponto, de la mano de La Cetra Barockorchester Basel, bajo la dirección de Andrea Marcon; e Il Giustino, interpretado por la Accademia Bizantina, dirigida por Ottavio Dantone y con la presencia de la gran soprano Emöke Baráth. Como broche de oro llegará al CNDM, por primera vez, el oratorio Serpentes ignei in deserto de Johann Adolf Hasse, todo un duelo de contratenores y sopranistas junto a Les Accents. Contaremos para la ocasión con las voces de Carlo Vistoli -que tanto éxito cosechó en la pasada temporada del CNDM-, Bruno de Sá, David Hansen, Christophe Dumaux y Paul-Antoine Bénos-Djian.

El ciclo Universo Barroco Cámara albergará 10 conciertos. La programación contará con la presencia de nuestro artista residente Alberto Miguélez Rouco en sus diversas facetas. En primer lugar, como contratenor y director de su agrupación Los Elementos, con la soprano Deborah Cachet y un repertorio de villancicos y cantadas navideñas de Francisco Corselli y otros autores. En segundo lugar, de nuevo al frente de su ensemble como cantante y director, presentando Clori, Tirsi e Fileno, uno de los títulos más romanos de George Frideric Haendel. Y, en tercer lugar, como contratenor junto a La Guirnalde, agrupación que debuta en nuestro ciclo con un programa cargado de estrenos en tiempos modernos y enfocado en los compositores españoles Francisco Hernández Illana y Diego Pérez de Camino. En otoño, nos visitará La Grande Chapelle, bajo la dirección de Albert Recasens, con el estreno en España de Festa a ballo, un espectáculo que el duque de Osuna hizo representar en 1620 en Nápoles por el restablecimiento de la salud del rey Felipe III. A esta obra se añadirán para la ocasión cinco estrenos en tiempos modernos. Este concierto es una coproducción con la Fundación Tatiana y el Centro de Estudios Europa Hispánica. Contaremos con dos grandes agrupaciones vocales internacionales, Stile Antico y Vox Luminis, quienes abordarán algunas de las obras más representativas de Giovanni Pierluigi da Palestrina en el marco de nuestro ciclo transversal. Vuelve Les Arts Florissants, con Paul Agnew como tenor y director, para interpretar las Jephte de Antonio Draghi y Giacomo Carissimi; y el sopranista Samuel Mariño, con un programa de arias de cantatas en torno al delirio amoroso. Por su parte, Nevermind y su clavecinista Jean Rondeau dedicarán su concierto a la figura de Elisabeth Jacquet de la Guerre, gran compositora del Barroco cuya música, afortunadamente, ha llegado hasta nuestros días. En el Día Europeo de la Música Antigua contaremos con la Orquesta Barroca de Sevilla y Midori Seiler, como concertino y directora, con un exquisito programa en torno a Johann Sebastian Bach.

Nuestro Liceo de Cámara XXI estará compuesto por 12 conciertos de los mejores cuartetos y solistas del momento, uno de ellos extraordinario (fuera de abono). Por primera vez, tendremos a la violista española Sara Ferrández en compañía del violinista Yamen Saadi (concertino de la Filarmónica de Viena) y el violonchelista Kian Soltani, este último fiel colaborador del maestro Daniel Barenboim. Interpretarán en formato trío las famosísimas Variaciones Goldberg. Soltani también nos visitará junto al pianista Mao Fujita y el violinista Renaud Capuçon. El tercer trío destacado será el de los violinistas Vilde Frang y Valeriy Sokolov junto al violista Lawrence Power. El cuarteto integrado por el pianista Jonathan Biss, la violinista Liza Ferschtman, la violista Malin Broman y el violonchelista Antoine Lederlin interpretará, entre otras, una pieza de Fanny Hensel-Mendelssohn. Esta constante incorporación de repertorio de mujeres compositoras en el ciclo se podrá apreciar también en el concierto que ofrecerá la pianista Judith Jáuregui junto al Cuarteto Gerhard, con un programa que incluye el quinteto para piano de Amy Beach, una de las más destacadas compositoras y pianistas estadounidenses del pasado reciente. Contaremos, nuevamente, con los mejores cuartetos del panorama actual, como el Cuarteto Casals y el Cuarteto Cosmos, el Cuarteto Belcea con la violista Tabea Zimmermann o el Cuarteto de Cuerda de la Staatskapelle de Berlin junto a la pianista Elisabeth Leonskaja. A dúo disfrutaremos de la violinista Patricia Kopatchinskaja y la violonchelista Sol Gabetta, o del violonchelista Gautier Capuçon con el pianista Alexandre Kantorow, en su debut en el CNDM. Por último, contaremos con un concierto extraordinario que acogerá, por primera vez en esta programación, la visita de la virtuosa violinista Janine Jansen junto al pianista Denis Kozhukhin.

El ciclo Jazz en el Auditorio celebrará 6 conciertos en la Sala de Cámara Auditorio Nacional de Música, con propuestas de uno y otro lado del Atlántico. Nos visitarán dos exponentes del jazz latinoamericano: el pianista cubano Alfredo Rodríguez, con la presentación de su nuevo proyecto en formato trío, “Coral way”, y el cuarteto del puertorriqueño Miguel Zenón, uno de los saxofonistas más innovadores e influyentes de su generación. El saxo tendrá un papel protagonista en otras dos suculentas citas. Por un lado, con el regreso al CNDM del experimentado saxofonista, compositor y productor Joe Lovano, con The Paramount Quartet, su recién estrenado proyecto en que también participa el famoso guitarrista Julian Lage. Por el otro, la visita y debut en el CNDM de la saxofonista Lakecia Benjamin con la presentación de “Phoenix”, un proyecto muy personal que evoca el sonido del jazz de los años 70. En cuanto a las citas nacionales, visitará el ciclo el pianista Chano Domínguez, uno de los máximos exponentes de la escena jazzística nacional, en esta ocasión en su versión más íntima de piano solo; y también recibiremos al contrabajista Pablo Martín Caminero, con el estreno de su nuevo proyecto “51”, encargo del CNDM que celebra su medio siglo de vida y su salto a la madurez artística.

El ciclo Andalucía Flamenca, organizado en coproducción con el Instituto Andaluz del Flamenco, aglutina 5 conciertos. La programación se abrirá con dos grandes ejemplos de la tradición jerezana, Tía Juana la del Pipa y Tomasa Guerrero la Macanita, junto al guitarrista Manuel Valencia. En la siguiente cita se pasará a un cartel doble protagonizado por dos brillantes jóvenes cordobeses, Rocío Luna, que se alzó con la Lámpara Minera 2023 en La Unión y se ha constituido en una pujante realidad, y Rafa del Calli, ganador en la categoría de cante del Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba en 2022. De Lebrija procede el cantaor José Valencia, quien presentará el proyecto Mi camino. Asimismo, esta temporada acogerá el concierto de La Saga de los Carmona (Habichuela), encabezada por el gran guitarrista Pepe Habichuela y con la presencia de su hijo Josemi Carmona y la colaboración especial de Juan Habichuela Nieto, entre otros nombres. El broche de oro lo pondrá la cantaora Marina Heredia, que presentará un recorrido por la esencia del flamenco en el que no faltarán guiños a otras músicas que han tenido una gran influencia en este arte.

En el ciclo Fronteras, considerado el más mestizo del CNDM, asistiremos a 5 conciertos de abono en la Sala de Cámara y 2 extraordinarios en la Sala Sinfónica. Estos últimos estarán protagonizados por dos de los pianistas más brillantes del panorama actual, Brad Mehldau y Víkingur Ólafsson. El pianista de jazz estadounidense Brad Mehldau presentará Après Fauré, su personal visión sobre la obra del famoso compositor francés en el centenario de su fallecimiento. Por su parte, Víkingur Ólafsson regresa al CNDM para deslumbrar al público con esa trilogía casi cósmica que son las tres últimas sonatas de Ludwig van Beethoven. El piano en su versión más flamenca estará también presente de la mano del lebrijano David Dorantes, en diálogo con el contrabajo de Renaud García-Fons, en el concierto que abre el ciclo. Vuelve António Zambujo, en esta ocasión con Yamandu Costa y su guitarra de siete cuerdas, en un exquisito recorrido por canciones populares luso-brasileñas. Y debuta el pianista británico Bill Laurance, a dúo con Michael League, ambos integrantes de la mítica banda Snarky Puppy y con personalidades poliédricas que han definido el jazz de los últimos años. La violinista Leticia Moreno protagoniza otra de las citas fronterizas de este año. Junto al bandoneonista Claudio Constantini y rodeada por otros grandes músicos, interpretará su nuevo proyecto Bach in the jungle. Y para celebrar el Día Internacional de la Mujer, L’Arpeggiata presentará junto a su directora Christina Pluhar y la mezzosoprano Luciana Mancini, Wonder Woman, un particular recorrido por el seicento italiano y la canción popular mexicana escrita y protagonizada por mujeres.

Uno de los más exitosos y queridos ciclos del CNDM, Bach Vermut, volverá por todo lo alto para convertir los sábados del Auditorio Nacional de Música en una gran fiesta del órgano, con conciertos de grandes intérpretes nacionales y extranjeros aderezados con una degustación gastronómica acompañada de jazz. En total, la temporada 24/25 albergará 7 conciertos. Una cita muy esperada será la de Paolo Oreni, uno de los grandes improvisadores del momento, que pondrá música en vivo a la película de cine mudo El gabinete del doctor Caligari, de Robert Wiene. Otra cita destacada será la de la apertura del propio ciclo, con la vuelta de Gunnar Idenstam y un repertorio que abarca desde sus propias transcripciones de grandes obras orquestales hasta conocidas bandas sonoras. Debutan en la programación la organista belga Els Biesemans, ganadora de varios concursos internacionales, y el estadounidense Nathan Laube, con su espectacular versión de la Sonata para piano en si menor de Liszt. Visitan el ciclo dos destacados jóvenes organistas españoles, Sara Johnson Huidobro y Víctor Baena, quienes han concebido un programa titulado Freestyle en el que sonarán músicas desde el siglo XVI al XX. Bach Vermut contará también con Joonho Park, uno de los organistas asiáticos más sobresalientes del panorama actual, y el veterano David Briggs, organista de la catedral de Nueva York, que interpretará arreglos del gran repertorio sinfónico y concluirá con una improvisación de cuyo arte es un maestro consagrado. Algunos de estos músicos y otros estarán presentes en los recitales del ciclo itinerante El órgano en las catedrales, que en esta nueva edición recalará en Ávila, Barcelona, Logroño, San Cristóbal de la Laguna y Valencia, de la mano de Juan de la Rubia, Nathan Laube, Susanne Kujala, Joonho Park y Carlos Fernández Bollo.

El veterano Ciclo de Lied celebrará su XXXI edición en el Teatro de la Zarzuela con 8 conciertos. Por primera vez, el ciclo contará con la soprano Patricia Petibon, en una novedosa formación junto a la pianista Susan Manoff y al violonchelista Christian-Pierre La Marca, para interpretar un original repertorio que aglutina desde canciones populares españolas y francesas, hasta autores contemporáneos como Yann Tiersen. Asimismo, debuta en el ciclo el tenor Julian Prégardien, junto al pianista Kristian Bezuidenhout, con uno de los primeros ciclos de lied de la historia, Die schöne Müllerin de Franz Schubert; y el aclamado barítono francés Ludovic Tézier, con el pianista Julius Drake. El ciclo contará también con las jóvenes y brillantes voces del barítono Andrè Schuen, junto a Daniel Heide, en un recital que unirá a Franz Schubert con Gustav Mahler; y del también barítono Konstantin Krimmel, que acudirá con el pianista Ammiel Bushakevitz para cantar Franz Schubert y Carl Loewe. Visitan nuevamente el ciclo grandes figuras del género como son la soprano Julia Kleiter, con el pianista Michael Gees, y el bajo Franz-Josef Selig, con Gerold Huber al piano. Kleiter interpretará lieder de Richard Strauss, Gustav Mahler y Johannes Brahms junto a una sugestiva aproximación a Arnold Schoenberg, mientras que Selig explorará los imponentes lieder sobre Michelangelo de Dmitri Shostakóvich. También visitará de nuevo la programación la gran soprano Sabine Devieilhe, junto a Mathieu Pordoy, con lieder de Liszt, Strauss y mélodies de Lili Boulanger.

El ciclo Series 20/21, dedicado a la mejor música actual, contará con 11 conciertos, diez de ellos de entrada libre en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y uno de ellos extraordinario en el Auditorio Nacional de Música. Se trata de una cita que celebrará los 30 años de la Orquesta Joven de Andalucía y del ensemble Neopercusión, que estrenarán en España el concierto para percusión del aclamado compositor Peter Eötvös. La música del compositor residente Alberto Posadas tendrá una gran presencia en esta programación. Algunas de sus obras más emblemáticas serán interpretadas por el cuarteto español de saxofones Sigma Project; el pianista Florian Hölscher, que debuta en el CNDM; la Sinfonietta de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, bajo la dirección de Johannes Kalitzke; o el Ensemble mdi, que también estrenará un encargo del CNDM al compositor Aureliano Cattaneo. El CNDM también ha realizado varios encargos de obra nueva a Posadas, cuyas creaciones serán estrenadas por el trío conformado por la violista Geneviève Strosser, el violista Dimitrios Polisoidis y el contrabajo Dario Calderone, tres intérpretes que tocan habitualmente con las mejores agrupaciones internacionales, así como por el aclamado Trío Abstrakt. Visitan el ciclo grandes figuras como Pierre-Laurent Aimard, en un concierto en homenaje a Maurice Ravel y Pierre Boulez en sus aniversarios, o el Cuarteto Attacca, que estrenará una obra encargo del CNDM y el Carnegie Hall de la gran compositora mexicana Gabriela Ortiz y un encargo del CNDM a Juan José Colomer, junto al pianista Juan Carlos Fernández-Nieto. Y se potencia el talento joven con dos proyectos. Por un lado, se renueva la colaboración con la Fundación SGAE en el Premio de Jóvenes Compositores, que cumple 35 años, con un concierto del Ensemble Vigo 430, dirigido por Lara Diloy. Por el otro, el Ensemble Connect ofrecerá un recorrido por la pujante actualidad estadounidense con la presencia de compositores muy interesantes como Missy Mazzoli.

Fotografía (c) Elvira Megías

El Teatro de la Zarzuela contará de nuevo con la aclamada soprano Sabina Puértolas quien encabezará el elenco de esta producción de “Doña Francisquita”, la célebre comedia lírica en tres actos con música de Amadeo Vives y libreto de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw. Esta producción de El Teatro de la Zarzuela de 2019 regresa con renovada energía bajo la dirección escénica de Lluís Pasqual, escenografía y vestuario de Alejandro Adnújar y las coreografías de Nuria Castejón.

La Orquesta de la comunidad de Madrid, Titular del teatro de la Zarzuela y dirigidos por Antonio Fauró, acompañarán a este impresionante elenco en una producción dinámica y divertida.

Doña Francisquita es una comedia de enredo en la que Doña Francisquita, una joven vivaz y encantadora, está enamorada de Fernando, un apuesto y voluble estudiante. A lo largo de la trama Francisquita debe enfrentar diversas complicaciones para conseguir el corazón de Fernando. Con mucha astucia y determinación buscará la forma de conquistar a Fernando mientras compite con el personaje de Aurora, la Beltrana.

Las funciones tendrán lugar los días 19,21,23,26,28 y 30 de junio de 2024, a las 20:00h menos los domingos que será a las 18:00h Doña Francisquita es una de las obras maestras del repertorio zarzuelístico, caracterizado por la fuerza y encanto de su protagonista, que será interpretada con maestría por Sabina Puértolas, y un argumento lleno de humor y romance.

Sabina Puértolas

Sabina Puértolas es una de las sopranos españolas más internacionales, reconocida por su talento y entrega para unir perfección técnica e intensidad interpretativa y ponerlas al servicio de los grandes papeles del bel canto, la ópera barroca y el repertorio de zarzuela.

Ha actuado en teatros como la Royal Opera House de Londres, el Carnegie Hall de Nueva York, el Teatro Real de Madrid, el Liceo de Barcelona, el Teatro Municipal de Santiago de Chile o la Ópera de Seattle.

Ha interpretado roles como Manon, Gilda (Rigoletto), Marie (La fille du régiment), Adina (L’elisir d’amore), Partenope y Rodelinda, Poppea (L’incoronazione di Poppea), Amina (La sonnambula) o Susanna (Le nozze di Figaro), entre otros.

La soprano regresa de interpretar a dos de los grandes personajes de la ópera italiana: Musetta (La Bohème) y Violetta (La Traviata). Interpretará a Musetta en ‘La Bohème’ durante el mes de abril en el Teatro Verdi de Salerno y a Violetta en ‘La Traviata’ en el Teatro Villamarta de Jerez.

La programación artística, talleres, cursos y encuentros destinados a niños y adolescentes se presentan, desde hace más de un año, en el REAL TEATRO DE RETIRO, lo que ha permitido incrementar el número de espectáculos y la diversidad de programas destinados a las diferentes edades.

Así, para la nueva temporada, que empezaremos en septiembre, el Real Teatro de Retiro contará con un total de 258 funciones, de las cuales 132 serán familiares (para todos los públicos) y 126 serán para escolares, incluyendo 18 talleres familiares ¡Todos al Real Teatro!

Se ofrecerán dos óperas muy atractivas: la primera, una nueva producción de El niño y los sortilegios, de Maurice Ravel, con dirección musical de Miguel Huertas y dirección de escena de Alfonso Romero, enmarcada en el programa Opera Estudio del Teatro Real; y la segunda, una reposición de La cenicienta, de Pauline Viardot, que se presentó con gran éxito en la pasada temporada, con dirección musical de Francisco Soriano y dirección de escena de Guillermo Amaya. En ambas producciones participarán los cantantes y pianistas del proyecto Crescendo.

Los cuentos, tan sugerentes para el público infantil, serán presentados en distintos formatos, pero siempre con música en vivo. Pinocchio… ¿Dónde estás?, con partitura de Miquel Ortega y puesta en escena de Cristina Cubells, será interpretado también por los jóvenes de Crescendo. Historia de Babar, el pequeño elefante, con música de Francis Poulenc, volverá a hechizar a los más pequeños con el baile de Lara Sagastizabal y la narración llena de empatía de Ana Hernández Sanchíz, creadora del espectáculo. Finalmente, Un cuento de hadas: el zar Saltán, con música de Nikolái Rimski-Kórsakov y narración, dramaturgia y dirección de Eduardo Aguirre de Cárcer, ilustraciones animadas del dibujante Fran Parreño, evocará la atmósfera mágica del cuento de Pushkin -que sirvió de base a la ópera homónima que se presentará en el Teatro Real- con la complicidad, una vez más, de los pianistas de Crescendo.

El cine con música volverá con tres propuestas. Pedro y el lobo Live, con música de Serguéi Prokófiev, es una película de animación dirigida por Suzie Templeton, que se presentará con la interpretación de la

Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Lara Diloy. Completan la oferta cinematográfica dos programas con clásicos del cine mudo, protagonizados por Buster Keaton, acompañados por la Orquesta Jazz on Five y la Orquesta Agrupación Caspervek, respectivamente.

En la programación infantil no puede faltar el teatro de títeres y objetos. Comenzamos con las aventuras de El gato con botas, que serán presentadas con el ingenio y destreza de la compañía Per Poc Marionetas, con música de Jean-Baptiste Lully y Marin Marais interpretada por el Ensamble Barroco Forma Antiqva, bajo la dirección de Aarón Zapico. Le sigue Arturo y Clementina, basado en un cuento de Adela Turín, a cargo de la compañía granadina Titiritrán. Y, por último, La casa flotante, con música de Xavier Montsalvatge y Claude Debussy, llenará de animales el arca de Noé, en una creación de Joaquín Casanova y Elisa Ramos.

La compañía LaJoven presentará tres interesantes producciones teatrales que indagan y reflexionan sobre temas candentes en la actualidad, todas con la dirección de escena de José Luis Arellano: el papel de la mujer en el deporte en Playoff -con música de Luis Delgado y texto de María Buchaca-; la relación de la mujer y el poder en María (Estuardo) –a partir de la biografía de Maria Stuarda, de Stefan Zweig- y el miedo a enfrentarse a uno mismo y su propia historia en Un monstruo viene a verme, a partir de la novela de Patrick Ness.

Finalmente, volverá Flamenco Emergente -con jóvenes artistas premiados en el Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco de Madrid (2024)- y varias modalidades de conciertos: el Concierto de Apertura con los Pequeños Cantores de la ORCAM dirigidos por Ana González; el Concierto de Navidad con la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (JORCAM) y la Camerata de Cuerdas, con dirección de Lara Diloy; el Miniconcierto de piano, con juegos participativos con la pianista Constanza Lechner, el Concierto de la Agrupación Musical Inclusiva con niños y jóvenes de distintas capacidades y, coronando la temporada, el Concierto de Verano, con el Coro de Jóvenes de Madrid, bajo la dirección de Juan Pablo de Juan.

La nueva temporada pondrá en marcha el proyecto Micro-óperas, coordinado por el compositor José María Sánchez-Verdú, catedrático del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, en colaboración con la Escuela Superior de Canto de Madrid y la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid, que contempla la realización y presentación de cuatro óperas de pequeño formato en torno a una misma temática, en las que colaboren jóvenes compositores, dramaturgos, directores de escena y cantantes.

PROGRAMACIÓN INFANTIL Y JUVENIL
REAL TEATRO DE RETIRO

Concierto de voces blancas. Todos los públicos

Concierto de apertura

Dirección coral: Ana González

Participación de los Pequeños Cantores de la ORCAM

5 y 6 octubre | 2 funciones | 12:00

Música y títeres. Todos los públicos, a partir de 7 años

El gato con botas | Música de Jean-Baptiste Lully (1632-1687) y Marin Marais (1656-1728)

Basado en el texto de Charles Perrault

Producción de la Compañía Per Poc Marionetas

DM: Aarón Zapico. DE y artística: Santi Arnal y Anna Fernández. Narración: Santi Arnal. Dibujos: Alexandra Semenova. Diseño de iluminación: Pau Vila

Ensamble Barroco Forma Antiqva

12 – 20 octubre | 8 funciones | Sábados: 12:00 y 17:30, domingos: 11:00 y 13:00

Cuento lírico en cinco escenas. Todos los públicos, a partir de 6 años

Pinocchio… ¿dónde estás? | Música de Miquel Ortega (1963)

Una producción de Teatro Real en colaboración con Fundación Daniel y Nina Carasso, y el Real Teatro de Retiro

DE y dramaturgia: Cristina Cubells y Mervat Alramli

Con la participación de cantantes y pianistas del programa CRESCENDO de la Fundación Amigos del Teatro Real

26 octubre – 3 noviembre | 8 funciones | Sábados: 12:00 y 17:30, domingos: 11:00 y 13:00

Ópera estudio. Todos los públicos, a partir de 8 años

El niño y los sortilegios | Música de Maurice Ravel (1875-1937)

Producción del Real Teatro de Retiro

DE: Alfonso Romero. DM y pianista: Miguel Huertas. Diseño escenografía y vestuario: Ricardo Sánchez Cuerda

Con la participación de cantantes y pianistas del programa CRESCENDO de la Fundación Amigos del Teatro Real

9 – 24 noviembre | 12 funciones | Sábados: 12:00 y 17:30, domingos: 11:00 y 13:00

Concierto con orquesta. Todos los públicos

Concierto de Navidad | Música de W. A. Mozart (1756-1791), A. Corelli (1653-1713), G. F. Händel (1685-1759), y otros

Producción del Real Teatro de Retiro

DM: Lara Diloy

Camerata de Cuerdas y Joven Orquesta de la ORCAM

7 – 15 diciembre | 4 funciones | 12:00

Cine mudo con música en vivo I. Todos los públicos

El maquinista, de Buster Keaton| Ciclo de clásicos del cine mudo con música en vivo

Producción de Café Kino

The Jazz on Five

19 – 22 diciembre | 8 funciones | 19/12 y 20/12: 18:00 y 20:00, 21/12: 12:00 y 18:30, 22/12: 12:00 y 17:30

Concierto con cine. Todos los públicos

Pedro y el lobo Live | Música de Serguéi Prokófiev (1891-1953), versión de cámara de Carlos Domínguez-Nieto

Producción de BreakThru Films Ltd Se-ma-for Studios

DM: Lara Diloy. Guión y dirección: Suzie Templeton.

Orquesta Titular del Teatro Real

27 diciembre – 4 enero | 7 funciones | 12:00

Teatro con música. Matinés escolares: ESO y bachillerato

Playoff | Música de Luis Delgado (1956), texto de Marta Buchaca

Producción de LaJoven (Fundación Teatro Joven)

DM: José Luis Arellano García, Escenografía y vestuario: Silvia de Marta. Iluminación: Juanjo Llorens. Videoescena: Álvaro Luna y Elvira Ruiz Zurita. Caracterización: Sara Álvarez

Intérpretes: Julia Adún, Gema Baos, Iviyana Doncheva, Flavia Forni, Isabel Genis, Leyre Morlán, Mar Roldán

Matinés escolares

Cuento musical. A partir de 4 años

Historia de Babar, el pequeño elefante | Música de Francis Poulenc (1899-1963)

Basado en un cuento de Jean de Brunhoff

Reposición del Real Teatro de Retiro

DE, dramaturgia y narración: Ana Hernández Sanchiz. DM y piano: Miguel Huertas. Bailarina y actriz: Lara Sagastizábal

18 – 26 enero | 8 funciones | Sábados: 12:00 y 17:30, domingos: 11:00 y 13:00

Ópera. A partir de 10 años

La cenicienta | Música de Pauline Viardot (1821-1910)

Producción del Teatro Real, coproducción con Teatro de la Maestranza de Sevilla, Teatro Cervantes de Málaga, Fundación Ópera de Oviedo

DM y piano: Francisco Soriano. DE: Guillermo Amaya. Escenografía: Pablo Menor. Vestuario: Raquel Porter

Con la participación de cantantes y pianistas del programa CRESCENDO de la Fundación Amigos del Teatro Real

1 – 9 febrero | 8 funciones | Sábados: 12:00 y 17:30, domingos: 11:00 y 13:00

Concierto de piano y teatro de objetos. A partir de 7 años

Arturo y Clementina | Música de Héctor E. Márquez (1979), basado en un cuento de Adela Turín

Producción de Compañía Titiritrán Teatro

Dirección: Maruja Gutiérrez, Pedro A. López. Diseño y realización de imágenes: Maruja Gutiérrez. Iluminación: Pedro A. López. Pianista: Saleta Sánchez Ayerbe. Actores: Pedro A. López y Maruja Gutiérrez

15 – 23 febrero | 8 funciones | Sábados: 12:00 y 17:30, domingos: 11:00 y 13:00

Títeres y teatro con música en vivo. A partir de 6 años

La casa flotante| Música de Xavier Montsalvatge (1912-2002) y Claude Debussy (1862-1918)

Coproducción de Gran Teatre del Liceu de Barcelona, Festival de Música y Danza de Granada, La Maquiné

Creación: Joaquín Casanova, Elisa Ramos. DE, iluminación, proyecciones: Joaquín Casanova. Pianista: José López Montes

1 – 9 marzo | 8 funciones | Sábados: 12:00 y 17:30, domingos: 11:00 y 13:00

Teatro. Matinés escolares: ESO y Bachillerato

María (Estuardo)

Basado en la biografía de Stefan Zweig

Producción LaJoven, Fundación Teatro Joven

D: José Luis Arellano García

Matinés escolares

Concierto para piano y juegos participativos. A partir de 3 años

Miniconcierto de piano

Con juegos participativos para los más pequeños

Pianista: Constanza Lechner

5 – 13 abril | 8 funciones | Sábados: 12:00 y 17:30, domingos: 11:00 y 13:00

Cuento con proyecciones y música en vivo. A partir de 8 años

Un cuento de hadas: el zar Saltán | Música de Nikolái Rimski-Kórsakov (1844-1908)

Basado en el cuento homónimo de Alexandr Pushkin, versión para piano de Nadezhda Rimskaya-Korsakova

Producción de Real Teatro de Retiro

Narración, dramaturgia y dirección: Eduardo Aguirre de Cárcer

Con la participación de pianistas del programa CRESCENDO de la Fundación Amigos del Teatro Real

19 – 27 abril | 8 funciones | Sábados: 12:00 y 17:30, domingos: 11:00 y 13:00

Teatro. Matinés escolares: ESO, Bachillerato y FP

Un monstruo viene a verme

Basado en la novela de Patrick Ness, inspirado en la idea original de Slobhán Dowd, adaptación de Sally Cookson y Adam Peck

Producción de LaJoven (Fundación Teatro Joven), en colaboración con la Asociación Española contra el Cáncer
DE: José Luis Arellano García

Matinés escolares

Cine mudo con música en vivo II. Todos los públicos

Siete ocasiones, de Buster Keaton | Ciclo de clásicos del cine mudo con música en vivo

Producción de Café Kino

Caspervek Ensemble

24 – 31 mayo | 6 funciones | Sábados: 12:00 y 18:30, domingos: 12:00 y 17:30

Danza y música flamenca. A partir de 10 años

Flamenco emergente

Producción del Real Teatro de Retiro, colaboración el Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco de Madrid, y Producciones La Maga

7 – 15 junio | 8 funciones | Sábados: 12:00 y 19:30, domingos: 12:00 y 18:30

Concierto. Todos los públicos

Concierto agrupación musical inclusiva (AMI)

DM: Francisco Borro y Jesús Alonso

21 junio | 19:00

Concierto . Todos los públicos

Concierto de verano

Producción de Real Teatro de Retiro

Dirección coral: Juan Pablo de Juan

Participación del Coro de Jóvenes de Madrid

5 y 6 junio | 2 funciones | 12:00

Talleres musicales en familia

¡Todos al Real Teatro!

9 talleres de introducción a la música para familias con Fernando Palacios.

LÓVA, LA ÓPERA, UN VEHÍCULO DE APRENDIZAJE

LÓVA es un proyecto educativo en el que los niños y niñas de una clase (en su mayoría de primaria) se organizan como una compañía de ópera, asumiendo cada uno un cometido profesional para crear y producir una ópera original a lo largo de un año lectivo, con la implicación toda la comunidad educativa.

El aula se transforma en un escenario vibrante, donde los jóvenes no solo aprenden los contenidos curriculares, sino que crean y se expresan a través de la ópera, trabajando en equipo, organizándose, intercambiando opiniones y valorando a sus compañeros por lo que son capaces de hacer y cómo son.

Después de 15 años de actividad con excelentes resultados en más de 200 centros escolares de toda España –en los que se han creado 800 compañías, con una participación de cerca de 21.000 alumnos-, el proyecto

LÓVA sigue creciendo y ampliando sus actividades para docentes y alumnado: cursos de formación, encuentros de compañías, jornadas.. convirtiendo la ópera en un estimulante trampolín pedagógico para el aprendizaje, a través de la integración del trabajo de cada estudiante en un proyecto común, en el que todos participan con un cometido personal y sin exclusiones.

COLEGIO AMIGO – EL REAL EN TU CLASE

El Real Teatro de Retiro afianza su vínculo con los centros escolares a través de dos canales: Colegio Amigo –con asistencia presencial en el Teatro- y El Real en tu clase – retransmisiones en streaming, los espectáculos infantiles y juveniles que forman parte del catálogo de MyOperaPlayer-, con los que pretende acercar las artes escénicas y musicales al público infantil y juvenil, apostando por la formación musical del público del futuro y las nuevas audiencias.

Ambos programas se completan con Guías Didácticas específicas de cada espectáculo, con las que descubrir a los jóvenes espectadores las claves literarias, musicales, históricas y teatrales de cada producción. Así, los docentes y alumnos pueden trabajar con ejercicios prácticos para conocer mejor las obras, y los padres pueden ampliar la experiencia de la visita al teatro con un conocimiento más lúdico y formativo de lo que van a ver.

CONCIERTO AGRUPACIÓN MUSICAL INCLUSIVA (AMI)

Nacida en 2020, la Agrupación Musical Inclusiva del Teatro Real es una iniciativa de referencia nacional e internacional que muestra cómo la inclusión de la neurodiversidad es posible en un espacio de excelencia artística musical. Asimismo, supone un ejemplo del impacto que implica un modelo verdaderamente inclusivo en la sociedad.

En un contexto en el que Experimentamos cómo los desafíos colectivos superan las capacidades individuales, a través de la imagen emocionante e inspiradora de la música en equipo, esta agrupación muestra cómo la unión de las fortalezas y capacidades es verdadera generadora de valor.

La metodología aplicada parte del modelo de educación musical para la inclusión educativa, basado en la investigación realizada durante los últimos 30 años por el doctor Francisco Borro, director de la agrupación, y

reconocida internacionalmente por IAUD: International Design Award 2022 (Silver Award) e International Design for All Foundation Awards 2020 (Good Practice 2019).

Autonomía y creatividad en equipo; investigación, desarrollo e innovación; difusión e impacto forman parte de este proyecto inclusivo diferencial y único en el mundo, que pone en el centro a cada músico de la agrupación potenciando todo su talento y el desarrollo de sus capacidades en equipo.

MICRO-ÓPERAS

ACTIVIDADES INVITADAS

La temporada 24-25 acogerá también actividades invitadas. Se trata de iniciativas generadas por entidades culturales afines al proyecto del Real Teatro de Retiro, que tienen como objetivo fomentar las sinergias sectoriales, generar tejido artístico y trabajo en red. Es el caso de las Micro-óperas, un proyecto coordinado por José María Sánchez-Verdú, catedrático del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, en colaboración con la Escuela Superior de Canto de Madrid y la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid. Contempla la realización y presentación de cuatro óperas de pequeño formato en torno a una misma temática, en las que colaboran jóvenes compositores, dramaturgos, directores de escena y cantantes.

Esta iniciativa, que podrá verse el 4 de abril de 2025 en la Sala Principal, nace de la necesidad de potenciar proyectos escénicos de óperas y de teatro musical que hagan confluir el mundo de la creación con los de la interpretación y la puesta en escena.

© Javier del Real | Teatro Real

Ya había dirigido Nabucco en el Teatro Real de Madrid en 2022, y los días 13, 16, 19 y 22 de junio Sergio Alapont retoma la “impresionante” ópera de Verdi, como el maestro la califica, esta vez en el Teatro de La Maestranza de Sevilla, un título que, en palabras del músico castellonense, es “heredera directa del bel canto romántico, de la música italiana de Donizetti o Bellini, pero la belleza de la línea vocal ya no es lo único que importa en Nabucco, ya que, además, la orquesta también tiene aquí un gran protagonismo”. Sergio Alapont asegura que a Verdi se le conoce como “un gran hombre de teatro y, aunque trabajaba con libretistas de excepción, tenía la capacidad de imaginar y de trazar la relación entre la palabra y la música; en Nabucco la acción es tan rápida que la palabra toma un significado y una relevancia sin precedentes; en muchos sentidos, Verdi es sin duda el compositor italiano más importante de la historia”. En Sevilla el maestro Alapont se pondrá al mando de una nueva producción del Maestranza en coproducción con el Grand Théâtre de Genève, los Théâtres de la Ville de Luxemburgo y la Opera Ballet Vlaanderen, con dirección de escena de Christiane Jatahy (en una reposición de Marcelo Buscaino) y un reparto de lujo que incluye a Juan Jesús Rodríguez (Nabucco), María José Siri (Abigaille), Simón Orfila (Zaccaria), Alessandra Volpe (Fenena) y Antonio Corianò (Ismaele), entre otros, junto a la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla y al Coro del Teatro de la Maestranza.

En la temporada 2023/2024, en el calendario de Sergio Alapont han destacado conciertos con la Orquestra Clássica do Centro –con sede en Coimbra, Portugal, de la que es su director principal–; La Bohème en la Irish National Opera que se ha grabado para el sello londinense Signum Classical; también ha llevado al estudio una selección de obras de Juan José Colomer con la Sinfónica de RTVE (IBS Classical) y ha dirigido conciertos con la Orquesta y Coro de RTVE y la Orquestre National des Pays de la Loire; y Don Giovanni en Coimbra con la Orquestra Clássica do Centro.

Entre otros compromisos, en la temporada 2024/2025 dirigirá un concierto en el Festival Respighi de Bolonia y La Rondine, de Puccini, en la Opéra-Théâtre de Metz.

El Palau de les Arts Reina Sofía estrenó el 6 de junio en España la espectacular y sorprendente producción de Simon McBurney de “La flauta mágica”, de Mozart, uno de los montajes más aclamados en los últimos años.

Algunas de las claves de “La flauta mágica” y de este montaje:

Una de las óperas más representadas del mundo hoy día.
Un éxito desde su estreno en 1791 por el propio Mozart y el director teatral Emanuel Schikaneder.
El eje de la puesta en escena de McBurney es recrear la esencia de la experiencia teatral que vivió aquel público de 1791 en el Theater an der Wien en Viena.
Su apuesta por la tecnología en el montaje no se basa tanto en exhibición de los avances actuales, sino en un guiño al estreno de la propia ópera en Viena, en la que Schikaneder ya estaba a la última en efectos teatrales.
Al comenzar la obra se presenta el escenario como un sencillo escenario teatral, que se irá transformando a través de toda la ópera.
La orquesta está elevada, como se hacía en el teatro vienés, y eso genera interacción entre cantantes y músicos.
Se resalta la importancia de la música al contar esta historia, en especial todo lo que se refiere al poder de la flauta mágica.
Los cortinajes clásicos del teatro vienés inspiran a McBurney para el concepto detrás de las proyecciones que acompañan la puesta en escena.
Algunas de estas proyecciones son dibujos o escritos hechos a mano sobre una pizarra (manteniendo este elemento artesanal) y que a la vez están siendo realizados a la vista del público por un artista visual, situado a la izquierda del escenario que los dibuja y proyecta en tiempo real.
Para completar esta experiencia tan teatral, al otro lado del escenario se ubica un artista de foley o un artista de sonido, que genera también en vivo y con diversos materiales los sonidos que acompañan a los actores en escena.

Simon McBurney señalaba sobre este montaje:

“La flauta mágica es a la vez fantástica y política. Es a la vez un compromiso social y un gran vuelo de la imaginación. Y en el fondo, si pensamos en su contenido social o político, está el deseo de que la sociedad evolucione. En otras palabras, ¿hacia qué tipo de sociedad podemos avanzar?

¿Cómo la escenifico con el menor decorado posible? Lo que verán es un escenario abierto que dejo a la imaginación en la medida de lo posible. Vengo del teatro, así que me interesa mucho desde el punto de vista teatral. Lo que hemos intentado es hacer algo que se inspire en la música. Supongo que intentamos hacer algo que vaya directo a lo que consideramos el corazón de La flauta mágica.

Cuando uno piensa en esta ópera, lo hace en un conjunto de momentos. Uno piensa en los momentos de Papageno y en los momentos de Pamina, y en la Reina de la Noche, por supuesto, que es muy famosa; pero una de las cosas que me han interesado es cómo todos estos momentos interactúan o se contagian unos a otros, y por eso intentar encontrar las conexiones entre momentos ha sido para mí particularmente interesante.

Tenemos que suponer que Mozart puso algo muy profundo de sí mismo en esto. Estaba en la cima de sus capacidades. En lugar de ver La flauta mágica como una especie de pastelería vienesa, quería despojarme de la confitería y revelar algunos de los ingredientes que componen La flauta mágica, para que la gente pueda tener algo de la misma sorpresa y deleite que tuvieron en 1791”.

(Declaraciones de Simon McBurney para a la English National Opera, recogidas en video publicado en la web del MET)

El director musical es James Gaffigan, y la directora de escena de la reposición es Annemiek Van Elst. Junto a la Orquestra de la Comunitat Valenciana y el Cor de la Generalitat, Les Arts reúne a las jóvenes estrellas del momento en el reparto de ‘La flauta mágica’, con algunos de los intérpretes que han conquistado al público internacional con la impactante producción de McBurney.

El tenor italiano Giovanni Sala realiza su tercera incursión en València con el papel de Tamino, mientras que debutan la emergente soprano barcelonesa Serena Sáenz, (Pamina), el bajo británico y favorito del Metropolitan, Matthew Rose (Sarastro), la electrizante y ascendente soprano Rainelle Krause (Reina de la Noche), el barítono húngaro-rumano y asiduo del Covent Garden Gyula Orendt (Papageno) y el reconocido tenor estadounidense Brenton Ryan (Monostatos).

El reparto cuenta, además, con una importante presencia del Centre de Perfeccionament, con integrantes de la actual promoción: Irakli Pkhaladze (Orador), Iria Goti (Papagena), Antonella Zanetti (Primera Dama), Laura Fleur (Segunda Dama); y exalumnos: Alejandro López, Jorge Franco (Dos sacerdotes, dos caballeros). Luzia Tietze (Tercera Dama) y el Trinity Boys Choir (Tres muchachos) completan el elenco.

“La flauta mágica” se representa en la Sala Principal del Palau de Les Arts los días: 6, 8, 12, 14, 17 y 19 de junio.

SIMON MCBURNEY

Actor, escritor y director, Simon McBurney es uno de los creadores teatrales más originales de Europa. Ganador de numerosos premios Olivier y nominado a los premios Tony y SAG, es cofundador de Complicte, «la compañía de teatro más innovadora de Gran Bretaña». Su trabajo, desde instalaciones hasta la reinvención de textos clásicos en Broadway, siempre ha estado íntimamente ligado a la música. Entre las producciones de ópera más importantes del director británico destacan A Dog’s Heart de Raskatov, Die Zauberflöte, The Rake’s Progress y Wozzeck, que han sido representadas en teatros de ópera de todo el mundo. Con su hermano Gerard McBurney ha desarrollado proyectos como Weimar Nightfall, Out of a House Walked a Man… o Strange Poetry. Ha colaborado con Peter Maxwell Davies, Esa-Pekka Salonen, Simon Rattle, Tom Waits, Nitin Sawhney, Pet Shop Boys y Honjoh Hidetaro. Fue el primer artista británico asociado en el Festival d’Avignon en 2012, con The Master and Margarita abriendo el festival. Como actor aparece en películas como Mission: Impossible – Rogue Nation, The Theory of Everything, Magic in the Moonlight, Tinker Tailor Soldier Spy, Jane Eyre, The Duchess and The Last King of Scotland.

Fotografía ©Miguel Lorenzo Mikel Ponce Les Arts

Reconocida internacionalmente como una de las orquestas de referencia en la interpretación de la música barroca con criterios historicistas, la Accademia Bizantina (AB) regresa al mercado discográfico con Imprinting; un proyecto dedicado al repertorio sinfónico editado por su propio sello HDB Sonus, con el objetivo de ofrecer un nuevo enfoque interpretativo (imprinting) de célebres sinfonías de Mendelssohn, Schumann, Beethoven, Schubert, Mozart y Haydn, destinado a un oído renovado y libre de las estratificaciones originadas por las interpretaciones que se han sucedido en el tiempo.

El primer CD de esta nueva y original propuesta discográfica del célebre conjunto de Ravenna dirigido por Ottavio Dantone, que estará disponible en todas las plataformas de streaming a partir de este viernes, presenta la Sinfonía nº 3 en Mi bemol Mayor op. 97 ‘Renana’ de Robert Schumann (1810-1856) y la Sinfonía nº 4 en La mayor, op. 90 ‘Italiana’ (1833) de Felix Mendelssohn (1809-1847). “La elección de estas dos sinfonías y sus respectivos autores responde al hecho de que tanto en Mendelssohn como en Schumann hay una gran influencia de la música de Bach, lo que se refleja de forma evidente en las dos obras de esta grabación. Y tanto en la Renana como en la Italiana coexisten las expresiones más puras del espíritu romántico junto a temas y estilos de clara inspiración bachiana, además de un recurrente y refinado uso del contrapunto”, señala Dantone en el booklet bilingüe italiano-inglés.

Ottavio Dantone, que ya había abordado anteriormente este repertorio como director invitado de destacadas orquestas sinfónicas en varias ciudades europeas, afronta por primera vez la Renana y la Italiana con su propia Accademia Bizantina on period instruments, convencido de que “las nociones filológicas y la praxis interpretativa de la música antigua pueden ayudar a la identificación y comprensión de intenciones y recursos estilísticos herederos de la cultura y el pensamiento del pasado”. No en vano, el propio Mendelssohn fue uno de los grandes impulsores de la Bach-Renaissance.

Este nuevo lanzamiento discográfico se une a la celebración de los 40 años de actividad de Accademia Bizantina, con el concierto “AB ieri, oggi e domani”, que tendrá lugar el próximo 22 de junio en el Teatro Goldoni de Bagnacavallo. Además, este verano, interpretará Il Trionfo della Fama de Conti y Cesare in Egitto de Giacomelli, como ‘orchestra in residence’ del prestigioso Festival de Innsbruck.

Il Giardino Armonico y Kammerorchester Basel, bajo la dirección del aclamado Giovanni Antonini, unen fuerzas para ofrecer la última gran cita operística de la temporada 23/24 del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM): Tolomeo, re d’Egitto. Se trata de una de las óperas menos frecuentadas de George Frideric Haendel y se interpretará con la instrumentación de la obra que se utilizó en 1730, con dos grandes conjuntos orquestales. La ópera, en versión de concierto, contará con uno de los fenómenos vocales del momento, el contratenor Franco Fagioli en el papel protagonista. La cita tendrá lugar el domingo 9 de junio, a las 18:00 horas, en el marco del ciclo Universo Barroco del CNDM, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música.

Años antes del estreno de Berenice, que también se disfrutó hace unas semanas en la programación del CNDM, George Frideric Haendel dedicó su Tolomeo al rey Ptolomeo IX de Egipto. El famoso compositor Barroco la escribió pensando en varias superestrellas del momento, como el famosísimo castrato Senesino, o las extraordinarias sopranos Francesca Cuzzoni y Faustina Bordoni. Aquella suerte de elenco resultó en una emocionante ópera llena de adornos y agilidades vocales, destinada al lucimiento de los cantantes. Destierro, conspiración y asesinato son los temas que se cruzan en la que fue la última colaboración de Haendel con el libretista Nicola Francesco Haym, con quien firmó otras obras maestras como Giulio Cesare in Egitto.

En esta ocasión, al famoso cantante argentino Franco Fagioli, un grandísimo especialista en Haendel, se suma un destacado elenco vocal de primeras figuras del canto barroco, como son la soprano Giulia Semenzato (Seleuce), la mezzosoprano Giuseppina Bridelli (Elisa), el contratenor Christophe Dumaux (Alessandro) y el bajo Riccardo Novaro (Araspe). Junto a ellos, Il Giardino Armonico propone una versión de la ópera tal y como se representó en su primera reposición de 1730, con una gran orquesta en el foso, en esta ocasión, junto a la Kammerorchester Basel. Dos grandes agrupaciones internacionales y las mejores voces para cerrar la temporada operística 23/24 del Centro Nacional de Difusión Musical por todo lo alto.

“Contextos Barrocos”: Una hora antes del concierto, a las 17:00h, tendrá lugar el encuentro sobre Tolomeo en los “Contextos Barrocos” del CNDM, sesiones de cuarenta y cinco minutos, de acceso libre para el público que ha adquirido la entrada al espectáculo, que permiten profundizar en el programa, su historia y los intérpretes.

Sobre Il Giardino Armonico

Fundado en 1985 y dirigido por Giovanni Antonini, Il Giardino Armonico se ha consolidado como uno de los principales conjuntos de instrumentos de época del mundo, reuniendo a músicos de las instituciones musicales más relevantes de Europa. El repertorio del conjunto se centra principalmente en los siglos XVII y XVIII. Dependiendo de las exigencias de cada programa, el grupo se compone de seis a treinta músicos. Il Giardino Armonico es invitado regularmente a festivales de todo el mundo actuando en las salas de conciertos más importantes y recibiendo grandes elogios tanto por sus conciertos como por sus producciones operísticas, como L’Orfeo de Monteverdi, Ottone in Villa de Vivaldi, Agrippina de Haendel, Il Trionfo del Tempo e del Disinganno, La Resurrezione y Giulio Cesare in Egitto con Cecilia Bartoli durante la edición de 2012 del Festival de Pentecostés y Verano de Salzburgo.Además, Il Giardino Armonico mantiene una intensa actividad discográfica. Tras el éxito universal y el Premio Grammy recibidos por The Vivaldi Album with Cecilia Bartoli (Decca, 2000), una nueva colaboración con ella en 2009 dio lugar al proyecto Sacrificium (Decca), Disco de Platino en Francia y Bélgica y otro Premio Grammy. El proyecto más reciente con Cecilia Bartoli dio lugar a la publicación del álbum Farinelli (Decca, 2019).

Sobre Giovanni Antonini

Nacido en Milán, Giovanni Antonini estudió en la Civica Scuola di Musica y en el Centre de Musique Ancienne de Ginebra. Es miembro fundador del conjunto barroco Il Giardino Armonico, que dirige desde 1989. Con este conjunto ha actuado como director y solista de flauta dulce y flauta travesera barroca en Europa, Estados Unidos, Canadá, Sudamérica, Australia, Japón y Malasia. Es Director Artístico del Festival Wratislavia Cantans de Polonia y Principal Director Invitado de la Mozarteum Orchester y la Kammerorchester de Basilea. Ha actuado con numerosos artistas de prestigio, como Cecilia Bartoli, Kristian Bezuidenhout, Giuliano Carmignola, Isabelle Faust, Sol Gabetta, Sumi Jo, Viktoria Mullova, Katia y Marielle Labèque, Emmanuel Pahud y Giovanni Sollima. Conocido por su refinada e innovadora interpretación del repertorio clásico y barroco, Antonini es invitado habitual de la Filarmónica de Berlín, la Concertgebouworkest, la Orquesta de la Tonhalle, la Orquesta del Mozarteum, la Gewandhausorchester de Leipzig, la Orquesta Sinfónica de Londres y la Orquesta Sinfónica de Chicago. Con Il Giardino Armonico Antonini ha grabado numerosos CD de obras instrumentales de Vivaldi, J.S. Bach (Conciertos de Brandemburgo), Biber y Locke para Teldec. Con Naïve grabó la ópera Ottone in Villa de Vivaldi, y para Decca ha grabado 2 volúmenes con Julia Lezhneva. Más tarde, con Alpha Classics (Outhere Music Group) publicó varios álbumes. Antonini es director artístico del proyecto Haydn2032, creado para hacer realidad la idea de grabar e interpretar con Il Giardino Armonico y la Kammerorchester Basel las sinfonías completas de Joseph Haydn antes del tricentenario del nacimiento del compositor. Los primeros 8 volúmenes se han publicado en el sello Alpha Classics y está previsto publicar otros dos volúmenes cada año.

Sobre Kammerorchester Basel

Kammerorchester Basel es una orquesta afincada en Basilea. Con más de 60 conciertos por temporada, Kammerorchester Basel realiza giras por todo el mundo y es reclamada en festivales internacionales y en las salas de conciertos europeas más importantes, como la Elbphilharmonie de Hamburgo, el Théâtre des Champs-Élysées de París o el Theater an der Wien.Una discografía de más de 30 grabaciones premiadas en sellos de renombre como Sony, Deutsche Harmonia Mundi, Pentatone y Warner Classics muestran la excelente calidad de este versátil conjunto. En 2008, la Kammerorchester Basel fue galardonada con el ECHO Klassik en la categoría de «Mejor Conjunto» por sus interpretaciones históricamente informadas y fue la primera orquesta en recibir el Swiss Music Prize en 2019. Kammerorchester Basel trabaja regularmente con aclamados solistas como Maria João Pires, Jan Lisiecki, Isabelle Faust y Christian Gerhaher. Bajo la dirección artística de sus concertinos y bajo la batuta de directores seleccionados como Heinz Holliger, René Jacobs y Pierre Bleuse, la Kammerorchester Basel presenta su amplio repertorio.

Fotografía: Julian Laidig

Este verano la ciudad mediterránea vuelve a abrirse a la lírica en el Teatre Municipal Franscesc Tàrrega. Organizado por el Ayuntamiento de Benicàssim, el certamen sigue apostando por la diversidad en sus programas y por grandes intérpretes nacionales e internacionales. Vanessa Goikoetxea, Nancy Fabiola Herrera, George Gagnidze, Cristina Ramos, los Solistas de Valencia y el grupo a cappella Melomans, junto a diversas actividades paralelas como los populares encuentros entre público y artistas, se complementan este verano con la emisión del documental Tiempo de zarzuela, de Cristina Otero Roth.

La edición 2024 del Festival Lírico Òpera Benicàssim (Castelló) inunda un año más de cultura y de música el verano de la ciudad. El certamen, que se celebrará del 3 al 11 de agosto, ha sido presentado esta semana y contará con grandes voces del panorama nacional e internacional. La alcaldesa de Benicàssim, Susana Marqués, junto a la concejala de Cultura del Ayuntamiento, Rosa María Gil y al director artístico del certamen, Roberto Turlo, han explicado las líneas generales de la programación de la que será la XVI edición, que cuenta con cuatro conciertos, un encuentro artístico y la emisión de un documental, actividades que tendrán lugar en el escenario habitual, el Teatre Municipal Francesc Tàrrega.

La alcaldesa Marquès ha recalcado que el Festival Lírico Ópera Benicàssim “se suma a la amplia oferta cultural que ofrece el municipio y que aúna propuestas de diferentes géneros. Un año más, y durante una semana, seguimos apostando por ofrecer a la ciudadanía la posibilidad de disfrutar de una oferta muy atractiva de conciertos que, tras 16 años, se ha consolidado en nuestro municipio dentro de la marca Benicàssim, Ciudad de Festivales; los benicenses, veraneantes y visitantes lo esperan y disfrutan”.

Por su parte, la concejala de Cultura, Rosa María Gil, destacó que el programa –organizado por Ópera Benicàssim junto a la promotora AIM-América Iber Música que lidera Marcello Pérez Pose– traerá en esta edición a intérpretes “de gran prestigio en el mundo de la ópera, pero también abriendo las puertas a talentosos artistas de otros ámbitos más populares que representan el mejor camino para llevar la lírica al gran público”. El responsable artístico del certamen, el solista de oboe de la Orquestra de València Roberto Turlo y del grupo Solistas de Valencia, añadió que la oferta de la edición de 2024 está enfocada en atraer “a todo tipo de oyentes, desde aficionados a las programaciones operísticas de los grandes teatros y auditorios a personas que deseen llenar su verano de buena música, ya que tendrán a su disposición un repertorio muy variado pero con nuestra marca de la casa, un nivel de excelencia artística impresionante”.

Turlo asegura que, a la hora de programar, “nos encanta sacar al artista de su repertorio habitual al que tiene acostumbrado a su público para que nos muestre una cara diferente; esto es algo que sugerimos siempre a los artistas que invitamos y todos ellos, sin excepción, se lanzan de cabeza a experimentar y a jugar con estilos que han tocado poco, o que siempre soñaron con interpretar; como son grandes artistas, el resultado es siempre apasionante”, concluye el músico de Benicàssim.

El Festival levantará el telón el sábado 3 de agosto con un recital que promete alto voltaje: la aclamada mezzosoprano Nancy Fabiola Herrera (Artista Honorífica del Festival) junto con la consagrada soprano Vanessa Goikoetxea, dos de las artistas españolas más importantes del panorama internacional, brindarán un duelo interpretativo con arias y dúos de ópera y zarzuela de autores como Saint- Saëns, Debussy, Rossini, Mozart, Puccini, Offenbach y Barbieri, entre otros, junto al piano de Laila Barnat.

El domingo 4 de agosto es el turno de otro de los pesos pesados del mundo de la lírica, el barítono georgiano George Gagnidze, un “intérprete de voz y presencia imponentes” (The New York Times), que ha conquistado grandes escenarios europeos, americanos y asiáticos, y que junto a José Manuel Frasquet al piano interpretará algunos de los grandes hits de óperas de Verdi, Chaikovsky junto a las más populares canciones napolitanas.

Una semana más tarde, el sábado 10 de agosto subirá al escenario del Teatre Municipal el grupo valenciano que, cantando a cappella grandes clásicos de todos los tiempos y estilos, lo ha petado allí donde actúa: Melomans, compuesto por Edu Escartí, Gonzalo Manglano, Javi Reig y Pau Ferrer, que con su espectáculo dinámico y lleno de humor Se canta pero no se toca dirigido por Víctor Lucas (grabado en disco hace ya siete años) harán un repaso a un repertorio irresistible en sorprendentes arreglos.

El domingo 11 de agosto se celebrará la Gala Final del festival contando con Cristina Ramos junto a los Solistas de Valencia capitaneados por Roberto Turlo. La ganadora del Got Talent (España) y La Voz (México), con un talento vocal impresionante, combina estilos que van desde la ópera al rock, del funky a los boleros. esta artista total ofrecerá un suculento programa que incluirá populares arias como “Oh, mio babbino caro” junto a clásicos de Broadway, con grandes temas de musicales a cargo de los Solistas de Valencia.

En el apartado de actividades paralelas dirigidas a la divulgación y promoción de la cultura, el jueves 8 de agosto, siempre en el Teatre Municipal, se emitirá la película documental Tiempo de Zarzuela, dirigido por Cristina Otero Roth y producido por José Luis Linares con la colaboración del Teatro de la Zarzuela de Madrid, que irá precedido de una presentación por parte de la directora. La película se estrenó el 10 de octubre de 2023 y ofrece un repaso de la historia del género lírico hispano con la participación de expertos en la materia incluyendo conversaciones con algunos de los cantantes del mayor prestigio en el mundo de la ópera y la zarzuela, como Carlos Álvarez, Ainhoa Arteta, Javier Camarena, Nancy Fabiola Herrera, Elina Garanca, Lluís Pasqual, Alfredo Sanzol, José Carlos Plaza, Daniel Bianco, Guillermo García Calvo, Juanjo Mena, Emilio Casares, Jesús Castejón, Lucero Tena y María Luz González Peña, entre muchos otros. Son más de 60 entrevistas que muestran la visión de futuro del género según musicólogos de referencia, directores de escena y de orquesta.

También, como en todas las ediciones, el Festival promueve encuentros populares del público con los artistas: el viernes 9 de agosto se realizará un ensayo abierto al público del concierto de Cristina Ramos y los Solistas de Valencia en el que, una vez acabado el trabajo de los intérpretes, habrá una charla-coloquio en la que los asistentes “tienen la ocasión de dialogar con los artistas, una iniciativa que comenzamos hace ya unos años con gran éxito”, concluye Roberto Turlo.

Tras cantar el Requiem de Verdi en Milán junto a la Orchestra e Coro del Teatro alla Scala bajo la batuta de Riccardo Chailly, la famosa mezzosoprano italiana Daniela Barcellona vuelve a las tablas del Gran Teatre del Liceu para interpretar el rol de la princesa de Bouillon en Adriana Lecouvreur de Francesco Cilea (1866-1950). Daniela Barcellona, que actuará los días 16, 19, 22 y 26 de junio, compartirá escenario con los tenores Freddie de Tommaso/Roberto Alagna (Maurizio) y las sopranos Aleksandra Kurzak/Valeria Sepe (Adriana Lecouvreur), en la mítica producción de David McVicar con dirección musical de Patrick Summers.

Considerada como una de las más grandes mezzosopranos del circuito internacional de las últimas décadas, y una auténtica referencia en la interpretación de Rossini, Daniela Barcellona ha optado por ampliar su repertorio más allá del Cigno di Pesaro guiada por la evolución natural de su voz, con la incorporación de compositores como Verdi (Mrs Quickly, Falstaff), Ponchielli (Laura Adorno, La Gioconda) o Massenet (Madame de la Haltière, Cendrillon). Con su debut escénico como la princesa de Bouillon de Cilea (que ya debutó en versión de concierto en el 2016 en el Bozar de Bruselas), y su gran aria Acerba voluttà, incluida en uno de los títulos más importantes del repertorio verista, la célebre mezzo italiana se subirá, de nuevo, al escenario del coliseo catalán, tras su reciente éxito como la maga Ulrica en Un ballo in maschera de Verdi, la zia principessa (Suor Angelica) y Zita (Gianni Schicchi) en el Trittico pucciniano.

Numerosos premios como los prestigiosos Olivier Award, International Opera Award, Premio Abbiati, ICMA, Tutto Verdi International Award de la ABAO, entre otros, y su presencia habitual en los más célebres teatros, salas de concierto y festivales de todo el mundo, como el Met de Nueva York, la Royal Opera House de Londres, la Bayerische Staatsoper de Munich, la Wiener Staatsoper, la Opéra national de París, los BBC Proms de Londres, el Festival de Salzburgo, el Festival de Verbier, La Scala de Milán y el Festival d’Aix-en-Provence, entre otros muchos, avalan la extensa trayectoria profesional de la mezzo italiana Daniela Barcellona. En su catálogo de directores figuran auténticas leyendas de dirección musical como Claudio Abbado, Lorin Maazel, Sir Colin Davis, James Levine, Zubin Mehta, Georges Prêtre, Riccardo Muti…, así como como célebres Régisseurs como Mario Martone, Robert Carsen, David McVicar, Laurent Pelly, Hugo de Ana, Pierluigi Pizzi, David Alden, Damiano Michieletto o Barrie Kosky.

Entre los próximos compromisos de Daniela Barcellona, cabe destacar su regreso al Rossini Opera Festival de Pésaro, su primer Wagner con el debut en el rol de Brangäne (Tristan und Isolde) en la ABAO, y su participación en el estreno mundial de la ópera Il nome della rosa de Francesco Filidei, basada en la famosa novela de Umberto Eco, en el Teatro alla Scala, con el tándem Metzmacher/Michieletto. Además, fiel a su incansable compromiso con las nuevas generaciones, Daniela Barcellona sigue impartiendo Masterclasses di canto lirico, tanto en Italia como en diversos países, a las que acuden jóvenes cantantes procedentes de todo el mundo.

Fotografía: Studio Amati Bacciardi

El prestigioso reconocimiento le fue concedido este domingo, 2 de junio, durante la Celebración del Día de la República en el Viceconsulado de Italia en las Islas Canarias.

El director de orquesta italiano Riccardo Frizza, un invitado habitual en España de los podios de teatros como el Real de Madrid, el Liceu de Barcelona o de ABAO Bilbao Opera, fue nombrado Caballero de la Orden «al Mérito de la República Italiana», por decreto del Presidente de ese país, Sergio Mattarella, por sus méritos respecto a la divulgación de la música, la ópera y la cultura italianas. La entrega del reconocimiento tuvo lugar el pasado 2 de junio durante las celebraciones del Día de la República Italiana organizadas por el Viceconsulado de país transalpino en Arona, en el Museo Arqueológico de Santa Cruz de Tenerife, en las Islas Canarias, donde el maestro nacido en Brescia reside desde hace un tiempo. El evento se enriqueció con un completo programa que incluyó actuaciones del pianista sardo Lorenzo Poggi, de una charanga canaria y de percusionistas del Conservatorio Superior de Música de Canarias dirigido por el profesor Roberto Pia.

El maestro Frizza recibió la condecoración de manos del vicecónsul italiano Gianluca Cappelli Bigazzi, quien además pronunció un cálido discurso de bienvenida. En su réplica, Riccardo Frizza afirmó que consideraba “un gran honor” ser nombrado Caballero de la República, “en primer lugar porque el nombramiento proviene del presidente Mattarella, a quien respeto profundamente, pero también porque la propuesta nació en el seno de las Instituciones de Brescia, mi tierra natal, a las que agradezco que hayan seguido con tanta atención mi carrera”. El maestro aseguró además que “en este momento mi pensamiento está con mi familia, y sobre todo con mis padres, a quienes dedico este mérito, porque con su ejemplo me han trazado el camino a seguir, como persona y como ciudadano. Agradezco al vicecónsul por la acogida que me ha brindado y por haber descrito mi carrera como director con palabras tan halagadoras, así como a los invitados que me han acompañado para celebrar conmigo el Día de la República Italiana. Muchas gracias, de todo corazón”.

El Teatro Real ofrecerá cuatro funciones de Medea, de Marc-Antoine Charpentier (1643-1704), los días 6, 8, 9 y 10 de junio, que se unen a las de la ópera homónima de Luigi Cherubini (1760-1842) que inauguraron la presente temporada. Dos versiones del mito griego creadas con casi un siglo de diferencia, de muy distintos lenguajes y enfoques, que nos traen el terrible tema que actualmente conocemos como violencia vicaria.

Medea, estrenada en 1693 en la Ópera de París, es la única tragedia lírica de Marc-Antoine Charpentier. El libreto, de Thomas Corneille (1625-1709) -hermano del célebre escritor Pierre Corneille, también dramaturgo y poeta-, parte del mito griego centrándose en el alma atormentada de la protagonista, en la complejidad de su personalidad y en las tremendas vicisitudes de su vida hasta el descorazonador desenlace, en un impresionante tercer acto, cuando las heridas, las humillaciones y el dolor de Medea la llevan a la venganza cegadora y al infanticidio.

La música utiliza todos los efectos expresivos de la época para sobreponerse a los cánones formales de la tragédie lyrique con la que Jean-Baptiste Lully triunfaba entonces en la Francia de Luis IV y Molière. Los matices y sutilezas de su escritura, de gran eficacia dramatúrgica, conceden profundidad a los personajes, logrando mantener una continuada tensión en la evolución de la protagonista, pese a la fragmentación de la estructura operística del barroco.

La versión de Medea que se verá en el Real nos llegará a través de los mejores artistas para representarla, ya que fue el gran director, musicólogo y clavecinista William Christie quien redescubrió, interpretó y grabó la partitura en 1984, junto a sus fantásticos ensambles instrumental y vocal Les Arts Florissants. Desde entonces la obra es parte del acervo musical de este grupo, que volvió a grabarla en 1995 y que acaba de presentarla, con mucho éxito, en la Ópera de París, con gran parte de los solistas que interpretarán la ópera en Madrid.

En el Real, Medea se ofrecerá en una versión semiescenificada concebida por Marie Lambert le Bihan, responsable de la dirección de escena de Eden, el espectáculo protagonizado por Joyce DiDonato, junto a Il Pomo d’Oro, presentado en la pasada temporada.

Con recursos teatrales y lumínicos muy certeros, Marie Lambert deja que las acciones dramáticas vayan manchando el escenario como huellas indelebles, en una propuesta visual que explora la intensidad de los planos, las perspectivas y los volúmenes que crean los cuerpos, en un muy sugerente juego de luces y sombras.

Véronique Gens, que el año pasado protagonizó Medea en el Teatro de los Campos Elíseos y en la grabación producida por Alpha Classics y Le Concert Spirituel, vuelve al Teatro Real con uno de sus grandes personajes del repertorio barroco francés. Estará secundada por Reinoud van Mechelen (Jason), Cyril Costanzo (Créon), Ana Vieira Leite (Créuse), Marc Mauillon (Oronte), Emmanuelle de Negri (Nérine), Élodie Fonnard (Cléone), Lisandro Abadie (Arcas) y Lucía Martín-Cartón (El Amor), en los principales papeles.

La Joven Orquesta Nacional de España (JONDE), unidad perteneciente al Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), inaugura la próxima edición de las Xornadas de Música Contemporánea con la celebración de 5 conciertos del 5 al 9 de junio en el Auditorio de Galicia (Santiago de Compostela).

La JONDE inaugurará la edición 2024 de las Xornadas de Música Contemporánea el próximo 5 de junio en el Auditorio de Galicia (Santiago de Compostela). Dentro de este marco celebrará cinco conciertos del 5 al 9 de junio con la participación artística y académica del Ensemble Modern, dirigido por Pablo Rus Broseta, el Trío Arbós y el clarinetista Joan Enric Lluna. Se interpretarán un total de 22 obras contando con 6 estrenos absolutos de la mano de Helga Arias, Alberto Carretero, María de Alvear, Hugo Gómez-Chao, María José Arenas e Inés Badalo. Adicionalmente la JONDE se presentará por primera vez en el Festival RESIS de música contemporánea de A Coruña con un concierto el 9 de junio en el Museo de Bellas Artes de la ciudad.

Los 40 jóvenes músicos integrantes de la JONDE, de entre 19 y 26 años, abordarán dos proyectos artísticos junto a profesoras y profesores de reconocidas agrupaciones nacionales e internacionales. El proyecto de ensemble de música contemporánea estará liderado por el prestigioso conjunto alemán Ensemble Modern, el director invitado Pablo Rus Broseta y la directora asistente Isabel Rubio, con dos conciertos el 5 y 9 de junio en la Sala Ángel Brage del Auditorio de Galicia. Por otro lado, el proyecto de cámara de música contemporánea contará con la dirección del célebre Trío Arbós, Premio Nacional de Música 2013, junto al clarinetista Joan Enric Lluna, con tres conciertos los días 6,7 y 8 de junio en la Sala Mozart del Auditorio de Galicia.

La programación recorrerá una importante muestra de la creación musical contemporánea de los últimos años del siglo XX y los primeros del siglo XXI, reflejando a su vez la diversidad de género y procedencia de sus autoras y autores. Se interpretarán un total de 22 obras, entre ellas, 4 obras, especialmente comisionadas para este proyecto por la JONDE de las compositoras Helga Arias e Inés Badalo, y de los compositores Alberto Carretero y Hugo Gómez-Chao; y 2 estrenos absolutos, de las compositoras María José Arenas y María de Alvear, es decir un total de 6 estrenos absolutos. De esta forma la JONDE afianza su compromiso con el apoyo a la creación y difusión musical contemporánea.

Ambos proyectos se enmarcan dentro del segundo Encuentro anual de la JONDE de este año 2024, y desarrollarán su actividad formativa desde el 31 de mayo en el propio Auditorio de Galicia.

Enmarcadas en la programación anual de Compostela Cultura, las Xornadas de Música Contemporánea concitan a las principales entidades culturales de la ciudad en el tejido de una propuesta que pone en valor la música contemporánea y el diálogo con otras formas artísticas. La edición 2024 es fruto de la colaboración del Concello de Santiago y el Auditorio de Galicia, con la Deputación da Coruña, el Centro Galego de Arte Contemporánea (CGAC) de la Xunta de Galicia y el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (Ministerio de Cultura).

Adicionalmente, la JONDE participará por primera vez en el Festival RESIS de música contemporánea de A Coruña junto al Trío Arbós y el clarinetista Joan Enric Lluna con un concierto el 9 de junio en el Museo de Belas Artes.
Todos los conciertos serán de acceso gratuito hasta completar aforo.

PROGRAMA | XORNADAS DE MÚSICA CONTEMPORÁNEA SANTIAGO DE COMPOSTELA

ENSEMBLE I
Miércoles, 5 de junio 2024 | 20:30h
Auditorio de Galicia, Sala Ángel Brage
Ensemble Modern & JONDE
Pablo Rus Broseta, director
Mauricio Sotelo (1961): De imaginum, signarum et idearum compositione II (2022)
György Ligeti (1923-2006): Hamburgisches Konzert (1998/1999) Helga Arias (1984): Traces of the Blast (In Aftermath of Explosion) (2024)
Estreno absoluto. Encargo de la Joven Orquesta Nacional de España George Benjamin (1960): Three inventions (1995)

CÁMARA I
Jueves, 6 de junio 2024 | 20:30h Auditorio de Galicia, Sala Mozart
Trío Arbós & JONDE
Joan Enric Lluna, clarinete
Tomás Marco (1942): En campos de zafiro pace estrellas (2011) Teresa Catalán (1951): Nenias II (2018) Rebecca Saunders (1967): Disclosure (2008) Alberto Carretero (1985): Tres daguerrotipos (2024)
Estreno absoluto. Encargo de la Joven Orquesta Nacional de España Guillaume Connesson (1970): Sexteto (1998)

CÁMARA II
Viernes, 7 de junio 2024 | 20:30h Auditorio de Galicia, Sala Mozart
Trío Arbós & JONDE
Joan Enric Lluna, clarinete
César Camarero (1962): Music for a liquid theater (2018) Mario Davidovsky (1934): Flashbacks (2000) Gabriela Ortiz (1964): El águila bicéfala (2005) Inés Badalo (1989): Rust (2024)
Estreno absoluto. Encargo de la Joven Orquesta Nacional de España Thomas Adès (1971): Court studies from The Tempest (2005)

CÁMARA III
Sábado, 8 de junio 2024 | 20:30h Auditorio de Galicia, Sala Mozart
Trío Arbós & JONDE
Joan Enric Lluna, clarinete
Toshio Hosokawa (1955): Trío (2013) María José Arenas (1983): El Aljibe (2024). Estreno absoluto Salvatore Sciarrino (1947): Il silenzio degli oracoli (1989) Gérard Grisey (1946-1998): Talea (1986)

ENSEMBLE II
Domingo, 9 de junio 2024 | 20:30h Auditorio de Galicia, Sala Ángel Brage
Ensemble Modern & JONDE
Pablo Rus Broseta, director
Pierre Boulez (1925-2016): Éclat (1965) María de Alvear (1960): Brana (2024). Estreno absoluto Hugo Gómez-Chao (1995): Estudio sobre la carne (2024)
Estreno absoluto. Encargo de la Joven Orquesta Nacional de España Jörg Widmann (1973): Freie Stücke (2002)

PROGRAMA | FESTIVAL RESIS A CORUÑA

Domingo, 9 de junio 2024 | 12:30h Museo de Belas Artes
Trío Arbós & JONDE
Joan Enric Lluna, clarinete
Toshio Hosokawa (1955): Trío (2013) María José Arenas (1983): El Aljibe (2024). Estreno absoluto Salvatore Sciarrino (1947): Il silenzio degli oracoli (1989) Gérard Grisey (1946-1998): Talea (1986)

Fotografías: Ensemble Modern ©Wonge Bergmann für das Ensemble Modern y Trío Arbós ©Jesús Mayorga.

Hansel & Gretel será el último espectáculo lírico de la Temporada 23-24, que finalizará con ¡Todos al Real Teatro! y El concierto de verano.
Se trata de una versión libre y actualizada del cuento de los hermanos Grimm y la ópera de Engelbert Humperdinck.
La historia nos adentra en el uso responsable de las redes sociales y el ecologismo como ejes principales de esta adaptación del dramaturgo y director de escena Pedro CHamizo.
Las funciones tendrán lugar en la Sala Principal del Real Teatro de Retiro los días 8, 9, 15 y 16 de junio, en sesión doble, a las 11.00 y a las 13.00 horas.
La edad recomendada de esta nueva cita familiar es para niñas y niños a partir de 10 años.
La página web del Real Teatro de Retiro pone a disposición del público una guía didáctica con información detallada del espectáculo para poder disfrutarlo antes y después de verlo en escena.

La mágica historia de los dos hermanos Hansel y Gretel llega al Real Teatro de Retiro con una actual y moderna revisión del cuento de los hermanos Grimm y de la ópera de Engelbert Humperdinck.

En la nueva propuesta del Real Teatro de Retiro, adaptada por el dramaturgo Pedro CHamizo, responsable de la dirección de escena, la Bruja es la influencer más famosa de Tik Tok, Hansel quiere ser youtuber y sueña con ser famoso y Gretel es fiel seguidora de la activista medioambiental Greta Thunberg y, como ella, usará las redes sociales para cambiar el mundo.

El ecologismo y, sobretodo, el uso responsable de las redes sociales, son los ejes principales de esta nueva versión que habla a través de la ópera al público del futuro, los niñas y niños del siglo XXI.

Carlos Imaz realiza la adaptación musical de la obra de Humperdinck, interpretada al piano por Cristina Presmanes, directora musical de la producción, y las voces de la mezzosoprano Sandra Ferrández, dando vida a la Bruja influencer; el contratenor Christian Gil-Borrelli, en el papel de Hansel y la soprano Guiomar Cantó, como Gretel. Les acompaña en esta loca aventura el actor Manu Riego, que dará vida a un nuevo personaje, Biza.

Después de las aclamadas producciones de El barbero de Sevilla, Amahl y los visitantes nocturnos o La idea, el público podrá disfrutar de Hansel & Gretel, la última ópera de la temporada 23-24, que se presentará en la Sala Principal del Real Teatro de Retiro los días 8, 9, 15 y 16 de junio, en sesión doble, a las 11.00 y a las 13.00 horas.

La página web del Real Teatro de Retiro pone a disposición del público una guía didáctica (adjunta en esta esta nota) con información detallada del espectáculo, producido por ABAO Bilbao Ópera y Yotumi Kids, para poder disfrutar de estaactualización del cuento, al igual que hicieron el compositor de la ópera homónima, Humperdinck y su hermana, Adelheid Wette, autora del libreto original de la ópera.

HANSEL & GRETEL
Adaptación de la ópera de Engelbert Humperdinck (1854-1921), basada en el cuento homónimo de los hermanos Grimm, con libreto de Adelheid Wette.
Producción de ABAO Bilbao Ópera y Yotumi Kidsy

EQUIPO ARTÍSTICO
Dirección musical y pianista: Cristina Presmanes
Dirección de escena, dramaturgia, iluminación y vídeo: Pedro CHamizo
Adaptación musical: Carlos Imaz
Diseño de vestuario: Yajaira B.

REPARTO
Bruja: Sandra Ferrández, mezzosoprano
Hansel: Christian Gil-Borrelli, contratenor
Gretel: Guiomar Cantó, soprano
Biza: Manu Riego, actor
Edad recomendada a partir de 10 años
Funciones familiares:
8, 9, 15, 16 de junio de 2024
11:00 y 13:00 horas

Fotografía: Pedro CHamizo

La violinista Nicola Benedetti, el pianista Benjamin Grosvenor, y el chelista Sheku Kanneh-Mason se unen en una grabación del Triple Concerto de Beethoven para Decca Classics, se trata de la primera grabación de la obra en el sello. El Triple concierto es una paradoja musical cuyo verdadero virtuosismo es la escucha entre los solistas y a través de la orquesta más que la brillantez individual de los intérpretes. El trío se reunió en Londres y grabaron el álbum con la Philharmonia y su director principal Santtu-Matias Rouvali.

Beethoven nunca escribió un concierto para violonchelo, pero es el violonchelo quien realiza los primeros solos en cada uno de los tres movimientos, tocando las melodías principales en cada uno. En el impresionante oasis plano mayor del Largo, la interpretación embelesada y sublime del violonchelista dura más de un tercio de la duración de todo el movimiento. No es que el violinista y el pianista no tengan oportunidades de brillar también: en la irresistible marcha del primer movimiento, y en el final, hay algunos momentos impresionantes de abandono improvisador a medida que la melodía pasa entre los tres, cada uno empujando al otro a vuelos de energía e imaginación cada vez más vertiginosos. Esta libertad les permite hacer música en el momento, creando un conjunto de cámara gigantesco, y su virtuosismo colaborativo la convierte en una de las piezas más alegres que Beethoven jamás haya compuesto.

Esa generosidad de espíritu se traslada a las interpretaciones del trío de las raras canciones populares de Beethoven con el célebre barítono Gerald Finley. Música de la Escocia de Benedetti y la querida Gales de Kanneh-Mason, e inspirada en la ascendencia orcadiana de Finley, completa el programa. El álbum concluye con una canción en la que aparece el trío solo: el arreglo de Kreisler de ‘Londonderry Air’, más comúnmente conocido como ‘Danny Boy’.

Las tres superestrellas clásicas están más ocupadas que nunca, y Nicola Benedetti, que acaba de anunciar su segunda temporada como directora del Festival Internacional de Edimburgo, es la primera mujer escocesa designada para este puesto. Nicola, una de las violinistas más solicitadas de su generación, defiende el encargo de nuevas obras, que recientemente incluyen el Concierto para violín aclamado por la crítica de Mark Simpson, escrito para ella con la Orquesta Sinfónica de Londres, y el Concierto para violín de Wynton Marsalis, que ganó un GRAMMY. Premio al “Mejor Solo Instrumental Clásico» en 2020.

Esta grabación es la octava de Benjamin Grosvenor para Decca Classics desde 2011, cuando se convirtió en el músico más joven -y también el primer pianista británico en más de sesenta años- en firmar con el sello. Desde entonces ha ganado, entre otros, varios premios Gramophone, dos veces el prestigioso Diapason d’Or de l’année, Classica ‘Chocs de l’année’ y Prix de Caecilia. Gramophone lo reconoció recientemente como uno de los 50 mejores pianistas jamás registrados. Los aspectos más destacados de los últimos meses incluyen su debut en la Filarmónica de Berlín con la Deutsches Symphonie-Orchester Berlin, un debut en recital en solitario en el Chicago Symphony Center, incluido el estreno en Estados Unidos de ‘Faustian Pact’ de Brett Dean, y dos recitales en el Théâtre des Champs- Elíseos de París, centrándose en la música de Chopin y Liszt.

Sheku Kanneh-Mason fue declarado recientemente por Bachtrack como “el violonchelista más solicitado del mundo”. Lo más destacado para él este año incluye cuatro conciertos consecutivos a principios de mayo con la Orquesta Filarmónica de Nueva York en el Lincoln Center. Esto lo lleva a una importante gira europea de recitales con su hermana pianista Isata antes de regresar a los EE. UU. para actuar con las orquestas Sinfónica de Detroit y Sinfónica de San Francisco. Es el nuevo patrocinador de la organización benéfica musical Music Masters, a quien ha apoyado durante los últimos siete años, y embajador de las organizaciones benéficas Future Talent y JDRF. Esta es su quinta grabación para Decca Classics, su grabación de 2020, ‘Elgar’, alcanzó el puesto número 8 en la lista oficial de álbumes del Reino Unido, lo que lo convierte en el primer violonchelista en la historia de las listas del Reino Unido en ingresar al Top 10. Sheku ha acumulado más de 215 millones de transmisiones globales.

Reflexionando sobre esta colaboración, Sheku Kanneh-Mason dice: “Fue una absoluta alegría y un privilegio hacer música por primera vez con dos músicos a los que crecí admirando. Los escuché a ambos por primera vez en televisión en la final del premio Joven Músico del Año de la BBC en 2004 y, como muchos participantes y ganadores de ese concurso, se convirtieron en una gran inspiración para mí. Vi a Nicola Benedetti actuar en vivo por primera vez cuando era niña, cuando vino a tocar un concierto para violín de Mozart en Nottingham, y fue una experiencia muy memorable. Por supuesto, la conocía tocando antes y después gracias a las numerosas grabaciones que ha realizado. Del mismo modo, con Benjamin estaba obsesionado con su álbum de Chopin, Liszt y Ravel cuando salió hace varios años, y he tenido el placer de verlo actuar en vivo muchas veces. Así que realmente fue un momento muy especial para mí interpretar y grabar el Triple Concierto de Beethoven con la Orquesta Filarmónica (una orquesta con la que he colaborado varias veces antes) y su director principal Santtu-Matias Rouvali. Es una pieza llena de mucho espíritu, alegría y vida, y me encanta la combinación de conversaciones íntimas, parecidas a la música de cámara, entre los tres solistas y el sonido colorido y poderoso de la orquesta”.

El pianista francés Aurélien Pontier ha concebido Vienna, Joyful Apocalypse como «un homenaje a la Viena de finales del siglo XX», reuniendo las 14 piezas solistas del álbum en «una narración dramática, que abarca una celebración de la alegría de vivir vienesa -ambigua en su energía, inspirada en los últimos destellos de vida antes de la catástrofe final- y también la nostalgia que impregna la literatura y la música vienesas de este periodo».

Las últimas décadas del Imperio Austrohúngaro ejercen un atractivo ambivalente. Vibrante, pero también decadente, fue una época de oro y sombras. Viena estaba en plena efervescencia cultural e intelectual, inspirándose en la tradición y abriendo nuevos horizontes en la música, la literatura, las artes visuales, la arquitectura y la psicología. La Primera Guerra Mundial y la disolución del Imperio en 1918 pusieron fin a esta época.

Aurélien Pontier, alumno premiado del Conservatorio Nacional Superior de Música de París, ha sido elogiado por la revista Diapason por su «dominio del teclado, sus sonoridades claras y densas y su integridad de enfoque». Aunque es parisino, puede presumir de tener «Wiener Blut» corriendo por sus venas, ya que algunos de sus antepasados procedían de Austro-Hungría. Ha dado forma a Viena, Apocalipsis gozoso para culminar en la suntuosa pero siniestra obra maestra de Ravel, La Valse, terminada en 1920. No es casualidad que el compositor pensara titularla simplemente Wien. En palabras de Pontier, es «simultáneamente una apoteosis y un apocalipsis».

El álbum se abre con música que ejemplifica el lado exuberante y divertido de Viena: valses de la opereta de Johann Strauss II Die Fledermaus (representada por primera vez en 1874) en una «paráfrasis de concierto» del pianista nacido en Praga Alfred Grünfeld (1852-1924). Strauss también está representado con versiones virtuosas de la Polca Pizzicato (adaptada por Otto Schulhof) y el vals vienés más famoso de todos, El Danubio Azul (adaptado por Adolf Schulz-Evler).

Otros valses proceden del vienés Franz Schubert y de compositores nacidos más lejos: Liszt, Tchaikovsky y Godowsky (cuya apacible Alt-Wien -Viena Vieja- destila un encanto melancólico). Godowsky fue el dedicatario de la Polka de W.R, un chispeante arreglo de Rachmaninov de una pieza del compositor alemán de salón Franz Behr (W.R indica la transcripción alemana del nombre del padre de Rachmaninov: Wassily Rachmaninoff). El gran violinista vienés Fritz Kreisler está representado por su alegre Liebesleid, en otro arreglo de Rachmaninov.

La Valse está precedida por piezas de dos grandes compositores que nos llevan del Romanticismo al Modernismo: el sublime «Adagietto» de la Sinfonía nº 5 de Mahler (arreglado por Aurélien Pontier) y – escrita como homenaje a Mahler el año de su muerte a los 50 años – la última de las seis Klavierstücke op19 de Arnold Schoenberg, una breve y enigmática elegía.

En su introducción a Vienna, Joyful Apocalypse, Aurélien Pontier cita al periodista y novelista Joseph Roth, nacido en 1894 en los límites orientales del Imperio austrohúngaro, en lo que hoy es Ucrania. Se trasladó a Viena en 1914 y en 1932 escribió Radetzkymarsch – llamada así, por supuesto, por una famosa pieza de Johann Strauss I. Saga familiar, la novela también traza el declive y la caída del Imperio. Como escribió Roth, Viena «pasó casi en un instante de la representación de una opereta al espantoso teatro de la guerra mundial». Esta brutal progresión tiene algún eco en la visión que Maurice Ravel tiene de La Valse como «una especie de apoteosis del vals vienés, que se funde en mi mente con la impresión de un movimiento giratorio a la vez fantástico y fatal».

TRACKLIST

Alfred Grünfeld Soirée de Vienne, Op. 56 (Paraphrase on Waltz Motives from Johann Strauss’ Die Fledermaus).
Leopold Godowsky Triakontameron: No. 11, Alt Wien.
Otto Schulhoff 3 Bearbeitungen nach Motiven von Johann Strauss, Op. 9: No. 2, Pizzicato- Polka.
Sergei Rachmaninoff Polka de W.R. (After Behr’s La rieuse, Op. 303).
Piotr Ilyich Tchaikovsky 6 Pieces, Op. 51: No. 6, Valse sentimentale.
Piotr Ilyich Tchaikovsky Valse-Scherzo, Op.7.
Fritz Kreisler 3 Alt-Wiener Tanzweisen: No. 2, Liebesleid (Arr. Rachmaninoff for Piano).
Franz Schubert An die Musik, Op. 88 No. 4, D. 547 (Arr. Pontier for Piano).
Franz Schubert 12 Waltzes, Op. 18, D. 145: No. 6 in B Minor.
Franz Schubert Waltz in G-Flat Major, D. Anh. I/14 «Kupelwieser-Walzer».
Adolf Schulz-Evler Arabesken über «An der schönen blauen Donau» (After Johann Strauss’ Op. 314).
Franz Liszt 4 Valses oubliées, S. 215: No. 2 in A-Flat Major.
Gustav Mahler Symphony No. 5 in C-Sharp Minor: IV. Adagietto (Arr. Pontier for Piano).
Arnold Schönberg 6 Kleine Klavierstücke, Op. 19: No. 6, Sehr langsam.
Maurice Ravel La Valse, M. 72.

El trigésimo aniversario del Auditorio de Zaragoza va a ofrecer el mejor cartel posible para los amantes de la música clásica, con un atractivo desfile de buena parte de los referentes mundiales dentro de la música clásica. El Ayuntamiento de Zaragoza, en su apuesta continuada por ofrecer cultura de calidad, ha programado una Temporada de Grandes Conciertos histórica, en un gran esfuerzo que va a multiplicar la repercusión internacional de esta efeméride.

La Sala Mozart, de reconocido prestigio internacional, ha presentado sobre sus escenarios en estas tres décadas a las figuras de la música clásica más importantes del mundo, así como artistas de otras muchas disciplinas. Esta tarde se ha presentado la programación completa con un total de 17 conciertos, uno de ellos fuera de abono, que se celebrarán desde el 2 de octubre de 2024 y hasta el 20 de junio de 2025.

En esta temporada tan especial actuarán importantes orquestas internacionales, nacionales y locales, así como reconocidos violinistas, pianistas y directores; entre los que destacan actuaciones tan relevantes como la de la reconocida Filarmónica de Viena, las orquestas suizas Tonhalle de Zurich y la Orchestre de la Suisse Romande (con Midori como solista al violín), la gala 50 aniversario de los Los 12 chelistas de la Filarmónica de Berlín, o las actuaciones de dos grandes solistas como son el afamado pianista chino Lang Lang y el violinista Maxim Vengerov. Además, actuará por primera vez en Zaragoza la pianista italiana más talentosa del momento, Beatrice Rana, junto a la Orquesta Filarmónica de Radio Francia.

Igualmente, la programación contará con las actuaciones internacionales de la Filarmónica de Helsinki, la Orquesta Sinfónica de Radio Colonia, la Filarmonica della Scala (Milán), la Philharmonía Orchestra (Londres) o la Orquesta Sinfónica de Viena. La nota nacional la pondrán el Orfeón Donostiarra, ADDA Sinfónica Alicante, Los Músicos de su Alteza, Joven Orquesta Nacional de España, Al Ayre Español.

La programación culminará con el Réquiem de Verdi interpretado por la Orquesta Reino de Aragón y el coro Amici Musicae y solistas. En el acto de presentación, celebrado hoy en el Auditorio, la alcaldesa de Zaragoza Natalia Chueca ha expresado su compromiso por “seguir haciendo atractiva la ciudad y este equipamiento a los más virtuosos músicos del planeta, como ha venido sucediendo en estas tres décadas. Este aniversario marca un hito para darle todavía una notoriedad mayor a nivel internacional a nuestro Auditorio y que esperamos que sirva como acicate para mostrar el potencial cultural de Zaragoza, donde la aspiración siempre es alcanzar la excelencia”.

Durante el acto se ha dado a conocer también la imagen de esta nueva temporada, realizada por Jorge Gay para conmemorar el 30 aniversario de este espacio e inspirada en la intervención artística que él mismo realizó en 1993 en el techo de la sala de Protocolo del Auditorio y cuyo título fue “La vida, música I” y “La vida, música II”. Miguel Ángel Tapia, director del Auditorio desde su inauguración, ha asegurado que este espacio “se ha convertido en un referente de la cultura musical y en concreto de la música clásica de todo el mundo gracias a que todos los equipos de Gobierno han sabido ver el potencial y apoyar su programación para que llegara a ser una cita obligada en las giras de las mejores orquestas del planeta”. Tanto es así que los directores de orquesta más prestigiosos han reconocido públicamente este lugar como el de mejor acústica a nivel mundial. “Ricardo Muti afirmó en su primera visita a Zaragoza que la Sala Mozart del Auditorio sería el instrumento que él como director se llevaría para todos sus conciertos en el mundo”, ha contado Tapia. El director del Auditorio ha querido recordar en esta efeméride a José Manuel Pérez Latorre, arquitecto del edificio recientemente malogrado.

CONCIERTO EXTRAORDINARIO

Aunque la Temporada de Grandes Conciertos comenzaba tradicionalmente después de las Fiestas del Pilar, este año de manera excepcional y para hacer coincidir al máximo la efeméride (se inauguró el 5 de octubre de 1994), el inicio de la programación será el 2 de octubre con el Concierto Extraordinario del 30 Aniversario del Auditorio, donde el público podrá disfrutar de la presencia de la Filarmónica de Viena, que visita Zaragoza por segunda vez en la historia de la Sala Mozart. La orquesta más reconocida del mundo, entre otros méritos por su Concierto de Año Nuevo en Viena, interpretará un programa íntegramente ruso del siglo XX que presentará la obra Apollon Musagète de Stravinsky por primera vez en el Auditorio.

Dirigida por Daniele Gatti, es la agrupación musical más estrechamente vinculada a la historia y tradición de la música clásica europea. Incluso hoy en día los más prestigiosos solistas y directores hacen referencia al incomparable “sonido vienés” como destacada cualidad que la distingue de otras orquestas. Reconocida como una de las mejores orquestas del mundo, ofrece aproximadamente 40 conciertos al año en Viena, entre ellos el Concierto de Año Nuevo y el Concierto Nocturno de Verano de Schönbrunn, emitidos en todo el mundo.

El 31 de octubre actuará la Orquesta de Tonhalle-Orchester Zürich, con su director Paavo Järvi y la violinista georgiana Lisa Batiashvili, una de las solistas con más renombre del mundo y que interpretará el concierto para violín número 2 de Prokofiev con un Guarneri de 1739. La pasión de esta orquesta desde su fundación por músicos de Zúrich en 1868 es interpretar música clásica desde Mozart hasta Messiaen. Cuando la dirige su director titular se genera una energía especial, ya que cada concierto es una experiencia única. Junto con su público, la orquesta mantiene una viva curiosidad por obras maestras desconocidas y nuevas obras de encargo.

Otros de los conciertos más destacados de esta temporada será el de la Orquesta Filarmónica de Helsinki, el 12 de noviembre. Se trata de una de las formaciones con más predicamento entre las orquestas nórdicas e interpretará un programa finlandés muy popular, con obras de Rachmaninoff y Sibelius. Dirigida por el mejor director finlandés del momento, Jukka-Pekka Saraste, y con el argentino Nelson Goernet al piano, es una de las orquestas sinfónicas profesionales más antiguas de los países nórdicos. Se fundó en 1882 y pasó a ser administrada por la ciudad de Helsinki en 1914. Durante sus 140 años de funcionamiento, la orquesta ha realizado más de 100 exitosas giras por el extranjero. La primera, en el año 1900, tuvo como destino la Exposición Universal de París, y desde entonces la Filarmónica de Helsinki ha realizado giras por todos los continentes.

El Orfeón Donostiarra junto a Adda Simfònica Alicante vuelven a Zaragoza esta temporada tras el concierto memorable del 2023 cuando apostaron por la 9ª sinfonía de Beethoven. Este año será un concierto Fuera de Abono el 3 de diciembre, con la reconocida Carmina Burana de Carl Orff. Se trata de una alianza exitosa entre ambas formaciones que recalará también en el Auditorio Nacional de Madrid y al Palau de la Música de Barcelona. La unión estará dirigida por José Antonio Sáinz Alfaro y Josep Vicent.

Orfeón Donostiarra es una de las más importantes agrupaciones corales de Europa. Su repertorio abarca un centenar de obras sinfónico-corales, más de 50 títulos de ópera y zarzuela y gran número de obras de folklore y polifonía. Entre los numerosos galardones obtenidos, destacan el Premio Nacional de la Música en 1941; la Medalla de Oro de Bellas Artes del Ministerio de Educación y Ciencia (1975); el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (1984); la Medalla de Oro de Guipúzcoa (1985); y en 1997 Vasco Universal, entre otros.

La Adda Simfònica Alicante Orquesta es residente del Auditorio de la Diputación de Alicante y se ha convertido en una parte importante de la vida musical valenciana y debutó internacionalmente en 2022 con un aclamado doble concierto en Berlín. Ha sido nominada al Grammy Latino 2023 y a los Grammy Awards americanos con Josep Vicent por ‘Ritmo. Chick Corea Symphony Tribute’.

El 4 de diciembre, el virtuoso violinista ruso Maxim Vengerov actuará en la Sala Mozart acompañado de Roustem Saïtkoulov al piano. Nacido en 1974, comenzó su carrera a los cinco años y ganó los concursos internacionales Wieniawski y Carl Flesch, a los 10 y 15 años, respectivamente. Estudió con Galina Tourchaninova y Zakhar Bron; realizó su primera grabación a los 10 y siguió grabando para Melodia, Teldec, Deutsche Gramophone y Warner, obteniendo, entre otros, premios Grammy y Gramophone a Mejor Artista del Año. Vengerov toca un violín construido por Antonio Stradivarius el «Kreutzer» de 1727.

El 17 diciembre, la sala Mozart del Auditorio acogerá la primera actuación de los grupos residentes incluidos en esta programación: Los Músicos de Su Alteza y el Coro Amici Musicae con la interpretación de un programa íntegro de J. S. Bach (cantatas y conciertos). Como director artístico estará Luis Antonio González junto a Igor Tantos, director del coro. Los Músicos de su Alteza, fundado en 1992, llevan a sus espaldas centenares de actuaciones, conciertos, grabaciones, publicaciones científicas, cursos y conferencias tanto en Europa como en América y los convierten en un grupo de referencia en la recuperación e interpretación de la música barroca. En sus más de 25 años de vida han rescatado de archivos españoles y americanos una buena parte del rico patrimonio musical hispánico de los siglos XVII y XVIII.

Amici Musicae es un coro amateur creado en 1989 en la Escuela Municipal de Música de Zaragoza por el que fue su director hasta 2013, Andrés Ibiricu. El Auditorio de Zaragoza le ha dado estabilidad y proyección desde su inauguración hace 30 años, siendo desde sus inicios coro del Auditorio y desde 2017 grupo residente. En 2002 se creó el coro infantil y posteriormente el de iniciación. Algunas de las orquestas con las que ha colaborado son la Orquesta Sinfónica de Hamburgo, Orquesta Filarmónica de Israel, Orquesta Sinfónica del Teatro Mariinsky de San Petersburgo, Orquesta de RTVE, Orquesta de Cadaqués, Joven Orquesta Nacional de España, Orquesta de la Radio de Rumanía, Orquesta del ADDA de Alicante, así como con el resto de agrupaciones residentes del Auditorio de Zaragoza (WOZ, Orquesta Sinfónica Ciudad de Zaragoza, Orquesta Reino de Aragón, Grupo Enigma, Los Músicos de Su Alteza).

El 17 de enero del 2025 será el turno de la Joven Orquesta Nacional de España, bajo la dirección de Vasily Petrenko (director musical de la Royal Philharmonic Orchestra). La Joven Orquesta Nacional de España (JONDE), perteneciente al Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM, Ministerio de Cultura), fue creada en 1983 con el propósito de formar al más alto nivel a músicos españoles en la etapa previa al ejercicio de su profesión. Su objetivo prioritario es el perfeccionamiento profesional y artístico de sus músicos a través del estudio y la práctica del repertorio universal sinfónico y de cámara, por medio de la celebración de varios encuentros anuales, uno de ellos celebrado desde hace 20 años siempre en Zaragoza durante el mes de enero.

El 3 de febrero se celebrará al Gala 50 aniversario de Los 12 Chelistas de la Filarmónica de Berlín. Se trata de un ensamble ejemplar en el que cada integrante, da siempre lo mejor de sí para hacer justicia a la música y al enorme prestigio del legendario conjunto filarmónico al que pertenecen. Este concierto tan especial incluye en su programa obras de compositores tan dispares como Klengel, Blacher, Williams, Giraud Piazzolla o Paul McCartney, entre otros.

El 12 de febrero será el turno de la Orchestre de la Suisse Romande, bajo la dirección de Jonathan Nott cuyo concierto cerrará la violinista japonesa Midori interpretando el concierto para violín en re menor de Sibelius con un Guarnerius del Gesú “ex-Huberman” de 1734. Fundada en 1918 por Ernest Ansermet, quien fue su director titular hasta 1967, está formada por 112 músicos permanentes. Bajo el liderazgo de Nott, la OSR ha contribuido activamente a la historia de la música, a través del descubrimiento y apoyo a compositores contemporáneos. Ha estrenado, entre otras, obras de Stravinski, Milhaud, Honegger, Martin, Marescotti, Britten, Lutosławski, Holliger, Blank, Eötvös, MacMillan, Dusapin y Jarrell, y promovido, como una de sus principales misiones, la interpretación de nueva música sinfónica, especialmente de compositores suizos.

El 25 de febrero actuará en la Sala Mozart del Auditorio la Orquesta Sinfónica de Radio Colonia. Dirigida por el colombiano Andrés Orozco-Estrada y con el violonchelista español más reputado del momento, Pablo Ferrández, interpretarán un programa muy clásico con obras de Beethoven, Schuman y la Sinfonía número 1 de Brahms. La Orquesta Sinfónica de la WDR, con sede en la Kölner Philharmonie, es considerada una de las mejores orquestas de Alemania. El objetivo de la Orquesta Sinfónica WDR es hacer accesible la música clásica a un amplio público. Sus conciertos se retransmiten por televisión, radio y en directo, y están disponibles en formato digital.

El 3 de marzo, la Filarmónica Della Scala, dirigida en la actualidad por Riccardo Chailly, se subirá al escenario para presentar todo su potencial como una de las tres grandes orquestas de foso del mundo. Lo hará junto al auténtico embajador del violonchelo del siglo XXI, Gautier Capuçon. La formación fue fundada por los músicos de la Ópera de la Scala y Claudio Abbado en 1982 con el objetivo de desarrollar el repertorio sinfónico. Carlo Maria Giulini fue su primer director y dirigió las primeras giras internacionales, pero fue Riccardo Muti, director titular de 1987 a 2005, quien promovió su crecimiento artístico y lo convirtió en invitado habitual de las más prestigiosas salas de conciertos internacionales.

El 24 de marzo Al Ayre Español interpretará un Homenaje a Alessandro Scarlatti en el 300 aniversario de su muerte en Nápoles. Al Ayre Español fue fundado en el año 1988 por Eduardo López Banzo (actual director) con el propósito de hacer frente a los tópicos que en aquel entonces rodeaban las interpretaciones de la música barroca española e insuflar una nueva vida a las músicas del pasado, para así ofrecerlas al público contemporáneo. Es desde hace 16 años una de las orquestas residentes del Auditorio de Zaragoza y ha sido reconocida con el Premio Nacional de Música 2004 otorgado por el Gobierno de España.

Otra de las actuaciones relevantes del programa será el 1 de abril con la Philarmonía Orchestra (Londres), dirigida por el percusionista finlandés Santtu-Matías Rouvali y con el pianista español más internacional, Javier Perianes, que interpretará el Concierto para piano núm. 5 “El Egipcio” de Saint- Saëns, una de las obras favoritas de Pilar Bayona. La formación, fundada en 1945, ha colaborado con los más destacados músicos del siglo XX y XXI. Su excelente reputación internacional deriva, en parte, de su extraordinario legado discográfico, que en los últimos diez años se ha basado en su trabajo pionero con tecnología digital, introduciendo al oyente en el corazón de la orquesta con realidad virtual.

Quizá la interpretación solista más esperada de todo el ciclo llegará el 29 de abril con la vuelta a la Sala Mozart del pianista chino Lang Lang, la figura más destacada de la música clásica actual. De hecho, tal es su fama que es anunciado por el New York Times como “el artista más popular del planeta”. Su último concierto en Zaragoza estaba programado para marzo de 2020 y tuvo que ser aplazado por la pandemia del coronavirus. Interpretará un programa con obras de Fauré, Schumann y Chopin.

El 6 de mayo será el turno de la Orquesta Filarmónica de Radio Francia que traerá a Zaragoza por primera vez a la pianista italiana más talentosa del momento, Beatrice Rana, quien ha despertado interés y admiración por parte del mundo de la música clásica, empresarios, directores, críticos y público. Interpretará la obra por excelencia para su instrumento, el Concierto para piano en Si bemol menor de Tchaikovsky. Mikko Franck es el director musical de la orquesta cuyo origen es la Orchestre Radio-Symphonique formada en junio de 1937 y que, tras sucesivos cambios, fue renombrada Orquesta Filarmónica de Radio Francia en 1989.

Tras haber disfrutado de la Filarmónica de Viena, llegará el turno el 6 de junio de la Sinfónica de Viena dirigida por Petr Popelka con Renard Capuçon al violín. El nacimiento de la orquesta en 1900 coincide con el viento fresco del modernismo vienés y que obligó a la formación a enfrentarse a los retos del siglo XX con confianza y visión, siendo la primera orquesta que presentó todas las sinfonías de Beethoven en la capital austriaca. Ese espíritu pionero, sin embargo, también es evidente en el hecho de que la Sinfónica de Viena se convirtió en muy poco tiempo en una de las orquestas europeas más importantes para el estreno de nuevas obras.

La temporada se cerrará el 20 de junio poniendo en valor el trabajo de la Orquesta Reino de Aragón, residente del Auditorio desde 2017. Esta actuación, que pone el broche de oro a una de las mejores temporadas de la historia del Auditorio, demuestra que la categoría de los músicos del Auditorio de Zaragoza está al nivel de una programación que incluye a los mejores intérpretes del mundo. Dirigidos por Ricardo Casero, interpretarán el Réquiem de Verdi junto al Coro Amici Musicae.

RENOVACIÓN DE ABONOS

Este año el plazo de renovación de abonos será desde el lunes 3 de junio hasta el domingo 9 de junio (ambos inclusive) en el vestíbulo de oficinas del Auditorio de 11 a 14 horas y de 17 a 20 horas. Para poder efectuar la renovación será imprescindible presentar el abono de la Temporada de Grandes Conciertos Octubre 2023- Junio 2024. La asignación de butacas será la misma que han disfrutado en la temporada anterior. La mejora de abonos será el lunes 10 de junio previa concertación de cita.

Igualmente, los nuevos abonos disponibles estarán a la venta el miércoles 12 y el jueves 13 de junio, únicamente en taquillas del Auditorio. Desde el viernes 14 de junio al domingo 1 de septiembre (ambos inclusive) los abonos se podrán adquirir en auditoriozaragoza.com. La venta en taquillas del Auditorio será del 12 al 30 de junio. Los abonos comprados vía web deberán canjearse por el abono físico en las taquillas del Auditorio, presentando el resguardo impreso de compra. El precio de los abonos de esta temporada de Grandes Conciertos 2024-2025 irá desde los 233 a los 827 euros, dependiendo de la zona elegida. Uno del total de los 17 conciertos (el de Orfeón Donostiarra/Adda Simfònica Alicante) es «fuera de abono», los abonados tendrán un descuento en el precio.

ABONOS DE MEDIA TEMPORADA

Se pondrá a la venta desde el martes 2 al domingo 8 de septiembre en las taquillas del Auditorio (de 11 a 14 horas y de 17 a 21 horas) y en auditoriozaragoza.com la modalidad de abonos de media temporada. El precio para estos abonos estará entre 142 y 510 euros.

ABONO A LA CARTA

Se ofrece la posibilidad de adquirir un abono de 6 conciertos a elegir entre los todos los conciertos de la temporada. Estarán a la venta a partir del martes 10 de septiembre en las taquillas del Auditorio (de 11 a 14 horas y de 17 a 21 horas), auditoriozaragoza.com y cajeros Ibercaja. El precio del abono a la carta es el coste total de las entradas de los conciertos elegidos con un descuento del 10 % sobre el mismo. Entradas a la venta desde el 10 de septiembre.

El Teatro Real y Fever, en su firme compromiso para divulgar y promocionar el arte flamenco dentro y fuera de nuestras fronteras, emprenderá en los próximos días su tercera gira de Authentic Flamenco, una propuesta que cuenta con los artistas más representativos de este arte universal, con la que visitará más de cincuenta ciudades de todo el mundo, en coproducción artística con SO-LA-NA.

Tras el éxito de las dos ediciones anteriores, y bajo la dirección artística de Amador Rojas, se han programado varios espectáculos en los que tendrán cabida todas las expresiones del arte flamenco. Encabezados por el propio Rojas, la gira contará con nombres como El Yiyo, Patricia Donn, Ángeles Gabaldón, Daniel Casares o Ricardo Fernández del Moral, entre otros.

Para Ignacio García-Belenguer, director general del Teatro Real, «Llevar un arte tan genuino y singular a lugares tan diferentes es un reto para el Teatro Real por su compromiso con el patrimonio cultural. Promover y desarrollar un proyecto tan ambicioso es un deber no sólo con las artes escénicas, sino también con el público de todo el mundo».

«Estamos muy contentos de continuar nuestra asociación con el Teatro Real, la Ópera Real de Madrid, y compartir la tradición del flamenco con el público de todo el mundo», asegura Santiago Santamaría, de Fever. «Como empresa con ADN español, estamos orgullosos de defender a estos artistas de increíble talento al tiempo que reforzamos nuestro compromiso de hacer que la cultura sea accesible para todos.»

Aurelio Solana, presidente de SO-LA-NA, describe Authentic Flamenco como “un emocionante avance en nuestro compromiso de difundir la auténtica esencia del flamenco a nivel mundial. Estoy encantado de seguir adelante con nuestra misión de cruzar fronteras culturales y explorar nuevos horizontes creativos para el arte flamenco».

Así es el tour de Authentic Flamenco

El recorrido de Authentic Flamenco contará con siete tramos diferentes, protagonizados cada uno por un cabeza de cartel y un elenco de artistas distintos, cuyos espectáculos en vivo tendrán una duración aproximada de una hora.

La primera parte del recorrido estará centrada en el norte del continente americano.

1 de junio al 3 de agosto

La primera parte del verano estará liderada por el bailaor y coreógrafo Amador Rojas, que ofrecerá el espectáculo Tu Flamenco, en ciudades como Nueva York, Philadelphia, Washington DC, Boston o Miami, acompañado por la también bailaora Nazaret Reyes; Rubén Campos, en la Guitarra; José Aser y Juan Carrasco ‘Juañarito’, en el cante, y Felipe Maya en la percusión y los coros.

A partir del mes de agosto, El Yiyo visitará Montreal, Ottawa, Toronto, Chicago, Dallas, Houston y Austin, con una propuesta muy personal, A mi aire, de la que es coreógrafo y que contará con la dirección musical de Miguel Fernández ‘Falete’. El elenco de artistas estará formado por Ainhoa Garrido Rodríguez, en el baile; Falete Perona, a la guitarra; Aaron Molina, en el cante, y Juan Amaya Amador, en la percusión y los coros.

Patricia Donn en concierto, estará presente en Los Ángeles, San Francisco Bay Area, Seattle, San Diego, Vancouver, San José y Sacramento durante los meses de junio y julio. Su espectáculo, dirigido y coreografiado por ella misma, tendrá en la dirección musical a José Giménez ‘El Viejín’ con Francisco Jiménez ‘Curro Jiménez’ y Jorge Castellanos, en la guitarra, y Gabriela Giménez y María López en el cante.

Authentic Flamenco en Asia y Oceanía.

17 de junio a 15 de julio

Doña Sevilla será la propuesta que llevará la bailaora Ángeles Gabaldón, encargada de la coreografía y la música, junto al bailaor Alejandro Rodríguez, Inma la Carbonera y María Antonio Granández, en el cante, y Rosa Escobar López, en la viola.

A finales de octubre, el arte flamenco se desplegará en Abu Dhabi y Dubai con una propuesta encabezada por Daniel Casares, que contará, entre otros, con la presencia de Manu Montes, en el baile; Julián Bedmar, en la guitarra; Manuel Peralta, en el cante; José Manuel Posada ‘Popo’, en el bajo, y Miguel Ortiz ‘Nene’, en la percusión.

Europa también es flamenca.

2 de septiembre al 3 de noviembre.

Entre los meses de septiembre y octubre, diferentes ciudades de Europa acogerán el espectáculo de Amador Rojas, Tu Flamenco, que volverá a contar sobre las tablas de escenarios de París, Bruselas, Londres, Amsterdam, Milán o Berlín, entre otras ciudad, con el elenco que le acompañó durante los primeros meses de Authentic Flamenco por diferentes estados americanos.

Authentic Flamenco pondrá fin a la gira en América del norte.

16 de septiembre al 24 de noviembre

Con la creación denominada Live Flamenco, Ricardo Fernández del Moral se encargará de encabezar el cartel con su guitarra y su cante; Juan Fernández será director de Coreografía y bailaor, y Manu Soto les acompañará en el cante y en el baile.

Acerca del Teatro Real

El Teatro Real, principal institución de las artes escénicas y musicales de España, ha desarrollado una incansable labor de difusión nacional e internacional del patrimonio operístico y cultural. Fundado en 1818 y reinaugurado en 1997 tras una rehabilitación y remodelación técnica y arquitectónica que dotó al Teatro de tecnología de vanguardia, el Real representa también el éxito de la participación de personas y entidades reconocidas cultural y socialmente. Su programación de excelencia y la calidad de su Coro y Orquesta titulares, le han aupado a los primeros puestos entre los teatros europeos. El Teatro Real tiene un papel muy activo en la difusión del flamenco, con una temporada regular de espectáculos en su Salón de Baile de Isabel II, denominado Flamenco Real, y las giras internacionales como Authentic Flamenco. En mayo de 2021, La Ópera Real de Madrid fue galardonada como Mejor Compañía de Ópera del Mundo en los International Opera Awards. www.teatroreal.es

Sobre Fever

Fever es la plataforma líder mundial en descubrimiento de entretenimiento que ayuda a millones de personas a disfrutar las mejores experiencias en sus ciudades desde 2014. Su misión es democratizar el acceso a la cultura y el entretenimiento en vivo. A través de su plataforma, Fever inspira a su comunidad a disfrutar de experiencias y eventos locales únicos, desde exhibiciones inmersivas, experiencias teatrales interactivas y festivales, hasta pop-up bars, a la vez que ayuda con datos y tecnología a productores y creadores de experiencias para que puedan mejorar y expandir sus experiencias alrededor del mundo.

Más información en https://feverup.com

Sobre SO-LA-NA

SO-LA-NA Entertainment, con más de 12 años de trayectoria, es el referente en la creación y producción de espectáculos exclusivos de gran calidad y autenticidad vinculados al arte flamenco. En 2011, inicia su andadura con el proyecto de internacionalización del Festival del Cante de Las Minas, y desde entonces, viene creando y produciendo espectáculos con la ambición de desarrollar oportunidades que trasciendan en las artes escénicas y para el arte flamenco en particular. Desde 2018 coproducimos con el Teatro Real la prestigiosa temporada de FLAMENCO REAL, y desde 2022, también su extensión internacional: AUTHENTIC FLAMENCO. En su compromiso esta la búsqueda de autenticidad e innovación, junto a la elegancia y la singularidad en la puesta en escena. Más información en: so-la-na.com

ITINERARIOS AUTHENTIC FLAMENCO

Amador Rojas, Tu Flamenco

Itinerario 1

Nueva York, United Palace, 1 de junio

Filadelfia, Independence Seaport Museum Theatre, del 7 al 9 y del 14 al 16 de junio

Charlotte, Dale F Halton Theater, del 21 al 22 de junio

Washington DC, The Howard Theatre, del 28 al 30 de junio

Boston, Regent Theatre, del 5 al 7 de julio

Tampa, Centro Asturiano de Tampa, del 12 al 13 de julio y el 27 de julio

Miami, Miami Theatre Center, del 19 al 21 de julio

El Yiyo, A mi aire

Montreal, The Rialto Theatre, del 6, 7, 13 y 14 de septiembre

Ottawa, Del 19 al 21 de septiembre

Toronto, The Royal Theatre & Metro Toronto Convention Center, del 27 al 29 de septiembre y 4 y 5 de octubre
Pittsburgh – Del 11 al 13 de octubre

Chicago, Athenaeum Center – Historic Main Stage, del 18 al 19 de octubre

Houston, AD Players, del 1 al 3 de noviembre

Patricia Donn en concierto

Itinerario 2:

Los Ángeles, Saban Theatre, 8 y 15 de junio

SF Bay Area, Brava Theatre Center, del 21 al 23 de junio

Seattle, Seattle Rep Theaters: Leo K Theatre, del 28 al 30 de junio

San Diego, Joan B Kroc Auditorium, del 5 al 7 de julio

Vancouver, The Clutch: The York Theatre, del 11 al 14 de julio

San José, California Theatre, del 20 al 21 de julio

Sacramento, The Sofia Tsakopoulos Center for the Arts, del 26 al 28 de julio

Ángeles Gabaldón, Doña Sevilla

Itinerario 3

Melbourne, The Capitol, del 21 al 23 de junio

Sídney, Everest Theatre Seymor Center, del 28 al 30 de junio

Brisbane, Judith Wright Arts Centre, del 5 al 7 de julio

Tokio, Kamijo Hall – In Japanese: 昭和大学上條記念館, del 14 al 15 de julio

Amador Rojas, Tu Flamenco

Itinerario 4

París, Théâtre du Mogador, del 6 al 7 de septiembre

Bruselas, Centre culturel d’auderghem, del 13 al 14 de septiembre

Lyon, La salle de spectacles la bourse du travail, del 20 al 21 de septiembre

Ámsterdam, RAI Theatre, el 6 de octubre

Milán, Auditorium San Fidele, del 18 al 20 de octubre

Berlín, Theater im Delphi, del 24 al 27 de octubre

Daniel Casares, El poder de lo sutil

Itinerario 5

Dubái, del 25 al 27 de octubre

Abu Dabi, del 1 al 3 de noviembre

Ricardo Fernández del Moral, Live Flamenco

Itinerario 6:

Edmonton, Triffo Theatre, del 19 al 22 de septiembre

Portland, Alberto Rose Theatre, del 26 al 29 de septiembre

Detroit, Redford Theatre, el 9 de noviembre

Indianápolis, The Basile Theatre At The Historic Athenaeum, del 21 al 24 de noviembre

Fotógrafía: © Danilo Moroni

La coreógrafa y bailarina Blanca Li dirige en Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid la primera ópera escrita por una mujer. La liberazione di Ruggiero dall’isola d’Alcina de Francesca Caccini se exhibirá los días 4, 5, 7, 8 y 9 de junio en la Sala Roja bajo la dirección musical de Aarón Zapico, al frente del conjunto instrumental y vocal Forma Antiqva y solistas de la orquesta del Teatro Real, que coproduce el montaje junto a Teatros del Canal. El reparto lo forman Vivica Genaux (Melissa), Lidia Vinyes-Curtis (Eurídice), Jone Martínez (Sirena, Mensajera, Dama triste), Alberto Robert (Ruggiero) y Francisco Fernández-Rueda (Nettuno, Astolfo, Pastor enamorado).

Este balletto in musica basado en los cantos 6 al 8 del poema épico Orlando furioso de Ariosto es también una de las primeras óperas en ser representadas fuera de Italia –más concretamente, en Polonia– tras su estreno en la corte de los Medici.

El libreto demanda un fastuoso surtido de efectos teatrales –hipogrifos, una embarcación construida con huesos de ballena, un monstruo marino alado y un ballet ecuestre– e incluye una variada gama de ritornelli, balletti, coros y tríos vocales femeninos, a la manera de los célebres concerti delle donne de las damas de Ferrara.

Personalidad clave en el nacimiento del género lírico –participó con solo trece años en el estreno de la Euridice de Peri, la ópera más antigua cuya música se haya conservado–, Caccini encarnó además a la hechicera Alcina en el estreno florentino de su obra, dando así prueba de sus múltiples talentos e inaugurando la ilustre nómina de óperas –de Rossi, Lully, Händel, Vivaldi y Haydn, entre otros muchos– basadas en la inspiradora obra de Ariosto.

Blanca Li

El espectáculo, cuya escena dirige Li, está acogido al sello Creación Canal y se exhibirá en italiano con sobretítulos en español. El estreno de este montaje sucede a la presentación en París de Notre Sacre, una versión dirigida por Li de La consagración de la primavera de Stravinski. La coreógrafa y bailarina española es directora del festival Madrid en Danza de la Comunidad de Madrid, asesora en esta disciplina de Teatros del Canal y acaba de ser nombrada presidenta de la Villette, un complejo cultural de primer orden en París. Directora entre 2019 y 2023 de Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid, la artista granadina ha coreografiado y dirigido ballets, óperas y musicales, entre ellos Les Indes Galantes en la Ópera de París, Shéhérazade para el ballet de la Ópera de París, Treemonisha en el Châtelet, El Quijote del Plata para el ballet nacional Sodre de Uruguay y, más recientemente, Pulcinella, para el Ballet Nacional de España. Ha dirigido tres largometrajes y numerosos cortometrajes, anuncios y vídeos musicales.

Para cine, música y moda, ha sido elegida coreógrafa por nombres como Pedro Almodóvar, Jean-Jacques Annaud o Michel Gondry, por Daft Punk, Paul McCartney, Beyoncé, Blur o Coldplay, y por Jean-Paul Gaultier, Azzedine Alaïa, CHANEL o Stella McCartney.

En 2019 fue elegida miembro de la Academia Francesa de Bellas Artes. Entre sus numerosos premios, fue nombrada Caballero de la Legión de Honor en Francia y recibió la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes en España.

Una de las últimas creaciones de su compañía –en 2021– Le Bal de Paris, un espectáculo inmersivo en vivo en realidad virtual, recibió el León a la Mejor Experiencia VR en el 78° Festival Internacional de Cine de Venecia. También creó un Cascanueces de hip hop para Suresnes Cités Danse en 2022 y montó una versión de Dido y Eneas con Les Arts Florissants en 2023. Este año ha creado un nuevo Dido y Eneas para 10 bailarines que comenzará su gira el próximo 7 de junio.

Forma Antiqva

El conjunto instrumental y vocal Forma Antiqva es el proyecto artístico en común de los hermanos Aarón, Daniel y Pablo Zapico. Creado en Langreo, Asturias, hace más de dos décadas, está considerado como uno de los más importantes e influyentes de la música clásica en España.

Con una formación variable que abarca del trío, con los mismos hermanos Zapico como solistas, a la orquesta barroca abordan de manera original y atrevida la práctica totalidad del repertorio de los siglos XVII y XVIII.

Son invitados con regularidad a salas de la importancia del Teatro Real, Teatro de la Zarzuela y Auditorio Nacional de Madrid, Palau de la Música de Barcelona y Teatro de la Maestranza de Sevilla, entre muchos otros escenarios.

Han inaugurado el Festival Jazzaldia de San Sebastián en la playa de La Concha, interpretado música en directo en la proyección de cine histórico y homenajeado a Martin Scorsese con música del seicento italiano para la Fundación Princesa de Asturias, entre muchas otras iniciativas.

Desde 2009 son artistas exclusivos de la discográfica alemana de culto Winter & Winter y sus registros están influenciados por el eclecticismo y apertura de miras del sello de Stefan Winter. De esta manera, el rigor más canónico de los trabajos dedicados a Steffani o Händel convive con los proyectos de Concerto Zapico y la búsqueda de un sonido propio, el estreno patrimonial de Vicente Baset, la música compuesta por Ernst Reijseger para ellos mismos o la mixtura con artistas como Uri Caine, Theo Bleckmann y Fumio Yasuda.

Aarón Zapico

Aarón Zapico es uno de los artistas más solicitados del panorama actual que durante los últimos veinte años ha contribuido de manera definitiva a la recuperación del patrimonio musical español y a la renovación del sector de la música clásica mediante la creación de osados e innovadores programas. Su presencia al frente de importantes orquestas sinfónicas y agrupaciones especializadas, entre las que destacan las de Granada, Castilla y León, Galicia, RTVE, Extremadura, Asturias, Almería, Oviedo o Málaga, es pareja a la dirección musical y artística de su conjunto Forma Antiqva, considerado como uno de los más prestigiosos e influyentes del país.

Actualmente su trabajo se centra en la dirección de ópera barroca y música orquestal, una nueva mirada al siglo XVIII español, el trabajo con grandes solistas e, incluso, frecuentes incursiones en la música contemporánea y proyectos transversales que aúnan diferentes disciplinas artísticas, como el teatro, el cine y la literatura. Es invitado con regularidad a salas de la importancia del Teatro Real, Teatro de la Zarzuela y Auditorio Nacional de Madrid, Palau de la Música de Barcelona, Teatro de la Maestranza de Sevilla, Teatro Campoamor de Oviedo, Palacio de Festivales de Santander o Teatro Arriaga de Bilbao.

Ha sido profesor en diferentes conservatorios superiores y docente invitado en universidades de España, México, Panamá, Costa Rica, Australia o Singapur. Su trayectoria ha sido merecedora de diversos premios y reconocimientos por parte de la prensa, radio y televisión; ayuntamientos, asociaciones de músicos y festivales o fundaciones culturales de todo el país.

El Teatro Real ofrecerá, entre los días 30 de mayo y 2 de junio, cinco funciones de uno de los grandes ballets del repertorio clásico, La bayadera, interpretado por el Ballet de la Ópera de Múnich / Bayerisches Staatsballett, actualmente bajo la dirección de Laurent Hilaire, con una de sus producciones más míticas, estrenada en 1998 y que no ha dejado de representarse desde entonces, con coreografía de Patrice Bart sobre el original de Marius Petipa.

El Ballet de la Ópera de Múnich / Bayerisches Staatsballett regresa al Real, 23 años después –inauguró la temporada 1999/2000 con un programa que incluía Giselle, en las primeras representaciones, y Onegin, en las últimas- y tras haberse visto obligado a cancelar su viaje a Madrid en 2020, debido a la pandemia, con La bayadere.

Para sacar adelante este proyecto, Bart realizó una meticulosa investigación, cargada de dificultades para acceder a las fuentes originales, que le permitió reconstruir el acto final y completar las partes que faltaban en la música y la coreografía. El resultado es una narración en la que predomina el carácter de cuento de hadas de la trama original y la fascinación por las narraciones exóticas del siglo XIX, estructurada en dos actos y seis escenas.

La creación de la escenografía y del vestuario son obra del diseñador japonés Tomio Mohri, que despliega su talento con elementos muy visuales y muestra su predilección por los gráficos del arte japonés en varias escenas, como en el famoso “Acto de sombras” o en el desfile de la fiesta de compromiso, resaltado por la delicada iluminación de Maurizio Montobbio.

La historia, inspirada en los dramas Sakúntalâ y La carretilla de arcilla, del poeta hindú Kalidasa, se desarrolla en una India imaginaria, cuya identidad geográfica no está definida con precisión, y presenta un drama que gira en torno a la bailarina del templo, Nikiya; su rival, Gamzati, hija del Rajá, y Solor, noble guerrero que es amado por ambas mujeres.

Con frecuencia, sobre todo en la actualidad, ha sido acusada de ser una representación tópica de la India con sus idealizadas prácticas religiosas y culturales, sustentada en esquemas colonialistas y en el esteriotipo de las bailarinas orientales. Por ejemplo, en la antigua India no había bailarinas de templo como danza decorativa o de entretenimiento, sino que eran mujeres que practicaban el arte de devadasi: realizaban prácticas rituales y sus danzas se ofrecían para venerar a la deidad. De la misma forma, su vínculo con el dios era matrimonial, lo que las impedía casarse con un mortal, como hacían el resto de las mujeres.

A pesar de todo, La bayadera, coreografía estrenada en San Petesburgo por el Ballet Imperial en 1877, es un hito en la historia del ballet, con una elevada dificultad técnica para los intérpretes – especialmente para la solista que encarna a Nikiya, cuyo personaje ofrece una marcada evolución a lo largo de la historia- y con la necesidad de un cuerpo de baile bien conformado y numeroso, que resuelva con solvencia las escenas corales.

Se alternarán en la interpretación de los papeles protagonistas Madison Young (30 de mayo y 1 de junio a las 17.00h), Lauretta Summerscales (31 de mayo y 2 de junio) y Ksenia Shevtsova (1 de junio a las 21.30h) como Nikiya; Osiel Gouneo (30 de mayo y 1 de junio a las 17:00h), Jinhao Zhang (31 de mayo y 2 de junio) y Julian MacKay (1 de junio a las 21.30 horas) en el papel del guerrero Solor, y Maria Baranova (30 de mayo y 1 junio a las 17:00 horas), Bianca Teixeira (31 de mayo y 2 de junio) y Carollina Bastos (1 de junio a las 21:30 horas) encarnando a Gamzatti. El rol de Ídolo dorado recaerá en António Casalinho (30 de mayo y 1 de junio a las 21:30 horas), Shale Wagman (31 de mayo y 2 de junio) y Ariel Merkuri (1 de junio a las 17.00 horas).

Las funciones en el Teatro Real contarán con la participación de la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Kevin Rhodes, para interpretar la partitura de Ludwig Minkus compositor de conocidos ballets como Paquita o Don Quijote, entre otros.

Fotografía: © Bayerisches Staatsballett

El 26 de mayo ha tenido lugar un nuevo concierto enmarcado en el ciclo Voces del Real, en esta ocasión protagonizado por Nina Stemme, que volvía al Teatro 14 años después de su inolvidable interpretación del papel titular de Salomé, de Richard Strauss, en 2010, con dirección musical de Jesús López Cobos y dirección de escena de Robert Carsen.

En esta ocasión, Nina Stemme, Isolda de referencia de los últimos 20 años -debutó el papel en el Festival de Glyndebourne en 2003-, ha interpretado su escena más trascendente, Liebestod (Muerte de amor), coincidiendo con su despedida de este personaje en escena, que interpretará por última vez en el Teatro Massimo de Palermo el próximo miércoles, 29 de mayo.

En la segunda parte del concierto, la gran soprano ha dado voz y alma a Brünnhilde -personaje totémico que ya no interpreta en escena- en la intensa, desgarradora y exigentísima escena final de El ocaso de los dioses, que culmina también la monumental tetralogía wagneriana El anillo del Nibelungo: Starke Scheite schichtet mir dort (Escena de la inmolación de Brünnhilde).

La Orquesta Titular del Teatro Real ha afrontado en solitario el Preludio de Tristán e Isolda y tres escenas de El ocaso de los dioses –Amanecer, El viaje de Sigfried por el Rin y Marcha fúnebre de Siegfried-, ópera que interpretó hace dos años, en enero de 2022, culminando con gran éxito la Tetralogía dirigida por Pablo Heras-Casado y Robert Carsen.

El Coro Titular del Teatro Real ha ofrecido una obra muy singular en el catálogo wagneriano, la cantata La cena de los Apóstoles (Das Liebesmahl der Apostel), para coro masculino y gran orquesta, que su director, José Luis Basso ya dirigió en el Maggio Musicale Fiorentino en 1997.

Cuando, en 1843, Wagner asumió la dirección musical de la corte real de Sajonia aceptó dirigir también el principal Festival de Canto de Dresde, que le encargó una obra para celebrar la festividad del Pentecostés por encargo de la Asociación Cultural de esa ciudad, a cuyo comité pertenecía, y que reunió a todos los coros masculinos del Estado, cerca de 1200 cantantes, para el estreno de la partitura, ese mismo año, en la iglesia de Nuestra Señora.

Wagner interrumpió brevemente la composición de Tannhäuser y escribió una partitura para 3 coros (cada uno con cuatro voces), un grupo de 12 apóstoles, un coro celestial y gran orquesta, sobre un pasaje de los Acontecimientos de Pentecostés en torno a la aparición del Espíritu Santo, que es resaltada por la irrupción de la orquesta después de los 16 minutos iniciales de la obra, en los que el coro canta únicamente a cappella.

El estreno de La cena de los Apóstoles tuvo un gran éxito y la obra permaneció en el repertorio de los coros masculinos alemanes, pero nunca logró imponerse en el resto del mundo, por el gran número de músicos y cantantes que requiere y también porque el propio Wagner nunca valoró la partitura, escrita para circunstancias muy específicas, al margen de gran corpus creativo de su producción.

El concierto ha contado con la dirección de Gustavo Gimeno, que será director musical del Teatro Real a partir de septiembre de 2025, y que ha estado al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, después de las aclamadas funciones de El ángel de fuego, de Sergéi Prokófiev, hace dos años.

PROGRAMA

PARTE I

Tristan und Isolde, WWV 90

Preludio

«Liebestod» (Muerte de amor)

Das Liebesmahl der Apostel, WWV 69 (La cena de los apóstoles)

PARTE II

Götterdämmerung, WWV 86D

«Morgendämmerung» (Amanecer)

«Siegfrieds Rheinfahrt» (El viaje de Sigfrido por el Rin)

«Siegfrieds Trauermarsch» (Marcha fúnebre de Siegfried)

«Starke Scheite schichtet mir dort» (Escena de la inmolación de Brünnhilde)

NINA STEMME, soprano

GUSTAVO GIMENO, director musical

JOSÉ LUIS BASSO, director del coro

CORO Y ORQUESTA TITULARES DEL TEATRO REAL

BIOGRAFÍAS

NINA STEMME, soprano

Premiada en el concurso internacional Operalia 1993, esta soprano sueca inició su carrera internacional con roles líricos como Pamina de Die Zauberflöte o la condesa de Le nozze di Figaro, antes de dar paso a Madama Butterfly, Tosca, la mariscala de Der Rosenkavalier o Senta de Der fliegende Holländer. Tras abordar su primera Isolde en el Festival de Glyndebourne de 2003, ha interpretado Brünnhilde, Kundry, Salome, Elektra y Turandot, en escenarios como la Metropolitan Opera House de Nueva York, el Teatro alla Scala de Milán, el Festival de Bayreuth, la Staatsoper de Viena o la Royal Opera House de Londres. Nombrada Cantante de la Corte Sueca, Kammersängerin en Baviera y Austria y Cantante del Año por la revista alemana Opernwelt en 2005 y 2012, ha sido galardonada con el Premio Abbiati en 2010 y el Premio Birgit Nilsson 2018, entre muchos otros. Recientemente ha incorporado los roles de la tintorera de Die Frau ohne Schatten en la Staatsoper de Viena y Kostelnička de Jenůfa en el Theater an der Wien. En el Teatro Real ha participado en Salome (2010).

GUSTAVO GIMENO, director musical

Este director de orquesta valenciano es director musical de la Orquesta Filarmónica de Luxemburgo desde 2015 y de la Orquesta Sinfónica de Toronto desde 2020, y asumirá el cargo de director musical del Teatro Real en la temporada 2025/26. Ha dirigido la Filarmónica de Berlín, la orquesta de la Radiodifusión Bávara, la Filarmónica de Múnich, la Gewandhaus de Leipzig, la Filarmónica de Londres, la Filarmónica de Los Ángeles, la Sinfónica de Boston, la Sinfónica de Chicago y la Orquesta de la Accademia Nazionale di Santa Cecilia y colaborado con artistas de la talla de Krystian Zimerman, Daniel Barenboim, Gautier Capuçon, Anja Harteros, Leonidas Kavakos, Bryn Terfel, Yuja Wang, Daniil Trifonov, Jean-Yves Thibaudet y Martin Grubinger, entre otros. Como director operístico, ha actuado en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona y la Opernhaus de Zúrich. Recientemente ha dirigido la Sinfonía nº3 de Mahler en el Auditorio Nacional de Madrid y Jenůfa en el Palau de Les Arts Reina Sofía de Valencia. En el Teatro Real ha dirigido El ángel de fuego (2022).

JOSÉ LUIS BASSO, director del coro

Este director de coro nacido en Buenos Aires y de nacionalidad italoargentina estudió piano, dirección coral y orquestal en su ciudad natal antes de dar sus primeros pasos profesionales en el Teatro Argentino de La Plata. En 1989 trabajó en el Teatro Colón de Buenos Aires y el Coro de la Asociación Wagneriana, hasta que en 1990 Romano Gandolfi lo eligió como asistente para el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, inaugurando con ello su carrera internacional. Ha sido director del coro del Teatro di San Carlo de Nápoles, del Maggio Musicale de Florencia (donde hizo Parsifal con Semyon Bychkov y Turandot con Zubin Mehta) y del Liceu de Barcelona. En 2014 fue nombrado director del coro de la Opéra National de París (participando en títulos como Moses und Aron, Don Carlo, Samson et Dalila y Die Meistersinger von Nürnberg) y en 2021 regresó al frente del Coro del Teatro di San Carlo de Nápoles. Ha recibido el Premio Ina Assitalia Galileo 2000 y colaborado con Renée Fleming en un disco galardonado en los Grammy Awards 2003. Desde 2023 es director del Coro Titular del Teatro Real.

El ciclo Notas del Ambigú del Teatro de la Zarzuela nuevamente acogerá, mañana martes 28 de mayo (20h00), un concierto dedicado a jóvenes compositores. El Cuarteto Iberia, integrado por los violinistas Marta Peño y Luis Rodríguez, la violista Aurora Rus y el violonchelista Arnold Rodríguez, asumirá, bajo el título ‘Música española contemporánea’, los estrenos absolutos de las cinco obras ganadoras del III Premio de Composición del Teatro de la Zarzuela.

El jurado destacó el “alto nivel” de todas las composiciones presentadas y acordó por unanimidad premiar las obras ‘Díptico para cuerdas’ de Juan Cubillas Bolado, ‘ADAŔA’ de Jon Esnaola Aguirre, ‘ZN’ de Francisco Sebastián Linares Garrido, ‘Paisaje de niebla’ de Joan Requena García y ‘Kairós’ de Miguel Álvarez Aniorte.

En esta edición del Premio participaron alumnos del Conservatorio Superior de Música “Eduardo Martínez Torner” de Oviedo, el Conservatorio Superior de Música “Joaquín Rodrigo” de Valencia, el Conservatorio Superior de Música “Manuel Castillo” de Sevilla, de “Musikene” Centro Superior de Música del País Vasco y del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.

Dicho jurado estuvo integrado por la compositora Teresa Catalán, Premio Nacional de Música 2017; la violinista del Cuarteto Iberia Marta Peño; el director musical del Teatro de la Zarzuela, José Miguel Pérez-Sierra; y por el director adjunto del Teatro, Miguel Galdón.

Al premio optaban alumnas y alumnos matriculados en la especialidad de Composición o de Sonología durante el curso académico 2023/2024 o los que hubieran obtenido el Título Superior de dicha disciplina en los dos últimos años académicos en alguno de los conservatorios mencionados.

El director de orquesta Manuel Busto regresa al repertorio lírico con La Traviata, la célebre ópera de Verdi inspirada en La Dama de las Camelias de Alexandre Dumas, que se representará los días 31 de mayo y 2 de junio en el Teatro Villamarta de Jerez de la Frontera, con la Orquesta de Córdoba en el foso. Busto, que hará un doble debut, al ser su primera vez al frente de la orquesta cordobesa y como director musical de una producción de ópera en la temporada del teatro jerezano, contará con un cast encabezado por la soprano Sabina Puértolas (Violetta Valéry), el tenor Antonio Gandía (Alfredo Germont), y el barítono José Antonio López (Giorgio Germont). La producción, que procede del propio Villamarta, lleva firma escénica de Francisco López, con escenografía y vestuario diseñados por Jesús Ruiz.

Manuel Busto está ligado al repertorio operístico italiano desde la época de su formación en la prestigiosa Accademia Chigiana de Siena con Gianluigi Gelmetti; repertorio en el que pudo profundizar al inicio de su carrera como director asistente de reconocidos especialistas como Maurizio Benini y Carlo Rizzi. “Verdi es uno de los compositores de la historia de la música, donde la teatralidad está más presente a todos los niveles en la partitura, en la propia vocalità, y en la cantidad de colores vocales sugeridos por el propio compositor”, afirma Busto, que ya dirigió anteriormente La Traviata en el Teatro Lirico Giuseppe Verdi de Trieste y en el Teatro de la Maestranza de Sevilla (en la mítica producción de David McVicar). “Verdi es uno de los compositores que más he dirigido en el ámbito operístico. Además, es uno de los compositores en los que me siento más reflejado por ese sentido discursivo de la teatralidad musical a la que me refería. Me inspira muchísimo su administración de los tiempos teatrales y el equilibro entre el compromiso con el mensaje artístico, así como el sentido de espectáculo en todas sus capas”, concluye.

Este nuevo debut se suma al extenso listado de orquestas sinfónicas de renombre nacional e internacional que Busto ha dirigido hasta la fecha, y entre las que destacan la Oviedo Filarmonía, la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, l’Orquestra de la Comunitat Valenciana, la Orquesta Ciudad de Granada, la Orquesta de la Comunidad de Madrid, la Taiwan National Symphony Orchestra o la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, entre otras.

Manuel Busto sigue también muy activo como compositor, actividad con la que recibió el reconocimiento de la Red Leonardo de la Fundación BBVA en la categoría de Música y Ópera, y en junio, su Invocación Bolera y Jauleña para el Ballet Nacional de España llegarán al Sadler’s Wells Theatre de Londres. Además, el próximo mes de julio, él mismo dirigirá la reposición de su ópera La Mujer Tigre en el festival Little Opera de Zamora, tras su exitoso estreno en Sevilla, como encargo del Teatro de la Maestranza y el Teatro Lope de Vega.

https://www.teatrovillamarta.es/evento-simple-villamarta/la-traviata-gverdi-2023-2

https://manuelbustoartist.com/

Con obras de Turina, Montsalvatge, Sorozábal, Guridi, Fernández Caballero, Luna, Penella o incluso de Delibes y Massenet.

Estarán acompañados al piano por Rubén Fernández Aguirre.

El tenor Ismael Jordi y la soprano Sara Blanch, acompañados al piano por Rubén Fernández Aguirre, ofrecerán este próximo domingo 26 de mayo (20h00) en el Teatro de la Zarzuela un recital dedicado a este género que da pleno sentido y esplendor al coliseo de la plazuela de Teresa Berganza.

Junto a la música de Pablo Sorozábal, Jesús Guridi, Manuel Fernández Caballero, Pablo Luna o Manuel Penella, podrán escucharse también composiciones de Joaquín Turina, Xavier Montsalvatge e incluso de Léo Delibes y Jules Massenet.

Romanzas y dúos de nuestro género lírico, canciones que dan alma a nuestro origen y tradición, y obras maestras que desde Francia llegan con la luz y los aires del sur de España; todo ello hará que el Teatro de la Zarzuela se muestre una vez más como el templo que es de esas melodías y ese espíritu que de forma mágica definen buena parte de nuestro ADN.

El Teatro de la Zarzuela presenta la Temporada 2024/2025, primera programada por su directora Isamay Benavente, con la intención manifiesta de continuar con la línea de trabajo que se ha realizado en los últimos años, pero también con el firme propósito de llevar a cabo iniciativas sólidas que amplíen de forma considerable el radio de acción artístico y social del histórico coliseo de la plazuela de Teresa Berganza.

De acuerdo con esto, la directora pone en valor sus intenciones, entre las que destaca “apostar por lo nuevo demostrando al mismo tiempo mi respeto al pasado, a la historia del género, a las gentes que lo hicieron crecer, a los directores que me han precedido, a las producciones maravillosas que se han convertido en símbolos de cómo debemos hacer las cosas”, y en esta labor considera crucial la colaboración; la coproducción con teatros nacionales, internacionales y con otras instituciones.

Y con estas terminantes señales como punto de partida, en la nueva temporada lírica destaca el viaje emocionante que propone por las formas diferentes del género, que incluye género chico (‘El bateo’, ‘La revoltosa’ o ‘La Gran Vía’), zarzuela grande (‘La del manojo de Rosas’ o ‘La tabernera del puerto’), ópera (‘Marina’, ‘Patagonia’ o ‘Domitila’), revista (‘La corte de Faraón’), o tonadilla (‘Cómicas’).

Precisamente este último espectáculo (dedicado a algunas de las artistas que en su momento –siglo XVIII– fueron únicas, transgresoras y valientes) definiría en sí mismo una de las líneas maestras que quiere trazar la gestora: la de dar la visibilidad merecida, necesaria y tantas veces y durante tanto tiempo obviada, a la mujer como artista y como creadora en busca de la igualdad de oportunidades y de la paridad artística.

Otro punto especialmente relevante en la propuesta de Isamay Benavente es el de crear lazos sólidos y estables con otros teatros y auditorios, no solo de España, sino también de América, con el fin de que un teatro público como es el de la Zarzuela cumpla con brío su función como tal, tendiendo la mano a todos los públicos y democratizando su oferta más allá de la zona geográfica que le corresponde. La directora apuesta de esta manera por un teatro plural en el sentido más amplio posible de este término equitativo y generoso.

Así, entre los platos fuertes de la temporada estará el ciclo Teatro Musical de Cámara, que llega en esta nueva temporada potenciado con más títulos y renovadas energías. A la habitual coproducción entre el Teatro de la Zarzuela y la Fundación Juan March, que este año precisamente tiende puentes con América a través de la ópera de cámara ‘Domitila’ de João Guilherme Ripper, en una nueva producción de estas dos instituciones y el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo de Bogotá, sumará también, ya en La Zarzuela, la ópera ‘Patagonia’ de Sebastián Errázuriz, una producción del Teatro Biobío y el Teatro del Lago de Chile que se alzó con el Premio Ópera XXI a la mejor producción latinoamericana 2023. En este ciclo también se incluirá el ya tradicional Proyecto Zarza –zarzuela hecha por jóvenes para jóvenes– que en esta ocasión traerá uno de los títulos de género chico más populares, como es ‘La Gran Vía’ de Federico Chueca y Joaquín Valverde, representado como es habitual por un grupo de jóvenes cantantes elegidos tras un proceso de audiciones y por primera vez en colaboración con la Joven Orquesta Nacional de España. Para cerrar este ciclo de Teatro Musical de Cámara, el público podrá disfrutar de un espectáculo muy necesario: ‘Cómicas’, nueva producción del Teatro.

Cuestión a tener muy en cuenta será también la enérgica apuesta por la danza, que incrementa su oferta hasta el doble de propuestas. Estarán presentes, cómo no, las dos compañías nacionales que tienen su sede en este teatro y que ofrecen a los aficionados un título por temporada. La Compañía Nacional de Danza repondrá la exitosa ‘La Sylphide’, y el Ballet Nacional de España, presentará ‘Afanador’, basado en las fotografías sobre Andalucía y el flamenco del colombiano Ruven Afanador, con idea y dirección del coreógrafo Marcos Morau, –Premio Nacional de Danza 2013 y Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia 2023–. Y el mencionado envite de la nueva dirección del teatro por la danza, llevará asimismo a su escenario ‘Nocturna’, tercera virtuosa colaboración de la coreógrafa y bailaora Rafaela Carrasco –Premio Nacional de Danza en 2023– y el dramaturgo Álvaro Tato, y ‘Comedia sin título’, sorprendente trabajo que ahonda en la obra en la que Federico García Lorca se afanaba cuando fue asesinado, que cuenta con la dirección artística de la bailaora cordobesa Úrsula López en un trabajo de investigación, creación y recuperación de bailes.

En los conciertos también varía el planteamiento, ya que están reunidos por diversas temáticas al margen del espacio del teatro donde se desarrollan. Habrá mucha zarzuela, canción popular y flamenco. Bajo esta idea, cuatro conciertos tienen el título de ‘Memoria y olvido’ como argumento de fondo, otros cuatro se ofrecen bajo el epígrafe ‘Tanto que celebrar’, cuatro más llevan como premisa el íntimo sello de ‘Voz y alma’, tres indagan en el valor de la conexión musical, cultural y social entre las dos orillas ligados por el lema ‘Cruzando el Atlántico’; y también habrá tiempo y lugar para la distensión y la picaresca con los dos espectáculos que acoge ‘Con nocturnidad y sin alevosía’ en esa hora canalla en la que la norma y los sentidos son diferentes a los diurnos.

Los proyectos pedagógicos ocuparán nuevamente un lugar privilegiado en la temporada 24/25 con la intención de llegar a todas las franjas de edad; desde la infancia más temprana hasta los últimos años de adolescencia. Para ello, a las ya mencionadas ‘La Gran Vía’ del Proyecto Zarza o ‘Domitila’, se sumarán la reposición de la elogiada producción de marionetas y máscaras ‘La increíble historia de Juan Latino’ de la compañía Claroscvro y el nuevo y sugestivo proyecto ‘Zarzuelita, zarzuela para bebés’, que trata de incluir las melodías de nuestra música en la educación y los juegos de los más pequeños. Una idea de abrazar a todas las edades, fomentando los derechos culturales de los niños.

Otra de las joyas indiscutibles volverá a ser el Ciclo de Lied que el Teatro de la Zarzuela lleva a cabo junto con el Centro Nacional de Difusión Musical, que cumplirá su trigésimo primera temporada con artistas internacionales de primer nivel, especialistas en el género del lied y la canción europea.

Una temporada de grandes artistas

La temporada 24/25 del Teatro de la zarzuela se caracterizará también por la presencia en ella de grandes artistas. De esta manera, tendremos a directores musicales como José Miguel Pérez-Sierra –titular del Teatro–, Alondra de la Parra –nueva responsable de la Orquesta de la Comunidad de Madrid, Titular del Teatro–, Óliver Díaz, Sebastián Errazuriz –que dirigirá su propia composición ‘Patagonia’–, Carlos Aragón, Aarón Zapico, Álvaro Albiach, Lara Diloy o Julio César Picos; a directores de escena como Bárbara Lluch, Emilio Sagi, Mario Gas, Juan Echanove, Enrique Viana, Nicola Belle Carbone, Marcelo Lombardero o Pepa Gamboa; y a cantantes de la talla de Ismael Jordi, Sabina Puértolas, Juan Jesús Rodríguez, Celso Albelo, Marina Monzó, José Bros, Pietro Spagnoli, Rubén Amoretti, José Manuel Zapata, Vanessa Goikoetxea, Beatriz Díaz, Manel Esteve, David Menéndez, Gerardo López, Ángeles Blancas, Alejandro Roy, Milagros Martín, María Rey-Joly, Enrique Viana, Luis Cansino, Jorge Rodríguez Norton, Gerardo Bullón, Javier Franco, Berna Perles, Sofía Esparza, María Hinojosa, Leonor Bonilla, Serena Sáenz, Ángel Odena, César San Martín, Simón Orfila, Linda Mirabal, Joel Prieto, Mariola Cantarero, Sonia de Munck o Maribel Ortega.

ABONOS Y LOCALIDADES

Renovación de abonos

El periodo de renovación de los abonos es del 24 de mayo al 7 de junio de 2024, ambos inclusive. Renovación de abonos del Ciclo de Lied del 4 al 22 de junio de 2024

La renovación podrá hacerse en las taquillas del Teatro de la Zarzuela, en venta telefónica (902 224 949 / 910 883 278) y a través de internet en entradasinaem.es.

Venta libre de abonos

La venta libre de abonos es del 11 al 28 de junio de 2024, ambos inclusive (excepto el abono del XXXI Ciclo de Lied). Se podrán adquirir en las taquillas del Teatro de la Zarzuela, en venta telefónica (902 224 949 / 910 883 278) y a través de internet en entradasinaem.es.

Nuevos abonos del Ciclo de Lied del 26 de junio al 10 de septiembre de 2024

Atención al abonado del Teatro de la Zarzuela abonostaquillas.tz@inaem.cultura.gob.es

Teléfono: 913 605 165

Venta preferente de localidades

Los abonados del Teatro de la Zarzuela tendrán venta preferente de localidades los días 1, 2 y 3 de julio de 2024.

Venta libre de localidades

La venta libre de localidades comienza el 4 de julio de 2024.

La venta libre de localidades del XXXI Ciclo de Lied comienza el 12 de septiembre de 2024.

Se podrán adquirir en todas las taquillas de la Red de Teatros del INAEM (Teatro de la Zarzuela, Auditorio Nacional de Música, Teatro María Guerrero, Compañía Nacional de Teatro Clásico y Teatro Valle-Inclán), en venta telefónica (902 224 949 / 910 883 278 ) y a través de internet en entradasinaem.es.

El prestigioso conjunto checo de Václav Luks, Collegium 1704 y su coro, será el encargado de ofrecer esta tragedia lírica
Por primera vez se presentará en el CNDM esta obra del compositor francés, con grandes voces especializadas como son las sopranos Deborah Cachet y Caroline Weynants, y el tenor Philippe Talbot como protagonistas
La representación, en versión concierto, tendrá lugar el domingo 26 de mayo a las 18:00h en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música

Llega a Madrid Les Boréades de Jean-Philippe Rameau, la última tragedia lírica del gran compositor francés, bajo la dirección de Václav Luks. Las agrupaciones Collegium 1704 y Collegium Vocale 1704 serán las encargadas de descubrir al público la riqueza tímbrica de la obra y su sorprendente orquestación. La ópera, en versión de concierto, contará con la presencia de grandes voces especializadas en el período Barroco, como son las sopranos Deborah Cachet y Caroline Weynants, o el tenor Philippe Talbot, entre otras. La cita tendrá lugar el domingo 26 de mayo a las 18:00h en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música en el marco del ciclo Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM).

Jean-Philippe Rameau es uno de los compositores franceses más influyes del Barroco. Se inició en el género lírico en un momento de su carrera profesional en el que ya era considerado una figura musical muy consolidada por sus tratados musicales y sus obras para tecla. A partir de 1730 se atrevió a desafiar el panorama operístico del momento y puso en marcha grandes innovaciones armónicas de la música escénica. Les Boréades, también conocida como Los descendientes de Boreas, supone una oportunidad para que el público aprecie esta habilidad creativa.

Esta ópera es la quinta y última tragedia musical del compositor. La música de Les Boréades, que presenta bellas arias y ricos pasajes orquestales, es el resultado del estilo refinado y virtuosístico de Rameau mezclado con elementos heredados de sus predecesores, a los que estudió detenidamente. La ópera sumergirá al público en una trama de enredos y pasiones amorosas que suceden en la exótica región de Bactriana, Asia, en torno a la joven reina Alfisa, que debe elegir un esposo.

Fundados por el clavecinista y director Václav Luks, la orquesta de Praga Collegium 1704 y su conjunto vocal Collegium Vocale 1704 son dos de las agrupaciones internacionales más prestigiosas en la interpretación de obras del periodo Barroco. En esta ocasión, acudirán al CNDM junto a un elenco protagonizado por Deborah Cachet y Caroline Weynants, dos de las sopranos más reclamadas en el panorama actual, y el tenor Philippe Talbot. Junto a ellos acudirán el tenor Sébastien Droy, los barítonos Tomáš Král y Lukáš Zeman, el bajo Tomáš Šelc, el bajo-barítono Christian Immler y las sopranos Helena Hozová, Pavla Radostová y Tereza Zimková.

“Contextos Barrocos”: Una hora antes del concierto, a las 17:00h, tendrá lugar el encuentro sobre L es Boréades en los “Contextos Barrocos” del CNDM, sesiones de cuarenta y cinco minutos, de acceso libre para el público que ha adquirido la entrada al espectáculo, que permiten profundizar en el programa, su historia y los intérpretes.

Collegium 1704 y Collegium Vocale 1704

La orquesta barroca de Praga Collegium 1704 y el conjunto vocal Collegium Vocale 1704 fueron fundados por el clavecinista y director Václav Luks en 2005 con motivo del proyecto Bach-Praga-2005 y, desde entonces, forman parte del Festival de Primavera de Praga. Desde 2007, Collegium 1704 se ha convertido en un invitado habitual en festivales de toda Europa. En 2008, se creó una serie de conciertos, Music Bridge Prague-Dresden, que renovaba los enlaces culturales entre las dos ciudades. Colaboraciones con solistas como Magdalena Kožená, Vivica Genaux y Bejun Mehta dieron paso, en 2012, a una segunda serie de conciertos: Collegium 1704 en el Rudolfinum. A partir 2015, las dos series se fusionaron en una sola temporada en Praga y Dresde. El éxito internacional se consolidó con espectáculos como Rinaldo de Haendel, L’Olimpiade de Mysliveček, nominada al Premio Internacional de Ópera, y la recuperación de Arsilda, regina di Ponto de Antonio Vivaldi. Los conciertos incluyen actuaciones en el Festival de Salzburgo, la Filarmónica de Berlín, el Wigmore Hall de Londres, el Theater an der Wien, la Konzerthaus de Viena, el Festival de Lucerna, el Palacio de Bellas Artes de Bruselas, el Festival Chopin de Varsovia, el Wratislavia Cantans, una residencia en el Festival Oude Muziek de Utrecht y el Bachfest de Leipzig. En 2014, Collegium 1704 y Václav Luks, junto con Bejun Mehta, registraron Orfeo ed Euridice de Gluck y un documental de la BBC titulado Mozart en Praga con Ronaldo Villazón. Sus grabaciones han sido galardonadas con el Diapason d’Or, CD del mes, Editor’s Choice y una nominación a los Premios Gramophone de Gramophone Magazine. Las de la Missa Divi Xaverii o las de Sonatas, ambas de Zelenka, han obtenido el Diapason d’Or.

El próximo domingo, 26 de mayo, a las 19.30 horas, tendrá lugar el último concierto del ciclo Voces del Real, con la soprano Nina Stemme y el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, dedicado íntegramente a Richard Wagner.

Nina Stemme interpretará escenas de Tristán e Isolda y de El ocaso de los dioses, y el Coro Titular del Teatro Real, preparado por su director, José Luis Basso, ofrecerá la cantata La cena de los Apóstoles (Das Liebesmahl der Apostel), obra singular en el catálogo wagneriano, muy raramente interpretada.

La dirección musical será de Gustavo Gimeno, que volverá a dirigir al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real después de su gran éxito en las funciones de El ángel de fuego, de Sergéi Prokófiev, en 2022.

El próximo domingo, 26 de mayo, tendrá lugar un nuevo concierto enmarcado en el ciclo Voces del Real, en esta ocasión protagonizado por Nina Stemme, que vuelve al Teatro 14 años después de su inolvidable interpretación del papel titular de Salomé, de Richard Strauss, en 2010, con dirección musical de Jesús López Cobos y dirección de escena de Robert Carsen.

En esta ocasión, Nina Stemme, Isolda de referencia de los últimos 20 años -debutó el papel en el Festival de Glyndebourne en 2003-, interpretará en Madrid su escena más trascendente, Liebestod (Muerte de amor), coincidiendo con su despedida de este personaje en escena, que interpretará por última vez en el Teatro Massimo de Palermo el próximo miércoles, 29 de mayo.

En la segunda parte del concierto, la gran soprano sueca dará voz y alma a Brünnhilde -personaje totémico que ya no interpreta en escena- en la intensa, desgarradora y exigentísima escena final de El ocaso de los dioses, que culmina también la monumental tetralogía wagneriana El anillo del Nibelungo: Starke Scheite schichtet mir dort (Escena de la inmolación de Brünnhilde).

La Orquesta Titular del Teatro Real afrontará en solitario el Preludio de Tristán e Isolda y tres escenas de El ocaso de los dioses –Amanecer, El viaje de Sigfried por el Rin y Marcha fúnebre de Siegfried-, ópera que interpretó hace dos años, en enero de 2022, culminando con gran éxito la Tetralogía dirigida por Pablo Heras-Casado y Robert Carsen.

El Coro Titular del Teatro Real ofrecerá una obra muy singular en el catálogo wagneriano, la cantata La cena de los Apóstoles (Das Liebesmahl der Apostel), para coro masculino y gran orquesta, que su director, José Luis Basso ya dirigió en el Maggio Musicale Fiorentino en 1997.

El concierto contará con la dirección de Gustavo Gimeno, que será director musical del Teatro Real a partir de septiembre de 2025, y que estará de nuevo al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, después de las aclamadas funciones de El ángel de fuego, de Sergéi Prokófiev, hace dos años.

Esta completa jornada wagneriana tendrá lugar un día después de la novena y última función de Los maestros cantores de Núremberg, cerrando así el ciclo dedicado a este compositor, en el que el Coro Titular del Teatro Real tiene un especial protagonismo.

PROGRAMA

PARTE I

Tristan und Isolde, WWV 90

Preludio

«Liebestod» (Muerte de amor)

Das Liebesmahl der Apostel, WWV 69 (La cena de los apóstoles)

PARTE II

Götterdämmerung, WWV 86D

«Morgendämmerung» (Amanecer)

«Siegfrieds Rheinfahrt» (El viaje de Sigfrido por el Rin)

«Siegfrieds Trauermarsch» (Marcha fúnebre de Siegfried)

«Starke Scheite schichtet mir dort» (Escena de la inmolación de Brünnhilde)

NINA STEMME, soprano

GUSTAVO GIMENO, director musical

JOSÉ LUIS BASSO, director del coro

CORO Y ORQUESTA TITULARES DEL TEATRO REAL

BIOGRAFÍAS

NINA STEMME, soprano

GUSTAVO GIMENO, director musical

JOSÉ LUIS BASSO, director del coro

Ha tenido lugar la tercera edición de la Gala Concierto de los Premios Teatro Real, unos galardones que, en palabras del presidente del Teatro Real, Gregorio Marañón, “representan el necesario reconocimiento que una sociedad desarrollada debe darle a la cultura y al arte, y a quienes, con su talento y esfuerzo, hacen que el arte y la cultura sean realidad”.

Un año más, la periodista y actriz Anne Igartiburu ha sido la encargada de presentar y conducir una ceremonia en la que han brillado con luz propia el artista plástico Jaume Plensa, el Consejo Internacional del Teatro Real y la Ciudad de Zaragoza, en la categoría de premios institucionales, y Pablo Heras-Casado, Robert Wilson, Saioa Hernández, Sara Blanch, Leigh Melrose y Martin Winkler, en lospremios artísticos.

Helena Revoredo, presidenta del Consejo Internacional del Teatro Real, y en representación del mismo, ha sido la primera en recibir la escultura de Cristina Iglesias de manos de Gregorio Marañón. Revoredo ha señalado que “este reconocimiento es el resultado de diez años de apoyo leal e inquebrantable” de todos los miembros del Consejo “a un proyecto emocionante y de gran impacto para la sociedad y la cultura”.

Formado por destacadas personalidades que comparten su filantropía y afición por la ópera, este Consejo cuenta con relevantes personalidades procedentes de Alemania, Argentina, Brasil, Colombia, Chile, China, España, Estados Unidos, Finlandia, Francia, Italia, México, Nicaragua, Perú, Portugal, Reino Unido y Suiza.

El secretario de Estado de Cultura, Jordi Martí Grau, ha sido el encargado de entregar el segundo premio institucional al polifacético artista Jaume Plensa, creador de la videoinstalaciónCielo para el Teatro Real, que ha podido verse en su techo durante toda la ceremonia. Con la mirada en las nubes que cruzaban el tondo de la sala, Plensa ha dicho: “finalmente Cielo es una ventana abierta al cielo de Madrid… repleto de silenciosas nubes que celebraban la diversidad de la vida. Cielo es un sueño de música visual, poesía urbana de una ciudad abrazándose a la ópera”.

Natalia Chueca, alcaldesa de Zaragoza, ha destacado, tras recoger el premio que le ha entregado el director general del Teatro Real, Ignacio García-Belenguer, “El poder de la cultura para unirnos y enriquecer nuestras vidas”, “este premio ha resaltado nuestro firme compromiso para poder democratizar el acceso a la cultura y simboliza la fuerza de la colaboración y la importancia de llevar el arte a todos los rincones de nuestra ciudad”.

Todavía con los calurosos aplausos recibidos la noche anterior en la memoria, por su magistral dirección de Los maestros cantores de Núrenberg en ese mismo escenario, Pablo Heras-Casado, principal director invitado del Teatro Real, con más de doce títulos a sus espaldas en el foso madrileño, ha recibido el primer premio artístico de la noche entregado por el consejero de Cultura, Turismo y Deporte de la Comunidad de Madrid, Mariano de Paco.

Heras-Casado ha recordado su primera vez en el Teatro Real, hace 18 años, y como aquí “ha tenido la oportunidad de asumir alguno de los mayores retos artísticos de su carrera. Aquí he crecido personal y profesionalmente”. El maestro ha destacado la enorme labor de equipo que se realiza en este teatro y que lo ha convertido en uno de los más importantes del mundo.

El director artístico del Teatro, Joan Matabosch, ha reconocido el personal lenguaje estético y escenográfico de Robert Wilson al entregarle el quinto galardón de la noche. Wilson, que forma parte de la historia del Teatro Real desde su reapertura ha contado, con gran sentido del humor, cómo al ser preguntado por su profesor de escuela, cuando tenía siete años, en un pequeño pueblo de Texas, “Bob ¿qué quieres ser de mayor?” y él respondió “el Rey de España, y esta noche me siento como un Rey” en un teatro “que se ha convertido en mi casa en Europa y en el resto del mundo”.

Las sopranos españolas Sara Blanch y Saioa Hernández recogían el cariño de los asistentes y sus premios de manos del director adjunto del Teatro, Borja Ezcurra, y del secretario de Estado de Asuntos Exteriores y Globales, Diego Martínez Maillo, respectivamente.

También Blanch ha recordado su primera vez en el Teatro Real, donde comenzó cantando en el foso para la producción El gallo de oro “sintiéndome muy pequeña” y ahora “estoy aquí, en un lugar en el que he ido creciendo, donde me siento como en casa y donde siento a todos como una gran familia”.

Una emocionada Saioa Hernández reconocía cuantas veces “había paseado por las calles de esta ciudad, mi ciudad, junto al Teatro Real soñando con cantar aquí, y eso hace este premio mucho más especial y me siento muy feliz”. Ha dedicado el galardón a todos los trabajadores del Teatro que hacen posible la magia de la ópera, al director artístico del Teatro Real, Joan Matabosch, por su confianza y a todos los artistas que pasan por este escenario y del que ella es “una pequeña representación”.

El barítono Leigh Melrose –inolvidable su interpretación de Richard Nixon en Nixon in China, de John Adams- ha declarado “que este es uno de los escenarios más especiales del mundo, en uno de los lugares más especiales del mundo”, tras recibir el premio que le ha entregado la secretaria de Estado de Presupuestos y Gastos, María José Gualda. Ha destacado la labor de todos los trabajadores, dentro y fuera del escenario, para sacar adelante el reto de poner en pie una ópera”.

El último galardón de la noche ha sido para el bajo-barítono Martin Winkler, Kovaliov en La Nariz, de Dmitri Shostakóvich. Se lo entregaba la delegada del Área de Gobierno de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, Marta Rivera de la Cruz. “Este es el mejor lugar en el que puede trabajar un cantante, es el mejor lugar del mundo para cantar ópera” y ha añadido que “aquí ha creado una familia, tanto artística como profesional y, cuando llego a Madrid, se me pone una sonrisa de.. Guau”.

Una vez finalizada la entrega de premios, el pianista Javier Perianes ha interpretado la suite Goyescas, de Enrique Granados, obra maestra de la música española que aúna dificultad técnica y belleza, para poner fin a una velada extraordinaria en el Teatro Real.

Fotografía: © Javier del Real | Teatro Real

La Fundación Scherzo presenta el último concierto del I Ciclo Horizontes, que tendrá lugar el próximo 29 de mayo en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional y que correrá a cargo de la cantaora María Toledo, el pianista flamenco Pablo Rubén Maldonado y el poeta Aitor Contreras.

La poesía de Federico García Lorca será la homenajeada en este último recital del Ciclo Horizontes 2024. La cantaora María Toledo, junto al pianista Pablo Rubén Maldonado y el poeta Aitor Contreras presentan «Las voces de Lorca», un apasionante viaje que nos sumerge por el universo del poeta granadino y que pretende afianzar tres de las grandes pasiones del autor: su poesía universal, su pasión por el piano y, por ende, por el canto. Si bien la faceta literaria de García Lorca es conocida en ambos lados del Atlántico, su faceta musical sigue siendo un misterio para muchos. Sus míticas grabaciones con Encarnación López Júlvez, apodada La Argentinita, nos descubren a un Lorca compositor, que fascina con su Nana de Sevilla, que corretea y nos baila en su Zorongo Gitano o puede llegar a mancharnos de todas esas danzas regionales en Sones de Asturias o en Aires de Castilla. De ahí que «Las voces de Lorca» reflejen al poeta poliédrico que fue recordado por sus versos pese a ser artista en más facetas.

En palabras del pianista Pablo Rubén Maldonado: «Las voces de Lorca es una aleación de artes repleta de matices, giros y emociones, que nos transportará a la dimensión lorquiana de un modo vibrante, inédito y vivo , poniendo en escena y sensible alquimia, los versos de nuestro poeta más universal». El tándem Pablo Rubén Maldonado y María Toledo, supone ese claro reflejo de la relación compositor-artista que tanto desarrollaron La Argentinita y García Lorca. Todo esto, acompañado por los versos del poeta granadino, que en esta velada correrán a cargo de Aitor Contreras.

De esta forma, el Ciclo Horizontes cierra su primera edición cargada de novedades que nos han llevado desde el latin jazz hasta el piano flamenco, pasando por la figura del pianista compositor. Un ciclo que se consolida y ya prepara su segunda edición que será presentada en los próximos meses.

El próximo lunes 27 de mayo, a las 20h, el LIFE Victoria cierra el primer semestre del año con el recital del contratenor catalán Xavier Sabata y la pianista francesa Anne Le Bozec en la Sala Domènech i Montaner – Sant Pau Recinte Modernista.

Reconocido como uno de los grandes contratenores españoles y uno de los cantantes con mayores virtudes actorales, Xavier Sabata regresa al LIFE Victoria -tras su éxito en Winterreise en 2021- para ofrecer un recital alrededor del concepto del viaje, una constante en la carrera de Victoria de los Ángeles que marcó su vida, como la de cualquier cantante.

El programa incluye música del siglo XVIII al XX de autores diversos que van de Giovanni Battista Perucchini a Luciano Berio, pasando por el griego Manos Hadjidakis o el español Manuel de Falla, y hace también un guiño directo al centenario de Victoria de los Ángeles con el ciclo Combat del somni de Mompou, cuya canción más popular, Damunt de tu, només les flors, fue estrenada por la soprano en su debut en el Palau de la Música Catalana en 1944.

Como ya es tradición en el LIFE Victoria, la apertura de la velada estará a cargo de dos artistas jóvenes que forman parte de la nueva generación musical que apoya la Fundación Victoria de los Ángeles continuando con el legado de la soprano y su misión educativa.

En esta ocasión, el turno será para la soprano Sara Carmona y la pianista Ester Lecha, quienes interpretarán canciones de Hahn, Mompou, Toldrà, Guridi, Lacerda y Turina.

El barítono Andrè Schuen comenzó su carrera en Deutsche Grammophon en 2020 con una lectura aclamada por la crítica de Die schöne Müllerin de Schubert, grabada con su antiguo compañero de dúo Daniel Heide. En 2022, la pareja agregó Schwanengesang a su discografía, una grabación que ganó la categoría de Canción Solista en los Premios OPUS KLASSIK de 2023. Ahora completan su trilogía de los principales ciclos de canciones de Schubert con una interpretación reflexiva y conmovedora de las 24 canciones introspectivas que componen el Winterreise del compositor. Grabado en Markus-Sittikus-Saal en Hohenems, el lanzamiento del álbum está previsto en formato digital y en CD el 17 de mayo de 2024. Dos de las canciones se publicarán como singles: “Frühlingstraum” el 29 de marzo y “Der Leiermann” el 26 de abril.

Para muchos, Winterreise es el alfa y omega del repertorio de Lieder. Como dice Andrè Schuen, es sencillamente “la primera obra que te viene a la mente cuando hablas de Lieder”. Después de haber escrito textos de Wilhelm Müller para Die schöne Müllerin, Schubert volvió a encontrar inspiración cuando, en 1827, justo un año antes de su muerte, leyó dos conjuntos de 12 poemas del poeta sobre un amante rechazado cuyo dolor lo lleva a escaparse una noche de invierno, acompañado sólo por su propia sombra a la luz de la luna. La angustia del protagonista se refleja en el campo helado, los cielos nublados y las tormentas de nieve que encuentra mientras sigue caminando, como se resume en “Der stürmische Morgen” (Una mañana tormentosa): “Mi corazón ve en el cielo/su propio retrato pintado; /no es más que invierno,/un invierno frío y salvaje”.

A diferencia de Die schöne Müllerin, con su narrativa de esperanza a desesperación, Winterreise se ve ensombrecida por la angustia desde el principio. La primera canción, “Gute Nacht” (Buenas noches), explica algo del amor perdido del narrador y su necesidad de seguir en el futuro un “camino velado por la nieve”. Andrè Schuen, que creció en los Dolomitas del Sur del Tirol y, por tanto, no es ajeno a los inhóspitos paisajes nevados, señala cómo los poemas alternan entre el movimiento y el estancamiento. “Hay escenas en las que el tiempo parece haberse detenido por completo, estados de ánimo que están en sintonía con la naturaleza helada del invierno”, afirma el cantante. “Por otra parte, sigue y sigue”.

Gran parte de la música es de estilo declamatorio y Schuen la interpreta con una moderación que sirve para realzar la sensación omnipresente de melancolía, respaldada en todo momento por el igualmente brillante pianismo de Daniel Heide. Juntos, el dúo transmite la nostalgia por la sensación de paz que alguna vez se experimentó a la sombra de “Der Lindenbaum” (El tilo); las esperanzas frustradas expresadas en “Frühlingstraum” (Un sueño de primavera); la escalofriante comprensión en “Der Wegweiser” (El poste indicador) de que sólo hay un camino abierto para el narrador, y así sucesivamente, hasta el encuentro final con el misterioso “Leiermann” (El organillero). «Mi suposición», dice Andrè Schuen, «siempre ha sido que él representa la muerte».

Después de haber representado Winterreise juntos muchas veces, él y Heide han desarrollado un enfoque más libre del curso emocional que sigue. “En los primeros años”, señala el cantante, “traté de marcar el camino de antemano y planificar con precisión cómo quería dar forma a tal o cual punto. Hoy en día vivo este ciclo mucho más en el momento y estoy preparado para todo lo sorprendente e inesperado que pueda surgir en el viaje”.

Esta grabación de Winterreise también forma la banda sonora del largometraje de animación y acción real Un viaje de invierno, inspirado en la música de Franz Schubert y los poemas de Wilhelm Müller. El escritor y director Alex Helfrecht se sintió obligado a hacer la película después de quedarse sin palabras ante el poder y la belleza de la música. Se propuso llevarlo a la pantalla grande de una manera que hiciera justicia a esta magnífica obra. Al filmar actores en vivo en escenarios épicos y paisajes inmersivos antes de pintar cada fotograma, la película tiene el aspecto de pinturas románticas alemanas de principios del siglo XIX que cobran vida, al tiempo que conserva todo el poder emotivo de las actuaciones de los actores. Un hermoso espectáculo cinematográfico y musical lleno de emoción y drama protagonizado por John Malkovich, Marcin Czarnik, Gabriella Moran, Martina Gedeck, Jason Isaacs y Ólafur Darri Ólafsson.

La fundación Carlos de Amberes y BIAM (Brussels International Artists Management) presentan el 4 de junio a las 20h la tercera y última cita de la IV edición del Festival Rubens. En el concierto “Tras los pasos del holandés Constantijn Huygens” en el que podremos disfrutar de la soprano Channa Malkin acompañada por el tiorbista Mike Fentross.

Durante los últimos seis años, Channa Malkin y Mike Fentross se han convertido en íntimos amigos musicales actuando juntos tanto como dúo como con el conjunto de Fentross ‘La Sfera Armoniosa’. Han actuado en numerosos festivales y salas de los Países Bajos y también en escenarios de Turquía y España. Las futuras colaboraciones de Channa Malkin y Mike Fentross incluyen la grabación de un álbum con ‘La Sfera Armoniosa’ que se publicará en 2025 y una recreación de una ópera comercial veneciana con un pastiche de Cavalli en otoño de 2024.

El programa del concierto es una cuidadosa selección de obras barrocas de compositores como Giovanni Kapsberger, Michael Labert, y Monteverdi, entre otros, todas ellas conectadas por la figura de Constantijn Huygens, uno de los poetas y músicos más importantes del Reino de los Países Bajos.

El nuevo EP de Channa Malkin: “Channa Malkin Live at Concertgebouw”. Una oda al amor y a la pasión

Coincidiendo con su participación en el concierto en Madrid, la aclamada soprano Channa Malkin lanzará su nuevo EP el viernes 24 de mayo titulado: “Channa Malkin Live at Concertgebouw”, este emocionante trabajo presenta una selección de piezas que explora las diversas facetas de lo que supone ser una mujer a través de la música barroca. Destacando obras de compositores como Claudio Monteverdi y Barbara Strozzi. El EP presenta una mezcla ecléctica de obras que incluye dos piezas que podremos escuchar en el concierto “Tras los pasos del holandés Constantijn Huygens” en Madrid: la conmovedora ‘Si dolce è’l tormento’ de Monteverdi y la apasionada ‘Amanti, io vi so dire’ de Benedetto Ferrari.

Este trabajo discográfico es una grabación en directo de su recital en el Royal Concertgebouw de Amsterdam en enero de 2023. Este recital se articuló en torno a tres facetas dentro de la identidad de una mujer: madre, amante y artista. Todos los temas de este EP se centran en la faceta de amante en la que la soprano explora en profundidad el sentimiento complejo del amor que pasa por distintas fases como: el dichoso tormento de una mujer que mantiene cruelmente en vilo a su amante, la devastación de una mujer despechada, la burla hacia la necedad del amor hasta llegar finalmente al reencuentro culminante de dos amantes en el dúo final de ‘L’incoronazione di Poppea’, en el que el papel de Nerone lo interpreta Maya Fridman al violonchelo.

La cantante asegura “A un nivel más profundo, Barbara Strozzi representa también los arquetipos de Madre y Artista. No sólo fue una cantante muy famosa, apodada «La Serenissima», sino también madre de cuatro hijos y una compositora increíblemente talentosa y prolífica. En una época en que las mujeres no solían aparecer en público, Strozzi consiguió convertirse en una de las figuras culturales más importantes de su tiempo”.

Channa Malkin

Ha interpretado diversos roles operísticos como Despina (Così fan tutte), Zerlina (Don Giovanni), Charite (Cadmus et Hermione), Eva ( en el estreno mundial de Carlijn Metselaar) y ha interpretado todos los papeles femeninos en una producción escenificada de Peer Gynt de Grieg en el Concertgebouw de Ámsterdam con la Orquesta Filarmónica de los Países Bajos. También debutó como Poppea en L’incoronazione di Poppea con ‘Young Artist at the Rotterdam Opera Days’ que se convirtió en uno de sus papeles emblemáticos.

Entre sus proyectos más recientes se encuentran su debut en el Concertgebouw en enero de 2023, la Misa en do menor de Mozart y Réquiem de Fauré en el Concertgebouw en noviembre de 2023, la interpretación de Papagana en La flauta mágica en la Dutch Touring Opera en 2023 y su debut en el Festival de Música Antigua de Utrecht con un programa de cantatas de Bach en agosto de 2023.

Fotografía: ©Brendon Heinst

A lo largo de sus casi cuatro décadas de dedicación a la ópera, la mezzosoprano coloratura Cecilia Bartoli ha demostrado al mundo que el bel canto es un enfoque de la música vocal italiana más amplio de lo que generalmente se considera. En Casta Diva, Bartoli recurre a su famoso encanto, intensidad dramática y fuerza energética para revelar, tras los fuegos artificiales vocales, que el bel canto es un estilo musical que abre un universo musical profundamente emotivo y bello a través de una técnica sólida y bien controlada.

Se incluyen grabaciones inéditas de dos arias de Alcina de Haendel, así como dúos con Luciano Pavarotti, Bryn Terfel, Juan Diego Flórez, Sumi Jo y Alessandro Corbelli.

Cecilia Bartoli nos recuerda que la mentalidad belcantista va mucho más allá de las obras de los maestros italianos del siglo XIX Bellini, Donizetti y Rossini asociados a este término, que durante mucho tiempo ha denotado una forma de canto lírico especialmente florido y preciosista. A través de una investigación académica sobre la técnica vocal y el sonido orquestal del siglo XIX, y de su propia experiencia en el escenario operístico, Bartoli ha llegado a la firme convicción de que el énfasis del bel canto en la expresividad a través de formas particularmente italianas de canto «bello» y «correcto» tiene sus raíces en las tradiciones estilísticas del Barroco y el Clasicismo.

En un repertorio que abarca desde Haendel y Porpora, pasando por Gluck y Mozart, hasta el apogeo de lo que suele denominarse el periodo del bel canto italiano, Bartoli aporta su incomparable destreza vocal, articulación, uniformidad de timbre y fuerza expresiva a algunas de las arias y dúos más asombrosos jamás escritos. A ello añade los ingredientes más importantes: su singular manera de compartir con el público el drama humano y su sensibilidad única para la comedia y la tragedia.

Bartoli aporta una intimidad y dignidad poco comunes a la pieza que da título al disco, quizá el aria más célebre de la tradición belcantista: Casta Diva, de Bellini, en la que la apasionada druida Norma abre su alma en una plegaria. También escuchamos a la angustiada puritana de Bellini, Elvira, y a la sonámbula Amina (a la que se une en dúo el tenor Juan Diego Flórez). Su dúo con Luciano Pavarotti, un aria cómica de L’elisir d’amore de Donizetti, introduce un tono más ligero.

Bartoli refuerza su condición de arqueóloga del canto ofreciendo contrapuestas escenas de Persiani y Pacini que cristalizan el estilo operístico italiano de principios del XIX. Mozart está representado por un aria de Le nozze di Figaro y un dúo de Così fan tutte (junto a Bryn Terfel). Gluck está presente con una de las arias más impactantes de Sesto, de su obra La clemenza di Tito.

El papel de Angelina (Cenicienta) en La Cenerentola de Rossini supone en la carrera de Bartoli un leitmotiv y su puerta de ingreso al repertorio belcantista. La interpretó en 1997 cuando la estrenó en la Ópera Metropolitana, y más recientemente, en 2022, cuando la mezzo soprano romana hizo su esperado debut en la Ópera Estatal de Viena. Aquí canta el aria del Acto II de la ópera «Nacqui all’affanno e al pianto…Non più mestá».

Rossini creía en los principios del canto establecidos en el Barroco e idealizaba el sonido de los castrati. Una buena razón, pues, para que se publiquen en el álbum dos arias inéditas de la pionera obra maestra de Haendel, Alcina, grabadas por Bartoli. La obra del gran rival del compositor alemán, Porpora, está presente con un aria del personaje que da título a su ópera, Sifare.

Arriesgada y visionaria, Cecilia Bartoli, actualmente directora artística de la Ópera de Monte-Carlo y el Festival de Pascua de Salzburgo, no tardó en comprometerse con el HIP Movement, que busca representar las obras clásicas de forma similar a como fueron concebidas y hace tiempo se propuso trasladar las lecciones aprendidas de las orquestas a su propia técnica vocal. Bartoli demuestra en Casta Diva cómo una perspectiva fresca puede aportar un renacer sonoro para una música abarca un siglo y creíamos conocer.

Acompañan a la mezzosoprano en grabaciones de su catálogo con Decca los directores Riccardo Chailly, Giovanni Antonini, Alessandro De Marchi, Bernhard Forck, Myung-Whun Chung, Claudio Abbado y Adam Fischer. Entre las distinguidas orquestas de instrumentos modernos y de época figuran la Filarmónica de Viena, las Orquestas del Teatro alla Scala y del Teatro Comunale di Bologna, la Orquesta de la Academia Nacional Santa Cecilia, la Orquesta Sinfónica de Milán Giuseppe Verdi, la Orquesta La Scintilla, Il Giardino Armonico y la Akademie für Alte Musik de Berlín.

Bartoli está acompañada de su propia orquesta de instrumentos de época, Les Musiciens du Prince-Monaco, dirigida por Gianluca Capuano en los extractos inéditos grabados de la ópera Alcina de Haendel.

REPERTORIO

01, Bellini: Norma / Acto 1 Escena 1ª: «Casta Diva»

02, Rossini: La Cenerentola / Acto II: Nacqui all’affanno e al pianto

03, Rossini: La Cenerentola / Acto II: Non più mesta

04, Persiani: Ines di Castro: Cari giorni

05, Donizetti: L’elisir d’amore / Acto I: Una parola

06, Donizetti: L’elisir d’amore / Acto I: Chiedi all’aura

07, Bellini: Norma / Acto II: Mira, O Norma

08, Bellini: Norma / Acto II: Cedi! Deh, cedi!

09, Bellini: Norma / Acto II: Si, fino all’ore estreme

10, Bellini: La Sonnambula / Acto 1: Prendi: l’anel ti dono

11, Rossini: Il turco in Italia / Acto I: No mia vita, mio tesoro

12, Rossini: Il turco in Italia / Acto I: Ed osate…

13, Bellini: I puritani / Acto II: O rendetemi la speme

14, Pacini: Irene, o L’Assedio di Messina / Acto II: Ira del ciel

15, Bellini: Vaga luna che inargenti

16, Rossini: La danza

17, Mozart: Le nozze di Figaro, K. 492 / Acto II: Voi che sapete

18, Mozart: Così fan tutte / Acto II: Il cor vi dono

19, Gluck: La Clemenza di Tito: Se mai senti spirarti sul volto

20, Porpora: Siface: Come Nave in mezzo all’onde

21, Handel: Alcina, HWV 34 / Acto I: Di’, cor mio

22, Handel: Alcina, HWV 34 / Acto III: Ma quando tornerai

La Fundación SGAE y el Centro Nacional de Difusión Musical convocan el 35º Premio Jóvenes Compositores 2024

Se conceden 11.700 euros en galardones para autores menores de 35 años

El 18 de noviembre de 2024, dentro del ciclo Series 20/21 del CNDM, se darán a conocer los premios otorgados en el concierto con las cuatro obras finalistas que se celebrará en el Museo Reina Sofía

La Fundación SGAE y el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) han abierto la convocatoria de la 35ª edición del Premio Jóvenes Compositores Fundación SGAE-CNDM 2024. Consolidados ya entre los profesionales de la música, estos galardones tienen el objetivo de estimular la creación en el campo de la clásica contemporánea y contribuir al desarrollo social mediante el conocimiento de nuevas lenguas, tendencias y formas musicales de expresión.

Podrán concurrir todos los compositores y compositoras en cualquier país del mundo con obras de autoría única de cualquier lenguaje o tendencia estética dentro de la música contemporánea, siempre que sean menores de 35 años al cierre de la convocatoria y sean socios/as de SGAE.

Las obras deberán ser necesariamente inéditas, con una duración entre siete y doce minutos, y ajustarse a una plantilla instrumental (conformada por un mínimo de cinco intérpretes y un máximo de seis) que puede consultarse en las bases. Cada concursante solo podrá presentar una única obra.

El 6 de septiembre: cierre de plazo

La recepción de los trabajos a concurso se extenderá hasta el viernes 6 de septiembre de 2024. Con el fin de preservar el anonimato de los concursantes y la neutralidad del jurado, las partituras serán presentadas incluyendo el título original de la obra y un lema (que deberá ser diferente del título de la obra) y no indicarán el nombre del autor en ninguna de sus páginas. Las partituras deberán ser remitidas por email a la dirección de correo electrónico mnietot@fundacionsgae.org, acompañadas de la documentación estipulada en las bases.

Los ganadores, el 18 de noviembre

El 18 de noviembre de 2024, dentro del ciclo SERIES 20/21 del CNDM, se celebrará en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía el concierto con las cuatro obras finalistas y se darán a conocer los premios otorgados.

Un jurado, compuesto por destacados expertos en música, seleccionará las cuatro obras finalistas que optarán a galardones valorados en 11.700 euros, repartidos como sigue: Primer Premio Xavier Montsalvatge (6.000 euros y diploma), Segundo Premio Carmelo Alonso Bernaola (3.000 euros y diploma), Tercer Premio Francisco Guerrero Marín (1.500 euros y diploma) y Mención Honorífica Juan Crisóstomo Arriaga (1.200 euros y diploma).
Además, para contribuir a la posterior promoción y difusión de las obras ganadoras, la Fundación SGAE producirá un disco promocional con la grabación en directo de las interpretaciones en el concierto final.
Premio especial: Compositor Residente de la Red de Músicas

A estos cuatro galardones se suma el Premio Especial JM España, que otorgará Juventudes Musicales de España. De este modo, el ganador del Primer Premio de esta edición se convertirá en Compositor Residente de la Red de Músicas de JM España durante la temporada 2025-2026. JM España le encargará dos obras de música de cámara y otorgará 1.500 euros por cada pieza. El compositor escogerá dos formaciones de los seleccionados en la Red de Músicas que las estrenarán e interpretarán en todos los recitales que den en este circuito que organiza más de 200 conciertos al año.
Acerca del Premio

El premio, que fue creado en 1987 por la SGAE con una frecuencia anual, se ha convertido en uno de los más importantes certámenes de su tipo, por su nivel de organización y su rigurosidad, por el prestigio de los intérpretes y de los jurados participantes.

Entre los ganadores de sus anteriores ediciones destacan nombres ya consolidados dentro del panorama de la composición actual, con carreras internacionales que demuestran la buena salud de la creación musical española: Agustín Charles, Mauricio Sotelo, José María Sánchez-Verdú, Jesús Rueda, Jesús Torres, Pilar Jurado, Gabriel Erkoreka, Ramón Humet, Juan Cruz Guevara, Jesús Navarro, Oliver Rappoport o Nuria Núñez, entre muchos otros, han sido protagonistas de esta cita indispensable en el apartado de la composición para ensemble a nivel nacional.

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La arpista Sara Águeda nos invita a un viaje único a través de la historia de la música antigua con su nuevo lanzamiento musical: “Ellas renacen”. Este álbum supone una oda a la rica herencia de las mujeres del Renacimiento.

El álbum, grabado en Alcolandilla de Maderuelo (Segovia) en septiembre de 2023, cuenta con la dirección artística de la propia Sara Águeda.

Hasta hace escasos años no existían fuentes que nos informaran de las prácticas de las mujeres músicas en el renacimiento, pero, gracias a la labor musicológica de Ascensión Mazuela- Anguita, descubrimos que muchas mujeres eran contratadas para interpretar música fuera del marco eclesiástico. A través del análisis de documentos de la Inquisición se descubrió que había mujeres, muy instruidas en la práctica musical, que no solo tocaban varios instrumentos, sino que también cantaban y eran contratadas como “criadas” para amenizar encuentros de mujeres en las altas clases sociales.

En el álbum “Ellas renacen” Sara Águeda recrea una de esas tardes de música para la aristocracia, como la que podría haber protagonizado Isabel de Plazaola (cantante y tañedora muy reconocida por la nobleza castellana y la realeza) en las dependencias privadas de la condesa de Coruña, de la marquesa de Távara o de la duquesa de Alburquerque.

Inspirado por esta labor musicológica, el trabajo “Ellas Renacen” es mucho más que una colección de obras es un homenaje a todas las mujeres injustamente ignoradas a lo largo de la historia.

Dentro del álbum podemos encontrar composiciones como “Madre mia non mi far monarca” obra en la que la narradora del poema se lamenta de que no quiere ser monja y expresa su deseo de casarse. La canción, que se registró por escrito en una colección de canzonettas y madrigales compilada por Michele Pario en Parma en 1610, se difundió fuera de Italia y ha perdurado a lo largo de los siglos gracias a la tradición oral. La letra muestra que en los conventos había mujeres sin vocación religiosa, cuyos padres quizás no podían pagar la dote para que se casaran. Esta situación también se refleja en No quiero ser monja, pieza a tres voces del Cancionero Musical de Palacio. Como estos dos ejemplos, la mayoría de las piezas vocales que componen el álbum ofrecen la perspectiva de una mujer, con letras en primera persona.

Sara Águeda, reconocida por su destreza con el arpa de dos órdenes ha dedicado años de estudio para recrear fielmente la experiencia musical de las mujeres del renacimiento. Tanto su profundo conocimiento del repertorio como la pasión de sus interpretaciones queda plasmadas a la perfección en este trabajo discográfico.

La portada del álbum, diseñada por Miguel Cubero y captada por la lente de Kaothic Alice, es una obra de arte en sí misma. En ella, se fusiona el rostro contemporáneo de Sara Águeda con el de Lucrecia Borgia (hija de Rodrigo Borgia, el poderoso renacentista valenciano que más tarde se convirtió en el papa Alejandro VI).

Con “Ellas renacen”, Sara Águeda no solo nos invita a disfrutar de la belleza del repertorio renacentista, sino que también nos ofrece una ventana a un mundo oculto de mujeres dentro de la historia de la música.

“Ellas Renacen” estará disponible en todas las plataformas digitales a partir de 21 de mayo y podrá conseguirse en formato físico en la página web oficial de Sara Águeda. Para más información sobre Sara Águeda visite su web.

SARA ÁGUEDA ©Kaothicalice

El próximo martes 21 de mayo, a las 20h, el LIFE Victoria presenta el recital de la mezzosoprano alemana Valerie Eickhoff, ganadora del Premio Victoria de los Ángeles, junto con la pianista italo-americana Elenora Pertz. El concierto tendrá lugar en la Sala Domènech i Montaner – Sant Pau Recinte Modernista.

Eickhoff debutará en el LIFE Victoria con un programa variado y exigente que incluye canciones de Debussy, Duparc, Mahler, Britten, Korngold y Weill, y con el que hará gala de la excelencia vocal que la ha hecho merecedora de importantes premios internacionales, entre ellos el Premio Victoria de los Ángeles.

El galardón, que entrega anualmente la Fundación Victoria de los Ángeles dentro del Concurso Tenor Viñas del Gran Teatro del Liceo, premia a la cantante global, es decir aquella que sepa interpretar con el mismo rigor ópera, oratorio y Lied. Valerie Eickhoff fue seleccionada por el jurado del concurso español por su excelente ejecución de obras que van del Lied a la zarzuela y de la ópera al oratorio.

Ganadora del concurso Südwestrundfunk Junge Opernstars 2022, la mezzosoprano Valerie Eickhoff se está estableciendo rápidamente como una artista de intensa musicalidad y brillante vocalismo. La temporada 2023-2024 incluye varios debuts importantes, como el papel de Ramiro en La finta giardiniera en el Theater an der Wien o Driade en Ariadne auf Naxos con la Bayerische Staatsoper de gira en Hong Kong. También regresará a la Deutsche Oper am Rhein como artista invitada para debutar en los papeles de Angelina en Cenerentola y Marylou en Märchen im Grand Hotel. Su trabajo en conciertos incluye compromisos con la Deutsche Radio Philharmonie, la Orchestra della Toscana en Italia y la Kurpfälzisches Kammerorchestra en Mannheim, Alemania. Además, Eickhoff graba esta temporada Hans Eisler Hollywood Songbook con el pianista Eric Schneider, que se publica bajo el sello Ars Production.

La destacada mezzosoprano Anna Lucia Richter, junto al virtuoso pianista Ammiel Bushakevitz, protagoniza la siguiente cita del XXX Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela. En esta ocasión, los artistas presentarán un viaje fascinante a través de la historia del lied, desde sus humildes orígenes medievales hasta las innovaciones del siglo XX. Grandes autores como Oswald von Wolkenstein, Alban Berg, Hanns Eisler o Kurt Weill, entre otros, vertebran un amplio programa conformado por casi 30 canciones que ofrecerá una visión panorámica del género del lied. El concierto tendrá lugar el lunes 20 de mayo, a las 20:00 horas, en el Teatro de la Zarzuela.

La aclamada y carismática voz de Anna Lucia Richter y la destreza instrumental de Ammiel Bushakevitz -quien en las piezas más antiguas también interpretará la zamfoña-, abrirán al público una ventana a un mundo de gran expresión lírica y musical en este penúltimo concierto del Ciclo de Lied. El programa, que abarca ocho siglos de evolución del género, sugiere un diálogo temático entre la luz y la oscuridad que caracterizan al ser humano. Desde una perspectiva religiosa hasta la exploración de la pérdida y el exilio, el recital nos invita a reflexionar sobre la importancia de la luz en nuestras vidas y en el arte.

El recital parte de Oswald von Wolkenstein y Walther von der Vogelweide, pasa por el Barroco y la escuela de Viena, en la que el lied todavía era melodía acompañada, y se detiene en la ampliación del canon en una segunda etapa ya posromántica. Canciones de Johann Sebastian Bach, Franz Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Franz Schubert, Fanny Hensel-Mendelssohn, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Johannes Brahms y Hugo Wolf estarán muy presentes en esta cita musical. A ellas se suman el simbolismo y el expresionismo del siglo XX, con canciones de Alban Berg, Hanns Eisler y Kurt Weill, y compositores del presente que, a su vez, son muy conscientes de sus tradiciones, Aribert Reimann y Wolfgang Rihm.

Este concierto forma parte del proyecto Licht! (La historia del desarrollo de la canción alemana), que la cantante ha elaborado junto con Ammiel Bushakevitz y ha presentado en ciudades como Heidelberg, Frankfurt, Núremberg, Colonia, Dortmund, Granada, Ámsterdam y, ahora, Madrid.

Sobre Anna Lucia Richter

Anna Lucia Richter es una de las cantantes más reclamadas internacionalmente como cantante de ópera y de concierto. Recientemente ha trabajado con la Orquesta Filarmónica de Viena bajo la dirección de Franz Welser-Möst (Pasión según San Mateo de Bach) y ha cantado frecuentemente bajo la dirección de Teodor Currentzis con MusicAeterna, incluyendo La Clemenza di Tito de Mozart, en gira con obras de Gustav Mahler y como Zerlina en Don Giovanni de Mozart en el Festival de Salzburgo 2021. También ha actuado regularmente con la Orquesta Sinfónica de Londres y la Orquesta de Cámara Mahler bajo la dirección de Bernard Haitink, Il Giardino Armonico y Giovanni Antonini, la Orquesta de París y Thomas Hengelbrock, la Orquesta de la Gewandhaus y Philippe Herreweghe, así como la Orquesta del Festival de Budapest bajo la dirección de Iván Fischer. Ha actuado repetidamente con estos conjuntos en importantes festivales como el Festival de Lucerna, los BBC Proms de Londres, el Festival de Música de Schleswig-Holstein y como «Artista en Residencia» en el Festival de Música de Rheingau 2018 y la Filarmónica de Colonia 2018/2019. La artista ha recibido numerosos premios, entre ellos el prestigioso Borletti-Buitoni Trust Award. Más recientemente, fue nominada para Opus Klassik como Cantante del Año por su álbum debut como mezzosoprano «Brahms-Lieder». En la primavera de 2020, la artista cambió a mezzosoprano bajo la dirección de la profesora Tamar Rachum, que ha sido su mentora y principal maestra desde entonces. Un paso importante que abrió nuevas oportunidades para la artista en todo el mundo. En marzo de 2021 interpretó los Wunderhorn Lieder de Mahler bajo la batuta de Ádám Fischer en Düsseldorf y en 2022 interpretó la parte de contralto de la Segunda Sinfonía de Mahler con la Orquesta Sinfónica de Bamberg bajo la dirección de Jakub Hrůša en Bamberg, Viena y Baden-Baden, así como la Tercera Sinfonía de Mahler con la Konzerthausorchester de Berlín bajo la dirección de Iván Fischer. También hay grandes proyectos en la temporada 23/24: interpretará por primera vez la Missa Solemnis de Beethoven con la Filarmónica de Múnich bajo la dirección de Ph. Herreweghe, antes de regresar a la Ópera de Colonia para encarnar a Idamante en el Idomeneo de Mozart en una nueva producción. Le siguen actuaciones de música de cámara en Heidelberg, Boswil y Alicante, así como la Misa en fa menor de Bruckner con la Rundfunk-Sinfonieorchester de Berlín, la Misa en la bemol mayor de Schubert con la Filarmónica de Dresde y arias de Mozart y Haydn con la Orquesta Gürzenich de Colonia bajo la dirección de F.X. Roth. Roth. Anna Lucia Richter ha interpretado un amplio repertorio de lieder en los principales centros de canto, como la Schubertiade Schwarzenberg, la Schubertiada Vilabertran, el Festival de Música de Rheingau, el Heidelberger Frühling, el Park Avenue Armory de Nueva York, el Carnegie Hall y el Wigmore Hall de Londres.

Sobre Ammiel Bushakevitz

La soprano Sandrine Piau y la mezzosoprano Ann Hallenberg, dos de las voces más aclamadas del canto haendeliano, llegan al Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) para interpretar Berenice, regina d’Egitto de George Frideric Haendel. Junto a la prestigiosa agrupación Il Pomo d’Oro, uno de los ensembles especializados más reconocidos en la interpretación de la música antigua del panorama actual, y bajo la dirección de Francesco Corti, darán vida a esta joya barroca ambientada en el antiguo Egipto. Se trata de una oportunidad única para disfrutar, en versión concierto, de una de las óperas menos frecuentadas del compositor alemán. La cita tendrá lugar el domingo 19 de mayo, a las 18:00 horas, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música y en el marco del ciclo Universo Barroco del CNDM.

Aunque Berenice es una de las óperas menos conocidas de George Frideric Handel, contiene una amplia riqueza musical y una historia apasionante. Se desarrolla en tres actos y su trama se centra en Berenice, la reina de Egipto y sus relaciones tanto amorosas como políticas. La partitura incluye arias virtuosísticas y emotivas, así como recitativos expresivos que muestran los sentimientos y la profundidad psicológica y emocional de los personajes. Se estrenó en el teatro Covent Garden de Londres, en 1737.

La ópera, que requiere de un elevado nivel vocal y virtuosismo, estará protagonizada en esta ocasión por las voces de la aclamada soprano Sandrine Piau (Berenice) y la mezzosoprano Ann Hallenberg (Selene), así como por la soprano Arianna Vendittelli (Alessandro), los contratenores Paul-Antoine Bénos-Dijan (Demetrio) y Remy Bres Feuillet (Arsace), el barítono John Chest (Aristobolo) y el tenor Matthew Newlin (Fabio).

Tras el Rinaldo de Haendel, Berenice será la segunda de las tres óperas barrocas haendelianas que ofrece el CNDM esta temporada. La última cita con un gran título del maestro alemán tendrá lugar el domingo 9 de junio con otra fascinante historia ambientada en el antiguo Egipto, Tolomeo.

“Contextos Barrocos”: Una hora antes del concierto, a las 17:00h, tendrá lugar el encuentro sobre Berenice en los “Contextos Barrocos” del CNDM, sesiones de cuarenta y cinco minutos, de acceso libre para el público que ha adquirido la entrada al espectáculo, que permiten profundizar en el programa, su historia y los intérpretes.

Sobre Il pomo d´Oro

La orquesta Il Pomo d’Oro, formada en 2012 por destacados especialistas en música históricamente informada, es conocida por su autenticidad y dinamismo en obras del periodo barroco y clásico. Ha colaborado con destacados directores como Riccardo Minasi, Maxim Emelyanychev, Stefano Montanari, George Petrou, Enrico Onofri y Francesco Corti. Desde 2016, Maxim Emelyanychev es su director titular, seguido por Francesco Corti en 2019 como director principal. El grupo es invitado habitualmente a importantes salas de conciertos y festivales en Europa, especialmente después de su éxito mundial con el programa «In War and Peace» junto a Joyce DiDonato bajo la dirección de Maxim Emelyanychev. Además, han lanzado varios álbumes, incluyendo grabaciones de ópera y colaboraciones con destacados artistas como Jakub Józef Orliński, Joyce DiDonato, y Lisette Oropesa. Il Pomo d’Oro también ha recibido reconocimientos por sus grabaciones, como el premio Opus-Klassik por álbumes como «Anima Sacra» con Jakub Józef Orliński. Además, son embajadores de EL SISTEMA GRECIA, un proyecto de educación musical gratuita para niños refugiados en Grecia. El nombre del grupo hace referencia a la ópera Il pomo d’oro de Antonio Cesti, que fue una de las producciones más grandiosas de su tiempo, destacando por su espectacularidad y riqueza cultural.

Sobre Francesco Corti

El clavecinista y director Francesco Corti, nacido en Arezzo, Italia, en 1984 en una familia musical, estudió órgano en Perugia y luego clavecín en Ginebra y Ámsterdam. Ganó reconocimiento en el Concurso Internacional Johann Sebastian Bach en Leipzig (2006) y en el Concurso de Clavecín de Brujas (2007). Como solista y director, ha actuado en Europa, América y Asia en eventos como la Semana Mozart, el Festival de Salzburgo y festivales de música antigua. Ha tocado en salas famosas como la Salle Pleyel (París), Bozar (Bruselas), Konzerthaus (Viena), y ha sido miembro de importantes conjuntos musicales como Les Musiciens du Louvre y Bach Collegium Japan. Desde 2018, es director invitado principal de Il Pomo d’Oro, con quien ha grabado y dirigido giras europeas de obras de Haendel. Ha dirigido también otras reconocidas orquestas y en 2021 presentó nuevas producciones de Haendel y Monteverdi. En 2023 asumirá como director musical en el Teatro Real de Drottningholm. Como solista, ha grabado un variado repertorio y sus últimos lanzamientos han sido muy premiados y aclamados internacionalmente. Además de su carrera en escenarios, ha impartido clases magistrales desde 2016 en la Schola Cantorum Basiliensis.

Fotografía: Örjan Jakobsson

El concierto ‘Zarzuela en el Malecón’ a cargo del barítono Eleomar Cuello, previsto para el próximo 4 de junio a las 20h00 dentro del ciclo Notas del Ambigú del Teatro de la Zarzuela, queda suspendido de forma definitiva debido a motivos personales insalvables por los que el cantante se ha visto obligado cancelar.

El Teatro atenderá a los espectadores para la devolución del importe de las entradas entre el viernes 17 de mayo y el domingo 28 de julio.

El próximo 22 de mayo, a las 19.30 horas, tendrá lugar la tercera edición de la Gala Concierto de los Premios Teatro Real, unos galardones que quieren reconocer el apoyo, el trabajo, el talento y las iniciativas de aquellas personas o entidades que contribuyen a convertir en realidad el proyecto artístico y cultural de la institución.

Así, en la categoría institucional, los premios serán concedidos al artista plástico Jaume Plensa, al Consejo Internacional del Teatro Real y a la Ciudad de Zaragoza. Los premios artísticos recaerán en Pablo Heras-Casado, Robert Wilson, Saioa Hernández, Sara Blanch, Leigh Melrose y Martin Winkler.

Creador excepcional y polifacético, símbolo de una generación, con obra expuesta en ciudades de todo el mundo, Jaume Plensa está unido para siempre al Teatro Real con Cielo, videoinstalación inaugurada por SSMM los Reyes el pasado mes de septiembre, que consiste en abrir visualmente el tondo central del Teatro para convertir este elemento arquitectónico en una cúpula virtual que conecta directamente con el maravilloso cielo de Madrid.

El Consejo Internacional es un órgano integrado en la estructura del Teatro Real cuya finalidad es apoyar, promover y difundir su proyecto artístico, cultural, pedagógico y social a través de la participación de la sociedad civil de ámbito internacional. Formado por destacadas personalidades que comparten su filantropía y afición por la ópera, este Consejo, que preside Helena Revoredo, cuenta con relevantes personalidades procedentes de Alemania, Argentina, Brasil, Colombia, Chile, China, España, Estados Unidos, Finlandia, Francia, Italia, México, Nicaragua, Perú, Portugal, Reino Unido y Suiza.

Con el firme propósito de ofrecer a sus ciudadanos nuevas experiencias culturales y artísticas, la Ciudad de Zaragoza se ha sumado con entusiasmo a las propuestas del Teatro Real que, de forma abierta y accesible, han buscado llegar al mayor número de espectadores posible, fuera de sus muros y de su localidad. Así, iniciativas como la retransmisión de ópera al aire libre o los conciertos de la Carroza del Teatro forman parte de la programación cultural de su ayuntamiento.

Recientemente, la alcaldesa de Zaragoza, Natalia Chueca, ha apoyado la creación del Círculo de Amigos del Teatro Real de Aragón, liderado por empresarios aragoneses en apoyo al proyecto cultural del coliseo madrileño.

Pablo Heras Casado, principal director invitado del Teatro Real, con más de doce títulos a sus espaldas en el foso madrileño, ha dejado en la memoria magistrales direcciones musicales de óperas como Mahagonny (2010), Die Soldaten (2018), el Anillo wagneriano (2019-2022) o Los maestros cantores, a punto de representar su última función.

El personal lenguaje estético y escenográfico de Robert Wilson, ha formado parte de la historia del Teatro Real desde su reapertura. Su primer trabajo en el escenario madrileño fue en 1998 con O corvo branco, junto a Philip Glass, y su impronta ha quedado en inolvidables producciones como Turandot, representada la pasada Temporada, en la que su concepción escénica, decorados e iluminación conceden a la ópera de Puccini un aura espectral muy ajustada al universo dramatúrgico y sonoro de la partitura, que evoca un mundo ancestral de reminiscencias orientales.

Dos grandes voces femeninas han brillado con luz propia en las dos últimas temporadas, las sopranos españolas Saioa Hernández y Sara Blanch. La primera, dando vida a personajes emblemáticos como Turandot, Medea y, próximamente, Madama Butterfly, ha demostrado con sus interpretaciones porqué es una de las cantantes más demandadas en los principales escenarios del mundo lírico. Vocacional y entregada, despliega los matices necesarios para emocionar a través de mujeres que viven el drama de maneras muy diferentes. La segunda, afianza una carrera que comienza y en la que su voz brillante, ligera y llena de color ha regalado a este escenario personajes como la soñadora Fiorilla de Il turco in Italia o Dircé, en Medea.

La Temporada 22/23 del Teatro Real ha dejado también las memorables actuaciones del bajo-barítono Martin Winkler -con su irrepetible encarnación de Kovaliov en La Nariz, de Dmitri Shostakóvich- y del barítono Leigh Melrose – por la encarnación de Richard Nixon en Nixon in China, de John Adams-, ambos reconocidos como grandes cantantes, pero también como extraordinarios actores.

La Gala contará con la actuación del pianista Javier Perianes, para interpretar la suite Goyescas, de Enrique Granados, obra maestra de la música española que aúna dificultad técnica y belleza, para poner fin a una velada extraordinaria en el Teatro Real.

Perianes es Premio Nacional de Música 2012, Artista del Año 2019 de los International Classical Music Awards (ICMA) y Medalla de Honor del Festival de Granada, entre otros reconocimientos.

Tanto el concierto de Javier Perianes y la Gala estarán abiertos al público, que puede adquirir sus entradas en los canales de venta habituales del Teatro Real, con entradas disponibles entre 12 y 50 €.

ABAO Bilbao Opera clausura la 72ª Temporada en mayo con una apasionada, atemporal e indeleble historia de amor entre jóvenes artistas de París, La Bohème de Giacomo Puccini. Es una de las más bellas, dramáticas, conmovedoras y complejas óperas del repertorio lírico italiano, y un título imprescindible. ABAO ha programado cuatro funciones para los días 18, 21, 24 y 27 de mayo en el Euskalduna Bilbao con el patrocinio exclusivo de la Fundación BBVA. La representación del sábado 18 de mayo dará comienzo a las 19:00h y el resto de las funciones se iniciarán a las 19:30h.

Esta historia dramática e inmortal estrenada en 1896, tiene la habilidad de causar desde el principio un poderoso atractivo, y la convierten en una de las óperas más apreciadas y admiradas internacionalmente, y en una de las grandes favoritas del público, las casas discográficas y los teatros. La relevancia de este título y su eterno atractivo se reflejan en su enorme popularidad. Giacomo Puccini, el compositor más relevante de la llamada Giovane Scuola Italiana, quedó fascinado con las Scènes de la vie de bohème de Henri Murger y junto a los libretistas Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, colaboradores de Puccini en éxitos tan importantes como Tosca o Madama Butterfly, ha legado una de las óperas de repertorio más representadas en todo el mundo.

Con estas representaciones, La Bohème lidera el ránking de las óperas que más veces se han programado en ABAO Bilbao Opera, en diecinueve ocasiones desde 1954 a 2024. La ópera de Puccini suma esta temporada 36 representaciones que la convierten en la más escenificada del catálogo de la Asociación. Han cantado los roles de Mimí y Rodolfo parejas míticas que han dejado huella en la memoria colectiva como Renata Scotto y Euginio Ferrandi, Mirella Freni y Jaime Aragall que lo hicieron en tres ocasiones, o de nuevo Mirella Freni con Luciano Pavarotti en 1972, probablemente la pareja de referencia de La Bohème, encargados de celebrar el centenario de la obra en Turín en 1996.

PERSONAJES MARCADOS POR EL SENTIMENTALISMO Y EL DRAMA

La imagen romántica de jóvenes independientes, de artistas creativos que viven al límite y que se las arreglan como pueden, construye la perdurable popularidad de esta ópera que describe riqueza, pobreza, arte, comercio, engaño, devoción y por encima de todo, la realidad de la vida cotidiana.

Esta obra, definida por Puccini como la ópera de «piccole cose», los pequeños detalles que reflejan lo cotidiano, se desarrolla en el Barrio Latino de París con la historia de amor y desgracias de dos jóvenes bohemios, Mimì y Rodolfo, como hilo conductor del argumento.

Prodigando brillantez vocal e intensidad expresiva, la soprano guipuzcoana Miren Urbieta-Vega afronta el rol de Mimì, la pobre y bondadosa costurera víctima de la tuberculosis, atenta a las tribulaciones de su amado poeta. Tiene momentos inolvidables que forman parte de la memoria musical colectiva como «Sì. Mi chiamano Mimì», el dúo «O soave fanciulla», «Donde lieta uscì» y la agonía y muerte de la protagonista que termina con el desgarrador grito de Rodolfo.

Celso Albelo es un efusivo, elegante y apasionado Rodolfo, rol que recientemente ha incorporado a su repertorio y que debutó en la Fenice de Venezia el pasado mes de febrero con gran éxito. Entre sus escenas más destacadas están la legendaria «Che gelida manina», el dúo con Marcello «O Mimì, tu più non torni» y el dúo final con Mimí «Sono andati? Fingevo di dormire».

El barítono catalán Manel Esteve encarna a Marcello, pintor amigo de Rodolfo y amante de Musetta. Con una generosa sonoridad, lectura poética y sentido dramático, el intérprete luce en dúos, tríos, y cuartetos como el «Dunque è propio finita!», con un calado profundamente melancólico.

La seductora vocalidad de Marina Monzó, una artista con grandes habilidades escénicas y dramáticas, interpreta a la coqueta y alegre Musetta y su escena más conocida, el famoso vals «Quando m’en vo», donde la orquesta también cobra especial protagonismo.

Acompañan al cuarteto protagonista José Manuel Díaz, como el músico Schunard; David Lagares, en el rol del filósofo Colline; Fernando Latorre en un doblete de los personajes del casero Benoît y el consejero Alcindoro; y Aitor Garitano, que debuta en ABAO, con el papel de Parpignol.

EL MAESTRO HALFFTER DIRIGE LA BILBAO ORKESTRA SINFONIKOA

Una de las claves del éxito de esta ópera está en la enorme belleza musical y eficacia dramática de su paleta orquestal, su colorida orquestación y sus melodías bellas y apasionadas donde los sentimientos y las pulsiones quedan reflejados tanto en los motivos musicales como en los objetos y ambientaciones.

Una narración sentimental dirigida en Bilbao por el maestro Pedro Halffter, quien regresa a la temporada bilbaína para liderar una ópera que acoge más de 160 artistas entre el escenario y el foso.

Halffter, auténtico conocedor de los entresijos de la música del maestro italiano y de este título en particular, estará al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa con 65 profesores en el foso. Una banda interna de ocho músicos se suma también al apartado musical.

El Coro de Ópera de Bilbao, con 56 intérpretes dirigido por Boris Dujin, y el coro infantil Leioa Kantika Korala dirigido por Basilio Astulez con 20 jóvenes voces blancas, completan el reparto vocal.

LEO NUCCI FIRMA UNA PRODUCCIÓN CLÁSICA Y REALISTA, LLENA DE POESÍA VISUAL

En el escenario, una producción ideada por el legendario barítono, ahora también director de escena, Leo Nucci. De corte tradicional, perfil clásico y carácter realista, con escenas y trajes de época y una iluminación valiente y efectiva, retrata un París típico de mediados del XVIII con una reconstrucción del Barrio Latino llena de encanto y detalles sutiles.

Nucci enfoca su visión de la ópera en dos conceptos: juventud y libertad, con un espectáculo marcado por la alegría y la vivacidad.

Salvo Piro que dirige la reposición en Bilbao, define esta puesta en escena como, «un espectáculo joven, dinámico, vibrante, que redescubre los colores, acentos y matices que compositor y libretista buscaron, imaginaron y trabajaron minuciosamente palabra tras palabra, nota tras nota».

La producción del Teatro Comunale di Modena y la Fondazione Teatro di Piacenza, trabaja las escenas y los personajes con total credibilidad y describe la historia con la poesía escenográfica de Carlo Centolavigna, los efectos de luz de Claudio Schmid, y el diseño de vestuario de Artemio Cabassi.

Como señala el director Salvo Piro, «la propuesta es contar una historia sencilla sin segundas intenciones, sin conspiraciones ni dobles sentidos: la eterna historia de juventud desencantada y desenfrenada que se reconcilia con las penurias de la vida, con el desengaño y con la muerte».

PROGRAMA DE ACTIVIDADES PARALELAS CON ENTRADA LIBRE

Las actividades culturales paralelas que ABAO Bilbao Opera ofrece para acercarse a la ópera, conocer el título representado o la obra de su compositor, incluye el programa de conferencias en distintos centros municipales de Bilbao, así como el exitoso podcast en directo Concierto Desorden que reunió el día 9 en la Biblioteca Bidebarrieta al divulgador musical Gonzalo Lahoz con la soprano protagonista de la ópera, Miren Urbieta-Vega.
Las próximas citas son:

15 de mayo. Conferencia en San Sebastián: «La Bohème, la ópera de las pequeñas cosas». Ponente: Carlos Imaz. Donostia. Koldo Mitxelena Kulturunea. 19:00h. Entrada libre hasta completar aforo.

16 de mayo. Conferencia: «La Bohème, la ópera de las pequeñas cosas». Ponente: Carlos Imaz. Centro Municipal Casco Viejo-Ibaiondo. 19:00h. Entrada libre hasta completar aforo.

17 de mayo. El ciclo de conferencias El ABC de la Ópera en colaboración con DeustoBide presenta la ópera La Bohème y la obra de Puccini de la mano del catedrático y crítico musical Pablo L. Rodríguez. La conferencia se retransmite en directo a través del canal de YouTube de ABAO. Auditorio Universidad de Deusto. 18:30h. Entrada libre previo registro en la web de ABAO.

20 de mayo. Conferencia: «La Bohème, la ópera de las pequeñas cosas». Ponente: Carlos Imaz. Centro Municipal Deusto. 19:00h. Entrada libre hasta completar aforo.

22 de mayo. Santander acogerá una conferencia sobre el título en cartel con una presentación del argumento y los mejores momentos musicales. Ponente: Aitziber Aretxederra. Santander. Ateneo. 19:30h. Entrada libre hasta completar aforo

EL FONDO DOCUMENTAL DE ABAO RECIBE LA DONACIÓN DE UNA PARTITURA DE LA BOHÈME

El archivo documental histórico de ABAO Bilbao Opera está formado por todo tipo de documentos, libros, folletos de música y musicología, cartelones y entradas, programas de mano, catálogos, revistas especializadas, libros, material multimedia y grabaciones, fotografías de cantantes y maestros, recortes de prensa, partituras impresas, etc. El archivo crece cada temporada con nuevas colecciones y adquisiciones así como con donaciones de socios y amantes de la ópera.

Con el objeto de incrementar estos fondos y en honor a su estrecha vinculación con ABAO Bilbao Opera como socio desde 1987, D. Manuel Cabrera Manzanares, ha donado al archivo de la Asociación la segunda edición de la partitura de La Bohème de Puccini en su reducción para voces, coro y piano, realizada por Carlo Carignano y editada en Milán en 1898, por la empresa Giulio Ricordi e Compagnia. D. Manuel Cabrera Manzanares es crítico musical, productor artístico, asesor cultural y colaborador articulista de la Asociación.

ABAO Bilbao Opera agradece su generosa donación al archivo, que contribuye a la labor de difusión de la cultura y la ópera.

FUNDACIÓN BBVA: IMPULSO AL CONOCIMIENTO CIENTÍFICO Y CULTURAL

La Fundación BBVA, cuyo rasgo diferencial es el impulso al conocimiento tanto científico como cultural, articula su programa de Música como un recorrido completo por las distintas formas en que la sociedad puede beneficiarse y disfrutar de esta manifestación artística. Así, promueve la creación de obra nueva con encargos de composición y hace posible su preservación y difusión por medio de grabaciones en colaboración con sellos e intérpretes de primera línea.

Fomenta la música en directo a través de ciclos de conciertos que, de forma gratuita, ponen al alcance del público el mejor repertorio clásico y contemporáneo con ensembles y solistas de referencia. Organiza ciclos de conferencias y edita publicaciones para comprender mejor el trabajo de ciertos autores o sumergirse en el estudio de determinados períodos compositivos. Las Becas Leonardo posibilitan proyectos de investigación científica y creación cultural altamente innovadores con resultados de muy variada índole: desde la composición y estreno de piezas musicales, escénicas y operísticas hasta la recuperación de patrimonio musical y su recopilación en primeras grabaciones mundiales. Colabora con formaciones musicales y teatros de todo el país y reconoce la excelencia a través del Premio Fronteras del Conocimiento en Música y Ópera. El esfuerzo sostenido de la Fundación en este ámbito ha sido reconocido con el Premio Ópera XXI a la Mejor Iniciativa de Mecenazgo.

Las representaciones de La Bohème están patrocinadas en exclusiva por la Fundación BBVA, principal patrocinador de ABAO Bilbao Opera, que contribuye de esta manera a fomentar la cultura operística y a llevar al público espectáculos de la máxima calidad.

La Fundación BBVA ha sido reconocida con el premio a la Mejor Institución en los Tutto Verdi International Awards por su impulso al conocimiento científico y la creación cultural de excelencia. Por su apoyo a la música y a la ópera con una categoría propia en los Premios Fronteras del Conocimiento. Por su apoyo constante y decidido como patrocinador principal, sin interrupción durante dieciocho años, a todas las actividades de ABAO Bilbao Opera y en especial el Proyecto Tutto Verdi.

Flamenco Real se transforma en una vereda de emociones por la que el bailaor Marco Flores camina, se detiene, disfruta o encoje el alma al ritmo de los palos del flamenco que descubre la guitarra y, entre la verdad de su herencia cultural, nos invita a Un paseo por el Real.

Recién cumplidos sus veinticinco años sobre las tablas, reconocido como uno de los valores más sólidos de su generación y en plenitud creativa, Marco Flores ofrece en este espectáculo una muestra de baile a través del flamenco puro, jondo, pero también del más alegre, de los cantes de trilla e incluso del cuplé. Un paseo por las emociones que relatan los cantes y que su cuerpo transforma.

La cita tendrá lugar los días 22, 23 y 24 de mayo, a las 20.00 horas, en el Salón de Baile del Teatro Real, acompañado por la guitarra de José Tomás (Premio de Guitarra Solista en el X Certamen de Jóvenes Flamencos de Córdoba en 2012 y Premio Bordón Minero del Festival Internacional del Cante de las Minas en 2014) y el cante de Manuel de la Nina.

Marco Flores nace en 1981 en Arcos de la Frontera, Cádiz. Allí surge su pasión por el baile flamenco y comienza a formarse, primero de forma autodidacta y luego en cursos intensivos con Antonio Canales y Javier Latorre. Con 18 años empieza a trabajar en tablaos, lo que le permitió consolidar su aprendizaje antes de pasar a formar parte de las compañías de Sara Baras, primero, y de Rafaela Carrasco, después.

A partir de 2003, inicia su andadura como codirector y coproductor de sus propios espectáculos junto a Manuel Liñán (Dos en Compañía), Manuel y Olga Pericet (En sus 13, En clave) o Olga y Daniel Doña (Chanta la muí, Complot, Recital).

En 2010 crea su propia compañía y estrena su primer espectáculo, DeFlamencas, en el Gran Teatro de Córdoba, logrando el Premio de la Crítica Especializada del Festival de Jerez de 2012. Después vendrían Tránsito, Laberíntica, Paso a Dos, Entrar al Juego y Fase Alterna. En 2018 estrena su primera pieza para espacios no convencionales, Extracto Abierto, y, poco después, su primer solo, al que denomina Extrema, que se exhibirá en distintos teatros y festivales de Asia y Europa.

En 2007 consigue el Premio Absoluto del Baile del Concurso Nacional de Arte Flamenco, al hacerse con las categorías Premio Carmen Amaya, Premio Antonio Gades y Premio Mario Maya. Entre otros galardones posee también el Premio al Mejor Bailaor de la Revista Deflamenco, Premio al Mejor Bailaor de Flamenco de la Crítica Especializada, Premio de la Crítica del Festival de Jerez al Mejor Espectáculo por DeFlamencas, Medalla de Oro del Festival Flamenco de la Virgen de las Nieves (Arcos de la Frontera), el Premio Ojo Crítico de Danza y el Premio Max al mejor Intérprete de Danza.

Este sábado, 18 de mayo, Celso Albelo se meterá una vez más en la piel del protagonista masculino de La Bohème, de Puccini, y lo hará en la temporada de ABAO Bilbao Opera, una compañía con la que ha estado estrechamente ligado y que le vio debutar la pasada temporada el rol de Manrico de Il Trovatore, de Verdi. Albelo se encuentra ampliando su repertorio hacia papeles más líricos, sin abandonar muchos de sus emblemáticos roles de óperas belcantistas de Donizetti o Bellini que le han abierto las puertas de los grandes teatros internacionales. Todo ello, según sus propias palabras, porque su voz “ha ido evolucionando, algo que sucede de manera natural con el paso del tiempo, y en estos momentos me estaba pidiendo abordar papeles de más peso. He tenido la fortuna de que estos se han ido poniendo en mi camino poco a poco y en escenarios importantes, por lo que me siento muy feliz”, asegura el tenor. En 2023, además de Manrico, también debutó el personaje de Macduff de Macbeth (Verdi) en el Liceu barcelonés, así como Des Grieux de Manon de Massenet (Ópera de Oviedo); ya en 2024, cantó su primer Rodolfo de La Bohème en Venecia y, más tarde, Pinkerton de Madama Butterfly, ambas de Puccini, en el Theatro Municipal de São Paulo (Brasil). “Además”, continúa Albelo, “siento que tras 25 años de carrera se ha abierto una nueva ventana con un paisaje musical espectacular que me permite seguir desarrollándome como intérprete; la música de Verdi o de Puccini y todo el arco dramático que caracteriza a estos nuevos personajes me tienen muy entusiasmado y con ganas de seguir descubriendo nuevos caminos por los que transitar; en febrero canté Rodolfo de La Bohème en Italia y experimenté sensaciones increíbles, y estoy feliz de poder asumir un personaje tan entrañable ahora ante el público de Bilbao, que adoro”, concluye.

La dirección de escena que se podrá ver en el Palacio Euskalduna lleva la firma del gran Leo Nucci (repuesta aquí por Salvo Piro), en una coproducción de la Fondazione Teatri di Piacenza, la Pergolesi Spontini Fondazione, el Teatro Comunale di Modena y la Opéra de Marseille, con funciones los días 18, 21, 24 y 27 de mayo. Junto a Celso Albelo figuran en el reparto la Mimì de Miren Urbieta-Vega, la Musetta de Marina Monzó, el Marcello de Manel Esteve y el Schunard de José Manuel Díaz, entre otros intérpretes. La dirección musical correrá a cargo de Pedro Halffter, que estará al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa y del Coro de Ópera de Bilbao.

Entre otros compromisos, en lo que queda de 2024 a Albelo le esperan un concierto en el Teatro Sociale di Rovigo, su Alfredo en La Traviata de Verdi, en el Festival Camp de Marte en Tarragona y su regreso al Gran Teatre del Liceu de Barcelona como Pinkerton en Madama Butterfly, además de actuaciones todavía por anunciar en la Ópera de A Coruña y en el Teatro de la Zarzuela de Madrid.

ABAO Bilbao Opera y la Sociedad Filarmónica de Bilbao celebran el 16 y 17 de mayo a las 19:30h, dos funciones de un recital extraordinario en homenaje y agradecimiento a sus respectivos socios y empresas colaboradoras por su fidelidad y apoyo a la institución que representan.

El artista invitado para ambas sesiones del recital “Emociones de primavera” es el pianista Steven Lin, uno de los jóvenes intérpretes más interesantes y demandados de su generación, admirado por su carisma, empatía emocional y conmovedora presencia escénica.

Aclamado por el New York Times por su interpretación “inmaculadamente expresada y realzada por admirables sutilezas dinámicas y llenas de matices”, y con un impresionante curriculum plagado de premios, colaboraciones y reconocimientos, Steven Lin promete una experiencia de recital a través de un modo especial de sentir e interpretar la música, con un enfoque natural, directo y sorprendente.

El jueves 16 de mayo el recital estará dedicado a los socios y colaboradores de ABAO Bilbao Opera, y el viernes 17 la función acogerá el homenaje a los de la Sociedad Filarmónica de Bilbao.

Ambas instituciones colaboran habitualmente y comparten, desde la iniciativa privada, el fomento de la cultura musical de cámara y operística, acercando a la sociedad espectáculos de la máxima calidad.

EMOCIONES DE PRIMAVERA

El intérprete iniciará el programa con las sonatas de Domenico Scarlatti, una figura imprescindible de la música en Europa y de la historia de la música en España. Sus sonatas para teclado dedicadas a su alumna Bárbara de Braganza que se convertiría en reina de España, están llenas de encanto y romanticismo. La Sonata K9 re menor y la Sonata K466 fa menor, conjugan delicadas formas poéticas, una apasionada melodía y el enfoque romántico de las composiciones para piano.

El romanticismo seguirá presente en el programa con Fréderic Chopin cuya aportación a la composición pianística es esencial en la historia de la música. Las Mazurkas opus 50/3 y opus 63/3 así como la Ballade Nº1 Op. 23 destacan por su técnica impecable y la sorprendente calidad estética de su escritura.

El impetuoso Ludwig van Beethoven terminará la primera parte del programa con la Sonata na 21 do mayor, Op. 53, Aurora, también conocida como “Waldstein”. Consta de tres movimientos llenos de ampulosa sonoridad, exuberante desarrollo y técnica compositiva. Las sonatas para piano de Beethoven son una de las aportaciones más emotivas del compositor alemán y constituyen una experiencia inolvidable.

La segunda parte del recital comenzará con Wolfgang Amadeus Mozart y las sobresalientes 12 variaciones “Ah!, vous dirai-je, maman!” que escribió durante su estancia parisina. Compuestas sobre un sencillo tema popular, la imaginación de Mozart les otorga una nueva sensibilidad.

El programa termina con las Réminiscences de Don Juan S418 de Frank Liszt, una espectacular composición tripartita sobre la conocida ópera de Mozart Don Giovanni, que recoge momentos de carácter como el dúo entre Don Giovanni y Zerlina, «Là ci darem la mano» y el famoso final del aria del vino “Fin ch’an dal vino”.

STEVEN LIN, UN INTÉRPRETE AL ALZA

Pianista estadounidense de origen taiwanés, ganador del primer premio del Concurso Internacional de Piano Arthur Rubinstein en Tel Aviv, está considerado como uno de los artistas más distintivos y relevantes de su generación.

Su brillante ejecución pianística se manifestó desde una edad temprana cuando fue aceptado por la Juilliard School con una beca completa para estudiar con Yoheved Kaplinsky a la edad de diez años, lo que a su vez lo llevó a debutar con la Filarmónica de Nueva York en el Avery Fisher Hall cuando tenía solo 12 años.

Completó su formación con el programa de Diploma de Artista en el Instituto Curtis de Música, bajo la dirección de Robert McDonald, y antes de eso, obtuvo una licenciatura y un doctorado en la Juilliard School, estudiando con los prestigiosos profesores y músicos McDonald, Matti Raekallio y Yoheved Kaplinsky.

Recientes compromisos orquestales incluyen su debut con la Orquesta Sinfónica de San Diego, la Orquesta Sinfónica de Kansas City, las Orquestas Sinfónicas de Fort Worth, Filarmónica de Berlín, Orquesta Sinfónica Nacional de México, Orquesta Sinfónica de Australia Occidental, Orquesta Sinfónica de Indianápolis, la Sinfónica Nacional de Costa Rica, la Orquesta Filarmónica de Israel y la Sinfónica de Baltimore, entre otras.

Artista frecuente en festivales de verano, ha tocado en importantes salas de conciertos en Estados Unidos, Asia y Europa en lugares como Washington, Nueva York, Munich, París, Dublin, Taipei, Taiwan, Shanghai, Corea, Tokio, Dubai o Bahrein.

En la temporada 2021-2022, Steven se embarcó en su gira de recitales en el País Vasco en Vitoria-Gasteiz, Getxo, y en 2023 en Bilbao y Zumárraga

El Teatro de la Zarzuela ha presentado una nueva producción de una de las obras más importantes de Tomás Bretón y con el cartel de agotado en la taquilla. Una representación cargada de nostalgia, pues evoca directamente, a modo de homenaje, al Teatro Apolo, donde se estrenó la verbena de la Paloma el 17 de febrero de 1894. Para ello se ha incorporado un prólogo, con texto de Álvaro Tato, que nos cuenta como debió ser el último ensayo de esta obra en el Apolo, antes de su traslado al Teatro de la Zarzuela. Un añadido lleno de humor y alguna de las piezas más conocidas de otras obras del género lírico español.

La escenografía de Nicolás Boni, en la que son protagonistas los característicos balcones del Madrid más castizo, son perfectos para el desarrollo de la siempre extraordinaria dirección de escena de Nuria Castejón. Todo bajo la íntima y acertada iluminación de Albert Faura.

En el foso, el flamante nuevo director musical del Teatro, José Miguel Pérez-Sierra, que hizo una lectura de la partitura animada y llena de frescura. En un repertorio que conoce y domina. Su participación nos dará grandes tardes de zarzuela al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid.

El elenco de cantantes fue una perfecta combinación entre veteranía y juventud. Julián, el rol protagonista, estuvo interpretado por un sobrado de facultades vocales Borja Quiza, que está en un momento impresionante. Su voz voluminosa y extraordinaria proyección, se comió un poco al resto del elenco. Se agradece en estas obras del repertorio, una menor impostación vocal que resulte más natural y apropiada a los personajes populares.

Milagros Marín fue una estupenda Señá Rita. Divertida, castiza y llena de naturalidad.

Carmen Romeu, como Susana, dio buena réplica vocal al caudal de su Julián, con una voz sólidamente colocada y muy caudalosa caudalosa. Antonio Comas dio vida a un Don Hilarión en muy buena forma, rejuvenecido bajo el influjo de las dos hermanas. El Don Sebastián de Gerardo López ofreció un toque de sofisticación y gracejo muy simpático. Aunque la mejor interpretación fue para la Tia Antonia de Gurutze Beitia, que definió perfectamente su personaje, una mujer algo rústica y con carácter, pero con nobleza. Bien la Casta de Ana San Martín, que brilló más en la primera parte de la obra, donde demostró gran comicidad, que en la propia verbena.

Muy bien la escena flamenca, con la coreografía de Nuria Castejón y el cante de Sara Salado.

Una tarde de Zarzuela en la que el público disfrutó y que demuestra la buena salud de este género y, sobre todo, de La verbena de la Paloma.

La Fundación Scherzo se complace en anunciar la vuelta de Elisabeth Leonskaja al Ciclo de Grandes Intérpretes el próximo 15 de mayo, en un concierto en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional que tendrá lugar a las 19:30h.

La gran Dama del piano vuelve a Madrid para celebrar su onceava participación en el Ciclo de Grandes Intérpretes. Su debut con nosotros, celebrado en 1999, nos trajo un sentido homenaje a Schubert que ya auguraba el gusto de la georgiana por el maestro vienés. En esta ocasión tan especial, veinticinco años después y diez recitales más tarde, quien por entonces ya era maestra y ahora es leyenda del piano, nos ofrece un homenaje al último Beethoven, en el que fue su testamento musical.

Elisabeth Leonskaja siempre se ha definido como una intérprete que sigue los pasos de los grandes músicos rusos de la época soviética, como Oistrakh, Richter y Gilels, que nunca renunciaron a su manera de interpretar la música a pesar de un ambiente político muy difícil. Su incansable refinamiento y estudio de las partituras nos han regalado algunas de las grabaciones más emblemáticas de los últimos treinta años.

Maestra de maestros y gran pedagoga, su compromiso con los jóvenes y con el público se caracteriza siempre por la elaboración de programas muy concretos, que buscan ensalzar un espíritu muy determinado. Las tres últimas sonatas de Beethoven representan, para muchos, el epítome del piano romántico. Su composición, siguiendo el mito y la leyenda del genio de Bonn, no está exenta de misterio. Fue al editor berlinés Adolf Martin Schlesinger a quien Beethoven le prometió tres sonatas para piano en tres meses. Pero los afanes compositivos del Sordo de Bonn, que en aquellos tiempos se encontraba sumergido en las fauces de su Missa Solemmnis, solo le permitieron terminar la primera de ellas, la Sonata para piano nº 30 en Mi mayor, op. 109. Sus profundas reflexiones sobre los choques entre el amor, la muerte y la esperanza se tornaron algo más afables en la siguiente de sus sonatas, la Sonata para piano nº 31 en La bemol mayor, op. 110, que supone, en palabras de Beethoven: «La lucha del hombre contra el sufrimiento», y se caracteriza por la fuga final en donde el universo musical del compositor alemán nos dibuja una de las estructuras musicales más perfectas que se recuerden. Por último, la Sonata para piano nº 32 en Do menor op. 111, obra que rompe la forma de la sonata clásica al resumirse en dos movimientos y en donde Beethoven parece enviar un mensaje de paz al mundo, y es que tras el terror de las sombras, siempre se atisba paz aunque la luz sea difusa.

Con este recital, el Ciclo de grandes Intérpretes se prepara para su último concierto de temporada, el del pianista Paul Lewis el próximo 18 de junio. Por otro lado, el Ciclo Horizontes celebrará «Las Voces de Lorca» el próximo 29 de mayo, en un espectáculo musical con la cantaora María Toledo, el pianista Pablo Rubén Maldonado y el poeta Aitor Contreras.

El barítono austríaco Florian Boesch, uno de los lideristas más aclamados de la actualidad, regresa al Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela en su trigésimo aniversario, junto al pianista escocés Malcolm Martineau. En esta ocasión el cantante interpretará el célebre ciclo El canto del cisne de Franz Schubert, una obra póstuma cargada de profunda emotividad y exquisita melancolía. El recital tendrá lugar el lunes 13 de mayo, a las 20h00 horas, en el Teatro de la Zarzuela.

El canto del cisne es un conjunto de catorce canciones compuestas por Franz Schubert al final de su vida y publicadas a título póstumo, basadas en poemas de Ludwig Rellstab y Heinrich Heine. Mientras que las canciones de Rellstab sumergirán al público en la alegría del amor y el dolor de la separación, las composiciones inspiradas en los versos de Heine evocan sentimientos sobrecogedores. Así, El canto del cisne ofrece una amalgama de emociones y estados de ánimo que abarcan desde la felicidad del amor hasta el desgarrador lamento por la pérdida.

A través de la interpretación de Boesch, estas composiciones cobrarán vida transportando al público a un viaje emocional único que comenzará con Liebesbotschaft, canción en la que resuenan los ecos de una amada lejana, y concluirá con la emotiva Der Atlas, cargada de rabia y dolor. En el recorrido, el cantante también interpretará piezas como Frühlingssehnsucht, que invoca el ímpetu del deseo amoroso, o la famosa serenata Ständchen, entre otras.

Florian Boesch es uno de los cantantes más solicitados del panorama actual en el género liderístico y ha participado en numerosas ocasiones por el Ciclo de Lied del CNDM, donde ha sido aclamado por crítica y público. Además de actuar habitualmente en prestigiosos espacios como el Wigmore Hall de Londres, el Musikverein de Viena o la Philharmonie de Colonia, ha trabajado con las principales orquestas del mundo, como las Filarmónicas de Viena y Berlín, entre otras. Florian Boesch y Malcolm Martineau han interpretado lieder de Franz Schubert en varias giras internacionales. Por ello, el concierto del CNDM será también una gran oportunidad para ser testigos de la gran complicidad que existe entre ambos artistas y el profundo conocimiento que tienen de la obra del compositor austríaco.

Tras su regreso al foso del Teatro de la Zarzuela el pasado mes de febrero con una nueva producción de El año pasado por agua, Lara Diloy será la Directora Musical de la première sevillana de la ópera de cámara Lazarillo, con música de David del Puerto y libreto de Martín Llade, que tendrá lugar el próximo 18 de mayo en la Sala Cite del Cartuja Center, en el marco de la programación conjunta del Teatro de la Maestranza y el Teatro Lope de Vega.

La dirección escénica de esta ópera, que presenta una versión actualizada del clásico Lazarillo de Tormes, corre a cargo de Ricardo Campelo, al frente de la compañía Teatro Xtremo, y cuenta con la participación de un ensemble de seis instrumentistas y cuatro voces solistas: Ruth González (soprano), Silvia Zorita (mezzosoprano), Enrique Sánchez-Ramos (barítono) y Antoni Comas (tenor).

Lara Diloy, que dirige por primera vez en la capital hispalense y debuta con Lazarillo en la temporada lírica del Teatro de la Maestranza, está vinculada a este título operístico contemporáneo desde su estreno absoluto el 16 de junio de 2023 en el Corral de Comedias de Alcalá de Henares (Festival Clásicos en Alcalá); un estreno, en el que su labor musical fue elogiada por el reconocido crítico musical Arturo Reverter: “Asistimos a una excelente representación estupendamente servida por la batuta de Diloy y el sexteto a sus órdenes” (La Razón).

La directora de orquesta madrileña, que se ha encargado también de la reposición de Lazarillo en el Teatro Auditorio San Lorenzo de El Escorial y en el Teatro Pérez Galdós de Las Palmas de Gran Canaria, reflexiona sobre el éxito que está teniendo esta ópera inspirada en la célebre novela picaresca de la literatura española: “Se trata de una obra que disfruta mucho el espectador, porque se empatiza muchísimo con el personaje del Lazarillo, y ha sido muy bien acogida por el público desde que la estrenamos en Alcalá de Henares. Ya ha pasado por diversas ciudades desde su estreno, y el hecho de que esté previsto seguir girando con ella después de su presentación en Sevilla, demuestra que está funcionando muy bien. Además, el tándem formado por Martín Llade, con un libreto bastante fiel a la obra literaria, y por David del Puerto, que se encarga de la música, ha conseguido que el público pueda seguir de forma amena la historia. Por su parte, la puesta en escena de Ricardo Campelo nos sitúa en un espacio atemporal, que no sabemos si es pasado o si es futuro, lo que también hace que llegue al público de hoy”.

Lara Diloy, que debutó recientemente con la Orquesta de Córdoba, se ha convertido en una de las directoras más destacadas del panorama nacional actual, con presencia habitual en el podio de orquestas sinfónicas de renombre como la Orquesta de la Comunidad de Madrid, la Orquesta Sinfónica RTVE, la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias, la Orquesta Sinfónica de Navarra, y la Oviedo Filarmonía, así como en las temporadas de prestigiosas instituciones como el Teatro de la Zarzuela, el Teatro Real de Madrid, la Ópera de Oviedo o la ABAO de Bilbao, entre otras.

Lara Diloy (c) Gema Escribano

La pianista Noelia Rodiles (Oviedo, 1985) protagoniza la segunda de las citas musicales que el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) dedica esta temporada a la gran artista Alicia de Larrocha con motivo del centenario de su nacimiento. En esta ocasión, la joven pianista asturiana ofrecerá un recital que incluye obras de Franz Joseph Haydn y Franz Schubert interpretadas frecuentemente por Alicia de Larrocha, en diálogo con piezas contemporáneas de la gran compositora mexicana Gabriela Ortiz. El recital tendrá lugar el martes 14 de mayo, a las 19:30 horas, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música de Madrid.

Alicia de Larrocha no solo fue una de las pianistas más importantes de su generación, sino un auténtico referente de la música clásica del siglo XX. El ciclo Recordando a Alicia del CNDM rinde homenaje a su figura a través de recitales que permiten al público conocer su legado y descubrir todos los registros de su pianismo. En el caso del concierto que ofrecerá Noelia Rodiles el próximo martes, nos acercaremos a la vital Sonata para piano en fa mayor de Franz Joseph Haydn y a la famosa Sonata para piano en si bemol mayor de Franz Schubert, obra cumbre del repertorio pianístico; junto a dos obras contemporáneas: Patios serenos y Su-Muy-Key de la creadora Gabriela Ortiz.

Sobre Alicia de Larrocha, Noelia Rodiles pone en valor “su rigor, su buen gusto y la claridad de sus planteamientos musicales en un repertorio tan amplio”. Además, destaca que “es muy importante preservar el legado de Alicia de Larrocha y difundir su trabajo. Es evidente que para nosotras ha sido un gran referente, pero hay que intentar que las nuevas generaciones la tengan muy presente y que el público sea consciente de que fue una de las grandes pianistas de la historia”. Este concierto del CNDM será una gran oportunidad para conocer su legado y aquellas obras que la inspiraron y acompañaron en su trayectoria.

Noelia Rodiles (C) Michal Novak

Entre los días 13 y 19 de mayo el Teatro Real ofrecerá 4 funciones de una nueva producción de Tenorio, ópera de cámara de Tomás Marco (1942) estrenada en versión de concierto en el Teatro Auditorio San Lorenzo de El Escorial en 2017 y que tendrá finalmente su estreno escénico absoluto.

Tenorio, compuesta entre 2008 y 2009, es la séptima ópera de Tomás Marco dentro de su prolífico catálogo creativo, que incluye 10 sinfonías, 1 ballet, 1 zarzuela, un gran número de partituras de música de cámara para distintas formaciones, música vocal e incidental.

Encargada por el Estío Musical Burgalés en 2010, la partitura fue víctima de la crisis económica que hizo desaparecer el Festival dirigido por Rafael Frühbeck de Burgos, impidiendo entonces su estreno, que solo tendría lugar 7 años más tarde, en versión de concierto, en el Auditorio de San Lorenzo de El Escorial.

La ópera, compuesta por siete escenas y cinco intermedios instrumentales, enmarcados por un preludio, un prólogo y un epílogo, es un viaje por el mito de Don Juan guiado por el drama romántico de José Zorrilla (1817-1893), con libreto del compositor, que incluye también textos de Tirso de Molina, Molière, Lorenzo Da Ponte, Lord Byron, sor Juana Inés de la Cruz y Francisco de Quevedo, siempre en verso y con una música que evoca tiempos pasados, recogiendo formas, armonías, o estructuras del teatro musical renacentista y barroco, que impregnan la partitura sin alejarla del lenguaje musical del siglo XXI.

En relación con el elenco, el número de cantantes puede variar, ya que un cantante puede interpretar uno o más personajes dependiendo de las propuestas dramatúrgicas. Los papeles de Doña Inés, Doña Ana y Lucía pueden ser interpretados por una, dos o tres sopranos; igualmente, los personajes de La Narración y Don Luis Mejía pueden ser encarnados por uno o dos tenores. Solo el rol de Tenorio, para barítono, está concebido para un solista único.

Paradójicamente, hay personajes individuales que son cantados por un pequeño grupo de cantantes, denominado en la partitura como Madrigal, emulando a los conjuntos vocales del Renacimiento y del Barroco. Este pequeño coro muy compacto -que en la producción está conformado por jóvenes formados en el proyecto Crescendo de la Fundación Amigos del Teatro Real- comenta la acción, pero también da voz a personajes como Ciutti, el Comendador o Brígida.

Tomás Marco evoca la poderosa fuerza centrípeta -sexual y sensual- de Don Juan, en un entrelazado de personajes mayores y menores que gravitan a su alrededor, como un gran fresco que propicia el uso de distintas texturas sonoras en un continuum vocal e instrumental circular.

La puesta en escena de la Agrupación Señor Serrano indaga precisamente sobre el arquetipo de este depredador sexual en la actualidad, en una propuesta dramatúrgica de Clara Serra, filósofa e investigadora en el ámbito de cuestiones de género, sexualidad y feminismo.

Àlex Serrano y Pau Palacios trasladan la ópera a un set de rodaje, en el que los protagonistas de la “película Tenorio” tienen su propia vida fuera de ella, creando un juego de personajes dobles con dos mundos que se van fundiendo y confundiendo a lo largo de la obra.

La escenografía e iluminación diseñada por CUBE.BZ, transforman el escenario en el plató y backstage del rodaje -camerinos, zona de cáterin, rincón de maquillaje, sala de vestuario, etc.-, con distintos espacios concebidos como instalaciones o pequeños bodegones conceptuales que reflejan el perfil psicológico y el desdoblamiento de los personajes.

La dirección musical es de Santiago Serrate, gran conocedor de la partitura, que ya dirigió el estreno y la grabación discográfica de la obra. Estará al frente de los seis solistas de la ópera –Joan Martín-Royo (Tenorio), Juan Francisco Gatell (Don Luis), Adriana González (Doña Inés), Juan Antonio Sanabria (La Narración), Lucía Caihuela (Doña Ana), Sandra Ferrández (Lucía)-, de la Orquesta Titular del Teatro Real y de un grupo vocal formado por cantantes del programa Crescendo.

Tenorio, como todas las óperas, nació como una obra musical y dramatúrgica que sólo adquiere su verdadera dimensión presentada en versión escénica y teatral. Después de las vicisitudes de su partitura, cuyo estreno fue afectado por la crisis económica de 2010 y, posteriormente, por las consecuencias de la pandemia, la obra de Tomás Marco podrá finalmente renacer en el Teatro Real en toda su plenitud, con nuevas miradas, reflexiones y preguntas sobre el inagotable mito de Don Juan.

FICHA ARTÍSTICA

TENORIO

Ópera de cámara

Música y libreto de Tomás Marco (1942), basado en Don Juan Tenorio de José Zorrilla, con añadidos de Tirso de Molina, Molière, Lorenzo da Ponte, Lord Byron, sor Juana Inés de la Cruz y Francisco de Quevedo.

Estrenada en versión concierto en el Festival de Verano del Teatro-Auditorio de San Lorenzo de El Escorial en 2017.

Estreno absoluto en versión escénica

Nueva producción del Teatro Real

Dirección musical: Santiago Serrate

Dirección de escena: Àlex Serrano, Pau Palacios (Agrupación Señor Serrano)

Escenografía e iluminación: CUBE.BZ

Dirección de arte: Jacobo Cayetano (Zuloark)

Vestuario: Joan Ros Garrofé, Atena Pou Clavell

Asesoría dramatúrgica: Clara Serra

Diseño de videoescena y realización: Xavier Gibert

Asistente de la dirección musical: Rubén Sánchez-Vieco

Asistentes de la dirección de escena: Cristina Cubells, Anna Llopart

Operadores de cámara: Bibiana Gispert, Marc Costa

Creación de vídeos digitales: Boris Ramírez

Solistas

La Narración: Juan Antonio Sanabria

Tenorio: Joan Martín-Royo

Doña Inés: Adriana González

Don Luis: Juan Francisco Gatell

Doña Ana: Lucía Caihuela

Lucía: Sandra Ferrández

Madrigal

Comendador: Alejandro von Büren, Gonzalo Ruiz Domínguez, Enrique Torres

Brígida: Inés Lorans, Miriam Silva, Aida Gimeno

Ciutti: Pablo Puértolas, Eduardo Pomares, Manuel de Filera

Hostelera: Ana Molina García, Paola Leguizamon, Yeraldin León

Actores

Asistentes de rodaje: Raquel Villarejo, Joseba Priego

Actores: Victoria Lucena, Roberto Lua

Orquesta Titular del Teatro Real

Grupo vocal formado por cantantes del programa Crescendo

de la Fundación Amigos del Teatro Real preparado por Santiago Serrate y Rubén Sánchez-Vieco.

Duración aproximada 1 hora y 40 minutos

Fechas 13, 15, 17, 19 de mayo a las 19:30 horas

Santiago Ballerini regresa a la Canadian Opera Company para interpretar el rol de Ernesto en las siete funciones de Don Pasquale de Donizetti. La ópera belcantista, estrenada el pasado 26 de abril con elogios de la crítica y el público, estará en escena hasta el 18 de mayo en el Four Seasons Centre for the Performing Arts de Toronto.

El tenor italo-argentino, reconocido como uno de los grandes especialistas del bel canto y uno de los más solicitados en los grandes teatros de Europa Norte y Suramérica, se ha llevado el aplauso de la crítica en esta producción por su interpretación de Ernesto, uno de los papeles que más ha interpretado en los

últimos años -Liceu de Barcelona, Colón de Buenos Aires, Abao Bilbao Ópera, Lírica de Buenos Aires-.

«El Ernesto de Ballerini es un hermoso complemento, con un sonido audaz siempre dispuesto a asumir riesgos en el canto suave que son muy bien logrados. Incluso logra una especie de energía tensa al estilo de Fred Armisen, una encantadora clase de tensión que desaparece en su impresionante dúo con Norina», reseñó The Globe and Mail el día del estreno.

Con Don Pasquale, Ballerini regresa a la Canadian Opera Company cuatro años después de su debut con la compañía en El barbero de Sevilla (2020), donde interpretó al Conde de Almaviva. «El bel canto es el lugar donde me siento más cómodo y estoy feliz de regresar a la Canadian Opera Company con otra comedia de este estilo», declara Ballerini.

Entre sus próximos compromisos se encuentra su participación en La traviata de Verdi en el Cincinnati Opera Summer Festival; Anna di Resburgo, de Carolina Uccelli, con el Teatro Nuovo de Nueva York, y La flauta mágica de Mozart en The Atlanta Opera.

La Fundación Scherzo se complace en presentar el 30º Ciclo de Grandes Intérpretes que entre los meses de septiembre de 2024 a junio de 2025 traerá al Auditorio Nacional de Música a algunos de los más prestigiosos pianistas de nuestro tiempo.

Después de veintinueve ediciones, en las que hemos acercado a Madrid a muchos de los mejores pianistas de los últimos cincuenta años, renovamos nuestro compromiso de innovar manteniendo el equilibro entre la tradición y las nuevas corrientes. Así, si en la actual edición -aún no concluida-, hemos inaugurado el exitoso Ciclo Horizontes, en el que presentamos estilos como el latin jazz y el Flamenco, para esta nueva temporada queremos no solo actualizar el plantel de artistas que nos visitan (llegando a tener un total de seis debutantes de los doce que conforman la temporada) sino además, generar una serie de actividades paralelas que promuevan toda una cultura frente a nuestro instrumento predilecto, el piano.

30º Ciclo de Grandes Intérpretes

La temporada comenzará el 10 de septiembre con la ganadora de la XVI edición del Concurso Internacional de Piano Frédéric Chopin, Yulianna Avdeeva, quien debutará en el Ciclo de Grandes Intérpretes con un programa dedicado al gran pianismo romántico, con la música de Chopin y Liszt.

El 16 de octubre será el turno de Ivo Pogorelich, figura indispensable del piano contemporáneo y cuyas grabaciones de Ravel, Chopin y Prokófiev se encuentran ya en la memoria colectiva de melómanos e intérpretes.

Una de las grandes novedades de nuestra nueva temporada será la presencia de orquestas sinfónicas y para ello contamos (21 de octubre) con la Franz Schubert Filharmonia, que presentará, junto a su director titular, Tomàs Grau, un recital dedicado a los conciertos para violín de Mozart, con el apodado «mejor violinista moderno», Maksim Venguérov como solista.

La segunda novedad es que esta nueva edición del Ciclo está dedicada al abonado. Por eso creemos necesario reivindicar su figura, ofreciéndole no solo charlas y eventos paralelos de los que ya ha podido disfrutar esta temporada pasada, sino además un concierto exclusivo para él. Por eso mismo, el 12 de noviembre, Alexandre Kantorow ofrecerá en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional un recital solo para nuestros abonados con obras de Liszt, Rachmaninov, Bartók y Bach.

El 2025 comenzará con otro de los grandes nombres que debutarán en nuestro ciclo, el pianista británico Stephen Hough, quien ha confeccionado un recital de misterios y emociones con obras bien conocidas por el público de Chopin, y con piezas breves a la par que bellas de la compositora francesa Cécile Louise Stéphanie Chaminade.

Tampoco podía faltar nuestro artista predilecto y buque insignia de la programación, Grigory Sokolov, que vuelve el 24 de febrero a esta nueva edición.

El mes de marzo comenzará (día 2) con el regreso de otra de las grandes musas del piano, Maria João Pires, acompañada por Ignasi Cambra, quienes ofrecerán un recital a cuatro manos.

Tras muchos años de intentarlo, podemos decir que, por fin, en 2025 Rudolph Buchbinder debutará en el Ciclo de Grandes Intérpretes. Uno de los pianistas más legendarios de nuestro tiempo, epítome y paradigma en lo que a la música de Beethoven se refiere, actuará el 25 de marzo para ofrecernos su particular homenaje al maestro de Bonn.

El 20 de abril será el turno de Seong-Jin Cho, ganador en 2015 del Concurso Internacional de Piano Frédéric-Chopin y que, con tan solo 28 años, actuará por tercera vez en nuestro ciclo con un repertorio que abarca obras de Liszt, Beethoven, Bartòk y Brahms.

La diva del piano, Khatia Buniatishvili, tampoco podía faltar en esta edición tan especial y el 17 de mayo podremos degustar de su virtuosismo más exacerbado. Dotada de una energía rockera y de una personalidad glamurosa, esta impresionante embajadora de la Maison Cartier se libera en el escenario de los estereotipos tradicionales del músico clásico.

La temporada verá su fin con el recital del pianista argentino Nelson Goerner el 7 de junio, con un concierto en torno a la música de Beethoven, Albéniz y Schumann.

Amantes del piano 2024

La última de las grandes novedades incluidas en esta temporada es la presencia de lo que hemos decidido llamar «Amantes del piano 2024», un título honorífico que la Fundación otorga a personas del sector cultural cuya presencia en eventos musicales hace que la música clásica llegue a nuevos públicos. En esta primera edición, las tres personalidades escogidas han sido: el actor Miguel Rellán, figura indiscutible de la cinematografía española en los últimos 50 años quien, además de haber sido abonado al ciclo, comparte su gusto y su pasión por el piano como pianista en sus ratos libres; la presentadora y actriz Anne Igartiburu, quien, además de ser uno de los rostros más reseñables de la televisión, su relación con la música clásica se ha visto reforzada en los últimos años ya no solo como melómana asidua a las salas de concierto madrileñas, sino también apareciendo en producciones operísticas tales como La Nariz (Teatro Real, 2023); y el emblemático Emilio Aragón, humorista, actor, músico, presentador, productor, director de cine, guionista, compositor y empresario audiovisual cuya trayectoria en la divulgación de la cultura en su más amplio espectro han hecho que la música clásica llegue a públicos de todas las edades.

Los «Amantes del piano 2024» serán protagonistas en algunos eventos privados que la Fundación realizará con sus abonados.

Nuevos amigos y promotores de la Fundación Scherzo

La Fundación Scherzo da la bienvenida a la familia de idealista como patrocinadores principales del Ciclo de Grandes Intérpretes en su temporada 2024-2025. El portal inmobiliario por antonomasia en España, Italia y Portugal se une a nuestro proyecto para ayudar a la divulgación musical. Esta colaboración nos permitirá además desarrollar eventos paralelos al ciclo.

Además, un año más, renovamos nuestro acuerdo con la Fundación MD Anderson, pioneros en la investigación y lucha contra el cáncer en España. La Fundación Scherzo, desde 2023, forma parte de la campaña Sin miedo a vivir que busca ayudar a los pacientes oncológicos, así como a sus familiares, en los procesos médicos que la enfermedad conlleva.

El sábado 19 de octubre, comienza la 73ª Temporada 2024-2025 de ABAO Bilbao Opera con Don Pasquale de Donizetti. Una temporada que transita desde la tradición universal de los modelos del romanticismo tardío y el postromanticismo del s. XIX, hasta la modernidad evolutiva del cambio al siglo XX, con registros de comedia, verismo y drama.

La nueva temporada crece con más actividades culturales y divulgativas, programas sociales y una propuesta artística que incluye once títulos: siete óperas en el Euskalduna Bilbao y cuatro espectáculos en el Teatro Arriaga.

Bajo el epígrafe: “Irresistiblemente ópera”, primeras figuras del panorama internacional, prestigiosos maestros musicales, estrenos, nuevas producciones y coproducciones, y una búsqueda constante por la máxima calidad, vertebran la nueva temporada de ópera en Bilbao para seducir a socios y aficionados.

PRINCIPALES MAGNITUDES DE LA NUEVA TEMPORADA

ABAO Bilbao Opera y la Fundación BBVA, principal patrocinador de la temporada, contribuyen a fomentar la excelencia y la cultura operística y a llevar al público espectáculos de la máxima calidad.
Títulos conocidos del repertorio italiano como Don Pasquale y Otello, combinan con otros menos frecuentes del repertorio francés como La Favorite que es estreno en ABAO; el alemán con Tristan und Isolde, y para conmemorar el centenario del fallecimiento de Puccini por primera vez en ABAO, Il Trittico, con Il Tabarro, Suor Angelica y Gianni Schicchi.
Entre las óperas y espectáculos proyectados, destaca el estreno de nuevas producciones y coproducciones propias para Don Pasquale e Il Trittico, y la reposición de Otello, también producción de ABAO.
Se ofrecen un total de 11 títulos, un concierto y 39 funciones, 22 en la temporada general en el Euskalduna Bilbao, y 17 para el público infantil y juvenil en la temporada ABAO Txiki en el Teatro Arriaga, con un alcance de más de 66.300 espectadores.
Los maestros que visitan la nueva temporada: Sesto Quatrini, Pedro Halffter, Eric Nielsen, Riccardo Frizza y Francesco Ivan Ciampa dirigen a la Bilbao Orkestra Sinfonikoa y la Euskadiko Orkestra, que junto al Coro de Ópera de Bilbao, amplían su repertorio y afianzan el prestigio artístico de los colaboradores estables de ABAO.
Grandes voces que triunfan en los principales teatros de ópera del mundo como Carlos Álvarez, Ángeles Blancas, Karita Mattila, Chiara Isotton, Gwyn Hughes Jones, Oksana Dyka, Silvia Tro Santafé, Ismael Jordi, Jorge de León o Ermonela Jaho, entre los 56 artistas que van a participar en la nueva temporada.
Tras su éxito en Bilbao, el encumbrado barítono Amartuvshin Enkhbat, considerado el mejor “Rigoletto”, protagoniza un recital exclusivo.
La temporada ABAO Txiki que cumple dos décadas, ofrece 4 espectáculos para diferentes edades. Tres de ellos con sesiones escolares que revalidan el compromiso de ABAO con la formación, la educación musical y el público infantil y familiar.
Dos estrenos en la temporada ABAO Txiki: D’Artagnan y los jóvenes mosqueteros y ¡Soy salvaje!
El programa didáctico y formativo ofrece multitud de actividades gratuitas para colectivos de diferentes edades y procedencias, tanto en Euskadi como en Comunidades cercanas.
Se afianza el laboratorio joven Gazteam con actividades e incentivos económicos para los menores de 25 y 30 años.
El programa social y solidario “Ópera y +” en el Hospital Universitario Cruces emprende su décima edición y consolida su actividad con actividades tanto dentro como fuera del Hospital y cuenta con la colaboración de la Fundación EDP, Fundación “la Caixa” y Zabalgarbi.
Nuevas tarifas de abono de socio desde 165-213€, y entradas con precio reducido desde 25€ en función de zonas y edades.

73º TEMPORADA DE ÓPERA

La 73º Temporada de ABAO Bilbao Opera, con una gran variedad de temáticas argumentales, estilos y características musicales, recorre desde los lenguajes del periodo romántico de mediados del XIX hasta la transición evolutiva que empezó a florecer con el cambio de siglo.

Cuatro compositores: Donizetti, Puccini, Wagner y Verdi traen al escenario de ABAO conocidos títulos del repertorio italiano como como Don Pasquale, La Favorite en francés que es estreno en ABAO, y Otello, combinados con Tristan und Isolde del repertorio alemán. Además, ABAO programa por primera vez Il Trittico, para conmemorar el centenario del fallecimiento de Puccini en noviembre.

Una nueva temporada en la que se estrenan nuevas coproducciones y producciones propias, debutan dos directores de escena, un director musical, y siete cantantes. El Coro de Ópera de Bilbao, dirigido por Boris Dujin, se encarga de la parte coral de la temporada, y junto a la Bilbao Orkestra Sinfonikoa y la Euskadiko Orkestra que gozan de un creciente prestigio nacional e internacional, participan en la programación consolidándose como colaboradores estables de ABAO Bilbao Opera.

Además, como cada temporada, ABAO Bilbao Opera realiza una intensa actividad cultural paralela con ciclos de conferencias, charlas didácticas, visitas guiadas, fidelización y captación de nuevos públicos y otras actividades sociales y culturales en colaboración con distintas instituciones y empresas, en el territorio y Comunidades Autónomas limítrofes.

La Fundación BBVA cuyo rasgo diferencial es el impulso al conocimiento científico y la creación cultural, colabora con ABAO Bilbao Opera como patrocinador principal de la temporada.

La figura de Barbara Strozzi, una de las cantantes y compositoras más destacadas en la Venecia del siglo XVII, será la gran protagonista del concierto que presenta el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) el próximo viernes. De la mano de las sopranos Dorothee Mields y Hana Blažíková, junto al Hathor Consort, ensemble que dirige la aclamada violagambista Romina Lischka, el público podrá sumergirse en un fascinante programa que rinde homenaje a la vida y obra de Strozzi. La cita tendrá lugar el 10 de mayo a las 19:30 horas, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música en el marco del ciclo Universo Barroco del CNDM.

Este programa, que lleva por título “Obras de Barbara Strozzi. Retrato de una artista en cinco actos”, tiene como objetivo reivindicar la labor de las mujeres en la música, especialmente en períodos donde su contribución fue minimizada o eclipsada, centrándose en la compositora más prolífica del Barroco, Barbara Strozzi. Hija del famoso libretista Giulio Strozzi, la artista deslumbró en las academias venecianas del seicento y se erigió como una compositora de referencia. A pesar de las barreras, creó un legado musical único que perdura hasta nuestros días, llegando a publicar ocho colecciones de música vocal, un logro sin precedentes para su tiempo. Sus composiciones, que abarcan desde madrigales hasta cantatas y arias, reflejan una evolución en el género y revelan su habilidad para expresar la emotividad y la complejidad del amor y la vida humana.

En este concierto, el público del CNDM tendrá la oportunidad de disfrutar de la riqueza musical de Strozzi, explorando algunas de sus arias, arietas, caprichos y cantatas más emblemáticas y que reflejan la vida musical de las academias venecianas en las que la compositora brilló con su talento único. El repertorio se articula en cinco partes, queriendo emular las partes de una ópera que Strozzi nunca tuvo la oportunidad de escribir, y cada parte evoca a una musa. Su música, llena de ingenio y expresividad, desafía las convenciones de su tiempo y continúa inspirando a oyentes y músicos en la actualidad.

El Hathor Consort, bajo la dirección de Romina Lischka, será el encargado de dar vida a este repertorio. Reconocido internacionalmente por su dedicación a la interpretación históricamente informada de la música Barroca, el ensemble contará con la participación de las esperadas sopranos Dorothee Mields y Hana Blažíková, dos de las voces más destacadas del panorama actual por su técnica impecable y su capacidad para transmitir la emoción y el significado de la música Barroca.

El barítono Enric Martínez- Castignani debutará en el Teatro alla Scala de Milán interpretando el personaje de Johann, en la nueva producción de “Werther” de Massenet, bajo la dirección escénica de Christof Loy y la musical de Alain Altinoglu. Serán en total 6 funciones entre el 10 de junio y el 2 de julio de 2024.

“Werther”, basada en el célebre trabajo literario de Johann Wolfgang von Goethe, es un drama lírico en cuatro actos con libreto de Édouard Blau, Paul Milliet y Georges Hartmann. La adaptación musical de Massenet, estrenada en 1887, ha perdurado como una de las obras maestras del repertorio operístico destacando por su emotividad y riqueza melódica.

Con este gran debut, Enric Martínez-Castignani continúa la línea ascendente de su carrera, en la que ha sido elogiado por público y crítica tanto por sus cualidades vocales e interpretativas como por sus dotes actorales. Así, el barítono ha brillado como Don Pasquale/Malatesta (“Don Pasquale”), Bartolo (“Il Barbiere di Siviglia”), Dulcamara (“L’elisir d’amore”), Taddeo (“L'Italiana in Algeri”), Dr. Kolenaty (“Vec Makropulos”), Don Magnifico (“La Cenerentola”) o Lescaut (“Manon Lescaut”). Ahora el Teatro alla Scala se suma a la lista de teatros internacionales en los que el barítono ya ha actuado como la Ópera Nacional de Lyon, el Teatro La Fenice, el Grand Théâtre de Genève, la Opéra National du Rhin-Estrasburgo, el Teatro Real, el Gran Teatre del Liceu o la Ópera de Amsterdam.

Su experiencia internacional le ha llevado también a trabajar con directores, tanto músicales como de escena, de la talla de Robert Carsen, Laurent Pelly, David McVicar, Willy Decker, Emilio Sagi o Rafael Villalobos. Además, Martínez-Castignani es gestor cultural y artístico, con experiencia profesional en análisis de proyectos y programaciones internacionales, estrategias de nuevas audiencias y público joven o financiación alternativa de la cultura, colaborando con instituciones como el Ministerio de Cultura o el CoNCA. Ha sido fundador y director artístico del Festival "LIFE Victoria Barcelona" en su primera etapa, y es profesor de los Máster de Gestión Cultural de la Universidad Carlos III y la Complutense, ambas de Madrid.

Tras una extraordinaria temporada 23-24, en la que, entre otros hitos, destacó su debut como Comte Capulet en “Romeo et Juliette” o su vuelta al rol de Don Alfonso en “Così fan tutte” en el Teatro Calderón de Valladolid, bajo la visión creativa de Rafel Villalobos, la temporada 2024/25 estará marcada por su regreso a la ABAO como Don Pasquale, después de interpretar Bartolo del "Barbiere di Siviglia" en sus pasadas temporadas, y su debut en el Teatro de la Zarzuela en enero/febrero del 2025.

El Real Teatro de Retiro acoge por primera vez en sus tablas la danza española y el flamenco con Flamenco emergente. Del 9 al 19 de mayo, a las 19h y a las 20h, el público podrá ver los mejores artistas de la edición 2023 del Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco de Madrid.

Dirigido por Margaret Jova, el Certamen es una plataforma de exhibición y concurso de obras coreográficas nuevas que representan los diferentes estilos que felizmente coexisten dentro de la Danza Española y que se celebra anualmente desde 1992. Con más de treinta años de trayectoria se ha convertido en uno de los certámenes flamencos más relevantes en el panorama internacional y es cuna de varias generaciones de artistas de primer nivel.

En Flamenco emergente se ofrecerán las piezas ganadoras de la edición número 32 gracias a dos programas dobles. El primero de ellos está programado para los días 9 y 10 de mayo, a las 20 horas, y el 11 y 12 de mayo, a las 19 horas y estará compuesto por las obras: Número oculto, creación de Marta Gálvez, bailarina sobresaliente en danza española, acompañada por la guitarra de Claudio Villanueva, el cante de David Vázquez y las palmas de Juan Carlos Avecilla, y Lo que pasa mientras nos encontramos, un bellísimo dúo de David Acero Delgado, ganador del Primer Premio del Certamen, interpretado por la bailarina Elisabet Romagosa Xufré y el bailarín Sergio R. Suárez.

El segundo programa tendrá lugar los días 16 y 17 de mayo, a las 20 horas y el 18 y 19 de mayo, a las 19 horas, e incluirá las piezas Duelo, de Sara Pérez, Primer premio en la categoría Coreografía de Solo, interpretada por ella misma en una actuación en la que estará acompañada por el cantaor David Vázquez, y Entre nosotras, creación Christian Rubio para cuatro bailarinas, merecedor del Segundo Premio de Coreografía, al que darán vida en escena las bailarinas Sara Canabal, Daniella Hernández, Ana Rebolo y Elsa Ribas.

La cita con la danza española y el flamenco tendrá continuidad en la próxima temporada del Real Teatro de Retiro, trayendo en junio de 2025 lo mejor del Certamen en su edición 33.

Danza Española y Flamenco

FLAMENCO EMERGENTE

PROGRAMA DOBLE días 9, 10 de mayo a las 20h y 11 y 12 de mayo a las 19h.

Número oculto, de Marta Gálvez
Bailarina sobresaliente en danza española

Compositor: Claudio Villanueva

Bailarina: Marta Gálvez

Guitarra: Claudio Villanueva

Cante: David Vázquez

Palmas: Juan Carlos Avecilla

Lo que pasa mientras nos encontramos, de David Acero Delgado
1º Premio de Coreografía

Compositores: Andrea Falconieri, Giovanni Sollima y Víctor Guadiana

Bailarina: Elisabet Romagosa Xufré

Bailarín: Sergio R. Suárez

PROGRAMA DOBLE días 16, 17 a las 20h y 18 y 19 de mayo a las 19h.

Duelo, de Sara Pérez
1º Premio a una Coreografía de Solo

Bailarina: Sara Pérez

Dirección: Mariana Collado

Composición: Jaime González

Cantaor: David Vázquez

Entre nosotras, de Christian Rubio
2º Premio de Coreografía

Compositores: Wim Mertens y José Almarcha

Bailarinas: Sara Canabal, Daniella Hernández, Ana Rebolo y Elsa Ribas

Edad recomendada a partir de 10 años

Entradas a la venta en www.realteatroderetiro.es, 900 24 48 48 y en las taquillas del teatro.

La Fundación Princesa de Girona, Art House Academy y el Teatro Real se han unido para promover el bienestar emocional y una mejor salud mental entre los jóvenes con el concierto EmociónArte, un evento único dirigido a centros educativos de secundaria que ha congregado a más de 1.200 jóvenes en el teatro lírico de Madrid bajo la presidencia de S.M. la Reina Letizia.

Al acto han asistido también Ángel Víctor Torres Pérez, ministro de Política Territorial y Memoria Democrática; Carmen Calvo, presidenta del Consejo de Estado; Ignacio García-Belenguer, director General del Teatro Real; Francisco Belil, presidente de la Fundación Princesa de Girona; Salvador Tasqué; director general de la Fundación Princesa de Girona; y Pablo Fernández, CEO de TRIVU, entre otras autoridades y patronos de la entidad.

El concierto, conducido por Andrés Salado, Premio Princesa de Girona Arte 2016 y director de orquesta, ha contado con la actuación del músico y compositor Alfred García como artista invitado, junto a jóvenes artistas procedentes de los programas AmplificARTE y Generación Arte, de la Fundación Princesa de Girona, y Crescendo, de la Fundación Amigos del Teatro Real, uniendo sobre su escenario lírica y pop en un encuentro único en el que, con diferentes estilos, a través de la música, han reafirmado su compromiso para difundir los mensajes y valores con los que quieren transformar el mundo.

Durante el evento, que ha contado también con la presencia de cantantes como Blas Cantó, María Carrasco, Luis Cepeda, y Cris B se ha estrenado en exclusiva el nuevo himno de Generación arte, La vida es hoy, interpretado por todos los artistas que forman parte de este programa. (ver videoclip himno)

Tras el concierto, S.M la Reina se ha reunido con los estudiantes, de entre 12 y 18 años, procedentes de distintos colegios de Madrid, Aragón, Castilla y León y Andalucía, con quienes ha conversado sobre sus intereses musicales y la experiencia educativa vivida en el Teatro Real.

En la edición de este año, antes de llegar a Madrid, el Tour del Talento ha estado presente en Lleida, Salamanca, Cádiz y Santander, ciudades en las que ha ofrecido diferentes actividades centradas en cinco grandes ejes: la empleabilidad y el emprendimiento; la salud física; la salud emocional; el propósito y el impacto social, y la sostenibilidad. En todas ellas el Teatro Real ha estado presente con la actuación de cantantes del programa Crescendo en los conciertos ofrecidos en su Carroza.

Entre el 6 y el 9 de mayo tendrán lugar en Madrid los encuentros y actividades que pondrán fin al Tour de este año. La agenda de actividades, que ha comenzado con este concierto en el Teatro Real, incluye el anuncio de los ganadores del Premio Internacional «CreaEmpresa e Investigación», que se entrega este año por primera vez y está dirigido a jóvenes latinoamericanos que hayan destacado por su trabajo y sus méritos en el ámbito del emprendimiento y la empresa, y de la investigación de manera extraordinaria y ejemplar.

AmplificARTE es un proyecto educativo que utiliza la música como disciplina transversal y herramienta para trabajar el desarrollo personal y el bienestar emocional de los jóvenes, a la par que promueve la cultura musical en los centros educativos, entidades sociales y otros espacios. Impulsado por la Fundación Princesa de Girona y Art House Academy, creada por el productor, pianista y compositor Julio Reyes Copello.

Generación Arte está dirigido a artistas emergentes con el propósito y compromiso de fomentar la educación emocional a través de la música. Este formato ofrece a los seleccionados más de 30 horas de formación en habilidades clave para impulsar su desarrollo profesional, encuentros con reconocidos artistas y expertos de la industria de la música, la oportunidad de participar en conciertos educativos y convertirse en la cantera de talento musical de AmplificARTE.

Creado por la Fundación Amigos del Teatro Real, el programa Crescendo, con carácter internacional, pretende complementar la formación académica adquirida por jóvenes cantantes de todo el mundo y la creación de oportunidades reales para inicien su carrera profesional, con actuaciones en diferentes iniciativas del Teatro Real, como espectáculos del programa Real Junior en el Real Teatro de Retiro y actuaciones en la Carroza del Real para toda España, muy en sintonía con el espíritu de la Fundación Princesa de Girona.

Ciclo Notas del Ambigú
‘Danzas españolas’
Teatro de la Zarzuela. Lunes 6 de mayo, a las 20h00
Ramón Grau repasa al piano una colección de brillantes composiciones de danza, acompañado por la bailarina Estrella Alonso.

El pianista Ramón Grau , a quien el maestro José Miguel Pérez-Sierra , director de orquesta y musical titular del Teatro de la Zarzuela, calificó hace apenas unos días como uno de los mejores intérpretes al piano de nuestro país, ofrecerá en el coliseo de la plazuela de Teresa Berganza el concierto ‘Danzas españolas’ . Acompañado por la bailarina del Ballet Nacional de España , Estela Alonso, ofrecerá una colección de joyas compuestas por grandes compositores de distintas épocas y lugares con el propósito de ser bailadas.

Será mañana lunes 6 de mayo (20h00) dentro del ciclo Notas del Ambigú. Como ya es habitual en este ciclo desde su nacimiento en 2016, las entradas están agotadas desde hace meses.
Ramón Grau rendirá homenaje a los aires de danza más populares, desde la escuela bolera al clásico español, con obras para piano que se han inspirado en ellos, compuestas por músicos como el Padre Soler , Sorozábal , Ocón , Usandizaga , Falla , Granados , Lecuona . , Chopin , Ortega , Isaac Albéniz o Mateo Albéniz .

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta, de la mano de la Sinfonietta de la Escuela Superior de Música Reina Sofía y Zsolt Nagy, un concierto dedicado a la figura del recientemente fallecido compositor y director Peter Eötvös, una de las personalidades más sobresalientes de la música contemporánea. El concierto, que iba a estar dirigido por el propio maestro Eötvös, contará con el estreno en España de su obra Aurora. El repertorio también incluye un estreno absoluto de Fabián Panisello y obras de Robert Gerhard y Luciano Berio. La cita tendrá lugar el próximo lunes 6 de mayo, a las 19:30h, en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (entrada libre).

Un año más vuelve la Sinfonietta de la Escuela Superior de Música Reina Sofía al ciclo musical más vanguardista del CNDM, Series 20/21. Esta formación orquestal centrada en la música contemporánea estará dirigida en esta ocasión por el aclamado compositor y director de orquesta húngaro Zsolt Nagy, quien por segundo año consecutivo, volverá a ponerse al frente de la Sinfonietta en esta programación. Lo hará junto al contrabajista de la Orquesta Filarmónica de Berlín Matthew McDonald, quien se encargará de la parte solista de la pieza de estreno en España, Aurora, escrita por Peter Eötvös para la curiosa plantilla de contrabajo, acordeón y cuerda.

Junto a este esperado estreno en nuestro país, se podrá escuchar Concertino de Robert Gerhard en lenguaje atonal, Corale (su Sequenza VIII) para violín solo de Luciano Berio, con la joven violinista de la Escuela Sara Zeneli como solista; y un estreno absoluto del también profesor, compositor y director Fabián Panisello (Written in blue para trompeta y ensemble), cuyo solista será el trompetista Manuel Blanco (Orquesta Nacional de España).

El concierto se dedica a la memoria del maestro Péter Eötvös, asesor de la Sinfonietta de la Escuela desde su creación y un artista fundamental en la historia del CNDM, a quien esta institución hizo numerosos encargos y de quien se han estrenado varias de sus obras.

Sobre Zsolt Zagy, director

Nació en Gyula (Hungría) en 1957. Comenzó su carrera musical como coach y director musical en el Teatro Municipal de Békéscsaba (1976-1979). A sus 23 años comenzó sus estudios de dirección con István Párkai en la Academia de Música de Budapest y se tituló en 1984. Recibió en dos ocasiones becas de la Soros Foundation para estudiar en Milán y Paris (1988, 1989). Participó en los seminarios impartidos por Péter Eötvös en los Bartók Festivals (1985-1989) y, a raíz de ello, empezó a trabajar como asistente de Eötvös en el Institut für Neue Musik de la Universidad de Música de Karlsruhe (1990-1995). Trabajó de Director Musical del Institut für Musik Theater de 1995 a 1997. Fue profesor invitado en el International Eötvös Institute en Stuttgart (1995), Colonia (1997) y Edenkoben (1998, 2006). Desde 1999 ha ocupado el puesto de Director Titular y Consejero Artístico de la agrupación Israel Contemporary Players. En 2002 fue nombrado profesor de dirección en el Conservatorio de París. Fue Director Artístico de las lecciones magistrales para directores organizadas por la Orquesta Filarmónica en Ostrava y de la lección magistral para directores jóvenes de música nueva impartida en el Centro de Música de Jerusalén. Zsolt Nagy ha trabajado con muchas orquestas y agrupaciones, entre ellas están las Orquestas RAI de Milán y Turín, la Orquesta Sinfónica de Jerusalén, Orquesta Sinfónica BBC, el grupo BBC Singers, la Orquesta Sinfónica Escocesa de la BBC, la Orquesta Filarmónica Nacional de Hungría, la RIAS de Berlín, la Orquesta Sinfónica de Berlín, la Orquesta de Santa Cecilia de Roma, la Orquesta Filarmónica de la Radio de Hilversum, la Orquesta Filarmónica Geidai, la Nueva Filarmónica de Japón de Tokio, la Orquesta Sinfónica de la Radio Finlandesa, las orquesta de radio de Stuttgart, Baden-Baden y Colonia, la London Sinfonietta, el Ensemble InterContemporain, el Ensemble Contrechamps de Ginebra, el Ensemble Recherche, el Klangforum Wien, la Musik Fabrik NRW, la UMZE de Budapest, el Collegium Novum de Zúrich, el Ictus en Bruselas, etc. Ha llevado a cabo más de 500 primeras actuaciones, así como numerosas grabaciones de radio y CDs y ha recibido un reconocimiento especial por la promoción de la nueva música israelí.

Sobre la Sinfonietta de la Escuela Superior de Música Reina Sofía

La Sinfonietta de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, creada en colaboración con la Fundación BBVA, nació el mismo día en que la Escuela rendía homenaje a Enrique Franco, el 14 de abril de 2011, o lo que es lo mismo, quedó marcada desde su nacimiento por los rasgos que distinguían a ese gran pensador de la música: amplitud de miras intelectuales y pasión contemporánea en la elección del repertorio. Además, al crearse dentro de la Escuela Reina Sofía, la Sinfonietta cuenta con una serie de características que la hacen única. Plantea sus interpretaciones con la máxima exigencia estética, y, al igual que las otras secciones de la Escuela, recurre a los maestros más grandes, sin atender a ningún criterio que no sea el de la calidad y la eficacia. El recientemente fallecido compositor y director húngaro Péter Eötvös fue desde su origen asesor de la Sinfonietta. Además de él, han dirigido ya esta agrupación los mencionados Zsolt Nagy, Peter Rundel, Pascal Rophé, Stefan Asbury, Baldur Brönnimann, Jorge Rotter y Johannes Kalitzke. La Sinfonietta nació con el objetivo de formar a los jóvenes intérpretes en el conocimiento y la práctica del repertorio de los siglos XX y XXI y, al mismo tiempo, acercar esta música a la sociedad. La formación de esta agrupación es variable en número y tipo de instrumentos, a la manera de los ensembles instrumentales que han llevado el peso fundamental de la creación musical en las últimas décadas. La Sinfonietta pasa así a enriquecer los conjuntos instrumentales estables creados por la Escuela Superior de Música Reina Sofía, que incluyen las Orquestas Sinfónica y de Cámara Freixenet y la Camerata Fundación EDP.

‘La verbena de la Paloma’, compuesta por Tomás Bretón y con libreto de Ricardo de la Vega, subió por primera vez al escenario del Teatro de la Zarzuela apenas cuatro años después de su estreno absoluto en el desaparecido Teatro de Apolo el 17 de febrero de 1894. Desde entonces hasta hoy, ha formado parte de nuestra tradición lírica, del repertorio más conocido y querido por el público. Es por eso, entre otras muchas cuestiones, que toda nueva producción de este título suscita una extraordinaria expectación como la que ha levantado el estreno del montaje que en estos próximos días presentará el Teatro de la Zarzuela con dirección de escena y coreografía de Nuria Castejón y dirección musical del maestro José Miguel Pérez-Sierra. Las 14 funciones programadas irán del 8 al 25 de mayo y las entradas están prácticamente agotadas.

La acción de ‘La verbena de la Paloma’ se desarrolla en la calurosa noche de fiesta del 15 de agosto, en la que propios y extraños celebran la festividad de la virgen de la Paloma, y en la que los devaneos y los celos afloran a la vuelta de cada esquina. En el brillo soberano de cada plaza. Todo está teatralizado, musicado de forma perfecta en una dramaturgia que hace de esta obra breve una de las más valiosas joyas de nuestro repertorio; que posee la virtud que ineludiblemente va unida a los grandes títulos: nunca dejan de sorprender y siempre emocionan.

Nuria Castejón explica que su propuesta cuenta con el prólogo cómico-lírico ‘Adiós, Apolo’, escrito por Álvaro Tato, “como homenaje a los muchos artistas que hicieron del Teatro de Apolo la catedral del género chico”; se trata, en dicho preludio, de escenificar lo que vivieron los intérpretes en su última función de 1929. Por eso, la directora dedica su espectáculo, con un elocuente y emocionado “¡Va por ellos!”, a los artistas y trabajadores de aquel histórico edificio tan lleno de vida, arte y raíces; lo ofrece al teatro de entonces, y, cómo no, a sus padres —los inolvidables héroes de la zarzuela Pepa Rosado y Rafael Castejón—, herederos de la tradición del Apolo.

Un regalo fresco y joven

Por su parte, el maestro José Miguel Pérez-Sierra, director musical del montaje y nuevo titular del Teatro de la Zarzuela, ocupará en cada una de las funciones el podio del foso al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid –titular del coliseo–. Y no es menor la devoción que el músico siente por el título en cuestión y por su autor, al afirmar que ‘La verbena de la Paloma’ “es una obra maestra que conjuga lo folclórico, lo popular y lo culto de una manera que podemos encontrar en pocas partituras”; y explica asimismo que Bretón, como compositor, está interesado en la tradición musical europea “y por eso aquí afronta el desafío de hacer una obra profundamente popular con raíces del folclore madrileño, y enlazar todo de una manera magistral”. Ese es el secreto de la enorme acogida de esta obra desde su primera función; del encanto que hace que a sus 130 años mantenga la frescura y jovialidad de antaño, y que el público de toda condición la reciba siempre con renovado entusiasmo. Como el regalo que es.

El reparto que interpretará los diferentes roles puede calificarse de absolutamente redondo, equilibrado, atractivo, un elenco que cualquier director –musical o de escena– firmaría con los ojos cerrados para afrontar una Verbena. En él transitan Antonio Comas, Borja Quiza, Milagros Martín, Carmen Romeu, Ana San Martín, Gerardo López, Gurutze Beitia, Rafa Castejón, José Luis Martínez, Nuria Pérez, Alberto Frías, Adrián Quiñones, Ricardo Reguera, Mitxel Santamarina, Ana Goya, Andro Crespo, Albert Díaz y Ramón Grau en el papel de pianista. También participará Jesús Castejón poniendo la voz a la emisión de radio, y junto a todos ellos, como es de ley, el Coro Titular del Teatro de la Zarzuela dirigido por Antonio Fauró.

Para ilustrar el prólogo y el archifamoso sainete, la nueva producción cuenta con la escenografía de Nicolás Boni, el vestuario de Gabriela Salaverri y la iluminación de Albert Faura. Un cóctel de grandes creadores que solo puede conducir a buen puerto. A tierra firme y fértil.

A todo ello se suman 12 actores-bailarines y la emocionante intervención en el tablao del Café de Melilla de la cantaora Sara Salado.

Y para que quede constancia de la magia y el espectáculo previstos, la función del viernes 24 de mayo será grabada por Radio Clásica de Radio Televisión Española para emitir en próximas fechas.

La genialidad de Bretón

Tomás Bretón fue con todas las de la ley uno de los grandes creadores de finales del XIX. En este sentido, el musicólogo Víctor Sánchez señala que “la genialidad de ‘La verbena de la Paloma’ nos recuerda una y otra vez la calidad de su creación, su sentido dramático y el atractivo de su música”. Y en este punto aprovecha también para recordar que el compositor salmantino luchó toda su vida por “la importancia que debía tener la actividad musical en la cultura española”. Sus obras fueron muchas —45 zarzuelas, 9 óperas, 19 piezas sinfónicas y 9 de cámara— y sus éxitos abundantes y continuados tanto en la península como en el continente americano.

Por tanto, volviendo a ‘La verbena de la Paloma’, a lo largo de los ciento treinta años transcurridos desde aquella presentación en el Apolo —donde entre otras obras del género también sonó en la fatídica noche de su cierre—, muchos intérpretes han vestido los ropajes de Hilarión, Sebastián, Julián, Rita, Susana, Casta, Antonia o la Cantadora en las calles de Madrid; personajes, todos ellos, que a través del lenguaje del teatro dan vida a nuestros más genuinos sentimientos en medio de la algarabía de una fiesta popular. Y es que la naturaleza humana se muestra en cada diálogo, en cada canto y en cada uno de los actos de estos paradigmas castizos que llenan la escena con sus dimes y diretes o sus amores y rencillas.

Orfeo en la ópera de Gluck Orfeo & Euridice se ha convertido en un papel emblemático para Jakub Józef Orliński, que lo ha interpretado en escenarios como San Francisco, París y su Varsovia natal. En palabras de La revista Opera Orliński estaba «fundido a la perfección» como Orfeo en San Francisco, mientras que su crítico en Varsovia observó que incluso el famoso lamento del personaje, ‘Che faró senza Euridice’ se convirtió en «una fuente de alegría» para el público.

Ahora Orliński encarna al mítico bardo griego en una grabación que representa la realización de un sueño para él. Realizada en Varsovia, está dirigida por el dinámico Stefan Plewniak, y los instrumentistas y el coro proceden de su conjunto Il Giardino d’Amore. Los papeles de Eurídice, esposa de Orfeo, y del dios Amore están interpretados por otras dos estrellas emergentes: las sopranos Elsa Dreisig y Fatma Said.

El álbum ha supuesto para Orliński una misión personal, ya que ha actuado como productor, director de reparto y director artístico junto con Stefan Plewniak.

«Uno de mis grandes sueños de estudiante era cantar el papel de Orfeo. ¿Por qué? Más que nada porque en la escuela me atrapó mucho el mito en sí… Recuerdo que cuando lo leí por primera vez mi imaginación se volvió loca … Ante mis ojos veía imágenes como cuadros de Hieronymus Bosch.

«Sabía que algún día intentaría hacer realidad mi sueño. He tenido la suerte de interpretar Orfeo & Euridice en diferentes escenarios… Trabajando en esas diferentes versiones logré mi propia interpretación. Sabía que me encantaría crear mi propia versión personal de la obra, grabar mi papel soñado, expresándome como yo quería. No es tan fácil enfrentarse a una pieza musical tan famosa, pero yo tenía una visión clara de lo que quería hacer con ella y cómo. Ya he grabado varios discos, pero es la primera vez que asumo varias funciones al hacer una grabación.

«Lo más importante para mí como músico es contar con grandes colaboradores. Me alegró mucho trabajar con mi querido amigo Stefan Plewniak, que es director de orquesta y codirector artístico de toda la grabación. Le conozco a él, a su orquesta y al coro desde hace años… Confío en Stefan musicalmente y estaba seguro de que nuestras ideas sobre la interpretación iban a complementarse para crear algo realmente especial.

«Estoy muy contento de contar con mis amigas Elsa Dreisig como Euridice y Fatma Said como Amore. Estas dos cantantes tienen un talento increíble y sus voces son pura magia. Ambas han aportado mucho a este proyecto. Me encanta poder sentir la emoción a través de una voz de tal forma que casi puedo tocarla. Toda la ópera fue grabada por otro amigo con el que adoro trabajar: Mateusz Banasiuk, mi brillante ingeniero de sonido.

«No podría imaginar un equipo mejor. Todos estaban dispuestos a aprovechar al máximo cada toma durante nuestras largas sesiones de grabación. Estoy muy agradecido de poder trabajar con gente con tanta pasión.

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), en su apuesta por la promoción del talento joven, celebra el Día Europeo de la Música con un concierto extraordinario (fuera de abono) de la Orquesta Freixenet de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, con el maestro Sir András Schiff en su doble faceta como director y solista. En esta velada, la joven orquesta abordará tres ambiciosas obras: el Concierto para clave, cuerdas y bajo continuo en fa menor de Johann Sebastian Bach en versión piano y orquesta, el Concierto para trompeta y orquesta en mi bemol mayor de Franz Joseph Haydn, con Marlon Mora como solista, y la Sinfonía nº 4 en la mayor de Felix Mendelssohn. La cita tendrá lugar el miércoles 19 de junio, a las 19:30h, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música.

En el marco de las celebraciones por el Día Europeo de la Música, el CNDM pone este año el foco en las jóvenes promesas de la interpretación musical, haciendo un recorrido por tres períodos históricos a través de esta coproducción con la Escuela Superior de Música Reina Sofía. Para ello, contará con la participación de la Orquesta Freixenet, creada en 1993 y posicionada como un referente nacional. Leyendas de la composición, interpretación y dirección orquestal como Lorin Maazel, Luciano Berio, Jordi Savall y Zubin Mehta han subido a la tarima para dirigir a sus jóvenes integrantes que, posteriormente, se han convertido en solistas o miembros de las formaciones musicales más prestigiosas del panorama internacional.

En esta ocasión, el prestigioso pianista y director Sir András Schiff toma el mando en la dirección de la orquesta y será también el solista de la obra de Johann Sebastian Bach. Con una intensa y reconocida carrera musical, Sir András Schiff ha actuado como solista en las salas más importantes del mundo y ha sido galardonado con numerosos premios por sus excelentes grabaciones. Una parte importante de su actividad concertística incluye recitales de piano, especialmente dedicados a Bach, Haydn, Mozart, Beethoven, Schubert, Chopin, Schumann y Bartók. Como director, ha liderado numerosos conciertos, óperas y oratorios.

Un programa trasversal

Este concierto celebra la música por todo lo alto ofreciendo un viaje histórico por tres períodos musicales a través de un ambicioso programa protagonizado por tres de los más importantes compositores de todos los tiempos: Johann Sebastian Bach, Franz Joseph Haydn y Felix Mendelssohn.

Sir András Schiff inaugurará esta gran cita musical con una obra fundamental del Barroco tardío de Johann Sebastian Bach, el Concierto para clave, cuerdas y bajo continuo en fa menor en su versión para piano y orquesta. La obra fue compuesta en 1742, aunque algunos de sus fragmentos se crearon en base a composiciones anteriores. Es el caso del segundo movimiento, el Largo, que proviene de la cantata Ich steh mit einem Fuß im Grabe, conocida por su apertura sinfónica para orquesta y oboe solo. En esta pieza, que posee un gran carácter melódico, delicado y expresivo, el público del CNDM tendrá la oportunidad de ser testigo del virtuosismo de Schiff.

El viaje continuará con una elegante obra del Clasicismo, el Concierto para trompeta y orquesta en mi bemol mayor del austríaco Joseph Haydn, compuesta en 1796. Originariamente se compuso para ser interpretado por el clarín natural como instrumento solista, pero en esta ocasión la obra estará protagonizada por la trompeta. Marlon Mora, destacado alumno de la Escuela y con una carrera meteórica por delante, será el solista encargado de dar vida a esta partitura, que nos permitirá admirar la magia de este instrumento de viento en todo su esplendor.

Como colofón, el recorrido finalizará con una imponente obra del Romanticismo como es la Sinfonía nº 4 en la mayor de Felix Mendelssohn o también denominada, “Sinfonía italiana”. En ella podremos disfrutar de un sinfín de impresiones personales del compositor sobre el arte, la naturaleza y la vida de Italia.

El repertorio contemporáneo que atrae a un público amplio es ahora un pilar de la Metropolitan Opera de Nueva York. En mayo de 2024 regresa THE HOURS, de Kevin Puts, una ópera que se estrenó con gran éxito a finales de 2022, cuando se realizó esta grabación. Entrelazando personajes y acontecimientos de tres épocas diferentes del siglo XX, su concepción dramática es sofisticada, pero, como concluyó la revista Opera: «Sus elementos dispares se funden en un flujo onírico y consciente que evoca y realza la inspiración original, la novela de Virginia Woolf La señora Dalloway».

Para la puesta en escena de 2024, tres cantantes estelares retoman los papeles que interpretaron en el estreno mundial: la mezzosoprano Joyce DiDonato como la propia Virginia Woolf, trabajando en un libro en Richmond, Inglaterra, en 1923; la soprano Kelli O’Hara (cuya carrera abarca la ópera y Broadway) como ama de casa Laura Brown, un personaje que vive en Los Ángeles en 1949; y la soprano Renée Fleming como Clarissa Vaughan, una editora literaria de los años 90 que vive en Nueva York.

The Philadelphia Inquirer describió la partitura de Kevin Puts como «inmediatamente adorable, con una orquestación exuberante que te golpea en el plexo solar», mientras que The New York Times destacó la «calidad cinematográfica de su afelpado y propulsivo subrayado […]. las emociones sinceras y persuasivas, la música ferviente», resumiéndola como «ecléctica y lírica», con «toques oníricos acordes con la naturaleza fluida del texto de Greg Pierce, que tiene casi 30 escenas que se disuelven unas en otras». »

Fue Renée Fleming quien animó originalmente a Kevin Puts (ganador de un Premio Pulitzer en 2012 por su primera ópera, Noche de paz) a basar una ópera en la novela de 1998 de Michael Cunningham THE HOURS. Inspirada en La señora Dalloway de Virginia Woolf, la novela de Cunningham fue adaptada en una versión cinematográfica ganadora de un Oscar y protagonizada por Meryl Streep, Julianne Moore y Nicole Kidman.
Joyce DiDonato cree que «una ópera debe escribirse sólo cuando es necesario cantarla -la emoción es tan grande que hablar no basta- y eso es exactamente lo que tenemos en The Hours«. Aunque aborda la muerte de frente, la obra es en realidad una afirmación de la vida y cuenta una historia intemporal. Las luchas de los personajes son compartidas universalmente, y al ponerlas de relieve a través de las diferentes personalidades y épocas, esperamos que todo el mundo pueda encontrar una parte de sí mismo en la historia».

Aunque los tres personajes centrales están separados por el tiempo y el lugar, están conectados, como dice Kelli O’Hara, «por las luchas de la vida, las alegrías y los remordimientos, y siempre preguntándonos si hemos hecho lo más que hemos podido con el tiempo que tenemos». Cada una de las tres mujeres habita un mundo sonoro musical distinto que se yuxtapone al de las demás en el transcurso de la ópera. Al final, sus voces -dos sopranos y una mezzosoprano- convergen en un conjunto que ha suscitado comparaciones con el trío que corona Der Rosenkavalier, de Richard Strauss.

«O’Hara llevó la voz cantante, con la soprano lírica de Fleming y la mezzo de DiDonato, todas soberbias y combinándose maravillosamente en el trío final», escribió la revista Opera. «El reparto secundario también estuvo a la altura. Kyle Ketelsen, un bajo-barítono, estuvo particularmente conmovedor como Richard, enfermo de SIDA, pero Denyce Graves como el inquieto amante de Clarissa, junto con Sean Panikkar, Kathleen Kim, Eve Gigliotti, Sylvia D’Eramo y William Burden, merecen ser mencionados».

El Real Teatro de Retiro se adentra en el mundo mágico de Peter Pan, donde los sueños pueden hacerse realidad, con una nueva versión del cuento clásico de J. M. Barrie a través de la ensoñadora producción de La Joven compañía, Peter y Wendy, rumbo a Nunca Jamás, de la que se ofrecerán dieciséis funciones entre el 2 y el 19 de mayo, a las 17:00 y a las 20:00 horas.

Peter y Wendy, rumbo a Nunca Jamás aúna artes escénicas y circo en una nueva versión dramatúrgica de Nando López, con dirección escénica de José Luis Arellano y música y espacio sonoro de Alberto Granados Reguilón.

La historia de Wendy, Peter Pan, Garfio y los niños perdidos ha formado parte del imaginario popular desde hace más de un siglo. Nació en teatro, para después ser libro e inspirar incontables películas, series, novelas, ficciones sonoras… En el Real Teatro de Retiro, diez artistas en escena dan vida a una historia que ha emocionado a generaciones enteras con estas aventuras.

El autor, Nando López, escribe esta nueva adaptación y afirma que “pocos títulos me han obsesionado tanto como Peter Pan a lo largo de mi vida. Desde que siendo niño descubrí su historia no ha habido una sola etapa en la que no me haya sentido tentado a seguir sus huellas en busca de ese Nunca Jamás al que nunca acabamos de llegar y donde, sin embargo, hemos estado siempre”.

Porque ese Nunca Jamás es el lugar en el que habitan nuestros sueños, nuestros anhelos y, entre relojes y cocodrilos, también nuestros temores, una isla de ubicación atemporal—«la segunda a la derecha y luego todo recto hasta la mañana»—que cada cual construye de acuerdo con sus propios miedos y deseos, convirtiéndose así en un necesario refugio cuando la vida adulta amenaza con dejarnos sin fuerzas o, peor aún, con obligarnos a confundir el hecho de sumar años con la resignación.»

El espectáculo es fruto de una coproducción de LaJoven/Fundación Teatro Joven y el Circo Price, teatro en el que se estrenó la temporada pasada con una estupenda acogida del público y en el que la crítica destacó: «Una renovada versión de un clásico que ha cautivado a generaciones enteras, y que promete transportarnos a un mundo de fantasía y magia», «Una oportunidad única de disfrutar del teatro en su máxima expresión» o “Peter y Wendy rumbo a nunca jamás aúna talento a raudales y remueve emociones.»

LaJoven celebra su décimo aniversario en esta temporada y acaba de ser galardonada con el Premio Talía 2024 a Mejor Labor de Compañía por su trayectoria comprometida con la juventud y la educación a través del teatro. Un reconocimiento que se suma a otros galardones como el Premio Talento Joven de Onda Madrid en 2020 o el Premio El Ojo Crítico de RNE en 2014.

PETER Y WENDY RUMBO A NUNCA JAMÁS

Texto de Nando López, basado en Peter and Wendy, de J. M. Barrie

Coproducción de LaJoven / Fundación Teatro Joven y Teatro Circo Price

EQUIPO ARTÍSTICO

Dramaturgia Nando López

Dirección José Luis Arellano García

Música Alberto Granados Reguilón

Escenografía Silvia de Marta

Iluminación Juan Gómez-Cornejo

Vestuario Guadalupe Valero

Asesoría de circo Isa Belui

REPARTO

Peter Pan Víctor de la Fuente

Wendy Lucía Nin Ott

Mrs. Darling / Hook /Wendy adulta Mabel del Pozo (2, 9, 10, 16 y 17 de mayo)

Antonia Paso (3, 4, 5, 11, 12, 18 y 19 de mayo)

Nana / Smee / Slightly Jesús Irimia

Campanilla / Nibs / Sirena / Pirata Isa Belui

John Eneko Larrazabal

Michael Clara Bernet

Sombra de Peter / Tootles /Sirena / Pirata Daniel Esteban

Curly / Sirena / Pirata Gustavo Vidal

Tiger Lily Laura Forero

FECHAS

2, 3, 4, 5, 11, 12, 18, 19 de mayo de 2024

17:00 y 20:00 h

Edad recomendada a partir de 10 añ

Un programa protagonizado por compositoras contemporáneas conforma la siguiente cita del ciclo de música contemporánea Series 20/21 del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM). En esta ocasión, el Trío Catch, destacada formación alemana en la interpretación de música actual, será el encargado de estrenar obras de la compositora española Helena Cánovas Parés y de la famosa compositora francesa Betsy Jolas, así como de revivir una de las piezas más emblemáticas de la creadora italiana Clara Iannotta. El ensemble también interpretará partituras de dos autores españoles actuales de referencia, Mikel Urquiza y José Luis Turina, compositor residente del CNDM esta temporada. El concierto tendrá lugar el lunes 29 de abril, a las 19:30h, en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (entrada libre).

Formado por Martin Adámek (clarinete), Eva Boesch (violonchelo) y Sun-Young Nam (piano), el Trío Catch debe su nombre a la obra homónima de Thomas Adès en la que el violonchelo y el piano “cautivan” al clarinete mediante una encantadora danza en corro. En este concierto del CNDM, su objetivo también será el de cautivar al público a través de un repertorio actual protagonizado por el estreno absoluto de la obra Una mica de cosa de no res de Helena Cánovas Parés, encargo del CNDM. En esta pieza, la compositora considera el cuerpo del artista “como un elemento más de la partitura”. El trío también estrenará en España Rounds to catch de Betsy Jolas, articulada en torno a cuatro de sus cánones favoritos. La figura de la mujer creadora también estará presente con The people here go mad. They blame the wind de Clara Iannotta, pieza inspirada en campanas y mecanismos de cajas de música.

El recorrido continuará con Túmulo de la mariposa de José Luis Turina, obra basada en un poema homónimo de Francisco de Quevedo y cuyo sonido trata de capturar la imagen de un insecto atrapado por la llama de una vela. Como broche de oro, el Trío Catch interpretará Pièges de neige de Mikel Urquiza, una reflexiva y evocadora pieza en torno a cómo se siente el artista cuando escucha su propia obra.

Charla con Helena Cánovas Parés. En el marco del programa educativo del CNDM, la compositora Helena Cánovas Parés, junto al también compositor Mikel Urquiza, ofrecerá una charla en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, sobre el concierto posterior. El encuentro tendrá lugar a las 18 horas y estará moderado por Paco Daunesse.

Sobre el Trío Catch

Atrapar al público: con un diálogo virtuoso entre los timbres tan diferentes del clarinete, el violonchelo y el piano; mediante la alegría de hacer música juntos; mediante la búsqueda incansable de un sonido compartido. Esto es lo que distingue al Trio Catch. Está formado por Martin Adámek (clarinete), Eva Boesch (violonchelo) y Sun-Young Nam (piano). El trío ha trabajado con numerosos compositores a lo largo de sus trece años de colaboración, entre ellos Mark Andre, Georges Aperghis, Beat Furrer y Helmut Lachenmann, con quien también les unen varias producciones de CD y proyectos de grabación radiofónica. El CD debut de Trio Catch «in between» fue lanzado en 2014 en el sello col legno, seguido por el lanzamiento de su segundo CD «Sanh» en 2016. En 2019 el sello bastille musique publicó el CD «As if», que fue galardonado con el Premio de la Crítica Discográfica Alemana (Preis der deutschen Schallplattenkritik), el Supersonic Award Luxembourg y el Clef d’Or de ResMusica en Francia. El trío ganó el premio Hermann y Milena Ebel en 2012, el Berenberg Kulturprize en 2014 y fue galardonado con el Premio Dwight y Ursula Mamlok en 2018. Una apretada agenda ha visto ya al Trío Catch dar conciertos en Sudamérica, Asia y Europa, en salas como la Filarmónica de Colonia, Elbphilharmonie Hamburg, Philharmonie du Luxembourg, la Sala Pierre Boulez de Berlín, así como en festivales como Ultraschall Berlin, Musica Strasbourg, Heidelberger Frühling, International Summer Course for New Music Darmstadt, Klangspuren Schwaz y el Wittener Tage für neue Kammermusik. Durante la temporada 2015/16 el Trío Catch actuó en algunas de las mayores salas de conciertos de Europa como parte de la serie «Rising Stars» de la Organización Europea de Salas de Conciertos. Lo más destacado de las temporadas pasadas fueron las actuaciones en la Elbphilharmonie de Hamburgo, la Pierre Boulez Saal de Berlín, la Kölner Philharmonie y la Philharmonie de Luxemburgo. El trío también se dedica a la educación musical. En Klangspuren Schwaz impartió clases a jóvenes en el taller de composición infantil «lautstärker», en la Musikhochschule Hamburg ocupó un puesto de profesor e imparte regularmente talleres para compositores e intérpretes en escuelas superiores de música. En 2016, el Trío Catch inició «Ohrknacker», su propia serie de conciertos-taller. Cada concierto presenta una pieza seleccionada de música contemporánea, escrita especialmente para el trío.

El ciclo Domingos de Cámara del Teatro de la Zarzuela presenta este próximo domingo 28 de abril (12h00) al Cuarteto Ribera en el Ambigú del coliseo con un concierto íntegramente de obras de compositoras españolas, entre las que se incluirá un estreno absoluto.

Una temporada más, el ciclo, que celebra ya su octava edición, está dedicado plenamente a la mujer, y más concretamente al papel de las compositoras en la música española.

El Cuarteto Ribera incluirá en su concierto música de María Teresa Prieto (1896-1982), María de Pablos (1904-1990) y Ángela B. Pérez Lendínez (2003), de quien interpretará el estreno absoluto de La muerte de Marguerite.

Compuesto por los violinistas Liz Moore e Iván Artaraz, el violinista Jokin Urtasun y el violonchelista Jordi Creus, el Cuarteto Ribera nació en 2012 en el seno de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, es fruto de la amistad y una manera semejante de entender la música. Sus miembros se han formado tanto en territorio nacional como internacional: en centros tan prestigiosos como la Guildhall School of Music and Drama de Londres, el Hogeschool van de Kunsten de Utrecht o el Paul Dukas de París.

En sus interpretaciones destaca el hecho de haber compartido escenario con solistas y agrupaciones especialistas en repertorios de distintas épocas y estilos, forjando así un sonido personal y lleno de vida, con una especial capacidad de conexión con el público.

Asimismo, el Cuarteto mantiene un intenso compromiso con las personas en riesgo de exclusión social, llevando su música a hospitales, colegios de educación especial y centros de personas con discapacidad intelectual.

El tenor Juan de Dios Mateos regresa a los escenarios italianos con un repertorio puramente rossiniano. En primer lugar, el tenor interpretará al Príncipe Ramiro en La Cenerentola en el Teatro Lirico Giuseppe Verdi de Trieste. La Cenerentola es una de las óperas más populares de Gioachino Rossini y en esta ocasión contará con un príncipe Ramiro especialmente enérgico encarnado por Juan de Dios Mateos bajo la dirección musical del maestro Enrico Calessi y la dirección de escena de Paolo Gavazzeni y Piero Maranghi. Esta producción con escenografía y vestuario inspirados en las de Emanuele Luzzati y organizado por la Fondazione Teatro Carlo Felice di Genova, promete una experiencia musical única con las voces de Emilia Rukavina en el papel de Angelina o Vincenzo Nizzardo en el papel de Don Magnifico.

Por otro lado, la segunda cita en Italia del tenor será en L’Italiana in Algeri, una producción en la que Juan de Dios Mateos asume el desafiante papel de Lindoro, bajo la dirección del maestro Gaetano Lo Coco y la dirección de escena de Sarah Schinasi. Esta producción está realizada por el Teatro Giuseppe Verdi de Salerno y cuenta con la participación de la Orchestra Filarmónica Giuseppe Verdi di Salerno y el Coro del Teatro dell’Opera di Salerno. Mateos compartirá escenario con otras grandes voces como: Carlo Lepore como Mustafa, Mariam Battistelli como Elvira, o Elmina Hasan como Isabella y Marco Filippo Romano como Taddeo.

Juan de Dios es un tenor con consolidadas tablas en lo que a repertorio rossiniano se refiere, sin embargo, confiesa sentirse emocionado por estas dos nuevas producciones en Italia: “Ambas óperas son de las más representadas del repertorio rossiniano que tanto ha marcado mi carrera”. Recordando sus debuts del Príncipe Ramiro de La Cenerentola en el Teatro Petruzzelli de Bari en 2022, con la producción de Emma Dante (que próximamente se representará en el Gran Teatre del Liceu) y como Lindoro de l’italiana in Algeri en 2019 en el Teatro Municipal de Santiago de Chile bajo la batuta de José Miguel Pérez Sierra, dice: “Ambos roles son muy exigentes, aunque sin duda el que más dificultad tiene para mí es el de l’Italiana in Algeri, debido a que la primera intervención del tenor es, sin paños calientes, una de las arias más exigentes que escribió el compositor de Pésaro”. Se trata del aria Languir per una bella. “Es un aria que requiere de todas las habilidades que se puedan pedir: legato, coloratura, agudos, graves, fiatos largos, resistencia,…” asegura el tenor, y añade: “A esta producción me ha invitado personalmente el director artístico del Teatro Verdi de Salerno, el renombrado Daniel Oren, de los pocos directores que quedan de la ‘vieja escuela’, por lo que daré, como siempre, el 100% para seguir abriéndome camino en la lírica internacional esperando que esta me abra, también, las puertas de los teatros españoles”.

Juan de Dios Mateos

Su formación incluye canto con Coral Morales y Carlos Aransay, y masterclasses con artistas como Raina Kabaivanska, Roberto Scandiuzzi, Jaume Aragall, etc.

Ibermúsica presenta una de las temporadas más extensas de su historia con 24 conciertos en sus series Arriaga y Barbieri, 4 conciertos extraordinarios y 4 nuevos recitales en la segunda edición de su ciclo km0

La Filarmónica de Viena será la encargada de inaugurar esta temporada en la que la entidad celebra su quincuagésimo quinto aniversario

Gustavo Dudamel dirigirá por primera vez en su carrera la London Symphony en su gira con Ibermúsica y, además, presentará a la Orquesta Simón Bolivar en el ciclo madrileño

La Royal Concertgebouw de Ámsterdam, la Gewandhaus de Leipzig o la Filarmonica della Scala no se perderán este aniversario, que también contará con grandes directores como Daniele Gatti, Andris Nelsons, Riccardo Chailly, Marin Alsop o Klaus Mäkelä con su esperado debut en Ibermúsica

En el apartado solista reina el violín con Lisa Batiashvili, Hilary Hahn, Janine Jansen, Midori, Vilde Frang o María Dueñas y el piano, con Evgeny Kissin, Denis Kozhukhin, Javier Perianes, Lucas y Arthur Jussen o Beatrice Rana.

Ibermúsica ha presentado su temporada 2024/2025 en el Goethe-Institut Madrid este lunes 22 de abril. En su comparecencia en la institución alemana, el director general de Ibermúsica Llorenç Caballero ha desvelado todos los detalles de un ambicioso curso en el que la entidad celebrará su quincuagésimo quinto aniversario por todo lo alto con veinticuatro conciertos de abono, cuatro conciertos extraordinarios y cuatro recitales en su segunda edición del ciclo de cámara km0.

GRANDES MAESTROS INTERNACIONALES

Gustavo Dudamel dirigirá por primera vez en su carrera la London Symphony Orchestra (LSO) en su cita en Ibermúsica el 9 de mayo. El maestro también ofrecerá un concierto extraordinario el 12 de mayo con la LSO y la soprano Marina Rebeka, mientras su debut en el ciclo se producirá en el mes de enero con la Orquesta Simón Bolívar, que también se presentará en esta visita. Otros de los debuts más destacados serán los de Klaus Mäkelä, de quien disfrutaremos en una doble cita con la Royal Concertgebouw Orchestra, Lahav Shani, que ejercerá tanto de director como de pianista con la Münchner Philharmoniker, Emmanuelle Haïm con Le Concert d’Astrée o Masato Suzuki con el Bach Collegium Japan (junto a Masaaki Suzuki). Además de estas presentaciones, Ibermúsica contará de nuevo con grandes nombres de la clásica internacional como Daniele Gatti, Gustavo Gimeno, Marin Alsop, Andris Nelsons, Paavo Järvi, Vladimir Jurowski, Jonathan Nott, Riccardo Chailly, Santtu-Matias Rouvali y Mikko Franck.

LAS VIOLINISTAS REINAN EN EL APARTADO SOLISTA

Al siempre nutrido plantel de solistas internacionales en Ibermúsica se suman dos españoles con gran presencia en todo el mundo: María Dueñas, que regresa al ciclo con el Concierto para violín de Korngold de la mano de Philharmonia y Marin Alsop, y Javier Perianes, que interpretará el Concierto para piano núm. 5 de Saint-Saëns acompañado, también, por la agrupación londinense capitaneada por Santtu-Matias Rouvali. A los esperados debuts de los hermanos Lucas y Arthur Jussen, la organista Iveta Apkalna y el ya mencionado Lahav Shani se suma el regreso de algunos de los músicos más destacados del momento, como el violonchelista Gautier Capuçon, las violinistas Lisa Batiashvili, Hilary Hahn, Midori, Janine Jansen y Vilde Frang, las voces solistas de Christiane Karg y Marina Rebeka o los pianistas Beatrice Rana, Denis Kozhuhkin y Evgeny Kissin, que vuelve a su cita anual como solista para ofrecer un recital con obras de Chopin y de Bach.
LAS MEJORES AGRUPACIONES DE EUROPA, AMÉRICA Y ASIA

Este próximo curso, por las series Arriaga y Barbieri de Ibermúsica pasarán 16 grandes orquestas internacionales de tres continentes, con presencia de países como Venezuela (Orquesta Simón Bolívar) o Japón (Bach Collegium Japan). La agrupación encargada de dar el pistoletazo de salida a la temporada el próximo 1 de octubre será la prestigiosa Filarmónica de Viena, y hasta la clausura del 9 de mayo de 2025 habrá una destacada presencia alemana (Gewandhausorchester Leipzig, Münchner Philharmoniker y Staatskapelle Dresden) y británica (Philharmonia Orchestra, London Philharmonic y London Symphony Orchestra), y sumará otros grandes nombres europeos como la Royal Concertgebouw Orchestra, Orchestre Philharmonique du Luxembourg, la Filarmonica della Scala, las francesas Philharmonique de Radio France y Le Concert D’Astrée y las suizas Tonhalle-Orchester Zürich y Orchestre de la Suisse Romande.

CUATRO CITAS EXTRAORDINARIAS

Además de los 24 conciertos de las series de abono, Ibermúsica ofrecerá 4 conciertos extraordinarios de carácter muy variado y para todo tipo de públicos. El 2 de diciembre la alicantina ADDA Simfònica con el maestro Josep Vicent a la batuta interpretarán Carmina Burana de Orff junto al Orfeón Donostiarra. En febrero los 12 Chelistas de la Berliner Philharmoniker celebrarán en Ibermúsica su 50 aniversario con un concierto muy especial versionando a compositores como Gershwin, Piazzolla o McCartney, en marzo regresará una de las agrupaciones corales más queridas por el público de Ibermúsica, Los Niños Cantores de Viena, y el broche final a los conciertos extraordinarios tendrá lugar en el mes de mayo con una cita de lujo: Gustavo Dudamel y la London Symphony Orchestra junto a la soprano Marina Rebeka.
MÁS DE 50 COMPOSITORES Y UN HOMENAJE AL SCHUMANN SINFÓNICO

En la temporada 2024/2025 Ibermúsica celebrará el 215 aniversario del nacimiento de Schumann con la integral de sus sinfonías a cargo de la Staatskapelle Dresden y el maestro Daniele Gatti. El repertorio del próximo año contará con un extenso listado de más de 50 compositores que abarcará desde Shostakóvich con sus sinfonías núms. 10 y 6, Mahler con las sinfonías núms. 1, 3, 4 y 7, Ravel con Rapsodia Española o Scheherezade, Mozart (con las sinfonías núm. 40 y 41 o su Réquiem), Chaikovski con el Concierto para piano núm.1 y su Quinta sinfonía, Dvořák (Concierto para violonchelo, o la Sinfonía núm. 8) o Haendel (Fuegos artificiales y suites de Música Acuática). Completan el cartel autores como Prokófiev, Bruckner, Debussy, Brahms, Chopin, Mendelssohn, Korngold, Poulenc, Britten, Bach, Respighi, Beethoven, Strauss, Purcell o compositoras contemporáneas como Unsuk Chin y Jessie Montgomery, que presentará en Ibermúsica su obra Strum.

SEGUNDA EDICIÓN DEL CICLO DE CONCIERTOS km0

Tras la exitosa primera edición del ciclo km0, que ha sido nominado al Premio a la Innovación Classical: NEXT 2024, la Fundación Ibermúsica ofrecerá una segunda temporada donde se buscará seguir potenciando conciertos de pequeño formato, con intérpretes de proximidad, estrenos mundiales explicados por sus autores, obras de recuperación patrimonial de artistas españoles e interpretados por músicos del país y buscando la máxima cercanía con el público. En 2024 y 2025 se ofrecerán 4 recitales en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional: violonchelo y piano con Ángel García Jermann y Oleksandra Totkalova, piano con Albert Cano Smit, trompa y percusión con María Rubio y Josep Furió y viola y piano con Ana María Alonso y Rubén Yessayan.

55 años de Ibermúsica
LA MEJOR MÚSICA DEL MUNDO AL ALCANCE DE TODOS

Los conciertos ofrecidos por Ibermúsica durante la próxima temporada tendrán lugar en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música de Madrid. Con el objetivo de llevar la música a todos los públicos, la entidad ofrece abonos desde 36€ por concierto, con dos series (Arriaga y Barbieri) y tres tipos de abono: de 5, de 7 y de 12 conciertos. Más adelante se podrán adquirir entradas sueltas con plazo prioritario de reserva y reducciones exclusivas para abonados de hasta un 50% en entradas adicionales, hasta un 15% en entradas para los conciertos extraordinarios y hasta un 50% de descuento en abonos para familiares menores de 26 años. Los abonados podrán beneficiarse, además, de un 30% de rebaja en el importe de su abono si invitan a un nuevo abonado con el programa Quien tiene un amigo, tiene un tesoro, disfrutarán de atención preferente y recibirán anualmente el Gran Libro de la Temporada con toda la información de los conciertos, orquestas e intérpretes e histórico de Ibermúsica.

Toda la información sobre la temporada 2023/2024 ya disponible en: www.ibermusica.es

Autor: Brioclasica

CONCIERTO EXTRAORDINARIO

RENOVACIÓN DE ABONOS

ABONOS DE MEDIA TEMPORADA

ABONO A LA CARTA

Ibermúsica presenta una de las temporadas más extensas de su historia con 24 conciertos en sus series Arriaga y Barbieri, 4 conciertos extraordinarios y 4 nuevos recitales en la segunda edición de su ciclo km0

La Filarmónica de Viena será la encargada de inaugurar esta temporada en la que la entidad celebra su quincuagésimo quinto aniversario

Gustavo Dudamel dirigirá por primera vez en su carrera la London Symphony en su gira con Ibermúsica y, además, presentará a la Orquesta Simón Bolivar en el ciclo madrileño

La Royal Concertgebouw de Ámsterdam, la Gewandhaus de Leipzig o la Filarmonica della Scala no se perderán este aniversario, que también contará con grandes directores como Daniele Gatti, Andris Nelsons, Riccardo Chailly, Marin Alsop o Klaus Mäkelä con su esperado debut en Ibermúsica

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