Brioclasica, Author at Brío Clásica

El Real Teatro de Retiro presentará, el próximo 27 de enero, el estreno en España de La idea, de Gustav Holst (1874-1934), opereta cómica para niños, con un ingenioso libreto de Fritz Hart, en el que se plantea un tema de rabiosa actualidad: ¿qué pasaría si cambiamos la forma de hacer las cosas y las labores que hacen las mujeres las hicieran los hombres y viceversa? Una nueva “idea” que podría convencer a todos o generar un caos…

Programada en conmemoración del 150 aniversario del nacimiento del compositor británico, se ofrecerán ocho funciones, en la sala principal, los días 27 y 28 de enero, 3 y 4 de febrero, en sesión doble, a las 11:00 h y a las 13:00 h, para un público familiar con edad recomendada a partir de 7 años.

La historia nos cuenta la gran idea que ha tenido el Presidente de un país imaginario. Él cree que es fantástica y maravillosa y que, a través de ella, la gente de su país llegará a la felicidad pero, cuando es aplicada, su resultado, en verdad, genera un gran descontento y confusión en la gente. La idea proclamada no es otra que la propuesta del cambio de atribuciones entre hombres y mujeres, lo que provoca un agitadísimo debate sobre las políticas de género. En este caso no habrá disputas ideológicas, sino que será el caos reinante el que vuelva a poner las cosas en su sitio… O no.

El barítono Juan Laborería dará vida al presidente de este ocurrente Gobierno, en el que estará acompañado por el también barítono John Heath, en el papel del Rey; por la actriz y cantante Lara Chaves, como Reina; la mezzosoprano Patricia Illera, será Carol; el tenor Francisco J. Sánchez interpretará a Max (centinela) y la soprano Julia Rey, a Mona. Junto a ellos, el coro de los Pequeños Cantores de la ORCAM (dirigido magistralmente por Ana González), dará vida a los personajes de este imaginario pueblo británico, acompañados al piano por Francisco Soriano, responsable también de la dirección musical.

La versión en castellano que se verá estos días en Real Teatro de Retiro ha sido traducida y adaptada por Susana Gómez, directora de escena de esta nueva producción, quien ha respetado el texto original, con algunas modificaciones en las partes habladas y un pequeño añadido al final. El vestuario y la escenografía han sido diseñados por Alejandra Glez Requeijo, quien se inspira en la iconografía inglesa para contextualizar la acción y derrocha fantasía y color en el extraordinario vestuario de cada personaje. Envueltos en la iluminación de Manuel Fuster y con la entusiasta participación de todo el elenco, se construye un espectáculo ingenioso y divertido, capaz de atrapar a los pequeños y a los que no lo son tanto.

Gustav Holst, uno de los grandes compositores ingleses, muy conocido por su obra maestra Los planetas, compuso La idea en 1896, cuando aún era estudiante. La obra se desarrolla sobre ideas musicales sencillas, sustentada sobre recursos melódicos y rítmicos de la música popular británica, lo que la hace muy accesible al público y consigue que el espectador retenga en su memoria fragmentos pegadizos y fáciles de reproducir.

Un timbre luminoso. Un canto apasionado. Una voz homogénea, ardorosa y flexible. Una seductora presencia escénica. Las valoraciones de la crítica internacional son unánimes: el mexicano Javier Camarena es uno de los grandes tenores del momento, como certificaron bien los espectadores que en 2017 llenaron el Teatro de la Maestranza para gozar de su debut en el coliseo sevillano. Entonces, Javier Camarena, rey de la ópera belcantista especializado en Mozart, Rossini, Donizetti o Bellini, puso al público en pie cantando Sevilla de Agustín Lara, deslumbrándolo con su naturalidad y su sencillez. Sobre esa tarjeta de visita, uno de los tenores latinos del momento, habitual de las grandes casas internacionales de ópera, vuelve a Sevilla para refrendar, a los 46
años, su óptimo momento vocal, con un programa que girará en torno a la obra de Francesco Paolo Tosti, (1846 – 1916), un compositor -y tenor- italiano que triunfó en Gran Bretaña -fue maestro de canto de la reina Victoria I y de su sucesor, el rey Eduardo VII- que compuso más de 500 canciones para voz y piano con un éxito popular sencillamente arrollador. Grandes tenores como Caruso, Di Stefano, Pavarotti o Kraus las llevaron en su repertorio. Y Javier Camarena, enamorado de esas canciones, también lo hace.

El entusiasmo, la intensidad expresiva o una formidable capacidad para la comunicación con el público, caracterizan los recitales de un tenor lírico ligero que asegura no olvidar “que la ópera nació como un espectáculo para el pueblo”, al que, envueltas en sus prodigiosas agilidades, devuelve perlas de la canción napolitana y otras piezas populares, como La malagueña, de Miguel Aceves, compartiendo la dignidad del bel canto italiano o la exquisitez de la ópera francesa.

He aquí una estrella internacional de la lírica reconocido con multitud de premios y que ha sido aclamado por el público que lo ha convertido en el único cantante de la historia que ha bisado en tres producciones diferentes del MET de Nueva York. Y, sin embargo, Javier Camarena -aficionado al cine, la cocina y los videojuegos- no ha perdido un ápice del origen y el carisma popular que inflama su garganta para arrastrarnos en una experiencia de una emoción inolvidable.

Javier Camarena
Reconocido por la organización International Opera Awards como Cantante Masculino del Año, se ha posicionado como uno de los artistas más destacados y solicitados, presentándose con rotundo éxito en las principales casas de ópera y salas de conciertos del mundo.

Es el único cantante en la historia que ha bisado en tres diferentes producciones en el MET de Nueva York: La Cenerentola (2014), Don Pasquale (2016) y La fille du régiment (2019) donde logró la hazaña inigualada de conseguirlo en cada una de las siete funciones en las que intervino, una de las cuales fue transmitida en vivo en Met Live HD. Repitió esta hazaña en La fille du régiment en el Teatro Real de Madrid, en el Liceu de Barcelona, así como en la Royal Opera House donde bisó su aria en cada una de sus cuatro funciones.

Ha recibido numerosas distinciones, entre ellas el Opera News Award (2020), la Medalla de Ópera de Bellas Artes, el Premio al Artista Distinguido de ISPA y la Medalla Mozart (todos en 2019). En 2014, su ciudad natal de Xalapa le otorgó la Medalla Sebastián Lerdo de Tejada como ciudadano distinguido. Durante los últimos años, la revista Líderes Mexicanos lo ha incluido en su lista de líderes a nivel nacional y global, y la revista Quién lo nombró como uno de los 50 líderes que están transformando su nación.

Las entradas, cuyos precios oscilan entre los 26€ para Paraíso y los 40€ para Patio, se pueden adquirir en las taquillas o a través de la web del Teatro.

JAVIER CAMARENA
Sogno
3 de febrero, 2024
Tenor, Javier Camarena
Piano, Ángel Rodríguez

Programa
I
Quattro canzoni d’Amaranta
I. Lasciami! Lascia ch’io respiri
II. L’alba separa dalla luce l’ombra
III. In van preghi
IV. Che dici parola del saggio?
Malìa
April
Sogno
L’ultima canzone
II
Mélodies
I. Ma bien-aimé
II. Petite valse romantique
III. Avec toi
Because
Vorrei morire!…
’A vucchella
Luna d’estate
Chitarra abruzzese

Su nombre está vinculado a Flamenco Real desde su creación y ha participado en todas sus temporadas, siempre con propuestas personales, arriesgadas y únicas. Por eso ahora, cuando se cumplen diez años de la creación de su compañía, Eduardo Guerrero vuelve la vista atrás e invita al público a viajar con él a través del tiempo, para entender y disfrutar los momentos que le han construido como bailarín y coreógrafo, jugando con el espacio y la palabra, en Compañía.

Las funciones para este nuevo espectáculo tendrán lugar los días 23, 24 y 25 de enero, a las 19.00 horas, en el Salón de Baile del Teatro Real, y en ellas estará acompañado por la guitarra de Pino Losada y las voces de Teresa Hernández y Francisco Blanco Al-blanco, en el cante.

Eduardo Guerrero llega al Teatro Real en plenitud creativa y física. Con su baile definido, en el que deconstruye las raíces flamencas para dibujar un universo modelado por sus experiencias vitales, y una concepción del espectáculo en el que cuida la puesta en escena, la elección de las canciones y el diseño del vestuario, se ha convertido en el nombre del nuevo flamenco.

El bailaor gaditano siempre se ha sentido un ser libre. No es de estirpe gitana, no ha crecido en el seno de una familia de artistas, su sed de baile nace de un impulso íntimo, de la necesidad de expresarse a través del cuerpo desde la cultura de su tierra, ese Cádiz natal donde comenzó a formarse y donde dio sus primeros pasos en la escuela de Carmen Guerrero con tan solo seis años. Entendió desde el principio que el flamenco es una manera de contar y de mostrar el mundo y que su generación tiene otras inquietudes y unos problemas muy distintos de los de antaño, por eso arriesga, evoluciona, apuesta y desnuda su alma ante el público.

Su arte y su estética son demandados por las grandes figuras, por los festivales, por los escenarios de medio mundo, por los diseñadores de moda, por los fotógrafos… pero él sigue poniendo el foco en un arte tan puro como reivindicativo, con la honestidad por bandera. Así, con pinceladas de cada cuadro se dibuja Eduardo Guerrero en compañía, compendio de una vida que no deja de mirar al futuro.

Eduardo Guerrero ha trabajado con grandes artistas del panorama nacional desarrollando papeles principales en la Compañía de Aida Gómez, Eva La Yerbabuena, Rocío Molina, el Ballet Nacional de España, Javier Latorre o Rafael Aguilar. En 2011 obtiene el Premio Concurso Coreográfico Conservatorios Profesionales con su coreografía “Mayo”, que supone el punto de partida para una carrera en solitario, y a partir de ese momento se suceden los reconocimientos: Premio Desplante del Festival de las Minas de la Unión (2013); Premio del Público del Festival de Jerez, espectáculo Guerrero (2017); Premio Pata Negra (2018) y Premio Fiver, Internacional Dance Film Festival, con Symphony of the body (2019).

Es uno de los artistas más asiduos en las temporadas de Flamenco Real, ha participado en dos de las giras internacionales organizadas por el Teatro Real bajo el título de Authentic Flamenco, cosechando un gran éxito y reconocimiento en diversas ciudades de India y Brasil.

Foto. © Juanlu Vela

El Teatro Real consolida su posición como primera institución de las artes escénicas y musicales de España, según el Observatorio de la Cultura de 2023 de la Fundación Contemporánea, dependiente de La Fábrica, que ha hecho público su ranking anual, en el que además aparece como primer teatro y auditorio “imprescindible” del país.

El Teatro Real encabeza esta clasificación nacional, desde el año 2016, en la que figuran en los primeros puestos el Museo del Prado, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo Thyssen-Bornemisza, Zinemaldia San Sebastián y el Museo Guggenheim de Bilbao.

La propuesta cultural del Teatro Real en artes escénicas y musicales es la opción de referencia en la Comunidad de Madrid, la región más valorada por su programación, innovación y oferta cultural, y es también la elegida como proyecto ejemplar por su compromiso social y con el desarrollo sostenible entre todos los nacionales.

El Observatorio incorpora este año una nueva clasificación, denominada “Los imprescindibles”, en la que se relacionan las propuestas culturales más destacadas a nivel nacional agrupadas por tipología de proyecto. El Teatro Real es la primera entre los teatros y auditorios de toda España.

En el informe se ha añadido este año la categoría “Las novedades culturales más destacadas” y entre ellas aparece el Real Teatro de Retiro, única de las madrileñas junto a la Galería de las Colecciones Reales.

My Opera Player, la plataforma audiovisual del Teatro Real, ocupa también la primera posición entre las propuestas de contenido digital. En esa clasificación aparecen Filmin, Museo del Prado, Caixa Forum+, Fundación Telefónica, RTVE y Fundación Juan March.

El Observatorio de la Cultura de la Fundación Contemporánea se elabora anualmente desde 2009 y refleja las consideraciones de un nutrido panel de expertos formado por profesionales pertenecientes a diversos ámbitos de la cultura como la literatura, las artes plásticas, el cine, la música, la arquitectura y todos los campos de la creación en general.

Fotografía © Javier del Real

El ecléctico cantaor y compositor Manuel Lombo (Dos Hermanas, Sevilla, 1979) acude al ciclo Andalucía Flamenca del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en coproducción con el Instituto Andaluz del Flamenco, para ofrecer su Recital flamenco, un espectáculo en el cual hundirá sus raíces en diferentes estilos del flamenco, con guiños al folclore y la copla. Sobre las tablas, estará acompañado por Jesús Rodríguez (guitarra) y Cristina Tovar y Laura Marchena (palmas y coros). El concierto tendrá lugar el viernes 19 de enero, a las 19:30h, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música.

Con más de una docena de álbumes a sus espaldas, Manuel Lombo es conocido por su gran carisma y su capacidad para aunar diferentes estilos del flamenco. El cante está presente desde su niñez y adolescencia, cuando comenzó a cantar junto al guitarrista Alberto García Reyes. Manuel fue becado por la Fundación Cristina Heeren y continuó su formación de la mano de maestros como Naranjito de Triana y José de la Tomasa. Su carrera también está ligada a la divulgación, ya que el artista ha protagonizado varios espacios televisivos para difundir y poner en valor el arte flamenco.

La diversidad del flamenco

Manuel es un intérprete que, si bien bebe de los aromas flamencos, posee una lírica capaz de cabalgar por los más variados estilos. Prueba de ello será este recital en el CNDM, donde el cantaor sevillano ofrecerá su faceta más versátil, con una selección de canciones que hunden sus raíces en los estilos más flamencos junto a otras que abrazan guiños al folclore, a la copla o su apreciado Miguel Vargas Jiménez, conocido artísticamente como Bambino, uno de los grandes mitos del flamenco. Bulerías, tientos, fandangos, malagueñas y seguiriyas formarán parte de un repertorio que pone en valor su perfil más cantaor y su gran personalidad artística.

A su nuevo trabajo, Lombo y aparte (2022), también hará un guiño. Se trata de un homenaje a autores y cantantes que han marcado su vida a nivel musical, como Pastora Soler, Tomasa “La Macanita”, Gala Évora, Pepe Roca, Argentina, Rocío y Lola Avilés o el pianista Andrés Barrios. En él se encuentran canciones que ofrecen un recorrido por la diversidad del flamenco, incluyendo otros géneros como el bolero o versiones más aflamencadas.

ABAO Bilbao Opera, alcanza el ecuador de la Temporada con una obra maestra del género singspiel, que combina humor, drama, aventura y música sublime: El rapto en el serrallo de Wolfgang Amadeus Mozart. ABAO ha programado cuatro funciones para los días 20, 23, 26 y 29 de enero en el Euskalduna Bilbao. La representación del sábado 20 de enero dará comienzo a las 19:00h y el resto de las funciones se iniciarán a las 19:30h.

El rapto en el serrallo es una ópera en tres actos con libreto de Gottlieb Stephanie, basado en una obra anterior de Christoph Friedrich Bretzner. Inspirada en las circunstancias personales, creencias y miedos del compositor, expresa el romanticismo espiritual de Mozart y su concepción elevada del amor cortés y de la mujer amada.

Encargada al compositor por el emperador José II, pertenece al género “turco”, llena de misterio, sensualidad y seducción, y se estrenó en el Burgtheater de Viena el 16 de julio de 1782 con gran éxito tanto de público como de crítica. Al público de la época le fascinaba el exotismo oriental y la ópera narra una historia de enredo con un noble español, Belmonte, que llega a la costa turca para rescatar a su prometida Konstanze, a su criada Blonde y a su amigo Pedrillo que han sido capturados por el Bassa Selim durante un viaje por mar. La ópera también plantea cuestiones éticas y morales como el respeto a la dignidad humana, la tolerancia religiosa y cultural, y el perdón. El final sorprende por la generosidad del Bassa Selim, que decide liberar a los cautivos y renunciar a Konstanze, reconociendo su amor por Belmonte.

La puesta en escena de este título supone un importante acontecimiento en la temporada de ABAO Bilbao Opera ya que sólo se ha programado anteriormente en una ocasión, en 1995.

LA SUBLIMACIÓN DE LA MUJER AMADA

La ópera muestra el talento de Mozart para construir personajes llenos de matices con gran sensibilidad, que se enfrentan a dilemas éticos y emocionales. La obra concentra destacados números vocales, recitativos, dúos y cuartetos, así como variedad de estilos musicales.

El papel de Konstanze, la aristócrata española secuestrada, es uno de los más difíciles del repertorio mozartiano, con arias que requieren una gran agilidad vocal y un amplio rango de expresión, y está interpretado por la soprano Jessica Pratt. Con grandes momentos para el lucimiento vocal, destacan el aria «Ach, ich liebte«, donde expresa su dolor y fidelidad a su amado; la famosa y extenuante “Martern aller Arten«, donde desafía al Bassa Selim y le dice que está dispuesta a sufrir todo tipo de tormentos antes que traicionar a Belmonte; el dúo «Welch ein Geschick!», o el cuarteto «Ach, Belmonte! Ach, mein Leben!«, en el final de la ópera,donde los protagonistas celebran su liberación junto a Blonde y Pedrillo en una escena de acción y suspense. Jessica Pratt volverá a cantar este difícil rol el próximo mes de febrero en la Scala de Milán.

Moisés Marín, un tenor con una línea vocal amplia y majestuosa, encarna al enamorado Belmonte, y tiene momentos con escenas de gran dificultad como el aria «O wie ängstlich, o wie feurig», donde expresa su amor y angustia por su prometida secuestrada en una pieza con agilidades; el dúo «Welch ein Geschick! O Qual der Seele!», un momento de gran emoción y ternura con una melodía tierna y elocuente donde los amados se reencuentran; o el aria «Ich baue ganz auf deine Stärke» donde Belmonte se prepara para afrontar la ira del Bassa.

Blonde, la joven doncella de Konstanze que comparte su destino de cautiverio, está interpretado por la sevillana Leonor Bonilla, una de las sopranos más sólidas del panorama nacional, con una voz llena de expresividad y riqueza. En sus escenas sobresale el aria “Welche Wonne, welche Lust” .

Mikeldi Atxalandabaso regresa a la escena bilbaína como el fiel criado Pedrillo. El tenor tiene momentos de bravura con escenas como “Frisch zum Kampfe” donde reafirma su valentía o “In Mohrenland gefangen war”, preparando la liberación de las cautivas.

Debuta en ABAO Bilbao Opera el bajo Wojtek Gierlach interpretando a Osmin, el guardián del harén de la casa del Bassa. En sus escenas destacan las arias “Wer ein Liebchen hat gefunden” y «O, wie will ich triumphieren«, que revelan los matices del personaje.

El bajo y actor Wolfgang Vater, que también debuta, representa el papel del Bassa Selim, un personaje hablado, pero que domina toda la intriga y personaliza el mensaje humanista de la magnanimidad y el perdón.

LUCÍA MARÍN DEBUTA EN ABAO BILBAO OPERA AL FRENTE DE LA EUSKADIKO ORKESTRA

En el podio orquestal para dirigir una partitura deslumbrante, colorista, llena de emoción, dinamismo e intensidad poética mozartiana, debuta en ABAO la directora musical Lucía Marín, al frente de la Euskadiko Orkestra. Su estilo de dirección se caracteriza por la elegancia, la expresividad y la pasión que transmite a músicos y público.

La ópera pertenece al género singspiel, una forma de teatro musical germánico con partes habladas y cantadas, que combina elementos de ópera seria y opera buffa y destaca por la riqueza, originalidad y variedad de su partitura. El rapto en el serrallo refleja las influencias orientales y occidentales del gusto de la época con instrumentos como el triángulo, los platillos y el tambor turco, así como los contrastes entre los personajes, la mezcla de momentos cómicos y dramáticos, y las escenas de gran expresividad emocional. Desde la deslumbrante obertura ya se percibe que es una obra profundamente conmovedora, no sólo por ser el primer singspiel completo de Mozart, si no por la alegría, aliento y espíritu que la inspiran desde la primera nota.

El Coro de Ópera de Bilbao, dirigido por Boris Dujin, completa el apartado musical, y tiene su momento especial al final de la ópera con el famoso “coro de jenízaros”, “Bassa Selim lebe lange”.

ESTRENO ABSOLUTO DE UNA NUEVA PRODUCCIÓN DE ABAO BILBAO OPERA

Nueva producción de ABAO Bilbao Opera, ideada por Mariano Bauduin que también debuta en la temporada, con una propuesta inspirada en los espacios y atmósferas del Imperio Otomano, ofreciendo una cascada de sensaciones y emociones con un ritmo tratado al detalle.

El proyecto incorpora elementos innovadores que enriquecen el lenguaje visual, y consiguen transmitir al público el mensaje universal de la obra a través de un clima escénico envolvente y cautivador.

Nicola Rubertelli pone todo su imaginario creativo al servicio de una escenografía sensual, entretenida y de sólida belleza plástica, arropada por la iluminación de Luigi della Monica, y un vestuario elegante y lleno de exotismo diseñado por la mítica Odette Nicoletti, que en ABAO repone Marianna Carbone.

PROGRAMA DE ACTIVIDADES PARALELAS CON ENTRADA LIBRE

El programa de actividades culturales paralelas que desarrolla ABAO Bilbao Opera con carácter abierto y para todos los públicos, ofrece múltiples oportunidades de acercarse a la ópera con conferencias y encuentros en torno al título en cartel, como el pasado 11 de enero en la Biblioteca Bicebarrieta con la grabación en directo y con público del podcast Concierto Desorden del periodista Gonzalo Lahoz, que entrevistó a Leonor Bonilla.

Las próximas citas son:

16 de enero. Conferencia “El montaje de una ópera. Anécdotas entre bambalinas: El rapto en el serrallo”.
Centro Municipal de Deusto. 19:00h. Entrada libre hasta completar aforo
17 de enero. Conferencia “El montaje de una ópera. Anécdotas entre bambalinas: El rapto en el serrallo”.
Centro Municipal de Abando. 19:00h. Entrada libre hasta completar aforo
19 de enero. El ciclo de conferencias “El ABC de la Ópera” en colaboración con DeustoBide, presenta la ópera El rapto en el serrallo y la obra de Mozart de la mano del crítico y editor Luis Gago. La conferencia se retransmite en directo a través del canal de YouTube de ABAO.
Auditorio Universidad de Deusto. 18:30h. Entrada libre previo registro en la web de ABAO
24 de enero. Santander acogerá una conferencia sobre el título en cartel con una presentación del argumento y los mejores momentos musicales.
Hora y lugar: consultar en www.abao.org Entrada libre hasta completar aforo.

El barítono Enric Martínez-Castignani interpreta el papel de Don Alfonso en la emotiva ópera “Così fan tutte” de Wolfgang Amadeus Mozart en el Teatro Calderón de Valladolid. El cantante y gestor cultural se une a un gran elenco que incluye voces
como las de Jaquelina Livieri como Fiordiligi, Carmen Artaza como Dorabella o Joel Prieto como Ferrando.

Bajo la dirección de Carlos Aragón, esta coproducción del Teatro de la Maestranza de Sevilla y el Teatro Calderón, cobra vida gracias a la gran visión creativa de Rafael R. Villalobos en escena y vestuario. Emanuele Sinisi aporta su destreza en la escenografía mientras que Albert Faura ilumina cada matiz visual de este clásico del repertorio mozartiano.

Tras Las bodas de Fígaro y Don Giovanni, Mozart y su libretista da Ponte completan con Così fan tutte su perspicaz trilogía sobre la naturaleza humana impartiendo una clase sobre la fragilidad del amor con una ópera que es una obra maestra del teatro cantado y de la alta comedia. En palabras de Enric Martínez- Castignani: “Para mí, cantar a Don Alfonso, pese a su gran dificultad, siempre ha sido un masaje vocal y un reto interpretativo. Es un personaje que cada vez que lo hago, vuelvo a estudiarlo de cero para encontrar matices y colores nuevos, y profundizar en su compleja personalidad y sabiduría”.

Con este papel, Enric Martínez-Castignani continúa la línea de otros roles operísticos propios del repertorio bufo-belcantista en los que se ha especializado a lo largo de su carrera. Unos papeles en los que ha sido elogiado por público y crítica tanto por sus cualidades vocales e interpretativas como por sus dotes actorales. Así, el barítono ha brillado como Don Pasquale/Malatesta en Don Pasquale, Bartolo en Il Barbiere di Siviglia, Dulcamara en L’elisir d’amore, Taddeo en L'Italiana in Algeri, Dr. Kolenaty en Vec Makropulos, Don Magnifico en La Cenerentola o Lescaut en Manon Lescaut.

Tras una extraordinaria temporada 2023, en la que, entre otros hitos, destacó su debut como Comte Capulet en Romeo et Juliette en Òpera Catalunya, la temporada 2024/25 estará marcada por su regreso a la ABAO en un papel principal, después de su último Bartolo del "Barbiere di Siviglia" con ellos. También podremos ver al cantante en ‘Doña Francisquita’ en el papel de Don Matías que interpretará en el Gran Teatro de Córdoba en el mes de febrero, rol que ha cantado en diferentes ocasiones en 2023 con motivo del centenario del estreno de la obra.

Fotografía (c)Ricardo Rios Visual Art

Cantante de ópera y gestor cultural

Enric Martínez-Castignani combina un doble perfil como cantante de ópera y como gestor cultural. En esta faceta ha sido creador y director artístico del “Lied Festival Victoria de los Ángeles” (LIFE Victoria-BCN) de 2011 a 2016, en el que, a través de múltiples propuestas y en un tiempo limitado, se ofrecía al público conciertos-experiencia y debates para acercarlos progresivamente al mundo del lied. En su labor como divulgador y docente da seminarios y conferencias por todo el país, es profesor del Máster de Gestión Cultural de la Universidad Carlos III de Madrid y además este curso imparte clases en el Máster de Gestión Cultural de la Universidad Complutense de Madrid.

También en esta línea, presentó en Barcelona el informe “Análisis de prácticas de equipamientos y programaciones internacionales de música clásica y ópera”, elaborado por encargo del Consell Nacional de la Cultura i de les Arts (CoNCA) en el que Enric Martínez- Castignani aborda las mejores prácticas para la gestión de teatros de ópera, auditorios y festivales. Este trabajo reúne ideas, reflexiones y análisis en torno a los problemas del sector, estudiando aspectos clave dentro del análisis de prácticas innovadoras como la tecnología y la digitalización, la propuesta creativa y el soporte a la música contemporánea, así como la
implicación con el desarrollo profesional de las jóvenes generaciones de artistas, los trabajos de públicos y audiencias o el compromiso con la Agenda 2030.

Tras su aclamado debut en Boris Godunov en Toulouse (Francia), empieza el año sumando a su amplio repertorio un nuevo y difícil papel, el de Jason en Médée. Para Airam Hernández, uno de los cantantes españoles de mayor proyección internacional, el extenuante coprotagonista de la ópera de Cherubini “es todo un reto”, asegura ante este nuevo rol, una creación del compositor italiano establecido en París en 1787 y admirado por grandes colegas como Haydn o Beethoven. Acostumbrado a interpretar repertorios diversos, tanto en estilos como en formas y épocas, Airam Hernández siente que Jason le llega en un “óptimo momento de madurez técnica y expresiva; sin duda se trata de un personaje de gran dificultad vocal y dramática. Creo que el rol calza a la perfección con mi voz de tenor lírico de coloratura, lo que me permite explorar diversas aristas a pesar de su dificultad; hay que saber demostrar sus diferentes sentimientos, muchos de ellos encontrados ante una Médée que no le perdona que se enamore de otra mujer”, asegura. “Por otro lado, estoy feliz de debutar en la Ópera Nacional de Polonia, una compañía europea emblemática; lo hago junto a excelentes colegas y en una temporada que, pese a que no he parado ni un momento, estoy disfrutando enormemente por lo variado del repertorio, tanto en formatos y estilos como en número de escenarios”.

La ópera de Cherubini, a caballo entre el Clasicismo y el Romanticismo, fue bien recibida en su estreno parisino de 1797, pero fue retirada después de una veintena de representaciones. No fue hasta mediados del siglo XX cuando regresó al repertorio gracias a la curiosidad y el inconmensurable arte de Maria Callas, que sorprendió al mundo con su interpretación del personaje protagonista, teniéndola en repertorio prácticamente hasta su retirada de los escenarios.

Médée se anuncia en Varsovia los días 21, 24, 26 y 28 de enero, en un montaje del Teatr Wielki-Opera Narodowa en coproducción con el Salzburger Festspiele –donde se estrenó en julio de 2019–; junto al Jason de Airam Hernández en el reparto destaca la Medée de la soprano Izabela Matuła, el Créon del barítono Rafał Siwek o la Néris de la mezzosoprano Elżbieta Wróblewska; la dirección de escena correrá a cargo de Simon Stone y el maestro Patrick Fournillier estará al mando de la Orquesta y Coro del Teatr Wielki-Opera Narodowa.

Tras este compromiso a Airam Hernández le esperan el Requiem de Mozart en el Auditorio de Cáceres y en el Auditorio de Badajoz; Boris Godunov, esta vez en el Théâtre des Champs-Elysées de París; un concierto-homenaje a la soprano Victoria de los Ángeles (celebrando el centenario de su nacimiento) en el Teatro de La Zarzuela de Madrid; el Requiem de Mozart en el Auditorio Manuel de Falla de Granada; una gira de recitales de canción española por Tenerife (Auditorio de Tenerife, Auditorio de Adeje y Auditorio Teobaldo Power); Das Lied von der Erde, de Mahler, en el Théâtre du Capitole; Nabucco, de Verdi, en la Opéra de Lausanne (Suiza), además de su primer Pollione de Norma en Italia el verano próximo.

Para Jessica Pratt, Konstanze es un personaje “puro, de gran nobleza y humanidad, y al mismo tiempo de gran fuerza y con una personalidad inquebrantable”, asegura entusiasmada. La aclamada soprano australiana de origen británico regresa en enero a ABAO Bilbao Opera para interpretar por primera vez el emblemático personaje de Die Entführung aus dem Serail (El rapto en el serrallo), de Mozart, título que llega a la temporada bilbaína tras 29 años de ausencia; lo hace en medio de una intensa temporada repleta de proyectos, que le ha comportado en el último trimestre de 2023 compromisos como un concierto dedicado a Bellini en la Victorian Opera de Melbourne, su debut como la protagonista de Beatrice di Tenda en su regreso al Teatro San Carlo de Nápoles, Les Contes d’Hoffmann (con el reto de interpretar los roles femeninos de Olympia, Antonia, Giulietta y Stella) en la Opéra Royal de Wallonie en Lieja o la presentación de su álbum DELIRIO (Tancredi Records), que incluye una selección de escenas de locura de personajes emblemáticos de Bellini y Donizetti en el que profundiza en el retrato que en este repertorio se realizaba sobre la salud mental.

Ahora empieza el año con Mozart y nada menos que con otro rol de extrema dificultad como es el de Konstanze, “un personaje que hace tiempo que anhelaba debutar y que llega en un momento óptimo desde el punto de vista de maduración interpretativa; es muy demandante, no solo en el aspecto puramente técnico –de tesitura endiablada y exuberante coloratura a la que hay que dotar de sentido dramático–, sino porque requiere de un centro importante y con peso. Es un personaje fascinante que requiere de una gran concentración sin dejar de lado su psicología: es el único modo de hacerlo creíble. Es fundamental en el primer Singspiel completo que compuso Mozart, una partitura que me encanta, llena de colores y de un halo de misterio, sensualidad y exotismo salpicado de alegría y humor. Me hace una especial ilusión debutarlo en Bilbao, donde siempre me he sentido muy arropada y como en casa”, afirma Jessica Pratt, que en los últimos años se ha prodigado por distintos escenarios españoles.

En Bilbao se han programado cuatro funciones de El rapto los días 20, 23, 26 y 29 de enero, en una nueva producción de Mariano Baudin y con Lucía Marín al mando del Coro de Ópera de Bilbao y de la Euskadiko Orkestra. Jessica Pratt continuará en febrero y marzo con más funciones como Konstanze en su regreso a La Scala de Milán, para después afrontar su primera Norma, de Bellini, en la Palm Beach Opera (5 y 7 de abril), Lucia di Lammermoor en la Opera Queensland (Australia, 20 y 27 de abril) y un concierto Bellini en esa misma compañía (24 de abril), entre otros compromisos.

El Teatro Real presentará por primera vez en España, el próximo 26 de enero, Lear, obra maestra de Aribert Reimann (Berlín, 1936) estrenada en 1978 en la Ópera de Múnich y considerada hoy una de las más importantes partituras operísticas de la segunda mitad del siglo XX.

En la larga vida de Reimann, que actualmente tiene 87 años, el canto ha ocupado un lugar primordial, tanto como primoroso pianista de lieder al lado de sus más ilustres intérpretes, como autor de una ingente y muy variada producción vocal, en la que destacan sus nueve óperas (Lear es la tercera de su catálogo).

Su amplia cultura y finísimo olfato literario han unido su música a textos de grandes escritores, que van desde los clásicos griegos, Shakespeare, Strindberg, Kafka, Lorca, o Maeterlinck, en la ópera, a una larga pléyade de poetas a cuyas palabras dio voz: Goethe, Byron, Baudelaire, Rilke, James Joyce, Sylvia Plath, Emily Dickinson, Juan Ramón Jiménez, Octavio Paz o su querido Paul Celan.

Fue Dietrich Fischer-Dieskau (1925-2012), extraordinario barítono de brillante cultura humanista con el que Reimann trabajó estrechamente, quien le propuso realizar una ópera a partir de El rey Lear, de William Shakespeare, sobre la que han trabajado varios compositores -incluyendo Berlioz, Verdi o Debussy-, sin finalmente atreverse con la magnitud y profundidad de la tragedia, que Calixto Bieito compara con la Capilla Sixtina en un intento de verbalizar su dimensión colosal.

El excelente libreto de Claus Hannberg, casi epigramático, logra captar la esencia del texto de Shakespeare, con sus múltiples conflictos y capas interpretativas, manteniendo los personajes principales y dando un amplio espacio a la orquesta para ahondar en la infinitud de temas que aborda la trama: la ceguera del poder, la ambición desmedida, las relaciones familiares tóxicas, la ingratitud, la vejez, la locura y un largo etcétera.

La bestialidad, violencia y desazón de la obra shakespeariana se traslada al mundo sonoro de Reimann, que sangra, gime, grita, llora, explota y se va con los atormentados personajes, tipificados con riquísimas sutilezas vocales, armónicas e instrumentales y una orquesta rabiosa y con voz propia, que mantiene la tensión a lo largo de toda la ópera, entrelazando los conflictos sin descanso, hasta el abismo final.

La ópera trae de nuevo a Calixto Bieito al Teatro Real, después de Wozzeck (2006), Carmen (2017), Die Soldaten (2018) y El ángel de fuego (2022), en esta ocasión con su aclamada producción creada para la Ópera de París en 2016, repuesta en 2019 y presentada en el Maggio Musicale Fiorentino en 2020.

Bieito construye una tragedia centrada en la familia como germen de los sentimientos y pasiones más primitivos, salvajes, exacerbados y destructivos, en un proceso de aniquilamiento cósmico, que nos une a la tierra quemada, a la explosión de los astros y a la mutación y muerte de las células.

La tragedia se desarrolla en un espacio conceptual delimitado por estacas de madera chamuscada diseñado por la escenógrafa Rebecca Ringst, con iluminación de Franck Evin y una potente iconografía simbólica, que va del Barroco español al Expresionismo centroeuropeo, destacando la poderosa evocación de la Pietà de Miguel Ángel o de la Lamentación sobre Cristo muerto, de Andrea Mantegna.

La dirección musical es de Asher Fisch, que vuelve al Real después del gran éxito que obtuvo con Capriccio, de Richard Strauss, en 2019, para afrontar una partitura de enorme complejidad y precisión, que presentará al público español al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

Esta ópera coral cuenta con trece solistas, ocho de los cuales han interpretado a sus respectivos personajes en el estreno de la producción de Calixto Bieito en París: Bo Skovhus (El rey Lear), Susanne Elmark (Cordelia), Ángeles Blancas (Goneril), Erika Sunnegårdh (Regan), Andrew Watts (Edgar), Andreas Conrad (Edmund), Lauri Vasar (El conde de Gloucester), Torben Jürgens (El rey de Francia), Derek Welton (El duque de Albany), Michael Colvin (El duque de Cornualles), Kor-Jan Dusseljee (El conde de Kent) y Ernst Alisch (Bufón).

Con el estreno en España de Lear, 46 años después de su creación, el Teatro Real prosigue con su compromiso de ofrecer al público las óperas más importantes del siglo XX todavía desconocidas en España y que forman parte del acervo artístico europeo por su capacidad para suscitar emociones, reflexiones y deslumbramiento.

Fotógrafo: © Javier del Real | Teatro Real

AGENDA | ACTIVIDADES PARALELAS

25 de enero, a las 20.15 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

Enfoques: encuentro con Asher Fisch (director musical de Lear), Yves Lenoir (responsable de la reposición de la producción), Jorge Fernández Guerra (compositor) y Joan Matabosch (director artístico del Teatro Real).

4 de febrero, a las 12.00 horas | Sala principal del Teatro Real

Domingos de cámara: concierto con solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real

Programa:

Luis Fonseca: Light & amp; Sand (2020), para trompeta, corno inglés, fagot, piano y vídeo

George Crumb: An Idyll for the Misbegotten (1985), para flauta amplificada y 3 percusionistas

Arnold Schönberg: Ode to Napoleon Buonaparte, op. 41, para cuarteto de cuerda, piano y recitador

Ludwig van Beethoven: Cuarteto de cuerda nº 1, en fa mayor, op.18

Giovanni Bottesini: Concierto para dos contrabajos La pasión amorosa

18 y 25 de enero, y 1 y 8 de febrero, a las 19.00 horas | Teatro Real, Sala de actividades culturales

Ópera y censura

En este curso, impartido por el musicólogo Mario Muñoz, se analizará de forma accesible la trascendencia de la censura en el mundo de la ópera, no solo desde una perspectiva histórica sino también desde la de los elementos censurables —el libreto, la música, la trama o el montaje— así como las estrategias desarrolladas por los creadores para eludirla. Una larga lista de compositores y obras visitarán estas cuatro sesiones que conforman un recorrido necesario por más de cuatro siglos de prohibiciones donde la genialidad, la tragedia y el sentido del humor se dan la mano.

Inscripciones abiertas en este enlace.

21 de enero a las 12.00 y a las 17.00 horas | Real Teatro de Retiro, Sala Pacífico

¡Todos al Real Teatro!

Talleres musicales para toda la familia, con dirección y presentación de Fernando Palacios.

Las tres hijas del rey | ¿Cuál es la aduladora, cuál la sincera y cuál la mentirosa?

Con Whatever Jazz Band: Anxo Martínez, Giorgio Gallina, Marcos Prieto, Ornella Marconi, Benjamín Groisman, Andrés Alberto Freites y Daniel Cabrera

30 de enero, a las 19.00 horas | Residencia de estudiantes

Diálogo con el compositor Jorge Fernández Guerra y el crítico y traductor Luis Gago en torno a Lear, de Aribert de Reimann.

El ciclo Series 20/21 del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), dedicado a la música contemporánea, acoge el concierto del Trío Arbós, una de las agrupaciones de cámara más respetadas dentro y fuera de nuestras fronteras. El conjunto interpretará un repertorio protagonizado por dos obras de José Luis Turina, uno de los compositores españoles más importantes de la actualidad y que esta temporada ostenta la figura de compositor residente del CNDM. También interpretará obras de Salvatore Sciarrino y de Magnus Lindberg. El concierto tendrá lugar el lunes 15 de enero, a las 19:30h, en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (entrada libre).

Formado por Ferdinando Trematore (violín), José Miguel Gómez (violonchelo) y Juan Carlos Garvayo (piano), el Trío Arbós destaca por ser uno de los grupos de cámara más prestigiosos del panorama musical español. Se fundó en Madrid en 1996 y su nombre viene del director, violinista y compositor español Enrique Fernández Arbós. Su repertorio abarca desde las obras maestras del clasicismo y el romanticismo hasta la música de nuestro tiempo. Desde su formación, el Trío Arbós ha tratado de contribuir al enriquecimiento de la literatura para trío con piano a través del encargo de nuevas obras.

Precisamente, en este concierto del CNDM, se interpretarán los Tres tercetos de José Luis Turina, escritos a petición del conjunto; una obra con tres secciones interdependientes entre sí. También sonará su Viaggio di Parnaso, una pieza en la cual explora, una vez más, los aspectos relativos a la traslación musical de elementos y procedimientos propios de la literatura. Gracias a este repertorio elegido, el público podrá adentrarse en el rico universo del maestro madrileño, figura fundamental de la música de nuestro país y que, además de compositor, es gestor cultural y pedagogo.

Completan el programa el exquisito Trío nº 2 del compositor italiano Salvatore Sciarrino y el enérgico y contundente Piano trio del finlandés Magnus Lindberg.

Sobre el Trío Arbós

Premio Nacional de Música 2013, el Trío Arbós se fundó en Madrid en 1.996, tomando el nombre del célebre director, violinista y compositor español Enrique Fernández Arbós (1.863-1.939). En la actualidad es uno de los grupos de cámara más prestigiosos del panorama musical europeo. Desde su formación en 1996, uno de los principales objetivos del Trío Arbós ha sido la contribución al enriquecimiento de la literatura para trío con piano a través del encargo de nuevas obras. Compositores de la talla de Georges Aperghis, Ivan Fedele, Toshio Hosokawa, Luis de Pablo, Mauricio Sotelo, Jesús Torres, Bernhard Gander, Thierry Pécou, Elena Mendoza, José María Sánchez Verdú, Roberto Sierra, entre otros, han escrito obras para el Trío Arbós. El Trío Arbós actúa con regularidad en las principales salas y festivales internacionales: Konzerthaus de Viena, Conservatorio Tchakovsky de Moscú, Academia Sibelius de Helsinki, Teatro Colón de Buenos Aires, Auditorio Nacional de Música de Madrid, Wittener Tage für neue Kammermusik, Festival de Kuhmo, Bienal de Venecia, Festival de Spoleto, MUSICA Festival de Estrasburgo, Philarmonie de Berlín, Festival Klangpuren, ULTIMA de Oslo, Time of Music de Viitasaari, Nuova Consonanza de Roma, Festival Casals de Puerto Rico, Bienal de Flamenco de Holanda, Festival Transart de Bolzano, Festival de Sintra, Quincena Musical Donostiarra, Festival Internacional de Granada, Semana de Música Religiosa de Cuenca, Bienal de Flamenco de Sevilla, Santander, etc. Ha grabado más de 30 discos para un gran número de sellos. Actualmente graban para su propio sello SACRATIF. La prestigiosa revista Gramophone ha dicho de su trabajo: “Este disco reafirma las credenciales del Trío Arbós como uno de los grupos de cámara más completos y orientados al futuro de la actualidad”. Sus trabajos en el mundo de la música flamenca han sido alabados por la crítica internacional; fruto de este trabajo es su CD “Travesías” en colaboración con el cantaor Rafael de Utrera. Sus innovadores proyectos como «Triple Zone», para la ampliación de la literatura para trío con piano, son patrocinados por la Ernst von Siemens Musikstiftung y por la Fundación BBVA. Ferdinando toca un violín hecho por A. Guadagnini (1781) cedido por la Fundación ProCanale de Milán. José Miguel toca un cello del luthier alemán Haat-Uilderks (2010). Está formado por Ferdinando Trematore (violín), José Miguel Gómez (violonchelo) y Juan Carlos Garvayo (piano).

El Teatro Real celebrará el próximo miércoles, 17 de enero, un homenaje al artista español Ángel Orensanz, en el que se entregará el Premio Extraordinario del Teatro Real en reconocimiento a su dilatada y fructífera trayectoria artística y a su compromiso con el fomento y la divulgación de la cultura española fuera de nuestras fronteras.

Desde la sede de su Fundación en Nueva York, ubicada en un espectacular edificio histórico de 1849 y convertida ya en un emblemático centro de creación, encuentro y escenario, Orensanz abre sus puertas a las más diversas expresiones culturales, siendo anfitrión y altavoz de las mismas. Ese espacio singular ha acogido los espectáculos de Flamenco Real–Authentic Flamenco, con el que hace dos años se expandió el Plan Estratégico Internacional del Teatro Real, y con el que Orensanz ha demostrado en todo momento su apoyo generoso y altruista.

Ángel Orensanz (Laurés, Huesca, 1951) es uno de los artistas españoles con mayor proyección internacional. Inquieto, creativo, emprendedor y vital, ha visto su obra expuesta en los principales museos del mundo y ha recibido el reconocimiento del público y la crítica a través de numerosos premios y homenajes como el que le dedicó la Bienal de Arte Contemporáneo de Florencia (2001), la medalla de oro Lorenzo il Magnifico de Florencia, medalla de oro de la Academia de Bellas Artes de Rusia, (2018), Medalla de Oro de la Academia de Bellas Artes y Orden del Mérito Civil, entre otros.

A mediados de los años 80 se establece en Nueva York y adquiere, en el corazón del Lower East Side, el edificio que albergaba una de las sinagogas más antiguas de la ciudad. Rehabilita el espacio, lo transforma y ahí establece la fundación que lleva su nombre. Pronto se transforma en un activo centro cultural en el que se dan cita artistas, escritores, pensadores y creadores. El encanto, prestigio y magnetismo del lugar atraen a miles de personas de todas las partes del mundo y el Ayuntamiento de la ciudad, en agradecimiento a su labor, crea en 2002 el Orensanz Day, que se celebra cada 10 de abril.

El ciclo Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) abre el nuevo año con la visita del consagrado director de orquesta William Christie y Les Arts Florissants. Juntos presentarán en versión semiescenificada The Fairy Queen (La reina de las hadas) de Henry Purcell, una mascarada basada en una adaptación anónima del famosísimo Sueño de una noche de verano, de William Shakespeare. El proyecto unirá la música barroca con las voces de los integrantes de Le Jardin des Voix, la academia de jóvenes cantantes fundada por el propio Christie por la que han pasado grandes figuras actuales del canto barroco. También contará, por primera vez en el CNDM, con la Compagnie Käfig, del conocido coreógrafo y director de escena Mourad Merzouki. El espectáculo tendrá lugar el domingo 14 de enero, a las 19:00h, en el Auditorio Nacional de Música (Sala Sinfónica).

La agrupación Les Arts Florissants, dirigida por el gran clavecinista, director de orquesta, musicólogo y docente William Christie, es reconocida por sus interpretaciones excepcionales de obras barrocas. Fundada en 1979 por el propio Christie, ha sido precursora en la recuperación del repertorio barroco de los siglos XVII y XVIII. Ahora se adentra en el universo del británico Henry Purcell junto al talento emergente de los cantantes de Le Jardin des Voix 2023. Precisamente el grupo ha creado varias iniciativas educativas para jóvenes músicos y esta academia, dedicada a impulsar las carreras de jóvenes talentos, es una de ellas. En esta ocasión, los cantantes seleccionados han sido Paulina Francisco (soprano), Georgia Burashko, mezzosoprano), Rebecca Leggett (mezzosoprano), Juliette Mey (mezzosoprano), Ilja Aksionov (tenor), Rodrigo Carreto (tenor), Hugo Herman-Wilson (barítono) y Benjamin Schilperoort (bajo-barítono).

El proyecto cuenta con la dirección de escena del innovador coreógrafo francés Mourad Merzouki, conocido por su habilidad para fusionar el hip hop con enfoques multidisciplinarios, y su Compagnie Käfig. Así, se ofrecerá al público la oportunidad de vivir una experiencia única en una producción de la bellísima obra de Purcell que aúna diferentes artes y generaciones. Una revisión fresca y dinámica de una obra maestra.

Música, sueños y danza

The Fairy Queen (La reina de las dadas), una mascarada en un prólogo y cinco actos, es una obra de Henry Purcell que destaca por su ingeniosa mezcla de música, declamación y danza. Inspirada en El sueño de una noche de verano de William Shakespeare, se estrenó en Londres en 1692. La ópera transporta al público a un bosque inglés de ensueño, habitado por hadas, elfos y otros seres míticos. En este entorno mágico, se desarrollan historias de amor y enredo, donde incluso la reina de las hadas se ve atrapada en una hilarante confusión amorosa. La música de Purcell, con su rica textura y emotividad, acompaña perfectamente la narrativa, creando un ambiente encantador que captura la esencia del idílico y caprichoso mundo de las hadas.

“Contextos Barrocos”: Una hora antes del concierto, a las 18:00h, tendrá lugar el encuentro sobre el concierto de Les Arts Florissants en los “Contextos Barrocos” del CNDM, sesiones de cuarenta y cinco minutos, de acceso libre para el público que ha adquirido la entrada al espectáculo, que permiten profundizar en las obras del ciclo, su historia y los intérpretes.

La aclamada chelista franco-belga se subirá, por primera vez, al escenario del Teatro Monumental de Madrid los próximos días 11 y 12 de enero para interpretar el concierto para violonchelo y orquesta Never give up de Fazil Say, junto a la Orquesta Sinfónica RTVE y Christoph König a la batuta. Obras de Prokofiev y Xavier Montsalvatge completan el programa. El concierto del viernes se podrá seguir por Radio Clásica – Radio Nacional de España (RNE), y se emitirá también en el programa “Los conciertos de La 2” de TVE.

Never give up es un Concierto para violonchelo y orquesta en tres movimientos, que el compositor y pianista turco Fazil Say escribió expresamente para Camille Thomas, que lo estrenó el 3 de abril de 2018 en el Théâtre des Champs-Elysées de París. Se trata de una súplica para que el mundo ponga fin a la violencia; música que invita a no rendirse y a no renunciar a la belleza y a la paz: “Fazil trata al chelo como si fuera la voz humana, que va cantando y hablando sobre el conflicto que existe en el mundo actual. Es una obra muy exigente, no solo técnicamente sino también emocionalmente, porque profundiza mucho en la experiencia traumática que vivimos con esos ataques, y en el segundo movimiento se escucha incluso el sonido del Kalashnikov”, señala Camille Thomas, que lo incluyó en “Voice of Hope”, su segundo trabajo discográfico como artista exclusiva de Deutsche Grammophon y el primer disco clásico grabado en colaboración con UNICEF.

Será, además, la primera vez que Camille Thomas actúe en Madrid, y la única ocasión para verla en España este 2024: “Para mí tiene un significado muy especial actuar en Madrid con una obra como Never give up, el concerto para chelo que Fazil Say escribió tras los ataques terroristas de Bataclan, porque es una ciudad que también sufrió los ataques terroristas en 2004”, concluye Thomas, que lo tocó por primera vez en España en abril de 2021 junto a la Real Filharmonía de Galicia.

Camille Thomas, que toca el famoso Stradivarius “Feuermann” 1730 cedido por la Nippon Music Foundation, se ha convertido en una de las chelistas más solicitadas del circuito clásico actual, actuando con orquestas de renombre internacional como la Symphony Orchestra de Washington, la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, la Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, Lucerne Festival Strings o la Philharmonic Brussels, entre otras, bajo la batuta de conocidas figuras de la dirección como Paavo Järvi, Mikko Franck, Kent Nagano, Charles Dutoit, Gustavo Gimeno o Stéphane Denève.

Fotografía (C) Edouard Brane

Este mes de enero viene marcado por el regreso de la ópera “Die Entführung aus dem Serail” (El rapto en el Serrallo) de Mozart a la temporada de ABAO tras 29 años de ausencia. Una renovada producción musical que cuenta con Moisés Marín en el rol protagónico de Belmonte, bajo la dirección musical de la talentosa Lucía Marín y la dirección escénica de Mariano Bauduin, inspirada en los exquisitos espacios del imperio Otomano.

Moisés Marín asumirá el desafiante papel principal de Belmonte, el apasionado amante que se enfrentará a múltiples desafíos para liberar a su amada Konstanze, quien será interpretada por Jessica Pratt. El resto del cuarteto principal lo conforman Leonor Bonilla en el papel de la doncella Blonde y Mikeldi Atazlandabaso será el fiel criado Pedrillo. Moisés Marín aseguraba: “Me siento profundamente agradecido a ABAO por esta oportunidad de poder disfrutar al lado de grandísimos artistas en este título algo menos usual en los teatros que la trilogía ‘Da Ponte’, pero que alberga algunas de las páginas más bellas del repertorio mozartiano”.

La dirección musical estará a cargo de Lucia Marín, quien debuta en la ABAO liderando la Euskadiko Orkestra para interpretar una partitura emotiva, deslumbrante y llena de vida. La escenografía diseñada con esmero por Mariano Bauduin promete sumergir al público en los mágicos y exóticos espacios del imperio otomano.

La trama, ambientada en un palacio junto al mar, sigue a Belmonte (Moisés Marín) en su ardua misión de liberar a su amada Konstanze, prisionera del bajá Selim, interpretado por Wolfgang Váter en su debut en la ABAO. La trama envuelve al tenor en un tejido de desafíos donde su apasionado amor se ve eclipsado por la sombra del rapto. Moisés Marín, con destreza, da vida a un amante atormentado, cuyas notas melódicas resonaran con fuerza entre las paredes de la ABAO mientras atraviesa las turbulentas aguas del Serrallo para liberar a su enamorada. “Se dice que Mozart no tenía especial predilección por la voz del tenor, puesto que siempre le reserva algunas de las páginas más complejas de sus óperas y en esta no se queda atrás” comenta el propio cantante “cuatro arias en las que exhibir toda la gama interpretativa y técnica posible. Esta obra es un gran reto que me saca de mi zona de confort y me ha hecho aprender y disfrutar aún más de mi instrumento”.

Esta ópera de juventud, inspirada en las propias vivencias personales de Mozart, es un reflejo de sus creencias y miedos, El rapto en el serrallo expresa el romanticismo espiritual de Mozart y su concepción elevada del amor cortés y de la mujer amada.

Die Entführung aus dem Serail, (El rapto en el serrallo) fue la primera ópera alemana completada por Mozart, una ópera plagada de misterio, sensualidad y seducción, con el tema recurrente de la fidelidad pura de la doncella hacia su amado ausente. Es una obra profundamente conmovedora, no sólo por ser el primer Singspiel completo de Mozart, si no por la alegría, aliento y espíritu que la inspiran desde la primera nota. “Existen grandes referentes de este repertorio tales como Frizt Wunderlich, Gösta Winbergh o Francisco Araiza. Los tomo a ellos como inspiración y reflejo del tipo de héroe Mozartiano que quiero crear: noble y elegante a la par que valiente y determinado”, afirmaba el tenor.

Moisés Marín: fuerza y versatilidad

Desde que en la temporada 17/18 terminó su formación en el Centre de Perfeccionament del Palau de les Arts de Valencia, Moisés Marín se ha convertido en un habitual de las temporadas líricas españolas, teniendo presencia desde entonces en el Teatro Real, el Gran Teatre del Liceu, ABAO, el Teatro Campoamor de Oviedo y el de la Maestranza de Sevilla. El cantante ha recibido el premio al Cantante Revelación otorgado por Amics de l’Òpera y de les Arts de la Comunidad Valenciana dos años consecutivos tras triunfar en 2022 con el papel de Spalanzani en Los cuentos de Hoffmann y este año 2023 por el rol de Melot en Tristán e Isolda.

Ha sido miembro del Centre de Perfeccionament del Palau de les Arts. En este periodo de dos años como estable en Les Arts, ha tenido la oportunidad de trabajar técnica y musicalmente con artistas como Plácido Domingo, Fabio Biondi, Roberto Abbado, Mariella Devia, Gregory Kunde, Emilio Sagi y Davide Livermore. Es ganador del 1º Premio en el Concurso Internacional de Canto Ciudad de Logroño y premio especial de Zarzuela. Ha sido alumno del bajo-barítono Carlos Chausson y de la soprano Renata Scotto. Actualmente sigue bajo la tutela del aclamado bajo Eric Halfvarson.

Fotografía (c) Kiko Lozano

La Joven Orquesta Nacional de España (JONDE), centro dependiente del INAEM, prepara en Zaragoza, del 3 al 11 de enero, su próxima gira de conciertos en su primer Encuentro Sinfónico anual. El maestro Pablo Heras-Casado estará al frente de la JONDE en cinco conciertos que tendrán lugar en Logroño (Riojaforum – 12 de enero), Zaragoza (Auditorio – Palacio de Congresos – 13 y 14 de enero), Madrid (Auditorio Nacional de Música – 15 de enero) y Torrelavega (Teatro Municipal Concha Espina – 18 de enero)

Música de los siglos XIX, XX y XXI convergen en el programa que interpretará la JONDE en esta gira. El compromiso con la creación más actual estará reflejado con la obra Unda maris, ganadora del Premio Reina Sofía de Composición Musical 2022, del compositor vasco Javier Quislant. La incorporación de esta obra al programa surge de la colaboración entre la JONDE y la Fundació de Música Ferrer-Salat, con el objetivo de difundir a nivel nacional la obra premiada. Al romanticismo más impetuoso de la Obertura-fantasía de Romeo y Julieta de Piotr Ilich Tchaikovsky le seguirá como término una obra de gran carácter simbólico y esperanzador, la Sinfonía nº10 de Dmitri Shostakovich.

Durante este Encuentro 91 músicos de la JONDE prepararán el programa gracias a la formación exclusiva de 11 profesores/as de diferentes especialidades integrantes de agrupaciones sinfónicas de gran prestigio (Berliner Philharmoniker, Concertgebouworkest de Ámsterdam, WDR Sinfonieorchester Köln, Orquesta Nacional de España, Netherlands Philharmonic Orchestra, Orquesta de la Comunidad Valenciana, Opera de Frankfurt) y de relevantes Conservatorios Superiores de Música (Musikhochschule Frankfurt, Würzburg y Düsseldorf, Conservatorio de La Haya, Conservatorio de Maastricht, Conservatorio de Rotterdam, Escuela Superior de Música de Cataluña)

La JONDE además cuenta con el privilegio de completar este proyecto artístico de la mano del maestro Pablo Heras-Casado, director principal invitado del Teatro Real de Madrid, con Jordi Navarro, director asistente, y el compositor Javier Quislant.

Entre los músicos que integran la JONDE en esta gira de conciertos, cinco de ellos, procedentes de la Orchestre Français de Jeunes (OFJ), la Jovem Orquestra Portuguesa (JOP) y la Wiener Jeunesse Orchester (WJO), participarán como invitados a través del Programa de Intercambio MusXchange de la Federación Europea de Jóvenes Orquestas Nacionales (EFNYO). El proyecto de intercambio responde a la implicación activa de la JONDE en redes transnacionales, a través de las cuales tiene como objetivo fomentar el intercambio cultural y contribuir a la movilidad en el mercado laboral.

Las entradas para los cinco conciertos ya se pueden adquirir a través de los diferentes canales de venta de Riojaforum, el Auditorio – Palacio de Congresos de Zaragoza, el Auditorio Nacional de Música y el Teatro Municipal Concha Espina.

La soprano noruega Lise Davidsen y el director madrileño José Miguel Pérez-Sierra volverán a unir sus talentos el próximo 7 de enero en el Teatro Real de Madrid, tras haber trabajado juntos en la Ópera de A Coruña, el Turku Music Festival de Finlandia y la Ópera Nacional de Bucarest. En esta ocasión la consagrada intérprete, de destacada carrera en el repertorio wagneriano y verdiano, cantará por primera vez la gran escena final de la ópera Salome, de Richard Strauss, un título que incorporará a su repertorio en mayo en la Opéra National de Paris.

El maestro Pérez-Sierra se muestra “encantado y entusiasmado” ante este nuevo concierto junto a la que, asegura, “sin duda está llamada a ser una de las grandes intérpretes del emblemático rol de Salome en los próximos años. Estoy seguro de que el público se va a impresionar con su versión”, para la cual la Orquesta Titular del Teatro Real “estará ampliada hasta los 106 músicos. Esto con Strauss, que requiere de un gran conjunto instrumental, pero a esta maravilla de música hay que sumar escenas de diversas óperas de Verdi”, autor con el que Davidsen se ha prodigado con gran éxito en las últimas temporadas. “Hemos actuado juntos en varias ocasiones”, continúa el director español, “y lo cierto es que es un verdadero placer hacer música junto a esta gran intérprete del siglo XXI”. En el programa –previo al recital que Davidsen ofrecerá en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona el próximo 11 de enero, y en el Met de Nueva York, el 1 de febrero–, se incluyen además selecciones de las óperas verdianas La forza del destino, Un ballo in maschera y Otello.

La agenda del maestro Pérez-Sierra continuará más tarde mirando al Año Puccini que se conmemora en 2024 dirigiendo Madama Butterfly (Teatro Coccia de Novara, Italia) y La Bohème (en su regreso a la Ópera de Las Palmas de GC), para después revisar el poema sinfónico Así habló Zaratustra y las Cuatro últimas canciones de Strauss junto a la soprano Miren Urbieta-Vega y la Orquesta Joven de la Sinfónica de Galicia, la Sinfonía Nº 6 de Gustav Mahler (Sinfónica de Málaga), la zarzuela La verbena de la Paloma (Teatro de La Zarzuela, teatro del que acaba de ser designado director musical), la ópera de Manuel de Falla La vida breve (Opéra Theatre de Metz) y L’Italiana in Algeri en el Royal Opera Festival de Cracovia y en el Festival Rossini de Wildbad.

La Fundación Scherzo se complace en presentarles el segundo recital del Ciclo Horizontes, que tendrá lugar el próximo 16 de enero y correrá a cargo del pianista cubano Iván «Melón» Lewis.

Por primera vez en nuestra historia, los ritmos y sonidos más característicos del latin jazz se abrirán paso dentro de nuestra programación con un concierto único, a cargo del ganador del Latin Grammy Iván «Melón» Lewis.

Considerado como uno de los pianistas y compositores más influyentes de su generación. Nominado en múltiples ocasiones y ganador del premio Latin Grammy al Mejor álbum de Jazz en 2021 con el disco “Voyager”, el pianista cubano se presenta por primera vez en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional con un repertorio a piano solo en el que interpretará principalmente obras originales.

Con 7 discos publicados en solitario, la obra de «Melón» se caracteriza por ser una mezcla ecléctica de jazz y ritmos cubanos tradicionales y contemporáneos a la vez que deja entrever una cierta y lógica influencia de sonidos tan universales como el flamenco. Su además pulcra interpretación es fruto de su formación clásica en el prestigioso Instituto Superior de Artes de La Habana.

Junto a composiciones propias, «Melón» ofrecerá algunas de las más bellas canciones y melodías del cantautor cubano Sindo Garay, máximo representante de la Trova cubana cuyas más de 600 canciones todavía resuenan a ambos lados del Atlántico.

Con este concierto, la Fundación Scherzo da el pistoletazo de salida a su programación de 2024. El 29 de enero, el Ciclo de Grandes Intérpretes volverá a la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional con el recital del violinista Vadim Repin y el pianista Nicolai Lugansky. Por su parte, el Ciclo Horizontes continuará el 29 de mayo con el espectáculo flamenco: «De Blancas, Negras y Versos», capitaneado por el pianista Pablo Rubén Maldonado, la cantaora María Toledo y el poeta Aitor Contreras.

Por último, y aprovechando la cuesta de enero que tanto nos afecta a todos, la Fundación Scherzo, en su compromiso con los jóvenes, ofrecerá a los menores de 30 años la posibilidad de adquirir nuestro nuevo abono Alicia de Larrocha (que comprende los seis conciertos restantes del Ciclo de Grandes Intérpretes), por el módico precio de 30 euros, lo que les aportará una mayor facilidad para que puedan disfrutar de la temporada.

Tras cantar recientemente el rol pucciniano de Liù en la legendaria producción de Turandot de Nuria Espert en el Gran Teatre del Liceu, la soprano guatemalteca afincada en París regresa este mes al escenario del coliseo de la Rambla. Los próximos días 4, 8, 10, 13, 15 y 17 de enero, Adriana González será Micaëla en la conocida producción de Carmen firmada por Calixto Bieito, bajo la dirección musical de Josep Pons y la mezzosoprano francesa Clémentine Margaine (Carmen), el tenor estadounidense Michael Spyres (Don José) y el bajo-barítono Simón Orfila (Escamillo) como compañeros de reparto. Además, la soprano participará en la actividad “Encuentros Liceu Under35: Carmen”, que tendrá lugar el 12 de enero en el auditorio de CASA SEAT.

“El rol de Micaëla en la propuesta escénica de Calixto es totalmente diferente a otras producciones que he hecho de la célebre ópera de Bizet, y después de haber cantado este rol en varias producciones es muy interesante conocer otras facetas de este personaje”, señala Adriana González, que ya protagonizó la célebre mise en scène de Bieito en la Opéra Bastille de París la temporada pasada. “Me encanta la música de Micaëla… es un rol que sólo tiene un dúo, un aria y un par de escenas con el coro, pero aunque sea breve, es un rol bastante exigente. Además, es un personaje completamente diferente que fue creado por los libretistas de Bizet para generar ese contraste con Carmen, la mujer libre, ya que el personaje de Micaëla no existe en la historia original de Mérimée”, concluye González, que ha recibido el aplauso de la crítica especializada internacional con su interpretación de Micaëla en destacadas casas de ópera de la escena internacional como la Dutch National Opera de Ámsterdam, la Ópera de Frankfurt, la Opéra National de París, el Grand Théâtre de Genève y la Opéra de Toulon.

Adriana González ha cantado en teatros, salas de concierto y festivales de prestigio internacional como el Festival de Salzburgo, la Oper Frankfurt, la Opéra national du Rhin, la Houston Grand Opera, el Teatro Real de Madrid, el Concertgebouw de Ámsterdam o la Staatsoper Hamburg, trabajando con destacados directores de orquesta como Raphaël Pichon, Fabio Luisi, Marco Armiliato, Lorenzo Viotti o Domingo Hindoyan, entre otros. Ha actuado también con orquestas de renombre como la Filarmónica de Viena, la Orquesta y Coro Gulbenkian de Lisboa, la Dallas Symphony Orchestra, la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias, la Netherlands Philharmonic Orchestra, Le Concert Spirituel, etc.

Los próximos compromisos de Adriana González incluyen un recital junto a la mezzosoprano Marina Viotti y el director y pianista Iñaki Encina Oyón en el Festival LIFE Victoria de Barcelona, Turandot en la Opéra de Dijon, la Staatsoper Hamburg y la Staatsoper Unter den Linden de Berlín, una Liederabend en la Oper Frankfurt y el estreno absoluto de la versión escénica de Tenorio de Tomás Marco en el Teatro Real de Madrid.

Fotografía: Barbara Aumüller

El guitarrista Pedro Mateo y el flautista André Cebrián acaban de sacar su primer trabajo discográfico conjunto editado por el sello Eudora en Super Audio CD (SACD). Bajo el título “Cartografía del Mar”, el disco presenta una original y variada selección de obras de diferentes compositores: Histoire du Tango de Astor Piazzolla (1921-1992), Sonatina, op. 205 de Mario Castelnuovo-Tedesco (1895-1968), Toward the Sea de Tōru Takemitsu (1930-1996), Mountain Songs de Robert Beaser (1954), Elegía por Cintio Vitier de Leo Brouwer (1939) y El Peixet de Bloomington de Feliu Gasull (1959).

Tras más de una década tocando juntos a dúo desde que coincidieran como profesores en el Conservatorio Superior de Música de Aragón, Pedro Mateo y André Cebrián comparten estudio de grabación por primera vez para interpretar obras para flauta y guitarra. Además, nos ofrecen la primera grabación mundial de las mencionadas obras de Brouwer y Gasull. “Las obras incluidas en este disco tienen una gran vinculación con la música popular, así que el gran reto a la hora de abordar las obras que presentamos en esta propuesta discográfica fue salir de nuestro ámbito de músicos de formación clásica e investigar y conocer, por ejemplo, el mundo del flamenco para poder interpretar El Peixet de Bloomington de Gasull, que es una bulería, o conocer la sonoridad oriental para introducirnos en el mundo de Takemitsu”, señala André Cebrián. “Nuestra intención fue, en cierto sentido, hacer un poco tabula rasa y empezar de cero explorando nuevos estilos. Tuvimos que conocer también los códigos del Bluegrass para interpretar obras como The House Carpenter o Cindy, de las Mountain Songs de Beaser”, añade Pedro Mateo.

André Cebrián es Solista de flauta de la Scottish Chamber Orchestra, e invitado habitual de orquestas de renombre internacional y nacional como la BBC Scottish Symphony, la Philharmonia Zürich, la Royal Scottish National Orchestra, la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, la Filarmónica de Gran Canaria, la Orquesta del Gran Teatre del Liceu y la Malaysian Philharmonic Orchestra, entre otras. Además, cabe destacar también su actividad como miembro del quinteto de viento Azahar Ensemble y del Natalia Ensemble. Desde 2020, es profesor de flauta de la Academia de Estudios Orquestales de la Fundación Barenboim-Said.

Pedro Mateo González ha actuado como solista con la ORTVE, la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, la Orquesta Nacional de Ecuador o la Orquesta Sinfónica de las Islas Baleares, entre otras, y se ha presentado en salas tan destacadas como la Philharmonie de Berlín, el Jordan Hall de Boston o la Fundación Juan March de Madrid. Ha grabado varios CDs para Naxos y Eudora. Como músico de cámara, actúa regularmente con Pedro Chamorro, Joaquín Riquelme o José Manuel Losada. En la actualidad, es profesor del Conservatori Superior de Música dels Illes Balears y del Centro Superior Katarina Gurska.

Los próximos días 21 y 22 de diciembre, el director de orquesta y compositor andaluz Manuel Busto regresa al Teatro de la Zarzuela como responsable de la dirección musical de la Gala de celebración del 45 Aniversario del Ballet Nacional de España (BNE). El espectáculo, diseñado por Rubén Olmo, Director Artístico del BNE, contará con la participación de la Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM) bajo la batuta de Manuel Busto; se presentarán destacados números de la historia de la danza española y del propio repertorio del Ballet Nacional de España con música de Boccherini, Soler, Antón García Abril, Sarasate o Ruiz de Luna, entre otros.

En el marco de la gala, tendrá lugar también la presentación del documental Todo el pasado por delante de Emilio Belmonte y Luis Delgado sobre la historia de la institución, y cuya banda sonora ha sido compuesta por el propio Manuel Busto. Grabada el pasado mes de noviembre con la Orquesta de la Comunidad de Madrid, la dirigirá, de nuevo, en directo desde el foso del conocido teatro de la calle Jovellanos durante la proyección. Con este nuevo encargo, el director andaluz vuelve a colaborar con el Ballet Nacional de España en su doble faceta de compositor y director de orquesta, tras el gran éxito de público y crítica cosechado con sus anteriores proyectos La Bella Otero, Invocación bolera y Jauleña, que siguen de gira nacional e internacional.

“La creación de la banda sonora para el documental Todo el pasado por delante me ha obligado a adentrarme en universos estéticos cinematográficos en pro de la imagen, componiendo tanto para orquesta sinfónica como para guitarra y percusión flamenca, con una importante presencia de música electrónica o pop-rock, sin dejar de lado mi propio sello personal”, explica Manuel Busto, que también ha firmado la banda sonora de la película Fernanda y Bernarda de Rocío Martín, y cuenta con un extenso catálogo de obras editadas por la prestigiosa editorial vienesa Universal Edition, con quien publica en exclusiva.

Tras haber dirigido recientemente El retablo de Maese Pedro de Falla en la gira española del Taipei Opera Theater, Manuel Busto debutará próximamente con la Orquesta de Córdoba, como responsable musical de La Traviata de Verdi, que se podrá ver en el Teatro Villamarta de Jerez, con un reparto encabezado por la soprano Sabina Puértolas, el tenor Antonio Gandía y el barítono José Antonio López. Activo también en el ámbito literario, Busto acaba de publicar su segundo poemario Sombras en la luz (editorial Pangea).

Para concluir el año, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta el concierto de Navidad de la Netherlands Bach Society, un conjunto vocal e instrumental de gran reputación internacional dedicado a difundir la obra de Johann Sebastian Bach por todo el mundo. Bajo la dirección del contratenor Alex Potter y con Bojan Čičić como concertino y violín solista, la orquesta hará un recorrido por algunas de las piezas sacras más hermosas de los siglos XVI y XVII, culminando con el conocidísimo Magnificat de Bach, una obra cumbre del repertorio barroco. Este concierto tendrá lugar el viernes 22 de diciembre, a las 19:30 horas, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música, en el marco del ciclo Universo Barroco del CNDM.

La primera parte del evento ofrecerá una exploración a través de la música luterana, que fluye desde sus inicios hasta alcanzar su punto álgido en Johann Sebastian Bach, al final del concierto. Este viaje musical comienza un siglo antes del nacimiento de Bach con obras de Johann Hermann Schein y Tobias Michael, quienes establecieron las bases para el desarrollo de la música sacra. El programa incluirá también una impresionante chacona instrumental de Nicolaus Adam Strung, un motete navideño a cinco voces de Orlando di Lasso y la majestuosa cantata navideña Wie schön leuchtet der Morgenstern de Johann Kuhnau, proporcionando una visión completa de la evolución de la música coral luterana. El último compositor previo a Bach será Andreas Hammerschmidt, de quien se escucharán, entre otras obras, Machet die Tore weit, una pieza de Adviento a seis voces.

El gran protagonista del concierto de Navidad será el esperado Magnificat de Johann Sebastian Bach, interpretado en su versión original en mi bemol mayor, una obra que combina la tradición coral con la innovación barroca y que presenta una rica diversidad musical y emocional. Escrito para cinco voces solistas -contaremos con el propio Alex Potter (contratenor), Miriam Feuersinger (soprano), Kristen Witmer (soprano), Thomas Hobbs (tenor) y Stephan MacLeod (bajo)-, destaca por su jubiloso coro inicial y su hábil interacción entre solistas y conjunto. Bach logra en esta composición un balance perfecto entre la tradición y la innovación, ofreciendo al público una experiencia musical rica y profunda, así como adentrarse en las raíces de la Navidad.

Pasión por Bach

Fundada en 1921, Netherlands Bach Society ha alcanzado gran fama internacional por su excepcional interpretación de la obra de Bach y otros compositores afines. Con más de un siglo de historia, la agrupación ha dedicado su arte y su tiempo a compartir la música de este gran compositor con el mundo, ofreciendo numerosos conciertos para descubrir las múltiples capas y matices emocionales de sus obras. Bajo el lema «Bach para todos», la Netherlands Bach Society se dedica a mantener viva la relevancia y la belleza de la música barroca para las generaciones actuales y futuras.

En este concierto en el CNDM, interpretará estas joyas musicales sacras con autenticidad y pasión, utilizando instrumentos de época y enfoques interpretativos históricamente informados. Sin duda, el concierto de Navidad no solo ofrecerá un homenaje al genial Kantor de Leipzig, sino que también será una celebración de la música sacra en su conjunto y una oportunidad perfecta para despedir el año con el esplendor y la emoción que solo la música de Bach puede ofrecer.

“Contextos Barrocos”: Una hora antes del concierto, a las 18:30h, tendrá lugar el encuentro sobre el concierto de Navidad de la Netherlands Bach Society en los “Contextos Barrocos” del CNDM, sesiones de cuarenta y cinco minutos, de acceso libre para el público que ha adquirido la entrada al espectáculo, que permiten profundizar en las obras del ciclo, su historia y los intérpretes.

Rigoletto, hasta aquí llegó la manada Melodramma en tres actos Música de Giuseppe Verdi (1813-1901) Libreto de Francesco Maria Piave, basado en la obra de teatro de Le roi s’amuse (1832) de Victor Hugo Teatro Real, 5 de diciembre de 2023 D. musical: Nicola Luisotti D. escena: Miguel del Arco Escenografía: Sven Jonke / Ivana Jonke Vestuario: Ana Garay Iluminación: Juan Gómez-Cornejo Coreografía: Luz Arcas D. coro: José Luis Basso Reparto: Javier Camarena, Ludovic Tézier, Adela Zaharia, Simon Lim, Marina Viotti, Cassandre Berthon, Jordan Shanahan, César San Martín, Fabián Lara, Tomeu Bibiloni, Sandra Pastrana, Inés Ballesteros Orquesta y Coro Titulares del Teatro Real Sobre la percutiente y obsesiva nota que protagoniza la dramática obertura de Rigoletto, se produce la primera escena inquietante. Una mujer recorre aterrada el patio de butacas perseguida por una “manada” de hombres hasta que le dan alcance, ya en el escenario. El desenlace de esta escena es de imaginar. La hija de Monterone ha sido violada. Así empieza este Rigoletto navideño y heteropatriarcal en el Teatro Real.No vamos a entrar en la variedad de aristas psicológicas y filosóficas de esta gran obra y de los personajes de una ópera tan conocida. Una obra que oculta, tras la más hermosa de las partituras, una historia y una realidad que sigue siendo terrible y por la que Verdi nos sigue planteando, de manera incómoda, todo tipo de interrogantes.Rigoletto es producto de un encargo que la Fenize de Venecia realizó al maestro Verdi. Éste propone a su libretista, Francesco Maria Piave, que consiga los permisos para poder llevar a escena una adaptación de la obra de teatro Le roi s´amuse (1832), de Victor Hugo, que había sido prohibida nada más ser estrenada, acusada de inmoralidad. Verdi pensaba haber encontrado en esta obra, el tema con mayor potencial dramático de su carrera. Tras múltiples negociaciones con la censura, un inteligente Verdi consiguió llegar a un acuerdo sibilinamente ventajoso, cambiarían los nombres de todos los personajes, que aludían a sagas familiares que aún existían, y retirarían las escenas más escabrosas. Una vez obtenido el permiso, apenas unas semanas antes del obligado estreno, Verdi terminó la obra y fue estrenada el 11 de marzo de 1851 con un éxito arrollador.En esta nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la ABAO Bilbao Ópera, el Teatro de la Maestranza de Sevilla y The Israel Opera, la música y la escenografía no llegan a encontrarse en casi ningún momento de la obra.Miguel del Arco es un gran director teatral, pero aceptar el encargo de su primera ópera, a cargo del Teatro Real, con una de las obras más consagradas del género y 22 funciones durante la navidad, puede ser un regalo envenenado. Verdi es uno de los grandes genios de la teatralidad, capaz de llevar la dramaturgia incluso a la vocalidad. Por eso es tan arriesgado tratar de buscarle las vueltas interpretativas a una ópera que viene de fábrica con todo incluido.Su escenografía es desconcertante, yo diría que un poco desafiante. Con ese ánimo de escandalizar que tienen algunos que se creen eso, con capacidad de escandalizar por poner a todas las figurantes de la obra realizando felaciones. Alguien debería haberle dicho que esas cosas en la ópera ya no son ni originales. El Duque de Mantua es ese persinaje capaz de interpretar las más bellas arias, al tiempo que es el mayor de los canallas. Del Arco profundiza en la parte infame del Duque, de la manera más descarnada. Para ello ha utilizado pocos elementos y muchos figurantes que aparecen distribuidos sobre el escenario, sin aparente criterio, pero con orden. A veces se mueven, a veces ¿bailan? En cualquier caso, las coreografías de Luz Arcas son demasiado simples y faltas de imaginación.El gran lupanar en el que se convierte la escena, está lleno de mujeres presentadas como entes ausentes, desprovistas de identidad y dignidad que deambulan por el escenario. Que solo sirven para distraer durante las arias más representativas de la obra. Si la intención era presentar una ópera feminista o, al menos, de reivindicación de la mujer, el intento es fallido.La parte positiva en esta escenografía, que la tiene, se centra en el uso que hace del telón, tanto al inicio, con una deslumbrante caida, como a lo largo de la obra, en la que los telones delimitan las estancias y alfombran algunas escenas. La combinación de los colores, tanto de los elementos escénicos, diseñados por Sven Jonke e Ivana Jonke, como los del vestuario de Ana Garay, crean por si mismos efectos visuales de gran belleza estética. Otro elemento cautivador es la iluminación de Juan Gómez-Cornejo, capaz de generar distintas atmósferas con gran precisión. A veces una buena iluminación es suficiente para describir o presentar una escena.Menos mal que en esta ocasión, lo más importante ha sido también lo mejor, la música. En el foso, un Luisotti en momento dulce, atento a todo y cuidando a los cantantes, que escénicamente estaban un poco desguarnecidos. Su dirección estuvo llena de detalles, dando continuidad a la música, que en todo momento daba sensación de fluidez y dinamismo.Muy bien también el coro de hombres del Teatro. Los cambios siempre son estimulantes. En la parte vocal hubo una terna algo desigual. El Duque de Mantua estaba interpretado por el tenor Javier Camarena. Ya desde el principio no se le veía muy cómodo. En Questa o quella tenía problemas con el fiatto. Entre volumen o agilidad, se decidió por volumen. Pero la cosa no mejoró con el avance de la obra. Los agudos quedaban un poco justos, pero los graves tampoco eran mejores. Una lástima que Camarena no se haya lucido como en otras ocasiones. Esperemos que su amplio repertorio no le pase factura y volvamos a escuchar el magnífico instrumento que tiene. El francés Ludovic Tézier dio vida a un notable Rigoletto. Con buena presencia escénica, aunque sin joroba y con pantalones al inicio de la obra, no con corpiño y medias como marcaba la escenografía, que uno tiene su dignidad. Se mostró algo frío en la interpretación, no así en la parte vocal, matizando y dramatizando vocalmente. No es Leo Nucci, pero convenció al público con su buen hacer. Tuvo uno de sus mejores momentos en el dúo con Gilda y en Vendetta. Bien en el fraseo y en lo más complejo del personaje, el legatto y las tesituras altas.Pero sin duda la más aplaudida de la noche fue la soprano rumana Adela Zaharia. Su Gilda fue excelente. Llena de dramatismo, pero sin el remilgo de otras intérpretes. Con agudos limpios y un registro central poderoso y delicado a la vez. Su Caro nome, de una bellísima factura, fue muy celebrado por el público. En la parte escénica también brilló, ofreciendo una Gilda con la candidez justa. El surcoreano Simon Lim resultó un Sparafucile muy creíble, con todo lo siniestro que puede llegar a ser este personaje. Muy bien en lo vocal, dramático y profundo y generando inquietud cada vez que salía a escena.La mezzosoprano suiza Marina Viotti estuvo magnífica en el breve, pero importante papel de Maddalena. Su presencia escénica, aumentada por unas impresionantes plataformas, y su imponente voz, otorgaron carácter y personalidad a este personaje un tanto frívolo.Rigoletto siempre es un regalo, en este caso, de Navidad. La partitura de Verdi y la dirección musical de Nicola Luisotti nos devuelven a la magia de la ópera.Texto: Paloma Sanz Fotografías © Javier del Real | Teatro Real

Flamenco Real despedirá el año con una propuesta alegre, vital, llena de emoción y esperanza, cargada de baile y, sobre todo, de celebración, porque así ha querido hacerlo El Yiyo, los días 13, 14 y 15 de diciembre, a las 19.00 horas, en el Salón de Baile del Teatro Real, con Jubileo.

El joven bailaor, referente de su generación, regresa al tablao del Real para presentar un espectáculo abierto al mundo, a las sensaciones que despiertan los sentidos, a la necesidad de compartir, a las ganas de vivir y festejar. Como una reunión improvisada de familia en la que se canta y baila, porque El Yiyo es parte de los suyos, pero también de los que le acompañan, de los trabajan con él, del público que asiste a sus espectáculos. Quiere empezar y seguir hasta donde nos lleve la fiesta.

Le acompañan en esta ocasión las voces de Carmen Amador y Joaquín Gómez “El Duende”, la percusión de José Córdoba “El Moskito” y la guitarra de Adán Pérez.

Dotado de unas extraordinarias cualidades para el baile y con una personalidad y estilo propios, el Yiyo se ha convertido en el intérprete flamenco más demandado por los tablaos de referencia y también por los grandes teatros, donde ha compartido escenario con nombres del cante como Estrella Morente, Pitingo o Miguel Poveda, por citar algunas .

Su arte bebe de las fuentes de la danza clásica, contemporánea y de las raíces flamencas con las que se ha criado y desarrollado, creando una amalgama original y depurada capaz de seducir a los puristas del flamenco, a los aficionados y al mundo de la moda, nacional e internacional, que ha encontrado en él una seductora imagen racial.

El Yiyo, y con él, Jubileo y los artistas que le acompañan, serán los protagonistas de la cena benéfica que cada Navidad se celebra en el Teatro Real con el fin de recaudar fondos para alguno de los objetivos recogidos en su Plan Estratégico 2021-2026. En esta ocasión, las donaciones estarán destinadas a la internacionalización del flamenco, proyecto por el que el Teatro está apostando con decisión y que, bajo la denominación Authentic Flameco, ha llevado este arte universal a más de 15 países de América, Europa, Oriente Medio, Asia y Oceanía, con una extraordinaria acogida del público en todas las ciudades donde ha estado presente.

La autenticidad y pureza de este arte, su energía racial, su expresión, su capacidad de adaptación y su belleza, dotan al flamenco de una magia capaz de sensibilizar y alcanzar el corazón de audiencias con culturas muy distintas, porque apela a sentimientos atávicos y sacude la raíz misma del ser humano. Por esa razón el flamenco es Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad y por esa razón, el Teatro Real, quiere dar un nuevo impulso que lo acerque a las nuevas generaciones.

La Deutsche Oper de Berlín presenta una nueva y emocionante producción de “El barbero de Sevilla” de Gioachino Rossini, bajo la dirección de Katharina Thalbach. Este absoluto clásico de la ópera buffa mundialmente conocido por su historia de amor tempestuosa entre el Conde Almaviva y Rosina, contará con la destacada interpretación de Juan de Dios Mateos en el papel protagonista.

Juan de Dios Mateos, quien ya brilló en esta producción durante la Navidad de 2021, compartirá escenario con otros talentosos artistas ‘rossinianos’ como Misha Kiria y Mattia Olivieri, Cecilia Molinari y Vasilisa Berzhanskya bajo la batuta de Lorenzo Passerini. En palabras de Mateos: “Es un honor regresar a esta producción especialmente en la prestigiosa Deutsche Oper de Berlín que considero mi segunda casa en Europa”.

El Conde Almaviva es un rol que Juan de Dios Mateos ha interpretado con éxito en varios teatros europeos, destaca por su complejidad artística “a parte de la amplia tesitura (incluyendo varios de los famosos Do de pecho que me permito añadir), hay que tener un buen legato, una coloratura bien asentada y dotes actorales que aúnen desde lo más apasionado del personaje a la parte más descarada y cómica.” añade el tenor.

“El rol del Conde Almaviva es uno de mis favoritos, lo he interpretado en Austria, Italia, Alemania y Noruega. Lamentablemente una oportunidad en el Cervantes de Málaga se truncó por la pandemia. Pero ahora, con entusiasmo, lo vuelvo a abrazar en la Deustche Oper de Berlín”.

La Deutsche Oper de Berlín es reconocida mundialmente como uno de los mejores teatros de Europa, acoge al tenor con gratitud y aprecio. “A pesar del imponente tamaño, siento que mi voz corre hasta la última butaca y siempre disfruto muchísimo de cada actuación”.

Esta producción, parte del repertorio clásico del teatro y ofrece una oportunidad única de revivir la genialidad de Rossini. Juan de Dios Mateos, apasionado del compositor, espera seguir interpretando su música por muchos años más demostrando así su versatilidad y virtuosismo. “Y es que este rol permite precisamente eso. Enseñar todas mis facetas, pero especialmente la cómica sin dejar de lado el ‘buen cantar’. No es hacer el payaso en escena, es precisamente en los gestos sutiles donde yo encuentro que se puede transmitir con más ahínco la genialidad de Rossini”.

Las funciones están programadas para los días 28 y 31 de diciembre de 2023. Los amantes de la ópera de Berlín (y del resto de Europa) están invitados a disfrutar de esta maravillosa producción que promete combinar virtuosismo vocal, expresividad actoral y la brillante comedia de Rossini.

Juan de Dios Mateos

El tenor tuvo un gran éxito en Madrid este octubre de 2023 con su debut en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, como primer papel en el estreno absoluto de la nueva ópera de El Caballero de Olmedo. La obra estaba dirigida por Lluís Pasqual a partir del libreto de Lope de Vega, con una música compuesta por Arturo Díez Boscovich y bajo la dirección musical de Guillermo García Calvo y escenografía de Daniel Bianco. En noviembre representó otra gran opera de Rossini en el Teatro Municipal de Santiago (Ópera Nacional de Chile) fue ‘El viaje de Reims’ interpretando el rol del Conte di Libenskof, papel con el que el cantante debutó en la prestigiosa Deutsche Oper Berlin. La puesta en escena estuvo a cargo de Emilio Sagi. Juan de Dios Mateos es un nombre destacado dentro de las nuevas voces operísticas a nivel global. Desde su debut en 2009, cuenta con un exitoso recorrido por teatros de todo el mundo.

Ha cantado en la Ópera de París, la Deutsche Oper Berlin, la Ópera de Sidney o el Teatro de Santiago de Chile, entre otros. En España, ha actuado en escenarios como el Gran Teatre del Liceu o el teatro Campoamor de Oviedo. Recientemente, ha debutado en el Teatro Cervantes de Málaga, con Carmina Burana.

Entre los papeles que ha interpretado, destacan Lindoro en La Italiana en Argel; el Conde de Almaviva en El barbero de Sevilla de Rossini; roles mozartianos como Ferrando en Così fan tutte y Don Ottavio en Don Giovanni; Nemorino en El elixir de amor de Donizetti; o Mercure en Les Fêtes d’Hébé de Rameau, entre otros.

Ha recibido varios premios, como el Plácido Domingo al mejor cantante español o el de la Fundación Ferrer-Salat en el 56º Concurso Internacional Tenor Viñas. En 2021 obtuvo galardones del Teatro Real, Teatro de la Zarzuela, Teatro de la Maestranza y ABAO Bilbao, entre otros. En 2023, ganó el Premio del Público en el Concurso Internacional de Lousada. Su formación incluye canto con Coral Morales y Carlos Aransay, y masterclasses con artistas como Raina Kabaivanska, Roberto Scandiuzzi, Jaume Aragall, etc.

El reconocido quinteto de viento regresa a España los días 12, 14 y 16 de diciembre con nueva Tournée en Madrid y Barcelona, y una variada selección de obras del género camerístico en atriles.

Tras su reciente actuación en el emblemático Schloss Hohenrain de Lucerna (Suiza) junto al chelista Florian Arnicans, el Azahar Ensemble ha elegido Madrid como punto de partida de su gira española. El CaixaForum, en pleno Paseo del Prado de la capital, acogerá el próximo 12 de diciembre el primer concierto del conocido quinteto de viento. En programa, la Serenata en Do menor KV 388 de Mozart (1756 -1791) en arreglo de David Walter, las Variaciones sobre temas de Joaquín Turina de José Luis Turina (1952), incluidas en su disco “Turina x Turina”, Humoreske, una de las últimas obras del compositor vienés Alexander von Zemlinsky (1872-1942), y las cinco Danses profanes et sacrées del compositor francés Henri Tomasi (1901-1971). El siguiente concierto de la gira española del Azahar Ensemble será el 14 de diciembre en L’Atlàntida, el complejo cultural situado en Vic. Además de la Serenata de Mozart, la formación interpretará Zehn Stücke für Bläserquintett de Ligeti (1923-2006), en los que el compositor explora las posibilidades tímbricas de los instrumentos. Además, tocarán el Quinteto de viento de Robert Gerhard (1896-1970), la primera de las obras del compositor catalán en la que emplea la técnica serial, y en la que se aprecia una clara influencia de Schoenberg, y Kleine Kammermusik, op. 24, nº 2, del compositor alemán Paul Hindemith (1895-1963).

El 16 de diciembre, L’Auditori de Barcelona será el escenario de la tercera y última cita de esta gira española del Azahar Ensemble, que volverá a interpretar las mencionadas obras de Gerhard, Hindemith y Ligeti para el público de la ciudad condal. Cabe señalar también que los conciertos de Vic y Barcelona serán grabados por Catalunya Música y Radio Nacional de España (RNE), respectivamente.

Fundado hace más de una década por cinco extraordinarios músicos de la JONDE, que actualmente ocupan los primeros atriles de orquestas tan prestigiosas como la Philharmonia Zürich o la Orquesta de la Komische Oper de Berlín, entre otras, el quinteto de viento Azahar Ensemble se ha consolidado como una de las formaciones camerísticas con más proyección del circuito europeo actual, actuando regularmente en festivales y salas de concierto de renombre como la Musikverein de Viena, la Philharmonie de Berlín, el Auditorio Nacional de Madrid, el Palau de la Música de Barcelona, el Prinzregententheater de Munich o el Mozarteum de Salzburgo, entre otros, con el reconocimiento unánime de la crítica especializada, que ha aplaudido su perfección técnica, el diálogo musical entre los distintos instrumentos del conjunto, su transparencia y rigurosidad tímbrica. Entre sus compromisos más inmediatos, cabe destacar su regreso a la Elbphilharmonie de Hamburgo el próximo mes de febrero, con obras de Mozart, Tomasi, Ursina Marina Braun y Carl Nielsen.

El lied alemán y la canción rusa convergen en la nueva cita del XXX Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela, en un recital que estará protagonizado por la soprano Erika Baikoff y el pianista Soohong Park. Ambos artistas debutan en el ciclo con un programa que rinde homenaje a las raíces de Baikoff, estadounidense de origen ruso considerada como una de las voces más prometedoras del momento. El concierto tendrá lugar el lunes 11 de diciembre, a las 20:00 horas, en el Teatro de la Zarzuela.

La primera parte de este recital incluye una selección de canciones de grandes compositores como Franz Schubert, Robert y Clara Schumann, y Erich Wolfgang Korngold; este último un autor que rara vez suele aparecer en el ciclo y cuya música hará las delicias del público. Tras una sucesión de piezas que miran hacia Oriente para ahondar en las raíces del Romanticismo, le tocará el turno a compositores cuya presencia en el concierto recordará la ascendencia rusa de la soprano: Nikolái Rimski Kórsakov, Serguéi Prokófiev y Serguéi Rachmaninov.

Discípula de maestros como Rudolf Piernay, la joven cantante Erika Baikoff es una de las grandes promesas de la lírica. Elogiada por la crítica por su perfecto dominio del espacio escénico, su fluida voz y su gran capacidad para expresar emociones, Baikoff ha sido galardonada con premios internacionales y también ha interpretado grandes papeles operísticos, como Juliet en Romeo and Juliet de Boris Blacher y Anna en Nabucco de Verdi. En esta ocasión, se subirá a las tablas del Teatro de la Zarzuela en el 30º aniversario del Ciclo de Lied con otra estrella del género, Soohong Park, uno de los pianistas más demandados de la actualidad y que ha actuado en grandes escenarios como el Wigmore Hall, el Barbican Centre o el Carnegie Hall.

De la canción alemana a la canción rusa

El programa se abrirá con tres piezas de Franz Schubert, el maestro indiscutible del lied, con emotivas canciones que evocan el esperado encuentro y la tristeza de las despedidas. Entre ellas, Baikoff interpretará Suleika I, D 720, considerada por Johannes Brahms como “el lied más hermoso jamás escrito”. Seguidamente, se intercalarán varias canciones de Robert y Clara Schumann, cargadas de un gran lirismo y del amor que sentían el uno por el otro, como Sie liebten sich beide, compuesto por Clara como regalo de cumpleaños para Robert. El primer bloque lo finalizarán tres obras de Drei Lieder, ciclo del austríaco Erich Wolfgang Korngold, entre ellas el elegante y exquisito Was du mir bist?.

La segunda parte del programa estará protagonizada por tres grandes autores rusos. De Nikolái Rimski-Kórsakov, conocido por grandes composiciones orquestales como la exótica y famosísima Scheherezade, se escucharán la melancólica Sé por qué en estas costas y la imaginativa Anoche durante tanto tiempo no pude dormir. Por su parte, la obra El patito feo de Serguéi Prokófiev ofrecerá al público la oportunidad de sumergirse en la popular fábula universal. El broche de oro lo pondrán obras maestras de Serguéi Rachmaninov, con piezas como No cantes más, belleza, que presenta rasgos que recuerdan a las óperas de Borodin, o la inquietante Estas noches de verano.

El Palau de les Arts Reina Sofía prosigue con su nueva producción de la Trilogía Tudor de Gaetano Donizetti con el estreno de la ‘Maria Stuarda’ este domingo, 10 de diciembre en la Sala Principal. El director artístico de Les Arts, Jesús Iglesias Noriega, ha presentado hoy esta segunda entrega del proyecto, realizado en coproducción con la Dutch National Opera de Ámsterdan y el Teatro San Carlo de Nápoles, que se centra en uno de los “personajes históricos más controvertidos y fascinantes de su época: una mujer envuelta en cambios políticos, sociales y religiosos que marcarían un nuevo curso de la historia de Europa”.

En la rueda de prensa, le han acompañado Maurizio Benini, director musical, Jean-François Kessler, director de escena de la reposición del montaje; y la soprano Eleonora Buratto, protagonista de la obra.

Jesús Iglesias Noriega ha destacado que ‘Maria Stuarda’ supone uno de los títulos imprescindibles para los amantes del ‘bel canto’ no solo por la belleza y exigencias vocales de su partitura, además de la fuerza de su dramaturgia: “un triángulo amoroso, dos reinas enfrentadas por un trono y un hombre”.

En su intervención, Iglesias Noriega he recordado la excelente acogida de ‘Anna Bolena’ en 2022, que inició “el primer gran proyecto operístico de Les Arts’ en esta nueva etapa” y que concluirá en la Temporada 2024-2025 con el estreno de ‘Roberto Devereux’.

“La Trilogía Tudor de Les Arts supone una ambiciosa y también meditada apuesta artística”, ha explicado, para la que se ha conformado un equipo artístico y musical de referencia dentro del panorama operístico actual”.

Maurizio Benini, uno de los más reputados expertos en belcanto, asume la dirección musical de los tres títulos en València. Invitado habitual de los teatros de ópera más prestigiosos, entre ellos Metropolitan de Nueva York, Ópera de París, Staatsoper de Viena, Covent Garden de Londres, recibió excelentes críticas por su trabajo con el Cor de la Generalita y la Orquestra de la Comunitat Valenciana la pasada temporada.

Lilian Stillwell, que concluirá con el estreno del último de los títulos de la trilogía, ‘Roberto Devereux’. Esta segunda entrega de la Trilogía enfrenta a Isabel I, reina de Inglaterra, y a María Estuardo, reina exiliada de Escocia, en una lucha encarnizada que tiene tanto que ver con el poder como con el amor y la rectitud moral.

La directora holandesa propone en ’Maria Stuarda’ un montaje menos realista que ‘Anna Bolena’, en el que ahondará más en los miedos, las pesadillas y las obsesiones de los personajes. Mijnssen considera crucial el papel de Elisabetta (Reina Isabel), además del de Maria. Su objetivo es presentar a ambas mujeres como personajes complejos y con múltiples capas.

Después de sus aplaudidas intervenciones en ‘Anna Bolena’, repiten en ‘Maria Stuarda’, la soprano Elenora Buratto, en el papel protagonista, la mezzosoprano Silvia Tro Santafé y el tenor Ismael Jordi.

Buratto, que debutará en València los tres roles protagonistas de la Trilogía, aborda en esta ocasión una de las partituras para soprano más temidas, que hasta la fecha han inmortalizado las grandes divas del género. Silvia Tro Santafé encarna en Les Arts a Elisabetta (Reina Isabel) uno de sus papeles de referencia en su repertorio, por el que ha recibido excelentes críticas. Mientras que Ismael Jordi, que ganó el Premio Talía por su intervención en Les Arts en ‘Anna Bolena’, repetirá en el rol de Leicester en València, después de su éxito en el estreno de esta coproducción en la Dutch National Opera.

‘Maria Stuarda’ supone también el regreso a Les Arts del emergente bajo alicantino Manuel Fuentes (Giorgio Talbot), que debutó en Valencia en ‘La Bohème’ en 2022, y el ascendente barítono Carles Pachon, que tras su celebrado Dandini en ‘La Cenerentola’ cantará el rol de Lord Guglielmo Cecil.

Cierra el elenco Laura Orueta (Anna Kennedy), antigua alumna del Centre de Perfeccionament. ‘Maria Stuarda’ se estrena el domingo, 10 de diciembre, a las 18.00 h. Las restantes representaciones tendrán lugar los días 13, 16, 19 y 22 de este mismo mes.

Fotografía © Miguel Lorenzo-Les Arts

A punto de cumplirse 150 años de su estreno en Viena, podrá escucharse por primera vez en el Teatro Real El murciélago (Die Fledermaus) opereta de Johann Strauss hijo (1825-1899), llena de humor refinado, ironía, trama desenfadada y una elegancia musical que consagraron el título desde el momento de su estreno.

Su libreto, lleno de enredos amorosos y cambios de identidades que suceden en una fiesta de disfraces, con un baile inolvidable y un optimismo desbordante, han hecho de El murciélago un clásico en la programación navideñas de los teatros líricos, especialmente en Austria y Alemania. Ahora, por fortuna, se une a esta tradición centroeuropea dando a conocer la obra de Johan Strauss.

La alegría y la frivolidad de esta opereta vienesa están sustentadas en una partitura de enorme musicalidad y una exigencia vocal compleja, que la elevan por encima de su género. El reto, y el disfrute, de interpretarla estarán en manos del director de orquesta Marc Minkowski, al frente de su formación Les Musiciens du Louvre y de un reparto coral que contará, en los papeles principales con Huw Montague Rendall (Gabriel von Eisenstein), Jacquelyn Stucker (Rosalinde), Marina Viotti (Príncipe Orlofsky), Magnus Dietrich (Alfred), Leon Košavić (Dr. Falke), Krešimir Špicer (Dr. Blind), Alina Wunderlin (Adele), Sandrine Buendía (Ida) y Sunnyi Melles (Frosch).

Completa el elenco artístico el Cor de Cambra del Palau de la Música Catalana, dirigido por Xavier Puig.

La soprano jerezana Maribel Ortega será una de las destacadas protagonistas de dos noches excepcionales dedicadas a la música clásica, el jueves 14 y el viernes 15 de diciembre en Teatro Cervantes de Málaga. Bajo la dirección de José María Moreno, la velada se centrará en la interpretación de la segunda sinfonía en Si bemol mayor OP.52, ‘Lobgesang’ de Felix Mendelssohn, una obra compuesta en su origen para conmemorar el cuarto centenario de la invención de la imprenta y que actualmente es muy rara vez interpretada. Se estrenó en el año 1840 en Alemania y ahora llega a Málaga con un elenco estelar que cuenta con la participación de Marina Pinchuk como segunda soprano, el tenor José Bros, la coral Cármina Nova dirigida por Michele Paccagnella y la orquesta filarmónica de Málaga.

“Estoy muy contenta e ilusionada de volver a cantar en Málaga después de casi cinco años” aseguraba la cantante “esta obra maravillosa es un Canto de alabanza y de alegría. Participar en este concierto sinfónico supone un reencuentro con la música de Mendelssohn, con la Orquesta Filarmónica de Málaga y con el maestro José María Moreno, con quien ya he trabajado en otras ocasiones y con el que siempre es un placer hacer música.”

Maribel Ortega, reconocida por su virtuosismo lírico, asume el papel de Soprano 1 en una interpretación que promete transportar al público a través de los diversos movimientos de esta obra maestra que va desde la majestuosidad hasta la más absoluta solemnidad. La combinación de su talento junto al de otras destacadas voces y la dirección experta de José María Moreno aseguran una experiencia musical inolvidable.

La composición de Mendelssohn presenta una estructura similar a la novena sinfonía de Beethoven, tiene tres movimientos instrumentales seguidos de una sección coral. El compositor dotó a esta sinfonía de una complejidad melódica única utilizando variaciones y motivos recurrentes que revelan su habilidad como compositor.

Las funciones comenzarán a las 20:00 horas brindando a los amantes de la música clásica una oportunidad única de sumergirse en la majestuosidad de la obra de Mendelssohn. Las entradas ya están disponibles en las taquillas del teatro cervantes de málaga y en su página web.

Maribel Ortega

La soprano lírico-spinto Maribel Ortega es una rara avis en el paisaje lírico español de hoy. Su talento para el registro dramático no es habitual dentro de nuestras fronteras y la acerca a roles de la ópera alemana, nórdica y del este de Europa. Por eso ha interpretado la mayoría de los roles protagonistas del repertorio lírico dramático, tanto en España como en el extranjero.

Natural de Jerez de la Frontera (Cádiz), Ortega se tituló en Canto por la Guildhall School of Music and Drama de Londres y en el Conservatorio Superior de Música del Liceu con Enriqueta Tarrés. Desde entonces se ha perfeccionado con Cynthia Sanner, profesora de la Juilliard School y Carlos Aransay. Además, la soprano tiene una pasión oculta, la enología, ya que es licenciada en Ciencias Químicas, con especialización en Enología y Fermentaciones Industriales.

Desde su debut en el papel principal de Norma en la Ópera de Cataluña (2006), destacan sus colaboraciones con el Gran Teatro del Liceo, la Ópera de Oviedo, el Teatro São Pedro de Brasil, el Palau de Les Arts o el Teatro alla Scala bajo la dirección musical de Valery Gergiev y Pier Giorgio Morandi, entre otros, en roles principales de obras como Turandot, Macbeth, Madama Butterfly o Die Walküre.

Ha ganado numerosos concursos líricos y becas como la “Rosa Maria Tarruel”, el Otoño Lírico Jerezano, “Mirabent i Magrans”, “Germans Pla”, “Ciudad de Zamora”, “Jaume Aragall”, ha recibido el premio Cantante Revelación de la crítica de los Amics del Liceu por su Lady Macbeth (2006, Sabadell) y Mejor voz femenina de los Amigos del Teatre Principal de Palma por Nabucco (2016, Palma). MaribelOrtega©nanigutierrez

Segunda Sinfonía en Si bemol mayor Op.52, ‘Lobgesang’

Soprano 1 Maribel Ortega

Soprano 2 Marina Pinchuk

Tenor José Bros

Coral Cármina Nova

Director Michele Paccagnella

Orquesta filarmónica de Málaga

Localidad: MÁLAGA

Lugar: TEATRO CERVANTES

Horario: 20.00 HORAS.

Fecha: 14 y 15/12/2023.

Los próximos días 7 y 8 de diciembre, la famosa chelista franco-belga Camille Thomas actuará por primera vez en Sevilla como solista invitada de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, en los conciertos que ofrecerá la formación andaluza en el Teatro de la Maestranza, bajo el título La belle époque. En su debut con la ROSS, Camille Thomas interpretará el Concierto para violonchelo y orquesta en Re menor de Édouard Lalo (1823-1892), una de las obras más conocidas del compositor francés junto a la Sinfonía española, bajo la dirección de Marc Soustrot, que ha diseñado una velada muy francesa, en la que sonarán también obras de Berlioz, Lili Boulanger y Arthur Honegger.

Considerada como una de las chelistas más destacadas del actual panorama musical internacional, Camille Thomas ya ha interpretado el concierto para chelo de Lalo junto a la Accademia Nazionale di Santa Cecilia de Roma y Mikko Franck en el Festspielhaus Bregenz (Austria), y con la Tampere Philharmonic Orchestra dirigida por el propio de Marc Soustrot en el Tampere Hall (Finlandia), entre otras ciudades, pero se siente especialmente ilusionada de interpretar esta obra en la capital hispalense: “El concierto de Lalo raramente se interpreta y creo que es una pena porque es una verdadera obra maestra y es fantástico poder tocarla en Sevilla. Además, es una obra muy especial para mí porque se estrenó en París en el siglo XIX, pero está dedicada a un chelista belga, y yo nací en París de padres belgas, así que, en cierto sentido, está muy cercana a mí… De todas formas, para mí, es una obra totalmente española porque, aunque tenga esa nostalgia y melancolía, también tiene danza, como en el último movimiento, que parece fire dancing… De hecho, cada vez que toco esta obra, siempre pienso en Sevilla y en Andalucía”.

Camille Thomas es artista de Deutsche Grammophon desde 2017, año en el que se convirtió en la primera chelista en más de cuarenta años en firmar un contrato en exclusiva con el prestigioso sello amarillo. Y su último proyecto discográfico con DG, la trilogía The Chopin Project en la que han participado, entre otros, el chelista Wolfgang Emanuel Schmidt, el violinista Daniel Hope, los pianistas Julien Brocal, Julien Libeer y Lucas Debargue, o la conocida cantante y actriz Jane Birkin, alcanzó la cifra de 10 million streams.

El próximo mes de enero, Camille Thomas regresará a España para debutar con la Orquesta Sinfónica RTVE, con la que interpretará la première madrileña de Never Give Up, el concierto para violonchelo y orquesta, que el compositor y pianista turco Fazil Say compuso expresamente para ella.

Fotografía (C) Edouard Brane

Del 4 al 8 de diciembre, el Auditorio Ciudad de León acogerá una nueva edición del Festival Internacional de Música de Cámara “Fundación MonteLeón”, en la que participarán destacados intérpretes nacionales e internacionales de la conocida como chamber music, musique de chambre, Kammermusik o musica da camera.

Como marcan los cánones del festival leonés, el concierto inaugural correrá a cargo de un grupo invitado consagrado de renombre internacional, que en esta ocasión será el famoso Ensemble Diderot, uno de los conjuntos de cámara con instrumentos de época más destacados y con más premios discográficos del circuito actual internacional. Fundado y dirigido por el violinista Johannes Pramsohler y con sede en París, el Ensemble Diderot llegará el 4 de diciembre a León en plena celebración del quince aniversario de su fundación, tras actuar recientemente en el prestigioso Festival Bach Montréal. En programa, Sonatas para tres violines de Gabrieli, Schmelzer, Buonamente, Fontana, Fux, Purcell y Torelli, entre otros.

El día 5 de diciembre, será el turno del repertorio para piano trio (violín, chelo y piano) con el Tempus Trío, ganador de numerosos concursos internacionales y grupo residente del ciclo de conciertos del Palacio de Mirabell de Salzburgo, ciudad en la que actualmente prosigue su formación en música de cámara en la Universidad Mozarteum. Integrado por María Tió (violín), Ferran Bardolet (chelo) y Ricard Rovirosa (piano), el Tempus Trío interpretará obras de Mozart, Schubert y Mendelssohn. Al día siguiente, el miércoles 6 de diciembre, el dúo formado por la soprano Mireia Tarragó y la pianista Carmen Santamaría ofrecerán una auténtica Liederabend, con una selección de conocidas obras de Hugo Wolf (Italienisches Liederbuch), Gustav Mahler (Des Knaben Wunderhorn) y Alma Mahler (Fünf Lieder). Además, interpretarán también chansons de Debussy, songs de Rebecca Clarke y canciones de Antón García Abril.

El jueves 7 de diciembre, la violinista Alma Olite y el pianista Jorge Nava tocarán Sonatas para violín y piano de Alicia de Larrocha, Poulenc y César Franck. Alma Olite cuenta con una amplia formación en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid y la Zürcher Hochschule der Künste de Suiza. Por su parte, Jorge Nava se formó en La Paz, Barcelona y Londres, y ha sido ganador de más de una veintena de concursos.

El trío formado por Pablo Barragán, clarinetista español afincado en Berlín, la violinista holandesa Noa Wildschut y el pianista alemán Frank Dupree será el encargado de clausurar la edición de este año, con obras de Bartók, Joseph Horowitz, Claude Vivier y Paul Schoenfield en atriles. Invitado en festivales de música de cámara como Classiche Forme o el Festival Martha Argerich, entre otros, Barragán ha actuado con artistas como Beatrice Rana, Pablo Ferrández o Kian Soltani. La violinista Noa Wildschut, considerada una auténtica “niña prodigio”, es artista exclusiva de Warner Classics y ha compartido escenario con figuras de la talla de Anne-Sophie Mutter, Janine Jansen y Menahem Pressler. El pianista Frank Dupree, ganador del Premio Opus Klassik 2018, ha trabajado con compositores como Péter Eötvos y Wolfgang Rihm, y ha actuado en salas de concierto de renombre internacional como el Wigmore Hall londinense o el Konzerthaus de Berlín.

El director artístico de la Compañía Nacional de Danza, Joaquín De Luz, junto a la maestra de ballet Petrusjka Broholm y la directora del Teatro de la Zarzuela, Isamay Benavente, han presentado esta mañana el último montaje de la CND, el ballet La Sylphide, que podrá verse en este teatro del 7 al 17 de diciembre en 10 únicas funciones.

Tras el éxito estival de los programas América y Europa, la compañía dirigida por Joaquín De Luz vuelve al Teatro de la Zarzuela para estrenar el montaje de este ballet romántico en dos actos. Para su puesta en escena la CND ha contado con la reputada maestra de ballet danesa Petrusjka Broholm. Nombres tan conocidos como los de Elisa Sanz en la escenografía, Tania Bakunova en el diseño de vestuario y Nicolás Fischtel en el diseño de iluminación avalan igualmente esta producción.

La música de Herman Severin Løvenskiold será interpretada en directo por la ORCAM, orquesta titular del Teatro de la Zarzuela bajo la dirección de los maestros Daniel Capps y Tara Simoncic.

Seis elencos de bailarines llevarán al escenario del Teatro de la Zarzuela entre el 7 y el 17 de diciembre la historia de amor imposible de James y la Sylphide. Entre ellos se encuentra Joaquín De Luz, director de la CND que interpretará el papel de James el día 13 de diciembre.

Todas las funciones de La Sylphide en el Teatro de la Zarzuela están incluidas en el programa joven del INAEM y en el Bono Cultural del Ministerio de Cultura y han contado con el patrocinio y colaboración del Hotel Mandarín Oriental Ritz Madrid.

La producción viajará posteriormente a Sevilla, donde se representará del 11 al 13 de enero de 2024 en el Teatro de la Maestranza.

«La Sílfide», ballet en dos actos fue originalmente creada con coreografía de Filippo Taglioni y música de Jean Schneitzhoeffer, basada en el libreto de Adolphe Nourrit, y se estrenó en 1832 en la Ópera de París. En 1836 August Bournonville creó una nueva coreografía con nueva música de Herman Løvenskiold sobre el mismo libreto para el Teatro Real de Copenhague. Esta segunda versión es la que se encuentra en el repertorio de las mejores compañías del mundo. Con esta obra se alcanza la idealización del ballet romántico a través de la etérea sílfide, símbolo del amor inalcanzable.

Sinopsis: Cuando la sílfide conoce a James, el granjero escocés y se adentra con él en el mundo de la belleza, un amor eterno comienza. Desafortunadamente para ellos, la bruja y adivina Madge ha jurado venganza contra James después de que él la rechazara. Una maldad horrible que llevará a trágicas consecuencias a los jóvenes amantes.

Funciones y horarios:7, 8, 9, 10, 12, 13, 14, 15, 16 y 17 de diciembre de 2023 · 20:00 h
(Domingos 18:00 h)

El próximo lunes, 4 de diciembre, el Teatro Real acogerá una única representación de Il ritorno d’Ulisse en patria, obra clave de Claudio Monteverdi que estará interpretada por la formación barroca I Gemelli, con su fundador y director, Emiliano González Toro, al frente de la dirección musical y dando vida al papel protagonista, Ulises.

Un reparto de voces especializadas en repertorio barroco –David Hansen, Fleur Barron, Matilde Etienne, Emoke Barát, Álvaro Zambrano y Christian Immler, entre otros- afrontará la delicada lectura de una partitura a la que I Gemelli y González Toro han dedicado años de estudio, ensayos, trabajo, análisis y pasión, para sacar adelante un proyecto cuya grabación ha recibido importantes reconocimientos internacionales.

Estrenada en Venecia en 1640, en el Teatro San Casiano, Il ritorno.. se convierte en una obra importantísima en la producción de Monteverdi, ya que tanto el planteamiento orquestal como la estructura dramática de la obra suponen una evolución respecto a L’Orfeo, compuesta 33 años antes. En el aspecto musical hay una reducción ornamental en la orquesta y un mayor protagonismo de la palabra; texto y música alcanzan en esta obra una situación de igualdad que la hace moderna y anticipa el futuro de la ópera.

El sentido dramatúrgico y teatral tienen en Il ritono .. una importancia primordial. Aquí los personajes miran hacia dentro y reflexionan sobre las preguntas eternas (vida, amor, muerte, tiempo..). Con libreto de Giacomo Badoaro, basado en la Odisea de Homero y el mito de Ulises, hombres y dioses dialogan bajo el espíritu del Renacimiento sobre el hombre como medida del Universo.

ACTIVIDADES PARALELAS

MUSEO DEL ROMANTICISMO

VISITA-TALLER INFANTIL

Cuenta la leyenda

Las leyendas y los mitos son historias que muestran costumbres y tradiciones, y cuyos protagonistas, héroes y heroínas, dioses y diosas, realizan hazañas asombrosas. En esta visita-taller para niños entre 6 y 12 años, y con una duración de dos horas, nos centramos en algunos personajes sobrenaturales y mitológicos que pueblan el museo.

15 de diciembre. 17.00 h

16 de diciembre. 11.00 h
Actividad gratuita hasta completar aforo previa inscripción en su web

MUSEO DE HISTORIA DE MADRID

EXPOSICIÓN

El mayor encanto, amor

En el estanque del Retiro hubo una isleta con árboles, caminos y pequeñas construcciones, donde se estrenó en 1635 el auto sacramental de Calderón de la Barca titulado El mayor encanto, amor. El público que acuda al Museo podrá ver en la exposición permanente una maqueta del escenario de aquella representación que narraba un episodio de la Odisea, en el que los marineros del barco de Ulises son convertidos en cerdos por la maga Circe.

Gratuito para los visitantes del museo

MUSEO NAVAL

TEATRO DE SOMBRAS

El regreso de Ulises

Las pérfidas sirenas, el cíclope Polifemo o la maga Circe que se encontró Ulises en su vuelta a Ítaca por el Mediterráneo son algunos de los personajes de la Odisea de Homero y que ahora el museo presenta a través de una única función de teatro de sombras chinas para niños entre 5 y 12 años.

3 de diciembre. 17.00 h

Actividad gratuita hasta completar aforo previa inscripción en este enlace

MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE MADRID

VISITA GUIADA

La distancia entre A y B es la misma que entre B y A

A través de las creaciones de diferentes generaciones de artistas, se hará un recorrido por las obras de la exposición, hilando las conexiones entre las piezas mostradas y la ópera de Monteverdi. Pintura, escultura, fotografía y textil se unen para dar vida a la propuesta.

20 de diciembre. 18.00 h

Actividad gratuita hasta completar aforo previa inscripción

La agenda de Eleonora Buratto, salpicada de grandes personajes en los mejores teatros del mundo, recala este mes de diciembre en España para afrontar otro reto en su carrera: debutar el personaje protagonista de Maria Stuarda en el Palau de Les Arts de Valencia. La soprano nacida en Mantua continua esta temporada interpretando la Trilogía Tudor al completo que Donizetti compuso en torno a la figura de la dinastía británica; se trata de un proyecto del teatro valenciano pensado especialmente para ella que inició en 2022 con Anna Bolena en el que Eleonora Buratto consiguió un éxito incontestable y unánime de la crítica internacional, para finalizar en 2024 con Roberto Devereux. Se trata de tres títulos belcantistas de extrema dificultad para la protagonista, tanto vocal como dramáticamente, que Buratto afronta con “muchísima ilusión”, asegura. “Tengo un recuerdo maravilloso de cada una de las funciones que viví el año pasado de Anna Bolena y de la respuesta del público tan cariñosa. No veo la hora de sentir nuevamente esa acogedora energía con esta otra obra maestra que es Maria Stuarda; como italiana siento una gran responsabilidad al afrontar a un personaje tan fascinante: en realidad es un honor dar vida a Maria I Estuardo, Reina de Escocia, porque me apasiona la historia y porque Donizetti es uno de los pilares fundamentales de la tradición de la escuela italiana”. La obra fue estrenada en el Teatro San Carlo de Nápoles en 1834 bajo el título de Buondelmonte y el libreto, de Giuseppe Bardari, fue modificado debido a la censura: se basaba en una obra de Friedrich von Schiller y contenía escenas que nunca tuvieron lugar en la realidad, como el encuentro entre la prisionera Maria Stuarda y la Reina Elisabetta. Un año más tarde, en 1835, se estrenó en la Scala de Milán ya como Maria Stuarda “protagonizada nada menos que por la mítica Maria Malibran”, continúa Eleonora Buratto. “Hoy en día todos tenemos presente a las grandes cantantes que en el siglo XX la interpretaron desde su exhumación en 1958, en Bérgamo, con las grandes Leyla Gencer y Shirley Verret en los roles principales, desde Montserrat Caballé a Beverly Sills o Joan Sutherland”.

En este regreso a España Buratto destaca el reencuentro “con el espléndido equipo creativo y de colegas con los que el año pasado se creó un ambiente de trabajo inmejorable”. Como en Anna Bolena, Eleonora Buratto compartirá nuevamente el escenario con la mezzosoprano Silvia Tro Santafé (Elisabetta) y el tenor Ismael Jordi (Leicester), en una producción firmada escénicamente por Jetske Mijnssen y con el maestro Maurizio Benini en el podio al frente de la Orquestra de la Comunitat Valenciana y del Cor de la Generalitat. Las funciones están programadas para los días 10, 13, 16, 19 y 22 de diciembre de 2023.

El calendario de la temporada 2023/2024 de la soprano italiana, que inició en septiembre con Suor Angelica de Il Trittico de Puccini en la Staatsoper de Viena y siguió con Otello de Verdi en la Bayerische Staatsoper de Múnich, continuará a finales de diciembre con importantes compromisos como el Concierto de Año Nuevo en La Fenice de Venecia, Simon Boccanegra en La Scala de Milán, Madama Butterfly en su regreso a la Metropolitan Opera de Nueva York y el Requiem de Verdi en la Kölner Philharmonie junto a Michele Mariotti.

Fotografía: Dario Acosta

El famoso conjunto de cámara con sede en París, Ensemble Diderot, fundado y liderado por el violinista Johannes Pramsohler, acaba de sacar al mercado un nuevo trabajo discográfico en el sello Audax Records con Trio Sonatas de Johann Gottlieb Goldberg (1727-1756) y Wilhelm Friedemann Bach (1710-1784). Se trata de un disco muy especial, con el que el Ensemble Diderot celebra su doble aniversario: quince años de actividad como ensemble, y diez años de su propia label Audax Records.

Tras explorar otras formas musicales del repertorio camerístico como las Sonate a quattro o Concerti para una plantilla más amplia en sus anteriores trabajos de estudio, el Ensemble Diderot regresa a su core repertoire de las trio sonatas con la formación original del ensemble. Johannes Pramsohler (violín), Roldán Bernabé (violín), Gulrim Choï (chelo) y Philippe Grisvard (clavicembalo) interpretan obras de dos de los mejores alumnos de Bach: Goldberg, el niño prodigio y virtuoso del clavicembalo, que todos conocemos por las célebres Variaciones Goldberg, y Wilhelm Friedemann Bach, hijo mayor de Bach y primer profesor de Goldberg. “Aunque uno puede asumir que Bach también escribió sonatas a trío para la instrumentación de dos violines y bajo continuo, no conservamos ninguna”, señala Johannes Pramsohler en las notas del booklet, “pero no hay nada más cercano que las cuatro sonatas conservadas para dos violines y basso continuo de Goldberg. En su estilo, pero también en su estructura, las trio sonatas de Goldberg están claramente ligadas a la joya de la corona del arte de la trio sonata: la trio sonata de la Ofrenda Musical de Bach”, concluye Pramsohler, que obtuvo el Doctorado en Interpretación historicista por la Royal Academy of Music de Londres con una tesis sobre el repertorio para trio sonata en Francia e Inglaterra.

Esta nueva propuesta discográfica se suma al extenso y variado catálogo del sello Audax Records, que el propio Johannes Pramsohler fundó inicialmente en 2013 como plataforma artística para los músicos del Ensemble Diderot y associated artists, y a lo largo de esta década se ha convertido en una de las labels europeas más innovadoras, productivas y premiadas de los últimos años. Fiel a su filosofía de Stay curious, Audax ha dejado testimonio discográfico de numerosas obras inéditas y repertorios menos conocidos, fruto de un profundo estudio musicológico para ofrecer al oyente una experiencia global e inmersiva en la obra y su contexto.

Esta temporada, el Ensemble Diderot regresará a España para dos únicas citas: el próximo 4 de diciembre será el encargado de inaugurar el XII Festival Internacional de Música de Cámara “Fundación MonteLeón” en el Auditorio “Ciudad de León”, y el 17 de enero se presentará por primera vez en el Auditorio Nacional de Madrid, en el ciclo “Universo Barroco” del CNDM.

Fotografía: Edouard Brane

El ciclo de ‘Lied’ del Palau de les Arts Reina Sofía cierra su calendario de actuaciones para 2023 con uno de los grandes debuts de la temporada, el del bajo-barítono Gerald Finley, este domingo, 3 de diciembre, a las 19.00 h en la Sala Principal.

Acompañado por el pianista Julius Drake, el cotizado cantante propone un selecto programa para su primer recital en Valencia, en el que compagina el romanticismo alemán de Schubert y Schumann, con canciones del repertorio anglosajón y piezas de la ‘mélodie’ francesa.

Ganador de un premio Grammy, el artista canadiense es uno de los favoritos de la crítica internacional tanto por sus incursiones en los principales teatros y festivales de ópera del circuito, como por su intensa actividad como solista en los auditorios y salas de concierto de mayor prestigio.

La belleza de su timbre, su elegancia en el fraseo, junto con su presencia escénica, han encumbrado a Finley entre las grandes estrellas del ‘Lied’, particularmente por sus interpretaciones del repertorio alemán, por las que se le equipara con auténticos referentes como Christian Gerhaher.

En su primera visita a Les Arts, Gerald Finley dedicará la primera parte del recital a dos de los grandes compositores del género con los textos del poeta Heinrich Heine como hilo conductor, con una selección del ‘Schwanengesang’ de Franz Schubert, y ocho ‘Lieder’ de Robert Schumann.

Tras el descanso, el cantante canadiense propone melodías de Henri Duparc como ‘Sérénade’ o ‘Soupir’, a las que seguirán canciones de anglosajones como Benjamin Britten, Ralph Vaughan Williams, Charles Ives y Cole Porter.

La reciente actuación de Finley y Drake con este mismo programa en el XXX Ciclo de Lied del CNDM causó sensación entre los amantes del género y la prensa especializada.

Las entradas para el primer recital de Gerald Finley en Les Arts tienen un precio entre 25 y 37 euros.

Les Arts és Lied
‘Les Arts és Lied’ acerca un año más al teatro valenciano a las mejores voces de este género, que se consolida como una de las principales apuestas de la programación.

Tras la actuaciónes de Lise Davidsen y Gerald Finley, la agenda de 2024 incluye la primera incursión en este género de la cotizada diva operística Ermonela Jaho (4 de febrero), además, del regreso de Andrè Schuen (14 de marzo) con su esperado programa con la Orquestra de la Comunitat Valenciana.

Cerrará el ciclo, la mezzosoprano Ekaterina Semenchuk (14 de abril), que, tras sus anteriores actuaciones en Valencia como intérprete de ópera, presentará en Les Arts su faceta como ‘liederista’.

Fotografía: MarshallLight Studio

El coro belga Vox Luminis, considerado como una de las agrupaciones vocales más prestigiosas del panorama actual, se enfrentará al majestuoso Officium defunctorum de Tomás Luis de Victoria, obra cumbre del repertorio español, en el marco del ciclo Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM). Es la primera vez que Vox Luminis presenta este repertorio en España, tras haberlo interpretado en prestigiosos festivales internacionales. Bajo la dirección de Lionel Meunier, completará el programa con un conjunto de motetes del propio Victoria y de Cristóbal de Morales, ofreciendo una panorámica completa del esplendor vocal de la época. El concierto tendrá lugar el miércoles 29 de noviembre, a las 19:30 horas, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música.

Tomás Luis de Victoria, nacido en Ávila y formado en Roma, es uno de los más grandes compositores del Renacimiento y un maestro indiscutible de la música sacra. Su Officium defunctorum, que protagoniza este concierto del CNDM, es una obra maestra de la polifonía que destaca por su profundidad emocional y su refinada técnica contrapuntística. Esta pieza, que fue compuesta para las exequias de la emperatriz María de Austria, hermana de Felipe II, en 1603, es un testimonio del genio musical de Victoria y su habilidad para fusionar el rigor técnico con una expresividad conmovedora.

Escrito a seis voces y basado en melodías gregorianas, el Officium defunctorum tiene una gran trascendencia en la historia de la música española. Con su estructura cuidadosamente tejida y su rica textura vocal, la obra ilustra perfectamente el estilo polifónico que Victoria dominaba magistralmente. La partitura está cargada de emotividad y, frente al contrapunto virtuosístico practicado por los compositores flamencos de la época, en esta obra la música fluye con elegante naturalidad.

Además de esta gran obra, Vox Luminis también interpretará un conjunto de motetes de Victoria y de Cristóbal de Morales, compositor que también marcó un antes y un después en la música sacra de su tiempo. Ambos fueron los principales polifonistas españoles que trabajaron y triunfaron durante el siglo XVI en la capilla papal de Roma. Estas piezas reflejan desde el lamento penitencial hasta la exaltación de la Asunción; ejemplos brillantes de cómo la música puede trascender su función litúrgica para convertirse en un arte sublime.
El valor de nuestro patrimonio musical

Este concierto pone en valor el rico patrimonio musical de nuestro país y su influencia en la historia de la música occidental de la mano de uno de los conjuntos vocales más reconocidos internacionalmente por su interpretación de la música renacentista y barroca. El concierto permitirá al público disfrutar de la belleza de la música antigua, así como apreciar cómo intérpretes contemporáneos pueden dar nueva vida a estas obras atemporales. Esta celebración de la música sacra española en manos de uno de los ensembles más destacados del mundo también se ha disfrutado esta temporada en Salamanca y en Úbeda y Baeza a través de los Circuitos del CNDM.

Vox Luminis © Mario Leko

Sobre Lionel Meunier, bajo y dirección

Nacido en Francia, Meunier se formó como cantante y flautista y comenzó su carrera como bajo en conjuntos de renombre como Collegium Vocale Gent, Amsterdam Baroque Choir y Cappella Pratensis. En 2013, recibió el título de «ciudadano del año» de Namur. Reconocido internacionalmente como fundador y director artístico del galardonado conjunto vocal belga Vox Luminis, el director de orquesta y bajo francés Lionel Meunier es considerado como uno de los líderes en activo más dinámicos y aclamados en el ámbito de la interpretación históricamente informada y la música coral. Elogiado por su enfoque interpretativo, exhaustivo pero a su vez enérgico, se ha consolidado como maestro invitado y director artístico de coros, grupos y orquestas en todo el mundo. En 2012, obtuvo el Premio Gramophone por su grabación de Musikalische Exequien de Schütz con Vox Luminis. Con la formación se ha embarcado desde entonces en extensas giras de conciertos por Europa, Norteamérica y Asia; se ha establecido, asimismo, en residencias artísticas de varias temporadas en el Wigmore Hall, el Festival de Aldeburgh, el Utrecht Early Music Festival y el Concertgebouw Brugge; y ha registrado más de una docena de álbumes. Su trabajo dedicado a Buxtehude les valió su segundo Premio Gramophone, en la categoría de grabación coral en 2019. Como maestro invitado, Meunier ha dirigido la Netherlands Bach Society, el Danish National Vocal Ensemble, el Netherlands Chamber Choir o el Boston Early Music Festival Collegium. Ha liderado también diferentes colaboraciones entre Vox Luminis y la Juilliard 415, la B’Rock Orchestra, la Philharmonia Baroque Orchestra o L’Achéron, entre otras. Lionel Meunier mantiene una estrecha relación con la Orquesta y el Consort Barrocos de Friburgo y participa, junto con Vox Luminis, en proyectos que abarcan un amplio rango de repertorios. Entre lo más destacado de 2022-2023, cabe citar una residencia en la Juilliard School que culminó con una representación de The King Arthur de Purcell en el Alice Tully Hall; y una gira europea de tres semanas con Vox Luminis y la Orquesta Barroca de Friburgo con la Matthäus-Passion de Bach en la Filarmónica de Berlín, la Elbphilharmonie de Hamburgo y el Palau de la Música Catalana de Barcelona. La temporada 2023-2024 incluye actuaciones por Europa y Norteamérica con Vox Luminis y residencias en los conservatorios de Ámsterdam y París con el Weihnachtsoratorium y la Johannes-Passion de Bach.

Sobre Vox Luminis

Desde que iniciara su andadura en 2004, Vox Luminis ha recibido elogios por su sonoridad única. Su fundador, director artístico y bajo Lionel Meunier creó entonces un ensemble que permitía a cada voz brillar por sí misma y, a la vez, fusionarse en un luminoso tejido sonoro. En función del programa, el núcleo de vocalistas que conforma el grupo está flanqueado por un extenso continuo, instrumentos solistas o una orquesta completa. Su repertorio comprende fundamentalmente músicas inglesa, italiana y alemana del siglo XVII y principios del XVIII, desde obras maestras de gran virtuosismo hasta joyas aún inéditas que presentan en sus actuaciones y proyectos discográficos. La misión de Vox Luminis está clara: acercar la música vocal a un amplio público, con la excelencia como principio rector y piedra angular. Conciertos, registros, talleres con públicos de todo el mundo, así como una rigurosa metodología de trabajo, son los medios empleados por el conjunto para alcanzar sus objetivos. En 2012, la formación ganó el Baroque Vocal Award y el prestigioso premio a la grabación del año en los Gramophone Classical Music Awards con las Musikalische Exequien de Schütz. Siete años después, le siguió el premio coral de la misma revista por su álbum Buxtehude: Abendmusiken. Entretanto, han ido obteniendo nuevos galardones: el Klara Ensemble of the Year 2018, el BBC Music Magazine Award 2018 en la categoría coral, numerosos Diapason d’Or, el Premio Caecilia 2020 y el Preis der Deutschen Schallplattenkritik, este último recibido en diferentes ocasiones. Vox Luminis es artista residente en el Concertgebouw Brugge y en la Abbaye Musicale de Malonne (Namur). En 2021, inició una asociación estructural y duradera con la Orquesta y el Consort Barrocos de Friburgo, con los que ofrece conjuntamente diferentes propuestas cada año. Vox Luminis es, asimismo, invitado a las principales salas de conciertos y festivales: el Bozar y el Flagey en Bruselas, el De Singel en Amberes, el Auditorio Nacional de Música en Madrid, L’Auditori y el Palau de la Música en Barcelona, la Salle Gaveau y el Auditorium de Radio France en París, el Wigmore Hall en Londres, la Filarmónica de Berlín y la de Colonia, la Laeiszhalle en Hamburgo, el Lincoln Center en Nueva York, el Jordan Hall en Boston, la Sala Zaryadye en Moscú, el Festival van Vlaanderen, el Festival de Wallonie, el Festival de Saintes, el Festival Oude Muziek de Utrecht, el Musikfest de Bremen, el Bachfest de Leipzig, el Klangvokal de Dortmund, el Festival de Aldeburgh o el Boston Early Music Festival. En la temporada 2022-2023, Vox Luminis debutó en la Elbphilharmonie de Hamburgo, la Konzerthaus de Dortmund, el Teatro de la Maestranza de Sevilla, el Palau de la Música de Valencia y el Salzburger Festspiele.

El Teatro Real ha dedicado su sexta temporada de Flamenco Real a la extraordinaria cantaora Carmen Linares, en homenaje a una larga y fructífera carrera que la ha convertido en referente internacional del flamenco y de la cultura española, como avalan el Premio Princesa de Asturias de la Artes 2022 o el reciente Latin Grammy a la Excelencia Musical, por citar sólo algunos.

Versátil, profunda, generosa y luchadora incansable –su condición de mujer y paya en un mundo predominantemente masculino y gitano, pone aún más en valor el lugar conseguido y las barreras derribadas para las nuevas generaciones- Carmen Linares es ya una leyenda del flamenco.

En la noche de ayer, antes del comienzo del espectáculo del guitarrista Daniel Casares en el Salón de Baile del Teatro Real, se hizo entrega a la cantaora del cartel conmemorativo de este merecido homenaje que, en ciclos anteriores ha reconocido a otros grandes nombres del flamenco como los bailaores Antonio Canales, Cristina Hoyos, Blanca del Rey y Merche Esmeralda, el cantaor Ramón el Portugués, el guitarrista Manolo Sanlúcar y el bailaor El Güito.
Fotógrafo: © Juanlu Vela

El Teatro Real estrenará el próximo 2 de diciembre una nueva producción de Rigoletto, de Giuseppe Verdi -en coproducción con la ABAO Bilbao Ópera y el Teatro de la Maestranza de Sevilla- de la que se ofrecerán 22 funciones, hasta el 2 de enero de 2024.

El estreno de Rigoletto, en el Teatro de La Fenice, en 1851, fue precedido de varios encontronazos con la censura veneciana, que se opuso a la descarnada visión de la vida cortesana patente en el libreto de Francesco Maria Piave -a partir de Le Roi s’amuse, de Victor Hugo-, con un protagonista contrahecho y perverso, que desenmascara, con su risa diabólica, la podredumbre de una sociedad corrupta, cruel y degenerada, que él mismo encarna con su deformidad física y moral.

La trama de la ópera, terrible, se centra en la maldición que lanza el Conde de Monterone a Rigoletto por burlarse de la deshonra de su hija. Esta premonición -cuyo tema, la maledizione, late del principio al final de la ópera- será el tormento del bufón y el preludio de su desgracia: su hija, la inocente Gilda, que él aísla y protege, será seducida por las artes amatorias de su amo, el libertino Duque de Mantua, y raptada por los cortesanos, muriendo por amor, en una maquinación fatídica que él mismo engendró.

El potente drama de Victor Hugo, de tintes shakespearianos, inspiró una partitura de grandísima intensidad dramática, unidad estructural y una genial escritura musical, capaz de describir con impresionante concisión y belleza, la complejidad y ambivalencia de los personajes y el devenir de la trama, que transcurre con tensión y fluidez del primer al último compás.

Miguel del Arco, responsable de la puesta en escena, ha creado una producción que indaga en la angulosa personalidad del personaje titular, víctima y verdugo, maltratado y maltratador, convirtiendo la obra en un descorazonador retrato de nuestra sociedad actual, complaciente con las actitudes más espurias y crueles.

La sed de poder -voraz, cegadora e insaciable- crea monstruos que aglutinan a su alrededor, con avasalladora fuerza centrípeta, una sociedad servil y gregaria que normaliza las situaciones más atroces, aceptando, enmascarando y hasta aplaudiendo la crueldad, la humillación, el estupro, la calumnia, la violencia o la venganza. Solamente el amor puede sobreponerse a la deshumanización del alma, abriendo una brecha de luz y esperanza en el mundo oscuro del Rigoletto verdiano, que Miguel del Arco nos acerca.

La espectacular escenografía de Sven Jonke y el sugerente diseño de luces de Juan Gómez-Cornejo acompañan las tensiones del drama y las contradicciones, pasiones y sentimientos de los personajes, retratados con los potentes figurines de Ana Garay.

Nicola Luisotti, que ya dirigió este título en el Teatro Real en 2015, volverá a hacerlo al frente de tres repartos estelares y del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real. Christoph Koncz dirigirá cuatro funciones.

Darán vida al quinteto protagonista los barítonos Ludovic Tézier, Étienne Dupuis y Quinn Kelsey (Rigoletto), los tenores Javier Camarena, Xabier Anduaga y John Osborn (Duque de Mantua), las sopranos Adela Zaharia, Julie Fuchs y Ruth Iniesta (Gilda), los bajos Simon Lim, Peixin Chen y Gianluca Buratto (Sparafucile) y las mezzosopranos Marina Viotti, Ramona Zaharia y Martina Belli (Maddalena).

Rigoletto, una de las óperas más queridas y representadas a lo largo de toda la historia del Real, volverá en su cuarta producción desde la reapertura del Teatro, después de las de Daniel Lipton y Graham Vick (2001), Roberto Abbado y Monique Wagemakers (2009) y Nicola Luisotti y David McVicar (2015).

La producción del Teatro Real que ahora se estrena será una nueva lectura dramatúrgica y escénica de la genial partitura de Verdi, cuya visión desalentadora e inquietante de nuestra sociedad sigue cuestionándonos, incomodándonos y confrontándonos con lo más oscuro de nuestras almas.

Fotógrafo: © Javier del Real | Teatro Real

AGENDA | ACTIVIDADES PARALELAS

28 de noviembre, a las 20.15 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

Enfoques: encuentro con Nicola Luisotti (director musical de Rigoletto), Miguel del Arco (director de escena de Rigoletto), Ricardo de Cala (director del programa Maestros cantores, de Radio Clásica) y Joan Matabosch, director artístico del Teatro Real.

3 de diciembre, a las 12.00 horas | Sala principal del Teatro Real

Los Domingos de cámara: concierto con solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real

Programa:

Joseph Haydn: Trío para barítono, viola y violonchelo

Darius Milhaud: Sonata para dos violines y piano, op.15

Max Bruch: Piezas para viola, clarinete y piano (selección)

Astor Piazzolla: La calle 92, para viola y violonchelo (arreglo de N. J. Hillmann)

Arnold Schönberg: Noche transfigurada, op. 4, para sexteto de cuerda

16 de noviembre al 12 de diciembre | Teatro Real, talleres, salas de ensayo y sala principal

La universidad a escena: Rigoletto

A lo largo de 4 sesiones los estudiantes –que perciben créditos universitarios en sus respectivos estudios–, descubren las interioridades de la nueva producción a través de una visita técnica, asistencia a ensayos, presentaciones y encuentros con trabajadores y artistas involucrados en esta producción.

8 al 30 de noviembre | Teatro Real, talleres, salas de ensayo y sala principal

La ópera al descubierto: Rigoletto

A través de 8 sesiones los integrantes del curso asisten a todo el proceso de montaje de Rigoletto, asistiendo a distintos tipos de ensayos y participando en encuentros con trabajadores y artistas involucrados en esta producción.

3 de diciembre a las 12.00 y a las 17.00 horas | Real Teatro de Retiro, Sala Pacífico

¡Todos al Real Teatro!

Talleres musicales para toda la familia, con dirección y presentación de Fernando Palacios.

La chica del móvil protege tanto a su hija que la mantiene oculta en casa para que no la vean. Un taller de introducción a la música para familias, con Fernando Palacios, en ocasión de Rigoletto, de Verdi, programado en el Teatro Real.
Con el barítono Gabriel Más y la pianista Alicia Hernández.

22 de enero, a las 19.00 horas | Círculo de Bellas Artes, Sala Ramón Gómez de la Serna

Conferencia: Un personaje ridículo, pero apasionado y lleno de amor: Rigoletto

Por: Massimo Giuseppe Bonelli director de la Escuela Italiana de Madrid, historiador de Arte y director de escena de ópera italiana. Entrada libre hasta completar aforo.

Comienza la primera cita del ciclo Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en la Sala Sinfónica, con la esperada visita del contratenor Philippe Jaroussky junto con Le Concert de la Loge, orquesta francesa especializada en música historicista, fundada por el director y violinista Julien Chauvin. Bajo el título Forgotten Arias (Arias olvidadas), Jaroussky presentará en el CNDM un programa que rinde homenaje a los compositores del Barroco tardío y al gran libretista de la época, Pietro Metastasio. El concierto tendrá lugar el martes 28 de noviembre a las 19:30 horas en el ciclo Universo Barroco, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música.

Considerado uno de los mejores contratenores de los últimos tiempos, Jaroussky posee una maestría técnica que le permite alcanzar matices audaces y abarcar un repertorio extremadamente amplio dentro del Barroco, desde los refinamientos del XVII, con compositores como Claudio Monteverdi, hasta el impresionante virtuosismo de George Frideric Haendel o Antonio Vivaldi. Con numerosos galardones y una exitosa y dilatada carrera a sus espaldas, el contratenor se ha convertido en una de las figuras musicales más admiradas del panorama actual.

En este concierto del CNDM, el público tendrá la oportunidad de disfrutar de un programa que reúne arias compuestas entre 1748 y 1770, periodo que vio nacer a la denominada opera seria, por nombres como Johann Adolph Hasse, además de autores menos frecuentados como Michelangelo Valentini, Leonardo Leo, Tommaso Traetta, Giovanni Battista Ferrandini o Andrea Bernasconi, entre otros. Las arias están extraídas de óperas basadas en textos del más importante e influyente libretista del siglo XVIII, Pietro Metastasio.

Para ello, Jaroussky y Le Concert de la Loge sumergirán al público en un viaje musical para descubrir algunas de las más bellas arias barrocas jamás escritas. El programa recopila arias da capo en el estilo virtuosístico vinculado a la escuela napolitana, que se impuso desde las primeras décadas del siglo XVIII al viejo estilo lírico veneciano. Muestra de ello son el aria de la ópera Catone in Utica de Leonardo Leo, las más antigua de todo el programa, o dos versiones menos conocidas de la ópera Artaserse, la que Niccolò Jommelli compuso en 1749 para Roma y la que Johann Christian Bach estrenó en Turín en 1760.

“Contextos Barrocos”: Una hora antes del concierto, a las 18:30h, tendrá lugar el encuentro sobre el concierto de Philippe Jaroussky y Le Concert de la Loge en los “Contextos Barrocos” del CNDM, sesiones de cuarenta y cinco minutos, de acceso libre para el público que ha adquirido la entrada al espectáculo, que permiten profundizar en las obras del ciclo, su historia y los intérpretes.

El recital, con las entradas agotadas, incluye música de Mateo Flecha «El viejo» y Juan del Encina, además de composiciones anónimas

El joven cuarteto vocal Cantoría se ha establecido en los últimos años como una de las agrupaciones de referencia de la polifonía del Renacimiento musical hispano. Una vuelta a la edad de oro de la música española del siglo XVI que este miércoles, 22 de noviembre (20h00), cinco siglos después, podremos disfrutar en el ciclo Notas del Ambigú del Teatro de la Zarzuela gracias a la vitalidad y juventud de estos cuatro artistas que se presentan con las entradas agotadas.

Cantoría debuta así en el coliseo de la plazuela de Teresa Berganza con un programa dedicado a ensaladas de Mateo Flecha «El viejo» y Juan del Encina, género estrella del Renacimiento y germen del teatro musical español, así como a los villancicos renacentistas de nuestro rico patrimonio musical.

Cantoría lo integran Jorge Losana (dirección musical / tenor), Inés Alonso (Soprano), Oriol Guimerà (Alto) y Víctor Cruz (Bajo).

El Museo Nacional del Prado, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y la Biblioteca Nacional de España son las tres instituciones que acogerán a partir del próximo 22 de noviembre el Ciclo de Cuartetos de Cuerdas que ha organizado el Teatro Real en paralelo a su programación operística.

El primero de los conciertos, coincidiendo con el Día de Santa Cecilia, tendrá lugar el 22 de noviembre, a las 21 horas, en la evocadora Sala de Musas del Museo del Prado; y el segundo, el 23 de noviembre, a las 20 horas, será en la Sala de Orquesta del Teatro Real.

El protagonista será el Cuarteto Meccore, que ha elaborado su programa en torno a Halka, de Stanisław Moniuszko, estrenada la semana pasada en el Teatro Real.

La música de los dos primeros recitales estará compuesta por el Cuarteto de cuerda núm. 2, op. 56, de K. Szymanowski; el Cuarteto de cuerda núm. 3, Hojas de un diario no escrito, de K. Penderecki, y el Cuarteto de cuerda de W. Lutosławski (ver notas abajo).

Creado en 2007, el Meccore es uno de los cuartetos de cuerda más importantes de la actualidad, con actuaciones en prestigiosas salas de todo el mundo e importantes premios y reconocimientos en el ámbito de la música de cámara.

El cuarteto fue tutelado, en sus comienzos, por los miembros del Cuarteto Camerata. Posteriormente estudiaron con el Cuarteto Artemis en la Universität der Künste de Berlín y en la Queen Elisabeth Music Chapel de Bruselas, perfeccionándose con Günter Pichler (Cuarteto Alban Berg) en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid.

Con el apoyo de la fundación Irene Steels-Wilsing Stiftung, el cuarteto publicó su primer CD, así como su segundo disco, que recibió el Supersonic Award de la revista de música clásica Pizzicato y obtuvo dos nominaciones al premio de música Fryderyk 2016 de la Sociedad Polaca de la Industria Fonográfica. Su tercer álbum, con cuartetos de cuerda de Edvard Grieg, recibió numerosas distinciones junto con nominaciones al premio Fryderyk 2018 y al Preis der Deutschen Schallplattenkritik. El último CD, con Cuartetos de cuerda y el Sexteto Souvenir de Florence, de Pyotr Ilyich Tchaikovsky, en el que participan Isabel Charisius y Valentin Erben del Cuarteto Alban Berg, ha sido elogiado por la crítica y ha recibido el Pizzicato Supersonic Award.

Paralelamente a su actividad concertista, el Cuarteto de Cuerda Meccore fue anfitrión de siete ediciones del Festival Internacional de Música de Cámara Quarto Mondi de Polonia, programando a los mejores músicos y conjuntos instrumentales de la escena internacional.

Los miembros del Cuarteto tienen una intensa actividad pedagógica, impartiendo clases de música de cámara e instrumental en la Universidad de Música Fryderyk Chopin de Varsovia, en la Academia de Música Ignacy Jan Paderewski de Poznan y en la Academia de Música Krzysztof Penderecki de Cracovia.

Fotografía: Anita WÑsik-Pêociõska

La Fundación SGAE y el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) organizan el concierto final de la 34º edición del Premio Jóvenes Compositores Fundación SGAE-CNDM 2023, que se celebrará el próximo lunes 27 de noviembre de 2023 en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía dentro del ciclo Series 20/21 programado por el CNDM, a las 19.30 horas (acceso libre hasta completar aforo). En esta ocasión, las obras serán interpretadas por CrossingLines Ensemble, dirigido por Lorenzo Ferrándiz, y son las siguientes: Mitos de una regresión deliberada de Vicent Giner Albert (Albaida, 1988), Cants de Plaga de Enric Jaume i Masferrer (Santa Coloma de Farners, 2004), Echaron abajo una casita cubierta de hiedra que me gustaba mirar de lejos de María del Pilar Miralles Castillo (Almería, 1997) y Neighborhood de Esther Pérez Soriano (Yecla, 1990).

El estreno absoluto de las obras permitirá a los miembros del jurado, presentes en el auditorio, decidir cuál es la pieza ganadora y el reparto de los siguientes galardones, valorados en 11.700 euros: primer premio Xavier Montsalvatge, dotado con 6.000 €; segundo premio Carmelo Alonso Bernaola, de 3.000 €; tercer premio Francisco Guerrero Marín, de 1.500 €, y la mención honorífica Juan Crisóstomo Arriaga, reconocida con la cantidad de 1.200 €. Todos ellos acompañados de diploma acreditativo.

Estas cuatro obras han sido elegidas de un total de 23 partituras escogidas. Un jurado, compuesto por los compositores y las compositoras María José Belenguer, Juan Delgado Serrano (ganador del certamen en 2020), Ferrer Ferrán, Marián Gutiérrez Urbaneta y Sergio Luque, ha seleccionado estas piezas. Además, para contribuir a la posterior promoción y difusión de las obras ganadoras, la Fundación SGAE producirá un disco promocional con la grabación en directo de las interpretaciones en el concierto final.

Compositor Residente de la Red de Músicas

A estos cuatro galardones se suma el Premio Especial JM España que otorga Juventudes Musicales de España. De este modo, el ganador del Primer Premio de esta edición se convertirá en Compositor Residente de la Red de Músicas de JM España durante la temporada 2024-2025. JM España le encargará dos obras de música de cámara y otorgará 1.500 euros por cada pieza. El compositor escogerá dos formaciones de los seleccionados en la Red de Músicas que las estrenarán e interpretarán en todos los recitales que den en este circuito que organiza más de 200 conciertos al año. Además, podrá participar en el Programa de Residencias Artísticas JME – FCAYC, permitiéndole trabajar en la creación de obras con los intérpretes y/o agrupaciones de la Red de Músicas seleccionados en colaboración con el equipo acompañante de la residencia.

El apodado como «Titán del piano», Daniil Trifonov, vuelve a la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional para sumergirnos en su particular imaginario musical que tanto cautiva. P. Rameau, W. A. Mozart, F. Mendelssohn y L. Van Beethoven han sido los compositores escogidos por el pianista ruso para enarbolar esta senda musical que avanza desde las primeras músicas contempladas para pianoforte hasta uno de los hitos del Sturm und Drang pianístico: la Hammerklavier .

La música de P. Rameau, con su Suite en La menor RCT 5, abrirá el programa para narrarnos la historia del maestro del clave francés. Una obra que, a modo de suite, utiliza la danza para descubrirnos algunos de los misterios mejor guardados el estilo francés, su ornamentación, su peculiar sentido del ritmo, sus figuraciones tan características y que tanto fervor causaron en los salones de Versalles…

Del maestro del clave, Trifonov nos presenta al genio del piano clásico, pero desde una perspectiva joven y fresca. La Sonata no 12 de Fa mayor K 332 nos muestra al Mozart recién llegado a Viena, con ganas de marcar un antes y un después no solo en el mundo operístico, sino también en el concepto de músico independiente que no precisaba de un mecenas directo para su manutención.

Pese a ser todavía un compositor casi desconocido por el gran público, es innegable el avance que supuso la música de Félix Mendelssohn en la percepción del piano romántico. Las Variations sérieuses en Re menor, Op. 54 nos descubren el imaginario musical del músico de Hamburgo desde uno de los formatos más apreciados por el compositor de a pie: la miniatura. Mediante un tema y diecisiete variaciones casi efímeras, Mendelssohn da rienda suelta a su fantasía musical para mostrar los diferentes reflejos que una breve melodía puede tener en la mente de un compositor.

El Maestro de Bonn no podía faltar en esta velada dedicada al piano, y es que Daniil Trifonov ha escogido la que seguramente sea la más arrebatadora de las sonatas de L. Van Beethoven para cerrar este recital: la conocida como Hammerklavier. Una obra de heroísmo exacerbado que supone un tour de force para cualquier pianista.

Una Sinfonía encerrada en un piano, de una longitud inusitada para aquella época y que recorre el espectro armónico con una facilidad tan vertiginosa que confunde al propio oído. Para muchos, la gran sonata por antonomasia. Para otros, la gran temida a interpretar.

Con este recital, la Fundación Scherzo se despide hasta 2024 con los recitales de Vadim Repin y Nicolai Luganky en el Ciclo de Grandes Intérpretes (29 de enero) y el concierto de Iván «Melon» Lewis (16 de enero) dentro del Ciclo Horizontes.

Como todos los conciertos de Fundación Scherzo en 2023, este recital estará dedicado a la memoria de Alicia de Larrocha en el centenario de su nacimiento.

En una temporada intensísima que ha llevado al tenor español Airam Hernández –en tan solo tres meses– al Auditorio de Tenerife (Requiem de Verdi), al Teatro Monumental de Madrid (Misa de Coronación de Mozart), al Müpa Budapest (la ópera Sardanapalo de Liszt), a la Liszt Society Budapest (un concierto con repertorio de Lizst) y a la Brucknerhaus en Linz y al Musikverein de Viena (en ambos con la Missa Solemnis de Beethoven), también hay espacio en su versátil agenda para iniciarse en el repertorio ruso. Será los próximos días 24, 26 y 29 de noviembre y 1 y 3 de diciembre en el Théâtre du Capitole de Toulouse, en el que se meterá por primera vez en la piel de Grigori, el falso Dimitri, de la obra maestra de Musorgski Boris Godunov. El cantante canario, que anteriormente ya ha actuado en este emblemático teatro de Francia interpretando personajes como Ulysse (Pénélope, Fauré), Pollione (Norma, Bellini) y Alfredo (La Traviata, Verdi), regresa ahora para afrontar por primera vez “una obra monumental y fundamental como es Boris Godunov, que nos sumerge con toda la teatral e impresionante música de Musorgski en el universo más tenebroso de la fundación del imperio ruso” asegura el cantante. “Detalles como la orquestación y el tratamiento coral de esta ópera es absolutamente genial y describe a la perfección el alma rusa de la época –incluyendo ciertas incursiones del folklore– y su admirable cultura, con toda la trama de poderes, tiranía y desesperación del Zar Boris y su entorno”, opina Airam Hernández. La obra llega al Capitole en una nueva producción con dirección de escena de Olivier Py y con el maestro Andris Poga al frente de la Orchestre national du Capitole y del Chœur et Maîtrise de l’Opéra national du Capitole.

La temporada 2023/2024 de Airam Hernández, cuya carrera internacional sigue focalizada en la versatilidad afrontando tanto música de cámara, sinfónica y operística, seguirá tras su compromiso en Toulouse ahondando en repertorios diversos, característica que al tenor canario le “apasiona”, asegura; “en mi carrera procuro combinar el repertorio operístico con el sinfónico y los recitales. Una temporada ideal para mí debe tener algún Mozart, al menos una obra belcantista, un debut de repertorio y una obra contemporánea. En futuras temporadas me acercaré más todavía a autores románticos y postrománticos”.

En lo que queda de curso realizará, en diciembre, una gira con la Novena Sinfonía de Beethoven junto a la ADDA Simfònica Alicante y el Orfeón Donostiarra bajo la batuta de Josep Vicent que pasará por el Auditorio de Alicante, el Auditorio Nacional de Madrid, el Auditorio de Zaragoza, el Palau de la Música Catalana de Barcelona y el Auditorio Nacional de Madrid. Más tarde, ya en 2024, le esperan Médée de Cherubini en la Ópera de Varsovia; el Requiem de Mozart en el Auditorio de Cáceres y en el Auditorio de Badajoz; de nuevo Boris Godunov, esta vez en el Théâtre des Champs-Elysées de París; un concierto homenaje a la soprano Victoria de los Ángeles (celebrando el centenario de su nacimiento) en el Teatro de La Zarzuela de Madrid; el Requiem de Mozart en el Auditorio Manuel de Falla de Granada; una gira de recitales de canción española por Tenerife (Auditorio de Tenerife, Auditorio de Adeje y Auditorio Teobaldo Power); Das Lied von der Erde, de Mahler, en el Théâtre du Capitole; Nabucco, de Verdi, en la Opéra de Lausanne (Suiza), además de su Pollione de Norma en Italia el verano próximo.

Su disco de la Sinfonía Faust de Liszt, junto a la Staatskapelle Weimar dirigida por Kirill Karabits y presentado el pasado mes de agosto, recibió el 15 de noviembre el Premio PdSK otorgado por la crítica de Alemania en la categoría Música Orquestal, imponiéndose a 238 nuevos lanzamientos. Este reciente trabajo discográfico, además, está nominado en la misma categoría de los Premios Internacionales de Música Clásica (ICMA), cuyos ganadores se anunciarán el 18 de enero de 2024.

Airam Hernández_Foto © Miguel Angel Fernandez

Continúa la celebración del 30º aniversario del Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en el Teatro de la Zarzuela, con una nueva cita protagonizada por el bajo-barítono canadiense Gerald Finley (Montreal, 1960), quien se enfrentará a una selección del sobrecogedor Schwanengesang de Franz Schubert. Junto al experimentado pianista Julius Drake, abordará también algunas joyas del repertorio lideristico en un recorrido que incluye autores como Robert Schumann, Henri Duparc, Benjamin Britten, Franz Liszt, Ralph Vaughan Williams, Charles Ives y Cole Porter. El concierto tendrá lugar el lunes 20 de noviembre a las 20h00 horas en el Teatro de la Zarzuela.

Ensalzado por la crítica recientemente por su sobresaliente Wolfram en el Tannhäuser de Richard Wagner del Covent Garden londinense y en Antony and Cleopatra en el Liceu de Barcelona, Gerald Finley es una de las figuras más influyentes en el mundo de la música gracias a su voz privilegiada. Con un Grammy a sus espaldas, este reconocido bajo-barítono posee una carrera repleta de interpretaciones aclamadas en los principales teatros de ópera y salas de conciertos a nivel mundial, así como por colaboraciones con destacados compositores, orquestas y directores. Junto al virtuoso pianista Julius Drake, quien posee una gran pasión por el lied, interpretará un programa que recorre algunas de las canciones más emotivas del género.

De la oscuridad a la luz

El recital se abrirá con ocho lieder de Robert Schumann que plasman algunas de las musicalizaciones más famosas de Buch der Lieder (Libro de Canciones), un conjunto de poemas del poeta alemán Heinrich Heine en cuyos versos se explora la euforia del amor romántico, la fugacidad del tiempo, la desesperanza ante el desamor o el miedo ante la muerte. Schumann compuso estas canciones en 1840, un año álgido en el que llegó a componer más de un centenar de lieder. Después se abrirá paso el momento más esperado del concierto con una selección de Schwanengesang, una colección póstuma de lieder compuesta por Franz Schubert al final de su vida. La música a la que se enfrentarán Finley y Drake evoca el carácter más sobrecogedor de seis poemas escritos de nuevo por Heine. Una muestra podrá apreciarse en canciones como Die Stadt (La ciudad), en la cual la misteriosa música llevará al público al Romanticismo oscuro y la novela gótica de principios del siglo.

La segunda parte del concierto será un contraste de emociones, al estar encabezada por las elegantes melodías de Henri Duparc. Tras la oscuridad del Doppelgänger schubertiano, Finley se abrirá paso hacia la luminosidad en algunas de las piezas compuestas por este autor francés, como Sérénade o Soupir, que invita a la búsqueda de un amor inalcanzable. El recorrido continuará esta senda en las canciones de compositores como Benjamin Britten, con Um Mitternacht, y Franz Liszt, Go not, happy day, que también sonarán en el Teatro de la Zarzuela. Piezas de Ralph Vaughan Williams, Charles Ives y Cole Porter completan una velada mágica que hará las delicias de los asistentes a un ciclo que sigue celebrando su trigésimo aniversario.

El experimentado organista Daniel Oyarzabal y la joven y virtuosa violinista Miriam Hontana protagonizan la segunda cita del popular ciclo gastromusical Bach Vermut del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM). En esta ocasión, los intérpretes ofrecerán al público un colorido programa encabezado por la icónica obra Las cuatro estaciones de Antonio Vivaldi, junto a transcripciones de conocidos títulos de Sérguei Prokófiev y Gioacchino Rossini, además de un majestuoso preludio de Johann Sebastian Bach. Como en cada cita de Bach Vermut, tras el concierto el público podrá degustar un aperitivo organizado en colaboración con CPC Cooking Ideas, amenizado por jazz en directo. Este evento tendrá lugar el próximo sábado 18 de noviembre a las 12:30h en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música.

Con una dilatada experiencia en el mundo del órgano y del clave, Daniel Oyarzabal es uno de los intérpretes más demandados del panorama actual. Junto a la violinista Miriam Hontana, gran especialista en el Barroco, dará vida a un bello repertorio en el cual órgano y violín se entrelazarán en un desenfadado diálogo musical. Tras el concierto, será el turno de la experiencia gastronómica: una selección de quesos y embutidos ibéricos tomará el hall del Auditorio junto a otros rincones que ofrecerán exquisiteces culinarias como conservas, encurtidos o empanadas caseras. Todo ello con el objetivo de hacer las delicias de los asistentes y convertir, un sábado más, al Auditorio Nacional en una explosión de música y sabor.

Un programa excepcional

El programa de este Bach Vermut comenzará con el Preludio en mi bemol mayor de Bach, una pieza que captura la esencia de la Trinidad teológica a través de su complejidad melódica. De Bach también sonará Jesu, meine Freude, que fue concebido para su empleo en la liturgia del Adviento, tiempo preparatorio de la Navidad. La música de Prokófiev, con dos piezas extraídas de su famoso ballet Romeo y Julieta, tomará el relevo para transportarnos a la tensa atmósfera de la tragedia de William Shakespeare con su rica orquestación. Por su parte, la obertura de La gazza ladra de Rossini captura la esencia de su ópera con un crescendo que mantendrá al público en vilo. El punto culminante del programa será la personalísima versión de Oyarzabal y Hontana de Las cuatro estaciones de Vivaldi, en la cual los dos instrumentos evocarán las diversas atmósferas de las estaciones del año, desde el canto de los pájaros hasta la serenidad de un paisaje invernal. Así se cerrará el emocionante recorrido a través de obras universales que presentan una frescura contemporánea y accesible para todos los públicos.

Agenda Bach Vermut:

11.30h – Apertura de puertas y acceso a la zona de degustación gastronómica (vestíbulo del Auditorio Nacional de Música).
12.30h – Concierto desde el órgano de la Sala Sinfónica, retransmitido en pantalla gigante.
13.30h-14.30h – BACH JAZZ! Aperitivo-degustación amenizado por conjuntos de jazz que interpretan obras clásicas en clave de jazz (Salón de Tapices).

Miriam Hontana y Daniel Oyarzabal (c)Jaime Massieu

La soprano francesa Julie Fuchs, se embarca en un nuevo y emocionante desafío, su primera interpretación de Gilda en el Rigoletto de Verdi en el prestigioso Teatro Real de Madrid. La dirección escénica está a cargo de Miguel del Arco, director de la impactante obra teatral Jauría, en la que está inspirada esta nueva versión cargada de emoción y crítica social.

Esta producción de Rigoletto se centra en el cortejo y secuestro de Gilda (Julie Fuchs), hija del protagonista, para explorar la indefensión que puede sentir una mujer frente a un grupo de hombres. La obra aborda temas contemporáneos como el papel de la masculinidad en la sociedad actual.

Esta ópera originalmente inspirada en la obra de teatro ‘Le roi s’amuse’ de Victor Hugo es una obra multifacética y compleja que aborda temas como el amor paternofilial, la sobreprotección y la emancipación de los hijos.

Julie Fuchs estará acompañada en el escenario por otras destacadas voces como Javier Camarena, Xabier Anduaga, Ludovic Téizer y Adela Zaharia bajo la dirección musical de Nicola Luisotti y escenografía de Sven Jonke. El vestuario está diseñado por Ana Garay.

La trama de Rigoletto se sumerge en la historia del Duque de Mantua, un seductor despiadado, y a su bufón Rigoletto, quien es cómplice de sus crímenes. Sin embargo, Rigoletto guarda un oscuro secreto que lo cambiará todo: ha estado criando en secreto a su hija Gilda, a quien protege con amor.

NOTA DE PRENSA
“Rigoletto” es una ópera en tres actos compuesta por Giuseppe Verdi con un libreto de Francesco Maria Piave. Se estrenó por primera vez en el Teatro La Fenice de Venecia el 11 de marzo de 1851 y hoy en día se ha convertido en una de las obras más icónicas del repertorio operístico italiano.

En esta nueva versión el público podrá deleitarse con la emotiva aria de Gilda “Caro Nome” interpretada por una espectacular Julie Fuchs. Virtuosismo vocal Julie Fuchs se ha consolidado como una de las sopranos más solicitadas en la escena internacional. Con una voz de "clara y brillante tonalidad" (Libération), "timbre sensual y virtuosa coloratura&quot (Diapason), y un arrollador carisma en escena, Julie es hoy por hoy una de las cantantes de ópera más completas de su generación, entusiasmando al público de los principales teatros de ópera y salas de concierto de todo el mundo.

Ganadora de tres premios Victoires de la Musique (los Oscar de la música clásica en Francia), incluido el de Cantante de Ópera del Año en 2021, y del segundo premio en Operalia, su repertorio abarca desde el barroco hasta la música contemporánea, con especial énfasis en las heroínas de Mozart y en el Bel Canto.

En la temporada pasada 2021/22, Julie Fuchs deslumbró al público en su papel principal en L'incoronazione di Poppea en la Opernhaus Zürich, encarnando a Mélisande en Pelléas et Mélisande en el Gran Teatre del Liceu y deslumbrando como Susanna en Le Nozze di Figaro en el Teatro Real. Cerró la temporada en París con una actuación brillante como La Folie en el Platée de Rameau en la Ópera de París.

Entre los papeles de ópera más destacados de su carrera se encuentran Marie en La fille du régiment en la Wiener Staatsoper, Norina en Don Pasquale en la Opernhaus Zürich, Leïla en Les pêcheurs de perles en el Théâtre des Champs-Elysées, Comtesse Adèle en Le Comte Ory en la Opéra Comique, Giunia en Lucio Silla en el Teatro Real de Madrid, Musetta en La bohème en la Bayerische Staatsoper, Pamina en Die Zauberflöte, La Folie en Platée y Nannetta en Falstaff en la Ópera Nacional de París, el papel principal de L'incoronazione di Poppea, Fiorilla en Il turco in Italia y Angelica en Orlando en la Opernhaus Zurich, Susanna en Le Nozze di Figaro en el Festival de Aix en Provence y Aspasia en Mitridate en el Palau de les Arts de Valencia.

Julie Fuchs lanzó su último álbum, "Amadè", bajo el sello discográfico de Sony en noviembre de 2022. Previamente, la cantante había publicado dos grabaciones en solitario, ”Yes!" y "Mademoiselle", con Deutsche Grammophon.

Su discografía incluye también una grabación de las primeras canciones de Mahler y Debussy con Alphonse Cemin, un disco de Canciones para piano y voz de Poulenc (Atma Classique), una grabación en vivo de Leïla en Les pêcheurs de perles (Pentatone) y una grabación en estudio de Aspasia en Mitridate (Warner Classics).

#OperaIsOpen, abrir la ópera a nuevos públicos

En 2018, Julie Fuchs puso en marcha un proyecto internacional que pretende demostrar que la ópera es un espectáculo abierto a cualquier persona que desee acercarse a ella, independientemente de sus ingresos, educación previa o edad. Aunque la mayoría de los teatros de ópera han hecho grandes esfuerzos para hacer que la ópera sea asequible a nuevos públicos, especialmente a los más jóvenes, los que nunca han ido a la ópera siguen sintiendo a menudo que esta forma de arte está “cerrada” para ellos. Conocida en Francia como la "diva con los pies en la tierra", procedente de una familia modesta y sin formación en música clásica, Julie es la embajadora perfecta para este proyecto, ya que la ópera se le abrió a ella a una edad muy temprana.

@juliefuchssoprano en Instagram, Facebook, Twitter y TikTok está considerada como una pionera por su uso de las redes sociales, utiliza su presencia como vehículo para promover el concepto #OperaIsOpen publicando contenidos para "abrir" el proceso operístico a sus seguidores y a los seguidores de la cuenta @operaisopen, ofreciéndoles una mirada diferente, entre bastidores, y respondiendo a preguntas en sus posts e historias.

También publica información sobre las iniciativas que derriban determinadas barreras financieras y que tratan de incluir a un público más amplio en cada lugar donde ella canta (informa a sus seguidores sobre las entradas para estudiantes, grupos, personas
mayores, entradas de última hora, etc.) También organiza concursos en sus redes sociales para conseguir un par de entradas.

Para ganar, uno de sus seguidores debe llevar a un invitado que nunca haya asistido a la ópera. Después, ella conoce al ganador y comparte su opinión en las redes sociales sobre su experiencia. Julie Fuchs también anima a sus compañeros de profesión y a las compañías en las que canta a utilizar el hashtag #operaisopen para ayudar a difundir el mensaje de que la ópera está realmente abierta a todos.

Fotografía: Gérard Uféras

Detrás de numerosos galardones y reconocimientos encontramos a Daniel Casares, un virtuoso de la guitarra flamenca, inquieto y creativo, que regresa a Flamenco Real para compartir con su público, los días 22, 23 y 24 de noviembre, su última creación artística, El poder de lo sutil.

El guitarrista malagueño encuentra de nuevo la inspiración en su hija Alejandra y a través de sus ojos, de su alma, de sus gestos, busca y encuentra lo importante más allá de lo evidente. Con este punto de partida crea un universo musical con el que quiere mostrar “esas grandes cosas que, para nuestros sentidos son muy pequeñas pero para nuestros corazones, inmensas”.

En este nuevo trabajo, Casares vuelve a mostrar una guitarra que suena flamenca sin pretenderlo, una armonía que vuela ligera con la naturalidad de aquello que no requiere de artificios, a través de notas que fluyen sin buscar el virtuosismo, y de los silencios, pues los matices de los silencios hablan más y mejor que ningún acorde.

Para las sesiones de Flamenco Real contará con la colaboración de nombres tan flamencos como Manuel Montes, en el baile; Manuel Peralta, voz y palmas; José Manuel Posada “Popo”, en el contrabajo y el bajo, y Miguel Ortiz “Nene”, en la percusión.

Nacido en Casares (Málaga) en 1980, Daniel Casares llegó a la guitarra por casualidad y, de forma autodidacta, arrancó sus primeras notas inspirado en la música que escuchaba y en los discos de Paco de Lucía. Pronto su virtuosismo y rigor alcanzaron importantes reconocimientos. En 1996 obtiene el Premio Nacional de Guitarra y, al año siguiente, el Premio Nacional de Guitarra ‘Bordón Minero’. Tenía sólo 16 años. Después llegarían el Premio Revelación Musical de la Asociación de Cronistas de Espectáculos de Nueva York o el Premio Miguel Acal al mejor artista flamenco, por citar sólo algunos.

Ahora, con una carrera consolidada y una actitud serena y libre, su guitarra suena más auténtica que nunca, dejándola contar lo nuevo con mimbres tradicionales. Sus composiciones se mueven por los márgenes, los saltan, los transforman y suenan flamencos sin serlo, pero, sobre todo, transmiten lo que late en el fondo de Casares.

El ciclo Flamenco Real se enmarca en la política de promoción y defensa del flamenco emprendida por el Teatro Real que, además de haberlo incorporado a su plataforma audiovisual MyOperaPlayer, está organizando giras internacionales bajo el nombre de Authentic Flamenco, actualmente con más de 400 actuaciones programadas en 40 ciudades de 15 países de América, Europa, Oriente Medio, Asia, y Oceanía, y con cien mil entradas vendidas en lo corrido del año.

Fotógrafo: © Juanlu Vela

El Palau de les Arts Reina Sofía se suma a las celebraciones del centenario del nacimiento de Maria Callas con el espectáculo lírico-teatral ‘Diva’, de Albert Boadella, que se representará del 23 al 26 de noviembre en el Teatre Martín i Soler.

El reconocido dramaturgo rememora en esta obra los últimos años de la ‘La Divina’, que, recluida en su apartamento de París, se refugia en un mundo de recuerdos. Onassis ha muerto, su voz se apaga, pero ella sigue empecinada en interpretar un repertorio que ya no podrá volver a cantar.

Teatro y ópera se fusionan en ‘Diva’, que protagonizan la soprano María Rey- Joly, en el papel de la Maria Callas, y el tenor y pianista Antonio Comas como su maestro repetidor, a la par que ‘alter ego’ de su Onassis imaginario.

Papeles míticos de ‘La Divina’ conforman el repertorio operístico del espectáculo. Tragedias como ‘Tosca’, ‘Il trovatore’, ‘Madama Butterfly’, o ‘Norma’ ponen música a la desdichada existencia de la soprano y su ocaso, acompañada musicalmente por la Real Filharmonía de Galicia, en una grabación, bajo la dirección de Manuel Coves.

Albert Boadella mantiene a su equipo habitual en este género de producciones, con Martina Cabanas, como ayudante de dirección. Bernat Jansá en la iluminación, Dolors Caminal como asesora de arte, Silvia Brossa como coreógrafa y Pedro Lastra, en el diseño de sonido.

En total, Les Arts ha programado cuatro representaciones de ‘Diva’ los días 23, 24, 25 y 26 de noviembre en el Teatre Martín i Soler. Las entradas tienen un precio único de 28 euros.

El guitarrista y compositor Rafael Riqueni, uno de los grandes maestros de la guitarra flamenca, será el encargado de inaugurar el ciclo Andalucía Flamenca del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en coproducción con el Instituto Andaluz del Flamenco (IAF). En este concierto, que lleva por título Maestranza. Homenaje a Manolo Sanlúcar, el intérprete rendirá homenaje al que fuera su maestro, el legendario Manolo Sanlúcar, astro de la guitarra flamenca fallecido el pasado año. El concierto tendrá lugar el viernes 17 de noviembre, coincidiendo con el mes en que nació Sanlúcar, a las 19:30 horas en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música en Madrid.

Considerado uno de los mejores guitarristas del panorama flamenco actual, Rafael Riqueni (Sevilla, 1962) posee un talento innato que desarrolló de forma precoz gracias a un oído privilegiado y a una capacidad creadora inimitable. En esta ocasión, brindará al público del CNDM la oportunidad de tener un encuentro íntimo con su música, fuertemente influenciada por el gran Manolo Sanlúcar, maestro indiscutible del flamenco y uno de los innovadores más influyentes de este género. Sanlúcar dejó un legado inestimable que sigue resonando en el mundo de la música. Su arte y técnica revolucionaron la guitarra flamenca, fusionando la tradición con elementos contemporáneos y elevando el flamenco a niveles de sofisticación y expresión sin precedentes.

Riqueni, heredero de otros gigantes de la guitarra como Víctor Monge ‘Serranito’ o Paco de Lucía, fue discípulo directo del propio Sanlúcar en sus años adolescentes. De él recibió técnicas para la composición y el estudio que resultaron fundamentales para la creación de su universo armónico musical. Esa profunda conexión entre ambos guitarristas aflorará en el concierto a través de una selección de obras que reflejan el profundo respeto y devoción del trianero hacia su mentor. El programa incluirá piezas de su última grabación Herencia (2021), como la emotiva Soleá de los llanos, dedicada a Sanlúcar, y otras de su aclamado proyecto Parque de María Luisa (2017), que simbolizan una exploración lírica de su memoria personal.

Andalucía Flamenca, un ciclo pionero en Madrid

El ciclo Andalucía Flamenca se puso en marcha en 2007 con el objetivo de crear una programación en la capital de nuestro país enfocada en el arte musical flamenco. Desde entonces, esta iniciativa se ha afianzado hasta convertirse en una de las ofertas flamencas de calidad que más éxito tienen entre el público madrileño -las entradas para la temporada 23/24 ya están agotadas- y es todo un referente para la crítica nacional. El ciclo profundiza en los diferentes paisajes sonoros del arte jondo y ofrece un encuentro entre algunos de los nombres más consagrados del panorama actual, herederos de grandes sagas del flamenco, y jóvenes figuras con carreras en plena proyección capaces de acercar el flamenco a las nuevas generaciones.

En la presente temporada, Andalucía Flamenca albergará 7 conciertos del 17 de noviembre de 2023 al 24 de mayo de 2024. Por primera vez, se reunirá sobre el escenario del CNDM una saga del arte flamenco, la de los “Sordera”, ejemplo del linaje jerezano al que dan continuidad en la actualidad Vicente Soto “Sordera”, Enrique Soto y Lela Soto. Debutará en el ciclo Reyes Carrasco, una joven promesa del flamenco que ya ha compartido escenario con aclamadas figuras del cante y ha sido galardonada en numerosas ocasiones. También visitarán la programación grandes cantaores como la jerezana María Terremoto, con un concierto en el que abordará los estilos propios de su Jerez natal y de su saga, sin excluir guiños al rico legado musical de su padre Fernando; Arcángel, que ofrecerá un recital basado en una colección de estilos clásicos de cante junto al guitarrista Miguel Ángel Cortés; y Manuel Lombo, que reivindicará sus raíces flamencas junto con el guitarrista Pedro Sierra. Asimismo, el ciclo contará con una sesión doble protagonizada por dos cantaores que transportarán al público a herencias bien distintas: Pedro “El Granaíno” y Caracolillo de Cádiz.

Fotografía: PACO LOBATO

ABAO Bilbao Opera, sube a escena en noviembre una de las óperas más queridas por el público y una de las obras más representativas del bel canto romántico: L’elisir d’amore de Gaetano Donizetti. ABAO ha programado cinco funciones para los días 18, 21, 24, 25 y 27 de noviembre en el Euskalduna Bilbao. Las representaciones en sábado los días 18 y 25 darán comienzo a las 19:00h, y el resto de las funciones se iniciarán las 19:30h.

Cuando Gaetano Donizetti recibió el encargo de componer una ópera en apenas dos semanas, ya era un compositor reconocido con más de una treintena de títulos y algunos grandes éxitos como Anna Bolena. Junto a Felice Romani, que escribió un libreto a partir de la ópera Le Philtre de Auber, consiguió crear una auténtica obra maestra, con una mezcla equilibrada entre la comedia y el drama, la opera buffa y el romanticismo, con personajes inspirados en la commedia dell’arte. El estreno en 1832 fue un gran triunfo recibido con el mayor entusiasmo tanto por el público como por la crítica, y así sigue sucediendo en todo el mundo hasta nuestros días.

En ABAO Bilbao Opera este título se ha programado en nueve ocasiones desde 1955, y ha tenido como protagonistas a Renata Scotto, Mirella Freni, Luciano Pavarotti, Josep Carreras o Alfredo Kraus. La última vez se puso en escena en 2012, y el tenor canario Celso Albelo protagonizó el primer bis de ABAO en el Euskalduna con “Una furtiva lacrima”.

La función del lunes 27 de noviembre celebra la representación 1.100 de la historia de ABAO Bilbao Opera.

SENSIBILIDAD MUSICAL Y PRESENCIA ESCÉNICA

Esta comedia sentimental ambientada según el libreto en el País Vasco, es una de las cimas de la producción del maestro italiano, está cargada de lirismo romántico y melancólico, y precisa voces que concierten virtuosismo vocal, sensibilidad musical y presencia escénica.

Encarna el desesperado enamorado Nemorino el tenor Joel Prieto, que debuta en ABAO. Dotado de un gran dominio de recursos expresivos, tiene el aria considerada como una de las melodías más famosas de la historia de la ópera: “Una furtiva lacrima”. Esta romanza es el fragmento más esperado por el público y de mayor lucimiento para el protagonista. Otras escenas destacadas son “Quanto è bella, quanto è cara”, “Caro elisir! sei mio!… Esulti pur la barbara”, o el trío “Adina credimi”, uno de los pasajes más bellos de la ópera. El sentimentalismo de Nemorino es un rasgo fundamental de este título.

Le da réplica como la caprichosa Adina la soprano donostiarra Elena Sancho Pereg. Este personaje es el de mayor dificultad vocal y tiene escenas de gran impacto como “Della crudele Isotta” o “Prendi per me sei libero”, además de tríos y dúos como el emotivo “Caro elisir sei mio” o el sentimental “Lallarallara la la” con su amado.

Pablo Ruiz interpreta a Belcore, el descarado sargento utilizado por Adina para dar celos a Nemorino. El barítono onubense debuta en ABAO y tiene escenas destacadas como la cavatina “Come Paride vezzoso” o el dúo con Nemorino “Ai perigli della guerra”

Interpreta el rol del simpático charlatán y falso doctor Dulcamara, Paolo Bordogna. El barítono de Pésaro, experto en este tipo de roles, estuvo por última vez en ABAO en 2020 con Il turco in Italia. Destaca el aria de su presentación con la divertida “Udite udite oh! Rustici”, con grandes dosis de parlante.

La joven campesina Giannetta está interpretada por la conocida soprano bilbaína Marta Ubieta, invitada habitual en las temporadas de ABAO donde ha participado en 24 títulos. Destacan sus escenas solistas “Bel conforto al mietitore” y “Saria possibile”.

El 25 de noviembre este título tendrá función Opera Berri. Esta iniciativa sociocultural de ABAO Bilbao Opera, cumple su XVIII edición y tiene el objetivo de acercar la ópera a la sociedad, con títulos muy conocidos y entradas al 50% de su precio habitual. El segundo elenco está formado por Juan Antonio Sanabria, Helena Orcoyen, Pau Armengol y David Menéndez.

IVÁN LÓPEZ-REYNOSO DIRIGE A LA BILBAO ORKESTRA SINFONIKOA

Regresa a Bilbao después del Concierto con Javier Camarena en 2015, el maestro Iván López-Reynoso, considerado como uno de los más importantes directores jóvenes de México.

Enérgico y solvente con la batuta, estará al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa con una partitura llena de color melodramático y pequeños y sutiles matices, que se aleja de muchas maneras de los convencionalismos de la opera buffa y explora nuevos territorios.

L’elisir d’amore se presenta como un melodramma giocoso donde la acción se representa en una interminable sucesión de escenas, reforzada por una orquestación sofisticada y destinada a resaltar las líneas vocales.

El Coro de Ópera de Bilbao, dirigido por Boris Dujin, completa el apartado musical.

PRODUCCIÓN DE MARINA BIANCHI CON MIRADA CINEMATOGRÁFICA

En el escenario, el estreno en España de una producción del Teatro Regio di Torino firmada por Marina Bianchi, que en su debut en ABAO Bilbao Opera como directora de escena, presenta una propuesta entretenida, limpia y dinámica, que resalta la juventud y el enamoramiento recreando una delicada escenografía al aire libre.

Ambientada en los años 50, la plaza del pueblo es el centro de la acción que congrega a los vecinos. Todo está bien calibrado y organizado. La escenografía y el vestuario de Leila Fteita y la iluminación de Andrea Borelli, trasladan eficazmente al público al entorno rural de una época, y los trailers de Miracle in Milan (Vittorio De Sica 1953), Riso amaro (Giuseppe de Santis 1949) y Sciuscià (Vittorio De Sica 1946), exponentes emblemáticos del neorrealismo italiano, aportan una mirada cinematográfica potente y efectiva de la realidad social y de la profundidad sentimental de la obra.

PROGRAMA DE ACTIVIDADES PARALELAS CON ENTRADA LIBRE

El programa de actividades culturales paralelas que desarrolla ABAO Bilbao Opera con carácter abierto y para todos los públicos, ofrece múltiples oportunidades de acercarse a la ópera como sucedió el pasado 6 de noviembre, con una conferencia en la Donostiako Udalaren Musika eta Dantza Eskola de San Sebastián con el compositor Carlos Imaz, o el 7 noviembre en la Sala BBK de Bilbao con la celebración del primer “Encuentros BBK-ABAO” con Aitziber Aretxederra, a propósito de la ópera L’elisir d’amore. Además, los días 9 y 13 de noviembre se celebraron nuevas conferencias sobre el montaje de una ópera en Villasana de Mena y en Pamplona a cargo de Carlos Imaz.

Las próximas citas son:

15 de noviembre. Podcast en directo: “Concierto Desorden”. Gonzalo Lahoz, crítico musical y codirector de Platea Magazine, entrevistará a Joel Prieto en directo con asistencia y participación del público. El podcast «Concierto Desorden» se puede escuchar en Spotify, Ivoox, Amazon Music, Podimo, Apple, Google.
Club Deportivo Bilbao. 19:00h. Entrada libre hasta completar aforo.
17 de noviembre. El ciclo de conferencias “El ABC de la Ópera” en colaboración con DeustoBide, trae a la periodista y divulgadora musical, Eva Sandoval, para presentar la ópera L’elisir d’amore y la obra de su compositor. La conferencia se retransmite en directo a través del canal de YouTube de ABAO.
Auditorio Universidad de Deusto. 18:30h. Entrada libre previo registro en la web de ABAO
22 de noviembre. Santander acogerá una conferencia sobre el título en cartel. Aitziber Aretxederra, responsable del programa didáctico de ABAO, repasará el argumento y comentará los mejores y más emocionantes momentos musicales.
Hora y lugar: consultar en www.abao.org Entrada libre hasta completar aforo.

Los próximos 16, 17 y 18 de noviembre, la Fundación Amigos del Teatro Real ofrecerá tres funciones a cargo de una de las voces más queridas y aclamadas de Broadway, Liz Callaway, quien llega por primera vez a Madrid para rendir homenaje a Stephen Sondheim (1930-2021) bajo el título To Steve with Love.

Acompañada al piano por Alex Rybeck, la cantante y actriz estadounidense ofrecerá un programa que incluye números de algunos de los musicales más populares del gran compositor neoyorquino, como Company, Follies, Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street o A Little Night Music (ver programa al final), una selección de obras grabadas recientemente por la artista cuyo álbum, To Steve with Love, acaba de ser nominado a los premios Grammy 2024 en la categoría Mejor álbum de pop tradicional (Best Traditional Pop Vocal Album).

Callaway se pondrá en la piel de inolvidables personajes para compartir con el público, en un concierto íntimo, emociones, confidencias, historias, experiencias, ironía, sueños y, sobre todo, música. De su mano reviviremos el Nueva York de los años cincuenta, la adrenalina y el entusiasmo del artista que comienza, la melancolía del desamor y el amor como redención de la vida convencional.

Nacida en Chicago en 1961, Liz Callaway debutó en Broadway a sus 20 años en la producción de Merrily We Roll Along, de Stephen Sondheim. Desde entonces, inició una larga carrera de colaboración con el compositor. Además de sus grandes papeles de teatro musical y cabaret, que incluyen títulos como Sunday in the Park with George, Baby, The Three Musketeers o Cats, la voz de Callaway ha inmortalizado los personajes de icónicas películas animadas, como Anastasia, Aladino, La Bella y la Bestia, Pocahontas, El Rey León II, entre otros. Su discografía suma nueve trabajos solistas y su carrera musical ha sido galardonada en los Bistro Awards, uno de los premios más prestigiosos de teatro musical, cabaret y jazz, concedido anualmente en Nueva York.

Stephen Sondheim es, sin duda, el gran referente del musical americano. Sus comienzos como letrista de West Side Story, junto al músico Leonard Bernstein, o Gypsy, con Harold Prince, eran sólo el presagio de una forma de concebir el teatro musical que lo cambiaría todo. Pronto vería cumplido su sueño de hacer las canciones completas para el espectáculo y pronto llegaría su primer y rotundo éxito con Company, una obra con un concepto y estructura dramática alejada de lo formal –reconocida en su momento con seis premios Tony- que no ha dejado de influir a las generaciones posteriores. Después vendrían títulos memorables como Follies, A Little Night Music, Sweeny Tood, Into the Woods… y una fructífera carrera por la que fue galardonado con prestigiosos premios, entre los que destacan ocho Grammy Awards, ocho Tony Awards, el Lawrence Olivier y el Premio Pulitzer, por citar sólo algunos.

TO STEVE WITH LOVE

LIZ CALLAWAY

PROGRAMA

Opening Medley: Company / Rich and Happy / I Know Things Now / Someone in the Tree – «Company», «Merrily We Roll Along», «Into the Woods», «Pacific Overtures»

Broadway Baby -«Follies»

Old Friends / Like it Was – «Merrily We Roll Along»

What More Do I Need? -«Saturday Night»

The Miller’s Son – «A Little Night Music»

What Do We Do? We Fly? – «Pacific Overtures»

I Remember / Take Me to the World – «Evening Primrose»

Not While I’m Around / Now You Know – «Merrily We Roll Along», «Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street»

Children Will Listen – «Into the Woods»

In Buddy’s Eyes – «Follies»

The Road You Didn’t Take – «Follies»

Loving You – «Passion»

Move On – «Sunday in the Park with George»

Another Hundred Lyrics – «Company»

Send in the Clowns – «A Little Night Music»

Being Alive – «Company»

Bertrand Chamayou grabó Letter(s) to Erik Satie en los estudios Miraval, en medio de las colinas de la Provenza. Creados en los años 70 por el pianista de jazz Jacques Loussier, en ellos han grabado grupos como Pink Floyd, AC/DC, Wham! y Level 42. ¡En la actualidad, Miraval está dirigida por el actor Brad Pitt y el productor Damien Quintard, que trabajó con Chamayou en su álbum de 2020 Good Night!

Letter(s) to Erik Satie surgió de la sugerencia de Quintard de que Chamayou grabara un álbum en Miraval, donde nunca antes había grabado. «Empecé a elaborar un concepto de álbum ideal para Miraval», explica Chamayou. «Como era la primera vez que grababa allí, pensé que debía tener algo que pudiera adaptarse a todo tipo de acústicas, ya que trabajábamos con tecnología… Tenía la idea de hacer algo bastante delicado, que no requiriera una amplitud dinámica a la manera de Liszt o Chopin. Pensé que debíamos hacer algo un poco diferente, y pensé en Erik Satie. Era una oportunidad para intimar con el piano… Satie es realmente un caso especial, un músico extraño que no se parece a ningún otro. Pensé que sería interesante descubrir qué tipo de visión tengo de su música».

Satie estaba en la mente de Chamayou porque recientemente (enero de 2022) había tocado música del compositor en un concierto comisariado por la soprano Barbara Hannigan. Chamayou la conoce bien, así que estuvo encantado de ayudar cuando ella le preguntó si podía actuar como sustituto de última hora de otro pianista que se había puesto enfermo. Hacía tiempo que no tocaba a Satie, ni siquiera en público, pero se aprendió las piezas de la noche a la mañana. Así que las probó con el público en el concierto, «encontrando colores e ideas que nunca habría imaginado en esta música». Tras establecer una nueva relación con Satie, lo convirtió en el centro de su proyecto de grabación en Miraval.

«Erik Satie y John Cage son ovnis en el mundo de la música, porque concibieron la música a través de un prisma completamente diferente», afirma el pianista Bertrand Chamayou. «Son pioneros en el sentido de que, para mucha gente, cambiaron la idea misma de lo que debe ser la música». Con su álbum “Letter(s) to Erik Satie” -que toma el nombre de una obra de John Cage de 1978, concebida para voz y bucles de cinta-, Chamayou rinde homenaje a dos compositores idiosincrásicos, innovadores e influyentes, uno nacido en Normandía en 1866, el otro en Los Ángeles en 1912.

Nancy Fabiola Herrera regresa en noviembre y diciembre a la programación de la Metropolitan Opera House de Nueva York (Estados Unidos) para encarnar el papel de Paula en Florencia en el Amazonas, del compositor mexicano Daniel Catán inspirada en el realismo mágico de Gabriel García Márquez y estrenada en 1996. La mezzosoprano canaria, una de las intérpretes más importantes de su generación, es la única cantante española que figura en la temporada 2023-24 del teatro neoyorquino, al que ahora vuelve para encarnar a un personaje que ya interpretó en la Ópera de Los Ángeles (2014), la Ópera de Washington (2014) y en la Houston Grand Opera (2019).

Tras iniciar el curso en septiembre inaugurando la temporada del Teatro Real de Madrid como Neris de Médée, la cantante española ahora celebrará todo un acontecimiento en el emblemático escenario del Met, en el que ha actuado durante once temporadas: después de casi 100 años sin representarse una ópera en español en el coliseo –tras el estreno de Goyescas, de Enric Granados, en 1916–, le llega el turno a Florencia en el Amazonas que se ofrecerá en una nueva producción con dirección de escena de Mary Zimmerman y contando en el podio con Yannick Nézet-Séguin, director musical del Met.

Herrera conoce muy bien esta ópera al tenerla en repertorio desde hace una década, aunque este nuevo reto le es especialmente atractivo por su estrecha relación con el teatro de Nueva York: “Cantar Paula en el Met es un motivo de enorme felicidad porque en la historia de este escenario Florencia en el Amazonas es una de las primeras óperas en español que se programa y la primera latinoamericana. Es el octavo rol que canto en esta compañía en once temporadas”.

Para la cantante canaria la ópera de Catán, asegura, “es una obra bellísima, que adoro especialmente porque su música y el tratamiento de los personajes es muy teatral y profundo. Que esta ópera se haga en el Met es un merecido reconocimiento a este gran compositor mexicano haciéndose realidad uno de sus sueños. Recuerdo que, cuando participé en el estreno absoluto de su ópera Il Postino (2010), Daniel me contó detalles de su viaje por el Amazonas y que estuvo un par de semanas encerrado en casa de Gabriel García Márquez mientras ambos perfilaban esta obra tan plena de su realismo mágico, cuyo libreto es de Marcela Fuentes-Berain, quien supo condensar el universo literario del gran Gabo en Florencia en el Amazonas”.

La obra se ofrecerá los días 16, 19, 25, 27 de noviembre y 2, 5, 9 y 14 de diciembre, incluyéndose además en la temporada The Met Opera HD que se retransmite en directo a cines de todo el mundo el 9 de diciembre. Completan el reparto Ailyn Perez (Florencia), Gabriella Reyes (Rosalba), Mario Chang (Arcadio), Michael Coldi (Álvaro), Mattia Olivieri (Riolobo) y Greer Grimsley (Capitán).

Fotografía © Shirin Tinati

Entrevista a Raffaella Lupinacci, la Adalgisa en la Norma del Teatro de la Maestranza

Raffaella Lupinacci es una de las mezzosopranos más destacadas y
solicitadas de su generación. Alberto Zedda
la seleccionó para la Accademia Rossiniana de Pésaro. Ahora regresa a España por segunda vez, al Teatro de la Maestranza de Sevilla con el rol de Adalgisa, en la Norma de Bellini. Una oportunidad para escuchar una de las voces belcantistas más destacadas que esperamos regrese pronto a nuestro país.

Brío Clásica: ¿Cómo es el carácter de la Adalgisa de Raffaella Lupinacci?

Raffaella Lupinacci: Adalgisa es un personaje dulce, atento, ingenuo… Y trataré de transmitir de la mejor manera esas características mediante un fraseo cuidado y respetuoso con el estilo y la escritura belliniana… En esta producción en concreto, la acertada interpretación musical del Maestro Yves Abel y la íntima y elegantísima regia de Nicola Berloffa contribuyen a la exaltación de los rasgos humanos de cada personaje.

B.C: Abordar un rol absolutamente romántico como Adalgisa, ¿requiere realizar algún cambio en la vocalità o la expresividad? Sobre todo, con respecto a roles menos románticos.

R.L: Requiere más bien el conocimiento del estilo específico, en este caso el estilo belcantista, que obviamente tiene que ir acompañado de un gran dominio técnico.

B.C: Un personaje tan intenso como Adalgisa atrapa, al menos durante la función, ¿cómo se libera de un personaje después de darlo todo en escena?

R.L: Pues la verdad es que uno difícilmente se libera de los roles interpretados la misma noche de la función, y solo al día siguiente, aunque no siempre, consigue reconectarse con la realidad…

B.C: ¿Qué diferencias ve en la escritura de Rossini con respecto a la de Bellini y Donizetti?

R.L: Rossini presenta un canto con una agilidad más desenfrenada. En Donizetti y Bellini también están presentes las agilidades, pero son más suaves y se desarrollan dentro de una gran estructura dominada por el legato, y el arte del rubato encuentra mayor espacio.

B.C: Ha trabajado con el Maestro Alberto Zedda en su Accademia Rossiniana de Pésaro. ¿Qué ha significado para usted el encuentro con el Maestro Zedda y qué aprendió con él?

R.L: El encuentro con el Maestro fue fundamental no solo porque me dio la oportunidad de comenzar mi carrera como cantante profesional, sino sobre todo porque me introdujo en el buen gusto, en el estilo del belcanto, en prestar atención a la palabra, en no dar nada por sentado… Además, me hizo más fuerte como mujer y como artista, con sus consejos y sus formas tan directas. Creyó en mí desde el primer momento y le estaré eternamente agradecida por ello.

B.C: ¿Y es verdad que también ha trabajado con Mirella Freni?

R.L: Ay… ¡Ya me hubiera gustado! Pero cuando comencé mi carrera, la señora Freni ya se había retirado de los escenarios… De todas formas, es cierto que asistí a una Masterclass con ella en Vignola y conservo con cariño una partitura de Bohème con una dedicatoria suya… Tengo un bellísimo recuerdo de “alumna”…

B.C: Ha cantado varios roles del repertorio mozartiano como Cherubino, Dorabella o Donna Elvira. ¿Le gustaría cantar otros roles de Mozart en un futuro? ¿Qué se necesita, en su opinión, para cantar bien Mozart?

R.L: ¡Amo a Mozart! Y por supuesto que deseo cantar todavía mucho Mozart… Pienso en Sesto, Idamante y otros muchos roles de óperas menos conocidas. La elegancia mozartiana es única, y la búsqueda de la homogeneidad del sonido está en la base de la ejecución vocal mozartiana. Me parece que es, sin duda, uno de los compositores más difíciles de afrontar.

B.C: Y si le proponen dos obras para las mismas fechas, Mozart y Donizetti, ¿por cuál se decide y por qué?

R.L: ¡Qué pregunta cruel! Probablemente Donizetti porque me permite expresar también el lado más trágico de mi vocalità y de mi carácter.

B.C: ¿Hacia dónde evoluciona su voz?, ¿Piensa en Verdi?

R.L: Por el momento, todas mis atenciones están puestas en el belcanto o en aquello que ahora está más cercano. Veremos cómo se desarrollará mi voz con el tiempo…

B.C: También aborda el repertorio barroco, que como el belcanto, tiene sus peculiaridades, ¿qué cambios vocales, de expresión y estilo realiza al adentrarse en este repertorio? Ha grabado el dúo “Son nata a lagrimar” de “Giulio Cesare” de Händel con el contratenor Raffaele Pe, ¿le gustaría interpretar el rol de Cornelia en escena? ¿Y alguna obra de Bach?

R.L: El barroco es un mundo musical que me gusta mucho. Quizás más que Cornelia me gustaría llevar a escena el personaje de Sesto. Bach es, indudablemente, un compositor de gran interés y genialidad… La verdad es que no he tenido muchas ocasiones de acercarme de manera concreta a su música, pero estaré muy feliz de hacerlo cuando se presente la ocasión.

B.C: De los roles que interpreta, ¿hay alguno de ellos que haya significado realmente un desafío vocal e interpretativo?

R.L: Probablemente el rol de Arsace en “Aureliano in Palmira”, que interpreté recientemente en el Rossini Opera Festival, porque es un rol que requiere una extensión considerable, tanto en el grave como en el agudo. Es un rol masculino y muy débil desde el punto de vista de la dramaturgia, a pesar de ser un príncipe… Además, es un rol muy largo… Solo al final, después de tantos dúos y conjuntos, se llega a una larga y articulada gran scena… Y a eso se añade el hecho de haberlo debutado en el Rof, lo que no lo hizo nada fácil… Fue, sin duda, una gran responsabilidad pero también una experiencia que me ha regalado satisfacciones indescriptibles desde cualquier punto de vista.

B.C: Por supuesto un cantante tiene sus profesores de canto, de repertorio, etc, pero usted dispone de un vocal coach. ¿Qué diferencia tiene con los profesores tradicionales y qué le aporta a usted esta figura vocal?

R.L: En mi caso, mi vocal coach es el maestro de técnica “tradicional” con quien estudio y me reúno desde los inicios de mi carrera. Paralelamente, preparo los roles con diversos maestros especializados en mi repertorio.

B.C: Volvamos la vista atrás, ¿cuáles fueron sus primeros pasos en el mundo de la música?

R.L: Comencé a la edad de seis años estudiando piano. Con quince años, empecé a ir al Conservatorio y me diplomé en canto lírico.

B.C: Y una vez que decidió convertirse en cantante profesional, ¿le fue difícil identificar su vocalità?

R.L: La vocalità de la mezzosoprano es siempre muy particular porque, de hecho, engloba dos tipos de vocalità, y es el color el que determina la característica específica de la mezzosoprano. Yo he tenido la suerte de estar rodeada de oídos muy instruidos que han sabido dirigirme de inmediato por el buen camino … me estoy refiriendo al Maestro Zedda y al Maestro Fernando Opa.

B.C: Por cierto, ¿cuáles son sus mezzosopranos del pasado (y también del presente) de referencia?

R.L: Sin duda alguna, Lucia Valentini Terrani, Fiorenza Cossotto, Jessye Norman, Elina Garança…

B.C: La palabra es para usted muy importante, podemos observarlo en su bonito fraseo y en su amor por los idiomas. ¿Qué importancia tiene para usted la manera de decir las cosas? ¿Es verdad que estudió lenguas extranjeras en la universidad?

R.L: ¡Gracias por el halago! Un buen fraseo es la base… la atención a la palabra es fundamental. En las palabras encontramos el significado de lo que cantamos, y por tanto los colores, los matices, las emociones… Y sí, soy licenciada en lenguas y literaturas extranjeras con una tesis de licenciatura sobre “Didone ed Enea” de Purcell.

B.C: Es la segunda vez que podemos escucharla en España y nos parecen muy pocas, ¿podremos verla más a menudo en un futuro próximo? ¿qué otros compromisos le esperan después de esta “Norma” en Sevilla?

R.L: Espero poder cantar mucho más en España… Es una tierra y una cultura que me gustan mucho… Próximamente cantaré Angelina en “La Cenerentola” de Rossini en la Staatsoper Hamburg, y luego será el turno de Romeo en “I Capuleti e i Montecchi” en la Opera Royal de Wallonie… Más adelante, debutaré como Elisabetta en “Maria Stuarda” en Atenas, luego estaré nuevamente en Hamburgo y retomaré el personaje de Sara en “Roberto Devereux” en el Festival Donizetti 2024.

Orlando de Händel escenificado por primera vez en el Teatro Real

Georg Friedrich Händel (1685-1759)
Ópera en tres actos
Libreto anónimo adaptado de L’Orlando, ovvero la gelosa
pazzia, de Carlo Sigismondo Capece, basado a su vez en la
obra de Ludovico Ariosto, Orlando furioso.
Estrenada en el King’s Theatre de Londres el 27 de enero
de 1733.
Teatro Real de Madrid 2 de noviembre de 2023
D. musical: Ivor Bolton
D. escena: Claus Guth
Escenografía y vestuario: Christian Schmidt
Iluminación: Bernd Purkrabek
Dramaturgia: Ronny Dietrich
Vídeo: Roland Horvath (ROCAFILM)
Reparto: Christophe Dumaux, Anna Prohaska, Anthony
Roth Costanzo, Giulia Semenzato, Florian Boesch
Orquesta Titular del Teatro Real

A pesar de ser una de las óperas más importantes de Händel, Orlando apenas se representa escenifcada. De hecho, esta es la primera vez que se presenta así en el Teatro Real que ha programado, además, tres obras sobre el mito medieval contado por Ariosto. Orlando Paladino, de Haydn, el Orlando que nos ocupa, de Handel y La liberazione di Ruggiero dall´isola d´Alcina, de Francesca Caccini, primera ópera compuesta por una mujer y basada en los cantos 6 a 8 del Orlando furioso de Ariosto.

La importancia de Orlando, dentro de la historia de la ópera, la marcan las novedades que incorpora el compositor, tanto dramatúrgicas, como musicales. Aunque sigue siendo una obra sujeta a los cánones establecidos, Händel introduce elementos que hacen saltar por los aires esos convencionalismos. Realizando para ello, una escritura totalmente libre y un estilo cargado de creatividad.
Hasta ese momento, las óperas barrocas daban todo el protagonismo a las arias da capo, en las que los solistas se lucían mediante la improvisación y las capacidades de su instrumento. Händel decide, ante la fatiga que mostraba ya la ópera seria, sacrificar el virtuosismo de los cantantes y protagonismo de las arias, por una historia que evolucione de manera coherente y más equilibrada, a través de las distintas escenas en su conjunto.
Estas innovaciones introducidas por Händel no fueron del agrado de todos los cantantes. Puede que esta fuera la razón de la ruptura del compositor con Senesino, el castrato más importante del momento y principal colaborador del compositor. Después de escribir para él 17 roles principales, no estuvo de acuerdo con esa falta de protagonismo canoro que le ofrecía Orlando. Esto, unido al hecho de que ambos tenían caracteres muy potentes, provocó la ruptura de una relación profesional intensa y tempestuosa.
Tal vez a Senesino no le gustasen algunas de las escenas, como la de la locura de Orlando, o tal vez le ofrecieran un contrato económicamente más jugoso en la Opera of de Nobility, que acababa de crearse. No siempre resultaba fácil mantener una compañía, y Händel luchaba por mantener las finanzas de sus producciones, no siempre exitosas que, a pesar de todo, pudo mantener uno de los mejores conjuntos de intérpretes de la época.
Otro elemento original en Orlando es el personaje de Zoroastro. Que no aparece en el libreto original, pero que resulta imprescindible para resolver, de cara al público, el final de la obra. Las óperas barrocas siempre terminaban bien, con la unión del héroe que regresaba y la amada que le esperaba. En el caso de Orlanda, el héroe llegaba derrotado y, para más desgracia, su amada no le había esperado. Tanta desgracia no podía complacer al público, por lo que Händel se inventa un personaje, una especie de consuelo para Orlando que intermedia con el resto de personajes y que resuelve el final a través de un sencillo, pero eficaz, cambio de parejas, triunfando el amor y la felicidad.
De la escenografía de esta nueva producción del Teatro Real, procedente del Theater an der Wien, se ha encargado el alemán Claus Guth.
Siempre me han gustado las escenografías de Claus Guht, pero en esta ocasión tengo sensaciones contradictorias. Por un lado, el personaje de Orlando, actualizado como un soldado contemporáneo, recién llegado de un conflicto bélico, con sus traumas y sus miedos, más desequilibrado que furioso. Y por otro lado, el parking, una playa y un intento de bosque donde se desarrollan las distintas escenas. Todos estos elementos son un buen contenedor para la historia. Pero hay algo que no me cuadra, que chirría, que distrae demasiado de la música y de la trama.
Las escenas se suceden, como es habitual en Guht, en esa arquitectura multiespacial que gira y gira y que es firma de la casa, donde los personajes se encuentran y se evitan, casi de igual forma. Espacios muy diferentes, llenos de elementos familiares, icónicos, pero que obligan a realizar un tremendo esfuerzo por ubicarlos dentro de una ópera como Orlando. La escenografía te saca de la historia y la música te devuelve a ella constantemente y no sin empeño. Es agoradora…
La dirección musical estuvo a cargo de Ivor Bolton. Sus maneras de dirigir tuvieron la misma energía y dinámica de siempre, pero el tempo parecía lento, adormecido en algunos momentos. Es como si la música y la escenografía no llegaran a ponerse de acuerdo. Lo más destacado fueron la obertura y el conjunto de músicos que forman el Monteverdi Continuo Ensemble, sobre todo en el acompañamiento del aria de la locura de Orlando.
Lo que si consiguió la orquesta fue dar cobertura al cuadro de voces para que no quedaran a la intemperie. Unos cantantes que en algunos momentos quedaron tapados por la orquesta y que, en general, mostraron unos recursos vocales irregulares. El Orlando del contratenor francés Christophe Dumaux prometía al principio, pero su proyección se fue empobreciendo. Una lástima, pues el timbre es más que agradable.

Ocurrió algo parecido con Anthony Roth Costanzo, el Medoro enamorado de Angelica, al que tampoco acompañó la presencia escénica, un tanto débil para el personaje.

La Angelica de Anna Prohaska se mostró desigual. Tuvo algún momento inspirado, que no consiguió mantener durante toda la obra.

La italiana Giulia Semenzato tuvo una buena actuación. Demostró buen manejo de la coloratura y estuvo desenvuelta sobre el escenario encarnando a la joven Dorinda, que esta producción trabaja en un foodstruck. Cosas de la escenografía.

El otro protagonista que tuvo una buena actuación fue Florian Boesh, en un desdoblado Zoroastro, unas veces como la seria voz de la conciencia de Orlando y otras en forma de indigente ebrio. Se las tuvo crudas con las agilidades, pero supo dominarlas. Al igual que los registros endiablados, donde destacó en los graves.

En cualquier caso, se agradece este Orlando en una temporada rebosante de barroco, por fin.

Pablo Heras-Casado regresa a la Wiener Staatsoper donde, a partir del 11 de noviembre, dirigirá la ópera Le Grand Macabre de György Ligeti, una de las obras más destacadas del compositor húngaro. Una producción especial, ya que la obra será llevada al escenario de la Ópera Estatal de Viena por primera vez y a lo largo de 5 funciones; con una dirección de escena a cargo de Jan Lauwers. La función del día 19 de noviembre será retransmitida en streaming a través de la aplicación de la Wiener Staatsoper.

Un reparto de lujo dará voz a los complejos personajes de la ópera, el barítono Georg Nigl (Nekrotzar), la soprano Sarah Aristidou (jefe de la Gepopo/ Venus), el contratenor Andrew Watts (príncipe Go-Go), la soprano Maria Nazarova (Amanda), la mezzosoprano Isabel Signoret (Amando), Wolfgang Bankl (Astradamors), Marina Prudenskaya (Mescalina), Gerhard Siegel (Piet el Pote), Daniel Jenz (Ministro blanco), Hans Peter Kammerer (Ministro negro), Jusung Gabriel Park (Ruffiack), Jack Lee (Schobiack) y Nikita Ivasechko (Schabernack).

2023 está siendo un año en el que el director granadino ha podido recorrer casi todos los períodos de la historia de la música: la pasada primavera concluyó el ciclo de Monteverdi con el Concentus Musicus Wien en el mismo foso de la Wiener Staatsoper en verano debutaba brillantemente en el Festival de Bayreuth con Parsifal; y – ya habiendo dirigido la temporada con La Clemenza die Tito de Mozart – regresa de nuevo a Viena, en esta ocasión con una obra clave del siglo XX musical. Le Grand Macabre es la única ópera que compuso Ligeti, del que se conmemora el centenario de su nacimiento. Una obra radical que decididamente el compositor concibió como “anti-antiópera”, que refleja el desarrollo de la historia de la música en sí misma y especialmente la del siglo XX con todas sus crisis y horrores en toda su amplitud.

Con una forma y un lenguaje únicos en forma de collage, esta ópera tematiza cuestiones centrales como la destrucción y la autodestrucción, la aniquilación apocalíptica, o la crisis de los valores, la moralidad y la ética con un toque de humor negro. Una extensa estratigrafía de capas de diversas formas, contenidos y sonidos que, bajo su apariencia espontánea e improvisada, oculta una partitura musical extremadamente minuciosa, detallista y precisa donde la sincronía entre el escenario y el foso de la orquesta debe ser absoluta.

Con 28 años de prolífica carrera artística y un extensísimo repertorio que va de la polifonía renacentista al siglo XXI (incluyendo una treintena de estrenos mundiales de compositores actuales), Pablo Heras-Casado sigue estrechando su vínculo con la Wiener Staatsoper con una consolidada carrera musical, en la que la ópera ocupa un lugar muy destacado. De Claudio Monteverdi a Péter Eötvös o Mauricio Sotelo, pasando por Gluck, Mozart, Donizetti, Verdi, Wagner, Músorgski, Falla, Ravel o Bizet. Ha dirigido más de 40 producciones escénicas en importantes teatros líricos de todo el mundo, desde el Teatro Real, La Scala de Milán, Staatsoper de Viena, Staatsoper Unter den Linden y Deutsche Oper de Berlín, Metropolitan de Nueva York y Teatro Mariinsky de San Petersburgo, hasta la English National Opera, la Monnaie de Bruselas, o las Óperas Burdeos, Frankfurt, Baden-Baden, Ámsterdam, Varsovia, Luxemburgo, Los Ángeles o Toronto. Pero fue sin duda el Teatro Real, donde es primer director invitado desde 2015, el que le ofreció los mayores retos en la dirección operística, con las producciones de Die Soldaten, de Bernd Alois Zimmermann, con Calixto Bieto, y la Tetralogía wagneriana, con Robert Carsen.

Fotografía © Javier Salas

La soprano Adriana González, que el pasado verano recibió una extraordinaria acogida de la crítica internacional con su debut en el Festival de Salzburgo interpretando el rol mozartiano de La Contessa di Almaviva (Le nozze di Figaro) con los Wiener Philharmoniker en el foso de la Haus für Mozart, acaba de sacar al mercado su nuevo trabajo discográfico en el sello Audax Records. Se trata de su tercer disco de estudio con la label francesa, que este año celebra su décimo aniversario, y le ha ofrecido carte blanche para invitar a la conocida mezzosoprano franco-suiza Marina Viotti, con quien le une una gran amistad desde que en 2017 cantaran por primera vez juntas en Il viaggio a Reims del Gran Teatre del Liceu de Barcelona.

El feeling personal y artístico entre ellas fue inmediato desde el primer programa a dúo que cantaron en un recital para los Amics del Liceu, y conscientes de lo bien que empastaban sus voces cuando comparten escenario juntas, encontraron en Iñaki Encina Oyón, director de orquesta y piano partner de Adriana desde hace años, a su cómplice ideal, para seleccionar y concebir un programa dedicado enteramente a dúos de compositores y compositoras franceses como Charles-Marie Widor, Pauline Viardot, Léo Delibes, Ernest Chausson, Gabriel Fauré, Émile Paladilhe, César Franck, Jules Massenet, Charles Gounod o Édouard Lalo, entre otros.

“Las posibilidades de estas dos cantantes son enormes, pero desde el principio me pareció una evidencia que el repertorio francés sería el más adecuado, porque es el repertorio que más cultivamos Adriana y yo en recital, ambos dos instalados en París y además es el idioma materno de Marina”, explica Encina Oyón en las notas del booklet, que también incluye los textos de las obras. “Enseguida pensé en los dúos de Fauré, quizás las piezas más conocidas de nuestro programa y la dedicatoria de este opus à mesdames Georges Chamerot et Alphonse Duvernoy sirvió de hilo para ir construyendo todo el programa. Las mencionadas mesdames eran las hijas de Pauline Viardot, Claudie y Marianne, y también Massenet dedicó uno de sus dúos a ellas. Incluir el precioso Rêverie de Pauline Viardot fue una evidencia ya que salíamos de las celebraciones del bicentenario del nacimiento de la cantante y me animó a buscar más dúos compuestos por mujeres. Así se añadió Duo d’étoiles de Cécile Chaminade y Les Papillons de Charlotte Devéria, que grabamos en primicia mundial”, concluye Encina Oyón, que también ha incluido otros World premiere recordings de Paul Puget, Gounod y Lalo.

El próximo día 12 de noviembre, Adriana González, Marina Viotti e Iñaki Encina Oyón interpretarán las obras del disco À deux voix en la Salle Cortot de París, en el marco del concierto de celebración de los diez años de Audax Records, la innovadora, internacional y dinámica artists’ label fundada en 2013 por el violinista Johannes Pramsohler, con el objetivo de presentar grabaciones de obras menos conocidas, fruto de un riguroso estudio musicológico, y una cuidada presentación del producto. Adriana González, Marina Viotti e Iñaki Encina Oyón interpretarán también los dúos À deux voix en el festival LIFE Victoria de Barcelona el 11 de febrero 2024.

Escuchar À deux voix en streaming

Enamorada de la zarzuela, la mezzosoprano georgiana Ketevan Kemoklidze, regresa al escenario del teatro de la calle Jovellanos para debutar el rol de Cecilia, en Las Golondrinas, de José María Usandizaga. Con dirección musical de Juanjo Mena y la espectacular escenografía de Giancarlo del Monaco.

Ketevan Kemoklidze, que ya trabajó con Giancarlo del Monaco cantando el rol de la princesa de Éboli en su producción de Don Carlo en The Israeli Opera Tel Aviv, nos habla de esta producción que considera muy interesante y nos descubre las razones por las que el público, sobre todo el jóven, deben acudir a ver esta obra, que habla de problemas muy actuales.

Es su segunda zarzuela, después de haber interpretado en este mismo teatro La tempestad, de Ruperto Chapí, hace cinco años.

Ketevan Kemoklidze regresará, de nuevo, a nuestro país en el mes de febrero para interpretar, una vez más, a la conocida cigarrera sevillana en las dos funciones de Carmen de Bizet, que ofrecerá la Fundación Baluarte de Pamplona. Sus compromisos más inmediatos incluyen también el rol de Éboli (Don Carlo) en el Hessisches Staatstheater de Wiesbaden, y la Sinfonía nº 2 de Mahler en el citado teatro alemán.

La reconocida mezzosoprano italiana Raffaella Lupinacci será Adalgisa en las funciones de Norma de Bellini, con dirección musical de Yves Abel y regia de Nicola Berloffa, que se podrá ver en el Teatro de la Maestranza de Sevilla los días 12, 15 y 18 de noviembre. En esta producción procedente del Teatro Regio di Parma, realizada en coproducción con el Teatro Municipale di Piacenza y el Teatro Comunale di Modena, la mezzosoprano calabresa compartirá escenario con la soprano Yolanda Auyanet (Norma), el tenor Francesco Demuro (Pollione), y el bajo Rubén Amoretti (Oroveso).

Considerada como una de las intérpretes más destacadas de Belcanto del circuito lírico actual, Raffaella Lupinacci hará su debut en la temporada operística del conocido teatro de la capital hispalense. “El rol de Adalgisa requiere mucha sensibilidad y gusto a la hora de porgere la palabra en el contexto musical. Además, dada su aguda tesitura, exige una gran flexibilidad vocal y todo un dominio técnico y estilístico a la intérprete”, señala Lupinacci, que ya cantó este rol belliniano en el escenario del teatro La Monnaie- De Munt de Bruselas.

Formada en la Accademia Rossiniana de Alberto Zedda, Raffaella Lupinacci se ha convertido en una de las voces habituales en el cartellone del prestigioso Rossini Opera Festival, donde el pasado verano recibió el elogio unánime de la crítica especializada con el personaje rossiniano de Arsace en el dramma serio Aureliano in Palmira, que aplaudió sus dotes actorales, su control del fiato, la nitidez en la coloratura y el amplio abanico de colores que fue capaz de recrear con su interpretación del rol escrito para el castrato Velluti.

Raffaella Lupinacci, que cuenta además con una carrera universitaria en lenguas extranjeras, ha cantado en numerosos teatros y festivales de renombre internacional como el Teatro Massimo de Palermo, el Teatro San Carlo de Nápoles, el Theater an der Wien, la Dutch National Opera de Ámsterdam, la Royal Opera House Muscat, la Korea National Opera, el Teatro Comunale di Bologna, la Fondazione Arena di Verona, el Wexford Festival, el Donizetti Opera Festival, o la Ópera de Florencia, entre otros.

Además, ha participado en producciones de grandes figuras de la escena como Mario Martone, Davide Livermore, Ferzan Özpetek, Rosetta Cucchi, Pier Luigi Pizzi o Giorgio Strehler. Entre los directores de orquesta con los que ha colaborado, destacan, los nombres de Francesco Lanzillotta, Michele Mariotti, Enrique Mazzola, Daniel Oren, Gianluigi Gelmetti o Sesto Quatrini. Y en su agenda de próximos compromisos, figuran dos importantes citas: el debut en la Staatsoper Hamburg con rol protagonista de La Cenerentola de Rossini, y el rol de Romeo junto a la soprano Rosa Feola (Giulietta) en I Capuleti e i Montecchi de Bellini en la Opéra royal de Wallonie, bajo la batuta de Maurizio Benini.

Los próximos 9 y 11 de noviembre, coincidiendo con el Día de la Independencia de Polonia, el Teatro Real presentará en su escenario, en versión de concierto, la ópera Halka, de Stanisław Moniuszko (1819-1872) considerado el creador de la ópera nacional polaca, que desplegó en este título una de las músicas más conmovedoras y románticas de la historia del país.

Halka posee una orquestación sublime, con bellas melodías arraigadas en la música tradicional, arias líricas y emotivas y un hábil uso del coro, presente como un protagonista más, con logradas escenas que ponen de relieve la esencia del espíritu polaco. Su ágil pulso dramático, con clara influencia italiana, consigue una narración fluida y emotiva en el más puro estilo romántico.

Su puesta de largo en el Real contará con la participación del tenor polaco Piotr Beczała, una de las grandes voces de la actualidad, y emblemático representante de su país, que ha dejado en este escenario inolvidables interpretaciones en La damnation de Faust (2009), Faust (2018) y en Aida (2022) además de su participación en el Homenaje a Alfredo Kraus (2014) y en la Messa da Requiem, de Verdi, en la Catedral de Burgos (2022). En esta ocasión encarnará el papel de Jontek, protagonista masculino de la ópera.

Le acompañarán la soprano estadounidense Corinne Winters (Halka), los intérpretes polacos Tomasz Konieczny, bajo barítono (Janusz) y Tomasz Kumiega, barítono (Dziembra), el bajo ruso Maxi Mkuzmin-Karavaev (Stolnik), la mezzosoprano ucrania Olga Syniakova (Sofia) y el barítono español Javier Povedano (El gaitero).

Junto a ellos, la Orquesta y Coro Titulares del Teatro Real asumen el reto de extraer los colores de esta bella partitura bajo la dirección musical de Łukasz Borowicz, otro gran representante de su Polonia natal, con José Luis Basso al frente del coro.

Coincidiendo con este estreno, y con los actos conmemorativos de Día Nacional de la Independencia de Polonia, el Teatro Real ha programado dos conciertos que tendrán lugar los días 22 de noviembre, en la Sala de las Musas del Museo del Prado (21.00 h), y el 23, en la Sala de Orquesta del Teatro Real (20.00 h), cuyas obras seleccionadas corresponden a tres grandes compositores polacos, de distintos periodos, con los que quiere poner de relevancia la música polaca en la historia europea: Karol Szymanowski (1882 – 1937), Krzysztof Penderecki (1933 – 2020) y Witold Lutosławski (1913 – 1994).

El programa de los conciertos, el mismo para ambas citas, estará protagonizado por el Cuarteto Meccore, donde estos premiados músicos polacos interpretarán las obras: Cuarteto de cuerda núm. 2, op. 56, de K. Szymanowski; el Cuarteto de cuerda núm. 3, «Hojas de un diario no escrito», de K. Penderecki, y el Cuarteto de cuerda de W. Lutosławski.

Fotógrafo: © Javier del Real | Teatro Real

El Palau de les Arts Reina Sofía representa este viernes, 10 de noviembre, la primera ópera dirigida al público familiar que podrá verse en la Sala Principal: ‘El retablo de maese Pedro’, de Manuel de Falla. Con motivo del centenario del estreno de la obra en París, Les Arts presenta en Valencia esta ópera de cámara para títeres, basada en un capítulo de ‘El Quijote’, de Miguel de Cervantes.

El valenciano Pablo Rus Broseta dirige a los cantantes del Centre de Perfeccionament Iria Goti (Trujamán), Max Spósito (Maese Pedro) y Daniel Gallegos (Don Quijote) y a la Orquestra de la Comunitat Valenciana en esta atractiva propuesta, que también incluye el ‘Concierto para clave’ del genial compositor gaditano con Diego Ares como solista.

La Compañía Etcétera, Premio Nacional de Artes Escénicas para la infancia y la juventud (2014), y su director, Enrique Lanz, firman la impactante puesta en escena de ‘El retablo de maese Pedro’, realizada en coproducción con el Teatro Real de Madrid y el Festival de Granada.

Enrique Lanz es nieto de Hermenegildo Lanz, el artista que creó los títeres originales para el estreno de la obra de Falla en París. Cien años después, el titiritero y escenógrafo propone un espectáculo de teatro dentro del teatro, con marionetas inspiradas en el montaje original, que superan los siete metros de altura, en un homenaje a dos ‘gigantes’ de la cultura española: Miguel de Cervantes y Manuel de Falla.Les Arts ha programado una doble función de la obra para este viernes, 10 noviembre. En este sentido, se recuerda que la representación de las 10.30 h, es exclusiva para el público del Programa Didáctico. La función de las 19.30 h está abierta al público familiar, con localidades con un precio único de 15 euros.

Argumento
‘El retablo de maese Pedro’ está basado en el capítulo vigesimosexto de la segunda parte de ‘El Quijote’. En dicho episodio, Cervantes aborda el encuentro del hidalgo con maese Pedro y su ayudante, Trujamán, que ofrecen una función de títeres en la que representan ‘El retablo de la libertad de Melisendra’, un romance medieval que narra la liberación de la francesa Melisendra, esposa de don Gaiferos, a quien retiene cautiva el rey moro Marsilio. El caballero andante incapaz de discernir entre ficción y realidad terminará destruyendo los títeres de maese Pedro para salvar a los fugitivos.

La Sinfonietta Cracovia rinde homenaje al gran compositor polaco Krzysztof Penderecki en una nueva cita del ciclo Series 20/21 del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM). En el mes en el que el maestro habría cumplido noventa años, esta prestigiosa orquesta de cámara de Polonia ofrecerá un viaje musical por algunas de sus obras más representativas. El concierto tendrá lugar el lunes 13 de noviembre a las 19:30 horas en el Auditorio 400 del Museo Reina Sofía (entrada libre).

La música de Krzysztof Penderecki se ha convertido en exponente de la vanguardia europea y punto de referencia para generaciones venideras de compositores, además de conferir renovada inspiración al mundo del cine. La Sinfonietta Cracovia, estrechamente vinculada a la figura de Penderecki y al repertorio de los siglos XX y XXI, profundizará en su legado en un programa monográfico que estará dirigido por Katarzyna Tomala-Jedynak. La cuidada selección del repertorio pondrá de manifiesto la riqueza musical del maestro.

Penderecki fue mentor de la Sinfonietta. Bajo su mando cristalizaron novedosas interpretaciones de sus obras, cuyo fruto es el disco Penderecki Sinfonnietta(s) publicado por Sony Classical en 2020. Además, junto con su esposa Elżbieta Penderecka, promovió la idea de conceder a la Sinfonietta Cracovia el estatus de institución cultural de la ciudad de Cracovia en el año 1994. Actualmente, la agrupación se dedica a divulgar y mantener vivo el espíritu de la música de Penderecki.

El universo de Krzysztof Penderecki

El programa arranca con la emotiva Sinfonietta nº 3, inspirada en su tercer cuarteto Hojas de un diario no escrito, en la cual ritmos intensos se entrelazan con melodías fugaces y músicas más tradicionales como una melodía cíngara inspirada en la infancia del compositor. El repertorio continúa con la majestuosa Sinfonía nº 7, Las siete puertas de Jerusalén, que celebra el tercer milenio de esta ciudad con un estilo que rememora el posromanticismo, y en la cual destaca especialmente el uso de coros en su tercer movimiento. La Sinfonietta se adentrará después en la Serenata, que emerge como una obra más introspectiva construida sobre una Passacaglia y un Larghetto con elementos románticos que Penderecki abrazó más adelante en su carrera. Además, también se interpretarán las Tres piezas en estilo antiguo, que reflejan el profundo respeto del compositor polaco por la tradición, y la conmovedora Chacona en memoria del papa Juan Pablo II, que entrelaza el lamento expresivo con variaciones polifónicas.

La Sinfonietta ofrecerá así un viaje musical inolvidable a través de la evolución artística de Penderecki, una figura fundamental en el lenguaje musical contemporáneo, desde los tintes románticos hasta su reconocimiento de las raíces históricas de la música.

El Teatro Real ha sido galardonado con el X Premio de la Fundación Consejo España Japón en reconocimiento a su labor en la promoción de música y las artes escénicas españolas en el país nipón y a su decidido esfuerzo por acercar las sociedades de ambos países.

El vínculo entre el Teatro Real y Japón comenzó en 2018 con la firma de un convenio de colaboración con el Nuevo Teatro Nacional de Tokio con el objetivo de intercambiar óperas y ballets para su retransmisión en ambos teatros y reforzar su proyecto de expansión y difusión de sus actividades en el panorama internacional.

En la actualidad, la institución española está embarcada en una gira por Asia con su programa Authentic Flamenco, con el que recorrerá 12 ciudades de Oriente Medio, Asia y Oceanía, entre ellas Tokio, donde tiene previstas 10 actuaciones.

La gala de entrega de premios, en los que también se reconocerá el trabajo de la empresa japonesa Toyota, se celebrará entre los días 28 y 30 de noviembre en Salamanca.

El jurado, reunido el pasado 18 de octubre en la sede del Ministerio de Asuntos Exteriores, Unión Europea y Cooperación, estuvo integrado por: Ángeles Delgado, CEO de Fujitsu en España y presidenta de la Fundación Consejo España Japón; Lucía Los Arcos, directora de Asuntos Institucionales y Comunicación de Bergé & Cía y vicepresidenta de la Fundación Consejo España Japón; Ramón Mª Moreno, secretario general de la Fundación Consejo España Japón; Álvaro de la Cueva, abogado socio de Garrigues; Eduardo Serra, presidente de NTT Data EMEAL; Marcos Caviró, director de gabinete en la Dirección General de la Cámara de Comercio de España, y Juan Tanarro, general manager de Mitsui.

Fotografía: Javier del Real

El tenor Joel Prieto debuta en la ABAO este 18 de noviembre en el papel de Nemorino en la ópera L’elisir D’amore de Donizetti, uno de los eventos más esperados de esta temporada. Esta emocionante producción dirigida por el maestro Iván López-Reynoso y acompañada por la Bilbao Orkestra Sinfonikoa promete enamorar al público y traer de vuelta una de las óperas más queridas en todo el mundo.

Esta emotiva comedia ambientada en el País Vasco supone una de las obras cumbre del maestro italiano. El escenario de la ABAO cobrará vida con una producción de estreno es España, bajo la dirección escénica de Marina Bianchi cuenta con una puesta en escena divertida, fresca y muy ágil que resalta la juventud y el enamoramiento de sus personajes con una delicada escenografía inspirada en espacios abiertos. El corazón de esta producción será el talentoso tenor Joel Prieto, quien tras una exitosa carrera alrededor del mundo y su reciente estreno mundial de la ópera El caballero de Olmedo en octubre de 2023 interpretando el rol protagónico de Don Alonso en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, regresa a los escenarios con este debut en la ABAO que promete sorprender al público con la interpretación de la famosa aria “Una furtiva lagrima”. Joel Prieto compartirá escenario con grandes nombres como la soprano donostiarra Elena Sancho Pereg en el papel de Adina. Además, el barítono Pablo Ruiz y el bajo Paolo Bordogna completan este cuarteto de ensueño con un elenco de primer nivel.

L’elisir D’amore, una joya de la ópera bufa del siglo XIX, es una ópera cómica en dos actos compuesta por el renombrado director italiano Gaetano Donizetti. Fue estrenada por primera vez en el teatro della Canobbiana de Milán el 12 de mayo de 1832 y se convirtió rápidamente en una de las obras más queridas y populares dentro del repertorio operístico. La trama gira en torno a la historia de un joven campesino llamado Nemorino (Joel Prieto) y Adina (Elena Sancho Perea) una mujer educada y adinerada. Adina desprecia el amor de Nemorino y este, desesperado compra un elixir mágico de un estafador llamado Dulcamara creyendo que le dará la valentía y la irresistible atracción que necesita para conquistar a su amada. La ópera explora temas como el amor verdadero, el engaño y la delicadeza de las emociones humanas Con una dirección llena de frescura y matices a manos de Iván López Reynoso el público podrá viajar a través de esta partitura de forma ágil y divertida.

Las funciones de “L’elisir D’amore” se llevarán a cabo los días 18,21,24 y 27 de noviembre en la ABAO de Bilbao y supone una oportunidad única de volver a disfrutar de una de las óperas cómicas más representadas y apreciadas en todo el mundo. Su encanto atemporal y sus personajes entrañables la hacen perfecta tanto para los amantes de la música clásica como para aquellos que descubren la ópera por primera vez.

Joel Prieto se ha convertido en uno de los artistas más solicitados de su generación. El tenor, nacido en España y criado en Puerto Rico, comenzó su carrera cantando papeles principales dentro del repertorio mozartiano y belcantista. Ahora, con una carrera consolidada como Tenor lírico, aporta no sólo profundidad vocal y dramatismo a sus papeles, también un toque de elegancia y vitalidad a todo lo que hace, añadiendo a su repertorio papeles como Romeo, Edgardo, Lensky, Alfredo, Faust, Don José o Rodolfo. Durante el desarrollo de su carrera ha cantado en los más prestigiosos teatros de ópera y salas de conciertos de todo el mundo, así como en los festivales más importantes a nivel internacional.

En marzo de 2024 llega su esperado regreso al Teatro dell’Opera di Roma como Narraboth en la ópera Salomé bajo la dirección de orquesta de Marc Albrecht y la dirección escénica del prestigioso Barrie Kosky junto a otros intérpretes de excepción como Sara Jakubiak, Nicholas Brownlee o John Daszak.

ELENCO L’ELISIR D’AMORE
Nemorino: JoeI Prieto
Nemorino BERRI: David Alegret
Adina: Elena Sancho Pereg
Adina BERRI: Helena Orcoyen
Belcore: Pablo Ruiz
Belcore BERRI: Pau Armengol
Dulcamara: Paolo Bordogna
Dulcamara BERRI: David Menéndez

NOTA DE PRENSA

Giannetta: Marta Ubieta
EQUIPO ARTÍSTICO
Director Musical: Iván López Reynoso
Director De Escena: Marina Bianchi
Escenografía|vestuario: Leila Fteita
Iluminación: Andrea Borelli
Director Del Coro: Boris Dujin
Coro: Coro de Ópera de Bilbao
Orquesta: Bilbao Orkestra Sinfonikoa
Producción: Teatro Regio di Torino

El próximo 9 de noviembre, la conocida mezzosoprano georgiana Ketevan Kemoklidze regresa al coliseo de la calle Jovellanos para interpretar el rol de Cecilia en la versión operística de Las Golondrinas con música de José María Usandizaga y libreto de Gregorio Martínez Sierra y María de la O Lejárraga. Una reposición de la producción del Teatro de la Zarzuela con firma escénica de Giancarlo del Monaco estrenada en 2016. Además, actuará también durante las funciones de los días 11, 15, 17 y 19, bajo la batuta de Juanjo Mena, y compartirá escenario con el barítono Gerardo Bullón (Puck), la soprano Raquel Lojendio (Lina), el tenor Jorge Rodríguez-Norton (Juanito) y el bajo-barítono Javier Castañeda (Roberto).

Ketevan Kemoklidze, que ya trabajó con Giancarlo del Monaco cantando el rol de la princesa de Éboli en su producción de Don Carlo en The Israeli Opera Tel Aviv, aplaude la propuesta escénica del director italiano porque “está muy en consonancia con la música”. “Creo que Las Golondrinas son mucho más que una zarzuela, y están más en la línea de la ópera porque es una obra que tiene de todo. La música es maravillosa y los temas se desarrollan de manera muy interesante. Además, nos habla de problemas muy actuales”, concluye la mezzosoprano nacida en Tbilisi, que se convirtió en la primera cantante georgiana en actuar en el Teatro de la Zarzuela, cuando hace cinco años cantó la zarzuela La Tempestad de Ruperto Chapí.

Considerada como una de las mezzosopranos más destacadas del circuito lírico actual, el nombre de Ketevan Kemoklidze es habitual en las temporadas de teatros y festivales de prestigio internacional como la Semperoper de Dresde, el Teatro Massimo de Palermo, el Teatro Regio di Torino, la Scala de Milán, el Teatro Real de Madrid, el Liceu de Barcelona, el Macerata Opera Festival, el Tsinandali Festival, la Quincena Musical de San Sebastián, la Arena de Verona, la Ópera de Los Ángeles, la Bergen
National Opera de Noruega, Termas de Caracalla-Teatro dell’Opera de Roma o la Opéra Royal de Wallonie, entre otros. Además, ha actuado con destacados directores de orquesta, como Gianandrea Noseda, Daniel Oren, Nicola Luisotti, Roberto Abbado,

Marco Armiliato, Daniel Harding, Omer Meir Wellber, Gustavo Dudamel, John Axelrod, Maurizio Benini o James Conlon, entre otros, y grandes nombres de la escena como Franco Zeffirelli, Pier Luigi Pizzi, Claus Guth, Calixto Bieito, Davide Livermore,
Graham Vick o Francesca Zambello. Ketevan Kemoklidze, que también interpretó el rol de Adriana Ferrarese (Donna Elvira) en la película Io, Don Giovanni de Carlos Saura, regresará, de nuevo, a nuestro país en el mes de febrero para interpretar, una vez más, a la conocida cigarrera sevillana en las dos funciones de Carmen de Bizet, que ofrecerá la Fundación Baluarte de Pamplona.

Sus compromisos más inmediatos incluyen también el rol de Éboli (Don Carlo) en el Hessisches Staatstheater de Wiesbaden, y la Sinfonía nº 2 de Mahler en el citado teatro alemán.

Ketevan Kemoklidze (c) Giorgi Tsaava

Bajo la dirección de Julien Chauvin, la prestigiosa orquesta colabora con el aclamado contratenor Philippe Jaroussky para presentar Forgotten Arias, un álbum con arias inéditas y poco conocidas del Barroco tardío.

El disco se presentará en una gira que llega a España a finales de noviembre: el 28 de noviembre actuarán en el Auditorio Nacional de Madrid, el 30 de noviembre en el Palau de les Arts de Valencia y el 4 de diciembre en el Palau de la Música Catalana de Barcelona.

Le Concert de la Loge es uno de los conjuntos franceses con mayor proyección internacional, una orquesta de instrumentos de época fundada por Julien Chauvin con la idea de revivir el espíritu y pasión de uno de los hitos de la historia musical de Francia: el Concert de la Loge Olympique.

Philippe Jaroussky está considerado uno de los mejores contratenores de los últimos tiempos, con una maestría técnica que le permite los más audaces matices y espectaculares pirotecnias vocales.

La prestigiosa orquesta Le Concert de la Loge vuelve a colaborar con el famoso contratenor Philippe Jaroussky en una nueva gira de conciertos en la que presentan el álbum Forgotten Arias, un disco en el que Jaroussky ofrece una serie de arias inéditas del Barroco tardío compuestas por figuras como Hasse, Haendel o Jomelli, además de autores olvidados como Valentini, Leo, Traetta, Ferrandini o Bernasconi.

La gira, que arrancó en Francia el pasado 2 de noviembre, llega a España a finales de mes: Le Concert de la Loge y Philippe Jaroussky actuarán el 28 de noviembre en el Auditorio Nacional de Madrid, el 30 de noviembre en el Palau de les Arts de Valencia y el 4 de diciembre en el Palau de la Música Catalana de Barcelona.

Con Forgotten Arias, el contratenor Phillippe Jaroussky rinde homenaje a los compositores del Barroco tardío y al gran libretista de la época, Pietro Metasasio. Gracias a este álbum, diez arias escritas entre 1748 y 1770 por nueve compositores, se escuchan ahora en primicia mundial. Los libretos de Metasasio fueron escritos por múltiples autores (Vivaldi, Haendel, Gluck y Mozart, entre otros) y dieron lugar a cientos de óperas. Los nombres más conocidos de estas ‘Arias olvidadas’ son Gluck, Johann Christian Bach, Jommelli, Hasse y Piccinni. Otros nombres menos conocidos -e injustamente olvidados- son Bernasconi, Ferrandini, Traetta y Valentini.

Philippe Jaroussky volverá a España en 2024 para participar como alto en el concierto de la Pasión según San Mateo (Bach) que tendrá lugar en el Auditorio Nacional de Madrid en 25 de marzo.

El público joven recibió ayer con entusiasmo el preestreno de la obra ‘Pan y toros’, de Asenjo Barbieri, con la que regresa la zarzuela a la programación del Palau de les Arts Reina Sofía.

La función reservada para menores de 29 años de este jueves se ha convertido en la representación de este género de mayor éxito desde que Les Arts puso en marcha esta iniciativa para acercar al público joven a la lírica en 2019.

Tras finalizar la representación, la platea en pie ha obsequiado al elenco, el equipo creativo y artístico, el Cor de la Generalitat y a la Orquestra de la Comunitat Valenciana con una ovación de más de siete minutos.

Juan Echanove, que ha sido el encargado de dar la bienvenida a los espectadores antes del inicio de la función, ha hecho su debut como director de escena en teatro lírico con esta producción de ‘Pan y toros’ para el Teatro de la Zarzuela.

El montaje, que ha gozado de una excelente recepción de público y crítica en sus representaciones en Madrid y Oviedo, se podrá ver en Les Arts del 4 al 12 de noviembre.

Guillermo García Calvo asume la dirección musical después de la excelente acogida de su primera incursión en el género con la Orquestra de la Comunitat Valenciana en ‘La tabernera del puerto’ en 2019. Destacados intérpretes de zarzuela conforman el elenco, con Ruth Iniesta, Carol García, Borja Quiza, Enrique Viana, Amparo Navaro o Pedro Mari Sánchez, entre otros.

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el ‘Istituto Italiano di Cultura’ se alían para celebrar el 150º aniversario de la Academia de España en Roma, aclamada institución que constituye un faro internacional para la promoción y difusión de las artes y la cultura. De la mano del aclamado Divertimento Ensemble, se celebrarán tres conciertos en Milán, Roma y Madrid con un programa que se adentrará en las obras de compositores italianos y españoles que disfrutaron de una residencia artística en esta reconocida entidad. En nuestro país, esta conmemoración podrá disfrutarse el próximo lunes 6 de noviembre, a las 19:30 horas, en el marco del ciclo Series 20/21 del CNDM en el Auditorio 400 del Museo Reina Sofía (entrada libre).

Fundado en 1977 bajo la dirección de Sandro Gorli, Divertimento Ensemble ha brillado en el panorama musical contemporáneo, con una dilatada trayectoria de más de 1000 conciertos y 19 grabaciones desde su creación. Reconocido internacionalmente por su excelencia musical y su diversidad de propuestas, el ensemble ha inspirado a más de un centenar de compositores a crear obra nueva para su posterior estreno. Además de su apuesta por la música contemporánea, la agrupación mantiene un firme compromiso con la educación y la promoción de jóvenes talentos, una labor que se evidencia en su propuesta pedagógica y en reconocimientos como el GrandesignEtico International Award, por su actividad en favor de los jóvenes músicos.

El repertorio elegido para los conciertos del CNDM unirá musicalmente tres grandes ciudades europeas con una exquisita selección de piezas de compositores tanto italianos como españoles que disfrutaron de una estancia en la Academia de España en Roma. Así, esta coproducción subraya el valor incalculable de esta entidad en la promoción de la cultura y la música, y su papel como puente entre España e Italia. El programa plasma el testimonio vibrante de la rica tradición y el espíritu innovador de la música contemporánea europea.

El concierto abrirá con Sarab, tres espejismos sobre un poema de Rudaki del malagueño Eneko Vadillo, que nos sumergirá en un mundo de reflejos sonoros inspirados en el poeta persa. Nun del joven compositor Javier Quislant contrasta momentos de calma meditativa con frenesí rítmico. Por su parte, el autor italiano Ivan Fedele aborda la intersección entre las matemáticas y el arte con Immagini da Escher, una pieza cargada de ilusiones acústicas. El compositor César Camarero juega con texturas y sonidos en Klangfarbenphonie 3, mientras que Franco Donatoni nos envolverá con la homofonía de Arpège. El broche de oro lo pondrá Sergio Blardony con el estreno absoluto de la obra Sueño de piedra, encargo del CNDM, una pieza que evoca un mundo de sueños y realidades crudas inspirado en grabados del artista italiano Giovanni Battista Piranesi. En paralelo a los conciertos, Blardony visitará a los estudiantes de musicología de la Universidad Complutense de Madrid para ofrecerles una charla sobre su faceta como compositor, en el marco de la actividad pedagógica del CNDM.

En plena celebración de los cien años de la creación de El retablo de Maese Pedro de Manuel de Falla (1876-1946), el director de orquesta andaluz Manuel Busto estrenará en España la producción realizada por la compañía del Taipei Opera Theater (que este año celebra su 50 aniversario). Una première muy especial, ya que es la primera vez que la producción diseñada por Dau-Hsiong Tseng, director del Taipei Opera Theater, se presentará fuera del continente asiático. En estas dos únicas citas de la visita española del Taipei Opera Theater, con la colaboración de la Fundación Manuel de Falla, la dirección musical estará a cargo del director de orquesta y compositor Manuel Busto.

El próximo 4 de noviembre, Busto dirigirá la famosa obra de Falla para teatro de títeres basada en un episodio de la segunda parte de El Quijote, en el histórico teatro construido en 1887 por Enrique de la Cuadra en la localidad sevillana de Utrera. Tras su paso por tierras andaluzas, el día 6 de noviembre, la compañía del Taipei Opera Theater recalará en la Escuela Superior de Canto de Madrid y, ese día, Manuel Busto dirigirá a la Orquesta Filarmónica de España, en la producción firmada por Dau-Hsiong Tseng, que fue, además, la primera producción realizada en Asia de la conocida obra para orquesta de cámara y tres cantantes (Don Quijote, Maese Pedro y el trujamán).

El Regisseur Dau-Hsiong Tseng, vuelve a contar con la batuta de Manuel Busto, considerado como uno de los más destacados especialistas en la música del compositor gaditano, en esta propuesta escénica para El retablo. Al igual que en su anterior trabajo conjunto cuando estrenaron La vida breve y El amor brujo de Falla con el Taipei Opera Theater en Asia, el tándem Busto-Tseng ha diseñado un programa doble para estas dos únicas funciones en España, que aúna la centenaria obra de Falla con la ancestral tradición de títeres del Puppetry Art Center of Taipei, que interpretarán también Un milagroso matrimonio por coincidencia.

El otoño de Manuel Busto también contará con otros importantes Highlights, en su doble faceta como director de orquesta y compositor. Cabe destacar, por ejemplo, su regreso al Teatro de la Zarzuela para dirigir a la Orquesta de la Comunidad de Madrid en la Gala del 45 aniversario del Ballet Nacional de España. Con la ORCAM, grabará también la banda sonora original del documental Todo un pasado por delante dirigido por Emilio Belmonte, que él mismo compuso por encargo del BNE. Además, la
Orquesta Ciudad de Granada protagonizará el estreno absoluto de su nueva obra, realizada por encargo de la Fundación SGAE y AEOS: Soniquete. Sinfonía… de lo jondo, nº 1, para percusionista flamenco y orquesta, en la que profundiza en el concepto rítmico del flamenco, y hace uso de una “mesa de percusión” de creación propia, que ya empleó en su ópera La Mujer Tigre.

El Teatro de la Zarzuela presentará el próximo 9 de noviembre (20h00) el drama lírico ‘Las golondrinas’ de José María Usandizaga en su versión de ópera. Este montaje lúcido, apasionado y sorprendente firmado por Giancarlo del Monaco –uno de los directores más celebrados en el horizonte lírico internacional– que ya cosechó la alabanza unánime de crítica y público en su estreno de 2016, contará asimismo con la dirección musical de uno de nuestros pesos pesados de la música en el mundo como es Juanjo Mena, que estará al frente de un brillante doble reparto, así como del Coro Titular del Teatro y de la Orquesta de la Comunidad de Madrid. El público podrá disfrutar de nueve funciones hasta el 19 de noviembre.

Dos serán los repartos que den vida a este triángulo de amor, celos y circo. El papel de Celia, causante de amores y recelos, también víctima, estará interpretado por las mezzosopranos Ketevan Kemoklidze y María Antúnez; el de Lina, la joven que suspira en silencio por el amor de Puck, cobrará vida en las voces y gestos de las sopranos Raquel Lojendio y Sofía Esparza; el del payaso Puck, jefe de saltimbanquis perdidamente enamorado de Celia, de quien es amante, estará encarnado en los barítonos Gerardo Bullón y César San Martín; el tenor Jorge Rodríguez-Norton y el bajo Javier Castañeda completarán el cartel de cantantes en los papeles de Juanito y Roberto, hermano y padre de Lina respectivamente. Además del reparto de cantantes, en el escenario estará constantemente presente una troupe de artistas de circo que irán desarrollando sus correspondientes ejercicios a lo largo del drama.

Además, el espectáculo cuenta con la sugerente escenografía de William Orlandi, el atractivo vestuario de Jesús Ruiz, la poética iluminación de Vinicio Cheli y el hábil movimiento coreográfico de Barbara Staffolani.

Cine mudo

Esta producción de ‘Las golondrinas’ del Teatro de la Zarzuela recrea el lenguaje visual del cine mudo, que se acentúa con la utilización de los grises en todo el acto primero. El paisaje prácticamente desaparece, «para que la historia se haga universal o, lo que es lo mismo, puro teatro», como señala el propio Giancarlo del Monaco. Solo con la escena de la Pantomima surgirá el color en el escenario; este momento, explica el regista, «responde a la mejor tradición teatral; el juego del teatro dentro del teatro, y es la esencia de ‘Las golondrinas’».

Así, Del Monaco diferencia rotundamente el drama de la obra de Usandizaga del de aquellos otros, como ‘I pagliacci’ o ‘Ariadne auf Naxos’, en los que también habitan payasos o saltimbanquis: «Unos y otros no son otra cosa que personajes de teatro que vienen a representar la parte más humana de nosotros mismos (la realidad de la vida); lo que los asemeja no es su condición de payasos, sino el hecho de que son creaciones teatrales. Y lo que pueden tener en común es la trama de la locura, esa fantasía o solución teatral que se viste de música en el escenario».

La obra

En ‘Las golondrinas’, José María Usandizaga trabajó con la mejor pareja de libretistas de la época, Gregorio Martínez Sierra y la esposa de este, María de la O Lejárraga. La obra fue estrenada como zarzuela en 1914, y posteriormente, tras la muerte del compositor, su hermano Ramón compuso la música a los fragmentos hablados para presentarse como ópera en 1929. Este último trabajo es el que se podrá disfrutar en las nueve funciones programadas en La Zarzuela.

Los autores del texto escribieron una poética y triste historia de saltimbanquis, que más tarde adaptaron como texto lírico a petición del joven compositor vasco. La obra es hija de su tiempo, tremendamente compleja y con una orquestación muy refinada. Basta recordar que Sorozábal, entre otros compositores, fue un admirador declarado de Usandizaga.

La música posee un lenguaje muy nuestro, a la vez que recibe influencias francesas e italianas. Pero lo realmente importante es que la obra está muy bien hilvanada en todas sus partes y define psicológicamente los personajes con colores musicales recurriendo al leitmotiv. Se trata de música de altos vuelos sinfónicos, en la que destaca la riqueza instrumental y sonora con la que el autor busca nuevos caminos dentro de la renovación del género lírico.

Juanjo Mena alude además a la «plena conciencia» con la que en esta ocasión se aborda la partitura de Usandizaga a través de las experiencias vividas, «porque en este drama lírico de comienzos del siglo XX encontramos temas que son similares a los que vivimos en nuestros días más de un siglo después: el maltrato físico o psicológico entre los seres humanos que supuestamente amamos o queremos».

De esta sugestiva manera prosigue la Temporada 23/24 del Teatro de la Zarzuela.

MATERIALES AUDIOVISUALES

El Teatro de la Zarzuela pondrá a disposición de público y aficionados la conferencia que la doctora en musicología y profesora de la Universidad de La Rioja, Teresa Cascudo, imparte con ocasión de esta esperada reposición. Está disponible en el canal de YouTube del Teatro.

Asimismo, habrá una nueva entrega de ‘Viaje por la zarzuela’, capítulo 33 de la serie, en el que varios de los protagonistas de la obra hablarán de las complejidades y misterios de la misma. En unos días estará también disponible en YouTube.

Tras su paso por Chile en el papel de Norina en la versión en concierto de ‘Don Pasquale’, la soprano navarroaragonesa Sabina Puértolas formará parte del homenaje a la gran soprano Victoria de Los Ángeles con motivo del centenario de su nacimiento (siendo la única española de entre las cantantes). Bajo una propuesta escénica firmada por Vicent Hugues y con la dirección de Lucas Macias, la gala contará con vestuario de la propia cantante para una noche mágica en honor a la gran diva.

Sabina Puértolas cantará un repertorio de lujo con el ‘Damunt de tu només les flors’ de Federic Mompou en la primera parte junto al pianista británico Julius Drake y siguiendo con ‘Je marche sur tous les chemins… Obéissons quand leur voix appelle’ parte de la ópera Manon de Jules Massenet, un repertorio que la cantante conoce muy bien, y que interpretará acompañada por la orquesta
sinfónica del Gran Teatro del Liceo. “Es un homenaje”, explica. “Victoria de los Ángeles forma parte de mi carrera como cantante, ya que pude conocerla con 16 años, como la más joven alumna en un curso que impartió en Santander”.

Próxima cita de Puértolas, Manon en Tenerife Precisamente la próxima parada en la temporada musical de Sabina Puértolas será en el Auditorio de Tenerife. Tras su exitoso paso por Santiago de Chile y Oviedo, la nueva producción de Manon que protagoniza visitará la isla los días 21, 23 y 25 de noviembre, completando así la gira de las tres instituciones que han participado en su producción.

En esta nueva versión de la ópera de Massenet, Puértolas está acompañada en el reparto del Arturo Chacón-Cruz y Luis Cansino, entre otros, bajo la dirección escénica de Emilio Sagi, la escenografía de Daniel Bianco y la batuta de Christopher Franklin, al
frente de la Orquesta Sinfónica de Tenerife. Completa la producción el Coro Titular Ópera de Tenerife-Intermezzo.

Sabina Puértolas
Sabina Puértolas es una de las sopranos españolas más internacionales, reconocida por su talento y entrega para unir a la perfección técnica e intensidad interpretativa y ponerlas al servicio de los grandes papeles del bel canto, la ópera barroca y el repertorio de zarzuela.

Ha actuado en teatros como la Royal Opera House de Londres, el Carnegie Hall de Nueva York, el Real de Madrid, el Liceo de Barcelona, el Teatro Municipal de Santiago de Chile o la Ópera de Seattle. Ha interpretado roles como Manon, Gilda (Rigoletto), Marie (La fille du régiment), Adina (L’elisir d’amore), Partenope y Rodelinda, Poppea (L’incoronazione di Poppea), Amina (La sonnambula) o Susanna (Le nozze di Figaro), entre otros.

Desde su debut en 2001 en el Teatro alla Scala de Milán, bajo la dirección del maestro Riccardo Muti, ha desarrollado una intensa carrera, dirigida por maestros como Christophe Rousset, David Curtis, Alain Guingal, Gianluca Capuano, Jesús López-Cobos, Paolo Arrivabeni, Antonino Fogliani o Ivor Bolton, entre muchos otros. París, Viena, Roma, Washington, Verona, Bruselas o Amsterdam han sido otros de los destinos en los que ha demostrado su dominio de las tablas, en roles como Morgana (Alcina), Angelica (Orlando), Princesa Eudoxie (La Juive) o Despina (Così fan tutte).

Fotografía: Nano Cañas

GALA CENTENARIO VICTORIA DE LOS ÁNGELES
7 de noviembre en el Gran del Teatro del Liceo de Barcelona.

Participantes:
Maria Agresta
Louise Alder
Dame Sarah Connolly
Joyce DiDonato
Juliana Grigoryan
Sabina Puértolas
Helena Ressureiçao
Fatma Said
Anne Schwanewilms
Iréne Theorin
Marina Viotti

Piano: Julius Drake

Dirección de escena y concepto: Vincent Huguet

Mañana, miércoles, 1 de noviembre, darán comienzo los actos conmemorativos del centenario del nacimiento de la soprano Victoria de los Ángeles, una de las voces más destacadas en la historia de la lírica en la segunda mitad del siglo XX, a los que el Teatro Real se une a través de MyOperaPlayer emitiendo en abierto una selección de conciertos del Life Festival Victoria de los Ángeles y una selección de vídeos con interpretaciones históricas de la soprano.

Esta iniciativa se lleva a cabo en colaboración con la Fundación Victoria de los Ángeles y el Life Festival Victoria de los Ángeles, festival de lied que ha elegido la plataforma del Teatro Real para ofrecer un valioso material audiovisual y artístico, desconocido hasta ahora, que servirá para poner en pie este merecido homenaje.

El punto de partida será la retransmisión en directo del concierto que la soprano Elena Copons, junto a la Orquesta Sinfónica Victoria de los Ángeles, bajo la dirección de Pedro Pardo, ofrecerá el 1 de noviembre, a las 19.00 horas, desde la Universidad de Barcelona, lugar en el que nació la soprano en 1923 –su padre trabajaba ahí como bedel y la familia residía en el recinto- y donde fue reconocida con el doctorado honoris causa en 1987, siendo el primero que el centro otorgaba a una mujer. “Para mí la Universidad era una ciudad, y la ciudad que había fuera era otra ciudad”, declaró en una entrevista recogida en la Fundación, que remarca el simbolismo de este concierto.

El acceso a la emisión en directo se podrá hacer a través de este enlace

A partir de este momento, MyOperaPlayer emitirá una selección de los conciertos de Lied programados por el Life Festival Victoria de los Ángeles y pondrá a disposición de los usuarios una selección de grabaciones en las que la histórica soprano interpreta conocidas arias y dedicará especial atención a este género, cuya interpretación amaba profundamente y con el que obtuvo un rotundo reconocimiento.

El aniversario del nacimiento de Victoria de los Ángeles ha sido declarado Evento de Excepcional Interés Público por el Gobierno de España. La programación del Life Victoria ha sido diseñada basándose en una entrevista ofrecida por la soprano en 1978 en el programa Desert Island Discs de la BBC con el periodista Roy Plomley, en el que la cantante elige los discos que se llevaría a una isla desierta, aportando su pasión por la música que interpretó y por la que, sin haber formado parte de su repertorio, enriqueció su personalidad artística.

La Fundación Victoria de los Ángeles, presidida por Helena Mora y con Marc Busquets en la dirección artística, tiene como finalidad, este año más que nunca, conservar y difundir su legado, con el objetivo de que el testimonio vital y artístico de la persona y la cantante sigan vivos, así como formar a futuras generaciones de músicos, siguiendo el ejemplo de la artista. Ahora, el Teatro Real se suma a esta misión construyendo un lugar vivo para nuestra memoria.

La Fundación Scherzo se complace en presentarles el estreno del nuevo Ciclo Horizontes el próximo 15 de noviembre, con un concierto que correrá a cargo del compositor, pianista y docente Tito García González.

La Sala de Cámara del Auditorio Nacional se viste con sus mejores galas para comenzar esta nueva aventura de la Fundación Scherzo que promete acercar al público madrileño nuevas músicas nunca antes escuchadas en nuestra programación.

Tito García González inaugura este Ciclo Horizontes con su propuesta «Transmoderno», un programa que, en palabras del intérprete: «representa la culminación de una investigación profunda que he realizado sobre la Transmodernidad Musical como nueva corriente estética del siglo XXI. Este movimiento elimina los paradigmas habituales de lo que se entiende por “vanguardia” y “música contemporánea”, con el firme propósito de acercar la música de nuestro tiempo al gran público, se coloque entre ellas dos, e incluso, sustituya estos conceptos de forma definitiva».

Rompiendo los cánones del concierto decimonónico, «Transmoderno» nos ofrece un viaje a través de la música de tres compositores españoles: Pedro Vilarroig, del que se interpretará su Suite del Zodiaco, Miquel Ortega, con sus Danzas Europeas —dedicadas al compositor Albert Guinovart—, y el propio Tito García González, con obras como Preludio The Puppet Circus —en la que se realizará una composición a tiempo real a partir de tres notas elegidas por el público—, la Balada a Sir Paul —obra emotiva que García González dedica a uno de sus grandes ídolos: Sir Paul McCartney— y una selección de Cénit: un viaje sin límites —en donde el intérprete homenajeará a Pablo Picasso en el 50 aniversario de su muerte con: Guernica—.

De esta forma, Tito García González nos sumerge en las fauces de lo Transmoderno: «donde los límites entre la interpretación, la improvisación y la composición se desvanecen, y se desdibujan para revelar nuevas perspectivas sonoras, dando paso a una nueva experiencia musical, profunda y enriquecedora».

Tras este primer recital de Horizontes, la programación de la Fundación Scherzo proseguirá el 30 de noviembre con el concierto de Daniil Trifonov, el titán del piano, dentro del 29 Ciclo de Grandes Intérpretes. El Ciclo Horizontes continuará ya en 2024 con Iván «Melon» Lewis, quien traerá su latin jazz a la Sala de Cámara el 16 de enero.

Concierto dedicado a Alicia de Larrocha en el centenario de su nacimiento.

El reconocido clavecinista Ottavio Dantone, director musical y artístico de la Accademia Bizantina, aborda los Concerti Grossi Op. 6 de Arcangelo Corelli (1653-1713), en un doble disco editado por HDB Sonus: una limited edition box set, con edición crítica del musicólogo italiano Bernardo Ticci, que ya está disponible en todas las plataformas de streaming y en hdbsonus.it.

“Corelli es nuestra historia, nos ha enseñado a hablar a través de la música. Nuestro lenguaje está enraizado en sus notas, y este disco es el resultado de tantos años de estudio del lenguaje barroco, y representa, en cierta manera, un auténtico testimonio de nuestro recorrido artístico y estético”, señala Dantone refiriéndose al compositor italiano nacido en Fusignano (Emilia-Romagna), a escasos kilómetros de distancia de Bagnacavallo, donde la Accademia Bizantina tiene su propia sede. “Nuestra aventura como orquesta ha estado marcada, desde su inicio, por la música de Corelli; hemos interpretado sus obras cientos de veces y hemos grabado incluso la integral de los Concerti Grossi hasta en dos ocasiones durante estos cuarenta años. Así que el nuevo atuendo que hemos puesto a esta música, la lectura interpretativa, las ornamentaciones y el aporte de varios instrumentos del continuo son fruto, sin duda, de la madurez musical desarrollada a lo largo de todos estos años”, añade Alessandro Tampieri, Concertmaster de la Accademia Bizantina desde 2011.

Tras el elogio unánime de la crítica musical internacional con la grabación de los Concerti Grossi de Händel, que obtuvo, además, el Diapason d’Or y el Premio Abbiati del Disco 2023, la Accademia Bizantina vuelve a apostar por el repertorio instrumental para el cuarto disco editado por su propia label HDB Sonus. “Corelli es un mito atemporal. Emprender el estudio, la interpretación y la escucha de los Concerti Grossi Op. 6 de Corelli significa realizar un viaje iniciático, siguiendo un camino que atraviesa una época fascinante marcada por la transición entre dos siglos que cambiaron profundamente la historia de la música”, señala Dantone en las Note del Direttore, incluidas en un booklet de 80 páginas, con edición bilingüe.

Como en anteriores trabajos, la Accademia Bizantina continua con la original propuesta The exciting sound of baroque music project, en el que presenta el repertorio barroco al oyente contemporáneo, a través de originales contenidos interactivos como la serie Dantone Talks, y el empleo de otras disciplinas, como la danza contemporánea. Para este nuevo disco dedicado a Corelli, sacará próximamente un Visual Album, con una serie de vídeos que ha realizado en exclusiva para Apple Music Classical, en los que participan los bailarines Davide Angelozzi y Elda Bartolacci, de la DaCru Dance Company, con coreografías de Marisa Ragazzo.

El Palau de les Arts Reina Sofía renueva su apuesta por la zarzuela con ‘Pan y toros’, de Francisco Asenjo Barbieri, que se representará del 4 al 12 de noviembre en la Sala Principal.

El director artístico de Les Arts, Jesús Iglesias Noriega, ha presentado hoy en rueda de prensa esta producción del Teatro de la Zarzuela, con dirección musical de Guillermo García Calvo y puesta en escena de Juan Echanove, con la que se conmemora el bicentenario del nacimiento del compositor madrileño. “Asenjo Barbieri es uno de los grandes autores del género, que ya obtuvo una excelente acogida de público en Les Arts con el estreno de ‘El barberillo de Lavapiés’ en 2021. ‘Pan y toros’ es una de sus zarzuelas imprescindibles, una obra compleja, que presentamos con los mejores mimbres artísticos para conmemorar esta efeméride”.

Guillermo García Calvo, actual titular del Teatro de la Zarzuela, se reencuentra con el Cor de la Generalitat y la Orquestra de la Comunitat Valenciana, después de las celebradas funciones en 2019 de ‘La tabernera del puerto’. El director español más vienés, con más de 200 funciones de ópera en la Staatsoper de la capital austríaca, ya dirigió el estreno de la producción en Madrid.

García Calvo considera que ‘Pan y toros’ será un “gran descubrimiento para el público de Les Arts”. “Es una partitura muy elaborada, llena de riqueza musical, llena de concertantes, dúos, el papel del coro es fantástico… Creo que es quizá la obra más completa de Barbieri, que, en muchos casos, está a la altura del mejor ‘bel canto’ de la época de las óperas serias de Donizetti”, subraya el director madrileño.

Juan Echanove debutó en la dirección de teatro lírico con este nuevo montaje de ‘Pan y toros’, “uno de los grandes títulos de la lírica española”, según valora el actor, que ya ha recibido el aplauso de público y crítica por sus representaciones en el Teatro de la Zarzuela y Campoamor de Oviedo.

Echanove, que en los últimos años ha comenzado a desarrollar su faceta como director de teatro de prosa, dedicó dos años a la preparación de su primera zarzuela, para la que ha contado con un equipo creativo “con los mejores colaboradores”: Ana Garay (escenografía y vestuario), Juan Gómez Cornejo (iluminación), Manuela Barrero (coreografía) y Álvaro Luna con la colaboración de Elvira Zurita (vídeo).

“Pan y toros’ es una historia de espías y de intrigas. España es una historia de espías y de intrigas… palaciegas y populares. Pequeñas historias que conforman entre todas la Gran Historia de España. Barbieri, imbuido de la grandeza de Beethoven, compuso esta joya musical. Picón la hilvanó con finos hilos de verso destilando entre los dos, historia, humor y verdad”, afirma.

Les Arts reúne un elenco de primeras voces del circuito nacional. Regresan: Ruth Iniesta (Doña Pepita), una de las sopranos más apreciadas por el público valenciano por sus trabajos en ‘Il viaggio a Reims’, ‘Doña Francisquita’, ‘Pagliacci’ y ‘Don Giovanni’, y el barítono coruñés Borja Quiza (El capitán Peñaranda), gran triunfador de las representaciones de ‘El barberillo de Lavapiés’ en 2021.

Les acompañan destacados intérpretes como la ascendente mezzosoprano barcelonesa Carol García (La princesa de Luzán), el polifacético tenor madrileño Enrique Viana (El abate Ciruela), el destacado actor Pedro Mari Sánchez (El corregidor Quiñones) o la soprano valenciana Amparo Navarro (La duquesa).

Milagros Martín (La Tirana), José Julián Frontal (Goya), Pedro Mari Sánchez (El corregidor Quiñones), Carlos Daza (Pepe-Hillo), Pablo Gálvez (Pedro Romero), Tomeu Bibiloni (Costillares), Pablo López (El general), Alberto Frías (El santero), Ángel Burgos (Jovellanos), Lara Chaves (La madre, ciega), Marcelo Solís (El padre, ciego) y Julen Alba (El niño, ciego) completan el reparto.

Les Arts ha programado del 4 al 12 de noviembre cuatro funciones de ‘Pan y toros’, además del Preestreno para menores de 29 años’, que tendrá lugar este jueves, día 2 de noviembre.

El alcalde de Segovia, José Mazarías, el director del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), Francisco Lorenzo, el concejal de cultura del Ayuntamiento de Segovia, Juan Carlos Monroy y la directora de las Jornadas de Música Contemporánea de Segovia y coordinadora de la Fundación Don Juan de Borbón, Noelia Gómez, han presentado hoy la XXXI edición de las Jornadas de Música Contemporánea de Segovia, que tendrán lugar del 10 de noviembre de 2023 al 25 de mayo de 2024 en la ciudad.

Protagonizadas por grupos de referencia en la música contemporánea y la búsqueda de nuevos formatos, ofrecerán ocho conciertos en varios espacios emblemáticos de la ciudad, entre los que se encuentran el centro de creación La Cárcel de Segovia, la Iglesia de San Nicolás o el IES Mariano Quintanilla. En esta nueva edición, vuelven grandes artistas e intérpretes españoles e internacionales que abordarán el repertorio de compositores procedentes de países como Hungría, Alemania, Puerto Rico, Brasil, Suiza, Argentina o Cuba.

Las Jornadas constituyen un importante y reconocido fenómeno cultural en Castilla y León y ofrecen al público una experiencia musical enriquecedora con recitales, conciertos de cámara y música sinfónica que abordan tanto clásicos del siglo XX como estrenos absolutos. En la nueva edición, sonarán 13 estrenos absolutos. Entre ellos se encuentran el estreno del puertorriqueño Roberto Sierra y el de la madrileña Ángela Gallego, que se escucharán el día de la inauguración de las Jornadas; así como el estreno de una obra del valenciano Josep Planells Schiaffino para el Ensemble Sonido Extremo, y el de una pieza del cubano Danilo Avilés para el Nuevo Ensemble de Segovia en el último concierto de la programación. Dentro del apoyo a la nueva creación, también destacan los nueve estrenos a compositoras españolas pertenecientes a encargos del CNDM y el Festival de Música Española de Cádiz, con nombres como Anna Bofill, Carolina Cerezo, Iluminada Pérez, Isabel Urrutia, María José Arenas, Marisa Manchado, Pilar Jurado, Rosa Rodríguez y Sonia Megías.

Con un compromiso tradicional con la infancia y la juventud, esta edición contará como novedad con un concierto para público familiar. El ciclo también aglutina actividades pedagógicas que se desarrollan en paralelo a los conciertos. En esta ocasión, vuelven los talleres Contactando con la música contemporánea, para escolares desde el nivel infantil a secundaria, que serán impartidos por el compositor Carlos Bianchini, que trabajará distintas propuestas pedagógicas con niños y jóvenes.

Este ciclo, referente de la música contemporánea en nuestro país, es uno de los más antiguos de su género. Promovido por el Ayuntamiento de Segovia y su Concejalía de Cultura desde sus orígenes, desde 2018 es coproducido entre el Centro Nacional de Difusión Musical y la Fundación Don Juan de Borbón, adscrita al Ayuntamiento de Segovia. Además, se enmarca en los Circuitos del CNDM, los ciclos y festivales que esta entidad promueve con el objetivo de vertebrar la actividad musical a lo largo de toda la geografía española.

La XXXI edición de las Jornadas de Música Contemporánea

El ciclo se inaugurará el viernes 10 de noviembre en la Iglesia de San Nicolás, con un gran homenaje a György Ligeti, uno de los autores más influyentes del siglo XX, por parte de un trío excepcional formado por Mario Pérez en el violín, Javier Bonet en la trompa y Alberto Rosado en el piano. Además de obras de este compositor húngaro, interpretarán el estreno absoluto de una obra de Ángela Gallego, encargo del CNDM, y otra más de Roberto Sierra. El sábado 11, en el mismo espacio, el pianista Alberto Rosado continuará con una exploración profunda en la producción de Ligeti, combinada con música de György Kurtág y Béla Bartók.

El jueves 4 de enero de 2024, tomará las tablas el Ensemble Instrumental de Cantabria, bajo la dirección de Esteban Sanz Vélez, en la Iglesia de San Nicolás. Presentará un espectáculo muy atractivo para público infantil titulado La carpintera poeta. Con composiciones de Esteban Sanz Vélez y textos de Gustavo Moral, esta colaboración artística transportará al público segoviano un universo de belleza y poesía a través de la música y la narración. También en enero, el jueves 25 en La Cárcel de Segovia, será el turno del grupo Neopercusión, dirigido por Juanjo Guillem, que nos propone Retablo. La maldición de los algoritmos. Este programa ahonda en el mundo de la percusión contemporánea con páginas de estreno de reconocidas compositoras españolas: Anna Bofill, Carolina Cerezo, Iluminada Pérez, Isabel Urrutia, María José Arenas, Marisa Manchado, Pilar Jurado, Rosa Rodríguez y Sonia Megías, quienes serán las protagonistas, con creaciones realizadas por encargo del CNDM y el Festival de Música Española de Cádiz.

El sábado 3 de febrero en el IES Mariano Quintanilla, el recorrido continuará con el Ensemble Sonido Extremo, liderado por Jordi Francés. En esta ocasión, el público asistirá al estreno absoluto de una obra de Josep Planells Schiaffino y podrá escuchar la emblemática composición de Arnold Schoenberg: Pierrot lunaire. Este concierto contará con la presencia del gran contratenor Xavier Sabata.

Las Jornadas de Música Contemporánea recibirán el jueves 21 de marzo, en el Aula Magna de la IE University, a la Orquesta Sinfónica de Castilla y León. Bajo la dirección de Jordi Francés y junto al tenor Werner Güra, interpretarán Winterreise, la particular versión de Hans Zender del poderoso Viaje de invierno de Franz Schubert. El sábado 20 de abril, en el espacio La Cárcel, el Trío Tramontana, residente en Suiza, actuará junto con la actriz segoviana Virginia Rodero en un espectáculo que va más allá de la idea de concierto. Federn es una propuesta artística con una cautivadora puesta en escena y música de Cristiana Palandri, Tōru Takemitsu y Claude Debussy.

El broche de oro a la programación lo pondrá el Nuevo Ensemble de Segovia (neSg), grupo residente de las Jornadas, el sábado 25 de mayo en el IES Mariano Quintanilla. Este grupo será el encargado de ofrecer un viaje musical por la diversidad y los ritmos iberoamericanos. Desde Brasil hasta Cuba, pasando por España y Argentina, el público se adentrará en la música de Ernesto Nazareth, Ernesto Lecuona, Federico Moreno Torroba, Astor Piazzolla, o Joaquín Turina, entre otros. Además, esta sesión contará con el estreno absoluto de una pieza de Danilo Avilés, encargo del neSg.

El ciclo Domingos de Cámara del Teatro de la Zarzuela inicia su quinta edición este próximo domingo, 29 de octubre, con el trío Soinuaren Bidaia (Viaje Sonoro). Esta formación fue creada por Alberto Urretxo –trombón solista de la Orquesta Sinfónica de Bilbao (BOS)– y Adriana Grigoras –viola de la BOS–, que suman su talento al de la pianista Amaia Zipitria con la inquietud de buscar nuevas creaciones en diversos formatos, con el trombón como nexo de unión entre instrumentos de cuerda, piano, voz e instrumentos de viento.

El concierto, que tendrá lugar en el Ambigú del coliseo a las 12h00, incluirá obras de compositoras españolas de diversas generaciones, entre las que se podrán escuchar dos estrenos absolutos. Las entradas están disponibles al precio único de 6€.

De esta manera, Soinuaren Bidaia incluirá en su concierto música de Pauline García-Viardot (1821-1910), Ángela Gallego (1967), Carolina Valencia (1986) y dos estrenos absolutos: Pentsamenduen Lainoa (Bruma de pensamientos) de Nuria Mª Sánchez y Sakura Saku de Beatriz Arzamendi (1961).

Soinuaren Bidaia ofrece un espacio donde el público pueda reflexionar y encontrarse con sus emociones por medio de la música, apostando por las nuevas creaciones. Asimismo, están comprometidos con la sociedad a través de diversas actividades formativas, fomentando la creatividad como base fundamental del proyecto. Desde lo local a lo universal, compositores y compositoras de diferentes épocas históricas forman parte de un variado repertorio diseñado para sorprender, emocionar, y, sobre todo, hacer que el público disfrute con la música.

Además de la excelencia de su contenido, el programa está repleto de significado, ya que el mencionado ciclo de La Zarzuela vuelve a estar dedicado íntegramente a la mujer, y más concretamente al papel de las compositoras en la música española.

De esta manera, el Teatro de la plazuela de Teresa Berganza continúa con la difusión de la música “en femenino“, mucha de ella inédita, con la intención de descubrir al público la excelencia de las creaciones de estas compositoras españolas que rara vez tuvieron (o tienen) el debido reconocimiento por sus creaciones.

Las tres citas restantes del ciclo serán con la Ensemble María de Pablos (25 de febrero), el Cuarteto Ribera (28 de abril) y el grupo Sonido Extremo (30 de junio).

El conocido cuarteto de cuerda catalán, formado por Lluís Castán Cochs (violín), Judit Bardolet Vilaró (violín), Miquel Jordà Saún (viola) y Jesús Miralles Roger (violonchelo), acaba de sacar al mercado su nuevo disco, editado por la label francesa Klarthe Records. La nueva apuesta discográfica del Quartet Gerhard, que lleva por título la expresión latina “Ad Astra”, nos propone la escucha de Quatuor à cordes en sol mineur, opus 10 (1893), la única obra para cuarteto de cuerda de Claude Debussy, perteneciente a la misma época en la que compuso su ópera Pelléas et Mélisande, junto a I fa l’aire visible (2020) del compositor catalán Ramon Humet, un cuarteto en diez movimientos, en el que coexisten cuatro elementos (el aire, el silencio, la luna y las
estrellas).

En este nuevo trabajo discográfico, el Quartet Gerhard vuelve a hacer gala de su habitual creatividad y valentía para diseñar exigentes y originales programas. El booklet del disco, editado en cuatro idiomas (francés, inglés, catalán y castellano), incluye un texto escrito por el propio Ramon Humet, en el que reflexiona sobre el carácter visionario del cuarteto de Debussy, con un lenguaje y un despliegue de ideas radicalmente nuevo que mira hacia a futuro. Además, describe y analiza en detalle I fa l’aire visible, proponiendo una serie de lecturas para acompañar la audición del disco. “Para la creación de esta obra he disfrutado del valioso apoyo y entusiasmo del Quartet Gerhard con quienes he hecho encuentros periódicos para probar pasajes y scordaturas, afinaciones microtonales especialmente difíciles que demandan una precisión quirúrgica y un oído finísimo”, concluye Humet (1968), que recibió el prestigioso Olivier Messiaen International Composition Prize en 2007.

Tras más de una década en los escenarios y con una amplia formación en Basilea (Rainer Schmidt), Berlín (Eberhard Feltz) y la Hochschule für Musik und Theater de Hannover, el Quartet Gerhard es uno los cuartetos más destacados y solicitados del circuito nacional e internacional. Y su dominio estilístico y técnico del lenguaje y la notación propias de la música contemporánea, le han convertido en uno de los cuartetos de referencia para la interpretación de música de nueva creación. El próximo 16 de noviembre, tocarán el Cuarteto en sol menor op. 10 de Debussy (incluido en el disco) y el Cuarteto nº 3 de Shostakovich en el Salón de Columnas del Palacio Real de Madrid, con los Stradivarius de la colección palatina. Sus próximos compromisos incluyen, además, la presentación del disco “Ad Astra” en la salle Colonne de París y en el Palau de la Música de Barcelona, y el house debut en el Concertgebouw de Ámsterdam.

La Asamblea de Ópera XXI reunida el 26 de octubre, ha designado por unanimidad los tres galardones honoríficos de la sexta edición de los Premios Ópera XXI, a la trayectoria profesional, a la institución cultural y a la entidad de mecenazgo, que se hayan destacado por su especial labor de fomento de la actividad lírica española.

ABAO Bilbao Opera ha recibido el Premio en el apartado Honorífico a la Institución Cultural, que distingue a la Asociación bilbaína como una organización privada formada por un amplio equipo de profesionales y amantes de la lírica, que a través de un modelo de gestión eficiente y sostenible, se ha convertido a lo largo de los años en un miembro indispensable del sector cultural vasco y español.

El Premio Honorífico a la Trayectoria Profesional ha recaído en el barítono Joan Pons, una de las principales voces del país, con una carrera de más de cuatro décadas en los principales escenarios de todo el mundo.

La empresa idealista, que desarrolla su trabajo en el mercado inmobiliario y cuenta entre sus fines de responsabilidad social corporativa el apoyo a iniciativas de divulgación y desarrollo de proyectos culturales, ha recibido el Premio Honorífico a la Mejor Iniciativa de Mecenazgo. Idealista apoya el proyecto cultural, artístico y social de ABAO Bilbao Opera desde 2021.

Los premios nacionales de la lírica, Premios Ópera XXI, incluyen además quince categorías de premios para reconocer el talento de los artistas españoles, así como el valor técnico y creativo de los profesionales involucrados en la ópera durante la temporada 2022-2023.

El jurado, formado por reconocidos periodistas y críticos musicales, se reunirá el próximo mes de enero para designar los galardonados con estos premios, cuya ceremonia de entrega tendrá lugar en septiembre de 2024 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid

Los Premios Ópera XXI, que cuentan con el apoyo del INAEM, son una iniciativa de la Asociación Ópera XXI, integrada actualmente por 27 teatros, temporadas y festivales de todo el territorio nacional, para poner en valor la intensa actividad lírica en España y reconocer el talento artístico y creativo que se disfruta en los escenarios españoles temporada tras temporada.

ABAO Bilbao Opera agradece especialmente esta distinción, que destaca la contribución y el compromiso de la Asociación al servicio de la cultura y la ópera, y proyecta a Bilbao y su espacio lírico a toda la sociedad.

Comienza la décima edición de una de las iniciativas más populares del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), Bach Vermut, un ciclo en el cual los mejores intérpretes de órgano del mundo se alternan con la posibilidad de degustar un delicioso aperitivo en el Auditorio Nacional de Música amenizado por jazz en directo. Esta experiencia gastromusical, que se ha convertido en el plan matinal perfecto para el fin de semana, albergará un total de ocho conciertos, retransmitidos en pantalla gigante, que tendrán lugar desde el sábado 28 de octubre de 2023 hasta el sábado 18 de mayo de 2024. En esta ocasión, la organista Susanne Kujala será la encargada de inaugurar la nueva edición.

Susanne Kujala (Berlín, 1976) debutará en el ciclo Bach Vermut tras haber cautivado a público y crítica por todo el mundo, con actuaciones en escenarios tan emblemáticos como la Philharmonie de París o el Ultima Festival de música contemporánea de Oslo. En este concierto, dará vida a partituras llenas de musicalidad y color de Johann Sebastian Bach, José Luis Turina, César Franck, Max Reger y Veli Kujala, con un estreno en España. Este programa sorprenderá tanto al público asiduo a esta programación, como a quienes se acerquen por primera vez a esta experiencia musical.

Diez años de un ciclo para todos los gustos

La iniciativa Bach Vermut del CNDM inició su andadura en octubre de 2014. Hoy, diez años después, Bach Vermut ha conseguido que, a lo largo de sus nueve temporadas, más de 120.000 espectadores se hayan acercado a la música clásica gracias a un formato innovador que va más allá de la idea de concierto tradicional. El diverso público, en el que convergen personas de todas las edades, se acerca a este ciclo para conocer el mundo del órgano y también para degustar un aperitivo en el vestíbulo del Auditorio Nacional de Música, aderezado por una sesión de jazz en directo por parte de agrupaciones españolas y a un precio muy asequible (localidades sueltas: 5 euros).

La iniciativa nació con la idea de mostrar la gran belleza y calidad del extraordinario órgano del Auditorio, cuya construcción fue encargada por el INAEM a finales de 1987 a uno de los organeros más importantes del mundo, el alemán afincado en España Gerhard Grenzing. Se trata de un imponente instrumento que cuenta con cuatro teclados, 12 metros de altura y 5.700 tubos.

La vitalidad del órgano en estado puro

Este primer concierto estará protagonizado por Susanne Kujala, artista alemana afincada en Finlandia que posee una triple faceta como solista, músico de cámara e improvisadora. Susanne también es docente en la Academia Sibelius de la Universidad de las Artes de Helsinki, en la cual comparte su profundo conocimiento y pasión por su instrumento con las generaciones futuras. Ha sido la directora artística de festivales de gran relevancia como Brandneu 2022 en Kassel, Alemania, un certamen que apoya la nueva creación. Su interés por la música contemporánea se refleja en su extenso repertorio, que incluye más de 60 estrenos de obras de compositores de toda Europa. Precisamente el recital que ofrecerá en el marco del ciclo Bach Vermut será un reflejo de su pasión desmedida por el órgano y por la música actual, con un programa que incluye obras maestras del repertorio para órgano y un estreno absoluto.

El concierto se abrirá con el Preludio y fuga en sol mayor de Johann Sebastian Bach, una obra que posee fuertes influencias de la escuela organística del norte, de Buxtehude y Bruhns y requiere de gran virtuosismo. Punto de órgano de José Luis Turina, compositor residente en la temporada 23/24 del CNDM, será la siguiente pieza que interpreta, una partitura que tiene un fuerte componente emocional porque fue escrita para el concierto inaugural del órgano Blancafort de la sala de cámara del Auditorio Nacional de Música. El recorrido continuará con el emocionante Coral nº 2 en si menor de César Franck, cuyo pasaje central tiene una gran energía. Después, asistiremos al estreno en España de Cyclone, concebida por el acordeonista y compositor finés Veli Kujala, una exigente tocata llena de texturas diferentes y cambios de ritmo que evoca el viento y el caprichoso ojo de un ciclón. El concierto finalizará con un homenaje del compositor alemán Max Reger a J.S. Bach, con su Fantasía y fuga sobre B-A-C-H.

El Teatro Real ofrecerá, por primera vez en Madrid, una versión escenificada de Orlando, de Georg Friedrich Händel (1685-1759), en una nueva producción estrenada en el Theater an der Wien en abril de 2019.

Cuando Händel compuso Orlando, en 1733, la ópera italiana comenzaba un lento declive en Londres, donde su compañía, la célebre Royal Academy of Music, reflotaba con dificultad gracias a la contratación de los más reputados músicos y cantantes para la interpretación de sus obras, como fue el caso del extraordinario castrato Sinesino, primer intérprete del diabólico papel titular de la ópera.

La partitura de Orlando, con apenas cinco cantantes y sin coro, se concentra en la progresiva enajenación mental del héroe del ejército de Carlomagno y las endiabladas y sutiles relaciones amorosas que entrelazan los personajes, con excepción de Zoroastro. Este hechicero y demiurgo casi omnipresente, confiere a la ópera un marco irreal de fantasía que permitía la utilización de maquinaria escénica, cambios de decorado, aparición de tormentas y todo tipo de sorpresas dramatúrgicas que nutrían el espectáculo teatral que demandaba el público en el siglo XVIII.

Sin embargo, la libertad en la interpretación musical, encorsetada por la estructura de la ópera seria barroca, fue propiciada para reflejar la demencia del protagonista, cuyo temperamento desequilibrado, violento y cambiante permitió a Händel dar alas a una expresividad trascendente, que tiene su paroxismo en el aria de la locura en el final del segundo acto.

En su concepción de la ópera, el director de escena Claus Guth, con la complicidad de su fiel escenógrafo Christian Schmidt, refuerza el drama existencial de este militar perturbado, que vuelve a su patria después de luchar en Vietnam, enfrentándose a una sociedad deshumanizada que ya no reconoce, con excepción del recuerdo de su antigua enamorada Angelica, transformada en una obsesión de su mente trastornada, capaz de vivir las situaciones más extremas.

Encarnarán a los cinco personajes de la ópera los contratenores Christophe Dumaux (Orlando) y Anthony Roth Costanzo (Medoro), las sopranos Anna Prohaska (Angelica), Giulia Semenzato (Dorinda) y el barítono Florian Boesch (Zoroastro), que actuarán junto a la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección musical de Ivor Bolton, que será responsable, también, de los acompañamientos al clave.

La función del día 10 de noviembre será dirigida por Francesc Prat y contará con Gabriel Díaz (Orlando) y Francesca Lombardi Mazzulli (Angelica) en los papeles protagonistas.

A la ópera de Händel, que rescata episodios del poema de Ariosto -como Ariodante y Alcina, estrenadas dos años después- le seguirán, el próximo 1 de noviembre, la versión en concierto de Orlando Paladino, de Joseph Haydn -con Il Giardino Armonico bajo la dirección de Giovanni Antonini– y, entre el 4 y el 9 de junio, La liberazione di Ruggiero dall’isola d’Alcina, de Francesca Caccini, primera ópera conocida firmada por una compositora, que dirigirá escénicamente Blanca Li, junto a Aarón Zapico, en la parte musical.

El estreno de Orlando en el Teatro Real se sumará a los diez títulos de Georg Friedrich Händel que se han ofrecido desde su reapertura: Giulio Cesare (2002), Ariodante (2007 y 2018), Tamerlano (2008), Il trionfo del tempo e del disinganno (2008), Tolomeo, Re d’Egitto (2009 y 2023), Theodora (2009), Agrippina (2009 y 2019), Alcina (2015), Rodelinda (2017) y Parténope (2021).

Orlando es singular dentro del corpus operístico de Händel. Quizás el espectador de hoy tenga mayor capacidad para disfrutar y comprender la genialidad y alcance de esta partitura, cuya esencia y valores potencia la descarnada dramaturgia de Claus Guth, la maestría, musicalidad y hondura de Ivor Bolton y la interpretación de cinco grandes cantantes de repertorio barroco.

AGENDA | ACTIVIDADES PARALELAS

30 de octubre, a las 20.15 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

Enfoques: con Ivor Bolton (director musical de Orlando y director musical del Teatro Real), Claus Guth (director de escena de Orlando) y Joan Matabosch (director artístico del Teatro Real).

4 de noviembre, a las 19.30 horas | Emisiones en directo

Orlando será retransmitida en directo para todo el mundo en MyOperaPlayer, pasando a integrar su catálogo en el futuro.

La misma función se emitirá, también en directo, en Radio Clásica, de Radio Nacional de España, que la ofrecerá para los países de la UER (Unión Europea de Radiodifusión).

5 de noviembre, a las 11.00 y a las 13.00 horas | Real Teatro de Retiro

¡Todos al Real Teatro! El cantar de Roldán

Taller familiar de introducción a la música, con ocasión de Orlando.

Por: Fernando Palacios.

6 de noviembre, a las 18.00 horas | Museo Cerralbo, Sala Vistas al Jardín

Conferencia: Ciencia bruja: magos, sacerdotes y filósofos en los orígenes de la alquimia

Por: Miriam Blanco Cesteros, doctora en filología griega.

Entrada libre hasta completar aforo previa inscripción en su web.

7 de noviembre, a las 19.00 horas | Biblioteca Musical Víctor Espinós, Sala de coros del Torreón del Conde Duque

Charla ilustrada con música: Los Orlandos

Por: Alejandro Martínez García, musicólogo.

Entrada libre hasta completar aforo previa inscripción en su web.

En este apacible rincón de Madrid volverá a escucharse, 17 años después de su última representación en este escenario, uno de los títulos más grandes de la zarzuela, Luisa Fernanda, de Federico Moreno Torroba (1891-1982), en una única función que tendrá lugar mañana, miércoles 25 de octubre, protagonizada por la mezzosoprano letona Elīna Garanča, en el que será su debut en el Teatro Real.

Estrenada en el Teatro Calderón de Madrid en 1932, y ambientada en Madrid durante los años previos y posteriores a la Revolución Gloriosa que destronó a Isabel II -en el trasfondo de la narración algunos de los acontecimientos más desgraciados del siglo XIX en España- su libreto construye una trama sencilla de lances amorosos dibujados sobre un fondo histórico que relata las escaramuzas entre monárquicos y liberales, la inquietud de la población ante la proliferación de acontecimientos políticos e, incluso, el enfrentamiento entre gentes del propio pueblo por la controvertida figura de la reina.

Su partitura contiene agradables melodías, hermosas romanzas y dúos hábilmente perfilados entre la comedia costumbrista y la tragedia burguesa, trenzando el sentido popular y la belleza aristocrática.

La zarzuela, en versión de concierto, que se escuchará en el Real, contará con la participación de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, bajo la dirección de Karel Mark Chichon, y el Coro Titular del Teatro Real, dirigido Jesús Basso. Junto a Elīna Garanča, completan el cuarteto protagonista el tenor Alejandro del Cerro (Javier Moreno), el barítono Luis Cansino (Vidal Hernando) y la soprano María José Moreno (La duquesa Carolina).

ARGUMENTO

Acto I

Madrid, durante los momentos finales del reinado de Isabel II. El hacendado extremeño Vidal Hernando y el coronel de húsares Javier Moreno pretenden a Luisa Fernanda. El enfrentamiento entre ambos no es sólo amoroso: el primero es liberal; el segundo, monárquico. Luisa ama a Javier, pero tiene a la duquesa Carolina, igualmente enamorada de él, como poderosa rival.

Acto II

Viendo que Javier prefiere la compañía de la duquesa en la verbena de San Antonio, Luisa acepta por despecho la proposición de matrimonio de Vidal. La enemistad entre éste y Javier es mayor que nunca.

Ha tenido lugar un levantamiento contra Isabel II. Javier, derribado de su caballo por Vidal, es apresado por las milicias liberales y cuando Aníbal y Nogales, dos revolucionarios, intentan agredirle Luisa se interpone y salva su vida. Poco después las tropas monárquicas consiguen rescatar a Javier.

Acto III

La hacienda de Vidal, en la frontera extremeña con Portugal. La monarquía ha caído. En espera de su próxima boda, Vidal ofrece una fiesta para su prometida. En plena celebración aparece Javier y, ante la sorpresa de todos, se arrodilla ante Luisa y pide que le perdone. Aunque ésta lo rechaza y le ruega que se vaya, Vidal entiende cuál es el verdadero amor de su prometida y, en un gesto de generosidad, anula su compromiso y permite a Luisa que se vaya con Javier.

El Palau de les Arts Reina Sofía inaugura este domingo, 29 de octubre, el ciclo ‘Les Arts és Grans Veus’ con la actuación del contratenor polaco Jakub Józef Orliński, el gran fenómeno actual de la música barroca, que cantará en la Sala Principal a las 19.00 h. Después de su arrollador debut en el ciclo de Lied en 2022, para el que agotó todas las localidades y en el que batió récord de aplausos y bises, el cotizado intérprete regresa a Valencia con una velada íntegramente dedicada al Barroco temprano bajo el sugerente título de ‘Más allá’ (Beyond).

Acompañado por la prestigiosa agrupación historicista Il Pomo d’Oro, que el público valenciano recordará por su brillante concierto junto con la mezzosoprano Joyce DiDonato, Orliński ofrece un programa donde rescata canciones y arias poco conocidas de autores como Monteverdi, Kapsberger, Cavalli, Frescobaldi, Saracini, Krell, Strozzi, que conforman el repertorio de su más reciente trabajo discográfico: ‘Beyond’.

Según explica el cantante polaco: “Con este álbum (‘Beyond’) y este programa para presentar en recitales y auditorios específicamente, quiero concentrarme en el significado general de la palabra ‘beyond’. Sobre todo, para mostrar a la gente que esta música va más allá de su tiempo. Todavía hoy es relevante, está viva, vibrante, emociona, es atractiva y entretiene.”

Las localidades para el primer concierto de ‘Les Arts és Grans Veus’, de la Temporada 2023-2024 tienen un precio que oscila entre los 24 y 60 euros. El también contratenor Philippe Jaroussky y el tenor Javier Camarena protagonizarán las próximas sesiones de este ciclo, en el que se reúnen los artistas más emblemáticos del circuito lírico.

Gran estrella
Intérprete carismático y de impecable y elegante línea de canto, el joven Jakub Józef Orliński (Varsovia, 1990) se ha convertido, en tiempo récord, en una de las estrellas con mayor proyección del panorama lírico internacional.

Paladín de la nueva generación de contratenores, con su primer álbum de arias, ‘Anima Sacra’, fue galardonado con el Premio Gramophone en la categoría de artista joven en 2019 y el ‘Opus Klassik’, mientras que su disco ‘Facce d’amore’ lo fue como el mejor registro en los International Opera Awards. ‘Anima Aeterna’ y ‘Beyond’ son sus trabajos discográficos más recientes.

El cotizado cantante, invitado por teatros como el Metropolitan de Nueva York y el Covent Garden de Londres, puede presumir también de atraer a nuevos públicos y de colgar el cartel de ‘no hay entradas’ en auditorios y salas de concierto de Europa y Estados Unidos.

Además, Orliński es una reconocida estrella en los medios de comunicación y en las redes sociales con miles de seguidores, que veneran tanto su genialidad como contratenor como su indudable talento como bailarín de breakdance.

Fotografía: Jiyang Chen

El Teatro Real se une, una vez más, a la celebración del Día Mundial de la Ópera, que se conmemora mañana, miércoles 25 de octubre. Para ello, ha preparado una serie de iniciativas que buscan acercar la ópera a nuevas audiencias y visibilizar la actividad cotidiana de un teatro lírico.

El 25 y el 26 de octubre se realizarán los Opera Days, dos días en los que el Teatro Real dispondrá de más de dos mil entradas a precio reducido para algunas funciones de Orlando, de Händel, -31 de octubre, 2, 6 y 8 de noviembre-.

En colaboración con la Presidencia Europea, el día 25 de octubre, a partir de las 10.00 horas, se ofrecerán cien entradas gratuitas para la ópera Orlando a los cien primeros jóvenes (menores de 30 años) que se inscriban en la web del Teatro con su carné joven.

Asimismo, a lo largo de este Día Mundial de la Ópera se realizarán transmisiones en directo en las redes sociales del Teatro Real y del Real Teatro de Retiro, que mostrarán cómo es un día de actividad en el interior del teatro y desvelarán lo que pasa detrás de bambalinas durante la interpretación de la zarzuela Luisa Fernanda (única función el 25 de octubre) y los ensayos de la producción infantil de El barbero de Sevilla (11 al 26 de noviembre en el Real Teatro de Retiro). Además, el Real Teatro de Retiro realizará un sorteo a través de Instagram para el estreno de El barbero de Sevilla, la primera producción propia del nuevo teatro.

Finalmente, entre el 25 y el 29 de octubre, MyOperaPlayer ofrecerá un 40% de descuento en la suscripción anual y semestral a la plataforma audiovisual del Teatro Real, en cuyo catálogo hay títulos procedentes de 50 teatros y auditorios de Europa, América y Asia, con novedades semanales y retransmisiones en directo de las producciones más importantes del Teatro Real. El descuento se puede obtener utilizando el código OPERAMOP40.

El Día Mundial de la Ópera es una iniciativa creada en 2018 por Opera Europa, OPERA América y Ópera Latinoamérica que se celebra cada año el 25 de octubre, coincidiendo con el aniversario de Georges Bizet y Johann Strauss. Su propósito es promover la ópera y poner en valor la contribución del género lírico al desarrollo artístico, cultural y social, así como visibilizar a los profesionales que hacen posible su actividad.

Las tres instituciones que lideran esta iniciativa, así como los teatros de ópera de distintos continentes, artistas y profesionales del mundo lírico, se unirán a la celebración de este día por medio de sus redes sociales e invitarán a los amantes de la música y las artes escénicas a participar con los hashtags #WorldOperaDay #DíaMundialDeLaÓpera y #LoveOpera.

Acostumbrada a lidiar con tesituras imposibles, la soprano Jessica Pratt asume un nuevo reto en su carrera al presentar su último trabajo discográfico, DELIRIO (Tancredi Records), un CD con un repertorio fascinante que se ha lanzado a nivel global el 20 de octubre. En este nuevo disco, la reina indiscutible del bel canto romántico revisa algunos de los personajes emblemáticos de óperas de Bellini y Donizetti con el objetivo de profundizar en el retrato que en este repertorio se realizaba de las enfermedades mentales. Las escenas de locura brindaban oportunidad de lucimiento virtuosístico a sus intérpretes, pero también ofrecían una mirada íntima a la psicología de los personajes.

En DELIRIO Jessica Pratt, junto a la Orquesta y Coro del Maggio Musicale Fiorentino y bajo la dirección de Riccardo Frizza, se adentra en la piel de las protagonistas de Lucia di Lammermoor (en la tonalidad original en Fa mayor, acompañada de glassarmonica), Emilia di Liverpool y Linda di Chamounix, y en las bellinianas Elvira de I Puritani y Amina de La Sonnambula, “mujeres todas muy diferentes pero que comparten la misma determinación por seguir a sus corazones y tener el control sobre sus vidas”, asegura la cantante. “Son mujeres independientes y fuertes que admiro. Es esencial tomarlas en serio y verlas a través de la lente del feminismo”. Pratt es consciente de que tanto Bellini como Donizetti (que estuvo internado en un manicomio) son compositores que mantuvieron “una estrecha conexión con la salud mental, tanto en sus vidas personales como en las narrativas operísticas que elaboraron”.

A través de este álbum y de los retratos de la locura femenina realizados por ambos compositores, se da un paso más en la sensibilización y en la comprensión de la importancia de la salud mental, “trascendiendo la representación unidimensional de la mujer como histérica y ofreciendo una perspectiva más matizada sobre sus luchas y viajes emocionales”, asegura Jessica Pratt. “Me esfuerzo por expresar los diversos estados emocionales coloreando la voz en consecuencia, yendo desde una cualidad velada y etérea para transmitir la vulnerabilidad y desorientación del personaje hasta asumir pasajes de coloratura extremos y arrebatos que exigen un virtuosismo que acentúe la agitación emocional y el caos interior”.

El disco, presentado en octubre en el Maggio Musicale de Florencia, ya está a la venta en las diferentes plataformas digitales.

Entre otros compromisos, Jessica Pratt volverá a cantar en noviembre los cuatro roles femeninos de Les contes d’Hoffmann de Offenbach –esta vez en la Opéra de Wallonie-Liège (Bélgica)– y debutará en diciembre Konztanze de Die Entführung aus dem Serail de Mozart en la Wiener Staatsoper antes de interpretar ese mismo papel en enero en la temporada de ABAO Bilbao Opera y en febrero y marzo en La Scala de Milán.

El pasado viernes, el Festival Internacional de Música de Cámara “Fundación MonteLeón” presentó la programación de su XII edición, que tendrá lugar del 4 al 8 de diciembre en el Auditorio “Ciudad de León”. El I Encuentro MonteLeón, celebrado en el Museo Diocesano y de Semana Santa de León, ante la presencia de las autoridades locales y conocidas figuras de la cultura, las artes y las letras de la ciudad, fue el escenario elegido por la fundación leonesa para dar a conocer el cartel del Festival MonteLeón 2023.

Carmen Mayo, directora artística del festival desde su creación, contó un año más con la complicidad de la leonesa Eva Sandoval, una de las voces más destacadas de Radio Clásica-RTVE, para presentar las formaciones de cámara que participarán en la edición
de este año. El conocido conjunto de cámara francés Ensemble Diderot, fundado y liderado por el violinista Johannes Pramsohler, que este año celebra quince años en los escenarios, será el Grupo Invitado encargado de inaugurar la duodécima edición del Festival MonteLeón el próximo 4 de diciembre, con un programa dedicado a la Sonata a tre.

Como en ediciones anteriores, el cartel del festival se completará con los conciertos de talentosos “Grupos Jóvenes”: el Tempus Trío, integrado por la violinista María Tió, el chelista Ferran Bardolet, y el pianista Ricard Rovirosa; el dúo formado por Alma Olite (violín) y Jorge Nava (pianista); el dúo formado por la soprano Mireia Tarragó y la pianista Carmen Santamaría, y el trío formado por Pablo Barragán (clarinete), Noa Wildschut (violín) y Frank Dupree (piano), que protagonizarán el concierto de clausura.

En el acto de presentación, la directora artística del festival comentó las líneas de programación de la actual edición del festival: “Este año he querido trazar una línea cronológica de la historia de la música de cámara desde los orígenes del género hasta la actualidad, con obras del repertorio barroco, clásico, romántico y contemporáneo. Además, habrá obras de cámara compuestas por mujeres compositoras como Rebecca Clarke y Alma Mahler, y escucharemos también una Sonata para violín y piano de Alicia de Larrocha, que es un repertorio poco conocido”. En el marco de este evento, Carmen Mayo, pianista de origen leonés y Catedrática de música de cámara en el Conservatorio Superior de Música de Valencia, fue galardonada con “La Areté” como reconocimiento a su extraordinaria labor en pro de la excelencia musical y el continuo apoyo a jóvenes talentos desde hace más de una década, que han convertido al Festival MonteLeón en referente nacional e internacional de la música de cámara.

El contratenor Jakub Józef Orliński (Varsovia, 1990) vuelve a España junto con el aclamado ensemble Il Pomo d’Oro para presentar su nuevo proyecto artístico: Beyond, un trabajo que salió en formato álbum el 6 de octubre y en el que presenta obras inéditas del barroco temprano de compositores como Monteverdi, Caccini, Frescobaldi, Kapsberger, Saracini, Netti, and Jarzębski.

En palabras del propio artista: “con este programa tan específicamente seleccionado quiero centrarme en el significado general de la palabra «más allá». Sobre todo, para mostrar a la gente que esta música va más allá de su tiempo. Sigue siendo relevante, sigue viva, vibrante, conmovedora, atractiva y entretenida».

En el que proyecto también ha trabajado el musicólogo Yannis François, que investigó el programa y descubrió un repertorio con piezas extraordinarias, muchas de las cuales, son grabaciones de estreno mundial.

Beyond se presentará en una gira europea que arranca el 24 de octubre en Polonia. En España se podrá escuchar por primera vez en el Palau de les Arts de Valencia (29 de octubre) y en el Auditorio Príncipe Felipe de Oviedo (31 de octubre).

Además, a principios de 2024 Orliński actuará en el Festival Internacional de Canarias (3, 5 y 7 de febrero), donde presentará su proyecto Facce D’Amore, también junto a Il Pomo d’Oro y bajo la dirección de Francesco Corti. El famoso contratenor también dará dos recitales organizados por IMPACTA junto al pianista Michał Biel en el Palau de la Música Catalana de Barcelona (25 de enero) y en el Auditorio Nacional de Madrid (20 de febrero). Las entradas de los recitales ya están a la venta.

Considerado por The New York Times como ‘una estrella ascendente de la música clásica’, Orliński se ha convertido en poco tiempo en uno de los contratenores más destacados a nivel mundial, con actuaciones que acumulan millones de visitas en Youtube, como su interpretación de Vedrò con mio diletto (Vivaldi) en el festival Aix-en-Provence.

Artista exclusivo del sello Warner/Erato, consiguió un premio Opus Klassik con su primer disco (Anima Sacra). Su segundo álbum (Facce d’amore) fue galardonado en los International Opera Awards de 2021. Además, el pasado mes de diciembre tuvo lugar su esperado debut en el Metropolitan Opera de Nueva York, donde interpretó el papel de Orfeo en la ópera Eurydice.

En su tiempo libre Orliński disfruta bailando breakdance, así como otros estilos urbanos de danza, llegando a quedar en cuarto lugar en la competición Red Bull BC One Poland Cypher, segundo en la Stylish Strike-Top Rock Contest y segundo en la The Style Control Competition, entre otras.

Llegaba por primera vez a este ciclo la soprano Olga Peretyatko, acompañada por el pianista, también ruso, Semjon Skigin. Lo hacía con un repertorio curioso, original y reivindicando dos figuras femeninas dentro del mundo de la composición y la interpretación: Clara Schumann (1819-1896) y Pauline García Viardot (1821-1910).

Con un carácter claramente romántico y casi personal, Pereryatko fue introduciendo, en un esforzado y muy meritorio castellano, cada una de las piezas que iba a interpretar. Se trataba de situaciones cotidianas, casi anécdotas personales de las propias compositoras con sus respectivas parejas, Robert Schuman y el escritor Ivan Turguénev. Todos los textos estaban perfectamente elegidos para acompañar cada una de las piezas y el resultado fue un delicioso recital en el que se respiró una atmósfera íntima que te transportaba a esos momentos.

La primera parte, más liederista, estuvo dedicada a Clara y Robert Schumann, con un par de obras de Brahms, que estuvo muy bien traído por la relación personal que tuvo con la pareja. Realizó un recorrido, casi cronológico, por la vida del compositor alemán y su esposa. Desde que se conocieron, con la interpretación de Liebst du um schönheit (Si amas la belleza), hasta el Requiem, op. 90, nº 7, evocando el triste final de Robert Schumann, con el que terminó esta última parte.

La segunda parte estuvo dedicada a composiciones de La Viardot, donde el cambio de estilo era evidente. Fue en la interpretación de estas obras donde se produjo un mayor lucimiento vocal de Pereryatko, que hizo alarde de sus cualidades de soprano ligera. Sobre todo, en la única pieza que no era de Viardot, Solovei [El ruiseñor], de Alexander Aliábiev, cargada de pirotecnia vocal y que acompañaba una anécdota que la compositora tuvo en Rusia durante una función de ópera.

Pereryatko posee unos potentes agudos, pero se mueve con facilidad por todo el registro. Tiene una línea vocal perfectamente delineada, un fraseo ágil y una dicción limpia. Demostró una gran técnica y control en la emisión, sin aparente esfuerzo. Sobre el escenario hizo gala de una gran elegancia y carisma.

Estuvo acompañada al piano por Semjon Skigin, que demostró su jerarquía y experiencia en el teclado, sobre todo en la segunda parte, donde tuvo algunos momentos brillantes.

Pero lo mejor, por si pensábamos que no era posible, nos esperaba en forma de propina. Y como no, el bis también tuvo su introducción. Nos habló de la admiración que Viardot tenía hacia uno de sus roles fetiches, Norma. Y nos regaló e iluminó con una Casta diva que evocaba a María Callas o a Monserrat Caballé, que dio vida a Norma sobre este mismo escenario en 1978, junto a Pedro Lavirgen y Fiorenza Cossoto, dirigidos por el maestro Enrique García Asensio.

Sin duda, una noche especial.

El director artístico del Teatro Real, Joan Matabosch, y la directora artística del Teatro Español y Naves del Español en Matadero, Natalia Menéndez, han presentado esta mañana el estreno absoluto de la ópera La Regenta, basada en la novela homónima de Leopoldo Alas “Clarín”, con música de Marisa Manchado, libreto de Amelia Valcárcel, dirección musical de Jordi Francés y dirección de escena de Bárbara Lluch. La ópera, que podrá verse del 24 al 29 de octubre en cinco únicas funciones en la Sala Fernando Arrabal de Naves del Español en Matadero, cuenta con un reparto de excelentes intérpretes formado por María Miro (La Regenta, Ana Ozores), David Oller (El Magistral, Fermín de Pas), Vicenç Esteve (Álvaro Mesía), Cristian Díaz (Don Víctor), Pablo García-López (Paco Vegallana), María Rey-Joly (Obdulia), Anna Gomá (Petra), Laura Vila (Doña Paula) y Gabriel Díaz (El Sapo).

Después de más de un centenar de años, este texto cumbre de Leopoldo Alas “Clarín” se ha hecho un hueco en el repertorio de ópera y se estrena por primera vez gracias a una nueva colaboración entre el Teatro Real y el Teatro Español, que vuelven a unir fuerzas tras el éxito de Tránsito, ópera que pudo verse también en Naves del Español en 2021 y que contaba con dirección musical del propio Jordi Francés.

La Regenta es una historia sobre pasiones, odios, celos y obsesiones que retrata la sociedad española de la época. Ana Ozores, casada con Víctor Quintanar en un matrimonio de conveniencia, tiene una vida solitaria y aburrida, lo que la hace refugiarse en el misticismo. Su confesor, Fermín de Pas, se enamora de ella, pero no es el único, ya que Álvaro Mesía también se convertirá en su amante. Un conflicto amoroso que lleva a la joven a ser rechazada por Vetusta, una ciudad atrapada en las tradiciones del pasado.

“La primera inspiración viene de una obra magistral, una novela de ambientes, una novela sobre el poder, la maldad, las miserias y las ruindades humanas que no paran hasta destruir a quien no es como ellos”, explica María Luisa Manchado sobre la música de La Regenta, su tercera ópera como compositora. “La Regenta es ópera en el sentido más puro o clásico, si se prefiere, del concepto: un drama escénico, cantado y acompañado, arropado, abrigado por los sonidos de una orquesta de cámara de 17 músicos”.

Tras la Amina de La sonnambula de Bellini, que dirigió en diciembre de 2022 en el Teatro Real, Bárbara Lluch vuelve a escenificar otro complejo personaje femenino como es el de Ana Ozores. “A nivel sociológico y psicológico, La Regenta es increíblemente moderna, se podría haber escrito hoy”, cuenta la directora de escena. “Habla de matrimonios forzados, cosificación de la mujer, de la mezquindad y la maldad por destruir la vida de alguien simplemente por aburrimiento. Por eso nuestra propuesta es atemporal. Porque la historia de Ana Ozores es la historia de muchas mujeres”.

La Regenta es una coproducción del Teatro Real y Teatro Español con música de Marisa Manchado (1956), libreto de Amelia Valcárcel basado en la novela homónima (1884-1885) de Leopoldo Alas, “Clarín”, dirección musical de Jordi Francés y dirección de escena de Bárbara Lluch, interpretada por María Miro, David Oller, Vicenç Esteve, Cristian Díaz, Pablo García-López, María Rey-Joly, Anna Gomá, Laura Vila y Gabriel Díaz, con Andrés Bernal y Magdalena Aizpurua como figurantes, con diseño de espacio escénico e iluminación de Urs Schönebaum, diseño de vestuario de Clara Peluffo, edición musical de Guillermo Buendía, dirección del coro de Josep Vila i Casanas, con el Coro de la Comunidad de Madrid y la Orquesta Titular del Teatro Real.

Fotografía: Javier del Real

El contratenor Carlos Mena junto al Grupo Enigma, dirigido por Asier Puga, presentan en Madrid su nuevo proyecto, Soliloquio(s). Tras su exitoso paso por Zaragoza y Barcelona en el marco de los Circuitos Nacionales del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), esta cita permitirá al público madrileño sumergirse en un original programa que va más allá de la idea de concierto y que propone una experiencia musical y audiovisual inolvidable. Este concierto inaugural del ciclo gratuito Series 20/21 del CNDM tendrá lugar el lunes 23 de octubre a las 19:30 horas en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Fundado en 1995, el Grupo Enigma es una de las orquestas de cámara de referencia del panorama actual. Agrupación residente del Auditorio de Zaragoza desde sus inicios, se ha consolidado a través de una programación audaz en continuo estado de cruce, donde la tradición entra en diálogo con las formas de expresión más contemporáneas. En esta ocasión, junto al gran contratenor Carlos Mena, darán vida a un ecléctico programa que pone en valor las poderosas reflexiones de personalidades muy influyentes de la sociedad.

Los soliloquios planteados en este primer concierto de Series 20/21 hablan de temas tan diversos como la libertad, la percepción auditiva, el acto de crear o la vida y la muerte. El repertorio aglutina piezas de Calderón de la Barca, Pauline Oliveros, Gilles Deleuze, Francesco Filidei y dos estrenos de Iñaki Estrada Torío y Núria Giménez-Comas, este último una obra encargo del CNDM sobre textos del activista queer Paul B. Preciado y fragmentos de la pieza teatral The land of heart’s desire del dramaturgo y poeta William Butler Yeats.

Más allá de un concierto convencional

Este concierto propone vivir una experiencia musical para todos los sentidos, ya que también incluye piezas habladas y audiovisuales. El programa comienza con el fragmento final del célebre Monólogo de Segismundo de La vida es sueño de Calderón de la Barca, un soliloquio que invita a pensar sobre el soñar y la libertad propia como soñadores. En Bye, bye, butterfly, la compositora Pauline Oliveros propone una novedosa subversión de Madama Butterfly de Giacomo Puccini en la que reivindica el papel de la mujer en la sociedad.

El recorrido continúa con el mencionado estreno absoluto de una obra encargo del CNDM a la compositora Núria Giménez-Comas, The land of heart’s desire, sobre textos de Paul B. Preciado y W. B. Yeats, en la cual la magnífica voz de Carlos Mena se entrelazará con sonoridades jazzísticas. El otro estreno lo protagonizará la obra Voices de Iñaki Estrada Torío, que nació como encargo de Asier Puga para el Grupo Enigma y que reflexiona sobre la voz como un instrumento más.

Cierran el programa un extracto de la conferencia Qu’est-ce que l’acte de création?, que ofreció el filósofo francés Gilles Deleuze en 1987 y en la cual habla sobre el acto de la creación y del arte como forma de resistencia; y Finito ogni gesto, del organista, compositor y alumno de Salvatore Sciarrino, Francesco Filidei. Este concierto es una coproducción del CNDM con L’Auditori, el Festival Mixtur y el propio Grupo Enigma.

El Centro Cultural Miguel Delibes acogerá desde el lunes 20 hasta el viernes 24 de noviembre, las pruebas del XVI Premio Internacional de Piano Frechilla – Zuloaga y además, presenta la integral de conciertos para piano y orquesta de Rajmáninov, en el 150 aniversario de su nacimiento, los días 16 y 19 de noviembre, como un evento inaugural, contando con cinco pianistas de gran reconocimiento. Este premio está organizado de manera conjunta la Junta de Castilla y León y la Diputación de Valladolid, y cuenta con cuatro décadas de historia, tomando su nombre del insigne dúo de pianistas vallisoletanos.

Esta nueva cita, conserva la misma configuración de pruebas que en ediciones anteriores, a través de dos eliminatorias y una final; así como el importe económico de los premios otorgados: un primer premio dotado con 12.000 euros, un segundo premio con 6.000 €, un tercer premio con 3.000 euros, además del premio al mejor intérprete de música española con una dotación de 3.000 euros y el premio del público sin dotación económica.

De las cincuenta solicitudes presentadas a concurso, el Jurado ha seleccionado a veintiuna pianistas (nacidos a partir del 19 de noviembre de 1990), nueve de ellas mujeres y de trece nacionalidades distintas (España, Corea del Sur, Japón, Rusia, China, Alemania, Grecia, Ucrania, Serbia, Portugal, Australia, Italia y República Checa). Como novedad, se ha realizado una preselección por parte del Jurado internacional, a través del currículum vitae y una grabación audiovisual, remitidos por pianistas de todo el mundo.

Jurado de gran prestigio
Para la presente edición, se cuenta con un Jurado de gran prestigio en la esfera de la música clásica, que este año ha aumentado a siete miembros, presidido por Ana Guijarro (pianista-España) y como vocales: Jorge Luis Prats (pianista. Cuba-USA), Sergei Yerokhin (pianista Rusia-España), Juan Miguel Moreno Calderón (Catedrático de piano- España), Cordelia Höfer-Teutsch (pianista-Austria) Daniel Ciobanu (pianista-Rumanía) y Nikolai Demidenko (pianista-Rusia-España), que serán los encargados de dilucidar los seleccionados en las dos pruebas eliminatorias y los elegidos para la prueba final, que se llevará a cabo el viernes 24 de noviembre con la participación con la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, bajo la dirección de José Trigueros.

150 Aniversario S. Rajmáninov
Coincidiendo con el 150 aniversario del nacimiento del célebre pianista, compositor y director de orquesta Sergei Rajmáninov, se ha programado la integral de conciertos para piano y orquesta del compositor, pianista y director de orquesta ruso. El jueves 16 de noviembre se ofrecerá el ciclo de Conciertos para Piano con el n.º 2. por Anna Fedorova y el n.º 3. por Juan Carlos Fernández Nieto. El domingo 19 y como Gala Inaugural del Premio, se ofrecerá el programa con la interpretación de sus Conciertos para Piano n.º 1. por Jorge Luis Prats, n.º 4. por Serguei Yerokhin y la Rapsodia sobre un tema de Paganini por Daniel Ciobanu, bajo la dirección de Salvador Vázquez.

Las invitaciones para las Galas inaugurales y la Final se podrán recoger en las Taquillas del Centro Cultural Miguel Delibes, desde el viernes 20 de octubre por parte de los abonados de la OSCyL, y a partir del lunes 30 de octubre, todo el público general interesado en participar de los conciertos.

El objetivo de la celebración de esta nueva cita musical, es fortalecer el Premio Internacional de Piano Frechilla – Zuloaga como cita musical ineludible de la provincia de Valladolid y de la Comunidad de Castilla y León, con el objetivo de potenciar su expansión y su impulso internacional, así como abrir nuevas perspectivas a este certamen ya consolidado.

La Sala Sinfónica del Auditorio Nacional se viste con sus mejores galas para recibir a uno de los pianistas españoles más internacionales, Josu de Solaun que, para esta ocasión tan especial, nos ofrece un viaje musical por las fauces del piano romántico y post romántico.

Con obras de J. Brahms, R. Schumann, F. Chopin y S. Prokofiev, De Solaun cartografía la magia del instrumento rey a través de algunas de las piezas que más inspiraron a coetáneos y posteriores.

Comenzando con las Cuatro baladas op. 10 de J. Brahms, obras de juventud que esconden ese bien sonado afecto platónico de Brahms hacia Clara Schumann, aderezado con cierto espíritu bardo que tanto inspiró al compositor de Hamburgo. De la divina juventud de Brahms, De Solaun nos inmiscuye en la juventud de R. Schumann con su Gran sonata en Fa sostenido menor op. 11, obra concluida cuando éste comenzaba sus encuentros sentimentales con la entonces Clara Wieck a la que le dedica esta primera sonata. Schumann, usando su típica figura enigmática, firmará esta sonata bajo el nombre de sus dos alter egos: Florestán y Eusebius.

Hablar del piano romántico nos dirige directamente al que, seguramente fue el gran pedagogo del momento: F. Chopin, de quien De Solaun interpretará toda una serie de Valses, Mazurkas, Estudios y Preludios que resumen el paradigma del piano chopiniano. Del genio de Varsovia se interpretarán el Vals en La menor op. 34 no 2, el Preludio en Mi menor op. 28 no 4, la Mazurka el La menor op. 17 no 4, el Estudio en Mi bemol menor op. 10 no6 y el Preludio en Do sostenido menor op.45.

De Solaun ha elegido la Sonata no8 de S. Prokofiev para concluir su debut en Grandes Intérpretes. Conocida por ser la última de las «Tres sonatas de Guerra» y compuesta a la par que su Quinta Sinfonía, es una obra que en palabras del propio compositor: «Supone la expresión de la grandeza del espíritu humano».

Tras este concierto, nuestra programación continuará el próximo 15 de noviembre, con la inauguración del Ciclo Horizontes de la mano del pianista y compositor Tito García. El Ciclo de Grandes Intérpretes proseguirá el 30 de noviembre con la vuelta del «Titán del piano», Daniil Trifonov.

Como todos los conciertos de Fundación Scherzo en 2023, este recital estará dedicado a la memoria de Alicia de Larrocha en el centenario de su nacimiento.

La soprano madrileña Guiomar Cantó protagoniza el próximo 5 de noviembre, domingo, el estreno absoluto de Carmen, el primer musical flamenco basado en la célebre ópera de Georges Bizet de 1875. Se trata de una única función que podrá disfrutarse en el Teatro Real (Madrid).

La producción, creada por Óscar de Manuel (Premio al Mejor Instrumentista Flamenco en el Festival del Cante de las Minas de la Unión), se basa en una reducción del libreto operístico original, que a su vez adaptaba la novela homónima de Prosper Mérimée de 1845. Según explican desde la producción, la obra pretende ser un reflejo de la sociedad actual, a través del amor y la tragedia, así como acercar la ópera de Bizet a todos los públicos “con una puesta en escena innovadora y una reducción orquestal lírica y escénica única, en la que flamenco, ópera y danza contemporánea se dan la mano”.

Para Guiomar Cantó, debutar este rol “es un sueño, no solo por el papel, si no por los templos líricos que me va a llevar a recorrer”. “Espero que el Teatro Real traiga muchos más sueños por cumplir”, añade. Sobre el personaje de Carmen, asegura que es “icónico”, ya que “traspasa el escenario y representa una combinación perfecta de pasión, sensualidad y rebeldía”.

La realización de la obra corre a cargo del codirector de escena Juan Conchillo y está reinterpretada dramatúrgica y escénicamente por Ignacio García. La coreografía es de Jesús Carmona, Premio Benois de la Danse, con la danza flamenca más actual y contemporánea. “Es un musical flamenco que encuentra en la espontaneidad y la indiferencia entre los personajes la clave que hace florecer el instinto que provoca los prejuicios entre el amor, la posesión y esa libertad absoluta de la mujer, a poder decidir sobre sí misma, sobre su vida”, detallan desde la producción.

Sobre Guiomar Cantó
En esta temporada Guiomar Cantó ha hecho su debut en el Auditorio Nacional donde este año va a cantar en 4 ocasiones con diferentes orquestas y repertorios. Además este 2023 cantará los roles de Musetta, Violetta, Micaela y la Contessa en diferentes teatros de la geografía española. En cuanto a lo sinfónico cantará próximamente Réquiem de Mozart y Carmina Burana. Como buena amante de la música de su país ha cantado con la orquesta filarmónica de Oviedo en un programa de zarzuela y debutó este invierno en el rol de Ascensión de la zarzuela de "La del Manojo de Rosas". Ha vuelto en mayo al Auditorio Nacional con un programa de música madrileña junto a grandes figuras de la lírica española y tiene programados conciertos en festivales fuera de España por lo que sigue abriéndose camino en los teatros nacionales e internacionales, consolidándose como uno de los grandes talentos de su generación.

De técnica sólida y voz versátil, Cantó comenzó con una base de formación pianística con el pianista y compositor Manuel Carra complementándola con los estudios de Derecho y ADE y realizando su formación vocal en la Escuela Superior de Canto de Madrid. Ha trabajado con maestros y cantantes como Virginia Zeani, Dolora Zajick, Alberto Zedda, Barbara Bonney, Carlos Chausson, Mariella Devia, Raúl Giménez, Francisco Araiza, Anna Tomowa-Sintow, Carlos Aransay y Giulio Zappa. Perfecciona sus estudios vocales y de repertorio bajo la dirección del maestro Luca Fonte, heredando así los lineamientos técnicos, estéticos y filosóficos de la escuela romántica Italia.

La Orquestra de la Comunitat Valenciana (OCV) interpretará obras de Mahler y Shostakóvich bajo la dirección del prestigioso Sir Mark Elder este viernes, 20 de octubre, en el Palau de les Arts Reina Sofía, y el sábado 21 en el Auditori i Palau de le Congressos de Castelló.

Tras su exitoso debut con los cuerpos estables de Les Arts en 2022, Mark Elder, regresa para el primero de los conciertos de la temporada de abono, que bajo el epígrafe ‘Poéticas del destino’ tiene como hilo conductor a las obras crepusculares de los grandes compositores del repertorio.

El titular de la Orquesta Hallé de Manchester y principal director invitado de la Filarmónica de Bergen propone para este doble concierto un programa exigente y monumental que permitirá al público disfrutar del brillante sonido y de la calidad instrumental de la OCV.

En el atril, dos obras inéditas para la OCV de dos compositores estrechamente vinculados: Gustav Mahler y Dmitri Shostakóvich. La formación titular de Les Arts abrirá la velada con el “Adagio” de ‘Sinfonía N.º 10’ de Mahler, una partitura inacabada a causa de la muerte del compositor, de la que tan sólo concluyó su primer movimiento.

En la segunda parte, Mark Elder dirige la intensa y desafiante ‘Cuarta’ de Dmitri Shostakóvich, considerada como la más mahleriana de las sinfonías del compositor ruso. Colosal en sus dimensiones, la obra, que exige una orquesta de gran magnitud, reunirá a 110 músicos sobre el escenario del Auditori bajo la batuta del maestro británico.

Tras el concierto en el Auditori de este viernes, la Orquestra de la Comunitat Valenciana y Mark Elder inaugurarán el sábado 21 el ciclo sinfónico que la formación titular de Les Arts ofrece cada temporada en el Auditori i Palau de le Congressos de Castelló.

Les Arts és Simfònic
Les Arts reunirá de nuevo a las batutas más cotizadas del circuito internacional a lo largo de la Temporada 2023-2024 en un ambicioso ciclo de conciertos que, una vez más, tendrá presencia en las tres provincias de la Comunitat Valenciana.

Junto con el director musical de Les Arts, James Gaffigan, Gustavo Gimeno, Pablo Heras-Casado, Mikko Franck, Vasily Petrenko y el propio Mark Elder conforman la nómina de directores de orquesta que protagonizarán el presente curso, con un exigente y deslumbrante programa sinfónico, que permitirá disfrutar de la excelencia de la OCV, considerada como una de las formaciones de referencia en Europa.

El próximo 21 de octubre, el Coro Lirico Siciliano iniciará en Madrid una extensa Tournée por varias cuidades españolas con la ópera Don Giovanni, el conocido Dramma giocoso en dos actos de Mozart (1756-1791), con libreto de Lorenzo Da Ponte, basado en El burlador de Sevilla y convidado de piedra de Tirso de Molina. Los miembros del Coro Lirico Siciliano, que dirige el bajo Francesco Costa desde su fundación en 2008, se presentarán en diversos escenarios de la geografía española, con actuaciones en Valencia, Jaén, Cádiz, Altea, Ponferrada, Ferrol, Toledo, Alicante, Salamanca, Soria, Palencia, Huesca o Logroño, entre otras ciudades.

Reconocido como uno de los coros lírico-sinfónicos más importantes y solicitados de Italia, el Coro Lirico Siciliano se caracteriza por su amplísimo repertorio y extraordinaria versatilidad, lo que le ha permitido abordar desde obras sacras y títulos operísticos como Aida, La Traviata o Cavalleria Rusticana, hasta bandas sonoras compuestas por Ennio Morricone o conocidas canciones del cantautor Lucio Dalla.

Galardonado con numerosos premios (International Opera Award – Oscar della Lirica, Premio Belliniano 2015, Premio Ambasciatore del Belcanto 2016 o Premio alla Sicilianità), el Coro Lirico Siciliano ha actuado con numerosas estrellas del firmamento lírico como Fiorenza Cossotto, Daniela Dessì, José Carreras, Fabio Armiliato, Aprile Millo, Sumi Jo o Marcello Giordani, entre otros. Además, colabora asiduamente con destacados teatros y festivales a nivel nacional e internacional como el Bellini Festival, el Teatro Comunale di Bologna, el Macao International Music Festival, la Chicago Opera, el Teatro Regio di Parma, el Teatro Carlo Felice di Genova, el Teatro Regio di Torino o el Teatro dell’Opera di Roma.

Junto con su intensa actividad concertística, el Coro Lirico Siciliano realiza una gran labor social como embajador de la cultura siciliana en el mundo y como promotor del Festival Lirico dei Teatri di Prieta, que se desarrolla anualmente en diversas locations de Sicilia (el Teatro Greco de Siracusa, el Teatro Greco de Tindari, el Teatro Antico de Taormina, los principales parques arqueológicos, etc). Una iniciativa que el pasado verano marcó un auténtico hito, al representar La Traviata de Verdi, en una propuesta operística inclusiva con lenguaje de signos para personas sordas.

Más información

ABAO Bilbao Opera, inicia la 72ª Temporada de ópera de Bilbao con uno de los títulos imprescindibles del repertorio francés: ROMÉO ET JULIETTE, de Charles Gounod. Estrenada en 1867 a la manera de la grand opéra, se convirtió en un éxito instantáneo y atronador y encumbró al compositor como el músico del amor romántico. ABAO ha programado cuatro funciones para los días 21, 24, 27 y 30 de octubre en el Euskalduna Bilbao. La representación del sábado 21 dará comienzo a las 19:00h, y el resto de las funciones se iniciarán las 19:30h.

Basada en el drama homónimo de William Shakespeare, esta ópera con prólogo y cinco actos de los libretistas Jules Barbier y Michel Carré, narra la historia de amor juvenil por antonomasia, donde se aúnan pasiones y odios, ofensas y perdón, amor y muerte. Una conocida tragedia donde la relación de los protagonistas se ve truncada por el odio entre sus familias.

ABAO Bilbao Opera programa este título por cuarta vez, la primera fue en 1983 con Alfredo Kraus y Valerie Masterson, y la última en 2011, hace más de dos décadas, con José Bros y Patrizia Ciofi.

EXIGENCIA Y VIRTUOSISMO VOCAL CON DOS PROTAGONISTAS DE EXCEPCIÓN

En Roméo et Juliette el virtuosismo puramente vocal está presente desde el inicio, en perfecta interrelación con la dramaturgia de una ópera inspirada y cargada de lirismo romántico.

En esta ocasión ABAO Bilbao Opera ha reunido un dúo sublime para protagonizar a los enamorados más célebres del mundo con Javier Camarena y Nadine Sierra. El tenor mexicano, que debuta el rol, está reconocido como uno de los máximos exponentes del repertorio belcantista romántico y uno de los más admirados en todo el mundo. Con una presencia escénica magnética y de gran expresividad teatral, Camarena tiene momentos estelares como la exigente aria llena de ligereza “Ah! Lève-toi soleil!” o “L’amour l’amour son ardeur”.

A su lado, la soprano estadounidense Nadine Sierra debuta en Bilbao para meterse en la piel de Juliette. Con un talento musical excepcional y una personalidad exuberante, además de los arrebatadores dúos de amor “O nuit divine je t’implore” o “Ange adorable”, la protagonista tiene confiadas dos arias impactantes, la ligera y virtuosa, “Je veux vivre dans ce rêve” en ritmo de vals, una página extraordinaria de coloratura, y la dramática aria del Acto IV, “Amour ranime mon courage”.

Interpreta el rol de Stéfano el joven paje de Roméo, Anna Alàs i Jové, una mezzosoprano en un personaje masculino con abundantes momentos de lucimiento en el Acto III en arias como “Dépuis hier je cherche” y la famosa “Que fais tu blanche tourterelle”.

Andrzej Filończyk, encarna al ingenioso y ambicioso Mercutio. El barítono polaco, con un registro lleno de matices, tiene su gran momento en el Acto I con “Mab la reine des mensonges”, la reina de las hadas que se mete en sus sueños.

Encarna al fraile confidente de Roméo y Juliette, Frére Laurent, el bajo Marko Mimica. Un rol que requiere voz noble, segura y bien timbrada, con la famosa escena de la poción venenosa para Juliette, “Buvez donc ce breuvage” y numerosas escenas de tríos y cuartetos junto a los protagonistas.

Acompañan a este quinteto un conjunto de conocidas voces con consistencia y equilibrio: Alejandro del Cerro como Tybalt, Itxaro Mentxaka como la nodriza Gertrude, Gerardo López encarnando a Benvolio, Isaac Galán como Le Comte Pâris, José Manuel Díaz como Grégorio, y Fernando Latorre y Juan Laborería como Le Comte Capulet y Le Duc de Vérone, respectivamente.

LORENZO PASSERINI DEBUTA EN ABAO AL FRENTE DE LA EUSKADIKO ORKESTRA

La dirección musical está a cargo del maestro Lorenzo Passerini, quien debuta en ABAO Bilbao Opera en un momento destacado de su carrera que le ha llevado por importantes escenarios internacionales. Atenta a su batuta, la Euskadiko Orkestra con una exigente partitura, plena de lirismo, poesía, refinamiento y elegancia, cualidades tan características de la ópera francesa.

Tanto por su temática como por el tratamiento musical y el discurso orquestal, la ópera cautiva al espectador con un impacto emocional intenso en el transcurso de toda la trama.

El Coro de Ópera de Bilbao, dirigido por Boris Dujin, completa este apartado y destaca al inicio con las escenas “Verone vit jadis dux familles” y “L’heure s’envoie”.

ESTRENO ABSOLUTO DE UNA COPRODUCCIÓN DE ABAO BILBAO OPERA

En el escenario, una coproducción de ABAO Bilbao Opera y la Ópera de Oviedo firmada por la regista italiana Giorgia Guerra que, en su debut en ABAO, presenta el estreno absoluto de una propuesta joven, estilizada e impactante visualmente.

Es la primera vez que una mujer firma una producción sobre el drama de los amantes de Verona. En su montaje, con escenografía de Federica Parolini, vestuario de Lorena Marín e iluminación de Fiammeta Baldiserri, los enamorados viven en un espacio versátil que configura desde un palacio hasta el clásico mortuorio, en una escenografía que destaca por el exhaustivo trabajo de videoproyecciones de Imaginarium Creative Studio.

La propuesta de Giorgia Guerra enfatiza la poética del drama para que el público disfrute de la música de Gounod. “Mi intención”, expone la directora de escena, “es la de darle a esta historia universal que ha apasionado a varias generaciones, una vuelta de tuerca para que el público salga de esa vorágine de vida que llevamos en la actualidad para sumergirse en un viaje apasionante y en una música de ensueño mezclando la tradición con los nuevos medios audiovisuales”.

AMPLIO PROGRAMA DE ACTIVIDADES PARALELAS
El programa de actividades culturales paralelas que desarrolla ABAO Bilbao Opera con carácter abierto y para todos los públicos, crece con nuevas iniciativas y viaja a otras localidades para despertar el interés de los aficionados, como sucedió el pasado 10 de octubre, con un encuentro en San Sebastián con el compositor Carlos Imaz desvelando los secretos de la ópera entre bambalinas. Las próximas citas son:

19 de octubre. Podcast en directo: “Concierto Desorden”. Nueva iniciativa junto al crítico musical y codirector de Platea Magazine, Gonzalo Lahoz, que entrevistará a Javier Camarena en directo con asistencia y participación del público. Los protagonistas compartirán anécdotas, inquietudes, experiencias y emociones en un retrato humanista del intérprete y el personaje. El podcast «Concierto Desorden» se puede escuchar en Spotify, Ivoox, Amazon Music, Podimo, Apple, Google. Sociedad Filarmónica de Bilbao. 19:00h. Entrada libre hasta completar aforo.
20 de octubre. El ciclo de conferencias “El ABC de la Ópera” comienza una nueva edición en colaboración con DeustoBide. Los periodistas y directores del programa Play Opera, Rafael Bernardo y Mariela Rubio, serán los encargados de desvelar las curiosidades y pormenores de la ópera Roméo et Juliette y la obra de su compositor. La conferencia se retransmite en directo a través del canal de YouTube de ABAO. Auditorio Universidad de Deusto. 18:30h. Entrada libre previo registro en la web de ABAO
25 de octubre. Santander acogerá una conferencia bajo el título “Explorando la emoción y la tragedia de Roméo et Juliette”. Aitziber Aretxederra, responsable del programa didáctico de ABAO, repasará el argumento y comentará los mejores y más emocionantes momentos musicales. Ateneo de Santander. 19:00h. Entrada libre hasta completar aforo.

El pianista y compositor neoclásico Dustin O’Halloran (Arizona, 1971), reconocido internacionalmente por sus singulares contribuciones a las bandas sonoras y nominado a prestigiosos premios como los Oscar, debuta en el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) para presentar su evocador proyecto Silfur (2021). Se trata de un trabajo que vio la luz durante la pandemia y en el que este artista explora la relación entre música y tiempo. O’Halloran estará acompañado por la violinista Margaret Hermant y la violonchelista Charlotte Danhier. El concierto tendrá lugar en el marco del ciclo Fronteras el próximo viernes 20 de octubre, a las 19:30 horas, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música.

Dustin O’Halloran no solo es un reconocido artista en el mundo de la música, sino que para el público su nombre es sinónimo de vivir una experiencia. Considerado como un compositor tremendamente imaginativo y un intérprete con un estilo minimalista soberbio, O’Halloran ha tejido a lo largo de su carrera un entramado musical que evoca emociones y paisajes sonoros sugerentes. Desde sus inicios con la banda dreampop Dēvics, hasta su consagración como solista y compositor cinematográfico, su evolución musical ha sido una constante ascensión hacia la excelencia musical.

Las melodías de su álbum debut, Piano Solos (2004), inspiraron a Sofia Coppola en su trabajo para la película Marie Antoinette (2006), marcando así el inicio de su carrera en el cine. Su habilidad para fusionar la música clásica con las vanguardias contemporáneas le llevaron a poder colaborar con renombrados compositores como Jóhann Jóhannsson. O’Halloran ha formado parte del grupo A Winged Victory For The Sullen y ha grabado diez álbumes de bandas sonoras, uno de ellos con el aclamado pianista y compositor Hauschka, quien también visitará la programación del CNDM el 27 de abril de 2024 y con quién trabajó en la banda sonora de la película nominada al Óscar Lion (2016).

Viaje al pasado

En Silfur, su más reciente trabajo en solitario publicado bajo el prestigioso sello Deutsche Grammophon, O’Halloran propone un viaje que examina el tiempo y el lugar a través de reinterpretaciones de piezas seleccionadas de su vasto repertorio. Es un proyecto que cuenta con las colaboraciones del compositor y multiinstrumentista estadounidense Bryan Senti, la violonchelista islandesa Gyða Valtýsdóttir y el Siggi String Quartet, y que refleja una década de crecimiento artístico.

O’Halloran, que vive a caballo entre Reikiavik y Los Ángeles, ideó este álbum durante la pandemia. Al no poder regresar a California debido a las restricciones sanitarias, dedicó su tiempo de aislamiento a componer en un estado de introspección y quietud, y revisitó obras de cuatro álbumes en solitario para darles una nueva dimensión. En esta colección de delicadas piezas se explora la búsqueda de la belleza y la perspectiva cambiante de la música a través del tiempo. De todo ello será testigo el público en el Auditorio Nacional de Música, en una cita que promete ser una velada inolvidable.

Autor: Brioclasica

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