Eleonora Buratto

Un año después de mi debut como Desdémona en Otello de Verdi en el Liceu de Barcelona, Eleonora Buratto tiene el gran honor de enfrentarse por primera vez a Desdémona de Rossini. Otello se representará en el Festival de Ópera de Rossini del 11 al 20 de agosto, con dirección escénica de Rosetta Cucchi y dirección musical de Yves Abel.

«De Shakespeare a Rossini y a Verdi, ¡qué cambio experimentan los personajes principales! Al explorar esta ópera de Rossini, he adquirido una comprensión más profunda de sus fortunas mixtas. Antes del Renacimiento de Rossini, casi siempre fue eclipsado por la ópera del mismo nombre de Verdi. Mi comprensión y amor por esta ópera se han visto realzados gracias a esta puesta en escena de Rosetta Cucchi, perfecta en la forma en que responde a las necesidades del drama, destacando lo difícil que es para estos personajes comunicarse ya que «buscan emociones que van más allá de la historia». , llevándolo a un área metafísica diferente donde cada uno de nosotros pueda verse a sí mismo” (como escribió Alberto Zedda). Ensayar para este Otello, siguiendo el camino narrativo de Rosetta Cucchi, se está convirtiendo en una experiencia emocional vertiginosa. Los temas son potentes, con el femicidio ahí en escena mostrando la relevancia que siempre tiene este tema, al igual que la traición (incluida la del padre), el amor, la pasión, la desesperación y los celos. Nada puedo añadir en lo que se refiere a la fuerza musical de Otello (y de Desdémona, la auténtica protagonista)».

los sublimes artistas que han cantado en este papel, empezando por Isabella Colbran, dan testimonio de su atractivo vocal y del desafío que supone. Representa para los cantantes de Belcanto, sino también su complejidad dramática. Tras la última de las cuatro funciones programadas, el 21 de agosto canto junto a otros compañeros en la Gala Tra rondò e tournedos con la que el Festival de Ópera Rossini celebrará los magníficos cuarenta años de Pier Luigi Pizzi en el festival. Tanto Otello como la Gala contarán con la Orquesta Sinfónica Nazionale della Rai y el Coro del Teatro Ventidio Basso, un motivo más de celebración. Finalmente, me complace confirmar que la función inaugural de Otello será retransmitida por Radio Rai 3. Puede encontrar toda la información sobre los equipos creativos y los elencos aquí.

Fotografía © Dario Acosta | © ROF / Studio Amati Bacciardi

Opera's Golden Voice

El primer «Concurso Internacional de Ópera del Mar Negro: LA VOZ DE ORO DE LA ÓPERA» en Batumi tendrá lugar en septiembre de 2022

24-30 septtiembre
Batumi, Georgia
Tres rondas – fondo de premios 15.000 €

El Concurso Vocal Internacional “Opera’s Golden Voice” celebra su nacimiento en 2022. A partir de ahora se realizará anualmente en la ciudad de Batumi, considerada la verdadera perla de la cuenca del Mar Negro en Georgia. El concurso “Opera’s Golden Voice” es una gran oportunidad para que los cantantes principiantes y experimentados presenten sus habilidades frente a los principales especialistas de la industria mundial de la ópera. El concurso fue fundado como parte del Festival Internacional «Batumian Rhapsody». La presidenta del concurso es la soprano de renombre internacional Tamar Iveri, ganadora del premio «Eberhard Waechter» de la Ópera Estatal de Viena, ganadora del primer premio del Concurso internacional Wolfgang Amadeus Mozart y ganadora del segundo premio del Concurso Voci Verdiane en Busseto.

Jurado

Los ganadores serán determinados por un jurado sin precedentes y de clase mundial: el bajo Orlin Anastassov (Agencia Musa Management, Bulgaria), Alessandro Ariosi (Agencia Ariosi Management, Suiza), Viviana Barrios (Deutsche Oper Berlin, Alemania), Mark Hildrew (Agencia Askonas Holt, Reino Unido), la soprano Makvala Kasrashvili (Galina Vishnevskaja Opera Center, Georgia), el barítono Mariusz Kwiecień (Ópera de Wrocław, Polonia), el director de orquesta Constantine Orbelian (Ópera de la ciudad de Nueva York, EE. UU.), Eleonora Pacetti (Teatro dell’Opera di Roma, Italia) y Melissa Wegner (Ópera Metropolitana, EE. UU.).

Premios

La competencia se llevará a cabo en tres rondas. El fondo de premios es de 15.000€ (1er premio – 7.000€, 2º premio – 5.000€, 3er premio – 3000€). La lista de solicitantes permitidos sobre la base de las grabaciones se anunciará a más tardar el 20 de agosto y la ceremonia final se llevará a cabo el 30 de septiembre a las 8:00 p. m. en el Teatro Dramático de Batumi que lleva el nombre de Ilia Chavchavadze.

Solicitud – Fecha límite: 15 de agosto de 2022

Aquellos que deseen participar en la competición deben registrarse en el sitio web oficial del festival: https://rhapsodyfest.ge/registration-form/ hasta el 15 de agosto 2022.

No se seleccionarán más de 60 participantes de 18 a 35 años. La cuota de inscripción es de 150 GEL (alrededor de € 45, el pago es posible al tipo de cambio correspondiente de ese día en euros, dólares estadounidenses y libras esterlinas). Se inscribirán gratuitamente los ganadores de cualquier otro concurso internacional (premio I, II, III), miembros de familias en situación de vulnerabilidad social y personas con discapacidad. Los ciudadanos ucranianos o refugiados de Ucrania también se registrarán sin cargos como señal de apoyo. En todos estos casos, junto con el registro en el sitio web, los solicitantes deben enviar certificados a esta dirección de correo electrónico: goldenvoice@gmail.com

Más detalles

La competición constará de tres rondas. Dos de ellos se llevarán a cabo en el Batumi Spring Theatre, la ronda final tendrá lugar en el Batumi State Drama Theatre. El público podrá asistir sin cargo. En la mañana del 23 de septiembre, los cantantes que aparecen serán registrados y distribuidos a los pianistas-maestros de concierto. Los ensayos se llevarán a cabo en la Escuela de Música Zakaria Paliashvili.

En la tarde del 24 de septiembre, hasta 60 concursantes serán presentados a la audiencia en la ceremonia de apertura de la competencia.

Se deben interpretar dos arias diferentes en cada una de las dos primeras rondas. En la ronda final, los concursantes deberán repetir un aria de las rondas anteriores y cantar un aria nueva. Como resultado, los concursantes deberán presentar un total de 5 arias al público. Solo los compositores en la siguiente lista en línea están permitidos en la competición: https://rhapsodyfest.ge/programme/

Los gastos de viaje, hotel y alimentación correrán a cargo de los concursantes.

Batumi: La verdadera perla de la cuenca del Mar Negro en Georgia

La competencia tendrá lugar en la hermosa ciudad de Batumi en el Mar Negro. La atmósfera mágica de este lugar atrae a turistas de todo el mundo.

El aeropuerto de Batumi conecta directamente ciudades como Tel Aviv, Dubai, Estambul, Riga, Bakú, Dammam (DMM), Jeddah (JED) y Riyadh (RUH), Tashkent (TAS), Almaty (ALA) y Minsk. También hay una conexión de autobús directa desde el aeropuerto de Tbilisi a Batumi.

El aeropuerto de Tiflis conecta directamente ciudades como Atenas, Múnich, París y Varsovia, entre otras.

Quincena Musical de San Sebastián

La danza vuelve a reinar en la Quincena Musical de San Sebastián con seis espectáculos diferentes que abordan desde lo más contemporáneo hasta el ballet flamenco.

El Teatro Victoria Eugenia y el Centro Internacional de Cultura Contemporánea Tabakalera, vuelven a ser protagonistas del Ciclo de Danza de Quincena Musical para ofrecer, en esta edición, una serie de espectáculos protagonizados por artistas y agrupaciones referentes en el sector.

Los días 11 y 12 de agosto, en el patio de Tabakalera, Jone San Martin y Mikel R. Nieto estrenan «Aditu», un espectáculo multidisciplinar que aún música, danza y expresión corporal con un mensaje inclusivo que hace partícipe al público sordomudo dentro del espectáculo. «Aditu» surge como una propuesta diferente, en la que los bailarines forman parte no solo del hecho coreográfico, sino también del comunicativo mediante coreografías que usan y se inspiran en la lengua de signos. En palabras de sus creadores: «Aditu quiere convertir los signos en movimientos y estos en sonidos, mostrando cómo una audición imposible inscrita en una oralidad silenciosa y silenciada tiene la gran capacidad de hacer que todo sonido implique comunicación y movimiento».

«Dead», la propuesta de Judith Argomaniz y Lasala, llegará el 18 de agosto a Tabakalera para introducirnos en la vida de cuatro mujeres que luchan contra su contemporaneidad. La sociedad actual, como quimera en busca de la mujer perfecta, será el obstáculo al que estas cuatro protagonistas deberán enfrentarse para traspasar los límites y romper con lo establecido.

Estos dos espectáculos ya mencionados, vendrán acompañados por tres cápsulas protagonizadas por Lokke | Olatz de Andrés. Los días 17 y 18, Lokke presenta tres de las cápsulas que conforman su espectáculo “Doppelgänger”, una pieza itinerante que respira con la idea del doble y la transformación del tiempo. Dentro de Quincena Musical se presentarán las cápsulas Doppel-C3PO: en donde dos cuerpos casi ingrávidos confrontan el tiempo cotidiano en un juego de perspectiva. Doppel-Xake: donde dos cuerpos
absorbidos por el juego del ajedrez se pierden en el tiempo de una partida, y Doppel-Leo: en la que dos cuerpos camuflados se desdoblan y funden continuamente en un diálogo de semejanza y diferencia.

El Teatro Victoria Eugenia acogerá el 17 de agosto el homenaje que el Ballet Flamenco de Andalucía le hace a la figura de Federico García Lorca, con motivo del centenario del estreno de «La mariposa blanca», obra que hizo debutar a Lorca sobre las tablas y cuyo desastre fue salvado por la bailarina del momento, La Argentinita —cuyas danzas y movimientos cautivaron el público y a la crítica—. De esta forma, el Ballet Flamenco de Andalucía nos propone un espectáculo que viaja, desde la contemporaneidad, a aquellas danzas que marcaron un antes y un después en los albores del siglo XX. Desde figuras como Antonia Mercé: La Argentina, Encarnación López: La Argentinita, Carmen Amaya o Martha Graham, esta propuesta aúna todas
estas coreografías emblemáticas para trasladarnos a un momento cumbre en la historia de la danza, del teatro y del cine.

Además, Kukai Dantza está de enhorabuena porque celebra su vigésimo aniversario. Para la ocasión, la compañía liderada por Jon Maya Sein (Errenteria, 1977) ha creado un nuevo espectáculo, «Eta orain zer?», cuyo estreno absoluto tendrá lugar en el marco de la Quincena Andante. Lekuona Fabrika de Errenteria será el espacio donde verá la luz este proyecto especial el sábado 27 de agosto, a las 20.00 horas. Cuenta además con la música original de Pascal Gaigne y la interpretación en directo de la Euskal
Herriko Gazte Orkestra (EGO).

La tabernera del puerto

La zarzuela vuelve este año a la Quincena Musical de San Sebastián con uno de los títulos más emblemáticos del género: La Tabernera del Puerto, que el 7 de agosto a las 20:00h tomará el escenario principal del Kursaal para ofrecer una única función de la obra cumbre de Pablo Sorozabal.

Con motivo del 125 aniversario del nacimiento del compositor donostiarra Pablo Sorozabal, Quincena Musical apuesta por una producción en versión concierto de La Tabernera del Puerto, capitaneada por Unai Urrecho. Con la Bilbao Orkestra Sinfonikoa
como eje vertebrador de la partitura, el plantel de solistas estará conformado por intérpretes nacionales de primer nivel: la soprano Miren Urbieta-Vega como Marola, el tenor Andeka Gorrotxategi como Leandro, Damián del Castillo como Juan de Eguía, Rubén Amoretti como Simpson, Ruth Gonzalez como Abel, Marifé Nogales como Antigua, José Manuel Díaz como Chinchorro y Verdier, y Alberto Núñez como Ripalda.

La música de Sorozabal, evocará el puerto de Cantabreda, ciudad imaginaria en la que, Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw, libretistas de la zarzuela, ambientaron el libreto. Las capacidades descriptivas y metafóricas de la partitura del genio donostiarra hacen que esta obra en concreto tenga un desarrollo imaginativo que permite a cada oyente disfrutar de su propio puerto de Cantabreda, de su propia taberna de Marola… Toda una trama de enredos amorosos y secretos familiares que han convertido a La Tabernera del Puerto no solo en una obra canora del repertorio de zarzuela, sino, posiblemente, en una de las zarzuelas más interpretadas a ambos lados de Atlántico.

Gardiner © Liliya Olkhovaya

La Quincena Musical de San Sebastián comienza su 83ª edición el próximo 2 de agosto, con un concierto protagonizado por Sir John Eliot Gardiner, acompañado por el Monteverdi Choir y los English Baroque Soloists.

El director británico pone así fin a una gira repleta de éxitos y buenas críticas en nuestro país con diferentes programas, siendo este uno de los pocos en los que se podrá disfrutar no solo del ya citado Gardiner, sino también de dos de los ensembles de música antigua más importantes del panorama internacional: el Monteverdi Choir y los English Baroque Soloists.

El Barroco italiano y el alemán toman el Kursaal de San Sebastián para ofrecer un recital que recorre algunas de las joyas mejor guardadas del Seicento y del Settecento. Sir John Eliot Gardiner, posiblemente el director de orquesta barroco más solicitado del mundo, nos propone un concierto en el que se interpretará Jephte de Giacomo Carissimi (1605-1674), una historia sacra típica del
siglo XVII y que nos narra la historia de Jephte, juez israelí que guía a su pueblo en la batalla contra los amonitas y, como resultado de un acto de fe, termina sacrificando a su hija. La presencia de Domenico Scarlatti (1685-1757) tampoco podía faltar dentro del programa con su Stabat Mater, obra sentida y visceral que narra el duelo de la virgen al observar, a los pies de la cruz, el cuerpo de su hijo inerte. Por último, el concierto finalizará con las Exequias musicales SWV 279–281 de Heinrich Schütz (1585-1672), piezas corales íntimas y profundas que demuestran la maestría

Sir John Eliot Gardiner, en esta ocasión, estará acompañado por el Monteverdi Choir, la agrupación vocal barroca más prolífica de los últimos años, con más de 150 grabaciones en el mercado, además de enfrentarse a retos musicales como el Bach Cantata Pilgrimage, que en el año 2000 les llevó a interpretar las 198 cantatas sacras de J. S. Bach por 63 iglesias europeas. Junto a Gardiner, tampoco podían faltar los English Baroque Soloists, formación creada en 1978 por el director británico y que lo acompañan siempre en los proyectos de mayor envergadura.

Tras su éxito en la última gira que Gardiner realizó en nuestro país, su cita con San Sebastián supone no solo la vuelta del director británico a la ciudad donostiarra, sino también la mejor forma que la Quincena Musical tenía de comenzar su 83ª edición, que en esta ocasión celebrará más de 70 conciertos —además de todas las actividades complementarias que realizará el festival— durante todo el mes de agosto.

Fotografía © Liliya Olkhovaya

Hadrian

El próximo 27 de julio, el Teatro Real culminará la actual temporada con el estreno de Hadrian, segunda incursión en la ópera del cantautor canadiense-estadounidense Rufus Wainwright, que se ofrecerá en versión semi-escenificada protagonizada por el barítono Thomas Hampson, quien dio vida al emperador Adriano en el estreno absoluto de la obra en Toronto en 2018.

Haciendo uso de una paleta musical que el propio autor define como «más oscura y potente» que la de su primera ópera –Prima donna–, tejida con largas líneas melódicas mezcladas con ricas texturas orquestales,

Wainwright construye un relato verdaderamente apasionante.

El complejo entramado vocal estará defendido por Thomas Hampson en el papel titular, Ainhoa Arteta (Plotina), Santiago Ballerini (Antinous), Rubén Amoretti (Turbo) y Vanessa Goikoetxea (Sabina) entre otros. Junto a ellos, el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, bajo la dirección musical de Scott Dunn.

Las impactantes imágenes del fotógrafo Robert Mapplethorpe y la dirección de escena de Jorn Weisbrodt, completan este interesante espectáculo.

Rufus Wainwright describe así su elección de este personaje histórico para su segunda ópera: “Cuando leí por primera vez las fabulosas Memorias de Adriano, de Marguerite Yourcenar, una novela que inspiró al menos a tres generaciones de hombres homosexuales, me asaltó al instante la idea de transformar este tema histórico en forma de ópera. Tanto su naturaleza íntima como su salvaje grandeza parecían perfectamente adecuadas para lo que la ópera hace mejor: crear una hiperilustración de las oscuras vidas interiores de las personas que se enfrentan a formidables circunstancias exteriores y, al mismo tiempo, recorrer musicalmente las dimensiones surrealistas de lo que hay entre ellas. En mi opinión, ninguna otra forma teatral retrata

verdaderamente la vida en una miríada de colores vibrantes y brillantes como lo hace la ópera, y la historia del emperador romano Adriano es un diamante perfectamente tallado para esa tarea”.

La ópera se centra en el verdadero pero problemático amor del emperador por el bello joven Antinoo. Mientras el oscuro espectro del monoteísmo se acerca anunciado por los judíos y los primeros cristianos, hasta destruir el antiguo sistema de creencias paganas. La investigación histórica asegura que muchas partes de la vida y el legado de Adriano fueron destruidos por sus detractores y, aunque fue un gobernante productivo y justo, su masacre de los judíos no puede ser olvidada, y es un punto principal de la obra.

Así, Rufus Wainwright concluye: “Casi inmediatamente después de la muerte de Adriano, los dictados patriarcales de la humanidad se apoderaron de la narración, dejando que la patética observación antigua de que «lloró como una mujer» cuando Antinoo se ahogó, ensombreciera todos sus logros”.

HADRIAN

Ópera en cuatro actos

Música de Rufus Wainwright (1973)

Libreto de Daniel Mcivor

Con la colaboración especial de la Mapplethorpe Foundation

Estrenada en la Canadian Opera Company de Toronto el 13 de octubre de 2018

Estreno en el Teatro Real

Ópera en versión de concierto semiescenificada

EQUIPO ARTÍSTICO

Director Musical I Scott Dunn

Imágenes I Robert Mapplethorpe

Director de Escena I Jorn Weisbrodt

Diseñador de luces | John Torres

Diseñador de proyecto | Michael Worthington

Asistente del diseñador del proyecto | Cory Siefker

Programador de proyección | James Pomichter

Director del Coro I Andrés Máspero

Coro y Orquesta titulares del Teatro Real
(Coro Intermezzo / Orquesta Sinfónica de Madrid)

REPARTO

Hadrian | Thomas Hampson

Plotina | Ainhoa Arteta

Antinous | Santiago Ballerini

Turbo | Rubén Amoretti

Sabina | Vanessa Goikoetxea

Trajan | Alejandro del Cerro

Fabius | Vicenç Esteve

Hermogenes | Gregory Dahl

Primer Senador | Pablo García-López

Segundo Senador | Josep-Ramón Olivé

Tercer Senador | David Lagares

Lavia | Berna Perles

Dinarchus | Albert Casals

Fotografía © Javier del Real | Teatro Real

Anna Lucía Richter, Gerhaher y Bushakevitz

Termina esta temporada la XXVIII edición Ciclo de Lied del Teatro de la zarzuela y el CNDM, y lo hace por todo lo alto con la oportunidad de escuchar el proyecto de Christian Gerhaher, Das Wolf-Projekt, que se ofrece en formato de dos recitales, el 11 de julio Spanisches Liederbuch, con la soprano Julia Kleiter y el 18 de julio con la mezzosoprano Anna Lucia Richter. En ambas citas acompañados al piano por Ammiel Bushakevitz.

Gerhaher siempre consigue llevarnos a un nivel superior. Y que lo haga con un repertorio menos convencional y acompañado por figuras jóvenes, aunque ya consagradas, del mundo del lied, es una vuelta de tuerca más a esta forma de interpretación.

Hugo Wolf no había viajado nunca a España, pero los nórdicos siempre han sentido una especie de atracción por todo lo que tuviera que ver con el sur de Europa, sobre todo les atraía la luz, tan escasa en sus países de origen. Si conocía Wolf la música renacentista, sobre todo la de Tomás Luis de Victoria. También conocía grandes obras de la literatura española. Aunque el resultado final de estas Spanisches Liederbuch no tenga ningún elemento que parezca estar inspirado en la música o la cultura española.

Los textos utilizados por Wolf pertenecen a distintos siglos. No así las traducciones del siglo XVIII, obra de Geibel y Heyse y, por tanto, entendidos e interpretados de la misma manera. Los textos para la elaboración de estas canciones están tomados del Florestán de rimas antiguas castellanas (1821, 1825 y 1843), el Cancionero general (1511) de Hernando del Castillo, el Cancionero llamado Flor de enamorados (1562) o el Romancero general (1604). Las 10 primeras, las Geistliche Lieder, son canciones religiosas. Las 34 restantes, las Weltliche Lieder, son canciones profanas. Estas últimas fueron divididas en dos partes para el recital.

Christian Gerhaher es un intérprete que transmite mucho con la voz y apenas nada con la expresión o el gesto. Todo lo apuesta a su manera de “decir” los textos, casi siempre impecable, gracias también a un perfecto fraseo. Su timbre tiene una particularidad últimamente, parece cada vez menos baritonal, en cuanto a registros oscuros. Lo que no afecta en absoluto a su expresividad e intensidad.

En este primer recital estuvo acompañado por la debutante Julia Kleiter. Todo un prodigio vocal, de depurada técnica y musicalidad. Con un volumen sorprendente y un control absoluto del juego vocal que le permite repartir emociones que llegan al público de manera arrebatadora. Tuvo algunas intervenciones especialmente felices y emotivas, en este formato en el que se turanabn ante el atril y que dio fluidez y equilibrio al recital.

El piano de Ammiel Bushakevitz fue también una gratísima sorpresa. Acompañó desde un segundo plano, siendo esto una gran virtud. No restó protagonismo a las voces pero su presencia era evidente y extraordinaria. Pendiente de todos los detalles y de todos los cambios de dinámica, que no fueron pocos, teniendo en cuenta que cada una de las obras que se alternaban no tenían relación entre sí. Su intervención estuvo llena de frescura y aportó su matiz a cada una de las obras.

La segunda parte de este peculiar proyecto estuvo protagonizada por la mezzosoprano Anna Lucia Richter, junto a Gerhaher. La temporada pasada tuvimos la oportunidad de asistir a su flamante debut en este Teatro.

En esta ocasión Wolf utiliza textos de una recopilación de Paul Heyse en 1860. Unas traducciones al alemán de textos como canti popolari toscani, corsi, illirici, greci, de Nicoló Tommaseo. Canti popolari toscani de Giuseppe Trigi. Canti popolari inediti umbri, liguri, piceni, piemontesi, latini, de Oreste Mrcoaldi. Y canti del popolo veneziano, de Angelo Dalmedico.

En esta ocasión los textos no trataban, como en los Spanisches Liederbuch, de cantos populares y religiosos, se trata de pequeños textos cotidianos, pequeñas anécdotas y detalles de la vida diaria.

Anna Lucia Richter se transforma ante este repertorio y echa mano de la teatralidad. Su canto es homogéneo y la expresividad de su rostro, a veces cargado de comicidad, ayuda a narrar las breves historias que cuenta.

Christian Gerhaher, a diferencia del primer recital, más íntimo, utiliza sus volúmenes en la emisión para dar carácter al personaje que interpreta. El forte se convierte en uno de los principales protagonistas.

En esta ocasión el piano requiere de un mayor protagonismo, y sin duda Ammiel Bushakevitz sabe dotar a su instrumento de esa cualidad. Sabe cómo generar cada atmósfera, por pequeña que parezca, y llenar de matices y acentos cada palabra que pronuncian de los intérpretes.

Todo un broche de oro para este XXVIII Ciclo de Lied del Teatro de la Zarzuela y el CNDM que ha estado lleno de momentos inolvidables. Contamos ya los días para el inicio de la próxima temporada que comienza, nada menos, que con René Pape.

Fotografía: Elvira Megías/CNDM

Manuel Busto

Tras el exitoso estreno de su ópera de cámara La mujer tigre en una nueva producción del Teatro de la Maestranza y el Teatro Lope de Vega, Manuel Busto regresa a la capital hispalense el próximo 22 de julio para dirigir La Traviata de Verdi en la producción de David McVicar, que ya se presentó en la Scottish Opera de Glasgow, la Welsh National Opera de Cardiff, el Teatro Real de Madrid y el Liceu de Barcelona. Busto, que hace cuatro años dirigió el famoso título de la trilogía popular verdiana en el Teatro Lirico Giuseppe Verdi de Trieste, se pondrá al frente de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS), el Coro del Teatro de la Maestranza, y un cast encabezado por la soprano Ashley Galvani Bell (Violetta), Antoni Lliteres (Alfredo Germont) y Carlos Arámbula (Giorgio Germont).

Entre los próximos compromisos del director sevillano cabe destacar su debut con la Orquesta Ciudad de Granada en el Auditorio Manuel de Falla, así como importantes engagements en el extranjero, como su regreso al Teatro Comunale di Bologna y La bohème de Puccini en el International Festival of Opera and Ballet “María Biesu” de Kishinev. Además, como compositor estará presente en la temporada del Bellas Artes de México con sus obras Jauleña e Invocación bolera, realizadas por encargo del Ballet Nacional de España.

Manuel Busto se ha convertido en uno de los directores de orquesta más solicitados de su generación, con un amplio currículum nacional e internacional en el ámbito de ópera y ballet, colaborando con destacadas orquestas como la Taiwan National Symphony Orchestra, la Orquesta de la Comunidad Valenciana (OCV), I Pomeriggi Musicali di Milano, la BBC Symphony Orchestra, la Orquesta de la Academia Barenboim-Said, la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM), la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS), y actuando en teatros de renombre como el Palau de Les Arts Reina Sofía de Valencia, el Teatro de la Zarzuela, el Teatro de la Maestranza, el Teatro Giuseppe Verdi di Trieste, el Teatro Comunale di Bologna o la Dutch National Opera de Ámsterdam, entre otros.

PABLO GARCIA LOPEZ

El tenor cordobés Pablo García-López, en el papel de primer senador, vuelve al Teatro Real (27 de julio) y debuta en el Festival de Peralada (29 de julio) con Hadrian, de Rufus Wainwright. Dos únicas funciones de esta ópera contemporánea, en versión de concierto semiescenificada, basada en el emperador romano Adriano, que reúne los ingredientes perfectos para una trama de ópera clásica que narra la historia de amor entre Adriano y su joven amante.

Para la ocasión, el Teatro Real y el Festival Castell de Peralada han reunido un elenco capitaneado por Thomas Hampson, Santiago Ballerini, Vanessa Goikoetxea, Ruben Amoretti, Josep-Ramón Olivé y las bases estables del Teatro Real con Scott Dunn en el podio.

Hadrian, segunda incursión en la ópera del cantautor canadiense-estadounidense Rufus Wainwright, se suma así a una ilustre serie de títulos operísticos –Pergolesi, Caldara o Johann Christian Bach, entre otros– con este emperador romano como protagonista. Estrenada en Toronto en 2018, contó con el barítono Thomas Hampson en un rol titular escrito a su medida y que repetirá en el Teatro Real y en el Festival de Perelada. Haciendo uso de una paleta musical que el propio autor ha definido como “más oscura y potente” que la de su primera ópera –Prima Donna–, y apoyado por las impactantes imágenes del fotógrafo Robert Mapplethorpe, Hadrian discurre, según se apunta desde el Teatro Real- “en un viaje sin fin entre el frágil consuelo de la memoria y la inapelable realidad de la pérdida”.

García López llega a este estreno tras su participación en la Ópera de Lausanne, el Teatro Real, el Festival de La Rioja “Pablo Sainz Villegas”, su debut en el Auditorio Nacional de música de Madrid con la OCNE y la orquesta de Castilla y León y en el Auditorio Miguel Delibes.

Equipo Crescendo

El próximo sábado, 16 de julioa las 11.00 y a las 13.00 horas tendrán lugar en la Sala Gayarre dos recitales protagonizados por jóvenes cantantes y pianistas que han participado en la segunda edición del programa Crescendo.

En el primer concierto, a las 11.00 horas, se escucharán arias célebres de Wolfgang Amadeus Mozart y Gaetano Donizetti, interpretadas por las sopranos Jessica BogadoAída GimenoAnna Kabrera y Javiera Saavedra; el barítono Rajiv Cerezo y el tenor Daniel González.

En el segundo concierto, a las 13.00 horas, los barítonos Javier Agudo y Willingerd Giménez, las sopranos Rosa GomarizCarmen Mateo y Sonia Suárez y el tenor Daniel González interpretarán obras de Wolfgang Amadeus Mozart, Richard Wagner, Giuseppe Verdi, Vincenzo Bellini, Charles Gounod, Georges Bizet y Manuel Penella.

Las jóvenes pianistas Paola JahoEva Pavón y  Cristina Sanz participarán en ambos recitales acompañando a los cantantes.

Los dos conciertos tienen dirección y dramaturgia de Víctor Manuel Dogar, profesor y mentor del programa.

Creado en la pasada temporada, en plena pandemia, Crescendo nació con vocación pedagógica e inclusiva, y pretende complementar la formación académica adquirida por los jóvenes cantantes en sus centros de estudio, ofreciéndoles talleres, clases magistrales, debates y distintas actividades transversales que enriquecen su desarrollo artístico y humano para afrontar una carrera profesional de gran exigencia, exposición pública y competencia.

En esta segunda edición han participado 23 jóvenes de Albania, Chile, Colombia, España, Paraguay, Portugal, Rusia, Serbia y Venezuela: 12 sopranos, 2 mezzosopranos, 1 tenor, 4 barítonos, 1 bajo-barítono y, por primera vez, 3 pianistas repetidores. En total, las dos primeras ediciones del programa ya suman 43 jóvenes beneficiados.

Pero, quizás, la dimensión más importante y estimulante de Crescendo sea la creación de oportunidades reales para que los jóvenes participantes inicien su carrera profesional, con actuaciones en diferentes iniciativas del Teatro Real.

Así, a lo largo de esta temporada, los cantantes y pianistas han actuado en la presentación de la Temporada 2022-2023 del Teatro Real, en la carroza del Teatro Real en Valladolid y está prevista su actuación en las producciones del Real Junior de la próxima temporadaFantasma que canta no espanta, A.I.D.A., Festín musical en familia y ¡Todos a la Gayarre!

Lítore Quartet - PRIMER PREMIO DEL CIMCA 2022

El pasado fin de semana se celebró la gran final del XIX Concurso Internacional de Música de Cámara de Arnuero (CIMCA) en la Casa de las Mareas de Soano, situada en el marco incomparable del “Ecoparque de Trasmiera”, un auténtico museo a cielo abierto y un espacio único en Cantabria, para aproximarse a la historia, el paisaje, la gastronomía y la cultura de esta tierra de mareas.

Tras las audiciones clasificatorias, los conjuntos de cámara seleccionados disputaron la gran final, ante la presencia de un jurado profesional formado por los compositores Mauricio Sotelo (Presidente) y Mario Carro, los músicos Alejandro Saiz (violín), y Enrique Lapaz (piano), así como la periodista Luz Orihuela, directora y presentadora del programa “Andante con Moto” de Radio Clásica – Radio Nacional, Luz Orihuela.

Lítore Quartet, el cuarteto de saxofones con sede en Palma de Mallorca integrado por Jaime Estévez (saxo soprano), Sira Pellicer (saxo alto), Hugo Lomba (saxo tenor) y Miquel Flores (saxo barítono), se alzó con el primer premio del CIMCA 2022, dotado con 1500 euros, diploma y concierto renumerado en el ciclo “Creando futuros” del Centro Botín de Santander. El segundo premio fue para el Cuarteto Iberia, cuarteto de cuerda formado por Marta Peño (violín), Luis Rodríguez (violín), Aurora Rus (viola) y Arnold Rodríguez (violonchelo), que recibió una dotación de 1000 euros, diploma y concierto renumerado en el ciclo “Marcos Históricos” del Festival Internacional de Santander.

Además, el CIMCA 2022 entregó también otros tres galardones: el Premio “Ricardo Hontañón” a la interpretación más destacada de una obra posterior a 1945 fue para el Trío Vínculos, que también recibió el Premio al grupo cántabro más destacado. La violinista Marta Peño (Cuarteto Iberia) recibió el Premio “Jesús de Monasterio” al violinista más destacado.

Durante la celebración del CIMCA 2022, también se estrenaron dos obras de cámara realizadas por encargo del concurso cántabro: Lucifer del azul: el mar…, de Mauricio Sotelo, y Plenitud, de Mario Carro.

Concurso Internacional de Música de Cámara de Arnuero

Carrete de Málaga

La vida y el arte nacieron juntos, en un entorno difícil, donde se sobrevivía al hambre y a la dureza de la posguerra al compás de la seguiriya, la soleá, la cantiña o los tarantos. Aprendiendo a bailar antes que a dar sus primeros pasos, se forja la leyenda de José Losada Santiago, Carrete de Málaga, el hombre al que los más grandes apodaron “el monstruo” y que ahora, sin nostalgia y con firmeza, nos lleva De El Perchel al Teatro Real.

El Carrete es uno de esos flamencos hecho a sí mismo. Nacido en Antequera, en el seno de una familia de gitanos trashumantes, en fecha imprecisa (1941), ya que sólo se conserva su partida de bautismo, toma su nombre artístico del apodo de su madre, a la que llamaban La Carreta. De sus primeros años, marcados por el hambre, la vida en la calle y la búsqueda de los restos de las cosechas por las carreteras y los caminos, el bailaor recuerda: “Mi madre tiraba el trigo en la carretera y me decía ‘anda Carretillo baila’. Y yo bailaba sobre el trigo. Yo era la era en la Carretera. Que todavía tengo clavaos en los pies las espigas y el ritmo metío en la cabeza”.

Tras su paso por el reformatorio, del que se escapa para seguir bailando, es descubierto por El Niño de Almería, que lo lleva a aquellos primeros tablaos de Torremolinos de los años 50 y 60, donde conoce a grandes artistas (Farruco, Antonio o Carmen Amaya) de los que aprende mirando, y baila para estrellas del cine (Anthony Quinn, Brigitte Bardot o Sean Connery) y en fiestas de la jet set de la Costa del Sol.

Esta historia de novela se construye con un artista de baile intuitivo que desarrolla una técnica única, depurada, de personalidad arrolladora y un zapateado diabólico difícil de imitar, con desplantes que sorprenden y arrebatan. No en vano, grandes del flamenco como Camarón -que se desplazaba a La Línea para ver bailar «al monstruo», como le llamaba- o Paco de Lucía –que le tocaba la guitarra y le pedía “Carrete, léeme la Biblia”-, por mencionar sólo algunos, le consideran maestro de maestros.

El próximo 21 de julio, a las 19.00 horas, con un espectáculo al que ha denominado De El Perchel al Teatro Real, actuará en el Salón de Baile del coliseo madrileño acompañado por Luisa Chicano en el baile, Joni Jimenez, a la guitarra, y María Mezcle, en el cante.

Con esta actuación única, Flamenco Real cerrará una temporada en la que han tenido espacio el baile, el toque y el cante de figuras consagradas, y de valores emergentes, que ya nos hacen soñar con la programación que volverá en otoño.

Carrete de Málaga © Paco Lobato

Nabucco
Nabucco en el Teatro Real, casi un estreno
Nabucco
Giuseppe Verdi (1813-1901)
Dramma lírico en cuatro actos
Libreto de Temistocle Solera, basado en la obra Nabuccodonosor (1836)
de Auguste Anicet-Bourgeois y Francis Cornu, y en el ballet Nabuccodonosor (1838) de Antonio Cortesi
Estrenada en el Teatro Alla Scala de Milán, el 9 de marzo de 1842
Estrenada en el Teatro Real el 27 de enero de 1853
Producción de la Opernhaus de Zürich, en coproducción con el Teatro Real
D. musical: Nicola Luisotti – Sergio Alapont (13, 16, 20 jul)
D. escena: Andreas Homoki
Escenógrafo: Wolfgang Gussmann
Figurinistas: Wolfgang Gussmann, Susana Mendoza
Iluminador: Franck Evin
Dramaturgo: Fabio Dietsche
D. coro: Andrés Máspero
Reparto: Nabucco: Luca Salsi, George Gagnidze, Gabriele Viviani, Luis Cansino;
Ismaele: Michael Fabiano, Eduardo Aladrén; Zacaria: Dmitry Belosselsky, Roberto y Tagliavini Alexander Vinogradov; Abigaille: Anna Pirozzi, Saioa Hernández y Oksana Dyka;
Fenena: Silvia Tro Santafé, Elena Maximova y Aya Wakizono; El Gran Sacerdote: Simon Lim y Felipe Bou; Abdallo: Fabián Lara y Anna Maribel Ortega

Nabucco se estrena en el Teatro Alla Scala de Milán, el 9 de marzo de 1842. Llegó a España muy pronto, en el Teatro de la Santa Creu de Barcelona en 1844 (aún no se había inaugurado el Liceu). Al frente del reparto estaba Antonio Superchi, uno de los barítonos más importantes de la época.

En Madrid se estrena apenas dos meses después en el Teatro Circo, con Giogio Ronconi, otro grande, en el rol de Nabucco. Desde 1844 hasta 1850, Nabucco estuvo en cartel casi todas las temporadas. Desde que se inauguran el Liceu en 1847 y el Teatro Real en 1850, se convierte en una de las obras más representadas y de mayor éxito. Siempre en cartel y siempre de la mano de los mejores intérpretes.

El 9 de febrero de 1871, Nabucco se representa por última vez en Madrid. Desde entonces, y a pesar de la enorme popularidad de esta obra, no había vuelto a subir al escenario del Real hasta ahora.

Cuando Verdi recibe el encargo de Nabucco, está pasando por uno de los peores momentos de su vida. Su mujer y sus hijos habían fallecido y estaba valorando la posibilidad de abandonar la música. Al principio rechaza el proyecto pero, tras pensar que puede ser la oportunidad para salir adelante, acepta el trabajo. Verdi no sabía que gracias a esta obra se convertiría en un héroe nacional.

Con tan solo doce días desde el primer ensayo al piano hasta el día del estreno, Verdi tiene que trabajar duro con una partitura que introduce varias novedades en su orquestación. La primera es la utilización de numerosos metales, como trompas y cornetas, elevando el volumen de sonido, algo que no era muy habitual en el resto de óperas. Como contrapunto al volumen de sonido, crea momentos de gran intimidad en las arias, como el sexteto de violonchelos que acompañan a Nabucco, o el aria de Abigaile, acompañada solo por un violonchelo y un corno inglés, creando uno de los momentos más sublimes d esta obra, junto a las intervenciones del coro.

Para este casi reestreno en el Teatro Real, se ha elegido la producción de la Opernhaus de Zürich, en coproducción con el propio Real. Al frente de la orquesta Nicola Luisotti, un maestro del repertorio verdiano que sabe mantener como nadie los equilibrios sonoros de la orquestación de una obra como esta.

La escenografía de Andreas Homoki y Wolfgang Gussmann es casi inexistente. Como la obra se divide en cuatro actos, y cada acto en dos cuadros, se hace muy difícil montar ocho escenografías diferente por lo que, según los propios directores de escena, “decidimos que la mejor manera de reflejar los cambios y que las escenas fluyeran y tuvieran continuidad era, simplemente, que no hubiera escenografía”. Y así es, bajo la presencia absoluta de un elegante color verde carroza, sobre el escenario solo aparece una especie de encimera de mármol gigantesca que se mueve generando los espacios en los que se desarrollan la acción. Lo único que viste la escena y la ambienta, son los figurines de Wolfgang Gussmann y Susana Mendoza, junto a la iluminación, siempre acertada, aunque muy oscura (algo que se ha puesto de moda) de Franck Evin.

Para las voces no se han escatimado esfuerzos, hasta cuatro Nabuccos participan en esta producción, Luca Salsi, George Gagnidze, Gabriele Viviani y Luis Cansino. Para Ismaele dos opciones, el siempre impecable Michael Fabiano y Eduardo Aladrén. A Zacaria le dan vida Dmitry Belosselsky, Roberto Tagliavini y Alexander Vinogradov.
Abigaille cuenta con la participación de Anna Pirozzi, Saioa Hernández y Oksana Dyka. Fenena corre a cargo de Silvia Tro Santafé, Elena Maximova y Aya Wakizono. Como grandes sacerdotes, Simon Lim y Felipe Bou. Y no podemos olvidar la participación del gran protagonista de esta ópera, el Pueblo, representado por el Coro Titular del Teatro, Coro Intermezzo que, en el momento de escribir esta crónica, ya ha tenido un primer bis en el estreno con “Va pensiero”. Y es que este coro, bajo la dirección de Andrés Máspero, demuestra por qué está entre los mejores del mundo y con todo merecimiento.

Un impresionante elenco de voces para elegir al gusto en esta obra para la que ha habido que esperar 151 años, pero que ha merecido la pena.

Con motivo de la Semana de la Ópera, los días 14 y 15 de julio, a las 21.00 horas, Nabucco podrá ser vista en una pantalla instalada en la Plaza de Isabel II (Plaza de Ópera) con dos repartos distintos. Habrá 1000 sillas disponibles para el público, por orden de llegada, hasta completar aforo.

El 15 de julio a las 21.00 horas, Nabucco será retransmitida gratuitamente en MyOperaPlayer para todo el mundo y en plazas, centros culturales, museos, auditorios y teatros de toda España.

Nabucco

Como en las seis ediciones precedentes, la programación de la Semana de la Ópera 2022, del 11 al 16 de julio, se basa en las enormes posibilidades que ofrecen las nuevas tecnologías audiovisuales y las redes sociales para la difusión de la ópera de una manera interactiva, en la que el público puede disfrutar, participar, aprender y compartir experiencias que fomentan el diálogo, la reflexión y la crítica.

Como preludio a las propuestas de la Semana de la Ópera, el domingo, 10 de julio, a las 20.30 horas, se emitirá Tosca, de Giacomo Puccini en el canal de YouTube del Teatro Real. La producción, que triunfó en el escenario del Teatro Real el pasado verano, cuenta con dirección musical de Nicola Luisotti, dirección de escena de Paco Azorín, y tres magníficos protagonistas: Sondra Radvanovsky, Joseph Calleja y Carlos Álvarez.

La ópera Nabucco, estrenada con gran éxito esta semana, será el eje de la programación de la Semana de la Ópera: los días 14 y 15 de julio, a las 21.00 horas, podrá ser vista en una pantalla instalada en la Plaza de Isabel II (Plaza de Ópera) de Madrid, con dos repartos distintos. Habrá 1000 sillas disponibles para el público, por orden de llegada, hasta completar aforo.

El 15 de julio, a las 21.00 horas, Nabucco será retransmitida gratuitamente en MyOperaPlayer para todo el mundo y también en plazas, centros culturales, museos, auditorios y teatros de toda España. Cerca de 150 pueblos y ciudades de distintas autonomías retransmitirán la ópera. Las inscripciones siguen abiertas a través de este enlace.

Fuera de España la ópera será retransmitida a las 21.00 horas locales del día 16 de julio en el Teatro Municipal de Santiago de Chile y en el Teatro Nacional de Costa Rica.

Bajo la batuta brillante, inspirada y perfeccionista de Nicola Luisotti, un elenco de grandes voces verdianas interpretará la ópera junto al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real: el barítono George Gagnidze (Nabucco), la soprano Saioa Hernández (Abigaile); el tenor Michael Fabiano (Ismaele); la mezzosoprano Elena Maximova (Fenena); el bajo Roberto Tagliavini (Zaccaria), el bajo Simon Lim (El Gran Sacerdote); el tenor Fabián Lara (Abdallo) y la soprano Maribel Ortega (Anna).

El director de escena Andreas Homoki traslada el conflicto entre judíos y babilonios, en el siglo VI a.C., al enfrentamiento entre italianos y austríacos, en el siglo XIX, donde “al sistema politeísta de los babilonios se contrapone, como utopía, un sistema nuevo y moderno, representado en la visión monoteísta del mundo de los hebreos”. Las dos hermanas, hijas de Nabucco, encarnan el trasfondo de dos mundos que se contraponen: “Abigaille, la primogénita, intenta desesperadamente salvar el antiguo sistema derrocando a su padre y asumiendo ella misma el poder. Fenena, percibe el momento de transición en el que se encuentran y quiere salvarse cambiando de bando. En el proceso de relevo de lo antiguo por lo nuevo, también la familia acaba rompiéndose”.

El drama transcurre en un decorado austero, minimalista y conceptual diseñado por el escenógrafo Wolfgang Gussmann, que también firma el suntuoso vestuario junto a Susana Mendoza.

Pero además de Nabucco, a lo largo de toda la semana se ofrecerá el acceso gratuito, en MyOperaPlayer, a una colección de cinco óperas retransmitidas en ediciones anteriores de la Semana de la Ópera: Lucia di Lammermoor, La traviata, Il trovatore, Madama Butterfly y Tosca.

Asimismo, entre el 11 y el 17 de julio, la adquisición de suscripciones anuales y semestrales a MyOperaPlayer tendrá un 40% de descuento para todos los interesados en abonarse a la plataforma audiovisual del Teatro Real, en cuyo catálogo hay títulos procedentes de 50 teatros y auditorios de Europa, América y Asia.

El Teatro Real estrenará en su Sala Gayarre dos documentales, cuyas entradas se pueden adquirir gratuitamente, hasta completar aforo, en la página web del Teatro Real.

El 12 de julio, a las 20.00 horas presentará, Fleta, tenor, mito, de Germán Rueda, un recorrido por la vida y obra del gran cantante aragonés Miguel Fleta (1897-1938) estrenado el pasado 17 de junio en el Festival Internacional de Cine Huesca.

El 13 de julio, a las 20.00 horas, se proyectará el documental El Kaiser de la Atlántida, de Sebastián Alfie, estrenado con gran éxito en la última edición del Festival de Cine de Málaga. Parcialmente grabado en el Teatro Real en 2016, cuando se estrenó en su escenario la ópera del mismo título, del compositor judío Viktor Ullmann (1898-1944), el film cuenta los entresijos de la obra que le da título: una inquietante alegoría sobre la locura y la muerte durante el Tercer Reich.

Pondrá fin a la Semana de la Ópera, como suele ser habitual, una jornada de puertas abiertas. El 16 de julio, entre las 10.00 y las 14.00 horas, los visitantes podrán acceder al Teatro de manera gratuita por la plaza de Oriente y recorrer la caja escénica, la sala principal, los palcos y los salones de la segunda planta. En estos espacios, guías del Teatro Real estarán disponibles para ofrecer información. Además, los asistentes podrán participar en sorteos de diversos premios a través de códigos QR disponibles en los distintos espacios del edificio.

Fotógrafo: © Javier del Real | Teatro Real

Sergio Alapont

El director de orquesta español Sergio Alapont vuelve este mes de julio al Teatro Real de Madrid –alternándose en el podio con el maestro Nicola Luisotti– para ponerse al mando de Nabucco, de Verdi, en el que será su debut dirigiendo ópera en ese escenario. “Estoy encantado y muy emocionado de dirigir por primera vez en el Real una obra maestra de uno de los compositores de los que he dirigido más representaciones de sus diferentes títulos y al que he proferido admiración y devoción por su grandeza”, comenta el músico nacido en Benicàssim (Castellón). “Además a Verdi le debo el premio de la revista italiana GBOpera como mejor director de 2016 por Aida”. Alapont regresa al coliseo madrileño tras debutar en ese escenario dirigiendo una gala lírica en 2018, “y al año siguiente regresé con el Stabat Mater de Pergolesi, siempre al frente de la Sinfónica de Madrid, una orquesta con una rica versatilidad sonora y de una calidad extraordinaria. Estoy muy contento de volver ahora con esta ópera tan llena de significado para la literatura operística. Verdi la escribió gracias a la insistencia del gerente de La Scala ya que el compositor había decidido dejarlo todo al estar devastado emocionalmente por la pérdida de sus dos hijos y de su mujer, Margherita. Además acababa de sufrir dos fracasos en sus óperas anteriores. Con Nabucco anuncia los grandes trabajos y roles que completarán su catálogo en años venideros. La obra representa el inicio del drama verdiano y de esa humanidad tan característica que otorga a los personajes que solo Verdi sabía plasmar en la partitura y que han quedado en el imaginario del público. La música de Nabucco y la espectacular narración que consigue el compositor es soberbia y dirigirla es uno de los mayores placeres para un director”, añade.

Sergio Alapont se pondrá al mando de las funciones programadas los días 13, 16 y 20 de julio en una producción firmada escénicamente por Andreas Homoki y teniendo en el reparto a Luis Cansino (Nabucco), Oksana Dyka (Abigaille), Eduardo Aladrén (Ismaele), Alexander Vinogradov (Zaccaria), Aya Wakizono (Fenena), Felipe Bou (Gran Sacerdote), Fabián Lara (Abdallo) y Maribel Ortega (Anna).

En los últimos años, la carrera del director castellonense se ha consolidado en el panorama internacional, habiendo sido nombrado en 2022 director titular de la Orquestra Clássica do Centro en Coimbra, Portugal, con la que tiene una intensa actividad cada temporada.

Entre sus compromisos más recientes destaca un concierto sinfónico en el National Concert Hall de Dublín con la RTÉ Concert Orchestra (Orquesta de la Radio Televisión Irlandesa, en febrero de 2022), además de la presentación del CD de La Bohème para el sello británico Signum Classics grabada en 2021 en la Irish National Opera y con la que ha conseguido excelentes críticas.

Tras estas funciones de Nabucco y de su actividad junto a la Orquestra Clássica do Centro, durante el verano Sergio Alapont dirigirá un concierto con obras de Beethoven en el Festival das Artes en Coimbra (24 de julio), otro de música española con la popular cantaora Estrella Morente y la Orquestra Clássica de Espinho en el Auditório de Espinho (Portugal, 30 de julio) y abrirá el Festival de Pollença (Mallorca) con la Simfònica de les Illes Balears y el pianista Kris Bezuidenhout con un programa con obras de Beethoven, Schumann y Dvořák (6 de agosto). Más tarde inaugurará la temporada 2022 / 2023 del Teatro Comunale de Sassari con un concierto sinfónico y con la ópera Don Giovanni de Mozart –en el que será su sexto retorno al teatro italiano, en el que debutó en 2010– y actuará por primera vez en Canadá a cargo de un concierto junto a la Orchestre Symphonique de Longueuil en la Maison Symphonique de Montréal.

Sondra_Radvanovsky_copyright Michael Cooper

Cap Rocat, el hotel más recóndito y exclusivo del Mediterráneo, ofrecerá el próximo 23 de julio a las 21:30h una velada musical que unirá bajo el estrellado cielo mallorquín a una de las más grandes sopranos del momento, la norteamericana Sondra Radvanovsky, junto con la Orquestra Simfònica de les Illes Balears bajo la dirección musical del maestro Pablo Mielgo.

La gran diva de la ópera de hoy, dueña de una de las voces más aplaudidas del panorama lírico mundial, ofrecerá en Cap Rocat un recital en el que se recorrerán algunas de las piezas más célebres y queridas de la ópera: desde O mio babbino caro de Gianni Schicchi, hasta el Vissi d’arte con el que Floria Tosca se entrega a los brazos del destino, sendas arias firmadas por Giacomo Puccini, pasando por hitos como La mamma morta de Andrea Chénier de Umberto Giordano, o Bolero Mercè, diette amiche de I Vespri Siciliani de Giuseppe Verdi.

Según apuntan los críticos, la intérprete se encuentra en la cúspide de su carrera artística y posee por naturaleza una voz idónea para este repertorio, una voz que ha sido comparada con la de estrellas de la lírica de la talla de María Callas o Rosa Ponselle. En definitiva, un concierto en el que Sondra Radvanovsky recorrerá la geografía musical de la gran ópera romántica, un repertorio con el que ha cosechado aplausos y ovaciones desde La Scala de Milán hasta el Metropolitan Opera de Nueva York.

Esta enorme capacidad para comunicar se ha confirmado en los recientes y sonados bises que la cantante ha otorgado en nuestro país, tanto en el Teatro Real en la producción de Tosca estrenada hace ahora un año, como en el Liceo en Barcelona donde, tras más de 30 minutos ininterrumpidos de aplausos, volvió a cantar la mítica Mamma morta en Andrea Chénier.

A la voz de una de las más grandes sopranos del momento se le sumará una orquesta de referencia en el panorama nacional e internacional: la Sinfónica de las Islas Baleares que, junto con su director titular, Pablo Mielgo, ofrecerá algunas de las oberturas más conocidas de Verdi, como las de La Forza del destino o Nabucco, así como otras de Puccini u Otto Nicolai. En definitiva, una noche musical en la que tanto Sondra Radvanovsky como los músicos de la Sinfónica de Baleares podrán brillar al máximo.

La “Noche de los Sentidos” en el hotel más exclusivo del Mediterráneo Desde hace ya unos años, Antonio Obrador, artífice creativo de Cap Rocat, La Fundación Madina Mayurqa y Pablo Mielgo, director musical de la Sinfónica de Baleares, trabajaron en la idea de impulsar una serie de conciertos líricos estivales, presentando a grandes figuras de la ópera y la música clásica en este espacio extraordinario, con el objetivo de convertir esta cita anual en un acontecimiento deseado por los melómanos y en un referente cultural en las Islas.

Así, y a pesar de las dificultades, en agosto del año pasado se logró celebrar un primer gran recital lírico bajo el nombre “La Noche de los sentidos”, en el que pudo escucharse al barítono menorquín Simón Orfila, a la soprano mallorquina Irene Mas y a la Sinfónica de las Islas Baleares bajo la dirección de Pablo Mielgo. El evento tuvo lugar en Cap Rocat ante un público compuesto por unas 200 personas y fue un gran éxito. Ahora, la Noche de los Sentidos vuelve por segundo año con más fuerza y sin las restriccciones que el año pasado imponía la pandemia. Tal y como afirma Antonio Obrador, “queremos que la Noche de los Sentidos vuelva para quedarse, dando continuidad a aquel primer concierto y con la idea de convertirlo en una cita anual esperada y deseada por todos en Mallorca”.

Asimismo y para la organización anual de este evento, Cap Rocat contará con un reconocido profesional del mundo de la ópera, Ilias Tzempetonidis -coordinador artístico del Teatro San Carlos de Nápoles- como director artístico y con Pablo Mielgo como director musical. Sin duda, gran parte de la magia de estos conciertos se deberá al impresionante escenario en el que se desarrolla: Cap Rocat, el hotel más deseado y privado del Mediterráneo, un lugar que ofrece a sus huéspedes una experiencia inigualable de máximo bienestar en uno de los lugares más espléndidos de la costa mallorquina.

Situado en una antigua fortaleza militar, mimetizado con la reserva natural de 30 hectáreas que le rodea y delimitado por 2 Km de costa protegida, Cap Rocat es un remanso de calma a tan solo diez minutos de Palma de Mallorca. Tranquilidad, sencillez y reivindicación de los valores autóctonos son las principales señas de identidad de este hotel único, pionero del turismo ecológico y miembro de Small Luxury Hotels of the World.

Sondra Radvanovsky copyright Michael Cooper

MoisesMarin

El tenor granadino Moisés Marín, una de las voces jóvenes de mayor proyección de nuestro país, protagonizará este verano un doble debut en el Belcanto Opera Festival ‘Rossini in Wildbad’ con dos de los roles más exigentes del repertorio: por una parte será Pirro en la ópera Ermione, bajo la dirección musical de Antonino Fogliani y con puesta en escena de Jochen Schönleber, los días 16 y 23 de julio. Además, interpretará a Goffredo en una versión en concierto de otro drama rossiniano, Armida, bajo la dirección musical de José Miguel Pérez Sierra, que podrá escucharse los días 15 y 20 de julio. Ambas óperas serán interpretadas por la Orquesta y Coro de la Filarmónica de Cracovia.

Los dos títulos se preestrenarán en el Royal Opera Festival de Cracovia (Armida el 3 de julio y Ermione el 10). Estrenada en el Teatro San Carlo de Nápoles el 27 de marzo de 1819, Ermione está hoy considerada como un golpe de genialidad de Rossini, aunque sufrió en su estreno un sonoro y doloroso fracaso. El poco éxito de este drama ambientado en la Guerra de Troya se debió en parte a su final trágico, que no era del gusto del público de la época y en parte a la música, innovadora y revolucionaria para su tiempo. La obra, que cuenta con libreto de Andrea Leone Tottola basado en Andrómaca de Jean Racine, no fue recuperada hasta su reestreno en 1987 en el festival de Pesaro. Se trata de una ópera que requiere cantantes de primer nivel: Moisés debutará con el papel de Pirro, hijo de Aquiles y rey de Epiro; le acompañarán Serena Farnocchia como Ermione y Patrick Kabongo como Orestes.

La dirección de escena corre a cargo de Jochen Schönleber, director artístico del festival de Bad Wildbad. Por su parte, Armida tuvo su primera representación en el Teatro San Carlo de Nápoles el 11 de noviembre de 1817 y cuenta con un libreto de Giovanni Schmidt basado en escenas del poema épico Jerusalén liberada de Torquato Tasso, inspirado en hechos de la Primera Cruzada. Armida requiere seis papeles de tenor -y uno de bajo barítono- y es también uno de los títulos más difíciles de Rossini. Moisés Marín compartirá escenario con Ruth Iniesta como Armida, el único papel femenino de la obra. En el preestreno de Cracovia, Moisés interpreta a Goffredo y también a Ubaldo, todo un tour de force vocal para el granadino, que estará apoyado en la sólida dirección de Miguel Pérez-Sierra. Tanto Armida como Ermione se grabarán en CD y DVD para la Rossini Complete Edition del Sello Naxos.

Moisés Marín: una intensa temporada 22/23
Este último papel, el de Pirro, hijo del guerrero Aquiles y de la princesa Deidamía, está considerado una de las piedras angulares del repertorio del llamado Baritenore Rossiniano, donde se enmarcan los roles que el “Cisne de Pesaro” escribió para el tenor Andrea Nozzari. El nombre de baritenor se utiliza para referir un tipo de voz de tenor que adquirió especial importancia en las óperas de Rossini y que se caracteriza por un registro inferior oscuro y un registro superior resonante y con la suficiente versatilidad para cantar coloratura.

La voz de Moisés Marín cuenta con una serie de características difíciles de encontrar en un mismo artista. A una tesitura amplísima de tres octavas se une un color oscuro y una agilidad de natura. Este hecho conjugado con una incesante y constante búsqueda de la excelencia técnica e interpretativa le llevan a investigar nuevos retos artísticos y de repertorio, como este doble debut en el festival Rossini con dos de los roles más exigentes del repertorio. Justo después de este hito, Moisés se aventurará en otro de los roles de Baritenore por antonomasia, Pollione en Norma, papel que Bellini escribió para Giandomenico Donzelli.

Después seguirá una intensa temporada en los principales teatros de ópera españoles: en el Liceu como Spoletta en Tosca, en el Palau de les Arts de Valencia como Melot en Tristán e Isolda, y como Pang en la Turandot del Teatro Real. Todo ello conforma una temporada transversal de amplio repertorio que enmarca a Moisés Marín como artista polivalente, desplegando todos sus recursos técnicos y artísticos. Y es que, más allá de su trayectoria internacional, el cantante granadino se ha convertido en los últimos años en un habitual de todas las temporadas líricas españolas y en referente de algunos de los roles de tenor de carácter más importantes, tales como Goro, Increidibile, Spoletta o Steuermann.

Moisés Marín: fuerza y versatilidad
Desde que en la temporada 17/18 terminó su formación en el Centre de Perfeccionament del Palau de les Arts, Moisés Marín se ha convertido en un habitual de las temporadas líricasespañolas, teniendo presencia desde entonces en el Teatro Real, el Gran Teatre del Liceu, ABAO, el teatro Campoamor de Oviedo y el de la Maestranza de Sevilla. Goro en Madame Butterfly, Jacquino en Fidelio, Albazar en El Turco en Italia, Incredibile en Andrea Chenier, Steuermann en El holandés errante, entre otros, conforman su intensa actividad en las últimas temporadas españolas. Entre sus compromisos futuros destacan de nuevo su paso tanto por el Teatro Real, el Liceu, ABAO y Sevilla, así como el mencionado debut como Pollione en Norma. Algunos de sus pasados compromisos incluyen: Percy en Ana Bolena de Gaetano Donizetti bajo la batuta de Fabio Biondi y Europa Galante en Italia, Dorvil en La escala de seda de Gioachino Rossini bajo la batuta de Alberto Zedda, Duca en Rigoletto, Nemorino en El elixir de amor, Don Ottavio en Don Giovanni, Selimo en Adina de Rossini, Pang en Turandot; y de su etapa en el Auditorium Parco della Musica de Roma, el maestro de escuela en La zorrita astuta de Leoš Janáček y Gherardo en Gianni Schicchi de Puccini.

Ha sido miembro del Centre de Perfeccionament del Palau de les Arts de Valencia. En este periodo de dos años como estable en Les Arts ha sido un habitual de la programación del teatro, interpretando diversos roles en operas como Las vísperas sicilianas, Filemón y Baucis, Lucrecia Borgia, Werther, Madame Butterfly, Peter Grimes, La Traviata, Bastián y Bastiana, El mundo de la Luna y Tosca. Teniendo la oportunidad de trabajar técnica y musicalmente con artistas como Plácido Domingo, Fabio Biondi, Roverto Abbado, Mariella Devia, Gregory Kunde, Emilio Sagi y Davide Livermore. Es ganador del 1º Premio en el Concurso Internacional de Canto Ciudad de Logroño y premio especial de Zarzuela. Ha sido alumno del bajo-barítono Carlos Chausson y de la soprano Renata Scotto. Ha sido miembro del Opera Studio Ensemble de l’Accademia Nazionale di Santa Cecilia de Roma y desde sus inicios como flautista en el conservatorio Victoria Eugenia de Granada empieza a estudiar con la soprano María del Coral Morales. Actualmente sigue bajo la tutela del aclamado bajo Eric Halfvarson.

NIT A LES ARTS

Les Arts cierra su temporada 2021-2022 el 8 y 9 de julio con ‘Nit a Les Arts’: dos noches de actividad gratuita para todos los públicos, con un amplio abanico de propuestas en las diferentes salas del edificio desde las 20.00 h hasta las 2.00 h de la madrugada.

Tras varias ediciones pospuestas por la pandemia, Les Arts recupera su ‘noche en blanco’, que, en su novena celebración, incluye espectáculos técnico-artísticos con el Cor de la Generalitat y los artistas del Centre de Perfeccionament, conciertos de la Orquestra de la Comunitat Valenciana dirigidos por Sergio Sáez, dos funciones de la ópera ‘El tutor burlat’, una exposición de vestuario y utilería y dos sesiones de música DJ con Eduardo Díaz (NO FROST).

De manera paralela al desarrollo de la actividad artística, Les Arts abre, desde las 20.30 h, sus áreas de libre recorrido para todo aquel que quiera conocer y disfrutar de los espacios al aire libre del enclave operístico, que contarán con servicio de restauración.

A partir de las 20.00 h comienzan los cinco pases técnico-artísticos (20.50 h, 21.40 h, 23.30 h y 0.20 h) que permiten contemplar entre bambalinas cómo es el trabajo en el escenario de la Sala Principal.

En grupos de hasta 240 personas, los asistentes tienen la ocasión de conocer mediante un espectáculo ‘ad hoc’, de unos 40 minutos de duración, el funcionamiento de la maquinaria escénica, iluminación, audiovisuales y todos los elementos necesarios para poner en marcha una función de ópera, en esta exhibición en la que participan los cantantes del Centre de Perfeccionament y del Cor de la Generalitat.

Por su parte, la Orquestra de la Comunitat Valenciana (OCV) descubrirá un espacio inédito al público general, la Sala de Ensayos de la Orquesta, en la que la formación titular de Les Arts ofrecerá tres conciertos, de 40 minutos de duración, bajo la dirección musical de Sergio Sáez, profesor de la OCV.

El repertorio de cada uno de los tres pases (20.50 h, 21.50 h y 23.50 h) estará integrado por célebres oberturas de ópera y zarzuela. El acceso del público se realizará desde la planta undécima del edificio, donde se ubican las Terrasses de les Palmeres.

En esa misma planta, el Espai Los Toros acogerá una exposición de vestuario y utilería, con figurines y elementos escénicos de algunas de las producciones más significativas de Les Arts.

Por su parte, el Teatre Martín i Soler abrirá sus puertas a las 22.00 h para acoger una representación de ‘El tutor burlat’, la primera ópera de Vicente Martín i Soler, en su versión en valenciano, que cantarán jóvenes cantantes y antiguos alumnos del Centre de Perfeccionament acompañados al piano.

Jaume Policarpo dirige esta colorista y divertida producción que, además de sus representaciones en Les Arts, recorre con éxito diferentes municipios de la Comunitat Valenciana con el camión de ‘Les Arts Volant’.

A las 0.30 h, el DJ Eduardo Díaz (NO FROST) convertirá las terrazas de la planta undécima, con vistas al jardín del Turia, en una gran pista de baile con una sesión de música, que despedirá la actividad de ambas jornadas a ritmo ‘dance’. El centro de artes cerrará sus puertas la noche del viernes al sábado a las 2.00 de la madrugada, y una hora más tarde, a las 3.00 h, en la noche del sábado al domingo.

Entradas

Les Arts recuerda que será necesario disponer de localidad (gratuita) para poder disfrutar de los espectáculos en espacios cerrados: los pases técnico-artísticos en la Sala Principal, los conciertos de la Orquestra de la Comunitat Valenciana en la Sala de Ensayos, y las funciones de la ópera ‘El tutor burlat’ en el Teatre Martín i Soler.

Los abonados y miembros del programa de mecenazgo de Les Arts podrán solicitar previamente sus localidades a partir del día 5 de julio en la página web www.lesarts.com y, desde el día 6, presencialmente en las taquillas del teatro, con un máximo de 4 accesos por abonado o mecenas.

Por su parte, el público general, podrá pedir sus entradas desde el mismo 6 de julio a través de la web de Les Arts y, un día después, el 7 de julio, de manera física en el teatro. Se asignará un máximo de dos invitaciones por solicitante.

Les Arts recuerda que las localidades disponibles por pase están limitadas al aforo de cada uno de los recintos.

Fotografía © Miguel Lorenzo / Mkel Ponce

MARC MIGÓ

Los días 9 y 10 de julio, el joven compositor afincado en Nueva York Marc Migó estrenará su segunda ópera de cámara, realizada por encargo del Liceu de Barcelona, en el marco del proyecto ÒH!OPERA con dirección artística de Àlex Ollé.

The Fox Sisters, se trata de una micro-ópera basada en la historia real de las hermanas Fox, a las que se les atribuye la creación del movimiento espiritista. En 1848, en el estado de Nueva York, Kate y Maggie Fox, se divertían asustando a su madre, asegurando que se podían comunicar con un fantasma. Leah, la hermana mayor, comprendió el potencial empresarial de explotar a sus hermanas menores como niñas prodigio en comunicaciones supernaturales, y se convirtió en su manager. Años más tarde, Kate y Maggie se habían convertido en unas famosas médiums. Sin embargo, al final de sus vidas decidieron retractarse de la nueva religión espiritista, desvelando delante de periodistas y científicos todos los presuntos trucos que usaban en las sesiones espiritistas.

Con libreto de Lila Palmer, dirección escénica de Silvia Delagneau, dirección musical de Irene Delgado-Jiménez y la participación de BAU Centro Universitario de Diseño, la ópera de cámara The Fox Sisters, aborda temas de actualidad como el feminismo o la postverdad, y está escrita para soprano, mezzosoprano, barítono y trío de cuerda (violín, violonchelo y contrabajo), amplificado y conectado a un sistema de altavoces que rodea al público, con el fin de crear un efecto envolvente, para que el drama no solo suceda en el escenario sino en todo el espacio.

Marc Migó, que actualmente está cursando sus estudios de doctorado en composición en la Juilliard School de Nueva York, bajo la tutela del John Corigliano, se acaba de incorporar al catálogo de compositores de la prestigiosa editorial Universal Edition para la publicación de sus obras, y este verano estrenará su obra orquestal Dumka for Anya en el prestigioso Festival de Cabrillo (California). Además, ha obtenido recientemente la Fellowship Dominik Argento for Opera Composition de la National Opera Association.

Rafael Aguirre

La música de Isaac Albéniz y de Francisco Tárrega, compositores coetáneos a caballo entre el siglo XIX y el pasado siglo, pondrá el broche al ciclo Notas del Ambigú 21/22 del Teatro de la Zarzuela, el próximo lunes 4 de julio (20h00). Será el virtuoso guitarrista Rafael Aguirre quien se encargue de presentar el perfil más romántico de ambos músicos.

De Albéniz sonarán ‘Asturias. Leyenda’ y ‘Sevilla’ de la ‘Suite española’, op. 47, con arreglos de Andrés Segovia y Manuel Barrueco respectivamente; ‘Córdoba’ de ‘Cantos de España’, op. 232, con arreglo de John Williams; y ‘Torre Bermeja. Serenata’ de ‘Piezas características’, op. 92, con arreglo del propio Rafael Aguirre.

Por su parte, la música de Tárrega, uno de los grandes maestros de la guitarra, dicho sea de paso, estará presente a través de ‘Carnaval de Venecia’ –variaciones sobre un tema de Niccolò Paganini–, ‘Capricho árabe’, ‘Lágrima. Preludio’ y la ‘Gran jota sobre motivos populares’.

Y estando en el coliseo de la plazuela de Jovellanos, no podían faltar dos de los nombres ilustres del género de la zarzuela: Federico Chueca y Joaquín Valverde con el ‘Vals-jota de los Ratas’ de ‘La Gran Vía’ con arreglo precisamente de Francisco Tárrega.

Una noche especial para culminar otra edición de un ciclo plagado de éxitos.

Daniel Pinteño

El violinista Daniel Pinteño junto con la formación Concerto 1700, de la que es director y fundador, son el grupo residente en la temporada 22/23 del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM). Concerto 1700, que destaca por la calidad interpretativa y el compromiso por la recuperación del patrimonio musical español, protagonizará algunos de los estrenos en tiempos modernos más relevantes de la temporada. Ocho conciertos con cinco programas diferentes donde darán a conocer al público obras escondidas que son auténticos tesoros.

Un viaje apasionante a través de la música del siglo XVIII español

Para Daniel Pinteño esta residencia supone "un viaje apasionante a través de la música del siglo XVIII español”. Sin duda, el compromiso apasionado de esta formación con la recuperación del patrimonio musical español, les ha llevado a convertirse en una referencia en cuanto al legado musical más desconocido.

El Auditorio Nacional de Madrid, el Palau de les Arts, el Auditorio Príncipe Felipe de Oviedo, el Auditorio ciudad de León, el Auditorio Fonseca de Salamanca, el Espacio Turina de Sevilla y St John's Smith Square en Londres son los escenarios de la
geografía nacional e internacional que recorrerá Concerto 1700 de la mano de Daniel Pinteño, director del ensemble.

El primero de los ocho conciertos como residentes del CDNM será el 23 de febrero en el Auditorio Nacional de Madrid, con la pieza de Zarzuela Acis y Galatea de Antonio Literes. Con motivo del 350 aniversario del nacimiento del compositor mallorquín en
2023, Concerto 1700 adapta la zarzuela en versión concierto manteniendo toda la elegancia y refinamiento del siglo XVIII. Una colaboración con el dramaturgo Ignacio García y el actor Emilio Gavira, acercando la obra al público actual.

En el Auditorio Fonseca de Salamanca interpretarán Amorosa Accenti. En este programa, la formación vuelve a colaborar con una de las sopranos más talentosas de la escena barroca europea, Ana Vieira Leite, para dar vida a las cantatas al amor y al desamor compuestas por Scarlatti para Farinelli durante las veladas en Aranjuez. Valencia y Sevilla acogerán, el 23 y 25 de marzo respectivamente, el Oratorio La soberbia abatida por la humildad de San Miguel. En esta ocasión, el grupo vuelve a

NOTA DE PRENSA
recuperar un encargo del CNDM para la temporada 18/19 con el objetivo de llevarlo a la tierra natal de su compositor Francisco Hernández y Llana (1700-1780). Un oratorio recuperado por la Asociación Ars Hispana para el que contarán con el elenco vocal
original y en el cual se vivirá la lucha entre el bien y el mal encarnados por San Miguel y el demonio Luzbel.

Fogosa inteligencia es un repertorio muy especial para Pinteño, porque rescata música custodiada en su ciudad natal, Málaga. En este concierto, gracias a la asociación con el musicólogo Antonio del Pino y a la voz de la fabulosa soprano María Espada, se podrán escuchar obras de estreno del compositor Juan Francés de Iribarren (1699-1767), entre otras. El Auditorio Ciudad de León, 2 de mayo y el Auditorio Nacional de Madrid, 5 de mayo, serán los dos escenarios de estas citas.

Para finalizar la temporada Concerto 1700 estará presente en St John's Smith Square en el marco del London Festival of Baroque Music, con un repertorio centrado en la música instrumental de la Ilustración española.

Daniel Pinteño y Concerto 1700 están especializados en la interpretación historicista con instrumentos de época de obras que abarcan desde las etapas más tempranas del barroco hasta el inicio del Romanticismo. Juntos llevan a cabo una importante labor de
recuperación del patrimonio musical, en especial de compositores españoles del siglo XVII y XVIII que, por un motivo u otro, quedaron relegados al olvido. Sus últimos trabajos discográficos están dedicados a la obra de Antonio Literes -junto a Carlos Mena- y a la recuperación de los ‘Divertimenti’ de Gaetano Brunetti, todo un hito musical e historiográfico, ya que nunca antes habían sido grabados en disco.

Guiomar Cantó

La soprano madrileña Guiomar Cantó presenta su agenda de conciertos para la temporada de verano. Una serie de recitales que le llevarán a Madrid, Murcia, Suiza, para finalizar en el festival Opern im Berg de Salzburgo.

Guiomar inició la temporada estival el pasado 25 de junio con el estreno en España de la Misa en Do de Rheinberger en la Iglesia de las Mercedarias Descalzas de la Purísima Concepción de Madrid, junto a la Orquesta y Coro de la Universidad Carlos III dirigida por el maestro Jerónimo Martín.

En el marco de la festividad de Santa Ana, el próximo 23 de julio, Guiomar Cantó cantará en el Monasterio de Santa Ana en Jumilla. Un concierto junto a la Orquesta Sinfónica de la Universidad Católica de Murcia dirigida por Salvador Pérez con un programa que abarca arias de ópera y romanzas de zarzuela como La Traviata, Reina de la Noche, Lucia di Lammermoor o Doña Francisquita, entre otras.

La agenda continua en Suiza, concretamente el 3 de septiembre en Wolfsberg Castle. En esta ocasión Cantó actuará junto a la Orchestra Klassik Nuevo dirigida por Srdjan Vukasinovic, con un repertorio argentino y alemán.

El 17 de septiembre la soprano debutará en la ciudad austriaca de Salzburgo, en el festival de Opern im Berg. en el Aula Grosse, para interpretar el rol de Musetta en La Bohème. Esta actuación forma parte del Premio Puccini que la cantante recibió en 2019 en el concurso internacional de canto Grandi Voci del mismo festival, el cual no pudo hacer efectivo hasta ahora debido a la crisis pandémica de estos dos últimos años.

Sobre Guiomar Cantó

De técnica sólida y voz versátil, Cantó comenzó con una base de formación pianística con el pianista y compositor Manuel Carra complementándola con los estudios de Derecho y ADE y realizando su formación vocal en la Escuela Superior de Canto de Madrid. Ha trabajado con maestros y cantantes como Virginia Zeani, Dolora Zajick, Alberto Zedda, Barbara Bonney, Carlos Chausson, Mariella Devia, Raúl Giménez, Francisco Araiza, Anna Tomowa-Sintow, Carlos Aransay y Giulio Zappa. Perfecciona sus estudios vocales y de repertorio bajo la dirección del maestro Luca Fonte, heredando así los lineamientos técnicos, estéticos y filosóficos de la escuela romántica Italia.

En 2021 Guiomar Cantó ha sido seleccionada como parte del programa Crescendo del Teatro Real. Ha debutado en el Teatro de la Zarzuela el pasado mes de octubre en Los Gavilanes de J. Guerrero y por primera vez se presentará como Pamina en la Flauta Mágica de W. A Mozart en el Teatro Romea de Murcia y en el Teatro Vico. Volverá a cantar en Suiza donde debutó en 2017, esta vez en un concierto en Ermantigen junto a la orquesta Klassik Nuevo dirigida por Srdjan Vukasinovic. Ha grabado el papel protagónico de Doña Ana en la zarzuela de Julián Santos “El fantasma de la Tercia” que se estrenará esta temporada obteniendo ya buenas críticas, por lo que sigue abriéndose camino en los teatros nacionales e internacionales, consolidándose como uno de los grandes talentos de su generación.

CNDM
El director general del INAEM, Joan Francesc Marco, junto a Francisco Lorenzo, director del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), han presentado esta mañana en rueda de prensa la temporada 22/23 de este centro, que tendrá lugar del 16 de septiembre de 2022 hasta el 8 de julio de 2023. Esta nueva temporada vuelve cargada de ilusión y propuestas de altísimo nivel tras las atípicas ediciones pasadas debido a la pandemia. Se celebrarán un total de 243 citas, de las cuales 182 son conciertos y 61 son actividades pedagógicas. Asimismo, se recuperarán 25 obras del patrimonio musical español, que verán su estreno en tiempos modernos en esta temporada, y se refuerza el compromiso con la creación contemporánea con el estreno absoluto de 48 nuevas obras, 21 por encargo del CNDM a destacados autores; de ellos, más de la mitad son compositoras. El programa se desarrollará en 25 ciudades españolas y 2 ciudades extranjeras.
El CNDM retoma su vuelta a la normalidad con renovado impulso para servir a la sociedad a través de sus objetivos fundamentales: por un lado, dotar de una programación oficial, pública, estable, diversa y de calidad al Auditorio Nacional de Música, escaparate de las tendencias actuales y de los intérpretes nacionales e internacionales de mayor relevancia; y, por el otro, velar por la recuperación, difusión y ampliación del rico y extenso patrimonio musical español, y conceder, asimismo, un espacio privilegiado a la creación contemporánea, con un repertorio variado a cargo de los mejores intérpretes, tanto dentro como fuera de nuestras fronteras.

Esta nueva temporada estará marcada por la sostenibilidad del proyecto. Tal y como ha señalado Francisco Lorenzo, director general del CNDM: “volvemos a la ansiada normalidad con renovado impulso tras el titánico esfuerzo de las últimas ediciones marcadas por la pandemia. Estamos ante una temporada en la que queremos que nuestra institución halle el necesario equilibrio entre crecimiento y sostenibilidad”.

Partiendo de este objetivo, la nueva edición se centrará en cuidar los ciclos más sólidos del CNDM y las coproducciones más afianzadas, así como aquellas instituciones y socios convertidos a lo largo de estos años en pilares fundamentales del centro, con los que se comparten idénticos valores y vocación de servicio público. La imagen de temporada que sirve como punto de partida está protagonizada por la mirada reflexiva sobre la naturaleza del fotógrafo y activista medioambiental Yann Arthus-Bertrand, que entronca con el concepto de sostenibilidad.

Circuitos nacionales e internacionales

En total, esta temporada contará con 130 instituciones públicas y entidades privadas, que se han convertido a lo largo de estos años en columnas del CNDM. Con ellas, volverá a coproducir ciclos y festivales que trasladarán la música antigua, barroca, contemporánea y el jazz al conjunto del territorio español y fuera de nuestras fronteras.

Entre los circuitos nacionales, destacan el ciclo Músicas Históricas de León, dedicado a la música antigua y al barroco y que cumple veinte años; la Schubertíada en Barcelona, que vuelve un año más, en coproducción con el Palau de la Música Catalana y la Associació Franz Schubert; Música Antigua en Betanzos; la cita anual con el Festival de Música Española de Cádiz; el Festival Internacional de Música y Danza de Granada; el Ciclo de Música Contemporánea de Malpartida de Cáceres, uno de los más aventureros, que se celebran cada año, con intérpretes de talla internacional en torno a la música más experimental en el inigualable Museo Vostell; los ciclos Oviedo Barroco y Salamanca Barroca; las Jornadas de Música Contemporánea de Segovia; Música actual de Alicante, con el Conservatorio Superior de Música, y Ciclo de Música Actual de Badajoz, junto con la Sociedad Filarmónica de Badajoz; o la colaboración con el Palau de Les Arts de Valencia, por segundo año consecutivo, que dedicará a lo largo del mes de marzo un guiño al repertorio barroco español. En A Coruña, se renueva una de las colaboraciones más habituales del CNDM con la Orquesta y Coro Nacionales de España (OCNE), que incluye el coencargo del Concierto para violín y orquesta del compositor residente Benet Casablancas y que verá su estreno absoluto en la temporada madrileña de la OCNE.

Con el objetivo de apoyar la difusión de las músicas cultas de raíz popular, como el jazz, el CNDM continúa con el impulso de Oviedo Jazz y Salamanca Jazz, ciclos que ya se han consolidado y que llevarán a ambas ciudades algunas de las propuestas más importantes del jazz español programadas en Madrid.

Otra propuesta destacada es el Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza, que este año incorpora nuevos lenguajes como la danza barroca o una relectura en clave de jazz de los clásicos. Destaca también la tradicional colaboración con el Festival de Música Antigua de Sevilla, que este año incorpora una producción de gran valor histórico: El retablo de maese Pedro, de Manuel de Falla, con motivo de los cien años de su estreno en dicha ciudad.

En cuanto a la presencia internacional, retomamos la esperada colaboración con el prestigioso Festival de Música Barroca de Londres, prevista inicialmente para mayo de 2020 y aplazada por la pandemia. A lo largo de una semana nuestros mejores especialistas mostrarán al público británico la riqueza, singularidad y calidad de nuestro repertorio. Esta coproducción se enmarca dentro del Proyecto Europa, coproducido con el Instituto Cervantes, y cuenta con la colaboración de la Embajada de España en Londres y Acción Cultural Española, en el marco de la celebración del 10º aniversario de su programa PICE para la Internacionalización de la cultura española. En mayo de 2023, prestigiosos músicos y formaciones especializadas desembarcarán en el festival. Se trata de Concerto 1700, L’Apothéose junto a una de sus más fieles colaboradoras, la soprano Lucía Caihuela, la soprano Raquel Andueza al frente de su ensemble La Galanía, La Grande Chapelle, bajo la dirección de Albert Recasens y el guitarrista y vihuelista José Miguel Moreno.

Asimismo, el programa internacional repite la colaboración por octavo año con la localidad portuguesa de Elvas, en el marco de los Encuentros Ibéricos de Música Contemporánea, dentro del programa educativo.

Residencias artísticas y ciclo transversal

Otro de los pilares del CNDM son las residencias, que actúan como una poderosa herramienta de apoyo y visibilidad para los artistas. En la nueva temporada, se mantiene la figura del compositor residente, que este año ostentará Benet Casablancas, artista multidisciplinar de voz única y consonancia perfecta entre forma y fuerza expresiva, cuya obra es aclamada en los escenarios más importantes del mundo. De su catálogo se escucharán algunos de los títulos más emblemáticos, además de varios estrenos, dos de ellos encargos del CNDM. Por su parte, el pianista y compositor Moisés P. Sánchez, punta de lanza de nuestro jazz actual más internacional, nos acompañará como artista residente durante la temporada con su sólida formación, su desbordante creatividad y su natural capacidad para cabalgar entre los más diversos géneros musicales. En el apartado de grupo residente, Concerto 1700, que destaca por la calidad interpretativa y el compromiso por la recuperación del patrimonio musical español, protagonizará como grupo residente y de la mano de Daniel Pinteño, violinista principal y director de la agrupación, algunos de los estrenos en tiempos modernos más relevantes de la temporada.

Con motivo del cuarto centenario de la muerte de Sebastián de Vivanco, el gran polifonista del Renacimiento español, se articula el ciclo transversal #Vivanco.400. A través de numerosos recitales de agrupaciones vocales de probada excelencia, que actuarán en la capital y en distintos puntos de España, se revivirán las obras más representativas de este gran compositor. El estudio de su obra, así como de sus contemporáneos, se verá ampliado en el Congreso Internacional “Sebastián de Vivanco y la música de su tiempo”, que celebrará la Universidad de Salamanca, y en el que se podrá reevaluar la dimensión de este autor dentro de su contexto histórico e incluso más allá de su tiempo a través de la pervivencia de su legado en la música sacra de siglos posteriores.

Palau Les Arts

El Palau de les Arts ha creado una ‘Tarifa Plana Jove’ destinada a menores de 28 y 35 años para los espectáculos que conforman la temporada 2022-2023 y que se pondrá a la venta el próximo 11 de julio, dentro de la venta general de entradas. Tras el éxito de acciones como ‘Preestrena fins a 28’, que ha superado el 90 % de ocupación en todas las funciones y que tendrá continuidad en el nuevo curso, Les Arts pone en marcha esta iniciativa que tiene como objetivo continuar con la apertura de su programación al público más joven y aumentar su accesibilidad.

Para ello, la nueva ‘Tarifa Plana Jove’ permitirá disfrutar de cinco espectáculos a elegir por un precio de 50 euros, para los menores de 28 años, y de 100, para los menores de 35. Las propuestas, hasta un total de cinco, entre las que los jóvenes pueden escoger incluyen las funciones de ópera en la Sala Principal, en las zonas 5 y 6, los conciertos de ‘Les Arts és Simfònic’, en zona 3, y de ‘Les Arts és Barroc’, sin limitación de zona, o la ópera en concierto ‘Alcina’, en las zonas 3 y 4.

Dos días antes del espectáculo, los titulares de la ‘Tarifa Plana Jove’ podrán escoger sus localidades para el concierto o la ópera seleccionados en cualquier zona de la sala. La campaña comercial para la temporada 2022-2023 también incluye mayores descuentos en los abonos, que podrán solicitarse hasta el próximo 1 de julio, con una reducción de un 15 % sobre el importe total
para quienes soliciten el pago fraccionado, que se elevará hasta un 20 % en el caso de que se opte por un pago único.

Junto con estas novedades, Les Arts equipara también su clasificación de precios a los grandes teatros y recintos nacionales e internacionales con la aplicación de un sistema de tarifas dinámicas. De esta forma, en función del título y el día en que esté programado el espectáculo, se incrementará el precio de las entradas entre un 10 % y un 20 % cuando el aforo vendido supere el 70 % de la ocupación de la sala.

Trayectos

El festival de danza contemporánea Trayectos llegó ayer a su fin tras ofrecer en Zaragoza un total de 14 propuestas artísticas del más alto nivel. La plaza del Justicia y la plaza San Bruno, escenarios ya clásicos del festival, acogieron las últimas actuaciones de esta decimonovena edición. La encargada de poner el broche final fue la gallega Evi Balboa con “What am I” (plaza del Justicia) que generó una verdadera conversación entre la fachada de la Catedral Del Salvador (La Seo) y los seis bailarines de la compañía.

Le precedieron las actuaciones de Ángel Durán con “The beauty of it” desde Cataluña (plaza del Justicia), y las compañías aragonesas Ana Cotoré (“Stage diving”) y Los días de Penélope con “Quisiera haber podido morir en tus brazos” en la plaza San Bruno.

Este espacio es uno de los más recurrentes en Trayectos, ya que es perfecto en cuanto a calidad de suelo, dimensiones y sombra, así como lo es la plaza del Justicia. La jornada del domingo tuvo también su agenda matinal. “Fue una mañana muy bonita porque se invirtió mucho tiempo en seleccionar los espacios que contextualizaran a las piezas a nivel de diseño y lo hemos conseguido porque los bailarines han dialogado con el espacio”, cuenta Nati Buil. La nave de La Ternera (Centro Cívico Salvador Allende) realzó plásticamente la pieza de danza butoh “Ikebana” de la aragonesa Ma-Jo; el Centro de Artesanía de Aragón subrayó el poderío Melisa Calero y su pieza “Abducida”, llegada de Andalucía con su flamenco poderoso y transgresor. La pieza “Labranza” de Colectivo Lamajara (Cataluña) quedó totalmente contextualizada en el parque Torre Ramona, enmarcándola completamente en la narrativa campestre.

Cuatro días de danza por todas partes El festival comenzó el pasado jueves y, en palabras de Nati Buil, directora del festival, ha sido “todo un éxito, estamos con la sensación de haber “¡recobrado totalmente la normalidad”. Buil ha reiterado “la importancia de la arquitectura y el espacio público en la danza para crear un clima de convivencia”, que es por lo que apuesta Trayectos.

La programación de este año, previa al 20 aniversario, ha estado compuesta de piezas con estilos, formatos y discursos diversos que dan idea de la más amplia actualidad contemporánea. Todo ello a cargo de compañías y artistas de Aragón, Madrid, Valencia, Cataluña, Canarias, Navarra, Andalucía y Galicia; pero también desde México e Italia, ya que este año no han existido limitaciones derivadas de la pandemia por lo que el festival ha recuperado la participación de compañías internacionales, como Elisa Sbaragli y Lorenzo Morandini, desde Italia; o las formaciones mexicanas Carla Segovia y Guillermo Aguilar, o Fabry Páez y Tania Covarrubias, que han participado gracias al programa de Cooperación Iberoamericana para las Artes Escénicas en el Laboratorio de danza y nuevos medios. Por esta apertura de proceso pasaron también los artistas aragoneses José Inerzia, Nanuk, María Ganzaraín y Yeiner Chicas; pero también al premiado Arnau Pérez de Madrid. “Nos hemos dado cuenta que, en esta actividad, orientada al público fiel del festival, había mucho público joven. La lectura que hacemos es que hay gran interés por conocer la trastienda, cómo se realizan los procesos, qué pasa alrededor de la coreografía o diferentes puntos de vista coreográficos”, apunta Buil.

El viernes fue una de las jornadas más relevantes de esta edición y una de las que más interés generó entre el público. El Museo de Zaragoza acogió la actuación del Premio Nacional de Danza, Daniel Abreu (“Indico”, Madrid), así como las de las compañías Eyas Dance Project (“Jupiter+Jaguar”, Comunidad Valenciana), Pablo Girolami con “Manbuhsa” desde Italia, o Lookathingsdifferent (“Somos”, Cataluña). El sábado, el Parque Grande José Antonio Labordeta contó con una gran afluencia de público para ver las piezas de Colectivo Lamaja (Cataluña, “Trad”), Natalia Medina Compañía de Danza (Canarias, “Profiter du temps”) y Qabalum (Navarra-Aragón, “La medida que nos ha de dividir”). Destacó también la verbena, formato recuperado tras la pandemia. “Había muchas ganas de bailar, celebrar y vivir la normalidad que tanta falta nos hacía. La gente se divirtió y hubo gente que no paró de bailar hasta el final”, afirma la directora del festival.

Casi dos décadas construyendo danza Durante las casi dos décadas de trayectoria del festival Trayectos, se han llevado a cabo 42 talleres y acciones formativas, 32 acciones a través del Programa de Apoyo Coreográfico, 63 intervenciones educativas en centros escolares y colaboración en 68 proyectos de cooperación, además de haber incluido a más de 200 colectivos dentro de los Mosaicos y Mapas Coreográficos del Programa de Danza Comunitaria.

Además, en 2014, el festival coordinó y lideró el nacimiento y el desarrollo de la Red Acieloabierto, la red española de festivales de danza contemporánea en espacios no convencionales, con el apoyo del Ministerio de Cultura. Un año después, Trayectos recibe el Sello EFFE de la Asociación Europea de Festivales por su compromiso artístico, participación de la comunidad y vocación internacional. Es el primer festival Aragonés que lo consigue, y uno de los tres españoles dedicados a la danza contemporánea.

Kiki Morente

En la recta final de la actual temporada de Flamenco Real, llega al Salón de Baile del Teatro Real uno de los representantes más mediáticos de las nuevas generaciones del cante, con fuerte raigambre flamenca y un arte nuevo forjado en la diversidad musical que le ha rodeado desde la cuna. Su nombre, Kiki Morente.

Los próximos días 30 de junio y 1 de julio, el joven cantaor ofrecerá una propuesta escénica, dirigida por él mismo, en la que contará con la presencia de otros grandes nombres del flamenco, con la colaboración especial de la bailaora Belén López, para celebrar un personal ENCUENTRO FLAMENCO  inspirado en la figura de Enrique Morente. Junto a ellos, el espectáculo contará también con la presencia de Antonio Carbonell, al cante; Rafael Jiménez “el Chispas” y José Carbonell, a la guitarra y Carlos Jiménez en la percusión.

Nacido en Granada, hijo del cantaor Enrique Morente y la bailaora Aurora Carbonell, hermano de Estrella y Soleá, José Enrique Morente Carbonell, Kiki Morente, tiene en su linaje materno grandes guitarristas y cantaores -Montoyita, Sabicas- y en sus vivencias y aprendizaje la influencia de maestros como Pepe Marchena, Antonio Chacón, Manuel Torre, Pepe Pinto o El Sevillano, entre otros.

Animado por su padre, Kiki estudia guitarra en el Conservatorio de juventudes musicales de Granada, instrumento que él mismo toca en muchos de sus conciertos. Conoce y estudia el cante clásico, al que imprime su personalidad, y se deja influenciar por artistas de primer nivel de otras manifestaciones musicales como Pat Metheny, Leonard Cohen, Cheb Khaled o Dulce Pontes, a los que conoce a través de  proyectos impulsados por su padre.

En 2010 comienza su carrera en solitario y en otoño de 2017 publica su primer disco Albayzín, de corte eminentemente clásico, acompañado por las guitarras de Juan y Pepe Habichuela, Rafael Riqueni, Diego del Morao, Juan Carlos Romero, Montoyita, Juan Habichuela nieto, Josemi Carmona y Juan Carmona “Camborio”.

Fotógrafo: © Juanlu Vela

Nabucco

Entre el 5 y el 22 de julio se ofrecerán 15 funciones de la ópera Nabucco, de Giuseppe Verdi, con dirección musical de Nicola Luisotti y puesta en escena de Andreas Homoki, en una nueva producción del Teatro Real y la Ópera de Zúrich, donde se estrenó en 2019 y se repondrá en septiembre.

Más allá de la cualidad intrínseca de Nabucco, que pertenece todavía al primer período creativo de Giuseppe Verdi, esta ópera fue muy importante en su vida personal y su carrera artística. El compositor atravesaba una gran crisis existencial tras el fallecimiento de sus dos hijos y su esposa y del estrepitoso fracaso de Un giorno di regno, que lo hizo cavilar sobre la idea de abandonar la composición. Un encuentro fortuito con el director de La Scala, que le propuso la creación de una ópera con libreto bíblico de Temistocle Solera, sobre la resistencia del pueblo judío a la invasión de las huestes babilonias bajo la égida de Nabucco, inspiró al compositor, que escribió la partitura sin apenas descanso.

El clamoroso éxito del estreno de Nabucco el 9 de marzo de 1842 en La Scala de Milán y la inmediata asociación de la opresión de los judíos con la de los italianos, bajo el yugo del imperio austrohúngaro, dio a la ópera una enorme popularidad, transformando a Verdi, involuntariamente, en uno de los héroes del Risorgimento, que desembocaría en la unificación de los territorios italianos.

Este inesperado triunfo y la participación en la ópera de la soprano Giuseppina Strepponi, su futura pareja, en el endiablado papel de Abigaille, fue el acicate necesario para que Verdi retomara su fecunda y genial carrera creativa, cuyo germen está también en Nabucco. Aunque la ópera sea deudora de Donizetti y Rossini y de la tradición operística italiana, en la partitura sobresalen sus maravillosas melodías, su enorme facilidad para la caracterización musical de los personajes (destacando, sobre todo, Nabucco y Abigaille) y la eficacia dramatúrgica de la orquestación, que no dejaría de progresar hasta su extraordinaria Falstaff.

El director de escena Andreas Homoki, que debuta en el Teatro Real, traslada el conflicto entre judíos y babilonios, en el siglo VI a.C., al enfrentamiento entre italianos y austríacos, en el siglo XIX, donde “al sistema politeísta de los babilonios se contrapone, como utopía, un sistema nuevo y moderno, encarnado en la visión monoteísta del mundo de los hebreos”. Las dos hermanas hijas de Nabucco encarnan el trasfondo de dos mundos que se contraponen: “Abigaille, la primogénita, intenta desesperadamente salvar el antiguo sistema derrocando a su padre y asumiendo ella misma el poder. Fenena, la otra, percibe el momento de transición en el que se encuentran y quiere salvarse cambiando de bando. En el proceso de relevo de lo antiguo por lo nuevo, también la familia acaba rompiéndose”.

El drama transcurre en un decorado austero, minimalista y conceptual diseñado por el escenógrafo Wolfgang Gussmann, que también firma el suntuoso vestuario junto a Susana Mendoza.

Nabucco fue el primer título verdiano que sonó en el recién construido Teatro Real, en las pruebas acústicas previas a su inauguración, en 1850. La ópera se estrenó en su escenario en 1853 y se presentó en temporadas sucesivas, siempre con grandísimo éxito, hasta 1871. Desde entonces no ha vuelto a ofrecerse en su sala.

Ahora, 151 años después de la última función, regresa con tres repartos de grandes voces verdianas, que se alternarán en la interpretación de los papeles protagonistas: Nabucco, los barítonos Luca Salsi, George Gagnidze, Gabriele Viviani y Luis Cansino; Abigaille, las sopranos Anna Pirozzi, Saioa Hernández y Oksana Dyka; Ismaele, los tenores Michael Fabiano y Eduardo Aladrén; Fenena, las mezzosopranos Silvia Tro Santafé, Elena Maximova y Aya Wakizono; Zaccaria, los bajos Dmitry Belosselskiy, Roberto Tagliavini y Alexander Vinogradov; y El Gran Sacerdote, los bajos Simon Lim y Felipe Bou.

Nicola Luisotti dirigirá su séptimo título verdiano al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, después del enorme éxito obtenido con Il trovatore (2007), Rigoletto (2015), Aida (2018), Don Carlo (2019), La traviata (2020) y Un ballo in maschera (2020). Sergio Alapont dirigirá tres de las 15 funciones.

En Nabucco el coro ocupa un papel primordial, tanto del punto de vista estructural como dramatúrgico. El Coro Titular del Teatro Real preparado, como siempre, por su director, Andrés Máspero, entonará el célebre Coro de los esclavos, Va pensiero, dando voz a los oprimidos, como en la mítica Babilonia del siglo VI a.C., la Italia del siglo XIX o Ucrania en la actualidad.

Las funciones de Nabucco están patrocinadas por la Fundación BBVA, cuyo programa de actividades contempla la música como una manifestación artística prioritaria.

Fotografía: Javier del Real

Ensemble Opus 22

El ciclo Notas del Ambigú del Teatro de la Zarzuela acogerá el próximo martes 28 de junio (20h00) un concierto dedicado a jóvenes compositores. El Ensemble Opus 22 asumirá, bajo el título ‘Música española contemporánea’, los estrenos absolutos de las cuatro obras ganadoras del I Premio de Composición del Teatro de la Zarzuela y el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.

El jurado designado por ambas instituciones destacó en su día el “alto nivel” de todas las composiciones presentadas, y acordó por unanimidad premiar cuatro de las obras presentadas: “La eternidad de un instante” de Adela Rodríguez Yus, “La tumba de las luciérnagas y aneurisma digital” de Pablo González González, “Tras un abismo de cristal” de Víctor Pantoja Figueroa y “Lágrimas de Luz” de Nuria María Sánchez Sánchez.

El Ensemble Opus 22 nació precisamente como respuesta a la inquietud musical de cuatro jóvenes intérpretes españoles por investigar y difundir la música actual. Compuesto por Ana Carmen Sánchez Bruno, violín; Iñaki Marcos Bueno, clarinetes; Alejandro Fenollosa Beltrán, saxofones; y Javier Peña Tamayo, piano, el compromiso con el panorama compositivo nacional está entre sus prioridades.

Al premio optaban alumnos matriculados en la especialidad de Composición o de Sonología durante el curso académico 2021/2022 del RCSMM o los que hubieran obtenido en esta institución académica el Título Superior de dicha disciplina en los dos últimos años académicos.

Notas del Ambigú 21/22

En la presente temporada el Teatro ha ofrecido de nuevo el doble de recitales que al inicio del ciclo. 10 citas ineludibles que concluirán el próximo 4 de julio.

Tras el concierto del Ensemble Opus 22 que estrenará las cuatro obras ganadoras del I concurso del Teatro de la Zarzuela y el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid para jóvenes compositores (28 de junio). Y el broche final del ciclo lo pondrá la guitarra de Rafael Aguirre, quien en ‘Los últimos románticos’ interpretará obras de Francisco Tárrega e Isaac Albéniz (4 de julio).

Festival Lírico Ópera Benicàssim

La edición 2022 del Festival Lírico Ópera Benicàssim (Castelló) promete este verano, un año más, llenar de lírica la ciudad. El certamen, organizado por el Ayuntamiento de Benicàssim, contará con grandes artistas del panorama nacional e internacional. La alcaldesa, Susana Marqués, junto al concejal de Cultura del Ayuntamiento, Javier Alonso, al director artístico del certamen, Roberto Turlo y a Marcello Pérez Pose, director de la Asociación Zarzuela por el Mundo y de la promotora AIM-América Iber Música, han presentado esta mañana en rueda de prensa su XIV edición, que se celebrará del 1 al 6 de agosto, y que cuenta con cuatro conciertos y dos encuentros artísticos, actividades que tendrán lugar en sus escenarios habituales, el Teatre Municipal Francesc Tàrrega y el palacete municipal Villa Elisa.

Como ha comentado la alcaldesa, “el Festival Lírico Ópera Benicàssim se suma a la gran oferta cultural con el que cuenta el municipio y que aúna propuestas de diferentes géneros. Un año más, y durante una semana, volveremos a acercar a toda la ciudadanía la posibilidad de disfrutar de este estilo musical que, tras 14 años, ya se ha consolidado en nuestro municipio dentro de la marca Benicàssim, Ciudad de Festivales”.

Por su parte, el concejal de Cultura, Javier Alonso, destacó que el programa –preparado por Ópera Benicàssim junto a AIM-América Iber Música– contará con cantantes “de reconocido prestigio y de carreras consolidadas, pero también dando la bienvenida a artistas jóvenes, que representan el futuro”.

El responsable artístico del certamen, el solista de oboe de la Orquestra de València Roberto Turlo, comentó que la oferta 2022 posee varios “niveles de lectura” con propuestas pensadas para que disfruten “tanto los aficionados del mundo de la ópera y la zarzuela, como cualquier espectador que se interese en la música y la cultura en general e, incluso, quienes simplemente quieran disfrutar de un gran espectáculo al calor del verano. Tendrán a su disposición una gran variedad de repertorio con un alto nivel de excelencia artística. Además nos gusta que quien venga al festival disfrute de toda la oferta de conciertos, y no solo de uno de ellos”, afirma el músico de Benicàssim.

Este año se apuesta por figuras consagradas y muy queridas por el público, como la del bajo-barítono menorquín Simón Orfila, “un cantante con una amplia trayectoria que se encuentra en un momento muy dulce de su carrera, quien hará dúo con la destacada soprano andaluza Mariola Cantarero; será seguro una gran fiesta en la que podremos disfrutar de la simpatía y del gran poder de comunicación y complicidad que tienen ambos artistas, esta vez acompañados al piano por Miguel Huertas”.

Debutará en el Festival la mezzosoprano Rinat Shaham, “una cantante de trayectoria internacional que acaba de realizar una gira con Simon Rattle y la London Symphony, además de estar presente en importantes escenarios operísticos internacionales siendo una de las grandes intérpretes de Carmen del momento. En Benicàssim, acompañada de los Solistes de València, la intérprete israelí mostrará su gran versatilidad en un programa en el que sonarán ritmos y melodías

americanas de Gershwin y tintes de cabaret con obras de autores como Kurt Weill, George Forrest o John Kander”, asegura Turlo.

Antes, el 2 de agosto, inaugurará el certamen “una voz consolidada y espectacular”, en palabras del director artístico: la del tenor Eduardo Sandoval, quien acaba de interpretar Aida e Il Trovatore de Verdi. “Nos ofrecerá, junto al piano de J. Ramón Martín, un programa muy contrastado que incluye canción napolitana y española, además de zarzuela, un menú musical que seguro que el público disfrutará”.

Benicàssim, un año más, apoya a las nuevas generaciones de artistas y este año apuesta por el joven sopranista valenciano Rafael Quirant, “una voz de gran calidad, dueño de un tipo de cuerda que nunca se ha escuchado en el Festival; ganador recientemente del concurso de Juventudes Musicales, ya ha podido debutar en grandes escenarios con excelentes críticas. Nos ofrecerá un viaje por la historia, desde Monteverdi a Rossini pasando por Gluck y Martín y Soler, pero además con obras de Turina e incluso alguna copla, todo ello con acompañamiento de piano y de guitarra”.

También, como cada año, el Festival promueve encuentros populares del público con los artistas, tanto en coloquios como en “ensayos abiertos” en los que, una vez acabado el trabajo de los intérpretes, “los asistentes tienen la ocasión de dialogar con ellos, una iniciativa que comenzamos hace ya algunas ediciones con gran éxito. En las ponencias este año contaremos con un encuentro dedicado a la zarzuela presentado por Marcello Pérez Pose, director de la Asociación Zarzuela por el Mundo, y que contará con figuras como la mezzosoprano Nancy Fabiola Herrera”, quienes explicarán experiencias vividas en torno al género lírico español en escenarios de todo el mundo. “Creemos que es importante que el público sepa de primera mano cómo viven el mundo de la música tanto los artistas como los programadores y promotores culturales. En los encuentros también contaremos con Simón Orifla y Mariola Cantarero para conocer los entresijos que conlleva una producción operística o de zarzuela y el proceso artístico en general”, concluye Roberto Turlo.

Xavier Anduaga

En apenas un año Xavier Anduaga ha debutado en el Teatro Real, la Opera de París y el Covent Garden de Londres. Y se anuncia su presentación la próxima temporada en el MET neoyorkino. Si tenemos en cuenta que estamos hablando de un tenor de apenas 27 años, seremos conscientes de que estamos ante una de las voces líricas más importantes de las últimas décadas.

Siguiendo con las presentaciones, esta semana ha ofrecido su primer recital en el Teatro de la Zarzuela. Con el título de “Nuestra música”, Anduaga ha recorrido las más importantes romanzas de nuestro panorama musical. La primera parte comenzó con “Bella enamorada”, de El último romántico, de los maestros Soutuolo y Vert. Siguió con el inevitable “De este apacible rincón de Madrid”, de Moreno Torroba. En ambas piezas demostró el generoso volumen de su voz de lírico ligero.

Del maestro Usandizaga interpretó “¡Alare, zorioneko lekua!”, de Mendi-Mendiya, con exquisito gusto. En “Flor roja”, de Los gavilanes, de Jacinto Guerrero, demostró el dominio que tiene del legato, alargando unas frases bien sostenidas. Terminó esta primera parte con “por el humo se sabe”, de Doña Francisquita de Vives, que abordó con intención y voz soleada y plena.

La segunda parte se inició con “Adiós Granada”, de Los emigrantes y una espectacular “Tamar, razón de mi existencia”, de La llama de Usandizaga. Aquí demostró Anduaga su gusto exquisito y musicalidad. En “no puede ser, esta mujer no es buena”, de La tabernera del puerto de Pablo Sorozabal, en la que exhibió una gran intensidad y dramatismo, igual que en el ¡Maitechu mía!, de Francisco Alonso.

El programa terminó con una emocionante interpretación de Júrame, de María Gréver y Granada, de Agustín Lara. Para entonces el público ya había enloquecido. El silencio durante todo el recital fue sepulcral, un silencio de asombro ante las cualidades vocales del joven tenor. Volumen generoso, un timbre esmaltado y luminoso que llenaba la sala sin apenas esfuerzo. Metal incluso en las medias voces. Frasea con intención y emoción y regula con eficacia.

Como primera propina ofreció la nana tradicional vasca Aurtxo polita, interpretada a media voz, con la ternura que evocan los recuerdos. Como segunda repitió “Por el humo se sabe”, de Doña Francisquita.

Estuvo acompañado al piano por Giulio Zappa, que cumplió con su labor, pero que no tuvo su noche. Se erigió casi en protagonista durante la primera parte por utilizar a la vez un soporte electrónico para las partituras, y un ayudante que le pasara las páginas. Ambas cosas resultaron incompatibles y nos tuvo distraídos y en suspense, incluso tuvo que volver a empezar una de las piezas.

Con estos mimbres y pensando en el recorrido que tiene por delante para limar y perfeccionar todas esas cualidades canoras que atesora, el futuro a corto, medio y largo, se antoja espectacular. Esto no ha hecho más que empezar…

Fotografía: Elena del Real

Crescendo

La segunda edición de Crescendo, Creamos Ópera, programa de la Fundación Amigos del Teatro Real, ha concluido con éxito después de tres meses de formación y actividades artísticas.

Veintitrés jóvenes promesas de la ópera, de nueve nacionalidades distintas, han sido los beneficiarios de la II edición de Crescendo, Creamos Ópera, programa de la Fundación Amigos del Teatro Real que acaba de concluir su fase formativa desarrollada durante tres exigentes meses de trabajo.

Con el objetivo de ofrecer formación y prácticas profesionales de primer nivel para el talento joven, el programa Crescendo ha contado en este curso con 37 sesiones de formación en distintas disciplinas como talleres de interpretación y entrenamiento vocal con destacados maestros –Carmen Santoro, Víctor Dogar, Ánima May o Sabina Puértolas-, expresión corporal, marca personal y comunicación, clases con maestros repetidores y asistencia a ensayos de ópera.

Todo esto, sumado a una decena de oportunidades profesionales para actuar en recitales, producciones y eventos del Teatro Real, completan una experiencia de formación que impulsa la carrera de una nueva generación de artistas y les abre las puertas al mundo laboral.

Los jóvenes cantantes de Crescendo han tenido una presencia destacada en la presentación de la Temporada 2022-2023 del Teatro Real, han participado en los encuentros del programa Enfoques y está prevista su actuación en las producciones del Real Junior de la próxima temporada: Fantasma que canta no espanta, A.I.D.A., Festín musical en familia y ¡Todos a la Gayarre!.

Los participantes de esta segunda edición son jóvenes de 23 a 35 años, procedentes de Albania, Chile, Colombia, España, Paraguay, Portugal, Rusia, Serbia y Venezuela, seleccionados tras una rigurosa audición, hasta configurar un grupo formado por 12 sopranos, 2 mezzosopranos, 1 tenor, 4 barítonos, 1 bajo-barítono y, por primera vez, 3 pianistas repetidores. En total, las dos primeras ediciones del programa ya suman 43 jóvenes beneficiados.

La experiencia y el bagaje que estos jóvenes adquieren tras su paso por Crescendo queda reflejado en las palabras de la soprano venezolana Sonia Suárez, de 28 años, una de las cantantes que actuó en la presentación de Temporada del Teatro Real, quien aseguraba, al finalizar el curso que “ha sido maravilloso, no solo por cumplir el sueño de cantar en el Real, sino porque nos tratan como profesionales y nos brindan oportunidades laborales en estos tiempos tan difíciles. Gracias al programa, muchas agencias han puesto los ojos en nosotros. En mi caso acabo de firmar un contrato con Iberkonzert”.

Crescendo es una iniciativa de alcance nacional y, a largo plazo, internacional, que apuesta por los artistas desde el inicio de su trayectoria laboral. El próximo 16 de julio ofrecerán un recital que presentarán los jóvenes talentos de esta segunda edición en el Teatro Real.

El programa Crescendo está patrocinado por Porosus Fonds de dotation, Edmond de Rothschild Foundations y la Fundación Banco Sabadell.

Zubin Mehta

Zubin Mehta dirigirá a la Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks (Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera) el próximo 25 de noviembre, a las 19.30 h, en un concierto extraordinario en el Auditori del Palau de les Arts.

El respetado maestro de Bombay presenta a la prestigiosa formación alemana con un programa que incluye la ‘Sinfonía núm. 3 en Re mayor’ de Franz Schubert y la legendaria ‘Quinta sinfonía’ de Gustav Mahler, obra inédita en el repertorio sinfónico del Auditori.

Esta actuación, que Les Arts programa en colaboración con Ibermúsica y Tritó SL, supone el reencuentro de Mehta con el público valenciano ocho años después de su última actuación. Figura imprescindible en la historia del teatro, el director hindú ha sido uno de los principales artífices de la consolidación de la Orquestra de la Comunitat Valenciana y también responsable de algunos de sus mayores éxitos artísticos durante su etapa como ‘president’ del Festival del Mediterrani.

La Symphonierochester des Bayerischen Rundfunks está considerada como uno de los mejores conjuntos sinfónicos del mundo gracias a sus directores y a la flexibilidad y sólido nivel artístico de cada uno de sus músicos. Su visita marca el regreso de las grandes formaciones internacionales a València tras los años de pandemia.

Fundada en 1949 por Eugen Jochum, entre sus titulares figuran Rafael Kubelík, Colin Davis, Lorin Maazel y Mariss Jansons, además de haber trabajado con nombres legendarios como Leonard Bernstein, Clemens Krauss, Erich Kleiber, Carlos Kleiber, Charles Munch, Ferenc Fricsay, Otto Klemperer, Karl Böhm, Günter Wand, Georg Solti, Carlo Maria Giulini, Kurt Sanderling y Wolfgang Sawallisch.

En la actualidad Sir Simon Rattle dirige a la formación, que mantiene su colaboración con los más reputados directores del momento, como Riccardo Muti, Esa-Pekka Salonen, Franz Welser-Möst, Daniel Harding y el propio Zubin Mehta.

Entradas

Les Arts informa de que este concierto extraordinario está fuera de abono. No obstante, se establecerá a partir de hoy, lunes 20 de junio a las 17.00 h, un periodo de venta preferente destinado a abonados y miembros del círculo del mecenazgo de Les Arts. Además de las entradas para este espectáculo, se podrán adquirir también las localidades para el concierto de Cecilia Bartoli y el recital de Juan Diego Flórez.

La venta general de entradas para el concierto de Zubin Mehta con la Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks se activará junto con el resto de propuestas de Les Arts el próximo 11 de julio, a partir de las 18.00 h, en la web del teatro, y el día 12 a través del resto de canales de compra.

Mark Padmore

El tenor británico Mark Padmore, dueño de una voz sinuosa y flexible capaz de las más exquisitas matizaciones, nos brindará el próximo lunes 20 de junio (20h00) en el ciclo de Lied coproducido por el Teatro de la Zarzuela y el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), un intenso monográfico schumanniano acompañado al piano por el virtuoso Kristian Bezuidenhout.

En este esperado recital el público tendrá la ocasión de escuchar el sugestivo grupo de doce lieder sobre poemas de Justinus Kerner, op.35, así como una interpretación del ‘Liederkreis’, op.39 en una versión históricamente más correcta que incorpora otras canciones..

Mark Padmore nació en Londres y creció en Canterbury. Tras comenzar sus estudios de clarinete, obtuvo una beca para estudiar en el King’s College de Cambridge, donde se graduó en Música. Padmore se ha forjado una brillante carrera en el mundo de la ópera, así como en el de los conciertos o los recitales, con interpretaciones de las Pasiones de Bach que le han otorgado verdadero reconocimiento internacional. En la ópera, ha trabajado con directores de escena como Peter Brook, Katie Mitchell, Mark Morris y Deborah Warner y ha aparecido recientemente en una nueva producción de Death in Venice, de Britten, en la Royal Opera House de Londres. Ha cantado los personajes protagonistas de las óperas de Harrison Birtwistle The corridor y The cure en el Festival de Aldeburgh y el Teatro de Linbury; Jephtha, de Haendel, para la Welsh National Opera y la English National Opera; Captain Vere en Billy Budd, de Britten, y el papel de Evangelista en un concierto escenificado de la MatthäusPassion, de Bach, en el Festival de Glyndebourne. También interpretó a Peter Quint en The turn of the screw, de Britten, en una producción televisiva para la BBC y
grabó como protagonista La clemenza di Tito, de Mozart, con René Jacobs para Harmonia Mundi. Esta temporada, cabe destacar su residencia artística en el Wigmore Hall, donde celebra su relación profesional con pianistas de la talla de Till Fellner, Imogen Cooper, Paul Lewis y Mitsuko Uchida; con este último recientemente ha realizado una importante gira por Norteamérica. Su extensa discografía incluye la Missa solemnis, de Beethoven, y Die Schöpfung, de Haydn, con Bernard Haitink y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera para BR Klassik, o un álbum de lieder de Beethoven, Haydn y Mozart con Kristian Bezuidenhout
para Harmonia Mundi. Mark Padmore ha participado en tres ediciones del Ciclo de Lied: XIV (07-08), XVIII (11-12) y XXVIII (21-22).

Fotografía: Marco Borggreve

Potsdam

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) pone el broche de oro a sus Circuitos en el extranjero de la temporada con una gran coproducción internacional en el Musikfestspiele Potsdam Sanssouci, coincidiendo con la semana en la que se celebrará la Fiesta de la Música en Europa. Este prestigioso festival acoge a los mejores especialistas del mundo en interpretaciones historicistas de los periodos de la Edad Media, el Renacimiento, el Barroco y el Romanticismo. Dentro del festival, y a lo largo de una semana, el repertorio español tendrá un protagonismo especial de la mano de nuestros mejores intérpretes. Cuatro formaciones españolas de referencia actuarán en diferentes espacios de los palacios y jardines prusianos de Potsdam, Patrimonio Mundial de la UNESCO, así como del centro histórico de la ciudad y sus alrededores, del 20 al 24 de junio.

Esta coproducción del CNDM con el festival de Potsdam supone una oportunidad única para mostrar, de la mano de nuestros mejores intérpretes especialistas en este género, la riqueza, singularidad y gran calidad de nuestro valioso patrimonio musical, tanto instrumental como vocal.

El conjunto encargado de abrir fuego será L’Apothéose el lunes 20 en la Galería Ovid (Nuevas Cámaras del Palacio de Sanssouci). Junto a una de sus más fieles colaboradoras, la soprano Lucía Caihuela, se acercarán a La fingida Arcadia con un programa en torno a ese bucólico mundo de pastores que tanto inspiró a los músicos barrocos y que incluye piezas de Giacomo Facco, Francesco Corselli, Juan Francés de Iribarren, Antonio Guerrero, José Herrando y Antonio Martín y Coll.

El miércoles 22, la agrupación de Enrike Solinís, Euskal Barrokensemble, tomará el relevo en la Iglesia de la Paz (Parque de Sanssouci), con una travesía por cuatro continentes que va desde las músicas más arcaicas, hasta la complejidad de músicas más académicas, con obras de Pierre Phalèse, Juan de Antxieta o Mateo Flecha “el Viejo”, entre otros. El repertorio recreará uno de los hitos de nuestra historia: la primera vuelta al mundo, liderada por el navegante vasco Juan Sebastián Elcano, en la expedición española iniciada por Fernando de Magallanes.

El recorrido continuará el jueves 23 con la Orquesta Barroca de Sevilla, que ofrecerá en el Salón de Rafael (Palacio de la Orangerie) un viaje musical por la Nápoles barroca más española -perteneciente en aquel momento, junto a Palermo, a la Corona de Aragón-, con Dorothee Oberlinger, flautista, directora del conjunto Ensemble 1700 y directora artística del festival. El programa incluye piezas de Domenico Scarlatti y Alessandro Scarlatti, Emanuele Barbella, Francesco Durante y Domenico Sarro, entre otros.

El ensemble Al Ayre Español, liderado por toda una eminencia de la música historicista, Eduardo López Banzo, clausurará el viernes 24 en la Iglesia de la Paz (Parque de Sanssouci) la participación española en el festival. Lo hará junto a Maite Beaumont, mezzosoprano de gran trayectoria y proyección internacional. Ofrecerán un repertorio que intercala obras instrumentales de Georg Friedrich Haendel con las cantadas de Antonio de Literes y José de Torres, un género muy particular español heredado de las cantatas italianas del siglo XVII que pone de relieve la gran personalidad y diversidad de nuestro patrimonio.

Fotografía: Marco Borggreve

José Miguel Pérez-Sierra

José Miguel Pérez-Sierra, uno de los directores españoles más importantes de su generación, debutará en septiembre como principal director invitado de la temporada que organizan los Amigos de la Ópera de A Coruña. El músico español, que estos días se encuentra en el Teatro de La Zarzuela de Madrid dirigiendo El barberillo de Lavapiés, se ha mostrado “honrado y agradecido” con el nombramiento, fruto de una fantástica e intensa relación con la entidad gallega desde su debut en 2007. “En A Coruña confiaron en mi prácticamente desde los inicios de mi carrera”, comenta Pérez-Sierra satisfecho. “Además me ilusiona consolidar mi relación con la Sinfónica de Galicia, el conjunto de referencia de esa temporada, una orquesta realmente extraordinaria con la que disfruto muchísimo haciendo música; de hecho, mi debut profesional fue con el conjunto gallego en 2005 con un para mí inolvidable concierto sinfónico. Con A Coruña me une también la figura de mi maestro, Alberto Zedda, gran musicólogo y director de orquesta ligado durante muchos años a la ciudad; con él inicié mi relación en la capital gallega siendo su asistente en 2003. Por lo tanto, ya son casi 20 años de colaboración con la asociación y me hace muy feliz consolidarla con este nombramiento”, añade el director madrileño.

La carrera de José Miguel Pérez-Sierra no ha parado de crecer en las últimas temporadas, tanto en terreno operístico como sinfónico, habiendo dirigido en algunos de los más importantes teatros y auditorios junto a orquestas de gran prestigio. En la temporada 2021-2022 han destacado un concierto con la soprano Lise Davidsen en A Coruña y en la Ópera de Bucarest –allí, junto al tenor Freddie de Tommaso–, la ópera Marina de Arrieta y un concierto sinfónico con la Sinfónica de Navarra, así como su regreso a la Opéra de Marseille con Armida (Rossini) y su debut ante la Orchestre Philharmonique du Luxembourg con Carmen.

Tras las diez funciones de El barberillo de Lavapiés en Madrid, en el verano le esperan Armida en el Royal Opera Festival de Cracovia (Polonia) y en el Festival Rossini de Wildbad (Alemania) –que grabará para Naxos-, certámenes con los que tiene relaciones estables desde hace varias temporadas.

Iniciará el curso 2022-2023 precisamente en A Coruña dirigiendo la ópera Norma y una gala lírica con Angela Meade, Moisés Martín, Verónica Dzhioeva, Mónica Redondo, Nicole Brandolino y Luiz-Ottavio Faria, para después ponerse al mando de la zarzuela San Franco de Sena (Arrieta) en Pamplona, de una gala junto al tenor Roberto Alagna en A Coruña, de un concierto con Nancy Fabiola Herrera en Tenerife y de la ópera Les Huguenots en Marsella, entre otros compromisos.

Programación Amigos de la Ópera de A Coruña

'Les Arts amb Tu'

La gira ‘Les Arts amb Tu’ ofrece en su III edición un total de 29 sesiones de ópera, recitales y conciertos de música de cámara y sinfónica en las tres provincias de la Comunitat Valenciana.

Los artistas del Centre de Perfeccionament, la Orquestra de la Comunitat Valenciana (OCV) y el camión escenario de ‘Les Arts volant’ protagonizan las diferentes propuestas de 2022, que incluyen ocho recitales líricos, ocho conciertos con formaciones de cámara, cinco conciertos sinfónicos y ocho representaciones de la ópera ‘El tutor burlat’, de Martín i Soler.

Las dos capitales culturales valencianas, Alzira y Aielo de Malferit, junto con otros 20 municipios de Castellón, Valencia y Alicante, recibirán la visita de los activos artísticos del teatro durante los meses de junio, julio y septiembre dentro de esta iniciativa impulsada por Les Arts y Cultura de la Generalitat, para ofrecer una programación artística vertebradora y de proximidad, accesible a toda la ciudadanía.

Como principal novedad en esta edición, según destaca Jesús Iglesias Noriega, director artístico del teatro, la Orquestra de la Comunitat Valenciana, como formación sinfónica, adquiere un mayor protagonismo con programas diseñados ‘ad-hoc’ para esta gira y bajo los mismos estándares artísticos que los conciertos que compondrán la programación del Auditori en ‘Les Arts és Simfònic’.

“Desde el concierto de Beethoven, bajo la dirección de Javier Perianes en Llíria, que cierra la gira de actuaciones de los meses de junio y julio, hasta el ciclo de conciertos que inaugurará la Temporada 2022-2023 con el director musical de Les Arts, James Gaffigan en las localidades de Altea, Torrent y Torrevieja, y el ovetense Pablo González en Alzira, Les Arts realiza su apuesta más ambiciosa hasta la fecha por ofrecer una verdadera programación territorializada”.

El calendario de actuaciones comienza este fin de semana con la visita del camión de ‘Les Arts volant’ a Crevillent el sábado 18 de junio, día en el que también los artistas del Centre de Perfeccionament ofrecerán un recital lírico en l’Eliana. Este mismo mes, las diferentes paradas de la gira incluyen Ayora (23 de junio), Alzira (23 de junio y 1 de julio), Aielo de Malferit (25 de junio y 15 de julio), Sagunt (25 de junio), Sueca (26 de junio) y Vinaròs (30 de junio).

La programación continuará durante el mes de julio en Carcaixent (1 de julio), Cheste (1 de julio), Torrent (3 de julio), la Vilavella (3 de julio), Cocentaina (13 de julio), Benifaió (15 de julio), Benlloc (16 de julio), Museros (17 de julio), Enguera (21 de julio) y el Pinós (21 de julio), para concluir en Llíria (23 y 24 de julio). Asimismo, Les Arts acogerá dos funciones de la ópera ‘El tutor burlat’ los días 9 y 10 de julio dentro de la doble jornada de ‘Nit a Les Arts’.

‘Les Arts amb Tu’ marcará también el inicio de la actividad de la Orquestra de la Comunitat Valenciana en el mes de septiembre. De esta forma, y dentro de la apuesta por una programación deslocalizada, James Gaffigan, director musical de Les Arts, inaugurará la decimoséptima temporada el 1 de septiembre en Altea, con obras de Esplá, Mozart y Schumann en el atril, un programa que repetirá el día 2 de ese mes en Torrent, y el día 3 en Torrevieja.

Además, Pablo González, reconocido como una de las batutas españolas con mayor proyección, visitará Alzira con la OCV el 10 de septiembre, con piezas de Juanjo Colomer, Rodolfo Halffter y Antonín Dvořák, el mismo repertorio que dirigirá un día después en el Auditori de Les Arts en la Jornada de Puertas Abiertas.

Xabier Anduaga

El martes 21 de junio (20h00) presenta en el coliseo madrileño ‘Nuestra música’

Xabier Anduaga, una de las grandes voces jóvenes de la lírica mundial, ofrece en el Teatro de la Zarzuela un concierto dedicado a ensalzar el género. Estará acompañado al piano por Giulio Zappa.

Madrid, 16 de JUNIO de 2022.- Bajo el título ‘Nuestra música’, el tenor Xabier Anduaga repasará el próximo martes 21 de junio (20h00) en el Teatro de la Zarzuela una buena colección de las más significativas romanzas del género. El tenor donostiarra, hoy por hoy una de las más importantes voces de la lírica mundial, ofrecerá el recital dentro del ciclo de Conciertos del coliseo madrileño acompañada por el pianista Giulio Zappa.

El concierto será por tanto un emocionante viaje por obras compuestas por algunos de los más destacados músicos de zarzuela como Moreno Torroba, Sorozábal, Guridi, Usandizaga, Vives, Guerrero, Serrano, Soutullo y Vert o Barrera y Calleja, además de transitar por la belleza y el sentimiento de canciones de Francisco Alonso, Agustín Lara, María Gréver o Manuel María Ponce, que a estas alturas trascienden ya cualquier época.

Giulio Zappa interpretará a piano solo una nostalgia de Guridi y un bolero de Casella.

El nacimiento del Rey Sol

El próximo domingo, 19 de junio, podremos disfrutar en el Teatro Real del espectáculo El nacimiento del Rey Sol, Le ballet royal de la nuit, concebido e interpretado por la compañía francesa Ensemble Correspondances, dirigido por el clavecinista Sébastien Daucé, cuyo estreno tuvo que ser aplazado la pasada temporada debido a dificultades en el traslado de los artistas por la pandemia.

Son muchos los monarcas que han protagonizado títulos operísticos, pero son muy pocos los que tienen el honor de haber sido estrenados por un rey, como es el caso de Le ballet royale de la nuit (1653), espectáculo en el que Luis XIV encarnó al dios Apolo en calidad de bailarín con apenas 14 años de edad. La aristocracia, presente en gran número, los embajadores europeos y también la burguesía parisina aclamaron este gran espectáculo cuyas maravillas crearon una impresión muy duradera.

El espectáculo, nada inocente en términos políticos, sancionaba el triunfo de la corona sobre las revueltas que los aristócratas de la Fronda habían instigado durante el lustro precedente, a través de una alegoría en la que el Rey Sol disipaba las tinieblas de la noche, dispuestas musicalmente a lo largo de cuatro vigilias que alternaban números cantados y bailados. Por vez primera en la historia del género aparece un libreto unificado y cuidadosamente desarrollado en cuatro vigilias (partes) y un gran ballet conclusivo; todos los niveles de interpretación y todas las artes señalan hacia un único fin, la salida del Sol.

La partitura, compuesta por diversos autores franceses e italianos vinculados con la corte, durmió durante siglos entre los archivos de la colección Philidor, del antiguo conservatorio de París, hasta su redescubrimiento en 2004 y su recreación musical en 2016 por Sébastian Daucé y el Ensemble Correspondances. La poesía que acompañaba el ballet real era del ilustre Isaac de Benserade, quien en 1653 ya gozaba de gran prestigio como escritor y que sobresaldría tanto en el género del ballet de cour como en la lírica más refinada.

Resulta, por lo general, difícil precisar la autoría de la música de los ballets de cour en los primeros años del reinado de Louis XIV. En el caso del Ballet Royal de la Nuit podemos estar seguros de la identidad de Jean de Cambefort (c.1605-61), que produjo los recitativos y arias que abren cada una de las cuatro vigilias, y de Antoine Boësset (1587-1643) y Louis Constantin (1586-1657),aunque, sin duda, hubo otros compositores participantes.

EL NACIMIENTO DEL REY SOL

Le ballet royal de la nuit

Semiópera en cuatro escenas y baile final

Jean de Cambefort (1605-1661), Antoine Boësset (1587-1643), Louis Constantin (1586-1657),

Michel Lambert (1610-1696), con extractos de Ercole amante (1662) de Francesco Cavalli

(1602-1676) y Orfeo de Luigi Rossi (1597-1653)

Libreto de Isaac de Benserade (1613-1691)

Estrenada en el Palacio Petit-Bourbon de París el 23 de febrero de 1653

Estreno en el Teatro Real

Semiópera en versión de concierto

Director y reconstructor musical Sébastien Daucé

REPARTO

La Noche / Venus | Lucile Richardot

Eurídice / Una gracia / Belleza / Un alma errante / Cynthia | Caroline Weynants

Venus / El Silencio / Una gracia | Caroline Bardot

Una gracia francesa | Marie-Frédérique Girod

Una gracia italiana | Eva Plouvier

La luna / Deyanira / Una gracia / Un alma errante | Blandine de Sansal

Juno | Ilektra Platiopoulou

Apolo / Una gracia / Un seguidor de Endimión | David Tricou

El Sueño / Un seguidor de Venus / Un río / La aurora / Un alma errante / Un Zéfiro | Etienne Bazola

Hércules | Renaud Bres

Un zéfiro / Un seguidor de Endimión | Nicolas Brooymans

Ensemble Correspondances

Edición musical Edición crítica de Sébastien Daucé

Duración aproximada: 2 horas y 55 minutos

Fotografía © JM Berns

El Barberillo de Lavapiés

Este año se cumplen 148 desde que ‘El barberillo de Lavapiés’ se estrenara en el Teatro de la Zarzuela allá por 1874. En todo este tiempo la obra de Francisco Asenjo Barbieri –de quien el año próximo se celebra el bicentenario del nacimiento–, con magnífico libreto de Luis Mariano de Larra –hijo del perspicaz intelectual romántico ‘Fígaro’–, ha cabalgado tres siglos distintos con idéntica suerte: el placer del público, de los amantes de la música, de los entusiastas del Teatro de altura. Toda una fiesta de teatro musical que del 15 al 26 de junio volverá a alegrar el coliseo de la plazuela de Jovellanos con 10 funciones de la aplaudida producción propia firmada por Alfredo Sanzol y estrenada en este escenario en 2019.

El interés y la expectación de este Barberillo no se deben únicamente al excepcional material musical y literario que lo convierten en una incontestable obra maestra; una de las obras más divertidas y alegres del repertorio lírico que se ha mantenido en escena hasta nuestros días como un emblema de la lírica española. También alcanza la calidad de acontecimiento, aun en su reposición (y la venta de entradas no engaña), por quienes son responsables de ponerla en pie. El director de escena y adaptador del texto, Alfredo Sanzol, Premio Nacional de Literatura Dramática de 2017 y uno de los nombres indispensables en la escena de hoy, o el maestro internacional José Miguel Pérez-Sierra, que, como en él es habitual, dará brío al foso al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid (Titular del Teatro). La producción cuenta con la singular escenografía y el colorido vestuario de Alejandro Andújar, la iluminación siempre reveladora de Pedro Yagüe y la coreografía (tan importante en este título) de Antonio Ruz, Premio Nacional de Danza 2018, quien con la poesía del movimiento contribuye a que la obra vuelva a ser actual y moderna.

Serán, además, dos los repartos (y tres Barberillos) los que canten la obra genial de Barbieri: Lamparilla, el Barberillo que pretende a Paloma la costurera, con quien se ve inmerso en una intriga política sin saber cómo ni por qué, será interpretado por los barítonos Borja Quiza y David Oller; Paloma estará encarnada por las mezzosopranos Cristina Faus y Carol García; la marquesita del Bierzo, intrigante política que mete a todos en el lío, y enamorada a su vez del sufridor Don Luis de Haro, será cantada por las sopranos María Miró y Cristina Toledo; los tenores Javier Tomé y Francisco Corujo darán vida a Don Luis, quien sufre el desdén político y amoroso de su querida Marquesita; el barítono Gerardo Bullón será el conspirador Don Juan de Peralta, y el bajo Abel García, Don Pedro de Monforte, defensor de la ley y la justicia.

Acompañará en el escenario a este doble elenco el Coro Titular del Teatro de la Zarzuela, así como diez bailarines y ocho actores que también danzan en todos y cada uno de los números de baile.

Música y escena. Vigencia, comedia, belleza

José Miguel Pérez-Sierra, quien califica la obra como «una de las cimas del género», sostiene que la colaboración entre Barbieri y Larra es más que interesante, ya que «juntos crean una obra en la que se vive, se respira Madrid. Un Madrid dieciochesco en el argumento y decimonónico en lo musical, pero con un perfume atemporal que hace que aún hoy esta zarzuela tenga plena vigencia».

Alfredo Sanzol, por su parte, recalca que «el tono cómico y de aventuras de la función es lo que hemos potenciado sin olvidar nunca que ambas cosas van unidas a la búsqueda de la belleza». El director de escena apunta en cada uno de sus trabajos a la idea de que «la profundidad de la vida y sus difíciles conflictos necesitan de la visión de la comedia para encontrar soluciones liberadoras».

Barbieri y Larra mezclan una trama popular, la de los amores de Lamparilla y Paloma, con los devaneos sentimentales de dos aristócratas, la Marquesita Estrella y don Luis, y todo ello con un trasfondo político: la transición forzada de un gobierno de Grimaldi a Floridablanca. Es un modelo temático que ya había utilizado Barbieri en Jugar con fuego, Los diamantes de la corona o Pan y toros, pero que con el texto de Larra —escrito en verso— se llena de aventuras, intrigas, política, amor y humor, funcionando como si hubiera sido escrito en estos días que corren.

Fotografía: Javier de Real

Mark Elder

‘Sir’ Mark Elder, reconocido como una de las grandes batutas del circuito internacional, dirige el poema sinfónico ‘Ein Heldenleben’ (‘Una vida de héroe’), de Richard Strauss’, y ‘Sinfonía de los salmos’, de Igor Stranvinsky en València y Castelló de la Plana.

El prestigioso director británico debuta con el Cor de la Generalitat y la Orquestra de la Comunitat Valenciana (OCV) en el último de los conciertos del ciclo ‘Les Arts és Simfònic’, programado el viernes, 10 de junio, en el Palau de les Arts (20.00 h), y el sábado 11 en el Auditori i Palau de Congressos de Castelló de la Plana (19.30 h).

El actual titular de la Orquesta Hallé de Manchester y principal director invitado de la Filarmónica de Bergen dirige las formaciones más importantes de Europa y Estados Unidos. Artífice del crecimiento artístico de la English National Opera, compagina el repertorio sinfónico con el operístico, con trabajos en el Covent Garden de Londres, la Opéra de París o el Metropolitan de Nueva York.

Para su debut, ‘Sir’ Mark Elder propone dos obras de fascinante sonoridad y complejidad técnica con las que disfrutar de las excelencias de los cuerpos estables de Les Arts, que este mismo mes han culminado con excelencia uno de sus mayores desafíos artísticos con el estreno de ‘Wozzeck’ en València.

Igor Stravinsky compuso ‘Sinfonía de los salmos’ como encargo para celebrar el 50 aniversario de la Sinfónica de Boston. Basada en tres salmos del Libro de los Salmos de David y dedicada ‘a la gloria de Dios’, esta sinfonía coral está considerada como una de las obras sacras más brillantes del s. XX.

Adscrita al periodo neoclásico del compositor, está dividida en tres movimientos que se ejecutan sin interrupción. La austera y singular orquestación, que excluye violines, violas y clarinetes, la intervención del coro, que interpreta los textos extraídos de las versiones de la ‘Vulgata’ en latín, generan una turbadora sonoridad con la que Stravinsky alcanza las más altas cotas de elevación espiritual.

La Orquestra de la Comunitat Valenciana clausurará el ciclo sinfónico con una de las obras más complejas y comprometidas del gran repertorio, ‘Ein Heldenleben’, de Richard Strauss, partitura brillante, enérgica y dotada de un colorido orquestal de impresionante riqueza.

Compuesto en 1898, el último poema sinfónico de Strauss es una alegoría en la que el autor retrata, mediante el léxico heroico, la vida del artista. Configurada en seis movimientos, contiene alusiones melódicas a poemas sinfónicos anteriores, a modo de autobiografía musical.

‘Ein Heldenleben’ es, además, una de las obras imprescindibles en la trayectoria de la OCV, con la que hizo su aplaudido debut en el Auditorio Nacional de Madrid en 2010 bajo la dirección de Zubin Mehta.

Mark Elder

‘Sir’ Mark Elder es director musical de la Orquesta Hallé de Mánchester desde 2000. A partir de septiembre de 2022 será principal director invitado de la Filarmónica de Bergen. Anteriormente desempeñó los cargos de director musical de la English National Opera (1979-1993) y de la Filarmónica de Rochester, Nueva York (1989-1994), además de los de principal director invitado de los London Mozart Players y de las sinfónicas Ciudad de Birmingham y la BBC.

El maestro británico dirige las orquestas más importantes del panorama internacional: Concertgebouw, París, Festival de Budapest, filarmónicas de Berlín y Londres y las sinfónicas de Boston y Chicago. Es artista principal de la Orchestra of the Age of Enlightenment, colabora regularmente con la Sinfónica de Londres y ha dirigido en los Proms durante muchos años.

Su presencia es también habitual en los principales teatros de ópera: Covent Garden, Metropolitan, las óperas de París y Chicago o el Festival de Glyndebourne. También ha sido invitado al Festival de Bayreuth (donde fue el primer director inglés en dirigir una nueva producción), Múnich, Ámsterdam, Zúrich, Ginebra, Berlín y al Festival de Bregenz.

Premios Teatro Real

José María Álvarez-Pallete, José Bogas, Florentino Pérez, Nicola Luisotti, Marina Rebeka, Christof Loy, Michael Fabiano, Carlos Álvarez y Santiago Moreno, recibieron anoche en el Teatro Real, en una gala dedicada a la mezzo Teresa Berganza y que estuvo presentada por Anne Igartiburu, los primeros premios que concede el Teatro a la actividad institucional y artística desarrollada en el coliseo.

La entrega de los galardones, esculturas donadas por Cristina Iglesias representando la embocadura de un escenario, fue la antesala de un concierto protagonizado por la mezzo Silvia Tro Santafé, excelente intérprete y gran admiradora de Teresa Berganza, fallecida el pasado 13 de mayo.

Los premios Teatro Real, según explicó en su intervención el presidente de la institución, Gregorio Marañón, se otorgan a “personas excepcionales” que han contribuido decisivamente con su apoyo y con su talento a hacer del Teatro Real “uno de los principales teatros de ópera del mundo, recuperando el prestigio que tuvo en el siglo XIX”. Marañón recordó que, aunque Teresa Berganza, patrona de Honor del Teatro, quiso irse en silencio, la emoción de sus interpretaciones acompañará siempre a todos.

El presidente de Telefónica, José María Álvarez-Pallete, aseguró, al recibir su galardón de manos de la vicepresidenta del Patronato del Teatro Real, Helena Revoredo, que “las puertas del Real, fábrica de recuerdos inolvidables, dan entrada a momentos únicos, momentos que muy pocos teatros del mundo son capaces de producir”.

Para el consejero delegado de Endesa, José Bogas, a quien entregó su escultura el director general del Teatro, Ignacio García-Belenguer, el Real, se ha convertido “en un referente mundial de gestión en el mundo de la ópera”, un camino en el que su empresa ha acompañado a la institución desde su reapertura, en 1997, y que tiene ahora en la plataforma audiovisual del coliseo, My Opera Plater, y en el proyecto Cerca de Ti, dos experiencias que les “entusiasman” y que definen su apuesta por el patrocinio de la cultura.

El presidente de ACS, Florentino Pérez, señaló, tras recibir su premio de manos del presidente del Teatro Real, Gregorio Marañón, que “en estos momentos se hace más evidente que nunca” que se debe mantener todo el esfuerzo en potenciar la cultura y el deporte, y subrayó que el Real es, en ese sentido, “una institución clave en la difusión de la cultura española”.

“Este galardón no es solo mi galardón, es el galardón de la gente del Teatro Real porque en este Teatro hay personas: hay orquesta, coro, técnicos, maestros, gente que trabaja todos los días para la música, para el teatro, para la esperanza, para el futuro”, afirmó en su turno el director de orquesta el maestro Nicola Luisotti, a quien entregó su galardón el embajador de Italia en España, Riccardo Guariglia.

“Solo quiero decir que cuando el resto del mundo esperó para actuar, actuó el Teatro Real, un teatro al que llamo mi hogar, mi casa. Es el líder mundial en mantener la cultura y, por eso, debemos permanecer agradecidos a todo el equipo de esta maravillosa compañía”, resaltó el tenor estadounidense Michael Fabiano, a quien hizo entrega de su premio la secretaria de Estado de Presupuestos y Gastos, María José Gualda.

El director artístico del Teatro, Joan Matabosch, fue el encargado de dárselo a la soprano letona Marina Rebeka, que hizo un dúo con Silvia Tro Santafé como colofón del concierto.

“Quería decir que este teatro ha sido siempre muy especial para mí. Esta Traviata –la que cantó en julio de 2020 con Fabiano como compañero en escena y Luisotti en el foso- estará siempre en mi memoria y mi corazón porque estábamos todos en casa, sin nada, sin trabajo… La pandemia se interponía contra la cultura y ahora cuando miro esta sala sin mascarillas pienso que ha sido una victoria”, afirmó Rebeka.

El director de escena alemán Christof Loy, responsable de la producción de Rusalka en 2021, recordó, tras entregarle su escultura la coordinadora general de la Alcaldía de Madrid, Matilde García Duarte, que su primera producción en el Teatro fue Capriccio, en 2019, y “fue amor a primera vista” porque el Real es, detalló, “una mezcla maravillosa de pasión y disciplina”.

El barítono Carlos Álvarez, a quien le dio su premio la patrona del Real y consejera de Cultura, Turismo y Deporte de la Comunidad de Madrid, Marta Rivera de la Cruz, se confesó “un privilegiado” por tener la suerte de pisar un teatro en el que trabaja “un gran equipo”. Afirmó que los artistas tienen la obligación de “seguir siendo un ejemplo para aquellos que tienen una necesidad de esperanza y de cultura”.

Cerró la ceremonia de entrega de premios el presidente del Comité Médico del Teatro, el jefe del servicio de Enfermedades Infecciosas del hospital madrileño Ramón y Cajal, Dr. Santiago Moreno, quien dedicó su galardón a todos los que trabajan en Sanidad, a quienes “han estado velando para que nuestra salud se mantuviera un poquito mejor”.

El Teatro Real, dijo tras recoger su premio de manos del director general adjunto del Teatro, Borja Ezcurra, ha sido “un ejemplo de lo bien que se pueden y se deben hacer las cosas (…) El Teatro aceptó, voluntariamente, el gran reto de no interrumpir su actividad durante plena pandemia. Era el único ejemplo en el mundo capaz de llevar a cabo semejante hazaña velando a toda costa por la seguridad de sus trabajadores y la del público. La travesía ha sido recorrida con éxito y figurará en los anales de la historia de los teatros de ópera”, añadió.

Fotografía: © Javier del Real | Teatro Real

Daniel Pinteño

El violinista Daniel Pinteño junto con la formación Concerto 1700, de la que es director y fundador, ofrecerá este verano nueve conciertos en seis comunidades autónomas en el marco de ocho festivales y con cuatro programas musicales diferentes. En estas citas el público podrá disfrutar de algunas de las páginas más brillantes y en algunos casos desconocidas de la música histórica española, trazando un apasionante recorrido que abarca desde las etapas tempranas del barroco hasta las puertas del Romanticismo.

Desde ‘cantadas’ de temática religiosa compuestas por algunos de los mejores compositores de su tiempo para los ‘castrati’ de la Real Capilla hasta los divertimentos de Gaetano Brunetti -piezas que sonaban en los salones del Madrid aristocrático del XVIII-, pasando por canciones, danzas y pasacalles populares en la España de hace cinco siglos recreados en una singular jam session que anticipa las improvisaciones del jazz. El trabajo de Daniel Pinteño y su Concerto 1700 pone de manifiesto la variedad temática y la impresionante riqueza de la música barroca. Los diferentes programas que se interpretarán en esta gira estival son buena prueba de ello.

El primero de estos conciertos tendrá lugar el 8 de junio en Lugo, dentro del Festival de Música Cidade de Lugo. Se ofrecerá el programa Bello pastor: cantadas para castrati en la Real Capilla, en el que se interpretarán piezas de algunos de los compositores clave del siglo XVIII español, entre ellos Antonio Literes, José de Nebra y José de Torres. Este trío de grandes músicos desarrolló su labor en torno a la Real Capilla de Madrid creando algunas de las obras sacras más bellas del siglo XVIII. En este programa se seleccionan alguna de sus mejores obras escritas para ‘castrati alto’ y consagradas al ámbito religioso de la corte madrileña. Para esta ocasión, Concerto 1700 vuelve a colaborar con el contratenor Carlos Mena, considerado como una de las voces más elegantes e imponentes de la música antigua española y con el que cosecharon un gran éxito de público y crítica con su disco “Antonio Literes: Sacred Cantatas for alto”, nominado a los premios ICMA Awards 2022 como mejor grabación vocal barroca.

Bello pastor: cantadas para castrati en la Real Capilla se celebrará también en dos localidades almerienses: el 8 de julio en Roquetas de Mar dentro del Festival Mare Musicum, y el 25 de julio en el Festival Internacional de Música Renacentista y Barroca de Vélez-Blanco.

La música barroca: fiesta popular y divertimento aristocrático

El 1 de julio y en el marco del Festival de Música Antigua de Gijón, Daniel Pinteño vuelve la vista a algunas de las melodías más populares de los siglos XVII y XVIII, en un apasionante viaje a través de las danzas y canciones de la España antigua. Un concierto que sumergirá de lleno al espectador en una auténtica “fiesta barroca”, en la que resonarán los intrincados ritmos de las jácaras, los fandangos, los canarios o las folías, alternados con las suaves y nobles armonías de las españoletas o los pasacalles. Desde un punto de vista desenfadado se abordarán los puntos en común entre la música barroca y el jazz en una singular jam session consagrada a algunas de las danzas más representativas de nuestro país durante siglos y que fueron tratadas por compositores de todo el continente. Este programa, bajo el nombre genérico Follia! Sones y danzas de la España antigua, plantea una nueva meta: acercar la música barroca de nuestro siglo XVII a nuevos públicos y formatos más novedosos.

En la Comunidad de Madrid, y dentro del Festival Clásicos en Verano, organizado por la Consejería de Cultura y Turismo, Concerto 1700 ofrecerá Matteis: Ayres de Britannia, dedicado al músico Nicola Matteis, nacido en Nápoles, y establecido en Londres a principios de la década de 1670, donde rápidamente se consagró como un violinista talentoso. Sin embargo, Matteis no pudo obtener un puesto en la corte, tal vez porque, según el biógrafo Roger North, “sus modales no fueron los mejores y se comportó de manera arrogante”. Finalmente fue acogido en Inglaterra como un gran virtuoso donde se asentó para el resto de su vida, aunque gran parte de ella sigue siendo un misterio. Para este programa, Daniel Pinteño ha reunido danzas trepidantes y aires melancólicos del músico napolitano que permiten recrear el periplo emocional del propio Matteis, desde su llegada al Gran Londres hasta su última morada en el condado de Norfolk.

Este programa dedicado a Matteis visitará dos ciudades de la comunidad madrileña en el marco del citado Festival Clásicos en verano: Torrelaguna (16 de julio) y Cubas de la Sagra (17 de julio).

Aragón, País Vasco y de nuevo la Comunidad de Madrid serán los escenarios de las siguientes citas del conjunto barroco, y con un programa común, dedicado a los “divertimentos” inéditos de Gaetano Brunetti (1744-1798). Estos trabajos fueron recogidos por Daniel Pinteño y Concerto 1700 en un CD que salió al mercado en 2021. Una labor “de rescate” de la obra de un compositor que ocupó una posición muy relevante en el mundo musical madrileño de la segunda mitad del siglo XVIII, siendo el máximo responsable de la música que se interpretaba en la cámara del Príncipe de Asturias, futuro Carlos IV. Además, Brunetti tuvo relación con las casas aristocráticas más importantes de su tiempo, incluyendo los duques de Alba o los Benavente-Osuna. Según explica Daniel Pinteño, “hablamos de música compuesta en el Madrid de la década de 1770 para ser tocada, según todo indica, por el que fue el XII Duque de Alba, Fernando de Silva y Álvarez de Toledo, uno de los personajes ilustrados más interesantes del Madrid de mediados de siglo”. Brunetti contribuyó, además, a la difusión en España de las novedades musicales que procedían del resto de Europa, especialmente de París y Viena.

Divertimenti: tríos de cuerda en la época de Brunetti podrá escucharse el 19 de agosto en el Festival En el camino de Santiago de Villanúa (Huesca) y el 20 de agosto en Artziniega (Álava), dentro de la Quincena Musical de San Sebastián. El 9 de septiembre este concierto se celebrará también en la primera edición del festival que se dedicará íntegramente a la figura de Gaetano Brunetti en la localidad donde el músico residió durante sus últimos años, Colmenar de Oreja (Comunidad de Madrid).

Daniel Pinteño y Concerto 1700 están especializados en la interpretación historicista con instrumentos de época de obras que abarcan desde las etapas más tempranas del barroco hasta el inicio del Romanticismo. Juntos llevan a cabo una importante labor de recuperación del patrimonio musical, en especial de compositores españoles del siglo XVII y XVIII que, por un motivo u otro, quedaron relegados al olvido. Sus últimos trabajos discográficos están dedicados a la obra de Antonio Literes -junto a Carlos Mena- y a la recuperación de los ‘Divertimenti’ de Gaetano Brunetti, todo un hito musical e historiográfico, ya que nunca antes habían sido grabados en disco.

CONCIERTOS ESTIVALES CONCERTO 1700

PROGRAMACICLOCIUDAD (CC. AA)FECHA
Bello Pastor: Cantadas para castrado en la Real CapillaFestival de Música Cidade de Lugo – Semana de Música do Corpus – Sociedad Filarmónica de LugoLugo (Galicia)08/06
Follia! Sones y danzas de la España AntiguaFestival Música Antigua Gijón – Ayuntamiento de GijónGijón (Asturias)01/07
Bello Pastor: Cantadas hispanas para altoFestival Mare Musicum – Ayuntamiento de Roquetas de MarRoquetas de Mar (Andalucía)08/07
Matteis: Ayres de BritanniaFestival Clásicos en Verano – Consejería de Cultura y Turismo de Comunidad de MadridTorrelaguna (Comunidad de Madrid)16/07
Matteis: Ayres de BritanniaFestival Clásicos en Verano – Consejería de Cultura y Turismo de Comunidad de MadridCubas de la Sagra (Comunidad de Madrid)17/07
Bello Pastor: Cantadas hispanas para altoFestival Internacional de Música Renacentista y Barroca de Vélez-BlancoVélez-Blanco (Andalucía)25/07
Divertimenti: Tríos de cuerda en los tiempos de BrunettiFestival En el camino de Santiago – Diputación de HuescaVillanúa (Aragón)19/08
Divertimenti: Tríos de cuerda en los tiempos de BrunettiQuincena Musical San Sebastián (Quincena Andante) – Diputación Foral de ÁlavaAtziniega (Euskadi)20/08
Divertimenti: Tríos de cuerda en los tiempos de BrunettiFestival de Música Gaetano Brunetti – Colmenar de OrejaColmenar de Oreja (Comunidad de Madrid)09/09
Temporada Les Arts

La consellera de Educación, Cultura y Deporte, Raquel Tamarit, ha presentado la oferta artística de Les Arts de la Temporada 2022 – 2023 acompañada del director artístico de la institución, Jesús Iglesias Noriega, y del presidente del Patronato de Les Arts, Pablo Font de Mora.

Les Arts recorre cinco siglos de ópera, de Monteverdi a la nueva creación del siglo XXI, en la que se mantiene su mirada universal por los mundos de la lírica y el repertorio sinfónico; del Barroco, el ‘Lied’ y el Flamenco a las otras músicas, además de su imprescindible compromiso con la Danza.

Según la consellera Raquel Tamarit, “dos ejes temáticos sustentan las diferentes propuestas: la luz como energía motora y la celebración de la vida. Además, dentro de nuestra apuesta por una programación abierta y vertebradora, Les Arts inicia en Altea, el 1 de septiembre, su decimoséptima temporada, con el primero de tres conciertos fuera de la sede de València, a cargo del director titular de la Orquestra de la Comunitat Valenciana, James Gaffigan. Una concepción autonómica que se suma a la presencia activa en Castelló de la Plana; el nuevo proyecto de ‘Les Arts Volant’, con la ópera ‘Cendrillon’, y la gira ‘Les Arts amb Tu’, con los que se afianza el desarrollo de la actividad de Les Arts a lo largo de nuestro territorio”.

“La programación también incrementa el número de acciones de apertura y proximidad con ‘Les Arts és per a Tots’, que crece con nuevas propuestas, y una nueva línea de trabajo: ‘Les Arts és Inclusió’, destinada a colectivos en riesgo de exclusión social y que llevará este año a la OCV y al Centre de Perfeccionament a diferentes centros penitenciarios de nuestro territorio”, ha añadido Tamarit.

La captación de nuevos públicos incorpora un nuevo apartado musical: ‘Les Arts és Músiques Valencianes’, con una especial atención al tejido musical de la Comunitat en sus diferentes estilos y expresiones.

El director artístico de Les Arts ha detallado la programación en un curso operístico que alumbra cinco nuevas producciones: ‘Zelle’, ‘Anna Bolena’, ‘Cendrillon’, ‘L’incoronazione di Poppea’ y ‘Ernani’, títulos inéditos en el repertorio del teatro que se suman a los también inéditos ‘Jenůfa’, ‘Alcina’ y ‘El cantor de México’; también tres obras muy apreciadas por el público valenciano: ‘La bohème’, ‘Don Giovanni’ y el esperado regreso de Wagner con ‘Tristan und Isolde’.

Reputados expertos asumen la dirección de ópera y zarzuela en el foso, con James Gaffigan para Puccini y Wagner; Gustavo Gimeno en su retorno a la Sala Principal con Janáček; Riccardo Minasi (Mozart); Michele Spotti (Verdi); Maurizio Benini (Donizetti); Marc Minkowski (Händel); Leonardo García Alarcón (Monteverdi), y Óliver Díaz en la opereta ‘El cantor de México’.

Los cuerpos estables de Les Arts, el Cor de la Generalitat y la Orquestra de la Comunitat Valenciana (OCV) trabajarán también con primeras batutas en el repertorio sinfónico, en el que, junto con James Gaffigan, repiten Gustavo Gimeno, Pablo González y Antonello Manacorda, y donde debutarán batutas consagradas como Fabio Luisi, Andrés Orozco-Estrada y Vasily Petrenko.

Las diferentes líneas de programación dedicadas a la voz reúnen de nuevo a los intérpretes más cotizados, reconocidos especialistas en su género y emergentes estrellas en el amplio abanico de artistas que visitarán Les Arts.

Cecilia Bartoli y Juan Diego Flórez, como protagonistas absolutos de ‘Les Arts és Grans Veus’, lideran un ambicioso desafío con las primeras incursiones en València de varias ‘prima donna’ de la escena operística: Angela Meade (‘Ernani’), Ricarda Merberth (‘Tristan und Isolde’), Magdalena Kožená (‘Alcina’), Corinne Winters y Petra Lang (‘Jenůfa’).

De igual forma, el ciclo de ‘Lied’, que este año invita a Christian Gerhaher, Marina Rebeka, Nadine Sierra y Marianne Crebassa, contará con la actuación en primicia de Andrè Schuen, designado sucesor de los grandes nombres del género, con acompañamiento de la OCV bajo la dirección de Anna Sułkowska-Migoń.

Mientras que la segunda edición de ‘Les Arts és Barroc’ congrega a los más respetados intérpretes nacionales: Maite Beaumont, Èlia Casanova, Quiteria Muñoz y Pino de Vittorio, dentro del cartel de este año con La Tendresa, Concerto 1700, Capella de Ministrers y Al Ayre Español.

Sólidos repartos sustentan cada uno de los títulos de ópera, en los que destaca el debut de Eleonora Buratto como Anna Bolena, que marca el inicio de la coproducción de Les Arts de la ‘Trilogía Tudor’. La diva italiana, que se pondrá en la piel de las tres reinas de Donizetti en este proyecto, estará acompañada por Alex Esposito (Enrico VIII), Ismael Jordi (Lord Riccardo Percy) y Silvia Tro Santafé (Giovanna Seymour).

Federica Lombardi y Saimir Pirgu encarnarán a Mimì y Rodolfo en ‘La bohème’, con Marina Monzó como ‘Musetta’, mientras que ‘Don Giovanni’ reunirá a aplaudidos cantantes en Les Arts: Davide Luciano, Ruth Iniesta, Xabier Anduaga, Gianlucca Buratto, Elsa Dreisig, Riccardo Fassi y Jacquelyn Stucker.

Wagner volverá a la Sala Principal diez años después con algunos de los favoritos de Bayreuth, Stephen Gould –Tristán de referencia–, Ain Anger (Rey Marke) y Elena Zhidkova (Brangäne). Por su parte, Angela Meade debutará con ‘Ernani’ rodeada de grandes verdianos: Piero Pretti, Franco Vasallo y Evgeny Stavinsky.

Representantes de la tradición ya asentada y de la más puntera creatividad firman el abanico de estéticas que ofrece la Temporada 2022-23. Reputadas directoras como la británica Katie Mitchell (‘Jenůfa’), la holandesa Jetske Mijnssen (‘Anna Bolena’) y la también compositora Jamie Man (‘Zelle’) trabajan por primera vez en València junto con el joven, pero ascendente, Andrea Bernard (‘Ernani’).

Nuevos valores y nombres, que convivirán sobre el escenario con artistas consolidados en el teatro, como Ted Huffman en el nuevo montaje de ‘L’incoronazione di Poppea’; Joan Font para la nueva producción de ‘Cendrillon’, junto con reconocidos trabajos de Davide Livemore (‘La bohème’), Damiano Michieletto (‘Don Giovanni’), el ‘Tristan und Isolde’ de Àllex Ollé o el infalible sello de Emilio Sagi en ‘El cantor de México’.

Un año más, ‘Les Arts és Dansa’ mantiene sus ejes programáticos con Sara Baras como estrella indiscutible de la danza española en su primera actuación en el teatro, junto con la presencia del gran repertorio de la mano de la Compañía Nacional de Danza y la premiada ‘Carmen’ de John Inger, y el talento del valenciano Marcos Morau y su compañía La Veronal en ‘Opening Night’.

Les Arts no faltará a su cita con las diferentes manifestaciones de la voz, con nombres como Marina Heredia, Alba Molina, Pansequito, Familia Rancapino y Tomatito, en el ciclo de flamenco, y Melody Gardot, Wim Mertens y Rufus Wainwright en el capítulo dedicado a otras músicas.

Fotografía: Mikel Ponce

Annalisa Stroppa

Una de las cantantes italianas más consolidadas del circuito lírico internacional, la mezzosoprano Annalisa Stroppa, regresa este mes de junio a Palma para despedir la temporada del Teatre Principal de la capital mallorquina. Lo hará con los papeles de La Musa, Nicklausse y La voix de la tombe, de la ópera de Offenbach Les contes d’Hoffmann en su vuelta al repertorio francés, en el que ha conseguido recientes éxitos como en la inauguración de la temporada del Teatro Massimo de Palermo con Carmen, de Bizet, cuyo rol titular también ha interpretado ante el público mallorquín.

Stroppa afirma sentirse “encantada” de meterse en la piel del estudiante Nicklausse, apariencia terrena de la musa de la poesía, quien intenta guiar, reconducir y hacer ver la realidad al enamoradizo Hoffmann. “Adoro interpretar personajes masculinos de vez en cuando”, comenta la mezzosoprano: “es un reto que me divierte y me apasiona; como mezzosoprano he interpretado varios roles en travesti, como Orfeo, Cherubino, Hansel, Roméo, Siebel, Stéfano o Ascanio. A Nicklausse ya le conozco, porque tuve la suerte de debutarlo hace dos temporadas en el Teatro San Carlo de Nápoles. Es un personaje que tiene un peso especial en esta apasionante ópera tanto a nivel escénico como vocal. Además en Palma se recuperarán algunas escenas que suelen cortarse”.

Stroppa debutó en Palma en “un momento delicado”, comenta, “justamente en marzo de 2020, antes de que la pandemia paralizara el mundo. Esa Carmen fue la última producción que canté antes de vivir ese momento tan difícil para la humanidad en el que tantas personas fallecieron especialmente en mi tierra, Brescia (en el norte de Italia), que en un primer momento fue el epicentro de la enfermedad en Europa. Me ayudó a superarlo el recuerdo de la maravillosa acogida del público mallorquín, por lo que tengo unas ganas enormes de reencontrarme con esa audiencia tan apasionada con un rol tan diferente al de hace dos años y en una tierra tan hermosa como la de las Islas Baleares; cantar en España es siempre una gran alegría: amo a su público, a sus fantásticos teatros, la comida, la gente y los bellísimos paisajes”, concluye. La producción de Les Contes d’Hoffmann (8, 10 y 12 de junio) cuenta con la dirección de escena de Vincent Huguet y musical de la maestra china Yi-Chen Lin.

Annalisa Stroppa concentra gran parte de su carrera en el repertorio belcantista (Rossini, Donizetti, Bellini) y en el del romanticismo francés, pero en sus próximos compromisos se abre al primer Verdi y a su Preziosilla (La forza del destino en el Festival Verdi de Parma) y además interpretará su primera Laura en La Gioconda, de Ponchielli, en Verona. Todo ello antes del importante debut con Léonor de Guzmán, la protagonista de La Favorite en el Festival Donizetti de Bérgamo, el certamen más importante del mundo dedicado al compositor italiano.

Marion Cotillard

Entre los días 7 y 17 de junio, el Teatro Real ofrecerá 8 funciones de una nueva coproducción con la Ópera de Frankfurt, que une la cantata La damoiselle élue (La doncella bienaventurada), de Claude Debussy (1862-1918) -con libreto del poeta y pintor inglés Dante Gabriel Rossetti (1828-1882)- y el oratorio dramático Juana de Arco en la hoguera (Jeanne d’Arc au bûcher), de Arthur Honegger (1892-1955), con libreto del escritor Paul Claudel (1868-1955). Marion Cotillard

Las dos obras se presentan sin pausa, con dramaturgia y puesta en escena de Àlex Ollé (La Fura dels Baus), en un decorado único concebido por Alfons Flores, con figurinismo de Lluc Castells, iluminación de Joachim Klein y Urs Shönebaum y vídeo de Franc Aleu.

Creada por encargo de la bailarina, actriz y mecenas franco-ucraniana Ida Rubinstein (1885-1960), Juana de Arco en la hoguera se estrenó en versión de concierto en 1938. Sin embargo, las atrocidades del nazismo y la ocupación de Francia llevaron a Paul Claudel y Arthur Honegger a añadir posteriormente un prólogo que uniera más claramente la tragedia de Juana de Arco en la Guerra de los Cien Años y la brutal expansión alemana en la Segunda Guerra Mundial.

Esta segunda versión, con prólogo y 11 escenas, estrenada en 1946, es la que se verá en el Teatro Real. En ella, Juana de Arco (Marion Cotillard), en la pira que la quemará, recuerda desordenadamente momentos de su vida en un doble flashback por el que van desfilando una serie de personajes distorsionados: un juez-cerdo, un fiscal-burro, un jurado de ovejas, una masa ruidosa de hombres bestializados, pero también la virgen, santas y niños.

La música, con una orquestación original -que incluye dos pianos, tres saxofones, ondas martenot, etc.- se sucede como un mosaico de lenguajes, estilos e influencias que van del canto gregoriano y el contrapunto a las melodías de inspiración folclórica y jazzística, sin rehuir las disonancias, con una escritura coral de gran complejidad y vigor dramático.

Àlex Ollé concibe la producción como una distopía, con un mundo arrasado por las mismas hordas deshumanizadas que han devastado Europa en el siglo XV de Juana de Arco, en el siglo XX de Claudel y Honegger y en siglo XXI, más allá de nosotros: un universo de bestias manipuladoras y de chusmas gregarias del que solo la muerte, la espiritualidad y la fe nos pueden liberar. Ese plano inmaterial y trascendente, donde habitan la virgen y los santos -representado, en el decorado de Alfons Flores, por la mitad superior del escenario- es también el reino celestial donde La demoiselle élue, La doncella bienaventurada, espera a su amante, que vive aún en el mundo real, para, después de la muerte, unirse a ella en la eternidad del amor. Este universo intangible, de paz y serenidad, es el mismo que le espera a Juana de Arco más allá de la pira y el fuego exterminador, uniendo a las dos protagonistas como el díptico de un retablo.

La cantata de Claude Debussy, con reminiscencias de los pasajes más trascendentes y etéreos de Richard Wagner, será protagonizada por la soprano Camilla Tilling, la mezzosoprano Enkelejda Shkosa y un coro de voces femeninas que cantan fragmentos del poema simbolista The Blessed Damozel, de Dante Gabriel Rossetti, que también pintó el retrato de la heroína (actualmente en el Fogg Art Museum de la Universidad de Harvard).

El final evanescente de La demoiselle élue da paso al tenebroso Prólogo de Juana de Arco en la hoguera, protagonizado por Marion Cotillard, junto al actor Sébastien Dutrieux (Fray Dominique), las sopranos Sylvia Schwartz (La virgen) y Elena Copons (Marguerite), la mezzosoprano Enkelejda Shkoza (Catherine), el tenor Charles Workman (Porcus), el bajo-barítono Torben Jügens (Heraldo), el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real y los Pequeños Cantores de la JORCAM, bajo la dirección musical de Juanjo Mena.

Juana de Arco en la hoguera se interpretó en el Teatro Real, en versión de concierto, en 1971 -protagonizada por Claude Nollier, con el Coro y la Orquesta de RTVE dirigida por Odón Alonso- y en 1978, con la actriz Lilliane Becker en el rol titular, junto a la Orquesta Nacional de España y el Orfeón Pamplonés bajo la dirección de Pedro Pirfano. Llega ahora, por primera vez, con una versión escénica que muestra cómo la barbarie y el fragor de la guerra siguen devastando el gran teatro del mundo.

Mario Prisuelos

Con el recital ‘Compositoras de hoy en el piano’ que Mario Prisuelos dedica a las creadoras españolas contemporáneas, el Teatro de la Zarzuela pondrá el broche final de esta temporada al ciclo Domingos de Cámara. Será el próximo domingo 5 de junio a las 12h00 en el Ambigú del coliseo, y las entradas están disponibles al precio único de 6€.

Mario Prisuelos incluirá en su concierto música de Nuria Núñez, Marisa Manchado, Mercedes Zavala y Teresa Catalán, con estrenos absolutos de Nuria Mª Sánchez, Inés Badalo y Sonia Megías.

Considerado uno de los más relevantes pianistas de su generación, en la amplia carrera de Mario Prisuelos es fundamental su firme compromiso con la música de su tiempo, por lo que ha estrenado, grabado e interpretado obras —a menudo dedicadas a él— de compositores como Tomás Marco, Jesús Rueda, David del Puerto, José Mª Sánchez-Verdú, Jesús Torres, Mercedes Zavala, Nuria Núñez o Mauricio Sotelo.

Cada concierto del ciclo ha contado con uno o varios estrenos absolutos, buena parte de ellos de jóvenes compositoras en colaboración con el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. En esta ocasión serán tres las obras que se interpretan por vez primera: ‘Eneatipos’ de Nuria Mª Sánchez, ‘Libro de arena’ de Inés Badalo y ‘Cubanías nº 1’ de Sonia Megías.

A través del ciclo Domingos de Cámara, que tendrá una nueva edición en la próxima temporada, el Teatro continúa con la difusión de la música “en femenino“, mucha de ella inédita, con la intención de descubrir al público la excelencia de las creaciones de estas compositoras españolas que rara vez tuvieron (o tienen) el debido reconocimiento.

Premios Teatro Real

El barítono español Carlos Álvarez y el tenor estadounidense Michael Fabiano; el director de orquesta italiano Nicola Luisotti; el director de escena alemán Christof Loy y la soprano letona Marina Rebeka, son los ganadores artísticos de la primera edición de los Premios Teatro Real, que se entregarán el próximo 6 de junio en una Gala protagonizada por la mezzosoprano española Silvia Tro Santafé.

Estos premios se unen a los ya anunciados, en la categoría institucional, a José María Álvarez-Pallete, José Bogas y Florentino Pérez, además de al doctor Santiago Moreno, presidente del Comité Médico del Teatro Real.

Los galardones de la categoría artística se conceden a Christof Loy, Nicola Luisotti, Marina Rebeka, Carlos Álvarez y Michael Fabiano por su gran temporada artística en el Teatro Real. Los artistas, parte de la “Gran Familia” del Teatro Real, han regalado con su talento un viaje a mundos que solo ellos pueden construir.

El próximo 6 de junio, a las 19.30 horas, el Teatro Real entregará, en una Gala especial, los galardones, que tienen como objetivo reconocer el mérito de personalidades y artistas vinculados al Real y que han destacado, de manera especial, por su apoyo a la institución a lo largo de la temporada 2020-2021.

En esta ocasión, la Gala estará dedicada a la fallecida mezzosoprano Teresa Berganza, Patrona de Honor del Teatro, cuya impronta estará presente en algunas de las piezas elegidas para el concierto.

Las distinciones, distribuidas en dos categorías, institucional y artística, nacen con vocación de continuidad. El premio es una magnífica obra de la escultora Cristina Iglesias, realizada generosamente por la gran artista para el Teatro Real.

Lara Diloy
Lara Diloy, la naturalidad al frente de una orquesta

Lara Diloy encontró en la dirección de orquesta la mejor manera de vincularse a su mayor pasión, la música. Como directora asistente es toda una garantía para teatros y directores titulares. Y hemos podido comprobarlo recientemente, dirigiendo algunas funciones de la opera Don Gil de Alcalá en el Teatro de la Zarzuela. Su seguridad y actitud al frente de una orquesta nos demuestra que estamos ante uno de los nuevos talentos de la dirección en nuestro país. El futuro ya está aquí.

¿Cómo y cuándo decide que quiere ser directora de orquesta?

En mi caso ha sido una consecuencia natural de mi dedicación y pasión por la música. Desde pequeña descubrí que hacer música junto a otras personas me hacía muy feliz. La orquesta era mi hogar, por eso cuando terminé los estudios superiores de trompa y sentí que necesitaba ampliar mi formación para convertirme en un músico más completo, la opción fue estudiar dirección de orquesta, ya que esta disciplina me permitía profundizar mis conocimientos manteniéndome ligada a la orquesta.

Si tengo que elegir un momento clave en el que decidí dedicarme profesionalmente a ello, fue participando en un encuentro de la JONDE como joven directora. Me llenó tanto la experiencia que el curso siguiente dejé mi trabajo como docente y las colaboraciones como trompista en orquestas, y desde entonces me he volcado en cuerpo y alma a la dirección.

El director de orquesta es el único músico que no emite ningún sonido, pero consigue que lo hagan todos los demás. ¿Qué cualidades considera que debe tener un director de orquesta?

Cierto es que nosotros no emitimos ningún sonido de forma directa, pero apuntaré que la batuta suena (y mucho). La orquesta percibe nuestra energía y nuestro conocimiento de la música, y como tal lo traslada a la interpretación. Esa es la magia de la dirección de orquesta.

Las cualidades necesarias son múltiples ya que nuestra disciplina requiere del dominio de muchas facetas. Pero algo que considero fundamental es tener un profundo conocimiento de la música que tienes entre manos, decidir tu idea interpretativa y, por supuesto, tener la capacidad de comunicación para transmitirla al grupo que tienes delante en cada momento.

Ha sido en varias ocasiones directora asistente en el Teatro de la Zarzuela, pero esta es la primera vez en la que le ha tocado sustituir al maestro titular en varias funciones. Aunque, tarde o temprano puede llegar ese momento, ¿cómo es?, ¿qué pasó por su cabeza?

Realmente ha sido una experiencia inolvidable. Aunque como asistente eres consciente de que en cualquier momento puede pasar algo y hay que sustituir al maestro, habitualmente no suele suceder. Por ello es difícil saber cómo vas a reaccionar en una situación así.

En Don Gil de Alcalá me ha tocado tomar el mando en pocas horas (me avisaron a las 15h y la función era a las 20h), y puedo decir que solamente pensé en hacer lo que tenía que hacer: estar tranquila y dirigir. Conocía perfectamente la música y la producción, y además estaba arropada por el maestro desde la distancia y por todo el teatro. Se generó una energía fantástica con los cantantes, el coro y la orquesta, y esa energía llegó al público. Solo puedo estar agradecida por esta oportunidad.

Aunque ha tenido la oportunidad de dirigir en teatros importantes como Auditorio Nacional de Música y Teatro Monumental (Madrid), Auditorio Alfredo Kraus (Las Palmas de Gran Canaria) o el Teatro Arriaga (Bilbao), ¿cómo ha sido esta primera experiencia al frente de la Orquesta, el Coro y el cuadro de cantantes en una producción tan importante como la de Don Gil de Alcalá en el Teatro de la Zarzuela?

Es un debut muy especial para mí por muchas razones. En primer lugar, porque debutar en el Teatro de la Zarzuela es un sueño cumplido. Llevo años asistiendo como público, participando en diversas producciones y trabajando con ilusión para llegar a dirigir desde el foso.

Me siento muy afortunada de que haya sido con un título como Don Gil de Alcalá, una ópera de Penella con una música maravillosa, en esta producción de Emilio Sagi que hace las delicias de los espectadores (es un “caramelo”). Si a eso le sumas haber trabajado mano a mano con el maestro Macías y un elenco enorme en lo profesional y en lo humano, y hacer música con la Orquesta de la Comunidad de Madrid y el Coro del Teatro, agrupaciones a las que tengo gran cariño, es emoción pura haber vivido esta experiencia, por lo que siempre ocupará un lugar importante en mi memoria.

La figura de director asistente no es muy conocida. Explíquenos un poco en qué consiste y la importancia que tiene en una producción.

La labor que realiza el asistente musical es fundamental dentro de una producción y, como afirmas, poco conocida y reconocida. Es la extensión del maestro musical en el Teatro, y por ello adquiere importancia esta figura para todos los elementos que lo forman: producción, regiduría, equipo técnico, orquesta (archivo, inspección, músicos), coro… El director asistente se encarga de cuestiones como preparar los materiales en coordinación con el archivo de la orquesta, dar notas a los cantantes, al coro y la orquesta, de escuchar los balances en los ensayos, sustituir al maestro en ensayos de escena (lecturas, conjuntos y funciones si fuera necesario)… Junto con los maestros repetidores forman el equipo musical y facilitan el trabajo del director.

Cuando hay bandas internas, se hace cargo de dirigirlas, algo que en mi caso he tenido que hacer en teatros como el de la Maestranza o el Palau de Les Arts. La carga de trabajo se amplía cuando eres asistente musical de una Temporada. Desde 2021 he asumido este rol en la Ópera de Oviedo, donde además realizo labores de coordinación musical que tienen que ver con el largo plazo (previsión de plantillas, cortes, disposición de la orquesta y un largo etc.)

El trabajo del director asistente no solamente es importante en producciones, también en conciertos sinfónicos o galas líricas. Recientemente he sido asistente en el Teatro Real junto al maestro Rovaris, en una gala con Lisette Oropesa, y la coordinación con el archivo del teatro y el maestro para preparar los materiales fue fundamental para optimizar al máximo el tiempo de ensayo.

Además de la dirección de orquesta, es directora y fundadora del coro de voces blancas Sinan Kay, que hemos podido escuchar estos días participando en Carmen, de Bizet, en el Teatro Monumental con la Orquesta y Coro de RTVE. ¿Cómo surgió este proyecto y qué supone para usted?

Sinan Kay es un proyecto muy personal. Surge de mi etapa como docente, donde me hice cargo del coro infantil del centro en que trabajaba. La agrupación desapareció de la programación y los padres y alumnos quisieron continuar con la actividad. Se constituyó como asociación en el curso 2015/2016 y desde entonces hemos buscado siempre un equilibrio entre la excelencia artística y pedagógica.

Además de contar con un equipo docente multidisciplinar, hemos participado en numerosos concursos y festivales, siendo premiados en varias ocasiones. En cuanto a colaboraciones, hemos cantado en producciones del Teatro de la Zarzuela junto a la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid y el Coro del Teatro destacando títulos como Pinocchio, El Gato Montés o Mirentxu, y junto a la Orquesta y Coro de Radio Televisión Española en el Concierto de Reyes de 2020 y en esta Carmen. La próxima temporada volvemos a tener compromisos con ambas instituciones.

Su conocimiento del repertorio sinfónico y operístico es muy amplio. Si tuviera que decantarse por alguno de los dos, ¿prefiere dirigir “sólo” orquestas sinfónicas o prefiere la ópera?

He tocado en orquesta desde los 12 años. El repertorio sinfónico me ha acompañado siempre y me ha hecho crecer como músico. No podría concebir dedicarme a la dirección de orquesta dejando de lado ese repertorio. Aún así, creo que en el mundo lírico estoy encontrando mi espacio. Me siento cómoda y mi alta dedicación a ello en los últimos años está dando sus frutos. En una producción se trabaja durante varias semanas, hay más tiempo para profundizar en la música y para conocer a las personas con las que trabajas, y esa parte me hace inclinar la balanza hacia la ópera y zarzuela, aunque me gustaría combinar ambas.

Usted ha dicho que las mujeres llegan a la dirección de orquesta para darle otro punto de vista, enriquecer… ¿cuál es el suyo?, ¿qué propone Lara Diloy batuta en mano?

Por supuesto, considero que la inclusión de nuevos perfiles en cualquier campo es enriquecedora. Aunque quizá mi aportación no es nueva, sí creo que es poco frecuente: tratar la profesión con naturalidad (somos personas preparadas para hacer un trabajo complejo, pero no “divos” ni nada parecido), con un liderazgo basado en el trabajo en equipo y en hacer que los demás brillen, y buscando la excelencia desde el amor por la música y el respeto y cariño por las personas que me acompañan en cada proyecto.

¿Hay algún director en el que se fije especialmente o le inspire?

En el último año he tenido la fortuna de trabajar con maestros maravillosos: Yves Abel, Corrado Rovaris, Ramón Tebar, Gianluca Marcianó, Lucas Macías, Iván López-Reynoso, Daniele Callegari… De ellos he aprendido mucho y son mi mayor fuente de inspiración en el día a día.

También tengo mucho que agradecer a Óliver Díaz, con quien trabajo desde hace tiempo, que destaca por su profesionalidad y talla humana. Además, sigo a directores españoles o que están haciendo carrera en España como Pablo González o Dima Slobodeniouk, ya que son músicos de gran talento.

En cuanto a grandes nombres de la historia, Carlos Kleiber es un referente que siempre tengo en mente. Y también mujeres como Marin Alsop o Susanna Mälkki que han sido pioneras y nos han abierto camino.

¿Hay algún compositor u obra que le guste especialmente dirigir y por qué?

Me siento muy cómoda dirigiendo repertorio español, tanto lírico como sinfónico, y también con música de compositores como Mozart y Beethoven. Quizá porque han sido los pilares de mi formación como músico y se adhieren en el ADN. Aún así, cada vez estoy incorporando más repertorio y, aunque suene a tópico, intento que la obra que estoy interpretando o estudiando en cada momento sea la más maravillosa del mundo.

Seguro que ya está cumpliendo alguno de sus sueños. ¿Dónde le gustaría verse dentro de no mucho tiempo?, ¿con qué sueña?

El más importante se está realizando, que es poder vivir de la dirección de orquesta. A partir de ahí me gustaría siempre seguir superándome y mejorando, afianzar mi carrera en los teatros y orquestas españolas, y despegar con una carrera internacional.

Aquiles nueva temporada Teatro Real

La temporada 2022-2023 del Teatro Real comienza bajo el signo de OrfeoOrphée, de Philip Glass, se estrenará en España el próximo 21 de septiembre en los Teatros del Canal- y su embrujo transitará por toda la temporada, con la presentación de L’Orfeo, de Claudio Monteverdi y Orfeo ed Euridice, de Christoph Willibald Gluck.

Debido a las complejas obras de renovación del suelo de la caja escénica, después de 25 años de utilización máxima e ininterrumpida, la inauguración oficial de la Temporada 2022-2023 será el 24 de octubre, con la reposición de la espectacular Aida, de Giuseppe Verdi, concebida y renovada por Hugo de Ana, bajo la dirección musical de Nicola Luisotti.

Una vez más, la Temporada del Teatro Real, con una gran variedad de épocas y estilos, recorre cinco siglos de creación musical [ver tabla abajo] y está compuesta por 18 obras en el apartado de ÓPERA, 4 programas de DANZA, 15 CONCIERTOS 4 Voces del Real, 3 conciertos líricos, 2 Galas y 6 conciertos del ciclo Los domingos de cámara-. Se completa con 9 espectáculos para niños y adolescentes enmarcados en EL REAL JUNIOR, además de los 9 talleres infantiles ¡Todos a la Gayarre!

De los 18 títulos de ÓPERA, 8 son nuevas coproducciones del Teatro Real, 2 son reposiciones; 2 son producciones invitadas; 2 serán en versión semiescenificada y 4, en versión de concierto [ver tabla abajo].

El Teatro Real dará a conocer 9 nuevos títulos que nunca se han presentado en su historia, incluyendo 3 estrenos en España Orphée, de Philip Glass; Nixon in China, de John Adams y Anti-formalist Rayok, de Dmitri Shostakóvich- y 3 estrenos en Madrid: Arabella, de Richard Strauss; la versión escénica de La nariz, de Dmitri Shostakóvich; y Diàlegs de Tirant i Carmesina, de Joan Magrané.

De las 8 nuevas coproduciones del Teatro Real, 5 son producciones que se presentan primero en Madrid y posteriormente en los demás teatros coproductores: Orphée, de Philip Glass; La sonnambula, de Vincenzo Bellini; Dido and Aeneas, de Henry Purcell; Aquiles en Esciros, de Francesco Corselli; e Il turco in Italia, de Gioachino Rossini.

En su compromiso con la recuperación del patrimonio lírico español, el Teatro Real presentará dos obras barrocas del siglo XVIII, estrenadas durante el reinado de Felipe V: la ópera Aquiles en Esciros, de Francesco Corselli y la zarzuela Coronis, de Sebastián Durón, entonces Maestro de la Real Capilla de Madrid.

   ÓPERAS DE LA TEMPORADA

 

Nuevas coproducciones

 

 

 

 

 

 

 

Producciones

invitadas 

 

Reposiciones

 

Versiones

semiescenificadas  

 

Versiones de

concierto 

 

 

Orphée*, de Philip Glass | Estreno en España

La sonnambula*, de Vincenzo Bellini

Dido y Eneas*de Henry Purcell

Arabella, de Richard Strauss | Estreno en Madrid

Aquiles en Esciros*, de Francesco Corselli

La narizde Dmitri Shostakóvich | Estreno en Madrid (versión escénica)

Nixon in China, de John Adams | Estreno en España

Il turco in Italia*, de Gioachino Rossini

 

L’Orfeo, de Claudio Monteverdi

Diàlegs de Tirant i Carmesina, de Joan Magrané | Estreno en Madrid

 

Aidade Giuseppe Verdi

Turandot, de Giacomo Puccini

 

Tristán e Isolda, de Richard Wagner

 Anti-formalist Rayok, de Dmitri Shostakóvich | Estreno en España

 

El retablo de Maese Pedro, de Manuel de Falla 

Tolomeo, rey de Egiptode Georg Friedrich Händel

Coronis, de Sebastián Durón (versión de concierto)

Orfeo y Eurídice, de Christoph Willibald Gluck

*Estreno de la producción antes de presentarse en los teatros coproductores

              ÓPERAS POR ORDEN CRONOLÓGICO DE CREACIÓN

Siglo XVII

 

 

Siglo XVIII

 

 

Siglo XIX

 

 

 

Siglo XX

 

 

 

 

 

 

 Siglo XXI

 

 

                      

1607 – L’Orfeo, de Claudio Monteverdi

1689 – Dido y Eneasde Henry Purcell

16…* – Coronis, de Sebastián Durón

1728 – Tolomeo, rey de Egipto, de Georg Friedrich Händel

1744 – Aquiles en Esciros, de Francesco Corselli

1762 – Orfeo y Eurídice, de Christoph Willibald Gluck

1814 – Il turco in Italia, de Gioachino Rossini

1831 – La sonnambula, de Vincenzo Bellini

1865 – Tristán e Isolda, de Richard Wagner

1871 – Aidade Giuseppe Verdi

1923 – El retablo de Maese Pedro, de Manuel de Falla 

1926 – Turandot, de Giacomo Puccini

1930 – La narizde Dmitri Shostakóvich

1933 – Arabella, de Richard Strauss

1987 – Nixon in China, de John Adams

1989 – Anti-formalist Rayok, de Dmitri Shostakóvich

1993 – Orphée, de Philip Glass

2019 – Diàlegs de Tirant i Carmesina, de Joan Magrané

* Fecha de estreno desconocida

Por primera vez en la historia del Teatro Real

Los Teatros del Canal acogerán 3 producciones –Orphée, de Philip Glass; Diàlegs de Tirant i Carmesina, de Joan Magrané; y Dido y Eneas, de Henry Purcell- y el Círculo de Bellas Artes presentará Anti-formalist Rayok, de Dmitri Shostakóvich.

En la dirección de escena destaca, la próxima temporada, la presencia de 4 mujeres: Mariame Clément (Aquiles en Esciros), Bárbara Lluch (La sonnambula), Sasha Waltz (L’Orfeo) y Blanca Li (Dido y Eneas), las dos últimas también coreógrafas.

Vuelven al Real Christof Loy (Arabella), Laurent Pelly (Il turco in Italia), Bob Wilson (Turandot), Barrie Kosky (La nariz), John Fulljames (Nixon in China), Justin Way (Tristán e Isolda), Rafael Villalobos (Orphée) y Hugo de Ana (Aida) y debutan Marc Rosich (Diàlegs de Tirant i Carmesina) y Johannes Stepanek (Anti-formalist Rayok), además de las citadas Mariame Clément, Bárbara Lluch y Blanca Li.

Entre la dirección musical tienen una presencia más relevante, como siempre, Ivor Bolton (Aquiles en Esciros y Nixon in China) y Nicola Luisotti (Aida y Turandot).

Vuelven al Real Semyon Bychkov (Tristán e Isolda), Maurizio Benini (La sonnambula), Daniel Oren (Aida), David Afkam (Arabella), Mark Wigglesworth (La nariz), Diego García Rodríguez (Aida), Jordi Francés (Orphée) y Francesc Prat (Diàlegs de Tirant i Carmesina) y, con orquestas invitadas, Pablo Heras-Casado (El retablo de Maese Pedro), William Christie (Dido y Eneas), René Jacobs (Orfeo ed Euridice), Vicent Dumestre (Coronis) y Francesco Corti (Tolomeo, rey de Egipto).

Debutan en el Real Giacomo Sagripanti (Il turco in Italia) y Leonardo García Alarcón (L’Orfeo), este con la Freiburger Barockorchester.

Seis orquestas y dos coros invitados participarán en la temporada: la Freiburger Barockorchester y el Vocalconsort Berlin en L’Orfeo, de Claudio Monteverdi; Les Arts Florissants en Dido y Eneas, de Henry Purcell; la Orquesta Barroca de Sevilla en Aquiles en Esciros, de Francesco Corselli; la Mahler Chamber Orchestra en  El retablo de Maese Pedro y Concierto para clave, de Manuel de Falla, y en la Suite Pulcinella, de Ígor Stravisnki; Il Pomo d’Oro en Tolomeo, rey de Egipto, de Georg Friedrich Händel; Le Poème Harmonique en Coronis, de Sebastián Durón; y la Freiburger Barockorchester y el RIAS Kammerchor en Orfeo ed Euridice, de Christoph Willibald Gluck.

El Coro Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Andrés Máspero, y la Orquesta Titular del Teatro Real, con su director titular, Ivor Bolton, que gozan de un creciente prestigio nacional e internacional, participarán en gran parte de la programación, consolidando los vínculos con sus directores principales invitados, Nicola Luisotti y Pablo Heras-Casado.

Paralelamente a los títulos de la temporada se ofrece un ambicioso programa de ACTIVIDADES PARALELASciclos de cine, exposiciones, conciertos, conferencias, cursos, mesas redondas, talleres, visitas guiadas, actividades infantiles, etc.- organizadas en el Teatro Real y en colaboración con 28 instituciones culturales (por orden alfabético):  Biblioteca Musical Víctor Espinós (Conde Duque), Biblioteca Nacional de España, Biblioteca Regional de Madrid Joaquín Leguina, British Council, Casa Asia, Casa de América, Círculo de Bellas Artes, Filmoteca Española Cine Doré, Fundación Pastor, Fundación Sgae, Instituto Cervantes, Instituto Italiano di Cultura di Madrid, International Institute, Museo Arqueológico Nacional, Museo Cerralbo, Museo de Historia de Madrid, Museo Municipal de Arte Contemporáneo de Madrid, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museo Nacional de Artes Decorativas, Museo Nacional del Romanticismo, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Museo Naval, Patrimonio Nacional, Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, Red Cooperación Rutas de Carlos V, Residencia de Estudiantes, Sala Equis y Universidad Nebrija.

El Teatro sigue trabajando con ahínco en la captación y fidelización del público joven, con una serie de iniciativas enmarcadas en su programa EL REAL JOVEN y facilidades y prerrogativas concedidas a sus Amigos Jóvenes, cuyo número no para de crecer.

La próxima temporada se organizarán 4 Preestrenos Jóvenes para menores de 35 años y seguirán las ventajas y descuentos en la compra de localidades a través de la Butaca Joven o de las localidades de Último Minuto.

La SEMANA DE LA ÓPERA, con sus retransmisiones y actividades populares para la divulgación de la ópera, y la CARROZA DEL REAL, un escenario ambulante siempre preparado para ofrecer conciertos de cámara en distintos lugares del país, son dos de los proyectos más destacados enmarcados en el programa TEATRO REAL CERCA DE TI, con vigencia hasta el final de la temporada.

Además de su programación artística, el Teatro Real sigue afianzando el diálogo con otros tipos de música, coproduciendo en los meses estivales el UNIVERSAL MUSIC FESTIVAL  y, a lo largo de la temporada, las actuaciones de baile y cante de FLAMENCO REAL, que tienen lugar los jueves y viernes en su Salón de Baile.

El Teatro Real incrementará la difusión nacional e internacional de su programación a través de nuevas grabaciones y retransmisiones en directo en MY OPERA PLAYER, cuyo catálogo sigue creciendo con la incorporación regular de nuevas ofertas procedentes de más de 50 teatros y auditorios de todo el mundo. Recientemente se ha creado dentro de la plataforma un espacio dedicado únicamente al flamenco, con una pestaña propia, para impulsar la difusión de este arte español a nuevos públicos de todo el mundo.

PROGRAMACIÓN DE ÓPERA

Orphée, de Philip Glass | Estreno en España | Estreno de la producción | Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real y Teatros del Canal.

Estrenada en 1993, esta ópera de cámara de Philip Glass, con texto de Jean Cocteau, es un canto de despedida del poeta francés a su joven amante y, medio siglo más tarde, del compositor a su compañera.

Rafael Villalobos, que triunfó con el estreno mundial de Marie, de Germán Alonso, en la pasada temporada, llevará a escena el desgarrador duelo de Orfeo y su camino de liberación, con la complicidad de un doble elenco mayoritariamente español, bajo la dirección de Jordi Francés, al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real.

21 septiembre – 25 septiembre | 5 funciones | 2 repartos | Teatros del Canal 

Aida, Giuseppe Verdi | Reposición

Producción del Teatro Real en coproducción con la Abu Dhabi Music and Arts Foundation, basada en la producción original del Teatro Real de 1998.

Aida inaugura la temporada lírica del Teatro Real, precedida de un preestreno para jóvenes menores de 35 años, el 21 de octubre.

La renovada producción concebida por Hugo de Ana en 1998 vuelve bajo la infalible batuta de Nicola Luisotti, que se alternará en el foso con Daniel Oren y Diego García Rodríguez al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

Tres repartos de estrellas verdianas encabezados, en el rol titular, por Krassimira Stoyanova, Maria Agresta, Roberta Mantegna y Anna Netrebko, se alternarán en las 20 representaciones, en las que participarán también, entre otros, Piotr Beczala, Jorge de León, Carlos Álvarez, Artur Rucinski, Jamie Barton y Sonia Ganassi.

24 octubre – 14 noviembre | 20 funciones | 3 reparto

L’Orfeo, de Claudio Monteverdi | Producción invitada

Producción de Sasha Waltz & Guests, en colaboración con la Dutch National Opera Amsterdam, el Gran Théâtre du Luxemburg, el Bergen International Festival y la Opéra de Lille.

La coreógrafa Sasha Waltz, que presentó en el Teatro Real, en 2019, su versión de Dido y Eneas, de Henry Purcell, vuelve con una nueva ceremonia ritual coreográfica, evocadora de celebraciones ancestrales, en una producción ya icónica que triunfó en varios teatros y festivales europeos. El director musical argentino Leonardo García Alarcón debuta en el Teatro Real al frente de un reparto de cantantes del universo barroco, junto al Vocalconsort Berlin y a la Freiburger Barockorchester.

20 noviembre – 24 noviembre | 4 funciones | 1 reparto

Diàlegs de Tirant i Carmesina, de Joan Magrané | Estreno en Madrid | Estreno en el Teatro Real | Producción invitada

Producción de la Òpera de Butxaca i Nova Creació, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona y el Festival Castell de Peralada.

Partiendo de la novela de caballerías Tirant lo Blanc, de Joanot Martorell, el compositor Joan Magrané y el libretista y director de escena Marc Rosich han creado una ópera de cámara como una ‘batalla de amor’ medieval, que se desarrolla en una instalación lumínica de Jaume Plensa, donde los tres protagonistas glosan el amor y el desamor, junto a solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Francesc Prat.

23 noviembre – 27 noviembre | 4 funciones | 1 reparto | Teatros del Canal

La sonnambula, de Vincenzo Bellini | Estreno de la producción

Nueva producción del Teatro Real en coproducción con el New National Theatre Tokio, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona y el Teatro Massimo di Palermo.

Nadine Sierra y Xabier Anduaga, y Jessica Pratt y Lawrence Brownlee, encabezan los dos repartos que traerán al escenario del Real la ópera de Bellini, icono del belcantismo romántico, en la visión lúcida, moderna y feminista de Bárbara Lluch, que debuta en el Teatro Real como directora de escena, después de más de una década de asiduas colaboraciones como asistente. Maurizio Benini, al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, será el responsable de la dirección musical de la ópera, con la seriedad y elegancia que requiere este tipo de repertorio.

15 diciembre – 6 enero | 13 funciones | 2 repartos

Dido y Eneas, de Henry Purcell | Estreno de la producción

Nueva producción del Teatro Real y Teatros del Canal, en coproducción con la Opéra Royal de Versailles, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, el Théâtre Impérial de Compiegne y Les Arts Florissants.

Este canto inconsolable de una reina abandonada por su amante, joya del barroco inglés, se estrenó en 1689 en una ‘School for Girls’, situación muy inspiradora para abordar la ópera desde el universo femenino de la gran coreógrafa Blanca Li, que será la responsable de llevar a escena la ópera de Purcell, contando para ello con la versatilidad y maestría de Les Arts Florissants, con William Christie en la dirección musical.

17 enero – 22 enero | 5 funciones | 1 reparto | Teatros del Canal 

Arabella, de Richard Strauss | Estreno en Madrid | Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real procedente de la Oper Frankfurt.

Vuelve Christof Loy con un título de Richard Strauss después del éxito de su Capriccio, en 2019, de nuevo con una producción llena de texturas interpretativas, que transita entre los personajes reales y espectrales, explorando el trasfondo de una comedia glamourosa y poética, pero también inquietante y trágica.
David Afkham, director titular de la ONE, volverá al foso del Teatro Real, al frente de un elenco coral encabezado por la soprano Sara Jakubiac y del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

24 enero – 12 febrero | 7 funciones | 1 reparto

Aquiles en Esciros, de Francesco Corselli | Estreno de la producción | Estreno en el Teatro Real | Recuperación de patrimonio musical español

Nueva producción del Teatro Real en coproducción con el Theater an der Wien.

Ivor Bolton capitanea la recuperación de esta ópera desconocida del barroco español, al frente de la Orquesta Barroca de Sevilla, del Coro Titular del Teatro Real y de un elenco encabezado por el contratenor Franco Fagioli, que interpreta a Aquiles travestido, cuando su madre lo disfraza de mujer y lo envía a la isla de Esciros para impedir su participación en la guerra de Troya.

Mariame Clément sitúa la trama en la corte de Felipe V, con la participación de la infanta María Teresa Rafaela, cuyos esponsales con el delfín de Francia, hijo del Rey Sol, se celebraron con esta ópera.

17 febrero – 25 febrero | 5 funciones | 1 reparto

El retablo de Maese Pedro y Concierto para clave, de Manuel de Falla| Suite Pulcinella, de Ígor Stravinski | Versión de concierto

Pablo Heras-Casado, al frente de la prestigiosa Mahler Chamber Orchestra, con la que trabaja regularmente, evocará el teatro popular del Siglo de Oro con el mosaico cervantino de Manuel de Falla inspirado en las fechorías de Maese Pedro, y explorará el universo burlesco y ampuloso de la commedia dell’arte, a través de Ígor Stravisnki.

18 febrero | 1 función

La nariz, de Dmitri Shostakóvich | Estreno en versión escénica en Madrid | Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real, en colaboración con la Royal Opera House, la Komische Oper Berlin y Opera Australia.

La imaginación desbordante e irreverente de Barrie Kosky -conocido por el público del Real por su exitosa versión de La flauta mágica en cine de animación- está patente en esta sorprendente y ácida ópera de Shostakóvich, por la que desfilan más de 80 personajes que gravitan en el mundo grotesco de un burócrata amargado, interpretado por Martin Winkler. El elenco, mayoritariamente eslavo, contará con la participación de Anne Igartiburu en el papel de presentadora de televisión.

La dirección musical será del inglés Mark Wigglesworth, quien volverá a dirigir el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real después del éxito, en 2018, con Dead Man Walking, de Jake Heggie.

13 marzo – 30 marzo | 7 funciones | 1 reparto

Anti-formalist Rayok, de Dmitri Shostakóvich | Estreno en España | Estreno en el Teatro Real | Ópera en versión de concierto semiescenificada

Esta pequeña ópera de cámara grotesca, marginal y maldita entrelaza fragmentos de supuestos discursos esperpénticos de autoridades soviéticas con música folclórica y evocaciones de marchas militares, en una nada disimulada crítica al régimen comunista que provocó la ocultación de la partitura hasta después del fallecimiento del compositor. Se presentará como complemento a La nariz, en versión semiescenificada de Johannes Stepanek, con cantantes del Coro Titular del Teatro Real, el bajo Alexander Teliga y un grupo instrumental con Judith Jáuregui al piano.

26 marzo | 1 función | Círculo de Bellas Artes

Nixon in China, de John Adams | Estreno en España | Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real en coproducción con la Den Kongelige Opera de Copenhague y la Scottish Opera.

El Teatro Real estrena en España esta ya clásica ópera de John Adams, que recrea la visita del presidente de Estados Unidos, Richard Nixon, a China, en 1972, en el marco del megalómano ceremonial maoísta, en plena guerra fría.

En la partitura se articulan arias, dúos, concertantes, coro y ballet, emulando la tradición operística decimonónica con una clara crítica a la parafernalia del poder, que subraya la puesta en escena de John Fulljames.

La dirección musical es de Ivor Bolton, al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real y un elenco del que forman parte Leigh Melrose, Sarah Tynan, Jacques Imbrailo, Alfred Kim, Audrey Luna y Borja Quiza, entre otros.

17 abril – 2 mayo | 7 funciones | 1 reparto

Tolomeo, rey de Egipto, de Georg Friedrich Händel | Ópera en versión de concierto

Prosigue la presentación de la fabulosa producción operística de HändeI en las temporadas del Teatro Real. Después de Alcina (2015), Rodelinda (2017), Ariodante (2018), Agripina (2017) y Parténope (2021), vuelve

Tolomeo, rey de Egipto -ofrecida en 2009- protagonizada por un reparto especializado en el Barroco encabezado por el contratenor Jakub Jósef Orlinski, junto a la orquesta Il Pomo d’Oro, con dirección musical de Francesco Corti.

23 abril | 1 función

Tristán e Isolda, de Richard Wagner | Ópera en versión de concierto semiescenificada

Esta obra maestra de todos los tiempos, fuente de inagotables análisis musicales y filosóficos, y de vuelos emocionales y trascendentales, vuelve con un reparto de lujo, con Andreas Schager y Ingela Brimberg en los papeles titulares y dirección actoral de Justin Way.

Semyon Bychkov asumirá la dirección musical al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

25 abril y 6 mayo | 4 funciones | 1 reparto

Il turco in Italia, de Gioachino Rossini | Estreno de la producción | Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real en coproducción con la Opéra de Lyon y el New National Theatre Tokyo

Laurent Pelly será el encargado de ayudar al poeta Prosdocimo, protagonista de Il turco in Italia, a encontrar la trama para su obra literaria, desenredando los embrollos libidinosos en los que se meten sus personajes, en un continuo y jugoso juego de disfraces, bajo el cual laten los grandes dilemas del alma.

La dirección musical será de Giacomo Sagripanti, que debuta en el Teatro Real al frente de un reparto que incluye muchos cantantes que nunca han actuado en su escenario, junto a otros muy queridos del público, como Lisette Oropesa, Pietro Spagnoli o Sara Blanch.

31     mayo – 12 junio | 10 funciones | 2 repartos

Coronis, de Sebastián Durón | Zarzuela en versión de concierto | Estreno en el Teatro Real | Recuperación de patrimonio español

El trabajo de los musicólogos españoles está descubriendo partituras sorprendentes como la de esta zarzuela, íntegramente cantada, atribuida al compositor Sebastián Durón, que entrelaza historias de dioses y ninfas, trágicas y burlescas, con una música que delata la influencia francesa e italiana, pero también la herencia musical hispana que pretende reivindicar. Vincent Dumestre, gran conocedor del repertorio barroco, estará al frente de un reparto internacional y de la Orquesta Le Poème Harmonique.

10 junio | 1 función

Orfeo ed Euridice, de Christoph Willibald Gluck | Ópera en versión de concierto

René Jacobs, verdadero patriarca en la recuperación e interpretación del repertorio barroco y clásico, traerá al Real un título que demostrará, una vez más, su veteranía en la lectura musical historicista, contando para ello con tres de sus habituales cantantes solistas, junto al RIAS Kammerchor y la Freiburger Barockorchester.

13 junio | 1 función

Turandot, Giacomo Puccini | Reposición

Producción del Teatro Real en coproducción con el Teatro Nacional de Lituania, la Canadian Opera Company de Toronto, la Houston Grand Opera y la Opéra national de Paris.

El carismático lenguaje visual y dramatúrgico de Bob Wilson, con siluetas a contraluz, máscaras y movimientos casi rituales, se ha revelado ideal para contar la leyenda de la sanguinaria princesa China, enmarcada en un espacio escenográfico que entronca con el milenario teatro de sombras oriental.

Después de triunfar en París, Toronto y en MyOperaPlayer, esta producción vuelve al teatro donde nació, de nuevo bajo la dirección de Nicola Luisotti, con tres repartos excepcionales encabezados por Anna Pirozzi, Elena Pankratova y Saioa Hernández, junto al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

3 julio – 22 julio | 17 funciones | 3 repartos

PROGRAMACIÓN DE DANZA

La programación de danza ofrece una de las propuestas más seductoras de los últimos años con la presencia de 4 compañías que, con diferentes estilos, tendrán en el Real un especial punto de partida. Inaugura la Temporada la Compañía Nacional de Danza con un Tributo a Jiři Kylian, con trabajos coreográficos de Nacho Duato, Andrea Schermoly, Sol León, Paul Lightfoot y el propio Kylian.

Sasha Waltz & Guests regresa con el ambicioso reto de integrar canto, danza y música para mostrar L’Orfeo de Monteverdi desde otra perspectiva. El New York City Ballet presentará en el Teatro Real dos míticas coreografías de Georges Balanchine y una de reciente factura del creador Justin Peck, toda una muestra de la personalidad de la compañía. Y cerrará el ciclo el English National Ballet con la adaptación del clásico Raymonda, con el que Tamara Rojo debuta como coreógrafa y cuya gira internacional, para mostrar este trabajo, dará comienzo en Madrid.

La Compañía Nacional de Danza inaugurará la temporada de danza del Teatro Real, con un tributo al bailarín y coreógrafo checo Jiří Kylián, de la mano de cuatro creadores con un fuerte vínculo artístico y personal con el maestro de la danza contemporánea y su compañía de referencia, el Nederlands Dans Theater. Ellos son Nacho Duato, Sol León, Paul Lightfoot y Andrea Schermoly. Con músicas e inspiraciones diversas, las recreaciones de los distintos momentos coreográficos constituirán un gran preludio a un programa que culminará con la interpretación de Bella figura, creación de Jiří Kylián de 1995 que, convertida ya en una obra maestra, invita a una reflexión sobre el arte mostrada como «un viaje en el tiempo, la luz y el espacio, en referencia a la ambigüedad de la estética, las representaciones escénicas y los sueños».

La coreógrafa alemana Sasha Waltz regresa al Teatro Real con el ambicioso reto de integrar canto, danza y música para una delicada lectura del L’Orfeo de Monteverdi. Si en origen la obra conjuga el arte del teatro y la música cantada creando un modelo de manifestación artística per se, Waltz profundiza en la exploración de una suerte de “ópera coreografiada” en la que sonido y movimiento se complementan sin fisuras. Como sucediera en el pasado con Dido & Aeneas, Sasha Waltz & Guests contará con la participación del Vocalconsort Berlin acompañados, en esta ocasión, por la Freiburger Barockorchester.

El New York City Ballet visita España y lo hará con el escenario del Teatro Real como protagonista, con un programa que recoge la esencia misma de su personalidad. Para su presentación en Madrid han seleccionado tres coreografías llenas de simbolismo. Dos son obras de George Balanchine, cofundador de la compañía y figura mítica del ballet: Serenade – un hito en la historia por ser el primer ballet original que Balanchine creó en Estados Unidos-, y Square Dance -en el que el coreógrafo unió las tradiciones de la danza folclórica estadounidense con el ballet clásico-, ambas convertidas en emblema del repertorio del NYCB, y The Times Are Racing, de Justin Peck, creada en 2015 e inspirada en las últimas cuatro pistas del álbum de 2012 de Dan Deacon, America. 

Tras su reciente estreno en Londres, y la gira que realizará por el Reino Unido el próximo otoño, el English National Ballet presentará en el Teatro Real, por primera vez a nivel internacional, Raymonda, ballet con el que Tamara Rojo debuta como coreógrafa. Su propuesta traslada la acción original a la guerra de Crimea, inspirándose en la figura de Florence Nightingale y en el trabajo de las mujeres que, con espíritu innovador, apoyaron el esfuerzo de los combatientes en el conflicto. Raymonda se convierte así en una joven con vocación de enfermera. Protagonizada por un gran elenco de bailarines, esta versión, aclamada por la crítica, mantiene lo mejor del original del siglo XIX, incluida la partitura de Alexander Glazunov, adaptada y editada por Gavin Sutherland y Lars Payne. Las funciones de Raymonda contarán con la participación de la Orquesta Titular del Teatro Real bajo la dirección de Gavin Sutherland.

CONCIERTOS Y GALAS

El ciclo VOCES DEL REAL está compuesto en esta temporada por 5 conciertos protagonizados por algunos de los mejores artistas líricos del mundo: Cecilia Bartoli, Gregory Kunde, Carlos Álvarez, Matthias Goerne, Joyce DiDonato y Javier Camarena.

Completan la oferta los 6 que conforman el ciclo DOMINGOS DE CÁMARA, y un concierto con los finalistas del Concurso Montserrat Caballé y otro los galardonados en Concurso Tenor Viñas.

La GRAN GALA ANUAL DEL TEATRO REAL, con fines filantrópicos y la asistencia de destacadas personalidades del ámbito institucional, cultural, artístico, empresarial y social, tendrá lugar el 13 de diciembre próximo.

EL REAL JUNIOR

La programación infantil y juvenil, ya completamente recuperada, tiene su espacio en EL REAL JUNIOR con 9 espectáculos, 4 de ellos nuevas producciones del Teatro Real y 5 que se verán aquí por primera vez, para diferentes edades y distintos formatos como cuentos musicales, cine, danza y conciertos dramatizados, destinados al público familiar y a centros escolares.

Dentro de esta programación ecléctica y pluridisciplinar, con artistas de ámbitos muy diferentes, destaca la participación de 4 jóvenes directores de orquesta: Rubén Gimeno, Isabel Rubio, José Sanchís y Lara Diloy.

La  temporada más joven se inaugura en octubre con dos interesantes propuestas en la Sala Principal: una destinada  a los centros escolares de la mano de la Compañía Nacional de Danza que, coincidiendo con las funciones inaugurales de la programación de danza, dedicará tres sesiones didácticas en torno a dos de las coreografías de su programa principal, Kübler-Ross y Sad Case; la otra, con un concierto cargado de arias, dúos y cuartetos de ópera con los que, en vísperas de la fiesta de Halloween, invocarán a los espíritus con Fantasma que canta, no espanta, interpretado por la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (JORCAM) y cantantes noveles del proyecto Crescendo, creamos ópera, programa de promoción de jóvenes talentos organizado por la Fundación Amigos del Teatro Real, bajo la dirección de Rubén Gimeno, con guión y presentación de Ana Hernández Sanchís.

Continuará la aventura con una propuesta viajera que les llevará a Egipto en compañía de A.I.D.A. (Amistad, Igualdad, Diversidad, Amor), una versión reducida del título verdiano concebida por Davide Garattini Raimondi y Bárbara Palumbo, con dirección musical de Isabel Rubio. En plenas fiestas navideñas, Cascanueces y el Rey de los ratones, serán los protagonistas de un concierto en formato cuento con narración y vídeo de animación a cargo de Fernando Palacios y Fran Parreño, bajo la dirección musical de José Sanchís.

La Sala de Orquesta será el escenario de ¡Al piano, Johann Sebastian Jazz!, donde el jazz y la música clásica dialogarán con interesante complejidad, entre los dedos de los pianistas Alexis Delgado e Iñaki Salvador, junto a Fernando Palacios. Y en marzo, en paralelo a las funciones del New York City Ballet, la compañía ofrecerá unas sesiones únicas en torno a dos coreografías muy especiales para ellos: Serenade, una de sus obras emblemáticas, y The times are Racing, joven y actual.

La Sala Gayarre acogerá dos espectáculos de títeres con dos miradas muy distintas, Parade, el circo de los valientes, con el sello inconfundible de La Maquiné, y Yo soy la Locura, teatro negro con títeres, máscaras y música barroca de La Compañía Claroscuro. Y en ese mismo espacio, como cada temporada, tendrán lugar las citas mensuales ¡Todos a la Gayarre! para toda la familia, con su mirada desenfadada y entretenida sobre los grandes títulos de temporada de ópera.

La programación termina como comenzó, con una gran fiesta musical en forma de concierto, en la Sala Principal, con la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (JORCAM), cantantes noveles del proyecto Crescendo, creamos ópera, esta vez con la animación de Fernando Palacios y la dirección musical de Lara Diloy.

Además de estas propuestas formativas, EL REAL JOVEN, programa de dinamización cultural y fidelización del público joven con edades comprendidas entre los 18 y los 35 años, cuenta con espacios exclusivos, canales de venta preferente y eventos diseñados para este colectivo en colaboración con un comité propio compuesto por representantes de distintos ámbitos de la sociedad civil.

PROGRAMA DE FORMACIÓN

El programa de formación consolida sus cursos destinados tanto a universitarios como al público en general y abordará tanto la formación presencial como online, con 17 interesantes propuestas.

En el apartado La Ópera al Descubierto, que desvela el proceso de montaje de una producción operística desde dentro, se han organizado 4 talleres centrados en: Aida (octubre), La sonnambula (noviembre-diciembre), Il turco in Italia (mayo) y Turandot (junio-julio).

En esta edición serán 5 los Cursos relacionados con la temporada: Comprender a… Bellini (La sonnambula), Strauss (Arabella), Rossini (Il turco in Italia), Puccini (Turandot) y Ópera y pos modernidad: Glass y Adams, y 3 los destinados a adentrarse en la Historia de la ópera: Historia de la interpretación de la ópera I y II, Mujeres en la ópera construyendo, desmontando y conquistando mitos y El Real de los recuerdos, historia del Teatro Real desde 1850 hasta 1925.

Crece el número de Cursos sobre Artes escénicas y gestión cultural hasta un total de 5: Fotografía de escena; Ópera y liderazgo, El arte de trabajar con equipos de alto rendimiento; Regiduría; Inteligencia emocional en la ópera y Conceptos fundamentales de la danza.

LA TEMPORADA EN NÚMEROS 

FUNCIONES | Se ofrecerán un total de 188 funciones: 113 funciones de ópera repartidas entre 18 títulos; 15 funciones de danza con 4 diferentes espectáculos; 13 conciertos de distintos formatos (5 conciertos de Voces del Real, 2 conciertos líricos (concursos) y 6 conciertos de Los domingos de cámara; y 49 funciones de El Real Junior.

PRODUCCIONES DE ÓPERA | De los 18 títulos de ópera, 8 son nuevas coproducciones del Teatro Real, 2 son reposiciones; 2 son producciones invitadas; 2 serán en versión semiescenificada y 4, en versión de concierto.

El Teatro Real dará a conocer 9 nuevos títulos que nunca se han presentado en su historia, incluyendo 3 estrenos en España –Orphée, de Philip Glass; Nixon in China, de John Adams y Anti-formalist Rayok, de Dmitri Shostakóvich- y 3 estrenos en Madrid: Arabella, de Richard Strauss; la versión escénica de La nariz, de Dmitri Shostakóvich; y Diàlegs de Tirant i Carmesina, de Joan Magrané.

PRODUCCIONES OPERÍSTICAS PATROCINADAS | Telefónica patrocina Aida, la Fundación BBVA patrocina L’Orfeo y Nixon in China; Endesa patrocina La sonnambula y Tristán e Isolda; la Fundación Amigos del Teatro Real patrocina Aquiles en Esciros;  Fundación Santander patrocina Il turco in Italia; y la Fundación ACS patrocina Turandot.

OBRAS POR SIGLOS DE LA TEMPORADA DE ÓPERA | Habrá 3 producciones con obras del siglo XVII (L’Orfeo, Dido y Eneas y Coronis); 3 óperas del siglo XVIII (Tolomeo, rey de Egipto; Aquiles en Esciros y Orfeo y Eurídice); 4 obras del siglo XIX (Il turco in Italia, La sonnambula, Tristán e Isolda y Aida); 7 obras del siglo XX (El retablo de Maese Pedro, Turandot, La nariz, Arabella, Nixon in China, Anti-formalist Rayok y Orphée) y 1 título del siglo XXI (Diàlegs de Tirant i Carmesina).

OBRAS POR ÁREAS GEOGRÁFICAS (LUGAR DONDE SE ESTRENÓ LA ÓPERA) | Se presentarán 7 óperas italianas (1 de ellas, de Glück -alemán afincado en Italia-), 3 óperas y  1  zarzuela españolas, 2 óperas estadounidenses, 2 óperas germánicas, 2 óperas rusas y 1 ópera inglesa de Händel -alemán afincado en Inglaterra-.

DANZA | Habrá 15 funciones protagonizadas por 4 compañías: Compañía Nacional de Danza, Sasha Waltz & Guests, New York City Ballet y English National Ballet.

EL REAL JUNIOR | La programación infantil y juvenil del Teatro Real está compuesta por 49 funciones –25 para toda la familia y 24 para centros escolares- y 9 talleres ¡Todos a la Gayarre! con 2 sesiones cada uno.

PROGRAMA DE FORMACIÓN | Se ofrecerán 4 talleres de Ópera al Descubierto, 5 cursos monográficos relacionados con la Temporada, 3 cursos sobre historia de la ópera y 1 nueva edición del programa La Universidad a Escena.

LOCALIDADES Y ABONOS

CATEGORÍAS DE ABONOS DE ÓPERA | Se ofrecen 1 turno de abono estreno de 9 óperas y un concierto exclusivo de Cecilia Bartoli, 1 turno de abono de 9 óperas, 3 turnos de abonos de 8 óperas (uno en fin de semana), 3 turnos de abonos de 7 óperas, 1 turno de abono de 6 óperas, 2 turnos de abonos de 5 óperas (uno también en fin de semana), 2 turnos de abonos de 4 óperas y 2 turnos de abonos (Selección I y II) de 3 títulos populares (2 títulos de óperas y 1 título de danza) .

Fecha de renovación: del 27 de mayo al 16 de junio.

Fecha venta de abonos ópera: del 27 de mayo al 13 de septiembre.

Fecha venta de abonos Selección: del 9 de junio al 3 de julio.

ABONOS DE DANZA | Se ofrecen 4 turnos de abonos de danza con 3 espectáculos cada uno.

Fecha de renovación: del 27 de mayo al 16 de junio.

Fecha venta de abonos: del 27 de mayo al 3 de julio.

ABONO DE ‘VOCES DEL REAL’ | Se ofrece 1 turno de abono de 4 conciertos.

Fecha de renovación: del 27 de mayo al 16 de junio.

Fecha venta de abonos: del 27 de mayo al 13 de septiembre.

ABONOS DE ‘DOMINGOS DE CÁMARA’ | Se ofrece 1 turno de abono de 7 conciertos (incluye el Concierto Viñas)

Fecha de renovación: del 27 de mayo al 16 de junio.

Fecha venta de abonos: del 9 de junio al 3 de julio.

EL REAL JOVEN | El compromiso con los jóvenes se refuerza con iniciativas como la el Preestreno joven inaugural de la temporada con precios especiales, el 21 de octubre. Por tercer año consecutivo,  la oportunidad de la Butaca Joven ofrecerá localidades distribuidas en Platea, Principal y Entresuelo y se habilitará una venta preferente para Amigos Jóvenes y para resto de jóvenes hasta 35 años antes de la salida a la venta al público. Los menores de 26 conseguirán estas entradas por 20 € y a partir de esa edad y hasta 35 años por 30 €. Asimismo, se abrirá la venta online de Último Minuto, en la que los menores de 26 años podrán adquirir una entrada por 20 € y los jóvenes de entre 26 35 años podrán adquirir entradas por 35 €.

Fotografía: Javier del Real

El cielo de Sefarad

Después de las espléndidas ‘Perdida en el Bosco’ y ‘La increíble historia de Juan Latino’, el Teatro de la Zarzuela sigue apostando por el teatro infantil de calidad con ‘El cielo de Sefarad’, el nuevo montaje coproducido con la compañía Claroscvro que ofrece una historia de amor, humor, magia y ternura. Se trata de una brillante producción de música, títeres y máscaras que se presentará en el Ambigú del coliseo, y que narra con especial sensibilidad y llaneza la tragedia de la expulsión de España de Noa, una niña judía, y su gato. Se ofrecen 18 funciones para público a partir de 6 años, y las representaciones del sábado 28 (13h00 y 19h00) y del domingo 29 de mayo (11h30 y 13h00) serán abiertas al público con un precio único de 10 euros.

En ‘El cielo de Sefarad’, como en todas las producciones de Claroscvro, la música es un elemento indispensable para el desarrollo del espectáculo. Es un personaje más. En esta ocasión, la historia se teje con música tradicional sefardí, obras del Cancionero de Palacio y de compositores españoles del siglo XV. El espíritu de la obra es ese obligado viaje físico y emocional emprendido por quienes fueron guardianes y transmisores de un legado que atesoraron como un amor robado pero siempre vivo.

Por eso, en esta celebración de música y teatro, ejemplo de valentía por medio de la belleza, se quiere mostrar la capacidad de resiliencia del ser humano, su sorprendente aptitud para adaptarse al medio incluso en las circunstancias más nocivas. ‘El cielo de Sefarad’ es, ante todo, una historia de amor que perdura hasta hoy; la historia de amor incondicional de ese pueblo, el sefardí, por su paraíso perdido.

El montaje cuenta con la dirección de escena de Larisa Ramos, junto a quienes son el alma de Claroscvro, Julie Vachon y Francisco de Paula Sánchez, que ejercen también de actores y titiriteros. La dirección musical es de Enrique Pastor, que toca la fídula, la cítola, el laúd y la vihuela, junto a María José Piré, voz, flauta y percusión.

La compañía hispano-canadiense Claroscvro Teatro, una de las referencias mundiales del teatro de títeres dirigida por Julie Vachon y Francisco de Paula Sánchez, presenta así su tercera coproducción con el Teatro de la Zarzuela después de las aclamadas ‘Perdida en el Bosco’ (2017 y 2019) y ‘La increíble historia de Juan Latino’ (2020 y 2021). Claroscvro Teatro emplea la recreación en el esteticismo historicista con el fin de reforzar los valores educativos de sus obras, con la convicción de que la belleza es el vehículo perfecto para amar el Arte.

Temporada Teatro de la Zarzuela

El Teatro de la Zarzuela ha presentado hoy la Temporada 2022/2023, en la que ofrecerá un total de 161 funciones manteniendo la media de los últimos años, y que incluirá 4 estrenos absolutos y 7 nuevas producciones propias.

Se trata de la temporada 163 desde que en 1856 el teatro levantara por vez primera el telón con el fin único de convertirse en el escenario privilegiado del teatro musical español y que, en palabras de Daniel Bianco, su director, “ahora tiene la vocación irrenunciable de ser un teatro público, apoyado y protegido desde el Estado para que siga siendo accesible y asequible, abierto a todo aquel que quiera descubrir y disfrutar el patrimonio lírico español”. Estas son las razones, asegura el gestor, “por las que –como dicen nuestros estatutos– este es y seguirá siendo el teatro lírico nacional por excelencia”.

Por su parte, el director general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), Joan Francesc Marco, señaló durante la presentación que «debemos estar muy orgullosos de la significativa labor que, una temporada más, el Teatro de la Zarzuela está realizando para recuperar, proteger y difundir entre los ciudadanos la riqueza de nuestro patrimonio» y destacó que en la programación «la protección del patrimonio convive con el apoyo y la promoción de la nueva creación musical española, a través de estrenos a creadores y creadoras de nuestro país».

Bianco adelanta que la temporada recién presentada “abre la puerta a las emociones; promete un futuro en tiempos tan difíciles en los que parece que el conflicto puede al entendimiento”. Y argumenta siempre en positivo, al decir que “el teatro y la música alimentan el alma, ablandan los corazones e infunden fuerza al espíritu, por ello la cultura es un bien necesario que nos hace mejores personas”. Y como hombre de teatro que es, cree firmemente en que “la música y la escena son capaces de mejorar el mundo, y ese milagro surge cuando público y artistas respiran y vibran juntos”.

Así lo señala el director, quien reivindica una vez más y con toda convicción el Teatro de la Zarzuela: “es mucho más que un edificio o una institución, es una casa, un rito, una tradición, un lugar de encuentro, de placer, de diálogo, de creación, para oír, ver y pensar”. Y vuelve por enésima vez a agradecer al público que cada noche forma parte de la vida de este teatro, “que nos ha acompañado en cada función y sin el cual no existiríamos”.

La Temporada

Esta que se presenta es la séptima temporada desde que Daniel Bianco llegó al Teatro (aunque, como decíamos, también se podría presentar como la temporada 163 desde su fundación en 1856).

En el nuevo curso se presentarán 10 títulos de teatro musical con 4 estrenos absolutos, de los cuales 2 son recuperaciones del patrimonio lírico español: una en concierto y otra en escena. Y tres títulos líricos del gran repertorio de zarzuela.

El ciclo de Conciertos con llegará con 11 propuestas para todo tipo de público y el ciclo Notas del Ambigú con otros tantos recitales.

Además, el Teatro seguirá apostando por su proyecto educativo con un nuevo título del ya tradicional, exitoso y laureado Proyecto Zarza, con un espectáculo para los más pequeños y con las clases magistrales para jóvenes artistas.

Continuarán asimismo el ciclo ‘Domingos de Cámara. Mujeres con Ñ’ dedicado a las creadoras españolas, y el ciclo ‘A propósito de…’, a cargo del director musical e la casa, Guillermo García Calvo.

De igual manera, continúan las colaboraciones ya veteranas con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en el ciclo de Lied, y con la Fundación Juan March en el ciclo de Teatro Musical de Cámara.

En cuanto a las entradas, Daniel Bianco pone de relieve el esfuerzo del INAEM por mantener los numerosos descuentosque permiten que el Teatro de la Zarzuela siga siendo accesible y asequible para todo el mundo, cuidando especialmente a aquellos que puedan tener más dificultades para permitírselo”.

De este modo, tendrán un 50% de descuento los mayores de 65 años, familias numerosas o monoparentales, personas desempleadas, personas con discapacidad y menores de 30 años, todos ellos pueden encontrar entradas desde 2€ y medio hasta 25€. Además, los menores de 30 años pueden beneficiarse de las entradas de último minuto por solo 5€.

VUELVEN LOS ABONOS. Después de dos años interrumpidos a causa de la pandemia, en la Temporada 2022/2023 regresan los abonos al Teatro de la Zarzuela con todas las ventajas y los descuentos. Los espectadores que ya eran abonados mantendrán sus abonos, que podrán renovar del 26 de mayo al 7 de junio. La venta libre de abonos será del 13 al 26 de junio. Por otra parte, la venta libre de localidades para todos los espectáculos de la temporada comenzará el 1 de julio, excepto para las funciones del Ciclo de Lied que se podrán adquirir a partir del 13 de septiembre de 2022.

LÍRICA

Los estatutos que rigen el espíritu y el funcionamiento del Teatro de la Zarzuela lo dicen bien claro: el coliseo erigido en 1856 debe, sin ningún tipo de pretexto, salvaguardar y difundir el género lírico español. Por ello, abrirá la temporada con un el estreno absoluto de una ópera española. Hablamos de ‘La Celestina’ de Felipe Pedrell, obra de madurez del compositor catalán que sonará por primera vez porque a pesar de que estaba previsto estrenarla en el Liceo en el año 1902, nunca vio la luz. Lo único que se oyó fueron un par de escenas que Pau Casal incluyó en un concierto en 1921 para homenajear al compositor. Se trata de una obra de gran importancia que influyó a compositores posteriores, en la que Pedrell plasma su idea de la ópera nacional. En ‘La Celestina’ queda patente el enorme respeto del compositor por la obra original de Rojas del siglo XV y se une a las recuperaciones que con esta temporada ya suman 16 títulos rescatados del olvido. Estará dirigida por Guillermo García Calvo y contará con las voces de Ketevan Kemoklidze, Miren Urbieta-Vega, Andeka Gorrotxategi, Juan Jesús Rodríguez, Simón Orfila, Sofía Esparza, Lucía Tavira, Gemma Coma-Alabert, Javier Castañeda, Mar Esteve e Isaac Galán. Serán 2 funciones en versión de concierto los días 9 y 11 de septiembre.

Después de 21 años sin representarse en el Teatro de la Zarzuela (desde 2001), vuelve uno de los títulos más queridos y celebrados por los amantes de la Zarzuela:
‘Pan y toros’. Estrenada en este mismo escenario el 22 de diciembre de 1864, es quizá de las más importantes aportaciones de Francisco Asenjo Barbieri al género y una de las obras cumbre de la zarzuela grande. La obra nos traslada al Madrid goyesco de finales del XVIII, entre conspiraciones y enfrentamientos de las dos Españas representadas en liberales y reformistas.

Con este monumento de nuestro patrimonio queremos celebrar con el público los 200 años del nacimiento del maestro Barbieri, a quien esta casa debe tanto por ser el principal impulsor de este teatro y del género. Esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela tendrá como director musical a Guillermo García Calvo y como director de escena a Juan Echanove, gran amante de la zarzuela que debuta como director en el género. Se han programado 14 funciones del 6 al 23 de octubre, y contará con la participación de Yolanda Auyanet, Raquel Lojendio, Carol García, Cristina Faus, Borja Quiza, César San Martín, Milagros Martín, Gerardo Bullón, María Rodríguez, Enrique Viana, Pedro Mari Sánchez, Carlos Daza, Pablo Gálvez, José Manuel Díaz, Pablo López, Lara Chaves, Sandro Cordero, Alberto Frías, César Sánchez y Julen Alba. La escenografía y el vestuario será de Ana Garay, la iluminación de Juan Gómez Cornejo y la escenografía de Manuela Barrero.

En noviembre está programado, al fin, el estreno absoluto de ‘Policías y ladrones’, una zarzuela de nueva composición, escrita por Tomás Marco y Álvaro del Amo, que no sólo se vio afectada por el confinamiento de 2020, sino también por las huelgas de 2018. En ambas circunstancias no fue posible estrenarla. Y si, como reza el dicho popular, a la tercera va la vencida, el público podrá disfrutar de cinco funciones de esta zarzuela que trata la actualidad de la corrupción política con un tono tragicómico y desde un sarcástico escepticismo. Serán 5 funciones del 18 al 27 de noviembre, con dirección musical de José Ramón Encinar, escénica de Carme Portaceli, escenografía de Montse Amenós, vestuario de Antonio Belart e iluminación de Pedro Yagüe. En los repartos participarán Manuel Lanza, Miguel Ángel Arias, Alba Chantar, César Arrieta y María Hinojosa.

Y vuelve al Teatro de la Zarzuela un título emblemático de la lírica española que se estrenó en este mismo teatro en 1895, y desde 1937 no se representa en este escenario. ‘La dolores’ de Tomás Bretón, de quien se cumplen los 100 años de su muerte. Otro monumento de nuestro patrimonio en esta temporada, cuya importancia reside no solo en el dramatismo de su argumento o en su genial partitura, que también, sino en que con esta obra Bretón consigue por fin componer una ópera puramente española, en la que nos muestra la constante lucha y supervivencia de una mujer de gran fortaleza en un entorno hostil y muy masculino que la rechaza por carecer de la honra que ellos mismos le arrebataron. El director musical de esta nueva producción del Teatro será Guillermo García Calvo, director musical de la casa, y la de escena Amelia Ochandiano. La escenografía es de Ricardo Sánchez Cuerda, el vestuario de Jesús Ruiz, la iluminación de Juan Gómez Cornejoy la coreografía de Miguel Ángel Berna. Los dos elencos contarán con Saioa Hernández, Carmen Solís, Jorge de León, Andeka Gorrotxategi, José Antonio López, Ángel Ódena, María Luisa Corbacho, Marina Pinchuk, Rubén Amoretti, Ihor Voievodin, Javier Tomé, Santiago Vidal, Gerardo Bullón y Juan Noval Moro.

Siguiendo con la política de recuperación del patrimonio lírico español, se recupera una obra del siglo XVIII firmada por uno de los compositores más importantes de su época, José de Nebra. ‘La violación de Lucrecia’ ‘Donde hay violencia no hay culpa’,  que fue estrenada en el ámbito privado del Duque de Medinaceli en 1744. Si bien en 2012 se estrenó en versión concierto, ahora tenemos la oportunidad de disfrutarla también en escena. El libreto se aleja de la rigidez de las zarzuelas mitológicas, y el valor de esta obra reside especialmente en su música que por su estilo avanzado para la época se acerca más al clasicismo. Un título este que nos habla de género y violencia con esta temática recogida de las fuentes de Tito Livio y que posteriormente popularizaría Shakespeare. Con un libreto que es una versión escrita por Rosa Montero de los hablados originales de Nicolás González Martínez, este estreno escénico en tiempos contemporáneos contará con la dirección musical de Alberto Miguélez Rouco que estará al frente del ensemble Los Elementos, dirección de escena de Rafael Villalobos, escenografía de Emanuele Sinisi e iluminación Felipe Ramos. El reparto lo compondrán María Hinojosa, Carol García, Marina Monzó, Anna Gomà y la actriz Emma Suárez. Serán 5 funciones entre el 25 de marzo y el 1 de abril.

En el mes de abril llegará otro momento importante que demuestra que la zarzuela sigue muy viva: La segunda nueva composición en esta temporada junto a ‘Policías y ladrones’. Su título: ‘Trato de favor’, y cuenta con música de Lucas Vidal, libreto de Boris Izaguirre, dirección  Musical Andres Salado y dirección de escena de Emilio Sagi. La escenografía está firmada por Daniel Bianco, el vestuario es de Jesús Ruiz y la coreografía de Nuria Castejón. Se trata de una zarzuela contemporánea, de mujeres, que por circunstancias de la historia se mira en el espejo de ‘La rosa del Azafrán’, y que cuenta con un reparto compuesto por Ainhoa Arteta, Nancy Fabiola Herrera, Enrique Ferrer, Amparo Navarro, Amelia Font, María José Suárez, Boris Izaguirre, Gurutze Beitia y Rafaela Chacón. Serán 10 funciones del 29 de abril al 21 de mayo.

Y llegaremos al mes de Junio con otro título imprescindible de nuestro repertorio. Tras el éxito en 2021 sobre este escenario y después de haber recalado en el Palacio de festivales de Santander, se cerrará la temporada lírica con la reposición de ‘Luisa Fernanda’ de Federico Moreno Torroba, una partitura muy querida por el público, repleta de las más célebres romanzas de nuestra zarzuela. El escenario revivirá el Madrid de mediados del siglo XIX (también aquella Extremadura que cierra la historia) para acoger las idas y venidas de una de las obras maestras indiscutibles de nuestra lírica, con libreto de una de las parejas más prolíficas, exitosas e ilustradas del género, como son Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw. El Teatro de la Zarzuela y esta obra han estado estrechamente unidos desde 1934, dos años después de su estreno en el Teatro Calderón de Madrid. Dirigida musicalmente por Miguel Ángel Gómez-Martínez, otro de los muchos atractivos de este proyecto es la visión que de esta obra tan popular como amada regala el director de escena turinés Davide Livermore. La escenografía es de Giò Forma, el vestuario de Mariana Fracasso, la iluminación de Antonio Castro, los audiovisuales de Pedro Chamizo y la coreografía de Nuria Castejón. María José Montiel, Carmen Artaza, Ismael Jordi, Alejandro del Cerro, Juan Jesús  Rodríguez, Rubén Amoretti, Sabina Puértolas, Rocío Ignacio, María José Suárez, Nuria García Arrés, Emilio Sánchez, Antonio Torres y Didier Otaola son los intérpretes que conforman un doble reparto de absolutas campanillas. Las 8 funciones programadas irán del 21 al 30 de junio.

Con la presentación de estos 7 títulos el teatro seguirá siendo un año más ejemplo único en la conservación, difusión y exhibición de nuestra lírica, tan fecunda como heterogénea.

CONCIERTOS: SALA PRINCIPAL, NOTAS DEL AMBIGÚ, Domingos de Cámara, LIED

Tras el éxito obtenido en sus seis primeras temporadas, el CICLO DE CONCIERTOS en la sala principal presenta 11 nuevas propuestas con algunas de las más destacadas voces de la lírica, la canción popular, el flamenco y el pop. Esto convierte al Teatro en un espacio fundamental en nuestro teatro porque en él tiene cabida la pluralidad de la música española, sin prejuicios y con un espíritu abierto a todos los públicos. Abrirá el ciclo la cantaora jerezana Tomasa La Macanita una de las artistas de mayor renombre y reconocimiento en el mundo del flamenco, que debuta en el Teatro de la Zarzuela con un personal recuerdo a la obra del compositor Manuel Alejandro, autor de canciones que resuenan en la memoria de todos y que siempre supo expresar el sentir de los artistas para los que compuso sus canciones (10 de septiembre); tras el éxito obtenido en el ciclo Notas del Ambigú de la presente temporada, Enrique Viana, acompañado por el maestro Ramón Grau, retoma el espectáculo Luisa Fernanda, ya tengo instagram, esta vez en la sala principal y con muchas  actualizaciones, para que más personas puedan disfrutar de este artista único que encarnará a dos personajes que nos contarán y cantarán los secretos de la temporada del teatro con un gran sentido del humor. Las risas, el buen ambiente y la música están asegurados (11 y 17 de octubre); Niño de Elche, uno de los cantaores más revolucionarios y vanguardistas del flamenco actual, presenta su nuevo trabajo. El concierto estará formado por un elenco de artistas que interpretará un repertorio de cantes festivos flamencos (22 de noviembre); una de las voces más relevantes del pop español y latino Marta Sánchez, vuelve al Teatro de la Zarzuela con un espectáculo lleno de sentimiento donde repasa su trayectoria acompañada de un piano. Sorprenderá a su público con otras joyas y guiños a su carrera y a la música (24 de noviembre); Homenje a Luis Mariano es un recital muy especial dedicado a la memoria de Luis Mariano, una de las voces más reconocidas en España y Francia entre los años 40 y 60 del pasado siglo. En este concierto podremos disfrutar de uno de nuestros artistas más internacionales, Ismael Jordi, acompañado al piano por el maestro Rubén Fernandez Aguirre, interpretando los grandes éxitos del tenor irunés, como ‘Violetas imperiales’, ‘C’est magnifique’, ‘Amapola’ o la romanza de la única zarzuela que el tenor cantó en el Teatro de la Zarzuela en 1958, ‘La canción del amor mío’, entre otros (26 de noviembre); el tradicional Concierto de Navidad, una cita que es ya un clásico de las temporadas del Teatro de la Zarzuela, una tradición para el público. Estará dirigido por el maestro Guillermo García Calvo, a quien acompañarán Carlos Álvarez y Rocío Ignacio, que nos ofrecerán un concierto de grandes romanzas del repertorio con la Orquesta de la Comunidad de Madrid (30 de diciembre); ‘Así que pasen 30 años’: el tenor y actor Ángel Ruiz dará un concierto muy especial junto a una banda de clarinete, saxo, flauta, contrabajo y batería, dirigida desde el piano por César Belda. Una emotiva y divertida velada entre coplas, boleros, canción iberoamericana y teatro musical (31 de enero); dos voces emblemáticas de la lírica internacional regresan a la plazuela de Jovellanos:  Ainhoa Arteta y Ramon Vargas. Los aficionados volverán a disfrutar de la complicidad que estos dos grandes artistas y amigos irradian sobre las tablas, regalándoles romanzas y dúos de zarzuelas, preciosas joyas de nuestro patrimonio musical (6 de febrero); ‘Música sinfónica española. Concierto de jóvenes directores’. Tres jóvenes directores y grandes promesas de la dirección, Lara Diloy, Lorena Escolar y Rubén Sánchez-Vieco, se ponen al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid para interpretar obras de compositores como Arriaga, Rodrigo, Guridi, Turina o Falla (7 de marzo); ‘Una serenata española’: Un singular concierto del tenor Celso Albelo –después de su gran éxito en ‘Don Gil de Alcalá’– junto a la Orquesta de Pulso y Púa de la UCM dirigida por Enrique García Requena, con pasodobles, habaneras, rancheras, jotas, canciones mexicanas, y, por supuesto, romanzas de zarzuela (31 de marzo); y para cerrar el ciclo, Pasión Vega volverá al Teatro de la Zarzuela para presentar su nuevo disco. Una de las artistas más respetadas y una de las voces más bellas de este país que ha transitado los géneros con mayor capacidad para emocionar, como la copla o el tango (6 de mayo).

Desde su creación, hace ya seis temporadas, todos los conciertos del CICLO NOTAS DEL AMBIGÚ han colgado el cartel de ‘localidades agotadas’ y han dejado un gusto dulce y diferente a cualquier experiencia musical por la proximidad del artista con el público que crea una atmósfera emocionante y feliz. El Ambigú es sin duda el salón de música del Teatro de la Zarzuela. Esta séptima edición del ciclo, contará con varias conmemoraciones: el bicentenario del nacimiento de Joaquín Gaztambide se celebrará con el recital ‘Gaztambide, una vida para la zarzuela’ de la mano de Sofía Esparza y Rinaldo Zhok (14 de septiembre); se recordará también a una de las sopranos más importantes que ha dado este país, Victoria de los Ángeles, con Nuria Rial y Rubén Fernández Aguirre, en el centenario de su nacimiento (9 de mayo); con el Cuarteto Bretón, recordaremos la figura del maestro Tomás Bretón cuando se cumplen los 100 años de su muerte (23 de enero); y otro recuerdo, con Gerardo Bullón y Ramón Grau, esta vez a uno de los artistas más importantes de la historia de este país, Pablo Picasso, en los 50 años de su muerte, con un espectáculo escrito y dirigido por Enrique Viana bajo el título ‘Don Pablo, ¿con brocha?’ (27 y 28 de febrero); como cada año, un concierto festejará el Día Internacional de la Mujer, la maestra Cecilia Bercovich, acompañada de un conjunto de alumnas del conservatorio, nos traerá un especial concierto de violín, viola y viola d’amore con obras de compositoras y dos estrenos absolutos encargados para este concierto (8 de marzo). Otros conciertos de este ciclo nos darán una visión del arco histórico de la música española, que va desde la polifonía medieval por el conjunto vocal femenino Egeria (10 de abril), a la música renacentista de la mano del dúo de voz y vihuela Dolce Rima en torno a la figura de la humanista y maestra de reinas Beatriz Galindo “La Latina”, amiga de Isabel la Católica (3 de octubre); la Capilla Jerónimo de Carrión ofrecerá asimismo un exquisito programa de la música de templos y teatros del Siglo de Oro con recitados del actor Pepe Viyuela (10 de julio); además, Serena Sáenz y Rubén Fernández Aguirre dedicarán un recital a la Canción catalana de compositores como Granados, Mompou, Oltra o Guinovart (18 de octubre); con el concierto ‘El piano solo del maestro Alonso’, Laura Sierra y Manuel Tevar, Iberian & Klavier Piano Dúo,  nos mostrarán “a cuatro manos” su trabajo de recuperación de la obra pianística de Francisco Alonso en sus años de juventud (14 de noviembre); también contaremos con la segunda edición del Premio de Composición, cuyas obras ganadoras serán estrenadas por el Trío Arbós. Es importante destacar en este punto al compositor José María Sánchez-Verdú por su implicación en el fomento de la nueva creación que lleva a cabo el Teatro de la Zarzuela en colaboración con el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid (12 de junio).

El CICLO DOMINGOS DE CÁMARA: MUJERES CON Ñ. Cuarta edición del ciclo de música española de cámara que por tercer año consecutivo estará dedicado íntegramente al papel de la mujer en la música en su faceta como compositora. Con este ciclo el Teatro quiere continuar con la difusión de estas obras, muchas inéditas, y descubrir al público la excelente calidad de las creaciones de estas compositoras españolas que rara vez tuvieron o tienen el debido reconocimiento por sus creaciones. De esta manera, se pondrá en valor a algunas de nuestras compositoras del siglo XX y XXI como Maria Teresa Prieto, Claudia Montero, Diana Perez Custodio, Marisa Manchado, Zulema de la Cruz, Iluminada Perez Frutos, Carme Fernández Vidal, Raquel García Tomás, Laura Vega, Helena Cánovas, Amanda Garrido, Consuelo Díez, Julia María Dopico Vale, María de Alvear, Ana Vázquez Silva, Beatriz Aramendi o Teresa Catalán, entre otras. Y el compromiso del Teatro de la Zarzuela es también con el futuro de las autoras, con el fomento de las nuevas creaciones, y por ello cada concierto contará con un estreno absoluto de jóvenes compositoras, alumnas del real Conservatorio de Música Superior de Madrid; en esta ocasión las autoras serán: Amanda Garrido, Nuria Sánchez, Adela Rodriguez Yus, Laura de las Heras y Beatriz López Nogales. Las cinco citas son las siguientes: BOOST,  grupo de percusión (13 de noviembre), Isabel Dobarro y Miguel Borrego, dúo de violín y piano (12 de febrero), Cuarteto Manuel de Falla, clarinetes (23 de abril) y el Cuarteto Bretón (21 de mayo).

Por otra parte, el CICLO DE LIED, en coproducción con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), celebrará su XXIX edición con 8 recitales: El bajo René Pape (28 de noviembre), el barítono Christian Gerhaher (19 de diciembre), el barítono Konstantin Krimmel (30 de enero), la soprano Christiane Karg (7 de febrero), la mezzosoprano Marianne Crebassa (27 de marzo), el barítono Andrè Schuen (3 de abril), el barítono Manuel Walser (8 de mayo) y el tenor Ian Bostridge (5 de junio).

PROYECTOS DIDÁCTICOS. PROYECTO ZARZA. CLASES MAGISTRALES

Uno de los pilares fundamentales del proyecto artístico del teatro es el público joven, que no solo debe ser tratado como el público del futuro sino como también como ese público del presente que ya es.

Por ello, el Teatro de la Zarzuela les abre las puertas para que conozcan su patrimonio musical a través de espectáculos de calidad especialmente creados para ellos.

Es precisamente por esta atención especial que merecen los jóvenes, la razón por la que el Teatro les dedica gran parte de su programación, el 22% de la misma. Los frutos de este trabajo son ya una realidad y se puede apreciar en la juventud que cada vez con más frecuencia y en mayor cantidad se mezcla con otras generaciones en el patio de butacas; porque que se ha “enamorado” de la zarzuela –como en su mayoría reconocen– gracias a estas propuestas, especialmente el Proyecto Zarza, emocionándose con un género que también les pertenece.

A día de hoy, más de 48.000  jóvenes han llenado este patio de butacas en las ediciones del proyecto Zarza. Las colaboraciones con centros educativos aumenta cada año, y ya son casi 70.000 los usuarios que han visto a día de hoy las 6 producciones disponibles en nuestro canal de Youtube.

En la nueva Temporada se ofrecerá un total de 30 funciones entre los espectáculos que conforman el proyecto didáctico.

El PROYECTO ZARZA, zarzuela hecha por jóvenes para jóvenes, supone la garantía de éxito rotundo cada temporada. A lo largo de estos años, desde su primera edición, el laureado Proyecto ha crecido tanto como la aclamación y el reconocimiento de las producciones que en él se han presentado.

Hasta la fecha, se han montado adaptaciones de obras emblemáticas del género chico, un espectáculo nuevo con músicas de varios compositores y una revista.

Este año el Teatro apuesta una vez más por otra creación nueva de la mano de Lola Blasco, autora del texto, y el director de escena José Luis Arellano, esta vez en torno a la figura y a la herencia del maestro Alonso, con dirección musical de Lucía Marín.

“Todos aquellos que conozcan la obra de Alonso sabrán lo mucho que los jóvenes van a apreciar las joyas musicales que el maestro nos legó y que podrán disfrutar en este espectáculo”, afirma Daniel Bianco.

La nueva producción llevará el nombre del dúo de ‘¡24 horas mintiendo!’ ‘Yo te querré’, y además de los ya mencionados, participan en el montaje Pablo Menor Palomo como autor de la escenografía, Ikerne Giménez que firma el vestuario y Nuria Castejón, responsable de la coreografía. El reparto, como de costumbre, estará integrado por un grupo de jóvenes cantantes y actores de entre 18 y 30 años elegidos tras un proceso de audiciones (que está en curso) y acompañado por un conjunto musical de cámara. Las 14 funciones se ofrecerán del 24 de febrero al 4 de marzo de 2023.

Y los proyectos didácticos destacan un año más porque, gracias a ellos, el Ambigú del Teatro vuelve a tener por sexto año consecutivo la función de espacio de espectáculos. Tras las dos emocionantes entregas de ‘Perdida en el Bosco’ y las del éxito arrollador de ‘La increíble historia de Juan Latino’, volverá al Ambigú el teatro de títeres con música en directo. La propuesta será en esta ocasión la reposición (ya que se estrena estos próximos días en la presente temporada) de la obra ‘El cielo de Sefarad’, coproducida por el Teatro de la Zarzuela y la Compañía Claroscvro. Serán otras 10 funciones entre el 4 y el 9 de noviembre de 2022. Se trata de un relato repleto de música y poesía; una historia también llena de humor, de amor, magia y valentía, que descubrirá a los más pequeños que nuestras raíces van más allá de lo que a primera vista alcanzan a ver nuestros ojos.

Si bien aún no se ha podido ver porque, como decimos, se estrena precisamente mañana miércoles, el interés de los centros escolares y del público ha sido tan alto que el Teatro ha decidido volverlo a programar.

Un año más, también enmarcado en los proyectos didácticos y pensando en la formación de los que están llamados a ser los artistas del presente y del futuro, contaremos con las Clases Magistrales, en este caso a cargo de Lluís Pasqual, en las que los jóvenes artistas podrán perfeccionar sus cualidades interpretativas y aprender de la experiencia y conocimientos que este grandísimo hombre de teatro ha adquirido a lo largo de su extensa y variada trayectoria. Del 10 al 15 de octubre.

Hasta aquí la parte visible del proyecto didáctico del Teatro de la Zarzuela. Aunque el alcance de este es mucho mayor. El Teatro está presente en centros e instituciones educativas a las que se ofrecen visitas virtuales y charlas gratuitas para conocer mejor la zarzuela y su teatro. Esta temporada se han realizado 80 de estas sesiones que han disfrutado más de 2.000 escolares de España, Andorra, Canadá, Estados Unidos o Suiza. 43 Entrevistas entre bambalinas a nuestros artistas con más de 100 mil visualizaciones. 21 episodios de ‘Viaje por la zarzuela’, disponibles en el canal de Youtube del Teatro, que han visto más de 65 mil personas. Se abren los ensayos a alumnos de estudios relacionados con las artes escénicas, la música y el canto. Se acogen estudiantes de prácticas en diversos departamentos del teatro donde aprenden y viven el día a día de un teatro lírico. Porque, como dice Bianco, “la continuidad del teatro y de la zarzuela también es importante la formación de quienes algún día tomarán el testigo”.

DANZA

Por una parte, el Ballet Nacional de España, dirigido por Rubén Olmo, ofrecerá del 9 al 22 de diciembre 10 funciones de ‘El loco’, un ballet inspirado en la peripecia artística y existencial del bailaor Félix Fernández “El Loco”, con coreografía de Javier Latorre y Manuel Coves al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid, junto a los músicos flamencos del Ballet Nacional.

Por otra parte, la Compañía Nacional de Danza dirigida por Joaquín de Luz ofrecerá 11 funciones de dos programas diferenciados entre el 12 y el 23 de julio de 2023. Con coreografías de Jerome Robbins, Peter Martins, Joaquín de Luz o George Balanchine y músicas de Leonard Bernstein, Samuel Barber, Piotr Ilich Chaikovski, Frank Sinatra o Philipp Glass.

TEATRO MUSICAL DE CÁMARA

Otro de los ciclos que prevalece cada año renovado de energía e intenciones es el dedicado al Teatro Musical de Cámara en colaboración con la Fundación Juan March. Sobre esta valiosa alianza, Daniel Bianco muestra un año más su agradecimiento “por la posibilidad de trabajar conjuntamente con la Fundación Juan March y Miguel Ángel Marín, su director del departamento de música, en la coproducción de una ópera de cámara que demuestra que la suma de esfuerzos nos permite llegar más lejos”. Del 25 de septiembre al 3 de octubre se presentarán las siete funciones (cuatro abiertas y 3 escolares) de ‘El caballero avaro’ de Serguéi Rajmáninov, una ópera de cámara moralizante que narra la historia de un padre rico y tacaño y un hijo despilfarrador y codicioso, cuya relación acaba destruida por la avaricia de ambos. La dirección musical de esta ópera de cámara será de Borja Mariño, que también interpretará la música al piano. La dirección de escena es de Alfonso Romero, la escenografía de Carmen Castañón, el vestuario de Gabriela Salaverri, la iluminación de Félix Garma, la videoescena de Philipp Contag-Lada y el reparto lo componen Ihor Voievodin, Isaac Galán, Gerardo López y Luis López Navarro. Como es habitual, las representaciones serán en la Fundación Juan March.

A propósito de…

Tras la gran acogida del ciclo ‘A propósito de…’, el Teatro de la Zarzuela volverá a contar con los conciertos del maestro Guillermo Garcia Calvo, un gran concertista de piano y director musical del coliseo, en los que este explica al piano el mapa musical internacional, y de qué manera los compositores de las obras que el maestro dirige en la temporada están situados y relacionados dentro de ese mapa sonoro internacional.

Los conciertos de esta temporada son: ‘A propósito de Pedrell’ con obras de Enrique Granados, Alexander Cherepnín y Bela Bartok (11 de septiembre).

‘A propósito de Barbieri’ con obras de Martín Sánchez Allú, Santiago Masarnau, Pedro Albéniz, Franz Schubert y Teobaldo Power (9 de octubre).

‘A propósito de Bretón’ con obras de Johannes Brahms, Gabriel Fauré, Claude Debussy, Alban Berg e Isaac Albéniz (5 de febrero).

Conferencias

Vuelve también el ya veterano ciclo de conferencias en colaboración con la Asociación Amigos de la Ópera de Madrid. Así, el Teatro contará con la presencia de cuatro musicólogas: Elena Torres, Nieves Pascual, Ana Vega Toscano y Celsa Alonso, y tres musicólogos: Emilio Casares, Ramón Sobrino y German Gan Quesada. Todos ellos ayudarán a desentrañar los secretos de las obras y descubrir las claves fundamentales de cada una de ellas. Hasta el día de hoy más de 21.000 espectadores han seguido nuestras conferencias por YouTube.

LArts_Wozzeck

El Palau de les Arts clausura su programación operística con el estreno en la ciudad de València de ‘Wozzeck’, de Alban Berg, el próximo jueves, 26 de mayo.

Jesús Iglesias Noriega, director artístico de Les Arts, ha presentado hoy ante los medios de comunicación este título con la presencia de su director musical, James Gaffigan, y el director de escena, Andreas Kriegenburg.

Iglesias Noriega ha defendido la primera representación de ‘Wozzeck’ en la capital del Turia como un auténtico “evento cultural” que equipara esta ciudad a las grandes capitales musicales del mundo:

‘Wozzeck’ es una obra maestra de obligada programación para un teatro de ópera con vocación dinamizadora y que también busque proyección internacional. Figura entre las 70 óperas más interpretadas del siglo XXI y su irrupción en la historia de la lírica condiciona e influye en el desarrollo del teatro musical del pasado y presente siglo”.

Por ello, ha continuado, “un centro como Les Arts, que aspira a diversificar y ampliar públicos, además de ejercer de motor cultural, requiere una línea de trabajo para preparar tanto a los cuerpos estables y al equipo técnico, como al propio espectador para recibir y disfrutar de nuevas propuestas. Por eso es tan importante restituir y trabajar el repertorio inédito”.

‘Wozzeck’, según ha recordado Iglesias Noriega, supone un desafío musical y escénico. Exige una orquesta en el foso de más de 90 músicos, músicos en escena, además de ser una partitura de gran complejidad para cantantes e instrumentistas. Escénicamente, Les Arts presenta la producción que, desde su estreno en Múnich, está considerada como el montaje de referencia para esta ópera, a la par de un desafiante ejercicio de ingeniería escénica.

James Gaffigan se estrena en València en la partitura de Berg, que además es su primera ópera en Les Arts. Conocedor de la obra del compositor vienés, el director neoyorquino apela a la profunda dimensión humana de esta ópera para animar al público a descubrir a Alban Berg y la perfecta simbiosis entre texto y músico para disfrutar de una experiencia artística única.

Asimismo, el director musical de Les Arts destaca la poderosa exhibición de la Orquestra de la Comunitat Valenciana, que cautivará a los melómanos que deseen descubrir nuevas formas de expresión musical.

Andreas Kriegenburg firma la puesta en escena de ‘Wozzeck’, con escenografía de Harald B. Thor, vestuario de Andrea Schraad, iluminación de Stefan Bolliger y coreografía de Zenta Haerter. ‘Wozzeck’ es una coproducción de la Bayerische Staatsoper y el New National Theatre de Tokio.

El prestigioso director de escena alemán apuesta por profundizar en la psicología del alma asustada y atormentada de Wozzeck, utilizándolo para describir la violencia de la pobreza y hasta qué extremo la pobreza puede paralizar el alma de una persona.

“Mostramos el mundo tal como es a los ojos de Wozzeck. Un mundo grotesco, violento, malévolo, monstruoso y distorsionado, tal como él lo percibe en sus miedos. A sus ojos, solo Marie y su hijo son personas reales a las que ama y de las que espera volver a ser amado. Todos los demás personajes que encuentra en la ópera parecen haber surgido de una oscura historia de terror”, explica Kriegenburg.

Les Arts reúne un elenco de prestigiosas voces del repertorio alemán y reputados intérpretes de Wozzeck, que junto con el Cor de la Generalitat y la Escolania de la Mare de Déu dels Desemparats, abordan el estreno de la obra en la capital del Turia.

Peter Mattei interpreta a Wozzeck en su primera incursión en Les Arts. El cotizado barítono sueco, desde su aplaudido debut del papel en el Metropolitan de Nueva York, se erige como el intérprete de referencia tanto en el plano vocal como en el escénico del atormentado soldado.

Tras su reciente éxito en la Ópera de París con esta ópera, la soprano holandesa Eva-Maria Westbroek encarna a Marie. Se trata, además, del reencuentro del público valenciano con una de las grandes divas wagnerianas del panorama actual 13 años después de la aplaudida Sieglinde en ‘Die Walküre’.

El británico Christopher Ventris, uno de los tenores heroicos de referencia, y que los aficionados en València recordarán por su Parsifal con Lorin Maazel, canta el rol de Tambor Mayor. El bajo-barítono alemán Franz Hawlata (Doctor) y el tenor alemán Andreas Konrad (Capitán) conforman el elenco principal.

Tansel Akzeybek (Andrés), Patrick Guetti (Primer aprendiz), Yuriy Hadzetskyy (Segundo aprendiz), Joel Williams (Un loco), Alexandra Ionis (Mararet) y Jorge Franco (Un soldado) completan el reparto.

Les Arts ha programado ‘Wozzeck’ los días 26, 29 y 31 de mayo, y 3 y 5 de junio.

Preestreno con DJ

Asimismo, Jesús Iglesias Noriega ha recordado que con motivo del estreno de ‘Wozzeck’ en València, Les Arts propone una experiencia diferente para la ‘Preestrena fins a 28’ del próximo 23 de mayo, en la que el público, además de la representación, podrá disfrutar de una completa velada con DJ y servicio de restauración hasta las 23.00 h.

Después de la función de ‘Wozzeck’, Les Arts convertirá la Pasarela en una auténtica pista de baile inspirada en la estética de la impactante y vanguardista producción de esta ópera, que ha supuesto uno de los mayores desafíos técnicos y artísticos en la historia del teatro.

Las entradas para ‘Preestrena fins a 28’, reservada exclusivamente para menores de 29 años, tienen un precio único de 10 euros.

Don Gil de Alcalá
Don Gil de Alcalá triunfa en el Teatro de la Zarzuela
Manuel Penella compone Don Gil de Alcalá en 1932. Escribió la música y el libreto, inspirado por las novelas de enredo de Valle-Inclán y Jacinto Benavente. Pero su mayor estímulo lo encontró en la pieza teatral “El sí de las niñas”, de Leandro Fernández de Moratín.

Hasta ese momento el panorama musical español se caracterizaba por la variedad de tipologías musicales: sainetes, zarzuelas o revistas, entre otros. Pero a partir de 1910 se inicia un cierto declive del género chico y empiezan a triunfar zarzuelas en dos actos, al estilo de la opereta vienesa, y con una estructura más importante, similar a la ópera cómica.

El resultado es una ópera en tres actos, cuya escena situó Penella en el México del siglo XVIII, cuando aún pertenecía a la Nueva España. El autor conocía bien los países sudamericanos, y quiso con esta obra rendir un sentido homenaje a los lugares que había recorrido, gracias a su espíritu aventurero.

En la obra subyace una crítica a los matrimonios acordados que se realizaban en la época y, a través de un divertido enredo, plantea la celebración de un matrimonio desigual, entre una dama y un rufián de la corte, que no era bien visto por las clases altas a la que pertenecía la joven. Todo con un desarrollo argumental muy próximo a la ópera buffa, realizado con gran ingenio y con una escritura musical bien delineada y refinada.

En este regreso de Son Gil de Alcalá al Teatro de la Zarzuela, la dirección de orquesta corrió a cargo de la Asistente de dirección Lara Diloy, por indisposición del titular Lucas Macías.
La joven Lara Diloy es una de las pocas directoras de orquesta españolas del circuito actual y posee un amplio conocimiento del repertorio sinfónico y operístico, como quedó bien demostrado en esta representación. Siempre pendiente de los cantantes, supo imprimir a la orquesta el brío y la chispa que caracteriza esta obra. Se pudieron apreciar los delicados matices en la orquestación de una partitura de inspiración clásica, como lo es esta. Diloy demostró al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid, esa seguridad que solo es fruto del trabajo y el talento. Habrá que seguirla de cerca.

La escenografía proviene del Teatro Campoamor de Oviedo, donde se representó en 2017. Se trata de una única estancia a la que se van sumando elementos que crean los distintos ambientes, siempre coloniales y siempre elegantes, como es habitual en sus directores, Emilio Sagi y Daniel Bianco, y que son ya marca de la casa, como las lámparas o la perfecta disposición sobre el escenario de todos los participantes. Exquisito también el vestuario de la recordada Pepa Ojanguren. Todo realzado por la impecable y romántica iluminación de Eduardo Bravo.

El cuadro de cantantes está formado por dos repartos de gran calidad. En este primero el tenor canario Celso Albelo se encarga de dar vida al protagonista, Don Gil de Alcalá. Lo hace con la musicalidad de su hermosa línea de canto, imprimiendo al personaje una modesta comicidad, Albelo es capaz de mucho más en la faceta interpretativa. Donde no ahorró esfuerzos fu en la parte vocal. Ese timbre que acaricia y la riqueza de matices vocales.

A su lado, como Niña Estrella, la soprano Sabina Puértolas, que representa a una chispeante, a la par que inocente, prometida de Don Diego, aunque enamorada de Don Gil. Bien en la habanera a dúo con Maya, pero le faltó expresividad en otros momentos importantes de su actuación.

Carol García dio vida a Maya, la criada de Niña Estrella, que compuso un personaje divertido y desenfadado. Destacó brillantemente en su habanera a dúo con Sabina Puértolas y fue la pareja ideal, en lo vocal y en lo interpretativo, del Chamaco de Carlos Cosías, que redondeó una magnífica actuación, llena de gracias y viveza.

El Don Diego del barítono Manuel Esteve estuvo muy bien definido, tanto en su línea de canto, como en el carácter del personaje, arrogante y formal.

El sargento Carrasquilla ha sido interpretado por Simón Orfila. Fue el personaje más simpático del reparto y el más celebrado por el público en sus agudas intervenciones de pícaro sevillano.

Como Madre Abadesa, María José Suárez, una habitual en este escenario que siempre aporta valor.
A buen nivel estuvieron el resto de comprimarios, con Miguel Sola a la cabeza, como gobernador; Pablo López, como virrey de Nueva España; David Sánchez, en el rol de Padre Magistral; Ricardo Muñiz, como maestro de ceremonias; y los miembros del cono, Paula Alonso y Rosa María Gutiérrez, como Lucía y Rosita, respectivamente.

Un Don Gil de Alcalá, que ha vuelto al Teatro de la Zarzuela 23 años después y que siempre está de moda. Con esa picaresca española de otras épocas. O no…

Madama Butterfly ABAO

ABAO Bilbao Opera concluye la 70º Temporada de ópera en Bilbao con una de las óperas más representativas y populares del repertorio italiano: Madama Butterfly, con el patrocinio de la Fundación BBVA. Una tragedia de amor que destaca por su intensidad dramática y por contener algunas de las arias más bellas y conocidas de la historia de la ópera. ABAO ha programado cinco funciones para los días 21, 24, 27, 28 y 30 de mayo en el Euskalduna Bilbao. Las representaciones de los sábados 21 y 28 darán comienzo a las 19:00h, el resto de las funciones se iniciarán las 19:30h.

Madama Butterfly es una tragedia japonesa en tres actos con música de Giacomo Puccini y libreto de Luigi Illica y Giuseppe Giacosa basado en el relato corto de J.L. Long y el drama de David Belasco. Una ópera del siglo XX, estrenada en 1904, donde Puccini retrata de manera magistral la historia de una frágil geisha, sencilla y confiada, que se casa con un oficial de la marina norteamericana quien posteriormente la abandona empujándola a un destino trágico y fatal. Las esposas temporales eran una realidad conocida en el Japón de finales del XIX. La ópera, una historia de contrastes culturales, muestra una imagen lúcida y empática del viaje psicológico de su protagonista con el crecimiento del personaje principal desde la inocente niña engañada a la joven madura, y finalmente la mujer, madre y víctima.

Es una ópera sobrecogedora y una de las favoritas de Giacomo Puccini sobre la que llego a expresar: “no escucho nunca con placer mis óperas, exceptuando tal vez el último acto de La bohème. Pero ésta sí, toda, íntegra, interesándome, entusiasmándome. Tengo conciencia de haber escrito la más moderna de mis óperas”.

EL PODER DE LAS GRANDES VOCES COMO VEHÍCULO EMOCIONAL
Puccini reservó para el personaje protagonista el trabajo más intenso de la ópera. La joven Cio-Cio-San está en el escenario la mayor parte del tiempo y es el único personaje que experimenta un desarrollo total, tanto físico como psicológico. La soprano debe transmitir una enorme variedad de emociones y características, desde lo etéreo a lo sensual, fuerte, ingenua o resignada. Las habilidades vocales necesarias para abordar este complejo personaje, entre los más difíciles del repertorio pero también uno de los más soñados por las sopranos, son prácticamente únicas en la ópera.

En su debut en ABAO, María Agresta, una soprano lírica dotada de una voz suntuosa, una elevada técnica, fuerza y elegancia, será la encargada de afrontar con brillantez los momentos tan delicados que para el personaje de Cio-Cio-San contiene la partitura, como “Ancora and passo e via”, una escena conmovedora que introduce al personaje; el dúo “Bimba dagli occhi” con Pinkerton en su noche de bodas con hermosas melodías y sutiles orquestaciones; la archiconocida “Un bel di vedremo” una de las arias más preciosas de la historia de la ópera que refleja la esperanza de la protagonista que anhela el regreso de su amado, y “Che tua madre dovrà”, ambas del Acto II; y la sobrecogedora “Con onor muore” del Acto III que es una de las escenas de muerte más impactantes.

El egoísta oficial estadounidense Pinkerton está interpretado por el tenor Sergio Escobar, que ha cantado este personaje en infinidad de producciones y que repite en la temporada de ABAO, tras protagonizar el pasado mes de abril la ópera Alzira como Zamoro. Con una voz brillante, clara y contundente, tiene páginas de gran impacto como el dúo con Sharpless “Dovunque al mondo”; el dúo de amor con Butterfly, “Bimba dagli occhi pieni di malia”, uno de los más extensos de la ópera italiana, en el Acto I; y aria “Addio, fiorito asil” también con Sharpless en el Acto II donde interpreta un fragmento breve pero de gran intensidad y emoción.

Completan el elenco la guipuzcoana Carmen Artaza como la fiel criada Suzuki, Damián del Castillo en el rol de Sharpless, Jorge Rodríguez-Norton como el casamentero Goro, Marta Ubieta como la esposa americana Kate Pinkerton, José Manuel Díaz en el doble papel de Yamadori y Comisario, Fernando Latorre como Tío Bonzo y Gexan Etxabe que interpreta a Yakuside.

HENRIK NÁNÁSI DIRIGE UNA DE LAS MÁS BELLAS PARTITURAS PUCCINIANAS
El maestro húngaro Henrik Nánási, muy vinculado a la Komische Oper de Berlín como director general entre 2012 y 2017, y asiduo de los grandes coliseos líricos internacionales, debuta en ABAO dirigiendo a la Bilbao Orkestra Sinfonikoa en una partitura de extraordinaria riqueza instrumental, en la que se mezclan temas tradicionales de oriente y occidente, y que contiene algunas de las arias más inspiradas, conocidas y aclamadas del compositor.

Puccini alcanzó un nuevo nivel de sofisticación compositiva en esta ópera, con delicados colores y sonoridades a lo largo de la partitura. La fascinación y la influencia de oriente, imaginado como algo exótico y transcendental, se mantuvo en la creación artística de numerosos autores. Puccini sentía predilección por los ambientes musicales exóticos, como el lejano oeste en La fanciulla del West, o la imperial China en Turandot, pero en Madama Butterfly se esforzó especialmente en incorporar el espíritu y las melodías de la música tradicional japonesa, para plasmarla en la que él mismo consideró su obra más sincera y expresiva. Puccini compuso cinco diferentes versiones de Madama Butterfly. La versión original en dos actos se estrenó en 1904 en La Scala de Milán pero se retiró rápidamente. Puccini revisó la partitura, dividiendo el segundo acto en dos actos separados y su primera representación en Brescia fue un éxito. La versión que se realiza hoy en día con mayor frecuencia es la de 1907, y es la quinta.

El Coro de Ópera de Bilbao, dirigido por Boris Dujin, pone voz a la singular pieza coral “bocca chiusa” uno de los momentos más mágicos y melancólicos de la ópera, completando este apartado.

UNA PRODUCCIÓN ELEGANTE Y TRADICIONAL
El legendario Stefano Monti presenta una producción de la Fondazione Teatro Comunale di Modena, elegante, delicada, dulce e intimista. La escenografía se desenvuelve en un marco de postal japonesa, con un movimiento teatral y coreográfico delicado, diseñado por Monique Arnaud, experta en la práctica del antiguo teatro japonés Noh. Cobran fuerza sobre el escenario los elementos simbólicos como sombrillas, abanicos o cometas. La iluminación entre penumbras y toques velados, obra del propio Monti, construye tenues cortinas apenas perceptibles dando al conjunto una pátina de delicada y elegante belleza plástica.

Una puesta en escena donde la precisa gestualidad presenta a sus personajes con coloristas formas estilizadas, rico vestuario, también de Monti, además de un trabajo de maquillaje y posticería muy elaborado que recoge toda la belleza y refinamiento de la cultura y la tradición japonesa.

XVI EDICIÓN DEL PROGRAMA OPERA BERRI
El 28 de mayo este título tendrá función Opera Berri. Esta iniciativa sociocultural de ABAO Bilbao Opera, cumple su XVI edición y tiene el objetivo de acercar la ópera a la sociedad, con títulos muy conocidos y entradas al 50% de su precio habitual. El dúo protagonista está encarnado por Carmen Solís que acaba de triunfar esta temporada con una extraordinaria interpretación de la protagonista de la ópera Alzira, y el tenor bilbaíno Javier Tomé. El resto del cartel: dirección musical, orquesta, coro y dirección escénica, se mantiene idéntico al resto de representaciones.

EVA SANDOVAL INTRODUCE LA OBRA PUCCINIANA EN EL CICLO EL ABC DE LA ÓPERA
El ciclo El ABC de la ópera descubre los aspectos más relevantes de cada título de la temporada en una conferencia la víspera del estreno, en el Auditorio del Museo Bellas Artes de Bilbao. El viernes 20 de mayo, Eva Sandoval, musicóloga e informadora de Radio Clásica de RTVE desde 2008, será la encargada de desvelar los entresijos de esta ópera y la obra de su compositor. Eva Sandoval dirige junto a Clara Sánchez el magazine “Café Zimmermann”, con entrevistas y actuaciones musicales en directo, y el espacio de cultura contemporánea “Miramondo múltiplo”, junto a José Luis Besada. Participa como presentadora de los conciertos de la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE en “Los conciertos de La 2” y de óperas en “El palco”, así como en otros eventos musicales televisados. Colabora en revistas de divulgación musical, escribe regularmente notas al programa para las principales instituciones musicales españolas, presenta conciertos, imparte conferencias, ejerce como moderadora o participante de mesas redondas y presenta discos de música clásica.

Para acceder a esta actividad gratuita se requiere invitación que puede retirarse en las oficinas de ABAO Bilbao Opera o llamando al teléfono 944 355 100, desde el lunes 16 de mayo. Aforo reducido.

FUNDACIÓN BBVA: IMPULSO AL CONOCIMIENTO CIENTÍFICO Y CULTURAL
La Fundación BBVA, cuyo rasgo diferencial es el impulso al conocimiento tanto científico como cultural, articula su programa de Música como un recorrido completo por las distintas formas en que la sociedad puede beneficiarse y disfrutar de esta manifestación artística. Así, promueve la creación de obra nueva con encargos de composición y hace posible su preservación y difusión por medio de grabaciones en colaboración con sellos e intérpretes de primera línea.

Fomenta la música en directo a través de ciclos de conciertos que, de forma gratuita, ponen al alcance del público ensembles y solistas de referencia en el repertorio contemporáneo. Organiza ciclos de conferencias y edita publicaciones para comprender mejor el trabajo de ciertos autores o sumergirse en el estudio de determinados períodos compositivos y lleva a la práctica proyectos de investigación y creación altamente innovadores con las Becas Leonardo en Música y Ópera.

Organiza simposios especializados sobre gestión de orquestas, colabora con formaciones musicales y teatros de todo el país y reconoce la excelencia a través del Premio Fronteras del Conocimiento en Música y Ópera y el Premio de Composición AEOS-Fundación BBVA, en colaboración con la Asociación Española de Orquestas Sinfónicas. El esfuerzo sostenido de la Fundación en este ámbito ha sido reconocido con el Premio Ópera XXI a la Mejor Iniciativa de Mecenazgo.

Dúo Pleyel

El próximo sábado 20 y domingo 21 de mayo el Dúo Pleyel celebra el séptimo y último concierto del ciclo Mozart a través de sus cartas, con el que la Fundación Juan March ha presentado desde octubre algunas de las obras para cámara más relevantes de Mozart en combinación con la lectura de su epistolario por los actores Pedro Casablanc, Carlos Hipólito y María Adánez. Las dos sesiones tendrán lugar el 20 y 21 de mayo con un amplio programa que intercalará sonatas de Mozart y de Johann Christian Bach, quien dejaría en el compositor una huella profunda. En el concierto del viernes habrá una presentación del catedrático de Historia de España en la Universidad de Delaware Jesús Cruz Valenciano en la que este hablará del surgimiento de la cultura del ocio en Europa y que se reproducirá, grabada, antes del concierto del sábado.

Se conservan más de 1600 cartas escritas por Wolfgang, por su padre Leopold y otras personas de su entorno, que describen sus continuos viajes, sus tribulaciones o incluso la génesis de algunas de sus obras. El ciclo Mozart a través de sus cartas presenta en siete conciertos articulados en torno a siete lugares e hitos destacados en la biografía mozartiana algunas de las creaciones más relevantes de su catálogo camerístico, en combinación con la lectura de sus cartas, que iluminan el contexto compositivo.

El último concierto de este ciclo se detiene en Inglaterra, a donde llega la familia Mozart en 1764 tras un viaje de dos años por varias ciudades europeas en las que un pequeño Mozart de ocho años despierta una admiración generalizada. En la frenética ciudad de Londres conseguirán el aprecio del rey Jorge III y la reina Carlota y el pequeño se ganará el corazón de Johann Christian Bach, que le sostendrá en sus rodillas para interpretar juntos una sonata. A su vez, el llamado “Bach inglés” marcará una huella profunda en la música de Mozart, quien solo llegaría a verlo una vez más. Tras su muerte, el compositor austríaco escribirá con pesar: “¡qué gran pérdida para el mundo de la música!”

Durante el concierto podrán escucharse obras para piano a cuatro manos de Mozart en las que se aprecia su interés y reconocimiento hacia el ya consagrado de Johan Christian Bach. Así, conforman el programa dos sonatas de Mozart –en Re mayor y Si bemol mayor– intercaladas con dos sonatas de Johann Christian Bach – en Fa mayor y La mayor–. En el epicentro del concierto sonará el Andante con variaciones en Sol mayor KV 501 del compositor austríaco. A la interpretación de cada obra le seguirán las lecturas de tres cartas escritas por Mozart y por su padre Leopold a cargo de Pedro Casablanc, Carlos Hipólito y María Adánez.

Las sesiones irán precedidas de una presentación, el viernes en directo y, el sábado, grabada, del catedrático de Historia de España en la Universidad de Delaware Jesús Cruz Valenciano, “El surgimiento de la cultura del ocio en Europa”, en la que hablará sobre el surgimiento del ocio en las clases medias y trabajadoras. En esa época era cada vez más frecuente que muchas personas pudieran asistir a conciertos musicales, ir al teatro o a la ópera, frecuentar cafés y restaurantes, o pasar las vacaciones en un balneario donde disfrutar de deportes, juegos y bailes. Así es como surgió la cultura del ocio.

Formado por Richard Egarr y Alexandra Nepomnyashchaya, el Dúo Pleyel debe su nombre al piano favorito de ambos, un instrumento construido en 1848 por el fabricante preferido de Chopin. Aunque en esta ocasión no será este el instrumento del concierto sino un fortepiano de Paul McNulty (2008) basado en un modelo de Walter & Son (c. 1805), el público podrá acercarse al rico y emocionante repertorio para piano a cuatro manos, no siempre accesible a un público no especializado. El dúo está particularmente comprometido con la confección de programas que abarcan desde la música de Johann Christian Bach y Mozart hasta las obras más populares de Fauré, Debussy y Ravel, junto con las composiciones de autores menos conocidos del primer Romanticismo como Hummel o Dussek. Sus primeras grabaciones, realizadas para el sello Linn Records, estuvieron dedicadas a la música para piano a cuatro manos de Jan Ladislav Dussek y Franz Schubert.

FICHA DEL CONCIERTO

Mozart a través de sus cartas (VII): “Londres, 1764. Junto al Bach inglés”

Viernes 20 de mayo, 18:00h

Sábado 21 de mayo, 18:00h

Dúo Pleyel, piano a cuatro manos. Jesús Cruz Valenciano, presentación. Carlos Hipólito, Pedro Casablanc y María Adánez, narración (voces en off).

Entrada libre. Dos tercios del aforo se reservan online siete días antes –de 9:00 a 12:00– y un tercio se distribuye en la taquilla una hora antes del acto. El concierto del sábado se podrá seguir en directo por Canal March y el canal de YouTube de la Fundación. El audio estará disponible durante 30 días en Canal March.

Teresa Berganza

La gran mezzosoprano madrileña Teresa Berganza, ha fallecido este 13 de mayo a los 89 años de edad. Paseó como nadie su voz por los más grandes teatros del mundo. Además de canto, Berganza había cursado estudios de piano, armonía, música de cámara, composición, órgano y violonchelo. Abandonó los escenarios a los 75 años, pero continuó vinculada a la lírica y dedicada a la enseñanza. «Canté durante 55 años, desde los 20 a los 75. Eso sí, disminuyendo progresivamente. Pero hubo un momento en que dije: ‘Esto se ha acabado'».

Nació muy cerca del Teatro Real, y le tocó vivir loa años más duros de la postguera civil. Pronto empezó a destacar en sus estudios de música de la mano de la que fuera su profesora, Lola Rodríguez Aragón. Debutó en 1955 en el Ateneo de Madrid, acompañada al piano por Gerardo Combáu.

El Teatro Real rendirá homenaje a Berganza dedicándole la Semana de la Ópera.

El Teatro Real, entre otras instituciones, lamentan prifundamente su fallecimiento. “Como muestra de cariño y gratitud por todo lo que hemos recibido durante tantos años de Teresa Berganza, el Teatro Real ha decidido dedicarle la edición de este año de su Semana de la Ópera, que se celebrará en junio”, ha anunciado Ignacio García-Belenguer, director general del Teatro Real, que ha expresado su más sentido pésame a la familia, amigos y al “público del Teatro Real, que la sintió siempre como suya”.

Teresa Berganza, Patrona de Honor del Teatro Real, está vinculada a esta institución desde el período en el que era sala de conciertos, donde triunfó con su voz y sus interpretaciones únicas. Después de la reinauguración del Real como teatro lírico, en 1997, participó en conciertos y en master clases dentro de su programa pedagógico.

“Como muestra de cariño y gratitud por todo lo que hemos recibido durante tantos años de Teresa Berganza, el Teatro Real ha decidido dedicarle la edición de este año de su Semana de la Ópera, que se celebrará en junio”, ha anunciado Ignacio García-Belenguer, director general del Teatro Real, que ha expresado su más sentido pésame a la familia, amigos y al “público del Teatro Real, que la sintió siempre como suya”.

Ketevan Kemoklidze ©Giorgi Tsaava

La famosa mezzosoprano georgiana Ketevan Kemoklidze regresa a Madrid con su aclamado rol de Carmen, en la ópera de Bizet, los próximos días 20 y 21 de mayo en el Teatro Monumental, junto a la Orquesta y Coro RTVE, dirigida por Pablo González; será en la versión semi-staged firmada por Ángel Ojea, que cerrará la temporada de abono de la ORTVE, y se emitirá en Radio Clásica y en “Los conciertos de La 2” de TVE.

Reconocida internacionalmente por sus extraordinarias habilidades vocales e interpretativas, Ketevan Kemoklidze hará su debut junto a la ORTVE como la conocida cigarrera sevillana, que ya ha interpretado con gran éxito en la Semperoper de Dresde, el Teatro Massimo de Palermo, el Teatro Mariinsky de San Petersburgo, las Termas de Caracalla-Teatro dell’Opera de Roma, el New National Theatre de Tokio, la Deutsche Oper am Rhein de Düsseldorf, el Teatro Verdi de Trieste, la Ópera de Quebec, el Festival Soirées Lyriques de Sanxay o el Teatro de la Maestranza de Sevilla. Además, grabó el film de Carmen para la Bergen National Opera (Noruega). Para la mezzosoprano nacida en Tbilisi: “Carmen es un rol que ofrece muchas posibilidades a quien lo interpreta, y cada vez que lo interpreto, descubro cosas nuevas. No es siempre una mujer tan fuerte, sino que también tiene sus momentos de debilidad, y por tanto creo que es importante intentar transmitir todos los aspectos del carácter de este personaje, desde el punto de vista vocal, musical y dramatúrgico”.

Ganadora de numerosos concursos internacionales como Operalia, el Concurso Tenor Viñas de Barcelona o la International Hans Gabor Belvedere Singing Competition de Viena, entre otros, Ketevan Kemoklidze es una de las mezzosopranos más solicitadas del panorama musical internacional, y sus interpretaciones de personajes de mujeres españolas como Rosina (Il barbiere di Siviglia), Carmen o Eboli (Don Carlo) han recibido el aplauso unánime de la crítica especializada. Sus próximos compromisos incluyen Don Carlo en los Internationale Maifestspiele de Wiesbaden, Carmen en el Teatro Regio de Turín y en la Opéra de Toulon, así como dos nuevas citas en Madrid la próxima temporada.

Ketevan Kemoklidze ©Giorgi Tsaava

‘Titanas’

El ciclo ‘Les Arts és Dansa’ apuesta por la nueva creación con el estreno absoluto de ‘Titanas’ este próximo 18 de mayo, en el Teatre Martín i Soler, con el que se clausura el apartado de la programación dedicado a esta disciplina artística.

El director artístico de Les Arts, Jesús Iglesias Noriega, ha presentado hoy en conferencia de prensa este espectáculo, acompañado de sus directoras, coreógrafas, intérpretes y también productoras: Sol Picó, Charlotta Öfverholm y Natsuki junto con la compositora y directora musical Judit Farrés.

‘Titanas’ es un encuentro entre tres bailarinas, Sol Picó, Natsuki y Charlotta Öfverholm, arropadas por la música de Judit Farrés y las voces de un coro de doce mujeres del Cor de la Generalitat Valenciana, con el que Les Arts cierra su línea de programación dedicada a la danza. En total se ofrecerán cinco representaciones del 18 al 22 de mayo en València, además de una función en el Teatre Principal de Castelló el día 29 de este mismo mes.

Iglesias Noriega ha defendido la apuesta por la danza como capítulo imprescindible en la programación de Les Arts, que continuará en las próximas temporadas.

Tras las incursiones de Rosángeles Valls con Ananda Dansa, y de Marcos Morau con La Veronal, el director artístico ha destacado la importancia de presentar al público una oferta diversa, así como la puesta en marcha de nuevas producciones con las que dinamizar la actividad y acercar al centro cultural a los creadores de referencia de la Comunitat Valenciana.

Según explica Sol Picó, ‘Titanas’ es el encuentro de tres artistas que confluyen en el mismo punto del camino: tres vértices de un triángulo que crea un espacio de libertad absoluta donde todo es posible. En él, emergen las energías y las fuerzas más puras, más salvajes y genuinas, las identidades se desvanecen, las pieles se intercambian y se inicia un diálogo entre esa multiplicidad de entidades que luchan dentro de nosotros por sobresalir.

“Somos tres mujeres, con una trayectoria profesional y vital muy parecida, que llegan con ganas de contaminarse, enriquecerse, jugar y, también, llorar juntas para gritar al mundo que hay un momento en la vida de una mujer -que ha pasado los 50 y está encima de un escenario-, en el que puede sentir la plena libertad y puede jugar, divertirse y hacer lo que le dé la gana a partir de ese punto”.

Desde el punto de vista escénico, las videocreaciones de Milosh Luczynski generan un espacio audiovisual en el que se ubica ese universo ideal, utópico y fantástico, sin normas que cumplir ni arquetipos en los que encajar, que propone ‘Titanas’.

‘Titanas’ es una coproducción de Les Arts con Sol Picó Compañía de Danza, Natsuki & L’Universelle Illustrée Compagnie/France y Charlotta Öfverholm, con la ayuda del Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya y en colaboración con el MIAM, Museu Immaterial de les Arts del Moviment a La Bisbal d’Empordà.

Entradas

Les Arts recuerda que las localidades para las representaciones de ‘Titanas’ en el Teatre Martín i Soler tienen un precio único de 25 euros. Para más información, los interesados pueden consultar la página web del teatro.

Fotografía: Miguel Lorenzo

Jakub Józef Orliński

El Palau de les Arts clausura este domingo, 15 de mayo, su ciclo dedicado al ‘Lied’ con el esperado recital de Jakub Józef Orliński, considerado por público y crítica como el contratenor del momento.

Intérprete carismático y de impecable y elegante línea de canto, el joven Jakub Józef Orliński (Varsovia, 1990) se ha convertido, en tiempo récord, en una de las estrellas con mayor proyección del panorama lírico internacional. Paladín de la nueva generación de contratenores, con su primer álbum de arias, ‘Anima Sacra’, fue galardonado con el Premio Gramophone en la categoría de artista joven en 2019 y el ‘Opus Klassik’, mientras que su disco ‘Facce d’amore’ como el mejor registro en los International Opera Awards.

Recientemente, ha presentado su tercer álbum, ‘Anima Aeterna’. El cotizado cantante, invitado por teatros como el Metropolitan de Nueva York y el Covent Garden de Londres, puede presumir también de atraer a nuevos públicos y de colgar el cartel de ‘no hay entradas’ en auditorios y salas de concierto de Europa y Estados Unidos.

En su primera actuación en Les Arts, Jakub Józef Orliński ofrecerá una selección de piezas de autores barrocos como Purcell y Händel, además de páginas de compositores polacos del siglo XIX acompañado al piano por Michał Biel.

El solicitado artista es, además, una reconocida estrella en los medios de comunicación y en las redes sociales con miles de seguidores, que veneran tanto su genialidad como contratenor como su indudable talento como bailarín de ‘break dance’.
Les Arts recuerda que las localidades para el ciclo de ‘Lied’, que acoge la Sala Principal, tienen un precio que oscila entre 10 y 40 euros.

Andrè Schuen

Andrè Schuen, uno de los liederistas más celebrados del panorama actual, interpretará el programa Lieder der Nacht und des Abschieds (Canciones de Noche y Despedida) en el Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela, junto al pianista Daniel Heide. El recital tendrá lugar el martes 17 de mayo a las 20:00 horas en el Teatro de la Zarzuela.

Tras su exitoso paso por el Teatro Real encarnando al Conde de Almaviva en Las Bodas de Fígaro, el barítono tirolés cambiará hacia un registro más nostálgico, salpicado de sueños, despedidas y noche. Schuen abordará un programa temático centroeuropeo compuesto por obras de Franz Schubert, con algunos de sus lieder más famosos, Gustav Mahler, uno de los máximos exponentes del posromanticismo, y el oscarizado compositor -y no tan programado- Erich Wolfgang Korngold.

Andrè Schuen vuelve a Madrid tras haber sido aplaudido en sus últimas actuaciones en la capital, con Die schöne Müllerin de Schubert. Desde que dejara la Universidad del Mozarteum de Salzburgo, donde se formó con Horiana Branisteanu y Wolfgang Holzmair, su presencia en Centroeuropa ha sido continua. Como liederista, ha ofrecido recitales con pianistas de la talla de Gerold Huber, en salas como el Wigmore Hall de Londres o el Konzerthaus de Viena, entre otras.

Viaje hacia la oscuridad y los sueños

En la primera parte del recital, el público viajará a través de la naturaleza lírica de la música de Schubert, partiendo de un enérgico Über Wildemann, D 884, un lied que describe una travesía a golpe de corchea. El viaje continúa con Der liebliche Stern, D 861, que nos lleva a tonalidades más alegres, para después tomar recorridos más sombríos, con obras como Der Jüngling und der Tod, D 545, que describe cómo un joven acepta la llegada de la muerte. Schuen cerrará las composiciones del músico vienés de este bloque con Erlkönig, D 328, un lied rápido y angustioso que requiere de una maestría vocal perfecta y adaptada a la dificultad del acompañamiento.

Tras Schubert, el cantante interpretará Kindertotenlieder, de Mahler y con letra del poeta Friedrich Rückert, quien escribió estas piezas atravesado por el dolor tras la pérdida de dos de sus hijos. La tristeza y el consuelo son las principales temáticas que atraviesan este ciclo de cinco canciones que debe ser interpretado y escuchado como una única estructura global.

En la segunda parte, Andrè Schuen se adentrará en el universo de Korngold, declarado un genio por el propio Mahler y cuyo repertorio en este programa recrea una atmósfera intimista de melodías sencillas. La voz de Schuen nos desvelará las aventuras de un viajero nocturno (Nachtwanderer, op. 9), el misterio de la luna (Mond, so gehst du wieder auf, op. 14) o el amor (Was du mir bist, op. 22).

El recital se cerrará con un retorno a Schubert, con piezas como Nacht und Träume, D 827, que llevará al público a lo más profundo de los sueños.

ÚLTIMAS ENTRADAS

Las últimas entradas para este recital, con un precio general de 8 a 35 euros, están disponibles en las taquillas del Teatro de la Zarzuela, el Auditorio Nacional de Música, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y en el teléfono 91 193 93 21.

Fotografía: Guido_Werner

Giselle

Los días 18, 20 y 21 de mayo, el Teatro Real ofrecerá cuatro funciones del ballet clásico Giselle interpretado por la Compañía Nacional de Danza, en la versión coreográfica de su director, Joaquín de Luz, inspirada en el romanticismo español y en la poesía de Bécquer.

Sin abandonar los elementos que han hecho de esta obra una de las cumbres del ballet clásico, la concepción de Joaquín de Luz recoge también la escuela bolera y las tradiciones españolas, y construye una Giselle más humana, más tangible, apoyada en la dramaturgia de Borja Ortiz de Gondra, que la dota de mayor contenido argumental, sin desvirtuar la esencia de la historia romántica que todos conocemos.

La narración transcurre en una aldea de la Sierra del Moncayo, imaginada por la escenógrafa Ana Garay junto a los bellos figurines de la diseñadora Rosa García Andújar y la iluminación de Pedro Chamizo. Juntos nos trasladan a un lugar en el que bucólicos campesinos, jóvenes enamoradas y apuestos galanes, nos acompañan hasta el bosque nocturno donde habitan las wilis, esos espíritus de muchachas muertas antes de casarse, mientras las voces del viento susurran versos del poeta español.

Con el maestro Óliver Díaz al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real, y el magnífico el elenco de la CND, las funciones contarán con la presencia de la bailarina ucraniana Katja Khaniukova, Primera Solista del English National Ballet, como invitada especial en las funciones del día 20 y del 21 (a las 21.00 horas), en la que dará vida a la protagonista junto a Joaquín de Luz y Alessandro Riga, respectivamente.

Las representaciones serán especiales para las bailarinas acogidas por la CND, procedentes del Ballet de la Ópera Nacional de Ucrania e integradas actualmente en el programa de Talento Emergente de la CND, ya que tres de ellas participarán en los elencos que actuarán en el Teatro Real: Anastasiia Hurska, que será bailarina principal e interpretará el rol de Myrtha en una de las jornadas y el paso a dos del Pas de Paysan en otras dos representaciones, y Yelyzaveta Semenenko y Kateryna Chupina, como parte del cuerpo de baile en el papel de wilis.

Giada y Riga @ Alba Muriel

Accademia Bizantina

El reconocido conjunto italiano, que dirige el famoso clavecinista Ottavio Dantone, regresa a nuestro país para ofrecer tres conciertos junto a la contralto francesa Delphine Galou. Las citas de la gira española de la Accademia Bizantina tendrán lugar los próximos días 19 de mayo en el Auditorio Nacional de Madrid (Universo Barroco – CNDM), 20 de mayo en Úbeda (Festival Internacional de Música y Danza “Ciudad de Úbeda”), y 22 de mayo en el Auditorio de Tenerife. En atriles, un original programa con repertorio vocal e instrumental, en el que presentarán una selección de obras, que han grabado recientemente en disco.

La Accademia Bizantina, Ottavio Dantone y Delphine Galou interpretarán la conocida aria Agitata infidu flatu del oratorio Juditha Triumphans de Vivaldi, que da título al disco “Agitata” (Alpha Classics), con el que recibieron el “Gramophone Classical Music Award 2018” en la categoría de mejor recital. Galou compartirá también escenario con los músicos de la Accademia Bizantina para abordar otras conocidas obras sacras y profanas para contralto de Vivaldi (Filiae maestae Jerusalem, Salve Regina, Cessate omai cessate), además del aria Prigionier che fa ritorno, del popular oratorio “Betulia liberata” de Niccolò Jommelli, y el motete In procella sine stella de Nicola Porpora. El programa se completa con varios concerti de Vivaldi: Concerto per Archi en Si bemol mayor RV 167, Concerto per Archi en fa mayor RV 138, y el Concierto para violín en mi menor RV 273, con Alessandro Tampieri, concertmaster de la Accademia Bizantina, como solista.

A finales de este mes, la Accademia Bizantina y Ottavio Dantone sacarán al mercado el segundo trabajo discográfico editado por su propio sello HDB Sonus; se trata de la grabación en vivo de la ópera Serse de Händel. Sus próximos compromisos incluyen Il Trionfo del Tempo e del Disinganno de Händel en el Festival Händel-Festspiele Halle, Il ritorno di Ulisse in patria de Monteverdi en el Teatro Ponchielli de Cremona, el programa Musikalisches Opfer en el Ravenna Festival, Giulio Cesare en el Festival de Beaune y el programa Per l’Orchestra di Dresda en el Festival Innsbrucker Festwochen der Alten Musik.

Fotografía © Giulia Papetti

EDUARDO GUERRERO

El bailaor gaditano Eduardo Guerrero presentará en el Teatro Real, los próximos días 19 y 20 de mayo, una revisión de su espectáculo Retorno, una creación sencilla e íntima en la que rememora sus primeros pasos en el flamenco, los palos en los que se inició, el descubrimiento del arte, la guía inspiradora de su abuela Dolores.

Retorno es un espectáculo sin argumento. En él, el bailaor nos deja acompañarle en una historia en la que afloran los recuerdos con una mirada puesta en la esencia del flamenco para derivar en formas más contemporáneas y personales.

La crítica especializada ha calificado Retorno como una obra brutal y radical, en la que Eduardo Guerrero hace gala de su técnica portentosa, su zapateo poderoso, sus giros perfectos y, sobre todo, su elegancia y estilos característicos. Su fuerza interpretativa, que los expertos definen como “bailar con las vísceras”, y su estilo depurado, han sido, sin duda, una de sus mayores aportaciones a la evolución del arte flamenco.

Retorno contará con la belleza del sonido de la guitarra de Francisco Javier Ibáñez, de reconocido talento y capacidad interpretativa, acompañado por las voces de Samara Montañéz y Pilar Sierra, dos cantaoras curtidas en tablaos y escenarios de medio mundo.

Guerrero comenzó a bailar, con tan sólo seis años, en la escuela de Carmen Guerrero. Allí aseguró los cimientos de un arte que construiría estudiando danza española en el Conservatorio de Danza de Cádiz, además de formarse en danza contemporánea y clásica, para pasar después a su desarrollo en profundidad junto a maestros como Mario Maya, Antonio Canales y Manolo Marín, entre otros.

A partir del 2002 empieza a trabajar con grandes artistas del panorama nacional que valoran su indudable calidad, su capacidad física y su técnica depurada, desarrollando papeles principales en la Compañía de Aida Gómez, Eva Yerbabuena, Rocío Molina, el Ballet Nacional de España, Javier Latorre o Rafael Aguilar.

En 2011 obtuvo el 1er Premio del Concurso Coreográfico de Conservatorios Profesionales, con su coreografía Mayo. A partir de ese momento se suceden los reconocimientos: Premio Desplante del Festival de las Minas de la Unión (2013); Premio del Público del Festival de Jerez, espectáculo Guerrero (2017); Premio Pata Negra (2018) y Premio Fiver, Internacional Dance Film Festival, con Symphony of the body (2019).

Es el momento de este gran bailaor que, con una estética actual, un profundo conocimiento de la esencia del flamenco, su talento, su físico y su gran carisma, conmueve y emociona, triunfando allá donde baila.

Imagen © Luis Malibrán

Emmanuelle Haïm

En noviembre de 2021, Emmanuelle Haïm dirigió dos conciertos benéficos de celebración, uno en Berlín y el otro en su ciudad natal, París, para conmemorar los 20 años de su conjunto Le Concert d’Astrée. La música, en su mayoría de óperas, fue de Handel, Rameau, Purcell, Vivaldi y Campra, y la espectacular formación de más de 20 solistas vocales incluyó a las sopranos Natalie Dessay, Sabine Devieilhe, Emőke Baráth y Sandrine Piau, la mezzosoprano Lea Desandre , los tenores Michael Spyres y Rolando Villazón, el bajo-barítono Laurent Naouri y el bajo Andrea Mastroni. En Berlín, un distinguido invitado dirigió extractos de Les Boréades de Rameau: Sir Simon Rattle.

A principios del nuevo milenio, como clavecinista experimentada y directora emergente, Emmanuelle Haïm fundó Le Concert d’Astrée para interpretar el repertorio barroco. El conjunto dio su primer concierto en 2001 y en 2002 lanzó su primer CD (en el sello Virgin Classics, antecesor del actual Erato). Esta fue una colección de dúos vocales de Handel, un compositor especialmente cercano al corazón de Emmanuelle Haïm, con Natalie Dessay entre los solistas.

Simon Rattle, al igual que William Christie, Christophe Rousset, René Jacobs y Marc Minkowski, actuó como mentor de Haïm mientras expandía sus actividades interpretativas de cara a la dirección. Durante los últimos 20 años, su enfoque se ha mantenido en el repertorio barroco, pero ahora ha dirigido muchas de las orquestas más importantes del mundo, incluidas la Filarmónica de Berlín, la Filarmónica de Viena, la Sinfónica de Londres, la Filarmónica de Nueva York y las orquestas de Filadelfia.

Todo el enfoque de dirección de Haïm está determinado por la forma en que trabaja con Le Concert d’Astrée. “Me gusta la colaboración”, dice, “y en la música barroca el papel del director está más dentro de la orquesta tocando un instrumento (en mi caso el clavicémbalo o el órgano) y compartiendo con los demás músicos, siendo tú mismo parte de la música. . En Le Concert d’Astrée todos hablan con mucha libertad y no soy solo yo quien dice qué hacer. Es más como una mezcla de música orquestal y música de cámara”.
Ella explica que, desde muy temprano en su carrera musical, “¡No quería estar sola, quería estar en un grupo, estar en una orquesta! Me gustó que la música barroca realmente no indica en la partitura cómo debería ser, que hay pequeñas bellezas no escritas que tienes que agarrar del lenguaje especial de la música en sí, para encontrar las respuestas tú mismo y tocar libremente. Me encantaba el mundo teatral barroco y también el sonido de los instrumentos”.
Cuando se trata de la personalidad musical de Le Concert d’Astrée, dice que: «Desde el principio quería que nuestro sonido fuera sustancial y con cuerpo… Handel necesita una orquesta que tenga apetito por la vida, que tenga fuego, generosidad y pasión… Me gusta la riqueza y el color. Me gusta plasmar el significado en el sonido sin perder nunca el hilo narrativo. … Tenemos suerte de estar haciendo música, y es maravilloso poder compartir esta alegría con una audiencia. ¡20 años de existencia y 20 años de éxito merecen una alegre celebración!”
ABAOTxiki

ABAO Txiki sube a escena ALLEGRO VIVACE, un espectáculo lírico infantil de la compañía catalana Comediants, creado por Joan Font, con una propuesta original y muy divertida en torno al mundo de la ópera y todo lo que le rodea. El Teatro Arriaga acoge tres funciones para disfrutar en familia el sábado 14 de mayo a las 18:00 y el domingo 15 a las 12:00h y a las 18:00h con el patrocinio de Laboral Kutxa.

Setenta minutos de diversión en una producción del Gran Teatre del Liceu, recomendado a partir de siete años. La propuesta artística vertebra de manera original y divertida, una aproximación al mundo de la lírica a través de fragmentos procedentes de grandes óperas del repertorio de compositores como Monteverdi, Purcell, Mozart, Rossini, Donizetti, Berlioz, Verdi, Bizet y Puccini. La historia pretende provocar en el público joven la emoción en el descubrimiento de la ópera con pasajes muy conocidos de obras como Rigoletto, La Traviata, Don Giovanni, Carmen, Turandot, entre otras.

El argumento, lleno de humor, trata de una chica que en su afán por encontrar un local abandonado para celebrar una fiesta, se aventura a entrar en un antiguo edificio donde habita ‘Vivace’, un curioso y teatral personaje que encarna el espíritu de la ópera. Ella, muy aficionada a la música electrónica, y él, experto del mundo operístico, inician un viaje de descubrimiento y aprendizaje mutuo donde la pasión por la música se convierte en el elemento común.

El Teatro Arriaga es el escenario donde los actores Jon Koldo Vázquez y Marta Rosell dan vida a los dos protagonistas. Junto a ellos la soprano Alicia Ferrer, la mezzosoprano Marta Rodrigo, el tenor Ricard Torino y el barítono Xavi Fernández son los encargados de interpretar al resto de personajes de los diversos fragmentos de óperas que forman parte de esta obra. Acompaña al piano Olga Kobekina y al violoncello, Esther Vila.

BIZKAIBUS TE ACERCA A LA ÓPERA
ABAO Bilbao Opera y Bizkaibus aúnan fuerzas para estimular entre los jóvenes vizcaínos el uso del transporte público y la afición a la ópera, en una iniciativa bajo el lema: “Bizkaibus te acerca a la ópera”.

Los niños y niñas vizcaínos de 12 años o menos, que quieran participar y acudir a la ópera, tendrán que hacerse una fotografía en la que aparezcan con un folio donde se responda a la pregunta: “¿Qué es para ti un transporte sostenible?”. Se puede pintar un dibujo, expresar una idea con palabras, hacer un collage… cualquier cosa que estimule su imaginación y que pueda expresarse dentro de este folio.

A través de un sencillo formulario alojado en www.abao.org, donde hay que subir las fotografías, los participantes recibirán entradas para la ópera Allegro Vivace, hasta finalizar las existencias destinadas a la campaña.

ENTRADAS A LA VENTA
Las localidades pueden adquirirse en las taquillas, webs y venta telefónica de ABAO y del Teatro Arriaga, y en los cajeros multiservicio de la BBK.

LA NUEVA TEMPORADA ABAO TXIKI 2022-2023 COMENZARÁ EN OCTUBRE
ABAO Bilbao Opera mantiene su compromiso con la educación y el desarrollo de los más jóvenes desde la innovación y la programación de espectáculos de calidad. La decimoctava edición de ABAO Txiki en el Teatro Arriaga se afianza tanto en el aspecto artístico como en el pedagógico, con cuatro espectáculos, tres de ellos estreno en ABAO, con los montajes más esperados por el público familiar, y 17 funciones, tres de ellas escolares, dirigidas a centros educativos.

Historia de una semilla inaugura la temporada en octubre con el estreno de uno de los espectáculos más emotivos de La Maquiné, con música de varios compositores y una reflexión sobre los abusos que sufre el medio ambiente a manos del ser humano contado a modo de fábula poética. El espectáculo ha recibido el Premio Alcides Moreno 2019 al Mejor Mensaje para la Humanidad, el Premio Lorca Teatro Andaluz 2018 al Mejor Espectáculo Infantil y está recomendado por la Red Nacional de Teatros y Auditorios de Titularidad Pública y por SAREA, Red Vasca de teatros.

Para celebrar el Año Nuevo llega en enero Cuento de Navidad, ópera basada en el clásico de Dickens con música de Iñigo Casalí, coproducción de Ópera de Cámara de Navarra y Fundación Baluarte. El espectáculo se presenta como una ópera que se funde con el musical.

En marzo un nuevo estreno con Hansel & Gretel, adaptación de la famosa ópera de Humperdinck para tres cantantes, pianista y acróbata con una dramaturgia mágica y creíble donde la iluminación y proyecciones serán el eje central de la puesta en escena de Pedro Chamizo para Youtumi Kids.

Cierra la temporada en mayo el estreno en Bilbao de Itsasotik de la Quincena Musical Donostiarra. Un espectáculo músico-teatral infantil en castellano con diálogos en euskera, interpretado por el Coro Infantil Easo con propuesta artística y escénica que a través del canto, la danza, la voz y la emoción, transmite una historia universal que aúna creatividad, mensaje social y sostenibilidad medioambiental

‘tech house’

El Palau de les Arts fusiona música ‘tech house’ y ópera para la ‘Preestrena fins a 28’ de ‘Wozzeck’, de Alban Berg, el último de los títulos del ciclo de representaciones que Les Arts reserva a menores de 29 años con localidades a un precio único de 10 euros.

Con motivo también del estreno en València de una de las óperas más revolucionarias del repertorio, Les Arts propone una experiencia diferente para el próximo 23 de mayo, en la que el público, además de la representación, podrá disfrutar de una completa velada con DJ y servicio de restauración hasta las 23.00 horas.

Después de la función de ‘Wozzeck’, Les Arts convertirá la Pasarela en una auténtica pista de baile inspirada en la estética de la impactante y vanguardista producción de esta ópera, que ha supuesto uno de los mayores desafíos técnicos y artísticos en la historia del teatro.

Roberto Sansixto hará de maestro de ceremonias. El DJ valenciano, que ha compartido escenario con artistas de la talla de David Guetta, Dimitri Vegas & Like Mike o Steve Aoki, fusiona por primera vez en su carrera música electrónica y ópera. Para su sesión en Les Arts, Sansixto propone un repertorio eminentemente ‘tech house’, que mezclará con fragmentos vocales de la ópera de Berg.

Bajo el hashtag #AfterOpera, los asistentes podrán compartir sus sensaciones y opiniones de esta experiencia transversal, con la que Les Arts, en su apuesta por acoger nuevos géneros y propuestas artísticas, busca acercar nuevos públicos a lírica.

La preestrena de ‘Wozzeck’ para jóvenes hasta 28 años tendrá lugar el lunes, 23 de mayo, a las 19.00 horas, en la Sala Principal. La representación tiene una duración prevista de 1 hora y 40 minutos. Les Arts recuerda que las localidades, con un precio único de 10 euros, pueden adquirirse a través de los diferentes canales de venta.

Cante de las Minas

Ignacio García-Belenguer, director general del Teatro Real, y Pedro López, presidente de la Fundación del Cante de las Minas y alcalde de La Unión (Murcia), han firmado esta mañana, en el Teatro, un acuerdo mediante el cual se incluirán los contenidos audiovisuales del prestigioso festival flamenco en la plataforma My Opera Player, la más importante plataforma audiovisual de las artes escénicas en España. En el acto también ha estado presente Juan Carlos López Alfonso, director del Festival del Cante de las Minas.

Este convenio, con vigencia de dos años, pone de manifiesto el compromiso del Teatro Real con la difusión del flamenco y supondrá un mayor impacto de los contenidos del Festival, que en sus 61 años de historia ha alcanzado el reconocimiento internacional por la calidad de su concurso. De esta manera, los documentos históricos, las finales del concurso, las actuaciones estelares y otras actividades propias del Festival tendrán presencia y difusión en la plataforma del Real.

Fotografía © Teatro Real

Azahar Ensemble

El próximo 12 de mayo, el quinteto de viento Azahar Ensemble llega a Madrid para ofrecer un concierto en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Madrid, en el marco de la programación del ciclo “Liceo XXI” del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM). En esta cita madrileña, los miembros de Azahar Ensemble compartirán escenario con el conocido pianista alemán Christian Zacharias para interpretar el Quinteto para piano y vientos en mi bemol mayor, op. 16 de Beethoven. El concierto se completará con el Quinteto de viento en mi menor, op. 88, nº1 de Anton Reicha a cargo de Azahar Ensemble, y otras dos obras para piano solo de Beethoven (Doce variaciones para piano en la mayor sobre una danza rusa del ballet “Das Waldmädchen” de Wranitzky, y la Sonata para piano nº 1 en fa menor, op. 2, nº1), en interpretación del propio Zacharias.

Azahar Ensemble se presenta por primera vez en Madrid junto a su actual flautista André Cebrián, que se unió en 2020 a los miembros fundadores del quinteto: María Alba Carmona Tobella (oboe), Antonio Lagares Abeal (trompa), María José García Zamora (fagot) y Miquel Ramos Salvadó (clarinete). Sus próximos compromisos incluyen numerosas citas internacionales, con conciertos en Bonndorf im Schwarzwald (Alemania), Zúrich, el Pfingstfestival Schloss Brunegg (Suiza), el Festival Sommerklänge (Suiza), Andermatt (Alemania) y Neustadt an der Weinstrasse (Alemania), entre otros.

Ganador del prestigioso Concurso Internacional del ARD de Múnich, que le abrió las puertas de los principales escenarios europeos como la Musikverein de Viena, la Philharmonie de Berlín, el Prinzregententeather de Múnich, la Philharmonaie Essen, el Mozarteum Salzburg o la Elbphilharmonie de Hamburgo, entre otros muchos, Azahar Ensemble se ha convertido en uno de los conjuntos de cámara más solicitados de la actualidad, y sus actuaciones siguen recibiendo el aplauso unánime de la crítica especializada internacional.

Vladimir Tzekov

El laboratorio de acción escénica Vladimir Tzekov presenta el próximo 13 de mayo en CentroCentro la obra “Consagración” Esta representación forma parte de la programación de VORTEX, el espacio de intercambio de producciones de danza entre creadores e instituciones.

La compañía granadina, dedicada a las artes escénicas contemporáneas, pretende crear un teatro que cuestione las certezas que la sociedad y la cultura han formado sobre él y sobre lo que afecta a la vida del individuo.

SINOPSIS

El 29 de mayo de 1913 se estrenaba en París la Consagración de la primavera, de Stravinsky. Un año más tarde, el 28 de junio de 1914, en Sarajevo, comienza la Primera Guerra Mundial. La danza Butoh aparece en Japón tras la Segunda Guerra Mundial, con una intención primitivista que comparte con la Consagración de Stravinsky. ¿Cuánto de este primitivismo nos constituye aún?, ¿es posible que Stravinsky pudiese anticipar la danza Butoh? ¿Se puede pensar el Butoh, desde Occidente, con la perspectiva formalista de Stravinsky?

El 13 de mayo de 2022, Vladimir Tzekov presenta una performance de danza Butoh con textos de Stravinsky en CentroCentro. ¿Nos permitirá el pensamiento, musical y no musical, de Stravinsky aproximar el Butoh a las artes plásticas? ¿Qué relación habrá que establecer con el espacio concreto de CentroCentro para que el discurso interdisciplinar sea pertinente?

La compañía propone bailar estas preguntas a través de una performance site-specific con música en directo en la que el público sea parte integral, tanto como lo fue en el tumulto que se generó en el estreno de la Consagración. Una performance que dialogue con el espacio donde se inscribe, que se pregunte desde el paradigma formalista cuánto nos podemos aproximar a las artes plásticas, a instalar nuestros cuerpos en el espacio. Una performance en la que el público, a poco que haga, se dé cuenta de que siempre es parte de la coreografía.

FICHA TÉCNICA
Producción:

Laboratorio de Acción escénica Vladimir Tzekov, VORTEX, CentroCentro
Dirección, concepto y dramaturgia:

Manuel Bonillo
Coreografía e Interpretación:

Manuel Bonillo, Jesús Bravo, Kateryna Humenyuk, Raúl Martín, Fernando Martínez-Careaga
Soprano:

Ruth González

ANDREA MOTIS

La trompetista, saxofonista, cantante y compositora Andrea Motis, una de las artistas más brillantes del jazz español y con gran proyección internacional, presentará en el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) Loopholes, un esperado último proyecto musical que, partiendo del jazz, se adentra en deslumbrantes sonoridades y músicas procedentes del funk, el jazz eléctrico o el neosoul. Este concierto extraordinario (fuera de abono) tendrá lugar el próximo domingo 8 de mayo, a las 20:00 horas, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música, dentro del ciclo “Jazz en el Auditorio” del CNDM.

En Loopholes, Andrea Motis recrea un universo sonoro libre de prejuicios, estirando los modos jazzísticos más tradicionales y permitiendo al público profundizar en músicas que van desde los loops de Robert Glasper o el sonido californiano de Jack Johnson, a Fats Waller y su “Honeysuckle Rose” (que ella cita como una —poco evidente— influencia en su composición “Babies”), el blues o, incluso, el folklore latinoamericano, plasmada en su personal versión de la cumbia “El Pescador”, del maestro colombiano José Barros (popularizado por Totó la Momposina y Los Folkloristas).

Andrea Motis combina en este trabajo su talento como vocalista de jazz con el dominio de la trompeta para recrear paisajes sonoros europeos, estadounidenses e iberoamericanos. Un proyecto musical efervescente cargado de nuevos colores que posiciona a la artista catalana como un referente de la escena actual del jazz capaz de salir de la zona de confort y hacer vibrar al público con nuevas propuestas musicales.

En esta propuesta, Andrea se ha rodeado de una nueva banda, donde las figuras de los músicos austríacos Christoph Mallinger (violín, mandolina, guitarra) y Steph Kondert (bajo eléctrico), son fundamentales, ya que ambos han ejercido de productores y han sumado aportes en la composición. Loopholes ha sido grabado junto a una formación excepcional: además de Mallinger y Kondert, el grupo se completa con el tecladista japonés, residente en Nueva York, Big Yuki, el batería Gregory Hutchinson, el percusionista Zé Luis Nascimento, y Raja Kassis a la guitarra.

Una carrera vertiginosa

El concierto extraordinario de Andrea Motis en el CNDM no será solo la presentación de su nuevo álbum, sino que también será la primera vez que se escuche y se viva la evolución de una artista que fue señalada como de las jóvenes promesas del jazz español: Loopholes, un disco estimulante para los sentidos, atestigua el crecimiento de una artista que comenzó destacando en la Sant Andreu Jazz Band con tan solo once años.

En su primera etapa, Andrea Motis estuvo apadrinada por el contrabajista y director de la banda Joan Chamorro, quien descubrió en la artista un talento nato para la música. Tras la grabación de su primer disco de standards, Joan Chamorro Presents Andrea Motis, en 2012 publicó un segundo disco, Feeling Good.

En 2017, Andrea Motis decidió encontrar su propia voz. Tras la buena acogida de sus primeros álbumes, llegó su primer lanzamiento mundial, Emotional Dance, en Impulse! Records. Dos años después, publicó Do outro lado do azul, en Verve Records. Ambos lanzamientos la convirtieron en la primera artista española en publicar bajo estos emblemáticos sellos en la historia del jazz de nuestro país.

En paralelo a la grabación y lanzamiento de los discos, su vertiginosa carrera ha continuado en los escenarios, donde Andrea ha colaborado con artistas legendarios como Quincy Jones, Omara Portuondo, Milton Nascimento, Gil Goldstein, la WDR Big Band, Scott Hamilton o, en 2021, junto a Yo-Yo Ma, con quien interpreta a dúo El cant dels ocells en el último álbum del notable chelista. También ha realizado conciertos en algunos de los escenarios más representativos del jazz del planeta, como el Tokyo Jazz Festival, Jazz at Lincoln Center de New York, Jazz a Vienne, Blue Note Japan, Festival de Jazz de Barcelona, Palau de la Música de Barcelona o el Auditorio Nacional de Música de Madrid.

Les Arts / James Gaffigan

‘Les Arts és Simfònic’ afronta la recta final de la temporada con el penúltimo concierto lírico-sinfónico, a cargo de James Gaffigan, que dirigirá a la Orquesta de la Comunitat Valenciana en un programa con obras de Rodrigo, Dvořák y Ravel.

Bajo la batuta del maestro estadounidense, director musical de Les Arts, los músicos harán sonar el próximo 6 de mayo, a las 20.00 horas, obras de tres compositores separados en el tiempo, pero todos ellos magnetizados, en algún momento de sus carreras, por el influjo de tradiciones y culturas de otros mundos.

Joaquín Rodrigo se pregunta por los confines del universo recurriendo a una rica orquestación raveliana en su inspirada pieza ‘A la busca del más allá’, que el saguntino dedica a la NASA cuando se le encarga una composición para la conmemoración del bicentenario de la Declaración de Independencia de los Estados Unidos en 1976. Una obra que no tiene una historia definida ni un contenido descriptivo, sino que busca evocar en el oyente la sensación de misterio asociada con lo lejano, el más allá.

Ravel, enamorado de la historia de ‘Shéhérazade’, crea una obra dedicada a esta en la que opta por un viaje hacia el mundo asiático a través de tres pasajes de elegante colorido orquestal, guiados por la voz de mezzosoprano que interpretará en esta ocasión Anna Goryachova, que protagonizó con gran éxito ‘La Cenerentola’ de Rossini en la pasada temporada de Les Arts.

Cierra el programa la célebre ‘Sinfonía del Nuevo Mundo’, en la que Dvořák, atraído por los ritmos afroamericanos e indios que descubre durante su estancia en Estados Unidos, fusiona estas tradiciones con las melodías del folclore de su país.

Las entradas para asistir a este concierto se pueden adquirir a partir de 30 euros. Además, gracias a la tarifa única que Les Arts ha propuesto para acercar la ópera, el ‘lied’ y el sinfónico a los jóvenes de menores de 29 años, estos podrán adquirir cualquiera de las entradas a un precio de 15 euros.

Justo un día después, el sábado 7 de mayo, James Gaffigan y la Orquestra de la Comunitat Valenciana ofrecerán este mismo programa en el Auditori de Castelló, dentro de la programación que Les Arts desarrolla en la capital de La Plana.

James Gaffigan llega a València después de su exitoso debut en la Opèra de París con ‘Manon’, de Massenet y de su regreso al Metropolitan de Nueva York con ‘Le nozze di Figaro’, de Mozart.

El batuta estadounidense dirigirá también este mes el estreno en Valencia de ‘Wozzeck’, de Alban Berg, obra imprescindible en la historia de la ópera que todavía no se ha representado en la capital del Turia.

BodasdeFigaro-Cantantes

Por  Diego García Pérez

LAS BODAS DE FIGARO Y SUS GRANDES INTERPRETES.

Por Diego García Pérez.

Las bodas de Fígaro se estrenó el 1 de mayo de 1786 en el Teatro de la Corte imperial de Viena, consiguiendo un relativo éxito. Su estreno en Praga en febrero de 1787 si tuvo un éxito extraordinario. Ya, en 1789, se produjo su reposición en Viena. Se estrenó en París y Londres, respectivamente en 1807 y 1815. Durante casi todo el Siglo XIX, esta ópera así como otras de Mozart cayeron prácticamente en el olvido. Es desde finales del Siglo XIX y principios del XX, cuando vuelve a ser representada con cierta asiduidad, primero en el Metropolitan neoyorkino, donde había sido estrenada en enero de 1894, con un reparto que incluía a la soprano norteamericana Enma Eames (La Condesa de Almaviva), junto a dos famosos barítonos: el italiano Mario Ancona y el polaco Edouard de Rezke, interpretando respectivamente a Figaro y al Conde de Almaviva. Durante los siguientes quince años fue representada con bastante frecuencia en el teatro neoyorkino, casi siempre con la Condesa de Enma Eames, cuya última interpretación de este personaje tuvo lugar en febrero de 1909, junto a otros famosos cantantes de la época: la soprano polaca Marcella Sembrich (Susanna), el bajo también polaco Adamo Didur (Figaro), el gran barítono italiano Antonio Scotti (El Conde) y la famosa soprano norteamericana Geraldine Farrar (Cherubino), con la dirección orquestal de Gustav Mahler (este gran compositor era un consumado interprete mozartiano). Pueden escucharse en YouTube algunos fragmentos de esta ópera: el precioso duetto del Acto III “Che soave zeffiretto”, con las voces de Enma Eames y Marcella Sembrich, el aria del Acto I “Non piu andrai” en la voz de Adamo Didur y el dúo del Acto III, “Crudel perche finora”, en las voces de Antonio Scotti (El Conde) y Geraldine Farrar (Susanna). Estas antiquísimas grabaciones con deficiente sonido, nos muestran a magníficos interpretes, sobre todo las poderosas y bellas voces de Antonio Scotti y Adamo Didur, con un estilo de canto auténticamente moderno.

Las bodas de Figaro en los festivales de Salzburgo y Glyndebourne.

Sin duda, Las bodas de Fígaro recibe un gran impulso durante los años treinta del pasado Siglo, en los festivales de Salzburgo y Glyndebourne (al sur de Londres), en cuya primera edición, en 1934, tuvieron lugar varias representaciones, que fueron repitiéndose en los años siguientes. En las ediciones que tuvieron lugar entre 1934 y 1939, destaca sobremanera la soprano finlandesa Aulikki Rautawaara, quien aunaba gran calidad vocal con un excelente dominio del estilo de canto mozartiano, junto a una elegante y bella presencia escénica, que la convierten en la principal interprete de la Condesa en los años treinta. Durante las ediciones de 1934 y 1935, se realizó en Glyndebourne, la primera grabación completa de esta ópera, donde junto a Rautawaara, destacaba la magnífica interpretación de Figaro realizada por el barítono alemán Willi Domgraf-Fassbaender (padre de la famosa mezzosoprano Brigitte Fassbaender) y también las buenas interpretaciones de la soprano inglesa Audrey Midmay (Susanna) y la soprano austriaca Luise Helletsgruber (Cherubino), siendo mucha más discreta la interpretación del barítono inglés Roy Henderson (el Conde). La dirección orquestal corría a cargo del afamado director alemán Fritz Busch, con una interpretación refinada no exenta de intensidad y vida teatral, que en esta grabación queda mermada por la ausencia de los recitativos tan importantes en esta ópera. Hace algunos años, el sello NAXOS, realizó una reedición de esta grabación con mejora de sonido, que puede escucharse en YouTube. El Festival de Salzburgo, creado en 1921, comienza a programar esta ópera, con gran asiduidad, a partir de 1925, con magníficos interpretes como la Condesa interpretada por la famosa soprano ucraniana-austriaca Viorica Ursuleac; aunque con el problema de estar cantada en alemán. Es en la edición de 1937, cuando comienza a ser interpretada en italiano incluyendo los recitativos, existiendo una toma en directo (disponible en YouTube), donde Aulikki Rautawaara, vuelve a interpretar a la Condesa, junto al extraordinario Figaro del bajo italiano Ezio Pinza, y a otro famoso interprete, el bajo italiano Mariano Stabile (el Conde), a los que se unía la también famosa soprano húngara Esther Rethy (Susanna) y otra gran interprete de magnífica vocalidad, la soprano checa Jarmila Novotna (Cherubino). La dirección orquestal corría a cargo del gran Bruno Walter, al frente de la Filarmónica de Viena, siempre atento a subrayar los muchos y variados matices de esta partitura. El Metropolitan retomó en los años cuarenta esta ópera, programándola con bastante asiduidad, contando con la magnifica condesa de la soprano norteamericana Eleanor Steber, exquisita cantante de ancha voz y suntuoso colorido, con fraseo intenso y sensual, junto a una gran capacidad interpretativa, que se convierte a partir de 1942 y hasta mediados de los años cincuenta en la Condesa oficial del teatro neoyorkino. Y, en los años cuarenta, junto a Steber, en muy numerosas funciones, un extraordinario grupo de cantantes: Ezio Pinza (Figaro), el barítono australiano John Brownlee (el Conde), interprete elegante y señorial, junto a la soprano brasileña Bidù Sayao (Susanna), quien dota de mucha gracia y picardía a su personaje y Jarmila Novotna (Cherubino). Aunque existen diferentes tomas en directo con este conjunto de interpretes, cabe resaltar la realizada en 1944 (se puede escuchar completa en YouTube), con dirección orquestal de Bruno Walter.

Dos condesas referenciales: Lisa Della Casa y Elisabeth Schwarzkopf.

Paralelamente a las actuaciones neoyorkinas de Eleonor Steber, en el Festival de Salzburgo de 1947, la gran soprano alemana Elisabeth Schwarzkopf interpreta el papel de Susanna y ya al año siguiente el de la Condesa, dirigida por Herbert von Karajan (su gran avalista). Esta exquisita interprete, de magnífica vocalidad y gran técnica, junto a un absoluto dominio del estilo de canto mozartiano, va a ser la Condesa oficial en la ediciones del Festival de Salzburgo de los años cincuenta, junto a grandes interpretes como la soprano Irmgard Seefried (Susanna), y junto a ellas, en los años 1956, 1957 y 1958, el gran barítono berlinés Dietrich Fischer-Dieskau, un Conde de referencia por su gran calidad vocal junto a un alto grado de expresividad con un intenso y contrastado fraseo. También en esas ediciones, destacaba de sobremanera la famosa mezzo alemana Christa Ludwid, con una extraordinaria creación de Cherubino.

La dirección orquestal corría a cargo del maestro austriaco Karl Böhm, consumado interprete mozartiano. La toma en directo realizada en 1957, puede escucharse, completa en YouTube (con buen sonido). Elisabetth Schwarzkopf participó en dos grabaciones realizadas en estudio para el sello EMI, la primera en 1950 (disponible en YouTube) con Herbert von Karajan al frente de la Filarmónica de Viena, donde el gran maestro salzburgués, ofrece timbres orquestales sugerentes y refinados mostrándose en todo momento como un estilista consumado, consiguiendo de los cantantes un óptimo rendimiento, tanto de la estilizada y perfecta condesa de Schwarzkopf, como de unas sensacionales Irmgard Seefried (Susanna) y Sena Jurinac (Cherubino), junto a las notables creaciones de George London (el Conde) y Erich Kunz (Figaro). El problema de esta grabación es que no tiene los recitativos. Diez años después, en 1960, Schwarzkopf realizó una segunda grabación, ya en stereo, con la magnífica dirección del gran maestro italiano Carlo María Giulini, quien consigue una versión vigorosa y de gran teatralidad, consiguiendo esplendidas prestaciones de los cantantes, donde brilla de nuevo la exquisitez, matización y refinamiento de la gran soprano alemana, junto a la interpretación plena de expresividad y gran humor del gran barítono italiano Giuseppe Taddei (Figaro), junto al muy expresivo y vigoroso conde del barítono austriaco Eberhard Wächter (con ciertos problemas idiomáticos), junto a la sugerente y sensual Susanna de la soprano norteamericana Anna Moffo y el Cherubino de la magnífica mezzo italiana Fiorenza Cossotto.

La otra Condesa referencial fue la gran soprano suiza Lisa Della Casa, una voz luminosa, de precioso timbre y un intenso y contrastado fraseo; no tenía la gran técnica de Schwarzkopf, pero sus interpretaciones eran de mayor calidez y humanidad que las ofrecidas por la soprano alemana. Della Casa fue quien más veces interpretó a la Condesa, con unas 150 representaciones en veinte años. Su debut en ese personaje se produjo en la Ópera de Zúrich, en 1950, y al año siguiente lo interpretará en Glyndebourne. Ya, en 1953, se produjo su debut en el Metropolitan, precisamente con el papel de la Condesa, alternándose hasta 1956, con las interpretaciones de Eleanor Steber y también con la gran Victoria de Los Ángeles, exquisita Condesa de preciosa vocalidad, como puede apreciarse en la grabación tomada en ese teatro, en 1952, con dirección de Fritz Reiner, donde compartía reparto con el magnífico Figaro del bajo-barítono italiano Cesare Siepi, verdadero sucesor de Ezio Pinza, junto al famoso barítono también italiano Giuseppe Valdengo como el Conde. Lisa Della Casa, en 1955, participó en la histórica grabación de Las bodas de Figaro (versión completa que incluye todos los recitativos) para el sello DECCA, considerada como referencial de esta ópera, con la extraordinaria dirección de Erich Kleiber, al frente de la Filarmónica de Viena, quien consigue ofrecer una lectura impecable desde el punto de vista estilístico, con una perfecta fusión de orquesta y cantantes. La soprano suiza ofrece una antológica interpretación, con una elegantísima línea de canto. Destacar en esta grabación la extraordinaria interpretación de Figaro a cargo de Cesare Siepi, junto a la famosa soprano austriaca Hilde Güden, quien realiza una magnífica interpretación de Sussanna; y, también, resaltar la gran actuación de la soprano belga Susanna Danco como Cherubino.

Más discreta la interpretación del barítono alemán Alfred Poell como El Conde. Esta soberbia grabación puede escucharse completa en YouTube. A partir de 1956, Della Casa será la Condesa oficial en el Metropolitan, con unas últimas representaciones en 1967, año en que la gran soprano Pilar Lorengar coge el relevo, interpretando numerosas funciones hasta 1972. Lorengar había debutado el papel de la Condesa, en el Festival de Glyndebourne de 1958. También lo había interpretado en el Teatro alla Scala, en 1964 y en el Covent Garden, en 1966. Por tanto, tenía un excelente dominio del personaje, ofreciendo su lírica y preciosa voz, para componer una Condesa de gran altura vocal y dramática. Ello puede apreciarse en una toma en directo realizada en el Metropolitan, en 1967, donde compartía reparto con el gran Cesare Siepi (Figaro), junto a Mirella Freni (referencial Susanna), quien muestra su magnífica vocalidad, y una interpretación plena de expresividad, realzando la femineidad, picardía y astucia del personaje; y, a Teresa Berganza, en una extraordinaria interpretación de Cherubino. Esta grabación puede escucharse en YouTube.

Las interpretaciones de nuevas generaciones de cantantes

Cuando Lisa Della Casa, en 1971, interpretó por última vez a la Condesa en la Ópera de Viena, una jovencísima cantante proveniente de Nueva Zelanda, llamada Kiri Te Kanawa, debutaba en el londinense Covent Garden, el papel de la Condesa, dirigida por Colin Davis, y que mantendrá en su repertorio hasta fines del Siglo XX, con una brillante creación del personaje. Voz lírica de gran belleza tímbrica a la que unía su deslumbrante presencia escénica (mujer alta y muy guapa). Ya, en la era de grabaciones en video, podemos escucharla en una toma realizada en el Festival de Glyndebourne de 1973, con imágenes muy aceptables para la época, con la magnífica dirección orquestal de John Pritchard (gran interprete mozartiano muy ligado a este festival), al frente de la London Philharmonic Orchestra. Junto a Kiri Te Kanawa, el otro gran aliciente de esta grabación es la presencia en el papel de Cherubino, de la entonces muy joven mezzo norteamericana Frederica von Stade, de excelente y exquisita vocalidad, junto a una bella presencia escénica, que llegó a convertirse durante veinte años en la gran interprete de este personaje. También puede escucharse en esta grabación a la excelente soprano rumana Ileana Cotrubas en el papel de Susanna. Esta grabación en video está disponible en YouTube. Cabe destacar otra grabación comercializada en DVD, por DEUTSCHE GRAMOPHON, de 1976, donde puede verse filmada la famosa producción de Jean-Pierre Ponnelle, donde junto a la espléndida condesa de Kiri Te Kanawa, pueden escucharse a cantantes de generaciones anteriores: el magnífico Figaro del barítono alemán Hermann Prey, quien dota al personaje de gran vivacidad y simpatía. Y, el gran Dietrich Fischer-Dieskau, en su referencial creación del Conde.

A ellos se une la Susanna de Mirella Freni, quien vuelve a mostrar su gran creación de este personaje, junto al muy notable Cherubino de la soprano norteamericana María Ewin, con Karl Böhm dirigiendo a la Filarmónica de Viena. Esta filmación está disponible en YouTube. Puede escucharse en audio una excelente grabación DECCA, de 1982, dirigida con su habitual energía y sentido dramático por el gran Georg Solti, al frente de la Filarmónica de Londres, también, con Kiri Te Kanawa, junto a una espléndida Lucia Popp (Susanna), de nuevo Frederica von Stade (Cherubino), y el excelente Figaro de bajo-barítono norteamericano Samuel Ramey, junto a Thomas Allen (el Conde), papel que este gran barítono inglés, interpretará con mucha frecuencia, destacando también su intervención en una producción, del Covent Garden, en 1989, esta vez junto a otra magnífica Condesa, la interpretada por la soprano norteamericana Carol Vaness, de brillante vocalidad y gran actuación escénica, sus dúos con Thomas Allen son de una imponente teatralidad. Pueden verse en YouTube, fragmentos de esa producción: las magníficas intervenciones solistas de Carol Vaness, todo el gran final del Acto II, así como la escena conclusiva de la ópera. Ya, en la década de los noventa, cabe destacar las deslumbrantes interpretaciones que la gran soprano norteamericana Renée Fleming realizó de la Condesa. Voz de lírica ancha, de gran belleza tímbrica, considerable volumen, excelente fraseo y una muy notable teatralidad, con absoluto dominio de todos los registros y de las agilidades, con una magnífica técnica que aprendió de su maestra Elisabeth Schwarzkopf. Hay disponibles dos grabaciones en video que pueden verse en YouTube, y que acreditan la extrema calidad de su Condesa: la primera en Glyndebourne, en 1994, dirigida con el gran maestro holandés Bernard Haitink. Y, sobre todo, la que interpretó en el Metropolitan, en 1998, con dirección de musical de James Levine, junto a un excelente reparto que incluía la gran creación de Figaro realizada por el bajo-barítono galés Bryn Terfel, magnífico de vocalidad y con una imponente actuación teatral. La mezzo Cecilia Bartoli como Susanna, con una deslumbrante vocalidad, ya que interpreta dos arias alternativas que Mozart compuso en la reposición de Viena, en 1789, para la soprano Adriana Ferrarese del Bene: en el Acto II “Un moto de gioia” que sustituía a “Venite, inginocchiavi!” y, en el Acto IV, en sustitución de “Deh, viene, non tardar”, “Al desio di chi t’adora”, esta última, muy larga y de complejísima coloratura.

El reparto se completaba con las notables actuaciones del barítono norteamericano Dwayne Croft (el Conde) y Susanne Mentzer (Cherubino).
Ya, en los años transcurridos del Siglo XXI, cabe destacar la gran creación de la Condesa realizada por la soprano alemana Dorothea Roschmann, de magnífica vocalidad junto a una gran actuación teatral, que puede constatarse en la grabación en video realizada en el Festival de Salzburgo de 2006, junto a la excelente Susanna de Anna Netrebko, el muy notable Figaro interpretado por el bajo-barítono italiano Ildebrando D’Arcangelo , junto al barítono danés Bo Skovhus (el Conde) y la soprano alemana Christine Schafer, en una gran creación de Cherubino. La dirección corría a cargo del maestro austriaco Nikolaus Harnoncourt, quien muestra su gran dominio de esta partitura.

En tiempos muy recientes ha surgido con gran fuerza la joven soprano italiana Federica Lombardi, quien está ofreciendo grandes interpretaciones de la Condesa, con una bella voz de lírica ancha, de considerable volumen y magnífica técnica, junto a una excelente actuación teatral. En este año 2022, ha conseguido grandes triunfos en el Covent Garden y este mismo mes de abril, en el Metropolitan. Se pueden ver fragmentos (disponibles en YouTube) de su interpretación en la Ópera de Munich, en 2017, que muestran su altísima calidad vocal e interpretativa.

Las Bodas de Figaro

Unas bodas de Figaro diferentes en el Teatro Real

Las bodas de Figaro
Le nozze di Figaro
Wolfgang A. Mozart (1756-1791)
Opera buffa en cuatro actos
Libreto de Lorenzo da Ponte, basado en la comedia La folle journée, ou le mariage de Figaro (1784) de Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais
Producción de Canadian Opera Company procedente del Festival de Salzburgo
Teatro Real de Madrid, 28 de abril de 2022
D. musical: Ivor Bolton
D. escena: Claus Guth
Escenografo y figurinista: Christian Schmidt
Iluminador: Olaf Winter
Coreógrafo: Ramses Sigi
Diseñador de vídeo: Andi A. Müller
D. coro: Andrés Máspero
André Schuen, María José Moreno, Julie Fuchs, Vito Priante, Rachael Wilson, Monica Bacelli, Fernando Radó, Christophe Montagne, Moisés Marin, Alexandra Flood, Leonardo Galeazzi, y Uli Kirsch, que interpreta el ángel
Once años habían transcurrido desde su última comedia italiana, La Finta Giardiniera (La jardinera fingida) y Mozart se mostraba preocupado al no encontrar una historia apropiada para su próxima comedia. Lo refleja en una de las cartas a su padre en 1783, “he mirado más de cien libretos, y no he encontrado ni uno con el que estuviera satisfecho; habría que hacer tantos cambios aquí y allá, que incluso si un poeta se pusiera a ello, le sería más fácil escribir un texto completamente nuevo”.
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

Llega entonces a Viena, de la mano de Antonio Salieri para trabajar en la corte, el libretista y poeta italiano Lorenzo da Ponte. Se inicia entonces una fructífera colaboración entre Mozart y da Ponte que dejará atrás la época de Metastasio. Se abre un nuevo viaje operístico que ya no tendrá retorno.

Mozart mostraba cierta admiración por las obras del dramaturgo francés Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais y por una de sus obras, la trilogía de Figaro, para cuya primera parte, Il Barbiere di Siviglia (1782), había puesto ya música Giovanni Paisiello. Eligió la segunda de esta trilogía, La folle journée, ou Le mariage de Figaro (1784), que trata explícitamente los conflictos de clase de la época.

La obra de Beaumarchais, cuyo estreno teatral estuvo lleno de dificultades por la crítica social y política que contenía, puede enmarcarse dentro del proceso revolucionario que culmina en 1789 con La Revolución Francesa. Después de tres años de lucha con la censura, Las bodas de Figaro pudieron ser estrenadas llegando a las 60 representaciones. Pero las protestas y las intrigas de antiguos enemigos de Beaumarchais, consiguieron que la obra se prohibiera en toda Europa.

Como narra da Ponte en sus memorias, la ópera estuvo terminada en apenas seis semanas, “a medida que yo iba escribiendo la letra, Mozart componía la música”. Solo faltaba convencer a José II de su idoneidad. De ello se encargó da Ponte, mucho más diplomático que Mozart, que prometió al emperador prescindir de las partes más polémicas. Se suprimieron escenas enteras, pero la sustancia ideológica permanecía intacta.

La mentalidad liberal de José II, que ya había abolido la censura y autorizado un decreto de matrimonio civil por el que se suprimía el consentimiento paterno, facilitaron el estreno de una ópera que, al tener un formato de comedia, amable y simpático, disimulaba muy bien su carga de profundidad.

El 1 de mayo de 1786 se estrena por fin en Viena Le nozze di Figaro, preámbulo de Don Giovanni y, sobre todo, de Cosi fan tutte, que cierra el ciclo de la brillante colaboración entre Mozart y da Ponte.

Le nozze di Figaro es hoy en día una de las óperas más representada en todo el mundo, aunque siempre no fue así. Al Teatro Real llega pronto, en 1903, mucho antes que a otros teatros europeos. Después tuvo unos años de cierta decadencia en la programación y no fue hasta los años sesenta que, tímidamente, volvió a las temporadas operísticas.

El Teatro Real presenta esta temporada una producción que es todo un clásico, la creada por Claus Guth para el Festival de Salzburgo en 2006, que sustituye a la inicialmente anunciada de Lotte de Beer y que no tuvo muy buena aceptación, siendo generosos, en el Festival de Aix-on-Provence.

Vuelve a utilizar Guth las grandes estructuras arquitectónicas que tanto le gustan. Presenta una gran escalera en un gran espacio como único escenario. Un decorado blanco, desnudo, lejos de los excesos dieciochescos que suelen acompañar las representaciones de esta ópera. El vestuario de Christian Schmidt, también muy del estilo de Guth, como pudimos ver en Rodelinda, en este mismo Teatro, de tonos grises y uniformado. Los sutiles cambios de escena se deben sobre todo a la iluminación de Olaf Winter, que va generando con sombras y pequeñas proyecciones, las atmósferas que ayudan a describir la escena.

También en esta ocasión, Guth utiliza un personaje que no está en el libreto pero que aparece constantemente en escena. En esta ocasión se trata de una especie de Cupido que, invisible al resto de personajes, maneja los hilos de todos intentando alterar su comportamiento, sembrando confusión a su paso.

Los personajes son tratados en esta producción de manera sobria, sin adornos, dejando al descubierto la parte más profunda de su personalidad. Sin embargo, el resultado final de la escenografía es que no ayuda al desarrollo ni a la conclusión de la historia.

Volvía Ivor Bolton a dirigir Mozart al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real. Puede que contagiado por la monótona escenografía, la dirección de Bolton no ha tenido la brillantez y la chispa de otras ocasiones. Solo en algunos momentos se han hecho presentes esos destellos que Mozart reflejó tan brillantemente en su partitura.

Esta obra se distingue de otras óperas buffas por la gran calidad de sus conjuntos, que expresan la enorme variedad de sentimientos amorosos. En esta ocasión quedan un poco opacados y faltos de frescura. No se aprecia la variedad de texturas de una orquestación tan detallada como la que ofrecen Las bodas de Figaro, sobre todo en la obertura y los vientos.
Lo mejor de la orquesta han sido los recitativi secchi, del clave y el violonchelo, que han permitido que las escenas fueran más fluidas.

La parte vocal ha presentado un conjunto de voces equilibrado. Para afrontar esta ópera la exigencia teatral está casi al mismo nivel que la vocal. Pero en este caso, además, es necesaria una buena forma física.

Fue una alegría ver a la granadina María José Moreno encarnar el rol de Condesa en el Teatro Real. Lo hizo con gran seguridad, como hace ella las cosas. Es esta una Condesa un poco especial, lánguida y solitaria, y Moreno la reflejó muy bien en esos aspectos a los que añade un punto de sofisticación muy adecuado al personaje. Tuvo momentos de gran lirismo y brillantez, sobre todo en sus dos arias más importantes, “Porgi Amor” y “Dove Sono”. Posee un centro poderoso y buenos agudos.

Susana, el personaje central de la obra, estuvo interpretado por la francesa Julie Fuchs. Su voz es ligera y fresca, perfecta para Susana, le faltó volumen y hacer más creíble a su personaje, tal vez demasiado infantil.

El Figaro de Vito Priante tampoco resultaba muy creíble como prometido de Susana, parecía su padre. Muy estático en escena, andaba algo perdido con su personaje, que había sido desprovisto de su verdadero carácter por el director de escena. Pero su voz esta sobrada de calidad y posee un hermoso y cálido timbre.

El barítono italiano André Schuuen interpreta al Conde Almaviva. Ya pudimos escucharle en el Capriccio hace unas temporadas. Se siente cómodo en el personaje, aunque le falte un poco de empaque y parece un adolescente con traje. Defendió bastante bien los agudos y su zona grave es suficiente y consistente.

El Cherubino de Rachael Wilson fue, junto a la Condesa, lo mejor de la noche. Fresca y juguetona en lo interpretativo, demostró tener una buena línea de canto y un centro y agudos muy poderosos y timbrados. Lástima que fuera igual vestida que el Cherubino de pega que Guth puso sobre el escenario. Se desenvolvió con destreza, la misma con la que interpretó sus arias “Non so più cosa son, cosa faccio” y “Voi che sapete”.

A buen nivel estuvieron el resto de comprimarios que en esta producción quedaron un tanto deslucidos en lo interpretativo, Monica Bacelli, como Marcelina; Fernando Radó, como Bartolo; Christophe Montagne, Como Basilio; Moisés Marin, Don Curzio; Alexandra Flood, como Barbarina; Leonardo Galeazzi, como Antonio y Uli Kirsch, que interpreta el ángel o Cupido.

Una nueva lectura de una ópera que por primera vez otorga a la partitura un papel fundamental en el desarrollo de la trama dramática.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real
Vídeos: Teatro Real

SGAE

La Fundación SGAE y el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) han abierto la convocatoria de la XXXIII edición del Premio Jóvenes Compositores Fundación SGAE-CNDM 2022. Consolidados ya entre los profesionales de la música, estos galardones tienen el objetivo de estimular la creación en el campo de la música clásica contemporánea entre los jóvenes compositores y contribuir al desarrollo social mediante el conocimiento de nuevas lenguas, tendencias y formas musicales de expresión.

Podrán concurrir todos los compositores y compositoras en cualquier país del mundo con obras de autoría única de cualquier lenguaje o tendencia estética dentro de la música contemporánea, siempre que sean menores de 35 años al cierre de la convocatoria y sean socios/as de la SGAE.

Las obras deberán ser necesariamente inéditas, con una duración entre siete y doce minutos, y ajustarse a una plantilla instrumental conformada por un mínimo de cinco intérpretes y un máximo de ocho. Cada concursante solo podrá presentar una única obra.

El 15 de septiembre: cierre de plazo
La recepción de los trabajos a concurso se extenderá hasta el jueves 15 de septiembre de 2022. Con el fin de preservar el anonimato de los concursantes y la neutralidad de la comisión seleccionadora, las partituras serán presentadas incluyendo el título original de la obra y un lema (que deberá ser diferente del título de la obra) y no indicarán el nombre del autor en ninguna de sus páginas. Las partituras deberán ser remitidas por email a la dirección de correo electrónico smoralg@fundacionsgae.org, acompañadas de la documentación estipulada en las bases.

Los ganadores, el 21 de noviembre
El 21 de noviembre de 2022, dentro del ciclo SERIES 20/21 del CNDM, se celebrará a las 19:30h en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía el concierto con las cuatro obras finalistas y se darán a conocer los premios otorgados.

Un jurado, compuesto por destacados expertos en música, seleccionará las cuatro obras finalistas que optarán a galardones valorados en 11.700 euros, repartidos como sigue: Primer Premio Xavier Montsalvatge (6.000 euros y diploma), Segundo Premio Carmelo Alonso Bernaola (3.000 euros y diploma), Tercer Premio Francisco Guerrero Marín (1.500 euros y diploma) y Mención Honorífica Juan Crisóstomo Arriaga (1.200 euros y diploma). Además, para contribuir a la posterior promoción y difusión de las obras ganadoras, la Fundación SGAE producirá un disco promocional con la grabación en directo de las interpretaciones en el concierto final.

Premio especial: Compositor Residente de la Red de Músicas
A estos cuatro galardones se suma el Premio Especial JM España, que otorgará Juventudes Musicales de España. De este modo, el ganador del Primer Premio de esta edición se convertirá en Compositor Residente de la Red de Músicas de JM España durante la temporada 2023-2024. JM España le encargará dos obras de música de cámara y otorgará 1.500 euros por cada pieza. El compositor escogerá dos formaciones de los seleccionados en la Red de Músicas que las estrenarán e interpretarán en todos los recitales que den en este circuito que organiza más de 200 conciertos al año.

Acerca del Premio
El premio, que fue creado en 1987 por la SGAE con una frecuencia anual, se ha convertido en uno de los más importantes certámenes de su tipo, por su nivel de organización y su rigurosidad, por el prestigio de los intérpretes y de los jurados participantes.

Entre los ganadores de sus anteriores ediciones destacan nombres ya consolidados dentro del panorama de la composición actual, con carreras internacionales que demuestran la buena salud de la creación musical española: Agustín Charles, Mauricio Sotelo, José María Sánchez-Verdú, Jesús Rueda, Jesús Torres, Pilar Jurado, Gabriel Erkoreka, Ramón Humet, Juan Cruz Guevara, Jesús Navarro, Oliver Rappoport o Nuria Núñez, entre muchos otros, han sido protagonistas de esta cita indispensable en el apartado de la composición para ensemble a nivel nacional.

ABAO Bilbao Opera

El sábado 24 de septiembre, un espectacular concierto inaugura la 71º Temporada de ABAO Bilbao Opera y despide con honores el emblemático proyecto Tutto Verdi, tras 16 años de actividad. La nueva temporada trae numerosas propuestas, actividades culturales, programas sociales, y una programación artística que incluye cinco títulos en el Euskalduna Bilbao y cuatro espectáculos en el Teatro Arriaga. Voces legendarias, grandes maestros, producciones inéditas y una apuesta permanente por la máxima calidad en todo su ámbito de actuación, vertebran la nueva temporada de ópera en Bilbao, inspirada en las claves del Romanticismo musical.

La 71º temporada propone a los aficionados y público en general, una programación emocionante, diversa, sugestiva y de incuestionable calidad artística.

PRINCIPALES MAGNITUDES DE LA NUEVA TEMPORADA
ABAO Bilbao Opera y la Fundación BBVA, principal patrocinador de la temporada, contribuyen a fomentar la excelencia y la cultura operística y a llevar al público espectáculos de la máxima calidad.

El repertorio italiano protagoniza la temporada con títulos muy conocidos como Tosca, Così fan tutte e Il Trovatore, y otros menos frecuentes como I puritani y Anna Bolena.

Entre las óperas y espectáculos programados, hay una producción propia, estreno absoluto: Così fan tutte y dos producciones estreno en España, Il Trovatore y la coproducción internacional de ABAO: Anna Bolena.

Se ofrecen un total de 44 funciones: 26 en la temporada general en el Euskalduna Bilbao, 17 para el público infantil y juvenil en la temporada Abao Txiki en el Teatro Arriaga, y una función del Concierto Tutto Verdi también en el Euskalduna.

Seis grandes batutas visitan la nueva temporada: Daniel Oren, Giacomo Sagripanti, Jordi Benacer, Óliver Díaz, Pedro Halffter y Francesco Ivan Ciampa para dirigir a la Bilbao Orkestra Sinfonikoa y la Euskadiko Orkestra, que junto al Coro de Ópera de Bilbao, amplían su repertorio reforzando el prestigio artístico de los colaboradores estables de ABAO.

Debutan 9 cantantes junto a importantes y destacados intérpretes que triunfan en los principales teatros de ópera del mundo.

ABAO Txiki ofrece 4 espectáculos para diferentes edades. Tres de ellos tendrán sesiones escolares revalidando el compromiso de ABAO con la formación y el público infantil y juvenil.

Tres estrenos en la temporada ABAO Txiki: Historia de una semilla, Hansel & Gretel e Itsasotik.

El programa didáctico y formativo ofrece mu ltitud de actividades gratuitas en distintos programas de actuación que incluyen charlas pedagógicas, talleres, coloquios y ciclos de conferencias para colectivos de distintas edades y procedencias.

Continúa con éxito el programa Gazteam con actividades e incentivos económicos para los menores de 25 y 30 años.

El programa “Ópera y +” en el Hospital Universitario Cruces consolida su actividad con actividades tanto dentro como fuera del Hospital, para pacientes, familiares y profesionales sanitarios de las u nidades de Nefrología, Hospital de Día, Digestivo, Pediatría y Neonatología. El programa cuenta c on la colaboración de la Fundación EDP, Fundación “la Caixa” y Zabalgarbi.

71º TEMPORADA DE ÓPERA
La nueva temporada incluye cinco títulos, más un gran concierto y se inspira en los postulados del Romanticismo musical, entre los años 1810 y la primera década del siglo XX y la aparición del verismo. Las óperas y las propuestas artísticas resaltan la cualidad de la expresión de los sentimientos y las emociones íntimas y personales con un estilo imaginativo, novelesco y lleno de cromatismo musical.

Cinco compositores: Verdi, Bellini, Donizetti, Mozart y Puccini traen a la escena bilbaína conocidos títulos del repertorio italiano como Tosca, Così fan tutte e Il Trovatore, y otros menos frecuentes como I puritani y Anna  Bolena. El Concierto Tutto Verdi presenta algunos de los pasajes más conocidos del compositor con piezas de
Macbeth, Il trovatore, Don Carlos, Un ballo in maschera, Aida y Nabucco, y una pieza inédita en ABAO: el Himno de las Naciones.

Una nueva temporada en la que debutan nueve cantantes y dos directores de escena y seis grandes batutas estarán al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa y la Euskadiko Orkestra. El Coro de Ópera de Bilbao, dirigido por Boris Dujin, se ocupa de la parte coral de la temporada.

Haciendo gala de su merecida fama de institución de grandes voces, ABAO reúne algunas de las más solicitadas en los principales teatros del mundo como: Jessica Pratt, Xabier Anduaga, Silvia Tro Santafé, Marko Mimica, Vanessa Goikoetxea, Oksana Dyka, Roberto Aronica, Mikeldi Atxalandabaso, Anna Pirozzi, Ekaterina Semenchuk o Celso Albelo, entre otros.

La Fundación BBVA cuyo rasgo diferencial es el impulso al conocimiento científico y la creación cultural, colabora con ABAO Bilbao Opera como patrocinador principal de la temporada.

Nitteti
El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) hace historia, junto con el Instituto Complutense de Ciencias Musicales (ICCMU), con la recuperación y el estreno de La Nitteti, una obra ideada por dos de las figuras más importantes del mundo operístico del siglo XVIII, el compositor napolitano Niccolò Conforto y el libretista Pietro Metastasio. Su estreno en tiempos modernos tendrá lugar el próximo sábado 7 de mayo a las 19:30 horas en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música, a cargo de la agrupación española Nereydas, dirigida por Javier Ulises Illán, y con la participación de artistas de primer nivel como Núria Rial y María Espada, entre otros.

La Nitteti se representó en el ya extinto Real Coliseo del Buen Retiro de Madrid en 1756. Fue un encargo del legendario castrato Farinelli a su amigo Metastasio, quien la escribió exclusivamente para la familia real española, convirtiéndose en el único libreto que el italiano compuso para la corte madrileña, como un regalo de cumpleaños de María Bárbara de Braganza a su esposo, el rey Fernando VI. Por aquel entonces, tanto Farinelli como Conforto eran músicos afincados en Madrid. La ópera, que fue inmortalizada en una serie de lienzos por el pintor Francesco Battaglioli, situó a Madrid en el mapa europeo de la ópera del siglo XVIII.

Nereydas nos traslada al Egipto del año 570 a. C. con una historia de falsas identidades que deambula entre la justicia, el deber político y las grandes pasiones. El público disfrutará de una obra a caballo entre el virtuosismo barroco y la elegancia del clasicismo, a través de las diecinueve arias solistas, así como de un dúo y un terceto que resaltan la belleza de los textos de Metastasio. La acción comienza con el deseo de Amasi, rey de Egipto, de casar a su hijo, el príncipe Sammete, con Nitteti. Sin embargo, éste resulta estar enamorado de la pastora Beroe, quien, a su vez, corresponde a ese sentimiento. De este cruce de emociones encontradas surge el nudo dramático de la obra.

El estreno en tiempos modernos de La Nitteti representa la recuperación de la memoria de la España floreciente del siglo XVIII. Este proceso de recuperación ha sido posible gracias a la edición crítica de la partitura por el musicólogo José María Domínguez, en el marco de los esfuerzos de recuperación de repertorio y minuciosa edición crítica de partituras del Instituto Complutense de Ciencias Musicales y de la Universidad Complutense de Madrid, y del director de orquesta y musicólogo Javier Ulises Illán, también coautor de la edición crítica.

Un elenco de alto nivel

Hay un hilo aparentemente invisible entre la obra que se estrenó en el Teatro del Buen Retiro y la que se estrenará en el Auditorio Nacional de Música, que la hacen especial: en ambas ocasiones, el mejor talento se abrió y se abrirá paso.

En su época, Farinelli fue nombrado director de espectáculos regios del Teatro del Buen Retiro, ejerciendo de programador y de empresario y, por ello, se encargó de contratar a los mejores cantantes, músicos, pintores y escenógrafos italianos al servicio de la corte española. La Nitteti no fue una excepción. En esta ópera, Farinelli supervisó todos los elementos para conseguir el mejor talento. Al compositor napolitano Niccolò Conforto, que por aquellos años ya había logrado una carrera musical de grandes éxitos y estaba afincado en Madrid al servicio de Fernando VI, se sumaron los textos de Pietro Metastasio, considerado el mejor dramaturgo del siglo XVIII y la voz de reconocidos cantantes de la época, como Filippo Elisi en el papel de Sammete, Teresa Castellini, alumna del propio Farinelli, o el afamado tenor Anton Raaff, para quien Mozart escribió el Idomeneo.

Ahora, el proyecto llega hasta nuestros días con una producción protagonizada por grandes nombres de la escena musical española. La dirección artística y musical corre a cargo de Javier Ulises Illán, especializado en los repertorios de la corte española del siglo XVIII. Javier Ulises dirige Nereydas, un conjunto español que aúna músicos de amplia experiencia y formación y que supera una década de vida. El proyecto sitúa a España como un país con gran potencial en la interpretación de música antigua en la actualidad, con un elenco vocal encabezado por las sopranos Núria Rial y María Espada, representantes de una generación con una asentada carrera internacional, que convive con la nueva generación de cantantes españoles que están despuntando en la escena actual con gran fuerza, como las también sopranos Lucía Caihuela, Paloma Friedhoff o el bajo Víctor Cruz. Presentes en el reparto, se encuentran asimismo las voces internacionales de la soprano Ana Quintans y del aplaudido tenor Zachary Wilder, que interpretará el papel del faraón.

La Nitteti forma parte del ciclo “Universo Barroco” del CNDM, que apuesta por la recuperación del patrimonio español y por acercar al público a la música española más gloriosa del periodo barroco. A su vez, su interpretación supone el colofón al congreso internacional “Parole del Metastasio: Opera and Emotions in Eighteenth-Century Europe”, que reunirá a referencias mundiales expertas en la figura de Metastasio, promovido por la Universidad Complutense de Madrid (UCM) y el Instituto Complutense de Ciencias Musicales (ICCMU), en el marco del ambicioso proyecto “Didone: The Sources of Absolute Music”, dirigido por Álvaro Torrente, director del ICCMU, financiado por el European Research Council.

Con el objetivo de facilitar el acercamiento a esta obra, y dentro de la iniciativa pedagógica “Contextos Barrocos” del CNDM, se ofrecerá una charla en el Salón de Actos del Auditorio Nacional de Música a las 18:30 horas a cargo de Eduardo Torrico, especialista y redactor jefe de la revista SCHERZO y que contará con la participación del Javier Ulises Illán, director artístico y musical de Nereydas

Javier Ulises Illán, director de orquesta: «Estamos ante una ópera que es toda una referencia y que aúna el poderoso texto de Metastasio con el virtuosismo de las músicas de Conforto. Gracias al rigor y a la base científica y de investigación que le da el ICCMU a la edición, La Nitteti representa un paso más no solo para darla a conocer al público, sino para que también se establezca como una obra canónica del repertorio de la ópera española. Es una obra que va a sorprender y a captar la atención del público y que pronto podremos escuchar en CD, ya que, inmediatamente después del concierto de estreno en el CNDM, acometemos la grabación de esta exuberante ópera madrileña».

Francisco Lorenzo, Director del CNDM: “En el CNDM apostamos por la recuperación de obras olvidadas de nuestro patrimonio y La Nitteti es una muestra más de este intenso trabajo que iniciamos desde la creación del centro. La importancia de este estreno radica, entre otras virtudes que encierra la propia partitura y su singular historia, en lo dificultoso que resulta la recuperación de una pieza tan significativa del repertorio operístico dieciochesco”.

Don Gil de Alcalá

El director de escena Emilio Sagi vive uno de los momentos más dulces de su carrera. Recién celebrados sus 40 años sobre los escenarios, acaba de recibir la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes y su extraordinaria trayectoria ha sido reconocida con el Premio Ópera XXI. Y es que el Teatro de Sagi, inconfundible, es pura magia. Inteligente y siempre luminoso. Elegante. Sublime. Ahora, su ciencia teatral recala por enésima vez en el Teatro de la Zarzuela donde del 5 al 22 de mayo se rendirá homenaje al maestro Manuel Penella con 14 funciones de su ópera cómica ‘Don Gil de Alcalá’ en una versión escénica elegante y enormemente divertida del director asturiano, que servirá para conmemorar los 90 años de la obra.

Desde el foso, el maestro Lucas Macías –debutante de lujo en el teatro de la plazuela de Jovellanos– conducirá con su intenso sello poético a la Orquesta de la Comunidad de Madrid, titular del Teatro, que pese a que ya está liberada de las restricciones que durante meses la han mermado a causa de la pandemia, en esta ocasión se presenta como una orquesta de cuerda y arpa, como exige la partitura original de Penella.

El ‘Don Gil de Alcalá’ que el público podrá disfrutar estos días, es la hermosa producción del Festival de Teatro Lírico Español de Oviedo y el Teatro de la Zarzuela que Sagi estrenó en 2017 en el Teatro Campoamor. La de Penella es una obra muy cercana a la luminosidad y la viveza de la ópera italiana, pero con un tratamiento hispano. De ella el director de escena resalta sobre todas las cosas su “extrema belleza”, la ternura y las altas dosis de nostalgia. En esta ocasión, cuenta con los espléndidos trabajos de algunos de sus colaboradores más cercanos como Daniel Bianco en la escenografía, la tan recordada figurinista Pepa Ojanguren en el vestuario, Eduardo Bravo en la iluminación y Nuria Castejón en la coreografía.

Y como también es habitual en el Teatro, serán dos espléndidos y equilibrados repartos los que junto al Coro Titular del Teatro de la Zarzuela, dirigido por el maestro Antonio Fauró, desplieguen sobre las tablas esta trama en la que, en palabras de Emilio Sagi, se mezcla una historia de amor romántico, “cursilona y casi de telenovela”, con el “divertidísimo embrollo humorístico en que acaba convirtiéndose al estilo de las óperas bufas de Rossini”.

El argumento se libera de ataduras históricas para narrar de forma clara las simpáticas aventuras, en tierras de Nueva España, de Don Gil, un capitán español, y Niña Estrella, una huérfana mestiza.

El papel principal, el de Don Gil de Alcalá, lo interpretan los tenores Celso Albelo –que varios lustros después regresa felizmente a una producción del Teatro de la Zarzuela– y José Luis Sola; su enamorada, Niña Estrella, estará encarnada por las sopranos Sabina Puértolas e Irene Palazón. Y son números los papeles que destacan por su comicidad, como los del sargento Carrasquilla, a quien dará vida el bajo Simón Orfila; el sirviente indio Chamaco, cuyo rol será asumido por los tenores Carlos Cosías y Facundo Muñoz; la sirvienta india Maya, que interpretarán las mezzosopranos Carol García y Lidia Vinyes-Curtis; el papel del Gobernador del Estado de Veracruz, cuya peculiar personalidad será desentrañada por el bajo-barítono Miguel Sola; o el del Virrey de Nueva España del barítono Pablo López. Los también barítonos Manel Esteve y Eleomar Cuello se pondrán en la piel de quien es el tercer vértice del triángulo amoroso: el aristócrata español Don Diego.

También tienen importante presencia y voz en el relato la mezzosoprano María José Suárez como madre abadesa, el barítono David Sánchez como padre magistral o el tenor Ricardo Muñiz como maestro de ceremonias, acompañados todos ellos por 8 figurantes-bailarines.

Luis Sagi-Vela y “el dorado”

Emilio Sagi reconoce que siempre había querido hacer el “Don Gil”, y “no solo porque es una obra maravillosa, con una música inspiradísima y una historia fresca y muy divertida –como si fuera un pequeño Mozart–“; le apetecía también meterse en ese fantástico mundo porque pocos años después de su estreno en Barcelona llegó a Buenos Aires y a México con su tío, Luis Sagi-Vela (quien la hizo y la grabó muchas veces), en el reparto. Aquellas funciones contribuyeron al éxito decisivo de la obra.

Y en esta producción que ahora se presenta, todo sucede, cómo no, con “el dorado” mexicano omnipresente. Casi toda la escenografía es del color del oro y los personajes van con las botas manchadas de barro, pero muy bien vestidos, aderezados con bordados y adornos dorados.

Una obra distinta

‘Don Gil de Alcalá’ es una obra “distinta” de Manuel Penella. Ciertamente hermosa, como el resto de su producción, y en la que el compositor valenciano apuesta una vez más por la lírica española, aunque esta vez desde una perspectiva más acorde con las tendencias europeas. Con este trabajo, Penella no solamente reconoce y homenajea la larga tradición lírica que él y otros creadores habían heredado y llevado al mundo americano, sino que también vuelve a demostrar que sabe crear una obra clásica que resistiría el paso del tiempo, incluso en un país donde nunca acabó de convencer la fórmula de la ópera en lengua española. Cuando Penella quiso acometer valientemente un homenaje a América con una obra tan inusual como clásica, tan preciosista como moderna, escribió ‘Don Gil de Alcalá’, que estrenó en el Teatro Novedades de Barcelona, y dos años después en el de La Zarzuela.

Una vez más volvió a salir con su compañía para representarla por el Nuevo Mundo, en la que sería su última gran empresa, aunque antes llegaría a los escenarios de varios países y la llevaría pronto al cine en una producción mexicana: ‘El capitán aventurero’. Como buena parte de los proyectos que emprendió a lo largo de su vida, sus obras líricas son irrepetibles.

En muy diversas ocasiones ‘Don Gil de Alcalá’ ha vuelto a verse en el Teatro de la Zarzuela. Y ahora regresa, ya en pleno siglo XXI, como la gran creación del teatro musical que es.

Marion Cotillard

La actriz francesa Marion Cotillard interpretará el papel titular del oratorio dramático Juana de Arco en la hoguera (Jeanne d’Arc au bûcher) de Arthur Honegger (1892-1955) y libreto de Paul Claudel  (1868-1955), que se estrenará el próximo 7 de junio, en una nueva coproducción del Teatro Real y la Ópera de Frankfurt, con dirección de escena de Àlex Ollé (La Fura dels Baus).

Marion Cotillard actuará junto al actor Sébastien Dutrieux (Padre Dominique), las sopranos Sylvia Schwartz (La virgen) y Elena Copons (Marguerite), la mezzosoprano Enkelejda Shkoza (Catherine), el tenor Charles Workman (Porcus), el bajo-barítono Torben Jügens (Heraldo), el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real y los Pequeños Cantores de la JORCAM, bajo la dirección musical de Juanjo Mena.

El oratorio de Honegger será precedido por la cantata La damoiselle élue (La doncella bienaventurada), de Claude Debussy (1862-1918) sobre libreto de Dante Gabriel Rossetti,  protagonizada por la soprano Camilla Tilling y la mezzosoprano Enkelejda Shkosa.

El oratorio de Honegger, cuyo estreno en España en 1954,  en el Liceu de Barcelona, contó con Ingrid Bergman como Juana de Arco y Roberto Rossellini en la dirección de escena, necesita una gran actriz como protagonista, ya que su actuación vertebra toda esta obra inclasificable, tanto desde el punto de vista formal como musical.

Sobre el brutal, fantasmal y simbólico ‘poema escénico’ de Paul Claudel, Honegger creó una partitura que es un mosaico ecléctico de influencias, del contrapunto al jazz, del folclore a las ondas martenot, con una orquestación muy rica y original al servicio de una dramaturgia que reivindica el patriotismo, la justicia y la libertad.

Las ocho funciones tendrán lugar los días 7, 8, 10, 11, 12, 14, 16 y 17 junio.

Luis Piedrahita

El polifacético Luis Piedrahita escribe y protagoniza un espectáculo en torno al compositor alemán en el que, con sabiduría y humor, acerca el poder de su música a todos los espectadores.

La directora de orquesta Lucía Marín debuta en el Teatro Real con la música de Beethoven, al frente de la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid.

El escenario del Real se convertirá en un peculiar edifico gracias a los dibujos de Pablo Morales del Río que, con animación de Iñaki García, cobrarán vida descubriendo a los vecinos que lo habitan.

Una aventura donde el desastre y los acontecimientos encuentran la redención a través de la música como elemento sanador y de esperanza

Las funciones, pensadas para un público familiar, tendrán lugar el sábado 30 de abril, a las 11.00 y a las 13.00 horas.

La página web del Teatro Real pone a disposición del público una guía didáctica con información detallada del espectáculo.

El próximo sábado, 30 de abril, el Teatro Real celebrará el bonito homenaje al 250 aniversario del nacimiento de Ludwig van Beethoven que el confinamiento dejó congelado y que ahora, de la mano de Luis Piedrahita, responsable del guión y la interpretación, llenará de música y emoción su sala principal con el espectáculo ¡A la bin! ¡A la ban! ¡A la Ludwig Van! ¡Beethoven, Beethoven y nadie más! , para todos los públicos.

El ingenio y la palabra de Piedrahita estarán acompañados por un equipo artístico encabezado por la directora de orquesta Lucía Marín quien, al frente de la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid, interpretará fragmentos de algunas de las obras más conocidas del compositor alemán.

Esta es la historia de la comunidad de vecinos de Beethoven. Una especie de 13 Rue del Percebe del Siglo XVIII. Cada uno de los moradores de la casa tiene sus problemas: la vecina de arriba convive con siete gatos indómitos que le destrozan los muebles, en la buhardilla vive un poeta que lucha contra las goteras del tejado, abajo una madre que no consigue dormir a su niño y hasta un perito agrícola que intenta alimentar a la primera planta carnívora vegetariana de la historia. Cuando el maestro ensaya, la música se filtra por las paredes y los problemas de los vecinos se hacen llevaderos. Hasta que de repente… ¡se desata un incendio en el edificio!

Los espectadores transitarán por los distintos espacios de este edificio imaginario, un alocado vecindario diseñado por Pablo Morales del Río, con animaciones de Iñaki García, en el que la música de Beethoven produce un efecto… particular. Una pequeña locura, con Ximena Feijoo en la dirección de arte, y la complicidad del público en un inesperado final que ayudará a construir un futuro mejor.

Fotografía: Javier del Real

DANIEL CASARES

Daniel Casares nació con duende y así lo demuestra con su guitarra, que suena original, distinta, con una personalidad propia, reflejando esa furia interior, que desata poderosamente sobre sus cuerdas. Intérprete y compositor, llega al Teatro Real para ofrecer un trabajo inspirado en el mar que acaricia su ciudad natal y nos sumerge en el mundo del sur, MAGITERRÁNEO.

La cita será el jueves 28 de abril, a las 19.00 horas, y el viernes 29 de abril, en sesión doble, a las 19.00 y a las 21.00 horas.

Con 16 años es galardonado con el prestigioso Bordón minero de La Unión, convirtiéndose en el guitarrista más joven, hasta la fecha, en conseguirlo. Además, se alza con el premio nacional de guitarra de Jaén y esto le abre la puerta a la grabación de su primer disco “Duende Flamenco” ese mismo año.

Son incontables las colaboraciones de Daniel Casares con artistas de otros mundos de la cultura, como la mezzosoprano Cecilia Bartoli -quien le pidió que le acompañara, en calidad de artista invitado, en su gira europea con motivo del homenaje a la diva María Malibrán- Alejandro Sanz, Dulce Pontes, Toquinho, Antonio Orozco, y grandes flamencos como Juanito Valderrama, José Mercé o Miguel Poveda.

En MAGITERRÁNEO, el guitarrista malagueño regresa al sur, donde el Mediterráneo y su mágica poesía le sirven de inspiración. Lo que importa no es el lugar de donde se parte ni el puerto a donde se arriba, sino toda la experiencia, la emoción y el conocimiento que uno se trae del camino. Hermosas melodías que nos traen el perfume y la esencia de tierras de olivos y laureles, alegría de las palmas, notas llenas de matices.

Le acompañan en este viaje algunos de sus colaboradores habituales: Jesús Bachiller “Bachi”, en el bajo eléctrico, y Miguel Ortiz “Nene”, en la percusión, ambos involucrados en el proyecto Magiterráneo desde su creación. Junto a ellos, el bailaor Pedro Córdoba y el cantaor Roberto Jaén, ambos también a las palmas.

Las funciones contarán con la participación, como artista invitado, del cantaor El Mati, ganador de la Lámpara Minera en 2019. Su voz, de profundas raíces flamencas, es una de las más relevantes y demandadas del panorama actual, y su actitud abierta y polifacética le ha llevado a participar en otras disciplinas, como el Jazz, y a explorar nuevos caminos del cante con las músicas de vanguardia.

Premios Teatro Real

Los Premios del Teatro Real pretenden reconocer el mérito de personalidades, empresas y artistas que han destacado de manera especial por su apoyo a la institución a lo largo de la temporada 2020-2021.

En esta primera edición se han creado dos categorías: institucional y artística.

El premio consiste en una obra que la gran escultora Cristina Iglesias ha realizado, generosamente, para el Teatro Real.

La Gala de entrega de los premios, protagonizada por la mezzosoprano Silvia Tro Santafé, tendrá lugar el 6 de junio a las 19.30 horas.

El Teatro Real ha decidido instituir los premios que llevan su nombre, para reconocer el mérito de instituciones, empresas y personalidades relacionadas con la actividad de su temporada.

La primera edición de los Premios Teatro Real nace vinculada a una temporada muy especial, que arranca en junio de 2020 con La traviata y cubre toda la temporada 2020/2021.

Los premios, que nacen con vocación de continuidad, tienen dos categorías: institucional y artística.

Los galardones de la categoría institucional se conceden en esta ocasión a Endesa, Telefónica y Florentino Pérez, por su labor de mecenazgo, así como al doctor Santiago Moreno, por su actividad al frente del equipo médico durante la pandemia. Los premios artísticos se darán a conocer más adelante.

La entrega de los galardones tendrá lugar el 6 de junio, en una Gala protagonizada por la mezzosoprano Silvia Tro Santafé.

Fotografía: Javier del Real

Trío Arbós

El Trío Arbós, uno de los grupos de cámara más notables de Europa, presenta en el Teatro de la Zarzuela obras de compositoras españolas.

Prosigue el ciclo Domingos de Cámara. Mujeres con Ñ en el Teatro de la Zarzuela con el Trío Arbós. Premio Nacional de Música 2013 y en la actualidad uno de los grupos de cámara más prestigiosos del panorama musical europeo, el conjunto presentará este próximo domingo 24 de abril (12h00) en el Ambigú del coliseo obras de compositoras españolas de hoy y de siempre, entre las que estará incluido un estreno absoluto. Las entradas están disponibles al precio único de 6€.

Por segundo año consecutivo el ciclo, que celebra ya su tercera edición, está dedicado íntegramente a la mujer, y más concretamente al papel de las compositoras en la música española.

El trío incluirá en su concierto música de Emma Chacón, Alicia Díaz, Emiliana de Zubeldía o Gabriela Ortiz y un estreno absoluto de Miriam Sanz Ortega.

Compuesto en la actualidad por el violinista Ferdinando Trematore, el violonchelista José Miguel Gómez y el pianista Juan Carlos Garvayo, el Trío Arbós se fundó en Madrid en 1996 marcando como uno de sus principales objetivos la contribución al enriquecimiento de la literatura para trío con piano a través del encargo de nuevas obras.

Con este ciclo el Teatro sigue con su objetivo de difindir la música “en femenino“, mucha de ella inédita, con la intención de descubrir al público la excelencia de las creaciones de estas compositoras españolas que rara vez tuvieron (o tienen) el debido reconocimiento por sus creaciones.

Cada concierto cuenta con al menos un estreno absoluto, la mayor parte de ellos de jóvenes compositoras en colaboración con el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. En esta ocasión será la obra ‘Mármol’ de Miriam Sanz Ortega.

La cita restante del ciclo será con el pianista Mario Prisuelos el 5 de junio.

Ballet Nacional de España

El Ballet Nacional de España (BNE) inaugura mañana jueves, 21 de abril, el ciclo ‘Les Arts és Dansa’ con el espectáculo ‘Invocación’, que se representará hasta el próximo día 24 en la Sala Principal del Palau de les Arts.

La compañía que dirige Rubén Olmo ofrece una visión global de casi todos los estilos de la danza española con este programa cuádruple, estrenado en 2020, que está formado por coreografías de Rubén Olmo y Antonio Najarro, e incluye también un homenaje a Mario Maya, uno de los pioneros del flamenco teatro en Andalucía.

El director de orquesta y compositor Manuel Busto debuta al frente de la Orquestra de la Comunitat Valenciana, que acompañará musicalmente a los más de 40 bailarines de la formación en sus cuatro representaciones en Les Arts.

Según asegura Rubén Olmo, director del BNE: “Es un programa muy completo en el que se puede disfrutar de un flamenco lleno de vida y de fuerza en el escenario, un ‘ballet’ de la más pura danza estilizada y una de las escasas coreografías recientes de escuela bolera”.

El programa se abre con la coreografía de escuela bolera ‘Invocación bolera’. Este estilo es una de las disciplinas más difíciles de la danza española por la rapidez de sus pasos y saltos, y la utilización de pasos de ‘ballet’ clásico junto a las castañuelas o palillos. Rubén Olmo actualiza en esta obra la esencia de la escuela bolera tradicional, además de rendir un homenaje a los grandes maestros que marcaron la línea a seguir de este estilo.

La música de ‘Invocación bolera’ es una composición contemporánea original encargada por el Ballet Nacional de España al joven compositor y director de orquesta sevillano Manuel Busto, que posteriormente ha participado también en la partitura colectiva de ‘La Bella Otero’. El vestuario fue diseñado por Pedro Moreno para la obra ‘Fandango del Padre Soler’, estrenada por el Ballet Nacional de España en 1988, y ha sido adaptado por el propio diseñador para esta obra.

El mismo dúo creativo de Rubén Olmo y Manuel Busto es el responsable de ‘Jauleña’, un solo que entrelaza varios estilos de danza, con especial protagonismo del zapateado y la granaína. En València se turnarán sobre el escenario como intérpretes Miguel Ángel Corbacho, asistente del director, y José Manuel Benítez, bailarín solista.

‘Eterna Iberia’, de Antonio Najarro, completa la primera parte del espectáculo. Se trata de una coreografía de danza estilizada, estrenada por el BNE en 2019, que utiliza elementos tradicionales de la danza española como la capa y el sombrero cordobés.

La música para esta obra fue compuesta originalmente por Manuel Moreno Buendía para el ‘ballet’ ‘Eterna Castilla’, de Antonio Ruiz Soler, y editada posteriormente en forma de ‘suite’ con el título ‘Celtiberia’. El sofisticado vestuario de Yaiza Pinillos representa la riqueza de nuestro territorio con la utilización de los colores azul, verde y granate para representar tres de nuestras riquezas: el mar, los olivos y el vino.

El flamenco toma el protagonismo en la segunda parte del programa ‘Invocación’ con la inclusión por primera vez en el repertorio del Ballet Nacional de España de una coreografía de Mario Maya, un referente de la danza española por su genialidad y sensibilidad. Fallecido en 2008, fue un pionero del flamenco teatro, autor de montajes arriesgados e innovadores, y uno de los investigadores más incansables de nuestra época.

Rubén Olmo ha seleccionado ‘De lo flamenco’ porque, en su opinión, este montaje de Mario Maya, estrenado por la Compañía Andaluza de Danza en 1994, refrescó por su estilización y movimiento la forma de hacer y de sentir el flamenco en el escenario, sobre todo con una gran compañía de bailarines. “Aún ahora sigue siendo innovador y totalmente diferente al resto”, asegura Rubén Olmo.

El montaje de ‘De lo flamenco’ que presenta el Ballet Nacional de España difiere del original de Mario Maya, Milagros Menjíbar, A. Rueda ‘Toná’ y Manolo Marín en las dos coreografías nuevas firmadas por dos colaboradoras habituales de Mario Maya: ‘Romance del emplazado’, de Rafaela Carrasco, y ‘Taranto’, de Isabel Bayón.

En esta reposición también han colaborado artistas que formaron parte del elenco original, desde el maestro repetidor Manuel Betanzos al músico Diego Carrasco, uno de los autores de las canciones, junto a Jesús Torres, Moraíto Chico y Los del Río. El vestuario es una réplica del original diseñado por Mario Maya y ha sido pintado a mano por Juan Andrés Amaya.

Coincidiendo con la actuación del Ballet Nacional de España en València, un grupo de 25 niños del programa de prevención y fortalecimiento familiar de Aldeas Infantiles SOS asisten el 20 de abril al taller pedagógico en el Aula Magistral del Palau de les Arts y, posteriormente, al ensayo general del espectáculo.

En esta actividad, el primer bailarín Sergio García, la maestra repetidora Maribel Gallardo y la responsable del Departamento de Actividades Pedagógicas, Belén Moreno, descubren a los niños la danza española a través de algunos de sus elementos más característicos, como el mantón, las palmas, el calzado y las castañuelas.

La actividad, que se incluye en ‘Les Arts és Educació’, se apoya también en materiales didácticos interactivos editados por el BNE: un libro ilustrado, tres cuadernillos con realidad aumentada y un videojuego.

Ballet Nacional de España

El Ballet Nacional de España (BNE) es la compañía pública referente de la danza española desde que se fundó en 1978 bajo el nombre de Ballet Nacional Español, con Antonio Gades como primer director. Forma parte de las unidades de producción del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), perteneciente al Ministerio de Cultura y Deporte. La finalidad del BNE se centra en preservar, difundir y transmitir el rico patrimonio coreográfico español, recogiendo su pluralidad estilística y sus tradiciones, representadas por sus distintas formas: académica, estilizada, folclore, bolera y flamenco. Asimismo, trabaja para facilitar el acercamiento a nuevos públicos e impulsar su proyección nacional e internacional en un marco de plena autonomía artística y de creación.

Rubén Olmo

Rubén Olmo, Premio Nacional de Danza 2015, se incorporó al Ballet Nacional de España en septiembre de 2019 con la intención de trabajar para la preservación, la difusión y la movilidad del repertorio tradicional de la danza española, incorporando además nuevas creaciones y abriendo las puertas a las vanguardias y la experimentación. Esta supone su segunda etapa en el BNE, compañía de la que formó parte como bailarín entre 1998 y 2002.

Desde 2011 ejerció como director del Ballet Flamenco de Andalucía, institución dependiente de la Junta de Andalucía, con la que estrenó montajes propios como ‘Llanto por Ignacio Sánchez Mejías’ o ‘La muerte de un minotauro’. Anteriormente, formó su propia compañía, para la que creó espectáculos como ‘Érase una vez’, ‘Belmonte’, ‘Las tentaciones de Poe’, ‘Horas contigo’, ‘Naturalmente Flamenco’ y ‘Diálogo de Navegante’.

También ha colaborado como coreógrafo o bailarín con figuras destacadas de la danza española como Aída Gómez, Antonio Najarro, Eva Yerbabuena, Víctor Ullate, Antonio Canales, Rafael Amargo, Isabel Bayón, Rafaela Carrasco y Aída Gómez.

Las bodas de Figaro

Las bodas de Fígaro entre el 22 de abril y el 12 de mayo en el Teatro Real, en una producción original del Festival de Salzburgo (2006), que encargó a Claus Guth la dirección escénica de las tres óperas de Mozart con libreto de Lorenzo da Ponte, una de las cuales, Don Giovanni, se ofreció en el Teatro Real la pasada temporada.

Considerada la más perfecta de las óperas de Mozart, Las bodas de Fígaro, estrenada en 1776, fue escrita en menos de un año de manera frenética y entusiástica por Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) y el polifacético escritor y libretista Lorenzo da Ponte (1749-1838), en su primera y fecunda colaboración, que proseguiría con Così fan tutte y Don Giovanni.

Ambos creadores estaban imbuidos del fervor de las nuevas ideas revolucionarias que defendía descaradamente la obra teatral de Pierre-Augustin de Beaumarchais (1732-1799) en la que se basa la ópera, La folle journée, ou Le mariage de Figaro, estrenada con gran escándalo y alboroto apenas un año antes, provocando la reclusión del autor y la prohibición de la obra en diversas cortes europeas.

Con gran pericia Da Ponte reduce y disimula el contenido más explícitamente político de la obra, manteniendo las complejas relaciones entre los distintos personajes, a los que la fabulosa partitura de Mozart otorga una inusitada profundidad psicológica, escondida bajo las formas clásicas de la opera buffa.

La música, sustentada en un armazón perfecto de simetrías y juegos estructurales y armónicos, con arias y números de conjunto de enorme belleza, sugiere, delata, contradice, insinúa, desmiente e ilumina lo que esconden las palabras de los protagonistas, dentro de un enredo aparentemente cómico.

En su propuesta escénica, Claus Guth intenta, precisamente, explorar lo que late en el alma de los personajes más allá de la comedia, auscultando el lado inconfesable, ambiguo, contradictorio, siniestro, sádico o lascivo de las relaciones amorosas.

En paralelo con la estructura clásica de la partitura, Guth, junto con el escenógrafo y figurinista Christian Schmidt, sitúa la trama en un viejo y austero palacio, con los personajes encorsetados en trajes que delatan su origen social y determinan su modo de proceder. A partir de ahí, como en una película de Ingmar Bergman, o en un drama de August Strindberg, Guth va ‘desenmascarando’ lo que pasa en el interior de los personajes con la ayuda de un ‘ángel’ silencioso que muestra al espectador lo indecible, turbio u oscuro de las relaciones amorosas.

Dos selectos elencos dan vida a los complejos personajes de esta ópera coral, que esconden lazos de seducción, amor, deseo, pasión, hastío o rencor: Andrè Schuen y Joan Martín-Royo (Conde de Almaviva); María José Moreno y Miren Urbieta-Vega (Condesa de Almaviva); Julie Fuchs y Elena Sancho Pereg (Susanna); Vito Priante y Thomas Oliemans (Fígaro); Rachael Wilson y Maite Beaumont (Cherubino); Monica Bacelli y Gemma Coma-Alabert (Marcellina); y Fernando Radó y Daniel Giulianini (Bartolo).

Ivor Bolton, director musical del Teatro Real, vuelve a dirigir Las bodas de Fígaro desde su foso, después del éxito obtenido con la misma partitura en 2014. Esta ópera será la séptima producción de Mozart en la que asume la dirección musical al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, y la tercera en la que trabaja codo con codo con Claus Guth, después de Lucio Silla (2017) y Don Giovanni (2020).

Desde la reapertura del Teatro Real, Las bodas de Fígaro se ha ofrecido en 5 de sus 25 temporadas: en 1998, con Gianandrea Noseda y Jürgen Flimm; en 2003, con Antoni Ros Marbá y Marco Arturo Marelli; en 2009, con Jesús López Cobos y Emilio Sagi, cuya producción volvió a presentarse en 2011 con Víctor Pablo Pérez, y en 2014 con Ivor Bolton.

La propuesta escénica y dramatúrgica concebida por Claus Guth, que ahora se verá en el Teatro Real, ofrece una nueva perspectiva de la obra maestra de Mozart, cuya riqueza, complejidad y hondura son una inagotable fuente de interpretaciones.

Fotografía © Javier del Real | Teatro Real

Søren Evinson

.- El creador y performer Søren Evinson presenta el próximo 21 de abril la performance “A NATION IS BORN IN ME” en el Goethe-Institut Madrid. Esta obra, primer trabajo de Evinson completamente en solitario, es una pieza con música original de Daniel Papell, y construida como un diálogo entre el sonido y el cuerpo. Esta representación es la tercera intervención programada por VORTEX para esta institución.

SINOPSIS

“A NATION IS BORN IN ME” ocupa el encuentro mismo entre intérprete y público transformando nuestra presencia en un resbaladizo campo de batalla. Y a base de perforar ese encuentro, construye una forma irreemplazable. Algo que desactiva cualquier resistencia. Algo contra lo que no se puede luchar. Algo por lo que vale la pena rendirse.

A la luz del resurgimiento y fortalecimiento progresivo de los movimientos nacionalistas e identitarios en el siglo XXI, A NATION IS BORN IN ME” extrae dinámicas que operan en dichos movimientos y los mezcla con aspectos asociados a las políticas de identidad, la cultura mediática, la cultura deportiva, la cultura del esfuerzo, la espiritualidad, la brutalidad y la híper-presencia, provocando una extraña cercanía entre estas estéticas. A través de las diferentes presentaciones del cuerpo, el texto, la música, el canto y los objetos, A NATION IS BORN IN ME” construye un intenso y delirante paisaje en el que estas dinámicas aparentemente desconectadas se fortalecen mutuamente en una relación directa, aunque de proposición incierta.

Con esta intervención se completa el programa creado por VORTEX, el circuito de intercambio de artes vivas entre creadores e instituciones, en el Goethe-Institut. La primera representación corrió a cargo del Colectivo Fango y la pieza Ay Europa ¿Se acabó? y la segunda tuvo como protagonista al colectivo de danza La Venidera con el estreno de Los Paseantes, una coreografía inspirada y creada para esta sede. El proyecto tendrá continuidad con la programación de nuevas acciones en los espacios del Goethe-Institut.

Sobre Soren Evinson

Søren Evinson estudió en el Institut del Teatre de Barcelona y más tarde realizó un Máster en la Universidad de Londres en estudios de performance graduándose con honores. Vivió 6 años en Londres desarrollando su práctica artística principalmente en colaboración con otros artistas como Oreet Ashery y Karen Christopher. En su primer trabajo, Homage to the Idiot (2014), colabora con Bernat de Gispert, un performer con diversidad funcional; su colaboración con el artista visual Charlie Hope resulta en dos trabajos autoproducidos: Hello World!!! (2015), una performance fabricada a través de la acción, la poesía y la catarsis al ritmo de las señales captadas de los teléfonos del público, y ATOEWEFTR (A Tower Of Emotions Will Emerge From This Room) (2016), una instalación y performance que lleva a los límites la percepción del público. A Nation Is Born In Me es su primer solo, se estrenó en el Festival TNT de Terrassa en 2018 y se ha mostrado en el Centro Nacional de Danza de París (CN D, París), Next Festival y Grec Festival entre otros. Just Desire, su último trabajo, se estrena en febrero de 2021 en el Salmon Festival de Barcelona y ha pasado por Espace Pasolini en el marco del festival Cabaret de Curiosités de Le Phenix Valenciennes, La Quincena de Danza Metropolitana y Antic Teatre. Just Desire es una producción de Antic Teatre en co-producción con Le Phénix Valenciennes y Quinzena de Dansa Metropolitana.

Muchos de sus trabajos se originan desde Alemania, ya que vivió en Colonia durante 10 años. Por eso se rodea de artistas alemanes, como su dramaturga, o la diseñadora de iluminación: Julia Bauer. A menudo viaja a Berlín ya que está realmente interesado en las corrientes artísticas de la ciudad. Como referencias tiene al Schinkel Pavillion y Julia Stoschek Collection.

Soren Evinson combina materiales coreográficos con la palabra y el canto para crear piezas delirantes en una relación provocativa con el público. A través del cuerpo, el texto y el espacio acude a este encuentro con proposiciones ambiguas e intensas. Conjuga sonido, texto, movimiento y espacio para que interactúen formando organismos vivos. Sus trabajos han sido presentados internacionalmente en festivales de danza, de teatro y de performance, galerías de arte, edificios abandonados y plazas públicas.

Sobre VORTEX

VORTEX es un espacio de intercambio de producciones de danza entre creadores e instituciones. Como su propio nombre indica, VORTEX irrumpe como un torbellino con este proyecto artístico -e inédito en el espacio cultural de Madrid-, involucrando a diferentes actores, y transformando instituciones y galerías de arte en nuevos escenarios que estimulen y fomenten un nuevo dinamismo en los circuitos culturales de la ciudad. VORTEX cuenta con la colaboración de diferentes instituciones, públicas y privadas, tan relevantes como: Teatro de La Abadía, Centro Cen­tro, Goethe-Institut, Casa Árabe, Club Matador, además de galerías de arte como The Ryder o Freijo Gallery.

Fotografía ©Sarah Daumerie

ABAO Bilbao Opera, Alzira

ABAO Bilbao Opera concluye el titánico proyecto “Tutto Verdi” con el estreno de Alzira, la octava ópera compuesta por Giuseppe Verdi y una de las pocas obras líricas europeas dedicadas al continente latinoamericano. Iniciado en 2006, el proyecto “Tutto Verdi” ha traído a la escena bilbaína 30 títulos del catálogo verdiano, ciclos de conferencias, grabaciones y publicaciones, en un programa cultural sin precedentes en todo el mundo que ha durado 16 años.

Prevista en la programación de 2020, Alzira hubo de ser aplazada debido a la pandemia y reprogramada como un sexto título en la 70 temporada. Se ofrecerán cuatro funciones los días 23, 25, 27 y 30 de abril en el Euskalduna Bilbao. Las representaciones darán comienzo a las 19:00h los dos sábados y a las 19:30h el lunes y el miércoles.

La ópera que culmina el proyecto “Tutto Verdi” suma un aliciente más para los aficionados y curiosos ya que tiene una limitada presencia en los escenarios. Hace 168 años que no se representa en España por lo que estas funciones constituyen un hito y una oportunidad casi única de disfrutar de esta ópera del compositor de Busseto.

POLÍTICA, RELIGIÓN Y UN TRIÁNGULO AMOROSO EN UNA OBRA ÉPICA
Alzira, una de las óperas más breves de Verdi y correspondiente al periodo de “años de galera”, responde al exotismo que tanto fascinó a la Europa de mediados del XIX. Es una tragedia lírica con prólogo y dos actos con libreto de Salvatore Cammarano, basado en el drama Alzire, ou les Américains de Voltaire, en lo que supuso la primera colaboración del poeta napolitano con Verdi, que también escribiría los libretos de La battaglia di Legnano, Luisa Miller e Il Trovatore.

Sitúa la acción en Lima y otras zonas de Perú, e ilustra la resistencia del pueblo indígena a la dominación política, religiosa y cultural durante la época del Virreinato, retratando cómo los nativos se unen para enfrentarse a las fuerzas invasoras y liberar a la princesa Alzira y a su padre Ataliba. En el relato, se enfrentan el inca Zamoro, amado de Alzira y líder de las tribus peruanas, y el tirano español Gusmano, Gobernador del Perú, quien quiere casarse a toda costa con la protagonista.

Encontrar en el compositor más popular y representado del mundo una historia que se refiera al Perú y la época de la Conquista, resulta un atractivo añadido para una obra épica entre conquistadores y sometidos, junto a un devastador triángulo amoroso.

UN SELECTO ELENCO DE ALTO NIVEL
La soprano Carmen Solís acomete el rol protagonista con su personal voz y presencia extraordinaria. Tiene escenas de gran credibilidad dramática como el aria de salida “Da Gusmano sul frágil barca”, precedida por el coro femenino, o la melodiosa “Nell’astro più che fulgido”.

El tenor Sergio Escobar (Zamoro), una voz brillante, clara y contundente, tiene páginas de gran sonoridad como “Un inca, eccesso orribile”, “Irne lungi ancor dovrei” o “Non di codarde lagrime”.

El temperamental barítono Juan Jesús Rodríguez (Gusmano), suma destreza, experiencia escénica y una voz sobradamente conocedora de la paleta verdiana. Algunos de sus mejores momentos son “Eterna la memoria” y “Quanto un mortal può chiedere”.

Junto a este triángulo amoroso al que rodea la trama política y religiosa de lucha contra la opresión y el racismo, se unen David Lagares (Ataliba), Josep Miquel Ramón (Álvaro), Vicenç Esteve (Ovando), María Zapata (Zuma) y Gerardo López (Otumbo).

DANIEL OREN DIRIGE A LA ORQUESTA BILBAOSINFONIETTA
El director artístico del Teatro Verdi de Salerno, Daniel Oren, repite presencia esta temporada con el reto de dirigir una partitura poco explorada pero llena de intensidad y dramatismo. La edición crítica de Stefano Castelvecchi conserva el carácter doble de la ópera: salvaje y efectivo por un lado, sensible y emotivo por el otro. Hay muchos momentos destacables en la ópera como la bella y singular Obertura, el muy emocionante Final o el sexteto y coro del acto I “Nella polve genuflesso”.

Bajo su batuta de experto verdiano estarán 60 maestros de la Orquesta BilbaoSinfonietta, una formación polivalente y flexible capaz de abarcar con solvencia el repertorio sinfónico y operístico. En ABAO Bilbao Opera la orquesta acompañó la “Gala ABAO on Stage” en 2021.

Las brillantes escenas corales corren a cargo de 60 coralistas del Coro de Ópera de Bilbao bajo la dirección de Boris Dujin.

PUESTA EN ESCENA GALARDONADA CON EL PREMIO ÓPERA XXI A LA MEJOR NUEVA PRODUCCIÓN LATINOAMERICANA
La cuidada puesta en escena del debutante en ABAO Jean Pierre Gamarra, es una coproducción internacional estreno en España del Gran Teatro Nacional del Perú, ABAO Bilbao Opera y la Opera Royal de Wallonie-Liége de Bélgica. Se estrenó en 2018 en Perú, como parte de las celebraciones por el Bicentenario de la Independencia del país y en 2019 recibió el Premio Ópera XXI a la Mejor Nueva Producción Latinoamericana.

La puesta en escena traslada la acción a la Lima de inicios del siglo XX con una escenografía de Lorenzo Albani minimalista y melancólica, donde la iluminación cobra especial importancia y otorga una sensación de tragedia y cautiverio, adecuada a esta trama de dominados y oprimidos. Lorenzo Albani presenta también un sofisticado vestuario de corte occidental.

Una propuesta creativa de gran calidad y vigente en los temas que aborda, como las referencias a la violencia con la que se trata a los conquistados, las diferencias de clase, el papel de la Iglesia, la lucha por el poder o la tragedia de una mujer que no puede escapar de las obsesiones de un hombre.

PABLO L. RODRÍGUEZ INTRODUCE LA OBRA VERDIANA EN EL CICLO EL ABC DE LA ÓPERA
El ciclo El ABC de la ópera descubre los aspectos más relevantes de cada título de la temporada en una conferencia la víspera del estreno, en el Auditorio del Museo Bellas Artes de Bilbao.

El viernes 22 de abril, Pablo L. Rodríguez, musicólogo, crítico, divulgador musical y conferenciante, será el encargado de desvelar los entresijos de esta ópera y la obra de su compositor.

Para acceder a esta actividad gratuita se requiere invitación que puede retirarse en las oficinas de ABAO Bilbao Opera o llamando al teléfono 944 355 100, desde el martes 19 de abril. Aforo reducido.

viktor-ullmann

En la sexta edición de Melodramas –género que integra declamación hablada, composición musical y representación teatralizada–la Fundación Juan March ha programado los días 20, 22 y 23 de abril “La canción de amor y muerte del alférez Christoph Rilke”. Esta obra, que el compositor polaco Viktor Ullmann compuso durante su estancia en el campo de concentración de Theresienstadt días antes de morir en una cámara de gas, parte del famoso poema homónimo de Rainer María Rilke, que narra la angustia de la guerra, la melancolía por el hogar lejano y la intensidad del amor en un encuentro fugaz. Las tres funciones estarán dirigidas por Ernesto caballero y contarán con Sofya Melikyan al piano, la presencia escénica de Borja Luna y Carmen Conesa en la narración. La función del día 20 se podrá seguir en directo por Radio Clásica de RNE y la del día 22 por Canal March, YouTube y RTVEplay.

Los días 20, 22 y 23 de abril la Fundación Juan March ha programado en su sede de Madrid tres funciones de La canción de amor y muerte del alférez Christoph Rilke, un melodrama de Viktor Ullmann basado en un texto de Rainer María Rilke. Esta hermosa obra poética, que dirige Ernesto Caballero con Sofya Melikyan al piano, la presencia escénica de Borja Luna y Carmen Conesa en la narración, fue compuesta por Ullmann en el verano de 1944 mientras se encontraba preso en el campo de concentración de Terezín. Será la sexta edición de Melodramas, género de teatro musical que integra el verso declamado con la representación teatralizada y una música compuesta específicamente para ese texto, y por el que ha apostado anualmente la fundación madrileña desde 2016.

El proyecto escénico busca, como explica su director artístico, Ernesto Caballero, crear “una poética escénica sutil, que potencie tanto el poema de Rilke como la música de Ullmann utilizando una propuesta escénica casi minimalista”, de forma que la narración poética se integre en un tenso diálogo con el lenguaje musical. A nivel musical, la obra “es muy densa, polifónicamente muy rica y da mucho juego para una búsqueda musical. Escrita para piano previamente, luego fue transcrita para orquesta. Aunque a Ullmann no le diera tiempo de acabarla”, como explica la pianista Sofya Melikyan. Sus frases se intercalan con la narración y el canto de Carmen Conesa, que, expresa: “No me siento narrador, salvando las distancias estoy tomando la reencarnación de Rilke”. Para el actor Borja Luna “lo más importante es conmover y esta experiencia es muy estimulante… como un manantial del que sale agua de forma constante”.

La canción de amor y muerte del alférez Christoph Rilke es uno de los libros de poesía más leídos del siglo XX. Escrita por Rainer María Rilke (1875-1926) con apenas 23 años, la obra se publicó por primera vez en 1904 en una edición que apenas vendió 50 ejemplares. En 1912, la editorial Insel la publicó en una versión que enseguida vendió decenas de miles de ejemplares, llegando al millón de ventas en 1959 sólo en alemán. El poema narra los días finales del joven Christoph, que se enrola para combatir contra el ejército turco en el siglo XVII, una alegoría de la Europa convulsa en la que fue escrita y refleja las obsesiones de su autor.

Este episodio de amor, heroicidad y muerte sirvió de base al compositor Viktor Ullmann (1898-1944), un compositor cosmopolita, cercano a la filosofía de Rudolf Steiner y fue director musical en la Ópera de Stuttgart hasta que fue expulsado de Alemania por los nazis. Durante su reclusión en el campo de concentración de Terezín Ullmann creó algunas de sus obras más emblemáticas, entre ellas Der Kaiser von Atlantis [El emperador de la Atlántida] (1943).

Su última composición fue el melodrama Die Weise von Liebe und Tod des Cornets Christoph Rilke [La canción de amor y muerte del alférez Christoph Rilke] (1944) que podrá escucharse en la Fundación Juan March este abril, y en cuya historia sobre los días finales del joven protagonista enfrentando a una muerte temprana el compositor polaco pudo ver quizás reflejada su propia situación y la de miles de personas que perecieron en la Shoah. Los manuscritos del melodrama, esbozados por Ullmann con plumas y lápices de colores en papel pautado del campo hasta septiembre de 1944, han llegado hasta nosotros gracias a un antiguo prisionero, Hans G. Adler, que los rescató y los donó a la Fundación Paul Sacher. El 16 de octubre Ullmann fue deportado a Auschwitz, donde fue asesinado dos días después en una cámara de gas.

Creado en 1770 por Jean-Jacques Rousseau con la intención de reproducir de forma realista los sentimientos humanos, al melodrama se han acercado destacados compositores como Benda, Richard Strauss o Hindemith, y, sin embargo, su carácter híbrido ha dificultado su programación en salas de teatro y de conciertos. Esa condición en tierra de nadie alentó a la Fundación Juan March a dedicarle un espacio anual a este género tan original como desconocido, del que ha recuperado títulos como Manfred, de Robert Schumann, con texto de Lord Byron, o Pigmalion, el primer melodrama creado por Rousseau, que narra la historia del escultor que se enamora de su obra, que finalmente cobra vida.

Las notas al programa incluyen un texto de Ernesto Caballero, otro del etnólogo estadounidense Philip V. Bohlman y un tercero del poeta, editor y traductor del poema de Rilke al español Jesús Munarriz. El programa incluye tres de los Cinco estudios de jazz para piano de Erwin Schulhoff, que se intercalarán con Ich Weiss bestimmt ich werd’ dich wiedersehen de Adolf Strauss y Greta de Norbert Glanzberg, como preludio al melodrama Die Weise von Liebe und Tod des Cornets Christoph Rilke [La canción de amor y muerte del alférez Christoph Rilke]. Los conciertos irán precedidos de una entrevista previa de Juan Manuel Viana a Ernesto Caballero y Jesús Munárriz que será emitida en directo Radio Clásica de RNE. La función del día 20 se transmite en directo por Radio Clásica de RNE y la del día 22 en streaming por Canal March, YouTube y RTVEplay.

FICHA DE LOS ACTOS

La canción de amor y muerte del alférez Christoph Rilke

Miércoles 20 y viernes 22 de abril, 18:30h
Sábado 23 de abril, 12:00h

Ernesto Caballero, dirección artística. Sofya Melikyan, piano. Carmen Conesa, narración. Borja Luna, actor.

Entrada libre. Dos tercios del aforo se reservan online siete días antes –de 9:00 a 12:00– y un tercio se distribuye en la taquilla una hora antes del acto. 20 de abril en directo por Radio Clásica (RNE). 22 de abril en directo por Canal March, YouTube y RTVE Play. El audio estará disponible durante 30 días en Canal March.

Manuel Bustos

El próximo jueves 21, el director de orquesta y compositor Manuel Busto hará su debut en el foso del Palau de Les Arts Reina Sofía de Valencia con el estreno de Invocación, junto al Ballet Nacional de España, título que estará en cartel en el coliseo valenciano hasta el 24 de abril. Además de ejercer como director musical al frente de la Orquestra de la Comunitat Valenciana (OCV), Manuel Busto firma también la partitura de Invocación bolera y Jauleña, dos de las obras que integran este espectáculo diseñado por Rubén Olmo, director artístico del BNE, en el que se ofrece una visión global de la Danza Española (escuela bolera, danza estilizada y flamenco). El programa se completa con Eterna Iberia de Manuel Moreno-Buendía, y De lo flamenco, que rinde homenaje a Mario Maya.

Invocación bolera es una visión contemporánea de la escuela bolera tradicional, que surge en el siglo XVIII en España fruto de la combinación de bailes populares andaluces con danzas académicas. “Se trata de una composición pensada para el cuerpo de baile, que no para solistas, por lo que la dimensión sonora es diferente y ofrece una oportunidad única de ver toda la esencia del Ballet Nacional de España. Además, al talento artístico de los bailarines, se suma la energía de cantar con la música en vivo de los músicos flamencos del BNE y de la Orquesta de la Comunidad de Madrid”, señala Manuel Busto. “Y el encargo de Jauleña por parte del BNE, me hizo especial ilusión, porque creo que es muy novedoso mezclar la granaína, con un solo de violonchelo, y el zapateado”, concluye.

Tras el reciente estreno de su ópera de cámara La mujer tigre el pasado mes de marzo, con gran éxito de crítica y público, Manuel Busto, una de las batutas con mayor proyección internacional de nuestro país, regresará al foso del Teatro de la Maestranza de Sevilla los meses de mayo y julio, para dirigir el ballet dramático La Bella Otero con el Ballet Nacional de España (del que también es compositor), y la ópera La Traviata de Verdi, al frente de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS).

KATHARINA KONRADI MALCOM MARTINEAU

Sexto recital de esta temporada del Ciclo de Lied del Teatro de la Zarzuela y el Centro Nacional de Difusión de la Música (CNDM) y otro debut. En esta ocasión se trata de la soprano Katharina Konradi, nacida en Kirguistán, un hermoso país de Asia Central, perteneciente a la Unión Soviética hasta su desintegración en 1991.

Formada en Alemania, Katharina Konradi dio este lunes un recital, pero no solo de canciones, también de cómo deben interpretarse esas canciones. Con una facilidad idiomática extraordinaria, fue pasando de Fauré a Schumann y de Debussy a Ginastera y Montsalvatge con una precisión estilística que en pocas ocasiones se observa.

Todo empezó con cinco canciones de Fauré, con textos de Victor Hugo, Paul Verlaine y Armand Silvestre. Y fue desde el inicio que Konradi presentó sus credenciales y su capacidad de describir el atractivo encanto de Le papillon et la fleur o Notre amour. Después llegaron los Liederkreis, Opus 39 de Schumann, con textos de Joseph von Eichendorff. Aquí ambos intérpretes mostraron una sensibilidad especial. La obra de Schumann encaja a la perfección con las características de Konradi, voz llena de frescura y una línea de canto delicada y cristalina.

La segunda parte la inició con una de las obras más intimistas de Dbussy, Ariettes oublièes, compuesta de una serie de seis canciones donde la capacidad de matización, tanto de Konradi como de Martineau, quedó claramente demostrada.

Dejó para el final Ginastera y Montsalvatge. Otro cambio idiomático sorprendente, su fraseo y dicción en español era mejor que el de algún cantante nacional, al igual que su expresividad en el canto. La elasticidad de su voz y, de nuevo, su capacidad estilística, dibujaron a la perfección el carácter de estos dos compositores. De Ginastera interpretó Cinco canciones populares argentinas, llenas de color, ternura y elocuencia. De Montsalvatge eligió tres de sus Cinco canciones negras, Punto de habanera, Canto negro y Canción de cuna para dormir a un negrito.

Sabemos de la maestría sobre el teclado de Malcolm Martineau. De su capacidad de generar atmósferas y colores que describen a la perfección al compositor y su obra. En esta ocasión tuvo algunos momentos de verdadero virtuosismo. La conexión Konradi – Martineau ha sido de los más fructífera. Parecía que llevaran interpretando juntos toda una vida. Ella estaba segura y él feliz, ¿qué podía salir mal?

Sin duda una demostración de capacidades y fuerzas que nos dejó a todos con ganas de más. Esperamos contar con su participación en sucesivos ciclos. Ofreció dos propinas, Fischerweise, de Schubert y Nana, de Manuel de Falla. Últimamente se escuchan muchas nanas en este Ciclo de Lied. Parece que además de cantar, estos jóvenes intérpretes también son muy fértiles. Enhorabuena a todos.

Fotografía © Rafa Martín

Rene JACOBS

Una de las noticias más celebradas de los últimos años dentro de la Música Antigua fue el descubrimiento de las obras de Antonio Caldara, el autor que, conjuntamente con Händel, mejor ha compuesto para la voz durante el periodo barroco. El camino de su reposición se inició hace algo más de 25 años cuando René Jacobs, volcado ya brillantemente en la dirección de orquesta, rescató el manuscrito de la obra Maddalena ai piedi di Cristo (1697-1698) en Viena, y la llevó al disco en una mítica grabación multipremiada que aún a día de hoy nos sigue conmoviendo profundamente. Aquella música extraordinaria de Caldara, repleta de lirismo, de juegos retóricos y giros operísticos, regresa el 10 de abril a las 19:00 horas al Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), bajo la dirección del mismo Jacobs que la devolviera a la luz en 1996 y abrazada por una de las orquestas referenciales en el repertorio del siglo XVIII, la Freiburger Barockorchester.

La Maddalena de Caldara es mucho más que un oratorio veneciano. Funciona en realidad como una especie de ópera sacra que gracias al genio del compositor se transforma en un compendio de bellezas donde lo terrenal y lo espiritual del ser humano compiten por hacerse hueco entre sus arias. Es, en definitiva, el viejo conflicto entre el deseo y la razón al que tanto ha necesitado cantar y escribir el ser humano. Lo que convierte este concierto en uno de los acontecimientos de la temporada no es sólo la vuelta a los escenarios de la partitura privilegiada de Caldara, sino el hecho de hacerlo de la mano de uno de los directores que mejor entienden el fenómeno del canto, René Jacobs, y arropada por la que durante muchos años ha sido y sigue siendo tal vez la punta de lanza de las orquestas especializadas. De ese espléndido tándem han surgido algunas de las grabaciones y conciertos más memorables de las últimas dos décadas.

Para afrontar esta composición que Caldara imaginó tan exigente, es necesario un reparto de garantías, que en este caso encabeza la codiciada soprano Giulia Semenzato, una voz versátil capaz de deslumbrar a la Royal Opera House como Sussana en Le nozze di Figaro y al Festival de Aix-en-Provence con su Nannetta en Falstaff. La mezzo Marianne Beate Kielland y el tenor Joshua Ellicott acompañan a Semenzato en un reparto que completan algunas de las voces más interesantes del panorama barroco, como el contratenor (ganador del X Les Jardin des Voix) Alberto Miguélez Rouco,  el barítono Johannes Weisser y la contralto Helena Rasker.

La Freiburger Barockorchester, en un inmejorable estado de forma, regresa a Madrid tras su exitoso concierto con el Requiem de Biber de la temporada pasada. Pocas orquestas pueden presumir de mantener durante más de tres décadas estándares de calidad tan altos dentro de la interpretación históricamente informada, y una responsabilidad tan marcada a la hora de recuperar repertorio olvidado a través de los años. Algunas de sus grabaciones, como el Don Giovanni mozartiano precisamente con Jacobs, se mantienen a día de hoy como referencias indiscutibles.

En una música con tanta carga retórica resulta esencial contar con una guía que traduzca los códigos barrocos hasta nuestros días. Así, y como parte de la iniciativa pedagógica «Contextos Barrocos» del CNDM, a las 18:00 horas tendrá lugar en el Salón de Actos del Auditorio Nacional de Música una charla a cargo de Eduardo Torrico, especialista y redactor jefe de la revista SCHERZO, y donde, de manera tan informada como desenfadada, se irán desgranando los secretos fundamentales de la obra .

Cuando René Jacobs dio el salto del canto a la dirección musical, pocos podían imaginar su sentido del color a la hora de enfrentar la tímbrica de la orquesta y su desarrollado gusto por el matiz. Varias décadas más tarde y con casi trescientas grabaciones a sus espaldas, podemos verle de nuevo en acción con una de sus obras fetiche, y al cargo de la orquesta con la que mejor química mantiene, todo ello en el escenario de la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional, con localidades que van de 15 a 40 euros, a la venta en las taquillas del Auditorio Nacional de Música, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y en el teléfono 91 193 93 21.

©Photo Philippe MATSAS

Premio Maria Canals

El pianista canadiense Jaeden Izik-Dzurko gana el 67º Concurso Internacional de Música Maria Canals de Barcelona.

El pianista canadiense Jaeden Izik-Dzurko de 22 años ha sido proclamado ganador de la 67ª edición del Concurso Internacional de Música Maria Canals, por un jurado internacional formado por el pianista catalán Enrique Bagaría, el francés Pascal Le Corre, la ucraniana Inesa Sinkevych, la rusa Anna Malikova, la Sur Coreana Yangsook Lee, el francés Billy Eidi, la japonesa Akiko Ebi y el israelí Albert Mamriev. Todos ellos, bajo la presidencia en el jurado de Carlos Cebro.

El ganador se ha llevado el Premio Fundación Jesús Serra, con un importe de 25.000€ y un mínimo de 4 conciertos con orquesta por España, y se ha impuesto al chino Antonio Chen Guang, de 27 años, y al japonés Masaya Kamei, de 20 años, que han ganado el segundo y tercer premio respectivamente. El segundo premio lo aporta la Fundación Carulla y está valorado en 10.000 € y el tercero, el premio Maria Canals, está valorado en 6.000 €.

La Prueba Final ha tenido lugar en la Sala de Conciertos del Palau de la Música Catalana. Los 3 finalistas han estado acompañados durante su actuación por la JONC (Jove Orquestra Nacional de Catalunya), dirigida por Manel Valdivieso. El ganador, Izik-Dzurko, ha interpretado el Concierto núm. 3 en re menor, op. 30 de Sergei Rahmaninov. El acto comenzó con la actuación de la pianista ucraniana Maryna Naydon, refugiada en Barcelona desde hace pocas semanas. Más allá de las paredes de la sala modernista, la final también se ha podido disfrutar por YouTube en el canal del concurso, por la plataforma Idagio y por la emisora ​​Catalunya Música.

También se ha otorgado el Premio del Público, ofrecido por Solfa Recordings, que consiste en la grabación y edición de 25 horas de música interpretada por el pianista, y ha sido por Izik-Dzurko.

El pianista Antonio Chen Guang ha obtenido el Segundo Premio, Premio Fundación Carulla, de 10.000 euros, y Masaya Kamei se ha llevado el Tercer Premio, Premio Maria Canals, con 6.000 euros de dotación.

Los premiados del concurso se repartirán más de 70.000€ entre premios principales, premios especiales y conciertos remunerados por Cataluña, España y el extranjero, entre los que destaca conciertos en las temporadas estables de orquestas como la Sinfónica de Madrid, Sinfónica de Sevilla, Sinfónica de Bilbao, Sinfónica de Tenerife, entre otros.

La ceremonia de la entrega de premios se celebrará este jueves 7 de abril a las 18:00 horas en el Saló de Cent del Ayuntamiento de Barcelona. El evento se podrá seguir por streaming en la web del consistorio. La 67ª edición del concurso culminará el viernes 8 de abril con el maratón de piano en la Plaza Real de Barcelona.

Nacido en Salmon Arm, Columbia Británica, el canadiense Jaeden Izik-Dzurko, de 22 años, se está ganando una reputación de joven artista prometedor. Jaeden ha sido reconocido por el público, directores y compositores por el excepcional poder comunicativo y la reflexión de sus interpretaciones.

Ha ganado el Gran Premio del Concurso Nacional de la Federación de Festivales de Música de Canadá, ha ganado el prestigioso Concurso de Becas Gina Bachauer de Juilliard, el Tercer Premio y el Premio de Sonata Clásica Peter Takács en el Concurso Internacional de Piano Hilton Head y, más recientemente, ha sido galardonado en el Concurso Internacional de Piano Cochran.

Jaeden ha completado su licenciatura en música en Juilliard School bajo la tutela del dr. Yoheved Kaplinsky. Actualmente es estudiante del dr. Corey Hamm en la Universidad de la Columbia Británica. Jaeden, recitalista experimentado, ha organizado y presentado numerosos recitales en solitario en beneficio tanto de proyectos comunitarios como de organizaciones humanitarias internacionales. Ha colaborado con instrumentistas, vocalistas y formaciones de cámara locales e internacionales, y ha actuado con la Orquesta Filarmónica de Calgary, la Orquesta Sinfónica Hilton Head, la Orquesta Sinfónica de Okanagan, la Sinfónica de Kamloops y la Sinfonia Lions Gate. Las grabaciones de Jaeden se han presentado a nivel nacional en CBC Radio, y en septiembre de 2019, su actuación en el Paul Hall de Juilliard se retransmitió en directo por WQXR en Nueva York.

Jaeden se ha ganado una reputación como defensor apasionado de las composiciones canadienses y ha sido reconocido por sus interpretaciones emocionantes y perspicaces. En 2017, en honor al sesquicentenario de Canadá, presentó un exitoso recital en solitario de obras escritas exclusivamente por compositores canadienses. Su interpretación del Concierto para piano romántico de Ernst Schneider con la Orquesta Sinfónica de Okanagan se grabó en directo en 2019 para su publicación en un CD de conciertos canadienses. Como destinatario del premio Sylva Gelber Music Foundation 2020, Jaeden agradece el apoyo de la Sylva Gelber Music Foundation y el Consejo de las Artes de Canadá.

Premio Composición

El I Premio de Composición del Teatro de la Zarzuela y el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid ya tiene las cuatro obras ganadoras que, como ya se anunciaba en las bases, integrarán el programa del concierto que bajo el título ‘Música española contemporánea’ ofrecerá el martes 28 de junio el Ensemble Opus 22 dentro del ciclo Notas del Ambigú.

El jurado designado por ambas instituciones, que destaca el “alto nivel” de todas las composiciones presentadas, ha acordado por unanimidad premiar las obras “La eternidad de un instante” de Adela Rodríguez Yus, “La tumba de las luciérnagas y aneurisma digital” de Pablo González González, “Tras un abismo de cristal” de Víctor Pantoja Figueroa y “Lágrimas de Luz” de Nuria María Sánchez Sánchez.

Dicho jurado estaba integrado por Guillermo García Calvo, director musical del Teatro de la Zarzuela, Miguel Galdón Pérez, director adjunto del Teatro de la Zarzuela, Enrique Rueda Frías, catedrático de Composición del RCSMM y Bruno Dozza, profesor de Composición del RCSMM.

Asimismo, el papel del reconocido compositor y miembro del Departamento de Composición y Tecnología Musical del RCSMM, José María Sánchez-Verdú, ha sido esencial para el buen desarrollo del certamen.

Al premio optaban alumnos matriculados en la especialidad de Composición o de Sonología durante el curso académico 2021/2022 del RCSMM o los que hubieran obtenido en esta institución académica el Título Superior de dicha disciplina en los dos últimos años académicos.

Mosaic

Mosaic’ es el primer trabajo discográfico de la violista Wenting Kang, viola principal de la Orquesta Sinfónica de Madrid (titular del Teatro Real) y profesora de la Escuela Reina Sofía de Música. En este primer disco, grabado junto con el pianista Sergei Kvitko y editado bajo el sello Blue Griffin, Wenting Kang propone una colección de 13 piezas de compositores españoles y franceses de la época del Romanticismo e Impresionismo, un período en el que las interacciones e intercambios culturales entre los compositores españoles y franceses fueron visibles y frecuentes. Así, el CD reúne obras de músicos como Claude Debussy, Francisco Tárrega, Maurice Ravel, Gabriel Fauré, Isaac Albéniz, Akira Nishimura, Pablo Casals y Manuel de Falla, la mayoría de ellas arregladas para viola por primera vez. ‘Mosaic’ está ya disponible en las plataformas de streaming y uno de sus cortes, la ‘Pavana’ de Ravel, ha sido seleccionado en la lista de reproducción «Mejores lanzamientos de música clásica» de Spotify, junto con grabaciones de algunos de los más prestigiosos intérpretes clásicos del mundo. El disco puede adquirirse en las principales tiendas de música digital y en formato físico a través de www.bluegriffin.com

Como indica su título, ‘Mosaic’ reúne una colección de piezas “cortas, coloridas e individuales, que juntas componen una imagen más grande y una idea de ambiente”, en palabras de la propia Wenting Kang. Este ambiente específico que presenta el disco tiene sus raíces en la “fascinación” que siente la violista hacia las obras de los compositores franceses y españoles de este periodo.

Estos autores estuvieron en su mayoría activos desde la segunda mitad del siglo XIX hasta la primera mitad del siglo XX, un periodo fructífero en el que “las interacciones e intercambios culturales entre los compositores españoles y franceses fueron visibles y frecuentes”. El trabajo de estos músicos no solo tuvo una fuerte influencia en el trabajo de los otros, sino que también estuvieron muy conectados en sus vidas personales. Algunos de ellos fueron profesor y alumno, como Fauré y Ravel mientras que otros fueron amigos íntimos y compañeros, como el propio Fauré y Albéniz, Ravel y Falla o incluso Tárrega, Casals y Falla.

Mosaic’ incluye una composición moderna de Akira Nishimura, Fantasia on Song of the Birds, inspirada en El Cant dels Ocells de Pablo Casals, pieza que Wenting Kang ha querido añadir a este trabajo como una “bella reflexión expresiva en el lenguaje musical más contemporáneo, y como una maravillosa contraposición a la pieza del compositor catalán”. Kang también señala que si bien no hubo muchas piezas de compositores franceses y españoles de este período escritas originalmente para viola y piano o viola solo, sí que había “maravillosas transcripciones para violín o violonchelo, algunas de las cuales encajaban bien con el color y el carácter de la viola, por ejemplo, la transcripción de Heifetz de la canción de Debussy Beau Soir y la transcripción de Emilio Colón de Las siete canciones populares españolas de Falla, entre otras”.

Kang afirma también que fue una “gran alegría descubrir que obras tan características y retadoras como la pieza para clarinete de Debussy Première rhapsodie, la transcripción de Ricci del Recuerdo de la Alhambra de Tárrega y el Papillon de Fauré podían brindar refrescantes posibilidades y fantasías al repertorio de viola”.

Para su primer proyecto discográfico Wenting Kang ha contado con un talento excepcional: el del reconocido pianista, productor y compositor Sergei Kvitko. Sobre su aportación, la violista comenta: “su sensibilidad pianística y fraseo me han dado tanto apoyo como libertad”. El pianista y también productor del disco cuenta con una carrera tan diversa como imparable en la que, a su faceta como instrumentista, suma la de compositor y productor, siempre con excelentes comentarios por parte de la prensa especializada.

Actualmente, Wenting Kang es profesora asistente en la clase internacional de viola de Nobuko Imai en la Escuela Superior de Música Reina Sofía en España. La presidenta de la Escuela, Paloma O’Shea, ha expresado su admiración y su apoyo a la violista china firmando las notas de presentación del CD. Tal y como afirma, “…todo el mundo debería escuchar la música de esta maravillosa artista”, destacando “el sugestivo color de la viola de Wenting y su sensibilidad”. El público de Madrid tendrá próximamente una buena oportunidad para escuchar en vivo a Wenting Kang. En concreto será el próximo 12 de abril en el Auditorio Nacional, en un concierto junto a la Orquesta Sinfónica de Madrid bajo la dirección de Ivor Bolton en el que se interpretarán obras de Benjamin Britten, Bela Bartok y Robert Schumann. Wenting Kang, trayectoria de excelencia Ha sido descrita como “una violista excelente” que “posee un oscuro y brillante sonido” por el New York Times tras su actuación en el Marlboro Music Festival en Carnegie Hall. Su interpretación ha sido calificada por el Boston Musical Intelligencer como “elegante, precisa y llena de intensidad expresiva”, que cuenta con “un tono puro, muscular… “, llegando a ser “pasional sin perder nunca el control”. Kang estudió en el Conservatorio Central de Beijing, en el Conservatorio de Nueva Inglaterra en Boston y en la Academia Kronberg de Alemania, bajo la dirección de Nobuko Imai, Kim Kashkashian o Garth Knox, entre otros. Recibió el primer premio en el Concurso Internacional de Viola de Tokio en 2012. Anteriormente, había ganado premios en eventos como el Concurso Internacional Johannes Brahms o el Concurso Internacional de Viola William Primrose. Como solista, interpretó el Concierto para viola de William Walton con la Orquesta Filarmónica de Nagoya, y Don Quijote con Misha Maisky y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Frankfurt. También ha interpretado los Conciertos para viola de Bartok y Elgar y la Sinfonia Concertante de Mozart, con orquestas como la Metropolitana de Tokio, la TOHO Gakuen de Tokio y la Boston Modern Orchestra Project. En su incesante actividad como música de cámara, ha sido invitada a numerosos festivales internacionales en Estados Unidos, Europa y Asia. Durante 2018 y 2020 fue integrante del Dalia String Quartet. Además, a partir de 2017, se unió al Imai Viola Quartet como miembro fundador. Cuenta con una amplia experiencia con orquestas: fue miembro de la Orquesta Filarmónica de Israel desde 2014 hasta 2016 y ha sido invitada como violista en importantes orquestas, como la Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña, la Orquesta Titular del Palau de les Arts en Valencia, entre otras. Actualmente, es la violista principal de la Orquesta Sinfónica de Madrid en el Teatro Real y profesora asistente en la clase internacional de viola Nobuko Imai en la Escuela Superior de Música Reina Sofía. Ha impartido clases magistrales de viola y música de cámara en España, Suiza, Italia, Alemania, Holanda, Japón, Taiwán y China. Sergei Kvitko, talento al más alto nivel La carrera de Sergei Kvitko es tan diversa como exitosa. Como pianista, ha captado la atención de los críticos con su «pianismo pulido… gloriosa perspectiva tridimensional de Horowitz» (Gramophone Magazine), «interpretación magistral e intuitiva… maestría deslumbrante… un sentido iconoclasta para el ritmo y el fraseo del rubato». (Fanfare Magazine) y ha sido elogiado por su «toque luminoso… sonido cálido y redondo», así como «una musicalidad natural y atractiva y una comprensión sensual del tono del piano» (The Chronicle-Herald). American Record Guide calificó su grabación de Cuadros de una exposición de Mussorgsky como “una de las mejores jamás realizadas” y se colocó en su lista Critic’s Choice. Su CD de 2021 ‘Mozart. Post Scriptum’ con la Orquesta de Cámara de Madrid fue elogiado como “una absoluta explosión de creatividad del Sr. Kvitko” (EarRelevant). En 2013 debutó en Nueva York con un recital en solitario en el Carnegie Hall “recibido con entusiastas aplausos, bravos y una ovación de pie” (New York Concert Review). Como compositor fue premiado por su música para la obra Drácula de Steven Dietz así como para El zoo de cristal de Tennessee Williams. Sus cadencias para el Concierto en re menor de Mozart fueron calificadas de «espectaculares, por decir lo menos» (Revista Pizzicato, Alemania). Sus logros se completan con su labor como ingeniero de sonido y productor del más alto nivel. Como productor fue nominado al Grammy Latino en la categoría de Mejor Álbum Clásico. Su grabación de Mechanics de Carter Pann fue finalista del Pulitzer de Música. Sergei Kvitko nació en Rusia y comenzó a estudiar música a la edad de seis años. Tras recibir la más alta educación musical en su país de origen, se trasladó a Estados Unidos para obtener un título de Doctor en Artes Musicales en la Universidad Estatal de Michigan. Es miembro de la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación (GRAMMY).

Johannes Pramsohler

El famoso violinista barroco Johannes Pramsohler presenta su nuevo trabajo discográfico junto al clavecinista Philippe Grisvard, en el sello Audax Records: A Cembalo certato e Violino solo reúne sonatas para violín y clavicémbalo obbligato de Johannes Sebastian Bach (1685-1750), Georg Philipp Telemann (1681-1767), Johann Adolph Scheibe (1708-1776), Christoph Schaffrath (1709-1763), Johann Gottlieb Graun (1703-1771) y Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788). A lo largo de tres discos, Johannes Pramsohler y Philippe Grisvard presentan las seis sonatas de Bach en su contexto histórico, con el fin de mostrar la fascinación que sintieron esos compositores por el nuevo y revolucionario modelo de sonata inventado por Bach con una parte obbligata o concertata para instrumento de teclado, en la que ambos instrumentos concertano a partes iguales, y ninguno acompaña a otro.

“Tomando como inspiración las palabras de C.P.E. Bach de que, incluso un cuarto de siglo después de la muerte de su padre, las sonatas no habían perdido ni un ápice de su modernidad, decidimos dividir el ciclo, que probablemente nunca fue concebido como tal por Bach, y emplazarlo en un nuevo contexto. No tratamos de presentar obras desconocidas como si fueran de segunda, sino tratarlas con el mismo respeto que se tratan las obras de Bach”, señalan Johannes Pramsohler y Philippe Grisvard, que han concebido estos discos como tres recitales virtuosísticos, que pueden ser escuchados de forma individual.

Esta box de tres discos, que estará disponible a partir de comienzos de mayo en todas las plataformas de streaming, está editada por el original y multipremiado sello Audax Records, fundado por el propio Johannes Pramsohler. Fiel a su deseo de enriquecer el repertorio y proponer obras poco conocidas y grabadas, incluye varias world premiere recordings, además de un texto firmado por el musicólogo alemán y director del Bach-Archiv de Leipzig, Peter Wollny.

Extincion

Entre los días 12 y 24 de abril, el Teatro Real ofrecerá 12 funciones de Extinción, propuesta escénica de Agrupación Señor Serrano a partir de la Missa de Batalla y la Missa pro Defunctis de Joan Cererols, estreno absoluto de esta hermosa obra en coproducción con el Teatro La Abadía y en colaboración con el Festival Internacional de Arte Sacro (FIAS). Todas las representaciones de Extinción tendrán lugar en el Teatro de La Abadía, en la Sala Juan de la Cruz.

La Agrupación Señor Serrano -compañía de teatro con sede en Barcelona que crea producciones originales sobre aspectos discordantes de la experiencia humana contemporánea- realiza una visual y poética propuesta escénica a partir de Missa de Batalla y Missa Pro Defunctis, de Joan Cererols, dramaturgia que despliega mediante el uso de una mezcla de objetos, texto, cámaras, performance, sonido, proyecciones y videos en directo. Con ayuda de imágenes estáticas y extáticas capturadas en vivo y transformadas en tiempo real y performers que entran y salen de diferentes figuras alegóricas, se representa la búsqueda del alma, de coltán, de fuego, de sangre… Extinción

Una embarcación española desciende por primera vez el río Amazonas, alguien hace scroll en la galería de imágenes buscando una foto, la galería inferior de una mina ilegal se derrumba, aparece en pantalla una nueva notificación de Instagram, el rey de España escucha pasmado una misa en su honor, gotas de polvo dorado en suspensión, llueve barro, un profesor de anatomía busca el lugar del alma, alguien encuentra el restaurante más cercano, mensajes sin leer, el interior de una selva en llamas, un réquiem resuena en una catedral del Nuevo Mundo, alguien mira al cielo, alguien ve una serie, alguien levanta un fragmento de mineral, alguien alza un cáliz, alguien levanta un móvil.

Una gran pantalla, varias mesas de trabajo, tres performers-manipuladores (Carlota Grau, Marcel Borràs y Àlex Serrano), un director musical (Javier Ulises Illán), y un ensemble vocal e instrumental (Nereydas y Coro Titular del Teatro Real) se entremezclan en escena.

Javier Ulises Illán, el director musical, dirige Nereydas, formación que trabaja un amplio repertorio que abarca diferentes periodos estilísticos desde músicas del Renacimiento y del Barroco hasta programas sinfónico-corales del Clasicismo. La mayor fortaleza de esta agrupación, abierta y flexible, reside en su capacidad para ensamblar, integrar y adaptar el número de músicos de amplia experiencia y formación, instrumentistas y voces, para desarrollar cada proyecto. En este caso, en colaboración con el Coro Titular del Teatro Real, dirigido por Andrés Máspero.

Joan Cererols (1618-1680), monje benedictino que renovó la tradición española renacentista abriéndola a las influencias barrocas llegadas de Italia y Flandes a mediados del siglo XVII, desarrolló toda su carrera en torno al Monasterio de Montserrat, en el que llegó a ser director de la escolanía durante más de veinte años, época en la que compuso su Missa de Batalla (1648), una misa-parodia compuesta en honor a Felipe IV, en la que refleja la ola de optimismo tras la victoria de las tropas castellanas en Nápoles, inspirada en La Guerre ou La Bataille de Marignan, otra misa-parodia del renacentista francés Clément Janequin. Sin embargo, tres años después, refleja en Missa pro Defunctis (1651) un ambiente muy diferente: más sobrio, denso y oscuro debido a la epidemia de peste en Barcelona ese año, que pasaría a propagarse posteriormente a otras partes de la Corona española.

Si bien gran parte de la obra de Cererols fue destruida en el incendio de la Abadía de Montserrat provocado por las tropas francesas en 1811, la obra que se salvó fue impresa a principios del siglo XX y acabó de poner a Cererols en los lugares de honor del Barroco español. Estas obras son testimonio de un oficio cimentado en el stile concertato y abierto a las influencias barrocas llegadas desde Italia y Flandes.

Fotografía: Javier del Real Extinción

El ángel de fuego

El ángel de fuego, estrenado en España el pasado 22 de marzo, fue recibido con excelentes críticas, tanto para el elenco –encabezado por Ausrine Stundyte y Leigh Melrose– como para la dirección de escénica de Calixto Bieito, la dirección musical de Gustavo Gimeno y la interpretación del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

Hoy a las 19.30 h., espectadores de todo el mundo podrán ver la producción en directo en la página web del CANAL ARTE, disponible en español: https://www.arte.tv/es/videos/108551-000-A/el-angel-de-fuego-de-prokofiev-en-el-teatro-real-de-madrid/

Será una oportunidad única para descubrir una ópera desconocida del público español a través de una producción impactante y colosal.

El ángel de fuego es la sexta de las diez óperas compuestas por Sergéi Prokófiev (1891-1953), que dejaría inacabadas otras cuatro. La originalidad, irreverencia y libertad expresiva de títulos anteriores, como El jugador o El amor de las tres naranjas, habían forjado ya su destreza en la escritura operística que, con El ángel de fuego, recibiría un nuevo impulso.

La obra, con libreto del compositor basado en la novela homónima del escritor simbolista ruso Valeri Briúsov (1873-1924), tuvo una larga y accidentada gestación (de 1919 a 1927) y un camino no menos difícil después de concluida la partitura.

Su trama satánica, grotesca y delirante relata, a lo largo de siete escenas (en cinco actos), el camino truculento de Renata, poseída por espíritus malignos desde la aparición sobrenatural, en su infancia, de Madiel, el ángel de fuego, hasta su trágico final.

El libreto, que une la alquimia, la brujería, la cabalística, el exorcismo o la inquisición vigentes en la Alemania oscurantista pre-luterana, originó una partitura con un lenguaje de tintes expresionistas, que se aleja de la herencia nacionalista, privilegiando los tonos sombríos y la incorporación de pasajes disonantes, melodías vocales ásperas y declamaciones arraigadas a la prosodia del ruso. La orquestación salvaje, vibrante, contrastante, ‘obsesiva’, lírica y sobrenatural, mantiene una tensión dramática casi cinematográfica. (Prokófiev sería un grandísimo compositor de bandas sonoras, sobre todo en sus geniales colaboraciones con Serguéi Eisenstein, de Alejandro Nevsky a Iván el Terrible).

La ópera, en cuyo libreto ambiguo y desconcertante subyacen la violencia sexual, trastornos psíquicos, prácticas macabras, perversidad, fervor religioso, etc., provocó el rechazo de varios teatros hasta su estreno en 1954, ya después del fallecimiento de Prokófiev, en una versión de concierto, traducida al francés, en el Théâtre des Champs-Elysées. Al año siguiente, en 1955, la ópera finalmente se escenificó, bajo la dirección de Giorgio Strehler, y llegó, en italiano, a la Fenice de Venecia. Su presentación en la versión original en ruso tiene lugar, discretamente, en Perm, en 1987. En Rusia, donde la ópera estuvo prohibida durante todo el período soviético, El ángel de fuego subió finalmente al escenario del Teatro Kirov de San Petersburgo en el marco de las conmemoraciones del centenario de Prokófiev, en 1991.

La producción concebida por Calixto Bieito, con dramaturgia de Beate Breidenbach, rehúye el esoterismo del libreto, arquetipo del simbolismo ruso, y profundiza en el drama real de la protagonista. En su mente enajenada y herida, se suceden las escenas de la ópera como destellos de la memoria, recreadas en las habitaciones dispuestas en una estructura giratoria diseñada por la escenógrafa Rebecca Ringst que, con la iluminación de Franck Evin y los vídeos angustiantes de Sarah Derendinger, se transforma en una verdadera casa de los horrores. Solo una bicicleta, símbolo de la libertad, fragilidad y fuga de Renata, recuerda la inocencia perdida de su infancia.

El Teatro Real estrena finalmente en España El ángel de fuego, cuando, poco a poco, los teatros de todo el mundo recuperan esta ópera incomprendida en su tiempo, cuyos tenebrosos senderos simbolistas conducen a lo más hondo, indecible y oscuro del alma humana.

Fotografía: Javier del Real

Pastora Galvan

PASTORA BAILA, el nombre del nuevo espectáculo de Flamenco Real, lo dice todo para la presentación en su escenario de Pastora Galván. Moderna, inquieta y racial, se presenta al público madrileño tal y como es, que no es poco, en tres sesiones que podrán disfrutarse en el Teatro Real los días 7 y 8 de abril.

Formada en Danza Española en el Conservatorio de Sevilla, Pastora aprende de sus maestros, pero se impregna del baile con raigambre de su padre, José Galván, y asimilia con pasión la expresividad vanguardista de su hermano, Israel Galván. De esta mistura nace una artista que se expresa como siente, con baile hondo y formas efectistas, haciendo un flamenco que trasciende y vuela en sus manos.

Avalan su trayectoria los premios – Matilde Coral del XVI Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba, en 2001, y el Premio Giraldillos de la Bienal de Flamenco de Sevilla, en las ediciones de 2006 y 2010-, su actuación en escenarios de medio mundo junto a grandes figuras del flamenco –con cantaores como Chano Lobato, Carmen Linares o Miguel Poveda; bailaores de trayectorias tan diversas como Antonio Canales, Eva Yerbabuena o Israel Galván, y músicos de gran personalidad como David Peña Dorantes- y su actividad como docente, dentro y fuera de España, sin apartarse nunca de la interpretación en vivo.

Ha llevado el baile a los principales teatros y tablaos españoles, así como a numerosas ciudades de Europa, Japón, Estados Unidos, Oriente Medio, Cuba, entre otros y, por supuesto, a los festivales de flamenco y de danza más importantes del mundo. La Bienal de Flamenco de Sevilla merece especial atención por haber acogido el baile de Pastora en todas sus ediciones desde 1998.

PASTORA BAILA, contará con la participación, como artista invitado, de Ricardo Fernández del Moral, cantaor y guitarrista insólito, ganador de la Lámpara Minera, bien conocido por el público del Teatro Real. Junto a ellos, sonará también la guitarra de Paco Iglesias y se escuchará la voz de David el Galli, en el cante.

Fotografía © Luis Castilla

Katharina_Konradi

El lunes, 4 de abril a las 20:00 horas, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta, en coproducción con el Teatro de la Zarzuela, a la soprano Katharina Konradi, una de las voces con mayor proyección en el panorama internacional en el que será su debut dentro del XXVIII Ciclo de Lied. Malcolm Martineau, uno de los pianistas más reputados del circuito, acompañará a la soprano en un viaje iniciático desde las raíces del género —Schumann con uno de sus ciclos más representativos, los Liederkreis, op. 39— hasta los espacios sonoros más cercanos a lo popular que tanto conectan con la emoción, como son los sones de Ginastera y Montsalvatge. Entre medias habrá lugar para dejarse seducir por el refinamiento sonoro de Debussy o el neoclasicismo lúcido de Fauré.

El exigente programa que proponen Konradi y Martineau explora, desde la belleza de las obras seleccionadas, la difusa frontera del género con otros espacios musicales más inmediatos. Las Cinco canciones populares argentinas de Ginastera o las Cinco canciones negras de Montsalvatge sirven de ejemplo sobre cómo la modernidad y la tradición se dan la mano en esa búsqueda de las esencias del ser humano que es el lied. Las magnéticas Ariettes oubliées de Debussy o el refinamiento de las piezas seleccionadas de Fauré completarán el recorrido.

Las últimas entradas para este recital, con un precio general de 8 a 35 euros, están disponibles en las taquillas del Teatro de la Zarzuela, el Auditorio Nacional de Música, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y en el teléfono 91 193 93 21.

UNA DE LAS VOCES DEL FUTURO

Elogiada por la crítica, Katharina Konradi hace su debut en el Ciclo Lied con este programa poco convencional. Nacida en Biskek (Kirguistán, Asia), es la primera soprano de este país con una carrera internacional como cantante de lied, conciertos y ópera. Actuó durante tres años en la Ópera Estatal de Hesse en la ciudad de Wiesbaden. En 2018, hizo su presentación como Ännchen en Der Freischütz, de Carl Maria von Weber, en la Ópera Estatal de Hamburgo.
A partir de entonces, ha cantado los principales papeles de soprano en los mejores teatros del mundo, como Zdenka en Arabella, de Richard Strauss, en la Semperoper en Dresde; la Pastora en Tannhäuser, de Richard Wagner, en el Festival de Bayreuth; Sophie en Der Rosenkavalier, de Richard Strauss, dirigida por Vladimir Jurowski; o Sophie en Werther, de Jules Massenet, y Susanna en Le nozze di Figaro, de Wolfgang Amadeus Mozart en la Ópera Estatal de Baviera.

Su voz posee la mezcla justa entre pericia técnica e inteligencia musical, aprovechando la brillantez de su registro agudo y la homogeneidad de color de su canto para sacar la máxima emoción al repertorio que aborda, como demostró en su última presencia en Madrid hace unos meses en el Ciclo Liceo de Cámara XXI del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), con una fantástica acogida. Además, interpretará en el recital una obra nunca antes escuchada en el Ciclo, la hermosa Chanson d’amour, op. 27, nº 1 de Fauré.

LA ELEGANCIA HECHA SONIDO

Pocas presentaciones necesita uno de los mitos del piano acompañante. Malcolm Martineau pertenece a esa generación privilegiada de intérpretes que han sabido trasladar a su depurada técnica la sensibilidad y la elegancia en el fraseo que lo identifican y hacen reconocible para muchos melómanos. El pianista escocés lleva toda la vida situado en la élite musical, siendo requerido para acompañar a las voces más destacadas de varias generaciones, como Janet Baker, Florian Boesch, Barbara Bonney, Thomas Hampson, Elīna Garanča, Simon Keenlyside, Angela Gheorghiu, Thomas Quasthoff, Anne Sofie von Otter, Christoph Prégardien, Felicity Lott, Bryn Terfel, Magdalena Kožená, Christopher Maltman o Sonya Yoncheva, entre muchos otros.

Ha participado en recitales en las principales salas de concierto, como la Berlin State Opera, Carnegie Hall, Concertgebouw, Gran Teatro del Liceu, Mariinsky Theatre, Metropolitan Opera, Royal Opera House, La Scala, Sydney Opera House, Teatro Real o Musikverein; y a festivales como Aix-en-Provence, Baden Baden o Tanglewood. Multipremiado en su larga y prolífica carrera discográfica (más de cien grabaciones), compatibiliza sus giras con su labor como docente en la Royal Academy of Music

Martineau ha participado en noches memorables dentro del Ciclo Lied del Teatro de la Zarzuela, acompañando a Dorothea Röschmann o Florian Boesch recientemente. En esta su vigésima aparición, de la mano de Katharina Konradi, pianista y cantante volverán a lucir esa asombrosa «capacidad de conmovernos, pero también de hacernos reflexionar sobre la importancia de la música y del arte en tiempos como los que estamos viviendo», tal y como comenta Isabel Díaz Adánez en sus notas al programa. Toda una reivindicación musical.

Fotografía (c) Simon Pauly

Prokòfiev El ángel de fuego

Después de haber terminado la composición de El amor de las tres naranjas, Prokòfiev descubre en una librería de Nueva York El ángel de fuego, una novela publicada en capítulos de un autor referencia del simbolismo ruso, Valeri Briúsov. Inmediatamente, y sin que mediara encargo alguno, Prokòfiev comienza a escribir el libreto de una ópera que nunca verá representada sobre un escenario.

Desde el inicio de su composición, Prokòfiev fue muy consciente de las dificultades que tendría su obra para ser estrenada. Terminó de escribir El ángel de fuego en 1926 en París. En ese momento, Bruno Walter, director de la Städtische Oper en Berlín, tuvo conocimiento de su existencia y mostró interés en ella. Pero se dieron cuenta de la gran complejidad de la obra y que esta no llegaría a tiempo de ser programada esa temporada, decidieron entonces abandonar el proyecto.

El siguiente intento para subirla a un escenario tuvo lugar cuando el Metropolitan de Nueva York contactó con Prokòfiev. Sin embargo, en esta ocasión, la dificultad para conseguir cantantes que quisieran afrontar el reto, impidió su programación.

No fue hasta 1954, un año después de la muerte del compositor, cuando El ángel de fuego se estrenó en París, aunque fuera en versión concierto. Fue el 14 de septiembre de 1955 cuando se escenificó por primera vez en el Festival de música contemporánea de Venecia, en La Fenice. Mario Nordio realizó una versión italiana con la dirección musical de Nino Sanzogno, la dirección escénica de Giorgio Strehler, el vestuario de Ezio Frigerio, la escenografía de Luciano Damiani, y el papel principal de Renata a cargo de Doroty Dow.

Dos pueden ser las razones principales que expliquen las dificultades para estrenar esta ópera. Uno de ellos era el tratamiento de temas delicados, como los que abordaba el libreto. Prokòfiev al adaptar la obra original de Briúsov, la había despojado de los elementos mágicos y alusivos a la brujería. El propio compositor describe estas dificultades en una carta: “El ángel de fuego puede ser una ópera fascinante y poderosa, exprimirá dramatismo y terror, pero hay que evitar cualquier diablo o cualquier visión que pueda estar explícitamente en el escenario, si no, corre el riesgo de caer en la pura mascarada teatral”. Prokofiev era muy consciente que al adaptar el texto de Briúsov tenía que eliminar las escenas explícitas y presentarlas de manera ambigua a través de la protagonista. Continuaba diciendo Prokòfiev en su carta: “La otra gran dificultad es que toda la ópera está centrada en los dos personajes principales. Si no logro que salgan de escena en algún momento, no vamos a encontrar a ningún cantante que pueda con estos personajes”.

Esta es la segunda razón por la que no conseguía estrenarse El ángel de fuego. La obra, cuyo peso recae casi exclusivamente en los dos personajes principales, era de tal exigencia vocal, que ningún cantante estaba dispuesto a interpretarla.

Después de tantos intentos frustrados y ante el temor de que no llegara nunca a representarse y se perdiera la música, Prokòfiev incorporó gran parte del material musical de la ópera en la Sinfonía Nº 3 Op. 44.

La escenografía de Calixto Bieito, que presenta esta ópera por primera vez en España, se acopla magistralmente con la partitura y el libreto. No solo se ajusta a la obra, sino que potencia los aspectos psicológicos más profundos. Hay que recordar, que cuando se compuso esta ópera, se estaba desarrollando en toda Europa el psicoanálisis, y la escenografía de Rebecca Ringst, compuesta por una construcción giratoria, atiende a la descripción que del cerebro humano hizo Freud: “el cerebro es como una casa con muchas habitaciones”. Y eso es lo que ha hecho el equipo escénico, una casa con muchas habitaciones, unidas entre si por escaleras. Similar en concepto a las creaciones de Claus Guth, la estructura de apartamentos muestra espacios definidos y otros más ambiguos, formando un conjunto arquitectónico que encaja perfectamente con el enjambre psicológico de la protagonista.
Al final de la representación la estructura se separa descomponiendo el edificio, de la misma manera que se diluye el laberinto psicológico de los protagonistas. El resultado es muy sofisticado y la intensidad emocional que representa, no entra en conflicto en ningún momento con la música.

Era la primera vez Gustavo Gimeno dirigía una ópera de Prokòfiev y el resultado ha sido satisfactorio, dada la complejidad de la partitura. La orquesta mantiene la tensión dramática, que es casi permanente, aunque se echaron en falta algunos planos orquestales más definidos y un sonido más limpio.

La parte coral de esta partitura es diabólica y el Coro titular del Teatro, Intermezzo, ha tenido una intervención sobresaliente. Los patrones que utilizan, aparentemente sencillos, por repetitivos, son de una gran complejidad, pues todas las repeticiones son diferentes. De hecho, cuando se estrenó la ópera en La Fenice en el 1955, el coro se situó en el foso, para poder tener la partitura.

El Ángel de fuego está concebido alrededor de los cantantes. La exigencia vocal, emocional y física es superior a cualquier ópera que se hubiera escrito hasta el momento. El protagonismo de Renata es absoluto y su interpretación agotadora. Es una mujer traumatizada y atrapada por los fantasmas de su pasado y la soprano letona Ausrine Stundyte, refleja perfectamente a través de su interpretación, esos pensamientos que la acosan y excitan. Stundyte no descansa ni un solo momento en las dos horas largas que dura la obra. Recorre los tres pisos del escenario sin descanso y sin bajar la intensidad de su personaje atormentado. Con un gran apoyo central y caudalosos agudos, tuvo la capacidad de llegar al final de la representación con la frescura vocal e interpretativa casi intacta.

Renata estuvo muy bien acompañada sobre el escenario por el Ruprecht del británico Leigh Melrose, conocido ya en este teatro por su participación en Gloriana y Muerte en Venecia. Su capacidad interpretativa está fuera de toda duda. Nos mostró un Ruprecht contagiado del histerismo de Renata y absolutamente perturbado por ella. Su parte vocal tampoco era nada fácil, con la dificultad añadida de no contar con el apoyo de la orquesta en muchos momentos, lo que requiere una labor de afinación que solventó de manera airosa. Se notó un poco al final el cansancio provocado por el histrionismo y esfuerzo del que dotó a su personaje.
Cuanto le hubiera gustado a Prokòfiev haber contado con Stundyte y Melrose en sus intentos de estrenar El ángel de fuego…

Dmitry Golovnin se encargó de dar vida a Agrippa von Nettesheim, un personaje más filosófico y a otro mucho más oscuro, Mefistófeles. Su timbre es agudo y penetrante y resultó suficientemente inquietante en ambos casos.
Dmitry Ulianov, ya un viejo conocido del público madrileño, tuvo una buena actuación con su voz oscura y rotunda y su siempre imponente presencia escénica.
Mika Kares no supo trasladar su presencia física como inquisidor a la proyección de su voz. Se quedó un poco justo de potencia el bajo finlandés.
Agnieszka Rehlis, en su doble papel de vidente y superiora, estuvo muy acertada en su interpretación, enigmática e inquietante. Bien también en la parte vocal, mostrando unos buenos registros graves y suficiente potencia.
El tenor Josep Fadó demostró una excelente sonoridad y presencia. También David Lagares destacó en sus breves intervenciones. Ambos realizaron una buena interpretación. El resto de comprimarios estuvieron a muy buen nivel, complementando un elenco muy equilibrado. Nino Surguladze, como posadera y Anna Gomá y Estibaliz Martyn, como novicias.

Esta producción de El ángel de fuego es espectacular, hipnótica. Al terminar, te das cuenta que has estado sumergido en un mundo difícil de describir y lleno de intensidad. Una obra que no deja indiferente a nadie, menos aún en estos momentos en los que, efectivamente, estamos sumergidos en un mundo difícil de describir.

Guillermo García Calvo

El Teatro de la Zarzuela cierra el ciclo ‘A propósito de…’ con un homenaje de Guillermo García Calvo a algunos de los pianistas virtuosos que “convivieron” con Isaac Albéniz.

Guillermo García Calvo, director musical del Teatro de la Zarzuela, cerrará este próximo domingo 3 de abril (12h00) en el ambigú del coliseo, el ciclo ‘A propósito de…’ con el que el director de orquesta y pianista ha tendido puentes entre algunos de nuestros autores más importantes y las corrientes nacionales e internacionales de cada periodo. En esta ocasión, el concierto estará dedicado a varios de los más destacados virtuosos del piano que fueron coetáneos de Isaac Albéniz, coincidiendo con el estreno en estos días de la opereta ‘The Magic Opal’ dirigida por el propio maestro.

En esta tercera cita del ciclo, titulada ‘Virtuosos y poetas del piano romántico’, el maestro ligará el singular mundo creativo e interpretativo de Albéniz con el de algunos de los más brillantes pianistas de su época como Enrique Granados, Ferenc Liszt y Frederic Mompou.

El objeto del ciclo es introducir de palabra y exponer al piano las relaciones entre los títulos de la temporada en los que García Calvo está a cargo de la dirección musical –‘Circe’, ‘Entre Sevilla y Triana’ y ‘The Magic Opal’–, los compositores de las mismas –Ruperto Chapí, Pablo Sorozábal e Isaac Abéniz–, sus obras y las de sus coetáneos.

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