Rudolf Buchbinder

die Dienstag 26 Oktober auf 19.30 Stunden, Nationale Verbreitungszentrum Musical (CNDM) weiht Zyklus Grenzen in Kammerhalle des Nationalen Musikauditoriums von Madrid mit einem unverzichtbarer Termin für Musikliebhaber: die legendäre Pianist Rudolph Buchbinder präsentiert Das Diabelli-Projekt Programm, in dem er auftritt Walzer in C-Dur umfassend Anton Diabelli, neben an 33 Variationen über einen Walzer von A. Diabelli von Beethoven, eine Auswahl von Variationen dieser Arbeit, die verschiedene Autoren durchgeführt haben in 1824 (Franz Liszt, Franz Schubert, Konradin Kreutzer, Johann Nepomuk Hummel, Friedrich Kalkbrenner, Ignaz Moscheles, Franz Xaver Wolfgang Mozart und Carl Czerny) und Premiere in Spanien der Aufträge made in 2020 vom CNDM in Verbindung mit la Gesellschaft der Musikfreundein Wien, la Brucknerhaus Linz, la Gewandhaus zu Leipzig, die Calouste-Gulbenkian-Stiftung (Lisboa), el Nationales Zentrum für darstellende Künste (Peking), Palast der katalanischen Musik, die Philharmonie de Paris, el Stars des White Nights Festivals (St. Petersburg), la Ruhr Piano Festival Foundation y la Tonhalle Society Zurich, con el patrocinio de la Ernst von Siemens Musikstiftung und Lera Auerbach, Tosio Hosokawa, Max Richter, Tan Dun, Jörg Widmann, Brett Dekan, Christian Jost, Brad Lubmann, Philippe Manoury, Rodion Shchedrin und Johannes Maria Staud. Das Konzert wird auch in Oviedo eintreffen (2 November, Prinz Felipe Auditorium) und Barcelona (einen Tag später im Palau de la Música). Tickets für dieses Konzert, ein Preis von 10 € bis 20 €, Sie sind an den Kassen des Nationalen Auditorium zur Verfügung, INAEM Theater, www.entradasinaem.es und am Telefon 91 193 93 21.

die leifmotiv eines Lebens
Rudolph Buchbinder spricht über dieses Projekt: “Kein Komponist war so intensiv an meiner Seite wie Ludwig van Beethoven, und keines seiner Werke ist zu einem geworden leitmotiv meines Lebens ebenso wie seines Diabelli Variationen. vielleicht Beethovens spannendstes Werk. Sie sind Musik über Musik. In ihnen ließ sich Beethoven offensichtlich von der inspirieren Goldberg Variationen Bach, sondern zitiert auch andere “Götter” wie Haydn oder Mozart, dem er die 22. Variation mit dem Motiv widmet Don Giovanni. schließlich, Beethoven kehrt zu sich selbst zurück, zitiert seine letzte Sonate, op.111, in der 33. Variante, und offenbart sein Genie darin, einen einfachen Walzer in seine strukturellen Teile zu zerlegen, um sie in ihrer ganzen Komplexität nach seinem eigenen Bild wieder zusammenzusetzen. könnte man auch sagen: Beethoven isst Diabellis Walzer und verdaut ihn vor unseren Ohren.

vor sechzig Jahren, hat mir mein Klavierlehrer Bruno Seidlhofer gegeben, sein jüngster Student an der Wiener Musikakademie, die Partitur: die “letzter Walzer” von Beethoven begleitet mich seitdem. Wenn in 1973 Ich ging in die Teldec-Studios in Berlin, um das erste Mal aufzunehmen Diabelli Variationen Beethoven, es schien mir selbstverständlich, auch die Variationen seiner Zeitgenossen festzuhalten. Schlussendlich, seine Stücke waren ein musikalischer Spaziergang durch Beethovens Wien. Als ich den Zyklus nur drei Jahre später wieder aufnahm, Einige Kollegen hatten mir bereits Spitznamen gegeben “Herr Diabelli”. Und tatsächlich, heute, die Diabelli Variationen Sie sind immer noch eines der Stücke, die ich am meisten interpretiere: exakt 99 Zeiten vor Beethovens Geburtstag in 2020. Dieses Projekt ist, deshalb, auch ein privates Jubiläum für mich und meine Beziehung zu Beethoven. Es lag auf der Hand, dass er den Zyklus der Variationen im Jahr seines Geburtstages wieder aufnehmen wollte, sowie meine Lieblingsvariationen der anderen 50 Komponisten.

Anton Diabelli war nicht nur Verleger, sondern auch ein sehr schlauer Geschäftsmann. das buch mit 50 gedruckte Variationen seines Walzers waren so etwas wie die Visitenkarten seiner Zeit, Werke musikalischer Superstars, die in den Hallen gespielt werden konnten. Eine geniale Marketingstrategie, die, jedoch, Beethoven vermieden. Das war fällig, einerseits, an die Nummer Ihres 33 Variationen, das alle Grenzen überschritten hat, und auf der anderen Seite, seine (zu dieser Zeit) Unmöglichkeit, sie zu berühren! Noch bis 30 Jahre nach Veröffentlichung, hochheben. 120 es wurde von dem Pianisten und Dirigenten Hans von Bülow uraufgeführt, und noch später die Diabelli-Variationen, die Bülow anrief “Mikrokosmos von Beethovens Genie”, weiterhin Schwierigkeiten. Ich war klar: Mein Projekt “Diabelli 2020” Ich wollte in der Zeit eine Brücke bauen, und eine Neuaufnahme des Diabelli-Zyklus würde nur Sinn machen, wenn auch zeitgenössische Komponisten gebeten würden, eine Variation des Walzers beizusteuern. Ich bin stolz auf die Vielfalt der an diesem Projekt beteiligten Komponisten: von der wunderbaren Lera Auerbach bis zum makellosen Max Richter. Ich freue mich auch, dass Tan Dun mitmacht, die, als Filmfan, Natürlich bewundere ich seine Musik, Oscar-Preisträger, für den Filmklassiker unter der Regie von Ang Lee Tiger, Hidden Dragon. Toshio Hosokawa, wahrscheinlich der bedeutendste zeitgenössische Komponist Japans, er gab mir seine Noten nach einem Konzert in Japan: Japanische Schriftzeichen mit Bleistift auf dem Cover. Der Australier Brett Dean schrieb seine Variation, die mit einem Wacky beginnt “mit Feuer”. Der österreichische Komponist Johannes Maria Staud forderte mich mit seiner äußerst kreativen Notation heraus. Für den deutschen Dirigenten und Komponisten Christian Jost, dafür, Diabellis Walzer ist eine Inspiration für eine fröhliche Darbietung. Auch Brad Lubman schlägt in seinem einen Bogen durch die Musikgeschichte “Variante für RB”, wie der französische Komponist Philippe Manoury, das bringt das Metronom auf die Bühne (Werkzeug, das in der Zeit Beethovens populär wurde). Der russische Komponist Rodion Shchedrin beginnt seine Variation “fast improvisiert”, und Komponist und Klarinettist Jörg Widmann lotet in seiner detailreichen, mehrstimmigen Variation charakteristische Züge Beethovens aus.

Ich werde oft gefragt, was mir beim Spielen durch den Kopf geht Diabelli Variationen. Meine Antwort ist einfach: nicht viel! Der Prozess des Nachdenkens und der Auseinandersetzung mit Beethoven muss abgeschlossen sein, lange bevor der erste Ton gespielt wird.. während eines Konzerts, Beethoven lädt den Pianisten zum Loslassen ein. Ich will nicht ziellos in den Schallwellen schwimmen. Um sich von Beethovens Treiben mitreißen zu lassen, muss man jederzeit wissen, wo man sich befindet, musikalische Navigation kennen, der Sternenhimmel, die Winde und Himmelsrichtungen von Beethovens Kosmos. Denn desto eher ist man bereit, den eigenen Willen dem des Komponisten zu beugen, desto sicherer werden Sie den von Beethoven beabsichtigten Ton treffen. zusammenfassend: es ist zu spät, um mit dem Nachdenken anzufangen, kurz bevor Sie die erste Note treffen: zum Zeitpunkt des Konzerts, Es geht darum, zu vertrauen und sich von der enormen Kreativität seiner Variationen mitreißen zu lassen.”

Fotografie Copyright Rita Newman

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Interview mit Manuel Busto, Regisseur und Komponist von La Bella Otero Folk Music, Flamenco, klassisch… All diese musikalischen Genres und unterschiedlichen ästhetischen Strömungen werden von Manuel Busto verwendet, um La Bella Otero . zu komponieren und zu dirigieren, das Opernballett, uraufgeführt von der National Dance Company im Teatro de la Zarzuela. Ein herausfordernder und genialer ästhetischer und musikalischer Vorschlag dieses jungen sevillanischen Regisseurs, eines der vielversprechendsten Rennen der nationalen und internationalen Szene.Brío Clásica: La Bella Otero war eine der einflussreichsten Frauen ihrer Zeit und ihr Leben war wirklich aufregend, Welche Eigenschaften dieser Figur wollten Sie durch Ihre Komposition vermitteln?

Manuel Busto: Arbeite als Komponist, aus dem Ansatz des dramatischen Balletts von Rubén Olmo und Gregor Acuñas eigenem Libretto, führt uns dazu, die reichen Charakteristiken des intensiven Lebens dieser Figur auf sehr starke Weise in der musikalischen Dimension einzufangen. La Bella Otero stammte aus Valga, Galicien, wo die Vergewaltigung, die sie erlitten hatte, sie zwang, zusammen mit einer Gruppe umherziehender Zigeuner von der Gesellschaft selbst halb verleugnet zu fliehen, trat später in Barcelona auf, wo die Entdeckung des Charakters von Carmen sie zu einer "falschen Andalusierin" machte. Von dort ging er in das Frankreich der Belle Époque, um die Welt zu erobern., beginnend mit New York, haben Sie die mächtigsten Männer des Augenblicks zu Ihren Füßen als einer der Stars der Folie Bergère. muss alles haben, ging pleite und versteckte sich schließlich zu jung, als die Schönheit der Jugend verschwand, und lebe in seiner eigenen Einsamkeit in Südfrankreich bis ans Ende seiner Tage.

alle, die ganze Ästhetik der Orte, an denen er vorbeigekommen ist, aber aktualisiert und mit einer persönlichen Vision, sie sollten präsent sein, ohne die Tatsache aus den Augen zu verlieren, dass es sich um ein einziges Leben handelt. Einheit als globales Konzept war als Komponist auf technischer und künstlerischer Ebene unabdingbar.

b.c: Es ist ein Werk, das musikalisch mehrere Register hat und an seiner Ausarbeitung haben sie mitgewirkt 3 Komponisten. Um welchen Teil hast du dich gekümmert und wie war der Songwriting-Prozess?? Hat jeder seinen Teil unabhängig geschrieben??

MB: Mein Teil war das Ganze, die globale und einheitliche Vision als Komponist, die die meisten neuen Kreationen übernimmt, wo es so viel ästhetik gibt. Beispiel kann die erste Zahl sein, wo ich ein Dudelsack-Präludium verwende, Flamenco-Schlagzeug, wo es einen klaren Bezug zum Muñeira und eine Basis des Flamenco tiento gibt, alle unter Verwendung zeitgenössischer Kompositionstechniken sowie Instrumentierung und Orchestrierung. All dies wird durch die Einbeziehung von Songs von großartigen Musikern verstärkt, die aus anderen Welten als meiner kommen., wie, Augustine Diassera, das kommt vom Flamenco mit Streifzügen in andere Strömungen, o Alejandro Cruz mit Bezug zu Fernsehen und Theater.

b.c: Wie verschmelzen sie zu einem?, Vorschläge von Komponisten, die aus so vielen Stilrichtungen stammen und dass das Endergebnis einen kohärenten musikalischen Diskurs hat?, Ist dieser Teil vielleicht der, der die größten Schwierigkeiten bereitet hat??

MB: Von ihnen habe ich einen fundierten Vorschlag bekommen, die ich respektiert, aber zu meinen gemacht habe, um sie nicht nur mit einem orchestralen Sinn zu behandeln, als mein eigenes, aber in dem er sich durch Hinzufügen seines eigenen Materials verwandelte, oder sogar einen Teil ihrer Vorschläge auf motivierender oder rhythmischer Ebene in ihren eigenen Teilen zu verwenden. Es stand mir frei, diese Ansätze als meine eigenen zu verwenden, denn der Hauptzweck war, dass das Werk insgesamt musikalisch solide war, die unter einem riesigen Respekt für die Frische, die sie brachten, Ich habe extrem versucht, es zusammenhängend zu machen, keine Kanten in der Makro- oder Mikrostrukturebene. Vielleicht war dieser Teil der unterschiedlichste oder herausforderndste, und der, der mit mehr Sorgfalt hergestellt werden sollte, ich respektiere, Kohärenz und ich muss gestehen, das mit mehr Geschick und Einfallsreichtum.

b.c: Gibt es ein Element in einer Tanzkomposition, das, nach Regel, machen es anders als eine Opernkomposition?

MB: Ohne Zweifel der Rhythmus, und noch mehr, da es ein Ballett wie das spanische Nationalballett ist, nur einer auf der Welt. Als Dirigent komme ich direkt aus der Opernwelt, und es stimmt, dass beide ihre eigene Sprache haben, wenn es um die Herstellung geht, in vielerlei Hinsicht sehr nah, aber anders in Bezug auf die Prioritäten. Die Merkmale des spanischen Nationalballetts, und die Verwendung der spanischen Schule oder des Flamenco gibt ein differenzierendes Element, das den Komponisten vor eine größere Herausforderung stellt, wenn es passt, Was bedeutet es, diese Sprache zuerst zu verstehen?, und dann durch Musik mit der gleichen Sprache sprechen für das, was auf der Bühne passiert.

Meine Beziehung der Bewunderung, studieren und forschen mit Flamenco, Ich fühle mich in meinem natürlichen Lebensraum, indem ich für diese Firma arbeite, wo ich es habe und tatsächlich habe ich es in Flamenco-Elementen auf musikalischer Ebene verwendet, etwas, das meiner Meinung nach den Noten von La Bella Otero eine einzigartige Persönlichkeit auf klanglicher Ebene verleiht, Hinzu kommt, dass Ballett selbst aufgrund seiner klanglichen Dimension ein großartiges Schlaginstrument ist, das bei der Kreation berücksichtigt werden muss.

b.c: Wie definierst du deine Kompositionen, wie würdest du sie einordnen??

MB: Ich betrachte mich gerade als eine Person, die Katalogisierung vermeidet, oder Katalogisieren, nämlich, auf ästhetischer oder technischer Ebene unter ein eigenes oder externes Joch fallen. Für mich in der Kunst ist das Wichtigste die künstlerische Botschaft, und dann das künstlerische Medium auf technischer Ebene (hier ist die Vorbereitung und der Handel von grundlegender Bedeutung) um sicherzustellen, dass die emotionale Wirkung auf den Betrachter so groß wie möglich ist, und damit in der Gesellschaft. Es ist wahr, dass die Verwendung von Flamenco wichtig ist, aber nur, wenn ich denke, dass es wesentlich ist, dass es vorhanden ist, da zum Beispiel in meiner ersten Kammeroper Monologue nichts von ihm zu finden ist 2: Existenz oder im Job, den ich gerade für Johan Inger und die Fondazionea Nazionalle della Danza Aterballetto beendet habe.

b.c: Er wurde gerade mit dem renommierten Leonardo-Stipendium der BBVA-Stiftung in der Kategorie "Komposition und Oper" ausgezeichnet., eine Oper komponieren. Hast du schon eine Idee für dieses Projekt?, Was inspiriert dich beim Schreiben, ein Charakter, eine Geschichte…?

MB: Beim Streben nach dieser anerkannten Auszeichnung werden nach den Grundlagen zwei wesentliche Faktoren berücksichtigt: der Verlauf und der Inhalt des vorgestellten Projekts. Der Titel meines Projekts ist sehr aufschlussreich: „Flamenco in der Oper als schöpferisches Bedürfnis: Bluthochzeit, Oper über die ländliche Tragödie von Federico García Lorca. Dieses Projekt wird ein natürlicher Schritt in meiner eigenen Produktion sein, wo, wenn auch nicht immer, Flamenco ist präsent, weil er eine enorme Fähigkeit hat, Emotionen zu erzeugen, genau wie oper, oder die Entwicklung ästhetischer Strömungen durch die Geschichte, die zu zeitgenössischen Ästhetiken und Techniken führen. Das Streben nach letzterem ist in der Entwicklung des Studiums eines jeden Komponisten relativ selbstverständlich, aber kein Flamenco, und vielleicht weil ich dort geboren wurde, wo ich geboren wurde, Los Palacios und Vfca. im unteren Guadalquivir, Ich war gezwungen, bis ins Jugendalter ein Schuldgefühl zu haben, weil ich mich in dieser Angelegenheit unwissend fühlte. Was mich dazu brachte, es zu entdecken und, vor allem, um dein Potenzial zu erkennen. Also beschloss ich, all seinen Reichtum gründlich zu studieren, damit seine Sprache ein Teil von mir und meiner Arbeit wurde. ich bestehe darauf, mit dem Interesse, dass seine Fähigkeit, Emotionen zu erzeugen, ein Teil von mir wurde.

Cecilia Valdés, Teatro de la Zarzuela

 

Cecilia Valdés, Teatro de la Zarzuela

Cecilia Valdés, Teatro de la Zarzuela

Cecilia Valdés, Teatro de la Zarzuela

Cecilia Valdés, Teatro de la Zarzuela

Cecilia Valdés, Teatro de la Zarzuela

Cecilia Valdés, nie zu spät…
Cecilia Valdés
Gonzalo Roig (1890-1970)
Libretto von Agustín Rodríguez und José Sanches-Ton,
basierend auf dem Roman Cecilia Valdés oder La Loma del Ángel
D. Musical: Oliver Diaz
D. Szene: Carlos Wagner
Szenografie: Rifail Ajdarpasic
Kleiderschrank: Christophe Ouvrard
Beleuchtung: Fabrice Kebour
Choreographie: Nuria Castejon
Besetzung: Elizabeth Caballero, Martin Nusspaumer,
Homero Pérez-Miranda, Linda Mirabal, Cristina Faus, Yusniel estrada
In dieser glücklichen Linie der Teatro de la Zarzuela um unser lyrisches Erbe wiederzugewinnen, Die kubanische Zarzuela hat in diesen Tagen Premiere, "Cecilia Valdés". Sein Komponist, Gonzalo Roig (Havanna, 1890 - 1970) Er definierte die kubanische Zarzuela neu und machte sie zu einer lyrischen Referenz in Amerika. Zarzuela wurde mit einem reisenden Geist geboren und Cecilia Valdés ist eines der klarsten Beispiele. Die Spanier, die Ende des 19. Jahrhunderts und in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts nach Amerika kamen, Sie haben es geschafft, als, bringen ihre Kultur und ihre Musik. Die Orchester und Zarzuela-Kompanien, die dorthin zogen, um den vielen Auswanderern musikalische Berichterstattung zu bieten, waren ebenfalls bestimmende Faktoren. Cecilia Valdés hat die Besonderheiten karibischer und afrikanischer Sones und, wie gute Zarzuela, die bekanntesten folkloristischen und populären Episoden zum Zeitpunkt ihrer Komposition. Die Partitur ist von außerordentlichem rhythmischen Reichtum. Bembe, Guaracha, Contradanza oder Bolero, werden mit afrikanischen und afro-kubanischen Klängen kombiniert, wie Linda Mariscal Zahlen, total kubanisch. Aber auch lyrische und romantische Momente tauchen in der Partitur auf, wie die Duette zwischen Cecilia und Leonardo. Das Ergebnis ist die perfekte Kombination aus Popmusik und Lyrik., in einer Mischung von Genres, die sich ergänzen und „Cecilia Valdés“ zum wichtigsten Werk der kubanischen Musik machen.

Carlos Wagners Szenografie, guter Kenner der karibischen Kultur, hatte als große herausforderung wo die arbeit zu setzen, und er hat es im vorrevolutionären Kuba getan.

Die Hauptbühne bleibt fest, während die Elemente, die jede der Szenen platzieren, darin fließen. Verwandle dich, ganz natürlich, eine Zuckerplantage in einem Tanzsaal, in dem die Protagonisten ihre Partys feiern. Die Geschwindigkeit und Fließfähigkeit der Änderungen unterbricht in keiner Weise den Rhythmus der Arbeit. Farben, Beleuchtung und Texturen, Sie bringen Sie nach Kuba und in die karibische Umgebung mit hohen Temperaturen.
Das Libretto von Agustín Rodríguez und José Sánchez Arcilla, basierend auf dem Roman Cecilia Valdés oder La Loma del Ángel, von Cirilo Villaverde, stellt uns vor die Probleme des Zusammenlebens zwischen Sklaven und Mestizen, Kritik an der Sklaverei und den Folgen von Machismus und Rassismus. Es zeigt auch, dass diese Mischung aus Religion und Heidentum, die am Ende der Arbeit erscheint, etwas Seltsames ist, das die Öffentlichkeit überrascht hat.

Der theatralische Teil des Stücks ist von großer Bedeutung und wird von Paloma Córdoba hervorragend abgedeckt, Alberto Vazquez, Eduardo Carranza, Ileana Wilson, Giraldo Moisés de Cárdenas, Isabel Cámara und Juan Matute. Das kubanische Tanzkorps als Ganzes war ein weiterer Protagonist dieser Zarzuela und einer der am meisten applaudierten der Nacht.
Kubaner sind auch einige der Protagonisten, als Sopranistin Elizabeth Caballero, die ihre Hauptrolle als Cecilia Valdés mehr als solvent verteidigte. Sie wurde von Martín Nusspaumer nicht sehr gut begleitet, jedoch, wenn er im interpretierenden Teil einen guten Leonardo baute.

Der Bariton Homero Pérez-Miranda, als José Dolores, und die Mezzosopranistin Cristina Faus, in der Rolle von Isabel Ilincheta, Sie waren in ihren jeweiligen Interpretationen auf einem großen Höhepunkt. Gleiches gilt für den Rest der Besetzung.. Wir müssen die außerordentliche Beteiligung von Linda Mariscal hervorheben, der die befreite Sklavin Dolores Santa Cruz spielte.

Historische Darstellung, obwohl spät, der ersten und wichtigsten kubanischen Zarzuela, die die Bühne des Teatro de la Zarzuela betritt. Hoffen wir, dass nach Cecilia Valdés noch weitere kommen werden.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real

Interview Franco Vassallo

 

Interview Franco Vassallo

 

Interview Franco Vassallo

 

Interview Franco Vassallo

 

Interview Franco Vassallo

 

Interview Franco Vassallo

 

Interview Franco Vassallo

 

Interview Franco Vassallo

 

Interview Franco Vassallo

Es war nur ein Junge, als ein Lehrer sie durch die Hallen der Schule singen hörte. Dann begann er, Musik und sein Interesse an der Kunst zu studieren und Geisteswissenschaften, die großen Leidenschaften von Franco Vassallo. Akribisch bis zur äußersten Vorbereitung seiner Charaktere, erreicht die Liceu Barcelona mit Aida und gibt uns einen Amonasro voller Intensität und Drama. Er spricht darüber in diesem Interview für
Klassische Verve.
FRANCO VASSALLO INTERVIEW / CLASSIC ELAN
b.c: Die Anfänge waren sehr originell: Ein Lehrer hörte ihn beiläufig in den Fluren der Schule singen. Wenn es nicht so gewesen wäre, Hätte er sich gleichermaßen für Musik und Gesang entschieden?? Wie war der Anfang??
F.V.: In diesem Stadium, mit der Erfahrung dieser Jahre hinter meinem Rücken, Es ist schwer zu sagen, was ich getan hätte, wenn diese liebenswerte Episode in der Schule nicht passiert wäre, aber sicherlich hätte ich einen anderen Weg gefunden, um meine Leidenschaft für Kunst zu fokussieren, Kultur, Literatur und Philosophie. zuallererst, Nehmen wir an, ich betrachte mich als Humanisten.
b.c: Könnten Sie die Eigenschaften Ihrer Stimme beschreiben??
F.V.: Es ist immer schwierig, in einer Aufnahme über Ihre eigene Stimme zu sprechen, da wir Sänger uns leider nicht live hören können. Ich würde sagen, meine ist offen, aufrichtig, Direkte. Ich denke, es hat immer eine gewisse Süße gehabt, das hat noch, obwohl es logischerweise im Laufe der Jahre gereift ist und an Klang gewonnen hat, Ich nehme eine bräunlichere Farbe, die es mir ermöglicht hat, mich einem dramatischeren Repertoire zu stellen.
b.c: Wir kennen Ihr Interesse und Ihr Wissen an Dramaturgie, grundlegendes Stück in der Oper. Wenn eine Rolle oft gespielt wird, dieser Charakter, Macht er es sich selbst und gibt ihm für immer einen bestimmten Charakter oder haben die Produktion und der Regisseur mehr Gewicht??
F.V.: Dramaturgie im Operngenre ist von grundlegender Bedeutung, da Oper Theater und Musik ist, es kann also nicht ohne seinen theatralischen Teil auskommen. Die szenische Wahrheit der Oper wird jedoch dadurch erreicht, dass der richtige Schlüssel für die Figur gefunden wird, das ist nicht nur im handelnden Teil, sondern wird auch erhalten und, vor allem, durch die Partitur, weil der Komponist alles sehr deutlich macht. Alles ist auf dem Spiel! und zwar, diese Komponisten, als Verdi, Sie wurden nie vergessen, weil sie wahre Genies waren; Sie haben Meisterwerke geschaffen, die wir heute noch hören, und deshalb sind sie unsterblich geworden. Sie hatten eine intuitive und angeborene Fähigkeit, die szenische Wahrheit des Charakters in die Partitur zu übersetzen. Wenn Sie es zu Ihrem machen - in meinem Fall hat mir auch die Stanislavski-Methode geholfen, dass ich studiert habe - du machst es durch dich lebendig. In der Studienzeit denken wir über den Charakter nach, um ihn zu bauen und ihm Form zu geben, Aber sobald wir auf die Bühne kommen, hören wir auf zu denken, nur er zu sein und wie er zu leben, nämlich, In meinem Fall versuche ich, wie der Charakter auszusehen und mich zu fühlen; Ich lasse es fließen. Dolmetscher wissen rational, was in der Szene passiert und was als nächstes passieren wird, stattdessen weiß der Charakter nicht, Deshalb musst du es leben und auf alles, was dir passiert, auf echte Weise reagieren. Es ist etwas Komplexes, aber gleichzeitig spannend, sehr ähnlich dem, was ein Schauspieler fühlt, obwohl wir, die Sänger, Wir haben auch den Vorteil, uns auf die Tonsäule zu stützen, Musik, Das beschreibt die Situation, die wir erleben, und bietet unserer Leistung eine unglaubliche Ausdruckskraft. Auf der anderen Seite, Wir haben auch den Nachteil, dass wir bei einer Erkältung keine andere Wahl haben, als auszugehen und zu singen [lacht].
b.c: aus 13 Januar beteiligt sich an der Produktion des Liceu de Aida, in Verdi, mit der musikalischen Leitung von Gustavo Gimeno und der Szenografie von Mestres Cabanes. Welchen Amonasro werden wir im Liceu sehen??
F.V.: Wenn ich zu den ersten Proben komme, habe ich natürlich schon das Gefühl, dass der Charakter durch meine Adern läuft; Ich fühle es mir und habe eine vollständige Vorstellung von der Rolle, die ich offensichtlich mit dem Regisseur kontrastieren muss; Ich versuche immer, ein Gleichgewicht zwischen der Idee, die er von dem Charakter hat, und der, die ich habe, zu finden. Offensichtlich gibt es immer einige Regisseure, mit denen ich mehr in Verbindung stehe als mit anderen., aber manchmal präsentieren sie mir eine Vision der Rolle, die, auch wenn ich ihr zuerst nicht zustimme, wenn die Idee klug ist, Ich lasse mich einfach von seinen Anweisungen mitreißen, bis ich seinen Vorschlag zu meinem eigenen mache. Jedenfalls, UNS, die Dolmetscher, wie Musik- oder Regisseure, Wir müssen im Dienst der Musik und des Komponisten stehen. Ein schöner Satz, den Verdi dem Bariton Felice Varesi sagte, fällt mir ein, der mehrere seiner Opern uraufgeführt hat: "Ich bitte Sie, dem Dichter vor dem Musiker zu dienen."; Ich komme aus Verdi und finde es faszinierend, weil es bedeutet, dass er großen Respekt vor der Bühnenperformance hatte, weil es wie gesagt war: Wenn wir ein gutes Theater machen, kommt die Musik alleine, Deshalb denke ich, dass man großen Respekt vor dem Drehbuch haben muss. Was den Amonasro betrifft, den ich interpretiere, Ich fühle mich wie ein sehr intensiver Charakter, tragisch und schmerzhaft; Er ist ein König, den Verdi beschreibt und der uns einlädt, mit "impeto selvaggio" zu interpretieren. (wilder Schwung), eine Information, die da ist, in der Partitur; aber manchmal vergessen wir seine immense Menschlichkeit. In seinem großartigen landschaftlichen Moment, im Duett mit Aida, Sein praktischer und entscheidender Charakter, den er als Politiker haben muss, entspricht den Neigungen und Gefühlen; Wir sehen einen Vater, der gezwungen ist, seine Tochter um ein großes Opfer zu bitten, zwingt sie für ihr Volk, den Mann zu verraten, den sie liebt. Daher seine Wut, dass es nichts weiter als eine menschliche Reaktion auf den inneren Schmerz ist, den er empfindet, wenn er eine Tochter um etwas so Grausames bitten muss. Er ist ein Charakter, der Schmerzen intensiv lebt; Am Ende des Duetts erzählt er seiner Tochter etwas Erstaunliches: „Denk an ein Volk, gewonnen, verstümmelt, für dich allein kann er sich erheben " („Denk, dass ein erobertes Volk, auseinandergerissen, nur dank dir kann er wieder aufstehen), nämlich, "Alles liegt in Ihren Händen und für unser Volk müssen Sie dieses Opfer bringen, das weiß ich ist berüchtigt, aber es gibt keinen anderen Weg ". Es ist ohne Zweifel einer der schönsten Momente dieser ganzen Szene. Auf der anderen Seite, Amonasro erweist sich als großer König, intelligent und kriegerisch, obwohl er im Kampf besiegt wurde. Lebe extreme Situationen von Anfang bis Ende, da er von dem Moment an, in dem er die Szene betritt, fast zum Tode verurteilt ist und in sehr kurzer Zeit alles tun muss, um seine Ziele zu erreichen, rette sein Volk und sein eigenes Leben. in Zusammenfassung, Wir stehen vor einem absolut tragischen Charakter für alles, was ihm passiert, aber gleichzeitig faszinierend, immer noch relativ kurz zu sein.
b.c: in 2004 spielte Zurga, fr Perlenfischer in Bilbao, in 2008 war Figaro in Il barbiere di Siviglia an der Oper Las Palmas, in 2014 Er nahm an I vespri siciliani am Royal Theatre teil und spielte Guido di Monforte, und jetzt kommt er mit Amonasro im Liceu de Barcelona an. Warum waren Ihre Auftritte in Spanien so weit auseinander??
F.V.: Zusätzlich zu den von Ihnen angegebenen Verpflichtungen, Ich habe tatsächlich in Spanien mit I vespri siciliani an der Bilbao Opera in debütiert 2001 und ich sang auch Ernani in Las Palmas de Gran Camaria in 2005 und ich Puritani auf Menorca in 2008. Jedenfalls, und im Vergleich zu meiner Karriere in anderen Ländern, Es ist wahr, dass meine Präsenz in Spanien begrenzt war, aber es war nicht durch meinen Willen, denn die Wahrheit ist, dass ich dieses Land verehre und es liebe, hier zu arbeiten; Das Übliche ist gerade in diesen Fällen passiert: Angebote kommen manchmal zu Zeiten, wenn Sie beschäftigt sind und die Zeit vergeht, ohne passende Agenden.
b.c: Wie fühlen Sie sich wohl, mit ausdrucksstarker Intensität und starken vocalism von Amonasro oder Helligkeit und dem Glanz von Figaro? Wie sie als unterschiedliche technische Rollen genähert?
F.V.: Da die alte Schule des „canto sul fiato“, sagte er, stehen im Widerspruch zu diesen beiden Formen des Singens und Interpretierens, nämlich, Es ist wichtig, vocal Duktilität; Es muss in der Lage sein, von einer dramatischen Rolle hell und umgekehrt zu bewegen, vor allem, wenn das Gerät es erlaubt. Wenn die Stimme mit der Erfahrung und Reife ist bereit, das dramatische Repertoire Gesicht, Es ist wichtig, gelegentlich mit dem Belcanto-Repertoire zurückzukehren Elastizität zu erhalten und Squillo, so vermieden wir die Stimme wird schwerer. Daran erinnern, dass die Sänger der Vergangenheit Licht schweren Repertoire mit erstaunlicher Schnelligkeit verändert; Ich denke, nur ein Minimum an Zeit, die, Wenn Sie Ihre Stimme an der richtigen Stelle, ohne zwang, Sie können ohne Probleme ändern. Dieses Jahr habe ich wieder glücklich Figaro zu spielen (Der Barbier von Sevilla) an der Hamburger Oper kommt Rigoletto zu interpretieren, und ich fand schnell wohl in der Frische und Elastizität ausreichend fast auf natürliche Weise und ohne vorherige Arbeit. Was wir „Muskelgedächtnis“ rufen immer funktioniert. schließlich, nichts zu zwingen, weil der Ton schwer wird, Sie müssen nur immer laut halten und Maske.
b.c: Es scheint, dass immer schwieriger wirklich ernsthafte Stimmen zu finden. wenn ja, Warum denken Sie, dass aufgrund ist?
F.V.: Ich denke, die Stimme sicherlich hart ist die wahren tiefen Bässe zu finden ist; heute unter Bariton dominiert über die, aber ich konnte keinen genauen Grund sagen. Ernst, manchmal Stimmen, Sie nicht immer dazu neigen natürlich zu singen, weil die Stimme schon selbst klingt, sicherlich brauchen Sie noch akute Stimmen klingen gut ohne jede Technik Anwendung. Diese manchmal macht Rennen ernstere Stimmen sind etwas kürzer, es sei denn, die Technik der Arbeit mit einem guten Lehrer. Jedenfalls, technische Arbeit ist wichtig für alle Saiten, und nicht immer durch einen guten Lehrer haben,. Wie ich sagte,, Es ist wichtig, nicht nur ein großer Lehrer, aber die große Lehrer muß die großen Schüler finden.
b.c: In Anbetracht der Entwicklung seiner Stimme und seinem Gesang, Was neue Rollen im Sinn haben für zukünftige Jahreszeiten?
F.V.: Ich möchte weiter die Verismo und Puccini Repertoire erkunden, como La Fanciulla del West, Gianni Schicchi, Pagliacci oder Cavalleria rusticana, beispielsweise, aber zugleich die Aufrechterhaltung des Verdian Bariton Repertoire, das basisch ist, und natürlich die Belcanto. Próximamente singen Il Pirate, Lucia di Lammer y Roberto Devereux, ein Repertoire, das wichtig für mich ist die duktile Stimme zu halten.
b.c: Müssen wir 4 Jahre warten, um zurückzukehren, um ihn in Spanien zu hören?
F.V.: Wäre das nicht! Ich hoffe aufrichtig, zumindest jedes Jahr in einem spanischen Theater zu sein.
Dornröschen Ballett am Königlichen Theater

Seitdem sind fünf Jahre vergangen Nacho Duato wird aufhören, vor dem zu sein Nationale Dance Company. Die gleichen fünf Jahre dauerte es den Master mit einer Produktion zurück von ihm entworfen und geleitet. Fünf Jahre sind eine zu lange Abwesenheit, wenn es so ist,.

Er erscheint vor dem Staatsballett Berlin. Gesellschaft aus der Vereinigung der jeweiligen Tanzformationen der drei Berliner Opernhäuser: Staatsoper Under der Linden, Deutsche Oper und Komische Oper. Damit wird es zu einer der wichtigsten klassischen Ballettkompanien in Deutschland und zu einer renommierten der Welt..

Er kam zu Teatro Real mit einem klassischen Ballett nach zwanzig Jahren, das ausschließlich der zeitgenössischen Choreografie gewidmet ist. Dornröschen, mit Musik Chaikovski und basierend auf der Version von Charles Perrault. Diese Geschichte vermittelt, von den frühen Stadien, zu einer magischen Welt. Und er macht es Hand in Hand Pedro Bürgermeister dessen mächtiger Stab dem Orchester außergewöhnliche Energie entlockte. Perfekt abgestimmt auf die Tänzer, die ihren Hauptverbündeten in der Musik hatten.

Der erste Akt ist der eindrucksvollste. Eine Kindergeschichte machte Musik und wurde von Anfang an vom Komponisten zum Tanzen konzipiert. Es ist in der Landschaft von gerahmt Angelina Atlagic Als wäre es ein Gemälde, ist alles Farbe und Volumen, das gibt der Bühne eine große Tiefe.

Im zweiten Akt ist die Natur der Protagonist. Die Farben und Kostüme sind beeindruckend. Dies gilt umso mehr, wenn die Beleuchtung verbessert und ausgeglichen wird. Der dritte Akt bricht mit der Dynamik der beiden vorhergehenden. Der Auftritt von Charakteren aus anderen Geschichten auf der Bühne, lenkt von der ursprünglichen Handlung ab.

Es ist ein klassisches Ballett, aber mit zeitgenössischen Nuancen, von dem es scheint, dass Duato nicht losgelöst werden kann. Obwohl es schwierig ist, ihn in der gesamten Choreografie zu identifizieren. Mit dieser Arbeit wollte Duato die choreografische Technik betonen. Er selbst erklärt, dass er in dieser Choreografie reflektieren wollte:"Ein erneuerter Klassiker, Feuerzeug, Feuerzeug, näher an der Öffentlichkeit. Es ist schwierig, junge Leute für das Theater zu gewinnen, nachdem man den ganzen Tag mit dem iPad verbracht hat. Deshalb habe ich versucht, es ein wenig aufzufrischen und den Staub zu entfernen ".

Die Richtung von Pedro Alcalde ist brillant. Voller Kraft und Rhythmus und immer auf die Tänzer bedacht. Etwas sehr Wichtiges in solch einer extrem exakten Kunst in den Eingaben und Aktionen.

Das Corps de Ballet, geführt von Michael Banzhaf, als Rey Florestan und Beatrice Knob, Wie eine Königin, bilden ein Dornröschen voller zarter Plastizität. Und sie wissen, wie man die Schlüssel interpretiert, die Nacho Duato in all seinen Balletten druckt.

Das Royal Theatre beginnt die Saison mit einem Ballett. Etwas ungewöhnliches, aber außergewöhnliches. So schön anzufangen kann nur die Präambel einer großartigen Saison sein. Wahn, kein Mangel. Das ist keine Unschuld.

Dornröschen
Peter I.. Chaikovski
Nacho Duatos Libretto, basierend auf dem Original von Ivan Vsevolozhski
Choreographie: NAcho Duato
D. Musical: Pedro Bürgermeister
Szenografie und Kostüme: Angelina Atlagic
Blitz Design: Brad Fields
Tänzer: Michael Banzhaf, Beatrice Knob, Iana Salenko, Marian Walter, Arshak Ghalumyan, Martina Böckmann, Elvis Sie wissen es nicht, Du Gurfein.

Abbado

Eine kleine und einfache Trauerzug begleitet die Master 21 Januar durch die Straßen von Bologna. dann, und absolute Privatsphäre, derjenige, der Direktor der war Scala und Berliner Philharmoniker. Kaum Blumen hatte, die Familie wollte, dass das Geld an der sozialen Bedürftigkeit gehen sollte.

Auch für diejenigen, die es am meisten brauchen, hat der Meister es getan Abbado Lass die Musik kommen. Er brachte sie in Krankenhäuser und Gefängnisse. Er hatte eine besondere Hingabe an die jungen Leute, die das schufen Europäisches Jugendorchester oder Gustav Mahler Jugendorchester. Er war der Inspirator des Systems of Orchestras of Venezuela, das von geschaffen wurde Jose Antonio Abreu und entwickelt von Gustavo Dudamel. An der Mailänder Scala gründete er das Orchestra della Scala, mit dem er Konzerte mit besonders günstigen Eintrittskarten programmierte, was den Zugang zum Theater einem neuen Publikum ermöglichte, bis zu diesem Moment, Ich war nicht in der Scala. Er war der Ansicht, dass „Musikerziehung ist, tatsächlich, die Erziehung des Menschen.

Die Woche nach seinem Tod, Daniel Barenboim, als Hommage an den Meister, dirigierte das Scala-Orchester bei der Interpretation des Trauermarsches der „Heroischen“ Symphonie, von Beethoven, Wenn der Raum leer ist und die Türen offen sind ...

http://youtu.be/VfU_qaPRa6Y

Artaserse

Es gibt viele Aufnahmen, die alle über Netzwerke zur Verfügung stehen. Vielleicht zu. Diese Informationsmenge hindert uns manchmal authentische Wunder entdecken. In diesem Abschnitt wollen wir diese kleinen Edelsteine ​​oder Kuriositäten zu entdecken und zu präsentieren, die von Interesse sein kann,. hierfür, Auch fragen wir Ihre Zusammenarbeit, per E-Mail, (brioclasica@brioclasica.es) für Fische und zeigen warten diese Aufnahmen dieses Fenster schauen.
Wir haben beschlossen, diesen Abschnitt mit einer Arie aus der Oper Artaserse zu eröffnen, vom italienischen Komponisten Leonardo Vinci (1690-1730). Sehr bald wurde er der berühmteste neapolitanische Komponist. Er schrieb mehr als 40 Bühnenarbeiten, von denen nicht alle erhalten sind. Seine berühmtesten Opern sind Didone abbandonata (1726) und Artaserse (1730).
Verwaltete und entwickelte die Begleitung des Rezitativs und modifizierte seine Struktur, Erstellen des Rezitativs "Sprechen", später von einem seiner Schüler entwickelt, Pergolesi.
Dies ist die Zeit der Kastraten, konnte Artaserse nicht haben, mindestens, vier Rollen für diese vokale Tessitura. Die Produktion, zu der diese Aufnahme gehört, wird musikalisch von Diego Fasolis geleitet. Die Szenografie stammt von Silviu Purcarete und wird von den wichtigsten derzeit existierenden Countertenoren aufgeführt, Philippe Jaroussky, als Artaserse; Max Emanuel Cencic, wie Mandane; Juan Sancho, als Artabano; Franco Fagioli, wie Arbace; Valer Barna Sabadus, como Semira y Yuriy Mynenko, wie Megabise.
Aufgeführt in der Lorraine Opera am 10 November 2012. Und wer kann nicht widerstehen und will diese Produktion live miterleben, Sie können es diesen Frühling im Theater von Versailles tun.
Wir schließen die komplette Oper ein, für die Kaffeebauern, aber wir haben diese Arie ausgewählt, die vom argentinischen Countertenor Franco Fagioli interpretiert wurde. Seine Interpretation, nach dem kurzen Eröffnungsrezitativ, Es ist einfach, meisterhaft. Theatralisierung, perfekt gerahmt zu der Zeit und voller Genie und Funken, aber, vor allem, Gesangsartillerie ist eine absolute Freude.
Genießen.

Die Eroberung von Mexiko

Die Eroberung von Mexiko, Deutsch Komponist Wolfgang Rihm, Es ist eine der Wetten für diesen neuen künstlerischen Berater der Saison jetzt Royal Theatre, Gerard Mortier. Ein Mörtel,, mit der üblichen Begeisterung, Es gibt einen Vortrag über die Arbeit und deren Komponisten, der in diesem Artikel sehen und hören können. Eine zeitgenössische Oper oder, als Komponist genannt, Musiktheater. Die Premiere in Deutschland 1992, in Mexiko wurde in Konzertversion vorgestellt 2003 und nun öffnet es in Spanien in einer Produktion von Teatro Real.
das Libretto, der Komponist, und zurück zur Musik, Es basiert auf Texten Antonin Artaud und Octavio Paz. Französisch Artaud hat versucht, die Unmöglichkeit der Verständigung zwischen den beiden Kulturen zu reflektieren, die nicht bekannt sind und die Konfrontation zwischen den beiden Kulturen, Christian Evangelisierungstätigkeit, mit einem klaren repräsentativen, Hernán Cortés, und heidnische präkolumbianischen durch den Charakter von Montezuma. Artaud Theater Vorschläge, fast verblüffende immer an die Öffentlichkeit, Sie stellen eine vernünftige und ausgewogene Indigenen mit der Natur. Im Gegensatz zu der christlichen Barbarei des Eroberer. All dies ist Teil des neuen Theaterkonzept: das so genannte Theater der Grausamkeit.
Wolfgang Rihm wollte, durch seine Zusammensetzung, Übertragen eines kathartischen Gefühl. Zielt darauf ab, eine magische und transzendentale Atmosphäre zu schaffen und die Verwendung von Stimmen ist wichtig, zu erreichen. Der Konflikt zwischen den beiden Kulturen ist klar definiert und polarisiert. Die Darstellung der indigenen Welt entspricht Frauenstimmen. Es ist die Sopranistin Nadja Michael, wer wir waren in diesem Theater in Wozzeck vor kurzem gehört,, von Alban Berg. Seine kraftvolle Stimme, einen Träger und außerordentliche Projektions, Form und Charakter zu Montezuma. Begleitet auf der Bühne von Caroline Stein und Katarina Bradic. mit ihnen, der Charakter der Malinche, von Ryoko Aoki Japanisch gespielt. Große Kenner der zeitgenössischen Oper und Musiktheater Japanisch. Was für eine große dramatische Kraft otroga seine Interpretation.
Die onírico Umgebung wird durch die Partitur von Rihm erreicht, Es spiegelt die Folgen des Krieges. All dies von Urs Schönebaum mit Beleuchtung verbessert, die bunten Kostüme Kostüm polnischen Wojciech Dziedzic und videografische Projektionen Deutsch Alexander Polzin.
Obwohl entfalten sich die Szenen in einem sehr dynamischen Art und Weise, das Gefühl der Langsamkeit ist manchmal evident. Vielleicht ist dies der beste Weg, um die schwere Last der verlängerten Kriege zum Ausdruck bringt.
Gute Übergänge zwischen sozialen Konflikten und die zwischen den Protagonisten auftreten, persönlichere und in der Nähe. Eine scheinbar komplexe Art und Weise direkt aus mit Einfachheit.
Nicht vergessen, dass Rihm die Musik komponiert, bevor das Skript mit. Es zeigt eine große Ausdruckskraft der Partitur. Percussion reproduziert diskrete Rausch Schlachten, wie oft ohne eine bloße Begleitung zu sein, ist constumbre, aber Pacesetter vor allem zu Beginn der Arbeit. und nichts, kein Ton, jedoch klein oder kurz, um es, irrelevant oder Prominenz.
Die Lage des Orchesters, dieses Mal durch Kästen verteilt, Proszenium, Boxen und Stände, einen Umschlag und dramatische Atmosphäre erzeugen,. Auch die Stimmen des Chores, leben und durch Aufnahmen, zum Traum-Musikmontagearbeiten beitragen.
Das Ergebnis ist eine neue und moderne Produktion, auf denen die Öffentlichkeit mit einer gewissen Kälte reagiert. Eher durch Verwirrung, dass die Ablehnung. Königliche Theater Publikum, im allgemeinen, hat in diesen Jahren entwickelt war Mortier. hören sonst zeitgenössische Musik, vor fast nicht existent, und kann die unterschiedlichen Qualitäten eines Werkes dieser Merkmale unterscheiden und schätzen.

Die Eroberung von Mexiko
Wolfgang Rihm (1952)
Theatermusik in vier Teilen (1992)
Libretto vom Komponisten, nach Texten von Antonin Artaud und Octavio Paz
D. Musical: Alejo Pérez
D. Szene: Pierre Audi
scenographer: Alexander Polzin
Kostümbildnerin: Wojciech Dziedzic
Beleuchtung: Urs Schönebaum
Video: Polzin, Claudoa Rohrmoser
Dramaturgin: Klaus Bert Isch
D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Nadja Michael, Georg Nigl, Graham Valentine, Ryoko Aoki

Joan Matabosch

die Teatro Real Hat bekommen, schließlich, die Quadratur des Kreises und den komplizierten Saisonstart nach der Krankschreibungskrise elegant lösen Gerard Mortier ausgelöst hatte.
Die Vereinbarung mit Mortier ermöglicht es ihm, durch ein neues Vertragsverhältnis weiterhin mit dem Theater verbunden zu bleiben, künstlerischer Berater. Diese neue Figur hat als Hauptfunktion die Verbreitung und internationale Förderung und künstlerische Beratung. Moriter verliert seine Exekutivfunktion, aber das Theater, Matthias Goerne seziert Schumanns Psychologie im Liedzyklus, erlangt seine unschätzbaren künstlerischen und opernkünstlerischen Fähigkeiten. Sofern es Ihr Gesundheitszustand zulässt, wird mit zusammenarbeiten Joan Mataboch für die gute Entwicklung der gerade begonnenen Saison, die ganz und gar Ihr Produkt ist.
In derselben Pressekonferenz, wurde dem neuen künstlerischen Leiter des Theaters überreicht, Joan Mataboch. Es wird für alle Zwecke aus 1 Januar, da sein aktueller Vertrag beim Liceu de Barcelona am endet 31 Dezember.
Mataboch kein Vorwand, nach seinen Worten, Mortiers Vermächtnis beenden. Er will das Theater für Repertoires öffnen, Regisseure und Sänger, die in den letzten Saisons nicht regelmäßig dabei waren. Bis dahin wird er die beiden Theater betreuen, um den Übergang in beiden zu erleichtern. Ab der nächsten Saison wird Matabochs Hand auffallen, respektieren Sie immer die Produktionen, die bereits geschlossen sind, Sie möchten sogar diejenigen angeben, die dies nicht waren.
Er hat mit Nachdruck und Enthusiasmus seine künstlerische Vision und die Philosophie, mit der er später bei Real ankommt, dargelegt 16 Jahre Bürgermeister in Barcelona:
„Oper wird oft als Spektakel bezeichnet, aber es ist nicht nur oder absichtlich eine Show, als, vor allem, Es ist eine Kunst. Der Unterschied zwischen Kunst und reiner Unterhaltung besteht darin, dass Kunst uns etwas über uns selbst erzählt, während eine Show Unterhaltung ist. Kunst lässt uns fühlen und das Königliche Theater muss sie fördern und ermöglichen. Pavarotti hat es schon sehr gut gesagt: „Du regst dich auf, weil du etwas von deiner Seite tust“, und auch Hegel in seinen Vorlesungen über Ästhetik: “Die Kunst stellt dem Menschen vor, was der Mensch ist”.
Künstlerischer Leiter des Gran Teatre del Liceu seit dem Jahr 1997. Zuvor war er stellvertretender Intendant und Leiter der Dramaturgieabteilung desselben Theaters und hat auch als Journalist gearbeitet., Opernkritiker, Theater, Musik und Tanz in verschiedenen Publikationen .
Hat die Klavierkarriere, Gesang und Harmonie, Er hat einen Abschluss in Informationswissenschaften der Autonomen Universität Barcelona und Soziologie an der Universität Complutense Madrid studiert.
Er ist Gründer und Präsident von Opera Europa und Mitglied der Jurys renommierter internationaler Wettbewerbe., musikalisch und lyrisch.
Als künstlerischer Leiter des Gran Teatre del Liceu war er, in den letzten fünfzehn Jahren, der für die künstlerische Programmierung des Theaters verantwortliche Person und während seiner Leitung hat er die Standardisierung des Repertoires der großen Komponisten des 20. Jahrhunderts im Liceu begünstigt, zusätzlich zur Förderung der Anwesenheit der besten Sänger, Orchester- und Bühnenleiter des internationalen Kreises.
Joan Matabosch hat sich immer wieder für Neuproduktionen mit großen spanischen Theaterregisseuren wie La Fura dels Baus entschieden, Calixto Bieito, Comedians, Mario Gas, Nuria Espert, Lluís Pasqual, José Luis Gómez, Alex Rigola, Raffael Duran, etc. Es hat auch Koproduktionen mit großen internationalen Theatern bevorzugt und ein großes audiovisuelles Projekt entwickelt, das mehr als fünfzig Ausgaben von Produktionen des Gran Teatre del Liceu umfasst.

Meine Seele
Raquel ANdueza
die Galania
Seelen- und Körpermusik

Die Sopranistin Raquel Andueza und ihre Gruppe La Galanía, haben ihr neues Album vorgestellt, Alma Mía. Es ist eine Sammlung von Opernarien eines der bedeutendsten Barockkomponisten der venezianischen Schule, Antonio Cesti (1623).
Barockmusik ist in der klassischen Szene zunehmend präsent und es gibt mehrere Interpreten, die ihre Verbreitung befürworten. Raquel Andueza und der Theorbist Jesús Fernández Baena, Sie führen seit Jahren die Gruppe La Galanía. Konfrontiert mit den Schwierigkeiten oder Anforderungen der großen Plattenfirmen, beschlossen, ein eigenes Plattenlabel zu gründen und selbst zu produzieren. Dies hat ihnen die Freiheit gegeben, kleine Barockperlen zu präsentieren. Kompositionen, die von der einfachen Begleitung von Theorbe und Gesang ausgehen, bis zu diesem letzten, aufwändigeren Werk, in das er einführt, unter anderem, kontinuierlicher Bass.
Antonio Cesti, wie andere, es geriet nach einer ersten Glanzzeit in Vergessenheit und findet sich nun in diesem Werk wieder. Er widmete sich hauptsächlich der Komposition von Opern und Kantaten und das Album ist eine Zusammenstellung der besten Beispiele für jede der Facetten. Das Ergebnis ist ein rigoroses und dokumentiertes Werk, das die Qualität bietet, an die Raquel Andueza uns bereits an der Spitze dieser Barockgruppe gewöhnt..

Aida Mastranza

Das Teatro de la Maestranza veranstaltet im Oktober zwei gefeierte Shows der Saison 2013-2014: die Aufführung von Aida von Verdi und das Konzert des Gitarristen Vicente Amigo.
Eröffnung des Opernzyklus dieser Spielzeit, Tag 25, 28 und 31 Oktober 3, 6 und 9 November, Ein grandioser Titel des italienischen Komponisten Giuseppe Verdi erreicht die Maestranza, Aida. In einer Koproduktion des Gran Teatre del Liceu und des Santander Music Festival, José Antonio Gutiérrez wird für die Inszenierung eines so emblematischen Titels verantwortlich sein. Eine Besetzung aus unvergleichlichen Stimmen wie die von Tamara Wilson, Alfred Kim, Markus S. Dose, Dmitri Uljanow und Maria Luisa Corbacho, inter, steht vor der ambitionierten Herausforderung, eine der stimmlich anspruchsvollsten Opern des Repertoires zu interpretieren, auch landschaftlich. Aida wird in sechs Aufführungen unter der Leitung von Maestro Pedro Halffter an der Spitze des Sinfonieorchesters von Sevilla aufgeführt.
Der Flamenco-Gitarrist Vicente Amigo kehrt in die Maestranza zurück, um den Flamenco-Zyklus mit einem Konzert zu eröffnen, in dem er sein neues Werk Tierra vorstellt; ein Album, das Flamenco-Wurzeln mit subtilen keltischen Einflüssen mischt. Tierras beruhigende Musik wurde vollständig vom Gitarristen komponiert, obwohl es von Fletcher arrangiert wurde und letzten Januar beim Scottish Celtic Connections Festival der Öffentlichkeit präsentiert wurde.
Vinzenz Freund, Geboren auf Guadalcanal (Sevilla), aber in Córdoba aufgewachsen und erzogen – und von Córdoba fühlt er sich- er ist heute einer der großen Meister der Flamenco-Gitarre, dem er eine besondere innere Sensibilität gegeben hat, die seine Berührung ausmacht, hat vez, intim und rhythmisch, vielleicht wegen des doppelten Einflusses, den es in seinen Ursprüngen erhielt.

alles im grünen Bereich

ABAO-Olbe (Bilbao Vereinigung der Freunde der Oper) beginnt seine 62 Spielzeit mit der Bilbao-Premiere von Giovanna d’Arco, siebte Oper von Giuseppe Verdi, die während seiner „Galeeren“-Jahre komponiert wurde, Damit eröffnet er auch die achte Ausgabe von Tutto Verdi, die seit Beginn seiner Karriere in der Saison bereits zwanzig Opern des italienischen Meisters enthält 2006-2007. die nächste 21, 24, 27 und 30 September, gesponsert von der Abteilung für Kultur der baskischen Regierung, dieser Titel kommt auf die Bühne und wird wegen der bewegenden Schönheit seines Chorsatzes und seiner Arien bewundert, bei einer außergewöhnlichen Gelegenheit, ein ungewöhnliches Werk auf der Bühne zu genießen, das von wichtigen Musikfestivals wiederentdeckt wird. In dieser poetischen Vision der dramatischen Geschichte von Santa Giovanna d'Arco, das junge französische Bauernmädchen, das für die Befreiung ihrer Heimat kämpft, das traditionellste Verdi wird mit Seiten von echter Schwierigkeit und Schönheit kombiniert, die uns einen Blick auf das großartige Werk von Bussetos Genie in zukünftigen reifen Kompositionen werfen lassen. Leben zu geben, um die Zeichen dieser Tragödie und das Gesicht ihrer musikalischen Komplexität, ABAO-OBE hat eine Besetzung zusammengestellt, angeführt von der sehr persönlichen bulgarischen Sopranistin Krassimira Stoyanova, der in der Rolle der 'Giovanna' debütiert, eine anspruchsvolle Rolle, die die bemerkenswertesten Stücke der Arbeit bietet. Neben ihr, Der asturische Tenor Alejandro Roy kehrt nach Bilbao zurück, um König von Frankreich „Carlos VII“ zu werden. Komplettiert wird das Spitzentrio mit dem Debüt in der Association des italienischen Baritons Claudio Sgura als „Giacomo“, an den gequälten Vater und Spitzel seiner Tochter. Die Besetzung wird durch den Bass Miguel Ángel Zapater als „Talbot“ und den Tenor Eduardo Ituarte als „Delil“ abgeschlossen.. Die musikalische Leitung obliegt dem Franzosen Yves Abel, einer der interessantesten Regisseure seiner Generation, der nach Bilbao zurückkehrt, um das Euskadiko Orkestra Sinfonikoa zu dirigieren. Mit zahlreichen Eingriffen während der Aufführung, der Opernchor von Bilbao, von Boris Duchin gerichtet, Dieser Abschnitt ist. Auf der Bühne, eine elegante Produktion des Teatro Regio di Parma, konzipiert von ABAO-Debütantin Gabriele Lavia. Als grundlegendes Element davon, ein großes Gemälde, das einen Kavallerieangriff zeigt, das sich in eine Reihe von mobilen Panels verwandelt, um Szenenwechseln eine große Agilität zu verleihen. Dieser Kavallerieangriff ist von den Bildwerken der verdischen Zeit inspiriert, Nachbildung einer Kriegsszene aus dem Risorgimento, eine Zeit, in der Italien darum kämpfte, sich als unabhängige Nation zu etablieren. Auf diese Weise Giovannas Aktion, geschah zu einem früheren Zeitpunkt, wird umrahmt und spielt als Metapher für den inspirierenden Impuls des italienischen Meisters. außerdem, Die Passagen, die im Wald stattfinden, sind bemerkenswert für ihre Schönheit und wunderbare Beleuchtung. Dazu trägt auch die reiche und bunte Garderobe bei, Werke von Andrea Viotti, eine getreue Nachbildung der üblichen Kleidung der Zeit, in der die Geschichte spielt. Vortrag über „Giovanna d’Arco“ Um zu analysieren, im Vorfeld der Premiere, die wichtigsten Aspekte dieser Oper von Verdi, ABAO-Olbe eine Konferenz zu organisieren, Freier Eintritt bis zur vollständigen Kapazität, am Freitag, 20 September im Hotel Ercilla an 20.00 Stunden. Entdecken Sie bei dieser Gelegenheit die Besonderheiten von Giovanna d'Arco, der bekannte Schriftsteller und Musikkritiker Fernando Fraga.

Placido Domingo, Bariton
Engel Joy Blau, Sopran [Simon Boccanegra / Amelia]
Aquiles Machado, Tenor [Simon Boccanegra / Gabriele - Don Carlo / Carlo]
Fernando Piqueras, Bariton [Simon Boccanegra / Paolo]
Bonifaci Carrillo, niedrig [Simon Boccanegra / Pietro]
Gianluca Buratto, niedrig [Simon Boccanegra / Fiesco - Il Trovatore / Ferrando - La forza del destino / Surgeon]
Chor der Generalitat Valenciana
Francesc Perales, Direktor
Orquestra de la Comunitat Valenciana
Pablo Heras-Casado, Direktor
Sony Classical

erste, Placido Domingo aufgezeichnet ein ganzes Album (tiutulado Verdi) mit einem Repertoire von Bariton und der bedeutendsten Arien von Giuseppe Verdi, einschließlich Rigoletto, La traviata und Simon Boccanegra. Er hat den großen Tenor-Arien gesungen, Der Sonntag wird gestartet, um die dunkelsten und tiefsten Charakter der Arbeit von Verdi zu erkunden.
die 2009, Placido Domingo führte seine erste Hauptrolle als Bariton Simon Boccanegra wie das Royal Opera House in London, dem sie durch Rigoletto folgte, Francesco Foscari y Giorgio Germont in La traviata. In diesem Jahr werden an der Metropolitan Opera in New York Nabucco und Graf de Luna in Il Trovatore an der Berliner Staatsoper.
Entgegen der landläufigen Meinung, Placido Domingo begann nicht seine Karriere als Bariton. In seinen frühen Jahren sang vor allem Operetten Tenor in der Rolle des, nach dem Verdi Tenor seiner Generation zu betrachten. jetzt, mit seiner Ummeldung Baritone, Er verdient der Sänger Verdi genannt werden.
"Verdi ist eine großartige Musik und Opernsänger sind dankbar", Placido Domingo sagt. Wenn denken Sie über die Evolution von seiner ersten Oper (Oberto, 1839) ein Falstaff (1893), die Änderung ist erstaunlich,. Leidenschaft, der dramatische Sinn, Empfindlichkeit ... Das war von Anfang an, sondern die Fähigkeit, einzelne Zeichen in der Musik zu entwickeln,, Verfeinerung in Orchestrierung und die allmähliche Umwandlung der italienischen Oper reflektieren ein Reifungsprozess fast wie ein Wunder. für mich, 2013 Es bedeutet eine besondere Feier, ein Tribut und ein Akt des Dankes und der Liebe Giuseppe Verdi ".
Macbeth
01 "verraten! All'anglo contro mich v'unite! … Mitleid, Respekt, liebe '

Rigoletto
02 "Auch wir sind! ... I Sprache '
03 "Courtiers, vile verdammten Rasse "

Un ballo in maschera
04 "Steh auf; Jenseits Ihr Sohn ... du warst du, wer macchiavi Seele '

La Traviata
05"Von der Provence am Di, das Sprichwort "

Simon Boccanegra
06 "Senken Sie Ihre Schwerter! ... Plebs! Patrizi! ... Die Leute von der heftigen Geschichte!«
07 "Das Schwert"

Ernani
08 "Dies ist der Ort
09 "Oh, de 'verd'anni meine "

Il Trovatore
10 "Alles ist menschenleer ...
11 "Das Blinken ihres Lächelns '
12 "What Sound!…Oh Himmel!….Durch mich, Jetzt fatale "

Don Carlo
13 »Son io, Mein Carlo '
14 "Für mich ist es am Tag kam der oberste"
15 "Was sprichst du des Todes?«

La forza del destino
16 "Dying! Enorme Sache '
17 "Fatal Urne meines Schicksals"
18 "Und wenn einige andere Beweise könnten rinvenir?«

Geist des Balkans
Balkangeist
Hesperion XXI
Jordi Savall
Ein anderes Recht

Ende des Jahres entstand die Idee, ein großes musikalisch-historisches Projekt über die Völker des Balkans und die Zigeuner- und Sepharden-Diaspora zu entwickeln 2011 während der Vorbereitung des Konzerts "Hommage an die Stadt Sarajevo", das wir beim Grec Festival in Barcelona gegeben haben 9 Juli des 2012.
Vor zwanzig Jahren, während der tragischen Ereignisse des Zerfallskrieges der ehemaligen Republik Jugoslawien, diese Stadt erlitt eine schreckliche Belagerung durch serbische Truppen; Mehr als 12.000 Menschen wurden dabei getötet und mehr als 50.000 schwer verletzt.
Europa im Besonderen und die Welt im Allgemeinen reagierten mit absolutem Schweigen und einer mehr als fragwürdigen Entscheidung, nicht in den Konflikt einzugreifen., was zur Verlängerung der heftigen Belagerung der bosnischen Hauptstadt um vier Jahre führte (1992-1996).
Eine internationale Intervention würde nur entscheidend eingreifen 1995, aber dann mehr als 20 Millionen Kilo Geschosse und Granatsplitter hatten die physische und menschliche Geographie dieser Stadt bereits für immer entstellt..
aus alten Zeiten, Sarajevo war die kulturelle Kreuzung der Balkanhalbinsel, wo die Traditionen der slawischen Welt, ob orthodox oder katholisch, Sie vermischten sich in perfekter Harmonie mit den neu angekommenen Kulturen, wie die des Islam der osmanischen Türken, die den Balkan mehr als vierhundert Jahre lang beherrschten, oder die des Judentums der Sephardim, die dort nach ihrer Vertreibung von der Iberischen Halbinsel Zuflucht fanden 1492.
„Jener letzte Krieg auf dem Balkan – betont Paul Garde – brach plötzlich in einem Europa aus, das ein halbes Jahrhundert lang zutiefst befriedet war und sich nicht an die Härte der Geschichte erinnerte.
Daher das Missverständnis, der Verdacht gegenüber dieser Region und das Wiederaufleben von Stereotypen, die sie als ewig zu Verbrechen und Schande verdammt beschreiben».
Gilt immer noch als „Pulverfass Europas“, wir dürfen nicht vergessen, como subraya Predrag Matvejević, dass diese Halbinsel auch "die Wiege der europäischen Zivilisation" war.
Diese Halbinsel der Mittelmeerwelt erstreckt sich von der Insel Cythera im Süden bis zur Donau und Save im Norden.; Laut Georges Castellan, in ihr, "eigentlich, der Olivenbaum erreicht Istanbul nicht und die bulgarischen Regionen haben den Winden des Mittelmeers nichts zu verdanken.
aber, vom Peloponnes bis Moldawien, Obwohl sich die Landschaften ändern, Städte und Gemeinden haben gemeinsame Merkmale: Kirchen mit byzantinischen Kuppeln überall, oft eine Moschee, und diese Häuser mit großen Galerien (Pergola) oder diese Gasthöfe (ein), Haltepunkte für Wohnwagen, die wir sowohl in Patras als auch in Bukarest gefunden haben, in Skodra wie in Plovdiv, ohne die Straßenstände zu vergessen, an denen der Handwerker einen türkischen Kaffee anbietet, immer noch auf die Kupferplatten hämmern.
eine Familienähnlichkeit? deutlich, das von verschiedenen Völkern, die, nach einem langen gemeinsamen Abenteuer, bilden innerhalb Europas eine spezifische Kulturzone».
Einfühlsame Reisende werden eine gewisse Lebenskunst beobachten, eine Art Geist des Balkans, der Muße zu assoziieren weiß, Geselligkeit u, vor allem, Sinn für Gastfreundschaft, ein wesentlicher Wert, der von allen Gesellschaften des Balkans immer hoch geachtet und besonders in ländlichen Gebieten gepflegt wird.
aber, diese Balkan-Spezifität vollständig zu verstehen, Wir müssen in die Geschichte gehen.
Der Untergang des Römischen Reiches im 5. Jahrhundert brachte sie hervor, im östlichen Mittelmeerraum, bis zur Gründung des Byzantinischen Reiches – dessen Hauptstadt Konstantinopel mehr als tausend Jahre lang die größte und reichste Stadt auf dem Balkan war, bis 1453 – das sollte die Halbinsel politisch und religiös vereinen, die Installation des Erbes eines orthodoxen Christentums, das ein wesentliches Merkmal der Mehrheit der Balkanländer bleibt.
jedoch, Im sechzehnten Jahrhundert, Der gesamte Balkan würde in die Hände des Osmanischen Reiches übergehen, von was wäre von 1453 Istanbul, würde die tolerante Haltung des traditionellen Islam gegenüber der christlichen Mehrheit als „Leute des Buches“ einnehmen, solange es die muslimische Herrschaft akzeptierte und die Steuern zahlte, die seine Mitglieder vom Militärdienst befreiten.
Diese osmanische Eroberung brachte auch erhebliche Veränderungen in der Humangeographie der Region mit sich..
Auf der einen Seite, führte eine dritte Religion ein, der Islam, und verursachte gleichzeitig Verwüstungen und massive Migrationen, die zu einer unentwirrbaren Bevölkerungsmischung führten, Sprachen und Kulturen.
Daran erinnert sich Manuel Forcano, nach dieser einwanderung beziehen sich die osmanen auf die halbinsel mit dem wort balkan, aus zwei türkischen Wörtern, bal y kan, Was bedeuten „Honig“ und „Blut“?.
Sie entdeckten nicht nur den Reichtum der Gegend (seine Früchte, die Süße deines Honigs), aber auch wie mutig, kriegerisch und rebellisch, das waren seine Bewohner, da sie hartnäckig gegen die Eindringlinge kämpften.
Das Osmanische Reich begann im späten 17. Jahrhundert an Macht zu verlieren.. Die Österreicher eroberten Ungarn zurück, Vojvodina und Slawonien. letzte, in 1739, Der Vertrag von Belgrad wurde unterzeichnet und beendete einen langwierigen Krieg zwischen den beiden Reichen, und die Grenze stabilisierte sich anderthalb Jahrhunderte lang an der Save, die Donau und die Gipfel der siebenbürgischen Alpen.
Im 19. Jahrhundert, Nationalgefühl entwickelte sich in ganz Europa und, in demselben Impuls, alle christlichen Nationen, die den Türken unterworfen waren, rebellierten gegen sie: Serbien (1804), Montenegro (1820), Griechenland (1821), Walachei und Moldawien, die sich zu Rumänien zusammenschlossen (1877), Bulgarien (1878).
Wir erleben eine kulturelle Renaissance, Sprach- und Literaturwissenschaft der verschiedenen Völker: Ungarn, rumänisch, Slowenen, Kroaten, Serben.
in 1912, Der erste Balkankrieg brach aus: Serbien, Griechenland, Bulgarien und Montenegro konnten sich verbünden, um gegen das Osmanische Reich zu kämpfen.
Die zweite brach ein Jahr später aus und endete mit der Niederlage der Bulgaren; Serben und Griechen teilten Mazedonien, und Albanien wurde unabhängig.
Dann ging es gleich los, wegen dem balkan, der erste Weltkrieg, Nach der Ermordung von Erzherzog Franz Ferdinand der 28 Juni 1914 in Sarajewo.
Schmelztiegel der Völker, Zungen, Überzeugungen und Kulturen, Der Balkan stellt das geheimnisvollste Bild jenes „anderen Europas“ dar, aufgrund seiner Zugehörigkeit zum Osmanischen Reich, lebte mehr als vierhundert Jahre fast vollständig außerhalb der großen kulturellen und sozialen Strömungen Westeuropas.
Der Balkan war ein heiß umkämpfter Scheideweg: reicher Treffpunkt u, hat vez, Terrain dramatischer Konfrontation.
Trotz der gewalttätigen Umwälzungen, die seine Geschichte prägen, sowie seine sprachliche und politische Fragmentierung, Die Völker des Balkans teilen weiterhin eine beträchtliche Anzahl kultureller Merkmale und das Erbe ihrer historischen Vergangenheit.
Genau diese Eigenschaften wollen wir in dieser ersten Aufnahme mit den von uns eingeladenen Musikern, die diesen unterschiedlichen Kulturen angehören, hervorheben., Religionen und Regionen.
Gemeinsam mit ihnen haben wir uns vertieft, verschiedene Musik ausgewählt und aufgenommen, um ein wunderschönes altes musikalisches Florilegium zu sammeln, Traditionell und beliebt zugleich, aus diesem faszinierenden und immer noch sehr geheimnisvollen Teil Osteuropas.
Wir sind davon überzeugt, dass dank der Emotion, die Vitalität und Schönheit all dieser Musik, wir werden dieses Gefühl besser verstehen können, das wir gerne als das musikalische Bild eines authentischen «Spirit of the Balkans» definieren..
in Westeuropa, heute vermittelt den Eindruck, dass die 'Balkan'-Kultur, populär gemacht durch die Filme von Emir Kusturica oder die Musik von Goran Bregoviç, ist zu einem sicheren Wert geworden.
Balkan-Musikfestivals vermehren sich, Konzerte von Fanfare Ciocârlia oder Boban Markovic füllen die Hallen.
Traditionelle Balkanmusik, oder zumindest, Die Vorstellung der Westler davon, nimmt bereits einen Platz in der Weltmusikabteilung jedes gut sortierten Plattenladens ein.
dafür, wir wissen sehr wenig über das weniger «folkloristische» Repertoire, das nicht auf die mentalen Projektionen der westlichen Öffentlichkeit reagiert.
Vergessen wir nicht, dass die Essenz der Balkanmusik stark von der Roma-Kultur beeinflusst wurde (siehe Artikel von Javier Pérez Senz «Musik mit Roma-Seele»), etwas, das andererseits alle Musikwissenschaftler der Region zu vergessen scheint, die über «serbische» Musik sprechen, «bulgarisch» oder «mazedonisch», ganz zu schweigen davon, dass ihre Quellen und ihre Dolmetscher sehr oft "Zigeuner" sind.
Mit einigen der größten Musiker aus den verschiedenen Kulturen dieses Teils Osteuropas und den Solisten von Hespèrion XXI, wir wollten uns mit diesem außergewöhnlichen historischen musikalischen Erbe auseinandersetzen, traditionell und sogar modern, es zu studieren, auswählen und gemeinsam interpretieren, Gleichzeitig entsteht ein echter interkultureller Dialog zwischen diesen verschiedenen Kulturen, die oft durch dramatische und sehr alte Konflikte auseinandergerissen werden.
Die Auswahl der Musik für diese Aufnahme basiert auf unseren Recherchen zum sephardischen und osmanischen Repertoire, das in den wichtigsten Städten des Balkans aufbewahrt wird, vor allem, aus den Vorschlägen der verschiedenen Musiker und spezialisierten Ensembles wie Bora Dugić, Tcha Limberger, Nedyalko Nedyalkov, Dimitri Psonis, Gyula Csfk und Moslem Rahal, eingeladen, an dem Projekt mitzuarbeiten.
Wir möchten ihnen allen unseren Dank für das enorme Engagement und die wunderbaren musikalischen Interpretationen aussprechen, mit seiner Vielfältigkeit und Abwechslung, dazu beitragen, diesem "Spirit of the Balkans" Gestalt und Bedeutung zu verleihen.
Musik alter und moderner Traditionen, ländliche und städtische Musik, Musik von Feiern (die Teilenummer 14 Ciocârlia wurde anlässlich der Einweihung des Eiffelturms komponiert und aufgeführt 1889) oder Evokationen: Lieder und Tänze sehr unterschiedlicher Herkunft, von Bulgarien nach Serbien, von Mazedonien bis in die Türkei der osmanischen Grenzen, von Rumänien bis zur ungarischen Grenze, von Bosnien nach Griechenland, Von sephardischer Musik bis hin zu Zigeunertraditionen.
authentisches Mosaik, diese Musiken werden mit den Herkunftsinstrumenten der jeweiligen Kultur interpretiert: gerissen, gûdulka (Bulgarische Lire), Tambura, griechische Leier, Geige, Kanon, alt, Trommel, nein, Santur, Schilf, Violine und Kontrabass, frula, Ungarisches Becken, Akkordeon, Orgel und Gitarre, usw..
Die Gesamtheit dieser Musiken ermöglicht es uns, eine wahrhaft multikulturelle Karte der musikalischen Traditionen dieses reichen Teils Osteuropas hervorzurufen, die mit ihrer Vitalität und Leidenschaft überraschen und fesseln., sondern auch für seine Schönheit und seine Spiritualität.
Das finden wir dann, trotz der unterschiedlichen nationalen Besonderheiten, die verschiedenen Völker der Balkanhalbinsel sind oft durch dieselben Merkmale auf einer tieferen Ebene verbunden.
Diese erste Aufnahme Spirit of the Balkans ist ein Auftakt zu dem großen Projekt der Buch-CD Miel y Sangre über die Musik und Geschichte dieser Region, das wir für das Ende des Jahres vorbereiten.
Die Festigung des Friedens auf dieser Halbinsel ist nach wie vor ein schwieriges Unterfangen; besonders akzentuierte Schwierigkeiten in den von den Kriegen am stärksten betroffenen Regionen: Bosnien und Kosovo.
jedoch, Verständigung und Integration zwischen den verschiedenen Völkern des Balkans können nur durch eine echte Aussöhnung erreicht werden – ähnlich wie sie vor einem halben Jahrhundert von den Franzosen und Deutschen durchgeführt wurde – und durch die Integration aller Länder der Halbinsel in die Europäische Union.
Wie Paul Garde sagt, „Sie müssen keine Europäer werden, Sie sind".
jedoch, der "engel der geschichte" schreitet rückblickend voran, und all dies erfordert einen wichtigen Prozess der Versöhnung zwischen den Identitäten und der Vergangenheit eines jeden, Integration aller Schichten der Balkangeschichte; insbesondere, osmanisches Erbe.
Wir glauben auch, als Destacan Jean-Arnault Dérens und Laurent Geslin, dass „die Völker des Balkans in dieser Wiederentdeckung ihrer eigenen Geschichte und ihrer vielfältigen Identitäten endlich wieder in der Lage sein werden, ihr Schicksal vollständig zu meistern, Gleichzeitig skizziert er eine andere Art, Europäer zu sein, die die Westler immer wieder in Erstaunen versetzen wird.».

Jordi Savall. Bellaterra, Frühling 2013

Liebe Surprises

JEAN-PHILIPPE RAMEAU
Die Überraschungen der Liebe
Oper-Ballett. Paris, 1758
Glossa

Die ansteckende Energie und mitreißende Musikalität von Sébastien d’Hérin und Les Nouveaux Caractères geben ihr Debüt im Glossa mit einem erstklassigen Operngericht, noch nie in Gänze aufgezeichnet: Die Überraschungen der Liebe, Opernballett von Jean-Philippe Rameau in drei Akten oder unabhängigen Einträgen, veröffentlicht in 1748 und anschließend mehreren Revisionen unterzogen. Werk von der herrlichen Reife des Komponisten, stammt aus der Zeit, als, schließlich, war bei Gericht beschäftigt.
Drei Geschichten einer Liebe, die mit Aggression konfrontiert ist (Die Entführung von Adonis), Gleichgültigkeit (Die verzauberte Leier) und das Getränk (Anakreon) werden in dieser fesselnden Inszenierung durch einen Mix aus Arien inszeniert, Dialoge und Duette mit der ganzen Bandbreite von Rameaus Orchestergenie – inklusive Kriegs- und Traumszenen, Tänze und Sturmeffekte.
Obwohl neu erstellt, Neue Charaktere (mit Sitz in Lyon) hat eine stabile Gruppe von Künstlern, die, um den exquisiten Cembalisten und Dirigenten Sébastien d’Hérin, präsentiert hier Gesangssolisten vom Format einer Karine Deshayes, Caroline Mutel, Anders Dahlin, Virginie Pochon und Jean-Sebastien Bou, verantwortlich für die Darstellung einer ganzen Reihe mythologischer Charaktere wie Amor selbst, zu seiner Mutter Venus, zur Jägerin Diana, zur Meerjungfrau Parthenope, an die Muse Urania oder den Trinker-Dichter Anakreon, All dies in einer äußerst einfallsreichen Partitur, die keine andere als Madame de Pompadour in der Besetzung ihrer Premiere aufwies..

Antonio Fauro

Das Teatro de la Zarzuela eröffnet diese neue Spielzeit mit der Zarzuela, in Konzert, Die Tempranica. Premiere in diesem gleichen Theater auf 19 September 1900, Ihre Punktzahl, Geronimo Gimenez, Es wird von vielen als Meisterwerk unserer Poesie angesehen.
Als Vorschuss zu diesem Juwel unserer Songtexte, eine Auswahl verschiedener Nummern aus der Spanischen Suite von Isaac Albéniz wird aufgeführt, mit Orchestrierung von Rafael Frühbeck de Burgos selbst.
Erster Teil:
Isaac Albeniz (1860-1909)
spanische Suite, auf. 47
(Orchestrierung von Rafael Frühbeck de Burgos)
Kastilien Granada Sevilla Asturien Aragon
Zweiter Teil:
Die Tempranica
Gerónimo Giménez (1852-1923)
Zarzuela in einem Akt und drei Gemälde von Julián Romea
(in Konzert)
Uraufgeführt am Teatro de la Zarzuela, die 19 September 1900
Kritische Ausgabe von Claudio Prieto
Allgemeine Gesellschaft der Autoren – Complutense Institut für Musikwissenschaften, 1999
VERTEILUNG
Maria, Maria Jose Montiel; ICH NAHM AUF, SALU, Virginia Wagner; SCHÄFERIN, Ana Maria Ramos*;
ALTE ZIGEUNER, Ana Santamarina*; DON LUIS, Carlos Bergasa; FAN, Ricardo Bernal; VIEJO (Sänger); Juanma Cifuentes; Herr RAMON, Juan Ignacio Artiles*; HERR. JAMES, Matthew Loren Crawford*
* Mitglied des Chores des Teatro de la Zarzuela
Musikalische Leitung Rafael Frühbeck de Burgos
Autonome Gemeinschaft Madrid Orchestra
Leiter des Teatro de la Zarzuela
Coro del Teatro de la Zarzuela
Regisseur Antonio Fauró
Samstag 21 und sonntag 22 September.

Gerard Mortier

Die Exekutivkommission des Königlichen Theaters, in seiner heutigen ordentlichen Sitzung, hat zugestimmt, die Einstellung zu genehmigen, für einen Zeitraum von sechs Jahren, von Joan Matabosch als künstlerischer Leiter des Teatro Real. Diese Entscheidung erfolgt nach Abschluss des üblichen Verfahrens zur Ernennung des Verantwortlichen für die künstlerische Leitung des Königlichen Theaters, das vor drei Monaten begonnen wurde, und bei dem Bewerbungen herausragender Fachleute verschiedener Nationalitäten berücksichtigt wurden.
Mit diesem kurzen Statement hat das Teatro Real eine seiner krampfhaftesten Wochen beendet. Die Gerüchteküche und eine gewisse Verwirrung hatten zum Saisonstart Einzug gehalten. "Die Oper ist immer die Kunst, die alle großen Leidenschaften willkommen heißt", sagte der Direktor des Theaters, Gregorio Maranon, vielleicht fehlt es den Ereignissen der letzten Tage deshalb nicht an der Dramatik und Theatralik, die man von einer Aufführung wie der Oper immer erwartet.
Letzten Mai, der bis heute Bürgermeister des Madrider Kolosseums, Gerard Mortier, wurde eine schwere Krankheit diagnostiziert. Von diesem Moment an und, angesichts der Schwierigkeit, die Saison ohne seinen Direktor an der Spitze zu beginnen, Das Exekutivkomitee des Theaters wurde eingesetzt, um eine Lösung für diese Regiekrise zu finden.
Die Nachricht verbreitete sich Anfang September in den Medien, nachdem Mortier der Zeitung El País ein Interview gegeben hatte. es, und auf eine etwas trotzige Weise, Mortier legte die Namen auf den Tisch, nach deiner meinung, er musste das Theater mischen, um ihm nachzufolgen. In denselben Aussagen, Mortier versicherte, dass er das Theater am nächsten Tag verlassen würde, wenn sein Nachfolger von der Regierung aufgezwungen würde oder wenn er nicht auf seiner Liste der „Vorschläge“ stehe.. Die angebliche politische Einmischung spielte zugunsten von Pedro Hlaffter. Die Ernennung von Matabosch (der Halffter offenbar nicht als musikalischen Leiter akzeptiert hat), Unsicherheit und Ursache beseitigen, wenn Mortier seine Drohungen erfüllt, dass der Belgier morgen die künstlerische Leitung verlässt.
Laut Marañón, künstlerische Gründe waren die einzigen, die bei einer so wichtigen Entscheidung berücksichtigt wurden. „Nationalität ist kein künstlerisches Element, nähern sich der Kunst von der Nationalität her, es ist eine Verarmung. Auch ein künstlerischer Leiter ist nicht ausgeschlossen, weil er Spanier ist.“, erklärte Gregorio Marañón mit Nachdruck.
Die Eingliederung von Matabosch in seine Führungsaufgaben steht unmittelbar bevor. Es scheint, dass die Zusammenarbeitsbeziehungen mit dem Liceu de Barcelona nicht beeinträchtigt werden und, im Prinzip und bis das Liceu einen neuen Direktor ernennt, Matabosch wird von Madrid aus auf mögliche Bedürfnisse seines bisherigen Theaters achten können.

Mutter Berlin

Die Mezzosopranistin Nancy Fabiola Herrera kehrt in dieser Saison zurück, um in New York aufzutreten, wo er als nächstes ein Rezital im Cervantes Institute in Manhattan geben wird 18 Oktober, um den 80. Geburtstag des Komponisten Antón García Abril zu feiern. Im Programm, eine Monographie, die dem Werk für Gesang und Klavier dieses herausragenden aragonesischen Komponisten gewidmet ist. der kanarische Darsteller, der letztes Jahr Maddalena de Rigoletto am Metropolitan Opera House in New York spielte, kehrt mit dieser Performance in die Stadt zurück, in der er als Künstler ausgebildet und aufgewachsen ist, und reiht sich damit in den Rezitalzyklus zu Ehren von García Abril ein, der im vergangenen Juli mit einem Abend der Mezzosopranistin María José Montiel in Santiago de Compostela begann und in dem bald weitere große Künstler auftreten werden, wie die navarranische Sopranistin María Bayo oder die irische Mezzosopranistin Zandra McMaster.
Nancy Fabiola Herrera, die das akademische Jahr mit der Eröffnung des akademischen Jahres des Conservatorio Superior de Música de Canarias mit der Konferenz Jenseits der Klassenzimmer beginnen wird: Werkzeuge, um sich der künstlerischen Realität zu stellen (die nächste 30 September um 20:00 Uhr. am Hauptsitz dieses Studienhauses auf Gran Canaria), wird später umziehen, Tag 7 und 8 Oktober, in der Bremer Kammerphilharmonie (Deutschland) El amor brujo interpretieren, Manuel de Falla, und Lieder von Xavier Montsalvatge. Später wird er an das Instituto Cervantes in New York und an das Teatro de La Maestranza in Sevilla reisen, um zwei getrennte Konzerte neben dem Klavier von Rubén Fernández Aguirre zu geben., all dies, bevor Sie sich auf Ihr Australien-Abenteuer begeben: im Sydney Opera House wird er acht Aufführungen seiner bereits legendären Carmen geben, Bizet, Hauptstadt, in der er ankommt, nachdem er die Öffentlichkeit in New York dazu gebracht hat, sich in diese Figur zu verlieben, London, Tokio und Berlin, unter anderen Städten.

Am Dienstag 3 de septiembre se hizo historia cuando el público que abarrotaba el local se dio cita en el club Asphalt de Berlín para oír a Anne-Sophie Mutter en su debut en un Yellow Lounge. La violinista superestrella dejó fascinados a 800 Musikliebhaber mit Aufführungen von Werken ihres kommenden Albums Dvořák bei Deutsche Grammophon. Stammgäste und Neuankömmlinge der Yellow Lounge nahmen die drückende Hitze dieser Nacht gleichermaßen an, das erreichte die 45 Grad, in Stille versunken zuzuhören.
Social-Media-Posts über Mutters Auftritt, präsentiert während der Berlin Music Week, führte zu einer beispiellosen Nachfrage nach Tickets. Zu den Glücklichen, die Zugang zu den Räumlichkeiten hatten, gehörten der große polnische Pianist Krystian Zimerman und mehrere Kollegen., mit dem Klarinettisten der Berliner Philharmoniker, Andreas Ottensamer, und der litauische Akkordeonist Martynas unter ihnen.
Mutters neue Aufnahme, mit dem Violinkonzert, Mazurek weiter. 49, Romanze in f-Moll op. 11 und Humoreske op. 101, núm. 7 aber Dvorak, erscheint Ende Oktober beim Gelben Siegel.

Das Royal Theatre hat einen der lebendigsten und fröhlichsten Titel des lyrischen Repertoires ausgewählt, um seine 17. Spielzeit zu eröffnen, Der Barbier von Sevilla, de Gioachino Rossini, mit der preisgekrönten Produktion von Emilio Sagi in 2005 für dasselbe Szenario. Ein Gegenmittel für Krisenzeiten, das als Auftakt für intensives Programmieren dienen wird, dessen Beginn am Samstag stattfinden wird 14 September.
Der berühmteste Barbier der Musikgeschichte kehrt in den Händen von Emilio Sagi ins Königliche Theater zurück, einer unserer internationalsten Bühnenregisseure. Da es auf dieser Bühne in uraufgeführt wurde 2005 hat verschiedene Theater bereist, einschließlich des Châtelet de Paris, hat Auszeichnungen erhalten, wie Campoamor für die beste Regie, und lebt als wertvolle dvd weiter. Diese Arbeit voller Vitalität und Freude, allerdings mit dem für Rossini so typischen Hell-Dunkel, wird die neue Saison von Real eröffnen. Die schönste Opera Buffa, die es gibt, wie Verdi sagte, Es ist eine Herausforderung für alle, die sich ihr stellen, Gerade weil es einer der beliebtesten Titel im Repertoire ist und wegen der zahlreichen Schwierigkeiten, die sich unter seiner sprudelnden Erscheinung verbergen.

Maria Jose Montiel

Die Madrider Mezzosopranistin María José Montiel wird zur Einweihung auf die Bühne des Teatro de La Zarzuela zurückkehren, Tag 21 und 22 September, der Kurs 2013-14, und er wird die Hauptrolle in La Tempranica spielen, Geronimo Gimenez, Zarzuela in einem Akt mit einem Buch von Julián Romea und uraufgeführt im Kolosseum der Jovellanos-Straße a 113 Jahre alt, die 19 September 1900. Das Werk wird in Konzertfassung angeboten und mit Rafael Frühbeck de Burgos am Pult stehen, der letzte Saison in La Zarzuela hätte agieren sollen, Verschiebung der Verlobung aus gesundheitlichen Gründen. Dass Montiel in seiner Heimatstadt auftritt “es ist wunderbar, Anders kann ich es nicht beurteilen. Aufgrund meiner Verpflichtungen in anderen Städten, Ich habe lange nicht mehr in Madrid gesungen, und dieses Wiedersehen ist etwas ganz Besonderes: Ich mache es mit einer Zarzuela-Tochter dieses Landes, seit es in demselben Theater uraufgeführt wurde”. Sie werden Montiel bei diesen Aufführungen begleiten, unter anderem, Carlos Bergasa, Ricardo Bernal und Virginia Wagner zusammen mit dem Orchester der Gemeinschaft Madrid und dem Chor des Teatro de La Zarzuela, ein Abend, der auch Werke von Joaquín Rodrigo beinhaltet (Hommage an La Tempranica) und Isaac Albéniz (eine Auswahl aus seiner Spanischen Suite).

Tenor Alejandro Roy wird Carlos VII. In Giuseppe Verdis Oper Giovanna d'Arco sein, die als nächstes die Bühne betreten wird 21 September, Einweihung der 62 Opernsaison in Bilbao ABAO-Olbe. Roy wird den ursprünglich geplanten Fabio Sartori ersetzen, wer aus persönlichen Gründen gezwungen wurde abzusagen, unter anderem, auch diese Verpflichtung. Alejandro Roy gilt als einer der vielversprechendsten Tenöre seiner Generation, Im selben Jahr spielte er in einem ungewöhnlichen Ereignis im Teatro de la Zarzuela mit der Zugabe von "The Hungarian Song" von Amor de Dios, etwas, das in diesem Genre seit mehr als nicht mehr passiert war 30 Jahre alt. Er hat mit renommierten Lehrern und Regisseuren in den wichtigsten europäischen Theatern zusammengearbeitet und verfügt über ein breites Repertoire an Zarzuela und Oper mit herausragenden Rollen in Il Barbiere di Siviglia, Das türkische in Italien, Stabat Mater, La Sonnambula, L'elisir d'amore, Lucrezia Borgia, Das lied von der Erde, Macbeth, La Boheme, Nabucco, Tosca, Carmen oder Turandot, unter anderem. Zu seinen jüngsten Hits gehört Beatrice di Tenda in Catania, La Traviata im Sferisterio de Macerata, Carmen in der Arena von Verona, Turandot in Neapel, Tosca in der Arena von Verona, Oviedo, Bari, Triest und Torre del Lago, Macbeth beim Festival de Savonlina und die Schlacht von Legnano im Regio von Parma. In ABAO-OLBE haben Carmen und Nabucco gesungen, Titel, mit dem er bald im Liceu de Barcelona debütieren wird.

Celso Albelo

Zu der unaufhaltsamen Liste von Anerkennungen, die Celso Albelo in den letzten Saisons gesammelt hat, müssen wir eine weitere hinzufügen: Es geht um “Giuseppe
Lugo”, Institution, die in Zusammenarbeit mit der Fondazione Arena di Verona, die Region Venetien und die Provinz Verona (Italien) und in seinem Eifer, jedes Jahr einen Tenor mit einer internationalen Karriere zu belohnen, hat beschlossen, den Preis anlässlich seines 20-jährigen Bestehens an die junge Sängerin aus Teneriffa zu vergeben. Die Auszeichnung, benannt nach dem Veroneser Tenor Giuseppe Lugo (1899-1980) weltberühmt in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts, hat in den letzten Jahren die Arbeit anderer berühmter Namen der internationalen Lyrik gewürdigt, als Placido Domingo, José Carreras, Giuseppe Di Stefano oder Franco Corelli, um nur ein paar zu nennen.
Die Preisverleihung findet im Rahmen eines anschließend stattfindenden Konzertes statt 2 Juli in der Villa Vento in Custoza (Verona) bei dem der kanarische Tenor von der Sopranistin Linda Campanella begleitet wird, die Mezzosopranistin Rossana Rinaldi, der Bariton Bruno de Simone und der Bass Romano dal Zovo.

Requiem Verdi

Das beste des Abends war die Sopranistin, mit einer sehr starken Stimme, Nehmen Sie mit hohen Amplitude . Alles, was sie von einer großen Kapazität von Dramatisierung begleitet, wo sie beschäftigt eine spektakuläre Registry-Änderungen. All dies ermöglichte ein spannendes und bewegendes Libera me
Liannas überlegene Qualitäten wurden in den Duetten von Agnus Dei offenbart.. jedoch, Violeta Urmana gelöst seine Rolle mit Würde, Dank seiner großen Büro.
Ildebrando D'Arcangelo fühlte sich von Anfang an wohl und selbstsicher, im Gegensatz zu Jorge de León, dass er nicht in der Lage war, sich zu entspannen und anzugeben, wie es sein kostbares Timbre zulässt.
Viel Handwerk bewiesen die Interpreten bei diesem Requiem von Verdi im Teatro Real. Nach der Originalpartitur des Maestro de Busseto, keine Modifikationen oder neuere Versionen, der musikalische Leiter Teodor Currentzis, führte Regie bei einer aufregenden Version dieses großartigen Werks und dem Ergebnis der Reife eines Verdi, der noch einige seiner besten Werke zu komponieren hatte.
Über den Chor gibt es nichts Neues zu sagen, außer die Komplimente in einer Qualität zu wiederholen, die sie in den letzten Wochen gezeigt haben.
Dasselbe gilt für das Royal Theatre Titular Orchestra, diesmal von der Hand eines bekannten und außergewöhnlichen Taktstocks, berufen, einer der wichtigsten in den kommenden Jahren zu sein.
Auf der Höhe von Chor und Orchester, Sie zögerten nicht, die vier Solisten des Abends zu sein. Die violette Urmana, diesem Publikum bestens bekannt, es gibt keine Arbeit, die ihm an dieser Stelle widerstehen kann. das Fehlen seiner Stimme, die sind schon ersichtlich, sie werden ergänzt durch eine Professionalität und ein Bühnen-Know-how, das nur wenige haben. Es ist immer ein Vergnügen zu hören.
Der Tenor Jorge de León, das nach seiner erfolgreichen Einwechslung in Andrea Chenier vor ein paar Saisons mit Spannung erwartet wurde, enttäuscht von seiner Leistung. Unnatürlich und zu statisch, hatte einige Schwierigkeiten. Sie sollten sich entspannen und das Instrument loslassen, das Sie bereits bewiesen haben..
Der Bass Ildebrando D'Arcangelo zeigte eine tadellose Leistung. Sie ist ein Garant auf der Bühne und hat eine schöne und kraftvolle Stimme.

Doch die Überraschung konzentrierte sich auf die armenische Sopranistin Lianna Haroutounian. lange Stimme, Runde, breit und überzeugend. Er verstand es, sein Instrument zu kontrollieren und das Gleichgewicht mit den anderen Stimmen zu halten, aber es wurde nie vom Orchester gecovert. Eine sehr interessante Stimme, die eine glänzende Karriere verspricht.
Diese armenische Sopranistin ist eine der vielversprechendsten verdischen Sängerinnen ihrer Generation. Sein Repertoire reicht von der Klassik bis zur zeitgenössischen Musik, sowie geistliche Musik und Kammerlied. Er studierte am Ausbildungszentrum der Opéra national de Paris und besuchte Meisterkurse bei Christa Ludwig, Yvonne Minton und Renata Scotto. Große Erfolge feierte er kürzlich mit Les vêpres siciliennes in Bilbao und Don Carlo in Covent Garden., und hat La traviata gesungen, Otello, Un ballo in maschera, Der Troubadour y Faust en Paris, Marsella, Tours und Massy. Hervorzuheben sind auch seine Auftritte in Mozarts und Verdis Requiem, und das Stabat Maters von Dvořák und Poulenc, und seine Recitals sind in Frankreich häufig, Italien, Spanien und Armenien. Er hat den Verdi-Preis beim VI. Jaume-Aragall-Gesangswettbewerb gewonnen, den ersten und zweiten Preis beim Arlesian Lyric Forum und den ersten Preis und den Renata-Tebaldi-Preis beim Adriatic Riviera International Competition.

Madame Butterfly

Im mehr als 100 Jahre des Bestehens, Madama Butterfly ist eine der Opern, die vom Publikum am besten aufgenommen wurde. Die Schlichtheit in der typisch japanischen Ästhetik der Inszenierung und die großartigen Darsteller, die eingreifen, laden Sie ein, diese wesentliche Oper des Opernrepertoires zu sehen.
Danielle Callegari, Spezialist für italienische Oper, wird den Cor und das Liceu Orchestra leiten, das verschiedene Sänger von großem internationalem Ansehen hat. Ermonela Jaho schlüpft abwechselnd in die Rolle der Protagonistin Cio-Cio-San, Patricia Racette und Amarilli Nizza sowie in Pinkertons Jorge de León, Stefano Secco und Roberto Aronica. Drei verschiedene Optionen auf hohem künstlerischen Niveau.
mit dieser Oper, gilt als der beliebteste von Puccini, das Liceu schließt die Saison 2012-13 in denen sie gesehen wurden 30 verschiedene Sendungen (15 Opern, 11 Konzerte und 4 Ballette).

Maria Jose Montiel

Die Madrider Mezzosopranistin María José Montiel wird zur Einweihung auf die Bühne des Teatro de La Zarzuela zurückkehren, Tag 21 und 22 September, der Kurs 2013-14, und er wird die Hauptrolle in La Tempranica spielen, Geronimo Gimenez, Zarzuela in einem Akt mit einem Buch von Julián Romea und uraufgeführt im Kolosseum der Jovellanos-Straße a 113 Jahre alt, die 19 September 1900. Das Werk wird in Konzertfassung angeboten und mit Rafael Frühbeck de Burgos am Pult stehen, der letzte Saison in La Zarzuela hätte agieren sollen, Verschiebung der Verlobung aus gesundheitlichen Gründen. Dass Montiel in seiner Heimatstadt auftritt “es ist wunderbar, Anders kann ich es nicht beurteilen. Aufgrund meiner Verpflichtungen in anderen Städten, Ich habe lange nicht mehr in Madrid gesungen, und dieses Wiedersehen ist etwas ganz Besonderes: Ich mache es mit einer Zarzuela-Tochter dieses Landes, seit es in demselben Theater uraufgeführt wurde”. Sie werden Montiel bei diesen Aufführungen begleiten, unter anderem, Carlos Bergasa, Ricardo Bernal und Virginia Wagner zusammen mit dem Orchester der Gemeinschaft Madrid und dem Chor des Teatro de La Zarzuela, ein Abend, der auch Werke von Joaquín Rodrigo beinhaltet (Hommage an La Tempranica) und Isaac Albéniz (eine Auswahl aus seiner Spanischen Suite).

Segovia Festival 2013

El Patio de Armas des Alcázar, die Plaza de San Martin, Der heilige Johannes der Ritter, Garten der Zuloaga, der Garten der Königin Victoria Eugenia, Dom, der Garten der Stummen, die königliche Münze, der Hof des Architektenkollegiums und der des Hauses Andrés Laguna, Sie werden sich in Musik kleiden, um Gastgeber zu sein, die 23 Juli 4 August, das Festival von Segovia: ein Musik-Festival unterstützt durch 38 Jahren des Bestehens, in denen die besten Künstler der internationalen Szene ihre Spuren hinterlassen haben.
Mit viel weniger Budget, aber mit einem von Eklektizismus geprägten Programm, Das Segovia Festival will etwas bewegen, Wetten in diesem Jahr auf die Vielfalt, die Verschmelzung von Genres und Musikgenuss im Freien und in ausgewählten Ecken mit spektakulärer Akustik.
Von der klassischen Soulmusik-Explosion von The Stars from The Commitments, direkt aus Dublin, oder aus dem traditionellsten Argentinien mit Tango Quattro, der den Alcázar in einen Tanz- und Musiksaal durch die Geschichte des Tangos verwandeln wird, die FS wird auch den afrikanischen Kontinent erreichen, anbieten, dank einer der renommiertesten Formationen, das Trio aus Ghana The Sey Sisters, eine bedeutungsvolle musikalische Reise durch die unterschiedlichsten Genres der schwarzen Community – von Gospel und Spiritual bis hin zu Soul und afrikanischer Musik –.
Der Blick Richtung Kino wird nicht fehlen, durch Pilar Jurado und das Castilla y León Orchestra, unter der Regie von Maestro Sergio Alapont, der ein Repertoire aufführen wird, das auf Arien basiert, die in Filmen verwendet werden, oder in Richtung Tanz und Experiment dank „Der innere Blick“, eine Arbeit, bei der das Publikum die Musik auswählt, mit der es die verschiedenen Choreografien sehen möchte. Ein anderer Blick von einem Publikum, das auch wissen wird, wie man Kammermusik schmeckt, für die es definiert wurde 38 Jahre FS, und dass es in dieser Ausgabe auf Garnati Ensemble und eine provokative und intelligente Version der „Goldberg-Variationen“ setzen wird; das bretonische Quartett mit spanischen Quartetten von Tomás Bretón und Conrado del Campo; der Liszt- und Wagner-Rezital des Pianisten Antonio Baciero oder das erste E-Gitarren-Symphonieorchester der Welt, Sinfonie, dass, Von Bach bis Holst, von Vivaldi bis Falla, interpretiert Partituren mit einer beispiellosen Klangfülle und, vielleicht, ziehen um. Luis Olmos estará en Segovia para dirigir “Aires de Zarzuela” en el Patio de Armas de El Alcázar y en la Catedral se escucharán obras de Bach, Haendel, Mouret, Franceschini y Schubert, por el trío de órgano, trompetas y timbal Trioorganum.
Für das vertrauteste Publikum, die charakteristische traditionelle Familienkonzert, con Bufa & Sons y su espectáculo “Tubos del mundo”, donde interpretará piezas de blues, jazz y algunas canciones populares gracias a instrumentos hechos de materiales reciclados, como una escoba, una muleta, una escalera, una aceituna, un ladrillo, logrando un sonido de instrumentos como el bansuri, saxo, gralla, gaitas…
Das Engagement für junge hopefuls
Aber eines der Merkmale des FS ist sein Engagement für den vielversprechenden jungen spanischen Musikszene, und die FS wäre ohne seine Jugend-Festival nicht so sein,, un apartado a través del cual da a conocer el talento de los ganadores del Premio de Piano Santa Cecilia y los ganadores de los certámenes Intercentros Melómano, Pedro Bote, Gitarrenpreis der Guerrero Foundation, und die jungen Musiker der INJUVE-Zirkel.
Parallele Aktivitäten wie The Sey Sisters Gospel Masterclass, die Ausstellung „30 Jahre Gestalten für Klassisches Ballett“, in Zusammenarbeit mit dem Haus des Tanzes von Logroño, und David Gómez' Klavierkonzert „1 piano & 200 Kerzen", wird eines der spanischen Festivals mit der größten Tradition und Solidität abschließen, das kleine und große Konzerte für jedes Publikum bietet. Solange sie wissen, wie man hochwertige Musik genießt.

PROGRAMMIER
Mittwoch 24. / 22,30 h. San-Martin-Platz
Die Stars von The Commitments . “Die berühmteste Soulband der Welt”. Den freien Zugang

Donnerstag 25. / 22,30 h. Garten der Zuloaga
Pilar Jurado. Kastilien und Leon Orchester. Direktor: Sergio Alapont. „Kino-Arien“. 20 und 10 Euro

Freitag 26. / 22,30 h. Waffenhof des Alcázar
Arien von Zarzuela. Direktor: Louis Olmos. 20 und 10 Euro

Samstag 27. / 22,30 h. Waffenhof des Alcázar
Tango Quattro. „Tango-Suite“. 20 und 10 Euro

Sonntag 28. / 20,00 h. Garten der Zuloaga
FAMILIENAUSSTELLUNG. Bufa & Söhne. “Weltröhren”. 6 und 3 Euro (Erwachsene und Kinder bis 12 Jahre alt)

Sonntag 28. / 22,30h. Garten der Königin Victoria Eugenia von El Alcázar
Sinfonie. „Eine Symphonie der E-Gitarren“. Bachs Werke, Vivaldi, Holst, Mozart. Direktor: Paul Salinas. 20 und 10 Euro

Montag 29. / 22,00h. Der heilige Johannes der Ritter
Garnati-Ensemble. “Goldberg spielen”. 10 ungezählte Euro

Dienstag 30. / 22,00h. Der heilige Johannes der Ritter
Antonio Baciero, Klavier. “Recital Liszt-Wagner”. 10 ungezählte Euro

Mittwoch 31. / 22,00h. Der heilige Johannes der Ritter
Breton-Quartett. Spanische Quartette: Tomás Breton und Conrado del Campo. 10 ungezählte Euro

Donnerstag 1 August / 20,00h. Heilige Domkirche
Trioorganum . Buxtehudes Werke, Bach, Haendel, Mouret, Franceschini y Schubert. ZYKLUS DER HISTORISCHEN ORGANE. 10 ungezählte Euro

Freitag 2 August/ 19:30 Uhr. und 21:00 Uhr. Garten der Zuloaga
Der innere Blick . “Eine Reise durch Tanz und Klang”. Den freien Zugang

Samstag 3 August. / 22,30h. Königliche Münze
SCHLIESSUNG. Die Sey-Schwestern. “Afrikanisches Geister-Evangelium”. 10 ungezählte Euro

18 Junges Fest. Freier Eintritt Sitz. . – Wettbewerb für junge Darsteller “Pedro Bote”. – Gewinner des Wettbewerbs “Zwischenzentren, Musikliebhaber”. – Gewinner des Kinderklavierpreises “Santa Cecilia” . – Wettbewerb für junge Darsteller “Pedro Bote”. – Gewinner des Gitarrenwettbewerbs “Guerrero-Stiftung”

Der Postbote

Das Königliche Theater Angebot, zwischen den Tagen 17 und 28 Juli, fünf Aufführungen der Oper Il postino, des mexikanischen Komponisten Daniel Catan (1949-2011), großer Förderer und Förderer der Oper auf Spanisch. September in Los Angeles uraufgeführt 2010, Die Arbeit ist vom gleichnamigen französisch-italienischen Film inspiriert, gerichtet an 1994 von Michael Radford und basiert auf dem Roman Burning Patience des chilenischen Schriftstellers Antonio Skármeta, veröffentlicht in 1983. Obwohl das Libretto von Il postino auf Spanisch geschrieben ist, Das Werk musste aufgrund vertraglicher Vereinbarungen mit den Filmproduzenten den Titel des italienischen Films behalten.
Placido Domingo, Freund des Komponisten, gab die Partitur für die Los Angeles Opera in Auftrag, das es gemeinsam mit dem Theater an der Wien und dem Théâtre du Châtelet produziert hat. Daniel Catán konnte der Uraufführung beiwohnen, im September 2010 und nach seiner Präsentation in Wien, aber der Tod überraschte ihn im April 2011 in Austin (Texas), zwei Monate bevor es in Paris auf die Bühne ging. Der Komponist erzählte dann 62 Jahren und vertiefte sich in die Komposition seiner fünften Oper (den ersten nicht mitgezählt, die er selbst abgebrochen hat), Treffen Sie John Doe, nach dem gleichnamigen Film von Frank Capra. Für die vorhergehenden Opern, tal como en Il postino, er wandte sich an lateinamerikanische Schriftsteller wie Octavio Paz in La hija de Rappaccini (1994), Gabriel García Márquez (Liebe in der Zeit der Cholera) in Florenz am Amazonas (1996), oder Eliseo Alberto und Francisco Hinojosa in Salsipuedes: eine Liebesgeschichte, Krieg und Sardellen (2004).
Vicente Ombuena, der die Rolle des Pablo Neruda am Fine Arts Theatre of Mexico und am Municipal Theatre of Santiago de Chile spielte, wird Plácido Domingo in den fünf Aufführungen des Teatro Real ersetzen. Zwei der Sänger, die ihn begleiteten, haben an der Uraufführung der Oper mitgewirkt: die Chilenin Cristina Gallardo-Domâs, die an den sechs Aufführungen dieser Produktion beteiligt war (über 25 Funktionen)- und Mezzosopranistin Nancy Fabiola Herrera, der es in Los Angeles und Santiago und Chile sang. Der italienisch-amerikanische Tenor Leonardo Capalbo wird seine Rollen in Madrid debütieren, como Mario Ruoppolo, und die spanische Sopranistin Sylvia Schwartz, als Beatrice Russo, der zum ersten Mal am Teatro Real singen wird, nachdem er in den wichtigsten europäischen Theatern aufgetreten ist.
Pablo Heras-Casado, die an der Saison teilgenommen haben 2010-2011 del Real in einer gefeierten Aufführung von Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny, wird erneut die Chor- und Orchesterschlagzeilen des Königlichen Theaters anführen, nachdem er die renommiertesten Orchester und Gruppen für barocke und zeitgenössische Musik in Europa und Amerika dirigiert hatte.

Torroella-Fest

die 19 Im Juli beginnt eine neue Ausgabe des Torroella Music Festival. Das Eröffnungskonzert bietet eine Aufführung des Hausorchesters des Festivals, Akademie 1750, unter der Regie von Enrico Onofri und den Stimmen von Nuria Rial (Sopran) und Xavier Sabata (Altus ). Sie interpretieren Werke von Rincon de Astorga, Händel, Vivaldi und Porpora.
Das Eröffnungskonzert des Festivals ist gleichzeitig die offizielle Eröffnung des Espacio Ter Auditorium in Torroella.
EL de Torroella ist ein Festival, das stetig gewachsen ist und sich gefestigt hat 33 Jahre schon. Während dieser ganzen Zeit hat er die besten Dolmetscher herbeigerufen, Orchester und Dirigenten, bis es zu einem der beeindruckendsten Sommerfestivals wird.
Das Internationale Musikfestival von Torroella de Montgrí begann das Jahr 1980 mit einem Zyklus von wenigen Konzerten, die in der mittelalterlichen Architekturkulisse der Altstadt stattfanden, Gotische Kirche San Genís, Gotisch-Renaissance-Arkadenplatz und Altes Augustinerkloster, Ende des 17. Jahrhunderts. Bis zum Jahr 2012 Gefeiert wurde 32 Auflagen mit insgesamt 670 Konzerte und eine Besucherzahl von mehr als 300.000 Zuschauer.

PROGRAMMIER:
1.- Freitag 19 Juli / 22 h / Auditori Espai Ter
Eröffnungskonzert des Auditori Espai Ter
Akademie 1750
Nuria Rial, Sopran; Xavier Sabata, Altus
Enrico Onfri, Direktor
Werke von Rincon d'Astorga, Händel, Vivaldi und Porpora

2.- Freitag 26 Juli / 22 h / Kirche St. Genius
Staatschor Berliner Dom (Staaten- und Domchor Berlin)
Ludwig Obst, Bariton | Lautten Compagney Berlin | Christian Philipp, Produktion und Regie
Kai-Uwe Jirka, Direktor
Werke von J.. S Bach und Knut Nystedt

3.- Sonntag 28 Juli / 22 h / Auditori Espai Ter
uri Caine, Klavier
Die Klassiker im Rhythmus des Jazz

4.- Freitag 2 August / 22 h / Auditori Espai Ter
Elisabeth Leonskaja, Klavier
Werke von Mozart, Beethoven und Tschaikowski

5.- Samstag 3 August / 22 h / Auditori Espai Ter
Akademie 1750
Pablo Valetti, Direktor
Werke von Ferran Sor
Konzert zum Gedenken an Ernest Lluch

6.- Sonntag 4 August / 22 h / Auditori Espai Ter
Ute Lemper, Stimme | Víctor Villena, bandoneón | Vana Gierig, Klavier
Der letzte Tango in Berlin.

7.- Montag 5 August / 22 h / Auditori Espai Ter
Stuttgarter Kammerorchester
Wolfram Christ, Direktor
Werke von Mozart, Chaikovsky und Dvorák

8.- Freitag 9 August / 22 h / Auditori Espai Ter
Freiburger Barockorchester
Gottfried von der Goltz, Direktor
Die Orchestersuiten von J. S Bach

9.- Sonntag 11 August / 22 h / Auditori Espai Ter
Quartet Qvixote y Quartet Gerhard
Werke von Schumann und Mendelsson

10.- Donnerstag 15 August / 22 h / Auditori Espai Ter
Ivan Martin, Klavier
Werke von Antoni Soler, Debussy und Chopin

11.- Freitag 16 August / 22 h / Kirche Sant Genís
Neu Sarao
Mercedes Hernández, Sopran; Marta Infante, Mezzosopran; José Pizarro, Tenor; Guadalupe del Moral,
barocke Geige; Manuel Vilas, Gerste; Oriol Aymat, barockes Cello; Raffael Bonavita, Barockgitarre und musikalische Leitung
Zweites Buch der Töne und Weihnachtslieder zu a, Von, drei- und vierstimmig von Joan Araniés, Kapellmeister der Kathedrale Seu de Urgell im 17. Jahrhundert.

12.- Sonntag 18 August / 22 h / Auditori Espai Ter
Hesperion XXI
Jordi Savall, Viola da Gamba, Sopran und Dirigieren
Musik Europa, 1500-1700
Mit Unterstützung der Kulturabteilung der Generalitat de Catalunya und dem „Kulturprogramm“ der Europäischen Union

13.- Donnerstag 22 August / 22 h / Auditori Espai Ter
Joaquín Achúcarro, Klavier
Brahms arbeitet, Rachmaninov, Granados, Albeniz und Ravel

14.- Dienstag 27 August / 20 h / Stadtplatz
Die Geräusche von Torroella, von Albert Guinovart
BCN Blechbläserensemble
Albert Guinovart, Klavier; Bertha Vidal, Schauspielerin

Weitere Informationen: http://www.festivaldetorroella.cat

Verdi

die 1 und 3 de julio el Teatro Real ofrece su novena noche. La Messa de Requiem de G. Verdi estará dirigida por Teodor Currentzis. El cuarteto solista está formado por la soprano Lianna Haroutounian, la mezzosoprano Violeta Urmana, el Tenor Jorge de León y en bajo Ildebrando D´Arcangelo. Y el Coro y la Orquesta Titulares del Teatro Real.
“Y con él se va la más pura, la más sagrada, la mayor de nuestras glorias. He leído muchos periódicos y ninguno habla de él como debiera. Muchas palabras pero pocos sentimientos hondos…”. Así se expresaba Giuseppe Verdi en una carta a su amiga la condesa Maffei, a los pocos días de la muerte de Alessandro Manzoni, el escritor y héroe del Risorgimento con el que el compositor se sentía profundamente identificado, no en vano llevaba siempre entre los libros que le acompañaban, además de la Divina Comedia, la Biblia y su I Promessi Sposi. Giuseppe Verdi tomó la iniciativa, como homenaje al que consideraba el mayor poeta de su época, y le planteó al Ayuntamiento de Milán la posibilidad de escribir un Requiem que se estrenara al año de la muerte de Manzoni, in 1874. La idea ya había surgido a la muerte de Rossini, muchos años antes. En aquella ocasión quiso que varios compositores crearan juntos un Requiem, y él escribió el “Libera me”, que luego, cuando el proyecto no llegó a cristalizar, aprovechó, con pocas variaciones, para este Requiem. Por entonces, Verdi contaba sesenta años, se hallaba inmerso en un prolongado silencio musical, después de haber dado a luz Aida, y estaba dedicado sobre todo a los cultivos de su finca de Sant’Agata y a la filantropía. jedoch, aún produciría tres obras maestras: el Requiem (1874), Otello (1887) und, schließlich, a sus ochenta años, Falstaff (1893). Bernard Shaw afirmaba que el Requiem sería lo único de Verdi que pasaría a la posteridad. Se equivocó, pero no en la valoración de una obra que es el destilado de la sabiduría musical del maestro de Busseto. Hay quien lo considera incluso “la mejor ópera de Verdi”. (Theaterplakat, Teatro Real).

RTVE Orchestra Konzert

Sinfonieorchester und Chor von RTVE haben ein kostenloses Konzert Sonntag auf der Plaza de Oriente in Madrid angeboten, zu 12:30 sonntag Stunden 10 Juni, die Kontinuität im Unternehmen und stellen die für sie verantwortlich zu rechtfertigen, ohne ihre Arbeitsbedingungen zu modifizieren. Das neue Abkommen soll RTVE sonst Einstufung zu regulieren, Entlohnung und sonstige Arbeitsbedingungen.
Der Vorschlag der Gesellschaft ist, dass die Musiker ein Arbeitsvertrag fest diskontinuierlichen passieren, die Begrenzung ihrer Tätigkeit auf den Zeitraum der Zeichnungs Saison des Teatro Monumental in Madrid, Oktober bis Mai. “Wir sind gelistet. Kein anderer Arbeiter RTVE hat eine Änderung des Vertragsverhältnisses mit dem Unternehmen angehoben. Unser Fall ist ein qualitativer Sprung. Es stellt eine absolute Zerstückelung der Tätigkeit. Man könnte von einer Art verschleiert Entlassung sprechen”, Er hat ein Sprecher der Musiker bemerkt. Auf der gegenüberliegenden Seite wird der Präsident der Gesellschaft befindet, González-Echenique Leopoldo, der sagte, dass im vergangenen März: “Wir müssen uns anpassen, wie der Rest der Gesellschaft, die Umstände, das Orchester und Chor in der Zeit, in der wir leben und die Haushaltsdisziplin umgibt, leider müssen wir uns stellen. Das Management hat ein konkretes Angebot gemacht einen Verhandlungsprozess zu öffnen, es ist kein Dauerangebot, aber die Idee ist, einen Verhandlungsprozess zu öffnen”, und fügt hinzu,, “Er hat in mehr als einem Haushalt des Unternehmens innerhalb von zwei Jahren gefallen 25% und, jedoch, die Kostenstruktur des Orchester und Chor bleibt genau das gleiche Niveau”.
Aus dem Orchester und Chor verteidigte sich damit, dass sie nicht nur von Oktober bis Mai arbeiten, aber sie erfasst das ganze Jahr über für RTVE. “Wir führten Aufnahmen für RNE, Wir arbeiten in Soundtracks für spanische Filme zu machen und im Juli haben wir die Musik für die 'Isabel' Serie aufgezeichnet”.
Sie glauben auch, dass ihr Service nicht eine Verschwendung für das Unternehmen ist aber das Gegenteil, Es ist eine Ersparnis. “Wir sind eine Investition, rentabel und ein Enhancer-Element des Unternehmens. Der Ansatz ist mittelfristig nicht praktikabel zu adressieren und zu unserem Tod führen könnte”, interpunktieren.

Jordi Domenech

El Festival de Música Antigua de Aranjuez finaliza con dos extraordinarios conciertos. Ambos se ofrecen en la Capilla Real del Palacio el sábado 15 Juni, um 20.00 Uhr, el grupo Zarabanda, dirigido por Ávaro Marías ofrecerá obras de Arcangelo Corelli, (1653-1713) en el tercer centenario de su muerte.
Sonata en Do mayor para flauta dulce y continuo, auf. 5 keine 3
Adagio, Allegro, Adagio, Allegro, Allegro
Sonata en Sol menor para flauta dulce y continuo, auf. 5 keine 7
Auftakt: lebendig. Corrente: Allegro. Sarabanda: lang . Giga: Allegro
Sonata en Fa mayor para flauta dulce y continuo, auf. 5 keine 4
Adagio. Allegro. lebendig. Adagio. Allegro
Sonata en Do menor para flauta de pico y bajo continuo, auf. 5 keine 5
Adagio. lebendig. Adagio. lebendig. Giga: Allegro
“La Follia”, auf. 5 keine 12
Sonntag 16 Juni, a las 19.00h, el contratenor Jordi Domenech, acompañado de Vespres D´Arnadí: Pere Saragossa, oboe y Dani Espasa, Schlüssel, ofrecerán obras de A. Viele, G.F.. Händel, EIN. Caldara, N.. Porpora y Johann Adolph Hasse.

Das Royal Theatre feiert am Freitag 21 Juni, music Day, eine Tribute Gala für Teresa Berganza, die zur Feier des 80. Geburtstags der spanischen Mezzosopranistin und zur Anerkennung der beruflichen Laufbahn einer der wichtigsten Stimmen der Operngeschichte dienen wird.
Die Lehrer Sylvain Cambreling und Alejo Pérez werden die Leitung der Chor- und Orchester-Schlagzeilen des Königlichen Theaters übernehmen, die von renommierten Stimmen der internationalen Szene wie Carlos Álvarez begleitet werden, Maria Bayo, Annick Massis und Jose Van Dam, junge Verheißungen und andere geweihte Gestalten, deren Namen bis zum Tag der Gala "geheim" bleiben.
Werke von Mozart und Rossini werden im Programm nicht fehlen, von denen Teresa Berganza eine emblematische Vertreterin war, aber es wird auch Raum für spanische Musik geben, Hommage an seine reine Seele. All dies auf der Suche nach einer Nacht, die voller Emotionen sein möchte, sondern auch vor Freude, wurde zum besten Geschenk für eine jetzt achtzigjährige Stimme, aber das wird ewig leben.
Der Erlös aus dem Konzert, dass neben der Eingabe der Tickets eine Reihe vorhanden sein wird 0 und ein Galadinner, wird zur Finanzierung des Pädagogischen Projekts des Königlichen Theaters verwendet. Eine der bekanntesten Facetten von Teresa Berganza, dem er nach seinem Rücktritt von der Bühne die meiste Zeit gewidmet hat, lehrt, B. durch Meisterkurse auf der ganzen Welt oder die Zusammenarbeit mit renommierten Zentren wie der Reina Sofía School of Music.
Tickets sind ab sofort in den üblichen Verkaufskanälen des Teatro Real erhältlich: Theaterkasse, Telefonverkauf und Website (www.teatro-real.com). Weitere Informationen unter spectator@teatro-real.com und unter 902 24 48 48.

Wozzeck

Das Königliche Theater Angebot, zwischen den Tagen 3 und 20 Juni, ocho funciones de Wozzeck, von Alban Berg (1885-1935), obra cimera del repertorio lírico, mit dem Libretto des Komponisten, basado en Woyzeck, drama inconcluso del visionario y malogrado escritor Georg Büchner (1813-1837), de quien se conmemora este año el bicentenario de su nacimiento.
El prestigioso director de escena suizo Christoph Marthaler, que trabaja por primera vez en el Teatro Real, sitúa la acción de la ópera en una cantina con un área de juegos para niños, en donde se suceden ininterrumpidamente las quince escenas que conforman la ópera. La dirección musical será de Sylvain Cambreling, gran admirador de la partitura de Alban Berg, que ha dirigido en más de 60 Gelegenheiten.
El papel titular de la ópera será interpretado por el barítono británico Simon Keenlyside, que debutó el papel de Wozzeck en París, in dieser Produktion, impulsado por Gerard Mortier, siendo considerado, seitdem, uno de sus mejores y más hondos intérpretes.
Los restantes protagonistas de la ópera son también conocidos por el público del Teatro Real: la versátil soprano alemana Nadja Michael, que cantó en la pasada temporada el papel titular de Poppea e Nerone, encarnará a la desdichada Marie; los tenores Jon Villars (Tambor mayor) y Gerhard Siegel (Kapitän) volverán a dar vida a los mismos grotescos personajes que han interpretado en 2007, en la producción dirigida por Calixto Bieito; el bajo-barítono Franz Hawlata (Arzt), fue el Barón Ochs en el Der Rosenkavalier en 2007, y el tenor catalán Roger Padullés (Andres), que volverá una vez más al Teatro Real.
Completan el reparto Katarina Bradić (Margret), Scott Wilde (erster Lehrling), Tomeu Bibiloni (zweiter Lehrling), Francisco cisco~~POS=HEADCOMP Vas (Loco), Antonio Magno (Soldado), Enrique Lacárcel (Muchacho) y los niños Lorenzo Bini Bicchierai y Diego Ramos Ruano.
Außerdem 14 Solisten, participan en la ópera 4 Schauspieler, 23 niños de Los Pequeños Cantores de la JORCAM, 51 miembros del Coro Titular del Teatro Real (Intermezzo Chor) und 96 Titular Orchestermusiker Teatro Real (Madrid Symphony Orchestra) dass, junto con el equipo artístico, suman más de 200 Künstler, que se unirán para dar vida a la genial e inquietante obra de Alban Berg y Georg Büchner.

Nancy Fabiola Herrera kehrt diesen Sommer auf die Werbetafeln von Madrid zurück. Nach der Premiere in Madrid seiner Show Gitanas im Teatro de La Zarzuela in 2012 und seine Teilnahme im Januar dieses Jahres an der Saison ONE und an der II Fiesta de la Lírica in La Zarzuela, Der kanarische Sänger geht diesen Juni im Teatro Real von Bord, um an den Proben für die spanische Erstaufführung der Oper Il Postino teilzunehmen, des kürzlich verstorbenen mexikanischen Komponisten Daniel Catán. Herrera nahm an der Uraufführung der Partitur an der Los Angeles Opera teil 2010, im Juli in Santiago de Chile erneut den Titel zu übernehmen 2012, immer mit Plácido Domingo. „Die direkte Zusammenarbeit mit dem Komponisten während der Erschaffung der Figur war eine sehr interessante und schöne Erfahrung.“, sagt der Sänger. „Mit Daniel haben wir viel über Donna Rosa gesprochen, die Rolle, die ich singe, mit dem ich mich sehr wohl fühle, da er es unter Berücksichtigung meiner Stimmlage und meiner Stimmeigenschaften geschrieben hat.“.
der Postbote, Oper in drei Akten mit Libretto und Musik von Daniel Catán, Es basiert auf dem Roman Burning Patience., Der chilenische Schriftsteller Antonio
Skármeta, und erzählt eine Passage aus dem Exil des Dichters in Rom, auch chilenisch, Pablo Neruda, der eine Beziehung zu seinem Postboten aufbaut, Mario Ruoppolo. Zusammen mit Donna Rosa von Nancy Fabiola Herrera, Placido Domingo wird Pablo Neruda spielen, Leonardo Capalbo wird Mario Ruoppolo spielen, Cristina Gallardo-Domás wird Matilde Urrutia und Sylvia Schwartz Beatrice Russo sein. Die musikalische und szenische Leitung obliegt jeweils Pablo Heras Casado – an der Spitze der Stallungen des Real- und Ron Daniels, Titel, von denen fünf Veranstaltungen an den Tagen angeboten werden 17, 20, 23, 25 und 28 Juli.
Nancy Fabiola Herrera hat dieses Jahr Bühnen in Madrid besucht, München, San Juan de Puerto Rico, NY, Montevideo und Bogotá, und in was bleibt 2013 Sie haben anhängig, unter anderem, Termine in Toulouse (La vida breve mit dem Orchestre National du Capitole auf 22 Juni), Pergolesis Stabat Mater und ein Konzert mit der Medellín Philharmonie in Bogotá (September), ein Konzert mit Orchester in Bremen (Oktober) und ein Rezital im Teatro de La Maestranza in Sevilla. und in 2014 unterstreicht ihre gefeierte Vision von Carmen in ihrem Debüt mit dem Titel Bizet am Sydney Opera House, das Opernhaus von Melbourne und das Bolschoi-Theater in Moskau.

Der Tenor Celso Albelo aus Teneriffa hört nicht auf, neue Opernorte zu erobern. Wenn der spanische Sänger in den letzten beiden Saisons die wichtigsten Bühnen von Städten wie London betreten hat, Wien, Paris, Neapel, Berlin, Mailand oder Madrid, In diesem Sommer kehrt er auf die europäische Arena zurück, um das Publikum der Wildbader Sommerfestivals zu erobern (Deutschland), Mörbisch (Österreich) und Pesaro (Italien).
Nachdem er Ende Juni die Rolle des Herzogs von Mantua übernommen hatte, nahm er an vier Aufführungen von Rigoletto im sevillanischen Teatro de La Maestranza teil, Albelo wird bei den oben genannten Sommerveranstaltungen mit einem sehr abwechslungsreichen Repertoire präsent sein: Guillaume Tell singt im Juli, Rossini, beim Rossini in Wildbad Belcanto Opera Festival, Veranstaltung, bei der er auch eine lyrische Gala mit der Sopranistin Alessandra Marianelli und dem Bassbariton Lorenzo Regazzo zum 25-jährigen Jubiläum des deutschen Festivals bieten wird.
Ende Juli reist er zur Teilnahme nach Mörbisch, Tag 23, bei einer Verdi-Gala anlässlich des 200. Geburtstags des italienischen Komponisten, die Bühne mit Künstlern wie Vittorio Grigolo teilen, Nino Machaidze, Leo Nucci und Luciana d'Intino.
Bereits im August reist er zum Singen nach Italien, en el Rossini Opera Festival de Pesaro-Rossini Mundial Temple-, Wieder Guillaume Tell (Tag-Funktionen 11, 14, 17 und 20) Krönung seiner Teilnahme am legendären italienischen Festival, die 18 August, mit einem Solokonzert, in das er Werke von Turina einbeziehen wird, Guastavino, Ginastera, Serrano, Penella, Vives und Donizetti.

Nach der Teilnahme an dem Rossini-Film Il Turco in Italia am Gran Teatre del Liceu in Barcelona und der Teilnahme an der Hommage an die große Teresa Berganza am Teatro Real in Madrid, Der Barcelona-Tenor David Alegret bereitet sich auf eine echte Herausforderung vor: führen Richard Wagners Jugendoper Das Liebesverbot auf (Das Liebesverbot) und ein Solokonzert, das dem Kammermusikwerk von Benjamin Britten gewidmet ist, Anlass, bei dem er in Begleitung von Iain Burnside auftreten wird (Klavier) und Alex Garrobé (Gitarre).
Beide Termine sind Bestandteil des Angebots 2013 des Castell de Peralada Festivals, Ereignis, das das szenische und musikalische Erlebnis von Alegret zum Gedenken an den zweihundertsten Geburtstag von Wagner mit der Uraufführung des oben erwähnten und wenig bekannten Wagner-Werks in Spanien beinhaltet (3 und 4 August), und das hundertjährige Bestehen von de Britten (15 August). “Meine Stimme und mein Temperament passen sehr gut zu Brittens Musik., der eine große Anzahl von Liedern für Tenorstreicher komponierte und arrangierte”, erklärt David Alegret. “Das Rezital in Peralada ist die ideale Gelegenheit, diese Kompositionen Revue passieren zu lassen, umso mehr, wenn ich es zusammen mit einem großen Spezialisten für das Werk des britischen Komponisten wie dem Meister Iain Burnside mache”.
In Bezug auf Wagners Oper weist er darauf hin “es ist eine der Opern, auf die er verzichtete, mit viel italienischer Stilaufladung und der ‚Grand Opera‘’ Französisch. Es hat sehr schöne Melodien, aber es ist weit entfernt von den Werken Wagners, die wir heute kennen, also passt es zu meiner stimme”.
David Alegrets nächste Engagements werden ihn dazu führen, in Metz mit Rossinis La Cenerentola aufzutreten (September), Barcelona (Palau de la Música) und Sabadell (La Farandula-Theater) mit Beethovens Messe in C-Dur, wieder in Barcelona, Rückkehr ins Liceu, um an der szenischen Kantate Atlántida teilzunehmen, Manuel de Falla, in Toulon mit La Cenerentola und in Hamburgo mit Il Turco in Italien.

Maria Bayo

Wir bekommen eine Strahlungs Frau, serena, voller Vitalität und mit einem lächelnden Blick. es ist Maria Bayo. Eines der interessantesten und wichtigsten Sopranistinnen auf der internationalen Bühne. Das Interview nutzt seine Madrid ein Konzert zu geben,.
Fast alle Jahreszeiten beteiligt sich an einigen Opernproduktion am Gran Teatre del Liceu, aber in letzter Zeit ist es ungewöhnlich, in Real zu hören.
Und in dieser Saison, insbesondere bei der Herstellung mozartianas, hemos sido muchos los que nos hemos acordado de ella con añoranza. Y ella nos lo aclara, “no me han llamado”. schade, pues hay que procurar llamar siempre a los mejores. Y ella, deutlich, está entre los mejores. Sobre todo si hablamos de la trilogía de Da Ponte. No hay que olvidar que ha sido la única española que ha interpretado esta trilogía cuatro temporadas seguidas en el Festival de Salzburgo.

De gran amplitud, tanto en su tesitura como en sus dramatizaciones, María Bayo recorre con su voz un repertorio que va desde Haendel o Cavalli, hasta Poulenc o Stravinsky. Pero su gran debilidad es Mozart y Rossini, y su gran especialidad, la Susanna de Le nozze di Figaro o la Rossina, de Il Barbiere di Siviglia.
Pero nunca ha dejado de investigar y arriesgarse con nuevos repertorios. Actualmente prepara “La voz humana”, de Poulenc y texto de Jean Cocteau. Un arriesgado monólogo que es todo un desafío.

Por segunda vez durante esta temporada 2012-13 vuelve al Liceu una de las óperas más queridas de Gaetano Donizetti, L'elisir d'amore.
Después de haberse representado en la temporada actual con gran éxito, vuelve con un nuevo reparto de lujo: Kurzak (Adina), Rolando Villazon (Nemorino), Joan Martin-Royo (Belcore), Ambrogio Maestri (Doctor Dulcamara) y Cristina Obregón (Jeanette). Tag 27 und 30 Mai und 5 Juni 2013 zu 20:00 h 2 Juni 2013 zu 17:00 h
Escrita por Gaetano Donizetti en quince días y estrenada el 12 Mai 1832 en el Teatro della Cannobiana de Milán, L’elisir d’amore es una pequeña maravilla de comedia a medio camino entre las tradiciones rossiniana y napolitana. La opera buffa ha evolucionado hasta ser capaz de presentar personajes humanos, con debilidades y sentimientos, emociones y fragilidades. Nemorino, protagonista de la historia, busca la ayuda del charlatán Dulcamara para conseguir el amor de la bella Adina, pero una herencia oportuna resultará más eficaz que las cualidades del elixir de amor, cuyo sabor resultaba sorprendentemente parecido al vino de Burdeos.

El Teatro Real inicia el 7 de mayo la venta los abonos de ópera para la temporada 13/14 con importantes novedades, entre ellas la solicitud de los títulos a través de su página web, evitando así las esperas de los nuevos abonados para conseguir las localidades. später, se pondrán a la venta los abonos de danza el 14 Mai, los abonos Joven y Las noches del Real el 21 des gleichen Monats, y los abonos Populares, Domingos de cámara y Ópera en cine una semana después, Tag 28.
Con el amor como protagonista, tanto en su lado más romántico como en el más trágico, la nueva temporada contiene títulos que abarcan desde el barroco hasta las últimas vanguardias. Alceste, de Gluck y la nueva versión de The Indian Queen, de Henry Purcel; Tristan und Isolde, wagner, en la extraordinaria versión escénica de Bill Viola; o el estreno mundial de Brokeback Mountain, de Charles Wourinen, son sólo algunos de los grandes títulos programados por el Teatro Real para la temporada 2013-2014.
Junto a los ya mencionados, se han programado también Il barbiere di Siviglia , L'elisir d'amore, Les contes d’Hoffmann y Lohengrin que se alternarán con óperas que suponen absolutas novedades en Madrid: Die Eroberung von Mexico (Die Eroberung von Mexiko) de Wolfgang Rihm, más la versión coreografiada por Pina Bausch del Orphée et Eurydice de Gluck. Dos títulos en versión de concierto, Dido und Aeneas, de Purcell e I vespri siciliani de Verdi, completan una temporada que trata de llegar a todos los aficionados, para seguir construyendo un centro de referencia nacional e internacional en el mundo de la cultura.
Para hacerse titular de un abono del Teatro Real, pueden utilizarse los canales habituales de venta: durch das 902 244 848 o en la página web mediante la solicitud en el enlace http://www.teatro-real.com/es/solicitud-abonos-2013-14.

Das Königliche Theater Angebot, zwischen den Tagen 13 und 19 Mai, vier Funktionen von Don Pasquale, de Gaetano Donizetti (1797-1848), das auf seinen Seiten einen doppelten und melancholischen Abschied enthält: Es war das letzte Meisterwerk der italienischen Opera buffa., Höhepunkt seines Weges mit der perfekten Synthese all seiner produktiven Reise; und auch der glorreiche Abschied seines Komponisten, dessen Krankheit sich am Ende dieser Partitur verschlimmerte. Die beiden Opern, die er noch vor seiner endgültigen Internierung im Sanatorium der französischen Stadt Ivry schreiben würde, entstanden zwischen den Rasereien und Entfremdungskrisen, die das Ende seines tragischen Lebens der frenetischen Arbeit erreichten, das würde uns mehr als verlassen 70 Opern.
Andrea De Rosa ließ sich vom Hintergrund der Decameron-Geschichten inspirieren, von Boccaccio, eine Inszenierung zu schaffen, die über die groteske Karikatur der Figuren hinausgeht und über das menschliche Elend lacht, das wir alle in uns tragen. Dafür hatte er die Komplizenschaft des Soloquintetts, unter der Leitung von Bariton Nicola Alaimo, in der Titelrolle, die Sopranistin Eleonora Buratto, als Norina - letzte Saison war sie Susanna in I due Figaro -, El-Tenor Dmitry Korchak, als Ernesto, -sang in L’arbore di Diana, real, in 2010,- der Bariton Alessandro Luongo, als Doctor Malatesta und der Bariton Davide Luciano, als Notar.
Riccardo Muti, dass die letzte Saison mit der Interpretation von I Due Figaro einen großen Erfolg hatte, von Saverio Mercadante, im Theatre Royal, wird das Luigi Cherubini Youth Orchestra leiten, Gruppe, die er gegründet hat 2004 und mit dem es eine besondere Verbindung in der Verbreitung der italienischen Musik unterhält. Bei dieser Gelegenheit wird er eine Oper dirigieren, die er sehr gut kennt – er hat sie in Salzburg uraufgeführt, in 1971, eingeladen von Herbert von Karajan- und dass er mit diesem Orchester in bereits aufgetreten ist 2006, in Ravenna und in 2008, im Goldenen Saal des Wiener Musikvereins. Jetzt wird er es mit dem Chor des Königlichen Theaters tun (Intermezzo Chor).

Die unermüdliche Mezzosopranistin Cecilia Bartoli überrascht uns erneut mit einer Neuentdeckung. Mit dieser historischen Version von Norma, Während dessen haben Bartoli und ein Team von Musikwissenschaftlern die autographe Partitur und eine große Anzahl von handschriftlichen Quellen studiert, Diese legendäre Oper offenbart sich als vorromantisches Meisterwerk von atemberaubender Schönheit, und mit einem viel reichhaltigeren und nuancierteren Schreibstil, als wir ihn bisher kannten.
Um die damalige Belcanto-Klangwelt wiederzuerlangen, eine ähnliche Besetzung wie bei der Uraufführung wurde gewählt. Aus dem Manuskript wurde eine neue kritische Ausgabe verwendet, die tempi wurden eingehalten, originelle Dynamik und Phrasierung, die Tonhöhe wurde abgesenkt 430 Es wurden Hz- und Periodeninstrumente verwendet.
Es wird bei den Salzburger Festspielen weiter präsentiert 17 und 19 Mai 2013 und 17, 20, 24, 27 und 30 August 2013.

in der Nähe von 3.400 personas han visitado El Teatro Real en nueva jornada de puertas abiertas que ha formado parte de los actos del Día Europeo de la Ópera 2013, y en el que miles de visitantes han tenido la oportunidad de conocer algunos de sus espacios públicos más emblemáticos. Desde primera hora de la mañana, largas colas han esperado el momento para acceder al interior del Teatro en una jornada festiva, que se ha desarrollado con normalidad y en la que han tenido cabida todos los públicos.
El recorrido ha comenzado en la Sala principal, donde los visitantes, recibidos por los guías del Teatro, voluntarios de la Asociación de Amigos de la Ópera de Madrid, han ofrecido una breve explicación sobre las actividades que se llevan a cabo en el escenario, además de ofrecer los datos más curiosos de la historia del Teatro y los lugares que iban a visitar a continuación.
Los cinco salones imperiales, con sus obras de arte y objetos ornamentales; el Café de Palacio, desde el que se pueden contemplar vistas inigualables a la Plaza de Oriente y una detallada maqueta del edificio; y el antiguo salón de baile, hoy convertido en restaurante, de singular decoración y en el que se guardan trajes históricos de ópera utilizados a principios del siglo XX.
También han tenido la oportunidad de disfrutar de proyecciones en vídeo de los últimos espectáculos celebrados en el Teatro y de la actividad del equipo técnico en la realización y preparación de los elementos que después van a ser utilizados en las representaciones.
Esta es la séptima edición del Día Europeo de la Ópera, wobei 107 Theater, von 24 Länder des Kontinents, se han sumado a una iniciativa que pretende acercar el arte de la ópera y el talento de los que lo hacen, para aumentar el reconocimiento de una actividad que contribuye a la creación de una sociedad más creativa.

La divertida ópera buffa, llena de intriga, ágil y frivola llega finalmente al Gran Teatre del Liceu, un siglo después de su estreno en Milán (1814). Bajo la dirección de escena de Christof Loy y con el maestro Víctor Pablo Pérez dirigiendo la Orquestra Simfònica y Cor del Gran Teatre del Liceu, un incansable equipo de cantantes interpretarán esta brillante “turquerie” típicamente rossiniana, en la que los líos y los malentendidos son los protagonistas.
Das türkische in Italien, opera buffa en dos actos de Gioachino Rossini, mit Libreto von Felice Romani, se estrenó en el Teatro alla Scala de Milán en 1814 y fue recibida con reticencia por el exigente público milanés al considerarla un pastiche de L’italiana in Algeri del mismo compositor (estrenada un año antes), debido a la coincidencia en el tema musulmán de moda en la época. Los protagonistas –el príncipe turco Selim, niedrig; la soprano Fiorilla, esposa del bajo buffo Don Geronio; el tenor Narciso, chevalier servant de Fiorilla, o la mezzosoprano Zaida, gitana que ha sido amante de Selim– poseen arias destacadas y forman parte de brillantes conjuntos, a excepción del poeta Prosdocimo, que se limita a los recitativos en su papel de autor y narrador de la intriga. La acción tiene lugar cerca de Nápoles, en una estación costera de villegiatura, y en la casa de Don Geronio, en una época coetánea al estreno y con la particularidad de una dilatada unidad de tiempo, desde la mañana de un día hasta la madrugada de la siguiente noche.
Tage 18, 23 und 28 Mai und 1, 4 und 6 Juni

von 26 Mai bis 16 de junio en el Palacio del Real Sitio, con un programa dedicado a Farinelli. Seis conciertos a través de los cuales se abordarán diferentes repertorios que recrearán aquellas noches de Palacio donde brilló el talento de Farinelli y de los músicos que de su mano llegaron a España, y un homenaje a Corelli en el 300 Jahrestag seines Todes.
Con intérpretes de la talla de Mariví Blasco, Jordi Domenech, Marta Infante, el reconocido clavenicista Nicolau de Figueiredo, el vihuelista Ariel Abramovich y grupos de referencia como Zarabanda, Harmonía del Parnás y Vespress D’Arnadí.
Premio a la “Excelencia Europea” concedido por la Comunidad de Madrid y creador del sello discográfico Música Antigua Aranjuez Ediciones, el Festival de Música Antigua de Aranjuez cumple 20 años difundiendo el esplendor de la música española en la Ciudad de la Música por excelencia y en un entorno difícil de igualar.
El Festival de Música Antigua de Aranjuez celebrará su XX edición a través de 6 conciertos y una programación especial que se encuadra bajo el título “Volver a Farinelli”, en recuerdo a la figura de Carlo Broschi Farinelli en España, 1737-1759, un periodo especialmente fecundo que convirtió a Madrid y a Aranjuez en uno de los centros musicales de referencia en Europa. De ahí que el Festival, de la mano de cantantes como Mariví Blasco, María Cristina Kiehr, Marta Infante o Jordi Domenech, que han pasado a lo largo de estos años por Aranjuez, aborde diferentes repertorios que recrearán aquellas noches en el Palacio Real de Aranjuez donde brilló el talento de Farinelli y de los músicos que de su mano llegaron a España, muchos de ellos para quedarse a vivir entre nosotros.
Pero este año también se celebra en el mundo musical el 300 aniversario de la muerte de Arcangelo Corelli (1653-1713), y el Festival de Música Antigua no ha querido olvidarse, por lo que uno de los conciertos del festival correrá a cargo del grupo Zarabanda que dirige Álvaro Marías, y que interpretará un programa dedicado al autor.
El Festival lo completa un recital del extraordinario clavecinista brasileño Nicolau de Figueiredo sobre la música de Scarlatti, amigo y colaborador de Farinelli en los fastos de Palacio y con obras del Padre Soler.

La Comisión Ejecutiva de la Fundación del Gran Teatre del Liceu informa de la apertura de un proceso de selección para ocupar el cargo de director general.
En la última reunión de la Comisión Ejecutiva, y dado que el 7 Juli 2013 finaliza el contrato del actual director general de la Fundació del Gran Teatre del Liceu, se ha aceptado, einstimmig, la propuesta del Presidente de la Fundación, para iniciar un proceso abierto y transparente de búsqueda y selección de la persona que tiene que ocupar el cargo de director general de la Fundació del Gran Teatre del Liceu, ab der nächsten Saison. Este proceso se llevará a término a través de una empresa de selección especializada en la búsqueda de directivos.

Royal Theatre Produktionen weiterhin den Applaus des Publikums und der Kritik in ausländischen Opernhäusern zu ernten, Buenos Aires nach Los Angeles, Perm Toronto.
Mit der Anwesenheit dieser Produktionen in einigen der wichtigsten Theater und Festivals in Europa und Amerika Beitrag zum Mark Teatro Real Spanien mit der Kunst verknüpft nimmt halten, Musik und Kultur.
Wenn vor einer Woche I due Figaro, Echt Koproduktion und Ravenna Festival, mit Regie von Emilio Sagi, Es wurde als die beste lyrische Show in Buenos Aires verliehen, vor zwei Tagen, die 15 Mai, Poppea und Nerone -conceived für das Königliche Theater mit der ursprünglichen Inszenierung von Krzysztof Warlikowski- estreno ist in der Nationaloper Montpellier Languedoc-Roussillon, mit einem herzlichen Empfang von Zuschauern.
vor, im Februar, die Öffentlichkeit über die Französisch Stadt hatte die Gründung des Staates Israel Galván The Real / Le Réel / The Real genossen, Benutzerdefinierte Royal Theatre, nach seiner Premiere in Madrid und seine Präsentation in Paris, Amsterdam und Ludwigsburg. Die Show wird angeboten, auch in diesem Jahr, in Perm (Juli), Gent (September) und Brüssel (November).
auch C(h)oeurs, Choreographie und Regie von Alain Platel, weiterhin ein großes internationales Interesse zu erzeugen,. Nach der Tour im vergangenen Jahr von Deutschland, Niederlande und Belgien, kehrt in diesem Land, Jetzt bei La Monnaie, im kommenden September, und Österreich, Oktober.
Così fan tutte, in der Kritik gefeierten Design von Michael Haneke, Es wird freigegeben 23 in diesem Monat in Brüssel und ist bereits für die Wiener Staatsoper geplant 2014.
auch, die 1 Juni, Die perfekte amerikanische, de Philip Glass, dessen Weltpremiere war in Madrid im vergangenen Januar, wird auf die Bühne des National Opera Inglés, Präsentation wird am Brisbane Festival zur Verfügung gestellt, in Australien, und später, in Los Angeles.
Ebenfalls im Juni setzt die erfolgreiche Tour die Show The Life and Death of Marina Abramovic, dass Anschlag in New York und Toronto.
Eine weitere Produktion Echt, Jolanthe, Tschaikowski und Persephone, Strawinsky, mit poetischen szenische Ansicht von Peter Sellars, und deren DVD hat zahlreiche internationale Preise gewonnen - "Diapason d'Or", "Choc" de Classica, "Diamond" Opera Magzaine, etc.-, Es wird in Aix-en-Provence vorgestellt, Venedig und Lyon in den kommenden Jahren.

die nächste 12 de mayo se celebra el Día Europeo de la Ópera 2013.
En esta séptima edición del Día Europeo de la Ópera, 107 Theater, von 24 Länder des Kontinents, se sumarán a una iniciativa que pretende acercar el arte de la ópera y el talento de los que lo hacen, para aumentar el reconocimiento de una actividad que contribuye a la creación de una sociedad más creativa.
El Teatro Real y el Liceu de Barcelona celebran este día sus tradicionales jornadas de puertas abiertas. Habrá visitas guiadas en las que se mostrará las zonas públicas más emblemáticas del los dos edificios.
Am Teatro Real, la entrada será libre y se realizará por la puerta principal (Plaza de Oriente) von 10.00 h de la mañana y se prolongará, sin interrupción, auf die 13.15 Stunden, momento en el que accederá el último grupo.
En el Gran Teatro del Liceu, y durante todo el día, se ofrecerán actuaciones musicales a cargo de jóvenes intérpretes del Conservatorio Superior de Música del Liceu en el Salón de los Espejos. También se proyectarán en el Foyer fragmentos de óperas grabadas en el Liceu y de espectáculos de El Petit Liceu. als Neuheit, este año habrá un espacio dedicado a los niños, donde los más pequeños podrán disfrutar de proyecciones de fragmentos de espectáculos familiares y realizar talleres relacionados con los mismos. El horario de puertas abiertas será desde las 10.00h hasta las 18.00h del domingo 12. Acceso por el vestíbulo principal, La Rambla 51 – 59.
Ese mismo domingo, zu 20.00 Stunden, y como parte de la programación del Teatro Real, tendrá lugar el concierto correspondiente a la Sexta Noche del Real, en el que la soprano María Bayo y el director Titus Engel, vom Titular Orchester des Teatro Real (Madrid Symphony Orchestra), ofrecerán obras de Berlioz, Fauré, Franck y Cantelube.
El Teatro de la Zarzuela de Madrid celebra el día 12 zu 18.00 h la II Fiesta de la Lírica, a beneficio de la Asociación San Juan-Adeje, en la que actuarán Juan Pons, M. J. Moreno, Pancho Corujo, Marifé Nogales, Ricardo Bernal, Ruth Rosique, Manuel Lanza, José Julián Frontal, Isabel Rey, Nancy Fabiola Herrera, Lola Casariego, Aquiles Machado, Ana Ibarra, Davinia Rodríguez, Miguel Angel Zapater, ich. Dámaso, Reinaldo Macías, J. Deleón, Yolanda Auyanet, Miguel Sola, Ruben Amoretti, Juan Jesus Rodriguez, Itziar Barredo y Miguel Huertas.

Die National Dance Company kehrt mit ihrer ersten großen Ballettproduktion seit der Übernahme der Regie durch José Carlos Martínez an das Teatro Real zurück. zwischen den Tagen 16 und 27 April werden angeboten 8 Funktionen dieser neuen Version des Balletts, die vom Choreografen Goyo Montero entworfen und aufgeführt wurde. Die Musik von Sergei Prokofjew wird im Orchestergraben vom Royal Theatre Orchestra unter der Leitung von Maestro Koen Kessels aufgeführt. Die neue Choreografie kombiniert Technik und Poesie, um die Charaktere aus Shakespeares Drama zum Leben zu erwecken.
Mit der Teilnahme auf der Bühne des gesamten Unternehmens, Er führte Regie José Carlos Martínez, Aleix Mañé und Isaac Montllor wechseln sich in den Hauptrollen ab, wie Romeo, und Marina Jiménez und Kayoko Everhart in der Haut von Julieta. Aus der Grube, Das Teatro Real Titular Orchestra wird unter der Leitung von Maestro Koen Kessels stehen, um eine der bekanntesten Partituren von Serguei Prokofjew zum Leben zu erwecken.
Basierend auf dem Drama von William Shakespeare, und ohne von der ursprünglichen Argumentation abzuweichen, Montero macht eine sehr persönliche Version des Dramas, um in die psychologische Seite der Charaktere einzutauchen, Unter denen, die eine besondere Rolle einnehmen werden, ist Queen Mab, Symbol für Schicksal und Tod, und Mercutio, Charakter, dessen Komplexität “mit seiner Ironie und zurückhaltenden Dramatik, machen es am schwierigsten darzustellen”.
Der Choreograf strahlt Originalität in diesem Romeo und Julia aus, in dem er die Stärke der Emotionen hervorhebt und die Dynamik von Prokofjews Partitur mit der Ausdruckskraft und Leidenschaft der Tänzer verbindet. Während des Balletts finden spektakuläre Gruppenszenen statt, fast akrobatisch, kombiniert mit poetischen Steps to Two, die uns daran erinnern, dass Liebe zur Sucht werden kann.

Die Teatros del Canal der Autonomen Gemeinschaft Madrid präsentieren die absolute Premiere ihrer Show The Verdi pepper, eine musikalische Montage als Hommage an Giuseppe Verdi und Richard Wagner, zum zweihundertsten Jahrestag ihrer Geburt, unter der Leitung von Albert Boadella.
diese Produktion, das wird auf der Rechnung im Grünen Zimmer aus der 18 von April bis 12 Mai, enthält gesungene Ausschnitte aus der Oper El Trovador, La Traviata, Rigoletto, Otello, Nabucco, Aida, Die Kraft des Schicksals, Don Carlo, Tristán e Isolda, Tannhäuser, Siegfried, Lohengrin, Walquiria, o Parzival, unter anderem.
Der Dramatiker, Albert Boadella, Er hat versichert, dass er im Kampf zwischen Wagnerianern und Verdianern des Werkes „Der Grünkohl“ Regie führt., er entscheidet sich für letzteres, da er die kulturellen Bindungen, die ihn mit dem Italiener verbinden, so sehr schätzt, als die politische Rolle, die er bei der Wiedervereinigung seines Landes spielte.
“Ich muss mich nicht verstecken, Ich bin Verdian, aber ich erkenne die Verdienste Wagners an”, betonte der Dramatiker, der die Arbeit der Zeit in internationalen und nationalen politischen Ereignissen hervorgehoben hat. “Wenn Katalonien eines Tages unabhängig wird, Ich werde der große Verräter sein”, hat hinzugefügt.
In einer Pressekonferenz nach der Präsentation der Uraufführung des Werkes, an der der stellvertretende Minister für Tourismus und Kultur teilnahm, Carmen Gonzalez, Boadella erklärte, dass die Arbeit von 'The Verdi pepper', das wird auf der Rechnung im Grünen Zimmer aus der 18 zu 12 Mai, findet im gleichnamigen Wirtshaus statt.

Juan Diego Flórez kehrt zum Königlichen Theater mit Les Pecheurs de Perles, Georges Bizet Oper über Freundschaft und Leidenschaft. Peruanische Tenor führt ein Cast, dass die Sterne neben Patrizia Ciofi und komplett mit Mariusz Kwiecien und Daniel Oren auf der Vorderseite des Titular Orchester des Teatro. Zusammen bilden sie die Geschichte des Fischers weben, die, für die Liebe einer Frau, Er kommt, um seinen besten Freund zu verraten.
Das Duo, in dem beide ewige Freundschaft schwören, „Am unteren Rand des heiligen Tempel“, gilt als einer der beliebtesten Repertoire. Es werden drei Funktionen in Konzert, wo wir die zweite populärstes Werk des Autors Französisch genießen, nach seinem großen Erfolg, Carmen. Und wenn die gesamte Besetzung blendend, Juan Diego Florez glänzt.
Juan Diego Florez weiterhin als Sänger wachsen, als Medien-Phänomen und als vielseitiger Musiker, vielleicht kämpfen Sie von dem Label Rossini Tenor loszuwerden, dass seit einiger Zeit er fast ausschließlich getätigt. In den letzten Jahren haben wir spielen Così fan tutte gesehen, Linda Chamounix, Orphée et Eurydice… und kommt jetzt mit Les Pecheurs de Perles, in der Rolle des Nadir, dass, nach sichert, „Es ist eine Rolle, die ich schon immer machen wollte“. Es hat das Privileg, seine eigenen Papiere Auswahl, so dass „wählen, um alle Rollen ohne Druck, was ich fühle mich singen kann ". Sie kommt in Madrid mit gerolltem Charakter und bereit, wieder ihre Fans genießen. Seine erste Nadir wurde vor ein paar Monaten in Las Palmas gehört, wo der Sänger ist ein treues Publikum. Daher brandneue Rollen in dem Land seiner bewunderten Alfredo Kraus beginnen eine Tradition in seiner Karriere zu sein.

El Teatro Real ofrece, in der Sala Gayarre, diez funciones del exitoso espectáculo pedagógico de la Fundación Antonio Gades ¡Movimientos! Tanz, von der Spitze bis zur Ferse, seis de ellas dirigidas a centros escolares y cuatro abiertas al público, que tendrán lugar el próximo fin de semana, con sesión doble el sábado y el domingo.
Partiendo de las creaciones de Antonio Gades, inspiradas en el rico y diversificado folclore español, en el flamenco, en las danzas tradicionales y en la herencia y rigor del ballet clásico, el espectáculo presenta, de forma atractiva, didáctica y poética, un recorrido por las técnicas que permiten a los bailarines expresar, con su cuerpo, historias, sentimientos y emociones.
Mirando los pies de los bailarines se encuentran pistas para seguir los estilos de danza que interpretan: las puntas en el ballet clásico, la zapatilla en la danza española, el zapato y la bota en el flamencoLos zapatos son así uno de los hilos conductores del espectáculo que presenta Ana Hernández-Sanchiz, en el que se intercalan las actuaciones en vivo de los bailarines y los músicos, con imágenes de coreografías de Gades y el diálogo con el público.

Im mehr als 100 Jahre des Bestehens, Madama Butterfly ist eine der am besten aufgenommenen Opern beim Publikum und gilt als Puccinis beliebteste Oper.. In dieser Saison, das Liceu hat es in zwei Perioden programmiert (im März und Juli 2013) insgesamt 13 funktioniert mit 4 verschiedene Distributionen auf höchstem Niveau.
Madama Butterfly ist möglicherweise eine der Opern, die sie am besten darstellt, aus theatralischer Sicht, das intime Drama seines Protagonisten. ein wahres Monodrama. Diese dramatische Qualität leitet die Inszenierung von Moshe Leiser und Patrice Caurier.. Cio-Cio-Sans Monodrama wird durch eine elegante Synthese aus japanischer und europäischer Bühnentradition bereichert. Eine Beziehung, die aufgehört hat, anekdotisch zu sein, basierend auf den theatralischen Postulaten des zeitgenössischen Dramas. Eine Inszenierung von großer formaler Strenge, inspiriert von den jahrhundertealten szenischen Räumen des japanischen Theaters (wie Noh und Kabuki). Ein szenografisches Strippen, um die Tragödie von Butterfly ins Zentrum der Inszenierung zu stellen. Ein Drama, subtil unterstrichen von der Symbolik der japanischen Kultur.

Donnerstag 14 März, Plácido Domingo debuta en el MET de Nueva York en el papel de Giorgio Germond, de la Traviata. Su nueva condición de barítono le aleja de aquella época en la que, en esta misma ópera, ejercía el rol de Gastone.
Domingo es un gran conocedor de la obra de Verdi, y lo que es más importante, un consumado intérprete. Su capacidad vocal e interpretativa, que conserva a unos niveles que ya quisieran otros, le lleva a poder enfrentarse, ihre 72 Jahre alt, a retos profesionales de máximo nivel.
Próximamente continuará su periplo verdiano, profundizando en la voz de barítono, con Nabucco en el Covent Garden y Giovanna D´Arco, en el Festival de Sazbusgo.

nächste Saison 2013-14, la dirección del MET ha decido bajar un 10% los precios de las entradas. Esta bajada, que coincide con el regreso al Teatro de James Levine y la directora Jane Glover, se debe principalmente al descenso de espectadores durante esta temporada en casi un 5%.
Continuarán las sesiones cinematográficas, cuyos seguidores han aumentado considerablemente. Estas medidas, junto con los ensayos gratuitos y en abierto, no solo provocan envidia aquí, in Spanien, indican sobre todo la enorme distancia que existe entre la concepción de la elaboración y divulgación de la cultura. El éxito de esas políticas en los países que las llevan a cabo, no parecen ser excusa suficiente para intentarlo.

die 8 März, die Mezzosopranistin Joyce DiDonato wird einen Liederabend in der Reihe Las Noches del Real anbieten. das Repertoire, rein barock, wird aus Werken von Antonio Cesti bestehen (1623-1669), Domenico Scarlatti (1685-1757), Claudio Monte (1567-1643), Geminiano Giacomelli (1692-1740), Antonio Vivaldi (1678-1741), Giuseppe Maria Orlandini (1676-1760), Johann Adolph Hasse (1699-1783), Georg Friedrich Häendel (1685-1759), Giovanni Porta (1675-1755) und Christoph Wilibald Gluck (1714-1787).
Die Musikalische Leitung und Violine übernimmt Dmitry Sinkovsky und die musikalische Beratung übernimmt Alan Curtis.

Das Königliche Theater wird wieder auf seiner Bühne empfangen, nach fast zehnjähriger Abwesenheit, an die Sopranistin Edita Gruberova, der zusammen mit dem spanischen Tenor José Bros für zwei einzigartige Konzertaufführungen von Donizettis Werk zurückkehrt, Roberto Devereux, der nächste 3 und 7 März.
Die Besetzung wird durch die wunderschönen Stimmen von Sonia Ganassi und Vladimir Stoyanov vervollständigt, und die Spanier Simon Orfila und Mikeldi Atxalandabaso, alle unter der Leitung von Meister Andriy Yurkevych, der für die Chor- und Orchesterschlagzeilen des Königlichen Theaters verantwortlich sein wird.
Donizetti vertont das Drama einer gescheiterten Beziehung zwischen Königin Elisabetta (Elizabeth I von England) und der Graf von Essex, wer liebt sarah, Ehefrau des Herzogs von Nottingham, Roberts Freund. Oper, mit intensiver dramatischer Handlung, Dolmetscher anbietet, besonders Sopran und Tenor, die Möglichkeit, Gesang mit Arien mit einer raffinierten melodischen Linie zu präsentieren, in einem der besten Beispiele für Belcanto.

Am nächsten Sonntag, 24 Februar, el Teatro Real subirá a escena un nuevo espectáculo de su Proyecto Pedagógico titulado El hombre que se llamaba Amadé. Una visión amena de la vida y la obra del compositor de Salzburgo, interpretada por el tenor José Manuel Zapata, quien estará acompañado por la Orquesta-Escuela de la Orquesta Sinfónica de Madrid dirigida por el maestro Arnaud Arbet.
Zapata, responsable del guión y la presentación de la obra, ha contado con la colaboración en la dirección de escena de Vanessa Martínez Navas y tendrá a su lado a la soprano Eugenia Enguita. Entre todos han preparado un modo diferente de acercarse a la música.
Wolfang Amadé Mozart, es uno de los compositores más extraordinarios y prolíficos de la historia de la música. Sus sinfonías, Konzerte, piezas para piano, y demás composiciones camerísticas, son un torrente de genialidad, y en todas ellas, el joven maestro austriaco consigue plasmar de manera inigualable toda la paleta de emociones y sentimientos del ser humano.
El hombre que se llamaba Amadé es un espectáculo de carácter familiar, wo, desde la mirada del compositor Antonio Salieri, descubriremos algunos de los momentos más importantes de la vida y la obra de Mozart.
Será el maestro de ceremonias un simpático e histriónico Salieri, contemporáneo de Mozart convertido en el antagonista de Amadé. Él nos dará su visión del genio. Una visión distorsionada por la envidia, y al mismo tiempo, llena de una profunda admiración.
Pero la gran protagonista será la música. A través de su obra, desde su primera pieza para piano, escrita con apenas seis años, hasta La flauta mágica, una de sus últimas obras, descubriremos la personalidad del que, vielleicht, sea el mayor genio de la historia de la música: Wolfgang Amadé Mozart.

Un nuevo concierto de la Orquestra Simfónica del Liceu bajo la dirección de Josep Pons y con la intervención del pianista Lars Vogt en el concierto “Emperador” de Beethoven.
am Montag, 25 Februar auf 20:00h tendrá lugar el Concierto nº 03 dentro del Ciclo “Liceu al Palau” de la Orquestra Simfónica del Liceu que gira en torno al compositor Johannes Brahms.
Bajo la dirección del su director musical titular, Josep Pons, la Orquesta interpretará el nocturno Vistes al mar del compositor y gran director de orquesta catalán Eduard Toldrà. De Brahms, podremos escuchar la Sinfonía nº 2 in D-Dur, op.73 y la intervención del pianista Lars Vogt será en el famoso Concierto para piano y orquesta ”Emperador “ de Ludwig van Beethoven.

Zu Mozarts „Così fan tutte“, das am Samstag im Real Premiere feiert, hat sich Michael Haneke nicht geäußert. In einer atypischen Pressekonferenz im Círculo de Bellas Artes in Madrid, Der österreichische Filmemacher hat ein lakonisches „Lasst euch überraschen“ als einzigen Hinweis auf die Arbeit veröffentlicht, die sie seit etwas mehr als drei Jahren im Madrider Kolosseum vorbereiten.
Die mediale Erwartung, die der Regisseur geweckt hat, dürfte Real bei dieser Gelegenheit nicht einbringen. Die Tatsache, dass die Pressekonferenz nicht im Theater selbst abgehalten wurde, wie üblich, und seine Weigerung, irgendeine Erklärung über die Arbeit abzugeben; hat das Königliche Theater als steinerner Gast verlassen, während das Kino die Hauptrolle übernimmt, seine Filme und seine Oscar-Nominierungen. Diese Nominierungen werden dafür verantwortlich sein, dass er bei der Premiere seines zweiten Opernerlebnisses nicht anwesend war..
„Von meinen Filmen spreche ich ja, aber ich möchte keine Gebrauchsanweisung geben, die die Öffentlichkeit versteht.“. Dies war die Rechtfertigung für sein Schweigen.
Ostbayerisches Deutsch, aber verstaatlichter Österreicher, Seit dem 2. Januar ist er im Real eingesperrt, um bei seinem zweiten Ausflug in die Oper keine losen Enden zu hinterlassen. Mozart und Don Giovanni war seine bisherige Erfahrung. „Mit Mozart ist man zum Scheitern verurteilt. Die große Frage ist, auf welcher Ebene werden Sie scheitern?. Der Direktor erklärte.
In der Grube werden Sylvain Cambreling und die Besetzung von William Shimell sein, Kerstin Avemo, Anett Fristch, Paola Gardina, Andreas Wolf und Juan Francisco Gatell. Eine junge Besetzung, oder zumindest jugendlich aussehend, als künstlerischer Leiter des Teatro, Gerard Mortier.

Jordi Savall ist eine der interessantesten Musikerpersönlichkeiten, sowie die anerkanntesten und preisgekröntesten in unserer Kulturwelt. Viola-da-Gamba-Spieler, Dirigent und Forscher für Alte Musik, mit dem Ensemble Le Concert des Nations, von ihm und von Montserrat Figueres gegründet, bietet uns ein Programm mit dem Titel "Die lyrische Tragödie in Frankreich zur Zeit Ludwigs XIV. Und Ludwig XV.".
Das Konzert findet am Freitag statt 15 Februar um 20:00 Uhr und es ist die Show, die das XXXV Festival de Música Antiga de Barcelona eröffnet. Das Programm ist:

ich
Jean Baptiste Lully (1632-1687)
Alceste, lyrische Tragödie (1674), „Lieder zum Singen & Melodien zum Spielen»
Marin Marais (1656-1728)
Luke, Tragödie in der Musik (1706), „Lieder zum Singen & Melodien zum Spielen»

II
Jean-Philippe Rameau (1683-1764)
Die Boreades, Tragödie in der Musik (1764), „Lieder zum Singen & Melodien zum Spielen»

LE CONCERT DES NATIONS Unter der Regie von Jordi Savall
Solisten: Hanna Bayodi-Hirt, Sopran; Damien Guillon, Altus; Marc Mauillon, Bariton.

El Teatro Real ha tenido que hacer el segundo cambio en su programación esta temporada. Como ya ocurrió con “La flauta mágica” de Mozart que, por problemas presupuestarios, tuvo que dar paso en la programación a la Novena Sinfonía de Beethoven, la ópera de Mercadante “La Rappresaglia”, será sustituida por Don Pascuale de Donizetti. La razón ha sido la intervención quirúrgica de su director, Riccardo Muti, que en los últimos días ha sido operado de una hernia, se ha visto obligado además a cancelar una gira que tenía prevista por Asia con la Sinfónica de Chicago.
“El estado de salud de Muti no le permite afrontar las exigencias y tiempos de trabajos que la preparación de una nueva ópera, neu erstellt, como La Rappresaglia exígen”, indican desde el Teatro Real.
Pero Ricardo Muti no quiere faltar a su cita con el Teatro Real y se hará cargo de la dirección de Don Pascuale, en una producción de la Ópera de Ravenna con el mismo director de escena, Andrea Rosa.

El que fuera director artístico de la Compañía Nacional de Danza (CND), y actualmente responsable del Teatro Mijáilovski de San Petersburgo, es el más que probable candidato a suceder al ruso Vladimir Malakhov al frente del Ballet Estatal de Berlín. La oferta al coreógrafo español llega tras la renuncia de la prestigiosa artista alemana Sasha Waltz, lo que ha llevado a las autoridades culturales de Berlín a buscar con urgencia un candidato para el Staatsballet de Berlín.

Sie kommen in Sevilla an, produziert vom Teatro La Fenice in Venedig, zwei kurze und sehr unterschiedliche Opern, aber, praktisch zeitgemäß, Integrieren Sie eines der einzigartigsten Angebote der Saison in ein so außergewöhnliches Doppelprogramm, Damit rückt das Teatro de la Maestranza erneut an die Spitze der nationalen lyrischen Nachrichten. Auf der einen Seite, „Šárka“ – absolute Premiere in Spanien- des Tschechen Leoš Janáček (1854-1928), Es ist eine heroische Oper in drei Akten komponiert 1887 und „Cavalleria Rusticana“, de Pietro Mascagni (1863-1945), ist ein Verista-Drama in einem Akt, das uraufgeführt wurde 1890 was auf den tragischen „Ehrenkodex“ der Süditaliener anspielt.
Zwei Werke, die in sehr weit voneinander entfernten kreativen Hemisphären angesiedelt sind – böhmische Romantik und dramatischer italienischer Verismo- dass, jedoch, sind in der gefeierten Produktion des Teatro La Fenice in Venedig verknüpft, Beide Titel werden in der durchdringenden Vision eines der aufregendsten italienischen Filmemacher der letzten Jahrzehnte präsentiert, Ermann Olmi, Goldene Palme in Cannes für den liebenswerten „Der Baum von Zzuecos“ (1978). Olmi stellt sich der mythischen Geschichte von „Šárka“, basierend auf einer tschechischen Legende aus dem 14. Jahrhundert, präsentiert mit den dunklen Melodien der Wagnerschen Tetralogie gegen die sizilianische Leuchtkraft von Mascagnis Drama.

5, 7 und 9 Februar.
D. Musical: Santiago Serrate
D. Szene: Ermann Olmi

El Auditorio de Valladolid, Miguled Delibes, estrena ciclo de música antigua con una de las agrupaciones instrumentales especializadas en música barroca más relevante del panorama musical actual. Il Giardino Armonico fue fundado por Giovanni Antonini, Paolo Beschi y Lorenzo Ghielmi en 1985, a los que se unieron poco después Luca Pianca y Enrico Onofri, todos ellos especializados en instrumentos de época. En la actualidad es regularmente invitado a los festivales y salas más prestigiosas de todo el mundo.
Si la temporada pasada disfrutamos de su versión de los Conciertos de Brandemburgo, diesmal, Antonini, mit seiner besonderen Lektüre der Musik des 17.-18. Jahrhunderts bietet er uns eine Auswahl an Kammerkonzerten des großen Meisters Vivaldi. Der Gramophone Award wurde in verliehen 1996, der Diapason d'Or für Vivaldis Il Proteo, und der Grammy verliehen in 1999 für ihr Vivaldi-Album garantieren nicht nur die Qualität ihrer Interpretation des venezianischen Musikers, sondern zeigen auch das Interesse und das Studium der Werke dieses Komponisten durch die italienische Gruppe. Vivaldi komponierte mehr als 500 Kammerkonzerte – darunter die sechs für dieses Programm ausgewählten – kompositorischen Fähigkeiten, auf die er zweifellos stolz war, da er von sich selbst sagte: “puedo escribir un concierto de cámara con todas sus partes en menos tiempo de lo que un copista tardaría en copiarlo”. Es esta una oportunidad para escuchar un gran Vivaldi.

Maria Jose Montiel

Am kommenden montag 28 de enero la mezzosoprano madrileña María José Montiel regresa a Estados Unidos después de su aplaudida Carmen interpretada en Atlanta el pasado mes de noviembre, ahora para festejar los 40 años de la National Alliance for Hispanic Health, entidad fundada en Los Ángeles en 1973 y con sede en la capital norteamericana que fomenta la salud y el bienestar de las comunidades hispanas. En la práctica, es la fuente de información sobre la salud de los hispanos en Estados Unidos y una defensora de la ciencia y la investigación enfocada en la sociedad.
Al cumplir cuatro décadas de andadura, se ha querido contar para celebrarlo con el arte de la mezzo española María José Montiel, quien actuará acompañada del pianista mallorquín Miquel Estelrich en una gala que se realizará en el Kennedy Center de Washington.

die 2 Februar 24 März 2013

La Comunidad de Madrid organiza el XXIII Festival de Arte Sacro, que se celebrará entre el 2 Februar und 24 März, in 33 espacios históricos, laicos y religiosos, muchos de ellos restaurados por la Comunidad. La programación podrá disfrutarse en quince municipios madrileños, incluyendo la capital, y comprende 41 espectáculos diferentes de música, danza y cine.
El festival se inaugurará el sábado, 2 Februar, con tres de las Suites para violoncello solo, Johann Sebastian Bach, interpretadas por el músico donostiarra Iagoba Fanlo, que tendrá lugar en la Iglesia de San Antonio de los Alemanes.
En esta edición del festival destaca la participación de solistas de renombre internacional, como son el violinista Joaquín Torre, los pianistas Tito García y Daniel del Pino y los dúos Pastrana-Prisuelos y el checo formado por Jiri Bartá y Terezie Fialová, ambas formaciones de violoncello y piano.
El dúo compuesto por Alfredo García, Bariton, y David Mason, pianoforte, interpretará obras de Franz Schubert en un pianoforte original de la época del compositor, traído especialmente para el concierto del día 19 de febrero en la Iglesia de Santiago y San Juan Bautista.

die nächste 22 Im Januar findet im Teatro Real die Uraufführung der Oper von Philip Glass statt (Baltimore, 1937) Die perfekte amerikanische, nach dem Buch von Peter Stephan Jungk (Kalifornien, 1952), kürzlich in Spanien unter dem Namen The Perfect American erschienen, das erschafft, in Form von Fiktion, die letzten Monate im Leben von Walt Disney, in dem die große Ikone der amerikanischen Kultur Momente aus seiner Vergangenheit durchlebt und von Zweifeln und Sorgen belagert wird.
Diese neue Oper, die Zahl 24, nach Komponist, im umfangreichen Katalog seines musikalischen Schaffens, wurde vom Teatro Real und der English National Opera in Auftrag gegeben und koproduziert, wo es nächsten Juni präsentiert wird. Philip Glass kommt in diesen Tagen nach Madrid, um die letzten Proben zu überwachen und dieser Weltpremiere beizuwohnen.
Sowohl der Musikdirektor, Dennis R. Davies, als Bühnenmeister, Phelim McDermott, arbeiten seit langem an Glass-Projekten mit und sind es, deshalb, große Kenner des Autors und seiner Arbeit.
Zur Besetzung gehört der Bariton Christopher Purves., David Pittsinger, Janis Kelly, Marie McLaughlin und Sarah Tynan, unter anderem.
Ein Werk, das versucht, seinen Protagonisten zu entmystifizieren, Walt Disney. Einerseits präsentiert er uns den Mann, der war, diejenige, die die Öffentlichkeit mehr oder weniger kennen könnte, und auf der anderen Seite, der Mann, der ich sein könnte. Auf jeden Fall immer ein Charakter mit viel zu analysieren.

die nächste 24 de enero dará comienzo la nueva temporada musical del Auditorio Conde Duque. Este primer concierto estará a cargo de los solistas de la Filarmónica de Berlín, considerada por los expertos como la institución de máxima excelencia musical mundial.
Das erste Konzert (estarán en España hasta el mes de junio), contará con la participación del concertino Thomas Timm y Cordelia Höfer, catedrática de piano del Mozarteum de Salzburgo.
La principal labor de los maestros que nos visitan va a ser la docencia, ya que Conde Duque, en colaboración con la asociación Davidsbuendler, organizarán, bei freiem Eintritt bis zur vollständigen Kapazität, clases magistrales y encuentros intensivos con los artistas invitados al ciclo.
También los conciertos a cargo de los solistas de la Filarmónica tendrán un precio especial de 10€, abonos a precios reducidos y los 50 primeros estudiantes que acudan al Conde Duque tendrán entrada gratuita en los asientos del coro.

Dies mag eher wie Klatsch als eine Neuigkeit erscheinen, und es wird gegossen. Aber bei diesen beiden "Divos", auf die schlimmste Weise, Es ist ein bisschen überraschend, dass nach fast 17 Jahre Ehe, in dem sie eines der solidesten Paare der Opernszene zu sein schienen, Am Ende jeder für seine Seite.
Wie von der Sopranistin angegeben, Sie werden ihre beruflichen Projekte fortsetzen, sogar diejenigen, die vorhaben, zusammen aufzutreten.
Hoffen wir, dass ihre Charaktere separat weicher werden, das würde euch beiden sehr nützen, auf professioneller Ebene und im Umgang mit Fans und Presse.

die 8 und 10 de enero a las 19,30h, la Fundación Juan March inicia el bicentenario de Wagner ofreciendo sendas conferencias. Con el título de Un hombre del presente”, am Dienstag, 8, und “Una música del futuro”, Donnerstag 10, el crítico José Luís Téllez nos mostrará la verdadera dimensión de un compositor que tanta importancia ha tenido en la renovación de la música, no solo de la ópera, sino de la armonía y la instrumentación en el siglo XIX. Todo a través del análisis de su vida, pensamiento y obra.

Der menorquinische Bassbariton Simón Orfila hat sich einen weiteren Traum erfüllt: hat bereits an der Mailänder Scala gesungen, beim Rossini Festival in Pesaro und im Mai debütiert es im Londoner Covent Garden, aber jetzt, schließlich, ein Album mit den Songs aufnehmen konnte, die ihn sein ganzes Leben lang begleitet haben: In My Dream werden die Zarzuela-Balladen, die er als Teenager ununterbrochen hörte, mit traditionellen katalanischen Liedern kombiniert, beliebte menorquinische Melodien und verschiedene Meisterwerke des Musikgenres.
Begleitet von der Real Filharmonia de Galicia und unter der Leitung von Maestro David Giménez Carreras, Simón Orfila bietet auf diesem Album eine sentimentale Reise durch den Soundtrack seines Lebens. Diese Stücke begleiten mich seit meiner Kindheit”, sagt der Sänger aus Alaior. “Bei dieser Gelegenheit bin ich lieber mit meinen Lieblingssongs und -romanzen ins Tonstudio gegangen, diejenigen, die mir beigebracht haben, Musik und Gesang zu lieben und zu respektieren”.
Aufgenommen vor wenigen Wochen zwischen La Coruña und Barcelona, Das Album hat Antoni Parera Fons als Produzent, dessen Stück ist auch dabei. My Dream wird als nächstes in der Gesellschaft vorgestellt 12 Januar in einem Konzert im Teatre Principal de Maó unter der musikalischen Leitung von Joan Mesquida Saner.”

El Patronato de la Fundación del Teatro Real, presidida por Gregorio Marañón, ha aprobado el presupuesto del Teatro Real para el año 2013 en un total de 42.495.291 Euro.
Con una reducción del 4,3% respecto al ejercicio anterior, el presupuesto aprobado hoy responde a un ejercicio de equilibrio presupuestario en el que el conjunto de gasto se financia íntegramente con los ingresos del ejercicio sin necesidad de recurrir a la disposición de reservas.
La distribución del presupuesto del Teatro Real para el próximo ejercicio se reparte entre ingresos propios del Teatro Real y subvenciones públicas. Estas últimas, provenientes del Ministerio de Cultura, la Comunidad y Ayuntamiento de Madrid, repräsentieren die 30,3% del presupuesto de 2013, en un montante de 12.885.088 Euro, en tanto que el 25,9% del presupuesto corresponde a patrocinio, und 46,8 % al apartado de ingresos propiosingresos por ventas e ingresos derivados por otros usos y actividades del Teatro-.
Respecto al ejercicio anterior, el apartado de patrocinio es uno de los que proporcionalmente más crece en los presupuestos, según las previsiones. Este incremento se enmarca en el cambio de modelo corporativo del Teatro Real, en el que se fortalece la participación privada y de la sociedad civil en el sostenimiento de la institución, y en el que se integran además, nuevas modalidades de patrocinio y apoyo particular, como la reciente constitución de la Junta de Amigos, la Junta de Protectores, o el Programa de Amigos del Real, renovado en la presente temporada con el fin de hacerlo más accesible a la participación de todos los públicos.
En relación con los ingresos por venta, si bien los nuevos presupuestos estiman un ligero descenso en las previsiones, de entorno al 4%, motivadas esencialmente por el incremento del IVA y la actual coyuntura económica, estos ingresos se verán compensados por el incremento, en más de un 15%, de los derivados de la nueva estrategia de captación de recursos por actividades tales como la apertura a nuevos espectáculos musicales fuera de la programación propia, Platzmiete, nuevos productos como visitas guiadas, y alquiler y venta de producciones propias.
auch, los nuevos presupuestos reflejan una reducción de costes derivados de la política de restricción presupuestaria y austeridad en gastos de personal, mantenimiento y contratación de las producciones del Teatro Real, cercana a los 4 millones euros. En concreto se reducen en relación al presupuesto de 2012, in einem 10,6% los gastos de personal, in einem 23,8 % los gastos de funcionamiento y en un 4,6% los gastos de Producciones.
Este ahorro, junto con el incremento del patrocinio privado y nuevas vías de ingresos compensarán la disminución del 30,6% en las subvenciones de las Administraciones Públicas y la incidencia de la subida del IVA en los niveles de ocupación media del Teatro, estimados entre un 82% und 95%.

El inicio de temporada 2012-2013 del Gran Teatre del Liceu ha sufrido cambios en sus fuentes de financiación que pueden comportar consecuencias muy adversas para el futuro de la institución.
El ajuste presupuestario no previsto por parte de las administraciones del 33% del presupuesto aprobado inicialmente por la comisión ejecutiva de la Fundación en el marco del 2012 y ratificado en el Pla Director el pasado mes de julio, y el descenso del 30% en los ingresos, debido a la caída de la demanda, agravada por el aumento de precios con la subida del IVA del 8 al 21%, ponen en riesgo el futuro del Liceu.
Esta disminución de ingresos, valorada en 4 Millionen Euro, puede poner en peligro los flujos de tesorería y la actividad inmediata del teatro y deteriorar irreversiblemente las bases de su actividad artística. El progreso del coro y de la orquesta, el prestigio y el crédito que se ha ganado el Liceu entre nuestros conciudadanos, los espectadores, los artistas y las óperas más importantes del mundo están en peligro con esta nueva situación.
Para resolver la situación, el Liceu ha iniciado una serie de acciones a corto y medio plazo, entre las que destacan las gestiones con empresas, que se harán conjuntamente con los representantes de las administraciones públicas presentes en los órganos de gobierno de la Fundació Gran Teatre del Liceu, con el objetivo de incrementar las aportaciones del mundo empresarial al Teatro e incorporar nuevas empresas que nos ofrezcan su apoyo. wiederum, el Liceu ampliará y potenciará el programa Benefactor, con la ampliación de las figuras de soporte individual, dirigidas a personas físicas que, con su aportación, se implican activamente con el proyecto del Liceu. La tercera medida es la obertura de una nueva vía de ingreso mediante el mecenazgo internacional, como ya existe en muchos otros teatros de ópera de Europa.
parallel, se ha creado la plataforma “Actuem pel Liceu”, nacida por iniciativa de la sociedad civil, que iniciará una campaña propia de captación de fondos a partir de pequeñas aportaciones privadas. El Liceu apoya decididamente y con gratitud esta iniciativa ciudadana, que se presentará en breve.

Am kommenden montag 3 Dezember, el contratenor Bejun Mehta, -que tuvo un éxito rotundo en el Liceu tanto en el recital del 2009 como en la ópera Tamerlano el año 2011- será el protagonista del concierto monográfico Händel.
Bejun Mehta, considerado uno de los mejores contratenores del mundo, ha recogido aclamaciones en los principales teatros de ópera del panorama actual. El público del Liceu todavía recuerda la gran actuación que realizó junto a Plácido Domingo enTamerlano de la temporada anterior.
La Orquesta Barroca de Friburgo dirigida por Petra Müllejans, que ya actuó la pasada temporada para interpretar un programa Händel que fue un éxito de crítica, garantiza la magnífica calidad y la sintonía entre la formación musical y el contratenor con este repertorio del compositor de música barroca.

Das Teatro Real hat mitgeteilt, dass „die aktuelle Situation und Umstände“ es erforderlich machen, diese Entscheidung zu treffen, in der der Wille besteht, sowohl die Präsenz der Berliner Philharmoniker aufrechtzuerhalten als auch, für die nächste Saison, Robert Carsens kreative Arbeit an der Zauberflöte, Beide werden vom Publikum von Real Madrid sehr geschätzt.
Die Rücknahme des Beitrags, der bisher von der Stadtverwaltung von Madrid geleistet worden war, etwa 500.000 €, verhindern, dass dieses Projekt durchgeführt wird. Durch die Einstellung dieser Funktionen spart das Theater rund 800.000 Euro ein. „Das sind Entscheidungen, die in Ausübung von Verantwortung getroffen werden. Es ist eine Entscheidung, die nach vielen Bewertungen gemeinsam durchdacht wurde.“, Ignacio García-Belenguer erklärt.
Es ist wieder einmal die Kultur, die Musik im Besonderen, das Hauptopfer der kommunalen Mittelmäßigkeit. Dies sind schwierige Zeiten, um zu verwalten, was nicht da ist, aber Kultur ist der einzige Same, der wächst.
Angeboten werden die Tage dann von den Berliner Philharmonikern 26, 27 und 28 Juni ein Konzert von Beethovens Neunter Sinfonie, unter Mitwirkung der Solisten der Zauberflöte Camilla Tilling, Nathalie Stutzmann, Joseph Kaiser und Dmitry Ivaschenko.
Unter der Leitung von Simon Rattle, Bei dem Konzert tritt auch der Chor des Königlichen Theaters auf, So vereint er eines der wichtigsten Orchester der Welt mit der Chorformation mit der größten Projektion in Europa.
Zuschauer, die eine Eintrittskarte für die Aufführungen von Die Zauberflöte haben, können ihren Platz für den entsprechenden Termin dieses Konzerts behalten, Beibehaltung der gleichen Eingangskategorie. auch, es wird ein platz für eines der konzerte und recitals von katia und Marielle Labeque angeboten, Maria Bayo oder Measha Brueggergosman aus dem Programm Noches del Real. Jedenfalls, Es wird auch die Möglichkeit geben, dass sie die Rückgabe des Tickets verlangen können.
Beethovens Neunte Symphonie, aufgeführt von den Berliner Philharmonikern und dem Ersten Chor des Teatro Real, Es wird live übertragen, große Leinwand, in verschiedenen Räumen von Madrid, mit Unterstützung des Stadtrates, im Rahmen der Zusammenarbeit der Städte Berlin und Madrid.

Innerhalb der Programmierung von Madrid en Danza, zwischen 14 und 18 November bietet die von José Carlos Martínez geleitete Kompanie die Premieren von Unsound und Demodé sowie Babylon.

UNGESUND
Absolute Premiere von der National Dance Company auf 14 November 2012 in Die spanischen Schiffe von Matadero Madrid.
Bögen & Vierthaler ging von einer philosophischen Untersuchung der täglich ausgeführten Handlungen/Emotionen als seine entscheidende Motivation aus.. „Beziehungen“ spielten im Bewegungsbegriff eine zentrale Rolle, durch eine Vielzahl von Gegensätzen bestimmt:
Entwicklung – Rückschritt, Freiheit – Bindungen, Intimität – Distanz, Kommunikation – Stille, Großzügigkeit – Egoismus, Verlangen – Abstoßung, Vertrauen – Verrat.
du bist schwierig, und immer noch Familie, Handlungen/Emotionen wurden ausgewählt, weil sie die geistige Gesundheit und das körperliche Wohlbefinden bestimmen, zusätzlich zu dem Trauma, das die Menschheit ertragen kann. Beziehungen sind es, die Menschen dazu bringen, sich lebendig zu fühlen, auch ohne Bewusstsein über sie oder ihre wohltuenden Wirkungen oder nicht, und das wird in Unsound durch einen Bewegungsdialog ohne Grenzen erforscht.

BABYLON
Uraufgeführt von der National Dance Company im Mercat de les Flors, Barcelona, die 25 Oktober 2012.
Die Dynamik als Ausgangspunkt einer Unterwelt verankert in der Metrik der Klangfülle des Satzes, angetrieben von einer ruhenden, vielzelligen Menschheit, mächtig, das uns aus der Vertikalität des Seins entfernt, im Gegensatz zur Horizontalität der Seele. In dieser schmerzhaften Dualität bewege ich mich, gezogen von den Mächten, die uns regieren, aus den unendlichen Ebenen der emotionalen Coreutik, von Mestizenvektoren einer mentalen Farbe im Exodus in ein fernes Zion.
Reise, kann nur mit Bewegung beginnen.

ALT
Absolute Premiere von der National Dance Company auf 14 November 2012 in Las Naves del Español in Matadero Madrid..
Sie haben noch nie Ihr eigenes Spiegelbild in einem Schaufenster betrachtet, Haben Sie sich umgesehen und gewundert: – was ist heiß?, Ist es modisch oder ist es altmodisch?? Es scheint Mode zu sein, nicht emotional zu sein. Es scheint Mode zu sein, seinen Dämonen und Leidenschaften ständig auszuweichen.
Ich wundere mich: – Was tue ich?, Ist das Bedürfnis zu wissen, was ich tue und warum so groß?? Ich könnte niemals aus dem Nichts erschaffen, Ich bin unweigerlich mit Erinnerungen geladen, vergangener Essenzen, die mich gleichzeitig lehren und inspirieren. Und ich frage mich: – und wer nicht?
Moden, die Ideologien, künstlerische Stile und Trends sind temporär, Sie kommen zurück und verwandeln sich. was unbestreitbar ist, ist das das Endergebnis, das Kunstwerk, selbst und unabhängig von den Elementen, aus denen es besteht, ist an sich etwas Neues.
Ivan Perez

Das Königliche Theater, an Umstände gebunden, hat begonnen, seine Finanzierungsformen zu ändern. Anstelle des deutschen Modells, die Berliner Oper erhält die 90% seiner Finanzierung öffentlicher Einrichtungen, immer mehr nach amerikanischem Vorbild aussehen müssen, zum New Yorker Metropolitan, wer bekommt kaum ein 1% öffentlich finanziert.
Das Ministerium für Bildung, Kultur und Sport wird einen Beitrag leisten 8.771.283 Euro an das Königliche Theater in 2013, ein 33% weniger als für dieses Jahr budgetiert. Um dieser Reduzierung entgegenzuwirken, Das Theater wird seine Bemühungen verstärken, die Zivilgesellschaft in die Konsolidierung seines künstlerischen Projekts einzubeziehen.
Die konsequente Sparpolitik bei den Personalkosten wird beibehalten, Produktionswartung und Contracting, Gleichzeitig wird ein ehrgeiziger Plan zur Eigenfinanzierung entwickelt.
Neben dieser Suche nach privater Finanzierung, Die Bemühungen um die Vermietung von Real-Eigenproduktionen an andere Häuser werden verstärkt und die Koproduktionspolitik mit anderen europäischen Opernhäusern gestärkt, wie wurde das in den letzten jahren gemacht.
Das Königliche Theater hat sich mit seinen Beschäftigten darauf geeinigt, die Änderung des Tarifvertrags zu unterzeichnen, was eine größere Flexibilität in der internen Organisation und eine Reduzierung der Personalkosten bedeutet.
Ich freue mich auf das nächste Jahr 2013 Das Royal Theatre ist der Stabilität verpflichtet, sowohl am Arbeitsplatz als auch in der Qualität seiner künstlerischen Programmierung.

Beiträge der öffentlichen Verwaltungen an das Königliche Theater in 2012:
Ministerium für Bildung, Kultur und Sport 13.150.350 Euro
Gemeinschaft von Madrid 3.874.386 Euro
Stadtverwaltung von Madrid 941.851 Euro

Beiträge der öffentlichen Verwaltungen an das Königliche Theater in 2013:
Ministerium für Bildung, Kultur und Sport 8.771.283 Euro
Die Beiträge der Gemeinschaft und der Stadtverwaltung von Madrid sind noch unbekannt.

Cecilia Bartoli Mission

Als die italienische Mezzosopranistin Cecilia Bartoli Tauchen in Archiven und Bibliotheken der Suche nach Informationen für ihre Arbeit "Opera prohibita", Sie wurden mehrere Musik-gen gemacht entdeckt. Eines der am meisten erregte seine Aufmerksamkeit, für seine musikalische Qualität und das Geheimnis, das eingehüllt, Es war auf dem siebzehnten Jahrhundert italienischen Komponisten, Agostino Steffani.
Die alte Freundschaft zwischen Cecilia Bartoli mit dem Schriftsteller Donna Leon, les ha llevado a colaborar en la investigación y elaboración de este trabajo.
El resultado de esta aventura conjunta ha sido un disco que nos descubre la maravillosa música de este compositor, anterior a Haendel y a Bach, pero de las mismas dimensiones, y una novela que intenta desvelar todos los misterios de un personaje, Steffani, tan paradójico como genial. Tal vez sacerdote, tal vez castrato, tal vez espíapero siempre interesante. La vida y música de este genial compositor han servido de inspiración para que Cecilia Bartoli interprete su música y Donna Leon su vida.

"Mission"
Cecilia Bartoli
I Barocchisti
Diego Fasolis
DECCA

“Las joyas del paraíso”
Donna Leon
Seix Barral
Editorial planeta

El nuevo programa de visitas guiadas abre al público el corazón del Teatro Real:

• Un recorrido artístico y otro técnico se suman al general, ya existente, para conocer los secretos de funcionamiento del Teatro
• Se muestran zonas de trabajo hasta ahora ocultas al público
• Las visitas tienen lugar todos los días de la semana, con precios reducidos para mayores de 65 Jahre alt, Moll 26 y familias numerosas

El Teatro Real ha puesto en marcha un nuevo programa de visitas guiadas, zeitgleich mit der 15 Aniversario de su reapertura, con el que quiere dar a conocer tanto la historia del edificio y sus protagonistas, como los principales espacios técnicos y artísticos.
Para ello se han diseñado dos interesantes recorridos, uno técnico y otro artístico, que se suman al general que ya existía, y mostrarán al visitante las zonas de trabajo hasta ahora ocultas al público, poniendo de manifiesto por qué la versatilidad y dimensiones de su caja escénica y la buena disposición de sus espacios artísticos hacen del Real uno de los mejores Teatros del mundo.
Las visitas tendrán lugar todos los días de la semana, con una duración aproximada de 1 Stunde und, dependiendo de la modalidad elegida, podrán acceder a las salas de ensayo de ballet, orquesta y coro, los talleres de sastrería, Charakterisierung, los camerinos, la zona de descarga y montaje de los decorados o el escenario, guiados por especialistas de la Asociación de Amigos de la Ópera de Madrid.
Esta iniciativa de apertura se suma a la reciente inauguración de la exposición Los artistas del Real, que permanecerá abierta al público hasta el próximo 6 Januar, y a la extraordinaria acogida de las Jornadas de Puertas Abiertas, dessen letzte Ausgabe, el pasado fin de semana, recibió la visita de más de 5.000 personas que pudieron conocer sus zonas emblemáticas.

TRES VISITAS, TRES RECORRIDOS:

Visita general
Zeitplan: von 10.30 ein 13.00 h.
Dauer: zwischen 50 min. und 1 h.
Grupos: máximo 25 Leute
Preis: 8 € (reducido, 6 €)
Reise: Foyer, Café de Palacio, Salons, restaurante, Palco Real y Sala Principal

Visita artística
Zeitplan: 9.30 und 9.45 h.
Dauer: 1 h.
Grupos: máximo 15 Leute
Preis: 12 € (reducido, 10 €)
Reise: Foyer, Sala Gayarre, Salas de ensayos de escena, Chor, ballet y orquesta, talleres de sastrería y caracterización y camerinos

Visita técnica
Zeitplan: 9.30 h. (diaria) und 15.00 h (Anforderung)
Dauer: 1 h.
Grupos: máximo 12 Leute
Preis: 16 € (reducido, 14 €)
Reise: Foyer, Hauptraum, Bühne,
torre escénica y zaguán.
Edad mínima, 10 Jahre alt

Francesco Tristano, luxemburgués de 29 años y residente en Barcelona, ha presentado su último trabajo “Long Walk”, inspirado en la obra de Bach, en el Matadero de Madrid.
Lo ha hecho a través de un nuevo “concepto” de interpretación de música clásica. Viena en 2001, fue el primer lugar donde Deutsche Grammophon apostó por alejar la música clásica de sus espacios habituales para introducirla en un formato arriesgado de clubs y salas de conciertos. Emergen entonces dos bloques de sonido producidos por el artista, que marca las pausas, completado por dj FM que entremezcla imágenes al ritmo de melodías clásicas.
La excusa es el intento de captación de nuevos públicos, públicos jóvenes, que hasta el momento no han llegado a las salas de concierto. No queda más remedio que acercar la montaña a Mahoma.
La idea es buena. Hay que investigar, explorar nuevas formas de acercar esta música y demostrar a los, bis jetzt, no aficionados que en realidad les gusta. Que se sorprendan experimentando emociones con música de la que huyen habitualmente.
De esta primera experiencia en Madrid, los organizadores deben sacar alguna conclusión. Adiestrar mejor a los profesionales que trabajan en estos nuevos espacios. Hacerles saber que no es lo más conveniente romper hielo en la barra del bar (equivocadamente demasiado próxima al escenario) cuando suena el Aria de las Variaciones Goldberg. schließlich, mejorar la convivencia ente el asombro de los descubridores de esta música y de quienes, einfach, pasaban por allí.

Jahr für Jahr behält das Programm des Petit Liceu sein Engagement für Jungen und Mädchen bei, und Begleitpersonen, um die Musik näher zu bringen, Tanz und darstellende Kunst mit abwechslungsreichen Vorschlägen und Shows, phantasievoll und von großer künstlerischer Qualität. in dieser Saison, Neuheit, Das Petit Liceu-Programm umfasst einen Titel, der sich an junge Menschen richtet 14-15 Jahre alt, el Das tun sie alle, ein Vorschlag, der es dem Liceu ermöglicht, sich einer neuen Altersgruppe zu öffnen.
Barcelona, Cornellà und Sant Cugat gehören zu den wenigen Städten der Welt, die ein Opernprogramm für Kinder wie das Petit Liceu mit anbieten 10 Titel und eine Kapazität von mehr als 90.000 Sitze.

Saison 2012-2013 präsentiert drei neue Vorschläge in der Haupthalle:

– Così fan tutte, eine Adaption von Carol López für alle Zielgruppen, lustig und gewagt.
– Mit den Füßen auf dem Mond, mit Musik von Antoni Parera, die die Ankunft von drei Astronauten und einem Kind auf dem Mond erzählt.
– Das Hausboot, Xavier Montsalvatge, eine musikalische Geschichte über die Arche Noah.

Und an Klassikern wie El Superbarber de Sevilla mangelt es nicht, Allegro Vivace, Bremer Musiker, Aschenputtel, Guillem Tell und Petruixka.

Das Petit Liceu-Programm ist für Familien konzipiert (Wochenenden und Feiertage) und für Schulen (Werktage). Es bietet auch andere ergänzende Bildungsaktivitäten im schulischen Umfeld an, Führungen und Fortbildungen für Lehrkräfte.
Es gibt Abonnements für das Petit Liceu, die mindestens enthalten 3 zeigt mit a 10% Rabatt.
Wir erinnern Sie daran, dass der Preis der Petit Liceu-Tickets NICHT von der Mehrwertsteuererhöhung betroffen ist.

Der Bildungsdienst des Gran Teatre del Liceu trifft ein 73.775 Menschen und ist eines der wichtigsten Werkzeuge, um den Kleinen die Opernkunst näher zu bringen, auf die effizienteste und angenehmste Weise. Hinter diesem Servei Educatiu steht das Ziel, schon in jungen Jahren den Geschmack für das Hören von Musik und das Sehen von Live-Theater zu wecken.

Allgemein gesagt, das Gran Teatre del Liceu organisiert 238 Aktivitäten des Bildungsdienstes, mit einer Gesamtbesucherzahl von 73.775 Leute, davon mehr als 47.000 Sie waren Schüler katalanischer Schulen.
Die Aktivitäten des Bildungsdienstes sind:

1- Bildungsdienst: Die Programmierung des PETIT LICEU

Das zeigt das Petit Liceu mit einem stabilen Familien- und Schulprogramm, Saison 2011-2012, Sumo 88 Vorstellungen (55 Schulkinder und 33 Familie) insgesamt 66.730 Teilnehmer (45.133 bei Schulveranstaltungen u 21.597 in der Familie), unter Kindern, Eltern und Lehrer. Die durchschnittliche Auslastung der Shows im Petit Liceu wurde überschritten 80%.
von der 11 verschiedene Shows, die vom Petit Liceu angeboten werden, die beliebtesten waren Guillem Tell, Bremer Musiker, Die kleine Zauberflöte, Cinderella oder Petruixka.

2- Bildungsdienst: Das Programm SCHULAKTIVITÄTEN

Im Bereich der Schulaktivitäten, über 6.000 Kinder von 176 Schulen gingen während der Saison durch das Gran Teatre del Liceu 2011-2012 zu genießen 153 organisierte Aktivitäten. Das Programm „Die Oper: eine Emotion ", soll Jugendlichen die Oper näher bringen, gekennzeichnet 29 geht und fast 3.000 Studenten 34 verschiedene Schulen.
auch, sie organisierten 99 Führungen für Studenten, mit einer Gesamtbesucherzahl von mehr als 2.300 Kinder. In diesem Rahmen, Die Aktivität „Das Geheimnis der Partitur“ ist ein dramatisierter Besuch, richtet sich an die frühkindliche Bildung, dass es bekam 13 geht mit 152 Schüler letzte Saison.
In diesem gleichen Bereich, Angebote des Bildungsdienstes, Gymnasiasten und Konservatoriumsschüler, die Möglichkeit, einer Generalprobe einer kompletten Oper beizuwohnen, im Hauptsaal des Theaters. Während der letzten Saison haben sie organisiert 5 geht fast vorbei 800 Schule.
schließlich, der Educational Service ebenfalls angeboten 7 Lehrerfortbildungen, mit Unterstützung von 183 Lehrer in der Saison 2011-2012.

Josep Pons, el nuevo director musical del Gran Teatre del Liceu, ha presentado un ambicioso proyecto de actividad de los cuerpos artísticos estables y del departamento musical del Gran Teatre del Liceu.
En la presentación, que ha tenido lugar hoy en el Salón de los Espejos del Liceu, el director general Joan Francesc Marco ha explicado que cuando en el año 2008 se incorporó en el Liceu, una de las prioridades de su hoja de ruta era la potenciación de los cuerpos artísticos estables. Joan Francesc Marco ha puesto de manifiesto que la personalidad artística de un teatro de ópera la dan fundamentalmente la Orquesta y el Coro. Hoy con la llegada de Josep Pons, este objetivo se cumple.
Joan Matabosch, director artístico ha dado la bienvenida al maestro y ha puesto de manifiesto la necesidad de la centralidad del Coro y la Orquesta en beneficio de la actividad artística.
auch, Josep Pons ha expuesto su proyecto y ha anunciado la necesidad de construir un espacio central para el Coro y la Orquesta que se han de reflejar en la estructura y en la actividad.
En relación a la estructura se crea un Departamento musical para trabajar en la actividad musical, más allá de la ópera. El Departamento cuidará las necesidades generales de los colectivos, su difusión y tendrá un puesto en el Comité de dirección del Teatro. Se creará un nuevo marco de relaciones laborales y artísticas con un nuevo convenio con especificidades para el Coro y la Orquesta que se adapte a los tiempos modernos. También se creará una comisión artística de la Orquesta.
außerdem, el Departamento musical trabajará con el compromiso de reponer las plazas vacantes de ’acuerdo con el Plan director.
En relación a la actividad ha señalado la necesidad de una mayor visibilidad del Coro y la Orquesta para que formen parte de la vida musical del país y de la estima de la gente.
Para conseguir estos objetivos el Maestro Pons ha diseñado actividades como conciertos sinfónicos dentro y fuera del Liceu (Zyklen, giras, conciertos de bienvenida populares, etc.) También propone crear grupos de cámara dentro de la Orquesta y dos academias (una musical y la otra vocal). El proyecto social y educativo está también presente en sus prioridades. Finalmente ha apostado por la difusión de la Orquesta y el Coro a través de las grabaciones audiovisuales.
Josep Pons ha señalado que le hace mucha ilusión reencontrarse con el país y la ciudad y concretamente con el Liceu, después de haber estado fuera durante casi 20 Jahre alt. Xavier Solà, secretario general del departamento de cultura de la Generalitat ha cerrado la rueda de prensa dando su apoyo al nuevo proyecto y ha señalado que el Liceu tiene que ser el buque insignia de la presencia de Cataluña en el mundo, en estos momentos de dificultades

Das Königliche Theater zeigt Werke in ihren Werkstätten den 15. Jahrestag seiner Wiedereröffnung zu feiern, in 1997

Königliche Theater feiert den 15. Jahrestag seiner mit der Ausstellung „The Other Künstler Real“ Wiedereröffnung, Es ist beabsichtigt wird, die Arbeit in ihren Werkstätten durchgeführt um zu zeigen,, wo geboren werden Requisiten, die die dramaturgische Raum jeder Oper erstellen, und Kostüme, pelucas y demás elementos utilizados en la caracterización de los personajes.
La muestra está dividida en dos partes. die erste, en el espacio de la Plaza de Isabel II, está dedicada al entorno de los “Otros Artistas”, con algunas herramientas que se utilizan en los talleres, maquetas de decorados, bocetos de figurines y piezas que han figurado en la escenografía de diferentes producciones del Teatro Real, als: las máscaras de Ernani (2000), las cámaras de cine de Madama Butterfly (2002), das Schwert, la corona y el cetro de Merlin (2003), las marionetas de Tancredi (2007), el trono de La Clemenza di Tito (2008), los pájaros de La página en blanco (2011), el cadáver de Séneca de Poppea e Nerone (2012) y la máscara de la protagonista de The Death and Life of Marina Abramovic (2012), unter anderem. Un video de 8 Minuten lang, que se proyectará ininterrumpidamente en la Sala de Proyecciones, completa la exposición en este pequeño espacio, de acceso gratuito.
La segunda parte de la exposición, con obras en seis diferentes plantas del Teatro Real, podrá ser disfrutada por las personas que acudan a un espectáculo o que sigan una de sus visitas guiadas. A la entrada del edificio se encuentra el carruaje de la ópera Les Contes d’Hoffmann (2006), seguida del caballo de Tancredi (2007) y del coche de Don Giovanni (2005), en el centro del foyer. Faraones y diosas de Aida (1998) adornan el Café de Palacio en el sexto piso. En las restantes plantas se podrán ver el coliseum romano de La Clemenza di Tito (1999), el clavecín realizado para Andrea Chénier (2010), pelucas de Aida (1998), Don Carlo (2001) y Faust-bal (2009), así como vistosos trajes y complementos de El sombrero de Tres Picos (1997), Divinas Palabras (1997), Manon (2000), Luisa Fernanda (2006), Le Nozze di Figaro (2008), Die Krönung der Poppea (2010), unter anderem.
Una serie de terminales interactivos permitirá que el público se acerque al fascinante proceso de producción de las óperas que han desfilado por el Real en estos quince años.
La exposición estará abierta al público entre los días 28 September 2012 und 6 Januar 2013.
El espacio de la Plaza de Isabel II (sala de exposiciones y sala de proyecciones) tendrá acceso gratuito y estará abierto todos los días de la semana.
Para ver las obras expuestas en los demás espacios del Teatro Real será necesario adquirir una entrada para sus visitas guiadas (por las mañanas) o para uno de sus espectáculos.
La exposición pretende homenajear a los artistas anónimos que trabajan en el Teatro Real, exhibiendo maquetas, piezas de escenografía, sastrería o caracterización realizadas en sus talleres.

die 2 al 20 Oktober kommt eine der beliebtesten Opern von Verdi in einer Koproduktion des Gran Teatre del Liceu mit der Opéra National de Paris auf die Bühne.
Mit drei Starbesetzungen, Die Oper wurde in der Vollversion zu wenig aufgeführt, weil es erfordert 6 Solofiguren auf höchstem Niveau, die, im Fall des Liceu werden sie von dem Lehrer Renato Palumbo geleitet.
Mit La forza deldestino beginnen die Acts, die das ganze Jahr über stattfinden 2013 erinnert an das 200-jährige Verdi-Jubiläum.

Das Gran Teatre del Liceu hat bestätigt, dass insgesamt 268.715 Menschen besuchten die Shows vom Theater als Teil der Saison 2011-2012. Die durchschnittliche Belegung zeigt Theater ist die 83,6%, etwas höher als der Wert des vorherigen Saison; Opernaufführungen erreicht 84,5% durchschnittliche Belegung und Tanz, die 75,7%. Das Gran Teatre del Liceu aufnehmen 2.292 Städte ist der große Kapazitätsraum mit dem % höchste Auslastung in Katalonien.
Die höchste Auslastung wurde bei den Veranstaltungen von Linda de Chamounix verzeichnet, Die Hochzeit des Figaro, Aida, La Bohème und die Zauberflöte, die bestanden haben 90% Besetzung, zusammen mit dem Rezital des Tenors Juan Diego Flórez, das Konzert mit dem Countertenor Philippe Jaroussky und das Tribute-Konzert für Montserrat Caballé.
die 5 Shows mit den meisten Zuschauern waren La Bohème (39.452 Zuschauer), Adriana Lecouvreur (23.684), Linda von Chamounix (21.607), Aida (14.887) und Faust in Konzertfassung (14.406).
Düngemittel haben vertreten 50% der Besetzung des Theaters. für die nächste Saison, die offiziell die eröffnet 2 Oktober mit La Forza del Destino, haben bereits mehr als erreicht 1.000 neue Abonnenten. Das Liceu behält die Mehrwertsteuer ermäßigt bei 8%, Anstatt von 21% tatsächlich.

El Teatro Real inaugurará su nueva temporada con el estreno en Madrid de uno de los clásicos de la música del siglo XX: la grandiosa ópera Moisés y Aarón, de Arnold Schönberg (1874-1951), de la que se ofrecerán dos funciones en versión de concierto los días 7 und 9 September auf 20.00 Stunden, con el patrocinio de AQUALOGY, la marca global de soluciones del agua.
Esta ambiciosa ópera será interpretada por 230 Musiker, 10 Solisten (encabezados por el barítono Franz Grundheber y el tenor Andreas Conrad), 110 instrumentistas de la SWR Sinfonieorchester Baden-Baden Freiburg y 110 miembros del EuropaChorAkademie, bajo la dirección de Sylvain Cambreling. Su presentación en Madrid se enmarca en un proyecto conjunto del Teatro Real, la Philharmonie Berlin, el Festival de Lucerna y el Festival Musica de Estrasburgo.
die 6 September auf 19.30 Stunden, dentro del ciclo Enfoques, con entrada libre, Gerard Mortier y el musicólogo Rainer Peters presentarán la ópera al público, que podrá escuchar en directo la interpretación de dos obras de Schönberg: el sexteto de cuerdas La noche transfigurada, por miembros de la Orquesta Titular del Teatro Real (Madrid Symphony Orchestra), und die Klaviersuite Op.25, por la pianista Kyoko Nojima.

La Staatsoper fue construida entre 1741 und 1743, siendo en su momento uno de los recintos operísticos más importantes de Europa y en la actualidad, el edificio cultural más antiguo de Berlín.
Su remodelación comenzó en septiembre del 2010. Con esta reforma se pretende la funcionalidad de la Ópera, crear una conexión subterránea con el edificio contiguo que alberga las salas de repetición y almacenamiento, reforzar su estructura y, vor allem, mejorar su acústica.
El principal reto sobre la acústica consiste en aumentar el tiempo de reverberación de la sala de 1,1s a 1,6s. Todo ello manteniendo el equilibrio entre musicalidad e inteligibilidad. Einerseits, la música debe envolver a los espectadores, y se pretende para ello crear un campo sonoro difuso y reverberante. Auf der anderen Seite, se debe optimizar la intensidad para aumentar la claridad y la inteligibilidad y de esa manera poner en valor la locución de los artistas.
Para lograrlo se está aumentando el espacio volumétrico de la sala alzando el techo 4 metros y creando una galería reverberante encima del tercer balcón. También se ha reducido la absorción acústica en la sala limitando el número de espectadores de 1395 ein 1335.
La conclusión de las obras y reinauguración del edificio estaba previsto para el año 2013, pero la complejidad en el desplazamiento de los ornamentos que se conservan del edificio, y las condiciones meteorológicas adversas del invierno anterior, hicieron que se produjese un primer retraso de un año y su reapertura quedó fijada para octubre de 2014. Pero esta semana, la dirección de la Staatsoper ha anunciado un nuevo retraso en las obras de remodelación que no concluirán hasta 2015. Será entonces en octubre de este año, 2015, cuando abra de nuevo sus puertas. Todos estos retrasos suponen además un gasto adicional ya que la ópera se ha trasladado al Teatro Schiller.

John Cage es una de las figuras más importantes del arte contemporáneo, no solo por sus innovaciones en el campo de la música sino como pensador, escritor y filósofo. Nació en los Estados Unidos el 5 de Septiembre de 1912. Por lo que se cumple ahora el primer centenario de su nacimiento. zu feiern, el sello discográfico que publicó todas sus obras, Wergo, ha decidido editar un cofre aniversario con 5 CDs en edición limitada titulado “John Cage 100. Esta caja reunirá sus obras más significativas en grabaciones de referencia absoluta, como las Sonatas and Interludes for Prepared Piano”, “Konzert für Klavier und Orchester” die “Music for Two”.
Por otra parte Wergo editará en DVD el legendario collage cinematográficoBirdcage: 73’20.958’ for a Composer”, erstellt in 1972 por encargo de WDR y SWR en ocasión del 60º cumpleaños de Cage por el compositor y escritor Hans G. Helms, un extraordinario retrato de Cage como artista, de su pensamiento musical y extramusical, su carácter y su obra.
También esta semana, el Museum der Moderne de Salzburgo ha organizado una exposición que durará hasta el 7 de octubre dedicada a John Cage como artista.

Der chinesische Komponist Tan Dun erhielt am vergangenen Samstag 18 August in der Laeiszhalle in Hamburg den Bach-Preis 2011 alle vier Jahre von der Stadt Hamburg an einen herausragenden Komponisten unserer Zeit vergeben”. Der Preis ist dotiert mit 10.000 Euro und wurde gewährt, neben anderen großen Werken, die er komponiert hat, por su Wasserpassion nach St. Matthäus, das auf der Passion nach San Mateo de J. S. Bach.
Bei den bisherigen Bach-Preisen handelt es sich um Paul Hindemith (1951), Ernst Krenek (1966), György Ligeti (1975), Alfred Schnittke (1992) und, in der letzten Ausgabe, Sofia Gubaidulina (2007).
Außerdem wurden zwei Preise vergeben 5.000 Euro an zwei junge, der Stadt Hamburg verbundene Komponisten: Leopold Hurt (Regensburg, Deutschland, 1979) y Shen Ye (1977).
Tan Dun:
Tan Dun wurde im Dorf Simaonae geboren, Changsha in der chinesischen Provinz Hunan. Als Kind war er fasziniert von der Rolle des Schamanen seines Dorfes, die Rituale und Zeremonien durchführten, oft vertont aus ungewöhnlichen Objekten, wie Felsen und Wasser. jedoch, wie ein kind inmitten der chinesischen kulturrevolution, solche Praktiken wurden gefunden “rückläufig” verpönt und wurde als Reispflanzer in eine Regierungskommune geschickt.
Aber dieser Umstand hinderte ihn nicht an seiner Liebe zur Musik.. Er gründete seine eigene Musikgruppe, Gebildet von den Bauern des Dorfes, die alles spielten, was sie konnten, mit gleichmäßigen Töpfen und Pfannen. Dank dieser Bauern begann er, sich für das Spielen traditioneller chinesischer Saiteninstrumente zu interessieren..
Dank des Vertrages, den ihm eine reisende Musikgesellschaft gemacht hat, gelang es, die Gemeinde, in der er lebte, zu verlassen. Von dort aus hatte er Zugang zum Central Conservatory of Music in Peking und studierte bei Musikern wie Tōru Takemitsu., was seine Musikalität und sein Gespür für musikalischen Stil stark beeinflusst hat.
In den 1980er Jahren zog er als Doktorand an der Columbia University nach New York City., studierte Komposition bei Chou Wen-Chung, der Schüler und Assistent des Komponisten Edgard Varèse war. Dort entdeckte Tan experimentelle Musiker wie Philip Glass, John Cage, Meredith Mönch, und Steve Reich. All diese Einflüsse nahm er nach und nach in seinen Kompositionsstil auf..
Tan Dun ist weithin dafür bekannt, in seinen Kompositionen nicht-traditionelle Instrumente zu verwenden.. Su pieza Wasserleidenschaft nach St. Matthew verwendet verstärkte Wasserschalen als traditionelle Percussion. Er ist auch für die Anwendung von Multimedia-Elementen auf seine Darbietungen wie Orchester, die mit Video oder Publikumsbeteiligung interagieren, bekannt.”

Danach gewann die von Calixto Bieito signierte Carmen, in der er letztes Jahr am Teatro Massimo in Palermo die Hauptrolle spielte, den Abbiati Award, die Madrider Mezzosopranistin María José Montiel wird sich wieder mit dem sizilianischen Publikum treffen 16 Oktober dank zweier sehr unterschiedlicher Papiere: Konzeption, der spanischen Zeit, y Das Kind, aus Das Kind und die Zaubersprüche, beide von Maurice Ravel, Titel, die in einer neuen Produktion des Palermo Lyrical Coliseum die musikalische Leitung von Yves Abel und die Bühnenregie von Luciano Cannito haben werden.
Die spanische Sängerin verliebte sich in das Publikum von Palermo, als sie ihre neueste Carmen anbot: “Es ist ein sehr anspruchsvolles Publikum, versteht und der die Oper zutiefst liebt. Dort wird das Theaterstück gelebt wie nirgendwo, Deshalb freue ich mich so sehr über diese Rückkehr an das Teatro Massimo”, erklärt Maria Jose Montiel, der eine Konzerttournee hinterlässt, um diese beiden Ravelian-Rollen zu spielen. “Sie sind komplex und sehr unterschiedlich, sowohl nach Charakter als auch nach Anforderung, aber beide sind toll, so sehr wie Ravel als Komponist”, der dieses Jahr Geburtstag hat 75 Jahre seines Verschwindens. Der spanische Mezzo ist Concepción schon einmal in die Haut getreten – vor drei Jahren und ausgerechnet auf Sizilien, im Theater Vittorio Emmnuele in Messina- und jetzt nimmt er die Rolle des L'Enfant in sein Repertoire auf.
Unter den bevorstehenden Verpflichtungen des spanischen Mezzosopranistin ist eine neue Show von Carmen (Bizet), Diesmal an der Atlanta Opera (USA) und Beethovens Neunte Symphonie, was seine Rückkehr in den Palau de les Arts in Valencia nach seiner unvergesslichen Aufführung von Neris sein wird (Medea, Cherubini), Regie von Zubin Mehta, womit er bei jeder Darstellung minutenlangen Applaus bekam.

No corren precisamente buenos tiempos en esta Europa con los pies de barro. Menos aún para todo aquello que siempre, ante la incertidumbre, se manifiesta más vulnerable. Es el caso de la música y el arte en general.
La temporada de ópera en España ha terminado sembrando cierta inquietud de cara a la próxima de 2012-13 en lo que a cuestiones laborales se refiere. A pesar de la suspensión del ERE que puso en peligro la continuidad de la temporada en el Teatro del Liceu de Barcelona, la última representación, Aida, donde se despedía de los escenarios al barítono Joan Pons, se vio afectada por la huelga de una treintena de miembros del coro. Protestaban por el despido de dos de sus miembros. Los grandes coros de esta ópera habían necesitado el refuerzo de unos 50 coristas de la Polifónica de Puig-Reig, lo que permitió que la obra no se desluciera y la despedida del magnífico Pons haya sido la que merece.
Tampoco la situación es fácil en el Teatro Real de Madrid. Las negociaciones que venían manteniendo representantes de los trabajadores y la empresa, no han llegado a ningún acuerdo y se anuncian despidos antes del comienzo de la próxima temporada.
Los trabajadores del Real acusan a la dirección artística, no sin razón, de la falta de realismo por la situación actual que atraviesa el país. Empezando la temporada con una ópera en versión concierto (2 Funktionen) que cuesta más de 1.000.000 €. Se programan 6 Neuproduktionen, con el inmenso gasto que conlleva, y no se apuesta por ninguna reposición como están haciendo todos los teatros de ópera de Europa. Se programan 10 Noches del Real cuando esta temporada ha habido 7 und 6 han sido muy deficitaria”.
Ante estas situaciones esta claro que la temporada próxima en los dos teatros de ópera más importante de España dará comienzo con cierta inquietud. A falta de la repercusión que tendrá el IVA a partir de septiembre (nunca buena), habrá que estar atentos y esperar acontecimientos. Lo único claro es que vivimos momentos de incertidumbre y la música, als, no iba a ser menos.

Decca ha presentado las sinfonías completas de Beethoven, live aufgenommen von Daniel Barenboim und dem West-Eastern Divan Orchestra in Köln, Zeugnis des Projekts: “Beethoven für alle”, Es begann mit einer Welttournee in 2010 im Colón Theater in Buenos Aires.
Das WEDO Orchester wurde in gegründet 1999 von Edward Said und Daniel Barenboim as “ein Forum für junge Musiker aus allen verschiedenen Ländern des Nahen Ostens, um zusammenzukommen, de tener una oportunidad de hacer música juntos y luchar de este modo contra la ignorancia que tienen unos de otros.
Das Projekt ist ein Spiegelbild der Universalität der Musik. Wie Barenboim betont, “Musik ist für alle, die ihren Geist und ihr Herz öffnen. Es braucht diese Neugier und es erfordert aufmerksames Zuhören, aber dann ist es für alle. Und wenn Sie Leute fragen, die denken, dass sie nicht musikalisch veranlagt sind: wen kennst du?, man sagt: ein Beethoven. Wenn wir also Musik für alle wollen, dann muss es Beethoven sein.”
auch, erklärt, dass dieser Komponist im Zentrum der gesamten Entwicklung des Orchesters stand, weil er alles hat: “es ist dramatisch, lyrisch, episch ... es ist alles andere als eine Sache, es gibt nichts oberflächliches. Es geht wirklich um das Wesentliche für den Menschen.”
Trotz der Erkenntnis, dass der Plattenmarkt keinen weiteren Beethoven-Zyklus braucht, verdeutlichen, dass diese Aufnahmen “son diferentes porque contienen una cantidad de energía impresionante (aufgrund der Jugend der Musiker der Instrumentalisten), aber es gibt Strenge in genau demselben Verhältnis. Und die Kombination aus Strenge und Energie ist sehr kraftvoll.”
“Beethoven für alle” Es wird das erste klassische Fi-Di-Album von Universal Music Spain sein, ein Format, das allen, die sein Album in physischer Form kaufen, ermöglicht, exklusive digitale Inhalte von Interesse auf der Website www.beethovenforall.es zu genießen, auf die sie mit einem persönlichen Code zugreifen können, der im Album enthalten ist.

Konferenz zu Arnold Shönberg und seiner Oper Moisés y Aarón im Círculo de Bellas Artes in Madrid

ARNOLD SCHÖNBERG, DIE MUSIKALISCHE INNOVATION UND DIE HEBRAISCHE TRADITION
25 Juni, Montag, zu 19.30 Stunden
Säulenzimmer
Musik soll nicht schmücken, sondern wahr sein, von Rainer Peters
musikalische Struktur der Oper “Moses und Aaron”, von Sylvain Cambreling
Konzert: Fünf Stücke für Klavier Op. 23 und Suite für Klavier Op.25, de Arnold Schönberg
Interpretation von Kyoko Nojima

MOISES, DER BIBLISCHE CHARAKTER, DIE FIGUR DURCH DIE KUNSTGESCHICHTE
26 Juni, Dienstag, zu 19.30 Stunden
Säulenzimmer
Die biblische Figur des Moses. Geschichte und Erinnerung, von Julio Trebolle
Mein Moses sieht aus wie Michelangelo. Das Motiv von Moses in der Malerei, Literatur und Psychoanalyse, von Rainer Peters
Konzert: Verklärte Nacht, auf. 4, de Arnold Schönberg
Interpretation: Solisten des Madrid Symphony Orchestra

VORSPIEL ZUR FEIER DES 15 JUBILÄUM DES ROYAL THEATRE IM CIRCULO DE BELLAS ARTES IN MADRID
Das Königliche Theater wird der gedenken 15 Jahrestag seiner Wiedereröffnung mit der Premiere der fabelhaften Oper von Arnold Shönberg in Madrid, Moses und Aaron.
Als Auftakt zu dieser Feier finden sie im Círculo de Bellas Artes statt, Tag 25 und 26 Juni, zu 19.30 Stunden, zwei dem Wiener Komponisten gewidmete Konferenzen mit Gesprächsrunden und Konzerten.
Der Zugang zu diesen Meetings ist kostenlos und kostenlos bis zur vollen Kapazität.

Das Königliche Theater, in Zusammenarbeit mit dem Kreis der Schönen Künste von Madrid, hat zwei attraktive und vielseitige Konferenzen veranstaltet, die Arnold Schönberg gewidmet sind (1874-1951) in das kreative Universum dieses großen österreichischen Komponisten einzutauchen, dessen Oper Moisés y Aarón die nächste Spielzeit des Teatro Real eröffnen wird.
Moses, zentrale Figur im Christentum, Judentum und Islam, fasziniert Historiker gleichermaßen, Archäologen, Ägyptologen oder Theologen, das für mehr als 3000 Jahre haben seine Fußspuren verfolgt und untersucht, seinen Einfluss und seine mystische und religiöse Aura.
Seine Figur verführte auch unzählige Künstler – von Michelangelo bis Tintoretto, Von Rembrandt bis Murillo, Schriftsteller und Denker, die, wie Thomas Mann, Strindberg, Heine oder Freud haben ihn zum Förderer literarischer Werke und Essays gemacht.
Auch Arnold Schönberg, Schöpfer der Zwölftonmusik und entscheidender Komponist in der Musikgeschichte des 20. Jahrhunderts, machte Moses zum Protagonisten seiner einzigen Oper, Moses und Aaron, einzigartige Schöpfung, imposant und überwältigend praktisch unbekannt in Spanien, die das Teatro Real anlässlich des 15. Jahrestages seiner Wiedereröffnung in einer konzertanten Fassung präsentieren wird, in 1997.
Als Vorschau auf dieses große Ereignis wird der Öffentlichkeit in Madrid die Möglichkeit geboten, sich zu nähern, aus unterschiedlichen Ansätzen, zu Leben und Werk Schönbergs, mit zwei dem Komponisten gewidmeten Konferenzen, an denen sie teilnehmen:

– Rainer Peters, Deutscher Musikwissenschaftler an der Wiener Schule, die über Schönbergs Werk in seinem gesellschaftlichen und künstlerischen Kontext sprechen
– Sylvain Cambreling, Dirigent von renommiertem Prestige in der Interpretation der Musik des 20. Jahrhunderts, der seine Intervention mit zahlreichen musikalischen Beispielen veranschaulichen wird
– Julius Trebolle, Professor am Institut für hebräische und aramäische Studien an der Universität Complutense in Madrid, die die Figur des Moses der Öffentlichkeit aus verschiedenen Perspektiven näher bringen

Beide Tage werden mit einem kleinen Konzert mit Werken von Schönberg abgeschlossen:

– Kyoko Nojima wird die Fünf Stücke für Klavier Op. 23 und die Klaviersuite Op.25, Tag 25 Juni
– Ein Streichsextett des Royal Theatre Orchestra wird die Transfigured Night aufführen

die nächste 12 Die Uraufführung von Poppea e Nerone findet im Juni im Teatro Real statt, neue Orchestrierung von Philippe Boesmans (1936) para Die Krönung von Poppea, de Claudio Monte (1567-1643), mit musikalischer Leitung von Sylvain Cambreling, Bühnenregie von Krzysztof Warlikowski und Bühnenbild und Kostüme von Malgorzata Szczesniak.
Philippe Boesmans hat für das Teatro Real eine Neufassung der uraufgeführten Orchestrierung geschaffen 1989 im Teatro de la Monnaie, am klarsten, verfeinert und für ein reduziertes Orchester gedacht, bestehend aus Solomusikern, como la Klangforum Wien, Gruppe von großem Prestige in der Interpretation zeitgenössischer Musik, das wird im Graben des Real sein.
In den beiden bekannten Manuskripten von L'incoronazione di Poppea - dem aus Neapel und dem aus Venedig -, die Oper erscheint nur mit der Gesangsstimme und einer dreistimmigen harmonischen Begleitung (oben zwei und unten). Das Fehlen der Orchesterpartitur bedeutet, dass bei jeder Aufführung der Oper eine neue Instrumentalfassung erstellt werden muss..
Die Orchestrierung kann nach historistischen Kriterien erfolgen “gelesen von Nikolaus Harnoncourt, René Jacobs, Alan Curtis oder William Christie”, oder Sie können wählen, wie im Fall von Luciano Berio, Hans Werner Henze, o Philippe Boesmans, für eine Partitur, in der moderne und alte Instrumente koexistieren, und das verleiht dem Basso continuo einen großen Reichtum an Rhythmus und Farbe, Verstärkung der ursprünglichen Operndramaturgie.
Diese Neuinterpretation, gefahren von Claudio Monteverdi selbst, es wird umfangreich, im Theatre Royal, an das gesamte künstlerische Team, encabezado von Krzysztof Warlikowski, der sich entschieden hat, die Handlung des Stücks auf die ethischen und philosophischen Fragen zu konzentrieren, die von den Charakteren aufgeworfen werden, unter der Aura von Seneca.
Der Oper geht ein theatralischer Prolog voraus, der von Krzysztof Warlikowski geschaffen wurde, Christian Longchamp und Jonathan Littell, inspiriert von Texten von Michel Foucault (seine letzten Konferenzen), Thomas Hobbes und Christopher Isherwood (seinen Roman Ein einzelner Mann) und in Ausschnitten aus dem Wittgenstein-Film, von Derek Jarmann.
Monteverdis Meisterwerk, geschrieben, als der Komponist hatte 75 Jahre alt, verlässt zum ersten Mal mythologische Themen, um ein historisches Drama voller zugespitzter Leidenschaften und blutiger Machtkämpfe zu thematisieren, im brillanten Libretto von Giovanni Francesco Busenello mit erstaunlicher Selbstverständlichkeit behandelt, Pinselstriche von Humor und verkappter Ernüchterung.
In dieser Produktion wird der Charakter von Seneca verstärkt, der auf die Freuden der Liebe und Leidenschaft verzichtet hat, um seine Tage der Philosophie und Lehre zu widmen. Im Alter muss er sich seiner Vergangenheit stellen und verfällt Halluzinationen. Der erste findet im Prolog statt, in einer Eliteuniversität, in der er unter seinen Schülern Nerone hat, Poppea und Ottavia.
sechs Jahre später, wann beginnt der erste akt, Seneca, bereits in voller Diktatur, hat die Lehre aufgegeben, aber er ist immer noch eine Referenz für seine ehemaligen Schüler. Der alte Hörsaal der Universität ist zu einem verlassenen Ort geworden, die die jungen Faschisten für ihre Übungen nutzen und die ehemaligen Studenten aus Nostalgie frequentieren, als Treffpunkt. Seneca, obwohl er nicht mehr unterrichtet, kehren Sie auch regelmäßig in diesen Raum zurück…
Um diese Oper zum Leben zu erwecken, Sylvain Cambreling, Erster Gastdirigent des Klangforum Wien, wird diese renommierte Gruppe und eine große Anzahl von Solisten leiten, in denen sie auffallen: Nadja Michael (Poppea), Charles Castronovo (Nerone), Maria Riccarda Wesseling (Ottavia), William Towers (Messing), Billard Weiß (Seneca), Ekaterina Siurina (Drusilla), José Manuel Zapata (Arnalta), Lyubov Petrova (Tugend / Schaufeln), Elena Tsallagova (Vermögen / Dame), Serge Kakudji (liebe), Jadwiga Rappe (Ottavias Amme), Isaac Galan (Mercury/Lictor/Senecas Vertrauter), Juan Francisco Gatell (Lucano/Liberto) und Hannah Esther Minutillo (Seite).

Brilliant passend zu den Rollen des internationalen Opernstars, Karikaturist, Humorist, TV-Persönlichkeit und angehender Romanautor, der hochbegabte mexikanische Tenor (und exklusiver Aufnahmekünstler für die Deutsche Grammophon) Rolando Villazón hat gerade in Baden-Baden einen neuen Doppelsieg eingefahren, wo die Neuinszenierung von Donizettis L'elisir d'amore im Festspielhaus nicht nur gesehen hat, wie er zurückgekehrt ist, um seine emblematische Rolle als Nemorino zu verkörpern, der liebeskranke opernheld, sondern auch, wie er die gesamte Produktion auf der Bühne leitete.
Rolando hat bereits Opern auf der Bühne inszeniert – sein Bühnendebüt gab er 2010 mit Massenets Werther in Lyon., aber dies ist das erste Mal, dass er in derselben Show singt und dirigiert.
Rolandos kühner Doppelgänger hat sich bewährt, Ohne jede Art von Zweifel, ein großer Erfolg. Die Uraufführung am Montag wurde mit zehnminütigen Standing Ovations begrüßt und Kritiker haben sowohl ihre Leistung als auch ihre Inszenierung gelobt.. Die Pforzheimer Zeitung lobte ihre „schön flüssige Belcanto-Darbietung”, während Die Welt ihm Tribut zollte “absolute Kontrolle” der Szene: “[Steuern] L'elisir verlangt, vor allem, authentisches Können; und Villazón – der schlaue Clown- besitzt es auf jeden Fall […] ein absolutes Vergnügen”.

No puede uno ser de los más grandes y que ningún medio se haga eco de su muerte. Es lo que tiene marcharse a la vez que Robin Gibb y Donna Summer. Es lo que tiene vivir en un momento en el que se prima la mediocridad y se trivializa el conocimiento. Cuando la banalidad se hace importante, lo importante pasa a las filas de atrás. Y es que nos ha dejado el gran barítono Dietrich Fischer-Dieskau, con la misma elegancia con la que interpretaba, impecablemente, las lieder de Schubert. Su rotunda presencia en el escenario. Su perfecto fraseo y declamación. Su técnica, depurada y convincente. Y su voz, homogene, tersa y precisa. El más grande del siglo XX.

La Académie du Disque Classique Lyrique de Paris ha galardonado a la soprano Patricia Petibon por su interpretación del rol titular de Lulu de Alban Berg en el DVD grabado en el Gran Teatre del Liceu en noviembre de 2010.
Lulu es una coproducción del Gran Teatre del Liceu y el Grand Théâtre de Genève con la controvertida dirección de escena de Olivier Py. Con este DVD el Liceu estrena la colaboración con la discográfica Deutsche Grammophon.
Patricia Petibon, soprano francesa aclamada internacionalmente, destaca en el papel protagonista con una fantástica actuación, de gran magnetismo y fuerza teatral.

die 21 Mai führt das Teatro Real Rienzi urauf, einer der emblematischen Titel der romantischen Grand Opera in Konzertfassung, Auftakt zu den im nächsten Jahr stattfindenden Gedenkfeiern zum 200. Geburtstag Richard Wagners.
Alejo Pérez wird verantwortlich sein 13 Solisten, in der Nähe von 100 Sängerinnen und Sänger des Wiener Philharmonia Chores und des Chores des Königlichen Theaters und der 122 Titular Orchestermusiker Teatro Real, zwischen Pit und Bühne aufgeteilt.
El-Tenor Andreas Schager , ersetzt Burkhard Fritz in der Titelrolle, führt die Besetzung neben der Sopranistin Anja Kampe und der Mezzosopranistin Claudia Mahnke an.
Oper in fünf Akten von Richard Wagner (1813-1883) nach dem Roman Rienzi , der letzte der römischen Tribünen , de Bulwer-Lytton, und innerhalb der formalen Prinzipien der französischen Grand Opera geschrieben, dann auf dem Höhepunkt.
Die Entstehung von Rienzi durchlief mehrere Phasen und wurde in verschiedenen Städten konzipiert: Riga, in 1838, die ersten beiden Akte, und in Boulogne-sur-Mer und Paris , in 1839 und 1840, die letzten drei. Trotz des starken Drucks von Meyerbeer, Rienzi erst in Berlin und dann in Paris zu inszenieren, Die Oper erreichte erst ihre erste öffentliche Aufführung 20 Oktober 1842, Dresden, als Wagner Der fliegende Holländer bereits beendet hatte (Der fliegende Holländer) und begann mit der Komposition von Tannhäuser.
Die Handlung der Oper basiert auf Aufstieg und Fall des Volkstribuns Rienzi, wer vorgeschlagen hat, in 1347, in Rom eine Republik nach dem Vorbild der Antike zu errichten. Nachdem er einen Volksaufstand angeführt hatte, musste sieben Monate später abdanken und ins Exil fliehen. Nach sieben Jahren von der römischen Kirche rehabilitiert, in die ewige Stadt zurückgekehrt, wo er getötet wurde.
Ein guter Teil von Rienzis Zügen nimmt die Voraussetzungen der großen Oper an , deren Kontraste zwischen der historischen Handlung, Kollektiv und grandios, und das Drama des Protagonisten, tief und einzigartig, Rückgrat der Struktur der Oper, Gegenüberstellung von intimen und intensiven Szenen zu spektakulären Enden von großer szenischer Komplexität.
Der Erfolg der Rienzi-Premiere war kolossal, vielleicht der größte und einmütigste in Wagners Leben. Der Komponist unterzog die Partitur jedoch mehreren Überarbeitungen und entfernte sich schrittweise davon., sie am Ende ihres Lebens fast verleugnen. Diese Ablehnung wurde von den standhaftesten Wagnerianern übernommen, die das Werk nie bei den Bayreuther Festspielen uraufführen ließen, auch nicht nach der „Revision“ von Cósima Wagner, um es den ästhetischen Prinzipien des Musikdramas anzupassen.
Auch seine enge Verbindung zur Biografie Adolf Hitlers war nicht ohne Bezug zur Zukunft des Werkes., die begeistert zuhörten 17 Jahre alt, nutzte es zur Eröffnung des NSdAP-Kongresses, in Nürnberg, in 1939 und eignete sich schließlich das Autograph an, das Teil seiner Privatsammlung wurde und während der Bombardierung Berlins verschwand.
heute, 170 Jahre nach seiner Premiere, Rienzi ist im ästhetischen Kontext seines Schaffens zu sehen, im Rahmen der großen Oper des 19. Jahrhunderts und als wichtiger Schritt in der Karriere Richard Wagners, bevor er sich auf den Weg begab, der ihn zu einer Ikone des Opernschaffens aller Zeiten machen würde.

El tenor barcelonés David Alegret hará su debut operístico en el Teatro de La Maestranza de Sevilla el próximo 28 de junio asumiendo uno de los personajes protagonistas de la olvidada ópera Cristóbal Colón (1829), del compositor Ramón Carnicer (Tárrega, 1789 – Madrid, 1855), y cuya próxima reposición en la capital hispalense significará su estreno en tiempos modernos y uno de los acontecimientos musicales de la temporada. Se trata de una obra plenamente belcantista, con reminiscencias al gran repertorio del último Donizetti o del primer Verdi, con momentos de extrema dificultad y con mucho ornamento”, apunta Alegret, quien debe defender el complejo papel de Zamoro, “muy agudo y lleno de coloraturas”.
La obra de Carnicer, compositor esencial del Romanticismo musical español, autor de una docena de óperas e, auch, de rarezas como el Himno Nacional de la República de Chile, llegará al coliseo sevillano en versión de concierto dirigida por Santiago Serrate, quien estará al mando de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla y de un reparto en el que también participan Yolanda Auyanet, Cristina Faus y Joan Martín Royo, unter anderem. El estreno de esta ópera, con el nombre italianizado de Cristóforo Colombo, tuvo lujar en el Teatro del Príncipe de Madrid el 12 Januar 1831 y la partitura, una de las mejores del catálogo del compositor español, demanda un gran virtuosismo vocal para sus intérpretes.

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