La decimocuarta temporada del CNDM constará de 270 citas (204 conciertos y 66 actividades pedagógicas) en 29 ciudades españolas y 7 ciudades en el extranjero.

Se recuperan 13 obras del patrimonio musical español, que verán su estreno en tiempos modernos en esta temporada, y se refuerza el compromiso con la creación contemporánea con 34 estrenos, 20 por encargo del CNDM; de los cuales 15 obras creadas por compositoras.

Se amplía la colaboración con los socios coproductores a más de 150 instituciones públicas y entidades privadas, que se han convertido a lo largo de estos años en columnas del CNDM.

Las residencias artísticas recaen en José Luis Turina, compositor residente, Accademia del Piacere y el Cuarteto Quiroga, grupos residentes.

En Madrid, se mantienen los ciclos Universo Barroco, Liceo de Cámara XXI, Jazz en el Auditorio, Andalucía Flamenca, Fronteras y Bach Vermut en el Auditorio Nacional de Música y se crea el nuevo ciclo Recordando a Alicia, en homenaje a la pianista Alicia de Larrocha. En el Teatro de la Zarzuela se mantiene el Ciclo de Lied que celebra su 30º. aniversario y en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el ciclo Series 20/21.

En los Circuitos Internacionales, se incorpora la coproducción con el Festival Wratislavia Cantans en Breslavia, Polonia y el Festival Mozart de la Habana en Cuba. Los Circuitos Nacionales se amplían a Arnuero (Cantabria), Valladolid y Vélez Blanco (Almería).

El público disfrutará de una ambiciosa programación con la visita de grandes voces como las de los contratenores Franco Fagioli, Philippe Jaroussky, las esperadas sopranos Jeanine de Bique, la mezzo Ann Hallenberg o el sopranista Samuel Mariño. Vuelven los mejores cuartetos de cuerda del panorama internacional, como el Cuarteto Casals, el Jerusalén, el Armida, el de la violinista Julia Fischer o el Cuarteto Quiroga, que estrenará varias obras en compañía de grandes intérpretes como Javier Perianes o Jörg Widmann. Celebraremos una doble cita con el piano minimalista con la presencia de Hauschka y Dustin O’Halloran, premiados autores de bandas sonoras. Disfrutaremos de veladas inolvidables con Zenet, la Premio Nacional de Danza Patricia Guerrero en una original propuesta con Accademia del Piacere, el consagrado pianista Kenny Barron o Chano Domínguez. Asistiremos a espectáculos de pura emoción flamenca con Rafael Riqueni y su sentido homenaje al maestro de la guitarra Manolo Sanlúcar o los “Sordera”, la primera saga flamenca que pisará el CNDM. Las aclamadas sopranos Lise Davidsen y Olga Peretyatko se presentarán en el prestigioso Ciclo de Lied, al que regresarán las extraordinarias voces de especialistas como Gerald Finley, Christian Gerhaher o Matthias Goerne, entre otros.

Se abre el periodo de renovación de abonos hasta el 27 de junio. El periodo de venta de nuevos abonos comenzará el 30 de junio y se prolongará hasta el 9 de septiembre. Venta libre de localidades a partir del 12 de septiembre. Descuentos sociales de hasta el 50% en abonos y localidades.

El director general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), Joan Francesc Marco, junto a Francisco Lorenzo, director del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), han presentado esta mañana la temporada 23/24 de esta unidad del INAEM, que tendrá lugar del 8 de septiembre de 2023 hasta el 25 de julio de 2024. Se celebrarán un total de 270 citas, con 204 conciertos y 66 actividades pedagógicas. Asimismo, se recuperarán 13 obras del patrimonio musical español, que verán su estreno en tiempos modernos en esta temporada, y se refuerza el compromiso con la creación contemporánea con 34 estrenos, 20 por encargo del CNDM de los cuales 15 obras creadas por compositoras. El programa se desarrollará en 29 ciudades españolas y 7 en el extranjero en colaboración con más de 150 instituciones.

La ambiciosa programación del CNDM amplía el número de actividades, de ciudades y de socios coproductores respecto a la edición anterior. Entre las principales novedades de este año se encuentran la creación de un nuevo ciclo en el Auditorio Nacional de Música, Recordando a Alicia, en homenaje a la gran pianista Alicia de Larrocha con motivo del centenario de su nacimiento; así como la incorporación de nuevas ciudades internacionales y nacionales: coproducciones en los prestigiosos Festival Wratislavia Cantans en Breslavia, Polonia, y el Festival Mozart de La Habana en Cuba; y las ciudades españolas de Arnuero (Cantabria), Valladolid y Vélez Blanco (Almería).

“La decimocuarta edición del CNDM pone el foco en la esencia de esta institución como centro que reivindica nuestro patrimonio musical y donde tienen cabida un universo de posibilidades para los amantes de la música en directo”, ha afirmado Francisco Lorenzo, director del CNDM, durante la presentación. También ha señalado que la nueva temporada se asentará en los tres pilares fundamentales del CNDM. En primer lugar, la dirección artística del Auditorio Nacional de Música, dotando a este espacio de una programación pública, diversa y de máxima calidad. En segundo lugar, la promoción, difusión y ampliación del patrimonio musical nacional, a través de la programación de conciertos y actividades pedagógicas, encargos de composición y recuperaciones históricas. Y en tercer lugar, el apoyo a los creadores e intérpretes españoles.

La nueva edición toma como imagen de temporada la obra de Juan Carlos Casado, un referente de la astrofotografía mundial cuyas creaciones han sido galardonadas por la NASA en más de cincuenta ocasiones. Su obra sirve para reflejar la solidez y magnitud del proyecto del CNDM que cumple ya 14 años.

Residencias artísticas

El CNDM mantiene nuevamente las residencias artísticas para seguir apoyando la trayectoria y el trabajo de grandes compositores e intérpretes. Este año habrá tres residencias ocupadas por agrupaciones y artistas españoles: una doble residencia en el apartado de grupo y una en el apartado de compositor.

El Cuarteto Quiroga, que este año celebra su vigésimo aniversario, será uno de los grupos residentes. Se trata de una de las formaciones de cámara más estables y consolidadas del panorama actual. Con esta agrupación, el público podrá asistir a varios estrenos, así como apreciar su talento en diálogo con grandes músicos de la talla del clarinetista y compositor Jörg Widmann, la violinista Veronika Hagen o el pianista Javier Perianes, estrechamente vinculados a su trayectoria musical.

El otro grupo residente será Accademia del Piacere, un grupo que destaca por su singularidad, la innovación de sus propuestas y una gran capacidad para explorar más allá de los límites de distintas manifestaciones artísticas. Fundado y liderado por Fahmi Alqhai, es una de las agrupaciones españolas más internacionales y versátiles. Sus músicos actuarán en distintos ciclos en Madrid y también viajarán al extrajero a través de los Circuitos Internacionales del CNDM.Por último, José Luis Turina ostentará la figura de compositor residente. Además de ser uno de los compositores españoles más importantes de la actualidad, José Luis Turina es un reconocido pedagogo y gestor cultural y una figura imprescindible en el desarrollo de la educación musical en nuestro país. A lo largo de la programación 23/24, se recrearán algunas de sus obras más emblemáticas y el público asistirá a estrenos de la mano de grandes agrupaciones.

La programación en Madrid

En Madrid, regresan los ciclos Universo Barroco, Liceo de Cámara XXI, Jazz en el Auditorio, Andalucía Flamenca, Fronteras y Bach Vermut en el Auditorio Nacional de Música y se crea el nuevo ciclo Recordando a Alicia, en homenaje a la pianista Alicia de Larrocha. En el Teatro de la Zarzuela se mantiene el Ciclo de Lied que celebra su 30º. aniversario y en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el ciclo Series 20/21.

El nuevo ciclo Recordando a Alicia constará de 3 recitales de piano en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música. Este ciclo nace como una contribución a los numerosos homenajes de este año en torno a la figura de la gran pianista Alicia de Larrocha con motivo del centenario de su nacimiento. Los conciertos estarán protagonizados por las pianistas Rosa Torres-Pardo, Noelia Rodiles y Judith Jáuregui, que incluirán en sus programas algunas de las piezas más estrechamente vinculadas a la trayectoria de esta icónica y querida artista.

El ciclo Universo Barroco Sinfónico constará de 11 conciertos. De ellos, tres serán extraordinarios (fuera de abono) y abordarán tres de los títulos más relevantes de la historia de la música: el Magnificat de Johann Sebastian Bach en Navidad, de la mano de la Netherlands Bach Society; las fabulosas Vísperas de Claudio Monteverdi, con el Coro de Cámara de Namur y Cappella Mediterranea, bajo la dirección de Leonardo García Alarcón; y la Pasión según San Mateo de J. S. Bach, obra cumbre de la cultura occidental, que en esta ocasión será interpretada por extraordinarios músicos nacionales: el Cor de Cambra del Palau de la Música Catalana y el Cor Infantil de l’Orfeó Català junto a Vespres d’Arnadí y bajo la dirección de Christoph Prégardien, quien como tenor interpretara el papel del Evangelista en numerosas ocasiones. En esta edición, asistiremos al estreno en tiempos modernos de una recuperación histórica, Las amazonas de España de Giacomo Facco, una ópera que se estrenó en el Real Coliseo del Buen Retiro en 1700 y que Concerto 1700, liderado por el violinista Daniel Pinteño, interpretará en la Sala Sinfónica con la presencia de algunas de las mejores voces especialistas en el Barroco, como María Espada, Giulia Semenzato o Natalie Pérez, entre otras. Visitarán el ciclo grandes voces como las del contratenor Franco Fagioli en el haendeliano Tolomeo, re d’Egitto con Il Giardino Armonico y la Kammerorchester Basel, dirigidos por Giovanni Antonini, o el contratenor Philippe Jaroussky con Le Concert de la Loge, bajo la batuta del violinista y director Julien Chauvin. También contaremos con las extraordinarias voces de la soprano Sandrine Piau y la mezzosoprano Ann Hallenberg en Berenice, regina d’Egitto, un título brillante pero menos conocido de George Frideric Haendel con Il Pomo d’Oro, bajo la dirección del clavecinista Francesco Corti; o con el contratenor Carlo Vistoli y la soprano Emőke Baráth en el también haendeliano Rinaldo con Les Accents, bajo la dirección del violinista Thibault Noally. Además, finaliza la trilogía monteverdiana con L’incoronazione di Poppea de la mano de The English Concert, bajo la dirección de Harry Bicket, en un concierto que contará con el Coro de la Comunidad de Madrid y con la esperada soprano Jeanine de Bique en el papel protagonista. El ciclo también recorrerá otros títulos líricos, como The fairy queen de Henry Purcell, de la mano de los prestigiosos Les Arts Florissants, dirigidos por William Christie; o Les Boréades de Jean-Philippe Rameau, con la orquesta barroca de Praga Collegium 1704 y su agrupación vocal del mismo nombre, bajo la dirección de Václav Luks.

En el ciclo Universo Barroco Cámara se celebrarán 12 conciertos. Se prestará una especial atención a Barbara Strozzi y a la labor de la mujer creadora en la composición barroca, con los conciertos de la soprano Núria Rial junto a Accademia del Piacere, agrupación residente de la temporada; y las sopranos Dorothee Mields y Hana Blažiková acompañadas por el Hathor Consort, dirigido por la también violagambista Romina Lischka. Se estrenará en tiempos modernos la ópera de Domenico Scarlatti La Silvia, de la mano de Aarón Zapico y su Forma Antiqva, y con la presencia de la soprano Jone Martínez, el contratenor Carlos Mena y el tenor Alberto Palacios. El ciclo seguirá velando por la visibilidad de los mejores grupos nacionales, que interpretarán tanto repertorio español como universal, entre ellos el Euskal Barrok Ensemble, dirigido por Enrike Solinís, con un programa inspirado en el famoso Concierto para laúd de Antonio Vivaldi; la Orquesta Barroca de Sevilla, que afrontará L’estro armonico -también de A. Vivaldi-, una de las colecciones de conciertos más influyentes y extraordinarias de todo el siglo XVIII, con la participación del violinista Enrico Onofri en su doble faceta de intérprete y director; L’Apothéose, que visita el ciclo en un formato que va más allá de su formación original como cuarteto, y actuará con solistas de la talla de la flautista Dorothee Oberlinger; La Ritirata de Josetxu Obregón, que abordará el oratorio Il giardino di rose de Alessandro Scarlatti; y la Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca, con el violinista Shunske Sato al frente. Asimismo, el renombrado sopranista venezolano Samuel Mariño se unirá al conjunto dirigido por el clavecinista Marcello di Lisa, Concerto de’ Cavalieri, para interpretar un repertorio centrado en las fuentes barrocas del bel canto. También visitarán este universo sonoro el conjunto inglés Arcangelo, fundado y dirigido por el clavecinista y violonchelista Jonathan Cohen, el ensemble Diderot y la aclamada agrupación vocal Vox Luminis, que regresará al CNDM para abordar una de las obras clave del repertorio sacro español: el Officium defunctorum de Tomás Luis de Victoria.

El ciclo Liceo de Cámara XXI continuará su andadura en la Sala de Cámara con 12 conciertos. Vuelven los mejores cuartetos del panorama internacional, como el Cuarteto Casals, el Cuarteto Jerusalem, o el Cuarteto de la violinista Julia Fischer, que se presenta por primera vez en este ciclo. A dúo, el público disfrutará del virtuosismo de la violinista Leticia Moreno y el pianista Josu de Solaun, que estrenarán en España la Sonata para violín y piano de José Luis Turina, compositor residente de la temporada 23/24; o de la violonchelista Sol Gabetta con el pianista Bertrand Chamayou. Además, el Cuarteto Quiroga, uno de los grupos residentes, tendrá un papel protagonista en el ciclo con tres citas donde estrenará obras de nueva creación de Raquel García-Tomás y Konstantia Gourzi. También establecerá un exquisito diálogo con algunos grandes músicos de la escena nacional e internacional estrechamente vinculados a la trayectoria del cuarteto: el clarinetista y compositor Jörg Widmann, compositor residente en la Berliner Philharmoniker, con quien estrenará una de sus composiciones, la destacada violista Veronika Hagen, y el aclamado pianista Javier Perianes. Se celebrarán dos conciertos dedicados a octetos. Por un lado, el Cuarteto Cosmos se rodeará de músicos amigos para interpretar los octetos de Jörg Widmann y Franz Schubert y, por el otro, el Cuarteto Belcea y el Cuarteto Ébène unirán fuerzas para enfrentarse a los de George Enescu y Felix Mendelssohn. Asimismo, contaremos con la participación del trío formado por el violinista Fumiaki Miura, el violonchelista Jonathan Roozeman y la pianista Varvara, que abordarán piezas clave del género camerístico con tríos de Ludwig van Beethoven, Dmitri Shostakóvich y Lera Auerbach. Por su parte, el Cuarteto Armida ofrecerá un programa especial en colaboración con el violista del Cuarteto Casals, Jonathan Brown, y el violonchelista Eckart Runge.

Dentro del ciclo Jazz en el Auditorio, vuelven propuestas de altísima calidad protagonizadas por relevantes figuras del jazz nacional e internacional, con un total de 9 conciertos, uno de ellos extraordinario (fuera de abono) en la Sala Sinfónica, protagonizado por Avishai Cohen Trio, agrupación liderada por el genial contrabajista y compositor Avishai Cohen. Este artista también nos visitará en formato dúo junto al pianista Makoto Ozone, otro gigante del panorama jazzístico. Entre los nombres internacionales destaca el veterano pianista Kenny Barron, auténtica leyenda que nos traerá su nuevo monólogo discográfico The Source, así como el debut en este ciclo de Bobo Stenson Trio, que presentará el proyecto Sphere, que aborda la obra de compositores de los siglos XX y XXI, así como algunas de sus propias piezas. De la escena nacional, debuta en este ciclo el experimentado contrabajista gallego Baldo Martínez en formación de sexteto y vuelven grandes nombres como Andrea Motis, Chano Domínguez y Flavio Boltro 4et, Paolo Fresu Trio y Perico Sambeat en su versión más flamenca.

El ciclo Andalucía Flamenca, organizado en coproducción con el Instituto Andaluz del Flamenco, albergará 7 conciertos esta temporada. El ciclo se abrirá con Rafael Riqueni y su sentido homenaje al maestro de la guitarra Manolo Sanlúcar. Por primera vez, se reunirá sobre el escenario del CNDM a una saga del arte flamenco, la de los “Sordera”, ejemplo del linaje jerezano al que dan continuidad en la actualidad Vicente Soto “Sordera”, Enrique Soto y Lela Soto. Debutará en el ciclo Reyes Carrasco, una joven promesa del flamenco que ya ha compartido escenario con aclamadas figuras del cante y ha sido galardonada en numerosas ocasiones. También visitarán el ciclo grandes cantaores como la jerezana María Terremoto, con un concierto en el que abordará los estilos propios de su Jerez natal y de su saga, sin excluir guiños al rico legado musical de su padre Fernando; Arcángel, que ofrecerá un recital basado en una colección de estilos clásicos de cante junto al guitarrista Miguel Ángel Cortés; y Manuel Lombo, que reivindicará sus raíces flamencas junto con el guitarrista Pedro Sierra. Asimismo, el ciclo contará con una sesión doble protagonizada por dos cantaores que transportarán al público a herencias bien distintas: Pedro “El Granaíno” y Caracolillo de Cádiz.

En Fronteras, el ciclo más mestizo del CNDM, se celebrarán 8 conciertos, 2 de ellos extraordinarios (fuera de abono). En cuanto a estos últimos, vuelve Víkingur Ólafsson, excelente pianista islandés que interpretará su visión más personal de las legendarias Variaciones Goldberg de J. S. Bach; y el grupo residente Accademia del Piacere, con Gugurumbé. En esta original propuesta, presentará un programa particularmente especial que revisita el flamenco y lo pone en diálogo con otras artes. Para ello, la agrupación contará con la presencia de la soprano Núria Rial, la bailaora Patricia Guerrero (Premio Nacional de Danza 2021), la cantaora Alba Carmona, la bailarina de danza contemporánea Ellavled Alcano, el guitarrista flamenco Dani de Morón y el director de escena y coreógrafo Antonio Ruz. Siguiendo esta línea, otra de las colaboraciones será la de Accademia del Piacere con el guitarrista flamenco sevillano Dani de Morón, que presentarán su reciente proyecto Metamorfosis. Asimismo, celebraremos una doble cita con el piano minimalista, con la presencia de Dustin O’Halloran y Hauschka, galardonado recientemente con un Oscar por su última partitura. Acudirá al CNDM por primera vez Zenet, consagrado y versátil artista en cuya música abundan la fusión de estilos y melodías del jazz, el tango o la copla. Fruto de la colaboración con el Instituto Italiano de la Cultura, el pianista, compositor y jazzista romano Enrico Pieranunzi actuará junto con el violinista Gabriele Pieranunzi y el clarinetista de Perugia Gabriele Mirabassi para conmemorar el 100º aniversario de la composición de Rhapsody in Blue del compositor neoyorquino George Gershwin. El fado también estará nuevamente representado en este ciclo de la mano del cantante, guitarrista y compositor António Zambujo, acompañado por su banda.

El exitoso ciclo Bach Vermut celebra su décimo aniversario en la nueva edición 23/24 con 8 conciertos. En este tiempo, se ha convertido en uno de los ciclos más populares del CNDM con un formato novedoso que agota localidades, seduce a nuevos públicos y marida a los mejores organistas del mundo, con jazz y gastronomía. Entre las citas más destacadas de esta temporada, se contará con la presencia de Susanne Kujala y Katelyn Emerson, que actuarán por primera vez en el ciclo; Daniel Oyarzabal y la violinista Miriam Hontana, con una desenfadada propuesta en torno a Las cuatro estaciones de Antonio Vivaldi; o con el gran maestro de la improvisación Wayne Marshall. También se recupera el exitoso formato de concierto en el que la periodista Eva Sandoval descubrirá los secretos del órgano, grabando el interior del instrumento a tiempo real, con la participación de Thomas Ospital. Este ciclo también contará con Mar Vaqué y Joan Seguí, destacados exponentes de la nueva hornada de organistas nacionales. Y, un año más, visitará el CNDM el clavecinista francés Benjamin Alard, así como Peter Holder y Alaia Ensemble, dirigidos por Daniel de la Puente, que presentarán un programa con el estreno de una pieza de la compositora Eva Ugalde. Además, algunos de estos intérpretes y otros más actuarán en las catedrales de Ávila, Barcelona, Burgos, Getafe, León, Málaga, Murcia y Sevilla dentro del ciclo El órgano en las Catedrales.

El Ciclo de Lied celebra su trigésimo aniversario con 12 recitales en el Teatro de la Zarzuela. Por primera vez, se contará con la participación de la aclamada soprano Lise Davidsen junto con el pianista James Baillieu, responsables de inaugurar el ciclo. También la célebre soprano rusa Olga Peretyatko y el pianista Semjon Skigin visitarán por primera vez esta programación para presentar un recital que reivindica el papel de la mujer compositora en la historia de la música, con obras de Clara Schumann y Pauline Viardot, entre otras. La soprano norteamericana Erika Baikoff y el pianista Soohong Park debutarán en el ciclo. También debutará el barítono español José Antonio López, que junto a Daniel Heide estrenará una obra de Antoni Parera Fons, y la mezzosoprano Catriona Morison, en una especial velada junto a la soprano Katharina Konradi y el pianista Ammiel Bushakevitz. El barítono Andrè Schuen, una de las grandes revelaciones de las voz lírica de los últimos años, volverá a pisar las tablas del Teatro de la Zarzuela junto al pianista Daniel Heide. Visitarán el ciclo extraordinarias voces como las de los barítonos Gerald Finley con Julius Drake, Florian Boesch con el célebre Malcolm Martineau, Christian Gerhaher y Gerold Huber, así como Matthias Goerne con Alexander Schmalcz, y Anna Lucia Richter con Ammiel Bushakevitz. Asimismo, contaremos con la mezzosoprano Vivica Genaux, con Marcos Madrigal, pianista que debuta en el XXX Ciclo de Lied.

El Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía volverá a ser el punto de encuentro de algunos de los mejores intérpretes especializados en música contemporánea, en el Ciclo Series 20/21, que constará de 15 conciertos. Visitarán el ciclo grandes nombres de la música internacional como Peter Eötvös, en su faceta de compositor y de director con la Sinfonietta de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, los excelentes intérpretes de cuerda Ilya Gringolts, Lawrence Power y Nicolas Altstaedt, los pianistas Pierre-Laurent Aimard y Tamara Stefanovich que interpretarán las famosas Visiones del Amén de Olivier Messiaen. También disfrutaremos de algunos de los artistas nacionales más vanguardistas como el Grupo Enigma, dirigido por Asier Puga en un concierto protagonizado por el demandado contratenor Carlos Mena, donde habrá varios estrenos; el New European Ensemble, bajo la dirección de Tito Muñoz; o Sonido Extremo, dirigido por Jordi Francés y con la participación de la soprano Sarah Defrise, entre otros. Este ciclo también contará con una importante presencia de la obra de José Luis Turina, compositor residente en la temporada 23/24. Entre los estrenos imprescindibles de este maestro, destaca el Cuarteto Quiroga con la obra homenaje Bach in excelsis. Además, excelentes artistas y grupos nacionales como el Trío Arbós, Kebyart Ensemble, el pianista Josu de Solaun o el Trío Catch también incorporarán a sus programas algunos de los títulos más emblemáticos de este compositor. Viviremos dos importantes efemérides: la Sinfonietta Cracovia, bajo la dirección de Katarzyna Tomala-Jedynak, con un homenaje al compositor Krzysztof Penderecki en el 90º aniversario de su nacimiento; y el concierto del Divertimento Ensemble, dirigido por Sandro Gorli, enmarcado en la colaboración con el Instituto Italiano de Cultura por los 150 años de la Academia de España en Roma. Por su parte, el ensemble CrossingLines, dirigido por Lorenzo Ferrándiz, será el encargado de interpretar los cuatro estrenos absolutos del consagrado Premio Jóvenes Compositores Fundación SGAE – CNDM. También vuelve el tradicional concierto que dará vida a las obras del taller de compositoras con 10 encargos del CNDM que serán estrenados por Neopercusión, agrupación dirigida por Juanjo Guillem.

Fotografía © Elvira Megías

UNA MÁGICA NOCHE MUSICAL EN ALICANTE.

SOCIEDAD DE CONCIERTOS DE ALICANTE.

TEATRO PRINCIPAL DE ALICANTE. Obras de Arnold Schönberg, Aran Khachaturian y Johannes Brahms. Sofya Melikyan (piano), David Haroutunian (violín) y Mikayel Hakhnazaryan (violonchelo).

Diego Manuel García Pérez.

La Sociedad de Conciertos de Alicante ha cumplido su cincuenta temporada, desde aquel lejano mes de septiembre de 1972, en que se programó el primer concierto. En ese largo período de tiempo y gracias a la entusiasta e intensa labor de un grupo de aficionados alicantinos, se han programado más de novecientos conciertos, con un gran predominio de la música de cámara, que ha convertido a esta entidad es uno de los grandes referentes de ese género en Europa. También, es preciso citar al Teatro Principal de Alicante (bastante olvidado por las entidades públicas), que ha sido la sede habitual de esos conciertos, y cuya excelente acústica ha propiciado que los aficionados hayan podido disfrutar al máximo del sonido instrumental.

Para la clausura de esta cincuenta temporada se ha podido escuchar un concierto de extrema calidad, por las obras programadas así como por las interpretaciones del excelente trío de instrumentistas armenios formado por la pianista Sofya Melikyan, el violonchelista Mikayel Hakhnazaryan y el violinista David Haroutunian. La primera de las obras Noche transfigurada de Arnold Schönberg (Viena,1874-Los Ángeles, California,1951), compuesta en 1899 y estrenada en 1902, constituye un verdadero punto de inflexión entre la estética postromántica y la música de vanguardia, que ya aparecerá con fuerza a comienzos del Siglo XX. Concebida por un joven Schönberg de apenas veinticinco años, para sexteto de cuerdas, siguiendo el desarrollo del poema homónimo de Richard Dehmel, que la convierten en una obra de carácter programático pionera en el género camerístico. Schönberg realizó en 1917, una versión para orquesta de cuerdas. Y, en 1943, el pianista y compositor Eduard Steuermann, discípulo y amigo de Schönberg, realizó una adaptación para un trío de cámara formado por violín, violonchelo y piano (la que pudo escucharse en este concierto), que personalmente considero sumamente adecuada para plasmar ese poema de Richard Dehmel, que fundamentalmente es un continúo diálogo entre la voz de una mujer (violín) y la de un hombre (violonchelo), junto a la multifunción del piano: para mostrar al comienzo de la obra, las características de un entorno boscoso y sombrío, solo iluminado por la luz de la luna; también en sus muchas intervenciones donde se muestra como catalizador en los intensos diálogos de la pareja; y, en muchos momentos, llega a realizar un acompañamiento casi polifónico. La obra tiene una continuidad musical que sigue las cinco partes en que está dividido el poema de Dehmel. La primera de ellas introducida por el piano con unos suaves y sombríos acordes que configuran un primer tema musical al que se incorpora el violonchelo y poco después el violín, que pronto nos deleita con dos magníficos trinos. Violín y violonchelo dialogan y se yuxtaponen con extraordinarios efectos sonoros, el primero en un predominante registro agudo y el segundo en registro más grave. La segunda parte se inicia con un fortísimo trémolo del violín, cuando en el poema la mujer le confiesa al hombre que está embarazada, y que el hijo que espera no es suyo sino consecuencia de una ocasional relación con un extraño; lo que produce un estado de confusión y perplejidad en el hombre. Y, toda esta situación se traduce musicalmente con la reiterada intervención del violín, con alternantes sonoridades (algunas de carácter áspero que rozan la atonalidad), y que reproducen el estado anímico de la mujer, auto inculpándose por su conducta, con ocasionales respuestas del piano junto al violonchelo emitiendo en pizzicato, y dramáticos diálogos de violín y violonchelo. En la tercera parte, siguen predominando las intervenciones del violín, cuyas inflexiones sonoras traducen el caminar de la mujer con desarticulados pasos, totalmente abatida; esta tercera parte concluye con el sonido en pianísimo de los tres instrumentistas, que enlaza con la cuarta parte del poema, cuando el hombre perdona a la mujer y muestra su amor por ella, traducido musicalmente en un brillantísimo “Adagio”, iniciado con un precioso solo de violonchelo. Esta cuarta parte está dominada por los amorosos diálogos de violín y violonchelo, con una reiterada melodía de extrema belleza que nos recuerda el gran dúo de amor de Tristan e Isolda. La quinta y última parte se inicia con unos cristalinos acordes del piano que dan entrada, de nuevo, a los amorosos diálogos tristanescos de violín y violonchelo. La obra concluye con el protagonismo del violín moviéndose en el registro agudo, ofreciendo unas inflexiones sonoras de gran belleza. El sonido del violín se va aligerando hasta emitir en pianísimo, con acompañamiento también en pianísimo del piano junto al violonchelo en pizzicato, con una coda final donde pueden escucharse conjuntados piano, violín y violonchelo, con acariciantes y suaves notas que reproducen los pasos de una pareja de enamorados en una clara noche, en contraposición con la sombría música que marca el comienzo de la obra.
Sin duda, puede resultar un tanto exhaustivo el análisis de está obra, ciertamente alejado de una crítica al uso, pero que considero necesario, sobre todo para aquellos aficionados asistentes al concierto interesados en profundizar en el conocimiento de esta extraordinaria composición.
Un público verdaderamente entusiasmado dedicó fuertes aplausos al trío de interpretes, cuyas intervenciones rayaron a gran altura.

Homenaje a Aran Khachaturian.

Los tres instrumentistas armenios quisieron dedicar en este concierto, su particular homenaje al gran compositor georginano de origen armenio Aran Khachaturian (Tbilisi, Georgia, 6 de junio de 1903 – Moscú, Unión Soviética, 1 de mayo de 1978), en el ciento veinte aniversario de su nacimiento. La primera de las obras Rêve pertenece a una composición juvenil de Khachaturian de 1926: se trata de la segunda de las Dos piezas para violonchelo y piano, donde el chelista Mikayel Hakhnazaryan, realizó una gran interpretación ofreciendo su gran técnica y capacidad expresiva de una página plena de intenso lirismo, con reiterativas exposiciones de bellos motivos musicales. Muy bien la pianista Sofya Melikyan, en su labor de acompañamiento y en los momentos donde adquiere protagonismo. El ballet Gayaneh fue estrenado por Khachaturian en 1942 y revisado en 1952 y 1957. Este ballet contiene sendos fragmentos: “La Danza de Aisha” y el famosísimo “Adagio” que el cineasta Stanley Kubrick utilizó en su película 2001 una odisea del espacio de 1968. El gran violinista Jasha Heifetz realizó un arreglo para violín y piano, de “La danza de Aisha”, página de fuerte contenido folclórico, donde el violinista David Haroutunian ofreció una interpretación plena de virtuosismo bien secundado por la pianista Sofya Melikyan. Del “Adagio”, Abram Ilich Yampolsky realizó un arreglo para solo de violín, donde, de nuevo, brilla sobremanera David Haroutunian, para plasmar una música plena de intensa melancolía y que crea una sensación de aislamiento y soledad. El violinista muestra su capacidad para producir contrastadas sonoridades, dando la impresión, por momentos, que se están escuchando dos violines. La pianista Sofya Melikyan, también tuvo la oportunidad de mostrar su capacidad virtuosística y gran expresividad, en la ejecución de acordes vigorosos y frenéticas escalas en su interpretación de la Toccata en mi bemol mayor para piano, obra compuesta por Khachaturian en 1932.

En la segunda parte del concierto, se pudo escuchar el Trío para piano y cuerdas nº 1 de Johannes Brahms en su versión original de 1854 (en 1889, Brahms realizaría una importante revisión de la obra, reduciendo sensiblemente su duración), donde el compositor con apenas veintiún ya era capaz de ofrecer una obra de excelente factura, donde se pueden percibir ciertas influencias de Beethoven y Schumann, pero ya ofreciendo una muestra de su inconfundible estilo. Se estructura en cuatro movimientos: el primero de ellos “Allegro con brio”, ocupa casi la mitad de la obra, y está construido en forma de sonata, con un primer tema introducido por el piano al que se une el bellísimo sonido del chelo (magnífico Mikayel Hakhnazaryan), mantenido durante bastantes compases, y después del violín, que ejecutan un tema de intenso lirismo, que irá reapareciendo en el transcurso e la obra. Resaltar también las intervenciones del violín en sus intensos diálogos con el chelo en perfecta conjunción con el piano (excelente prestación de Sofya Melikyan), que ofrece, por momentos, imponentes efectos sonoros. El tema inicial vuelve a ser retomado y la coda conclusiva es de una arrebatadora belleza.
El segundo movimiento “Scherzo (Allegro molto)”, muestra el virtuosismo de los tres instrumentistas en el “Scherzo”, emitiendo vertiginosas notas, que contrastan con una bella melodía en la sección “Allegro molto”, donde brilla de nuevo el sonido del chelo, para volver a retomarse el vertiginoso tema inicial. Y, en puro contraste, en el tercer movimiento “Adagio”, se crea una atmósfera de serena quietud, donde destacan unas lentas y melancólicas notas del piano y las intervenciones en pianísimo de violín y violonchelo, que vuelve a destacar interpretando una melodía de tintes evocadores y nostálgicos. En la coda conclusiva de este precioso “Adagio”, el conjunto de instrumentistas ejecuta notas en pianísimo donde el sonido se va desvaneciendo hasta desaparecer. Y, de nuevo, en un fuerte contraste, el “Allegro” conclusivo de la obra nos sumerge en un clima turbulento con la emisión en forte de los tres instrumentos. También en este movimiento, adquiere protagonismo el violonchelo. La obra concluye a un ritmo de gran intensidad sonora, donde los tres interpretes extraen un máximo rendimiento de sus instrumentos. En fin, una brillantísima interpretación de este trío brahmsiano.
Ante los continuos aplausos de un público enfervorecido, la pianista Sofya Melikhan, con un buen español, anunció que como conclusión del concierto se iba a interpretar la famosa “Danza del sable”, perteneciente al ballet Gayaneh. Esta colorista y vertiginosa danza fue interpretada por los tres instrumentistas de manera muy brillante, ofreciendo sonoridades casi equivalentes a las de toda una orquesta.

El Teatro de la Zarzuela está a punto de cerrar su temporada lírica 22/23, que una vez más ha venido cargada de fuertes emociones, y lo hará con uno de los grandes clásicos del género: ‘Luisa Fernanda’. La obra maestra del compositor Federico Moreno Torroba y los libretistas Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw vuelve al escenario de la plazuela de Teresa Berganza con la reposición del montaje firmado por el italiano Davide Livermore, uno de los directores más reclamados y aclamados en los más importantes teatros de ópera del mundo, y el único que ha inaugurado cuatro temporadas consecutivas del Teatro alla Scala de Milán –de 2018 a 2021–.

Esta exitosa producción fue estrenada en enero de 2021 –después de haber sido aplazada meses antes por el confinamiento–, y tuvo que hacerlo irremediablemente con las funciones mermadas a consecuencia de la pandemia; con limitación de aforo y restricciones sanitarias tanto en la sala como en la escena y el foso. De ahí que ahora la ocasión de su reposición sea doblemente festiva.

El Maestro Miguel Ángel Gómez-Martínez, gran conocedor y promovedor de la zarzuela en estos lares y más allá de los Pirineos, será quien asuma la dirección musical con dos repartos de referencia en estas representaciones con las entradas agotadas desde hace meses.

El Teatro de la Zarzuela ofrecerá 8 funciones, entre el 21 y el 30 de junio, de este espectáculo musical total en torno a una de las más grandes creaciones del repertorio, definida por el propio Livermore como “una obra de arte de la cultura española y de la cultura universal”. El regista turinés afirma que ‘Luisa Fernanda’ “tiene una partitura que llega siempre al corazón del público, y tanto antes como ahora y dentro de cincuenta o cien años, la belleza musical de esta obra ha tenido, tiene y tendrá una atracción especial para todos los que llegamos a ella”. En estas funciones ejerce de director de la reposición Emilio José López Pena.

Por su parte, el Maestro Gómez-Martínez, uno de nuestros directores de orquesta de mayor referencia internacional desde hace décadas, sostiene que ‘Luisa Fernanda’ es “una de las obras del teatro lírico español de más significado; una de las que más éxitos ha producido, y en la cada número constituye siempre un triunfo extraordinario”. Y como los ha dirigido en numerosas ocasiones, sabe por experiencia que “es esa clase de composición que además de tener una calidad musical indudable, posee el don de levantar al público del asiento cada vez que se interpreta casi cualquiera de sus números”.

Gómez Martínez estará al frente de la Orquesta Titular del Teatro de la Zarzuela –Orquesta de la Comunidad de Madrid–, del Coro Titular del Teatro de La Zarzuela dirigido por Antonio Fauró y de dos repartos extraordinarios.

La importancia de los repartos

Los dos repartos que participan en esta esperada reposición de ‘Luisa Fernanda’ –que en principio iba a estrenarse el 30 de abril de 2020 y que tuvo que posponerse a causa de la pandemia y el consecuente confinamiento, y que finalmente se estrenó en enero de 2021 con las restricciones referidas– están integrados por cantantes especialmente lúcidos, vigorosos y sólidos.

Luisa Fernanda, la hija de un funcionario jubilado que guarda ausencia a Javier Moreno, ese joven militar, antiguo mozo de posada y ahora ascendido a coronel, será interpretada por la mezzosoprano Carmen Artaza y la soprano Amparo Navarro. Por otra parte, está Vidal Hernando, un rico hacendado extremeño que se disputa el amor de Luisa Fernanda con Javier, a quien darán vida el barítono Juan Jesús Rodríguez (Vidal por excelencia) y el bajo Rubén Amoretti. La duquesa Carolina, aquella joven hermosa y persuasiva, estará encarnada por las sopranos Sabina Puértolas y Rocío Ignacio. Y el papel de Javier Moreno, que desde que ascendió de rango tiene descuidada a su novia Luisa, lo asumirán los tenores Ismael Jordi y Alejandro del Cerro.

Completan el elenco María José Suárez y Nuria García-Arrés como Mariana y Rosita, Emilio Sánchez y Antonio Torres, como don Florito y Luis Nogales, Didier Otaola como Aníbal; los actores Rafael Delgado, César Diéguez y Julia Barbosa, los integrantes del Coro Titular del Teatro, Román Fernández-Cañadas, Francisco José Pardo, Graciela Moncloa, Daniel Huerta, Rodrigo Álvarez, Ricardo Rubio, Alberto Camón y Ángel Rodríguez; además de 4 figurantes y 12 bailarines.

En cuanto al equipo artístico, lo completan el estudio Giò Forma, responsable de la escenografía, la diseñadora de vestuario Mariana Fracasso, el iluminador Antonio Castro, la coreógrafa Nuria Castejón y el diseñador audiovisual Pedro Chamizo.

El amor, el cine y la revolución

El escenario es un espacio arquitectónico reconocible de Madrid en el que se proyectan los sentimientos de amor, dolor y angustia, “un mundo figurativo o desfigurado que evoluciona en 360 grados ante nuestros propios ojos…”, como explica Davide Livermore, que para ello emplea técnicas y recursos del lenguaje cinematográfico inspirados en obras del séptimo arte.

Los hechos históricos en torno a la Gloriosa (o Revolución de 1868 que culminó con el exilio de Isabel II), que aparecen o se mencionan en esta zarzuela, son el trasfondo de lo que viven sus personajes. Entonces, como ahora, la historia de los jóvenes Luisa y Javier sorprende y emociona al público, porque este episodio se combina con la vida de los espectadores de una sala de cine –a modo de plaza, de lugar de encuentro y de vida– en la también joven República (la trama se desarrolla tal cual fue escrita, pero trasladada a la fecha de su feliz estreno en el Teatro Calderón de Madrid en 1932); y aquel salón modernista no es otro que el Cine Doré, entonces uno de los más conocidos de Madrid y en la actualidad el cine en activo más antiguo de España.

Y por encima de tramas políticas y revoluciones, de galanterías y devaneos, lo que al fin de verdad importa es querer y ser querido. El amor: esa rueda que mueve el mundo.

En torno a ‘Luisa Fernanda’

Como ya es habitual, en el canal de YouTube y la cuenta de Facebook se podrá disfrutar de la conferencia impartida por la musicóloga Celsa Alonso y de un nuevo capítulo ‘Viaje por la zarzuela’, el número 31 de la serie, en esta ocasión centrado en ‘Luisa Fernanda’ con Carmen Artaza, Juan Jesús Rodríguez, Sabina Puértolas e Ismael Jordi.

Fotografía: Javier del Real

La Fundación Scherzo se complace en presentarles el último concierto del 28o Ciclo de Grandes Intérpretes que se celebrará el próximo 27 de junio en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional, y correrá a cargo del pianista Arcadi Volodos.

Arcadi Volodos vuelve a Grandes Intérpretes en el que será su noveno concierto dentro de nuestro ciclo. Para esta ocasión, el prodigio del piano ruso ha preparado un recital expresamente enarbolado para el centenario del nacimiento de Alicia de Larrocha, con obras breves, casi efímeras, de Mompou y Scriabin, articuladas por una balada de Liszt.

De esta forma, Volodos nos propone un recital basado en la música hecha desde el pensamiento. La música en su esencia se verá reflejada en toda una selección de doce piezas pertenecientes a los cuatro cuadernos de «Música Callada», en los que Mompou busca la máxima expresión con el escaso número de medios posibles, descubriendo así el mensaje desde lo simple, desde lo puro. Tomando como inspiración unos versos de San Juan de la Cruz, el compositor barcelonés busca, con esta «Música Callada», los sonidos internos que resuenan en nuestro interior.

Del intimismo de Mompou viajaremos a la «Balada no2 en Si menor, S.171» de F. Liszt. Obra que recorre todo el abanico de pasiones humanas: desde su fuerte oleaje inicial que parece brotar de los infiernos hasta esa conclusión tan sincera, tan existencial, que transforma el espejo de la muerte en un espacio de comodidad y aceptación.

Por último, Volodos nos muestra un retrato de Scriabin como nunca antes lo habíamos visto: una selección de 13 piezas del compositor ruso que van desde sus estudios de inspiración chopiniana hasta los preludios que compuso en su etapa como docente en Moscú, sus Poemas musicales en los que ya se aprecia el típico «Acorde Místico» de Scriabin, su última incursión en la Sonata o la diabólica «Vers la flamme».

Con este concierto, el Ciclo de Grandes Intérpretes clausura su 28o edición. la 29o edición del ciclo comenzará el 20 de septiembre con el recital de Khatia Buniatishvili.

El próximo 23 de junio, el director de orquesta vasco se subirá por primera vez al foso de la Sala Principal del Teatro Colón de Buenos Aires como Director Musical del estreno de la ópera Anna Bolenna de Donizetti. Iñaki Encina Oyón será también el encargado de dirigir a la Orquesta y Coro Estables del Teatro Colón los días 25, 27 y 29 de junio.

Tras sus recientes éxitos en la Ópera Nacional de París (Iphigénie en Tauride de Gluck y Alcina de Händel), Encina Oyón protagoniza un nuevo house debut en otra prestigiosa casa de ópera, convirtiéndose así en una de las batutas españolas con mayor proyección internacional de la actualidad. Además, contará para la ocasión con grandes voces de la lírica internacional, un elenco vocal de auténtico lujo como la soprano Olga Peretyatko en el rol que da título a la ópera, el bajo-barítono Alex Esposito como Enrico VIII, la mezzosoprano Daniela Barcellona como Giovanna Seymour o el tenor Xabier Anduaga, como Lord Riccardo Percy.

Anna Bolenna, el primer título de la “trilogía Tudor” que contiene páginas tan conocidas como Piangete voi?… Al dolce guidami o Coppia iniqua, regresa al escenario del Teatro Colón en un concepto visual ideado por Gabriel Caputo, después de su estreno y única representación en el célebre teatro de la capital de Argentina en 1970. Además, Marina Mora se ocupará de la dirección escénica y Mercedes Nastri firmará el vestuario.

Será la segunda vez que el director de orquesta Iñaki Encina Oyón actúe en Buenos Aires, pues ya estuvo al frente de la Ópera de Cámara del Teatro Colón. Afincado en París desde hace dos décadas, Encina Oyón cuenta con un amplísimo repertorio que va desde el barroco hasta obras de compositores contemporáneos como Kaija Saariaho, y ha trabajado en teatros y festivales de renombre como el Palais Garnier, la Opéra de Lille, el Teatro Real de Madrid, el Palau de Les Arts Reina Sofía de Valencia o el Festival de Aix-en-Provence, entre otros.

Desde 2016, es el director musical de la Académie Baroque Internationale del prestigioso Festival du Périgord Noir, que este verano celebrará su 21ª edición con la presentación de Il parnaso confuso de Gluck bajo su dirección. Además, Encina Oyón compagina su faceta de director de orquesta con la de pianista, y el próximo otoño publicará el disco À deux voix junto a la soprano Adriana González y la mezzosoprano Marina Viotti, en Audax Records.

Fotografía @Marine Cessat-Bégler

La Joven Orquesta Nacional de España (JONDE), unidad dependiente del INAEM, celebra del 9 al 17 de junio su segundo Encuentro Sinfónico de 2023 en Baeza (Jaén). El aclamado maestro israelí Eliahu Inbal estará al frente de la JONDE en cuatro conciertos que tendrán lugar en Baeza (Jaén), en la inauguración del BaezaFest – Festival Internacional de Jóvenes Intérpretes (18 de junio), Almería (Auditorio Maestro Padilla – 20 de junio), Jaén (Teatro Infanta Leonor – 22 de junio) y Granada (Auditorio Manuel de Falla – 24 de junio), estos dos últimos conciertos enmarcados dentro del Festival Internacional de Música y Danza de Granada.

Los 92 músicos de la JONDE de entre 18 y 28 años, abordarán un exigente programa sinfónico con dos obras maestras del siglo XIX: la Sinfonía nº 7 de Anton Bruckner y el Preludio y muerte de amor de Tristán e Isolda de Richard Wagner. Para preparar este repertorio los músicos de la JONDE cuentan con la formación exclusiva de 13 profesores/as de diferentes especialidades integrantes de las agrupaciones sinfónicas más prestigiosas del panorama actual (Berliner Philharmoniker, WDR Sinfonieorchester, Orquesta Nacional de España, Orquesta Sinfónica de Madrid, Orquesta de RTVE, Orquesta Sinfónica de Galicia, Orquesta Sinfónica de Bilbao) y de relevantes Conservatorios Superiores de Música (Hochschule für Musik Karlsruhe, Musikhochschule Hanns Eisler, Musikhochschule Köln, Conservatorio della Svizzera Italiana, Escuela Superior de Música Reina Sofía, Escola Superior de Música de Catalunya – ESMUC).

La JONDE además cuenta con el privilegio de completar este proyecto artístico de la mano del maestro Eliahu Inbal, quien fue director titular de la Hr-Sinfonieorchester de Frankfurt, la Orchestra Sinfonica Nazionale della RAI, el Teatro La Fenice de Venecia, la Konzerthausorchester de Berlín y la Czech Philharmonic, entre otras, e Isabel Rubio, actual directora asistente residente de la JONDE.

Entre los músicos que integran la JONDE en esta gira de conciertos, cinco de ellos, procedentes de la Orchestra Giovanile Italiana (OGI), la Wiener Jeunesse Orchester (WJO) y la Het Nationaal Jeugdorkest (NJO) participan como invitados a través del Programa de Intercambio MusXchange de la Federación Europea de Jóvenes Orquestas Nacionales (EFNYO). El proyecto de intercambio responde a la implicación activa de la JONDE en redes transnacionales, a través de las cuales tiene como objetivo fomentar el intercambio cultural y contribuir a la movilidad en el mercado laboral.

Las entradas para los cuatro conciertos de la gira se pueden adquirir a través de los diferentes canales de venta del BaezaFest – Festival Internacional de Jóvenes Intérpretes, el Auditorio Maestro Padilla de Almería, el Teatro Infanta Leonor de Jaén y el Festival Internacional de Música y Danza de Granada.

En una temporada en la que ha triunfado con el estreno absoluto de L’Arxiduc de Parera Fons en el Teatre Principal de Palma y con la Segunda Sinfonía de Mahler en el Teatro São Carlos de Lisboa, María José Montiel vuelve en junio al Teatro de La Zarzuela de Madrid, esta vez para encabezar el reparto de Luisa Fernanda, de Moreno Torroba, sin duda uno de los títulos más importantes del género lírico español. La mezzosoprano española, que ha paseado el rol titular de esta obra maestra del repertorio español por escenarios como el Teatro alla Scala de Milán, las óperas de Los Ángeles y Washington, el Theater an der Wien, el Teatro Real de Madrid o el Teatro Campoamor de Oviedo, asegura que vuelve a él “muy ilusionada porque se trata de un personaje emblemático del que guardo preciosos recuerdos y en el que acumulo una gran experiencia al haberlo hecho un diversos montajes. Además interpretarlo en este queridísimo teatro de mi ciudad, es doblemente grato. La zarzuela es un género adorado por el público de fuera de España, más cuando se trata de una obra de gran calidad musical como esta de Moreno Torroba, y cantarlo en el escenario más importante dedicado al género es un auténtico placer. Recuerdo con cariño las ovaciones después de representar Luisa Fernanda en ciudades como Milán, Viena, Los Ángeles o Washington. Este título representa una de las culminaciones artísticas del género, y prueba de ello son las más de 10.000 representaciones que a día de hoy se han llevado a cabo en todo el mundo. La obra está ambientada en Madrid y Extremadura durante el período isabelino, justo antes de la revolución de 1868, y relata una historia de amor enmarcada en un período de controversias políticas valiéndose de una música bellísima. La zarzuela, como género teatral y musical, pero también como expresión genuina de la cultura de un pueblo, es un patrimonio cultural de un valor inmenso que ha vuelto a poner en valor nuestro querido Teatro de La Zarzuela, que ha hecho y sigue haciendo una gran labor de divulgación de nuestra maravillosa zarzuela; desde el inicio de mi carrera he procurado promover la música española por todo el mundo, tanto en recitales y conciertos como fuera del escenario, en conferencias o en mi actual actividad docente que llevo a cabo en Berlín, enseñando a los jóvenes intérpretes las maravillas de nuestra música”, concluye la mezzo.

María José Montiel ofrecerá cinco funciones los días 21, 23, 25, 28 y 30 de junio, en una producción con dirección de escena de Davide Livermore, con el maestro Miguel Ángel Gómez Martínez al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid y del Coro Titular del Teatro de La Zarzuela.

Tras este compromiso en Madrid, le espera a la cantante madrileña un verano pleno de actividades: ofrecerá clases magistrales en los Cursos Internacionales Universitarios Música en Compostela, cantará un recital homenaje a la soprano Ana María Sánchez junto al guitarrista José María Gallardo del Rey; regresará un año más a Mallorca con un concierto en el Festival de Santanyí junto al pianista Miquel Estelrich y al violinista Vasko Vassilev, concertino de la Royal Opera House de Londres; iniciará la temporada 2023-24 con una gira de conciertos en el País Vasco (San Sebastián y Bilbao), ofrecerá un recital en Múnich, cantará María Moliner, de Parera Fons, en la Ópera de Tenerife y participará en el estreno de una ópera en Grecia; todo ello alternado con su actividad como catedrática de canto en la Universität der Kunste de Berlín, en la que imparte clases desde 2019.

Este viernes, sale al mercado el nuevo proyecto discográfico de la famosa chelista franco-belga Camille Thomas en el sello Deutsche Grammophon: “The Chopin Project”, una ambiciosa trilogía de tres discos, en la que Thomas nos muestra la intensa y sobrecogedora historia de su admirado Frédéric Chopin (1810-1849), y nos descubre la figura de Auguste Franchomme (1808-1884), el violonchelista amigo de Chopin y dedicatario de su célebre Sonata para violonchelo y piano en sol menor op. 65.

“The Chopin Project” es una auténtica oda a la amistad: “Chopin y Franchomme fueron amigos desde el día en el que Chopin llegó a Francia procedente de Polonia, y su amistad duró has sus últimas horas, cuando en octubre de 1849, Franchomme tocó para él el segundo y tercer movimiento de la Sonata para violonchelo, que habían compuesto juntos”, señala Camille Thomas, que también se ha rodeado de sus propios amigos en este proyecto discográfico. “Es, sin duda, un álbum lleno de emociones, que me ha permitido contar con los pianistas Julien Brocal, Julien Libeer, y Lucas Debargue, y también he invitado a Daniel Hope que toca, por cierto, un instrumento que podría haber escuchado Chopin. Además, me alegra mucho que mis dos grandes maestros, Wolfgang Emanuel Schmidt y Frans Helmerson, hayan aceptado acompañarme en este proyecto”, concluye la chelista estrella del sello amarillo.

“The Franchomme Legacy” es el primer disco de la trilogía, y presenta todas las obras compuestas por Franchomme y las obras transcritas para cuatro chelos que el propio Franchomme hizo de algunas composiciones de Chopin. El segundo disco “Complete Chamber Music” incluye tres obras para violonchelo y piano de Chopin (dos de ellas fueron compuestas con la colaboración de Franchomme) y su Trío con piano op. 8. Por último, el tercer disco lleva por título “Chopin for Cellists”, y reúne transcripciones y arreglos de conocidas obras de Chopin realizadas por Camille Thomas, Franchomme, Alexander Glazunov, Mischa Maisky y Sergey Taneyev.

El próximo 15 de junio Camille Thomas ofrecerá un recital junto al pianista Julien Brocal en el Auditorio de Tenerife, en el que tocará el Stradivarius Feuermann 1730, que perteneció a Franchomme, e interpretará varias de las obras incluidas en este triple álbum, como la célebre Sonata para chelo y piano en sol menor op. 65. Será la única cita en España del tour “The Chopin Project”.

Entre los próximos Highlights de su agenda, destacan también el concierto “Hope & Friends” en el Schleswig-Holstein Musik Festival, su debut con el Concierto para chelo de Elgar en The Kennedy Center de Washington, junto a la National Symphony Orchestra y Gustavo Gimeno, y su regreso a nuestro país para tocar Never Give Up, el concierto que el compositor Fazil Say escribió expresamente para ella, como solista invitada de la Orquesta Sinfónica RTVE, dirigida por Christoph König.

Fotografía Camille Thomas (C) Edouard Brane

Il Turco in Italia, una ópera con historia

l Turco in Italia
Gioachino Rossini (1792-1868)
Dramma buffo en dos actos
Libreto de Felice Romani, basado en la pieza homónima de Caterino Mazzolà
Estrenada en el Teatro alla Scala de Milán el 14 de agosto de 1814. Estreno en el Teatro Real
D. musical: Giacomo Sagripanti
D. escena: Laurent Pelly
Escenografía: Chantal Thomas
Iluminación: Joël Adam
Dirección del coro: Andrés Máspero
Reparto: Alex Esposito, Sara Blanch, Misha Kiria, Edgardo Rocha, Florian Sempey, Paola Gardina y Pablo García-López
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

Siempre se habla de la precocidad creativa de Mozart; y, salvando las distancias entre el rigor de los “tedeschi” (así llaman los italianos a austriacos y alemanes) y la ligereza musical italiana: la figura de Gioachino Rossini (Pesaro, 1792 – Passy, París, 1868), también se nos presenta, con todas las características atribuidas al genio de Salzburgo. ¡Por supuesto! dentro de la actividad operística, donde Rossini al igual que Mozart ya componía óperas como Demetrio e Polibio, a la temprana edad de catorce años.

La auténtica carrera operística de Rossini comenzó en 1810, cuando solo tenía dieciocho años, con el estreno en el Teatro San Samuele de Venecia de su primer título La cambiale di matrimonio, farsa en un acto, que era un tipo de ópera bufa breve, que entonces estaba de moda. Al año siguiente estrenó en el Teatro del Corso de Bolonia, la ópera bufa en dos actos L’equivoco stravagante, a la que seguiría la farsa L’inganno felice, estrenada en el Teatro San Mosé de Venecia, en enero de 1812; y, ese mismo año, obtuvo su primer gran éxito con otra ópera bufa La Pietra del paragone, estrenada en el Teatro alla Scala de Milán, convirtiéndose en un compositor tremendamente prolífico, ya que antes de finalizar 1812, había estrenado en el Teatro San Moisè de Venecia dos nuevas farsas: La Scala di seta y L’occasione fa il ladro; y, en enero de 1813, en ese mismo teatro, otra farsa que llevaba por título Il Signor Bruschino. El año 1813 fue verdaderamente importante para Rossini ya que estrenará la muy famosa L’italiana in Algeri, junto a sus dos primeras óperas serias: Tancredi y Aureliano in Palmira, que lo convierten a los veintiún años en un autor consagrado.
Il turco in Italia nace como proyecto, cuando en junio de 1814, Rossini recibe el encargo del Teatro alla Scala de Milán de componer una nueva ópera para que fuese estrenada en agosto de aquel año en la inauguración de la temporada scalígera. Por tanto, tuvo que realizar la composición con gran premura de tiempo. El entonces joven Felice Romani (destinado a convertirse en el más famoso libretista italiano de la primera mitad del Siglo XIX), fue el encargado de elaborar el libreto, a partir del argumento realizado por Caterino Mazzolà para la ópera del mismo título, con música del compositor alemán Franz Seydelmann estrenada en 1788.

Para poder cumplir con los plazos previstos, Rossini precisó la ayuda de algún colaborador para la elaboración de los recitativos, de algunas arias, así como del final de la ópera. El texto elaborado por Romani (estructurado en dos actos, cada uno de ellos con tres escenas), resulta de gran modernidad, ya que se le ha llegado a relacionar con la famosa obra teatral de Luigi Pirandello: Seis personajes en busca de un autor estrenada en 1920, y que se considera como el arranque de todo el teatro moderno. En la ópera de Rossini los personajes son manejados en escena por un poeta de nombre Prosdocimo, quien paralelamente, y según las manifestaciones de cada uno de ellos, va elaborando el argumento de su propia obra. También, puede considerarse como antecedente de este manipulador poeta, es el personaje de Don Alfonso perteneciente a la ópera de Mozart Così fan tutte, con la que Il turco in Italia tiene ciertas semejanzas.

Una perfecta confluencia de
texto y música

En la trama argumental intervienen, aparte del poeta, cuatro personajes principales: una mujer desenfadada y promiscua llamada Fiorilla, cuyo patético marido, mucho mayor que ella, Don Geronio, y a quien Fiorilla engaña con un amante llamado Don Narciso. Cansada de marido y amante, Fiorilla se propone conquistar a un joven y noble turco llamado Selim, quien acaba de llegar a Italia en busca de aventuras amorosas. Los otros dos personajes, aunque pueden considerase más secundarios: la gitana Zaida y su amigo y protector Albazar, tienen importancia, sobre todo Zaida, quien resulta ser antigua amante de Selim.

Una serie de situaciones plenas de equívocos que muestran la desfachatez de Fiorilla, quien consiente ser cortejada por el turco en su propia casa; su marido Don Geronio les interrumpe en plenos flirteos amorosos, la aparición también de Don Narciso, propicia que Fiorilla se reúna con su marido, su amante y su nuevo amor, para, posteriormente, establecer un diálogo con su marido (una de las mejores escenas de la ópera), al que insulta y vilipendia; y, ante la actitud de Geronio de ponerse en su sitio, ella finge cambiar de actitud mostrándose cortés y amorosa, doblando de nuevo la frágil voluntad de Geronio, y en un cambio brusco de actitud, lo amenaza con cambiar a diario de amante, y Geronio en una actitud verdaderamente patética, le ruega que no lo haga. La aparición en escena de Zaida junto a Selim y Fiorilla, propicia que ambas mujeres se enfrenten con insultos, incluso físicamente.

Selim de manera pragmática, al haber comprobado la imposible relación de Fiorilla con su marido, le ofrece a este la posibilidad de comprar a su mujer, lo que Geronio rechaza verdaderamente indignado. Ante todas estas situaciones, el poeta Prosdocino va dando forma a su obra, cuyo desarrollo muestra los intentos de Selim por conquistar a Fiorilla y huir con ella. Zaida se interpone exigiendo a Selim que cumpla sus antiguas promesas amorosas y se marche con ella. Ambas mujeres exigen a Selim que se decida por una de ellas, aunque el turco quiere quedarse con las dos. El indolente Don Narciso se siente traicionado, aunque desea recuperar a Fiorilla.

En un baile de máscaras, se utilizan los disfraces muy al estilo del mozartiano Così fan tutte, lo que origina una de las escenas mejores de esta ópera, con el quinteto formado por Fiorilla y Zaida con idénticos disfraces junto a Selim y Narciso igualmente ataviados, lo que produce confusión entre las dos parejas con respecto a las verdaderas identidades de cada uno, junto a un patético Don Geronio, quien se pregunta ¿Quién es mi mujer? y decide definitivamente separarse de ella. Finalmente, Zaida consigue sus propósitos, marchándose con Selim.

Fiorilla se encuentra en la situación de haber perdido a Selim, a Don Narciso y a su propio marido, quedándose totalmente sola, momento en que una trama jocosa y bufonesca adquiere tintes dramáticos. Finalmente, el poeta nos propone como conclusión de su obra, una salida que se nos antoja totalmente inverosímil, donde Geronio después de haber sufrido todo tipo de engaños, insultos y humillaciones, perdona a su mujer y ambos se reconcilian. Aunque, intuimos que esa situación no será muy duradera.

Il turco in Italia requiere una serie de cantantes que dominen el estilo rossiniano y muestren un alto grado de expresividad y gran teatralidad. Una soprano lírica-ligera para el papel de Fiorilla, de impecable línea de canto, con gran capacidad para las agilidades y resolver muy complejas coloraturas. El personaje de Selim requiere un bajo-cantante y el de Geronio un bajo bufo, en ambos casos con gran dominio de las agilidades y el canto silabato (cantar de manera vertiginosa haciendo inteligible el texto), ambos deben ofrecer una extraordinaria capacidad teatral. El personaje de Narciso requiere un tenor lírico-ligero, y en el caso de Albazar un tenor ligero o lírico ligero, en ambos casos con un buen dominio de las agilidades y una poderosa franja aguda. El poeta Prosdocimo requiere un bajo cantante (también lo suele interpretar un barítono), con una actuación de gran teatralidad. El elenco se completa con el personaje de Zaida, que requiere una mezzosoprano con capacidad escénica y buenos medios vocales.

Ópera donde se produce una excelente interacción de orquesta y voces, siempre en función de dar gran relevancia al texto. El coro también tiene importantes intervenciones. En Il turco in Italia predominan netamente los números de conjunto sobre las intervenciones solistas, lo que confiere a la ópera continuidad musical y dramática. Excelentes y muy mozartianos los concertantes conclusivos del Acto I y del final de la ópera.

El estreno tuvo lugar en el Teatro alla Scala de Milán, el 14 de agosto de 1814, con discretos resultados, en comparación con los grandes éxitos que habían tenido el año anterior L’italiana en Algeri y Tancredi. La ópera tuvo una rápida difusión por diferentes teatros italianos. Fue estrenada en Londres en 1815 y en Madrid en 1820. Se estrenó en Nueva York en 1826, interpretada por famosos cantantes españoles: Manuel García (padre e hijo) y la mítica María Malibran, también hija de Manuel García. A partir de entonces, y durante más de ciento veinte años esta ópera cayó en el más absoluto de los olvidos.

Su recuperación
Es en octubre de 1950, en el Teatro Eliseo de Roma, donde se produjo la recuperación de Il turco in Italia, que estuvo propiciada por el gran cineasta Luchino Visconti en labores de director escénico, con una joven María Callas como Fiorilla, entonces con solo veintiséis años, pero ya convertida en gran figura lírica. Impresiona la capacidad vocal de la soprano greco-norteamericana para interpretar a Fiorilla, aligerando sus poderosos medios vocales. Téngase en cuenta que poco antes de estas representaciones, había cantado Tosca y Aida y poco después, en noviembre de 1950, afrontaría el papel de Kundry en Parsifal.

En aquellas representaciones romanas, Callas estuvo acompañada por un elenco de jóvenes y magníficos cantantes: Sesto Bruscantini (Selim), Franco Calabrese (Don Geronio), Cesare Valetti (Don Narciso), Anna María Canali (Zaida), junto al famoso y ya muy veterano barítono Mariano Stabile (Prosdocimo), todos ellos dirigidos musicalmente por Gianandrea Gavazzeni. Alguna de aquellas representaciones fue tomada en directo, grabación que desapareció después, conservándose solamente la cavatina “Non si dà follia mayore” de Fiorilla del Acto I (disponible en YouTube) donde puede constatarse la extraordinaria capacidad vocal y expresiva de Callas, quien concluye el aria luciéndose con un complejo pasaje de coloratura, no escrito. El mismo conjunto de cantantes interpretaron esta ópera, con gran éxito, en el Teatro alla Scala, en 1955, también con dirección musical de Gianandrea Gavazzeni y escénica de un jovencísimo Franco Zeffirelli. Esta producción volvió a representarse en el teatro milanés, con los mismos interpretes las dos temporadas siguientes, con el solo cambio de Fiorilla, cantada por la soprano lírico-ligera Eugenia Ratti.

Fue en los años setenta donde esta ópera recibe de nuevo un importante impulso, al aparecer una edición crítica de la musicóloga inglesa Margaret Bent, que restituye numerosos recitativos; y, en el Acto II, la importante intervención solista de Don Narciso II “Intesi, Ah tutto intesi”, la cavatina de Fiorilla “Se il zefiro si posa”, y su gran escena: recitativo-aria-cabaletta “L’irato consorte….Squallida veste e bruna….Caro padre, madre amata” de extrema dificultad, sobre todo en la repetición de la cabaletta, con una dificilísima coloratura y una gran exigencia en agudos y sobreagudos. Esta edición crítica pudo escucharse por primera vez en el Teatro Colón de Buenos Aires, en noviembre de 1979 y un mes después en el Teatro la Fenice de Venecia.

Cabe señalar que Rossini compuso una cavatina para Don Narciso en el Acto I “Un vago sembiante”, para el estreno de la ópera en Roma, en 1915. Y, otras dos intervenciones solistas: el aria-cabaletta “Se ho da dirle, avrei molto piacere….Ah! Sel nel mondo no vo della luna” (de gran lucimiento vocal) interpretada por Don Geronio y el aria de Albazar “A sarebbe troppo dolce”, ambas del Acto II, que no fueron escritas por Rossini, sino por alguno de sus colaboradores. Alguna de ellas aparece insertada en funciones teatrales o en grabaciones discográficas. En los últimos diez años ya se interpretan estas tres páginas, en casi todas las diferentes producciones de esta ópera, que ofrecen en su totalidad la edición crítica de Margaret Bent.

Los grandes interpretes de
Il turco in Italia
Cabe resaltar de nuevo, la gran interpretación de María Callas, que puede escucharse en la primera grabación de esta ópera en estudio, realizada por EMI en 1954, donde, con respecto a las funciones romanas de 1950, el gran Sesto Bruscantini era sustituido en el papel de Selim por el bajo Nicola Rossi-Lemeni, de buena vocalidad aunque carente de la gracia interpretativa que requiere este personaje y ello se pone de manifiesto en sus dúos con Callas, quien muestra su magnífica vocalidad junto a su inigualable capacidad interpretativa, sobre todo en el gran dúo “Per piacere alla signora” donde derrocha gracia, picardía y desenfado junto a la magnífica interpretación de Franco Calabrese como Don Geronio, también impecable en su cavatina del Acto I ”Vado in traccia di una zíngara”. Una verdadera lástima que en esta grabación la Callas no interpretase la gran escena de Fiorilla del Acto II, que como ya se ha indicado, no se puso en circulación hasta la aparición de la edición crítica de Margaret Bent. El gran tenor sueco Nicolai Gedda (Don Narciso), entonces con solo veintinueve años, ofrece su brillante vocalidad y gran capacidad para las agilidades, que solo puede apreciarse en su arioso del Acto II “Perché mai se son tradito”, así como en diferentes números de conjunto; una verdadera lástima que Gedda, no interprete el aria “Intesi, Ah tutto intesi”, donde podíamos haber comprobado su impecable línea de canto junto a un extraordinario registro agudo. El gran Mariano Stabile realiza una magnífica interpretación del poeta Prosdocimo. Esta grabación puede escucharse completa en YouTube.

Cabe señalar una edición televisiva de la RAI, de 1958 (disponible en YouTube), donde, por fin, podemos escuchar y también contemplar la extraordinaria interpretación de Sesto Bruscantini como Selim, tanto en el aspecto vocal como teatral, pleno de gracia y expresividad. Aquí la Fiorilla está muy bien interpretada por la soprano Graziella Sciutti, de buena presencia escénica, mostrando plenamente la psicología del personaje, resuelve bien los pasajes de coloratura y está magnífica en sus dúos con Selim y Don Geronio, donde podemos escuchar de nuevo a Franco Calabrese y contemplar su magnífica capacidad escénica.

En 1981, un jovencísimo Riccardo Chailly, dirige a la National Philarmonic Orchestra, en la segunda grabación estudio de esta ópera (edición crítica de Margaret Bent) grabada por CBS y reeditada por SONY, con un reparto de magníficos cantantes: Monserrat Caballé (Fiorilla), Samuel Ramey (Selim), Enza Dara (Don Geronio), Ernesto Palacio (Don Narciso), Leo Nucci (Prosdocimo) y Paolo Barbacini (Albazar). El problema de esta grabación es la interpretación de Caballé, quien ofrece su espléndida vocalidad, pero también su falta de capacidad para recrear a la joven y desenfadada Fiorilla, que en la voz de Caballé, se convierte en un personaje serio y maduro.

Caballé también tiene ciertos problemas en los complejos pasajes de coloratura. Sin embargo, si resultan magníficas las interpretaciones de Samuel Ramey y Enzo Dara, ambos están extraordinarios en su gran dúo del Acto II “D’un bell’uso di Turchia”. La grabación también tiene indudable interés por las intervenciones del tenor peruano Ernesto Palacio, una de grandes voces rossinianas del pasado siglo, impecable de estilo con gran dominio de las agilidades y un extraordinario registro agudo, en su página solista “Intesi, Ah tutto intesi”, ofreciendo imaginativas variaciones en la repetición de la cabaletta. Esta grabación también añade el aria de Albazar “A sarebbe troppo dolce”, no escrita por Rossini del Acto II , interpretada magníficamente por el tenor Paolo Barbacini. Excelente también Leo Nucci como el poeta Prosdocimo. Esta grabación completa se puede escuchar en YouTube.
El Festival de Pesaro, creado en 1980 para la recuperación de todas las óperas de Rossini, programó por primera vez Il turco in Italia, en 1983 (existe una toma en directo que puede escucharse completa en YouTube), con un reparto donde la soprano norteamericana Lella Cuberli realiza una excelente creación de Fiorilla, ofreciendo una voz lírica de bello timbre, incisivo fraseo, gran dominio del canto legato, una poderosa franja aguda y buena resolución de la coloratura, como demuestra en su gran escena del Acto II. La voz de Cuberli empasta muy bien con la del gran bajo norteamericano Samuel Ramey, ambos están magníficos en todos sus dúos, sobre todo el del Acto II “Credete alle femmine….In Italia certamente non si fa l’amor così”.

Un triunfal regreso al
Teatro de la Zarzuela
Lella Cuberli, también interpretó a Fiorilla en unas históricas representaciones de Il turco in Italia, que tuvieron lugar en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, en 1990. La dirección escénica corría a cargo de Lluis Pascual, con escenografía del famoso Ezio Frigerio y diseño vestuario de su no menos famosa esposa Franca Squarciapino. Y, la dirección musical del gran Alberto Zedda, uno de los artífices de la recuperación del repertorio rossiniano. Esta producción de altos vuelos suponía la vuelta a Madrid de Il turco in Italia, después de ciento setenta años de ausencia. Aquí, incluso puede decirse que Cuberli se supera a si misma, con respecto a Pesaro, en todas sus intervenciones, destacando sobremanera en el extenso dúo “Per piacere alla signora”, con el gran Enzo Dara como Don Geronio, también los dúos de Cuberli con el bajo jamaicano de poderosa vocalidad Willard White interpretando a Selim y de la magnífica actuación del tenor norteamericano Franc Lopardo como Don Narciso. Alguna de estas funciones madrileñas fue tomada en directo, y los fragmentos más importantes se pueden escuchar, con bastante buen sonido en YouTube.

Cabe destacar la magnífica interpretación del personaje de Fiorilla realizadas por la soprano Lucia Aliberdi en el Festival de Pesaro de 1986, mostrando anchura vocal gran expresividad, muy poderosa franja aguda y un extraordinario dominio de la coloratura, cantando en su gran escena del Acto II, todas las variaciones escritas por Rossini. La acompaña un magnífico Ruggero Raimondi como Selim y, de nuevo, Enzo Dara realiza una gran interpretación de Don Geronio. Se puede ver-escuchar una toma en video tomada en aquellas representaciones, disponible completa en YouTube.

Cabe citar a varias cantantes que realizan excelentes interpretaciones de Fiorilla: la coreana Sumi Jo en la grabación de estudio editada por PHILIPS en 1991, que cuenta con el magnífico Selim del bajo-barítono Simone Alaimo y, sobre todo, cabe citar la presencia del tenor argentino Raúl Gimenez (Don Narciso), un magnífico cantante de gran expresividad que introduce por primera vez la cavatina del Acto I “Un vago sembiante”. Esta grabación (disponible completa en YouTube), está bien dirigida por Neville Marriner al frente de su orquesta La Academy of Saint Martin in de Field.

La soprano Mariella Devia, de prodigioso instrumento vocal y excelente capacidad escénica, cantó con cierta frecuencia el papel de Fiorilla, y cabe destacar su interpretación en una toma en video de 1997 (disponible completa en YouTube), muy bien dirigida por Riccardo Chailly al frente de la Orquesta del Teatro alla Scala. Ese mismo año 1997, y con la misma orquesta, Chailly dirigió una versión grabada en estudio por DECCA, que cuenta con la Fiorilla de extraordinaria vocalidad, interpretada por Cecilia Bartoli, junto a excelentes cantantes: Michele Pertusi (Selim), Alessandro Corbelli, (otro gran interprete rossiniano) como Don Geronio, quien interpreta, de manera brillantísima, el aria-cabaletta “Se ho da dirle, avrei molto piacere….Ah! sel nel mondo no vo della luna”, insertada en esta grabación, que también cuenta un Don Narciso de alta categoría interpretado por el tenor mexicano Ramón Vargas, quien ofrece su bellísimo timbre, depurada línea de canto y un buen dominio de las agilidades.

En los últimos diez años, es la soprano rusa Olga Peretyatko, quien ha cantado con mayor frecuencia el papel de Fiorilla, con una muy notable capacidad vocal e interpretativa, dotando al personaje de auténtico “sex appeal”, ya que se trata de una cantante muy bella y de estilizada figura. Cabe destacar su interpretación en el Festival de Aix en Provenza de 2014 (tomada en video de alta definición y disponible en YouTube), junto a un equilibrado reparto donde se conjugan juventud: Peretyatko junto a un excelente Selim interpretado por el bajo rumano Adrian Sâmpetrean (figura en uno de los repartos, de las representaciones que están teniendo lugar en el Teatro Real de Madrid) y el magnífico tenor norteamericano Lawrence Brownlee, con voces veteranas como el barítono Pietro Spagnoli (Prosdocimo) y el extraordinario Don Geronio interpretado por Alessandro Corbelli. Verdaderamente genial el dúo de Corbelli y Peretyatko “Per piacere alla signora”, donde la soprano rusa exhibe con generosidad sus bellas piernas. Otro de los atractivos de esta grabación, es el excelente sonido orquestal inmerso en ese característico estilo musical rossiniano de la orquesta Les Musiciens du Louvre – Grenoble, dirigida por su titular Marc Minkowski.

En esta grabación puede escucharse completa la edición crítica de Margaret Bent.

Il Turco in Italia llega de nuevo al Teatro Real de la mano escénica de Laurent Pelly
Llegamos a la producción que de Il Turco in Italia ha hecho esta temporada el Teatro Real, con una original y divertida escenografía del, siempre elegante, Laurent Pelly. Todas las escenas están protagonizadas por imágenes de fotonovelas de los años sesenta y setenta. Unas lecturas a las que su protagonista Fiorilla es, en esta producción, una gran apasionada. Fiorilla, mujer frivola y casquivana, quiere rememorar la vida de alguna de esas protagonistas que tanto admira.

Para este rol se ha contado con la joven voz de la soprano española Sara Blanch. Es la primera vez que abordaba este papel y le tocó, por indisposición de Lisette Oropesa, la responsabilidad del estreno. La Blanch posee un registro agudo muy notable y muy buenas agilidades, algo imprescindible para acometer este personaje. Muy bien estuvo en la parte interpretativa, dotando a Fiorilla de la picardía y glamour kich deseado por Pelly. Le faltó un poco de ese peso que otorga la experiencia para proyectar una voz con más personalidad y mejorar la zona central y los graves. Pero esto llegará, cualidades tiene de sobra.

A Fiorilla le dio la réplica el Selim interpretado por Alex Esposito. Este bajo-barítono italiano no tiene un instrumento muy brillante, pero sabe sacar partido a su voz y estuvo más que correcto en su actuación y dejó algunos buenos detalles. En la parte interpretativa es donde más se destacó, con momentos de gran comicidad.

A Don Geronio le ha dado vida el barítono georgiano Misha Kiria, que brilló y fue de los más celebrados por el público. Su presencia física y su vestimenta acompañaron la comicidad del personaje que generó los momentos más divertidos. Demostró tener control sobre el canto sillabato, sobre todo en el aria del segundo acto “ Se ho da dirla”. También destacó en la parte vocal. Dominó todos los aspectos de un personaje buffo.

El rol de Don Narciso es ligero y casi trivial, representa a un hobre pusilánime, pero el tenor uruguayo Edgardo Rocha ha llevado a Don Narciso a un nivel excesivo de nimiedad. Canta con gusto y pulcritud, pero empequeñeció al personaje.

La mezzosoprano italiana Paola Gardina cumplió con su rol de Zaida con corrección y sin histrionismos.

El que no resultó pequeño en la interpretación, sino todo lo contrario, fue Florian Sempey, como el poeta Prosdocimo. Resaltando la parte más cómica del personaje y abordando con solvencia los recitativos. Vocalmente estuvo a gran altura, con un buen control de las agilidadades, suficiente volumen y muy buen fraseo.

Nos quedamos con ganas de escuchar la partitura completa de Albazar, el personaje que interpretaba el tenor Pablo García-López, que cumplió con creces en sus breves intervenciones.

A pesar de lo divertido y enrevesado del argumento, y que estamos hablando de una ópera buffa, en lineas generales. resultó incluso aburrida. Tal vez tuvo que ver en este aburrimiento la dirección musical de baja intensidad de Giacomo Sagripanti. La orquesta sonó apagada, no solamente el pianoforte con el que Sagripanti acompañaba los recitativos y que apensas se escuchaba, se notaba falta de ritmo y en algunos momentos, sobre todo en los quintetos y sextetos, se podía apreciar distintos tempis.

La música de Rossini tiene su complejidad y requiere, sobre todo, de intérpretes y dirección verdaderamente rossinianos. Buen intento del Teatro Real, pero habrá que mejorarlo.

Texto: Diego Manuel García Pérez / Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real / Teatro Real

El ciclo Notas del Ambigú del Teatro de la Zarzuela nuevamente acogerá, el próximo lunes 12 de junio (20h00), un concierto dedicado a jóvenes compositores. El Trío Arbós asumirá, bajo el título ‘Música española contemporánea’, los estrenos absolutos de las cinco obras ganadoras del II Premio de Composición del Teatro de la Zarzuela y el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.

El jurado designado por ambas instituciones destacó en su día el “alto nivel” de todas las composiciones presentadas, y acordó por unanimidad premiar cinco de las obras presentadas: ‘Shower meditatios’ de Jorge César Iglesias Ramiro, ‘Reminiscencias’ de Sebastián Izquierdo, ‘Minuit toujours arrive’ de Adrián Velasco, ‘Como el vidrio’ de Alejandro Chaves Lisbona y ‘Todo es posible en el agua’ de Ángel de la Hera Rodríguez.

Compuesto por el violinista Ferdinando Trematore, el violonchelista José Miguel Gómez y el pianista Juan Carlos Garvayo, el Trío Arbós se fundó en Madrid en 1996 marcando como uno de sus principales objetivos la contribución al enriquecimiento de la literatura para trío con piano a través, precisamente, del encargo de nuevas obras, siempre con un marcado interés por el trabajo de los nuevos creadores.

Al premio optaban alumnas y alumnos matriculados en la especialidad de Composición o de Sonología durante el curso académico 2022/2023 del RCSMM o los que hubieran obtenido en esta institución académica el Título Superior de dicha disciplina en los dos últimos años académicos. Asimismo, el papel del reconocido compositor y miembro del Departamento de Composición y Tecnología Musical del RCSMM, José María Sánchez-Verdú, fue una vez más esencial para el buen desarrollo del certamen.

Notas del Ambigú 22/23

En la presente temporada el Teatro ha ofrecido más del doble de recitales que al inicio del ciclo. 11 citas ineludibles que concluirán el próximo 10 de julio.

Tras el concierto del Trío Arbós, que como se ha dicho estrenará el próximo lunes las cinco obras ganadoras del II Premio de Composición del Teatro de la Zarzuela y el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid para Jóvenes Compositores (12 de junio), el broche final del ciclo lo pondrá la Capilla Jerónimo de Carrión, quien en ‘Fiesta sacra y arte nuevo’ interpretará los sonidos más populares de los templos y los teatros del Siglo de Oro, en lo que será una cita especialmente emotiva tras el reciente fallecimiento de la directora y fundadora del proyecto, Alicia Lázaro (10 de julio).

El director de orquesta y clavecinista Aarón Zapico será el encargado de abrir la 72 edición del Festival Internacional de Música y Danza de Granada, los próximos días 21 y 22 de junio a las 22:00h en el Palacio de Carlos V, dentro de la Alhambra. El certamen, que se prolongará hasta el 19 de julio, contará con su dirección musical para representar El retablo de maese Pedro, la ópera de cámara para títeres escrita por Manuel de Falla, inspirada en un episodio de El Quijote, que este año celebra el centenario de su estreno en 1923 en París.

Zapico dirigirá a la Orquesta Ciudad de Granada, junto con tres experimentadas voces españolas: Alicia Amo, David Alegret y José Antonio López. Se trata de un concierto “único”, según señala el director, que asegura que “el principal interés del programa es el contexto artístico creado para el retablo, además del indudable peso de los títeres, el aniversario o la propia localización”. “He tratado que toda la épica, el teatro y los claroscuros de la obra de Falla, y del Quijote en esencia, queden contextualizados de la mejor manera, con el fin de que todo se pueda entender y disfrutar más”, explica.

La representación de El retablo de maese Pedro formará parte de un tríptico, junto con otras dos obras barrocas relacionadas con la obra de Miguel de Cervantes: Burlesque de Quichotte, de Georg Philipp Telemann (1716) y Don Quichotte chez la Duchesse, de
Joseph Bodin Boismortier (1743). “Unir dos mundos tan, a priori, lejanos como son Telemann y Boismortier con Falla busca estimular y sorprender al público, proponerle nuevas conexiones, conocimientos y disfrute a través del ritmo y la retórica”, asegura
el director.

Aarón Zapico es una presencia habitual en el Festival de Granada. Debutó en 2011, con un concierto de Las Cuatro Estaciones de Vivaldi, que se grabó en un disco producido por Winter & Winter. En 2019, Forma Antiqva, la formación que dirige Zapico, fue grupo residente, con Pablo Heras en la dirección. Zapico estuvo presente además como profesor. En 2020, 2021 y 2022, volvió como profesor y responsable de la Academia Barroca, que se creó por su propia iniciativa. Además, en 2021 dirigió a
Forma Antiqva en un concierto junto a Núria Rial.

Música y puesta en escena

Manuel Falla la compuso a partir de músicas de diferentes épocas y estilos, combinando notas antiguas, folclóricas, litúrgicas o de vanguardia. Quiso emular así la mezcla de estilos literarios que utilizó Cervantes.

La propuesta contará con 39 marionetas gigantes, de hasta ocho metros y medio de altura, 60 poleas y 16 titiriteros. Se trata de las piezas originales creadas en 2009 por el director escénico Enrique Lanz, que representó la obra en el Teatro Real con su compañía Títeres Etcétera. Lanz, que también estará al frente de la escenografía en el Festival de Granada, es nieto del escenógrafo Hermenegildo Lanz, colaborador de Manuel Falla en el estreno parisino de 1923.

Aarón Zapico
Director musical, clavecinista y figura clave del barroco, el músico Aarón Zapico (Langreo, Asturias, 1978) es uno de los rostros principales del panorama cultural actual. Con más de veinte años de trayectoria, su persona está vinculada de manera definitiva a la recuperación del patrimonio musical español y a la renovación de la música clásica. Es miembro del jurado de los Premios Princesa de Asturias de las Artes.

En 1998 fundó, junto a sus hermanos Daniel y Pablo, el prestigioso y multipremiado conjunto Forma Antiqva, del que es director. Hoy el grupo está considerado uno de los más influyentes del país en el ámbito de la música antigua. Con más de catorce discos publicados, Forma Antiqva ha actuado en los principales auditorios españoles, y ha realizado conciertos por Europa, Asia, Oceanía y América.

El trabajo de Zapico se centra en la dirección de ópera y música orquestal, ofreciendo una nueva mirada al siglo XVIII, mediante el trabajo con grandes solistas, incursiones en la música contemporánea y proyectos transversales con el teatro, el cine y la literatura.

Fotografía de Aarón Zapico por Rubén Fernández

El próximo sábado, 10 de junio, se ofrecerá, en versión de concierto, la única función de Coronis, zarzuela en dos actos atribuida a Sebastián Durón, producción del Teatro de Caen, coproducida con la Opéra-Comique de París, la Ópera de Lille, la Ópera de Rouen y la Ópera de Limoges, que se escuchará por primera vez en el Teatro Real.

Vincent Dumestre, uno de los grandes especialistas del repertorio de los siglos XVII y XVIII, estará al frente de Le Poème Harmonique, ensamble del que es fundador y prestigioso director.

Junto a ellos, un reparto de cantantes especializados en el repertorio barroco –con la soprano Ana Quintans, las mezzosopranos Isabelle Druet, Victoire Bunel, Marielou Jacquard, Caroline Meng y Brenda Poupard y el tenor Cyril Auvity- dará vida a los personajes mitológicos de Coronis.

La historia se sitúa en la Tracia griega, en tiempos míticos, y gira en torno a la ninfa Coronis, a quien una profecía ha pronosticado que morirá ahogada en el mar Egeo. Su belleza ha seducido a Neptuno y al monstruo marino que está a su servicio, Tritón, quien intenta raptarla, pero es impedido por Apolo. El combate entre ambas divinidades -Apolo y Neptuno-, es el centro de la trama, que entrelaza historias de dioses y ninfas, trágicas y burlescas, en esta metafórica contienda desencadenada por la conquista del corazón de Coronis.

La partitura, atribuida al maestro de la Real Capilla de Madrid, Sebastián Durón, tras la rigurosa investigación de los musicólogos Raúl Arango y Antoni Pons, está considerada una de las obras más originales del repertorio lírico español del siglo XVIII por tratarse de una zarzuela enteramente cantada. En ella coexisten elementos de la tradición del teatro musical español del siglo XVII, en forma de tonadas, coplas y estribillos, así como registros estilísticos de la tradición francesa e italiana, como arias estróficas, recitados, conjuntos animados y coros fastuosos.

Escrita en 1706, en plena Guerra de Sucesión, durante el reinado del rey Felipe V, el argumento de Coronis podría representar, de forma paralela y simbólica, la guerra entre dos dinastías por los territorios hispánicos.

Coronis se presentará por primera vez en el Teatro Real, en versión de concierto, en una producción rigurosa e históricamente documentada que representa el compromiso del Teatro Real con la recuperación y divulgación del patrimonio lírico español.

La Quincena Musical presenta una amplia oferta de música y danza, más de 70 eventos entre los que cada cual podrá seleccionar y diseñar su propio festival. El ciclo sinfónico del Kursaal proporcionará gandes momentos, como la monumental 8ª de Mahler, que reunirá a 400 músicos sobre el escenario; y en el capítulo de grandes solistas, destacan Pablo Ferrández, Mitsuko Uchida, Anne-Sophie Mutter, Grigory Sokolov y Hilary Hahn.

Una versión del oratorio semi-escenificado “Oedipus Rex”, de Stravinsky, dirigida y creada por la compañía de marionetas Per Poc, y con la participación de la actriz francesa Irène Jacob, es la apuesta del festival por la producción propia.

La oferta de danza adopta un marcado cariz vanguardista, con una moderna versión de “El lago de los cisnes” del Ballet Preljocaj y las nuevas propuestas de Tabakalera Dantzan, firmadas por Vera Tussing, Poliana Lima, Dani Hernández y Blanca Arrieta.

En el Teatro Victoria Eugenia, Euskal Barrokensemble presenta un espectáculo que recopila músicas antiguas y populares en torno a “El amor brujo” de Falla y Landarbaso Abesbatza presenta “Nora?”, espectáculo central de la Quincena Infantil.

El Ciclo de Música Contemporánea incluye cinco estrenos absolutos.

La venta general de entradas arrancará el jueves 8 de junio, a las 11:30h. Las entradas podrán adquirirse en la web www.quincenamusical.eus y en las taquillas del Kursaal y el

Teatro Victoria Eugenia.
Este año, ser Amigo de la Quincena reporta más ventajas y descuentos que nunca, también en la compra de entradas sueltas, además de en la compra de abonos.

En verano, San Sebastián se convierte más que nunca en una ciudad de festivales, en una ciudad que invita a vivir el arte y la cultura en vivo. Y cada agosto la Quincena Musical de San Sebastián es la mejor alternativa para disfrutar de la música clásica, y también de otras músicas, de la danza y de otras disciplinas artíscas; un festival abierto y dinámico que conjuga en su oferta los más altos niveles de calidad con la diversificación y la búsqueda de propuestas que le permitan llegar a un público cada vez más amplio. Así, la Quincena se convierte cada mes de agosto en el plan que mejor suena.

Del 3 de agosto al 1 de septiembre, la 84 Quincena Musical estará en las principales salas y espacios culturales de la ciudad y también en otras localidades de Gipuzkoa, en Araba, Navarra y Lapurdi. Serán más de 70 eventos que pondrán en conexión a público y artistas locales e internacionales.

La venta general de entradas arrancará el jueves 8 de junio, a las 11:30h. Las entradas para todos los conciertos de la presente edición podrán adquirirse en la web www.quincenamusical.eus y en las taquillas del Kursaal y el Teatro Victoria Eugenia.

Este año, ser Amigo de la Quincena reporta más ventajas y descuentos que nunca, también en la compra de entradas sueltas, además de en la compra de abonos, ya que podrán beneficiarse de hasta un 25% de descuento en la compra de localidades.

AUDITORIO KURSAAL: DE LA GRANDIOSIDAD DE LOS 400 MÚSICOS DE LA 8ª DE MAHLER A LA GENIAL INDIVIDUALIDAD DE SOKOLOV ANTE EL PIANO
El ciclo de grandes conciertos del Auditorio Kursaal se inaugurará con el debut en el Festival del violonchelista Pablo Ferrández (3 de agosto), que recala en San Sebastián junto a la Rotterdam Philharmonic Orchestra, bajo la batuta de su nuevo director titular, Lahav Shani. Alumno en su día de Asier Polo y amadrinado por Anne-Sophie Mutter, Pablo Ferrández es actualmente uno de los solistas españoles que más presente está en las grandes salas de conciertos de todo el mundo.

La Rotterdam Philharmonic Orchestra regresará el 4 de agosto al escenario del Kursaal, en esta ocasión con la 9ª Sinfonía, “Coral” de Beethoven en los atriles. Esta partitura es una de las piezas del repertorio clásico más popular entre el gran público gracias a su celebérrimo último movimiento, el “Himno a la alegría” y es, asimismo, la pieza sinfónico-coral que en más ocasiones se ha interpretado en el festival, desde que se interpretara por primera vez en 1940. Acompañarán a la Filarmónica de Rotterdam: la soprano israelí Chen Reiss, la mezzo donostiarra Carmen Artaza, que regresa al ciclo del Kursaal; el tenor estadounidense Matthew Newlin y el barítono murciano José Antonio López, así como el Orfeón Donostiarra. Todos bajo la dirección del joven Lahav Shani.

El Ballet Preljocaj presentará el 7 de agosto “El lago de los cisnes”, un clásico revisado por el fundador y director de la compañía, Angelin Preljocaj. Con El lago de los cisnes (2020), Preljocaj regresa al ballet narrativo y ofrece su visión más personal del mito de la princesa-cisne. Aunque fiel a la obra original, traslada la historia de Odette y el príncipe Sigfrido a la sociedad actual,
preocupada por cuestiones socioeconómicas y medioambientales, para lo que mezcla la obra maestra de Tchaikovsky con efectos sonoros contemporáneos.

La Chamber Orchestra of Europe presenta en la Quincena un concierto de corte clásico, con un programa que juega con los contrastes entre Beethoven y Sibelius (8 de agosto). Fundada con el impulso de Claudio Abbado, la orquesta, formada por unos 60 músicos, carece de dirección titular y su carácter lo marca su colaboración con los directores y solistas con los que colabora en cada proyecto. En esta ocasión, llega bajo la dirección de Daniel Harding, director artístico y musical de la Orquesta de la Radio Sueca, director residente de la Orchestre de la Suisse Romande y director laureado de la Mahler Chamber Orchestra, que anteriormente ha dirigido en quincena en varias ocasiones.

De hecho, es la segunda vez que esta sinfonía, conocida también como “de los mil” por la dimensión del orgánico necesario, se interpreta en la Quincena. La sinfonía se compone de dos partes sin solución de continuidad, en la primera un himno religioso cantado en latín y, en la segunda, escenas finales del “Fausto” de Goethe, cantadas en alemán. Para su interpretación, la Quincena ha reunido a la Euskadiko Orkestra y la Orquesta Sinfónica de Navarra en la parte instrumental y al Orfeón Donostiarra, Orfeón Pamplonés, Easo Eskolania y Easo Gazte Abesbatza para los pasajes corales; el elenco de voces solistas lo forman las sopranos Sarah Wegener, Mojca Erdmann y la donostiarra Miren Urbieta-Vega; la mezzosoprano Justina Gringyte, la contralto Claudia Huckle, el tenor Aj Glueckert, el barítono José Antonio López y el bajo Mikhail Petrenko.

El 20 de agosto otra de las grandes figuras del piano regresa al Auditorio Kursaal: Mitsuko Uchida vuelve a la Quincena, pero esta vez con un programa monográfico de Schubert a cuatro manos que interpretará con Jonathan Biss. Este recital, único en España, tres días más tarde se ofrecerá en el Festival de Salzburgo. Si unimos este concierto a los que ya ofreciera en la Quincena de 2021 y en Kursaal Eszena en enero pasado, podremos ver a la pianista anglo-japonesa en tres registros diferentes: en recital, en concierto junto a una orquesta y a cuatro manos. Este concierto forma parte la programación cultural de la iniciativa Euskadi Japón 2023, promovida por el Gobierno Vasco para la promoción y el impulso de las relaciones entre Euskadi y Japón.

Para su ópera-oratorio “Oedipus Rex”, basada en la tragedia homónima de Sófocles, Stravinsky revistió de música la adaptación que del texto del trágico griego llevó a cabo Jean Cocteau, a petición del propio compositor; Cocteau añadió, además, la figura del narrador, que resume el argumento. Per Poc, compañía creada y dirigida por Santi Arnal y Anna Fernández, parte ahora del concepto de austeridad y hieratismo de la obra original y presenta una versión basada en un teatro estático, casi “estatuario”. Bajo la dirección de Erik Nielsen, interpretarán el oratorio la Bilbao Orkestra Sinfonikoa y Easo Abesbatza y un elenco de voces solistas encabezado por el tenor Peter Marsh en el papel de Edipo. La actriz y cantante francesa Irène Jacob, asumirá el rol de
narradora.

En la recta final del festival, Anne-Sophie Mutter regresa al Kursaal y lo hace con su grupo de cámara, Mutter’s Virtuosi (26 de agosto), inmersa en la gira internacional con la que celebra este año su 60 cumpleaños. Junto a catorce músicos de cuerda, interpretará obras de Vivaldi, Bach, Bologne y Nonet, partitura de André Previn dedicada a la violinista.

El ciclo de conciertos del Auditorio Kursaal se cerrará con la doble presencia de Die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, que llegará a San Sebastián bajo la batuta de Omer Meir Wellber, director musical de la Volksoper Wien y del Teatro Massimo Palermo, director artístico del Toscanini Festival y próximo director musical de la orquesta y de la ópera de Hamburgo. En el primero de los conciertos (29 de agosto) contarán con la violinista Hilary Hahn como solista invitada e interpretarán el Concierto para violín nº5, “Turco”, de Mozart y la obra “Labyrinthe du temps”, de la compositora uzbeka Aziza Sadikova, que estrenarán pocos días antes en Bremen. El segundo concierto (1 de septiembre) pivota en torno a la “Missa Nelson”, considerada como la obra cumbre del extenso catálogo de Haydn, que interpretará junto a Andra Mari Abesbatza y un elenco de solistas internacionales.

TEATRO VICTORIA EUGENIA: UNA NUEVA VISIÓN DE LA MÚSICA DE FALLA Y EL ESPECTÁCULO CENTRAL DE LA QUINCENA INFANTIL
El 8 de agosto, el Teatro Victoria Eugenia albergará el espectáculo central de la Quincena Infantil de este año. Landarbaso Abesbatza y Kontari, su sección infantil, presentarán el espectáculo “Nora?”. Sobre una idea de Laura Jekabsone y Maddalen Dorronsoro, a la que la propia Laura Jekabsone puso música, esta ópera infantil en euskera propone un viaje trepidante lleno de
sorpresas: lo que en un principio iba a ser un viaje normal en tren para visitar a la abuela, se convierte en un trayecto lleno de emociones que sentir, y vivir.

El 28 de agosto, Euskal Barrokensemble, grupo especializado en la recuperación de repertorio barroco comandado por Enrike Solinís ofrecerá en el Teatro Victoria Eugenia el concierto “El amor brujo: esencias de la música de Manuel de Falla”. En torno a una versión para música de cámara de “El amor brujo” firmada por Falla, Euskal Barrokensemble ha hilado fragmentos de obras de diferentes compositores, acompañándose por una cantaora y una bailaora. En palabras de Solinís:
“La interpretación de Manuel de Falla por un ensemble barroco puede sorprender a priori, pero no si tenemos en cuenta los fines estéticos del propio Falla”.

CICLOS: PROPUESTAS PARA TODOS LOS GUSTOS
Los ciclos especializados de la Quincena son esos otros espacios del festival en los que el público encontrará propuestas únicas que van desde la música antigua a la contemporánea, de la música de órgano a la danza más vanguardista; de recitales en el Museo San Telmo a conciertos de cámara en Chillida Leku, Cristóbal Balenciaga Museoa, Senpere, Arantzazu, Urrestilla o una pequeña ermita en Yécora (Álava).

Ciclo de Órgano
Ana Belén García, responsable artística de este ciclo, ha diseñado un nuevo recorrido por algunos de los órganos que conforman el rico patrimonio guipuzcoano. Además de en San Sebastián, habrá conciertos en Deba, Ataun, Tolosa, Azpeitia, Azkoitia y Usurbil. 15 organistas de primer nivel llegados de diversas partes del mundo participarán en esta nueva edición, y nueve de ellos lo harán
por primera vez: Ana Belén García (junto Thierry Biscary), Thomas Trotter, Esteban Landart, Jesús Gonzalo (con Eate Abesbatza), Felix Hell, Daniel Roth, Jean-Baptiste Robin, Jonathan Scott (junto a Tom Scott), Eric Lebrun, Alize Mendizabal (con la Capilla de Música Santa María del Coro), Mami Sakato, Joonho Park, Davis Cassan y Monica Melcova (con Alaia Martin y Andoni Egaña).

De forma paralela al ciclo de conciertos, del 7 al 11 de agosto se desarrollará el 39 Curso Internacional de Órgano Romántico, que dirigirá Daniel Roth y que culminará con el tradicional Concierto de Alumnos.

Ciclo de Música Antigua
Entre el 5 y el 27 de agosto, el Museo San Telmo acogerá cinco conciertos con la música antigua como denominador común. El 5 de agosto, bajo la dirección de Jorge Jiménez, Tercia Realidad recupera la esencia de Farinelli y su música a través del sonido del violín, con un repertorio escrito para el castrato en las décadas de 1720 y 1730. El 9 de agosto el grupo Brezza interpretará el
programa “El arte de preludiar”, con obras de Couperin, Abel, Morel, Haendel, Leclair, Ramea, etc. El 11 de agosto, Raquel Andueza y La Galanía presentarán “Seguace d’amore”, un programa que incluye música procedente de un manuscrito francés del siglo XVII, que demuestra la influencia de la música italiana en la Francia de la época. El 18 de agosto, Daniel Zapico presenta,
junto al reconocido contratenor Carlos Mena, “La Nouvelle Musique”: piezas originales del barroco francés convertidas en nuevas páginas de música para tiorba y voz mediante la técnica de la transcripción. El ciclo lo cerrará el trío de flauta Vivid Consort, que el 27 de agosto interpretará “Sundrie”: un programa basado en música renacentista y medieval, que incluye piezas de los
principales compositores ingleses del Renacimiento, como Cornish, Dowland o Morley.

Ciclo de Música de Cámara
También el Ciclo de Música de Cámara tiene su sede habitual en el Museo San Telmo. Entre el 10 y el 23 de agosto, el claustro acogerá cinco conciertos. El 10 de agosto, el Cuarteto Trifolium mostrará, desde una perspectiva historicista, la evolución del cuarteto de cuerda desde sus inicios hasta Mozart, con el primer cuarteto de la serie que este dedicó a Haydn. El 13 de agosto, Francisco Fernández-Rueda (tenor), Andoni Mercero (violín) y Susana García (piano), acompañados por el trío de cuerda Nacedo, ofrecerán un concierto centrado en el ciclo “On Wenlock Edge”, de Vaughan Williams, autor cumbre de la música inglesa de inicios del XX. El 17 de agosto, el Cuarteto Bretón conmemorará el centenario del fallecimiento del compositor que le da nombre con una selección de sus obras, que interpretará junto a cuartetos de Brahms. El 21 de agosto, la pianista donostiarra Judith Jáuregui, la violinista Soyoung Yoon y la violonchelista Nadège Rochat interpretrarán obras de autores de finales del XIX: Arensky, Debussy y Brahms. Y, para terminar, el 23 de agosto, Josu de Solaun (piano) y Adolfo Gutiérrez Arenas (violonchelo)
presentarán su proyecto más personal, centrado también en autores románticos del XIX: “Loss & Love”, un disco que, partiendo de experiencias personales, gira en torno a la pérdida y el amor.

Ciclo de Música Contemporánea
El ciclo que el festival dedica a los compositores e intérpretes inmersos en las tendencias más novedosas se desarrollará en las salas polivalentes del Kursaal e incluirá el estreno absoluto de 5 obras. El 6 de agosto, Plural Ensemble, conjunto instrumental especializado en la música de los siglos XX y XXI fundado y dirigido por Fabián Panisello, ofrecerán un concierto que incluye el
estreno absoluto de “Handikoak”, de Félix Ibarrondo, junto a obras de Schoenberg, Helga Arias y el propio Fabián Panisello. El 12 de agosto, Noelia Rodiles (piano), Elena Rey (violín) y Jorge Monte (trompa) rendirán homenaje a Giorgi Ligeti en el centenario de su nacimiento con un monográfico dedicado a su obra. El 30 de agosto, Silboberri, centrado en la actualización y renovación del repertorio del txistu, ofrecerán un concierto en torno a este instrumento, que incluirá los estrenos de piezas para txistu de Lula Romero y Carmen Asenjo-Marrodán. El 31 de agosto Xelo Giner clausurará el ciclo con el recital de saxofón titulado “Electroacustic Poetry”, con partituras de Kurtag, Perales, Chamizo, García (obra de estreno), Latorre, Erkoreka y Edler-Coper, cuya pieza “Sssooooommmm” estrenará Giner con la presencia del compositor.

Tabakalera Dantzan
Junto con el Auditorio Kursaal, Tabakalera será la sede de referencia de la oferta dancística de 84 Quincena Musical. Del 17 al 22 de agosto, en el Patio y en otros espacios del edificio se concentrarán cuatro de las propuestas de danza de esta edición, en una fusión entre la creación coreográfica y las artes visuales. El 17 de agosto, la belga Vera Tussing presentará “The Palm of your hand”, una propuesta novedosa por cómo utiliza la danza y el tacto para interaccionar con el público y ofrecerle una experiencia diferente y única. El 18 de agosto (en doble sesión de mañana y tarde), Poliana Lima, coreógrafa, bailarina y profesora brasileña residente en Madrid, presentará “Las cosas en la Distancia”, un dispositivo coreográfico que, adaptándose al espacio, recurre a la
repetición y la transformación; también el día 18 por la tarde Dani Hernández interpretará “Córdoba Drone”, una pieza itinerante a través de varios espacios de Tabakalera, a caballo entre lo contemporáneo y lo flamenco. El ciclo acogerá, por primera vez, una residencia de creación, y ofrecerá un espacio de trabajo a una coreógrafoa para que desarrolle un proyecto que se vincule con los espacios de Tabakalera: la coreógrafa Blanca Arrieta trabajará en torno y a partir de la exposición “Arte Ederren Bilboko Museoa – Tabakalera.That Time”, y mostrará el resultado ante el público los días 19, 20 y 22 de agosto.

Ciclo de Jóvenes Intérpretes
Entre el 22 y el 25 de agosto, Un año más, el apartado que la Quincena dedica a los jóvenes valores será una inmejorable oportunidad para constatar la calidad del alumnado del Centro Superior de Música del País Vasco, Musikene. Los intérpretes de los cinco conciertos que conforman el ciclo de este año están estrechamente vinculados a este centro de formación. El 21 de agosto la harpista Claudia Besné homenajeará a Nicanor Zabaleta; el 22 de agosto June Agirre interpretará a la guitarra piezas de Bach, Mertz, Berkeley, Barrios, Albéniz, Tárrega y Machado; el 23 de agosto el cuarteto de saxo Cadenza Quartet ofrecerá una selección de piezas de Grieg, Dvorak y Desenclos; el 24 de agosto Ismael Gil ofrecerá un recital de piano y el 25 de agosto el dúo de percusión Kirudat Dúo cerrará el ciclo con música de Koshinski, Koppel, Ravel, García-Tomás, Dulas, Viñao y Marino.

JORNADA INAUGURAL
El 3 de agosto, además de con la apertura del ciclo sinfónico en el Kursaal y del ciclo de órgano en Deba, la Quincena Musical arrancará con una serie de conciertos gratuitos en diferentes puntos de la ciudad: al mediodía Anacronía Ensemble ofrecerá un concierto de cámara en el salón de plenos del Ayuntamiento; ya por la tarde, en el mismo escenario Nacho Castellanos & Gato Murr ofrecerán un recital de voz, violón y clave; y a continuación, en la terraza del Ayuntamiento, Kresala Dantza Taldea interpretará el espectáculo “Zerumugan”, en torno a la Edad de Oro de la navegación vasca; en la Iglesia de San Vicente Vocalia Taldea presentará el programa “Anima sakra”, con obras Mendelssohn, Poulenc y Arnesen.

Además, tras el parón obligado por la pandemia, regresa la Quincena Solidaria con recitales de canto en las residencias Zorroaga y Aldakonea.

QUINCENA INFANTIL
La oferta para el público infantil y familiar la componen la ópera infantil “Nora?”, que Landarbaso Abesbatza, ofrecerá el 8 de agosto en el Teatro Victoria Eugenia y dos propuestas que se celebrarán en el Kursaal: el contacuentos “Hiru ganbera-ipuin” a cargo de Ander Edo y Nerea Azkona (4 y 26 de agosto) y el taller “Joan-etorriko perkusioa”, que impartirá Nerea Quincoces (8
de agosto y 1 de septiembre).

QUINCENA ANDANTE: 16 CONCIERTOS FUERA DE SAN SEBASTIÁN
Hace tiempo que la Quincena se propuso llevar su oferta musical más allá de la ciudad y convertirse en un festival abierto a toda Gipuzkoa e incluso a Araba y a localidades de Navarra y Lapurdi, gracias a su ciclo Quincena Andante. Este año a localidades habituales como Zumaia, Getaria, o Azpeitia, se suman en Gipuzkoa Urrestilla y Orio; un repertorio que abarca desde música
del barroco hasta obras del siglo XX llegará a esos lugares de la mano de Donosti Ensemble, Dúo Cassadó, el grupo Intonationes y la Coral de Cámara de Pamplona. Entre el 4 y el 26 de agosto, La Quincena en Araba llegará a Yécora, Araia, Llodio, La Puebla de Arganzón, Aramaio y Valdegovía.

El 19 de agosto, el órgano del Monasterio de Leire será protagonista en el concierto que ofrecerán Juan de la Rubia y Xabier Urtasun; y en Senpere, la presencia de la Quincena será doble, con Easo Emakumeen Abesbatza (5 de agosto) y Judith Jáuregui. (27 de agosto). Chillida Leku volverá a ser escenario de dos nuevas entregas de la integral de los cuartetos de Shostakovich a cargo del Cuarteto Gerhard (25 y 27 de agosto). En Arantzazu, una de las citas con más tradición de la Quincena, Conductus Ensemble, conjunto vocal dirigido por Andoni Sierra, interpretará piezas religiosas del catálogo de Vivaldi (23 de agosto). Y la excursión anual retorna al Camino de Santiago (20 de agosto), con un recorrido entre el Puente de Santiago de Irun y Gurutzen (Oiartzun).

#CONVERSANDO
La iniciativa #ConversanDO sigue tratando de acercar la música clásica a personas que nunca han asistido a un concierto en vivo y así crear afición, invitándoles a un concierto. En pequeños grupos y y previa inscripción, los participantes en esta actividad recibirán serán recibidos con una breve explicación sobre lo que van a disfrutar a continuación y, tras asistir al concierto, volverán a reunirse para compartir su experiencia. Aquellas personas que quieran participar en esta iniciativa y sumergirse por primera vez en la experiencia de la Quincena, pueden inscribirse en nuestra web.

VENTA DE ENTRADAS
La venta general de entradas comenzará el jueves 8 de junio a partir de las 11:30 h. Las entradas se pueden adquirir a través de la web www.quincenamusical.eus y en las taquillas del Kursaal y del Teatro Victoria Eugenia.

NUEVAS VENTAJAS Y DESCUENTOS PARA LOS AMIGOS DE LA QUINCENA
En esta edición, la Quincena ha reforzado el capítulo de ventajas y descuentos destinados a los Amigos del festival a la hora de adquirir abonos y entradas sueltas.

La compra del abono, que incluye 10 conciertos/funciones de las once que componen el ciclo del Auditorio Kursaal, supone un ahorro del 25% con respecto a la compra de entradas sueltas para esos mismos conciertos; además el abono da derecho a la compra de la entrada del concierto fuera de abono con un 20% de descuento y de 2 entradas adicionales con un 10% de descuento.

Los Amigos que se decanten por la compra de entradas sueltas se beneficiarán, por primera vez, de un 10% de descuento en los conciertos del Auditorio Kursaal y en el Teatro Victoria Eugenia. Y todos los Amigos, adquieran abono o no, también podrán solicitar una entrada suelta para cada concierto del resto de los ciclos de la Quincena. Más información sobre este capítulo en
www.quincenamusical.eus/es/amigos

UNA OFERTA ACCESIBLE
El mayor compromiso de la Quincena es para con la ciudadanía que la sustenta. Es por ello que uno de sus mayores esfuerzos se centra en que esa oferta diversa y de la mayor calidad que aglutina en cada edición sea accesible. Además de contar con un abanico de precios muy competitivos, con entradas para el ciclo sinfónico del Kursaal desde 11,60 euros, parte de la oferta
de la Quincena es gratuita. Son gratuitos, con entrada libre hasta completar aforo, los conciertos de la Jornada Inaugural (salvo el concierto del Auditorio Kursaal), todos los conciertos del ciclo de órgano y algunas de las citas de Tabakalera Dantzan y de la Quincena Andante.

Además, los menores de 30 años pueden beneficiarse de la Hora Joven: podrán adquirir entradas a 3 euros para el Auditorio Kursaal y el Teatro Victoria Eugenia (excepto para el concierto infantil “Nora?” del 8 de agosto), desde una hora antes del inicio del espectáculo de cada día, en las taquillas correspondientes. Opción condicionada a la disponibilidad de localidades en taquilla y
previa acreditación de edad. Los desempleados mayores de 30 años también podrán acogerse a esta promoción, previa presentación del Certificado de Periodos de Inscripción actualizado.

El tenor tinerfeño realizó este viernes la proeza vocal de asumir con éxito memorable el temido rol de Arturo de I Puritani en Mahón, cuatro días después de enamorar al público bilbaíno con su primer Manrico de Il Trovatore, dos papeles muy alejados vocalmente y que el cantante español ha interpretado en una misma semana.

Toda una proeza vocal. El tenor canario Celso Albelo, uno de los más aclamados de la cantera lírica española de los últimos años, ha dejado boquiabiertos a sus seguidores. Si el 30 de mayo cantaba la última función en ABAO Bilbao Opera del emblemático rol de Manrico de Il Trovatore de Verdi con gran éxito y en la línea de ir ampliando su repertorio hacia papeles de mayor peso vocal, el 2 de junio –cuatro días después–asumía el casi imposible papel de Arturo de I Puritani de Bellini: dos de los papeles más difíciles de la cuerda de tenor y de estilos casi contrapuestos. En contadas ocasiones un mismo cantante se ha visto capaz de tener en repertorio ambos personajes, ni mucho menos llegar a interpretarlos con pocos días de diferencia. Celso Albelo lo ha conseguido en una carambola que cuesta creer. La ópera de Bellini la está cantando en su regreso a la temporada de la Asociación Amics de s’Òpera de Maó en el Teatre Principal de la capital de Menorca, donde hoy canta la segunda y última función del ciclo.

Albelo afirmaba esta misma semana en una entrevista ofrecida al Diario de Menorca, que su experiencia con Manrico ha sido “fantástica”, papel que se inserta en la ampliación de su repertorio “de acuerdo con mi propia evolución vocal; los títulos que canto deben ir adaptándose a mi desarrollo físico, ya que el cuerpo cambia. El bel canto, con compositores como Bellini o Donizetti, ha marcado mi trayectoria, pero desde hace un tiempo ha sido hora de ir incorporando otros autores, como Verdi o Puccini, sin dejar de lado ni renunciar a algunas óperas que me han acompañado siempre”, como es el caso de I Puritani, cuyo protagonista, Arturo, es otro gran reto. “Es uno de los personajes que más tiempo llevo cantando, y desde el inicio de mi carrera. Nunca imaginé que, a día de hoy, después de más de veinte años, lo tendría todavía en repertorio, pero aquí sigue. Arturo es un papel mítico para los tenores, por su dificultad y belleza, y para abordarlo hay que mantener una alta concentración porque tiene una tesitura casi imposible”, asegura. Lo cierto es que el tenor canario dejó asombrado al público después de incluir el temido Fa sobreagudo en su temible aria “Credeasi, misera”. El resultado, según medios como Cadena Ser, fue una “noche de ensueño con unos ‘I Puritani’ que quedarán grabados en la retina de los aficionados de la ópera por mucho tiempo”.

Tras culminar la temporada con este doble broche de oro, este verano Celso Albelo ofrecerá un concierto junto a la soprano Ainhoa Arteta en el Festival Noches Mágicas de Alicante (6 de agosto), y en la temporada 2023/24 destacan importantes compromisos como su primer Chevalier des Grieux en Manon de Massenet para inaugurar la temporada del 75° aniversario de la Ópera de Oviedo, su debut en el Teatro Municipal de Santiago de Chile con Don Pasquale o su debut como Hoffmann de Les

Foto © Xavier Marquès Triay_ Fundació Menorquina de l’Òpera

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) se despide del XXIX Ciclo de Lied esta temporada de la mano del tenor británico Ian Bostridge y del pianista Julius Drake. El dúo regresa una vez más al Teatro de la Zarzuela con un programa repleto de piezas emblemáticas del género liederístico, que incluyen lieder de Robert Schumann, Clara Schumann, Franz Schubert, Gustav Mahler y Hans Werner Henze. El recital tendrá lugar el lunes 5 de junio a las 20:00h en el Teatro de la Zarzuela.

Ian Bostridge (Wandsworth, 1964) es uno de los más aclamados tenores contemporáneos, cuyas interpretaciones y recitales en Europa, Norteamérica y Japón le han brindado el aplauso unánime del público y de la crítica. Sus grabaciones han recibido numerosos galardones y también ha sido nominado al Grammy en quince ocasiones. En este concierto, junto al pianista Julius Drake, Bostridge presenta un recorrido desde los orígenes del Romanticismo hasta las últimas décadas del siglo XX, cuyo hilo conductor es la obra del poeta alemán Friedrich Rückert (1788 – 1866).

Un cautivador programa

El célebre Widmung, perteneciente al ciclo Myrthen, op. 25 de Robert Schumann, dará inicio al programa, donde también se abordarán canciones de Clara Schumann. Robert Schumann escribió esta obra en 1840, año en el que la pareja contrajo matrimonio. Un año más tarde, en 1841, compone a cuatro manos junto a Clara Schumann Gedichte aus Liebesfrühling, op. 37, que también se escuchará en el recital.

Asimismo, Bostridge y Drake interpretarán algunas canciones del compositor de lieder por excelencia, Franz Schubert, dando vida a seis de sus lieder compuestos entre 1822 y 1823, todos ellos fieles a los versos de Rückert.

Del compositor austríaco Gustav Mahler se escucharán los bellísimos Rückert-Lieder, en una oportunidad para descubrir la gran faceta liderística de uno de los compositores para orquesta más importantes de la historia. Por último, el broche de oro al XXIX Ciclo de Lied lo pondrá Das Paradies del ciclo Sechs Gesänge aus dem Arabischen de Hans Werner Henze, escrita expresamente para Bostridge y Drake.

30º aniversario del Ciclo de Lied

En la temporada 23/24, el Ciclo de Lied del CNDM y el Teatro de la Zarzuela celebrará su 30º aniversario con doce recitales protagonizados por algunas de las grandes voces líricas del panorama actual.

Se contará con las extraordinarias voces de los barítonos Gerald Finley, junto al pianista Julius Drake; Christian Gerhaher, junto a Gerold Huber; Mathias Goerne, junto a Alexander Schmalcz; Andrè Schuen, junto a Daniel Heide; Florian Boesch, junto a Malcolm Martineau; y las mezzosopranos Vivica Genaux, junto al pianista Marcos Madrigal, que debuta en el ciclo, y Anna Lucia Richter, junto a Ammiel Bushakevitz; y la soprano Katharina Konradi, en un recital con la mezzosoprano Catriona Morison, que se estrena en el ciclo, junto al pianista Ammiel Bushakevitz.

Además, contaremos por primera vez con las aclamadas voces de las sopranos Lise Davidsen, junto al pianista James Baillieu; y Olga Peretyatko, junto a Semjon Skigin; y el debut en el ciclo de la soprano Erika Baikoff, junto a Soohong Park; y el barítono José Antonio López, junto a Daniel Heide.

La Sociedad Estadounidense de Compositores, Autores y Editores de Nueva York, conocida como ASCAP Foundation, acaba de premiar al joven compositor catalán con dos importantes galardones, que consolidan su carrera internacional y evidencian la gran acogida que tiene su música en el continente americano. Marc Migó no solo ha recibido el Morton Gould Young Composer Award, premio creado en 1979 en memoria del célebre compositor americano, que la ASCAP concede anualmente a treinta jóvenes talentos (este año fueron seleccionados entre 500 candidatos), sino que, además, el jurado le ha galardonado con el Leo Kaplan Award 2023 a la mejor obra.

La obra Concerto Grosso nº1 “The Seance”, que Migó realizó por encargo del Verità Baroque Ensemble, ha sido galardonada por el jurado de la ASCAP con el premio Leo Kaplan Award 2023, el top prize a la mejor composición.

Marc Migó, que actualmente está realizando un Doctorado en Composición en la famosa Juilliard School de Nueva York, suma así dos nuevos reconocimientos internacionales a su multipremiada carrera, tras haber recibido la Medalla de plata en el Concurso Internacional Classic Pure Vienna el pasado mes de marzo. Recientemente su música pudo escucharse en Alemania, con el concierto monográfico “Migó and Friends” celebrado en el Noack Kulturforum de Berlín en el que participaron músicos de cámara de toda Europa, y el próximo 10 de junio, llegará también a Bélgica de la mano la Brussels Philharmonic Orchestra.

Ente los próximos compromisos del compositor catalán destacan los encargos para la Foundation for Iberian Music de la CUNY y el Adelaide Festival de Australia. Y en su agenda más inmediata cabe señalar otra importante cita: el concierto “De Nueva York en Barcelona: Vínculos insospechados”, que se celebrará el próximo 21 de junio en el Real Círculo Artístico de Barcelona. Tras el éxito cosechado con el estreno de su ópera de cámara The Fox Sisters en el Gran Teatre del Liceu, Marc Migó regresa a la ciudad condal para presentar Nocturn para violín, arpa, piano y orquesta de cuerda y Concerto Grosso para flauta, orquesta de cuerda y clavicembalo (la obra premiada por la ASCAP Foundation) en un concierto muy especial en el que compartirá programa con el oscarizado John Corigliano, su mentor y profesor en la Juilliard School, y otros dos conocidos nombres de la escena musical americana, Philip Lasser, y Glen Cortese, que también se encargará de dirigir a la orquesta del Real Círculo Artístico (ORCA).

El Teatro Real recuerda, en el primer aniversario de su muerte, a Teresa Berganza (1933 – 2022) –voz de referencia de la ópera en España y Patrona de Honor del coliseo madrileño-, con una exposición de sus trajes de concierto, que podrá visitarse en el Salón de Baile y en la séptima planta del Teatro Real a partir del 31 de mayo y hasta el mes de octubre.

La muestra es una retrospectiva de Teresa Berganza a través de sus vestidos, firmados por conocidas casas de moda en Europa.

Cuatro de las creaciones que vistió en el coliseo madrileño se podrán ver en la exposición: un diseño de Elio Berhanyer, en 1976; dos de Loris Azzaro, que lució en 1986 y 1997, y otro de Pierre Cardin, en 2013.

Completan la exhibición un vestido con etiqueta EISA (Balenciaga Madrid), que Teresa Berganza llevó en un concierto con la Societá del Quartetto di Milano en 1964; un diseño de Caruncho, con el que apareció en la portada del disco La del manojo de flores, de Sorozábal, en 1967; un traje de Pedro Rodríguez, que lució junto a la Sociedad de Música de S’Agaró en 1968; un vestido de Inés Higuera, con el que actuó en Tokio, en 1975, y otro más de Loris Azzaro, que vistió en el Auditorio Nacional de Madrid, en 1988, y en Viena, en 1989.

“En las modas de Teresa encontramos la evocación al influjo español, la voz libre de Carmen, miradas a la pintura barroca española y al estilo goyesco”, afirma Román Padín Otero, doctor en Arte Contemporáneo, comisario de la exposición y conservador del vestuario de concierto de Berganza.

La muestra se suma a los distintos reconocimientos que le ha dedicado el Teatro Real, como la Gala de homenaje para celebrar su 80 cumpleaños en 2013; la dedicatoria, tras su fallecimiento en 2022, de la primera edición de los Premios Teatro Real, y las 15 funciones de La Cenerentola, de Rossini, cuyo papel titular inmortalizó.

Fotografía: Javier del Real

Piero Pretti es sin duda un artista coherente y comprometido con su profesión: tras estudiar Ernani durante 15 años no ha sido hasta 2020 que decidió debutarlo –primero, en forma de concierto– en la cuna verdiana, el Festival Verdi del Teatro Regio de Parma (Italia). Dueño de una carrera que le ha llevado a cantar en los teatros más importantes del mundo, el cantante se siente en óptimo estado para afrontar uno de los papeles más complejos del repertorio: “Es ahora cuando he sentido la madurez necesaria para afrontar Ernani en un escenario”, afirma Piero Pretti, “un rol que llevo frecuentando muchos años en el plano de estudio y que estoy disfrutando en escena desde hace un par de temporadas; me sedujo el personaje casi desde el inicio de mi carrera, un bandido de origen noble cuyo fuerte sentido del honor, como sardo que soy, me sugiere la combinación con el código bárbaro. ¡Creo que los españoles, como pocos en el mundo, pueden comprender a un hombre dispuesto a sacrificar su vida por honrar su palabra!” Pretti estrenó el pasado mes de marzo, en el Teatro La Fenice de Venecia –precisamente donde tuvo lugar la primera representación de esta maravillosa ópera en 1844–, la producción que se verá entre el 7 y el 18 de junio en el Palau de Les Arts de Valencia. “Más allá de una trama apasionante”, continúa Pretti, “la música de Ernani es muy bella y poderosa, y los personajes están dibujados con gran olfato psicológico. El montaje veneciano funciona muy bien y es muy efectivo. Para mí la tarea más importante está en centrar la atención en la palabra cantada, siempre ciñéndome a la escritura de Verdi y potenciando su significado belcantista; aunque se trata de una obra del primer período del compositor, ya se percibe la impronta de su genialidad de obras futuras. Como intérprete siento la necesidad de considerar el estilo belcantista como una solución, como una característica del canto italiano que Verdi nunca abandona, donde el foco está siempre en el canto sobre la palabra y el legato que se funden en el fraseo típico del compositor”, asegura el tenor.

En el Palau de Les Arts, Piero Pretti compartirá escenario con Angela Meade como Elvira, Franco Vassallo como Don Carlo y Evgeny Stavinsky como Don Ruy Gomez de Silva, entre otros intérpretes, en una producción con dirección de escena de Andrea Bernard y con Michele Spotti en el podio al frente de la Orquestra de la Comunitat Valenciana y del Cor de la Generalitat. Las funciones serán los días 7, 10, 13, 16 y 18 de junio.

Pretti debutó en Les Arts con el rol de Pinkerton de Madama Butterfly en diciembre de 2021, coliseo al que regresa en una temporada en la que ya ha cantado Norma, de Bellini, en el Concertgebouw (Amsterdam), Simon Boccanegra en el Festival Verdi de Parma, Rigoletto en el Hessisches Staatstheater Wiesbaden, Madama Butterfly en el Teatro Verdi de Salerno, el Requiem de Verdi con la Dallas Symphony Orchestra, I vespri siciliani en el Teatro alla Scala de Milán, Ernani en el Teatro La Fenice de Venecia e I Lombardi alla Prima Crociata con la Münchner Rundfunkorchester en el Müpa de Budapest.

Este verano le esperan Madama Butterfly en el centenario del Festival Arena de Verona y Rigoletto en Caracalla (Roma). En la temporada 2023-24, entre otros compromisos, destacan La Traviata en La Fenice, Don Carlo en Piacenza, I vespri siciliani para celebrar el 50º aniversario del Teatro Regio de Turín y en el Teatro San Carlo de Nápoles, Madama Butterfly en Oslo y Turandot en Zúrich.

La Fundación Scherzo anuncia, aprovechando en el día de hoy la nueva visita del gran pianista coreano Seong-Jin Cho, la 29 edición del Ciclo de Grandes Intérpretes, que por vez primera en su historia tendrá lugar a lo largo del curso musical del 20 de septiembre de 2023 hasta el 18 de junio de 2024.

Se establecen diferentes tipos de Abonos con descuento sobre el precio de las localidades. El plazo de renovación de los actuales abonados comenzará el miércoles 1 de junio de 2023 y concluirá el viernes 30 de junio de 2023. Igualmente, se podrán adquirir nuevos abonos a partir del miércoles 1 de junio. Los precios de los abonos oscilan desde 208 € hasta 576 €. El precio de las localidades, que se pondrán a la venta a partir del oscilará entre los 25 € y 70 €. Habrá un abono para jóvenes para menores de 30 años.

Se ofrecerán un total de 10 conciertos (nueve recitales pianísticos y un concierto de cámara de violín y piano), todos ellos en la sala sinfónica del Auditorio Nacional de Música dentro de una programación cuidadosamente construida en la que se darán cita algunos de los mejores teclistas de la actualidad.

Abrirá el fuego (20 de septiembre) la mediática y apasionada Khatia Buniatishvili, bien conocida de la filarmonía madrileña, que aborda un muy ambicioso y amplio programa con la conjugación de algunas de las históricas transcripciones bachianas y schubertianas de Liszt, la Rapsodia húngara nº 6 de este último, las Sonatas 17 y 23 de Beethoven y los 3 Movimientos de Petrushka de Stravinski.

Frente al acaloramiento y expresión arrebatada de Buniatishvili se sitúa el refinamiento, el toque espirituoso de la pianista italiana Beatrice Rana (17 de octubre), con su segunda aparición en este ciclo, y que se enfrenta a una selección de obras en la que anida la más desbordante fantasía, cerrada con la inconmensurable Sonata en Si menor de Liszt y abierta con la Fantasía en la misma tonalidad de Scrabin. En medio, una rareza de Castelnuovo-Tedesco Cipresi op. 17, y tres piezas no menos fantasiosas de Debussy.

El sorprendente y poético pianista español Josu de Solaun (3 de nov) acomete un exigente programa con las vigorosas y juveniles Cuatro Baladas op. 10 de Brahms, la Sonata op 11 de Schumann, cinco partituras características de Chopin y la rotunda Sonata nº 8 de Prokofiev.

A renglón seguido Daniil Trifonov, que nos sorprendió hace pocos años en este mismo Ciclo con su definitorio Bach, anuncia una muy variada selección que se inicia con la Suite en La menor de Rameau y concluye con la compleja y exigente Sonata nº 29, la famosa Hamerklavier de un Beethoven en sazón. Gran prueba para un pianista. Entre tanto, y para ir calentando motores, la Sonata nº 12 de Mozart y las Variations sérieuses de Mendelssohn.

Es el turno, en el concierto siguiente (29 de enero de 2024) de una pareja ya famosa constituida por dos instrumentistas rusos especialmente dotados, cada uno en su parcela, el gran violinista Vadim Repin, un virtuoso de los que no hacen aspavientos y que las dan todas, y el sutil pianista Nicolai Lugansky, siempre certero, equilibrado, objetivo y seguro. En sus manos un programa que podríamos definir como afrancesado abierto con la exquisita Sonata en Sol menor de Debussy y cerrado con la celebérrima y tan romántica Sonata de Franck. La Sonata nº 3 op. 45 de Grieg marca el contrapunto.

El tan admirado, sobrio e infalible Grigory Sokolov, tantos años ligado a la Fundación Scherzo (26 de febrero) brindará un programa -siguiendo su costumbre- aun por determinar. Ya sabemos por experiencia que su confección y lógica serán ejemplares y que despertarán de nuevo la lógica expectación entre los melómanos madrileños.

Y tras un maestro reconocido mundialmente como el ruso, un alevín que ya ha dado numerosas muestras de eficacia, inspiración y soltura, se trata del joven gijonés Martín García García de tan solo 27 años (12 de marzo), que en 2021 obtuvo el primer premio en el Cleveland International Piano Competition y s el tercer lugar en el prestigioso Concurso Internacional de Piano Fryderyk Chopin. El joven pianista español se enfrenta a dos miuras: la Sonata nº 2 en Si bemol menor de Chopin -la tan célebre de la Marcha fúnebre- y la casi intocable para muchos nº 3 en Fa menor op. 5 de Brahms.

Otro grande que regresa y que, como Sokolov, no tiene aún concretado su programa, es el legendario pianista italiano Maurizio Pollini (3 de abril), un viejo amigo de este Ciclo del que recordamos algunos recitales memorables. Aguardamos lo que nos
pueda ofrecer ahora en su gran madurez.

La que sin duda adorna a raudales a esa gran dama del piano que es Elizabeth Leonskaja (15 de mayo), también vieja conocida, que se atreve, y no es la primera vez, y de una sentada, con las tres últimas Sonatas de Beethoven. Su toque fino, su fraseo
elocuente siempre hacen maravillas en estas composiciones.

No menos enjundioso es el programa que anuncia el tantos años ausente Paul Lewis (18 de junio): también tres últimas Sonatas, en este caso, y la labor no es menos compleja, de Schubert: De 958, 959 y 960.

Como complemento a este gran cartellone, asimismo en el Auditorio Nacional, pero en su sala de cámara, se dan cita tres jóvenes intérpretes: Claire Huangci (22 de noviembre: Schubert, Rachmaninov, Gershwin), Leo de Maria (16 de enero: Mozart, Chopin, Granados, Ravel, Scriabin y Prokofiev) y Francesco Granata (29 de mayo: programa por definir).

El tenor cordobés Pablo García-López, en el papel de Albazar, vuelve al Teatro Real, en esta ocasión con Il Turco in Italia, de Gioachino Rossini. La nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la Ópera de Lyon y el New National Theatre Tokyo se estrena el próximo 31 de mayo y estará en cartel hasta el 12 de junio. Diez funciones donde el cantante cordobés compartirá escenario con Lisette Oropesa, Alex Esposito, Florian Sempey, Misha Kiria, y Edgardo Rocha, entre otros. Esta delirante comedia contará con la dirección de escena del reconocido y experimentado maestro de la comedia Laurent Pelly, y la dirección musical de Giacomo Sagripanti.

Estrenada originalmente el 14 de agosto de 1814 en la Scala de Milán, con libreto de Felice Romani, basado en el libreto de Caterino Mazzolà, este dramma buffo rossiniano en dos actos nos narra las desventuras de Selim, príncipe turco, cuando llega a Nápoles y flirtea con Fiorilla, casada con el mentecato Don Geronio.

Sobre su personaje en Il Turco in Italia Pablo García- López comenta “Es un gusto para mí volver al Teatro Real, y además es más especial si cabe porque la última vez que se representó Il Turco en Madrid, (teatro de la Zarzuela 1991), Albazar tuvo la voz de mi maestro Juan Luque”.

Pablo García-López, una carrera en alza
Tras su participación en Il Trittico, y en Les Nuits d’etè de Héctor Berlioz, Pablo García-López prosigue una temporada en la que su nombre figura en algunos de los títulos más comentados de los últimos meses, como Hadrian de Rufus Wainwright en el Teatro Real o el Orphée de Philip Glass a las órdenes del director de escena Rafael R. Villalobos en la nueva producción del Teatro Real y de Teatros del Canal o La Tarara/123, un recital junto a la pianista Rosa Torres-Pardo en el Teatro Villamarta de Jerez con canciones populares de Federico García López.

Como broche final a la temporada estival, el tenor recalará en el Festival Internacional de Krumlov para ofrecer un concierto junto a solistas españoles de la talla del guitarrista Rafael Aguirre, la soprano Beatriz Díaz junto a la Filarmónica de Praga, dirigida por Manuel Hernández-Silva.

Recientemente, la Real Academia de Ciencias, Bellas Letras y Nobles Artes de Córdoba ha reconocido como académico Pablo García-López por su carrera artística y aportación al mundo de la cultura.

Esta noche ha tenido lugar la Gala Concierto de la segunda edición de los Premios Teatro Real, unos galardones que, en palabras de Gregorio Marañón, presidente de la institución, “representan el necesario reconocimiento que una sociedad desarrollada debe darle a la cultura y al arte, a la belleza y al talento, en nuestro caso, sobre un escenario lírico”.

La velada ha contado con Anne Igartiburu como maestra de ceremonias, y ha reunido en el escenario a grandes nombres como Ivor Bolton, Andrés Máspero y Fernando Palacios, premiados en el apartado institucional, y Deborah Warner, Calixto Bieito y Anthony Roth Costanzo, en el artístico.

Gregorio Marañón ha entregado el primer premio de la noche al director musical de la institución, Ivor Bolton, uno de los responsables de la excelencia de la Orquesta Titular del Teatro Real, quien ha recibido el galardón en medio de una larga y cálida ovación del público asistente. Bolton ha dedicado el premio a su “querido Teatro Real” y “a la orquesta, a la que he visto evolucionar a lo largo de estos años hasta situarse hoy en día entre las mejores de Europa”.

Andrés Máspero, quien culmina, en la presente temporada, un recorrido profesional de trece años al frente del Coro Titular del Teatro Real, recibió su premio de manos de Matilde García Duarte, coordinadora general de la Alcaldía de Madrid, en representación del Alcalde de Madrid. Máspero ha tenido especiales palabras de elogio y cariño para los 51 componentes del Coro Titular, para sus colaboradores y para todos lo que hacen posible el trabajo cada día..

La catedrática, académica y patrona del Teatro Real, Begoña Lolo, entregó el tercer premio institucional a Fernando Palacios, asesor del Real Junior desde su creación, donde también ha colaborado como director, guionista e intérprete en diversos espectáculos. Palacios ha destacado el valor del premio por lo que representa como respaldo al proyecto educativo de la institución y a la creación de nuevos públicos que entren por esa puerta hacia el futuro.

Llegaba entonces el momento de los Premios Artísticos. Dos directores de escena con personalidad indiscutible, Deborah Warner, vinculada al Real con la premiada producción Billy Budd y la conmovedora Peter Grimes, y Calixto Bieito, inolvidables sus propuestas en el escenario madrileño de Wozzeck, Die Soldaten, Carmen y El ángel de fuego. Recogieron el galardón de manos del director general del Teatro Real, Ignacio García-Belenguer, y de la patrona del Teatro Real y secretaria de Estado de Presupuestos y Gastos, María José Guada, respectivamente.

Deborah Warner ha dedicado sus palabras a todo el equipo del Teatro Real por “hacer de este espacio el mejor lugar para trabajar, por el enorme cuidado hacia los artistas y el proceso creativo, por poner todos los medios a tu alcance y, a la vez, hacerte sentir en familia”. “He sido extremadamente feliz trabajando aquí”, ha remarcado.

“La ópera es el arte del futuro” ha afirmado Bieito y, recogiendo las palabras de Warner, ha destacado la labor de todos los que forman el Real: “Nadie es capaz de hacer nada solo y aquí habéis creado un espacio de arte”

El director artístico del Teatro, Joan Matabosch, hacía entrega del último premio al contratenor estadounidense Anthony Roth Costanzo –memorables sus interpretaciones de Apolo, en Muerte en Venecia, o Armindo, en Partenope- quien ha manifestado: “el Teatro Real me encanta, no sólo por la calidad de su música, del teatro y del arte, que hacen al nivel más alto, sino por las personas que están y son como una familia y te hacen sentir parte de ella”.

Tras sus palabras, salpicadas de enorme simpatía, y acompañado al piano por Bryan Wagorn, ha interpretado arias de y canciones de Georg Friedrich Händel, Franz Liszt, Fernando Obradors, George Gershwin y Philip Glass, que han puesto fin a una noche de emoción.

Fotografía © Javier del Real | Teatro Real

Les Arts clausura su temporada lírica con un título inédito en su repertorio: ‘Ernani’, la primera gran ópera de un joven Giuseppe Verdi, que se estrena el próximo 7 de junio en la Sala Principal.

Jesús Iglesias Noriega ha presentado hoy ‘Ernani’ en compañía de su director musical, Michele Spotti, y de Andrea Bernard, director del nuevo montaje que Les Arts ha coproducido con La Fenice de Venecia, el mismo teatro que encargó y estrenó esta ópera de Verdi.

Según ha indicado el director artístico de Les Arts, ‘Ernani’ supone una apuesta por ampliar el repertorio del compositor de Busseto, pilar fundamental de la programación, “con un título imprescindible en su trayectoria, pero todavía inédito en València, que presentamos con los máximos estándares artísticos”. ‘Ernani’, ha apuntado, es capital en el repertorio de Verdi por muchos motivos: su primera ópera de temática española, la primera basada en la obra de Victor Hugo y el inicio de la fructífera colaboración con el libretista Francesco Maria Piave, autor de algunos de los mayores éxitos del italiano como ‘Rigoletto’ o ‘La traviata’. “Pero, por encima de todo, ‘Ernani’ es una obra maestra. Por un lado, nos encontramos ante una partitura de música exuberante, llena de vigor y frescura, con arias, dúos y escenas corales de extraordinaria belleza, en la que se adivinan obras posteriores como ‘Il trovatore’ o ‘La traviata’. Por otro, es difícil no dejarse llevar por el indiscutible magnetismo de la historia de ‘Ernani’, en la que tres hombres pierden la cabeza por una misma mujer y donde convergen toda la fuerza de los elementos del drama verdiano: honor, pasión, amor, celos y venganza”, ha indicado Iglesias Noriega.

Michele Spotti asume la dirección musical de ‘Ernani’. Con tan sólo 29 años, el joven maestro milanés ostenta la titularidad de la Ópera y la Orquesta Filarmónica de Marsella desde la temporada 2023/24, y está considerado como uno de los directores con más proyección del país transalpino. Con una importante presencia en el circuito de teatros de ópera europeos, destaca por su agenda sinfónica en su Italia natal.

Andrea Bernard es responsable de la puesta en escena, con escenografía de Alberto Beltrame, vestuario de Elena Beccaro e iluminación de Marco Alba. El ascendente ‘regista’, que ha sido colaborador de Pier Luigi Pizzi, Damiano Michieletto y Julia Burbach, emergió en el panorama internacional al obtener el Premio Europeo de Dirección de Ópera en 2016. Entre sus trabajos más destacados se incluyen producciones de ‘Lucrezia Borgia’, ‘Carmen’, ‘L’italiana in Algeri’ o ‘La Cenerentola’.

En su puesta en escena de ‘Ernani’, Andrea Bernard ha optado por mantener una ambientación histórica, pero a través de una reinterpretación contemporánea, para dar más claridad a la identidad de los personajes y al contexto histórico, e incluso político, de sus acciones.

Iglesias Noriega ha subrayado, además, que otra de las particularidades de ‘Ernani’ es el exigente elenco protagonista que demanda. Para su primera representación en València debuta en el teatro de ópera valenciano una de las grandes divas del panorama lírico: la soprano estadounidense Angela Meade, que canta el papel de Elvira. Requerida por los principales teatros para interpretar los roles más temidos del repertorio belcantista del siglo XIX y de las óperas de Verdi, es la indiscutible reina del Metropolitan de Nueva York.

Tras su intervención en ‘Madama Butterfly’ en 2021, regresa a Les Arts Piero Pretti en el rol de Ernani, que ya cantó con éxito en el estreno de este mismo montaje en Venecia. Nombre imprescindible en los repartos de ópera italiana en Milán, Londres, Nueva York, París y Viena, el tenor sardo es uno de los artistas con más proyección de su generación.

Debuta también en Les Arts otro artista de referencia, el italiano Franco Vassallo (Don Carlo), que tras consolidar su carrera como uno de los grandes intérpretes del ‘bel canto’ romántico se erige como uno de los barítonos verdianos más importantes de la actualidad.

Cierra el cuarteto protagonista el bajo Evgeny Stavinsky. El cantante moscovita vuelve a interpretar a Don Ruy Gómez de Silva después de la excelente acogida que tuvo con este papel ante el exigente público de la Ópera de Roma, en la temporada pasada.

El reparto de ‘Ernani’ se completa con las voces de Javier Castañeda (Jago) y la ‘mezzosoprano’ del Centre de Perfeccionament Laura Orueta (Giovanna). Les Arts estrena ‘Ernani’ el miércoles 7 de junio con más representaciones los días 10, 13, 16 y 18 de ese mismo mes. Asimismo, el preestreno para menores de 29 años tendrá lugar el próximo 4 junio.

Ernani_Les_Arts©MikelPonce

Giacomo Sagripanti lleva dirigiendo desde hace varias temporadas en algunos de los teatros españoles más importantes, desde el Palau de Les Arts de Valencia al Gran Teatre del Liceu de Barcelona –donde ha dirigido tres producciones–, pasando por el Teatro de La Maestranza de Sevilla, la Ópera de Oviedo y Abao Bilbao Opera. Ahora es el turno del Teatro Real de Madrid, a cuyo podio subirá de la mano de Rossini los días 31 de mayo y 1, 2, 3, 4, 6, 7, 9, 11 y 12 de junio para ponerse al mando de un nuevo montaje de Il turco in Italia, en coproducción con la Ópera de Lyon y el New National Theatre Tokyo, con la firma, en el apartado escénico, de Laurent Pelly.

El maestro Sagripanti, recientemente nombrado director titular de la Ópera Estatal de Tbilisi (Georgia), ha dirigido el pasado mes de marzo cinco funciones de la misma ópera rossiniana en la Staatsoper de Hamburgo, y asegura estar “expectante” ante su debut en el Teatro Real. “En mi carrera España ha sido un factor fundamental, habiendo ya dirigido en varios teatros y en las temporadas de la Simfònica de Balears y de la de Sevilla. Afortunadamente lo seguirá siendo en los próximos años. Siempre he sentido una gran cercanía y conexión con el público de ciudades como Barcelona, Bilbao, Valencia o Sevilla, sin olvidar a Oviedo o Palma. Allí me he encontrado con grandes artistas y con orquestas y coros de calidad”, confiesa el director nacido en Abruzzo. “Todo el mundo me ha hablado maravillas del Teatro Real y de sus profesionales, algo que he podido comprobar en estos días de ensayos. Debuto, además, en las mejores condiciones, en una nueva producción, con dos repartos extraordinarios y en un dramma buffo con una partitura complicada pero chispeante, con una ópera que habla de amor y celos, con situaciones cómicas, sarcásticas y trepidantes, al más puro estilo rossiniano. Una comedia de enredos escrita por un genio de solo 22 años y con un libreto, de Felice Romani, transgresor para su época”.

Para las diez funciones que dirigirá en el Teatro Real el maestro contará con dos repartos integrados por Lisette Oropesa y Sara Blanch (que se alternan como Fiorilla), Alex Exposito y Adrian Sampetrean (Selim), Edgardo Rocha y Anicio Zorzi Giustiniani (Don Narciso), Misha Kiria y Pietro Spagnoli (Don Geronio), Florian Sempey y Mattia Olivieri (Prosdocimo) y Paola Gardina y Olga Syniakova (Zaida), además del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

En la temporada 2022-23, el calendario de Giacomo Sagripanti –en el que se combina ópera y repertorio sinfónico–, lo ha llevado a la Wiener Staatsoper (Il Barbiere di Siviglia y Tosca), ABAO Bilbao Opera (I Puritani), Orchestra Sinfonica Siciliana (Brahms), Orquestra Simfònica de les Illes Balears (Berlioz, Stravinsky y Brahms), Teatro Petruzelli de Bari (La Traviata y un concierto con obras de Berlioz, Arcá y Shostakovich), Deutsche Oper de Berlín (Don Giovanni), Smetana Hall de Praga y Philarmonie de París (gala lírica con Pretty Yende y Nadine Sierra), Théâtre des Champs-Élysées de París (I Puritani), además de Il turco in Italia en Hamburgo y Madrid.

En lo que queda de temporada le espera Otello en el Teatro Petruzzelli de Bari.

En agosto dirigirá Il Trovatore con Anna Netrebko en el Teatro Colón de Buenos Aires e iniciará el próximo curso en septiembre con La Sonnambula en la Staatsoper de Viena, Beatrice di Tenda en el Teatro San Carlo de Nápoles y La Bohème y un concierto sinfónico con Brahms y Dvořák en el Teatro Petruzzelli y La Traviata en la Opéra National de Paris.

Para 2025 le espera su debut en el Metropolitan Opera de Nueva York, además de su regreso a teatros como el Liceu de Barcelona (La Cenerentola), a la Royal Opera House de Londres, al Festival Rossini de Pésaro y varios conciertos sinfónicos en España, Francia, Estados Unidos, Georgia e Italia.

Fotografía: Lorenzo Montanelli

Lucía Álvarez “La Piñona” no es una bailaora convencional. Lo demostró hace tres años, cuando pisó por primera vez el escenario de Flamenco Real y, ahora, con su nuevo espectáculo Desvaríos, desplegará un abanico de emociones con su arte personalísimo, en el mismo espacio, los días 31 de mayo y 1 y 2 de junio.

Sin influencia de tendencias o modas, sin exhibición banal de su excelente técnica o necesidad perentoria de trascender, La Piñona se mueve con libertad tanto en la ejecución de la danza, como en la creación de sus coreografías. Sobre las tablas quiere contar experiencias, vivencias y sentimientos, lo que la vida va transformando dentro de ella misma. Desvaríos es un punto de partida, un proyecto abierto en el que va explorando su baile y sus límites, llevando el cuerpo tanto a su máxima expresión como al vacío absoluto, desde lo sensorial, lo intuitivo. Los «desvaríos» son piezas que van cambiando y mutando según lo hace la bailaora, así, cada «desvarío» es único e irrepetible. Esta propuesta apuesta por lo sencillo. Es salvaje, natural. Más que enseñar, es compartir un viaje por los sentidos, por el cuerpo y por el espacio de artistas y público.

La Piñona comparte estos desvaríos con la complicidad de tres excelentes músicos: Ezequiel Montoya y Jesús Corbacho en el cante, y Ramón Amador en la guitarra.

Estos Desvaríos nacen como parte del proceso creativo de su último trabajo Insaciable, “un destape emocional, corporal y artístico” en el que Lucía Álvarez ‘La Piñona’ hurga en sí misma para exponerse tal y como es y que llevará durante este 2023 y 2024 a los principales escenarios y festivales flamencos nacionales e internacionales.

Sin raíces de estirpe flamenca, pero con una profunda afición, Lucía Álvarez “La Piñona”, nacida en Jimena de la Frontera (Cádiz), ha ido construyendo una sólida trayectoria en los principales tablaos, escenarios y festivales flamencos nacionales e internacionales, colaborando con grandes artistas como Arcángel, Esperanza Fernández o Manuel Liñán, y participando en compañías como el Ballet Flamenco de Andalucía.

Tras recibir en 2011 el Desplante en el 51 Festival de La Unión (Murcia), así como el Primer Premio de la Federación de Entidades Flamencas de Sevilla en 2009, la bailaora impulsa su carrera en solitario recibiendo el aval de la crítica y del público gracias a propuestas como Emovere, estrenada en el Festival de Jerez y con la que obtiene una candidatura en los premios MAX y dos nominaciones a los Premios LORCA; Recital, estrenada en el Festival Flamenco de Toulouse (Francia); Abril, que presentó en la Bienal de Flamenco de Sevilla 2020 y en el 2022 Festival de Jerez con excelente acogida y el más reciente Insaciable, que llevará este 2023 y 2024 por los principales escenarios y festivales flamencos nacionales e internacionales. Además de proyectos diversos como la performance Flamenco Experimental. Rosario Escudero de Pedro G. Romero que desarrolla en museos.

Ahora, será el Salón de Baile del Teatro Real el escenario de esta nueva propuesta tan diferente como ella, Desvaríos.

Fotografía (c)JuanluVela

Entre el 31 de mayo y el 12 de junio se ofrecerán 10 funciones de Il turco in Italia, de Gioachino Rossini, en una nueva producción del Teatro Real que se estrenará en su escenario y posteriormente se presentará en los teatros coproductores: la Opéra de Lyon y el New National Theatre Tokyo.

Laurent Pelly, gran maestro de la comedia y muy querido por el público del Teatro Real –donde ha dirigido La fille du régiment (2014), Hänsel und Gretel (2015), El gallo de oro (2017), Falstaff (2019) y Viva la Mamma! (2021)–, traslada la trama de la ópera al universo melodramático, previsible y dulzón de las fotonovelas de los años cuarenta.

Fiorilla, avispada y coqueta protagonista de la ópera, adicta a la lectura de folletines, imagina una historia de amor trepidante y rebosante de erotismo, con un turco galán y seductor (Salim), que ‘desembarca’ en su vida y la mete en una serie de embrollos libidinosos con las parejas de ambos, en un continuo y jugoso juego de disfraces, bajo el cual laten los grandes dilemas del alma.

De esta desenfrenada comedia de enredo se aprovecha el altanero y miserable poeta Prosdocimo, que la transforma en la trama de su nueva obra, pero pierde el control sobre los personajes, manejados, en realidad, por Fiorilla, mujer libre, feminista y atrevida, singular en el repertorio lírico del siglo XIX, donde triunfan las figuras femeninas trágicas y víctimas de un destino hostil.

De hecho, Il turco en Italia, decimotercera partitura en el catálogo operístico de Gioachino Rossini (1762-1868) -y escrita antes de las grandes óperas que lo consagraron-, merece ser reivindicada por la calidad de su música y la modernidad de los temas que subyacen bajo la estructura formal del libreto de Felice Romani (1788-1865): un autor busca a sus personajes -de manera antagónica a la de Luigi Pirandello, un siglo después- los atrapa, manipula y se mezcla con ellos, pero la indómita protagonista le roba el devenir de la historia, utilizando su libertad y dejándose llevar por las pulsiones amorosas, en las que, como en Così fan tutte, reside la ‘verdad’ en un mundo de convenciones y disfraces.

Laurent Pelly utiliza los códigos formales y estéticos de la telenovela como estructura narrativa de la ópera, en la que se suceden escenas burlescas, dramáticas, risibles o turbadoras como los fotogramas melodramáticos y convencionales de las revistas femeninas de los años 60, evocadas en la escenografía kitsch y vintage de Chantal Thomas y en los figurines concebidos también por Pelly.

En la partitura de Rossini, estrenada en La Scala en 1814, las escenas se suceden de manera trepidante, pasando de atmósferas apasionadas a sombrías, exaltadas a nostálgicas, dramáticas a burlescas. Todo fluye en una ópera en la que abundan las cavatinas y los números de conjunto -dúos, trío, cuarteto, quinteto-. La brillante y acerada orquestación atrapa a los personajes para llevarlos en su torrente musical, en el que destacan las bellas y virtuosas líneas de canto de los protagonistas, sobre todo en los momentos de intimismo e introspección.

Un doble reparto de excelentes voces e imprescindibles dotes actorales dará vida a los divertidos personajes de la ópera: las sopranos Lisette Oropesa, Sara Blanch y Sabina Puértolas (Fiorilla), los bajos Alex Esposito y Adrian Sampetrean (Selim), las sopranos Paola Gardina y Chiara Amarù (Zaida), los barítonos Misha Kiria y Pietro Spagnoli (Don Geronio), Florian Sempey y Mattia Olivieri (poeta Prosdocimo), y los tenores Edgardo Rocha y Anicio Zorzi Giustiniani (Don Narciso) y Pablo García-López (Albazar).

Giacomo Sagripanti debutará al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, interpretando también al fortepiano (instrumento de cuerda percutida, antecesor del piano, en boga en la primera mitad del siglo XIX) los recitativos.

Il turco in Italia se presentará por primera vez en el renovado Teatro Real, en una producción poética, burlesca y nostálgica, en la que la risa, el descaro y el patetismo de la comedia esconden los sentimientos y pasiones más profundos del alma.

Fotógrafo: © Javier del Real | Teatro Real

AGENDA | ACTIVIDADES PARALELAS

25 de mayo, a las 20.15 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

Enfoques: con Giacomo Sagripanti (director musical de Il turco in Italia), Laurent Pelly (director de escena

de Il turco in Italia), Joan Matabosch (director artístico del Teatro Real) y Juan Lucas (musicólogo)

Participan: Pablo García-López (tenor), Susana García (soprano) y Riccardo Bini (piano)

31 de mayo – 31 de octubre | Teatro Real

Exposición de trajes de concierto de Teresa Berganza

Exposición con nueve trajes de concierto de Teresa Berganza, que recordarán a la gran mezzosoprano en el primer aniversario de su fallecimiento.

9 de junio, a las 19.30 horas | Canal Arte

Retransmisión en directo de Il turco in Italia

11 de junio, a las 12.00 horas | Teatro Real, Sala Principal

Domingos de cámara: solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real

Junio | Instituto Italiano de Cultura de Madrid

Encuentro: El metateatro en la ópera y dramaturgia italianas

Junio | Fundación SGAE

Ciclo de cine: El narrador a escena

16 de mayo a 15 de junio | Museo del Romanticismo

Microexposición y visita guiada

Microexposición de una tarjeta de visita firmada por Rossini y de una biografía de María Malibrán, que estrenó dicha ópera en Estados Unidos. Las visitas guiadas profundizarán en la vida de esta cantante y su familia.

Horarios en la web del Museo.

8 de julio | Museo Cerralbo

Concierto: Concierto de cumpleaños del XVII Marqués de Cerralbo, con repertorio de la época inspirado en sus viajes por Italia y Turquía

El célebre tenor peruano Juan Diego Flórez regresa a Les Arts doce años después de su última visita en 2011 para protagonizar un ineludible recital en la Sala Principal el domingo 28 de mayo a las 19.00 h.

Aunque el natural de Lima es reconocido como un virtuoso belcantista, en esta actuación abordará un amplio programa que explora diferentes épocas y estilos del canto lírico: desde el Renacimiento y el Barroco hasta el ‘bel canto’ y el verismo italiano.

De este modo, el que fue considerado por el mismo Pavarotti como su digno sucesor hará frente a una velada que incluye canciones del renacentista Giulio Caccini y el barroco Giacomo Carissimi, además de arias de óperas de Gluck (‘Paride ed Elena’), Rossini (‘Il signor Bruschino’, ‘Semiramide’), Lalo (‘Le roi d’Ys’), Gounod (‘Roméo et Juliette’), Donizetti (‘La favorite’), Verdi (‘Un ballo in maschera’, ‘Luisa Miller’) y Puccini (‘Le Villi’).

El regreso del “tenor de tenores” a Les Arts también genera una gran expectación por la batería de bises que siempre reserva para el final de sus recitales, que suelen incluir las piezas más emblemáticas de su repertorio.

Lo acompañará en la visita su pianista predilecto, Vincenzo Scalera, cuya longeva relación profesional con el cantante ha llevado al dúo por los teatros de ópera y salas de concierto más importantes del mundo, como las óperas de Viena y París, La Scala, el Carnegie Hall, el Teatro Real o el propio Palau de les Arts.

Scalera también interpretará obras para piano a lo largo del recital, como la ‘Danse Sibérienne’, de los ‘Péchés de vieillesse’ de Rossini; ‘Berceuse’, de la ‘Jocelyn’ de Godard, y el solo de piano ‘Foglio d’album’, de Puccini.

Flórez ha visitado el coliseo valenciano hasta en cuatro ocasiones diferentes en el pasado para ofrecer recitales y conciertos, entre los que destaca la colaboración que realizó con la Orquestra de la Comunitat Valenciana (OCV) para su álbum ‘Bel Canto Spectacular’, grabado en el Auditori en 2007.

Este recital pondrá fin al ciclo ‘Les Arts és Grans Veus’, que ha hecho posible traer esta temporada a cantantes de primerísimo nivel y tan renombrados como la ‘mezzosoprano’ Cecilia Bartoli, que realizó su esperado debut en Les Arts el noviembre pasado, o el propio Juan Diego Flórez.

Les Arts informa de que todavía quedan a la venta las últimas entradas para este concierto.

Es uno de los retos más ambiciosos que ha asumido en su ya larga trayectoria. Reconocido como “un saxofonista soberbio, con un control completo de su instrumento” por Fanfare Magazine, Joan Martí-Frasquier, que ya ha estrenado más de 60 obras de diversos géneros, es un maestro en el saxofón barítono, instrumento con el que ahora mira al más grande de los compositores del Barroco, Johann Sebastian Bach. ¿Un saxo tocando a Bach? Eso es. Y no cualquier obra, sino que las veneradas Suites para violonchelo solo, BWV 1007-1012 (1717-1723). “Desde que las escuché por primera vez, siempre me he preguntado qué tipo de música escribiría Bach –mi compositor favorito– para un instrumento inventado casi un siglo después de su muerte. Si Bach viviera en nuestros días, ¿qué y cómo compondría aprovechando la rica paleta del saxo?”, se cuestiona Martí-Frasquier.

La idea fue tomando forma y, entre 2017 y 2023, el músico catalán comenzó a incluir melodías bachianas en sus conciertos para, más tarde, llevarlas al estudio de grabación. Así, justo 300 años después de la composición de estas obras maestras de la Historia de la Música, regresan ahora a la vida con una paleta tímbrica completamente diferente. “Para esta grabación escogí un movimiento de cada suite y conservé la estructura original: Prelude, Allemande, Courante, Sarabande, Bourrées I-II y Gigue. También decidí mantener las tonalidades originales para evitar algunos cambios que inevitablemente se hubieran dado al transcribirlas. Tras múltiples adaptaciones me pareció oportuno interpretar esta música con un criterio histórico, aunque se trate de un instrumento moderno”, explica.

El resultado es Suites. A tribute to Bach’s cello suites (Solo Musica), un EP –Extended Play, un mini álbum de duración media– grabado en el Auditori Josep Carreras de Vila-seca (Tarragona) el 24 de febrero de este año. Las piezas llegaron a los micrófonos tras años de rodaje en actuaciones en vivo en salas de España, Francia, Alemania o Italia, siempre sorprendiendo al público con una música que, aun teniendo tres siglos de antigüedad, sonaba a nueva. Es el genio de Bach. En el disco se incluye, además un Postlude, un bonus track que, según explica el músico, “no es más que una improvisación sobre el Preludio de la Suite Nº 1, quizás el más popular de estos movimientos, pero utilizando técnicas extendidas más propias de la música contemporánea”. El resultado es sorprendente.

Gracias a Bach Joan Martí-Frasquier siente que ha crecido como intérprete. “El estudio de estas Suites durante mi carrera me ha dado un conocimiento mucho más detallado de mi instrumento y una visión más amplia como músico, siendo además el contrapunto (nunca mejor dicho, hablando de Bach) ideal a mi repertorio habitual de música contemporánea. No sé si este tributo, hecho desde mi mayor respeto y admiración a Johann Sebastian Bach, responderá a las preguntas expresadas más arriba pero espero que dé ideas para nuevos planteamientos”, asegura.

Suites. A tribute to Bach’s cello suites está online desde el pasado 19 de mayo. Próximamente le esperan Martí-Frasquier un concierto en el Festival Internacional I Concerti del Principe de Loano (Italia) y colaboraciones con el Morphosis Ensemble en diferentes ciudades de Mallorca, así como en Reus (Tarragona) y Barcelona.

El próximo 30 de mayo, el famoso conjunto italiano dirigido por el clavecinista Ottavio Dantone interpretará Il Tamerlano overo la norte di Bajazet [RV 703], de Vivaldi (1678-1741) en el Palau de la Música Catalana. La Accademia Bizantina presentará esta tragedia per musica en tres actos con libreto de Agostino Piovene estrenada en el Teatro Filarmonico de Verona durante el Carnaval de 1735 con el mismo reparto con el que realizó la grabación de esta obra para The Vivaldi Edition del sello discográfico Naïve Classique: el barítono Bruno Taddia (Bajazet), el contratenor Filippo Mineccia (Tamerlano), la contralto Delphine Galou (Asteria), la mezzosoprano Sophie Rennert (Irene), la mezzosoprano Marina de Liso (Andronico) y la soprano Arianna Vendittelli (Idaspe).

Tras el éxito cosechado en varios teatros italianos (Ravenna, Piacenza, Reggio Emilia, Modena y Lucca) con una nueva producción de Il Tamerlano firmada por Stefano Monti, la Accademia Bizantina y Ottavio Dantone llegan al ciclo “Palau Ópera”, con una versión en concierto de este pasticcio, que reúne música de diversos compositores. “El género del pasticcio era un género muy apreciado en la época, porque al ser una creación a varias manos, presenta una gran variedad musical y estilística. Además, reunía las arias más populares que gustaban al público de la época, y era una forma de arte de gran nivel. En Il Tamerlano, podemos apreciar una marcada caracterización de los personajes; por ejemplo, Vivaldi escribe las arias de los personajes buenos como Bajazet y su hija Asteria, mientras que Hasse, Giacomelli y Broschi, los otros compositores de este pasticcio, se encargan de los personajes negativos”, señala Ottavio Dantone, director artístico y musical desde 1996 del conjunto italiano con sede en Ravenna.

Clip de “Il Tamerlano” de Vivaldi con Accademia Bizantina y Ottavio Dantone:

Con una imagen totalmente renovada, que apuesta por el contenido audiovisual e interactivo, la Accademia Bizantina Orchestra está celebrando cuarenta años de actividad, con numerosos conciertos y proyectos discográficos, en los que sigue haciendo gala de su característica filosofía interpretativa basada en el riguroso estudio de los códigos retóricos y estéticos de la época para transmitir al público de hoy las emociones de la música del pasado.

El próximo 29 de mayo, a las 20:00 horas, tendrá lugar la Gala Concierto de la segunda edición de los Premios Teatro Real que reconocerá, en la categoría institucional, a tres grandes personalidades que, con su trabajo, entrega y dedicación, han contribuido a la calidad artística, pedagógica y al prestigio del Teatro Real: Ivor Bolton, director musical; Andrés Máspero, director del Coro, y Fernando Palacios, pedagogo musical, director y presentador de los talleres ¡Todos a la Gayarre!.

Vinculado al Teatro Real como director musical desde septiembre de 2015, Ivor Bolton es uno de los responsables de la excelencia de la Orquesta Titular del Teatro Real, con una reconocida plasticidad y flexibilidad interpretativa, que le permiten abordar con grandísima competencia distintos estilos, lenguajes y épocas musicales. Sus interpretaciones, sonido y entrega son hoy aclamados por el público y la crítica nacional e internacional.

Junto a él, Andrés Máspero, quien culmina, en la presente temporada, un recorrido profesional de trece años al frente del Coro Titular del Teatro Real, deja magníficas críticas de la prensa especializada, el calor y aplauso del público y el reconocimiento internacional con el premio Konex de Platino 2019 otorgado por la Fundación Konex de Argentina o la nominación del Coro a los International Opera Awards.

Polifacético, creativo y lleno de energía, Fernando Palacios forma parte del Real Junior desde su creación, donde, además de su trabajo como asesor, ha colaborado como director, guionista e intérprete en diversos espectáculos. Ha creado y dirigido el ciclo ¡Todos a la Gayarre! -taller de introducción a la música destinado a los niños y sus familias desde el humor y la participación activa de los espectadores-, que lleva más de 10 años seduciendo y fidelizando al público infantil.

Los tres recibirán, el 29 de mayo, la escultura creada por Cristina Iglesias para los Premios Teatro Real, y se unirán a los galardonados en la categoría artística, cuyos nombres se darán a conocer a lo largo de la velada.

La Gala contará con la participación del contratenor estadounidense Anthony Roth Costanzo quien, acompañado por el pianista Bryan Wagorn, interpretará arias y canciones de Georg Friedrich Händel, Franz Liszt, Fernando Obradors, George Gershwin y Philp Glass. (ver programa adjunto).

Fotografía © Javier del Real | Teatro Real

La soprano madrileña Guiomar Cantó, uno de los grandes talentos de su generación, debuta el próximo 4 de junio en el Festival de Música de Lancut (Polonia) junto al prestigioso barítono polaco Artur Rucinski. El programa contará con un repertorio de arias y dúos de ópera de títulos tan emblemáticos como La Bohème, Romeo y Julieta, Macbeth o Don Giovanni.

Además, en esta velada Guiomar Cantó estrenará dos canciones con textos de Federico García Lorca del compositor italiano Franceso Bottigliero quien le acompañará al piano.

El Festival de Lancut que este año celebra su 62ª edición, reúne desde hace décadas a los grandes de la música clásica. Para Guiomar Cantó participar en este Festival supone “una oportunidad extraordinaria en mi carrera compartir escenario con una figura como Rucinski y un orgullo que en mi repertorio se hayan incluido las composiciones musicales de Bottigliero sobre Poemas de Lorca, nuestro poeta más internacional»

Tras el certamen polaco, Guiomar Cantó recalará en Madrid para debutar en Carmina Burana de Carl Orff junto a Orquesta Iuventas, la Coral Santiago Apóstol y el Coro de la Universidad Politécnica de Madrid. Este concierto que se celebrará el 10 de junio en la iglesia de Ntra. Sra. del Rosario de Filipinas, se enmarca en la temporada de la Orquesta Iuventas, que fue creada en el año 1986 por Rubén Fernández en el seno de la escuela de música Arcos.

Sobre Guiomar Cantó

En esta temporada Guiomar Cantó ha hecho su debut en el Auditorio Nacional donde este año va a cantar en 4 ocasiones con diferentes orquestas y repertorios. Además este 2023 cantará los roles de Musetta, Violetta, Micaela y la Contessa en diferentes teatros de la geografía española. En cuanto a lo sinfónico cantará próximamente Réquiem de Mozart y Carmina Burana. Como buena amante de la música de su país ha cantado con la orquesta filarmónica de Oviedo en un programa de zarzuela y debutó este invierno en el rol de Ascensión de la zarzuela de «La del Manojo de Rosas». Ha vuelto en mayo al Auditorio Nacional con un programa de música madrileña junto a grandes figuras de la lírica española y tiene programados conciertos en festivales fuera de España por lo que sigue abriéndose camino en los teatros nacionales e internacionales, consolidándose como uno de los grandes talentos de su generación.

De técnica sólida y voz versátil, Cantó comenzó con una base de formación pianística con el pianista y compositor Manuel Carra complementándola con los estudios de Derecho y ADE y realizando su formación vocal en la Escuela Superior de Canto de Madrid. Ha trabajado con maestros y cantantes como Virginia Zeani, Dolora Zajick, Alberto Zedda, Barbara Bonney, Carlos Chausson, Mariella Devia, Raúl Giménez, Francisco Araiza, Anna Tomowa-Sintow, Carlos Aransay y Giulio Zappa. Perfecciona sus estudios vocales y de repertorio bajo la dirección del maestro Luca Fonte, heredando así los lineamientos técnicos, estéticos y filosóficos de la escuela romántica Italia.

62º FESTIVAL MÚSICA DE ŁAŃCUT

4 DE JUNIO DE 2023 – 19:00 h

SALA DE BAILE DEL MUSEO DEL CASTILLO

Intérpretes

ARTUR RUCIŃSKI – barítono
GUIOMAR CANTÓ – soprano
FRANCESCO BOTTIGLIERO – piano

REGINA GOWARZEWSKA – palabra

El II Premio de Composición del Teatro de la Zarzuela y el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid (RCSMM) ya tiene las cinco obras ganadoras que, como ya se anunciaba en las bases, integrarán el programa del concierto que bajo el título ‘Música española contemporánea’ ofrecerá el lunes 12 de junio el Trío Arbós dentro del ciclo Notas del Ambigú.

El jurado designado por ambas instituciones, que destaca el “alto nivel” de todas las composiciones presentadas, ha acordado por unanimidad premiar las obras ‘Shower meditatios’ de Jorge César Iglesias Ramiro, ‘Reminiscencias’ de Sebastián Izquierdo, ‘Minuit toujours arrive’ de Adrián Velasco, ‘Como el vidrio’ de Alejandro Chaves Lisbona y ‘Todo es posible en el agua’ de Ángel de la Hera Rodríguez.

Dicho jurado estaba integrado por la catedrática de composición del RCSMM Consuelo Díez Fernández, el director del Coro Titular del Teatro de la Zarzuela, Antonio Fauró, el director adjunto del Teatro de la Zarzuela, Miguel Galdón, y el catedrático de Composición del RCSMM Enrique Rueda Frías.

Asimismo, el papel del reconocido compositor y miembro del Departamento de Composición y Tecnología Musical del RCSMM, José María Sánchez-Verdú, ha sido una vez más esencial para el buen desarrollo del certamen.

Dedicado sobre todo a la música contemporánea, Joan Martí-Frasquier ha decidido hacer un homenaje a uno de sus compositores preferidos, Bach, y lo ha hecho con su saxo barítono. Nos demuestra así, la versatilidad de su instrumento y la actualidad de la obra de uno de los músicos más universales.

Brío Clásica: Teniendo en cuenta que cuando Bach realizaba sus composiciones no existía el saxo, ¿cómo ha sido la adaptación de las Suites a este instrumento? ¿ha tenido que realizar algún trabajo de reescritura?

Joan Martí-Frasquier: Pienso que la música de Johann-Sebastian Bach es tan universal que está por encima de épocas e instrumentos. Yo siempre he tocado estas Suites con la partitura original para violoncelo sin cambiar nada, a excepción de alguna articulación que iba mejor para el saxofón barítono. Lo único que no toco tal como está escrito es la polifonía (por razones organológicas obvias, aunque con mi instrumento se pueden tocar dobles octavas), omitiendo entonces las dobles cuerdas y tocando los acordes en arpeggiatto.

B.C: Usted es un músico polifacético en cuanto a género se refiere, pero principalmente se interesa por la música electroacústica contemporánea, ¿Qué le aporta la música de Bach, más libertad o más disciplina?

J.M.F: Para mi, toda la música, independientemente del compositor y de la época, conlleva ambos aspectos: disciplina y rigor en el trabajo para que el resultado sea inteligible, y libertad dentro el estilo para que la interpretación sea lo más orgánica posible. En este caso, el estudio profundo de las suites ha exigido una aproximación a mi instrumento en aspectos técnicos e interpretativos muy diferente a la de mi repertorio habitual.

B.C: Siempre he pensado que para la música contemporánea hay que tener un oído aventurero y estoy segura de que el público que asiste a sus recitales lo tiene, ¿cómo reaccionan ante su interpretación de las suites de Bach?

J.M.F: Tener “oído aventurero” y también una mente abierta, pero no sólo con la música contemporánea. Ir a un concierto y no hacer una escucha activa no sirve de nada. Cuando toco Bach en concierto siempre lo combino con música original de nuestro tiempo para saxofón barítono. Yo pienso que el público se sorprende gratamente al escuchar un repertorio tan diferente tocado con un instrumento tan versátil. El hecho de encontrar más afinidades que diferencias entre el violoncelo y el saxofón barítono, quizás es lo que hace que el público siempre responda tan bien.

B-C: ¿Cómo se siente más cómodo en el escenario, usted solo con su instrumento o acompañado de orquesta?

J.M.F: Siempre me siento bien en un escenario, ya sea tocando solo, como solista o formando parte de una agrupación camerística u orquestal. Quizás tocando solo, uno siente más la libertad y el compromiso de estar transmitiendo sus ideas y moldeando los sonidos. Tocar en conjunto añade esa complicidad y esa energía compartida que se produce cuando se forma parte de un colectivo.

B.C: ¿Piensa adentrarse a partir de ahora en interpretar más obras de compositores clásicos como Bach? ¿algún otro en mente?

J.M.F: El proyecto de llevar a Johann-Sebastian Bach (uno de mis compositores admirados) al escenario y grabarlo más tarde, ha sido más bien una necesidad personal y sobretodo un reto artístico que se han dado en un momento concreto, coincidiendo con los 300 años de la composición de sus Suites para violoncelo solo. En estos momentos no sabría decirte si habrá algún otro “clásico” más en el futuro ya que tengo otras ideas y planes con música de nuestros días.

B.C: Seguro que quiere llegar al mayor número de aficionados a la música posible con este nuevo trabajo, ¿a quién cree que puede sorprender más, al público que mejor conoce su trabajo, más aficionado a la música contemporánea, o a un enamorado de Bach?

J.M.F: A mi me gustaría llegar y sorprender (gratamente, claro) a un público lo más amplio posible para que aceptara por igual ambos estilos de música (en definitiva, los estilos y las épocas tienen unas características que deberían servirnos para clasificar la música, no para “etiquetarla”). También para que se reconociera un instrumento que no goza de la misma asiduidad en los escenarios que tienen otros, muchas veces por motivos extra-musicales. Pero sobretodo para que los promotores de conciertos actualicen y normalicen sus programaciones atendiendo a la mayor diversificación de artistas y propuestas de nuestros días: ¿cómo va a venir público nuevo a los conciertos si siempre se toca lo mismo?

B.C: El disco sorprende por original, nunca había escuchado a Bach al saxo y suena muy bien. Además de la novedad, ¿qué puede aportar esta versión a un aficionado a la música clásica?

J.M.F: Muchas gracias por su comentario. La verdad es que no me he planteado qué puede aportar esta versión. Podría responder con un tópico como “esta grabación la hice con la intención de proponer una escucha diferente a lo que el público espera de un instrumento de viento más asociado a la música contemporánea o al jazz, y con un timbre muy diferente al de los instrumentos históricos”, pero dejaré que sea el/la oyente quien lo decida.

B.C: Háblenos de sus próximos conciertos y si podremos verle en Madrid.

J.M.F: El sábado 27 de mayo estaré en el festival internacional “I Concerti del Principe” de Loano (Italia) tocando Bach junto a música original para saxofón barítono y piano de Albena Petrovic con la misma compositora. En junio tengo otros conciertos con otro repertorio y a mediados de julio presentaré SUITES en la Academia Mestral, un curso de verano que organiza el cuarteto de saxofones Kebyart en Altafulla (Tarragona). En estos momentos estoy concretando fechas para presentar este homenaje a Bach la próxima temporada. Me encantaría ir a Madrid a tocar Bach. Precisamente, en mayo de 2022 presentamos allí el disco “Dreamlover” de Albena Petrovic, también grabado para el sello alemán Solo Musica, y guardo un muy buen recuerdo de la ciudad.

Dos mitos, uno griego (Medea según la tragedia de Eurípides) y otro medieval (Orlando furioso según el poema de Ariosto) presiden temáticamente la temporada 2023-2024 del Teatro Real.

Basadas en el mito de Medea se presentarán por primera vez en el Teatro Real las óperas homónimas de Luigi Cherubini y Marc-Antoine Charpentier. La primera, con un reparto estelar, inaugurará la temporada con una nueva producción escénica concebida por Paco Azorín y dirigida por Ivor Bolton. La segunda, llegará en una versión semiescenificada con William Christie, Les Arts Florissants y un elenco encabezado por Véronique Gens.

Inspiradas en el poema de Ariosto, se estrenarán tres obras también inéditas en la historia del Real: La liberazione di Ruggiero dall’isola d’Alcina, de Francesca Caccini, primera ópera conocida firmada por una compositora, que dirigirá escénicamente Blanca Li, junto a Aarón Zapico, en la parte musical; Orlando de Georg Friedrich Händel, en la que volverán a trabajar juntos Ivor Bolton y Claus Guth; y Orlando Paladino, de Joseph Haydn, en versión de concierto con Il Giardino Armonico bajo la dirección de Giovanni Antonini.

La reivindicación del arte Arte Nuevo frente al Arte Viejo y la libertad del artista más allá de los preceptos académicos son otros dos vectores que entrelazan las óperas de la temporada: Medea, de Cherubini, es un alegato contra las formas rígidas del modelo ortodoxo de Händel en Orlando; Rigoletto está basado en un texto de Victor Hugo que es una apología del Romanticismo contra el viejo arte neoclásico; y Los maestros cantores de Núremberg, de Wagner, defiende la libertad del artista frente a las normas y las tradiciones. Esta ‘comedia seria’, densa y luminosa traerá al Real grandes voces wagnerianas que actuarán bajo la batuta de Pablo Heras-Casado, en una nueva producción con puesta en escena de Laurent Pelly.

Dos de los títulos más populares de la temporada denuncian, a través de su dramaturgia, la violencia contra las mujeres: Rigoletto, en la concepción de Miguel del Arco, bajo la estela de la indignidad de los actos de ‘la manada’; y Madama Butterfly, en la aterradora producción de Damiano Michieletto, delata el turismo sexual -un intermediario vende una joven japonesa a un americano desconocido. Ambos títulos, con tres y cuatro elencos, congregarán en el Real a algunas de las mejores voces del mundo, bajo la batuta precisa y envolvente de Nicola Luisotti.

Dos excelentes óperas -también inquietantes y hondas- se estrenarán en España, con producciones de gran calado. La pasajera, de Mieczysław Weinberg -con la puesta en escena icónica de David Pountney y bajo la batuta de la prestigiosa directora Mirga Gražinyté-Tyla– es una partitura estremecedora y dolorosa que cuenta el viaje hacia Brasil de dos mujeres -una antigua carcelera de la Stasi y otra judía presidiaria- que aspiran a huir de su pasado, en el que están atrapadas.

La segunda, Lear, de Aribert Reimann, cuya música trágica, brutal y estridente nace de la esencia del drama shakesperiano, llegará al Real con la sobrecogedora producción dirigida por Calixto Bieito para la Ópera de París, en la que los instintos más básicos se encuentran a flor de piel y dominan a los personajes hasta llevarlos a la gran masacre final. La dirección musical será de Asher Fisch, que obtuvo un gran éxito con Capriccio, en el Real, en 2019.

Otro estreno en España será Halka, de Stanisław Moniuszko, una de las óperas polacas más populares, representante del nacionalismo romántico centroeuropeo, con un elenco encabezado por Piotr Beczala y Corinne Winters junto al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, bajo la dirección de Łukasz Borowicz.

Dos mujeres solas, perturbadas y heridas afrontan el dolor, la rabia y la soledad con lenguajes estéticos y musicales muy distintos, unidos por la esencia de su drama interior. Ermonela Jaho protagonizará La voz humana, de Francis Poulenc, con libreto de Jean Cocteau; y Malin Byström interpretará el drama psicológico de Ewartung (La espera), de Arnold Schönberg, sobre un texto de Marie Pappenheim. Descubrirán sus personajes de la mano de Christof Loy, responsable de la puesta en escena y el director musical Jérémie Rhorer.

Otra obra que da voz a una mujer sola es Pierrot Lunaire, que Arnold Schönberg compuso sobre los poemas simbolistas de Albert Giraud, revolucionando el lenguaje musical del siglo XX. En el Teatro de la Abadía la obra será protagonizada por el contratenor Xavier Sabata, que firma también la dramaturgia, actuando con solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Jordi Francés.

En el marco de su compromiso con la creación operística en España, se estrenará mundialmente La Regenta, tercera ópera de María Luisa Manchado Torres, creada mano a mano con Amelia Valcárcel (libreto), en la que los temas fundamentales y universales de la obra de Clarín se asocian a una variada gama de leitmotivs, que fluyen y se entrelazan al servicio del drama. Bárbara Lluch será la responsable de la puesta en escena y Jordi Francés, de la dirección musical.

La segunda ópera española es Tenorio, de Tomás Marco que se presentará por primera vez en versión escénica, en una creación de la Agrupación Señor Serrano, con dirección musical de Santiago Serrate. La obra actualiza el mito de Don Juan a través de las figuras de doña Inés, doña Ana y Lucía, mientras un cuarteto de madrigalistas asume diversos personajes y comenta la acción, conformando, con el grupo de cámara, el continuo vocal-instrumental que sostiene la obra.

Una ópera, una zarzuela y una opereta en versión de concierto, con orquestas invitadas, completan la programación. Carmen, de Georges Bizet, en la singular lectura de René Jacobs al frente de B’Rock y el Choeur de Chambre de Namur, con Gaëlle Arquez en el papel titular; Luisa Fernanda, de Federico Moreno Torroba, protagonizada por Elīna Garanča, con la Orquesta de Sinfónica de Gran Canaria bajo la dirección de Karel Mark Chichon; y El murciélago, de Johann Strauss, con Marc Minkowski, Les Musiciens du Louvre y el Cor de Cambra del Palau de la Música Catalana.

Fotografía: LA PASAJERA © Karl Foster |Bregner Festspiele

TEMPORADA DE ÓPERA

Nuevas coproducciones

Producciones invitadas

Versiones

semiescenificadas

Versiones de

concierto

Medea*, de Luigi Cherubini | Estreno en el Teatro Real

La regenta*, de María Luisa Manchado Torres | Estreno absoluto | Estreno en el Teatro Real | Naves del Español en Matadero

Orlando, de Georg Friedrich Händel | Estreno en el Teatro Real

Rigoletto*, de Giuseppe Verdi

La pasajera, de Mieczysław Weinberg | Estreno en España | Estreno en el Teatro Real

La voz humana, de Francis Poulenc / Ewartung (La espera), de Arnold Schönberg | Estreno en Madrid (versión escénica) | Estreno en el Teatro Real

Tenorio*, de Tomás Marco | Estreno absoluto en versión escénica | Estreno en el Teatro Real

Los maestros cantores de Núremberg*, de Richard Wagner

La liberazione di Ruggiero dall’isola d’Alcina, de Francesca Caccini | Estreno en España | Estreno en el Teatro Real | Teatros del Canal

Lear, de Aribert Reimann | Estreno en España | Estreno en el Teatro Real

Madama Butterfly, de Giacomo Puccini

Pierrot Lunaire, de Arnold Schönberg | Teatro de la Abadía

Rappresentatione di anima et di corpo, de Emilio de’ Cavalieri | Estreno en España | Estreno en el Teatro Real

Medea, de Marc-Antoine Charpentier| Estreno en el Teatro Real

Luisa Fernanda, de Federico Moreno Torroba

Orlando paladino, de Joseph Haydn | Estreno en el Teatro Real

Halka, de Stanisław Moniuszko| Estreno en España | Estreno en el Teatro Real

Il ritorno d’Ulisse in patria, de Claudio Monteverdi

El murciélago, de Johann Strauss | Estreno en el Teatro Real

Dido & Aeneas, de Henry Purcell

Carmen, de Georges Bizet

*Estreno de la producción en el Teatro Real.

De los 21 títulos de ópera hay 5 estrenos en España, 2 estrenos de óperas españolas (1 estreno absoluto), 9 son nuevas coproducciones (5 de las cuales se estrenan en el Teatro Real), 13 títulos que nunca se presentaron en el Teatro Real, 3 son producciones invitadas de otros teatros; 2 óperas en versión semiescenificada y 7 en versión de concierto.

ESTRENOS EN ESPAÑA: Lear, de Aribert Reimann, La pasajera, de Mieczysław Weinberg; La liberazione di Ruggiero dall’isola d’Alcina, de Francesca Caccini; Rappresentatione di anima et di corpo, de Emilio de’ Cavalieri y Halka, de Stanisław Moniuszko.

TÍTULOS QUE SE PRESENTAN POR PRIMERA VEZ EN LA HISTORIA DEL TEATRO REAL: Rappresentatione di anima et di corpo, de Emilio de’ Cavalieri; La liberazione di Ruggiero dall’isola d’Alcina, de Francesca Caccini; Medea, de Marc-Antoine Charpentier; Orlando, de Georg Friedrich Händel; Orlando paladino, de Joseph Haydn; Medea, de Luigi Cherubini; Halka, de Stanisław Moniuszko; El murciélago, de Johann Strauss; La voz humana, de Francis Poulenc; Lear, de Aribert Reimann; La pasajera, de Mieczysław Weinberg; Tenorio, de Tomás Marco; La Regenta, de María Luisa Manchado Torres.

Tres producciones se ofrecerán en OTROS TEATROS DE MADRID: el estreno mundial de La Regenta tendrá lugar en Naves del Español en Matadero; Pierrot Lunaire, de Arnold Schönberg, se presentará en el Teatro de la Abadía; y la nueva producción de La liberazione de Ruggiero dall’isola d’Alcina, de Francesca Caccini, se ofrecerá en los Teatros del Canal.

La ORQUESTA TITULAR DEL TEATRO REAL (Orquesta Sinfónica de Madrid) interpretará la mayoría de las producciones y conciertos de la próxima temporada, en la que destacan, además de su director musical, Ivor Bolton -responsable de Medea, de Luigi Cherubini, y Orlando, de Georg Friedrich Händel-, Nicola Luisotti -que volverá para Rigoletto y Madama Butterfly– y Pablo Heras-Casado, que dirigirá Los maestros cantores de Núremberg, su quinto título de Wagner en el Real.

Volverán Asher Fisch (Lear) después del éxito de su Capriccio (2018); Jérémie Rhorer (La voz humana/Ewartung (La espera), que dirigió La flauta mágica en 2000; Jordi Francés, que dirigirá La Regenta y Pierrot Lunaire; y debutará en el Real la reconocida directora Mirga Gražinytė-Tyla (La pasajera).

Junto a ellos muchos otros nombres entre los que destacan los directores adscritos a las INTERPRETACIONES HISTORICISTAS como William Christie, René Jacobs, Marc Minkowski, Lionel Meunier, Giovanni Antonini o Maxim Emelyanychev, que vendrán con sus agrupaciones. [Ver listado en la página 17]

A partir de la próxima temporada José Luis Basso asumirá la dirección del CORO TITULAR DEL TEATRO REAL, sucediendo a Andrés Máspero, que ha realizado esta función desde 2010.

La próxima será la temporada con MAYOR NÚMERO DE ARTISTAS ESPAÑOLES EN TODA LA HISTORIA DEL TEATRO REAL: 10 directores musicales, 8 directores de escena y una larga nómina de cantantes, además de escenógrafos, figurinistas, iluminadores, etc. Este incremento refleja la calidad y prestigio de los artistas nacionales, a quienes el Teatro Real reconoce, apoya y estimula con orgullo.

PROGRAMACIÓN DE DANZA

El BALLET DU GRAND THÉÂTRE DE GENÈVE, debutará en el Teatro Real con dos coreografías de su director, el belga Sidi Larbi Cherkaoui: Faun (música de Claude Debussy y Nitin Sawhney) retrata el encuentro carnal y el diálogo de dos criaturas míticas; y Ukiyo-E, (música de Szymon Brzóska y Alexandre Dai Castaing) se desarrolla sobre un escenario de escaleras y estructuras laberínticas donde los bailarines sugieren imágenes de un mundo flotante.

El BALLET NACIONAL DE ESPAÑA, dirigido por Rubén Olmo, ofrecerá en el Teatro Real el estreno absoluto de Afanador, espectáculo creado a partir de las imágenes del fotógrafo colombiano Ruvén Afanador, con música de Cristóbal Saavedra y coreografía de Marcos Morau & La Veronal, que se proponen crear, a partir de la mirada del fotógrafo, «un trabajo de respeto y fascinación, como un diálogo que hibrida dos lenguajes en busca de un nuevo universo».

Finalmente, la compañía de Múnich BAYERISCHES STAATSBALLETT traerá al Teatro Real La bayadera (música de Ludwig Minkus), fábula orientalista que Marius Petipa transformó en una de sus más célebres creaciones y que Patrice Bart coreografió en 1998 para la compañía alemana, siendo desde entonces una de sus obras de referencia.

Compañías de

danza

BALLET DU GRAND THÉÂTRE DE GENÈVE | Debut en el Teatro Real

Faun

Música de Claude Debussy y Nitin Sawhney

Coreografía de Sidi Larbi Cherkaoui | Estreno en el Teatro Real

Ukiyo-E

Música de Szymon Brzóska y Alexandre Dai Castaing

Coreografía de Sidi Larbi Cherkaoui | Estreno en el Teatro Real

11 octubre – 14 octubre | 4 funciones

BALLET NACIONAL DE ESPAÑA

Afanador | Estreno absoluto

Música de Cristóbal Saavedra

Coreografía de Marcos Morau & La Veronal, Lorena Nogal,

Shay Partush y Jon López

9 febrero – 11 febrero | 4 funciones

BAYERISCHES STAATSBALLETT, BALLET DE MÚNICH | Debut en el Teatro Real

La bayadera, música de Ludwig Minkus con adaptación de Maria Babanina.

Coreografía de Patrice Bart | Estreno en el Teatro Real

30 mayo – 2 junio | 5 funciones

PROGRAMACIÓN DE CONCIERTOS

El ciclo VOCES DEL REAL está compuesto por 5 conciertos líricos con orquesta protagonizados por algunas de las voces más representativas de la actualidad: Franco Fagioli (Barroco y Mozart), Sondra Radvanovsky (escenas finales de las tres reinas de las óperas de Donizetti), Lise Davidsen (arias románticas), Nadine Sierra y Pretty Yende (arias y dúos) y Nina Stemme (obras de Wagner con dirección de Gustavo Gimeno).

Completan la oferta los 7 conciertos matinales que conforman el ciclo DOMINGOS DE CÁMARA; dos conciertos ofrecidos por la Fundación Amigos del Teatro Real-uno con el pianista Javier Perianes y tres funciones De Broadway al Real con la cantante Liz Callaway y el pianista Alex Rybeck y, como cada año, el concierto de los galardonados en el Concurso Tenor Viñas.

Voces del Real

Conciertos de la Fundación Amigos del Teatro Real

Domingos de Cámara

Concierto del Concurso Viñas

Franco Fagioli

Mozart and Castrati, Lasciate mi Cantare!

Capella Cracoviensis | Jan Tomas Adamus (dirección y pianoforte)

Sondra Radvanovsky

Las tres reinas: escenas finales de Anna Bolena, Maria Stuarda

y Roberto Devereux, de Donizetti

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real | Riccardo Frizza

Lise Davidsen

Obras de Verdi, Beethoven, Strauss y Wagner, entre otros

Orquesta Titular del Teatro Real | José Miguel Pérez-Sierra

Nadine Sierra y Pretty Yende

Orquesta Titular del Teatro Real | Pablo Mielgo

Nina Stemme. Obras de Richard Wagner

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real | Gustavo Gimeno

De Broadway al Real [3 funciones]

Liz Callaway, cantante

Alex Rybeck, piano

Javier Perianes: En torno a “Goyescas”, de Enrique Granados

Conciertos protagonizados por solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real

con programas relacionados con las óperas de la temporada.

Concierto con los finalistas del Concurso Tenor Viñas 2023

PROGRAMA DE FORMACIÓN

El programa de formación consolida sus cursos y talleres presenciales con formatos y temas muy diversos destinados a estudiantes y al público general.

Merece una mención especial REALÍZAT-e, la recién creada plataforma audiovisual educativa del Teatro Real, que ofrece cursos online diseñados exclusivamente para ese soporte con profesores, profesionales de las artes escénicas y expertos de gran prestigio.

Para el programa La ópera al descubierto, que desvela el proceso de montaje de una producción operística desde dentro, se han organizado 4 talleres centrados en Orlando (octubre), Rigoletto (noviembre), Los maestros cantores de Núremberg (febrero) y Madama Butterfly (mayo).

En esta edición serán 6 los Cursos relacionados con la temporada: Comprender a Verdi: Rigoletto; Los ballets de Petipa: canon y vanguardia; Ópera y mito; Flamenco: de lo sinfónico a la actualidad; Aprender a escuchar ópera; y Ópera y censura. Se ofrecerán 2 cursos de Historia de la ópera– Capitulación y triunfo: la música del héroe y el antihéroe en las óperas de la temporada del Teatro Real e Historia de las voces de la ópera– y 1 Curso de Protocolo y organización de eventos enmarcado en los Cursos sobre Artes escénicas y gestión cultural.

Paralelamente a los títulos de la temporada se ofrece un ambicioso programa de ACTIVIDADES PARALELAS –ciclos de cine, exposiciones, conciertos, conferencias, cursos, mesas redondas, talleres, visitas guiadas, actividades infantiles, etc.- organizadas por el Teatro Real en colaboración con 15 instituciones culturales [ver lista completa en la página 21]

El Teatro sigue trabajando con ahínco en la captación y fidelización del público joven, con una serie de iniciativas enmarcadas en su programa EL REAL JOVEN y facilidades y prerrogativas concedidas a sus Amigos Jóvenes, cuyo número no para de crecer. La próxima temporada se organizarán 4 Preestrenos Jóvenes para menores de 36 años y seguirán las ventajas y descuentos en la compra de localidades a través de la Butaca Joven o de las localidades de Último Minuto.

La SEMANA DE LA ÓPERA, con sus retransmisiones y actividades populares para la divulgación de la ópera, y la CARROZA DEL REAL, un escenario ambulante siempre preparado para ofrecer conciertos líricos en distintos lugares del país, son dos de los proyectos más destacados enmarcados en el programa TEATRO REAL CERCA DE TI.

Además de su programación artística, el Teatro Real sigue afianzando el diálogo con otros tipos de música, coproduciendo en los meses estivales el UNIVERSAL MUSIC FESTIVAL y, a lo largo de la temporada, las actuaciones de FLAMENCO REAL en su salón de baile y en giras internacionales por todo el mundo.

REAL TEATRO DE RETIRO

La programación artística, talleres, cursos y encuentros destinados a niños y adolescentes se ofrecen desde el pasado mes de abril en el REAL TEATRO DE RETIRO, lo que ha permitido incrementar el número de espectáculos y la diversidad de programas destinados a las diferentes edades: 242 funciones dentro de la programación de El Real Junior: 96 funciones para centros escolares y 146 funciones familiares (incluyendo 9 talleres familiares ¡Todos al Real Teatro! (antes llamados ¡Todos a la Gayarre!) con 2 sesiones cada uno.

Se ofrecerán 4 óperas y una opereta en formatos muy diversos: El barbero de Sevilla, de Rossini (ópera estudio) y Amahl y los visitantes nocturnos, de Gian Carlo Menotti (en versión semiescenificada), ambas con cantantes y pianistas del proyecto Crescendo; El que dijo sí, de Kurt Weill y Bertolt Brecht (ópera didáctica), Hansel & Gretel, de Humperdinck, y la opereta cómica La idea, de Gustav Holst, en el 150 aniversario de su nacimiento.

Vuelven los títeres con la compañía Etcétera, esta vez con Andersen, El patito feo, para niños a partir de 3 años, y también dos espectáculos de circo y teatro: Suena… ¡El circo! (a partir de 5 años) y Peter & Wendy rumbo a Nunca Jamás con producción de LaJoven (a partir de 8 años).

Habrá espectáculos de danza para niños pequeños –Vivo Vivaldi (6 años), Va de Bach (4 años)- y, por primera vez, Flamenco Emergente, actuaciones con jóvenes artistas premiados en el Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco de Madrid, 2023 para todos los públicos a partir de 10 años.

Por primera vez, se presentarán dos obras de teatro con producción de LaJoven y Fundación Teatro Joven, ambas para mayores de 12 años: Rebelión en la granja, un estreno absoluto a partir de la novela de George Orwell, y Para acabar con Eddy Bellegueule, basada en la novela de Édouard Louis.

También habrá cine con música en vivo acompañando a películas muy divertidas de Buster Keaton –El moderno Sherlock Holmes y Las aventuras del príncipe Achmed, con producción de Cafe Kino y Agrupación Casperverk.

Finalmente se ofrecerán Conciertos de Navidad y de Verano, muy festivos y alegres, con la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (JORCAM) y su Camerata de Cuerdas, ambos con dirección de Lara Diloy.

Además de la programación artística de El Real Junior, en el REAL TEATRO DE RETIRO se desarrolla el proyecto LÓVA (La ópera, un vehículo de aprendizaje) en colaboración con centros escolares de toda España, Aprendanza 23, otras propuestas formativas para el profesorado, talleres para público escolar, la creación colectiva intergeneracional (MI= Memoria Intergeneracional) del colectivo MOVE-arte para todos y los ensayos semanales con jóvenes de distintas sensibilidades que tocan juntos en la Agrupación Musical Inclusiva (AMI), que ofrecerá también un concierto al final de la temporada.

EL REAL JUNIOR | REAL TEATRO DE RETIRO

Música y títeres

Todos los públicos

a partir de 3 años

Andersen, el patito feo | Música de Jordi Cornudella (1989)

Coproducción de Etcétera y Centro Federico García Lorca

Escena, títeres y vídeo: Enrique Lanz. Dramaturgia: Yanisbel Victoria Martínez

Mutra Ensemble

Concierto escénico circense

Todos los públicos

a partir de 5 años

Suena… ¡El circo! | Música de Julius Fucík, Henri Mancini, Jacques Offenbach, Nino Rota y Aram Khachaturian

Basado en La historia de Felipe de Wolfgang Hartmann

para piano, trombón, percusión, narradora y malabarista

Danza

Todos los públicos

a partir de 6 años

Vivo Vivaldi | Música de Antonio Vivaldi

Una coproducción de Teatro Español y 10&10 Crea S.L., con la colaboración del Centro Coreográfico Canal

10&10 Narváez y Mónica Runde

Ópera estudio

Todos los públicos

a partir de 8 años

El barbero de Sevilla | Música de Gioachino Rossini

Nueva producción del Real Teatro de Retiro, en coproducción con el Teatro de la Maestranza de Sevilla

DM: Rubén Sánchez Vieco. DE: Rita Cosentino

Intérpretes del programa CRESCENDO de la Fundación Amigos del Teatro Real

Teatro

Todos los públicos

a partir de 12 años

Rebelión en la granja

Basado en la novela de George Orwell

Nueva producción de LaJoven y Fundación Teatro Joven

DE: José Luis Arellano García. Elenco y equipo artístico: LaJoven

Concierto con orquesta

Todos los públicos

Concierto de Navidad

Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (JORCAM)

DM: Lara Diloy

Ópera en versión semiescenificada

Todos los públicos

Amahl y los visitantes nocturnos | Música y libreto de Gian Carlo Menotti

Nueva producción del Real Teatro de Retiro

Intérpretes del programa CRESCENDO de la Fundación Amigos del Teatro Real

Joven Camerata y Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (JORCAM)

DM: Lucía Marrín. DE: Beatriz Jaén

Opereta cómica

Todos los públicos

a partir de 7 años

La idea | Música de Gustav Holst y libreto de Fritz Hart

DM y piano: Francisco Soriano. DE: Susana Gómez

Pequeños Cantores de la JORCAM

Ópera didáctica

Todos los públicos

a partir de 12 años

El que dijo sí | Música de Kurt Weill y libreto de Bertolt Brecht

Nueva producción del Real Teatro de Retiro, con la colaboración del Espacio Turina y Goethe-Institut Madrid

DM: Juan García Rodríguez. DE: Cristina Cubells

Intérpretes del programa CRESCENDO de la Fundación Amigos del Teatro Real y solistas del Coro de la Comunidad de Madrid. Ensemble Zahir

Teatro

Todos los públicos

a partir de 12 años

Para acabar con Eddy Bellegueule

Basada en la novela de Édouard Louis Adaptación de Pamela Carter

Producción LaJoven y Fundación Teatro Joven

D: José L. Arellano García. Reparto: Julio Montañana Hidalgo y Raúl Pulido Jordá

Cine con música en vivo

Todos los públicos

a partir de 6 años

El moderno Sherlock Holmes | Las aventuras del príncipe Achmed

Producción de Cafe Kino

Agrupación Casperverk

Danza

Todos los públicos

a partir de 4 años

Va de Bach | Música de Johann Sebastian Bach

Producción de Aracaladanza, en coproducción con el Real Teatro de Retiro

Creación y dirección Enrique Cabrera

Teatro | Circo

Todos los públicos

a partir de 8 años

Peter & Wendy rumbo a Nunca Jamás

Texto de Nando López, basado en la obra Peter and Wendy, de J. M. Barrie

Coproducción LaJoven, Fundación Teatro Joven y Teatro Circo Price

D: José Luis Arellano García.

Flamenco

Todos los públicos

a partir de 10 años

Flamenco emergente

Colaboración con el Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco de Madrid

Intérpretes: artistas premiados del Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco de Madrid, 2023

Ópera

Todos los públicos

a partir de 8 años

Hansel & Gretel | Música de Engelbert Humperdinck

Producción de Yotumi Kids y ABAO Bilbao Ópera

DM y piano: Cristina Presmanes. DE y dramaturgia: Pedro Chamizo

Concierto con orquesta

Todos los públicos

Concierto de verano
DM: Laura Diloy

Joven Camerata de Cuerdas de la JORCAM

Concierto con orquesta

Todos los públicos

Concierto agrupación música inclusiva (AMI)

DM: Francisco Borro y Jesús Alonso
Intérpretes: jóvenes que participan en el proyecto

Ciclo de talleres para toda la familia

¡Todos al Real Teatro!

18 talleres de introducción a la música para familias con Fernando Palacios

Alba Molina clausura el ciclo ‘Les Arts és Flamenco’ este viernes, 19 de mayo, con ‘Nuevo día’, un homenaje a sus progenitores Lole y Manuel, el mítico dúo que, con su debut discográfico en los años setenta, sentó las bases del nuevo flamenco.
La cantante sevillana, acompañada al piano por Pepe Rivero, incluirá en su actuación en el Teatre Martín i Soler temas inolvidables como ‘La mariposa’ o ‘Un nuevo día’, en una nueva versión que, sin perder la esencia y el duende original de la genial pareja, tiene nuevos matices y algunos toques de ‘jazz’.

No es la primera vez que Alba Molina visita el legado musical de sus padres, a quienes ya les dedicó una trilogía grabada en disco entre 2015 y 2019. ‘Nuevo día’ toma prestado el nombre del legendario álbum con el que Lole y Manuel irrumpieron en la escena musical en 1975. El elepé, todo un superventas de la época, supuso una revolución estética del género, tanto en sus interpretaciones como en sus letras.

‘Nuevo día’ prolonga la corriente renovadora de la música de Alba Molina, una conjunción de las melodías del ‘jazz’ fusionadas con el flamenco, que ya reflejó en su disco ‘El beso’ (2020). Después de recorrer el mundo como modelo, Alba Molina se dedicó a la música. Su disco debut fue ‘Despasito’ y sus padrinos fueron su padre, Manuel Molina, y Alejandro Sanz. Con él consiguió el
reconocimiento de artista revelación en los Premios de la Música. Más tarde, formó parte del grupo Las Niñas y cantó con Navajita Plateá ‘Noches de bohemia’, que, junto con ‘No puedo quitar mis ojos de ti’, figura entre sus mayores éxitos.

Las entradas para el concierto de Alba Molina, que será la última cita del ciclo ‘Les Arts és Flamenco’ esta temporada, tienen un precio único de 30 euros.

Bach Vermut se ha consolidado como uno de los ciclos más exitosos en la programación del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), con propuestas en las cuales convergen la interpretación de joyas musicales por organistas de renombre internacional, una exquisita gastronomía y conciertos de jazz con el objetivo de brindar al público una experiencia única. En esta ocasión David Briggs será el aclamado organista británico responsable de poner música a esta matinée, con un recital que mostrará el arte de la transcripción musical y que tendrá lugar el sábado 20 de mayo a las 12:30h en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música.

Conocido por su desbordante virtuosismo y su compromiso por hacer que la música de órgano sea vibrante y accesible a un público amplio y diverso, David Briggs destaca como uno de los concertistas de órgano más solicitados de su generación. Galardonado internacionalmente en varias ocasiones, es actualmente profesor en la Universidad de Cambridge y artista residente en la Catedral St. John the Divine en Nueva York.

En esta ocasión Briggs acude a la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música con sus cautivadoras transcripciones de obras emblemáticas de los siglos XIX y XX. Briggs nos invita a adentrarnos en un fascinante programa que abarca una amplia tradición musical, transitando por géneros tan diversos como la ópera o la danza. El público podrá disfrutar de un repertorio que incluye Claire de lune de la famosa Suite bergamasque de Claude Debussy, la energética Danza Húngara nº 5 de Johannes Brahms y la emotiva Muerte de amor de Tristán e Isolda de Richard Wagner, entre otras obras. Brigss también improvisará una pieza, lo cual será una ocasión perfecta para conocer las posibilidades sonoras del órgano.

David Briggs también viajará, con este mismo programa, a Santiago de Compostela, dentro del ciclo itinerante del CNDM El órgano en las Catedrales, el viernes 9 de junio.

Saborea Bach Vermut

Además de presentar a los mejores organistas del mundo, con conciertos retransmitidos a pantalla gigante, otro de los atractivos del ciclo Bach Vemut del CNDM es que rompe con el formato tradicional de concierto: ofrece a los asistentes la posibilidad de degustar un aperitivo en el vestíbulo del Auditorio Nacional de Música acompañado del mejor jazz.

Así, este emblemático espacio se llenará una vez más de puestos donde probar exquisiteces culinarias. Antes y después del concierto el público podrá acceder a una amplia selección de productos exquisitos, que abarca desde quesos gourmet y creaciones culinarias únicas hasta una gran variedad de dulces. Este encuentro gastronómico estará acompañado de un concierto de jazz protagonizado por bandas españolas, inspirado en melodías barrocas.

Agenda Bach Vermut:

11.30h. Apertura de puertas y acceso a la zona de degustación gastronómica (vestíbulo del Auditorio Nacional de Música).
12.30h. Concierto en el órgano de la Sala Sinfónica, retransmitido en pantalla gigante.
13.30h-14.30h. BACH JAZZ! Aperitivo-degustación amenizado por conjuntos de jazz que interpretan sus versiones de obras de Bach (sala Tapices).

Próximas citas Bach Vermut 22/23

03/06 – DAVID MALET | CORO DE LA COMUNIDAD DE MADRID | MIREIA BARRERA, dirección

Foto by Amir El Etr

La Fundación Scherzo se complace en presentarles la vuelta del pianista coreano Seong-Jin Cho al Ciclo de Grandes Intérpretes el próximo 30 de mayo a las 19:30 horas en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional. El que fue ganador del 17º Concurso Internacional de Piano Chopin vuelve al Auditorio Nacional para presentar un programa de reflejos y conexiones: con el inseparable dúo musical de Brahms y Schumann; indispensables para entender la evolución de las formas breves en el piano, y un gallardo Ravel que, embelesado por las vanguardias, pinta de colores y sombras una época de la que será paradigma.

En este espejo de inspiraciones, Seong-Jin Cho nos propone comenzar con las 8 Klavierstücke op. 76 de J. Brahms, piezas breves pero de atmósferas opuestas, que generan en el oyente una sensación de eterno retorno. Suponen para Brahms una de las grandes incursiones en la forma breve siguiendo los pasos de su maestro y mentor, Robert Schumann. De las 8 Klavierstücke, Cho interpretará los números 1, 2, 4 y 5.

De la efervescencia de Brahms, pasamos a los reflejos de Ravel en Miroirs: homenaje que el compositor francés realiza al grupo artístico “Les Apaches” del que era miembro. En las cinco piezas que componen Miroirs, Ravel busca esbozar un reflejo vívido e impresionista de los cinco miembros del grupo: el poeta Léon-Paul Fargue, el pianista Ricardo Viñes, el pintor Paul Sordes, el escritor Michel-Dimitri Calvocoressi y el compositor Maurice Delage.

Por último, y en una vuelta a lo breve, el pianista coreano concluye su recital con los Estudios sinfónicos op. 13 de R. Schumann. Un tema, compuesto por su amigo y alumno el Barón de Fricken, y toda una serie de variaciones en forma de estudios que nos descubren el universo creativo del compositor de Zwickau.

Tras este recital, el Ciclo de Grandes Intérpretes se prepara para cerrar temporada el próximo 27 de junio con el concierto de Arcadi Volodos. La temporada 2023-2024 del Ciclo de Grandes Intérpretes se presentará en la Sala de Tapices del Auditorio Nacional el próximo 29 de mayo a las 12:30, con entrada libre hasta completar aforo.

El Cuarteto Bretón se presentará este próximo domingo, 21 de mayo, en el ciclo Domingos de Cámara del Teatro de la Zarzuela, con obras de compositoras españolas actuales de distintas generaciones en un concierto en el que el público podrá escuchar dos estrenos absolutos. La cita será en el Ambigú del Teatro a las 12h00, y las entradas están disponibles al precio único de 6€.

En cuarteto, integrado en esta ocasión por Anne-Marie North, Antonio Cárdenas, Rocío Gómez y Carlos Sánchez (que sustituye a John Stokes), interpretará obras de Teresa Catalán Sánchez, Inés Badalo, María José Arenas-Martín o Pilar Jurado, con estrenos absolutos de Ana Vázquez Silva y Laura de las Heras.

El Cuarteto Bretón celebra este año dos décadas de minucioso trabajo y éxitos, justamente el mismo año en que se conmemora el centenario de Tomás Bretón, compositor, violinista y director de orquesta a quien deben su nombre.

Lo que ha movido al cuarteto en todos estos años es, fundamentalmente, la necesidad de dar a conocer cuartetos de compositores españoles, desde los orígenes del género hasta la creación más actual, junto al gran repertorio de la formación. En ese empeño fueron inspirados por ilustres predecesores como los Cuartetos Francés, Vela o Rafael, que un siglo antes iniciaron esa importante labor en España.

Con esas premisas, el Cuarteto Bretón ha puesto un énfasis especial en la obra de compositores como Ernesto y Rodolfo Halffter, Jesús Guridi, Julián Bautista, Jesús García Leóz, Tomás Bretón, Julián Orbón, Joaquín Turina, Julio Gómez o Conrado del Campo, y por supuesto en los compositores actuales, sin descuidar el gran repertorio de todas las épocas, desde Wolfgang Amadeus Mozart y Franz Joseph Haydn a Dmitri Shostakóvich, Sofia Gubaidulina o Philip Glass.

El Teatro Real y el Opéra national de Paris, dos de las instituciones más emblemáticas de la cultura europea, han sido galardonados con el 20º Prix Diálogo otorgado por Diálogo, Asociación de Amistad Hispano-Francesa cuyo objetivo es potenciar el vínculo hispano-francés en el contexto europeo. Gregorio Marañón, presidente del Teatro Real y Jean Pierre Clamadieu, presidente del Opéra national de Paris, serán los encargados de recibir el Premio en la ceremonia que se celebrará el próximo 19 de junio en Madrid.

El jurado, presidido por la escritora Carmen Posadas y compuesto por personalidades del mundo económico, académico y cultural reconoce con esta elección a ambas instituciones “por su extraordinaria contribución a la proyección de las artes escénicas y por una trayectoria deslumbrante que ha arraigado su proyección internacional.”

Diálogo, que en 2023 celebra su 40 aniversario, organiza desde hace 20 años este premio que distingue a una personalidad o a un organismo en campos representativos de la cooperación: empresa, sector público, investigación, medio ambiente, arte o cultura.

En ediciones anteriores, este premio ha recaído, entre otros, en el Museo del Prado y Musée du Louvre; Yasmina Reza y Mario Vargas Llosa; Isabelle Huppert y Carlos Saura; Mireia Belmonte y Zinedine Zidane o los más recientes, Michel Barnier, el Basque Culinary Center y Le Cordon Bleu, ganadores del Prix Diálogo el año pasado.

OPÉRA NATIONAL DE PARIS

Tras más de 350 años de historia, el Opéra national de Paris es reconocido por la calidad y diversidad de su programación en el Palais Garnier y en el Opéra Bastille y por la arquitectura única de sus dos teatros, abiertos a las visitas durante el día. Con más de 400 subidas de telón y casi 900.000 espectadores al año, el Opéra national de Paris ofrece danza, óperas y conciertos, así como una programación dedicada al público joven. La misión del Opéra national de Paris es hacer accesibles las obras patrimoniales operísticas y coreográficas al mayor número posible de personas, promover la creación y la interpretación de obras contemporáneas y contribuir a la formación y al desarrollo profesional de cantantes y bailarines. Acoger a un nuevo público está en el corazón de las misiones del Opéra national de Paris que desarrolla iniciativas para despertar el deseo de descubrir el mundo de la ópera y de la danza y facilitar su aprehensión.

TEATRO REAL

El Teatro Real, principal institución de las artes escénicas y musicales de España, ha desarrollado una incansable labor de difusión nacional e internacional del patrimonio operístico y cultural. Además de su proyección internacional, reflejada en la relación con la práctica totalidad de casas de ópera del mundo, tiene un decidido compromiso con la sociedad y con los nuevos públicos. Abierto en 1850, el Teatro Real representa también el éxito de la participación de personas y entidades reconocidas cultural y socialmente, una pequeña muestra de la amplia base de la sociedad civil que apoya su actividad. Su implicación en las nuevas posibilidades académicas, el uso de distintos formatos, la aproximación a las aulas, su vinculación a diferentes territorios y la incorporación de la diversidad para generar más oportunidades ha sido y es reconocida tanto por los medios de comunicación como por el sector cultural.

Diálogo, Asociación de amistad Hispano-Francesa

Diálogo es una asociación de utilidad pública cuya misión es potenciar las relaciones entre Francia y España principalmente en el contexto europeo. Grandes empresas francesas con intereses en España y españolas con intereses en Francia, además de socios individuales, coinciden en la visión de que la sociedad civil puede y debe difundir conocimiento, fomentar la relación bilateral y promover las conexiones entre empresas y personas. A través de sus actividades y sus becas de excelencia para estudiar en Francia y en España, Diálogo fomenta el intercambio de ideas y experiencias y ejerce una labor divulgativa que aporta valor y retorno tanto a los socios como a la sociedad en su conjunto. Preside la Asociación Loreto Ordóñez y son presidentes de honor SM el Rey de España y el Presidente de la República Francesa.

Llega con paso firme y sonriente al lugar donde hemos quedado. Irene Alfageme pertenece a una generación de jóvenes intérpretes que, sin necesidad de pompa, más sólidamente está construyendo su carrera de piano. Habla de manera apasionada de su profesión como pianista y profesora de repertorio vocal en la Escuela Superior de Canto de Madrid. Reclamada por alguno de los más importantes lideristas del panorama internacional como pianista acompañante, acaba de publicar un CD de canciones de Jesús Legido, al que pone voz Raquel Lojendio. Hoy nos habla, entre otras cosas, de todo lo que ha rodeado este trabajo.
Brío Clásica: ¿Qué tiene Jesús Legido, además de ser de Valladolid, para que haya sido el objeto primero de su tesis y ahora haya grabado este CD?

Irene Alfageme: Para mi fue una sorpresa encontrarme con su música, porque no le conocía. Le conocí en el ensayo de su concierto con el oboísta Sebastián Gimeno y con la Sinfónica de Castilla y León, querían hacer un ensayo a piano y me llamaron. Fue a partir de ahí cuando estudié su obra. Al trabajar con él, me atrajo muchísimo su música y le pregunté si por casualidad tenía repertorio para voz y piano. Mi sorpresa fue increíble cuando vi aquel repertorio. En un primer momento, al tocar sus obras al piano pensé, ¿Y esto, por qué no se toca más? ¿Por qué no se conoce y no está en las salas de concierto? Y fue entonces cuando me lancé y empecé a ver el corpus y el color que tenía, los poetas que elegía y los mundos que describía, pensé que quería algo más.

Entonces, como me interesaba muchísimo la música del siglo XX y en la escuela trabajo con todo el repertorio español y cómo se funden texto y música, decidí que sería el tema de mis tesis, que está basada en la métrica española. Y para eso las canciones de Jesús Legido son impresionantes. El respeto que tienen hacia el texto y cómo desarrolla su música a través de los poemas.

Otro elemento que me atrajo es que introduce en muchas de las canciones el recitado sobre música, es decir, recita el poema y además utiliza diferentes sistemas de notación. Jesús me decía que buscaba contraste con la parte cantada. Y esto es muy curioso, porque se utiliza relativamente poco en la canción española, pero si se utiliza en los melodramas. Esto me interesó mucho y me puse a investigar. Mi sorpresa fue descubrir que había un género en el siglo XIX que se llamaba Sinfo Mela y que era muy habitual en los recitales de salón. Po ejemplo, las rimas de Albéniz son un género Sinfo Mela.

B.C: Entonces, este CD es el proyecto final de la tesis.

I.A: El CD es el resultado final de la tesis. Pensaba que era una pena que no pudiera materializar todo ese trabajo. Por eso hice una selección, escogí todos los ciclos que nunca se habían grabado.

Pienso que la canción española es la gran abandonada de la musicología española. Sobre música española hay muy pocos trabajos, y si te pones a buscar análisis concienzudos, no los encuentras. Ahí mi tutor, que es fantástico, Iván Iglesias, me llevó muy bien, sobre todo ayudándome a establecer el método y el modelo que iba a analizar.

Mi objetivo final con la tesis era la interpretación, es la interpretación, y que el resultado se aplique como modelo analítico a todo el repertorio que hay.

B.C: Háblenos sobre Cuadernos secretos, el CD que acaba de presentar, y como se realizó la selección de las obras.

I.A: Para hacer la selección escogí todos los ciclos que nunca se habían grabado de Jesús Legido. Una curiosidad de esta selección es que la “oración en silencio”, que aparece en el CD, no estaba en su catálogo. La descubrí en 2015, Jesús había venido a un recital en la Escuela de Canto para charlar y compartir con los alumnos. Fue un encuentro precioso, y al final me dijo, como me estás haciendo revolver todos los papeles, he encontrado esta partitura de cuando estudiaba con Montsalvatge. Nunca la puse en el catálogo, porque no estaba convencido de ella. Pero cuando la escuchó, le gustó y la incluyó en el catálogo y también en el CD.

El CD está estructurado en la temática de sus canciones, que son el amor, la muerte y la vida, inspirado en el poema de Miguel Hernández Tres heridas. Llegó con tres heridas la de la vida, la del amor, la de la muerte.

Si analizas la temática de todas las canciones, de las 118 canciones que tiene, ves que la muerte es un tema muy recurrente en su primera etapa. Como en los poemas de Miguel Hernández.

Luego hace un canto a la vida, porque así es su música. Y por eso al final del disco aparece “Soledades”, que es un canto de amor a la vida, a la esperanza y a sus raíces. Por eso aparece “Romances del Bajo Duero”, que es un ciclo que él interpretó mucho en conciertos, él es muy buen pianista. Son unas canciones preciosas, con un piano difícil, muy virtuoso, pero es la conexión de todas las antologías, de todas las canciones españolas. Me parece una transición, una elaboración armónica estupenda que da a la obra un sentido y una línea.

B.C: A este trabajo le pone voz la soprano canaria Raquel Lojendio ¿Por qué pensó en ella para llevar al disco estas canciones de Legido?

I.A: Pues lo tuve clarísimo, porque son unas canciones que tienen una vocalidad muy complicada, requiere una voz que tenga mucho cuerpo, con capacidad de subir al agudo y de bajar al grave, hay que tener grave.
Nosotras coincidimos en un ensayo a piano de la vida breve y ahí la escuché. Sobre todo, la manera en la que Raquel recita, como trata el texto, lo músico que es.

Recuerdo haberla llamado en pleno confinamiento de la pandemia y decirle: ¿Raquel, tengo esto en la cabeza, Te animas? Me dijo que sí, y se vino conmigo.

Con ella es como jugar en el escenario, nos compenetramos de maravilla. Estar en el escenario con ella es mágico.

B.C: Además de grabar este trabajo, usted realiza recitales como pianista acompañante, ¿Qué es exactamente y en qué consiste la figura de pianista acompañante?

I.A: A mí no me gusta mucho la palabra acompañante, parece que estás un poco en segundo plano, y es una figura fundamental porque se trata de música de cámara.

El pianista es el colchón de la voz. Tienes que conocer la respiración, ser muy intuitivo y si algo va mal, tener recursos para tirar adelante. Eres el compañero de viaje. En función de lo que tú hagas, el sonido se funde o no. Eres el principal apoyo.

B.C: ¿Y la figura del repetidor y repertorista? Porque son también figuras muy importantes y apenas se ve su trabajo.

I.A: La labor es muy distinta sobre el escenario o en los ensayos. La figura del repertorista o vocal coach, es el que musicalmente trabaja el repertorio con el cantante, cuando prepara un recital o está estudiando un personaje para una ópera. En esos momentos tú eres sus oídos. Porque ellos no tienen desde dentro la misma percepción que puedes tener tú. De esa manera, puedes aconsejarles sobre la fonética del texto, la música, qué puede pedirles el director. Puedes plantearles todas las posibles opciones que tienen.

Luego está la figura del correpetidor, que también me gusta mucho, pero es muy ingrato, porque es un trabajo muy intenso que nadie te reconoce, salvo los compañeros que saben lo que es. Es un trabajo que no se ve, pero es impresionante. Es como más he aprendido de los cantantes y de grandes directores, porque en determinados momentos, ejerces de director.

B.C: ¿Un pianista acompañante, qué cualidades tiene que tener?

I.A: Lo primero, necesita saber muchos idiomas, italiano, francés, inglés, alemán… Eso son los básicos. Necesitas mucho conocimiento del repertorio, experiencia y mucha empatía. Y claro está, pianísticamente muchos conocimientos y una paleta de colores muy amplia, para saber trabajar siempre con los diferentes estilos. Y también mucha paciencia con los cantantes (risas). Muchas veces eres para ellos un apoyo psicológico. Los cantantes tienen vidas muy duras y muchas veces eres un pilar para ellos. Te piden consejo, desde un estudiante hasta grandísimos cantantes.

Es una relación muy importante la que se establece entre el pianista y el cantante, es una relación de confianza, ellos se fían de ti. Y eso que a veces somos muy duros, porque hay que serlo también. Es muy generosa la figura de pianista acompañante, porque el éxito luego se lo va a llevar el cantante, no te lo llevas tú. Normalmente, los mejores pianistas son los que más desapercibidos pasan. Si tuviera que definir con una palabra que es ser pianista acompañante sería generosidad. Es tocar para otros, pero dando todo lo que tú tienes.

B.C: Ha llegado alguna vez de repente, a tocar con alguien sin poder ensayar, ¿cómo fue?

I.A: Brian Terfel y Plácido Domingo. ¡Así, con estos dos! (risas). Ensayar 5 minutos antes de empezar, ¡y ya está! Ahí es sangre fría, profesionalidad. Confiar y ser flexible a lo que propongan. Ser valiente y arriesgar. No puedes mostrar inseguridad al cantante y hay que tener muy claro lo que le vas a proponer, esa es la magia de la música y con Terfel fue maravilloso. Yo estaba en el Auditorio Nacional correpitiendo un Holandés errante y fue él quien dijo que quería que yo fuera su acompañante en el recital. Y eso que el texto era en galés y no entendía lo que estaba escrito, pero entonces tenía ya mucha experiencia.

B.C: Hasta ahora hemos hablado de su trabajo como pianista acompañante, pero también realiza recitales en solitario y con orquesta ¿Cómo es tocar con una orquesta?

I.A: Cuando tocas con orquesta todo es mucho más directo, tienes que ir al límite por detrás de ellos para acabar juntos y jugar con las distancias, porque cada instrumento es diferente.

Tocando con orquesta es donde he hecho mi paleta de colores. Yo necesito la orquesta para retroalimentarme y seguir buscando colores en mi piano. Por ejemplo, con Natalia Ensemble hacíamos reducciones de sinfonías de Mahler. Ahí, mi primera partitura estaba casi en blanco, y yo iba sustituyendo los instrumentos que no estaban, violines o vientos. Buscaba la sonoridad, trataba de imitar el pizzicato del contrabajo con la reverberación, con el pedal. Es como soñar a ser mago de los sonidos, intentar hacer otros sonidos con el piano.

B.C: ¿Existen muchas diferencias entre acompañar una voz o acompañar un instrumento?

I.A: Hay diferencias, claro, y depende mucho del instrumento. Por ejemplo, la flauta es muy parecida a la voz, hay que respirar juntos y todo es muy similar. Pero, por ejemplo, con las castañuelas, y tengo un recital a finales de mayo con Tomás Martín, es muy diferente. Para acompañar a las castañuelas tengo que reforzar el punto percutivo del piano. Las castañuelas hacen ¡clack! y es ¡clack! (risas), y claro, tengo que ser mucho más rápida en los ataques. Y técnicamente es complicadísimo seguir un virtuosismo como este. Es a una velocidad que no te permite tanta libertad como te permite la voz. Pero es un repertorio que funciona fenomenal con el público.

También tienes que crear colores nuevos y hacer, por ejemplo, el legato que la castañuela no puede hacer. Es un trabajo muy difícil, porque en cualquier momento puede haber una desincronización. Pero funciona muy bien.

B.C: Dentro del acompañamiento de piano, ¿en qué pianistas se fija y cuáles son los criterios para valorarlos?

I.A: Yo a quien adoro es a Gerald Moore. Para mí es de lo mejor. Como referencia tengo también a Zanetti y Lavilla, y por supuesto a grandes pianistas actuales. Te fías de su criterio y te fijas también en el repertorio que tienen. Pero yo me suelo fijar en los dos, porque no se trata solo del pianista, sino del producto que ofrecen ambos y la interpretación. Para mi Christian Gerhaher y Gerold Huber son maravillosos, por esa compenetración que tienen. En estos casos quizá miro un poco más al cantante, en función de lo que esté buscando. Pero siempre me gusta escuchar todas las versiones diferentes que encuentre.

B.C: ¿Qué cantante le gustaría acompañar al piano?

I.A: No estaría bien quitarle Huber a Gerhaher, pero si se lo pudiera quitar, con Gerhaher haría Schumann, pero creo que me quedaría con Huber. Me encantaría acompañar a Sophie Rennert, es una mezzo austríaca con la que coincidí en Aix-en-Provence, ¡maravillosa! Esta es una generación de lideristas maravillosa. Coincidí también con Lise Davidsen, estábamos todos haciendo la residencia Mozart. Pero si, me encantaría con Sophie Rennert. Tengo que hablar con ella para hacerle alguna propuesta (risas). Está cantando con Helmut Deutsch, a nivel liderista es de las mejores de su generación. Con ella haría Schubert, concretamente Im Frühling, después haríamos Die junge Nonne, para contrastar. También podría se Schumann, porque todo lo que hace lo hace bien. Con ella me lanzaría a la piscina. Y si pudiera elegir un lugar, sería en el Palau de la Música, que es muy mágico.

ABAO Bilbao Opera, clausura la 71ª Temporada de ópera de Bilbao con un título imprescindible del repertorio, y de los más aplaudidos por el público: IL TROVATORE, con el patrocinio de la Fundación BBVA. Estrenada en 1853, es la segunda ópera de la denominada “trilogía romántica” de la producción verdiana que forman Rigoletto (1851), el propio Il Trovatore (1853) y La Traviata (1853). ABAO ha programado cuatro funciones para los días 20, 23, 26 y 29 de mayo en el Euskalduna Bilbao. La representación del sábado 20 dará comienzo a las 19:00h, y el resto de las funciones se iniciarán las 19:30h.

Basada en el drama El Trovador de Antonio García Gutiérrez, el momento histórico reflejado es entre los años 1412 y 1416, y la acción se traslada de Zaragoza a las montañas de Bizkaia. La ópera desarrolla dos líneas argumentales: la venganza de la gitana Azucena, cuya madre e hijo mueren en la hoguera, y el triángulo amoroso en el que Leonora es disputada por dos pretendientes enemigos que representan a familias enfrentadas. Pugnas, venganza, celos y muerte en una historia apasionada y brutal.

En ABAO Bilbao Opera se ha representado en 14 ocasiones, siendo uno de los títulos que iniciaron las temporadas de ópera en el Festival de 1953. La última vez fue en 2008, con el proyecto Tutto Verdi.

MELODÍAS CAUTIVADORAS Y EXCELENCIA VOCAL
Ópera romántica y emotiva, posee espléndidas y cautivadoras melodías, así como escenas de conjunto y arias de gran efecto dramático. Es además una “ópera de cantantes” que requiere un elenco de auténticos especialistas tanto musical como teatralmente. Interpreta el difícil rol de Leonora, Anna Pirozzi, una soprano en pleno apogeo de sus extraordinarias facultades y una fulgurante carrera internacional, para encarnar un personaje lleno de pasión. La soprano tiene abundantes momentos de lucimiento, como las arias “Tacea la notte placida” y “D’amor sull’ali rosee”, elegantes y de gran finura.

Ekaterina Semenchuk, una mezzosoprano de enorme inteligencia vocal, profundos matices y de referencia en el dramático rol de Azucena, la gitana que maneja la trama de la ópera y en la que confluyen los móviles del odio y la venganza, tiene su gran momento en “Stride la vampa”, una pieza espectacular para cualquier mezzo dramática.

El reconocido tenor Celso Albelo, es Manrico, un personaje que requiere lirismo pero también tonos heroicos, con momentos sublimes como la cabaletta “Di quella pira, l’orrendo fuoco…” junto al coro, o el recitativo “Ah si ben mio”, de melancólica belleza.

El Conte di Luna, es el personaje malvado de la ópera, lujurioso, celoso y vehemente, interpretado por Juan Jesús Rodríguez, una de las voces de barítono más atractivas del panorama actual. Su aria “Il balen del suo sorriso” ofrece momentos de emocionada nobleza. Juan Jesús Rodríguez ha recibido el pasado mes de abril el premio a la Mejor Voz Masculina en los Tutto Verdi International Awards por el rotundo éxito que ha tenido en cada una de sus intervenciones dentro del proyecto Tutto Verdi y por
ser uno de los barítonos verdianos más importantes del mundo.

Acompañan a este cuarteto protagonista un conjunto de conocidas voces con solidez y armonía: Riccardo Fassi como Ferrando, Belén Elvira como Inés, Gerardo López encarnando a Ruiz, y David Aguayo y Martín Barcelona como Gitano y Mensajero, respectivamente.

FRANCESCO IVAN CIAMPA, UN EXPERTO VERDIANO AL FRENTE DE LA BOS En el apartado musical, Francesco Ivan Ciampa, experto verdiano y asiduo de los grandes coliseos líricos internacionales dirige a la Bilbao Orkestra Sinfonikoa en una partitura arrolladora, tan melódica como enérgica, impregnada de cambios de tono violentos, fuertes emociones, ritmo vigoroso y fuerza expresiva.

El Coro de Ópera de Bilbao, dirigido por Boris Dujin, completa este apartado y cuenta con dos momentos singulares con el “Miserere” y el conocido y popular “Coro di Zingari” uno de los momentos más esperados de la ópera. El COB ha sido galardonado con el Premio Especial de los Tutto Verdi International Awards de ABAO Bilbao Opera por su compromiso con la asociación a lo largo de los últimos 30 años, sin cuya presencia y excelencia artística no habría sido posible llevar a cabo las
temporadas de ópera en Bilbao ni el proyecto Tutto Verdi, en el que han participado en todos los títulos del programa.

UNA PRODUCCIÓN INTIMISTA Y TEMPESTUOSA, ESTRENO NACIONAL
La producción procedente de La Fenice di Venezia es una propuesta de Lorenzo Mariani, estreno nacional. La puesta en escena, con un diseño intimista, bello y armonioso, está inspirada en la película “El séptimo sello” de Ingmar Bergman, y refleja todos los elementos del drama con fortaleza y brío escénico.

Toda la escenografía de William Orlandi se presenta dominada por una gran pantalla donde se proyectan diferentes fondos e imágenes de alta calidad, que recrean una atmósfera nocturna y tempestuosa. La iluminación de Fabio Berettin y el trabajo de video proyección de Mattia Diomedi, contribuyen a la espectacularidad del conjunto escénico.

EVA SANDOVAL INTRODUCE LA ÓPERA DE VERDI EN EL CICLO EL ABC DE LA ÓPERA
El ciclo “El ABC de la Ópera” tiene como objetivo promover el conocimiento de la ópera en sentido participativo, construyendo a través de conferencias y encuentros con expertos, una red de experiencias culturales innovadoras, en espacios de participación asequibles a toda la sociedad. El programa descubre los aspectos más relevantes de cada título de la temporada, en una conferencia la víspera del estreno en el auditorio de la Universidad de Deusto, en colaboración con DeustoBide.

El viernes 19 de mayo, la musicóloga y divulgadora cultural Eva Sandoval, será la encargada de desvelar los entresijos de esta ópera y la obra de su compositor. Informadora de Radio Clásica de RTVE desde 2008, ha presentado programas como “Té para tres”, “Grandes ciclos”, “Música viva” o “Estudio 206”. En la actualidad dirige junto a Clara Sánchez el magazine “Café Zimmermann”, con entrevistas y actuaciones musicales en directo, y el espacio de cultura contemporánea “Miramondo múltiplo”, junto a José Luis Besada. Participa como presentadora de los conciertos de la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE en “Los conciertos de La 2” y de óperas en “El palco”, así como en otros eventos musicales televisados. Colabora en revistas de divulgación musical,
escribe regularmente notas al programa para las principales instituciones musicales españolas, presenta conciertos, imparte conferencias, ejerce como moderadora o participante de mesas redondas y presenta discos de música clásica.

Para acceder a esta actividad gratuita es necesaria acreditación previa llamando al teléfono 944 355 100. La conferencia será retransmitida en directo a través del canal de ABAO Bilbao Opera en YouTube.

CONGRESO VERDI FOR THE AGES: PASADO, PRESENTE Y FUTURO
Coincidiendo con las funciones de Il Trovatore, ABAO Bilbao Opera presenta una nueva actividad cultural de carácter y repercusión internacional, el Congreso Verdi for the Ages: Pasado, Presente y Futuro.

Este encuentro que reunirá a algunas de las figuras más relevantes del universo verdiano para debatir los diversos aspectos de las obras del compositor, celebrar y reflexionar sobre el éxito y el significado del ciclo Tutto Verdi, lo que ha aportado a la ciudad de Bilbao y a dónde ir a continuación, tendrá lugar los días 27, 28 y 29 de mayo en el Bizkaia Aretoa de la Universidad del País Vasco, será de acceso gratuito, y se retransmitirá por streaming.

Durante tres días, una treintena de musicólogos, críticos, historiadores, sociólogos, agentes, directores artísticos e intérpretes, debatirán sobre el pasado, el presente y el futuro de la obra verdiana, desde documentos históricos, contexto cultural o género, a prácticas escénicas, marketing o tecnología, hasta el sector lírico en el contexto actual y futuro. Serán seis sesiones temáticas en
formato de ponencia libre, mesa redonda o talleres, y se espera una amplia participación de aficionados, curiosos y público en general.

El comité del congreso está formado por Roberta Montemorra (Universidad de Massachusetts), Alessandro Roccatagliati (Universidad de Ferrara) y Víctor Sánchez Sánchez (Universidad Complutense Madrid), bajo la coordinación y presidencia de Francesco Izzo (Universidad de Southampton).

FUNDACIÓN BBVA: IMPULSO AL CONOCIMIENTO CIENTÍFICO Y CULTURAL
La Fundación BBVA, cuyo rasgo diferencial es el impulso al conocimiento tanto científico como cultural, articula su programa de Música como un recorrido completo por las distintas formas en que la sociedad puede beneficiarse y disfrutar de esta manifestación artística. Así, promueve la creación de obra nueva con encargos de composición y hace posible su preservación y difusión por medio de grabaciones en colaboración con sellos e intérpretes de primera línea.

Fomenta la música en directo a través de ciclos de conciertos que, de forma gratuita, ponen al alcance del público ensembles y solistas de referencia en el repertorio contemporáneo. Organiza ciclos de conferencias y edita publicaciones para comprender mejor el trabajo de ciertos autores o sumergirse en el estudio de determinados períodos compositivos y lleva a la práctica proyectos de investigación y creación altamente innovadores con las Becas Leonardo en Música y Ópera.

Organiza simposios especializados sobre gestión de orquestas, colabora con formaciones musicales y teatros de todo el país y reconoce la excelencia a través del Premio Fronteras del Conocimiento en Música y Ópera y el Premio de Composición AEOS-Fundación BBVA, en colaboración con la Asociación Española de Orquestas Sinfónicas. El esfuerzo sostenido de la Fundación en este ámbito ha sido reconocido con el Premio Ópera XXI a la Mejor Iniciativa de Mecenazgo.

Las representaciones de Il Trovatore están patrocinadas en exclusiva por la Fundación BBVA, principal patrocinador de ABAO Bilbao Opera, que contribuye de esta manera a fomentar la cultura operística y a llevar al público espectáculos de la máxima calidad.

La Fundación BBVA ha sido reconocida con el premio a la Mejor Institución en los Tutto Verdi International Awards, por su rasgo diferencial en la búsqueda de la excelencia con impulso al conocimiento tanto científico como cultural. Por su apoyo a la música y a la ópera con una categoría propia en los Premios Fronteras del Conocimiento. Por su apoyo constante y decidido como patrocinador principal, sin interrupción durante diecisiete años, a todas las actividades de ABAO Bilbao Opera y en especial el Proyecto Tutto Verdi.

La pianista Irene Alfageme dedica su nuevo trabajo discográfico al compositor Jesús Legido (Valladolid, 1943), en el año de celebración del 80 aniversario de su nacimiento. Bajo el título “Cuadernos Secretos”, Alfageme lleva al disco su tesis doctoral dedicada a las canciones para voz y piano de Legido de la mano del sello Eudora, presentando la primera grabación mundial de una cuidada selección de sus numerosos ciclos de canciones. Y para ello, ha contado con la voz de la conocida soprano Raquel Lojendio, que canta a la vida (Violetas mojadas, Romances del bajo Duero), la muerte (Oración en silencio) y el amor (Tríptico lorquiano, Soledades).

“En estas canciones de Jesús Legido, podemos apreciar su poético lenguaje, de carácter intimista y nostálgico, que toma como fuente de inspiración los poemas de Antonio Machado, Federico García Lorca, José Luis Hidalgo y Francisco Javier Martín Abril, además del folklore zamorano. Legido explora las posibilidades pianísticas y vocales con un lenguaje personal y respetuoso con el texto, como si buscara en el pentagrama la esencia de la poesía, recurriendo incluso al uso de notas repetidas que imitan el efecto parlato”, señala Irene Alfageme, que ha consultado numerosas partituras y documentación procedente del archivo personal del propio compositor para la realización de su tesis doctoral Las canciones para voz y piano de Jesús Legido: Un análisis poético-musical (Universidad de Valladolid).

El disco “Cuadernos Secretos”, que acaba de salir al mercado, se presentará en Madrid el próximo 24 de mayo en la Sede de la SGAE; Irene Alfageme y Raquel Lojendio interpretarán en vivo algunas de las obras incluidas en la grabación, en un acto conducido por María del Ser, periodista de Radio Clásica – Radio Nacional de España (RNE), en el que también intervendrán el compositor Jesús Legido, y el productor de Eudora Records, Gonzalo Noqué.

Irene Alfageme compagina su faceta como pianista especializada en música de cámara y acompañamiento vocal, y ha trabajado con grandes nombres de la lírica internacional como Felicity Lott, Bryn Terfel, Angela Denoke, Ian Bostridge, Magdalena Kožená, Plácido Domingo, Ainhoa Arteta, Ángeles Blancas o Erwin Schrott, entre otros. Además, es Profesora de Repertorio Vocal de la Escuela Superior de Canto de Madrid, y colabora asiduamente con la Orquesta y Coro Nacionales de España, y la Orquesta Sinfónica de Castilla y León.

El afamado solista Emmanuel Pahud protagoniza un esperado recital en el ciclo Series 20/21 del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. En esta ocasión, el intérprete presentará un estreno encargo del CNDM al grandísimo compositor español Jesús Torres. En el recital también interpretará obras de Tōru Takemitsu, Luciano Berio, Jörg Widmann y Edgar Varèse; así como algunas de las famosas Fantasías para flauta travesera de Georg Philipp Telemann y un estreno en España del cinematográfico compositor Alexandre Desplat. El concierto tendrá lugar el lunes 15 de mayo a las 19:30h en el ciclo Series 20/21 en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (entrada libre).

Emmanuel Pahud, que a los 22 años se unió a la prestigiosa Filarmónica de Berlín como primer flauta y a día de hoy sigue ocupando ese puesto, posee una extensa carrera internacional como solista y músico de cámara. Además de actuar regularmente en las principales series de conciertos, festivales y orquestas de todo el mundo, su pasión por ampliar el repertorio de flauta le ha llevado a estrenar numerosas obras nuevas cada año. Precisamente, en este concierto, el público madrileño tendrá la oportunidad de asistir a la presentación de Sortilegio de Jesús Torres. Según el propio compositor, esta pieza está cargada de pasajes de extremo virtuosismo, con escalas rapidísimas, trémolos y arpegios con los que apreciar la fluidez del instrumento.

El concierto se presenta como un especial diálogo entre obras canónicas del repertorio para flauta travesera con otras obras contemporáneas. Entre las primeras encontramos las Fantasías nº 1, 2, 5, 6 y 7 de Georg Philipp Telemann, miniaturas musicales que son auténticas joyas barrocas y que han podido llegar hasta nuestros días gracias a una única copia de la edición original que se conserva a día de hoy en Bruselas. Entre las segundas, el flautista abordará Voice de Tōru Takemitsu, que contiene sugerentes referencias al teatro nō japonés y a la flauta shakuhachi de bambú; la primera de las catorce icónicas Sequenzes de Luciano Berio; Petite suite de Jörg Widmann, un sentido homenaje al flautista suizo y maestro suyo Aurèle Nicolet, fallecido en 2016; y Density 21.5 de Edgar Varèse, considerado como el precursor de muchas otras obras compuestas con posterioridad para flauta sola.

El concierto también incluye el estreno en España de Airlines de Alexandre Desplat, más conocido por ser el multipremiado autor de numerosas bandas sonoras.

Todos los conciertos del ciclo Series 20/21 serán los lunes a las 19:30h y con entrada libre hasta completar aforo. Además, mostrando en las taquillas del Museo Reina Sofía dicha entrada, el público podrá beneficiarse de un 50% de descuento en la entrada individual general del museo.

Fotografía: Josef Fischnaller

Tristán e Isolda de Richard Wagner (1813-1883)

Ópera en versión de concierto semiescenificada. Acción en tres actos

D. musical: Semyon Bychkov. D. coro: Andrés Máspero

Reparto: Catherine Foster, Andreas Schager, Franz-Josef Selig, Ekaterina Gubanova, Brian Mulligan, Neal Cooper, Jorge Rodríguez-Norton, Alejandro del Cerro y David Lagares.

Teatro Real de Madrid 6 de mayo de 2023.

No hay una temporada en el Teatro Real sin su Wagner, y esta vez le ha tocado el turno a Tristán e Isolda. Lo ha hecho en versión semiescenificada, en mi opinión, la mejor forma de ofrecer esta ópera. Los cantantes interactúan lo justo y nada distrae de lo verdaderamente importante, la música. No es una obra que requiera de grandes alardes escénicos, son pocos los personajes y onírico el ambiente que la envuelve, por lo que es un acierto esta manera de ofrecerla.

En una carta dirigía a Listzt en 1854, Wagner se expresaba de este modo: “Ya que no he conocido en vida la verdadera felicidad del amor, quiero levantar un monumento al más bello de los sueños, en el cual ha de satisfacerse, de principio a fin, ese amor”. Esta idea, fruto del tormentoso amor entre Wagner y Mathilde Wessendonck, influyó en distintas obras del compositor alemán, sobre todo en Tristán e Isolda.

La obra comienza con un acorde de tres notas en un registro grave y ascendente de los violonchelos al unísono. Un acorde que se desarrolla a lo largo de la obra y que solo se resuelve al final, con la muerte de Isolda (spoiler).

La muerte por amor resuelve la disonancia. Se crea así un tratamiento armónico único, nunca escuchado, que cambia desde ese momento los planteamientos de la estructura musical. Es el llamado ”acorde Tristán”, que impulsa siempre la música hacia adelante, en una envolvente infinita que apenas se relaja en un par de interludios. La riqueza armónica y el viaje inagotable que propone el compositor solo finaliza en el último momento.

Wagner catalogó Tristán como acción/trama, o Handlung. Esta obra no se basa en ningún acontecimiento histórico, sino en momentos y personajes mitológicos. Se pueden distinguir dos tramas o dos mundos distintos, el mundo real o racional, al que pertenecen los personajes de Brangäne, Kurwenal, Melot y el Rey Marke, y el mundo interior, el de los sueños y el amor en el que viven Tristán e Isolda. Es este mundo interior el que mejor describe Wagner en su partitura, situando siempre el plano de la realidad al final de cada acto. El resto de la obra pertenece a los sueños de sus protagonistas.

Y si el acorde principal de esta ópera es infinito, también lo son los movimientos pausados de su director musical Semyon Bychkov. El gesto siempre templado y seguro del director musical, atendía a cada una de las entradas de la orquesta y de los cantantes. Hizo que la orquesta sonara como pocas veces. Con un sonido limpio y transparente, con un cuidado equilibrio en los metales y las cuerdas. Ese gesto suave y envolvente, que parecía que le hacía avanzar en el mar de música sin dificultades, sin brusquedades ni aspavientos. Toda una lección de capacidad y conocimiento de la obra y de los tiempos.

Habituales de Festivales como Leipzig y Bayreuth, el cuadro de voces que se han reunido en el Real, han demostrado su calidad y conocimiento de canto wagneriano.

Para el rol de Isolda estaba anunciada Ingela Brimberg, que fue sustituida por Catherine Foster. No se como habría resultado Brimberg, pero la británica, que tiene una larga trayectoria wagneriana, ha sido una Isolda enorme. Tiene una voz lírica rebosante, un agudo pleno, lleno de metal y brillo. Su emisión es limpia, controlada, segura, sin asperezas. Supo dotar al personaje de la furia inicial para transformarlo en romanticismo e ingenuidad al final. Una brillante Isolda.

Tristán ha sido interpretado por el tenor alemán Andreas Schager, conocido y apreciado en este Teatro y otro wagneriano de pro. Se encuentra en un momento pletórico de voz, con ese metal en sus agudos y zona central. Sobre el escenario es incansable, lo da todo siempre. Venía de interpretar la tetralogía en Berlín pero su voz parece no necesitar descanso. Afronta toda la obra con la misma intensidad sin que su voz ni su fraseo se fatiguen.

El irlandés Brian Mulligan nos regaló un Kurwenal lleno de nobleza y fidelidad a Tristán. También en lo vocal se puso apreciar la nobleza, con su timbre limpio y agudo demostró esas cualidades, tanto en los momentos de exaltación heroica como en los más dramáticos.

La rusa Ekaterina Gubanova fue una espléndida Brangane. Siempre elegante, con abundante caudal, fraseo limpio y seguro y esas tonalidades oscuras que tanta personalidad aportan al personaje.

el bajo alemán Franz Josef Selig, también muy conocido por el público, volvió a interpreta el rol de rey Marke. Su presencia escénica, como la oscuridad y profundidad de du timbre, visten a la perfección el personaje. Escenicamente tuvo momentos de especial brillo, sobre todo en la emoción que supo trasmitir en la muerte de Tristán.

Neal Cooper estuvo acertado en su interpretación de Melot, un personaje astuto bien delineado por el tenor británico a través de su voz acerada.

La representación española estuvo a cargo de Alejandro del Cerro, Jorge Rodríguez Norton y David Lagares que estuvieron a una gran altura en medio de este impresionante reparto.

Un acierto esta programación de Tristán e Isolda, un regalo convertido en acontecimiento por el reparto y por un Semyon Bychkov que obró el milagro.

Texto: Paloma Sanz

Fotografía: Javier del Real/Teatro Real

El Teatro de la Zarzuela acaba de presentar su Temporada 2023/2024, la 164 desde que abriera sus puertas en 1856, con la que Daniel Bianco culmina su etapa de ocho años como director de este coliseo. Un proyecto artístico, el suyo, que comenzó en noviembre de 2015 (su primera temporada programada fue la de 2016/17) con la intención de que el coliseo de la madrileña calle de Jovellanos –hoy felizmente nombrada también plazuela de Teresa Berganza– siguiera “desempeñando el cometido para el que nació hace casi 167 años: ser el escenario privilegiado del teatro musical español, de la música de este país”.

Así lo afirmaba y así lo asevera el director del Teatro, que el próximo 1 de noviembre cederá su puesto a Isamay Benavente –nueva directora por concurso del mismo– con la tranquilidad y la satisfacción del deber cumplido, y con la seguridad de que aún es mucho “e ilusionante” el trabajo que queda por delante en pro de la salvaguardia del patrimonio lírico español, de su teatro y de sus artistas.

Daniel Bianco tiende de esta manera la mano a todos los implicados en esta ardua tarea “para seguir caminando juntos en una única dirección; sentir, gozar y vivir la extensa variedad de nuestro género lírico español, porque su riqueza reside precisamente en su gran pluralidad”.

El Teatro de la Zarzuela tiene, en palabras de Bianco, “la vocación irrenunciable de teatro público para salvaguardar nuestro patrimonio musical, apoyado y protegido desde el Estado, y abierto, por tanto, a todo aquel que quiera conocer y disfrutar de nuestra más profunda esencia y herencia cultural y sentimental”.

Y para lograrlo, el gestor tiene claro que hay que idear fórmulas que, partiendo de esa identidad pública irrenunciable, faciliten el acceso a este Teatro y al incalculable tesoro que implica a todo tipo de espectadores.

En este sentido, Daniel Bianco pone de relieve “el esfuerzo que el INAEM –Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música– hace por seguir manteniendo los precios públicos y numerosos descuentos que permiten que el Teatro de la Zarzuela siga siendo accesible y asequible, cuidando especialmente a aquellos que puedan tener más dificultades para permitírselo”.

Con este primordial objetivo, para esta nueva temporada se han creado dos abonos jóvenes: uno de lírica (con tres producciones) desde 33 euros, y otro de conciertos (con cuatro conciertos) desde 32 euros. Además de estos abonos especiales, los aficionados de hasta 30 años podrán adquirir abonos completos al 50%.

Asimismo, tendrán un 50% de descuento en las entradas los espectadores de hasta 30 años, los mayores de 65, las familias numerosas o monoparentales, y las personas desempleadas o con discapacidad. Todos ellos, por tanto, podrán encontrar localidades desde 2 euros y medio hasta 25 euros. Además de todos estos descuentos habrá entradas de último minuto por solo 5 euros, sea cual sea la zona del Teatro, para el público de hasta 30 años.

Respecto a esta política y realidad de precios asequibles para todos, Daniel Bianco alude a la que es su inapelable función al frente del Teatro de la Zarzuela: “Esta es esencialmente nuestra vocación como teatro público, la de todos los que trabajamos en él, sabiendo que prestamos un servicio a la ciudadanía”. Una labor que, afirma, “nos llena de orgullo”, y es que “ver cada noche el teatro lleno con un público que descubre y disfruta su patrimonio cultural no es para menos”.

Temporada 2023/2024

LÍRICA

Comenzará la temporada con 6 funciones del estreno absoluto de ‘El caballero de Olmedo’ ópera compuesta por Arturo Díez Boscovich y libreto de Félix Lope de Vega en una adaptación de Lluís Pasqual. Uno de los pilares fundamentales del proyecto puesto en marcha por Daniel Bianco es el fomento de la nueva creación, y es por eso que la temporada abre con una ópera española de nueva composición. Se trata de un encargo del Teatro de la Zarzuela, la quinta obra de nueva composición que se estrena en el Teatro en este periodo, basada en esta ocasión en una de las obras cumbres del Siglo de Oro español. En ella se desarrollan los grandes temas universales del teatro en torno al amor imposible de los dos protagonistas: los celos, la envidia, la lealtad, la justicia y la muerte. Nueva producción del Teatro de la Zarzuela con dirección musical del Maestro Guillermo García Calvo y de escena de Lluís Pasqual, escenografía de Daniel Bianco, vestuario de Franca Squarciapino y unos elencos encabezados por Joel Prieto, César Arrieta, Rocío Pérez, Alba Chantar, Germán Olvera, Ramiro Maturana, Nicola Beller Carbone, Berna Perles, Gerardo Bullón o Rubén Amoretti. Estará en cartel del 6 al 15 de octubre.

Tras este singular inicio, será el turno para la reposición de la obra con la que en la temporada 16/17 se inició este nuevo ciclo artístico para el Teatro: ‘Las Golondrinas’ de José María Usandizaga. Posiblemente uno de los mejores compositores españoles que, de no haber muerto tan joven, el camino de la música española habría sido muy diferente. Se trata de una de las obras más importantes y una de las músicas más bellas y refinadas de nuestro repertorio, cuyo libreto fue escrito por Gregorio Pérez Sierra y María de la O Lejárraga, una importantísima escritora para el mundo de la lírica cuyo nombre se reivindica en los últimos años por haber trabajado siempre a la sombra de su marido. Esta producción recrea el lenguaje visual del cine mudo con una pantomima muy colorida. La escena de esta producción del Teatro de la Zarzuela estará dirigida por Giancarlo del Monaco, y se han programado nueve funciones del 9 al 19 de noviembre; con Juanjo Mena como director musical, el reparto contará, entre otros, con Carlos Álvarez, Gerardo Bullón, Raquel Lojendio, Sofía Esparza, Ketevan Kemoklidze, María Antúnez, Jorge Rodríguez-Norton o Javier Castañeda. La escenografía es de William Orlandi y el vestuario de Jesús Ruiz.

El año 2024 comenzará con el estreno de una nueva producción de ‘La rosa del azafrán’, uno de los grandes títulos de zarzuela. Una magnífica comedia de enredos de carácter costumbrista ambientada en La Solana, compuesta por Jacinto Guerrero, escrita por ese tándem imprescindible de libretistas formado por Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw y basada en ‘El perro del Hortelano’ de Lope de Vega. Este estreno estaba previsto para el año 2021, pero las consecuencias de la pandemia obligaron a modificar la programación planeada para poder cumplir con la obligada responsabilidad que se marcó el Teatro de mantener los compromisos con los artistas. Con este estreno se cierra este plan de reprogramación y compromiso con los artistas que se vieron afectados por los cambios a causa de la pandemia. Dirigida musicalmente por José María Moreno, esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela contará con la dirección de escena de Ignacio García. La escenografía es de Nicolás Boni y el vestuario de Rosa García Andújar. Yolanda Auyanet, Carmen Romeu, Juan Jesús Rodríguez, Rodrigo Esteves, Gurutze Beitia, Ángel Ruiz, Vicky Peña, Jorge Merino, Mario Gas, Pep Molina o Emilio Gavira integrarán el reparto de este título cuyas 14 funciones irán del 25 de enero al 11 de febrero.

El 8 y el 10 de marzo el público podrá disfrutar de ‘Gal·la Placidia’, ópera en tres actos del Maestro Jaume Pahissa, con libreto en lengua catalana del propio compositor basado en la obra de Àngel Guimerà i Jorge. Estrenada en 1913 en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, se trata de una partitura muy personal con una orquestación magistral, y cuyo argumento, basado en el personaje histórico de la Barcelona del siglo V Gala Placidia, gira en torno al amor, la traición y la venganza de sus protagonistas. Como teatro público, durante estos últimos años uno de los grandes objetivos del Teatro de la Zarzuela ha sido rescatar del olvido grandes obras de nuestro patrimonio lírico. Esta ardua tarea se ha llevado adelante junto al empeño de acabar con la falsa idea de que la zarzuela es solo madrileña, reivindicando la producción lírica de las muchas Españas y en todas sus lenguas. Se presentará en versión de concierto y contará con Christoph König en la dirección musical, y el reparto estará integrado por Maribel Ortega,
Antoni Lliteres, Simón Orfila, Carles Pachón, Carol García, Carlos Daza y Marc Sala.

Continuará la temporada lírica con la reposición de la ópera ‘Juan José’, obra maestra de Pablo Sorozábal con libreto del propio compositor basado en la obra de Joaquín Dicenta quien a su vez se inspira en un hecho real. Se trata de un drama lírico popular, en el sentido proletario, alejado de lo folclórico, con el que Sorozábal retrata los bajos fondos del Madrid de antes, donde a causa del analfabetismo y la incultura afloraban las miserias humanas, los rencores, los miedos, las traiciones y desconfianzas, repitiéndose de padres a hijos en una espiral sin fin. Esta obra encierra una fuerte crítica política, con la denuncia de la injusticia social y sus consecuencias para el desarrollo humano. Estará dirigida en lo musical por Miguel Ángel Gómez-Martínez, con dirección de escena de José Carlos Plaza, escenografía e iluminación de Paco Leal y vestuario de Pedro Moreno. El reparto estará integrado por Juan Jesús Rodríguez, Luis Cansino, Saioa Hernández, Carmen Solís, Vanessa Goikoetxea, Alba Chantar, María Luisa Corbacho, Belem Rodríguez Mora, Alejandro del Cerro, Francesco Pio Galasso, Simón Orfila, Manuel Fuentes, César Arrieta o Santiago Vidal. Se ofrecerán 8 funciones del 4 al 12 de abril.

La nueva temporada será también tiempo para la celebración, ya que en el mes de mayo se estrenará una nueva producción de uno de los títulos más icónicos del género chico y del repertorio de zarzuela, que, para más señas, es además uno de los más queridos por el público y cuyos números musicales han pasado a la historia del género y son reconocibles por propios y ajenos al mismo. Hablamos de ‘La verbena de la Paloma’ de Tomás Bretón con libreto de Ricardo de la Vega; un sainete que es fiel retrato del Madrid de finales del siglo XIX, de sus costumbres, de sus personajes más castizos y sus cantos populares, algo que Bretón consiguió incluir magistralmente en sus obras. Hemos podido comprobarlo sin ir más lejos en la presente temporada con ‘La Dolores’, donde el compositor inserta en la trama la jota aragonesa. En ‘La verbena de la Paloma’ hace lo propio con el flamenco para describir musicalmente la escena. Esta producción será muy especial porque la dirige y coreografía Nuria Castejón y en su elenco participan sus hermanos Jesús y Rafael Castejón, todos ellos pertenecientes a una familia de amplia tradición de zarzuela. Esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela con texto introductorio de Álvaro Tato, cuenta además con la dirección musical de José Miguel Pérez-Sierra, escenografía de Nicolás Boni, vestuario de Gabriela Salaverri y conformarán el reparto, además de los dos artistas citados, Borja Quiza, Milagros Martín, Carmen Romeu, Ana Sanmartín, Gurutze Beitia, Gerardo López, Alberto Frías, Nuria Pérez, Raffaela Chacón (unida también a la estirpe Castejón) o Ana Goya. Serán 14 funciones del 8 al 25 de mayo.

Y una vez más cerrará la temporada de producciones líricas uno de los grandes títulos de la restauración de la Zarzuela de los años 20 del siglo pasado: ‘Doña Francisquita’ de Amadeo Vives con libreto de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw basado en ‘La discreta enamorada’ de Lope de Vega. Se recupera este título que desde su estreno en 1923 ha sido objeto de numerosas adaptaciones cinematográficas y escénicas, y será con la producción de Lluís Pasqual estrenada en 2019, reconocida con el Premio Max a la Mejor Producción de Espectáculo Musical o Lírico en 2020 y que ha cosechado grandes éxitos allá donde ha viajado, desde Barcelona a Lausanne u Oviedo. Ahora, vuelve de nuevo a Madrid, a su casa, para celebrar los 100 años de su estreno. La dirección musical será de Guillermo García Calvo, la escenografía y el vestuario de Alejandro Andújar y participarán en el reparto, entre otros, Sabina Puértolas, Marina Monzó, Ismael Jordi, Alejandro del Cerro, Ana Ibarra, María Rodríguez, Enrique Ferrer, Manuel de Diego, María José Suárez o Isaac Galán, con la participación especial de Gonzalo de Castro y Lucero Tena. Las 10 funciones irán del 19 al 30 de junio.

CONCIERTOS: SALA PRINCIPAL, NOTAS DEL AMBIGÚ, Domingos de Cámara, LIED

Tras el éxito obtenido en sus siete temporadas, el CICLO DE CONCIERTOS en la sala principal contará con algunas de las más destacadas voces de la lírica, la canción popular, el flamenco y el pop. En esta ocasión serán 10 conciertos: 4 líricos con algunas de las voces más importantes de la actualidad, 3 citas con el flamenco, 1 concierto sinfónico de música española y 2 conciertos de música popular con dos grandes artistas. Sandra Mihanovich. ‘Honrar la vida’: Una de las voces más aclamadas en América, su concierto ‘Honrar la vida’ permitirá vivir una velada donde regalará los temas que la han acompañado a lo largo de su carrera para, juntos, honrar la vida con canciones de autores tan populares como Marilina Ross, Eladia Blázquez, María Elena Walsh, Silvio Rodríguez y muchos más (7 de octubre); Concierto de Navidad: El Concierto de Navidad del Teatro es sin lugar a dudas una cita ineludible para el público aficionado. En esta nueva edición la voz de Ruth Iniesta y la batuta del Maestro Lucas Macías, al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid y el Coro Titular del Teatro de la Zarazuela, liderarán el emocionante encuentro que girará en torno a la comedia musical y las relaciones musicales del siglo XX entre América y España (30 de diciembre); Juan Jesús Rodríguez. ‘El pueblo tiene un cantar’: En enero seremos testigos de una gran y feliz novedad. El barítono Juan Jesús Rodríguez, a quien el público conoce por ser una de las mejores voces líricas del mundo, se abrirá a un nuevo horizonte y cantará sobre el escenario aquellos cantes de su tierra (Cartaya, Huelva) que lo han acompañado siempre. El intérprete ofrecerá un concierto de flamenco que sorprenderá a propios y extraños por su cambio de tornas, su gran versatilidad y su duende (30 de enero); Jorge de León y Mónica Conesa. ‘Recital de zarzuela’: Continuará el ciclo con un recital lírico, de zarzuela, a cargo de uno de los tenores más queridos por nuestro público, Jorge de León, junto a una las mejores voces actuales como es la de la soprano Mónica Conesa, nacida en Estados Unidos pero de ascendencia cubana, que tuvo un grandísimo éxito el año pasado en la Arena de Verona y que debuta en el Teatro de la Zarzuela con este recital. Cantarán dúos y romanzas de zarzuela y estarán acompañados por el pianista Juan Francisco Parra (6 de febrero); Ruth Lorenzo. ‘Noche en blanco’: Para conmemorar el Día Internacional de la Mujer contaremos con una de las más importantes artistas pop de nuestro país; dueña de una de las voces más potentes y con un futuro que se augura aún más brillante. Se trata de Ruth Lorenzo, que ofrecerá un concierto titulado ‘Noche en blanco’. Solo su voz, un piano y el público. Nadie quedará indiferente (9 de marzo); Homenaje a Victoria de los Ángeles: Con motivo del centenario del nacimiento de una de las sopranos más importantes en la historia de nuestro país, en colaboración con la Fundación Victoria de los Ángeles, se rendirá homenaje a la gran cantante con un recital en el que varios artistas como Ainhoa Arteta, Ofelia Sala, David Alegret, Mariola Cantarero, Carmen Solís, Montse Seró, Airam Hernández, David Menéndez, Nancy Fabiola Herrera, María José Montiel, Helena Resurreisao, Josep Ramón Olivé o Mercedes Gancedo cantarán en su honor (12 de marzo); Música Sinfónica española: Un año más el Teatro apuesta por la riqueza de la música sinfónica española y volverá a dar la oportunidad a uno de nuestros talentos emergentes. Tras su debut como directora musical, la maestra Cecilia Bercovich, quien cuenta con una extensa y exitosa carrera como concertista, se pone al frente de la ORCAM para regalarnos joyas de nuestro patrimonio sinfónico con obras de autores como Gerónimo Giménez, Pablo Sorozábal o Jesús de Monasterio, entre otros. Sin duda, una cita que ningún amante de nuestra música querrá perderse. (13 de marzo); Mayte Martín: El flamenco siempre ha estado presente en el Teatro de la Zarzuela, -casa que los flamencos consideran como propia-, y en las obras del género que representa. Ha sido una constante fuente de inspiración para los compositores de zarzuela desde que Bretón incluyó la célebre Soleá en ‘La verbena de la Paloma’. Como en cada temporada, este arte que es Patrimonio Universal sigue teniendo un espacio destacado en este teatro. En la próxima temporada, el público podrá disfrutar de la voz de Mayte Martín, de su delicadeza, intimidad y finura, en un concierto en el que presentará su próximo trabajo discográfico dedicado al flamenco. Cantaora, cantante de boleros y también compositora, recibió la Medalla de Oro en las Bellas Artes en 2021. (14 de mayo); Lisette Oropesa e Ismael Jordi. ‘Una noche de Zarzuela’: La soprano Lisette Oropesa vuelve al Teatro de la Zarzuela, donde debutó con enorme éxito hace un par de años, y esta vez lo hace junto al tenor Ismael Jordi, quien también ha visto siempre al público rendirse a sus pies en sus actuaciones en este escenario. Dos grandes voces que juntas regalarán, acompañados por el pianista Rubén Fernández Aguirre, una inolvidable ‘Noche de zarzuela’ (26 de mayo); José Mercé. ‘Flamenco’: Si Mayte Martín es la representación de la arraigada tradición flamenca que existe en Cataluña, finalizará el ciclo de conciertos con la representación de la otra punta de España, Jerez, cuna del flamenco, en la voz inconfundible de José Mercé, un artista que no necesita presentación y que desde hace muchos años es una de las mejores voces del flamenco (25 de junio).

Desde su creación en la temporada 2016/17, todos los conciertos del CICLO NOTAS DEL AMBIGÚ han colgado el cartel de ‘localidades agotadas’. En esta ocasión los protagonistas serán el tenor, actor, dramaturgo y director de escena Enrique Viana y el pianista Ramón Grau con ‘En la plazuela Teresa Berganza te espero’ (2 de octubre), la soprano Berna Perles y el pianista Rubén Fernández Aguirre con ‘Una tarde de copla’ (10 de octubre), el cuarteto vocal Cantoría establecido en un los últimos años como una de las agrupaciones de referencia de la polifonía del Renacimiento musical hispano (22 de noviembre), la soprano Inés Lorans y el pianista Rubén Fernández Aguirre con ‘De Madrid a París’ (22 de enero), la mezzosoprano Carolina Moncada y el pianista Borja Mariño con ‘Recordando a Giménez’ en conmemoración del centenario de la muerte de Gerónimo Giménez (26 de febrero), el gran especialista en el ámbito de la música medieval Eduardo Paniagua con quien nos transportaremos a la Baja Edad Media ibérica con ‘De Al-Ándalus a la Andalucía medieval’ (4 de marzo), la mezzosoprano Sandra Ferrández y la pianista Irene Alfageme con ‘En modo de habanera’ (1 de abril), el pianista Ramón Grau con ‘Danzas españolas’ (6 de mayo), el Cuarteto Iberia con ‘Música española contemporánea’, interpretando las obras ganadoras del III Premio de Composición para jóvenes compositores (28 de mayo), el barítono Eleomar Cuello y el pianista Rubén Fernández Aguirre con ‘Zarzuela en el malecón’ (4 de junio) y la mezzosoprano Anna Tonna junto al pianista Emilio González Sanz con ‘España alla Rossini’ (17 de junio).

Otra de las citas de éxito de cada temporada es el CICLO DOMINGOS DE CÁMARA que en la próxima abordará su quinta edición, y que por cuarto año consecutivo estará dedicado íntegramente al papel de la mujer en la música en su faceta como compositora. Las cuatro citas serán: el trío Soinuaren Bidaia (29 de octubre), Ensemble María de Pablos (25 de febrero), Cuarteto Ribera (28 de abril) y el ensemble Sonido Extremo (30 de junio).

Por otra parte, el CICLO DE LIED, en coproducción con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), celebrará nada menos que sus 30 años de vida. Esta XXX edición ofrecerá 12 recitales: La mezzosoprano Lise Davidsen (9 de octubre), la soprano Olga Peretyatko (16 de octubre), el barítono Gerald Finley (20 de noviembre), la soprano Erika Baikoff (11 de diciembre), el barítono Christian Gerhaher (29 de enero), el barítono Matthias Goerne (5 de febrero), el barítono José Antonio López (12 de febrero), el barítono Andrè Schuen (11 de marzo), la mezzosoprano Vivica Genaux (8 de abril), el barítono Florian Boesch (13 de mayo), la mezzosoprano Anna Lucia Richter (20 de mayo) y la soprano Katharina Konradi y la mezzosoprano Catriona Morison (24 de junio) completarán la propuesta de lied de la nueva temporada.

PROYECTOS DIDÁCTICOS. PROYECTO ZARZA.

La formación y la información del público joven sigue siendo una de las grandes prioridades en esta temporada que culmina la etapa de Daniel Bianco al frente del Teatro de la Zarzuela. Y es que uno de los pilares fundamentales del proyecto artístico del teatro es ese público joven, que no solo debe ser tratado como el público del futuro sino como público del presente que ya es. Por ello el coliseo de la plazuela de Teresa Berganza le abre las puertas del teatro para que conozcan su patrimonio musical a través de espectáculos de calidad especialmente dedicados a ellos.

De esta manera, el Teatro dedica una cuarta parte (26%) de su actividad artística a este público, y los frutos de este trabajo son ya una realidad. Como explica Daniel Bianco, “esto se puede apreciar en la juventud que cada vez más se mezcla con otras generaciones en este patio de butacas porque se ha enamorado de la zarzuela gracias a estas propuestas, especialmente el Proyecto Zarza, emocionándose con un género que también les pertenece”.

El PROYECTO ZARZA promueve la zarzuela hecha por jóvenes para jóvenes y ha logrado un éxito rotundo en las temporadas precedentes con más de 65.000 jóvenes llenando el patio de butacas en todas sus ediciones. Las colaboraciones con centros educativos aumentan cada año, “y quiero dar las gracias a todos los profesores que confían en nuestro trabajo –afirma Bianco–, ya que su función es básica para que proyecto sea una realidad”. Esta labor ha contribuido en gran medida a que las siete producciones disponibles en el canal de YouTube del Teatro hayan registrado hasta la fecha más de 115.000 visualizaciones.

A lo largo de estos años, desde su primera edición, el Proyecto Zarza ha crecido tanto como el éxito de sus montajes, hasta el punto de recibir el Premio Ópera XXI a la Mejor Iniciativa de Fomento de la Lírica en 2021, y la nominación de ‘El sobre verde’ como finalista al Mejor Espectáculo Musical o Lírico en la última edición de los Premios Max.

El Proyecto Zarza ha contado con adaptaciones de obras emblemáticas de los géneros que forman parte del gran continente que es la zarzuela. De esta manera, desde su inicio se han estrenado tres producciones de género chico, dos espectáculos nuevos a partir de músicas de zarzuela, una comedia musical y una revista.

En la nueva temporada regresa al escenario el género chico con ‘El año pasado por agua’, una de sus obras más representativas, cuyo texto ha sido renovado por Enrique Viana, uno de los artistas que mejor conoce la esencia del sainete y de la zarzuela. En esta ocasión, Viana ha adaptado el argumento a uno de los asuntos que de acuerdo con las encuestas más interesa a nuestros jóvenes: el cambio climático. En la dirección de escena debutará en el teatro una joven y muy reconocida directora, Marta Eguilior, y la dirección musical será de Lara Diloy. Esta nueva producción del Teatro estará representada, tal como ocurriera con los anteriores títulos del proyecto, por un grupo de jóvenes cantantes y actores de entre 18 y 30 años elegidos tras un proceso de audiciones y acompañados por un conjunto musical de cámara. Las 13 funciones, tres de ellas abiertas al público general, se ofrecerán del 26 de febrero al 1 de marzo de 2024.

Los proyectos didácticos también destacan este año porque, gracias a ellos, el Ambigú del Teatro volverá a llenarse de público infantil. Tras las emocionantes entregas de ‘Perdida en el Bosco’, ‘La increíble historia de Juan Latino’ y ‘El cielo de Sefarad’, volverá a este singular espacio multiusos el teatro de títeres con música en directo. Esta vez será con, ‘La niña que salvará nuestro mundo’, una nueva producción del Teatro de la Zarzuela en coproducción con la Compañía Claroscvro, con dirección de escena de Larisa Ramos, Julie Vachon y Francisco de Paula Sánchez, dirección musical de Enrique Pastor y la participación de la intérprete musical María José Pire. Las músicas serán de Federico García Lorca o Debussy, de los códices de Las Huelgas, Calixtino o Libre Vermell, o las cantígas del Martín Códax y de Alfonso X “El Sabio”, entre otras. Serán 7 funciones (dos de ellas abiertas al público) del 15 al 21 de abril.

Daniel Bianco destaca que el Teatro dedica todos los años este espacio a los más pequeños, “donde so solo descubren el rico patrimonio musical en familia o con los compañeros del colegio, sino que, además, aprenden a través del teatro valores como la amistad, el respeto, el amor o la tolerancia»

DANZA

Continúa el compromiso del Teatro de la Zarzuela con la danza, dando la bienvenida a las dos compañías nacionales que tienen este teatro como sede. Por una parte, la Compañía Nacional de Danza, dirigida por Joaquín de Luz, presentará el ballet romántico en dos actos, ‘La Sylphide’, con coreografía de August Bournonville, una obra que se encuentra en el repertorio de las mejores compañías del mundo con la que se alcanza la idealización del ballet romántico a través de la etérea sílfide, símbolo del amor inalcanzable. Serán diez funciones del 7 al 17 de diciembre. Por otro lado, el Ballet Nacional de España, dirigido por Rubén Olmo, ofrecerá los días 21 y 22 de diciembre de este año una gala para celebrar su 45 aniversario que contará con coreografías de Mariemma y de Antonio Ruiz soler, y con la proyección de una película documental. Y en julio de 2024, el Ballet Nacional traerá un espectáculo en forma de tríptico llamado ‘Generaciones’, con tres números de danza cuya pieza central irá alternando cada día de función. Serán doce funciones del 17 al 28 de julio.

TEATRO MUSICAL DE CÁMARA

Otro de los ciclos que permanece, y que lo hace cosechando éxitos, es el del Teatro Musical de Cámara en colaboración con la Fundación Juan March. Del 24 de septiembre al 2 de octubre se presentarán las siete funciones de ‘Grilletta e Porsugnacco’, intermedio de Johann Adolf Hasse basado en una comedia ballet de Molière y Lully con dirección musical de Javier Ulises Illán al frente de la Orquesta Barroca Nereydas, dirección de escena de Rita Cosentino y con Natalia Labourdette, David Menéndez y Aarón Martín en el reparto. Los intermedios de Hasse fueron muy populares en Madrid, en la corte de Fernando VI, y los más representados a mediados del siglo XVIII en la Corte en una época en la que los teatros estaban repletos de obras y artistas de procedencia italiana. Son los años de la presencia en España de Farinelli o Scarlatti. Como es habitual en este género, la trama de esta nueva producción es un enredo amoroso de carácter cómico entre una sirvienta y un burgués. Daniel Bianco agradece un año más la posibilidad de trabajar conjuntamente con la Fundación Juan March y con su director del departamento musical, Miguel Ángel Marín, en la coproducción de una obra de cámara que “demuestra que la suma de esfuerzos nos permite llegar más lejos“. Serán cuatro funciones abiertas y tres escolares.

A propósito de…

Tras la gran acogida de las dos primeras ediciones del ciclo ‘A propósito de…’, el Teatro de la Zarzuela volverá a contar con los conciertos del maestro Guillermo Garcia Calvo, un gran concertista de piano y director musical del coliseo, en los que el músico explica al piano el mapa musical internacional, y de qué manera los compositores de las obras que el maestro dirige en la temporada están situados y relacionados dentro de ese mapa sonoro internacional. Los conciertos de esta temporada son: ‘A propósito de El caballero de Olmedo. El piano y la música de cine’ con obras de Rajmáninov, Korngold o García Abril (8 de octubre) y ‘A propósito de Doña Francisquita. El piano y la influencia del folclore’ con obras de Scarlatti, Mozart, Chopin, Liszt, Granados, Debussy o Kapustin (23 de junio).

Conferencias

Volverá también el ya veterano ciclo de conferencias en colaboración con la Asociación Amigos de la Ópera de Madrid. Así, el Teatro contará con la presencia de cuatro musicólogas: Carmen Noheda, Teresa Cascudo, Ana Freire y María Nagore, y dos musicólogos y un comunicador especialista: Emilio Casares, Víctor Sánchez y Benjamín García Rosado. Todos ellos ayudarán a desentrañar los secretos de las obras y a descubrir las claves fundamentales de cada una de ellas. Hasta el día de hoy más de 32.000 espectadores han seguido las conferencias a través del canal de YouTube del Teatro de la Zarzuela.

El próximo 10 de mayo regresa al Teatro Real el English National Ballet con la nueva versión del ballet Raymonda, coreografiado y dirigido por Tamara Rojo, convertido ya en una de las propuestas más interesantes del repertorio de la compañía, desde su estreno en enero de 2022.

Tamara Rojo reescribe el clásico de Marius Petipa y Alexandre Glazunov -estrenado en el Teatro Mariinski de San Peterburgo en 1898- trasladando la acción de la Edad Media al siglo XIX, de las Cruzadas a la guerra de Crimea (1853-1856), de los salones al campo de batalla. Raymonda se convierte en una mujer con personalidad propia, ideales e iniciativas, también con fuertes sentimientos, pero con la capacidad de tomar sus propias decisiones y ser dueña de su propio destino. De esta manera, Rojo construye una línea narrativa más dramática, dando a la historia un contenido que la hace más comprensible al espectador de hoy en día.

La historia comienza en Inglaterra, en 1854. Raymonda, en la comodidad de su casa familiar, lee los informes diarios que los periódicos publican del frente y anhela hacer algo para aliviar el sufrimiento que describen. Decide huir de su cómoda vida y convertirse en enfermera en el campo de batalla. Allí se compromete con un soldado, John de Bryan, pero pronto siente algo por su amigo Abdur, líder del ejército otomano, aliado de los británicos. La confusión crece a su alrededor y en su interior pensando en la decisión que debe tomar, entre su vocación y los impulsos de su corazón, sin saber a quién se entregará.

Para la construcción de este nuevo personaje femenino, la coreógrafa se ha inspirado en el espíritu pionero de Florence Nightingale y en las mujeres que apoyaron el esfuerzo bélico en Crimea. Era la primera vez que se permitía a las mujeres servir oficialmente en el ejército y la producción, arropada por la escenografía y los figurines de Antony Macdonald y las imágenes del diseñador de vídeo Alexander Gunnarsson, muestra un relato casi documental de la época a través de la dramaturgia de Lucinda Coxon.

La coreografía ha intentado conservar una gran parte del original de Petipa (sus solos icónicos, la riqueza y dificultad de sus variaciones) haciendo de esta joya del ballet clásico más “una reinterpretación que una nueva creación”, adaptándola a la condiciones físicas, técnicas y expresivas de los intérpretes de la danza clásica actual. En esta línea, la presencia masculina está más desarrollada, dando la oportunidad al bailarín de exhibir sus dotes atléticas, y las danzas folclóricas tradicionales se han fundido en una concepción única.

Gavin Sutherland, director musical del ENB, ha reorquestado partes de la partitura de Alexander Glazunov para adaptarlas a la nueva dramaturgia. Así, se reorganizan algunos números, introduce instrumentos tradicionales húngaros y transforma en notas más intimistas y tristes acciones tradicionalmente alegres (como el segundo vals, que cede su alegría a una cadencia que recuerda a los soldados caídos), sin renunciar a la riqueza melódica. En las funciones que se verán en Madrid, Gavin Sutherland estará al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real, con excepción del día 12 de mayo, que contará con la batuta de Alexander Ingram.

Tres grandes elencos se alternarán en la interpretación de los papeles protagonistas: Raymonda, John de Bryan y Abdur Rahman. Los días 10 y 13 (16.30 h) de mayo bailarán Shiori Kase, Isaac Hernández (artista invitado) y Fernando Carratalá Coloma; el 11 y 13 (21.30 h) Fernanda Oliveira, Francesco Gabriele Frola y Eric Woolhouse, y el 12 de mayo estarán Emma Hawes, Aitor Arrieta y Daniel McCormick.

Con este delicado y magnífico espectáculo, el English National Ballet pondrá fin a la actual temporada de danza del Teatro Real (en 2019 fue responsable de la inauguración). Raymonda se viste con otra piel bajo la mirada de Tamara Rojo y nos cuenta, no sólo la historia de una mujer, sino la historia de un cambio social, la crueldad de la guerra, el tumor corrosivo de los prejuicios y el paso que camina hacia el futuro.

El próximo viernes 12 de mayo el tenor Pablo García-López actuará en la XXXVII edición del Festival de Órgano de Álava junto a la organista Silvia Márquez, una de las mujeres más polifacéticas y consideradas dentro del ámbito de la llamada música antigua en España. Ambos intérpretes serán los encargados de inaugurar el certamen en la iglesia Santa Maria de Oyón con el recital La Speranza, en cuyo programa se podrán escuchar piezas de Johann Sebastian Bach, Alessandro Scarlatti y Henry Purcell, entre otros.

La Speranza, recital de órgano y tenor, nos propone un viaje a través de varios de los más destacados compositores barrocos de la época. Para Pablo García López “el barroco es parte fundamental de mi repertorio junto a Mozart y poderlo compartir con la especialista Silvia Marquez me enriquece y es todo un privilegio. La Speranza es un programa especial que hemos creado Silvia y yo para esta ocasión. La idea central es la búsqueda de esta esperanza a través de la espiritualidad que encontramos en Bach, Purcell o Alessandro Scarlatti”

La trigésimo séptima edición del Festival de Órgano de Álava pone en valor, un año más, el patrimonio que existe en el territorio con respecto a este instrumento. La entrada al concierto es gratuita hasta completar el aforo y además contará en la iglesia con una pantalla para que las personas asistentes puedan visualizar a los intérpretes.

Pablo García-López, una carrera en alza

Tras su participación en Il Trittico, y en Les Nuits d’etè de Héctor Berlioz, Pablo García-López prosigue una temporada en la que su nombre figura en algunos de los títulos más comentados de los últimos meses, como Hadrian de Rufus Wainwright en el Teatro Real o el Orphée de Philip Glass a las órdenes del director de escena Rafael R. Villalobos en la nueva producción del Teatro Real y de Teatros del Canal o La Tarara/123, un recital junto a la pianista Rosa Torres-Pardo en el Teatro Villamarta de Jerez con canciones populares de Federico García López.

El próximo mes de junio volverá al Teatro Real de Madrid para participar en Il Turco In Italia de Rossini. Como broche final a la temporada estival, el tenor recalará en el Festival Internacional de Krumlov para ofrecer un concierto junto a solistas españoles de la talla del guitarrista Rafael Aguirre, la soprano Beatriz Díaz junto a la Filarmónica de Praga, dirigida por Manuel Hernández-Silva.

PROGRAMA

LA SPERANZA / RECITAL DE ÓRGANO Y TENOR

Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Preludio en re menor, BWV 538 *
Bist du bei mir
Henry Purcell (1659-1695)
A bird’s prelude (TheFairy Queen, acto II) *
If music be the food of love
Alessandro Scarlatti (1660-1725)
La speranza
Le violette
Variazioni sulla Follia di Spagna *
Johann Sebastian Bach
Aria Lass, o Fürst der Cherubinen (de la Cantata Herr Gott, dich loben alle wir, BWV 130).
Dietrich Buxtehude (1637-1707)
Praeludium en sol menor, BuxWV 163 *
Felix Mendelssohn-Bartholdy (1809-1847)
So ihr mich von ganzem Herzen (del oratorio Elias, op. 70, MWV A 25, parte I).
Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Fuga en re menor, BWV 538 *
Órgano solo

La soprano Núria Rial y el pianista Rubén Fernández Aguirre ofrecerán el próximo martes 9 de mayo (20h00) en el ciclo Notas del Ambigú del Teatro de la Zarzuela, un recital en el que con las entradas agotadas rendirán homenaje (merecido y obligado) a Victoria de los Ángeles en este año en que se cumplirá –el próximo 1 de noviembre–el centenario de su nacimiento.

Victoria de los Ángeles es unánimemente reconocida como una de las más importantes cantantes del siglo XX, que conquistó los escenarios y los corazones de todo el mundo con la belleza de su voz inmortal.

Junto a Rial y Fernández Aguirre el público tendrá ocasión de recordar a la artista, sin duda con gran emoción, a través de algunas de las obras que más cantó en sus numerosos recitales.

En el programa incluye obras de Frederic Mompou, André Campra, Antonio Cesti, Alessandro Scarlatti, Franz Schubert, Felix Mendelsshon, o Johannes Brahms.

El pasado 26 de abril el Real Teatro de Retiro celebró la I Feria de Compañías LÓVA -la Ópera, un vehículo de aprendizaje-, el proyecto educativo del Teatro Real que ya cumple 15 años de recorrido.

En el Proyecto LÓVA, una clase se convierte en una compañía de ópera a lo largo de un curso escolar: todos los niños se implican y se organizan en equipos profesionales para producir y estrenar su propia ópera.

Esta primera edición de la feria reunió a 26 compañías de colegios e institutos de distintas partes del territorio nacional y se planteó como un encuentro entre profesionales, tal y como se realiza en el sector de las artes escénicas.

Más de 200 alumnos prepararon el encuentro con gran implicación y profesionalidad, realizando diversas tareas: desde el diseño de los stands de cada compañía, hasta la preparación de actividades y dinámicas para el resto de asistentes. Además, participaron en talleres con reconocidas profesionales: coreografía, con Patricia Ruz; percusión, con María Arranz, y teatro e imagen junto a Natalia Sanz.

Este encuentro ha supuesto un acercamiento entre compañías que participan en el proyecto LÓVA, en un formato novedoso en los 15 años del proyecto. La feria se convirtió en un espacio único para que niños y jóvenes compartieran experiencias y realizaran nuevos aprendizajes.

LÓVA (la Ópera, un vehículo de aprendizaje) es un proyecto educativo del Teatro Real que se realiza, principalmente, en centros de primaria donde una tutora o tutor convierte su aula en una compañía de ópera. La clase dedica un curso completo a formar la compañía, y a crear y estrenar su propia ópera en funciones en las que no cuenta con ayuda de adultos. 18.000 niñas y niños han estrenado ya más de 650 óperas en 16 Comunidades Autónomas.

Fotografía Javier del Real

El director español Sergio Alapont enfrenta el último tramo de la temporada con nuevos retos que le llevarán a reencontrarse con Bizet y su Carmen en el Teatro Calderón de Valladolid, a grabar un disco con obras de Juan José Colomer con la Orquesta de RTVE y a diversos compromisos con la Orquestra Clássica do Centro (Coímbra, Portugal), de la que es director titular (con la que acaba de ofrecer conciertos en el Malta Spring Festival), un curso que arrancó en el Teatro Real de Madrid dirigiendo Nabucco y que, en el terreno operístico, también ha viajado a la obra de Puccini con La Bohème, título que ha grabado con la Ópera Nacional de Irlanda para el sello londinense Signum Classics.

Inmerso ya en plenos ensayos de Carmen en el Teatro Calderón de Valladolid (funciones los días 10, 12 y 14 de mayo), el maestro nacido en Benicàssim se pone al mando de una coproducción de la Opéra de Monte-Carlo junto a la Opéra Marseille y al Théâtre du Capitole de Toulouse que firma Jean-Louis Grinda y de un reparto encabezado por la mezzosoprano georgiana Nino Surguladze y el tenor francés Jean-François Borras secundados por Tommaso Barea (Escamillo), Jaquelina Livieri (Micaëla), Paula Mendoza (Frasquita), Cristina del Barrio (Mercedes), Luis López Navarro (Zúñiga) y Jan Antem (El Dancairo). En el foso estará la Sinfónica de Castilla y León y en el escenario el Coro Calderón Lírico tendrá la responsabilidad de dar vida a cigarreras, toreros, contrabandistas y a los ciudadanos de esa Sevilla que enmarca el drama imaginado por Bizet. Alapont vuelve, de este modo, a una ópera que considera como uno de los títulos más importantes de todo el repertorio. “En Carmen Bizet aglutina diferentes estilos musicales que abarcan casi un siglo de la historia de la música, pero con una identidad propia y manteniendo un gran virtuosismo en el empleo de estos diferentes estilos. Por otra parte, introduce en su partitura una corriente que en ese momento estaba de moda en París, el exotismo, en boga tanto a nivel literario como musical. Ese exotismo recuerda lo español, y Bizet lo recrea sin haber visitado nunca España, imaginando atmósferas musicales propias de nuestra cultura. Se sirve, en algunos casos, de melodías de Manuel García, el famoso tenor y compositor, además de introducir el ritmo de la habanera, música que viene desde las colonias españolas que ya formaban parte de nuestro ideario musical. Bizet, y esto también es muy importante, hace uso de la técnica del Leitmotiv en casi todos sus personajes, y para ilustrar, por ejemplo, el destino y la muerte de Carmen. Eso también lo propone en el preludio del primer acto a modo de resumen temático. El resultado es de una belleza extraordinaria, pero la ópera también es muy difícil de interpretar, como sucede en el quinteto, que conlleva una dificultad extraordinaria para los cantantes. Por último, también hay que destacar que Bizet se adelanta al verismo y al expresionismo. La música francesa es exigente y esta obra tiene una gran dificultad técnica, tanto para la orquesta como para el coro y los solistas”.

Tras el verano, el maestro regresará a Dublín para dirigir La Bohème, realizará una gira por Francia con la Orchestre National des Pays de la Loire (ONPL)-Nantes Opéra, regresará al podio de la Orquesta de RTVE con obras de Richard Strauss y Glinka y debutará en Canadá al mando de la Longueuil Symphony Orchestra en la Maison Symphonique de Montreal con un programa que incluye música de compositores franceses y españoles.

Tras su reciente visita al Palacio Real de Madrid el pasado mes de enero para tocar en el concierto con motivo del 30 aniversario de relaciones diplomáticas entre España y Croacia con los Stradivarius de las Colecciones Reales, el Cuarteto de Zagreb regresa a nuestro país con una gira de cuatro conciertos, que tendrá lugar los días 11, 12, 13 y 14 de mayo. Fundado como el primer cuarteto de cuerda profesional estable de Croacia en el año 1919, el Cuarteto de Zagreb interpretará obras de Joaquín Turina, Beethoven y Dvorák en diversos escenarios de Cádiz, Sagunto, Úbeda y Sevilla.

El tour se iniciará en el Gran Teatro Falla de Cádiz con la conocida Oración del torero del compositor sevillano Joaquín Turina (1882-1949), y dos cuartetos de Beethoven (1770-1827) en atriles: el Cuarteto para cuerda en Re mayor nº 3, Op. 18 y el Cuarteto para cuerda en Fa mayor nº 16, Op. 135. La localidad valenciana de Sagunto acogerá la segunda cita de esta gira, en la que los miembros del legendario cuarteto croata incorporarán una nueva obra al programa: El cuarteto nº 12 en Fa mayor, Op. 96, conocido como “Americano”, que Antonín Dvorák (1841-1904) compuso durante su época en Estados Unidos.

Los dos últimos conciertos se celebrarán, de nuevo, en Andalucía, donde el Cuarteto de Zagreb participará como artista invitado de la 35ª edición del Festival Internacional de Música y Danza Ciudad de Úbeda, con un concierto en el Auditorio del Hospital de Santiago, en el que sonarán las mencionadas obras de Turina y Dvorák, y el Cuarteto en Fa mayor nº 16, Op. 135 de Beethoven. Al día siguiente, se despedirá del público español con la presentación del mismo programa en el CaixaForum de Sevilla.

El Cuarteto de Zagreb es el conjunto de cámara más antiguo de Croacia, y en la actualidad está integrado por Martin Krpan (violín), Davor Philips (violín), Hrvoje Philips (viola) y Martin Jordan (violonchelo). Reconocido internacionalmente por la extraordinaria calidad artística de sus actuaciones, está considerado un auténtico referente en la interpretación de los compositores de la Wiener Klassik (Haydn, Mozart y Beethoven), llegando a protagonizar incluso un concierto con Las últimas siete palabras de Cristo en la Cruz de Joseph Haydn en la cripta de la Iglesia de Santa Ana en Jerusalén. Además, cuenta con un amplio repertorio, en el que no faltan las obras contemporáneas, sobre todo de compositores de origen croata.

Cabe destacar también que, en sus más de cien años de historia, el célebre Cuarteto de Zagreb ha realizado numerosas grabaciones y varias giras internacionales por Estados Unidos, la ex Unión Soviética, Rusia, Canadá, Australia, Nueva Zelanda y Alemania, con actuaciones en lugares y salas de concierto de renombre internacional como el Concertgebouw de Ámsterdam, el Rudolfinum de Praga, la St. John Smith Square de Londres, la sede de las Naciones Unidas de Nueva York o el Guangyuan Concert Hall de China, entre otros.

El barítono suizo Manuel Walser, uno de los especialistas más aclamados por crítica y público en los escenarios europeos, debuta junto al pianista Alexander Fleischer en el XXIX Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela. En un programa que lleva por título Liebe und Traum (Amor y sueño), recorrerán algunas de las piezas más famosas del género liederístico, canciones inspiradas en textos de poetas del Romanticismo con música de tres grandes compositores seleccionados para la ocasión: Johannes Brahms, Serguéi Rachmaninov y Richard Strauss. El recital tendrá lugar el lunes 8 de mayo, a las 20:00h, en el Teatro de la Zarzuela.

Gracias a su generosa voz y su perfecta dicción, Manuel Walser es capaz de expresar los sentimientos más profundos del alma. A lo largo de su trayectoria, este cantante ha sido galardonado en numerosas ocasiones. Además de haber sido miembro permanente del conjunto de la Ópera Estatal de Viena durante cinco temporadas, está apasionadamente dedicado al arte del lied y ha ofrecido recitales en los principales escenarios europeos. En esta ocasión, se subirá a las tablas del Teatro de la Zarzuela junto a Alexander Fleischer, quien también destaca por una fuerte pasión por el repertorio vocal de cámara y haber cosechado numerosos reconocimientos internacionales.

En el concierto, se hará un recorrido por obras maestras del género liederístico. Se escucharán algunos de los más famosos y apreciados lieder del maestro Johannes Brahms, como la balada Von ewiger Liebe, op. 43 (Del amor eterno), la canción Dein blaues Auge hält so still, op. 59 (Tus ojos azules están tan callados), que nos acerca al universo de Robert Schumann, o la dramática Wie rafft ich mich auf, op. 32 (Cómo me armé de valor…). El segundo autor seleccionado en este viaje a través de las pasiones y los sueños será Serguéi Rachmaninov, uno de los grandes compositores posrománticos europeos. Considerado, a su vez, como uno de los pianistas más influyentes del siglo XX, sus lieder están cargados de figuras oníricas donde la presencia del piano toma un protagonismo especial. Finalmente, el público podrá adentrarse en la magia de las canciones de Richard Strauss, quien mantuvo durante toda su vida una fuerte relación con el lied. En sus piezas vocales destaca el canto al amor, a la naturaleza y a la nostalgia de un tiempo pasado. El recital será una oportunidad para escuchar algunas de sus obras más conocidas, como Morgen! (¡Mañana!), op. 27, nº 4, una de las joyas del género.

Trato de favor, la nueva zarzuela kitsch

Zarzuela contemporánea
Música de Lucas Vidal
Libreto de Boris Izaguirre
D. musical: Andrés Salado
D. escena: Emilio Sagi
Escenografía: Daniel Bianco
Vestuario: Jesús Ruiz
Iluminación: Albert Faura
Coreografía: Nuria Castejón
D. coro: Antonio Fauró
Reparto: Ainhoa Arteta, Nancy Fabiola Herrera, Enrique Ferrer, Gurutze Beitia,
Amelia Font, María José Suárez, Amparo Navarro, Lara Chaves y Boris Izaguirre.

Continua la búsqueda para crear la zarzuela del siglo XXI. Esta vez el intento ha corrido a cargo del compositor Lucas Vidal y del libretista Boris Izaguirre, a los que el Teatro de la Zarzuela realizó el encargo en 2016.

EL libreto en un conjunto de situaciones imposibles y surrealistas, cuya localización puede ir entre los años 60 y la actualidad. La idea está inspirada en un hecho real, el ingreso en prisión, hace ya unos años, de la mismísima Sophia Loren. Boris Izaguirre saca petróleo de una situación así y crea una sucesión de escenas delirantes, desde la entrada en la cárcel de la protagonista Ana Mía, hasta su participación, también desde la cárcel, en el Festival de Eurovisión. Con numerosos guiños a la actualidad del concurso.

El surrealismo del que hace gala el libreto es, como no podía ser de otra manera, muy divertido e hizo las delicias de un público entregado que asistía al estreno con ganas de disfrutar.

La partitura de Lucas Vidal es un conjunto de músicas de diferentes géneros que no siempre forman un corpus musical homogéneo. Inicialmente presenta un estilo muy cinematográfico, un género que trabaja y conoce muy bien Vidal. Al mismo tiempo está salpicado de fragmentos de zarzuela tradicional, como la alusión directa a un chotis o un pasodoble. Todo ello mezclado con aspectos más modernos. La lírica no es precisamente el género más presente en esta obra que, al margen de la sucesión de elementos diferentes, se dejaba escuchar sin plantear conflictos y tenía un cierto factor sorpresa, que siempre es estimulante.

En el momento de la recreación del Festival de Eurovisión son varias las alusiones de música y libreto, tanto a musicales, como “Mamma mia”, como la participación de representantes españoles en pasadas ediciones del propio festival. Todo adornado con la presencia, desde el patio de butacas, del propio Izaguirre que interpreta un pequeño papel.

Todos estos elementos musicales se desarrollaban en una elegante escenografía de Daniel Bianco con dirección de Emilio Sagi. El maestro Sagi, que maneja como nadie las multitudes sobre el escenario, dispuso una cárcel muy ordenada, con sus galerías y patio, donde sucedía todo tipo de acontecimientos, desde la vida diaria de las reclusas, hasta el festival de Eurovisión.

La dirección musical estuvo a cargo de Andrés Salado, que fue muy acertada, si tenemos en cuenta la diversidad de géneros musicales. Supo dar a cada uno su carácter y diferenciarlos estilísticamente, con color y energía.

El coro, elemento esencial en esta obra, tuvo un papel muy destacado. Se podría decir que la mejor partitura era la escrita para ellos, que parecía un coro wagneriano entre el petardeo Kitsch.

El cuadro de voces contaba con la participación de nombres importantes. Empezando por la protagonista, interpretada por Ainhoa Arteta, que continúa en fase de recuperación vocal y que hizo un gran esfuerzo. Sobre todo, en algunos momentos en los que la partitura se disparaba hacia el agudo.

Nancy Fabiola Herrera, que daba vida a Mayka, directora de la cárcel, sacó toda su capacidad dramática, que no es poca, y pudo lucirse en sus arias.

Amparo Navarro, como Chelo, tuvo los momentos más inspirados, sobre todo en su aria final. Su rol se encontraba entre el drama y el surrealismo cómico, y en ambos casos estuvo muy bien.

María José Suárez, como Venenosa y Amelia Font, como La Colombiana, tenían unos roles con una carga mucho más teatral que resolvieron brillantemente, aunque todos los personajes estaban provistos de una potente comicidad. Genial el personaje de Cuca, interpretado por Lara Chaves.

El único hombre que habitaba la cárcel, Enrique Ferrer, como Juan Miguel, no aportó gran lucimiento a su personaje, no sé si por tesitura, pero se le vio apurado.

Destacar la brillante actuación de Gurtze Beitia, como Mercedes, una especie de gobernanta de la cárcel que empieza siendo un personaje sensato y con autoridad, para descubrirse como el elemento corrupto ante el éxito de la reclusa más famosa.

Se puede decir que hay cierto desequilibrio con algunos personajes que aparecen y desaparecen, como Chelo o Juan Miguel, pero todos forman parte de un divertido universo.

Una obra que da para pensar, ¿es una zarzuela? ¿es un musical? ¿qué es Trato de favor? En cualquier caso, es una obra divertida que está más cerca del planteamiento de la zarzuela tradicional, que otras que hemos visto recientemente. Y es posible que sea un punto de partida real para que la zarzuela continue su andadura hacia el futuro.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Elena del Real

Noche especial la que se espera en el Teatro de la Zarzuela este próximo sábado, 6 de mayo (20h00). Pasión Vega, esa artista siempre sorprendente y siempre cercana, esa voz de nervio y seda, recorrerá el mapa sonoro de Federico García Lorca por los caminos de la música y la palabra. Canciones y poemas que nos recordarán que aunque mataran al poeta y acallaran su voz, hay un ‘Lorca sonoro’ que repicará siempre en los ecos de la memoria. Prueba de la expectación que, como de costumbre, ha suscitado este nuevo encuentro de la artista con su público en Madrid, es el hecho de que las entradas se agotaran meses antes de la cita.

En la voz pura de Pasión Vega, resucita Lorca en este proyecto que vio la luz en forma de disco en 2022. Y así, lo hace revivir más allá de las voces de muerte y del amor oscuro; resucita en los sonidos negros que llevan de Manuel Torre a Camarón, o en la aurora de Nueva York, cuando Leonard Cohen y Enrique Morente bailan un vals en Viena; y al sur, siempre al sur, tomamos este bebedizo que vino de Granada para acabar perteneciendo a todos los continentes y todos los idiomas.

El concierto, como el trabajo discográfico, será un homenaje a Federico. A ese García Lorca que amaba “la melodía latente, estructurada con sus centros nerviosos y sus ramitos de sangre”.

Una noche de latidos hondos y suspiros. Noche de amor y sobre todo de celebración la que Pasión Vega nos tiene preparada.

Leopoldo García Alarcón y Ted Huffman firman la primera incursión de Les Arts en el repertorio de Claudio Monteverdi, considerado como el “padre de la ópera”, con ‘L’incoronazione di Poppea’, que se estrena el próximo jueves 11 de mayo.

Jesús Iglesias Noriega, director artístico de Les Arts, ha presentado hoy, en rueda de prensa, este título, que ha calificado como “una de las apuestas más ambiciosas de la temporada”, junto con el director musical de la producción, Leonardo García Alarcón; el director de escena, Ted Huffman, y la soprano Jacquelyn Stucker, que interpreta el papel protagonista.

Según ha apuntado Iglesias Noriega, “Monteverdi es un compositor fundamental en la historia de la música occidental e imprescindible en el repertorio de un teatro de ópera con vocación internacional. Por ello, su inclusión en la programación supone todo un acontecimiento para los amantes del género operístico que Les Arts les ofrece con unos mimbres artísticos inmejorables”.

La producción de ‘L’incoronazione di Poppea’, que se estrena el próximo jueves, 11 de mayo, en el Teatre Martín i Soler —ha recordado el director artístico—, es uno de los montajes más celebrados de los últimos años. Realizado en coproducción con el Festival de Aix-en-Provence y la Ópera de Rennes, su estreno fue “la sensación” en la pasada edición del prestigioso festival francés, además de ser elegida por los profesionales del sector como una de las cinco mejores producciones de ópera en los International Opera Awards.

Leonardo García Alarcón asume la dirección musical de ‘L’incoronazione di Poppea’, con su formación Cappella Mediterranea en el foso. García Alarcón está considerado como uno de los grandes especialistas en el Renacimiento y el Barroco del circuito internacional.

El director argentino y su ‘ensemble’ son invitados habituales en las principales salas y festivales de música antigua: Ambronay, Saint Denis, Victoria Hall en Ginebra, el Théâtre du Châtelet de París, el Château de Versalles, el Konzerthaus de Viena, el Concertgebouw de Ámsterdam, Canergie Hall de Nueva York o el Colón de Buenos Aires. Cappella Mediterranea es la formación de referencia en las óperas de París y Ámsterdam para sus producciones de este periodo musical.

Según señala García Alarcón, con ‘L’incoronazione di Poppea’, su última ópera, Monteverdi marca el camino de lo que será la ópera a lo largo de su historia. ‘Poppea’ es la otra cara de ‘L’Orfeo’, su primera ópera. “En ‘L’Orfeo’ se trata de superar la muerte a través de la música, mientras que en ‘Poppea’ provocamos todos los sentidos y las pasiones, es la síntesis de la vida humana y de todo lo que el género operístico ofrecerá a partir de ese momento”, explica.

Después de sus éxitos en anteriores temporadas de Les Arts con ‘Les mamelles de Tirésias’, de Poulenc, o ‘Trouble in Tahiti’, de Bernstein, Ted Huffman realiza su primer montaje para el teatro de ópera valenciano.

Con escenografía original de Johannes Schütz, adaptación escenográfica de Anna Wörl, vestuario de Astrid Klein e iluminación de Bertrand Couderc, el trabajo de Huffman cautivó a la crítica internacional en su estreno en Aix-en-Provence, que elogió “el virtuosismo, la elegancia y la audacia de su dirección de actores”, “su enorme talento” para ofrecer “un momento de ópera estratosférico”.

El joven director estadounidense, con un planteamiento escénico sencillo y, a la par, de suma belleza, subraya, mediante la expresión, el gesto y el movimiento, la arrolladora modernidad de la trama de la ópera de Monteverdi: un canto al deseo y a las pasiones del ser humano sorprendentemente contemporáneo cinco siglos después de su estreno.

Les Arts reúne a un joven pero solvente elenco con la soprano Jacquelyn Stucker en el papel protagonista. La intérprete estadounidense, que ya recibió excelentes críticas por su Poppea en Francia, aborda su tercer gran papel en Les Arts, tras sus destacadas intervenciones en ‘Ariodante’ y, recientemente, en ‘Don Giovanni’.

A su lado, Nicolò Balducci encarna a Nerone. A sus 24 años, el cantante italiano sobresale como uno de los contratenores más prometedores de Italia. Tras ganar importantes concursos dedicados a la música barroca, acumula importantes compromisos en recintos y festivales dedicados a la música antigua.

El reparto incluye, además, emergentes especialistas en este repertorio, antiguos alumnos y artistas de la promoción actual del Centre de Perfeccionament. Debuta en València el contratenor coruñés Alberto Miguélez Rouco (Ottone) y regresa el bajo
estadounidense Alex Rosen (Seneca), que ya debutó en la Sala Principal con Marc Minkowski en ‘Alcina’.

Tras su paso por la formación en Les Arts, vuelven al Teatre Martín i Soler los tenores Joel Williams (Arnalta/Nutrice/primer familiar) y Jorge Franco (Lucano/soldado I/segundo familiar).

La nómina de artistas se completa con los cantantes del Centre de Perfeccionament de Les Arts: Mariana Sofía (Ottavia/Virtù), Rosa Dávila (Fortuna/Drusilla), Pilar Garrido (Amore/Valletto), Maximiliano Spósito (Liberto/soldado II) y Carlos Reynoso (Littore/tercer familiar).

Además del estreno el próximo jueves 11 de mayo, el Teatre Martín i Soler acogerá tres funciones más de ‘L’incoronazione di Poppea’ los días 13, 14 y 16 de ese mismo mes. Las localidades para esta ópera tienen un precio único de 60 euros.

Fotografía LesArts©Mikel Ponce

Bajo el título Beyond the Spanish Golden Age (Más allá del Siglo de Oro español), cinco de las mejores agrupaciones y artistas españoles especializados en la interpretación del repertorio español antiguo y barroco desembarcarán en mayo de 2023 en el prestigioso Festival de Música Barroca de Londres, en la iglesia de St John’s Smith Square, y en el Centro Nacional para la Música Antigua de York. Estas formaciones y artistas de referencia son La Grande Chapelle (12 de mayo), Concerto 1700 (13 de mayo/ 14 de mayo en York), L’Apothéose (13 de mayo), José Miguel Moreno (14 de mayo) y Raquel Andueza y La Galanía (14 de mayo/ 13 de mayo en York).

El objetivo de este proyecto es mostrar la riqueza, la singularidad y la calidad de nuestro patrimonio musical en dos espacios internacionales de renombre que son fundamentales para la promoción de la música española; así como apoyar a los intérpretes españoles, tendiendo puentes que les permitan establecer vínculos duraderos en el tiempo con estas ambiciosas programaciones. Además, la propuesta supone una gran oportunidad para compartir fuera de nuestras fronteras la personalidad única del repertorio español y descubrir joyas musicales de la mano de algunos de nuestros mejores intérpretes especialistas en este género, tanto en su faceta instrumental como vocal.

Esta coproducción internacional se realiza en el marco del Proyecto Europa, el Programa de Internacionalización de la Música y Artes Escénicas españolas, coorganizado por el Instituto Cervantes y el Centro Nacional de Difusión Musical, INAEM, Ministerio de Cultura y Deporte de España, y el Plan de Recuperación, Transformación y Resiliencia — financiado por la Unión Europea— Nextgeneration.eu. Cuenta con la colaboración de la Embajada de España en Reino Unido y la colaboración de Acción Cultural Española (AC/E), en el marco de la celebración del 10º aniversario de su programa PICE para la Internacionalización de la cultura española.

El primer conjunto español que actuará en esta edición del Festival de Música Barroca de Londres es La Grande Chapelle, una agrupación vocal e instrumental de música antigua con vocación europea cuyo principal objetivo es realizar una nueva lectura de las grandes obras vocales españolas de los siglos XVI al XVIII, con especial predilección por la producción policoral del Barroco. Asimismo, contribuyen de manera fundamental en la recuperación del repertorio musical hispano. Dirigidos por Albert Recasens, el grupo ha actuado en los principales ciclos de música barroca españoles y extranjeros, especialmente, de ámbito europeo y latinoamericano. En esta ocasión, llevarán un repertorio que pone el foco en los grandes trabajos corales españoles de los siglos XVI al XVIII y, en especial, en la obra de Juan Hidalgo, una de las grandes figuras musicales del siglo XVII español. Este compositor estuvo al servicio de los reyes Felipe IV y Carlos II y es autor de las óperas españolas más antiguas conocidas hasta el presente: La púrpura de la rosa y Celos, aun del aire matan. En el concierto, podrán admirarse algunas de sus piezas más conocidas, así como un estreno absoluto en tiempos modernos de una de sus obras.

Concerto 1700, una de las formaciones españolas más destacadas en la interpretación y difusión de la música de cámara barroca dirigida por el violinista Daniel Pinteño, es el grupo residente del CNDM en su temporada 22/23. La formación destaca por su calidad interpretativa y por el compromiso por la recuperación del patrimonio musical español. Centrarán su programa en los tríos de cuerda, obras para dos violines y violonchelo de José Castel, Luigi Boccherini y Cayetano Brunetti, compositores afincados en España donde desarrollaron una intensa labor musical en el ambiente tanto de la corte como de la incipiente sociedad ilustrada. En el siglo XVIII, Madrid fue un faro de referencia cultural. En la ciudad se establecieron compositores y artistas como Farinelli, Domenico Scarlatti, Brunetti o Boccherini, y por aquel entonces se compusieron algunas de las obras más interesantes, sofisticadas y elegantes en el terreno de la nueva música de cámara. Este concierto ofrecerá una muestra de ello y de cómo España estaba conectada con las corrientes musicales más innovadoras de su tiempo.

L’Apothéose, uno de los conjuntos españoles de música antigua con mayor proyección internacional, interpretará un programa de piezas sacras y profanas que sonaban en la corte de Madrid entre 1720 y 1750. En el concierto, se podrán escuchar interesantes piezas vocales, entre ellas varias cantadas (como se llamaba a las cantatas en España). Además de obras de José de Nebra, uno de los más imaginativos y prolíficos compositores españoles, el programa presenta composiciones de Juan Francés Iribarren. También se escucharán obras de Giacomo Facco, que fue maestro de la Capilla Real de Madrid en 1720 y de Francesco Corselli, también maestro de la Capilla Real madrileña durante más de 30 años, ciudad donde desarrolló gran parte de su carrera profesional.

José Miguel Moreno es uno de los más reputados intérpretes de repertorio de cuerda pulsada del Renacimiento y el Barroco (guitarra barroca, laúd, vihuela, tiorba, etc.) y un gran especialista en repertorio español, que ha trabajado con las mejores agrupaciones y solistas de varias generaciones de músicos difundiendo el patrimonio musical español por las mejores salas del mundo. En Londres, mostrará la riqueza del repertorio para guitarra española entre 1500 y 1700, con una interpretación con instrumentos originales como la vihuela y la guitarra barroca. El público podrá acercarse, de la mano de su noble vihuela, al repertorio renacentista, desde los cancioneros a las grandes ediciones del siglo XVI, pasando por la música de Diego Ortiz. También, a través de su guitarra, ofrecerá una cuidada selección de piezas de dos de los libros más importantes dedicados al instrumento en el Barroco, los editados por Guerau y Sanz.

Fundada en el año 2011 por la soprano Raquel Andueza y el tiorbista Jesús Fernández Baena, La Galanía tiene como objetivo interpretar música barroca sobre la base de unos cuidados principios historicistas y apostando por colaborar con los mejores músicos tanto españoles como de otras nacionalidades. La formación fue galardonada en 2014 como mejor grupo barroco por la Asociación de Grupos Españoles de Música Antigua. En esta ocasión, presentarán un programa de música española de carácter profano, así como de partituras que contienen canciones con texto en castellano, encontradas en colecciones europeas. Además, el programa trae a la luz varias reconstrucciones de bailes típicos españoles.

La agrupación Concerto 1700 presenta en el ciclo Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), junto a la aclamada soprano María Espada, un programa en torno a la figura de Juan Francés de Iribarren, uno de los más prolíficos compositores del Barroco Español. En el programa, que lleva por título Fogosa inteligencia, estrenarán cuatro obras inéditas del que fuera maestro de capilla de la catedral de Málaga durante más de treinta años, así como de compositores que tuvieron una gran influencia en su obra, como Antonio Vivaldi, José de Torres, José de Nebra y Arcangelo Corelli. El concierto estará dedicado a la memoria del periodista Eduardo Torrico, recientemente fallecido, que siempre fue adalid de los grupos barrocos españoles y cuya contribución al sector de la música en nuestro país ha sido determinante. Tendrá lugar el próximo viernes 5 de mayo, a las 19:30h, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música.

Concerto 1700, grupo residente en la temporada 22/23 del CNDM, ha conseguido posicionarse como una de las formaciones más relevantes del panorama historicista de España desde que fuera fundado en 2015 por el violinista malagueño Daniel Pinteño. A lo largo de su trayectoria, ha apostado con determinación por la recuperación y la difusión del patrimonio musical hispano de los siglos XVII y XVIII. En esta ocasión, junto con la soprano pacense María Espada, presenta un programa en el que se rescatan joyas musicales de Iribarren, a la vez que se muestra una visión global de su entorno musical, representado tanto por sus influencias italianizantes más directas, con piezas de Antonio Vivaldi y Arcangelo Corelli; como por la obra de otras dos figuras clave de la época, José de Torres y José de Nebra.

Discípulo, precisamente, de José de Torres, Juan Francés de Iribarren se erige como uno de los compositores más relevantes de la historia española, cuyo legado ha contribuido a enriquecer nuestro patrimonio musical. Durante su magisterio de la seo malacitana creó el Archivo musical de la Catedral de Málaga en 1737, fecha en la que también finalizó la Fogosa inteligencia, cantada al nacimiento con violines, una bellísima pieza inédita que el público tendrá la oportunidad de descubrir en este concierto. De este compositor también se escucharán otras tres recuperaciones históricas: Sois mi Dios la hermosa fuente, aria al Santísimo con violines (1755), Como el ciervo que corre, cantada sola al Santísimo con violines (1750) y Hoy ese corderito, tonada al Santísimo (1744).

Compromiso con la recuperación del patrimonio musical

La calidad interpretativa y el compromiso por la recuperación del patrimonio musical español de Concerto 1700 y de su director, el violinista Daniel Pinteño, motivaron la decisión del Centro Nacional de Difusión Musical de nombrar al ensemble grupo residente en la temporada 22/23. Para llevar a cabo su proyecto artístico, Concerto 1700 utiliza instrumentos originales, así como un riguroso estudio musicológico de la práctica interpretativa de la época.

Además de la cita en el Auditorio Nacional de Música de Madrid, la agrupación ha visitado las ciudades de Salamanca, Valencia, Sevilla, León y Oviedo como parte de su residencia en el CNDM y del compromiso del Centro Nacional de Difusión Musical por difundir el patrimonio musical español a lo largo de todo el territorio nacional e internacional. Concerto 1700 participará próximamente en el prestigioso Festival de Música Barroca de Londres y el Centro Nacional para la Música Antigua de York, donde desembarcará este mes de mayo, junto con otras agrupaciones españolas, para mostrar al público británico, a lo largo de una semana, la riqueza, singularidad y calidad de nuestro repertorio.

Nixon in China
John Adams (1947)
Ópera en tres actos
Libreto de Alice Goodman
Estrenada en la Grand Opera de Houston, el 22 de octubre de 1987
Estreno en el Teatro Real. Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con Den Kongelige Opera de Copenhague y la Scottish Opera. 28/04/23.
D. musical: Olivia Lee-Gundermann
D, escena: John Fulljames
D. asociada: Lucy Bradley
Escenografía y vestuario: Dick Bird
Iluminación: Ellen Ruge
Coreografía: John Ross
Diseño de sonido: Cameron Crosby
Diseño de vídeo: Will Duke
Dirección del coro: Andrés Máspero
Reparto: Jacques Imbrailo, Leigh Melrose, Borja Quiza, Alfred Kim, Sarah Tynan, Audrey Luna, Sandra Ferrández, Gemma Coma-Alabert y Ekaterina Antípova
Bailarines: Laura Conchuela, Clémentine Dumas, Laura García Carrasco, Clara Navarro, Xiao Ortega, Chiara Mordeglia, Paula Simón
Orquesta y Coro Titulares del Teatro Real

“Esta fue la semana que cambió el mundo”. Con esta frase, descargada de toda modestia, dicha por Nixon durante su visita a China, se iniciaba el histórico encuentro entre los mandatarios del país más poderoso del mundo y el más poblado del mundo.

La visita, que duró una semana, cambió el curso de la Guerra Fría y dejó imágenes históricas inéditas. Muchas de ellas se han podido ver proyectadas en esta producción. Un potente material iconográfico procedente de los archivos de la Fundación Richard Nixon y el Museo Richard Nixon.

La principal razón por la que Nixon visitó a Mao Tse-Tung, a pesar de esa guerra a través de terceros que mantenían en Vietnam, fue porque, en ocasiones, tener un enemigo común une más que cualquier otra cosa.

Es aquí donde Nixon ve la oportunidad de ampliar la brecha entre sus dos adversarios, las dos potencias comunistas. En aquel momento China y EEUU buscaban lo mismo, contrarrestar a la URRS.

Y claro está, un acontecimiento histórico tan importante, ¿por qué no podía ser el argumento de una ópera? Eso es lo que pensó Peter Sellars cuando le propuso el argumento al compositor John Adams que, junto a la libretista Alice Goodman, han creado una obra que empieza a tener su recorrido en numerosos teatros de ópera del mundo. A diferencia de la gran mayoría de las óperas contemporáneas, que no consiguen pasan del estreno.

El libreto de Goodman presenta, al inicio de la obra, a los dos hobres más poderosos del mundo. Para reflejar en el stercer acto la parte más humana e íntima.

Nixon in China es tremendamente evocadora de distintas tradiciones musicales norteamericanas.

Entre sus numerosos colores orquestales se observan influencias de jazz, de las grandes orquestas americanas, de Philip Glass, de Leonard Bernstein, incluso alguna inspiración cinematográfica.º

La partitura presenta una abundante orquestación donde abundan los metales. Esto ha obligado a una prudente amplificación de algunos instrumentos, incluso las voces han siso amplificadas en algunos momentos para no ser absorbidas completamente por la exuberancia de sonidos. Una orquesta que se mostró a un buen nivel de la mano de la directora coreana Olivia Lee-Gundermann, que supo mantener los equilibrios sonoros y la teatralidad de la obra.

La escenografía de John Fuljames y Dick Bird, ambienta los acontecimientos a la perfección. La gran escalera de la que desciende el matrimonio Nixon a su llegada, o los impresionantes archivos de los que van surgiendo las imágenes proyectadas sobre distintos elementos, crean una escenografía que cumple los requisitos de un decorado, enriquecer y contextualizar la obra. También es verdad que no sería nada fácil situar Nixon in China en otra época u otro lugar. Algunos escenógrafos no sabrían muy bien qué hacer con esta ópera.

Dick Bird se ocupa además del vestuario. No se complica, simplemente tiene que inspirarse en la realidad, y lo hace con acierto.

Las proyecciones de imágenes históricas de Will Duke, junto al diseño de sonido de Cameron Grosby y la iluminación de Ellen Ruge, completaron una excelente escenografía.

Magníficas fueron también las coreografías de John Ross. Toda una demostración de equilibrio entre tradición y vanguardia, magníficamente ejecutadas por las bailarinas.

El cuadro de cantantes estuvo muy equilibrado, con algunos elementos sobresalientes.

El barítono inglés Leigh Melrose dio vida a un Nixon poco refinado, también en lo vocal. Retrató adecuadamente esa parte obsesiva del personaje, aunque un poco exagerado a veces.

Sarah Tynan estuvo brillante en su caracterización de Pat Nixon. La soprano británica canta con gusto y sabe aprovechar muy bien sus cualidades vocales. Su personaje tiene gran importancia en la obra, como lo tuvo en el histórico viaje.

El barítono sudafricano Jacques Imbrailo, bien conocido por el público del Teatro Real, es un excelente actor que en esta ocasión ha dado vida al primer ministro chino Chou En-Lai. Su capacidad para delinear el canto quedó demostrada en su discurso de la cena de bienvenida.

El tenor coreano Alfred Kim, como Mao Tse-Tung, es el que contaba con mayor caudal vocal. No se si estaba amplificado, pero falta no le hacía. Posee un timbre klleno de brillo y resonancias que le sirvió para dotar al personaje de empaque, sobre todo en la escena de su reunión con Nixon. En el tercer acto se pudo ver al hombre despojado de grandezas artificiales.

La soprano estadounidense Audrey Luna, tuvo que hacer frente a la endiablada tesitura de su personaje, la esposa de Mao, la temible Chiang Ching. Supo controlar con maestría las altísimas notas que le exigía su partitura. Resolvió con soltura también la parte interpretativa, dejando claro su carácter autoritario.

El barítono Borja Quiza retrató perfectamente a Henry Kissinger, secretario de estado que fue el encargado de propiciar la reunión entre ambos mandatarios. Muy buena fue su parte interpretativa, en las que Quiza siempre destaca.

A buen nivel y bien empastadas estuvieron Sandra Fernández, Gemma Coma-Alabert y Ekaterina Antipova, primera, segunda y tercera secretaria de Mao. Al igual que el Coro, que tiene un importante papel en esta ópera. Sonó rotundo y espectacular.

Era muy esperado este estreno de Nixon in China que, desde luego, ha cumplido con creces las expectativas.

Texto: Paloma Sanz
Imágenes: Javier del Real/Teatro Real

La ‘mezzosoprano’ francesa Marianne Crebassa, una de las cantantes líricas más solicitadas del momento, regresa a Les Arts el próximo domingo 7 de mayo a las 19.00 h, en el que será el último de los recitales del ciclo ‘Les Arts és Lied’ de la temporada.

Crebassa, nacida en Béziers, pero de ascendencia valenciana y alicantina, interpretará un programa que hace honor a sus raíces franco-hispanas y que incluye canciones de compositores galos como Maurice Ravel, Claude Debussy y Jules Massenet, así como autores nacionales como el vasco Jesús Guridi, el catalán Frederic Mompou o el andaluz Manuel de Falla.

Su reciente debut en Madrid con este mismo repertorio le valió el aplauso de público y crítica, que la erigió como uno de los “indiscutibles valores emergentes de la moderna lírica francesa”. En el caso de Les Arts, será su segunda actuación tras su memorable intervención en 2021 con ‘Les nuits d’été’, de Berlioz, en un concierto de la Orquestra de la Comunitat Valenciana dirigido por Antonello Manacorda.

Este programa, que fusiona francés, castellano y catalán, incluye piezas como las ‘Seis canciones castellanas’ de Guridi, la ‘Nuit d’Espagne’ de Massenet, la ‘Séguidille’ de Falla y las ‘Cinq mélodies populaires grecques’ de Ravel, que exploran la sonoridad “exótica” de la música española y el sur de Europa, además de otras obras como las ‘Chansons de Bilitis’ de Debussy y el ‘Combat del somni’ de Mompou.

El reputado pianista Alphonse Cemin, habitual colaborador de Crebassa en los circuitos liederísticos, la acompañará en su recital en València, en el que también interpretará dos pasajes para el teclado, ‘La puerta del vino’, de Debussy, y ‘Lavapiés’, de Albéniz.

Con el recital de Marianne Crebassa, Les Arts despide el ciclo ‘Les Arts és Lied’ de esta temporada. El teatro valenciano afianza así un año más su apuesta por el ‘lied’ y sus géneros hermanos, que ha contado con la presencia de las voces más cotizadas del panorama lírico actual: Marina Rebeka, Andrè Schuen o la propia Marianne Crebassa.

Los precios de las entradas para los recitales de ‘Les Arts és Lied’ oscilan entre 28 y 40 euros, y los menores de 28 años podrán adquirir sus localidades por un precio especial de 10 euros.

Marianne Crebassa
Realizó su debut a la temprana edad de 21 años en la Ópera de Montpellier y dos años más tarde le llegó el reconocimiento de la crítica por su interpretación de Isabella Linton en la ópera ‘Cumbres borrascosas’, de Bernard Herrmann, durante el Festival de Radio France.

Desde entonces, la mezzosoprano ha protagonizado una fulgurante trayectoria hasta convertirse en una de las voces más cotizadas de su tesitura, siendo reconocida por sus exquisitas interpretaciones en los principales teatros de ópera y festivales del mundo, como Viena, Berlín, Milán, Nueva York o París, el Festival de Salzburgo o los Proms londinenses.

Crebassa está vinculada desde 2016 con el sello discográfico Erato, de Warner Music. Su última publicación fue el pasado 2021 con el álbum ‘Séguedilles’, donde, al igual que en este recital, la ‘mezzo’ explora la combinación de sonidos españoles y franceses con un repertorio de canciones de Bizet, Ravel, Massenet, Saint-Säens, Offenbach, Falla, Mompou y Guridi.

Los próximos días 4, 5, 6 y 7 de mayo, el conocido director de orquesta sevillano se subirá al podio del Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo de Bogotá, para dirigir por primera vez a la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, en el estreno de La Bella Otero junto al Ballet Nacional de España. Será un doble debut para Busto, que no solo ejerce como Director Musical, sino también como compositor de la partitura de este espectáculo del BNE inspirado en la vida y obra de la famosa bailarina española de la Belle Époque parisina, con coreografía de Rubén Olmo, y dramaturgia de Gregor Acuña-Pohl.

Manuel Busto, que ya ha dirigido el ballet dramático La Bella Otero en escenarios como el Teatro de la Zarzuela de Madrid o el Teatro de la Maestranza de Sevilla, y próximamente lo hará también en el Teatro Campoamor de Oviedo, define la música de esta obra con las siguientes palabras: “La Bella Otero se caracteriza por su gran diversidad estilística, y en ella nos encontramos desde una muñeira propia del folclore gallego, hasta relecturas actuales de estilos y formas usados en la Belle Époque. Además, los músicos flamencos están integrados en la orquesta como si fueran un músico más, lo que le da una personalidad única”.

Considerado como una de las batutas españolas con mayor presencia internacional tanto en el ámbito operístico como sinfónico, Manuel Busto ha dirigido orquestas tan destacadas como la Taiwan National Symphony Orchestra, la Orchestra I Pomeriggi Musicali di Milano, la BBC Symphony Orchestra, la Orchestra de la Comunitat Valenciana (OCV), la Orquesta Ciudad de Granada, la Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM), la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, así como las orquestas del Teatro Comunale di Bologna, el Teatro Lirico Giuseppe Verdi di Trieste o la Dutch National Opera and Ballet de Ámsterdam, entre otras.

Este 29 de abril continúan los eventos en Illueca con motivo de la celebración del 600 aniversario de la muerte de Papa Luna, esta vez al ritmo de la cultura. En la Iglesia de San Juan Bautista de Illueca, tendrá lugar el concierto ‘Música en tiempos de Papa Luna’ con Carles Magraner y Capilla de Ministrers. También se presentará en la Sala Dorada el libro “Benedicto XIII y la Universidad de Salamanca” por su rector, Ricardo Rivero Ortega.

Concierto ‘Música en tiempos del Papa Luna’
El sábado 29 de abril a las 20 horas, la Iglesia de San Juan Bautista del municipio que vio nacer a Papa Luna se transformará en el escenario de ‘Música en tiempos del Papa Luna’ a cargo de Carles Magraner y Capilla de Ministrers. Durante más de una hora, este concierto de música antigua nos trasladará a la época de transición cultural que tuvo lugar durante la vida de este pontífice.

Y es que, el 11 de marzo de 1403, día en que Benedicto XIII huía del palacio de Aviñón para no volver jamás (ni él ni ningún sucesor suyo en la tiara papal), concluía en cierto modo lo que se ha dado en llamar “Círculo musical de Aviñón”. Esta denominación hace referencia al conjunto de la producción polifónica de carácter litúrgico que usa de los estilos simultáneo, motete y canción o discanto, debida a compositores directa o indirectamente relacionados con la curia papal aviñonesa. Fue la música que puso sonido a la época del Cisma y a la etapa anterior, en la que los papas fijaron su residencia en Aviñón por razones políticas y de seguridad. Una época en la que dominaba la especulación sobre la musicalidad del repertorio profano, mientras que la música sacra seguía sus pasos con timidez, temerosa de que nuevas cortapisas del tipo de las contenidas en la decretal de 1324/5 interfiriesen en su normal desarrollo.

Este momento histórico en la cultura musical será representado por el musicólogo y violagambista Carlos Magraner acompañado por su grupo Capilla de Ministrers: Elia Casanova Viola (soprano), Robert Cases (arpa /cítola), Eduard Navarro (cornamusa / laúd) y Pau Ballester (percusión).

Conferencia y presentación de ““Benedicto XIII y la Universidad de Salamanca”
Previamente, a las 17 horas, la Sala Dorada del Castillo de Papa Luna en Illueca acogerá la conferencia y presentación de “Benedicto XIII y la Universidad de Salamanca (Constituciones, documentos y relaciones),” una obra realizada conjuntamente por esta institución, representada en este acto por su rector Ricardo Rivero, y el Ayuntamiento de Illueca. Se trata de un volumen en el que se compilan tres estudios, dos de ellos ya publicados con anterioridad y al que ahora se une la obra inédita de Eugenio García Zarza, El cardenal Luna, Benedicto XIII: gran mecenas de la Universidad de Salamanca. Hoy, olvidado y desconocido. Esta publicación supone, además, un homenaje a este insigne catedrático salmantino, declarado defensor de la figura de este Papa.

El domingo 23 de abril regresaba Tolomeo, rey de Egipto, al Teatro Real. Lo hacía, como en 2009, en versión de concierto y en una sola representación. Lo que resalta aún más la participación del contratenor de moda, Jakub Jòzef Orlinski, al que ya pudimos escuchar aquí la temporada pasada, y lo convierte en acontecimiento.

Estrenada en la Royal Academy of Music de Londres en 1728, cuenta los maquiavélicos enredos de Cleopatra para poner y quitar reyes. Primero se deshace de su esposo, Tolomeo VIII, y logra que suba al trono su hijo Tolomeo IX, protagonista de esta ópera. Pero no contenta con ello, trata de convencer a su otro hijo, Alessandro, para que acabe con la vida de su hermano Tolomeo IX, al que había desterrado, y poder subir al trono como Tolomeo X. Semejante trama y enredo de Tolomeos, no es suficiente para acabar con el afecto entre los dos hermanos, que triunfa frente a los engaños de su propia madre Cleopatra.

En esta ocasión Orlinski ha estado acompañado por la soprano francesa Melisa Petit, interpretando a Seleuce, con un timbre cristalino y lleno de musicalidad. Abordó sus arias con hermosa delicadeza, sobre todo en su dúo con el protagonista.

La mezzo italiana Giuseppina Bridelli estuvo también a gran altura en su interpretación de Elisa, haciendo gala de sus agilidades.

El otro contratenor, el francés Paul-Antoine Benós-Djian, como Alessandro, el hermano de Tolomeo, cumplió con su papel regalando algunos momentos brillantes. Al igual que el bajo Andrea Mastroni, con su potente y homogénea voz.

El protagonista fue sin duda Orlinski, que fue de menos a más, llegando a emocionar al público en alguna de sus intervenciones. Son indudables sus cualidades vocales. Tiene una gran capacidad para matizar y colorear su registro, algo no muy habitual en esta cuerda.

Francesco Corti, organista, clavecinista y director de orquesta, estuvo al frente de Il Pomo d´Oro, que se encuentra en estos momentos en gira europea. Supo imprimir el brío necesario a la obra en algunos momentos y el romanticismo íntimo que destila la partitura de Händel, una de sus obras menos conocidas, pero no por ello menos hermosa.

Una extraordinaria tarde de ópera que respondió a la expectación que había generado.

La zarzuela contemporánea Trato de favor, compuesta por Lucas Vidal y escrita por Boris Izaguirre, es, tras Policías y ladrones —estrenada esta misma temporada—, el más reciente encargo y estreno absoluto del Teatro de la Zarzuela. Esta nueva zarzuela, que cuenta con la dirección de escena de Emilio Sagi y en la que los maestros Andrés Salado y Salvador Vázquez alternan en la dirección musical, se suma a las más de 800 composiciones líricas de autores españoles estrenadas en este mismo escenario de la recién bautizada Plazuela de Teresa Berganza.

En esta ocasión, como decimos, son dos nuevos nombres los que se unen a la nutrida lista de creadores del género: el del compositor de proyección internacional Lucas Vidal y el del conocido y reconocido escritor y presentador de televisión Boris Izaguirre, que han creado una obra divertida –por momentos encantadoramente disparatada–, repleta de situaciones y personajes desternillantes, que nos muestra una Nueva Sociedad del país en la que todo el mundo querrá estar en la cárcel.

Y es que la historia de Trato de favor transcurre por completo en una cárcel de mujeres en la que ingresa por motivos financieros colaterales una gran diva de la canción y el show business a la que dan vida las sopranos Ainhoa Arteta y María Rey-Joly, quien como Javier Tomé, Cristina Faus y el maestro Salvador Vázquez, interviene en dos de las funciones programadas. La pregunta está en boca de todos: ¿Cómo sobrevive una diva en prisión?

Lucas Vidal desvela su gusto por la zarzuela desde muy temprana edad, hasta el punto de llegar a convertirse en una obsesión: «Tan lejos llevé mi pasión –dice el compositor– que cuando estudiaba a los grandes de la música clásica empecé a realizar versiones “zarzueleras”, tratando de que Bach se acercara a Sorozábal, de que Beethoven acariciara a Bretón, de que Mozart se convirtiera en Chueca…».

Sueño cumplido: zarzuela para todos

Y llegó el día en que pudo cumplir uno de sus más recurrentes sueños con el encargo de este Trato de favor por parte del Teatro de la Zarzuela. Un proyecto que «sin ningún género de duda» se sitúa «entre los más especiales y emocionantes» en que ha participado nunca: «Me ha permitido crecer como artista y ha hecho posible que aquel pequeño niño zarzuelero de siete años que giraba obsesivamente la manivela de un organillo antiguo, cumpla su sueño de demostrar al mundo que la Zarzuela, definitivamente, es para todos».

El director de escena de esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela, Emilio Sagi, veterano en el género y gran colaborador del coliseo que dirigió durante una década, explica que Trato de favor «está en la línea de las obras de la primera mitad del siglo XX». Y nos invita a descubrir cómo conecta perfectamente con la forma de hacer de Francisco Alonso o Pablo Sorozábal. Sagi está convencido de que «todos sentiremos algo porque la música combina, como en aquellas obras, lo popular con músicas y ritmos actuales». Y por experiencia bien sabemos que «por encima de todo, lo importante es que el público lo pase bien, que el espectáculo sirva de diversión y de emoción a todo tipo de espectador».

Por su parte, Andrés Salado, que colabora por primera vez con La Zarzuela —al igual que Salvador Vázquez—, revela que está «feliz por este debut en uno de los grandes teatros de este país, rodeado de un equipo artístico y técnico de ensueño». En este sentido afirma que «esta zarzuela no solamente será una hito histórico en nuestro país, sino que también demostrará que nuestro género lírico está más vivo que nunca. Trato de favor —explica— es un homenaje a la zarzuela a lo largo de su historia hasta nuestros días y también una fantasía que hará al público volar y sonreír en cada minuto de la representación». Y concluye que con esta divertida historia de Las Albricias –nombre ficticio de la prisión– todos se dejarán llevar «porque estamos ante una gran fiesta de nuestra cultura».

Cómica, absurda, humana

Esta nueva zarzuela, con un tono decididamente cómico, absurdo y humano, cuenta con un reparto doble y con un equipo artístico que tiene todas las cualidades para encandilar con creces al público. Junto a las ya citadas Ainhoa Arteta y María Rey-Joly, que interpretan al personaje protagonista de Ana Mía, están las mezzosopranos Nancy Fabiola Herrera y Cristina Faus en el papel de la directora del centro penitenciario, los tenores Enrique Ferrer y Javier Tomé como Juan Miguel, el único hombre que cumple condena en esa peculiar cárcel, compositor y productor musical, y antiguo novio canalla de Ana Mía; la cantante-actriz Gurutze Beitia como Supervisora General de Prisiones; en los roles locos y divertidos de las internas, la soprano cómica Amelia Font, la mezzosoprano María José Suárez y la actriz-cantante Lara Chaves; y la soprano Amparo Navarro, que encarna a la “doncella” de la diva encarcelada y que asume varios de los momentos claves de la trama. La función contará también con un “cameo” del propio Boris Izaguirre, y el elenco lo completan un cuerpo de seis bailarinas, dos figurantes y una música en escena, la pianista Celsa Tamayo.

En lo que concierne al equipo artístico, además del talento, la magia y el oficio de Sagi, Salado y Vázquez, el espectáculo cuenta con la asombrosa escenografía de Daniel Bianco, el siempre atractivo y por momentos deslumbrante vestuario de Jesús Ruiz, con la poesía lumínica de Albert Faura y con la ágil y eufórica coreografía de Nuria Castejón.

La función del 19 de mayo será grabada por Radio Clásica de RTVE para su emisión en fechas próximas.

Estamos ante una zarzuela Contemporánea: una farsa divertida, sin gravedad ni crítica demoledora, pero repleta de buena música con la que Vidal nos deleita y con un argumento peculiar y sorprendente con el que Izaguirre nos divierte. Todo listo para entrar en la prisión de Las Albricias de la mano de este loco vodevil, de esta nueva Zarzuela.

La Fundación SGAE y el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) han abierto la convocatoria de la 34ª edición del Premio Jóvenes Compositores Fundación SGAE-CNDM 2023. Consolidados ya entre los profesionales de la música, estos galardones tienen el objetivo de estimular la creación en el campo de la clásica contemporánea y contribuir al desarrollo social mediante el conocimiento de nuevas lenguas, tendencias y formas musicales de expresión.

Podrán concurrir todos los compositores y compositoras en cualquier país del mundo con obras de autoría única de cualquier lenguaje o tendencia estética dentro de la música contemporánea, siempre que sean menores de 35 años al cierre de la convocatoria y sean socios/as de la SGAE.

Las obras deberán ser necesariamente inéditas, con una duración entre siete y doce minutos, y ajustarse a una plantilla instrumental conformada por un mínimo de cinco intérpretes y un máximo de siete. Cada concursante solo podrá presentar una única obra.

Cierre de plazo: 15 de septiembre

La recepción de los trabajos a concurso se extenderá hasta el viernes 15 de septiembre de 2023. Con el fin de preservar el anonimato de los concursantes y la neutralidad del jurado, las partituras serán presentadas incluyendo el título original de la obra y un lema (que deberá ser diferente del título de la obra) y no indicarán el nombre del autor en ninguna de sus páginas. Las partituras deberán ser remitidas por email a la dirección de correo electrónico smoralg@fundacionsgae.org, acompañadas de la documentación estipulada en las bases.

Los ganadores: 27 de noviembre

El 27 de noviembre de 2023, dentro del ciclo SERIES 20/21 del CNDM, se celebrará en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía el concierto con las cuatro obras finalistas y se darán a conocer los premios otorgados.

Un jurado, compuesto por destacados expertos en música, seleccionará las cuatro obras finalistas que optarán a galardones valorados en 11.700 euros, repartidos como sigue: Primer Premio Xavier Montsalvatge (6.000 euros y diploma), Segundo Premio Carmelo Alonso Bernaola (3.000 euros y diploma), Tercer Premio Francisco Guerrero Marín (1.500 euros y diploma) y Mención Honorífica Juan Crisóstomo Arriaga (1.200 euros y diploma). Además, para contribuir a la posterior promoción y difusión de las obras ganadoras, la Fundación SGAE producirá un disco promocional con la grabación en directo de las interpretaciones en el concierto final.

Premio especial: Compositor Residente de la Red de Músicas

A estos cuatro galardones se suma el Premio Especial JM España, que otorgará Juventudes Musicales de España. De este modo, el ganador del Primer Premio de esta edición se convertirá en Compositor Residente de la Red de Músicas de JM España durante la temporada 2024-2025. JM España le encargará dos obras de música de cámara y otorgará 1.500 euros por cada pieza. El compositor escogerá dos formaciones de los seleccionados en la Red de Músicas que las estrenarán e interpretarán en todos los recitales que den en este circuito que organiza más de 200 conciertos al año.

Acerca del Premio

El premio, que fue creado en 1987 por la SGAE con una frecuencia anual, se ha convertido en uno de los más importantes certámenes de su tipo, por su nivel de organización y su rigurosidad, por el prestigio de los intérpretes y de los jurados participantes.

Entre los ganadores de sus anteriores ediciones destacan nombres ya consolidados dentro del panorama de la composición actual, con carreras internacionales que demuestran la buena salud de la creación musical española: Agustín Charles, Mauricio Sotelo, José María Sánchez-Verdú, Jesús Rueda, Jesús Torres, Pilar Jurado, Gabriel Erkoreka, Ramón Humet, Juan Cruz Guevara, Jesús Navarro, Oliver Rappoport o Nuria Núñez, entre muchos otros, han sido protagonistas de esta cita indispensable en el apartado de la composición para ensemble a nivel nacional.

Tristán e Isolda, sin duda una de las más excelsas partituras de la historia de la ópera, vuelve al Teatro Real con un reparto estelar, bajo la batuta de Semyon Bychkov, que estará al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, después del éxito de Parsifal, en 2016 y, de Elektra, de Richard Strauss, en 2012.

Se ofrecerán cuatro únicas funciones -los días 25 y 29 de abril, y 3 y 6 de mayo– encabezadas por Andreas Schager, considerado el más grande Tristán de la actualidad, que en el Teatro Real ya participó en Rienzi (2012), Tristán e Isolda (2014, en sustitución de Robert Dean Smith), Siegfried (2021) y El ocaso de los dioses (2022).

Actuará junto a Ingela Brimberg (Isolda) -que cantó en El holandés errante (2016) y La valquiria (2020)- y Franz-Josef Selig (El Rey Marke), que participó en Pelléas et Mélisande (2002 y 2012), Escenas del Fausto de Goethe (2009), Tristán e Isolda (2014), Fidelio (2015) y Parsifal (2016); secundados por John Lundgren (Kurwenal), Neal Cooper (Melot), Ekaterina Gubanova (Brangäne), Jorge Rodríguez-Norton (Un pastor), Alejandro del Cerro (Un marinero) y David Lagares (Un timonel).

Tristán e Isolda, un hito en la historia de la ópera, por su armonía, orquestación, hondura y trascendencia, se gestó en poco más de dos años (1857-1859) como una especie de gran catarsis, en un período convulso en la vida de Richard Wagner: exilio, crisis matrimonial, ruina económica y fatiga en la composición de su descomunal Tetralogía, paralizada en una encrucijada creativa en medio de la escritura de Siegfried.

Wagner, que pretendía componer una ópera sencilla, que le solucionara los problemas financieros, sin complicaciones escénicas y dramatúrgicas, encontró, en el arcano del amor, su complejidad y su éxtasis, el impulso para llevar al límite su escritura armónica; y pronto se dio cuenta de que Tristán e Isolda sería mucho más de lo que se había propuesto, anotando al final del borrador del primer acto: “nunca se ha compuesto nada como esto”.

La leyenda medieval de Tristán e Isolda, que Wagner utilizó para su drama musical en tres actos, estrenado en Múnich en 1865, plantea la extrema tensión que lleva a la pareja de amantes protagonistas a romper todas las normas morales, éticas y religiosas, poseídos por el hechizo de un filtro fatal, trasunto simbólico de la pasión, amor y erotismo que los consume.

Es este camino de anhelo, perdición, purificación y trascendencia que impulsa el devenir de la acción dramática, fuente de la prodigiosa escritura vocal y orquestal de Wagner, que se expresa en los límites de la tonalidad, disolviéndose en un cromatismo embriagante, con un texto lleno de aliteraciones y melismas, en que, muchas veces, el sonido de las palabras es más importante que su contenido semántico.

La concepción wagneriana del arte total como confluencia y simbiosis de palabra y música, la utilización del mito en su dimensión universal y primigenia, la melodía infinita y la espiritualidad religiosa se elevan a través de la música, articulando las contradicciones ontológicas del amor en sus múltiples dimensiones.

Tristán e Isolda se representó en el Real con tres producciones escénicas y musicales muy distintas desde su reapertura: en 2000, con Daniel Barenboim (y la Staatskapelle Berlin) y Harry Kupfer; en 2008, con Jesús López Cobos y Lluis Pasqual; y en 2014 con Marc Piollet y Peter Sellars (con Bill Viola).

En esta ocasión, la versión en concierto semiescenificada permitirá al público disfrutar de una nueva aproximación a esta ópera genial, con un distinto viaje a su profundidad y su misterio.

El próximo domingo, 23 de abril, el Teatro Real presentará, en versión de concierto, Tolomeo, rey de Egipto, último título de Georg Friedrich Händel (1685-1759) para la londinense Royal Academy of Music, protagonizada por una de las voces más reconocidas y demandadas en la actualidad por el público amante del barroco, la del contratenor polaco Jakub Józef Orliński.

Hace justo un año, este joven intérprete subía al escenario del Teatro Real por primera vez para ofrecer una selección de arias de diversos autores como carta de presentación. Precedido por un enorme tirón mediático, demostraba que su frescura y desenfado envolvían un intérprete virtuoso, de extraordinaria técnica, sabia interpretación y una enorme capacidad para transmitir emoción. Regresa ahora con una ópera completa acompañado por la formación Il pomo d’oro, como en la otra ocasión, de nuevo bajo la dirección de Franceso Corti.

Junto a Orlinski se escucharán las voces de la soprano Melissa Petit, como Seleuce; el bajo Andrea Mastroni, en el rol de Araspe; la soprano Giuseppina Bridelli, dando vida a Elisa, y el contratenor Paul-Antoine Benós-Djian encarnando a Alessandro.

En la trama, la Cleopatra que urde entre bambalinas los siniestros ardides que componen la trama de esta ópera no es la misma que protagonizó, cuatro años antes, Julio César en Egipto, sino su bisabuela. Sus perversiones la convierten, no obstante, en una figura operística de primer orden: tras eliminar a su marido –Tolomeo VIII–, eleva al trono a su hijo Tolomeo IX –el titular de la ópera–, pero luego, insatisfecha, lo destierra y da el poder a su hermano menor –Tolomeo X, el Alessandro de la ópera–. Este recibe el encargo de matar a su expatriado hermano –exiliado con un falso nombre en la isla de Chipre– pero tras varios asesinatos frustrados, un intento de violación y un envenenamiento fallido, el amor fraterno se impone a los abominables designios de la fatal reina.

Händel basa su composición en la ópera Tolomeo e Alessandro, con versos de Carlo Sigismondo Capece y música de Domenico Scarlatti estrenada en Roma en 1711 bajo la protección de la reina María Casimira de Polonia, pero con un argumento más sencillo y un número más reducido de arias, otorgando un mayor protagonismo a Tolomeo y a Seleuce, convirtiendo al primero en un héroe clásico, firme ante la adversidad y aferrado a sus principios, entregado hasta el suicidio si es necesario.

La ópera exige cantantes de enorme expresividad, agilidad vocal y limpieza de timbre, para abordar una partitura compuesta por una sucesión de recitativos, ariosos, arias y duetos enmarcados en una concepción estructurada entre la tradición pastoral y el drama heroico. Un título poco frecuente –que ya pudo escucharse en el Real en 2009, con Il Complesso Barocco, bajo la dirección de Alan Curtis y protagonizada por Sonia Prina – con un elenco artístico de primer nivel para una función única.

El anillo del nibelungo
El anillo del nibelungo
Richard Wagner (1813-1883)
Drama en un prólogo y tres jornadas
Staatsoper de Berlín del 4 al 11 de abril de 2023
D. musical: Thomas Guggeis
D. escena: Dmitri Tcherniakov
Reparto: Michael Volle, Vida Mikneviciute, Stephan Rügamer, Rolando Villazón, Andreas Schager, Anja Kampe, Mika Kares, Peter Rose, Robert Watson, Johannes Martin Kränzle, Clauda Mahnke, Lauri Vasar, Siyabonga Maqungo, Violeta Urmana, Anna Kissjudit, Evelin Novak, Natalia Skrycka, Anna Lapkovskaja.
Staatskapelle de Berlín
La Staatsoper Unter den Linden de Berlín había programado para esta temporada tres ciclos completos de la tetralogía del anillo wagneriano. Al frente, su dirección musical Daniel Barenboim. Pero, hace ahora un año, en el Festival de Pascua de la Staatsoper, Barenboim empezó a sentirse indispuesto en el intermedio de uno de los conciertos de dicho festival. Aquello acabó con una larga estancia en el hospital y cancelando su participación en los proyectos más inmediatos, incluidos los tres ciclos wagnerianos.

Se decidió entonces que Christian Thielemann, que ya iba a ser el sustituto de Barenboim, se hiciera cargo de la dirección del primer y tercer ciclo del anillo y el ayudante de Barenboim, Thomas Guggeis, se ocupase del segundo, que es el protagonista de esta crónica desde el 4 hasta el 10 de abril.

Pocos son los teatros capaces de abordar la tetralogía completa. Es complicado ofrecer una por temporada, no digamos las cuatro en la misma, y si hablamos de hacerlo en una semana, hablamos ya de palabras mayores, pues supone un esfuerzo ingente de recursos humanos y técnicos. El desafío de la Staatsoper es ofrecer la tetralogía tres veces en una temporada. Recordemos que Wagner estrenó El anillo del Nibelungo en Bayreuthnen en 1876 y lo hizo en tan solo 5 días. Pero Wagner, era mucho Wagner.
El encargado de la escenografía ha sido Dmitri Tcherniakov. Sus escenografías son predecibles y su sello inconfundible. La austeridad colorida y setentera es marca de la casa. Pero en esta ocasión, que era una oportunidad magnífica para lucirse, dentro de la capacidad de lucimiento que permiten sus trabajos, el resultado ha sido menos original que de costumbre y con mucha menos gracia.

Tcherniakov ha creado el Centro de Experimentación Científica de la Evolución Humana, E.S.C.H.E., en su acrónimo en inglés. Sobre el escenario, como una pasarela, desfilaban los distintos espacios del laboratorio, salas de experimentación, de reuniones y conferencias, escaleras, pasillos y hasta un moderno apartamento.

Los escenarios se van desplazando, tanto horizontal como verticalmente o girando para dar lugar a nuevos espacios. Esto genera un gran dinamismo, pero no resulta fácil identificar los elementos simbólicos y que son fundamentales para la contextualización de la historia. Requiere de un sobreesfuerzo de imaginación tratar de adivinar qué representan algunas de las cosas que Tcherniakov utiliza, a veces mediante la parodia, en esa escenografía que no para de moverse, imcluso llega a cansar en algunos momentos.

Lo que ocurría en el foso era otra historia. Nada puede distraer de la omnipresente música de Wagner cuando la Staatskapelle despliega todo su talento. Su joven director, Thomas Guggeis (1993), fue nombrado Staatskapellemeister en la Staatsoper Unter den Linden de Berlín en otoño de 2020 (el director más joven nombrado hasta la fecha), gracias a su talento y a su estrecha colaboración con Daniel Barenboim, de quien ha sido asistente desde 2016.
Su trabajo al frente de la Orquesta en esta producción del anillo ha sido impecable, como ha quedado de manifiesto a diario en las ovaciones del público, casi tan entusiastas como las que merecidamente ha tenido la orquesta.

Una obra de esta magnitud necesita de un cuadro de cantantes amplio, sobra decir que también de gran capacidad canora y física.

En el prólogo y la primera jornada hay que destacar la soberbia interpretación de Michael Volle en el rol de Wotan. Es de una rotundidad y seguridad implacable. Su presencia escénica imponente y un fraseo casi perfecto. Posee todas esas cualidades que se esperan en un personaje de este porte. Fue larga e intensamente reconocido por el público.

No se entiende muy bien que una voz como la de Rolando Villazón participe en este repertorio, pero el hecho es que allí estaba. La decepción no fue solo en el apartado estrictamente vocal, que dejó mucho que desear, continuamente engullido por la orquesta.

En el aspecto interpretativo fue aún peor. No se sin por instrucción del director de escena o por iniciativa propia, Villazón interpretó a Loge, un dios del fuego con poca dignidad, como si de un personaje de ópera buffa se tratara. Permanentemente sobreactuado y fuera de contexto, no tuvo su mejor noche. Pero lo peor llegó en los saludos finales. Se vino arriba con los abucheos del público y sus gestos, poco respetuosos y un tanto desafiantes, hicieron que aumentaran los abucheos, a la vez que las burlas de Villazón. Simplemente debe elegir mejor su repertorio.
Memorable fue el Alberich de Jochen Schmeckenbecher, en una interpretación exagerada pero llena de sentido y teatralidad. Al igual que el Mime del tenor alemán Stephan Rügamer que, en su segunda intervención en La Walkiria, caracterizado como un anciano, estuvo magnífico.

También fueron muy destacables las intervenciones de Anna Kissjudit, que impuso su presencia vocal y escénica interpretando a Erda. Y Claudia Mahnke, con una Fricka que fue creciendo a lo largo de su intervención en El oro del Rin.

Mika Kares cumplió muy bien en el papel de Fasolt en El oro del Rin, pero su extraordinario Hagen en El ocaso de los dioses se llevó el mayor reconocimiento por parte del público. Posee una voz homogénea y redonda que emite con gran seguridad, llena de tonos oscuros muy atractivos. Su centro es ancho y consistente. Dio vida a un personaje lleno de misterio que, a pesar del vestuario que le tocó llevar en algunos momentos, resultaba imponente sobre el escenario.

Andreas Schager, que veremos estos días en el Teatro Real como Tristan, es un cosumado Siegfried. Lo demostró sobre todo en la segunda jornada. Tiene una voz caudalosa y el metal de sus agudos es de gran intensidad, parece un estilete y resulta muy apropiado para el héroe wagneriano. En El ocaso continuó con su buen hacer hasta el final de la obra, donde su afinación sufrió un poco.

Otra de las grandes triunfadoras en todas sus participaciones fue la Brünnihilde de Anja Kampe. Mantuvo el extraordinario nivel en todas sus intervenciones. Su voz parece estar hecha para este repertorio, en volumen, fraseo y expresividad. Va del registro agudo al grave con exquisita precisión. Fue largamente premiada por el público.

Violeta Urmana, como Waltraute, sigue teniendo esa capacidad de emocionar con su canto y hay que sumarle una buena interpretación.

Una extraordinaria tetralogía que, a las dificultades que supone programar esta obra colosal en una semana, ha habido que sumar en esta ocasión, los problemas con la sustitución de Barenboim. Algo nada fácil, casi imposible.

Texto: Paloma Sanz
Imágenes: Monika Rittershaus

Si hace unas semanas dábamos a conocer el cartel de la 84 Quincena Musical de San Sebastián, obra de Txomin Badiola, presentamos ahora un avance de la programación del festival, que se desarrollará desde el jueves 3 de agosto hasta el viernes 1 de septiembre. La amplia y diversa oferta de la Quincena se materializará en más de 70 citas distribuidas en los habituales ciclos de conciertos (cámara, antigua, contemporánea, Tabakalera Dantzan, etc.), a los que hay que sumar además el Curso Internacional de Órgano Romántico, que alcanza este año su 39 edición. A lo largo del mes de agosto, la Quincena llevará música y danza para todos los públicos a las principales salas y espacios culturales de la ciudad y, gracias al ciclo Quincena Andante, habrá conciertos también en otras localidades de Gipuzkoa, en Araba, Navarra y Lapurdi. Así, la Quincena convierte el mes de agosto en un momento propicio para disfrutar de la cultura en vivo, con propuestas de formatos diversos que ponen en conexión a público y artistas locales e internacionales para compartir grandes momentos de música clásica.

Este año, la Quincena ha reforzado su política de ventajas y descuentos para los Amigos, que podrán beneficiarse de hasta un 25% de descuento en la compra de localidades. A continuación, detallamos los conciertos y espectáculos que tendrán lugar en el Auditorio Kursaal y en el Teatro Victoria Eugenia.

El ciclo de grandes conciertos del Auditorio Kursaal se inaugurará con el debut en el Festival del violonchelista Pablo Ferrández (3 de agosto), que recala en San Sebastián junto a la Rotterdam Philharmonic Orchestra, bajo la batuta de su nuevo director titular, Lahav Shani. Alumno en su día de Asier Polo y amadrinado por Anne-Sophie Mutter, Pablo Ferrández es actualmente uno de los solistas españoles que más presente está en las grandes salas de conciertos de todo el mundo. Así lo atestiguan sus compromisos para la presente temporada, que incluyen, entre otros, giras europeas con la Filarmónica de Munich y con la Filarmónica de Londres junto a Anne-Sophie Mutter, debuts con la Sinfónica de la Radio de Viena en el Festival de Salzburgo, con la Orchestra Filarmónica della Scala y NDR Elbphilharmonie Orchester; retornos con la Filarmónica de Los Ángeles, Orquesta Santa Cecilia, Konzerthaus Orchester y Baltimore Symphony; y recitales en el Carnegie Hall, Berlin Philharmonie, etc.

Ferrández interpretará el Concierto para violonchelo nº1 de Shostakovich, que el compositor dedicara a Rostropovich, quien lo estrenó en 1959. Completa el programa la Sinfonía nº6, “Patética”, la más conocida de las que forman el catálogo de Tchaikovsky.

La Rotterdam Philharmonic Orchestra regresará el 4 de agosto al escenario del Kursaal, en esta ocasión con la 9ª Sinfonía, “Coral” de Beethoven en los atriles. Esta partitura es una de las piezas del repertorio clásico más popular entre el gran público gracias a su celebérrimo último movimiento, el “Himno a la alegría” y es, asimismo, la pieza sinfónico-coral que en más ocasiones se ha interpretado en el festival, desde que se interpretara por primera vez en 1940, en su segunda edición. Acompañarán a la Filarmónica de Rotterdam: la soprano israelí Chen Reiss, la mezzo donostiarra Carmen Artaza, que regresa al ciclo del Kursaal; el tenor estadounidense Matthew Newlin y el barítono murciano José Antonio López, así como el Orfeón Donostiarra.

Todos bajo la dirección del joven Lahav Shani, que en 2020 sustituyó a Zubin Mehta como director musical de la Filamónica de Israel y que ha sido anunciado como próximo titular de la Filarmónica de Munich, en sustitución de Valery Gergiev. A sus 31 años, Shani es el más joven de los directores de esta edición, que se caracterizan por su juventud: ninguno de ellos supera los 50 años y pertenecen a la nueva generación de batutas que copan los podios de algunas de las orquestas más destacadas del panorama internacional.

El Ballet Preljocaj presentará el 7 de agosto “El lago de los cisnes”, un clásico revisado por el fundador y director de la compañía, Angelin Preljocaj. Desde que en 1985 creara su compañía, la trayectoria de este coreógrafo francés se caracteriza por lo innovador de sus propuestas y por la repercusión internacional de las mismas: muchas forman ya parte del repertorio de compañías como La Scala de Milán, New York Ballet o el Ballet de la Ópera Nacional de París. Con El lago de los cisnes (2020), Preljocaj regresa al ballet narrativo y ofrece su visión más personal del mito de la princesa-cisne. Aunque fiel a la obra original, traslada la historia de Odette y el príncipe Sigfrido a la sociedad actual, preocupada por cuestiones socioeconómicas y medioambientales, para lo que mezcla la obra maestra de Tchaikovsky con efectos sonoros contemporáneos.

La Chamber Orchestra of Europe presenta en la Quincena un concierto de corte clásico, con un programa que juega con los contrastes entre Beethoven y Sibelius (8 de agosto). Esta es la segunda ocasión que la Orquesta de Cámara de Europa participa en la Quincena. Fundada en 1981 con el impulso de Claudio Abbado, la orquesta, formada por unos 60 músicos, carece de dirección titular y su carácter lo marca su colaboración con los directores y solistas con los que colabora en cada proyecto. En esta ocasión, llega bajo la dirección de Daniel Harding, director artístico y musical de la Orquesta de la Radio Sueca, director residente de la Orchestre de la Suisse Romande y director laureado de la Mahler Chamber Orchestra, con la que trabajó durante más de veinte años; fue, asimismo, director musical de la Orquesta de París, con la que vino por última vez a la Quincena, y principal director invitado de la London Symphony Orchestra.

El 16 de agosto, el pianista Grigory Sokolov ofrecerá un recital con obras de Purcell, compositor barroco poco interpretado en un piano moderno, y Mozart, uno de los compositores favoritos del gran intérprete ruso. Sin duda, en este momento es Sokolov el pianista más aclamado y demandado del mundo. Riguroso, implacable en la búsqueda de la perfección y austero en sus gestos, es un artista fuera de serie, enormemente generoso con el público, al que tras cada recital deleita con un gran número de propinas. Pocos días antes de su concierto en el Kursaal, ofrecerá el mismo programa en el Festival de Salzburgo, y será de los pocos solistas que lo harán dentro de la programación de la Grosses Festspielhaus, la gran sala de conciertos del festival.

La 8ª Sinfonía de Mahler y su magnificencia marcarán la segunda gran cita sinfónico-coral de esta edición (18 de agosto): alrededor de 400 personas sobre el escenario para interpretar una de las piezas más emblemáticas de uno de los autores referentes del postromanticismo que, sin embargo, dada su ingente envergadura, pocas veces se incluye en la programación de auditorios o festivales. De hecho, es la segunda vez que esta sinfonía, conocida también como “de los mil” por la dimensión del orgánico necesario, se interpreta en la Quincena (la primera vez fue en 2005, como cierre de la integral de la sinfonías de Mahler). Será, por tanto, una gran oportunidad para disfrutar en vivo de esta magna obra que se estrenó en Múnich en 1910 bajo la dirección del propio Mahler y con la presencia de muchos de los grandes compositores de principios del XX como Saint-Saens, Reger, Schoenberg, Rachmaninov, Vaughan Williams o Webern. Tal fue la expectación que despertó esta obra de la que el propio Mahler dijo: “En comparación con la Octava, el resto de mis obras no son más que introducciones. Nunca he escrito nada parecido. Es algo bastante diferente tanto en contenido como en estilo de todos mis anteriores trabajos”. La sinfonía se compone de dos partes sin solución de continuidad, en la primera un himno religioso cantado en latín y, en la segunda, escenas finales del “Fausto” de Goethe, cantadas en alemán. Para su interpretación, la Quincena ha reunido a la Euskadiko Orkestra y la Orquesta Sinfónica de Navarra en la parte instrumental y al Orfeón Donostiarra, Orfeón Pamplonés, Easo Eskolania y Easo Gazte Abesbatza para los pasajes corales; el elenco de voces solistas lo forman las sopranos Sarah Wegener, Mojca Erdmann y la donostiarra Miren Urbieta-Vega; la mezzosoprano Justina Gringyte, la contralto Claudia Huckle, el tenor Aj Glueckert, el barítono José Antonio López y el bajo Mikhail Petrenko.

El 20 de agosto otra de las grandes figuras del piano regresa al Auditorio Kursaal: Mitsuko Uchida vuelve a la Quincena, pero esta vez con un programa monográfico de Schubert a cuatro manos que interpretará con Jonathan Biss. Este recital, único en España, tres días más tarde se ofrecerá en el Festival de Salzburgo. Si unimos este concierto a los que ya ofreciera en la Quincena de 2021 y en Kursaal Eszena en enero pasado, podremos ver a la pianista anglo-japonesa en tres registros diferentes: en recital, en concierto junto a una orquesta y a cuatro manos. Y es que, junto a Grigory Sokolov o Maria Joao Pires, Mitsuko Uchida es una de las principales intérpretes clásicas; y, en su caso, además de su carrera en solitario, cobran especial peso su actividad como intérprete de cámara y el apoyo a nuevos talentos.

Asiduos como intérpretes de repertorio a cuatro manos, Mitsuko Uchida y Jonathan Biss, intérprete especialista en Schubert y colaborador de las principales orquestas estadounidenses y europeas, comparten además la dirección musical del Festival de Música de Marlboro, en Vermont (Estados Unidos). Este concierto forma parte la programación cultural de la iniciativa Euskadi Japón 2023, promovida por el Gobierno Vasco para la promoción y el impulso de las relaciones entre Euskadi y Japón.

La Quincena sigue promoviendo la creación de nuevas piezas escénicas a través de la producción propia, en esta edición con el estreno absoluto de una nueva versión del oratorio semi-escenificado “Oedipus Rex” (24 de agosto), creada y dirigida por la compañía de marionetas catalana Per Poc. Para su ópera- oratorio “Oedipus Rex”, basada en la tragedia homónima de Sófocles, Stravinsky revistió de música la adaptación que del texto del trágico griego llevó a cabo Jean Cocteau, a petición del propio compositor; Cocteau añadió, además, la figura del narrador, que resume el argumento. La pieza fue entregada a Serguei Diaghilev como regalo por el 20 aniversario de su compañía, los Ballets Rusos, y estrenada en versión concierto en París en 1927. Per Poc, compañía creada y dirigida por Santi Arnal y Anna Fernández, parte ahora del concepto de austeridad y hieratismo de la obra original y presenta una versión basada en un teatro estático, casi “estatuario” que sitúa en una sala de un museo arqueológico; en su propuesta artística, “el cantante deviene estatua y ésta adquiere movimiento impulsada tanto por la música como por la fuerza vocal de cada uno de los intérpretes”. Bajo la dirección de Erik Nielsen, interpretarán el oratorio la Bilbao Orkestra Sinfonikoa y Easo Abesbatza y un elenco de voces solistas encabezado por el tenor Peter Marsh en el papel de Edipo. La actriz y cantante francesa Irène Jacob, asumirá el rol de narradora; además de una extensa carrera cinematográfica con directores como Kieslowski (Rojo, La doble vida de Verónica…), sobre el escenario Jacob ha interpretado “Persephone” de Stravinsky en el Lincoln Center de Nueva York con Robert Craft (ahijado y heredero musical del propio Stravinsky) o “Juan de Arco en la hoguera” de Honneger en la Ópera de Palermo y en el Festival de Salzburgo, y en el plano teatral también ha hecho La voz humana de Cocteau.

En la recta final del festival, Anne-Sophie Mutter regresa al Kursaal y lo hace con su grupo de cámara, Mutter’s Virtuosi (26 de agosto), inmersa en la gira internacional con la que celebra este año su 60 cumpleaños. Con 47 años de carrera, a lo largo de todo este tiempo Anne-Sophie Mutter ha estado y está presente en los auditorios más importantes del mundo y su impronta en la escena de la música clásica es patente no solo como intérprete, sino como mentora de jóvenes músicos o impulsora de nuevos proyectos. Junto a catorce músicos de cuerda, interpretará obras de Vivaldi, Bach, Bologne y Nonet, partitura de André Previn dedicada a la violinista.

El ciclo de conciertos del Auditorio Kursaal se cerrará con la doble presencia de la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, que llegará a San Sebastián bajo la batuta de Omer Meir Wellber, director musical de la Volksoper Wien y del Teatro Massimo Palermo, director artístico del Toscanini Festival y próximo director musical de la orquesta y de la ópera de Hamburgo. Meir colabora asiduamente con esta orquesta de cámara creada en 1980 y que en la actualidad componen cuarenta y un músicos, bajo la dirección titular de Paavo Järvi. En el primero de los conciertos (29 de agosto) contarán con la violinista Hilary Hahn como solista invitada; orquesta, director y violinista ya coincidieron en la Quincena de 2019. Interpretarán el Concierto para violín nº5, “Turco”, de Mozart y la obra Labyrinthe du temps, de la compositora uzbeka Aziza Sadikova, que estrenarán pocos días antes en Bremen; completan el programa la obertura de “Don Giovanni”, de Mozart, y la Segunda Sinfonía de Schubert. El segundo concierto de la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen (1 de septiembre) pivota en torno a la “Missa Nelson”, considerada como la obra cumbre del extenso catálogo de Haydn, que interpretará junto a Andra Mari Abesbatza y un elenco de solistas internacionales. Este proyecto responde a una de las principales máximas de la Quincena, la de promover la colaboración entre coros locales y orquestas internacionales para así dotar de mayor proyección a la labor de estas entidades, patrimonio musical de nuestro territorio.

El Teatro Victoria Eugenia acogerá en esta edición un único espectáculo: Euskal Barrokensemble, grupo especializado en la recuperación de repertorio barroco comandado por Enrike Solinís ofrecerá el concierto “El amor brujo: esencias de la música de Manuel de Falla”. En torno a una versión para música de cámara de “El amor brujo” firmada por su autor, Euskal Barrokensemble ha hilado fragmentos de obras de diferentes compositores, como el “Concierto de Aranjuez” de Rodrigo, acompañándose por una cantaora y una bailaora. En palabras de Solinís: “Falla compuso El amor brujo inspirándose en leyendas y viejos aires gitanos que Pastora Imperio coleccionaba junto a su madre, recreando de manera inigualable la esencia de la música andaluza a través de sus diferentes palos e incorporando su espíritu a su lenguaje compositivo. La interpretación de Manuel de Falla por un ensemble barroco puede sorprender a priori, pero no si tenemos en cuenta los fines estéticos del propio Falla”.

Ciclos paralelos
En el marco de la 84 Quincena Musical de San Sebastián, se desarrollarán, además, otros ciclos que completan su oferta: Música Antigua y Música de Cámara, ambos en el Museo San Telmo; Órgano, Música Contemporánea, Jóvenes Intérpretes, Quincena Andante, Jornada Inaugural, Quincena Infantil y Tabakalera Dantzan. La programación completa se dará a conocer en las próximas semanas.

Nuevas ventajas y descuentos para los Amigos de la Quincena

En esta edición, la Quincena ha reforzado el capítulo de ventajas y descuentos destinados a los Amigos del festival a la hora de adquirir abonos y entradas sueltas. La compra del abono, que incluye 10 conciertos/funciones de las once que componen el ciclo del Auditorio Kursaal, supone un ahorro del 25% con respecto a la compra de entradas sueltas para esos mismos conciertos; además el abono da derecho a la compra de la entrada del concierto fuera de abono con un 20% de descuento y de 2 entrada adicionales con un 10% de descuento.

Los Amigos que se decanten por la compra de entradas sueltas se beneficiarán, por primera vez, de un 10% de descuento en los conciertos del Auditorio Kursaal y en el Teatro Victoria Eugenia. Y todos los Amigos, adquieran abono o no, también podrán solicitar una entrada suelta para cada concierto del resto de los ciclos de la Quincena.
Más información sobre este capítulo en www.quincenamusical.eus/es/amigos

La Fundación BBVA, Leo Nucci, Pier Luigi Pizzi, Daniela Barcellona, Juan Jesús Rodríguez, Riccardo Frizza, Emilio Sagi y el Coro de Ópera de Bilbao, recibieron anoche los premios Tutto Verdi International Awards, creados por ABAO Bilbao Opera, en una gala-recital en el Teatro Arriaga, presentada por Iñaki Gabilondo y Udane Goikoetxea.

Los premios Tutto Verdi International Awards “son el reconocimiento y agradecimiento a todos los artistas, instituciones y personalidades ligadas al universo verdiano, que han participado y hecho posible un proyecto único en el mundo de la ópera”, explicaba en su intervención el presidente de ABAO Bilbao Opera, Juan Carlos Matellanes. “Un proyecto que ha dado mucho a Bilbao, nos ha proporcionado repercusión internacional y nos sitúa a la altura de las instituciones líricas más relevantes”, evocaba Matellanes.

La escultura del premio, obra de Perodri Joyeros, es una recreación completamente artesanal del emblemático sombrero de copa del compositor, elaborado con hilo de plata sobre peana de mármol. Piezas únicas para homenajear a quienes han contribuido significativamente a impulsar el proyecto Tutto Verdi.

DESDE LA VETERANÍA HACIA LA PROMESA FUTURA EN EL UNIVERSO VERDIANO

El veterano periodista Iñaki Gabilondo daba la bienvenida al acto y recordaba que “este empeño ambicioso y exhaustivo ha convertido a Bilbao durante estos diecisiete años en la ciudad verdiana por antonomasia”. La joven soprano Fan Zhou interpretaba la primera actuación de la noche con un aria de la ópera I masnadieri, acompañada de Francesco Izzo, catedrático de Música en la Universidad de Southampton, editor general de las Obras Completas de Giuseppe Verdi y director científico del Festival Verdi de Parma.

Seguidamente la subdirectora de la Fundación BBVA, Laura Poderoso, recogió el premio a la Mejor Institución de manos de Javier Hernani, vicepresidente de ABAO Bilbao Opera. Al recibir el premio Laura Poderoso aseguraba que “Bilbao merece tener una temporada de ópera de excelencia como este Tutto Verdi. Estamos honrados de recibir este galardón de reconocimiento a nuestro apoyo y extiendo nuestras felicitaciones a ABAO y a todos los premiados esta noche”.

El premiado como Mejor Director de Orquesta, Riccardo Frizza, que no pudo estar presente, agradeció el premio por “inesperado. Me hace mucha ilusión recibirlo de una asociación de amantes de la ópera”. Enrique Sáez fue el encargado de recoger el premio en su nombre, de manos del Rector Magnífico de la Universidad de Deusto, Jesús Guibert.

“Que este premio transmita fuerza a los artistas que luchan por conseguir sus objetivos” señaló en su turno un emocionado Juan Jesús Rodríguez, premio a la Mejor Voz Masculina. “Este es un premio auténtico, un reconocimiento honesto y es un honor haber sido elegido. Quiero rendir homenaje a los artistas que han desaparecido, a los que están desapareciendo o desaparecerán porque han perdido las fuerzas. No estáis olvidados”. El barítono onubense que obsequió a los presentes con una interpretación de la ópera Ernani, celebraba anoche su cumpleaños. Entregó el premio Ana Otadui, presidenta de las Juntas Generales de Bizkaia.

Tras una breve presentación de las piezas que se iban a disfrutar en la gala por parte de Francesco Izzo, el tenor Davide Tuscano interpretaba una pieza de I Lombardi alla prima crociata y la soprano Alessia Panza junto al barítono Gabriel Alonso, un dúo de Ernani.

EL VALOR DE LA EXPERIENCIA Y LA EMOCIÓN DE LO NUEVO

Iniciaba el segundo bloque del acto, el premio a la Mejor Dirección de Escena para Emilio Sagi, quien reconocía que, “me siento especialmente honrado de recibir este premio ya que soy Ilustre de Bilbao y he dirigido este Teatro. Amo al público de Bilbao y espero que ellos me amen también a mí”. Pedro Azpiazu, consejero de economía del Gobierno Vasco, entregaba el premio al emocionado regista.

El presentador Iñaki Gabilondo, miembro del Comité de Honor Tutto Verdi fue el encargado de hacer entrega del Premio Especial al Coro de Ópera de Bilbao que recogió su presidente, Juan Carlos Ibáñez. “Tutto Verdi nos ha permitido vivir toda la evolución del compositor a través de los títulos representados. Me siento muy pequeño rodeado de tantos y tan grandes artistas. Gracias ABAO por este reconocimiento que recojo en nombre de todos los que formamos el Coro de Ópera de Bilbao”.

Seguidamente subió al escenario el alcalde de Bilbao, José María Aburto, para entregar el premio a la Mejor Voz Femenina a Daniela Barcelona, quien en su agradecimiento señalaba que, “estoy muy orgullosa de este premio. Siempre me he sentido muy bien cantando en Bilbao y se lo dedico a la ABAO y a la ciudad”. La mezzosoprano italiana interpretó una pieza de Il Trovatore acompañada por Alessandro Vitiello al piano.

Luis Gago, guionista y coordinador del evento junto con Francesco Izzo, presentó las siguientes actuaciones de la noche a cargo de Fan Zhou que cantó la famosa aria “Caro nome” de Gilda en Rigoletto, Gabriel Alonso el dramático aria de Stankar de Stiffelio y de nuevo Fan Zhou con Davide Tuscano el dúo del tercer acto de La Traviata.

Massimo Gasparón recibió de manos de Iñaki Irusta, expresidente de ABAO Bilbao Opera, el premio a la Trayectoria Profesional en la Dirección de Escena para Pier Luigi Pizzi, que aseguraba por vídeo echar mucho de menos Bilbao.

El último premio de la noche fue para el gran barítono Leo Nucci por su Trayectoria Profesional como cantante. El carismático artista protagonizó uno de los momentos más emotivos de la gala, con su interpretación del fragmento “Cortigiani” de Rigoletto. Juan Carlos Matellanes, presidente de ABAO Bilbao Opera, le hizo entrega del galardón, que el artista agradeció con sentidas palabras, “decir que estoy emocionado es poco. La primera vez que canté en ABAO fue en 1978. Mi esposa Adriana, con quien quiero compartir este honor, también ha cantado muchas veces en Bilbao”. El barítono, que el día anterior cumplió 81 años, interpretó el “Cortigiani” de Rigoletto con la maestría que le caracteriza y el público respondió puesto en pie con una gran ovación.

Las últimas actuaciones musicales corrieron a cargo de Gabriel Alonso con una pieza de I due Foscari y de Alessia Panza, Davide Tuscano y el Coro de Ópera de Bilbao con una escena de Il Trovatore. Cerró la actuación musical el Coro, con una extraordinaria interpretación del emotivo “Coro di Zingari”, también de Il Trovatore.

Iñaki Gabilondo concluía la gala recordando que “la música de Giuseppe Verdi no ha dejado jamás de interpretarse, convocando fielmente desde hace casi dos siglos a los mejores cantantes, a los mejores directores de orquesta, a los mejores directores de escena y, por supuesto, a espectadores siempre deseosos de emocionarse con su música y con su profundo conocimiento del alma humana”.

CONGRESO VERDI FOR THE AGES: PASADO, PRESENTE Y FUTURO

En el mes de mayo y coincidiendo con las funciones de Il Trovatore, ABAO Bilbao Opera presenta una nueva actividad cultural de carácter y repercusión internacional, el Congreso Verdi for the Ages: Pasado, Presente y Futuro.

El congreso, que reunirá a algunas de las figuras más relevantes del universo verdiano para debatir los diversos aspectos de las obras del compositor, tendrá lugar los días 27, 28 y 29 de mayo en el Bizkaia Aretoa de la Universidad del País Vasco y será de acceso gratuito.

Durante tres días, musicólogos, críticos, historiadores, sociólogos, agentes, directores artísticos e intérpretes, debatirán sobre el pasado, el presente y el futuro de la obra verdiana, desde documentos históricos a prácticas escénicas, marketing o tecnología, hasta el sector lírico en el contexto actual. Serán seis sesiones temáticas en formato de ponencia libre, mesa redonda o talleres, y se espera una amplia participación de aficionados, curiosos y público en general.

Aprovechando su prestigio y proyección nacional e internacional, el amplio espectro de sus propuestas artísticas y culturales y la diversidad de su público, el Teatro Real ha asumido un firme compromiso con el apoyo, divulgación y promoción del flamenco dentro y fuera de nuestras fronteras desde 2018, cuando, con la colaboración de SO-LA-NA, creó el ciclo Flamenco Real -actualmente en su quinta edición- con actuaciones regulares en su Salón de Baile.

El éxito, el pasado año, de los primeros tours fuera de España, en Estados Unidos (Nueva York, Washington DC y Dallas), India (Nueva Delhi, Chandigarh y Mumbai) y Brasil (Río de Janeiro, São Paulo y Brasilia) han impulsado la organización, este año, de tres giras internacionales largas y ambiciosas, que llevarán el flamenco a 15 países de América, Europa, Oriente Medio, Asia y Oceanía, 38 ciudades, con más de 400 actuaciones previstas y la posibilidad de ampliación de este número, ya que hay todavía espectáculos pendientes de confirmación.

Las giras se sucederán, simultáneamente, con periplos geográficos muy distintos, pero en algunas ciudades de Estados Unidos los itinerarios se cruzarán, ofreciendo al público estadounidense la posibilidad de ver dos espectáculos con programas y artistas distintos, aprovechando el gran éxito de las actuaciones del pasado año.

El bailaor y coreógrafo Amador Rojas, director artístico de SO-LA-NA, tiene un vínculo muy especial con el proyecto del Teatro Real, ya que inauguró su ciclo Flamenco Real, participó en sus 5 ediciones y protagonizó las actuaciones del pasado año en Estados Unidos al lado de Yolanda Osuna.

Ambos, Amador Rojas y Yolanda Osuna, actuarán por separado en dos de las tres giras, acompañados por otros grandes nombres del arte flamenco. La tercera gira será encabezada por la bailaora Paula Rodríguez.

EUROPA Y AMÉRICA DEL NORTE: Bélgica, Francia, Reino Unido, Estados Unidos y Canadá

Artistas: Yolanda Osuna (dirección, coreografía y baile), Juan Fernánd (baile), Bernardo Miranda, Manu Soto y Cristina Tovar (cante), Juan Marín, Miguel Pérez y Álvaro Mora (guitarra) y Juan Diego Sáez (saxofón).
Itinerario y número de actuaciones: Bruselas (16), Manchester (10), Londres (18), París, Minneapolis (6), Chicago (12), Detroit (6), Nueva York (28), Filadelfia (8), Boston (12), Tampa (6), Ottawa (4) y Atlanta (16).

LAS AMÉRICAS: México, Estados Unidos, Canadá y Colombia

Artistas: Amador Rojas (dirección, coreografía y baile), Ángeles Gabaldón (baile), Diego Amador y Tomasa Peña (cante), Paco Iglesias (guitarra), Elena Mikhailova (violín) y Luis Amador (percusión).
Itinerario y número de actuaciones: México DF (8), Los Angeles (36), San Francisco Bay Area (6), Portland (6) Calgary (4), Edmonton (4), San Diego (16), Austin (16), San Antonio (12), Houston (16), Nueva York (8), Bucaramanga (4) y Bogotá (4).
Gracias al apoyo de AECID la gira AMÉRICAS comienza y termina en América Latina, con talleres y actividades en México y Colombia organizados en el marco del intercambio cultural en torno al flamenco.

ASIA Y OCEANÍA: Singapur, Corea del Sur, China, Japón, Nueva Zelanda, Australia, Emiratos Árabes y Arabia Saudí.

Artistas: Paula Rodríguez (dirección, coreografía y baile), José El Escarpín (baile), Jonathan Reyes y José del Calli (cante), Ángel Flores y Antonio Jiménez (guitarra) y Manuel Reyes (percusión).
Itinerario y número de actuaciones: Singapur (14), Seúl (16), Busan (12), Daegu (8), Gwangju (4), Tokio (10), Auckland (6), Sídney (12), Brisbane (6), Melbourne (12), Abu Dhabi (6) y Dubái (12).

Con estas giras internacionales, el Teatro Real no sólo divulga la enorme riqueza del cante y del baile flamenco, como tiende puentes con países de todo el mundo, permitiendo ampliar los lazos de colaboración con culturas diversas a través del patrimonio artístico y cultural de España.

El famoso conjunto de cámara francés fundado y liderado por el violinista barroco Johannes Pramsohler acaba de publicar su nuevo proyecto discográfico que, bajo el título Sonate a cuatro, reúne sonatas para dos violines, viola y basso continuo de
Johann Gottlieb Goldberg (1727-1756), Georg Philipp Telemann (1681-1767), George Frederic Handel (1685-1759), Johann Friedrich Fasch (1688-1758) y Johann Gottlieb Janitsch (1708-1762).

Tras convertirse en auténtico embajador internacional de la interpretación y recuperación del repertorio para Sonata a tre, el Ensemble Diderot incorpora la viola a su formación habitual y dedica su nuevo disco en el sello Audax Records a la Sonata a quattro, género por excelencia de la música instrumental en la primera mitad del siglo XVIII, que dará lugar al nacimiento del cuarteto de cuerda moderno. Johannes Pramsohler (violín), Roldán Bernabé (violín), Alexandre Baldo (viola), Gulrim Choï y Philippe Grisvard (clavicembalo), nos proponen obras para cuarteto y basso continuo, de gran exigencia técnica y virtuosismo contrapuntístico, que jugaron un papel decisivo en la transición de la música instrumental del barroco al clasicismo temprano.

“Cuatro elementos, cuatro puntos cardinales, cuatro estaciones, cuatro continentes, cuatro caracteres… La Trio sonata como imagen del número tres (símbolo de lo divino) evoluciona lentamente hacia el cuarteto (de cuerda) y por tanto al número cuatro (símbolo de lo terrenal), que nos conduce a La Ilustración”, en palabras de Johannes Pramsohler, que con este nuevo trabajo discográfico reivindica la importancia de un género, que cambiaría para siempre la historia de la música.

El multipremiado Ensemble Diderot iniciará una extensa gira internacional el próximo mes de mayo con conciertos en Luxemburgo, Francia, México, Alemania, Irlanda y Canadá. Además, acaba de presentar BACH: A Musical Offering, coincidiendo con el lanzamiento de la plataforma Apple Music Classical, en el que utiliza el innovador sistema DOLBY ATMOS para ofrecer una experiencia multisensorial e inmersiva al oyente.
Sonate a quattro ya está disponible en todas las plataformas de streaming:
https://www.audax-records.fr/adx11201

Mañana, sábado 15 de abril, abrirá sus puertas el Real Teatro de Retiro, el nuevo espacio destinado a albergar la programación del Teatro Real dedicada al público infantil, juvenil y familiar, el Real Junior. Un lugar en el que los más jóvenes podrán iniciarse en el mundo de las artes escénicas a través de diferentes expresiones artísticas como ópera, danza, cuentos musicales, títeres, cine y conciertos didácticos, ofrecidas con un enfoque lúdico.

Este nuevo teatro, ubicado en el Centro Cultural Daoíz y Velarde –Plaza de Daoiz y Velarde, acceso desde la Avenida Ciudad de Barcelona, en el distrito de Retiro- quiere ser el centro de referencia para los más jóvenes en Madrid, con actividades que despierten su curiosidad y promuevan el aprendizaje. Con este objetivo se ofrecerán funciones familiares y escolares de cada título, que se complementarán con una guía didáctica -accesible de forma gratuita a través de la página web del Teatro Real para padres y profesores- en la que se ofrece información detallada del espectáculo y ejercicios prácticos para tener una mirada más amplia sobre el mundo del espectáculo que van a disfrutar.

La encargada de llenar de música y fantasía el Real Teatro de Retiro, por primera vez, será La cenicienta, de Pauline Viardot, coproducción del Teatro Real con el Teatro de la Maestranza de Sevilla, el Teatro Cervantes de Málaga y la Fundación Ópera de Oviedo, estrenada la pasada temporada y acogida con gran entusiasmo por el público.

El director de escena Guillermo Amaya -también autor de la versión en castellano e iluminador de la producción- traslada la acción a la actualidad y la desarrolla en las salas de un museo, donde los visitantes se pierden y se transforman en los personajes de la ópera. Los jóvenes intérpretes serán, como en la edición anterior, jóvenes cantantes de distintas nacionalidades que participaron en la primera edición del programa Crescendo de la Fundación Amigos del Teatro Real.

En esta nueva etapa, con el mismo afán divulgador, se afianza el programa de colaboración con los colegios, con una relación más directa y continuada, con más funciones y horarios disponibles, tanto si los centros forman parte del programa Colegio Amigo, como si asisten ocasionalmente a un espectáculo. Asimismo, se potencia la actividad del proyecto LÓVA (La Ópera, un Vehículo de Aprendizaje), por el que una clase se convierte en una compañía teatral, que dedica el curso a crear, producir y estrenar su propia ópera.

A través del Colegio Amigo del Teatro Real, las familias y el alumnado disfrutan de numerosas ventajas, como venta preferente de localidades, entradas adicionales gratuitas para el profesorado en funciones escolares, promociones especiales en la compra de entradas de espectáculos de ópera, danza y recitales para el personal docente, familias y alumnado y la distinción con el sello Colegio Amigo del Teatro Real, que incluye mención del nombre del centro escolar en la página web del Teatro Real, redes sociales y otros soportes de comunicación.

También la actividad de la Agrupación Musical Inclusiva (AMI) se traslada desde el Teatro Real a este nuevo espacio. La AMI es una iniciativa de referencia nacional e internacional que muestra cómo la inclusión de la neurodiversidad es posible en un espacio musical, potenciando las distintas capacidades individuales, con iniciativas dirigidas a fomentar su acercamiento a la música y a la cultura. La organización promueve la participación de cada uno de sus componentes en diferentes secciones de formación y creación con un mismo objetivo musical, una actividad que culmina en un concierto de fin de temporada, programado este año para el 17 de junio de 2023.

PROGRAMACIÓN

LA CENICIENTA

Pauline Viardot

Ópera Estudio

Producción del Teatro Real en coproducción con el Teatro de la Maestranza de Sevilla, Teatro Cervantes de Málaga y Fundación Ópera de Oviedo.

Con la participación de cantantes solistas del programa Crescendo de la Fundación Amigos del Teatro Real, impulsado por Fonds de Dotation Porosus y Edmond de Rothschild Foundation.

Argumento: Unos jóvenes visitan un museo, se pierden, y entran en una sala que se encuentra en desuso, llena de cajas y de antigüedades. Todos se ponen a curiosear y encuentran un libro de Pauline Viardot. Nuestra protagonista comienza a leer. Suena la música y todo se transforma. Surgen la luz, la magia… y el viejo almacén se convierte en un salón donde los visitantes que se habían perdido se transforman en los protagonistas de la ópera.

La trama se inspira en el cuento de hadas de Charles Perrault, con libreto en francés (adaptado al castellano para la producción del Teatro Real) y dividido en tres breves actos en los que se alternan las partes cantadas y las habladas. Siete solistas de distintas nacionalidades interpretan la ópera, con papeles casi caricaturescos, en los que la madrastra maléfica es sustituida por un padre atolondrado y el hada madrina hechiza a todos con su canto.

Dirección musical y pianista Francisco Soriano

Dirección de escena: Guillermo Amaya y Eduardo Bartrina

Escenógrafo: Pablo Menor

Figurinista: Raquel Porter

REPARTO

La Cenicienta Juliane Stolzenbach (del 13 al 19 de abril)

Alejandra Acuña (del 20 al 29 de abril)

El príncipe encantador Francisco Gracia

El barón de Pictordú Javier Povedano (del 13 al 19 de abril)

Ramiro Maturana (del 20 al 29 de abril)

El conde Barrigulo Juan Ramos

Miguelona Vanessa Cera

Armelinda Paola Leguizamón

El Hada Miriam Silva

El tenor granadino Moisés Marín vuelve a pisar las tablas del Palau de les Arts Reina Sofía de Valencia en esta ocasión interpretando al caballero Melot en Tristán e Isolda de Richard Wagner. El cantante trabaja a las órdenes de Àlex Ollé, uno de los directores artísticos de la Fura dels Baus en esta espectacular producción estrenada originalmente en la Opéra de Lyon. La dirección musical corre a cargo de James Gaffigan, a su vez director musical de Les Arts, al frente de la Orquestra de la Comunitat Valenciana. Moisés Marín compartirá escenario con los cantantes Stephen Gould, Ain Anger, Ricarda Merbeth, Claudia Mahnke y Kostas Smoriginas, entre otros. Esta es la primera vez desde hace diez años que en el teatro valenciano se representa una ópera de Wagner.

Tristán e Isolda se estrenará el 20 de abril y podrá verse a lo largo de otras cuatro funciones, hasta el 3 de mayo.

Con este papel como el caballero Melot, Moisés Marín continua su intensa actividad artística en los principales teatros de ópera

españoles en una temporada en la que ha puesto de manifiesto su capacidad para explorar diferentes registros. Así, desde el verano pasado, en el que protagonizó en el festival Rossini de Wildbad exigentes roles de baritenor, como Pirro en Ermione y Goffredo en Armina, Moisés ha sido Trabucco en La forza del destino, Pollione en Norma, ambas estrenadas en La Coruña el pasado otoño, y Spoletta en Tosca en el Gran Teatre del Liceu. Tras su paso por Les Arts, Moisés volverá a Puccini en el Teatro Real con Turandot en un montaje que podrá verse también en el Festival de Granada. La temporada próxima también viene cargada de proyectos importantes para el tenor, como es el papel principal (Belmonte) en El rapto en el serrallo, que verá la luz en abril de 2024 en ABAO Bilbao.

Moisés Marín se ha convertido en un referente en nuestro país interpretando algunos de los roles de tenor de carácter más importantes del repertorio, como Goro en Madame Butterfly, Incredibile en Andrea Chénier, Spoletta en Tosca o Steuermann en El holandés errante, su primera incursión en el repertorio de Wagner.

En 2022 el cantante recibió el premio al Cantante Revelación otorgado por Amics de l’Òpera y de les Arts de la Comunidad Valenciana tras triunfar con Los cuentos de Hoffmann.

Afrontando un complejo universo musical

Sobre su papel en Tristán e Isolda, Moisés Marín explica: “En Wagner no hay papeles pequeños sino más o menos cortos. Este es el caso de Melot, pivote argumental en la trama y el que desencadena el final. Lleno de aristas, es el fiel amigo de Tristán corroído por la envidia y en la encrucijada de la lealtad hacia el rey o hacia el amigo”. Por lo que respecta a interpretar al genio alemán apunta “Wagner es siempre un reto, como ya pude comprobar en El holandés errante. Su universo sonoro es fabuloso y los papeles que escribe para los tenores extremadamente complejos. La barrera idiomática ha sido un gran desafío en el que sinceramente cada vez me siento más cómodo, gracias al intenso trabajo que llevo haciendo desde hace tres años”. Sobre la dirección de escena y musical afirma: “Es un absoluto privilegio estar a las órdenes de Àlex Ollé que da a cada acción un sentido real y en cada movimiento una emoción, que en esta obra está contenida en todo momento como si fuera una olla a presión. Con el maestro Gaffigan es un lujo trabajar, todo lo hace fácil y es capaz de llenar de texturas a la maravillosa Orquestra de la Comunitat Valenciana para transportarnos al emocionante universo wagneriano”.

Moisés Marín: fuerza y versatilidad

Desde que en la temporada 17/18 terminó su formación en el Centre de Perfeccionament del Palau de les Arts de Valencia, Moisés Marín se ha convertido en un habitual de las temporadas líricas españolas, teniendo presencia desde entonces en el Teatro Real, el Gran Teatre del Liceu, ABAO, el Teatro Campoamor de Oviedo y el de la Maestranza de Sevilla. Goro en Madame Butterfly, Jacquino en Fidelio, Albazar en El Turco en Italia, Incredibile en Andrea Chenier, Steuermann en El holandés errante, entre otros, conforman su intensa actividad en las últimas temporadas españolas. Entre sus compromisos futuros destacan de nuevo su paso tanto por el Teatro Real como por el Liceo de Barcelona, ABAO Bilbao y Ópera de Oviedo.

Algunos de sus pasados compromisos incluyen: Percy en Ana Bolena de Gaetano Donizetti bajo la batuta de Fabio Biondi y Europa Galante en Italia, Dorvil en La escala de seda de Gioachino Rossini bajo la batuta de Alberto Zedda, Duca en Rigoletto, Nemorino en El elixir de amor, Don Ottavio en Don Giovanni, Selimo en Adina de Rossini, Pang en Turandot; y de su etapa en el Auditorium Parco della Musica de Roma, el maestro de escuela en La zorrita astuta de Leoš Janáček y Gherardo en Gianni Schicchi de Puccini.

Ha sido miembro del Centre de Perfeccionament del Palau de les Arts. En este periodo de dos años como estable en Les Arts ha sido un habitual de la programación del teatro, interpretando diversos roles en operas como Las vísperas sicilianas, Filemón y Baucis, Lucrecia Borgia, Werther, Madame Butterfly, Peter Grimes, La Traviata, Bastián y Bastiana, El mundo de la Luna y Tosca. Teniendo la oportunidad de trabajar técnica y musicalmente con artistas como Plácido Domingo, Fabio Biondi, Roberto Abbado, Mariella Devia, Gregory Kunde, Emilio Sagi y Davide Livermore.

Es ganador del 1º Premio en el Concurso Internacional de Canto Ciudad de Logroño y premio especial de Zarzuela. En 2022 recibió el premio al Cantante Revelación otorgado por Amics de l’Òpera y de les Arts de la Comunidad Valenciana. Ha sido alumno del bajo-barítono Carlos Chausson y de la soprano Renata Scotto. Ha sido miembro del Opera Studio Ensemble de l’Accademia Nazionale di Santa Cecilia de Roma y desde sus inicios como flautista en el conservatorio Victoria Eugenia de Granada empieza a estudiar con la soprano María del Coral Morales. Actualmente sigue bajo la tutela del aclamado bajo Eric Halfvarson.

Moisés Marín (c) Kiko Lozano

www.moisesmarintenor.com

TRISTÁN E ISOLDA de Richard Wagner

Palau de les Arts Reina Sofía, Valencia

20, 23, 26, 29 de abril y 3 de mayo

Más información y entradas: https://www.lesarts.com/es/tristan-und-isolde/

Llega una nueva cita del ciclo Series 20/21 del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS). En esta ocasión, el Ensemble Mosaik invitará al público a adentrarse en un concierto que va más allá del formato tradicional y en el cual la puesta en escena será un elemento primordial. El consagrado ensemble berlinés presenta un sorprendente espectáculo donde abordarán obras de los compositores españoles Irene Galindo Quero y Manuel Rodríguez Valenzuela, que protagonizarán una estimulante velada donde también se escuchará una pieza de la compositora estonia Liisa Hirsch. El concierto tendrá lugar el lunes 17 de abril a las 19:30h en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (entrada libre).

Fundado en 1997, el Ensemble Mosaik es una formación versátil y experimental y un conjunto de renombre para la música contemporánea. Sus integrantes se caracterizan por sus habilidades instrumentales y por una fuerte personalidad individual creativa. Así, a lo largo de su trayectoria, han ido moldeando una propuesta que amplía los límites de la música contemporánea y su apertura a nuevos formatos al más alto nivel artístico. En esta ocasión, bajo la dirección de Chatschatur Kanajan y con la participación del percusionista Roberto Maqueda, uno de los artistas españoles de vanguardia más audaces del panorama actual, el Ensemble Mosaik fusionará música de nueva creación con diferentes formatos digitales.

Esta mágica velada se abrirá con Glides de Liisa Hirsch, una pieza de carácter experimental donde podrá apreciarse el particular estilo de su compositora, que se caracteriza por recrear emblemáticos ambientes sonoros a través de la sensibilidad tímbrica y la atención al sonido. La siguiente parada de este programa multidisciplinar será Si callalo pudié sentirsas de Irene Galindo Quero, una obra que acaba de recibir el Premio de Composición 2023 de la ciudad de Stuttgart y que juega con dos voces paralelas que tratan de encontrarse. La propuesta está basada en un texto de la poeta Ángela Segovia.

El concierto lo cerrará la enigmática obra de teatro multimedia para percusión solista, conjunto instrumental, electrónica y vídeo de Manuel Rodríguez Valenzuela, time. cage. Esta sugestiva pieza gira en torno a la idea de aislar a un percusionista solista del resto de instrumentos amplificados para generar una situación insólita, por lo que visualmente será toda una sorpresa. Estrenada en el festival Maerzmusik de Berlín, invita al público a reflexionar sobre cuestiones como la alteración del tiempo y su percepción.
Fotografía ©Anja_Weber

El Teatro Real estrena en España Nixon en China, de John Adams (Massachusetts, 1947), en una nueva producción del Teatro Real en coproducción con la Den Kongelige Opera de Copenhague y la Scottish Opera, que estará en escena entre el 17 de abril y el 2 de mayo (7 funciones).

Esta ópera, estrenada en 1987, tuvo una génesis singular: en 1983, Peter Sellars -que en el Teatro Real ha dirigido Ainadamar, Iolanta y Perséphone, The Indian Queen, Tristán e Isolda y Only the Sound Remains– propuso a John Adams escribir una partitura sobre la visita de estado que realizó el presidente Richard Nixon a Pekín, en plena Guerra Fría, cuando la República Popular de China era gobernada con mano de hierro por el dictador Mao Tse-Tung y el telón de acero dividía el mundo en dos grandes bloques.

La visita, programada por ambos países milimétricamente y seguida paso a paso por la prensa internacional, suponía un intento de acercamiento, más simbólico que real, de dos colosos hegemónicos enfrentados.

De la propuesta de Sellars -desde entonces colaborador de Adams en todas sus óperas- nacería, años más tarde, Nixon en China, con libreto en verso de la poetisa estadounidense Alice Goodman (1958), que indaga sobre el papel real de los líderes de ambos países en el devenir del orden mundial, a través de un juego dialéctico entre la parafernalia propagandista del poder y las reflexiones íntimas de sus protagonistas.

La partitura, de reconocible atmósfera estadounidense y exuberante orquestación, articula detalles sonoros hiperrealistas que evocan el universo real y mediático de la visita, con arias, dúos, concertantes, coro y ballet, deudores de la tradición operística decimonónica y de la ópera del siglo XX, de Richard Strauss al minimalismo de Philip Glass.

Nixon en China se estrenó en Houston en 1987, apenas 15 años después del célebre acontecimiento que recrea, cuando el público estadounidense podía seguir la ópera recordando todavía la conmoción generada por la retransmisión televisiva de cada paso de Richard Nixon, su esposa Pat, el secretario de estado Henry Kissinger y la pomposa coreografía de saludos, desfiles, espectáculos y reuniones.

Para acercar ese momento histórico al público de hoy, 50 años después, el director de escena John Fulljames, junto con el escenógrafo y figurinista Dick Bird, utilizan abundante material documental e iconográfico como génesis y armazón conceptual de la producción. Así, un monumental archivo acoge la trama de la ópera, en la que los protagonistas actúan con trajes similares a los originales, reforzando el hiperrealismo de la propuesta con una sucesión de documentos, fotos, recortes de prensa y filmaciones reales, que van desfilando a lo largo de la ópera. ¿Cómo se transforma en Historia un evento político, ya lejos de los ecos rimbombantes de la propaganda gubernamental y del barullo mediático?

En la dirección musical de la ópera se alternarán, al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, la coreana Olivia Lee-Gundermann y el griego Kornilios Michailidis. Actuarán junto con los barítonos Leigh Melrose (Richard Nixon), Jacques Imbrailo (Chou En-Lai) y Borja Quiza (Henry Kissinger), las sopranos Sarah Tynan (Pat Nixon) y Audrey Luna (Chiang Ch’ing, Madame Tse-Tung), el tenor Alfred Kim (Mao Tse-Tung) y las mezzosopranos Sandra Ferrández (Nancy T`ang, Primera secretaria), Gemma Coma-Alabert (Segunda secretaria) y Ekaterina Antípova (Tercera secretaria).

El éxito de Nixon en China representa un caso singular en la ópera contemporánea, ya que, infelizmente, son muy excepcionales las partituras de compositores actuales que gozan del favor del público y de la crítica y se programan asiduamente.

El Teatro Real puede finalmente dar a conocer una de las más importantes obras de John Adams, muy querido por el público melómano en España y Premio Fronteras del Conocimiento de la Fundación BBVA en la categoría Música y Ópera, en 2018.

AGENDA | ACTIVIDADES PARALELAS

16 de abril, a las 12.00 y a las 17.00 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

¡Todos a la Gayarre! Talleres musicales para toda la familia, con dirección y presentación de Fernando Palacios.

Las tribulaciones de un presidente en China.

Tensiones diplomáticas en una visita histórica.

18 de abril, a las 19.30 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

Coloquio en torno a la visita de Nixon a Mao

Participan: Carmen Noheda, investigadora posdoctoral en el Centre for Research in Opera and Music Theatre, (Universidad de Sussex); Emilio de Miguel, Embajador en misión especial para el Indo Pacífico y director de Casa Asia en Madrid, y José M. de Areilza Carvajal, secretario general de Aspen Institute España.

Organizado por el Teatro Real, Casa de América y Casa Asia.

Acceso gratuito con inscripción.

18, 19, 20 y 25 de abril | Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

18 de abril a las 11.30 h., 19 de abril a las 18.00 h., 20 de abril a las 11.30 h. y 25 de abril a las 18.00 h

El viaje: recorrido guiado por las colecciones en torno a la experiencia del viaje.

19 de abril, a las 19.00 horas | International Institute

Conferencia en inglés: Contradiction and performance in the career of Richard Nixon: perspectives on a historical giant

25 de abril, a las 19.00 y 21.00 horas | Fundación SGAE

El minimalismo: un soplo de aire fresco en los años 80

Selección de filmes de Pere Portabella, con banda sonora original de Carles Santos.

26 de abril, a las 20.30 horas | Fundación SGAE

Concierto: Minimalismos de palabras, metales, armónicos y actitudes

Por Llorenç Barber, músico y compositor.

27 de abril, a las 20.30 horas | Fundación SGAE

Conferencia y concierto: Poiemusia. La Nau dels Argonautes. Una nave sigue navegando.

Participan: Pep Llopis (conferencia, piano y electrónica) y Toni Aparisi (danza)

27 de abril, de 10.00 a 14.30 horas | Real Conservatorio Superior de Música de Madrid

Seminario: Música y política. Reverberaciones en las esferas

Entrada libre

27 de mayo, a las 19.30 horas | International Institute

Concierto: Liquid Soundscapes, música minimalista americana.

Obras de John Cage, Philip Glass, Steve Reich y Paul Lansky.

La agrupación L’Estro d’Orfeo, uno de los conjuntos barrocos más interesantes del panorama actual, ofrecerá un concierto en el ciclo Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) donde invitará al público a sumergirse en la gran música italiana para violín del siglo XVII. Bajo el título Con privilegio, in Venetia, el ensemble fundado y dirigido por la violinista Leonor de Lera interpretará partituras de compositores estrechamente vinculados a esta ciudad italiana, con un programa en el que sonarán imaginativas piezas de Biagio Marini, Dario Castello, Giovanni Valentini, Tarquinio Merula, Giovanni Legrenzi y Giovanni Girolamo Kapsberger. El concierto tendrá lugar el jueves 13 de abril, a las 19:30h, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música.

En este viaje al seicento italiano, el público podrá adentrarse en obras que reflejan la época en la que Venecia tuvo una extraordinaria vida musical. Las piezas que se interpretarán en este concierto son un reflejo de esa riqueza y máximo esplendor veneciano. En esencia, se trata de un concierto para despertar los sentidos y disfrutar de partituras donde apreciar el virtuosismo del violín. El programa incluye partituras de compositores que fueron grandes innovadores de su tiempo. Entre ellos, Biagio Marini, violinista que contribuyó de manera determinante al desarrollo de la técnica del instrumento, introduciendo por primera vez las dobles cuerdas y acordes en sus creaciones; Tarquinio Merula, que ideó formas musicales novedosas que sirvieron de inspiración a otros compositores de inicios del siglo XVII; o Dario Castello, cuyos libros de sonatas incluyen numerosos pasajes virtuosos para instrumento solista.

Este recorrido por la música del Barroco instrumental veneciano se transitará de la mano de Leonor de Lera, una de las máximas especialistas en el terreno de la música de finales del siglo XVI y del siglo XVII, y su conjunto L’Estro d’Orfeo, integrado por grandes músicos que comparten con ella el entusiasmo por difundir y acercar al público un amplio repertorio de obras de una de las épocas más bellas de nuestra historia. Juntos, darán vida a sugerentes melodías de la escuela veneciana, donde no faltará la práctica de la diminuzione, ornamentación de la época para dar variedad y enriquecer la música escrita.

L’Estro d’Orfeo en los Circuitos del CNDM

En el marco de los Circuitos del CNDM, actividades que se desarrollan en el marco de la programación del centro a lo largo de todo el territorio nacional, L’Estro d’Orfeo ofrecerá dos conciertos en la Primavera Barroca de Oviedo (martes 11 de abril) y en el Ciclo de Músicas Históricas de León (miércoles 12 de abril). Además, previo a ambos conciertos, Leonor de Lera ofrecerá una conferencia para contextualizar las obras que se interpretarán.

La Fundación Scherzo se complace en presentarles la vuelta del pianista español Javier Perianes al Ciclo de Grandes Intérpretes el próximo 18 de abril, en la que será la séptima participación del pianista nervense en nuestro ciclo. La Sala Sinfónica del Auditorio nacional volverá a acoger a uno de los pianistas que más ha crecido dentro de nuestra programación, ya que debutó con nosotros en el Ciclo de Jóvenes Intérpretes allá por 2003 y que, desde entonces, ha actuado en muchas de las salas más emblemáticas del mundo.

Con motivo del centenario del nacimiento de Alicia de Larrocha (al que nuestro ciclo, en esta edición, está dedicado) el pianista Javier Perianes ofrece su más sentido homenaje a la que fue nuestra pianista más internacional. Con obras de Clara Schumann, Robert Schumann, Johannes Brahms y Enrique Granados, el pianista onubense nos dibuja una senda musical marcada por la admiración recíproca que determinadas convivencias musicales han supuesto para la historia de la música.

El primer gran bloque de obras está dedicada a la inspiración Schumaniana que se forma entre el matrimonio Schumann (Clara y Robert), así como con su fiel discípulo Johannes Brahms. El recital dará comienzo con las Variaciones sobre un tema de Schumann Op. 20, de Clara Schumann, pieza publicada en 1854 cuando Robert ya se encontraba hospitalizado tras su intento de suicidio y que está inspirada en un motivo de las Bunte Blätter de Robert Schumann. La devoción del matrimonio Schumann se ve reflejada en los constantes guiños musicales que, tanto uno como otro, se hacían dentro de sus composiciones.

Perianes nos remarca esta relación singular con la siguiente de las piezas del programa: Quasi Variazioni: Andantino de Clara Wieck Op. 14 (Sonata No. 3 de Robert Schumann). En su Tercera Sonata para piano, Robert Schumann decide tomar como inspiración para el segundo movimiento un Andantino compuesto por Clara los 16 años y dibujar unas sutiles variaciones sin perder el tono de marcha tan característico del original.

No podía faltar en este recital la figura de Johannes Brahms: alumno, amigo y confidente de la familia Schumann. Siguiendo la senda de las Bunte Blätter y con motivo del nacimiento del que sería el último delos descendientes de la pareja: su hijo Félix (del que, además, Brahms sería padrino), éste decide componer sus Variaciones sobre un tema de Schumann Op. 9 con una dedicatoria que nos desvela la atmósfera romántica que se debía de respirar en el hogar de los Schumann: «Pequeñas Variaciones sobre un tema de Él dedicado a Ella».

Por último, Perianes concluye su recital con otra de las admiraciones musicales que más ha cautivado a la música española en el último siglo: la de Enrique Granados por las pinturas de Francisco De Goya. Goyescas, se ha convertido en la suite más emblemática del pianismo español. El compositor leridano esbozó toda una serie de diálogos musicales que daban vida a algunos de los cuadros más emblemáticos del pintor: La maja y el ruiseñor, Requiebros, Fandango de candil, Allegretto gallardo…

La mezzosoprano italiana Annalisa Stroppa vuelve en abril a la temporada de Amigos Canarios de la Ópera (ACO) para cantar por primera vez la ópera de Ponchielli; será en el Teatro Pérez Galdós de Las Palmas de Gran Canaria, antes de su regreso al San Carlo de Nápoles para meterse en la piel de Giovanna Seymour de Anna Bolena de Donizetti.

Confiesa que adora cantar en España. “Tengo una gran conexión con el público español y es siempre una gran alegría sentir su enorme cariño, que es absolutamente recíproco”, asegura Annalisa Stroppa. Sin duda los teatros españoles han sido testigos de grandes veladas de la mezzo italiana en las que ha interpretado algunos de los roles más emblemáticos de su repertorio: desde que debutara en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona con Rosina de Il Barbiere di Siviglia en 2014, en España ha vivido las mieles del éxito con personajes como Carmen, Adalgisa (Norma), Ascanio (Benvenuto Cellini), Siébel (Faust), Dorabella (Così fan tutte) o Nicklausse (Les contes d’Hoffmann) en escenarios como los del Teatro Real, Abao Bilbao Opera, Teatre Principal de Palma (Mallorca), Teatro Calderón de Valladolid, el propio Liceu barcelonés y, por supuesto, la Ópera de Las Palmas de Gran Canaria, a la que regresa para asumir por primera vez el papel de Laura de La Gioconda, de Ponchielli. Será los días 18, 20 y 22 de abril en el Teatro Pérez Galdós de la capital grancanaria.

Annalisa Stroppa está viviendo un gran momento artístico en una temporada en la que ha conquistado público y crítica con su versión de Léonor de Guzman en La Favorite en el Festival Donizetti de Bérgamo (Italia) y en la Opéra de Bordeaux (Francia), además de cantar la Missa in tempore belli, de Haydn, en el Teatro alla Scala de Milán dirigida por Pablo Heras-Casado.

Stroppa define a Laura como a una “figura atormentada, de alma buena, que tiene el corazón dividido entre el deber conyugal y su amor sincero por Enzo Grimaldo. Por convenciones sociales de la época se ve obligada a casarse con un aristócrata veneciano muy poderoso, Alvise Badoer, mayor que ella y a quien no ama; Laura y Gioconda son rivales porque aman al mismo hombre, uno correspondido y el otro no: y sin embargo logran sublimar su rivalidad, feroz para Gioconda, más romántica para Laura, en una especie de hermandad femenina; se trata en definitiva de un rol bellísimo, de tintes veristas, que afronto por primera vez y que requiere una vocalidad extendida y de carácter apasionado; estoy encantada de poder debutarlo para imprimirle todo mi temperamento y en la temporada de ACO en el Teatro Pérez Galdós de Las Palmas, donde recuerdo con especial cariño grandes noches operísticas vividas con personajes como Carmen o Dorabella en Così fan tutte”, concluye la mezzo italiana.

La ópera de Ponchielli se ofrecerá en una nueva producción con dirección de escena de Carlo Antonio de Lucia y musical del maestro Roberto Rizzi Brignoli al frente de la Orquesta Filarmónica de Las Palmas y del Coro del Festival de Ópera.

Junto a la Laura de Annalisa Stroppa, cantarán la soprano María José Siri en el rol de Gioconda, mientras que Francesco Pio Galasso será Enzo Grimaldi, Yulia Mennibaeva La Cieca, Roman Burdenko Barnabá y Simón Orfila Alvise, entre otros.

El barítono Andrè Schuen (La Val del Tirol, 1984), una de las voces líricas más destacadas del panorama actual, regresa al Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela junto al pianista Daniel Heide, para interpretar Die schöne Magelone, op. 33 (Quince romanzas sobre la ‘Magelone’) de Johannes Brahms. Se trata de uno de los ciclos más emocionantes y extensos de uno de los compositores más relevantes de todos los tiempos. El recital tendrá lugar el lunes 3 de abril a las 20:00h en el Teatro de la Zarzuela.

Considerado por la crítica como el legítimo heredero de grandes liederistas como Matthias Goerne o Christian Gerhaher, Andrè Schuen firma una de las carreras más deslumbrantes del panorama actual. Ha sido uno de los pocos cantantes que ha aparecido en tres papeles al mismo tiempo y con gran éxito de la crítica: Figaro, don Giovanni y Guglielmo en el Ciclo Da Ponte, de Nikolaus Harnoncourt, en el Theater an der Wien. Junto al pianista Daniel Heide, quien destaca por una aplaudida trayectoria que le ha llevado a pisar los principales escenarios europeos, se adentrará en una de las partituras más fascinantes de la literatura musical del s. XIX, apreciada por su singular belleza y profunda intensidad.

En Die schöne Magelone, Brahms puso música a poemas de Johann Ludwig Tieck (1773-1853) quien, tras la muerte de Goethe, fue considerado el mayor poeta alemán vivo. Este gran ciclo de lied romántico presenta quince canciones que suponen una muestra sublime del arte compositivo de Brahms a partir de la tradición popular. Las piezas incluidas en este recital representan el punto culminante de su producción liederística y están consideradas como uno de sus ciclos más importantes. Escritas alrededor de 1860, evocan una fascinante historia de amor marcada por el paso de la ruptura a la reconciliación. El recital será una oportunidad fantástica para apreciar la belleza del lied y la capacidad del género para transmitir estados de ánimo.

Sobre Andrè Schuen

El barítono Andrè Schuen se crió en la región de Ladinia, concretamente, en La Val del Tirol (Italia). Aunque el violonchelo fue el instrumento que eligió y tocó durante muchos años, decidió asistir a la Universidad Mozarteum de Salzburgo, donde estudió con Horiana Branisteanu y Wolfgang Holzmair. Schuen completó su formación con clases magistrales organizadas por Kurt Widmer, Thomas Allen, Brigitte Fassbaender, Romualdo Savastano y Olaf Baer. Se graduó del Mozarteum en 2010. Al inicio de su carrera, recibió numerosos premios. Comenzó la temporada 2017-2018 con Don Giovanni en la Ópera Nacional de Lorraine en Nancy y en el Gran Teatro de Luxemburgo. Luego, cantó por primera vez Pagliacci en el Gran Teatro de Ginebra y, a finales de año, Così fan tutte en el Teatro Regio de Turín. Ha ofrecido recitales de lied en la Radio de Baviera en Múnich y el Concertgebouw de Ámsterdam. Ha sido residente, por tercera temporada consecutiva, en la Dortmund Konzerthaus, junto con Junger Wilder. En 2018, interpretó el Ein deutsches Requiem de Brahms en el Festival de Whitsun de Salzburgo. Y, desde 2010, Andrè Schuen acude a Salzburgo: primero, como miembro del Young Singers Project y, posteriormente, en el Salzburger Festspiele, dirigido por Simon Rattle y Riccardo Muti. Entre 2010 y 2014, fue miembro de la Opernhaus Graz. Ha sido uno de los pocos cantantes que ha aparecido en tres papeles al mismo tiempo: Figaro, don Giovanni y Guglielmo en el Ciclo Da Ponte, de Harnoncourt, en el Theater an der Wien. Ha cantado, asimismo, Il barbiere di Siviglia de Paisiello, con René Jacobs, Fidelio de Beethoven, Capriccio de Strauss, el estreno mundial de Hamlet de Schreier, dirigido por Christof Loy, Marcello en La bohème en Ginebra y el conde de Almaviva en Le nozze di Figaro en Angers y Nantes. Con el pianista Daniel Heide, Schuen ha actuado en el Wigmore Hall de Londres, el Heidelberger Frühling y la Konzerthaus de Viena. Gerold Huber es igualmente uno de sus compañeros de recital, con quien se presentó en la Schubertiade en Hohenems. En 2017, Andrè Schuen asistió al Tanglewood Festival y al Aspen Music Festival junto con Andreas Haefliger. En sus primeros dos álbumes de lied, interpretó obras de Schumann, Wolf y Martin, acompañadas por Daniel Heide. También ha grabado obras de Beethoven con el Trío Boulanger.

Sobre Daniel Heide

Daniel Heide creció en Weimar. Empezó a tocar el piano a los cinco años y a los seis se unió a la clase de alumnos aventajados de Sigrid Lehmstedt en la Escuela Belvedere de Música en su ciudad natal. Cinco años más tarde, sin embargo, dejó el camino del niño prodigio e interrumpió sus estudios de piano para dedicarse a la percusión y asumir el reto atlético en un equipo ciclista. Volvió al ámbito pianístico a la edad de diecisiete años. Estudió piano en la Universidad de Weimar, pero lo que realmente lo impulsó e inspiró fue lo que aprendió de su propio descubrimiento y amor por la música. Durante ese periodo, se concentró en el trabajo con cantantes (asistió a clases magistrales con Dietrich Fischer-Dieskau y Christa Ludwig), así como en la interpretación de la música de cámara. Realizó numerosos recitales de lied y conciertos de cámara en muchas ciudades de Alemania, Austria, Suiza, Francia, Escocia, Italia, España, Grecia, República Checa e Islandia con Ingeborg Danz, Britta Schwarz, Roman Trekel, Andrè Schuen, Tobias Berndt, Christoph Prégardien, Simone Kermes, Luca Pisaroni, Johannes Weisser, Ruth Ziesak, Anna Lucia Richter, Norma Nahoun, Sibylla Rubens y Lothar Odinius. También ha interpretado música de cámara con Tabea Zimmermann, Antje Weithaas, Wolfgang Emanuel Schmidt, Barbara Buntrock, Pauline Sachse, Benoit Fromanger, Julian Steckel, Alexander Kniazev y Konstanze von Gutzeit. Un elemento clave en su carrera como acompañante es la creación de la serie de conciertos The lyrical salon. Lieder recitals at Schloss Ettersburg. Bajo su dirección artística, el lied se canta una vez al mes desde mayo de 2011. De esta forma, ha surgido un público leal y en crecimiento para estas sesiones con célebres solistas. Ávido coleccionista de álbumes, Heide busca gemas musicales para ampliar su repertorio. Su pasión por la música se extiende a otros géneros como el jazz, el rock, el pop y la chanson y es docente en el Conservatorio Hanns Eisler de Berlín y en el Franz Liszt de Weimar.

LA VIOLACIÓN DE LUCRECIA
o Donde hay violencia, no hay culpa
Zarzuela barroca en dos jornadas
Música de josé de Nebra
Libreto de Nicolás González Martínez, adaptación de Rosa Montero
D. musical y clave: Alberto Miguélez Rouco
D. de escena y vestuario: Rafael R. Villalobos
Escenografía: Emanuele Sinisi
Iluminación: Felipe Ramos
Ensemble Los Elementos
Reparto: María Hinojosa Montenegro, Carol García,
Marina Monzó, Judit Subirana,
Borja Luna y Manuela Velasco.

El Teatro de la Zarzuela, en su vocación por recuperar la obra lírica española, ha estrenado La violación de Lucrecia, basada en la zarzuela original “Donde hay violencia, no hay culpa” del aragonés José de Nebra, basada en un poema narrativo de Shakespeare. Una historia fascinante para muchos autores a lo largo de la historia, por el brutal acontecimiento que narra. Un acontecimiento que ocurrió, como dice la Lucrecia contemporánea que interpreta Manuela Velasco, hace un millón de días, y continúa sucediendo…

En esta producción, como en otras anteriores, se ha encargado un texto alternativo que, a modo de actualización del original de Nicolás González Martínez, asista al espectador en la comprensión y conocimiento de la historia. En esta ocasión la encargada ha sido la escritora Rosa Montero. Pero el relato alternativo ha resultado demasiado extenso y protagonista, y sin ninguna necesidad. Montero ha creado un texto que insiste en explicar obviedades. Aún prescindiendo del libreto original, la obra musical, junto a la escenografía, son suficientemente clarificadoras, por lo que tantas explicaciones se vuelven repetitivas.

Esta obra es una extraordinaria muestra de ese barroco español del que disfrutamos escasamente, a pesar de la indudable calidad musical que atesoran. La partirura de Nebra es brillante, y se ha elegido para esta producción la última versión del compositor, de las tres que realizó. Es, como dice Alberto Miguélez Rouco, la más galante y probablemente la más aproximada al gusto del público en ese momento. En cualquier caso, una joya de nuestro repertorio a la altura, si no más, de las obras italianas que se representaban entonces en Madrid de la mano de los mejores compositores y libretistas.

Si un grupo de jóvenes músicos, la mayoría españoles, se reúnen para formar un ensemble barroco es, sin duda, una decisión arriesgada, casi milagroso. Pero han sido capaces de hacerlo. Con Alberto Miguélez Rouco a la cabeza y con instrumentos de época, que en la sequedad ambiental del Teatro de la Zarzuela requieren de un esfuerzo extra en la interpretación, consiguen un verdadero sonido de carácter barroco. Hacen que suene vivo, ligero, con esa naturalidad perfecta que tienen las cosas imperfectas. Miguélez Rouco estuvo todo el tiempo pendiente de los cantantes, facilitando un trabajo, en el que se notaba una perfecta comunicación.

Y si la música es potente, no se quedaron atrás sus intérpretes. La valenciana Marina Monzó dio vida a Tulia, hermana de Colatino y enamorada de Sexto. No se puede cantar con más delicadeza y gusto… Posee una voz clara y esmaltada que modula a capricho, con una línea de canto fluida en el fraseo. Qué bien aprovechadas esas clases con Isabel Rey, Mariella Devia o Renata Escotto. Supo dotar a Tulia de la fragilidad dramática de quien está enamorada sin perspectivas. Lo mejor de Marina Monzó es que esto apenas acaba de empezar.

Laureta, la sirvienta de Lucrecia, está interpretada magníficamente por Judit Subirana. Representa a la aparentemente única mujer de la obra que vive a su antojo, y lo hace con frescura y soltura en su recorrido por el escenario.

La mezzosoprano Carol García ha interpretado a Colatino, esposo de Lucrecia y hermano de Tulia. En esta ocasión la dramaturgia del personaje no ha hecho justicia con la calidad de su instrumento, que no es poca. Ha defendido su rol con la solvencia que acostumbra.

La protagonista de la obra, Lucrecia, ha estado interpretada por una María Hinojosa que hizo crecer a su personaje a medida que avanzaba la obra. Muy bien en lo vocal y también en esa parte más dramática del personaje.

Es esta una obra en la que las mujeres son las protagonistas, las únicas protagonistas, sobre el escenario solo aparece un hombre y además, no canta. Es el personaje de Sexto, el brutal protagonista, al que da vida el actor Borja Luna.

Magnífica recuperación por parte del Teatro de la Zarzuela de esta joya del barroco español, toda una sorpresa musical, a la que no le hacen falta adornos ni complementos. Una obra como esta se basta y se sobra.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Elena del Real

Mahler es sin duda uno de los compositores de los que María José Montiel se ha convertido en una auténtica especialista. Del músico alemán la mezzosoprano madrileña ha interpretado durante su carrera la mayoría de sus obras sinfónicas más emblemáticas, desde Das Klagende Lied pasando por los Lieder eines Fahrenden Gesellen y, por supuesto, sus maravillosas sinfonías 2, 3 y 8, una música con la que la cantante española se siente absolutamente identificada. El próximo 6 de abril, Montiel regresará a Lisboa para ofrecer su Segunda Sinfonía en do menor, “Resurección”; será durante el Concierto de Pascua de la temporada sinfónica del emblemático Teatro São Carlos, junto a la Orquestra Sinfónica Portuguesa –con la que Montiel ya ha actuado en diversas ocasiones– y dirigida por el maestro Antonio Pirolli. La acompañarán en el escenario la soprano Carla Caramujo y el Coro do Teatro Nacional de São Carlos.

“Mahler me transporta a otra dimensión”, confiesa María José Montiel; “la música romántica había llegado a un grado superlativo de expresividad, y en un momento en el que la sinfonía, como forma musical, ya no podía evolucionar más, Mahler consigue, sin llegar a romper la tonalidad, darle una nueva vuelta de tuerca y crear una música trascendental, con melodías sublimes que llegan directas al espíritu de cada oyente. Interpretando su Segunda Sinfonía he tenido algunas de las experiencias más bellas sobre un escenario; con Urlicht, ese gran canto que conforma el cuarto movimiento como preámbulo del gigantesco final, Mahler sintió la necesidad de introducir la palabra cantada en su música para dar vida a un poema maravilloso de la colección de Lieder aus Des Knaben Wunderhorn. Siento un gran privilegio al poder volverá a interpretarla y estoy encantada de que sea nuevamente en el São Carlos, un teatro en el que he cantado esta y otras obras de Mahler, entre otros compositores, en varias ocasiones”, afirma la mezzo madrileña.

Próximamente y tras la Segunda Sinfonía de Mahler en Lisboa, María José Montiel volverá a su Madrid natal para cantar el rol principal de Luisa Fernanda, de Moreno Torroba, en el Teatro de La Zarzuela. En julio y agosto ofrecerá clases magistrales en los Cursos Internacionales Universitarios Música en Compostela, en los que también brindará un recital homenaje a la soprano Ana María Sánchez junto al guitarrista José María Gallardo del Rey, además de ofrecer un concierto en el Festival de Santanyí (Mallorca) junto al pianista Miquel Estelrich y al violinista Vasko Vassilev, concertino de la Royal Opera House de Londres; tras el verano realizará una gira de conciertos en el País Vasco y un recital en Munich, todo ello alternado con su actividad como catedrática de canto en la Universität der Kunste Berlín.

El sábado 14 de octubre, comienza la temporada 2023-2024 de ABAO Bilbao Opera bajo el signo del amor eterno de Roméo et Juliette, de Gounod, y su influjo viajará por toda la temporada a través del amor idílico, el cortés, el filial y el juvenil. La nueva temporada crece con más actividades culturales y educativas, programas sociales y una programación artística que incluye cinco títulos en el Euskalduna Bilbao y cuatro espectáculos en el Teatro Arriaga.

Bajo el título: “Ópera en estado puro”, primeras figuras, reconocidos maestros musicales, nuevas producciones y una búsqueda invariable por la máxima calidad a todos los niveles, vertebran la nueva temporada de ópera en Bilbao, que quiere dejar huella en socios y aficionados.

PRINCIPALES MAGNITUDES DE LA NUEVA TEMPORADA

ABAO Bilbao Opera y la Fundación BBVA, principal patrocinador de la temporada, contribuyen a fomentar la excelencia y la cultura operística y a llevar al público espectáculos de la máxima calidad.
Títulos muy conocidos del repertorio italiano como L’elisir d’amore, Rigoletto y La bohème, combinan con otros menos frecuentes del repertorio francés, Roméo et Juliette y el alemán, Die Entführung aus dem Serail (El rapto en el serrallo).
Entre las óperas y espectáculos programados, hay el estreno de una nueva producción propia: Die Entführung aus dem Serail (El rapto en el serrallo) y dos nuevas coproducciones, Roméo et Juliette y Rigoletto.
Se ofrecen un total de 44 funciones: 27 en la temporada general en el Euskalduna Bilbao, y 17 para el público infantil y juvenil en la temporada ABAO Txiki en el Teatro Arriaga.
Los maestros que visitan la nueva temporada: Lorenzo Passerini, Iván López-Reynoso, Lucía Marín, Daniel Oren y Pedro Halffter dirigen a la Bilbao Orkestra Sinfonikoa y la Euskadiko Orkestra, que junto al Coro de Ópera de Bilbao, amplían su repertorio y afianzan el prestigio artístico de los colaboradores estables de ABAO.
Debutan 12 cantantes junto a reconocidos intérpretes que triunfan en los principales teatros de ópera del mundo.
ABAO Txiki ofrece 4 espectáculos para diferentes edades. Tres de ellos con sesiones escolares que revalidan el compromiso de ABAO con la formación, la educación musical y el público infantil y juvenil.
Abre la temporada El flautista de Hamelín y se suman tres estrenos en la temporada ABAO Txiki: El gato con botas, Andersen, el patito feo e Hirira.
El programa didáctico y formativo ofrece multitud de actividades gratuitas en distintos programas de actuación para colectivos de diferentes edades y procedencias.
Continúa con éxito el programa Gazteam con actividades e incentivos económicos para los menores de 25 y 30 años.
El programa social y solidario “Ópera y +” en el Hospital Universitario Cruces consolida su actividad con actividades tanto dentro como fuera del Hospital y cuenta con la colaboración de la Fundación EDP, Fundación “la Caixa” y Zabalgarbi.

72º TEMPORADA DE ÓPERA
La 72o Temporada de ABAO Bilbao Opera, con una gran variedad de estilos y composiciones, recorre más cien años de creación musical, desde un refinado Mozart de finales del s. XVIII a un enternecedor Puccini en los albores del s. XX, y se inspira en el influjo amoroso y la explosión de los sentimientos de historias y dramas conmovedores.

Cinco compositores: Gounod, Donizetti, Mozart, Verdi y Puccini traen al escenario de ABAO conocidos títulos del repertorio italiano como como L’elisir d’amore, Rigoletto y La bohème, combinados con otros menos frecuentes del repertorio francés, Roméo et Juliette y el alemán, Die Entführung aus dem Serail (El rapto en el serrallo).

Una nueva temporada en la que debutan 12 cantantes, dos directores musicales y cinco directores de escena. El Coro de Ópera de Bilbao, dirigido por Boris Dujin, se ocupa de la parte coral de la temporada, y junto a la Bilbao Orkestra Sinfonikoa y la Euskadiko Orkestra que gozan de un creciente prestigio nacional e internacional, participan en la programación consolidando sus vínculos como colaboradores estables de ABAO Bilbao Opera.

En el escenario destaca la presencia de cuatro mujeres: Nadine Sierra, que debuta, Jessica Pratt, Sabina Puértolas y Miren Urbieta. Junto a ellas, grandes voces como Javier Camarena, Ismael Jordi y los debutantes Joel Prieto y Amartuvshin Enkhbat, entre otros.
Coincidiendo con las representaciones, ABAO Bilbao Opera seguirá realizando una intensa actividad paralela con ciclos de conferencias, talleres, visitas guiadas, fidelización y captación de nuevos públicos y otras actividades sociales y culturales en colaboración con distintas instituciones y empresas.

La Fundación BBVA cuyo rasgo diferencial es el impulso al conocimiento científico y la creación cultural, colabora con ABAO Bilbao Opera como patrocinador principal de la temporada.

Charles Gounod
ROMÉO ET JULIETTE
21, 24, 27 y 30 octubre 2023
• Dos protagonistas de excepción: Javier Camarena y Nadine Sierra.
• En escena el estreno de una elegante producción de Giorgia Guerra, simbólica, limpia y estilizada.
• En el foso el maestro Lorenzo Passerini al frente de la Euskadiko Orkestra dirige una exigente partitura llena de fuerza.
ABAO Bilbao Opera programa por cuarta vez en su historia Roméo et Juliette, uno de los títulos favoritos del repertorio francés cuyo libreto se basa en el drama homónimo de William Shakespeare.

Esta ópera con prólogo y cinco actos narra la historia de amor juvenil por antonomasia, donde se aúnan pasiones y odios, ofensas y perdón, amor y muerte. En esta ocasión ABAO Bilbao Opera ha reunido un dúo sublime para protagonizar a los enamorados más célebres del mundo con Javier Camarena y Nadine Sierra. El tenor mexicano, está reconocido como uno de los máximos exponentes del repertorio belcantista romántico y uno de los más admirados en todo el mundo. A su lado, la soprano estadounidense Nadine Sierra que debuta en Bilbao para meterse en la piel de Juliette. Ambos cuentan con algunas de las páginas más populares del repertorio operístico, como el vals de entrada de Juliette “Je veux vivre”, la exigente aria de Roméo “Ah! Lève-toi soleil!” o el dúo de ambos “O nuit divine”.

En el apartado musical, el maestro Lorenzo Passerini debuta al frente de la Euskadiko Orkestra para dirigir una partitura plena de lirismo, poesía, refinamiento y elegancia, cualidades tan características de la ópera francesa.

En el escenario una coproducción de ABAO Bilbao Opera y la Ópera de Oviedo firmada por la regista italiana Giorgia Guerra, en su debut en ABAO, que presenta una propuesta joven, estilizada e impactante visualmente. Los amantes viven en un espacio versátil que configura desde un palacio hasta el clásico mortuorio, en una escenografía que destaca por el exhaustivo trabajo de video proyecciones.

Gaetano Donizetti
L’ELISIR D’AMORE
18, 21, 24, 25 (Opera Berri) y 27 de noviembre 2023
• Una de las obras más populares de Donizetti y de las más queridas del público.
• Un reparto joven encabezado por Elena Sancho Pereg y Joel Prieto.
• En el apartado musical el destacado maestro Iván López-Reynoso al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa.
• Producción de Marina Bianchi, fresca, ágil y muy divertida, estreno nacional.
• XVIII edición del programa Opera Berri con un segundo cast en los roles principales y entradas al 50% de su precio habitual.

Vuelve en noviembre una de las óperas más queridas por el público y una de las joyas más encantadoras de la ópera bufa del siglo XIX: L’elisir d’amore de Donizetti. Esta comedia sentimental ambientada en el País Vasco es una de las cimas de la producción del maestro italiano, y posee una mezcla equilibrada entre la comedia y el drama, la profundidad y la José María Olabarri 2-4. 48001 Bilbao. T. 944 355 100 abao@abao.org www.abao.orgsencillez, el romanticismo y la melancolía, con personajes arquetípicos inspirados en la commedia dell’arte.

Encabezan el reparto la joven soprano donostiarra Elena Sancho Pereg y el tenor madrileño Joel Prieto, que debuta en ABAO y cuya carrera se ha desarrollado con gran éxito en Estados Unidos, quien será el encargado de entonar la famosa aria “Una furtiva lagrima”. El barítono Pablo Ruiz y el bajo Paolo Bordogna completan el cuarteto.

En el podio orquestal para dirigir una partitura con gran frescura e inspiración, el maestro Iván López-Reynoso, al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa.

En escena una producción estreno en España, divertida, fresca y ágil firmada por Marina Bianchi que resalta la juventud y el enamoramiento recreando una delicada escenografía al aire libre.

El 25 de noviembre este título tendrá función Opera Berri. Esta iniciativa sociocultural de ABAO Bilbao Opera, cumple su XVIII edición y tiene el objetivo de acercar la ópera a la sociedad, con títulos muy conocidos y entradas al 50% de su precio habitual. El dúo protagonista está encarnado por Helena Orcoyen y David Alegret.

Wolfgang Amadeus Mozart
DIE ENTFÜHRUNG AUS DEM SERAIL (El rapto en el serrallo)

20, 23, 26 y 29 de enero 2024
• Un elenco integrado por las voces impecables de Jessica Pratt, Moisés Marín, Leonor Bonilla y Mikeldi Atxalandabaso en el cuarteto protagonista.
• En la dirección musical la directora Lucía Marín al frente de la Euskadiko Orkestra.
• Nueva producción de ABAO Bilbao Opera de Mariano Baudin, llena de exotismo y emociones.

Inicia 2024 Die Entführung aus dem Serail, (El rapto en el serrallo), la primera ópera alemana completada por Mozart, que vuelve a la temporada de ABAO Bilbao Opera después de 29 años de ausencia. Opera de juventud, inspirada en sus propias circunstancias personales, en sus creencias y miedos, El rapto en el serrallo expresa el romanticismo espiritual de Mozart y su concepción elevada del amor cortés y de la mujer amada.

La ópera pertenece al género “turco”, llena de misterio, sensualidad y seducción, y con el tema recurrente de la fidelidad indestructible de la doncella por su amado ausente. Es una obra profundamente conmovedora, no sólo por ser el primer Singspiel completo de Mozart, si no por la alegría, aliento y espíritu que la inspiran desde la primera nota. Es una ópera de enredo con todos los elementos exóticos que requiere: un serrallo, doncellas cautivas a la espera de ser rescatadas por un amante lejano, un sultán, criados y muchas situaciones equívocas.

Entre los protagonistas, el deseado regreso de Jessica Pratt en el papel de Konstanze que requiere una soprano de características vocales excepcionales, y Moisés Marín, como el atribulado amante Belmonte. Leonor Bonilla y Mikeldi Atxalandabaso como la doncella Blonde y el fiel criado Pedrillo, completan el cuarteto protagonista.

José María Olabarri 2-4. 48001 Bilbao. T. 944 355 100 abao@abao.org www.abao.orgEn el podio orquestal para dirigir una partitura deslumbrante, colorista, llena de emoción, dinamismo e intensidad poética mozartiana, debuta en ABAO la directora musical Lucía Marín, al frente de la Euskadiko Orkestra.

Nueva producción de ABAO Bilbao Opera, ideada por Mariano Baudin que también debuta, con una propuesta inspirada en los espacios y atmósferas del imperio Otomano, y que ofrece una cascada de sensaciones y de emociones con un ritmo tratado al detalle, y un vestuario elegante y lleno de exotismo.

Giuseppe Verdi
RIGOLETTO
17, 20, 23 y 26 de febrero 2024
• Trío de grandes voces protagonistas: Amartuvshin Enkhbat, Sabina Puértolas e Ismael Jordi.
• Nueva coproducción de ABAO Bilbao Opera, firmada por Miguel del Arco que muestra una visión audaz y original de la historia.
• Daniel Oren, uno de los grandes maestros internacionales, al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa.
• Patrocina la Fundación BBVA
Una de las óperas más universales del genio italiano y obra favorita del compositor, que le otorgó el reconocimiento internacional y cuya presencia en los teatros ha sido continua desde su estreno en 1851. Este viaje dramático de fuerza innegable en tres actos, desbordante de pasión, engaño, amor paterno filial y venganza, está basado en la pieza teatral ‘Le Roi s’amuse’ de Victor Hugo. La historia habla de un bufón que lucha por equilibrar los elementos enfrentados de belleza y perversidad que existen en su vida. Es una obra universal, tremendamente popular, que se mantiene entre las preferidas de todos los públicos.

El desgraciado bufón que vive aterrorizado porque pueda pasarle algo malo a su hija, está interpretado por Amartuvshin Enkhbat, un barítono que debuta en la temporada bilbaína. Sabina Puértolas encarna a la obstinada Gilda que se debate entre la pasión por el Duca y el amor por su padre. Una soprano de raza, con momentos y escenas de gran intensidad dramática. Completa el trío protagonista el tenor jerezano Ismael Jordi que da vida al promiscuo Duca di Mantua y pone voz a una de las melodías más reconocidas del mundo de la lírica: ‘La donna è mobile’.

El prestigioso maestro Daniel Oren, quien ya ha dado muestras de su buen hacer en pasadas temporadas, se hace cargo de la dirección musical al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa, para poner música a una partitura plagada de hermosas melodías.
La dirección de escena es del polifacético Miguel del Arco, un director de teatro, cine, actor y dramaturgo, que cuenta con varios premios Max en su haber, y se caracteriza por su audacia a la hora de exponer con estilo actual, el carácter de los personajes y las atmósferas de las distintas escenas. Miguel del Arco propone una efectiva puesta en escena de estética contemporánea para explicar la trama, en la que lobos y scorts, representan las expresiones de la naturaleza humana, el sexo, la violencia, el amor o el odio. Los momentos más intensos se realzan con proyecciones expresionistas.

Giacomo Puccini
LA BOHÈME
18, 21, 24 y 27 de mayo 2024
• Miren Urbieta, Marina Monzó y Manel Esteve en un reparto de grandes voces.
• Producción clásica que recrea el París del XIX, concebida por Leo Nucci, que debuta en ABAO como director de escena.
• Pedro Halffter afronta una partitura de enorme belleza musical y eficacia dramática al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa.
• Patrocina la Fundación BBVA
Clausura la temporada en mayo con el patrocinio de la Fundación BBVA la apasionada, atemporal e indeleble historia de amor entre jóvenes artistas de París, La Bohème de Puccini. Es una de las más bellas, trágicas, conmovedoras y complejas óperas del repertorio lírico italiano, y un título imprescindible que en la temporada bilbaína se ha representado en 28 ocasiones.

Esta historia trágica e inmortal tiene la habilidad de causar desde el principio un poderoso atractivo, y la convierten en una de las óperas más apreciadas y admiradas internacionalmente, y en una de las grandes favoritas del público, las casas discográficas y los
teatros. La relevancia de este título y su eterno atractivo se reflejan en su gran popularidad.

Esta obra, definida por Puccini como la ópera de “piccole cose”, se desarrolla en el Barrio Latino de París siendo el hilo conductor de su argumento la historia de amor de dos jóvenes artistas bohemios, Mimì y Rodolfo. La soprano guipuzcoana Miren Urbieta afronta el rol de la desgarradora costurera atenta a las tribulaciones de su enamorado poeta. La soprano Marina Monzó y el barítono Manel Esteve son los amantes tempestuosos Musetta y Marcello Una de las claves del éxito de esta ópera está en la enorme belleza musical y eficacia dramática de su paleta orquestal, donde los sentimientos y las pulsiones quedan reflejados tanto en los motivos musicales como en los objetos y ambientaciones. El maestro Pedro Halffter acompaña a la Bilbao Orkestra Sinfonikoa en esta narración sentimental.

En el escenario, una producción ideada por el legendario barítono, ahora también director de escena, Leo Nucci. De corte tradicional, perfil clásico y carácter realista, con escenas y trajes de época y una iluminación valiente y efectiva, retrata un París típico del XIX con una reconstrucción del Barrio Latino llena de encanto y detalles sutiles.

XIX TEMPORADA ABAO TXIKI
• Cuatro espectáculos: El flautista de Hamelin, El gato con botas, Andersen, el patito feo e Hirira.
• 17 funciones para públicos de diferentes edades.
• Tres estrenos en la temporada ABAO Txiki.
ABAO Bilbao Opera mantiene su compromiso con la educación y el desarrollo de los más jóvenes desde la innovación y la programación de espectáculos de calidad. La decimonovena edición de ABAO Txiki en el Teatro Arriaga se afianza tanto en el aspecto artístico como en el pedagógico, con cuatro espectáculos, tres de ellos estreno en ABAO con los montajes más esperados por el público familiar, y 17 funciones, tres de ellas escolares, dirigidas a centros educativos.

Una versión renovada de El flautista de Hamelin inaugura la temporada en octubre con una ópera con música de Iñigo Casalí basada en el popular cuento de los hermanos Grimm para seis cantantes, dos coros y orquesta. Utilizando técnicas del musical, la acción se mueve vertiginosamente mostrando diferentes escenas donde los personajes transitan. Llena de humor, la propuesta de OCN lleva del cuento a la historia, para a través del canto, la música, la iluminación y la escenografía, hablar de temas como la traición, la mentira, la bondad y la nobleza.

Para celebrar el Año Nuevo llega en enero el estreno de El Gato con botas de Xavier Montsalvatge, ópera basada en el tradicional cuento de Perrault. Esta versión escénica para piano, cinco cantantes y un bailarín, cuenta con un divertido vestuario y rescata la esencia del cuento que hace reír y soñar a pequeños y grandes por igual. Escenas llenas de colorido y humor sin abandonar el refinamiento de una deliciosa partitura en la que el ballet también tiene un protagonismo relevante.

El tercer cuento de la temporada llega en marzo con un nuevo estreno: Andersen, el patito feo, de Jordi Cornudella. Una narración musical para orquesta de cámara, títeres y proyecciones de vídeo a partir del popular cuento de Hans Christian Andersen, que pone en valor la importancia de la autenticidad, el afecto y la bondad como espacios de comprensión del mundo. Un espectáculo de la compañía Etcétera con dirección de escena de Enrique Lanz.

Cierra la temporada en mayo el estreno en Bilbao de Hirira de la Quincena Musical Donostiarra. Con la obra de Paul Hindemith Wir bauen eine Stadt como guía, Hirira es un espectáculo que nace de la mirada infantil que observa la ciudad de una forma activa y creativa. Una ópera creada por los niños y niñas del Coro Easo en la que se muestran los entresijos de una ciudad imaginaria que se va construyendo libremente. Hirira es una invitación para pensar los lugares que habitamos, para formar otras realidades y dibujar nuestros propios mapas.

ABAO ACCESIBLE. ACTIVIDADES CULTURALES Y PROGRAMA SOCIAL
• El ciclo “El ABC de la Ópera” ofrece cinco nuevas conferencias en torno a los títulos de la temporada.
• Más de tres décadas de programa didáctico en torno a la ópera con más colectivos destinatarios.
• El programa “Ópera y +” en el Hospital Universitario de Cruces, inicia su IX edición y continúa su labor de acompañamiento emocional con más actividades.
• Gazteam ABAO se afianza entre los jóvenes aficionados.
• ABAO Bilbao Opera participa en el programa LABORLAN de formación en artes escénicas para fomento del empleo.
ABAO Bilbao Opera organiza un amplio programa cultural y social con actividades gratuitas y accesibles abierto a toda la sociedad, con el objetivo de acercar la ópera a todos los públicos creando espacios para la cultura y el arte.

El ciclo “El ABC de la Ópera” con conferencias gratuitas y ponentes de reconocido prestigio en el sector, celebra una nueva edición en la Universidad de Deusto en colaboración con DeustoBide. Los participantes de esta edición son: el crítico musical, editor y escritor Luis Gago, el reconocido periodista y escritor Rubén Amón, la musicóloga y divulgadora musical Eva Sandoval, el musicólogo, profesor y divulgador Pablo Lorenzo Rodríguez, y la pareja formada por los periodistas Rafael Bernardo y Mariela Rubio.

El Programa didáctico de ABAO, pionero en el Estado, comienza el curso en septiembre en más de un centenar de centros educativos con charlas divulgativas y talleres. El Programa está dirigido principalmente a los grados de infantil, primaria y ESO, e incluye guías pedagógicas para docentes y las sesiones escolares de la temporada ABAO Txiki.

Esta actividad se extiende a otros grupos y colectivos de adultos como las aulas de la experiencia y centros culturales de mayores tanto en universidades como en ayuntamientos de distintas localidades de Bizkaia, Gasteiz, Burgos o Santander. El Programa Senior incluye charlas didácticas, visitas al teatro y asistencia a las óperas.

El programa “Ópera y +” que busca contribuir, a través de la ópera y actividades paralelas dentro y fuera del hospital, al bienestar emocional de pacientes, familiares y personal sanitario del Hospital Universitario Cruces y que empezó en las áreas de Nefrología, Pediatría, y Neonatología, se ha extendido durante las últimas ediciones y atiende también a los servicios de Digestivo, Medicina interna, Neumología, Oncología, Oncología radioterápica, Ruta de cuidados paliativos y Hospital de Día. El proyecto, innovador y solidario, inicia en septiembre su IX edición y cuenta con la colaboración de la Fundación EDP, Fundación “la Caixa” y Zabalgarbi.

Asimismo, ABAO Bilbao Opera sigue trabajando en la captación y fidelización del público joven, con facilitades y atractivos de distinta índole como el programa para jóvenes menores de 30 años Gazteam ABAO, que cuenta con tarifas planas de 25 y 30€ para ir a la ópera en cualquier título o función y en las mejores localidades disponibles.

Los programas y actividades solidarias de inclusión y colaboración social para favorecer el acercamiento a la lírica y la cultura a personas con capacidades diversas o en situación de riesgo de exclusión, continúan su desarrollo en colaboración con distintas organizaciones del tercer sector y empresas e instituciones colaboradoras.

Este año ABAO Bilbao Opera afianza su vocación de servicio público y participa en la cuarta edición de LABORLAN, un programa mixto de empleo y formación impulsado por DEMA, la Agencia Foral de Empleo y Emprendimiento de la Diputación Foral de Bizkaia. El programa ofrece por primera vez, formación especializada en Técnicas de escenario y tramoya aplicadas a las industrias culturales y creativas, así como inserción laboral con un contrato en prácticas. ABAO Bilbao Opera acompaña y tutoriza a las personas participantes, tanto en la fase de formación como durante la contratación laboral.

Andrè Schuen, el cantante con mayor proyección de la nueva generación de intérpretes de ‘lied’, debutará en Les Arts el próximo sábado, 1 de abril, en la Sala Principal. Acompañado al piano por Daniel Heine, el joven barítono ofrece una de las partituras cumbre del ‘lied’, ‘Die schöne Magelone’, de Johannes Brahms.

Considerado por la crítica como el legítimo heredero de grandes ‘liederistas’ como Matthias Goerne, Christian Gerhaher o el mismísimo Dietrich Fischer-Dieskau, Andrè Schuen se adentra en una de las obras más fascinantes de la literatura musical del s. XIX, apreciada por su singular belleza, profunda intensidad y comprometedores requisitos musicales.

A lo largo de los quince ‘lieder’ que integran ‘Die schöne Magelone’, Brahms narra la historia de amor entre la bella Magelone y el conde Pedro de Provenza: un cuento medieval, de esencias caballerescas y espíritu épico, lleno de lirismo y fantasía.
Exigente tanto en su interpretación como en su expresión para cantante y pianista, el ciclo de canciones, poco habitual en la programación de las salas de concierto, está reservado para las voces consagradas del género.

Según destacó la crítica, la aplaudida actuación del barítono con Daniel Heine en la última edición del Festival de Granada marcó uno de los hitos artísticos de la prestigiosa cita cultural.

Les Arts recuerda que los precios de las localidades para el recital de Andrè Schuen oscilan entre 20 y 40 euros, salvo en el caso del público menor de 28 y 35 años, que podrá acogerse a los importes previstos en las respectivas tarifas planas de Les Arts.

El ciclo ‘Les Arts és lied’ cuenta todavía con otra cita ineludible para los amantes del género: el regreso de la fascinante ‘mezzosoprano’ francesa Marianne Crebassa el próximo 7 de mayo, tras su cautivadora interpretación de ‘Les nuits d’été’, de Berlioz, bajo la dirección de Antonello Manacorda, en 2021.

Carrera deslumbrante
A sus 38 años, Andrè Schuen firma una de las carreras más deslumbrantes del panorama musical. Desde su aplaudida irrupción como parte del exquisito elenco que Nikolaus Harnoncourt seleccionó para su ‘Trilogía Da Ponte’, la proyección del cantante surtirolés no ha dejado de crecer, con trabajos con primeras figuras como René Jacobs o Christof Loy.

Artista exclusivo del prestigioso sello ‘Deutsche Grammophon’, la prensa especializada destaca la rica y hermosa voz del barítono, “que maneja con gracia e inteligencia y con un dominio total”, que le han convertido en un nombre imprescindible en las programaciones de Viena, Salzburgo, Londres o Múnich, tanto en su faceta operística como, sobre todo, de intérprete de ‘lied’.

Llega la última cita de la temporada 22/23 del heterogéneo ciclo Fronteras del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), en el que el público ha disfrutado de siete propuestas sorprendentes a caballo entre distintos géneros musicales. El broche de oro a la estimulante programación lo pondrá Capella de Ministrers con un programa que lleva por título Mediterrània. En este nuevo proyecto, la prestigiosa agrupación fundada y dirigida por Carles Magraner cuenta con la participación de la soprano valenciana Èlia Casanova y el tenor italiano Pino de Vittorio. Juntos, buscan sumergir al público en la brisa del Mare Nostrum a través de un viaje por la música tradicional barroca del sur de Italia y su relación con España. El concierto tendrá lugar el viernes 31 de marzo a las 19:30h en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música.

Fundada hace más de tres décadas, Capella de Ministrers ha desarrollado una intensa labor investigadora y musicológica para sacar a la luz tesoros del patrimonio musical español. En esta ocasión, el grupo reivindica su identidad mediterránea a través de un recorrido por la música tradicional italiana y española. Las voces del reconocido tenor italiano Pino de Vittorio, quien tiene un profundo conocimiento del canto tradicional capaz de evocar tiempos pasados, y Èlia Casanova, una de las grandes sopranos de nuestro país especializadas en repertorio antiguo, servirán de puente para establecer un diálogo transfronterizo entre ambas orillas del Mediterráneo.

Para ofrecer esa visión panorámica sobre el sur de Italia y, en particular, la música que sonaba en los siglos XVI y XVII, el programa evoca un mar de músicas populares que recoge, a su vez, los sonidos de danzas tradicionales como las españoletas, las jácaras y las tarantelas. El público también podrá zambullirse en los alegres ritmos de canciones populares de Apulia y Cerdeña, así como en obras de una vitalidad contagiosa de compositores que tuvieron una fuerte influencia en España, como Vincenzo Fontana o Andrea Falconieri. También sonarán piezas de dos de los compositores más trascendentes de su época: Girolamo Frescobaldi y Claudio Monteverdi. Completan el programa partituras firmadas por Antonio Valente, Athanasius Kircher, Giovan Leonardo Primavera, Lucas Ruiz de Ribayaz y Stefano Landi.

El tenor Celso Albelo ofrecerá este próximo viernes 31 de marzo (20h00) en el Teatro de la Zarzuela un concierto especialmente singular, heterogéneo y, sobre todo, emotivo, en el que acompañado por la Orquesta de Pulso y Púa de la Universidad Complutense de Madrid dirigida por Enrique García Requena sumergirá al público en un mar de amores, alegrías y nostalgias llegados de las dos orillas y con el océano de nexo y de testigo.

Lo hará a base de pasodobles, habaneras, rancheras, jotas, canciones mexicanas, y, por supuesto, romanzas de zarzuela bajo el título homónimo de su recién editado álbum, ‘Una serenata española’, y como parte del ciclo de conciertos del Teatro.

El intérprete tinerfeño, cuyo arte del canto es mundialmente reconocido, repasará pues un amplio repertorio popular en el que las composiciones de autores como Falla, Padilla, Serrano, Esperón, Giménez, Francis López o Sorozábal, algunos de ellos tan distantes, se fundirán en una sola emoción compartida.

El Teatro Real ha recibido el premio Talía al mejor espectáculo lírico por su producción El ángel de fuego, con dirección escénica de Calixto Bieito, en la que ha sido la primera edición de estos galardones, organizados por la Academia de las Artes Escénicas de España, y cuya ceremonia tuvo lugar ayer, 27 de marzo, en el Teatro Español, coincidiendo con el Día del Teatro.

La producción de El ángel de fuego, ópera de Serguéi Prokófiev representada en marzo de 2022 en el Teatro Real, contó con dirección musical de Gustavo Gimeno, dirección de escena de Calixto Bieito y la interpretación de la soprano Ausrine Stundyte en el papel protagonista.

El coliseo madrileño, que contaba con siete nominaciones en los recién creados Premio Talía, recibió otros dos galardones en la categoría mejor intérprete lírica femenina a Saioa Hernández por su interpretación en Nabucco (2022) y mejor intérprete lírico masculino a Jorge de León por Aida (2022).

El Teatro Real competía también en la categoría de mejor espectáculo de lírica con su producción Juana de Arco en la hoguera, con dirección de escena de Àlex Ollé; mejor dirección de escena a Calixto Bieito por El ángel de fuego; mejor iluminación a Juan Gómez Cornejo por El abrecartas; mejor intérprete masculino de lírica a Xabier Anduaga por La sonnambula e I puritani.

Los Premios Talía, que nacen con la vocación de promover y fomentar la creación escénica, destacar la labor integradora de las artes y reconocer el esfuerzo de todos los profesionales implicados, son concedidos por académicos de distintas expresiones artísticas.

En esta primera edición, los galardones reconocieron 28 categorías generales: mejor espectáculo de teatro, teatro musical, circo, lírica, danza y mejor espectáculo de compañía; mejor actor/actriz protagonista de teatro, mejor actor/actriz de reparto de teatro; mejor autoría y adaptación; mejor dirección de escena, mejor dirección musical, mejor interpretación femenina y masculina de lírica y de danza; mejor coreografía, escenografía, iluminación, vestuario y música original; mejor productor privado de espectáculo escénico, premio estudio y divulgación, mejor espectáculo iberoamericano de artes escénicas y mejor producción de artes escénicas de Nueva York de autoría hispana contemporánea.

Asimismo, en la categoría Premios especiales se otorgaron siete galardones: premio por el cambio social y la inclusión en las artes escénicas; premio de honor por trayectoria profesional; premio talento emergente; premio al reconocimiento del público y premio extraordinario “vuelta a la vida”, del Gobierno de Cantabria.

Tras la extraordinaria acogida de “Voice of Hope”, que dio lugar a una Extended Edition, y hasta una versión en vinilo, la famosa chelista franco-belga regresa al mercado discográfico con “The Chopin Project”, en el sello Deutsche Grammophon. Se trata de un triple álbum con 220 minutos de música, en el que Camille Thomas va trazando la historia de Chopin a través de tres capítulos, desde la perspectiva del violonchelo.

Aunque Chopin compuso fundamentalmente para piano, dedicó una de sus últimas obras a su amigo chelista Auguste Franchomme: la conocida Sonata para violonchelo y piano en sol menor op. 65. Y en este ambicioso proyecto discográfico, Camille Thomas no solo rinde homenaje a Chopin y esta sonata en particular, sino también a Franchomme: “En la Biblioteca Nacional de Francia, donde se conservan todos los manuscritos de Chopin, encontré obras compuestas por el propio Franchomme, además de algunas de sus trascripciones de la música de Chopin”, afirma Camille Thomas que, además, toca el instrumento que perteneció a Franchomme, el famoso Stradivarius “Feuermann” 1730, cedido por la Nippon Music Foundation.

El primer capítulo de esta trilogía (que también estará disponible próximamente en CD) lleva por título The Franchomme Legacy, y ya se puede escuchar en todas las plataformas de streaming. En este primer Digital Album con composiciones y arreglos de Franchomme, Camille Thomas ha querido contar con la participación de sus profesores de violonchelo, Frans Helmerson y Wolfgang Emanuel Schmidt.

Camille Thomas, que ha convertido el optimismo y la vitalidad en sus señas de identidad, fue la primera chelista en más de cuarenta años en firmar un contrato en exclusiva con el prestigioso sello amarillo. Sus conocidos vídeos en Instagram y TikTok interpretando obras clásicas desde los tejados más icónicos de París se convirtieron en un auténtico fenómeno viral, y cuenta con millones de seguidores en las redes sociales, donde irá anunciando las nuevas entregas de “The Chopin Project”. El próximo mes de junio, regresará a España para ofrecer el recital À mon ami. Chopin y Franchomme, el crepúsculo de los dioses junto al pianista Julien Brocal, en el Auditorio de Tenerife, en el que interpretará obras incluidas en este triple álbum.

Camille Thomas (C) Edouard Brane

Link para escuchar The Franchomme Legacy – Chapter 1 (The Chopin Project): https://camillethomas.lnk.to/TheChopinProject

El contratenor Jakub Józef Orliński (Varsovia, 1990) visitará España y Portugal esta primavera para ofrecer una serie de conciertos en Oporto, Lisboa, San Sebastián, Sevilla, Girona y Madrid durante los meses de marzo y abril. En las tres primeras ciudades presentará uno de sus últimos proyectos, Facce d’amore (Los rostros del amor), junto al aclamado conjunto orquestal Il Pomo D’Oro, que estará dirigido por Francesco Corti.

En abril presentará el programa Eroi (Héroes) junto al grupo Il Giardino D’Amore y bajo la dirección del violinista Stefan Plewniak. Actuará en el Teatro de la Maestra de Sevilla el 1 de abril, dentro del Festival de Música Antigua de Sevilla (FeMÁS); y en el Festival Castell de Peralada el 6 de abril. Orliński también presentará este programa en el prestigioso Palacio de Versalles (Francia) el 3 de abril.

Además, en esta gira Orlinski volverá al Teatro Real de Madrid, justo un año después de su exitoso debut en 2022: el 23 de abril actuará en Tolomeo, ópera en versión concierto en la que, una vez más, estará acompañado por Il Pomo D’Oro y bajo la dirección de Francesco Corti.

Considerado por The New York Times como ‘una estrella ascendente de la música clásica’, Orliński se ha convertido en poco tiempo en uno de los contratenores más destacados a nivel mundial, con actuaciones que acumulan millones de visitas en Youtube, como su interpretación de Vedrò con mio diletto (Vivaldi) en el festival Aix-en-Provence.

Artista exclusivo del sello Warner/Erato, consiguió un premio Opus Klassik con su primer disco (Anima Sacra). Su segundo álbum (Facce d’amore) fue galardonado en los International Opera Awards de 2021. Además, en diciembre de 2021 tuvo lugar su esperado debut en el Metropolitan Opera de Nueva York, donde interpretó el papel de Orfeo en la ópera Orfeo y Eurídice. En la temporada 2022/23, ha debutado en el Théâtre des Champs-Élysées en el mismo papel y ópera, bajo la batuta de Thomas Hengelbrock.

En su tiempo libre Orliński disfruta bailando breakdance, así como otros estilos urbanos de danza, llegando a quedar en cuarto lugar en la competición Red Bull BC One Poland Cypher, segundo en la Stylish Strike-Top Rock Contest y segundo en la The Style Control Competition, entre otras.

El próximo 21 de abril la soprano Amina Edris debutará en el Gran Teatre del Liceu con el papel protagonista en Manon de Jules Massenet, un papel con el que la cantante cosechó un gran éxito en la Opéra national de Paris en 2020, y que un año antes había interpretado en la ópera de Burdeos, en el que fue su debut europeo. Amina Edris cantará en el Liceo barcelonés en el que también es su estreno operístico español bajo la dirección musical de Marc Minkowski, uno de los directores más aclamados a nivel mundial, y con una célebre producción del director de escena Olivier Py.

Podremos escuchar a la soprano en las funciones de Manon en el Liceo los días 21, 23, 26, 29 de abril y 2 de mayo. Sobre la interpretación de este rol protagonista, la publicación francesa Forum Opéra reseñó: “Amina Edris puso literalmente de rodillas a la Ópera de la Bastilla gracias a su incomparable interpretación del papel principal, tanto vocal como teatralmente”.

Un papel sin duda clave en la carrera de esta soprano, nacida y criada en Egipto y que, con tan solo diez años se trasladó con sus padres a Nueva Zelanda, sin hablar ni una palabra de inglés. Este choque cultural –del bullicio de El Cairo a la tranquilidad y el entorno natural de Nueva Zelanda- forjó sin duda el carácter y la identidad artística de la cantante. Según ella misma explica: “A menudo me preguntaba: ¿cuál es mi casa? A través de la música he sido capaz de encontrar un sentido de pertenencia sin tener que pensar en una cultura, en una fe o una nacionalidad”.

Sobre su debut en el Liceo, donde compartirá escenario con el tenor Pene Pati como Des Grieux, comenta: “¡Estoy muy feliz de debutar en la ópera española en una ciudad que amo, ynen un teatro tan hermoso e histórico! Este es uno de los teatros de ópera más grandes e importantes de Europa, sin embargo la calidez de la gente hace que me sienta como en casa.

Es un honor poder compartir la música de Massenet y mi papel favorito con Barcelona, junto amun maravilloso elenco y equipo artístico”. Los primeros pasos profesionales de Amina Edris tuvieron lugar en San Francisco como miembro del Programa Merola de la Ópera de esta ciudad. Allí hizo su debut como Norina en Don Pasquale. Luego se unió al Programa de becas Adler (en residencia para artistas jóvenes) en la Ópera de San Francisco, donde interpretó papeles como Frasquita en Carmen, la condesa Ceprano en Rigoletto, Annina en La Traviata, mientras profundizaba en su acercamiento a los principales papeles de soprano como el principal en Manon, Leila en Los pescadores de perlas, Julieta en Romeo y Julieta, y Musetta en La Bohème.

Cleopatra, Marguerite, Arianne, Shéhérazade, Manon, Violetta… La temporada 22/23 trajo a Amina Edris cuatro debuts en cuatro nuevos papeles, así como varios debuts en diferentes escenarios. Comenzó la temporada interpretando a Cleopatra en el estreno mundial de Antony and Cleopatra de John Adams en la apertura de la “temporada del centenario” de la Ópera de San Francisco en un papel alabado por la crítica. Classical Voice: “Aporta al rol una voz ágil y distintiva con un registro medio cálido y notas altas brillantes. Además, su belleza personal y su dinámica personalidad en el escenario la hacen perfecta para esta producción”.

Su segundo debut fue con el papel de Marguerite en el Faust de Gounod en la Ópera de Detroit. Después regresó a París para interpretar el Requiem de Mozart con la Orquesta de Cámara de París bajo la batuta de Hervé Niquet. En Munich debutó en el papel principal en una versión en concierto de otra ópera de Massenet, Ariane, con el Bayerischen Rundfunk. La ópera fue grabada por Palazzetto Bru Zane y verá la luz en un futuro cercano. También interpretó Shéhérazade de Ravel por primera vez con la Filarmónica de Stuttgart. A continuación se presentó en Praga en un concierto de gala junto al tenor Pene Pati.

Tras su paso por el Liceo con Manon, Amina concluirá la temporada regresando al parisino Théâtre des Champs-Elysées en el papel de Musetta (La bohème), bajo la dirección de Lorenzo Viotti.

En anteriores temporadas, además de debutar el papel de Manon en la Ópera de Burdeos y después en la Ópera Nacional de París, Amina Edris estrenó el papel de La Folie (Platée) bajo la batuta de Marc Minkowski y el rol de Adalgisa (Norma) en concierto en el Festival d'Aix-en- Provence. Recibió alabanzas de la prensa cuando interpretó el papel de Violetta (La Traviata) en la Canadian Opera Company y en la Ópera de Limoges. Regresando al repertorio francés la pasada temporada estrenó el papel de Micaëla en Carmen de Bizet en la Opéra du Rhin. Hizo también su debut en el Grand-Théâtre de Genève como Fatime (Les Indes galantes) en una nueva producción de Lydia Steier, y como Alice en Robert le Diable en la Opera Nacional de Burdeos. En septiembre de 2022 Palazzetto Bru Zane lanzó la grabación en vivo de esta ópera, que recibió numerosos premios, entre ellos “grabación del año” en los prestigiosos Oper! Awards.

Amina Edris cuenta con una licenciatura en música por la Universidad de Canterbury en Nueva Zelanda, un máster de la Academia Internacional de Voz de Gales y un posgrado del Conservatorio de Música de San Francisco. Tras completar sus estudios, participó en el mencionado Programa Merola y posteriormente Adler Fellow en la Ópera de San Francisco.

Entre los muchos reconocimientos que ha recibido se encuentran el Primer Premio y el Premio del Público en el Concours Bordeaux Médoc Lyrique 2018, el Premio Deborah Riedel en el Bel canto Joan Sutherland and Richard Bonynge Competition, el prestigioso McDonald's Operatic Aria Competition, el Sydney Eisteddfod y el Premio Dame Heather Begg.

Fotografía Amina Edris by Capucine de Chocqueuse

El miércoles 29 de marzo a las 20h se celebrará la Gran Final de la 68ª edición del Concurso Internacional de Música Maria Canals en la sala de conciertos del Palau de la Música Catalana, y se contará un año más con el apoyo de la Fundación Banco Sabadell.

Estos son los tres finalistas de este año (por orden de participación) y las obras que interpretarán:

28 Lopatynskyi, Roman – Ucrania – 29 años
M. RAVEL, Concierto para piano y orquesta en Sol mayor

29 MAMORA, Jonathan – Estados Unidos – 27 años
S. RAJMÁNINOV, Concierto para piano y orquesta nº. 3 en Re menor, op. 30

42 MALININ, Valentin – Russia – 21 años
P. I. CHAIKOVSKI, Concierto para piano y orquesta nº. 1 en Si bemol menor, Op. 23

El pianista que obtenga una mayor puntuación por parte del jurado se llevará el ansiado Premio Fundación Jesús Serra, dotado en 25.000 euros y conciertos con orquesta por varias ciudades de España.

Todos los asistentes a la Prueba Final podrán votar a su finalista favorito y participar en el otorgamiento del Premio del Público, consistente en 25 horas de grabación y producción ofrecidas por Solfa Recordings. Esta votación participativa se realizará a través de los dispositivos móviles con un enlace de la web.

Los precios de las entradas para la Final oscilan entre los 10 y los 35 euros y se pueden adquirir en nuestra web y en las taquillas del Palau de la Música. Todos los estudiantes de música tienen un 50% de descuento por acceder a la Prueba Final.

La declaración del ganador oficial del concurso, del premio del público y del premio de los estudiantes, se proclamará el mismo día de la Gran Final en el Palau de la Música Catalana ante todos los asistentes

En el mes de la poesía, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela celebran una nueva cita del prestigioso Ciclo de Lied en el que música y palabras se dan la mano. En esta ocasión, la mezzosoprano Marianne Crebassa y el pianista Joseph Middleton debutan en la programación con un repertorio en el que abordarán obras de los compositores franceses Claude Debussy, Jules Massenet, Maurice Ravel; y de los españoles Jesús Guridi, Isaac Albéniz, Manuel de Falla y Federico Mompou. El recital tendrá lugar el lunes 27 de marzo, a las 20h00, en el Teatro de la Zarzuela.

La mezzosoprano Marianne Crebassa, requerida en los principales teatros de ópera internacionales, se adentra en el lied, género en el que también goza de un amplio reconocimiento, para interpretar un programa fuertemente vinculado con España. Junto al pianista Joseph Middleton, que también ha cautivado al público en el acompañamiento de canciones y música de cámara, darán vida a un programa que incluye sugerentes piezas de grandes compositores franceses que se inspiraron en el repertorio folclórico ibérico, en diálogo con obras de reconocidos autores españoles que mantuvieron fuertes lazos con nuestro país vecino.

Crebassa interpretará canciones en francés, castellano, catalán y gallego en una velada única dedicada a explorar la riqueza y originalidad de la canción culta del sur de Europa, llena de guiños a la tradición popular y referencias al imaginario colectivo de lo exótico, lo bello y lo distinto.

Inspiración ibérica

El programa del concierto simboliza un cruce entre países, con obras de compositores franceses que se inspiraron en nuestro país y de autores españoles que viajaron a París para extender su formación. La velada comenzará del lado francés, con una de las composiciones más emblemáticas de Debussy, sus Trois chansons de Bilitis, canciones cargadas de gran sensualidad que escribió tras su periodo de formación, en el que había estado en contacto con los temas musicales españoles. De él también se escuchará La soirée dans Grenade. El segundo compositor francés presente será Jules Massenet con su original Nuit d’Espagne, en la que el piano imita a una guitarra española. Por su parte, de Ravel se han seleccionado sus Cinq mélodies populaires grecques y la Chanson espagnole, donde el público podrá apreciar, de nuevo, una muestra de tratamiento del piano a modo de guitarra y el gusto por lo exótico.

En cuanto a nuestros compositores, el repertorio incluye algunas de las piezas más icónicas de la música española, como la mágica Rumores de la Caleta de Isaac Albéniz y la brillante Séguidille de Falla, entre otras. El público también podrá adentrarse en el lenguaje intimista de Federico Mompou a través de su ciclo de canciones Combat del somni y en cuatro de las populares Seis canciones castellanas de Jesús Guridi, que nacieron como encargo para la película La malquerida, de José López Rubio.

Sobre Marianne Crebassa

El espectacular ascenso de la mezzosoprano Marianne Crebassa en el panorama internacional demuestra el disfrute y la seguridad con los que se desenvuelve en un escenario o en un estudio de grabación. Mientras estudiaba Musicología, canto y piano en Montpellier, su ciudad natal, fue elogiada por su interpretación en 2010 de Isabella Linton en Wuthering heights de Herrmann en el Festival de Radio France y, poco después, se incorporó al Programa de Jóvenes Artistas de la Ópera de París, donde actuó como Orphée en Orphée aux Enfers de Offenbach y como Ramiro en La finta giardiniera de Mozart. Unos meses más tarde, debutó en el Festival de Salzburgo como Irene en Tamerlano de Haendel. La temporada pasada se presentó por primera vez como Romeo en I Capuleti e i Montecchi en el Teatro alla Scala de Milán. También lo hizo en el Festival de Aix-en Provence en la Auferstehung de Mahler con una producción de Romeo Castellucci. En el mundo de la ópera, ha cantado los personajes de Cherubino en Le nozze di Figaro en la Metropolitan Opera House, Stéphano en Roméo et Juliette en el Chicago Opera Theater y Dorabella en Così fan tutte en la Staatsoper de Berlín y el Festival de Salzburgo, así como el papel principal de Fantasio de Offenbach en la Opéra-Comique de París, Angelina en La Cenerentola de Rossini en la Ópera de París y La Scala de Milán, Mélisande en Pelléas et Mélisande de Debussy en la Staatsoper de Berlín, Cecilio en Lucio Silla y Sesto en La clemenza di Tito de Mozart en Salzburgo. Marianne Crebassa ha ofrecido recitales con el Festival de Saint-Denis, el Mozartwoche de Salzburgo, la Fundación Gulbenkian, la Orquesta Nacional de Francia, la Orquesta de París, la Orquesta Sinfónica de Viena, la Orquesta Sinfónica de Chicago, la Staatskapelle de Berlín, el Mostly Mozart Festival, los BBC Proms con la Philharmonia Orchestra, el Wigmore Hall, el Théâtre des Champs-Elysées y la Elbphilharmonie y el Waldbühne con la Filarmónica de Berlín. Fue invitada, asimismo, por Daniel Barenboim para celebrar el centenario de la muerte de Debussy con conciertos con la Staatskapelle en la Pierre Boulez Saal de Berlín. La mezzosoprano es artista exclusiva de Erato, donde ha publicado tres álbumes: Séguedilles, Oh, boy! y Secrets; por el segundo, fue nombrada artista lírica del año en los Victoires de la Musique y, por el tercero, recibió el premio solista vocal en los Gramophone. Marianne Crebassa participa por primera vez en el Ciclo de Lied.

Sobre Joseph Middleton

El pianista Joseph Middleton, aclamado internacionalmente, está especializado en el arte del acompañamiento de canciones y música de cámara. Colabora con cantantes como Thomas Allen, Louise Alder, Mary Bevan, Ian Bostridge, Allan Clayton, Sarah Connolly, Marianne Crebassa, Iestyn Davies, Fatma Said, Samuel Hasselhorn, Christiane Karg, Katarina Karnéus, Angelika Kirchschlager, Felicity Lott, Christopher Maltman, John Mark Ainsley, Ann Murray, James Newby, Mark Padmore, Mauro Peter, Miah Persson, Carolyn Sampson y Roderick Williams. También trabaja con estrellas emergentes de la generación más joven y programa con frecuencia sus propias series para BBC Radio 3. Las últimas temporadas lo han llevado al Wigmore Hall, la Royal Opera House y el Royal Festival Hall de Londres, la Konzerthaus de Viena, el Concertgebouw y el Muziekgebouw de Ámsterdam, la Filarmónica de Colonia, las óperas de Estrasburgo, Fráncfort, Lille y Gotemburgo, la Pierre Boulez Saal de Berlín, el Museo de Orsay de París, la Tonhalle de Zúrich, el DeSingel de Amberes, la Filarmónica de Luxemburgo, el Bozar de Bruselas, el Oji Hall de Tokio y el Alice Tully Hall de Nueva York. Actúa en los festivales de Aix-en-Provence, Aldeburgh, Edimburgo, Múnich, Schubertiade Schwarzenberg y Hohenems, Stuttgart, Heidelberger Frühling, Fráncfort, Ravinia, Japón, San Francisco, Toronto y Vancouver, así como en los BBC Proms. Su discografía, que aumenta de forma rápida en Harmonia Mundi, BIS, Chandos y Signum Records, le ha valido un Diapason d’Or, un Edison Award, un Prix Caecilia y numerosas nominaciones a los Premios Gramophone y BBC Music Magazine. En 2022-2023, Joseph Middleton es artista residente del Festival de Lied Victoria de los Ángeles de Barcelona, donde ofrece recitales con Sarah Connolly, Louise Alder y Benjamin Appl. Entre sus compromisos actuales, destacan la Schubertiade Hohenems y la de Schwarzenberg con Fatma Said, Louise Alder o Sophie Rennert. Además, forma parte de una gira con James Newby, que incluye apariciones en Baden-Baden, Barcelona, Viena, Hamburgo y Londres, donde estrenará una obra de Turnage, junto con Sarah Connolly. Con Carolyn Sampson, acudirá al Wigmore Hall, al Concertgebouw de Ámsterdam y al Oji Hall de Japón. El pianista es director de Leeds Lieder, músico residente y bye-fellow del Pembroke College de Cambridge y profesor y miembro de la Royal Academy of Music. En 2017, recibió el Premio al Artista Joven del Año de la Royal Philharmonic Society. Joseph Middleton participa por primera vez en el Ciclo de Lied.

Autor: Brioclasica

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