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Tosca glänzt im Teatro Real
Tosca
Giacomo Puccini (1858-1924)
Melodramma in drei Akten
Libreto de Giuseppe Giacosa und Luigi Illica, nach dem Werk La Tosca von Victorien Sardou
8 Juli 2021 Teatro Real in Madrid
D. Musical: Nicola Luisotti
D. Szene: Paco Azorín
Kostümbildnerin: Isidre Prunés
Die Garderobe von Floria Tosca: Ulysses Merida
Illuminator: Pedro Yagüe
Video: Alessandro Arcangeli
Choreograf: Carlos Martos de la Veja
D. Chor: Andrés Máspero
D. Little Singers Chor: Ana González
Besetzung: Maria Agresta, Michael Fabiano, Georg Hakobyam, Gerardo Bullón, Valeriano Boote, Mikeldi atxalandabaso, David Lagares und Inés Ballesteros
Titularchor und Orchester des Teatro Real und Pequeños Cantores de la JORCAMA 1889, Puccini hat gerade mit der Premiere von Edgar . an der Mailänder Scala einen fulminanten Misserfolg erlitten. Nach einigen Wochen schrieb er an seinen Herausgeber Giulio Ricordi, um Sie zu bitten, Victorien Sardou um die Genehmigung zur Bearbeitung seines Werkes La Tosca . zu bitten (1887).Sardous Werk war mit großem Publikumserfolg durch die wichtigsten europäischen Theater getourt theater, mit Sarah Bernhadt. Puccini, die eine Vorstellung besucht hatten, Er war fasziniert von der szenischen Kraft der Figur und der theatralischen Art, die Leidenschaft der Liebe mit der Leidenschaft der politischen und kirchlichen Macht zu mischen. Dann belehrt er seine beiden Librettisten, der gerade mit der Bohéme einen großen Erfolg hatte, dass sie mit den Werken eines neuen Librettos beginnen, um das man sie beneiden wird, unter anderem, Verdi selbst, Tosca wurde ein klares Beispiel für Verismo. Nicht ohne zuvor entsprechend gesüßt zu sein, um auch die erlesensten Gaumen zu erfreuen., der nicht zögerte, ein Libretto und nicht sehr raffinierte Charaktere zu kritisieren. Puccinis Tosca war raffinierter und weiblicher als Sardous, aber die Änderungen konzentrierten sich nicht nur auf die Charaktere. Puccinis Musik machte einen großen Unterschied und brach mit den Opernkonventionen, die auf den Barock zurückgingen. Die Fließfähigkeit der Handlung begünstigte das Ganze und die, bis zu diesem Moment, allmächtige Arien, wurden in der Globalität des Werkes aufgelöst und verflochten. In Tosca sind die Arien auf drei reduziert, dass, wenn, von enormer Persönlichkeit und Schönheit. "Verborgene Harmonie", die Cavaradossi im ersten Akt spielt, „Kunstwürmer“, emblematische Arie von Floria Tosca und „E lucevan le stelle“, auch von Cavaradossi kurz vor seinem Tod aufgeführt, als Vertreter von verismo, liegt in seiner Fähigkeit, Höhepunkte mit unerträglicher dramatischer Spannung zu schaffen. Ein weiteres Merkmal von Tosca ist die Verwendung von Leivmotiven, das ohne die Raffinesse der Wagnerianer, Sie waren sehr dramatisch wirksam und haben einen sehr italienischen Geschmack?. Die wichtigste und Konstante in der gesamten Arbeit ist diejenige, die den bösen Scarpia darstellt, Chef der politischen Polizei und dessen Leitmotiv eine wahre musikalische Metapher des politischen Terrors der Diktatur ist, die Rom damals beherrschte, wie in einem der Sätze gezeigt, die Tosca ihn anweist, nachdem sie ihn ermordet hat, „Und ganz Rom zitterte vor ihm!"Die Tosca-Produktion, die jetzt vom Teatro Real präsentiert wird, ist eine Koproduktion des Gran Teatre del Liceu in Barcelona und des Teatro de la Maestranza in Sevilla. Die Regie führte Paco Azorín. Man merkt, dass es aus der Welt des Theaters kommt. Führen Sie drei verschiedene Szenen mit einer einzigen Bühne aus, Nutzen Sie die Mobilität und die Ressourcen, die der Real bietet und die andere nicht haben, wie im dritten Akt gezeigt, zwei Szenarien verschwinden und gleichzeitig auf spektakuläre Weise erscheinen lassen. Azorín nimmt zu viele Lizenzen während der Arbeit. Auf der Bühne erscheinen projizierte Phrasen, die nichts mit dem Libretto zu tun haben und wie ein ermüdendes Mantra das Wort Revolution wiederholen., diejenigen, zu denen einige zu spät gekommen sind. Es muss auch keine nackte Frau, die in Schlüsselmomenten auftaucht, sehen oder viel Sinn machen, die Bedeutung der Szenen und Charaktere zu reduzieren und das, nach Azorín, es ist die Freiheit, die das Volk führt, von Delacroix. An Fantasie mangelt es nicht, insgesamt hat die Szenerie interessante Elemente, wie die augen, wie ein großer bruder, wer guckt Tosca. Oder die beeindruckende Szene des Te Deum und, vor allem, die gute Disposition der Sänger auf der Bühne Die musikalische Leitung von Nicola Luisotti begünstigt diese Art von Arbeit sehr greatly. Seine Art zu führen, voller Energie und Musikalität, betonte die Spektakulärität der hellsten Szenen. Es erzeugte dramatische Spannung und erlaubte Momente der Ruhe und Intimität auf die richtige Weise.. Er hat es verstanden, dem Orchester den italienischen Charakter zu verleihen, der das Werk atmet, die Darbietungen bei dieser Gelegenheit sind spektakulär. Drei sind die Toscas, Anna Netrebko, wer wird allein in den Funktionen der 21 und 24, Sondra Radvanovky, mit einer homogenen und sonoren Stimme, deren Dramatisierungsfähigkeit diese Figur perfekt macht und María Agresta, unser Protagonist heute. Es hat auch eine bemerkenswerte dramatische Fähigkeit. Seine Tosca ist subtiler und sentimentaler, auch stimmlich. Es ist eine Rolle für Tosca, die seine Schwierigkeiten hat und Agresta hat sie im zweiten und dritten Akt besser gelöst als im ersten. Aber er hatte auch Momente der Brillanz, seine „Vissì d’arte“ war voller Emotionen. Eine beachtliche Leistung, wenn man bedenkt, dass sie es auf dem Boden liegend interpretieren musste. Für die Rolle des Mario Cavaradossi haben wir vier Tenöre. Joseph Calleja, von schönem und warmem Timbre, Yusif Eyvazov, der zufällig an den gleichen Tagen handelt wie seine Frau, Anna Netrebko, der mediale Jonas Kaufmann, auch nur zwei funktionen, und Michael Fabiano, was auf der Bühne eher statisch war und es an Natürlichkeit fehlte. Zum Glück war es mehr von der Stimme inspiriert. Akzeptabel seine "verborgene Harmonie", und ganz gut in "E lucevan le stelle", apianando mit gusto. Es war der am meisten applaudierte Abend, Gevorg Hakobyans Scarpia fehlte es an Bühnenpräsenz und, manchmal, auch Vokal. Gut gestartet, aber er verlor das Böse, als der Moment seines Todes näher rückte. Hat einen guten Bass und Bariton, aber seinem Scarpia fehlten Karat. Es hilft in diesen Fällen nicht, Carlos Álvarez in den anderen Lieferungen zu haben, der einen prächtigen Scarpia oder Luca Salsi . gebaut hat, das begleitet das Netrebko-Paar Der Rest der Tablets hatte eine gute Leistung. Sehr gut Gerardo Bullón in seiner Rolle als Cesare Angelotti. Valeriano Lanchas spielte einen entschlossenen und unbeschwerten Mesner sacr. Mikeldi Atxalandabaso, como Spoletta, er hat seine gewohnte Professionalität eingehalten, wie David Lagares, mit seinem Sciarrone und der schönen Stimme des Hirtenjungen von Inés Ballesteros. Großartig der Intermezzo-Chor, Inhaber des Königlichen Theaters, das weiterhin eine Lektion in Professionalität und Anstrengung erteilt, sich den Elementen und Masken zu stellen und sie zu besiegen. Nun auch der Chor der kleinen Sänger der JORCAM, unter der Leitung von Ana González.Mit Tosca endet die lyrische Saison des Teatro Real, eine Saison, die als historisch eingestuft werden kann. Wo die künstlerische Qualität, wer hat es gehabt, eine schwierige und außerordentlich mutige Entscheidung, die das Theater nun vor einem Jahr getroffen hat, im Hintergrund bleiben darf, bleib offen und mit deinem Zeitplan, trotz der weltweiten Pandemie-Situation, dass es nicht nur möglich war, sonst notwendig, Hebe den Vorhangtext: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

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Die theatralischen Annehmlichkeiten und Unannehmlichkeiten
Viva la Mama!
Gaetano Donizetti (1797-1848)
Verspielt Drama en dos actos
Teatro Real, Madrid 5 Juni 2021
Libreto von Domenico Gilardoni, basierend auf den Werken Le convenienze teatrali
(1794) y Die Theater-Unannehmlichkeiten (1800) von Antonio Simeone Sografi
Chor und Orchester des Teatro Real Halter
D. Musical: Evelino Pido
D. Szene: Laurent Pelly
Kostümbildnerin: Jean-Jacques Delmotte
scenographer: Chantal Thomas
Illuminator: Joel Adam
D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Sabina Puértolas, Gabriel Bermudez, Luis Cansino, Francesca Sassu,
Alejandro del Cerro, Carol Garcia, Enric Martínez-Castignani, Piotr Micinski,
Luis López Navarro Opera ist ein sehr breiter künstlerischer Ausdruck. Gesamtkunst, Wagner sprach davon. Und hinter den eigenen Geschichten, die uns eine Oper erzählt, es gibt andere, die zwischen denen verwoben werden, die an ihnen teilnehmen. Insofern waren diese anderen Geschichten wichtig, die in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts zu einer Gattung im kompositorischen Panorama der Oper wurde, in vollem Klassizismus Der große Animateur dieses neuen Genres war Benedetto Marcello. Der Oper in ihren vielen Facetten als Komponist verwandt, Schriftsteller und Geschäftsmann, in 1720 veröffentlicht eine Art satirische Broschüre mit dem Titel "Il teatro alla moda", die schnell eine Bewegung von Kritikern hervorbrachte, die seine Sache versiert hatten und die keine Marionette mit Kopf ließ, sie waren schon komponisten, Sänger, Geschäftsleute oder einfache Bühnenarbeiter. Marcello dachte, die klassische Oper sei den Launen der Diven und der Oberflächlichkeit der Szenografie erlegen.

Das "Il teatro alla moda" hatte tatsächlich viel mit der damaligen Theaterform zu tun, die beim Publikum sehr erfolgreich war.. Damals fand noch eine Art hochhierarchische Opernshow statt., wo die Sänger das Kommando hatten. Die Partituren standen im Dienste der Dolmetscher, sogar das Schreiben der Werke im laufenden Betrieb, je nach Geschmack oder Laune des diensthabenden Sängers.

Zu diesem Thema wurde dann eine ganze Reihe von Werken geschrieben, Aber im Laufe der Zeit wurden die Rollen vertauscht und es waren die Direktoren und Unternehmer, die das Kommando übernahmen. Von diesem Moment an machten diese Arbeiten keinen Sinn mehr und gerieten in Vergessenheit..

Eines dieser Werke ist ¡Viva la Mamma!, dessen richtiger Titel ist Le convenienze ed inconvenienze teatrali. Es war ein zu langer Titel, der durch ¡Viva la Mamma . ersetzt wurde! als er auf die Bühne zurückkehrte. Es war eine der letzten Kompositionen dieses Genres und es ist das erste Mal, dass Donizetti das Libretto für eines seiner Werke schrieb.. Eine lustige Satire, die über die Verstrickungen und Rivalitäten spricht, die während der Inszenierung und Aufführung einer Oper auftreten.

Diese beliebten Werke hatten auch eine große Flexibilität bei der Durchführung von Änderungen.. Donizetti komponierte eine erste Version, die aus einem einzigen Akt und, als wäre es eine zarzuela, hatte gesprochene Teile, die in neapolitanischem Dialekt geschrieben waren.

Vier Jahre später wird es in Mailand eröffnet und der Komponist fügt einen zweiten Akt hinzu, den Neapolitaner aus der Partitur zu entfernen, damit er das gesamte Publikum erreichen kann.

Laurent Pelly ist der Regisseur dieser neuen Produktion des Teatro Real, in Koproduktion mit der Opéra National de Lyon und dem Grand Théâtre de Geneva. Szenografie, mit der Idee, diese Art von Arbeit zu vergessen, präsentiert ein altes Theater, das als Parkplatz genutzt wird. Auf der Bühne, die Charaktere, die um die Hauptrolle konkurrieren oder die besten Arien singen, paradieren, die Opfer dieser inneren Kriege zu sein, Geschäftsleute, Komponisten und Librettisten.

Pelly hat sich dem Theater im Theater zugewandt und einige Charaktere geschaffen, gehört eher der Vergangenheit an, die Spaß machen und gleichzeitig eine gewisse Melancholie erzeugen. Zeichen, wie seine Autoren geschrieben und Benedetto Marcello gut beschrieben hat, sie übertreiben ihre Fehler, um mehr Heiterkeit zu verursachen. Charaktere, für die Sänger mit einem sehr wichtigen interpretativen Niveau benötigt werden, abgesehen von den stimmlichen anforderungen, das sind nicht wenige in dieser Partitur.

Diese zweite Besetzung wurde von der Sopranistin Sabina Puértolas und ihrer Daria . angeführt, die erste Frau,. Eine Süßigkeit, die Puértolas dank ihrer Raffinesse auf der Bühne und einer sehr guten Ausführung der Cabaletta im ersten Akt bestickt, voller Schwierigkeit durch seine anspruchsvolle Wendigkeit.

Procolo ist Darias Ehemann, gespielt von Gabriel Bermúdez. Ein giftiger Ehemann, der vorgibt, eine weitere Primadonna wie seine Frau zu sein. Bermúdez leistet eine tolle Leistung, Spaß und mit gutem Stimmniveau.

Der Tenor Alejandro del Cerro spielte Guglielmo, el erster Tenor, die den Charakter gestreckt und mit deutschem Akzent bestickt. Hatte einige sehr inspirierte Momente, wie in seiner Arie aus dem zweiten Akt.

Der Gewinner des Abends war ohne Zweifel Luis Cansino und seine Rolle als Mamma Agata. Ein Transvestit im Rückwärtsgang, denn bis dahin nur Frauen als Männer verkleidet. Cansino übernimmt diese Rolle, die man als Spezialist bezeichnen kann. Sie hat die verdrehte Mamma de la Seconda Donna brillant nachgebildet, die vorgibt, selbst die Diva zu sein. In diesen ungeschriebenen Tönen, mit denen er meisterhaft spielte, wechselte er ganz natürlich seine Lage von Bariton in False..

Luigia, die zweite gibt, Hija de Mamma Agata, leitete die Italienerin Francesca Sassu. Er interpretierte den schüchternen und schüchternen Charakter der Compresaria sehr gut und zeigte die Qualität seines Instruments., auf einem sehr guten Niveau sein.

Der Rest der Besetzung hatte eine Teilnahme auf der Höhe der Protagonisten. Regisseur Luis López Navarro, Geschäftsmann Piort Micindki, der Dichter Enric Martínez-Catignani und die lustige Pipeto von Carol García.

Evelino Pidó kennt dieses Repertoire gut und es zeigt, dass er ein Handwerk und Erfahrung hat. Er hat die Balance zwischen Grube und Bühne in einem so funkelnden Stück sehr gut gelöst.

Die Performance endet damit, dass eine Gruppe von Arbeitern mit ihren zerstörerischen Maschinen die Szene betritt., was ein wahres Plädoyer für die Verteidigung der Kultur in einem so komplizierten Jahr ist. Aber die Stärke derer, die, unter den schlimmsten Umständen, sie haben es verteidigt.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real

Der König, der Rabbi-1

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Der König, der wütete
Zarzuela in drei Akten
Musik von Ruperto Chapí
Libretto von Miguel Ramos Carrión und Vital Aza
D. Musical: Ivan Lopez Reinoso
D. Szene: Barbara Lluch
Szenografie: Juan Guillermo Nova
Kleiderschrank: Clara Peluffo Valentini
Beleuchtung: Vinivio Cheli
Orchester und Chor der Gemeinschaft von Madrid
Besetzung: Enrique Ferrer, Rocío Ignacio, Maria Jose Suerez, Rubén Amoretti, José Manuel Zapata, Carlos Cosías, Igor Peral, Jose Julian Frontal, Alberto Frias, Sandro Lamm, Pep Molina, Ruht González und Antonio Buendía Das Teatro de la Zarzuela wollte diese ganz besondere Saison beenden, mit einem wesentlichen Titel der spanischen Lyrik, „Der König, der wütete“, des Lehrers Ruperto Chapí, 130 Jahre nach seiner Premiere am 20 April 1891 in diesem selben Theater.

Zu dieser Zeit war Königin Maria Cristina Regentin, Warten auf die Volljährigkeit von Alfonso XIII. Aber es ist nicht dieser König, auf den das Stück anspielt, aber an Alfonso XII und andere Politiker und Soldaten der Zeit.

Das Libretto stammt von zwei der besten Dramatiker und Komiker der Gegenwart, Miguel Ramos Carrión und Vital Aza, der ein Drehbuch voller zeitloser Situationen und Charaktere erstellt hat, von Verstrickungen und komischen Situationen im Spanien der Restauration. Ein kritisches Skript mit allen Machtebenen, mit viel Humor den theatralischsten Teil der an einem Hof ​​entwickelten Politik hervorheben, der zur Zeit seiner Premiere gut gehören könnte oder, wie niemals zuvor, bis heute am aktuellsten, mit der Täuschung der Herrscher als Hauptdarsteller.

Verantwortlich für diese Neuproduktion des Teatro de la Zarzuela del "Rey que rabió" has, szenisch, der in diesem Theater bereits gefeierten für "La Casa de Bernarda Alba" in 2018, Barbara Lluch. dieses Mal, die Landschaft, bereichert durch Clara Peluffo Valentinis Garderobe, der Arbeit den Anschein einer Schulfunktion geben, die am Ende des Kurses gemacht wird. Die Kostüme sind sehr bunt und fröhlich, aber zusammen mit den restlichen szenischen Elementen, sie kreieren ein übertrieben kindliches Outfit. Wie die Dramatisierung der Charaktere, fast allzu theatralisch, vor allem der Kapitän von Alberto Frías, der gesündigt hat aus übertriebenem Buff. María José Suárez und Sandro Cordero, wie Maria und Juan, sie waren in ihrem komischen Teil etwas ausgeglichener, wenn auch genauso übertrieben.

Die bekanntesten waren Ruth González Mesa, als Dienerseite des Königs, Rubén Amoretti, als El General, das zeigte seine stimmliche Qualität, wenn der Humor es ihm erlaubte und ein Manuel Zapata wie Jeremías, da ist auch was passiert, aber dass er wusste, wie man das theatralische Gleichgewicht aufrechterhält und die Figur nicht schleppt.

Die Hauptfiguren wussten nicht, wie sie sich messen sollten. Die Sopranistin Rocío Ignacio, als Rosa, sie sah zu keiner Zeit wie eine Bäuerin aus. Vielmehr spielte sie in dieser Saison weiterhin ihre Rolle als Luisa Fernanda.. Es hat ihn den ein oder anderen Buh von der Öffentlichkeit gekostet.

Der andere Protagonist war Enrique Ferrer, der König, wir wissen nicht ob es tobte oder nicht, aber er hatte auch seine Nacht nicht. Wenig Anmut in der Interpretation und wenig stimmliche Konsistenz. Die Wahl eines Tenors für diese Rolle war nicht erfolgreich, wenn Chapis Partitur anzeigt, dass es für Sopran ist.

Nur der bekannte Ärztechor führte uns zu der wunderbaren Musik des Komponisten, mit einer fulminanten Chorleistung, wie gewöhnlich. Die Beleuchtung von Vinicio Cheli trug dazu bei, dass diese Szene das Beste aus der Darstellung wurde.

Es war auch nicht die Nacht des Musikdirektors Iván López Reinoso. Langsam bis zur Erschöpfung, mit einem Burst-Sound und ohne ein Orchester zu nutzen, das demonstriert, sobald du die Chance hast, die Qualität, die es schätzt.

Schade eine so besondere Saison zu beenden und das auf so hohem Niveau. aber, der beste Sachbearbeiter verwischt und wir freuen uns auf die nächste Saison.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier de Real

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Wenn man ein Feld betritt, das nicht sein ist und es nicht perfekt weiß, Dies kann zwei Gründe haben, Entweder ist er rücksichtslos oder er ist sehr mutig. Und um mutig zu sein, muss man haben, auch, andere Qualitäten.

Der Erwägungsgrund von Sonya Yoncheva in Teatro de la Zarzuela diese Vergangenheit 29 April, ist ein klares Beispiel für Mut, unter anderem. Man muss mutig sein, um mit einem Zarzuela-Rezital im Theater des Genres aufzutreten, und man muss es noch mehr sein, es zu tun, ohne viel über dieses Genre zu wissen.

Trotz der Notwendigkeit, die Ergebnisse zu verwenden und einen etwas unsicheren Start zu haben, Sonya Yoncheva ha demostrado, haben nicht nur ein Instrument von unbestreitbarer Qualität, eine helle Stimme, sonnig, das füllte den harmonischen Raum, mit einem starken Zentralregister und bemerkenswerter spanischer Phrasierung, Er zeigte aber auch enormen Mut, als er mit außerordentlichem Erfolg ein Repertoire an Romanzen interpretierte, das das Publikum zum Vibrieren brachte. Ein Publikum, das immer weiß, wie man sich bei denen bedankt und belohnt, die sich diesem Genre mit Respekt und Engagement nähern.

Yoncheva begann das Konzert mit der Romanze "Schöne Nacht", de Katiuska de Sorozábal, wie ich sagte, etwas kaltes. Aber es erwärmte sich im Verlauf des Konzerts. Er fuhr fort mit "Drei Stunden vor dem Tag", der Machenera des Lehrers Moreno Torroba, sein Lieblingsstück, wie sie selbst angedeutet hat, und das bot er auch als ersten tipp an. Er fuhr mit drei anderen Romanzen fort, "Meine Tränen, wo bist du?", des Eisenrings von Miquel Marqués, "Das Abendlicht geht", del Pájaro azul von Rafael Millán und beendete diesen ersten Teil mit "Ich sah mich in der Welt verlassen", vom Eid, Joaquín Gaztambide.

Der zweite Teil begann mit dem Duett „Was für eine schöne Nacht!Von der Wildkatze, Manuel Penella. Hier wurde sie in der Replik von einem energischen Alejandro del Cerro begleitet. Mit einer hinreißenden Stimme und einem wunderschönen metallischen Timbre, legte seine zwei Cent, neben der lebhaften Richtung von Miquel Ortega, so dass die Öffentlichkeit auf jeden Fall Genuss genießen wird.

Er fuhr fort mit "Ich habe nicht mehr als eine Rose geschnitten", von La mit dem Rosenstrauß von P.. Sorozábal und "Aus Spanien komme ich" vom jüdischen Kind von Pablo Luna, bereits von der Bühne geliefert und voller Stimme. Er endete mit "Wenn ich an das Duell meiner Lieben denke", von La hija del cebedeo, von Ruperto Chapí und „Ich bin Cecilia!", von Cecilia Valdés de Gonzalo Roig, wo er großes Mitgefühl und die Fähigkeit verschwendete, auf der Bühne zu genießen. Die zweite Zugabe bot er an, nach der Wiederholung der Machenera, Es war Carmens Habanera. Über die ganze Bühne gehen, einschließlich Regiepodest, der sie zum Klavier begleitete. Zu dieser Zeit wurde das Theater seinen bloßen Füßen übergeben.

Sehr herausragend war die Arbeit des Lehrers Miquel Ortega Leitung des Orchesters der Gemeinschaft Madrid. Nicht nur immer auf Yonchevas Bedürfnisse aufmerksam, Ihnen Sicherheit geben, Seine Regie war zu allen Zeiten besonders herausragend und die Interventionen der Orchesterwerke erweckten das Publikum, das zu dieser Zeit dem guten Werk des Orchesters überlassen worden war. Sie begannen mit dem Auftakt zu La joy de la huerta, von Chueca, später die Pause von Los Burladores anzubieten, von P.. Sorozábal, Das Vorspiel zu Los Borrachos, von Gregorio Giménez und endet mit einer meisterhaften und elektrisierenden Interpretation der Pause von La Leyenda del beso von Reveriano Soutullo und Juan Vert.

Eine Nacht zum Erinnern, neben dem Konzert in demselben Raum von Elyna Garanca, von denen, die zu unserem lyrischen Genre kommen, um es zu wissen, Verteile es und mache es noch größer.

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Peter Grimes, vom Gerücht zur Zerstörung
Peter Grimes
Benjamin Britten (1913-1976)
Oper in einem Prolog und drei Akten
D. Musical: Ivor Bolton; D. Szene: Deborah Warner; scenographer: Michael Levine; Kostümbildnerin: Luis Carvalho; Illuminator: Peter Mumford; Video Designer: Will Duke; D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Allan Clayton, Maria Bengtsson, Christopher Purves, Catherine Why-Rogers, Hohn Graham-Hall, Clive Bayley, Rosie Aldridge, James Gilchrist, Jacques Imbrailo, Barnaby Rea, Rocío Pérez, Natalia Labourdette, Saúl Esgueva Massentheorien waren schon immer ein attraktives Studienobjekt für Soziologen und Psychologen. Sie wecken aber nicht nur die Neugier der Forscher auf diesem Gebiet. Als Ausgangspunkt für Massenbewegungen, Es gibt ein Element, das als Katalysator wirkt, das Gerücht. Gerüchte sind mit der Verteidigung der sozialen Identität verbunden (Rouquette, 1997). Sie rufen im Allgemeinen negative oder befürchtete Konsequenzen oder Ergebnisse hervor und ihre Verbreitung ist ein Weg, um Vorurteile und Stereotypen zu validieren. Wenn es eine kritische Situation gibt, Die Notwendigkeit, eine gemeinsame affektive Referenz aufzubauen, ist geboren, Das Gerücht ist ein wirksames Mittel des sozialen Zusammenhalts. Beteiligen Sie sich an der Verbreitung eines Gerüchts und validieren Sie es, erhöht die Wahrnehmung der Zugehörigkeit zur Gruppe.
Peter Grimes ist der ideale Charakter, um die zusammenhängende Gerüchteküche eines der Protagonisten des Stücks zu eröffnen, Bezirk. Die imaginäre Stadt der Küste von Suffolk County, Geburtsort des Komponisten, und deren sozioökonomische Situation dazu beitragen kann, das Verhalten einer Gesellschaft gegenüber den anderen zu erklären, Dies ist in diesem Fall nicht gerade ein Charakter, mit dem Sie sich identifizieren können. es ist dunkel, Gequält, verdächtig, einsam und langweilig, der außerhalb aller sozialen Normen lebt und das Misstrauen seiner Mitmenschen weckt. Diese Arbeit wurde von Sergei Koussevitzkt in Auftrag gegeben, Direktor des Boston Symphony Orchestra, während des Aufenthalts in den USA Britten, zwischen 1939 und 1942. Es basiert auf dem Libretto von Montagu Slater, inspiriert wiederum durch das Gedicht in der Sammlung von The Borough (1810) George Crabbe Zurück nach England, nach seinem enttäuschenden Aufenthalt in den USA, Britten machte sich an die Arbeit mit ihrem neuen Projekt, das nur einen Monat nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs debütierte, in einer Atmosphäre der Euphorie um den Sieg. In dieser Arbeit beschäftigt sich Britten in vielen ihrer Opern mit einem wiederkehrenden Thema, das Drama der Randfiguren, die sich scheinheiligen Gesellschaften gegenübersehen. Eine Situation, die Britten selbst sehr gut kannte.

Peter Grimes wird erst im November im Royal Theatre uraufgeführt 1997, nach seiner Wiedereröffnung. Obwohl es sich um eine Oper handelt, die in vielen Theatern bereits zum Repertoire gehört, Ihre Planung ist immer noch eine mutige Entscheidung, weil es aufgrund der Härte der behandelten Themen eine unangenehme Herausforderung ist.

Jetzt kehrt Brittens bekanntester Titel zu Real zurück, nachdem er diesem Komponisten in den letzten Jahren einen wichtigen Raum gewidmet hatte, seit dem Tod in Venedig, vorbei an Gloriana und dem preisgekrönten Billy Budd. Und er macht es szenisch durch die Meisterhand von Deborah Warner.

Warner hat heute die Kulisse gesetzt. Wie immer in den Werken des Warner-Levine-Tandems, Eleganz ist auch in den schäbigsten Dekorationen vorhanden. Die Eröffnungsszene der Stadt mit ihren Taschenlampen, die nach Grimes suchen, ist meisterhaft. Die Regie der Schauspieler und die Bewegungen, die Kim Brandstrup auf der Bühne entwickelt, sind sehr vorsichtig, Sie sind perfekt. Genau wie Peter Mumfords außergewöhnliche Beleuchtung. Alle Atmosphären, die sie schaffen, sind emotional und verstörend. Nichts ist zufällig oder leichtfertig oder unentgeltlich. Es ist alles sinnvoll, den Port zu beschreiben, voll von Tackle und Boxen in perfekter Unordnung. Oder die Taverne, Ein chaotischer Ort, an dem die Stadtbewohner hereinströmen, im Rhythmus, der den Sturm markiert und wo, Kurs, der Protagonist, der, vor der Tür und zurück zu allen, interpreta "jetzt der große Bär und die Plejaden", einen der emotionalsten Momente schaffen.

Die berühmten sechs Zwischenspiele haben ihre Hauptrolle, sowohl im musikalischen als auch im szenischen. Sie dienen zum Nachdenken, manchmal über die Charaktere, manchmal über Aktion, aber immer eine besondere Atmosphäre schaffen.

Leitung des Orchesters, ein Ivor Bolton, der, wie er es bereits in Gloriana und Billy Budd getan hat, erweist sich als großartiger Britten-Spezialist. Er wusste, wie man das Orchester in den Dienst des Dramas stellt, in perfekter Abstimmung mit der Landschaft. Vielleicht war dieses Gleichgewicht zwischen Grube und Bühne in einigen Momenten die Ursache für die Langsamkeit des Orchesters. Aber die Klangqualität, vor allem in einigen Zwischenspielen, es war auf einem sehr hohen Niveau.

der Chor, eine der Hauptfiguren in diesem Stück, hat eine brillante Beteiligung an dieser Produktion. Neben der Anstrengung, die er gemacht hat, wenn er mit einer Maske singen musste, erfüllt makellos seine räuberische und bedrohliche Rolle. Hat herausragende Momente, wie in der letzten Szene.

Die Liste der Sänger war auf einem sehr hohen Niveau. Die Qualität von allen hat ein sehr ausgewogenes und kompaktes Set geschaffen, Kombination großartiger Sänger mit großartigen Schauspielern.

Allan Clayton spielte einen außergewöhnlichen Peter Grimes. Das Drama seiner Aufführung bildete den am besten geeigneten Charakter, ohne Exzesse oder Histrionik. Seine frische Stimme begleitete mit großer Sensibilität die Momente größter Intimität von Grimes, welche waren die herausragendsten. Er wusste, wie man diesen verletzlichsten und intimsten Teil des unhöflichen Charakters hervorhebt. Diese Lyrik kann durch ihre barocken Ursprünge unterstützt werden. Er war zweifellos der Gewinner der Nacht.

Maria Bengtsson war eine bewegende Ellen Orford, der Neuankömmling und auch anders und seltsam in den Augen der Menschen. Seine leichte Stimme verlieh dem Charakter eine große Zartheit. Er stach auch im dramatischen Teil hervor, verliebt in Grimes und immer aufmerksam und zärtlich mit dem unglücklichen Lehrling.
Eine andere der bekanntesten Stimmen war die von Christopher Purves. Ein Captain Balstrode, der Grimes perfekt versteht und schätzt, aber er weiß auch, dass er nicht die feine Linie überschreiten darf, gegen die alle Menschen vorgehen würden. Auf der Vokalebene war es auf einem sehr hohen Niveau. Mit einer homogenen Stimme und einem warmen Timbre, als dein Charakter.

Catherine Wyn-Rogers Como Tante, die irritierende Tavernenbesitzerin, deren Stimme perfekt zu der Rolle passte und deren Leistung einwandfrei war.

Auch Rosie Aldridges Sedley glänzte in der Aufführung. Erstellt den perfekten Stadtklatschcharakter, woher fast alle Gerüchte kommen. Nur in wenigen Augenblicken wurde es vom Orchester abgedeckt.

James Gilchrist des Lebens an Reverend Adams, der unangenehme Vertreter der Kirche mit einem posierten und bombastischen Auftreten. Sein Tenor-Timbre passte gut zum Charakter. Die Interpretation von John Graham-Hall als Bob Boles war ebenfalls erfolgreich, der histrionische Charakter, der wusste, wie man tadellos charakterisiert. Markieren Sie auch Jacques Imbrailo, Das war der brandneue Billy Budd von 2017 und hier spielte er Ned Keene.

Die einzigen zwei spanischen Frauen in der Besetzung, Nun, sie waren alle Briten, Sie waren Rocío Pérez und Natalia Labourdette, wie die Nichten des Wirtshausbesitzers. Beide wussten, wie man auf dem Niveau des Restes der Besetzung ist.

Neuer Erfolg des Teatro Real mit diesem Peter Grimes, keine einfache Oper, noch für diejenigen, die es ausführen, noch für die Öffentlichkeit, wer verließ das Theater begeistert. Aber heutzutage ist nichts einfach. Und für Herausforderungen und Erfolge, royal Theatre.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

Pregardian & Vignolen (c) Rafa Martin

XXVII Liedzyklus des CNDM und des Teatro de la Zarzuela 12 April 2021

Christoph Prégardien, Tenor

Roger Vignoles, Klavier

Die schöne Müllerin, Franz Schubert (1797-1828)

Die Comic-Oper wurde in Deutschland mit großem Erfolg uraufgeführt. La Molinera, das heißt, die entgegengesetzte Liebe, von Giovanni Paisiello. Dieses Ereignis war ein Anreiz für einige Dichter des Augenblicks, wer begann über dieses bukolische Thema zu schreiben. Goethe selbst schrieb vier Romanzen und vier Balladen des Müllers.

Inspiriert von seiner Bewunderung für Goethes Arbeit, ein junger Müller macht sich auf den Weg zu kreieren, mit einer Gruppe von Freunden, eine dramatische Entwicklung, die Lieder verkettet, in denen, durch seine Charaktere, Eine Geschichte wird erzählt. Bis zum Endergebnis, Frucht eines Partyspiels, Musik von Ludwig Berger setzen.

Jahre später, Schubert entdeckte Müllers Gedichte und begann eine Zusammenarbeit, aus der die endgültigen Texte hervorgingen.. Schubert fand in diesen Gedichten die perfekte narrative Beschreibung, die er damals brauchte, Anpassung der Gedichte an Ihre Zwecke und Musik.

Der Zyklus wurde früh enthüllt 1824. in 1830, Der Verleger Anton Diabelli erwarb die Rechte und veröffentlichte eine überarbeitete zweite Auflage. Sein erster bekannter Auftritt war im Mai 1856, vom Bariton Julius Stockhausen in Wien.

Die schöne Müllerin, ursprünglich für Tenor geschrieben, wird normalerweise von Baritonen angefahren. dieses Mal, Die Person, die dafür verantwortlich ist, Müllers Gedichten im Liedzyklus des Teatro de la Zarzuela und des Nationalen Zentrums für die Verbreitung von Musik eine Stimme zu verleihen, war der leichte lyrische Tenor Christoph Prégardien, demonstrieren, nochmals, seine Beherrschung des Liedergenres im Dienste von Schuberts Werk.

Prégardien hat seine Virtuosität in der Schauspielerei gezeigt. Keine Notwendigkeit Ornamente, Die zurückhaltende Form seines Ausdrucks zeigt die Eleganz seiner Beherrschung des Genres. Klarheit in der Diktion, dem Text mehr Bedeutung geben, und in seiner nuancierten Art zu "sagen", ist über jedem Überschuss im Ausdruck.

Am Klavier begleitet von Roger Vignoles, Sie bildeten ein perfektes Team, das im Einklang ging, auf flüssige und kristalline Weise, wie das Hauptwasser in einigen der Werke, die sie durchgeführt haben.

Eine perfekte Nacht, intensiv und gipfelte mit zwei Tipps auch von Schubert, Von beiden Dolmetschern gleich gut umrissen, und das rundete den guten Geschmack im Mund ab, den ihre Aufführung in der Öffentlichkeit hinterließ.

Pregardian & Vignolen (c) Rafa Martin

Standard-1
Standard-2
Standard-3
Standard-4
Standard-5
Standard-6
Regel
Vincenzo Bellini (1801-1835)
Lyrische Tragödie in zwei Akten
Libretto von Felice Romani, basierend auf der Arbeit Norma, oder Kindestötung (1831) Alexandre Übermittelt
Neue Produktion von Teatro Real
D. Musical: Marco Armiliato
D. Szene: Justin Way
scenographer: Charles Edwards
Kostümbildnerin: Susan Willmington
Illuminator: Nicolas Fischtel
Choreographie: Jo Meredith
D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Faser Gerzmava, Annalisa Stroppa, John Osborn, Fernando Rado, Berna Beads, Juan Antonio Sanabria kommt im Teatro Real Norma an, Bellini, in einer neuen eigenen Produktion. Er tut es zeitgleich mit Siegfried, wagner, wer mochte die italienische Oper nicht gerade und wer, jedoch, zeigte große Bewunderung für den italienischen Meister. Insbesondere Norma war eines der Werke, an denen der deutsche Meister das größte Interesse zeigte. Norma überschritt den Belcanto, hatte einige neue Elemente voller Romantik und Ausdruckskraft. Das Bellinianische Declamato-Cantato, das in Norma seinen maximalen Ausdruck erreichte, wo die Arien nicht weniger wichtig sind als die Dialoge und die Art und Weise, fast trauern, in denen sich die verschiedenen Charaktere durch Duette und Drillinge gegenüberstanden, Damit bleibt die traditionelle Abfolge tugendhafter Arien außer Acht, die die italienische Operntradition bis zu dieser Zeit definierte. Die Charaktere dieses Werkes, vor allem seine Protagonistin Norma, Sie haben mehrere Gesichter. Einige sogar widersprüchlich, Was gibt ihnen diesen rätselhaften Heiligenschein, der die Handlung mit Intrigen und romantischen Situationen füllt, mit dem Bellini und sein Librettist Felice Romani versuchten, ihr Publikum vor Emotionen zum Weinen zu bringen., Die Szenografie von Justin Way wiederholt das mittlerweile klassische Theater innerhalb des Theaters, befindet sich in Italien vor der Wiedervereinigung. Aber die Landschaft, Das ist voller Originalität und zahlreicher Anspielungen auf die Dekorationen von 1831, als es auf der Mailänder Skala Premiere hatte, Es gibt einige Verwirrung zwischen den beiden Szenen, die kombiniert werden und die nicht sehr gut voneinander unterschieden sind. Marco Armiliato wurde beauftragt, Maurizio Benini zu ersetzen. Die Änderung hat möglicherweise an Lautstärke und Lautstärke zugenommen, aber vielleicht hat es Nuancen und Zartheit verloren. Norma ist eine dieser Opern schlechthin, die selbst definieren, was dieses Genre ist.

Die Partitur ist von großem Reichtum und, zugleich, einfach. Seine Orchestrierung ist von großer Zartheit. Er hat nicht vor, den Sänger zu begleiten, aber als empfindliche Matratze zu dienen. Dies ist zweifellos eine Ihrer größten Schwierigkeiten, wenn Sie damit umgehen, sowohl für das Orchester als auch für die Sänger.

Zu diesem Anlass präsentiert das Royal Theatre zwei Hochhausabgüsse. Bei dieser Generalprobe erleben wir eine Sekunde von außergewöhnlichem Niveau, die Aufführungen von großer Interpretationsqualität verspricht. Es ist die erste Norma, der sich die Russin Hibla Gerzmava mit Mut stellt und sich ihr nähert. Er hat eine gute Lautstärke und ein großartiges Drama. Zusätzlich zu der Leichtigkeit, die der Charakter verlangt, glänzte im Duett mit Adalgisa, in dem sie bis zur Perfektion geklebt.

Annalisa Stroppas Adalgisa ist zweifellos die deutlichste Belcanto-Stimme der Besetzung. Seine Gesangslinie ist sehr gut definiert, Sätze zart und mit bellinischer Absicht. Zeichnen Sie eine Adalgisa voller Sensibilität und Ausdruckskraft. Elegant immer auf der Bühne, stach im Duett mit Norma und dem Triplett des zweiten Aktes hervor, einige Momente brillanter Lyrik erreichen. Nicht umsonst ist eine erfahrene Adalgisa.

Eine andere der genauesten Belcanto-Stimmen ist die der Polione des Amerikaners John Osborn. Seine stimmlichen Eigenschaften sind sehr gut für den Charakter und für diesen Stil der Bellinschen Deklamation geeignet..

Der Rest der Besetzung befindet sich in großer Höhe. Das Destacar ist Fernando Radó, als Orobeso. Nun, die Clotilde von Berna Perles und die Flavio von Juan Antonio Sanabria.
Dem Royal Theatre gelingt dieses Werk aus dem klassischen Repertoire, das dem Amateur nach dem Besuch des endlosen und dekontextualisierten Siegfried eine Atempause bietet.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

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Wir interviewen Annalisa “Adalgisa” Stroppa.
Sie kommt mit ihrer Maske und einem breiten Lächeln hinter sich an, Es gibt Leben auf der Straße, Die Sonne ist aufgegangen und er ist dabei, auf einer Terrasse einen Kaffee zu trinken. Etwas ganz anderes als in seiner Heimatstadt Brescia. Es ist seine zehnte Produktion von Norma, aber für sie ist es wie beim ersten mal. Und es ist so, dass nichts mehr wie vorher ist, Tampoco für Annalisa Stroppa, eine rein bel canto Adalgisa, die mit ihrer Stimme alle Farben der Emotionen beschreiben kann, die ihr Charakter auf der Bühne erlebt.: Annalisa Stroppa kommt im Royal Theatre an, um Adalgisa en la Norma zu interpretieren, Bellini, Ein Komponist, für den Sie eine Schwäche haben. Was reizt Sie an diesem Komponisten so sehr??Annalisa Stroppa: Adalgisa ist eine Figur, die ich aus verschiedenen Gründen liebe und mag. Der erste ist Bellinis Schreibstil. Abgesehen davon, dass ich mein Lieblingskomponist bin, setzt immer Stimmen über alles. Die Ausdruckskraft, die in jedem Wort sein kann, für ihn ist der erste. Niemand wie Bellini hat dem Klang so viel Bedeutung beigemessen, bei der halben Stimme, zum Vermächtnis y zum Deklamierten, bereits als bellinian declamate bekannt. Aber Bellinis Ergebnisse sind nicht einfach. Sänger müssen sich wie Sportler verhalten. Um den Text auszudrücken, sind unterschiedliche Stimmfarben erforderlich, und Bellini lässt viel Meinungsfreiheit zu - dies ist einer der Gründe, warum Wagner Bellini so sehr bewunderte. Für diese einzigartige Bellinianische Schrift. deshalb, Für mich ist es außergewöhnlich, die Stimme nutzen zu können, um auf diese Weise auszudrücken, jedes Wort färben. Für Bellini ist der Ausdruck sehr wichtig und er begleitet ihn auf sehr subtile Weise orchestral. Hier liegt die Schwierigkeit, in dem das Orchester unterstützen muss, was Sie sagen, aber nicht als Begleitung, aber mit dem gleichen Klang und der gleichen Absicht, mit der sich der Sänger vor Christus ausdrückt.: Wie ist Adalgisa stimmlich und welche Schwierigkeiten hat sie??WIE: Im Moment kann ich sagen, dass diese Musik mein Stimmgebiet ist. Ich fühle mich sehr wohl, wenn ich mich durch Bellcanto und das französische Repertoire ausdrücke. Aber Bellini kommt meiner Stimme im Moment am nächsten.
Die Schwierigkeit, die Adalgisa hat, ist seine breite Tessitura, geht bis zu Do5. aber, wenn die Stimme es erlaubt und Sie sich wohl fühlen, es ist perfekt. Bellinis Partituren haben eine schöne und unnachahmliche Melodielinie. Mit sehr wenigen Noten packt es dein Herz, sowohl auf Charakterebene als auch stimmlich, ist der perfekte Kontrapunkt zu Norma. weil sie, in den Duetten und in der Trittfrequenz, Sie werden dieselbe Person. Ihre Stimmen verflechten sich und verschmelzen zu einer. und das ist Magie. Sie müssen eine gute Synchronisation in Klang und Ausdruck haben. Wenn all dies passiert, ist das Ergebnis spektakulär.: Wie ist der Charakter der Adalgisa, die Annalisa Stroppa baut??WIE: Adalgisa ist eine sehr reine Frau, eine Frau, die sich von Anfang an immer treu bleibt, sehr respektvoll mit Norma sein, verrät sie nie und ist ihr immer nahe. Die Rolle von Adalgisa ermöglicht es mir, mit dem Ausdruck und den Nuancen der Stimme zu spielen. Zuerst zeigt sie ihre Anstrengung, deine Zweifel, sein Leiden. Sie ist so verliebt in Polione, dass sie bereit ist, ihre Gelübde als Priesterin zu hinterlassen.. Dies ist ein sehr tiefer Konflikt für sie, sie ist verliebt und, hat vez, will seinem Gott und seinem Ordensleben treu bleiben. Dies erfordert große Zartheit, wenn man es ausdrückt. Sie fürchtet Normas Reaktion, wenn sie ihre Absichten kennt. Dann entdecken Sie die große Menschlichkeit von Norma, die ihre Situation versteht. Bis er das Doppelleben von Norma und Polione und ihren beiden Kindern gemeinsam erkennt.. Wie viele Farben und Ausdrücke enthält dieses Argument?!. Und Bellini erlaubt uns, die Farbe der Liebe mit ihrer Stimme zu übersetzen, der Demut, der Verzweiflung ... All dies ist in der Musik von Bellini. Bis im Duett des zweiten Aktes, ist treu und im Einklang mit Norma. Er wird bei ihr bleiben, damit sie ihre Familie wiedervereinigen und nach Polione zurückkehren kann.. Dies ist von sehr großer Reinheit. Sie bleibt Norma treu, weil der Verräter Polione ist. Diese Produktion von Norma im Teatro Real ist auch für mich neu. Es ist das erste Mal, dass ich mit dem Maestro Marco Armiliato und der Regista Justin Way zusammenarbeite, Deshalb ist es eine neue Erfahrung. Ich habe auch ein wunderbares Team von Kollegen getroffen. Die Arbeit, die wir zusammen machen, ist spektakulär, sogar mit einer Maske. Es soll wieder anfangen zu leben und ich bin glücklich.: Wenn Sie sich jetzt wieder diesem Charakter stellen, Welche neuen Emotionen haben oder erwarten Sie??WIE: Jedes Mal, wenn ich zum Singen gehe, singt nicht nur Adalgisa, singe auch einen Teil von mir. Und besonders jetzt, Nach allem, was wir durchmachen, von all dem Leiden, das wir alle leben, von dieser Stille in uns, die jetzt so viel zu sagen hat ... All diese Gründe werden meine Adalgisa anders machen. Weil ich mit der Wärme des Publikums, die ich so sehr vermisse, auf die Bühne zurückkehre. Ich weiß, dass ich aufgeregt sein werde, denn was war bis heute normal, Jetzt wird es etwas ganz Besonderes. Ich kehre zurück, um die Emotionen und die Atmosphäre zu teilen, die in diesem Moment erzeugt werden, immer unterschiedlich. Was ich jetzt schätze, ist, hier sein zu können. Vielen Dank an das Royal Theatre für diese Gelegenheit und ich möchte meine Emotionen durch meine Stimme vermitteln.. Ich weiß nicht, wann ich wieder singen werde, Jetzt mache ich es so, als wäre es das erste und das letzte Mal. Ohne sich um irgendetwas zu sorgen, Nur für die Aufregung, wieder mit einem Publikum zu singen, das diese Emotionen mit mir teilt, wird meine Adalgisa jetzt ganz anders sein als die vorherigen. Dies ist die zehnte Produktion von Norma, an der ich teilnehme, und alle meine Adalgisas sind unterschiedlich, aus verschiedenen Gründen. Die Reife der Stimme, die Reife der Person und leben es anders. Die Norm, die mich begleitet, beeinflusst auch. Mit besonderer Zuneigung erinnere ich mich an die Produktionen mit Frau Mariela Devia und Edita Gruberová, dafür, zwei historische Damen und große Ikonen der Oper zu sein.

b.c: Wenn er das Theater verlässt, nachdem ich alles für einen Charakter wie diesen gegeben habe, Wie befreien Sie sich von einer so intensiven Rolle??

WIE: Es ist nicht leicht, sich von einem solchen Charakter zu befreien. Du fühlst es so stark in deiner eigenen Haut, das denke ich bis zum ende der produktion, noch Wochen später, Sei ein Teil von dir. Weil du es baust, du lebst es und entdeckst immer etwas Neues, schließlich, du nimmst es mit. Sie sind nicht zwei getrennte Personen, Sie sind zusammen. Es ist wie ein sehr lustiges Spiel, weil, manchmal, Die Direktoren, Sie nennen mich Adalgisa anstelle von Annalisa (lacht).

Ich habe nicht die Fähigkeit, die beiden Menschen getrennt zu leben. Auf der Bühne trage ich einen Teil von Annalisa mit ihren Gefühlen, sein Leben ... und ich übersetze sie in die Emotionen von Adalgisa. Ich kann sie nicht trennen. Manchmal passiert das, nach einer Rolle spielen, Sie müssen schnell mit einem anderen beginnen, ohne die Zeit zu dekantieren, wie Wein, ein neues Zeichen, das die vorherige Seite umblättert. Wenn Sie einen Charakter verlassen, müssen Sie sich mit Respekt verabschieden und Hallo sagen, auch mit Respekt, zum neuen Charakter. Sie sind unsere kleinen Kreaturen, Was hast du mit der Zeit ausgearbeitet?, mit Liebe und Sorgfalt etwas Besonderes zu schaffen, das Teil von dir ist und das nach der letzten Aufführung nicht plötzlich verschwindet.

b.c: Wenn es um eine Stadt geht, wie jetzt nach Madrid, Wie ist der Alltag außerhalb und innerhalb des Theaters??

WIE: Jetzt ist es nicht einfach, weil das, was wir leben, nicht normal ist. Sie passen immer auf sich auf, du ruhst dich aus, Sie kümmern sich aber um Ihre Stimme, klar, am freien Tag konnte ich Freunde sehen, ein Museum besuchen, Machen Sie einen Spaziergang die Straße hinunter… Für mich war es aber keine große Veränderung in diesem Aspekt, Am auffälligsten ist die Traurigkeit. Hier in Madrid habe ich diese Veränderung nicht sehr gespürt, weil ich mich durch die Theaterleute so gut fühle, Es ist erstaunlich, wie sie sich um dich kümmern. Sie sind immer aufmerksam auf alle Bedürfnisse, die Sie haben können, wie fühlst du dich. Damit zeigen sie, dass all dies getan werden kann und gut gemacht werden kann.

Immer wenn ich in Madrid ankomme, fühle ich mich zu Hause. Deshalb ist es etwas Besonderes, für mich da zu sein. Ich fühle mich sehr geliebt und geschätzt. Wenn ich ein anderes Land wählen müsste, um zu leben, Es wäre sicherlich Spanien.

Ohne Zweifel ist die körperliche Gesundheit sehr wichtig, Aber auch die geistige und emotionale Gesundheit ist sehr wichtig und Musik heilt uns. Es ist wie eine Medizin der Seele. Es gibt ein großes Publikum, das ins Theater zurückkehren möchte, und ich hoffe, dass in Italien sehr bald eine Lösung gefunden werden kann, von der Öffentlichkeit, für uns und für die ganze Familie, die auf der Bühne steht, dass Sie nicht sehen können und dass Sie eine sehr schlechte Zeit haben. Das Theater ist ein Zahnrad in einer Maschine, die funktioniert, wenn alle Teile vorhanden sind, wie das Leben.

b.c: Was denkst du, dass Madrid fast die einzige Stadt in Europa ist, die offene Theater hat??

WIE: Es ist ein Wunder!. ich, bis zur letzten Minute vor dem Flugzeug, um hierher zu kommen, Ich wusste nicht, ob ich kommen könnte. Ich habe es nicht geglaubt, deshalb sage ich, Es lebe Madrid!, das hat Musik und Kultur an einen wichtigen Ort gebracht. Gesundheit ist wichtig, Die Wirtschaft ist wichtig, aber ... man kann den Menschen nicht die Möglichkeit des Träumens nehmen, leben und Emotionen teilen, Das ist ein Teil des Lebens. Musik ist Sauerstoff, So ist das Leben. Vielen Dank an Madrid, dass Sie ein Beispiel sind, an dem sich andere inspirieren lassen können, ist die Demonstration, dass es getan werden kann. Madrid ist ein Beispiel dafür, wie Sie vorankommen können.

b.c: Im Mai kehrte er in Wiesbaden auf die Bühne zurück, Wie war diese Erfahrung in einem Moment so dramatisch wie der, den wir durchmachten??

WIE: März und April waren sehr grausame Monate an dem Ort, an dem ich wohne. In zwei Monaten konnte ich nicht singen, weil es zu dieser Zeit viel Leid gab, viele Opfer. Es war wie ein Krieg. Und die Stimme nahm an dieser Trauer teil und hatte nicht das Bedürfnis, wieder zu singen.

Wiesbaden war nach Regen und Sturm wie ein Regenbogen am Himmel. Ich hatte diesen Vertrag für eine lange Zeit und ich dachte, dass der Erwägungsgrund abgesagt werden würde. Aber es wurde nicht abgesagt. Deutschland hat beschlossen, es ohne Inszenierung aufzuführen, und sie haben alles organisiert. Ankunft am Flughafen Malpensa, Wüste, Ich fing an zu weinen, als ich alle Menschen in Schutzanzügen sah, es war alles erstaunlich. Als ich nach Deutschland kam, Ihre gesundheitliche Situation war nicht so schlecht und alles schien mir ein Traum zu sein. ich konnte es gar nicht glauben.

Die Besonderheit ist, dass er die Funktion ohne Chor und ohne Orchester übernehmen musste, Es war eine Auswahl von Arien und Duetten von Carmen und in der Umkleidekabine war ich allein. Er hatte einen Koffer mit Kleidern getragen, die denen der Produktion ähnelten, aber mein. Sang eine Arie, Ich ging zurück in die Umkleidekabine, um mich für die nächste Arie umzuziehen, aber ich tat alles alleine, Es gab niemanden, der mir helfen oder mich leiten konnte. schließlich, Das Wichtigste ist, dass die Musik da war und ich gesungen habe. Im Theater gab es 200 Menschen und es schien mir, dass es voll war. An diesem Tag kam alles, was sich in den letzten Monaten in meinem Herzen angesammelt hatte, aus mir heraus. All das Leiden, all die Emotionen, alle Reflexionen, alles in Musik übersetzt. Ich denke, diese Intensität hat das Publikum erreicht, weil wir am Ende vor Emotionen zusammen geweint haben. Das werde ich nicht vergessen können.

b.c: Wie arbeitest du jetzt für die Zukunft?, Es muss nicht einfach sein, eine Agenda vorzubereiten?.

WIE: Nein, es ist nicht. Das Schwierige ist, alle Stornierungen, die das ganze Jahr über stattgefunden haben, neu zu organisieren. Ich habe Auftritte, die abgesagt wurden, und jetzt sind sie an Terminen geplant, an denen ich bereits andere Verpflichtungen habe. Die Situation ist kompliziert, um die Daten quadratisch zu machen, trotz der Unsicherheit. Aber ich bin ein sehr glücklicher Sänger, weil ich in diesen Monaten weiterarbeiten konnte, außer März und April, die für mich Monate der Stille waren.

Unser Leben war sehr schnell, immer laufen und überall reisen und, plötzlich, alles hörte auf. In diesen Monaten hatte ich viel Zeit zum Nachdenken, meine Familie zu genießen. Sie fangen an, die kleinen Dinge zu schätzen, diese Dinge, die wirklich wichtig sind. Es ist seltsam, weil wir Dinge entdecken, die wir bereits wussten, die Sie aber aus einem anderen Blickwinkel beobachten.

b.c: In welchen besonderen Situationen haben Sie sich in diesen Monaten beruflich gesehen??

WIE: Alles, was passiert ist, hilft uns, unsere Größe zu ändern. Ich habe in einem leeren Theater gesungen und vor Emotionen geweint. Ich habe auf dem Bergamo-Friedhof als Hommage an die Opfer unseres Landes gesungen. Im April konnte ich bei der Ostermesse in meiner Stadt singen, nach zwei monaten, in denen sich meine stimme aber nicht ausdrücken wollte, damals, Die Stimme wird projiziert. Und er tut es, weil er einen Grund hat, Es war wie ein Gebet. Die Stimme nahm ihren Weg wieder auf, um zu singen, weil, schließlich, Wir singen nicht nur mit unseren Köpfen. Wir sind es gewohnt, in verschiedenen Situationen zu singen, aber diese waren etwas Besonderes.

Interview: Paloma SanzAdalgisa-AnnalisaStroppa

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Siegfried, der heldenhafte Siegfried
Richard Wagner (1813-1883)
Zweiter Tag in drei Akten des Bühnenfestivals Der Ring des Nibelungen
Uraufführung im Bayreuther Festtspielhaus in 1876
D. Musical: Pablo Heras-Casado
D. Szene: Robert Carsen
Bühnen- und Kostümbildner: Patrick Kinmonth
Illuminator: Manfred Voss
Leiter des Royal Theatre Orchestra
Besetzung: Andreas Schager, Andreas Conrad, Tomasz Konieczny, Martin Winkler. Jongmin Park, Okka von der Damerau, Ricarda Menzer, Leonor BonillaIn außergewöhnlichen Momenten, Alltagsarbeit kann auch außergewöhnlich werden. Das passiert im Teatro Real, Das setzt seine Programmierung fort und ist heutzutage die dritte Folge des Wagner-Rings, nichts weniger als 'Siegfried'. Und er tut es, ohne etwas zu verpassen. Dass das Orchester nicht in die Grube passt, wegen des Sicherheitsabstands?, weil es von den Ständen verteilt wird. Harfen zur Seite, Metalle zu einem anderen. Dass das Stück fast fünf Stunden dauert und um 22:00 du musst zu Hause sein?, Nun, es beginnt bei 16:30. Was ist eine lange Zeit in einem geschlossenen Raum für so viele Öffentlichkeit?, weil das Lufterneuerungssystem verbessert wird und anstatt es zu erneuern 4 mal eine Stunde, wird erneuert 8. Was passt zu den Darstellungen von Norma??, Auch bei anderen Gelegenheiten!, Wo ist das Problem?. Es ist klar, dass andere das Problem haben: Wir kamen mit Siegfried am zweiten Tag des Bühnenfestivals Der Ring des Nibelungen an. Obwohl es eigentlich der dritte Teil der Tetralogie ist, da Wagner dieses gewaltige Werk ab dem Ende komponierte, Seine Kontrolle über die dramatische Einheit zu demonstrieren, lange bevor er anfing, alles zu schreiben, begann vor zwei Saisons mit Das Rheingold, wo Wagner die Geschichte kontextualisiert. Er fuhr letzte Saison mit Die Walküre fort, das zeigt uns die Ursprünge des Protagonisten. Jetzt kommt Siegfried, das drückt seine maximale Pracht aus. Und nächste Saison sehen wir Götterdämmerung, das erzählt den Niedergang und die Niederlage des Charakters. In diesem scheinbaren Chaos in der Kompositionsordnung, Wagner machte mehrere Unterbrechungen und verschiedene Modifikationen, sowohl im Libretto als auch in der Partitur, während der Komposition von Siegfried. Im Mai 1857, verlässt die Komposition dieser Arbeit in der Mitte des zweiten Aktes, um sich auf Tristan und Isolde und Die Meistersinger von Nürnberg zu konzentrieren. Es würde nicht vor zwölf Jahren sein, in 1869, als er seine Komposition wieder aufnahm, die er vollständig beendet hatte 1871.

Fasziniert von Mythologie und Naturliebhaber, Wagner schafft ein dunkles Universum, das von Zerstörung dominiert wird. Und die Götter, die oft eine Metapher des Menschen sind, personifizieren diese Zerstörung.

In diesem Universum der Verwüstung, Wagner sieht Siegfried als neues Mannmodell, das ist frei von Moral und sozialen Konventionen, Wer unterliegt nicht den Gesetzen, die die Welt regieren, und wer ist in der Lage, sich den Göttern ohne Angst zu stellen?. Aber dieses fast heroische Verhalten ist auch sehr unschuldig, denn Siegfried ist sich nicht bewusst, dass seine Heldentaten denen zugute kommen, gegen die er kämpft, das trostlose Universum, in dem Wotan regiert.

Da dies die Chronik der Generalprobe ist, Wir werden nicht über die Stimmen sprechen. Aber wenn ich vor seinem hervorragenden Niveau warnen möchte, vor allem der Siegfried des österreichischen Tenors Andreas Schager, wer denkt, dass "um Siegfried zu machen, muss man vor nichts Angst haben", und Schager beweist, dass er es nicht hat.

Der Rest der Stimmen ist in großer Höhe. Viel Qualität in dieser Besetzung mit Ricarda Merbeth, como Brünnhilde. Die Pantomime des Italieners Andreas Conrad. Tomasz Konieczny, wie der Wanderer. Der Nibelungen Alberich gespielt von Martin Winkler. Der koreanische Jongmin Park als Fafner. hier, die Göttin der Erde, großartig in der Stimme und der Interpretation von Okka von der Damerau und dem Sevillianer Leonor Bonilla, der dafür verantwortlich war, dem Waldvogel eine Stimme zu geben.

Wie im Rest der Tetralogie, Siegfried braucht ein Orchester von maximaler Größe und bis dahin unbekannt. Hier wirkt das Royal Theatre das erste Wunder, und aus der Notwendigkeit Tugend machen, Er unterhält die sechs Harfen, die der Komponist benötigt, auf einem der Stände, diejenigen, die der Grube am nächsten sind. In der gegenüberliegenden Box, Die Gruppe der schwerwiegendsten Metalle befindet sich. so, Der Großteil des Orchesters wurde kaum reduziert. Auf wenige String-Elemente wurde verzichtet, ein Paar Geigen, ein paar Celli… Das Klangergebnis ist einhüllend, Es zeigt jedoch einige Schwierigkeiten, wenn es darum geht, bestimmte Klangbilanzen zu füllen oder aufrechtzuerhalten.

Die Landschaft angehen, Robert Carsen und Patrick Kinmonth, Sie benutzen die Zerstörung der Natur als Metapher, Die Kontinuität der Linie wurde vor zwei Saisons begonnen. Das szenische Ergebnis ist, Grundsätzlich, hässlich und trostlos.

Carsen dekontextualisiert Wagners Musik vollständig und gibt alles für eine Show, das ist nicht so. Die Natur scheint am Boden zerstört zu sein, Der Vogel ist tot, Die Bäume wurden gefällt und nur die Unschuld der beiden Protagonisten weckt ein wenig Licht und Hoffnung.

Es beschränkt sich darauf, den Klimawandel auf einfache und alltägliche Weise zu kritisieren, mit zunehmend strengen und minimalistischen Szenografien. Schönheit fehlt in seinen aktuellen Produktionen. Wie wir uns an diese Katia Kavanovà erinnern (2008) o Karmelitendialoge (2006).

Ein weiterer Erfolg, auf den das Royal Theatre vor dem Unglauben und Erstaunen der übrigen Theater der Welt hinweist. Als der Regisseur sagt, Joan Mataboch (das wie Siegfried, Er hat vor nichts Angst), Das Geheimnis besteht darin, Ereignisse zu antizipieren, um mögliche Probleme zu lösen. Klar ist, dass man zum Royal Theatre gehen muss, wenn man saubere Luft atmen will.

Text: Paloma Sanaz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

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Luisa Fernanda, oder der unbezwingbare Wunsch, für die Schönheit zu kämpfen
Luisa Fernanda
Federico Moreno Torroba
Rekord: Federico Romero und Guillermo Fernandez-Shaw
Yeatro de la Zarzuela, Madrid, 28 Januar 2021
D. Musical: Karel Mark Chichon
D. Szene: Davide Livermore
Szenografie: Giò Forma
Kleiderschrank: Mariana Fracasso
Beleuchtung: Antonio Castro
Choreographie: Nuria Castejon
audiovisuelles Design: Pedro Chamizo
D. Chor: Antonio Fauro
Orchester und Chor des Teatro de la Zarzuela
Dolmetscher: Yolanda Auyanet, Juan Jesus Rodriguez, Rocío Ignacio, Jorge de León, María José Suárez, Nuria García-Arrés, Emilio Sánchez, Antonio Torres, Didier Otaola, Rafael Delgado, Cesar Dieguez, Julia Barbosa und Román Fernández-Cañadas.
die 30 April 2020 Die Premiere wurde im Teatro de la Zarzuela von Luisa Fernanda geplant. Aber wie so viele Dinge damals, Luisa Fernanda wurde verschoben, das nicht ausgesetzt. Jetzt kommt es zurück zu einem ausgepeitschten Madrid, aber mutig, in diesem "unbezwingbaren Wunsch, für die Schönheit zu kämpfen". Erschienen in Madrid in 1932, Es ist eines der beliebtesten und am weitesten verbreiteten Zarzuelas. Eines dieser Werke, das in jedem Theater der Welt vertreten sein könnte und das auf dem Niveau jedes Werks im italienischen Repertoire liegt.

dieses Mal, das Teatro de la Zarzuela, seinem Wunsch folgend, das Genre zu internationalisieren, wollte als Musik- und Regisseur den Briten Karel Mark Chichon und den Italiener Davide Livermore haben, beziehungsweise. Es ist eine weitere Möglichkeit, sich der Zarzuela ohne Vorurteile zu nähern und andere Visionen zu zeigen, wie wir unsere Texte sehen und fühlen können.
Es ist die erste vollständige Zarzuela, der Chichon gegenübersteht, ein tiefer Kenner unseres lyrischen Repertoires, der, mit seiner Frau, die Mezzosopranistin Elina Garança, Zeigen Sie ihre Zuneigung zu diesem Genre, indem Sie es auf der ganzen Welt spielen.

Davide Livermores Wissen über die Zarzuela ist jünger, stammt aus seiner Zeit als Bürgermeister im Palau de Les Arts. Nähert sich dem Genre mit tiefem Respekt für seine Prinzipien, aber mit wenig Erfolg bei der Auswahl der Elemente, die in der Szene spielen. Ich weiß nicht, warum viele Bühnenbildner darauf bestehen, dass sich alles dreht, auch, zu. Abgesehen davon, dass die arme Luisa Fernanda in einer der malerischen Kurven fast vorsteht, Es ist schwindelig und lenkt von der Szene ab.
Ein Livermore, wer mag große Bühnenelemente, Mit der guten Reproduktion der Fassade des Cine Doré geriet er etwas außer Kontrolle. Zum Glück das Corps de Ballet, der Chor und die Sänger, Sie hatten eine gute Regie und lernten die Inszenierung gut. Es war überhaupt nicht einfach, besonders in einigen Momenten, bewege dich durch eine Bühne voller Fallen und in ständiger Bewegung.
Die Idee des Kinematographen und der Projektion war sehr romantisch, wie ein Film, von verschiedenen Szenen der Protagonisten und anderer der Zeit. und, auch, Die Projektionen wären miteinander übereinstimmend gewesen, Das Ergebnis wäre brillant gewesen. Erfolgreicher war die Szene der Vareadores, mit einer gut gezeichneten Wiese der Extremadura.
schließlich, eine übertriebene Szenografie, die wie eine Sammlung von Elementen aus verschiedenen Werken aussah, alle aus verschiedenen Zeiten. Was kommt zu einer Szenografie der Nutzung.

Das Orchester des Theaters, auf Befehl von Chichon, klingelte mit großer Würde, manchmal etwas langsam, aber mit Keuschheit und Farbe. Sehr verdienstvoll für eine Grube, die kaum gebildet wird 23 Lehrer für Pandemieprobleme.
Gleiches gilt für einen Chor, der auf fünf Männerstimmen und fünf Frauenstimmen reduziert ist.. Die Maske verhinderte keine großartige Leistung, mit einigen kleinen anfänglichen Fehlanpassungen, und die Anerkennung der Bemühungen all dieser Fachleute, die Teil des Teatro de la Zarzuela sind.

Die Arbeit des Musik- und Regisseurs wurde immer durch die Theaterkapazität einer guten Besetzung von Schauspielern / Sängern auf der Bühne unterstützt..

Der Charakter von Vidal wurde von Juan Jesús Rodríguez gespielt. Vor Beginn der Arbeit wurde berichtet, dass sein Stimmverlust durch Kehlkopfentzündung verursacht wurde. Seine Leistung war sehr lobenswert, aber ihre Schwierigkeiten waren spürbar, vor allem beim Verzicht auf die höheren Register.

Luisa Fernanda war verantwortlich für Yolanda Auyanet, dass ein gutes Rezitativ markiert wurde, vor ihren musikalischen Nummern. Wie Livermore sagt, „Rezitative sind keine Pause, während sie auf die Musiknummer warten, Sie müssen von einer guten Schauspielerin gut unterstützt werden. ". Dies ist der Fall bei Auyanet, das leuchtete in der Interpretation, die durch eine gute Deklamation gestützt wurde. Seine Stimme hat etwas Beweglichkeit verloren, aber es behält ein kraftvolles Zentrum und einen exquisiten Geschmack in der Phrasierung.

Wir werden am Ende eine Manie für Jorge de León bekommen, weil viele seiner Charaktere bösartig sind. Es muss sein, indem man sie in die Interpretation nagelt. Beginnen Sie mit der Romanze "Aus dieser friedlichen Ecke von Madrid", ohne kaum in die Sache eingetreten zu sein, kann ein hamdicap sein. De León begann etwas aus dem Temperament heraus, um sich auf den Fortschritt der Arbeit einzustellen. Seine Emission ist sauber und kraftvoll, aber ihr Lied ist unnatürlich und mit Engolado-Klängen.

Gräfin Carolina wurde von Rocío Ignacio gut gespielt. Er wusste, wie man den Punkt der Frivolität und Raffinesse gibt, den dieser Charakter erfordert. Er hat eine kraftvolle Stimme und gute Höhen, aber sein übermäßiges Vibrato verhindert eine gute Diktion.

Maria Jose Suarez, in der Rolle der Marisa, Es ist immer eine Garantie auf der Bühne. Seine Bühnenpräsenz und seine schauspielerischen Fähigkeiten setzen in jeder Darstellung immer den notwendigen histrionischen Punkt.
Der Rest von comprimarios waren auf einem guten Niveau. Markieren Sie besonders den revolutionären Luis Nogales, von Antonio Torres und dem Veteranen Emilio Sánchez, als Don Florito.

Eine Nacht von Zarzuela, die uns aus der Realität rettet. Immer aus Angst vor einer Last-Minute-Suspendierung, aber immer diese Übung des Widerstands angesichts der Realität aufrechtzuerhalten. Aber Vorsicht!, dass dieses Theater so real ist wie alles andere.

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Wolfgang A.. Mozart (1756-1794)
Verspielt Drama en dos actos
Libreto de Lorenzo Da Ponte, basierend auf dem Trickster von Sevilla (1616) de Tirso de Molina y en el libreto de Giovanni Bertati für die Oper Don Giovanni Tenorio oder den Steingast (1787)
Produktion der Berliner Staatsoper, von den Salzburger Festspielen
Teatro Real, Madrid 29 Dezember 2020
D. Musical: Ivor Bolton
D. Szene: Claus Guth
Verantwortlich für den Ersatz: Julia Burbach
Illuminator: Olaf Winter
dramaturgie: Ronny Dietrich
Choreografen: Ramses Sigl
D. Chor: André Máspero
Dolmetscher: Adrian Eröd, Goran Juric, Adela Zaharia, Airam Hernandez, Federica Lombardi, Marco Mimica, Cody Quattlebaum, Marina Monzó
Titulares Chor und Orchester des Royal Theatre Persönlich muss ich sagen, dass ich mit dem Don Giovanni, an dem ich teilgenommen habe, Pech hatte. Ich denke, das ist das Beste, was ich je gesehen habe. Und ich muss auch zugeben, dass sich nach dem Betrachten der Darstellung einige Widersprüche ergeben. Einige Dinge mag ich sehr, andere, weniger. Aber wenn Sie das Ganze betrachten, in allen Elementen (was sie sind wenige) das macht diese Produktion aus, Ich kann sagen, dass ich das Theater glücklich verlassen habe, nachdem ich Don Giovanni genossen habe, der in Madrid einen Fluch zu haben scheint, weil die Darstellungen, die in den letzten Jahrzehnten von ihm gemacht wurden, nicht gerade brillant waren. La de Claus Guth, die Premiere in 2008 bei den Salzburger Festspielen und jetzt im Königlichen Theater ankommen, Seitdem steht er mit genügend Würde auf der Bühne. Es ist auch die einzige Mozart-Oper, die seit ihrer Uraufführung in der Romantik im Repertoire verblieben ist., als der Rest aus der Programmierung verschwunden war. Es gibt zwei Versionen von Don Giovanni, das Prag von 1787 und Wien in 1788, Welches ist derjenige, der bei dieser Gelegenheit vertreten ist, obwohl auf das letzte Sextett und das Duo zwischen Zerlina-Leporello verzichtet wurde. Wie Mozart für Sänger schrieb, adaptierte die Wiener Fassung für die österreichische Sopranistin Caterina Cavalieri für die Rolle der Elvira, einer der berühmtesten Sänger des Augenblicks. Er tat dasselbe mit der Rolle von Don Ottavio, welches in Wien von Francesco Morella gespielt wurde, denn wer hat die Arie von Il mio tesoro geschrieben?, Ein Tenor mit mehr Geschick und Leichtigkeit für Koloraturen als Antonio Baglioni, Das hat die Version in Prag uraufgeführt. Guth hat einen Wald von außergewöhnlichem Realismus geschaffen. Rotary, wie könnte es beim deutschen Regisseur anders sein. Der Wald ... der Ort, an dem wir uns verstecken oder lieben. Ein Ort, an dem wir Angst fühlen können, wir verlieren uns und sorgen uns, aber wo Emotionen immer stark sind. Claus Guths Szenografie beginnt mit der Veränderung des Librettos, denn der Kommandant verwundet Don Giovanni bereits in der Ouvertüre tödlich, als Spoiler. Von hier aus erleben wir die Qual, Echtzeit, eines Don Giovanni, der wie ein Tier ist, das in einem Wald gejagt und verwundet wird, beim Wenden, außer ein bisschen schwindelig zu sein, enthüllt die Geheimnisse und Ecken, in denen die Szenen stattfinden. All dies in einer permanenten und brillanten Dämmerung, die von Olaf Winter geschaffen wurde. Es ist Platz für ein Auto, eine Bushaltestelle oder eine Schaukel. alle, weniger ein Palast, weder die Kostüme noch die unverständlichen szenischen Elemente begleiten das Eintauchen in Mozarts Werk, wie Don Giovannis Anspielung auf Drogen und, im allgemeinen, die mangelnde Sensibilität in einer Arbeit wie dieser Ivor Bolton, das wird im Mozart-Repertoire sehr gut gehandhabt, hatte diesmal ein etwas ungleichmäßiges Ergebnis. Es war weniger für mehr, nach einer leicht gedämpften Ouvertüre, wie die meisten des ersten Teils, Eine Sekunde kam mit größerer Musikalität und Verfeinerung der Saiten. Die Musik hat es geschafft, die Momente zu ersticken, in denen die Landschaft Sie aus der Arbeit genommen hat. Ich habe nicht verstanden, dass James Ellis 'Mandoline verstärkt werden musste. Ich weiß nicht, ob dies die Ursache für die mangelnde Sauberkeit seiner Emission in einer Arie war, die, andererseits, wurde geschickt beleuchtet und schuf einen der großartigsten Momente der Aufführung. Die Sänger waren sehr ausgeglichen.. Sie sollten die Interpretation von Don Giovanni durch Adrian Eröd hervorheben, von einem hohen Interpretationsniveau. Frivol und hastig bei seinen Eroberungen im Sterben. Schade, dass Ihre Sendung nicht sauber war, Es schien, als hätte ich ein Problem. Kalt, vielleicht. Ein Charakter, der szenisch wie ein armer unberechenbarer Mann behandelt wird. Der kroatische Goran Jurik hat nichts mit dem von uns verinnerlichten Don Juan zu tun und bietet ein gutes Bild von Comendador, dank seiner Bühnenpräsenz und kraftvollen Bassstimme in einer undankbaren Rolle, Kurz gesagt, ich mochte Adela Zaharia in ihrer Rolle als Donna Anna. Die rumänische Sopranistin verband Sensibilität mit stimmlicher Zahlungsfähigkeit und einer guten Interpretation. sie, wie der Rest der Solisten, Sie mussten singen, während sie auf einer unebenen Bühne balancierten. Manchmal wird wenig über Sänger nachgedacht und viel über instabile und unnötige Elemente des Sets. Auch Federica Lombardis Donna Elvira war nicht schlecht, Mit einer soliden zentralen Zone und guten Höhen, die ihm Momente der Brillanz ermöglichten. Der Leporello des Kroaten Marko Mimica hatte fast mehr stimmliche Bedeutung als Don Giovanni selbst. Nicht so in der interpretativen Facette. Obwohl heutzutage wirklich ernsthafte Stimmen vermisst werden, Mimica hat ihre Rolle erfüllt.

Die Rolle von Don Ottavio wurde von Airam Hernández gespielt, Ein feiger Charakter, der vom Tenor aus Teneriffa gut dargestellt wurde und auch im Gesangsteil auf einem guten Niveau war.

Marina Monzós Zerlina war eine der Befriedigungen der Nacht, keine Überraschung. Neben Cody Quattlenaums Masetto, Sie schufen ein gut verbundenes Paar im Theaterteil.

Eine weitere Nacht der Oper im Teatro Real, Das verhält sich wie ein großes Schiff, das sich vorwärts bewegt, Durch dick und dünn und den Kurs halten, in einem riesigen Ozean aus Eis.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real / Teatro Real
Videos: Teatro Real

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Rusalka, fast ein Jahrhundert später, im Theatre Royal
Rusalka
Antonin Dvorák (1841-1904)
Libretto von Jaroslav Kvapil, basierend auf dem Märchen Undine (1811) von Friedrich de la Motte Fourqué und inspiriert von der Geschichte Die kleine Meerjungfrau (1837) von Hans Christian Andersen und anderen europäischen Geschichten.
Neuproduktion des Königlichen Theaters in Koproduktion mit der Dresdner Semperoper, das Teatro Comunale Bologna, die
Gran Teatre del Liceu in Barcelona und der Palau Les Arts Reina Sofía in Valencia.
Teatro Real in Madrid 13 November 2020
D. Musical: Ivor Bolton
D. Szene: Christof Loy
scenographer: Johannes Leiacker
Kostümbildnerin: Ursula Renzenbrink
Choreograf: Klevis Elmazaj
D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Olesya Golovneva, David Hintern Philip, Rebecca von Lipinski, Andreas Bauer Kanabas, Okka von der Damerau, Sebastian Perez, Esteve Manel, Julia Mars, Julitta Aleksanyan, Rachel Kelly und Alyona Abramova.
in 1891 Antonin Dvorák erhielt in seinem Haus in Prag einen Brief, in dem die einflussreiche Jeanette Thurber, Gründer des National Conservatory of Music von New York, bot ihm die Position des Direktors des New York Conservatory an. Dort schrieb er eines seiner bekanntesten Werke, die New World Symphony, und dort hörte auch Dvorák zu, wie ich es noch nie getan hatte, Wagners Obas. Er lebte bis in New York 1895, Jahr kehrte er nach Prag zurück, um sein Konservatorium zu übernehmen. Damals schrieb Rusalka, das vorletzte seiner Werke, und wo wird gewarnt, deutlich, Wagner Einflüsse. Nicht nur für seine ehrgeizige Dauer, mehr als drei Stunden, aber, aufgrund der Verwendung von Leitmotiven, die sich auf die Charaktere beziehen, und einer Orchestrierung voller Komplexität und Zartheit., im Fall von Dvorák, Die nationalistische Inspiration durfte in der Partitur nicht fehlen. Und genau das ist Rusalka, vor allem, eine Oper mit starkem tschechischen Charakter. An romantische Melodien erinnernd, das kann man in einigen der hellsten Momente sehen, die von der Harfe oder diesem Ende gespielt werden, fast bedeutsam, Das wird von vielen als eine der erhabensten Opern aller Zeiten angesehen. Rusalka kommt als eine der großen Premieren der Saison ins Royal Theatre. Und es kann als Premiere angesehen werden, seit da 1924 es war in Madrid nicht wieder vertreten worden. Zu diesem Anlass, war sein Librettist, Jaroslav Kvapil, wer übernahm die Regie.

Das Libretto basiert auf dem Märchen Undine (1811) von Friedrich de la Motte Fourqué und inspiriert von der Geschichte Die kleine Meerjungfrau (1837) von Hans Christian Andersen und anderen europäischen Geschichten. es ist, schließlich, eine Geschichte, die Regisseur Christof Loy (Wessen Capriccio aus der letzten Saison werden wir nie vergessen), hat sich in einem Theater befunden.

Für Loy ist das Theater der einzige Ort, an dem Realität und Träume gleichzeitig dargestellt werden können. Diese Dualität, die in der Arbeit zwischen der fantastischen Welt existiert, zu der Rusalka gehört und die Unterwelt, nach der sie sich sehnt. In Loys eleganter, grauer Szenografie fehlen jedoch wesentliche Elemente der Arbeit. Der See, Wer ist noch ein Charakter und wer gibt den Protagonisten und der Geschichte einen Sinn?, es erscheint nicht zufällig. Es gibt auch kaum Hinweise auf die Natur, ein weiteres romantisches Muss.

Ivor Boltons musikalische Leitung war auf einem großen Höhepunkt. Die Ausdruckskraft seiner Gesten infiziert das Orchester, das Momente von großer Brillanz hatte, diese magische Atmosphäre der Partitur erzeugen. Die Saiten und die Magie, die Mickäele Granados mit seiner Harfe erzeugen konnte, hoben sich von einer markanten Stelle über der Grube ab.

Außergewöhnlich der Chor, diesmal hinter der Bühne, das hat die Magie des Sees einwandfrei nachgebildet. Sehr gut auch die Leistung der Tänzer und Schauspieler, die nicht nur als Begleitung in den Szenen fungierten, aber sie hatten eine führende Rolle in dieser Art von sexueller Orgie, die Christof Loy selbst bezeichnete.

Die junge russische Sopranistin Olesya Golovneva zeigte auf der Bühne große Vielseitigkeit, nicht nur gesungen, Sie ging auch mit ihren Ballettschuhen auf Zehenspitzen über die Bühne. Mit einem angenehmen Timbre und einer zarten Gesangslinie, erreichte Momente von großer Schönheit in seinen Interventionen. Er fand seine Schwierigkeiten in den schwerwiegendsten Bereichen seiner Partitur.

Der Brite David Butt Philip war dafür verantwortlich, dem Prinzen Leben zu schenken, der sich in Rusalka verliebt. Eine Rolle nicht einfach, aufgrund der großen Nachfrage, die der Tenor in dieser Arbeit hat und die Butt ohne große Schwierigkeiten zu adressieren wusste.

Andreas Bauer Kanabas Vodnik vertrat am besten den herzlosesten Teil des bedrohlichen Vaters, als der Beschützer mit ihrer Tochter Rusalka. Hat kräftige tiefe und mittlere Töne, aber es hatte seine Schwierigkeiten in den höchsten Tönen.

Die böse Jezibaba wurde von der deutschen Mezzosopranistin Okka von der Damerau gespielt. Seine gute Bühnenpräsenz trug dazu bei, einen doppelten Charakter zu entwickeln, wie der Rest, mit seinem lustigen Teil und seinem verstörenden und dunklen Teil. Guter Fluss von gut timbred und angepasster Stimme.

Rebecca von Lipinski spielte die unterstellte ausländische Prinzessin mit großer Absicht und Frische, Rusalkas Rivale bei der Eroberung des Prinzen.

Viel Beifall waren die drei Nymphen von Julietta Aleksanyan, Rachel Kelly, mit beeindruckenden Höhen, und Alyona Abramova. Mit sehr ausgeglichenen und gut abgestimmten Stimmen, Sie entfalteten sich mühelos auf der ganzen Bühne.

Der Rest der Besetzung war auf hohem Niveau, sowohl der Jäger von Sebastiá Peris als auch die Diener von Manel Esteve und Juliet Mars.

Ein weiterer Erfolg des Teatro Real, das macht weiterhin Darstellungen, Es ist bereits ohne Bühnenanpassungen aufgrund der Pandemie, zum Erstaunen der Theater im übrigen Europa. Gut für Matabosch!.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Monika Rittershaus

Sabine Devieilhe

Es wurde in der vorgestellt Liedzyklus von CNDM und Zarzuela Theater, die Franzosen Sabine Devieilhe. Er tat es mit einem abwechslungsreichen Repertoire von Debussy, Poulenc, Fauré und Ravel. Mit einer intelligenten Verteilung, die jeden der Autoren verschachtelt, Dies erfordert eine höhere Nachfrage beider Dolmetscher. Der kontinuierliche Wechsel von Atmosphären und Registern erfordert viel Aufmerksamkeit und verleiht dem außergewöhnlichen Set eine Dynamik.

Sabine Devieilhe ist eine Koloratursopranistin, die in diesem Rezital gezeigt hat, dass diese Tessitura erforscht werden kann, vor allem, ein kammermusikalisches Repertoire wie das vorliegende. Mit großer Ausdruckskraft in der Interpretation, Eleganz in Diktion und Melodielinie, Devieilhe hat jede der Qualitäten der Komponisten erfolgreich und einfühlsam abgewickelt, von den romantischsten Farbtönen von Fauré bis zur Zeitgenossenschaft von Poulenc.

Die Leichtigkeit, die Devieilhe in seiner raffinierten Interpretationsweise demonstriert, wurde perfekt von einem der besten Klavierspieler des Augenblicks begleitet, Alexandre Tharaud, wer wurde der Protagonist in einigen Momenten, dank seiner Fähigkeit, Atmosphären zu schaffen und der absoluten Eleganz, mit der es die Tastatur bewegt.

Großzügig in Tipps, nachdem ich mehrmals Hallo gesagt hatte, sie boten die "Arie des Feuers" an, von Das Kind und Beschwörungen, ausfransen, wo Devieilhe ihre Beherrschung der Koloratur demonstrierte. Ein Barockwerk von Rameau, wo er die Vielseitigkeit seiner Stimme und des Schönen demonstrierte Youkali, Kurt Weill, meisterhaft aufgeführt und das Publikum voll zufrieden.

Eine außergewöhnliche Nacht, die Devieilhe zu schätzen wusste, angesichts der Umstände und der besonderen Auswirkungen der Pandemie auf die Welt der Kultur. Vergessen Sie nicht, dass Madrid die einzige europäische Stadt ist, in der künstlerische Shows angeboten werden. Dies wurde in diesem Erwägungsgrund demonstriert, wo die Frische seiner beiden Dolmetscher dem Publikum einen Hauch frischer Luft verschaffte, so dankbar jetzt.

Fotografie: Rafa Martín

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Der Rosenstrauß
Pablo Sorozabal
Libreto von Francisco Ramos de Castro und Anselmo Cuadrado Carreño
Uraufführung im Fuencarral Theater in Madrid, die 13 November 1934
Produktion des Teatro de la Zarzuela
D. Musical: Guillermo García Calvo
D. Szene: Emilo Sagi
Szenografie: Gerardo Trotti
Kleiderschrank: Pepa Ojanguren
Beleuchtung: Eduardo Bravo
Choreographie: Goyo Montero
Choreografischer Ersatz: Nuria Castejon
Orchester der Gemeinschaft Madrid Inhaber des Teatro de la Zarzuela
Coro Titular del Teatro de la Zarzuela
Regisseur Antonio Fauró
Besetzung: Ruth Iniesta, Carlos Alvarez, Stephen Vincent, David Pérez Bayona, Sylvia Parejo, Engel Ruiz, Milagros Martin, Enrique Baquerizo, Cesar Sanchez, Eduardo Carranza, Joseba Pinela, Daniel Huerta, Alberto Rios, Francisco Jose Pardo, Rodrigo Álvarez, Alberto Camon, Roman Fernández-Cañadas, Francisco Jose Rivero.
Tänzer-Extras: Begoña Alvarez, Platzhalterbild von Cristina Arias, Ariel Carmona, Lara chaves, Emmanuel Chita, Sarah Croft, Maria Angeles Fernandez, Alberto Ferrero, Antonio Gomez, Rafael Lobeto, Maria Lopez, Helena Martin, Xavi Montesinos, Daniel Morillo, Luis Romero, Esther Ruiz, Lara Sagastizabal, Natán Segado, Rosa Zaragoza, Premiere im Fuencarral Theatre 86 Jahre alt, Der Rosenstrauß spiegelt das moderne Madrid der dreißiger Jahre wider, mit den charakteristischsten und neuartigsten Modi und Moden der Zeit. Das Vorhandensein und die Bedeutung der Rolle der Frau, vertreten durch die Figuren von Asunción und Clarita, und eine lustige Gesellschaftskritik, die seitdem nicht an Relevanz verloren hat. Diese Produktion von Emilio Sagi, das wurde vor drei Jahrzehnten in diesem Theater uraufgeführt, Es ist auch, die am meisten gereisten und in Spanien vertreten. Ist sogar angekommen, und mit großem Erfolg, zu den Bühnen von Paris und Rom. Aber er hatte immer eine besondere Beziehung zu ihm Teatro de la Zarzuela.Der Direktor des Theaters, Daniel Bianco, denkt, dass diese Produktion von Sagi ein Vorher und Nachher in der Szenografie des Genres markiert hat. Es ist sicherlich voller Aktualität, Es ist elegant und funktional und repräsentiert das authentische und zeitlose Madrid, das jede Zeit und jeden Ort in der Stadt widerspiegelt. Eine gewöhnliche und echte Straße in Madrid, im Auftrag von Sagi von seinem Bühnenbildner Gerardo Trotti, repräsentiert und begrüßt alle seine Charaktere, perfekt reflektiert und beschrieben von einem genialen und brillanten Pablo Sorozabal, großer Kenner der sozialen Realität und wie man sie durch den Charakter ihrer Charaktere darstellt.

Auf der Bühne fließt alles mit großer Natürlichkeit und Erfolg. Es ist eine unterhaltsame und dynamische Arbeit. Die Zahlen sind wie in einem Musical eingestreut. Tänze, Dialoge, Duette und Romanzen folgen einander mit einer Frische, die die zwei Stunden ohne Pause verkürzt.

Der musikalische Leiter Guillermo García Calvo wirkt Wunder mit dem 23 Lehrer, die in der Grube sein können. Schade, nicht die ganze Orchestrierung genießen zu können, Aber die Strenge von García Calvo an der Spitze des Orchesters weiß, wie man die Atmosphären erzeugt, die das Werk enthält, was sie sind zahlreich, und füllen Sie die intensivsten Momente der Protagonisten mit Lyrik.

Der Bariton Carlos Álvarez, das debütierte mit dieser Produktion in 1990 mit dem gleichen Joaquín Charakter, Er war die ganze Nacht der wahre Dominator der Szene. Man merkte, dass es für ihn ein besonderer Moment war, tief und anregend, dass er es geschafft hat, an die Öffentlichkeit zu übermitteln. Der Adel seines Liedes, seine perfekte Diktion und Phrasierung, Sein wunderschönes Timbre und seine Beherrschung des Dramas machten ihn zum Protagonisten der hellsten Momente. Seine Interpretation der Romanze "Madrileña bonita", veranlasste die Öffentlichkeit, beharrlich eine Zugabe zu beantragen, die abgelehnt wurde, aber was wäre Gerechtigkeit gewesen. Habe den größten Applaus der Nacht bekommen, verdientermaßen.

Die aragonesische Sopranistin Ruth Iniesta debütierte in der Rolle der Ascensión, nachdem sie Clarita in demselben Theater gewesen war. Die Entwicklung seiner Stimme ist zweifellos. Es hat an Volumen und Musikalität gewonnen und, obwohl es ein bisschen Natürlichkeit in der Interpretation fehlt, sein Aufstieg stieg zu der Gelegenheit.

La Clarita von Sylvia Parejo war voller Frische und Selbstvertrauen. Seine Zeit im Musiktheater ist bekannt für seine guten schauspielerischen Fähigkeiten. Er machte ein gutes Paar mit David Pérez Bayona, eine richtige Haube, etwas weniger locker auf der Bühne. Sie kommen beide aus dem Zarza-Projekt, Wie gute Ergebnisse gibt es.

Der liebenswerteste Charakter und das, obwohl es manchmal scheint, es ist nicht übertrieben, aber angepasst, Es ist das Espasa von Ángel Ruíz. Seine außergewöhnliche Sprache, notwendig, um seine absurden Worte zu verstehen, und seine Tische auf der Bühne, Machen Sie diesen Charakter zu einem der originellsten.

Der Rest der Tabletten befand sich in großer Höhe. Der erfahrene und versierte der Arbeit Enrique Baquerizo, als Don Daniel und Milagros Martín, als Doña Mariana, Sie haben eine Professionalität und gute Arbeit, die eine Garantie für dieses Theater und für das Genre sind. Sehr gut auch Ricardo de Vicenç Esteve, der andere Freier des Aufstiegs, wer zog es vor, sich der Luftfahrt zu widmen.

Eine besondere Nacht im Teatro de la Zarzuela, einer noch. Mit einigen Sängern und einem Publikum mit Gefühlen an der Oberfläche, Für den besonderen Moment, in dem wir leben und warum ist Madrid die einzige europäische Stadt, in der Sie diese Art von Emotionen haben können. Zum Glück sind wir.
Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real

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Granada
La vida breve und La Tempranica La Tempranica
Musik: Gerónimo Giménez
Dialoge: Alberto Cronejo
Gesungen: Julian Romea
Musikalische Anpassung: Miguel Ortega
D. Musical: Miguel Ángel Gómez Martínez
D. Szene: Giancarlo del Monaco
Szenografie: William Orlandi
Kleiderschrank: Jesus Ruiz
Beleuchtung: Vinivio Cheli
Beleuchtung: Vinivio Cheli
D. Chor: Antonio Faur
Ana Ibarra, Javier Franco, Ruth González, Gustavo Peña, Gerardo Bullón, Miguel Sola, Ricardo Muniz, Andres Merino, Maria Luisa Corbacho, Jesus Mendez, Alicia Martinez, Felipe Nieto, Thais Martin des Krieges, Jesus Castejon, Carlos Hipólito und Juan Matute
Orchester und Chor der Gemeinschaft von Madrid

La vida breve
Musik: Manuel de Falla
Rekord: Carlos Fernández Shaw
D. Musical: Miguel Ángel Gómez Martínez
D. Szene und Landschaft: Giancarlo del Monaco
Beleuchtung: Vinivio Cheli
Beleuchtung: Vinivio Cheli
Textversion: Alberto Cornejo
Ainhoa ​​Arteta, Jorge de León, Maria Luisa Corbacho, Rubén Amoretti, Anna Gomá, Gerardo Bullón, Jesus Mendez, Gustavo Peña, Rafael Aguirre, Milagros Poblador, Paula alonso, PAtricia Illera, Francisco Diaz

Granada ist eine Show, die aus der Vereinigung zweier Werke entsteht, kurzes Leben, von Manuel de Falla und La Tempranica, Geronimo Gimenez. Zwei Stücke, die die Kulisse der Stadt Granada und die Liebesdramen ihrer Protagonisten teilen. Zwei Lehrer, die sich bewunderten und sich nicht kannten. Aber die Magie des Theaters und Alberto Cornejo haben die beiden Komponisten auf der Bühne zusammengebracht, vertreten durch Jesús Castejón und Carlos Hipólito.

Die Covid, das besetzt alles, war dafür verantwortlich, dass das Teatro de la Zarzuela die beiden Werke Granadas trennen musste, Das kurze Leben und La Tempranica, und bieten sie an wechselnden Tagen an, um Unterbrechungen zu vermeiden und die Zeit im Theater zu verkürzen.

Dies war auch mit Anpassungsbemühungen verbunden. Das kurze Leben erfordert ein Orchester von 96 Lehrer. Etwas Unmögliches in der kleinen Grube des Teatro de la Zarzuela im Moment, Nun, die Abstände zwischen Musikern konnten nicht eingehalten werden. Im Juni wurde nach einer Lösung für die entstandene Situation gesucht. Sie sprachen mit dem Präsidenten der Falla Foundation, Elena Garcia de Paredes, wer zeigte seine Zweifel an der Möglichkeit, die Arbeit mit gerecht zu vertreten 24 Lehrer. Er stimmte drei Bedingungen zu, dass es so gemacht wird, wie es ursprünglich geschrieben wurde, dass die Adaption von Maestro Gómez Martínez gemacht wurde und dass sie nur in diesem Theater und unter diesen Umständen uraufgeführt werden konnte.

Der Lehrer Gómez Martínez machte sich an die Arbeit. Die gesamte Partitur wurde neu geschrieben, von Hand, in Rekordzeit. Die Vorlagen, die der Falla selbst für seine Darstellungen an kleinen Orten verwendete, wurden respektiert. Und das Endergebnis ist großartig, unter Berücksichtigung des drastischen Personalabbaus, Fallas Musik verliert kaum an Spektakulärität und Orchester, obwohl reduziert, weiß, wie man extrahiert, von der Hand von Gómez Martínez, die ganze Musikalität der Originalpartitur.

Als Daniel Bianco mit Giancarlo Del Monaco Kontakt aufnahm, er kannte La Tempranica nicht. Es wurde gefunden, auch, dass es keine Aufnahmen dieser Arbeit gab. Das erklärt eine gewisse Trennung von La Tempranica mit seiner Szenografie. Nicht so bei La vida breve, zu dem die Granatapfelfarbe sehr gut zu ihr passt. So viel wie die Beleuchtung von Vinicio Cheli. Beide Sets teilen die Einfachheit der Elemente, nur ein paar Paneele, die sich bewegen, Aber sie sind, wie fast alles in Del Monaco, elegant und suggestiv. Die Szenografien konzentrierten sich auf die psychologischen Aspekte der beiden Protagonisten, in ihrem Leiden und Liebe Enttäuschungen. Aber es ist La vida breve, die in Del Monacos Stilbesetzung am besten abschneidet.

Die spektakuläre Stimmenbesetzung von La vida breve enttäuscht nicht. Ainhoa ​​Arteta ist in guter Verfassung, sowohl stimmlich und in der interpretierenden Teil. Er löste mit Geschick und Leichtigkeit die hohe Tessitura, in der sich der Charakter von Salud entwickelt. Es behält sein wunderschönes Timbre und eine Bühnenpräsenz bei, die ein Publikum faszinierte, das ihm langjährige Ovationen verlieh..

Jorge de León war der Undankbare, kurz, Pacos Rolle. Er greift kaum in die Arbeit ein, aber er komponierte einen vollkommen verabscheuungswürdigen Charakter, wie es sein sollte, und hinterließ einige Notizen über die Qualität seiner Stimme.

María Luisa Corbacho trug eine Lautstärke, mit der sie von hinten auf der Bühne gehört werden konnte, als würde sie eine Krawatte tragen. Mit einer kraftvollen zentralen Zone und einer Dramatisierung in der Phrasierung, die seine Stille auf der Bühne rettete.

Ausdrucksstärker auf der Bühne war Rubén Amoretti. Es ist immer eine Garantie in jeder Rolle und unter allen Umständen und hat sich in beiden Rollen hervorgetan, sowohl in Don Luis de La Teampranica als auch in dem dramatischeren von Onkel Salvador, aus dem kurzen Leben.

Die erste Folge der Trennung der beiden Darstellungen ist die mangelnde Kontinuität der Show. Das, zusammen mit der Tatsache, dass viele der traditionellsten Texte und Passagen von La Tempranica beseitigt wurden, Sie haben es geschafft, dieses Stück in Einsamkeit ein bisschen hilflos zu machen. Ich denke, diese Reduzierung ist auch auf die Anpassung an den Moment zurückzuführen, aber ich fürchte, sie haben sie zu sehr verstümmelt. Das machte sich auch bei den Dolmetschern bemerkbar. Obwohl der gute Handel zu loben ist, nicht nur von den Sängern Ana Ibarra, Javier Franco, Ruth González, Gustavo Peña, Gerardo Bullón oder Miguel Solá, unter anderem, aber von den Schauspielern Jesús Castejón, Carlos Hipólito und Juan Matute, das diente als roter Faden durch Alberto Cornejos Dialoge.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real

Celso Albelo

Die begrenzte Kapazität in Theatern, in diesem Fall, in Teatro de la Zarzuela, hat sich als Verbündeter des kanarischen Tenors herausgestellt Celso Albelo, Dies hat es geschafft, eine Atmosphäre der Intimität und Vertrautheit auf der Bühne zu schaffen, die jede Spur von Kälte beseitigt, die durch den geringen Zustrom von Publikum verursacht wird.

Albelo bot ein besonderes Konzert an, mit traditionellen kanarischen Werken geborgen und angepasst von Francisco Corujo und Fernando Briones Platzhalterbild. Funktioniert das, wie Albelo selbst erklärte, wurden in die Kategorie der Lügen erhoben.

Celso Albelo tauchte von Anfang an in sein Land ein, in ihrer Kultur, seine Ecken, mit diesem charakteristischen und erkennbaren kanarischen Akzent und der Stimmfarbe. Der Tenor zeigte Zartheit und Subtilität und spannte sich an, Phrasierung mit Eleganz und Filmen mit tiefem Gefühl.

Es begann mit "Sieben Rosen", Arbeit Antonio González Santamaría Das war seine Darstellung von Motiven und markierte den Weg eines sehr persönlichen Erwägungsgrundes, in dem er sich zunehmend wohl fühlte und sich an einem Publikum beteiligte, das ihn verehrt. Seine Stimme hat an Solidität und Sicherheit gewonnen, vor allem, wenn Sie sich durch die höchsten Noten bewegen. Er taumelte jeden der Songs ab, während er sich animiert mit dem Publikum unterhielt.

Der zweite Teil des Konzerts war Romanzen gewidmet, als "Die Insel der Perlen", des Lehrers Sorozabal, "Das Bauernhaus", von Guridi o “P.Höre den Rauch, von dem du weißt, wo das Feuer ist" von "Francisquita" von Amadeo Vives. Zum Schluss "Treues triumphierendes Schwert" von "Sevillanos Gast„von Guerrero.

Am Ende bot er einige originelle Zugaben an, auch von kanarischen Liedern, begleitet von einer Gitarre. Albelo wurde in einigen Momenten emotional.

Juan Francisco Parra begleitete das Klavier. Es gab große Komplizenschaft zwischen den beiden. Er bot auch zwei Werke an, mit ihren entsprechenden Erklärungen, einige Tanguillos, von Teobaldo Power und eine Transkription des Oviedo Anselmo González del Valle, von 1905 des Duos von „Die Diamanten in der Krone„von Barbieri.

Eine großartige lyrische Nacht, einer noch, in einem Teatro de la Zarzuela, das die Saison mit Stärke und Entschlossenheit und mit einem absoluten Sicherheitsgefühl begonnen hat, mit vollständiger Einhaltung aller Gesundheitsprotokolle. Wo sicherer als im Theater?.

 

La Traviata, “zurück ins Leben”
La Traviata
Giuseppe Verdi (1813-1901)
Oper in drei Akten
Libreto de Francesco Maria Piave, basierend auf dem Roman und dem Stück La Dame aux camélias von Alexandre Dumas Jr.
Premiere im Teatro La Fenice in Venedig am 6 März 1853 und das das Teatro Real das 1 Februar 1855. Oper in halb inszenierter Konzertversion
D. Musical: Nicola Luisotti
Szenisches Konzept: Leo Castaldi
Beleuchtung: Carlos Torrijos
D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Marina Rebeka, Michael Fabiano, Artur Ruciński, Sandra Fernández, Marifé Nogales, Albert Casals, Isaac Galan, Tomeu Bibiloni, Stefano Palatchi, Emmanuel Faraldo, Elier Muñoz und Carlos García
Es war vier Monate her, seit alles ausgesetzt war. Zuerst schien es für kurze Zeit zu sein, aber als die Wochen und Ereignisse vergingen, Unsicherheit kam, um alles zu besetzen.
In dieser Zeit gab es Zeit, über viele Dinge nachzudenken. Auch, dass nur ein Wunder mich zu diesem Stuhl zurückbringen würde. Aber es gibt Wunder, und wir machen sie. In diesem Fall, royal Theatre. Und ein Wunder hat gewirkt, das verschiedene Aspekte abdeckt. die erste, den Mut und die Entschlossenheit haben, auf sicherste Weise zur operativen Tätigkeit zurückzukehren, und der zweite, und nicht weniger wichtig, die Fähigkeit haben, das zu demonstrieren, schwierig wie die Umstände sind, Gutes Management kann getan werden, auch, Die Wette ist riskant, Halten Sie dieses fragile Gleichgewicht, wenn die gesamte Opernwelt zuschaut, Es ist nicht einfach. Für einen ganzen Monat, in denen die Darstellungen multipliziert wurden, um die begrenzte Kapazität auszugleichen, Diese Bühnenadaption von Leo Castaldi wird vorgestellt, wie wer sagt, mit vier kleinen Dingen, die er vom Theater gefunden hat, eine Landschaft zu schaffen, die nicht effektiver sein könnte. Darin erscheinen die wesentlichen Elemente, nichts fehlt oder nichts. Eine Paketbühne begrenzt die zwei Quadratmeter, die jeder Sänger bewegen muss. Ein kleiner Raum, aber in die alle Emotionen der Protagonisten passen. der Chor, die hintere Hälfte der Bühnenbox besetzen, in Abgeschiedenheit diszipliniert bleiben, jeder von ihnen, auf seinem Boden, was nicht ein Jota von seinem Klang und seiner Professionalität ablenkt. All dies wurde von Carlos Torrijos mit großem Erfolg beleuchtet. Es war nicht einfach, in einer Umgebung, die sich von der gewohnten unterscheidet, in die Geschichte einzutauchen. Zu viele Elemente lenken uns im Raum ab, auf der Bühne, Entfernung, die Maske ... Aber dann, er erschien, Wie ein Held ohne Umhang, der uns vor der Stille rettet, Nicola Luisotti. Einer der Männer, die in den letzten Wochen am meisten gearbeitet haben müssen und mit dieser Herausforderung sehr zufrieden waren, Vielleicht, weil wir die dramatischen Umstände durchlebt haben, die uns mit der Intensität berührt haben, die nur ein leidenschaftlicher Mensch wie er hat. Er war der erste, der die Premiere von Il Trovatore an der Mailänder Scala unterbrach, und ist jetzt der erste, der den Vorhang für das öffnet, was er "ritorno alla vita" nennt. Damals war es einer der kunstvollsten romantischen und evokativ, die geschrieben wurden, die Eröffnung des ersten Aktes von La Traviata. Orchester, welches den gesamten Raum der Grube einnimmt, erscheint auch mit ihren Masken, bis auf den Wind, welches durch einen Bildschirm getrennt ist, wie Luisotti selbst. Der Italienischlehrer war die perfekte Verbindung zwischen dem, was auf der entfernten Bühne geschah, und dem breiten Wassergraben, Vertrauen und Ausgeglichenheit in diese seltsame neue Art des Dolmetschens schaffen. Nach einer tiefen Ouvertüre, nüchtern und von Herzen, Für wen ist ein großer Kenner dieses Repertoires, er wusste, wie er die fehlende Theatralik auf die Bühne bringen konnte. Seine Richtung lag über einigen gedämpften Geräuschen, die durch physische und technische Entfernungen verursacht wurden. Das Orchester klang gedämpft und mit der Zartheit, die manche manchmal aufgeben, wenn es um Verdi geht. Die Entfernung, in der die Sänger gehalten wurden, war nicht störend. Immer aufmerksam auf den Lehrer, der sie begleitete, mehr als gerichtet. Trotz nicht nähern oder berühren, Violetta und Alfredo konnten ihre Leidenschaft unter Beweis stellen. Die lettische Marina Rebeka ist die erste von fünf Sopranistinnen, die sich mit der Figur von Violetta Valéry befassen. Hat eine umfangreiche und voluminöse lyrische Sopranstimme, Ein wunderschönes Timbre und ein großartiger Klang, der an den dramatischsten Stellen und in gut abgegrenzten Klavieren sehr gut geschätzt wurde. Vielleicht auch enthalten, was den theatralischsten Teil der Figur betraf, etwas sehr Wichtiges in dieser Rolle, das Rebeka sehr kenntnisreich und liebevoll ist. Wenn ich mich von der Figur übernehmen lasse, gepaart mit seiner außergewöhnlichen Technik, wäre das beste der Veilchen. Der Alfredo von Michael Fabiano ging von weniger zu mehr. Er hatte Momente großer Inspiration, obwohl es am Anfang etwas unsicher war, etwas, das unter den gegebenen Umständen normal sein kann, und dass es aus dem zweiten und dritten Akt verschwunden ist, in dem er mit einem inspirierten und intensiven Alfredo glänzte, war Artur Rucinski und sein Giorgio Germont der am meisten applaudierte der Nacht. Eine gute Diktion und eine elegante und sehr sorgfältige Formulierung für Ihren gestreckten Germont. Sehr gut in der Di Provence.

Der Rest der Tabletten befand sich in großer Höhe. Große Beteiligung Marifé Nogales in ihrer Rolle als Annina. Auch perfekt Sandra Fernández, mit einer frivolen Flora Bervoix, beide sind an allen Funktionen beteiligt. Wie Albert Casals, als Gastone, Isaac Galan, wie Baron Douphol, Tomeu Bibiloni, als Marquis de Obigny, Stefano Palatchi, wie Doktor Grenvil und Emmanuel Faraldo, als Diener von Giuseppe und Violetta.

Ein Erfolg ohne Zweifel, wenn das Royal Theatre großen Mut und Können zeigt. All dies diente mit einer spürbaren Sicherheit. Wenn ein schwerer Ausbruch auftritt, Ich gehe zum Royal Theatre. Und ist das Normalität nicht allein, du musst es erobern.
Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

Anita Hartig

Interview mit Anita Hartig Sopran
Violetta Valery, liú y, vor allem, Mimí. Anita Hartig ist die Mimí der Zeit. Vielseitigkeit und Eigenschaften Ihrer Stimme und Empfindlichkeit und dramatisch auf der Bühne, Sie machen die rumänische Sopranistin Stimmen einer der begehrtesten von pincipales
Theater der mundo.Habla für uns vor seinen bevorstehenden Auftritten in Spanien, in Granada und Barcelona.
Klassische Verve: Wir hatten das große Glück, seine Mimí des Königlichen Theaters zu hören, Rolle kann man sagen, dass es ein Experte. Glauben Sie, Puccini eine spezielle Technik für die Interpretation erfordert?Anita Hartig: Sehr nett von Ihnen, Sie sagen, ich bin ein Experte. Puccini ist der Komponist, den ich in meiner Karriere gesungen meisten und ich fühle mich immer noch neue Dinge zu entdecken Respekt, so ist die Eroberung noch nicht vorbei. Die Technik ist und muss für alle gleich sein, aber mit Puccini können viele Emotionen und Gefühle verletzt werden, und Sie müssen eine gewisse Distanz halten erforderlich. Ich meine zu sein beteiligt, aber ohne zu vergessen, dass Sie gut singen müssen und nicht nur handeln. Ich habe konzentriert oft mehr über die Auslegung und ich war außer Atem beim Singen. Der Meister ist immer der equilibrio.Actualmente ist ein heikles Thema zu finden, weil bestimmte Regisseure wollen Sie die ganze Zeit auf der Bühne zu bewegen und zu handeln, aber sie vergessen, dass es notwendig ist, zu atmen, die schwierigen Teile zu singen. Opera ist nicht Theater oder Theater Prosa, gesungen kann Dramatik und Action braucht mehr Zeit, weil ein Wort geschrieben werden 4.6 Bars und sie in einem Register höher wiederholen, so glaubwürdig sein wir in der Lage sein muss, die volle Aufmerksamkeit und viel Konzentration zu zahlen. Und natürlich wollen Sie das Erbe des Komponisten respektieren. Also für mich ist die Partitur eine Bibel, ein heiliges Manuskript, das ich respektiere müssen.
b.c: Mozart ist ein weiteres seiner Lieblingskomponisten, Welche der beiden Komponisten fühlt er sich wohler stimmlich?

AH: Mozart ist derjenige, der eine sauberere Kante erfordert, eng, Besonders elegant und vulkanisiert. Ich genieße beiden Komponisten aus unterschiedlichen Gründen. Mozart für seine Musikalität so einfach, einzigartige Melodien, rein, Elegant und einige himmlisch, Meditative und auch, weil ich das Gefühl, dass viele Male macht uns Nachricht durch seine Musik haben. Nun denke an La Contessa, die ich an der Met in New York debütierte kürzlich, Ich denke an den musikalischen Phrasen, ist nicht so tief und viszerale Musik und Puccini. Puccini müssen irgendwie geringe Unterstützung und fleischigen Sound. Ich würde sagen, dass die frühere mehr Himmel ist und die andere mehr terrestrisch. Aber das ist nur eine Idee mehr zu denken tief, während ich warte mehr von den beiden Komponisten und verschiedenen Rollen in der Zukunft singen.

b.c: Auf der Bühne hat eine große Ausdruckskraft und Dramatik, Wie wichtig ist eine gute dramatische Ausbildung?

AH: Das ist ein weiteres sehr interessantes Thema für mich und mehr Zeit wird benötigt, um Respekt zu sprechen. wie gesagt, die Balance zwischen Gesang und Schauspiel eine ideale Oper schaffen. Um dieses Gleichgewicht zu Arbeit haben würde, aus meiner Sicht, als Theaterschauspieler, aber nicht das gleiche. Wir verwenden die Atmung mit dem Text ein bisschen wie Theater Schauspieler, aber nicht das gleiche. Um uns den Atem über den Text zu verwenden und die Sätze singen lange, höher oder tiefer, mehr Luft benötigt wird, als nur deklamieren. Should, zusammen mit dem Regisseur, Arbeit am Text einer Oper als Schauspieler, aber empfindlich auf die oben, entsprechend handeln mit den Phrasen gesungen und deklamiert. Auch respektieren und die gebührende Aufmerksamkeit zu respektieren für die musikalischen Teile geben und gibt die interpretieren Sinn, aber nie mehr, Übertreibung, da der Satz gesungen wird Atemnot und Pflege leiden.

b.c: Seine Karriere ist seit mehreren Jahren an der Wiener Staatsoper verbunden, Was brachte er seinen Weg durch dieses Theater?

AH: Ich hatte das große Glück für sechs Jahre in der Oper Wien sein. Singen von kleineren zu größeren Rollen, Sänger und Lernen verschiedenes Repertoire in anderen Sprachen mit sehr gutem Begleiter zu ersetzen, in unterschiedlichen Verteilungen. Betrachtet man die besten Sänger unserer Zeit auf der Bühne, von ihnen inspiriert, out für Kaffee oder Mittagessen und zu sehen, dass sie einfach Leute, Mir gefiel, dass. Ich dachte, die Künstler waren anspruchsvoll und weit, viele von ihnen sind aber die meisten sind nachdenklich und großzügig.

b.c: Und jetzt ist er in Madrid und wir sind glücklich darüber, Was ist Madrid haben sich entschieden, hier zu leben?

AH: Ich bin auch sehr glücklich, hier zu sein, dank. Madrid hat viel mehr Sonne und Atmosphäre, besonders tolles Essen!! Die Menschen sind warm und die Zahl der Museen ist riesig. Im Sommer hatte ich die Gelegenheit, einige Städte im Norden zu besuchen und als nächstes entschied ich mich nach Süden zu gehen. Ich halte das Land zu entdecken und ich finde es sehr inspirierend.

b.c: Was denken Sie, die spanische Repertoire, Er hat einige seiner Werke in seinem Repertoire?

AH: Leider hatte ich nicht die Möglichkeit, auf Spanisch zu singen noch. Da es viele Sänger, die in zarzuelas spezialisieren, Ich denke nicht, dass ich es besser machen als sie, und ich bin nicht ein Sänger, der will, dass alle singen. Ich habe mein eigenes Repertoire und versuchen, es zu verbessern.
b.c: Javier Camarena sagte ein paar Tage darüber nachzudenken, ihre neuen Rollen mehr als vier Jahren Sicht, Wie Sie Ihre Karriere strukturieren? neue Rollen, Sind die Pläne oder die Stimme, die für Änderungen ruft?

AH: Es ist eine Mischung aus beidem. In Abhängigkeit von der Natur, lla Stimme kann, Zeit, werden vollständigere,haben mehr Körper, es in irgendeiner Weise zu setzen. Manchmal muss man Umstände zwingen, neue Rollen für diejenigen, auszuprobieren, die nicht bereit sind, oder manchmal, Ich gebe meinen Fall, lange bevor eine dramatische Rolle umfasst. Ich bin perfeccionsita, und vor wie vorrückenden nehmen mir alles, was Sie können in dieser Rolle. Und da ich ständig als Mensch verändern, Ich habe andere Erfahrungen in meinem persönlichen Leben, die mich inspirieren für die Rollen, die ich singen, dann fühle ich mich Schichten und Zeichen auf den Charakter Hinzufügen jedes Mal, wenn ich singen.

b.c: Was ist Ihre Beziehung mit dem barocken Repertoire?

AH: Ich begann eigentlich Kirchenmusik und Stücke von Bach singen, Philipp Caudella und andere Komponisten mit einer Gruppe zu Beginn meines Studiums, aber ich kann nicht sagen, dass ich sehr ansprechend finden, um meinen Geist und meine Stimme. Ich verbrachte auch viel Zeit mit der Musik von Barock, vielleicht ist es nur meine Ignoranz sprechen. aber, wieder, Ich will nicht alle singen … genau das, was ich finde, interessant und spannend.
b.c: jetzt, Wie würden Sie die Eigenschaften Ihrer Stimme definieren? Als gern Malerei, Eine Farbe, die sie definiert?

Ich war immer ein lyrischer Sopran und wird es immer sein. Viele der Rollen, die mich interessieren lyrisch sind sowohl musikalisch als auch in Bezug auf den Charakter. sensible Frauen, Sie finden die Liebe, Sie opfern für die Liebe, und in vielen Fällen sterben am Ende, das ist ein lyrischer Charakter, der einen lyrischen Ansatz zu singen braucht.

dann, auch wenn einige der Rollen hat dramatische Akzente oder Koloratur, in der Regel haben sie viele lyrische Momente, mit langen Sätzen, langer Atem, Arien Reflexion, Gebete und Verblendungen.

Wenn es Zeiten erhöhter Spannung als großer Zornesausbruch, der Hilflosigkeit und emotionalen Kampf, wie der zweite Akt von La traviata, oder das Ende von Marguerite oder e Triplett Antonio, einige Momente der Mimì zu Beginn des dritten Aktes, alle sind lyrisch mit einigen ergreifenden Momente.
b.c: In dieser Welt der Oper, so wettbewerbsfähig und so viele gute Profis, Was ist für Sie die Originalität und wie es erreicht wird,?

AH: Die Authentizität bringt Originalität. Lassen Sie Ihr Verständnis bringen, Erfahrungen, Empfindlichkeit, Kreativität und Temperament Bühne. und zwar, oft haben Sie das Ego und den Glauben zu vernichten Meinungsverschiedenheiten mit Kollegen zu vermeiden, Leiter, Regisseuren und halten alle glücklich.

Auf der anderen Seite, viele Opernliebhaber sagen, dass sie nicht mehr Persönlichkeiten als „das goldene Zeitalter der Oper“ haben. !Heute würde nicht toleriert werden! Sie wachsen mit einer starken Persönlichkeit und Prinzipien Raum mit Ihrer Perspektive auf die Dinge zu teilen und nicht von ihnen gejagt, oder weil sie teilen eine gemeinsame Sicht.

Aber eine ruhige Umgebung bei der Arbeit haben, alle Zugeständnisse machen müssen, nicht nur in den Kinos.

Ich denke, die letzte Musik wird immer vor allem gewinnen und ist alles, was überleben.
b.c: In Kürze, Planen Sie neue Rollen zu übernehmen?

AH: ja, Sie werden in der Rolle der Gräfin Debüt in Le nozze di Figaro, Symphony No. 8 Mahler und Oper Mariella Piccolo Marat, in Konzert, wird mir neu.

und, Kurs, auch wenn ich nicht bestimmte Rollen ich jetzt singen fange an Fragmente vorzubereiten

b.c: Wann werden wir die Möglichkeit haben, es zu hören, wieder in Madrid?

AH: In Madrid zwei Spielzeiten für jetzt, aber bis dahin muss ich ein Mahler 8 in Granada, unter den Master-Pons, und Barcelona, eine Neuproduktion von La Boheme.

Interview: Paloma Sanz

Die Walküre
Die Walküre
Richard Wagner (1813 – 1883)
Erster Tag in drei Akten des Bühnenfestes
Der Ring des Nibelungen
Libretto von Richard Wagner
Teatro Real in Madrid 14 Februar 2020
D. Musical: Pablo Heras-Casado
Konzeption: Robert Carsen, Patrick Klinmonth
D. Szene: Robert Carsen
Bühnen- und Kostümbildner: Patrick Klinmonth
Illuminator: Manfred Voss
Besetzung: Christopher Ventris, Ain Agner, James Rutherford, Elisabet Strid, Ingela Brimberg, Daniela Sindram, Julie Davies, Samantha Crawford, Sandra Fernández, Bernadett Fodor, Daniela Köhler, Heike Grötzinger, Marifé Nogales y Rosie Aldridge
W agner begann die Arbeit an der Walküre während des letzten Schliff zu geben, um die Orchestrierung von Dem Rheingol. von Zürich, wo er für seine revolutionären Aktivitäten Zuflucht der Flucht vor der deutschen Polizei genommen, Dauer ruhig, gewidmet seine Kompositionen und einer ihrer neuen Hobbys, lange Wanderungen durch die Alpen Suizos.Es genau diesen Kontakt mit der Natur einer der inspirierenden Elemente der Arbeit des deutschen Komponisten. Und die nordische Mythologie und die Komplexität der Beziehungen zwischen Göttern und Menschen, der Faden seiner musikalischen Universum.

Roger Scruton sagt in seinem Buch Der Ring der Wahrheit: „Der Kampf zwischen Hunding und Siegmund bringt uns mit maximaler Intensität der alte Idee, dass, wenn wir, Sterbliche, Wir kämpfen für das, was uns wirklich wichtig ist, Unsterbliche kämpfen mit uns, verfolgen ihre eigenen Ziele ".

“Die Walküre”, La Valquiria, Es ist der erste Tag der Tetralogie „Der Ring des Nibelungen die“ wer begann letzte Saison vertreten mit „Dem Rheingol“, Rheingold, und das wird die nächsten zwei Saisons mit Siegfried und Gotterdammerung ich fortgesetzt werden. Eine Arbeit von elephantine Dimensionen, in denen Wagner investiert 25 Jahre der Arbeit zu schaffen 15 Immer Stunden der zeitgenössischen Musik.

Valkyrie ist vielleicht die wichtigste Arbeit dieser Tetralogie, unter Berücksichtigung ihrer Struktur und musikalischen Diskurses, ganz anders als die des Rheingold und eine klare musikalische und dramatische Entwicklung demonstrieren. es dauerte 18 Monate seine Zusammensetzung zu vervollständigen. Es kann eine lange Zeit scheinen, aber zu diesem Spiel hören können nimmt das Maß ihrer wahren und enormer künstlerischen Dimension. Eine architektonische Arbeit, voller Komplexität eine Orchestrierung von großer Stärke zu bauen, dass sie von jedem fugacidad entfernt.

Er hatte ein Orchester von einigen bisher unbekannten Dimensionen entwickelt. Geben Sie Instrumente, als snorkels Wagnerist, und andere kaum bisher verwendeten. Ändert die traditionelle Art und Weise mit dem Orchester der Arbeits, anstatt es von Familien von Instrumenten zu tun, Er verwandelt es in ein Kammerorchester, wo jedes Instrument kann mit folgendem kombiniert werden, gehört nicht zu der gleichen Familie. Erstellt und zeitgenössischen Sound.

Die Walküren bietet auch Entwicklungen in den dramatischen Aspekten. Die Charaktere haben eine größere psychologische Tiefe und Wagner mit jedem von ihnen ein Orchestermotiv verbunden sind, die definiert, ihn, er leitMotiv, Eine andere Revolution. Ist Die Walküre, was hat es die aufwendigste Partitur und interpretiert Tetralogie, wo die Protagonisten zeigen ihre menschliche Seite, sogar sein Gott, und sie sich aus der Mythologie distanzieren. Heras-Casado sagt: „Was macht Musik Wagner in einem komplexen emotionalen Moment eines einzelnen umgewandelt, und es muß alle ein solides Gebäude bauen ".

Und das perfekteste, mit denen ausdrücklich Wagner diesen psychologischen Tiefen, mit ähnlichen Abmessungen Orchester, Es ist nicht das Volumen und die Dichte Sound, aber die Feinheit und Raffinesse der intimsten Momente der Arbeit. Duets zwischen Sieglinde und Siegmund Wotan und Brünnhilde oder zwischen oder, vor allem, das Ende der Oper, Sie sind eine extreme Feinheit, die endlos scheint und kann nur mit diesem großen Orchester erreicht werden, Diese sechs Harfen, oder weniger.

Pablo Heras-Casado, von Robert Carsen, Sie sind verantwortlich für alle tetralogy Durchführung. Es kann die Entwicklung des Orchesters zu sehen, Hand seines Direktors, Er hat aus dem Rheingold letzten Saison hat. Heras-Casado hat beschlossen, auf dem menschlichen und psychologischen Teil der musikalischen Beschreibung konzentrieren. Nach einer ersten Sturm etwas maßlos, Er arbeitet mit Akribie und Extrahieren der Orchester Klangqualität.

Die besten Momente kamen mit Szenen von mehr Intimität und Zartheit. Die Akribie des grenadischen Director erreichte ihren Höhepunkt in den Zwischenspielen und die Szene, wo die Walküren die toten Krieger retten sie den Valhalla zu bringen, auinque Winde nahm eine gewisse Freiheit. Von hier aus wurde alles in der Intensität gewinnt, Musikalität und Dramatik, Sie sind gipfelte in Ende verführerisch Zauberfeuer. Nach fast fünf Stunden Oper, Sie halten mehr wollen. Ist dies der erste Ring des Pablo Heras-Casado, Ich möchte hören, wenn Sie bereits ein paar zurück nehmen zu.

Robert Carsen Inszenierung beginnt mit Schnee, und Wiederholung das Ende der Gold des Rheins. Es ist elegant, aber desolating. Nur schmückt der Schnee einen ersten Akt, der Treffpunkt der Schmuggler von Waffen zu sein scheint. Vielleicht hätte Wagner diesen unwirtlichen gern dekoriert. Sicherlich nicht aus dem Hauptelement abgelenkt, was es ist Musik.

Der zweite Akt liegt in dem, was sollte das Schloss von Wotan sein. Eine geräumige und luxuriöse Wohnzimmer bewacht von Militär. ein Wotan erscheint anders als in der Gold des Rheins, das schien er ein wenig militärischen Rang oder kommen, es sei denn. dieses Mal, Es hat einen höheren Rang und Autorität.

Der dritte Akt ist die fähigsten, düster bleibt aber mit einer anderen Atmosphäre und ein Feuer Ende erinnert. Sein starker Start, Walkürenritt, und Soldaten Weg Valhalla, Sie machen eine schöne Szene voller Kraft.

In dieser kalten Landschaft, Während einige Probleme gelöst und nicht so, es sollte die Beleuchtung Manfred Voss bemerkt werden,, dass meisterlich schafft Umgebungen mit wenig szenischen Elementen.

Was die Stimmen, Ich mochte sie mehr, als sie.

Wotan von James Rutherford zeigte seine menschliche Seite, zuerst vor der Autorität von Fricka geschlagen und dann, um ihre Töchter, die Walküren. Schade, ihr schönes Timbre war nicht genug, um den Mangel an Lautstärke Ihrer Stimme zu kompensieren.

Christopher Ventris diente als heroischer Siegmund. Er hatte seine Schwierigkeiten mit scharfem, aber den britischen Tenor verfügt über umfangreiche Erfahrungen mit Wagnerrollen, insbesondere Parsifal.

Die BRÜNNHILDE Ingela Brimberg hat eine eindringende scharf und gut Ring und ein Volumen bemerkenswertes. Es kann auch Prahlerei ernst dicht und kompakt. Er glänzte in dem interpretierenden Abschnitt, mit Schwerpunkt auf dem menschlichen Schwächen nicht übernatürliche Qualitäten, die man seinen Charakter erwarten.

Sieglinde wurde von Elisabet Strid ausgeführt, in der Rolle für einen lyrischen spinto bewandert erforderlich. Streit, mit einem starken Zentrum und einer scharfen sauber und gut abgegrenzte, Es ist eine sehr gute Sieglinde. voluminöse Stimme, die mit ihrem Mann und Bruder wußte, legte auch den Service der lyrischen Duette . Er zeigte große Fähigkeit handeln.

Die Walküren wurden von Julie Davis durchgeführt (Gerhilde), Samantha Crawford (Ortlinde), Sandra Fernández (Waltraute), Bernadett Fodor (Schwertleite), Daniela Köhjer (Helmwgide), Heike Grötzinger (Siegrune), Marifé Nogales (Vloaz) y Rosie Aldridge (Rossweise). Sie führten sehr gut mit seiner Rolle, ohne einen Moment auf der Bühne zu stoppen. Sie inszenierten einige der besten Nummern, Walkürenritt und die Auferstehung des Kriegers. und das alles, trotz mit einem hausbackenen batita in Uniform gewesen.

Fricka sehr gut Daniela Sindram, mit seinen interpretierenden Nuancen. Splendid in seinem zweiten Akt Monolog.

Estonian Bass Ain Anger skizzierte einen herrlichen Hunding stimmlich und große Bühnenpräsenz.

Es scheint, dass der Aufwand in der Produktion wie diese in aufeinander folgenden Jahreszeit beteiligt Treffen Ziele ist. Das Beste von allem ist die Erwartung, dass generiert. Ich freue mich schon auf das nächste Kapitel der nächsten Saison.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

Die Zauberflöte, ¡wen!
Die Zauberflöte
W. EIN. Mozart (1756 – 1791)
Die Zauberflöte
Singspiel in zwei Akten
Libretto von Emanuel Schikaneder
Komische Oper Berlin Produktion
Teatro Real Madrid 17/02/20
D. Musical: Ivor Bolton
D. Szene: Suzanne Andrade, Barrie Kosky
Konzept: 1927 (Suzanne Andrade & Paul Barritt)Barrie Kosky
Bühne und Kostüme: Esther Bialas
Illuminator: Diego Leetz
Dramaturgin: Ulrich Lenz
D. Chor: Andrés Máspero
D. JORCAM Chor: Ana González
Besetzung: Rafal Siwek, Paul Appleby, Rocío Pérez, Olga Peretyatko, Andreas Wolf, Ruth Rosique, Mikeldi Atxalandabaso, Elena Copons, Als Grmma-Alabert, Marie-Luise Dreben, Catalina Pelaez, Celia Martos, Patricia Ginés, Antonio Lozano, Felipe Bou
T er Königlichen Theater hat Kleiderschrank gezogen (so hat in dieser Saison mit seinem L'elissir d'amore) und Die Zauberflöte programmierte so erfolgreich in die Saison geöffnet 2016. Ich muss sagen, dass dieses Mal Erfolg nicht niedriger gewesen. Barrie Kosky und Suzanne Andrade unterzeichnen eine Landschaft, die alle das Publikum in einer der beliebtesten Werke von Mozart begeistert waren die repertorio.Le nur ein paar Monate alt, als er die Zauberflöte uraufgeführt, Besuch einer Kommission, die Sanierung seiner angeschlagenen Wirtschaft helfen könnte. Die am meisten Einfluss auf das kulturelle Leben in Wien, Emanuel Schikaneder, Textdichter, Geschäftsmann, Sänger, Darsteller, Regisseur Komponist und Bühne, Mozart hatte die Zusammensetzung eines Singspiels gefragt, was ist es traditionell durch eine Sittenkomödie verstanden, mit Bauern und beliebten Figuren, in denen Teile mit dem Geschlecht recitadas.El gesungen abwechselnden er sich weiterentwickelt und begann anderen Charakter erstellt einzuzuarbeiten, so edel und Bourgeois, ohne jemals die Costumbrismo und humorada zu verlassen.
Mozart gelungen, das Genre des Singspiel Keying in typischen opera seria Zeichen zu erhöhen und komplexere musikalische Partituren für einige der Rollen entwickeln. Die Zauberflöte Mozart füllt die Partitur und das Libretto für eine Reihe von Schlüsseln und freimaurerischen Referenzen, einlegen sie gehören, sowohl Mozart und Schikaneder, und dass querten Europa aus der Hand von neuen Ideen Illustration. Alle diese Elemente bereichern das beliebteste Genre zu der Zeit in Deutschland und Österreich.

Mit der Hauptachse der Popularität der Arbeit, Barrie Kosky und Suzanne Andrade haben ein Set-Design durch den Film und Animation inspiriert entwickelt. Dies hätte nicht die Zusammenarbeit der Theatergruppe genossen 1927, Sie haben bereits einige Erfahrung in der Arbeit verbindet Animation mit realen Charakteren. Das Ergebnis könnte nicht dramatischer und ansprechend für die Öffentlichkeit. Aber trägt auch einige Risiken, besonders für einige Sänger, die, instinktiv, Sie müssen mit den Vorsprüngen zusammenwirken, dass sie nicht sehen können. Ein weiteres Problem, Filmvorführungen präsentieren kann, ist, dass die Öffentlichkeit mehr Aufmerksamkeit schenken, um das Video, dass die Sänger und die Partitur.

Man kann sagen, dass diese Produktion nicht Landschaft hat, nur ein riesiger Proszenium Bildschirm dient für Sänger, durch kleines gestualizaciones, die den Stummfilm nachahmen, spielen ihre Rolle neben die Bilder projiziert.
Manchmal kann das Volumen der Bilder und ständige Bewegung für die Öffentlichkeit wird überwältigend. Aber die Wahrheit ist, dass neue Technologien und Virtual-Reality-Theater Service, Öffnen Sie eine szenische Möglichkeiten, fast endlos.

Die Zauberflöte ist eine Oper, in der oft mit den Rezitativen, deren Anwesenheit verzichtet so wichtig war, zu der Zeit seiner Zusammensetzung. Diese Produktion ist keine Ausnahme. Sie wurden entfernt, die Oberfläche und das Kind Teil verlassen, Verzicht auf die tiefste und gebildete Philosophie der Arbeit von Mozart geschaffen. Eine Änderung erscheinen zwischen den Szenen typische Anzeichen dafür, dass Stummfilme und gehen kurz erzählt die Geschichte begleitet. Alle sehr gut in der Filmproduktionslinie eingebettet. Dieses Mal werden sie von dem Hammerflügel Ashok Gupta begleitet, Fragmente von Fantasie in C-Moll Mozart Interpretieren.

Die musikalische Leitung hat verantwortlich für den Besitzer des Theaters gewesen, Ivor Bolton. Seine Technik und Korrektur, wenn Regie ist absolut, aber bei dieser Gelegenheit klang das Orchester flach, aus, mit geringer Lautstärke ohne Abschattungen. Es fehlte den Funken, die Mozart begleitet arbeitet an diesem Anlass zu Recht.

Sänger der Box, Ich könnte mehr ausgeglichen wurde, wir müssen seine Bemühungen hervorzuheben, um unter Bedingungen zu singen, die sein müßten. Sie erschienen am häufigsten auf kleinen Plattformen mehrere Meter über dem Boden. Obwohl sie gut gesichert, zur Verfügung und gute Arbeit muss bewertet werden.
Die Pamina Peretyatko Olga war die beste Nacht. Eine sehr gute Linie von Gesang und Phrasierung für eine Stimme mit gutem Volumen und schöner Timbre.

Amerikaner Paul Appleby war ein Tamino unregelmäßig. Es hat einen schönen Timbre, besonders akut, dass kommt auf eine seltsame Weise in Klammern.

Rocio Perez war die Königin der Nacht, sondern nur durch den Austausch von Rollen. Er bestieg seinen Charakter ohne Angst, was es ist etwas,, aber seine Höhen quedaros etwas Strapsen. Besser seine erste Arie. Wie in den drei Angebote dieses Papiers gesehen, gibt es einige Krise Königinnen.

Nun, der Papageno Andreas Wolf. leistungsfähiger und exzellenter Spricht Fraseo, Sein deutsche Hilfe in diesen Fällen.
Ein weiteres der Gewinner war Mikeldi Atxalandabaso, die gespielt eine eindrucksvolle Monostratos von Nosferatum volle Stimmnuancen und interpretativen.

Die Papagena Ruth Rosique war in seinem Punkt, Spaß und funkelnde. Sehr gut auch die drei Damen Elena Compons, Marie-Luise Dreben und Gemma Coma-Alabert, trotz der Unpässlichkeit des letzteren.

Rafal Siwek gute Arbeit geleistet, als Sarastro, Es hat ein gutes zentrales Register, obwohl sein Grab war fast unhörbar. Solvente die Interpretation von Antonio Lozano und Felipe Bou, wie zwei Männer in Rüstung.

Die drei Jungen, die die jungen Sänger der JORCAM Catalina Pelaez spielen, Lucia Seriñán, Celia Martos, Chandra Henderson und Patricia Ginés, Maria Guzman, Sind jene Stimmen, die nie versagen. Obwohl sie fast hing mehrere Meter über dem Boden.

Ein Erfolg in dieser Neuauflage einer magischen Flöte, die immer eine Garantie ist. Fahrkarten, Show und glückliches Publikum. Mission erfüllt.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real

der Pirat 1

 

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Il Pirata in Teatro Real 192 Jahre nach
Marke eine Oper in einer der großen Opern Tempel 192 Jahre nachdem es geschrieben wurde, muss gerechtfertigt. Im Falle von Il Pirata ist ein sehr wichtiger, die Schwierigkeit Hauptrollen bei der Interpretation macht diese Arbeit fast unmöglich. Diese Stimm Anforderungen verursacht seine Abwesenheit während Jahrzehnten des Repertoires und der großen Bühne. Neben der Lehrer sagt Benini, „Es kommt darauf an, gute Sänger, die mit. Ein guter Tenor, eine gute Sopran und Bariton gut „final .In, und trotz des Erfolgs, mit dem Premiere, Erste, der Mailänder Scala, in 1827 und anschließend in Neapel, Bologna, Triest, Wien, Dresden, Lisboa, Barcelona, Cádiz (in 1834), NY, Mexiko und Madrid (in 1830 im Teatro de la Cruz), Il Pirata das gleiche Schicksal erleiden so viele romantischen Opern der Zeit von der Bühne abwesend waren seit der zweiten Hälfte des neunzehnten Jahrhunderts, bis in die fünfziger Jahre des zwanzigsten Jahrhunderts. Es ist zu diesem Zeitpunkt, wenn es erscheint in 1958 Figur mit Callas, die aktualisiert die Hauptfigur in Imogene, Il Pirata Platzierung wieder im Repertoire. Es wurde in der Folge Montserrat Caballe, die, vorausgesetzt, die Schwierigkeit der Rolle, Er gliederte sie in sein Repertoire es zu den wichtigsten Theatern der mundo.Un wenig Geschichte zu bringen
Il Pirata katapultiert einen jungen Bellini aufmerksamen immer auf die Trends und Einflüsse kommen, vor allem, Deutschland. Ihre Suche nach einer neuen musikalischen Sprache und sein Geschmack für Innovation, machen Il Pirata ist zwischen der klassischen Tragödie positioniert auf halbem Weg, das Zeitalter der Aufklärung, und Romantik und Musik symphonische, die kamen aus der Hand von Schubert und Beethoven.Esta Übergang vom Klassizismus zur Romantik ist auch in seinem Libretto bemerkt, geschrieben von Felice Romani, basiert auf der Arbeit von Justin Severin Taylor, Bertram, oder Pirat. Romani hatte große Bewunderung für den italienischen Dichter des achtzehnten Jahrhunderts, aber es ist jetzt an der Romantik, dass schon damals gewickelten Europa.Pero, Il Pirata, warum es so selten vertreten?
Javier Camarena und Celso Albelo, zwei Tenöre, die Walter in dieser Neuproduktion von Teatro Real spielen, sagen: „Ich ziehe ein Puritani morgens und nachmittags zu singen, Il Pirata“.Es Denken Sie daran, vor dem Singen, dass diese Oper für bestimmte Sänger geschrieben wurden, mit einem bestimmten vocalism und unter bestimmten Bedingungen für die Ausführung, kleine Theater und Orchester Komponenten und sehr enge Klangvolumen. Zu dieser Zeit wurden die Sänger gewohnt in falsetone zu singen. Natürlicher tessitura des Tenors der Zeit führte sie in Falsett alles zu singen, die über den natürlichen oder Bb gefunden wurden. Die heutige Falsett ist nicht als Broadcast-Modus angesehen. Die Theater sind größer und, geschweige denn schrieb die orquestas.Bellini eine Partitur für Tenor von großen vokalen und dramatischen Anforderungen. Ich wollte einen Tenor, der die Höhen und Tiefen Aufzeichnungen zur gleichen Zeit wie die fiato und legato dominieren. Auch wollte er ein Virtuose Deklamation und Phrasierung sein. All dies begleitet, auf die gleiche wie in der Rolle der Imogene, Agilita vererbter Rossini und damit mehr Ausdruck mit so viel überschüssige sentimentalismo.Para in einer Arbeit erreichen führen alle diese in der Partitur spiegelt Forderungen, Bellini griff auf das dann dem gefeierten Tenor, Giovanni Battista Rubini, zu denen verlangte er zwei Arten von Gesang, die tugendhaft und die contraltino Tenore akute und baritenore, mit kräftigem Bass, aber ebenso tugendhaft. Walter wurde mit dem Mythos des kalten tenor.Escenografía geboren, nicht hässlich
Romantische Belcanto wird von vielen Regisseuren eine der schwierigsten Genres führen zu einem Szenario betrachtet. Sie denken, dass romantische Belcanto Opern haben keine klare Dramaturgie innerhalb der Handlung des Stücks. Emilio Sagi ist nicht einer dieser Direktoren. Die Tatsache, dass das Argument nicht vollständig Angebote geschlossen viele szenische Möglichkeiten. Das Ergebnis ist elegant und eine große visuelle Kraft, mit vielen Elementen Marke, wie Stühle oder Mond. Die Landschaft von Daniel Bianco ist kalt, die enormen landschaftlichen Leidenschaften durch die Zeichen und Spiegel erfahren markieren grandre die Elemente zu verbessern und einen Multiplikatoreffekt erhalten. Die Bühne wird eine große Kiste voll geschlossen, fast erstickend, sondern erleichtert die Arbeit der Sänger. Sie sind immer in Proszenium gehalten, Dies ermöglicht eine bessere Projektion, ohne das Instrument zu stark zu zwingen. Die verschiedenen Szenarien sind nicht definiert oder geben Hinweise auf den Ort, an dem die Ereignisse stattfinden. Die schwarze und Reflexe dominieren eine bewusst Gothic-Szene, wie ist das Genre der Arbeit, in der diese Oper basiert. Impeccable Kostüme von Pepa Ojanguren, Beleuchtung Albert Faura und Projektionen Yann-Loic Lambert Hilfe Sprung in die Atmosphäre voller dramatischer Intensität Gothic novel.

Es gibt drei Angebote gewesen, die zu der Szene des Echt gegangen. Wenn es schwierig ist, eine gute zu finden, Stellen Sie sich vor drei. Zweifellos war die Hauptattraktion die Beteiligung von Javier Camarena und Sonya Yoncheva in der ersten Liga vertreten, und sie haben nicht ein ergebenes Publikum enttäuschen und dankten das Ende der jeweiligen Performance.
Außerdem erhielt er seine Auszeichnung für die Mühe, dass Celso Albelo, Obwohl ein escaloncito unten Camarena, Er gab eine bemerkenswerte Interpretation von Walter.

In einem weiteren Schritt unter ihn auf dem jungen russischen Tenor Dmitry Korchak platziert wird, sie versuchten, hart und die Rolle tat. Zusammen mit dem Korchak, und Ernesto de Simone Piazzila (Sie müssen sich schon zu Hause in Madrid). Seine Bühnenpräsenz war nicht wichtig, in dieser Gelegenheit begleitet alle Qualitäten seiner Stimme, rang schlagender, aber langweilig.

Yolanda Auyanet wurde das fast die ganze Nacht applaudierten. Die Wahrheit ist, dass die Arbeit begonnen zurück und fast nach vorn von ihr selbst gebracht. Obwohl es eine gewisse Glätte seiner Stimme verloren, vielleicht aufgrund sich ändernder Repertoire ist im Gange, Es behält seine großzügigen Volumen und eine ausreichende fiato, etwas eine anspruchsvolle Rolle im Auge zu behalten.

Eine andere Sache war die Teilnahme von María Miró Barcelona, trotz aller Aushängen, die Rolle der Imogene, Er trug seine hervorragende dramatische Sopranstimme, fließend Entfaltung auf der Bühne.

Wenn es ein sachkundiger Leiter dieses Repertoires, dies ist definitiv Maurizio Benini. Seine Wirksamkeit auf den vor dem Orchester des Teatro Real Titular wurde in „Il Trovatore“ vor ein paar Monaten in demselben Theater hinreichend nachgewiesen. Imprägnaten seine Adresse italianismo, wesentlich in dieser Art von Arbeit. Stetig und glatt Impuls die Dolmetscher und den Chor begleiten, einmal Outstanding wieder, von den frühen Stadien.

Besondere Erwähnung verdient die Beteiligung eines unbekannten Marin Yonchev, in der Rolle des Itulbo. Es versteht sich nicht sehr gut, dass es zu tun, bis Sie herausfinden, wer ist der Bruder von Sonya Yoncheva, Sag mir nicht mehr!

Eine gute Premiere von Il Pirata am Königlichen Theater, selbst wenn es mußte warten 192 Jahre alt. Nie zu spät, insbesondere diesmal.

der Pirat
Vincenzo Bellini (1801-1835)
Libreto von Felice Romani, basierend auf der Arbeit Bertram, oder Pirat (1822) Justin Severin Taylor, in Französisch von Charles Maturin übersetzt
Premiere am Königlichen Theater in Koproduktion mit dem Teatro alla Scala in Mailand
D. Musical: Maurizio Benini
D. Szene: Emilio Sagi
scenographer: Daniel Bianco
Kostümbildnerin: Pepa Ojanguren
Beleuchtung: Albert Faura
Video: Yann-Loïc Lambert
D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Dmitry Korchak, Yolanda Auyandet, Simone Piazzola, María Miró, Felipe BPU, Marin Yonchev
Schlagzeilen Chor und Orchester des Teatro Real

Text: Paloma Sana
Fotografie: Javier del Real
Videos: Teatro Real

Neugierig und Original erschien es in der Teatro de la Zarzuela die dritte Erwägung des Liedes. berechtigt, Kabarettabende, Mezzosopran Nancy Fabiola Herrera, Er begann Beschuss, seine Stimme dick und Kuvertierung, alle die Musikalität von Werken, vielleicht weniger bekannt, dass nicht nur zu zeigen, die deutschen lieder erfordern Können und Know-how. Er zeigte, dass Zusammensetzungen, die weniger anfällig für die korsettierenden und technische benötigen die gleiche Disziplin und Verwaltung von Musikwissen und canoro.

Ein Repertoire voller künstlerischer Möglichkeiten und Identität, die vielseitige Persönlichkeit von Herrera, gepaart mit seinen stilistischen Mitteln, Sie führten zu einem höheren Niveau der beliebtesten Werke von Komponisten wie Oscar Straus, Erik Satie o Francis Poulenc. Dieser erste Teil, formellere, wenn man so sagen, Er wurde mit Werken von Kurt Weill und Louis Guglielmi abgeschlossen (Louiguy). Immer sehr gut mit Klavierbegleitung Mac McClure.

Um die Einzigartigkeit des Abends zu zeigen, geschah etwas, das, zumindest, Ich hatte nicht vor in einem Theater gesehen. Nach der Pause, eine unaufmerksame Öffentlichkeit, Ich weiß nicht, ob die Originalität der Nacht, Er wurde nicht beendet den Raum betreten, Auffordern Sänger und Pianist auf der Bühne waren einige Minuten für ihn bis zum Ende warten zubringen Öffentlichkeit. Dies war der Beginn eines zweiten Teils, in dem Herrera bewies eine Kapazität von künstlerischen Aufzeichnungen haben und idiomatischer fast chamäleon.

Es ist nicht leicht zu Ort Stimme nach einer ersten akademischen Seite, aber, einmal aufgelöst Einstellungen, Herrera fand uns neue Wege, um die Freiheit der Interpretation zu vertiefen, Kenntnis der Werke und ihre Komponisten und die Fähigkeit, Nostalgie und Exotik gestellt Komponisten wie Ernesto Lecuona zu vermitteln, Joaquim Zamacois der Astor Piazzolla. Oder ziehen den perfekten Melancholie Bolero Pedro Junco, Maria Grever, Alvaro Carrillo, Gabriel Ruiz Bobby Capó.

Oder, wie außergewöhnlich Maria des Selbst in dem Theaterplakat, „Bis zum neunzehnten Jahrhundert bewegen fährt durch Subjektivismus und Innerlichkeit; Es ist die Zeit der Rebellion, die Bereitschaft, alle Möglichkeiten mit einem Wochenende künstlerischen Ausdruck zu erkunden voll damit zu tun Vergangenheit wertvollen wiederzuerlangen oder eine wunderbare Zukunft zu erreichen. Es ist die Ausübung der Gefühle, im Traum eingewickelt, in Geheimnis und Fantasie der exotischen von einem Geist der Nostalgie verfolgt, Melancholie und Verlangen nach Fertigstellung unmöglich ".

die Caserío
Jesus Gurido (1886-1961)
lyrische Komödie in drei Akten
Libretto von Federico Romero und Guillermo Fernandez-Shaw
Madrid, 3 Oktober, Teatro de la Zarzuela
D. Musical: juanjo Mena
D. Szene: Paul Viar
Landschaft: Daniel Bianco
Kleiderschrank: Jesus Ruiz
Beleuchtung: Juan Gómez-Cornejo
Choreographie: Edyardo Muruamendiaraz
Besetzung: Ángel Ódena, Raquel Lojendio,Andeka Gorrotxategi, Marifé Nogales, Pablo Garcia-Lopez, Itxaro Mentxaka, Eduardo Carranza
und José Luis Martínez
Autonome Gemeinschaft Madrid Orchester und Chor-Halter
Teatro de la Zarzuela
Tanz de Monserrat Caballe Tribut KonpainiaAl, symbolisch begann er die Saison am Teatro de la Zarzuela, von der Premiere von El Caserío gefolgt, Jesus Guridi und Libretto von Federico Romero und Guillermo Fernandez-Shaw. Die Landschaft wird von Pablo Viar und Daniel Bianco.Tiene acht Jahren Reisen in Co-Produktion mit ABAO von Bilbao und dem Theater Campoamor in Oviedo laufen, aber dieses Recht ist nicht Landschaft im Laufe der Zeit betroffen. zwei Szenarien, der Eingang eines Dorf und traditionellen Giebel, Sie nehmen uns zu einem zeitlosen und unverwechselbaren Baskenland.

Die Produktion, die das Teatro de la Zarzuela präsentiert, und dass es in Madrid Canal Theater gezeigt, Er wurde weggelassen, mit Recht, von einigen der Dialog und mehr folkloristische Passagen und denen sie sehr veraltet.

Kritiker des Zarzuela weisen immer als eine ihrer Probleme heute dargestellt und verstanden werden, einige alte Texte, von Jetlag. Aber alles ist hoffnungslos, wie es dauert, das Teatro de la Zarzuela in den vergangenen Saisons demonstrieren. Was ändert sich nicht, ist die Musik Alterung, immer frisch und verarbeitet Jesus Guridi. Wir erzählt die Geschichte genau und Abgrenzen die Stimmungen seiner Charaktere, dank einer perfekten Orchestrierung.

Führend Orchester und Chor des Teatro Juanjo Mena. Ein weiterer Baskisch, die die beste Lektüre einer Partitur reich an Farben und Musikalität macht. Sehr guter Impuls zieht die beste Leistung von ORCAM und Chor, diesmal eine wichtige Rolle und deckt actoral, mit seiner Leistung, der Mangel an anderen Erzählung und szenische Elemente.

Eine weitere Überraschung dieses Dorfes sind die Tänze von Aukeran Dantza Konpainia, unter der Leitung von Eduardo Muruamendiaraz. Professionalität und absolute Perfektion in der Ausführung. Sehr gut in die Szenen eingebunden, Sie waren ein inspirierendes Element und Kontextualisierung des gesamten Arbeits. Sie lieferten Dynamik und Fluidität Durchführung Übergänge.

Eine Produktion wie diese können erstklassige Stimmen zählen nur auf, und es wurde. Ódena Engel wird zu Gold alles, was singt, und sein Charakter Onkel Santi wäre nicht weniger. Begleitet de Andeka Gorrotxategi, mit einer schönen und einzigartigen Tenore di forza Glocke, Leben zu einem schus José Miguel frívolon geben und, bis er findet die Liebe Ana Mari, die es formt Rachel Rojendio, ein weiterer Luxus für die Besetzung.

Inosensia Charakter ist für anderen Versicherungswert an diesem Theater, Marife Nogales singt, Tänze und Handlungen, Sie können nicht mehr verlangen. Pablo García López ist verantwortlich dafür, das Leben zu einem lebendigen Txomin, die gut von der amüsanten Szene begleitet Eustasia, de Hoffnung Mentxaca, marido des untätigen Inosensia, wer spielt Eduardo Carranza und einen unruhigen Don Leoncio, Hand José Luis Martínez.

Ein attraktiver Start in die Saison wird fortgesetzt, mit Musik von Guridi, in seiner ersten Oper, Mirentxu, Konzert-Version, die wir sehen, 22 und 24 November, Ainhoa ​​Arteta und Mikeldi Atxalandabaso Protagonisten.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real

Don Carlo
Giuseppe Verdi (1813-1901)
Oper in fünf Akten
Joseph Mery Libretto dort Camile Le Locle, basierend auf dem Spiel Don Carlos, infant von Spanien (1787) de Friedrich Schiller, in Italienisch von Achille de Lauzières und Angelo Zanardini.
2 Oktober, Teatro Real in Madrid
D. Musical: Nicola Luisotti
D. Szene: David McVicar
scenographer: Robert Jones
Kostümbildnerin: Brigitte Reiffenstuel
Illuminator: Joachim Klein
Choreograf: Andrew George
Dramaturgin: Maite Krasting
D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Michele Pertusi, Andrea Caré, Simone Piazzola, Rafal Siwek, Fernando Rado, Ainhoa ​​Arteta, Silvia Tro Santafé, Natalia Labourdette,
Moses Marin, Leonor Bonilla, Mateusz Beware, Cristian Diaz,
David Sanchez, Francis Tójar, David Lagares und Luis Lopez NavarroLas Intrigen des spanischen Hofes haben immer eine Quelle der Inspiration für Schriftsteller und Musiker gewesen. Besonders gefüttert diejenigen, die durch die „schwarze Legende“, die vor allem kamen aus England, die rivalisierenden spanische Macht zu der Zeit geschnitten. Y a Friedrich Schiller, Autor der Arbeit am Libretto von Joseph Méry und Camille du Locle interessierte ihn mehr als die sagenumwobene Legende real.Verdi Geschichte nicht diese Faszination entziehen basiert. Sie interessieren sich für das Thema nach einem Besuch während seines Aufenthalts in Madrid zum Escorial, er dachte, dass Don Carlo auf die Anfrage der Pariser Oper für die Feier der Weltausstellung reagieren konnte 1867. Ein Thema wie dieses war perfekt für die Öffentlichkeit in Paris, Liebhaber der großen Französisch Oper, mit einem spektakulären Landschaft und großer Intensität dramática.Pero, trotz des Einsatzes von Ressourcen für seine Zusammensetzung, Verdi war mit dem Ergebnis nicht zufrieden. Konstante Modifikationen eingeführt. so viel, die erste Version von Don Carlo nie veröffentlicht. Nach der ersten Probe und vor dem zweiten, die große Anzahl von Änderungen in der Partitur gemacht resultierte in einer zweiten Version, der es bei dem Premiere 1867, bekannt als die „Paris-Version“ uraufgeführt .Había Zeit Oper in Italien, oder öffentlicher Geschmack Italienisch, ungewohnt fast endlose Arbeiten, noch die Fähigkeit, Theater, Sie reagieren auf die Anforderungen der Pariser Version von Don Carlo. Verdi habe dann beschlossen, einen drastischen Schnitt zu machen zu arbeiten, wodurch der italienischen Pragmatismus. Dann kam die „Milan Version“ 1884, in denen verzichtet es mit den Balletten und dem ersten Akt, el Fontainebleau. Dies war bisher, die Version vertreten España.es 1886 Verdi überarbeitet wieder die Arbeit. Die Unterdrückung des ersten Aktes links einige Lücken in der Erzählung. Er entschied sich Fontainebleau wieder einzusetzen. Es ist nicht umsonst in diesem Akt, in dem das Hauptthema der Arbeit vorgeschlagen, die innersten Gefühle der Charaktere, treffen, um ihre öffentlichen Aufgaben. geboren dann, "Version von Modena". Welches Teatro Real in dieser Saison erholt.

Die Landschaft ist abstrakt, David McVicar sehr typisch, was wir erinnern an die Torsion und die neueste Gloriana, ambas Briten. Die Bühne wird von Axel Weidauer zurückgesetzt worden, rechtfertigen die Landschaft der Autor des Librettos zitieren, Friedrich Schiller: „Die schönsten Träume sind diejenigen, die im Gefängnis sind“. Und sicherlich hat dieser Satz die Szene, bis eine beklemmende und klaustrophobische Atmosphäre inspiriert. Es bestehen nur aus grauen Backsteinstrukturen, deren leichte Bewegung schafft neue Räume, in denen sich nichts ändert. Nur ein paar symbolische Elemente nehmen uns hinter der Bühne.

McVicar verwendet immer die Kostüme als grundlegendes Element der Kontextualisierung der Arbeit. Seine historische Strenge und die außergewöhnlichen Kostüme von Brigitte Reiffenstuel sind ganz erinnert an den historischen Moment zu leben Zeichen. Es ist ein perfektes Fahrzeug zwischen Geschichte, die die Arbeit und moderne und vielseitige Landschaft erzählt.

Die musikalische Leitung war für Nicola Luisotti. Bei ihm klingt das Orchester wie Verdi. manchmal, zu. Die Lautstärke war oft übertrieben und etwas umständlich. Vielleicht ist es das, warum die besten Momente des Orchesters diejenigen waren, die mehr Ausdruckskraft erforderlich. Es war weniger mehr in seine Richtung und schaffte den Puls bis zum Ende zu halten. Holen Sie sich ein gutes Maß an Theatralik und narrative Kontinuität, die die Arbeit der Sänger erleichtert.

Der Chor war ein wichtiges Element in Dramaturgie. Figuren und den perfekten Sound eingestellt, die das Herz des ganzen Raum vibriert.

Die Stimmen wurden von Don Carlo Andrea Caré geführt. Seine Leistung war auch niedrig bis hoch. Es begann mit einem etwas unhöflich Lisp klarte, in einer guten Formulierung führt, die eine schöne und homogene Klangfarbe hervorgehoben. Ausdruckskraft, vokale und szenische, Es war fast nicht existent.

Isabel de Valois Ainhoa ​​Arteta war in großer Höhe. seine Stimme, immer hörbar und timbrada, ein Charakter erlitt in den intimsten und voller Würde und Feierlichkeit in ihrem institutionellen Teil abgegrenzte, dank, vor allem, seine außergewöhnliche Bühnenpräsenz. Er spielte seine Elisabetta mit Eleganz und Musikalität und leuchtet in den Mittelstimmen.

Das immer Lösungsmittel Silvia Tro, Ich wusste, dass Ihre Prinzessin Eboli ferne Kälte geben, die angeblich. Anmeldung unterhält eine umfangreiche Tour, die ihm erlaubt, eine akute tessitura manchmal zu Angesicht, aber auch Rauschen ernsten Charakter in „O don fatale“ anspruchsvoll.

Filippo II von Michele Pertusi hatte seine größten Qualitäten bei der Auslegung und Formulierung absichtlich. Aber das Volumen seiner Stimme und nicht ausreichend ernst, Sie verwischt teilweise ein Zeichen, Rundheit zu fragen mehr Gesang und mehr psychologische Tiefe

Etwas Ähnliches geschah mit dem Großinquisitor von Rafal Siwek. Seine Anwesenheit in der Szene sah den Charakter, aber es ist sehr selten in vocal Begriffen.

Simone Piazzola gebar einen Rodrigo mit allen seinen Qualitäten der Loyalität und Kameradschaft an seinen Freund, Infant. Er hatte Momente der Inspiration und Phrasierung mit Geschmack, insbesondere in Duetten und zum Zeitpunkt seines Todes.

Die Tybalt Natalia Labourdette war fast unbekannt. Zwischen dem Volumen des Orchesters und seiner Stimme, Wir konnten kaum hören.

Eine sehr gute Standardinterpretation war Friar Fernando Radó. Und die flämisch Abgeordneten Mateusz Hoedt, Cristian Diaz, David S'nachez, Francis Tójar, David Lagares und Luis López Navarro.

Ein erfolgreicher Start der Saison mit mehr Show an den Ständen der Szene.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

Mahler Er hatte gesagt, „ich in dreifacher Ausfertigung Staatenlosigkeit: stammt aus Böhmen in Österreich, Österreichische unter Deutschen und Juden weltweit. Immer ein Eindringling, nie willkommen ", er war ein Gefangener der Zeit er lebte. Wiener Dekadenz und Imperialismus eingegebenen Schritt neue künstlerische Strömungen geöffnet, intellektuellen und philosophischen, encabezas von Klimt, Olbrich, von Hoffmannstahl o Freud, sein persönlicher Freund.

Es dauerte ihm Anerkennung zu erreichen. Die Originalität der Kompositionen, einerseits, und der Aufstieg des Nazismus in Deutschland und Österreich auf dem anderen, Sie machten ihre Arbeit wurde als „entartet“ eingestuft. Hinzu kommt, dass die antisemitische Atmosphäre der Wiener Gesellschaft der Zeit verbunden, dass, nach einer Pressekampagne bei ihrer Vertreibung aus der Wiener Staatsoper richtet, Es gelang ihm machen 1907 Marler zog nach New York, wo er die Metropolitan Opera führte zwischen 1908 und 1910. Im darauffolgenden Jahr Rückkehr nach Wien, wo er starb 18 Mai, leidet an einer schweren Krankheit.

Nach dem Zweiten Weltkrieg, zwei ihrer besten Schüler, Bruno Waltter y Otto Klemperer, Sie begann seine Arbeit zu verteilen, nach mehr als 50 Jahre Indifferenz.

Große Bewunderer von Wagner, Er hatte erfolglos versucht, Oper zu komponieren, aber wenn er entwickelt eine glänzende Karriere als Komponist von Sinfonien und Orchesterlieder. Obwohl es zwei verschiedene Genres, Mahler ist nicht ohne einander verstanden. Im Laufe seiner kompositorischen Laufbahn, beide Geschlechter gespeist off. aus 1890, Mahler orchestriert alle Songs, sie mit einer symphonischen Stelle, die bereicherte vor allem seine Vokalmusik.

Das Teatro de la Zarzuela gewidmet XXVI Lied zwei komplette Reihe von Werken von Gustav Mahler Lied. In dieser ersten Tranche werden interpretiert Llieder eines fahrenden gesellen (1884-1885), Wayfarer Lieder. Dies war der erste Liederzyklus als solcher, komponierte er am Ende seiner stürmischen Affäre mit der Sopranistin Johanna Richter, während er in Kassel Direktor des Opernhauses, Deutschland.

Lieder mit Klavierbegleitung sollten nicht kleinere Arbeiten in Betracht gezogen werden. Mahler war ein außergewöhnlicher Pianist und ist das absolute Wissen des Instruments, mit Klarheit und Perfektion suchte er in seinen Kompositionen, dem sie diese Stimme und Klavier Versionen machen werden als orchestrierte Version behandelt, voller Nuancen und symphonischen Texturen.

Christian Gerhaher y Gerold Huber erhöhen ihren Höhepunkt, den Begriff Dringen. Beide waren Schüler des großen Dietrich Fischer-Dieskau, beachten Sie, was, unter anderem, in treuer Interpretation gemacht. Dieskau dachte, dass Mahler muss zwischen den Zeilen nicht lesen, „Die Beobachtung nur seine Anweisungen genau vollständig die Kunst des Mahler gezeigt werden“.

Gerhaher moduliert seine Stimme ein klareres Aufzeichnung zur Verfügung zu stellen, näher zu seinem natürlichen Tenor Bariton. Er demonstrierte erneut seine Fähigkeit zu artikulieren, die Umrisse und die genauen Vers zu sagen, mit einer raffinierten und glatten Stimme. wie immer, ohne stilistische Ornamente. genau die Reise in die Tiefen in der Interpretation von lieder Geschehen. Niemand wie er geht durch die verschiedenen Charaktere und fordert, dass diese Liedzyklen enthalten. Dota ausdruck der tiefen Intimität Songs von Wayfarer, wo nichts ist Zubehör. fließt dann in Des knaben wunderhorn (Die wunderbare Horn Boy) und Sprach steigt mit Rundheit schlüssig.

Das große Finale kam mit einem tiefen Verständnis der Kindertotenlieder (Totenlieder der Kinder). Nicht Eleganz verlassen nie, oder von dem Drama weggetragen, aber es gibt jedem dieser Songs eine abyssal Intensität und immer nüchtern.

Ein guter Start in diesem traditionellen Lied CNDM und Teatro de la Zarzuela. deutlich, die Qualität dieses Zyklus ist bereits ein sehr wichtiges kulturelles Erbe für Madrid. Es gibt ein Beispiel.

Fotografie: Elvira Megías


Es kann die süßeste oder wütend Mimí Elettra sein, in einem magischen Dualität Sicherheitsprodukt in einer einwandfreien Technik und konsolidiertes Instrumente. Beansprucht von Regisseuren wie Riccardo Muti, Eleonora Buratto hat eine der stärksten Performer seines Seils werden.
Muses immer besuchen bei der Arbeit, gewährleistet die größten Reize hören. Nach seinem erfolgreichen Elettra in Mozarts Idomeneo Teatro Real, wir können wieder Liceu in Barcelona mit Luisa Miller genießen. Verpassen Sie nicht die.
In den letzten paar Saisons haben wir das Glück, verschiedene Rollen in Spanien zu hören, am Königlichen Theater und El Liceu. Was ist attraktiver für die Auslegung, Elettra Bosheit oder Naivität Mimí?
Die Wahrheit ist, dass ich denke, Elettra nicht so schlecht ist, und das ist nicht so naiv Mimí. Ich besser erklären: Eine Liebe, und aufgeregt in der Lage sein, mit dem Mann zu leben, sie liebt und in seine Heimat zurückzukehren Frau hat kein Recht, ihre Wut zu fühlen und externalisieren? Elettra ist eine Frau mit einem sehr starken Charakter, aber wie die anderen Charaktere im Spiel ist der Ziel-Slave, die wahre deus ex machina des gesamten Grundstück. Elettra heckt nicht keinen Betrug auf seinen Rivalen um die Liebe zu gewinnen!. Was Mimí, Er ist eine schwache Frau Gesundheit, aber ich würde sagen, es hat sehr klare Vorstellungen darüber, was er will: sie ist es, für Freunde wartet, allein zu gehen und Rodolfo links, vor Klopfen an der Tür; sie ist es, die Kerze ausbläst, um eine Entschuldigung zu Rodolfo sprechen und, schließlich, sie ist es, die Zügel der Situation zum Zeitpunkt der Krise Rodolfo nimmt, im dritten Akt. gut, die Wahrheit ist, dass beide sind zwei Charaktere, die ich liebe und, Ich bin nicht in der Lage zu wählen! mimi, Ich liebe sie für die Süße von Phrasen und singen Elettra, nicht mit Gewalt Kopf nach unten Ihr Ziel zu akzeptieren, von seinem rebellischen Charakter und das ist die Rolle, die mich auf der Bühne getestet…weil sie mit dem Tod meiner Mutter fiel. Elettra hat mich in den peinlichsten Moment meines Lebens gerettet, und wird immer einen besonderen Platz in meinem eigenen corazón.El Currentzis, ein großer Liebhaber und Schüler von Mozart, Er wählte Elettra letzten Mai im Diaghilev Festival in Perm zu singen, Hatte arbeiteten sie zusammen immer? Waren überrascht Sie den Anruf, dass? Wie er arbeitet mit dem berühmten und umstrittenen Regisseur Teodor Currentzis?Ich hatte noch nie mit dem Meister Currentzis gearbeitet, obwohl er für eine Traviata in Madrid vorgesprochen 2013, und wirklich schön ist, dass, wenn wir wieder perfekt erfüllt mich erinnern. Ich war begeistert, zu wissen, dass ich für Elettra gewählt hatte ... längst überfällige Gelegenheit, mit ihm zu arbeiten und, Es ist eine Erfahrung gewesen, dass alle meine Erwartungen übertroffen! Ich war in schock bei der ersten Probe mit dem Orchester (ohne jede musikalische Probe vor), hören meine erste Tempo Arie di ... dann, an diesem Nachmittag, Currentzis Lehrer lud alle werfen das Eröffnungskonzert des Festivals und da war ich verliebt in ihre Adresse und die wunderbare Orchester gebildet. Am nächsten Tag, Ich habe gerade weggetragen ... Ich vertraute voll in ihre Tempi und machen Musik zusammen, und es war eine der schönsten Erfahrungen meines Berufslebens. Danke, Maestro!Was zieht Sie die meisten der Verdi Heldinnen, seine vocalism, sein Charakter ... und welche Rolle Verdiano möchte in Zukunft spielen?
Wenn mehrere Rollen an Bord und Studie verdianos, Ich weiß, dass es meine eigene Stimme ist die Nachfrage, so Ich mag sicherlich sein vocalism. Aber zu sagen, dass es nur so, Es wäre zu einfach ... Wahrscheinlich, Ich mag die bloße Tatsache, dass Verdi der Komponist. Seine enorme Kapazität zu machen, glaubwürdige Charaktere aus seinem aufrichtigen Schreiben abgeleitet, ein Skript, das von Herzen kommt. Ich fühle mich, als ich den Charakter und das Temperament mit den Verdi Heldinnen spielen. immer meine Gesangskarriere zu respektieren und das Repertoire erweitert, Ich hoffe Chance zu haben, zu debütieren Otello und Don Carlo, und dann, in der Zukunft, vielleicht, Sie könnten auch bekommen Trovatore und Aida.
Jetzt kommt das Teatro del Liceu mit Luisa Miller, hier eine Rolle eng mit Montserrat Caballé verbunden. Wenn so ein Zeichen eng verknüpft adressiert einen Sänger Referenz, Haben Sie andere Haftung fühlen?Natürlich ist die Verantwortung groß, aber ich glaube nicht, dass jemand erwarten einen weiteren Caballé zu hören, und viel weniger denke ich sein kann. Die größte Verantwortung, die ich mit mir selbst habe, und der beste Weg, einen wunderbaren Charakter zu interpretieren…Sie sind gern andere große Musik, speziell der Fels. Haben die Gefühle, die Sie jetzt haben die Bühne eines Theaters zu nehmen sind sehr verschieden von denen, die er hatte, als er mit seiner Rockband sang?
ja, Anouk sang in einer Coverband ... Er sang Rock-Songs, Alanis Morissette, Skunk Anansie, Tina Turner und Toto! Die anfängliche Begeisterung ist die gleiche, aber nach der Interaktion mit der Öffentlichkeit ist es ganz anders. Wenn Sie singen Rock, das Publikum ist ein aktiver Teil des Konzerts ... können Sie singen und die gleichen Sänger das Publikum in den Chören und Chöre beteiligen können; auch, zwischen einem Stück und einem anderen, Sie können interagieren, präsentiert das Stück, erzählt eine kleine Geschichte oder Fragen zu stellen,. dafür, während der Ausführung einer Oper, Das Publikum hört aufmerksam in der Stille, nämlich, keine solche Interaktion mit dem Publikum aber ist etwas anderes, ... tiefere Interaktion mit dem Publikum ist durch die Emotionen, unsere Seele entblößt einen Charakter spielen. Und die Aufregung der Öffentlichkeit ist ein Spiegelbild jener Emotionen, die transmitir.Los Inspizienten sind zunehmend führende Rolle in einer Produktion erreicht wurden. Haben Sie schon einmal von anspruchsvollen Inspizient in einer kompromittierenden Position gesehen?Sagen wir, ich bin nicht immer ganz mit Regisseuren zustimmen, sondern auch, Ich muss sagen,, Ich habe das Glück, einen Kompromiss mit ihnen über die Auslegung zu finden, um die Lage sein,. Wenn es unangenehm Bühne Bewegungen, Ich bitte um eine Lösung am häufigsten zusammen gefunden. Vielleicht hat er die Dinge nicht akzeptieren, dass mein Lied stören könnte, aber manchmal habe ich andere weit entfernte akzeptierte Interpretationen meiner visión.¿Cómo lernte sie ihren Lehrer, Paola Elisabetta, und was es für seine Karriere bedeutet?Ich hörte von Paola in einer Zeit der Krise mit dem Lied im Jahr 2009 ... Ich wollte gehen ... dachte, dass er nicht in der Lage war und lyrischer Gesang war ein unerreichbarer Traum. im Januar 2010, Ich habe meine erste Lektion mit Paola, und sofort erkannte ich, dass ich gefunden hatte, schließlich, der richtige Master. Die ersten Jahre waren vor allem technische impostación, aber dann begann ich ihre Rollen vorbereitet. Es ist eine Beziehung, die im Laufe der Zeit entwickelt hat und gewachsen; Ich meine nicht,, jetzt nicht mehr betrachten technische, darf nie aufhören zu studieren, aber, offensichtlich, im Laufe der Jahre, Ich habe die Technik konsolidierte und ich kann mich auch im Repertoire zum Studium der Technik widmen. Paola war und ist ein wichtiger Referenzwert ... jeder Sänger sollte ein Bild von diesem Mann und ich fühle mich sehr afortunada.Tras sein Debüt als Elettra in dem Königlichen Theater, bevor am Teatro Massimo von Palermo zu singen Rückkehr, war ein großer Erfolg als Amelia (Simon Boccanegra) mit Placido Domingo und Francesco Meli an der Wiener Staatsoper, Ist es in einem goldenen Moment seiner Karriere? Welche anderen Rollen auf die Tagesordnung setzen und welche Rollen Sie möchten, dass in naher Zukunft debütieren?ja, die Wahrheit ist, dass ich einen schönen Moment meiner Karriere lebe, Frucht viel Studie, Geduld und eine gute Wahl. Und ich hoffe, dass es eine lange Zeit dauert, weil ich alles in meiner Macht setzen, um es zuletzt. Die nächsten großen Debüts wird Cosi fan tutte in Tokyo, und Rusalka in Amsterdam, im März und Juni 2020, beziehungsweise. Aber die Jahreszeit kommt, Es wird auch einige sehr schöne Projekte sein: Turandot an der Met im Oktober, el de Verdi Requiem mit dem Orchestra dell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia, Mikko Franck gerichtet, Bohème in Berlin im Dezember / Januar, und dann in London im Februar. Ich gravieren auch einige Arien von Beethoven in Klagenfurt und schließlich, im Sommer 2020, Ich werde beim Rossini Opera Festival debütieren ein Recital und Stabat Mater Gesang. und, auch, Es gibt noch andere spannende Debüts, mit el, la Scala…Nun, da erwähnt sein Debüt in der Rof, nur begeisterte Kritiken mit seiner letzten Aufnahme erhielt genau Rossini gewidmet: Petite Messe Solennelle. Sie haben auch die Stabat Mater gesungen, Was würden Sie die Eigenschaften der Rossiniano Sprache für Sopran in diesen beiden heiligen Werke sagen sind? Mögen Sie die Rossini sacrum?Rossini singen das sacrum ist, meiner Meinung nach, eine echte Herausforderung. tatsächlich, Ich habe beide Stabat mater Messe Solennelle als Petite gesungen, und obwohl sie nicht viele Male, selbst genug gewesen in der Liebe mit dieser Intensität des Schreibens von Rossini zu fallen , ihre Fähigkeit, Sprache zu verwenden, die uns Sänger eine wahre Virtuosität erfordert, und beinhaltet im Text vollständig eingetaucht, in der Bedeutung, vornehm und der Dialog mit anderen Solisten und Instrumenten. Ich singe Rossini komplett von der Musik verführt Ich höre, perfekt Unterstützung an die Sopranistin gewidmet Teile. Futter, beispielsweise, im „Crucifixus“ aus der Petite Messe Solennelle, im musikalischen Klima so ernst und reich an Pathos, die Bedeutung für den Text gibt und dass verführt mich und zog mich. Rossini sacrum, auch, Sie paßt gut zu meinem vocalism und meine Vorstellung von Schönheit ist eine Frau begangen musical.Usted, nicht nur mit seinem Beruf, auch sie Fehler, die wir wissen, existieren, aber auf das wir normalerweise nicht sehen. Bitte geben Sie uns über diese Fragen einige und überzeugen uns nicht nur sein espectadores.Sí, die „Schmetterlingskinder“, sagen, das klingt so süß, aber deren Erkrankung, bullosa epidermólosis, es ist schrecklich. Diese Kinder haben so empfindliche Haut, die erfordern, schmerzhafte tägliche Behandlungen. Sie sind mehr als jeder andere, um Infektionen ausgesetzt, und für sie, selbst die Liebkosungen der Mutter kann schmerzhaft und gefährlich sein. Alles begann, als ich „meinen ersten Schmetterling“ met, süß und sehr stark, ein Beispiel für uns alle. heute, Forschung bietet einige Gelegenheit mehr, aber wir sind noch lange nicht das ultimative Rezept gefunden zu haben bullösen epidermólosis noch zu bekämpfen. Ich versuche, diese schreckliche Krankheit zu machen, Alto Adige - immer mit Debra Verband Südtirol beteiligt. Ich möchte mich bei allen sensibilisieren mehr und mehr Mittel für die Forschung bestimmten sammeln, meine Stimme für die notwendige Sammlung von Geldern setzen.

Was tun Eleonora Buratto in der Regel Stunden vor dem Auftritt? Verfolgen Sie alle Ritual? Was fehlt nie in Ihrem Koffer?

Vor der Bühne nehmen, das einzige Ritual Ich folge ist die schwierigsten Passagen zu beten und wiederholen. In meinem Koffer, etwas, das nie fehlt, ist ein gutes Buch, und das Ergebnis der folgenden Produktions.


 

Capriccio, Strauss, ein Geschenk insperado am Königlichen Theater
CAPRICCIO
Richard Strauss (1865-1949)
Teatro Real in Madrid, 31 Mai 2019
Konversationsstück für Musik en un acto
Die Bilanz von Joseph Gregor, Richard Strauss y Clemens Krauss, basierend auf der ursprünglichen Idee von Stefan Zweig
in der Staatsoper in München Veröffentlicht am 28 Oktober 1942
Premiere am Königlichen Theater, in Koproduktion mit
Zürich Opernhaus
D. Musical: Asher Fisch
D. Szene: Christof Loy
scenographer: Raimund Orfeo Voigt
igurinista: Klaus Bruns
Illuminator: Franck Evin
Choreograf: Andreas Heise
Besetzung: Marlin Bystrom, Josef Wagner, Norman Reinhardt, André Schuen, Christof Fischesser, Theresa Kronthaler, John Graham-Hall-, Leonor Bonilla, Juan José de León, Torben Jungens, Emmanuel Faraldo, Pablo Garcia-Lopez, Tomeu Bibiloni, David Oller, Sebastian Perez, davil Sánches, Elizabeth Mcgorian und Julia Ibáñez
Titular Orchester des Teatro Real¿Quién, inmitten einer der schlimmsten Momente, die die Welt überquerte, Ich konnte stoppen und zu denken und komponieren eine aristokratische Verfeinerung als Capriccio? Richard Strauss und Stefan Zweig konnte eine intellektuelle Debatte über die Oper selbst entwickeln, die Art und Weise von Platons Dialogen. Und vielleicht haben sie, einfach, als evasión.Una Verfahren Opera auf der Oper. Dies war das Thema Richard Strauss Wahl für die letzten seine Kompositionen, die ewige Debatte darüber, ob vorherrschen Musik oder Text.
Die Geschichte hatte vor Jahren begonnen, wenn Sie beginnen, für einen neuen Librettisten Suche, nach dem Tod von Hugo von Hofmannsthal, in 1929, die bis dahin hatte er gewesen sein Haupt Mitarbeiter und Autor des Librettos von all seinen Kompositionen. In seiner nächsten Oper, Die schweigsame (Die schweigsame Frau), zusammengesetzt 1934, Es übernimmt den Text einer der wichtigsten Schriftsteller der Zeit, Österreichische Stefan Zweig. parallel, Tauchen im British Museum Bibliothek, Zweig ist das Drehbuch, das er Gionavanni Batista Castri Debüt für die Musik geschrieben hatte,, nach den Worten, der Komponist Antonio Salieri. Ein Strauss gefiel die Idee,, aber sie waren gezwungen, das Projekt auf die Probleme zu verschieben, dass die Premiere der stillen Frau verursacht hatte. Er hatte für den Rückzug der Librettist Namen Poster genannt, etwas, das Strauss verweigert. Es kam Marke, aber er zog sich nach ein paar Tage bilden hatte dann bereits in Deutschland Zweigs Bücher verboten. Der jüdische Zweig, wie er durch das NS-Regime war bekannt, er wurde ins Exil gezwungen, wie viele andere Intellektuelle aus 1933. Er ging von einem aufstrebenden Ausländer ist Jude in der brasilianischen Stadt Petrópolis wandernde, wo er Selbstmord begangen mit seiner Frau in 1942, aus Angst, dass die Welt von Zweigs initiierten desapareciera.El Skizze Libretto von Capriccio bekannt war, wurde wieder eingenommen, zuerst von Joseph Gregor, und dann von Strauss selbst und seinem Freund, der Dirigent Clemens Krauss. Es wäre dann Direktor des Capriccio bei der Premiere. Und seine Frau, Ucraniana-österreichische Sopranistin Viorica die Ursuleac, wäre die erste Gräfin Madeleine. Diesmal gibt es kein Problem bei der Premiere. Die Tatsache, dass Clemens Kraus war damals der mächtigste Mann in der deutschen Oper und persönlichen Freund von Goebbels, Er hat mir sehr geholfen. Auch half er selbst, trotz seiner guten Beziehungen mit dem Regime, die Flucht vieler jüdischen Künstler, vor allem in den Vereinigten Staaten.

Bei der Herstellung von Capriccio auch von Regisseur Hans Swarosky besucht, die unter einer der grundlegenden Elemente der Oper, ein Sonett von dem Französisch Dichter Pierre Ronsard sechzehnten Jahrhundert. Eine Liebeserklärung, die von Madeleine deklamiert wird, vor allem in der letzten Szene:

Ich müsste für andere Adern suchen
Meine sind so voll von Ihrer Liebe
Eine andere Liebe konnte es nicht ertragen

Im selben Jahr starb Zweig, 1942, Capriccio wurde an der Münchner Staatsoper uraufgeführt 28 Oktober. Jetzt ist das Königliche Theater, die Debüts, in Koproduktion mit dem Zürcher Opernhaus.

Wenn Strauss und Zweig begann über Capriccio denken, sie konnten nicht einig, ob es sich um eine Oper oder ein Theaterstück sein sollte. sicher, Oper ist mehr wie ein Spiel, das sein kann,. dass, wie in anderen Aspekten, Capriccio ist voll von Originalität und Besonderheiten.

Christof Loy, von dem Bühnenbildner Raimund Orfeo Voigt half, Er schuf eine helle Landschaft, volle Köstlichkeit, Leeren Flächenelemente und Referenzen zu füllen Tiefe dieses Dialog oper. Es ist ein Chorwerk, Es besteht aus allen an der Produktion beteiligten Zeichen, Direktor, Komponist, Textdichter, scenographer, Sänger… Es wird festgelegt, in dem mit Szenen gefüllt die Schauspieler / Sänger bewegen und ganz theatralisch interpretiert, ohne dramatische überschüssige konventionelle Oper. Was füllt die Entwicklung der Szenen des Realismus und Glaubwürdigkeit. Die Landschaft ist nichts beiläufig. Loy ist verantwortlich für alle Details zu leiten und es mit einer unglaublichen Präzision funktioniert. Die Szenen bewegen glatt und natürlich, als ob es wirklich geschieht. Mit sehr wenigen Elementen erschafft die alle Gründlichkeit, die die Partitur hält. Und das alles mit einem Feature immer vorhanden, Eleganz.

Asher Fisch Musikdirektor hat ein außergewöhnliches Ergebnis des Titular Orchestra del Teatro erreicht. Das anfängliche Streichsextett, ein Kammermusikstück, das die Originalität der Arbeit unterstreicht, zeigt die Solidität des Orchesters. Die Szene und die Boxengasse unisono Fluidität und Musikalität. Fisch bekommt die gleiche Intensität und Klangqualität entlang der mehr als zweistündige Darstellung, mit einer Punktzahl voller Schwierigkeiten und ständigen Veränderungen. Alle Saiten klang außergewöhnlich, aber, Zusätzlich Sextett, hervor horn Solist Ramón Cueves, vor allem in der Interpretation der Serenade für Horn und Orchester der letzten Szene.

Die beiden Liebhaber für die Liebe Madeleine vying wurden von André Schuen interpretiert, wie Olivier und Norman Reinhardt, als Flamand. Der italienische Bariton André Schuen und überraschte uns kürzlich im Lied im Teatro de la Zarzuela. Nachzubilden auch seine Rolle als Dichter mit perfekter Phrasierung und einer Stimme der schönen Timbre und großartigen Sounds und Tiefe. einwandfrei theatralisch, wie der Rest der Besetzung.

Norman Reinhardt spielte der Musiker Flamand. Seine Stimme Licht Tenor klang ein wenig manchmal gezwungen, aber er lernte Montage leben. Smart auch in seiner Bühnenperformance.

Josef Wagner spielte die Count, einer der Christof Loy Details des Barock, um ihn mit historischen Kostümen auf der Bühne erscheinen. Perfekte Leistung und dunklem Timbre schlagender, ideal für den Charakter.

Die schwedische Sopranistin Malin Byström gab Leben der Gräfin Madeleine. Und wirklich füllte sie das Leben. Seine elegante und aristokratische Haltung ist perfekt für den Charakter und seine Stimme, lyrischer Sopran, perfekt für Phrasierung gesungen seine zahlreichen Dialoge von einer mächtigen und notwendigen fiato unterstützt. Sein Gipfel, und die Arbeit, Es war seine glänzende Oberfläche, dass romantische und zarte Lied der Liebe Sonett von Pierre Ronsard. Er ahmte seinen Charakter absolut, das konnte nicht sein glaubwürdigere. Es war perfekt von ihrem Kind Repliken begleitet, Julia Ibáñez und fast alt, Elizabeth Mcgorian.

Interessant waren Interventionen auch Theresa Kronthaler, in der Rolle des Clairon. Mezzosopran, dass, zusätzlich zu seiner guten Leistung Stimme, Er demonstrierte seine Bühnenausbildung.

Leonor Bonilla und Juan José de León durchgeführt hervorragend zu leichten italienischen Sänger. Strauss Blinzeln perfekt italienische Oper in der Arbeit geschuppten.

Octet Szene Diener ist ein weiteres Element in dieser Oper markieren. Sowohl die barocken Kostüme, alle weiß, als Layout-Phase. Perfekte Figuren Klaus Bruns und Choreographie von Andreas Heise.
Zur Abrundung dieser sehr ausgewogene Verteilung, sowohl stimmlich, und die interpretative, Citar einen John Graham-Hall-, como Mr. Mole es Torben Jungens, Butler gemacht.

Das Teatro Real hat uns daran gewöhnt,, mindestens, eine Überraschung Saison. Niemand erwartet etwas Besonderes. dieses Mal, Man kann sagen, dass die Überraschung des zweihundertsten ist, The Real. Ein unerwartetes Geschenk, das rechtfertigt, allein, eine Saison.

Text: Paloma Sanz
Metaphorik: Javier del Real
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Fast aus der Welt der Zusammensetzung entfernt, Giuseppe Verdi genossen die Gesellschaft seiner Frau Giuseppina Strepponi im Schlaf Laugar, Sant'Agata. Es gibt einige Freunde kamen, unter anderem, die Boito. Arrigo Boito und Verdi hatte nicht sehr gute Beziehung so weit, Er wurde nach dem Erfolg von Otello, Boito Libretto erneut ein erfolgreiches, als sie begann eine Freundschaft, die in den letzten Jahren des Komponisten konsolidierte, sie teilten die Liebe zur Musik und literatura.Boito hat eine theatralische Skizze Verdi „Falstaff“ bekommen, Libretto basiert auf Shakespeares „Die lustigen Weiber von Windsor“ und „Henry IV“. Er wollte den Lehrer ermutigen, eine Komödie zu schreiben, ein Genre, das Verdi zurückgekehrt war fast 50 Jahre zu erkunden, tras el fracaso de „Ein Tag der Herrschaft“, sein erster Ausflug in der Komödie, die am Tag nach seiner Veröffentlichung wurde entfernt. Im Bewusstsein des Stachels, dass ihr Mann seitdem festsaß, Giuseppina versucht, entlang Boito, fördert die Lehrer in dem Abenteuer eine opera buffa des Komponierens. Und so kündigte er bei einem Abendessen mit dem Verlag Ricordi, der Lehrer wurde ein neues Stück zu schreiben ihre 77 Jahre alt. Am nächsten Tag, "Corriere della Sera", wenn hacia eco de la noticia, Es erzeugt große Aufregung unter seinen seguidores.Verdi konfrontiert so, mit seinem Freund und Librettisten, seine gelobt, ohne Druck, mit dem Frieden von denen, die nichts mehr beweisen muss,, ein Zeichen zu bauen, kam die Zusammensetzung empathize. "Der Bauchige", wie Verdi und Giuseppina Falstaff nannten, Es wurde Mitte abgeschlossen 1892 und es wurde im Teatro alla Scalla Mailand uraufgeführt auf 9 1893.Verdi Februar kamen alle Proben und hielt Indikationen Musiker und Sänger geben, etwas, das jeder überrascht, denn er war im Begriff zu drehen 80 Jahre alt. Die Premiere war ein voller Erfolg und Verdi mußte mehrmals begrüßen gehen. Aber Falstaff hatte auch einige Verwirrung bei einigen Fans des Komponisten erstellt. Seine Musik hatte nichts mit Werken bisher gemacht zu tun. Auch zog er von Otello weg, Ich war schon eine große musikalische Evolution. Nachdem Don Carlo, Verdi hatte große Anstrengungen unternommen, um die Kritik zu akzeptieren und darauf zu reagieren, dass er seine Gegner gemacht und jetzt Falstaff ging einen Schritt weiter. aber, an dieser Stelle, der Meister von Busseto war ein Charakter dedizierten, nicht nur in der Welt der Oper und Italien, Er wurde international bewunderte. So die Auszeichnungen zu diesem seinem letzten Werk, Sie waren höher als jene Peinlichkeiten.

Die wichtigste Neuerung in der Partitur von Falstaff liegt in ihrem Vokal- und Orchesterstil, und seine neue Art und Weise zu rezitieren. Verdi vollständig in dieser Arbeit das System Arien aufgegeben, erscheinen hier Leidenschaften und Dramen nicht so charakteristisch für seine Werke, durch diejenigen ary bravura repräsentiert. Sie scheinen nicht die cabaletas, concert duets und eine gefüllte Struktur Steifigkeiten. Der Komponist machte ein viel dynamischere System, wo das Wort ist von großer Bedeutung durch ein Skript voller Reichtum und kreativer Kraft. Es kann gesagt werden, dass eine Wendung ein helles, italienische Oper Theater Schaffung, mit einem komplexen Orchestersatz, mit Ensembles und Sets. Ein Hauptmerkmal, zwei Seiten und ein Satz von comprimarios, die mit höchster Genauigkeit auf der Bühne herauskommen. eine Komödie, wo das Tempo wesentlich ist und in dem alle Zeichen eine unersetzbare Stellung in dem Arbeitsgang haben wird so erstellt.

Der Regisseur Laurent Pelly, Es hat es geschafft, eine sehr genaue Lektüre des Theater Niveau dieser Opera buffa zu machen. Er hat zwei verschiedene Räume entworfen, eine Taverne, in der Falstaff lebt und bereitet die Intrigen mit seinen Kumpanen Bardolph und Pistol, und ein anderer Raum, elegant schmeichelnd Tangle, wo er lebt und bürgerlichen Teil des Deals arbeitet. Der große Erfolg von Laurent Pelly Landschaft und Barbara de Limburg ist seine Theatralik, faciliya dass Ein- und Ausgänge Szene, als ob es eine Pause, mit hervorragender Richtung der Akteure. Übermäßige Dunkelheit der Bühne wurde von Joël Adam geleitet.

Die musikalische Leitung des jungen Daniele Rustioni war sehr effektiv und gewissenhaft in ihrer Interpretation. vielleicht, um ein paar Jahre, Rustioni wagt mehr Absicht und Persönlichkeit in dieser Arbeit zu setzen. Die Begeisterung zeigte auf dem Podium nicht vom Orchester widerspiegelte. Alles sehr korrekt, aber mit wenig Funken.

Falstaff ist ein Chorwerk. Seine vielen Zeichen sollten als gute Sänger als Schauspieler sein, und die endgültige Besetzung, nach einigen Opfern, Es ist ein außergewöhnliches Niveau.

Roberto de Candia Nicola Alaimo ersetzt in der Rolle des Sir John Falstaff. Candia verteidigt seinen Charakter mit genügend Autorität, ein homogenes Klangfarbe und große Theaterkapazität. Seine Erfahrungen auf der Bühne und die Absicht, die Ihren Charakter verleiht, Sie füllten die leere Bühne in der er in jeder seiner Durchgänge war. Sein Falstaff hat die richtige Menge an Humor, ohne in Karikatur fallenden. Es ist ein Falstaff mit seiner kleinen Selbstgefälligkeit und Prahlerei, und es wird angenommen, dass gut aussehend sanft. Don Giovanni kam ein Leben es sei denn, seine Erinnerungen und die man nur einfühlen.

Simone Piazzola Ford hatte eine höhere Last histrionic. Sein Charakter ist nicht stimmlich einfach, aber Piazzola glatt löste die schwierigsten Passagen seiner jocular Ford.

Die Merry Wives of Windsor hatten es auf der Bühne nicht leicht. Pelly setzte sie Treppen alle nach oben und unten beim Singen. Eine Schwierigkeit seiner Interpretation hinzufügen. Rebecca Evans war Frau. Alice Ford gefüllt mit Humor und Anmut. Seine Emission ist sauber und direkt, war die prominenteste Gruppe stimmlich comadres.

Daniela Barcellona, como Quickly, Es war die eleganteste und anspruchsvoll, auch in der Firstlinie. Wir nehmen etwas weniger wunderbar, dass so ernst hat. Hergestellt sehr gute Übereinstimmung mit Roberto de Candia in Duetten teilen.

Die meisten unbemerkt auf der Bühne mit Frau Maite Beaumont. Meg Seite. Nicht so bei Ruth Iniesta und Nannetta, mit einem sauberen Stimme, frisch und voluminös, die den diffident Fenton Joel Prieto begleitet, es kostet das gute Niveau zu erholen er in der Zauberflöte dauert ein paar Saisons in diesem selben Theater zeigte.

Dr. Caius de Chritophe Mortagne war etwas grotesk, mit einer etwas gezwungen, seiner Komödie Sendung.

Mikeldi Atxalandabaso ist immer eine Garantie stimmlich und, vor allem, bei der Auslegung. Es ist ein wahres Chamäleon auf der Bühne. auf Bardolph, ein bisschen klebrig Nachbarschaft, Es war der größte Spaß Nacht. Valeriano zeigte den gleichen Handel Lanchas, Bardolph Streifzüge Partner und Falstaff. Mit einem Bass, der mit Macht in Resonanz und eine sehr gute Leistung.

Falstaff endet so meisterlich Ursprüngliche, mit einem Leck von allen Akteuren durchgeführt, einschließlich der Chor (nochmals, groß), während ein großer Spiegel reflektiert die Stände beim Hören „in der Welt Alles ist spöttisch“. In diesem Fall, wir haben nichts dagegen gehänselt.

Gidon Kremer

Religiöse Music Week in Cuenca bereits erreicht seine 58 Ausgabe. Mehr als genug für die Konsolidierung einer Festspielzeit. jedoch, weder Begeisterung noch die Umwelt kann ein paar Jahren atmen vor, Trotz der herausragenden Leistungen der einige der Künstler, die in dieser Ausgabe hier waren. Es ist der Fall der lettischen Geigerin, Gidon Kremer und der Kremerata Baltica. Sie haben Werke des Komponisten interpretiert Arvo Pärt, in diesem Jahr Geehrten und konnte aufgrund der schlechten Gesundheit teilnehmen hindert ihn daran, Reisen.

Arvo Pärt und Gidon Kremer haben einige Dinge gemeinsam. Beide wurden in Ländern geboren, die unter der Herrschaft der Sowjetunion, Estland und Lettland, beziehungsweise. Und beide ertragen die Strapazen des Sowjetregimes, wie so viele Kunstschaff.

Pärts frühen Arbeiten wurden von Komponisten wie Prokofjew beeinflusst, Schostakowitsch P. Bartel, und somit ganz in der Nähe Neoklassizismus. Später wurde er interessiert sich für dodecafonismo, folgende, diesmal, sein bewunderte Schönberg. Aber die Arbeit Pärt bekanntesten entspricht seinen späteren Jahren als Komponist. Nach einer tiefen persönlichen Krise, Pärt fühlte die Notwendigkeit, mehr traditionelle europäische Musik zurückzukehren. Er vertiefte sich in alte Musik und Gregorianik. Sein Stil wurde dann definiert. Es war völlig weg von jedem musikalischen Strom bisher erschaffen, aber er bekam seine Kompositionen wurden sehr populär gemacht. Sie verwalten zu Atmosphären zu schaffen, die vollständig erkennbar und eingerahmt in den tieferen und geistigen europäischen Wurzeln.

Am ersten Tag des SMR, Teil zwei Werke interpretiert. Die erste Frates (Brüder), Violine, Streichorchester und percussion, eine der Anpassung seiner Arbeit für seinen Freund Part Gidon Kremer getan. unter der technischen geschrieben, durch Selbstteil hergestellt, Tintinnabuli (eine Glocke), wo die Ressourcennutzung ist minimal, aber die Ergebnisse sind spektakulär Sound. Es wird durch die Verwendung von zwei Arten von Sprach gekennzeichnet, die erste und zweite Tonskala in diatonischen, schrittweise, was dem Spiel ein langsames Tempo, voller Spiritualität, die seine Werke fast alle charakterisiert. Eine Ruhe und Sammlung als vorzüglich nachbildet Kremer. Demonstrieren eine Beherrschung des Instruments, die selten, nein zu sagen, Sie haben die Möglichkeit, zu hören.

Die zweite der Werke, bekannt Tabula rasa, Es ist eine der ersten Kompositionen von Teil nach zu der eher traditionellen Musik Rückkehr.

Der erste Satz, Ludus (Spiel), Er begann mit dem Solo-Violinen-Duo gebildet von Kremer und Tatjana Grindenko führender Interpretation nachhaltig Schweigen der Partitur von Teil zu höheren Ebenen der Perfektion. Der zweite Satz, qualifiziert Schweigen, in dem ein canon die drei Abschnitte, in denen die Saiten geteilt, Sie entwickeln sich mit unterschiedlichen Rhythmen und erzeugen Tiefe und Textur, bis sie die Atmosphäre der Erinnerung erreichen, Ruhe und Stille, dass der Komponist wirft. Nur durch das präparierte Klavier-Akkord verändert.

Das letzte Werk bricht mit der sacrum Stil der beiden vorangegangenen und den Gesamtkontext des SMR. Symphonie Nr 2 für Streicher op 30, polnische Komponist Mieczyslaw Weinberg, Sie wurde von der Kremerata Baltica interpretiert. Unison klang nie so sauber String. Die Leistungsqualität dieses musikalischen ensemble, der Hand von Gidon Kremer, meisterlich vom Ermessen seines Genius gerichtet, Er würde die Öffentlichkeit mehr Wissen erfreuen und anspruchsvoll. Es ist aus diesem Grunde nicht verstanden, dass das Teatro Auditorio de Cuenca Hälfte rozase nur seine Kapazität. Eine Situation, die von denen, analysiert werden müssen verantwortlich. Ein Fest wie dieses, bereits etabliert, Sie können sie aber auf einer höheren Qualität der Dolmetscher während der Woche wetten sollte, und in einer Umgebung, Erbe der Menschheit als Cuenca, Es sollte eine stärkere institutionelle Unterstützung hat und beliebt.

Fotografie: Santiago Torralba / SMR

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Die Barberillo Lavapies im Teatro de la ZarzuelaEl Barberillo Lavapies ist eines der Spitzenwerke der spanischen Lyrik, nicht nur die Zarzuela. Seine Musik repräsentiert die wahre beliebte Wurzel von Madrid die meisten traditionellen und üblichen. Alfredo Sanzol sagt, „Es enthält die musikalische Kraft einer Ära“. Das Libretto von Luis Mariano de Larra ist überraschend aktuellen. Es hätte gestern geschrieben worden, Es zeigt, dass die Eigenschaften einer Gesellschaft wie der spanischen kennzeichnet, nicht ändern, unabhängig von dem historischen Moment. In dem Argument sie sind fast alle Funktionen des Madrid der Zeit reflektiert, das und das, als gallantry des Stössel und chulapos, die Fähigkeit, Geschmack für Intrigen zu erzeugen und alles zu kritisieren, vor allem an Behörden. Es spiegelt auch die ewigen Kampf und Klasse von zwei Liebespaare vertreten Unterschiede, ein Dorf, der Barbier Lamparilla und Paloma Näherin und andere von Don Luis de Haro gebildet aristokratischen und Marquesa del Bierzo.

Barbieri wollte die hispanische Musik und Barberillo war wie ein Manifest "ermächtigenfür unsere Musik ", und es zeigt, von den frühen Stadien, aunque mit einem Punkt Rossiniano. Lamparilla hat Ähnlichkeiten mit dem Barbier von Sevilla, politischer Rahmen, die Hauptfiguren, Chöre, majos, Jugendliche, Studenten, Wachen oder Näherinnen, Sie gehören zu den traditionsreichsten der Ära Madrid und seine Musik kommt aus den beliebtesten spanischen Wurzeln. Barbieri soll kompensieren, irgendwie, neue musikalische Strömungen aus dem übrigen Europa kommen inszeniert, vor allem, von Wagner.

Nach Lavapies Barberillo von Calixto Bieito in 1998, Alfredo Sanzol hat eine fast nicht vorhandene Landschaft aber mit einem sehr dramatischen Ergebnis erstellt. Auf einer dunklen Bühne, neutral und fast leer, Große Blöcke erscheinen, dass die Charaktere verantwortlich bewegten, resultierende Naturgebiete entlang Darstellung die Schaffung eines Treffers in einer Arbeit mit einem Rahmen so gewunden, Tänze und sogar Militärparaden. Mit dieser Landschaft macht ruht die Rolle mit den Protagonisten Paare und Musik. Ein solches tut ein Szenario nicht sauber herunterspielt Geschichte, aber die wirkliche Atmosphäre ruht fast ausschließlich auf die Kostüme Alejandro Andújar, sorgfältig gestaltete und historisch gelegen, wo es sein sollte, in Madrid von Carlos III.

Die musikalische Leitung war für Madrid José Miguel Pérez-Sierra, die er führte mit brio, das Beste aus der Gemeinschaft von Madrid Orchestra Extraktion auf der beliebtesten Nummern arbeiten, und Bereitstellung eines bestimmten Lyrismus diejenigen, die, als wäre es ein roter Faden, begleitete das Paar von der Gräfin und Don Luis gebildet.

Ein Hinweis auch das Handwerk und Geschicklichkeit eines Chor, Das Teatro de la Zarzuela, wie jeder, der die Melodien dieser Arbeit spielt, chispera mit all der Absicht der Menschen in Madrid.

Voice-Box war ein wenig unausgewogen, nicht weil es schlecht war, aber wenn der Abstand von Volumen und Interpretation Borja hat vielleicht seine Lamparilla. Seine lyrische Bariton Stimme füllte den Raum mit seiner lauten Stimme und angenehmem Timbre. Er spielte mit Gnade seines cleveren Charakter und er verstand perfekt die schnelle Phrasierung und einfach, Klärung und jeden Satz betont.

Sein Co-Star war Cristina Faus, in der Rolle von Paloma. Sie können nicht sagen, dass ich in der besten Vokal Moment bin, obwohl seine dunklen, gab lyrische Töne Charakter zu seinem Charakter. Seine Diktion war nicht sehr gut, schwer zu verstehen, was er sagte,, aber seine Interpretation war voller Absicht und Sinnlichkeit.

Die Sopranistin spielte Maria Miró die Marquesita mit einem schönen Timbre und erheblicher Agilität, Er gab den Charakter der Raffinesse, die eine Marquise erfordert, obwohl die Interpretation war eher fad und wenig überzeugend. Was es heißt, castiza, Es ist nicht, ein Muss in jedem Zarzuela und, vor allem, hierin.

Der Rest der Besetzung hat den Job mit Würde. Produktion und ein Werk, das macht so wenig ein sellout Publikum in all seinen Funktionen genießen.

Die Barberillo Lavapies
Francisco Asenjo Barbieri
Zarzuela in drei Akten
Teatro de la Zarzuela in Madrid, 3 April 2019
Libretto von Luis Mariano de Larra, und eine Anpassung von Alfredo Sanzol
D. Musical: José Miguel Pérez-Sierra
D. Text-Szene und Anpassung: Alfredo Sanzol
Bühnenbild und Kostüme: Alejandro Andújar
Beleuchtung: Pedro Yagüe
Choreographie: Antonio Ruz
Besetzung: vielleicht Borja, Cristina Faus, María Miró, Javier Tomé, David Sanchez, Abel Garcia, Paula Carmen Romero, José Ricardo Sánchez, Felipe Nieto
Autonome Gemeinschaft Madrid Orchestra
Coro Titular del Teatro de la Zarzuela
D. Chor: Antonio Fauro
Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real

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La Calisto, venecianaLA Aufbrausen CALISTO
Francesco Cavalli (1602-1676)
Dramma per musica in einem Prolog und drei Jahre
Libreto de Giovanni Faustini, basierend auf dem Buch II
Metamorphosen (8 Gleichstrom) Ovidio
San Apollinare in Venedig Theater uraufgeführt
28 November 1651
Premiere am Königlichen Theater
Bayerische Staatsproduktion München
Madrid 25 März, 2019
D. Musical: Ivor Bolton
D. Szene: David Alden
scenographer: Paul Steinberg
Kostümbildnerin: Buki Shiff
Illuminator: Pat Collins
Choreograf: Beate Vollack
Besetzung: Dominique Visse, Karina Gauvin, Monica Bacelli,
Luca Tittoto, Nikolay Borchev, Louise Alder, Tim Mead,
Guy de Mey, Ed Lyon, Andrea MastroniLa siebzehnten Jahrhundert Venedig ist ein geeigneter Ort für Divertimento, voller Leben, carnivalesque spöttischen. Immer vorsichtig Roma, die kamen, um die venezianischen Behörden exkommunizieren der Stadt eine Hütte von Sodomie zu betrachten. Es ist in diesem Zusammenhang, dass La Calisto geboren, Arbeit, die der große Dominator der venezianischen Oper, Francesco Cavalli. Mit großem dramatischen Sinn und Weisheit in die Libretti der Wahl, Ich wusste, wie in dieser Arbeit alle seine Artillerie setzen satirische Kritik hager Kleriker auszuüben, Roman Politiker und Künstler. Dies war seine besondere Art der Konten mit ellos.Cavalli arbeitete als Kapellmeister von San Marcos Einschwingzeit ohne seine wahre Leidenschaft zu vergessen, Zusammensetzung Opern. Er schrieb mehr als 40 von denen sie fast ein Drittel verloren. die 27 konserviert, Callisto ist die beliebteste, da es in den nächsten Jahren gerettet wurde 70 von Regisseur Raymond Leppard.Cavalli sollte auch bekannt als Monte oder Haendel werden, Teil des Standardrepertoire aller Beteiligten teatros.Esta italienischen Gesellschaft, deren Werke in den künstlerischen und musikalischen Ausdrucksformen durch eine klare Entwicklung reflektiert. Ist das erste Solo, Madrigale aufgegeben 5 Teile, Texte an Bedeutung gewinnen und sollen von einem Publikum zu verstehen, dass, zuerst, die Teilnahme an solchen Shows Eintritt zahlen. neue Instrumente, die die Arbeiten von einer kontinuierlichen Basis durchtränken sind leistungsstärker benötigt als herkömmlicher Laut. ein neues Instrument erscheint dann mit dem griechischen Mythologie Basis, chitarrone, Es beginnt in den frühen und venezianischen Opern zu hören.

La Calisto, als guter Vertreter der venezianischen Oper, Es besteht aus kurzen Szenen und eine Vielzahl von Charakteren und Plots, die mit großer Geläufigkeit auftreten.

Dieser Stil schafft zu vermitteln, effektiv und Dynamik, eine Geschichte mit Szenenübergänge und Baugruppen, die diese Werke haben einen besonderen Appell an ein neues Publikum macht, daran gewöhnt, schnelle Bewegungen von Fernsehen und Medien.
Regisseure haben immer einige Bedenken haben über barocke Werke Adressieren. Nicht einfach die langen Rezitative und Etatismus seiner Charaktere dramatisieren. Es mag der Grund sein, warum einige Direktoren in unmöglichen Positionen verstrickt sind und / oder surreal, Erstellen Landschaft nicht immer erfolgreich.

David Alden hat eine Art psychedelischer Parade erdacht geht durch eine große Gruppe von Zeichen paradieren, die für scenographer immer sehr attraktiv sind, Götter, Menschen und mythologische Tiere kommen in vollem Spaß Szenen von Sexualität und Geilheit. Alden hat reflektiert und durch satirische Zeichen, Cavalli Spott zu den römischen Behörden.

Aber die Landschaft ist auch mit szenischen entbehrlichen Gegenstände geladen, dass sie keinen Beitrag zum Drama machen und lenkt manchmal von den Szenen, die verstanden werden, nicht viel Verschönerung steril müssen.

Ivor Bolton legte dieses Mal vor zwei ausgezeichneten Barockensembles, einerseits, das Barockorchester von Sevilla, mit einigen seiner prominenten Mitgliedern, Sylvan James und Elisabeth Bataller, Geigen; Kepa Arteche y Elena Borderías, Violen; Mercedes Ruiz, Cello; Ventura Rico, Kontrabaß; Simone Nill y Katja Schönwitz, Blockflöten; Bork-Frithjof Smith y David Gebhard, cornetos und Philip Tarr war verantwortlich für Perkussion, die manchmal übertrieben und sogar ärgerlich war.

Auf der anderen Seite, und Monte Continuo Ensemble, eine Gruppe unter Leitung von Ivor Bolton Selbst, Spezialisierung auf Barockopern und Improvisation und für diese Gelegenheiten geschaffen. La Calisto beteiligt mit 4 Schlüssel durch die Bolton eigenen berührt, Luke Grün, Roderick Shaw y Bernard Robertson; Mark Lawson, Orgel; Fred Jacobs, Michael Freimuth y Joachim Held, der chitarrones, Instrumente im siebzehnten Jahrhundert wurde es kaum auf die Bühne vor einem Publikum sieht die Länge Ihrer Stange zu protestieren; Friederike Heumann, Lirona und Viola da gamba; Joy Smith, Cello (kontinuierlich) y Frank Coppieters, Kontrabaß (kontinuierlich).

Sie haben außerdem einige Blasinstrumente, als Naturtrompeten, von Mitgliedern des Titular del Teatro Real Orchestra Ricardo Garcia und Marcos García Vaquero ausgeführt, im Originalmanuskript von Cavalli und ein Teil der Aktualisierung dieser neuen kritischen Ausgabe, die durch Alvaro Torrente nicht enthalten, die es hat eine solide und wahre Grundlage des Textes, von dem es möglich war, die Durchführung dieser Arbeit von Neuzusammensetzung in einer Arbeit mit großer Fähigkeit, das Element der Improvisation einzuführen.

Bolton Richtung vor diesen Sätzen ist außergewöhnlich. Konfrontiert mit einem Ergebnis wie folgt aus, auf dem er in die Tiefe gearbeitet, Instrumentieren Passagen, zeigt sein großes Wissen und die Beherrschung des barocken Repertoires. Hat eine große Aufgabe der Verbindung zwischen den verschiedenen Bändern, die das absolute Gehör bekommen. Sein Erfolg in der Führung durch die stehenden Ovationen vor dem Beginn des zweiten Teils gezeigt.

Es sollte das Gleichgewicht des Vokalensembles anzumerken,. Bass Luca Tittoto, como Jupiter, Sie zeigte ihre Schauspielfähigkeiten, insbesondere als Diana verkleidet und das Falsett mit. Es erwies sich als ein sehr interessantes Zentralregister. Hergestellt guter Partner mit Mercury Nikola Borchev.

Calisto wurde gespielt von britischer Louise Alder. Ein schönes Timbre gut und potent projiziert war genug, um das Leben zu seinem Charakter zu geben,, etwas kitschig und das Simplon.

Der Endimione Tim Mead war voller Zärtlichkeit in dem interpretierenden Teil, Er gab die öffentliche Zeit voller Lyrik und Geschmack in Singen. Er machte sehr gutes Theater und Gesangspartner mit Diana Monica Bacelli, die er demonstrierte seine Beherrschung des Barock.

Kein Zweifel, der Gewinner der Nacht war Dominique Visse. Dieser Schüler von Alfred Deller ist ein Experte auf seinem Seil und Altus Repertoire. Seine Stimme ist nicht das gleiche wie wenn gegründet 78 el Ensemble Clément Janequi, aber seine Schauspiel Fähigkeit macht jede stimmliche Schwierigkeiten und Freuden, die Öffentlichkeit.

Der Rest der Besetzung war hoch, warum hat es nicht leichter von ihren Plattformen, wie im Fall von Ed Lyon, Interpretieren Pane.

Eine interessante Produktion, die wir optimistisch zu denken sein kann, dass es ein Defizit von Barock arbeitet in unserem Theater. Hoffentlich setzt ein Zeichen und eine gute öffentliche Akzeptanz berücksichtigt wird.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
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Idomeneo, König von Kreta
Idomeneo, König von Kreta
Wolfgang Amadeus Mozart
ernste Oper in drei Akten, K. 36
Teatro Real, 20 Februar 2019
Libreto de Giovanni Battista Varesco, basierend auf der Arbeit Idoménée (1712) Antoine Danchet, durch das gleichnamige Theaterstück inspiriert (1705) Prosper Crébillon
von Mozart für die Premiere im Palace Bewertung Version
Auersperg in Wien 10 März 1786
Neue Produktion von Teatro Real, in Co-Produktion mit
die Canadian Opera Company in Toronto und Teatro dell'Opera di Roma
D. Musical: Ivor Bolton
D. Szene: Robert Carsen
Szenografen: Robert Carsen und Luis F. Carvalho
Kostümbildnerin: Luis F. Carvalho
Beleuchter: Robert Carsen y Peter Praet
Direktor Bewegung: Marco Berriel
Video Designer: Will Duke
D. Chor: ANDRES Máspero
Besetzung: Jeremy Ovenden, Anicio Zorzi Giustiniani, Sabina Puertolas,
Pleiades Sabirova, Krystian Adam, Oliver Johnston, Alexander Tsymbalyuk
Chor und Orchester des Teatro RealLas Schlagzeilen Kriege zwischen Griechen und Trojanern, Jolyoy von Prosper beschrieben in der Crébillon 1705, Antoine inspiriert Idoménée Danchet, in dem das Libretto von Giovanni Battista basiert Varesco. In den Werken von Mozart sind die Nachfahren der Protagonisten der Ilias sie konfrontiert, aber dieses Mal nicht mit der Zerstörung Trojas Ende, Diese mozartiano Idomeneo mit der Versöhnung der Völker durch die Ehe der trojanische Ilia und Idomeneo Idamante.La griechischen Zusammensetzung gelöst, Re di Creta ist ein großer kreativer Sprung. Mozart wurde bei der Entwicklung des Skripts vollständig beteiligt, die brachte ihm nicht wenige Streitigkeiten mit Varesco. Ich wollte das Drama eine wichtige Rolle hatte und überzeugendste posible.Su Einfluss auf das Skript ihn dazu brachte, mehrere Versionen zu entwickeln,. Unter den ersten,, an den Münchneren Resodenztheater uraufgeführt 29 Januar 1781, und die zweite, später in Wien 5 Jahren uraufgeführt, Mozart machte zahlreiche Änderungen bis kurz vor estreno.Aunque Chöre und Märsche folgen die Französisch-Stil Tragédie lyrique, Mozart, mit seinem Engagement die Arbeit und sich der Rückgang des italienischen Barock-Theater Gericht ständig aktualisieren, beschließen, die lange Trocken Rezitative zu verkürzen, daß aufgehellt mit musikalischen Begleitungen, Er entwickelte eine breitere Gesangslinie, Italienische Sänger verwendet, um ein viel reicheren und Orchesterinstrumente und Timbres. Alle diese Elemente gab die Partitur viel mehr Tiefe und frescura.Mozart hatte in München mit dem berühmten Tenor Virtuose Anton Raaff, für seine Koloraturen bekannt, für die komponierte er zwei Arien vokale Pyrotechnik geladen. Diese Arien verschwand in der Wiener Fassung, Wir wissen nicht, ob da der Sänger diesmal nicht so hell war. Eine weitere wichtige Änderung war der Ersatz, die Rolle des Idamante, zunächst wird sie für Altus und Tenor geschrieben wurde.

Mozart hätte gern seine Idomeneo in Wien lösen, statt in München, aber das Gewicht von Gluck zu dieser Zeit war zu wichtig,. Wien wurde erstmals Iphigenie auf Tauris vertreten und dann Alceste, Verhindern, dass die Werke von Gluck und ein ergebenen jungen zugleich geplant werden 25 noch unbekannt Jahre, als Mozart.

Die Version vom Teatro Real angeboten wird durch die Bewertung Wien inspiriert. Neben den beiden langen Arien Arbace, wie es tat Mozart. Es spielt in Co-Produktion mit Toronto Theater, Rom und Kopenhagen. Das Set-Design wird von Robert Carsen getan und, wie in es üblich,, die Bühne ist klar,. Ein Strand und Meer sind die einzigen Punkte, in denen einige Griechen und Trojaner aktualisiert, Gewinner und Verlierer, Militär und Flüchtlinge erscheinen als die zeigen, dass die Tragödie bleibt aktuell.

Ein Meer von Orange Westen und Projektion einer Stadt zerstört, vervollständigen die Szene. Ein Pazifist Plädoyer etwas gezwungen und, von abgedroschen, es ist ermüdend und es mangelt an Originalität.

Was sie tut, sehr gut Carsen ist es, die Massen zu verwalten auf der Bühne stehen. über 60 Chormitglieder und ein 100 figurantes füllte die Bühne perfekt synchronisiert. Reservieren landschaftlich absolute Privatsphäre für die Sterne, insbesondere Idomeneo Duette mit Idamante, oder Arien von Elettra.

Eine dunkle Landschaft, das unterstreicht die dezente Beleuchtung Carsen und Peter van Praet, Sie projizieren den Schatten eines riesigen Idomeneo behaftet. Beleuchtung voller Details und Informationen, die die offenen Räume verstärkt und hilft mehr Atmosphären schaffen vorbehalten.

Außerordentliche ist die Arbeit vor dem Titular Orchester des Königlichen Theaters führt seinen Direktor Ivor Bolton. Die Einbeziehung einiger Vintage-Instrumenten, als gestopften Hörnern, erdacht von Leopold Mozart, oder Holz Spannuten, Von einem wirklich Sound mozartiano. Bolton nimmt eine Lesung voller Details und Raffinesse, mit seinem eigentümlichen und mit Begeisterung lenken, während begleitet den Schlüssel, Es macht die Musik über die anderen Elemente der Produktion, wie es nicht anders sein könnte,.

Eine andere Protagonisten dieser Darstellungen Highlight, Es ist der Chor. In zunehmendem Maße inspiriert, beide Gesang, und interpretierende. dieser Chor, Hand des Regisseurs Andrés Máspero, Es scheint grenzenlos. Keine Punktzahl oder Landschaft können sie widerstehen. hell!

Idomeneo, Charakter erfordert eine gewisse Agilität und Raffinesse, Sie wurde gespielt von Jeremy Ovenden. Seine Stimme ist zu hell für einen König. Seine geringe Größe zeigte in der Menge Arien, in dem er kaum hören.

Elettra ha sido Interpreter por Pleiades Sabirova. präziser Charakter eines dramatischen Sopran Agilität. kräftig, für jene Momente di forza, in für die Liebe zu Idamante kämpfen. Die Sopranistin usbekische, die die meisten wurden von der Öffentlichkeit applaudieren, er schaffte es, seine Charakterstärke und Lyrik zu geben, mit einem hohen Volumen der Stimme und dramatischer Intensität.
Ilia Charakter wurde von der spanischen Sopranistin Sabina Puértolas gespielt. Die größte Schwierigkeit in dieser Rolle, für Sopran als Puértolas, Es ist in seiner Koloratur. Er kannte den Charakter Adresse mit Mut und mit dieser frischen und eleganten Gesangslinie, von denen immer Gala macht. Seine Stimme wird immer größer, gewinnt Körper und Klang. fehlte nur ein wenig Volumen.

Die Rolle des Idamante, Mozart ursprünglich für Kastraten komponiert, Wiener Fassung und modifiziert es wurde Tenor. El Real wurde ganz diskret von dem italienischen Zorzi Giustiniani Anicio interpretiert. Es hat einen schönen Klang, aber voller seltsame Geräusche und, wie der Rest der Besetzung, dass, wenn dies ausgeglichen, das Volumen ist sehr gering.

Eine gute Lektüre von mozartischen Indomeno, musiclamente sprechen, was es ist wichtig,.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real

Rheingold 2

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Rheingold 7

Das Rheingold, Richard Wagner, Tetralogie kommt bei Rheingold Theater RealEl (Das Rheingold)
Prolog in vier Szenen szenische Der Ring des Nibelungen Festival
Musik und Libretto von Richard Wagner (1813-1883)
Veröffentlicht im Königlichen Hof- und Nationaltheater de Múnich, die 22 September 1869
Uraufgeführt am Teatro Real 2 März 1910
Oper Köln Produktion
D. Musical: Pablo Heras-Casado
Konzeption: Robert Carsen, Patrick Kinmonth
D. Szene: Robert Carsen
Bühnen- und Kostümbildner: Patrick Kinmonth
Illuminator: Manfred Voss
Besetzung: Greer Grimsley, Raimund Nolte, David Hintern Philip, Joseph Kaiser,
Ain Anger, Alexander Tsymbalyuk, Samuel One, Mikeldi Atxalandabaso, Sarah Connolly, Sophie Bevan, Ronnita Miller, Isabella Gaudi, María Miró, Claudia Huckle
Titular Orchester des Teatro RealWagner war als politischer Revolutionär gescheitert, aber er war bereit, erfolgreicher zu sein revolutioniert die Kunst ". Chris Walton beschreibt im Programmheft einen Wagner schon in den epischen nordischen Mythen suchen, die gefunden wurden, nicht vorgeschlagen in dem angeblichen revolutionären episch Uprising Mai Dresde.Se dann viel von den Konventionen zu beenden Opera eine neue Form von musikalischen Drama Aufbau. Er beseitigte allem Drum und Dran vocal lucimiento, Die Trennung zwischen Arien und Recitativen, wie man schreibt Skripte, schließlich, Er verzichtet mit allen Elementen, Ihrer Meinung nach, nicht bedient das Drama zu vertiefen.

Er begann mit dem Bau einer Form der musikalischen Sprache viel komplexer. Mit einem Orchester von Dimensionen bisher unbekannt. Aber es war nicht nur die Lautstärke zu erhöhen,, Wagner war auf der Suche nach neuen Farben und musikalischen Texturen, in denen seine dramatische Rede unterstützen. Er schuf neue Instrumente, als snorkels Wagnerist, deren neuer Timbre wurde ein Markenzeichen seiner Opern. Alles im Sinne des Aufbaus ihres Projekts „Gesamtkunst“ und dem Orchester führen zu Entwicklungen, die stattgefunden haben.

Der Wagner von der Zeit war nicht nur daran interessiert, einige der sozialen und revolutionären Bewegungen der Zeit. Natur und Verschlechterung war bereits ein Problem für die deutschen Komponisten und Wasser, seine inspirierendsten Element. Es wurde zu häufig seine Besuche in Thermen bekannt, ihre zahlreichen Beschwerden zu lindern. Und es war unter diesem Einfluss von Wasser, als seine größte Schaffenskraft entwickeln.

Das Königliche Theater beginnt mit Das Rheingold Tetralogie der Ring für vier aufeinander folgende Jahreszeiten inszeniert. Wagner führte diese Arbeit, casi herkulische, während 25 Jahre alt. Die Ergebnisse waren 16 Stunden Musik, die mit dieser Ouvertüre beginnen präsentieren einen von der Gier nach Macht Natur zerstört.

Robert Carsen Produktion und betont Patrick Kinmonth, genau, diese Art Abbau. Ich kann nicht sagen, dass die Landschaft von Carsen mir gefallen, Ganz im Gegenteil:, aber die Bar war sehr hoch, nachdem seine Dialoge von Karmeliten (2006), Katja Kabanowa seine unvergessliche (2008), auch Salome (2010). Nur der Anfang der Arbeit, in denen sie erscheinen Figuren, die Plastikflaschen zu Rin unter den Auswirkungen des Dunstes werfen und dann entdecken, dass als Müllhalde, Sie machen die von Carsen gestellt Rede glaubwürdig. Wir sind zu sehen Wagners Opern mit gigantischen Szenografie verwendet, große aparatajes und Effekte, die aufholen Lautstärke versuchen. dieses Mal, Carsen und Kinmonth wollte nicht die Sätze die Protagonisten der Produktion waren und das Gewicht des Dramas in den Zeichen setzen und den Fluss. Die Landschaft ist in einem absoluten Pessimismus über die Zerstörung der Natur verstrickt. Ein Fluss verunreinigt und am Boden zerstört durch menschliches Handeln ist das wichtigste Element dieser Arbeit Stress.

Die anderen Szenen bestehen aus Blöcken von Gebäuden im Bau und Kräne, die nicht zu viel Handlung Informationen hinzufügen und einige wenig nachvollziehbare Elemente, Schnee, der am Ende oder den Golfclub fällt ersetzt den Hammer Donner. Eine sehr gute Beleuchtung Manfred Voss vervollständigen diese strenge und kalte Szenografie, jedoch, Es hat eine außergewöhnliche Qualität, Es ermöglicht das Hauptaugenmerk auf den Protagonisten fällt, das Orchester und die Partitur.

Es ist das erste Mal, dass Pablo Heras-Casado der Ring-Tetralogie Gesichter und hat sich als eine außergewöhnliche Überraschung sein. Es dauert einige Sekunden, die Selbstbeobachtung von der Bank, mit geschlossenen Augen, bevor sie in die ersten Akkorde starten, in etwas mehr als 4 Minuten Vorschuss, was eine der größten Revolutionen der Musik sein, eine neue Konzeption des Orchesters und Zusammensetzung.

Eine riesige Grube, zu denen es wird Raum der ersten beiden Zeilen hinzugefügt und das ist, wo wirklich die Show. gebildet durch 110 Lehrer, eine Gruppe von Zeichenketten 21 ich Violinen, 20 II, 17 Violen, 15 Celli und 8 Kontra Dividieren, Wende, in Untergruppen diese Effekte von Abstand und Tiefe und polyphonen Klang zu erzielen, das einen Sound voller Raffinesse schaffen. 5 von 6 Harfen von Wagner und eine Reihe von Metallen erforderlich fast konstruieren, selbst, die dramatische Rede.

Die Adresse Heras-Casado ist sehr effizient. Gute Verbindung mit dem Orchester Note, Produkt einer tiefen Arbeit. Immer aufmerksam auf jedes Element der Grube und die Bühne. Vielleicht fehlte Macht und Effekthascherei zu Zeiten, wie das Crescendo der Ouvertüre oder der Eintritt der Götter in Walhalla, aber ihre Begeisterung in Richtung angeboten führt zu einem homogenen festen Klang, was es ist keine Kleinigkeit auf die Herausforderung dieser Arbeit. Mit diesem Anfang tetralogy, der nächste Zyklus Titel mehr als interessant wagen.

Wie für die Stimme das Ergebnis werfen uneinheitlich. Die Besten der Nacht gewesen ist, deutlich, der Alberich von Samuel Youn. Ein sehr gutes Volumen und schöner Ton für eine hervorragende Interpretation der elenden und kleiner Zwerg Nibelungen. Hoffentlich Position noch in der nächsten Ausgabe des Rings.

Greer Grimsley hat ein Wotan etwas enttäuschend gespielt. Es schien einen kleinen und inkonsistent Charakter inmitten Landschaft, die nackt. ihre Garderobe, zweiter Offizier, Es half nicht viel. Der Charakter fehlte in Anwesenheit und Stimme, mit evident Vibrato, Er war nicht das Unternehmen, dass der Charakter erfordert, vor allem in den höheren Noten.

Sarah Connolly große Bühnenpräsenz gab ihr Fricka, aber ich muss zugeben, dass ich viel mehr erwartet von ihm stimmlich, Es war nicht umsonst einer der wichtigsten Namen des Darstellers. Wagner vielleicht nicht die am besten geeignete Repertoire Qualitäten sein.

Sehr gut auch Riesen Ain Anger und Alexander Tsymbalyuk, Sie füllten die Bühne mit ihrer Stimme und Präsenz.

Sophie Bevan Solvenz Büro mit seinem Charakter Freia, einer der restless auf der Bühne. sehr gut, und so ausgezeichnet er die Öffentlichkeit, die Erda von Ronnita Miller.

Auch hervorragend drei Töchter Isabella Rhein Gaudí, María Miró, schöne Sopranstimme, und Claudia Huckle, für den Anlass wurden als Bettler verkleidet.

Joseph Kaiser hat eine ziemlich kleine Stimme, aber genug für Feuergott Loge. A Wagnerian Tenor Glocke, wenn auch nicht Volumen.

Eine der besten Leistungen der Nacht war der Mime von Mikeldi Atxalandabaso. Er debütierte auf den Charakter und brillierte, sowohl stimmlich, und die Interpretation.

Vier Jahre scheinen zu lange, um zu sehen füllen Sie diesen Tetralogie Ring. Hoffentlich lohnt sich und das nächste Mal können wir in einer Saison sehen.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

Adrianne Pieczonka

Schubert schreiben Winterreise (Winterreise) Es ist sehr weit fortgeschritten und Syphilis, die kurze Zeit später zu seinem Tod führte. Einsam und ohne jeden Erfolg in seiner Karriere gehabt zu haben, Schubert Muscheln entlang 24 Lieder zwei grundlegende Themen in den Gedichten Wilhem Muller, Einsamkeit und die Straße. Und es spielt Übertragung, Abreißen Weg, sein eigener innerer Winter, voller Melancholie, Einsamkeit und Angst vor dem Tod, die ihn lauerte.

Winterreise war ursprünglich für Tenor geschrieben, gut bekannte Schubert. Aber die Baritonstimme, die am häufigsten dieses Repertoire-Adressen, vielleicht, weil Melancholie beschreibt genauer. Aber dieses Mal, die Liedzyklus von Teatro de la Zarzuela und der National Music Center Sie haben uns mit der Stimme überrascht Adrianne Pieczonka. Eine Entdeckung Anhörung der tiefste romantische Ausdruck Hand diese kanadische Sopranistin, und erlebt auf der Bühne. Vielleicht ist dank dieser lebenswichtigen und beruflichen Erfahrung die Fähigkeit, so viele verschiedene Emotionen zu vermitteln, die in dieser Arbeit enthalten sind, fällig.. Pieczonka wurde bringen, störender Weise, jedes Mal, wenn Schubert beschreibt, durch seine Musik, die Ankunft des Endes der Straße. Helle, glasiert Stimme, wenn die Aufwärtsdynamik erfordern, como en Frühlingstraum (Frühlingstraum), oder in der Lage Atmosphären zu schaffen, voller Melancholie oder Zärtlichkeit, como en Der Lindenbaum (Linde) o Der Leiermann (Der Leierkasten).

Sie wurde auf dem Klavier begleitet von Wolfram Rieger, die erzielte, mit einwandfreier Technik und Eleganz, Pieczonka die perfekte Art und Weise die romantische Melancholie von Schubert beschrieben zu reisen. Sein Wissen über lieder Repertoire ist einwandfrei, als seine Beherrschung des Instruments. Sie bildeten ein perfektes Tandem in Koordination und Ausdruckskraft, die das Publikum verlassen glücklich und zufrieden.

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Turandor, Giacomo Puccini Look und Schatten (1858-1924) lyrisches Drama in drei Akten Libretto von Giuseppe Adami und Renato Simoni, basierend auf der gleichnamigen Fabel Carlo Gozzi D. Musical: Nicola Luisotti D. Szene und Beleuchtung: Robert Wilson Figurinista: Jacques Reynaud Make-up und Haar: Manu Halligan Videocreador: Tom Jeziorski Dramaturgo: José Enrique D Macián. Chor: Andres Maspero D. Kinderchor: Ana González Besetzung: Oksana Tauchen, Raul Gimenez, Giorgi Kirof, Roberto Aronica, Schauen Sie Urbieta-Vega, Joan Martin Royo, Stephen Vincent, Juan Antonio Sanabria, Gerardo Bullón Chor und Orchester des Teatro Real Halter November 1924, Puccini zieht nach Brüssel, Dr. Ledoux ist der einzige, der erfolgreich mit Rachen-Krebs umgehen können, die diagnostiziert wurde. Es trägt Teil der Partitur von Turandot, Ziel ist es, das letzte Duett und bei seiner Rückkehr zu beenden zu beenden, was seine letzte Oper wäre. Der Tod ist in der überrascht 29 November und Pläne und das Ende der Turandot bleiben unvollendet. Turandot ist eine Oper, die nicht die gleichen Koordinaten der Werke bisher von Puccini geschrieben folgt. Es enthält zu viele Unbekannte, Teil seines unvollendeten letzten Duetts. einige dieser Fragen zu beantworten, Wir müssen zurückgehen ein 15 Jahre zurück… in 1909, Doria Manfredi ist ein junges 24 Jahre zu Hause Puccini Arbeits. Elvira, Lehrerin, Doria beschuldigt versucht zu haben, ihren Mann zu verführen und sagt haberles zusammen entdeckt. Klatsch und Schande der Familie Selbstmord junge Doria führen. nach 5 Tage des Leidens und der unerträglichen Schmerzen, die ihm das Gift gegeben hatte er genommen hatte, Doria Manfredi stirbt. Der Bericht zeigt, dass der Tod hatte Doria eine Jungfrau gestorben. Es wird gezeigt, dass die Anschuldigungen falsch waren Elvira, auch während der polizeilichen Ermittlungen wegen Anstiftung zum Selbstmord, verhaftet werden. Aber Puccini eine große Summe Geld für die Familie Manfredi zahlen und Beschuldigungen gehen nicht über. während der 15 folgende Jahre, Puccini leidet an dieser Veranstaltung stormily, wie sie sich in vielen seiner Briefe, in denen er nicht den Tod dieses unschuldigen zu ertragen behauptet. Wenn Puccini das Ausmaß seiner Krankheit weiß, ist, wenn man das Schicksal von Liu entscheiden sich ändern. Die letzten Verse des Kalaf und Timur Zusammenhang mit dem Selbstmord von Liu, Sie sind die Rechtfertigung des Komponisten, Entschuldigt die Welt in seinem Namen zu werfen und auf seine Frau für den Selbstmord, der sich schuldig fühlt. Dies war eine öffentliche Entschuldigung für ein Ereignis, das das Leben von Puccini markiert und klagte kurz vor seinem Tod. die 25 April 1926 Turandot Premieren am Teatro alla Scalla Mailand mit dem endgültigen geschrieben von Franco Alfano, Puccini nach den Anweisungen verlassen hatte geschrieben. 20 Jahre nach seiner Premiere, gibt die fantastische Geschichte von Turandot am Teatro Real. Robert Wilson ist verantwortlich für Dressing, oder, diese Geschichte und Füllung, oder, Magie und Fantasie Element. Robert Wilson sagt, dass, wenn Sie eine Bühne schaffen Sie sich fragen, was Sie nicht tun sollten, für, genau, tun. Er ist der Ansicht, dass der Korpus der Arbeit eines Künstlers ist immer gleich, und dies muss im Laufe seiner Karriere erkannt werden. Und Wilsons Arbeit ist immer perfekt erkennbar. In einigen Produktionen mit mehr Erfolg als andere, aber ist immer Bob Wilson. Dies hat Turandot wird mehr oder weniger leer, escenográficamente sprechen, Naked szenische Elemente, sondern mit seiner unverwechselbaren und exquisiten Beleuchtung Halt, manchmal fast ausschließlich, Bühne Drama. Ein weiteres wichtiges Element ist Wilson Landschaft keine Bewegung. Auch die Charaktere sehen oder berühren jederzeit und einfach nehmen kleine Schritte und mechanische. Verlassen Waise von Leidenschaft und Romantik einiger Schlüsselszenen, als Selbstmord Liu, Es vergeht fast unbemerkt. Aber all diese Abwesenheiten produzieren auch andere Empfindungen. Statism der Charaktere auf dem außergewöhnliche Licht Wilson, eine wahrhaft magische Atmosphäre schaffen, voller Schatten, die scheinen gezogen und ziehen Sie in die Geschichte durch die volle Aufmerksamkeit Projizieren auf Musik. Figuren entworfen von Jacques Reynaud bereitgestellt, das Fehlen der Expression in den Charakteren, Dramaturgie und Theatralik der Arbeit. Das Gesamtergebnis ist eine extreme Raffinesse, beide Charaktere, als Kulisse, erlaubt, wie er will Wilson, Sie haben große Räume, offenbar leer, für den Betrachter ihre eigene Geschichte neu zu erstellen. Nicola Luisotti erhält hervorragende Leistung des Orchesters und Chores, die es spielt eine wichtige Rolle in dieser Arbeit und Übungen mit großem Erfolg. Luisotti extrahiert aus dem gesamten Orchesterpartitur Reichtum und verwaltet die orientalische Exotik von Puccini vorgestellt neu. Ihre Adresse, immer elegant, Es ist voll von Details und bunt, insbesondere bei der Behandlung von Seilen. Musik füllt die Räume, die Witwern die malerische Drama erscheinen und setzt die Stimmung des Komponisten in der Partitur spiegelt. Prinzessin Turandot ukrainische Oksana Dyka ist ziemlich gritona, mit Strapsen scharfer Stimme und eine Farbe etwas gelblich. Großvolumige von Sprach, als Zeichen erforderlich ist, um nicht vom Orchester verschluckt werden. Verwaltet, um die hieratic Haltung und voller Grausamkeit des Protagonisten zu vermitteln, obwohl sie nicht ein Haar bewegen. Die Calaf Roberto Aronica war würdig, kurzerhand. Er war auch ein bisschen laut und unfein und Romantik. Er hatte zwischen Volumen oder im Schatten zu wählen und entschied sich für die erste. er hat favorisieren nicht weder Dirigismus noch seinen Charakter Garderobe. Giorgi Kirof Timur bot eine etwas locker und dumpf. Etwas besser war der Kaiser Altoum Raul Gimenez, das war in seinem Charakter glaubwürdig und nicht das Verdienst zu verachten singen 10 Meter hoch. Die meisten Beifall des Abends war die Sopranistin donostiarra Miren Urbieta-Vega als Liu. Er füllte seinen Charakter mit einer Leidenschaft und Gefühl starke Stimme, gute Phrasierung und reichlich fiato. Schade auch ihre Garderobe ihm favorisierte. Minister Ping Pang und Pong, seinen Charakter und fast grotesk bufo gegeben, bewegen sich die einzigen Zeichen über die Bühne und fast zwanghaft übertriebenen, Wenn man bedenkt, dass der Rest nicht bewegen oder Augenbrauen. Nun interpretiert stimmlich und, vor allem, im Theater von Joan Martin Royo, Vicenc Esteve und Juan Antonio Sanabria. Text: Paloma Sanz Fotos: Javier del Real Videos: Teatro Real
Maria del Pilar

die Teatro de la Zarzuela weiterhin die spanischen Lyrik Genre Titel, die aus verschiedenen Gründen Rettung vergessen hatten. Einige dieser Werke, als Maria del Pilar, Lehrer Gerónimo Giménez, Er erklärte nicht, dass sie in der Ächtung so lange gelebt haben. Die Premiere am Teatro Circo Price in Madrid 1902 und, seitdem, nie wieder wusste. Es scheint, dass einer der Gründe für diese Abwesenheiten in einigen Skripten liegt, die sehr veraltet sind. Die von Maria del Pilar, von Francisco Flores und Gabriel Briones, Es stellt einen casposa ländliches Spanien und mit vielen Schwierigkeiten für Theateraufführung. Aber das Teatro de la Zarzuela hat eine gute Lösung für dieses Problem gefunden, wie sie sich mit „The Tempest“.

In der Konzertversion von denen zwei Veranstaltungen geplant, Es wurde korrekt durch einen aktualisierten Text gesprochen Erzählung ersetzt durch Maria Velasco. Die Geschichte war für eine Mario Gas temperiert, deren gute Arbeit wurde erneut unter Beweis gestellt.

Die Partitur Jimenez überrascht durch seine Qualität. die Einflüsse seiner bewunderten Wagner oder Verdi bemerken in ihrem Moment wahren Verismo. das Orchester, für den Anlass verstärkt, Es klang wie die Ouvertüre seitdem, Es ist die intensivsten Passagen die beiden Arien von Tenor und Bass oder Duo der beiden Soprane im zweiten Akt.

Adresse Oliver Diaz, Ersetzen der Maestro Jesús López Cobos, wem wurde die Vertretung, Er war voller Intensität und bunt. Es gerichtet mit geeigneten Puls fest und alle Passagen des Werkes, gibt jeder seine eigene Persönlichkeit und Nuancen, als beweisen sie in dem Jota oder sehr Verdian Bass und Bariton Duett im zweiten Akt.

Sektion der Stimmen war sehr ausgewogen. die Sopranistin Carmen Solis Er bot eine homogene einen schönen Ton zu singen und eine Stimme Körper, vor allem in der Mitte. ihre Rolle, trotz der Arbeit Namensgebung, ist nicht der Protagonist Soloarien hat, aber er strahlte, als er korrespondierte, Auch in der Dramatisierung.

polnische Sopranistin Iwona Sobotka Er spielte die Rolle von Esperanza. Es kann eine gute Diktion in spanischer Sprache mit seiner dunklen Stimme rühmt, das bietet eine gute Bassnoten. Nicht so mit scharfem.

Marina Rodriguez-Cusi spielte Sená Nieves, mit seinem Comic-Partner Jorge Rodríguez-Norton als Almendrita. beide Hoch. Sie ist immer ein Garant für Professionalität und gute Arbeit.

Andeka Gorrotxategi, Rafael, Er wandte sich an seine anspruchsvolle tessitura mit Engagement und immer schön Timbre. Er hatte ein Problem gelöst, das als die Arbeit fortgeschritten. ist nicht gut verstanden, alle Zeit verschränkten Armen singen, als ob zu halten oder eine gewisse Unterstützung suchen, sowieso, Es ist nicht die beste Haltung auf der Bühne.

Bariton Damián del Castillo Marcelino sie spielte ein Lied und heiter genug. niedrig David Sanchez, wie Onkel Licurgo, immer Lösungsmittel mit seiner tiefen und homogenen Tessitura.

Auf jeden Fall die beste in der Nacht und am meisten von der Öffentlichkeit anerkannt war die Burgalés niedrig Rubén Amoretti. Valentin ihr Charakter wurde mit einem Unternehmen viel größer ist als Charakter ausgestattet. Seine Romanza „Was für beam me auslöscht“, Es wurde mit Eleganz und Handel durchgeführt, jede Phrase Klärung und Füllen dramatische Intensität.

Ist mehr als wahrscheinlich, dass der Chor eine brillante Leistung hat, wie üblich, aber wenn sie platziert upstage kann ihn kaum hören. schade.

Maria del Pilar hat eine außergewöhnliche Überraschung, dass wir das Teatro de la Zarzuela danken müssen und, vor allem, ihr Leiter, Daniel Bianco, Sie führen eine Aufgabe, die ihm nie genug danken.

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Sind Sie ein großer Rossiniano Dolmetscher Welche Eigenschaften oder technische sollte sein glaubt, dass ein guter Dolmetscher Rossiniano zu sein? Die Rossiniano Kante erfordert eine ganz besondere technische; Wir können Rossini Stil „il Belcanto fiorito“ nennen. Sie müssen wissen, die tessitura zu halten, die in vielen Fällen ist es ziemlich hoch, Neben der Stimm Agilität mit. Es ist wichtig,, vor allem, Ich kenne den Stil von Rossinis Schreiben gut und weiß, wie man die Gesangslinie variiert, wo sie sollte. es ist, schließlich, eine Reihe von ganz bestimmten Dingen. Ah, ich habe vergessen,: Dies muss zugleich und mit extremer Leichtigkeit getan werden.

Im letzten Sommer, Er schätzte den Conte d'Almaviva, in der Neuproduktion Der Barbier von Sevilla, Rossini Opera Festival in Pesaro, Stufe Richtung Pier Luigi Pizzi. Was sind die Herausforderungen, die diese Rolle?

ja, Rossini ist eine meiner Lieblingsrollen, und jedes Mal, wenn ich singen, Ich danke Rossini für diese großartige Rolle. Auch wenn er Manuel García mehr haben könnte danken? Wer weiß, was dieser große Tenor in der Vergangenheit zur Entstehung des Charakters von Almaviva beigetragen hat! Wenn die Rolle wie in Pésaro, nämlich, Integral mit dem Ende rondó, Die Schwierigkeiten sind brutal. Es ist eine lange Rolle, Anspruch aus der Sicht actoral, voller Verkleidungen und Bewegungen. es ist, auch, eine sehr dynamische Rolle mit abschließender rondo voller Koloraturen gekrönt werden. Aber das Gefühl der Zufriedenheit, die Sie erhalten, nachdem Sie haben macht Sie Schwierigkeiten vergessen.

Welche anderen Rollen Rossini möchte in Zukunft tun?

tatsächlich, nach so vielen Jahren im Rossini Repertoire Arbeits, es gibt nur wenige Rollen, die ich debütieren, aber ich konnte auf drei Punkte ich in Zukunft tun will: Graf Ory, Corradino es Matilde in Thabran e Ilo, in Zelmira.

Wenn publica ahora „Das ist Rossini!", eine Auswahl der Arien von Klavierkammer von Richard Barker begleitet, ein neunzehnten Jahrhunderts Klavier, dass ähnlich wie verwendet von Rossini und zeitgleich mit dem Jahrestag seines Todes. Wie haben Sie diese Erfahrung gelebt?

Es ist das Ergebnis harter Forschungsarbeit, aber sehr interessant, Ich habe mit meinem großen Freund getan, Meister Richard Barker. Die Wahrheit ist, dass fasziniert mich immer wieder Kammermusik; Ich denke, in diesem Genre Komponisten viel mehr Meinungsfreiheit hatten und, vor allem, Versuchs-. In der Kammermusikrepertoire eines jeden Komponisten können wir echte Perlen finden, sie fallen oft in Vergessenheit. Also mit dieser CD wir Licht weniger bekannten Werke von Rossini bringen wollen und befähigen, zu interpretieren. Wir haben ein historisches Instrument dieses Album aufzunehmen: Pleyel sehr ähnlich, die verwendet, um die gleiche Rossini. Der Zeitraum Instrument Sound ist unverwechselbar und katapultiert Sie, sofort, die Vergangenheit, eine fast magische Wirkung erzeugt. die Berührung, wir können fühlen, was ich das gleiche Rossini fühlte. Wir wollten diese CD „Questo è Rossini“ nennen!, (Dies ist Rossini!), aber vielleicht wäre es angebracht gewesen, es zu nennen „E anche questo è Rossini“ (Und auch das ist Rossini!), durch die erstaunliche Vielfalt von Musik ... aus dem Pathos eines Verbannten in der Arie „L'esule“ die fast groteske Komödie „La Chanson du bébé“, das kennzeichnet den gleichen Blick Rossini.

Seine bisherige CD „The Ricordanza“ wurde zum Repertoire der Kammer Bellini gewidmet, Wie dieses Projekt kam?

„Das Ricordanza“ ist ein Konzert-Geschichte. Die Idee kam, während er das Museum Bellini in Catania war zu Besuch. Unter den Exponaten, Dort waren zwei Klaviere das gehörte Bellini. Sie waren in einem erbärmlichen Zustand, Und man konnte den Ton hören. Aber es war dort, dass ich zu denken habe: Wie würde der Klang dieser Instrumente hören Bellini? Wie klingt das könnte seine Inspiration beeinflussen? So begann ich eine Reise durch die Geschichte des Lebens von Bellini, und ich verstand, dass seine Kammermusikwerke seine gesamte künstlerische Laufbahn illustrieren könnte. Und ich entwarf dieses Konzert, in dem ich der Öffentlichkeit von dem großen Komponisten von Catania erzähle, die uns zu früh verlassen, und illustrieren meine Geschichte ihre Arien Kamera singen. Dieses Konzert hat großen Erfolg in Moskau und Wien hat, und bald, wir nehmen, zuerst, Italien. Es ist eine ziemlich neue Erfahrung für den Hörer. Die Öffentlichkeit ist immer glücklich. wir haben auch eine CD, welches jetzt nur noch verfügbar ist online auf iTunes, Spotify o Google Play. Es ist auch im Internet verfügbar www.illiria.de/charity, wo haben wir eine Sonderausgabe gemacht, um Mittel für die deutsche Organisation zu sammeln Kinderlachen, die Kinder mit Schwierigkeiten hilft.

Sein Repertoire ist klar belcantista sondern befasst sich auch mit anderen Rollen als Orfeo, Gluck, sogar mozartischen Rollen. Wo er sich entwickelt Stimme?

zwangsläufig, die Stimme Veränderungen im Laufe der Zeit ... Ich merke nicht ungewöhnliche Veränderungen, obwohl natürlich die Stimme wächst, akquiriert Volumen und Farbe angereichert, aber dennoch kann ich nicht sagen, dass, innerhalb eines Jahres, ich werde singen Otello von Verdi… Im Moment, Ich bin glücklich mit Rossini!

Wo fühlen Sie sich wohl, Arien voller Verzierungen oder dramatische Arien Durchführung?

Ich ziehe die Arien, wo sie wissen, wie man am besten den Willen des Komponisten zum Ausdruck bringen. Die Tatsache, dass sie mit oder ohne Koloratur, unwichtig.

aus 13 Dezember wird Lindoro sein Die Italienerin in Algier, Liceu in Barcelona, Wie nähern Sie sich diese Rolle?

Lindoro ist ein komplexer Charakter, die wir heute ganz anders wahrnehmen als zu Beginn des neunzehnten Jahrhunderts geschaffen wurde. Lindoro Komödie kam aus der Tatsache, dass, in dieser Oper, es ist die Frau, die einen Mann spielt,: Sie Teil von Italien nach Algier, Mustapha verführt, Befreiung der Sklaven. Aber wenn ich nicht gekommen wäre Isabella zu retten, er hätte genauso gut in Algier gewesen. Es war die Lieblingssklavin von Mustafa! Auch aus der Stimm Sicht, Schreiben ist fast weiblich, sehr scharf und voller Ornamente. Ich versuche, einen sehr jungen Charakter zu erstellen, ein wenig naiv und verträumt ... einer jener Menschen, die nicht genau wissen, wo sie sind und von der Gefahr durch das große Glück zu entkommen zu haben.

Wir hatten die Gelegenheit, ihn in einen anderen zu sehen Die Italienerin in Algier in 2009, Wann können wir wieder in Madrid hören?

Moment, Ich habe keine andere Verpflichtungen in Madrid, aber ich erinnere mich mit großer Freude, die Zeit, die ich dort war, insbesondere arbeitenden Menschen im Theater. Ich habe noch nie in einem Theater arbeitende Menschen so leidenschaftlich Oper gesehen!

Konfrontiert mit einer neuen Rolle, Wie bereiten Sie sich und welche Elemente man bedenkt,?

Ich fange immer zuerst die Arien studieren, dann ist die Duette, trios, Quintette... und so weiter, das Finale zu erreichen. so, Ich habe genug Zeit, um zu reifen Arien. parallel, Ich fragte auch über die Oper: Löwe, Ich sehe die Dinge im Internet ... Heute, Wir können viel von diesen Medien profitieren.

Wie ist deine Beziehung zu den Regisseuren?? Haben sie großen Einfluss auf die Version des Charakters, den er spielt??

Bühnenmanager sind jetzt die Meister (Besitzer) Oper. manchmal, Davon profitiert die Oper, und andere Zeiten, Nein. Wenn der Regisseur klug ist, er merkt immer, dass er die Opern der großen Komponisten der Vergangenheit wie Rossini spielt, Mozart, Donizetti, Verdi, Puccini, etc., Er steht nicht nur vor absoluten Genies der Musik, sondern auch des Theaters. Der Job als Regisseur erfordert viel Fantasie, aber es muss mit einer gewissen Demut verbunden sein. Die großen Regisseure der Vergangenheit hatten diese Gabe. Die heutigen Direktoren ... nicht alle. Nur wenige verstehen, dass sie uns zuerst überzeugen müssen, die Sänger, damit wir die Öffentlichkeit überzeugen können. Ich glaube nicht an klassische oder moderne Inszenierung, aber in denen, die funktionieren oder nicht funktionieren. Normalerweise, vom ersten Treffen mit dem Regisseur, Normalerweise ist mir klar, ob die Show erfolgreich sein wird oder nicht und wer am Ende gewinnen wird: der Komponist oder der Regisseur.

Beenden, Was sind Ihre zukünftigen Engagements?

Unmittelbar nach Barcelona, presentamos "The Ricordanza" en Italien, speziell in Cuneo. Dann gehe ich mit an die Scala La Cenerentola, und an die Berliner Staatsoper für Der Barbier von Sevilla. Im Spätsommer 2019, Ich werde mit einem anderen in La Fenice in Venedig sein Barbier. jedoch, Ich muss mein neues Album aufzunehmen. Ich bitte nur den Herren, mir die Gesundheit all dies zu tun!

Das Haus der Bernarda Alba 1

Das Haus der Bernarda Alba 2

Das Haus der Bernarda Alba 3

Das Haus der Bernarda Alba 4

Das Haus der Bernarda Alba 5

Miquel Ortega ist Korrepetitor am Teatro de la Zarzuela, zurück in 1991, Er begann eine Oper zu komponieren auf der Grundlage der Arbeit seiner bewunderten Federico García Lorca. Es war nichts weniger als „The House of Bernarda Alba“. In wenigen Monaten wurde der erste Akt fertig. von hier aus, und wegen der zahlreichen Verpflichtungen, die er den Erwerb des Komponisten, seine Arbeit ging für 8 Jahre. Es war eine Kammeroper in ihrer ursprünglichen Zusammensetzung 14 Musiker, Modus die Britten Kammeropern. aber in 2007 Er kam die Gelegenheit, um sie zu lösen mit der Bedingung als in der Version für Sinfonieorchester im Theater der rumänischen Stadt Brasov. Dann kommen die Feste von Santander und Peralada.Llega jetzt das Teatro de la Zarzuela in einer Neuproduktion Fassung für Kammerorchester, wie es war von Anfang an von Miquel Ortega konzipiert. Und zum ersten Mal in einer spanischen Sprachversion. Julio Ramos Libretto ist absolut respekt des Spiels. Fast ausschließlich so lassen keine Zeit, einige Szenen und Zeichen wurden Prudencia beseitigt.

Ortega schafft eine Punktzahl das Spiel passen. Etwas nicht leicht, mit einem so komplexen und den vollständigen Text von mehr zerreißend Drama von Lorca. Ortega Musik, nicht verbessert nichts anderes als das Drama, eine bedrückende und beklemmende Atmosphäre. Geben des Lebens auf die andere Hauptfigur ist das Haus und die große Ezio Frigerio, Riccardo Massironi, Sie haben es geschafft, in einem Szenario zu erfassen, die der Applaus war nichts der Vorhang aufgeht, in Anerkennung der Loyalität dieser erstickenden Raum, in dem sich die Tragödie stattfinden wird. Frigerio beschreibt es: „Es hat einige Kloster, einige Gefängnis, etwas nicht gesehen und haben zu fühlen. "

Die Landschaft wird durch die Kostüme von Franca verbesserte Squarciapino Sie alle diese Frauen sahen perfekt durch ihr Outfit gequält beschreiben. Nichts fehlt in einer genauen Lektüre links über die Glaubwürdigkeit der Darstellung bringt. Das gleiche gilt für die Beleuchtung Vinicio Cheli und dem großen Regisseur Barbara Lluch. Unter den vier komponieren sie die perfekte Kulisse natürlich, ohne Fanfare oder Schmuck, als nur groß machen.

Nancy Fabiola Herrera ist der Bernarda Alba diese Produktion, Es geliefert wird rigoros Charakter, Gesangs- und Interpretations. Es ist eine unerbittliche und rücksichtslose Bernarda. Beeindrucken Sie ihre Sätze am Ende der Arbeit starb sie eine Jungfrau!, die sich auf ihre Tochter Adela, zu hören aufzuschrecken.

In dieser Version, Daniel Bianco frei, die Lehrer die Möglichkeit zu bieten, eine Änderung in einer der Hauptfiguren des Spiels nahm zu machen. Poncia, die Magd des Hauses, das eine seltsame Beziehung mit Bernarda hält. Nach Lorcas eigenen Anmerkungen in der Arbeit, Poncia ist ein Freund von Bernarda und nur in der Lage von Angesicht zu Angesicht sprechen. Bianco Aus diesem Grund dachte, dass dieser Charakter eine leistungsstarke Aufzeichnung benötigt, Bariton.

Der gewählte war Luis Cansino, die akzeptiert seinen Charakter geehrt, „Künstler haben einen Punkt im Leben haben, wo wir in der Lage sind aus unserer Komfortzone zu bekommen“. Cansino ist ein dramatischer Bariton mit einer unbekannten Kapazität in unserem Land, wo es für die Papiere Bufos erforderlich, und der Aufbau eine einwandfrei und voller Theatralik PONCIA, der Details bei der Auslegung die Pflege. Herrliche Duett mit Adele im zweiten Akt.

Markieren Sie die Leistung der einzigen schrillen Stimme, die Carmen Romeu, wer spielt die jüngste der Schwestern, Adela, in einem klaren Leistungs.

Beeindruckend, die Grande Dame der spanischen Szene Julieta Serrano zu sehen, wer spielt Maria Josefa, Mutter Bernarda Alba und einzigartiges deklamierte Papier. Das Spiel beginnt mit seinem herzzerreißenden: ¡Bernard!, die Sie in der Lage, jede Stufe auf Ihrer Website zu platzieren, einschließlich der öffentlichen.

Ein hoher Anstieg war der Rest der Besetzung gemacht von Carol Garcia, als Martirio, Marife Nogales als Amelia, Bethlehem Elvia, Magdalena, Berna Beads, Anguish und Wunder wie Martin als Magd.

Eine großartige Produktion von Teatro de la Zarzuela setzt die Messlatte sehr hoch. Niemand sollte etwas von verpassen, was geschieht hier. Und das vermissen, schlimmer für ihn…

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real

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Nur der Ton bleibt

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Nur der Ton bleibt
Kaija Saariaho (1952)
Oper in zwei Teilen
Libretto von Ernest Fenollosa und Ezra Pound, basado en Tsunemasa
und Hagaromo, zwei Stücke von clásoco japanischen Noh.
Neue Produktion von Teatro Real, mit De National Opera koproduziert & Ballet Amsterdam, la Finnischen Nationaloper in Helsinki, die Opéra National de Paris und die Canadian Opera Company in Toronto.
D. Musical: Ivor Bolton
D. Szene: Peter Sellars
scenographer: Julie Mahretu
Kostümbildnerin: Robby Dulveman
Illuminator: James F. Ingalls
Sounddesigner: Christophe Lebreton
Tontechniker: Timo Kurkikangas, David Fishmonger
Besetzung: Philippe Jaroussky, Davone Tines,
und die Tänzerin Nora Kimball-MentzosNho bedeutet Aktion oder Talent. Es ist die traditionelle japanische Form des Theaters. Nho integriert Gesang Tanz und Poesie der subtilen und eleganten Art und Weise extrem einfaches Set-Design, wo sich nichts ändert und erscheint nur die Gestalt einer Kiefer als einzige szenische Element. Es sollte nichts von dem, was ablenken ist wirklich wichtig,, der Ausdruck der menschlichen Emotionen.

Ernest Fenollosa, einer der wichtigsten japonólogos, Er verließ nach seinem Tod 1908, einige nicht veröffentlichten Übersetzungen der japanischen traditionellen Stücken Noh. Amerikanische Dichter Ezra Pound, Zugehörigkeit zu der Lost Generation, und überzeugter Verfechter der alten Dichtung setzen auf den Dienst einer moderneren und Konzeptionierung, Er passte zwei dieser Werke übersetzt von Fenollosa, Tsunemasa y Hagaromo, die sie die inspirierende Grundlage der Arbeit der finnischen Komponistin Kaija Saariaho gewesen.

Bleibt nur noch der Ton no es una ópera al uso. Es ist an der Spitze der zeitgenössischen Musik, mit allem, was dies mit Ton in Bezug auf Experimente impliziert. Eine konzeptionelle Behandlung, die traditionelle Elemente Saariaho emulgieren, als Kantele, Finnische traditionelles Instrument, und elektronische Elemente zu modifizieren oder verstärken den Klang. Saariaho schafft eine stimmungsvolle Musik, ein Ton und philosophisches Experiment aufgegeben werden, etwas, das nicht immer einfach oder möglich ist,.

Wie im Nô-Theater, die Landschaft von Peter Sellars, ein Kenner und Bewunderer der östlichen minimalistischen Strömungen, Er hat ein extrem einfaches Szenario gezeichnet. Pine Sohle escenográfico elemente noh, Es wurde von zwei Gemälden des Künstlers äthiopischer Herkunft hier ersetzt, Julie Mehretu.

Im Auftrag für diese Produktion besteht aus zwei großen Leinwänden, in denen sie uns eine Reihe von Marken von Tinte auf verschiedenen Ebenen gezogen hat schnell geben einen Eindruck von der chinesischen Kalligraphie oder Japanisch. Er führt seine Arbeiten für mehrere Monate auf Schicht malt Schicht. Nur der Ton auf Überreste können die Entwicklung dieser Schichten gesehen werden, während die Arbeiten voranschreiten, die vertieft ihre Spiritualität.

Die beiden Geschichten, die diese Oper zu machen sind sehr einfach, sondern auch tief. Wir sprechen von Verlust, Entnahmen und Treffen. Spur (Ton) es läßt in unserem Leben, dass wir einen Tag lieben. In der ersten, "Immer stark", tote Krieger in der Schlacht kehrt als Geist zu versuchen, sein Lob zu berühren.

Die zweite Geschichte, „Feather Mantle“, die von einem Engel, der in den Himmel zurückkehren muss im Besitz einer schönen Feder Mantel findet, ist ein Fischer. Der Fischer im Austausch zurück für einen himmlischen Tanz betrachtet.

Die erste ist eine dunkle Geschichte, anguishing. Die zweite ist eine helle und fesselnde Geschichte. Beide werden von Altus Philippe Jaroussky ausgeführt, der junge Geist und Engel, und Bassbariton Davone Tines, Priester und Fischer. Für beide Interpreten schrieb Kaija Saariaho diese Zeichen. Die Stimme von Jaroussky, die er hat einige seiner frühen Pyrotechnik verloren, sondern hat in Nuance und Intensität gewonnen, Es ist perfekt für die übernatürlichen Figuren, die er spielt,. Manchmal wird seine Stimme durch Computer verzerrt, die einen überraschenden Effekt tímbrico bietet.

Weitere diskret sind die Gesangsleistung von Bariton Davone Tines, aber er wandte sich an seine beiden Protagonisten mit Solvenz. In dem Kino Aspekte, ihm nicht Etatismus seiner Figuren zurechnen, dieser Mangel an Bewegung ist sehr viel Geschmack von Sellars.

Die Tänzerin Nora Kimball-Mentzos, Muse und Mitarbeiter in zahlreichen Produktionen von Peter Sellars, Er füllte die Bühne in der zweiten Geschichte mit einem Tanz voller Sensibilität und Feinheit. Während der Zeit ist er auf der Bühne, Sie können nicht helfen, aber beobachten.

In einem erhöhten Teil der Grube sind die sieben Musiker, ein Streichquartett, Meta 4 Quartett, Bildung Antti Tikkanen y Minna Pensola, Violine, Atte Kilpelänen, Alt, Tomas Djupsjöbacka, Cello, Heikki Parviainen, Schlagzeug, Eija Kangas Strand, Kantele und Camila Hoitenga, Flöte. Neben ihnen das Vokalquartett Theater of Voices, Trop von Else gebildet, Sopran, Iris Oja, Alt, Paul Bentley-Angell. Tenor y Steffen Brunn, niedrig. Beide Ensembles sind seit langem die Zusammenarbeit mit Kaija Saariaho. Das gegenseitige Verständnis und die Virtuosität aller einige überraschende klangliche Ergebnisse erhalten. Emit alle Arten von Sounds mit höchster Genauigkeit auf Befehl eines Ivor Bolton genaue und strenge in jedem seiner Indikationen, eine fesselnde atmosphärische Textur zu schaffen.

Vielleicht benötigen diese Kunstformen einen einladenden Ort, innerste. Jedenfalls, Es ist immer eine kluge Programm neue Erfahrungen, die möglichst nicht anders sein würde.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real

Mariella Devia

kommen Mariella Devia am Teatro Real mit der Absicht, sich zu verabschieden, obwohl kaum ihre Stimme Hinweise kleinerer Rückgang schätzen. Wir werden es nicht in Opernproduktionen sehen, diejenigen, die Sie benötigen von zu Hause längere Zeit weg in Rom verbringen, aber wenn wir es bis spät hören 2019 in einigen Erwägungs. Und er verabschiedet sich von den letzten Szenen des Belcanto Opern zwei in den letzten Jahrzehnten zum Repertoire gerettet wurden, in dem, was als Trilogie bekannt ist Tudor. Im Fall von Anna Bolena, Maria Callas war derjenige, der angehoben. Maria Stuarda A wurde Montserrat Caballé Helligkeits- oder Joan Sutherland gegebenen. Beiden Werke und Königinnen am Ende des Repertoires von Mariella Devia, das Teil hat auch regiert und als solche verabschiedet.

Er sagt, er nicht über sich selbst sprechen mag, der es vorzieht Gesang auszudrücken und, trotz ihrer Auslegungs Nüchternheit, immer wunderbar reflektiert es die Intensität des Zeichens durch eine einwandfreie Technik dargestellt. Er sorgfältig seine Stimme und seine Karriere mit Bedacht, gemächlich, ohne das Instrument zu zwingen, immer diese Rollen zu spielen, die wie ein Handschuh in Ihrem Stimmumfang passen. Sie selbst sagte uns,: „Die Auswahl des Repertoires ist wichtig,. Ich habe eine Entwicklung in meiner Karriere hatte, aber halten mich immer im Bereich des Repertoires Ich fuhr. Ich habe weiterentwickelt, aber immer im gleichen Feld ".

immer enthalten, keine Exponate oder Überspanntheiten, nicht brauchen. Seine raffinierte Technik und Leichtigkeit der Koloratur und legato gewesen Marke im Laufe seiner Karriere. Wir könnten ein paar Saisons sehen vor Norma. Eine Rolle, die die meisten Sopranistinnen in seinem Alter schon lange aufgehört zu spielen, aber sie hat bis zum Ende seiner Karriere angesprochen meisterlich.

dieser Sopran, Licht in den Kinderschuhen steckt, es wurde erweitert das Repertoire, während seine Stimme, bis der Körper heute zu geben hat, Er hat uns eine außergewöhnliche Darstellung von Belcanto-Rollen links, „Ich hätte gern Verdi ganze singen, Don Carlo, was es ist eine große Oper, Otello, Ich wurde einmal angeboten, aber nach nach Prüfung, gehört und gelesen, Ich weiß, was meine Mittel und wenn es nicht wahr wäre, was geschrieben wurde, oder in der Lage, die Öffentlichkeit "zu erfüllen.

Gute Gesellschaft auf der Bühne des Teatro Real durch niedrigen Javier Franco als Lord Rochefort in Anna Bolena und Giorgio Talbot, Maria Stuarda in. Der Tenor Alejandro del Cerro als Lord Riccardo Percy und Earl of Leicester. Enmanuel Tenor Faraldo, como Sir Hervey. Gerardo Bariton Bullón, als Lord Guglielmo Cecil und Mezzosopranistin Sandra Fernández, als Smeton und Anna Kennedy. Die Adresse wurde von José Miguel Pérez-Sierra gegeben, Ich konnte das Orchester und Chor der Teatro Schlagzeile bringen, trotz der wenigen Tests für diese Erwägungen durchgeführt.

Er verlässt eine der letzten Diven, obwohl es das deutlichste Beispiel für anti-Diva, zwischen langen Ovationen von einem Publikum bewusst und dankbar. Wir können nur das Gefühl, das Glück, seine Kunst waren in der Lage zu genießen.

Fotografie: Javier del Real

Ballett des Rhein

Allmählich wird Madrid gern weiter Ballett und Tanz, und mehr und mehr zeigt dieses Typs, die so programmiert sind,. Das Königliche Theater, die begannen den letzten Tag 12 seine Ballettsaison, Qualität macht den Unterschied. nicht viele, Moment, Produktionen während der gesamten Saison angeboten, aber wenn sie außerordentlich hervorragend. Diesmal ist es eine der besten Tanzkompanien versucht hat,, die Ballett am Thein Süsseldorf Duisbrg, mit dem Choreographen Martin Schläpfer der Kopf.

Sie präsentierten „Ein deutsches Requiem“, von Johannes Brahms, eines der bekanntesten Werke des Komponisten und nach dem Tod seiner Mutter zusammengesetzt in 1865 und sein großer Freund Robert Schumann. aber, A requiem, wie Sie tanzen?. deutlich, wie auch das Ballett des Rheins in einem seiner gefeierten und preisgekrönten Choreografien.

 

Diese besondere Zusammensetzung von Brahms vertieft sich in philosophischer Aspekte religiösen, reflektiert über Leben und Tod von einem menschlichen Standpunkt aus, dass die göttlichen. Als der Regisseur sagt, Marc Piollet, Es ist kein herkömmliches Réquiem, Es ist ein Werk des Trostes, denn es ist nicht für die Toten geschrieben, sondern für die Lebenden, für diejenigen, die bleiben. Sie können nicht weniger von einem romantischen wie Brahms erwarten.

Unter dieser Nähe zu dem Schmerz der Menschen als Ausgangspunkt für die Choreographie zu schaffen, hat wollte es Zerbrechlichkeit präsentiert menschlichen barfuß Tänzer reflektieren, in permanentem Kontakt mit dem Boden. Auch in seiner Schöpfung, Schläpfer wollte von jedem religiösen Ansatz wegzulaufen und hat auf Fragen konzentriert, die Ängste und Sorgen der Menschen, weit entfernt von jedem Dogmatismus und näher an Reflexion und Emotion. Zu diesem Zweck schön und allegorischen, in dem die Bande, die uns binden repräsentieren diejenigen, die bereits verlassen haben. Jeder, der die Möglichkeit hatte, zu einer der vier Darstellungen teilnehmen, haben Sie, dass beide Ebenen bemerkt, Reflektierende und emotional, Sie sind perfekt stimuliert.

Interpretieren Sie diese Arbeit hat ihre Schwierigkeiten, für Orchester, für Solisten und, vor allem, für Chor. Ein Chor daran gewöhnt, Opern lyrische, Es ist nicht einfach eine religiöse Arbeit wie dieses requiem mit Zartheit und Sensibilität überfüllt zu adressieren. Aber der Chor Intermezzo, Teatro Real Halter, Nur überrascht, wenn nicht, und dass diesmal nicht passieren. Sie singen mit exquisiter Feinheit und dramatischer Intensität. und, auch, Deutsch. außergewöhnlich!. Sehr gut auch die Solisten Adela Zaharia und Richard Sveda.

Wenn Sie noch nicht auf diesen künstlerischen Ausdruck kommen, ist Tanz, keine der vier Vorschläge hat das Teatro Real in dieser Saison verloren. die 3 al 10 November, der Nußknacker, ein Klassiker. die 21 al 26 Januar Paris Opera Ballet, Choreographie von Jerome Robbins, Hans van Manen y George Balanchine und Musik von Claude Debussy, Maurice ausfransen, Johann Sebastian Bach e Igor Stravinsky. die 31 März bis 4 April, Dido & Äneas, von Purcell, in einer Oper und Tanz, choreographierte von Sasha Waltz. Die Tanzsaison schließt 4 Mai mit Victor Ullate Ballet.

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Faust
Charles Gounod (1818-1893)
Oper in fünf Akten
Libretto von Jules Barbier und Michel Carré, basierend auf dem Spiel Faust et Marguerite (1850)
Michel Carré und das gleichnamige Werk (1808) de Johann Wolfgang von Goethe.
Neue Produktion von Teatro Real , mit De National Opera koproduziert & Ballet Amsterdam
D. Musical: dan Ettinger
D. Szene: Alex Olle (La Fura dels Baus)
Arbeitet in Richtung Szene: Valentina Carrasco
Szenografie und Video: Alfons Flores
Illuminator: Urs Schönebaumm
D. Chor: Andres Maspero
Besetzung: Ismael Jordi, Erwin Schrott, Irina Lungu, John Chest, Isaac Galan,
Annalisa Stroppa, Diana Montague.
Chor und Orchester Halter RealHomúnculo Theater ist definiert als mit menschlichen Merkmalen wobei, in der Regel deformiert und künstlich geschaffen. Es scheint, dass war der Alchemist Paracelsus, der zuerst diesen Begriff für ein geschaffenes Wesen verwendet, wenn man versucht den Stein der Weisen zu finden. Homunculus Theorie wurde bis akzeptiert 1827, Jahr, in dem er die Existenz des Eies entdeckt. bis dahin, es wurde angenommen, dass die Spermien ein Homunculus oder Miniatur-Mann für das Ei versteckt diente nur alimento.El Homunkulus auch das Element, die nach La Fura dels Baus inspiriert, speziell sein Direktor Alex Ollé, die Landschaft der Faust präsentiert das königliche Theater bei der Premiere seiner neuen temporada.Son mehr Repertoires Oper zu entwickeln, die mit dem Scheitern Premiere. Aber wenn gibt es eine, die den Kuchen nimmt, deutlich, Das ist Faust, Charles Gounod. Seine Premiere im Théâtre Lyrique in Paris 19 März 1859 Es erwies sich als ein Fiasko. Die Französisch Öffentlichkeit hatte die Arbeit von „geschmacklos“ gebrandmarkt und, vor allem, wenig Französisch. All dies trotz der enormen Popularität zu der Zeit erweckte die deutsche Kultur, Goethe wobei eines seiner Emblemen. Welche selbst war von Anfang an in Deutschland gelungen. Die Anpassung der Librettisten Jules Barbier und Michel Carré, Er ist nicht in die philosophischen Aspekte eines Kult forschte für Deutsch, und auch erlaubt sie den Luxus der Reihenfolge der Bedeutung einiger Zeichen zu verändern, das Spiel war, bis vor nicht allzu langer, mit dem Titel „Marguerite“. Es war von der Premiere in Deutschland, wenn sie Erfolge begann Faust. Es wurde bis zur Sättigung vertreten, alle Jahreszeiten und in fast allen europäischen Theater. So war seine Popularität, dass, ein 22 Oktober 1883, ein neues Theater Unternehmen wollte seine erste Saison Faust darstellt Oper lösen. Es war die Metropolitan Opera ist es Dual House.Faust. Es ist eine Französisch-Stil Oper auch große deutsche Oper verfügt über, als wichtiger Chor, verschiedene Ballettnummern, das Epos eines seiner Charaktere oder die verbleibende Zeit zwischen den Zahlen Gounod für die Öffentlichkeit applaudieren. dieses Detail, sehr Wagnerianer.

Aber zurück zur Landschaft. Wenn es um La Fura dels Baus kommt, wir vorher wissen, dass auch andere Elemente wie Opernstimmen, effektvolle Darbietung, sogar Musik, sie werden im Hintergrund bleiben. Manchmal kann dies für gut oder, wie im vorliegenden Fall,, schlimmer.

Unter dem Homunkulus-Projekt hat die Szene in einem großen Labor gebracht, wo Faust die Idee zu erfinden, einen Computer Emotionen verwalten kann verfolgt. Frustriert und unzufrieden, nimmt das Angebot ihres Alter Ego, Mephistopheles, Es präsentiert als notwendiges Übel, die espoleador Faust, der seine Langeweile rettet und überzeugt ihn, alles zu leben, zu dem er denkt, dass er so weit zurückgetreten. mephisto, zuerst als Rockstar erscheinen, camaleónica ist in einer Weise entwickelt sich ein gekreuzigten Christus zu werden. Neben ihnen, Postmodern eine Armee von Soldaten, Weich-Barbies, die nackt aussehen, reife Frauen mit übertriebenen Brüsten und Hooligans mit ihren Uniformen Fußball-Fans. schließlich, viele konzeptionelle Elemente und komplexe Ideen, die wenig Entwicklung oder Spitzen entlang der Arbeit haben. Eine Stufe, die voll von Plattitüden ist, die üblichen Verdächtigen.

La Fura nicht mehr überraschend und ist nur in der Lage Kontroverse zu erzeugen, wenn die Funktion beendet und beginnt sein beschämendes Schauspiel der Umweltverschmutzung, völlig blind zu künstlerischen Fragen.

Die musikalische Leitung wurde von dem Debütanten Dan Ettinger Teatro Real zur Verfügung gestellt. Der junge israelische Regisseur behauptet seine germanischen musikalische Ausbildung und verwaltet jede Spur von Französisch Oper verschwinden. Die Lautstärke war eine übermäßige, perfekt für Wagner, aber nicht für Gounod. Es fehlte Delikatesse, vor allem in der Ouvertüre und Arien Set, wo einige Chaos erzeugt. dass, wenn, Es ist ein außergewöhnlicher Direktor für Sänger.

Diese zweite Verteilung wurde ausgewogen. Faust ist keine leichte Aufgabe für einen Tenor. Es hat zwei Teile, die für zwei Tenöre mit unterschiedlichen Eigenschaften geschrieben zu haben scheinen worden. Die erste ist eine ausgereifte und dramatisch Faust und der zweite junge Faust leichter. Ismael Jordi Adressen sorgfältig den Charakter im ersten Teil, für seine Dramatik und Stimme erfordern eine größere. Es ist in der Ouvertüre, wo der Tenor mehr Schwierigkeiten hat Jerezano. Der Rest des Spiels findet in einer komfortableren Gemütsverfassung für ihn. Es hat Momente der Spannung, die richtig löst, als cavatina oder das schöne Duett mit Marguerite. Jordi ist ein außergewöhnlicher Moment Vokal, immer elegant und mit einer bemerkenswerten Bühnenpräsenz.

Der Mephisto Erwin Schrott war ein großer Theatralik, ein Muss in diesem Charakter und diese Produktion. Jedes Mal, wenn er auf der Bühne war, war der Protagonist. Seine Stimme erreicht nicht die erforderliche Stimmung für diese Rolle, aber sie sind nicht leicht Baritonstimmen finden sie wissen lassen,. Sein Volumen ist sehr auffällig und angenehm Timbre, aber einige nasal klingt ein bisschen afearon Teilnahme.

La Marguerite Irina Lungu, Zeichen in der Oper etwas verschwommen auf dem Text von Goethe, Es ist eine heikle und unschuldige junge. Aus dieser Sicht war gut von Lungu gespielt. Seine Stimme ist nicht groß, aber genug und gut timbrada.

John Chest, als Valentin, Es war eine der großen Lautstärke durch den Klang des Orchesters betroffen. Gerade wurde er hört,.

Siebel, jugendlich und romantischer Charakter, Es war sehr gut von der italienischen Annalisa Stroppa gespielt. Schönes Timbre und ein emailliertes und glatte Stimme, dass das Publikum mochte, sobre todo en su Arie „Machen Sie mein Geständnis ihres“.

Der Veteran Ziel Montague baute einen sympathischen Charakter und Marthe. Die perfekte Ergänzung zu einer Faust mit Comic-Aspirationen.

Der Chor hatte eine hervorragende Performance. Wenn die Saison beginnt, nicht für den Ring gehen zu lassen. ¡Fantastische!.

Anfangs etwas unregelmäßig Saison. Aber das hat gerade erst begonnen.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

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Leben begeistert von einem Beruf, für die hergestellt worden ist, die Zeiten zu respektieren. gemächlich, ebenso wie diejenigen, die kennen und lieben lyrische. Seine glatte und verglaste Stimme und Ausdruckskraft auf der Bühne, Sie haben es zunehmend in den Szenen und den wichtigsten Regisseuren der Welt behauptet gemacht. außerordentlich in der Nähe, Annalisa Stroppa verzaubert mit seinem Charme und Energie, innen und außen escena.Brío Klassik: Bitte geben Sie uns ein bisschen, wie sie in der Welt der Oper begonnen.

Annalisa Stroppa: Die Wahrheit ist, dass seit ich ein kleines Mädchen hatte ziemlich klare Vorstellungen war: Äußerste, was er wollte Sängerin werden!!

Aber eigentlich ist es ein allmählicher Weg und ein Ziel, das nie vorgestellt hatte immer; geträumt, er wollte, voraussichtlich, aber schließlich kam er!!! Ich trat in die Welt der Oper Schritt für Schritt, nach meinem Diplom ersten im Wintergarten bekommen und nach mehreren Gesangswettbewerbe in Italien zu gewinnen und international, das war für mich sehr wichtig, weil es bestätigte, dass es in der richtigen Richtung gehen und wiederum ermutigte mich auf dem gleichen Weg weiter zu gehen. Ich begann Kammermusik singen, kleine Opernrollen und dann nach und nach mehr Hauptfiguren und Kontexte, Theater und Produktionen immer wichtiger. Ich begann auch meine ersten Castings in den Kinos zu machen, aber das eigentliche Sprungbrett war zweifellos meine erste Hauptrolle international, Ich war Cherubino in Figaro wegen, Mercadante, unter der Leitung von Maestro Muti ... Bald boten sie mir die Möglichkeit, die Rosina in Il Barbiere di Siviglia an der Oper von Rom mit Maestro Bruno Campanella Adresse Debüt, und dann war ich in dem besten Theater der Welt Ein Traum wurde wahr!

b.c: Wie die Zeit, als er entdeckt hatte er ein richtiges Instrument?

WIE: Ich fing an, die lyrische dank meiner Großeltern zu nähern, mit denen ich verbrachte viele Nachmittage nach der Schule; sie hörten die drei Tenöre (Sonntag, Pavarotti und Carreras) und Mario del Monaco. ja, alle Tenöre! Dank ihnen, dass ich begann, die großen Arien zu entdecken und versucht zu imitieren. So entdeckte ich, ich hatte eine wichtige Stimme, besondere, und daher wurde er mit dem Wunsch und die Bereitschaft geboren Sängerin werden. Ich erinnere mich, im Alter von 8 und 9 Jahre sang "Nessun dorma", "O sole mio","Whiskey facile", „Eine so große Liebe“!!! Dort entdeckte ich, dass die Natur mir großzügig gewesen war, und ich hatte eine besondere Stimme; Ich hatte einen Schatz in mir, die nicht verderben konnten, sondern lernen, es in der besten Art und Weise zu verwenden,. Meine Großmutter väterlicherseits ich geerbt Stimme und die Großmutter mütterlicherseits, Leidenschaft für die Oper. Ich musste meine Stimme bauen; die Stimme war es natürlich, beginnen und platziert, offensichtlich zu entwickeln; so studierte ich viel und arbeitete auch viel Stimme heute, weil man nie fertig studieren, aber ich muss sagen, dass ich hatte das Glück, eine Stimme haben, Ich habe immer ein großes Geschenk betrachtet.

zuerst, Es ist fast jugendliche, Mir wurde gesagt, Gesang zu studieren war noch sehr jung, meine Stimme an die erwachsenen Stimme nicht völlig verändert wurde, und so begann ich Musik studieren; Ich wurde zum Konservatorium zugelassen Klavier zu studieren und dann, um 20 Jahre war die Stimme endlich bereit und reif das Studio Singen zu Angesicht, Darüber hinaus schon hatte ich hinter mir eine gute musikalische Vorbereitung, in der ich mich unterstützen konnte, und ich begann Gesang am Konservatorium von Brescia zu studieren, meine Heimatstadt (in der Nähe von Mailand).

Er studierte am Konservatorium und zugleich Prüfungen College Vorbereitung und arbeitete ein paar Stunden Musik in einer Grundschule Unterricht. Wenn ich darüber nachdenken konnte auch nicht verstehen, wie noch; Ich glaube, es war, weil ich einen starken Willen hatte Energie zu bringen, alle zu Angesicht. Ich muß sagen, ich habe immer das gute Beispiel für meine Familie habe; Sie brachten mir den Geist des Opfers und die Arbeit zu bekommen, was er wollte,. Obwohl es geliebt hart und sehr müde war alles, was er tat, Erziehung von Kindern, mein Studium an der Universität und vor allem singen!!!

Ich liebe diesen Beruf; Singen ist nicht nur ein Teil von mir, ist aber mit meinem Leben 360 Grad und es ist wunderbar, die Lage gewesen, meinen Traum zu verwirklichen. Ich könnte mir vorstellen, es nicht, weil Sie nichts verstehen können, bis wir es in der ersten Person leben; auch mit all den Schwierigkeiten und der Abgelegenheit von meinen Lieben (Dieses Rennen erfordert, dass Sie von zu Hause viele Monate weg zu sein), wenn ich auf die Bühne gehe und ich weiß, ich habe mein Bestes gegeben, Der Applaus belohnt Publikum die ganze Mühe. Nach Jahren der Studie sehe ich die Plakate der besten Theater der Welt und das ist eine große Befriedigung. Ich fühle mich wirklich sehr glücklich, weil ich es geschafft,, meine Leidenschaft, meine Arbeit, und ich danke Ihnen dafür. Ich fühle mich erfüllt, Ich bin sehr glücklich und ich hoffe, nach vorne und für viele Jahre zu bewegen.

b.c: Wie kam von Muti Ihre Auswahl bei den Salzburger Festspielen zu debütieren? War ein Wendepunkt in seiner Karriere?

WIE: ja. Ich hatte die wunderbare Gelegenheit, die ich in einer Anhörung von Frau Cristina Muti und Direktor des Theaters von Ravenna Angelo Nicastro gehörte. Bis zu diesem Zeitpunkt hatte er Solokonzerte und einige kleine Rollen gesungen. Das Vorsprechen lief gut und ich aus machen „Deckel“ bei der Herstellung von Betulia Liberata di Mozart (Carmi) von Maestro Muti in Salzburg gerichtet. Gleich nachdem ich gebeten wurde, die Rolle des Cherubino in I due Figaro zu studieren, mich für diesen spezifischen Charakter, in dem auch die Master-Muti und Emilio Sagi zum Vorsprechen einzuführen Régisseur anwesend waren, und ich war die Rolle vergeben!!

so, I due Figaro Mercadante deckt sich mit meiner ersten Hauptrolle international. Eine wunderbare Rolle in Transvestiten. Inszenierte nahm die Premiere in Österreich, in dem repräsentativen Rahmen des Kleinen Festspielhauses in Salzburg 2011; nach der Show wurde in Theater Alighieri Ravenna nachgefüllt, in 2012 am Teatro Real in Madrid und das Colon von Buenos Aires.

Es war Teil einer absoluten Premiere einer neu entdeckten Oper und nie so weit in den renommierten Salzburger Festspiele angezeigt, ein Ereignis, das rund um die Welt der Oper anhängig!!

Natürlich war ich sehr aufgeregt, weil ich das Gefühl, dass die Zeit, meinen Ausgangspunkt dargestellt; Es war absolut unbekannt und ich hatte auf der internationalen Bühne getroffen. Die Wahrheit ist, dass ich sehr dankbar bin Maestro Muti und alle, die dazu beigetragen, gewählt werden, weil es mir die Möglichkeit gab, eine Menge als Künstler zu lernen und zu wachsen. Ich habe eine sehr schöne Erinnerung an das Ende der ersten Funktion, mit enormer Zufriedenheit Was auch immer bekommen hatte! Sagen konnte das Eis mit Stärke und Festigkeit brechen.

Nach Jahren des Studiums und vielen Opfer bin ich hier, in großen Theatern, wie in der wundervollen Eröffnung des von Riccardo Chailly und nun durchgeführt Scala am Königlichen Theater; in Spanien habe ich am Liceu in Barcelona zu singen auch das Glück,, in Bilbao, in Valladolid, in Manorca und Las Palmas.

b.c: Wie würden Sie die Eigenschaften Ihrer Stimme beschreiben?

WIE: Ich bin ein lyrischer Mezzo. Ich stehe vor allem Rollen des Belcanto und Französisch Repertoire. Ich denke, das Repertoire ist perfekt geeignet, um meine vocalism und mein Charakter. Ich mag unter Autoren zu verbreiten, um meine Stimme zu machen paßt gut zu dem vocalism und Schreiben jeden Komponisten.

b.c: Ihr Repertoire ist sehr breit. Es reicht von Rossini bis Verdi, durch Mozart. Rossini erfordert Agilität, Verdi, Drama und Mozart, ein bisschen von allem. Welche von ihnen fühlen sich wohler in der Interpretation?

WIE: Autoren des achtzehnten Jahrhunderts, als Mozart, oder dass später Rossini, Sie haben ein Balsam gewesen für meine Stimme, insbesondere während der Studienzeit und die frühe Karriere. Wenn er Aprende „auf den Atem zu singen“, die Bedeutung des Wortes Rezitative zu erkennen, Formulierung, die „legato“; All diese Elemente sind auch Teil der Stile, die später gefolgt und von Zeit zu Zeit zu Mozart und Rossini so zurück immer ein Vergnügen. Was Verdi im Moment näherte ich mich nur mit Meg von „Falstaff“ und Fenena in „Nabucco“. Ich fühle mich sehr wohl mit den Zeichen, die aufgenommen wurden, wie ich schon sagte, bevor über das neunzehnten Jahrhundert Französisch Repertoire.

Aber wenn ich einen Komponisten zu dieser Zeit nehme ich für Bellini gehen würde, weil seine Musik kombiniert etwas Superlativ paar Noten in meisterlicher Weise zum Ausdruck bringt. Bellini liebte und kannte die Stimmen und hatte eine unnachahmliche Fähigkeit, die großen Gefühle ansprechen: Es ist reine Poesie, die Form dank „legato“ nimmt, die Reinheit des Klanges, Kunst deklamierte, die Darsteller ermöglichen ein breites Spektrum an Stimmfarben zu verwenden. Romeo Rollen als Adalgisa oder stimmlich ein sehr großes Gebiet abdecken, erfordert einheitliche Stimme aus den tiefen Tönen der extrem scharf; auch, excellent „legato“ viel Beherrschung der Agilität anspruchs. Ich liebe die Reinheit seiner melodischen Linie und den Reichtum der Gefühle, die jeder der Noten seiner Werke hinaus. Ich versuche, diese Schrift zu schätzen die Fraseo Valorisierung, und "gebunden" y "Voice-Setup".

b.c: Welche technischen Eigenschaften am besten zu jedem der Komponisten erwähnt, als seine Musik Adressieren?

WIE: Alle Arten von Repertoire wird mit der gleichen Basistechnik konfrontiert, aber anders als das es in jedem Fall muß auf unterschiedliche Weise unseres Instrument verwendet werden. Verdi verlangt entschieden „Zellstoff“ -o spezifisches Gewicht und hat eine ganz andere Orchestrierung eines Mozart oder Rossini passieren, beispielsweise. Der gleiche Diskurs gilt für den Belcanto oder den „Verismo“. Die Stimme ist wie ein Handschuh unterschiedliche Anforderungen anpassen. Rossini, Bellini y Donizetti, mit Schrifttypen und verschiedenen Stile, Sie haben gemeinsam, dass sie lieben und schätzen die Stimmen und lassen Sie die Darsteller große Freiheit, die Orchesterbegleitung aufzunehmen, die aufrecht. Die Sänger sind wie Sportler in diesem Repertoire, das alles mit Reinheit des Klanges nehmen müssen, Aspekt, der nicht so offensichtlich, in anderen Komponisten. Alles ist in der Fraseo, in der "legato", en der "Voice-Setup", die Bedeutung des Wortes: Rossini durch deklamierte und coloratura unterschieden, Bellini pro unerreichte Reinheit der melodischen Linie und Donizetti pro dramatischen Schnitt, die psychologische Tiefe seiner Figuren-und pathetisch Wirkend mit einer neuen romantischen Sensibilität. Donizetti war der direkte Vorläufer von Verdi.

b.c: Wie Sie Annalisa Stroppa eine neue Rolle vorbereiten und was sind die Auswahlkriterien?

WIE: Ich denke, neue Rollen oder Autoren wählen nur Ihre Stimme und respektieren jederzeit die Möglichkeiten der Stimme hören müssen: Stimme führt Sie und sagt Ihnen, die korrekteste und gesünder Repertoire zu beschäftigen.
Ich hatte noch nie den Anspruch der Lage sein, alle zu singen, weil ich denke, wohl wissend, Ihre Stimme ist, wenn Sie eine Anstrengung erfordern und geben Sie die maximale.
Wenn Sie eine neue Rolle studieren ich voll und ganz in der Studie Libretto einlassen und Score zu finden meine eigene Art und Weise den Charakter spielen.

Wie für den Rahmen basierend auf historischen Themen, wie Anna Bolena, Ich dokumentiere, was ich kann eine Vorstellung davon zu bekommen, wie genau war der historische Charakter und das Zeichen war, um meine eigene Charakterisierung zu geben, ob diese Stimme interpretative.
Ich denke, dies ist ein wunderbarer Aspekt meiner Arbeit, nämlich, machen meine Marke und meinen Teil meines Charakters, die ich jedes Gesicht.

b.c:- Es ist in Madrid in Faust teilnehmen, Gounod, in der Premierensaison des Teatro Real. Erzähl uns von dieser Arbeit und seinen Charakter, Siebel, es hat Momente von großer Schönheit und Lyrismus.

WIE: Gounod fangen Sie und Sie verlieben sich in einer außergewöhnlichen Melodie, hypnotisch, sinnlich, unwiderstehlich; Französisch Musik beginnt Prosodie in erhabener Weise. Faust ist eine Oper von außergewöhnlicher Schönheit, reich an verschiedenen Aspekten: darin sind eine Mischung aus Erzählung Gesang (fast deklamierte), Chor-Walzer, ergreifende Momente, eine große Intensität und ausdruck lyrical intimismo; warum so viele Komponisten der zweiten Hälfte des Jahres „Ottocento“ wurden von ihm inspiriert: zwischen ellos Massenet, Bizet, Debussy o Ravel.

Gounod auf einer Geschichte basiert, die seit Jahrhunderten inspiriert hat nicht nur Musiker und Librettisten, sondern auch Dichter, Romanciers und Maler. Die Faszination dieser Geschichte wohl zu den universellen Themen verknüpft ist, adressiert, wie der Kampf zwischen Gut und Böse, la fe, liebe, die Vergänglichkeit des irdischen Lebens; schließlich, wahre Motive, unsere Kultur und sind vom Komponisten meisterlich behandelt.

Siebel in der Oper, das Zeichen, das ich interpretieren, Es ist schön und positiv, leal, mit einer konstanten und empfindlichen Präsenz mit Margerite; Er hat seinen Bruder versprochen, er hatte den Krieg zu ziehen, um sicherzustellen, seine und Siebel ist eigentlich der einzige, der bis zum Ende unterstützt. Faust verführt und verlassen von, Scorned von allen, und verflucht von seinem Bruder Valentine, Siebel wird, bleibt nur wahr, und es nur der Glaube tröstet. Siebel versucht inzwischen eine reine Liebe für Marguerite, in der Tat widmet er die erste Arie, was es ist schön: „Mach, dass sie mein Geständnis“, Führte, in dem er seinen romantischen und jugendlichen Charakter mit der Begeisterung und Freude eines jungen Mannes, der den Fluch des Mephistopheles besiegt, der nach seiner Hand in Weihwasser benetzt, Sie können, ohne dass diese welken Blumen für Ihren geliebten holen.

Unter den Rollen habe ich konfrontiert, Ich habe das Glück, in Transvestiten mehr zu spielen.

Für eine Frau, die eine männliche Rolle zu spielen, ist eine Herausforderung als Schauspielerin. Ich versuche immer, so weit wie möglich die Haltungen und Bewegungen der Menschen zu beobachten, von Kindern (Ich denke an Hänsel) um Jugendliche (zum Beispiel Cherubino oder Romeo), oder reifere Männer (als Ascanio oder Orfeo), und ich versuche, Wege zu finden, mich so weit wie möglich in der Rolle einzutauchen soll ich spielen. Es ist nicht einfach, aber es ist möglich,! Das Wichtigste ist, mit dem Charakter und alles andere zu identifizieren, Bewegung, Stimme und Hinweise auf Regisseur, ist nur ein wenig.

Meine erste Rolle war in Transvestiten I due Figaro Cherubino in Mercadante, und dann konnte ich in die Haut von Cherubino mozartiano bekommen, Orfeo in orfeo ed Euridice,Gluck, die Stéphano s Roméo et Juliette de Gounod, und Hänsel in der bezaubernden Geschichte der Brüder Grimm Hänsel und Gretel Humperdinck Musik. Der Dolmetscher pasada temporada Ascanio in Benvenuto Cellini von Berlioz und Romeo in I Capuleti e i Montecchi.

Siebel im Teatro Real de Faust singen, so könnten wir sagen, dass ich bereits acht Rollen in Transvestiten in meinem Repertoire.

Ich bin sehr aufgeregt, weil die nächste Saison Niklaus von Hoffmanns Erzählungen im San Carlo in Neapel Debüt.

b.c: Die Landschaft der Faust wird von Alex Olle laufen, vor La Fura dels Baus. Die Sätze von Olle in der Regel sehr potent, Was denken Sie, und wie es sich entwickelt? im allgemeinen, Wie ist es mit Regisseuren getragen?

WIE: Es ist eine Inszenierung nichttraditionellen, aber modern, innovativ und sehr interessant. Faust ist kein Arzt auf der Suche nach ewiger Jugend, aber ein Wissenschaftler arbeitet in einem Forschungszentrum. Die erste Stufe ist ein Labor mit einer sterilen Kammer hinter Glas, in dem Wissenschaftler in engen Anzügen sind, die zwischen den Tanks und Behältern, in denen menschliche Figuren schweben Webstuhl. Ärzte und Krankenschwestern kreuzen ständig die Bühne. Siebel ist ein junges medizini. Wann kommt das Projekt zum Stillstand und frustrierend, Fausto verwendet Mefistofele und in der nächsten Szene im Leben des Wissenschaftlers weicht seine Abenteuer mit dämonischen contrafigura.

Faust lesen La Fura dels Baus macht Sie auf das Verständnis der heutigen Zeit reflektieren und zeigt die Reflexion der inneren Wünsche des Individuums, ausgeglichen zwischen Lust und Frust, zwischen Selbst und Einheit; ist der Kampf zwischen Gut und Böse nicht nur als externe Realitäten, aber unter diesen inhärenten Impulse innerhalb einer Person. Faust, tatsächlich, koexistiert die gleichen Mefistofele. Am Ende der Oper, Mefistofele tragen die gleiche Kleidung Faust, so enthüllt die Natur des Alter Ego des Protagonisten.
Es muss die entscheidende Bedeutung von Video-Projektionen hervorheben und Beleuchtung; die vorherrschende Farbe ist rot, Erforderlich ist eine Neigung, Blut, Wein, die wundersame Verwandlung von Wasser in Wein, hier umgekehrt sacrilegious, etc…

Die heutige Etappe Richtung zunehmend wichtig geworden,; Ich bin glücklich, mit Regisseuren immer fantastischer Szene zu arbeiten.

Insgesamt bin ich immer gut vorbereitet, weil ich die Regisseure denken können nützliche Informationen erhalten Sie Ihre eigene Ausdruckskraft zu verbessern. Für mich ist ein guter Regisseur ist derjenige, dass Musik und Gesang weiß haben ihre Führung in den Dienst der Musik und Gesang respektieren und anpassen, Dolmetscher in den besten Bedingungen setzen zu singen.

Heute gibt es nicht mehr die Idee einer statischen Bühnenanweisung; Sie müssen lebendig und gegenwärtig Oper halten die Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit zu erfassen, und ich denke, das ist die Erfolgsformel ist.

b.c: Wo sein Repertoire geht?

WIE: Im Moment würde in meinem Bereich folgen, was es ist der Belcanto und Französisch Repertoire von „Ottocento“. Ich fühle meine Stimme erweitert und wird mehr Gewicht und vielleicht in Zukunft immer ich kann auch die großen Meisterwerke von Verdi Gesicht. Wir werden sehen,! Zeit zu Zeit. Ich will nicht leapfrog wenn nicht alle das schöne Repertoire meiner vocalism Geschmack das Beste von mir jetzt zu geben,.

Auf der anderen Seite mache ich immer den Vergleich mit dem Verband, nämlich, Wenn ich eine Größe „M“ haben kann ich nicht ein „S“ oder „L“ erhalten. Das gleiche gilt für die Auswahl des Repertoires. Wir müssen wissen, gerade und Größenänderung warten, wenn die Stimme, die Sie schlägt vor,.

b.c: Obwohl dies eine sehr anspruchsvolle und absorbierende Karriere, nur sie ein nichtdedizierten, Was gefällt Ihnen, wenn es nicht zu tun, arbeiten?

WIE: Meine Leidenschaft deckt sich mit meiner Arbeit, und das ist von unschätzbarem Wert!
Meine freie Zeit für andere Aktivitäten zu widmen, ist etwas eingeschränkt, aber wenn ich, Ich mag mit meinen Lieben verbringen.

Ich reise viel und während Produktionen bin viel Zeit weg von zu Hause, also nehme ich die Momente der Pause die Schönheit der Städte, die ich Besuch genießen, schätzen kulturelle Unterschiede, Ich genieße die lokale Küche ... Ich kann es auch in der Küche genießen, Ich experimentiere so mit neuen Rezepten.

b.c: Sie haben sehr gute dramatische Fähigkeiten auf der Bühne, Wie wichtig ist für Sie den dramatischen Teil einer Arbeit und wie alle, dass Energie in die Öffentlichkeit zu kanalisieren?

WIE: Für mich ist es wichtig, dass ein Künstler seiner persönlichen Dichtung, wenn ein Zeichen zu interpretieren, um zu versuchen, ihn zu machen sein; nämlich, Untersuchung des Charakters in der Tiefe zu erreichen tiefere Details und Nuancen. Und kann eine Lesung bieten, die unsere Persönlichkeit und Sensibilität als Künstler widerspiegelt. Wenn ich einen Charakter spielen versuche ich es zu verinnerlichen und in sie so viel wie möglich auf der Bühne zu fühlen, ihre gleichen Emotionen. Es ist wunderbar, in verschiedene Charaktere zu bekommen, jede mit ihrer eigenen Persönlichkeit und Charakter, und hacértelos deins.

Meine Studien haben mir geholfen, nicht auf einer oberflächlichen Blick auf die Rolle zu stehen ich spielen, Bei Eingabe nicht vollständig seine Komplexität und Charakter zu verstehen, Psychologie, seine Beziehung zu den anderen Charakteren in der Oper; Ich versuche, den Charakter, den ich eine „Seele“ und nicht um einen Körper zu bieten spielen. Es ist nur mit einer sorgfältigen Analyse, wenn wir bekommen diese Form annimmt. auch, Ich bin gespannt auf die Oper zu verstehen, ich eine dreidimensionale Form spielen, aus dem Skript, Texte, historischer Kontext und Einstellung. Erst dann wird die Rolle, die Sie Ihnen tun.

Ich denke auch, über die Menschen und die öffentliche. Dolmetscher haben eine wichtige Rolle in diesem, da müssen wir bewegen, begeistern und zu verstehen, die wir hören, was das Zeichen sagt, Ihre Stimmung, etc…

Unter anderem haben wir immer breitere Pflicht Oper zu einer Öffentlichkeit zu bringen; Bildung und Sensibilisierung der Öffentlichkeit von heute und morgen vor allem, wenn es ist wichtig,. tatsächlich, Es ist wichtig,!

Es ist auch wichtig, in der Musikerziehung in Schulen zu betonen; Es muss Kinder sensibilisieren, um unsere musikalischen und Opern Erbe zu schätzen und kennen; Sie müssen lernen, es zu genießen und ihn lieben.

Auf der anderen Seite, Ich liebe den Kontakt mit der Öffentlichkeit, weil es ist, was gibt Ihnen die Kraft, Macht, die Hitze ich brauche, wenn ich auf der Bühne bin. Die Öffentlichkeit ist mein Motor, ein Wohn- und integraler Bestandteil der Show.

Interview: Paloma Sanz

Gerhaher und Huber

Es begann in der Teatro de la Zarzuela der berühmte Liedzyklus die gemeinsam mit dem organisiert Nationales Zentrum für die Verbreitung von Musik. in dieser Saison, auch, feiert 25 Jahres-Zyklus. Und in der Art zu starten, Christian Gerhaher und sein Alter Ego am Klavier, Gerold Huber, habe alle begeistert mit Schwanengesang, Franz Schubert.

Schwanengesang (der Abgesang), Es besteht aus Texten verschiedener Autoren und sie haben nichts miteinander gemeinsam, im Gegensatz zu den beiden anderen Schubert-Zyklen, Die schöne Müllerin (Die schöne molinera) y Winterreise (Winterreise), dass wir die Gelegenheit hatten, in früheren Spielzeiten mit der Stimme von zu hören Matthias Goerne und Gerhaher selbst. Die, die uns heute beschäftigt, wurde posthum von Herausgeber Tobias Haslinger veröffentlicht, nach dem Tod des Komponisten, verhandelte mit seinem Bruder Ferdinand den Kauf der Entwürfe der letzten von Schubert komponierten Lieder. 14 unveröffentlichte Songs mit Klavierbegleitung, die keinen Korpus bilden, wie die beiden zuvor erwähnten, aber dessen Qualität lässt keinen Zweifel.

Gerhaher und Huber bilden ein perfektes Binomial für die Nostalgie, von der aus man zu den Texten von Fridrich Rückert und Heinrich Heine übergehen kann. Zwei der wichtigsten romantischen Referenzen der Zeit, die von einem bereits sachkundigen Schubert vertont wurden, zu dieser Zeit, von der Nähe seines Todes. die Schwanengesang Sohn un Reihe von Songs, die zwischen Freude und Traurigkeit wechseln, hauptsächlich, für liebevolle Situationen genossen, als Liebesbotsschaft, (Liebesnachricht) oder zerrissen, als Der Atlas (der Atlas).

Gerhaher flieht vor jeder ausdrucksstarken Beredsamkeit. Er gibt die Diskretion nur auf, wenn seine Stimme steigt, fest und durchschlagend, vom Drama des Augenblicks mitgerissen, wie in Aufenthalt (Ruhestätte). Aber immer aus einer eleganten und unveränderlichen interpretativen Hermetik, die nicht die Beredsamkeit von Rükerts Texten vermitteln muss, Ellstab, Heine y Seidl.

Gerold Huber, Wer geht mit dem Pedal wie kein anderer, Gehen Sie immer parallel zu Gerhaher, eine nuancierte Atmosphäre schaffen und präzise mit der Baritonstimme verbunden. Zwischen ihnen bilden sie ein unauflösliches Tandem.

Eine romantische und exquisite Nacht in einem Teatro de la Zarzuela, die diesmal eine große Anzahl junger Fans beherbergte. Hoffen wir, dass sie sich konsolidieren. Nicht umsonst, Das Teatro de la Zarzuela unternimmt bemerkenswerte Anstrengungen, um dies zu erreichen.

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Mit seiner tiefen Stimme und ein Lächeln sonnigen ewigen, Spanien kehrt in die Mezzosopranistin Marianna Pizzolato die Titelrolle von L'Italiana in Algeri von Rossini zu spielen, Sommerfest von El Escorial, und die San Sebastian Musical Vierzehn Tage. Leidenschaftlich über Belcanto, Wir werden mit seiner Quickly Falstaff überraschen Verdiano, die nächste Saison in dem klassischen Theater Real.Brío: Sie sind eine sehr entschlossene Frau. In seinem Berufsleben, Was waren diese Entscheidungen heute ist, wo es ist?

Marianna Pizzolato: Anstatt zu machen, Ich möchte über die Wahl sprechen, dass die Musik für mich getan hat, weil, wirklich, Ich muss sagen, es war die Musik, die mich gewählt haben, nicht umgekehrt, und nach und nach, es war meine Liebe zu ihrem; nämlich, das kam allmählich. So ist es eine Wahl des Lebens gewesen, in einer Weise,, Es hat stattgefunden, Publikums- und gemeinsam; Kurs, da hat es diese Liebe entstanden, es hat nicht mehr nie aufgehört ...

b.c: Was eine mediterrane Stimme eines anderen unterscheidet, die nicht?

M. P: Ich denke, eine sehr schöne Frage (lacht). Ich würde sagen, dass das, was unterscheidet eine mediterrane Stimme aller anderen ist das Klima und die geografische Faktor. Como sizilianische, Sagen wir, ich mich inmitten einer kulturellen Scheideweg, und damit, was man eine Stimme Mittelmeer charakterisiert, Es könnte wohl die Mischung der Kulturen sein; deutlich, die Erde und die Sonne, die unsere Region charakterisieren, viel Einfluss, weil beide Leben geben, um all jene Mineralien und all diesen klimatischen Faktoren, die sicherlich dazu dienen, eine Stimmprojektion und der tatsächlichen Schallschwingungen Mittelmeer zu bekommen.

b.c: Sie bestätigen, dass, „Bel canto Singstimme darf nicht zwingen, sondern begleiten die fiato ". Können Sie ein wenig mehr dieses interessante technische Problem entwickeln?

M. P: Lassen Sie uns sagen, dass ich eine Vorstellung davon, was diesen Jahren geworden sind, irgendwie, Es bedeutet das Belcanto, und ich versuchte, es selbst zu erleben. Ich denke, in irgendeiner Form operística, entweder Belcanto, ob barocker Verismo, Sie nicht immer Ihre Stimme belasten; Dies ist die Basis, die jeden Stil und jede Oper Ära begleiten können. Was ich meine,? Für die Stimme mit fiato Mitteln, um die fiato als absolute Recht setzen begleitet den richtigen Ton zu verlassen, entworfen und sauber, denn es ist wichtig, gesund und schön zu singen. Und für gesunde Singstimme muss im fiato unterstützt werden. Die fiato, die durch unseren Körper läuft und Brustwirbelsäule; meiner Meinung nach, es gibt keine großen oder kleinen Stimmen, aber es gibt Stimmen projiziert, und es ist gerade fiato bestimmt die Frequenz eines Sprach. Wenn es gut genutzt fiato, der Ton schwingt in dem natürlichste Weg und geht so lange wie möglich. schließlich, die Stimme durch fiato laufen, wie wir in unserem Jargon sagen; und das ist, was auch sehr großes Zimmer erlaubt, die Stimme auch „reisen“.

b.c: Sind Sie ein Künstler Rossini, Glauben Sie, das Lied Rossiniano eine bestimmte Technik erfordert?

M. P: mir, die Wahrheit ist, dass ich wirklich Rankings nicht gefällt und wir haben nichts dagegen zu sagen, obwohl in den letzten Jahren hat er viel getan Rossini, aber ich argumentieren, dass es nur eine Technik ist,. Mehr als eine Technik, das Repertoire Rossiniano Gesicht, Ich spreche über, dass eine gewisse angeborene Merkmale erforderlich ist; Ich meine, Sie mit einer Prädisposition für bestimmte Koloratur geboren werden müssen, die Elastizität und die Geschwindigkeit; wie gesagt vor, durch fiato und technische, Sie können alle diese Funktionen markieren, die sie gebunden sind typisch für Kanten Rossiniano.

b.c: Viele der Charaktere sind Transvestiten Rossini für Mezzo, Wie scenically bereitet diese Rollen?

M. P: Singen Sie eine Rolle in Transvestit ist eine sehr interessante Sache, weil man ändert ein wenig mit dieser Art von Rolle. Nicht, dass Sie den Körper ändern müssen, selbst wenn sie annehmen, bestimmte Einstellungen, es ist eine Änderung der Mentalität. Es kann einen Witz erscheinen, aber wenn eine Rolle in Transvestiten in einer Produktions gesungen, man bemüht sich wie ein Mann zu denken, und bewegen wie ein Mann; Ich denke, hier liegt der Erfolg eines Transvestiten Rolle in. Jedenfalls, es ist notwendig, um wegzukommen durch, weil vor allem in Rossini, in Bezug auf Musik, ist alles geschrieben. So führte er von der Musik entfernt und ein wenig zu denken ist nicht eine zu schwierigen Aufgabe, sondern eher das Gegenteil, Es ist sehr spannend.

b.c: Einige aktuelle Ansätze können eigentümlich sein landschaftlich oder, auch, Exzenter, Haben Sie jemals gesagt, für seine Landschaft zu einer Rolle nicht? Würden Sie tun?

M. P: ja, in der Tat ist es ein sehr heikles Thema. heute, Regisseuren machen einige Oper padroni. und ja, Ich hatte einmal eine Rolle aufgeben, Ich ging sogar im Laufe der Produktion. Sie können alles tun,, und alles kann schön sein; Ich mag moderne Produktionen, Ich liebe moderne Direktoren, vor allem, wenn ich lehre, neue Dinge, aber wenn die Idee Inspizient übersteigt den Komponisten und nicht markieren nicht den Komponisten, sondern sich, die Sänger in der zweiten oder dritten Ebene setzen, da wir sehr oft in einigen Produktionen zu sehen, Ich denke, ein Mangel an Respekt. Es ist geschehen, Ich sagte nein, und ich tun würde, wenn nötig, denn meiner Meinung nach, Musik und Stimme haben über all dies zu verteidigen, und sie haben den ersten Platz nehmen; andernfalls, die Oper selbst würde keinen Grund zu existieren.

b.c: Sein Repertoire ist klar belcantista aber seine Stimme ist sehr vielseitig. Um welche Rollen oder Codes können Sie ihre Stimme entwickeln?

M. P: zum Glück, die Welt mit Rossini nicht zu stoppen und ich bin sehr glücklich darüber. Ich bereite die Rolle der Frau schnell zu adressieren, in Verdis Falstaff am Teatro Real in Madrid; Das werde ich auch viele Requiems von Verdi, Französisch Repertoire, natürlich nicht das symphonische Repertoire für Mezzo vergessen, was es ist riesig, und Ich mag es, weil es mir erlaubt, mich anders auszudrücken. Das Konzert Welt ist eine Welt, die Sie in Kontakt mit dem Komponisten und dem Publikum anders Oper bringt, und ich muss sagen, dass diese Form des Ausdrucks und der Kontakt mit der Musik und den öffentlichen Interessen mich sehr.

b.c: Unter seinem Repertoire ist es auch die deutsche Lied. Wie ist das Moment der Selbstbeobachtung, die diese Art erfordert, in einem kleinen Raum, mit dem Publikum so nah und nur von einem Klavier begleitet?

M. P: Vor kurzem bin ich Adressierung das Liedrepertoire und Erwägungsgrund, aber wie oben angegeben, Kontakt mit der Öffentlichkeit ist völlig anders, weil ein direkter Kontakt gegeben ist, und keine weiteren Filter wie Szenografie, oder Orchester, oder die Sprache der Oper. In diesem Fall, Wir sprechen eine andere Sprache, und andere Körpersprache auch. Es ist sehr interessant und vielleicht schwieriger, weil es Ihnen die Möglichkeit bietet, mehr direkt zum Ausdruck bringen, aber ich mag alle Beziehungen der Liebe, wenn in der Nähe sind sie gefährlich.

b.c: Nächste Saison hören wir in der Falstaff des Teatro Real ...

M. P: ja, Was kann ich schnell sagen? Nun, das ist ein wunderbarer Charakter schnell. Ich bereite jetzt, und ich habe so viel Spaß, während Sie studieren. Wie in allen Opern Verdis, gibt es immer einen Kontrast zwischen süß und sauer. Schnell ist ein Charakter von ironischen Nuancen, aber mit einem Hauch von Säure, so hoffe ich, gut zu machen und Spaß haben.

b.c: Von allen Geschichten oder Ereignisse, die in ihrem Beruf geschehen, Gibt es eine besondere erinnern?

M. P: Ich sage Ihnen etwas komisch, dass mir vor Jahren geschah in Pésaro, wer war Autographen anstelle meines Kollegen unterzeichnen, weil Fans überzeugt waren, dass ich es war, diese Rolle auf der Bühne gespielt hatte, und mein Kollege hatte eine andere Rolle gespielt. tatsächlich, Wir tauschten Fans und wir werden weiterhin wie dies durch den Abend, bis wir das Geheimnis und jeder begann offenbaren lachen. Es war einer der lustigsten Momente. Ich erinnere mich auch, wenn, beispielsweise, einmal auf der Bühne ließ ich das Schwert Rolle einen Transvestiten zu machen und war allein mit der Scheide, so begann ich mit pod allein zu kämpfen, und die Öffentlichkeit logisch begann während einer ernsten Oper zu lachen (lacht).

Interview: Paloma Sanz
Bilder: Als Isabella in L'Italiana in Algeri an der MET
(c) Ken Howard / Metropolitan Opera
Como en Isabella Die Italienerin in Algier en el Maggio Musicale Fiorentino (c) Simone Donati

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In der zweiten Hälfte des achtzehnten Jahrhunderts Benjamin Franklin, wie gern Musik als Wissenschaft oder Politik, poliert und hoch entwickeltes Instrument verbunden mit einem Holzbasis und Emittieren einen charakteristischen Klang von Kristallgläsern gebildet, wenn der Rand des Bechers mit den Fingerkuppen zu berühren. Er hatte die Glasharmonika erstellt. Schnell Einsatz dieses neuen Instruments wurde von den europäischen Salons erweitert interpretiert, hauptsächlich, durch mujeres.La Melodie und Atmosphäre, Sie haben die Phantasie von vielen, die Fliege hört. Für einige war es beruhigend und andere, spannend, so sehr, dass einige Spieler und Fans begannen, ihr Nervensystem fühlen betroffen, Ankunft selbst verbietet sogar die Verwendung von Glasharmonika in einigen deutschen Städten.

Während einer seiner Reisen nach Neapel, Donizetti hatte diesen neuen musikalischen Artefakt entdeckt, Er ist fasziniert von seinem Klang. Ein paar Jahre später, wenn initiierte Zusammensetzung Lucia di Lammer, er dachte, dass dies das einzige Instrument sein, das die Angst des Protagonisten auf der Bühne des Wahnsinns reflektieren könnte. Es wurde dann gesagt, dass einige Zuschauer, besonders anfällig oder empfindlich, Sie konnten erhalten verrückt zu gehen, um den Ton zu hören.

In Anbetracht dessen, was in diesen Tagen am Königlichen Theater passiert, Während es könnte sagen, dass der Einfluss der Glasharmonika seine Auswirkungen gehabt hat,. Aber vielmehr hat es die Wirkung der Stimmen gewesen, zwei Abgüsse von höchstem Niveau, diejenigen, die entfesselt haben Wahnsinn oder, mindestens, eine besondere Aufregung in der Öffentlichkeit. 17 Jahre nach der letzten Lucia, die Edita Gruberova in demselben Theater gespielt.

Inglés National Opera konnten wir fast ausschließlich in dieser Produktion, die Partitur genießen. Sie haben die Arie des Turms enthalten und das schöne Ende Solo Edgardo. Die Opern dieser Zeit wurden oft verstümmelt, wenn dargestellt werden. Laut Daniel Oren, wegen des Genies von Verdi, „Welches kam mit einer solchen vernichtenden Wirkung auf ihre Noten, die andere Komponisten gemacht wurden Absteiger“. Lucia war eine der wenigen Werke von Donizetti, die nie im Repertoire aufgehört zu sein.

Die Landschaft von David Alden ist in der viktorianischen Ära befindet, wenn die Arbeit wurde geschrieben. In einer paternalistischen Gesellschaft und stark von Männern dominiert. Wo die weibliche Figur kaum Präsenz. Herr Enrico Ashton hat eine solche wirtschaftliche Verzweiflung, die er in der Lage, seine eigene Schwester in der Ehe verkaufen sie zu liefern und das Familienerbe retten.

Alden hat eine zu dunkle Landschaft präsentiert, sehr kalt und dunkel. Manchmal zu minimalistisch. Alden ist ein Mann des Theaters und ist auf die Wirkung des Anordnens einen Stufe innerhalb der Stufe zurückgegriffen. Darin einige der wichtigsten Momente des Spiels sind vertreten, als Schauplatz des Wahnsinns, die es tritt in der Mitte einer Darstellung. Nur das Spiel von Licht von Adam Silverman rettet den Betrachter Graureihe, die die Arbeit dominieren, die Schaffung einer unterdrückenden Umgebung, Neben den geringen Abmessungen der Landschaft. Brigitte Kleiderschrank Reiffenstuel setzt den romantischen und eleganten Platz in einer schweren und drückenden Landschaft.

Zwei Verteilungen wurden für diese Produktion verantwortlich. Im ersten, Lisette Oropesa überraschend Leben und Glanz Lucia gegeben. Eine Rolle nicht einfach, nicht nur wegen der Schwierigkeit einer Punktzahl von großen Vokal exigency, auch von einem Papiergewicht von den größten Operndiven vertreten ziehen. Oropesa Griffe fehlerlos mal, Vibrato, Triller, gebunden, das Klavier ... Wenn es etwas gibt, vertiefen soll, ist die Theatralik, weil die Rolle der Lucia ist ein extremes Drama.

Edgar Javier Camarena hatte eine erfolgreiche und Romantik. Er schien in akuten, was es ist seine Stärke, und die schöne Legato. Der letzte Akt, wo ist der Protagonist, schon tot Lucia, Es war ein ergreifender Lyrismus. Es unterhält eine ständige Flitterwochen mit der Öffentlichkeit in Madrid und den endgültigen Ovationen wurde gut verdient.

Der zweite Teil war verantwortlich für Venera Gimadieva als Lucia. Es hat eine einwandfreie Technik, ein schönes Timbre und ein leistungsfähiges Zentrum. Nicht so die Höhen, sie waren gezwungen,. Ziemlich gut in der Arie des Wahnsinns. Es war niedrig auf eine sehr gute Leistung. Le überflutete einige frildad mit Edgardo verbinden verhindert.

Die Besten der Nacht war Ismael Jordi, Como Edagardo. Seine Stimme hat in Volumen und Musikalität entwickelt. Dominiert die Belcanto, Es bewegte sich mit der Zartheit seiner Klaviere und seine romantischen Fraseo. Ein wenig steif und statische Stufe.

Enrico Simone Piazzola klang ein wenig eng und leñoso. Nun, in der Interpretation von autoritärem und egoistisch Bruder.
der Chor, in seiner Linie der Brillanz. Auch auf der Interpretation, die immer ein wesentlicher Charakter ist.

Regie Daniel Oren, große Kenner des italienischen Repertoires, Es war ein bisschen schwer zu Zeiten, trotz seiner energischen Bewegungen am Rednerpult. Er konnte seine summe hört, wie er im letzten Akt sprang. Nun in concert wie gezeigt in einem prächtigen Sextett. aussergewöhnlich lenkt die Sänger, davon anhängig ist es ohne agobiarles.

Ausgezeichnetes Saisonfinale, dass das Publikum einen sehr guten Geschmack läßt. Nach einer Saison, in denen die Gewinner die weniger bekannten Opern gewesen, Diese Lucia wurde, deutlich, die besten in dem klassischen Repertoire, deutlich über dem preciosista La Bohème und plump Aida.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

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Sein Projekt ist „Revolution“ genannt. Was ist die wahre Revolution der Barockmusik?

Revolution Barockmusik in den letzten fünfzig Jahren hat verschiedene Phasen erlebt, als das Stadium der Wiederentdeckung der antiken Instrumente, die Sprache und ihre Mitteilung an die Öffentlichkeit. Unser Projekt will den temporären Raum der Alten Musik diesen Begriff Verlängerung bis zum neunzehnten Jahrhundert verlängern, um, dass die Musik des neunzehnten Jahrhunderts zu zeigen, immer noch von vielen Gesten und Ausdruck Codes aus vergangenen Jahrhunderten genährt, dass der Hörer kann heute noch verborgen Aspekte und Details offenbaren, fähig neue Emotionen zu erzeugen, schon vergessen.

venezianischer Komponisten Albinoni, Marcello, Vivaldi y Galuppi. Was bringt jeder spezielle Barock?

Alle diese Komponisten, zusammen mit vielen anderen, Sie haben dazu beigetragen, einen Stil zu erstellen, die im achtzehnten Jahrhundert in Venedig angezogen Musiker und Musikliebhaber aus ganz Europa. Ein rhythmischer Stil, präsentiert Lösungen, melodische und harmonische Eigenschaften, Produkt von Einflüssen aus den vielen Kulturen, die in einer vielgestaltigen und facettenreichen Stadt als das Venedig der Zeit kreuz und quer. ein Stil, auch, wer hat einen großen Einfluss auf viele Musiker hatten; zunächst einmal, J. S. Bach.

Warum express Barockmusik so präzise Gefühle und Leidenschaften?

Die Verbindung zwischen dem Komponisten der Barockmusik mit dem Träger und letztlich der Zuhörer durch eine ästhetische gekennzeichnet ist, die Emotionen und Leidenschaften in einer Reihenfolge, begreift, dass die Momente bestimmt, in bestimmten Empfindungen erfahren. deutlich, wir sprechen über musikalische Rhetorik, deren Anwendung ermöglicht es uns, diese Zeit zu verstehen und die Gefühle und Leidenschaften stärker und aufrichtiger erleben.

Glauben Sie, die zur Zeit verwendeten Codes zu übertragen und Barockmusik zu empfangen unterschiedlich sind diejenigen, die aus in der Zeit seiner Zusammensetzung verwendet? Wie es entwickelt sich weiter Tonsprache?

Meiner Meinung nach, Heute ist unbedingt notwendig, die gleichen Codes zu verwenden, dann, weil es der einzige Weg ist, müssen wir so nah wie möglich zu bekommen, was im Kopf des Komponisten war und immer, deshalb, die musikalische und emotionale Ergebnis ist stärker und kommunikativ. Was heute aus der Vergangenheit ändert, ist vielleicht die Klangwahrnehmung in Bezug auf die Räume, mit der daraus folgenden Gefahr, dass die Bedeutung des musikalischen Materials zu verzerren.

Eintauchen in die Kenntnis der Barockmusik öffnet ein unendliches Universum der Kommunikation und Wissen, kein Solo-Musical. Nach vielen Jahren der Karriere und eine gründliche Studie, semiotische Fälle, Barockmusik, Was ist Ihre Diagnose für dieses Genre heute?

Ich habe über 40 Jahre verbrachte alte Musik zu studieren und alle Aspekte, die charakterisieren, nicht nur Musik, sondern auch historische, philosophisch, soziologisch, etc. All dies hat mir erlaubt, zu verstehen, wie viel bleibt noch zu tun, zu verstehen und neue Dinge zu lernen, die andere übertragen werden können. Es hat auch mir geholfen, zu erkennen, dass diese Musik noch reden wird, und scheint jetzt obwohl im Laufe der Zeit.

Was wir erwarten, ist sein neues Album: „Konzerte für Streicher III und Konzerte für Viola d'amore“ para renommierte Vivaldi Ausgabe (klassische naiv)?

Unsere letzte Aufnahme zielt darauf ab, die außergewöhnliche Fähigkeit zu markieren Vivaldi immer zu sagen, etwas Neues und Originelles, wenn auch durch eine kurze und scheinbar klischee als Konzert für Streicher. Wir wollten vertiefen, in Tiefen, in den Details, manchmal, versteckt, dass machen diese wunderbaren „Miniaturen“, zu machen, um die Tausende von verschiedenen Lösungen entstehen, die diesen großen Komponisten implementieren können, unter Beibehaltung Stil seines erkennbar und einzigartig. die Konzerte für Viola d'amore Sie stellen ein Werk in seiner Art einzigartig, uns erlaubt, um besser die timbral und Ausdrucksmöglichkeiten dieser geheimnisvollen und wenig bekannte Instrument zu verstehen.

Durch Videos seiner neuesten Arbeit erkennen wir die Bedeutung des Bildes und Inszenierung. Wie wichtig ist die ästhetische audiovisuelle Kommunikation als Element seiner Kunst?

Ich glaube, das visuelle Element ist, deutlich, wichtige Emotionen schnell zu kommunizieren und zu vermitteln und effektiv auf allen Ebenen zu hören. Sehen wir uns die Zeit Barock nicht vergessen, der Blick „synästhetischen“, sogar Musik, Es war sehr wichtig,. Klänge, Farben, Effekte, Choreographie oder visuelles Spektakel fasziniert den Hörer und konditionierten stark die Wahrnehmung.

Ist es ein Widerspruch zu sagen, dass Barockmusik führt uns zurück in die Zukunft?

Der moderne Mensch, Im Gegensatz zu früheren Jahrhunderten, Blick auf die Kunst und so die Musik, bewegliche Elemente der Vergangenheit zu zeitgenössischer Ästhetik und Sensibilität. und, offensichtlich, Vergangenheit und Zukunft sind mit der Erforschung ihrer Wurzeln verflochten, und ästhetische Anforderungen und Zukunft.

Was macht Ottavio Dantone, wenn nicht Musik machen?

Ich entspanne ich in meinem Hause mit meiner Familie, obwohl die Musik verlassen mich nicht so gut wie nie.

 

Sterben am Königlichen Theater Soldaten

Die Soldaten en el Teatrom Real

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Es gibt viele künstlerischen Ausdrucksformen, die versucht haben, in seinen negativsten eines der wichtigsten Merkmale des zwanzigsten Jahrhunderts zu reflektieren, das Grauen, Aberration und böser Mensch ist erzeugen kann fast unendlich. Und es haben sich viele Künstler gewesen, auf tragische Weise beeinflusst durch aus erster Hand die Grausamkeit des Zweiten Weltkriegs obenes. Einer von ihnen war der deutsche Komponist Bernd Alois Zimmermann, deutlich, eine, die die lebendige Gewalt reflektiert hat am besten.

Zimmermann erhielt direkte Einflüsse der musikalischen Avantgarde, die Europa wurde eindringliche. Entre ellos Schönberg, Bartok, Webern, Stravinski o Kagel. Die Soldaten haben als große Inspirationsquelle Alban Bergs Wozzeck. Beide gehen von der gleichen literarischen Ursprung, das Schauspiel von Jakob Michael Reinhold Lenz, Dichter und Schriftsteller des achtzehnten Jahrhunderts und einer der wichtigsten Vertreter der Sturm und Drang. Lenz beging Selbstmord mit nur 23 Jahre nach einem unruhigen und erfülltes Leben Ungleichgewichte. Zimmermann endete auch auf Selbstmord zu begehen, nur fünf Jahre nach der Premiere von Den Soldaten.

Die Ähnlichkeiten sind evident Wozzeck, nicht nur im Ursprung, Auch in der musikalischen Struktur und, als Grundlage, dodecaphonism. Die Soldaten mit Lyrik und jazzige Momente punktiert. Zu dieser Mischung der Stile genannt Zimmermann sie “pluralistischer Ansatz”, was es ist nichts anderes als eine Collage aus verschiedenen musikalischen Konzepten und Strukturen.

Nach dem Betreten des Zimmers erwarten wir die Projektion eines riesigen Porträt Kind. Es ist die Unschuld des Protagonisten, Marie, vor Opfer der Tragödie und der moralischen Abbau anderer Zeichen fallen. Das Mädchen wird am Ende der Arbeiten wieder, Tote nach einem herzzerreißenden Ende, das die Vernichtung der Unschuld in einer schmierigen und zerstörerischen Welt zeigt.

Hinter dem Vorhang eine riesige bereite Industriearchitektur erscheint, in dem in mehreren Ebenen untergebracht sind die 120 Lehrer Orchestra. in Uniform und militarisierten Alle für den Anlass. 18 Trommelsätze und 25 Pauken fallen in diesem Orchester mechano Donner, was es nimmt fast alle von der Bühne dramatisch, so dass wenig Raum für die Sänger an der Stelle normalerweise durch den Graben besetzt. Diese Bestimmung so weit von einigen Instrumenten hat zu seiner Verstärkung mit gemischten Ergebnissen geführt, weil es am Ende nicht hören, beispielsweise, die Harfe.

Auf der anderen Seite, die Nähe der Sänger der Öffentlichkeit erzeugt einen Effekt close-up, die das Stimmergebnis verbessert und, vor allem, Theatralität. Die Tatsache, dass die Sänger außerhalb des visuell Regisseur sind, erfordert nur einen Repeater-Manager zur Eingabe von Stimmen haben. Eine komplizierte Aufgabe, die Vladimir Junyent führt mit Zuverlässigkeit und Präzision.

Es ist nicht leicht, ein Werk zu schaffen, die Stupor produziert, Unruhe, und Unruhe und Tränen, hat vez, das Gefühl der eine kolossale Arbeit erlebt haben. Die einzigartige und überzeugende Beschreibung der menschlichen Lücke durch eine Partitur und eine Broschüre, die vergangen ist, eine unmögliche Arbeit zu sein, eine der Referenzen des zwanzigsten Jahrhunderts Musik zu sein. Alle durch die gemeinsame Anstrengung und herkulisch alle, die teilnehmen.

Die Landschaft von Bieito braucht nicht in dieser Produktion der Exzesse, die beide mögen und charakterisiert diesen umstrittenen Regisseur, ob oder ob nicht gerechtfertigt. dieses Mal, Maßlosigkeit der Arbeit überschreitet die Bühnenbildnerin, das ist zu sagen. Aber mehr Hype wäre Landschaft Überlastung zusammengebrochen.

Es hat sich das Orchester auf der Bühne platziert er die Bedeutung zu geben, es hat, alle. Eine Musik, die buchstäblich die Zeichen zermalmt, indem sie bis zur Erschöpfung ziehen, unter Verwendung der Instrumente fast als Munition in der Mitte dieser musikalischen und szenografische Gewalt.

Pablo Heras-Casado bekommt eine Leistung von außergewöhnlichen Orchester. Die Anordnung der Musiker macht seine sehr komplexe Arbeit. Zimmermann, die in dieser Arbeit alle unvorstellbare Schwierigkeiten es bis an die Grenze nehmen. Das Heras-Casado selbst gewarnt: „Die Soldaten ist die extremste Herausforderung, die jeder Musiker stellen kann“. Hören Sie diese Partitur ist nicht einfach, aber immer materialisiert mit einem großen Orchester zu lesen, Er ist Frontmann die Arbeit zum ersten Mal in der malerischen Bereitstellung angehoben worden, Es ist fast wie ein Wunder.

Wie für die Singstimmen, Die Soldaten sind eine außergewöhnliche Nachfrage nach seinem extremen Tonumfang. Susanne Elmark spielt Marie. Ein komplexer und teuflischer Charakter in seiner stimmlichen und Auslegungsschwierigkeit. Startet naiv und ein bisschen frech zu verwandeln, wie sie Tragödien bewegen, eine Frau nach brutal vergewaltigt zerstört und verwandelte sich in Prostituierte der Soldateska. Elmark spiegelt perfekt die emotionalen und psychologischen Tiefen von Marie. stimmlich unmöglich, Dänische Sopranistin gibt alles auf der Bühne.

Die Stolzius Leigh Melrose ist die perfekte Replik für Marie. Wir konnten vor kurzem in Britten Gloriana sehen und beide zeigen seine große stimmliche und dramatische Fähigkeit.

Uwe Aufkleber zum Leben erweckt eine hochkomplexe Desportes Gesang, voller Höhen, Hetzen, um sicher Aufkleber. Er hatte eine wichtige Rolle in dieser unmöglichen Punktzahl.

Julia Riley als Charlotte, Iris Vermillion als Mutter Stolzius und Noemi Nadelmann als Condesa de la Roche, Sie zeigten seine gute Schauspielkunst, in dieser Arbeit, die erfordert beste Schauspieler Sänger.

Die Überraschung des Abends war die große Hanna Schwarz. Dieser Veteran Dolmetscher, ihre 76 Jahre alt, Er füllte die Bühne mit seinem tiefen Bass in einer unvergesslichen Aufführung. Seine Charakterisierung der älteren Mutter von Wesener, verbunden ist, um ihre Serum die Charakterschwäche zu demonstrieren, mit Sorge erfüllte das ganze Grundstück.

stellar, nochmals, der Chor Intermezzo, Chor des Teatro Real, unter der Leitung von Andrés Máspero.

Die musikalische Sprache dieser Arbeit ist es nicht jedermanns Sache, bold und Abenteuer Ohren sind erforderlich, aber diese Qualitäten können auch trainiert werden. Deshalb Die Soldaten ist eine notwendige Arbeit, fast obligatorisch, und nicht gut verstanden, dass es nach wie vor großes Publikum sind die Vorteile von Pausen nimmt zu fliehen, wenn sie einige dieser zeitgenössischen Opern darstellen. Geduld wird belohnt, und diese Premiere am Königlichen Theater, Es wurde erwartet,, aber es ist sehr lohnenswert.

Matthias Goerne

mit Schwanengesang (Swansong) Es beendet den Zyklus dieser Saison angeboten Matthias Goerne auf Franz Schubert. Das ganze Universum von Schubert Lieder mit Die schöne müllerin (Die schöne molinera) und Winterreise (Winterreise).

die 30 adressiert April Goerne und Hinterhäuser Winterreise. Ein Zyklus von Liedern Verbindungen zunächst Tenor, aber lassen die Möglichkeit offen, die von den meisten ernsthaften Stimmen interpretiert werden, die größere Intensität und Dunkelheit jedes Lied zur Verfügung stellen kann. Manchmal wird auch sie von Frauenstimmen interpretiert. Und ist, dass Winterreise, im Gegensatz zu anderen Werken, durch seine dynamische, mal die Formulierung, Es bietet eine fast unendliche Vielfalt an Interpretationsmöglichkeiten.

Und Matthias Goerne ist jener Interpreten, die gibt Winterreise Leben. Goerne vertieft sich in die Intimität dieser Reise im Winter wie kein anderer. Die Flexibilität seiner Baritonstimme, immer entdecken neue Nuancen in dieser Reihe von Songs, so dass Sie nie des Zuhörens müde. Diese dramatische Reise in die Einsamkeit der Verse Wilhelm Müller, den emotionalen Moment eines Schubert beschreibt von einer Frau verlassen. Die Songs sind Beschuss, Hoffnungslosigkeit, Roving für diese Reise zur Melancholie.

Nur eine Woche später, die 8 Mai, Goerne, diesmal auf dem Klavier von Veteranen begleitet Alexander Schmalcz, die er ersetzt ein krankes Hinterhaus, er bot Schwanengesang. Gedichte, die diesen Zyklus von Liedern bilden, Im Gegensatz zu den beiden anderen Zyklen, nicht nur zu einem Autor gehört. In diesem Fall gibt es drei Dichter gewählt, Ludwig Rellstab, Heinrich Heine und zuletzt Seidl die es wurde in dieser Erwägung weggelassen. Es scheint, dass nicht Teil des ursprünglichen Körpers war und nur durch den Aberglaube fügte hinzu, dass sie es nicht waren 13, aber 14, die Lieder, die diesen Zyklus bilden.

Diese neueste Sammlung von Songs wurde von der Redaktion gemacht Hanslinger und Schuberts Bruder, nach dem Tod des Komponisten, die enorme Produktion von Songs hatte er komponiert, fast zwanghaft, vor seinem Tod. Weniger gut bekannt ist als die beiden vorangegangenen Zyklen, Schwanengesang nicht nur eine Frage. Diese enthalten Themen gewidmet, lieben, verlorene Liebe, Mythologie und, eines der beliebtesten Themen von Schubert, die Reise, Umgang Aufenthalt (Ruhestätte).

Goerne hat fast alle Ressourcen verwendet haben Sie, was sie sind wenige, Beschuss jeweils Teile bilden diesen Zyklus. Von vocal Erhöhung, vielleicht etwas übertrieben Der Atlas (der Atlas), das störende Drama Der Doppelgänger (zweimal), mit denen Goerne Lage ist, die tiefsten und Abreißen psychologische Spannungen des Sendens. Die Ausführung von Alexander Schmalcz das Klavier, Es war die Einstellung und der perfekte Weg für die Interpretation von Goerne. subtil, energisch und zart. im Moment alle und nur messen.

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Tochter von Henry VIII und Anne Boleyn, Elizabeth Tudor wurde enteignet, mit ihrer Schwester Mary, ihre dynastischen und einsamen Leben Rechte vor Gericht. Es war Catherine Parr, letzte Frau seines Vaters,, Neben der humanistischen Ausbildung Adressieren, Henry VIII wurde unterzeichnet, bevor das Folgegesetz von den beiden Schwestern sterben wieder ihre Rechte auf den Thron hinter seinem Bruder Eduardo. Nach dem Tod von Edward VI, mit nur 15 Jahre alt, und Mary I kinderlos, Elizabeth I wurde zur Königin von England gekrönt 15 Januar 1559.Estos Englisch haben sehr eigenartige Sitten, feiern alle Arten von Veranstaltungen, auch der Staat, mit kulturellen Veranstaltungen. Dies war der Vorschlag Britten an der britischen Königsfamilie, bilden eine große Oper über Elizabeth I die Krönung von Elizabeth II zu feiern. Aber stellen Sie hatte eine Anfrage an Britten seine Risiken. Die Figuren seiner Werke waren nicht gerade freundlich und das Endergebnis nicht mehr ungeeignet für die Zeit und die Art des Publikums sein könnte.
Acht Juni 1953 alles war bereit, am Royal Opera House in London vor einem Publikum von Politikern, Aristokraten und Diplomaten. Gloriana geöffnet zwischen den kalten und den schlechten Bewertungen zu einem Komponisten,, bis dahin, und dank des Erfolgs der bisherigen Arbeiten, Sie hatte Neid viel von der britischen Kunstwelt erwacht, neben homophobia in einer Gesellschaft, in der Homosexualität nicht erlaubt war,. Ein England nationale lebte Erhöhung nach dem Sieg im Zweiten Weltkrieg und sah die Krönung der neuen Königin etwas kleiner als der Beginn einer neuen großen elisabethanischen Ära, Er verstand nicht, die Schlüssel, die Britten für die Komposition dieses Werkes benutzt hatte,. Sie erwarten eine oberflächliche Musik, pomposa und lobenden Charakter und was war zusammengesetzt Britten eine dunkle und komplexe Arbeit, eine psychologische Reflexion einer Liebesgeschichte zwischen einer alten Frau, sie hatte 67 Jahre alt, und eine junge 32 und die Einsamkeit desjenigen, der die absolute Macht besitzt., was es war sehr schnell gemacht für die Freigabe, Er kümmerte sich um jedes Detail, passen auch die englische Aussprache der Zeit. Es ist mit Momenten großer Inspiration gefüllt, wie die herrliche, wenn auch kurz, Orchesterouvertüre oder Nebenhandlungen, das die Dunkelheit zeigt, dass die Zeit versteckt.
Gloriana ist kein herzliches Arbeit. William Plomer Libretto basiert auf der Arbeit Elisabeth & Essex. Eine tragische Geschichte, de Lytton Strachey, dass nicht bietet ein banales, aber recht komplex Porträt der Königin. Elizabeth wird von Britten sehr lobenden Art und Weise präsentiert, Es ist klug,, schlau, und verfeinert, große Jäger und Liebhaber der Künste, dass während seiner Herrschaft stark vermehrt, ehrgeizig, willensstark und brillanter Kopf und übt um einen Würgegriff der männlichen Welt. Aber es ist auch ein frustrierter Charakter, neidisch, neidisch und wütend.

Die Landschaft von David McVicar präsentiert eine allegorische Symbolik und voller allusive Bühnenhandlung. Alle szenische Elemente, Kostüme von Brigitte Reiggenstuel, durch die Kostüme bis ins letzte Detail inspiriert und einem außergewöhnlichen Reichtum, Adam Silverma Beleuchtung und Set-Design von Robert Jones, Sie wirken als Verstärker einer Partitur, die auf der Ebene von Peter Grimes oder Billy Budd sein kann. Eine perfekte Kombination aus Tradition und Moderne, Auch in der Musik.

Ivor Bolton, sagt er Direktor des Komponisten, sondern Werke, die ihn erregen. Ich denke, man kann sagen, dass es erregt Britten, Billy Budd Marke nach der letzten Saison, Lesen, die diese Arbeit macht ihn zu einem Spezialisten in Britten macht. Die Partitur ist voller Musik und Tanz erinnert an der elisabethanischen Zeit. Purcell Rückruf oder Dowlan, was macht Bolton, große Kenner dieser Musik der Renaissance und in der Lage wichtige Orchestrierung des Werkes zerkleinern, der am besten geeignete Taktstock das Orchester des Teatro Titular zu leiten. Lassen Sie sich Lehrer aus brillanten Momente und große Ausdruckskraft gezeichnet, sowohl die innerste Durchgänge und die dramatischste Intensitäts. Er dirigierte mit großer Präzision und ist die letzte, in dieser langen parlato Königin, in dem er verabschiedet sich ohne Gesang, einer der Momente der größten Intensität und Emotion.

ein Zeichen von Britten zu spielen, müssen fast dramatischer Stimm Kräfte sein. Anna Caterina Antonacci macht eine große Anstrengung Leben eine historische Figur solchen Charakter zu geben. Seine Stimme hat nicht mehr die Lautstärke und Helligkeit vor, aber seine landschaftlichen Ressourcen sind fast endlos, meisterlich macht die verschiedenen emotionalen und lebenswichtige Momente eines Charakters voller Kanten und Falten, so dass diese Elizabeth ist mehr als genug und perfekt mit seiner Leistung porträtiert.

Leonardo Capalbo spielten Robert Devereux Graf von Essex ganz richtig. Seine Stimme ist angenehm und sein Charakter war überzeugend genug.
Der Rest von comprimarios waren auf einem guten Niveau. Highlight Interventionen Sophie Bevan, wie Penelope, Duncan Felsen, Herr Mountjoy in einer lebhaften und herrlichen Elena Copons.

Chor einwandfreie Leistung, Auferlegung Maximum in den Durchlässen und Erhöhung, vor allem, in schwierigen Zeiten wie die Szene Masquerade. auch vergrößert die Beteiligung der kleinen Sänger von JORCAM.

Ein erfolgreicher Teatro Real hat, ist diese weniger bekannte Werke, seine größte Stärke und klassischen Repertoires, was sie weniger begeistert das Publikum.

Florian Boesch

letzte 9 April waren wir etwa in der hören Teatro de la Zarzuela die Erwägung 6 die Lied zum Nationalen Zentrum für die Verbreitung von Musik organisiert jedes Jahr. Antonio Moral, Regisseur, Er kam zu dem Mikrofon Bühne zur Hand, um die Ereignisse zu erklären, die am Wochenende aufgetreten ist, und ändern Sie die Darstellung. Lassen Sie uns anfangen zu denken, dass die geplante Fusion zwischen dem Teatro Real und dem Teatro de la Zarzuela in letzterem eine Reihe mysteriöser Ereignisse ausgelöst, obwohl ordnungsgemäß gerechtfertigt, sie wird die Arbeit eines Exorzisten mehr als ein paar Minister Interventionen brauchen.

Del Moral erklärt, dass der Inhaber des Konzerts, Anna Lucia Richter, Er hatte ihre Teilnahme aus gesundheitlichen Gründen abgesagt und wurde ersetzt durch Julia Kleiter, und eine andere junge Sopranistin auf den unmittelbaren Horizont befindet Liedzyklus. Aber Freitag auch wegen Krankheit ausgesetzt, die er verließ Antonio Moral einen engen Spielraum gelöst, wie er selbst sagte, Ziehen Sie Ihre Freunde. Dies ist, wo es scheint, Florian Boesch. Österreichische Bariton wird in diesem Zyklus und ihre behelfsmäßigen gut bekannt, aber sehr gut gewählt, Programm, Er wurde von Justus Zeyen am Klavier begleitet, deren Beherrschung an der Tastatur trug zum Erfolg der Erwägung.

Der erste Teil wurde gewidmet Schubert Gedichte Goethe auf dem mythologischen Griechenland gewidmet, Prometheus, D 674, Gruppe aus dem Tartarus, D 583, Grezen der Menschheít, D 716, Es Pilgrim, D 794, Meeres Stille, D 216 y Die Götter Griechenlands, D 677. Er beendete die erste Hälfte mit Gesängen des Harfners, D 478, Harfenistin Songs, die Boesch erzählt mit großer Ausdruckskraft und Zeyen begleitet das Klavier, als ob es der Klang einer Harfe waren.

Der zweite Teil wurde gewidmet Schumann und drei Gruppen von Liedern auf Texte Heinrich Heine. Der arme Peter. auf. 53, Liederkreis, auf. 24 y Gesänge des Harfners, auf. 98ein. Boesch hat ein beträchtliches Volumen der Stimme in dem Dienst seiner ernsten, was gibt Tiefe Interpretation. Vielleicht sind die Nuancen schlechtesten, aber es gleicht mit großer Interpretations Empfindlichkeit.

In einem Erwägungsgrund, nach dem ersten Überraschung Stornierungen, war ein voller Erfolg. Und einige Künstler, die ein Publikum haben genießen die Mühe gedankt.

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Einige der berühmtesten Opern und führte das Repertoire, Sie sind nicht gerade die einfachste Upgrade. Wir sind es gewohnt zu verschiedenen Zeiten entfernt fast allen großen Opernhäusern zu sehen, Orte und Zeiten. Alle bis auf einen, Aida. Fast unmöglich, sie in einer anderen Epoche zu platzieren bezeichnet, ändern viel weniger dessen Standort und von den Ufern des Nils entfernt, wo Verdi platziert einige seiner brillantesten und intime escenas.Lejos und überwältigt und traurig Jahre Galeeren, Aida (1871) Es ist eine der Oper Verdi Reife vor seinen beiden endgültigen Zusammensetzungen, Otello y Falstaff. Es war vier Jahre her, seit Don Carlos und Verdi Ruhm und Reichtum genug gesammelt hatten keinen Grund zu bilden nicht genug für ihn stimulierende.

Ismael Pascha, Vizekönig von Ägypten, Er war etwa in der Art feiern in 1869 die Öffnung des Sueskanals. Er beauftragte den italienischen Architekten Pietro Avoscani den Bau eines großen Opernhaus in Kairo. Und natürlich, für die Eröffnung des Theaters wollte Pasha die Beteiligung der berühmten italienischen Komponisten haben. Verdi und wies wieder das Angebot von Paschas, die ihr Glück mit anderen Komponisten wie Gounod oder Wagner denken versuchen. Damals, einer der Mitarbeiter für dieses Projekt eingestellt, der Direktor der Pariser Oper Comique, Camille Du LucThe, Er schickte Teil des Arguments Verdi Aida. Zu dieser Zeit übernimmt Verdi das Angebot, diese Arbeit zu komponieren und wählt als Librettisten Antonio Ghislanzoni. Eine der Entscheidungen über das Libretto genommen war das „t“ von Aita zu ersetzen, ursprünglicher Name in der ägyptischen, Der „D“ von Aida, die Diktion der Sänger zu erleichtern. die 24 Dezember 1871 Es öffnet sich in Kairo mit außergewöhnlichen Erfolg. Interpreten waren Antonietta Pozzoni Anastasi als Aida, Eleonora Grossi, als Amneris, Pietro Mongini, als Radames, Francesco Steller, y Como Amonasro Paolo Medini, como Ramfis. Die aufwendigen Dekorationen, auch trugen sie zum Erfolg, Sie wurden von Philippe Chaperon geführt, Edward Desplechins, Jean Baptiste Auguste Lavastre und Rubé.

Verdi hatte reisen nicht zur Premiere von Aida in Kairo, nicht Bootsfahrten tragen, aber er genoss großen Erfolg mit (Er kam um Hallo zu sagen 32 mal) zwei Monate später nahm er seine Premiere in Mailand Maßstab. Dieses Mal war der Protagonist Teresa Stolz, nicht umsonst war der Komponist Liebhaber zu dieser Zeit.

Viele Aidas ist seit. jeder, wie die am Königlichen Theater in diesen Tagen gezeigt, Wiederholung. Die Produktion, die Hugo de Ana für die Premiere der zweiten Staffel des Teatro erstellt nach Wiedereröffnung, Es wurde für diese Saison der Feste überarbeitet. Sie wollen mit ihm, als Direktor sagt Joan Mataboch, Blick in der Vergangenheit seine Geschichte zurückfordern. Dieses Update hat das Video verwendet versuchen, ein dreidimensionales Aussehen zu Bildern geben. Denn es wurde wie immer diese Art von Schleier, der Vorbühne platziert, irgendwie, Dimm-Projektion Stimmen. Die Details der Landschaft wurden gewissenhaft gehalten, insbesondere in Reproduktionen einiger Elemente wie Säulen oder Pyramiden. Aber das Endergebnis ist eine landschaftlich reizvolle variegation, die manchmal ist überwältigend. Es ist ein Überschuss in allem, was Finesse wie die Landschaft erfordert, Verzierungen, Kostüme oder Make-up. All dies statt Aufrüstung Alterung Produktion.

Schlechte Richtung der Akteure trägt zur Verwirrung in Szene gesehen. diese Bemühungen Sie wissen nicht, warum sich die Bühne mit Hunderten von Spielern zu füllen gleichzeitig, ohne Grund oder offensichtliches Kriterium zu rechtfertigen. Tänzer, Chor, Sklaven und Sänger versuchten, mit dem daraus resultierenden Lärm auf einem Boden voller Fallen zu bewegen. Auch half sie das Tempo der Arbeitspausen Szene Änderungen behalten. Selbst die intimsten Momente bekam eine Atmosphäre der Erinnerung.

Die musikalische Leitung von Nicola Luisotti war voller Theatralik. sein tiefes Verständnis für die Arbeit und die Note des Komponisten. Es ist sehr sinnvoll, die Balance zwischen Orchester und Sängern zu halten, mit so vielen Ablenkungen durch.

Es gibt drei Angebote, die diese konfrontiert 17 Darstellungen Aida, mit gelegentlichem Ersatz, Sie haben viele Kombinationen erzeugt. Welche berühren uns Glück kann nicht gesagt werden, seine Nacht haben, aber sie rettete die Situation mit Würde, die geschätzt wird,. Ana Lucrecia García, Spanisch-venezolanische Sopranistin als Aida hatte die Armenier Lianna Haroutounian ersetzen, Es war keine leichte Abstimmung mit seinem Radames, Fabio Sartori. Beide trafen sie, Schwierigkeiten, ihre jeweiligen Rollen.

Daniela Barcelona Amneris uns wusste wenig. Vor nicht langer Zeit, die ich gehörte am Königlichen Theater. Er verließ Blitze seines mächtigen Zentrum und Höhen kräftig. Es war der inspiriert dramatische Look, vor allem im letzten Akt voller dramatischen Intensität.

Amonasro markieren Sie den Engel Ódena das war hoch und war, mit Barcelona, die meisten von einer öffentlichen Kälte applaudiert, vielleicht, Ich hatte höhere Erwartungen für dieses Aida so voller Exzesse.

Elina Garanca

Öffentlichkeit! Öffentlichkeit! Öffentlichkeit!, Es war der Schrei Teatro de la Zarzuela stand am Sonntag, 11 während der emotionalen Aussage las er den Regisseur Karel Mark Chichon in ihrem Namen und im Namen von Elina Garanca: “Amado Öffentlichkeit, beide Elina und ich bin hier, weil wir spanische Musik lieben, insbesondere Zarzuela, und deshalb haben wir sie auf der ganzen Welt nahm. Und es ist unsere Hoffnung, dass diese großen Theater weiterhin dieses Genre verteidigen so Spanisch und so einzigartig, dass die Zarzuela ist. Alle unsere Unterstützung für dieses Theater und seine Mitarbeiter, die uns wie eine Familie in dieser Woche behandelt haben. Dieses Theater bleibt ein öffentliches Theater…”.

Es war der Höhepunkt eines Konzerts der spanischen Musik, sowohl, Regisseur und Darsteller, Sie sind Kenner und Botschafter. Der erste Teil wurde völlig zu „Carmen“ gewidmet, was es nicht ist Spanisch, aber es scheint recht, und das ist ein Charakter, der Garanča gut verinnerlicht hat und das ist derzeit einer der besten Interpreten. Der zweite Teil, mit der Teilnahme des Chores, widmete er sich ganz dem Operetten, Genre, das Konzept mit der Achtung, der weiß, und die Werte und die anderen nicht tun floclorismo die Gala.

Elina Garanca hat eine besondere Anziehungskraft auf der Bühne. Es zeigt eine große Ausdruckskraft ohne Zurschaustellung. Seine Gesangstechnik ist, einfach, perfekt. Es verfügt über alle Qualitäten, die ein Sänger kann sie alle auf einmal und haben. Sie singt mit der gleichen Leichtigkeit wie andere sprechen. Seine Stimme ist äußerst kraftvoll und agil als genug. Emaillierte hell und scharf und stabil und sauber dunkle Töne. Meisterlich steuert Vorschriften, apiana und wächst mit der gleichen Leichtigkeit und Verspieltheit und Willen zum Ausdruck gebracht, was die Partitur sagt. Eine Gesangsstunde. Das Garanča Spiel in einer anderen Abteilung.

Die Replik kam von einem esforzadísimo Andeka Gorrotxategi, Ich hatte viel Mühe geben mit einer solchen Szene Partner zu halten. Duos apianados besser als zu versuchen, die Lautstärke einer Stimme passen, dass Garanča, eine Differenz von Gorrotxategi, Er zeigte nicht die geringste Schwierigkeit.

Auf die Nachricht von der bevorstehenden „Fusion“ zwischen dem Königlichen Theater und dem Teatro de la Zarzuela, und Unsicherheit, die in der Welt der Oper und Fans erstellt wurde, warten Sie das Ergebnis in der nächsten Tage,. Gefühle in der Öffentlichkeit und Kritik sind von Sorge und eine gewisse Unruhe. Hoffentlich wird es nicht die gute Arbeit in Frage stellen, dass die aktuelle Richtung des Teatro de la Zarzuela, Daniel Bianco auf den Kopf, Es trägt seit seiner Ernennung aus in 2015, Platzierung Wert auf unserem lyrischen Genre und es in dem XXI Jahrhundert platzieren.

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Straßenszene, eines der großen Meisterwerke der amerikanischen Musiktheater, Es begann als ein Stück von Elmer Rice den Pulitzer in 1929.Y ausgezeichnet endete mit einem Kurt Weill fallen auf, die in die Vereinigten Staaten kam von Nazismus und dem Zweiten Weltkrieg der Flucht. Der deutsche Komponist wurde durch den Text fasziniert, neue Rhythmen in ihrem Gastland und Ausdrucksformen gefunden, absolut frei Stop Schreiben und Nutzung Ressourcen.

Regie des Autors Elmer Rice und die Zusammenarbeit einer der bedeutendsten Dichter des Augenblicks, Langston Hughes, Weill begann die Komposition einer Oper und, mit ihrem, ein neues Genre zu schaffen er sich „Opera Broadway“ genannt. Es werden alle Ressourcen und Techniken auf Knopfdruck, in diesem letzten Moment seiner Karriere, und es gab viele. Eine vorherige Erfahrung des Berliner Kabarett und europäischen Lyrik, Sie schlossen sich neue amerikanische Einflüsse, Jazz, Blues, Swing o foxtrot, ein Chorwerk in allen Aspekten zu schaffen, nicht nur in der Musik. Die Zeichen, die die Arbeit machen müssen Ursprünge, Religionen und Kulturen sehr unterschiedlich, die in der New York der Zeit gefunden werden konnte. auch führt Tanznummern, Lieder, Ausdrucksweisen der gesprochenen Theater. Alle mit Teilen Verismo perfekt integriert. Dank der leistungsfähigen und zusammenhängenden Kompositionsstruktur von Kurt Weill reiferen, Harmonie zwischen den verschiedenen Elementen, wie sie ursprünglich erreicht.

All diese musikalische Konglomerat hat zur Vollendung der britischen Tim Murray, die bereits leitete er in diesem Theater „Porgy and Bess“. Er kennt die Schwierigkeiten der Partitur wie dies sehr gut und weiß, wie man den Charakter des Orchesters zu vermitteln, die effektiv jeden Moment dominiert.

Die Landschaft von John Fulljames auf perfekte Weise eine der typischen Viertel der Lower East Side von Manhattan. Weill drückt das Drama des Lebens von all diesen Zeichen, dreißig, vorbehaltlich Probleme der Koexistenz, Arbeitsplatzunsicherheit, Mangel an Ressourcen oder Räumungen, wo Klatsch und Gemeinheit sind auch Spieler. Denn es legt den Fokus auf verschiedene Charaktere, ohne zu urteilen, die Umstände zeigt, die ihr Verhalten erklären kann,.

Eines dieser Zeichen ist Anna Maurrant, die dutiful Frau vortrefflich durch eine gespielt Patricia Racette erfahren im amerikanischen Kabarett, zusammen mit einem brillanten lyrical Pfad. Guter Nachbar, immer auf der Suche, anderen zu helfen und, dennoch, nicht mehr das Ziel durch die Tatsache, Klatsch einen Liebhaber mit. Dieser Umstand ist der Auslöser für die ganze Tragödie, die am Ende der Arbeit auftritt und, jedoch, der Liebhaber, eine Figur, die erscheint nur, Es ist episodische. Als Joan sagt Mataboch, Theaterdirektor, „Ein Zeichen irrelevant in der unerbittlichen Kette von Ereignissen, die gleich, ob oder nicht entwickeln.

Patricia Racete, wie andere Protagonisten, sie würden keine Verstärkung benötigt haben, dass ihre Stimmen gemacht hat, Hoffentlich diesmal nur, mit der Ausrede, dass viele der Charaktere nicht Opernsänger sind und Schwierigkeiten, die Stimme in einem Theater Projizieren wie Real haben.

Paulo Szot, mit auch einer bemerkenswerten Erfahrung in dem Broadway-Musical, es Frank Maurrant, der Mann klammerte sich an den ältesten Traditionen, unfreundlich und starr mit seiner Frau und Kindern und mit einem Grad der Gewalt, das seine Frau und ihren Liebhaber zu töten führt. Dank sehr gute Interpretation, unter anderem, seine Einführung Bühnenpräsenz. Eine andere, dass es nicht notwendig amplificarle Stimme. zu ersparen.

Joel Prieto war das Geheimnis der Nacht, am Ende seiner ersten Arie geknackt ihre Stimme und hatte in Singen entschuldigt und ersetzt werden, nicht in der Auslegung. Schade, nicht seine schöne Timbre in der Lage, Ihren Fortschritt zu überprüfen und genießen. Er baute Recht vor, eine Sam Kaplan in der Liebe mit Rouse Maurrant von seiner immensen Schüchternheit zu schlagen.

Sehr gute Leistung des hilfreich Pförtner Henry Davis von dem amerikanischen Bariton Eric Greene.

Markieren Sie die gute Leistung von Geoffrey Dolton, como Abraham Kaplan, Veronica Polo, como Shirley Kaplan, Gerardo Bullón, George Jones, Lucy Schaufer, Emma Jones, sind Bern, wie Greta Fiorentino, Vicente Ombuena, como Lippo Fiorentino und Scott Wilde, Carl Olsen.

Die große Besetzung wurde gemacht, für Opernsänger nicht nur, Sie haben sich nahmen auch Künstler, die sollten wissen, wie das Lied kombinieren mit Tanz und Interpretation, als urkomisch Sarah-Marie Maxwell und Harriet Williams Babysittern.

Der Chor hatte eine hervorragende Beteiligung. Er behielt seine einwandfreie Linie unter der Leitung von Andrés Máspero. Mit einiger Solo-Präsenz demonstrierte seine hohe Qualität. Der Chor der jungen Sänger der JORCAM spielte eine führende Rolle in dieser Produktion, sowohl stimmlich und in der interpretierenden Teil, Dank der guten Arbeit des Regisseurs Ana González. Sie stellten fest, zwei kleine Sterne, die, trotz seiner Jugend, und sie sammeln Erfahrungen in der Kunstwelt, Matteo Artuñedo, Willie Maurrant und Diego Poch, in der Rolle des Charlie Hildebrand.

Ein weiterer Erfolg in dieser Saison der Feste. Saison ist erfreut alle Amateure, von den Puristen, die weniger.

der Sturm

Das Teatro de la Zarzuela wird ihre Arbeit fortsetzen, das spanische musikalische Erbe so unterschätzten zu retten. dieses Mal, und im Anschluss an Maruxa, kommt “der Sturm”. Master-Arbeit Ruperto Chapí die Premiere es im Zarzuela 11 März 1882. Seit zwanzig Jahren war er regelmäßig geplant, bevor er verschwand, bis heute. Einer der Hauptgründe für diese Abwesenheit auf der Bühne für diese Arbeit in der Notwendigkeit sein kann, wegen ihrer vokalen Anforderungen, sechs große Interpreten. Und hier ist der erste Versuch und Erfolg Daniel Bianco, Direktor des Teatro de la Zarzuela. Er hat für diesen Sturm kein Geringerer als Carlos Alvarez gesammelt, José Bros, Mariola Cantarero, Ketewan Kemoklidze, Carlos Cosías und Alejandro López.

Die nächste Herausforderung kam von der Notwendigkeit Tempest Konzertversion zu bieten als, wie Bianco selbst sagt: „Wir haben nicht immer das Budget oder genügend Zeit einzuplanen, was wir wollen“. aber, Wie wird ein Zarzuela in Konzertversion getan? Dialoge, die diese Genreszene prägen, in denen nicht nur gesungen, Sie sind sinnlos in einer Konzertversion. Und dieser Punkt auch gut wurde von Bianco aufgelöst. Er beauftragte den renommierten Dramatiker Alberto Conejero eine Version des Textes Miguel Ramos Carrión. Das Ergebnis könnte effektiver sein. Conejero hat die Erklärungs Gewicht eines Erzählers Gespräche bewegt, die beste. Juan Echanove Es erzählt die Geschichte von der Innenseite eines der Zeichen, Mateo. Dies geschieht durch eine dramaturgische Atmosphäre zu schaffen, in dem die Landschaft, die ohne mehr Elemente als ihre Stimme und ihren Weg zum Betrachter erscheint das Erzählen, „Es ist nicht rezitieren, Es ist nicht zu interpretieren, nicht auf diese Weise, aber ich habe zu singen ". Und seine Stimme klingt wie Musik neben dem Rest der Besetzung.

Zum Abschluss hat die Erfolge dieses Sturms die größten Experten chapiniano hat heute, Regisseur Guillermo García Calvo. Eine Punktzahl wie folgt, die bereits über die musikalischen Einflüsse der Zeit und deutlich in einigen seiner Passagen nachgewiesen, Es erfordert eine genaue Kenntnis und Lesen. Der Beginn der Arbeiten in Wagner Instrumentaleffekte inspiriert, speziell in der Flying Dutchman, mit String-Tremoli und Blitz. Saxophon, ein Novum in dieser Zeit, Es ist klar Französisch Einfluss. Als Arien von Verdi Bariton Inspiration oder endgültig Sextett. Alles ohne eine spanische Partitur nicht mehr erkannt. es, zusammen mit der Theaterkapazität Chapí, die Werte sind, die García Calvo hat es geschafft, einen homogenen Klang diese Partitur und das Orchester erreicht lesen, voller Details und Fluidität zwischen Orchester, Erzähler und Sänger.

Carlos Alvarez Simon spielt den Bösewicht in diesem mysteriösen Zarzuela. Großzügige und tiefe Bässe schafften der Simon in Richtung der Qual entwickelt, die der Autor beschreibt. Der Bariton ist ein außergewöhnlicher Moment Vokal. Sein Verdian Timbre ist wie ein Samthandschuh in dieser Arbeit. Die Öffentlichkeit in Schwingung versetzt mit seiner Interpretation.

der Tenor José Bros, wie Beltran, Er demonstrierte die Qualität seines Instruments aus seiner ersten Arie, „Salve Küste der Bretagne“. Die außerordentliche Wendigkeit seiner Stimme, obwohl er sagt, und näher an der Licht lyrischen Tenor lyrisch sein, noch intakt. Er verführt mit seiner polierten Timbre und Phrasierung und Linie von außergewöhnlichem Gesang.

Wir freuten uns in Zarzuela zu hören Mariola Cantarero. Ihr Charakter Angela, Simon böse Stieftochter, Er war voller Absicht und Zartheit. Seine warme Timbre und Elastizität Ihrer Stimme filar und zur Freude des Publikums wachsen.

Die Mezzosopranistin Ketewan Kemoklidze ist der erste im Teatro de la Zarzuela Georgian Gesang. Es ist immer häufiger für ausländische Sänger in unserem Repertoire interessiert. Roberto spielt den Charakter und voller Adel und Interpretationskraft.

der Tenor Carlos Cosías Matthew ist. Ein lebhafter junger Mann, der mit Entscheidung Cosías spielt, Gnade und des guten Geschmacks, und eine beneidenswerte Diktion.

mexikanische Low Alejandro López Er gibt Leben zu Richter, feierlich, Es ist dafür verantwortlich, die Geheimnisse der Arbeit für entwirren.

Ein weiteres Hauptmerkmal dieses Sturms ist der Chor. Chapí Griffe sehr gut in allen seinen Partituren Chorstimme. Dieses Buch beschreibt alle die dramatische Atmosphäre und nimmt eine führende Rolle bei den Sängern der Interaktion, insbesondere die Begleitung des concert, die von einem Publikum an dieser Stelle jubelt ausgeliefert. Immer Verputzen und Frauenchor Optimismus zeigt herrscht nach dem Sturm.

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<„Dead Man Walking“ ist eines der deutlichsten Beispiele dafür Oper Aufschlägen, hauptsächlich, Geschichten zu erzählen. Und es erzählt eine Geschichte, die uns alle in das Denken Ecke sendet. Dies ist eine Arbeit in vielen Fragen zu reflektieren, der Schmerz, Vergebung, Gerechtigkeit und die Ausübung durch den Staat, die conditio humana, Reue und, vor allem, das universelle Thema in der Oper und in allen künstlerischen Ausdrucksformen, liebe. Mit dem dramatischen Potential aller Elemente, die in dieser Arbeit behandelt werden, die Intensität gewährleistet ist, und mit ihm, éxito.El herausragende Libretto von Terrence McNally, basierend auf dem Text von Schwester Helen Prejean, die inspirierten auch die Oscar-gekrönten Film „Todesstrafe“, Tim Robbins, Sean Penn y Susan Sarandon, Es wurde in Oper des Komponisten Jake Heggie gedreht und im Jahr veröffentlicht 2000 Oper in San Francisco. Nach dem amerikanischen Erfolg kam nach Europa 2006 zu erreichen Erfolg bei Kritik und Publikum. Heggie Musik hat, logisch, filmische Einflüsse, musikalische und Komponisten wie Gershwin. Vom ersten Augenblick fängt die Geschichte die Aufmerksamkeit des Publikums sehr filmischen Weg.
Weder das Tempo noch die Handlung Verfall jederzeit und erzählen die Geschichte glatt und ohne Komplexitäten. All dies mit einer herkömmlichen Musik, keine stilistische Fanfare, die wir zeitgenössische Kompositionen verwendet haben, aber mit einem Rhythmus und beschreibenden Kräften, die nicht vorhanden oder auf einer beliebigen funktionelle elemento.La Inszenierung von Leonard Foglia machen, ist es sehr effektiv. Es schwelgt in all die kleinen Details, die solch eine schreckliche Situation begleiten kann und, hat vez, so voll von einfachen Elementen und Alltag. Erstellen Sie unterschiedliche Atmosphäre durch Farb, Videos von Elaine J. McCarthy und Brian Nason großartige Beleuchtung. Markieren Sie auch die Arbeit mit den Schauspielern Michael McGarty und Jess Goldstein.La Punktzahl ermöglicht auch lucimiento, besonders dramatisch, Singers. Das Gewicht der Arbeit liegt bei den beiden Protagonisten, Schwester Helen Prejean, gespielt von Joyce DiDonato, Das ist in fast jeder Szene beteiligt und macht es meisterlich. Die dramatische Stürze Ebene jederzeit erreichbar. Es bietet ein Schauspiel der Intensität, die seine Position in der internationalen Kunstszene rechtfertigt.
Der andere Protagonist ist Michael Mayes Texaner, die zum Scheitern verurteilt Joseph De Rocher spielt. Unhöflichkeit, auch stimmlich, Es ist perfekt für den Charakter und hilft, die Art der Arbeit zu identifizieren.
Schwester Rose, was ist verantwortlich für die Protagonisten auf mögliche Widersprüche in seinem Verhalten setzen, Es wird von der kanadischen Measha Brueggergosman interpretiert.
deutlich, einer der Protagonisten des Spiels ist Maria Zifchak, die Dame von Patrick De Rocher spielen, Mutter zum Tode verurteilt. Seine bewegende Darstellung einer Mutter, zum Zeitpunkt des Abschieds, in seinem Sohn sieht das Kind, dass der Glaube, Es ist colosal.El Rest der Besetzung eine sehr große Höhe. Alles Spanisch und Englisch mit einer einwandfreien Diktion. Damián del Castillo, Roger Padullés, Celia Alcedo, Maria Hinojosa, Toni Marsol, Marta de Castro, war VICENÇ, Enric Martínez-Castignani, Marifé Nogales, Tomeu Bibiloni, Pablo Garcia Lopez und Alvaro Martin.
Beeindruckend wie immer das Intermezzo Chor und auch die musikalische Leitung Mark Wigglesworth JORCAM.El kann Spannung und Erzählung Sinn in dem Spiel halten, immer den besten Erfolg Orquesta.Un Teatro Real Oper Programmierung, ein mehr. Mataboch hat auch die Gabe der Gelegenheit opportun Opern zum aktuellen Zeitpunkt planen.
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wieder Maruxa Zuhause, die Teatro de la Zarzuela, fast 47 Jahre nach. Es war in diesem Theater die Premiere auf 1914 wenn sein Komponist, Amadeo Vives, Er war künstlerischer Leiter des Zarzuela. Und zurück in der Art. Beim Betreten warteten wir auf den Klang eines Dudelsacks, der das richtige Umfeld schafft, das zu hören, von Musikdirektor, José Miguel Pérez-Sierra, „Es ist eine große spanische Oper seiner Zeit, und mehr, Es ist eine große europäische Oper seiner Zeit. Vives, im Gefolge von Puccini, als Einstellung verwendet Volkskunde, aber mit einer völlig Orchestrierung Zentral, zwischen den Deutsch und Französisch Traditionen ".

wenn Daniel Bianco, Direktor des Teatro de la Zarzuela, er beauftragte Paco Azorín, nehmen die Landschaft wurde Maruxa, Dieser bat ihn, zu tun, was er wollte,. und, Kurs, Er hat getan, was er wollte,.

Unter dem Vorwand, einige, dass das Libretto Luis Pascual Frutos Es ist mehr als bedauerlich, so naif Passagen, die nicht überschreiten kindischsten Geschichten, Azorín wurde erlaubt, eine neue Geschichte zu bauen. Er wollte Tribut an Galizien zahlen und hat mit Versen dieses Maruxa geschmückt Rosalia de Castro und der elegante Tanz und Live Maria Cabeza de Vaca, die verkörpert den Charakter von Galizien als Göttin. Es hat sich eine Atmosphäre von Geheimnis und Meigas erstellt einen Wald voller duftigen Gardinen bewegten und Nebel auf einem Schieferboden zu schaffen. Alles, was es mit einer erfolgreichen Beleuchtung verbessert Pedro Yagüe.

Aber die zweite Hälfte kam und mit ihm der „tun, was ich will“. Auf Batterie Bilder aufgetreten Urquiola Katastrophe in den siebziger Jahren, Er kam in den Chor, ja, in einer unvergesslichen Performance, in Overalls gekleidet Freiwilligen, die gereinigt durch das Prestige Ölteppich die verschüttete. Eine seltsame Mischung von Ereignissen absichtlich verbunden und mit einem Schuhanzieher gestopft, die eine gewisse Ratlosigkeit in der Öffentlichkeit erzeugt. Das Endergebnis war so seltsam gezwungen das neue Argument. Nur war es Prominenz zu einer Arbeit zu beeinträchtigen und, vor allem, eine Musik, die die ganze Aufmerksamkeit verdient.

Die Richtung von José Miguel Pérez-Sierra ist sehr solide. Perfekte Kenntnis der Partitur und die Art der Arbeit, Er behauptete, die Spannung von Anfang bis Ende und erwischte den besseren einer Grube, die immer mehr Rundheit klingt und Solvenz.

Das Vokalquintett war recht ausgeglichen. Diese Arbeit ist eine außergewöhnliche stimmliche Anforderungen, sowohl technisch, und in einem ausreichenden Volumen Rivalen garantiert ein leistungsfähiges Orchester. Er wurde für seine stimmlichen Qualitäten und seine Bühnenpräsenz bemerkt, Bariton Simon Orfila, in der Rolle des Rufo.

Eine große Höhe schien auch das Paar der Protagonisten Maite Alberola (etwas alt-Stimmvolumen), und als Maruxa Rodrigo Esteves, in einem bemerkenswerten Pablo.

Carlos Fidalgo er spielte einen überzeugenden Antonio und Svetla Krasteva Er ersetzt in dem Charakter eines abgeneigt Rosa Ekaterina Metlova.

Curiosa Maruxa zu verpassen, wenn Sie aus erster Hand überprüfen möchten. eine Version, Paco Azorín die, für Musikliebhaber von Amadeo Vives aber, vor allem, für Theaterliebhaber.

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Klassische Verve: Im Januar interpretiert er in La Monnaie in Brüssel, Mutter, von der Gefangene, y Die Frau, in Das Gehege. Beide Charaktere von großen Schwierigkeiten, sowohl stimmlich und in der Auslegung und auch mit erheblichen psychischen Belastungen. Wie nähern Sie sich dieser Herausforderung?

EIN. B.:Angeles Blancas: Die Wahrheit ist, dass mit viel Sinn für Humor! Und mit harter Arbeit, Es ist eine Herausforderung… Neben volles Vertrauen und mit Liebe für die Gelegenheit, neue Herausforderungen.

B. C.: Auch in diesem Jahr beteiligt Jenufa de Janacek. Nach der Besichtigung seiner unmittelbaren Tagesordnung, die Schlussfolgerung ist, dass er das Risiko mag.

EIN. B.: das Debüt Jenufa Kostelnicka war der Charakter in der 2015 Teatro Comunale in Bologna (Italien). Ich halte es nicht wirklich als ein Risiko, weil der Charakter in meinem Stimm Möglichkeiten und dramaturgische. im Gegenteil, Ich denke, es ist eine große Chance, diese Art von Opern zu tun, so voller dramatischer Kraft und musikalischer Schönheit. Es ist ein Repertoire, das ich liebe.

V.Chr.: Es hat eine außergewöhnliche Fähigkeit und erweist sich dramatisch mit diesen Rollen so charakteristisch für zeitgenössische Opern. ¿Hergestellt weniger Rollen in klassischem Repertoire arbeiten mehr oder emotional leichter?

EIN. B.: ja, obwohl nichts ist wirklich einfach, wenn man auf der Bühne und bei einer Punktzahl von jedem Komponisten ist. ja, Ich mag gelegentlich mehr traditionelle Opern singen. Sie machen die Arbeit nicht eintönig wird geworden, obwohl dieser Beruf existiert nicht Monotonie.

VON VIEL / WÄHRUNG
DAS GEHEGE Premiere: 16.01.2018
Musikalische Leitung / Direction musical: Franck Ollu
Regie / gerichtet: Andrea Breth
Dekorationen / Deecors : Martin Zehezgruber
Kostüme / Kostüme: Nina von Mechow
Èclairages_Belichting: Alexander Koppelmann
Foto zeigt: Angeles Blancas Gulin, Georg Nigl

 


B. C.: Wie nachgeahmt auf diese Weise mit seinen Figuren erhalten, wenn interpretiert?

EIN. B.: zu lieben! zum Laufen bringen in der Tiefe kennen und auch das kleinste Detail, nicht nur in den musikalischen Aspekt, auch psychologisch oder die historische, ob der Fall ist gegeben, immer mit ihnen in Dialog und ohne Widerstand. Ich genieße diesen Prozess von Mimikry.

B. C.: Nicht immer außergewöhnliche Sänger wurden in Spanien underappreciated, wie der Fall der Eltern. Warum denken Sie, dass manchmal weigern wir uns, das Beste, was zu erkennen, unsere?

EIN. B.: Glauben Sie nicht, dass sich dieser Trend in allen Berufen in unserem Land stattfindet, nicht nur im künstlerischen Aspekte? Ich liebe unser Land, aber ich weiß, dass Sie mit Ihren Kindern manchmal grausam.

B. C.: Die Merkmale seiner Stimme hatte nicht viel zu tun mit seiner Mutter hatte, jedoch, es scheint, dass die Evolution zu einem ähnlichen Repertoire naht, ist das?

EIN. B.: Es ist möglich,… sogar so, Meine Stimme wird von meiner Mutter anders bleiben. Ich hätte nie gedacht, ich könnte das Repertoire zu singen bekommen, dass ich jetzt gerade bin, das stimmt. Zeit und gute Gesangsarbeit in all diesen Jahren haben mir erlaubt, hier zu bekommen. Ich sehe es als Geschenk.

“… Monotonie in diesem Beruf existiert nicht”

 

B. C.: Sie haben die Opernwelt zu verschiedenen Zeiten bekannt, eins bis heute Ihre Eltern und Sie leben. Hat es viel verändert? Welche Unterschiede gefunden?

EIN. B.: Die Medien schnell heute, denen wir unterliegen den Unterschied macht. Vor dem Tempo der Arbeit eines professionellen Oper war anders, langsamer, weniger in gewisser Weise als dramaturgische anspruchs, aber vielleicht mächtiges Gesang und musikalisches Niveau. Sänger heute „verbraucht“, lange bevor, Rennen scheint verkürzt zu werden. Das Leben scheint heute Dringlichkeit um zu fordern, und unser virtuelles Leben, das hinzufügt, Internet und soziale Netzwerke, Aspekt, der auch Rennen wie dem unseren beeinflusst, immer der Öffentlichkeit ausgesetzt.

B. C.: Was ist für Sie den Sieg?, Wie messen Sie den Erfolg in Ihrem Beruf?

EIN. B.: der Triumph? Für mich ist es ein Traum. Erfolg für einen Sänger, in meinem Verständnis, Es ist gut, die Produktion auf der Tagesordnung haben, interessante Projekte mit guten Regisseuren und Musik. und, Kurs, haben Zeit für die Familie, Leben… Darin liegt der Erfolg für mich, in solchen Details.

B. C.: Welche Musik mögen Sie hören?

EIN. B.: Oper, nie! 😁 Aber ich höre alles, Auch elektronische Musik! Ich mag wirklich alle Arten von Musik, Opera auch, Kurs, aber ich ziehe ein wenig auseinander zu lassen, wenn ich nicht bin studieren, weil ich auf die Arbeit beziehen.

B. C.: Wie fühlen Sie sich wohl, in einer Opernproduktion oder in der Privatsphäre einer Erwägung Lied?

EIN. B.: in beiden. Sie sind zwei sehr verschiedene Welten, und komplementäre. Introspection der Kammermusik fördert die Konzentration und die Ausrichtung das Opernrepertoires und Vokalausdruck Erweiterung der Entwicklung der ersten. In meinem Fall muss ich sie beide.

B. C.: Wie kommen Sie mit Regisseuren zusammen? Haben Sie hatten ein paar Probleme oder Schwierigkeiten verbringen eine Szenografie zu realisieren?

EIN. B.: Ich in der Regel nicht haben Probleme, Ich mag neue Dinge versuchen, und ich denke,, auch aus den Erfahrungen lernen, nicht so lohnend. Jeder kann etwas lernen, wie das Leben selbst.

B. C.: Wir vermissen ihn sehr in Madrid Wann werden wir wieder hören?

EIN. B.: bald! 😁 Und sicher etwas kompliziert…

 

 

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Er kam die spanische Oper „El Gato Montes“ auf der Bühne des Teatro de la Zarzuela zurück zum hundertsten seiner Zusammensetzung zu feiern. Und das tat er unter der Leitung von José Carlos Plaza Szene und der Musik von Ramon Tebar, para dar Leben der Musik von Manuel Penella.

Zweifellos ist das wertvollste der Arbeit von Penella eine Musik voller Nuancen und einer dramatischen Ladung, die die Stärke der Charaktere verbessert. Alles sehr Spanisch: Toreros, Wegelagerer, Zigeunersprache, Zauberinnen ... Eine Reihe von Persönlichkeiten, die beschreiben,, zusammen mit Musik, die bekannteste spanische Folklore. Nicht einfach, diese Arbeit zu interpretieren, große Vokal Nachfrage für Sänger. Und es ist nicht leicht, Regisseure.

dieses Mal, Produktion von José Carlos Plaza wurde mit der Choreographie von Cristina Hoyos angereichert, die hat nicht nur die Schritte der Tänzer geschaffen, Er hat auch das Leben Bewegung Sänger gefüllt. Was hat sie alle Darstellung von Eleganz und andalusischen Flamenco Tradition ausgestattet, die Arbeit Penella sickert.

Die Landschaft von José Carlos Plaza, die es in den fehlenden Campoamor Awards ausgezeichnet, Es kann zu streng sein. Außer übertrieben und reichen Elementen, wie ein riesiger barocker Spiegel, das sieht eher wie eine große Grabmälern, mit Stier und Matador enthalten. Oder das große Gesicht eines schmerzlich manchmal besetzt die Spitze der Bühne. Der Rest der dunklen Landschaft komponieren erfolgreich, obwohl schlecht, Francisco Leal und Beleuchtung, hervorragend, Pedro Moreno Kleiderschrank. All dies zu zeigen, die tiefsten, dunkelsten Seite des Arbeits Spanien repräsentiert. Es ist interessant, die Ähnlichkeiten El Gato Montes hat mit der Oper Carmen beachten, Bizet. Das heißt, die Carmen de Calixto Bieito haben wir zustimmen vor kurzem im Royal Theater und diese Wildkatze gesehen mehr als die Dunkelheit ihrer Szenen.

Die Rolle der Solea wird in dieser ersten Besetzung durch die deutsche Sopranistin vertreten Nicola Beller Carbone. Sund notieren Sie sich die Mühe einer Flamenco Solea bieten, mit Hilfe von Cristina Hoyos, aber sein Charakter nicht durch schlechte Diktion. Fast unmöglich zu verstehen, was er sagt, trotz in Spanien aufgewachsen. Aber seine Leistung war sehr lobenswert.

Baritone El Gato Montes Juan Jesus Rodriguez Er hatte alle Attribute der andalusischen bandolero. Eine mutige und in der Lage zu töten und in die Berge für die Frau zu nehmen, die man liebt. Alles, was es mit einem interessanten Punkt des Adels geschmückt, die dem Charakter einen besonderen Reiz gab. Seine runde Stimme, leistungsfähige und warme Kleidung beendet Charakter.

Rafael Ruiz, „Die Macareno“, Sie wurde von einem Experten für diese Rolle gespielt, Andeka Gorrotxategi. Baskische Tenor, Dekorieren fast alle Register mit einem schönen Metall, Er bewältigte mit Leichtigkeit und Robustheit akuter und zentralen Zonen eines etwas statischen Macareno auf der Bühne.

Comprimarios Box war in großer Höhe. Desatacar Ausnahme Miguel Sola, in der Rolle des Pater Anton, sowohl stimmlich als, vor allem, in dem interpretierenden Teil. einwandfrei auch, in der Rolle der Frasquita, Itxaro Mentxaka und Gerardo Bullón, wie Beton. Sie sind immer ein Garant für jede Produktion, die Adresse.

Markieren Sie die Leistung des Chores. Nicht nur für sein Handwerk, Ich wusste, bietet auch Momente von großer Lyrik und Schönheit wurde von der Öffentlichkeit weithin gelobt.

Ganz oben auf der Gemeinschaft von Madrid Orchester Manuel Tebar, der wusste, wie man die beste Version eines begrenzten Orchester liefern. Es gelang ihm, die gewünschte Atmosphäre des Komponisten neu zu erstellen und gab eine helle Version seiner bekannten Fragmente, als pasodoble der zweite Akt.

Eine geliebte spanische Oper von einem Publikum, das das Teatro de la Zarzuela in dieser neuen und spannenden Phase füllt.

Nach einem erfolgreichen Debüt mit Kritikern und Publikum bei den Salzburger Festspielen 2005, Maite Beaumont hat nicht die wichtigsten Etappen in Europa gesenkt, als Opéra national de Paris; Königliche Theater von La Monnaie; Bayerische Staatsoper; Staatsoper unter den Linden Berlin; Capitole in Toulouse Theater; Teatro Real in Madrid; Mailänder Scala en; Stadttheater von Santiago de Chile; y Lyric Opera Chicago. die nächste 1 und 3 Dezember werden wir in der Lage sein, es in der Gran Teatre del Liceu als Ottavia wieder zu hören, von Die Krönung der Poppea. Ein Repertoire, Barock, für die Tiefe und Wärme ihrer Stimme, durch Bühnenpräsenz begleitet, Sie haben die spanische Mezzosopranistin gemacht, einer der am meisten nach Sängern seines Seils gesucht.

Klassische Verve: Es wird zunehmend nationale und internationale Präsenz und es gibt viele Male müssen wir ihre Kunst genießen, aber wir würden gerne mehr über Sie wissen,. Teilen Sie uns Ihre Anfänge, Wo Ihr Hobby Musik und Gesang?

Maite Beaumont: Ich komme aus einer Familie von Musikern. Meine Mutter war Chorleiter, Professor für Musikpädagogik an der Universität ,mein Vater Amateur-Sänger und meine Schwester professionelle Sänger. Ich habe das Glück, von einem sehr jungen musikalische Ausbildung haben, Atmen Sie die Leidenschaft für die Musik, die in meinem Haus. Ich konnte von sehr jungen vielen Proben Chor teilnehmen, wo meine Mutter lief und meine Schwestern und Vater gesungen.

Mein Vater nahm immer zu Hause Vokalmusik: Er ist leidenschaftlich über das Singen. Er hat eine außergewöhnliche Stimme, aber es hat sich nicht professionell gewidmet. Wir waren zwei der vier Töchter, wir haben es gewidmet. Meine Schwester ist in der Lage gewesen, mir zu helfen und beraten über die wichtigsten Momente meines Lebens.

V.Chr.: Sobald das Bewusstsein genommen wird, sich der Musik zu widmen professionell, Wie planen Sie eine Karriere wie diese?

M. B.: mit 18 Jahre alt, Ich konnte mir nicht vorstellen, dass ich eine Zukunft Singen widmen professionell. Die gute Sache war, Es ist, dass die musikalische Basis war. Ich studierte immer Musik und Gesang. Meine Schwester war mein Vorbild: war es, die in Deutschland zu studieren ging und, Nach dem Studium der Soziologie, Ich ermutigte sie, gehen. und es, Dies ist, wo alles begann.

V.Chr.: Bald zog er nach Deutschland. Da sind sie gemeinsam Ensemble Opern-. Was ist der Unterschied zwischen Teil eines Ensemble und sein Freiberuflich? Welche Vor- und Nachteile haben jeweils?

M. B.: für mich, wie gut ein Ensemble ist, dass Sie ein gutes Fundament zu bauen, die Ihre gesamte Karriere dienen. Um zu testen, klein, mittel, große Papiere mit guter Aufsicht, Es ist von größter Bedeutung. Machtteilung Kartell mit erfahrenen Profis und gibt Ihnen eine Menge Motivation und kennt den Alltag einen Sänger, mit Studien, Studie, Funktionen… Es ist wichtig,.

Der einzige Nachteil ich sehe,, ist, dass das Alter gut ist, es kommt, treffe neue Leute, andere Wege, arbeiten, um Musik zu machen… Das hat jeder wählen, Es ist nach seinem Charakter und Lebensphase.

V.Chr.: Wir feiern die 450 Jahrestag der Geburt von Claudio Monte und, genau, die 1 und 3 Dezember in der Gran Teatre del Liceu in Barcelona zu Ottavia interpretiert, von Die Krönung der Poppea, ein Charakter, der weiß,. wir dürfen nicht vergessen, Ihre Sesto Milde Tito, Mozart, letzte Saison am Teatro Real. Es ist nicht leicht, diese Repertoires zu adressieren. Wie Sie die barocke erreichen? Welche Anforderungen haben?

M-B.: Ich hatte sehr früh eine ganz besondere Affinität zu diesem Repertoire.

Die größte Nachfrage Ich sehe, Es ist der Stil.

V.Chr.: Sie haben eine große Bedeutung für die Rezitative, etwas, das einige häufig modifizierte Manager bestimmte Produktionen aufnehmen. Glauben Sie, dass heute wesentlich sind? Warum?

M. B.: für mich, Rezitativ ganz gleich, ob es dazu dient, um besser die Handlung der Oper zu verstehen, Wenn Sie geben uns Informationen über das, was passiert ist oder passieren wird,. Ich stelle mir es als reines Theater, Vortrag Singen.

Nicht, dass sie sind wichtiger als früher. Der Unterschied ist, dass jetzt Teil Theaterarbeiten mehr. Die Bühne Richtung hat so viel weiterentwickelt, nicht nur gut kennen, haben singen, auch interpretieren.

zum Beispiel, Mozart Rezitativ ist ein Schatz verdient ein Spiel.

V.Chr.: Barockmusik hat viel Raum für Improvisation, vor allem der italienische Barock. Die Entscheidung, variieren oder ein arische zu dekorieren von neuem, Singer besitzt oder Haupt?

M. B.: Eigentlich gehört es den Sänger. Er schlägt vor, Regisseur und Sänger, der letztlich darüber entscheidet, welche am besten sind.

Das Wichtigste ist, in der Art zu sein,, Dies ist wie alles andere gelernt. Es gibt andere, die gerne haben alles mehr kontrolliert. Alles hängt von dem Sänger und Direktor. für mich , Es ist eine Teamarbeit: eine Mischung zwischen dem, was wie dem Regisseur und Verzierungen, die gut mit Ihrer Stimme gehen.

V.Chr.: Nach dem Barockrepertoire, Welche technischen Schwierigkeiten können in einer Partitur gefunden werden, dass, ursprünglich, Es wurde auf die physikalischen Eigenschaften eines Mannes geschrieben?

M. B.: La voz de Mezzosopran , seine Klangfarbe und Farbe, es ähnelt mehr oder ruft eine männliche Stimme. für mich, physisch haben wir die gleiche Kraft, die einen Kastraten haben könnte. noch mehr, Ich würde sagen,. Es hängt von dem Temperament jeden, unabhängig davon, männlich oder weiblich ist,. Unter der Stimm Sicht, Frauen können mehr Bruststimme verwenden, Erhalten von mehr Leistung als ein Kastrat. aber hey, Je nachdem. Nun gibt es viele Altus mit sehr guter Technik.

V.Chr.: Obwohl immer mehr barocke Werke geplant, Was denken Sie, sind die Gründe, warum kaum Präsenz in der spanischen Programmierung bleibt?

B. M.: Es ist ein sehr spezifisches Publikum, das die barocke mag. Ich denke, die Opernkultur in Spanien steigt. Immer mehr Menschen auf eine Funktion zu gehen wagen. Am besten ist es eher traditionelles Repertoire zu starten, dann Geschmack erstellen und speziellere Titel wie Barock anlocken.

V.Chr.: Sein Repertoire ist mit dem Barock nicht beschränkt. Wir können ihre Interpretationen Lied hören, die Werke zeitgenössischer Komponisten wie Kurt Weill. Wir wissen auch von seiner Liebe zu Bel canto, Wie wird der Übergang zu diesen Stilen gemacht?

M. B.: Da die Stimme entfaltet, Es wird neues Repertoire wird mit Blick auf die reifere Stimme erfordert, wie Belcanto.

V.Chr.: Er wird von einem Sänger inspiriert, wenn eine neue Rolle vorbereiten?

M. B.: Es gibt immer ein Sänger, würden Sie die Rolle studieren möchte parecer.Primero und dann verschiedene Versionen vergleichen, um eine Vorstellung davon bekommen, wie Sie Ihre eigene Version wollen.

V.Chr.: Wie sehen Sie die Entwicklung seiner Stimme? Was Repertoire in einer ferneren Zukunft singen?

M. B.: Ich bin in einem Augenblick, wo ich fühle mich sicher und zu dem Belcanto-Repertoire Adresse. Bisher habe ich viel Barock und Mozart getan , unter anderem, aber es ist jetzt, wenn ich zur richtigen Zeit bin Isabella zu singen, Adalgisa, Elisabetta, Giovanna Seymour… Nachdem in Deutschland so lange, Ich fühle mich auch bereit, für die Rollen des deutschen Repertoires für Mezzosopran und lyrisch als Oktavian Komponist.

Innerhalb von zehn Jahren, Ich werde sehen, wie ich entwickeln und wo.

V.Chr.: Wann können wir wieder in Madrid hören?

M. B.: im 2019 Ich werde in Verdis Falstaff Meg singen. dann, Ich hoffe, dass noch viele weitere interessante Rollen, wo ich alle meine Facetten lehren.

Javier Camarena

Wer war nicht Nachmittag 19 November in der Teatro de la Zarzuela, Sie haben möglicherweise eine der lyrischen Veranstaltungen der Saison verpaßt. Es war das erste Mal, wenn der mexikanische Tenor ein Rezital vollständig aus zarzuela zusammengesetzt Bord. Ein Genre, das historisch als „minderjährig“ angesehen wurde und das selbst Javier Camarena war verantwortlich für die Ablehnung: „Ich verstehe diese Tendenz nicht die Zarzuela ein kleines Genre zu machen, nicht haben, ich kann es nicht finden, Ich nehme es nicht so wahr und ich werde es nicht so projizieren. Rote Blume zu singen ist für mich genauso wichtig wie eine verstohlene Träne zu singen ".

Auf der Bühne mit Standing Ovations empfangen, begann nervös, wie er selbst erkannte, "Ich habe meine Komfortzone verlassen und möchte mein Bestes geben.". Und ich denke schon, dass es so war. Es wurde in jeder der acht Romanzen demonstriert, die er aufführte, dass dies ein Genre für erfahrene ist. Es erfordert ein Qualitätsinstrument, wie es ohne Zweifel das von Camarena ist, Bereich der Dynamik, Geschmack in der Interpretation und eine angemessene Lektüre der Stärke und Tradition, die dieses Genre enthält. Seine lyrisch-leichte Tenorstimme bot Versionen voller Originalität. Lösung der Schwierigkeiten, die diese scheinbar erschwinglichen Arien zweifellos haben, alles in der Interpretation geben. Durch verschiedene Register gehen, ohne Metall zu verlieren, in den Höhen leuchten, mit einer mit Absicht beladenen Phrasierung und einer sanften Gesangslinie.

Er begann mit Tapferkeit und interpretierte "Aus dieser friedlichen Ecke Madrids"., von Luisa Fernanda und "Du weißt durch den Rauch", von Doña Francisquita, um mit einem Ihrer Lieblingswerke in diesem Repertoire fortzufahren, "Rote Blume", von Los Gavilanes. Bevor er es aufführte, warnte er das Publikum, dass er "etwas Kratzendes im Hals" habe.. Es wurde irgendwann bemerkt, angesichts der Schwierigkeit, für die Subtilität in der Interpretation, das schätzt diese Romantik. Hoffe es regnet bald, oder viele Sänger werden aufhören, nach Madrid zu kommen.

Der zweite Teil begann mit einem "Goodbye Granada" voller Gefühle und Emotionen, das er "Paquita" widmete., Tenor Frau Pedro Lavirgen, vor kurzem verstorben, denn es war die Version von Lavirgen, in der er inspiriert wurde, die Romantik der Auswanderer vorzubereiten.

Es endete mit „Paxarín, du, der fliegt “und„ Es kann nicht sein “, was mit einer Überhöhung endete, die das Publikum zum Delirium führte. An der Spitze des Orchesters der Gemeinschaft von Madrid der junge Mann Iván López-Reinoso. Er dirigierte mit Leichtigkeit und Rhythmus das Präludium zu La revoltosa und El Drum de Grenadiers, das Zwischenspiel der Hochzeit von Luis Alonso und die Pause der Legende vom Kuss. Genial war auch die Spitze des mexikanischen Lehrers Arturo Márquez, Danzón Nr. 2.

Das Konzert endete mit zwei weiteren Tipps, ein "Granada", von Agustin Lara in dem er Qualitäten und Höhen verschwendete und die Wiederholung der “Das Vertrauen der Tenorios”.

Außergewöhnlicher Abend, der mit sehr langen Standing Ovations eines begeisterten Publikums endete, das den Raum nur ungern verlassen wollte. Wir hoffen, dass Javier Camarena bald eine Oper oder Zarzuela aus dem spanischen Repertoire in demselben Theater aufführen wird.

Carmen

Zwanzig Jahre er hat dies Carmen von Calixto Bieito schließlich kommt zu dem Königlichen Theater. Produktion mehr in der Geschichte dieser Oper vertreten, Es kommt mit einigen Kontroversen über „Anpassungen“, dass das Kunstteam auf vermeintlich offensiven Szenen auszuführen gezwungen wurde,. Die Änderungen sind lediglich kosmetische, um nicht auf bestimmte Elemente zu konzentrieren, die nur vorgab künstlerische Ausdrucksformen zu sein.

Basierend auf der Arbeit von Prosper Mérimée, Bizet geeignet ist, den Text, das war sehr attraktiv für die Öffentlichkeit zu der Zeit von der spanischen Exotik und etwas lüstern Elementen, und einige Spieler geschaffen,, diesmal, Sie waren nicht Könige, Kaiser oder Götter, Wenn keine Zeichen von der Straße, Herdes mit maximal Rohheit und weit von bestehenden bisher Opern Urbild. Bizet setzt die Arbeit in einer bestimmten sozialen Gruppe und in einem bestimmten Medium. Dies ist vielleicht der Hauptgrund, dass sein Debüt Ergebnis in Skandal.

Es sollte klargestellt werden, dass die Geschlechter Oper comique, zu der er gehörte Carmen, Es bedeutet nicht, dass es eine komische Oper ist, bezieht sich auf ein Genre, das die ernste Oper oder große Oper in Paris gegenüber vertreten. es ist, nicht so viel von der Stimmung der Argumente, wenn nicht technische Probleme, als alternierende zwischen Fragmenten gesprochenen und gesungenen. Dieser so einfach, den Text-Modus hat eine große Theater- und Musik Wirkung auszudrücken. Musik ist viel direkter und Carmen singt, nicht Arien, aber Lieder, Bizet selbst, als er schrieb. Es ist nur ein Zeichen, von Komponisten erstellt, da es in der ursprünglichen Arbeit nicht erscheint, Es wird mit Arien selbst, Micaëla.

Bizet starb nur wenige Wochen nach der Veröffentlichung, ohne den Erfolg seiner Oper nach dem ersten Skandal zu genießen. Es war einer seiner Jünger, die, in dem Bemühen, eine ernste Oper Carmen zu machen, statt einer Oper comique, Er führte eine Reihe von Änderungen Hinzufügen von Rezitativen und Musik. Es gelang ihm dadurch, dass das vorherrschende Bild von Carmen während des zwanzigsten Jahrhunderts hat sich von der Idee ganz anders Bizet konzipiert. Es war wichtig,, deshalb, die Geschichte von Carmen neu zu positionieren und die Charaktere in ihre ursprünglichen Idee zurückkehren.

Es ist hier, wo es eine der Tugenden von Calixto Bieito erscheint, sein Weg Schauspieler zu lenken. Und es ist diese Richtung der Akteure, und nicht auf die Landschaft oder Bühnenelemente, was macht den Unterschied in dieser Produktion über andere, die wir bisher gesehen haben.

Diese Carmen ist eine der ersten Produktionen von Calixto Bieito. Und er zeigte es seine Vorliebe für Kontroverse und einige Extravaganzen oft zu Protagonisten ihrer Produktionen. Was wir nicht gedacht, dass, jeder dieser umstrittensten Elemente zu ändern, Nackt wie die Arbeit quedase so die Landschaft von Alfonso Linings. durch das Fehlen von Elementen, gekennzeichnet, Er hat eine leere Bühne präsentiert, Nur eine Telefonzelle und einige Erteilung Jahre 70, nach oben 6, Sie haben die Bühne während der ersten beiden Akte besetzt. Er hat nicht einen nackten verpasst, Geschmack sehr Bieito, durch einen Helfer, der den Mond „wie er ist“ am Anfang des dritten Aktes macht. Dekoriert wird das düstere Drama schwächen und betäubt das Orchester, dass vor allem im Vorspiel und die ersten beiden Akten hatte er eine Leitung von Marc Piollet Routine und wenig unecht. Trotz einer der wichtigsten Repertoire Partituren zu sein, bekam es klingt in einigen Passagen vulgären.

Bieito wollte von den folclorismos wegzukommen, die so viele Male diese Oper geprägt haben, aber es Longieren andere Sie españoladas. Es aktualisiert nur Klischees, ohne sie zu verlassen. Aufzucht, kontradiktorisch, eine Rückkehr nach Spanien tief.

In diesem Tauchgang nach Spanien Tamburin, zieht Zeichen, die, obwohl sie sind näher an der ursprünglichen Idee von Bizet, Sie hören nicht auf ihre Rollen mit Gewalt nehmen. Die Carmen de anna Goryachova Es ist voll von Sinnlichkeit, aber sein Temperament ist nicht so stark wie beabsichtigt. Stimmlich nicht viel Schuld. Ihre Mezzo Stimme ist homogen und ausgewogen, obwohl sein Volumen verringert wurde führt, wie die Arbeit voran. Seine schöne Timbre sah mehr in den zentralen Aufzeichnungen in schweren, hatte aber eine gute Leistung, allgemein.

Francesco Meli nicht in der Lage, das Bild eines rustikalen und heftigen Don Jose geben. Es stellte sich sanftmütig, vor allem in den Szenen der Bande, ähnlich wie West Side Story. In der Singstimme war er erfolgreicher. Es hat einen schönen Klang und ein gutes Volumen der Stimme war genug, um diese Rolle zu bekämpfen.

Eleonora Buratto baut eine Micaëla, die zunächst nicht so naiv, wie es scheinen mag, schlägt vor, einen Selbst Schlaganfall. Es ist immer ein komplizierter Charakter für ein wenig fehl am Platz zu sein, in der Arbeit hinzugefügt werden. Die Buratto bietet etwas übermäßige Lautstärke der Stimme aber lution in den Arien und vor allem in seinem schönen Duett mit Don Josés ersten Akt.

Die Escamillo von Kyle Ketelsen Es ist sehr attraktiv und männlich. Seine durchschlagende Stimme des Charakter fortalció. Er verteidigte seine Rolle mit Würde.

Die beiden Paare von comprimarios gebildet Olivia Doray, als Frasquita und Lidia Vinyes Curtis, wie Mercedes und vielleicht Borja, wie Le Dancaire und Mikeldi Atxalandabaso, in der Rolle des Le Remendado, waren hoch, stimmlich und in interpretative. Sie sind gut in der dekadenten Welt niedrig Mittel ausgepackt für diesen Anlass erstellt von Bieito. Die Lillas Pastia von Alain Azérot, a dastardly Charakter, Ich war von dem Französisch richtig und Professionalität angegangen.

der Chor, in seiner Linie der Spitzen. Er schien besonders spektakulär im vierten Akt, durch den Chor von Young Singers von JORCAM.

Ein Carmen, beklagenswert, Es wird am besten für den Skandal in Erinnerung, die nicht war, dass Inszenierung.

CARMEN
Georges Bizet (1838-1875)
Opéra comique in vier Akten
Libretto Meilhac und Ludovic Halévy deHenri basiert auf dem Roman (1845) Prosper Merimee
an der Opéra-Comique in Paris uraufgeführt 3 März 1875
Die Produktion der Opéra National de Paris
D. Musical: Marc Piollet
D. Szene: Calixto Bieito
scenographer: Alfons Flores
Kostümbildnerin: Merce Paloma
Beleuchtung: Alberto Rodriguez Vega
Ersatz: Yves Lenoir
D. Chor: Andrés Máspero
D Kinderchor: Ana González
Besetzung: anna Goryachova, Francesco Meli, Kyle Ketelsen, Eleonora Buratto, Olivia Doray, Lidia Vinyes Curtis, vielleicht Borja, Mikeldi Atxalandabaso, Alain Azérot, Jean Teitgen, Isaac Galan
Schlagzeilen Chor und Orchester des Teatro Real
Kleine Sänger von ORCAM

El Cantor de Mexico

Er kam zu Teatro de la Zarzuela die Operette El Cantor de Mexico. komponiert 1951 von dem Französisch, aber hispanische Amerikaner, Francis Lopez, und geschrieben von dem berühmten interpretiert werden Luis Mariano, die kamen, um die Interpretation in mehr als 850 Gelegenheiten.

Sein Inspizient, Emilio Sagi, Er angepasst und das anfängliche Skript aktualisiert, etwas veraltet, für die Freigabe 2006 in Théàtre Châtelet. Die Produktion wird in Madrid unter der Regie kommt von Daniel Bianco dies ist, als Komponist genannt, ein Operette Extravaganz. Eine helle und spektakuläre Landschaft, wo Szenenänderungen auftreten ständig und mit großer Dynamik, die Atmosphäre der Clubs der Zeit neu zu erstellen und zeigt Carmen Miranda.

Sehr wichtig ist die Aufgabe des Musikdirektors Oliver Diaz vor dem Titular Orchester des Teatro de la Zarzuela. Ein Werk wie dieses, in der Nähe von dem Magazin und Melodien mit völlig unterschiedlichen Repertoires gefüllt, die in der Regel, wie Jazz, Mambo oder Bolero, nicht einfach, die Vielfalt des musikalischen Materials zu handhaben. Das Ergebnis ist eine unzweifelhafte Qualität.

die Besetzung führender umfasst den Tenor José Luis Sola, evoziert Luis Mariano, aber mit Schwierigkeiten. Geringe Lautstärke der Stimme und ohne Ton, außer in den Höhen, in dem die Helligkeit und Farbe haben eine starke Präsenz.

Cricri Charakter wird durch Sopranistin Sonia de Munck. Holen Sie sich einen guten Interpretationsebene, aber er kann nicht erhalten Sie Ihre Stimme zu hören. Viel weniger, wenn sie von anderen Sängern oder erhöht die Lautstärke des Orchesters begleitet.

erfahren Luis Álvarez Er spielt brillant Ricardo Cartoons Empresario, von einem spektakulären begleitet Ana Goya, dass zum Leben erweckt das urkomisch Fräulein Cécile. die Besetzung führt das Theater Rosi de Palma, wie Eva Marshall, diva Kitsch, die mit der Bedeutung der Arbeit dank seiner Persönlichkeit und starke Bühnenpräsenz steigt.

Das Teatro de la Zarzuela-Saison beginnt mit einem anderen Werk, eine Show, die reine Divertimento ist. Sie wollen mit ihm eine Nachricht, la Zarzuela will alle Zielgruppen erreichen und für die Gesellschaft öffnen.

Magdalena Kožená

die Teatro Real Freitag war ein weiterer Versuch der Fusion zwischen Barock und Flämisch. berechtigt liebe: zwischen Himmel und Hölle, Werke präsentiert, unter anderem, von José Marín, Juan Serqueira von Lima, Jean Battiste Lully, Juan Hidalgo die Sebastian Duron. Ich muss sagen, dass das Ergebnis dieser Fusion Versuch gleich Null gewesen. Gerard Mortier Er sagte, dass Flamenco auf der Bühne des Teatro Real sein sollte, da es eine hohe Kunst wie diese geziemte. Aber ich denke, Mortier nicht genau bedeuten, dass. Endeavour zu Flämisches Barock zu verschmelzen und erfordert, Zu meiner bescheidenen Meinung, weitere Ausarbeitung und fließend, so dass das Ergebnis scheint nicht gezwungen.

Die große Nachfrage nach dieser Erwägung hat die tschechische Mezzo Magdalena Kožená, und vielleicht ist dies war auch die größte Enttäuschung. Das Repertoire war völlig blind, um es. Wie die Sprache, eine schlechte Formulierung verstanden kaum nichts von dem, was er sagte,, angeblich in Kastilisch. Statische auf der Bühne und mit einer planaren Kante, als continuo, Sie getrübt ein spanisches Barock-Repertoire auf Papier appellierte. Alles, was es in einem peinlichen geschmückt, obwohl lobens, Ich wollte offenbar Flamenco-Tanz versuchen,.

Ja, um die Leistung der barocken Gruppe Private Musicke, Villas von Manuel Rodriguez, Spanisch Harfe, Jesús Fernández Baena, Tiorba, Richard Myron, Viola da gamba, Pierre Pitzl, Spanisch Barockgitarre und Adresse und Schlagzeuger David Mayoral, die er trug zur Interpretation der Fantasie-Set.

Die folgende Beschwerde des Abends war die Choreographin und Tänzerin Antonio El Pipa. Begleitet auf der Gitarre von Juan José Alva und Daniel Ramírez, und singen Toñi Nogaredo, Sandra und Estefanía Zarzana. Impeccable in Begleitung von Antonio El Pipa, auf die Kosten, die Öffentlichkeit Kälte Wärme des Königlichen Theaters, ungewohnt diese Brille. elegante Geste, Pipa hatte auch die Aufgabe der Kleidung in der Kožená tanzen, als sie versuchte, ihn zu begleiten.

Eine interessante manchmal und langweilig Nacht in dem, was die Hauptattraktion einer Show, die die wichtigsten europäischen Theatern sollten besucht. Aber nicht die Hoffnung verliert das Repertoire des spanischen höfischen Liedes mit größerem Erfolg durchgeführt, um zu sehen.

Lucio Silla

mit nur 14 Jahre alt, und bei einem Rundgang durch das damalige Königreich Italiens mit seinem Vater, Mozart die ersten ernsthaften Opernpremieren seiner Karriere, Mitridate, Könige von Pontus. So war der Erfolg, dass der junge Mozart eine andere benutzerdefinierte Teatro Regio Ducal in Mailand erhielt, eine Oper zu feiern, zwei Jahre später, Winter Karnevals der Hauptstadt der Lombardei.

Lucio Silla Es ist eine wichtige Arbeit in der Entwicklung der musikalischen Sprache von Mozart. Während es viele der Konventionen der Opern des achtzehnten Jahrhunderts beibehalten, wie die Rolle eines Charakter gefolgt historische und endlose endlose Rezitativ-Arien. jedoch, Wir haben bereits einige unveröffentlichte Elemente gefunden, wie die orchestrale Begleitung von Rezitativen. Diese neue musikalische Struktur nimmt die Veränderungen vorweg, die mit Idomeneo konsolidiert werden und die Teil des unverwechselbaren Stils seiner reiferen Opern sein werden., als Don Giiovanni die Also alle.

Mozart arbeitete mit großer Disziplin und mit wenig Zeit. Er hatte die tugendhaftesten Sänger des Augenblicks zu sich gerufen 6 Wochen vor der Premiere beginnen die Proben. Wie damals üblich, die insbesondere wurden komponiert und über die stimmlichen Eigenschaften jedes Interpreten nachgedacht, sie an die Grenze ihrer Kapazität bringen. Dies machte es fast keinem anderen Sänger möglich, die Rolle zu übernehmen.. Hauptgrund warum Lucio Silla, einmal veröffentlicht, verweilen 200 Jahre wieder vertreten zu sein.

Die Hauptrollen waren für den großen Tenor verantwortlich Arcangelo Cortoni, als Lucio Silla, und kastriert Venanzio Rauzzini, in der Rolle von Cecilio und der Sopranistin Anne de Amicis, wie Giunia. Aber der beste Beweis für das Genie des jugendlichen Mozart kam, wenn sie es nur brauchten 6 Tage bis zur Premiere. Der Protagonist Cortoni wurde krank und musste schnell durch einen anderen Tenor ersetzt werden. Niemand wagte es, die Schwierigkeiten dieser Rolle zu übernehmen, und es war ein mittelmäßiger Rednersänger, der, erschrocken durch die Schwierigkeit des Charakters, wagte es mit ihm. hierfür, Mozart musste die Partitur des Diktators ernsthaft verstümmeln und sie an die stimmlichen Möglichkeiten des Sängers anpassen. Trotz Reduzierung seiner Intervention nur in 2 Arien, Mozart schafft es, die Psychologie des Charakters zu vermitteln, kompliziert zögernd und unfähig auszudrücken, was er fühlt, Überlassen Sie die Verantwortung, Sillas Gefühle dem Orchester auszudrücken.

Eine Hochspannungstheaterlandschaft

Für einen Bühnenmanager, Lucio Silla ist ein vergiftetes Geschenk. Im Laufe der Geschichte wurde es aufgrund seines Statismus als unmögliches Werk angesehen. Barockwerke wecken bei den Regisseuren nicht wenige Bedenken hinsichtlich ihrer Arien

Dacappo und die Schwierigkeit, die diese musikalische Struktur mit sich bringt, wenn der Szenografie die gewünschte Fließfähigkeit verliehen wird. Lucio Silla ist nicht szenisch wie andere spätere Werke von Mozart, Theaterstücke selbst. Der Geist der Charaktere hat mehr Gewicht als ihre Stimme, obwohl dies für Sänger teuflisch ist.

diese Oper, fast nachdenklich, hat auch eine große dramatische Ladung, die Claus Guth hat es geschafft, perfekt zu erfassen. Es ist ihm gelungen, eine Szenografie zu erstellen, in der die Bilder rhythmisch vor dem Publikum fließen, Schlagstatismus mit einem fast filmischen kontinuierlichen Bewegungseffekt.

Wie es in Guths Bühnenentwicklung üblich ist, Es wird eine psychologische Röntgenaufnahme der Charaktere und ihrer Gefühle präsentiert. Diese Reise zur Selbstbeobachtung der Protagonisten wird durch die Atmosphäre erreicht, immer bedrückend, das beschreibt mit großer Genauigkeit die Absicht der Protagonisten. Eine gute Regie der Schauspieler und eine sich drehende architektonische Struktur mit unterirdischen Tunneln zeichnen sich aus. Eine Unterwelt, in der sich Träume und Albträume entfalten. Hier spielt das Licht und der Schatten von Manfred Voss, die für den Anlass von aktualisiert wurden Jünger Hoffmann, große Schönheit und Bekanntheit erlangen.

Erfolgreich ist auch die kalte Trostlosigkeit, die Lucio Silla begleitet. Ein Raum, der die komplexe Psychologie eines unbeständigen Charakterdiktators entschlüsselt, zögernd und unvorhersehbar. Der Stuhl erscheint in einem Raum aus verfallenden weißen Fliesen, die mit dem vergossenen Blut befleckt sind. Es sieht aus wie eine Metzgerei.

Die Adresse von Ivor Bolton

Lucio Silla ist eine unpassende Partitur für einen Teenager aus 16 Jahre aufgrund seiner Komplexität, für seine Reife und dafür, dass er so detailliert ist. Die ursprünglichen Arien wurden mit geringfügigen Anpassungen beibehalten, um die zu verbessern Tempis, was die Fließfähigkeit in Richtung a erleichtert hat Ivor Bolton das setzt den außergewöhnlichen Weg fort, der in der letzten Saison markiert wurde Billy Budd und Rodelinda.

dieses Mal, und schon von der langen Ouvertüre, ein perfektes Gleichgewicht zwischen Metallen und Saiten erreichen. Seine Lektüre der Arbeit und der Arbeit mit dem Orchester, Nehmen Sie die Texte und nicht die Musik als Ausgangspunkt, hat dem Klang die Vibration und den Puls gegeben, die die Partitur erfordert. Besonders in den Momenten, in denen das Orchester die Vor- und Nachteile der Hauptfigur auflöste. Die Rezitative werden von Bolton selbst zum Cembalo begleitet, eine größere Verbindung mit dem Orchester ermöglichen. Immer auf Details achten und die Sänger kennen, diejenigen, die die Arbeit viel einfacher machen, zusammen mit einer Szenografie, die die Projektion der Stimme und des Liedes auf den Bühnenmund erleichtert.

Eine sehr ausgewogene Besetzung

Lucio Silla benötigt sowohl stimmliche als auch dramatische Qualitäten. Und in dieser Linie stehen die Protagonisten dieser Produktion, Kurt Streit und Patricia Pertibon.

amerikanischer Tenor Kurt Streit, verantwortlich für das Leben des Protagonisten, Er ist ein großer Kenner des Mozart-Stils und ein ausgezeichneter Schauspieler, etwas sehr Wichtiges in dieser Produktion. Er präsentiert uns einen zögernden und unbedeutenden Lucio Silla, unsicher und charakterlos. Am Ende des Spiels, wenn er großmütig wird und den Thron verlässt, es erscheint eine korrekte histrionische Absicht. Seine hervorragende Leistung gleicht eine bereits im Niedergang begriffene Stimme aus.

Patricia Petibon Es ist reines Theater. Seine Ausdruckskraft und Persönlichkeit auf der Bühne erhielt eine verdiente Resonanz von der Öffentlichkeit. Hatte einen schwierigen Moment in der Arie Ah, wenn die grausame Gefahr! wo Koloratur unmöglich wird, aber er machte das mehr als wett mit einem breiten Repertoire an Gesten, die die Angst des Charakters beschreiben. Petibons dramatische Intensität, über der Stimme, es beeinträchtigt weder den Charakter noch die Punktzahl, besonders nach dem Improvisieren einer herzzerreißenden Passage am Ende des ersten Teils.

EIN Silvia Tro Santafé er musste die komplexe Rolle von Cecilio beleben. Eine fast unmögliche Punktzahl, die der Valencianer mit tadelloser Professionalität gelöst hat. Deine anfängliche Arie "Der Tereno-Moment", extrem schwierig aufgrund von Registrierungsänderungen, wurde mit einer Zahlungsfähigkeit gelöst, die nur von Virtuosität übertroffen wurde. Hohe Lautstärke und ausdrucksstarke Stimme, mit tadelloser italienischer Phrasierung und Gesangslinie. Das Duett mit Giunia war ein Moment von großer Schönheit und Zartheit. Als einer der herausragendsten und wertvollsten Mezzosopranisten im Moment, Es ist überraschend, dass es auf nationalen Bühnen nicht mehr präsent ist.

José María Moreno Es war eine weitere Freude der Nacht. Sein Charakter entspricht nicht den stimmlichen Anforderungen der Protagonisten, aber es hat Überhöhungen, die die Granada Sopranistin ohne zerzaust emittierte. Cecilias Rolle ist etwas wählerisch, aber seine drei Interventionen (Eine seiner Arien wurde entfernt) Sie sind brillant. Es brachte Frische mit seinem schönen mediterranen Timbre und der perfekten Diktion.

Die Mezzo Letona Inga Kalna in seiner Rolle als Lucio Cinna, er hat die Männlichkeit des Charakters ein wenig übertrieben und es stellte sich als etwas grob heraus. Gute Lautstärke, aber nicht sehr raffiniert. Aber er wusste, wie er mit der Besetzung mithalten konnte.

Ohne Zweifel war dies ein guter Saisonstart in einem wichtigen Jahr für ein Royal Theatre, das feiert 200 Jahrestag. Die Saison ist sehr attraktiv und die Oper ist einer der Orte, an denen Träume Zuflucht finden. Hingabe an Kunst.

Lucio Silla
Dramma per musica in drei Akten
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
Libretto von Giovanni de Gamerra
Uraufführung im Teatro Regio Ducal in Mailand 26 Dezember 1772
Neue Produktion von Teatro Real
Schlagzeilen Chor und Orchester des Teatro Real
D. Musical: Ivor Bolton
D. Szene: Claus Guth
Ersatz: Sie Buyse
Szenografie und Kostüme: Christian Schmidt
Beleuchtung: Manfred Voss
dramaturgie: Ronny Dietrich
D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Kurt Streit, Patricia Petibon, Silvia Tro Santafé,
Inga Kalna, José María Moreno, Kenneth Tarver

Madama Butterfly

zu 1850 und nach zwei Hälften von Jahrhunderten der Isolation, Japan ist verpflichtet, die Welt zu öffnen. Es zählt zu der Zeit mit zwei wichtigen Vitrinen, die Weltausstellung in London (1862) und, vor allem, das Paris (1867). Im letzteren, lenkt die Aufmerksamkeit der großen Künstler, die von der japanischen kulturellen Prägung beeinflusst werden und sind, Wende, die Ausbreitung zuerst diese neuen Trends.

Künstler wie James McNeill Whistler, Edouard Manet oder Clode Monet in Paris, und Mariano Fortuni oder Raimundo de Madrazo in Spanien, Sie waren einige der ersten, die die Faszination der japanischen Kultur spürten.

Diese orientalischen Einflüsse kamen auch in Madrid an. Die Oberschicht zeigte sofort ihr Interesse, nicht nur für künstlerische Ausdrucksformen, auch für Gegenstände und Dekorationselemente. Japanische Schränke und Salons wurden in Palästen und Villen des Adels von Ende des Jahrhunderts in Mode. Die Residenz von Cánovas del Castillo oder der Infanta Eulalia de Borbón hatte ein japanisches Zimmer. Dies ist der Fall im Restaurant Lhardy, dessen Salon kann heute genossen werden.

So viel orientalischer Einfluss hatte unter anderem die Premiere im Teatro Real in Madrid zur Folge, in 1907, de Madama Butterfly, Die Oper, die Puccini komponiert hatte, war fasziniert von der Chinoiserie und all ihren Erinnerungen. Die Premiere war stilvoll, Die Rolle von Cio-Cio-San wurde von Rosina Estorquio gespielt, legendäre Sopranistin zu der Zeit und wer hatte die Rolle in uraufgeführt 1904 Scala in Mailand.

Bei dieser Gelegenheit präsentiert uns das Real die Wiederbelebung von Madama Butterfly, die Mario Gas und Ezio Frigerio für dasselbe Theater in entworfen haben 2002.

nach 15 Jahre gab es kaum Aktualisierungen der Landschaft, etwas, das viel für diese Arbeit sagt. Eine Beziehung zwischen Oper und Kino herstellen, zwei Genres, die dem Komponisten bekannt und beliebt sind, Die Szenografie führt uns zu einem Hollywood-Film aus den dreißiger Jahren, Nutzung der Ressource eines Theaters innerhalb des Theaters. Die Dreharbeiten können in Echtzeit auf einem Bildschirm über der Bühne angezeigt werden, Dank einer sehr guten Bearbeitung, die es Ihnen ermöglicht, die Nahaufnahmen der Sänger zu schätzen, was die Dramatisierung verstärkt.

Die Geschichte geht von einer europäischen Tradition aus, von wann, zuerst die Holländer und dann andere Europäer, über die Dutch East India Company gehandelt. hierfür, Sie bewohnten die Insel Dejima, in denen sie tolle Jahreszeiten verbrachten. Nicht in der Lage zu sein, ihre Frauen zu tragen, führte eine Hochzeitszeremonie durch und heiratete angeblich junge japanische Frauen, die sie später aufgaben. All dies wird durch Matchmaker ermöglicht, wie Goro es in Madma Butterfly tut.

Dies ist das Drama des jungen Cio-Cio-San, das bei dieser Gelegenheit von den Sopranistinnen Ermonela Jaho und Hui He gespielt wird. Mit den Worten von Regisseur Mario Gas, „Ein Übermaß an Leidenschaft führt zu Unschärfe, und eine Abwesenheit von Leidenschaft, führt zu Kälte ". Bei den Auftritten beider Sopranistinnen hat es nicht an Leidenschaft gefehlt, aber die dramatische Fähigkeit von Ermonela Jaho, davon hat er bereits eine gute Probe in seiner Violeta de La traviata hinterlassen, und diese Saison mit seiner Desdemona in Otello, übertrifft jede Interpretationsaufzeichnung. Mirellla Bremsen, Das war ein toller Schmetterling, Er konnte es nicht auf der Bühne singen, weil die Emotionen ihn zum Weinen brachten und das Weinen seine Stimme verdrängte. Hermonela Yaho kann beim Singen weinen. Ist in der Lage, die Technik aufzugeben, um einen Schrei auszusenden, ohne einen Positionsverlust zu bemerken. Die Fähigkeit zur Phrasierung, seine zarte Kantenlinie, die dem Charakter eine Fragilität verleiht, die überwältigt, Halten Sie das Publikum gefangen und erschüttert. Jeder weiß, was passieren wird, außer ihr ... Sie überträgt Emotionen wie kaum ein anderer. Auch wenn deine Stimme nicht perfekt ist, obwohl sein Bass mangelhaft ist, obwohl ich ein wenig von den Reihen missbrauche, die, andererseits, Sie sind wundervoll, aber, Was ist Oper?, aber Emotionen?

Da es sehr schwierig ist, eine Version zu wählen, wir haben uns entschieden, beides zu setzen, Ermonela Jaho y Hui Er interpretiert "Un bel di wir werden sehen", zu Beginn des zweiten Aktes. Zwei verschiedene Arten und Techniken, sich demselben Charakter zu nähern.

Hui Er war der Schmetterling der zweiten Besetzung. Das zweite bezieht sich in diesem Fall nicht auf eine geringere Qualität. Ohne Zweifel ist seine lyrisch-spinto Tessitura für diese Rolle am besten geeignet.. Es hat ein schönes, durchdringendes Timbre und ein kraftvolles Mittenregister, solider Bass und außergewöhnliche Projektion, neben einer homogenen Kantenlinie. Es begann ohne größere dramatische Ausbrüche, wurde aber im Verlauf des Spiels charakteristisch.

Sie wurde in der Nachbildung vom Pinkerton des jungen Vincenzo Costanzo nicht gut begleitet. Er hat eine frische Stimme und ein schönes Timbre ist angestrebt, aber es ist noch weit von einer adäquaten Technik für diese Charaktere entfernt. Ihre stumpfe weiße Stimme braucht Zeit, studieren und ruhig. Instrument scheint zu haben, Hoffen wir, dass es Ihnen nicht an Geduld mangelt.

Besser das Pinkerton von Jorge de León, mit vollen und hellen Höhen. Obwohl mit einer gewissen Rauheit, unter Berücksichtigung der Delikatesse von Butterfly de Jaho. Der Charakter von Suzuki, gespielt von Enkelejda Snkosa und Gemma Coma-Alabert. Beide sind die perfekte Gesangsgruppe ihres jeweiligen Cio-Cio-San.

Ángel Ódena komponierte einen Sharpless Consul mit Autorität und Adel, der richtig verteilt war. Zur Magie der Repräsentation beigetragen. Der Konsul von Vladimir Stoyanov ist immer ein Bariton mit Garantien, und er hat die Zahlungsfähigkeit eingehalten. Genauso wie Goro von Francisco Vas. Mit einem sehr guten Schauspiel und einem histrionischen Punkt, der den Matchmaker-Charakter abrundete.

Der Rest der Reparatur war in großer Höhe, einschließlich des Chors, der eine schöne Delikatesse demonstrierte.

Die Regie von Marco Armiliato zeigt sein großes Wissen über die Partitur und den Komponisten. Große Theaterfähigkeit und exquisite Betreuung der Sänger, Sie können jederzeit modulieren, um Ihre Arbeit mit einer Partitur zu erleichtern, die immer das Problem der Lautstärke aufwirft.
Er bekam eine abwechslungsreiche Farbpalette, die die Veränderungen der Emotionen in der Partitur und in jedem Moment des Charakters beherrschte. Wie der Eingang von Cio-Cio-San, so zart und transparent, wie es sich für eine unschuldige Frau gehört 15 Jahre alt. Die Orchestrierung des zweiten Aktes ist für den Sänger aufgrund seines Dramas und der Forderung nach einer sehr soliden Technik, um über dem Orchester zu singen, schwierig. Aber Armiliato bekommt das Gleichgewicht. Immer auf die Sänger achten und eine Partitur, die die Reiseroute mit allen möglichen Details kennzeichnet. Musik mit herzzerreißendem dramatischem Potenzial, woraus der italienische Meister am meisten extrahiert.

Ein gutes Saisonende und eine Gelegenheit, durch die Sendung des Tages näher an die Oper heranzukommen 30. Wer macht das zum ersten Mal?, Mit diesem Schmetterling werden Sie für immer fasziniert sein.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

Madama Butterfly
Giacomo Puccini (1858-1924)
Giapponese Tragödie in drei Akten
Libreto de Giuseppe Giacosa und Luigi Illica, basierend auf dem Stück Madame Butterfly, von David Belasco,
inspiriert von der Geschichte von John Luther Long
D. Musical: Marco Armiliato
D. Szene: Mario Gas
Szenografie: Ezio Frigerio
Kostümbildnerin: Franca Squarciapino
Illuminator: Vinivio Cheli
D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Hermonela Jaho / Hui He, Jorge de León / Vincenzo Costanzo, Enkelejda Shkosa / Gemma Coma-Alabert, Engel Ódena / Vladimir Stoyanov, Francisco cisco~~POS=HEADCOMP Vas, Tomeu Bibiloni, Scott Wilde, Igor Tsenkman, Elier Muñoz,
Jose Julio Gonzalez, Marifé Nogales, Rebeca Salcines, Maria Fidalgo, Miriam Montero.

Yachthafen

Yachthafen Es ist eines dieser spanischen Nachschlagewerke, die alle Fans in ihrem Gedächtnis registriert haben. Wer kennt sie nicht manchmal summt seine conocidísima „Ein Getränk, zu trinken ". Es wurde auch schon immer eine der geplanten. Das letzte Mal vor vier Jahren in diesem selben Theater. Obwohl zuvor Zwanzig Jahre waren vergangen,, da Alfredo Kraus spielte Jorge.

der Lehrer Emilio Arrieta, verwandelte die Zarzuela Marina in eine Oper, damit sie in der Uraufführung uraufgeführt werden konnte Teatro Real. Ereignis, das in aufgetreten ist 1871.

Diese Oper in drei Akten, Regie Ramón Tebar und mit Regie von Ignacio García, hat eine junge und fast unbekannte Besetzung gehabt. Die Hauptrolle von Marina hat der Ukrainer gespielt, mit rumänischem Pass, Olena Sloia. Diese junge Sopranistin ließ sich jahrelang in Madrid nieder, hat eine merkwürdige Geschichte. Er sang an verschiedenen Orten und Straßen von Madrid, bis eines Tages, in der Nähe des Opernplatzes, wurde vom Lehrer entdeckt Miguel Ángel Gómez Martínez, am Eröffnungstag im Zimmer anwesend. Von dort, und mit der unschätzbaren Empfehlung des Lehrers, Was wir hoffen, ist eine brillante Karriere in der Welt der Lyrik hat begonnen. Qualitäten fehlen nicht. Es hat ein angenehmes und kräftiges hohes Register, mit dem das überschüssige Volumen des Orchesters nicht konnte. Er gewann im dritten Akt an Ausdruckskraft und Unterstützung und bekam verdiente Ovationen.

Jorges Charakter wurde vom Tenor gespielt Alejandro del Cerro. Etwas Unstetiges oder Nervöses begann, was ihn nicht davon abhielt, seine komplizierten Arien mutig anzugehen. Im dritten Akt kam er und bot Momente großer Lyrik an.

Damián del Castillo, als Roque, es war auch von weniger zu mehr. Etwas Vergangenheit von Betrug und Rauheit in einigen Momenten.

Szenografie, Nachschub der Marine von vor vier Jahren, Dieses Mal ist es dank der Beleuchtung von nachtaktiver und eindrucksvoller Paco Ariza. Das Meer und die Seeleute sind während der gesamten Arbeit sehr präsent. Auch ein Teil des Stegs, das nahm die halbe Bühne ein und beschränkte die Bewegungen auf den Chor.

das Orchester, energisch geleitet von Zarzuela-Debütant Ramón Tebar, zeitweise erreichte sie eine Lautstärke, die die Sänger in Schwierigkeiten brachte. Im zweiten Teil viel enger, hob seine Dynamik hervor.

Ein gutes Saisonende für ein Teatro de la Zarzuela, in dem die tiefe Arbeit des neuen Teams allmählich spürbar wird, und das projiziert bereits die Illusion der unmittelbaren Zukunft.

Jessica Pratt

Sie sagen, es ist der natürliche Nachfolger von Joan Sutherland. Nicht im Badezimmer, Australische Sopranistin gilt als einer der besten internationalen Künstler auf seinem Seil. Jetzt kommt nach Spanien, Palau les Arts Reian Sofia von Valencia, die Debüts, und er tut dies mit Papier Amenaide, Oper Tancredi Rossini. Eine gute Gelegenheit, um Singvögel Fähigkeiten dieser großen Darsteller zu hören.

Klassische Verve: Wenn ich mich nicht irre, Sie Tenor und Tochter, irgendwie, Er hat Verbindungen mit Lyrik hat immer. Welche Zeit war er sich bewusst Singen als eine Karriere zu verfolgen und zu Beginn dieses geplant?

Jessica Pratt: Mein Vater lehrte uns alle über die Musik und meine Mutter alles über die bildende Kunst; Ich denke, dass es natürlich ist für Eltern auf die Kinder all ihr Wissen und ihre Leidenschaft für die Dinge zu vermitteln, die sie lieben. In meinem Fall sowohl meine Schwester, mein Bruder und ich haben von einer Kindheit gefüllt mit Musik und Kunst profitieren. Ich beschloss, meinen Weg als Sänger zu versuchen, wenn er zwanzig und einige Jahre und ich beschloß, nach Italien zu ziehen, um mein Gesangsstudium zu erweitern. In Australien arbeitete ich als Clown, als Sekretär, als Angestellter und sogar McDonalds für Gesangsunterricht zu bezahlen, reisen und alle, die eine Karriere als Opernsänger bedeutete Start; später in Europa gewann ich ein Stipendium, das mir erlaubt, nur auf das Studium zu konzentrieren. Ich nahm all die Möglichkeiten, die mir in den Weg gelegt wurden, Ersetzen Kollegen, die mehrmals abgesagt; dann sagte er, dass dies meine große Chance war. Ich denke, dass wir in einer Welt leben, in der wir alles passieren sehr schnell und wirklich in meinem Fall erwarte ich denke, es dauerte eine lange Zeit, um meine Karriere zu stabilisieren; nämlich, es war ein Wendepunkt, der alles verändert, Sie waren nur ein Cluster von kleinen Dingen, Chancen, dass schließlich, Konstanz und Ausdauer gebaut meine Karriere.

B-C: Kein Zweifel, die Belcanto in denen fühlt sich seine Stimme bequemere. Ist das gleiche Gefühl aus der Sicht dramatisch und interpretativen?

J. P: Zum Glück liebe ich die Belcanto; Ich finde es sehr dankbar, sowohl aus der Sicht eines Zuschauers als Dolmetscher. Also eigentlich ich sage, dass ich zu Hause in diesem Repertoire fühle aus jedem Blickwinkel. Ich verbrachte viel Zeit Liebesromane lesen, die in der Tudor-Zeit entwickelt wurden, eine Ära, die ich liebe, und ich genieße wirklich diese Zeit durch die Belcanto-Opern zu erkunden Ich spiele.

b.c: In einem Fall hat er nicht zu einem Job oder ein Projekt zu sagen hat?, Warum?

oft, in der Regel, weil ich bin nicht frei auf den Terminen vorgeschlagen, wenn ich an anderer Stelle und manchmal bin zu arbeiten, weil die Rolle für meine Stimme nicht geeignet ist. Es gibt junge Sänger, die eine gewisse Eile haben und manchmal Rollen annehmen unangemessene. deshalb, Es ist sehr wichtig zu wissen, was Ihre Grenzen sind und wissen, wie Sie für Ihre Zukunft zu kämpfen, nein zu sagen, wenn Sie wissen, dass nicht für Sie, was Sie vorschlagen, ist. Am Anfang meiner Karriere hatte ich mit wichtigen Menschen in diesem Geschäft aus diesem Grunde zu beschäftigen und war kompliziert und schwierig, nein zu sagen, wenn ich kein Geld hatte,. Die denkwürdigsten Geschichte war während eines Kampfes mit einem Mittel mich gefragt, wer oder was gab mir die Freiheit, einen sehr wichtigen Auftrag abzulehnen, die ich anbieten. Wenn machte ich mein Debüt in Covent Garden mit der Königin der Nacht, am Anfang meiner Karriere, Ich hatte so viele Angebote nur für diesen Charakter, der mich für eine Weile beschränkt debütiert andere Rollen, so habe ich beschlossen, das Repertoire zu entfernen. Er war sehr jung, die Zeit wollte nicht pigeonhole, jedoch kehrte ich die Rolle im letzten Jahr an der Metropolitan Opera spielen. Jetzt habe ich das Gefühl, dass meine Karriere aufgebaut ich kommen gerne wieder hin und wieder zu singen, obwohl ich lieber die Heldinnen des Belcanto.

b.c: In einer bevorzugten Darstellung, Was der Regisseur werden alle Richtlinien für die Interpretation oder einen gewissen Spielraum auf der Bühne?

J. P: Ich glaube nicht, dass jemand mag wie eine Puppe verwendet werden, die auf der Bühne herum bewegen. Wir interpretieren die Oper gemeinsam die Komponisten und Librettisten in Zusammenarbeit mit dem Management-Team von der Theaterszene gewählt schrieb. Es ist fantastisch, wenn der Regisseur eine klare und konsistente Ahnung hat, wie die Geschichte zu erzählen, aber auf jeden Fall hat es eine Teamarbeit und die Zusammenarbeit zwischen allen sein.

b.c: Was es einen fast Fetischcharakter für Sie Lucia spielt?

J. P: Lucia war der erste Charakter, den ich gespielt und sicherlich die mehrmals ich gesungen habe. Wenn ich singe Ich fühle mich wie nach Hause kommen. Lucia ist fantastisch sowohl dramatisch und musikalisch; viele Anforderungen auf allen Ebenen; Es kann in so viele verschiedene Arten interpretiert werden, dass jedes Mal, wenn ich neue Details begegnen singen, Nuancen ich nicht gesehen hatte, bevor; all dies ist eine Rolle, die mich mit Zufriedenheit erfüllt. Einmal hatte ich an der Mailänder Scala zu singen und gleichzeitig in Amsterdam; Produktionen waren so ganz anders aus der Sicht landschaftlich als Vokal kam eine Zeit, als er dachte, er singt zwei verschiedene Opern, aber die Wahrheit ist, dass ich mochte beide. Wagemaker in Amsterdam Monique hatte eine fabelhafte Version, in der Lucia hatte einen schrecklichen Alptraum erstellt; die ganze Aktion fand in seinem Zimmer voller Puppen gebrochen, die zum Leben erwecken, alles war dunkel und in seinem Selbstmord gipfelte, während in Mailand Maria Zimmermann hatte er eine viel traditionellere Lucia erstellt; der Charakter lebte in einem großen Herrenhaus abgeschnitten, wie auch immer die Hälfte und erlitt einen Nervenzusammenbruch; nachdem ein Beruhigungsmittel nur von der Bühne nach der Wahnsinnsszene injiziert zu haben. Beide Produktionen wurden aber die fantastische und aufregende Zeit gegen, jeder konzentrierte sich auf seine Rede.

b.c: Wie sehen Sie die Entwicklung seiner Stimme mit Blick sehen neue Repertoires Adressierung?

J. P: Es stimmt, die Stimme Veränderungen im Laufe der Jahre, reifen und kann mit einem schwereren Repertoire bewältigen. Im Moment möchte ich nicht ändern; Ich habe debütierte über 35 Rollen, mit denen ich fühle mich immer noch sehr komfortabel. In diesem Jahr endlich ein paar neue komische Oper Charakter hinzufügen und Ich mag Spaß für einen weiteren Rekord auf der Bühne haben; Ich mag sogar etwas Zarzuela eines Tages singen. Le Comte Debüt nur Oryy Don Pasquale in Bilbao und Barcelona debütieren in diesem Jahr. Bald werde ich erste Zerbinetta und ein paar mehr dramatischen Rollen singen donizettianos ich wirklich singen wollen.

b.c: Wie das Leben der Opernsänger harmoniert mit persönlichem Leben? Was würden Sie gerne, wenn ihre Arbeitserlaubnis tun?

J. P: In diesem Jahr bin ich weg von zu Hause seit dem letzten Februar-August, Springen von einer Produktion zur anderen. Ich fühle mich sehr glücklich, einen Partner zu haben, der sein eigenes Geschäft und ist glücklich mit, die häufig zu reisen. Wenn ich Zeit zu gehen nach Hause nimmt die Gelegenheit, Zeit mit unseren Hunden und Katzen zu verbringen, paseándolos, Lesen, Verbesserung der Dinge rund um das Haus und mein Partner verrückt, weil ich Dinge halb fertig verlassen, weil ich seit Monaten reisen.

b.c: Warum denken Sie es für junge Menschen interessieren sich für Oper so schwierig ist,?

J. P: Ich denke, es ist nicht schwierig,; Ich denke, dass junge Menschen einfach nicht Möglichkeiten bieten Oper genießen. Jedes Mal, wenn Sie mit einem Freund oder jungen Freund in die Oper gehen schließlich leidenschaftlich werden über Geschlecht. Kinder, und Jugendliche sind in der Regel Menschen mit einem sehr offenen Geist, mehr, als wir, und sie lieben erwachsene Dinge zu tun. Sie müssen nur lassen sie zugänglich. Ich habe in vielen Orten zu sehen, die Jugendangebote fördern, als zwei Karten für eine bestimmte Altersgruppen, etc ... und das Theater gefüllt. Was auch immer immer ausnutzen! Der Grund, warum wir ältere Menschen in den Kinos zu sehen ist, denn wenn man in die Oper gehen, dies packt Sie und Sie können gehen in Ihrem Leben nicht aufhören, und das ist etwas sehr positiv.

b.c: Wann können wir sehen, wie sie in Madrid durchführen?

J. P: In diesem Sommer werde ich für die Produktion von I in Madrid werden probe Puritani das Teatro Real das Savonlinna Festival in Finnland nehmen und ich hoffe, bald am Teatro Real mein Debüt ankündigen!

Carmela REMIO

da in 1996 wurde von angerufen Claudio Abbado zum ersten Mal die Rolle von Donna Anna zu spielen, in der Oper Don Giovanni, von Mozart, Carmela Remigio (Pescara 1973) Er hat in mehr gespielt als 350 Gelegenheiten, immer eine Referenz für diesen Charakter. von 19 Juni debütiert bei Liceu Barcelona über Donna Anna junto a Marcusz Kwiecien. Vor der Premiere erzählt er uns von seiner Karriere und seinen Sorgen um diesen Don Giovanni.

Klassische Verve: Nach mehr als 350 mal eine rolle, ebenso wie Donna Anna in Don Giovanni, Wie erhalten Sie die Frische des Charakters und vermeiden, in die Routine zu fallen?

Carmela Remigio: ich muss zugeben, Das ist eine Rolle, die mich immer wieder in Erstaunen versetzt. Jedes Mal, wenn ich es spiele, Ich finde neue Details, weil Donna Anna eine sehr reiche Rolle ist, sowohl aus musikalischer als auch aus theatralischer Sicht. Jede Note soll den psychologischen Charakter des Charakters betonen. und, Glücklicherweise, Ich hatte die Gelegenheit, von großartigen Lehrern zu lernen. Wir können auch nicht vergessen, dass Sie jeden Abend mit verschiedenen Kollegen auf die Bühne gehen, die Don Giovanni spielen, Don Ottavio, Donna Elvira ..., und Beziehungen und Energien sind unterschiedlich. und, Kurs, es gibt auch die verschiedenen Lesarten der Arbeit aus szenischer Sicht. Das alles macht, egal wie viel du diese Rolle spielst, Fallen Sie niemals in die Routine, weil es praktisch unmöglich ist, immer die gleiche Donna Anna zu machen.

b.c. Wie baut man so einen Charakter?? Wie geht es Donna Anna de Carmela Remigio??

C.R.. Ich versuche, der Partitur so treu wie möglich zu sein, sowohl zu Text als auch zu Musik. Deshalb lege ich großen Wert darauf, jeden Akzent und jedes Wort so zu interpretieren, dass er dem Charakter treu bleibt. für mich, Donna Anna ist eine junge Frau, das unterdrückt ihre Sinnlichkeit und ihre Leidenschaft für einen Mann, der sie genauso fasziniert wie Don Giovanni, Eine Leidenschaft, die sie innerlich verbrennt und von der sie in ihrem ganzen Leben nicht heilen wird. Sie will sich rächen, weil Don Giovanni sie mit anderen Frauen betrogen hat und sie nicht weiß, wie sie den Schmerz überleben kann, einen Vater verloren zu haben und diesen Mann entdeckt zu haben, für den sie eine übermäßige Leidenschaft hat, es ist nicht nur deins, Er ist aber auch der Mann anderer Frauen. Schreie Rache, weil er Don Giovanni nicht haben kann, die Liebe seines Lebens. Donna Anna ist aus psychologischer Sicht eine sehr komplexe Figur. Mozartianerinnen, meiner Meinung nach, Sie sind eines der besten Geschenke, die Mozart uns Sopranistinnen gemacht hat, weil sie voller wunderbarer Arien sind, die den emotionalen Zustand perfekt beschreiben, moralisch und sozial aller Charaktere. Ich denke, Elvira ist eher barock, ein Charakter, der mehr mit der Vergangenheit verbunden ist; dafür, Donna Anna repräsentiert die Zukunft: "Non mi dir" kann die erste Arie des Belcanto mit einem Rezitativ sein, eine Cantabile, die einer „Casta Diva“ oder „Al dolce guidami“ von Anna Bolena nahe kommt… es ist eine letzte Cabaletta mit stratosphärischer Beweglichkeit… Mozart, wirklich, Er hat uns eine außergewöhnliche Musik hinterlassen, um all diese Frauen zu entdecken, die so unterschiedlich sind ... hundert Jahre später wird Verdi dies mit Musik und Parola tun…

V.Chr.:Was muss ein neuer Charakter haben, um Teil Ihres Repertoires zu werden??

C.R.. Gut, vor allem, es muss aus vokaler Sicht für mich richtig sein. zweite, Die Stimme muss mit dem Temperament des Charakters umgehen können und dann entwickelt sich alles andere mit der Arbeit, Theatertechnik und interpretative Ideen. Aber wie ich schon sagte, Für die Wahl einer neuen Rolle ist es entscheidend, dass sie stimmlich angemessen ist.

Wie erinnern Sie sich an Ihre Erfahrungen mit Claudio Abbado?? Was hat dir der Italienischlehrer beigebracht??

C.R.. Es war sehr wichtig für mich, weil es zu Beginn meiner Karriere passiert ist. Von einem großartigen Lehrer wie Claudio Abbado, Ich habe gelernt, was musikalische Strenge ist, nämlich, die Musik rigoros zu lesen. Er hat mir beigebracht, dass Mozart eine klare Sprache sein muss, transparent, energisch, und dass Mozarts Musiksprache gleichbedeutend mit Strenge ist… Neben Mozart, Ich habe auch Verdi mit ihm gesungen und ich kann gestehen, dass sein Verdi ebenso streng war. Wenn Sie großartige Regisseure wie ihn sehen, Das lernt man wirklich vor allem und in erster Linie ist es, sich in den Dienst der Musik zu stellen.
Was können Sie uns über die Hightech-Produktion mit unmöglichen Plattformen und Treppen erzählen, die Kasper Holten präsentiert??

C.R.. Meiner Meinung nach, Es ist ein sehr interessanter Vorschlag, weil es aus theatralischer Sicht sehr gut gearbeitet ist; Es gibt eine große Dynamik und eine klare psychologische Differenzierung der Charaktere, ohne in schlechten Geschmack zu geraten und ohne den Text zu kreuzen. und zwar, Wenn Sie das Drehbuch lesen, erkennen Sie, dass alles, was er tut, Sinn macht. Es ist eine sehr gute Lektüre. Und die Inszenierung mit dem Haus, das sich dreht, irgendwie, Es symbolisiert ein bisschen die Verstrickung von Gefühlen, die in den Charakteren existiert.

b.c. Oper ist eine multidisziplinäre Kunst, Es reicht nicht aus, ein gutes Instrument zu haben. Wie bereitest du dich auf eine Karriere vor, die es erfordert, so viele Disziplinen zu beherrschen??

C.R.. heute, Der Sänger muss nicht nur singen können, aber ich werde rezitieren und dass Ihre Interpretation glaubwürdig ist; Die schauspielerische Interpretation ist heute genauso wichtig wie die Stimme. Ich habe nicht studiert, um Schauspielerin zu werden, Aber in all den Jahren habe ich viele meiner Berufskollegen beobachtet und versucht, durch das Betrachten von Theaterschauspielern zu lernen, Ich gehe oft ins Theater und versuche, aus all den Theatershows zu lernen, Ich gehe auch viel ins Kino ... Außerdem, Ich lerne auch von Regisseuren, Ich bitte sie immer um Rat und rede viel mit ihnen. Die Tatsache, die Gelegenheit gehabt zu haben, mit großartigen Regisseuren wie Peter Brook zusammenzuarbeiten, David McVicar, Graham Vick, Pier Luigi Pizzi, Robert Wilson, Mario Martone oder Damiano Michieletto, unter anderem, hat mir erlaubt, als Performer zu wachsen und zu reifen. für mich, sich unterhalten, Eine positive Diskussion und ein positiver Dialog mit dem Regisseur sind eine gute Schule, um als Performer zu lernen und zu wachsen.

b.c. Sie sind eine sehr ausdrucksstarke und mächtige Frau auf der Bühne, Was bedeutet es für dich zu singen??

C.R.. Es ist meine Art, mich emotional auszudrücken, als ein menschliches Wesen. Ich zeige diesen emotionalen Teil gerne zusätzlich zum künstlerischen.

b.c. Er begann in der Musik durch die Geige, Das Lied kam fast zufällig. Als er sich entschied, eine Opernkarriere zu entwickeln, Was erwarten Sie und was finden Sie??

C.R.. Die Wahrheit ist, dass ich mir nie ein Leben und eine Karriere als Sänger vorgestellt hatte, aber als instrumentalist, weil ich musik studiert habe ... und wenn ich ehrlich bin, Ich komme aus dem lyrischen Theater, anfänglich, Ich habe es als Spiel genommen ... Ich habe es nicht ernst genommen, aber später wurde mir klar, dass ich durch das Singen die Musik besser erklären konnte ... Eigentlich, Wir können sagen, das mehr als eine Wahl von mir, Es war das Schicksal, das mich erwählte.

B.B.. Warum denken Sie, im allgemeinen, so wenige Barockwerke sind programmiert?

C.R.. Nun, ich habe keine Ahnung ... sagen wir mal, Was ist ein barockes Geheimnis. Ich liebe den Barock. Ich weiß nicht, warum nicht mehr geplant ist, aber wenn wir einen barocken Titel machen, ist der Raum immer gefüllt. Es gibt ein Publikum, das den Barock liebt und sich darüber beschwert, dass es in den Opernhäusern kaum Barock gibt. Ich habe Alceste de Gluck in Venedig gesungen und ich erinnere mich, dass wir jeden Abend das Schild „Keine Tickets“ aufgehängt haben.

b.c. Wir vermissen es wieder in Madrid zu hören, Haben Sie bald Arbeiten geplant??

C.R.. Sobald Don Giovanni in Barcelona fertig war, Ich fahre nach Madrid, um die Contessa de Le nozze di Figaro beim Sommerfestival San Lorenzo de El Escorial zu machen, Tag 20 und 22 Juli, und ich werde auch an Tagen im San Sebastián Musical Fortnight sein 13 und 15 August ... und Dezember, Ich werde zurückkehren, um Verdis Requiem mit dem Teneriffa Symphony Orchestra unter der Leitung von Michele Mariotti zu singen ... Ich werde auch zum Campoamor Theater in Oviedo zurückkehren, um Mozart zu singen ...

 

Interview: Paloma Samz

Juan Diego Florez

letzte 13 Der Juni dieser Saison beendete den Zyklus Real Voices. Und er tat es in der Art, mit einem Tenorabend Juan Diego Florez. lavishes nicht übermäßig peruanischen Tenor, noch weniger tut es in Opernaufführungen, und seine letzten Auftritte bei Real hatte keine Spuren hinterlassen zu tief.

Flórez hat einige stimmlichen Eigenschaften, die können süchtig machen, Zumindest für die große Mehrheit der Fans, die das Theater füllten. Und diesmal ja, Man kann sagen, dass Juan Diego Flórez, Er ist wieder da…

Bei dieser Gelegenheit war das Repertoire mit Schwierigkeiten und Komponisten übersät, die bisher nicht angesprochen worden waren.. Es hat die Frische und Natürlichkeit seiner Anfänge verloren, Im Gegenzug, seine Stimme ist dicker, Er dominiert weiterhin die Beweglichkeit wie kein anderer und es ist sehr schwierig, mit seinen Höhen zu konkurrieren. jedoch, zunehmend, sollte die Mitte versetzen. Er hat seine Atemtechnik fast bis zum Äußersten perfektioniert, wie es sich für den natürlichen Erben der klassischen Schule der Garcia gehört. Das Ergebnis ist eine nahtlose Kantenlinie, eine gut definierte gebunden und diese schöne und sonnige Türklingel, die die Marke des Hauses ist.

Flórez ist kein Mozart-Tenor, aber diesmal hat er überrascht, zwei Arien voller Schwierigkeiten zu interpretieren, "Ich baue ganz auf deine Stärke”, von Die Entfübrung aus dem Serail (Die Entrückung des Serail) und "Ich gehe zum extremen Schicksal", von Mitriadate, König von Pontus. In beiden zeigte er seine außergewöhnliche Fähigkeit zur Beweglichkeit. Schade, dass sein Verhältnis zur deutschen Sprache die Brillanz seiner Phrasierung beeinträchtigte.

Dieser erste Teil endete mit „Was für ein Hören? Ach ... Ah, warum hast du mich nicht gehört? ", von Otello, eine elegante und temperamentvolle Arie mit zahlreichen Höhen.

Nach der Pause, Fortsetzung mit drei Arbeiten von Leoncavallo, einschließlich der schönen Morgen. Fortsetzung mit Puccini und "Du liegst falsch ... Florenz ist wie ein blühender Baum", von Gianni Schicchi, wo eine exquisite Phrasierung eine großartige Dramatisierung dieses selbst lobenden Charakters vervollständigte.

Die andere Überraschung kam mit dem ebenfalls puccunischen La Bohéme, davon interpretierte er „Wie kalt deine kleine Hand“, mit transparenter und leichter Emission, ohne offensichtliche Anstrengung und mit einer Eleganz, die er bis zur letzten Brust beibehielt.

schließlich, Verdi, zwei Arien von I lombardi und La traviata. Vom ersten "Mein Glück ... Wie könnte ein Engel", sehr zart und voller Nuancen. De La traviata "Longe von ihr ... Von meinen heißen Geistern ... O meine Reue", von dem, der das Finale wiederholt hat, wenn er mit dem ersten nicht zufrieden ist.

Nach dem Konzert kamen die zahlreichen Zugaben. Erschien mit der Gitarre, etwas, das zur Tradition geworden ist und das die Öffentlichkeit feiert, für wen er ist. "Mit dir Peru", "Ich frage nur Gott" und "Cucurrucucú Paloma" wurden ausgewählt, nochmals.

Am Ende hatte er seine wesentliche Brust zu tun Tochter des Regiments von Donizetti und ein Granada, von Agustín Lara, das gab den letzten Schliff und die Öffentlichkeit auf die Beine.

Der goldene Hahn am Teatro Real in Madrid

Oft Kinder Geschichten dienen so offen Situationen oder unappetitliche Zeichen zu präsentieren, die sie verwendet, um eine Reflexion oder kritische moralisierende Zwecke zur Verfügung zu stellen.

Dies ist der Fall der Geschichte Der goldene Hahn, geschrieben von aleksandr Puschkin, durch die Erzählungen von der Alhambra Washington Irving inspiriert, y que von Textdichter Vladimir Balsky Er angepasst Nikolai Rimsky-Korsakov er komponierte seine fünfzehnten und letzte Oper.

Rimsky anfängliche Zweideutigkeit des zaristischen Regimes, es wurde deutlich, Ablehnung nach der Schlachtung der sogenannten roten Sonne, in 1905, als die Regierung von Zar Nikolaus II befahl der Armee, auf die Bürger zu schießen, darunter Frauen und Kinder, Sie hatten friedlich demonstriert bessere Lebensbedingungen zu fordern. Das Trauma verursacht, das dieses Schlacht, nur nicht stimuliert die späteren Revolutionen in Russland, Es mobilisiert auch viele Intellektuelle, die, como Rimski, Sie wurden für die Expression ihrer Opposition gegen das Regime durch ihre Werke zensiert. Dies war der Grund, warum der goldene Hahn wurde nicht nach dem Tod des Autors freigegeben, bis.

In dieser neuen Produktion Teatro Real, in Koproduktion mit dem Théâtre Royal de la Monnaie in Brüssel und der Opéra National de Lorraine, dessen Regisseur, Laurent Pelly, macht eine brillante Interpretation der Idee des Komponisten in dieser Arbeit, meisterlich das zaristische Regime Kritik in Satire Hinwendung zu verspotten, die Armee und das Volk, Übergang von der Knechtschaft der einen in die andere, mit disziplinierter Fügsamkeit. Erfolgreiche Landschaft ändert nichts über seinen Charakter, das ist fabulador, schließlich, die Arbeit ermöglicht hat eine starke Ladung von Aggression intelligent und zeitlos. Pelly will die Angst vermitteln, dass durch diese historischen Momente laufen und will die Öffentlichkeit, um ihre eigene Übersetzung machen. Figuren, Pelly Design, dazu beitragen, den magischen Hauch Burlesque Geschichte geben.

Die Szenen entfalten auf, was aussieht wie ein Berg von Schutt, das Regime selbst, auf dem grotesken Zar Dodon, immer in den Pyjamas, Es scheint, auf einem großen Bett, als Thron, von denen läuft es zwischen Zielen Träume eines Menschen sehr wenig unerschrockenen. Ihre Unfähigkeit, spiegelt sich lächerlich auf einer Szene ihre Ungeschicklichkeit zeigt singen und tanzen. Neben ihm, seine beiden Söhne, Zarewitsch Zarewitsch Afron und Gidom, zwei simpletons und unbeholfen Zeichen mit einer sehr guten Leistung Bariton und Tenor Iurii Boris Samoilov Rudak, beziehungsweise.

Gouverneur Polkan, ist ein weiterer nutzloser Charakter, bequem im Büro sitzt, was einen guten Konto Bass Alexander Vinogradov.

Der einzige Charakter mit einer gewissen Belastung der Autorität ist Amelfa, die Haushälterin, die das Leben der polnischen Mezzo gibt Agnes Zwierko, die gestärkt das Zeichen mit seiner dunklen Tönen.

Armenisch Sopran Nina Minasyan Er gab das Leben Shamakhi Zarin, Aneignung des zweiten Aktes. Eine schöne Stimme, voller Beweglichkeit und Sinnlichkeit des geheimnisvollen Charakter zu interpretieren.

niedrig Alexey Tikhomirov Es war ein ausgezeichneter Zar Dodon, ungeschickt und lächerlich. Seine kraftvolle Stimme erinnerte uns an die tiefen Stimmen immer knapper.

Außerordentliche Arbeit der Chor, sowohl Sprachelement und in interpretative. Markieren Sie die Gruppe der Edel Bojaren, prächtig interpretiert.

Die junge Sopranistin Sara Blanch war aus der Grube der goldene Hahn. mutig kleine, aber wichtige Rolle gelöst, Leistung und eine bessere Stimme als einige von denen, die auf der Bühne waren.

der Tenor Barry Banks er spielte den kapriziösen Astrologen. Eine interessante Figur dank der Besonderheit seiner Stimme Timbre.

Ivor Bolton, ihre Arbeit nicht Billy Budd vergessen, Es bietet eine großartige Version dieser Partitur mit orientalischen Farbstoffen, der Geschmack der Zeit, voller intimer Momente und hell. Anschluss und bis über das Orchester ist klar, und das Ergebnis ist eine unbestreitbare Solvenz. Er wies auf das Zwischenspiel nach dem zweiten Akt selbst Bolton durchgeführt, das Klavier, und einer der violinists des Orchesters, Komponisten Efrem Zimbalist und Fritz Kreisler, auf der Grundlage der Oper selbst.

Mehr als nettes Feature mit einem interessanten Hintergrund, die Sie macht denken. Obwohl die Pelly selbst sagte in Pressekonferenz: „Ich mag es nicht, eine Arbeit heute reduzieren“, Es ist unmöglich, nicht auf die vorliegende. Beispiele keinen Mangel.

Der goldene Hahn
Nikolai Rimski-Korsakow (1844-1908)
Oper in drei Akten mit Prolog und Epilog
Libreto de Vladimir Belsky, basierend auf dem Gedicht Das Märchen von der goldene Hahn Aleksandr Pushkin
Estrensada im Solodovnikov Theater von Moskau 1909
D. Musical: Ivor Bolton
D. Szene und Kostüm: Laurent Pelly
Szenografie: Barbara de Limburg
Illuminator: Joél Adam
Choreograf: Lionel Hoche
Verantwortlich für den szenischen Ersatz: Benoit Leersnyder
D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Alexey Tikhomirov, Boris Bars, Iruii Samoilov, Alexander Vinogradov, Agnes Zwierko, Barry Banks, Nina Minasyan, Sara Blanch
Chor und Orchester des Teatro Real Halter

Text:Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Video: Teatro Real

Joyce DiDonato

ein Patient Joyce DiDonato Aufzeichnungen, sitzend von der Rückseite der Bühne, wie das Publikum betritt den Raum und nimmt Platz. Es wird immer in Mode in diesem Eintrag bringt gayola, es erfordert etwas Mut zu reißen singen, wenn Sie zuvor erwärmt haben.

Amerikanische Mezzo präsentiert in der Teatro Real Madrid seine neue Show (und Disco) „Im Krieg und Frieden: Harmonie durch Musik ". Ein Projekt voller guter Absichten, in denen DiDonato alle seine Energien gesetzt hat. Suche den Frieden und Harmonie durch Musik und machen es zu einem humanitären Projekt. Das ist die große Herausforderung seiner neuen Show DiDonato.

Das Programm ist in zwei Teile, der Erste, der Krieg gewidmet, in denen Werke interpretiert G. F. Händel (1685-1759), Leonardo Leo (1694-1744), Emilio de Cavalieri (1550-1602), Henry Purcell (1659-1695) und Carlo Gesualdo (1566-1631). Der zweite Teil, kohärenter, Er wurde für den Frieden gewidmet, mit Werken von Purcell, Händel y Arvo Pärt (1935), die Zerschlagung der geleisteten Arbeit da pacem, Domine. Zusammensetzung wurde im Auftrag von Jordi Savall in Erinnerung an die Opfer der Bombenanschläge von Madrid 2004.

 

 

Die Leistung von Il Pomo d'Oro war, einfach, meisterhaft. Es ist definitiv eine der besten Formationen, die heute zu hören ist. Die große Adresse Maxim Emelyanichev, auch der Schlüssel, Sie füllten mit Energie und Musikalität eines Konzert, in dem die musikalische Begleitung über den die Interpretation eines DiDonato war, die große Anziehungskraft auf der Bühne hat, aber gestern bekam nicht so dramatisch Sendelast. Vielleicht sind die übermäßige visuelle Elemente verhindert die Erfassung erfordern Werke.

Dies ist ein visuelles Spektakel, mit Lichteffekten und Video-Projektionen und Choreographie von Tänzerdurchgeführt Manuel Palace, begleitet die Interpretation von DiDonato. Wenn die Elemente, die solche Shows begleiten tragen nichts dazu, einfach, Sie sind nicht notwendig. Das ist, was letzte Nacht in diesem Krieg geschah und Frieden. die einfache, dennoch elegant, Palazzo Choreographie, Er fügte hinzu, nichts zur Show. Auch Video-Projektionen Alexander Yousef, obwohl sie daher nicht schön zu sein aufhörte. Barockmusik braucht keine Zierde oder Zusatzstoffe über ihre eigene Interpretation. Und wenn dies, auch, erfolgt durch Il Pomo d'Oro, nichts nehmen kann fehlen.

Das Konzert endete mit einer dankbaren Rede Joyce DiDonato und zwei hervorragenden Tipps, die Arie Es scheint, dass der guibilo, von Regulus, von Jommelli (1714-1774) und intim Morgen!, von Richard Strauss (1864-1949), eine Nacht, in der er die Wärme der Öffentlichkeit erhielt in Madrid zu Ende.

Bomarzo

Etwa zwei Stunden Fahrt nördlich von Rom, Es ist die charmante kleine mittelalterliche Stadt Viterbo, in der Region Latium. Am Stadtrand von Viterbo, Bomarzo en, wenn levanta und Castello Orsini. Die Zugehörigkeit zu der Orsini, einer der ältesten und berühmten Familien im mittelalterlichen Italien. Vicino Orsini, hijo de Giovanni Corrado Orsini y Clarice Anguillara, gelang es, das Herzogtum Jahre nach dem Tod seines Vaters zu erben. in 1550, nach dem Tod seiner Frau, Giulia Farnesio, Herzog Orsini zog sich zurück, um in Bomarzo zu leben, umgeben von Künstlern und Literaten, und war dem Bau des sogenannten Parco dei Mostri oder Sacro Bosco gewidmet, der Garten von Bomarzo. Ein Raum, in dem die rätselhaften und gequälten Skulpturen, die in der üppigen Vegetation versteckt sind, auffallen. Die Oper Bomarzo zeichnet die Wahnvorstellungen dieses extravaganten Herzogs auf, Buckel zu Deformität und von Unsterblichkeit heimgesucht. Seine Träume zeigen das Leben der Lust und Korruption der Adelsfamilien einer der attraktivsten Zeiten der Geschichte, el 500 italienisch.

Dieser Garten der Monster war die Inspiration von Manuel Mújica Láinez für sein literarisches Werk Bomarzo und das Libretto für die gleichnamige Oper, zu dem Alberto Ginastera Musik machte.

Es ist nicht einfach, in diese Produktion einzutreten, ohne die Schlüssel zu haben, die das Lesen der Arbeit liefert. Das erste, was überrascht, ist das Fehlen eines Barockstils in Láinez 'Buch. Dies schafft eine riesige Kluft, die es nicht erlaubt, sich vollständig mit der Geschichte zu verbinden. Dieser Bomarzo von Pierre Audi erscheint von der ersten Szene an nackt vor der Öffentlichkeit. Ein großes Schwarzes Loch dominiert das gesamte Szenario, in dem die verschiedenen Zeitalter des Herzogs von Orsini zwischen Träumen und Albträumen wandern. Während, Jon Rafmans Videos zeigen Skulpturen aus dem Garten der Monster und eine Annäherung an seine Traumwelt.

Die Szenografie übersetzt perfekt den bedrückenden und klaustrophobischen Charakter, unter dem der Protagonist leidet, Aber die literarischen Ornamente, die am besten mit der Zeit in Verbindung stehen, fehlen.. Das Ergebnis ist eindringlich und Ginasteras Punktzahl, Meister darin, die niedrigsten Instinkte durch Musik zu beschreiben, es verstärkt nur diese Sorge. Wenn es darum ging, diesen Effekt zu erzielen, ist voll erreicht.

David Afkhams musikalische Version war brillant. Millimetergenauigkeit für Percussion, die die Partitur ausfüllt. Wie erfolgreich war die Intervention der Vokalbesetzung, sehr angepasst jeder an seinen Charakter. Schade für eine auf Spanisch gesungene Oper, kaum jemand verstand.

Die Choraufführung, befindet sich in der Grube neben einem der JORCAM-Mitglieder, bot einige der Höhepunkte der Leistung. Besonders die junge Patricia Redondo im Lied des Hirtenjungen. Großartige Regie von Andrés Máspero und Ana González.

Dieser Bomarzo ist eher theatralisch als operativ. Dafür müssen wir nur die gute Leistung von John Daszak hervorheben, der Pier Francesco Orsini spielt. Sein Charakter ruht nicht während der gesamten Arbeit und er hat es geschafft, Orsinis wahre Qual durch seine Dramatisierung und seine herzzerreißende Stimme zu vermitteln. Obwohl ich Brite bin, seine Diktion war besser als die einiger Staatsangehöriger.

Der junge Bariton Germán Olvera war ein perfekter Girolamo, leichtfertig und verächtlich. Er hatte kein Problem damit, völlig nackt auf einer Plattform zu singen. Mut fehlt nicht.

Alto Hilary Summers spielte Diana Orsini. Die Besonderheit ihrer Stimme gab der Rolle der Protagonistin als Großmutter viel Charakter. Eine Stimme, die den Lauf der Zeit bemerkt und die dem Charakter sehr angemessen war.

Die Sopranistin Nicola Beller Carbone, als Julia Farnese, er hat seine rolle sehr gut mit einer mehr als angenehmen stimme erfüllt.

Interessant und kraftvoll war auch die Stimme und Interpretation des Baritons Thomas Oliemans als Silvio de Nardi.

Milijana Nicolic ist die Mezzosopranistin, die Pantasiela das Leben gab, eine der längsten Rollen in dem Stück, die er mit Leichtigkeit verteidigte, sowohl in der Stimme als auch in der Interpretation.

Widersprüchliches Gefühl, dass Bomarzo das verlässt, dennoch, Für die Programmierung eines Royal Theatre ist es wichtig, dass in dieser Saison einige historische Schulden durch die Programmierung bestimmter Werke und Autoren beglichen werden.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Video: Teatro Real

BOMARZO
Musik von Alberto Ginastera (1916-1983)
Oper in zwei Akten, Libreto von Manuel Mújica Lainez, basierend auf seinem gleichnamigen Roman
Uraufführung im Lisner Auditorium in Washington D.. C. die 16 Mai 1967
Neue Produktion von Teatro Real, in Koproduktion mit De Nationale Opera de Amsterdam
D. Musical: David Afkham
D. Szene: Pierre Audi
Bühnenbildner und Illuminator: Urs Schönebaum
Kostümbildnerin: Wojciech Dziedzic
Dramaturgin: Klaus Bert Isch
Video-Maker: Jon Rafman
D. Chor: Andrés Máspero
D. Little Singers Chor: Ana González
Besetzung: John Daszak, Germán Olvera, Damián del Castillo, James Creswell, Hilary Summers,
milijana Nikolic, Nicola Beller Carbone, Thomas Oliemans, Albert Casals, Francis Tójar

Valero-Terribas

„Ein echter Augenöffner“. So der junge Lehrer anerkannt Francisco Valero-Terribas nachdem in einigen der Wettbewerbe und spezialisierten Festivals prestigeträchtigsten internationalen Nikolai Malko-Wettbewerb erfolgreich teilgenommen hat, wie, Lucerne Festival, Cabrillo Contemporary Music Festival y Järvi Suvefestival.

Seine Vielseitigkeit hat ihm erlaubt, ein umfassendes Programm zur Entwicklung von Barock bis zum zwanzigsten Jahrhundert bis hin. dies ist, genau, eine Konstante in der Karriere des jungen Valencia Musiker, ein unruhiger Geist, der ein vielseitiges Repertoire und innovatives geschmiedet. die 21 April führen Lehrer in Madrid, im Monumental-Theater und an dem RTVE Symphony Orchestra, Copland arbeitet, Ponce und Bizet, Mabel Millán Zählen auf der Gitarre. Führen Sie ein Programm mit Strawinsky Sinfonieorchester der Balearen auf Ibiza (28/IV) und Palma (30/IV).

Neben anderen Maßnahmen, in diesem Jahr der Lehrer Valero-Terribas auch Verdis Oper La Traviata und Lyrische Gala mit hervorragenden Studenten des Zentrums von Perfeccionament Plácido Domingo Palau de Les Arts in Valencia gerichtet, sowie mehrere Orchester in Brasilien.

Klassische Verve: Lorin Maazel sagte Ihnen, es war einer der Direktoren des XXI Jahrhunderts. Welche Eigenschaften Sie haben einen Direktor verschiedenen XXI Jahrhundert zu denen anderen Epochen?

Valero-Terriba: Die Wahrheit ist, dass Maazel mich in ihren Bewertungen sehr großzügig war, die von einem Genie wie er kommt, ist doppelt wertvoll.

Tatsächlich ist die Rolle des derzeitigen Direktors ist eine äußerst komplexe Rolle. Derzeit Quellen für Informationen über Musik, die Interpretation, Zusammensetzung und musikologischen Techniken sind sehr groß und erfordern eine große Kapazität für das Studium und Assimilation. Es ist eine intensive und sorgfältige Arbeit, die die Arbeit Corpus Regisseur ausmacht. jedoch, auch viel außerhalb der Partitur zu tun. Orchestras hat hochqualifizierte Arbeitskräfte und soll das Beste aus dem menschlichen Körper erhält. Die Entwicklung von wirksamen Techniken Assay, zwischenmenschliche Beziehung, Motivation, Empathie und die globale Wachstum ist auch wichtig, mit diesen Gruppen zu arbeiten. Auf der anderen Seite, globale Vision und Beratung, Planung, Programmierung und Strukturierung Jahreszeiten, Optimierung der Humanressourcen und technischen, Kontakt mit der Öffentlichkeit und der Entwicklung neues Publikums, Bildungs- und Sozialprogramme, Feedback mit Abonnenten, Veranstalter, Gesellschaft, Medien ... Ich denke, es hat unsere Arbeit viel weiterentwickelt, ohne ihr Wesen zu verlieren ist das Kunstwerk zu verteidigen.

B. C.: Was ist für Sie ein detailgetreuer Nachbau eines Werkes?

V-T: gut, Es ist ein etwas zweideutiger Begriff. Finden Sie den wahren Geist, der Komponist durch die musikalische Botschaft zu vermitteln versucht, ist eine der grundlegenden Konzepte der Interpretation. jedoch, wir versuchen, diese Botschaft an die Mittel zu bringen, mit denen wir kommunizieren. das heißt, in seltenen Fällen haben wir die gleichen Mittel, mit denen der Komponist das Werk konzipiert, aber wir müssen die ursprüngliche Richtung durch die aktuellen Mittel geben. Ein deutliches Beispiel würde Beethoven-Sinfonien. Sie wurden für Instrumente entwickelt, die in der Regel heute nicht verwenden, es sei denn, im Falle einer spezialisierten Gruppe. sondern auch, Veröffentlichungen, die in Zeiten von Beethoven waren viel mehr rudimentär als die Strukturplanung erfolgte in der Partitur spiegelt. Wir haben Nachricht anpassen, Mittel, ästhetische Kriterien, interpretierende, etc, Zwischen den Zeilen (oder besser zwischen den Systemen) was Beethoven wirklich will, vermitteln,.

B. C.: Wie nähern Sie sich allein die Arbeit einer neuen Arbeit zum Zeitpunkt der Veröffentlichung, in der, sicher, selten verwendet Punktzahl?

V-T: Wie ich oben erläutert, ist ein Prozess, in dem alle Quellen untersucht werden müssen, und kontrastiert, so ist es mühsam, aber spannend. Progressiv Sie für alles eine Erklärung finden, wie in der Partitur spiegelt, Ich wollte vom Autor, ästhetisch und strukturell erforderlich. Und so in Ihrem eigenen Geist synthetisierte, fließt ein einziges Kriterium, das so nah an der ursprünglichen Nachricht ist, die vermitteln soll, und Sie haben eine große Entwicklung bei Ihnen geschafft. Direct Memory sollte ein Mittel sein, um die Interpretation zu verbessern und nie Selbstzweck. Es hängt auch von vielen inneren und äußeren Faktoren, die Partitur. Es hat absolut keine Bedeutung.

B. C.: Wenn Sie beginnen mit einem neuen Orchester arbeiten, Wie stellt die Kommunikation, Es ist die, die viel bei den Proben sprechen?

V-T: auf der Bühne, dass alle durch die Geste ausgedrückt werden soll, nicht das Wort. Darüber hinaus ist jedes musikalisches Beispiel interessanter als die Sprache, wenn wir proben. Musikgruppen müssen sehr präzise Arbeit auf verbale und Optimierung von Zeit und Ressourcen. kann darauf hindeuten, aufschlussreiche Details 30 Sekunden oder fünf Minuten über etwas zu sprechen, dass jemand nicht interessieren endet. Jedenfalls, ist es wichtig, gute Kommunikation zu haben und die Aufmerksamkeit auf alle „Nicht-Musical“ Elemente zu zahlen, die während eines Tests auftreten.

B. C.: Was halten Sie für am erfolgreichsten, daß ein Orchester ein fester musikalischer Leiter oder Direktoren sind darauf spezialisiert hat in verschiedenen Repertoires beschäftigt?

V-T: Ich denke, dass die Tugend ist, beiden Figuren wiegen. Stabiler Musikdirektor sollte jemand sein, die gesamte Einheit musikalisch zu führen, aber ohne übermäßige Präsenz vor dem Orchester, nicht mehr als 50%. Im Übrigen, gut strukturierte Arbeit, geführt und spezialisierte Gastdirigenten ist ein außergewöhnliches Wachstum für jedes Orchester.

B. C.: Um ein großes Orchester mit ihren Lehrern zu richten Sie brauchen mehr autoritär oder flexibler zu sein?

V-T: Autoritarismus funktioniert nicht unter keinen Umständen. Um ein Orchester Führungsqualitäten zu führen, aber ohne jede Art von Autoritarismus oder Egoismus sind erforderlich. Nur der gesunde Menschenverstand und Berufung zum Dienst an das Orchester, die Musiker, Musik und die Öffentlichkeit.

B. C.: Gibt es viele Unterschiede ein Kammerkonzert oder Symphonie und eine Oper mit seinem Chor und Sänger zwischen Laufen?

V-T: Im Wesentlichen ist das musikalische Konzept der gleiche. Obwohl es klar ist, erhöhte die proportional wirksame technische Schwierigkeiten und Materialien für die ordnungsgemäße Vorbereitung erhöht. Der genaue Kammermusikdirektor ist äußerst schwierig,. ähnlich, Arbeit in einem Opernhaus ist komplex mit Sängern, Chor, Orchester, Szenografie, Tänzer, usw. Letztendlich ist die Verantwortung eines Managers ist alles einfach aussehen.

B. C.: Eine Oper hat bei zahlreichen Gelegenheiten auf Darstellungen über mehrere Wochen, wie die Spannung und Frische von Darstellern jeden Abend bleibt?

V-T: ausgezeichnete Frage. Wenn wir wirklich eine Leidenschaft für das, was Sie tun, Es wird auf die Gruppe übertragen. Werden Sie Teil der Führung, die einen Regisseur haben muss. Vermeiden Sie Routine ist nützlich Ansätze.

Die Öffentlichkeit verdient, sowohl premiere als letzte Funktion, durch Lehre, besondere, Familie, soziale Projekte, etc. Nicht ist leben bis zu Ihren Erwartungen ein schwerer Fehler. Der Regisseur weiß, was er für das gesamte Unternehmen zu tun hat, zu motivieren,.

In Anbetracht der Bedeutung erlangt Regisseuren, Welche Aspekte als wichtig eine gute Kommunikation und Beziehung aufrecht zu erhalten?

Die Aufgabe des Regisseurs ist extrem kompliziert Szene. Sie brauchen viel Aufmerksamkeit, um ihre Ideen und Konzepte. deshalb, Praktisch denken, eine große Mitschuld zwischen den beiden, Wahrung ihrer Ansätze und Bedürfnisse. von hier aus, kann es zu technischen Veränderungen vocal oder musikalische Leistung besser Grad zu helfen, und die Idee der Bühne Schöpfer zu respektieren. Der gesunde Menschenverstand die meisten Probleme werden gelöst, innerhalb und außerhalb des Theaters.

B. C.: Ihr Repertoire ist sehr breit, reicht vom Barock bis zur zeitgenössischen Musik. Wenn Sie vorschlagen, um ein Programm zu wählen, Welche Kriterien würden Sie für die Wahl verwenden?

V-T: Sie sind zahlreich und vielfältig. Es wird auf dem Orchester abhängen, Stadt, schablone, Öffentlichkeit, an die sie gerichtet ist, Solisten, Installationen, Vergangenheit und Zukunft Programmierung, etc. Sobald diese Faktoren ausgeglichen, der musikalische Inhalt muss auch konsequent sein. Es kann durch sehr verschiedene Mittel sein, aber der Ansatz sollte klar sein,.

B. C.: Er arbeitete mit Lorin Maazel, Haitink, Zinman, Lopez Cobos und Kurt Masur, Was kann man von jedem sticht?

V-T: Ich könnte noch viele Aspekte sagen jeden Lehrer zu markieren, indem Sie mich fragen,… Ich könnte sogar sagen, die Adjektive für alle gemeinsam sein könnten, wie sie in die Richtung bezogen Orchester.
Maazel seine Hellsichtigkeit, Musikalität und erstaunlicher Geist.
Hatink der Demut, Eleganz und Ausstrahlung.
David Zinman seine Einfachheit, Empathie und gesunder Menschenverstand.
Lopez Cobos seine Menschlichkeit, seine methodische Arbeit und die Fähigkeit,.
Masur Lyrismus, seine Leidenschaft und Berufung.

B. C.: Was Sie betont? Was halten Sie Ihre beste Qualität als Regisseur betrachten?

V-T: Ich denke, es ist besser als ich Musiker zu qualifizieren oder die Öffentlichkeit. Bevor director'm Musiker und vor allem Person. Daher persönliches und menschliches Wachstum ist für mich lebenswichtig. Entwicklung als Karriere des Musikers und sogar leidenschaftlich. Der Regisseur ist mir umständlichen. Es ist leer, wenn die letzten beiden nicht wachsen exponentiell. Ich glaube nicht, etwas Besonderes. Außerdem lerne ich jeden Tag so viel, beide Orchester und Musiker, von Partituren, was ich sehe und höre ich hier und da. Ich fühle mich privilegiert, zu lernen und nicht halte mich für Meister irgendjemandem oder irgendetwas. Ich bin begeistert von Musik und genieße Regie, hören, rührend, Neue, Ausmalung.

B. C.: Sie arbeiten an Projekten mit Jugendorchestern und Interpreten, Wie sehen Sie die Zukunft für sie?

V-T: Der Arbeitsmarkt ist ein Problem für eine Reihe von Aktionen Musikern, die für ihre Bestrebungen einen Auslass und eine Kontinuität. jedoch, Wir haben eine Generation von jungen Menschen ist die beste in der Geschichte unseres Landes gebildet, raffiniert im Ausland und erfahrene Jugendorchester in vielen Bereichen. Aber es ist auch, Sie haben außergewöhnliches Talent. Ist eine moralische und menschliche Verpflichtung, die berufliche und persönliche Entwicklung all dieser Generationen zu ermöglichen, nicht untergraben wird von unserer Gesellschaft Grenzen auferlegt. Meine Arbeit mit jungen Bands und jungen Musikern ist sehr lohnend. Manchmal ist eine kleine Veränderung der Mentalität macht junge Menschen aus mit beneidenswertem technischen Niveau und Vorbereitung.
Interview: Paloma Sanz

Rodelinda

Rodelinda, eine der schönsten Opern von Händel kam zuerst zu Real in dem, was ist jetzt die Zeit der großen Freisetzungen.

das London 1725 Es ist die kosmopolitischste Stadt in Europa. Mit mehr als einer Million Einwohnern und außerhalb der Konflikte, die auf dem Kontinent auftreten, genießt eine bemerkenswerte künstlerische Tätigkeit. Händel, der größte Vertreter der italienischen Oper in London, arbeitet nicht nur als Komponist, sondern auch als Unternehmer, in diesen Momenten der Royal Academy of Music gerichtet, Unternehmen Opern Aktivitäten gewidmet. Jahre 1724 und 25 Sie waren die kreativsten Aktivität des Komponisten. Während dieser zwei Jahre und bei voller Geschwindigkeit, Er komponierte drei Hauptwerke, Julius Caesar, Tamerlanos y Rodelinda. Er hatte mit der Virtuosität der besten Sänger der Zeit zu tun.

Der Hauptcharakter von Rodelinda, Bertarino, Sie wurde von den berühmtesten Kastraten des Gefechts gespielt, Senesino. Rodelinda beauftragt, die große Diva Francesca Cuzzioni, nicht sehr anmutig und schreckliche Schauspielerin, aber mit einer Stimme und Magnetismus auf der Bühne hypnotisiert, dass die Öffentlichkeit. Francesco Borosino wurde auch der wichtigste Tenor des Augenblicks betrachtet, Er war verantwortlich für das Leben zu schenken Grimoald. Es war nicht ungewöhnlich Tenöre in den Zusammensetzungen der Zeit zu finden,, und weniger auf Papierkram so umfangreich,, aber Borosino hatte mit Tamerlano und Händel triumphierte für ihn komponiert eine wichtige Rolle.

Obwohl er ein Meisterwerk sein, Rodelinda hatte einen bescheidenen Erfolg bei der Premiere und nur ein paar Mal erholt. Die Schwierigkeit der Tenöre von Bedeutung zu finden, kann zu dieser Zeit für seine wenige Aufführungen einer der Gründe sein,. heute, Barock scheint, dass wider Teil des Standardrepertoires. Dies kann auf die lange Dauer dieser Arbeiten fällig, da im siebzehnten und achtzehnten Jahrhundert Musik war eine Ergänzung zu dem öffentlichen Freizeitaktivitäten in den Theatern entwickelt, und „Angst“ von einigen Szene Arien Manager und Rezitative diese dacappo, dass put in Schwierigkeiten das Tempo der Bau. Tatsache ist, dass Rodelinda überlebt hat bis heute eine große Unbekannte bleibt.

Um dieses Fehlen abzuhelfen hat eine neue Produktion von Teatro Real vorgestellt, in Koproduktion mit dem Oper Frankfurt, das Gran Teatre del Liceu in Barcelona und der Opéra de Lyon. Unter der Regie von Claus Guth, dass nach ihrem architektonischen Stil, die bereits gab er ein gutes Konto seiner außergewöhnlichen Parsifal, Er hat neu erstellt, von dem Bühnenbildner Christian Schmidt, ein Palast wird von der Zeit inspiriert, in dem Handel in London lebte.

Um das komplexe Netz von Rodelinda zu entwirren, durch die Öffnung und der in der Einleitung, Guth verwendet eine kleine Familienforschung und eine stille Zeitlupenszene gibt uns genug Hintergrund. Das große Dreh Haus, unterteilt in Räume, die zu verschiedenen Stufen führen, Es ist das beste Szenario der Familie Intrigen zu vertreten.

Guth Ansatz zur Verstärkung kennt alle wichtigen Elemente der Arbeit. Es bietet verschiedene Dimensionen dacappo ary und nutzt parallel Aktion die statischen Repeats zu brechen. Es ist hier, dass sehr wichtig, eine der Hauptfiguren wird, seltsam, nicht singen. Es ist die kleine Flavio, Sohn von Rodelinda und Bertardio, Kolumbianische Schauspieler, der Fabian Augusto Gomez spielt. Es wurde die Bereitstellung der Schlüssel mit seiner großartigen Leistung zu arbeiten. Flavio leben mit allen Familiendrama Intrigen und reflektiert durch seine Zeichnungen, der sie auf der Bühne projizierten. Leben eine parallele Realität, nur er sieht, und dass Qualen.

Ivor Bolton, noch genießen den Erfolg von Billy Budd, Es hat die Größe des Orchesters reduziert und hat Instrumenten aufgenommen, wie in den Händen von Michael Freimuth chitarrón, die Flöte oder Eileiter. Sehr wichtig, die Cembalistin David Bates einzubeziehen, deren Verbindung zu Bolton, auch der Schlüssel, Es war klar und voller Energie. Das Orchester war weniger mehr und erreicht einige brillante Momente. Immer herausragende Sänger, Bolton nimmt eine sehr genaue Ablesung Punktzahl.

Die Protagonisten der barocken Werke haben sehr unterschiedliche Rollen zu denen des neunzehnten Jahrhunderts italienischen Oper. Rodelinda ist eine starke Frau und heroische, das nichts mit dem zarten italienischen Star zu tun. Der männliche Star hier ist der Zähler, viel subtiler als der galante neunzehnten. umgekehrt, der Tenor, Protagonist in der italienischen Oper, im Baroque ist zweitrangig.

Diese zweite Besetzung, sehr spanisch, Er hat die Arbeit vortrefflich verteidigt. Xavier Sabata, als Bertardio, perfekt erfüllt die Rolle. Aber irgendwann hatte es mit dem Volumen des Orchesters konkurrieren, seine Leistung war inspiriert, vor allem in einem emotionalen Mit rauco mormorio.

Die Sopranistin Sabina Puértolas spielte eine mutige und volle Empfindlichkeit Rodelinda. Es hat einen schönen Timbre, umfassende und konsistente Flüssigkeiten und scharfe wuchs damit auf, als sie den Arbeitsplatz voran. Er benutzte elegant Koloratur, für eine große Anlage mit. seine Ombre, pianre, urne funeste und teuer mio bene waren voller Absicht und Zartheit.

Das Grimoald Übel wird von Tenor Juan Sancho interpretiert. Sein Timbre ist poliert und sonnig. Dramatisierung sehr gut in einem verdrehten und oberflächlich zunächst die Schaffung und edelsten Grimoald, als er von den Ereignissen entwaffnete. Es fehlt eine voluminöse Stimme. Er glänzte in den Arien des dritten Aktes.

Lidia Vinyes Curtis überrascht durch seine fabelhafte Bühnenpräsenz. Er rekonstruiert eine frivole und listig wie es sich für den Charakter Eduige. Es hat eine gute Lautstärke und Sprachaufzeichnung ändert sich mit Leichtigkeit. Sehr gut Echt auf neue Stimmen zu wetten, haben eine sehr interessante Projektion Theater.

Die Ununlfo Altus Christopher Ainslie südafrikanische begann unsicher aber wurde abgewickelt ein gutes Niveau zu erreichen, sowohl das Volumen und die Qualität der Interpretation.

Garibaldo wurde von dem spanischen Bariton José Antonio López gespielt. Seine Leistung war überzeugend und die richtige Timbre, aber das Volumen war übermäßige Momente und ungekünstelt.

Kein Zweifel, dieser Rodelinda war erfolgreicher in dieser Saison, Was soll ein Anreiz sein, mehr barocke Werke zu planen (Wir werden die vergangenen Spielzeiten nicht als Alcina). Drei Stunden in diesem Fall habe ein wenig bekannt.
Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

Rodelinda
Oper in drei Akten
Música de Georg Frirdrich Händel
Nicola Haym Libretto Fracesco, Operntext angepasst Rodelinda, regina'Longobards Pierre Corneille.
Uraufführung in der Königs Theater in London, die 13 Februar 1725
Premiere am Königlichen Theater
Direktor Musical: Ivor Bolton
Inspizient: Claus Guth
Bühnen- und Kostümbildner: Christian Schmidt
Illuminator: Joachim Klein
Video-Maker: Andi A Müller
Dramaturgin: Konrad Kuhn
clavecinista: David Bates
Organist: Bernard Robertson
Chitarrón: Michael Freimuth
Besetzung: Xavier Sabata, Sabina Puértolas, Juan Sancho, Curtis-Bekämpfung Vineyards, Christopher Ainslie, José Antonio López, Fabián Gómez Augusto
Leiter des Royal Theatre Orchestra

Franco Fagioli

Trotz lebt in Madrid und eine der Stimmen von Altus heute am meisten beanspruchten, Argentinien Franco Fagioli Er hatte noch nicht sein Debüt in dieser Stadt gemacht. Das mag ein Grund sein, warum es so viele leere Sitze waren. Und es war Fagioli, zumindest bis Mittwoch, unbekannt für die breite Öffentlichkeit. Wer nicht teilnehmen die 22 März bis Fagioli in Erwägung Teatro Real nur eine der Überraschungen der Saison verloren.

Es wurde in Madrid mit einem Programm voller Schwierigkeiten präsentiert, Arien geschrieben für Caffarelli vom italienischen Dichter Metastasio Sie sind außerordentlich kompliziert. Er spielte Werke Domenico Sarro, Nicola Antonio Porpora, Johann Adolph Hasse, Leonardo Leo, Leonardo Vinci, Giovanni Battista Pergolesi, Angelo Jungen, Pasquale Cafaro und Gennaro Manna.

Fagioli Stimme unterscheidet sich von jedem anderen Sänger ihres Seils. Suche Mehr contraalto, dass ein Zähler. Able drei Oktaven zu erreichen, Er gab ein Konzert, das weniger war, um mehr, Virtuosität Erreichen der Apotheose des zweiten Teils, wo er erreichte den sobreagudo. Seine Technik ist genau, rasende Koloratur. Seine Stimme hat eine Elastizität, die Sie von schweren formidable bewegen kann leicht verdreifachen, und erzeugt immer einen schimmernden Ton, dank einem schönen Timbre. Charismatisch auf der Bühne, Es war wohl zu fühlen, als er in das Programm ging und einige Tipps angeboten, die mit geschlossenen ‚Ombra mai fu’, von Händel, die sie verursacht das Delirium der Öffentlichkeit. Es hat ein ernstes Problem mit Diktion, die lösen sollte. Aber seine miese Fraseo nicht jederzeit zwei und eine halbe Stunde Konzert verwöhnt, die von begleitet Dimitry Sinkovsky, vor Il Pomo d'Oro, die waren der perfekte Begleiter für vocal Pyrotechnik Fagioli.

Cecilia Bartoli

Barockliebhaber feiern mit der Programmierung, dass die Teatro Real hat sich auf diesen Frühling vorbereitet. Cecilia Bartoli und Franco Fagioli in seinem Zyklus "Stimmen des Realen", die Premiere von vorzubereiten Rodelinda, die Arbeit von Händel wer kommt zum ersten Mal in dieses Theater.

Cecilia Bartoli kam begleitet von dem immer originellen Sergio Ciomei das Klavier. “Eine Reise durch 400 Jahre der italienischen Musik” ist der Name der Tour, die die italienische Mezzosopranistin heutzutage in Spanien macht. Es ist nicht einfach, eine Auswahl zu treffen 20 arbeitet aus einer so langen Zeit, weit davon entfernt, ein so vielfältiges Repertoire interpretieren zu können. Aber Cecilia Bartoli hat die Kraft der Vielseitigkeit, unter anderem.

Er hat es diesen Sonntag im Teatro Real noch einmal gezeigt, bietet ein Fernkonzert, das als Protagonisten hatte Giulio Caccini (1551-1618), Alessandro Scarlatti (1660-1725), Antonio Caldara (1670-1736), Antonio Vivaldi (1678-1741), Georg Friedrich Händel (1685-1759), Mozart (1756-1791), Gioacchino Rossini (1792-1868),
Vincenzo Bellini (1801-1835), Gaetano Donizetti (1797-1848), Giacomo Puccini (1858-1924), Francesco Paolo Tosti (1846-1916), Stefano Donaudy (1879-1925), ES IST BEI. Mario (1884-1961), Salvatore Gambardella (1871-1913), Ernesto de Curtis (1875-1937) und das sehr Domenico Modugno (1928-1994).

La Bartoli greift dieses abwechslungsreiche Programm auf und verleiht jedem Werk den Charakter und die Persönlichkeit, die ihm entsprechen.. Und er macht es wie immer, meisterhaft und ohne offensichtliche Anstrengung. Tauchen Sie wie kein anderer in dramatische Arien ein und intensivieren Sie mutige, in diesem barocken Repertoire, das er perfekt kennt.

Cecilia Bartolis Qualitäten sind nicht nur stimmlich. Die Einzigartigkeit seiner Interpretationsweise, ihre Fähigkeit, ein Publikum zu übermitteln und mit ihm zu kommunizieren, das sie verehrt und das sie während der zwei Stunden, die das Konzert dauerte, in sprudelnder Spannung hielt, Es sind Fähigkeiten, die der römische Sänger mit der gleichen Geschicklichkeit wie Koloratur oder einige sehr Pianisten beherrscht, die alle verblüfften.

Das Publikum bat ihn, sie in einer kompletten Oper zu sehen. Ich hoffe.

Natalia Zusammen

Mittwoch klang in der National Auditorium Mahlers Fünfte Symphonie. Das Symphony mit der, offenbar, Mahler war nie ganz zufrieden und mehrfach geändert. Vielleicht ist die Version dieser Arbeit angeboten Natalia Ensemble weicht vom Geist des Experimentierens Autor. Und das Ergebnis ist faszinierend.

die 17 Ensemble Musiker Natalia Bildung hatte auf dem Gustav Mahler Jugend vereinbart (GMJO). Nach dieser Erfahrung zusammen und bereits ihre Karriere in einige der prestigeträchtigsten europäischen Orchester gewidmet, entscheiden, wieder zu verbinden Musik zu machen und die Arbeit am Repertoire fortzusetzen sie am meisten Spaß. Es beginnt die erste große Herausforderung, Anpassung Mahlers Fünfte Symphonie ausgeführt werden durch 17 Musiker ohne Dirigenten. Welche erfordert es Konzentration und außergewöhnliche Kameraarbeit.

Und am Mittwoch, 1 März Luis Esnaola (Violine), Oleguer Beltran (Violine), Behrang Rassekhi (Viola), Raul Mirás (Cello) und José Andrés Reyes (Kontrabaß), André Cebrián (Flöte), Miriam Pastor (Oboe), Darío Mariño (Klarinette), María José Rielo (Tunte), Maciej Baranowski (Horn) und Jonathan Müller (Trompete) Natalia (Schlagzeug), Actea Jiménez (Timbales), Sabela Caridad (Schlagzeug), Héctor Marqués (Schlagzeug), Die Bleuenn Friec (Gerste), Irene Alfageme (Klavier) und Esteban Domínguez (Harmonium), Sie nahmen die Bühne des Kammersaals des Nationalen Auditorium und führten Mahlers Fünfte Symphonie. Und es klang es wie, kraftvoll und zart, mit seinem stimmungsvollen Adagietto und seine erstaunlichen Finale.

Bleiben Sie mit diesem Namen, Natalia Zusammen, und wenn sie Gelegenheit haben,, nicht verpassen.

https://es-es.facebook.com/nataliaensemble/

Billy Budd

Didficil zu verstehen, dass eines der wichtigsten Werke des zwanzigsten Jahrhunderts heute nicht vertreten hatte in Madrid. Billy Budd, das bunteste Werk von Benjamin Britten, kam zu Teatro Real aus der Hand eines der renommiertesten Regisseure, Deborah Warner, DAS AUCH präsentierte er eine perfekte Radiographie von den Absichten eines Britten mit Subtilität Umgang eines seiner wiederkehrenden Themen, diese Dualität, die für ihn zwischen Gut und Böse besteht.

Die zweite überarbeitete Version wurde angeboten, bestehend aus zwei Akten sowie einem Prolog und einem Epilog. Diese Version war immer der Favorit des Komponisten. Nach dem Anschauen dieser Produktion, Ohne Zweifel ist es auch unser Favorit.

Nach dem fliegenden Holländer, wo der Bug eines Schiffes in der Szene spielte, Wir kommen zu einem Billy Budd, bei dem der Ansatz viel eindrucksvoller ist. Das Unbezwingbare, ein Kriegsschiff aus dem 18. Jahrhundert, Fülle die Bühne mit Seilen, Seile und Wasser. Wo das Gefühl der Bewegung dauerhaft und manchmal real ist, wie es im letzten Akt passiert. Und ist das für Deborah Warner das Theater und das Meer verbunden, "Als die Boote aufhörten zu segeln und die Seile verschwanden, erschien in Theatern ".

Britten es, deutlich, ein großartiger Komponist, vor allem aber ist er eines der größten dramatischen Genies in operativer Hinsicht. Seine Sensibilität, wenn es darum geht, die Tiefe des Menschen einzufangen und Charaktere zu bauen, ist außergewöhnlich, und Deborah Warner ist ihre beste Darstellerin. Er hat jede der Schichten, mit denen Britten seine Figuren bedeckt hat, genau unter die Lupe genommen, um sie der Öffentlichkeit zu präsentieren, wie der Komponist sie entworfen hat, und ohne sie zu beurteilen. Das Ergebnis ist keine komplexe Produktion, in den Augen des Betrachters unerreichbar, die manche Regisseure so sehr mögen, aber ein Genie weit entfernt von Oberflächlichkeit und voller gerechter und wesentlicher Elemente.

Mit mobilen Plattformen, die die Räume durch komplexe, scheinbar einfache szenische Mechanismen abgrenzen. Mit Charakteren, die sich durch intime Dialoge beschreiben, und mit einer Gruppe von Sängern, deren Interpretationsniveau über dem ihres Timbres liegt, etwas, das diesmal, Es ist fast der Schlüssel zum Erfolg.

Das Stück beginnt, wenn das Publikum noch nicht fertig ist. Die erste der drei Hauptfiguren erscheint im Prolog und im Epilog, ein älterer Kapitän Edward Fairfax Sehen Sie das, ein modo de flashback, erzählt die Geschichte. Diese Rolle wurde von Britten für ihren Partner geschrieben, Peter Pears. Und es könnte nicht die beste Rolle für ihn sein, da es eine umfangreichere und lyrischere Tenorstimme erfordert, als Pears besaß. Hier wird er von den Briten gespielt Toby Spence, das baut einen gequälten und inkonsistenten Charakter auf, der gemartert wurde, weil er einen Unschuldigen zu Unrecht beschuldigt hat. Nun, in seinen herzzerreißendsten und tiefsten Arien.

Der zweite Protagonist ist der junge und ehrliche Billy Budd. Ein Seemann voller Attraktionen, der seine Kollegen und Vorgesetzten verblüfft. Der Charakter benötigt einen Bariton mit etwas Beweglichkeit. Vielleicht nicht der Fall bei Jacques Imbrailo, das gibt dem Protagonisten Leben. Aber seine dramatische Fähigkeit, sogar sportlich (Er konnte das Seil beim Singen freihändig spielen), diente dazu, einige der lyrischsten Momente der Nacht anzubieten. Seine letzte Arie vor seinem Tod ist wie ein Schlaflied, evokativ und einfach, Tiefgang, der die Öffentlichkeit überwältigte.

Der dritte Protagonist ist der böse John Claggart. Ein Charakter voller komplizierter Kanten, brillant gespielt von Brindley Sherratt. Dieser britische Bassist verteidigte mit Leichtigkeit einen Mann, der von Billy Budd gefoltert und fasziniert wurde, den er aufgrund von Lügen zerstören kann. Hat unvergessliche Szenen, in dem er das Drama eines dunklen Individuums voller Widersprüche perfekt überträgt.

Der Bühnenbildner Michael Levine hat einen außergewöhnlichen Job gemacht, angetrieben durch Beleuchtung Jean Kalman und die fantastische Regie der Schauspieler, mit mehr als hundert Charakteren auf der Bühne, alle Männer. Ein Boot, die Indomitable, in der eine erstickende Atmosphäre voller Testosteron und Aggressivität erreicht wurde, in der weibliche Stimmen nicht übersehen wurden. Vielleicht wegen der enormen emotionalen Ladung, die das Werk besitzt, und der Zärtlichkeit, die einige seiner Charaktere teilen, oder wegen des enormen orchestralen Reichtums, den die Partitur besitzt, mit einer Vielzahl von Farben in Zahlen und Hauptstimmen.

Besonders hervorzuheben ist die Aufführung des Chores, einer noch. Ihre Professionalität und die Qualität ihrer Stimmen ist bekannt und unbestritten, aber sie haben immer noch die Fähigkeit zu überraschen und zu erfreuen. Dutzende bewegen sich mit Rhythmus und Leichtigkeit auf der Bühne, mit einer dramatischen Fähigkeit Wesentlich, um die Atmosphäre zu schaffen, die in diesem Gefängnisschiff erreicht wird, Bewegung erzeugen, der Arbeit zu glauben und damit die Energie, die durch die Kraft ihrer Stimmen erzeugt wird, die Pulsationen der Stände beschleunigt.

Sein musikalischer Leiter trat schließlich im Theater auf Ivor Bolton, und er tat es, um eine brillante Version eines Werkes anzubieten, das er gut kennt, wenn auch nur nach Sprache. Es ist eine Partitur mit einer sehr engen Schrift, Hohe Dichte, mit vielen Ensemble-Details in einem großen Orchester, in dem Solisten eine große Rolle spielen.

Bolton stellt eine perfekte Kommunikation zwischen der Grube und der Bühne her und das Ergebnis ist brillant. Gehen Sie von orchestralen Momenten großer Intimität zu anderen, die durch Intensität und orchestrale Kraft gekennzeichnet sind, wie in dem Moment, in dem sie sich auf den Kampf vorbereiten. Das Orchester ist auch dafür verantwortlich, einige der wichtigsten Momente des Werkes zu erzählen. Als Captain Vere Billy Budd sein Urteil mitteilt, Die Geschichte wird dem Orchester anvertraut, das sie aufführt 34 Wiederholen von Akkorden, in denen Dur- und Moll-Modi einen erstaunlichen und aufschlussreichen narrativen Effekt haben.

Das Stück endet fast so, wie es begonnen hat, Verbinden des Epilogs mit dem Prolog durch die Erinnerung, die Captain Vere an die Geschichte hat. Das Ende ist verwässert und scheint an einem dauerhaften Motorhauben-Tag von vorne beginnen zu wollen. Es ist ein echtes Gefühl, diesen unübertroffenen Billy Budd wieder sehen zu wollen, deutlich, Das Beste, was ich seit langem in diesem Theater gesehen habe.
Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

Billy Budd
Benjamin Britten (1913-1976)
Oper in zwei Akten mit Libretto von Edward Morgan Foster und
Eric Crozier, basierend auf der gleichnamigen Arbeit von Herman Melville
Neue Produktion von Teatro Real, in Koproduktion mit
Paris Opera, Nationaloper von
Finnland (Helsinki) und das Teatro dell´Opera di Roma
D. Musical: Ivor Bolton; D. Szene: Deborah Warner
scenographer: Michael Levine; Kostümbildnerin: Chloé Obolensky
Illuminator: Jean Kalman; Choreograf: Kim Brandstrup
Video: Álvaro Luna; D. Chor: Andrés Máspero
D. junge Sänger: Ana González
Chor und Orchester des Teatro Real Halter
Kleine Sänger der Gemeinschaft von Madrid
Besetzung: Jacques Imbrailo, Toby Spence, Brindley Sherratt,
Thomas Oliemans, David Soar, Torben Jungens,
Christopher Gillett, Duncan Felsen, Clive Bayley,
Sam Furness, Francisco cisco~~POS=HEADCOMP Vas, Esteve Manel, Gerardo Bullón,
Tomeu Bibiloni, vielleicht Borja, Jordi Casanova, Isaac Galan.
Teatro Real in Madrid 9 Februar 2017

Christian Gerhaher

Angeboten Christian Gerhaher sein jetzt traditionelles Konzert im Liedzyklus CNDM in Teatro de la Zarzuela. ich habe, Auch wie üblich, begleitet von seinen Gläubigen Gerold Hubert. Bei dieser Gelegenheit eine Auswahl von Werken von Schumann die Liederbuch (Liederbuch). Schaumann Werke komponiert in 1840, seine fruchtbarste Jahr in der Zusammensetzung solcher Werke, wie gut kommerzielle Akzeptanz hatte zu der Zeit. Das Glück der Schumann-Ehe, trotz wirtschaftlicher Not, war eine mächtige Inspirationsquelle für diese Art von Repertoire.

Gilt heute als einer der besten Liederisten, Christian Gerhaher bestätigt in jeder Aufführung die Qualität seines Instruments und seiner Technik. Ohne offensichtliche Anstrengung kann er vom Klavier zur Mittelstimme und von dort zu einer energetischen Vollstimme übergehen, die durch ihre Intensität überwältigt. Die Klarheit seines Timbres, ungewöhnlich für einen lyrischen Bariton wie ihn, voller Nuancen und Farben. Seine Diktion und Phrasierung sind einwandfrei und seine Gesangslinie elegant. Es geht vom am meisten zurückhaltenden Drama zum am meisten überfüllten und immer mit einer bewundernswerten Ausdruckskraft. Der trivialste Text wird immer voller Inhalte sein.

Der Pianist Gerold Hubert, immer auf ihn aufmerksam, in diesem perfekt gemischten Tandem, das beide gebaut haben, die Fähigkeit haben, eine auf Stimme und eine auf Klavier, um jede Phrase mit dem entsprechenden Zeichen hervorzuheben. Immer einen Job mit außergewöhnlichen Details anbieten.

die Schurkin

Dreiunddreißig Jahre sind seit der letzten Aufführung von vergangen die Schurkin in Teatro de la Zarzuela. Und es erklärt nicht sehr gut, dass viel Zeit im Falle einer Arbeit von so viel Substanz in dem Genre Junge abgelaufen ist. Und noch weniger wird verstanden, wenn wir berücksichtigen, dass die Musik vom Lehrer stammt Amadeo Vives, und das basiert auf der Arbeit Peribáñez und der Kommandeur von Ocaña, von Lope de Vega.

Es ist daher eine Arbeit, die alle Elemente enthält, um einen ehrgeizigeren Plan als eine Zarzuela zu verwirklichen. Aber Maestro Vives blieb auf halbem Weg durch diesen spanischen Opern-Traum. Und nicht aus Mangel an Qualität in der Partitur, Qualität hat, und viel.

Sie ist so eine Bösewichtin, wunderschön gemacht, enthält einige Momente der zarten Lyrik, die der Meister Miguel Ángel Gómez Martínez schafft es, aus einem Orchester zu extrahieren, für das die Arbeit etwas Großartiges ist. sogar so, Das Orchester klang homogen und aufwändiger als bei anderen Gelegenheiten.

Die Schwierigkeit und Anforderungen dieser Arbeit für die Hauptrollen werden vom ersten Moment an bemerkt. Wichtige Stimmen sind notwendig, um mit einer gut ausgearbeiteten Partitur mit hohen vokalen und dramaturgischen Anforderungen fertig zu werden.. Das Theater hat bei dieser Gelegenheit mit zwei Castings gezählt. Ohne vom ersten abzulenken, Vielleicht war es der zweite Kasse wer war am erfolgreichsten in der allgemeinen Lektüre der Arbeit. die Sopranistin Maite Alberola, mit einer runden und voluminösen Stimme, Er wusste, wie man den Charakter von Casilda mit dem kastilischen Charakter dieser umsichtigen Frau füllt. Er bot einige Momente von großer Schönheit an, um die Romantik zu interpretieren "Der braune Stoffumhang", oder sein schönes Duett mit Peribáñez.

Bariton César San Martín spielte eine statische, aber voller Adel, Peribáñez. Er nahm mit Eleganz und Gefühl an den schönsten Duetten mit Casilda teil.

Der Don Fadrique von Andeka Gorrotxategi Es war eine große Überraschung. Dieser junge biskayische Tenor hat ein kräftiges Instrument, von attraktiver Klangfarbe und Geschmack in der Interpretation.

Der Rest der Tabletten besteht aus Rubén Amoretti, Manuel Mas, Javier Tomé, Ricardo Muniz, Carlos Lorenzo, Rodrigo Garcia, Roman Fernández-Cañadas, Daniel Huerta und Francisco Jose Pardo, Sie behielten ein hohes Niveau bei, das eine Höhenverteilung abrundete.

Der Theaterchor, gut gestempelt und geklebt, hatte eine relevante Leistung, eine Hauptfigur werden.

Bemerkenswert ist auch das Corps de Ballet, das die einfache, aber schöne Szenografie von vervollständigte Natalia Menéndez. Mit dem eindrucksvollen Feld der Spikes als Protagonist während der gesamten Arbeit. Sehr erfolgreiche Beleuchtung von Juan Gomez Cornejo, Schaffung unterschiedlicher Atmosphären mit den gleichen szenischen Elementen. Und eine gute Regie von Schauspielern, die mehr als siebzig Menschen dazu gebracht haben, sich koordiniert und anmutig auf der Bühne zu entfalten.

Wir müssen dem Mut und der Anstrengung des Teatro de la Zarzuela danken, das in dieser ehrgeizigen Saison eine so hochrangige Arbeit geleistet hat.. Es werden tolle Abende mit guter Musik erwartet.

Der fliegende Holländer

“Hölle auf Erden ", gut ist es die Stadt Chittagong bekannt, en Bangladesch. Ort, der der größte Abwrackarbeiter in der Welt ist und wo die Arbeit ist sehr prekär getan. Wo das menschliche Leben hat Wert nur, sondern, zugleich, Es ist eine ungeheuer spirituelle Gesellschaft, der glaubt an die Reinkarnation und in den traditionellen Legenden Konflikt mit dem brutalsten Materialismus permanent Eingabe. Und dies ist der Ort, an dem Alex Ollé (La Fura dels Baus) und Alfons Flores Sie haben die Szene dieses platziert flying Dutchman. Eine aktuelle Lage der Lage, ein Skript wie diese Halte. Ein Ort, wo ein Mann seine eigene Tochter an den Meistbietenden zu verkaufen, ist in der Lage.

es Wagner, Er hielt seine erste reife Arbeit, eine neue kreative Sprache Anzeichen dafür, dass die Entwicklung in seinen späteren Arbeiten beenden,. Mit klaren italienischen Einflüssen noch, beginnt Schlüsselelemente in Wagner mit, wie Live-Motiv und die Schaffung des kontinuierlichen Musik Diskurses. Eine Musik, die deutlich sichtbar ist, und aus der Einbeziehung dieser Techniken, drei verschiedene Zeit, eine unwirkliche oder exlusiven, von Geistern vertreten; in den täglichen Szenen der Hauptfiguren im Spiel ein echter Teil entwickelt, und ein spiritueller Teil, bei dem zwischen Senta und Holländer die Beziehung gezeigt. Drei wesentliche Dimensionen, die ernähren und sind perfekt durch die richtige außergewöhnliche Landschaft und die Richtung der Schauspieler porträtiert.

Scenic Wette Alex Olle und Alfons Flores ist spektakulär. Im Gegensatz zu anderen Bühnen von Ollé, das ist vollkommen anschaulich und verständlich in den Augen des Betrachters. Mit Elementen der traditionellen Theaterbühne Maschinen und Projektionen haben außergewöhnliche szenische Effekte erzielt und erreichten ihren Höhepunkt in der Ouvertüre, wo die trotzig ein Schiffsbug Segeln in den Sturm dank der Auswirkungen auf himnótico Bewegung, die diese den Beginn der Arbeit begleitet. Nach der Landung auf dem simulierten Strand Chittagong beginnt die herrliche Dramatisierung eines niederländischen auf das Fehlen der Romantik aktualisiert hat seine dramatische Ladung nicht verändert.

Wagner war der erste Lehrer, konfrontiert Heras-Casado. Die Sensation aus der Grube verursacht ist zuversichtlich,. Aber die Dynamik gedruckt ein paar Momente mal manchmal zu voreilig. Es wurde vor allem in einer etwas laut und dramatischen Ouvertüre bemerkt. Er verbessert während der Arbeit, aber das Endergebnis war eine gewisse Oberflächlichkeit.

Russisch niedrig Dimitry Ivashchenko Es war ein mehr als ausreichend Daland, obwohl gelegentlich wurde er vom Orchester bedeckt.

Benjamin Brown Er hatte die komplexe Aufgabe des Erik in der zweiten Liga und Steuermann in dem ersten. Erik seinen Charakter fehlt Lyrismus und litt erfordert einige hohe Töne.

Ricarda Menzer Es war die beste Nacht. Seine Senta war voller Dramatik. Seine lyrische Stimme und hat die Funktionen, die Sie von einer Wagnerianer Stimme erwarten, breit und voluminös. Mit guter Phrasierung und sang eine Linie definiert, aber verbesserungsfähig Delikatesse.

die niederländische Samuel One Es war ein sehr gutes Niveau. Elegant und gut Dramatisierung. Es war besser, das Ziel im dritten Akt zu erreichen.

der Chor Er strahlte und war ein weiterer großer Star. Neben Singen Tanzen. Schwerwiegende Fehler zu haben, in dem Chor der Geister durch eine marodee Aufnahme angeboten. Das Ergebnis wurde nicht verstanden.

Eine spektakuläre und übermäßige Produktion, im Fall von Wagner, Es dient nicht die Mängel der Romantik zu verbergen, die die Arbeit präsentiert und nicht sofort Evokation erlauben. Das Gefühl, wenn Sie verlassen das Flying Dutchman ist, dass, trotz vieler wesentliches Element, etwas fehlt.
Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

Der fliegende Holländer
Richard Wagner (1813-1883)
Der fliegende Holländer
Romantische Oper in drei Akten
Libretto vom Komponisten, basiert auf der Arbeit von Heinrich Heine Aus
den Memoiren des Herren von Schnabelewopski
Veröffentlicht in Königlich Sächsisches Hoftheater Dresden die 2-1-1843
Uraufgeführt am Teatro Real 27 Oktober 1896
D. Musical: Pablo Heras-Casado
D. Szene: Alex Olle (La Fura dels Baus)
scenographer: Alfons Flores
Kostümbildnerin: Josep Abril
Illuminator: Urs Schönebaum
Video: Franc Aleu
D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Dimitry Ivashchenko, Ricarda Menzer, Benjamin Brown,
Pilar Vázquez, Roger Padullés, Samuel One
Schlagzeilen Chor und Orchester des Teatro Real

Iphigenia in Thrakien am Teatro de la Zarzuela in Madrid

Das Teatro de la Zarzuela zu einem mutigen und riskanten Abenteuer: planen Sie einen barocken Zarzuela. Iphigenia in Thrakien, aus dem Spanischen José de Nebra Libretto von Nicolás González Martínez.

Neben dem Geschmack, jeder hat seine, kann man diese Produktion nähern das Glas halb voll oder halb leer sehen. Und diesmal gibt es Argumente für beide Ansichten. Wir werden sehen,…

Wenn wir aufhören zu berücksichtigen, dass die Arbeit auf nur eine Stunde und zwanzig Minuten reduziert wurde; dass auf die Charaktere, die nicht singen, verzichtet wurde, obwohl sie in der Originalarbeit erscheinen; dass die Dolmetscher, außer Maria Bayo, habe keine Erfahrung im Barockrepertoire; Gleiches gilt für das Orchester, sogar mit dem Regisseur. Wenn wir das alles wirklich ignorieren können, ist es das auch, ausschließlich, in der Lage zu sein, die Tapferkeit zu wagen, die Bühne des Teatro de la Zarzuela zu betreten, eine Arbeit wie diese.

José de Nebra, einer der besten Komponisten des spanischen Barock ist, zu unserer Schande, einer der unbekanntesten. Er war der Komponist der Musik vieler Theaterproduktionen Madrids seiner Zeit, bevor sie sich mit religiösen Kompositionen beschäftigen.
Iphigenie in Thrakien wurde am veröffentlicht 15 Januar 1747 im Coliseum de la Cruz mit dem Titel Als Geschenk an die Gottheit, Grausamkeit und Iphigenie werden in Thrakien niemals kultiviert, in Zusammenarbeit mit dem Librettisten Nicolás González Martínez, deren Inspirationsquellen waren die Werke, die sich auf dasselbe historische Ereignis von beziehen Euripides und Goethe.

Und es ist aus diesen Quellen, von wo der Regisseur Paul Viar hat die Texte extrahiert, die, als Einführung in jeden Tag, rezitiert Iphigenia und erzählt die Fakten. Die barocke Struktur der Arie bleibt erhalten, Rezitativ, Arie. Diese Erzählungen von Iphigenie, als intimer Dialog, die Dramaturgie des Stücks verbessern.

Auf der Bühne, Die Allegorie eines Waldes und die Pinselstriche erscheinen kaum, fast rechtzeitig, vom Lehrer gemacht Frederic Amat. Ein großes Rosettenfenster wird gezeichnet, als wäre der Pinsel ein weiteres Musikinstrument. Beleuchtung Albert Faura, schafft eine traumhafte Schattenwelt, die Musik und Text verbessert. Die Umkleidekabine ist zuständig für Gabriela Salaberri Wer hat ein führendes Element geschaffen, fast der einzige Requisiten der Arbeit, das füllt alles mit Farbe und Animation.

Das szenografische Ergebnis ist von großer Schönheit, Eleganz und Ausgeglichenheit. Lass die Musik der Protagonist sein, sie begleiten, ohne abzulenken.
Eine andere Sache ist die musikalische Darbietung und die Stimmen. Bei der Präsentation von Iphigenia in Thrakien, Regisseur Francisco cisco~~POS=HEADCOMP Prat fragte sich: Was mache ich hier?. Und das ist eine gute Frage. Führen Sie mit Absicht und Puls, aber ein Assistent gewesen Ivor Bolton als er einige der Barockwerke vorbereitete, die er im Real präsentierte, scheint nicht ausreichend Hintergrund zu sein, um Nebras Arbeit anzusprechen. Es hilft auch nicht, dass die Titular Orchester des Teatro de la Zarzuela Ich habe nicht viel Erfahrung in diesem Repertoire. Ja, sie wurden bemerkt, Solvabilität und barocke Strenge, die Verstärkungen Cecilia Bercovich, Concertino, Amat Santacana und Aaron Zapico, Bass kontinuierlich.

Die Stimmen sind noch weit weg, außer María Bayo, in der Lage zu sein, eine Musiksprache wie die, aus der Nebras Partitur besteht, richtig zu interpretieren. Diese jungen jungen Künstler, aufgeregt über ihre Teilnahme am Stück, Sie brauchen etwas mehr als Sprudeln, um Charaktere zu spielen, die Erfahrung im Genre erfordern.

Maria Bayo, obwohl er nicht in seinem besten stimmlichen Moment ist, auf der Bühne einen Unterschied machen. Etwas starr in der Interpretation, aber zeigen ihre Bretter und Erfahrung. Bewahrt das schöne Timbre und eine Stimme, die lyrischer geworden ist.

Erika Escribá-Astaburuaga, wie Polidoro in seiner Rolle glänzte und welches Tempo er auf die Bühne stellte. Ruth González, wie Dircea, hat niemanden überzeugt. Sehr leise Stimme mit übertriebenem Vibrato.

Die Cofieta de Lidia Vinyes-Curtis und Rucksack Mireia Pintó sie setzen die leichtfertigste und lustigste Note. Besonders Vinyes-Curtis, wer hatte eine größere Erfahrung in diesem Genre, vor allem im schauspielerischen Teil.

Diese Iphigenie in Thrakien lässt zu wünschen übrig. Besonders im Musical. Aber wie Ruth González sagte, "Im Teatro de la Zarzuela ist etwas los". Und das ist offensichtlich. Nicht verpassen.

Iphigenia in Thrakien
José de Nebra (1702-1768)
Zarauela in zwei Tagen
Rekord: Nicolás González Martínez
Uraufführung am Coliseo de la Cruz in Madrid, die 15 Januar 1747
Neuproduktion des Teatro de la Zarzuela
D. Musical: Francisco cisco~~POS=HEADCOMP Prat
D. Szene: Paul Viar
Szenografie: Frederic Amat
Kleiderschrank: Gabriela Salaverri
Beleuchtung: Albert Faura
Besetzung: Maria Bayo, Auxiliadora Toledano, Ryth González,
Erika Escribá-Astaburuaga, Lidia Vinyes-Curtis, Mireia Pintó
Autonome Gemeinschaft Madrid Orchestra

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Video: Teatro de la Zarzuela

La clemenza de Tito am Teatro Real Madrid

Wenden Sie aus unserem Leben alles, was nicht Liebe ist ...", Sie singen ein Duett Annio und Servilia einer der romantischsten Momente dieser Oper. Und so verliebt sein muss erfolgreich in das Eis escenográfico zu wagen vorgeschlagen Ursel y Karl-Eenst-Rousset in ihrem Vorschlag letzte Oper komponiert von Mozart für die Krönung Pomp von Leopold II als König von Böhmen geschrieben.

Die Zeit vergeht für diese Produktion war ein Erfolg bei der Premiere, zurück in 1982. Er hatte schon im Alter von, wenn es um dieses gleiche Theater kam 2012, und er hat jetzt im Alter von weiter. es sieht immer noch wie das Wartezimmer eines Pflegeheims in der ehemaligen Sowjetunion, wie wir in 2012.

Eine szenische Feld von einem hell erleuchteten weiß das nicht Zuschauer Stände Untertitel erlauben lesen, schließlich zu langweilen und Kühlung, nicht nur der öffentliche, Sänger auch mit denen, die es schwierig, Schritt zu halten mit der Arbeit gefunden. Teilweise wegen der Ansteckung Szenario Arktis, und zum Teil durch die ewige Stille minimale Veränderungen landschaftlich Rom zu machen, einer der Protagonisten des Librettos, kaum schlägt das Erscheinungsbild einer Spalte. Nicht schlecht Absicht Regisseuren wollen, um die psychologischen Aspekte der Charaktere zu betonen, das Fehlen von Elementen auf der Bühne zu verbessern, aber es war nicht notwendig, sowohl zu erreichen.

Rezitative zur Routine geworden, wenn es nichts in welche Unterstützung ist, visuell oder scenically. Zum Glück permanent kam Mozart zur Rettung aller, Öffentlichkeit und Sänger, Sie werden sofort von der Musik-Genie getröstet.

Die musikalische Leitung Christophe Rousset, gute Kenntnisse in diesem Repertoire und Experte Cembalist, Er wurde immer langsam nach einer guten Ouvertüre. Rezitative, Rousset sich von der Hammerflügel begleitet, Sie erwiesen sich als schlecht, wenn man bedenkt, seine Virtuosität, und sie machten das ewige. Vor allem im zweiten Teil etwas langweilig.

Kein Zweifel, das Vokalensemble der Produktion verbessert von 2012. Bernard Richter Es ist ein lyrischer Tenor mit einer guten Stimme Volumen und genug Beweglichkeit ein Tito gelöst zu bauen. Die Mitten und Höhen sind leistungsstark und hell. Weitere Schwierigkeiten hatte, mit Ernst und Tempi der Rezitative.

Kanarienvogel Yolanda Auyanet Er war großartig in seiner Rolle als Vitellia. Eine Stimme, die mit hoher Qualität reift. Sauber und ohne Künstlichkeit. Gute Phrasierung, die flink seine particella lief. Aber er schien noch mehr in der interpretierenden Teil. Er legte den Funken und die Absicht auf der Bühne desangelado.

Er schien auch Pamplonesa Maite Beaumont als Sesto. Er ging die Extra-Meile Ihre Stimme hören zu lassen. Best in Vorbühne.

Anna Palimina, geboren in Moldawien, entfaltete es sehr gut in der Rolle der Servilia. Die Strafe war die Kleidung, die ihn setzen, vor allem Schuhe.

Eine weitere angenehme Überraschung des Abends war der kanadische Mezzo Sophie Harmsen als Annio. Licht und schöne Stimme Timbre. Seine scharfen und ihn durch Sopran setzen könnte.

Der italienische Bariton Guido Loconsolo Es hat eine gute Bühnenpräsenz, aber Publius fühlte mich sehr unwohl aus den schlechtesten Aufzeichnungen. Was den Rest, langsam und langweilig Rezitative waren eher ein Problem als eine Erleichterung.

Der Inhaber des Königlichen Theaters Chor wie immer, groß. Teilnahme als regen Mai die Routine Szenografie zu brechen wurde erwartet,.

Ein Ersatz hat dazu gedient, Tribut zu zahlen, um Gerar Mortier erinnerte, die diese Produktion in Auftrag gegeben. Außerhalb dieser Gedenkfeier, geben diese Clemenza nicht viel mehr.

DIE GNADE DE TITO
Wolfgang Amadeus Mozart
ernsten Oper in zwei Akten
Libreto de Pietro Metastasio, adaptado por Caterino Mazzola
im Nationaltheater in Prag Veröffentlicht 6 September 1791
Uraufgeführt am Teatro Real 12 März 1999
D. Musical: Christophe Rousset
D. Szene: Ursel y Karl-Ernst Herrmann
scenographer, Kostümbildnerin und Beleuchter: Karl-Ernst Herrmann
D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Bernard Richter, Yolanda Auyanet, Maite Beaumont, Anna Palimina, Sophie Harmsen, Guido Loconsolo
Schlagzeilen Chor und Orchester des Teatro Real

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

Angela Meade als Norma

Nicht verwunderlich, dass Regel, was sie sagen, ist das Meisterwerk von bellcantismo, und einer der Repertoireopern, sie getroffen hat, 102 Jahre am Teatro Real in Madrid vertreten zu sein.

Bellini, Brücke zwischen Klassik und Romantik, Es dauerte die Neugier der alltäglichen Emotionen zu einer zaghaften Gesellschaft vom Katholizismus. Eine wahre Revolution der romantischen Gefühle wusste, dass er Einfluss anderer Komponisten. Chopin Bellini geerbt die Flexibilität, das Tempo und Harmonie zu adressieren. Verdi Bellini bewegt, um die Revolution von der privaten in den öffentlichen, die politischen Konnotationen mit kollektiven Emotionen zu schaffen. Wagner, einer der von Bellini beeinflusst Komponisten, er sogar eine neue Version der Arie der zweiten Szene komponieren Oroveso.

Warum ist es nicht Bellini einer meiner Lieblingskomponisten? Wegen der Geschmack ...

Norma ist sicherlich eine großartige Arbeit. Es ist voll von kleinen Details, diejenigen, die in der Regel in der Teufel lebt, aber hier verstecken sie die Zartheit einiger extrem langsam Tempi, die die romantische Philosophie der Arbeit und voller Komplexität der Arbeit des Sängers verfolgen, eine langsame Freisetzung gezwungen. Dilated Melodien, die eine gut funktioniert fiato erfordern, wie es in einem der Arien belegt, die ein "Hit" aus der Oper ist, die lang erwartete von der Öffentlichkeit "Casta Diva", und fasst den Wert der romantischen Zeit.

Eine Zeit, die Wagner im Sinn hatte, zu Tristan und Isolde erstellen. Eine Isolde, dass, als Standard-, Es detoniert sich auf eine große und steigende Melodie.

Aber kommen auf die Erde. Genauer gesagt Darstellung 21 Oktober. Dies ist eine Koproduktion mit dem Teatro Real Palua Les Arts in Valencia, die bereits uraufgeführt es letzte Saison, y ABAO.

Die Landschaft Davide Livermore Es hat klare filmischen Einflüsse. Durch Game of Thrones oder King Arthur, produziert eine traumhafte und fantastische Atmosphäre, die einen überwältigenden Baum verfügt über. Es nimmt viel von der Bühne, dreht sich und bewegt sich als totemic Element und Orakel, wo alles passiert, und alles ist erfüllt. Die Absicht ist es, eine klaustrophobische Atmosphäre zu schaffen, wie die Geschichte selbst. Und es tut.

Die Szenen werden mit Projektionen abgeschlossen D-Wok. dass vorab, als Orakel, die Zukunft, die die Protagonisten erwartet.

Die energetische Leitung von Maestro Roberto Abbado die Ouvertüre begann mit einem Überschuss Volumen. Auf der Bühne die Tänzer kamen und gingen, Chor, szenischen Elementen und Projektionen inmitten einer scheinbaren bafflement. Als es schien, hatte das Chaos über die Darstellung genommen, Er erschien auf der Szene, an der Spitze des Baumes, Angela Meade Singen "Casta diva " und, plötzlich, geherrscht Frieden und Harmonie, alles wird aufgesetzt und erst dann begann Norma.

Bevor er machte seine Erscheinung Meade, und ein Teil der anfänglichen Verwirrung, Roberto Aronica hatte seine Darstellung begonnen Oroveso. In holzig und schrille Stimme fehlt Tiefe und ernsten Charakter. Er verbesserte sich im zweiten Akt und legte mehr Absicht und Nuance ihre Arien. Seine Interpretation war kalt und Leidenschaftslosigkeit.

Simon Orfila Er komponierte eine Oroveso mit guter Bühnenpräsenz, aber seine Stimme, obwohl gut kling, nicht den dunklen Tönen, die seinen Charakter ausgestattet haben, die Verpackung erfordert.

Angela Meade nicht nur kam es zu bringen, um, Es war der Schlüssel, um das Aussehen des Belcanto. kraftvolle Stimme und saubere Emissionen, allerdings mit deutlichen Mängel interpretative, rauf und runter die vielen Schritte des Protagonisten Baum nicht gestoppt, während Singen. etwas Sinnvolles.

Römer Veronica Simeoni, als Adalgisa, Er war richtig. Am besten im Duett mit Norma zweiten Akt, für die schien es gewesen war, Speichern.
während Barcelona María Miró als Clotilde. Es ging nicht unbemerkt.

Norma wartet so lange und hat sich mit einem grundlegenden Mangel kommen, Leidenschaft. Es wird warten müssen,. Aber anders als noch 100 Jahre.

NORMA
Vincenzo Bellini (1801-1835)
llirica Tragödie in zwei Akten
Libreto von Felice Romani, basierend auf der Arbeit
Regel, oder Kindestötung (1831) Alexandre Übermittelt
Uraufführung im Teatro alla Scala in Mailand 26 Dezember 1831
Uraufgeführt am Teatro Real 13 November 1851
Neue Produktion des Royal Theatre in Koproduktion mit
Palau de les Arts in Valencia und ABAO
D. Musical: Roberto Abbado
D. Szene: Davide Livermore
Szenografie: Wind Forma (Florian Boje)
Beleuchtung: Antonio Castro
Video: D-Wok
D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Roberto Aronica, Simon Orfila, Angela Meade,
Verónica Simeoni, María Miró und Antonio Lozano
Chor und Orchester des Teatro Real Halter
Teatro Real in Madrid 21 Oktober 2016

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real

Otello am Teatro Real Madrid

Ein gemütliches und renoviert Teatro Real Empfangen der 15 September ist der Beginn der Saison. Neue Farben und Zeichen, die Sie bringen, in Erscheinung zumindest, andere renommierte Theater. und, als ob die Scala oder GETROFFEN es waren, der bekannteste auf der forocool thront am Eingang holl Abendkleid gelegen. Sicherlich ist dies eine Möglichkeit, das Theater und die Saison zu werben beginnt, selbst wenn es zum Fernsehen ist schnell, einige Unruhe zunehmend Einzelhandel zu bekommen.

Und die Saison begann mit Otello, die Arbeit, die die am weitesten fortgeschrittenen Musiksprache des Komponisten zeigt, der Rest seiner Arbeit.

Verdi y su Librettist, Arrigo Boito, sie schufen eine Geschichte voller Intensität und Dramatik basiert auf dem Text von Shakespeare Othello oder der Mohr von Venedig (1603). Abgesehen von der Libretto des venezianischen Teil, Verdi und Boito angepasst meisterlich, den ursprünglichen Text. Sie nutzen das Thema Rassismus, nicht den Charakter zu beschreiben,, sondern offenbaren ihre Unsicherheiten. Die Standardisierung Boito gemacht Otello, Aufhellung der rassistischen Aspekt, Er machte erweiterbar auf jede Möglichkeit, die schlimmsten Gräueltaten als Folge der Unsicherheit zu begehen und Eifersucht. Dieser Effekt macht die Verdi-Oper ist noch beunruhigender, dass die Arbeit auf die sie sich stützt.

Die Landschaft ist der Regisseur David Alden. Das gleiche, die in der letzten Saison sorgte Alcina. Szenografie, die Alcina, schwer zu vergessen. Albträume nicht beziehen. Und nun kommt dieses Otello, dass, vielleicht respekt vorstellen die Landschaft, die dem Komponisten, aber das Ergebnis ist eine falsche Bescheidenheit eines Königlichen Theater. Zu dunkel und einen Platz für die Momente der Erinnerung fehlt, die die Arbeit dot. Alles geschieht in der gleichen Stelle, vor den Toren eines Gebäudes fast in Trümmern. Desdemona und Otello dort versiegeln ihre Liebe. Es Sie diskutieren und Zweifel. Es Iago verschwört. es stirbt, dringend und Kälte, Desdemona.

Ein einzigartiges und dekoriert desangelado, die in der ersten Szene ist überwältigend, wo es, dass jederzeit wird ein Mitglied des Chores scheint stürzen in die Grube.

Die Aufteilung der Produktion mit einem wesentlich geringeren Abmessungen Theater zu Real, wie die Stockholmer Oper, kann erklären, in denen auf eine Stufe mindestens zwei Drittel der Bühnenhintergrund verachten.

Das einzige, was die Landschaft verbessert ist Adam Silverman Beleuchtung, die Momente der Intensität und Spannung erreicht, die sie erhöht den Ton einiger Szenen interpretative. In dem Moment, ein Otello erscheint auf der Szene droht Desdemona zu töten, es wird störend dank das Spiel von Licht und Schatten.

Desdemona ist der Charakter dieser Arbeit, die eine geringere psychische Entwicklung hat. Es ist die Darstellung von Weiblichkeit ohne weitere Ausarbeitungen. Das Ewig-Weibliche. Und wenn jemand in der Lage, diese Rollen auf der Bühne zu zeigen, die so charakteristisch für die Zeit ist, deutlich, Jaho Ermonela. Wir erinnern uns noch seine traviata, vor allem der dritte Akt. dieses Mal, Alden hat nicht die Möglichkeit gegeben, auf der Bühne mit dem Drama und Würde zu sterben, die Violetta erwiesen. Hier erschafft eine zarte und empfindliche Desdemona. Es ist nicht ein hohes Volumen an Stimme, aber weder Notwendigkeit.

Er glänzte vor allem im vierten Akt, mit einem Pianissimo von großer Schönheit. So dass hier das Orchester auch apiana. Es wäre unmöglich gewesen, um den Klang des ersten und zweiten Akt zu hören. Er war besonders heikel angesichts der Song Salce und das Liebesduett mit Otello.

Gregory Kunde, Er kehrt zurück in das Königliche Theater nach ao Roberto Devereux der letzten Saison und mit dem Zeichen des Otellos Moment einer der besten zu sein. Ich bekenne, dass ich die Otello Palau de Les Arts zwei Jahreszeiten mochte vor. Sein durchschlagender Stimme und Präsenz, nicht weniger emphatisch, Sie machen ihn für diese Rolle perfekt. schien bei dieser Gelegenheit verschwommen. Erwischt die Verkleinerung der Landschaft. Seine scharfen klang voll und hell, aber der Bass schien eine leise Stimme zu werfen, unrühmlich. Erst im letzten Akt zeigte sie ihre Macht. Die handelnde Fähigkeit hat sich verbessert, aber es ist Ihnen noch einen dramatischen Einfluss Otello niedrig.
Ebenso wenig Intensität ging über den Jago von George Petean links. Man kann nicht sagen, dass seine Interpretation rührend gewesen, aber der Charakter ist bei weitem nicht der Gemeinheit erhöht wurde. Es war weniger für mehr, wie alle, und er war in "Credo in Dio Crudel" zur Schau gestellt.

Alexey Dolgov erwies sich als hervorragender Cassio zu sein. Er zeigte Charakter und eine gute Leistung.

Die Richtung von Renato Palumbo war nicht gerade zart. Während des ersten und zweiten Akt, Musik aus der Grube mit einem Überschuss an Volumen und Bewegung kommen und vermittelt eine gewisse Unruhe. Es war schön, die frenetische Aktivität vieler Menschen auf einen kleinen geschmückten zu sehen, mit einem störenden musikalischen Hintergrund während der Sturmszene. Wenn der Zweck dieses kleinen Palumbo war Hysterie zu erzeugen, Bravo!.

Aber seine Adresse mit der Intervention der Sänger nicht ändern. Es dauerte nicht um sie kümmern, wenn ihre Arien Ordentlichkeit erforderlich. Der Mangel an Zurückhaltung in der Stimme forte geschluckt Dolmetscher in mehr als einer Gelegenheit. Glücklicherweise ist die dritte und vierte Akt ist nicht der Lärm, und wo diese Produktion wurde sah voller.

Die Saison begann mit ein wenig enttäuschend Otello. Dies ist, was geschieht in der Regel, wenn die Erwartungen sind übertrieben. Es darf aber auch in Panik. Dies hat gerade erst begonnen.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

OTELLO
Giuseppe Verdi (1813-1901)
Dramma lirico in vier Akten
Libreto von Arrigo Boito, basierend auf dem Spiel Othello, oder der Mohr von Venedig (1603)
William Shakespeare
Uraufführung im Teatro alla Scala in Mailand 5 Februar 1887
Uraufgeführt am Teatro Real 9 Oktober 1890
Neue Produktion von Teatro Real
in Koproduktion mit dem National Opera Inglés und Königliche Oper in Stockholm
D. Musical: Renato Palumbo
D. Szene: David Alden
Bühne und Kostüme: Jon Morrell
Illuminator: Adam Silverman
Choreograf: Maxine Braham
Kantor: Andrés Máspero
Direktor der Kinderchor: Ana González
Besetzung: Gregory Kunde, George Petean, Alexey Dolgov, Jaho Ermonela, Stephen Vincent, Fernando Rado, Isaac Galán und Gemma Coma-Alabert.
Schlagzeilen Chor und Orchester des Teatro Real
Kleine Sänger der Gemeinschaft von Madrid

Maria Katzarava

Trotz seines Nachnamens georgischer Herkunft, Maria Katzarava kommt von Mexiko. Das Land, das uns immer kraftvoll und ausdrucksstarken Stimmen gibt. Sein ist, deutlich, ein, dass mit größerer Intensität Sound. Es ist in Europa angekommen und hat sein Betriebszentrum in Barcelona, eine internationale Karriere starten, die erfolgreich zielt darauf ab,. die 6 August öffnet seine Lieblingsrollen in einer, die Liu von Turandot, neben Irene Theorin und Roberto Aronica. Zwischen Aufsätzen und Aufsätzen hat er die Fragen von beantwortet Klassische Verve.

Behalte den Namen, Maria Katzarava, weil er gekommen ist, um zu bleiben.

Klassische Verve: Tag 6 August Premiere in der Peralada Festival Turandot. Dein Charakter, Liu, ist dir nicht unbekannt, hat es bereits in interpretiert Cagliari und Caracalla. Liú es, neben Mimi und Schmetterling eine der am meisten leidenden Puccini-Heldinnen. Es braucht eine große interpretative Ausdruckskraft. Wie nähern Sie sich einer solchen Rolle??

Maria Katzarava: Besonders die Rolle von Liú ist für uns Sopranistinnen sehr glücklich. Es ist musikalisch perfekt geschrieben und ich denke Puccini hat ihm das psychologische Profil gegeben, das diese Rolle erfordert, und das ist sehr klar. Ich denke, es ist süß für den Dolmetscher, weil er auch sehr an den Geschmack des Publikums gebunden ist und dass es sich viel näher anfühlt als das, was Liú fühlt, das, was Truandot fühlen kann.

V.Chr.: Sie hatten die Gelegenheit, Ihre Technik zusammen mit zu perfektionieren Mirella Freni, una grandísima Liú. Hast du diesen Charakter mit ihr vorbereitet??

M. K. K.: Ich habe eine Weile bei Mirella studiert und eine der Rollen, die ich mit ihr am meisten vorbereitet habe, war die von Liú. Dieser Charakter ist eines meiner Arbeitspferde. Es ist eines von denen, die ich am meisten interpretiere und es ist, auch, eine meiner Lieblingsrollen. Mit dieser Figur habe ich Mirella alles gegeben.

B. C.: Sein Charakter in Turandot hat zwei außergewöhnliche Arien, die fast aufeinander folgen, „L´amore?… So viel Liebe und nicht gestanden " und das schöne "Tu che di gel sei Cinta", ein schöner und dramatischer andantino. Was sind die größten Schwierigkeiten bei der Interpretation dieser beiden Arien??

M. K. K.: Wir wollen immer, dass der Liú sehr ausdrucksstark ist und die Piannissimi hat, die die Öffentlichkeit immer vom Dolmetscher erwartet. Ich denke, das ist die größte Schwierigkeit dieses Charakters.

B. C.: Wir wissen, dass es verschiedene Register dominiert, von Desdemona in Otello, Micaela in Carmen, Antonia Y Giulietta in Hoffmanns Geschichten, Margarita in Fausto… Er macht sogar Streifzüge in das Barockrepertoire, Wo fühlst du dich gerade am wohlsten??

M. K. K.: Gerade im schwersten Repertoire fühle ich mich wohler, genau dort, wo ich mich gerade am meisten konzentriere. als Madama Butterfly, Tosca die Il trovatore, Simon Boccanegra. Alles stimmlich reifere Rollen. Worauf ich viele Jahre warten musste und schließlich habe ich es geschafft und ich bin in ihnen.

B. C.: Und welche Rollen sehen Sie in Zukunft??

M. K. K.: Ich denke, diese Rollen werden mein Maximum sein. Hier kann sich meine Stimme wirklich entwickeln und ich fühle mich 100% wohl.!. Wo ich mich wirklich wohl und satt fühlen kann. Es sind auch Rollen, die ich im Theater sehr mag und die ich sehr fühle, wenn ich sie spiele. Es ist also einfacher, alles an die Öffentlichkeit zu übertragen.

B. C.: Du, bevor Sie sich ganz mit der Lyrik befassen, erkundete andere musikalische Welten wie Pop oder Rock. Für einen lyrischen Sänger, und wenn man bedenkt, wie zart die Stimme ist, Macht die Verwendung verschiedener Register die Stimme vielseitiger oder, Umgekehrt, es kann ihr schaden?

M. K. K.: Ich denke, man muss gleichzeitig ein sensibler und offener Künstler sein. Ich bin der Meinung, dass es eine großartige Erfahrung ist, Ihren Horizont zu öffnen, deine Türen, auch zu anderem Repertoire, zu anderen Genres. Und immer mit der Intelligenz zu wissen, wie Sie Ihren Chip wechseln können. Wenn du Pop-Rock singen willst, Sie ändern den Chip so, dass Sie nicht wie ein Opernsänger klingen, der wie eine Popera singen möchte, Das ist etwas Schreckliches, und umgekehrt. Ich denke, Intelligenz ist drin, in dem einfachen Wissen, dass wenn Sie Pop singen, es Pop ist und wenn Sie Oper singen, es Oper ist. Ich hatte diese Gelegenheit und ging durch Pop zur Oper. Und es ist etwas, das ich immer noch unterscheiden kann und das ich den Chip wechseln kann. Und ich denke, deutlich, das hilft auch sehr, ein Publikum anzulocken, das nicht immer von der Oper durchdrungen ist. Das ist eine großartige Möglichkeit.

B. C.: Seine Mentalität ist sehr offen, wenn es darum geht, neue Produktionen in Angriff zu nehmen. Was halten Sie von den aktuellsten Szenografien, in denen Provokation manchmal als grundlegendes Element der Arbeit verwendet wird??

M. K. K.: Ich bin immer sehr offen, auch mit Regisseuren, um neue Facetten eines Charakters zu erkunden, die ich oft auf traditionelle Weise interpretiert habe. Ich bin sehr für eine zeitgenössische Inszenierung. Wenn sie eine aktuelle Situation präsentieren wollen, solange sie eine Logik und eine Geschichte haben, die wirklich zu mir passt, Ich bin immer bereit. Ich denke, die Leute wissen das auch sehr zu schätzen. Nicht immer und ausschließlich traditionelle Vorschläge.

B. C.: Seine Mutter ist mexikanische Geigerin und sein Vater ist georgischer Geiger, und vielleicht sind es zwei verschiedene Vorstellungen von der Interpretation von Musik. Gibt es einen Klangunterschied zwischen europäischen und amerikanischen Orchestern??

M. K. K.: Ich glaube schon. Die tausendjährige Kultur hat sich immer auch auf Instrumente und klassische Musik konzentriert. Die Geschichte ist in Europa älter. Ich denke, es hat einen anderen Klang. Ich denke, dass man selbst in europäischen Orchestern von einem georgischen zu einem russischen unterscheiden kann, vor allem in der Technik. Auch bei den Sängern. Sein Ursprung kann nur durch die Technik unterschieden werden. Es gibt sehr deutliche Unterschiede.

B. C.: Mexiko war schon immer die Wiege außergewöhnlicher Sänger wie Ramón Vargas. Jetzt du selbst oder Javier Camarena. Wie sehen Sie die Zukunft der Oper in Ihrem Land??

M. K. K.: Ich bin sehr stolz zu sehen, dass so viele mexikanische Stimmen herauskommen. Es ist sehr wichtig, die Anwesenheit der Sopranistinnen hervorzuheben, nicht nur der Tenöre. Sopranos und Mezzo, auch die Verträge, die hauptsächlich aus dem Norden Mexikos kommen und bei denen ich sehr angenehme Überraschungen gefunden habe. ich bestehe darauf, nicht nur von Männern, besonders von Frauen und ich glaube, dass wir anfangen müssen, Frauen, die sehr präsent sind, ein sehr wichtiges Gewicht zu geben. Aber manchmal erhalten Tenöre mehr Präsenz und Frauenstimmen sind sehr wichtig.

Placido Domingo und Michael Fabiano in I Due Foscari am Teatro Real

I due Foscari Es ist eines der Werke komponiert von Verdi in sogenannten "Kombüse Jahre". So bezeichnet der Komponist selbst den sieben Jahren, in denen er zusammengesetzt ist nicht weniger als elf Opern. Es ist nicht, viel weniger, eines seiner besten Werke. Nicht einmal die bekanntesten. Aber es gibt etwas I due Foscari angezeigt mehr Zeit als ihre Qualität und Position im Repertoire zu ihm.

Vielleicht dank Zeit und Perspektive, unter Berücksichtigung der späteren Werke des italienischen Meisters, es ist eine bessere Positionierung.

Die Figuren in diesem Drama "Familie” romantisch (Vater, Sohn und Tochter) Sie haben eine starke Persönlichkeit. Einige von ihnen, speziell die de Jacopo Foscari, provozierten Diskrepanzen zwischen Verdi und sein Librettist Francesco Maria Piave. La pusilanimidad del personaje, gepaart mit seiner geringen Präsenz durch das ganze Stück, Sie nahmen Verdi Piave Anfrage einiger der wichtigsten Änderungen. Das Endergebnis war ein größeres Gewicht dieser Charakter von Anfang an der Arbeit und ihre Rolle in einigen der schönsten Gesangs Seiten.

Die Darstellungen, die in diesen Tagen in der zu sehen ist Teatro Real Sie sind in Konzertversion. das, Spezifischer, semiescenificada. Da box zeigt die Fähigkeit der Dramatisierung eines sehr leistungsfähigen Sänger, dass das Fehlen von Landschaft, nicht eine großartige Opernaufführung verhindern.

Die musikalische Leitung Pablo Heras-Casado Es hat eine belebende Wirkung auf das Orchester, die Sänger und die Arbeit selbst. Da die Ouvertüre bewiesen Energie, mit der Heras-Casado die Partitur spielt. Damit gleiche Kraft führt zu einigen Sängern, die ihre Interpretation von Nerven füllen und Spannung. Es gibt Momente von seltener Schönheit in Duette und Quartette für Violine und Cello von Solisten gespielt.

Lucrecia Contarini, esposa de Jacopo Foscari, Es wird gespielt von Angela Meade. Diese amerikanische Washington stimmlich und dramatisch entfaltet unter den strengsten Regeln der traditionellen Oper, leidet aber unter gewissen Automatismus. Aber was ist wirklich beeindruckend ist die Stratosphären Lautstärke Ihrer Stimme. Feature hindert ihn nicht, eine sehr gute Rechnung Phytate anbieten. Die Schwingungen emittiert, zumindest von der dritten Reihe hören, beeindruckt. Als er von vorn demonstriert beginnen Ihre onnipossente cui mit dem sguardo ...

Michael Fabiano

Royal Theatre kehrte in die amerikanische Tenor Michael Fabiano, como Jacopo Foscari. Vieles hat sich seine Stimme aus dem von Cyrano de Bergerac geändert 2012.

Mit einer bemerkenswerten Volumen der Stimme und tessitura mehr als spinto Tenor so dramatisch, Fabiano hat ein Jacopo Foscari dramatisch und verzweifelt gebaut. Fantastische in ihre Romanzen, insbesondere in der zweiten, Nacht, ewige Nacht!. Mit der Forderung tessitura und dramatisch und Fabiano trifft mit Geschmack und Beredsamkeit.

Vor seiner Rede, Er war so freundlich, ein paar Fragen für Brio Klassische antworten.

Es war nicht, bis er College erreicht und begann sein Studium, als er erkannte, das enorme Potenzial, das seine Stimme hatte. Es war zu dieser Zeit, dass er seine Karriere begann.

Klassische Verve.: In derselben Art, Wer sind die Sänger, in der er gesetzt ist?

Michael Fabiano.: Aureliano Pertile, die unüberbrückbare Größe ihrer technischen. Mario del Monaco, für ihr Engagement bei der Interpretation. Franco Corelli, für seinen Heldenmut und Placido Domingo, durch seine tiefe Leidenschaft und Know-how.

B. C.: Wie fühlen Sie sich, wenn sie einem jungen Pavarotti verglichen?

P. M.: Ich fühle eine tiefe Demut.

B. C.: Es ist nicht das erste Mal mit Placido Domingo singen, Wie ist diese Erfahrung?

M. F.: Es ist eine Ehre für mich, seine große Karriere und seine immense Erbe gegeben.

V.Chr.: Ihre Rollen als Rodolfo in La Bohème und Luisa Miller wurden von der Öffentlichkeit weitgehend akzeptiert. Welche anderen Rollen in der Zukunft spielen?

M. F.: Me veo como en Oper Un Ballo in Maschera, Simon Boccanegra , Attila, Ernani, Die Schlacht von Legnano, Mefistofele , Manon, Werther, Romeo und Julia o Carmen.

Bald werden wir in Spanien genießen.

die baritenor, wie er genannt wird, Placido Domingo, Es war einer der Höhepunkte der Nacht, Interpretieren Francesco Foscari. Die Diskussion über die Tessitura von Placido Domingo muss aufhören zu existieren. Er ist ein Künstler. Ein großer Künstler, der Lage, eine tessitura im Einklang mit der Entwicklung ihrer Stimmcharakteristika und die Verwendung zu erfinden, mit ihren Fähigkeiten auf der Bühne, mit einem einzigen Ziel, Erfolg bei der Interpretation. Jedes der Interventionen wurde applaudiert, bis Sie die letzte Ovation erreichen. Auch hat das Verdienst erstaunliche Tatsache nicht von der Kaskade der Stimme Meade aufgedeckt werden.

Andere als nicht zu kurz italienischen Stimmvolumen ist gering Roberto Tagliavini in seiner Rolle als böse Jacopo Lorendano. Auf der Höhe der Hauptdarsteller waren Sopran Susana Cordón, als Pisana und Tenor Mikeldi Atxalandabaso, als Barbarigo.

Eine fantastische Nacht der Oper, in dem das Publikum genossen und erwies sich als Füße für einige Minuten applaudieren. Ein Saisonfinale, die einen guten Geschmack und die beste Visitenkarte für die nächsten Blätter.

Text: Paloma Sanz
Metaphorik: Javier del Real
Videos: Teatro Real

Tod in der Oper Der Kaiser von Atlantis

Wenn alle Arbeiten benötigen, um ihren Kontext, die Arbeit von Viktor Ullmann, Der Kaiser von Atlantis oder Der Tod dankt ab (Der Kaiser von Atlantis oder der Abdankung des Todes), Es hat im Rahmen seiner Hauptfigur. Ein Protagonist, der nicht ist, wer nicht singen oder zu handeln, aber in dieser Produktion ist es offensichtlich in zahlreichen Gelegenheiten.

Ullmann komponierte diese Arbeit während ihres Aufenthalts im Lager Terezin. Eine Art Propagandastadt, in der sich das Dritte Reich zurückgezogen hatte, vorherige Auswahl, Juden mit "besonderen Qualitäten". Darunter mehrere Komponisten wie Ullmann selbst.

Schüler von Schömbery und Assistent von Zemlinsky, nahm als Libretto für seine Komposition den Text eines anderen Gefangenen, der Poet Peter Kien. Zusammen schufen sie eine Satire, in der ein Kaiser der ganzen Menschheit den Krieg und sogar den Tod erklärt, einer der Protagonisten des Stücks, teure Anlage. Vielleicht war die offensichtliche Kritik an Hitler und Goebbels der Grund, warum das Stück nie aufgeführt wurde..

Die Originalpartitur, geschrieben für 13 Werkzeuge, bietet eine intimere und kammerhaftere Version als die, die wir im Teatro Real gehört haben. Die Orchestrierung, erstellt von Pedro Halffter im Auftrag von Joan Mataboch, es ist übertrieben und etwas oberflächlich. Vielleicht üppige Musik in metallischen und kalten Klängen, das bricht mit der persönlicheren und einfacheren Atmosphäre, mit der der Komponist die Umstände seiner Komposition widerspiegelt.

Als Prolog zum Kaiser von Atlantis, Er bot sich an Cornet Christoph Rilkes Lied von Liebe und Tod, für Erzähler und Orchester mit Musik von Ullmann selbst. Die Schauspielerin Blanca Portillo ist verantwortlich für die Erzählung, und er tut dies mit einer solchen Brillanz, dass es fast die ungeschickte Bühnenarbeit von macht Gustavo Tambascio und Ricardo Sánchez Cuerda. Blanca Portillos kraftvolle Sprachprojektion, grundlegende und seltene Qualität unter spanischen Schauspielern, macht eine übermäßige Verstärkung unnötig.

Diesem ersten Prolog folgt Adagio in Erinnerung an Ana D. und die kleine Ouvertüre für "Der Kaiser von Atlantis". Beides basiert auf Bewegungen des Klaviersonate Nr. 7 von Viktor Ullmann, mit Musik des Komponisten und Orchestrierung von Pedro Halffter. Diese Arbeiten wurden von unnötig erklärenden Projektionen zum Thema der Nacht begleitet.

Die Szenografie von Gustavo Tambascio ist etwas verwirrend. Die Charaktere befinden sich manchmal außerhalb eines Kontexts, der sie definiert und beim Einstellen der Szene hilft. Besonders beim Auftritt auf der Bühne wurde darauf hingewiesen, nicht ohne Schwierigkeiten, von Sonia de Munck como Bubikopf. Das Gewicht seines großen Kopfschmuckes machte es schwierig zu wandern. Manchmal Sänger, Sie müssen nicht nur gut singen, Sie müssen auch die Schwierigkeiten der Regisseure überwinden. Was manchmal die Qualität der Sendung beeinflusst.

Alejandro Marco-Buhrmester, als Kaiser insgesamt, leuchtete im interpretierenden Teil. Seine Stimme ist genug für den Charakter, obwohl es viel Gola gibt.

Die Haupttrommel wurde bei dieser Gelegenheit von der Sopranistin aus Saragossa gespielt Ruth Iniesta. Ihre Lautstärke ist unbestreitbar und sie beschloss bereitwillig, in letzter Minute für diese Rolle einberufen zu werden..

Torben Jürgens es war beängstigend mit seiner außergewöhnlichen Charakterisierung des Todes, unterstützt von seiner eindringlichen Bühnenpräsenz und seiner tiefen Bassstimme. Sein Charakter ging vom Bösen zum Guten über, als er dem Kaiser seine Zusammenarbeit verweigerte, um das Massaker zu beginnen.

Das beste und am meisten applaudierte der Nacht war Martin Winkler Como-Lautsprecher. Mit einer hervorragenden Phrasierung und einer strahlenden Interpretation voller Absicht und Energie, Setzen Sie die Ironie und Schärfe, die in dieser Arbeit verborgen ist.

Das Ende, mit dem Bild im Hintergrund der Juden, die die auszurottende Gaskammer betreten, spiegelt an sich die gesamte Tiefenladung wider, die in der Arbeit und in diesem gesamten Zyklus enthalten ist, so richtig, zu dieser Zeit in der Geschichte Europas.

Viktor Ullmann (1898 - 1944)
Der Kaiser von Atlantis oder Der Todt dankt ab
Oper in einem Akt mit Libretto von Peter Kien
Uraufführung im Theater Bellevue in Amsterdam am 16 Dezember 1975, nach Kerry Woodwards Version.
Weltpremiere der erweiterten Revision für großes Orchester von Pedro Halffter (2015)
Neue Koproduktion von Teatro Real, das Maestranza-Theater in Sevilla und der Palau de les Arts Reina Sofía in Valencia.

Vorwort: Cornet Christoph Rilkes Lied von Liebe und Tod, für Sprecher und Orchester (1944). Musik von Viktor Ullmann, Text von Rainer Maria Rilke, Spanische Version von Jesús Munárriz, Henning Brauel Wiederaufbau, Erzählung von Blanca Portillo.

Adagio in Erinnerung an Ana D.
Basierend auf Sätzen aus der Klaviersonate Nr.. 7 de Viktor Ullmann (1944 / 2015), Musik von Viktor Ullmann und Pedro Halffter, Pedro Halffter Orchestrierung

Kleine Ouvertüre für "Der Kaiser von Atlantis"
Basierend auf Sätzen aus der Klaviersonate Nr.. 7 de Viktor Ullmann (1944 / 2015), Musik von Viktor Ullmann und Pedro Halffter, Pedro Halffter Orchestrierung

Der Kaiser von Atlantis, AUF. 49
Musik von Viktor Ullmann
D. Musical: Pedro Halffter
D. Szene: Gustavo Tambascio
scenographer: Ricardo Sánchez Cuerda
Kostümbildnerin: Jesus Ruiz
Illuminator: Felipe Ramos
Besetzung: Alejandro Marco-Buhrmester, Martin Winkler, Torben Jürgens, Roger Padullés, Albert Casals, Sonia de Munck, Ana Ibarra.
Leiter des Royal Theatre Orchestra
Schauspieler: Helena Dueñas, Javier Ibarz, Rodrigo Poisón, Lander Otaola, Elena Gonzalez, Ainara Arístegui, Resu Morales, David Tenreiro, Fernando Ustarroz.
Ballerinen: Platzhalterbild von Cristina Arias, Carmen Angulo

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

Gerhaher

Es war das achte Mal, Christian Gerhaher Er beteiligte sich an der Liedzyklus CNDM in Teatro de la Zarzuela. Dieses Mal spielen Winterreise (Winterreise), dass Franz Schubert komponiert 1827 für Gesang und Klavier. Darin drückt die Gefühle eines Walking durch eine Winterlandschaft und frigide, nach der Ablehnung seines geliebten Lernen. Lokalisiert seine Melancholie durch eine Reise, in der es nur Verzweiflung.

Weg von seiner Familie, kein stabiler Partner, krank und ohne jeden Erfolg als Komponist erreicht zu haben, Schubert übermittelt durch diesen Satz von 24 Songs die beiden wichtigsten Themen der Gedichte Wilhem Muller, die Fahrtrichtung und Einsamkeit. Und es tut dies durch eine intime Reise, die die äußere Landschaft als seine Hauptachse verwendet, Natur, als Symbol für seine eigene Innen. Der Winter ist hier die Beschreiber Element der tiefsten und dunkle Gefühle. Er spricht eindeutig von Tod. Der Tod stolzierte ihn und er kam, um diese fast nachgelassenen Werk gerade veröffentlicht wurde.

Schubert markiert den Klavierpart und beseitigt jede Art von Schmuck Vokal. Einfachheit, nicht Einfachheit, Sie sind ein gemeinsames Element in dieser Arbeit zu markieren. Dies ist, wo Gerhaher eine Eindämmung frei von jeglicher Überschuss dramatischen Dramatisierung fügt. Die Vertiefung der Nüchternheit der zerrissenen Gefühle.

Diese Art von Zusammensetzungen, scheinbar einfache, Sie erfordern eine raffinierte Instrumentaltechnik. Und Christian Gerhaher eines seiner besten Vertreter heute. die obrigkeitliche Einfluss sowohl Fischer-Dieskau, als Elisabeth Schwarzkopf und es ist die Entwicklung seiner Stimme klar und die Fähigkeit, in Arbeiten wie kommunikative Nachfrage nach ihren Einschluss zu nuancieren. Änderungen in Ton und Dynamik perfekt durch einen Gerhaher ausgedrückt, die seine ernsthafte perfektioniert hat und regelt die Lautstärke und Klangfarbe ändert sich sicher und korrekt. Als er demonstriert in Irrlicht (Fuego Narr) log, wo die Amplitude und Transit Tonalität schweren akuten und fortes an empfindlichen Klaviere erfordert.

begleitet von Gerold Huber, zwischen den beiden intimen Dialog zwischen Stimme und Klavier mit Schubert festgelegten Rahmen erarbeitet Winterreise. Eine innere Reise, bei der das Drama der mentalen Prozess nur zu nichts führen kann. In absoluten Einsamkeit der Komponist selbst.

Es war eine Stunde und eine Hälfte, in der Gerhaher 00.59 abgespult diesen 24 Nettigkeiten del Romantik. Er bot keine Zugaben, Sie waren nicht notwendig. Nichts war zu dieser Stunde fehlt und eine Hälfte eines inneren Erinnerung an, wie tief man bekommen kann genießen.

https://youtu.be/dIwo6cxcWDE

Angela Denoke

Das Rezital der deutschen Sopranistin Angela Denoke in Teatro Real letzte 15 Juni, war zweifellos die perfekte Ergänzung zu Moses und Aaron von Schönberg, Der Kaiser von Atlantis von Viktor Ullmann und Brundibár von Hans Krasa.

mit der Tanzen auf dem Vulkanzyklus, Das Königliche Theater hat wert interwar Musik und Komponisten gewesen, Kapitän von Kurt Weill, Sie versuchten, diese Musik beiseite zu legen, die mit dem Wagner-Schmerz der Zeit belastet war, und heben Sie die spielerischere Seite einer Musik hervor, die das tägliche Leben unter dem Namen erzählt Gebrauchmusik, Nutzungsmusik.

Sehen Sie den Krieg und die Wirtschaftskrise aus satirischer Sicht, war eines der Ziele dieser Gruppe von Komponisten, die im letzten Jahrzehnt des 19. Jahrhunderts geboren wurden, dass sie nach ihrer Arbeit in den Berliner Kabaretts in den 1920er Jahren ins Exil in die USA mussten, außer Weill, Sie kehrten nach dem Krieg nach Europa zurück.

Auf der Bühne, eine elegant elegante Angela Denoke, lebendige und leuchtende Stimme, war Regalarbeiten von Weill, Walter Kollo, Werner Richard Heymann, Hanns Eisler, Friedrich Hollander und Mischa Spoliansky.

Sie wurde von Hochhausmusikern begleitet. Auf dem Boden, der auch israelische Komponist tal Balshai. Klarinette und Saxophon vom Deutschen Norbert Nagel und der New Yorker, koreanischen Ursprungs, Tim Park, zum Cello.

Besonders zu erwähnen ist Reinhard Bischel, Wer hat ein Lichtdesign und Projektionen gemacht, die dazu beigetragen haben, diese dekadente Atmosphäre des Berliner Kabaretts zu schaffen?. Das Endergebnis war ein exquisiter Abend, an dem nur ein eisiges Publikum abwesend war, der nur in der letzten Runde des Applaus erschien.

Susan Graham

Es war der letzte Erwägungsgrund des Zyklus Real Voices, und diesmal verantwortlich für die Mezzosopranistin Susan Graham. Geboren in New Mexico, Graham hat große Unterschiede bei den beiden amerikanischen Diven, die es in den letzten Tagen in Madrid vorangegangen sind,. die erste, Eleganz, reagiert damit auf die Kanonen und pragmatische Wege der lieder singen dieser. Nichts zu tun, beispielsweise, mit dem Klatsch Renée Fleming.

Der nächste Unterschied ist die Wahl des Repertoires. Sehr erfolgreich in der Vorbereitung, Ihre Disposition und Kriterien, das erklärte Graham selbst, sobald sie auf die Bühne trat, in perfektem Spanisch und auf unterhaltsame und lehrreiche Weise. Ein Programm, das von Liebesliedern aus repräsentiert wird 17 verschiedene Komponisten, in thematische Blöcke unterteilt und perfekt ausbalanciert. Ein Repertoire, das genau auf die Eigenschaften Ihrer Stimme abgestimmt ist, hell in den Höhen. Mit exquisiten Klavieren und weichem Bass ist das schwieriger zu handhaben.

Das Publikum genoss eine herzliche und delikate Aufführung. Dramatisieren Sie jede Phrase und geben Sie ihr das genaueste Gefühl für jedes Wort, jede Note. Eine timbred Stimme mit einem gut unterstützten Zentrum, um mit Absicht und Subtilität zu füllen Filatos entmutigender. Von Anfang an mit “Seit ich ihn gesehen”, bis zu einem heiklen Ende mit “Nun hast du mir den ersten Schmerz getan”, beide Werke Robert Schumann.

Sie wurde auf dem Klavier begleitet von Malcolm Martineau. Zu jeder Zeit meisterhaft, besonders in dieser Intuition, wenn es um Begleitung geht, nicht nur in Tempis, aber in Gefühlen und Köstlichkeiten zusammen auszudrücken.

Ein großartiges Saisonende für diesen Zyklus, der mit einer Hoffnung endete “Hallo junge Liebhaber”. Wir werden jung sein, solange wir lieben. Und freuen uns, diese Displays von unendlicher Sensibilität zu besuchen.

Moses und Aaron

die Teatro Real beschlossen, den zweiten Teil seiner Saison einem einzigen roten Faden zu widmen, der zwischen der Zeit zwischen den Kriegen und den Auswirkungen auf den künstlerischen Ausdruck der Leidenden verläuft. Einer dieser Protagonisten war der Komponist Arnold Schönberg dass, durch die Verfolgung der Juden beeinflusst, Er entschied sich, den Glauben ihrer Vorfahren zu umarmen. Dafür ließ er sich vom Buch Exodus der Bibel inspirieren und stellte die komplexeste Musik auf, die bis zu diesem Moment geschrieben worden war. Erstellen “Moses und Aron”.

Ein immer unzufriedener Schönberg, entschlossen, neue Ausdruckssysteme und Schöpfer des Zwölftons zu finden, komponierte ein Werk mit der Freiheit derer, die sich nicht den Konventionen verpflichtet fühlen, noch vorbehaltlich Bestellungen oder Zeiten. Eine Arbeit, die nicht für eine Premiere gedacht ist, sondern für die eigene Freude und das Experimentieren.
Das Ergebnis ist eine teuflische und hohe Punktzahl, aber auch unvollendet, weil die Musik des dritten Aktes anhängig war.

Schönbergs Bedürfnis, neue Ausdrucksformen zu entdecken, es sollte, vielleicht, zu den Schwierigkeiten, die ein Künstler immer findet, um sich auszudrücken. Diese Schwierigkeiten können eine autobiografische Anmerkung sein. In seinen frühen Tagen war er ein romantischer Komponist, bevor er als natürlicher Abschluss seiner musikalischen Entwicklung den Zwölfton erreichte.

Es war das erste Mal, dass Schönberg arbeitete, Moses und Aaron, wurde im Teatro Real durchgeführt. Wir werden die Konzertversion, die in angeboten wurde, nicht berücksichtigen 2012 unter der Leitung von Sylvan Cambreling.

Ich kann nicht sagen, ob Moses und Aaron unvollendet sind oder, einfach, es ist endlos. Romeo Castellucci bringt uns auf die Spur dieser Möglichkeit, das hat als Referenz genommen, um die Szenografie zu schaffen, dass der dritte Akt musikalisch nicht existiert.

Der kluge Vorschlag von Castellucci, das befasst sich mit den intellektuellsten Aspekten der Arbeit, platziert das Wort und sein Konzept in seinem Epizentrum. Sowohl als Paradigma der Kommunikation als auch, vor allem, seine Schwierigkeiten und die mit dem Missbrauch von Kommunikation und Bildern verbundenen Risiken. Als metaphorisches Beispiel für diese Schwierigkeiten, dienen dem Effekt, der durch die Projektion auf die Leinwand erzeugt wird, die die Szene von Wörtern abdeckt, die eine solche Geschwindigkeit erreichen, dass sie zwingen, wegzuschauen. Einige Konzepte, die in der Arbeit angesprochen wurden, Denken Sie daran, basierend auf dem Alten Testament, Sohn, auch, von einer erstaunlichen Aktualität, als "Stadt", "Exodus", diese periodischen Wanderungen auf der Suche nach gelobten Ländern, "Götzendienst", sogar "Wüste".
Die Szenografie ist von unbestreitbarer Plastizität. Während des ersten Teils, Eine weiße Chiffon-Kulisse schafft eine schneebedeckte Atmosphäre, der Leere und Stille, Danach werden die Silhouetten des Chores beim Singen "Ihr Gott kann uns nicht sichtbar machen" kaum wahrgenommen.. In einer perfekten Symbologie der Wüste als Bedingung menschlicher Erfahrung.

Die Orgie-Szene des Dorfes, von exquisiter Schönheit, dient als eleganter Übergang zu einem zweiten Akt, in dem Weiß ist, wörtlich, schwarz gefärbt.

der Staffelstab Lothar Koenigs ist der Schlüssel in all dieser Produktion. Ihre Fähigkeit, diese Rhythmen von Intervallmelodien zu interpretieren, wo die Hierarchie nicht existiert und jede Note unabhängig von der daneben ist. Es ist absolut aufschlussreich. Sein tiefes Wissen über die Partitur und was sie inspiriert, setzt den Akzent auf Musik, und nicht was dahinter steckt, wie es der Wunsch von Schönberg selbst war. Die musikalische Darbietung, die Sie vom Orchester erhalten, die Ausdruckskraft, die erreicht wird, sowohl das Orchester als auch der Chor, sind zweifellos das große Erfolgsgeheimnis dieser Produktion.

Der deutsche Bassbariton Albert Dohmen komponiert einen etwas strengen Moses, besessen von seiner eigenen Verantwortung und makellosem Timbre. Fantastisch behandelt das gesprochene Lied, das der Sprechgesang ist.

Ganz im Gegenteil ist der Charakter von Aaron, gespielt vom britischen Tenor John Graham-Hall-. Sein Charakter ist viel selbstgefälliger und spekulativer. Mit einer etwas schrillen Stimme und irgendwann unangenehm, aber notwendig, um einen grundsätzlich oberflächlichen Aaron darzustellen.

Zusammen mit diesen beiden Hauptfiguren ist der dritte Protagonist, das Volk Israel, Aufgeführt vom Titelchor des Theaters, unter der Leitung von Lehrern Andrés Máspero. 12 Monate des Testens haben zu diesen mehr als geführt 80 Komponenten, um der dämonischsten Partitur zu begegnen, die auf herausragende Weise für die Stimme geschrieben wurde. Ich kenne immer noch die Zwölftonskala, Ich fühlte mich nicht in der Lage, eine einzige Note von dem zu reproduzieren, was ich gerade gehört hatte, angesichts der großen Komplexität dieser Partitur. Die Qualität dieses Chors liegt weit über der der oben genannten Version von 2012, interpretiert, sicher, von einem ausländischen Chor. Seine langen Reden wurden mit Genauigkeit und Mut angegangen. Diktion, einwandfrei.

Die Tatsache, dass eine Zwölftonoper das Publikum nicht schockiert und aufgeregt lässt, Es ist zweifellos ein Punkt, den das Theater treffen sollte und der in dieser Saison überrascht hat, Sehr angenehm, mit einigen unerwarteten Titeln. Besuchen Sie die Oper und die erfolgreichen Nebenaktivitäten, für etwas anderes zu genießen, muss das Ziel eines jeden Theaters sein. Und das Royal Theatre trifft diese Linie.

Moses und Aron
Arnold Schönberg (1874-1951)
Oper in drei Akten
Libretto vom Komponisten,
basierend auf dem Buch Exodus in der Bibel
Uraufführung im Stadttheater in Zürich in 1957
Premiere am Königlichen Theater
Neue Produktion von Teatro Real. in Koproduktion mit der Opéra National de Paris. In Zusammenarbeit mit National Heritage.
Teatro Real in Madrid 1 Juni 2016
D. Musical: Lothar Koenigs
D. Szene, scenographer, Kostümbildnerin und Beleuchter:
Romeo Castellucci
Stellvertretender Direktor: Silvia Costa
Coiluminator: Marco Giusti
Choreograf: Cindy van Acter
Dramatiker: Piersandra Di Matteo, Christian Longchamp
Video-Maker: Luca Mattei
D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Albert Dohmen, John Graham-Hall-, Catherine Wyn-Rogers, Antonio Lozano, Michael Pflumm, Oliver Zwarg, Andreas Hörl, Julie Davies, Beatriz Jimenez, Anaís Masllorens, LAura Vila, Pilar Belaval, Cristian Diaz Navarro, John Heath, Beatriz Oleaga, Manuel Rodriguez, Cristina Tejeiro
Orchester und Chor der Königlichen Theater Schlagzeilen

Parsifal am Teatro Real

Parsifal, letzte Komposition Wagner, Er wurde von seinem Exklusivvertrag freigegeben mit Bayreuth die 31 Dezember 1913. In der gleichen Nacht Premiere in der Gymnasium Barcelona und am nächsten Tag Teatro Real Madrid. in turbulenten Zeiten Geschrieben, perfekt spiegelt eine zerstörte Welt und die Notwendigkeit, eine befreiende Ausgang oder so etwas wie ein Messias zu finden. Amfortas der Befreier, der mit seiner ritterlichen Bruderschaft sucht, ist Parsifal, der Narr, der seinen Namen nicht kennt und kommen nur zur Weisheit durch Mitgefühl. Wagner ist wieder ein Visionär seiner Zeit voraus, denn wir alle wissen, die Ereignisse nach 1914.

Deshalb intelligente Produktion Claus Guth von Zauberberg inspiriert Thomas Mann, Es ist genauso relevant und sachdienlich. in der Zwischenkriegszeit entfernt, ein Krankenhaus ist die perfekte Kulisse, die Folgen der Ereignisse zu berücksichtigen, die die europäische Gesellschaft der ersten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts geprägt. Ein Ort, wo Krankheit und Tod, die großen sozialen Widersprüche reflektieren, politische und moralische der Zeit.

Guth verwendet diese Landschaft die gleiche Paradigma auszudrücken. Diese permanente Wunde Amfortas ist die Metapher von Europa nach der Verletzung Erster Weltkrieg. Szenografie durch Projektionen dargestellt Bilder zeigen, die uns betreffen, und wir sind unbequem. Dieser Parsifal Claus Guth Herausforderungen direkt mit uns und lädt uns zu reflektieren. Sehen als alles beendet, Änderungen oder kathartische Führer sucht, kann zu unsicheren Orten führen. und Alpträume, wie Träume, manchmal auch trafen sie.

Ein ausgezeichneter Drehscheibe bietet Räume, in denen die verschiedenen Formate entwickelt werden. Wieder ein Strom ohne Anfang und Ende.

Parsifal kann nur das Endprodukt eines Genie Wagner. Und es ist. Musik fließt permanent und die Vorstellung von Raum-Zeit unterscheidet sich von herkömmlichen Konzepten. Musikalische Leitung für, Semyon Bychkov, „In dieser Arbeit wird der Schlüssel für die Schwere im Zusammenhang. Diese wichtigsten Änderungen, daß in einem zweiten auftreten, Schwerkraft ist als Verlust von. Als ob wir in einer anderen Galaxie waren, aber nie wussten, in der ".

Diese kontinuierliche Weiterentwicklung von Gründen macht die Musik fließt kontinuierlich ohne ersichtlichen Anfang oder Ende, immer unterstützt durch die leifmotiv Begleit Charaktere und Situationen.

Die musikalische Richtung durch Semyon Bychkov, die perfekt kennt diesen kontinuierlichen Fluss des Schall lesen, gibt, von der Ouvertüre, die Balance, die verschiedenen Orchesterstimmen erfordern, die diese architektonische Punktzahl besitzt. Es war kraftvoller Sound von einem Orchester erreicht, die Antwort auf alle Indikationen Lehrer russischer Herkunft gab. Spielte mit Transparenz und Zartheit nur durch die Leichtigkeit angepasst, mit dem es ausgeführt wurde. Spannung, die durch die Seile erreicht, Sicherheit und Präzision Metall Hölzer erzeugen eine solide und flexible Klang. Die erzeugte Atmosphäre hätte man von den Wünschen der Bychkov erfüllt, weiterhin in dem vierten und fünften Akt, ein Ende zu verlängern, die nicht vorhanden.

Auf der Bühne lief eine ungleiche Verteilung der rotierende Guth den Rhythmus vorgeschlagen, der eine ausgezeichnete Richtung der Akteure gekennzeichnet.

Christian Elsner Parsifal war ausdruckslos und interpretierende Einschränkungen. Issuance große Anstrengungen erforderlich, und war mehr als genug von Nasallauten. Er verteidigte seinen Charakter mit einer gewissen Würde, sondern wurde durch das Orchester mehrfach verschlungen. Seine Ungeschicklichkeit auf der Bühne ruiniert den Helden, interpretieren muss, vollständig von der Entwicklung eines Charakters mit vielen Schattierungen bleiben weg.

Deutsch Sopran Anja Spiele, einer der meistgesuchten Wagnerianer Stimmen heute, Kundry bot eine hervorragend angeliefert und interpretiert in verschiedenen Profilen seinen anspruchsvollen Charakter. Deviled Registrierungsänderungen werden aufgelöst, ordnungsgemäß, mit einigen stridency. Besonders im zweiten Akt. Am Bass und Mittel würden sie in Ordnung gewesen, ein wenig mehr Kraft, um den dunkelsten Kundry zu bauen. Aber alles in allem seine Leistung war hoch.

Franz-Josef Selig, mit einer eleganten Linie des Gesangs, gemeißelt ein Gurnemanz maßgebliche und starke Bühnenpräsenz, gut durch die Bühnenanweisung ausgebeutet. Er bot einen guten ersten Akt, mit einer gut abgegrenzte phrasing und Klangfarbe der Stimme und heftigen Rundes. Aber seine Leistung war über und endete verdünnt wird, es sei denn ein Teil.

Der deutsche Bariton Detlef Roth er spielte eine dramatische Amfortas und zerrissen. Aber seine Stimme begleiten nicht die Interpretation, und die Unfähigkeit, die extremsten Register zu erreichen, die Schwierigkeiten verbunden, seine Stimme die innere Angst des Zeichens auszudrücken.

kroatisch zu Jerkunica, als Titurel, Es exibió eine der interessantesten Instrumente Nacht, mit ei