EspañolEnglishDeutsch

Ein SPLENDID ELEKTRA, ZURÜCKZUFORDERN GEFÜHL IN DENEN VALENCIANO Palau de les Arts BEST OLD. Durch Diego Manuel García Pérez.Darstellungen von Elektra Richard Strauss, die sie fanden im Januar dieses Jahr in der Palau de les Arts in Valencia, Sie haben schon eine Sensation gewesen, vor allem für die großartige Leistung des Orchesters von Valencia, dieses Mal auf mehr als hundert Instrumentalisten erweitert und sehr gut von Marc Albrecht Regie, große Kenner des Straussianer Repertoires. Unter den Stimmen hob die amerikanische Sopranistin Sara Jakubiak, Chrysotemis und prächtigen Bariton Derek Welton Australian als Orestes. Kanadier Robert Carsen, Er machte eine ausgezeichnete Bühnenanweisung, ausdrucksstarke Art und Weise zu figurantes Menge in einer nahezu leeren Bühne bewegende especio. Die Kapazität war fast abgeschlossen, das war tröstlich, insbesondere mit einem Titel wie Elektra ganz abgesehen von dem Standardrepertoire. Ein begeistertes Publikum gab Ovationen am Ende der Darstellungen stehen. Nach mehreren Jahren der Veränderungen und Unsicherheiten, Der Palau de Les Arts hat ihre besten Gefühle der antaño.Después des großen Erfolgs von Richard Strauss erreicht erholt mit Salome, ihre Zusammenarbeit begann mit dem großen Dramatiker und Dichter Hugo von Hofmannsthal Austrian, in denen sich Musik und Text perfekt ergänzten, Herstellung von sechs Opern in zwanzig Jahren: Elektra von 1909, Der Rosenkavalier (der Rosenkavalier) von 1911, Ariadne auf Naxos (erste Version 1912 und die zweite und endgültige 1916) und Die frau ohne schatten (Frau ohne Schatten) von 1919, die wahre Meisterwerke werden in Betracht gezogen, und zwei: Die Ägyptische Helena (ägyptische Helena) von 1928 und Arabella, veröffentlicht in 1933, extreme Qualität. Hofmannsthals Tod, in 1929, als er fast das Libretto abgeschlossen Arabella, war ein Schlag gegen Strauss. in 1903, Hofmannsthal hat sein Stück mit großem Erfolg uraufgeführt Elektra (Anpassung von Sophokles Stück), im Kleinen Theater von Max Reinhardt in Berlin. Strauss besuchte eine Aufführung im Herbst 1905, kurz vor der Premiere Salome, und er der Ansicht, dass seine dramatische Struktur für eine Oper sehr geeignet war. Im Frühjahr 1906, Komponist und Schriftsteller erfüllen die Bedingungen zu diskutieren, das Spiel zu einer Oper drehen. Die Zusammensetzung dauerte mehr als zwei Jahre, ab Sommer 1906 und endet im Herbst 1908. Elektra Premiere am Königlichen Theater in Dresden, die 25 Januar 1909, und im selben Jahr hatte erfolgreiche Auftritte in München statt, Frankfurt, Berlin, Hamburg, Düsseldorf, Wien, Graz, Mailand und im folgenden Jahr, I Premiere in London und New York. Es kann die revolutionärste Opern von Strauss in Betracht gezogen werden, was ein großes Orchester mit über hundert Instrumentalisten, Laufen eine sehr expressionistischen Musik, wo der Komponist Mischung mit Polytonalität Tonalität und Atonalität kühner, mit Momenten großer lyrischer Intensität. in einem Akt komponiert, Es erfordert drei große Sänger von großem Ausdruck vocalism und großer Kapazität: ein dramatischer Sopran für die besessen und rachsüchtig Elektra, eine lyrische Spinta für ihre Schwester Chrysothemis und dramatische Altistin oder Mezzo für die Rolle seiner Mutter Klytämnestra, zusammen mit einem Bariton in der Rolle des Orest, im Besitz eines mächtigen vocalism. Mehr episodische das Papier Aegisth, durch eine Tenorstimme Licht und extravagante Bühnenbewegungen gespielt. Bemerkenswerte Standup Elektra, Ihre Duette mit Chrysothemis (halluzinatorisches, die es am Ende der Oper auftritt), die interpretiert Orestes, wo sie gemischt Liedtext und eine dramatische Intensität; und, vor allem, das atemberaubende Duett mit ihrer Mutter Klytämnestra, wo die Stimmen sollen ein beträchtliches Volumen in Verbindung mit dem Anlaut beeindruckenden orquestal.El ausgezeichneten Tour von Elektra bieten, im Laufe der Jahre 1909 und 1910, in großen Theatern auf der ganzen Welt, Ich war von dem großen Erfolg der beiden folgenden zwei Opern von Strauss im Schatten: Der Rosenkavalier (der Rosenkavalier) und Ariadna auf Naxos, die zusammen mit Salome, Sie wurde das Trio von Opern am stärksten vertretenen Straussianer. Es wird das Aussehen der Rose Pauly Sopran ungarischen erfordern, deren Interpretation der Rolle der Elektra in den späten zwanziger und dreißiger Jahren, Es wird diese Oper in europäischen und amerikanischen Szenarien Relaunch. Bei den Salzburger Festspielen, mit einer starken Tradition Straussianer wurde nie vertreten 1934, mit Rose Pauly und Chrysothemis des großen Viorica Ursuleac (Lieblings Sopran Richard Strauss), mit ihrem Ehemann Clemens Krauss an der Spitze der Wiener Philharmoniker. Rose Pauly aufgezeichnet, um die komplette Oper 1937, von Artur Rodzinky auf der Vorderseite der New Yorker Philarmonic gerichtet- Symphonieorchester; mehrere Fragmente dieser Aufnahme kann auf YouTube zu hören und ermöglicht es Ihnen, die Qualität der Elektra von der ungarischen Sopranistin interpretiert zu überprüfen. Es ist aus den fünfziger Jahren, wenn Elektra erhält seine endgültige Push, vor allem im Interesse der Direktoren wie Dimitri Mitropoulos, Karl Böhm y Fritz Reiner. auch, Sie zeigen großes Interesse an dieser Oper Sopranistinnen Inge Borg Schwedisch und Astrid Varnay, große Gesangs- und Ausdrucksmittel, die dominieren die Rolle der Elektra von 1950, bis Mitte der sechziger Jahre, oft zu interpretieren, mit vielen Aufnahmen, Die Live-Aufnahme der Salzburger Festspiele von ist wegen ihrer extremen Qualität und ihres guten Klangs sehr zu empfehlen 1957 (Ausführlich klicken auf YouTube) von Dimitri Mitropoulos an der Vorderseite der Wiener Philharmoniker gerichtet, mit beeindruckender Inge Borg (Elektra), neben der schönen Stimme von Lisa Della Casa (Chrysothemis) und die amerikanische Mezzo außergewöhnliche Madeira Jean (ein Bezug Klytämnestra). Elektra Interpretationen durchgeführt von Astrid Varnay, Sie haben mehr großartigen Aufnahmen gewesen, unter ihnen sind sehr zu empfehlen, zwei Dosen leben (Komplett auf YouTube): die erste in der Metropolitan neoyorkimo gehalten, in 1952, Orchester Adresse Fritz Reiner und der zweite in den Salzburger Festspielen 1964, durch Karajan gerichtet. Unter den Zeugen Varnay und Borg, eine weitere außerordentliche schwedische Sopranistin Birgit Nilsson, Sie begann Elektra singen aus 1965 nach oben 1980. Ihre häufigste Partner in mehreren Funktionen Leonie Rysanek (Referenz Chrisothemis, Ich hatte bereits diese Rolle mit Varnay gespielt und Borg), y bedeutet die Regina Resnik (Klytämnestra). Muss hören (Es ist auf YouTube komplett), Live-Entscheidung an der Wiener Staatsoper, in 1967, mit drei Sänger von Karl Böhm gerichtet, auf der Vorderseite der Wiener Philharmoniker. Ungarische Sopranistin Eva Marton und Deutsch Hildegard Berens, in den neunziger Jahren, Sie machten auch bemerkenswerte Leistungen von Elektra, wenn auch nicht vergleichbar mit Nilsson denen gemacht, Varnay y Borg. In der letzten Zeit, von 2010, Schwedische Sopranistin Irene Theorin und Deutsch Evelyn Herlitzius, Sie spielen eine ausgezeichnete Elektras, sie hat sich mit aus 2015, eine andere große schwedische Sopranistin Nina Stemme (es scheint, dass die schwedisch Sopranistinnen eine große Affinität mit dem Charakter von Elektra haben). Es kann eine moderne Referenz dieser Oper in Betracht gezogen werden, Herstellung Video (Ausführlich klicken auf YouTube), ausgezeichnetes Bild und Ton, voller atemberaubenden Nahaufnahmen, bei den Salzburger Festspielen statt 2010, viel: Irene Theorin (Elektra), Eva-Maria Westbroek (Chrysothemis), Waltraut Mayer (Klytämnestra) und ein prächtiges René Pape (Orestes), mit Bühnenanweisung durch Likolaus Lehnhoff und Daniele Gatti musical, auf der Vorderseite der Wiener Philharmoniker.

Produktion präsentiert in Valencia, Es kommt von der Opéra National de Paris, basierend auf einer Koproduktion des Maggio Musicale Fiorentino und der Tokyo Opera Nomori, mit Regie von Robert Carsen und Michael Levine Landschaft völlig minimalistischer Charakter, mit einem szenischen Raum absoluter Nacktheit, der aus einem breiten Gehege besteht, das von drei großen Wänden umgeben ist, die sich in ihrer Stützbasis auf der Bühne krümmen, mit einem erdigen dunklen Sandboden, wo eine rechteckige Vertiefung öffnet Mehrzweck, denn es ist das Grab des Agamemnon und den Eintritt in den Palast von Königen Klytämnestra und Aegisth bewohnt, Mörder von Agamemnon. tatsächlich, die Attraktivität dieser Produktion liegt in der Fähigkeit von Robert Carsen mit großem dramatischem Sinne viele Extras rund um die Protagonisten zu bewegen. Der Eintritt ist schockierend Szene Klytämnestra vollständig auch in weiß auf einem weißen Bett gekleidet, welches für das viel ballerinas-figurantes als Stuhl durch. Weiß wird durch eine geeignete Anstrahlung hervorgehoben, in der malerischen dunkel und schwarzen Kleidung der anderen Charaktere. Höhepunkt dieser Inszenierung der Moment Elektra, in seinem Eröffnungsmonolog, Er ruft die Gestalt seines Vaters Agamemnon und figurantes extrahieren, die es aus seinem Grab und Aushändigung es Elektra Portierungs. Choreografische Bewegungen der Tänzer und die Brenn Beleuchtung von Robert Carsen und Peter eigenem van Praet, auch confer echte Attraktion auf diese Landschaft. Ebenfalls bemerkenswert Kostüme Zu Matusz, Schwarz für die Schauspieler und Statisten, verglichen mit weißen Kleidern und trägt Klytämnestra Aegisth.

Elektra Es ist eine Oper, wo die großen Orchester von über hundert Musikern absolute Rolle und Solostimme als Instrument eingeführt erwirbt. Das Orquesta de Valencia, wesentlich vergrößert hundert drei Darsteller, wieder seine extreme Qualität demonstriert, mit hervorragender Leitung von Marc Albrecht, volle Transparenz, mit perfekter Differenzierung von Schallpegeln und eine Reihe von Nuancen in der dichten und außerordentlichen Orchestrierung bietet, dass Strauss für diese Oper konzipiert. Albrecht behandelt auch die Dynamik. Alle Orchesterabschnitte in großer Höhe zerkratzt, mit einem reichhaltigen String, der Lage, Töne sehr stark mit Nachdruck und wunderbar wir Pianissimos abwechselnd. Strauss hat die Neuheit von drei Gruppen von ersten, zweite und dritte Violinen, mit jeweils acht Instrumentalisten, zusammen mit anderen drei ersten, zweite und dritte Violen, jeweils mit sechs Instrumentalisten, und schwere Seil ersten sechs Celli und 6 Sekunden, mit acht Kontrabass. Ya, Einfachseil, nicht weniger als sechzig zwei Interpreten bei weitem übersteigt die Dimensionen eines klassischen Orchesters. Metalle blitzte auch hoch, mit Klängen der Rohre Auferlegung, Posaunen und Trompeten, auch in der Lage heikle Frage, die wir pianissimo. Orchester Antwort war immer im Einklang mit der Komplexität dieser reichen Partitur wo tonale Passagen sind mit anderen in reinem atonalidad getaucht gemischt, im Gegensatz zu vielen feinen Momenten fast Kammermusik melodismo. Ganz am Anfang der Oper ist das Thema Agamemnon zu hören, fortissimo brillant durch Horn und Trompete unisono mit allen ausgegebenen das Seil, auf den folgenden pianissimo leises Geräusch von Posaunen und Bässen. Dieses Problem wird mit verschiedenen Variationen in der gesamten Oper wiederkehrende: Auftritt des Orest in seiner großen Szene mit Elektra, die gibt einen rücksichtslosen Ton und ironisch zu singen, wenn Klytämnestra und Aegisth von Orestes getötet, und erscheint wieder in dem erstaunlichen Duo von Elektra und Chrisotemys, fast am Ende der Oper, mit all der wilden Intensität des Anfangs, dreimal wiederholt Gewitters ähnlich gefalteten Elektra, nach seinem frenetischen Tanz den Tod von Klytämnestra und Aegisth zu feiern. Das andere wiederkehrende Thema dieser Oper „Elektra chord“ genannt, wo Strauss verwendet Polytonalität, die Sie bereits zum ersten Mal zu hören, Episodisch so in der Eröffnungsszene von Jungfrauen und kostspielig Wiedererscheinen Modus, wiederholt ausgeführt Elektra durch Seil und Holz in dem szenischen Eingang. Markieren Sie das Thema intensiver Lyrik und melodischen Chrysotemis Dehnungen im ersten seiner Duette mit Elektras, wo Interventionen haben helle Metalle und vor allem die fünf Rohre. deutlich, der Höhepunkt dieser Oper und wo das Orchester von Valencia leuchtet in höheren Lagen, es ist alles die große Szene Klytämnestra und Elektra, mit einem einleitenden Orchesterzwischen stark atonal Charakter, die beteiligten alle Abschnitte in einem beeindruckenden Orchester-Crescendo, dass während es ermöglicht die Brillanz der Schlag- und Metalle, insbesondere Tuben und Trompeten. Im Dialog von Mutter und Tochter abwechselnd Dissonanz und Melodie, Hervorhebung der gelegentliche Anwesenheit einer Posaune stumm geschaltet und die kombinierte Klang der Harfen und contrafagot, zusammen mit den zahlreichen Interventionen der Celesta (Instrument geschätzt von Strauss). Ein weiterer großer Moment ist das Zwischenspiel des szenischen Ausbruch des Orestes vorhergehenden, durch den Klang von Metallen dominiert, mit Streifzügen Cello und Fagott. Das Orchester auch auf langen Elektra und Orestes Duo glänzt, das erscheint wieder „Elektra Akkord“ ausgeführt weich, trällert Weg, kleine Orchesterzwischen werden auch feine melodismo eingefügt, von den mächtigen und dissonant platzt der Hörner und Trompeten abrupt unterbrochen. schließlich ist zu beachten, die versöhnliche Arbeit von Marc Albrecht sehr bewusst der Stimmen, einige mit Problemen durch die immensen Orchester, wird am unteren Ende der Bühne platziert.

Irene Theorin hat oft den Charakter von Elektra in den letzten zehn Jahren gespielt, brillant in der oben genannten Produktion der Salzburger Festspiele markieren 2010. aber, 10 Jahre vergeblich gehen; und, Valencia hatte diese Funktionen einen bescheidenen Anfang, in seinem großen Monolog anfänglichen „Allein! Weh, ganz allien”, mit geringem Volumen, eine Emissions etwas unregelmäßig und das Fehlen von Sprachprojektions; Es könnte auch darauf zurückzuführen sein, Imperative Bühne auf dem Boden Singstimme mit liegend nach oben vorsteht. Es verbesserte sich deutlich in seinen großen Szene mit Klytämnestra, von erfahrenen deutschen Mezzo Doris Soffel gut gespielt, und mit 71 Jahren, die zeigten große Meisterschaft des Liedes parlato, und eine herrliche landschaftliche Kapazität jede Phrase verfeinern, jedes gesungene Wort. Logischerweise angesichts seines Alters, Vocal Probleme zeigten Verschlechterung im tiefen Register und akuten. Beide Sänger waren gut in den Orchesterklang eingefügt beeindruckend. Theorin hat auch eine gute Leistung in seiner Szene mit Orestes des australischen Bariton Derek Welton, leistungsstarke vocalism und ausgezeichnete Gesangslinie. jedoch, in seinen Duetten mit Chrisothemis, Es wurde eindeutig von der Sara Jakubiak polnischer Herkunft Sopranistin amerikanischen übertroffen: ein Chrisothemis der schönen Timbre, beträchtlich, Domäne aller Datensätze, die Fähigkeit, den Klang und projizieren Ihre Stimme vorwärts zu regulieren, Übertragen der Barriere Orchester. Ich war interessiert Live Sara Jakubiak zu hören, nachdem man weiß, auf DVD ihre Interpretationen herausgegeben, von Agathe Der Freischütz (die Wilderer) de Carl Maria von Weber, von Christian Thiele gerichtet; und, vor allem, seine außergewöhnliche Kreation in Heliane Das wunder der Heliane (Das Wunder von Heliane), de Erich Wolfgang Korngold, Regie von Marc Albretht. Aegist Charakter wurde gespielt von Tenor Stefan Margita tschechischen Veteran, Weißlich, deren Stimme und theatralische Gesten bewährt in seinem Duett mit Elektra. Markieren Sie die Leistungen in der Eröffnungsszene der Oper der fünf Mädchen gespielt von Eva Kroon, Evgeniya Khomutova Emilie Pictet Larisa Stefan y Aida Gimeno, spielt auch die Vertraute von Klitämnestra.

Ausgezeichnete Leistung des Chores der Generalitat Valenciana, am Ende der Oper von der Bühne läutet. auch markieren die Gruppe der zwanzig Tänzer Choreographie von Philippe Giraudeau führen die, beide auf ihrer Reise Online mit offenen Arm nach oben. Auch tanzen in einem Kreis oder wirkend nachgeahmt Art und Weise mit Elektra oder um eine Axt versteckt sich hinter. und, in der Szene von Elektra und Orestes, wenn er sagt, dass auch Hunde des Palastes erkannt hätte, und die Tänzer nähern sich ihm, Bewegen auf allen Vieren wie Hunde. schließlich, eine großartige Elektra.

Placido Domingo Nabucco Les Arts

 

https://www.lesarts.com/
Die Nabucco von Placido Sonntag triumphiert bei der Palau les Arts in Valencia
Von Diego Manuel García Pérez.En Valencia Palau de Les Arts, Sie haben stattgefunden sechs Aufführungen von Nabucco, die ersten vier von Placido Domingo unbrennbar ausgeführt. Ya, seit Monaten, dass die Tickets waren ausverkauft. Madrid Tenor ist ein echtes Medienphänomen, Menschenmassen in jeder ihrer Darbietungen zu mobilisieren. Eine öffentliche kommen aus der ganzen Welt, mit japanischen inbegriffen, wo sie konnten sehen Damen Kimonos tragen. Der Stimmzustand unter der Madrid, und frisando die 79 Jahre, Es kommt wenig an diese Gruppen von begeisterten Fans, dass sie kommen mit der Idee vorsätzlicher applaudieren und zeigen ihre Bewunderung. Um all dies die Tatsache, dass Domingo singt wieder in Spanien aufgenommen, nachdem ich vor mehr als dreißig Jahren zu einer Welle von Anschuldigungen wegen sexueller Belästigung ausgesetzt, keine rechtliche Beschwerde produziert hat, aber verschlechterten Figur dieser Mythos Oper, bis zu dem Punkt ihre Leistungen, die in den USA aufgeben und verlassen die künstlerische Leitung er seit gehalten 2001 Opera Los Angeles. In der Darstellung besuchte ich, Ich hatte die Gelegenheit, mit einem kritischen zu sprechen kommen aus Argentinien, der mir sagte, mit echten Traurigkeit, dass das berühmte Teatro Colon in Buenos Aires, Er hatte auch seine Anwesenheit Veto gegen. Große europäische Opernzentren ihn weiterhin unterstützen, wie es in der Vergangenheit Salzburger Festspiele hat, Miller Durchführung Verdis Luisa Miller, wo er stark applaudiert, und auch erhielt er den Tribut am Teatro alla Scala in Mailand, am fünfzigsten Jahrestag seines Debüts im Theater, Ein paar Tage später Darstellungen von Nabucco in Valencia, wo die Kontroverse über Sonntag serviert wurde, als, im Gegensatz zur Begeisterung des Publikums in der Palau de les Arts, für seine Präsenz und Aktivitäten, hatte Demonstrationen vor eher als weibliche Gruppen tragen große Banner, mit der Phrase „Nebukadnezar Stalker“. Ungeachtet dieser Umstände, Beachten Sie, dass diese Funktionen Nabucco, Abgesehen von der Anwesenheit von Placido Domingo, Sie hatten so große Gewinner bei Abigaile gespielt von neapolitanischen Sopranistin Anna Pirozzi, der schon die valencianische Öffentlichkeit mit dieser gleichen Rolle beeindruckt, in den Darstellungen von Nabucco, die stattfand Mai 2015. Das Orquesta de Valencia, gut von Jordi Bernàcer gerichtet, auch leuchteten hoch. und, wie immer, der Chor der Generalitat Valenciana war ein großer Erfolg, in einer Oper wie diese, wo es eine sehr wichtige Präsenz, einschließlich der Chor „Va pensiero“ die bekanntesten und beliebtesten der gesamten Geschichte der Oper Italiana.Nabucco ist die dritte Oper komponiert von Verdi, Temistocle Libretto von Solera, und seine Uraufführung fand am Teatro alla Scala in Mailand, die 9 März 1842, bilden einen großen Erfolg, bis zu dem Punkt in dieser Saison dargestellt wird und die nächste, in 57 Gelegenheiten, etwas, das noch nie zuvor geschehen war. Nabucco kann von Donizetti und Bellini beeinflusst werden, aber seine kräftigen Melodien, mit leidenschaftlicher Gesangssprache, und sie sind in der Regel verdianos. In dieser Oper, und zum ersten Mal, Verdi gibt große Bedeutung für den Bariton, Zuweisen der Titelrolle von Nabucco. und, Abigaille -der extreme Schwierigkeiten- ein dramatischer Sopran Agilität, Es wird bei der Premiere von Giuseppina Strepponi gespielt, zu werden sentimental Begleiter von Verdi und seiner zukünftigen Frau bestimmt. Die Rolle von Zaccaria (Große Hohepriester der Hebräer), Es ist auch sehr wichtig und erfordert eine niedrige rundlich Stimme und große Erweiterung. Nach ein paar Jahren, als wurde diese Oper massiv in italienischen und europäischen Kinos vertreten, Er fiel etwas vergessen, sehr selten programmiert ist,. Seine amerikanische Premiere fand im Teatro Colon in Buenos Aires, in 1914. Nabucco wahre Erholung wurde durch den Master Vittorio Gui gemacht, in 1933, Teatro alla Scala in Mailand, und, Im selben Jahr, transcurso en Primer "Maggio Musicale Fiorentino", in beiden Fällen mit zwei großen Sänger Carlo Galeffi (Nabucco) y Gina Cigna (Abigail). Vittorio Gui gerichtet auch die berühmten Aufführungen, mit einer Live-Aufnahme- Welche nahmen sie im Dezember 1949, Teatro San Carlo in Neapel, mit der außergewöhnlichen Kreation von Abigaile von Maria Callas. Die wichtigsten Stücke dieser Aufnahme kann auf YouTube zu hören. Ya, in 1951, anlässlich des fünfzigsten Jahrestages von Verdis Tod, RAI machte eine Studio-Aufnahme, von Fernando Previtali gerichtet, mit herrlichem Abigaile de Sopranistin Catherine Mancini, die integriert werden kann in Youtube zu hören. in 1960, Nabucco wurde zum ersten Mal an der Metropolitan neoyorkino ausgeführt, von der Leonie Rysanek Sopran Austrian gespielt, mit vocalism, dass die Nachfrage Abigaile, wenn auch etwas vom Stil weg Verdiano des Singens. Entlang der Rysanek intervenían wichtig euch voll Verde: Bariton Cornell MacNeill (Nabucco) und Bass Cesare Siepi (Zaccaria). Elena Souliotis atemberaubende vocalism und ephemeren Karriere, Abigaile spielte in den sechziger und siebziger; Auch die bulgarische Gena Dimitrova, Es war eine ausgezeichnete Abigaile aus den späten sechziger Jahren zu den neunziger Jahren. in 1968, Er spielte zunächst den Charakter des Nabucco, der große Bariton Renato Bruson, ein echter Stylist Singen, wie sie in ihrer Interpretation zu sehen sind am Teatro Regio von Parma statt, im Januar 1979, Abigaile betäubt zusammen mit unserem Angeles Gulin, starb viel zu früh in 2004 (dieses Jahr 2019 Es hat den achtzigsten Jahrestag seiner Geburt abgeschlossen). Es ist außergewöhnlich das große Duo Nabucco und Abigaile in den Stimmen von Gulin und Bruson zu hören, Verfügbar auf YouTube. Renato Bruson wird der wichtigste Interpretin Nabucco sein, seit über dreißig Jahren. Die Maria Guleghina Sopranistin Ukrainian wird aus der Mitte der neunziger Jahre geworden, in Bezug auf den Charakter der Abigaile, von vocalism und großen dramatischem Temperament. Er spielte zunächst in der Pariser Oper Bastille in 1995, Julia Varady im Wechsel mit, mit einer großen Besetzung, enthielt großen Bass Samuel Ramey (Zaccaria), Jean François Lafont (Nabucco), Violeta Urmana (Fenena) und Jose Cura (Ismaele); und, auf das nächste Jahr, in der Arena von Verona mit Renato Bruson (Vollversion Video auf YouTube). Von da an bis zum neuesten Nachrichten, Er hat bei vielen Gelegenheiten weltweit gespielt. Video-DVD von DGG in der Metropolitan neoyorkino vermarktet deutlich zu machen, in 2001, James Levine Richtung, wo Guleghina geteilt mit Joan Pons Besetzung (Nabucco) und Samuel Ramey. Fragmente dieser Aufnahme kann auf Youtube zu hören. Overlapping Guleghina, entstehen in 2013, excelentes de dos Interpretes Abigail: Anna Pizozzi bei den Salzburger Festspielen, von Riccardo Muti gerichtet (gran Garant dieser Partitur), und die ukrainische Liudmyla Monastyrska, Teatro alla Scala in, neben dem herrlichen Nabucco Leo Nucci, und im selben Jahr 2013, in Covent Garden, mit Placido Domingo als Nabucco, und es gibt eine Live-Aufnahme auf DVD von SONY vermarktet. Seitdem Pirozzi und Monastyrska, Sie sind recht häufig den Charakter von Abigaile gespielt. Deutsche Oper Berlin geplant Nabucco Saison 2019-2020, mit alternierender Maria Guleghina, Anna Pirozzi y Liudmila Monastyrska.

Nabucco-Produktion wurde in der Palau de les Arts gesehen, Es kommt von der Washington National Opera in Koproduktion mit der Minnesota Opera und Opera Philadelphia, und verfügt über die Bühne Richtung und Bühnenbild und Kostüme Thaddeus Strassberger Mattie Ullrich. Diese Produktionsziele zu replizieren, was Montage der Nabucco sein könnte, wenn es an der Mailänder Scala uraufgeführt, Hier gewürzt mit einem Vorschlag Theater im Theater. Vermittelter lange anfängliche Ouvertüre wir eine Reihe von Paaren tanzen sehr österreichische Adlige in der Ästhetik des Films Il Gattopardo von Luchino Visconti sehen, und später begannen sie, einige Boxen auf der linken Seite der Bühne aktiviert werden, damit zu besetzen die Darstellung betrachten. Sie können auch Soldaten bewachen jede feindliche Reaktion der italienischen Öffentlichkeit auf den österreichischen Adel sein, die dann Mailand besetzt und alle Lombardia. Eine Bühne dekoriert mit einem Pappmaché, Friese, Mosaiken und große Säulen, Reproduktion in Akt I, Salomons Tempel in Jerusalem und in Akt II, Palace in Babylon Nabucco, mit einer Reihe von überlappenden Vorhängen, die ein echtes Gefühl von Tiefe erzeugen szenischer. In Akt III, vor dem berühmten Chor „Va pensiero“, Aktion kann hinter der Bühne zu sehen, als ob die Zuschauer hinter den Kulissen waren. Am Ende der Aufführung der Darsteller sammeln Sträuße von der österreichischen Öffentlichkeit auf der Bühne geworfen Blumen, wütend sie an die Boxen zurückkehren und zwei Banner mit den Farben der italienischen Flagge und Inschriften Anzeige, ein in dem „W“, und das andere das Wort VERDI, Akronym, die zusammen bildeten sie die Worte: Victor-Enmanuele leben König von Italien (wahres Symbol der italienischen Patrioten gegen die österreichische Herrschaft). Kostüme Mattie Ullrich sind über Koloristen für die Babylonier im Gegensatz zu den weißen Farbtönen der Hebräer.

Bewährte Führung und starke, mit großer Kapazität Konzertmeister Jordi Bernàcer, der Leiter des Orchestre de Valencia, was beweist wieder eine Reihe von hohen Qualität zu sein, und dies ergibt sich aus der hervorragenden Leistung der Ouvertüre: eine lange Seite, auch voller Kontraste artikuliert, wo verschiedene musikalische Motive und Iran lange ausgesetzt Oper wieder auftauchen, untereinander, -mit den begleitenden geringen Modifikationen- der berühmte Chor „Va pensiero“. Das Orchester hat eine hervorragende Leistung, während der gesamten Leistung, in Momenten intensiver Lyrismus glänzenden: Einführung und Begleitung von Arien von Abigaille, Act II und jeweils die Schließung der Oper, oder Fenena Arie in Act IV. und, im Gegensatz, Es zeigt eine unkontrollierbare Kraft, Im pulsierenden Ende des ersten Aktes, wenn Nabucco platzt auf die Szene, deren musikalisches Thema wiederkehrende und in der Ouvertüre ausgestellt, Es ist in der Orchestereinleitung des dritten Aktes aufgenommen, und die Coda des letzten cabaletta von Nabucco durchgeführt, in seiner großen Szene von Akt IV. Bericht auch, die großartige Orchester Intervention Nabucco und Abigaille Duett des dritten Aktes, und der Annäherungsversuch zu Act IV. Auf Anweisung von Jordi Bernàcer, Es wird Tendenz verantwortlich gemacht Klänge in forte zu verwenden. schließlich, und in dem hohen Niveau von den Mitgliedern des Orchesters angeboten, die herrliche Leistung von schwerem Seil umfasst vor allem die Celli, und die Wälder, wo sie Soloflöte und Oboe glänzen.

Der große Gewinner dieser Darstellungen, ha sido neapolitanischen Sopranistin Anna Pirozzi, Abigaille, die eine große stimmliche und dramatische Statur komponiert. voluminöse Stimme und helle Timbre, buen Atem, hervorragende Fähigkeit, den Klang zu regulieren, und eine scharfe, breit und gut besetzt Höhen, (einige extremen Noten etwas gezwungen), Es ist ihr schwächstes eine begrenzte Reihe von ernsten. Seine Stimme hebt sich stark in den Momenten der größten Orchester Eindringlichkeit: die abschließende concert der Akte I und II. Es bietet eine gute Beherrschung der Belcanto-Koloraturen, und trifft sich mit Know-how deviled Oktave Sprünge, die einen großen Teil ihrer Interventionen interpunktieren. Mach eine große Leistung in seiner großen Szene des zweiten Aktes, initiiert mit heftigem Rezitativ „Ben io t'inventi“, In dem Umzug in den lyrischen und intimen Gesang der Arie „Anch’ geöffnet 1 Tag „y, dann, zeigen eine überwältigende Kraft in der cabaletta „Salgo già des aurate Thron“. auch Highlights, seine große Leistung im Duett mit Nabucco Act III, in seinen Dialogen Einsetzen mit einem Schriftsatz Nabucco, eine lebendige cabaletta, dessen musikalisches Thema erschien in der Anfangs Ouvertüre ausgesetzt. Anna Pirozzi blickt seine vocalism und Interpretationskraft, in seinem schönen Arie Ende „Its me, sterbend, essanime „exquisite Stimmen Strümpfe, und Ausgabe von zarten Noten in „pianissimo“.

Da begann er seine Bühnen Bariton, Ich hatte Gelegenheit, Placido Domingo zu hören, im Palast der Künste, in verschiedenen Rollen verdianos: Francesco Foscari I due Foscari, in 2013, Macbeth, in 2015 und Rodrigo Marques de Posa in Don Carlo, in 2017, zu denen diese Nabucco hinzugefügt. Der Sonntag ist kein Bariton, sondern singt Tenor Bariton Rollen. Während dieser sechs Jahren zwischen der Gründung von Francesco Foscari und Nabucco, die Stimme ist Logischer gegangen- verschlechternden, Mit fehlt zunehmend von fiato, die verhindern, dass er baut richtig die Verdian langen Sätze. Allerdings hält seine schöne Timbre, wie durch ein Wunder Jugend, und eine große Theaterkapazität kompensiert seine stimmlichen Grenzen. Sein malerischer Eingang in Akt I, Es stellte sich zögerlich, mit fast unhörbar in dem großen concert, den Akt I schließt, Stimmen zur Seite so stark wie die von Anna Pirozzi und Alisa Kolosova. Er verbesserte sich deutlich am Ende des zweiten Aktes, Singen im besten Verdian Stil „S'appresan gl'istante“. insbesondere konfrontierte er sein großes Act II Duett mit leistungsstarker Abigaile Anna Pirozzi, volle Wechselmomente von starken Akzenten „Donna, wer du bist ", "Oh, von qual'onta aggravasi ", mit anderen voller Pathos in seinen Worten wiederholt „Ah, Der Schatten miserable alter Mann ... Ich bin der König ", im Gegensatz zu der Aggressivität von Abigaile. Ya, in seiner großen Szene des dritten Aktes, Sie produzierten seine besten Momente in der Arie „Dio di Giuda“, wo er singt mit feinen Akzenten, auf dem Boden liegend Gesicht nach unten, (etwas wirklich ungewöhnlich für eine fast Achtzigjährigen Person), und spielt hart und Ausdruckskraft der cabaletta „O Prodi miei, folge mir nach ".

Die Rolle von Zaccaria großem Vokal- und Bühnenbedarf, Sie wurde von dem Bass Riccardo Zanellato gespielt, Verdiano guter Stil des Singens, obwohl es in Volumen und in ernsten Schwierigkeiten Akute Aufzeichnungen fehlt, die in häufigen Oktavsprüngen reflektiertes, durchgeführt in seinen vielen Interventionen überall in der Oper werden. Seine Leistung war nicht diskret, in Szenen der authentischen Brillanz als Arie „Sperate, oder Kinder…„Gefolgt von den cabaletta“ Kommt notte eine glitzernde Sonne „Act I und das Ende des dritten Aktes“ Oh,diejenigen, die weinen?…Die Zukunft discern im Dunkeln ". Seine beste Zeit war in der Interpretation der Arie „Tu sul labro“ Zugehörigkeit zu dem Preghiera, in Akt II.

Russische Mezzo Alisa Kolosova in der Rolle der Fenena, Er trug eine voluminöse Stimme der schönen Timbre. In seinem einzigen Solo, el Arie „Oh offenbart ist, die Feste“ von Acto IV, zeigt eine zarte und elegante Linie voll Lied lyrischen Akzente. auch beachten,, Anlässlich der „Terzettino“ des ersten Aktes, junto a Abigaille (beide konkurrierenden Stimmvolumen) und Ismaele gespielt von mexikanischen Tenor Arturo Chacón the-Cruz, Stimme etwas sperrig, aber sie singt mit Stil und Musikalität, sobre todo en su lebendige luftig „Für die Liebe des lebendigen Gottes dall'anatema aufhören“, Bezug II Act. Unter dem comprimarios Rollen gehören die großartige Leistung der koreanischen unter Dongho Kim (Der Hohepriester), mit weit überlegen vocal Mittel Riccardo Zanellato. Nun, in seinen kurzen Interventionen als Anna Sofia Esparza, Zaccaria Schwester, und ukrainische Tenor Mark Serdiuk als Abdallo (Nabucco treuer Offizier).

„Der Chor der Generalitat Valenciana“, durch Francec Perales gerichtet, Er schien hoch, offensichtlich markieren- in seiner außergewöhnlichen Interpretation des berühmten „Va pensiero“, es beginnt wieder einmal die Oper, nach der Unhöflichkeit der Dolmetscher zu österreichischen Adeligen. auch, unter Hinweis darauf, ihre großen Leistungen von anderen großen Chor Momente: „Die Feiertage Cadona aufgeschlüsselt Möbel“, sehr schöne Rechnung, mit dem beginnt die Oper. auch, el de los Levitas Chor der Acto II "The Damned hat keine Brüder", deren lebendiges musikalisches Thema, schon erschien er in der ursprünglichen Ouvertüre ausgesetzt. und, Eingriffe in den abschließenden concert der Akte I und II, oder seine starke Präsenz in ganz am Ende des dritten Aktes. In dieser Produktion, Die Oper endet mit dem großartigen Chor „Immenso Jeovha“, in der Regel geht der „O-ary recitativo! diejenigen, die das Schlecht ... ..Su mich sehen, Sterben leblos ", wo der Tod eintritt Abiagaile.

letzte 10 August fand statt undim Auditorium von Peralada, ein außergewöhnliches Konzert mit der Aufführung des Mahler Kammerorchester & Freunde unter der Regie von Gustavo Dudamel (Barquisimeto, Venezuela, 26 Januar 1981), mit einem Programm, das im ersten Teil enthalten ist Ein Sommernachtstraum (Vollversion) Felix Mendelssohn, mit der Intervention als Erzähler der Schauspielerin María Valverde, zur Zeit auf Gustavo Dudamel verheiratet, was dem Konzert eine zusätzliche Erwartung gab. Im zweiten Teil eine beeindruckende Leistung der Symphonie Nr 1 (Der Titan) von Gustav Mahler.

Gustavo Dudamel ist einer der großen Stromleiter, dessen schwindelerregende Karriere begann in 2004, als er den ersten Preis beim Gustav Mahler Regiewettbewerb gewann. Seitdem hat es in den Hauptkonzertsälen der Welt gesiegt, Dirigieren von renommierten Orchestern. von 2009 Bis heute ist er Chefdirigent des Los Angeles Philharmonic Orchestra. Es war in 2017, der jüngste Dirigent des berühmten Neujahrskonzerts in Wien. Seine Karriere ist eng mit Gustav Mahler verbunden, von wem ist gekommen, um alle seine Symphonien zu leiten.

Inspiration aus seinen musikalischen und pädagogischen Erfahrungen, Er schuf in 2012, die Gustavo Dudamel Foundation, eine Wohltätigkeitsorganisation, deren Ziel es ist, Zugang zu Musik als Menschenrecht und als Katalysator für das Lernen zu suchen, Integration und sozialer Wandel.

Das Mahler Chamber Orchestra wurde in gegründet 2007 von Claudio Abbado, basierend auf der gemeinsamen Vision seiner Mitglieder, eine freie und internationale Gruppe zu sein, widmet sich der Schaffung und dem Austausch außergewöhnlicher Erfahrungen in der klassischen Musik. Seine Basisvorlage ist 40 Musiker von 20 Länder, dazu kommen übrigens noch andere junge Musiker hinzu, auf seinen Touren durch Europa und den Rest der Welt. Ein Bildungsabkommen zwischen den Gustavo Dudamel- und Mahler-Stiftungen, hat die Vorbereitung ermöglicht Symphonie Nr 1 Mahler, das wurde in Peralada gehört.

Ein Sommernachtstraum Felix Mendelssohn (Hamburg, 1809 - Leipzig, 1847), ist eine Bühnenmusik, die auf Shakespeares Stück basiert, deren Premiere fand in Potsdam am statt 14 Oktober 1843, Begleitung einer Aufführung des Stückes. Die "Ouvertüre" wurde bereits von Mendelssohn geschrieben, in 1827, als der Komponist kaum achtzehn war. Im vorliegenden Konzert übertrug der Stab von Dudamel in der "Ouvertüre" eine große klangliche Brillanz aus allen Orchesterabschnitten, Hervorheben zu Beginn die langsamen und leuchtenden Akkorde des Holzes, die dem streichelnden Klang der Saite weichen. Hervorragend die Eingriffe der Hörner und der übrigen Blechblasinstrumente. Im "Scherzo" stach der Klang von Streichern und Hölzern hervor., besonders das Solo der Soloflöte, mit dem dieser Satz endet. Wirklich brillant war die Interpretation des köstlichen Songs "You Spotted Snakes", eingeführt durch die klaren Interventionen von Klarinetten und Fagotten, gefolgt von einem Flöten-Solo, Hier erhalten Sie Zugang zu den großartigen Interventionen der Sopranistin Mercedes Gancedo und des Mezzos Lídia Vinyes-Curtis, mit Mitgliedern des Frauenchors L’Orfeó Català, mit der Leitung von Buia Reixach i Feises. Im "Intermezzo", Melodische Motive entstehen dort, wo Holz und Streicher glänzten. Im "Nocturno" war die Interpretation der Hörner sowie der Saite und der Flöten großartig.. Im bekannten „Hochzeitsmarsch“ glänzten die Interventionen von drei Trompeten und drei Posaunen stark., zusammen mit dem Rest des Orchesters. Im "Fanfare and Funeral March", Sie hatten eine klare Klarinetten- und Fagottperformance, in der sie über das Schlagzeug der Pauken sprachen. Im "Tanz der Clowns", Die "Orchester-Tutti" leuchteten rasend, mit gelegentlichen Solointerventionen der Klarinetten mit den Oboen und gelegentlich der Tuba. Vorangegangen ist der Klang der Flöte und der Hörner, Die Solosänger und der Chor spielten erneut sehr brillant und spielten "Through the House".

Parallel zur großartigen Orchesteraufführung, Eine Reihe von Cartoon-Bildprojektionen wurde produziert, das schien einem Märchen entnommen zu sein, Aber sie tragen fast nichts zur Interpretation der Arbeit bei und lenken die Öffentlichkeit sogar von dem ab, was wirklich wichtig ist: hören Sie die wunderbare Musik von Mendelssohn. Die Anwesenheit als Erzählerin der Schauspielerin María Valverde, Es war ziemlich diskret; sichtlich nervös, lies den Text, zeitweise, mit wenig Klarheit, ohne es richtig auswendig gelernt zu haben, für authentische Betonung.

Gustav Mahler (Kaliste, Böhmen, 1860 - Wien, 1911) konzipierte seine erste Symphonie als langes symphonisches Gedicht in zwei Teilen und fünf Sätzen, deren Premiere fand in Budapest statt, in 1889, mit der eigenen Richtung des Komponisten und das war ein echter Misserfolg. Mahler führte eine größere Überarbeitung durch, Das Originalwerk in vier Sätzen in eine Symphonie verwandeln, dessen Premiere er in Berlin inszenierte, in 1896, derjenige zu sein, der normalerweise gehört wird.

Als großer Mahler-Dolmetscher, Gustavo Dudamel erhielt eine beeindruckende orchestrale Resonanz, mit Leistung wirklich am Rande der verschiedenen Abschnitte, mit einem reichhaltigen String, neben einem sehr hellen Geräusch des Waldes, vor allem der Oboensolist in seinen zahlreichen Interventionen während des gesamten Werkes. Heben Sie die lebendige und ungewöhnliche Fanfare der Klarinetten hervor, im ersten Satz „Langsam, schleppend (Wie ein Klang der Natur). aber, vor allem, Bemerkenswert ist der sehr feine Klang der zahlreichen Blechblasinstrumente, bestehend aus sieben Röhren, vier Trompeten, drei Posaunen und Tuba, mit enormer Kraft in perfekter Verbindung mit Percussion auftauchen, Streicher und Hölzer in den vielen "Orchester-Tutti", das markiert diese Punktzahl, vor allem in diesem imposanten Beginn des vierten Satzes "Stürmisch bewegt (Gequält, aufgeregt)", und in der langen abschließenden Coda der Symphonie. Innerhalb eines sehr hohen Interpretationsniveaus, Bemerkenswert ist die Ausführung des dritten Satzes, esa “Trauermasch (Trauerzug)", was mit der berühmten Melodie "Frere Jacques" beginnt und endet, in kanonischer Form interpretiert, und begann mit dem leisen Klang der Pauke, zu dem das Solocello gehört, und es wird von den Schwuchteln aufgenommen, das Cello-Ensemble und die Tuba. Die Melodie erscheint flüchtig wieder, um Klarinetten zu präsentieren, Fagotte und Hörner, und ist wieder das abschließende Thema der Bewegung mit Paukenklängen, Fagott und Geige in Pizzicato, die verblassen, bis sie verschwinden. Großartige Aufführung von Gustavo Dudamel und La Mahler Chamber Orchestra in Peralada.

 

letzte 8 August fand in der Kirche von Carmen de Peralada, eine außergewöhnliche Barockmusik Konzert ganz auf Werke gewidmet Georg Friedrich Händel, mit der Teilnahme von lSopranistin Nuria Rial, Tenor Juan Sancho und der Baroque ensemble Capella Cracoviensis, Die inhabergeführte Jan Tomasz Adamus. Das Konzert war berechtigt Die menschliche Liebe, LIEBE DIVINE, mit einem Programm vorbereitet von Juan Sancho, Arien und Duette aus Opern, Kantaten und Oratorien von Händel. Sopran Vorteile, Tenor und Orchester waren von hoher Qualität. Ein begeistertes Publikum applaudierte mit großer Kraft Interventionen Sänger und Orchester. Diese Erwägung zeigt wieder das Interesse Peralada Festival zielt darauf ab, Barockmusik.

Die katalanische Sopranistin Nuria Rial, Es entwickelt sich eine wichtige Karriere, seit er in der Oper debütierte Die heimliche Ehe Cimarosa, in 1998, im Teatro Principal in Barcelona. Nuria Rial er orientiert seine Karriere in Richtung des Lied, Barock und Renaissance-Musik, sowie einige Mozart-Opern. Es hat sich als Sänger von großen internationalen Ansehen entstanden, vor allem in Deutschland. Seine Diskographie ist umfangreich, in den letzten zehn Jahren unter einem Exklusivvertrag mit SONY CLASSICAL. Wertvolle Stimme und eindringende Timbre, sehr hell und sehr gut geplant, mit ausgezeichneten und kontrastiert Fraseo, Beherrschung aller Aufzeichnungen und eine hervorragende Auflösung von Koloratur.

Sevilla Tenor Juan Sancho, Er ist spezialisiert auf Barock- und Renaissance-Repertoire, habe in dem größten Theater der Welt durchgeführt. Es verfügt über eine umfangreiche Diskographie. Er hat eine hervorragende Technik, mit einer Stimme attraktiv Timbre, großartige Phrasierung und die Beherrschung aller Datensätze. Achacársele konnte nur die Stimme, Manchmal ist es hinter fehlt Projektion links.

Nurial Rial trug ihre großartige Stimme in all ihren Interventionen Solisten: in der Arie „Ich war Lazy River“ Cantata Aminta ist Fillide Schlucht 89, Er bot eine ausgezeichnete Fraseo, mit einer Firstlinie voller Beugungen, zu zeigen, Melancholie und Traurigkeit. Sehr hell war seine Interpretation der Arie „Let the hell Seraphim Oratoriums Samson Schlucht 57, mit hervorragender Auflösung von Agilität, Arie, wo ein langsamer und schneller Wechsel Abschnitte. Kleine Dialoge Highlight Sänger und Trompete, in einem prächtigen Orchesterklang. Die Arie bewegt sich in einem hohen Tessitura wo die Sopranistin zeigte eine ausgezeichnete hohe Register. En el Arie „Mit Dunkelheit tief“ del Oratorio Theodora Schlucht 68, eine perfekte Kombination aus Orchester und Sänger auftritt, das zeigt seine brillanten Gesang Bedingungen, mit ausgezeichneter Phrasierung und der Ausgabe von schönen Noten in pianissimo. Außerordentliche Interpretation der Arie „ewige Quelle des Licht Divine“, von Ode für Queen Anne, Schlucht 74, begann mit der Durchführung der schönen Melismen in Verbindung mit dem Orchester, was dazu führt, herrliche Trompete Solo-Performance, die einen kontinuierlichen Dialog mit dem Sänger etablieren und Schattierungen seiner Stimme. Die melismatische Singen in einem hohen Tessitura, mit gelegentlicher Ausführung von Trillern, Es wird der Grundton dieser schönen Arie sein, wo Nurial Rial bekommt eine seiner besten Leistungen des gesamten Erwägungsgrund.

Juan Sancho scheint in seiner ersten Solo-Intervention, die Arie „Prigioniera ho l'Seele“ aus der Oper Rodelinda, Schlucht 19, mit einer guten Auflösung von Agilität. Der Tenor bewegt sich auch gut im hohen Register. In der Arie „Mit Ehre lassen Wüste Krähe“ Zugehörigkeit zu Oratorio Judas Makkabäus, Er zeigte einen einwandfreien Performance-Stil, mit ausgezeichneter Auflösung von melismatische Gesang. Wichtige Solo-Trompete zu Beginn der Arie und Begleitung Intervention und den Dialog mit dem Sänger etabliert. In der Arie "È un folle" Oper Alcina Schlucht 34, Juan Sancho bietet einen Song von Bravour Momente, mit ausgezeichnetem akuten Anstieg. Markieren Sie die volle Interpretation von Wärme und Musikalität der Arie „wehen sie, Engel, througt den Himmel „Zugehörigkeit zu Oratorio Jefta, Schlucht, mit schönen Noten in Pianissimo.

In den zahlreichen Duette, die beiden Sänger zeigten eine gute Beziehung: Der erste "Tra amplessi innocenti" Cantata Cecilia, ein wende dein Blick, Schlucht 89, Es war hervorragend gespielt, Einfügen in virtuosic Variationen Wiederholungen, überschwänglich Ecke melismático, mit hervorragenden Orchester Antwort, die die kontinuierliche Klang des Cembalos Highlights, in kleinen Zwischenspiele, die dieses rasanten Duo interpunktieren, wo zwei Sänger folgen oder ihre Stimmen mit schönen Effekten verbinden. Im Duo Iole und Hyllus „O Prinz deren Tugenden“ Zugehörigkeit zu der Oper Herkules, Schlucht 60, unterstreicht die brillante Orchesteraufführung, und erstrahlt Stimme überaus Nurial Rial, mit ausgezeichneter Auflösung Melisma und den gelegentlichen Trillern; und, konvergieren, wenn die Stimmen der beiden Sänger die beste Projektion der Sopranistin Note. Einer der Höhepunkte dieser Erwägung ist die Interpretation des Duetts „Wie stiehlt die Trauernden“ die das Allegro, Die Penseroso und Moderate, Schlucht 55, mit hervorragender Einführung von Oboe und Fagott, dessen Ton glänzt Ende Duo. Der Orchesterklang war sehr hell in der Begleitung zu den beiden Interpreten, sie schauen mit schönen Gesang Beugungen. gleichermaßen, Es war sehr schön Duett „Dite Spera und sind glücklich“ Oper Ariorante, Schlucht 33, mit einer herrlichen Leistung. En del „Wer ist mein Abschied Seele nennt“ Oratorium Esther, Schlucht 50, Er wies auf den weichen, beschwingten Orchesterklang, mit beiden Sängern ein hohes Maß an Interpretation und wo warme Stimme Nuria Rial anbieten, tritt mit absoluter Brillanz und Schönheit, ein helles Hochregisters zeigt. Im letzten Duett „Happy, glücklich, dass wir!„von Acis und Galatea, Schlucht, die Stimmen von Sopran und Tenor bieten eine vollständige Interpretation der überquellenden Freude.

Mit seinem hervorragenden großartigen Ensemble Capella Cracoviensis, gut aus dem Cembalo von seinem Besitzer Jan Thomasz Adamus gerichtet, mit einigen brillanten Leistungen der Tänzer Seiten: „Sarabande“, „Menuett“, "Gavotte", „Geben Sie angenehme Träume“, „Enter fatal Träume“ y „angenehme Träume Eingang Angst“ von ópera Alcina Schlucht 34 und „Ballo“ von Ariorante. hebt auch die Orchesteraufführung der Ouvertüre. lang (II) Oper Der Pastor fido, Schlucht 8, wo die Wald auftauchen mit Kraft des Orchesterklanges . Sobald das Konzert, vor dem kontinuierlichen Applaus des Publikums, Sänger wieder das schöne Duett zu interpretieren „Wie stiehlt die Trauernden“. in Summe, ein prächtiges Barockkonzert.

letzte 9 August das Konzert von Juan Diego Florez in Peralada, mit Arien und Duetten aus Italienisch und Französisch Repertoire, wo der peruanische Tenor von der armenischen Sopranistin begleitet wurde Ruzan Mantashyan und das Vallés Symphony Orchestra, Regie Guillermo García Calvo. Juan Diego Florez wieder zeigte seine hervorragende Gesangs- und Interpretationsqualität und eine große Fähigkeit zu nennen, da war der Saal ganz voll Peralada (die Tickets waren schon lange ausverkauft) von einem begeisterten Publikum, das sogar aus dem Ausland angereist war.

Die Zeit vergeht wie im Flug und ich erinnere mich noch gut an dieses Konzert in der Kirche Carmén de Peralada, in 2002, wo Juan Diego Florez, Debütant beim Ampurdan Festival, er verzauberte das Publikum mit seiner schönen Stimme, elegante Phrasierung, große Musikalität und ein außergewöhnlich hohes Register, das der peruanische Tenor großzügig zur Schau stellte, in verschiedenen Rossini-Arien und, vor allem, in seiner Interpretation von "A mes amis" von the Tochter des Regiments Donizetti, mit seinen neun Do4, dass er immer in seine Erwägungsgründe aufgenommen hat. dann, Ich hatte die Gelegenheit, ihn zu interviewen, wo er mir seine Bewunderung für Alfredo Krauss erzählte, und er sagte mir sogar, dass es nicht zu seinen zukünftigen Projekten gehörte, Edgardo de zu singen Lucia di Lammermoor, dafür, dass es eine Rolle ist, die weit von seinen stimmlichen Möglichkeiten entfernt ist. Für viele Jahre, Ihre Aufführungen konzentrierten sich auf das Rossinianische Repertoire, mit einer regelmäßigen Teilnahme am Pesaro Festival, wo er bis zu zwölf verschiedene Rollen gespielt hat. Er nahm auch Opern von Vincenzo Bellini in sein Repertoire auf, die im hohen Register sehr anspruchsvoll waren., wie Elvino de La Sonnambula und Arturo von I Puritani, neben einer anderen seiner Fetischkreationen: Tonio Tochter des Regiments.

Juan Diego Florez hat es verstanden, darauf zu warten, dass seine Stimme reift und bereit ist, einen Übergang zu einem lyrischeren Repertoire zu vollziehen, Erhalt der klanglichen Schönheit Ihres Instruments, sorgfältige Formulierung und Homogenität der Aufzeichnungen. deutlich, dieser Wendepunkt in seiner Karriere, trat auf, als Edgardo de Lucia, Liceu in Barcelona, im Dezember 2015. da, mit einem breiteren Mittenregister und höherer Lautstärke, hat sein Repertoire um neue Rollen erweitert: Werther von Jules Massenet und Romeo von Romeo und Juliette de Charles Gounod, mit Hoffmanns Hoffmanns Erzählungen, de Ofenbach, Gennaro de Lucrecia Borgia. und, zu seinen Verdi-Kreationen von Fenton und dem Herzog von Mantua in Rigoletto, hat das von Alfredo Germont von hinzugefügt La Traviata. deutlich, schafft es, ein Repertoire zu haben, das dem seines bewunderten Alfredo Krauss ähnelt, auch, darunter zwei Rollen, die der große kanarische Tenor nicht spielte, weil er sie für seine Stimme für unangemessen hielt: Roaul de Nangis de Hugenotte von Giacomo Meyerbeer und Arnold aus Guillaume Tell Rossini. und, Kürzlich, im April 2019, hat den Charakter von Des Grieux aus dem hinzugefügt Manon Massenet, Eine weitere berühmte Rolle, aus der Alfredo Krauss ebenfalls eine großartige Kreation gemacht hat. Nächstes Jahr, Juan Diego Florez wird den Rodolfo de debütieren La Bohème von Puccini - genau neben Mimi von Ruzan Mantashyan- Rolle, die Krauss nur in zwei Aufführungen auf der Bühne und auf einer Studioaufnahme spielte, Ich ging so weit zu behaupten, dass das Singen von Rodolfo mit einer gewissen Entschlossenheit bedeutete, das Belcanto-Repertoire aufzugeben. deutlich, Dies wird die große zukünftige Herausforderung des peruanischen Tenors sein.

In dem Erwägungsgrund, der in Peralada gehört wurde, Der peruanische Tenor wurde von der jungen armenischen Sopranistin Ruzan Mantashyan begleitet, von guter Bühnenpräsenz und im Besitz eines schönen Timbres, Bewegen Sie sich gut im Zentralregister und mit einer akzeptablen Auflösung der Beweglichkeiten, obwohl mit dreifach das, zeitweise, konnte nicht richtig platzieren.

Das Konzert begann mit der Ouvertüre der Oper Mignon von Ambroise Thomas, wo Guillermo García Calvo es geschafft hat, eine maximale Leistung aus der diskreten Orquesta Sinfónica del Vallés herauszuholen. Die Interventionen der beiden Sänger begannen mit Fragmenten der Oper Romeo und Julia Charles Gounod. erste, Der Tenor zeigte eine hervorragende Gesangslinie in der berühmten Arie „Ah! Lève-toi soleil “zeigt eine idiomatische und stilistische Beherrschung, die im französischen Repertoire so wichtig ist. dann, die sopranistin interpretierte de manera bemerkenswert "ich will leben", und beide Sänger, gut gemischt, sie schlossen sich ihren Stimmen im schönen Duo "Nuit d’hyménée" an.

Die orchestrale Interpretation der Ouvertüre von Der Favorit de Gaetano Donizetti, gab Platz für den zweiten Block dieses Konzerts, der dem Belcantismus mit Fragmenten von gewidmet war Lucia di Lammermoor de Gaetano Donizetti, Beginnend mit dem großartigen Duo von Akt I "Sulla tomba che rinsera ...", sehr gut aufgeführt von Juan Diego Florez, zeigt sein kostbares Timbre, mit einer ausgezeichneten und kontrastreichen Phrasierung, und wo Ruzan Mantashyan eine bemerkenswerte Lösung der Beweglichkeit machte, obwohl mit offensichtlichen Problemen bei seinen Angriffen auf das hohe Register, mit extremen Noten ziemlich verlegt und schroff. Der Tenor begegnete dem gesamten Ende der Oper mit echter Meisterschaft, in der Luft zeigen "Gräber meiner Vorfahren der letzte Überrest einer unglücklichen Entwurzelung", ein Lied voller Melancholie, das wird, von authentischer Wut und Frustration über das, was er als Verrat an Lucia "Ingrata donna" ansieht!... “, um seinen Auftritt mit der Cabaletta„ Fra poco a me ricovero “abzuschließen, in der der Tenor sein Lied maximal nuanciert, um den unendlichen Kummer zu zeigen, den ihn die Nachricht von Lucias Tod hervorgebracht hat.

Der zweite Teil begann mit der Interpretation der berühmten Arie „Salut, keusch und reiner Wohnsitz “von Fausto Gounod, gut gespielt von Florez, obwohl mit wenig Vielfalt an Akzenten, Platzieren des erforderlichen Do4, aber ohne die Leichtigkeit von gestern. Die Leistung von Ruzan Mantashyan hat sich im Vergleich zum ersten Teil stark verbessert, auf sehr bemerkenswerte Weise interpretieren „Ah! Ich lache, um mich in diesem Spiegel so schön zu sehen. “ , die berühmte Arie der Juwelen, auch von Fausto, wo die Sopranistin die französische Koloratur gut löste, und bot eine gute Gesangslinie, bessere Kontrolle der Höhen steigt.

Muy buena interpretación del dúo "Ich habe die Abfahrtszeit markiert ... Wir werden beide in Paris leben.", von Manon Jules Massenet, mit Stil und großer Musikalität gesungen. Die bemerkenswerte orchestrale Darbietung der Opernouvertüre Der Freund Fritz de Pietro Mascagni, gab Platz für die Interpretation der gesamten Schlussszene von Akt I von La Bohème Giacomo Puccini, wo Juan Diego Florez in der berühmten Arie "Che frigid manina" brillant war, mit einer sehr kontrollierten Emission, große Ausdruckskraft und ausgezeichnete Phrasierung, Das Do4 sehr gut ausstrahlen und die Arie mit großer Eleganz abschließen. Ruzan Mantashyan zeigte seine Affinität zum Charakter von Mimi, zeigt eine ausdrucksstarke und zarte Gesangslinie in der Arie „Sì, Mein Name ist Mimi ", und beide Darsteller statteten das Duo „O soave fanciulla“ mit intensiver Lyrik aus, mit wem das Konzert offiziell endete. Der laute und anhaltende Applaus führte zu einer Reihe von Tipps, der erste "Oh! mein lieber Vater ”de Gianni Schicchi, die Triptychon Puccini, wo die armenische Sopranistin ihre beste Leistung des ganzen Abends gab. Juan Diego Florez zeigte das berühmte "Granada" von Agustín Lara, und beide Sänger zeigten Stärke und Anmut im Duo von Solea und Rafaelillo del Gato Montés Manuel Penella. dann, und wie die ganze Öffentlichkeit erwartet, Der peruanische Tenor erschien mit der Gitarre in der Hand, um mit Sympathie und großen Kommunikationsfähigkeiten mit der Öffentlichkeit zu interpretieren, Die Lieder: "Palmero", "Die Blume des Zimts" und ein berauschendes "Cucurrucú paloma", und beenden Sie das Konzert mit einer exzellenten Aufführung von "Nessun dorma", von Turandot Puccini, das verursachte eine echte öffentliche Täuschung. deutlich, ein unvergessliches Konzert.

DONIZETTI, HELL SCHLIESST DIE SAISON IN VALENCIANO PALLUCIA GAETANO di Lammermoor DAU DE LES ARTS.

Durch Diego Manuel García Pérez.

Die sechs Aufführungen von Lucia di Lammermoor, die in der Palau de les Arts genommen haben, Sie haben in einem großen Sieg in Folge. diese Oper, wahres Paradigma des Belcanto-Repertoires, und es wurde an diesem Theater vertreten, in 2010, mit großem Erfolg, vor allem durch das Vorhandensein, dann, junge georgische Sopranistin Nino Machaidze und italienische Tenor Francesco Meli. Die Leistungen sind in diesem Jahr von denen schritten, insbesondere für die hervorragenden Leistungen der anglo-australische Sopranistin Jessica Pratt, Chinesischer Tenor Yijie Shi und Alexander Vinogradov russischer Bass, neben der großartigen Leistung des Orchesters von Valencia, von Roberto Abbado gerichtet, die er als musikalischer Leiter der Palau de Les Arts entlassen, nach guter Arbeit, nicht immer erkannt. Eine weitere Attraktion dieser Lucia ist die -Fortunately- geeignete Landschaft zu der Zeit, wenn die Handlung entfaltet. und, als, die großartige Leistung des Chores der Generalitat, die zeigte wieder seine Qualität. Ein begeistertes Publikum applaudierte ausführlich und mit großer Kraft am Ende der Vorstellungen.

Lucia di Lammermoor ist die berühmteste Oper von Gaetano Donizetti, deren künstlerischer Output stuft siebenundvierzig von insgesamt sechsundsechzig Titeln, mit Noten erhalten. Jahr 1835 Es war besonders wichtig für die Welt der Oper, da die 24 Premiere Januar I Puritani, die letzte Oper von Vincenzo Bellini, die gestorben sind in 23 September dieses Jahres, nur drei Tage vor der Premiere von Lucia di Lammermoor, Teatro San Carlo in Neapel. Salvatore Cammarano dann künstlerischer Leiter dieses Theaters, Es wurde von Donizetti in Auftrag gegeben, das Libretto zu schreiben, die es auf dem Roman The Bride of Lammermoor von Walter Scott basiert, veröffentlicht in 1819, und was wird erzählt realen Fakten ereignete sich im August 1668, wo schottische Adlige seine Schwester gezwungen hatte, einen anderen edlen zu heiraten; sie war mit einem Feind von seinem Bruder in der Liebe, Steuer stach ihren Mann in der Hochzeitsnacht, denn dann mad. Im Gegensatz zu den neuen und Oper, der Mann überlebte und verhängte absolute Geheimhaltung Familie über alles, was passiert. Allerdings gab es allerlei Spekulationen und Geschichte von Familientradition am Leben gehalten wird und wurde von Walter Scott bekannt seinen Roman zu schreiben. die Premiere, Lucia di Lammermoor hatte außergewöhnlichen Erfolg, der bis heute ist nachhaltig. Die erste Lucia wurde von Fanny Tachinar-Persiani interpretiert, einer der berühmtesten Sopranistinnen der Epoche, dessen Tonumfang von lyrisch-Licht, Es erlaubt ihm eine volle Vokal- und interpretierende Display auf der großen Bühne des Wahnsinns zu machen, eine der großen Sehenswürdigkeiten des Belcanto-Repertoire aller. Edgardo Rolle wurde von dem großen Tenor Gilbert Duprez gespielt, der erste, der berühmte C4 auszustellen, mit Bruststimme.

Seit vielen Jahren wurde der Charakter von Lucia von Stimmen in einem leichten Überschuss interpretiert, mehr besorgt zeigen vocal Virtuosität, in dem Maße nicht Kadenzen von Donizetti geschrieben einwerfen, für lucimiento. Ya, im zwanzigsten Jahrhundert, Es Tondokumenten Licht Sopranistinnen interpretiert Lucia: Maria Barrientos, Amelita Galli-Curzi, Mercedes Capsir (Einheit mit größerer Stimm, und Dolmetscher in 1929, die erste Studioaufnahme dieser Oper), und vor allem die französisch-amerikanische Lily Pons, winzige Stimme, schön und eindringende Timbre, mit exzellenter Projektion, was sie in dem alten Metropolitan erfolgreich zu sein, große Theater, in dem seine Stimme leicht erweitert und wo war die offizielle Lucia seit seinem Debüt, in 1931, bis zu seinem letzten Auftritt, in 1958, in beiden Fällen mit diesem Zeichen, wer würde fast hundertfünfzig Aufführungen spielen in. Lily Pons konnte Stimm Fähigkeiten mit absoluter Beherrschung der Koloratur und besten oberen Register auszuführen, die gehalten, leicht, eine Stratosphären Notiz als MI5. Lily Pons Lucia spielte mit allen großen Tenöre seiner Zeit: Beniamino Gigli, Giacomo Lauri-Volpi, Giovanni Nelli y Esco Merli, mit jüngeren Stimmen wie Ferruccio Tagliavini und Giuseppe Di Stefano; und, vor allem, mit amerikanischem Jan Peerce und Richard Tucker, mit dem er ein Aufnahmestudio, in 1954. Es kann auf Youtube zu hören, in unterschiedlichen Interpretationen der Szene des Wahnsinns, sowie sein großes Duett des ersten Aktes Edgardo, aufgezeichnet in 1950, neben der schönen Stimme von Giuseppe Di Stefano. auch, in Akt II Duett mit Enrico, der große Bariton Leonard Warren gespielt. und, eine Kuriosität, Sie können auch voll auf Youtube hören, ein Schuss live von Fort Worth (Texas, USA), in 1962, wo ein Lily Pons, praktisch von der Bühne zurückgezogen, teilen Deal mit einem sehr jungen Placido Domingo einundzwanzig, die es bot seinen schönen Timbre und Interpretationsfähigkeit.

in 1952, Maria Callas uraufgeführt er von der Edgardo Lucia Di Stefano Giuseppe, am Teatro Bellas Artes in Mexiko-Stadt, neu zu erfinden den Charakter, gibt es eine dramatische Einheit bisher unbekannt, basierend auf seiner außergewöhnlichen Theater Fähigkeit, halten die Stimm Virtuosität, unter dem Begriff des dramatischen Soprans Agilität. zwei Studioaufnahmen gemacht von EMI erhalten: die erste, in 1953, mit dem Sänger an seinem besten Gesang Moment, junto a Giuseppe Di Stefano y la Orquesta de Maggio Musicale Fiorentino, Regie von Tullio Serafin, und die zweite, in 1959, mit dem Philharmonia Orchestra, auch durch Tullio Serafin gerichtet, neben Ferruccio Tagliavini Edgardo, mit dem Sänger und Gesang schlechteren Bedingungen, gibt einen Blick, zeitweise, intim und herzzerreißender Charakter. Es sollte angemerkt werden, um zwischen den beiden Aufnahmen ein Schuss leben, in Berlin 29 September 1955, Er hat vollständig in die Mythologie der Welt der Oper eingegeben, wo Callas bietet seinen herrlichen vocalism, mit einer beeindruckenden Leistung dramatisch, meisterhaft von Karajan gerichtet, vor dem RIAS-Orchester Berlin, Herstellung einer echten Symbiose zwischen Regisseur und Sänger; hier wieder mit Di Stefano und Giuseppe Enrico herrlichen Bariton Rolando Panerai Groß. Das berühmte Sextett am Ende des zweiten Aktes, vor dem kontinuierlichen Applaus, Es ist byssate. Diese Aufzeichnung kann vollständig in Youtuve hören.

Callas Zeuge nahm ihn die große australische Sopranistin Joan Sutherland up, Zentrum weit, gute Auswahl an schwerer und außergewöhnlichen Kapazität für Koloratur, mit einem perfekten Höhe und Höhen Emissions, aber nicht über die dramatische Fähigkeit, Callas. Er spielte zunächst in Covent Garden Lucia, in 1959 (Sie können voll auf Youtube hören, leben nehmen eine solche Darstellungen) und pflegen die Rolle in seinem Repertoire für 30 Jahre, zu sein, der mehrere Male hat es gespielt, mehr als zweihundert Darstellungen, mit großen Edgardos wie Alfredo Kraus, Luciano Pavarotti y Carlo Bergonzi. Markieren Sie ihre Studioaufnahmen für Decca, in 1971, Luciano Pavarotti neben einem von seiner besten Seite, zeigt seine schöne vocalism, Enrico mächtig Sherrill Milnes und die herrliche und ausdrucksstarke Interpretation von Nicolai Ghiaurov, como Raimondo, von Richard Bonynge führt das Orchester des Royal Opera House gerichtet. Ya, bei Fälligkeit, Er nahm an einer Reihe von Aufführungen an der Metropolitan, in 1982, von Richard Bonynge gerichtet, Edgardo neben Alfredo Kraus, vocalism und einwandfreie Leistung Stil. Eine dieser Darstellungen wurde in Video und DVD vertrieben von der Deutschen Grammophon aufgenommen. Parallel zu den Aufführungen von Lucia gemacht von Sutherland, Kreationen sind zwei andere Sopranistinnen prächtige: Renata Scotto und amerikanischen Beverly Sils, in den sechziger und siebziger Jahren des letzten Jahrhunderts, Auch neben Pavarotti Edgardos, Kraus und Bergonzi. später, Sie machten auch gute Kreationen Lucia, Edita Gruberova y June Anderson, obwohl niedriger als sopranos vorgenannten. Es sollte, dass in den letzten zehn Jahren darauf hingewiesen, war Jessica Pratt, die sehr brillant interpretiert er mehrmals Lucia, mit fast hundertfünfzig Aufführungen.

Der szenische Vorschlag, der in Valencia gesehen wurde, Es ist eine Koproduktion der Oper von Monte Carlo und dem New National Theater in Tokyo, von Jean Louis Grinda gerichtet. Die Sets entworfen von Rudy Sabounghi, klassische Charakter, im Einklang mit der Zeit findet die Handlung in dem späten siebzehnten Jahrhundert. In der ersten Szene kann es eine große von Wasser und Felsen in der Nähe von einem Strand, wo Enrico Ashton bewegen mit mehreren Soldaten und seine Schergen umgeben sein Norm, wer sagt er verschmitzt um einen Fremden wurde prowling gesehen, mit all dem Erscheinen von Edgardo di Ravenswood zu sein, der große Feind von Enrico Ashton. Verzierte für Änderungen eingeführt wiederholt eine Projektion einer Klippe, in den Wellen schlagen kann seinen maritimen Ton zu hören. In der zweiten Szene, das Geheimnis und leidenschaftliche Begegnung Lucia und Edgardo tritt in Gegenwart von Alisa, das Chaperon Lucia, in einer felsigen Enklave, wo eine alte Quelle liegt, einem gemalten Hintergrund, wo bedrohliche Silhouette des Schlosses von Ashton Jeder finstere Vorahnung erscheint! Akt II, Es findet in einem Satz, der den großen Saal des Schlosses wieder Ashton, und deren erste Szene Lucia und sein Bruder Enrico, die überzeugt mit schlechter Kunst seinen reichen Freund des edle Arturo Bucklaw zu heiraten; und, Castle Kaplan Raimondo Bidebent, Freund und Vertrauter Lucia, Er rät ihr, den Vorschlag seines Bruders zu akzeptieren. In der zweiten Szene, Anzahl der reich gekleidete Gäste (ausgezeichnetes Kostümdesign von Jorge Jara) Sie singen und tanzen die bevorstehende Ehe Bindung feiern; Hier können Sie die erfolgreiche Bühnenanweisung von Jean Louis Grinda gesehen werden, Bewegen vielen Extras. Das unerwartete Auftreten von Edgargo, ermutigt die brillante Sextett Lucia, Edgardo, Enrico, Raimondo, Alissa y Norm, wo, in einer anderen Ebene dramatisch, jeder drückt seine Gefühle, scenically sehr gut von Grinda gelöst. In dieser Produktion, zu Beginn des dritten Aktes, die Szene des Turms ist im Preis inbegriffen, auch mit maritimem Hintergrund, die oft oft weggelassen es eine weitere Veränderung der Landschaft zu vermeiden, und tatsächlich bricht die dramatische Kontinuität und ist nur für die Brillanz von Tenor und Bariton. Hier haben die angespannte Sitzung Edgardo und Enrico auftritt, kann ein Turm in Schutt und Asche sein, von den Wellen gepeitscht. In der zweiten Szene erscheint wieder die große Halle des Schlosses, wo die Hochzeitsgäste zelebriert von; das Fest wird durch die Anwesenheit von suspendierten Raimondo, die gibt die tragische Nachricht von Arthurs Tod in den Händen von Lucia im Ehebett. Die geisterhafte Erscheinung von Lucia, mit bloodied Brautkleid, beginnt die berühmte Wahnsinnsszene; Hier ist eine der besten szenischen Momente dieser Produktion erfolgt, wenn Lucia, suggestiver Modus, nimmt das Hauptthema seiner großen Duett up mit Edgardo, zurück in die Halle des Schlosses, die Dekoration der Brunnen-Szene. Am Ende der Oper eher eine romantische Landschaft gezeigt, mit maritimen Friedhof, wo liegen die Vorfahren von Edgardo, der Selbstmord begeht, nachdem den Trauerzug mit dem Körper von Lucia beobachten, in diesem Fall wirft Vakuum von einer Klippe.

Roberto Abbado wurde Verlassen des Palau de Les Arts Regie dieses Lucia, ein Werk, das alle Arten von Lob verdient, immer von der gleichen hervorragenden Schallöffnung mit einer imposanten Präsenz des Eileiters, sie werden in der ganzen Oper große Bedeutung haben. Bellísimo war die Orchesterbegleitung auf der ganzen großen Lucia und Edgardo Duett des ersten Aktes. Brilliant Orchesterklang im ganzen Akt II, in dem großen Duo Lucia und Enrico und, vor allem, in der Hochzeitsszene mit der Kombination von Orchester und Chor, was erreicht ihren Höhepunkt in dem berühmten Sextett und das Schließen stretta. Magnificent Orchesteraufführung, zu Beginn des dritten Aktes (Turm Szene), einen Sturm in Verbindung mit dem Klang eines tosenden Meer spielen. Ausgezeichnet die letzte Szene der Oper Eingabe mit einer Beerdigung Akkorde die tragischen Ereignisse ankündigen produziert werden. In der berühmten Wahnsinnsszene verwendet, um die glassarmonica (Glasharmonika), dass war zu hören, wenn das Spiel Donizetti uraufgeführt. Es ist ein Instrument von Benjamin Franklin in der Mitte des achtzehnten Jahrhundert geschaffen, durch eine Reihe von Gläsern und Glasröhren gebildet, auf Holzbasis, Emittieren eines charakteristischen Klang, suchen frotadas. Sehr lucida Intervention Sascha Reckert, ein Spezialist dieses Instruments, in der begleitenden Jessica Pratt, Er schaffte es, spektrale Sounds zu extrahieren, in perfekter Verbindung mit der Stimme des Sopranstimme. Abgesehen von der großen Leistung der vier Hörner, Bemerkenswert ist die große Harfe Solo Intervention vor der ersten Stufe Auftreten von Lucia, In der zweiten Szene des ersten Aktes. Ausgezeichnete Leistung des Cellos die Intervention von Edgardo um das Ende der Oper begleitet. Betonen Sie die versöhnliche Arbeit von Roberto Abbado sehr bewusst die Stimmen, Hervorhebung ihrer großen Beziehung mit Jessica Pratt, der in dieser Rolle mehrfach gerichtet hatte.

Große Leistung von Jessica Pratt, zeigt timbral Schönheit und große stilistische Meisterschaft des Belcanto-Repertoire, mit einer ausgezeichneten Linie von Gesang und große Fähigkeit, lange Sätze zu verbinden. Hervorhebungen seine Beherrschung der Mittelstimmen und Klang Vorschriften. Domain zeigt alle Datensätze, mit Farbhomogenität. Sie sind spektakulär und seine scharfen Höhen. und, vor allem, Es bietet eine perfekte Ausführung Agilität von seiner ersten Arie „Regnaba nel silencio“, gefolgt von der cabaletta „Quando, virtuosic rapito in estasi „Einführung Variationen in ihren Wiederholungs. dann, seine Interpretation wird im schönen Duett mit Edgardo Crescendo, besonders in seinem letzten Abschnitt wiederkehrendes musikalisches Motiv, das auf der Szene des Wahnsinns erscheint wieder, wo die Sopranistin bietet eine beeindruckende Auflösung von Koloratur. Ausgezeichnete chinesische Tenor Edgar Yijie Shi, mit großer stilistischer Meisterschaft und ausgezeichneter Gesangslinie, obwohl sein Timbre ist nicht zu attraktiv, Es ist ein großer Sänger, Es bietet eine intensive Phrasierung und kontrastiert, mit großer Beherrschung aller Datensätze, ausstellenden einen großartigen acute Streifen. Hervorragende Interpretation der großen Duett mit Jessica Pratt. Es zeichnet sich durch stark, in seiner letzten Szene gibt seinem Gesang pathetische Akzente. Es ist auch in seinem Duett mit Enrico Ashton von Bariton Alessandro Luongo spielte prächtig, deren Stimme Leistung deutlich unter den Hauptfiguren, mit wenig Befehl des Belcanto-Stil. Eine echte Schande, weil Enrico ist ein Zeichen für Bariton absolute Brillanz, mit großen Momenten wie seine große Szene zu Beginn der Oper oder das große Duett mit Lucia Act II, wo, mit der Leistung von Jessica Pratt verglichen, Sie können alle ihre Grenzen überprüft werden. Ausgezeichnete Russe Alexander Vinogradov günstig wie Raimondo, bietet eine leistungsstarke vocalism, das Duett mit Lucia hervorheben und vor allem in seiner großen Solo Intervention „Ah! Cease, dass glücklich ". Ausgezeichnete Leistung des jungen baskischen Tenor Xabier Anduaga als Arturo sposino, deren prächtiger vocalism Auguren eine glänzende Zukunft Karriere. Bien Hälfte der rusa Olga Syniakova, wie Alisa. Korrigieren Sie den Tenor Alejandro del Cerro als Normanno. Magnificent Interpretation der berühmten Sextett, gefolgt von „stretta“, die er kommt zu dem Schluss Act II, wo die Stimme von Jessica Pratt, ergibt sich stark aus dem Chor und Solostimmen.

Der Chor der Generalitat angeboten, eine große Leistung, insbesondere in Akt II, wo seine Leistung schien hoch, sowie die Einführung der Wahnsinnsszene, und um das Ende der Oper. schließlich, Lucia di Lammermoor erinnern.

Jolanthe 1

Jolanthe 2

Jolanthe 3

Jolanthe 4

https://youtu.be/xlByMMGVW-M

Jolanthe 5

Jolanthe 6

Jolanthe 7

Jolanthe 8

Jolanthe 9

 

Jolanthe von CHAICOVKY ERLANGEN einen großen Sieg in Palau de les VALENCIANO ARTS.Por Diego Manuel García Pérez.

Die vier Aufführungen von Jolanthe, die in der Palau de les Arts genommen haben, Sie haben in einem großen Sieg in Folge, vor allem durch die hervorragende Leistung des Orchesters von Valencia, hervorragend von Henrik Nánási gerichtet, mit einer bemerkenswerten Menge von Sängern, mit perfekter idiomatischer und stilistischen Meisterschaft wie im russischen Repertoire erforderlich. Alle kombinieren dies mit einem einfachen, aber sehr attraktiver Landschaft visueller, und die Gegenwart der immer hell Chor Valencia, in diesem Fall ist der weibliche Abschnitt. im Januar 2012, diese Oper konnte bereits an dem Palau de les Arts zu hören, in Konzert.

Piotr Ilich Chaikovski (1840-1893) Es kann die meisten russischen Komponisten aller Zeiten Beliebtheit in Betracht gezogen werden; und, Obwohl es in erster Linie für seine Beiträge zur sinfonischen Welt und Ballett bekannt, Seine Opern Kreationen waren wichtig und zeigten großes Interesse an diesem Genre, mit der Zusammensetzung von bis zu zehn Opern, von denen, die nur echte Resonanz Eugene Onegin gehabt haben (1879), und in geringerem Maße Pique Dame (1890). Seine Opern von großer Qualität sind sehr schlecht vertreten: Die Jungfrau von Orleans (1881), Mazeppa (1884), Cherevichki (Zarin Pantoffeln) y Charodeyka (die hechizera) beide 1887. Seine letzte Oper Iolanta (1892), Er hat in den letzten zehn Jahren einige Berühmtheit, seit seiner Eröffnung in 2009, die Produktion des Mariinsky Theaters in St. Petersburg, mit Bühnenanweisung von der polnischen Mariusz Trelinski, es könnte auch an der Metropolitan in New York im selben Jahr im Festspielhaus Baden-Baden und die Premiere dieser Oper sein, im Januar-Februar 2015, immer mit den großartigen Leistungen von Anna Netrebko als Jolanthe und Orchester Leitung von Valery Gergiev. Liceu in Barcelona, im Januar 2013, Anna Netrebko auch sang Jolanthe, in Konzert, Richtung Valery Gergiev. deshalb, Es hat sich bei der Verbreitung der Tandem Netrebko Opern Gergiev instrumental. auch, Es wurde am Teatro Real in Madrid durchgeführt, im Januar 2012, in einer gemeinsamen Produktion des Bolschoi-Theaters und der Moskauer, was er die Uraufführung der Oper in Spanien soll. Im März-April 2016, Es wurde im Palais Garnier in Paris durchgeführt, Produktion einschließlich auch das Ballett Nussknacker, beide Werke mit Bühnenanweisung von Dmitri Tcherniakov. genau, Tschaikowski wurde in einem Doppelprogramm Jolanthe und ihr Nussknacker Ballett veröffentlicht, en el Teatro Marinski, die 18 Dezember 1892. Januar-Februar 2019, Jolanthe wurde erneut in der Metropolitan und Funktionen dargestellt, die in der Palau de les Arts genommen haben, in beiden Fällen, das Mariinski-Theater Produktion der, mit der musikalischen Leitung von Enrik Nánási und Mariusz szenische Trelinki. deshalb, Notorious ist das wachsende Interesse an dieser letzten Oper von Tschaikowsky.

Das Libretto in einem einzigen Akt mit acht Szenen und eine letzte Szene, Es wurde von Modest Chaicovsky jüngerer Bruder von der Leitung des Komponisten, auf der Grundlage der Arbeit des dänischen Königs Tochter René, Der Herink Rudolf Hertz, Set in der Provence des fünfzehnten Jahrhunderts, wo die Geschichte der blinden Prinzessin Jolanthe und ihr Vater König Rene Konto, das hält um einen Kreis von Fiktion, so dass Sie möglicherweise nicht bewusst von ihrem Elend. schließlich, Graf von Vaudémont Goffriett, Prinzessin Liebe, Sie werden das, was das Privatleben entdecken, ihren Wunsch, ermutigend zu sehen,, CLINCHER wird von dem arabischen Arzt geheilt Ibn-Haqia, von König René angestellt. Die Geschichte hat eine andere Hauptfigur Robert Herzog von Burgund, Freund Vaudeamont, vorherordiniert Kind Jolanthe zu heiraten, ohne zu wissen, seine Blindheit. Roberto ist in der Liebe mit einer anderen Frau, obwohl bereit, ihre alten Verpflichtungen gegen. schließlich, Princess erholen Sicht, und die Geschichte wird gerne mit der Ehe von Jolanthe beenden und Vaudémont. wunderbare Musik komponiert von Chaicovsky, zeigt die Brillanz als Orchestrator des russischen Komponisten.

Es gibt viele Aufnahmen von Jolanthe, beide DVD und CD. Markieren Sie eine Aufnahme auf Video 1982, am Bolschoi-Theater in Moskau statt und werden von dem Label VAI DVD vermarktet, was es hat eine ausgezeichnete Reihe von russischen Sänger: galina Kalinina (Jolanthe), lev Kuznetsov (Vaudémont), Igor Morozov (Roberto), Artur Eisen (König René), Ruben Vardanian mit an der Vorderseite des Bolschoi-Theater Orchester der. Eines der klassischen Aufnahmen dieser Oper, Es nimmt Live mit gutem Klang, in Paris Playel Raum gehalten, in 1984 und auf CD vom Label veröffentlicht ERATO, mit großartigen und sehr nuancierten Interpretationen von Galina Vishnevskaya (Jolanthe) Nicolai Gedda die (Vaudémont), Mstilav Rostropowitsch führte zu der Vorderseite des Orchestre de Paris. Diese Aufzeichnung kann komplett zu hören auf YouTube. Die DVD vom Teatro Real in Madrid veröffentlicht, Jolanthe synthetisiert Darstellungen mit Perséphone Strawinsky hielt im Januar 2012, mit einer Besetzung von guten russischen Sängern: Ekaterina Scherbachenko (Jolanthe), Pavel Cernoch (Vaudémont), Dmitri Uljanow (König René) und Bariton Alexei Markov ausgezeichnet (Roberto), Leitung von Teodor Currentzis. Von großen Interesse ist die Erstellung von Video, durchgeführt in 2009, im Mariinski-Theater in St. Petersburg, vollständig auf YouTube, der eingangs genannten Herstellung des Theaters, mit Leitung von Valery Gergiev und dem Stadium der polnischen Mariusz Trelinski, mit der hervorragenden Leistung von Anna Netrebko (Jolanthe), mit herrlichem Sergei Schorokhodov (Vaudémont) y Alexei Markov (Roberto). Wie erwähnt,, Diese Produktion ist, was wurde in El Palau de les Arts gesehen.

diese Version, bewegt sich die Aktion aus dem fünfzehnten Jahrhundert zu einer Zeit, die in den vierziger Jahren oder fünfziger Jahren des letzten Jahrhunderts passen, mit einer einfachen Kulisse entworfen von Boris Kudlicka, durch die Struktur eines Würfels dominiert, wo sie decken nur eine Seite, eine Wand, wo Rotwild-Schädel mit riesigem Geweih gehängt werden; die Wand eine Tür, wenn die Struktur abwechselnd eingegeben werden extern als Jagdhaus, wie Vaudémont und sein Freund Roberto ins Spiel kommen. In dieser Struktur ziemlich drückend lebt Jolanthe, den Eindruck zu erwecken eines Krankenhauszimmers, wo ihre Freunde über Marta beobachten, Briguitta und Laura, mürrischen schauenden Krankenschwestern. Holographic Projektionen zeigen einen fleckigen dunklen Wald rund um das Passagierabteil, wo Bäume im Raum schweben mit ihren Wurzeln bloß, wirklich gespenstisch an den Ort, eine Übertragung der, sehr viel in der Welt des Schattens zu halten umliegenden Jolanthe. Nach dem ersten Treffen von Jolanthe und Vaudémont, wo stark angezogen, dass dunkler Wald beginnt mit dem trüben Licht eines Sonnenaufgang durchstochen werden, welche können sehen Sie den Takt der Blätter der Bäume, einer der landschaftlich schönsten Momente dieser Produktion, als Symbol für die Hoffnung, dass Jolanthe Vision wieder. In den letzten Szenen gibt es übermäßige Vermehrung von Licht und Lichtstrahlen, Sie ankommen, um die Öffentlichkeit zu blenden. Die Kostüme entworfen von Magdalena Musial spielen mit dem Kontrast von schwarzen und weißen Farben, Reflexion von Licht und Dunkelheit, die diese Geschichte dominiert. Ya, in der letzten Szene, wenn die Prinzessin hat Anblick wieder, Sie scheint ein helles Kleid trägt, Symbol dieses Strahlungslicht, so dass Sie die reale Welt zu sehen. Markieren Sie die Richtung der Stufe Mariusz Trelinski, wer verwaltet die maximal Theatralik auf die Aktionen von jedem der Dolmetscher zu extrahieren.

Dirección de excelente ENRI Nánási, mit der großartigen Leistung des Orchesters von Valencia. Ungarische Regisseur zeigte seine Kenntnis der Partitur, wissenden markieren die kleinsten Details, Während Fahrdynamik und Intensitäten, mit hervorragender versöhnlicher Arbeit sehr bewusst die Stimmen, die in diesem Fall waren sie mit ausreichendem Volumen, die Barriere manchmal Orchesterklang forte zu überqueren. Es war hell Orchester Intervention aus der gleichen Öffnung, wo nur interveniert Blasinstrumente Holz, Hervorhebung der Klang des Englischhorn und Fagott. Während der gesamten Arbeit gehören die großartige Leistung der Saite, bereits deutlich in der Eröffnungsszene, herrlich Orchestrierung, die er hebt den Klang der Harfen. Ausgezeichneter Reden Klarinettist an der Szene und die Konzert zweiten Geige in der langen Einführung von „nana“ lovely Ende mit der dritten Szene. Das Orchester scheint stark in dem großen Duo Jolanthe und Vaudémont, vor allem in dem wiederkehrenden musikalischen Motiv immer Licht im Zusammenhang, es wird von den Protagonisten und nur vom Orchester gespielt in den letzten Szenen der Oper wieder auftauchen. War sehr helle Verbindung Leiter, Solostimmen und Chor in dem großen Oper konzertant Schließen. Markieren Sie diese Dialoge Orchester und Sopran-Soli, die die Jolanthe interpunktieren.

Sehr bemerkenswerte Interpretation von Jolanthe von armenischen Sopranistin Lianna Haroutounian, Anzeigen eines schönen Timbre, Domäne der gebundenen Hand, Bewegen gut in allen Registern, insbesondere mit einem leistungsfähigen Streifen akuten und ein beträchtliches Volumen zeigt,, der Orchesterklang in forte und treten stark in concert zu übertreffen. Markieren Sie die Interpretation machte in seiner ursprünglichen Arie „Atchevo eto ne prezhde znala. Weder ich noch Toski Halterungen, ni Slez (Warum ich wusste nie zuvor oder Angst, noch Schmerz, noch die Tränen?)„Mit einer intensiven und ausdruck Phrasierung, im hohen Register glühende mit zunehmend höheren Noten und subtiler Waage nach unten. Streute in seinem großen Duett mit Vaudémont, interpreta el Arie „Tvoe molchan'e mne neponjatno (Ich verstehe nicht, Ihr Schweigen)", excelente mit Gesang verbunden sind, Beim Umgang mit den Stimmen Strümpfe, Regelung der Klang von Klavier bis forte und wieder große Erhöhungen zeigt akute zu erleichtern. Sehr herausragende Leistung der Sopranistin im großen Duett mit Vaudémont, wo sie beide ein Arioso schön interpretieren, mit wiederkehrenden musikalischen Thema, Bewegen in einem hohen tessitura, erster Tenor und Sopran dann mit verschiedenen Nachrichten, beide Stimmen zusammen kommen zum gleichen Thema singen so vibrierend und das Duo mit C4 schließen, Die besten von der Sopranistin projiziert. als Vaudémont, der junge ukrainische Tenor Valentyn Dytiuk, zeigt eine typische weißes Timbre etwas slawischen Stimmen, rotundas erwirbt Klänge in acute Streifen. Er sang sehr gut seine Arie „Nest! Chary lask mjatezhnoj mne Nitschewo ne govorjat (Nein! Der Reiz einer feurigen Schönheit lockt mich nicht)", wo, Abgesehen von einem glänzenden zu akuten Anstieg, Mostro ein Lied voller Musikalität mit Beherrschung der Mittelstimmen und Regulierungsbehörden. Russische Bariton Boris großartige Pinkhasovich, in der Rolle von Roberto, ein schönes und helle Timbre zeigt, mit einem leistungsstarken Registry-Grab, breit und hell Höhenmitten, mit einem prägnanten und voller ausdruck Phrasierung kontrastierte, spielt mit Vehemenz und Leidenschaft seiner Arie „Kto mozhet sravnit'sja Matilde‚doj moej (Wer kann mit meinem Matilda vergleichen)". Nun ist die russische Bass Vitalij Kowaljow als König Rene, dominierende Rolle interpretiert perfekt die ich bei vielen Gelegenheiten haben, mit seinem tiefen, kraftvollen vocalism, die Blicke auf viele Momente dieser Oper, Schto vor allem in seiner großen Solo Intervention“skazhet auf? Kakoj Versprechen proizneset Ego Lehre? (Was wird er sagen? Was wird die Reaktion seiner Wissenschaft sein?)„In Anlehnung an den arabischen Arzt Ibn-Haqia, akzeptabler Weise gespielt von Bariton Gevorg Hakobyan Armenisch. Veteran großartige Leistung unter russischer Andrei Danilov als Almeric. Nun das Trio von Freunden aus Jolanthe, die von der Mezzo-Sopranistinnen Olga Marina Pinchuk und Zharikova, mit der Sopranistin Olga Syniakova, jeweils Marta, Laura und Briguitta, vor allem in dem „nana“ schön und mit einem Jolanthe schläft in der dritten Szene. Sehr prominent Interventionen des Chores der Generalitat Valenciana, Hier beschränkt sich auf Frauenstimmen, zuerst in der Grube mit dem Orchester und der Stufe bis zum Ende der Oper untergebracht, stark in der großen schlüssig concert glänzend. deutlich, Dies ist eine ausgezeichnete Version von Jolanthe, Es zeigt die Schönheit dieser Punktzahl.

Die Zauberflöte 1

Die Zauberflöte 2

Die Zauberflöte 3

Die Zauberflöte 4

Die Zauberflöte 5

Die Zauberflöte 6

Die Zauberflöte 7

Die Zauberflöte 8

https://youtu.be/mMmEwLvgk3Q

Kontroverse “Zauberflöte” Die Saison beginnt in KunstDurch Diego Manuel García Pérez.

diese umstrittene magic flute, mit einer transgressiven Inszenierung von Graham Vick, Es ist angeblich die schwere Ungleichgewichte zu zeigen, die heutigen Gesellschaft zu beeinflussen, mit einer klaren Konfrontation zwischen den ärmsten und am stärksten privilegierten Klassen. Große Plakate und Protestbanner dominierten den Bühnenraum und die seitlichen Ende der verschiedenen Etagen des Zimmers, mit vielen Extras, Sie bewegen sich auf der Bühne beide und aus. alle, ergibt, wird die Aufmerksamkeit von Zuschauern ablenken, was wirklich zählt: Mozartiana wunderbare Musik. zum Glück, Orchester von Valencia, gut durch Lothar Koenigs gerichtet, boten einen ausgezeichneten Klang und der Chor der Generalitat war in seiner üblichen großer Höhe. Bemerkenswerte Performance-Gruppe Solo Sänger, zu denen auch die italienische Sopranistin Mariangela Sicilia, die er bot eine exzellente Kreation von Pamina.

Die Zauberflöte (Die Zauberflöte) es un Singspiel (Oper in deutschen Kino Dialoge gesungen, die umfassen), in zwei Akten mit Musik von Wolfgang Amadeus Mozart und Libretto von Emanuel Schikaneder. Seine Premiere fand im Theater auf der Wieden beliebt in Wien 30 September 1791, unter der Regie von Mozart mit Schikaneder selbst und dem Charakter der Papageno spielt. Es war die letzte Premiere des Komponisten, die starben, zwei Monate später, die 4 Dezember, mit nur 35 Jahren. Heute scheint es klar, dass es Mozart war die Schikaneder vorgeschlagen (facetten~~POS=TRUNC: Geschäftsmann, Darsteller, Sänger, Librettist und Theaterdirektor), und nicht umgekehrt, die Schaffung einer deutschen Oper magischen Charakter. Ich wollte den großen Erfolg wiederholen, in 1782, mit Singspiel Die Enführung aus dem Serail (Die Entführung aus dem Serail). Das Argument ist sehr umstritten, durch sein unordentliches Netzwerk. Es scheint, begannen sie es Schikaneder und Schauspieler und Sänger Ludwig Giesecke schreiben, durch die eigene Mozart, und die Kriterien geändert, sobald die ersten Szenen geschrieben, so, magische Komödie mit einer kläglichen Königin für die Entführung ihrer Tochter Prinzessin Pamina und die tapferen Prinz Tamino verantwortlich für Rettung, Es wurde komplexer: eine Entschuldigung der Freimaurerei, die eindeutig spielt es die bösen Entführer von Pamina zu konvertieren, der weise Priester Sarastro, wer regiert, einen Tempel, der zu schlagen Tests zugegriffen, wo Mut und Charakterstärke angezeigt werden. Tamino und Pamina, Sie schaffen es zu überwinden, um ihre Liebe Dichtungs, trotz der Machenschaften der Königin der Nacht und die drei Damen zu Ihren Diensten. Der liebenswerte Charakter im Spiel ist die einfache Papageno, fowler, zunächst dazu dient, die Königin der Nacht, und später wurden Beschützer der Liebesbeziehung zwischen Pamina und Tamino. Dieses Argument wird durch die außergewöhnliche Musik von Mozart unzusammenhängend zusammen, Orchester Gewebe, bei dem die Stimmen der verschiedenen Zeichen als ein Instrument eingeführt werden. offensichtlich, Es ist eine Standard-Repertoire Oper, Es gibt viele Aufnahmen auf CD und DVD. Fügen Sie zwei historische Aufnahmen, mit großartigen Orchestern und hervorragenden Darstellern, im Studio aufgenommen und kann auf YouTube komplett zu hören. Die erste fand in Berlin statt zwischen 1937 und 1938, mit dem großen englischen Dirigenten Sir Thomas Beecham, vor der Berliner Philharmoniker. In einer Umgebung bereits Antebellum, Beechan konnte nicht Aufzeichnung beenden; dass, scheint, Es wurde von einem jungen Herbert von Karajan abgeschlossen. Die Besetzung wurde von zwei sensationellen Darstellern geleitet: Deutsch Sopranistin Tiana Lemnitz als Tamina, eine Stimme von großer Reinheit und voller Melancholie bietet, neben dänischen Tenor Helge Rosvaenge Tamino, voluminöse Stimme und schön, mit einer herrlichen Phrasierung und absoluter Beherrschung des mozartischen Stils. Die Sopranistin Erna Berger ist eine ausgezeichnete Kreation der Königin der Nacht. Die remasterte Ausgabe für das Label Naxos, deutlich verbessert den Originalton. Die zweite Aufnahme empfohlen, Es wurde gemacht von EMI, in 1950, mit dem schönen Orchestergang der von Herbert von Karajan gerichteten Wieneren Philharmoniker, und eine große Stimme warf mit ausgezeichneten Tamino Slowenisch Tenor Anton Dermota, auténtico estilista Mozart, eine raffinierte Kantenlinie, mit der deutschen Sopranistin Irmgard Seefried, eine Stimme von großer Klangschönheit, die eine sensible und empfindliche Pamina spielt. Wilma Lipp macht eine große Schöpfung der Königin der Nacht, mit hervorragender Beherrschung der Koloratur. Die anderen Charaktere werden von großen Stimmen gespielt: großer Bass Ludwig Weber, ein sensationeller spielt Sarastro, Erich Kunz (Papageno), George London (Sprecher), Emmy Loose (Papagena). In der Mitte der fünfziger Jahre des letzten Jahrhunderts, die Opernszene bricht in dem außergewöhnlichen deutschen Tenor Fritz Wunderlich, des schönen vocalism und großen dramatischen Temperaments, Tamino, dessen Schöpfung anthological, Erreichen oft interpretieren. in 1964 (zwei Jahre vor seinem Tod, mit nur 36 Jahren) Tamino spielte ein Aufnahmestudio in Deutsche Grammophon, mit Karl Böhm vor der Berliner Philharmoniker, El Gran Seine Otter (Sprecher), Franz Grass (Sarastro), Dietrich Fischer-Dieskau (Papageno), Evelyn Lear (Pamina) und Roberta Peters (Königin der Nacht). Escuchar a Fritz Wunderlich en el aria del retrato “Dies Bildnis ist bezaubernd schön”, Es ist eine wahre Freude canoro.

Es gibt zwei Videoaufnahmen, die komplette werden kann auf YouTube zu hören. Die erste in gehaltenen 1983, Oper in München, Wolfgang Orchester Adresse Sawalisch, und verkauft auf DVD bei der Deutschen Grammophon, mit herrlichem Tamino der mexikanische Tenor Francisco Araiza, der schönen Timbre und eine perfekte Anpassung an mozartischen stilistische Repertoire, mit ausgezeichneten Pamina der großen tschechischen Sopranistin Lucia Popp, eine Stimme kristalline Reinheit, und Königin der Nacht von Edita Gruberoba, das zeigt seine absolute Beherrschung der Koloratur. Der zweite Schuss auf Video empfohlen, Es wurde an der Zürcher Oper durchgeführt, Le Jahr 2000 und auf DVD von ARTHAUS MUSIK verkauft, Frantz Orchester Adresse Welser-Möst, mit wunderschönen Tamino polnische Tenor Piotr Beczala, deren Stimme erinnert an Fritz Wunderlich, Pamina neben der schwedischen Sopranistin Malin Hartelius, das bringt Stimme und die landschaftliche Schönheit. Der große finnische Bass Matti Salminen, Es umfasst eine imposante Sarastro. Klassische und sehr geeignet Jonathan Miller szenischen Vorschlag.

Es kann nicht von malerischem Mount Graham Vick gesagt werden,, das wurde in Valencia gesehen, Co-Produktion mit dem Palau de les Arts, Birmingham Opera und das Festival von Macerata. Zuschauer, die den Raum betreten wurden durch eine Reihe von großen Plakaten überrascht von allen Etagen mit Protestbotschaften hängen: „Gegen Gewalt an Frauen“, „In der Verteidigung der Rechte und Freiheit“, „Das System kann nicht die Korruption bekämpfen, weil Korruption das System“, „Fair Renten, die ". Anzahl der Extras drangen die Bühne und erlitt einige Räume Zuschauer, was sie wollten, Er war eine gute Zeit, um die wunderbaren Musik von Mozart hören. und, alle, Es ist die Verpackung des Satzes selbst, von Stuart Nunn ausgeführt, (auch verantwortlich für die Kostüme), wo Sie drei miteinander verbundenen Gebäuden sehen: einer der großen Höhe, oben auf dem, Es scheint, das Euro-Symbol (Finanzkraft), Appel Shop (Die Rechenleistung, auch die Heimat des Freimaurertempel) und eine Nachbildung des Petersdoms (Die Macht der Kirche). Von diesen Gebäuden, an einem gewissen Punkt in der Funktion, out Menge figurantes: Finanz-Führungskräfte durch anspruchsvolle Frauen elegant gekleidet und umgeben, mit militärischen und kirchlichen lila rot, dass die Kräfte bilden, Unterdrückern der Menschen manifestiert mit signifikanten Anzeichen: "Nein, Es ist nicht ", „Wir haben auch voice“, „Wir stehlen nicht in die Zukunft“, „Diversity, Gleichheit und Einheit ", in der Nähe dieser ikonischen Gebäude, mit defensiven Zäunen begrenzt. Das Finanz Gebäude wird an einem gewissen Punkt gedreht, kann in der Rückseite zu sehen, Raketenbatterie Mitwisserschaft der wirtschaftlichen und militärischen Macht! oder wir die Rückseite der Basilika gezeigt, wo es erscheint eine madonna, mit seinem Mund bedeckt die Marginalisierung von Frauen in den Zentren der Macht der katholischen kirchlichen Welt! Ist unzulässig Manipulation von Graham Vick von brillanten Dialogen in Deutsch Originaltext, mit der Aufnahme von Phrasen in Spanisch, wo der improvisierten Chor der figurantes fungiert als griechischer Chor Führer, Zeichen Warnung der möglichen Folgen ihrer Handlungen oder Verhaltensweisen Vorhaltung. Das Ziel, eine Arbeit in der Welt des späten achtzehnten Jahrhunderts auf die aktuellen Probleme getaucht bewegt, sollten berechtigt sein,: Die Zauberflöte mit Musik von Wolfgang Amadeus Mozart und Emanuel Schikaneder Text, von Graham Vick überprüft. Es ragtag Kostüme, von diesem eleganten Business-Anzug trägt Sarastro, in einem Huhnkostüm zu Papageno gewickelt, durch Tamino und Pamina im Trainingsanzug mit einem Kleid erinnert an der Puppe gekleidet Olympia Hoffmanns Erzählungen, oder die drei Damen in Affen Arbeiter vollgestopft, die sie mit führenden ihrem Chef attraktive Kleidung in Linie entfernt werden ausstellenden, die böse Königin der Nacht Ah! und, auch das Signal das Vorhandensein eines Baggers, die Schlange Verfolgern Tamino dient, und ein Sopran Roller, wo die Kinder bewegen. schließlich, der Zusammenbruch der drei emblematischen von einem macrodanza gefolgt Gebäude, in denen sich alle Teilnehmer Präambel von einer Welt, in Frieden und Harmonie entwickeln!

Konfrontiert mit so vielen Extras, Mit einem kontinuierlichen Phase Bewegungen, Es hat viel Verdienst und den Leiter Lothar Koenigs versöhnlich Arbeit, mit dem exzellenten Klang des Orchesters von Valencia, sich bereits in der Ouvertüre, der größte komponiert von Mozart, mit einem überraschenden Einsatz von Kontra, und wird mit Musik fortgesetzt, die die arioso ein verängstigtes Tamino und szenische irruption der drei Damen hüllt. Orchester Highlight sowohl das Quintett Auflösung Tamino, Papageno und die drei Damen, wie die schöne Pamina und Papageno Duett. Das Orchester scheint stark über das breite Ende des ersten Aktes, mit dieser feierlichen Begleitung, die real Betonung Duo Tamino und Sprecher gibt, oder Klang des magischen Flötensolo in der zweiten Intervention Tamino, mit Musik, die die Bühnenpräsenz von Sarastro markiert, und Band-Chor Montag, das kommt zu dem Schluss, dass Akt I. Ya, in Akt II, Deutlich wird das einleitende Orchesterklang mit dem „Marsch der Priester“ und die brillante Kombination von Orchester und Chor im „Chor der Priester“. Der Orchesterklang umhüllt brillant die beiden Soli Sarastro. Sehr prominent Orchesterleistung in der Solo Interventionen von Papageno, mit kontinuierlicher hörbarer Anwesenheit von „Glockenspiel“. aber, vor allem, bemerkenswert, der hervorragende Orchesterklang über das breite Ende der Arbeit, mit musikalischen Momenten von außergewöhnlicher Qualität: dass große Szene, wo, zuerst, die beiden Bewaffneten beteiligt Tempel mit Tamino, mit einem Sound erinnert an ein dramatisches Oratorium, gefolgt von dem erhabenen Duett von Pamina und Tamino, wo schöne Orchesterzwischen wo sieht den Klang der Flöte eingeführt werden, mit einem abschließenden Coda, wo verbunden brillante Art und Weise von Chor und Orchester. Wie in so vielen Momenten dieser Arbeit, die Kontraste zwischen idealisierten Welt, in der Tamino und Pamina zeigt bewegen, und die greifbare Realität, mit dieser komischen Papageno und Papagena Duett, wo eine andere Ebene Auch-- Der Orchesterklang ist sehr hell. Schöne Kombination aus Orchester, Solostimmen und Chor in dem brillanten Ende dieses Singspiels. Im hohen Niveau aller Orchesterabschnitte umfassen den Klang der Oboen, Klarinetten und Fagotte mit einer besonderen Erwähnung der Flöte solo.

Die große Gruppe von Sängern gehören die Pamina herrliche italienische Sopranistin Mariangela Sicilia, attraktive Stimme Timbre, mit Weite und Breite, mit ausgezeichneter Phrasierung und die Fähigkeit, Regeln zu klingen. Und zeigt seine stimmliche Qualität im schönen Duett mit Papageno Akt I, bietet ihre beste Leistung in Akt II Arie „Ach, ich fühl’s, esist verschuwunden”, gesungen mit großem mozartischen Stil und dramatischer hohen Kapazität. Magnificent Auslegung dieser erhabenen Duett „Tamino mein! O welch ein Glück „neben der ukrainischen Tenor Dmitry Korchak gespielt Tamino, breite Stimme mit guten hohen Registern, obwohl zeigt Lücken stilistischen, sobre todo al afrontar la dificilísima aria del retrato “Dies Bildnis ist bezaubernd schön”, die es erfordert ausgefeilte Technik und Ausdruck. Seine Performance-Verbesserung in der Arie „Wie stark ist nicht dein Zauberton“ begleitet von seiner Zauberflöte. Betont seine Intervention im Trio des zweiten Aktes mit Pamina und Sarastro, von Deutsch unter Wilhelm Schwinghammer gespielt, sehr elegante Bühnenpräsenz, singt mit Stil, aber es leidet unter diesen tiefen Basstöne, die den Charakter erfordert. Es ist auch Gegenstand Vorkommen von Graham Vick, dass die Bewegung durch die Stände zu nehmen und ein paar Worte in Spanisch Ausgabe. Englisch Bariton Mark Stone, umfasst eine lustige Papageno, bemerkenswerte Vokal- und besonders interpretierende Plan, wobei auch Sätze in Spanisch singen. Königin der Nacht, Tschechische Sopran Tetiana Zhuravel, Es bietet ein attraktives Bühnenpräsenz; und, obwohl seine Stimme ist klein und leichte Überschuss, logra resolver de manera notable la coloratura del aria “Der Hölle rache kocht in meinen Hertz”, mit diesen sehr schwierig gehackten Noten. Während Moses Monostatos Marin. Sehr lustig die drei Damen: Camila Titinger, Olga Syniakova y Marta Di Stefano, Zugehörigkeit zum Centro Plácido Sonntag. Sprecher akzeptabel gespielt vom Bass Deyan Vatchkov. Bemerkenswert ist die Schaffung von Papagena Sopranistin Júlia Farrés Llongueras, wer auch immer, in seinem ersten Auftritt, Graham Vick, das zwingt sie Schlangenmensch in einem kleinen Behälter zu bleiben, und echte Komödie, die mit Papageno sein Duett gibt. Während der Rest von Darstellern, darunter drei Kinder Sopran in patinete bewegen.

Der Chor der Generalitat wieder seine hohe Qualität in seinen vielen Interventionen während der Arbeit.

 

Die Damnation von Must

Die Damnation von Must 2

Die Damnation von Must 3

Die Damnation von Must 4


Die Damnation von Must 5

Die Damnation von Must 6

Die Damnation von Must 7

Die Damnation von Must 8

Die Damnation von Must 9

https://youtu.be/sMvyYmbFiD0
MIT VERANTWORTUNG Fausts Verdammung VON Berlioz, SCHLIESSEN DER SAISON DER PALAST DER KUNST. Durch Diego Manuel García Pérez.

Die Damnation von Must (Fausts Verdammung) Hector Berlioz, Er hat die Saison in der Palau de Les Arts in Valencia geschlossen. Eine Saison vor allem durch die Rücktritte von Davide Libermore und Fabio Biondi kompliziert. Die Damnation von Must, Es ist ein wenig Planmäßige, trotz seiner außergewöhnlichen musikalischen Qualität, die in der Regel in der Regel im Konzert angeboten, und in diesem Fall war es inszeniert, mit Momenten der unzweifelhaften Interesse, mit anderen, wo Überschuss in den visuellen Aspekten vorherrschen. deutlich, die großen Gewinner dieser Darstellungen haben das Orchester von Valencia gewesen, und der Chor der Generalitat Valenciana, neben dem Chor School Boards Have Quart de Poblet und dem Chor der Jungfrau des Helpless. Bemerkenswert ist auch die Leistung von Silvia Tro Santafé Mezzo als Margarithe. und, Die außergewöhnliche Bühnenaufführung niedriger Ruben Amoretti in Mefhistophélès.

 

Hector Berlioz (La Côte-Saint-André, 1803 - Paris, 1869), noch sehr jung, hatte die Gelegenheit, die lesen sollte Goethe, in der Französisch-Übersetzung von Gerad de Nerval, und zusammengesetzt in 1829, Acht Szenen aus dem Leben von Faust: 1.- „Lieder der Festen Ostern (Cantos Osterfestspiele)", 2.- „Bauern unter tillens (Bauern unter den Linden)", 3.- „Konzert Sylphes (Silfides Konzert)", 4.- „Écot von joyeur Begleiter. Geschichte einer Ratte (Die Anwesenheit von Getreuen. Geschichte einer Ratte)", 5.- „Song of Mephistopheles. Geschichte eines Chips (Song of Mephistopheles. Geschichte eines Floh)", „Der König von Thule (Der König von Thule)", „Romanza Margarite Soldat Chöre (Romanza de Margarita und Chor der Soldaten)„und 8.- „Serenade des Mephistopheles (Serenade des Mephistopheles)". Diese acht Szenen Berlioz diente als Grundlage für die Zusammensetzung Damnation Faust, durchgeführt zwischen 1845 und 1846. Das Libretto stammt von Berlioz selbst geschrieben und Almire Gandonnière. die Arbeit, auf halber Strecke zwischen der Kapelle und einer Symphonie mit Gesang und Lead-Gesang, Es wurde von Berlioz als „dramatische Legende in vier Teilen“ genannt. Die Premiere Konzertversion, Es fand 6 Dezember 1846 an der Opéra-Comique (Salle Favart) Paris, Es ist ein Totalausfall und nur zwei Darstellungen Plakat halten. Nach dem Tod von Berlioz, nach und nach, die Arbeit wurde mit gewissem Einfluss, Es wird ausgeführt intermittierend. Inszenierte fand die erste Aufführung statt im Monte-Carlo Opera, die 18 Februar 1893. Seitdem hat es in Repertoire geblieben, wenn auch mit einigen Darstellungen, auslegungs, vor allem, in Konzert. Es ist aus den fünfziger Jahren des letzten Jahrhunderts, als es begann geplant häufiger werden, zumal große Sänger wie schwedische Tenor Nicolai Gedda und Regine Crespin Französisch Sopran, Sie beginnen zu interpretieren, Nachdem ein Schuss Live gemacht worden in 1959, während des Festivals von Montreux, mit dem Orchester und Chor von Radio Französisch Fernsehen, von Igor Markevitch gerichtet, Regine Crespin mit (Margarita), Nicolai Gedda (Fausto) und der große Französisch Bariton Ernest Blanc (Mephistopheles), vollständige Aufnahme ist auf Youtube verfügbar und es ist alles eine Freude, diesen Sänger zu hören. Nicolai Gedda behielt diese Komposition in seinem Repertoire seit vielen Jahren, und Sie können eine Live-Aufnahme hören (auch auf youtube), an der Oper in Rom gehalten, in 1969, mit dem Orchester des Theaters, hervorragend Leitung von Georges Prêtre. hier, Gedda macht eine noch bessere Leistung als zehn Jahre zuvor, Er ist groß, sowohl bei ary, die er zeigt seinen großen Interpretationsstil und idiomatische Domain, so notwendig in dem Französisch-Repertoire. Margarita auf dieser Aufnahme wird von einer blendend Marilyn Horne gespielt, die scheint stark in seinen beiden Solo, und sie und Gedda, Sie sind außergewöhnlich in ihrem großen Duo. Nicolai Gedda beteiligte sich auch in einer Studioaufnahme von der Philips-Label veröffentlicht, in 1973, hervorragender Klang nimmt, mit dem großen Colin Davis (echter Spezialist in Berlioz), führt das London Symphony Orchestra; und, neben dem herrlichen Gedda, Sie können die ausgezeichneten Leistungen von zwei Französisch Sänger hören: die mittlere Josephine Veasey (Margarita) und Bariton Jules Bastin (Mephistopheles). Ya, in dem XXI Jahrhundert, Sie existieren in Videomaterial, beide Versionen inszeniert als in Konzertform, alle auf Youtube. Fügen Sie eine großartige erste Version inszeniert, die es in dem Video-Theater Monneie Brüssel taken on, in 2002, musikalisch von Antonio Pappano gerichtet, der Kopf des Orchesters des Theaters, mit einem sehr jungen Jonas Kaufmann, macht eine tolle Interpretation des Faust, mit ausgezeichneten amerikanischen Mezzo Susam Graham als Marguerite und Mephistopheles des großen belgischen Bariton José van Dam. Sie können auch zu Jonas Kaufmann hören in einer anderen Version inszeniert, die es wurde an der Pariser Oper Bastille durchgeführt, in 2015, junto a Sophie Koch (Margarita) und die herrliche Mephistopheles Brian Terfel, mit musikalischer Leitung von Philippe Jordan, der Leiter des Nationalen Orchester der Pariser Oper. Englisch Regisseur Simon Rattle Orchestra, Es hat auch großes Interesse an dieser Partitur gezeigt, wird es in Berlin geführt, in 2015, vor der Berliner Philharmoniker, in Konzert, mit extraordinaria Margarita de la Hälfte norteamericana Joyce di Donato, Mephistopheles herrlichen Bariton Ludovic Tezier Französisch und Tenor Charles Castronovo Amerikaner als Fausto. Im September 2017, Simon Rattle, Er kehrte um diese Arbeit zu lenken, Auch in der Konzertversion, vor dem London Symphony, im Barbican Theater in London, mit einer ausgezeichneten Besetzung durch amerikanischen Tenor Bryan Hymel als Fausto gemacht, mit zwei englischen Stimmen: Karen Cargill mezzo, die einen subtilen und zarten Margarita spielt, von dem expressiven Bariton Christopher Purves Mephistopheles von.

 

Funktionen Fausts Verdammung, in Valencia vertreten, Sie haben den ersten Austausch der Koproduktion der Palau de les Arts vertreten, Teatro dell ‚Opera di Roma y el Teatro Regio in Turin, deren Uraufführung fand im Dezember 2017, en el Teatro dell'Opera di Roma, Bühnenanweisung Damiano Michieletto, und er erhielt den Franco Abbiati italienischer Kritiker Preis für die beste Show 2017. In dieser Produktion, Der Protagonist ist gleichermaßen inspiriert Fausto Goethe und Weiler die Schakespeare, wer erfährt Leiden als Fausto; Visionen, Versuch Selbstmord und das Heil in einer Frau vertreten. Hier können Sie versuchen, den Mythos von Faust zu aktualisieren, Prominenz zu einem jungen Mann voller Traumata geben, widersprüchlich und voller Leben, die darin übereinstimmen, in dem bösen Mephistopheles Spiel teilnehmen.

In dieser Versammlung, die vier Teile neunzehn Szenen und einem Epilog, der die ursprüngliche Arbeit umfasst, Sie haben fünfzehn Szenen wurden jeweils mit einem Titel und ausgeführt in Kontinuität. Szenografie entworfen von Paolo Fantin, Es verfügt über einen einzigartigen Raum: weißer Raum, in dem Sie einen großen TV-Bildschirm sehen können, mit zwei großen automatischen Türen auf jeder Seite, Öffnung auf ein weißes Hallen mit einer hellen und kalten Beleuchtung. Die gesamte Oberseite der Bühne wird von einer Tribüne besetzt, wo der Chor während der Ausübung sitzen bleibt. Eine Kamera mit Steadycam, Er ist die Aufnahme Charaktere und Objekte, dass Projekt im Detail auf der großen Leinwand. Es gibt Szenen wirklich bekam, V wie „LA NOSTALGIE (NOSTALGIE)", wenn wir den Chor in „Canto Osterferien“ hören, und wo Faustus erinnern an eine Vision von seiner Kindheit mit seiner Mutter, feiern eine Geburtstagsparty. Margarithe erinnert sich auch an seine Kindheit in der Szene VIII „LE PRESAGE (THE OMEN)", Sehen Sie sich als Kind, Tanzen und rhythmisch stilvolles Kunstturnen Bandlauf, während die Musik von „Les Sylphides Ballet“ ist zu hören. auch beachten,, parte von escena XI „Garten VERGNÜGENS (Lustgarten)", während des großen Duos und Fausto Margarithe, mit einem Vorsprung erinnert an das Gemälde „Adam und Eva im Paradies“ Cranach der Ältere, ergänzt durch ein Neon-Schild mit dem Wort „Paradisus“, auf der Bühne platziert. Alle Endszene XV „LA PRIERE (GäBE)", zeigt den Trauerzug von Margarithe, Es ist von großer Schönheit und Emotion, durch die hervorragende Lichtdesign verbessert Alessandro Carletti. jedoch, in Momenten der absoluten Orchester Rolle, Es wird verstärkt zu sehr rein visuelle, und damit meine ich die Szene III „La peur (FEAR)", wo der Protagonist spukt, geschlagen und in der Schule für mehrere Kollegen gedemütigt, vor dem teilnahmslos Anwesenheit von anderen, die mit ihren Handys aufgenommen, von jocular, die schreckliche Szene; und, damals, Er läuft den berühmten „Ungarischer Marsch“. Es besteht kein Zweifel,, Zuschauer neigen dazu, ihre Aufmerksamkeit auf die Bühne Aktion zu konzentrieren, anstatt auf große Musik zu hören ist, interpretiert. Etwas Ähnliches geschieht in einem anderen großen Orchesterauszüge dieser Arbeit „Menuet des Follets (Minuet Elfen)", Zugehörigkeit zu der zuvor erwähnten Szene (GARTEN FUN), mit anhaltender und theatralischen Präsenz auf dem Fernsehbildschirm Mephistopheles, von mehreren Frauen Make-up umgeben und ihm Kleid Schlange helfen. deshalb, die Inszenierung ist interessant, aber uneben, in einem Versuch, die Kontinuität zu einer fragmentarischen dramatischen Arbeit zu geben, dass eignet sich viel mehr in Konzert interpretiert werden. Markieren Sie die ausgezeichnete Stufe Richtung Eleanora Gravagnola, Damiano Michieletto ersetzen diese Darstellungen.

 

Gute Arbeit von Roberto Abbado, Aufrechterhaltungsimpulsspannung und dramatische, in einem außergewöhnlichen musikalischen Qualitätsfaktor, wo Orchester Valencia, Er schien hoch, mit ausgezeichnetem Messing und percussion, gut mit einem reichhaltigen Streich- und Holzblasinstrumenten kombiniert, sie haben eine wichtige Rolle in der gesamten Arbeit. Ausgezeichnete Orchesteraufführung des berühmten „Ungarischer Marsch“, und das "Ballet of Les Sylphides" in der Szene VI „LE Presage (THE OMEN)„Und“ Menuett Elfen ", del "FUN GARDEN", deutlich, einer der brillantesten Orchesterstimmen der Arbeit, wo er hob die hervorragende Kombination aus allen Instrumentengruppen, Hervorhebung der Klang der Violen, mit Metallen zusammen mit den Wäldern ausgezeichnete Reden Trompeten und Posaunen mit, insbesondere piccolo, Flöten und Oboen. auch, in der gleichen Szene, gehört den Orchesterklang in dem „Serenata“ Mephistopheles, zur Begleitung von Pizzicatostreichern und dem Klang der Flöten und Oboen. Grand Conjunction Orchester, Chor und Solisten im letzten Teil der Szene VIII „Le Desir (DESIRE)", mit herausragenden Eingriffen aus Metall und Holz, insbesondere Klarinetten und Fagott. Klingt das ganze Orchester-Ensemble in der Szene XIV „La Damnation beeindruckend (CONDEMNATION)„Mit einer besonderen Erwähnung von Violen und Oboe, Markieren der hektischen Rennen in der Hölle. Schöne Musik, die die schöne letzte Szene „LA PRIERE begleitet (GäBE)", mit hervorragenden Interventionen Harfen und Celli.

 

Der Kanarienvogel Tenor Celso Albelo, Fausto spielt. Er begann seine Leistung mit einer kleinen Stimme, die nach vorne werden kam projizierte. Albelo verbessere, wenn auch mit gewissen Problemen, wenn das Orchestervolumen wuchs. Er sang bemerkenswert, elegante und raffinierte Technik, famosa bekannt Arie „Vielen weichen Zwielicht (Dank süße Dämmerung)", Zugehörigkeit zur IX „LA TENDRESSE Szene (MELANCHOLY)", mit einem schönen Fraseo, dominiert mit Kraft und Brillanz Akutbereich. auch, Er machte eine gute Leistung in seiner anderen Solo Intervention „Nature immensen, undurchdringlich und stolz (Natur immense, undurchdringlich und Tier)"Scene XIII" LA victime (OPFER)", bieten ihre besten Momente, in dem intensiven und leidenschaftlichen Duett mit Margarithe, gut es von der herrlichen Mezzo Silvia Tro Santafé Valencia gespielt, die er trug seine schöne vocalism in der Rezitativ-Arie „Que l'air étouffaut ... ..Autrefois un roi Thule (Die Luft wird stickig ... .Es war einmal ein König in Thule ", X Zugehörigkeit zur Szene „La Princesse ET LE DRAGON (Die Prinzessin und der Drache)", Singen mit wahrem Stil, Grand Fraseo, Einstellen des Klangs und sehr gut in allen Registern bewegt, mit brillanten Höhen und einem großen Bühnenperformance. Interventions ausgezeichnete Solobratsche, während der Arie, ein echtes Duett mit Sänger Gründung. Wahre Verdienst ist seine Leistung in dieser Szene, wo, beim Singen, Es wird bedrängt von Mephistopheles, die sogar versucht, es zu missbrauchen. Sein großer Moment, Es kam in den schönen Arie „D'amour l'ardente flamme (Brennende Flamme der Liebe)", in der Szene XII „L'ATTENTE (WAITING)", prächtig stimmlich und scenically interpretiert, in diesem Fall mit brillanter Begleitung von Englischhorn. Auch in dieser Arie, Der Sänger hat zu ertragen, stoisch, szenische Anforderungen, Durchführen des letzten Teils, Gießen Gläser Wasser über den Kopf. Burgalés beeindruckende Leistung unter Ruben Amoretti, als Mephistopheles, mit einer fast kontinuierlichen Präsenz in der Leistung, zeigt eine Theater, die ganze Perversität des Charakters zu erfassen, durch expressive Nahaufnahmen hervorgehoben, die auf dem TV-Bildschirm erscheinen. Seine Gesangsleistung war auch bemerkenswert, in seinen vielen Interventionen während der Arbeit. Höhepunkt seiner Interpretation der Arie „Voici des roses (hier Rosen)„Die Zugehörigkeit zu der Szene VII“ L ‚PRESAGE (THE OMEN)", oder beeindruckende Leistung während der gesamten Szene XIV „La Damnation (CONDEMNATION)". Eleazar korrigiert unter Jorge Alvarez als Brander in "The Song der Ratte" Zugehörigkeit zu der Szene VI „LA duperie (BETRUG)".

 

Herausragende Leistungen der Chöre in ihren zahlreichen Interventionen während der Arbeit. Hervorhebungen stark, über die große Szene von „La Damnation“ mit diesem erstaunlichen Chor „Pandemoniun“ in einer Sprache gesungen unverständlich infernal, erfunden von Berlioz. Der Chor der Generalitat neben dem Chor School Boards haben Quart de Poblet und der Chor von La Mare de Deus, Sie bieten eine sublime Interpretation, im ganzen schönen letzten Szene des Spiels.

PeterGrimes-1

PeterGrimes-2

PeterGrimes-3

PeterGrimes-4

PeterGrimes-5

PeterGrimes-6

PeterGrimes-7

PeterGrimes-8

PeterGrimes-9

 

Die fünf Aufführungen von Peter Grimes, die in der Palau de les Arts genommen haben, Sie haben in einem großen Sieg in Folge, wegen der hervorragenden Kombination von Landschaft, Bühnenanweisung, eine großartige Orchesterleistung, großartige Leistung der Solostimmen, auch durch eine bemerkenswerte Interventionen von anderen Künstlern ergänzt, die umfangreiche Besetzung dieser Oper bilden. und, vor allem, eine brillante Leistung wie immer- Chor von Valencia Generalitad, wahre Protagonist der Arbeit. Höhepunkt, Inter Palast der Künste, alternative Titel für die traditionelleren Repertoire, andere wie dieser Peter Grimes, die durch zwei weitere Opern von Britten ergänzt: Ein Sommernachtstraum und andere Wendung, In früheren Jahreszeit vertreten. deutlich, im Laufe dieser Aufführungen von Peter Grimes, das öffentliche Interesse sie an der Teilnahme hat zugenommen, vor allem für die hervorragende Aufnahme auf die erste Funktion gegeben.

Edward Benjamin Britten, Baron Britten (Lowestoft, Suffolk County, England, 22 November 1913 - Aldeburgt, Suffolk County, 4 Dezember 1976) Es war einer der wichtigsten und einzigartige Musiker des zwanzigsten Jahrhunderts, mit einer großen symphonischen Produktion, Concertistica und vor allem Opern mit dreizehn Titeln, die setzen ihn als großen Komponisten Genre, während des letzten Jahrhunderts, junto a Richard Strauss, Leo Janacek und Giacomo Puccini. Peter Grimes entstand als Sergei Koussevitzky in Auftrag gegeben, Direktor des Boston Symphony Orchestra, während des Aufenthalts in den USA Britten, zwischen 1939 und 1942. Con ein Libretto von Montagu Slater von del poema Die Borougt (El Pueblo) de George Crabbe, wo auch beteiligt sie deutlich, Britten selbst mit dem Tenor Peter Pears (Mitarbeiter und Lebenspartner Britten) die er für die Rolle des Peter Grimes bestimmt. Die Uraufführung fand im Londoner Sadler Wells Theater der 7 Juni 1945, nur einen Monat nach dem Abschluss des Zweiten Weltkrieges. In der Euphorie des Sieges von Britten erreicht und Birnen, Stolz darstellt, wurde die Geburt einer neuen englischen Oper hinzugefügt, die erste seit dem Tod von Henry Purcell 1695 oder das letzte Spiel von Haendel 1741. Peter Grimes ist ein einsamer Fischer, Träumer und beide primitive und brutal, vollständig durch das soziale Umfeld ausgegrenzt bewohnt, und nur versuchen und respektieren die Lehrer Ellen Orford Dorf, in der Liebe mit ihm und Kapitän Balstrode, pensionierte Marine. Grimes verloren und nacheinander drei seiner Lehrlinge aus Versehen, was dazu führt ihn in den Wahnsinn und ein tragisches Ende. Britten versucht, ein wiederkehrendes Thema in den meisten seiner Opern: das Drama von Außenseitern konfrontiert mit einer feindlichen Gesellschaft, nur heuchlerisch und grausame Ausrottungs. Musikalisch ist es eine ungeheure Arbeit, voller Phantasie, Witz und eclepticismo, wobei die Hände schütteln verschiedene Einflüsse: Verdi, in Fusion Orchester, Stimme und dramatische Situation; Debussy, Mahler y Richard Strauss, in der harmonischen und orchestralen Farbmalerei; Strawinsky, in der imposanten rhythmischen Kraft; Puccini, insbesondere del West seine Fanciulla. auch, Es sollte bestimmte Einflüsse von Dimitri Schostakowitsch Lady Macbeth zu beachten,, das war ein großer Freund von Britten, widmet seine Sinfonie Nr 14. In ihrer formalen Struktur, klare Divisionen gezeigt recitativos, Arien, Duos und Satznummern, mit bewundernswerter dramatischer Einheit und Orchestern Rolle winkt dramatische Spannung und verbindet die sieben Szenen der Oper mit sechs sinfonischen Zwischen starken Wirkung.
Nach seinen ersten London-Funktionen, und in nur drei Jahren, Peter Grimes Premiere in Stockholm, Antwerpen, Zürich, Paris, Mailand, New York und Los Angeles. Seine sehr späte Veröffentlichung in Spanien fand im Teatro de la Zarzuela in Madrid in 1991 und später wurde er am Teatro Real in Madrid vertreten, in 1997. Nach der starken Dynamik, Die Oper war schlecht in den fünfziger Jahren des letzten Jahrhunderts vertreten. aus 1963, um die Szene von seinem Debüt in der Londoner Sadler Wells Theater zurück, von Colin Davis gerichtet, wer wird seitdem worden und seit mehr als 40 Jahren, in dem großen Garant für Peter Grimes. Es gibt mehrere Aufnahmen auf CD und DVD, eine Annäherung an diese Oper ermöglichen. in 1958, die erste Studioaufnahme wurde für Decca gemacht, mit dem London Symphony Orchestra von Benjamin Britten und benahm sich hervorragend als Peter Grimes Peter Pears. in 1969, die BBC einen Film, hervorragend eingestellt, von Brian gerichtet Großen, zur Zeit auf DVD von Decca vermarktet, Britten wieder vor dem London Symphony Orchestra, Ambrosiano Chor und Peter Pears, seine große stimmliche Leistung verbindet eine außergewöhnliche darstellenden Künste, neben Ellen Orford, hervorragend gespielt von der Sopranistin Heather Harper, der seit vielen Jahren wird der wahre Maßstab dieses Charakters sein. Kanadische Tenor John Vickers spielte zunächst Peter Grimes, im Januar 1967, in der Metropolitan in New York, mit Leitung von Colin Davis, da werden, ein wesentlicher Bestandteil seines Repertoires, kommt es für den Rest seiner Karriere zu interpretieren, in über hundert Funktionen, in großen Theatern auf der ganzen Welt. Vickers zu schaffen, ist ausgezeichnet in der vokalen Ebene, eine bewährte und prägnante Formulierung zeigt und seine expressive Leistung Ausrüstung, Markieren Sie die wilde und verrückte Seite des Charakters. Vickers machte ein Studio für das Label Aufnahme PHILIPS, in 1978, junto a Heather Harper, von Colin Davis an der Spitze des Orchesters von Covent Garden gerichtet. Es ist ein Nehmen auf Video-DVD von WARNER MUSIC verkauft, von 1981, am Covent Garden ausgeführt, Produktion der berühmten Bühnenanweisung von Elijah Moshinsky und musikalischen Colin Davis, wo Vickers macht eine nachträgliche Erstellung von Peter Grimes, wieder von Heather Harper begleitet. Peter Pears o John Vickers, Sie sind die größte Peter Grimes Geschichte, seine Kreationen sind sehr unterschiedliche, aber komplementäre ein vollständiges Bild dieses komplexen Charakter geben.

Valencianas dieser Funktionen hat historische Produktion eingesetzt 1994, para el Bruselas Währung Theater, Dirigida por Willy Decker, die bereits im Teatro Real könnte in Madrid gesehen 1997. Dies war François Ersatz von Zimmereien und Rebekka Stanzel, die Verantwortlichen für die Bühnenanweisung, mit hervorragenden Ergebnissen. Das einfache Set-Design besteht aus einem geneigten Boden, wo einige großen Platten begrenzen verschiedene Räume im Bereich bewegen: die Kirche, Grimes Hütte; und, spielerisch Tavern, mit roten Farbtönen, die einem beunruhigenden Aspekt geben, durch das hervorragende Lichtdesign verbessert Trui Malt, insbesondere, wenn die Tür und ein verzerrtes Schatten Grimes öffnet sich auf die Wand projiziert, mit einem deutlich expressionistische Ton. und, vor allem, dass Meeresgrund, mehr Anschauungs, die angezeigt, die beherrscht die ganze Arbeit. In dieser Landschaft eine sehr wichtige Rolle spielen zahlreiche Extras (Protagonisten und Chormitglieder) Bewegen in kompakten Gruppen auf der Bühne, gibt echte Impulse für die Entwicklung der dramatischen Handlung. scenically markieren Sie das gesamte Ende des zweiten Aktes, wo, sie mischen aus mit anderen sichtbaren Räumen: die Partei, die die Tür mit allen Honoratioren der Stadt bildet, durch den Träger Hobson Trommeln angetrieben, in Richtung der Hütte Grimes, und verschwindet aus der Szene, wo es nur, in einer ersten Ebene, vier Frauen: Die Tabernera Tante, seine beiden Nichten und Hellen Orford; und, Schau stehlen kann bis rechts und links dunkle Silhouetten sein, als Raubvögel anderen Frauen, schließlich sie eine dunkle und Stalker Gruppe machen, die sie wirkt als Gegengewicht zu den vier Frauen im Vordergrund liegen gut sichtbar. Die dramatische Aktion fortgesetzt zu Beginn des dritten Aktes, in einem anderen sichtbaren Raum: die Kabine, wo Peter Grimes und Grumete sind, die beginnen, den Drum-Sound kündigte die Ankunft der Delegation zu hören, oben zitierte, was bewirkt, dass große Störung Grimes, wer zwingt den Jungen ins Meer von einer Klippe zu fallen, wo nur despeñando; Grimes wird ihm helfen (eine andere Szene aus.) Verlassen Sie die leere Kabine, in dem die Partei bricht, und wieder angezeigt. auch beachten,, das beeindruckende Ende des ersten Teils des dritten Aktes, landschaftlich sehr gut gelöst, eine vociferous und Hektik des Alltags zeigt, kompakte Gruppe, Sie Grimes zu lynchen. in Summe, eine herrliche Landschaft von John Macfarlane, auch verantwortlich für die Kostüme (basierend auf schwarzen und roten Farben) während geeignete -bis 1830- , in dem die Handlung findet.

Orchester von Valencia schien hoch, von American Christopher Franklin gerichtet, Schuld kann für die Dynamik nicht richtig kümmern, die, mit einer Neigung zu bieten, zeitweise, ein Ton etwas flache Linie, mit zu viel Ton in forte. Dies wurde illustriert, vor allem in den groß „Tutti“, wo einige Schwierigkeiten bei der Differenzierung von Schallpegeln wahrgenommen, mit Einfluß von Metallen auf den verbleibenden Abschnitten. Dies ist kein Hindernis die großartige Leistung aller Orchesterabschnitte markieren, mit einem herrlichen String, und die große Brillanz verschiedenen Instrumente, vor allem in den kostbaren „Sea Interludes“: der erste von ihnen, „Dawn (Alba)„Als Auftakt ich zum Handeln, in der Natur beschreibend, wo glänzt stark den Klang der Flöten und Violinen in hohen Lage (sehr präsent während der Entwicklung der gesamten ersten Szene des ersten Aktes) den Flug was darauf hindeutet, und die Schreie der Möwen oder die Kombination von clarinets, Violen und Harfe den Fluss der Wellen zu zeigen,. Im vierten Zwischenspiel der berühmte „Passacaglia“, zwischen den beiden Szenen des zweiten Aktes liegt, mit herausragendem Eingriff von Metallen in Verbindung mit einem Seil, und Rohre mit der Harfe oder die brillante Optik Sound Einmündung Viola und Celesta gehen zu verschwinden Verblassen. Sehr hell die Umsetzung des fünften Interlude „Moonligh (Mondschein)„Beginnt mit Act III, mit dem beeindruckenden Klang der Saite als Trauermarsch, die eingefügt werden, zeitweise, Flöte und Piccolo und Metalle werden in einem großen Crescendo eingebaut, zu dem Schluss, mit dem Sound-Set von Xylophon und Harfe. auch beachten,, am Ende des Act II, verbunden Klang der Fagotte und Celesta. Beeindruckender Orchesterklang in Verbindung mit dem Chor, in der konzertant, die die erste Szene des dritten Aktes kommt zu dem Schluss.

Gregory Kunde spielte zum zweiten Mal Peter Grimes, die erste war in Rom Opera 2013, und ihre Leistung war sehr auffällig in der Stimm Ebene und vor allem in den dramatischen, Eindringen in die Psychologie des komplexen Charakters. Sehr gut in seinem Monolog im zweiten Akt „Jetzt ist der große Bär (Nun ist der Big Dipper)„wo, Blick auf die Sterne, meditiert auf seinem unglücklichen Schicksal. Interpretiert insbesondere in Akt II Arie „In Träumen l'gebaut sehen (In meinen Träumen hatte er gebaut)„Wo alternative Momente großen Lyrismus, mit den typischen sehr Puccini Beugungen, mit anderen, wo der Song nimmt auf Aggression und Gewalt. und, Es ist sehr hell, zu einer sehr nuanciert und Theateraufführung, sein endgültiger Monolog „Stetig! Es gibt Sie ...... Was Hafen scheters Frieden (beruhigen! Sie sind hier!……Welchen Port ist es möglich, den Frieden zu finden?)„Wo ya, völlig verrückt Denken, wieder, in diesem traurigen Schicksal, von denen nicht entweichen kann, und nur schluchzte und voller Verzweiflung. Kunde ist großartig in Duetten Ellen Orford: die sie interpretiert a cappella, im Prolog, voller Hoffnung, wo beide machen Pläne für die Zukunft, mit einer zarten Firstlinie; und, vor allem, das Gesetz II, wo sie kontras Ruhe und geistige Gesundheit Ellen mit gewalttätig und irrational Verhalten von Peter. Bemerkenswerte ihre Leistung im großen Duett des ersten Aktes, mit Kapitän Balstrode (gut durch Bariton Robert Bork gespielt) Grimes sagt, wo alle Ihre Träume und Hoffnungen und die großen Widersprüche seiner Persönlichkeit, im Gegensatz zu der realistischen und genauen Vorstellung von Balstrode, der mit seinem Rat zu Grimes, zeigt die große Wertschätzung er für ihn empfindet. Die amerikanische Sopranistin Leah Partrigge zeigt gewisse Mängel in den niedrigen und mittleren Register, aber es ist im Besitz eines scharfen ausgezeichnet und großen Theatralik, die seine Interpretation gibt. Es ist in seiner Konfrontation mit dem Publikum prächtig, in Akt I, und macht eine wunderbare und nuancierte Leistung mit exquisiter Gesangslinie, in seiner Arie im dritten Akt „Stickerei in chilhood (als ich klein war)", gefolgten Duo mit Balstrode. auch seine große Leistung in der schönen Quartett Akut eine Reflexion über die Rolle der Frauen im Vergleich zu Männern markieren- mit Tante tabernera (diskret interpretada por Medium Dalia Schaechter) und zwei gut von Sopranistinnen Nichten und Giorgia Rotolo Marianna Mappa gesungen, beide gehören zu Placido Domingo Development Center. Rosalind Plowright einen wichtigen Karriere als Sopranistin in den siebziger und achtziger Jahren des letzten Jahrhunderts, Kombinieren Präsenz eine gute vocalism und eine große Bühne. Hier als Mezzo und sensibel im Alter von, macht eine bemerkenswerte Interpretation der geschwätzigen und gehässigen Frau. Sedley. Während der Rest der großen Besetzung.

Besondere Erwähnung Valenciana Chor Generalitad, leuchtend ein hohes Niveau während seiner zahlreichen Interventionen überall in der Oper. Bemerkenswert ist seine Leistung im Laufe der ersten Szene des ersten Aktes, und, in einem perfekt symmetrischen Aufbau, schließt auch die Oper, als Ellen Orford und Kapitän Balstrade, nach Tragödie, Reintegration in die Gemeinschaft Dynamik. schließlich, ein ausgezeichneter Peter Grimes.

DonCarlo1

 

DonCarlo2

DonCarlo3

DonCarlo4

DonCarlo3

 

DonCarlo4

 

DonCarlo5

DonCarlo6

DonCarlo7

DonCarlo8

DonCarlo9

noch vor zehn Jahren wurde es zum ersten Mal El Palau de Les Arts vertreten, Verdis Don Carlo, dann mit der hervorragenden Leitung von Lorin Maazel verschwanden sie für Palau noch gute Zeiten waren! Diese Oper ist wieder geplant offiziell zu öffnen, letzte 9 Dezember, die neue Saison 2017-18, mit der Anwesenheit in der Besetzung von nicht brennbarem Placido Domingo als Rodrigo Marquis de Posa. Madrid Sänger 77 Jahre drehen, noch ein echter Ruck, bis zu dem Punkt, dass fast alle Einträge der fünf Veranstaltungen geplant, im Voraus war gut abgelaufen. Die Premiere von Kontroversen geprägt war erhob sich ein paar Tage vor, Davide Livermore mit dem Rücktritt als Bürgermeister und künstlerischer Leiter des Palau de Les Arts. Vor dem Beginn der Darstellung einen Zuschauer Applaus für Livermore angefordert, die es wurde von stehenden Ovationen gefolgt. Nach der Pause, wenn er im Begriff war Act III beginnen, rief eine Stimme „conceller Feigling“, von Applaus und zahlreichen anderen Stimmen abgeordnet „aus politischen“ oder sagt „nicht zu einer Belastung Oper sein“. Alle diese spontanen Demonstrationen, zeigt die enormen Beschwerden eines öffentlichen, die nicht einverstanden mit politischen Entscheidungen, dass dieses wichtige Opernzentrum schaden. Hoffentlich ist alles behoben, für die Fans in der Welt der Oper, wir können auch weiterhin hervorragende Programmierung dieses Theater angeboten genießen. Die komplexe Welt der Oper sollte von echten Experten verwaltet werden, , die nicht von politischen Interessen vermittelt.

Don Carlos tritt als Auftrag Giuseppe Verdi Französisch Regierung, anlässlich der Weltausstellung, die in Paris stattfinden sollte, in 1867. Das gewählte Thema war eine Anpassung des Spiels Don Carlos, Infant von Spain de Schiller. Das herrliche Drama des deutschen Dichters datiert zurück 1787, und es war eine Arbeit intensiver politischen Inhalts, wo Schiller, eine harte Kritik an den autoritären Felipe II Durchführung, stark von der Inquisition beeinflusst, gegen den Wunsch nach Freiheit von seinem Sohn Don Carlos Infante und sein Freund Rodrigo Marquis de Posa. Der Dramatiker wurde für seine Arbeit inspiriert, in einer Episode der „schwarzen Legende“, dass Felipe II, sie erdacht Wilhelm von Oranien, verantwortlich für die Rebellion gegen die spanische Weltreich der Niederlande und Antonio Perez, unfairer Sekretär von Felipe II. Diese Episode war der Tod im Gefängnis von Don Carlos, Thronfolger, unter Umständen nie geklärt. Es ist eine historische Tatsache, dass, wenn Infante war ein Kind, Sie hatte von ihm dachte, die Tochter von Henry II von Frankreich heiraten, Isabel de Valois. schließlich, es war beabsichtigt,, als er nur 13 Jahre, die Frau von Philipp II zu sein, Witwer zweimal. Ruhe und Erholung historische Realität, Schillers Werk argumentiert, dass Isabel Valois, als Teenager, Ich hatte in Frankreich zu Don Carlos traf, Ich war sein Alter, Herstellen einer Beziehung zwischen den beiden, schließlich kurz geschnitten durch die Ehe von Isabel mit Philip II. Die Wiedervereinigung von Don Carlos und Isabel, Es ist der Auslöser für das Drama von Schiller geschrieben, wo die Inhaftierung und Tod von Don Carlos war von Eifersucht von Philip II verursacht worden, die alten Beziehungen ihres Sohn mit Isabel zu entdecken und unterstützen die Infante gab die flämischen Rebellen, hart von seinem Vater verfolgt. Aus der Arbeit von Schiller, Joseph Méry und Camille du Locle, Sie bereiteten ein großes Libretto. Mit diesem Material wurde Verdi setzt Musik zu einem langen Text moralischen und politischen Dialoge, mit heftiger Kritik an der Inquisition, von diesem schrecklichen und unheimlichen Charakter des Großinquisitors vertreten, in der schockierenden Szene seines Duett mit Felipe II. Dies ist eine Geschichte über Freundschaft, liebe, Eifersucht, die Eltern-Kind-Konflikte, die interessierte immer in Verdi; und, vor allem, die Einsamkeit der Macht, in einem beeindruckenden Monolog Philip II eingefangen. Die Arbeit folgte die Konventionen des Grand Opera, mit einer Struktur in fünf Akten, und im dritten Akt Einfügung eines bestimmten Größe Ballett, La Peregrina genannt.
Die Premiere von Don Carlos war in der Hofoper in Paris (später Palais Garnier genannt) die 11 März 1867, mit Unterstützung von Kaiser Napoleon III und seiner Frau Eugenia de Montijo, die stark er durch die Art und Weise gestört, in dem Verdi war Philipp II. Parallel zur Version auf Französisch geschrieben, Achilles Lauzières, Er bereitete eine Übersetzung des Librettos in Italienisch, die sie uraufgeführt im Teatro Comunale von Bologna 27 Oktober 1867. Im Laufe der Jahre, Verdi beschlossen, die Oper zu vier Akten zu reduzieren, wo Akt I der Französisch-Version entfernt (Act von Fontainebleau) und Ballett. Diese Version uraufgeführt im Teatro alla Scala, der 10 Januar 1884, und wird gezeigt, dass am häufigsten.
Don Carlo Darstellungen waren in der ersten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts sehr niedrig. aus 1950 wieder ist es mit einer gewissen Regelmäßigkeit programmiert, wobei der Charakter gespielt von Don Carlo Jussi Björling großen Tenöre als, Richard Tucker, Franco Corelli, John Vickers y Carlo Bergonzi, die in 1965 Er machte eine außergewöhnliche Leistung, in einem Referenz Tonstudio (Italienische Version in fünf Akten) Sello von Decca, mit Renata Tebaldi als Elisabeth de Valois, die atemberaubende Prinzessin Eboli Grace Bumbry, die herrliche Philipp II von Nicolai Ghiaurov, die elegante und subtile Posa von Dietrich Fischer-Dieskau und die imposanten Großinquisitor Martti Talvela, von Georg Solti an der Spitze des Orchesters von Covent Garden gerichtet.
Es sollte die herrlichen Kreationen von Don Carlo von spanischem Tenor Jose Carreras durchgeführt wird darauf hingewiesen, wie, Jaime Aragall, und vor allem Placido Domingo, die mehrfach interpretiert, da er an der Wiener Staatsoper debütierte, in 1967, um über die neuesten Features, Auch in diesem selben Theater, in 1992. Während dieser 25 Jahre, Sonntag hat ein wichtiges Erbe dieser Oper Rekord links, mit zahlreichen Live-Aufnahmen, einschließlich, zwei Videoaufnahmen: in 1978 (Teatro alla Scala) Posa neben dem großen Renato Bruson, mit Claudio Abbado und 1983 (Metropolitan de New York) neben der herrlichen Isabel Valois gespielt von Mirella Freni, James Levine Richtung. Von allen seinen Interpretationen, die umfassen Studie in (Italienische Version in fünf Akten) EMI, in 1970, mit Montserrat Caballé als Elisabeth von Valois, die außerordentliche Éboli Shirley Verret, Felipe II Ruggero Raimondi von und Sherrill Milnes als Posa, mit der hervorragenden Leitung von Carlo Maria Giulini an der Spitze des Orchesters von Covent Garden. Die Aufnahme ist referentielle neben dem Solti, und, Sonntag macht eine der besten Leistungen seiner Karriere. seltsam, und letzten 25 Jahre seiner letzten Don Carlo, Sonntag hat diese Oper aufgenommen, spielt die Bariton Rolle von Rodrigo Marquis von Posa, die er debütierte an der Wiener Staatsoper, im Juni letztes Jahr, und er ist zurückgekehrt in dem Palau de Les Arts spielen.

Don Carlo in Valencia dargestellt ist die Version in vier Akten, eine Produktion der Deutschen Oper Berlin scenically Marco Arturo Marelli gerichtet ist, indem, auch verantwortlich für Bühnenbild und Lichtdesign. Ich weiß, dass meine Vorliebe für Produktionen Reproduktion, so nah wie möglich, sowohl seine Landschaft und Kostüme eine bestimmte historische Epoche, und dass mehr benötigt in Opern wie Don Carlo ist immer noch gemacht. deutlich, diese Produktionen sind extrem teuer, aber sie sind besonders hell. und, kann als Beispiel für Franco Zeffirelli Halterungen dienen, John Dexter oder Hugo de Ana. In diesem Don Carlo hat er für eine minimalistische Landschaft mit großen Mobile Panels entschieden, die Naturgebiete zu verengen bewegen, verbessert, zu verschiedenen Zeiten, eine gute Beleuchtung. Lücken, die zwischen den Platten bilden,, für einen Großteil der Darstellung, die Form von Quer, in einem Versuch, die großen religiösen Einfluss auf die politische Macht in der Zeit von Philip II zu zeigen,. Scenic Objekte sind minimal: ein kleiner Monolith von zahlreichen Kerzen gekrönt, die am Anfang und Ende der Oper erscheint, Einige Gehsteige oder Vakuum konjugales Bett, Philip II in Betracht gezogen, mit unendlicher Traurigkeit in seiner großen Szene im dritten Akt. Kostüm-Design ist attraktiv Dagmar Niefind, Der historische Charakter von Frauen wird überwiegend dunkle Töne verschleißen, außer dem Charakter von Eboli, die trägt ein grünes Kleid. die Herren, Es ist zeitlos, mit deutlich modernen Details wie die mit Aktentasche hängte den Marquis von Posa. Dunkle Farben mit dem tiefroten der kirchlichen Gewändern kontras, vor allem in der großen Szene Autodafé, einer der versiertesten Momente dieser Produktion. Akzeptable Bühnenanweisung von Marco Antonio Marelli, die am Ende der Oper nimmt Lizenz in Bezug auf den ursprünglichen Text, mit den Dreharbeiten von Don Carlo und seinen Freunden Flamingo, erinnert an die berühmten Gemälde von Goya, „Die Shootings des Moncloa“.

Große Leistung durch das Orchester von Valencia unter der Regie von Ramon Tebar, die zeigten großes Wissen über diese verdiana Punktzahl, bietet eine sorgfältige Lektüre, intensiv und kontrastiert, wo der Orchesterklang stark in der "Song of the Veil" in Akt I glänzte, und vor allem in der großen Szene der Krönung und Autodafé, Schließen von Acto II, mit einem hervorragenden Interventions Metallen. auch, die Orchesterbegleitung gab einen gewaltigen dramatischen Dialog zwischen Philipp II und dem Großinquisitor in Akt III. Beachten Sie die Ausführung der weichen und zarten Musik, die den Akt II führt. Andere große Orchester Momente traten im Duo von Felipe II und Isabel von Akt III, und die gleiche Handlung Trio mit Éboli, Posa und Philipp II, mit hervorragender Wiedergabe der Celli. Sehr schöner Flötenklang und Metalle, wenn der Tod eintritt Posa. Reizende Dialog ist ernst Seil und Metalle in der Einleitung IV zum Akt. Besondere Erwähnung verdient die brillante Solocello Intervention in der großen Szene von Philip II, zu Beginn des dritten Aktes. Die Bereitstellung hervorragende Oboe und Englischhorn begleitet Isabel Arie des ersten Aktes „Non pianger compagna mia“. Brilliant Orchesterklang die „Duo Freundschaft“ Don Carlo und Posa Begleit, Tabelle I am Ende des ersten Aktes, das erscheint immer wieder in verschiedenen Momenten der Oper. Ausgezeichnete Arbeit Schluss Ramón Tebar sehr bewusst die Stimmen, insbesondere durch die Arbeit von Placido Domingo Erleichterung. in Summe, Orchesteraufführung war die große Attraktion dieses Don Carlo.

Placido Domingo hat sein großes Repertoire erweitert, die Rolle von Rodrigo Marquis von Posa, die gespielt zum ersten Mal im Juni letztes Jahr, an der Wiener Staatsoper, gerade dann, wenn der fünfzigste Jahrestag der sein Debüt als Don Carlo wurde in der gleichen Theater erfüllt. Nach Anhörung der herrliche Schöpfung des unglücklichen Infant von Spanien, von einem jovencísimo Sonntag, der schönen Timbre, mit einer herrlichen Gesang Linie Verdian, und überprüfen Sie Ihre Logik aktuellen Zustand Vokal, stellt sich für mich zumindest- große Trauer und Sehnsucht. Posa ist eine der schönsten Rollen Verdi Bariton erstellt von. Es ist ein Zeichen der Gegenwart und Kraft Jugend, im gleichen Alter wie Don Carlo. deshalb, das erste Problem, Domingo ist sein absoluter Mangel an szenischer Anpassung, denn mit ihrer physischen Erscheinung heute, -typisch für jemanden, etwa 77 Jahre gerecht zu werden- in seinen Szenen mit Don Carlo, scheint sein Vater und sein Großvater selbst. Ein weiteres Problem ist der Mangel an timbral Differenzierung Don Carlo, und Domingo singt Bariton mit Tenor-Rollen. Zu diesem kurzen fiato und den Verlust der Stimmvolumen, das sie fast unhörbar in der konzertierenden macht zugegeben. jedoch, nach wie vor ist es in der Lage eine Reihe von Gesang bieten Verdiano, viel besser als seine Schauspielkollegen. und, in seiner großen Szene des dritten Aktes, Es ist in der Lage Mängel zu überwinden und interpretieren, sehr deutlich, Während Ligand Anmerkungen, Bellisima der Luft „kam der Tag für mich oberste“, was eine Gesangsstunde Verdiano. Als er zu sagen hallo, am Ende der Repräsentation, das Publikum gab ihm stehende Ovationen, bewusst, dass sie in Gegenwart des letzten großen Mythos der Oper waren.
Andrea Caré in der Rolle des Don Carlo, Er bot ein attraktives Timbre bewegt auch im Akutbereich, obwohl zeigen Schwierigkeiten in dem Durchgang. Er war undemonstrative, mit einer monotonen und ohne Phrasierung der Intentionalität. Seine besten Momente waren sein Duett mit Éboli von Akt I, und vor allem das große Finale Duett von Akt IV, mit Isabel de Valois, gespielt von Maria Jose Siri, die zeigten gute vocalism, mit sicheren hohen Registern, wenn auch mit einem sehr begrenzten Bereich von Bass und Gesang, zeitweise, ausdruckslos. Er machte eine bemerkenswerte Gesangsleistung auf der Ausdrucksebene Schlimmer- de auf Luft Acto I „weinen Sie nicht mein Partner“. Es wurde ziemlich getöntes Trio in Akt I, Eboli und Posa mit. Seine Leistung wurde gewinnt an Intensität in seinem Duett mit Felipe II, Akt III, eine großartige Leistung seiner großen Arie im ersten Akt IV „Tu che la vanita“ getting liefern, mit hervorragender Klang Vorschriften auch ein anerkennenswerten „Messa di voce“ und strahlen mit sicherlich ein Si4 laufen.
Violeta Urmana bot eine Interpretation von Eboli, voller Expressivität, obwohl die Stimmebene einige Schwierigkeiten hatte die Agilität in seiner Arie im ersten Akt „Nell Giardin die schönen“ bei der Umsetzung (Song Schleier), wo, seltsam, Er war der letzte Teil der Wiederholung schneiden, mit einer Reihe von Bars weggelassen, dass das Orchester Moment vorrücken, die die Anwesenheit der Königin markiert. Sehr gut in ihrem Duett mit Isabel Act III, gefolgt von sehr schwierigen Arie „O don fatale“, die mit Kunst und echtem Mut gespielt, obwohl es im tiefen Register fehlt und eine scharfe etwas maßlos und Strapse.
Alenxander Vinogradov günstig wie Felipe II, Er bot eine beeindruckende vocalism, wenn auch nicht wirklich Gesangsstil Verdiano in, und das ist offensichtlich in seinem Duett mit Posa Akt I, wo Placido Domingo, wenn es eine gute Beherrschung der Phrasierung Verdiano. Der russische Bass machte eine sehr bemerkenswerte und nuancierten Interpretation seiner großen Szene im dritten Akt Start, „Sie giammai m'amo ... .Dormiró nel Mantel Sonne“ und sind großartig in dem atemberaubenden Duett mit dem großen Inquisitor gespielt von Marco Spotti niedrig, die Rundung der tiefen Bass fehlt, die diese Rolle erfordert, wo es deutlich übertroffen von Alexander Vinogradod, einer der großen Gewinner dieser Don Carlo.
Während der Rest der Darsteller, betont die Sopranistin Karen Gardeazabal als Transvestit Tybalt, einschließlich unglaublich gekennzeichnet, Schnurrbart, und die Stimme des Himmels mit Olga Zharikova, Es wird erscheinen auf der Bühne mit einem Baby weggenommen.
wie immer, hervorragende Leistung des Chores von Valencia Generalitad, in seinen zahlreichen Interventionen, erwies sich als sehr lobenswert seine Arbeit, in Zeiten, in denen Stimmen in den Lücken, die durch die beweglichen Platten links eingebettet sind, wie im Fall der Szene des „Auto de Fe“.

Mademe Schmetterling auf dem Festival von Peralada

Wie im vergangenen Jahr mit Turandot, die Peralada Festival hat sich für einen anderen puccinischen Titel entschieden, Madama Butterfly, mit einem großen Triumph für seinen Protagonisten die albanische Sopranistin Jaho Ermonela, in dem interessanten szenischen Vorschlag von Joan Antonio Rechi, befindet sich in Nagasaki durch die Explosion der Atombombe am Boden zerstört. Geplant für Tag 7 und 9 August. Die zweite Leistungs hatte am Ende des Act I ausgesetzt werden, aufgrund von starkem und anhaltendem Regen.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts, Giacomo Puccini (Lucca, 1858-Brüssel, 1924) Er war bereits ein international bekannter Komponist. Seine Opern Manon Lescaut (1893), La Bohème (1896) und Tosca (1900) Sie hatten große Erfolge erzielt. jedoch, die Premiere seiner nächsten Oper Madama Butterfly, Teatro alla Scala in Mailand, die 17 Februar 1904, Es war ein durchschlagender Misserfolg, trotz der Anwesenheit von großartigen Sängern: Rosina Storchio als Schmetterling, zusammen mit Giovanni Zenatellos Pinkerton und Giuseppe De Lucas Scharpless. wahrscheinlich, Dieses große Fiasko war auf die kurze Zeit der Proben zurückzuführen (Die Komposition wurde erst Ende Dezember abgeschlossen 1903), und die übermäßige Länge von Akt II, das dauerte etwa neunzig Minuten. Puccini überarbeitete das Werk und beseitigte einige Passagen von Akt I., Aufteilung des zweiten Aktes in zwei Teile, die durch ein breites orchestrales Zwischenspiel getrennt sind, darunter eine neue Arie für Pinkerton "Addio Fiorito asil" und auch die Verkürzung des letzten Teils der Oper. Die neue Version wurde am Teatro Grande in Brescia mit großem Erfolg uraufgeführt 28 Mai 1904.

Eine dritte Version ins Französische übersetzt, wurde in Paris veröffentlicht, die 28 Dezember 1906, mit neuen Schnitten, die hauptsächlich den letzten Teil der Oper betrafen, hergestellt von Albert Carré, Direktor der Opera Comique, mit Zustimmung von Puccini. Für die Premiere im Metropolitan in New York, die 11 Februar 1907, Puccini benutzte wieder die Brescia-Version, mit kleinen Variationen und einer beeindruckenden Besetzung, zu der auch Geraldine Farrars Schmetterling gehörte, Enrico Caruso als Pinkerton und Antonio Scottis Scharpless. Giulio Ricordi machte eine Ausgabe, in 1907, basierend auf der Pariser Version, was als endgültig angesehen werden kann, mit etwa zwanzig Minuten weniger Musik im Vergleich zur ersten Scalígera-Version. Geraldine Farrar wurde ein Referenzschmetterling, nachdem ich es in allen Jahreszeiten des Metropolitan zwischen interpretiert habe 1907 und 1922, Angebote teilen, zuerst mit Caruso und später mit anderen großen Tenören wie Giovanni Zenatello (der erste Pinkerton), John McCormack, Hipolito Lazaro, Giovanni Martinelli und Beniamino Gigli. Andere berühmte Schmetterlinge der Zeit waren Elisabeth Rethberg, Claudia Muzio und Lucrecia Bori.

Die fünfziger und sechziger Jahre des letzten Jahrhunderts waren ein goldenes Zeitalter für diese Oper, durch die Anwesenheit eines großen Schmetterlings wie Eleanor Steber, Renata Tebaldi, Victoria de los Angeles, Clara Petrella, Maria Callas, Renata Scotto, Leontine Preis, Antonietta Stella, Pilar Lorengar und Monserrat Caballé. Victoria de los Angeles spielte Butterfly viele Male im Theater, seitdem debütierte sie im Metropolitan in New York, in 1951, zwei hervorragende Aufnahmen für EMI hinterlassen: in 1954 mit Giuseppe Di Stefano y en 1959 junto a Jussi Björling, in beiden Fällen mit dem Rome Opera Orchestra, jeweils unter der Regie von Gianandrea Gavazzeni und Gabrielle Santini.

Renata Tebaldi war auch ein großartiger Schmetterling, der zum ersten Mal im Theater spielte, Liceu in Barcelona, in 1958, im selben Jahr eine Aufnahme für DECCA zu machen, neben Carlo Bergonzis Pinkerton, unter der Leitung von Tullio Serafin an der Spitze des Santa Cecilia Academy Orchestra. Renata Tebaldi spielte Butterfly hauptsächlich in Metropolitan New York, Halten Sie es in ihrem Repertoire bis 1961. María Callas war ein gelegentlicher Schmetterling, der ihre Stimme und ihr außergewöhnliches dramatisches Talent einbrachte, Debüt der Rolle in einer Aufnahme für EMI, in 1955, zusammen mit Nicolaï Gedda und der großen Orchesterleitung von Herbert von Karajan an der Spitze des Orchesters des Teatro alla Scala, und im selben Jahr spielte er an der Chicago Opera seine einzigen drei Theateraufführungen mit Giuseppe Di Stefanos Pinkerton.

In den sechziger Jahren, Renata Scottos Schmetterling platzte mit großer Wucht herein, das brachte stimmliche Schönheit mit einer großartigen szenischen Kreation zusammen, und dass er zum ersten Mal im Teatro Colón in Buenos Aires auftrat, in 1964, mit mehr als zwanzig Jahren in seinem Repertoire mit einigen letzten Auftritten im Metropolitan, in 1987. Seine EMI-Aufnahme von 1966, es ist wirklich referenziell, mit dem exzellenten Pinkerton von Carlo Bergonzi (viel besser als bei seiner Aufnahme mit Tebaldi), neben dem prächtigen Sharpless von Rolando Panerai, und die außergewöhnliche Leitung von Sir John Barbirolli an der Spitze des Orchesters der Oper von Rom. in 1974, und in einer Aufnahme für DECCA, Herbert von Karajan nahm diese Partitur wieder auf, auf der Vorderseite der Wiener Philharmoniker, in einer prächtigen Version mit dem großen Schmetterling von Mirella Freni (er hat es nie im Theater gesungen), zusammen mit Luciano Pavarottis atemberaubendem Pinkerton und Christa Ludwigs großartigem Suzuki.

Im vergangenen Dezember war es zur Saisoneröffnung im Teatro alla Scala zu sehen, die erste Version von Butterfly, mit Orchesterleitung von Riccardo Chailly, und dessen Verfügbarkeit im Internet es uns ermöglicht, die Unterschiede zu der kleineren Version festzustellen, die normalerweise gehört wird. Die Besetzung zeigte die uruguayische Sopranistin María José Siri als Schmetterling, zusammen mit zwei der Dolmetscher, die wir in Peralada gehört haben: der Pinkerton des nordamerikanischen Tenors Bryan Hymel und unser Carlos Álvarez als Scharpless.

die Madama Butterfly In Peralada vertreten ist eine Koproduktion dieses Festivals und der Deutschen Oper am Rhein, die vor einigen Monaten in der deutschen Stadt Duisburg veröffentlicht wurde (Nordrhein-Westfalen), mit der Regie des Andorraners Joan Anton Rechi. Die Landschaft Alfons Flores die Aktion beim US-Konsulat in Nagasaki einstellen, in einer prächtigen Halle mit hohen klassischen Säulen, an deren Rückwand eine große US-Flagge zu sehen ist. Ein Plattenteller ermöglicht Bewegung, zeitweise, von szenischen Elementen wie dem eleganten Büro von Konsul Scharpless, oder die vielen Charaktere, die während der Hochzeitszeremonie zwischen Butterfly und Pinkerton auf der Bühne erscheinen, und sogar, das Erscheinen des Hochzeitsbettes, in dem beide das kostbare letzte Duett von Akt I interpretieren. dann, Sie können das Geräusch eines Flugzeugtriebwerks und ein donnerndes Geräusch hören, das die Explosion der Atombombe über Nagasaki reproduziert, in der Lage zu sein, die Zerstörung des Konsulats zu sehen, dessen Säulen aufgrund großartiger visueller Effekte des Lichtdesigners Alberto Rodriguez einstürzen.

auch, kann als Observatorium gesehen werden, eine raue Plattform, die am gesamten Ende der Oper eine wichtige Rolle spielen wird. deutlich, Diese Szenerie kann unter dramatischen Gesichtspunkten interessant sein, um die physische und moralische Tragödie hervorzuheben, in die Batterfly eintaucht, seit der Abreise-Verlassenheit von Pinkerton, nach der Hochzeit. Offensichtliche Inkonsistenzen zwischen dem gesungenen Text und dem Bühnenraum sollten beachtet werden, als Butterfly Suzuki schickt, um an diesem trockenen Ort nach Blumen zu suchen, oder wenn Pinkerton kommentiert, dass sich die Landschaft nach drei Jahren nicht verändert hat. Die szenischen Bewegungen der zahlreichen Charaktere im Verlauf von Akt I sind gut gelöst, Momente von großer Schönheit, in denen die Figur des Schmetterlings vollständig von weißen Regenschirmen umgeben erscheint.

Markieren Sie das Kostümdesign von Merce Paloma, wo sich die westliche und östliche Welt vermischen: die eleganten und passenden Anzüge von Pinkerton und Scharpless oder der traditionelle Kimono von Butterfly, im Vergleich zur westlichen Kleidung Ihrer Verwandten und Freunde, dass es bei männlichen Statisten mit den typischen Schleifen kombiniert wird, die sie in ihren Frisuren zeigen. Gute Regie von Joan Antón Rechi, wer schafft es, die maximale Theatralik für die Aufführungen der einzelnen Charaktere und insbesondere des Protagonisten zu extrahieren.

Madama Butterfly hat klare wagnerische Einflüsse, mit der Aufnahme einer Reihe von wiederkehrenden Motiven in einen brillanten Orchesterrahmen, in den die Stimmen als ein weiteres Instrument eingefügt werden. Es enthält auch viele Passagen abklingender und farbenfroher impressionistischer Musik.. deshalb, Es ist eine Oper, die ein gutes Orchester erfordert, dessen Regisseur weiß, wie man die vielen Details dieser reichen Partitur festhält. In diesem Fall, Die Aufführung des Bilbao Symphony Orchestra war nur diskret, mit einer Ansprache des israelischen Lehrers dan Ettinger wenig raffiniert, mit einer Tendenz zu übermäßiger Lautstärke und ohne in der Lage zu sein, die vielen Momente zu verbessern, in denen die Partitur Dimensionen intensiver Lyrik annimmt, wie der Auftritt von Butterfly auf der Bühne oder das große abschließende Duo von Akt I.. Akzeptabler Holzklang, Blechbläser und Schlagzeug, neben einer unregelmäßigen Darstellung des Seils. Die Unterbrechung des Tons war unverständlich, als der Auftakt zu Akt III lief, das war also in zwei Teile geteilt.

Jaho Ermonela hat Butterfly zu seiner paradigmatischsten Rolle gemacht, seit er es zum ersten Mal in Philadelphia gespielt hat, in 2009. Seine großartige Leistung war bereits in El Liceu zu hören, in 2013, und vor kurzem, letzten Juni und Juli im Teatro Real in Madrid. Ohne die stimmliche Kraft zu besitzen, dass der Charakter in Akt II erfordert, und vor allem gegen Ende der Oper, bietet eine sehr differenzierte Interpretation, Holen Sie die ausdrucksstärkste Leistung aus jedem Wort und jeder gesungenen Phrase. Während Akt I., zeigten, dass Timbral Klarheit für den naiven und zerbrechlichen Schmetterling erforderlich ist, erst fünfzehn Jahre alt, eine großartige Interpretation von "Ancora un passo" in einem Crescendo mit dem Satz "Sohn venuta al richiamo d’amor", d’amor ”endete mit einem imposanten Re5.

Liefert am Ende von Akt I eine ziemlich interpretative Lektion über das kostbare Duo mit Pinkerton. Ya, in Akt II, machte eine außergewöhnliche und nuancierte Interpretation der berühmten Arie "Un bel di vedremo", schöne Reihen ausstrahlen; und, zeigte in seinem langen Duett mit Sharpless große Fähigkeit zum Konversationssingen, Phrasen wie „Due cose potrei far: Menschen wieder zu amüsieren, indem man singt ... oppur, besser, Ich werde sterben ", wenn Scharpless die Möglichkeit aufwirft, dass Pinkerton nicht zurückkehren wird. Sein Auftritt während des gesamten Opernendes, es war beeindruckend, mit esa demoledora der Satz recitada "Mit Ehre stirbt, wer das Leben nicht mit Ehre halten kann", um mit der Luft fortzufahren "Du, Sie, Kleiner Gott ", was er mit erbärmlichen Akzenten ausstattete, zeigt wieder sein prächtiges hohes Register. Befindet sich in all dieser letzten Szene auf dieser oben genannten Plattform; Im Moment des Selbstmordes fiel der Dolch zu Boden, über genügend Ressourcen verfügen, um die Situation zu lösen. Ermonela Jaho war so in ihren Charakter involviert, der sogar das schluchzende Publikum begrüßte.

Der amerikanische Tenor Bryan Hymel, zeigte eine Stimme von großer Kraft und Timbralattraktivität in der High Band, das verliert an Brillanz in den mittleren und niedrigen Registern. Seine Bühnenpräsenz zeigt die arroganteste und schelmischste Seite des verführerischen Pinkerton. All dies zeigt sich in ihrem ersten Duett mit Sharpless, und wenn er die Arie „Amore o grillo, Ich weiß es nicht ". jedoch, seine Leistung nimmt im großen letzten Duo von Akt I ab, mit wenig nuanciertem Gesang im Vergleich zu der exquisiten Leistung von Ermonela Jaho. Ya, am Ende des Duos, beide zusammen die Stimmen, die einen C4 ausstrahlen, gut nach vorne projiziert von der Sopranistin und dass der Tenor weiter zurückbleibt. Seine beste Intervention wurde in der Arie "Addio Fiorito axil" produziert..

Prächtig die Scharflosen von Carlos Alvarez, elegant und voller Adel, zeigt ihre schöne Stimme und großartige Bühnenperformance, das ist qualifizierend, zuerst, in seinem ersten Duett mit Pinkerton, den er in seinem böswilligen Spiel begleitet. Ya, in Akt II, in diesem tollen Duett mit Butterfly, wo er seine große Beherrschung des Konversationsgesangs mit einer prägnanten und kontrastierenden Phrasierung zeigt. Ihre Intervention in dem wunderschönen Trio „Io so che alle sue pene“ mit Suzuki und Pinkerton ist äußerst brillant., wo die Stimme des Malaga-Baritons die beiden anderen überwiegt. Im folgenden Duett mit Pinkerton „Non ve l’avevo detto?"Er kehrt zurück, um seine exzellente Liedlinie anzubieten, die seine Rede mit der feierlichen und nuancierten Phrase" Andate, das traurige Wahre allein wird lernen " . in Summe, eine großartige Interpretation von Carlos Álvarez.

die mittlere Gemma Coma-Alabert skizzierte einen Suzuki von großer Lyrik und Ausdruckskraft, wer merkt schon früh Pinkertons schlechtes Gewissen. Sehr gut in Akt II, in ihren pünktlichen Interventionen gut koordiniert mit Ermonela Jaho, und gipfelt in dem seelenvollen Duo von Blumen. Viçens Esteve machte eine gute Interpretation des interessierten und histrionischen Matchmakers Goro. Hervorragend der junge Bariton Carles Pachón in seiner kurzen Rede als Prinz Yamadori.

Die Aufführung des Liceu-Chores, verbesserte sich im Laufe der Darstellung, resultierend diskret im malerischen Eingang von Butterfly, Verbesserung des kostbaren „O Kami! O Kami!, und seine beste Leistung im berühmten "Chor mit geschlossenem Mund" zu bekommen, das schließt Akt II.

Text: Diego Manuel Garcia Perez
Bilder: Toti Ferrer

Gregory Kunde

US-amerikanischer Veteran Tenor Gregory Kunde (Kankatee, Illinois, 24 Februar 1954), Er debütierte in den frühen achtziger Jahren des letzten Jahrhunderts mit einer lyrischen Stimme Licht, die ihm erlaubt, bel canto Rollen mozartianos gerecht zu werden und. Das Leiden von Krebs 1994, nach einigen Darstellungen diagnostiziert Das italienische en Algier von Rossini, in Teatro de la Zarzuela, Es gelang ihm, schwere Krankheit zu überwinden und seine Karriere wieder aufnehmen 1996. Im Laufe der Jahre hat sich seine Stimme verändert, mehr Körperlichkeit und Volumen immer, Ableiten der Tenor tessitura Translation DE-spinto. aus 2009 eine neue Phase seiner Karriere begann sein erstes Repertoire Papier Verdiano einzuarbeiten, die Arrigo Die sizilianische Vesper. in 2012 Er sang zum ersten Mal Otello von Verdi, Papier, das in den letzten Jahren in großen europäischen Theater gelungen ist,, Es ist eines der wenigen Tenöre in der Geschichte, die die beiden Otello angesprochen haben, die Rossiniano und Verdiano, und dies geschah nacheinander in den Monaten Juli und August 2015, im Teatro alla Scala und am Peralada Festival. In den vergangenen fünf Jahren ist er in anderen Verdian Rollen wurde debütiert: Radames' Aida, Manrico de Il Trovatore, Don Alvaro de La forza del destino, Rodolfo de Luisa Miller, Riccardo Un ballo in maschera. Er hat auch andere Rollen als Turiddu erfolgreich in Angriff genommen von Cavalleria rusticana, Canio die I Pagliacci, Des Grieux in Manon Lescaut, Andrea Chènier und Pollione von Regel. In den letzten Jahren hat er mehr sporadisch Belcanto Rollen als Roberto Devereux gesungen, die gespielt in der Teatro Real Madrid in 2015 und Mozarts Idomeneo in Palau de Les Arts Valencia in 2016; offensichtlich sie- Er hat Platz für Agilität verloren, Es wird emsig viel dramatisches Repertoire adressiert.

In seinem Vortrag von Peralada, von den valencianischen Pianisten begleitet José Ramón Martín, Es konnte eine Stimme Müdigkeit aufgrund seiner unaufhörlichen Aktivität bestätigen. heute, die Stimme ist sicherlich voluminöse, leicht zu singen in stark, Schwierigkeiten für Mittelstimmen, ein ernstes Problem, und Trend, zeitweise, eine unregelmäßige Emissionsfarbe Veränderungen in der Stimme. All dies wird durch seine große Theaterkapazität gemildert, Um das Beste aus ihren Interpretationen zu verfeinern.

Das Konzert begann mit einem eigenen Block Vincenzo Bellini bestehend aus drei schönen und weichen Songs: "Vaga luna che inargenti", „Melancholy, sanfte Nymphe " und „valve, oder rosa Glück ", gut sie interpretiert und diente für die Tenorstimme warm und dann brillant aria-cabaletta adressiert Pollione „Meco auf dem Altar der Venus ... ..me Protege, Me verteidigt " in Regel, in der Arie Einsetzen des C4 und relevante Variationen in der Wiederholung Arie und cabaletta. Die Erwägung setzte sich mit der Leistung von zwei Songs Rossini: "Die Abgeschiedenheit " und "Tyrant auf Spanisch", Interventionen sowohl ausgezeichneter Pianist José Ramón Martín, und wo Kunde bot ein Lied voller Musikalität und Ausdruck. Der erste Teil des Konzertes endete mit der komplexen Arie Arnold „Asylum erblich„von Guillaume Tell Rossini, dass Kunde konfrontiert mit Mut und guten Linienkante, emittierenden vibrierenden Höhen, wenn auch nicht mit dem Glanz vergangener Zeiten-die Jahre ihren Tribut fordern- und damit meine ich die Interpretation angeboten durch Guillaume Tell in Corunna, in 2010, Regie Alberto Zedda, leider fehlt in diesem Jahr. dann, ihre Interpretation „Asylum erblich„Es stellte sich magistral, von cabaletta gefolgt „Freunde, Freunde " (in Peralada weggelassen) mit ausgezeichnetem anhalt steigt bis C4.

Der zweite Teil des Programms begann mit einem eigenen Block Verdi mit drei Liedern: "The Sunset", „Das Geheimnis“ y „Brindisi“ wo der Sänger hatte einige Schwierigkeiten in ihrem Versuch, Mittelstimmen zu erteilen. Es war großartige Interpretation von Rezitativ-Arie von Riccardo „Vielleicht zog er Schwelle ... Aber, wenn ich gezwungen bin, dich zu verlieren“ von Un ballo in maschera, im besten Verdian Stil gesungen, mit einer eleganten und prägnanten Formulierung. Die Aufnahme in diese Erwägung von Arie „Wie kalt deine kleine Hand“ von La Bohème von Puccini war nicht zu angemessen, als die Stimme von Kunden, heute, fehlt, dass jugendliche von der romantischen Rodolfo erforderlich Timbre. jedoch, der Sänger am meisten gespielt insbesondere ohne Score, obwohl er auf glühenden Kohlen in der C4 ausgegeben, Schnell nach unten geschnitten und getönten. Ya, die Erwägung zu dem Schluss,, Es stellte sich heraus brillant dramatische Performance voller Expressivität, die Air de Canio „Rezitiere!….Setzen Sie auf das Kostüm " von Pagliacci, deutlich, Ihre Intervention. Markieren Sie die großartige Leistung von dem Pianisten José Ramón Martín, sehr abgestimmt auf die Sänger.

Gregory Kunde bot ein paar Zugaben fehlerlos Songs durchführen "Was für eine wundervolle Welt" und "Auf meine Art", die jeweils popularisierte sie in den sechziger Jahren des letzten Jahrhunderts Louis Armstrong und Frank Sinatra.

Es befindet sich auf Fehler nicht in dieser Erwägung enthalten jede Arie aus Otello Verde, so viele Triumphe Rolle hat für den amerikanischen Tenor in den letzten Jahren gemeint und hat vor kurzem am Covent Garden in London durchgeführt, abwechselnd befassen sich mit den Medien Jonas Kaufmann, mit einer viel höheren Leistung durch den deutschen Tenor angeboten.

Julia Lezhneva

Das Castell de Peralada Festival, Er hielt seine einunddreißig Ausgabe, ein abwechslungsreiches Programm anbieten, die mehrere Opernerwägungsgründe, untereinander, die von der jungen russischen Sopranistin angeboten werden Julia Lezhneva und der erfahrene amerikanische Tenor Gregory Kunde, was sie stattfand, die jeweils auf 5 und 6 August in der Kirche von Carmen de Peralada.

Julia Lezhneva (Insel Sachalin, Russland, 5 Dezember 1989) ist eine der großen Figuren der aktuellen Lyrik. Spezialist für Barockrepertoires, Mozart und Rossinian. Seine Karriere erweist sich als meteorisch, seit seinem Auftritt bei der Eröffnungsgala des Pesaro Rossini Festivals in seiner Ausgabe von 2008, als ich erst siebzehn war. Im Mai 2010 Sie wurde von Kiri Te Kanawa zur Preisverleihung der „Classical Brit Awards“ in der Royal Albert Hall in London eingeladen. Die große neuseeländische Sopranistin sagte bei ihrer Einführung von ihr: „Von Zeit zu Zeit taucht ein wirklich außergewöhnliches Talent auf, und ich denke, Julia Lezhneva ist genau das.. Die Brillanz ihrer Stimme und ihre Technik sind zutiefst beeindruckend. ". im Oktober 2010 Es war sein Triumph beim Internationalen Opernwettbewerb in Paris, und seitdem hat seine Karriere eine besondere Relevanz erlangt, Auftritte in vielen Konzerten auf der ganzen Welt, und auch verschiedene Opernrollen wie Asteria de spielen Tamerlano Händel, Regie von Mark Minkowski (einer seiner Mentoren) das war sein Debüt bei den Salzburger Festspielen in 2012. Die Rosina von Der Barbier von Sevilla Rossini, sowie Mozartrollen wie Fiordiligi aus Così fan tutte und Zerlina aus Don Giovanni mit dem er letzten Juni im Liceu in Barcelona debütierte.

Eine Stimme mit einem schönen Timbre und einer außergewöhnlichen Fähigkeit zur Koloratur, zusammen mit einer ausgezeichneten Phrasierung. All dies wurde in seinem Rezital von Peralada offenbart, am Klavier begleitet von Mikhail Antonenko. Er startete das Programm mit der sehr schwierigen Arie "Agitata da due venti" aus der Oper Griselda von Antonio Vivaldi, wo er authentische Virtuosität mit absoluter Beherrschung des Agility-Gesangs und einer sicheren und klaren Emission zeigte, nur durch erzwungene Höhen oder Schwierigkeiten bei Oktavsprüngen mit etwas künstlichem Bass verändert. Als Kontrapunkt zu dieser von der Vokalpyrotechnik dominierten Arie, Die Sängerin glänzte in ihrer nächsten Rede "Carmelitarum ut verifyet ordinem… .O nox dulcis" von der Motette Lassen Sie den Bereich zwischen RigErze von Händel, wo ihre authentisch engelhafte Stimme leuchtete, wirklich verträumt, besonders im letzten Abschnitt „O nox dulcis, quies seren “mit großartigen Klangvorschriften und einem fast unerschöpflichen Fiat. In der Rezitativ-Arie „Exulta, Weinen Sie vom Herzen zum Herzen eines Liebhabers ... ..Care "von Motete Heller Stern am Himmel von Nicola Porpora, er zeigte wieder seine Virtuosität, obwohl mit einer singenden Linie von gewisser ausdrucksstarker Monotonie. Heben Sie seine Interpretation der schlüssigen "Alleluia" der Arie hervor, mit brillanter Farbauflösung, Hervorheben der Aufführungen von gehackten Noten. Der erste Teil des Erwägungsgrundes endete mit seiner Interpretation des Andante „Tu virginum, Krone “, gefolgt vom letzten Allegro„ Alleluia “der Motette frohlocken, Jubiläum von Mozart, eine gute Interpretation des Andante, mit exzellenter Phrasierung und großartiger Trillerausführung, zeigt erneut seine Meisterschaft in der Lösung der komplexen Koloratur der letzten "Alleluia".

Ya, in dem zweiten Teil, er gespielt Die venezianische Regatta, Satz von drei Liedern: "Anzoleta vor der Regatta", "Anzoleta co besteht die Regatta" und Anzoleta nach der Regatta ", komponiert von Rossini in Richtung 1857, mit Text zugeschrieben Francesco Maria Piave im venezianischen Dialekt. In seiner Interpretation, Lezhneva zeigte weiterhin ihre makellose Gesangslinie, obwohl es an der nötigen Ausdruckskraft mangelt, um den Humor und die Anmut zu zeigen, die diese Rossinianischen Lieder erfordern. dann, bestieg drei Lieder von Franz Schubert: “Nacht und Träume”, “Die junge Nome” y “Im Frühling”, gut gesungen, mit guten Sprachkenntnissen, obwohl ohne den notwendigen Stil und die Ausdruckskraft, die diese Arbeiten erfordern. Seine beste Leistung wurde im schönen "Im Frühling" produziert., mit einem ausgezeichneten Verständnis von Stimme und Klavier.

Ya, am Ende des Erwägungsgrundes, Die russische Sopranistin glänzte erneut in der schönen Arie "Tanti affetti" von Die Frau vom See von Rossini, mit exzellenter Dominanz des Legatenliedes, und eine großartige Phrasierung, Hervorhebung, seine Interpretation des letzten Abschnitts „Fra il padre, und zwischen dem Liebhaber ", Einführung der relevanten Variationen in seinen vier Wiederholungen. Gute Leistung des Pianisten Mikhail Antonenko, als Begleiter und in seinen Soloauftritten der Spiel keine 2 von Johann Sebastian Bach und Impromtu nein. 3 von Franz Schubert.

Zum ständigen Applaus, Der Sänger bot drei Zugaben an, die erste eine Arie des Barockkomponisten Carl Heinrichs Graun, Inhalt Ihrer letzten Aufnahme, er wiederholte die "Alleluia" der Porpora-Motette, Zum Abschluss das schöne Lied "Daisies" von Sergei Rachmaninov.

Dani Barcelona y Jessica Pratt en Tancredi

Valencia Palau de Les Arts, Er hat brillant die Saison mit fünf Aufführungen der Rossiniano geschlossen Tancredi, die sie haben eine hervorragende Besetzung unter der Leitung von Stimme zusammengebaut Daniela Barcellona als Tancredi und Jessica Pratt in der Rolle des Amenaide, neben der hervorragenden Leistung des Orchesters von Valencia Regie Roberto Abbado. auch, Es sollte den interessanten Vorschlag landschaftlich zu beachten, Emilio Sagi. seltsam, und höher Qualität Darstellungen, die während der gesamten Saison gesehen worden, die Unterstützung der Öffentlichkeit ist nicht massiv gewesen, werden kann genügend Löcher in der Kapazität des Valencia Theater gesehen. ja, Das Publikum applaudierte mit großer Kraft, die großen Sänger und Orchester.

Gioachino Antonio Rossini (Pesaro, 1792 - Paris, 1868) Sehr bald wurde er in die Oper angezogen. in 1810, mit nur achtzehn, Die Uraufführung im Teatro Samuele Venedig seine erste große Arbeit Die Ehe Rechnung, zu denen im nächsten Jahr folgen L ‚verrücktes Missverständnis. Sie erhalten seinen ersten großen Erfolg mit Der Stein des Vergleichs am Teatro alla Scala in Mailand uraufgeführt, in 1812, ein ungeheuer produktiver Komponist immer, da vor dem Ende des Jahres, Er hatte zwei neue Opern uraufgeführt: La scala di seta und Die ocassion macht Diebe. Rossini überraschende Fähigkeit, gleichzeitig compose, eine begrenzte Zeit, eine Komödie wie Herr Bruschino, und Tancredi (seine erste ernste Oper) beide jeweils in Venedig veröffentlicht 27 Januar 6 Februar 1813. Der Erfolg der Comic-Werke von Rossini, Sie können ihre Bedeutung als Komponist von Opern ernst verstecken. Große Titel wie Die Italienerin in Algier (1813), Das türkische in Italien (1814), Die Barbiere von Sevilla (1816) die La Cenerentola (1817), Ich geriet in Vergessenheit eklatante ernste Opern er in seiner neapolitanischen Periode zusammengesetzt, zwischen 1815 und 1823. In dramatischen Titeln wie Otello (1816) und Die Dame des Sees (1819), Er trat aus dem neoklassischen Heldentum, von der romantischen Atmosphäre zu sein outdone, Ich begann, geboren zu werden. Rossini ergab, dass die helle Bühne, in 1823, mit der Premiere von Semiramide, letzten vierunddreißig italienischen Opern, Starten des gleichen Jahres nach Frankreich, wo er schriftlich Komödien weiterhin wie Die Reise nach Reims (1825) und Graf Ory (1828), dramatische Titel wie Die Belagerung von Korinth (1826), Moses und Pharao (1827); und, vor allem, seine monumentalen Guillaume Tell (1829), die die Grundlage der romantischen Melodram, und mit dem schloß er seinen Opernzyklus, als sie war 37 Jahre.

Tancredi Es wurde von Rossini im Dezember zusammengesetzt 1812 und Januar 1813, Libretto von Gaetano Rossi aus dem Spiel u Voltaire. Die Uraufführung fand am 6 Februar 1813 Teatro la Fenice in Venedig, und die Oper mit einem Happy End zu Ende. die 20 März des gleichen Jahres, Rossini in Ferrara Premiere eine überarbeitete Version enthalten mehrere Änderungen, die bedeutendsten ein neues Ende tragischen Charakter zu sein, dessen Text wurde von dem Dichter Luigi Lechi geschrieben. Dieses Ende nicht wie die Öffentlichkeit, und Rossini entwickelt eine neue Version, in Mailand uraufgeführt, im Dezember 1813, Er wird diejenigen angeboten in Venedig und Ferrara Synthese, mit der Aufnahme des Happy End. Seit zwanzig Jahren, nach oben 1833, wurde die Oper mit einer gewissen Regelmäßigkeit durchgeführt, Anschließend fallen in den meisten absolute Vergesslichkeit. Die Partitur und Text des tragischen Ende kam zu verschwinden, Es wird von Musikologen Philip Gossett entdeckt, die bereit eine kritische Ausgabe, in 1976, von der Version im Dezember veröffentlicht 1813, aber mit dem tragischen Ende von Ferrara beendet. Die ultimative Erholung dieser Oper kam, als die kritische Ausgabe an der Oper Houston uraufgeführt (Texas), in 1977, mit Beteiligung als Tancredi der großen amerikanischen Mezzo Marilyn Horne, Wer wird der große Garant dieser Oper werden, die er spielte seit mehr als einem Jahrzehnt in verschiedenen Theatern auf der ganzen Welt, Mit Vermächtnis bis zu acht Live-Aufnahmen, einschließlich der Herstellung Video im Theater des Liceu in Barcelona gemacht, in 1989. die mittlere Daniela Barcellona er gespielt Tancredi zum ersten Mal in dem Festival von Pesaro 1999, da eine Referenz Tancredi wurde. Dies zeigt sich in verschiedenen Audio- und Video-Buchsen, insbesondere von TDK DVD vermarktet, Einige Funktionen, die im Teatro Comunale von Florenz nahm, im Oktober 2005, neben einem der großen Interpreten der Argirio: Argentinischen Tenor Raúl Giménez. in Spanien, Barcelona Daniela hat bei vielen Gelegenheiten durchgeführt Tancredi: Corunna (2003), Oviedo (2004), Teatro Real in Madrid (2007), Teatro de la Maestranza in Sevilla (2009), und jetzt die neuesten Funktionen, die in der Palau de Les Arts genommen haben, wo es die kritische Version von Philip Gossett mit tragischem Ende Ferrara gezeigt.

die Tancredi vertreten in Valencia ist eine Co Lausanne Opera und dem Teatro Municipal in Santiago de Chile, Stufe Richtung Emilio Sagi, Bewegen der Aktion aus dem XI Jahrhundert, zur Zeit der Kreuzzüge, dem neunzehnten Jahrhundert, in der italienischen Risorgimento. Die Handlung beginnt in der großen Halle des Palastes, mit Marmorsäulen und großen Fenstern mit schönen Buntglas polychrome, wo viele Gäste versammeln um einen großen Tisch, in bunten gekleidet und neu geladen Uniformen entworfen von Pepa Ojanguren, regelmäßig für Emilio Sagi. Das gleiche Szenario verwandelt, durch eine schnelle Bewegung der Wände und stimmungsvolle Beleuchtung, in verschiedenen szenischen Räumen: das klein und intim, wo das Duo Tancredi und entwickelt Amenaide Akt I, und in Akt II, wird das elegante Argirio Büro oder im Gefängnis, wo seclude zu Amenaide.

irgendwann, um eine Kosmetikerin visuelle Wirkung zu finden,, szenische Ansatz ist nicht erfolgreich, wie in der Schlacht-Sequenz, in Akt II, in einem Raum, dessen Boden begrenzt ist, eine Platte in dem viele kleine Spiegel zusammengebaut, szenische dunkel allein wird durch die Scheinwerfer-Laternen verändert figurantes Lager und in Spiegeln reflektiert, ernsthaft zu stören Zuschauer. Appelle die letzte Szene der Oper, wo Sie ein großes Grabdenkmal an der Basis des Tancredi Todes sehen können sie in den Arm von Amenaide auftreten. In Anbetracht der Unzulänglichkeit der militärischen Strapazen Tancredi tragen, encorsetando seine Bühnenbewegungen. Wir sind mit Ausnahme der Szene von blendend Laternen, es ist durchaus angebracht Lichtdesign von Eduardo Bravo, Schaffung geeignete Umgebungen landschaftlich immer im Einklang mit der Entwicklung der Handlung.

Ausgezeichnete Adresse Roberto Abbado, die erzielt eine hohe Leistung des Orchesters von Valencia. Der Maestro Abbado weiß sehr gut, diese Partitur, habiéndola führte bei vielen Gelegenheiten, in der Lage, ein hervorragendes Studio von RCA Aufnahme zu hören, in 1995, wo er den Münchner Rundfunk Orchester adressierte, mit Vesselina Kasarova como Tancredi, die Amenaide Eva Mei und ausgezeichneter Argirio von Ramon Vargas, eine Stimme von großer Schönheit Anzeige. Dieser Datensatz enthält die zwei Endfassung und alternative Amenaide Arie „Ah, degg'io Matrize ist pur „Rossini für die Version von Ferrara zusammengesetzt.

Roberto Abbado wurde mit der immobilisierten rechten Arm Verletzung vorgestellt, was noch machte er seine Regiearbeit verdienstlicher, dass schon offenbart es aus der gleichen Öffnung (identisch mit einer vorherigen Rossini: der Prüfstein) dessen erster Abschnitt Schneiden deutlich mozartiano, leuchteten Metalle und Wälder; und, ein zweiter Abschnitt,, von Orchester-Crescendo dominiert bekräftigt, Tipicamente Rossini, die im Wechsel mit der Interpretation einer anmutigen Melodie, die Eingriffe in Verbindung mit dem Cello, Flöte umfasst, Fagott und all das Seil. Überragende Klang des Orchestervorspiel, das die große Szene des ersten Aktes Tancredi führt, mit kontinuierlichem Klang der Bass-Saite Violinen und Holzbegleit, mit klaren Interventionen der Solo-Oboe. Beachten Sie die große Duo Amenaide und Tancredi in Akt I Begleit, endet mit einem hellen Coda. auch, Orchesterleistung am Ende des ersten Aktes: Concert Sextett und schlüssig. Ya, in Akt II, Lieferung war ausgezeichnet Klarinettist bei der Arie von Isaura, durch die brillante Leistung der Musik gefolgt, starker sinfonischer Atem, welche vorausgeht und begleitet den recitative Amenaide "Di mia Vita infelice". Sehr schöne Orchestereinleitung und Begleitung der Arie im zweiten Akt Roggiero. Markieren Sie die ätherischen und leise Geräusch der Saite Kammermusik, dass begleitet die Szene des Todes von Tancredi. In den zahlreichen Rezitativen diese Oper enthält,, umfassen die ausgezeichnete Leistung des Bc von Clavier bestehend (José Ramón Martín), Cello (Rafal Jezierski) und Bass (David Molina). Gut concert Arbeit von Roberto Abbado immer bewusst die Stimmen.

Das große Mittel Triest Daniela Barcellona Tancredi hat seine paradigmatische Rolle gemacht, Bereitstellen seines genauen belcantista vocalism, große dramatische Interpretation und Bühnenpräsenz völlig mit dem Charakter identifiziert. Ya, ist hell Eingang mit seiner szenischen Interpretation recitative „O patria, süß und undankbares Vaterland ", que beginnt dort, wo mit einer halben Stimme, und wo zeigt einen verfeinerte Kantenlinie vollen Ausdruck, mit hervorragender Klang Vorschriften. El enlaza mit Rezitativ und Arioso „Sie leuchten diesen Kern“ para concluir con el famosísimo „Von den vielen Herzschlag“, im reinsten Belcanto-Stil interpretiert, meisterhaft Ausführung relevante Variationen in der Wiederholung mit der Phrase „sara felice“ gestartet, wo er zeigt seine Beherrschung der Beweglichkeit, mit einer scharfen feinen Stimmen. Ya, in Akt II, macht eine große Interpretation der Cavatine „Ah, scordar Sie mit verschiedenen Schattierungen nicht „mit der wiederholten Phrase“ der Liebe Anker „ausgedrückt zunehmend sind. Macht eine große stimmliche und dramatische Interpretation der Arie-rondo „Perché stören die Ruhe“, mit einem ersten Abschnitt langsam, voll von traurigen Akzente, das ergibt sich ein anderes viel schneller, aggressiv mit der Phrase „Traditrice initiiert! Ich gebe dir ", wo er seine Beherrschung der Agilität mit rechtzeitigem und genauen zeigt auf akute hochgeladen. Diese Veränderungen treten Rhythmus langsam-schnell, in einem kontinuierlichen Crescendo, die Arie mit dem heroischen und wiederholten Phrase „Feld zu schließen,, auf das Gebiet hervorragend werfen volle Höhen trionfar „Einfügen. In einem ganz anderen Registern, zu sterben, ausstattet Akzente Rezitativ-Arie pathetisch „Oh Dio, lasciarte Ich sollte ... .Amenaide, serbami tua „schlüssig Oper Glauben.

Amenaide große Leistung wie die Sopranistin Jessica Pratt, im Besitz einer Stimme attraktiv Timbre, gut geplant, Domäne verknüpft mit der Hand, exzellenter Klang Vorschriften und eine absolute Beherrschung der Koloratur: trilling, Waage, Noten gehackt, Höhen und Höhen mit großer Besetzung. auch, ist seine großartige Bühnenperformance. alle, wie in seiner ursprünglichen cavatina bewiesen „Komm dolce all'alma mia“ . In Akt II, ausstattet de gran Lyrismus von Rezitativ-Arie „Di mein Leben elend ... ..no, dass der Stempel nicht ", mit melancholischen Akzenten und eine ausgezeichnete Fähigkeit für Mittelstimmen und Klang Vorschriften, Emittieren schöner Noten in Pianissimi. Seine hellsten Momente treten in der Rezitativ-Arie „Gran Dio!…..Nur Gott demütige Liebe „donde en primera y Rezitativ Abschnitt Luft, zeigt eine polierte Firstlinie volle Ausdruckskraft, Emittieren Edel filados, apianando Stimme auch in den hohen Tönen. Ya, in dem zweiten Teil der Arie, wo Musik nimmt das Crescendo des Ouvertüre bis, es kann die Kapazität für Koloratur-Sänger angegeben werden, Ausgabe von Noten mit realer Präzision gehackte, bis leicht akute und sobreagudo und endend Arie mit einer beeindruckenden Mi5.

Extreme Qualität sind die beiden Duos Pratt und Barcellona interpretiert, insbesondere der mittlere Abschnitt des zweiten „Ah, wie kommt es, dass die Seele ", mit Begleitung von String-Pizzicato.

Argirio Charakter wird von dem chinesischen Tenor gespielt Yijie Shi, magnífico Sänger Rossini, trotz seiner unattraktiven Timbre. Bei seinen zahlreichen Interventionen zeigte er eine elegante Phrasierung und ausgezeichnete Ausführung der Agilität. Speziell wurde leuchtend Interpretation des recitativo-ary „Oddio Crudel! Was Name ... .Ah! segnar ich vergeblich versuchen ", im Rezitativ anbieten, ein Lied volle Ausdruckskraft; und, in der Arie, meditative Momente apianando Stimme, zusammen mit anderen echten Bravour Singen mit hellem hochgeladen akuten und sobreagudo. Sehr gut in seinem Duett mit Tancredi des zweiten Aktes.

niedrig Pietro Spagnoli, Es hat eine lyrische Stimme über die Rolle von Orbazzano und seine Interpretation war nicht diskret, obwohl sie echte Chancen zu glänzen, denn in dieser Version Tancredi wenn INSERTA und Luft „An den Ruhm Stimmen“ (unmittelbar vor dem Duo Tancredi und Argirio des zweiten Aktes) das ist in der Regel verzichtet. In der Rolle von Isaura, die Mitte Martina Belli Er zeigte eine große, wenn auch etwas guttural Stimme, mit guter Beherrschung der Agilität, bei der Interpretation der Arie „Tu che i miseri Conforti“ des zweiten Aktes. Die junge Sopranistin Rita Marques Zugehörigkeit zu dem Entwicklungszentrum Placido Domingo, Er zeichnete sich in seiner Arie „Torni Alfin ridente“. Große Zahlen festlegen Schließen Akt I, vor allem das Ende concert. Großartige Leistung der Chor der Generalitat Valenciana (in diesem Fall nur Männerstimmen) in seinen zahlreichen Interventionen, Hervorhebung seine Leistung im zweiten Akt des Coro di Saraceni: „Terror herrscht in der Stadt“.

Diese Funktionen Tancredi wurden in den Speicher des Leiters gewidmet und Musikologe Alberto Zedda, die starben im vergangenen März, deren Arbeit bei der Wiederherstellung des gesamten Werkes Rossini maßgeblich.

 

Werther

Werther war erstmals im Palau de les Arst in Valencia vertreten, im Laufe fünf Aufführungen. Orchester von Valencia, hervorragend von der ungarischen gerichtet Henrik Nánási, Es war der große Gewinner. Die Ergebnisse sowohl in der vokalen Ebene und Bühne haben mehr diskret.

Jules Massenet (1842 -1912) Er komponierte bis zu fünfundzwanzig Opern und war der bekannteste und am meisten vertretene Manon (1884), Werther (1892) und Thaïs (1898). Andere Titel wie Le Cid (1885), Esclarmonde (1889), Die Navarreise (1894), Der Jongleur von Notre-Dame (1902) und Don Quixote (1910). Ya, in 1880, Massenet begann über die Idee nachzudenken, eine Oper zu komponieren, die auf Goethes Werk basiert Die Leiden des jungen Werther (Die Missgeschicke des jungen Werther) von 1774.

Während einer Reise, die der Komponist zusammen mit seinem Herausgeber Georges Hartmann nach Bayreuth unternahm, in 1886, zuhören Parsifal, hatte die Gelegenheit, die Stadt Wetzlar bei Frankfurt zu besuchen, wo Goethe seine Arbeit geschrieben hatte. es ist, seit damals, wenn Massenet mit der Komposition von Werther beginnt, mit einem Skript von Edouard blau, Paul Tausende und Georges Harmant, die Goethes Arbeit anpassen, dem Charakter von Charlotte viel mehr Relevanz geben, die von Werther idealisierte Frau, für die er eine unkontrollierbare Liebesleidenschaft empfindet. Nach Abschluss der Komposition im Juni 1887, Massenet bot es an der La Opera-Comique in Paris an, dessen Regisseur Leon Carvalho lehnte es ab, da das Argument zu traurig war, um die Öffentlichkeit zu interessieren.

schließlich, die ins Deutsche übersetzte Oper, Premiere mit großem Erfolg bei der Wiener Hofoper Theater die 16 Februar 1892. Die französische Fassung wurde am an der Genfer Oper uraufgeführt 27 Dezember 1892 und 16 Januar 1893 Die Premiere fand an der Opera-Comique in Paris statt, wo es von Kritikern gelobt wurde, obwohl es von der Öffentlichkeit nur ungern aufgenommen wurde.

Die Oper wurde in großen Theatern auf der ganzen Welt weithin akzeptiert. In der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts, wurde mit einiger Regelmäßigkeit in Frankreich und zeitweise im Rest der Welt aufgeführt, Hervorheben der außergewöhnlichen Schaffung von Werther aufgeführt vom großen französischen Tenor Georges Thill, neben der prächtigen Sopranistin Charlotte Ninon Vallin, das ist auf der Aufnahme von zu hören 1931, Regie Elie Cohen vor dem Orchester von La Ópera-Comique, remastered auf CD von EMI auf 1989 und noch besserer Sound von NAXOS in 2000.

Sechsundachtzig Jahre sind vergangen und diese Aufnahme von Werther bleibt eine echte Referenz. Die italienische Version von Werther hatte als Hauptdarsteller Tito Schipa, wer hat es bereits in Liceu de Barcelona durchgeführt, im Dezember 1918, und blieb drei Jahrzehnte in seinem Repertoire, es gibt viele Aufnahmen der berühmten Arie aus Akt III "Warum mich wecken" auf Italienisch "Ah! Erwecke mich nicht"Und auch aus der Arie von Akt I"Komm schon, Es ist gut hier ... O Natur" auf Italienisch "Allor sta propio auch… ..O naturaUnd eine Auswahl der Oper mit der Charlotte de la Mezzo Gianna Pederzini aufgezeichnet in 1940. Schipa war das Vorbild für andere italienische Tenöre wie Giuseppe Di Stefano, Wetter in Ferruccio Tagliavini, Cesare Valletti und Carlo Bergonzi, die diese Oper in den fünfziger und sechziger Jahren des letzten Jahrhunderts zu bestimmten Anlässen aufführten.

jedoch, das authentische Wiederaufleben von Werther kam zustande, als die großen Alfredo Kraus nahm es in sein Repertoire auf, im Januar 1966, in Stadttheater von Piazenza, auf italienisch gesungen; obwohl bald der kanarische Tenor die französische Version interpretieren wird, dessen erstes Zeugnis ist die in Madrid gemachte Live-Aufnahme Zarzuela Theater in 1969, wo Kraus eine Besetzung mit der exquisiten Charlotte aus teilte Los Angeles Victoria, der im selben Jahr an einer großartigen Plattenversion von EMI teilgenommen hatte, neben dem ausgezeichneten Werther des großen schwedischen Tenors Nicolai Gedda, prächtig geführt von Georges Prêtre, vor dem Orchester der Pariser Oper. Alfredo Kraus spielte Werther seit dreißig Jahren, in unzähligen Aufführungen aller großen Theater der Welt, Angebote mit der wunderschönen Charlotte teilen, einschließlich: Tatiana-Trojaner, Teresa Berganza, Elena Obraztsova, Regine Crespin, Frederica von Stade o Martha Senn.

Zahlreiche Live-Aufnahmen in Audio und Video, Kredit die außergewöhnliche Interpretation, die Alfredo Kraus von Werther gemacht hat, Es gibt auch eine Referenzaufzeichnung, mit ausgezeichnetem Klang, durchgeführt in einer Studie von EMI, in 1979, mit Orchesterleitung von Michel Plasson Dirigieren des London Philharmonic Orchestra, wo Kraus eine Besetzung mit der exzellenten Charlotte de la Mezzo teilte Tatiana-Trojaner. die Werther von Alfredo Kraus, synthetisiert den aristokratischen Stil von Georges Thill mit der farbenfrohen Stimme von Tito Schipa. Nach Kraus wurden die Interpretationen von Roberto Alagna und Jonas Kaufmann. Französisch Tenor Jean Francois Borras, wer hat interpretiert Werther bei den El Palau de Les Arts Veranstaltungen, hatte seine große Chance, einen unwohl Jonas Kaufmann zu ersetzen, während einer Aufführung von Werther, in 2014, in der Metropolitan in New York, Dies war sein Debüt in dieser Rolle, die er in den letzten Jahren mit einiger Häufigkeit gespielt hat.

die Werther vertreten im valencianischen Palau de Les Arts, ist eine Koproduktion dieses Theaters und der Monte-Carlo-Oper, Stufe Richtung Jean Louis Grinda, und Landschaft von Rudy Sabounghi, Mit der Anwesenheit, von Anfang an die Oper eines großen Spiegels, in dem sich ein Werther in einem blutigen Hemd spiegelt. Plötzlich bricht der Spiegel, es wird vom Protagonisten gekreuzt und sein gehacktes Formteil bewegt sich bis an die Enden der Bühne, sich zu verschiedenen Zeiten neu zusammensetzen: die schöne Szene aus "Moonlight" in Akt I und im gesamten Akt IV, mit dem die Darstellung endet.

Die Geschichte wird durch einen langen flachen Rücken gezeigt, ab dem Ende, wo Werther Betrachten Sie die tragische Entwicklung Ihres Lebens in den letzten sechs Monaten, Dies ist die Zeitspanne zwischen seinem eigenen Tod und dem Moment, in dem er von seinem von Charlotte vertretenen weiblichen Ideal angezogen wird. Die Art, die Geschichte zu erzählen, ist interessant, obwohl es etwas erfolglos ist, da dieses typisch filmische Erzählverfahren (erinnert an den, den Billy Wilder in seinen berühmten Filmen verwendet hat: Fluch und Zwielicht der Götter) erfordert die kontinuierliche Bühnenpräsenz des Protagonisten, etwas, das in nicht passiert Werther.

die Bühne In den ersten beiden Akten erscheint der Garten des Hauses, in dem Charlotte lebt, und im Hintergrund ein Wald von grünen Farben zu Beginn des Sommers, in dem Akt I stattfindet, das driftet zu den ockerfarbenen Tönen des Herbstes während Akt II. Die Einstellung von Akt III, es ist sehr konventionell, mit einem tollen Zimmer in Charlottes ehelichem Zuhause, deren Hauptelemente sind ein Cembalo, und eine beleuchtete Vitrine mit einer Sammlung von Pistolen. Die Szenerie wird erst zu Beginn von Akt IV relevant, mit einer Projektion, in der die Frontalfigur von Charlotte zu sehen ist, mit einem verzerrten Gesicht, innerhalb des rekonstruierten Rahmens dieses großen Spiegels, durch den Schnee zu Werthers Haus rennen.

Diese Gegenwart himmlischer Engel ist nicht sehr erfolgreich, mit ihren entsprechenden Flügeln, die erscheinen um Werther und Charlotte am Ende der Oper. Die Beleuchtung schafft es auch nicht, die einfache Landschaft aufzuwerten..

In einer Oper wie Werther, wo der orchestrale Rahmen grundlegend ist, immer eingebettet in die dramatische Handlung: Das Orquesta de Valencia war der große Gewinner dieser Darstellungen, großartig von der ungarischen gerichtet Henrik Nánási, wer hat es geschafft, aus allen Orchesterabschnitten zu extrahieren, ausdrucksstarke Klänge, das zeigt sich bereits in der Ausführung der ersten Ouvertüre mit Momenten großer dramatischer Spannung in der Ausführung dieses wiederkehrenden musikalischen Themas, das übersetzt die Leidenschaft, die Werther für Charlotte empfindet, und das verbindet sich mit den bukolischen Akkorden, die dieses andere wiederkehrende Thema der Natur zeigen, mit brillanten Solointerventionen der Concertino Violine.

Der Orchesterklang war in der Aufführung von „El Claro de Luna“ in Akt I wirklich großartig, das wird das wesentliche musikalische Thema der Oper, und wo der Klang der Celli auffiel.

Großartige orchestrale Reaktion im Verlauf des dritten Aktes, in Begleitung von Charlottes Arien, unter besonderer Berücksichtigung der Interventionen des Saxophons, in der zweiten Arie "werden! Lass meine Tränen fließen!Und auch die Interventionen der Celli und der Harfe in der berühmten Arie von Werther "Warum mich wecken". Heben Sie die großartige Orchesterleistung der Ouvertüre von Akt IV hervor, welches mit Untertiteln versehen ist "Die Weihnachtsnacht". Hervorragendes Rendering des Englischhorns, das Passagen mit der dramatischsten Spannung verbessert. Hervorragender Klang von Metallen, insbesondere Hörnern. Markieren Sie das Orgelsolo als abschließende Coda des Duos von Charlotte und Albert in Akt II. Man konnte nur eine übermäßige Lautstärke des Orchesterklangs vorwerfen, dass, irgendwann, vertuschte die Stimmen.

Werther Es ist eine Oper von wahrer Brillanz für die beiden Protagonisten durch zahlreiche Arien und Arien, zusammen mit vier großen Duos. In seiner Darstellung von Werther, der französische Tenor Jean Louis Borrás, zeigte idiomatische und stilistische Angemessenheit, mit einer lyrischen Stimme mit einem schönen Timbre und akzeptabler Lautstärke, obwohl etwas leicht und das bekommt nur im hohen Register durchschlagende Dimensionen. In seinen Reden wurde eine größere Vielfalt von Akzenten übersehen, das wird ihrem Lied authentische Ausdruckskraft verleihen. Er machte eine bemerkenswerte Interpretation voller Melancholie in diesem Lied zur Natur, das die Rezitativ-Arie ausmacht. "So, es ist gut hier ...... Ô Natur, gnädig„Act I. Ya, in Akt II, zeigte in seiner Arie "Ein anderer ist ihr Ehemann!Das Maß an Frustration, das sie sieht, wenn Charlotte bereits mit Albert verheiratet ist.

Borrás bot seine besten Momente in der berühmten Arie “Warum mich weckenEingefügt in das große Duett von Akt III mit Charlotte, gespielt vom Mezzo Anna Caterina Antonacci, der seine große Qualität als Dolmetscher zeigt, indem er die Psychologie des Charakters vollständig durchdringt, obwohl mit einer ziemlich abgenutzten Stimme, mit einem wichtigen Vibrato in allen Registern, Geringe Lautstärke und praktisch unhörbarer Bassbereich. Diese Mängel zeigen sich in seinen dramatischen Interventionen des dritten Aktes: die Arie der Buchstaben "Werther! Werther ... wer hätte es mir stattdessen gesagtAkzeptabel gelöst, und zeigt echte Probleme in "werden! Lass meine Tränen fließen!” so anspruchsvoll im Grabregister.

Zeigen Sie eine nuancierte Gesangslinie im schönen Duett mit Werther von „Claro de Luna“ in Akt I., im Vergleich zur flacheren Interpretation von Jean François Borras. Antonacci ist auch im letzten Duett mit Werther bemerkenswert, wo Borrás die fluffigen Noten missbrauchte, mit Verlust der Abstimmung in einigen von ihnen.

Sehr gut, Sophie Helena Orcoyen, eine leichte Stimme mit einem durchdringenden und gut projizierten Timbre, das leuchtet in seiner Rezitativ-Arie von Akt I "Bruder, sieh den Strauß ... der fröhlichen Sonne, voller Flammen", wo er eine jugendliche Freude zeigt, die die Phrasen gut verbindet und großartige Höhen bietet. Hebt auch seine Leistung im Duett mit Charlotte hervor "Hallo, große Schwester!” Akt III, wo ihre Freude und Sorglosigkeit im Gegensatz zur Traurigkeit ihrer niedergeschlagenen Schwester steht.

Sehr diskrete Interpretation des Bassbaritons Michael Borth, als Albert, zeigt echte Einschränkungen in einer anspruchsvollen Rolle, vor allem in der Arie "Sie liebt mich, sie dachte an mich"Aus Akt I oder im Duett mit Charlotte" Trois mois! Vor drei Monaten “del Acto II, wo seine stimmlichen und interpretativen Mängel aufgedeckt werden.

Akzeptable Interpretation von Alejandro López como Le Bailli (Charlottes Vater Richter). Übertriebene Charakterisierung von Moses Marin und Jorge Lopez jeweils spielen die Säufer Schmidt und Johann, mit einer bemerkenswerten Interpretation seines Duetts “Vivat Bacchus, lebe immerZu Beginn von Akt II, das wird normalerweise geschnitten, aber was ist, wenn es in dieser Produktion enthalten ist.

Gute Leistungen der Kinder von La Escolania von Unserer Lieben Frau von den Obdachlosen und von den Mädchen von Die Chorschule Veus Juntes de Quart de Poblet.

Text: Diego Manuel Garcia Perez
Bilder: Tato Baeza

Lucrezia Borgia Arts

Lucrezia Borgia von Gaetano Donizetti, Es befindet sich in El Palau de les Arst zum ersten Mal gezeigt und hat ein echter Triumph für Sopran Mariella Devia gewesen, die hat ein komplettes Meister Belcanto angeboten, gehe zu allen vokalen und leistungs Anforderungen dieses komplexen und widersprüchlichen Charakters, ihre Arbeit mit Ton Ovationen belohnt. Die andere Attraktion dieser Aufführungen war die großartige Aufführung des valencianischen Mezzos Silvia Tro Santafé als Transvestit Maffio Orsini.

Gaetano Donizetti (Bergamo, 29 November 1797 - Bergamo, 8 April 1848) Er war einer der produktivsten Opernkomponisten in der gesamten Geschichte des Genres, mit fünfundsechzig Titeln, in einem Zeitraum von achtundzwanzig Jahren, zwischen 1816 in dem er seine erste Oper Il Pigmalione komponierte, bis zu ihrer letzten Arbeit Caterina Cornaro aus 1844. Während seiner Karriere wird er mit Opern wie L’elixir d’amore große Erfolge erzielen (1832), Lucrezia Borgia (1833), Lucia di Lammermoor (1835), Die Tochter des Regiments y La Favorite ambas de 1840, Don Pasquale (1843) und die berühmte Tudor-Trilogie von Anna Bolena (1830), Maria Stuarda (1835) y Roberto Devereux (1838). In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts, Donizettian und viele seiner Opern wurden wiederbelebt, einschließlich der Tudor-Trilogie und Lucrezia Borgia, zusammen mit anderen weniger bekannten, wurden dank des Interesses von Sängern wie María Callas wiedergefunden, Leyla Gencer, Monserrat Caballé, Joan Sutherland, Beverly Sills, und in jüngerer Zeit von Edita Gruberova und Mariella Devia.

Ya, mit einer Produktion von vierzig Opern, Donizetti komponierte Lucrezia Borgia im Herbst von 1833, mit Libreto von Felice Romani, der eine Adaption des gleichnamigen Theaterwerks von Victor Hugo gemacht hatte, im Februar desselben Jahres veröffentlicht. Oper in Prolog und zwei Akten strukturiert, mit vier Protagonisten: Lucrecia Borgia, sein geheimer Sohn Gennaro, Alfonso D'Este Herzog von Ferrara, Ehemann von Lucrezia und Maffio Orsini Freund von Gennaro, zusammen mit einer Reihe von Nebenfiguren, einige mit Interventionen von einiger Relevanz. Die Premiere fand am Teatro alla Scala in Mailand statt 26 Dezember 1833.

Die Darstellungen dieser Oper in ihren ersten Lebensjahren, Sie hatten Probleme aller Art: als es in Paris veröffentlicht wurde, in 1840, Victor Hugo reichte eine Klage ein, in der er sein Urheberrecht geltend machte, Donizetti und Romani sollen die Arbeit umschreiben, indem sie die Aktion in der Türkei platzieren und sie La Rinnegata nennen. Probleme mit der Zensur der Zeit und auch den Protesten der Nachkommen der Familie Borgia, Donizetti musste den Namen seiner Oper ändern, als sie in verschiedenen Städten uraufgeführt wurde: Eustorgia der Römer in Florenz, Alfonso, Herzog von Ferrara und Triest, Giovanna I. von Neapel in Ferrara und Elisa da Fosco in Rom. schließlich, Die Oper erhielt ihren ursprünglichen Titel zurück und wurde in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts häufig aufgeführt.

in 1904 Es wurde im New Yorker Metropolitan mit Enrico Caruso als Gennaro uraufgeführt. In der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts, Darstellungen waren sehr selten, Hervorheben desjenigen, der in stattfand 1933, zum Gedenken an das 100-jährige Bestehen der Premiere, en el Transcurso des Primers Maggio Musicale Fiorentino, mit einer außergewöhnlichen Besetzung, zu der auch Giannina Arangi-Lombardi gehörte (Lucrecia), Beniamino Gigli (Gennaro), Gianna Pederzini (Orsini) und Tancredi Pasero (Alfonso).

Lucrezia Borgias wahre Genesung kam herein 1965, während Aufführungen, die in der New Yorker Carnegie Hall stattfanden, mit Monserrat Caballé als Lucrezia, Ersetzt eine unwohl gewordene Marilyn Horne, die den großen internationalen Start der katalanischen Sopranistin darstellt, seit vielen Jahren eine seiner großen Leistungen.

auch beachten,, die großartigen Kreationen, die sie aus diesem Charakter gemacht haben: Leyla Gencer, Joan Sutherland, Beberly Sill, und in den letzten Jahren, Renée Fleming, Edita Gruberova und Mariella Devia. Gennaros Charakter, wurde von spanischen Tenören wie Jaime Aragall großartig aufgeführt, Josep Carreras; und, vor allem, der große Alfredo Kraus. Donizetti machte zwei Versionen von Lucrezia Borgia: Die erste Premiere fand im Teatro alla Scala in Mailand statt 1833, mit der dificilísima cabaletta final de Lucrezia "Er war mein Sohn", und eine Sekunde, in 1840, auch im selben Theater vertreten, wo Donizetti ein neues Ende komponierte, das die Cabaletta annullierte und durch Gennaros Arie „Madre, wenn jeder weg ".

Ende der sechziger Jahre des letzten Jahrhunderts, Dirigent und Musikwissenschaftler Richard Bonynge, entdeckte eine Kopie der Rezitativ-Arie von großer Schönheit und Schwierigkeit "Partir degg'io ... T'amo qual s'ama un angelo", komponiert von Donizetti für den Gennaro des russischen Tenors Nikolai Ivanov, von dem Alfredo Kraus außergewöhnliche Leistungen erbrachte. In den vielen Darstellungen von Lucrezia Borgia unter der Regie von Richard Bonynge ist diese Rezitativ-Arie eingefügt und auch, verschmolzen, beide Enden, mit Gennaros Arie und Lucrecias Cabaletta, in der es "Bonynge Version" genannt werden kann. Dies ist eine alternative Option, die in verschiedenen Produktionen enthalten ist. Es gibt zwei großartige Studioaufnahmen, die erste, die vom RCA-Label in veröffentlicht wurde 1966, und von Monserrat Caballé durchgeführt, Alfredo Kraus, Shirley Verrett und Ezio Flagelo unter der Regie von Jonel Perlea. Die zweite von DECCA in bearbeitet 1978, und gespielt von Joan Sutherland, Jaime Aragall, Marilyn Horne und Ingvar Wixell unter der Regie von Richard Bonynge, wo die beiden Endungen und die Rezitativ-Arie „Parti degg’io… T’amo qual s’ama un angelo“ zu Beginn des zweiten Aktes bereits enthalten sind.

Bei diesen valencianischen Aufführungen wurde die Version der Premiere im Teatro alla Scala gewählt, in 1833. Es ist eine Produktion des Palau de Les Arts unter der Regie von Emilio Sagi, Das ist ein verbessertes Recycling! davon Sagi in Bilbao gerichtet (2001) und Oviedo (2004), mit der Szenografie von Llorenc Corbella, basierend auf großen mobilen Panels, Auf die abstrakte Zeichnungen projiziert werden, die dank des großartigen Lichtdesigns von Eduardo Bravo an Relevanz gewinnen, abwechselnd warme und kalte Töne, abhängig von der Entwicklung der Handlung und dem psychologischen Zustand der Charaktere.

In der ersten Szene des Prologs, Diese Paneele sind perfekt nach unten ausgerichtet und mit reichlich goldener Beleuchtung versehen, reproduzieren einen großen Saal des Grimani-Palastes in Venedig, voller Extras, einschließlich Gennaro und seiner Freunde, die während der venezianischen Karnevalsfeierlichkeiten tanzen und Spaß haben. Ya, in der zweiten Szene, plötzlich, Die Charaktere verschwinden außer Gennaro, der schläft, Die Beleuchtung wird dunkler, und hinten auf der Bühne sehen Sie die Ankunft einer Gondel, von der Lucrecia abstammt, näher an Gennaro heran, Dadurch entsteht eine schnelle Bewegung der Paneele, die dem Raum einen deutlich intimen Charakter verleiht.

Das Szenario wird am Ende des Prologs wiederhergestellt, die großen anfänglichen Dimensionen mit dem Erscheinen von Gennaros Gruppe von Freunden, die Lucrezia hart zurechtweisen. Die Szenerie erhält zu Beginn des ersten Aktes eine echte visuelle Anziehungskraft, wo ein paar Paneele unterschiedlicher Höhe mit hellem Licht, das ihnen eine silbergraue Farbe verleiht, reproduzieren den Eingang des Ferrara-Palastes (Wohnsitz von Lucrezia und ihrem Ehemann, Herzog Alfonso D'Este) mit großen Buchstaben, die vertikal auf der Bühne mit dem Nachnamen BORGIA stehen, die sich auf einem polierten Bühnenboden widerspiegeln. Das anfängliche B wird von Gennaro zerlegt, um das Wort ORGIA zu werden, Das wird der Auslöser für das ganze Drama danach sein. auch, in diesem Akt ich, wieder, Die schnelle Bewegung der Paneele schränkt das Privatbüro des Herzogs ein, wer wird eine starke Diskussion mit seiner Frau Lucrezia haben, und in diesem Raum erscheint der berühmte "vitruvianische Mann", gezeichnet von Leonardo de Vinci, räumlich reproduziert., ein deutlich Renaissance-Symbol, das platziert die Handlung in einem konkreten zeitlichen Raum.

Ya, in Akt II, Gennaro neben einem Modell der Stadt Ferrara erhebt sich von der Bühne, auf der sich böswillige Intrigen entfalten, in einem Versuch zu erfassen, gleichzeitig, in verschiedenen dramatischen Ebenen, die rohe reale Welt und die Fantasie, in der sich Gennaro bewegt. Von großer visueller Wirkung ist die tragische Schlussszene der Oper, wo der szenische Raum von den Paneelen begrenzt, Es ist schwach beleuchtet mit kühlen bläulichen Farben, die sich von dem wunderschönen roten Kleid von Lucrezia abheben, erstellt von Pepa Ojanguren, der sowohl in den eleganten als auch in den glamourösen Kleidern, die für Lucrecia entworfen wurden, voll triumphiert, wie in der nüchternen und zeitlosen Kleidung der männlichen Besetzung.

Fabio Biondi, der derzeit mit Roberto Abbado die musikalische Leitung des Palau de Les Arts teilt, hat mit seinem Europa Galante-Outfit echten Ruhm erlangt, im Barock- und Mozartrepertoire. Lucrezia Borgia war ihr erster Ausflug in das Belcanto-Repertoire, Zumindest in diesem Theater. Biondi hat versucht, dem Orchester eine echte Bedeutung zu verleihen, bietet eine historistische Lesung, einschließlich eines Klaviers in der Grube. jedoch, In dieser Partitur sind die Stimmen am wichtigsten, was resultierte, zeitweise, durch übermäßiges Orchestervolumen geschädigt.

Seine Richtung sündigte etwas langsam in Momenten des Prologs und des zweiten Aktes. jedoch, Er leitete das großartige Orchester der valencianischen Gemeinschaft, mit ausgezeichneter Leistung von Metallen und Hölzern, besonders Flöten, Klarinetten und der schöne Klang des Oboensolisten. auch, heben Sie die hervorragenden Interventionen der Harfe hervor, die die Solistenaufführungen von Lucrezia begleiten.

Die besten orchestralen Momente wurden in der Ouvertüre produziert, deren dunkle Eröffnungsakkorde zu einer fröhlichen und unbeschwerten Musik führen, die, ungebrochen, stellt die festliche und farbenfrohe Eröffnungsszene vor. Sehr erfolgreich dieses schöne musikalische Thema, das immer wieder die Anwesenheit von Lucrezia in ihrer großartigen Szene des Prologs kennzeichnet, und das wird im großartigen Trio von Akt I wieder auftauchen. auch beachten,, die Orchesteraufführung in Verbindung mit dem Chor und den Solostimmen in der großen Konzertante, mit der der Prolog endet. sowie, diese instrumentale Coda - typisch Donizettian- Abschluss von Lucrezia und Gennaros lebhafter Cabaletta am Ende von Akt I..

Die große Attraktion dieser Lucrezia Borgia war die großartige Interpretation der Sopranistin Mariella Devia, wer ist im Begriff, neunundsechzig zu werden, zeigt weiterhin seine großartige Technik, mit einer perfekten Positionierung und Projektion der Stimme, absolute Domäne des Legatenliedes, mit großer Kontrolle über den Fiat in den Schallschutzbestimmungen; und, im Besitz aller Eigenschaften, die der "Belcanto" verlangt.

Schon in seinem malerischen Eingang, zu Beginn des Rezitativs bietet uns „Tranquillo ei posa“ eine großartige „messa di voce“, und dann, meisterhaft und vollständig beherrscht er seine Beweglichkeit der berühmten Arie "Com'è bello"! Was für ein Zauber ", en cuya segunda part "Während das weiche Herz stöhnt", bietet komplexe Variationen und wunderschön verzierte Noten, besonders in den letzten Sätzen der Arie "Gioia sogna, und ein Angio. Du hast dich nur dem Vergnügen hingegeben ". Beeindruckend die Note auf dem Klavier, die er am Ende des Prologs für mehrere Takte hält.

auch, zeigt echte dramatische Stärke im Duo mit Alfonso aus Akt I.. Ya, in Akt II, spielt eine großartige Interpretation des schönen Largo „M’odi, Ah! ich hasse es, Ich flehe dich nicht an ", mit einer ausdrucksstarken und dramatischen Verwendung von Koloraturen. und, am Ende der Oper, bietet eine schillernde Interpretation der Cabaletta "Era desso il figlio mio", Seite der absoluten Virtuosität, wo er seine Beherrschung der Beweglichkeit bei der Ausführung von Trillern und komplexen Skalen zeigt, Drucken auf das Lied, zeitweise, ein schwindelerregendes Tempo, mit der Emission einer beeindruckenden Höhen zu schließen.

Das Mezzo Silvia Tro Santafé ist hervorragend in ihrer Interpretation von Maffio Orsini, zeigt große Musikalität, Beherrschung aller Aufzeichnungen und gute Auflösung der Beweglichkeit. All dies zeigt sich von Anfang an in der Oper, wenn er singt "Nella fatal di Remini e memorabil guerra ... Là nella notte tacita ..." wo er seine liebenswerte und zweideutige Beziehung zu Gennaro zum Ausdruck bringt. Er verleiht Sätze wie „Maffio Orsini, Frau, son io “sprach Lucrezia am Ende des Prologs verächtlich an. auch, spielt eine großartige Aufführung des langen Duetts mit Gennaro aus Akt II, derjenige, der das kostbare Arioso "Onde a lei ti mostri grato" durchsetzt, wo Silvia Tro ihre makellose Gesangslinie zeigt. Deslumbrante ergibt sich aus einer Interpretation der berühmten Brindis "Das Geheimnis, glücklich zu sein" en cuya segunda Teil "Lassen Sie uns die blühenden Jahre nutzen", fügt meisterhaft eine Reihe von Variationen ein.

Der junge kroatische Bassbariton Marko Mimica, in der Rolle von Alfonso D'Este Herzog von Ferrara, zeigt kraftvolle Vokalmedien neben guter Bühnenperformance. Sehr bemerkenswert und voller edler Akzente ist seine Interpretation in Akt I der Rezitativ-Arie-Kabalette „E l’ultium’alba è questa …… Vieni: meine Rache ... Niemals für diese Verrückten ". Schwache Leistung des amerikanischen Tenors William Davenport als Gennaro, mit Schwierigkeiten, die Stimme zu projizieren. Seine Interpretation der Arie ist im Prolog „Di pescatore ignobile“ diskret., und zeigt alle seine Mängel im Duett mit Lucrezia, vor allem in der lebhaften cabaletta „Unglücklich! Das Gift, das ich getrunken habe!Mit welchem ​​Akt ich ende.

Gute Leistung von den übrigen Dolmetschern, fast alle aus dem Plácido Domingo Center for Improvement, vor allem der Bass Michael Borth und der Tenor Moises Marín, jeweils Astolfo und Rustighello, besonders in ihrem düsteren Duett aus Akt I.. wie immer, Die Aufführung des Chores der Generalitat Valenciana war großartig, Regie führte sein Besitzer Francesc Perales.
Text: Diego Manuel Garcia Perez
Bilder: Tato Baeza

I Vespri Siciliani

Der Palau de les Arst, hat seine neue Saison mit begonnen I Vespri Siciliani, eine Verdi-Oper authentischen Reiz, obwohl wenig von der Öffentlichkeit bekannt, da es wird selten gezeigt. nur, seine prächtigen Ouvertüre wird oft als Teil des Konzerts enthalten. deshalb, für Valencia Kolosseums eine Oper wie dies war eine Herausforderung, vor allem, für ihre hohe Anforderungen an die Stimm Ebene.

Nach dem Erfolg der sogenannten "Volkstrilogie" von Rigoletto de 1851, zusammen mit Il Trovatore und La Traviata wurden beide uraufgeführt 1853, Giuseppe Verdi beginnt seine Karriere zu überdenken, mit der Absicht, ihre kreativen Bemühungen zu verlangsamen, dass 1839 und 1953, Sie hatten achtzehn Opern produziert, Fast alle von ihnen sind von Eile geprägt, mit hoher Geschwindigkeit komponieren müssen - manchmal zwei Opern im selben Jahr- die Anforderungen der Theater zu erfüllen.

Busettos Komponist beschließt, weniger Quantität und mehr Qualität anzubieten, Frucht einer entspannteren Arbeit, mit der Auswahl attraktiver Texte, zusammen mit einer aufwändigeren Musik und einer Orchestrierung von größerer Komplexität und Raffinesse. Diese neue Bühne beginnt mit der Komposition von Les Vêpres Siciliennes (Die sizilianische Vesper) im Auftrag der Pariser Oper.

Verdi kam im Frühjahr in die französische Hauptstadt 1854, Beginn der Suche nach einem Text, der Anziehungskraft und authentische dramatische Kraft hatte.

jedoch, Angst, den Geschmack der französischen Öffentlichkeit nicht zu treffen, habe das Thema nicht gewählt, stattdessen gab er es Eugene Scribe in Auftrag, berühmter Librettist, der eng mit der Pariser Oper verwandt ist, der Verdi als Argument vorschlug, fand eine Veranstaltung in Sizilien statt, speziell in seiner Hauptstadt Palermo, in 1282, während der französischen Besetzung der Insel und im Vorfeld eines Aufstands des sizilianischen Volkes, militärisch und finanziell unterstützt von Pedro III von Aragon, offen konfrontiert den französischen König Carlo I von Anjou.

Verdi widmete fast ein Jahr der Komposition seiner neuen Oper, deren Struktur typisch für die "Grand Opera" mit ihren fünf Akten und einem attraktiven Ballett von bestimmten Ausmaßen namens "The Four Seasons" war., eingefügt in Akt III. schließlich, Les Vêpres Siciliennes wurde an der Grand Opera in Paris uraufgeführt, in einer "soirée de gala" die 13 Juni 1855, zeitgleich mit den Feierlichkeiten der Weltausstellung, die in der französischen Hauptstadt stattfand. Das in französischer Sprache verfasste Original-Libretto wurde von ins Italienische übersetzt Arnaldo Fusinato, und diese neue Version mit dem Titel I Vespri Siciliani, Premiere am Teatro alla Scala in Mailand, die 4 Februar 1856. In späteren Jahren, Die Oper in ihrer italienischen Fassung hatte eine gewisse Tournee auf internationaler Ebene, in die absoluteste Vergessenheit geraten.

Seine Genesung erfolgte in 1951, Jahr des fünfzigsten Todestages von Verdi, mit einer Produktion im Maggio Musicale Fiorentino uraufgeführt, Musikalisch geleitet von den Großen Erich Kleiber, das kennzeichnete die imposante Schaffung von Maria Callas als Herzogin Elena, mit einem anderen außergewöhnlichen Dolmetscher, der bulgarische Bass Boris Christoff auf die Rolle von Giovanni da Procida, Das führende Quartett wurde durch den hervorragenden Guido de Monforte vervollständigt, der vom Bariton gespielt wurde Enzo Mascherini, nur zur diskreten Wiedergabe des griechischen Tenors Giorgio Bardi Kokolios wie Arrigo. Der absolute Erfolg dieser florentinischen Darstellungen, führte zu dem Titel, der für die Saisoneröffnung des Teatro alla Scala in Mailand am gewählt wurde 7 Dezember 1951, mit musikalischer Leitung von Victor de Sabata, mit den gleichen Interpreten von Florenz und dem deutlich verbesserten Arrigo des nordamerikanischen Tenors Eugene Conley.

In jüngerer Zeit gab es wichtige Aufführungen dieser Oper, wie die, die im Teatro Comunale in Bologna stattfanden, in 1986, Regie führte ein junger Riccardo Chailly und eine großartige Besetzung, zu der auch Leo Nuccis Monforte gehörte, mit dem hervorragenden Tenor Veriano Luchetti als Arrigo, das sehr niedrige Lösungsmittel Bonaldo Giaiotti wie Procida und Elenas großartige Leistung, aufgeführt von der amerikanischen Sopranistin Susan Dunn.

auch beachten,, die Funktionen, die die Einweihung der Scalígera-Saison von 1989-1990, mit der außergewöhnlichen Richtung von Riccardo Muti, und eine sehr bemerkenswerte Gruppe von Darstellern, die Cheryl Studer als Elena vorstellten, Giorgio Zancanaro in einer brillanten Interpretation von Monforte, Chris Merritt als Arrigo und Ferruccio Furlanetto in der Rolle von Procida. Beachten Sie, dass diese Mailänder Aufführungen das schöne Ballett "Die vier Jahreszeiten" beinhalteten., was normalerweise weggelassen wird. Es gibt zwei Videoaufnahmen, während der Aufführungen im Teatro Comunale in Bologna und an der Mailänder Scala, die später auf DVD veröffentlicht wurden.

Der Palau de les Arts hat für diese Aufführungen von I Vespri Siciliani ausgewählt, eine Koproduktion des Teatro Reggio di Torino und der in Bilbao ansässigen ABAO-OLBE, mit einer Inszenierung von Davide Livermore (aktueller künstlerischer Leiter von Les Arts) die im Teatro Reggio di Torino in uraufgeführt wurde 2011, anlässlich 150 Jahrestag der italienischen Einheit. Livermore verlegt die Aktion nach Sizilien von 1992, Jahr, in dem der schreckliche Angriff stattfand, in dem der Richter von der Mafia ermordet wurde Giovanni Falcone, seine Frau und drei seiner Begleiter.

Falcones Beerdigung fand in der Kathedrale von Palermo statt und wurde live für die ganze Welt übertragen. In Akt I, die Landschaft von Centineo Heiligen reproduzieren aquel Beerdigung, diesmal Federico gewidmet, dem Bruder der Herzogin Elena, von den Franzosen hingerichtet, mit dem Sarg auf den Schultern und einem Trauerzug, bei dem Elena und andere Damen zusammen mit Geistlichen auftreten.

Die Ernsthaftigkeit und Erinnerung an das Ereignis wird von den Videokameras, die es als echte „Reality-Show“ betrachten und deren Bilder auf zwei großen Bildschirmen zu sehen sind, maximal frivolisiert. deutlich, Dieser Ansatz bestätigt die Macht der Medien, die Realität zu manipulieren, immer im Dienst der korrupten politischen Klasse, in diesem Fall von der Mafia dominiert.

Viel besser geeignet ist die Kulisse von Akt II, wo es zeigt, in einer düsteren Umgebung, zwei zerstörte Autos, Anspielung auf den Angriff von Falcone und Markierung der Rückkehr des Patrioten Giovanni da Procida nach Palermo, bereit, einen Volksaufstand gegen die französischen Besatzer vorzubereiten.

jedoch, diese dramatische Landschaft, bleibt völlig fehl am Platz- während des Restes der Tat, Den Tanz in Form einer „Tarantella“ umfassen, die junge Sizilianer mit ihren Partnern tanzen, die ihnen von französischen Soldaten genommen werden, die sie missbrauchen, alles gewürzt mit starker Hintergrundbeleuchtung, das gibt der Szene eine nächtliche orgiastische Atmosphäre. und, schließlich, in demselben malerischen Raum, Auf dem roten Teppich ziehen die Paare vorbei, die zur Party von Gouverneur Monforte eingeladen wurden. im Hintergrund eine fröhliche "Barcarola" hören.

im Gegensatz, die Landschaft in Akt III, Es ist ein elegantes Gebäude mit rationalistischer Architektur, was zu einer parlamentarischen Kammer führt, in der der "Masquerade Ball" stattfindet, wo die Verschwörer Gouverneur Guido de Monforte ermorden wollen.

Ya, am Ende des Aktes, in den großen Fenstern des Halbrads, Es werden Bilder von Charakteren aus allen Bereichen projiziert, die die Geschichte von "Unified Italy" geprägt haben: Politiker wie Cavour, De Gasperi, Aldo Moro, Giulio Andreotti, zusammen mit Sportlern wie Fausto Coppi oder Schauspielern wie Marcello Mastroianni und Dramatikern wie Darío Fo, Bilder, die mit italienischen Flaggen verschmelzen.

Und in Akt IV, das Gefängnis, in dem Elena und Procida sind, Es hat auch den Stil des Gebäudes, der zu Beginn des vorherigen Aktes beschrieben wurde, mit schwarzen und symmetrischen vertikalen und horizontalen Strukturelementen, Verbessert durch exzellente Hintergrundbeleuchtung in verblassenden Orangetönen, um einen dunklen und bedrückenden Bühnenraum freizulegen, das driftet zu einem offenen und fröhlichen Raum, in dem Elena und Arrigo mit Monforte auf einem Rednerpult zu sehen sind, wer kündigt die Ehe Verpflichtung von beiden. Zu Beginn von Akt V., Der Stil der "Reality Show" wird wiederhergestellt, Akt I, mit der Party, auf der die Hochzeitsvorbereitungen von Elena und Arrigo getroffen werden, gewürzt mit den Interventionen von Tänzern, deren Kostüme und Entwicklungen auf eine Magazinshow hindeuten.

Das tragische Ende der Geschichte, mit dem Aufstand der Sizilianer gegen die Franzosen und dem Massaker, bei dem die Protagonisten sterben, ist gepolstert und zeigt nur ihre liegenden Körper, im wiederhergestellten Bühnenraum der parlamentarischen Kammer, Am Ende des ersten Artikels der italienischen Verfassung steht projiziert: "Die Souveränität liegt im Volk, wer übt es in Übereinstimmung mit der Form und den Grenzen aus, die in der Verfassung festgelegt sind? ". Die Livermore-Inszenierung, Ergebnisse, zeitweise, interessant und originell, obwohl übermäßig der italienischen Welt umschrieben. Das Valencian Community Orchestra hat erneut seine hervorragende Qualität unter Beweis gestellt, in lösungsmittelhaltiger Weise von Roberto Abbado durchgeführt, aktueller musikalischer Leiter von Les Arts.

Der Orchesterklang war bei der Ausführung der umfangreichen Ouvertüre von großer Brillanz, eine der schönsten verdianischen symphonischen kreationen, wo das lebendige und wiederholte zentrale Thema auffällt, zusammen mit einem weiteren großen melodischen Impuls, der im großen Duett von Arrigo und Monforte aus Akt III wieder auftauchen wird. Hervorragende orchestrale Auflösung von Akt II, mit Seiten von großer dramatischer Intensität zusammen mit anderen mit folkloristischem Charakter "La tarantela" und "La barcarola". Großartige Aufführungen der Orchestereinführungen der übrigen Akte, wo sich die Leichtigkeit dieser Musik in Form eines Tanzes abwechselt, der Akt III vorwegnimmt, mit dem sehr trostlosen und düsteren, der den Beginn von Akt IV markiert, im Vergleich zu der festlichen und folkloristischen Natur, die durch Akt V eingeführt wurde.

Beachten Sie auch, dass das Orchester in dem imposanten Konzert, das Akt III abschließt, und im Verlauf der letzten beiden Akte brillant glänzte, vor allem, im dramatischen Ende der Oper. Im Inneren die hervorragende Leistung aller Orchesterabschnitte, Es sollte erwähnt werden, dass Roberto Abbado Blechbläser und Schlagzeug wurden stärker in den Vordergrund gerückt, was die Momente der größten Orchesterkraft verstärkte, obwohl die Saite Momente von extremer Qualität in Begleitung von Monfortes Arie aus Akt III hatte. Weisen Sie auf den kostbaren Orchesterklang hin, der Procidas Intervention begleitet "Auf Wiedersehen, mein Heimatland " Act IV. Abbado zeigte konzertierte Fähigkeiten, wobei er sich maximal um die Begleitung der Sänger kümmerte, vor allem zur Sopranistin.

Unter den Solostimmen ist es hervorzuheben Gregory Kunde, wie Arrigo, wer auch immer, zeigt seine Beherrschung des verdianischen Gesangsstils, mit einer prägnanten Phrasierung, und ein brillantes hohes Register, zusammen mit einer nuancierten und ausdrucksstarken Interpretation. Die Rezitativ-Arie sticht in ihrer großartigen Szene von Akt IV hervor „Das Schild ist von Monforte….schreien Tag, von heftigen Schmerzen ", gefolgt vom langen und intensiven Duett mit Elena, voller intensiver Lyrik und dramatischer Akzente, wo es eine ganze Interpretationsstunde bietet.

Der nordamerikanische Tenor ist großartig in den Heldenduetten mit Monforte in Apostelgeschichte I und III, und in seiner großartigen Interpretation des Tripletts mit Elena und Procida am Ende der Oper, wo sein Lied, akquiriert, zeitweise, intensive dramatische Töne. Gegen, Zeigen Sie Leichtigkeit im festlichen Duett mit Elena aus Akt V. "Die Brise schwebt herum, um mein Gesicht zu streicheln", obwohl, das abschließende D über das Wort aussenden "Auf Wiedersehen" mit einer hässlichen Falsettnote.

Der Uvense Bariton Juan Jesus Rodriguez führt eine gute Interpretation von Guido de Monforte, zeigt die wechselnden Stimmungen des Charakters und glänzt brillant in seiner Solo-Intervention von Akt III, mit einer großartigen Interpretation der Arie "In den Armen des Reichtums", wo es eine ausgezeichnete Gesangslinie im besten verdianischen Stil bietet.

Beachten Sie auch seine Interventionen in Duetten mit Arrigo, insbesondere in Akt III, mit diesen schönen Sätzen „Während ich über dieses geliebte Gesicht nachdenke, Sprung vor Freude Ich fühle mein Herz…" wo eines der musikalischen Themen der Ouvertüre aufgegriffen wird.

niedrig Alexander Vinogradov, bot eine etwas gutturale Stimme in den niedrigen und zentralen Registern, dass man beim Aufstieg zum Scharfen an Helligkeit und Intensität gewinnt.

Führen Sie eine nuancierte Wiedergabe des nostalgischen Ariers durch "Oder dein Palermo, verehrtes Land " eine der schönsten Seiten von Verdi für Bass. auch Highlights, seine Interpretation der schönen Seite "Auf Wiedersehen, mein Heimatland " im Quartett mit Monforte, Arrigo und Elena aus Akt IV. und, hat lebendige Auftritte im dramatischen Trio mit Elena und Arrigo am Ende der Oper.

Am Tag der Premiere war die junge Jerez-Sopranistin an der Reihe Maribel Ortega, singe die sehr schwierige Rolle von Elena, mit extremen stimmlichen Anforderungen. Ernsthafte Verantwortung, der der Sänger mit einem hohen Maß an Professionalität gegenüberstand. Seine Leistung war nicht diskret, in Akt I, besonders in seiner Interpretation der Cabaletta "Mut, seine, Mut". Es war im "Bolero" von Akt V nicht sehr genau. Verbessert im Duett mit Arrigo, besonders im langen und intensiv lyrischen Akt IV. Auch in der großen Szene mit Monforte, Arrigo und Procida, die diesen Akt abschließen. Er hatte seinen besten Moment im abschließenden Triplett der Oper mit Procida und Arrigo, wo er ein Paar hoch aufragende Höhen platzierte. Nun, der Rest der Dolmetscher, fast alle vom Zentrum für Perfektion Placido Domingo.

wieder, die Chor der Generalitat, In seinen zahlreichen Interventionen in der gesamten Oper hat er erneut seine große Qualität unter Beweis gestellt. Seine Leistung in der großen Konzertante des dritten Aktes war sehr herausragend., im atemberaubenden Moment von Akt IV, einen der Psalmen singen "Tief", Anhänger der Konzertantin „Minister für Todesverhaftungen!Das schließt den Akt: eine sehr schöne Verdi Seite. Ya, Am Ende der Oper erstrahlt der Chor im Beeindruckenden "Vendetta! Vendetta!”.
Text: Diego Manuel Pérez Spiegel
Bilder: Tato Baeza

Die sizilianische Vesper
Giuseppe Verdi (1813-1901)
Drama in fünf Akten
Libreto von Augustin Eugène Scribe und Charles Duveyrier
D. Musical: Roberto Abbado
D. Szene: Davide Livermore
Szenografie: Centineo Heiligen
Kleiderschrank: Giusi Giustino
Beleuchtung: Andrea Anfossi
Choreographie: Luisa Baldinetti
Cor de la Generalitat Valenciana
Francesc Perales, Direktor
Orchester von Valencia
Besetzung: Gregory Kunde, Maribel Ortega, Juan Jesus Rodriguez, Alexander Vinogradov, Andrea Pellegrini, Cristian Diaz, Nozomi Kato, Moses Marin, Andrés Sulbarán, Jorge Álvarez und Fabián Lara.

Sabato

Vor zwei Jahren war es das Debüt Peralada von Xavier Sabata (Avia, Barcelona, 1976), die erzielte einen großen Gewinn mit dem Konzert mit dem Titel wurde "Furioso oder auf den Spuren von Orlando". Seine Rückkehr nach Peralada, Er hat in der Programmierung der dreißig Ausgabe des Festivals Ampurdanés eine der größten Attraktionen gewesen. Altus Barcelona zeigte wieder seine musikologischen Bedenken, zu entwickeln, ein Programm um die Figur des Alexander der Große, durch verschiedene Titel Barockopernrepertoire, dass seine thematischen Fokus auf die Figur des großen griechischen Eroberer. berechtigt "Alexander der Große, der Mann, der die Welt besiegt " Das Konzert fand in der Kirche von Carmen de Peralada, letzte 7 August, wo Xavier Sabata, Er wurde von einem Kammerorchester mit Mitgliedern der polnischen Seite begleitet Capella Krakow, von Geigern gebildet Zofia Wojniakiewick und Thomas berg neben der Bratsche Mariusz Grochowski, Cellist Agnieszka Oszańca, Bass zenon Skiba und Oboen Taka Kitazato und Alayne Leslie, alle führten sie von Tomasz Adamus auch verantwortlich für das Cembalo. Das Verdienst von Xavier Sabata ist eine Reihe von Barockopern erholt, die nicht wieder ab dem Zeitpunkt ihrer jeweiligen Premieren gehört hatte Hoffart d'Alessandro (1690) von Alessandro Steffani. Abdolomino (1711) und Die Euleo festeggiante im Gegenzug von Alexander dem Großen von Indie (1699) von Giovanni Battista Bononcini. Alexander der Große in Sidon (1706) von Francesco Mancini. Alessandro nell'Indie (1732) von Giovanni Battista Pescetti. Alexander und Poros (1744) von Carl Heinrich Graun. Alessandro nell'Indie (1729) von Leonardo Vinci und Alessandro in Persien (1741) von Leonardo Leo.

Das Programm umfasste auch zwei Opern Seiten am besten bekannt und vertreten: Poro (1731) und Alessandro (1726) beide Georg Friedrich Händel. Das Konzert begann mit einzelnen Orchester Seiten gut durch die Capella Cracoviensis interpretiert, Gehören zu den Opern Der Stolz von Alexander Steffani und Alessandro Abdolomino Giovanni Battista Bononcini, und eine andere Oper von demselben Autor mit dem langen Titel Die Euleo festeggiante in der Rückkehr von Alexander von Indie, die sie enthalten zwei Arien mit der Leistung von Xavier Sabata gestartet: in der ersten "Von Ihrer Lichter", wieder ein de Bravour Luft mit típica estructura, der Sänger zeigte seine technische Beherrschung der Koloratur mit einer Reihe von schweren feinen ausgestellt; und, gegen, die zweite "Clear Fackeln" klar intimen Charakter, wo Sabata zeigte eine feine Gesang voll melodismo, mit der einzigen Begleitung von Cello, dass machen diese Seite ein echtes Bedauern. In die gleiche Richtung intensiv melodischen, die schönen Arie fällt "Speichern eines großen" Oper Alessandro nell'Indie de Giovanni Battista Pescetti, eine schöne Orchestereinleitung, wo der Sänger zeigte seine Beherrschung komplexer Hinrichtungen verbunden milismas, seine Leistung in Klaviertriller zu dem Schluss, enthalten. Der erste Teil des Konzertes endete mit der Interpretation eines anderen Bravourarie "Spirits stolz auf Rache" Oper Alexander der Große in Sidon de Franc Manzini, dessen erster Abschnitt, Xavier Sabata war ein Lied voller Wut Noten ausgestellt dizzily, sowie seine große Theaterkapazität, auch die Weitergabe der Gäste heftig seine Seiten zu Gesicht.

Sábata2

Interpretiert von der Capella Cracoviensis Andante der Sinfonie zur Oper gehör Alexander und Poros de Carl Heinrich Graun, Er markiert den Beginn des zweiten Teils des Konzerts, Xavier Sabata weicht die Arie zu Angesicht "Servati bis hin zu großen Unternehmen" mit dem gleichen Text und Titel der Oper Alessandro nell'Indie aber ein anderer Autor Leonardo Vinci, wo, wieder, der Sänger zeigte seine stilistische Meisterschaft und große Fähigkeit, den schwierigsten agilities eine sehr reich verzierten Seite zu lösen, auch seine elegante Phrasierung und herrlichen Legato zeigt. Weiter in "Sie können beide zwei Lichter" Oper Poro Händel, mit einem brillanten Orchestereinleitung begonnen, Sabata bot wieder eine Reihe von Songs, die intime und melancholischen Ton der arischen hervorgehoben, Verbreiterung der Stimme und gibt seine Interpretation von starken Drama zu dem Schluss,. El Air "To Tell, ben mio, Ich möchte "de Alessandro in Persien Leonardo Leo, es wird eine wirklich liebevolle Aussage Alejandro ihr Liebhaber, mit Phrasen so intim und suggestive Charakter "Ich liebe es, dass, dass adore, Aber ich kann nicht sagen " von Sabata gesungen mit großem Stil und authentische Leidenschaft. Das Konzert endete mit der Interpretation der Bravourarie "Love Fach" Zugehörigkeit zu der Oper Alessandro Händel, wo der Sänger wieder seine hervorragende Technik zeigte mit komplexen Koloraturen zu bewältigen, mit Passagen mit hoher Geschwindigkeit ausgeführt, eine breite fiato für die Ausführung von langen Melismen und perfekte Oktavsprüngen zeigt, mit einer Beherrschung aller Aufzeichnungen und ein hohes Maß an Theatralik zu seiner Interpretation beitragen.

Vor dem kontinuierlichen Applaus von einem ekstatischen Publikum, Xavier Sabata führten zwei Arien aus Händels Opern Wege: "Early Rom und der frühen tè" von Scipione und "Vibra höfischen Liebe " von Alessandro. In der ersten, mit abwechselnd schnellen und langsamen Passagen, mit wiederholten Wiederholung der Titel Arie Phrase, mit unterschiedlichen Betonungen gemacht, wo der Sänger wieder bewiesen, seine Performance-Kunst. In der zweiten, Sabata zurückgekehrt, um uns mit der intimen Gesang und großer Feinheit zu erfreuen und zu verschiedenen Zeiten während dieses Konzert angeboten. Capella gute Leistungen der Sinfonie Cracoviensis zur Oper gehör Alexander der Große in Sidon von Francesco Mancini, wo die Violinen sind Dialoge herrlich mit schweren Seil, durch den Klang des Schlüssels verbunden. besonders hellen Moment in der Leistung des Polish Chamber Orchestra, Es war die Interpretation der Ouvertüre der Oper Händel Das Alexander-Fest. Gute Leistung Jan Tomasz Adamus sowohl seine Regiearbeit als Dolmetscher am Cembalo.

in Summe, ein Konzert der wahren Höhe, zeigt wieder, die große Kapazität von Xavier Sabata als attraktiven thematischen Programme zu entwickeln, mit seiner hervorragenden Qualität als Sänger, und, als versierter Schauspieler, die mit der Öffentlichkeit ein hohes Maß an Kommunikation zu etablieren.

Turandot

Das Festival Peralada Castle Er hielt seine dreißig Ausgabe, Programmierung Hervorhebung der beiden Aufführungen von Puccinis Turandot, die nahmen sie Platz im letzten 6 und 8 August, mit großem Erfolg von Publikum, das vollständig das Auditorium Parc del Castell gefüllt. Turandot Es wurde zum ersten Mal in den Festival Ampurdanés vertreten.

aber, gehen an Parteien, da, bevor Sie diese Darstellungen Verfolgung Turandot, Ich möchte den Leser auf die Ursprünge einführen, Entstehung und große Interpreten dieser Oper, die das Meisterwerk betrachtet werden kann Giacomo Puccini, wobei seine letzte, unvollendete Komposition und wo der große Meister Lucca baut eine Punktzahl von tollwütigen Moderne, wo es ist empfänglich für die großen musikalischen Veränderungen in der ersten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts, von Autoren wie Claude Debussy, Igor Stravinski, Richard Strauss und sogar Arnold Schönberg. jedoch, Reserveräume für die Fein melodismo in seinen früheren Opern.

Renato Simone und Giuseppe Adami, Sie waren verantwortlich für das Schreiben des Librettos, Anpassung des Spiels Turandotte der venezianischen Dramatikers Carlo Gozzi, wo die Elemente eingebaut “Commedia dell'arte”, mit Theatermasken Zeichen, und deren Uraufführung fand in 1762, Teatro San Samuele in Venedig. Gozzi Arbeit wurde ins Deutsche übersetzt von Friedrich Schiller, Es wird in germanischen Ländern im frühen neunzehnten Jahrhundert vertreten. in 1917, und das Opernhaus Zürich Opera uraufgeführt Turandot, von Ferruccio Busoni, , die neben der musikalischen Komposition, Er wurde beauftragt, das Libretto auf Deutsch von der Arbeit von Carlo Gozzi zu schreiben. deshalb, Puccini und seine Librettisten waren mit der Herausforderung der Rückkehr zu einem Thema konfrontiert schon mehrfach behandelt.

Die Entstehung von Turandot Es kam nur sehr langsam, ab 1920 und die sich über einen langen Zeitraum von vier Jahren. Im Frühjahr 1924, Adami Simone und absolvierte das Libretto; dass, in Bezug auf die Arbeit von Gozzi, Er stellte einige wesentliche Änderungen, wie die Schaffung eines wesentlichen Zeichen in der Entwicklung der Arbeit: der Slave Liù, süße Frau, große Weiblichkeit und Selbstlosigkeit, im Gegensatz zu der schönen und grausamen Prinzessin Turandot. Masken Tartaglia, Hose und falsche Darstellung Sie erscheinen in der Arbeit von Carlo Gozzi und Ferruccio Busonis Oper, werden Klingeln, mehr und Pong die dienen als Minister des chinesischen Reiches. Wegen der Rachen-Krebs, Puccini starb im November 1924, musikalisch verlassen unvollendet das Ende der Oper, aus dem Tod von Liù. Arturo Toscanini Er übernahm die Partitur, Anweisen des Komponisten Franco Alfano Abschluss. Alfano arbeitete von ein paar Noten von Puccini links vor dem Sterben, einige eigene Musik hinzufügen und einige frühere Themen der Oper Aufnahme, mit einem hellen und triumphalen Abschluss. grundsätzlich, Alfano Arbeit wurde zuletzt etwa 22 Minuten, Toscanini reduziert bis fünfzehn. Das kürzere Ende des Alfano, Es ist derjenige, der in der Regel seit der Uraufführung der Oper vertreten hat, widergefahren die 25 April 1926, Teatro alla Scala in Mailand, Regie von Arturo Toscanini und die Dolmetscher Montage durch die polnische Sopranistin gebildet Rosa Raisa als Turandot, die Calaf unserer großen Miguel Fleta und María Zamboni der Charakter Liù. Bei der Premiere von Turandot, und kurz nach dem Tod von Liù, der Maestro links Toscanini den Stab, und wenn der Vorhang fiel langsam, Er wandte sich das Publikum mit diesen bewegenden Worten “Hier endet die Oper, an dieser Stelle, weil der Meister gestorben” In der zweiten Funktion enthalten das Ende des Franco Alfano

die 25 Januar 2002, mit Riccardo Chailly vor dem Amsterdam Concertgebouw Orchestra, Die Premiere auf dem Festival von Las Palmas, ein neues Ende des Komponisten Luciano Berio, basiert auf Notizen, links von Puccini, und auch mit eigenen Musik, wo eine lange musikalische Zwischenspiel enthalten, als Übergang von der radikalen Veränderung der Haltung gegenüber Calaf Turandot. und, der letzte Moment der Oper, offen und meditativen Posen mit Klavierklänge, verglichen mit dem starken und sieges vorgeschlagen von Franco Alfano. Neue Produktionen Turandot, die endgültige Verbindung von Luciano Berio wird immer häufiger angepasst.

Turandot Er hatte eine goldene Ära zwischen den späten fünfziger und frühen siebziger Jahren des letzten Jahrhunderts, wenn sie zusammen kamen zwei große Sänger: Birgit Nilsson als Turandot und Kalaf Franco Corelli, die nicht nur interpretiert ihre Charaktere, aber, in einer seltenen Stimme und dramatischen Identifizierung, Sie waren wirklich Turandot und Kalaf. Sie einigten sich auf die Szene in mehr als fünfzig Mal, Nachdem Vermächtnis mehrere Aufnahmen sowohl im Studio- und Live-Aufnahmen, wo Sie ihre außergewöhnlichen Kreationen hören, in der Gesellschaft von Alternativen und herrlichen Liù, als Mirella Freni, Renata Scotto, Rossanna Carteri, Clara Petrella, Teresa Stratas, Anna Moffo, Pilar Lorengar oder die russische Galina Visnevskaja. In der Mitte der siebziger Jahre und fast unisono der letzten Aufführungen von Birgit Nilsson als Turandot, übernimmt die bulgarische Sopranistin Gena Dimitrova, und ein paar Jahre später die ungarische Eva Marton. Beide Sänger verpflichten großen Leistungen der schrecklichen chinesischen Prinzessin, praktisch bis zum Ende des letzten Jahrhunderts. Placido Domingo Er hat zahlreiche und brillanten Leistungen von Calaf gemacht, Er ist der einzige, der gekommen ist, mit Birgit Nilsson zu singen, Gena Dimitrova y Eva Marton. Die schwedische Sopranistin Irene Theorin, Es hat sich in den letzten zehn Jahren in der offiziellen Turandot werden, gespielt wird es über hundert Aufführungen in. Seine kraftvolle vocalism und große Bühnenpräsenz haben die große Attraktion der beiden Funktionen gewesen Turandot, Peralada vertreten in den letzten Tagen 6 und 8 August.

Eine der Attraktionen dieser neuen Produktion Turandot für das Festival von Peralada gemacht, Design ist die Menge von Paco Azorín, deren minimalistischen Charakter schmälert nicht ein Jota von visuellen Reiz, und dass stellt eine rotierende zentrale Struktur mit einem Gitter aus Holz Pagode, und eine interne Treppe führt zu einer erhöhten Plattform, wo Prinzessin Turandot majestätische Art und Weise in Akt I erscheinen. Treppe und Plattform verschwinden aus dem ersten Akt II. Die Rückseite der Bühne wird von einem riesigen Gong dominiert, beleuchtet mit verschiedenen Farben auf die Entwicklung der dramatischen Handlung abhängig. An den Enden der Bühne zwei Boxen befinden, die verschiedenen Aktionen in der gesamten Entwicklung der Darstellung untergebracht werden. deutlich, dieser Satz von einfachen Strukturen ermöglicht eine interessante Inszenierung, in den Händen Mario Gas, Es war äußerst statisch. nur, die schillernde Erscheinung auf der Bühne der Minister Ping, Pang y Pong, auf den jeweiligen chinesischen Karren und Theater in der gesamten Leistung gewisse Dynamik szenische Aufführungen produzieren. Diese Wagen wieder erscheinen trägt eine schöne Kurtisanen, Wenn die Minister wollen Calaf im dritten Akt zu bestechen. Es sollte den Erfolg von Mario Gas Turandot eine Präsenz der Göttin auf einer erhöhten Plattform zu zeigen, zu beachten,, in seinem ersten Bühnenauftritt, die er immer eine humanere und unsicher, wenn fast verschwindet es auf der Bühne zu sehen, dass Calaf die dritte der Rätseln getroffen hat. Klingeln, Pang und Pong sind auch sehr gut charakterisiert, zeigt seine ambivalenten Charakter: komisch und grotesk in Akt I, extremer Grausamkeit, wenn sie Liù in Akt III foltern; und, in seiner großen Szene des zweiten Aktes, Mario Gas stellt sie als eine echte Schmarotzer, trinken, Schnauben Kokain und Opium rauchen. Weitere Details dieses fantastische Szene, Sie sind ziemlich fehl am Platz, wie die Verwendung, zu Beginn der Oper, von einer der Seitenkästen, zwei Kurtisanen, die durch eine Gebärdensprache Mandarin Edikt übersetzt, Zuschauer ermöglichen, sind nicht richtig konzentrieren oder die Interpretation des Sängers, oder Hören der Musik schockierend läuft. Dies ist in der Tat II wiederholt, dieses Mal von Ping, Pang y Pong, wenn wieder erscheint Mandarin. und, Es ist völlig unpassende, Diese beiden Boxen werden verwendet,, in Akt III, von Pang und Pong, Hühner zu schlachten, während Ping Folter Liú, immer grotesk und geschmacklos einer der dramatischsten Momente des ganzen Werkes. Nach dem Tod von Liù, das Orchester, Mario Gas und startet sich über den Lautsprecher die zuvor erwähnte Rede Arturo Toscanini, die Premiere Turandot; für, dann, und sehr fragwürdige Art und Weise, laufen um das Ende der Kurzversion von Franco Alfano Oper- mit der modernen Smokings gekleidet Darstellern, als ob es sich um eine Leistung in Konzertform.

Es ist angebracht, Kostüme Antonio Belart, vor allem in den prächtigen Kleider Turandot, und im allgemeinen aller edlen Klasse, originelle Outfits führt, die Ping ausstellen, Pang y Pong, Westliche Anzüge deutlich chinesische Gala typischerweise durch Schichten bedeckt. und, gegen, die schlechte Kleidung der populären Klassen, mit klaren Nicken zu der maoistischen Ära. Hervorragende Lichtdesign von Quico Gutierrez, deren erfolgreichen Einsatz, ergänzt und hellt die einfache Landschaft.

Die Leistung der Liceu Symphony Orchestra, Es resultierte diskret, seit dem Regisseur Giampaolo Bisanti Er konnte nicht in ausreichendem Maße die reiche Orchestrierung von Puccini betonen. auch, Es sollte akustische Probleme zu beachten, dass in einem Outdoor-Einstellung auftreten, vor allem in der Oper als gegen Klanglichkeit. Die Adresse Bisanti hat seine besten Leistungen in den schönsten Momenten der melodischen Inhalt, wie Szene “Singen auf dem Mond” in Akt I, impressionistischen Licht Geschmack. Auch in der Ausführung der exotischen Musik, deutlich chinesischen Stil, Begleit Interventionen Ping, Pang y Pong, in seiner langen Szene des zweiten Aktes. In den Momenten der größten Spektakel, Bisanti belästigte klingt Fortissimo. Gute versöhnlich Werk des italienischen Regisseurs sollte in begleitenden Sänger darauf hingewiesen,, vor allem in den zarten Arien von Liù interpretiert, oder die schönen Phrasen, wenn Calaf Turandot drängte seinen Namen vor der Morgendämmerung zu erraten: "Mein Name ist nicht weiß,. Sag mir, mein Name. Sag mir, meinen Namen vor Sonnenaufgang, und in der Morgendämmerung ich sterbe ", deutlich, einer der schönsten Momente der Oper.

In Bezug auf die Solo-Sänger, es soll in erster Linie der großen Leistung von Irene Theorin als Turandot zu beachten,, Er zeigt seine schöne und kraftvolle Stimme geschmeidigen Timbre, mit perfekter Legato und hoher Kapazität in den Verordnungen, Sounds von forte zu zarten Noten in Pianissimi, mit einer nuancierten Interpretation, geben echte dramatische Erleichterung für jeden Satz, jedes Wort gesungen. Die schwedische Sopranistin Kraft und Mut gegenüber den schrecklichen tessitura "In diesem Palast", mit einer Fülle von hohen Tönen, die vertikal angegriffen werden müssen,, einige von ihnen durch Theorin mit einer gewissen Enge ausgegeben. Seine Auslieferung wurde gewinnt in Qualität und Intensität während der Szene der Rätsel, durch die Arie gefolgt "Sohn des Himmels", wo alternative meisterlich zu singen und Klavier forte, bietet diese Zeit, sehr gut einige hohe Töne platziert. Seine Interpretation war wirklich außergewöhnlich um das Ende der Oper, neben einem Calaf Roberto Aronica holzig Timbre und unregelmäßigen Ausgabe, die bereits zu nicht in der Lage gezeigt, um die poetische Akzente Arie zu verfeinern "Nicht weinen, Liù". Er hatte echte Probleme am Ende des ersten der Rätsel, und weggelassen, um die alternative C4, entsteht, in der Phrase "Nein, Nein, Princess Abspaltungen! Ich möchte Sie alle brennen mit Liebe ", wenn Calaf Turandot tadelt, nach der Szene der Rätsel. Seine Interpretation des berühmten "Nessum dorma", es war nicht diskret, mit gewissen Diskrepanzen in Bezug auf den Orchesterklang.

Große Leistung von der Sopranistin Maria Katzarava, als Liù, mit einer Stimme attraktiv Timbre, eine große und elegante Phrasierung zeigt, große Fähigkeit, den Klang und die gute Beherrschung aller Datensätze aus einem Brunnen zu einer hervorragenden Besetzung ernst Aufstiege zu scharf zu regulieren. Er zeigte eine feine Linie skandierten "lord, Streams ", Akt I, bis forte und wieder in einem brillanten Pianissimi, um die Arie beenden den Klang der Pianissimi Regulierung "Voice-Setup". Und im dritten Akt, seine Leistung gestreift hoch in zwei aufeinander folgenden Arien: "Die Liebe?…So geheime Liebe und inconfesato ", und vor allem, in der schönen Andantino "Tu che di gel sei Cinta", gesungen mit schmerzlichem Ausdruck. in Summe, eine großartige Leistung der jungen mexikanischen Sopranistin, entworfen, um eine großartige Karriere zu machen.

Timur gute Leistung wie die jungen unter Andrea Mastroni, ausstatten edle Akzente für alle seine Interventionen, vor allem in der konzertant mit dem ersten Akt endet, und pathetisch sangbar über den Körper von Liù.

Eine weitere der Attraktionen dieser Darstellungen waren die großen Leistungen der Bariton Manuel Esteve und Tenöre Francisco cisco~~POS=HEADCOMP Vas und Stephen Vincent, jeweils als Minister Ping, Pang y Pong, vor allem in der großen Szene des zweiten Aktes. Von den dreien, Er schien sehr Francisco Esteve, Wer ist verantwortlich für die längsten Interventionen. Alle von ihnen ausgezeichnete vocalism und große Theater Fähigkeit in ihre Veränderung von Einstellungen während der gesamten Leistung verschworen.

Ein Luxus der Gegenwart des Tenors Sobald Josep wie der Kaiser Altoum, was auf eine Rolle echte Erleichterung in der Regel zu Tenöre Rückgang zugewiesen. deutlich, sein Duett mit Calaf in Akt II "Ein schrecklicher Eid zwingt mich" seine Leistung war noch besser als Roberto Aronica. Während die Auslegung Jose Manuel Diaz wie Mandarin, in seinen beiden Auftritten Durchführung.

Die Chöre sind von wesentlicher Bedeutung in dieser Oper, mit seinen fast kontinuierlichen Bühnenpräsenz, wo er die Betonung der Veränderung von Einstellungen von Menschen zu Ereignissen, die entwickelt werden. Die Bereitstellung Intermezzo Chor unter Leitung von Enrique Rueda war etwas unregelmäßig, mit wirklich brillante Momente, wie er in der Szene “Singen auf dem Mond” oder Balz zum Tod von Prince of Persia, zusammen mit anderen höheren Schall Eindringlichkeit, ausgegeben übermäßige Volumen. Es ist auch notwendig, einige Fehlpaarungen in der Frauenchor Kommentar, und der Ton, zeitweise, nicht kompakt beweisen, möglicherweise aufgrund der Streuung der Sänger auf der Bühne. Sehr gute Leistung des Chores von Kindern Amics de la Unió Leitung von Josep Vila köstliche Intervention in Akt I, bei der Einführung des imposanten Turandot-Arie wieder eingenommen "In diesem Palast".

Idomeneo, Mozart

Die Palau de les Arts in Valencia Er hat ein starkes Engagement aus, durch die eigene Produktion Inszenierung, eine Oper von Mozart als Idomeneo, König von Kreta, wenig bekannte spanische Publikum, trotz seiner hohen Qualität Musik, wie es ist in der Regel nur sehr selten vertreten, zumindest im Vergleich mit anderen bekannten Titeln wie mozartischen: Le nozze di Figaro, Don Giovanni , Così fan tutte Die Zauberflöte. Die fünf geplanten Aufführungen von Idomeneo, Sie haben sich bewährt, Massen Anwesenheiten, die er hat stark am Ende der gleichen applaudierte.

Mozart erhielt im Sommer 1780, durch die Kurfürsten in Auftrag gegeben Karl Theodor de Baviera, eine ernste Oper komponiert in Italienisch geschrieben, nehmen schließlich den Titel Idomeneo, König von Kreta, wird an den Münchner Faschings uraufgeführt 1781. Abbe Giambattista Varesco Er wurde beauftragt, das Skript zu entwickeln, wo das mythologische Drama von König Idomeneo von Kreta ist chronicled, bei seiner Rückkehr in den trojanischen Krieg zu kämpfen. Die saubere und umfassende Broschüre von Varesco vorbereitet angeboten Mozart eine große Auswahl Musik zu schreiben, aber bald begann er Zweifel an seiner dramatischen Struktur zu haben,, mit gründlich überprüfen, in einem Versuch, Volltext und Musik zu bringen. Mozart war besonders daran interessiert, die Kontraste zwischen den beiden Paaren von weiblichen und männlichen Darstellern zeigen: süß und nett Ilia, im Gegensatz zum Bösen und manipulative Elettra, mit seinem Haßausbrüche, Eifersucht und Wut; Idomeneo ins Stocken gerät im Gegensatz zu der Aufrichtigkeit und Idealismus, der immer seinen Sohn zeigt Idamante. Mozart begann die Partitur Spätsommer Komponieren 1780 und, Nach Beendigung der ersten beiden Akten, im November desselben Jahres, ging er nach München, wo er den dritten und letzten Akt abgeschlossen, , die es kostet ihn eine große Anstrengung, mit kontinuierlichen Bewertungen, bis sehr kurz vor der Premiere am Hoftheater in München 29 Januar 1781. Mozart eliminiert bei der Münchner Premiere und mehrere Arien komponiert für Akt III: de Idomeneo “Frieden kehrt zum Kern", de Idamante "Nein, Tod ", der Komplex von Elettra „D'Oreste, von Ajax "und die Arbace (Idomeneo Berater) „Wenn es geschrieben ist das Schicksal en“. Bei der Premiere in München, auch eine brillante Ballettmusik enthält.

Mozarts Idomeneo hat eine Überprüfung, die präsentiert wurde privat die 13 März 1786 bei dem Fürstenpalast Johans Adam Auersperg Wien. Die Sänger waren alle Amateure und Zugehörigkeit zum Adel. In dieser Version von Wien, die Rolle des Idamante sang ein Tenor, während in München hatte er einen Kastraten gemacht. Mozart nahm einige Änderungen in der Partitur: Idomeneo Szene und Arbace zu Beginn des zweiten Aktes, Es wird von anderen geändert, die Ilia und Idamante beteiligt. In Akt III, Es enthält ein neues Duett von Ilia und Idamante, die ersetzt das Schreiben für die Premiere von München.

Idomeneo fiel in die tiefste Vergessenheit, und Erholung trat beim Glyndebourne Festival 1951, mit einer Reihe von Darstellungen Regie Fritz Busch, Sein sein Assistent John Pritchard, wer wird den großen Garant dieser Oper, die oft führen, Version im Wesentlichen Wien: Idomeneo kann die aufgezeichnet im Studio hören, in 1956, mit John Pritchard vor dem Glyndebourne Orchester, und durchgeführt durch Sena Jurinac (ihre), Leopold Simoneau (Idamante), Richard Lewis (Idomeneo) und Lucilla Udovick (Elettra). auch, mit Adresse Pritchard, gibt es eine Live-Aufnahme beim Glyndebourne Festival statt 1964, mit Idamante, schön von einem jungen gesungen Luciano Pavarotti, neben Gundula Janowiz (ihre), Richard Lewis (Idomeneo) und katalanische Sopranistin Enriqueta Tarrés como Elettra. Ya, aus den siebziger Jahren des letzten Jahrhunderts, es begann vertreten, im Grunde, „Version München“, wo die Rolle der Idamante wird von einem lyrischen Mezzo gesungen. Dies ist die Version, die in Valencia gehört hat, unter Einbeziehung der sehr schwierigen Arie Elettra Act III "D'Oreste, von Ajax ", die, wie bereits von Mozart bei der Premiere von München unterdrückt erwähnt.

Diese Neuproduktion von Idomeneo von dem Palau de les Arts durchgeführt, Er hat als Regisseur und Bühnenbildner seinen jetzigen Bürgermeister Davide Livermore, wer macht einen Vorschlag Bühne starke visuelle Komponente, Es manifestiert sich von Anfang an der Oper, wenn Sie die Ausführung der Ouvertüre, zugleich zeigt, das Bild des Gesichts einer Statue Partei, die verwandelt sich in das Gesicht eines Idomeneo, altert schnell, und einer von dessen Augen sich die Kamera zu zeigen, taucht einen Astronauten durch den Raum wandern (deutlich von dem berühmten Film inspiriert 2001, A Space Odyssey von Stanley Kubrick) für, dann, ein anderes Bild an der Unterseite einer Plattform zum Starten von Satelliten angezeigt erscheint, und im Vordergrund, Idomeneo Figur Abschied von einem Kind Ihr Kind Idamante! Diese Serie von Bildern decken sich mit der Umsetzung der Ouvertüre zur Oper, und dies Das ist eine persönliche Meinung- Sie können den Betrachter ablenken hörte die brillante Musik zu konzentrieren interpretiert wird.

Die starke visuelle Komponente wird in der gesamten Darstellung beibehalten, mit Vorsprüngen, etwas repetitious, ein ruhiges Meer, oder rau mit großen Wellen gegen Felsen zu brechen und erreichen einen Strand, die auf der Bühne selbst fortgesetzt, mit einem Blatt vorhandenes Wasser während der gesamten Leistungs. Die Landschaft wird durch Metall-Plattformen abgeschlossen, die Gateways werden, wo die Zeichen wie Elettra Roaming, oder jene modernen Pulte von Idamante und Idomeneo verwendet seine Themen zu adressieren.

Ästhetik 2001, A Space Odyssey, am Ende der Oper wieder vorhanden: zuerst, wenn die Stimme des Orakels ist zu hören und elegantes Zimmer erscheint dieciochesca, Es kehrt im letzten Augenblick der Oper zu sehen, und alle Symbole von Kubrick in seinem Film verwendet: Monolith, fetale Taschen und ein Charakter in Richtung Idomeneo für beide beweglichen verschmelzen zu einem tödlichen Umklammerung. obwohl, tatsächlich, Idomeneo sterben nicht in der Geschichte, nur dankt zugunsten seines Sohnes Idamante. Erfolgreiche Beleuchtung erstellt von Antonio Castro, Es produziert schöne szenische Effekte, die die visuelle Attraktivität zu erhöhen.

Markieren Sie die Arbeit von Mariana Fracasso als Designer einer bunten und zeitlose Garderobe, Es schließt spacesuits, mythische griechische Krieger Kostüme, im Gegensatz zu modernen Uniform Soldaten und Polizisten. und, im Fall von Elettra, das kostspielig Modell, das in seinem Eingang aufweist szenischem, im Vergleich zu den in Act II in einem Minirock und Stiefel andere verwendete gekleidet.

aber, der wesentliche Teil des Idomeneo ist seine brillante Musik, von einem reichhaltigen Orchestergewebe serviert. Hier hatte ich eine sehr herausragende Leistung Fabio Biondi vor dem Orchester von Valencia, die erneut gezeigt, seine hohe Qualität und von der gleichen Ausführung des Annäherungsversuches, mit dem herrlichen Klang des Seils ein Thema zu entwickeln, die die heftigen Wellen des Ozeans erinnert, und wieder wiederholt in verschiedenen Momenten der Oper. Biondi großartige Arbeit in der Rezitativen: viele mit Orchesterbegleitung, die authentische Ariosos machen. Der Orchesterklang von stark schaut auf den hellen Märsche und in ihren verschiedenen Interventionen mit dem Chor, vor allem, Zwischen den beiden ersten Akten, am Ende des zweiten Aktes Auferlegung, und die abschließende Oper. Markieren Sie die versöhnliche Arbeit von Fabio Biondi, da das Orchester nicht darauf beschränkt ist, die Stimmen zu betonen und ergänzen, aber über und vor ihnen gehen. schließlich, zeigt die große Orchesterleistung in der Ausführung der brillanten Ballettmusik aus (Chaconne), Schließen der Repräsentation, sowie anderes kleines Ballett: "Der Tanz der kretischen Frauen ", in dieser Produktion interpretiert es die Wiederaufnahme Darstellung, nach Zwischen hergestellt, während Akt II, das Ende der Arie aus Idomeneo "Fuor del mar".

hervorragende Leistung Gregory Kunde als Idomeneo, bereits deutlich in seinem landschaftlichen Eingang, in Akt I, mit Rezitativ „Hier sind wir endlich gerettet“ von Arie gefolgt "Vendromi intorno" gut gesungen, abwechselnd mit Akzenten gefüllt Momente intensiver Lyrismus mit anderen bravos. Seine Leistung ist hervorragend in der schönen cavatina mit Chor, durch Klang der Saite pizzicato markiert "Acogli, oh Könige mar " gehör III zu handeln, oder dass warmes Plädoyer „Peoples, Sie das letzte Gesetz ". Kunde steht vor allem die berühmte Arie im zweiten Akt "Fuor del mar", vor allem in Passagen ein Lied voller Bravour erfordern, oder zeigt mit der Endung Arie ihre wunderschönen hohen Lage in der aufsteigenden Skala ab, wo, wenn natürlich aussendet von do4 gefolgt. Es hat einige Schwierigkeiten in den verschwenderischen Passagen verziert, die diese Arie dot und erfordern große stimmliche Beweglichkeit. Die junge brasilianische Sopranistin Lina Mendes, es ist zu leicht in ihrer Rolle als Prinzessin Ilia Troyana, aber es bietet seinen angenehmen Timbre, mit gutem Vorsprung und einem ausgezeichneten Beherrschung der Beweglichkeit; und, es zeigte, in jedem seiner lyrischen Interventionen: ganz am Anfang der Oper, expressiv zu interpretieren und zarte Akzente „Vater, Deutsch, Auf Wiedersehen ". Es wird eine ausgezeichnete Linie von Gesang in ihrer Arie des zweiten Aktes, „Wenn der Vater, den er verloren“. Es produziert seine besten im Umgang mit dem kostbaren und empfindlichen Arie „Zeffirelli schmeicheln“ Akt III. In der Rolle des Idamante, der mittlere Veteran Monica Bacelli, Er zeigte ein hohes Maß an Ausdruckskraft, obwohl die Stimme war klein und niedriger Bauhöhe, und das ist offensichtlich in ihren Duetten mit Lina Mendes Ilia. Nur erwies sich als richtige Auslegung der erste seiner Arien von Akt I „Ich nicht die Schuld, und ich condani ", Verbesserung der Leistung in der zweiten „Der Vater verehrt“, gesungen mit starken Akzenten durch das schnelle Tempo des Orchesters geprägt. Bacelli hat seine besten Momente im Rezitativ-Duett mit Idomeneo Act III „Vater, Mein lieber Vater ".

Elettra ist die beste dramatische Charakter Definition des ganzen Werkes, und er fand einen hervorragenden Darsteller in der Region Valencia Sopran Carmen Romeu, schön und durchschlagende Stimme, gut verwaltet. Er machte eine große Leistung, voller Theatralik in seiner großen Szene der ersten Akt, die beginnt mit dem Rezitativ „Ausgestorben ist Idomeneo“, deren Orchesterbegleitung gibt einen Charakter von Arioso, mit einem Lied voller Wut und Spannung, dessen Ton in der Arie vollen Schwierigkeiten Crescendo wird „Alles, was ich in meinem Herzen zu hören“, fachmännisch zu lösen Oktave Sprüngen und ausgezeichnete Beherrschung der Agilität. Und in Akt II, Seine Stimme war warm Akzente in der Rezitativ-Arie „Wer würde ich versuchen, meine süßeste Vergnügen……Idol mio, wenn rückwärts ", mit einer schönen Form von Tanzmusik, wo der Sänger zeigte voller Absicht Fraseo, in perfekter Harmonie mit Orchestermusik. Carmen Romeu Leistung hatte ihren Höhepunkt in der Arie „D'Oreste, von Ajax " Akt III, wo er wieder angeboten, dass die wilden und verrückten Song von Akt I, dominiert eine teuflische Koloratur, mit komplexem vocal Beugungen, wo er zeigte eine breite fiato. Einige scharfe Strapsen dämpfen nicht etwas die hervorragende Leistung Valencia Sopran.

Diese Oper enthält zwei Seiten der schönen Rechnung: das Trio des zweiten Aktes „Men in partir, oh Dio " die beteiligten Idomeneo, Idamante y Elettra, vom Quartett von Act Act III „Ich werde gehen und einfach spazieren“, gesungen von Idomeneo, Idamante, Ilia y Elettra, auch in beiden Fällen von Sängern gelöst, obwohl Ungleichgewicht zwischen den großen Stimmen von Gregory Kunden und Carmen Romeu im Vergleich zu kleineren und Lina Mendes Monica Bacelli. Emmanuelle Faraldo in dem Papier Arbace, Er zeigte in seiner Arie im zweiten Akt "Se il tuo durch", eine Stimme in einem leichten Überschuss und hässlich Timbre, obwohl mit Leichtigkeit im oberen Register. Performance Alejandro López und Michael Borth, Stimme und Hohenpriester Nettuno bzw. Interpretieren, Sie gingen nicht über diskrete.

Große Leistung Chor Generalitad in seinen zahlreichen Interventionen: in Akt I „Lassen Sie uns genießen den Frieden“ festliche Tonwahl und „Pieta! Götter Gnade!" Chorus-Effekte mit glitzern, wenn sie in zwei Teile geteilt, die Geräusche in der Nähe produzieren und weit. Und in Akt II, die schöne „Placido ist das Meer“ und zur Einführung „Was gibt es Neues Terror“ und „Wir betreiben, fliehen”. In Akt III, die beeindruckende „Oh gewaltige Stimme“ und die abschließende Oper „Rau Amor, fallen Hymen ", mit herrlicher Verkettung von Chor und Orchestern. Ballettaufführung im Generalitad „Chaconne“ Schließen der Repräsentation, Er war etwas glanzlos, seine Komponenten, die zum Tanzen, mit offensichtlichen Schwierigkeiten, auf dem Blatt von Wasser in Stufe.

Diese Aufführungen von Idomeneo wurde dem Direktor gewidmet Nikolaus Harnoncourt, vor kurzem verstorben, und große Schüler dieser Partitur.

Durch Diego Manuel García Pérez

IDOMENEO, König von Kreta
Wolfgang Amadeus Mozart
Dramma per musica in drei Akten, K 366
Die Bilanz von Giambattista Varesco, von einem Französisch Text von Antoine Danchet angepasst
Premiere: München, 29 Januar 1781,
Residenz Ausgabe: Alkor Ausgabe Kassel GmbH
D. Musical: Fabio Biondi
Regie und Bühnenbild: Davide Livermore
Kleiderschrank: Mariana Fracasso
Beleuchtung: Antonio Castro
Videocreación: D-WOK
Choreographie: Leonardo Santos
Neue Produktion Palau de les Arts Reina Sofía
Ballet de la Generalitat
Cor de la Generalitat Valenciana
Francesc Perales, Direktor
Orchester von Valencia
Besetzung: Gregory Kunde, Monica Bacelli, Lina Mendes,
Carmen Romeu, Emmanuel Faraldo, Michael Borth
und Alejandro López

Placido Domingo als Macbeth bei Les Arts in Valencia Palau

Die neue Saison des Palau de Les Arst Valencia, Es hat sechs erfolgreichen Aufführungen von Verdis Macbeth gestartet, gespielt von Placido Domingo, mit einer massiven Teilnahme der Öffentlichkeit, Nachweis der realen Sog dieser unbrennbar Sänger, in den letzten Jahren gewidmet Rollen Bariton.

Giuseppe Verdi hatte eine besondere Bewunderung für die Stücke von William Shakespeare, Anpassung in seiner Jugend die Macbeth, und in seiner hellen Seneszenz: Otello, und ein Kompendium aus The Merry Wives of Windsor und Henry IV, mit dem Titel Falstaff, das werden seine letzten beiden großen Opern.

Busettos Großmeister, hatte vor, andere Shakespeare-Dramen in die Welt der Oper zu bringen: der Tempest, Weiler oder König Lear, Projekte, die nie zustande kamen. Die Komposition von Macbeth war eine echte Herausforderung für Verdi, seit Mitte des 19. Jahrhunderts, Es war undenkbar, dass die übermäßige Leidenschaft für Macht und der Weg, sie um jeden Preis zu erreichen, erhöht wurden, sogar durch Verrat und Mord, im Gegensatz zu tragischen romantischen Geschichten, dass die italienische Öffentlichkeit zu dieser Zeit so sehr mochte. Die Premiere von Macbeth fand am Teatro Della Pergola in Florenz statt 14 März 1847, mit großem Erfolg für seinen Autor, der bis zu siebenunddreißig Mal auf die Bühne gehen musste, um die Öffentlichkeit zu begrüßen. Verdi hat diese Partitur für die Aufführung an der Pariser Oper umfassend überarbeitet, in 1865.

Die Hauptmodifikationen beinhalteten eine neue Arie für Lady Macbeth "Die Zunge luceIn Akt II, das Umschreiben einiger Passagen aus der Szene der spektralen Erscheinungen von Akt III, die Aufnahme eines Balletts in den gleichen Akt, ein neuer Anfang von Akt IV, mit dem Chor der Verbannten "Unterdrücktes LandUnd ein neues Ende, die eine strukturierte Musik in Form einer Fuge für die Schlacht enthalten, gefolgt von einem Triumphchor "Victoria! Victoria", Macbeths Tod auf der Bühne aus der ersten Version zu eliminieren "Schlecht für mich, dass ich mich anvertraut habe".

Macbeth verschwand nach den Pariser Aufführungen von praktisch von der Bühne 1865, mit sehr wenigen Darstellungen in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Die endgültige Erholung dieser Punktzahl erfolgte zu Beginn der Saison im Teatro alla Scala in Mailand 7 Dezember 1952 mit der außergewöhnlichen und einzigartigen Kreation von Lady Macbeth von María Callas, mit einem meisterhaften Konzert und musikalischer Leitung von Victor de Sabata. Diese Scaligera-Aufführung wurde live aufgenommen und ist seitdem eine authentische Referenz dieser Oper. Es sollte auch beachtet werden, die großen Beiträge aus den siebziger Jahren des letzten Jahrhunderts, von Regisseuren wie Riccardo Muti und dem verstorbenen Claudio Abbado, die uns sehr repräsentative Aufnahmen und Videobänder dieses attraktiven Verdi-Titels hinterlassen haben.

Die im Palau de les Arts vertretene Version ist die von 1865, ohne Akt III Ballett, und der abschließende Triumphchor der Oper "Victoria! Victoria", und Abrufen des Endes der Version von 1947, mit der Arie von Macbeth "Schlecht für mich, dass ich mich anvertraut habe".

Es ist wirklich schade, dass diese Produktion diesen brillanten Schlusschor und das Act III-Ballett nicht enthält., unter Berücksichtigung, dass der Palau de les Arts ein ausgezeichnetes Tanzkorps hat.

Diese Produktion wurde gemeinsam von der Rom Opernhaus und Salzburger Festspiele, wo seine Premiere in stattfand 2011, mit der Leitung des renommierten Registers Peter Stein.

In diesem valencianischen Ersatz hat er die Regie übernommen Carlo Bellamio, wer löst fachmännisch die Inszenierung der letzten Schlacht, wo die Teilnehmer authentische Schwerter benutzen, die beim Schlagen Funken erzeugen. auch, Es ist wirklich neu, die drei Hexen von Tänzern darzustellen, die handeln und so tun, als würden sie singen, Arbeit von Mitgliedern des als Bäume getarnten Frauenchors. Die vier Mörder von Banquo, Sie erscheinen auch als Tänzer verkleidet, und in diesem Fall, Es sind die Männerstimmen des Chores, die singen und sich unter großen schwarzen Mänteln verstecken. jedoch, Carlo Bellamio vernachlässigt es, die Bewegungen von Sängern und Chor auf der Bühne zu kontrollieren, vielfach, wirklich unberechenbar.

Die Landschaft Ferdinand Wögerhauer es ist um jeden Preis minimalistisch, mit sehr wenigen Objekten, untereinander, das Panel, das über die Bühne gleitet, mit einer Tür, durch die Lady Macbeth zu Beginn ihres Auftritts tritt, und wo Macbeth eindringt, um König Duncan zu ermorden, taucht in der Entwicklung der Schlafwandelszene von Lady Macbeth wieder auf. Markieren Sie das hervorragende Lichtdesign von Joachim Barth, mit Bühnenhintergründen in verschiedenen Farben projiziert, immer basierend auf der dramatischen Entwicklung der Aktion. und, diese zonale Beleuchtung, wenn es aus dem Boden kommt, ein großer Wasserkocher, in der Szene von Akt III Hexen. Sehr attraktives Kostümdesign von Anna María Heinreich, völlig ausreichend - sehr geschätzt- bis 11. Jahrhundert Schottland, , in dem die Handlung findet.

die Orchester von Valencia, zeigte erneut seine hervorragende Qualität, mit einer Adresse der Ungar Henrik Nánási, flexibel, kontrastiert, von großer dramatischer Kraft und gut abgestimmt, Erleichterung der Arbeit von Sängern. Das Orchester zeigte einen hellen und kompakten Klang. alle, wurde bereits in der Interpretation der ersten Ouvertüre offenbart, wo sich starke Klänge abwechseln, mit einer wiederkehrenden und schönen Orchestersequenz, wer wird in der Szene von Lady Macbeths Schlafwandeln aus Akt IV wieder auftauchen.

Markieren Sie die Leistung dieser brillanten Musik, in Marschform, als König Duncan und sein Gefolge erscheinen, in Akt I, oder jene musikalischen Momente voller Leichtigkeit und Farbe während des Banketts von Akt II, im Gegensatz zu den düsteren und eindringlichen Klängen der vorherigen Szene , in dem der Mord an Banquo stattfindet. Großartige Orchesterleistung bei den abschließenden Konzertbesuchern der ersten beiden Akte, in der musikalischen Einführung des Chores "Unterdrückte Heimat!", zu Beginn des Aktes IV, sowie die brillante Flucht in die letzte Schlacht. Innerhalb der großartigen Darstellung aller Mitglieder des Orchesters, Hervorzuheben sind die hervorragenden Solo-Interventionen von Cristina Montes zur Harfe, das englische Horn von Ana Rivero; und, insbesondere, der Oboe von Christopher Bowman, die Klarinette von John Mond Enrinc und die Flöte von Alvaro Octavio.

Außergewöhnliche Leistung von Chor der Generalitat Valenciana, sehr gut von seinem Besitzer gerichtet Francesc Perales, in seinen zahlreichen Interventionen während der Aufführung, mit diesem quietschenden und krankhaften Klang des Frauenchors in den Szenen, in denen die Hexen auftauchen, und besonders im Chor von Akt III "Dreimal miaut die rasselnde Katze". Bestandteile des Männerchors, Sie haben auch eine großartige Leistung in der Banquo-Mordszene, in Akt II singen “Wer verlangt von dir, dass du ni beitrittst?"Mit diesem dunklen und bedrohlichen Satz"Zittern, Banquo! In deiner Seite". Der Chor in vollem Umfang, hält brillante Reden bei Konzertdarstellern, stark hervorheben, die imposante Koralle "Ihre Wut ist gewaltig und bereitVon der Konzertantin, die Akt I abschließt. Von beeindruckender dramatischer Kraft war seine Interpretation von „Heim unterdrückt!Zu Beginn von Akt IV.

Die Bühnenauftritte von Placido Domingo, Sie werden zu echten Ereignissen, die eine große Menge der Öffentlichkeit bewegen, einem Künstler zuzuhören, der es geschafft hat, seine exzellente stimmliche und interpretative Qualität zu kombinieren, mit einer enormen Fähigkeit, sein Image durch die Medien zu verbessern und zu einem der großen Medienphänomene der letzten fünfzig Jahre zu werden. im Juni 2009 Ich hatte die Gelegenheit, ihm zuzuhören, genau in diesem Palau de les Arts, eine seiner letzten Tenorinterventionen, in seiner bemerkenswerten Wiedergabe des Siegmunds aus La Valkyrie, mit der Richtung von Zubin Metha, wo der Sänger schon achtundsechzig Jahre alt ist, zeigte eine angebliche Abnahme seines hohen Registers, bewahrt immer noch sein schönes Zentrum und seine große Interpretationsfähigkeit.

Im selben Jahr begann er eine zweite und erfolgreiche Karriere als Bariton.: Domingo singt Baritonrollen, mit Tenorstimme, und so sehr ich die Sendung abdunkeln möchte, hat keine baritonale Einstellung, was seine Interpretationen von Verdi-Rollen als Simón Boccanegra verzerrt, Rigoletto, Der Graf von Luna aus Il Trovatore, Giorgio Germont von La Traviata oder Francesco Foscari von I due Foscari. In diesen valencianischen Aufführungen wurde er in der Rolle des Macbeth gehört, seine neueste Verdi-Bariton-Kreation, mit ungleichmäßigen Ergebnissen angesichts der Schwierigkeiten dieses Charakters. Ya, fast fünfundsiebzig Jahre alt, Domingo fehlte Fiato, was ihm echte Probleme bereitete, lange Sätze zu verknüpfen, wie im Fall dieser umfangreichen Monologe "Kenne meine BrautWas er vor der Ermordung von König Duncan in Akt I ausführt. auch, eine Volumenverringerung war offensichtlich, das ließ ihn die stimmliche Präsenz in Duetten mit der mächtigen Lady Macbeth von verlieren Ekaterina Semenchuk, und machen ihn im Konzert praktisch unhörbar.

Seine Leistung hat sich in den letzten beiden Akten spürbar verbessert., bietet eine gute Aufführung der spektralen Auftritte von Akt III vor Ort, und singe die Arie "Mitleid, Respektiere die LiebeVon Akt III, obwohl weit entfernt von den Interpretationen der italienischen Baritonstimmen des großartigen Gesangs, als Renato Brusson, Piero Capuccilli oder Leo Nucci, die nordamerikanischen Sherrill Mines nicht zu zitieren, und besonders Leonard Warren, wer erlaubte, auch, Schließen Sie diese Arie mit einer monumentalen Schärfe ab. Domingo machte seine beste Intervention, Singen, eher rezitieren, die abschließende Arie der Oper "Schlecht für mich, aber ich habe anvertraut". Es ist notwendig darauf hinzuweisen, das trotz der Einschränkungen, die in seiner Darstellung von Macbeth angegeben sind, Domingo zeigt weiter - auf wundersame Weise zu seinen Jahren- eine große timbrale Schönheit, gepaart mit einer großartigen Bühnenperformance, am Ende der Aufführung laut applaudiert werden.

Ekaterina Semenchuk como Lady Macbeth, zeigte große Stimmkraft, zusammen mit einer bemerkenswerten Theateraufführung, was bereits in seinem Bühneneingang enthüllt wurde, der mit wahrem Stil rezitiert "Am Tag des Sieges traf ich sie"Mit einer exzellenten Interpretation der Rezitativ-Arie zum Singen führen"Ehrgeiziger Geist bist du, Macbetto……kommen! T'afretta!", mit authentischen verdianischen Akzenten gesungen und mit der Cabaletta abgeschlossen “Jetzt entstehen alle", gut im zentralen und hohen Register bewegen, obwohl es einige Inkonsistenzen im Bassbereich und einige Probleme in der Agilität der Cabaletta zeigt, das kommt auch wieder in dem wiederholten Toast eines markierten Belcanto-Charakters vor "Füllen Sie den Kelch", während der Bankettszene, die Akt II beendet. Der russische Mezzo hat die Arie gut interpretiert “Die Zunge luceZu Beginn des zweiten Aktes, obwohl mit Schwierigkeiten bei der Emission in die akute natürliche si im letzten Teil der Arie, und mangelnde Schärfe in der Formulierung, um das eigentliche Übel des Charakters zu zeigen. Bemerkenswert war seine Interpretation der großartigen Szene des Schlafwandelns, in Akt IV, seine Leistung erbärmliche Akzente geben, mit einer nuancierten Kantenlinie, obwohl hässlich den Aufstieg bis zur letzten Überhöhung abschneiden d. Heben Sie seine großartigen Leistungen im Duett mit Macbeth hervor, insbesondere der Abschluss von Akt III "Wo bin ich?"Fertig mit der lebendigen Stretta"Stunde des Todes und der Rache". Es lohnt sich, seine Interventionen in den Konzertanten hervorzuheben, wo seine Stimme mit Gewalt auftauchte, über Chor und Orchester, die in forte senden.

MacDuffs Tenorpapier, ist in dieser Oper zweitrangig, aber es hat eine Intervention von authentischer Brillanz in die Rezitativ-Arie “O meine Kinder…..Ah, die väterliche Hand”Eine der schönsten Seiten, die von Verdi komponiert und auf bemerkenswerte Weise interpretiert wurden, obwohl mit einigen Abstimmungsproblemen aufgrund Giorgio Berrugi, wer zeigt eine schöne Stimme, obwohl übermäßig lyrisch, für eine Figur, die einen lyrischen Tenor erfordert-geschoben, wie es beim großen Carlo Bergonzi der Fall ist, Wer hat uns eine außergewöhnliche und referenzielle Interpretation dieser Seite hinterlassen.

niedrig Alexander Vinogrador Richtig die Rolle des Banquo gesungen, zeigt eine Stimme von gewisser Rotundität, aber mit einer etwas raffinierten Gesangslinie, in seinem Duett mit Plácido Domingo, zu Beginn der Oper, Verbesserung seiner Leistung in der Arie "Studiere den Pass, oder mein Sohn….Wie es vom Himmel fälltDas geht seinem Mord in Akt II voraus. Nun, der Rest der Sekundärdolmetscher, Hervorhebung Federica Alfano, in ihrem kurzen Auftritt als Lady Macbeths Lady in der Schlafwandelszene.

Text: Diego Manunel Garcia Perez
Fotografie: Tato Baeza

Otello

Denkwürdige Darstellung von Otello Was fand am Tag statt? 1 August, in dieser Ausgabe von Festival Peralada Castle. Eine ungewisse Meteorologie, besänftigt ständig den Himmel in der Gegenwart aussehen Wolken-Tat, die Nacht hatte vor einem schweren Sturm entladen- das könnte bedeuten Regen mit der daraus folgenden Aussetzung der Darstellung. zum Glück, Er konnte dies wirklich großartige Musik und Theater Otello Ebene gesehen werden. In dieser neuen Koproduktions, im Auftrag der Peralada und Macerata Festivals, der Murcian Paco Azorín, als Regisseur, dreht die ganze Action um den bösen und manipulativen Yago, meisterhaft durchgeführt von Carlos Alvarez, deren absolute Beherrschung der Bühne zeigt sich bereits in den Prolegomena der Aufführung, Bewegen wie ein wahrer "Zeremonienmeister", aufmerksam auf alle Details, auch, den Leiter der Lichttechnik auffordern, das große Label der Show „Otello de Giuseppe Verdi", von „Yago de William Schakelespeare".

Azorín zeigt seine Vorliebe für den englischen Dramatiker, beim Einsetzen, sehr treffend im Kontext der Aktion, seine schönen Sonette 43 und 138, deren auf den Bühnenvorhang projizierte Texte die Akte II und IV einführen. Die von Paco Azorin entworfene Szenografie, Ergebnisse von absoluter Einfachheit, bestehend aus zwei großen massiven Blöcken, die unterschiedliche Positionen einnehmen und, zeitweise, eine steile zentrale Treppe montieren. Die Blöcke haben Rampen, mit denen sich die Charaktere in verschiedenen dramatischen Ebenen positionieren können. Die szenischen Effekte werden durch verschiedene Projektionen von ergänzt Pablo Chamizo: ein stürmisches Meer zu Beginn der Oper, und an dessen Ende dieses schöne Meer in völliger Ruhe gezeigt wird, als Hintergrund der trägen und ineinander verschlungenen Körper von Otello und Desdemona bereits für alle Ewigkeit vereint.

auch, dieser Weidenbaum, der Desdemonas Lied setzt, das verliert seine Blätter, in einen unheimlichen Wald verwandeln, während die Szene ihrem tragischen Ende entgegen treibt, oder dieser höllische rötliche Hintergrund in der Entwicklung des intensiven und dramatischen Duos von Otello und Yago, am Ende von Akt II. und, wenn Iago den Dämon der Eifersucht in Otello einführt, Die Silhouetten von Desdemona und Cassio, die sich unterhalten, sind in Schatten projiziert zu sehen, Das von Iago manipulierte Bild lässt Otello an ihre Liebesbeziehung glauben. Das attraktive Lichtdesign von Albert Faura, Schließen Sie diese erfolgreiche Inszenierung ab. Die Kostüme entworfen von Ana Garay Es ist zeitlos und schwarz in der Kleidung aller Charaktere, im Gegensatz zu dem makellosen Weiß, das die naive und unschuldige Desdemona immer trägt.

In Yagos Fall, und sein Doppelspiel während des Spiels festzuhalten, wir können ihn mit einer Lederjacke sehen, typisch für einen badass biker, der seine offizielle Uniform anzieht, wenn er in Gegenwart von Otello ist.

Bemerkenswerte Leistung des Liceu Orchesters, mit einer detaillierten Adresse von Riccardo Frizza, Unterscheidung von Soundebenen, versuchen, zu Beginn der Oper Spannungen aufzubauen und die Momente der größten Klangwirkung zu konjugieren, mit anderen von intensiver Lyrik, als die Musik, die das Duo von Otello und Desdemona am Ende von Akt I vorstellt und begleitet, oder das schöne musikalische Thema zu den Worten von Desdemona „Dammi la dolce, glückliches Wort der Vergebung ", das taucht im Laufe des Quartetts Otello-Desdemona und Yago-Emilia wieder auf (Beide Paare befinden sich in verschiedenen dramatischen Ebenen) des Aktes II. Die starke symphonische Orchestereinführung von Akt III wurde gut ausgeführt.. Gute Wiedergabe der verschiedenen Orchesterabschnitte, obwohl mit einigen Metallen, zeitweise, un so Außenseiter.

Gregory Kunde ist in den letzten Jahren eine Referenz Otello geworden, im Gefolge anderer großer Interpreten dieses Charakters: Francesco Merli, Ramon Vinay, Mario del Monaco, das vor kurzem verschwunden John Vickers und Placido Domingo. Für seine sorgfältige Formulierung und den totalen Respekt für alle Notizen von Verdi, Kundens Otello weist Ähnlichkeiten mit dem von auf Vickers, obwohl ohne das seriöse Register des großen kanadischen Tenors zu besitzen.

außerdem, Es ist wirklich ungewöhnlich, dass Gregory Kunde in wenigen Tagen das Otello Rossinian im Teatro alla Scala singen kann, dessen letzte Aufführung fand statt 24 Juli, und der Verdian Otello in Peralada, die 1 August. Sein heldenhaftes "Esultate" zu Beginn der Oper ist bereits beeindruckend, im Gegensatz zu der Lyrik, die in seiner Interpretation des intensiven Duetts mit Desdemona "Già nella notte densa" angeboten wird, mit dem Akt I endet. Ya, in Akt II, seine großartige Interpretation von „Tu? Zurück! Fliehen….Auf Wiedersehen jetzt und für immer ", zusammen mit dem dramatischen Duett mit Yago „Oh! Ungeheuerliche Schuld…… ja, pel ciel marmoreo giuro “voller heroischer Akzente. Seine außergewöhnliche und nuancierte Aufführung von „Dio! Du hättest mich werfen können ", in Akt III, wo eine einwandfreie Phrasierung leuchtet, seine Fähigkeit, Legato zu singen, die halben Stimmen und einige leichte und runde Höhen. Es dosiert seinen Schallfluss, um am Ende der Oper unter optimalen Bedingungen anzukommen und mit erbärmlichen und schockierenden Akzenten "Niun mi tema" zu singen.. Zusammen mit seiner ausgezeichneten Stimme, Gregory Kunde gibt eine großartige Theateraufführung.

Carlos Alvarez komponiert einen außergewöhnlichen Yago, kombiniert seine großartige Stimme mit einer außergewöhnlichen Theateraufführung. Es ist ein Charakter, den der große Bariton von Malaga perfekt beherrscht, und dass ich das Glück hatte, ihn zu hören, als er es zum ersten Mal sang, mit großem Erfolg, im schon fernen Herbst von 2002, im Teatro de la Maestranza in Sevilla, mit musikalischer Richtung Platzhalterbild von Jesus Lopez Cobos.

In dieser Darstellung von Peralada, Carlos Alvarez dominiert die Szene von Anfang an, Verschwendung seiner bösen Verschwörung, die am Ende von Akt III endet, seinen Fuß auf einen verblassten Otello setzen, mit der despectiva Phrase "Hier ist der Löwe". Ya, während der Entwicklung von Akt I., eminent Koralle, Alvarez glänzt theatralisch in seinen Duetten mit Roderigo und Casio. In Akt II, spielt die Rezitativ-Arie „Vanne! Dein Ziel……Credo en un Dio Crudel “, wo er all seinen Nihilismus und sein Böses zeigt, mit einer Phrasierung voller Intentionalität und Betonung, vor allem am Ende der Arie "E poi? Der Tod ist nichts. Der Himmel ist eine alte Geschichte ". Seine sibyllinische Interpretation von „Era la notte, Cassio schlief ", durchsetzt in seinem langen Duett mit Otello, meisterhaft abgeschlossen, als Alvarez und Kunde ihre Stimmen zusammenstellten: „Ja, für den Marmorhimmel schwöre ich ". In Akt III sein manipulatives Duo mit Cassio „Vieni, das Klassenzimmer ist verlassen ", mit der Anwesenheit eines verrückten Otello in einer anderen dramatischen Ebene. Die Überfälle von Eva-Maria Westbroek in verschiedenen Repertoires: wagneriano, blutig, Puccini, Verde, von Janacek, o Lady Macbeth de Shostakovich, Sie fordern ihren Tribut; und, Seine kraftvollen Stimmmedien werden von einem scheinbaren Vibrato zusammen mit einem gewissen Verlust an Homogenität in der Emission beeinflusst. Dies zeigt sich in seiner Interpretation von Desdemona, besonders in den Momenten der feinsten Lyrik, wie das große Duett mit Otello aus Akt I., oder in ihren Interventionen während Akt II: dúo mit Otello "D’un uom che moan" Anhänger des cuarteto "Wenn bewusstlos gegen dich, Bräutigam, Ich habe gesündigt ".

Die niederländische Sopranistin zeigt ihre beste Leistung in Akt III, in Momenten des größten dramatischen Schubes: dúo mit Otello „Gott, du spielst, oder Bräutigam…..Fest fest "y, vor allem, in „A terra! und, nel livido mud “mit erbärmlichen Akzenten vor der Verachtung und Demütigung, der Otello ausgesetzt ist. Und in Akt IV, Bessere Kontrolle über die Sendung durch eine gute Aufführung in "Piangea cantando nell'erma landa" (Weidenlied), gefolgt von "Ave Maria", voller Gnade ". Scheint zu sein, que Eva-Maria Westbroek, Er war nicht in der vollen Stimmkapazität und dies wurde bereits in Otellos Generalprobe deutlich. Ich erinnere mich an deine großartige Sieglinde (eine seiner großartigen Kreationen) von La Walkiria, in 2009, neben dem Siegmund von Placido Domingo, im valencianischen Palau de les Arts, das war sein Debüt in Spanien. und, vor allem, seine außergewöhnliche Kreation von Lady Macbeth aus Schostakowitsch am Teatro Real in Madrid, in 2011, wo ich die Gelegenheit hatte, sie zu interviewen, in einem sehr angenehmen und entspannten Gespräch auf Spanisch geführt, wo er seine große Bewunderung für zeigte Renata Tebaldi. Hören Sie sich eine Videoaufnahme von La Forza del Destino an, in 2008, vom Brüsseler Münztheater, Sie können seine großartige Kreation von Leonora nach dem Vorbild von Tebaldi sehen, und durchaus passend zum sogenannten "Verdian-Lied". jedoch, Die sieben Jahre, die vergangen sind, sind nicht umsonst vergangen.

Bericht auch, in diesem Otello, bemerkenswerte Leistung als Cassio des Tenors Francisco cisco~~POS=HEADCOMP Vas, sowie Mireia Pinto in der Rolle von Emilia und Stephen Vincent als Roderigo. Gute Leistung des Liceu-Chores, gut geführt von Conchita Garcia, mit seiner großen Rolle in Akt I., oder die großartige Konzertantin von Akt III. schließlich, weise auf gutes Schauspiel hin - genau wie Schauspieler- von Iagos sechs Schergen.

Text: Diego Manuel Garcia Perez-Espejo
Bilder: Miquel González / Schießen

KlausFlorianVogt

In Anbetracht dieser großartigen Darstellung Otello, verblaßt eher dem deutschen Tenor Erwägungsgrund Klaus Florian Vogt, von dem Pianisten begleitet Jobst Scheneiderat, dass fand gestern in der Kirche von Carmen, von Peralada. Mit einem Programm, das vier eingeschlossen Lied: “Das Wandern”, "Halt!", “Am Feirerabend” y “Des Müllers Blumen” del Ciclo Die schöne Müllerin (Die schöne molinera) von Franz Schubert, Korrektur durch deutsche Tenor gesungen, weit von den von Baritone Auslegungen Dietrich Fischer-Dieskau und Hermann Prey; und, Kurs, Schaffung des Sammelbandes Tenor Frich Wunderlich mit dem Pianisten Hubert Giesen. Seine Leistung deutlich verbessert mit seiner herrlichen Interpretation von „This is Bidnis bezaubernd schön“ Die Zauberflöte Mozart, von „Winterstüme“ von Wagnerianer Die Walküre folgte, wo erheblich erweitert Stimme, bietet starke klangliche, im Gegensatz zu jenen Zeiten, in denen die Stimme des Tenors klingt zu süß, amielada, und weißlich. Der erste Teil des Konzertes endete mit seiner bemerkenswerten Interpretation von „In fernem Land“ von Wagnerianer auch Lohengrin, sein berühmtestes dieses Repertoire Titel. In beiden Seiten, weit von denen angeboten heute von Kollegen ihre Leistungen sind Jonas Kaufmann.

Im zweiten Teil, log er spielte bemerkenswert zwei Johannes Brahms “Sonntag” y “Da unten im Tale”. Zentrales Thema des musikalischen Films mit dem gleichen Titel Im weiteren Verlauf seine hervorragende Wiedergabe von „Welt Eines Lied geht um die“ 1933, Regie Richard Oswald mit Musik Hans May. Der gesamte letzte Teil des Konzerts wurde Operette Seiten gewidmet, wo der Tenor bot seine besten Leistungen ihrer Affinität zu diesem Genre zeigt: “Mein Wein” de la opereta Gräfin Mariza de Emmerich Kalman; und, vor allem, Lieder aus Operetten Franz Lehár: “Oh Mädchen, mein Mädchen” de Friederike, junto a “Immer nur lächeln” de Das Land des Lächelns, und die berühmte Operette same "Dein ist mein Herz Gances", wo der Tenor zeigte exquisite Firstlinie.
Unter dem Jubel des Publikums sang zwei Zugaben: eine diskrete Version von "Maria" aus der West Side Story Leonard Bernstein und, schließlich, eine brillante Wiedergabe von einer anderen Seite von Franz Lehár „Freunden, das leben ist lebenswart! aus der Operette Giuditta. der Pianist Jobst Schneiderat Ich habe einen guten Job Begleitung. Beim Verlassen des Konzerts, Blitz und Donner, als Auftakt zu einem intensiven und langen Sturm, Anhebung fürchtet die Organisatoren des Festivals für die Darstellung von Otello nächsten Tag, dass, zum Glück, getan werden könnte.

Diego Manuel Garcia Perez-Espejo

Nabucco

Die sieben Darstellungen Nabucco, , die sie in die genommen Palau de les Arts in Valencia, mit einer massiven Teilnahme der Öffentlichkeit, Sie waren der wahre Triumph einer Saison voller Höhen und Tiefen und Schwierigkeiten aller Art.

Nabucco wird von der dritten Oper zusammengesetzt Verdi, Libretto von Temistocle Solera, und seine Uraufführung fand am Teatro alla Scala in Mailand, die 9 März 1842, bilden einen großen Erfolg, bis zu dem Punkt in dieser Saison dargestellt wird und die nächste, in 57 Gelegenheiten, etwas, das noch nie zuvor geschehen war. Nabucco kann beeinflusst werden durch Donizetti und Bellini, aber seine kräftigen Melodien, mit leidenschaftlicher Gesangssprache, und sie sind in der Regel verdianos. In dieser Oper, und zum ersten Mal, Verdi gibt große Bedeutung für den Bariton, Zuweisen der Titelrolle von Nabucco. und, Abigaille -der extreme Schwierigkeiten- ein Sopran dramatische Agilität, Er wird in der Premiere von Giuseppina Strepponi gesungen, zu werden sentimental Begleiter von Verdi und seiner zukünftigen Frau bestimmt.
Nach ein paar Jahren, als wurde diese Oper massiv weltweit vertreten, Er fiel etwas vergessen, Es wird durch den Lehrer gewonnen Vittorio Gui, in den dreißiger Jahren des letzten Jahrhunderts, auch Regie, in den berühmten Aufführungen, mit einer Live-Aufnahme- Welche nahmen sie im Dezember 1949, Teatro San Carlo in Neapel, mit der Schaffung von Abigaille unübertroffen durch Maria Callas.

Nabucco-Produktion wurde in der Palau de les Arts gesehen, Bayerische Staats kommt aus München, und es wurde veröffentlicht in 2008, Er ist sein Schöpfer Yannis Kokkos, verantwortlich für die Szenografie, Regie und Kostüm-Design. Es ist eine dunkle und einfache Landschaft, ein Hintergrund, wo geometrische Formen vorherrschen: in Akt I, sechs Fenster mit großem vergoldetem Rahmen und einer Treppe der Tempel Salomons in Jerusalem vertreten; und, in Akt II, eine große Tür der Palast von Babylon.
Ya, in Akt III, die Tür liegt über die Fenster, das heißt die Unterdrückung der Babylonier über Juden. Nur eine szenische Änderung auftritt, als der berühmte interpretiert "Va pensiero", wo die Mitglieder des Chores, Sie repräsentieren das Volk Israel, Sie sind hinter einem Zaun gelegen, in einer möglichen Anspielung auf die Vernichtungslager Nazi, im Ersten Weltkrieg. Moody Beleuchtung dimmt und nicht den düsteren und düsteren Bühnenraum zu lindern, mit Ausnahme der beiden Zeiten, in denen eine Gruppe von Leuchten als Symbol für die Entstehung von "Gott Israel", senkt sich von oben und seine Energie nimmt einen echten Blitz zu erzeugen, die das Publikum blendet. Die Landschaft ändert, mit schnellen Bewegungen der szenischen Elemente, horizontal und vertikal zu bewegen, wie im Fall der Ankunft von König Nebukadnezar in Akt I, in einer Rauchwolke und auf einer erhöhten Plattform gewickelt, die langsam abfällt. Unattraktiv und unoriginell ist Kostümdesign, wo Juden erscheinen in schwarz gekleidet, und dunkelblau Babylonier Wächter, die Pistolen anstelle von Lanzen, der Arbeit ein Gefühl von Zeitlosigkeit zu geben.

bewährte und energische Adresse Nicola Luisotti, der Leiter des Orchestre de Valencia, was beweist wieder eine Reihe von hohen Qualität zu sein, und dies ergibt sich aus der hervorragenden Leistung der Ouvertüre: eine lange Seite, sehr attraktiv, und voller Kontraste, wo und verschiedene musikalische Motive, die in der ganzen Oper erscheint wieder ausgesetzt, untereinander, -mit den begleitenden geringen Modifikationen, der berühmte Chor "Va pensiero". Das Orchester hat eine hervorragende Leistung, während der gesamten Leistung, in Momenten intensiver Lyrismus glänzenden: Einführung und Begleitung von Arien von Abigaille, Act II und jeweils die Schließung der Oper, oder Fenena Arie in Act IV. und, im Gegensatz, Es zeigt eine unkontrollierbare Kraft, Im pulsierenden Ende des ersten Aktes, wenn Nabucco platzt auf die Szene, dessen musikalisches Thema -recurrente- und in der Öffnung freigelegt, Es ist in der Orchestereinleitung des dritten Aktes aufgenommen, und die Coda des letzten cabaletta von Nabucco durchgeführt, in seiner großen Szene von Akt IV. Bericht auch, die großartige Orchester Intervention Nabucco und Abigaille Duett des dritten Aktes und, attraktiv, und kontrast Ouvertüre Act IV. Zur Bewältigung Nicola Luisotti, Es wird Tendenz verantwortlich gemacht Klänge in forte zu verwenden. schließlich, und in dem hohen Niveau von den Mitgliedern des Orchesters angeboten, gehört die prächtige Leistung der Soloflöte Alvaro Octavio, und die großartige Intervention Rafal Jezierski Cello und Pierre Antoine Escoffier al Oboe.

Der große Gewinner dieser Darstellungen, Es hat die neapolitanische Sopranistin gewesen Anna Pirozzi, Abigaille, die eine große stimmliche und dramatische Statur komponiert, Der Sänger hat in seinen zahlreichen Interpretationen dieser Art gereift, vor allem, die durchgeführt bei den Salzburger Festspielen 2013, mit einem klaren Sieg unter der Leitung von Riccardo Muti. voluminöse Stimme und helle Timbre, gut Atem, hervorragende Fähigkeit, den Klang zu regulieren, und ein Höhen und Höhen gut aufgestellt und perfekt besetzt, dass, auch, Stand stark, in den Momenten der größten Orchester Eindringlichkeit. Es bietet eine gute Beherrschung der Belcanto-Koloraturen, und trifft sich mit Know-how deviled Oktave Sprünge, die einen großen Teil ihrer Interventionen interpunktieren. Mach eine große Leistung in seiner großen Szene des zweiten Aktes, mit heftigem Rezitativ eingeleitet "Nun, ich t'inventi", zu dem lyrischen und intimen Gesang der Arie "zu bewegenAnch ‚geöffnet 1 Tag„und, dann, zeigt eine überwältigende Kraft in der cabaletta "Ich steige auf den Thron bereits aurato". auch Highlights, seine große Leistung im Duett mit Nabucco Act III, in seinen Dialogen Einsetzen mit einem Schriftsatz Nabucco, eine lebendige cabaletta, dessen musikalisches Thema erschien in der Anfangs Ouvertüre ausgesetzt. Anna Pirozzi blickt seine vocalism und Interpretationskraft, in der schönen Arie aus der Oper schlüssig "its me, sterbend, essanime„Exquisite Mittelstimmen, und Ausgabe von zarten Noten "Pianissimi".

Ich hatte meine Teilnahme an der Funktion des Tages geplant 10 Mai, die Nabucco zu hören, gesungen von veteranísimo Leo Nucci, seine immer noch aktiv 73 Jahre alt, und schon eine Legende der Oper geworden. Ich hatte Gelegenheit, auf DVD zu sehen, seine großartige Leistung in der Arena di Verona, Jahr 2007, mit ausgezeichnetem und temperament Abigaille von María Guleghina und Anschrift Orchester Daniel Oren. schließlich, Nucci abgesagt, Es wird von Last-Minute ersetzt David Cecconi, Stimme unattraktiv tímbrico, obwohl gut verwaltet, dass während der ersten zwei Akten, Er konnte nicht projizieren vorwärts. Seine Leistung verbesserte sich im Duett mit Abigaille Act III, und die große Szene von Akt IV, edle Akzente die Arie zu singen "Gott von Juda!", und hart und zwingt den cabaletta "O mein tapferer, folge mir".

Die Rolle von Zaccaria großem Vokal- und Bühnenbedarf, Es wurde von dem russischen Bass gespielt Serguei Artamonov, die zeigten eine akzeptable Zentralregister, mit ernsten Schwierigkeiten im Bereich von Bass und Höhen und, deshalb, häufige Pausen in der achten, durchgeführt in seinen vielen Interventionen während der Arbeit zu. Seine Leistung war nicht diskret, in Szenen der authentischen Brillanz als Arie "Sperate, oder Kinder…„Gefolgt von der cabaletta“Als Nachtsonne shining„Act I oder, das Ende des dritten Aktes "Oh,diejenigen, die weinen?…Die Zukunft erkennen im Dunkeln".

Das mittlere Armenien Varduhi Abrahamjan, in der Rolle der Fenena, Sie trug eine schöne, warme Stimme, in seinem einzigen großen, die Arie "Oh offenbart ist die Feste„Act IV, was zeigt, eine zarte und elegante Gesangslinie. auch beachten,, Anlässlich der "Terzettino„Act I, Abigaille mit Ismaele und von dem amerikanischen Tenor interpretiert Brian Jadge, kraftvolle Stimme Timbre und Helligkeit, ausstellenden, vor allem, in seinem lebendigen Arioso "l", Bezug II Act. Richtig in ihren kurzen Interventionen Hyekyung Choi como Anna, Zaccaria Schwester, el Abdallo (Nabucco treuer Offizier) von David Fruci und Shi Zong als Hohepriester, drei zum „Training Center gehört, Placido Domingo".

„Der Chor der Generalitat Valenciana“, Regie Francec Perales, Er schien hoch, offensichtlich markieren- in seiner außergewöhnlichen Interpretation der berühmten "Va pensiero", Es endete mit einer fast unstillbaren note „Pianissimi“. auch, unter Hinweis darauf, ihre großen Leistungen von anderen großen Chor Momente: "Die Einrichtung, Urlaub aufgeschlüsselt Cadona", sehr schöne Rechnung, mit dem beginnt die Oper. auch, el de los Levitas Chor der Acto II "The Damned hat keine Brüder", deren lebendiges musikalisches Thema, schon erschien er in der ursprünglichen Ouvertüre ausgesetzt. und, Eingriffe in den abschließenden concert der Akte I und II, oder seine starke Präsenz in ganz am Ende des dritten Aktes.

NABUCCO
Giuseppe Verdi
Palau de les Arts Reina Sofia
Valencia, 10 Mai 2015
D. Musical: Nicola Luisotti
D. Szene: Yannis Kokkos
Beleuchtung: Michael Bauer
Produktion: Bayerische Staatsoper
Cor de la Generalitat Valenciana
D. Chor: Francesc Perales
Orchester von Valencia
Besetzung: Anna Pirozzi, David Cecconi,
Serguéi Artamonov, Brian Jadge,
Varduhi Abrahamjan, David Fruci,
Hyekyung Choi, Shi Zong.

valquiria

Den zweihundertsten von VERDI UND WAGNER, SEHR Anwesend bei der Eröffnung der Saison VALENCIANO Palau de les Arts.

Obwohl in einer tiefen Wirtschaftskrise eingetaucht, die zu einer drastischen Kürzung des Haushalts geführt hat, wie wiesen wir auf die Medien aus Helga Smith, Top-Führer der Valencia Palau de Les Arts: der geplante Zeitplan für diese Saison 2013-2014, Es ist attraktiv und mit unbestrittenen Qualität Produktionen, Nachdem sie schon durch die Anwesenheit von jungen Sängern gewählt, und mit erheblichem Gepäck hinter und guten Zukunftsaussichten.

Wir befinden uns im Jahr der Zweihundertjahrfeier von Verdi und Wagner, der Rassen zusammen, Sie besetzen viel des neunzehnten Jahrhunderts. Die ersten beiden Opern von Richard Wagner: Die feen (Las Hadas) zusammengesetzt 1833, deren Veröffentlichung nicht auftreten, bis 1888, fünf Jahre nach seinem Tod; und, Das Liebesverbot (Das Liebesverbot) veröffentlicht in 1836, und es ist nicht bis zum letzten Sommer nach Spanien kommen, das Festival von Peralada Castle, und ich bot eine umfassende Überprüfung in unserem Magazin. Verdi uraufgeführt 1839 mit dem Grafen Oberto von San Bonifacio.
deshalb, und unter Berücksichtigung zusammen, um die Werke von Wagner und Verdi, dass lange Zeit des neunzehnten Jahrhunderts, Abdeckungen 60 Jahre zwischen Den Feen (1933) und letzte Oper Falstaff von Verdi (1893).

Ich hatte Gelegenheit zur Teilnahme an Die Walküre letzte 9 November und La Traviata am nächsten Tag. wirklich, ein Luxus, dass nur wenige Theater zu bieten weltweit der Lage sind,.

in DIE WALKÜRE könnte man den Palau de les Arts et Maggio Musicale Fiorentino "sehenLa Fura dels Baus", welche es war zum ersten Mal an dem Palau de les Arts in 2007, und anschließend 2009, mit der wichtigen Präsenz, die Funktion, die ich besucht, Placido Domingo und Eva-Maria Westbroek, jeweils als Siegmund und Sieglinde. deshalb, der erste Schock, dass diese Produktion verursacht wurde mir mehr verdünnt, obwohl diese immer sehr interessante und originelle Projektionen die Bodenplatten der Bühne fällt. Sie haben weniger attraktiv, Geräte wie Kräne thront, wo sie erscheinen: Wotan, Brünnhilde, Fricka und Walküren.

Magnificent Orchester von Valencia, zeigt Kohäsions, mit perfekter Definition von Schallpegeln, Hervorhebung, innerhalb der Hochpegel von allen Orchesterabschnitte gezeigt, hämmernden Metalle und verfeinert. Die Interpretation des berühmten Walkürenritt war von großer Brillanz und Effekthascherei. Zubin Metha meisterhaft dieses Orchester dirigierte er so gut kennt, und die umfangreichen Tests unterzogen zu erhalten, sehr hohe Ausbeuten. In beiden Fällen, der große indische Meister, Er zeigte uns seine große Kenntnis dieser monumentalen Punktzahl; und, eine öffentliche vollständig geliefert, dass das Theater gefüllt, Sie zeigte ihre Begeisterung widmen lange Ovationen.

Die Stimm Besetzung war eine bemerkenswerte Höhe, die Anwesenheit von Heidi Melton als Sieglinde. Die amerikanische Sopranistin begann mit einem Volumen von Stimme nicht zu groß, aber es war deutlich im Laufe repräsentations vor allem weiteten sich, als er die Vierbeiner Position links (wie ein Tier), von erecta- eine großartige Stimme und dramatische Performance bieten, Hervorhebung, die lange und schöne Duette mit Siegmund, gut gesungen und gespielt von Nikolai Schukoff.
auch, eine hervorragende und Rotunde Bereitstellung dramatischer Sopran Jennifer Wilson como Brünnhilde, ist diese lange, philosophischen Parlamente mit seinem unruhigen Vater Gott Wotan, den er gab eine überzeugende Stimme und Theateraufführung Thomas Johannes Mayer. Prächtige und sehr starke Gesangsarbeit Stephen Miling als Hunding, Vorführung, in seiner ganzen Pracht schlechten Trauben Charakter.

Elisabeth Winkel Er brachte seine schöne Bühnenpräsenz, eine bemerkenswerte Interpretation von Fricka Durchführung, vor allem in diesem riesigen Duett mit ihrem Mann Wotan, die materiell, zermalmt mit seinen Vorwürfen. schließlich, Die Walkure eine sehr bemerkenswerte, mit guten Stimmen, besonders origineller Szenografie, für jene Zuschauer, die kannten sie nicht- und, eine musikalische Hochhöhenauflösung von dem Orchester von Valencia, hervorragend von Zubin Mehta gerichtet.

und, zu LA TRAVIATA, Wir geben Ihnen die minimalistische Produktion der berühmten Salzburger Festspiele 2005. berühmt, im Grunde, dass die internationale Einführung der russischen Sopranistin Anna Netrevko markiert, dann flankierte von dem mexikanischen Tenor Rolando Villazón, Auch zu diesem Zeitpunkt, Schwellen Figur in der Opernszene, zusammen mit dem bereits gefeierten amerikanischen Bariton Thomas Hampson.

Mit der Allgegenwart dieser großen Uhr -gebraucht Kreis auch als lässiger Spieltisch- dessen Fortschritt beschleunigt oder auf den Ereignissen verlangsamte je die Protagonisten umgebenden, und in Bezug auf das Vorhandensein des alten Charakters und mürrischen, die Marken die Entwicklung der Violetta, und bereits, im letzten Akt, Es wird in die Rolle des Arztes erhalten, die den Tod bescheinigt.

Die Landschaft Wolfgang Gussmann, trotz seiner Einfachheit ist es erfolgreich und Wander Operationen mit diesen sexyen Sofas rot, als Protagonist Kleid, die zwischen seinem schädlichen und verrückten Leben des Kurtisane zerrissen, und dass aufrichtige Liebe zu Alfredo Germont, im Hintergrund materialisiert dekoriert Blume-basierte, ähnlich die Violetta und Alfredo Aufenthalt in einem Ferienhaus am Stadtrand von Paris, beide leben eine intensive und voller Idylle, durch das Vorhandensein des Computers abgeschnitten und die Probe menschlichen mittlere Empfindlichkeit Ende -at- Giorgio Germont Charakter namens.

wieder, Zubin Mehta, in einem echten Pirouette musikalischen germanismo sich entwickelnden vorgeschlagen, den Tag, bevor sie mit der Walküre, die südliche Musik von Verdi La Traviata. Die Ergebnisse sind wieder herausragende, und der große indische Meister zeigt seine Weisheit und stilistische Eignung zur Gewinnung von hellen Klängen des Orchesters von Valencia, von dieser etwas Sensen-Annäherungsversuch, bekräftigt, dass der Anfang des letzten Aktes- bis Coloristen und desenfadas Sie Szenen des zweiten Aktes. sehr hell, die Leistung des Chores der Generalitat Valenciana von seinem Besitzer gerichtet Francesc Perales. auch, Markieren Sie die gute Leistung des Balletts der Generalitat, Regie Immaculate Gil-Lazaro.

Was die Solostimmen markieren die Anwesenheit bulgarische Sopranistin junge Sonya Yoncheva, Gewinner 2010 des Wettbewerbs Operalia, Placido Domingo. Wir finden ein lyrisches Sänger signifikantes Volumen und attraktive Stimme Timbre. In Akt I, stark übertrifft die Anforderungen der Schnitt belcantista, obwohl am Ende der gleichen, in "immer kostenlos", Lässt die optionale Mi5. Sein Sieg genug ganze Bestimmung von Akt II, bis zum Ende mitleiderregend oper, sowohl aus der Sicht Vokal, so dramatisch. Betonen Sie ihre Leistung in dem Duett mit Giorgio Germont lange, auch stimmlich und darstellerisch von Bariton gespielt Simone Piazzola, wer hat seine besten Momente in der berühmten Arie "Provence am Di„Und nachfolgender cabaletta“Sie nicht Vorwürfe hören".

italienischer Tenor Ivan Magri, die wir letzte Saison gehört, in demselben Theater, der Herzog von Mantua in Rigoletto und Jacopo Foscari Verdis I due Foscari, seine Leistung beginnt etwas maßlos, deutlich zu verbessern und gleichzeitig die Darstellung fort. Sein Gesang Linie ist akzeptabel, aber hat ernsthafte Schwierigkeiten mit ihrer großen Szene von Beginn des zweiten Aktes fertig, "Lange von ihr..„Wessen Interpretation erfordert großes technisches Können und Stil, sind wir verpflichtet, die Kreationen dieser Alfredo Kraus oder Carlo Bergonzi zu erinnern. Magri hat ein ausgezeichnetes hochen Register, dass vor der cabaletta erlaubt "O meine Reue..„Mit einem stumpfen C4. in Summe, eine gute Darstellung von La Traviata, wo wieder leuchtet Hoch Orchester Dirigent Zubin Mehta und.

DIE WALKÜRE
Richard Wagner
D. Musical: Zubin Mehta
D. Szene: carlus padrissa (La Fura dels Baus)
Allex Aguilera (Ersatz)
Videocreación: Franc Aleu
Szenografie: Roland Olbeter
Kleiderschrank: Chu Uroz
Beleuchtung: Peter van Praet
Copoducción Palau de les Arts Reina Sofía und Maggio Musicale Fiorentino
Orchester von Valencia
Besetzung: Nikolai Schukoff, Stephen Milling, Thomas Johannes Mayer, Heidi Melton, Jennifer Wilson, Elisabeth Winkel, Eugenia Bethencourt, Bernadette Flaitz, Julia Borchert, Pilar Vázquez, Julia Rutigliano, Patrizia Scivoletto, Nadine Weissmann, Gemma Coma-Alabert

LA TRAVIATA
Giuseppe Verdi
D. Musical: Zubin Mehta
D. Szene: Willy Decker
Mädchen Barbara Hummel (Ersatz)
Szenografie: Wolfgang Gussmann
Kleiderschrank: Wolfgang Gussmann und Susana Mendoza
Beleuchtung: seine Toelstede
Choreographie: Athol Farmer John
Coproduktion von De Nederlandse Opera, Amsterdam, basierend auf der ursprünglichen Produktion der Salzburger Festspiele
Immaculate Gil-Lazaro, Ballettdirektor der Regierung
Francesc Perales, Direktor Cor de la Generalitat Valenciana
Orchester von Valencia
Besetzung: Jessica Nuccio y Sonya Yoncheva, Maria Kosenkova, Cristina Schüler, Ivan Cordoba, Simone Piazzola, Mario Cerda, Javier Franco, Maurizio Lo Piccolo, Luigi Roni, Valentino Buzza, David Astorga, Germán Olvera, Olivieri Mattia

Auditorio de Alicante

Die letzte Saison das Auditorium des Provincial de Alicante, Er bot ein tolles Programm, mit hervorragenden musikalischen Veranstaltungen, wie im Fall des von Vasili Pretenko Front geführt Konzert der Royal Liverpool Philharmonic, mit der Anwesenheit des großen Joaquin Achucarro im Klavierkonzert Nr 2 Gott geben, und die großartige Leistung von Symphony No. 10 Dimitri Schostakowitsch.
auch, dass Symphony No. 9 Beethoven, -BRIO in der Klasse diskutiert- Riccardo Chailly und die verhängten eine schnelle Tempi, folgende Ausführungskriterien des großen Musiker Bonn entworfen. und, vielleicht, Als großer Meilenstein der vergangenen Saison ist das Konzert Mitte Januar erwähnenswert 2013, mit dem Orchester des Mariinsky Theaters in St. Petersburg, mit der immer hervorragenden Adresse des Eigentümers Valery Gergiev, und ein Programm mit Konzert Nr 3 Rachmaninov und, insbesondere ein prächtiges, in jeder Hinsicht, Interpretation von La Symphonie Fantastique von Hector Berlioz, die links das Publikum gebannt materiell, Dieses Konzert wurde auch weit verbreitet in unserem Magazin diskutiert.
auch, hoch war bemerkenswert, das Konzert der Bamberger Symphoniker, von Jonathan Nott gerichtet, mit diesem attraktiven Mix aus einem präromantischen und klassischen von Symphony vertreten 5 Frank Schubert, und dass innovative und Symphony No. 4 Mahler Gustav spreizt die neunzehnten und zwanzigsten Jahrhundert. Die Saison endete mit einem anderen großen Konzert des Staatlichen Sinfonieorchesters von Moskau, mit gutem Impulse Regie Pavel Kogan, und es war das Tschaikowsky Violinkonzert, schön von Boris Belkin ausgeführt, und dass die Arbeit so attraktiv und spektakulär orchestriert von Maurice Ravel Version, von Bildern einer Ausstellung Mussorgsky, die ursprünglich konzipierte er für Klavier. Erst vor einer Woche hörten wir diese Version für Klavier, bei der Eröffnung der Saison SOCIETY ALICANTE KONZERTE, insbesondere durch die amerikanischen Pianisten Nicholas Angelich durchgeführt.

gut, die herbstliche Start Programmierung 2013-2014, Ich halte auch wichtige Musikveranstaltungen, da die gleiche Saisoneröffnung, im Konzert wird, das am Freitag 18 dieser Oktober, mit dem Orchestre National de France unter der Regie von Daniel Gatti, und ein sehr attraktives Programm, das umfasst: Egmont-Ouvertüre von Beethoven waren LUDWIG, Symphony No. 96 (das Wunder) Joseph Haydn, veröffentlicht in 1791 und die Zugehörigkeit zu der Gruppe von zwölf <<London Sinfonien>>, im Bereich von Symphony No. 93 auch sie zusammengesetzt 1791 die Symphony 104 (London) von 1795, die zusammen ein wahres Juwel der klassischen symphonischen Katalog bilden. und, um eine vollständige, Klassik der postromanticism mit der Ausführung der Symphony No. 1 (Winter Dreams) de Tchaikovky.

Das zweite Konzert findet am Dienstag, 19 November, con la World Symphony Orchestra, Josep Vicent gerichtet. Das Programm umfasst zwei Werke von Maurice Ravel: La valse und Sheherezade, letztere Arbeit, die von der Sopranistin Ángeles Blancas. Im zweiten Teil, das Publikum wird Zuhören zu den bedeutendsten musikalischen Fragmenten des Balletts Romeo und Julia genießt, sein Autor verkörperte Sergei Prokofiev in der "Suites I und II".

Ya, am Montag, 2 Dezember ist Gipfel der Chorwerke geplant: Das Oratorium Der Messias Friedrich Händel, von der Wiener Akademie interpretiert, Sine Nomine Chor und Solisten Anna Prohaska (Sopran), Robin Blaze (Altus), Steve Davislim (Tenor), alle unter Leitung von Martin Haselböck.

Das letzte Konzert in diesem Herbst findet am Samstag statt 14 Dezember, die Interpretation von Verdis Requiem -wir im „Jahr Verdi“ ist (zweihundertsten des großen Musikers Busetto)- mit dem ausgezeichneten Orchester von Valencia, Riccardo Chailly und unter der Regie von dem herrlichen Chor der Generalitat Valenciana, durch seine Französisch Eigentümer Perales gerichtet. Großes Orchesterwerk Verpackung, mit atemberaubenden Korallen Interventionen, wo vier Einzelstimmen werden eingefügt: Sopran, Tenor, Mezzo und niedrig, gespielt jeweils durch Carmen Giannattasio, Giorgio Beruggi, Veronica Simeon und Li Liang. Sicherlich wird es eine gute Orchester- und Chorversion durch die Anwesenheit von Valencia Formationen seines bereits erwähnt.
jedoch, und ist eine mögliche Empfehlung für die Teilnehmer an dieser Arbeit leben, Vorschau, eine der folgenden Versionen auf CD oder DVD: Decca-Aufnahme 1960, mit den Wiener Philharmonikern und den sensationellen Stimmen von Jussi Björling und Leontine Preis, flaqueados auch von Mezzo Rosalind Elias und Bass Giorgio Tozzi, alle von Fritz Reiner führte. Es ist auch eine andere historische Requiem darauf hin notwendig, mit der großartigen Leistung des jungen Luciano Pavarotti, neben einem Leontine Preis, mit, auch, noch mehr Interpretationsfreiheit in dem Wieneren vorgenannten Aufzeichnungs; und, junto a ellos die großen Mittel Fiorenza Cosotto, und bulgarischer niedriger -dann in seinem besten Gesang Moment- Nicolai Ghiaurov, alle von Karajan an dem vor dem Orchester der Scala gerichtet, eine Funktion im Theater in Mailand gefilmt 1967 und später remastered und auf DVD veröffentlicht von der Deutschen Grammophon.

Logo Festival Castell Peralada 2'13

Wie könnte es auch in diesem Jahr weniger 2013, Gedenken an die Zweihundertjahrfeier von Richard Wagner (Leipzig, Deutschland, 22 Mai 1813 - Venedig, Italien, 13 Februar 1883), und Giuseppe Verdi (die Roncole, Bussetto, Parma, Italien, 10 Oktober 1813 - Mailand, Italien, 27 Januar 1901):
die Festival von Peralada Castle, Er hat ein umfangreiches Programm gewidmet, beide Veranstaltungen zu feiern. zuallererst, Es sollte beachtet werden, dass-gerecht und notwendig- die perfekte und vorbildliche Organisation dieses Sommerfestivals, in dieser wunderschönen Umgebung des katalanischen "Alt Empurdà", schon sehr nahe an der französischen Grenze, und an dem ich zum ersten Mal in der Ferne teilnehmen durfte 2002, in einem Erwägungsgrund, mit einem Interview des peruanischen Tenors Juan Diego Florez, als er anfing bekannt zu werden und den Weg zu diesem großen Ruhm formte, den er in späteren Jahren erlangt hatte.
Dieses großartige lyrische Programm, das beiden Zweihundertjahrfeierlichkeiten gewidmet ist, Es begann am Tag der Festivaleröffnung, die 17 Juli, mit der Interpretation der Verdiana Messa di Requiem, aufgeführt vom Chor und Orchester des Gran Teatre del Liceu, unter der Leitung seines Besitzers Josep Pons, wer gab dem Orchester einen lebendigen Rhythmus und, einstimmig, Erreichen des hohen dramatischen Tons, den diese Arbeit erfordert: deren Premiere fand in statt 1874, als Hommage an den großen Dichter Alessandro Manzoni, starb nur ein Jahr zuvor. Verdis Fähigkeit als Orchestrator zeigt sich in dieser Komposition, nach und nach erreicht, während der fünfunddreißig Jahre intensiver Arbeit, die zwischen seiner ersten Oper Oberto Conte di San Bonifacio vermittelte (1839) und in diesem Jahr 1874 der Premiere des Requiems. Die Vokalsolisten waren von authentischer Kategorie, angeführt von der großartigen niederländischen Sopranistin Eva-María Westbroek, voluminöse und timbred Stimme, damit ausgestattet <<Ring>> und Rotundität, die diese Arbeit erfordert. Die Leistung des italienischen Mezzos Luciana D'Intino war nicht zurückgeblieben. auch, gute Wiedergabe des Basses Michele Pertusi. und, diskreter, El Tenor Giuseppe Filianoti, von schönen und Timbred Emission, aber etwas Leichtes für diese Arbeit, das eine klarere Stimme erfordert; und, es wird offensichtlich, in seinem großen Solo-Moment das "Ingemisco", wo seine Interpretation sehr weit von der eines Jussi Björling mit Zinca Milanov in entfernt ist 1940 o Leontine Preis und 1960, in seinen Aufnahmen von Arturo Toscanini bzw. Fritz Reiner.
Toscanini selbst inszenierte ein weiteres historisches Requiem in 1951, in der New Yorker Carnegie Hall, mit der wunderbaren Stimme des jungen Giuseppe Di Stefano, flankiert von zwei anderen Größen der Lyrik: Fedora Barbieri und Cesare Siepi. Es ist notwendig, ein anderes historisches Requiem hervorzuheben, mit der großartigen Leistung eines jungen Luciano Pavarotti, con Leontine Preis, die große Hälfte Fiorenza Cossotto, und ein Nicolai Ghiaurov in seinem besten Moment, alles gerichtet auf 1967 por Herbert von Karajan, in einer Scaligere-Funktion gefilmt, und später remastered und auf DVD veröffentlicht, Das ist ein wesentliches Dokument dieser großen religiösen Arbeit der Verdi geworden.
In beiden Fällen, Dieses Peralada Requiem hatte ziemlich hohe Karat, besonders unter der Leitung von Josep Pons, und die Gesangsdarbietungen von Eva-María Westbroek und Luciana D'Intino.
Die Interpretation dieses Werkes war auch eine Hommage an die Erinnerung des Dichters, Der katalanischsprachige Dramatiker und Schriftsteller Salvador Spriu, anlässlich seines 100. Geburtstages am 10 Juli 1813, hundert Jahre nach Verdi und Wagner.
und, Wir gehen zum zweiten lyrischen Tag am Freitag 2 August, Wagner gewidmet mit dem Mariinsky Theatre Orchestra in Sankt Petersburg unter der Leitung seines Besitzers Valery Gergiev, mit dieser Kraft und Überzeugung, die in ihm üblich sind. vielleicht, im ersten Teil der Interpretation von Akt I von Die Walküre gewidmet (Die Walküre), Einige Instrumentalisten erhielten keine ganz orthodoxen Solo-Einführungen, und ich meine Basssaiten und Blechbläser. Als Entschädigung, wenn wir das Glück hatten, drei russischen Sängern mit durchschlagenden und intonierten Stimmen zuzuhören, mit guten Kenntnissen der deutschen Sprache, etwas Grundlegendes, um ihre jeweiligen Rollen ordnungsgemäß zu qualifizieren. Sehr bemerkenswert ist die Sieglinde der Sopranistin Mlada Judoléi mit einem sehr attraktiven Timbre, und sehr gut mit dem Siegmund des Tenors August Amonov mischen, ganz intoniert in den Passagen eines größeren Heldenschubs, mit einer Phrasierung voller Intentionalität, wenn auch nicht übermäßig verfeinert in den lyrischen Momenten dieser langen und kostbaren Duette mit Sieglinde.
Hervorragend für Bühnenpräsenz und Gesang ist der Bass Mijail Petrenko, der eine großartige Leistung des eifersüchtigen und böswilligen Hunding erbrachte.
Das Orchester war im zweiten Teil viel besser, mit hervorragenden Interpretationen der Ouvertüren von Lohengrin und Los Maestros Cantores. obwohl, die großen Momente dieses Konzerts, wurden von einer großartigen Eva-Maria Wetbroek geführt, die, nachdem sie mit wahrer Brillanz die lyrischsten wagnerischen Rollen wie Elisabeth de Tannhäuser konfrontiert hatten, die Eva der Gesangslehrer, Sieglinde de Die Walküre, y la Gutrune de Götterdämmerung, bereitet ihr Debüt als Isolde vor, diese komplexe Rolle einstudieren, in ihren Interpretationen der <<Verwünschung von Isolde>> und <<Tod der Liebe>>, wo er für seine große dramatische Fähigkeit beeindruckend war, Stimmrotundität, und absolute Kontrolle aller Aufzeichnungen: Gräber, Zentrum und Höhen. Ein hingebungsvolles Publikum applaudierte sowohl Gergiev als auch Westbroek mit großer Kraft..
Am nächsten Tag Samstag 3 Im August fand eine weitere wagnerische Veranstaltung mit der absoluten Uraufführung von Das liebesverbot in Spanien statt (Das Liebesverbot), Richard Wagners Jugendoper wurde uraufgeführt 1836 in Magdeburg - mit einem donnernden Misserfolg- als sein Autor erst zweiundzwanzig Jahre alt war. Montage, aufgeführt von Regisseur Georgios Kapoglou, wurde vom Bayreuther Young Artists Festival in Auftrag gegeben 2005, in einer Version, in der die fast dreieinhalb Stunden der ursprünglichen Partitur reduziert werden, weniger als zwei, aufgeführt vom Komponisten Frank Böhme in moderner Tonart, für das Kammerensemble Ensamble Orquesta de Cadaqués, mit zusätzlicher Instrumentierung von E-Gitarre und Saxophonen, dass Fausto Nardi wusste, wie man mit echtem Geschick Regie führt. Das musikalische Arrangement konnte sich erinnern, zeitweise, Kurt Weills Musiktheater.
Diese Version versucht, das Wesentlichste der Aktion zu konzentrieren, mit besonderem Augenmerk auf eine kompromisslose Verteidigung der freien Liebe und der weiblichen Emanzipation, übermäßig markieren, das Recht der Frauen, absolute Freiheit zu haben, den Mann zu wählen, den sie am liebsten mögen, Keine familiären oder sozialen Einschränkungen. Es ist eine Adaption, die Wagner selbst aus Schakespeares Stück Measure for Measure gemacht hat.
Die Inszenierung in der Iglesia del Carmen de Peralada ist sehr interessant, mit dem Orchester im Hintergrund, und die Aktion entwickelte sich innerhalb einer rechteckigen und geschlossenen Tribüne, wo die Zuschauer die Aktion aus nächster Nähe verfolgen konnten, praktisch auf das Atmen der verschiedenen Schauspieler hören.
Hervorragende Gesangs- und Theateraufführung junger Sänger, wie die Baritone Enric Martinez-Castignani und Àlex Sanmartí, die Sopranistinnen Júlia Farrés-Llongueras, Rocio Martinez und Mercedes Gancedo, und der Tenor David Alegret.
Gute Leistung des Kammerchors des Palau de la Música Catalana. Großartige Uraufführung dieser authentischen Wagner-Rarität. nur, meine die erstickende Hitze in der Iglesia del Carmen, in der die Darstellung stattfand.
schließlich, Diese drei musikalischen Ereignisse überprüft, waren der großartige Beitrag des Peralada Festivals 2013, zu den zweihundertjährigen Jubiläen von Wagner und Verdi.

Diego Manuel Garcia Perez-Espejo

Die Zauberflöte

Mit den Funktionen von Die Zauberflöte, endet in diesem Herbst Saison, Winter und Frühling auf Valencia "Palau de Les Arts", die hat die unvermeidlichen Budgetkürzungen kombiniert, mit einem Programm auf fünf Titel von verschiedenen Repertoires basierend: La Bohème und Der Barbier von Sevilla, mit zwei Verdi-Opern sind wir in der 200 Jahrestag des Komponisten Busetto- ein beliebtes und superconocida als Rigoletto, und eine viel weniger vertreten, aber von unbestreitbarer Anziehungskraft, wie ich Foscari gebührt, mit der immer charismatischen Präsenz eines Plácido Domingo, in baritonalen Rollen beteiligt, aber sein attraktives Timbre behalten, und eine Songlinie, die für ihre zweiundsiebzig Jahre wirklich undenkbar war.

gut, Alle diese Produktionen hatten großartige Szenografien, dazu kommt der minimalistische, aber sehr attraktive szenische Vorschlag von Mozarts Die Zauberflöte.
Trotz der Reduzierung der Titel im Vergleich zu den Vorjahren, der valencianische Opernpalast, hat sich maximal um die musikalischen Ergebnisse gekümmert, Gesang und Szenik jeder seiner programmierten Opern, Brío Clásica widmet sich umfangreichen und lehrreichen Rezensionen.
Die Zauberflöte ist ein Werk, das man anders nennen könnte: tolle Oper, Wie hast du es genannt? Mozart, es könnte auch dem Genre der Wiener Operette oder auch einem „Singspiel“ wie im Fall von El rapto en el serrallo zugeschrieben werden. Auch wie ein Märchen.
jedoch, seine offensichtliche freimaurerische Ikonographie ist offensichtlich, seit von Anfang bis Ende, Das ganze Thema dieser Oper bezieht sich auf die Freimaurerei. Bitte beachten Sie, dass Wolfgang Amadeus Mozart ein Freimaurer war, und seine Oper ist eine feurige Hymne an die universelle Brüderlichkeit. Seine beiden Hauptprotagonisten Prinz Tamino zusammen mit seiner geliebten Pamina, werden in den freimaurerischen Initiationsritus eingeführt.
Man könnte denken, dass diese Oper nur ein Gleichnis vom Kampf zwischen Gut und Böse ist, vom Lächerlichen und Erhabenen, von männlichen und weiblichen Elementen. jedoch, Die Zauberflöte kann als ein großartiges Werk angesehen werden, das all diese Widersprüche zusammenbringt, die Liebe preisen, die mit der Suche nach der Wahrheit verbunden ist, gegenseitige Solidarität, Gerechtigkeit, Brüderlichkeit und Toleranz.

Wie bei allen großen Mozart-Opernkreationen, Gesang muss in seiner reinsten Form siegen: raffinierte Technik, Stimmqualität, große Ausdruckskraft.
Innerhalb der von The Magic Flute geforderten Vokaltypologie, Der Charakter der Königin der Nacht braucht a Sopran dramatische absolute Beherrschung der Farbe, gepaart mit Push und Tapferkeit. Dieser Sopranil-Typ, der zu Mozarts Zeiten existierte, und in einigen Opern von Bellini und Donizetti aufgenommen, von Sopranistinnen wie Giuditta Pasta, Giulia Grisi, und in jüngerer Zeit von der großen María Callas: existiert nicht mehr. deshalb, Die Rolle der Königin der Nacht wird von lyrisch-leichter Musik von großer Länge und leichter Beherrschung der Beweglichkeit gespielt..
In Bezug auf die beiden Hauptrollen von Pamina und Tamino, erfordern jeweils: eine lyrische Sopranistin einer bestimmten Breite, gutes Legato, Beherrschung dynamischer Vorschriften; und, vor allem, eine sehr raffinierte Gesangslinie; und ein lyrischer Tenor von ausreichender Breite, um heldenhaften und dramatischen Momenten zu begegnen.
und, der Charakter von Sarastro, von großer Bedeutung in der gesamten Oper, erfordert einen tiefen Bass mit einem Lied von großem Adel.
schließlich, Lassen Sie uns zitieren, der baritonale Charakter der Voliere Papageno, das muss eine lustige und sorglose Leistung verbinden, mit ernsteren Momenten und einem gewissen Drama.

Das alles sagte, den Leser in den Hintergrund stellen, Ich möchte diese Produktion des Teatro Regio di Parma der Zauberflöte immer konstruktiv kommentieren, die im April letzten Jahres im Rahmen von sechs Veranstaltungen im Valencianischen Opernpalast aufgeführt wurde: zuerst, dass eine Inszenierung durchgeführt werden kann - attraktiv- nuancierter Minimalismus, erstellt von Simon Corder, auch verantwortlich für das sehr erfolgreiche Lichtdesign, das das sehr einfache Bühnenbild optimal nutzt. Höhepunkt, die ausdrucksstarken Ballettnummern, Hervorragend gelöst von akrobatischen Tänzern, mit der großartigen Choreografie von Duncan Macfarland.
Der Chor der Generalitat Valenciana (wie immer) führt eine herausragende Leistung unter der Leitung seines Eigentümers Francesc Perales, Hervorhebung, besonders im beeindruckenden und sehr emotionalen Act II Chor.
Es ist immer notwendig, die großartige Qualität des Valencian Community Orchestra zu kommentieren, voll von großartigen Profis, die sich an verschiedene Repertoires anpassen können: in diesem Fall die Musik von Mozart, immer hoch symphonisch, und dass der Regisseur er wusste mit absoluter Brillanz zu belichten.
Auf der Gesangsebene sollte die Gesangs- und Bühnenperformance der jungen italienischen Sopranistin hervorgehoben werden. Gnade Doronzio, wer machte eine herausragende Leistung als Pamina, in all ihren Interventionen großartig zu sein, vor allem, in seiner sehr komplizierten Arie aus Akt II, "Asche, ich fühl’s (Ja, Ich habe das gefühl)", in einem sehr großen Prozentsatz einhalten, Alle stimmlichen Vorteile, die dieser Charakter benötigt, bereits oben gezeigt; und, Angeberei - trotz seiner Jugend- in der Linie anderer großer Paminas wie, beispielsweise: Elisabeth Schwarzkopf, Gundula Janowitz, Annaliese Rothenberger oder unser Pilar Lorengar.
Zu beachten ist auch der prächtige Sarastro des koreanischen Basses In-Sung Sim, mit einer schönen und edlen Linie des Singens. Seine Leistung ist während der gesamten Oper sehr brillant, Hervorheben in seiner Arie von Akt II "In diesen heil’gen Hallen.
Bemerkenswerte und lustige Leistung als Papageno aus dem Bariton Thomas Tatzl, neben der gut gesungenen und gespielten Papagena von Helen Kearns, wer zeigt große Körperflexibilität, seit geraumer Zeit völlig gebeugt, um später als junges und schlankes Mädchen aufzutreten, das Papageno begeistert.

Ich lasse zum Ende das, was ich für das schwächste der gesamten Besetzung halte: Die Königin der Nacht der Sopranistin Mandy Fredrich, der sehr diskret seine Arie aus Akt I sang "Über zittre sie, mein lieber sohn! (Dieses Porträt ist bezaubernd schön)"Um seine teuflisch schwierige Arie aus Akt II zu verbessern"Der Hölle Rache.." (Höllenrache ..)"
Der Tamino von Daniel Johansson, es ist, mehr oder weniger akzeptabel, in seinen Interventionen mit Pamina, Papageno und Sarastro.
Ya, Die Ergebnisse sind in seiner großartigen Szene von Akt I diskreter. "Dies Bildnis ist bezubernd schón (Dieses Porträt ist bezaubernd schön)", wenn wir es mit einem Fritz Wunderlich vergleichen (der beste Tamino aller Zeiten), oder mit der sehr eleganten Kreation des jungen Nicolaï Gedda, neben Elisabeth Schwarzkopfs Pamina, und das Papageno von Giuseppe Taddei, in der großartigen Live-Aufnahme von 1953, unter der Leitung des Flammenstabes von Herbert von Karajan; e, auch, die ausgezeichnete Schöpfung, in jüngerer Zeit, von dem Mexikaner Francisco Araiza, in der Videoaufnahme von 1991, Regie führte James Levine vom Metropolitan of New York.
schließlich, eine bemerkenswerte Zauberflöte, meistens von einigen der Sänger.

Barbier von Sevilla

Diese Valencia Barbier von Sevilla, mit einem sehr originellen und modernen Landschaft von Paolo Fantin: und Drehen eines beliebten Viertel bauen, wo die Augen der Zuschauer kann scannen, wie im Fall von James Stewart Gießens (Jeff. B. Jeffries), das war gewidmet aussehen, von Rear Window, die Aktivitäten und Entwicklungen aller seiner Nachbarn in der großen Alfred Hitchcock lesen Fenster.

Die überquellenden Gnade Der Barbier von Sevilla, Er geboren von der perfekten Kombination aus einem herrlichen Libretto von Cesari Sterbini, basado en la comedia Der Barbier von Sevilla oder Die nutzlose Vorsicht von Pierre Beaumarchais, und die brillante Partitur Rossini, zu übertreffen Einfallsreichtum und Findigkeit, mit jedem Ihrer Zahlen, wirklich erstaunlich Progression. von "Klavier pianissimo„Um stretta das Gesetz I endet. und, vom Duo "Frieden und Freude I„Bis zum Ende Sextett blendend, die ganze Oper ist ein echter wachsender Reichtum an melodischen, perfekt auf die Aktion lighthearted aufgeworfen.
Neben einer Reihe von Zahlen, in der Tat „Meilensteine“, das ganze Repertoire wie „ECCO, Lachen im Himmel"Oder aria-cabaletta"Cease länger zu widerstehen ... Ah, mehr zufrieden", geladen sehr schwierig Agilität, prächtig gelöst, wir erinnern- von Tenören wie Alfredo Kraus, Cesare Valetty, Nicolai Gedda, Fritz Wunderlich oder Argentinier Raul Gimenez (großer Stilist des belcantismo); und, heute, von Juan Diego Florez, erinnern wir uns an seine großartigen Grafen Almaviva, am Teatro Real in Madrid, auch auf DVD veröffentlicht- die, das „Largo zum Faktotum“ des Figaro, und "Slander" Don Basilio. Nicht darauf hin, dass "Una voce poco fa", wo so viele Sänger sind gescheitert, bei dem Versuch, einen wirklich ausdrucks Inhalt zur Phrase ma meine toccano zu geben.
Der Barbier ist ein weiterer unwiderlegbarer Beweis der Orchester Beherrschung von Rossini. „Die Ouvertüre“ oder Begleitung "Verleumdung", kann bezeugen,.

etwas auch, Highly bemerkenswert ist die Darstellung der verschiedenen Charaktere durch Musik: der volle Charakter von großem Adel Lied Count, die verschiedenen Aspekte der Persönlichkeit von Rosina ausgesetzt in ihrem "a voce poco fa„die, die schlechte Idee von Bartolo in "Zu einem Arzt", und die anmutige Rokoko Nachahmung der Sprache in ihrer Arietta des zweiten Aktes, erinnert an seine Jugend. All diese Aspekte zu dieser Rossini Oper beitragen hat, ohne Rückgriff auf Mozart Meisterwerke wie Die Entführung aus dem Serail und Die Hochzeit des Figaro verglichen. Bericht schließlich, Akt I, der größer ist als der zweite, und dies ist kein Defekt, da die Summe Schnelligkeit der Ergebnisse dieser Oper, die gesamten Akt I bildet dient als Ausgleich für die Verlängerung der Präsentation.
In dieser Rossini Oper, wir können klare Erinnerungen an der berühmten Trilogie von Mozart-Da Ponte finden: Die Hochzeit des Figaro, Y Don Giovanni und Così fan tutte.
Nach dieser langen Einführung bin ich denke Didaktik- den Leser anziehen, zurück zur Fokussierung auf diesem Barbero wurde im vergangenen März in Valencia gesehen.

Diese Produktion aus dem Grand Théâtre de Geneve, , Wie es bereits darauf hingewiesen worden,- mit exzellenter und modernen Landschaft, bestehend aus der originalgetreue Rekonstruktion eines beliebten Gebäudes mehrgeschossige, wo auch, Wir sehen die Ford ‚In Ordnung geparkt! Propaganda der valencianischen Fabrik- Graf Almaviva, unsterblich in sie verliebt mit dem pert und anmutig Rosina, der lebt in diesem geschützten Gebäude, eher gedämpft, die Dodo und Eifersucht Don Bartolo.
Dieser Satz kann sich drehen komplett, siehe die Interna der verschiedenen Etagen zu ermöglichen, und dass die Zuschauer können verschiedene Aktionen scannen und Ziel gesungen, simultanean, dass andere nur Theater; und, alle, durch ein erfolgreiches Lichtdesign ergänzt, dass die zeitlichen Übergänge Aktionsmarken entstehen. deshalb, eine bemerkenswerte, bemerkenswerte Landschaft.

Exzellente Musik erstellt von Gioachino Rossini ist hervorragend vom Orchester des Valencia Großdurchgeführt, gut von seinem Besitzer gerichtet Omer Meir Wellber, das Tragen von zu sehr auf die „Ouvertüre“ (wahre Wunder der bunten und prägnant Musik), und wenn die Bestimmung ist wichtig, in der gesamten Oper, erreicht Höhen von hoch auf langen -sehr Ende mit dem mozartischen Stil- Akt I. Der Omer eigenen Wellber, befasst sich mit dem Schlüssel, begleitet Rezitative.
Und in der Stimm Ebene sind die schwersten Stimmen: die bemerkenswerte Figaro Mario Cassi, die zeigt eine breite und nachdrückliche Stimme, dass die Dynamik auf der Bühne zeigt, die diese Rolle erfordert, deren Persönlichkeit zeigt deutlich,, in seiner berühmten Arie "largo al Factotum". Grand Basilio des jungen bulgarischen Orlin Anastassov, Stimme eines großen Pakets, das sehr in der berühmten Arie sieht "Slander ist ein Kinderspiel", und in allen anderen Interventionen innerhalb einer großen Vokal- und Bühnenperformance.
Orlin Anastassov sang nur in den Funktionen des Tages 12, und der Tag meiner Teilnahme 15 März. Ich weiß, dass auf jeden Fall die großartige Leistung der großen unter Georgian Paata Burchuladze, in anderen Darstellungen. Lustig und sehr theatralisch Bartolo von Marco Camastra immer nach dem Windschatten von Rosina, und die Lösung seiner fachmännisch Act I Arie "Zu einem Arzt meines Schicksals". Besondere Erwähnung des valencianischen Mezzo Berta Marina Rodriguez Cusi, brillante Karriere in den letzten zwanzig Jahren.
Rodriguez-Wege, Es gibt eine Lektion Theater, denn ohne Gesang, Alleingang, kommt voll zu konzentrieren, mit ihrer Bühne Bewegungen der Aufmerksamkeit der Zuschauer, und schon trägt seine vocalism attraktiv während Akt II, in ihrem kleinen Duett mit Bartolo "Ah, elend mir!„Gefolgt von ihrer Arie“Die antiquiert kommend".
Wie für Rosina von Valencia de Sagunto Silvia Vázquez, Es ist ziemlich gut in Theater Hintergrund, und eine bemerkenswerte vocalism Schießen, vor allem in der Auflösung der Agilität Belcanto in seiner berühmten Arie shining "Una voce poco fa".
Der Uruguayer Tenor Edgardo Rocha (helle Schüler andere Almaviva: Amerikanische Tenor Rockwell Blake), Es hat eine gute Gesangstechnik, mit einer Stimme inhomogenen assoziiert, völliges Fehlen von schweren, und ein Zentralregister kein Licht, aber ultra-light Tenor; dass, nimmt nur einen Breiten Körper und auch in der akuten bewegen. Diese Eigenschaften bleiben lucimiento in ihren wichtigen Interventionen beiden Handlungen. El Figaro de Mario Cassi, erzählt wahre Brillanz im Duo sowohl in ihrem Duett der ersten Akt "Die Idee dieses Metall". Die große Anzahl von großartigen Set, das Gesetz I schließt, mit diesem ausgezeichneten Coro de la Generalitat Valenciana. schließlich, ein sehr bemerkenswert Barbero, vor allem für sein Theater Ansatz und die schwersten Stimmen.

Der Barbier von Sevilla
Gioachino Rossini
Palau de les Arts in Valencia
D. Musical: Omer Meir Wellber
D. Szene: Damiano Micheletto
Mario Cassi, Silvia Vázquez,
Edgardo Rocha, Marco Camastra,
Orlin Anastassov, Marina Rodriguez-Cusi,
Oliveri Mattia

I Due Foscari

Es hat das Jahr VERDI gestartet, in 200 Jahrestag seiner Geburt, und der Palau de Les Arts feiert das Jubiläum mit einem Titel jungen Verdi I due Foscari, entlang von sechs Aufführungen, die begann -exitosamente- letzte 24 Januar, und läuft bis zum 8 Februar. und, gefolgt von den Rollen von Otello, einem der Gipfel der Kunst zu werden Verdiano- das wird in den kommenden Monaten Mai und Juni stattfinden, mit der Leitung von Zubin Mehta, beim Mittelmeerfest.

TOD IN VENEDIG
In dem berühmten Luchino Visconti Film in 1971 und, auch, in Benjamin Brittens letzter Oper aus 1973, Der Tod ereignete sich in Venedig, des gequälten Musikers Gustav von Achenbach: Francesco María Piave - aus Lord Byrons Drama, Die beiden Foscari- schrieb das Libretto für die sechste Oper von Verdi, mit dem italienisierten Titel von I due Foscari. Es präsentiert eine bedrückende und höchst dramatische Handlung, das endet mit dem Tod, im Venedig des Quatrocento, des Dogen der Gelassenen Republik, Francesco Foscari und sein Sohn Giacopo.
Diese Oper eröffnet dem Komponisten von Busseto eine Zeit frenetischer kreativer Aktivitäten, wer da 1844 (Jahr der Premiere von I Due Foscari) nach oben 1850, wird elf Opern komponieren. Diese intensiven sieben Jahre sind unter dem Namen "Galeerenjahre" bekannt.. Dieser Name basiert auf einem Brief von Verdi selbst an seine Freundin Gräfin Maffei, in dem er sich über den Weg beschwerte
folgenden: „Aus Nabucco kann man sagen, dass ich keine einzige Stunde der Ruhe hatte. Es waren sieben Jahre Galeere!"Später erreichte der Ausdruck Glück, aber es auf den Sechsjahreszeitraum zwischen I fällig Foscari und Stiffelio anzuwenden, wurde in uraufgeführt 1850.
Zwei können die Gründe für diese große kreative Anstrengung sein: Anfragen von Theatern nach neuen Opern und zur Festigung der wirtschaftlichen Position des Komponisten, deren Triumphe auf der Bühne sorgten für eine gesunde finanzielle Situation. Beide Gründe sind plausibel, obwohl die erste normalerweise zum Nachteil der zweiten verwendet wird, weniger romantisch. sicher, Damals gab es ein echtes öffentliches Verlangen nach, wesentlich, neue Opern verschlingen; Dieser Umstand zwang den Komponisten, ununterbrochen eine Oper nach der anderen zu schaffen, und reisen Sie kontinuierlich, um an Premieren teilzunehmen oder Proben und Wiederholungen zu überwachen. Aber es ist nicht weniger wahr, das aufgrund seiner bescheidenen Herkunft, Verdi hatte eine große Anziehungskraft für Geld.
deshalb, diese frenetische Arbeit der "Jahre der Galeere", dazu kann der Zeitraum zwischen hinzugefügt werden 1851 und 1853 wo er seine beliebte Trilogie komponierte, das macht Rigoletto aus, Il Trovatore y La Traviata, mach dich zu einem Millionärs-Songwriter, der, seit damals, es verlangsamt allmählich seine Produktion, als, in den nächsten vierzig Jahren, und sogar sein letzter Otello wurde uraufgeführt 1887, und Falstaff aus 1893, er wird nur acht Opern komponieren.

aber, Kehren wir zu diesem valencianischen und sehr bemerkenswerten Foscari zurück: wo, wieder, wie in den vorherigen Fällen von Rigoletto und La Bohème, während dieser Saison, Wir sehen eine originelle Szenografie. Ya, ganz am Anfang der Darstellung, Wir können ein dynamisches Meer sehen, das auf einen transparenten Hintergrund projiziert wird, das symbolisiert diesen schönen venezianischen blauen Horizont, durch die man das hässliche und unheimliche Gefängnisuniversum erblicken kann, einmal wurde dieser maritime Vorhang geöffnet, kann in all seiner schmutzigen Schärfe gesehen werden, und wo Jacopo Foscari in einem Käfig eingesperrt ist,an den Sohn des Dogen Francesco Foscari, umgeben von Folterern, und ein Inquisitor Geistlicher, der die Bestrafung der Gefangenen segnet. wieder, in Akt III, Dieses bedrückende unterirdische Universum interagiert mit einer farbenfrohen Belustigung, wo die Figuren singen und tanzen, um dieses historische Festereignis namens "Venezianische Regatta" zu feiern.. Sehr erfolgreiches Kostümdesign von Mattie Ullrich, mit Proliferation von roten und weißen Farben, zusammen mit den hübschen Outfits der chinesischen Sopranistin Guanqun Yu, in der Rolle von Lucrecia Contarini. Hervorragende Regie von Thaddeus Strassberger, die Charaktere dazu bringen, die Spannung und das Drama zu zeigen, von denen sie betroffen sind.

musikalisch, In dieser Oper können Sie den Fortschritt der Orchestrierung sehen, den Verdi in Bezug auf seine früheren Werke gemacht hat. Hier experimentierte der Komponist erstmals mit den sogenannten "wiederkehrenden Themen" oder "Leitmotiv", die die Bühnenpräsenz der verschiedenen Charaktere ankündigen, und einschließlich des Chores. deshalb, Bussetos Lehrer zeigt in I due Foscari, neue Formen des musikalischen Ausdrucks, hauptsächlich mit diesen wiederkehrenden Themen, durch die jeder Charakter durch ein musikalisches Motiv definiert wird, das ihn auf der Bühne identifiziert. Für den Achtzigjährigen Francesco Foscari, Es sind die Basssaiten: Celli und Bässe, das entwickelt eine schöne melodisch absteigende Figur, das spiegelt Zerbrechlichkeit und Alter wider. Lucrecia Contarinis Auftritt in der Szene ist durch ein "Allegro Agitato" gekennzeichnet, das von der Saite gespielt wird, mit einer unruhigen und feurigen Melodie, die den hohen Grad an ständiger Bewegung des Charakters zeigt. Sogar der Chor, in den Interventionen des "Rates der Zehn", hat sein musikalisches Motiv: ein "Wanderer mit einem Motorrad", was reflektieren, irgendwie, Grausamkeit und Unnachgiebigkeit.

Omer Wellber dirigierte das Valencian Community Orchestra mit einem guten Puls, schon von Anfang an, mit diesen starken und kräftigen Akkorden, die die Ouvertüre beginnen, und die Ausführung dieses funerealen und melancholischen Themas im Moll-Modus, zuerst von der Klarinette und später von der Flöte gespielt, mit offensichtlicher Brillanz beider Instrumente, und dass die Anwesenheit von Jacopo Foscari musikalisch markieren wird.

Das Orchester zeigt zu Beginn des zweiten Aktes seine Vorteile, mit dieser schönen Kammermusik, mit leuchtender Violine und Cello abwechselnd und sprechend, zu dem sich die Stimme von Jacopo Foscari gesellt, gut aufgeführt vom Tenor Ivan Magri - über die Passage, Verdiano guter Stil des Singens- zu Beginn seiner großartigen Szene „Notte! Ewige Nacht, die hier herrscht ... ". Der Tenor konfrontiert auch klar seine Intervention in Akt III, "Sein unerbittlicher Felskern". Obwohl Ivan Magri weit entfernt ist von den außergewöhnlichen Leistungen des jungen Carlo Bergonzi, in der Live-Aufnahme dieser Oper aufgeführt in 1951, mit musikalischer Leitung von Carlo María Giulini oder dem jungen Josep Carreras, in der großartigen Philips Aufnahme von 1976, Regie von Lamberto Gardelli, und wo der katalanische Tenor uns sein schönes Timbre von damals anbietet, zusammen mit einem verdianischen Temperament - besonders in den Kabaletten- der ersten Größenordnung.

Letzte Saison, Plácido Domingo sah sich einer lyrischen Baritonrolle gegenüber, como el Athanael de Thais de Jules Massenet. Wieder hören wir ihm in dieser Position zu, verkörpert den alten Francesco Foscari, der, tatsächlich, erfordert einen dramatischeren Bariton wie bei Renato Bruson und Leo Nucci, die diese Rolle wiederholt im Theater gespielt haben, und sie haben uns DVD-Aufnahmen von unbestrittener Qualität hinterlassen. In beiden Fällen, Domingo ist im Test erfolgreich, zeigt uns immer noch das jugendliche und schöne Timbre, Unglaublich bei einem Sänger, der bereits zweiundsiebzig geworden ist.
und, ist bemerkenswert in seinem ersten Bühnenauftritt "Eccomi solo alfine ...", das zeigt den Herrscher in der Einsamkeit der Macht. auch, in seinen Solo-Interventionen von Akt III „Egli ora parte!… Und unschuldiger Teil!", um seine wichtige Aufführung gegen Ende der Oper „Questa dunque è l'iniqua mercede… Principe“ zu beenden, wo, dann stirbt vor so viel Unglück. aber, vielleicht, wo Domingo mit seiner Schwiegertochter Lucrecia Contarini stärker im Duett glänzt, großartig aufgeführt von dem jungen Guanqun Yu, -großer Gewinner der Nacht- Gewinner der Ausgabe 2012, des Operalia-Plácido Domingo-Wettbewerbs, und Schüler von Carlo Bergonzi, Reneé Fleming und Eva Marton. Die chinesische Sopranistin hat ein schönes Timbre, und eine sehr gut projizierte Stimme, mit runden und scharfen Höhen und Höhen. jedoch, sein Bassbereich, Ergebnisse begrenzt. Seine Leistung war sehr klar, seit er zum ersten Mal auf der Bühne erschien, während Akt I., mit der Rezitativ-Arie-Kabalette "Nein, lass mich ... du siehst mich allmächtig an ... O Patrices zittern ... das Ewige", von einem donizettianischen Belcanto-Stil und großer Schwierigkeit. auch, Er hatte auch eine brillante Intervention in der Act III Cabaletta „Piu non vive! Der Unschuldige .. ". Besondere Erwähnung verdient die Aufführung des lebendigen Act II-Quartetts, mit Lucrecia, Francesco, Giacopo und der böse Loredano, Sehr gut gespielt von dem Bass großartiger Vokalmedien, Gianluca Buratto. wie immer, großartige Aufführung des Chores der Generalitat Valenciana, von Francesc Perales gerichtet. schließlich, eine Oper des jungen Verdi, die stimmlich und szenisch gut aufgelöst ist.

Konzertgesellschaft ALICANTE

Im Rahmen des Programms der Konzertgesellschaft Alicante, Sie haben Platz in den letzten Tagen gemacht 12 und 17 Dezember, beziehungsweise, die brillanten Konzerte des großen amerikanischen Geiger Joshua Bell, von dem Pianisten Sam Haywood begleitet, y de la berühmten portugiesischen Pianistin Maria João Pires, Cellist mit brasilianischen Antonio Meneses.
Konzertgesellschaft von Alicante ist ein Modell und Flaggschiff Einheit, während der letzten 40 Jahre, und seit seinem ersten Konzert von Victoria de los Angeles, in der fernen 22 September 1972, Alicante hat die musikalische Umgebung gefüllt, mit der Anwesenheit von großen Dolmetscher, beide Musiker und Sänger.
Zu den ersteren gehören, unter anderem, Pianisten, die Zeit als Sviatoslav Richter getan haben, Vladimir Ashkenazy, Wilhelm Kempff, Elisabeth Leonskaja, Shura Cherkassky, Alexis Weissen, Aldo Ciccolini, Joaquín Achúcarro und Nikita Magalof, Nachfolgende Zahlen auch, wie die Trias der großen ungarischen Pianisten Zoltán Kocsis, gebildet durch, Andras Schiff y Dezso Ranki o Ivo Pogorelich, Rado Lupo, Elisso Virsaladze y Krystian Zimmerman, mit der wiederholten Präsenz in den letzten dreißig Jahren der jetzigen deren portugiesischen Konzert- Maria João Pires.

und, unter Geigern, legendäre Figuren wie Menuhin, Henryk Szeryng, Christian Ferras, Salvatore Accardo, Felix Ayo o Vladimir Spivakov, zusammen mit neueren Generationen wie Victoria Mullova, Shlomo Mintz, Vadim Repin und Joshua Bell Sie reseñará unter seinem letzten Konzert in Alicante oder, auch, die jüngere Generation vertreten durch: Sara Chang, Julia Fischer ist Hilary Hahn junto a Renaud Capuçon.
Cellisten Janos Kategorie Staker, Natalia Gutman, Pierre Fournier, Pinchas Zukerman, Mischa Maisky und Yo-Yo Ma.También die großen Gitarristen Andres Segovia und Narciso Yepes. Unter den Sängern: die zuvor erwähnte Victoria de los Angeles, Pilar Lorengar, Eva Marton, Jessye Norman, Millo, die legendäre Elisabeth Schwarzkofp, und -im besten Momente seiner Karriere- Monserrat Caballe groß, oder die berühmten Mezzos: Janet Baker, Teresa Berganza, Christa Ludwig y Brigitte Fassbaender.
schließlich, die Liste wäre endlos, die große Zahl von großen Interpreten Aufzählen, die haben sich in den letzten vierzig Jahren kommen die Teatro Principal in Alicante, oft Gastgeber Konzerte Konzertgesellschaft Programm von Alicante.

Das Konzert konnten wir Joshua Bell und Sam Haywood hören, Er begann mit Rondó hell in h-moll, auf. 70. D. 895 Franz Schubert. im Oktober 1826, Schubert zurück eine Komposition für Violine und Klavier wieder aufnehmen, Genre, das seit fast zehn Jahren verlassen hatte,.
Diese brillante Rondó wurde gedacht, zu interpretieren, was der jungen Geiger Czech, Josep Slavik, wen Chopin als 1 Sekunde Paganini, und es wurde im Januar veröffentlicht 1827. Andante ersten Teil sehen wir bereits die absolute Beherrschung des amerikanischen Geiger, singen eine Melodie Licht, vom Klavier im Schatten, und beiden Instrumente in Wechselwirkung, die Frage des heroischen schlüssig Gerichts. Im zweiten Teil Allegro, Joshua Bell zeigte uns seine technischen Fähigkeiten ein gutes Klangvolumen und großer Lebhaftigkeit bekommen, in einem verzierten Chor gewisse Leichtigkeit und einem starken ungarischen Charakter. hier, auch, Geiger und Pianist zeigte Lyrismus und instrumentale Bravour, und in der Coda mit der Arbeit beenden.

dann, beiden Instrumentalisten ausgeführt, um die Sonate für Violine und Klavier in Es-Dur, auf. 18 Richard Strauss komponiert zwischen 1887-1888, und in München uraufgeführt 1888, mit Strauss selbst zum Klavier und Geiger Robert Heckmann. Arbeit der „absoluten Musik“, wo der Autor seine Jahre kommt zu dem Schluss und zum letzten Mal im klassischen Sinne die Kammermusik Genre gehen studieren.
Im ersten Satz, Allegro ma non troppo, kraftvollen Charakter, breit und großzügig, Beide Musiker ausgesetzt reichlich melodischen Erfindung durch zwei Hauptthemen der Helden Charakter eminent, sehr im Einklang Straussianer; sondern auch, süß und kostbare Delikatesse Pianissimi in den beiden Unterthemen voll feiner melodismo läuft. Im zweiten Satz ein ‚Andante cantabile‚Titel‘Improvisation„Bogen Joshua Bell, zeitweise, materiell streichelt die Saiten Gloomy Pianissimi spielen.

Sam Haywood Klavier nimmt eine hektische und fast dramatische Rolle im zentralen Teil, für, dann, dienen als Begleitung zum Gesang der Violine, mit einem wiederholten Thema erinnert an die Nacht chopinianos, brillant, bevor du eine Coda, dessen Thema mit Blick scheint mit der „Adagio“ Sonata Pathetique von Beethoven zu verbinden.
Ya, der letzte Satz Allegro, und die bedeutendste der Arbeit, Es wird von der Pianistin mit einer Reihe von Maßnahmen in schattigem Charakter eingeleitet, die der Weg zu einem überzeugenden und leidenschaftlich Problem, bei den beiden Instrumentalisten, in perfekter Kombination, Glanz außerordentlich. obwohl, der Klang der Violine in einer fast Orchesterbehandlung auf den unruhigen Wellen des Klaviers auferlegte. Beide Instrumentalisten zeigen wieder seine Beherrschung der abschließenden Coda hektische Arbeit.
Sowohl Glocke und Haywood zahlen besondere Hommage an amerikanische Musik laufen mit Begeisterung und Musikalität Drei Preludes von George Gershwin, kurz, aber ziemlich schwierig,; und, wo beide Künstler zeigen ihre Fähigkeiten und erwärmen ihre Instrumente für die Umsetzung der wichtigsten Arbeiten dieses Konzerts oben: Sonata No. 2 für Violine und Klavier von Sergei Prokofiev, Arbeit, für die ich fühle mich eine besondere Schwäche, da ich zum ersten Mal vor etwa zehn Jahren gehörte, Deutche Gramophone in einer Aufnahme außerordentlich interpretiert von Geigerin Anne-Sophie Mutter und dem Pianisten Lambert Orkis des üblichen Begleit. Kurs, die Interpretation gemacht in Alicante Joshua Bell und Sam Haywood nicht hinterherhinkt.

Im September 1942, im Ersten Weltkrieg, und in voller deutschem Angriff auf russischen Boden: Prokofjew war in Alma-Ata (Ural), die Arbeit mit Regisseur Sergej Eisenstein in La Cantata Ivan der Schreckliche, als Soundtrack des Films mit dem gleichen Titel. parallel, Er komponierte eine Sonate für Flöte und Klavier im Frühjahr beendet 1943, nach seiner Rückkehr nach Moskau. Die Uraufführung fand im Dezember des gleichen Jahres, am Moskauer Konservatorium, wobei seine Dolmetscher Richter Sviastoslav Pianist und Flötist Charkovski, die Präsenz im Publikum von dem Geiger David Oistrach, wer wurde er von der Arbeit verführt, Prokofjew und bat ihn, eine Transkription für Violine zu tun und Klavier. In dieser neuen Sonata wurde es auf Platz Nr 2 für Violine und Klavier in D-Dur, auf. 94, und es wurde im Juni veröffentlicht 1944, auch am Moskauer Konservatorium, von David Oistrach und dem Pianisten Lev Oborin.

Die Sonate beginnt mit einem Andantino, wo Violine Bell sang mit feinen lyrischen zwei Themen, die diese erste Bewegung umfassen, das sie mit Momenten der größten Spannung verflochten, mit einem begleitenden Klavier und verbindet die vollen melodismo Sätze der Violine, dessen Klang mit einem perfekten Sound Anschlag Pianissimi zwischen forte und piano bis Ende schwankend.
Im zweiten Satz Allegro, die beiden Instrumentalisten schnelllebigen bieten uns einen virtuosen Passagen, zwei Ausgaben von Charakter und großen Schwierigkeiten danzante. In der ersten, Bell Violine Meister verschachtelt mit authentischen Pizzicato sehr schnell in verschiedenen Wiederholungen des Themas, und gelöst mit Ausdruckskraft und hervorragender technischen, extrem schwierige Passagen. Die beiden Darsteller suchen starke außerordentlich in Coda Abschluss.
Der dritte Satz Andante, verströmt ein großer lyrischer Atem, und beiden Instrumente in perfekter Kombination, läuft einen besonders ausdruck romanza, Der erste Teil besteht aus einem zarten Träumerei erinnert an Schumann.
Im letzten Satz Allegro con brio, tanto Joshua Bell como Sam Haywood, Sie zeigen uns Ihre Fähigkeiten in eine wahre Parade von üppigen virtuosen Episoden, Hervorhebung, von außerordentlich, zu Beginn, die brillante Ausführung eines Marsch von Klanglichkeit orfeonísticas, wo Violine und Klavier Blick sehr kompliziert Übungen, und und, im zentralen Teil, beide Instrumente ein lyrisches Zwischenspiel Meditation aussetzen, seine Virtuosität zu zeigen, wieder, mit fortissimo Wiederholung des ersten Themas des letzten Satzes.

wirklich, ein Wunder! Für die Leser, die mit Unmittelbarkeit kommen wollen, diese außergewöhnlichen Kammermusikwerke des zwanzigsten Jahrhunderts, Ich empfehle sie sehen und hören, in der immer gerettet YouTube, und eine Version Video in Tokyo genommen, vor vielen Jahren, mit zwei außergewöhnlichen Instrumentalisten: Lettische Geiger Gidon Kremer und Pianistin Martha Argerich Argentinien.

obwohl, in der Regel, und wie bereits zitierte ich oben, Konzerte sind wie unter dem Main-Theater Alicante, Dies geschah in dem sehr attraktiven Auditorium des Provinzrats von Alicante, mit einem Publikum gefüllt, die stark Joshua Bell und Sam Haywood applaudierten.

Maria João Pires ist ein regelmäßiger Assistent, aus dem fernen 1985, und sogar in sieben Jahreszeiten, Konzerte der Konzertgesellschaft Alicante organisiert. und, letzte 17 Dezember hat ein achtes Mal worden, uns einen großartigen Konzert mit dem Cellisten Antonio Meneses brasilianischen anbieten. wie immer, Portugiesische Pianistin war mit seinem Yamaha Piano und einem japanischen Refiner.
Das Konzert begann mit der Interpretation der Arpeggione Sonate für Cello und Klavier, a-Moll D. 821 Frantz Schubert. Diese Arbeit behält noch einige Popularität und wurde vom Autor geschrieben, um die Qualitäten eines Instruments zur Förderung der genannten „arpaggione“, ephemeren Existenz, abgeleitet von „der Gambe“, twinned mit dem Cello von und mit der Gitarre durch seine sechs Saiten, und es wurde in den Verkehr gebracht in 1823 von Wiener luthier, Johann Georg Staufer.
Diese Sonate ist in drei Sätzen geschrieben. Im ersten Allegro, die Displays zwei Themen: die erste, Es wird von Pires gestartet, mit Noten Gloomy, süß ausgeführt. obwohl, Meneses schnell nimmt Cello im Mittelpunkt mit der Begleitung des Klaviers zu singen.
Das Cello kündigt die zweite Ausgabe, Das ist eine Erweiterung des ersten, und Rechallenge sind beiden Instrumente miteinander verflochten mit dem gleichen Geschick und Prominenz. Im zweiten Satz hat Adagio eine besondere Rolle des Meneses Cello,
musikalisch und ausdruck, erfreut mit Laufpassagen Schönheit verträumt, mit dezenter, aber effektiver Begleitung von Pires.

Brasilianischen Cellisten ausgeführt meisterlich einen Schlusskadenz, die Links zu dem letzten Satz Allegretto, in Form von strukturierten rondo, wo, wieder, virtuose Art und Weise scheint. Das Konzert fortgesetzt mit drei Intermezzi op. 117 Johannes Brahm, von Pires adressierte mit großer Empfindlichkeit und maximaler Qualifikation, Flucht vor dem Exhibitionismus jede musikalische pro-Wahrheit.
Ya, in der zweiten Hälfte beiden Instrumentalisten mit großer Sensibilität dieser Lieder ohne Worte für Cello und Klavier in d-moll op genähert. 109 Felix Mendelssohn. Das Konzert endete mit der Sonate für Cello und Klavier, in D-Dur, auf. 38 Johannes Brahm, veröffentlicht in 1865 und in drei Sätzen geschrieben.
En el primero Allegro ma non troppo, Meneses Cello singt in einem ausdruck legato, ein erstes Thema, wo das Klavier begleitet Pires, für beide Instrumente konvergieren in Einklang zu einem zweiten Thema: abrupt, turbulent und rhythmischer.
im Gegensatz, Ein drittes Problem auch durch Pires aufgelöst und wo die portugiesischen Pianistin zeigt uns ein zartes und feines melodismo in einer geheimnisvollen Luft eingewickelt. Die beiden Instrumentalisten leuchten in der weiten und schönen abschließenden Coda. Im zweiten Satz Alegretto quasi minuetto, insbesondere in ihrem mittleren Teil, Cello und Klavier schön lebendige Momente Gesicht und absolute Leidenschaft. Und letzter Satz Allegro, , die es in einem außer Kontrolle geratenen Stil nimmt sehr komplex, und wo Maria João Pires verwendet
Autorität seine linke Hand. deutlich, in diesem Teil der Arbeit scheint es hoch, um die großen portugiesischen Pianisten. In einem letzten beeindruckend bekommen beiden Instrumente die Grenze ihrer Klang- und Ausdrucksmöglichkeiten sein.

Fortsetzung Applaus der begeisterten Menge, Pires und Wege Meneses gab Tipps: Pastoral der Bach und Nana de Falla. schließlich, eine helle und lebendige Konzert.

Mariinsky

? Die großartige Leistung, letzte 15 Januar, La Symphonie Fantastique von Hector Berlioz durch die Das Mariinski-Theater Orchestra St. Petersburg, Regie Valery Gergiev (einer der großen Regisseure der heutigen, que no Trampolin, nicht verwenden, wie), hat zu neuen Höhen der musikalischen Ebene alicantino gestiegen.

Aber gehen Sie zu den Parteien: Das Konzert begann mit einem schönen und verträumten Aufführung von "Prelude" aus Lohengrin Wagnerianer, mit einer zarten und fast ätherisch Interventionen des Seils. Dieser erste Teil des Programms mit dem Konzert für Klavier und fortgesetzt
kein Orchester 3 de Sergei Rachmaninov. Uraufgeführt vom Autor am Klavier, im November 1909 New York. Fast ebenso beliebt wie die Nr 2, wenn auch mit größerem ausgestattet, und bestimmte eigene Avantgarde-Elemente der Zeit. Die Umsetzung ist sehr kompliziert für Pianisten eine echte Herausforderung werden.

Im ersten Satz "Allegro non tanto", Der russische Pianist Denis Matsuev, Er war in der Lage, mit Mut und Entschlossenheit schwindelerregenden Abstieg gehämmert Akkorden angreifen, abwechselnd mit beiden Händen; sowie, im zweiten Satz laufen "Intermezzo", Stürmischer Bars, die auf den letzten Satz „Alla breve“, wo der Pianist zeigte seine raffinierte Technik, obwohl, Angebot zu Zeiten, ein Ton etwas Metall.
Im zweiten Teil, Entree wie dieses Konzert, Russische Orchester spielte Berlioz 'Symphonie Fantastique: nach der unvergleichlichen symphonischen Leistungen beethovenianos, zwei Jahre nach dem Tod des Genies Bonn verstrichene, trat in 1828, junger Französisch Komponist Hector Berlioz Name, mit nur 27 Jahren, Er verblüffte die Pariser Publikum mit der Premiere, die 5 Dezember 1830, seine Symphonie Fantastique, tatsächlich, eine instrumentale Oper. und zwar, Hörer dieser „Premiere“ sie waren eine Theaterplakat bereitgestellt, ein Argument vorgeschlagen von verschiedenen Instrumenten zu folgen, Spieler ein percutante, bunt und brillante Orchestrierung. Die Premiere von Symphony Fantática (sehr romantisches Werk), fast fiel es mit Victor Hugos Hernani, historisch als „romantisches Manifest“ betrachtet. Es ist fraglich, dass Hector Berlioz, Victor Hugo und der Maler Eugene Delacroix, Sie bilden die „Heilige Dreifaltigkeit“ der romantischen Kunst.
Jeder Künstler in der Romantik eingetaucht, Ich fühle mich durch eine verzweifelte Liebe zu einer Frau, motiviert, die meiste Zeit, Es wird nicht erwidert. aber, in dieser Zeit, wo der Künstler in seiner Schöpfung eingreifen, Sie fühlen sich euphorisch und fanta, zu denken, dass das Gefühl, er hat für seine Geliebte hin und her bewegt wird, wenn sie sich zu Ehren der Arbeit getan wissen, kamen. jedoch, die meiste Zeit, Frauen werden gezeigt mit diesen Wesen verächtlichen, die kommen, um sie beide zu lieben, und so verzweifelt. Dies geschieht zu Berlioz, wenn er hatte die Chance, die zwanzig Jahre tätig in Paris zu sehen, die englische Schauspielerin, shakesperiana Henrietta „Harriet“ Konstanz Smithson, spielt die Rolle der Ophelia in Hamlet. diese Schauspielerin, Sie zählen die Kritiker der Zeit, Noch war nichts Geringeres als die nächsten Welt.
Ein Harriet Smithson, die Briefe, die er schickte ihr Verehrer, Sie schienen so übermäßig leidenschaftlich, er vollständig abgelehnt. Aber es war die Muse der Symphonie Fantastique, Berlioz wurde zu dieser Zeit der Vorbereitung.
in 1930, Diese Arbeit wird von diesen Emotionen erzeugt wurde als „erstaunlich und lebendig“, aber die englische Schauspielerin würde nicht die Premiere in Paris teilnehmen. Damals ist die autobiographische Natur dieser Arbeit, mit einer Programmmusik, es war ziemlich betrachtet: sensationell und Innova. Kritik begann zu sagen: Beethoven starb, mit Hector Berlioz 'Symphonie Fantastique und, Er war seine wahre epígono geboren.

Symphony Untertitel „Episode im Leben eines Künstlers“ , Es hat ein sehr detailliertes Argument. Aus diesem Grund gilt sie als eines der besten Beispiele für Programmmusik.. Im ersten Satz "Träume und Leidenschaften", ein verzweifelter junger Musiker hat sich mit Opium vergiftet, und in einem langen Traum hat er eine Reihe von Visionen und Albträumen mit der Vorstellung, dass seine Geliebte ständig in seinem Kopf schwebt. Erinnere dich an die Freuden und Depressionen der Vergangenheit, bevor ich sie treffe, und dann, zu dem eifersüchtigen Neurotiker, der er wurde, als sie in sein Leben trat, hinterlässt ihm nur den Trost der Religion. Im zweiten Satz "Der Tanz", der Protagonist entdeckt seine Geliebte beim Tanzen eines modernen Tanzes, für diese Zeit, genannt Walzer. Dieser Satz wurde für Ballett inszeniert, mit dem Namen "Der Schlafwandler".
Im dritten Satz "Szene im Feld": einige Kuhhirtenjungen singen eine Melodie mit ihren Flöten. Alles ist still bis die Geliebte wieder auftaucht, verursacht große Besorgnis beim Künstler. Im vierten Satz "Marsch zur Folter": der Protagonist träumt, dass er seine Geliebte ermordet und zum Tode verurteilt wurde, auf dem Weg zum Ort seiner Hinrichtung auf der Guillotine.
Wie eine echte Innovation gegenüber der klassischen Symphonie, es gibt einen fünften Satz mit dem Untertitel "Dream of a coven night": eine wilde Orgie in einer dämonischen Feier, wo die Geliebte eine Hexe geworden ist, die, schließlich, mit der Hymne "Dies Irae", wird auf dem Scheiterhaufen verbrannt.

Großartige Aufführung des Marinsky Theatre Orchestra, von Valery Gergiev geleitet, der eine echte Nachbildung dieser Arbeit gemacht hat, zumindest vergleichbar mit den Hinrichtungen des lettischen Großmeisters Mariss Jansons, vor der Berliner Philharmoniker (auf DVD veröffentlicht), und Herbert von Karajan, der auch sein großes Berliner Orchester leitet, habe es bei vielen Gelegenheiten gespielt, Aufnahme und Neuaufnahme für das Label Deutche Grammophon, und immer neue Nuancen extrahieren.

Die Instrumentalisten des russischen Orchesters machen einen sehr brillanten Job, gut zusammengestellt, um ausdrucksstark und differenziert wiederzugeben
solide Pläne. Metalle mit bis zu vier Hörnern, und das Bassseil, sie strahlten hell mit einem perfekten Klang. Im Inneren eines symphonischen Modellbaus, Hervorzuheben ist die Ausführung dieses kostbaren zweiten Satzes im Rhythmus des Tanzes, mit dieser brillanten Coda, in der die Arpeggien der Harfe diesem Instrument ein fast solistisches Relief verleihen.

Der vierte Satz, Das "Marsch zur Folter„Wahres Paradigma der Orchestrierung“, mit diesen sich wiederholenden Trommelschlägen, die dem Seil nachgeben, vor allem Celli und Kontrabässe spielen einen Jenseitsklang, Und diese Fanfare einiger sehr schöner Blechblasinstrumente, neben der guten arbeit des waldes, mit dieser festen Melodie, von Klarinette belichtet. Diese Bewegung - ich gestehe, sie hat mich schon immer beeindruckt- für seine lebendige und brillante Orchestrierung, die, wirklich, kam, um die Zuhörer zu erschüttern.

Ya, im fünften Satz klangen die Posaunen brillant und einstimmig, Cartoon-Effekte spielen; die, diese düsteren und begräbnisglocken läutet, die sich mit den Klängen der „Tag". schließlich, wirklich beeindruckende Momente, die ein Publikum sehr beeindruckten, die dem Dirigenten und dem Orchester laut und lange applaudierten. Vor diesen Proben musikalischer Leidenschaft, es gab einen tipp: die brillante Aufführung der Ouvertüre von The Masters Singers, was diesem Konzert einen symmetrischen Charakter gab, mit der Ausführung am Anfang und am Ende, der beiden Wagnerschen Präludien. Vergessen wir das nicht, in diesem 2013, Neben dem „Jahr Verdi“, Es ist auch das „Jahr Wagner“, im zweihundertsten Geburtstag der großen deutschen Komponisten.

La Boheme

n der Start der Saison 2012-2013, Valencia Palau de Les Arts, noch verpflichtet, bekannte und beliebte Repertoire Titel. Nach dem hellen Rigoletto, die er öffnete die Saison, Es hat eine großartige Produktion von La Bohème inszeniert, mit einem begeisterten Publikum, das die Halle gepackt und applaudierte immer wieder beide am Ende des zweiten Aktes, als das Ende der Repräsentation.

erste, Markieren Sie das attraktive und sehr originelle Kulisse von Turin Davide Libermore, auch verantwortlich für die Bühne und Beleuchtungsmanagement. Wir schlagen vor, eine Etappe des Dachgeschosses des Bohemians, symmetrisch in Akte I und IV, wo die Malerei Staffelei Marcello, und von Anfang an der Oper, nimmt das Leben zu sammeln Aufnahmen von den Gewässern des Roten Meeres, zeitgleich mit den ersten Sätzen von Marcello "Das Rote Meer ...", Es ist Projizieren einer der Seitenwände des Aufenthalts. Dann wurde eine verzierte dynamisch-statische Projizieren, wo es Rauch ausgeht aus Schornsteinen Pariser Gebäude fließen zu sehen, Flutlicht bei Tag und Nacht, im Laufe der Zeit zu zeigen,.
diese Anhänge, verleiht einen komplementären und urbanen Touch, zum Pariseren Interieur, wo der Dichter Rodolfo und Marcello des Malers Arbeit, von ihren Freunden begleitet. Ändern Gemälde, impressionistischer Charakter, dass sie im Bildrahmen erscheinen Marcello, und, auch unisono, sie planen.
Libermore wurde von den Film Träume inspiriert (Träume) de Akira Kurosowa, zu Einsatzauskragungen Paolo Gep Cucco, in seiner Darstellung des Paris des Endes des neunzehnten Jahrhunderts.
Bustle und Freude, Es ist eines der besten in der mannigfaltigen Act II reflektiert, Kaffee auf der Terrasse von Momus, mit der Anwesenheit des Hinter echtes Pariseres Symbol: Der Eiffelturm. Dieser zweite Akt, Sprechen in filmisch, es wird ein Schuss reelle Folge, wo die Augen der Zuschauer auf der Kamera gedreht, Sie können sich frei bewegen verschiedene Aktionen zum Ziel vorgeschlagen. Gegen, die streng und kalt dekoriert erscheint im dritten Akt, sehr viel mit Musik und Theater Aktion uns im Einklang gezeigt.

Das begehrte Ziel von Puccini, Komponieren La Bohème, Es war ein musikalisches Kontinuum zu erreichen und
dramatisch, in denen Arias, Duettos und andere traditionelle Zahlen, insertasen perfekt in der Orchester Textur, dass
eine bunte Struktur und immer extrem hochwertige Musik. Die große Riccardo Chailly, mit dem Orchester von Valencia, Er schaffte es uns in die reiche Orchesterpalette dieser Partitur zu bringen.
Chailly gewann die besten musikalischen Ergebnisse wie kein- in dieser außergewöhnlichen Akt III, zeigt die Fülle von Themen, durch eine exquisite Orchestrierung verknüpft, was es zu einem der perfektesten Momente des gesamten Repertoires.
Auch in diesem Act IV, wo die Musik bewegt sich von der Komödie zum Drama pur. in Summe, große Regiearbeit, auf die Vorderseite der herrlichen Valencia Orchester, des großen Meisters Milanese, die bereits 1998, für Decca, mit dem Orquesta del Teatro alla Scala, Er vermachte die beste Bilanz moderne Version der Oper, mit ausgezeichneter Angela Gheorghiu und Roberto Alagna. amen, historische und anthological Rekord Versionen von Herbert von Karajan, vor der Berliner Philharmoniker, auch für Decca, mit Luciano Pavarotti y Mirella Freni, von 1973, und unter der Regie von Sir Thomas Beecham, EMI, auf der Vorderseite des RCA Orchester, Jussi Björling und mit Victoria de los Angeles, von 1956.
In dieser Darstellung, Ich leuchte recht hoch fast Fremde physische Transformation- Aquiles Machado, die gestand mich nach der Show, fünfzig Kilo verloren, Dass es wird gesagt, sehr bald! Venezolanischer Tenor behält seine schöne Timbre und eine raffinierte Linie des Gesangs, in einer Rolle als Rodolfo, die viel im Theater in den letzten fünfzehn Jahren gespielt hat,. Seine Stimme hat in der Breite und Rundheit gewonnen, auf Kosten seiner scharfen unverschämt alt zu verlieren. Ich hatte Gelegenheit, zu hören in einer Faust in Santander 2000, wo Stimme erweitert hell. ihre "Was für eine gefrorene kleine Hand„Es war sehr gut gesungen, obwohl die scharf war etwas angespannt, in der Nähe des entsprechenden C4, leicht Hinweis für ihn vor ein paar Jahren. So oder so seine Gesangsleistung war sehr auffällig in der ganzen Oper, vor allem im dritten Akt, empastando gut mit der israelischen Sopranistin Gal James, auch ein mutiger Mimi, es war noch mehr Stimmvolumen- wie er erweiterte Darstellung, zu singen schön Act III, vor allem das außergewöhnliche Quartett, dass, tatsächlich, sind zwei Duette: Rodolfo und Mimi, und eine andere dramatische Ebene Marcello und Musetta, dass der. In Act IV, James Gal Leistung, wirklich in die Haut des sterbenden Mimi, geht tief und kommt nach Nervenkitzel.
Bariton Massimo Cavalletti, Er hält erhebliche Stimmvolumen, dass ermöglicht die Übertragung ohne Probleme Orchester, selbst wenn es lüftet auf forte. Es ist nicht ein übermäßig verfeinerten Dolmetscher, sondern ergänzt sein Gesang mit einer guten Bühnenperformance. deutlich, beste Momente im dritten Akt Angebote, in ihren Duetten mit Mimi, Rodolfo und Musetta, hervorragend gespielt von der valencianischen jungen Sopranistin Carmen 20 Jahre nur Romeu, Schüler des berühmten Professor Ana Luisa Chova. Romeu hat eine auffallende Erscheinung in Akt II, verleihen ihr Charakter wahr Nonchalance und feine Erotik. Sie singt sehr gut seinen berühmten Walzer. Auch seine Bestimmung im dritten Akt im Kampf mit Marcello. Und in Akt IV, seine Leistung wird wirklich dramatische Farbstoffe. ein Sänger, deutlich, vielmehr Zukunft.

Der Rest der großen Besetzung, umfassen die Arbeit von Bass Gianluca Buratto, in der Rolle des Colline, die singen mit großem dramatischem Stil seine berühmte Arie aus dem zweiten Akt IV "Old zimarra".
auch, es sollte die gute Leistung des jungen Baritons zu beachten, Olivieri Mattia als Schaunard. Dieser Sänger ist im Besitz einer hübschen Stimme und, heute, Er wird in das Center for Advanced Placido Domingo integriert, An den Palast von Ars.

wie immer, große Leistung durch den Chor der Generalitat Valenciana, von Francesc Perales gerichtet, im multitudinous Act II verstärkt, Haben Sie Angst vor der Chor School Boards Quart de Poblet, von Jordi Blanch gerichtet, und durch den Chor Unserer Lieben Frau von der Abandoned Regie von Luis Garrido. Seine Leistungen sind nur in Akt II hergestellt, gehen alle aus seinen Abschluss zu begrüßen, und sie werden von lang anhaltenden Applaus Sound eines begeisterten Publikum belohnt.
schließlich, eine großartige Bohème, Oper wesentlich gesamtes Repertoire, und immer aktuell seit seiner Premiere im Teatro Regio in Turin 1 Februar 1896, mit Leitung von Arturo Toscanini jovencísimo.

Rigoletto

Am vergangenen Samstag 10 Oktober Saison geöffnet 2012-2013, Valencia Palau de Les Arts, mit einer sehr bemerkenswerten Darstellung von Verdian Rigoletto. Bei der Ankunft der Regie Podium, Omer Meir Wellber Lesen Sie das Dokument sorgfältig durch, in dem die Arbeiter des Palau de Les Arts bestätigt werden, am Eingang des Gehäuses an die Teilnehmer verteilt. Der israelische Regisseur für diese Geste erhielt einen starken Applaus aus dem Publikum.

Am vergangenen Samstag 10 Oktober Saison geöffnet 2012-2013, Valencia Palau de Les Arts, mit einer bemerkenswerten Darstellung von Verdi Rigoletto. Bei der Ankunft der Regie Podium, Omer Meir Wellber perused das Dokument rachsüchtig Arbeiter Palau de Les Arts, am Eingang des Gehäuses an die Teilnehmer verteilt. Der israelische Regisseur für diese Geste erhielt einen starken Applaus aus dem Publikum.
Nach den düsteren ersten Akkorden, das bringt die Tragödie voran, die in dieser populären Partitur auftaucht, Der Vorhang wurde hochgezogen, um uns die prächtige Dekoration des Herzogspalastes von Mantua zu zeigen, hergestellt von Ezio Frigerio, Mitte der achtziger Jahre des letzten Jahrhunderts, und dass es in sehr brillanten Scaligere-Darstellungen verwendet wurde, seit Riccardo Muti, in 1987, übernehmen die künstlerische und musikalische Leitung des Teatro Milanés.
Funktioniert mit großartigen Künstlern wie Renato Bruson, Leo Nucci, Andrea Rost oder Ramón Vargas, die an dieser Produktion von Frigerio teilgenommen haben, mit Kleiderschrank von seiner Frau entworfen, Oscar-Preisträgerin Franca Squarciapino. und, mit der brillanten musikalischen Leitung, im reinsten verdianischen Stil, des großen neapolitanischen Regisseurs. Diese Produktion wurde vom Wilelki Theater aufgenommen (Polnische Nationaloper).

Zurück zu dieser valencianischen Funktion: nach nur zwanzig Minuten Aufführung, und am Ende des ersten Rahmens von Akt I., Es gab eine lange Pause, um uns im weiteren Verlauf des Aktes eine dunkle und düstere Dekoration zu zeigen, im Gegensatz zur Initiale, sehr im Einklang mit dem Treffen zwischen Rigoletto und dem finsteren Killer Sparafucile, am Rande des Hauses, wo der Narr, eifersüchtig und beschützt heimlich seine geliebte Tochter Gilda.
Ya, in Akt II, Das brillante Dekor im klassischen Schnitt erscheint wieder - so wie es sein sollte- das reproduziert einen Raum im Dogenpalast, mit großen Buntglasfenstern im Hintergrund, das gibt ihm noch größere Pracht.
In Akt III, wir werden wieder mit einer düsteren und finsteren Dekoration präsentiert, Repräsentation des Hauses von Sparafucile, wo diese Tragödie vollzogen wird, erbaut von Verdi selbst und seinem damals üblichen Librettisten Francesco María Piave, basierend auf dem romantischen Melodram Le Roi's Amuse von Victor Hugo.
ursprünglich, als diese Produktion in Umlauf gebracht wurde, Die Regie war verantwortlich für das Prestige Gilbert Defló. In dieser valencianischen Darstellung, Der Regisseur war Beata Redo-Dobber, wer bekommt gute Theateraufführungen von den Darstellern, und das für seine szenische Arbeit, wurde mit Applaus vom Publikum belohnt, als er am Ende der Vorstellung Hallo zu sagen schien.
Sagen, an dieser Stelle, als das Orchester der valencianischen Gemeinschaft, Es ist einer der besten Wassergräben in ganz Europa, es ist nichts neues. hier, gut von einem Omer Wellber gerichtet, in die Partitur eingetaucht, unterstützt durch sichtbare Bewegungen und Gesten; und, Extrahieren der maximalen Orchesterleistung. Die verschiedenen Abschnitte zeigen eine nuancierte Klangbalance, die glücklichen und humorvollen Momente festzuhalten, im Gegensatz zu dem viel düstereren, dramatisch und sogar düster, dieser verdean Punktzahl, wo der große Meister von Busetto, versuchen Sie es nochmal, wie in seinem Macbeth, ein Zusammenspiel von Musik und dramatischer Entwicklung.
Innerhalb einer herausragenden Leistung des Orchesters während der Entwicklung des Werkes, Es lohnt sich, seine Leistung beim ersten Treffen zwischen Rigoletto und Sparafucile hervorzuheben; und, vor allem, während des gesamten Gesetzes III.
Höhepunkt, como Rigoletto ,die großartige stimmliche und szenische Arbeit des Baritons aus Huelva, Juan Jesus Rodriguez, der von einer frivolen und vernichtenden Aufführung zum Beginn der Oper geht, zu einer grimmigen ersten Begegnung mit Sparafucile.
Zu, in seinen emotionalen Duetten mit Gilda oder in dieser beeindruckenden "Vendetta", wo er mit authentischem verdian Stil singt, ausstellen a
prächtiges hohes Register. Hervorragend, seine Leistung während des gesamten Aktes III, voller Drama und guter Stimme. deutlich, Juan Jesús Rodríguez war der große Gewinner der Nacht, während und am Ende der Aufführung belohnt werden, mit großem Applaus.
italienischer Tenor Ivan Magri, als Herzog von Mantua, Er hatte, Insgesamt eine bemerkenswerte Leistung. Er war gut im Duett mit Gilda, das Akt I abschließt, wo in der "schließen"Damit ist das Duo fertig, hob seine Stimme zu einem do4.

Einer der Schlüsselmomente für den Tenor, in dieser Oper, Es ist der Beginn von Akt II, mit der Rezitativ-Arie "Sie wurde zu mir entführt ... ... ich scheine die Tränen zu sehen ...", erfordert großartige Gesangstechnik und Gesangsgesang, lange Phrasen zu verknüpfen und den Klang zu regulieren: Es reicht aus, sich an die Vorträge auf dieser Seite zu erinnern, führte einen Alfredo Kraus oder Carlo Bergonzi e, sogar Sänger wie Pavarotti, Jussi Björling, Josep Carreras und Richard Tucker. In dieser valencianischen Funktion, und Rezitativ-Arie, Ivan Magri wurde erstickt, ihn erreichen, zeitweise, die Stimme verdrängen.
Zum Ausgleich, wenn er die nachfolgende Cabaletta gut genug sang "Mächtige Liebe ruft mich an..”Beende es, tapfer, mit der entsprechenden D-Dur, diese wenigen Tenöre haben es gewagt zu geben, seit der cabaletta - Normalerweise weggelassen- wurde Anfang der fünfziger Jahre des letzten Jahrhunderts wieder in Umlauf gebracht, und das kann in einer Aufnahme des New York Metropolitan verifiziert werden, von 1951, kürzlich vom MYTO-Label veröffentlicht, con Leonard Warren, Hilde Gueden und Richard Tucker, der, wie bei anderen Sängern, die D-Dur weglässt, und in einem Oktavsprung fällt die Note auf den Bass.

Nach dieser Notiz, und zurück zur Gesangsdarbietung Ivan Magri, weisen darauf hin, dass seine Leistung in Akt III ziemlich gut war, mit einer "Donna ist beweglich.."Zusammen mit dem Quartett"Schöne Tochter der Liebe..", gut gesungen.
Die amerikanische Sopranistin Erin Morley wie Gilda, Es war weniger mehr, diskret in Duetten mit Rigoletto und El Duque in Akt I., die arische Pyrotechnik sang mit guter Koloratur "Lieber Name..", obwohl ich das Ende meiner Höhen überspringe.
Bereits im Zuge von Akt II, Die Stimme war breiter und kraftvoller in seinen Duetten mit Rigoletto. und, in Akt III, vor allem im Quartett, sein Schauspiel war ziemlich gut, sowohl stimmlich als auch dramatisch.

Der große georgische Bass Paata Burchuladze mache einen hervorragenden Job als Sparafucile. Nun, die Maddalena von Adriana de Paola, sowie der Monterone de Amartuvshin Enkhbat, und der Rest der Tabletten.
Sehr gute Leistung des Valencian Generalitat Choir unter der Leitung von Francesc Perales. Heben Sie auch die Leistung des Generalitat Ballet hervor, Aufführung der Choreografie von Zofia Rudnicka. schließlich, ein Rigoletto mit vielen Karat.

RIGOLETTO
Giuseppe Verdi
Oper in drei Akten
Libreto de Francesco Maria Piave, basierend auf Le rois Amuse von Victor Hugo
10 November, Palau de les Arts
D. Musical: Omer Meir Wellber
D. Szene: Gilbert Deflo
Szenografie: Ezio Frigerio
Kleiderschrank: Franca Squarciapino
D. Chor: Francesc Perales
Besetzung: Rodriguez, Morley, Lehnen,
Burchuladze, Von Paola, Enkhbat, Pinchuk

Boris Godunov

Es ist wichtig, die Leser zu klären, der verschiedenen Versionen dieser Oper, true „Meisterwerk“ Modest Musorgski. Die erste oder primitive Version, von 1869, Es umfasste sieben Szenen und war nicht -curiously eine feministische Haltung in jenen Jahren akzeptiert!- für nicht jede weibliche Rolle, die. Es dauerte fast 60 Jahre, so dass diese Version wurde auf der Bühne vertreten: speziell in der Oper und Ballett von Leningrad 16 Februar 1928. in 1871, Mussorgsky schloss eine Version, die zwei Szenen des polnischen Akt und bestimmte Änderungen enthält: die beiden Songs in der Szene der Grenze hinzugefügt, der Status der Uhr und anderen kleineren an der Szene der Kammer des Zaren, Ersatz von St. Basil der Box von Kromi Wald. Diese überarbeitete vom Autor Version uraufgeführt 1874. in 1896 Es wurde veröffentlicht die erste Rimsky-Korsakov Bewertung dass, trotz Harmonien dulcificar, reorchestration um mehr als drei Viertel der Oper, Er trug entscheidend zur Erholung der Arbeit. Diese Version wurde aus neun Szenen Version 1871.
Zum Nachteil seiner eigenen Werke, Rimski-Korsakow machte eine neue Version bis zum Ende seines Lebens, indem noch eigene Musik. Es ist die Version 1908 zur größeren Ehre des legendären russischen Bass gemacht Feodor Schaljapin, und verankern diese Oper im Repertoire.
in 1926 Ippolitov-Ivavov Er wiederholt die Szene von San Basilio, die oft bleibt es neben dem Wald Kromi. Pavel Lamm, In den späten zwanziger Jahren, Er machte eine kritische Version des Original, die Premiere es am Kirov-Theater in Leningrad 1928, in zehn Szenen, mit der Original-Besetzung von Mussurgki 1871, und die Einbeziehung der Szene der Basilius-Kathedrale, von Version 1869, die ist, die darstellt, Teatro Real in Madrid. schließlich, muss die Bewertung eine Bewertung von Schostakowitsch, die es Premiere auf dem Kirov, in 1959. Schostakowitsch respektiert die maximale Musik von Mussorgsky, mit dem bestimmten Schnitt und die Orchestrierung Überarbeitung.
Eine weitere kritische Ausgabe der Originalversion ist die David Lloyd Jones von 1975 dass, genau, die es wurde im Londoner Covent Garden Produktion des Filmemachers Andrei Tarskovsky inszeniert in 1983, und es wird in dieser Funktion genommen in Video dargestellt, in 1990, in St. Petersburg, noch unter dem kommunistischen Regime, im Kirov-Theater, in dem der Hammer und Sichel Vorhang kann sein. David Lloyd Jones überprüft die Originalstimme und Orchesterpartitur, weiter zu gehen als eine der früheren Versionen, in die Quellen des Originalmanuskripts des Komponisten untersuchen.

Es wurde viel über die geschrieben Boris Godunov, Schmuckstück der Oper aller Zeiten. Es ist ein Werk voller Strom, und er hat nicht ein bisschen seit seiner Gründung im Alter von, über 140 Jahre vor. Seine drei großen Originalitäten sind: „Dramatische Struktur, der Charakter Protagonist der Menschen und die Ermächtigung des Wortes als musikalische Sprache ". Der Orchestersatz ist rau und prägnant, mit sehr spezifischen Stimmleistungsmerkmalen entsprechen,. Von den drei großen niedrig ist in den Werken, weil der Charakter von Rangoni, Sie können auch ein Bariton singen: Zar Boris Godunow ist der wichtigste, sowohl aus der Sicht als dramatische Vokal; und, Schreiben und Funktionen erfordern einen Bass-Sänger oder einen dramatischen Bariton, Sie können leicht zwischen schweren und akuten wenn fa bewegen.
Der Mönch Pimen muss einen tiefen Bass eigenen vocalism haben, Um den Zugriff Hinweise verstanden zwischen schweren und akuten MI.
Vaarlan erfordert eine Stimme flexible Nieder, kraftvoll und kräftig.
falsch Dmitri, Es muss durch eine lyrische Stimme und weiten Atem interpretiert werden, auch aufmerksam auf eine nuancierte und vollständige Wortlaut der Intentionalität.
Prince Shuski präzise ein lichtLiedTextes, mit einem guten Möglichkeit, ihren eigenen Opportunismus und Falschen eines Politikers zu zeigen, die auf alle Umstände geeignet ist,.
Marina Charakter erfordert eine mezzo Stimme und andeutend timbrada, auszudrücken wechselnden Stimmungen.
Xenia Zarentochter ist eine Rolle, für Sopran und hat eine bemerkenswerte Intervention am Ende des zweiten Aktes. Feodor, der Sohn des Zaren oft zu einem Mezzo zugewiesen, beide in der gleichen Szene dazwischen, und der Tod von Boris.
Die Krankenschwester ist auch eine Rolle für Mezzo oder Altstimme Grab, Es hat eine bemerkenswerte Leistung in der gleichen Szene.

Magnificent in jedem Aspekte diese Dramatisierung in St. Petersburg, en el Teatro Marinski, mit der Produktion des großen russischen Filmemachers Andrei Tarskosvsky, die, wie bereits darauf hingewiesen, Die Premiere in London in 1983, obwohl Tarskosvsky hatte vorzeitig gestorben 1986. Wie auch angegeben ist es entscheidend Version von David Lloyd Jones, von der Universität Oxford veröffentlicht. Die Landschaft ist von großer Brillanz. aber, vielleicht, bedeutendste ist die prächtige Orchester Richtung der damals noch jungen Valery Gergiev, die schon zeigte er große Möglichkeiten,, aupando, dass sie in den letzten zwanzig Jahren in der Orchester Richtung der Spitze gewesen sein, oporística sowohl als symphonische. Gergiev Adresse, auf die Vorderseite der Kirov Theater Orchester, sehr es kontrastiert und intensiv, alle Nuancen dieser monumentalen Partitur zeigt.
Jahre später, in 1997, Gergiev für das Label durchgeführt Philips eine außerordentliche Aufnahme eingereicht 5 CD, wobei beide Versionen gemacht Mussurgski, mit der Teilnahme von Mezzo für faszinierende und schöne vocalism- Olga Borodina, die zum idealen Marina gesamte Diskographie und Videografie, und es wird auch in den Dreharbeiten in St. Petersburg beteiligt, und der Regisseur des Videos nimmt Humphrey Burton, Es schwelgt in ersten und Nahaufnahmen, zeigt die Schönheit dieser Mezzo. Seine Aufgabe ist es alle im dritten Akt, "Polnische Untertitel handeln", deutlich, die meisten dieser Produktion erreicht.
Marina Monolog, wo er zeigt seine Langeweile und Langeweile, Das erinnert uns, irgendwie, die anfängliche Intervention von Katerina Ismailowa, en la Lady Macbeth de Schostakowitsch: Es ist hervorragend durch Borodina gelöst, wer erfreut uns mit einer Stimme von großer Schönheit Timbre, doch ist es ausgeht, erotische und hohe Dosen von Sinnlichkeit, und dies ist in dem langen und intensiven Duett mit dem falschen Dmitri reflektiert, einer der schönsten in der gesamten Geschichte der Oper.
Borodina und Tenor Alexei Steblianko klebte gut, er zeigt eine durchschlagende Stimme, singt sehr gut, aber es fehlt Musikalität und Modulationsfähigkeit, beispielsweise, jung Nicolai Gedda, in seiner außergewöhnlichen Kreation des falschen Dmitri, im Pariser Aufzeichnungs (die ersten wir in der Boris gehalten) Regie Issay Dobrowen, in 1952, dort, junto a Gedda, Ich konnte die große russische Mezzo hören Eugenia Zareska, sie beide singen ein Duett von Traum, dass nur er konnte -jugando Musik-Fiction haben- durch Gedda Gesang mit Olga Borodina überholt.
Polnisch excel in diesem Akt, Ausführung durch das Tanzensemble des Kirov, von Polonaisen, und die große Leistung des Baritons Sergei Leiferkus, in der Rolle des unheimlichen Kleriker Rangoni. Boris ist unter britischer Robert Lloyd, wer hat Präsenzphase für diesen Charakter und gute Theateraufführung, manchmal wird die Stimme gedämpft und kehlig, und es kann nicht mit anderen großen Boris in der Vergangenheit verglichen werden Ezio Pinza, Boris Christoff die Nicolai Ghiaurov. In beiden Fällen, die Leistung von Robert Lloyd, Es ist von großer Verpackung bei der Szene der Krönung, in der letzten Szene des zweiten Aktes bewegt; und, bei der Szene seines Todes wirklich Ehrfurcht.

gute Interventionen Alexander Morosow als Pimen und Jewgeni Boitsov in der Rolle des falschen und verdrehten Schuiski. Markieren Sie die großartige Leistung als Mezzo Feodor Larissa Diatkova (für eine spätere Karriere wichtigen beabsichtigt), mit wichtigen Interventionen am Ende des zweiten Aktes, Boris und Shusky. auch, von Yevgenia Perlassova als Krankenschwester, die mit Diatkova, singt in der letzten Szene dieses Gesetzes, ein attraktives russisches Lied. Hervorragende Leistung so wichtig in diesem Opernchor.

Boris Godunow de Modest Mussorgski (Vollversion 1872)
2 DVD DECCA 075 089-9
Robert Lloyd, Olga Borodina, Alexei Steblianko, Sergei Leiferkus, Larissa Dytkova, Olga Kondina, Yevgenia Perlassova, Alexander Morosow
Die Produktion für The Royal Opera House, Covent Garden de: Andrei Tarkovsky
Regie: Stephen Lawless
TV-Adresse: Humphrey Burton
Orchester und Chor der Kirov Oper in St. Petersburg
Direktor: Valery Gergiev
Englische Untertitel, Deutsch, Französisch, Español, Italienisch und Chinesisch
Dauer 221mn
Gute Bild und exzellenter Klang

Bewertungen