Don Carlo
Giuseppe Verdi (1813-1901)
Oper in fünf Akten
Joseph Mery Libretto dort Camile Le Locle, basierend auf dem Spiel Don Carlos, infant von Spanien (1787) de Friedrich Schiller, in Italienisch von Achille de Lauzières und Angelo Zanardini.
2 Oktober, Teatro Real in Madrid
D. Musical: Nicola Luisotti
D. Szene: David McVicar
scenographer: Robert Jones
Kostümbildnerin: Brigitte Reiffenstuel
Illuminator: Joachim Klein
Choreograf: Andrew George
Dramaturgin: Maite Krasting
D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Michele Pertusi, Andrea Caré, Simone Piazzola, Rafal Siwek, Fernando Rado, Ainhoa ​​Arteta, Silvia Tro Santafé, Natalia Labourdette,
Moses Marin, Leonor Bonilla, Mateusz Beware, Cristian Diaz,
David Sanchez, Francis Tójar, David Lagares und Luis Lopez NavarroLas Intrigen des spanischen Hofes haben immer eine Quelle der Inspiration für Schriftsteller und Musiker gewesen. Besonders gefüttert diejenigen, die durch die „schwarze Legende“, die vor allem kamen aus England, die rivalisierenden spanische Macht zu der Zeit geschnitten. Y a Friedrich Schiller, Autor der Arbeit am Libretto von Joseph Méry und Camille du Locle interessierte ihn mehr als die sagenumwobene Legende real.Verdi Geschichte nicht diese Faszination entziehen basiert. Sie interessieren sich für das Thema nach einem Besuch während seines Aufenthalts in Madrid zum Escorial, er dachte, dass Don Carlo auf die Anfrage der Pariser Oper für die Feier der Weltausstellung reagieren konnte 1867. Ein Thema wie dieses war perfekt für die Öffentlichkeit in Paris, Liebhaber der großen Französisch Oper, mit einem spektakulären Landschaft und großer Intensität dramática.Pero, trotz des Einsatzes von Ressourcen für seine Zusammensetzung, Verdi war mit dem Ergebnis nicht zufrieden. Konstante Modifikationen eingeführt. so viel, die erste Version von Don Carlo nie veröffentlicht. Nach der ersten Probe und vor dem zweiten, die große Anzahl von Änderungen in der Partitur gemacht resultierte in einer zweiten Version, der es bei dem Premiere 1867, bekannt als die „Paris-Version“ uraufgeführt .Había Zeit Oper in Italien, oder öffentlicher Geschmack Italienisch, ungewohnt fast endlose Arbeiten, noch die Fähigkeit, Theater, Sie reagieren auf die Anforderungen der Pariser Version von Don Carlo. Verdi habe dann beschlossen, einen drastischen Schnitt zu machen zu arbeiten, wodurch der italienischen Pragmatismus. Dann kam die „Milan Version“ 1884, in denen verzichtet es mit den Balletten und dem ersten Akt, el Fontainebleau. Dies war bisher, die Version vertreten España.es 1886 Verdi überarbeitet wieder die Arbeit. Die Unterdrückung des ersten Aktes links einige Lücken in der Erzählung. Er entschied sich Fontainebleau wieder einzusetzen. Es ist nicht umsonst in diesem Akt, in dem das Hauptthema der Arbeit vorgeschlagen, die innersten Gefühle der Charaktere, treffen, um ihre öffentlichen Aufgaben. geboren dann, "Version von Modena". Welches Teatro Real in dieser Saison erholt.

Die Landschaft ist abstrakt, David McVicar sehr typisch, was wir erinnern an die Torsion und die neueste Gloriana, ambas Briten. Die Bühne wird von Axel Weidauer zurückgesetzt worden, rechtfertigen die Landschaft der Autor des Librettos zitieren, Friedrich Schiller: „Die schönsten Träume sind diejenigen, die im Gefängnis sind“. Und sicherlich hat dieser Satz die Szene, bis eine beklemmende und klaustrophobische Atmosphäre inspiriert. Es bestehen nur aus grauen Backsteinstrukturen, deren leichte Bewegung schafft neue Räume, in denen sich nichts ändert. Nur ein paar symbolische Elemente nehmen uns hinter der Bühne.

McVicar verwendet immer die Kostüme als grundlegendes Element der Kontextualisierung der Arbeit. Seine historische Strenge und die außergewöhnlichen Kostüme von Brigitte Reiffenstuel sind ganz erinnert an den historischen Moment zu leben Zeichen. Es ist ein perfektes Fahrzeug zwischen Geschichte, die die Arbeit und moderne und vielseitige Landschaft erzählt.

Die musikalische Leitung war für Nicola Luisotti. Bei ihm klingt das Orchester wie Verdi. manchmal, zu. Die Lautstärke war oft übertrieben und etwas umständlich. Vielleicht ist es das, warum die besten Momente des Orchesters diejenigen waren, die mehr Ausdruckskraft erforderlich. Es war weniger mehr in seine Richtung und schaffte den Puls bis zum Ende zu halten. Holen Sie sich ein gutes Maß an Theatralik und narrative Kontinuität, die die Arbeit der Sänger erleichtert.

Der Chor war ein wichtiges Element in Dramaturgie. Figuren und den perfekten Sound eingestellt, die das Herz des ganzen Raum vibriert.

Die Stimmen wurden von Don Carlo Andrea Caré geführt. Seine Leistung war auch niedrig bis hoch. Es begann mit einem etwas unhöflich Lisp klarte, in einer guten Formulierung führt, die eine schöne und homogene Klangfarbe hervorgehoben. Ausdruckskraft, vokale und szenische, Es war fast nicht existent.

Isabel de Valois Ainhoa ​​Arteta war in großer Höhe. seine Stimme, immer hörbar und timbrada, ein Charakter erlitt in den intimsten und voller Würde und Feierlichkeit in ihrem institutionellen Teil abgegrenzte, dank, vor allem, seine außergewöhnliche Bühnenpräsenz. Er spielte seine Elisabetta mit Eleganz und Musikalität und leuchtet in den Mittelstimmen.

Das immer Lösungsmittel Silvia Tro, Ich wusste, dass Ihre Prinzessin Eboli ferne Kälte geben, die angeblich. Anmeldung unterhält eine umfangreiche Tour, die ihm erlaubt, eine akute tessitura manchmal zu Angesicht, aber auch Rauschen ernsten Charakter in „O don fatale“ anspruchsvoll.

Filippo II von Michele Pertusi hatte seine größten Qualitäten bei der Auslegung und Formulierung absichtlich. Aber das Volumen seiner Stimme und nicht ausreichend ernst, Sie verwischt teilweise ein Zeichen, Rundheit zu fragen mehr Gesang und mehr psychologische Tiefe

Etwas Ähnliches geschah mit dem Großinquisitor von Rafal Siwek. Seine Anwesenheit in der Szene sah den Charakter, aber es ist sehr selten in vocal Begriffen.

Simone Piazzola gebar einen Rodrigo mit allen seinen Qualitäten der Loyalität und Kameradschaft an seinen Freund, Infant. Er hatte Momente der Inspiration und Phrasierung mit Geschmack, insbesondere in Duetten und zum Zeitpunkt seines Todes.

Die Tybalt Natalia Labourdette war fast unbekannt. Zwischen dem Volumen des Orchesters und seiner Stimme, Wir konnten kaum hören.

Eine sehr gute Standardinterpretation war Friar Fernando Radó. Und die flämisch Abgeordneten Mateusz Hoedt, Cristian Diaz, David S'nachez, Francis Tójar, David Lagares und Luis López Navarro.

Ein erfolgreicher Start der Saison mit mehr Show an den Ständen der Szene.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

DONIZETTI, HELL SCHLIESST DIE SAISON IN VALENCIANO PALLUCIA GAETANO di Lammermoor DAU DE LES ARTS.

Durch Diego Manuel García Pérez.

Die sechs Aufführungen von Lucia di Lammermoor, die in der Palau de les Arts genommen haben, Sie haben in einem großen Sieg in Folge. diese Oper, wahres Paradigma des Belcanto-Repertoires, und es wurde an diesem Theater vertreten, in 2010, mit großem Erfolg, vor allem durch das Vorhandensein, dann, junge georgische Sopranistin Nino Machaidze und italienische Tenor Francesco Meli. Die Leistungen sind in diesem Jahr von denen schritten, insbesondere für die hervorragenden Leistungen der anglo-australische Sopranistin Jessica Pratt, Chinesischer Tenor Yijie Shi und Alexander Vinogradov russischer Bass, neben der großartigen Leistung des Orchesters von Valencia, von Roberto Abbado gerichtet, die er als musikalischer Leiter der Palau de Les Arts entlassen, nach guter Arbeit, nicht immer erkannt. Eine weitere Attraktion dieser Lucia ist die -Fortunately- geeignete Landschaft zu der Zeit, wenn die Handlung entfaltet. und, als, die großartige Leistung des Chores der Generalitat, die zeigte wieder seine Qualität. Ein begeistertes Publikum applaudierte ausführlich und mit großer Kraft am Ende der Vorstellungen.

Lucia di Lammermoor ist die berühmteste Oper von Gaetano Donizetti, deren künstlerischer Output stuft siebenundvierzig von insgesamt sechsundsechzig Titeln, mit Noten erhalten. Jahr 1835 Es war besonders wichtig für die Welt der Oper, da die 24 Premiere Januar I Puritani, die letzte Oper von Vincenzo Bellini, die gestorben sind in 23 September dieses Jahres, nur drei Tage vor der Premiere von Lucia di Lammermoor, Teatro San Carlo in Neapel. Salvatore Cammarano dann künstlerischer Leiter dieses Theaters, Es wurde von Donizetti in Auftrag gegeben, das Libretto zu schreiben, die es auf dem Roman The Bride of Lammermoor von Walter Scott basiert, veröffentlicht in 1819, und was wird erzählt realen Fakten ereignete sich im August 1668, wo schottische Adlige seine Schwester gezwungen hatte, einen anderen edlen zu heiraten; sie war mit einem Feind von seinem Bruder in der Liebe, Steuer stach ihren Mann in der Hochzeitsnacht, denn dann mad. Im Gegensatz zu den neuen und Oper, der Mann überlebte und verhängte absolute Geheimhaltung Familie über alles, was passiert. Allerdings gab es allerlei Spekulationen und Geschichte von Familientradition am Leben gehalten wird und wurde von Walter Scott bekannt seinen Roman zu schreiben. die Premiere, Lucia di Lammermoor hatte außergewöhnlichen Erfolg, der bis heute ist nachhaltig. Die erste Lucia wurde von Fanny Tachinar-Persiani interpretiert, einer der berühmtesten Sopranistinnen der Epoche, dessen Tonumfang von lyrisch-Licht, Es erlaubt ihm eine volle Vokal- und interpretierende Display auf der großen Bühne des Wahnsinns zu machen, eine der großen Sehenswürdigkeiten des Belcanto-Repertoire aller. Edgardo Rolle wurde von dem großen Tenor Gilbert Duprez gespielt, der erste, der berühmte C4 auszustellen, mit Bruststimme.

Seit vielen Jahren wurde der Charakter von Lucia von Stimmen in einem leichten Überschuss interpretiert, mehr besorgt zeigen vocal Virtuosität, in dem Maße nicht Kadenzen von Donizetti geschrieben einwerfen, für lucimiento. Ya, im zwanzigsten Jahrhundert, Es Tondokumenten Licht Sopranistinnen interpretiert Lucia: Maria Barrientos, Amelita Galli-Curzi, Mercedes Capsir (Einheit mit größerer Stimm, und Dolmetscher in 1929, die erste Studioaufnahme dieser Oper), und vor allem die französisch-amerikanische Lily Pons, winzige Stimme, schön und eindringende Timbre, mit exzellenter Projektion, was sie in dem alten Metropolitan erfolgreich zu sein, große Theater, in dem seine Stimme leicht erweitert und wo war die offizielle Lucia seit seinem Debüt, in 1931, bis zu seinem letzten Auftritt, in 1958, in beiden Fällen mit diesem Zeichen, wer würde fast hundertfünfzig Aufführungen spielen in. Lily Pons konnte Stimm Fähigkeiten mit absoluter Beherrschung der Koloratur und besten oberen Register auszuführen, die gehalten, leicht, eine Stratosphären Notiz als MI5. Lily Pons Lucia spielte mit allen großen Tenöre seiner Zeit: Beniamino Gigli, Giacomo Lauri-Volpi, Giovanni Nelli y Esco Merli, mit jüngeren Stimmen wie Ferruccio Tagliavini und Giuseppe Di Stefano; und, vor allem, mit amerikanischem Jan Peerce und Richard Tucker, mit dem er ein Aufnahmestudio, in 1954. Es kann auf Youtube zu hören, in unterschiedlichen Interpretationen der Szene des Wahnsinns, sowie sein großes Duett des ersten Aktes Edgardo, aufgezeichnet in 1950, neben der schönen Stimme von Giuseppe Di Stefano. auch, in Akt II Duett mit Enrico, der große Bariton Leonard Warren gespielt. und, eine Kuriosität, Sie können auch voll auf Youtube hören, ein Schuss live von Fort Worth (Texas, USA), in 1962, wo ein Lily Pons, praktisch von der Bühne zurückgezogen, teilen Deal mit einem sehr jungen Placido Domingo einundzwanzig, die es bot seinen schönen Timbre und Interpretationsfähigkeit.

in 1952, Maria Callas uraufgeführt er von der Edgardo Lucia Di Stefano Giuseppe, am Teatro Bellas Artes in Mexiko-Stadt, neu zu erfinden den Charakter, gibt es eine dramatische Einheit bisher unbekannt, basierend auf seiner außergewöhnlichen Theater Fähigkeit, halten die Stimm Virtuosität, unter dem Begriff des dramatischen Soprans Agilität. zwei Studioaufnahmen gemacht von EMI erhalten: die erste, in 1953, mit dem Sänger an seinem besten Gesang Moment, junto a Giuseppe Di Stefano y la Orquesta de Maggio Musicale Fiorentino, Regie von Tullio Serafin, und die zweite, in 1959, mit dem Philharmonia Orchestra, auch durch Tullio Serafin gerichtet, neben Ferruccio Tagliavini Edgardo, mit dem Sänger und Gesang schlechteren Bedingungen, gibt einen Blick, zeitweise, intim und herzzerreißender Charakter. Es sollte angemerkt werden, um zwischen den beiden Aufnahmen ein Schuss leben, in Berlin 29 September 1955, Er hat vollständig in die Mythologie der Welt der Oper eingegeben, wo Callas bietet seinen herrlichen vocalism, mit einer beeindruckenden Leistung dramatisch, meisterhaft von Karajan gerichtet, vor dem RIAS-Orchester Berlin, Herstellung einer echten Symbiose zwischen Regisseur und Sänger; hier wieder mit Di Stefano und Giuseppe Enrico herrlichen Bariton Rolando Panerai Groß. Das berühmte Sextett am Ende des zweiten Aktes, vor dem kontinuierlichen Applaus, Es ist byssate. Diese Aufzeichnung kann vollständig in Youtuve hören.

Callas Zeuge nahm ihn die große australische Sopranistin Joan Sutherland up, Zentrum weit, gute Auswahl an schwerer und außergewöhnlichen Kapazität für Koloratur, mit einem perfekten Höhe und Höhen Emissions, aber nicht über die dramatische Fähigkeit, Callas. Er spielte zunächst in Covent Garden Lucia, in 1959 (Sie können voll auf Youtube hören, leben nehmen eine solche Darstellungen) und pflegen die Rolle in seinem Repertoire für 30 Jahre, zu sein, der mehrere Male hat es gespielt, mehr als zweihundert Darstellungen, mit großen Edgardos wie Alfredo Kraus, Luciano Pavarotti y Carlo Bergonzi. Markieren Sie ihre Studioaufnahmen für Decca, in 1971, Luciano Pavarotti neben einem von seiner besten Seite, zeigt seine schöne vocalism, Enrico mächtig Sherrill Milnes und die herrliche und ausdrucksstarke Interpretation von Nicolai Ghiaurov, como Raimondo, von Richard Bonynge führt das Orchester des Royal Opera House gerichtet. Ya, bei Fälligkeit, Er nahm an einer Reihe von Aufführungen an der Metropolitan, in 1982, von Richard Bonynge gerichtet, Edgardo neben Alfredo Kraus, vocalism und einwandfreie Leistung Stil. Eine dieser Darstellungen wurde in Video und DVD vertrieben von der Deutschen Grammophon aufgenommen. Parallel zu den Aufführungen von Lucia gemacht von Sutherland, Kreationen sind zwei andere Sopranistinnen prächtige: Renata Scotto und amerikanischen Beverly Sils, in den sechziger und siebziger Jahren des letzten Jahrhunderts, Auch neben Pavarotti Edgardos, Kraus und Bergonzi. später, Sie machten auch gute Kreationen Lucia, Edita Gruberova y June Anderson, obwohl niedriger als sopranos vorgenannten. Es sollte, dass in den letzten zehn Jahren darauf hingewiesen, war Jessica Pratt, die sehr brillant interpretiert er mehrmals Lucia, mit fast hundertfünfzig Aufführungen.

Der szenische Vorschlag, der in Valencia gesehen wurde, Es ist eine Koproduktion der Oper von Monte Carlo und dem New National Theater in Tokyo, von Jean Louis Grinda gerichtet. Die Sets entworfen von Rudy Sabounghi, klassische Charakter, im Einklang mit der Zeit findet die Handlung in dem späten siebzehnten Jahrhundert. In der ersten Szene kann es eine große von Wasser und Felsen in der Nähe von einem Strand, wo Enrico Ashton bewegen mit mehreren Soldaten und seine Schergen umgeben sein Norm, wer sagt er verschmitzt um einen Fremden wurde prowling gesehen, mit all dem Erscheinen von Edgardo di Ravenswood zu sein, der große Feind von Enrico Ashton. Verzierte für Änderungen eingeführt wiederholt eine Projektion einer Klippe, in den Wellen schlagen kann seinen maritimen Ton zu hören. In der zweiten Szene, das Geheimnis und leidenschaftliche Begegnung Lucia und Edgardo tritt in Gegenwart von Alisa, das Chaperon Lucia, in einer felsigen Enklave, wo eine alte Quelle liegt, einem gemalten Hintergrund, wo bedrohliche Silhouette des Schlosses von Ashton Jeder finstere Vorahnung erscheint! Akt II, Es findet in einem Satz, der den großen Saal des Schlosses wieder Ashton, und deren erste Szene Lucia und sein Bruder Enrico, die überzeugt mit schlechter Kunst seinen reichen Freund des edle Arturo Bucklaw zu heiraten; und, Castle Kaplan Raimondo Bidebent, Freund und Vertrauter Lucia, Er rät ihr, den Vorschlag seines Bruders zu akzeptieren. In der zweiten Szene, Anzahl der reich gekleidete Gäste (ausgezeichnetes Kostümdesign von Jorge Jara) Sie singen und tanzen die bevorstehende Ehe Bindung feiern; Hier können Sie die erfolgreiche Bühnenanweisung von Jean Louis Grinda gesehen werden, Bewegen vielen Extras. Das unerwartete Auftreten von Edgargo, ermutigt die brillante Sextett Lucia, Edgardo, Enrico, Raimondo, Alissa y Norm, wo, in einer anderen Ebene dramatisch, jeder drückt seine Gefühle, scenically sehr gut von Grinda gelöst. In dieser Produktion, zu Beginn des dritten Aktes, die Szene des Turms ist im Preis inbegriffen, auch mit maritimem Hintergrund, die oft oft weggelassen es eine weitere Veränderung der Landschaft zu vermeiden, und tatsächlich bricht die dramatische Kontinuität und ist nur für die Brillanz von Tenor und Bariton. Hier haben die angespannte Sitzung Edgardo und Enrico auftritt, kann ein Turm in Schutt und Asche sein, von den Wellen gepeitscht. In der zweiten Szene erscheint wieder die große Halle des Schlosses, wo die Hochzeitsgäste zelebriert von; das Fest wird durch die Anwesenheit von suspendierten Raimondo, die gibt die tragische Nachricht von Arthurs Tod in den Händen von Lucia im Ehebett. Die geisterhafte Erscheinung von Lucia, mit bloodied Brautkleid, beginnt die berühmte Wahnsinnsszene; Hier ist eine der besten szenischen Momente dieser Produktion erfolgt, wenn Lucia, suggestiver Modus, nimmt das Hauptthema seiner großen Duett up mit Edgardo, zurück in die Halle des Schlosses, die Dekoration der Brunnen-Szene. Am Ende der Oper eher eine romantische Landschaft gezeigt, mit maritimen Friedhof, wo liegen die Vorfahren von Edgardo, der Selbstmord begeht, nachdem den Trauerzug mit dem Körper von Lucia beobachten, in diesem Fall wirft Vakuum von einer Klippe.

Roberto Abbado wurde Verlassen des Palau de Les Arts Regie dieses Lucia, ein Werk, das alle Arten von Lob verdient, immer von der gleichen hervorragenden Schallöffnung mit einer imposanten Präsenz des Eileiters, sie werden in der ganzen Oper große Bedeutung haben. Bellísimo war die Orchesterbegleitung auf der ganzen großen Lucia und Edgardo Duett des ersten Aktes. Brilliant Orchesterklang im ganzen Akt II, in dem großen Duo Lucia und Enrico und, vor allem, in der Hochzeitsszene mit der Kombination von Orchester und Chor, was erreicht ihren Höhepunkt in dem berühmten Sextett und das Schließen stretta. Magnificent Orchesteraufführung, zu Beginn des dritten Aktes (Turm Szene), einen Sturm in Verbindung mit dem Klang eines tosenden Meer spielen. Ausgezeichnet die letzte Szene der Oper Eingabe mit einer Beerdigung Akkorde die tragischen Ereignisse ankündigen produziert werden. In der berühmten Wahnsinnsszene verwendet, um die glassarmonica (Glasharmonika), dass war zu hören, wenn das Spiel Donizetti uraufgeführt. Es ist ein Instrument von Benjamin Franklin in der Mitte des achtzehnten Jahrhundert geschaffen, durch eine Reihe von Gläsern und Glasröhren gebildet, auf Holzbasis, Emittieren eines charakteristischen Klang, suchen frotadas. Sehr lucida Intervention Sascha Reckert, ein Spezialist dieses Instruments, in der begleitenden Jessica Pratt, Er schaffte es, spektrale Sounds zu extrahieren, in perfekter Verbindung mit der Stimme des Sopranstimme. Abgesehen von der großen Leistung der vier Hörner, Bemerkenswert ist die große Harfe Solo Intervention vor der ersten Stufe Auftreten von Lucia, In der zweiten Szene des ersten Aktes. Ausgezeichnete Leistung des Cellos die Intervention von Edgardo um das Ende der Oper begleitet. Betonen Sie die versöhnliche Arbeit von Roberto Abbado sehr bewusst die Stimmen, Hervorhebung ihrer großen Beziehung mit Jessica Pratt, der in dieser Rolle mehrfach gerichtet hatte.

Große Leistung von Jessica Pratt, zeigt timbral Schönheit und große stilistische Meisterschaft des Belcanto-Repertoire, mit einer ausgezeichneten Linie von Gesang und große Fähigkeit, lange Sätze zu verbinden. Hervorhebungen seine Beherrschung der Mittelstimmen und Klang Vorschriften. Domain zeigt alle Datensätze, mit Farbhomogenität. Sie sind spektakulär und seine scharfen Höhen. und, vor allem, Es bietet eine perfekte Ausführung Agilität von seiner ersten Arie „Regnaba nel silencio“, gefolgt von der cabaletta „Quando, virtuosic rapito in estasi „Einführung Variationen in ihren Wiederholungs. dann, seine Interpretation wird im schönen Duett mit Edgardo Crescendo, besonders in seinem letzten Abschnitt wiederkehrendes musikalisches Motiv, das auf der Szene des Wahnsinns erscheint wieder, wo die Sopranistin bietet eine beeindruckende Auflösung von Koloratur. Ausgezeichnete chinesische Tenor Edgar Yijie Shi, mit großer stilistischer Meisterschaft und ausgezeichneter Gesangslinie, obwohl sein Timbre ist nicht zu attraktiv, Es ist ein großer Sänger, Es bietet eine intensive Phrasierung und kontrastiert, mit großer Beherrschung aller Datensätze, ausstellenden einen großartigen acute Streifen. Hervorragende Interpretation der großen Duett mit Jessica Pratt. Es zeichnet sich durch stark, in seiner letzten Szene gibt seinem Gesang pathetische Akzente. Es ist auch in seinem Duett mit Enrico Ashton von Bariton Alessandro Luongo spielte prächtig, deren Stimme Leistung deutlich unter den Hauptfiguren, mit wenig Befehl des Belcanto-Stil. Eine echte Schande, weil Enrico ist ein Zeichen für Bariton absolute Brillanz, mit großen Momenten wie seine große Szene zu Beginn der Oper oder das große Duett mit Lucia Act II, wo, mit der Leistung von Jessica Pratt verglichen, Sie können alle ihre Grenzen überprüft werden. Ausgezeichnete Russe Alexander Vinogradov günstig wie Raimondo, bietet eine leistungsstarke vocalism, das Duett mit Lucia hervorheben und vor allem in seiner großen Solo Intervention „Ah! Cease, dass glücklich ". Ausgezeichnete Leistung des jungen baskischen Tenor Xabier Anduaga als Arturo sposino, deren prächtiger vocalism Auguren eine glänzende Zukunft Karriere. Bien Hälfte der rusa Olga Syniakova, wie Alisa. Korrigieren Sie den Tenor Alejandro del Cerro als Normanno. Magnificent Interpretation der berühmten Sextett, gefolgt von „stretta“, die er kommt zu dem Schluss Act II, wo die Stimme von Jessica Pratt, ergibt sich stark aus dem Chor und Solostimmen.

Der Chor der Generalitat angeboten, eine große Leistung, insbesondere in Akt II, wo seine Leistung schien hoch, sowie die Einführung der Wahnsinnsszene, und um das Ende der Oper. schließlich, Lucia di Lammermoor erinnern.


 

Il Trovatore brennt en el Teatro Real
Il Trovatore
Giuseppe Verdi (1813-1901)
Dramma in vier Teilen
Salvadore Cammarano Libretto, basierend auf dem Spiel
die Troubadour (1836) von Antonio García Gutiérrez
D. Musical: Maurizio Benini
D. Szene: Francisco cisco~~POS=HEADCOMP Negrin
Bühnen- und Kostümbildner: Louis Désiré
Beleuchtung: Bruno Poet
D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Faser Gerzmava, Artur Ruciński, Marie-Nicole Lemieux, Piero Preti,
Roberto Tagliavini, Cassandre Berthon, Lara Fabian, Moses Marin, Sophie Garagnon
El Teatro Real estrena Il Trovatore, einer der beliebtesten und bekanntesten Verdi-Opern aus der Zeit seiner Veröffentlichung, und tut dies in Koproduktion mit der Opéra de Monte-Carlo und der Royal Danish Opera Copenhague.Fue machte im selben Jahr wie La traviata und Rigoletto, aber Trovatore enthält bereits das Belcanto-Drama, das in späteren Opern entwickelt. Technische Änderungen und Stimm, beginnen diese Periode Belcanto, der Übergang von der Jugend bis zur Fälligkeit von italiano.Otra Meistern der Gründe, warum Il Trovatore eine Fetisch Oper ist die stimmliche Herausforderung für Sänger. teils, so wird es in der Partitur geschrieben und zum Teil, weil es nicht geschrieben, und, durch Tradition, gesungen. Viele der Schwierigkeiten der Arbeit, tatsächlich, Sie sind nicht von Verdi geschrieben, aber viele Sänger, die durchgeführt werden. Ein solches Beispiel ist in der zweiten cabaletta Leonorens in Act. In der Version am Königlichen Theater gezeigt, interpretiert, was diese extrem schwierige Rolle spielt. Nach dem Master Benini, einmal wurde dieses Fragment auf Antrag des Sängers Schwierigkeiten weggelassen. Benini hält es für notwendig „zu halten, weil die sehr Form des Belcanto verlangt Respekt diese Struktur, arc zusammengesetzt recitativo - Arie - cabaletta. Wenn wir schneiden die cabaletta, wir schneiden den melodischen Bogen. „Ein anderer der Elemente der Tradition gehören, ist die berühmte Do Manrico in der Arie aus La Pira. tatsächlich, Tun Sie dies, erscheint in der Originalpartitur penciled, aber es wurde von Verdi geschrieben, Es wurde später hinzugefügt. Und die Belcanto hat immer eine Entwicklung von vocalism erforderlich. Es hatte diese Prinzipien treu zu sein und Belcanto Virtuosität der Sänger demonstrieren und, vielleicht, Ich sollte auch schriftlich niederschlagen, daher der Einbau, hinzugefügt, wie, In den Partituren. Aber ursprünglich scheint es nicht.

Die endiablada vocalism von Trovatore erforderlich, wie Verdi selbst, die Teilnahme von fünf Sängern der ersten Ordnung. Nicht nur der Tenor und Sopran, alle müssen die besten Sänger zu diesem Zeitpunkt für diese Rollen sein. Für diese Produktion von Teatro Real, Spezifischer, die zweite Teilungs, diese Anforderung nicht erfüllt.

Auch das Skript hat für seine verschlungene Handlung umstritten. Eine Folge von Szenen unmöglich und schwer zu verstehen und die Überwachung durch die Öffentlichkeit. Alle Leidenschaften unter den vier Hauptfiguren entfesselt, und ein Zigeunerfluch, ein Troubadour, falscher Sohn der Zigeunerin, ein böser Graf und eine Dame, Leonora, zu denen suchen die beiden Protagonisten. liebe, ihren Bann Rache und, Die Hauptargumente des Textbuches von Salvadore Cammarano sind, dass, sein Tod, Verdi wollte, ohne dass Änderungen respektieren in.

Regisseur Francisco Negrin getroffen hat, das Feuer als leitendes Element und Protagonisten der Landschaft. Hat eine große Präsenz in der gesamten Arbeit und stellt eine Vergangenheit, dass die Möglichkeit vorhanden Brennen und Zukunft. für Negrin, Wir alle haben eine Last der Vergangenheit, die uns beeinflusst und wirkt sich auf unser Leben.

Dunkle und erstickende Atmosphäre, die erreicht wird, ist die perfekte Position, wo die Geister der Vergangenheit der Charaktere mit ihnen diese Mischung entwickelt. Eine Dunkelheit, die während der Arbeit und endet resultierende unangenehm für den Betrachter gehalten wird. Vor allem im ersten Teil, die es wurde einschläfernd. Eine Bühne mit wenig oder gar keine Originalität und kleinen Details, die an der Arbeit beteiligt.

Der große Erfolg dieser Produktion kam aus der Grube. Maurizio Benini Erfahrungen mit dem Verdian Repertoire sind diejenigen, die das Vertrauen wachsen sowohl im Orchester und die Sänger. wichtiges Element, der Chor, Es war weniger mehr dramatisch zu beenden.

Azucena von Marie-Nicole Lemieux war richtig bei der Interpretation, mit einem kräftigen Bass der dunkele Natur des Charakters akzentuiert. Aber es stellte sich ein wenig Brüller Momente und eine etwas grobe Kammlinie d.

Die Manrico Piero Preti dwarfing ging wie die Arbeit voran. Sein Timbre ist schön, aber das Gefühl war schwach, auch in interpretierende.

Roberto Tagliavini ergab ein einheitliches Bild von Ferrando, wie der Graf de Luna Artur Rucinski, dass begleitete seinen kräftigen Bass mit guter Bühnenpräsenz.

Die meisten Beifall des Abends war die Leonora von Hibla Hibla, mit einer Firstlinie mehr als korrekt, Er begabt sein Charakter Sensibilität und Eleganz.

Mit dieser Arbeit feiert das Königliche Theater einer weiteren großen Erfolg mit seiner Oper Woche, Ereignis, das bereits geworden ist traditionell.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real


 

Capriccio, Strauss, ein Geschenk insperado am Königlichen Theater
CAPRICCIO
Richard Strauss (1865-1949)
Teatro Real in Madrid, 31 Mai 2019
Konversationsstück für Musik en un acto
Die Bilanz von Joseph Gregor, Richard Strauss y Clemens Krauss, basierend auf der ursprünglichen Idee von Stefan Zweig
in der Staatsoper in München Veröffentlicht am 28 Oktober 1942
Premiere am Königlichen Theater, in Koproduktion mit
Zürich Opernhaus
D. Musical: Asher Fisch
D. Szene: Christof Loy
scenographer: Raimund Orfeo Voigt
igurinista: Klaus Bruns
Illuminator: Franck Evin
Choreograf: Andreas Heise
Besetzung: Marlin Bystrom, Josef Wagner, Norman Reinhardt, André Schuen, Christof Fischesser, Theresa Kronthaler, John Graham-Hall-, Leonor Bonilla, Juan José de León, Torben Jungens, Emmanuel Faraldo, Pablo Garcia-Lopez, Tomeu Bibiloni, David Oller, Sebastian Perez, davil Sánches, Elizabeth Mcgorian und Julia Ibáñez
Titular Orchester des Teatro Real¿Quién, inmitten einer der schlimmsten Momente, die die Welt überquerte, Ich konnte stoppen und zu denken und komponieren eine aristokratische Verfeinerung als Capriccio? Richard Strauss und Stefan Zweig konnte eine intellektuelle Debatte über die Oper selbst entwickeln, die Art und Weise von Platons Dialogen. Und vielleicht haben sie, einfach, als evasión.Una Verfahren Opera auf der Oper. Dies war das Thema Richard Strauss Wahl für die letzten seine Kompositionen, die ewige Debatte darüber, ob vorherrschen Musik oder Text.
Die Geschichte hatte vor Jahren begonnen, wenn Sie beginnen, für einen neuen Librettisten Suche, nach dem Tod von Hugo von Hofmannsthal, in 1929, die bis dahin hatte er gewesen sein Haupt Mitarbeiter und Autor des Librettos von all seinen Kompositionen. In seiner nächsten Oper, Die schweigsame (Die schweigsame Frau), zusammengesetzt 1934, Es übernimmt den Text einer der wichtigsten Schriftsteller der Zeit, Österreichische Stefan Zweig. parallel, Tauchen im British Museum Bibliothek, Zweig ist das Drehbuch, das er Gionavanni Batista Castri Debüt für die Musik geschrieben hatte,, nach den Worten, der Komponist Antonio Salieri. Ein Strauss gefiel die Idee,, aber sie waren gezwungen, das Projekt auf die Probleme zu verschieben, dass die Premiere der stillen Frau verursacht hatte. Er hatte für den Rückzug der Librettist Namen Poster genannt, etwas, das Strauss verweigert. Es kam Marke, aber er zog sich nach ein paar Tage bilden hatte dann bereits in Deutschland Zweigs Bücher verboten. Der jüdische Zweig, wie er durch das NS-Regime war bekannt, er wurde ins Exil gezwungen, wie viele andere Intellektuelle aus 1933. Er ging von einem aufstrebenden Ausländer ist Jude in der brasilianischen Stadt Petrópolis wandernde, wo er Selbstmord begangen mit seiner Frau in 1942, aus Angst, dass die Welt von Zweigs initiierten desapareciera.El Skizze Libretto von Capriccio bekannt war, wurde wieder eingenommen, zuerst von Joseph Gregor, und dann von Strauss selbst und seinem Freund, der Dirigent Clemens Krauss. Es wäre dann Direktor des Capriccio bei der Premiere. Und seine Frau, Ucraniana-österreichische Sopranistin Viorica die Ursuleac, wäre die erste Gräfin Madeleine. Diesmal gibt es kein Problem bei der Premiere. Die Tatsache, dass Clemens Kraus war damals der mächtigste Mann in der deutschen Oper und persönlichen Freund von Goebbels, Er hat mir sehr geholfen. Auch half er selbst, trotz seiner guten Beziehungen mit dem Regime, die Flucht vieler jüdischen Künstler, vor allem in den Vereinigten Staaten.

Bei der Herstellung von Capriccio auch von Regisseur Hans Swarosky besucht, die unter einer der grundlegenden Elemente der Oper, ein Sonett von dem Französisch Dichter Pierre Ronsard sechzehnten Jahrhundert. Eine Liebeserklärung, die von Madeleine deklamiert wird, vor allem in der letzten Szene:

Ich müsste für andere Adern suchen
Meine sind so voll von Ihrer Liebe
Eine andere Liebe konnte es nicht ertragen

Im selben Jahr starb Zweig, 1942, Capriccio wurde an der Münchner Staatsoper uraufgeführt 28 Oktober. Jetzt ist das Königliche Theater, die Debüts, in Koproduktion mit dem Zürcher Opernhaus.

Wenn Strauss und Zweig begann über Capriccio denken, sie konnten nicht einig, ob es sich um eine Oper oder ein Theaterstück sein sollte. sicher, Oper ist mehr wie ein Spiel, das sein kann,. dass, wie in anderen Aspekten, Capriccio ist voll von Originalität und Besonderheiten.

Christof Loy, von dem Bühnenbildner Raimund Orfeo Voigt half, Er schuf eine helle Landschaft, volle Köstlichkeit, Leeren Flächenelemente und Referenzen zu füllen Tiefe dieses Dialog oper. Es ist ein Chorwerk, Es besteht aus allen an der Produktion beteiligten Zeichen, Direktor, Komponist, Textdichter, scenographer, Sänger… Es wird festgelegt, in dem mit Szenen gefüllt die Schauspieler / Sänger bewegen und ganz theatralisch interpretiert, ohne dramatische überschüssige konventionelle Oper. Was füllt die Entwicklung der Szenen des Realismus und Glaubwürdigkeit. Die Landschaft ist nichts beiläufig. Loy ist verantwortlich für alle Details zu leiten und es mit einer unglaublichen Präzision funktioniert. Die Szenen bewegen glatt und natürlich, als ob es wirklich geschieht. Mit sehr wenigen Elementen erschafft die alle Gründlichkeit, die die Partitur hält. Und das alles mit einem Feature immer vorhanden, Eleganz.

Asher Fisch Musikdirektor hat ein außergewöhnliches Ergebnis des Titular Orchestra del Teatro erreicht. Das anfängliche Streichsextett, ein Kammermusikstück, das die Originalität der Arbeit unterstreicht, zeigt die Solidität des Orchesters. Die Szene und die Boxengasse unisono Fluidität und Musikalität. Fisch bekommt die gleiche Intensität und Klangqualität entlang der mehr als zweistündige Darstellung, mit einer Punktzahl voller Schwierigkeiten und ständigen Veränderungen. Alle Saiten klang außergewöhnlich, aber, Zusätzlich Sextett, hervor horn Solist Ramón Cueves, vor allem in der Interpretation der Serenade für Horn und Orchester der letzten Szene.

Die beiden Liebhaber für die Liebe Madeleine vying wurden von André Schuen interpretiert, wie Olivier und Norman Reinhardt, als Flamand. Der italienische Bariton André Schuen und überraschte uns kürzlich im Lied im Teatro de la Zarzuela. Nachzubilden auch seine Rolle als Dichter mit perfekter Phrasierung und einer Stimme der schönen Timbre und großartigen Sounds und Tiefe. einwandfrei theatralisch, wie der Rest der Besetzung.

Norman Reinhardt spielte der Musiker Flamand. Seine Stimme Licht Tenor klang ein wenig manchmal gezwungen, aber er lernte Montage leben. Smart auch in seiner Bühnenperformance.

Josef Wagner spielte die Count, einer der Christof Loy Details des Barock, um ihn mit historischen Kostümen auf der Bühne erscheinen. Perfekte Leistung und dunklem Timbre schlagender, ideal für den Charakter.

Die schwedische Sopranistin Malin Byström gab Leben der Gräfin Madeleine. Und wirklich füllte sie das Leben. Seine elegante und aristokratische Haltung ist perfekt für den Charakter und seine Stimme, lyrischer Sopran, perfekt für Phrasierung gesungen seine zahlreichen Dialoge von einer mächtigen und notwendigen fiato unterstützt. Sein Gipfel, und die Arbeit, Es war seine glänzende Oberfläche, dass romantische und zarte Lied der Liebe Sonett von Pierre Ronsard. Er ahmte seinen Charakter absolut, das konnte nicht sein glaubwürdigere. Es war perfekt von ihrem Kind Repliken begleitet, Julia Ibáñez und fast alt, Elizabeth Mcgorian.

Interessant waren Interventionen auch Theresa Kronthaler, in der Rolle des Clairon. Mezzosopran, dass, zusätzlich zu seiner guten Leistung Stimme, Er demonstrierte seine Bühnenausbildung.

Leonor Bonilla und Juan José de León durchgeführt hervorragend zu leichten italienischen Sänger. Strauss Blinzeln perfekt italienische Oper in der Arbeit geschuppten.

Octet Szene Diener ist ein weiteres Element in dieser Oper markieren. Sowohl die barocken Kostüme, alle weiß, als Layout-Phase. Perfekte Figuren Klaus Bruns und Choreographie von Andreas Heise.
Zur Abrundung dieser sehr ausgewogene Verteilung, sowohl stimmlich, und die interpretative, Citar einen John Graham-Hall-, como Mr. Mole es Torben Jungens, Butler gemacht.

Das Teatro Real hat uns daran gewöhnt,, mindestens, eine Überraschung Saison. Niemand erwartet etwas Besonderes. dieses Mal, Man kann sagen, dass die Überraschung des zweihundertsten ist, The Real. Ein unerwartetes Geschenk, das rechtfertigt, allein, eine Saison.

Text: Paloma Sanz
Metaphorik: Javier del Real
Videos: Teatro Real

 

Fast aus der Welt der Zusammensetzung entfernt, Giuseppe Verdi genossen die Gesellschaft seiner Frau Giuseppina Strepponi im Schlaf Laugar, Sant'Agata. Es gibt einige Freunde kamen, unter anderem, die Boito. Arrigo Boito und Verdi hatte nicht sehr gute Beziehung so weit, Er wurde nach dem Erfolg von Otello, Boito Libretto erneut ein erfolgreiches, als sie begann eine Freundschaft, die in den letzten Jahren des Komponisten konsolidierte, sie teilten die Liebe zur Musik und literatura.Boito hat eine theatralische Skizze Verdi „Falstaff“ bekommen, Libretto basiert auf Shakespeares „Die lustigen Weiber von Windsor“ und „Henry IV“. Er wollte den Lehrer ermutigen, eine Komödie zu schreiben, ein Genre, das Verdi zurückgekehrt war fast 50 Jahre zu erkunden, tras el fracaso de „Ein Tag der Herrschaft“, sein erster Ausflug in der Komödie, die am Tag nach seiner Veröffentlichung wurde entfernt. Im Bewusstsein des Stachels, dass ihr Mann seitdem festsaß, Giuseppina versucht, entlang Boito, fördert die Lehrer in dem Abenteuer eine opera buffa des Komponierens. Und so kündigte er bei einem Abendessen mit dem Verlag Ricordi, der Lehrer wurde ein neues Stück zu schreiben ihre 77 Jahre alt. Am nächsten Tag, "Corriere della Sera", wenn hacia eco de la noticia, Es erzeugt große Aufregung unter seinen seguidores.Verdi konfrontiert so, mit seinem Freund und Librettisten, seine gelobt, ohne Druck, mit dem Frieden von denen, die nichts mehr beweisen muss,, ein Zeichen zu bauen, kam die Zusammensetzung empathize. "Der Bauchige", wie Verdi und Giuseppina Falstaff nannten, Es wurde Mitte abgeschlossen 1892 und es wurde im Teatro alla Scalla Mailand uraufgeführt auf 9 1893.Verdi Februar kamen alle Proben und hielt Indikationen Musiker und Sänger geben, etwas, das jeder überrascht, denn er war im Begriff zu drehen 80 Jahre alt. Die Premiere war ein voller Erfolg und Verdi mußte mehrmals begrüßen gehen. Aber Falstaff hatte auch einige Verwirrung bei einigen Fans des Komponisten erstellt. Seine Musik hatte nichts mit Werken bisher gemacht zu tun. Auch zog er von Otello weg, Ich war schon eine große musikalische Evolution. Nachdem Don Carlo, Verdi hatte große Anstrengungen unternommen, um die Kritik zu akzeptieren und darauf zu reagieren, dass er seine Gegner gemacht und jetzt Falstaff ging einen Schritt weiter. aber, an dieser Stelle, der Meister von Busseto war ein Charakter dedizierten, nicht nur in der Welt der Oper und Italien, Er wurde international bewunderte. So die Auszeichnungen zu diesem seinem letzten Werk, Sie waren höher als jene Peinlichkeiten.

Die wichtigste Neuerung in der Partitur von Falstaff liegt in ihrem Vokal- und Orchesterstil, und seine neue Art und Weise zu rezitieren. Verdi vollständig in dieser Arbeit das System Arien aufgegeben, erscheinen hier Leidenschaften und Dramen nicht so charakteristisch für seine Werke, durch diejenigen ary bravura repräsentiert. Sie scheinen nicht die cabaletas, concert duets und eine gefüllte Struktur Steifigkeiten. Der Komponist machte ein viel dynamischere System, wo das Wort ist von großer Bedeutung durch ein Skript voller Reichtum und kreativer Kraft. Es kann gesagt werden, dass eine Wendung ein helles, italienische Oper Theater Schaffung, mit einem komplexen Orchestersatz, mit Ensembles und Sets. Ein Hauptmerkmal, zwei Seiten und ein Satz von comprimarios, die mit höchster Genauigkeit auf der Bühne herauskommen. eine Komödie, wo das Tempo wesentlich ist und in dem alle Zeichen eine unersetzbare Stellung in dem Arbeitsgang haben wird so erstellt.

Der Regisseur Laurent Pelly, Es hat es geschafft, eine sehr genaue Lektüre des Theater Niveau dieser Opera buffa zu machen. Er hat zwei verschiedene Räume entworfen, eine Taverne, in der Falstaff lebt und bereitet die Intrigen mit seinen Kumpanen Bardolph und Pistol, und ein anderer Raum, elegant schmeichelnd Tangle, wo er lebt und bürgerlichen Teil des Deals arbeitet. Der große Erfolg von Laurent Pelly Landschaft und Barbara de Limburg ist seine Theatralik, faciliya dass Ein- und Ausgänge Szene, als ob es eine Pause, mit hervorragender Richtung der Akteure. Übermäßige Dunkelheit der Bühne wurde von Joël Adam geleitet.

Die musikalische Leitung des jungen Daniele Rustioni war sehr effektiv und gewissenhaft in ihrer Interpretation. vielleicht, um ein paar Jahre, Rustioni wagt mehr Absicht und Persönlichkeit in dieser Arbeit zu setzen. Die Begeisterung zeigte auf dem Podium nicht vom Orchester widerspiegelte. Alles sehr korrekt, aber mit wenig Funken.

Falstaff ist ein Chorwerk. Seine vielen Zeichen sollten als gute Sänger als Schauspieler sein, und die endgültige Besetzung, nach einigen Opfern, Es ist ein außergewöhnliches Niveau.

Roberto de Candia Nicola Alaimo ersetzt in der Rolle des Sir John Falstaff. Candia verteidigt seinen Charakter mit genügend Autorität, ein homogenes Klangfarbe und große Theaterkapazität. Seine Erfahrungen auf der Bühne und die Absicht, die Ihren Charakter verleiht, Sie füllten die leere Bühne in der er in jeder seiner Durchgänge war. Sein Falstaff hat die richtige Menge an Humor, ohne in Karikatur fallenden. Es ist ein Falstaff mit seiner kleinen Selbstgefälligkeit und Prahlerei, und es wird angenommen, dass gut aussehend sanft. Don Giovanni kam ein Leben es sei denn, seine Erinnerungen und die man nur einfühlen.

Simone Piazzola Ford hatte eine höhere Last histrionic. Sein Charakter ist nicht stimmlich einfach, aber Piazzola glatt löste die schwierigsten Passagen seiner jocular Ford.

Die Merry Wives of Windsor hatten es auf der Bühne nicht leicht. Pelly setzte sie Treppen alle nach oben und unten beim Singen. Eine Schwierigkeit seiner Interpretation hinzufügen. Rebecca Evans war Frau. Alice Ford gefüllt mit Humor und Anmut. Seine Emission ist sauber und direkt, war die prominenteste Gruppe stimmlich comadres.

Daniela Barcellona, como Quickly, Es war die eleganteste und anspruchsvoll, auch in der Firstlinie. Wir nehmen etwas weniger wunderbar, dass so ernst hat. Hergestellt sehr gute Übereinstimmung mit Roberto de Candia in Duetten teilen.

Die meisten unbemerkt auf der Bühne mit Frau Maite Beaumont. Meg Seite. Nicht so bei Ruth Iniesta und Nannetta, mit einem sauberen Stimme, frisch und voluminös, die den diffident Fenton Joel Prieto begleitet, es kostet das gute Niveau zu erholen er in der Zauberflöte dauert ein paar Saisons in diesem selben Theater zeigte.

Dr. Caius de Chritophe Mortagne war etwas grotesk, mit einer etwas gezwungen, seiner Komödie Sendung.

Mikeldi Atxalandabaso ist immer eine Garantie stimmlich und, vor allem, bei der Auslegung. Es ist ein wahres Chamäleon auf der Bühne. auf Bardolph, ein bisschen klebrig Nachbarschaft, Es war der größte Spaß Nacht. Valeriano zeigte den gleichen Handel Lanchas, Bardolph Streifzüge Partner und Falstaff. Mit einem Bass, der mit Macht in Resonanz und eine sehr gute Leistung.

Falstaff endet so meisterlich Ursprüngliche, mit einem Leck von allen Akteuren durchgeführt, einschließlich der Chor (nochmals, groß), während ein großer Spiegel reflektiert die Stände beim Hören „in der Welt Alles ist spöttisch“. In diesem Fall, wir haben nichts dagegen gehänselt.

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Jolanthe von CHAICOVKY ERLANGEN einen großen Sieg in Palau de les VALENCIANO ARTS.Por Diego Manuel García Pérez.

Die vier Aufführungen von Jolanthe, die in der Palau de les Arts genommen haben, Sie haben in einem großen Sieg in Folge, vor allem durch die hervorragende Leistung des Orchesters von Valencia, hervorragend von Henrik Nánási gerichtet, mit einer bemerkenswerten Menge von Sängern, mit perfekter idiomatischer und stilistischen Meisterschaft wie im russischen Repertoire erforderlich. Alle kombinieren dies mit einem einfachen, aber sehr attraktiver Landschaft visueller, und die Gegenwart der immer hell Chor Valencia, in diesem Fall ist der weibliche Abschnitt. im Januar 2012, diese Oper konnte bereits an dem Palau de les Arts zu hören, in Konzert.

Piotr Ilich Chaikovski (1840-1893) Es kann die meisten russischen Komponisten aller Zeiten Beliebtheit in Betracht gezogen werden; und, Obwohl es in erster Linie für seine Beiträge zur sinfonischen Welt und Ballett bekannt, Seine Opern Kreationen waren wichtig und zeigten großes Interesse an diesem Genre, mit der Zusammensetzung von bis zu zehn Opern, von denen, die nur echte Resonanz Eugene Onegin gehabt haben (1879), und in geringerem Maße Pique Dame (1890). Seine Opern von großer Qualität sind sehr schlecht vertreten: Die Jungfrau von Orleans (1881), Mazeppa (1884), Cherevichki (Zarin Pantoffeln) y Charodeyka (die hechizera) beide 1887. Seine letzte Oper Iolanta (1892), Er hat in den letzten zehn Jahren einige Berühmtheit, seit seiner Eröffnung in 2009, die Produktion des Mariinsky Theaters in St. Petersburg, mit Bühnenanweisung von der polnischen Mariusz Trelinski, es könnte auch an der Metropolitan in New York im selben Jahr im Festspielhaus Baden-Baden und die Premiere dieser Oper sein, im Januar-Februar 2015, immer mit den großartigen Leistungen von Anna Netrebko als Jolanthe und Orchester Leitung von Valery Gergiev. Liceu in Barcelona, im Januar 2013, Anna Netrebko auch sang Jolanthe, in Konzert, Richtung Valery Gergiev. deshalb, Es hat sich bei der Verbreitung der Tandem Netrebko Opern Gergiev instrumental. auch, Es wurde am Teatro Real in Madrid durchgeführt, im Januar 2012, in einer gemeinsamen Produktion des Bolschoi-Theaters und der Moskauer, was er die Uraufführung der Oper in Spanien soll. Im März-April 2016, Es wurde im Palais Garnier in Paris durchgeführt, Produktion einschließlich auch das Ballett Nussknacker, beide Werke mit Bühnenanweisung von Dmitri Tcherniakov. genau, Tschaikowski wurde in einem Doppelprogramm Jolanthe und ihr Nussknacker Ballett veröffentlicht, en el Teatro Marinski, die 18 Dezember 1892. Januar-Februar 2019, Jolanthe wurde erneut in der Metropolitan und Funktionen dargestellt, die in der Palau de les Arts genommen haben, in beiden Fällen, das Mariinski-Theater Produktion der, mit der musikalischen Leitung von Enrik Nánási und Mariusz szenische Trelinki. deshalb, Notorious ist das wachsende Interesse an dieser letzten Oper von Tschaikowsky.

Das Libretto in einem einzigen Akt mit acht Szenen und eine letzte Szene, Es wurde von Modest Chaicovsky jüngerer Bruder von der Leitung des Komponisten, auf der Grundlage der Arbeit des dänischen Königs Tochter René, Der Herink Rudolf Hertz, Set in der Provence des fünfzehnten Jahrhunderts, wo die Geschichte der blinden Prinzessin Jolanthe und ihr Vater König Rene Konto, das hält um einen Kreis von Fiktion, so dass Sie möglicherweise nicht bewusst von ihrem Elend. schließlich, Graf von Vaudémont Goffriett, Prinzessin Liebe, Sie werden das, was das Privatleben entdecken, ihren Wunsch, ermutigend zu sehen,, CLINCHER wird von dem arabischen Arzt geheilt Ibn-Haqia, von König René angestellt. Die Geschichte hat eine andere Hauptfigur Robert Herzog von Burgund, Freund Vaudeamont, vorherordiniert Kind Jolanthe zu heiraten, ohne zu wissen, seine Blindheit. Roberto ist in der Liebe mit einer anderen Frau, obwohl bereit, ihre alten Verpflichtungen gegen. schließlich, Princess erholen Sicht, und die Geschichte wird gerne mit der Ehe von Jolanthe beenden und Vaudémont. wunderbare Musik komponiert von Chaicovsky, zeigt die Brillanz als Orchestrator des russischen Komponisten.

Es gibt viele Aufnahmen von Jolanthe, beide DVD und CD. Markieren Sie eine Aufnahme auf Video 1982, am Bolschoi-Theater in Moskau statt und werden von dem Label VAI DVD vermarktet, was es hat eine ausgezeichnete Reihe von russischen Sänger: galina Kalinina (Jolanthe), lev Kuznetsov (Vaudémont), Igor Morozov (Roberto), Artur Eisen (König René), Ruben Vardanian mit an der Vorderseite des Bolschoi-Theater Orchester der. Eines der klassischen Aufnahmen dieser Oper, Es nimmt Live mit gutem Klang, in Paris Playel Raum gehalten, in 1984 und auf CD vom Label veröffentlicht ERATO, mit großartigen und sehr nuancierten Interpretationen von Galina Vishnevskaya (Jolanthe) Nicolai Gedda die (Vaudémont), Mstilav Rostropowitsch führte zu der Vorderseite des Orchestre de Paris. Diese Aufzeichnung kann komplett zu hören auf YouTube. Die DVD vom Teatro Real in Madrid veröffentlicht, Jolanthe synthetisiert Darstellungen mit Perséphone Strawinsky hielt im Januar 2012, mit einer Besetzung von guten russischen Sängern: Ekaterina Scherbachenko (Jolanthe), Pavel Cernoch (Vaudémont), Dmitri Uljanow (König René) und Bariton Alexei Markov ausgezeichnet (Roberto), Leitung von Teodor Currentzis. Von großen Interesse ist die Erstellung von Video, durchgeführt in 2009, im Mariinski-Theater in St. Petersburg, vollständig auf YouTube, der eingangs genannten Herstellung des Theaters, mit Leitung von Valery Gergiev und dem Stadium der polnischen Mariusz Trelinski, mit der hervorragenden Leistung von Anna Netrebko (Jolanthe), mit herrlichem Sergei Schorokhodov (Vaudémont) y Alexei Markov (Roberto). Wie erwähnt,, Diese Produktion ist, was wurde in El Palau de les Arts gesehen.

diese Version, bewegt sich die Aktion aus dem fünfzehnten Jahrhundert zu einer Zeit, die in den vierziger Jahren oder fünfziger Jahren des letzten Jahrhunderts passen, mit einer einfachen Kulisse entworfen von Boris Kudlicka, durch die Struktur eines Würfels dominiert, wo sie decken nur eine Seite, eine Wand, wo Rotwild-Schädel mit riesigem Geweih gehängt werden; die Wand eine Tür, wenn die Struktur abwechselnd eingegeben werden extern als Jagdhaus, wie Vaudémont und sein Freund Roberto ins Spiel kommen. In dieser Struktur ziemlich drückend lebt Jolanthe, den Eindruck zu erwecken eines Krankenhauszimmers, wo ihre Freunde über Marta beobachten, Briguitta und Laura, mürrischen schauenden Krankenschwestern. Holographic Projektionen zeigen einen fleckigen dunklen Wald rund um das Passagierabteil, wo Bäume im Raum schweben mit ihren Wurzeln bloß, wirklich gespenstisch an den Ort, eine Übertragung der, sehr viel in der Welt des Schattens zu halten umliegenden Jolanthe. Nach dem ersten Treffen von Jolanthe und Vaudémont, wo stark angezogen, dass dunkler Wald beginnt mit dem trüben Licht eines Sonnenaufgang durchstochen werden, welche können sehen Sie den Takt der Blätter der Bäume, einer der landschaftlich schönsten Momente dieser Produktion, als Symbol für die Hoffnung, dass Jolanthe Vision wieder. In den letzten Szenen gibt es übermäßige Vermehrung von Licht und Lichtstrahlen, Sie ankommen, um die Öffentlichkeit zu blenden. Die Kostüme entworfen von Magdalena Musial spielen mit dem Kontrast von schwarzen und weißen Farben, Reflexion von Licht und Dunkelheit, die diese Geschichte dominiert. Ya, in der letzten Szene, wenn die Prinzessin hat Anblick wieder, Sie scheint ein helles Kleid trägt, Symbol dieses Strahlungslicht, so dass Sie die reale Welt zu sehen. Markieren Sie die Richtung der Stufe Mariusz Trelinski, wer verwaltet die maximal Theatralik auf die Aktionen von jedem der Dolmetscher zu extrahieren.

Dirección de excelente ENRI Nánási, mit der großartigen Leistung des Orchesters von Valencia. Ungarische Regisseur zeigte seine Kenntnis der Partitur, wissenden markieren die kleinsten Details, Während Fahrdynamik und Intensitäten, mit hervorragender versöhnlicher Arbeit sehr bewusst die Stimmen, die in diesem Fall waren sie mit ausreichendem Volumen, die Barriere manchmal Orchesterklang forte zu überqueren. Es war hell Orchester Intervention aus der gleichen Öffnung, wo nur interveniert Blasinstrumente Holz, Hervorhebung der Klang des Englischhorn und Fagott. Während der gesamten Arbeit gehören die großartige Leistung der Saite, bereits deutlich in der Eröffnungsszene, herrlich Orchestrierung, die er hebt den Klang der Harfen. Ausgezeichneter Reden Klarinettist an der Szene und die Konzert zweiten Geige in der langen Einführung von „nana“ lovely Ende mit der dritten Szene. Das Orchester scheint stark in dem großen Duo Jolanthe und Vaudémont, vor allem in dem wiederkehrenden musikalischen Motiv immer Licht im Zusammenhang, es wird von den Protagonisten und nur vom Orchester gespielt in den letzten Szenen der Oper wieder auftauchen. War sehr helle Verbindung Leiter, Solostimmen und Chor in dem großen Oper konzertant Schließen. Markieren Sie diese Dialoge Orchester und Sopran-Soli, die die Jolanthe interpunktieren.

Sehr bemerkenswerte Interpretation von Jolanthe von armenischen Sopranistin Lianna Haroutounian, Anzeigen eines schönen Timbre, Domäne der gebundenen Hand, Bewegen gut in allen Registern, insbesondere mit einem leistungsfähigen Streifen akuten und ein beträchtliches Volumen zeigt,, der Orchesterklang in forte und treten stark in concert zu übertreffen. Markieren Sie die Interpretation machte in seiner ursprünglichen Arie „Atchevo eto ne prezhde znala. Weder ich noch Toski Halterungen, ni Slez (Warum ich wusste nie zuvor oder Angst, noch Schmerz, noch die Tränen?)„Mit einer intensiven und ausdruck Phrasierung, im hohen Register glühende mit zunehmend höheren Noten und subtiler Waage nach unten. Streute in seinem großen Duett mit Vaudémont, interpreta el Arie „Tvoe molchan'e mne neponjatno (Ich verstehe nicht, Ihr Schweigen)", excelente mit Gesang verbunden sind, Beim Umgang mit den Stimmen Strümpfe, Regelung der Klang von Klavier bis forte und wieder große Erhöhungen zeigt akute zu erleichtern. Sehr herausragende Leistung der Sopranistin im großen Duett mit Vaudémont, wo sie beide ein Arioso schön interpretieren, mit wiederkehrenden musikalischen Thema, Bewegen in einem hohen tessitura, erster Tenor und Sopran dann mit verschiedenen Nachrichten, beide Stimmen zusammen kommen zum gleichen Thema singen so vibrierend und das Duo mit C4 schließen, Die besten von der Sopranistin projiziert. als Vaudémont, der junge ukrainische Tenor Valentyn Dytiuk, zeigt eine typische weißes Timbre etwas slawischen Stimmen, rotundas erwirbt Klänge in acute Streifen. Er sang sehr gut seine Arie „Nest! Chary lask mjatezhnoj mne Nitschewo ne govorjat (Nein! Der Reiz einer feurigen Schönheit lockt mich nicht)", wo, Abgesehen von einem glänzenden zu akuten Anstieg, Mostro ein Lied voller Musikalität mit Beherrschung der Mittelstimmen und Regulierungsbehörden. Russische Bariton Boris großartige Pinkhasovich, in der Rolle von Roberto, ein schönes und helle Timbre zeigt, mit einem leistungsstarken Registry-Grab, breit und hell Höhenmitten, mit einem prägnanten und voller ausdruck Phrasierung kontrastierte, spielt mit Vehemenz und Leidenschaft seiner Arie „Kto mozhet sravnit'sja Matilde‚doj moej (Wer kann mit meinem Matilda vergleichen)". Nun ist die russische Bass Vitalij Kowaljow als König Rene, dominierende Rolle interpretiert perfekt die ich bei vielen Gelegenheiten haben, mit seinem tiefen, kraftvollen vocalism, die Blicke auf viele Momente dieser Oper, Schto vor allem in seiner großen Solo Intervention“skazhet auf? Kakoj Versprechen proizneset Ego Lehre? (Was wird er sagen? Was wird die Reaktion seiner Wissenschaft sein?)„In Anlehnung an den arabischen Arzt Ibn-Haqia, akzeptabler Weise gespielt von Bariton Gevorg Hakobyan Armenisch. Veteran großartige Leistung unter russischer Andrei Danilov als Almeric. Nun das Trio von Freunden aus Jolanthe, die von der Mezzo-Sopranistinnen Olga Marina Pinchuk und Zharikova, mit der Sopranistin Olga Syniakova, jeweils Marta, Laura und Briguitta, vor allem in dem „nana“ schön und mit einem Jolanthe schläft in der dritten Szene. Sehr prominent Interventionen des Chores der Generalitat Valenciana, Hier beschränkt sich auf Frauenstimmen, zuerst in der Grube mit dem Orchester und der Stufe bis zum Ende der Oper untergebracht, stark in der großen schlüssig concert glänzend. deutlich, Dies ist eine ausgezeichnete Version von Jolanthe, Es zeigt die Schönheit dieser Punktzahl.

La Calisto 1

La Calisto 2

La Calisto 3

La Calisto 4

La Calisto 5

La Calisto 6

La Calisto 7

 

La Calisto, venecianaLA Aufbrausen CALISTO
Francesco Cavalli (1602-1676)
Dramma per musica in einem Prolog und drei Jahre
Libreto de Giovanni Faustini, basierend auf dem Buch II
Metamorphosen (8 Gleichstrom) Ovidio
San Apollinare in Venedig Theater uraufgeführt
28 November 1651
Premiere am Königlichen Theater
Bayerische Staatsproduktion München
Madrid 25 März, 2019
D. Musical: Ivor Bolton
D. Szene: David Alden
scenographer: Paul Steinberg
Kostümbildnerin: Buki Shiff
Illuminator: Pat Collins
Choreograf: Beate Vollack
Besetzung: Dominique Visse, Karina Gauvin, Monica Bacelli,
Luca Tittoto, Nikolay Borchev, Louise Alder, Tim Mead,
Guy de Mey, Ed Lyon, Andrea MastroniLa siebzehnten Jahrhundert Venedig ist ein geeigneter Ort für Divertimento, voller Leben, carnivalesque spöttischen. Immer vorsichtig Roma, die kamen, um die venezianischen Behörden exkommunizieren der Stadt eine Hütte von Sodomie zu betrachten. Es ist in diesem Zusammenhang, dass La Calisto geboren, Arbeit, die der große Dominator der venezianischen Oper, Francesco Cavalli. Mit großem dramatischen Sinn und Weisheit in die Libretti der Wahl, Ich wusste, wie in dieser Arbeit alle seine Artillerie setzen satirische Kritik hager Kleriker auszuüben, Roman Politiker und Künstler. Dies war seine besondere Art der Konten mit ellos.Cavalli arbeitete als Kapellmeister von San Marcos Einschwingzeit ohne seine wahre Leidenschaft zu vergessen, Zusammensetzung Opern. Er schrieb mehr als 40 von denen sie fast ein Drittel verloren. die 27 konserviert, Callisto ist die beliebteste, da es in den nächsten Jahren gerettet wurde 70 von Regisseur Raymond Leppard.Cavalli sollte auch bekannt als Monte oder Haendel werden, Teil des Standardrepertoire aller Beteiligten teatros.Esta italienischen Gesellschaft, deren Werke in den künstlerischen und musikalischen Ausdrucksformen durch eine klare Entwicklung reflektiert. Ist das erste Solo, Madrigale aufgegeben 5 Teile, Texte an Bedeutung gewinnen und sollen von einem Publikum zu verstehen, dass, zuerst, die Teilnahme an solchen Shows Eintritt zahlen. neue Instrumente, die die Arbeiten von einer kontinuierlichen Basis durchtränken sind leistungsstärker benötigt als herkömmlicher Laut. ein neues Instrument erscheint dann mit dem griechischen Mythologie Basis, chitarrone, Es beginnt in den frühen und venezianischen Opern zu hören.

La Calisto, als guter Vertreter der venezianischen Oper, Es besteht aus kurzen Szenen und eine Vielzahl von Charakteren und Plots, die mit großer Geläufigkeit auftreten.

Dieser Stil schafft zu vermitteln, effektiv und Dynamik, eine Geschichte mit Szenenübergänge und Baugruppen, die diese Werke haben einen besonderen Appell an ein neues Publikum macht, daran gewöhnt, schnelle Bewegungen von Fernsehen und Medien.
Regisseure haben immer einige Bedenken haben über barocke Werke Adressieren. Nicht einfach die langen Rezitative und Etatismus seiner Charaktere dramatisieren. Es mag der Grund sein, warum einige Direktoren in unmöglichen Positionen verstrickt sind und / oder surreal, Erstellen Landschaft nicht immer erfolgreich.

David Alden hat eine Art psychedelischer Parade erdacht geht durch eine große Gruppe von Zeichen paradieren, die für scenographer immer sehr attraktiv sind, Götter, Menschen und mythologische Tiere kommen in vollem Spaß Szenen von Sexualität und Geilheit. Alden hat reflektiert und durch satirische Zeichen, Cavalli Spott zu den römischen Behörden.

Aber die Landschaft ist auch mit szenischen entbehrlichen Gegenstände geladen, dass sie keinen Beitrag zum Drama machen und lenkt manchmal von den Szenen, die verstanden werden, nicht viel Verschönerung steril müssen.

Ivor Bolton legte dieses Mal vor zwei ausgezeichneten Barockensembles, einerseits, das Barockorchester von Sevilla, mit einigen seiner prominenten Mitgliedern, Sylvan James und Elisabeth Bataller, Geigen; Kepa Arteche y Elena Borderías, Violen; Mercedes Ruiz, Cello; Ventura Rico, Kontrabaß; Simone Nill y Katja Schönwitz, Blockflöten; Bork-Frithjof Smith y David Gebhard, cornetos und Philip Tarr war verantwortlich für Perkussion, die manchmal übertrieben und sogar ärgerlich war.

Auf der anderen Seite, und Monte Continuo Ensemble, eine Gruppe unter Leitung von Ivor Bolton Selbst, Spezialisierung auf Barockopern und Improvisation und für diese Gelegenheiten geschaffen. La Calisto beteiligt mit 4 Schlüssel durch die Bolton eigenen berührt, Luke Grün, Roderick Shaw y Bernard Robertson; Mark Lawson, Orgel; Fred Jacobs, Michael Freimuth y Joachim Held, der chitarrones, Instrumente im siebzehnten Jahrhundert wurde es kaum auf die Bühne vor einem Publikum sieht die Länge Ihrer Stange zu protestieren; Friederike Heumann, Lirona und Viola da gamba; Joy Smith, Cello (kontinuierlich) y Frank Coppieters, Kontrabaß (kontinuierlich).

Sie haben außerdem einige Blasinstrumente, als Naturtrompeten, von Mitgliedern des Titular del Teatro Real Orchestra Ricardo Garcia und Marcos García Vaquero ausgeführt, im Originalmanuskript von Cavalli und ein Teil der Aktualisierung dieser neuen kritischen Ausgabe, die durch Alvaro Torrente nicht enthalten, die es hat eine solide und wahre Grundlage des Textes, von dem es möglich war, die Durchführung dieser Arbeit von Neuzusammensetzung in einer Arbeit mit großer Fähigkeit, das Element der Improvisation einzuführen.

Bolton Richtung vor diesen Sätzen ist außergewöhnlich. Konfrontiert mit einem Ergebnis wie folgt aus, auf dem er in die Tiefe gearbeitet, Instrumentieren Passagen, zeigt sein großes Wissen und die Beherrschung des barocken Repertoires. Hat eine große Aufgabe der Verbindung zwischen den verschiedenen Bändern, die das absolute Gehör bekommen. Sein Erfolg in der Führung durch die stehenden Ovationen vor dem Beginn des zweiten Teils gezeigt.

Es sollte das Gleichgewicht des Vokalensembles anzumerken,. Bass Luca Tittoto, como Jupiter, Sie zeigte ihre Schauspielfähigkeiten, insbesondere als Diana verkleidet und das Falsett mit. Es erwies sich als ein sehr interessantes Zentralregister. Hergestellt guter Partner mit Mercury Nikola Borchev.

Calisto wurde gespielt von britischer Louise Alder. Ein schönes Timbre gut und potent projiziert war genug, um das Leben zu seinem Charakter zu geben,, etwas kitschig und das Simplon.

Der Endimione Tim Mead war voller Zärtlichkeit in dem interpretierenden Teil, Er gab die öffentliche Zeit voller Lyrik und Geschmack in Singen. Er machte sehr gutes Theater und Gesangspartner mit Diana Monica Bacelli, die er demonstrierte seine Beherrschung des Barock.

Kein Zweifel, der Gewinner der Nacht war Dominique Visse. Dieser Schüler von Alfred Deller ist ein Experte auf seinem Seil und Altus Repertoire. Seine Stimme ist nicht das gleiche wie wenn gegründet 78 el Ensemble Clément Janequi, aber seine Schauspiel Fähigkeit macht jede stimmliche Schwierigkeiten und Freuden, die Öffentlichkeit.

Der Rest der Besetzung war hoch, warum hat es nicht leichter von ihren Plattformen, wie im Fall von Ed Lyon, Interpretieren Pane.

Eine interessante Produktion, die wir optimistisch zu denken sein kann, dass es ein Defizit von Barock arbeitet in unserem Theater. Hoffentlich setzt ein Zeichen und eine gute öffentliche Akzeptanz berücksichtigt wird.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

Idomeneo 1

Idomeneo 3

Idomeneo 4

Idomeneo 5

Idomeneo 6

 

Idomeneo, König von Kreta
Idomeneo, König von Kreta
Wolfgang Amadeus Mozart
ernste Oper in drei Akten, K. 36
Teatro Real, 20 Februar 2019
Libreto de Giovanni Battista Varesco, basierend auf der Arbeit Idoménée (1712) Antoine Danchet, durch das gleichnamige Theaterstück inspiriert (1705) Prosper Crébillon
von Mozart für die Premiere im Palace Bewertung Version
Auersperg in Wien 10 März 1786
Neue Produktion von Teatro Real, in Co-Produktion mit
die Canadian Opera Company in Toronto und Teatro dell'Opera di Roma
D. Musical: Ivor Bolton
D. Szene: Robert Carsen
Szenografen: Robert Carsen und Luis F. Carvalho
Kostümbildnerin: Luis F. Carvalho
Beleuchter: Robert Carsen y Peter Praet
Direktor Bewegung: Marco Berriel
Video Designer: Will Duke
D. Chor: ANDRES Máspero
Besetzung: Jeremy Ovenden, Anicio Zorzi Giustiniani, Sabina Puertolas,
Pleiades Sabirova, Krystian Adam, Oliver Johnston, Alexander Tsymbalyuk
Chor und Orchester des Teatro RealLas Schlagzeilen Kriege zwischen Griechen und Trojanern, Jolyoy von Prosper beschrieben in der Crébillon 1705, Antoine inspiriert Idoménée Danchet, in dem das Libretto von Giovanni Battista basiert Varesco. In den Werken von Mozart sind die Nachfahren der Protagonisten der Ilias sie konfrontiert, aber dieses Mal nicht mit der Zerstörung Trojas Ende, Diese mozartiano Idomeneo mit der Versöhnung der Völker durch die Ehe der trojanische Ilia und Idomeneo Idamante.La griechischen Zusammensetzung gelöst, Re di Creta ist ein großer kreativer Sprung. Mozart wurde bei der Entwicklung des Skripts vollständig beteiligt, die brachte ihm nicht wenige Streitigkeiten mit Varesco. Ich wollte das Drama eine wichtige Rolle hatte und überzeugendste posible.Su Einfluss auf das Skript ihn dazu brachte, mehrere Versionen zu entwickeln,. Unter den ersten,, an den Münchneren Resodenztheater uraufgeführt 29 Januar 1781, und die zweite, später in Wien 5 Jahren uraufgeführt, Mozart machte zahlreiche Änderungen bis kurz vor estreno.Aunque Chöre und Märsche folgen die Französisch-Stil Tragédie lyrique, Mozart, mit seinem Engagement die Arbeit und sich der Rückgang des italienischen Barock-Theater Gericht ständig aktualisieren, beschließen, die lange Trocken Rezitative zu verkürzen, daß aufgehellt mit musikalischen Begleitungen, Er entwickelte eine breitere Gesangslinie, Italienische Sänger verwendet, um ein viel reicheren und Orchesterinstrumente und Timbres. Alle diese Elemente gab die Partitur viel mehr Tiefe und frescura.Mozart hatte in München mit dem berühmten Tenor Virtuose Anton Raaff, für seine Koloraturen bekannt, für die komponierte er zwei Arien vokale Pyrotechnik geladen. Diese Arien verschwand in der Wiener Fassung, Wir wissen nicht, ob da der Sänger diesmal nicht so hell war. Eine weitere wichtige Änderung war der Ersatz, die Rolle des Idamante, zunächst wird sie für Altus und Tenor geschrieben wurde.

Mozart hätte gern seine Idomeneo in Wien lösen, statt in München, aber das Gewicht von Gluck zu dieser Zeit war zu wichtig,. Wien wurde erstmals Iphigenie auf Tauris vertreten und dann Alceste, Verhindern, dass die Werke von Gluck und ein ergebenen jungen zugleich geplant werden 25 noch unbekannt Jahre, als Mozart.

Die Version vom Teatro Real angeboten wird durch die Bewertung Wien inspiriert. Neben den beiden langen Arien Arbace, wie es tat Mozart. Es spielt in Co-Produktion mit Toronto Theater, Rom und Kopenhagen. Das Set-Design wird von Robert Carsen getan und, wie in es üblich,, die Bühne ist klar,. Ein Strand und Meer sind die einzigen Punkte, in denen einige Griechen und Trojaner aktualisiert, Gewinner und Verlierer, Militär und Flüchtlinge erscheinen als die zeigen, dass die Tragödie bleibt aktuell.

Ein Meer von Orange Westen und Projektion einer Stadt zerstört, vervollständigen die Szene. Ein Pazifist Plädoyer etwas gezwungen und, von abgedroschen, es ist ermüdend und es mangelt an Originalität.

Was sie tut, sehr gut Carsen ist es, die Massen zu verwalten auf der Bühne stehen. über 60 Chormitglieder und ein 100 figurantes füllte die Bühne perfekt synchronisiert. Reservieren landschaftlich absolute Privatsphäre für die Sterne, insbesondere Idomeneo Duette mit Idamante, oder Arien von Elettra.

Eine dunkle Landschaft, das unterstreicht die dezente Beleuchtung Carsen und Peter van Praet, Sie projizieren den Schatten eines riesigen Idomeneo behaftet. Beleuchtung voller Details und Informationen, die die offenen Räume verstärkt und hilft mehr Atmosphären schaffen vorbehalten.

Außerordentliche ist die Arbeit vor dem Titular Orchester des Königlichen Theaters führt seinen Direktor Ivor Bolton. Die Einbeziehung einiger Vintage-Instrumenten, als gestopften Hörnern, erdacht von Leopold Mozart, oder Holz Spannuten, Von einem wirklich Sound mozartiano. Bolton nimmt eine Lesung voller Details und Raffinesse, mit seinem eigentümlichen und mit Begeisterung lenken, während begleitet den Schlüssel, Es macht die Musik über die anderen Elemente der Produktion, wie es nicht anders sein könnte,.

Eine andere Protagonisten dieser Darstellungen Highlight, Es ist der Chor. In zunehmendem Maße inspiriert, beide Gesang, und interpretierende. dieser Chor, Hand des Regisseurs Andrés Máspero, Es scheint grenzenlos. Keine Punktzahl oder Landschaft können sie widerstehen. hell!

Idomeneo, Charakter erfordert eine gewisse Agilität und Raffinesse, Sie wurde gespielt von Jeremy Ovenden. Seine Stimme ist zu hell für einen König. Seine geringe Größe zeigte in der Menge Arien, in dem er kaum hören.

Elettra ha sido Interpreter por Pleiades Sabirova. präziser Charakter eines dramatischen Sopran Agilität. kräftig, für jene Momente di forza, in für die Liebe zu Idamante kämpfen. Die Sopranistin usbekische, die die meisten wurden von der Öffentlichkeit applaudieren, er schaffte es, seine Charakterstärke und Lyrik zu geben, mit einem hohen Volumen der Stimme und dramatischer Intensität.
Ilia Charakter wurde von der spanischen Sopranistin Sabina Puértolas gespielt. Die größte Schwierigkeit in dieser Rolle, für Sopran als Puértolas, Es ist in seiner Koloratur. Er kannte den Charakter Adresse mit Mut und mit dieser frischen und eleganten Gesangslinie, von denen immer Gala macht. Seine Stimme wird immer größer, gewinnt Körper und Klang. fehlte nur ein wenig Volumen.

Die Rolle des Idamante, Mozart ursprünglich für Kastraten komponiert, Wiener Fassung und modifiziert es wurde Tenor. El Real wurde ganz diskret von dem italienischen Zorzi Giustiniani Anicio interpretiert. Es hat einen schönen Klang, aber voller seltsame Geräusche und, wie der Rest der Besetzung, dass, wenn dies ausgeglichen, das Volumen ist sehr gering.

Eine gute Lektüre von mozartischen Indomeno, musiclamente sprechen, was es ist wichtig,.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real

Rheingold 2

Rheingold 3

Rheingold 4

Rheingold 5

Rheingold 6

Rheingold 7

Das Rheingold, Richard Wagner, Tetralogie kommt bei Rheingold Theater RealEl (Das Rheingold)
Prolog in vier Szenen szenische Der Ring des Nibelungen Festival
Musik und Libretto von Richard Wagner (1813-1883)
Veröffentlicht im Königlichen Hof- und Nationaltheater de Múnich, die 22 September 1869
Uraufgeführt am Teatro Real 2 März 1910
Oper Köln Produktion
D. Musical: Pablo Heras-Casado
Konzeption: Robert Carsen, Patrick Kinmonth
D. Szene: Robert Carsen
Bühnen- und Kostümbildner: Patrick Kinmonth
Illuminator: Manfred Voss
Besetzung: Greer Grimsley, Raimund Nolte, David Hintern Philip, Joseph Kaiser,
Ain Anger, Alexander Tsymbalyuk, Samuel One, Mikeldi Atxalandabaso, Sarah Connolly, Sophie Bevan, Ronnita Miller, Isabella Gaudi, María Miró, Claudia Huckle
Titular Orchester des Teatro RealWagner war als politischer Revolutionär gescheitert, aber er war bereit, erfolgreicher zu sein revolutioniert die Kunst ". Chris Walton beschreibt im Programmheft einen Wagner schon in den epischen nordischen Mythen suchen, die gefunden wurden, nicht vorgeschlagen in dem angeblichen revolutionären episch Uprising Mai Dresde.Se dann viel von den Konventionen zu beenden Opera eine neue Form von musikalischen Drama Aufbau. Er beseitigte allem Drum und Dran vocal lucimiento, Die Trennung zwischen Arien und Recitativen, wie man schreibt Skripte, schließlich, Er verzichtet mit allen Elementen, Ihrer Meinung nach, nicht bedient das Drama zu vertiefen.

Er begann mit dem Bau einer Form der musikalischen Sprache viel komplexer. Mit einem Orchester von Dimensionen bisher unbekannt. Aber es war nicht nur die Lautstärke zu erhöhen,, Wagner war auf der Suche nach neuen Farben und musikalischen Texturen, in denen seine dramatische Rede unterstützen. Er schuf neue Instrumente, als snorkels Wagnerist, deren neuer Timbre wurde ein Markenzeichen seiner Opern. Alles im Sinne des Aufbaus ihres Projekts „Gesamtkunst“ und dem Orchester führen zu Entwicklungen, die stattgefunden haben.

Der Wagner von der Zeit war nicht nur daran interessiert, einige der sozialen und revolutionären Bewegungen der Zeit. Natur und Verschlechterung war bereits ein Problem für die deutschen Komponisten und Wasser, seine inspirierendsten Element. Es wurde zu häufig seine Besuche in Thermen bekannt, ihre zahlreichen Beschwerden zu lindern. Und es war unter diesem Einfluss von Wasser, als seine größte Schaffenskraft entwickeln.

Das Königliche Theater beginnt mit Das Rheingold Tetralogie der Ring für vier aufeinander folgende Jahreszeiten inszeniert. Wagner führte diese Arbeit, casi herkulische, während 25 Jahre alt. Die Ergebnisse waren 16 Stunden Musik, die mit dieser Ouvertüre beginnen präsentieren einen von der Gier nach Macht Natur zerstört.

Robert Carsen Produktion und betont Patrick Kinmonth, genau, diese Art Abbau. Ich kann nicht sagen, dass die Landschaft von Carsen mir gefallen, Ganz im Gegenteil:, aber die Bar war sehr hoch, nachdem seine Dialoge von Karmeliten (2006), Katja Kabanowa seine unvergessliche (2008), auch Salome (2010). Nur der Anfang der Arbeit, in denen sie erscheinen Figuren, die Plastikflaschen zu Rin unter den Auswirkungen des Dunstes werfen und dann entdecken, dass als Müllhalde, Sie machen die von Carsen gestellt Rede glaubwürdig. Wir sind zu sehen Wagners Opern mit gigantischen Szenografie verwendet, große aparatajes und Effekte, die aufholen Lautstärke versuchen. dieses Mal, Carsen und Kinmonth wollte nicht die Sätze die Protagonisten der Produktion waren und das Gewicht des Dramas in den Zeichen setzen und den Fluss. Die Landschaft ist in einem absoluten Pessimismus über die Zerstörung der Natur verstrickt. Ein Fluss verunreinigt und am Boden zerstört durch menschliches Handeln ist das wichtigste Element dieser Arbeit Stress.

Die anderen Szenen bestehen aus Blöcken von Gebäuden im Bau und Kräne, die nicht zu viel Handlung Informationen hinzufügen und einige wenig nachvollziehbare Elemente, Schnee, der am Ende oder den Golfclub fällt ersetzt den Hammer Donner. Eine sehr gute Beleuchtung Manfred Voss vervollständigen diese strenge und kalte Szenografie, jedoch, Es hat eine außergewöhnliche Qualität, Es ermöglicht das Hauptaugenmerk auf den Protagonisten fällt, das Orchester und die Partitur.

Es ist das erste Mal, dass Pablo Heras-Casado der Ring-Tetralogie Gesichter und hat sich als eine außergewöhnliche Überraschung sein. Es dauert einige Sekunden, die Selbstbeobachtung von der Bank, mit geschlossenen Augen, bevor sie in die ersten Akkorde starten, in etwas mehr als 4 Minuten Vorschuss, was eine der größten Revolutionen der Musik sein, eine neue Konzeption des Orchesters und Zusammensetzung.

Eine riesige Grube, zu denen es wird Raum der ersten beiden Zeilen hinzugefügt und das ist, wo wirklich die Show. gebildet durch 110 Lehrer, eine Gruppe von Zeichenketten 21 ich Violinen, 20 II, 17 Violen, 15 Celli und 8 Kontra Dividieren, Wende, in Untergruppen diese Effekte von Abstand und Tiefe und polyphonen Klang zu erzielen, das einen Sound voller Raffinesse schaffen. 5 von 6 Harfen von Wagner und eine Reihe von Metallen erforderlich fast konstruieren, selbst, die dramatische Rede.

Die Adresse Heras-Casado ist sehr effizient. Gute Verbindung mit dem Orchester Note, Produkt einer tiefen Arbeit. Immer aufmerksam auf jedes Element der Grube und die Bühne. Vielleicht fehlte Macht und Effekthascherei zu Zeiten, wie das Crescendo der Ouvertüre oder der Eintritt der Götter in Walhalla, aber ihre Begeisterung in Richtung angeboten führt zu einem homogenen festen Klang, was es ist keine Kleinigkeit auf die Herausforderung dieser Arbeit. Mit diesem Anfang tetralogy, der nächste Zyklus Titel mehr als interessant wagen.

Wie für die Stimme das Ergebnis werfen uneinheitlich. Die Besten der Nacht gewesen ist, deutlich, der Alberich von Samuel Youn. Ein sehr gutes Volumen und schöner Ton für eine hervorragende Interpretation der elenden und kleiner Zwerg Nibelungen. Hoffentlich Position noch in der nächsten Ausgabe des Rings.

Greer Grimsley hat ein Wotan etwas enttäuschend gespielt. Es schien einen kleinen und inkonsistent Charakter inmitten Landschaft, die nackt. ihre Garderobe, zweiter Offizier, Es half nicht viel. Der Charakter fehlte in Anwesenheit und Stimme, mit evident Vibrato, Er war nicht das Unternehmen, dass der Charakter erfordert, vor allem in den höheren Noten.

Sarah Connolly große Bühnenpräsenz gab ihr Fricka, aber ich muss zugeben, dass ich viel mehr erwartet von ihm stimmlich, Es war nicht umsonst einer der wichtigsten Namen des Darstellers. Wagner vielleicht nicht die am besten geeignete Repertoire Qualitäten sein.

Sehr gut auch Riesen Ain Anger und Alexander Tsymbalyuk, Sie füllten die Bühne mit ihrer Stimme und Präsenz.

Sophie Bevan Solvenz Büro mit seinem Charakter Freia, einer der restless auf der Bühne. sehr gut, und so ausgezeichnet er die Öffentlichkeit, die Erda von Ronnita Miller.

Auch hervorragend drei Töchter Isabella Rhein Gaudí, María Miró, schöne Sopranstimme, und Claudia Huckle, für den Anlass wurden als Bettler verkleidet.

Joseph Kaiser hat eine ziemlich kleine Stimme, aber genug für Feuergott Loge. A Wagnerian Tenor Glocke, wenn auch nicht Volumen.

Eine der besten Leistungen der Nacht war der Mime von Mikeldi Atxalandabaso. Er debütierte auf den Charakter und brillierte, sowohl stimmlich, und die Interpretation.

Vier Jahre scheinen zu lange, um zu sehen füllen Sie diesen Tetralogie Ring. Hoffentlich lohnt sich und das nächste Mal können wir in einer Saison sehen.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

Die Zauberflöte 1

Die Zauberflöte 2

Die Zauberflöte 3

Die Zauberflöte 4

Die Zauberflöte 5

Die Zauberflöte 6

Die Zauberflöte 7

Die Zauberflöte 8

https://youtu.be/mMmEwLvgk3Q

Kontroverse “Zauberflöte” Die Saison beginnt in KunstDurch Diego Manuel García Pérez.

diese umstrittene magic flute, mit einer transgressiven Inszenierung von Graham Vick, Es ist angeblich die schwere Ungleichgewichte zu zeigen, die heutigen Gesellschaft zu beeinflussen, mit einer klaren Konfrontation zwischen den ärmsten und am stärksten privilegierten Klassen. Große Plakate und Protestbanner dominierten den Bühnenraum und die seitlichen Ende der verschiedenen Etagen des Zimmers, mit vielen Extras, Sie bewegen sich auf der Bühne beide und aus. alle, ergibt, wird die Aufmerksamkeit von Zuschauern ablenken, was wirklich zählt: Mozartiana wunderbare Musik. zum Glück, Orchester von Valencia, gut durch Lothar Koenigs gerichtet, boten einen ausgezeichneten Klang und der Chor der Generalitat war in seiner üblichen großer Höhe. Bemerkenswerte Performance-Gruppe Solo Sänger, zu denen auch die italienische Sopranistin Mariangela Sicilia, die er bot eine exzellente Kreation von Pamina.

Die Zauberflöte (Die Zauberflöte) es un Singspiel (Oper in deutschen Kino Dialoge gesungen, die umfassen), in zwei Akten mit Musik von Wolfgang Amadeus Mozart und Libretto von Emanuel Schikaneder. Seine Premiere fand im Theater auf der Wieden beliebt in Wien 30 September 1791, unter der Regie von Mozart mit Schikaneder selbst und dem Charakter der Papageno spielt. Es war die letzte Premiere des Komponisten, die starben, zwei Monate später, die 4 Dezember, mit nur 35 Jahren. Heute scheint es klar, dass es Mozart war die Schikaneder vorgeschlagen (facetten~~POS=TRUNC: Geschäftsmann, Darsteller, Sänger, Librettist und Theaterdirektor), und nicht umgekehrt, die Schaffung einer deutschen Oper magischen Charakter. Ich wollte den großen Erfolg wiederholen, in 1782, mit Singspiel Die Enführung aus dem Serail (Die Entführung aus dem Serail). Das Argument ist sehr umstritten, durch sein unordentliches Netzwerk. Es scheint, begannen sie es Schikaneder und Schauspieler und Sänger Ludwig Giesecke schreiben, durch die eigene Mozart, und die Kriterien geändert, sobald die ersten Szenen geschrieben, so, magische Komödie mit einer kläglichen Königin für die Entführung ihrer Tochter Prinzessin Pamina und die tapferen Prinz Tamino verantwortlich für Rettung, Es wurde komplexer: eine Entschuldigung der Freimaurerei, die eindeutig spielt es die bösen Entführer von Pamina zu konvertieren, der weise Priester Sarastro, wer regiert, einen Tempel, der zu schlagen Tests zugegriffen, wo Mut und Charakterstärke angezeigt werden. Tamino und Pamina, Sie schaffen es zu überwinden, um ihre Liebe Dichtungs, trotz der Machenschaften der Königin der Nacht und die drei Damen zu Ihren Diensten. Der liebenswerte Charakter im Spiel ist die einfache Papageno, fowler, zunächst dazu dient, die Königin der Nacht, und später wurden Beschützer der Liebesbeziehung zwischen Pamina und Tamino. Dieses Argument wird durch die außergewöhnliche Musik von Mozart unzusammenhängend zusammen, Orchester Gewebe, bei dem die Stimmen der verschiedenen Zeichen als ein Instrument eingeführt werden. offensichtlich, Es ist eine Standard-Repertoire Oper, Es gibt viele Aufnahmen auf CD und DVD. Fügen Sie zwei historische Aufnahmen, mit großartigen Orchestern und hervorragenden Darstellern, im Studio aufgenommen und kann auf YouTube komplett zu hören. Die erste fand in Berlin statt zwischen 1937 und 1938, mit dem großen englischen Dirigenten Sir Thomas Beecham, vor der Berliner Philharmoniker. In einer Umgebung bereits Antebellum, Beechan konnte nicht Aufzeichnung beenden; dass, scheint, Es wurde von einem jungen Herbert von Karajan abgeschlossen. Die Besetzung wurde von zwei sensationellen Darstellern geleitet: Deutsch Sopranistin Tiana Lemnitz als Tamina, eine Stimme von großer Reinheit und voller Melancholie bietet, neben dänischen Tenor Helge Rosvaenge Tamino, voluminöse Stimme und schön, mit einer herrlichen Phrasierung und absoluter Beherrschung des mozartischen Stils. Die Sopranistin Erna Berger ist eine ausgezeichnete Kreation der Königin der Nacht. Die remasterte Ausgabe für das Label Naxos, deutlich verbessert den Originalton. Die zweite Aufnahme empfohlen, Es wurde gemacht von EMI, in 1950, mit dem schönen Orchestergang der von Herbert von Karajan gerichteten Wieneren Philharmoniker, und eine große Stimme warf mit ausgezeichneten Tamino Slowenisch Tenor Anton Dermota, auténtico estilista Mozart, eine raffinierte Kantenlinie, mit der deutschen Sopranistin Irmgard Seefried, eine Stimme von großer Klangschönheit, die eine sensible und empfindliche Pamina spielt. Wilma Lipp macht eine große Schöpfung der Königin der Nacht, mit hervorragender Beherrschung der Koloratur. Die anderen Charaktere werden von großen Stimmen gespielt: großer Bass Ludwig Weber, ein sensationeller spielt Sarastro, Erich Kunz (Papageno), George London (Sprecher), Emmy Loose (Papagena). In der Mitte der fünfziger Jahre des letzten Jahrhunderts, die Opernszene bricht in dem außergewöhnlichen deutschen Tenor Fritz Wunderlich, des schönen vocalism und großen dramatischen Temperaments, Tamino, dessen Schöpfung anthological, Erreichen oft interpretieren. in 1964 (zwei Jahre vor seinem Tod, mit nur 36 Jahren) Tamino spielte ein Aufnahmestudio in Deutsche Grammophon, mit Karl Böhm vor der Berliner Philharmoniker, El Gran Seine Otter (Sprecher), Franz Grass (Sarastro), Dietrich Fischer-Dieskau (Papageno), Evelyn Lear (Pamina) und Roberta Peters (Königin der Nacht). Escuchar a Fritz Wunderlich en el aria del retrato “Dies Bildnis ist bezaubernd schön”, Es ist eine wahre Freude canoro.

Es gibt zwei Videoaufnahmen, die komplette werden kann auf YouTube zu hören. Die erste in gehaltenen 1983, Oper in München, Wolfgang Orchester Adresse Sawalisch, und verkauft auf DVD bei der Deutschen Grammophon, mit herrlichem Tamino der mexikanische Tenor Francisco Araiza, der schönen Timbre und eine perfekte Anpassung an mozartischen stilistische Repertoire, mit ausgezeichneten Pamina der großen tschechischen Sopranistin Lucia Popp, eine Stimme kristalline Reinheit, und Königin der Nacht von Edita Gruberoba, das zeigt seine absolute Beherrschung der Koloratur. Der zweite Schuss auf Video empfohlen, Es wurde an der Zürcher Oper durchgeführt, Le Jahr 2000 und auf DVD von ARTHAUS MUSIK verkauft, Frantz Orchester Adresse Welser-Möst, mit wunderschönen Tamino polnische Tenor Piotr Beczala, deren Stimme erinnert an Fritz Wunderlich, Pamina neben der schwedischen Sopranistin Malin Hartelius, das bringt Stimme und die landschaftliche Schönheit. Der große finnische Bass Matti Salminen, Es umfasst eine imposante Sarastro. Klassische und sehr geeignet Jonathan Miller szenischen Vorschlag.

Es kann nicht von malerischem Mount Graham Vick gesagt werden,, das wurde in Valencia gesehen, Co-Produktion mit dem Palau de les Arts, Birmingham Opera und das Festival von Macerata. Zuschauer, die den Raum betreten wurden durch eine Reihe von großen Plakaten überrascht von allen Etagen mit Protestbotschaften hängen: „Gegen Gewalt an Frauen“, „In der Verteidigung der Rechte und Freiheit“, „Das System kann nicht die Korruption bekämpfen, weil Korruption das System“, „Fair Renten, die ". Anzahl der Extras drangen die Bühne und erlitt einige Räume Zuschauer, was sie wollten, Er war eine gute Zeit, um die wunderbaren Musik von Mozart hören. und, alle, Es ist die Verpackung des Satzes selbst, von Stuart Nunn ausgeführt, (auch verantwortlich für die Kostüme), wo Sie drei miteinander verbundenen Gebäuden sehen: einer der großen Höhe, oben auf dem, Es scheint, das Euro-Symbol (Finanzkraft), Appel Shop (Die Rechenleistung, auch die Heimat des Freimaurertempel) und eine Nachbildung des Petersdoms (Die Macht der Kirche). Von diesen Gebäuden, an einem gewissen Punkt in der Funktion, out Menge figurantes: Finanz-Führungskräfte durch anspruchsvolle Frauen elegant gekleidet und umgeben, mit militärischen und kirchlichen lila rot, dass die Kräfte bilden, Unterdrückern der Menschen manifestiert mit signifikanten Anzeichen: "Nein, Es ist nicht ", „Wir haben auch voice“, „Wir stehlen nicht in die Zukunft“, „Diversity, Gleichheit und Einheit ", in der Nähe dieser ikonischen Gebäude, mit defensiven Zäunen begrenzt. Das Finanz Gebäude wird an einem gewissen Punkt gedreht, kann in der Rückseite zu sehen, Raketenbatterie Mitwisserschaft der wirtschaftlichen und militärischen Macht! oder wir die Rückseite der Basilika gezeigt, wo es erscheint eine madonna, mit seinem Mund bedeckt die Marginalisierung von Frauen in den Zentren der Macht der katholischen kirchlichen Welt! Ist unzulässig Manipulation von Graham Vick von brillanten Dialogen in Deutsch Originaltext, mit der Aufnahme von Phrasen in Spanisch, wo der improvisierten Chor der figurantes fungiert als griechischer Chor Führer, Zeichen Warnung der möglichen Folgen ihrer Handlungen oder Verhaltensweisen Vorhaltung. Das Ziel, eine Arbeit in der Welt des späten achtzehnten Jahrhunderts auf die aktuellen Probleme getaucht bewegt, sollten berechtigt sein,: Die Zauberflöte mit Musik von Wolfgang Amadeus Mozart und Emanuel Schikaneder Text, von Graham Vick überprüft. Es ragtag Kostüme, von diesem eleganten Business-Anzug trägt Sarastro, in einem Huhnkostüm zu Papageno gewickelt, durch Tamino und Pamina im Trainingsanzug mit einem Kleid erinnert an der Puppe gekleidet Olympia Hoffmanns Erzählungen, oder die drei Damen in Affen Arbeiter vollgestopft, die sie mit führenden ihrem Chef attraktive Kleidung in Linie entfernt werden ausstellenden, die böse Königin der Nacht Ah! und, auch das Signal das Vorhandensein eines Baggers, die Schlange Verfolgern Tamino dient, und ein Sopran Roller, wo die Kinder bewegen. schließlich, der Zusammenbruch der drei emblematischen von einem macrodanza gefolgt Gebäude, in denen sich alle Teilnehmer Präambel von einer Welt, in Frieden und Harmonie entwickeln!

Konfrontiert mit so vielen Extras, Mit einem kontinuierlichen Phase Bewegungen, Es hat viel Verdienst und den Leiter Lothar Koenigs versöhnlich Arbeit, mit dem exzellenten Klang des Orchesters von Valencia, sich bereits in der Ouvertüre, der größte komponiert von Mozart, mit einem überraschenden Einsatz von Kontra, und wird mit Musik fortgesetzt, die die arioso ein verängstigtes Tamino und szenische irruption der drei Damen hüllt. Orchester Highlight sowohl das Quintett Auflösung Tamino, Papageno und die drei Damen, wie die schöne Pamina und Papageno Duett. Das Orchester scheint stark über das breite Ende des ersten Aktes, mit dieser feierlichen Begleitung, die real Betonung Duo Tamino und Sprecher gibt, oder Klang des magischen Flötensolo in der zweiten Intervention Tamino, mit Musik, die die Bühnenpräsenz von Sarastro markiert, und Band-Chor Montag, das kommt zu dem Schluss, dass Akt I. Ya, in Akt II, Deutlich wird das einleitende Orchesterklang mit dem „Marsch der Priester“ und die brillante Kombination von Orchester und Chor im „Chor der Priester“. Der Orchesterklang umhüllt brillant die beiden Soli Sarastro. Sehr prominent Orchesterleistung in der Solo Interventionen von Papageno, mit kontinuierlicher hörbarer Anwesenheit von „Glockenspiel“. aber, vor allem, bemerkenswert, der hervorragende Orchesterklang über das breite Ende der Arbeit, mit musikalischen Momenten von außergewöhnlicher Qualität: dass große Szene, wo, zuerst, die beiden Bewaffneten beteiligt Tempel mit Tamino, mit einem Sound erinnert an ein dramatisches Oratorium, gefolgt von dem erhabenen Duett von Pamina und Tamino, wo schöne Orchesterzwischen wo sieht den Klang der Flöte eingeführt werden, mit einem abschließenden Coda, wo verbunden brillante Art und Weise von Chor und Orchester. Wie in so vielen Momenten dieser Arbeit, die Kontraste zwischen idealisierten Welt, in der Tamino und Pamina zeigt bewegen, und die greifbare Realität, mit dieser komischen Papageno und Papagena Duett, wo eine andere Ebene Auch-- Der Orchesterklang ist sehr hell. Schöne Kombination aus Orchester, Solostimmen und Chor in dem brillanten Ende dieses Singspiels. Im hohen Niveau aller Orchesterabschnitte umfassen den Klang der Oboen, Klarinetten und Fagotte mit einer besonderen Erwähnung der Flöte solo.

Die große Gruppe von Sängern gehören die Pamina herrliche italienische Sopranistin Mariangela Sicilia, attraktive Stimme Timbre, mit Weite und Breite, mit ausgezeichneter Phrasierung und die Fähigkeit, Regeln zu klingen. Und zeigt seine stimmliche Qualität im schönen Duett mit Papageno Akt I, bietet ihre beste Leistung in Akt II Arie „Ach, ich fühl’s, esist verschuwunden”, gesungen mit großem mozartischen Stil und dramatischer hohen Kapazität. Magnificent Auslegung dieser erhabenen Duett „Tamino mein! O welch ein Glück „neben der ukrainischen Tenor Dmitry Korchak gespielt Tamino, breite Stimme mit guten hohen Registern, obwohl zeigt Lücken stilistischen, sobre todo al afrontar la dificilísima aria del retrato “Dies Bildnis ist bezaubernd schön”, die es erfordert ausgefeilte Technik und Ausdruck. Seine Performance-Verbesserung in der Arie „Wie stark ist nicht dein Zauberton“ begleitet von seiner Zauberflöte. Betont seine Intervention im Trio des zweiten Aktes mit Pamina und Sarastro, von Deutsch unter Wilhelm Schwinghammer gespielt, sehr elegante Bühnenpräsenz, singt mit Stil, aber es leidet unter diesen tiefen Basstöne, die den Charakter erfordert. Es ist auch Gegenstand Vorkommen von Graham Vick, dass die Bewegung durch die Stände zu nehmen und ein paar Worte in Spanisch Ausgabe. Englisch Bariton Mark Stone, umfasst eine lustige Papageno, bemerkenswerte Vokal- und besonders interpretierende Plan, wobei auch Sätze in Spanisch singen. Königin der Nacht, Tschechische Sopran Tetiana Zhuravel, Es bietet ein attraktives Bühnenpräsenz; und, obwohl seine Stimme ist klein und leichte Überschuss, logra resolver de manera notable la coloratura del aria “Der Hölle rache kocht in meinen Hertz”, mit diesen sehr schwierig gehackten Noten. Während Moses Monostatos Marin. Sehr lustig die drei Damen: Camila Titinger, Olga Syniakova y Marta Di Stefano, Zugehörigkeit zum Centro Plácido Sonntag. Sprecher akzeptabel gespielt vom Bass Deyan Vatchkov. Bemerkenswert ist die Schaffung von Papagena Sopranistin Júlia Farrés Llongueras, wer auch immer, in seinem ersten Auftritt, Graham Vick, das zwingt sie Schlangenmensch in einem kleinen Behälter zu bleiben, und echte Komödie, die mit Papageno sein Duett gibt. Während der Rest von Darstellern, darunter drei Kinder Sopran in patinete bewegen.

Der Chor der Generalitat wieder seine hohe Qualität in seinen vielen Interventionen während der Arbeit.

 

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Turandor, Giacomo Puccini Look und Schatten (1858-1924) lyrisches Drama in drei Akten Libretto von Giuseppe Adami und Renato Simoni, basierend auf der gleichnamigen Fabel Carlo Gozzi D. Musical: Nicola Luisotti D. Szene und Beleuchtung: Robert Wilson Figurinista: Jacques Reynaud Make-up und Haar: Manu Halligan Videocreador: Tom Jeziorski Dramaturgo: José Enrique D Macián. Chor: Andres Maspero D. Kinderchor: Ana González Besetzung: Oksana Tauchen, Raul Gimenez, Giorgi Kirof, Roberto Aronica, Schauen Sie Urbieta-Vega, Joan Martin Royo, Stephen Vincent, Juan Antonio Sanabria, Gerardo Bullón Chor und Orchester des Teatro Real Halter November 1924, Puccini zieht nach Brüssel, Dr. Ledoux ist der einzige, der erfolgreich mit Rachen-Krebs umgehen können, die diagnostiziert wurde. Es trägt Teil der Partitur von Turandot, Ziel ist es, das letzte Duett und bei seiner Rückkehr zu beenden zu beenden, was seine letzte Oper wäre. Der Tod ist in der überrascht 29 November und Pläne und das Ende der Turandot bleiben unvollendet. Turandot ist eine Oper, die nicht die gleichen Koordinaten der Werke bisher von Puccini geschrieben folgt. Es enthält zu viele Unbekannte, Teil seines unvollendeten letzten Duetts. einige dieser Fragen zu beantworten, Wir müssen zurückgehen ein 15 Jahre zurück… in 1909, Doria Manfredi ist ein junges 24 Jahre zu Hause Puccini Arbeits. Elvira, Lehrerin, Doria beschuldigt versucht zu haben, ihren Mann zu verführen und sagt haberles zusammen entdeckt. Klatsch und Schande der Familie Selbstmord junge Doria führen. nach 5 Tage des Leidens und der unerträglichen Schmerzen, die ihm das Gift gegeben hatte er genommen hatte, Doria Manfredi stirbt. Der Bericht zeigt, dass der Tod hatte Doria eine Jungfrau gestorben. Es wird gezeigt, dass die Anschuldigungen falsch waren Elvira, auch während der polizeilichen Ermittlungen wegen Anstiftung zum Selbstmord, verhaftet werden. Aber Puccini eine große Summe Geld für die Familie Manfredi zahlen und Beschuldigungen gehen nicht über. während der 15 folgende Jahre, Puccini leidet an dieser Veranstaltung stormily, wie sie sich in vielen seiner Briefe, in denen er nicht den Tod dieses unschuldigen zu ertragen behauptet. Wenn Puccini das Ausmaß seiner Krankheit weiß, ist, wenn man das Schicksal von Liu entscheiden sich ändern. Die letzten Verse des Kalaf und Timur Zusammenhang mit dem Selbstmord von Liu, Sie sind die Rechtfertigung des Komponisten, Entschuldigt die Welt in seinem Namen zu werfen und auf seine Frau für den Selbstmord, der sich schuldig fühlt. Dies war eine öffentliche Entschuldigung für ein Ereignis, das das Leben von Puccini markiert und klagte kurz vor seinem Tod. die 25 April 1926 Turandot Premieren am Teatro alla Scalla Mailand mit dem endgültigen geschrieben von Franco Alfano, Puccini nach den Anweisungen verlassen hatte geschrieben. 20 Jahre nach seiner Premiere, gibt die fantastische Geschichte von Turandot am Teatro Real. Robert Wilson ist verantwortlich für Dressing, oder, diese Geschichte und Füllung, oder, Magie und Fantasie Element. Robert Wilson sagt, dass, wenn Sie eine Bühne schaffen Sie sich fragen, was Sie nicht tun sollten, für, genau, tun. Er ist der Ansicht, dass der Korpus der Arbeit eines Künstlers ist immer gleich, und dies muss im Laufe seiner Karriere erkannt werden. Und Wilsons Arbeit ist immer perfekt erkennbar. In einigen Produktionen mit mehr Erfolg als andere, aber ist immer Bob Wilson. Dies hat Turandot wird mehr oder weniger leer, escenográficamente sprechen, Naked szenische Elemente, sondern mit seiner unverwechselbaren und exquisiten Beleuchtung Halt, manchmal fast ausschließlich, Bühne Drama. Ein weiteres wichtiges Element ist Wilson Landschaft keine Bewegung. Auch die Charaktere sehen oder berühren jederzeit und einfach nehmen kleine Schritte und mechanische. Verlassen Waise von Leidenschaft und Romantik einiger Schlüsselszenen, als Selbstmord Liu, Es vergeht fast unbemerkt. Aber all diese Abwesenheiten produzieren auch andere Empfindungen. Statism der Charaktere auf dem außergewöhnliche Licht Wilson, eine wahrhaft magische Atmosphäre schaffen, voller Schatten, die scheinen gezogen und ziehen Sie in die Geschichte durch die volle Aufmerksamkeit Projizieren auf Musik. Figuren entworfen von Jacques Reynaud bereitgestellt, das Fehlen der Expression in den Charakteren, Dramaturgie und Theatralik der Arbeit. Das Gesamtergebnis ist eine extreme Raffinesse, beide Charaktere, als Kulisse, erlaubt, wie er will Wilson, Sie haben große Räume, offenbar leer, für den Betrachter ihre eigene Geschichte neu zu erstellen. Nicola Luisotti erhält hervorragende Leistung des Orchesters und Chores, die es spielt eine wichtige Rolle in dieser Arbeit und Übungen mit großem Erfolg. Luisotti extrahiert aus dem gesamten Orchesterpartitur Reichtum und verwaltet die orientalische Exotik von Puccini vorgestellt neu. Ihre Adresse, immer elegant, Es ist voll von Details und bunt, insbesondere bei der Behandlung von Seilen. Musik füllt die Räume, die Witwern die malerische Drama erscheinen und setzt die Stimmung des Komponisten in der Partitur spiegelt. Prinzessin Turandot ukrainische Oksana Dyka ist ziemlich gritona, mit Strapsen scharfer Stimme und eine Farbe etwas gelblich. Großvolumige von Sprach, als Zeichen erforderlich ist, um nicht vom Orchester verschluckt werden. Verwaltet, um die hieratic Haltung und voller Grausamkeit des Protagonisten zu vermitteln, obwohl sie nicht ein Haar bewegen. Die Calaf Roberto Aronica war würdig, kurzerhand. Er war auch ein bisschen laut und unfein und Romantik. Er hatte zwischen Volumen oder im Schatten zu wählen und entschied sich für die erste. er hat favorisieren nicht weder Dirigismus noch seinen Charakter Garderobe. Giorgi Kirof Timur bot eine etwas locker und dumpf. Etwas besser war der Kaiser Altoum Raul Gimenez, das war in seinem Charakter glaubwürdig und nicht das Verdienst zu verachten singen 10 Meter hoch. Die meisten Beifall des Abends war die Sopranistin donostiarra Miren Urbieta-Vega als Liu. Er füllte seinen Charakter mit einer Leidenschaft und Gefühl starke Stimme, gute Phrasierung und reichlich fiato. Schade auch ihre Garderobe ihm favorisierte. Minister Ping Pang und Pong, seinen Charakter und fast grotesk bufo gegeben, bewegen sich die einzigen Zeichen über die Bühne und fast zwanghaft übertriebenen, Wenn man bedenkt, dass der Rest nicht bewegen oder Augenbrauen. Nun interpretiert stimmlich und, vor allem, im Theater von Joan Martin Royo, Vicenc Esteve und Juan Antonio Sanabria. Text: Paloma Sanz Fotos: Javier del Real Videos: Teatro Real
Das Haus der Bernarda Alba 1

Das Haus der Bernarda Alba 2

Das Haus der Bernarda Alba 3

Das Haus der Bernarda Alba 4

Das Haus der Bernarda Alba 5

Miquel Ortega ist Korrepetitor am Teatro de la Zarzuela, zurück in 1991, Er begann eine Oper zu komponieren auf der Grundlage der Arbeit seiner bewunderten Federico García Lorca. Es war nichts weniger als „The House of Bernarda Alba“. In wenigen Monaten wurde der erste Akt fertig. von hier aus, und wegen der zahlreichen Verpflichtungen, die er den Erwerb des Komponisten, seine Arbeit ging für 8 Jahre. Es war eine Kammeroper in ihrer ursprünglichen Zusammensetzung 14 Musiker, Modus die Britten Kammeropern. aber in 2007 Er kam die Gelegenheit, um sie zu lösen mit der Bedingung als in der Version für Sinfonieorchester im Theater der rumänischen Stadt Brasov. Dann kommen die Feste von Santander und Peralada.Llega jetzt das Teatro de la Zarzuela in einer Neuproduktion Fassung für Kammerorchester, wie es war von Anfang an von Miquel Ortega konzipiert. Und zum ersten Mal in einer spanischen Sprachversion. Julio Ramos Libretto ist absolut respekt des Spiels. Fast ausschließlich so lassen keine Zeit, einige Szenen und Zeichen wurden Prudencia beseitigt.

Ortega schafft eine Punktzahl das Spiel passen. Etwas nicht leicht, mit einem so komplexen und den vollständigen Text von mehr zerreißend Drama von Lorca. Ortega Musik, nicht verbessert nichts anderes als das Drama, eine bedrückende und beklemmende Atmosphäre. Geben des Lebens auf die andere Hauptfigur ist das Haus und die große Ezio Frigerio, Riccardo Massironi, Sie haben es geschafft, in einem Szenario zu erfassen, die der Applaus war nichts der Vorhang aufgeht, in Anerkennung der Loyalität dieser erstickenden Raum, in dem sich die Tragödie stattfinden wird. Frigerio beschreibt es: „Es hat einige Kloster, einige Gefängnis, etwas nicht gesehen und haben zu fühlen. "

Die Landschaft wird durch die Kostüme von Franca verbesserte Squarciapino Sie alle diese Frauen sahen perfekt durch ihr Outfit gequält beschreiben. Nichts fehlt in einer genauen Lektüre links über die Glaubwürdigkeit der Darstellung bringt. Das gleiche gilt für die Beleuchtung Vinicio Cheli und dem großen Regisseur Barbara Lluch. Unter den vier komponieren sie die perfekte Kulisse natürlich, ohne Fanfare oder Schmuck, als nur groß machen.

Nancy Fabiola Herrera ist der Bernarda Alba diese Produktion, Es geliefert wird rigoros Charakter, Gesangs- und Interpretations. Es ist eine unerbittliche und rücksichtslose Bernarda. Beeindrucken Sie ihre Sätze am Ende der Arbeit starb sie eine Jungfrau!, die sich auf ihre Tochter Adela, zu hören aufzuschrecken.

In dieser Version, Daniel Bianco frei, die Lehrer die Möglichkeit zu bieten, eine Änderung in einer der Hauptfiguren des Spiels nahm zu machen. Poncia, die Magd des Hauses, das eine seltsame Beziehung mit Bernarda hält. Nach Lorcas eigenen Anmerkungen in der Arbeit, Poncia ist ein Freund von Bernarda und nur in der Lage von Angesicht zu Angesicht sprechen. Bianco Aus diesem Grund dachte, dass dieser Charakter eine leistungsstarke Aufzeichnung benötigt, Bariton.

Der gewählte war Luis Cansino, die akzeptiert seinen Charakter geehrt, „Künstler haben einen Punkt im Leben haben, wo wir in der Lage sind aus unserer Komfortzone zu bekommen“. Cansino ist ein dramatischer Bariton mit einer unbekannten Kapazität in unserem Land, wo es für die Papiere Bufos erforderlich, und der Aufbau eine einwandfrei und voller Theatralik PONCIA, der Details bei der Auslegung die Pflege. Herrliche Duett mit Adele im zweiten Akt.

Markieren Sie die Leistung der einzigen schrillen Stimme, die Carmen Romeu, wer spielt die jüngste der Schwestern, Adela, in einem klaren Leistungs.

Beeindruckend, die Grande Dame der spanischen Szene Julieta Serrano zu sehen, wer spielt Maria Josefa, Mutter Bernarda Alba und einzigartiges deklamierte Papier. Das Spiel beginnt mit seinem herzzerreißenden: ¡Bernard!, die Sie in der Lage, jede Stufe auf Ihrer Website zu platzieren, einschließlich der öffentlichen.

Ein hoher Anstieg war der Rest der Besetzung gemacht von Carol Garcia, als Martirio, Marife Nogales als Amelia, Bethlehem Elvia, Magdalena, Berna Beads, Anguish und Wunder wie Martin als Magd.

Eine großartige Produktion von Teatro de la Zarzuela setzt die Messlatte sehr hoch. Niemand sollte etwas von verpassen, was geschieht hier. Und das vermissen, schlimmer für ihn…

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real

Nur der Ton bleibt-1

Nur der Ton bleibt-2

Nur der Ton bleibt-4

Nur der Ton bleibt

Nur der Ton bleibt-5

Nur der Ton bleibt
Kaija Saariaho (1952)
Oper in zwei Teilen
Libretto von Ernest Fenollosa und Ezra Pound, basado en Tsunemasa
und Hagaromo, zwei Stücke von clásoco japanischen Noh.
Neue Produktion von Teatro Real, mit De National Opera koproduziert & Ballet Amsterdam, la Finnischen Nationaloper in Helsinki, die Opéra National de Paris und die Canadian Opera Company in Toronto.
D. Musical: Ivor Bolton
D. Szene: Peter Sellars
scenographer: Julie Mahretu
Kostümbildnerin: Robby Dulveman
Illuminator: James F. Ingalls
Sounddesigner: Christophe Lebreton
Tontechniker: Timo Kurkikangas, David Fishmonger
Besetzung: Philippe Jaroussky, Davone Tines,
und die Tänzerin Nora Kimball-MentzosNho bedeutet Aktion oder Talent. Es ist die traditionelle japanische Form des Theaters. Nho integriert Gesang Tanz und Poesie der subtilen und eleganten Art und Weise extrem einfaches Set-Design, wo sich nichts ändert und erscheint nur die Gestalt einer Kiefer als einzige szenische Element. Es sollte nichts von dem, was ablenken ist wirklich wichtig,, der Ausdruck der menschlichen Emotionen.

Ernest Fenollosa, einer der wichtigsten japonólogos, Er verließ nach seinem Tod 1908, einige nicht veröffentlichten Übersetzungen der japanischen traditionellen Stücken Noh. Amerikanische Dichter Ezra Pound, Zugehörigkeit zu der Lost Generation, und überzeugter Verfechter der alten Dichtung setzen auf den Dienst einer moderneren und Konzeptionierung, Er passte zwei dieser Werke übersetzt von Fenollosa, Tsunemasa y Hagaromo, die sie die inspirierende Grundlage der Arbeit der finnischen Komponistin Kaija Saariaho gewesen.

Bleibt nur noch der Ton no es una ópera al uso. Es ist an der Spitze der zeitgenössischen Musik, mit allem, was dies mit Ton in Bezug auf Experimente impliziert. Eine konzeptionelle Behandlung, die traditionelle Elemente Saariaho emulgieren, als Kantele, Finnische traditionelles Instrument, und elektronische Elemente zu modifizieren oder verstärken den Klang. Saariaho schafft eine stimmungsvolle Musik, ein Ton und philosophisches Experiment aufgegeben werden, etwas, das nicht immer einfach oder möglich ist,.

Wie im Nô-Theater, die Landschaft von Peter Sellars, ein Kenner und Bewunderer der östlichen minimalistischen Strömungen, Er hat ein extrem einfaches Szenario gezeichnet. Pine Sohle escenográfico elemente noh, Es wurde von zwei Gemälden des Künstlers äthiopischer Herkunft hier ersetzt, Julie Mehretu.

Im Auftrag für diese Produktion besteht aus zwei großen Leinwänden, in denen sie uns eine Reihe von Marken von Tinte auf verschiedenen Ebenen gezogen hat schnell geben einen Eindruck von der chinesischen Kalligraphie oder Japanisch. Er führt seine Arbeiten für mehrere Monate auf Schicht malt Schicht. Nur der Ton auf Überreste können die Entwicklung dieser Schichten gesehen werden, während die Arbeiten voranschreiten, die vertieft ihre Spiritualität.

Die beiden Geschichten, die diese Oper zu machen sind sehr einfach, sondern auch tief. Wir sprechen von Verlust, Entnahmen und Treffen. Spur (Ton) es läßt in unserem Leben, dass wir einen Tag lieben. In der ersten, "Immer stark", tote Krieger in der Schlacht kehrt als Geist zu versuchen, sein Lob zu berühren.

Die zweite Geschichte, „Feather Mantle“, die von einem Engel, der in den Himmel zurückkehren muss im Besitz einer schönen Feder Mantel findet, ist ein Fischer. Der Fischer im Austausch zurück für einen himmlischen Tanz betrachtet.

Die erste ist eine dunkle Geschichte, anguishing. Die zweite ist eine helle und fesselnde Geschichte. Beide werden von Altus Philippe Jaroussky ausgeführt, der junge Geist und Engel, und Bassbariton Davone Tines, Priester und Fischer. Für beide Interpreten schrieb Kaija Saariaho diese Zeichen. Die Stimme von Jaroussky, die er hat einige seiner frühen Pyrotechnik verloren, sondern hat in Nuance und Intensität gewonnen, Es ist perfekt für die übernatürlichen Figuren, die er spielt,. Manchmal wird seine Stimme durch Computer verzerrt, die einen überraschenden Effekt tímbrico bietet.

Weitere diskret sind die Gesangsleistung von Bariton Davone Tines, aber er wandte sich an seine beiden Protagonisten mit Solvenz. In dem Kino Aspekte, ihm nicht Etatismus seiner Figuren zurechnen, dieser Mangel an Bewegung ist sehr viel Geschmack von Sellars.

Die Tänzerin Nora Kimball-Mentzos, Muse und Mitarbeiter in zahlreichen Produktionen von Peter Sellars, Er füllte die Bühne in der zweiten Geschichte mit einem Tanz voller Sensibilität und Feinheit. Während der Zeit ist er auf der Bühne, Sie können nicht helfen, aber beobachten.

In einem erhöhten Teil der Grube sind die sieben Musiker, ein Streichquartett, Meta 4 Quartett, Bildung Antti Tikkanen y Minna Pensola, Violine, Atte Kilpelänen, Alt, Tomas Djupsjöbacka, Cello, Heikki Parviainen, Schlagzeug, Eija Kangas Strand, Kantele und Camila Hoitenga, Flöte. Neben ihnen das Vokalquartett Theater of Voices, Trop von Else gebildet, Sopran, Iris Oja, Alt, Paul Bentley-Angell. Tenor y Steffen Brunn, niedrig. Beide Ensembles sind seit langem die Zusammenarbeit mit Kaija Saariaho. Das gegenseitige Verständnis und die Virtuosität aller einige überraschende klangliche Ergebnisse erhalten. Emit alle Arten von Sounds mit höchster Genauigkeit auf Befehl eines Ivor Bolton genaue und strenge in jedem seiner Indikationen, eine fesselnde atmosphärische Textur zu schaffen.

Vielleicht benötigen diese Kunstformen einen einladenden Ort, innerste. Jedenfalls, Es ist immer eine kluge Programm neue Erfahrungen, die möglichst nicht anders sein würde.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real

Ballett des Rhein

Allmählich wird Madrid gern weiter Ballett und Tanz, und mehr und mehr zeigt dieses Typs, die so programmiert sind,. Das Königliche Theater, die begannen den letzten Tag 12 seine Ballettsaison, Qualität macht den Unterschied. nicht viele, Moment, Produktionen während der gesamten Saison angeboten, aber wenn sie außerordentlich hervorragend. Diesmal ist es eine der besten Tanzkompanien versucht hat,, die Ballett am Thein Süsseldorf Duisbrg, mit dem Choreographen Martin Schläpfer der Kopf.

Sie präsentierten „Ein deutsches Requiem“, von Johannes Brahms, eines der bekanntesten Werke des Komponisten und nach dem Tod seiner Mutter zusammengesetzt in 1865 und sein großer Freund Robert Schumann. aber, A requiem, wie Sie tanzen?. deutlich, wie auch das Ballett des Rheins in einem seiner gefeierten und preisgekrönten Choreografien.

 

Diese besondere Zusammensetzung von Brahms vertieft sich in philosophischer Aspekte religiösen, reflektiert über Leben und Tod von einem menschlichen Standpunkt aus, dass die göttlichen. Als der Regisseur sagt, Marc Piollet, Es ist kein herkömmliches Réquiem, Es ist ein Werk des Trostes, denn es ist nicht für die Toten geschrieben, sondern für die Lebenden, für diejenigen, die bleiben. Sie können nicht weniger von einem romantischen wie Brahms erwarten.

Unter dieser Nähe zu dem Schmerz der Menschen als Ausgangspunkt für die Choreographie zu schaffen, hat wollte es Zerbrechlichkeit präsentiert menschlichen barfuß Tänzer reflektieren, in permanentem Kontakt mit dem Boden. Auch in seiner Schöpfung, Schläpfer wollte von jedem religiösen Ansatz wegzulaufen und hat auf Fragen konzentriert, die Ängste und Sorgen der Menschen, weit entfernt von jedem Dogmatismus und näher an Reflexion und Emotion. Zu diesem Zweck schön und allegorischen, in dem die Bande, die uns binden repräsentieren diejenigen, die bereits verlassen haben. Jeder, der die Möglichkeit hatte, zu einer der vier Darstellungen teilnehmen, haben Sie, dass beide Ebenen bemerkt, Reflektierende und emotional, Sie sind perfekt stimuliert.

Interpretieren Sie diese Arbeit hat ihre Schwierigkeiten, für Orchester, für Solisten und, vor allem, für Chor. Ein Chor daran gewöhnt, Opern lyrische, Es ist nicht einfach eine religiöse Arbeit wie dieses requiem mit Zartheit und Sensibilität überfüllt zu adressieren. Aber der Chor Intermezzo, Teatro Real Halter, Nur überrascht, wenn nicht, und dass diesmal nicht passieren. Sie singen mit exquisiter Feinheit und dramatischer Intensität. und, auch, Deutsch. außergewöhnlich!. Sehr gut auch die Solisten Adela Zaharia und Richard Sveda.

Wenn Sie noch nicht auf diesen künstlerischen Ausdruck kommen, ist Tanz, keine der vier Vorschläge hat das Teatro Real in dieser Saison verloren. die 3 al 10 November, der Nußknacker, ein Klassiker. die 21 al 26 Januar Paris Opera Ballet, Choreographie von Jerome Robbins, Hans van Manen y George Balanchine und Musik von Claude Debussy, Maurice ausfransen, Johann Sebastian Bach e Igor Stravinsky. die 31 März bis 4 April, Dido & Äneas, von Purcell, in einer Oper und Tanz, choreographierte von Sasha Waltz. Die Tanzsaison schließt 4 Mai mit Victor Ullate Ballet.

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Faust
Charles Gounod (1818-1893)
Oper in fünf Akten
Libretto von Jules Barbier und Michel Carré, basierend auf dem Spiel Faust et Marguerite (1850)
Michel Carré und das gleichnamige Werk (1808) de Johann Wolfgang von Goethe.
Neue Produktion von Teatro Real , mit De National Opera koproduziert & Ballet Amsterdam
D. Musical: dan Ettinger
D. Szene: Alex Olle (La Fura dels Baus)
Arbeitet in Richtung Szene: Valentina Carrasco
Szenografie und Video: Alfons Flores
Illuminator: Urs Schönebaumm
D. Chor: Andres Maspero
Besetzung: Ismael Jordi, Erwin Schrott, Irina Lungu, John Chest, Isaac Galan,
Annalisa Stroppa, Diana Montague.
Chor und Orchester Halter RealHomúnculo Theater ist definiert als mit menschlichen Merkmalen wobei, in der Regel deformiert und künstlich geschaffen. Es scheint, dass war der Alchemist Paracelsus, der zuerst diesen Begriff für ein geschaffenes Wesen verwendet, wenn man versucht den Stein der Weisen zu finden. Homunculus Theorie wurde bis akzeptiert 1827, Jahr, in dem er die Existenz des Eies entdeckt. bis dahin, es wurde angenommen, dass die Spermien ein Homunculus oder Miniatur-Mann für das Ei versteckt diente nur alimento.El Homunkulus auch das Element, die nach La Fura dels Baus inspiriert, speziell sein Direktor Alex Ollé, die Landschaft der Faust präsentiert das königliche Theater bei der Premiere seiner neuen temporada.Son mehr Repertoires Oper zu entwickeln, die mit dem Scheitern Premiere. Aber wenn gibt es eine, die den Kuchen nimmt, deutlich, Das ist Faust, Charles Gounod. Seine Premiere im Théâtre Lyrique in Paris 19 März 1859 Es erwies sich als ein Fiasko. Die Französisch Öffentlichkeit hatte die Arbeit von „geschmacklos“ gebrandmarkt und, vor allem, wenig Französisch. All dies trotz der enormen Popularität zu der Zeit erweckte die deutsche Kultur, Goethe wobei eines seiner Emblemen. Welche selbst war von Anfang an in Deutschland gelungen. Die Anpassung der Librettisten Jules Barbier und Michel Carré, Er ist nicht in die philosophischen Aspekte eines Kult forschte für Deutsch, und auch erlaubt sie den Luxus der Reihenfolge der Bedeutung einiger Zeichen zu verändern, das Spiel war, bis vor nicht allzu langer, mit dem Titel „Marguerite“. Es war von der Premiere in Deutschland, wenn sie Erfolge begann Faust. Es wurde bis zur Sättigung vertreten, alle Jahreszeiten und in fast allen europäischen Theater. So war seine Popularität, dass, ein 22 Oktober 1883, ein neues Theater Unternehmen wollte seine erste Saison Faust darstellt Oper lösen. Es war die Metropolitan Opera ist es Dual House.Faust. Es ist eine Französisch-Stil Oper auch große deutsche Oper verfügt über, als wichtiger Chor, verschiedene Ballettnummern, das Epos eines seiner Charaktere oder die verbleibende Zeit zwischen den Zahlen Gounod für die Öffentlichkeit applaudieren. dieses Detail, sehr Wagnerianer.

Aber zurück zur Landschaft. Wenn es um La Fura dels Baus kommt, wir vorher wissen, dass auch andere Elemente wie Opernstimmen, effektvolle Darbietung, sogar Musik, sie werden im Hintergrund bleiben. Manchmal kann dies für gut oder, wie im vorliegenden Fall,, schlimmer.

Unter dem Homunkulus-Projekt hat die Szene in einem großen Labor gebracht, wo Faust die Idee zu erfinden, einen Computer Emotionen verwalten kann verfolgt. Frustriert und unzufrieden, nimmt das Angebot ihres Alter Ego, Mephistopheles, Es präsentiert als notwendiges Übel, die espoleador Faust, der seine Langeweile rettet und überzeugt ihn, alles zu leben, zu dem er denkt, dass er so weit zurückgetreten. mephisto, zuerst als Rockstar erscheinen, camaleónica ist in einer Weise entwickelt sich ein gekreuzigten Christus zu werden. Neben ihnen, Postmodern eine Armee von Soldaten, Weich-Barbies, die nackt aussehen, reife Frauen mit übertriebenen Brüsten und Hooligans mit ihren Uniformen Fußball-Fans. schließlich, viele konzeptionelle Elemente und komplexe Ideen, die wenig Entwicklung oder Spitzen entlang der Arbeit haben. Eine Stufe, die voll von Plattitüden ist, die üblichen Verdächtigen.

La Fura nicht mehr überraschend und ist nur in der Lage Kontroverse zu erzeugen, wenn die Funktion beendet und beginnt sein beschämendes Schauspiel der Umweltverschmutzung, völlig blind zu künstlerischen Fragen.

Die musikalische Leitung wurde von dem Debütanten Dan Ettinger Teatro Real zur Verfügung gestellt. Der junge israelische Regisseur behauptet seine germanischen musikalische Ausbildung und verwaltet jede Spur von Französisch Oper verschwinden. Die Lautstärke war eine übermäßige, perfekt für Wagner, aber nicht für Gounod. Es fehlte Delikatesse, vor allem in der Ouvertüre und Arien Set, wo einige Chaos erzeugt. dass, wenn, Es ist ein außergewöhnlicher Direktor für Sänger.

Diese zweite Verteilung wurde ausgewogen. Faust ist keine leichte Aufgabe für einen Tenor. Es hat zwei Teile, die für zwei Tenöre mit unterschiedlichen Eigenschaften geschrieben zu haben scheinen worden. Die erste ist eine ausgereifte und dramatisch Faust und der zweite junge Faust leichter. Ismael Jordi Adressen sorgfältig den Charakter im ersten Teil, für seine Dramatik und Stimme erfordern eine größere. Es ist in der Ouvertüre, wo der Tenor mehr Schwierigkeiten hat Jerezano. Der Rest des Spiels findet in einer komfortableren Gemütsverfassung für ihn. Es hat Momente der Spannung, die richtig löst, als cavatina oder das schöne Duett mit Marguerite. Jordi ist ein außergewöhnlicher Moment Vokal, immer elegant und mit einer bemerkenswerten Bühnenpräsenz.

Der Mephisto Erwin Schrott war ein großer Theatralik, ein Muss in diesem Charakter und diese Produktion. Jedes Mal, wenn er auf der Bühne war, war der Protagonist. Seine Stimme erreicht nicht die erforderliche Stimmung für diese Rolle, aber sie sind nicht leicht Baritonstimmen finden sie wissen lassen,. Sein Volumen ist sehr auffällig und angenehm Timbre, aber einige nasal klingt ein bisschen afearon Teilnahme.

La Marguerite Irina Lungu, Zeichen in der Oper etwas verschwommen auf dem Text von Goethe, Es ist eine heikle und unschuldige junge. Aus dieser Sicht war gut von Lungu gespielt. Seine Stimme ist nicht groß, aber genug und gut timbrada.

John Chest, als Valentin, Es war eine der großen Lautstärke durch den Klang des Orchesters betroffen. Gerade wurde er hört,.

Siebel, jugendlich und romantischer Charakter, Es war sehr gut von der italienischen Annalisa Stroppa gespielt. Schönes Timbre und ein emailliertes und glatte Stimme, dass das Publikum mochte, sobre todo en su Arie „Machen Sie mein Geständnis ihres“.

Der Veteran Ziel Montague baute einen sympathischen Charakter und Marthe. Die perfekte Ergänzung zu einer Faust mit Comic-Aspirationen.

Der Chor hatte eine hervorragende Performance. Wenn die Saison beginnt, nicht für den Ring gehen zu lassen. ¡Fantastische!.

Anfangs etwas unregelmäßig Saison. Aber das hat gerade erst begonnen.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

Die Damnation von Must

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MIT VERANTWORTUNG Fausts Verdammung VON Berlioz, SCHLIESSEN DER SAISON DER PALAST DER KUNST. Durch Diego Manuel García Pérez.

Die Damnation von Must (Fausts Verdammung) Hector Berlioz, Er hat die Saison in der Palau de Les Arts in Valencia geschlossen. Eine Saison vor allem durch die Rücktritte von Davide Libermore und Fabio Biondi kompliziert. Die Damnation von Must, Es ist ein wenig Planmäßige, trotz seiner außergewöhnlichen musikalischen Qualität, die in der Regel in der Regel im Konzert angeboten, und in diesem Fall war es inszeniert, mit Momenten der unzweifelhaften Interesse, mit anderen, wo Überschuss in den visuellen Aspekten vorherrschen. deutlich, die großen Gewinner dieser Darstellungen haben das Orchester von Valencia gewesen, und der Chor der Generalitat Valenciana, neben dem Chor School Boards Have Quart de Poblet und dem Chor der Jungfrau des Helpless. Bemerkenswert ist auch die Leistung von Silvia Tro Santafé Mezzo als Margarithe. und, Die außergewöhnliche Bühnenaufführung niedriger Ruben Amoretti in Mefhistophélès.

 

Hector Berlioz (La Côte-Saint-André, 1803 - Paris, 1869), noch sehr jung, hatte die Gelegenheit, die lesen sollte Goethe, in der Französisch-Übersetzung von Gerad de Nerval, und zusammengesetzt in 1829, Acht Szenen aus dem Leben von Faust: 1.- „Lieder der Festen Ostern (Cantos Osterfestspiele)", 2.- „Bauern unter tillens (Bauern unter den Linden)", 3.- „Konzert Sylphes (Silfides Konzert)", 4.- „Écot von joyeur Begleiter. Geschichte einer Ratte (Die Anwesenheit von Getreuen. Geschichte einer Ratte)", 5.- „Song of Mephistopheles. Geschichte eines Chips (Song of Mephistopheles. Geschichte eines Floh)", „Der König von Thule (Der König von Thule)", „Romanza Margarite Soldat Chöre (Romanza de Margarita und Chor der Soldaten)„und 8.- „Serenade des Mephistopheles (Serenade des Mephistopheles)". Diese acht Szenen Berlioz diente als Grundlage für die Zusammensetzung Damnation Faust, durchgeführt zwischen 1845 und 1846. Das Libretto stammt von Berlioz selbst geschrieben und Almire Gandonnière. die Arbeit, auf halber Strecke zwischen der Kapelle und einer Symphonie mit Gesang und Lead-Gesang, Es wurde von Berlioz als „dramatische Legende in vier Teilen“ genannt. Die Premiere Konzertversion, Es fand 6 Dezember 1846 an der Opéra-Comique (Salle Favart) Paris, Es ist ein Totalausfall und nur zwei Darstellungen Plakat halten. Nach dem Tod von Berlioz, nach und nach, die Arbeit wurde mit gewissem Einfluss, Es wird ausgeführt intermittierend. Inszenierte fand die erste Aufführung statt im Monte-Carlo Opera, die 18 Februar 1893. Seitdem hat es in Repertoire geblieben, wenn auch mit einigen Darstellungen, auslegungs, vor allem, in Konzert. Es ist aus den fünfziger Jahren des letzten Jahrhunderts, als es begann geplant häufiger werden, zumal große Sänger wie schwedische Tenor Nicolai Gedda und Regine Crespin Französisch Sopran, Sie beginnen zu interpretieren, Nachdem ein Schuss Live gemacht worden in 1959, während des Festivals von Montreux, mit dem Orchester und Chor von Radio Französisch Fernsehen, von Igor Markevitch gerichtet, Regine Crespin mit (Margarita), Nicolai Gedda (Fausto) und der große Französisch Bariton Ernest Blanc (Mephistopheles), vollständige Aufnahme ist auf Youtube verfügbar und es ist alles eine Freude, diesen Sänger zu hören. Nicolai Gedda behielt diese Komposition in seinem Repertoire seit vielen Jahren, und Sie können eine Live-Aufnahme hören (auch auf youtube), an der Oper in Rom gehalten, in 1969, mit dem Orchester des Theaters, hervorragend Leitung von Georges Prêtre. hier, Gedda macht eine noch bessere Leistung als zehn Jahre zuvor, Er ist groß, sowohl bei ary, die er zeigt seinen großen Interpretationsstil und idiomatische Domain, so notwendig in dem Französisch-Repertoire. Margarita auf dieser Aufnahme wird von einer blendend Marilyn Horne gespielt, die scheint stark in seinen beiden Solo, und sie und Gedda, Sie sind außergewöhnlich in ihrem großen Duo. Nicolai Gedda beteiligte sich auch in einer Studioaufnahme von der Philips-Label veröffentlicht, in 1973, hervorragender Klang nimmt, mit dem großen Colin Davis (echter Spezialist in Berlioz), führt das London Symphony Orchestra; und, neben dem herrlichen Gedda, Sie können die ausgezeichneten Leistungen von zwei Französisch Sänger hören: die mittlere Josephine Veasey (Margarita) und Bariton Jules Bastin (Mephistopheles). Ya, in dem XXI Jahrhundert, Sie existieren in Videomaterial, beide Versionen inszeniert als in Konzertform, alle auf Youtube. Fügen Sie eine großartige erste Version inszeniert, die es in dem Video-Theater Monneie Brüssel taken on, in 2002, musikalisch von Antonio Pappano gerichtet, der Kopf des Orchesters des Theaters, mit einem sehr jungen Jonas Kaufmann, macht eine tolle Interpretation des Faust, mit ausgezeichneten amerikanischen Mezzo Susam Graham als Marguerite und Mephistopheles des großen belgischen Bariton José van Dam. Sie können auch zu Jonas Kaufmann hören in einer anderen Version inszeniert, die es wurde an der Pariser Oper Bastille durchgeführt, in 2015, junto a Sophie Koch (Margarita) und die herrliche Mephistopheles Brian Terfel, mit musikalischer Leitung von Philippe Jordan, der Leiter des Nationalen Orchester der Pariser Oper. Englisch Regisseur Simon Rattle Orchestra, Es hat auch großes Interesse an dieser Partitur gezeigt, wird es in Berlin geführt, in 2015, vor der Berliner Philharmoniker, in Konzert, mit extraordinaria Margarita de la Hälfte norteamericana Joyce di Donato, Mephistopheles herrlichen Bariton Ludovic Tezier Französisch und Tenor Charles Castronovo Amerikaner als Fausto. Im September 2017, Simon Rattle, Er kehrte um diese Arbeit zu lenken, Auch in der Konzertversion, vor dem London Symphony, im Barbican Theater in London, mit einer ausgezeichneten Besetzung durch amerikanischen Tenor Bryan Hymel als Fausto gemacht, mit zwei englischen Stimmen: Karen Cargill mezzo, die einen subtilen und zarten Margarita spielt, von dem expressiven Bariton Christopher Purves Mephistopheles von.

 

Funktionen Fausts Verdammung, in Valencia vertreten, Sie haben den ersten Austausch der Koproduktion der Palau de les Arts vertreten, Teatro dell ‚Opera di Roma y el Teatro Regio in Turin, deren Uraufführung fand im Dezember 2017, en el Teatro dell'Opera di Roma, Bühnenanweisung Damiano Michieletto, und er erhielt den Franco Abbiati italienischer Kritiker Preis für die beste Show 2017. In dieser Produktion, Der Protagonist ist gleichermaßen inspiriert Fausto Goethe und Weiler die Schakespeare, wer erfährt Leiden als Fausto; Visionen, Versuch Selbstmord und das Heil in einer Frau vertreten. Hier können Sie versuchen, den Mythos von Faust zu aktualisieren, Prominenz zu einem jungen Mann voller Traumata geben, widersprüchlich und voller Leben, die darin übereinstimmen, in dem bösen Mephistopheles Spiel teilnehmen.

In dieser Versammlung, die vier Teile neunzehn Szenen und einem Epilog, der die ursprüngliche Arbeit umfasst, Sie haben fünfzehn Szenen wurden jeweils mit einem Titel und ausgeführt in Kontinuität. Szenografie entworfen von Paolo Fantin, Es verfügt über einen einzigartigen Raum: weißer Raum, in dem Sie einen großen TV-Bildschirm sehen können, mit zwei großen automatischen Türen auf jeder Seite, Öffnung auf ein weißes Hallen mit einer hellen und kalten Beleuchtung. Die gesamte Oberseite der Bühne wird von einer Tribüne besetzt, wo der Chor während der Ausübung sitzen bleibt. Eine Kamera mit Steadycam, Er ist die Aufnahme Charaktere und Objekte, dass Projekt im Detail auf der großen Leinwand. Es gibt Szenen wirklich bekam, V wie „LA NOSTALGIE (NOSTALGIE)", wenn wir den Chor in „Canto Osterferien“ hören, und wo Faustus erinnern an eine Vision von seiner Kindheit mit seiner Mutter, feiern eine Geburtstagsparty. Margarithe erinnert sich auch an seine Kindheit in der Szene VIII „LE PRESAGE (THE OMEN)", Sehen Sie sich als Kind, Tanzen und rhythmisch stilvolles Kunstturnen Bandlauf, während die Musik von „Les Sylphides Ballet“ ist zu hören. auch beachten,, parte von escena XI „Garten VERGNÜGENS (Lustgarten)", während des großen Duos und Fausto Margarithe, mit einem Vorsprung erinnert an das Gemälde „Adam und Eva im Paradies“ Cranach der Ältere, ergänzt durch ein Neon-Schild mit dem Wort „Paradisus“, auf der Bühne platziert. Alle Endszene XV „LA PRIERE (GäBE)", zeigt den Trauerzug von Margarithe, Es ist von großer Schönheit und Emotion, durch die hervorragende Lichtdesign verbessert Alessandro Carletti. jedoch, in Momenten der absoluten Orchester Rolle, Es wird verstärkt zu sehr rein visuelle, und damit meine ich die Szene III „La peur (FEAR)", wo der Protagonist spukt, geschlagen und in der Schule für mehrere Kollegen gedemütigt, vor dem teilnahmslos Anwesenheit von anderen, die mit ihren Handys aufgenommen, von jocular, die schreckliche Szene; und, damals, Er läuft den berühmten „Ungarischer Marsch“. Es besteht kein Zweifel,, Zuschauer neigen dazu, ihre Aufmerksamkeit auf die Bühne Aktion zu konzentrieren, anstatt auf große Musik zu hören ist, interpretiert. Etwas Ähnliches geschieht in einem anderen großen Orchesterauszüge dieser Arbeit „Menuet des Follets (Minuet Elfen)", Zugehörigkeit zu der zuvor erwähnten Szene (GARTEN FUN), mit anhaltender und theatralischen Präsenz auf dem Fernsehbildschirm Mephistopheles, von mehreren Frauen Make-up umgeben und ihm Kleid Schlange helfen. deshalb, die Inszenierung ist interessant, aber uneben, in einem Versuch, die Kontinuität zu einer fragmentarischen dramatischen Arbeit zu geben, dass eignet sich viel mehr in Konzert interpretiert werden. Markieren Sie die ausgezeichnete Stufe Richtung Eleanora Gravagnola, Damiano Michieletto ersetzen diese Darstellungen.

 

Gute Arbeit von Roberto Abbado, Aufrechterhaltungsimpulsspannung und dramatische, in einem außergewöhnlichen musikalischen Qualitätsfaktor, wo Orchester Valencia, Er schien hoch, mit ausgezeichnetem Messing und percussion, gut mit einem reichhaltigen Streich- und Holzblasinstrumenten kombiniert, sie haben eine wichtige Rolle in der gesamten Arbeit. Ausgezeichnete Orchesteraufführung des berühmten „Ungarischer Marsch“, und das "Ballet of Les Sylphides" in der Szene VI „LE Presage (THE OMEN)„Und“ Menuett Elfen ", del "FUN GARDEN", deutlich, einer der brillantesten Orchesterstimmen der Arbeit, wo er hob die hervorragende Kombination aus allen Instrumentengruppen, Hervorhebung der Klang der Violen, mit Metallen zusammen mit den Wäldern ausgezeichnete Reden Trompeten und Posaunen mit, insbesondere piccolo, Flöten und Oboen. auch, in der gleichen Szene, gehört den Orchesterklang in dem „Serenata“ Mephistopheles, zur Begleitung von Pizzicatostreichern und dem Klang der Flöten und Oboen. Grand Conjunction Orchester, Chor und Solisten im letzten Teil der Szene VIII „Le Desir (DESIRE)", mit herausragenden Eingriffen aus Metall und Holz, insbesondere Klarinetten und Fagott. Klingt das ganze Orchester-Ensemble in der Szene XIV „La Damnation beeindruckend (CONDEMNATION)„Mit einer besonderen Erwähnung von Violen und Oboe, Markieren der hektischen Rennen in der Hölle. Schöne Musik, die die schöne letzte Szene „LA PRIERE begleitet (GäBE)", mit hervorragenden Interventionen Harfen und Celli.

 

Der Kanarienvogel Tenor Celso Albelo, Fausto spielt. Er begann seine Leistung mit einer kleinen Stimme, die nach vorne werden kam projizierte. Albelo verbessere, wenn auch mit gewissen Problemen, wenn das Orchestervolumen wuchs. Er sang bemerkenswert, elegante und raffinierte Technik, famosa bekannt Arie „Vielen weichen Zwielicht (Dank süße Dämmerung)", Zugehörigkeit zur IX „LA TENDRESSE Szene (MELANCHOLY)", mit einem schönen Fraseo, dominiert mit Kraft und Brillanz Akutbereich. auch, Er machte eine gute Leistung in seiner anderen Solo Intervention „Nature immensen, undurchdringlich und stolz (Natur immense, undurchdringlich und Tier)"Scene XIII" LA victime (OPFER)", bieten ihre besten Momente, in dem intensiven und leidenschaftlichen Duett mit Margarithe, gut es von der herrlichen Mezzo Silvia Tro Santafé Valencia gespielt, die er trug seine schöne vocalism in der Rezitativ-Arie „Que l'air étouffaut ... ..Autrefois un roi Thule (Die Luft wird stickig ... .Es war einmal ein König in Thule ", X Zugehörigkeit zur Szene „La Princesse ET LE DRAGON (Die Prinzessin und der Drache)", Singen mit wahrem Stil, Grand Fraseo, Einstellen des Klangs und sehr gut in allen Registern bewegt, mit brillanten Höhen und einem großen Bühnenperformance. Interventions ausgezeichnete Solobratsche, während der Arie, ein echtes Duett mit Sänger Gründung. Wahre Verdienst ist seine Leistung in dieser Szene, wo, beim Singen, Es wird bedrängt von Mephistopheles, die sogar versucht, es zu missbrauchen. Sein großer Moment, Es kam in den schönen Arie „D'amour l'ardente flamme (Brennende Flamme der Liebe)", in der Szene XII „L'ATTENTE (WAITING)", prächtig stimmlich und scenically interpretiert, in diesem Fall mit brillanter Begleitung von Englischhorn. Auch in dieser Arie, Der Sänger hat zu ertragen, stoisch, szenische Anforderungen, Durchführen des letzten Teils, Gießen Gläser Wasser über den Kopf. Burgalés beeindruckende Leistung unter Ruben Amoretti, als Mephistopheles, mit einer fast kontinuierlichen Präsenz in der Leistung, zeigt eine Theater, die ganze Perversität des Charakters zu erfassen, durch expressive Nahaufnahmen hervorgehoben, die auf dem TV-Bildschirm erscheinen. Seine Gesangsleistung war auch bemerkenswert, in seinen vielen Interventionen während der Arbeit. Höhepunkt seiner Interpretation der Arie „Voici des roses (hier Rosen)„Die Zugehörigkeit zu der Szene VII“ L ‚PRESAGE (THE OMEN)", oder beeindruckende Leistung während der gesamten Szene XIV „La Damnation (CONDEMNATION)". Eleazar korrigiert unter Jorge Alvarez als Brander in "The Song der Ratte" Zugehörigkeit zu der Szene VI „LA duperie (BETRUG)".

 

Herausragende Leistungen der Chöre in ihren zahlreichen Interventionen während der Arbeit. Hervorhebungen stark, über die große Szene von „La Damnation“ mit diesem erstaunlichen Chor „Pandemoniun“ in einer Sprache gesungen unverständlich infernal, erfunden von Berlioz. Der Chor der Generalitat neben dem Chor School Boards haben Quart de Poblet und der Chor von La Mare de Deus, Sie bieten eine sublime Interpretation, im ganzen schönen letzten Szene des Spiels.

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In der zweiten Hälfte des achtzehnten Jahrhunderts Benjamin Franklin, wie gern Musik als Wissenschaft oder Politik, poliert und hoch entwickeltes Instrument verbunden mit einem Holzbasis und Emittieren einen charakteristischen Klang von Kristallgläsern gebildet, wenn der Rand des Bechers mit den Fingerkuppen zu berühren. Er hatte die Glasharmonika erstellt. Schnell Einsatz dieses neuen Instruments wurde von den europäischen Salons erweitert interpretiert, hauptsächlich, durch mujeres.La Melodie und Atmosphäre, Sie haben die Phantasie von vielen, die Fliege hört. Für einige war es beruhigend und andere, spannend, so sehr, dass einige Spieler und Fans begannen, ihr Nervensystem fühlen betroffen, Ankunft selbst verbietet sogar die Verwendung von Glasharmonika in einigen deutschen Städten.

Während einer seiner Reisen nach Neapel, Donizetti hatte diesen neuen musikalischen Artefakt entdeckt, Er ist fasziniert von seinem Klang. Ein paar Jahre später, wenn initiierte Zusammensetzung Lucia di Lammer, er dachte, dass dies das einzige Instrument sein, das die Angst des Protagonisten auf der Bühne des Wahnsinns reflektieren könnte. Es wurde dann gesagt, dass einige Zuschauer, besonders anfällig oder empfindlich, Sie konnten erhalten verrückt zu gehen, um den Ton zu hören.

In Anbetracht dessen, was in diesen Tagen am Königlichen Theater passiert, Während es könnte sagen, dass der Einfluss der Glasharmonika seine Auswirkungen gehabt hat,. Aber vielmehr hat es die Wirkung der Stimmen gewesen, zwei Abgüsse von höchstem Niveau, diejenigen, die entfesselt haben Wahnsinn oder, mindestens, eine besondere Aufregung in der Öffentlichkeit. 17 Jahre nach der letzten Lucia, die Edita Gruberova in demselben Theater gespielt.

Inglés National Opera konnten wir fast ausschließlich in dieser Produktion, die Partitur genießen. Sie haben die Arie des Turms enthalten und das schöne Ende Solo Edgardo. Die Opern dieser Zeit wurden oft verstümmelt, wenn dargestellt werden. Laut Daniel Oren, wegen des Genies von Verdi, „Welches kam mit einer solchen vernichtenden Wirkung auf ihre Noten, die andere Komponisten gemacht wurden Absteiger“. Lucia war eine der wenigen Werke von Donizetti, die nie im Repertoire aufgehört zu sein.

Die Landschaft von David Alden ist in der viktorianischen Ära befindet, wenn die Arbeit wurde geschrieben. In einer paternalistischen Gesellschaft und stark von Männern dominiert. Wo die weibliche Figur kaum Präsenz. Herr Enrico Ashton hat eine solche wirtschaftliche Verzweiflung, die er in der Lage, seine eigene Schwester in der Ehe verkaufen sie zu liefern und das Familienerbe retten.

Alden hat eine zu dunkle Landschaft präsentiert, sehr kalt und dunkel. Manchmal zu minimalistisch. Alden ist ein Mann des Theaters und ist auf die Wirkung des Anordnens einen Stufe innerhalb der Stufe zurückgegriffen. Darin einige der wichtigsten Momente des Spiels sind vertreten, als Schauplatz des Wahnsinns, die es tritt in der Mitte einer Darstellung. Nur das Spiel von Licht von Adam Silverman rettet den Betrachter Graureihe, die die Arbeit dominieren, die Schaffung einer unterdrückenden Umgebung, Neben den geringen Abmessungen der Landschaft. Brigitte Kleiderschrank Reiffenstuel setzt den romantischen und eleganten Platz in einer schweren und drückenden Landschaft.

Zwei Verteilungen wurden für diese Produktion verantwortlich. Im ersten, Lisette Oropesa überraschend Leben und Glanz Lucia gegeben. Eine Rolle nicht einfach, nicht nur wegen der Schwierigkeit einer Punktzahl von großen Vokal exigency, auch von einem Papiergewicht von den größten Operndiven vertreten ziehen. Oropesa Griffe fehlerlos mal, Vibrato, Triller, gebunden, das Klavier ... Wenn es etwas gibt, vertiefen soll, ist die Theatralik, weil die Rolle der Lucia ist ein extremes Drama.

Edgar Javier Camarena hatte eine erfolgreiche und Romantik. Er schien in akuten, was es ist seine Stärke, und die schöne Legato. Der letzte Akt, wo ist der Protagonist, schon tot Lucia, Es war ein ergreifender Lyrismus. Es unterhält eine ständige Flitterwochen mit der Öffentlichkeit in Madrid und den endgültigen Ovationen wurde gut verdient.

Der zweite Teil war verantwortlich für Venera Gimadieva als Lucia. Es hat eine einwandfreie Technik, ein schönes Timbre und ein leistungsfähiges Zentrum. Nicht so die Höhen, sie waren gezwungen,. Ziemlich gut in der Arie des Wahnsinns. Es war niedrig auf eine sehr gute Leistung. Le überflutete einige frildad mit Edgardo verbinden verhindert.

Die Besten der Nacht war Ismael Jordi, Como Edagardo. Seine Stimme hat in Volumen und Musikalität entwickelt. Dominiert die Belcanto, Es bewegte sich mit der Zartheit seiner Klaviere und seine romantischen Fraseo. Ein wenig steif und statische Stufe.

Enrico Simone Piazzola klang ein wenig eng und leñoso. Nun, in der Interpretation von autoritärem und egoistisch Bruder.
der Chor, in seiner Linie der Brillanz. Auch auf der Interpretation, die immer ein wesentlicher Charakter ist.

Regie Daniel Oren, große Kenner des italienischen Repertoires, Es war ein bisschen schwer zu Zeiten, trotz seiner energischen Bewegungen am Rednerpult. Er konnte seine summe hört, wie er im letzten Akt sprang. Nun in concert wie gezeigt in einem prächtigen Sextett. aussergewöhnlich lenkt die Sänger, davon anhängig ist es ohne agobiarles.

Ausgezeichnetes Saisonfinale, dass das Publikum einen sehr guten Geschmack läßt. Nach einer Saison, in denen die Gewinner die weniger bekannten Opern gewesen, Diese Lucia wurde, deutlich, die besten in dem klassischen Repertoire, deutlich über dem preciosista La Bohème und plump Aida.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

Sterben am Königlichen Theater Soldaten

Die Soldaten en el Teatrom Real

Sterben am Königlichen Theater Soldaten

Sterben am Königlichen Theater Soldaten

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Es gibt viele künstlerischen Ausdrucksformen, die versucht haben, in seinen negativsten eines der wichtigsten Merkmale des zwanzigsten Jahrhunderts zu reflektieren, das Grauen, Aberration und böser Mensch ist erzeugen kann fast unendlich. Und es haben sich viele Künstler gewesen, auf tragische Weise beeinflusst durch aus erster Hand die Grausamkeit des Zweiten Weltkriegs obenes. Einer von ihnen war der deutsche Komponist Bernd Alois Zimmermann, deutlich, eine, die die lebendige Gewalt reflektiert hat am besten.

Zimmermann erhielt direkte Einflüsse der musikalischen Avantgarde, die Europa wurde eindringliche. Entre ellos Schönberg, Bartok, Webern, Stravinski o Kagel. Die Soldaten haben als große Inspirationsquelle Alban Bergs Wozzeck. Beide gehen von der gleichen literarischen Ursprung, das Schauspiel von Jakob Michael Reinhold Lenz, Dichter und Schriftsteller des achtzehnten Jahrhunderts und einer der wichtigsten Vertreter der Sturm und Drang. Lenz beging Selbstmord mit nur 23 Jahre nach einem unruhigen und erfülltes Leben Ungleichgewichte. Zimmermann endete auch auf Selbstmord zu begehen, nur fünf Jahre nach der Premiere von Den Soldaten.

Die Ähnlichkeiten sind evident Wozzeck, nicht nur im Ursprung, Auch in der musikalischen Struktur und, als Grundlage, dodecaphonism. Die Soldaten mit Lyrik und jazzige Momente punktiert. Zu dieser Mischung der Stile genannt Zimmermann sie “pluralistischer Ansatz”, was es ist nichts anderes als eine Collage aus verschiedenen musikalischen Konzepten und Strukturen.

Nach dem Betreten des Zimmers erwarten wir die Projektion eines riesigen Porträt Kind. Es ist die Unschuld des Protagonisten, Marie, vor Opfer der Tragödie und der moralischen Abbau anderer Zeichen fallen. Das Mädchen wird am Ende der Arbeiten wieder, Tote nach einem herzzerreißenden Ende, das die Vernichtung der Unschuld in einer schmierigen und zerstörerischen Welt zeigt.

Hinter dem Vorhang eine riesige bereite Industriearchitektur erscheint, in dem in mehreren Ebenen untergebracht sind die 120 Lehrer Orchestra. in Uniform und militarisierten Alle für den Anlass. 18 Trommelsätze und 25 Pauken fallen in diesem Orchester mechano Donner, was es nimmt fast alle von der Bühne dramatisch, so dass wenig Raum für die Sänger an der Stelle normalerweise durch den Graben besetzt. Diese Bestimmung so weit von einigen Instrumenten hat zu seiner Verstärkung mit gemischten Ergebnissen geführt, weil es am Ende nicht hören, beispielsweise, die Harfe.

Auf der anderen Seite, die Nähe der Sänger der Öffentlichkeit erzeugt einen Effekt close-up, die das Stimmergebnis verbessert und, vor allem, Theatralität. Die Tatsache, dass die Sänger außerhalb des visuell Regisseur sind, erfordert nur einen Repeater-Manager zur Eingabe von Stimmen haben. Eine komplizierte Aufgabe, die Vladimir Junyent führt mit Zuverlässigkeit und Präzision.

Es ist nicht leicht, ein Werk zu schaffen, die Stupor produziert, Unruhe, und Unruhe und Tränen, hat vez, das Gefühl der eine kolossale Arbeit erlebt haben. Die einzigartige und überzeugende Beschreibung der menschlichen Lücke durch eine Partitur und eine Broschüre, die vergangen ist, eine unmögliche Arbeit zu sein, eine der Referenzen des zwanzigsten Jahrhunderts Musik zu sein. Alle durch die gemeinsame Anstrengung und herkulisch alle, die teilnehmen.

Die Landschaft von Bieito braucht nicht in dieser Produktion der Exzesse, die beide mögen und charakterisiert diesen umstrittenen Regisseur, ob oder ob nicht gerechtfertigt. dieses Mal, Maßlosigkeit der Arbeit überschreitet die Bühnenbildnerin, das ist zu sagen. Aber mehr Hype wäre Landschaft Überlastung zusammengebrochen.

Es hat sich das Orchester auf der Bühne platziert er die Bedeutung zu geben, es hat, alle. Eine Musik, die buchstäblich die Zeichen zermalmt, indem sie bis zur Erschöpfung ziehen, unter Verwendung der Instrumente fast als Munition in der Mitte dieser musikalischen und szenografische Gewalt.

Pablo Heras-Casado bekommt eine Leistung von außergewöhnlichen Orchester. Die Anordnung der Musiker macht seine sehr komplexe Arbeit. Zimmermann, die in dieser Arbeit alle unvorstellbare Schwierigkeiten es bis an die Grenze nehmen. Das Heras-Casado selbst gewarnt: „Die Soldaten ist die extremste Herausforderung, die jeder Musiker stellen kann“. Hören Sie diese Partitur ist nicht einfach, aber immer materialisiert mit einem großen Orchester zu lesen, Er ist Frontmann die Arbeit zum ersten Mal in der malerischen Bereitstellung angehoben worden, Es ist fast wie ein Wunder.

Wie für die Singstimmen, Die Soldaten sind eine außergewöhnliche Nachfrage nach seinem extremen Tonumfang. Susanne Elmark spielt Marie. Ein komplexer und teuflischer Charakter in seiner stimmlichen und Auslegungsschwierigkeit. Startet naiv und ein bisschen frech zu verwandeln, wie sie Tragödien bewegen, eine Frau nach brutal vergewaltigt zerstört und verwandelte sich in Prostituierte der Soldateska. Elmark spiegelt perfekt die emotionalen und psychologischen Tiefen von Marie. stimmlich unmöglich, Dänische Sopranistin gibt alles auf der Bühne.

Die Stolzius Leigh Melrose ist die perfekte Replik für Marie. Wir konnten vor kurzem in Britten Gloriana sehen und beide zeigen seine große stimmliche und dramatische Fähigkeit.

Uwe Aufkleber zum Leben erweckt eine hochkomplexe Desportes Gesang, voller Höhen, Hetzen, um sicher Aufkleber. Er hatte eine wichtige Rolle in dieser unmöglichen Punktzahl.

Julia Riley als Charlotte, Iris Vermillion als Mutter Stolzius und Noemi Nadelmann als Condesa de la Roche, Sie zeigten seine gute Schauspielkunst, in dieser Arbeit, die erfordert beste Schauspieler Sänger.

Die Überraschung des Abends war die große Hanna Schwarz. Dieser Veteran Dolmetscher, ihre 76 Jahre alt, Er füllte die Bühne mit seinem tiefen Bass in einer unvergesslichen Aufführung. Seine Charakterisierung der älteren Mutter von Wesener, verbunden ist, um ihre Serum die Charakterschwäche zu demonstrieren, mit Sorge erfüllte das ganze Grundstück.

stellar, nochmals, der Chor Intermezzo, Chor des Teatro Real, unter der Leitung von Andrés Máspero.

Die musikalische Sprache dieser Arbeit ist es nicht jedermanns Sache, bold und Abenteuer Ohren sind erforderlich, aber diese Qualitäten können auch trainiert werden. Deshalb Die Soldaten ist eine notwendige Arbeit, fast obligatorisch, und nicht gut verstanden, dass es nach wie vor großes Publikum sind die Vorteile von Pausen nimmt zu fliehen, wenn sie einige dieser zeitgenössischen Opern darstellen. Geduld wird belohnt, und diese Premiere am Königlichen Theater, Es wurde erwartet,, aber es ist sehr lohnenswert.

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Durch Diego Manuel García Pérez.Der Palau de Les Arts hat immer Interesse an den jungen Verdi-Opern gezeigt, in den vergangenen Spielzeiten Titel gesetzt zu haben wie: I due Foscari, Nabucco und Macbeth, zu dem wurde hinzugefügt Il Corsaro, mit fünf Aufführungen, die am vergangenen 28 März und 1, 5, 8 und 10 April. seltsam, trotz einer der weniger bekannten Verdi-Oper sein, Teilnahme der Öffentlichkeit ist ziemlich massiv gewesen. Diese Darstellungen haben ein Triumph für den amerikanischen Tenor Michael Fabiano und russische Sopranistin Kristina Mkhitaryan, neben dem immer großartige Leistung des Chores der Generalitat Valenciana und eine sehr bemerkenswerte Leistung des Orchesters von Valencia, gut durch Fabio Biondi gerichtet, die drei Tage nach der letzten Vorstellung kündigte seinen Rücktritt als musikalischer Leiter von Les Arts, Eintauchen weiter in die Krise, die von diesem Theater leidet auch zurückgetreten im Dezember letztes Jahr den dann Intendanten Davide Libermore.

Il Corsaro Es war schon immer von den Kritikern eine der schlimmsten Jobs berücksichtigt verdianos. Das ist übertrieben und unfair, weil es eine schöne Score, wo auch ein deutlicher Einfluss beobachtet belcantista (vor allem, in Szenen mit den beiden Sopranistinnen, die die Zeichen in Medora und Gulnara interpretieren), aber mit Momenten, in denen wir den besten Verdian Gesangsstil und sorgfältige Orchestrierung zeigen, Ankündigung Zukunft Kompositionen. zum Beispiel, die große Szene Corrado (Il Corsaro) zu Beginn der Oper hat es gewisse Ähnlichkeiten mit dem Arie-cabaletta „Ah si ben mio ... .der quella Pira“ aus Il Trovatore, und auch die Eingangsarie von Medora, Es kann einen klaren Präzedenzfall von Leonora Arie „D'sull'ali rosee Liebe“ von derselben Oper in Betracht gezogen werden. und, deutlich, bietet eine echte Neuheit, dass die endgültige Trio von zwei Soprane und Tenor (zwei Frauen in der Liebe mit dem gleichen Mann), einzigartig in der gesamten Produktion Verdiana, wo sie musikalische Momente hören, die das erste Duett von Rigoletto und Gilda erinnern. wahrscheinlich, Scheitern Il Corsaro, Es ist aufgrund inkonsistenter Libretto von Francesco Maria Piave gemacht, nach Verdi Überprüfung, Er ist Maßschneidern der berühmten Buch der Gedichte von Lord Byron, die Corsair, mit außergewöhnlichem Erfolg bearbeitet in 1814, und deren Lesung hatte beeindruckt Verdi, ermutigt ihn, eine Oper zu komponieren. in 1846, das Libretto wurde abgeschlossen, nicht von Verdi gemocht werden, wer er war über das Projekt aufzugeben, schließlich, die ausschließlich wirtschaftliche Interessen für Lucca Editor, Riccordi Wettbewerber. Die Zusammensetzung der Partitur wurde von Verdi in Paris durchgeführt, zwischen Ende 1847 und Februar 1848. Die Oper strukturiert ist, drei Akten wurde im Theater Grande in Trieste Premiere 25 Oktober 1848, mit der Abwesenheit des Komponisten, was zu einem Totalausfall, vor allem für seinen Mangel an Theatralik. In den folgenden Jahren, die Oper hatte eine Tour des italienischen Theaters, als Carcano Mailand, wo es angezeigt in 1852. da, Er fiel in der absoluten Vergesslichkeit. Es dauerte 110 Jahre, für Il Corsaro, werden wurden interpretiert, konzertant, im Hof ​​des Dogenpalast in Venedig, in 1962. Seine wirkliche Erholung aufgetreten, während einer Reihe von Aufführungen, die stattfanden März 1971, Teatro la Fenice in Venedig, einige von ihnen durch den kürzlich verstorbenen Jesús López Cobos geführt, mit einer hervorragenden Besetzung, Sopranistin Katia Ricciarelli im Charakter Medora, die große spanische Sopranistin Angeles Gulin Gulnara spielen, der Tenor Giorgio Lamberti in Casellato Zeichen Corrado baritone Renato Bruson und als pasha Seid. Im Oktober desselben Jahres 1971, Oper, mit dem gleichen Interpretes, auch von López Cobos geführt, dargebotener Darstellungen Oper Frankfurt, und es ist eine Live-Aufnahme durch das Label vermarktet CD Opera d'Oro (vollständig auf YouTube), in dem Du auf Katia Ricciarelli 25 Jahre hören, besitzt eine schöne Stimme, timbral Ähnlichkeiten mit bestimmten Renata Tebaldi, dominiert alle Rekorde und eine gute Auflösung von Agilität. Der leider verstorbene Angeles Gulin, mit einer attraktiven Stimme Timbre und hochvolumige, dass posierte kein Hindernis ihm eine gute Beherrschung der Mittelstimmen und Koloratur zu bieten. Renato Bruson zeigt seinen großen Stil und perfekte Song Linie. Die Bereitstellung bemerkenswerte Giorgio Lamberti-Casellato. in 1976 Es wurde von dem Philips-Label veröffentlicht, das einzige Aufnahmestudio (Sie können auf YouTube gehört komplett) mit hervorragendem Klang und hervorragendem nimmt Lieferung des New Philharmonia Orchestra, auch vom italienisch-schwedischen Lamberto Gardelli gerichtet, mit einem herrlichen Satz von Stimmen, darunter auch den jungen Jose Carreras in der Rolle des Corrado, seine schönen Timbre und viel Temperament zeigt Verdiano, Gulnara neben dem Monserrat Caballé, in sehr gutem Zustand Vokal, ausstellenden ihre wertvollen filados und eine absolute Beherrschung der coloratura. Stimmen Caballe und Carreras, Sie leuchten sehr in seinem großen Duett des dritten Aktes. In der Rolle von Medora, Die amerikanische Sopranistin Jessye Norman die, Es zeigt eine ausgezeichnete vocalism und großen Interpretationsstil, mit ausgezeichnetem Befehl an Agilität, Läuft sehr gut zusammen mit dem Duett des ersten Aktes. Die drei Sänger führten eine außergewöhnliche Interpretation des abschließenden Trio der Oper Ein wahres Wunder, Recording! Die Premiere in Spanien Il Corsaro, Es kam in 2005 Liceu in Barcelona, konzertant, und schon inszeniert, in einer Reihe von Funktionen in Bilbao angeboten, in 2010, mit einer Produktion von Teatro Regio von Parma, veröffentlicht in 2004, innerhalb dieses Zyklus ehrgeizigen ABAO, beabsichtigt, alle Verdi-Opern zu vertreten.

Vorstellungen Il Corsaro, , die sie in der Palau de Les Arts genommen, Sie bilden das dritte Mal in diesem Opernprogramm in Spanien. Es ist eine Koproduktion des Palau de Les Arts und Monte-Carlo Opera unter der Regie von Nicola Raab Deutsch, deren Stufe Vorschlag, Corrado identifiziert sich mit dem Hauptcharakter selbst Lord Byron, bei der Schaffung seiner Arbeit eingetaucht die Corsair, so dass es eine innere Erfahrung und wo alle externen Aktionen werden als Erinnerungen oder Vorstellungen präsentiert. Es ist eine interessante Idee, wenn auch mit einer Landschaft von George Souglides (auch verantwortlich für die Kostüme), vielfach, ziemlich verwirrend, und andere mit herkömmlichen visuellen Ressourcen. Ein großer Wohn großen Seitenscheiben, dominiert den Bühnenraum in der gesamten Leistung, eine Variante Beleuchtung, in Abhängigkeit von der dramatischen Entwicklung der Handlung: in Akt I, mit dunkelblauen Tönen, wo ein großer Vorhang durch transparente Kunststofflamellen gebildet, Trennen von zwei Ebenen szenische; der nächste, wo Byron-Corrado arbeitet in einem kleinen und eleganten runden Tisch, bei der Erstellung seiner Arbeit, und die am weitesten, wo man sehen kann, durch den Sperrkunststoff, die Dithering und fast Phantomfigur Medora, als Traum von Selbst ist Byron alle es ziemlich anspruchsvoll ist! In Akt II, Beleuchtung wird orange und warm, um zu zeigen,, der Harem des türkischen Pascha Seid, durch die Anwesenheit seiner Lieblings Gulnara dominiert. Während des zweiten Aktes, die Landschaft verändert sich, mit dem Einsetzen einer Platte,, wo vorstehenden Schneidfarben oriental, und, als Schattenspiel, Abbildung Gulnara Bewegen, welches gemeinsam, mit der Projektion von einem Großbrand, mit Schatten der Konfrontation von Korsaren und Türkisch zeigt, hohe visuelle Wirkung. Der Beginn des dritten Aktes, Es kommt mit einem anderen Feuer, wo Byrons Sachen ausgebrannten Corrado, passieren, ein weiterer sehr konventioneller Raum, mit einem großen Panel, wo Gemälde werden mit arabischen Motiven projiziert, die dient als Hintergrund für die große Szene Ist und anschließendes Duett mit Gulnara; und, ungebrochen, wenden wir uns an einen ganz anderen physischen und dramatischen Raum, wo es ein dunkles Gehäuse und Gefängnis ruinös zu sehen, wobei Corrado beibehalten, Gulnara gehen zu lösen. Die letzte Szene der Oper wieder in den ursprünglichen Raum, mit dieser dunklen Beleuchtung und Plastikvorhang, durch die man wieder sehen, die ätherische Medora. Realität und Fantasie verflechten sich mit dem tragischen vorliegenden Trio Corrado, Medora und Gulnara ihr Liebhaber, die letztere in einer anderen Ebene befindet dramatische. deutlich, diesen Ansatz Bühne zu verstehen, Zuschauer müssen bestimmte Tasten und wissen sehr gut, das Argument, ziemlich komplizierte Sache, Bei einer nahezu unbekannten Oper. Als für das Kostümdesign, von der einfachen und eleganten Kleidung von Medora, durch entsprechendes Buch Ist und Gulnara arabischen Stil, bis die absolute Absurdität eines in einer Decke und moruna Kopf gewickelte Corrado durch eine fez bedeckt, in dem kleinen Duett mit Ist Act II.

Dies ist eine Punktzahl, in dem alle Merkmale des jungen Verdi: voller Musik einfach, aber attraktiv, mit sehr vibrierenden Momente, vor allem in den Dienst der Stimmen. Fabio Biondi weg von dem barocken und mozartischen Repertoire, die verwandt sind, Er dirigierte mit viel Entschlossenheit und guten Puls, der Titel des jungen Verdi, Erreichen hervorragende Leistung des Orchesters von Valencia. neugierig, in diesen Darstellungen, Biondi hat die Orchestergraben hebt es auf etwa das gleiche Niveau wie die Bühne zu platzieren, wenn man bedenkt es war in den Tagen üblich, die diese Oper uraufgeführt und die Kombination von Stimmen und Orchester zu erleichtern. Ebenfalls sehenswert eine Anordnung der verschiedenen Orchestermusik steht die Feststellung, zu dem üblichen, Platzieren der Mitte cellos und Kontrabaß, Recht Wald, Messing und Pauken, und links Violinen, Violen und Harfe, mit attraktiven Klangergebnisse. Sie können Biondi kritisieren, dass, zeitweise, erhöht auch den Orchesterklang. Markieren Sie die Leistung der Ouvertüre, mit mächtigen Akkorden eingeleitet, die den Klang eines Sturms von einem schönen Thema gefolgt zeigen hervorragend von der Klarinette ausgeführt. Er schien auch Orchesterklang in der Interpretation der Musik von Orientalisten Charakter, in Verbindung mit dem Frauenchor, mit dem startet Act II, und während der letzten Szene des Gesetzes, mit Solisten und Chorstimmen, vor allem in der herrlichen concert schlüssig. Hervorragende Leistungen verschiedenen Instrumentalisten: Harfe und Flöte in der Einleitung Medora Arie im ersten Akt, mit einem musikalischen Thema Reprisen ihm die Oboe als Medora Szene im dritten Akt tritt wieder. Schöner Klang des Celli in der Einleitung und Coda abschließenden Arie im dritten Akt Corrado. Es erwies sich als äußerst filigrane Klang pizzicato Seil, wenn der Tod Medora auftritt.

In der vokalen Ebene, Markieren Sie zunächst die große Leistung von Medora, so dass die russische Sopranistin Kristina Mkhitaryan, Morbid Stimme, sehr schöner Klang und ausgezeichnete Phrasierung, dominiert alle Rekorde und eine hervorragende Auflösung von Agilität. Fähig zu wechseln klingt mit zarten Noten forte Pianissimi, sogar filando hohe Töne. Domina springt meisterlich Severe Acute, und das alles kombiniert mit großer Ausdruckskraft und schöne Bühnenpräsenz. Trotz seiner Lage in der UpStage und mit vorderem dem Sperrkunststoff, schöne Stimme alle Arten von Hindernissen kommt durch sehr hell zu interpretieren, Rezitativ-Arie des Gesetzes I „Egli non ancora Riede ... .Non, so dass Sie Tetre immagini“, gefolgt von Edel Duett mit Corrado, sehr gut von dem amerikanischen Tenor Michael Fabiano gespielt, besitzt eine Stimme von großen Volumen, gut verwaltet, dessen Timbre erinnert an den jungen Carreras. Dominiert den Verdian Stil und hat sogar eine Tendenz forte zu singen, Er ist auch in der Lage Stimme apianar. Er spielt sehr gut seine große Szene des ersten Aktes, Rezitativ-Arie-cabaletta „Ah ja, auch sagen ... .Alle schien zu lächeln .... und, de ‚Freibeuter der Blitz", mit einem bewährten Fraseo, stark in der pulsierenden cabaletta glänzenden. Dota pathetische Akzente seine große Arie im dritten Akt „Eccomi prigioniero“ mit Gulnara durch umfangreiches Duett gefolgt, diskret von der ukrainischen Sopranistin gespielt Oksana Dyka, voluminöse Stimme, nicht zu gut kontrolliert und mit einem sauren Glocke. Es hat echte Probleme in seiner großen Szene des zweiten Aktes, und Rezitativ-Arie-cabaletta „Weder auf der Erde ... .Vola talor aus dem Gefängnis ... .Ah, Komfort ist die Hoffnung sol ", mit einer unregelmäßigen Linie von Song und Schwierigkeiten bei der Agilität. Verbessert die Leistung im dritten Akt, mit höherer Emissionskontrolle, immer seine besten Momente in dem schönen Trio mit Medora und Corrado, Abschluss Oper. Bemerkenswerte Interpretation der italienischen Bariton Vito Priante, eine gute Art des Singens ausstellenden Verdiano, mit einer prägnanten Formulierung voller Musikalität, Hervorhebung der Interpretation durch die große Szene des zweiten Aktes, und Rezitativ-Arie-cabaletta „Alfin dieser Pirat ist mein Gefängnis!….Aber ehe togliam .S'avvicina Seele ... Ihr Moment ", mit einer lebendigen Leistung von cabaletta. In Zeichen comprimarios, gute Leistungen von Ignacio Giner (Wir ziehen), Antonio Gómez (der Kämmerer) und Jesus Rita (der Slave), die alle zu dem Chor der AllgemeinEs Valenciana, deren Leistung wie immer- es ist ausgezeichnet, in seinen vielen Interventionen, vor allem auf langen Trio mit dem Ende des zweiten Aktes beginnt (Rückruf Momente Macbeth Verde), durch die große schlüssig concert gefolgt. und, vor allem, sind außergewöhnliche Eingriffe in das Trio von Medora, Corrado und Gulnara, der die Oper kommt zu dem Schluss. Die Funktion des Tages 8 April wurde in High-Definition-Video aufgenommen, zur Verfügung stehen auf YouTube. Die Leser dieses Kommentars können die Entwicklung dieser Oper sehen, mit einer Fülle von Nahaufnahmen, zur Beobachtung viele Details; und, materiell atmet mit den Sängern.

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Tochter von Henry VIII und Anne Boleyn, Elizabeth Tudor wurde enteignet, mit ihrer Schwester Mary, ihre dynastischen und einsamen Leben Rechte vor Gericht. Es war Catherine Parr, letzte Frau seines Vaters,, Neben der humanistischen Ausbildung Adressieren, Henry VIII wurde unterzeichnet, bevor das Folgegesetz von den beiden Schwestern sterben wieder ihre Rechte auf den Thron hinter seinem Bruder Eduardo. Nach dem Tod von Edward VI, mit nur 15 Jahre alt, und Mary I kinderlos, Elizabeth I wurde zur Königin von England gekrönt 15 Januar 1559.Estos Englisch haben sehr eigenartige Sitten, feiern alle Arten von Veranstaltungen, auch der Staat, mit kulturellen Veranstaltungen. Dies war der Vorschlag Britten an der britischen Königsfamilie, bilden eine große Oper über Elizabeth I die Krönung von Elizabeth II zu feiern. Aber stellen Sie hatte eine Anfrage an Britten seine Risiken. Die Figuren seiner Werke waren nicht gerade freundlich und das Endergebnis nicht mehr ungeeignet für die Zeit und die Art des Publikums sein könnte.
Acht Juni 1953 alles war bereit, am Royal Opera House in London vor einem Publikum von Politikern, Aristokraten und Diplomaten. Gloriana geöffnet zwischen den kalten und den schlechten Bewertungen zu einem Komponisten,, bis dahin, und dank des Erfolgs der bisherigen Arbeiten, Sie hatte Neid viel von der britischen Kunstwelt erwacht, neben homophobia in einer Gesellschaft, in der Homosexualität nicht erlaubt war,. Ein England nationale lebte Erhöhung nach dem Sieg im Zweiten Weltkrieg und sah die Krönung der neuen Königin etwas kleiner als der Beginn einer neuen großen elisabethanischen Ära, Er verstand nicht, die Schlüssel, die Britten für die Komposition dieses Werkes benutzt hatte,. Sie erwarten eine oberflächliche Musik, pomposa und lobenden Charakter und was war zusammengesetzt Britten eine dunkle und komplexe Arbeit, eine psychologische Reflexion einer Liebesgeschichte zwischen einer alten Frau, sie hatte 67 Jahre alt, und eine junge 32 und die Einsamkeit desjenigen, der die absolute Macht besitzt., was es war sehr schnell gemacht für die Freigabe, Er kümmerte sich um jedes Detail, passen auch die englische Aussprache der Zeit. Es ist mit Momenten großer Inspiration gefüllt, wie die herrliche, wenn auch kurz, Orchesterouvertüre oder Nebenhandlungen, das die Dunkelheit zeigt, dass die Zeit versteckt.
Gloriana ist kein herzliches Arbeit. William Plomer Libretto basiert auf der Arbeit Elisabeth & Essex. Eine tragische Geschichte, de Lytton Strachey, dass nicht bietet ein banales, aber recht komplex Porträt der Königin. Elizabeth wird von Britten sehr lobenden Art und Weise präsentiert, Es ist klug,, schlau, und verfeinert, große Jäger und Liebhaber der Künste, dass während seiner Herrschaft stark vermehrt, ehrgeizig, willensstark und brillanter Kopf und übt um einen Würgegriff der männlichen Welt. Aber es ist auch ein frustrierter Charakter, neidisch, neidisch und wütend.

Die Landschaft von David McVicar präsentiert eine allegorische Symbolik und voller allusive Bühnenhandlung. Alle szenische Elemente, Kostüme von Brigitte Reiggenstuel, durch die Kostüme bis ins letzte Detail inspiriert und einem außergewöhnlichen Reichtum, Adam Silverma Beleuchtung und Set-Design von Robert Jones, Sie wirken als Verstärker einer Partitur, die auf der Ebene von Peter Grimes oder Billy Budd sein kann. Eine perfekte Kombination aus Tradition und Moderne, Auch in der Musik.

Ivor Bolton, sagt er Direktor des Komponisten, sondern Werke, die ihn erregen. Ich denke, man kann sagen, dass es erregt Britten, Billy Budd Marke nach der letzten Saison, Lesen, die diese Arbeit macht ihn zu einem Spezialisten in Britten macht. Die Partitur ist voller Musik und Tanz erinnert an der elisabethanischen Zeit. Purcell Rückruf oder Dowlan, was macht Bolton, große Kenner dieser Musik der Renaissance und in der Lage wichtige Orchestrierung des Werkes zerkleinern, der am besten geeignete Taktstock das Orchester des Teatro Titular zu leiten. Lassen Sie sich Lehrer aus brillanten Momente und große Ausdruckskraft gezeichnet, sowohl die innerste Durchgänge und die dramatischste Intensitäts. Er dirigierte mit großer Präzision und ist die letzte, in dieser langen parlato Königin, in dem er verabschiedet sich ohne Gesang, einer der Momente der größten Intensität und Emotion.

ein Zeichen von Britten zu spielen, müssen fast dramatischer Stimm Kräfte sein. Anna Caterina Antonacci macht eine große Anstrengung Leben eine historische Figur solchen Charakter zu geben. Seine Stimme hat nicht mehr die Lautstärke und Helligkeit vor, aber seine landschaftlichen Ressourcen sind fast endlos, meisterlich macht die verschiedenen emotionalen und lebenswichtige Momente eines Charakters voller Kanten und Falten, so dass diese Elizabeth ist mehr als genug und perfekt mit seiner Leistung porträtiert.

Leonardo Capalbo spielten Robert Devereux Graf von Essex ganz richtig. Seine Stimme ist angenehm und sein Charakter war überzeugend genug.
Der Rest von comprimarios waren auf einem guten Niveau. Highlight Interventionen Sophie Bevan, wie Penelope, Duncan Felsen, Herr Mountjoy in einer lebhaften und herrlichen Elena Copons.

Chor einwandfreie Leistung, Auferlegung Maximum in den Durchlässen und Erhöhung, vor allem, in schwierigen Zeiten wie die Szene Masquerade. auch vergrößert die Beteiligung der kleinen Sänger von JORCAM.

Ein erfolgreicher Teatro Real hat, ist diese weniger bekannte Werke, seine größte Stärke und klassischen Repertoires, was sie weniger begeistert das Publikum.

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Einige der berühmtesten Opern und führte das Repertoire, Sie sind nicht gerade die einfachste Upgrade. Wir sind es gewohnt zu verschiedenen Zeiten entfernt fast allen großen Opernhäusern zu sehen, Orte und Zeiten. Alle bis auf einen, Aida. Fast unmöglich, sie in einer anderen Epoche zu platzieren bezeichnet, ändern viel weniger dessen Standort und von den Ufern des Nils entfernt, wo Verdi platziert einige seiner brillantesten und intime escenas.Lejos und überwältigt und traurig Jahre Galeeren, Aida (1871) Es ist eine der Oper Verdi Reife vor seinen beiden endgültigen Zusammensetzungen, Otello y Falstaff. Es war vier Jahre her, seit Don Carlos und Verdi Ruhm und Reichtum genug gesammelt hatten keinen Grund zu bilden nicht genug für ihn stimulierende.

Ismael Pascha, Vizekönig von Ägypten, Er war etwa in der Art feiern in 1869 die Öffnung des Sueskanals. Er beauftragte den italienischen Architekten Pietro Avoscani den Bau eines großen Opernhaus in Kairo. Und natürlich, für die Eröffnung des Theaters wollte Pasha die Beteiligung der berühmten italienischen Komponisten haben. Verdi und wies wieder das Angebot von Paschas, die ihr Glück mit anderen Komponisten wie Gounod oder Wagner denken versuchen. Damals, einer der Mitarbeiter für dieses Projekt eingestellt, der Direktor der Pariser Oper Comique, Camille Du LucThe, Er schickte Teil des Arguments Verdi Aida. Zu dieser Zeit übernimmt Verdi das Angebot, diese Arbeit zu komponieren und wählt als Librettisten Antonio Ghislanzoni. Eine der Entscheidungen über das Libretto genommen war das „t“ von Aita zu ersetzen, ursprünglicher Name in der ägyptischen, Der „D“ von Aida, die Diktion der Sänger zu erleichtern. die 24 Dezember 1871 Es öffnet sich in Kairo mit außergewöhnlichen Erfolg. Interpreten waren Antonietta Pozzoni Anastasi als Aida, Eleonora Grossi, als Amneris, Pietro Mongini, als Radames, Francesco Steller, y Como Amonasro Paolo Medini, como Ramfis. Die aufwendigen Dekorationen, auch trugen sie zum Erfolg, Sie wurden von Philippe Chaperon geführt, Edward Desplechins, Jean Baptiste Auguste Lavastre und Rubé.

Verdi hatte reisen nicht zur Premiere von Aida in Kairo, nicht Bootsfahrten tragen, aber er genoss großen Erfolg mit (Er kam um Hallo zu sagen 32 mal) zwei Monate später nahm er seine Premiere in Mailand Maßstab. Dieses Mal war der Protagonist Teresa Stolz, nicht umsonst war der Komponist Liebhaber zu dieser Zeit.

Viele Aidas ist seit. jeder, wie die am Königlichen Theater in diesen Tagen gezeigt, Wiederholung. Die Produktion, die Hugo de Ana für die Premiere der zweiten Staffel des Teatro erstellt nach Wiedereröffnung, Es wurde für diese Saison der Feste überarbeitet. Sie wollen mit ihm, als Direktor sagt Joan Mataboch, Blick in der Vergangenheit seine Geschichte zurückfordern. Dieses Update hat das Video verwendet versuchen, ein dreidimensionales Aussehen zu Bildern geben. Denn es wurde wie immer diese Art von Schleier, der Vorbühne platziert, irgendwie, Dimm-Projektion Stimmen. Die Details der Landschaft wurden gewissenhaft gehalten, insbesondere in Reproduktionen einiger Elemente wie Säulen oder Pyramiden. Aber das Endergebnis ist eine landschaftlich reizvolle variegation, die manchmal ist überwältigend. Es ist ein Überschuss in allem, was Finesse wie die Landschaft erfordert, Verzierungen, Kostüme oder Make-up. All dies statt Aufrüstung Alterung Produktion.

Schlechte Richtung der Akteure trägt zur Verwirrung in Szene gesehen. diese Bemühungen Sie wissen nicht, warum sich die Bühne mit Hunderten von Spielern zu füllen gleichzeitig, ohne Grund oder offensichtliches Kriterium zu rechtfertigen. Tänzer, Chor, Sklaven und Sänger versuchten, mit dem daraus resultierenden Lärm auf einem Boden voller Fallen zu bewegen. Auch half sie das Tempo der Arbeitspausen Szene Änderungen behalten. Selbst die intimsten Momente bekam eine Atmosphäre der Erinnerung.

Die musikalische Leitung von Nicola Luisotti war voller Theatralik. sein tiefes Verständnis für die Arbeit und die Note des Komponisten. Es ist sehr sinnvoll, die Balance zwischen Orchester und Sängern zu halten, mit so vielen Ablenkungen durch.

Es gibt drei Angebote, die diese konfrontiert 17 Darstellungen Aida, mit gelegentlichem Ersatz, Sie haben viele Kombinationen erzeugt. Welche berühren uns Glück kann nicht gesagt werden, seine Nacht haben, aber sie rettete die Situation mit Würde, die geschätzt wird,. Ana Lucrecia García, Spanisch-venezolanische Sopranistin als Aida hatte die Armenier Lianna Haroutounian ersetzen, Es war keine leichte Abstimmung mit seinem Radames, Fabio Sartori. Beide trafen sie, Schwierigkeiten, ihre jeweiligen Rollen.

Daniela Barcelona Amneris uns wusste wenig. Vor nicht langer Zeit, die ich gehörte am Königlichen Theater. Er verließ Blitze seines mächtigen Zentrum und Höhen kräftig. Es war der inspiriert dramatische Look, vor allem im letzten Akt voller dramatischen Intensität.

Amonasro markieren Sie den Engel Ódena das war hoch und war, mit Barcelona, die meisten von einer öffentlichen Kälte applaudiert, vielleicht, Ich hatte höhere Erwartungen für dieses Aida so voller Exzesse.

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Straßenszene, eines der großen Meisterwerke der amerikanischen Musiktheater, Es begann als ein Stück von Elmer Rice den Pulitzer in 1929.Y ausgezeichnet endete mit einem Kurt Weill fallen auf, die in die Vereinigten Staaten kam von Nazismus und dem Zweiten Weltkrieg der Flucht. Der deutsche Komponist wurde durch den Text fasziniert, neue Rhythmen in ihrem Gastland und Ausdrucksformen gefunden, absolut frei Stop Schreiben und Nutzung Ressourcen.

Regie des Autors Elmer Rice und die Zusammenarbeit einer der bedeutendsten Dichter des Augenblicks, Langston Hughes, Weill begann die Komposition einer Oper und, mit ihrem, ein neues Genre zu schaffen er sich „Opera Broadway“ genannt. Es werden alle Ressourcen und Techniken auf Knopfdruck, in diesem letzten Moment seiner Karriere, und es gab viele. Eine vorherige Erfahrung des Berliner Kabarett und europäischen Lyrik, Sie schlossen sich neue amerikanische Einflüsse, Jazz, Blues, Swing o foxtrot, ein Chorwerk in allen Aspekten zu schaffen, nicht nur in der Musik. Die Zeichen, die die Arbeit machen müssen Ursprünge, Religionen und Kulturen sehr unterschiedlich, die in der New York der Zeit gefunden werden konnte. auch führt Tanznummern, Lieder, Ausdrucksweisen der gesprochenen Theater. Alle mit Teilen Verismo perfekt integriert. Dank der leistungsfähigen und zusammenhängenden Kompositionsstruktur von Kurt Weill reiferen, Harmonie zwischen den verschiedenen Elementen, wie sie ursprünglich erreicht.

All diese musikalische Konglomerat hat zur Vollendung der britischen Tim Murray, die bereits leitete er in diesem Theater „Porgy and Bess“. Er kennt die Schwierigkeiten der Partitur wie dies sehr gut und weiß, wie man den Charakter des Orchesters zu vermitteln, die effektiv jeden Moment dominiert.

Die Landschaft von John Fulljames auf perfekte Weise eine der typischen Viertel der Lower East Side von Manhattan. Weill drückt das Drama des Lebens von all diesen Zeichen, dreißig, vorbehaltlich Probleme der Koexistenz, Arbeitsplatzunsicherheit, Mangel an Ressourcen oder Räumungen, wo Klatsch und Gemeinheit sind auch Spieler. Denn es legt den Fokus auf verschiedene Charaktere, ohne zu urteilen, die Umstände zeigt, die ihr Verhalten erklären kann,.

Eines dieser Zeichen ist Anna Maurrant, die dutiful Frau vortrefflich durch eine gespielt Patricia Racette erfahren im amerikanischen Kabarett, zusammen mit einem brillanten lyrical Pfad. Guter Nachbar, immer auf der Suche, anderen zu helfen und, dennoch, nicht mehr das Ziel durch die Tatsache, Klatsch einen Liebhaber mit. Dieser Umstand ist der Auslöser für die ganze Tragödie, die am Ende der Arbeit auftritt und, jedoch, der Liebhaber, eine Figur, die erscheint nur, Es ist episodische. Als Joan sagt Mataboch, Theaterdirektor, „Ein Zeichen irrelevant in der unerbittlichen Kette von Ereignissen, die gleich, ob oder nicht entwickeln.

Patricia Racete, wie andere Protagonisten, sie würden keine Verstärkung benötigt haben, dass ihre Stimmen gemacht hat, Hoffentlich diesmal nur, mit der Ausrede, dass viele der Charaktere nicht Opernsänger sind und Schwierigkeiten, die Stimme in einem Theater Projizieren wie Real haben.

Paulo Szot, mit auch einer bemerkenswerten Erfahrung in dem Broadway-Musical, es Frank Maurrant, der Mann klammerte sich an den ältesten Traditionen, unfreundlich und starr mit seiner Frau und Kindern und mit einem Grad der Gewalt, das seine Frau und ihren Liebhaber zu töten führt. Dank sehr gute Interpretation, unter anderem, seine Einführung Bühnenpräsenz. Eine andere, dass es nicht notwendig amplificarle Stimme. zu ersparen.

Joel Prieto war das Geheimnis der Nacht, am Ende seiner ersten Arie geknackt ihre Stimme und hatte in Singen entschuldigt und ersetzt werden, nicht in der Auslegung. Schade, nicht seine schöne Timbre in der Lage, Ihren Fortschritt zu überprüfen und genießen. Er baute Recht vor, eine Sam Kaplan in der Liebe mit Rouse Maurrant von seiner immensen Schüchternheit zu schlagen.

Sehr gute Leistung des hilfreich Pförtner Henry Davis von dem amerikanischen Bariton Eric Greene.

Markieren Sie die gute Leistung von Geoffrey Dolton, como Abraham Kaplan, Veronica Polo, como Shirley Kaplan, Gerardo Bullón, George Jones, Lucy Schaufer, Emma Jones, sind Bern, wie Greta Fiorentino, Vicente Ombuena, como Lippo Fiorentino und Scott Wilde, Carl Olsen.

Die große Besetzung wurde gemacht, für Opernsänger nicht nur, Sie haben sich nahmen auch Künstler, die sollten wissen, wie das Lied kombinieren mit Tanz und Interpretation, als urkomisch Sarah-Marie Maxwell und Harriet Williams Babysittern.

Der Chor hatte eine hervorragende Beteiligung. Er behielt seine einwandfreie Linie unter der Leitung von Andrés Máspero. Mit einiger Solo-Präsenz demonstrierte seine hohe Qualität. Der Chor der jungen Sänger der JORCAM spielte eine führende Rolle in dieser Produktion, sowohl stimmlich und in der interpretierenden Teil, Dank der guten Arbeit des Regisseurs Ana González. Sie stellten fest, zwei kleine Sterne, die, trotz seiner Jugend, und sie sammeln Erfahrungen in der Kunstwelt, Matteo Artuñedo, Willie Maurrant und Diego Poch, in der Rolle des Charlie Hildebrand.

Ein weiterer Erfolg in dieser Saison der Feste. Saison ist erfreut alle Amateure, von den Puristen, die weniger.

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Die fünf Aufführungen von Peter Grimes, die in der Palau de les Arts genommen haben, Sie haben in einem großen Sieg in Folge, wegen der hervorragenden Kombination von Landschaft, Bühnenanweisung, eine großartige Orchesterleistung, großartige Leistung der Solostimmen, auch durch eine bemerkenswerte Interventionen von anderen Künstlern ergänzt, die umfangreiche Besetzung dieser Oper bilden. und, vor allem, eine brillante Leistung wie immer- Chor von Valencia Generalitad, wahre Protagonist der Arbeit. Höhepunkt, Inter Palast der Künste, alternative Titel für die traditionelleren Repertoire, andere wie dieser Peter Grimes, die durch zwei weitere Opern von Britten ergänzt: Ein Sommernachtstraum und andere Wendung, In früheren Jahreszeit vertreten. deutlich, im Laufe dieser Aufführungen von Peter Grimes, das öffentliche Interesse sie an der Teilnahme hat zugenommen, vor allem für die hervorragende Aufnahme auf die erste Funktion gegeben.

Edward Benjamin Britten, Baron Britten (Lowestoft, Suffolk County, England, 22 November 1913 - Aldeburgt, Suffolk County, 4 Dezember 1976) Es war einer der wichtigsten und einzigartige Musiker des zwanzigsten Jahrhunderts, mit einer großen symphonischen Produktion, Concertistica und vor allem Opern mit dreizehn Titeln, die setzen ihn als großen Komponisten Genre, während des letzten Jahrhunderts, junto a Richard Strauss, Leo Janacek und Giacomo Puccini. Peter Grimes entstand als Sergei Koussevitzky in Auftrag gegeben, Direktor des Boston Symphony Orchestra, während des Aufenthalts in den USA Britten, zwischen 1939 und 1942. Con ein Libretto von Montagu Slater von del poema Die Borougt (El Pueblo) de George Crabbe, wo auch beteiligt sie deutlich, Britten selbst mit dem Tenor Peter Pears (Mitarbeiter und Lebenspartner Britten) die er für die Rolle des Peter Grimes bestimmt. Die Uraufführung fand im Londoner Sadler Wells Theater der 7 Juni 1945, nur einen Monat nach dem Abschluss des Zweiten Weltkrieges. In der Euphorie des Sieges von Britten erreicht und Birnen, Stolz darstellt, wurde die Geburt einer neuen englischen Oper hinzugefügt, die erste seit dem Tod von Henry Purcell 1695 oder das letzte Spiel von Haendel 1741. Peter Grimes ist ein einsamer Fischer, Träumer und beide primitive und brutal, vollständig durch das soziale Umfeld ausgegrenzt bewohnt, und nur versuchen und respektieren die Lehrer Ellen Orford Dorf, in der Liebe mit ihm und Kapitän Balstrode, pensionierte Marine. Grimes verloren und nacheinander drei seiner Lehrlinge aus Versehen, was dazu führt ihn in den Wahnsinn und ein tragisches Ende. Britten versucht, ein wiederkehrendes Thema in den meisten seiner Opern: das Drama von Außenseitern konfrontiert mit einer feindlichen Gesellschaft, nur heuchlerisch und grausame Ausrottungs. Musikalisch ist es eine ungeheure Arbeit, voller Phantasie, Witz und eclepticismo, wobei die Hände schütteln verschiedene Einflüsse: Verdi, in Fusion Orchester, Stimme und dramatische Situation; Debussy, Mahler y Richard Strauss, in der harmonischen und orchestralen Farbmalerei; Strawinsky, in der imposanten rhythmischen Kraft; Puccini, insbesondere del West seine Fanciulla. auch, Es sollte bestimmte Einflüsse von Dimitri Schostakowitsch Lady Macbeth zu beachten,, das war ein großer Freund von Britten, widmet seine Sinfonie Nr 14. In ihrer formalen Struktur, klare Divisionen gezeigt recitativos, Arien, Duos und Satznummern, mit bewundernswerter dramatischer Einheit und Orchestern Rolle winkt dramatische Spannung und verbindet die sieben Szenen der Oper mit sechs sinfonischen Zwischen starken Wirkung.
Nach seinen ersten London-Funktionen, und in nur drei Jahren, Peter Grimes Premiere in Stockholm, Antwerpen, Zürich, Paris, Mailand, New York und Los Angeles. Seine sehr späte Veröffentlichung in Spanien fand im Teatro de la Zarzuela in Madrid in 1991 und später wurde er am Teatro Real in Madrid vertreten, in 1997. Nach der starken Dynamik, Die Oper war schlecht in den fünfziger Jahren des letzten Jahrhunderts vertreten. aus 1963, um die Szene von seinem Debüt in der Londoner Sadler Wells Theater zurück, von Colin Davis gerichtet, wer wird seitdem worden und seit mehr als 40 Jahren, in dem großen Garant für Peter Grimes. Es gibt mehrere Aufnahmen auf CD und DVD, eine Annäherung an diese Oper ermöglichen. in 1958, die erste Studioaufnahme wurde für Decca gemacht, mit dem London Symphony Orchestra von Benjamin Britten und benahm sich hervorragend als Peter Grimes Peter Pears. in 1969, die BBC einen Film, hervorragend eingestellt, von Brian gerichtet Großen, zur Zeit auf DVD von Decca vermarktet, Britten wieder vor dem London Symphony Orchestra, Ambrosiano Chor und Peter Pears, seine große stimmliche Leistung verbindet eine außergewöhnliche darstellenden Künste, neben Ellen Orford, hervorragend gespielt von der Sopranistin Heather Harper, der seit vielen Jahren wird der wahre Maßstab dieses Charakters sein. Kanadische Tenor John Vickers spielte zunächst Peter Grimes, im Januar 1967, in der Metropolitan in New York, mit Leitung von Colin Davis, da werden, ein wesentlicher Bestandteil seines Repertoires, kommt es für den Rest seiner Karriere zu interpretieren, in über hundert Funktionen, in großen Theatern auf der ganzen Welt. Vickers zu schaffen, ist ausgezeichnet in der vokalen Ebene, eine bewährte und prägnante Formulierung zeigt und seine expressive Leistung Ausrüstung, Markieren Sie die wilde und verrückte Seite des Charakters. Vickers machte ein Studio für das Label Aufnahme PHILIPS, in 1978, junto a Heather Harper, von Colin Davis an der Spitze des Orchesters von Covent Garden gerichtet. Es ist ein Nehmen auf Video-DVD von WARNER MUSIC verkauft, von 1981, am Covent Garden ausgeführt, Produktion der berühmten Bühnenanweisung von Elijah Moshinsky und musikalischen Colin Davis, wo Vickers macht eine nachträgliche Erstellung von Peter Grimes, wieder von Heather Harper begleitet. Peter Pears o John Vickers, Sie sind die größte Peter Grimes Geschichte, seine Kreationen sind sehr unterschiedliche, aber komplementäre ein vollständiges Bild dieses komplexen Charakter geben.

Valencianas dieser Funktionen hat historische Produktion eingesetzt 1994, para el Bruselas Währung Theater, Dirigida por Willy Decker, die bereits im Teatro Real könnte in Madrid gesehen 1997. Dies war François Ersatz von Zimmereien und Rebekka Stanzel, die Verantwortlichen für die Bühnenanweisung, mit hervorragenden Ergebnissen. Das einfache Set-Design besteht aus einem geneigten Boden, wo einige großen Platten begrenzen verschiedene Räume im Bereich bewegen: die Kirche, Grimes Hütte; und, spielerisch Tavern, mit roten Farbtönen, die einem beunruhigenden Aspekt geben, durch das hervorragende Lichtdesign verbessert Trui Malt, insbesondere, wenn die Tür und ein verzerrtes Schatten Grimes öffnet sich auf die Wand projiziert, mit einem deutlich expressionistische Ton. und, vor allem, dass Meeresgrund, mehr Anschauungs, die angezeigt, die beherrscht die ganze Arbeit. In dieser Landschaft eine sehr wichtige Rolle spielen zahlreiche Extras (Protagonisten und Chormitglieder) Bewegen in kompakten Gruppen auf der Bühne, gibt echte Impulse für die Entwicklung der dramatischen Handlung. scenically markieren Sie das gesamte Ende des zweiten Aktes, wo, sie mischen aus mit anderen sichtbaren Räumen: die Partei, die die Tür mit allen Honoratioren der Stadt bildet, durch den Träger Hobson Trommeln angetrieben, in Richtung der Hütte Grimes, und verschwindet aus der Szene, wo es nur, in einer ersten Ebene, vier Frauen: Die Tabernera Tante, seine beiden Nichten und Hellen Orford; und, Schau stehlen kann bis rechts und links dunkle Silhouetten sein, als Raubvögel anderen Frauen, schließlich sie eine dunkle und Stalker Gruppe machen, die sie wirkt als Gegengewicht zu den vier Frauen im Vordergrund liegen gut sichtbar. Die dramatische Aktion fortgesetzt zu Beginn des dritten Aktes, in einem anderen sichtbaren Raum: die Kabine, wo Peter Grimes und Grumete sind, die beginnen, den Drum-Sound kündigte die Ankunft der Delegation zu hören, oben zitierte, was bewirkt, dass große Störung Grimes, wer zwingt den Jungen ins Meer von einer Klippe zu fallen, wo nur despeñando; Grimes wird ihm helfen (eine andere Szene aus.) Verlassen Sie die leere Kabine, in dem die Partei bricht, und wieder angezeigt. auch beachten,, das beeindruckende Ende des ersten Teils des dritten Aktes, landschaftlich sehr gut gelöst, eine vociferous und Hektik des Alltags zeigt, kompakte Gruppe, Sie Grimes zu lynchen. in Summe, eine herrliche Landschaft von John Macfarlane, auch verantwortlich für die Kostüme (basierend auf schwarzen und roten Farben) während geeignete -bis 1830- , in dem die Handlung findet.

Orchester von Valencia schien hoch, von American Christopher Franklin gerichtet, Schuld kann für die Dynamik nicht richtig kümmern, die, mit einer Neigung zu bieten, zeitweise, ein Ton etwas flache Linie, mit zu viel Ton in forte. Dies wurde illustriert, vor allem in den groß „Tutti“, wo einige Schwierigkeiten bei der Differenzierung von Schallpegeln wahrgenommen, mit Einfluß von Metallen auf den verbleibenden Abschnitten. Dies ist kein Hindernis die großartige Leistung aller Orchesterabschnitte markieren, mit einem herrlichen String, und die große Brillanz verschiedenen Instrumente, vor allem in den kostbaren „Sea Interludes“: der erste von ihnen, „Dawn (Alba)„Als Auftakt ich zum Handeln, in der Natur beschreibend, wo glänzt stark den Klang der Flöten und Violinen in hohen Lage (sehr präsent während der Entwicklung der gesamten ersten Szene des ersten Aktes) den Flug was darauf hindeutet, und die Schreie der Möwen oder die Kombination von clarinets, Violen und Harfe den Fluss der Wellen zu zeigen,. Im vierten Zwischenspiel der berühmte „Passacaglia“, zwischen den beiden Szenen des zweiten Aktes liegt, mit herausragendem Eingriff von Metallen in Verbindung mit einem Seil, und Rohre mit der Harfe oder die brillante Optik Sound Einmündung Viola und Celesta gehen zu verschwinden Verblassen. Sehr hell die Umsetzung des fünften Interlude „Moonligh (Mondschein)„Beginnt mit Act III, mit dem beeindruckenden Klang der Saite als Trauermarsch, die eingefügt werden, zeitweise, Flöte und Piccolo und Metalle werden in einem großen Crescendo eingebaut, zu dem Schluss, mit dem Sound-Set von Xylophon und Harfe. auch beachten,, am Ende des Act II, verbunden Klang der Fagotte und Celesta. Beeindruckender Orchesterklang in Verbindung mit dem Chor, in der konzertant, die die erste Szene des dritten Aktes kommt zu dem Schluss.

Gregory Kunde spielte zum zweiten Mal Peter Grimes, die erste war in Rom Opera 2013, und ihre Leistung war sehr auffällig in der Stimm Ebene und vor allem in den dramatischen, Eindringen in die Psychologie des komplexen Charakters. Sehr gut in seinem Monolog im zweiten Akt „Jetzt ist der große Bär (Nun ist der Big Dipper)„wo, Blick auf die Sterne, meditiert auf seinem unglücklichen Schicksal. Interpretiert insbesondere in Akt II Arie „In Träumen l'gebaut sehen (In meinen Träumen hatte er gebaut)„Wo alternative Momente großen Lyrismus, mit den typischen sehr Puccini Beugungen, mit anderen, wo der Song nimmt auf Aggression und Gewalt. und, Es ist sehr hell, zu einer sehr nuanciert und Theateraufführung, sein endgültiger Monolog „Stetig! Es gibt Sie ...... Was Hafen scheters Frieden (beruhigen! Sie sind hier!……Welchen Port ist es möglich, den Frieden zu finden?)„Wo ya, völlig verrückt Denken, wieder, in diesem traurigen Schicksal, von denen nicht entweichen kann, und nur schluchzte und voller Verzweiflung. Kunde ist großartig in Duetten Ellen Orford: die sie interpretiert a cappella, im Prolog, voller Hoffnung, wo beide machen Pläne für die Zukunft, mit einer zarten Firstlinie; und, vor allem, das Gesetz II, wo sie kontras Ruhe und geistige Gesundheit Ellen mit gewalttätig und irrational Verhalten von Peter. Bemerkenswerte ihre Leistung im großen Duett des ersten Aktes, mit Kapitän Balstrode (gut durch Bariton Robert Bork gespielt) Grimes sagt, wo alle Ihre Träume und Hoffnungen und die großen Widersprüche seiner Persönlichkeit, im Gegensatz zu der realistischen und genauen Vorstellung von Balstrode, der mit seinem Rat zu Grimes, zeigt die große Wertschätzung er für ihn empfindet. Die amerikanische Sopranistin Leah Partrigge zeigt gewisse Mängel in den niedrigen und mittleren Register, aber es ist im Besitz eines scharfen ausgezeichnet und großen Theatralik, die seine Interpretation gibt. Es ist in seiner Konfrontation mit dem Publikum prächtig, in Akt I, und macht eine wunderbare und nuancierte Leistung mit exquisiter Gesangslinie, in seiner Arie im dritten Akt „Stickerei in chilhood (als ich klein war)", gefolgten Duo mit Balstrode. auch seine große Leistung in der schönen Quartett Akut eine Reflexion über die Rolle der Frauen im Vergleich zu Männern markieren- mit Tante tabernera (diskret interpretada por Medium Dalia Schaechter) und zwei gut von Sopranistinnen Nichten und Giorgia Rotolo Marianna Mappa gesungen, beide gehören zu Placido Domingo Development Center. Rosalind Plowright einen wichtigen Karriere als Sopranistin in den siebziger und achtziger Jahren des letzten Jahrhunderts, Kombinieren Präsenz eine gute vocalism und eine große Bühne. Hier als Mezzo und sensibel im Alter von, macht eine bemerkenswerte Interpretation der geschwätzigen und gehässigen Frau. Sedley. Während der Rest der großen Besetzung.

Besondere Erwähnung Valenciana Chor Generalitad, leuchtend ein hohes Niveau während seiner zahlreichen Interventionen überall in der Oper. Bemerkenswert ist seine Leistung im Laufe der ersten Szene des ersten Aktes, und, in einem perfekt symmetrischen Aufbau, schließt auch die Oper, als Ellen Orford und Kapitän Balstrade, nach Tragödie, Reintegration in die Gemeinschaft Dynamik. schließlich, ein ausgezeichneter Peter Grimes.

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<„Dead Man Walking“ ist eines der deutlichsten Beispiele dafür Oper Aufschlägen, hauptsächlich, Geschichten zu erzählen. Und es erzählt eine Geschichte, die uns alle in das Denken Ecke sendet. Dies ist eine Arbeit in vielen Fragen zu reflektieren, der Schmerz, Vergebung, Gerechtigkeit und die Ausübung durch den Staat, die conditio humana, Reue und, vor allem, das universelle Thema in der Oper und in allen künstlerischen Ausdrucksformen, liebe. Mit dem dramatischen Potential aller Elemente, die in dieser Arbeit behandelt werden, die Intensität gewährleistet ist, und mit ihm, éxito.El herausragende Libretto von Terrence McNally, basierend auf dem Text von Schwester Helen Prejean, die inspirierten auch die Oscar-gekrönten Film „Todesstrafe“, Tim Robbins, Sean Penn y Susan Sarandon, Es wurde in Oper des Komponisten Jake Heggie gedreht und im Jahr veröffentlicht 2000 Oper in San Francisco. Nach dem amerikanischen Erfolg kam nach Europa 2006 zu erreichen Erfolg bei Kritik und Publikum. Heggie Musik hat, logisch, filmische Einflüsse, musikalische und Komponisten wie Gershwin. Vom ersten Augenblick fängt die Geschichte die Aufmerksamkeit des Publikums sehr filmischen Weg.
Weder das Tempo noch die Handlung Verfall jederzeit und erzählen die Geschichte glatt und ohne Komplexitäten. All dies mit einer herkömmlichen Musik, keine stilistische Fanfare, die wir zeitgenössische Kompositionen verwendet haben, aber mit einem Rhythmus und beschreibenden Kräften, die nicht vorhanden oder auf einer beliebigen funktionelle elemento.La Inszenierung von Leonard Foglia machen, ist es sehr effektiv. Es schwelgt in all die kleinen Details, die solch eine schreckliche Situation begleiten kann und, hat vez, so voll von einfachen Elementen und Alltag. Erstellen Sie unterschiedliche Atmosphäre durch Farb, Videos von Elaine J. McCarthy und Brian Nason großartige Beleuchtung. Markieren Sie auch die Arbeit mit den Schauspielern Michael McGarty und Jess Goldstein.La Punktzahl ermöglicht auch lucimiento, besonders dramatisch, Singers. Das Gewicht der Arbeit liegt bei den beiden Protagonisten, Schwester Helen Prejean, gespielt von Joyce DiDonato, Das ist in fast jeder Szene beteiligt und macht es meisterlich. Die dramatische Stürze Ebene jederzeit erreichbar. Es bietet ein Schauspiel der Intensität, die seine Position in der internationalen Kunstszene rechtfertigt.
Der andere Protagonist ist Michael Mayes Texaner, die zum Scheitern verurteilt Joseph De Rocher spielt. Unhöflichkeit, auch stimmlich, Es ist perfekt für den Charakter und hilft, die Art der Arbeit zu identifizieren.
Schwester Rose, was ist verantwortlich für die Protagonisten auf mögliche Widersprüche in seinem Verhalten setzen, Es wird von der kanadischen Measha Brueggergosman interpretiert.
deutlich, einer der Protagonisten des Spiels ist Maria Zifchak, die Dame von Patrick De Rocher spielen, Mutter zum Tode verurteilt. Seine bewegende Darstellung einer Mutter, zum Zeitpunkt des Abschieds, in seinem Sohn sieht das Kind, dass der Glaube, Es ist colosal.El Rest der Besetzung eine sehr große Höhe. Alles Spanisch und Englisch mit einer einwandfreien Diktion. Damián del Castillo, Roger Padullés, Celia Alcedo, Maria Hinojosa, Toni Marsol, Marta de Castro, war VICENÇ, Enric Martínez-Castignani, Marifé Nogales, Tomeu Bibiloni, Pablo Garcia Lopez und Alvaro Martin.
Beeindruckend wie immer das Intermezzo Chor und auch die musikalische Leitung Mark Wigglesworth JORCAM.El kann Spannung und Erzählung Sinn in dem Spiel halten, immer den besten Erfolg Orquesta.Un Teatro Real Oper Programmierung, ein mehr. Mataboch hat auch die Gabe der Gelegenheit opportun Opern zum aktuellen Zeitpunkt planen.
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wieder Maruxa Zuhause, die Teatro de la Zarzuela, fast 47 Jahre nach. Es war in diesem Theater die Premiere auf 1914 wenn sein Komponist, Amadeo Vives, Er war künstlerischer Leiter des Zarzuela. Und zurück in der Art. Beim Betreten warteten wir auf den Klang eines Dudelsacks, der das richtige Umfeld schafft, das zu hören, von Musikdirektor, José Miguel Pérez-Sierra, „Es ist eine große spanische Oper seiner Zeit, und mehr, Es ist eine große europäische Oper seiner Zeit. Vives, im Gefolge von Puccini, als Einstellung verwendet Volkskunde, aber mit einer völlig Orchestrierung Zentral, zwischen den Deutsch und Französisch Traditionen ".

wenn Daniel Bianco, Direktor des Teatro de la Zarzuela, er beauftragte Paco Azorín, nehmen die Landschaft wurde Maruxa, Dieser bat ihn, zu tun, was er wollte,. und, Kurs, Er hat getan, was er wollte,.

Unter dem Vorwand, einige, dass das Libretto Luis Pascual Frutos Es ist mehr als bedauerlich, so naif Passagen, die nicht überschreiten kindischsten Geschichten, Azorín wurde erlaubt, eine neue Geschichte zu bauen. Er wollte Tribut an Galizien zahlen und hat mit Versen dieses Maruxa geschmückt Rosalia de Castro und der elegante Tanz und Live Maria Cabeza de Vaca, die verkörpert den Charakter von Galizien als Göttin. Es hat sich eine Atmosphäre von Geheimnis und Meigas erstellt einen Wald voller duftigen Gardinen bewegten und Nebel auf einem Schieferboden zu schaffen. Alles, was es mit einer erfolgreichen Beleuchtung verbessert Pedro Yagüe.

Aber die zweite Hälfte kam und mit ihm der „tun, was ich will“. Auf Batterie Bilder aufgetreten Urquiola Katastrophe in den siebziger Jahren, Er kam in den Chor, ja, in einer unvergesslichen Performance, in Overalls gekleidet Freiwilligen, die gereinigt durch das Prestige Ölteppich die verschüttete. Eine seltsame Mischung von Ereignissen absichtlich verbunden und mit einem Schuhanzieher gestopft, die eine gewisse Ratlosigkeit in der Öffentlichkeit erzeugt. Das Endergebnis war so seltsam gezwungen das neue Argument. Nur war es Prominenz zu einer Arbeit zu beeinträchtigen und, vor allem, eine Musik, die die ganze Aufmerksamkeit verdient.

Die Richtung von José Miguel Pérez-Sierra ist sehr solide. Perfekte Kenntnis der Partitur und die Art der Arbeit, Er behauptete, die Spannung von Anfang bis Ende und erwischte den besseren einer Grube, die immer mehr Rundheit klingt und Solvenz.

Das Vokalquintett war recht ausgeglichen. Diese Arbeit ist eine außergewöhnliche stimmliche Anforderungen, sowohl technisch, und in einem ausreichenden Volumen Rivalen garantiert ein leistungsfähiges Orchester. Er wurde für seine stimmlichen Qualitäten und seine Bühnenpräsenz bemerkt, Bariton Simon Orfila, in der Rolle des Rufo.

Eine große Höhe schien auch das Paar der Protagonisten Maite Alberola (etwas alt-Stimmvolumen), und als Maruxa Rodrigo Esteves, in einem bemerkenswerten Pablo.

Carlos Fidalgo er spielte einen überzeugenden Antonio und Svetla Krasteva Er ersetzt in dem Charakter eines abgeneigt Rosa Ekaterina Metlova.

Curiosa Maruxa zu verpassen, wenn Sie aus erster Hand überprüfen möchten. eine Version, Paco Azorín die, für Musikliebhaber von Amadeo Vives aber, vor allem, für Theaterliebhaber.

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noch vor zehn Jahren wurde es zum ersten Mal El Palau de Les Arts vertreten, Verdis Don Carlo, dann mit der hervorragenden Leitung von Lorin Maazel verschwanden sie für Palau noch gute Zeiten waren! Diese Oper ist wieder geplant offiziell zu öffnen, letzte 9 Dezember, die neue Saison 2017-18, mit der Anwesenheit in der Besetzung von nicht brennbarem Placido Domingo als Rodrigo Marquis de Posa. Madrid Sänger 77 Jahre drehen, noch ein echter Ruck, bis zu dem Punkt, dass fast alle Einträge der fünf Veranstaltungen geplant, im Voraus war gut abgelaufen. Die Premiere von Kontroversen geprägt war erhob sich ein paar Tage vor, Davide Livermore mit dem Rücktritt als Bürgermeister und künstlerischer Leiter des Palau de Les Arts. Vor dem Beginn der Darstellung einen Zuschauer Applaus für Livermore angefordert, die es wurde von stehenden Ovationen gefolgt. Nach der Pause, wenn er im Begriff war Act III beginnen, rief eine Stimme „conceller Feigling“, von Applaus und zahlreichen anderen Stimmen abgeordnet „aus politischen“ oder sagt „nicht zu einer Belastung Oper sein“. Alle diese spontanen Demonstrationen, zeigt die enormen Beschwerden eines öffentlichen, die nicht einverstanden mit politischen Entscheidungen, dass dieses wichtige Opernzentrum schaden. Hoffentlich ist alles behoben, für die Fans in der Welt der Oper, wir können auch weiterhin hervorragende Programmierung dieses Theater angeboten genießen. Die komplexe Welt der Oper sollte von echten Experten verwaltet werden, , die nicht von politischen Interessen vermittelt.

Don Carlos tritt als Auftrag Giuseppe Verdi Französisch Regierung, anlässlich der Weltausstellung, die in Paris stattfinden sollte, in 1867. Das gewählte Thema war eine Anpassung des Spiels Don Carlos, Infant von Spain de Schiller. Das herrliche Drama des deutschen Dichters datiert zurück 1787, und es war eine Arbeit intensiver politischen Inhalts, wo Schiller, eine harte Kritik an den autoritären Felipe II Durchführung, stark von der Inquisition beeinflusst, gegen den Wunsch nach Freiheit von seinem Sohn Don Carlos Infante und sein Freund Rodrigo Marquis de Posa. Der Dramatiker wurde für seine Arbeit inspiriert, in einer Episode der „schwarzen Legende“, dass Felipe II, sie erdacht Wilhelm von Oranien, verantwortlich für die Rebellion gegen die spanische Weltreich der Niederlande und Antonio Perez, unfairer Sekretär von Felipe II. Diese Episode war der Tod im Gefängnis von Don Carlos, Thronfolger, unter Umständen nie geklärt. Es ist eine historische Tatsache, dass, wenn Infante war ein Kind, Sie hatte von ihm dachte, die Tochter von Henry II von Frankreich heiraten, Isabel de Valois. schließlich, es war beabsichtigt,, als er nur 13 Jahre, die Frau von Philipp II zu sein, Witwer zweimal. Ruhe und Erholung historische Realität, Schillers Werk argumentiert, dass Isabel Valois, als Teenager, Ich hatte in Frankreich zu Don Carlos traf, Ich war sein Alter, Herstellen einer Beziehung zwischen den beiden, schließlich kurz geschnitten durch die Ehe von Isabel mit Philip II. Die Wiedervereinigung von Don Carlos und Isabel, Es ist der Auslöser für das Drama von Schiller geschrieben, wo die Inhaftierung und Tod von Don Carlos war von Eifersucht von Philip II verursacht worden, die alten Beziehungen ihres Sohn mit Isabel zu entdecken und unterstützen die Infante gab die flämischen Rebellen, hart von seinem Vater verfolgt. Aus der Arbeit von Schiller, Joseph Méry und Camille du Locle, Sie bereiteten ein großes Libretto. Mit diesem Material wurde Verdi setzt Musik zu einem langen Text moralischen und politischen Dialoge, mit heftiger Kritik an der Inquisition, von diesem schrecklichen und unheimlichen Charakter des Großinquisitors vertreten, in der schockierenden Szene seines Duett mit Felipe II. Dies ist eine Geschichte über Freundschaft, liebe, Eifersucht, die Eltern-Kind-Konflikte, die interessierte immer in Verdi; und, vor allem, die Einsamkeit der Macht, in einem beeindruckenden Monolog Philip II eingefangen. Die Arbeit folgte die Konventionen des Grand Opera, mit einer Struktur in fünf Akten, und im dritten Akt Einfügung eines bestimmten Größe Ballett, La Peregrina genannt.
Die Premiere von Don Carlos war in der Hofoper in Paris (später Palais Garnier genannt) die 11 März 1867, mit Unterstützung von Kaiser Napoleon III und seiner Frau Eugenia de Montijo, die stark er durch die Art und Weise gestört, in dem Verdi war Philipp II. Parallel zur Version auf Französisch geschrieben, Achilles Lauzières, Er bereitete eine Übersetzung des Librettos in Italienisch, die sie uraufgeführt im Teatro Comunale von Bologna 27 Oktober 1867. Im Laufe der Jahre, Verdi beschlossen, die Oper zu vier Akten zu reduzieren, wo Akt I der Französisch-Version entfernt (Act von Fontainebleau) und Ballett. Diese Version uraufgeführt im Teatro alla Scala, der 10 Januar 1884, und wird gezeigt, dass am häufigsten.
Don Carlo Darstellungen waren in der ersten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts sehr niedrig. aus 1950 wieder ist es mit einer gewissen Regelmäßigkeit programmiert, wobei der Charakter gespielt von Don Carlo Jussi Björling großen Tenöre als, Richard Tucker, Franco Corelli, John Vickers y Carlo Bergonzi, die in 1965 Er machte eine außergewöhnliche Leistung, in einem Referenz Tonstudio (Italienische Version in fünf Akten) Sello von Decca, mit Renata Tebaldi als Elisabeth de Valois, die atemberaubende Prinzessin Eboli Grace Bumbry, die herrliche Philipp II von Nicolai Ghiaurov, die elegante und subtile Posa von Dietrich Fischer-Dieskau und die imposanten Großinquisitor Martti Talvela, von Georg Solti an der Spitze des Orchesters von Covent Garden gerichtet.
Es sollte die herrlichen Kreationen von Don Carlo von spanischem Tenor Jose Carreras durchgeführt wird darauf hingewiesen, wie, Jaime Aragall, und vor allem Placido Domingo, die mehrfach interpretiert, da er an der Wiener Staatsoper debütierte, in 1967, um über die neuesten Features, Auch in diesem selben Theater, in 1992. Während dieser 25 Jahre, Sonntag hat ein wichtiges Erbe dieser Oper Rekord links, mit zahlreichen Live-Aufnahmen, einschließlich, zwei Videoaufnahmen: in 1978 (Teatro alla Scala) Posa neben dem großen Renato Bruson, mit Claudio Abbado und 1983 (Metropolitan de New York) neben der herrlichen Isabel Valois gespielt von Mirella Freni, James Levine Richtung. Von allen seinen Interpretationen, die umfassen Studie in (Italienische Version in fünf Akten) EMI, in 1970, mit Montserrat Caballé als Elisabeth von Valois, die außerordentliche Éboli Shirley Verret, Felipe II Ruggero Raimondi von und Sherrill Milnes als Posa, mit der hervorragenden Leitung von Carlo Maria Giulini an der Spitze des Orchesters von Covent Garden. Die Aufnahme ist referentielle neben dem Solti, und, Sonntag macht eine der besten Leistungen seiner Karriere. seltsam, und letzten 25 Jahre seiner letzten Don Carlo, Sonntag hat diese Oper aufgenommen, spielt die Bariton Rolle von Rodrigo Marquis von Posa, die er debütierte an der Wiener Staatsoper, im Juni letztes Jahr, und er ist zurückgekehrt in dem Palau de Les Arts spielen.

Don Carlo in Valencia dargestellt ist die Version in vier Akten, eine Produktion der Deutschen Oper Berlin scenically Marco Arturo Marelli gerichtet ist, indem, auch verantwortlich für Bühnenbild und Lichtdesign. Ich weiß, dass meine Vorliebe für Produktionen Reproduktion, so nah wie möglich, sowohl seine Landschaft und Kostüme eine bestimmte historische Epoche, und dass mehr benötigt in Opern wie Don Carlo ist immer noch gemacht. deutlich, diese Produktionen sind extrem teuer, aber sie sind besonders hell. und, kann als Beispiel für Franco Zeffirelli Halterungen dienen, John Dexter oder Hugo de Ana. In diesem Don Carlo hat er für eine minimalistische Landschaft mit großen Mobile Panels entschieden, die Naturgebiete zu verengen bewegen, verbessert, zu verschiedenen Zeiten, eine gute Beleuchtung. Lücken, die zwischen den Platten bilden,, für einen Großteil der Darstellung, die Form von Quer, in einem Versuch, die großen religiösen Einfluss auf die politische Macht in der Zeit von Philip II zu zeigen,. Scenic Objekte sind minimal: ein kleiner Monolith von zahlreichen Kerzen gekrönt, die am Anfang und Ende der Oper erscheint, Einige Gehsteige oder Vakuum konjugales Bett, Philip II in Betracht gezogen, mit unendlicher Traurigkeit in seiner großen Szene im dritten Akt. Kostüm-Design ist attraktiv Dagmar Niefind, Der historische Charakter von Frauen wird überwiegend dunkle Töne verschleißen, außer dem Charakter von Eboli, die trägt ein grünes Kleid. die Herren, Es ist zeitlos, mit deutlich modernen Details wie die mit Aktentasche hängte den Marquis von Posa. Dunkle Farben mit dem tiefroten der kirchlichen Gewändern kontras, vor allem in der großen Szene Autodafé, einer der versiertesten Momente dieser Produktion. Akzeptable Bühnenanweisung von Marco Antonio Marelli, die am Ende der Oper nimmt Lizenz in Bezug auf den ursprünglichen Text, mit den Dreharbeiten von Don Carlo und seinen Freunden Flamingo, erinnert an die berühmten Gemälde von Goya, „Die Shootings des Moncloa“.

Große Leistung durch das Orchester von Valencia unter der Regie von Ramon Tebar, die zeigten großes Wissen über diese verdiana Punktzahl, bietet eine sorgfältige Lektüre, intensiv und kontrastiert, wo der Orchesterklang stark in der "Song of the Veil" in Akt I glänzte, und vor allem in der großen Szene der Krönung und Autodafé, Schließen von Acto II, mit einem hervorragenden Interventions Metallen. auch, die Orchesterbegleitung gab einen gewaltigen dramatischen Dialog zwischen Philipp II und dem Großinquisitor in Akt III. Beachten Sie die Ausführung der weichen und zarten Musik, die den Akt II führt. Andere große Orchester Momente traten im Duo von Felipe II und Isabel von Akt III, und die gleiche Handlung Trio mit Éboli, Posa und Philipp II, mit hervorragender Wiedergabe der Celli. Sehr schöner Flötenklang und Metalle, wenn der Tod eintritt Posa. Reizende Dialog ist ernst Seil und Metalle in der Einleitung IV zum Akt. Besondere Erwähnung verdient die brillante Solocello Intervention in der großen Szene von Philip II, zu Beginn des dritten Aktes. Die Bereitstellung hervorragende Oboe und Englischhorn begleitet Isabel Arie des ersten Aktes „Non pianger compagna mia“. Brilliant Orchesterklang die „Duo Freundschaft“ Don Carlo und Posa Begleit, Tabelle I am Ende des ersten Aktes, das erscheint immer wieder in verschiedenen Momenten der Oper. Ausgezeichnete Arbeit Schluss Ramón Tebar sehr bewusst die Stimmen, insbesondere durch die Arbeit von Placido Domingo Erleichterung. in Summe, Orchesteraufführung war die große Attraktion dieses Don Carlo.

Placido Domingo hat sein großes Repertoire erweitert, die Rolle von Rodrigo Marquis von Posa, die gespielt zum ersten Mal im Juni letztes Jahr, an der Wiener Staatsoper, gerade dann, wenn der fünfzigste Jahrestag der sein Debüt als Don Carlo wurde in der gleichen Theater erfüllt. Nach Anhörung der herrliche Schöpfung des unglücklichen Infant von Spanien, von einem jovencísimo Sonntag, der schönen Timbre, mit einer herrlichen Gesang Linie Verdian, und überprüfen Sie Ihre Logik aktuellen Zustand Vokal, stellt sich für mich zumindest- große Trauer und Sehnsucht. Posa ist eine der schönsten Rollen Verdi Bariton erstellt von. Es ist ein Zeichen der Gegenwart und Kraft Jugend, im gleichen Alter wie Don Carlo. deshalb, das erste Problem, Domingo ist sein absoluter Mangel an szenischer Anpassung, denn mit ihrer physischen Erscheinung heute, -typisch für jemanden, etwa 77 Jahre gerecht zu werden- in seinen Szenen mit Don Carlo, scheint sein Vater und sein Großvater selbst. Ein weiteres Problem ist der Mangel an timbral Differenzierung Don Carlo, und Domingo singt Bariton mit Tenor-Rollen. Zu diesem kurzen fiato und den Verlust der Stimmvolumen, das sie fast unhörbar in der konzertierenden macht zugegeben. jedoch, nach wie vor ist es in der Lage eine Reihe von Gesang bieten Verdiano, viel besser als seine Schauspielkollegen. und, in seiner großen Szene des dritten Aktes, Es ist in der Lage Mängel zu überwinden und interpretieren, sehr deutlich, Während Ligand Anmerkungen, Bellisima der Luft „kam der Tag für mich oberste“, was eine Gesangsstunde Verdiano. Als er zu sagen hallo, am Ende der Repräsentation, das Publikum gab ihm stehende Ovationen, bewusst, dass sie in Gegenwart des letzten großen Mythos der Oper waren.
Andrea Caré in der Rolle des Don Carlo, Er bot ein attraktives Timbre bewegt auch im Akutbereich, obwohl zeigen Schwierigkeiten in dem Durchgang. Er war undemonstrative, mit einer monotonen und ohne Phrasierung der Intentionalität. Seine besten Momente waren sein Duett mit Éboli von Akt I, und vor allem das große Finale Duett von Akt IV, mit Isabel de Valois, gespielt von Maria Jose Siri, die zeigten gute vocalism, mit sicheren hohen Registern, wenn auch mit einem sehr begrenzten Bereich von Bass und Gesang, zeitweise, ausdruckslos. Er machte eine bemerkenswerte Gesangsleistung auf der Ausdrucksebene Schlimmer- de auf Luft Acto I „weinen Sie nicht mein Partner“. Es wurde ziemlich getöntes Trio in Akt I, Eboli und Posa mit. Seine Leistung wurde gewinnt an Intensität in seinem Duett mit Felipe II, Akt III, eine großartige Leistung seiner großen Arie im ersten Akt IV „Tu che la vanita“ getting liefern, mit hervorragender Klang Vorschriften auch ein anerkennenswerten „Messa di voce“ und strahlen mit sicherlich ein Si4 laufen.
Violeta Urmana bot eine Interpretation von Eboli, voller Expressivität, obwohl die Stimmebene einige Schwierigkeiten hatte die Agilität in seiner Arie im ersten Akt „Nell Giardin die schönen“ bei der Umsetzung (Song Schleier), wo, seltsam, Er war der letzte Teil der Wiederholung schneiden, mit einer Reihe von Bars weggelassen, dass das Orchester Moment vorrücken, die die Anwesenheit der Königin markiert. Sehr gut in ihrem Duett mit Isabel Act III, gefolgt von sehr schwierigen Arie „O don fatale“, die mit Kunst und echtem Mut gespielt, obwohl es im tiefen Register fehlt und eine scharfe etwas maßlos und Strapse.
Alenxander Vinogradov günstig wie Felipe II, Er bot eine beeindruckende vocalism, wenn auch nicht wirklich Gesangsstil Verdiano in, und das ist offensichtlich in seinem Duett mit Posa Akt I, wo Placido Domingo, wenn es eine gute Beherrschung der Phrasierung Verdiano. Der russische Bass machte eine sehr bemerkenswerte und nuancierten Interpretation seiner großen Szene im dritten Akt Start, „Sie giammai m'amo ... .Dormiró nel Mantel Sonne“ und sind großartig in dem atemberaubenden Duett mit dem großen Inquisitor gespielt von Marco Spotti niedrig, die Rundung der tiefen Bass fehlt, die diese Rolle erfordert, wo es deutlich übertroffen von Alexander Vinogradod, einer der großen Gewinner dieser Don Carlo.
Während der Rest der Darsteller, betont die Sopranistin Karen Gardeazabal als Transvestit Tybalt, einschließlich unglaublich gekennzeichnet, Schnurrbart, und die Stimme des Himmels mit Olga Zharikova, Es wird erscheinen auf der Bühne mit einem Baby weggenommen.
wie immer, hervorragende Leistung des Chores von Valencia Generalitad, in seinen zahlreichen Interventionen, erwies sich als sehr lobenswert seine Arbeit, in Zeiten, in denen Stimmen in den Lücken, die durch die beweglichen Platten links eingebettet sind, wie im Fall der Szene des „Auto de Fe“.

El Gato Montes 1

El Gato Montes 2El Gato Montes 3El Gato Montes 4El Gato Montes 5

Er kam die spanische Oper „El Gato Montes“ auf der Bühne des Teatro de la Zarzuela zurück zum hundertsten seiner Zusammensetzung zu feiern. Und das tat er unter der Leitung von José Carlos Plaza Szene und der Musik von Ramon Tebar, para dar Leben der Musik von Manuel Penella.

Zweifellos ist das wertvollste der Arbeit von Penella eine Musik voller Nuancen und einer dramatischen Ladung, die die Stärke der Charaktere verbessert. Alles sehr Spanisch: Toreros, Wegelagerer, Zigeunersprache, Zauberinnen ... Eine Reihe von Persönlichkeiten, die beschreiben,, zusammen mit Musik, die bekannteste spanische Folklore. Nicht einfach, diese Arbeit zu interpretieren, große Vokal Nachfrage für Sänger. Und es ist nicht leicht, Regisseure.

dieses Mal, Produktion von José Carlos Plaza wurde mit der Choreographie von Cristina Hoyos angereichert, die hat nicht nur die Schritte der Tänzer geschaffen, Er hat auch das Leben Bewegung Sänger gefüllt. Was hat sie alle Darstellung von Eleganz und andalusischen Flamenco Tradition ausgestattet, die Arbeit Penella sickert.

Die Landschaft von José Carlos Plaza, die es in den fehlenden Campoamor Awards ausgezeichnet, Es kann zu streng sein. Außer übertrieben und reichen Elementen, wie ein riesiger barocker Spiegel, das sieht eher wie eine große Grabmälern, mit Stier und Matador enthalten. Oder das große Gesicht eines schmerzlich manchmal besetzt die Spitze der Bühne. Der Rest der dunklen Landschaft komponieren erfolgreich, obwohl schlecht, Francisco Leal und Beleuchtung, hervorragend, Pedro Moreno Kleiderschrank. All dies zu zeigen, die tiefsten, dunkelsten Seite des Arbeits Spanien repräsentiert. Es ist interessant, die Ähnlichkeiten El Gato Montes hat mit der Oper Carmen beachten, Bizet. Das heißt, die Carmen de Calixto Bieito haben wir zustimmen vor kurzem im Royal Theater und diese Wildkatze gesehen mehr als die Dunkelheit ihrer Szenen.

Die Rolle der Solea wird in dieser ersten Besetzung durch die deutsche Sopranistin vertreten Nicola Beller Carbone. Sund notieren Sie sich die Mühe einer Flamenco Solea bieten, mit Hilfe von Cristina Hoyos, aber sein Charakter nicht durch schlechte Diktion. Fast unmöglich zu verstehen, was er sagt, trotz in Spanien aufgewachsen. Aber seine Leistung war sehr lobenswert.

Baritone El Gato Montes Juan Jesus Rodriguez Er hatte alle Attribute der andalusischen bandolero. Eine mutige und in der Lage zu töten und in die Berge für die Frau zu nehmen, die man liebt. Alles, was es mit einem interessanten Punkt des Adels geschmückt, die dem Charakter einen besonderen Reiz gab. Seine runde Stimme, leistungsfähige und warme Kleidung beendet Charakter.

Rafael Ruiz, „Die Macareno“, Sie wurde von einem Experten für diese Rolle gespielt, Andeka Gorrotxategi. Baskische Tenor, Dekorieren fast alle Register mit einem schönen Metall, Er bewältigte mit Leichtigkeit und Robustheit akuter und zentralen Zonen eines etwas statischen Macareno auf der Bühne.

Comprimarios Box war in großer Höhe. Desatacar Ausnahme Miguel Sola, in der Rolle des Pater Anton, sowohl stimmlich als, vor allem, in dem interpretierenden Teil. einwandfrei auch, in der Rolle der Frasquita, Itxaro Mentxaka und Gerardo Bullón, wie Beton. Sie sind immer ein Garant für jede Produktion, die Adresse.

Markieren Sie die Leistung des Chores. Nicht nur für sein Handwerk, Ich wusste, bietet auch Momente von großer Lyrik und Schönheit wurde von der Öffentlichkeit weithin gelobt.

Ganz oben auf der Gemeinschaft von Madrid Orchester Manuel Tebar, der wusste, wie man die beste Version eines begrenzten Orchester liefern. Es gelang ihm, die gewünschte Atmosphäre des Komponisten neu zu erstellen und gab eine helle Version seiner bekannten Fragmente, als pasodoble der zweite Akt.

Eine geliebte spanische Oper von einem Publikum, das das Teatro de la Zarzuela in dieser neuen und spannenden Phase füllt.

Carmen

Zwanzig Jahre er hat dies Carmen von Calixto Bieito schließlich kommt zu dem Königlichen Theater. Produktion mehr in der Geschichte dieser Oper vertreten, Es kommt mit einigen Kontroversen über „Anpassungen“, dass das Kunstteam auf vermeintlich offensiven Szenen auszuführen gezwungen wurde,. Die Änderungen sind lediglich kosmetische, um nicht auf bestimmte Elemente zu konzentrieren, die nur vorgab künstlerische Ausdrucksformen zu sein.

Basierend auf der Arbeit von Prosper Mérimée, Bizet geeignet ist, den Text, das war sehr attraktiv für die Öffentlichkeit zu der Zeit von der spanischen Exotik und etwas lüstern Elementen, und einige Spieler geschaffen,, diesmal, Sie waren nicht Könige, Kaiser oder Götter, Wenn keine Zeichen von der Straße, Herdes mit maximal Rohheit und weit von bestehenden bisher Opern Urbild. Bizet setzt die Arbeit in einer bestimmten sozialen Gruppe und in einem bestimmten Medium. Dies ist vielleicht der Hauptgrund, dass sein Debüt Ergebnis in Skandal.

Es sollte klargestellt werden, dass die Geschlechter Oper comique, zu der er gehörte Carmen, Es bedeutet nicht, dass es eine komische Oper ist, bezieht sich auf ein Genre, das die ernste Oper oder große Oper in Paris gegenüber vertreten. es ist, nicht so viel von der Stimmung der Argumente, wenn nicht technische Probleme, als alternierende zwischen Fragmenten gesprochenen und gesungenen. Dieser so einfach, den Text-Modus hat eine große Theater- und Musik Wirkung auszudrücken. Musik ist viel direkter und Carmen singt, nicht Arien, aber Lieder, Bizet selbst, als er schrieb. Es ist nur ein Zeichen, von Komponisten erstellt, da es in der ursprünglichen Arbeit nicht erscheint, Es wird mit Arien selbst, Micaëla.

Bizet starb nur wenige Wochen nach der Veröffentlichung, ohne den Erfolg seiner Oper nach dem ersten Skandal zu genießen. Es war einer seiner Jünger, die, in dem Bemühen, eine ernste Oper Carmen zu machen, statt einer Oper comique, Er führte eine Reihe von Änderungen Hinzufügen von Rezitativen und Musik. Es gelang ihm dadurch, dass das vorherrschende Bild von Carmen während des zwanzigsten Jahrhunderts hat sich von der Idee ganz anders Bizet konzipiert. Es war wichtig,, deshalb, die Geschichte von Carmen neu zu positionieren und die Charaktere in ihre ursprünglichen Idee zurückkehren.

Es ist hier, wo es eine der Tugenden von Calixto Bieito erscheint, sein Weg Schauspieler zu lenken. Und es ist diese Richtung der Akteure, und nicht auf die Landschaft oder Bühnenelemente, was macht den Unterschied in dieser Produktion über andere, die wir bisher gesehen haben.

Diese Carmen ist eine der ersten Produktionen von Calixto Bieito. Und er zeigte es seine Vorliebe für Kontroverse und einige Extravaganzen oft zu Protagonisten ihrer Produktionen. Was wir nicht gedacht, dass, jeder dieser umstrittensten Elemente zu ändern, Nackt wie die Arbeit quedase so die Landschaft von Alfonso Linings. durch das Fehlen von Elementen, gekennzeichnet, Er hat eine leere Bühne präsentiert, Nur eine Telefonzelle und einige Erteilung Jahre 70, nach oben 6, Sie haben die Bühne während der ersten beiden Akte besetzt. Er hat nicht einen nackten verpasst, Geschmack sehr Bieito, durch einen Helfer, der den Mond „wie er ist“ am Anfang des dritten Aktes macht. Dekoriert wird das düstere Drama schwächen und betäubt das Orchester, dass vor allem im Vorspiel und die ersten beiden Akten hatte er eine Leitung von Marc Piollet Routine und wenig unecht. Trotz einer der wichtigsten Repertoire Partituren zu sein, bekam es klingt in einigen Passagen vulgären.

Bieito wollte von den folclorismos wegzukommen, die so viele Male diese Oper geprägt haben, aber es Longieren andere Sie españoladas. Es aktualisiert nur Klischees, ohne sie zu verlassen. Aufzucht, kontradiktorisch, eine Rückkehr nach Spanien tief.

In diesem Tauchgang nach Spanien Tamburin, zieht Zeichen, die, obwohl sie sind näher an der ursprünglichen Idee von Bizet, Sie hören nicht auf ihre Rollen mit Gewalt nehmen. Die Carmen de anna Goryachova Es ist voll von Sinnlichkeit, aber sein Temperament ist nicht so stark wie beabsichtigt. Stimmlich nicht viel Schuld. Ihre Mezzo Stimme ist homogen und ausgewogen, obwohl sein Volumen verringert wurde führt, wie die Arbeit voran. Seine schöne Timbre sah mehr in den zentralen Aufzeichnungen in schweren, hatte aber eine gute Leistung, allgemein.

Francesco Meli nicht in der Lage, das Bild eines rustikalen und heftigen Don Jose geben. Es stellte sich sanftmütig, vor allem in den Szenen der Bande, ähnlich wie West Side Story. In der Singstimme war er erfolgreicher. Es hat einen schönen Klang und ein gutes Volumen der Stimme war genug, um diese Rolle zu bekämpfen.

Eleonora Buratto baut eine Micaëla, die zunächst nicht so naiv, wie es scheinen mag, schlägt vor, einen Selbst Schlaganfall. Es ist immer ein komplizierter Charakter für ein wenig fehl am Platz zu sein, in der Arbeit hinzugefügt werden. Die Buratto bietet etwas übermäßige Lautstärke der Stimme aber lution in den Arien und vor allem in seinem schönen Duett mit Don Josés ersten Akt.

Die Escamillo von Kyle Ketelsen Es ist sehr attraktiv und männlich. Seine durchschlagende Stimme des Charakter fortalció. Er verteidigte seine Rolle mit Würde.

Die beiden Paare von comprimarios gebildet Olivia Doray, als Frasquita und Lidia Vinyes Curtis, wie Mercedes und vielleicht Borja, wie Le Dancaire und Mikeldi Atxalandabaso, in der Rolle des Le Remendado, waren hoch, stimmlich und in interpretative. Sie sind gut in der dekadenten Welt niedrig Mittel ausgepackt für diesen Anlass erstellt von Bieito. Die Lillas Pastia von Alain Azérot, a dastardly Charakter, Ich war von dem Französisch richtig und Professionalität angegangen.

der Chor, in seiner Linie der Spitzen. Er schien besonders spektakulär im vierten Akt, durch den Chor von Young Singers von JORCAM.

Ein Carmen, beklagenswert, Es wird am besten für den Skandal in Erinnerung, die nicht war, dass Inszenierung.

CARMEN
Georges Bizet (1838-1875)
Opéra comique in vier Akten
Libretto Meilhac und Ludovic Halévy deHenri basiert auf dem Roman (1845) Prosper Merimee
an der Opéra-Comique in Paris uraufgeführt 3 März 1875
Die Produktion der Opéra National de Paris
D. Musical: Marc Piollet
D. Szene: Calixto Bieito
scenographer: Alfons Flores
Kostümbildnerin: Merce Paloma
Beleuchtung: Alberto Rodriguez Vega
Ersatz: Yves Lenoir
D. Chor: Andrés Máspero
D Kinderchor: Ana González
Besetzung: anna Goryachova, Francesco Meli, Kyle Ketelsen, Eleonora Buratto, Olivia Doray, Lidia Vinyes Curtis, vielleicht Borja, Mikeldi Atxalandabaso, Alain Azérot, Jean Teitgen, Isaac Galan
Schlagzeilen Chor und Orchester des Teatro Real
Kleine Sänger von ORCAM

Lucio Silla

mit nur 14 Jahre alt, und bei einem Rundgang durch das damalige Königreich Italiens mit seinem Vater, Mozart die ersten ernsthaften Opernpremieren seiner Karriere, Mitridate, Könige von Pontus. So war der Erfolg, dass der junge Mozart eine andere benutzerdefinierte Teatro Regio Ducal in Mailand erhielt, eine Oper zu feiern, zwei Jahre später, Winter Karnevals der Hauptstadt der Lombardei.

Lucio Silla Es ist eine wichtige Arbeit in der Entwicklung der musikalischen Sprache von Mozart. Während es viele der Konventionen der Opern des achtzehnten Jahrhunderts beibehalten, wie die Rolle eines Charakter gefolgt historische und endlose endlose Rezitativ-Arien. jedoch, Wir haben bereits einige unveröffentlichte Elemente gefunden, wie die orchestrale Begleitung von Rezitativen. Diese neue musikalische Struktur nimmt die Veränderungen vorweg, die mit Idomeneo konsolidiert werden und die Teil des unverwechselbaren Stils seiner reiferen Opern sein werden., als Don Giiovanni die Also alle.

Mozart arbeitete mit großer Disziplin und mit wenig Zeit. Er hatte die tugendhaftesten Sänger des Augenblicks zu sich gerufen 6 Wochen vor der Premiere beginnen die Proben. Wie damals üblich, die insbesondere wurden komponiert und über die stimmlichen Eigenschaften jedes Interpreten nachgedacht, sie an die Grenze ihrer Kapazität bringen. Dies machte es fast keinem anderen Sänger möglich, die Rolle zu übernehmen.. Hauptgrund warum Lucio Silla, einmal veröffentlicht, verweilen 200 Jahre wieder vertreten zu sein.

Die Hauptrollen waren für den großen Tenor verantwortlich Arcangelo Cortoni, als Lucio Silla, und kastriert Venanzio Rauzzini, in der Rolle von Cecilio und der Sopranistin Anne de Amicis, wie Giunia. Aber der beste Beweis für das Genie des jugendlichen Mozart kam, wenn sie es nur brauchten 6 Tage bis zur Premiere. Der Protagonist Cortoni wurde krank und musste schnell durch einen anderen Tenor ersetzt werden. Niemand wagte es, die Schwierigkeiten dieser Rolle zu übernehmen, und es war ein mittelmäßiger Rednersänger, der, erschrocken durch die Schwierigkeit des Charakters, wagte es mit ihm. hierfür, Mozart musste die Partitur des Diktators ernsthaft verstümmeln und sie an die stimmlichen Möglichkeiten des Sängers anpassen. Trotz Reduzierung seiner Intervention nur in 2 Arien, Mozart schafft es, die Psychologie des Charakters zu vermitteln, kompliziert zögernd und unfähig auszudrücken, was er fühlt, Überlassen Sie die Verantwortung, Sillas Gefühle dem Orchester auszudrücken.

Eine Hochspannungstheaterlandschaft

Für einen Bühnenmanager, Lucio Silla ist ein vergiftetes Geschenk. Im Laufe der Geschichte wurde es aufgrund seines Statismus als unmögliches Werk angesehen. Barockwerke wecken bei den Regisseuren nicht wenige Bedenken hinsichtlich ihrer Arien

Dacappo und die Schwierigkeit, die diese musikalische Struktur mit sich bringt, wenn der Szenografie die gewünschte Fließfähigkeit verliehen wird. Lucio Silla ist nicht szenisch wie andere spätere Werke von Mozart, Theaterstücke selbst. Der Geist der Charaktere hat mehr Gewicht als ihre Stimme, obwohl dies für Sänger teuflisch ist.

diese Oper, fast nachdenklich, hat auch eine große dramatische Ladung, die Claus Guth hat es geschafft, perfekt zu erfassen. Es ist ihm gelungen, eine Szenografie zu erstellen, in der die Bilder rhythmisch vor dem Publikum fließen, Schlagstatismus mit einem fast filmischen kontinuierlichen Bewegungseffekt.

Wie es in Guths Bühnenentwicklung üblich ist, Es wird eine psychologische Röntgenaufnahme der Charaktere und ihrer Gefühle präsentiert. Diese Reise zur Selbstbeobachtung der Protagonisten wird durch die Atmosphäre erreicht, immer bedrückend, das beschreibt mit großer Genauigkeit die Absicht der Protagonisten. Eine gute Regie der Schauspieler und eine sich drehende architektonische Struktur mit unterirdischen Tunneln zeichnen sich aus. Eine Unterwelt, in der sich Träume und Albträume entfalten. Hier spielt das Licht und der Schatten von Manfred Voss, die für den Anlass von aktualisiert wurden Jünger Hoffmann, große Schönheit und Bekanntheit erlangen.

Erfolgreich ist auch die kalte Trostlosigkeit, die Lucio Silla begleitet. Ein Raum, der die komplexe Psychologie eines unbeständigen Charakterdiktators entschlüsselt, zögernd und unvorhersehbar. Der Stuhl erscheint in einem Raum aus verfallenden weißen Fliesen, die mit dem vergossenen Blut befleckt sind. Es sieht aus wie eine Metzgerei.

Die Adresse von Ivor Bolton

Lucio Silla ist eine unpassende Partitur für einen Teenager aus 16 Jahre aufgrund seiner Komplexität, für seine Reife und dafür, dass er so detailliert ist. Die ursprünglichen Arien wurden mit geringfügigen Anpassungen beibehalten, um die zu verbessern Tempis, was die Fließfähigkeit in Richtung a erleichtert hat Ivor Bolton das setzt den außergewöhnlichen Weg fort, der in der letzten Saison markiert wurde Billy Budd und Rodelinda.

dieses Mal, und schon von der langen Ouvertüre, ein perfektes Gleichgewicht zwischen Metallen und Saiten erreichen. Seine Lektüre der Arbeit und der Arbeit mit dem Orchester, Nehmen Sie die Texte und nicht die Musik als Ausgangspunkt, hat dem Klang die Vibration und den Puls gegeben, die die Partitur erfordert. Besonders in den Momenten, in denen das Orchester die Vor- und Nachteile der Hauptfigur auflöste. Die Rezitative werden von Bolton selbst zum Cembalo begleitet, eine größere Verbindung mit dem Orchester ermöglichen. Immer auf Details achten und die Sänger kennen, diejenigen, die die Arbeit viel einfacher machen, zusammen mit einer Szenografie, die die Projektion der Stimme und des Liedes auf den Bühnenmund erleichtert.

Eine sehr ausgewogene Besetzung

Lucio Silla benötigt sowohl stimmliche als auch dramatische Qualitäten. Und in dieser Linie stehen die Protagonisten dieser Produktion, Kurt Streit und Patricia Pertibon.

amerikanischer Tenor Kurt Streit, verantwortlich für das Leben des Protagonisten, Er ist ein großer Kenner des Mozart-Stils und ein ausgezeichneter Schauspieler, etwas sehr Wichtiges in dieser Produktion. Er präsentiert uns einen zögernden und unbedeutenden Lucio Silla, unsicher und charakterlos. Am Ende des Spiels, wenn er großmütig wird und den Thron verlässt, es erscheint eine korrekte histrionische Absicht. Seine hervorragende Leistung gleicht eine bereits im Niedergang begriffene Stimme aus.

Patricia Petibon Es ist reines Theater. Seine Ausdruckskraft und Persönlichkeit auf der Bühne erhielt eine verdiente Resonanz von der Öffentlichkeit. Hatte einen schwierigen Moment in der Arie Ah, wenn die grausame Gefahr! wo Koloratur unmöglich wird, aber er machte das mehr als wett mit einem breiten Repertoire an Gesten, die die Angst des Charakters beschreiben. Petibons dramatische Intensität, über der Stimme, es beeinträchtigt weder den Charakter noch die Punktzahl, besonders nach dem Improvisieren einer herzzerreißenden Passage am Ende des ersten Teils.

EIN Silvia Tro Santafé er musste die komplexe Rolle von Cecilio beleben. Eine fast unmögliche Punktzahl, die der Valencianer mit tadelloser Professionalität gelöst hat. Deine anfängliche Arie "Der Tereno-Moment", extrem schwierig aufgrund von Registrierungsänderungen, wurde mit einer Zahlungsfähigkeit gelöst, die nur von Virtuosität übertroffen wurde. Hohe Lautstärke und ausdrucksstarke Stimme, mit tadelloser italienischer Phrasierung und Gesangslinie. Das Duett mit Giunia war ein Moment von großer Schönheit und Zartheit. Als einer der herausragendsten und wertvollsten Mezzosopranisten im Moment, Es ist überraschend, dass es auf nationalen Bühnen nicht mehr präsent ist.

José María Moreno Es war eine weitere Freude der Nacht. Sein Charakter entspricht nicht den stimmlichen Anforderungen der Protagonisten, aber es hat Überhöhungen, die die Granada Sopranistin ohne zerzaust emittierte. Cecilias Rolle ist etwas wählerisch, aber seine drei Interventionen (Eine seiner Arien wurde entfernt) Sie sind brillant. Es brachte Frische mit seinem schönen mediterranen Timbre und der perfekten Diktion.

Die Mezzo Letona Inga Kalna in seiner Rolle als Lucio Cinna, er hat die Männlichkeit des Charakters ein wenig übertrieben und es stellte sich als etwas grob heraus. Gute Lautstärke, aber nicht sehr raffiniert. Aber er wusste, wie er mit der Besetzung mithalten konnte.

Ohne Zweifel war dies ein guter Saisonstart in einem wichtigen Jahr für ein Royal Theatre, das feiert 200 Jahrestag. Die Saison ist sehr attraktiv und die Oper ist einer der Orte, an denen Träume Zuflucht finden. Hingabe an Kunst.

Lucio Silla
Dramma per musica in drei Akten
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
Libretto von Giovanni de Gamerra
Uraufführung im Teatro Regio Ducal in Mailand 26 Dezember 1772
Neue Produktion von Teatro Real
Schlagzeilen Chor und Orchester des Teatro Real
D. Musical: Ivor Bolton
D. Szene: Claus Guth
Ersatz: Sie Buyse
Szenografie und Kostüme: Christian Schmidt
Beleuchtung: Manfred Voss
dramaturgie: Ronny Dietrich
D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Kurt Streit, Patricia Petibon, Silvia Tro Santafé,
Inga Kalna, José María Moreno, Kenneth Tarver

Mademe Schmetterling auf dem Festival von Peralada

Wie im vergangenen Jahr mit Turandot, die Peralada Festival hat sich für einen anderen puccinischen Titel entschieden, Madama Butterfly, mit einem großen Triumph für seinen Protagonisten die albanische Sopranistin Jaho Ermonela, in dem interessanten szenischen Vorschlag von Joan Antonio Rechi, befindet sich in Nagasaki durch die Explosion der Atombombe am Boden zerstört. Geplant für Tag 7 und 9 August. Die zweite Leistungs hatte am Ende des Act I ausgesetzt werden, aufgrund von starkem und anhaltendem Regen.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts, Giacomo Puccini (Lucca, 1858-Brüssel, 1924) Er war bereits ein international bekannter Komponist. Seine Opern Manon Lescaut (1893), La Bohème (1896) und Tosca (1900) Sie hatten große Erfolge erzielt. jedoch, die Premiere seiner nächsten Oper Madama Butterfly, Teatro alla Scala in Mailand, die 17 Februar 1904, Es war ein durchschlagender Misserfolg, trotz der Anwesenheit von großartigen Sängern: Rosina Storchio als Schmetterling, zusammen mit Giovanni Zenatellos Pinkerton und Giuseppe De Lucas Scharpless. wahrscheinlich, Dieses große Fiasko war auf die kurze Zeit der Proben zurückzuführen (Die Komposition wurde erst Ende Dezember abgeschlossen 1903), und die übermäßige Länge von Akt II, das dauerte etwa neunzig Minuten. Puccini überarbeitete das Werk und beseitigte einige Passagen von Akt I., Aufteilung des zweiten Aktes in zwei Teile, die durch ein breites orchestrales Zwischenspiel getrennt sind, darunter eine neue Arie für Pinkerton "Addio Fiorito asil" und auch die Verkürzung des letzten Teils der Oper. Die neue Version wurde am Teatro Grande in Brescia mit großem Erfolg uraufgeführt 28 Mai 1904.

Eine dritte Version ins Französische übersetzt, wurde in Paris veröffentlicht, die 28 Dezember 1906, mit neuen Schnitten, die hauptsächlich den letzten Teil der Oper betrafen, hergestellt von Albert Carré, Direktor der Opera Comique, mit Zustimmung von Puccini. Für die Premiere im Metropolitan in New York, die 11 Februar 1907, Puccini benutzte wieder die Brescia-Version, mit kleinen Variationen und einer beeindruckenden Besetzung, zu der auch Geraldine Farrars Schmetterling gehörte, Enrico Caruso als Pinkerton und Antonio Scottis Scharpless. Giulio Ricordi machte eine Ausgabe, in 1907, basierend auf der Pariser Version, was als endgültig angesehen werden kann, mit etwa zwanzig Minuten weniger Musik im Vergleich zur ersten Scalígera-Version. Geraldine Farrar wurde ein Referenzschmetterling, nachdem ich es in allen Jahreszeiten des Metropolitan zwischen interpretiert habe 1907 und 1922, Angebote teilen, zuerst mit Caruso und später mit anderen großen Tenören wie Giovanni Zenatello (der erste Pinkerton), John McCormack, Hipolito Lazaro, Giovanni Martinelli und Beniamino Gigli. Andere berühmte Schmetterlinge der Zeit waren Elisabeth Rethberg, Claudia Muzio und Lucrecia Bori.

Die fünfziger und sechziger Jahre des letzten Jahrhunderts waren ein goldenes Zeitalter für diese Oper, durch die Anwesenheit eines großen Schmetterlings wie Eleanor Steber, Renata Tebaldi, Victoria de los Angeles, Clara Petrella, Maria Callas, Renata Scotto, Leontine Preis, Antonietta Stella, Pilar Lorengar und Monserrat Caballé. Victoria de los Angeles spielte Butterfly viele Male im Theater, seitdem debütierte sie im Metropolitan in New York, in 1951, zwei hervorragende Aufnahmen für EMI hinterlassen: in 1954 mit Giuseppe Di Stefano y en 1959 junto a Jussi Björling, in beiden Fällen mit dem Rome Opera Orchestra, jeweils unter der Regie von Gianandrea Gavazzeni und Gabrielle Santini.

Renata Tebaldi war auch ein großartiger Schmetterling, der zum ersten Mal im Theater spielte, Liceu in Barcelona, in 1958, im selben Jahr eine Aufnahme für DECCA zu machen, neben Carlo Bergonzis Pinkerton, unter der Leitung von Tullio Serafin an der Spitze des Santa Cecilia Academy Orchestra. Renata Tebaldi spielte Butterfly hauptsächlich in Metropolitan New York, Halten Sie es in ihrem Repertoire bis 1961. María Callas war ein gelegentlicher Schmetterling, der ihre Stimme und ihr außergewöhnliches dramatisches Talent einbrachte, Debüt der Rolle in einer Aufnahme für EMI, in 1955, zusammen mit Nicolaï Gedda und der großen Orchesterleitung von Herbert von Karajan an der Spitze des Orchesters des Teatro alla Scala, und im selben Jahr spielte er an der Chicago Opera seine einzigen drei Theateraufführungen mit Giuseppe Di Stefanos Pinkerton.

In den sechziger Jahren, Renata Scottos Schmetterling platzte mit großer Wucht herein, das brachte stimmliche Schönheit mit einer großartigen szenischen Kreation zusammen, und dass er zum ersten Mal im Teatro Colón in Buenos Aires auftrat, in 1964, mit mehr als zwanzig Jahren in seinem Repertoire mit einigen letzten Auftritten im Metropolitan, in 1987. Seine EMI-Aufnahme von 1966, es ist wirklich referenziell, mit dem exzellenten Pinkerton von Carlo Bergonzi (viel besser als bei seiner Aufnahme mit Tebaldi), neben dem prächtigen Sharpless von Rolando Panerai, und die außergewöhnliche Leitung von Sir John Barbirolli an der Spitze des Orchesters der Oper von Rom. in 1974, und in einer Aufnahme für DECCA, Herbert von Karajan nahm diese Partitur wieder auf, auf der Vorderseite der Wiener Philharmoniker, in einer prächtigen Version mit dem großen Schmetterling von Mirella Freni (er hat es nie im Theater gesungen), zusammen mit Luciano Pavarottis atemberaubendem Pinkerton und Christa Ludwigs großartigem Suzuki.

Im vergangenen Dezember war es zur Saisoneröffnung im Teatro alla Scala zu sehen, die erste Version von Butterfly, mit Orchesterleitung von Riccardo Chailly, und dessen Verfügbarkeit im Internet es uns ermöglicht, die Unterschiede zu der kleineren Version festzustellen, die normalerweise gehört wird. Die Besetzung zeigte die uruguayische Sopranistin María José Siri als Schmetterling, zusammen mit zwei der Dolmetscher, die wir in Peralada gehört haben: der Pinkerton des nordamerikanischen Tenors Bryan Hymel und unser Carlos Álvarez als Scharpless.

die Madama Butterfly In Peralada vertreten ist eine Koproduktion dieses Festivals und der Deutschen Oper am Rhein, die vor einigen Monaten in der deutschen Stadt Duisburg veröffentlicht wurde (Nordrhein-Westfalen), mit der Regie des Andorraners Joan Anton Rechi. Die Landschaft Alfons Flores die Aktion beim US-Konsulat in Nagasaki einstellen, in einer prächtigen Halle mit hohen klassischen Säulen, an deren Rückwand eine große US-Flagge zu sehen ist. Ein Plattenteller ermöglicht Bewegung, zeitweise, von szenischen Elementen wie dem eleganten Büro von Konsul Scharpless, oder die vielen Charaktere, die während der Hochzeitszeremonie zwischen Butterfly und Pinkerton auf der Bühne erscheinen, und sogar, das Erscheinen des Hochzeitsbettes, in dem beide das kostbare letzte Duett von Akt I interpretieren. dann, Sie können das Geräusch eines Flugzeugtriebwerks und ein donnerndes Geräusch hören, das die Explosion der Atombombe über Nagasaki reproduziert, in der Lage zu sein, die Zerstörung des Konsulats zu sehen, dessen Säulen aufgrund großartiger visueller Effekte des Lichtdesigners Alberto Rodriguez einstürzen.

auch, kann als Observatorium gesehen werden, eine raue Plattform, die am gesamten Ende der Oper eine wichtige Rolle spielen wird. deutlich, Diese Szenerie kann unter dramatischen Gesichtspunkten interessant sein, um die physische und moralische Tragödie hervorzuheben, in die Batterfly eintaucht, seit der Abreise-Verlassenheit von Pinkerton, nach der Hochzeit. Offensichtliche Inkonsistenzen zwischen dem gesungenen Text und dem Bühnenraum sollten beachtet werden, als Butterfly Suzuki schickt, um an diesem trockenen Ort nach Blumen zu suchen, oder wenn Pinkerton kommentiert, dass sich die Landschaft nach drei Jahren nicht verändert hat. Die szenischen Bewegungen der zahlreichen Charaktere im Verlauf von Akt I sind gut gelöst, Momente von großer Schönheit, in denen die Figur des Schmetterlings vollständig von weißen Regenschirmen umgeben erscheint.

Markieren Sie das Kostümdesign von Merce Paloma, wo sich die westliche und östliche Welt vermischen: die eleganten und passenden Anzüge von Pinkerton und Scharpless oder der traditionelle Kimono von Butterfly, im Vergleich zur westlichen Kleidung Ihrer Verwandten und Freunde, dass es bei männlichen Statisten mit den typischen Schleifen kombiniert wird, die sie in ihren Frisuren zeigen. Gute Regie von Joan Antón Rechi, wer schafft es, die maximale Theatralik für die Aufführungen der einzelnen Charaktere und insbesondere des Protagonisten zu extrahieren.

Madama Butterfly hat klare wagnerische Einflüsse, mit der Aufnahme einer Reihe von wiederkehrenden Motiven in einen brillanten Orchesterrahmen, in den die Stimmen als ein weiteres Instrument eingefügt werden. Es enthält auch viele Passagen abklingender und farbenfroher impressionistischer Musik.. deshalb, Es ist eine Oper, die ein gutes Orchester erfordert, dessen Regisseur weiß, wie man die vielen Details dieser reichen Partitur festhält. In diesem Fall, Die Aufführung des Bilbao Symphony Orchestra war nur diskret, mit einer Ansprache des israelischen Lehrers dan Ettinger wenig raffiniert, mit einer Tendenz zu übermäßiger Lautstärke und ohne in der Lage zu sein, die vielen Momente zu verbessern, in denen die Partitur Dimensionen intensiver Lyrik annimmt, wie der Auftritt von Butterfly auf der Bühne oder das große abschließende Duo von Akt I.. Akzeptabler Holzklang, Blechbläser und Schlagzeug, neben einer unregelmäßigen Darstellung des Seils. Die Unterbrechung des Tons war unverständlich, als der Auftakt zu Akt III lief, das war also in zwei Teile geteilt.

Jaho Ermonela hat Butterfly zu seiner paradigmatischsten Rolle gemacht, seit er es zum ersten Mal in Philadelphia gespielt hat, in 2009. Seine großartige Leistung war bereits in El Liceu zu hören, in 2013, und vor kurzem, letzten Juni und Juli im Teatro Real in Madrid. Ohne die stimmliche Kraft zu besitzen, dass der Charakter in Akt II erfordert, und vor allem gegen Ende der Oper, bietet eine sehr differenzierte Interpretation, Holen Sie die ausdrucksstärkste Leistung aus jedem Wort und jeder gesungenen Phrase. Während Akt I., zeigten, dass Timbral Klarheit für den naiven und zerbrechlichen Schmetterling erforderlich ist, erst fünfzehn Jahre alt, eine großartige Interpretation von "Ancora un passo" in einem Crescendo mit dem Satz "Sohn venuta al richiamo d’amor", d’amor ”endete mit einem imposanten Re5.

Liefert am Ende von Akt I eine ziemlich interpretative Lektion über das kostbare Duo mit Pinkerton. Ya, in Akt II, machte eine außergewöhnliche und nuancierte Interpretation der berühmten Arie "Un bel di vedremo", schöne Reihen ausstrahlen; und, zeigte in seinem langen Duett mit Sharpless große Fähigkeit zum Konversationssingen, Phrasen wie „Due cose potrei far: Menschen wieder zu amüsieren, indem man singt ... oppur, besser, Ich werde sterben ", wenn Scharpless die Möglichkeit aufwirft, dass Pinkerton nicht zurückkehren wird. Sein Auftritt während des gesamten Opernendes, es war beeindruckend, mit esa demoledora der Satz recitada "Mit Ehre stirbt, wer das Leben nicht mit Ehre halten kann", um mit der Luft fortzufahren "Du, Sie, Kleiner Gott ", was er mit erbärmlichen Akzenten ausstattete, zeigt wieder sein prächtiges hohes Register. Befindet sich in all dieser letzten Szene auf dieser oben genannten Plattform; Im Moment des Selbstmordes fiel der Dolch zu Boden, über genügend Ressourcen verfügen, um die Situation zu lösen. Ermonela Jaho war so in ihren Charakter involviert, der sogar das schluchzende Publikum begrüßte.

Der amerikanische Tenor Bryan Hymel, zeigte eine Stimme von großer Kraft und Timbralattraktivität in der High Band, das verliert an Brillanz in den mittleren und niedrigen Registern. Seine Bühnenpräsenz zeigt die arroganteste und schelmischste Seite des verführerischen Pinkerton. All dies zeigt sich in ihrem ersten Duett mit Sharpless, und wenn er die Arie „Amore o grillo, Ich weiß es nicht ". jedoch, seine Leistung nimmt im großen letzten Duo von Akt I ab, mit wenig nuanciertem Gesang im Vergleich zu der exquisiten Leistung von Ermonela Jaho. Ya, am Ende des Duos, beide zusammen die Stimmen, die einen C4 ausstrahlen, gut nach vorne projiziert von der Sopranistin und dass der Tenor weiter zurückbleibt. Seine beste Intervention wurde in der Arie "Addio Fiorito axil" produziert..

Prächtig die Scharflosen von Carlos Alvarez, elegant und voller Adel, zeigt ihre schöne Stimme und großartige Bühnenperformance, das ist qualifizierend, zuerst, in seinem ersten Duett mit Pinkerton, den er in seinem böswilligen Spiel begleitet. Ya, in Akt II, in diesem tollen Duett mit Butterfly, wo er seine große Beherrschung des Konversationsgesangs mit einer prägnanten und kontrastierenden Phrasierung zeigt. Ihre Intervention in dem wunderschönen Trio „Io so che alle sue pene“ mit Suzuki und Pinkerton ist äußerst brillant., wo die Stimme des Malaga-Baritons die beiden anderen überwiegt. Im folgenden Duett mit Pinkerton „Non ve l’avevo detto?"Er kehrt zurück, um seine exzellente Liedlinie anzubieten, die seine Rede mit der feierlichen und nuancierten Phrase" Andate, das traurige Wahre allein wird lernen " . in Summe, eine großartige Interpretation von Carlos Álvarez.

die mittlere Gemma Coma-Alabert skizzierte einen Suzuki von großer Lyrik und Ausdruckskraft, wer merkt schon früh Pinkertons schlechtes Gewissen. Sehr gut in Akt II, in ihren pünktlichen Interventionen gut koordiniert mit Ermonela Jaho, und gipfelt in dem seelenvollen Duo von Blumen. Viçens Esteve machte eine gute Interpretation des interessierten und histrionischen Matchmakers Goro. Hervorragend der junge Bariton Carles Pachón in seiner kurzen Rede als Prinz Yamadori.

Die Aufführung des Liceu-Chores, verbesserte sich im Laufe der Darstellung, resultierend diskret im malerischen Eingang von Butterfly, Verbesserung des kostbaren „O Kami! O Kami!, und seine beste Leistung im berühmten "Chor mit geschlossenem Mund" zu bekommen, das schließt Akt II.

Text: Diego Manuel Garcia Perez
Bilder: Toti Ferrer

Dani Barcelona y Jessica Pratt en Tancredi

Valencia Palau de Les Arts, Er hat brillant die Saison mit fünf Aufführungen der Rossiniano geschlossen Tancredi, die sie haben eine hervorragende Besetzung unter der Leitung von Stimme zusammengebaut Daniela Barcellona als Tancredi und Jessica Pratt in der Rolle des Amenaide, neben der hervorragenden Leistung des Orchesters von Valencia Regie Roberto Abbado. auch, Es sollte den interessanten Vorschlag landschaftlich zu beachten, Emilio Sagi. seltsam, und höher Qualität Darstellungen, die während der gesamten Saison gesehen worden, die Unterstützung der Öffentlichkeit ist nicht massiv gewesen, werden kann genügend Löcher in der Kapazität des Valencia Theater gesehen. ja, Das Publikum applaudierte mit großer Kraft, die großen Sänger und Orchester.

Gioachino Antonio Rossini (Pesaro, 1792 - Paris, 1868) Sehr bald wurde er in die Oper angezogen. in 1810, mit nur achtzehn, Die Uraufführung im Teatro Samuele Venedig seine erste große Arbeit Die Ehe Rechnung, zu denen im nächsten Jahr folgen L ‚verrücktes Missverständnis. Sie erhalten seinen ersten großen Erfolg mit Der Stein des Vergleichs am Teatro alla Scala in Mailand uraufgeführt, in 1812, ein ungeheuer produktiver Komponist immer, da vor dem Ende des Jahres, Er hatte zwei neue Opern uraufgeführt: La scala di seta und Die ocassion macht Diebe. Rossini überraschende Fähigkeit, gleichzeitig compose, eine begrenzte Zeit, eine Komödie wie Herr Bruschino, und Tancredi (seine erste ernste Oper) beide jeweils in Venedig veröffentlicht 27 Januar 6 Februar 1813. Der Erfolg der Comic-Werke von Rossini, Sie können ihre Bedeutung als Komponist von Opern ernst verstecken. Große Titel wie Die Italienerin in Algier (1813), Das türkische in Italien (1814), Die Barbiere von Sevilla (1816) die La Cenerentola (1817), Ich geriet in Vergessenheit eklatante ernste Opern er in seiner neapolitanischen Periode zusammengesetzt, zwischen 1815 und 1823. In dramatischen Titeln wie Otello (1816) und Die Dame des Sees (1819), Er trat aus dem neoklassischen Heldentum, von der romantischen Atmosphäre zu sein outdone, Ich begann, geboren zu werden. Rossini ergab, dass die helle Bühne, in 1823, mit der Premiere von Semiramide, letzten vierunddreißig italienischen Opern, Starten des gleichen Jahres nach Frankreich, wo er schriftlich Komödien weiterhin wie Die Reise nach Reims (1825) und Graf Ory (1828), dramatische Titel wie Die Belagerung von Korinth (1826), Moses und Pharao (1827); und, vor allem, seine monumentalen Guillaume Tell (1829), die die Grundlage der romantischen Melodram, und mit dem schloß er seinen Opernzyklus, als sie war 37 Jahre.

Tancredi Es wurde von Rossini im Dezember zusammengesetzt 1812 und Januar 1813, Libretto von Gaetano Rossi aus dem Spiel u Voltaire. Die Uraufführung fand am 6 Februar 1813 Teatro la Fenice in Venedig, und die Oper mit einem Happy End zu Ende. die 20 März des gleichen Jahres, Rossini in Ferrara Premiere eine überarbeitete Version enthalten mehrere Änderungen, die bedeutendsten ein neues Ende tragischen Charakter zu sein, dessen Text wurde von dem Dichter Luigi Lechi geschrieben. Dieses Ende nicht wie die Öffentlichkeit, und Rossini entwickelt eine neue Version, in Mailand uraufgeführt, im Dezember 1813, Er wird diejenigen angeboten in Venedig und Ferrara Synthese, mit der Aufnahme des Happy End. Seit zwanzig Jahren, nach oben 1833, wurde die Oper mit einer gewissen Regelmäßigkeit durchgeführt, Anschließend fallen in den meisten absolute Vergesslichkeit. Die Partitur und Text des tragischen Ende kam zu verschwinden, Es wird von Musikologen Philip Gossett entdeckt, die bereit eine kritische Ausgabe, in 1976, von der Version im Dezember veröffentlicht 1813, aber mit dem tragischen Ende von Ferrara beendet. Die ultimative Erholung dieser Oper kam, als die kritische Ausgabe an der Oper Houston uraufgeführt (Texas), in 1977, mit Beteiligung als Tancredi der großen amerikanischen Mezzo Marilyn Horne, Wer wird der große Garant dieser Oper werden, die er spielte seit mehr als einem Jahrzehnt in verschiedenen Theatern auf der ganzen Welt, Mit Vermächtnis bis zu acht Live-Aufnahmen, einschließlich der Herstellung Video im Theater des Liceu in Barcelona gemacht, in 1989. die mittlere Daniela Barcellona er gespielt Tancredi zum ersten Mal in dem Festival von Pesaro 1999, da eine Referenz Tancredi wurde. Dies zeigt sich in verschiedenen Audio- und Video-Buchsen, insbesondere von TDK DVD vermarktet, Einige Funktionen, die im Teatro Comunale von Florenz nahm, im Oktober 2005, neben einem der großen Interpreten der Argirio: Argentinischen Tenor Raúl Giménez. in Spanien, Barcelona Daniela hat bei vielen Gelegenheiten durchgeführt Tancredi: Corunna (2003), Oviedo (2004), Teatro Real in Madrid (2007), Teatro de la Maestranza in Sevilla (2009), und jetzt die neuesten Funktionen, die in der Palau de Les Arts genommen haben, wo es die kritische Version von Philip Gossett mit tragischem Ende Ferrara gezeigt.

die Tancredi vertreten in Valencia ist eine Co Lausanne Opera und dem Teatro Municipal in Santiago de Chile, Stufe Richtung Emilio Sagi, Bewegen der Aktion aus dem XI Jahrhundert, zur Zeit der Kreuzzüge, dem neunzehnten Jahrhundert, in der italienischen Risorgimento. Die Handlung beginnt in der großen Halle des Palastes, mit Marmorsäulen und großen Fenstern mit schönen Buntglas polychrome, wo viele Gäste versammeln um einen großen Tisch, in bunten gekleidet und neu geladen Uniformen entworfen von Pepa Ojanguren, regelmäßig für Emilio Sagi. Das gleiche Szenario verwandelt, durch eine schnelle Bewegung der Wände und stimmungsvolle Beleuchtung, in verschiedenen szenischen Räumen: das klein und intim, wo das Duo Tancredi und entwickelt Amenaide Akt I, und in Akt II, wird das elegante Argirio Büro oder im Gefängnis, wo seclude zu Amenaide.

irgendwann, um eine Kosmetikerin visuelle Wirkung zu finden,, szenische Ansatz ist nicht erfolgreich, wie in der Schlacht-Sequenz, in Akt II, in einem Raum, dessen Boden begrenzt ist, eine Platte in dem viele kleine Spiegel zusammengebaut, szenische dunkel allein wird durch die Scheinwerfer-Laternen verändert figurantes Lager und in Spiegeln reflektiert, ernsthaft zu stören Zuschauer. Appelle die letzte Szene der Oper, wo Sie ein großes Grabdenkmal an der Basis des Tancredi Todes sehen können sie in den Arm von Amenaide auftreten. In Anbetracht der Unzulänglichkeit der militärischen Strapazen Tancredi tragen, encorsetando seine Bühnenbewegungen. Wir sind mit Ausnahme der Szene von blendend Laternen, es ist durchaus angebracht Lichtdesign von Eduardo Bravo, Schaffung geeignete Umgebungen landschaftlich immer im Einklang mit der Entwicklung der Handlung.

Ausgezeichnete Adresse Roberto Abbado, die erzielt eine hohe Leistung des Orchesters von Valencia. Der Maestro Abbado weiß sehr gut, diese Partitur, habiéndola führte bei vielen Gelegenheiten, in der Lage, ein hervorragendes Studio von RCA Aufnahme zu hören, in 1995, wo er den Münchner Rundfunk Orchester adressierte, mit Vesselina Kasarova como Tancredi, die Amenaide Eva Mei und ausgezeichneter Argirio von Ramon Vargas, eine Stimme von großer Schönheit Anzeige. Dieser Datensatz enthält die zwei Endfassung und alternative Amenaide Arie „Ah, degg'io Matrize ist pur „Rossini für die Version von Ferrara zusammengesetzt.

Roberto Abbado wurde mit der immobilisierten rechten Arm Verletzung vorgestellt, was noch machte er seine Regiearbeit verdienstlicher, dass schon offenbart es aus der gleichen Öffnung (identisch mit einer vorherigen Rossini: der Prüfstein) dessen erster Abschnitt Schneiden deutlich mozartiano, leuchteten Metalle und Wälder; und, ein zweiter Abschnitt,, von Orchester-Crescendo dominiert bekräftigt, Tipicamente Rossini, die im Wechsel mit der Interpretation einer anmutigen Melodie, die Eingriffe in Verbindung mit dem Cello, Flöte umfasst, Fagott und all das Seil. Überragende Klang des Orchestervorspiel, das die große Szene des ersten Aktes Tancredi führt, mit kontinuierlichem Klang der Bass-Saite Violinen und Holzbegleit, mit klaren Interventionen der Solo-Oboe. Beachten Sie die große Duo Amenaide und Tancredi in Akt I Begleit, endet mit einem hellen Coda. auch, Orchesterleistung am Ende des ersten Aktes: Concert Sextett und schlüssig. Ya, in Akt II, Lieferung war ausgezeichnet Klarinettist bei der Arie von Isaura, durch die brillante Leistung der Musik gefolgt, starker sinfonischer Atem, welche vorausgeht und begleitet den recitative Amenaide "Di mia Vita infelice". Sehr schöne Orchestereinleitung und Begleitung der Arie im zweiten Akt Roggiero. Markieren Sie die ätherischen und leise Geräusch der Saite Kammermusik, dass begleitet die Szene des Todes von Tancredi. In den zahlreichen Rezitativen diese Oper enthält,, umfassen die ausgezeichnete Leistung des Bc von Clavier bestehend (José Ramón Martín), Cello (Rafal Jezierski) und Bass (David Molina). Gut concert Arbeit von Roberto Abbado immer bewusst die Stimmen.

Das große Mittel Triest Daniela Barcellona Tancredi hat seine paradigmatische Rolle gemacht, Bereitstellen seines genauen belcantista vocalism, große dramatische Interpretation und Bühnenpräsenz völlig mit dem Charakter identifiziert. Ya, ist hell Eingang mit seiner szenischen Interpretation recitative „O patria, süß und undankbares Vaterland ", que beginnt dort, wo mit einer halben Stimme, und wo zeigt einen verfeinerte Kantenlinie vollen Ausdruck, mit hervorragender Klang Vorschriften. El enlaza mit Rezitativ und Arioso „Sie leuchten diesen Kern“ para concluir con el famosísimo „Von den vielen Herzschlag“, im reinsten Belcanto-Stil interpretiert, meisterhaft Ausführung relevante Variationen in der Wiederholung mit der Phrase „sara felice“ gestartet, wo er zeigt seine Beherrschung der Beweglichkeit, mit einer scharfen feinen Stimmen. Ya, in Akt II, macht eine große Interpretation der Cavatine „Ah, scordar Sie mit verschiedenen Schattierungen nicht „mit der wiederholten Phrase“ der Liebe Anker „ausgedrückt zunehmend sind. Macht eine große stimmliche und dramatische Interpretation der Arie-rondo „Perché stören die Ruhe“, mit einem ersten Abschnitt langsam, voll von traurigen Akzente, das ergibt sich ein anderes viel schneller, aggressiv mit der Phrase „Traditrice initiiert! Ich gebe dir ", wo er seine Beherrschung der Agilität mit rechtzeitigem und genauen zeigt auf akute hochgeladen. Diese Veränderungen treten Rhythmus langsam-schnell, in einem kontinuierlichen Crescendo, die Arie mit dem heroischen und wiederholten Phrase „Feld zu schließen,, auf das Gebiet hervorragend werfen volle Höhen trionfar „Einfügen. In einem ganz anderen Registern, zu sterben, ausstattet Akzente Rezitativ-Arie pathetisch „Oh Dio, lasciarte Ich sollte ... .Amenaide, serbami tua „schlüssig Oper Glauben.

Amenaide große Leistung wie die Sopranistin Jessica Pratt, im Besitz einer Stimme attraktiv Timbre, gut geplant, Domäne verknüpft mit der Hand, exzellenter Klang Vorschriften und eine absolute Beherrschung der Koloratur: trilling, Waage, Noten gehackt, Höhen und Höhen mit großer Besetzung. auch, ist seine großartige Bühnenperformance. alle, wie in seiner ursprünglichen cavatina bewiesen „Komm dolce all'alma mia“ . In Akt II, ausstattet de gran Lyrismus von Rezitativ-Arie „Di mein Leben elend ... ..no, dass der Stempel nicht ", mit melancholischen Akzenten und eine ausgezeichnete Fähigkeit für Mittelstimmen und Klang Vorschriften, Emittieren schöner Noten in Pianissimi. Seine hellsten Momente treten in der Rezitativ-Arie „Gran Dio!…..Nur Gott demütige Liebe „donde en primera y Rezitativ Abschnitt Luft, zeigt eine polierte Firstlinie volle Ausdruckskraft, Emittieren Edel filados, apianando Stimme auch in den hohen Tönen. Ya, in dem zweiten Teil der Arie, wo Musik nimmt das Crescendo des Ouvertüre bis, es kann die Kapazität für Koloratur-Sänger angegeben werden, Ausgabe von Noten mit realer Präzision gehackte, bis leicht akute und sobreagudo und endend Arie mit einer beeindruckenden Mi5.

Extreme Qualität sind die beiden Duos Pratt und Barcellona interpretiert, insbesondere der mittlere Abschnitt des zweiten „Ah, wie kommt es, dass die Seele ", mit Begleitung von String-Pizzicato.

Argirio Charakter wird von dem chinesischen Tenor gespielt Yijie Shi, magnífico Sänger Rossini, trotz seiner unattraktiven Timbre. Bei seinen zahlreichen Interventionen zeigte er eine elegante Phrasierung und ausgezeichnete Ausführung der Agilität. Speziell wurde leuchtend Interpretation des recitativo-ary „Oddio Crudel! Was Name ... .Ah! segnar ich vergeblich versuchen ", im Rezitativ anbieten, ein Lied volle Ausdruckskraft; und, in der Arie, meditative Momente apianando Stimme, zusammen mit anderen echten Bravour Singen mit hellem hochgeladen akuten und sobreagudo. Sehr gut in seinem Duett mit Tancredi des zweiten Aktes.

niedrig Pietro Spagnoli, Es hat eine lyrische Stimme über die Rolle von Orbazzano und seine Interpretation war nicht diskret, obwohl sie echte Chancen zu glänzen, denn in dieser Version Tancredi wenn INSERTA und Luft „An den Ruhm Stimmen“ (unmittelbar vor dem Duo Tancredi und Argirio des zweiten Aktes) das ist in der Regel verzichtet. In der Rolle von Isaura, die Mitte Martina Belli Er zeigte eine große, wenn auch etwas guttural Stimme, mit guter Beherrschung der Agilität, bei der Interpretation der Arie „Tu che i miseri Conforti“ des zweiten Aktes. Die junge Sopranistin Rita Marques Zugehörigkeit zu dem Entwicklungszentrum Placido Domingo, Er zeichnete sich in seiner Arie „Torni Alfin ridente“. Große Zahlen festlegen Schließen Akt I, vor allem das Ende concert. Großartige Leistung der Chor der Generalitat Valenciana (in diesem Fall nur Männerstimmen) in seinen zahlreichen Interventionen, Hervorhebung seine Leistung im zweiten Akt des Coro di Saraceni: „Terror herrscht in der Stadt“.

Diese Funktionen Tancredi wurden in den Speicher des Leiters gewidmet und Musikologe Alberto Zedda, die starben im vergangenen März, deren Arbeit bei der Wiederherstellung des gesamten Werkes Rossini maßgeblich.

 

Madama Butterfly

zu 1850 und nach zwei Hälften von Jahrhunderten der Isolation, Japan ist verpflichtet, die Welt zu öffnen. Es zählt zu der Zeit mit zwei wichtigen Vitrinen, die Weltausstellung in London (1862) und, vor allem, das Paris (1867). Im letzteren, lenkt die Aufmerksamkeit der großen Künstler, die von der japanischen kulturellen Prägung beeinflusst werden und sind, Wende, die Ausbreitung zuerst diese neuen Trends.

Künstler wie James McNeill Whistler, Edouard Manet oder Clode Monet in Paris, und Mariano Fortuni oder Raimundo de Madrazo in Spanien, Sie waren einige der ersten, die die Faszination der japanischen Kultur spürten.

Diese orientalischen Einflüsse kamen auch in Madrid an. Die Oberschicht zeigte sofort ihr Interesse, nicht nur für künstlerische Ausdrucksformen, auch für Gegenstände und Dekorationselemente. Japanische Schränke und Salons wurden in Palästen und Villen des Adels von Ende des Jahrhunderts in Mode. Die Residenz von Cánovas del Castillo oder der Infanta Eulalia de Borbón hatte ein japanisches Zimmer. Dies ist der Fall im Restaurant Lhardy, dessen Salon kann heute genossen werden.

So viel orientalischer Einfluss hatte unter anderem die Premiere im Teatro Real in Madrid zur Folge, in 1907, de Madama Butterfly, Die Oper, die Puccini komponiert hatte, war fasziniert von der Chinoiserie und all ihren Erinnerungen. Die Premiere war stilvoll, Die Rolle von Cio-Cio-San wurde von Rosina Estorquio gespielt, legendäre Sopranistin zu der Zeit und wer hatte die Rolle in uraufgeführt 1904 Scala in Mailand.

Bei dieser Gelegenheit präsentiert uns das Real die Wiederbelebung von Madama Butterfly, die Mario Gas und Ezio Frigerio für dasselbe Theater in entworfen haben 2002.

nach 15 Jahre gab es kaum Aktualisierungen der Landschaft, etwas, das viel für diese Arbeit sagt. Eine Beziehung zwischen Oper und Kino herstellen, zwei Genres, die dem Komponisten bekannt und beliebt sind, Die Szenografie führt uns zu einem Hollywood-Film aus den dreißiger Jahren, Nutzung der Ressource eines Theaters innerhalb des Theaters. Die Dreharbeiten können in Echtzeit auf einem Bildschirm über der Bühne angezeigt werden, Dank einer sehr guten Bearbeitung, die es Ihnen ermöglicht, die Nahaufnahmen der Sänger zu schätzen, was die Dramatisierung verstärkt.

Die Geschichte geht von einer europäischen Tradition aus, von wann, zuerst die Holländer und dann andere Europäer, über die Dutch East India Company gehandelt. hierfür, Sie bewohnten die Insel Dejima, in denen sie tolle Jahreszeiten verbrachten. Nicht in der Lage zu sein, ihre Frauen zu tragen, führte eine Hochzeitszeremonie durch und heiratete angeblich junge japanische Frauen, die sie später aufgaben. All dies wird durch Matchmaker ermöglicht, wie Goro es in Madma Butterfly tut.

Dies ist das Drama des jungen Cio-Cio-San, das bei dieser Gelegenheit von den Sopranistinnen Ermonela Jaho und Hui He gespielt wird. Mit den Worten von Regisseur Mario Gas, „Ein Übermaß an Leidenschaft führt zu Unschärfe, und eine Abwesenheit von Leidenschaft, führt zu Kälte ". Bei den Auftritten beider Sopranistinnen hat es nicht an Leidenschaft gefehlt, aber die dramatische Fähigkeit von Ermonela Jaho, davon hat er bereits eine gute Probe in seiner Violeta de La traviata hinterlassen, und diese Saison mit seiner Desdemona in Otello, übertrifft jede Interpretationsaufzeichnung. Mirellla Bremsen, Das war ein toller Schmetterling, Er konnte es nicht auf der Bühne singen, weil die Emotionen ihn zum Weinen brachten und das Weinen seine Stimme verdrängte. Hermonela Yaho kann beim Singen weinen. Ist in der Lage, die Technik aufzugeben, um einen Schrei auszusenden, ohne einen Positionsverlust zu bemerken. Die Fähigkeit zur Phrasierung, seine zarte Kantenlinie, die dem Charakter eine Fragilität verleiht, die überwältigt, Halten Sie das Publikum gefangen und erschüttert. Jeder weiß, was passieren wird, außer ihr ... Sie überträgt Emotionen wie kaum ein anderer. Auch wenn deine Stimme nicht perfekt ist, obwohl sein Bass mangelhaft ist, obwohl ich ein wenig von den Reihen missbrauche, die, andererseits, Sie sind wundervoll, aber, Was ist Oper?, aber Emotionen?

Da es sehr schwierig ist, eine Version zu wählen, wir haben uns entschieden, beides zu setzen, Ermonela Jaho y Hui Er interpretiert "Un bel di wir werden sehen", zu Beginn des zweiten Aktes. Zwei verschiedene Arten und Techniken, sich demselben Charakter zu nähern.

Hui Er war der Schmetterling der zweiten Besetzung. Das zweite bezieht sich in diesem Fall nicht auf eine geringere Qualität. Ohne Zweifel ist seine lyrisch-spinto Tessitura für diese Rolle am besten geeignet.. Es hat ein schönes, durchdringendes Timbre und ein kraftvolles Mittenregister, solider Bass und außergewöhnliche Projektion, neben einer homogenen Kantenlinie. Es begann ohne größere dramatische Ausbrüche, wurde aber im Verlauf des Spiels charakteristisch.

Sie wurde in der Nachbildung vom Pinkerton des jungen Vincenzo Costanzo nicht gut begleitet. Er hat eine frische Stimme und ein schönes Timbre ist angestrebt, aber es ist noch weit von einer adäquaten Technik für diese Charaktere entfernt. Ihre stumpfe weiße Stimme braucht Zeit, studieren und ruhig. Instrument scheint zu haben, Hoffen wir, dass es Ihnen nicht an Geduld mangelt.

Besser das Pinkerton von Jorge de León, mit vollen und hellen Höhen. Obwohl mit einer gewissen Rauheit, unter Berücksichtigung der Delikatesse von Butterfly de Jaho. Der Charakter von Suzuki, gespielt von Enkelejda Snkosa und Gemma Coma-Alabert. Beide sind die perfekte Gesangsgruppe ihres jeweiligen Cio-Cio-San.

Ángel Ódena komponierte einen Sharpless Consul mit Autorität und Adel, der richtig verteilt war. Zur Magie der Repräsentation beigetragen. Der Konsul von Vladimir Stoyanov ist immer ein Bariton mit Garantien, und er hat die Zahlungsfähigkeit eingehalten. Genauso wie Goro von Francisco Vas. Mit einem sehr guten Schauspiel und einem histrionischen Punkt, der den Matchmaker-Charakter abrundete.

Der Rest der Reparatur war in großer Höhe, einschließlich des Chors, der eine schöne Delikatesse demonstrierte.

Die Regie von Marco Armiliato zeigt sein großes Wissen über die Partitur und den Komponisten. Große Theaterfähigkeit und exquisite Betreuung der Sänger, Sie können jederzeit modulieren, um Ihre Arbeit mit einer Partitur zu erleichtern, die immer das Problem der Lautstärke aufwirft.
Er bekam eine abwechslungsreiche Farbpalette, die die Veränderungen der Emotionen in der Partitur und in jedem Moment des Charakters beherrschte. Wie der Eingang von Cio-Cio-San, so zart und transparent, wie es sich für eine unschuldige Frau gehört 15 Jahre alt. Die Orchestrierung des zweiten Aktes ist für den Sänger aufgrund seines Dramas und der Forderung nach einer sehr soliden Technik, um über dem Orchester zu singen, schwierig. Aber Armiliato bekommt das Gleichgewicht. Immer auf die Sänger achten und eine Partitur, die die Reiseroute mit allen möglichen Details kennzeichnet. Musik mit herzzerreißendem dramatischem Potenzial, woraus der italienische Meister am meisten extrahiert.

Ein gutes Saisonende und eine Gelegenheit, durch die Sendung des Tages näher an die Oper heranzukommen 30. Wer macht das zum ersten Mal?, Mit diesem Schmetterling werden Sie für immer fasziniert sein.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

Madama Butterfly
Giacomo Puccini (1858-1924)
Giapponese Tragödie in drei Akten
Libreto de Giuseppe Giacosa und Luigi Illica, basierend auf dem Stück Madame Butterfly, von David Belasco,
inspiriert von der Geschichte von John Luther Long
D. Musical: Marco Armiliato
D. Szene: Mario Gas
Szenografie: Ezio Frigerio
Kostümbildnerin: Franca Squarciapino
Illuminator: Vinivio Cheli
D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Hermonela Jaho / Hui He, Jorge de León / Vincenzo Costanzo, Enkelejda Shkosa / Gemma Coma-Alabert, Engel Ódena / Vladimir Stoyanov, Francisco cisco~~POS=HEADCOMP Vas, Tomeu Bibiloni, Scott Wilde, Igor Tsenkman, Elier Muñoz,
Jose Julio Gonzalez, Marifé Nogales, Rebeca Salcines, Maria Fidalgo, Miriam Montero.

Yachthafen

Yachthafen Es ist eines dieser spanischen Nachschlagewerke, die alle Fans in ihrem Gedächtnis registriert haben. Wer kennt sie nicht manchmal summt seine conocidísima „Ein Getränk, zu trinken ". Es wurde auch schon immer eine der geplanten. Das letzte Mal vor vier Jahren in diesem selben Theater. Obwohl zuvor Zwanzig Jahre waren vergangen,, da Alfredo Kraus spielte Jorge.

der Lehrer Emilio Arrieta, verwandelte die Zarzuela Marina in eine Oper, damit sie in der Uraufführung uraufgeführt werden konnte Teatro Real. Ereignis, das in aufgetreten ist 1871.

Diese Oper in drei Akten, Regie Ramón Tebar und mit Regie von Ignacio García, hat eine junge und fast unbekannte Besetzung gehabt. Die Hauptrolle von Marina hat der Ukrainer gespielt, mit rumänischem Pass, Olena Sloia. Diese junge Sopranistin ließ sich jahrelang in Madrid nieder, hat eine merkwürdige Geschichte. Er sang an verschiedenen Orten und Straßen von Madrid, bis eines Tages, in der Nähe des Opernplatzes, wurde vom Lehrer entdeckt Miguel Ángel Gómez Martínez, am Eröffnungstag im Zimmer anwesend. Von dort, und mit der unschätzbaren Empfehlung des Lehrers, Was wir hoffen, ist eine brillante Karriere in der Welt der Lyrik hat begonnen. Qualitäten fehlen nicht. Es hat ein angenehmes und kräftiges hohes Register, mit dem das überschüssige Volumen des Orchesters nicht konnte. Er gewann im dritten Akt an Ausdruckskraft und Unterstützung und bekam verdiente Ovationen.

Jorges Charakter wurde vom Tenor gespielt Alejandro del Cerro. Etwas Unstetiges oder Nervöses begann, was ihn nicht davon abhielt, seine komplizierten Arien mutig anzugehen. Im dritten Akt kam er und bot Momente großer Lyrik an.

Damián del Castillo, als Roque, es war auch von weniger zu mehr. Etwas Vergangenheit von Betrug und Rauheit in einigen Momenten.

Szenografie, Nachschub der Marine von vor vier Jahren, Dieses Mal ist es dank der Beleuchtung von nachtaktiver und eindrucksvoller Paco Ariza. Das Meer und die Seeleute sind während der gesamten Arbeit sehr präsent. Auch ein Teil des Stegs, das nahm die halbe Bühne ein und beschränkte die Bewegungen auf den Chor.

das Orchester, energisch geleitet von Zarzuela-Debütant Ramón Tebar, zeitweise erreichte sie eine Lautstärke, die die Sänger in Schwierigkeiten brachte. Im zweiten Teil viel enger, hob seine Dynamik hervor.

Ein gutes Saisonende für ein Teatro de la Zarzuela, in dem die tiefe Arbeit des neuen Teams allmählich spürbar wird, und das projiziert bereits die Illusion der unmittelbaren Zukunft.

Werther

Werther war erstmals im Palau de les Arst in Valencia vertreten, im Laufe fünf Aufführungen. Orchester von Valencia, hervorragend von der ungarischen gerichtet Henrik Nánási, Es war der große Gewinner. Die Ergebnisse sowohl in der vokalen Ebene und Bühne haben mehr diskret.

Jules Massenet (1842 -1912) Er komponierte bis zu fünfundzwanzig Opern und war der bekannteste und am meisten vertretene Manon (1884), Werther (1892) und Thaïs (1898). Andere Titel wie Le Cid (1885), Esclarmonde (1889), Die Navarreise (1894), Der Jongleur von Notre-Dame (1902) und Don Quixote (1910). Ya, in 1880, Massenet begann über die Idee nachzudenken, eine Oper zu komponieren, die auf Goethes Werk basiert Die Leiden des jungen Werther (Die Missgeschicke des jungen Werther) von 1774.

Während einer Reise, die der Komponist zusammen mit seinem Herausgeber Georges Hartmann nach Bayreuth unternahm, in 1886, zuhören Parsifal, hatte die Gelegenheit, die Stadt Wetzlar bei Frankfurt zu besuchen, wo Goethe seine Arbeit geschrieben hatte. es ist, seit damals, wenn Massenet mit der Komposition von Werther beginnt, mit einem Skript von Edouard blau, Paul Tausende und Georges Harmant, die Goethes Arbeit anpassen, dem Charakter von Charlotte viel mehr Relevanz geben, die von Werther idealisierte Frau, für die er eine unkontrollierbare Liebesleidenschaft empfindet. Nach Abschluss der Komposition im Juni 1887, Massenet bot es an der La Opera-Comique in Paris an, dessen Regisseur Leon Carvalho lehnte es ab, da das Argument zu traurig war, um die Öffentlichkeit zu interessieren.

schließlich, die ins Deutsche übersetzte Oper, Premiere mit großem Erfolg bei der Wiener Hofoper Theater die 16 Februar 1892. Die französische Fassung wurde am an der Genfer Oper uraufgeführt 27 Dezember 1892 und 16 Januar 1893 Die Premiere fand an der Opera-Comique in Paris statt, wo es von Kritikern gelobt wurde, obwohl es von der Öffentlichkeit nur ungern aufgenommen wurde.

Die Oper wurde in großen Theatern auf der ganzen Welt weithin akzeptiert. In der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts, wurde mit einiger Regelmäßigkeit in Frankreich und zeitweise im Rest der Welt aufgeführt, Hervorheben der außergewöhnlichen Schaffung von Werther aufgeführt vom großen französischen Tenor Georges Thill, neben der prächtigen Sopranistin Charlotte Ninon Vallin, das ist auf der Aufnahme von zu hören 1931, Regie Elie Cohen vor dem Orchester von La Ópera-Comique, remastered auf CD von EMI auf 1989 und noch besserer Sound von NAXOS in 2000.

Sechsundachtzig Jahre sind vergangen und diese Aufnahme von Werther bleibt eine echte Referenz. Die italienische Version von Werther hatte als Hauptdarsteller Tito Schipa, wer hat es bereits in Liceu de Barcelona durchgeführt, im Dezember 1918, und blieb drei Jahrzehnte in seinem Repertoire, es gibt viele Aufnahmen der berühmten Arie aus Akt III "Warum mich wecken" auf Italienisch "Ah! Erwecke mich nicht"Und auch aus der Arie von Akt I"Komm schon, Es ist gut hier ... O Natur" auf Italienisch "Allor sta propio auch… ..O naturaUnd eine Auswahl der Oper mit der Charlotte de la Mezzo Gianna Pederzini aufgezeichnet in 1940. Schipa war das Vorbild für andere italienische Tenöre wie Giuseppe Di Stefano, Wetter in Ferruccio Tagliavini, Cesare Valletti und Carlo Bergonzi, die diese Oper in den fünfziger und sechziger Jahren des letzten Jahrhunderts zu bestimmten Anlässen aufführten.

jedoch, das authentische Wiederaufleben von Werther kam zustande, als die großen Alfredo Kraus nahm es in sein Repertoire auf, im Januar 1966, in Stadttheater von Piazenza, auf italienisch gesungen; obwohl bald der kanarische Tenor die französische Version interpretieren wird, dessen erstes Zeugnis ist die in Madrid gemachte Live-Aufnahme Zarzuela Theater in 1969, wo Kraus eine Besetzung mit der exquisiten Charlotte aus teilte Los Angeles Victoria, der im selben Jahr an einer großartigen Plattenversion von EMI teilgenommen hatte, neben dem ausgezeichneten Werther des großen schwedischen Tenors Nicolai Gedda, prächtig geführt von Georges Prêtre, vor dem Orchester der Pariser Oper. Alfredo Kraus spielte Werther seit dreißig Jahren, in unzähligen Aufführungen aller großen Theater der Welt, Angebote mit der wunderschönen Charlotte teilen, einschließlich: Tatiana-Trojaner, Teresa Berganza, Elena Obraztsova, Regine Crespin, Frederica von Stade o Martha Senn.

Zahlreiche Live-Aufnahmen in Audio und Video, Kredit die außergewöhnliche Interpretation, die Alfredo Kraus von Werther gemacht hat, Es gibt auch eine Referenzaufzeichnung, mit ausgezeichnetem Klang, durchgeführt in einer Studie von EMI, in 1979, mit Orchesterleitung von Michel Plasson Dirigieren des London Philharmonic Orchestra, wo Kraus eine Besetzung mit der exzellenten Charlotte de la Mezzo teilte Tatiana-Trojaner. die Werther von Alfredo Kraus, synthetisiert den aristokratischen Stil von Georges Thill mit der farbenfrohen Stimme von Tito Schipa. Nach Kraus wurden die Interpretationen von Roberto Alagna und Jonas Kaufmann. Französisch Tenor Jean Francois Borras, wer hat interpretiert Werther bei den El Palau de Les Arts Veranstaltungen, hatte seine große Chance, einen unwohl Jonas Kaufmann zu ersetzen, während einer Aufführung von Werther, in 2014, in der Metropolitan in New York, Dies war sein Debüt in dieser Rolle, die er in den letzten Jahren mit einiger Häufigkeit gespielt hat.

die Werther vertreten im valencianischen Palau de Les Arts, ist eine Koproduktion dieses Theaters und der Monte-Carlo-Oper, Stufe Richtung Jean Louis Grinda, und Landschaft von Rudy Sabounghi, Mit der Anwesenheit, von Anfang an die Oper eines großen Spiegels, in dem sich ein Werther in einem blutigen Hemd spiegelt. Plötzlich bricht der Spiegel, es wird vom Protagonisten gekreuzt und sein gehacktes Formteil bewegt sich bis an die Enden der Bühne, sich zu verschiedenen Zeiten neu zusammensetzen: die schöne Szene aus "Moonlight" in Akt I und im gesamten Akt IV, mit dem die Darstellung endet.

Die Geschichte wird durch einen langen flachen Rücken gezeigt, ab dem Ende, wo Werther Betrachten Sie die tragische Entwicklung Ihres Lebens in den letzten sechs Monaten, Dies ist die Zeitspanne zwischen seinem eigenen Tod und dem Moment, in dem er von seinem von Charlotte vertretenen weiblichen Ideal angezogen wird. Die Art, die Geschichte zu erzählen, ist interessant, obwohl es etwas erfolglos ist, da dieses typisch filmische Erzählverfahren (erinnert an den, den Billy Wilder in seinen berühmten Filmen verwendet hat: Fluch und Zwielicht der Götter) erfordert die kontinuierliche Bühnenpräsenz des Protagonisten, etwas, das in nicht passiert Werther.

die Bühne In den ersten beiden Akten erscheint der Garten des Hauses, in dem Charlotte lebt, und im Hintergrund ein Wald von grünen Farben zu Beginn des Sommers, in dem Akt I stattfindet, das driftet zu den ockerfarbenen Tönen des Herbstes während Akt II. Die Einstellung von Akt III, es ist sehr konventionell, mit einem tollen Zimmer in Charlottes ehelichem Zuhause, deren Hauptelemente sind ein Cembalo, und eine beleuchtete Vitrine mit einer Sammlung von Pistolen. Die Szenerie wird erst zu Beginn von Akt IV relevant, mit einer Projektion, in der die Frontalfigur von Charlotte zu sehen ist, mit einem verzerrten Gesicht, innerhalb des rekonstruierten Rahmens dieses großen Spiegels, durch den Schnee zu Werthers Haus rennen.

Diese Gegenwart himmlischer Engel ist nicht sehr erfolgreich, mit ihren entsprechenden Flügeln, die erscheinen um Werther und Charlotte am Ende der Oper. Die Beleuchtung schafft es auch nicht, die einfache Landschaft aufzuwerten..

In einer Oper wie Werther, wo der orchestrale Rahmen grundlegend ist, immer eingebettet in die dramatische Handlung: Das Orquesta de Valencia war der große Gewinner dieser Darstellungen, großartig von der ungarischen gerichtet Henrik Nánási, wer hat es geschafft, aus allen Orchesterabschnitten zu extrahieren, ausdrucksstarke Klänge, das zeigt sich bereits in der Ausführung der ersten Ouvertüre mit Momenten großer dramatischer Spannung in der Ausführung dieses wiederkehrenden musikalischen Themas, das übersetzt die Leidenschaft, die Werther für Charlotte empfindet, und das verbindet sich mit den bukolischen Akkorden, die dieses andere wiederkehrende Thema der Natur zeigen, mit brillanten Solointerventionen der Concertino Violine.

Der Orchesterklang war in der Aufführung von „El Claro de Luna“ in Akt I wirklich großartig, das wird das wesentliche musikalische Thema der Oper, und wo der Klang der Celli auffiel.

Großartige orchestrale Reaktion im Verlauf des dritten Aktes, in Begleitung von Charlottes Arien, unter besonderer Berücksichtigung der Interventionen des Saxophons, in der zweiten Arie "werden! Lass meine Tränen fließen!Und auch die Interventionen der Celli und der Harfe in der berühmten Arie von Werther "Warum mich wecken". Heben Sie die großartige Orchesterleistung der Ouvertüre von Akt IV hervor, welches mit Untertiteln versehen ist "Die Weihnachtsnacht". Hervorragendes Rendering des Englischhorns, das Passagen mit der dramatischsten Spannung verbessert. Hervorragender Klang von Metallen, insbesondere Hörnern. Markieren Sie das Orgelsolo als abschließende Coda des Duos von Charlotte und Albert in Akt II. Man konnte nur eine übermäßige Lautstärke des Orchesterklangs vorwerfen, dass, irgendwann, vertuschte die Stimmen.

Werther Es ist eine Oper von wahrer Brillanz für die beiden Protagonisten durch zahlreiche Arien und Arien, zusammen mit vier großen Duos. In seiner Darstellung von Werther, der französische Tenor Jean Louis Borrás, zeigte idiomatische und stilistische Angemessenheit, mit einer lyrischen Stimme mit einem schönen Timbre und akzeptabler Lautstärke, obwohl etwas leicht und das bekommt nur im hohen Register durchschlagende Dimensionen. In seinen Reden wurde eine größere Vielfalt von Akzenten übersehen, das wird ihrem Lied authentische Ausdruckskraft verleihen. Er machte eine bemerkenswerte Interpretation voller Melancholie in diesem Lied zur Natur, das die Rezitativ-Arie ausmacht. "So, es ist gut hier ...... Ô Natur, gnädig„Act I. Ya, in Akt II, zeigte in seiner Arie "Ein anderer ist ihr Ehemann!Das Maß an Frustration, das sie sieht, wenn Charlotte bereits mit Albert verheiratet ist.

Borrás bot seine besten Momente in der berühmten Arie “Warum mich weckenEingefügt in das große Duett von Akt III mit Charlotte, gespielt vom Mezzo Anna Caterina Antonacci, der seine große Qualität als Dolmetscher zeigt, indem er die Psychologie des Charakters vollständig durchdringt, obwohl mit einer ziemlich abgenutzten Stimme, mit einem wichtigen Vibrato in allen Registern, Geringe Lautstärke und praktisch unhörbarer Bassbereich. Diese Mängel zeigen sich in seinen dramatischen Interventionen des dritten Aktes: die Arie der Buchstaben "Werther! Werther ... wer hätte es mir stattdessen gesagtAkzeptabel gelöst, und zeigt echte Probleme in "werden! Lass meine Tränen fließen!” so anspruchsvoll im Grabregister.

Zeigen Sie eine nuancierte Gesangslinie im schönen Duett mit Werther von „Claro de Luna“ in Akt I., im Vergleich zur flacheren Interpretation von Jean François Borras. Antonacci ist auch im letzten Duett mit Werther bemerkenswert, wo Borrás die fluffigen Noten missbrauchte, mit Verlust der Abstimmung in einigen von ihnen.

Sehr gut, Sophie Helena Orcoyen, eine leichte Stimme mit einem durchdringenden und gut projizierten Timbre, das leuchtet in seiner Rezitativ-Arie von Akt I "Bruder, sieh den Strauß ... der fröhlichen Sonne, voller Flammen", wo er eine jugendliche Freude zeigt, die die Phrasen gut verbindet und großartige Höhen bietet. Hebt auch seine Leistung im Duett mit Charlotte hervor "Hallo, große Schwester!” Akt III, wo ihre Freude und Sorglosigkeit im Gegensatz zur Traurigkeit ihrer niedergeschlagenen Schwester steht.

Sehr diskrete Interpretation des Bassbaritons Michael Borth, als Albert, zeigt echte Einschränkungen in einer anspruchsvollen Rolle, vor allem in der Arie "Sie liebt mich, sie dachte an mich"Aus Akt I oder im Duett mit Charlotte" Trois mois! Vor drei Monaten “del Acto II, wo seine stimmlichen und interpretativen Mängel aufgedeckt werden.

Akzeptable Interpretation von Alejandro López como Le Bailli (Charlottes Vater Richter). Übertriebene Charakterisierung von Moses Marin und Jorge Lopez jeweils spielen die Säufer Schmidt und Johann, mit einer bemerkenswerten Interpretation seines Duetts “Vivat Bacchus, lebe immerZu Beginn von Akt II, das wird normalerweise geschnitten, aber was ist, wenn es in dieser Produktion enthalten ist.

Gute Leistungen der Kinder von La Escolania von Unserer Lieben Frau von den Obdachlosen und von den Mädchen von Die Chorschule Veus Juntes de Quart de Poblet.

Text: Diego Manuel Garcia Perez
Bilder: Tato Baeza

Der goldene Hahn am Teatro Real in Madrid

Oft Kinder Geschichten dienen so offen Situationen oder unappetitliche Zeichen zu präsentieren, die sie verwendet, um eine Reflexion oder kritische moralisierende Zwecke zur Verfügung zu stellen.

Dies ist der Fall der Geschichte Der goldene Hahn, geschrieben von aleksandr Puschkin, durch die Erzählungen von der Alhambra Washington Irving inspiriert, y que von Textdichter Vladimir Balsky Er angepasst Nikolai Rimsky-Korsakov er komponierte seine fünfzehnten und letzte Oper.

Rimsky anfängliche Zweideutigkeit des zaristischen Regimes, es wurde deutlich, Ablehnung nach der Schlachtung der sogenannten roten Sonne, in 1905, als die Regierung von Zar Nikolaus II befahl der Armee, auf die Bürger zu schießen, darunter Frauen und Kinder, Sie hatten friedlich demonstriert bessere Lebensbedingungen zu fordern. Das Trauma verursacht, das dieses Schlacht, nur nicht stimuliert die späteren Revolutionen in Russland, Es mobilisiert auch viele Intellektuelle, die, como Rimski, Sie wurden für die Expression ihrer Opposition gegen das Regime durch ihre Werke zensiert. Dies war der Grund, warum der goldene Hahn wurde nicht nach dem Tod des Autors freigegeben, bis.

In dieser neuen Produktion Teatro Real, in Koproduktion mit dem Théâtre Royal de la Monnaie in Brüssel und der Opéra National de Lorraine, dessen Regisseur, Laurent Pelly, macht eine brillante Interpretation der Idee des Komponisten in dieser Arbeit, meisterlich das zaristische Regime Kritik in Satire Hinwendung zu verspotten, die Armee und das Volk, Übergang von der Knechtschaft der einen in die andere, mit disziplinierter Fügsamkeit. Erfolgreiche Landschaft ändert nichts über seinen Charakter, das ist fabulador, schließlich, die Arbeit ermöglicht hat eine starke Ladung von Aggression intelligent und zeitlos. Pelly will die Angst vermitteln, dass durch diese historischen Momente laufen und will die Öffentlichkeit, um ihre eigene Übersetzung machen. Figuren, Pelly Design, dazu beitragen, den magischen Hauch Burlesque Geschichte geben.

Die Szenen entfalten auf, was aussieht wie ein Berg von Schutt, das Regime selbst, auf dem grotesken Zar Dodon, immer in den Pyjamas, Es scheint, auf einem großen Bett, als Thron, von denen läuft es zwischen Zielen Träume eines Menschen sehr wenig unerschrockenen. Ihre Unfähigkeit, spiegelt sich lächerlich auf einer Szene ihre Ungeschicklichkeit zeigt singen und tanzen. Neben ihm, seine beiden Söhne, Zarewitsch Zarewitsch Afron und Gidom, zwei simpletons und unbeholfen Zeichen mit einer sehr guten Leistung Bariton und Tenor Iurii Boris Samoilov Rudak, beziehungsweise.

Gouverneur Polkan, ist ein weiterer nutzloser Charakter, bequem im Büro sitzt, was einen guten Konto Bass Alexander Vinogradov.

Der einzige Charakter mit einer gewissen Belastung der Autorität ist Amelfa, die Haushälterin, die das Leben der polnischen Mezzo gibt Agnes Zwierko, die gestärkt das Zeichen mit seiner dunklen Tönen.

Armenisch Sopran Nina Minasyan Er gab das Leben Shamakhi Zarin, Aneignung des zweiten Aktes. Eine schöne Stimme, voller Beweglichkeit und Sinnlichkeit des geheimnisvollen Charakter zu interpretieren.

niedrig Alexey Tikhomirov Es war ein ausgezeichneter Zar Dodon, ungeschickt und lächerlich. Seine kraftvolle Stimme erinnerte uns an die tiefen Stimmen immer knapper.

Außerordentliche Arbeit der Chor, sowohl Sprachelement und in interpretative. Markieren Sie die Gruppe der Edel Bojaren, prächtig interpretiert.

Die junge Sopranistin Sara Blanch war aus der Grube der goldene Hahn. mutig kleine, aber wichtige Rolle gelöst, Leistung und eine bessere Stimme als einige von denen, die auf der Bühne waren.

der Tenor Barry Banks er spielte den kapriziösen Astrologen. Eine interessante Figur dank der Besonderheit seiner Stimme Timbre.

Ivor Bolton, ihre Arbeit nicht Billy Budd vergessen, Es bietet eine großartige Version dieser Partitur mit orientalischen Farbstoffen, der Geschmack der Zeit, voller intimer Momente und hell. Anschluss und bis über das Orchester ist klar, und das Ergebnis ist eine unbestreitbare Solvenz. Er wies auf das Zwischenspiel nach dem zweiten Akt selbst Bolton durchgeführt, das Klavier, und einer der violinists des Orchesters, Komponisten Efrem Zimbalist und Fritz Kreisler, auf der Grundlage der Oper selbst.

Mehr als nettes Feature mit einem interessanten Hintergrund, die Sie macht denken. Obwohl die Pelly selbst sagte in Pressekonferenz: „Ich mag es nicht, eine Arbeit heute reduzieren“, Es ist unmöglich, nicht auf die vorliegende. Beispiele keinen Mangel.

Der goldene Hahn
Nikolai Rimski-Korsakow (1844-1908)
Oper in drei Akten mit Prolog und Epilog
Libreto de Vladimir Belsky, basierend auf dem Gedicht Das Märchen von der goldene Hahn Aleksandr Pushkin
Estrensada im Solodovnikov Theater von Moskau 1909
D. Musical: Ivor Bolton
D. Szene und Kostüm: Laurent Pelly
Szenografie: Barbara de Limburg
Illuminator: Joél Adam
Choreograf: Lionel Hoche
Verantwortlich für den szenischen Ersatz: Benoit Leersnyder
D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Alexey Tikhomirov, Boris Bars, Iruii Samoilov, Alexander Vinogradov, Agnes Zwierko, Barry Banks, Nina Minasyan, Sara Blanch
Chor und Orchester des Teatro Real Halter

Text:Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Video: Teatro Real

Bomarzo

Etwa zwei Stunden Fahrt nördlich von Rom, Es ist die charmante kleine mittelalterliche Stadt Viterbo, in der Region Latium. Am Stadtrand von Viterbo, Bomarzo en, wenn levanta und Castello Orsini. Die Zugehörigkeit zu der Orsini, einer der ältesten und berühmten Familien im mittelalterlichen Italien. Vicino Orsini, hijo de Giovanni Corrado Orsini y Clarice Anguillara, gelang es, das Herzogtum Jahre nach dem Tod seines Vaters zu erben. in 1550, nach dem Tod seiner Frau, Giulia Farnesio, Herzog Orsini zog sich zurück, um in Bomarzo zu leben, umgeben von Künstlern und Literaten, und war dem Bau des sogenannten Parco dei Mostri oder Sacro Bosco gewidmet, der Garten von Bomarzo. Ein Raum, in dem die rätselhaften und gequälten Skulpturen, die in der üppigen Vegetation versteckt sind, auffallen. Die Oper Bomarzo zeichnet die Wahnvorstellungen dieses extravaganten Herzogs auf, Buckel zu Deformität und von Unsterblichkeit heimgesucht. Seine Träume zeigen das Leben der Lust und Korruption der Adelsfamilien einer der attraktivsten Zeiten der Geschichte, el 500 italienisch.

Dieser Garten der Monster war die Inspiration von Manuel Mújica Láinez für sein literarisches Werk Bomarzo und das Libretto für die gleichnamige Oper, zu dem Alberto Ginastera Musik machte.

Es ist nicht einfach, in diese Produktion einzutreten, ohne die Schlüssel zu haben, die das Lesen der Arbeit liefert. Das erste, was überrascht, ist das Fehlen eines Barockstils in Láinez 'Buch. Dies schafft eine riesige Kluft, die es nicht erlaubt, sich vollständig mit der Geschichte zu verbinden. Dieser Bomarzo von Pierre Audi erscheint von der ersten Szene an nackt vor der Öffentlichkeit. Ein großes Schwarzes Loch dominiert das gesamte Szenario, in dem die verschiedenen Zeitalter des Herzogs von Orsini zwischen Träumen und Albträumen wandern. Während, Jon Rafmans Videos zeigen Skulpturen aus dem Garten der Monster und eine Annäherung an seine Traumwelt.

Die Szenografie übersetzt perfekt den bedrückenden und klaustrophobischen Charakter, unter dem der Protagonist leidet, Aber die literarischen Ornamente, die am besten mit der Zeit in Verbindung stehen, fehlen.. Das Ergebnis ist eindringlich und Ginasteras Punktzahl, Meister darin, die niedrigsten Instinkte durch Musik zu beschreiben, es verstärkt nur diese Sorge. Wenn es darum ging, diesen Effekt zu erzielen, ist voll erreicht.

David Afkhams musikalische Version war brillant. Millimetergenauigkeit für Percussion, die die Partitur ausfüllt. Wie erfolgreich war die Intervention der Vokalbesetzung, sehr angepasst jeder an seinen Charakter. Schade für eine auf Spanisch gesungene Oper, kaum jemand verstand.

Die Choraufführung, befindet sich in der Grube neben einem der JORCAM-Mitglieder, bot einige der Höhepunkte der Leistung. Besonders die junge Patricia Redondo im Lied des Hirtenjungen. Großartige Regie von Andrés Máspero und Ana González.

Dieser Bomarzo ist eher theatralisch als operativ. Dafür müssen wir nur die gute Leistung von John Daszak hervorheben, der Pier Francesco Orsini spielt. Sein Charakter ruht nicht während der gesamten Arbeit und er hat es geschafft, Orsinis wahre Qual durch seine Dramatisierung und seine herzzerreißende Stimme zu vermitteln. Obwohl ich Brite bin, seine Diktion war besser als die einiger Staatsangehöriger.

Der junge Bariton Germán Olvera war ein perfekter Girolamo, leichtfertig und verächtlich. Er hatte kein Problem damit, völlig nackt auf einer Plattform zu singen. Mut fehlt nicht.

Alto Hilary Summers spielte Diana Orsini. Die Besonderheit ihrer Stimme gab der Rolle der Protagonistin als Großmutter viel Charakter. Eine Stimme, die den Lauf der Zeit bemerkt und die dem Charakter sehr angemessen war.

Die Sopranistin Nicola Beller Carbone, als Julia Farnese, er hat seine rolle sehr gut mit einer mehr als angenehmen stimme erfüllt.

Interessant und kraftvoll war auch die Stimme und Interpretation des Baritons Thomas Oliemans als Silvio de Nardi.

Milijana Nicolic ist die Mezzosopranistin, die Pantasiela das Leben gab, eine der längsten Rollen in dem Stück, die er mit Leichtigkeit verteidigte, sowohl in der Stimme als auch in der Interpretation.

Widersprüchliches Gefühl, dass Bomarzo das verlässt, dennoch, Für die Programmierung eines Royal Theatre ist es wichtig, dass in dieser Saison einige historische Schulden durch die Programmierung bestimmter Werke und Autoren beglichen werden.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Video: Teatro Real

BOMARZO
Musik von Alberto Ginastera (1916-1983)
Oper in zwei Akten, Libreto von Manuel Mújica Lainez, basierend auf seinem gleichnamigen Roman
Uraufführung im Lisner Auditorium in Washington D.. C. die 16 Mai 1967
Neue Produktion von Teatro Real, in Koproduktion mit De Nationale Opera de Amsterdam
D. Musical: David Afkham
D. Szene: Pierre Audi
Bühnenbildner und Illuminator: Urs Schönebaum
Kostümbildnerin: Wojciech Dziedzic
Dramaturgin: Klaus Bert Isch
Video-Maker: Jon Rafman
D. Chor: Andrés Máspero
D. Little Singers Chor: Ana González
Besetzung: John Daszak, Germán Olvera, Damián del Castillo, James Creswell, Hilary Summers,
milijana Nikolic, Nicola Beller Carbone, Thomas Oliemans, Albert Casals, Francis Tójar

Lucrezia Borgia Arts

Lucrezia Borgia von Gaetano Donizetti, Es befindet sich in El Palau de les Arst zum ersten Mal gezeigt und hat ein echter Triumph für Sopran Mariella Devia gewesen, die hat ein komplettes Meister Belcanto angeboten, gehe zu allen vokalen und leistungs Anforderungen dieses komplexen und widersprüchlichen Charakters, ihre Arbeit mit Ton Ovationen belohnt. Die andere Attraktion dieser Aufführungen war die großartige Aufführung des valencianischen Mezzos Silvia Tro Santafé als Transvestit Maffio Orsini.

Gaetano Donizetti (Bergamo, 29 November 1797 - Bergamo, 8 April 1848) Er war einer der produktivsten Opernkomponisten in der gesamten Geschichte des Genres, mit fünfundsechzig Titeln, in einem Zeitraum von achtundzwanzig Jahren, zwischen 1816 in dem er seine erste Oper Il Pigmalione komponierte, bis zu ihrer letzten Arbeit Caterina Cornaro aus 1844. Während seiner Karriere wird er mit Opern wie L’elixir d’amore große Erfolge erzielen (1832), Lucrezia Borgia (1833), Lucia di Lammermoor (1835), Die Tochter des Regiments y La Favorite ambas de 1840, Don Pasquale (1843) und die berühmte Tudor-Trilogie von Anna Bolena (1830), Maria Stuarda (1835) y Roberto Devereux (1838). In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts, Donizettian und viele seiner Opern wurden wiederbelebt, einschließlich der Tudor-Trilogie und Lucrezia Borgia, zusammen mit anderen weniger bekannten, wurden dank des Interesses von Sängern wie María Callas wiedergefunden, Leyla Gencer, Monserrat Caballé, Joan Sutherland, Beverly Sills, und in jüngerer Zeit von Edita Gruberova und Mariella Devia.

Ya, mit einer Produktion von vierzig Opern, Donizetti komponierte Lucrezia Borgia im Herbst von 1833, mit Libreto von Felice Romani, der eine Adaption des gleichnamigen Theaterwerks von Victor Hugo gemacht hatte, im Februar desselben Jahres veröffentlicht. Oper in Prolog und zwei Akten strukturiert, mit vier Protagonisten: Lucrecia Borgia, sein geheimer Sohn Gennaro, Alfonso D'Este Herzog von Ferrara, Ehemann von Lucrezia und Maffio Orsini Freund von Gennaro, zusammen mit einer Reihe von Nebenfiguren, einige mit Interventionen von einiger Relevanz. Die Premiere fand am Teatro alla Scala in Mailand statt 26 Dezember 1833.

Die Darstellungen dieser Oper in ihren ersten Lebensjahren, Sie hatten Probleme aller Art: als es in Paris veröffentlicht wurde, in 1840, Victor Hugo reichte eine Klage ein, in der er sein Urheberrecht geltend machte, Donizetti und Romani sollen die Arbeit umschreiben, indem sie die Aktion in der Türkei platzieren und sie La Rinnegata nennen. Probleme mit der Zensur der Zeit und auch den Protesten der Nachkommen der Familie Borgia, Donizetti musste den Namen seiner Oper ändern, als sie in verschiedenen Städten uraufgeführt wurde: Eustorgia der Römer in Florenz, Alfonso, Herzog von Ferrara und Triest, Giovanna I. von Neapel in Ferrara und Elisa da Fosco in Rom. schließlich, Die Oper erhielt ihren ursprünglichen Titel zurück und wurde in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts häufig aufgeführt.

in 1904 Es wurde im New Yorker Metropolitan mit Enrico Caruso als Gennaro uraufgeführt. In der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts, Darstellungen waren sehr selten, Hervorheben desjenigen, der in stattfand 1933, zum Gedenken an das 100-jährige Bestehen der Premiere, en el Transcurso des Primers Maggio Musicale Fiorentino, mit einer außergewöhnlichen Besetzung, zu der auch Giannina Arangi-Lombardi gehörte (Lucrecia), Beniamino Gigli (Gennaro), Gianna Pederzini (Orsini) und Tancredi Pasero (Alfonso).

Lucrezia Borgias wahre Genesung kam herein 1965, während Aufführungen, die in der New Yorker Carnegie Hall stattfanden, mit Monserrat Caballé als Lucrezia, Ersetzt eine unwohl gewordene Marilyn Horne, die den großen internationalen Start der katalanischen Sopranistin darstellt, seit vielen Jahren eine seiner großen Leistungen.

auch beachten,, die großartigen Kreationen, die sie aus diesem Charakter gemacht haben: Leyla Gencer, Joan Sutherland, Beberly Sill, und in den letzten Jahren, Renée Fleming, Edita Gruberova und Mariella Devia. Gennaros Charakter, wurde von spanischen Tenören wie Jaime Aragall großartig aufgeführt, Josep Carreras; und, vor allem, der große Alfredo Kraus. Donizetti machte zwei Versionen von Lucrezia Borgia: Die erste Premiere fand im Teatro alla Scala in Mailand statt 1833, mit der dificilísima cabaletta final de Lucrezia "Er war mein Sohn", und eine Sekunde, in 1840, auch im selben Theater vertreten, wo Donizetti ein neues Ende komponierte, das die Cabaletta annullierte und durch Gennaros Arie „Madre, wenn jeder weg ".

Ende der sechziger Jahre des letzten Jahrhunderts, Dirigent und Musikwissenschaftler Richard Bonynge, entdeckte eine Kopie der Rezitativ-Arie von großer Schönheit und Schwierigkeit "Partir degg'io ... T'amo qual s'ama un angelo", komponiert von Donizetti für den Gennaro des russischen Tenors Nikolai Ivanov, von dem Alfredo Kraus außergewöhnliche Leistungen erbrachte. In den vielen Darstellungen von Lucrezia Borgia unter der Regie von Richard Bonynge ist diese Rezitativ-Arie eingefügt und auch, verschmolzen, beide Enden, mit Gennaros Arie und Lucrecias Cabaletta, in der es "Bonynge Version" genannt werden kann. Dies ist eine alternative Option, die in verschiedenen Produktionen enthalten ist. Es gibt zwei großartige Studioaufnahmen, die erste, die vom RCA-Label in veröffentlicht wurde 1966, und von Monserrat Caballé durchgeführt, Alfredo Kraus, Shirley Verrett und Ezio Flagelo unter der Regie von Jonel Perlea. Die zweite von DECCA in bearbeitet 1978, und gespielt von Joan Sutherland, Jaime Aragall, Marilyn Horne und Ingvar Wixell unter der Regie von Richard Bonynge, wo die beiden Endungen und die Rezitativ-Arie „Parti degg’io… T’amo qual s’ama un angelo“ zu Beginn des zweiten Aktes bereits enthalten sind.

Bei diesen valencianischen Aufführungen wurde die Version der Premiere im Teatro alla Scala gewählt, in 1833. Es ist eine Produktion des Palau de Les Arts unter der Regie von Emilio Sagi, Das ist ein verbessertes Recycling! davon Sagi in Bilbao gerichtet (2001) und Oviedo (2004), mit der Szenografie von Llorenc Corbella, basierend auf großen mobilen Panels, Auf die abstrakte Zeichnungen projiziert werden, die dank des großartigen Lichtdesigns von Eduardo Bravo an Relevanz gewinnen, abwechselnd warme und kalte Töne, abhängig von der Entwicklung der Handlung und dem psychologischen Zustand der Charaktere.

In der ersten Szene des Prologs, Diese Paneele sind perfekt nach unten ausgerichtet und mit reichlich goldener Beleuchtung versehen, reproduzieren einen großen Saal des Grimani-Palastes in Venedig, voller Extras, einschließlich Gennaro und seiner Freunde, die während der venezianischen Karnevalsfeierlichkeiten tanzen und Spaß haben. Ya, in der zweiten Szene, plötzlich, Die Charaktere verschwinden außer Gennaro, der schläft, Die Beleuchtung wird dunkler, und hinten auf der Bühne sehen Sie die Ankunft einer Gondel, von der Lucrecia abstammt, näher an Gennaro heran, Dadurch entsteht eine schnelle Bewegung der Paneele, die dem Raum einen deutlich intimen Charakter verleiht.

Das Szenario wird am Ende des Prologs wiederhergestellt, die großen anfänglichen Dimensionen mit dem Erscheinen von Gennaros Gruppe von Freunden, die Lucrezia hart zurechtweisen. Die Szenerie erhält zu Beginn des ersten Aktes eine echte visuelle Anziehungskraft, wo ein paar Paneele unterschiedlicher Höhe mit hellem Licht, das ihnen eine silbergraue Farbe verleiht, reproduzieren den Eingang des Ferrara-Palastes (Wohnsitz von Lucrezia und ihrem Ehemann, Herzog Alfonso D'Este) mit großen Buchstaben, die vertikal auf der Bühne mit dem Nachnamen BORGIA stehen, die sich auf einem polierten Bühnenboden widerspiegeln. Das anfängliche B wird von Gennaro zerlegt, um das Wort ORGIA zu werden, Das wird der Auslöser für das ganze Drama danach sein. auch, in diesem Akt ich, wieder, Die schnelle Bewegung der Paneele schränkt das Privatbüro des Herzogs ein, wer wird eine starke Diskussion mit seiner Frau Lucrezia haben, und in diesem Raum erscheint der berühmte "vitruvianische Mann", gezeichnet von Leonardo de Vinci, räumlich reproduziert., ein deutlich Renaissance-Symbol, das platziert die Handlung in einem konkreten zeitlichen Raum.

Ya, in Akt II, Gennaro neben einem Modell der Stadt Ferrara erhebt sich von der Bühne, auf der sich böswillige Intrigen entfalten, in einem Versuch zu erfassen, gleichzeitig, in verschiedenen dramatischen Ebenen, die rohe reale Welt und die Fantasie, in der sich Gennaro bewegt. Von großer visueller Wirkung ist die tragische Schlussszene der Oper, wo der szenische Raum von den Paneelen begrenzt, Es ist schwach beleuchtet mit kühlen bläulichen Farben, die sich von dem wunderschönen roten Kleid von Lucrezia abheben, erstellt von Pepa Ojanguren, der sowohl in den eleganten als auch in den glamourösen Kleidern, die für Lucrecia entworfen wurden, voll triumphiert, wie in der nüchternen und zeitlosen Kleidung der männlichen Besetzung.

Fabio Biondi, der derzeit mit Roberto Abbado die musikalische Leitung des Palau de Les Arts teilt, hat mit seinem Europa Galante-Outfit echten Ruhm erlangt, im Barock- und Mozartrepertoire. Lucrezia Borgia war ihr erster Ausflug in das Belcanto-Repertoire, Zumindest in diesem Theater. Biondi hat versucht, dem Orchester eine echte Bedeutung zu verleihen, bietet eine historistische Lesung, einschließlich eines Klaviers in der Grube. jedoch, In dieser Partitur sind die Stimmen am wichtigsten, was resultierte, zeitweise, durch übermäßiges Orchestervolumen geschädigt.

Seine Richtung sündigte etwas langsam in Momenten des Prologs und des zweiten Aktes. jedoch, Er leitete das großartige Orchester der valencianischen Gemeinschaft, mit ausgezeichneter Leistung von Metallen und Hölzern, besonders Flöten, Klarinetten und der schöne Klang des Oboensolisten. auch, heben Sie die hervorragenden Interventionen der Harfe hervor, die die Solistenaufführungen von Lucrezia begleiten.

Die besten orchestralen Momente wurden in der Ouvertüre produziert, deren dunkle Eröffnungsakkorde zu einer fröhlichen und unbeschwerten Musik führen, die, ungebrochen, stellt die festliche und farbenfrohe Eröffnungsszene vor. Sehr erfolgreich dieses schöne musikalische Thema, das immer wieder die Anwesenheit von Lucrezia in ihrer großartigen Szene des Prologs kennzeichnet, und das wird im großartigen Trio von Akt I wieder auftauchen. auch beachten,, die Orchesteraufführung in Verbindung mit dem Chor und den Solostimmen in der großen Konzertante, mit der der Prolog endet. sowie, diese instrumentale Coda - typisch Donizettian- Abschluss von Lucrezia und Gennaros lebhafter Cabaletta am Ende von Akt I..

Die große Attraktion dieser Lucrezia Borgia war die großartige Interpretation der Sopranistin Mariella Devia, wer ist im Begriff, neunundsechzig zu werden, zeigt weiterhin seine großartige Technik, mit einer perfekten Positionierung und Projektion der Stimme, absolute Domäne des Legatenliedes, mit großer Kontrolle über den Fiat in den Schallschutzbestimmungen; und, im Besitz aller Eigenschaften, die der "Belcanto" verlangt.

Schon in seinem malerischen Eingang, zu Beginn des Rezitativs bietet uns „Tranquillo ei posa“ eine großartige „messa di voce“, und dann, meisterhaft und vollständig beherrscht er seine Beweglichkeit der berühmten Arie "Com'è bello"! Was für ein Zauber ", en cuya segunda part "Während das weiche Herz stöhnt", bietet komplexe Variationen und wunderschön verzierte Noten, besonders in den letzten Sätzen der Arie "Gioia sogna, und ein Angio. Du hast dich nur dem Vergnügen hingegeben ". Beeindruckend die Note auf dem Klavier, die er am Ende des Prologs für mehrere Takte hält.

auch, zeigt echte dramatische Stärke im Duo mit Alfonso aus Akt I.. Ya, in Akt II, spielt eine großartige Interpretation des schönen Largo „M’odi, Ah! ich hasse es, Ich flehe dich nicht an ", mit einer ausdrucksstarken und dramatischen Verwendung von Koloraturen. und, am Ende der Oper, bietet eine schillernde Interpretation der Cabaletta "Era desso il figlio mio", Seite der absoluten Virtuosität, wo er seine Beherrschung der Beweglichkeit bei der Ausführung von Trillern und komplexen Skalen zeigt, Drucken auf das Lied, zeitweise, ein schwindelerregendes Tempo, mit der Emission einer beeindruckenden Höhen zu schließen.

Das Mezzo Silvia Tro Santafé ist hervorragend in ihrer Interpretation von Maffio Orsini, zeigt große Musikalität, Beherrschung aller Aufzeichnungen und gute Auflösung der Beweglichkeit. All dies zeigt sich von Anfang an in der Oper, wenn er singt "Nella fatal di Remini e memorabil guerra ... Là nella notte tacita ..." wo er seine liebenswerte und zweideutige Beziehung zu Gennaro zum Ausdruck bringt. Er verleiht Sätze wie „Maffio Orsini, Frau, son io “sprach Lucrezia am Ende des Prologs verächtlich an. auch, spielt eine großartige Aufführung des langen Duetts mit Gennaro aus Akt II, derjenige, der das kostbare Arioso "Onde a lei ti mostri grato" durchsetzt, wo Silvia Tro ihre makellose Gesangslinie zeigt. Deslumbrante ergibt sich aus einer Interpretation der berühmten Brindis "Das Geheimnis, glücklich zu sein" en cuya segunda Teil "Lassen Sie uns die blühenden Jahre nutzen", fügt meisterhaft eine Reihe von Variationen ein.

Der junge kroatische Bassbariton Marko Mimica, in der Rolle von Alfonso D'Este Herzog von Ferrara, zeigt kraftvolle Vokalmedien neben guter Bühnenperformance. Sehr bemerkenswert und voller edler Akzente ist seine Interpretation in Akt I der Rezitativ-Arie-Kabalette „E l’ultium’alba è questa …… Vieni: meine Rache ... Niemals für diese Verrückten ". Schwache Leistung des amerikanischen Tenors William Davenport als Gennaro, mit Schwierigkeiten, die Stimme zu projizieren. Seine Interpretation der Arie ist im Prolog „Di pescatore ignobile“ diskret., und zeigt alle seine Mängel im Duett mit Lucrezia, vor allem in der lebhaften cabaletta „Unglücklich! Das Gift, das ich getrunken habe!Mit welchem ​​Akt ich ende.

Gute Leistung von den übrigen Dolmetschern, fast alle aus dem Plácido Domingo Center for Improvement, vor allem der Bass Michael Borth und der Tenor Moises Marín, jeweils Astolfo und Rustighello, besonders in ihrem düsteren Duett aus Akt I.. wie immer, Die Aufführung des Chores der Generalitat Valenciana war großartig, Regie führte sein Besitzer Francesc Perales.
Text: Diego Manuel Garcia Perez
Bilder: Tato Baeza

Rodelinda

Rodelinda, eine der schönsten Opern von Händel kam zuerst zu Real in dem, was ist jetzt die Zeit der großen Freisetzungen.

das London 1725 Es ist die kosmopolitischste Stadt in Europa. Mit mehr als einer Million Einwohnern und außerhalb der Konflikte, die auf dem Kontinent auftreten, genießt eine bemerkenswerte künstlerische Tätigkeit. Händel, der größte Vertreter der italienischen Oper in London, arbeitet nicht nur als Komponist, sondern auch als Unternehmer, in diesen Momenten der Royal Academy of Music gerichtet, Unternehmen Opern Aktivitäten gewidmet. Jahre 1724 und 25 Sie waren die kreativsten Aktivität des Komponisten. Während dieser zwei Jahre und bei voller Geschwindigkeit, Er komponierte drei Hauptwerke, Julius Caesar, Tamerlanos y Rodelinda. Er hatte mit der Virtuosität der besten Sänger der Zeit zu tun.

Der Hauptcharakter von Rodelinda, Bertarino, Sie wurde von den berühmtesten Kastraten des Gefechts gespielt, Senesino. Rodelinda beauftragt, die große Diva Francesca Cuzzioni, nicht sehr anmutig und schreckliche Schauspielerin, aber mit einer Stimme und Magnetismus auf der Bühne hypnotisiert, dass die Öffentlichkeit. Francesco Borosino wurde auch der wichtigste Tenor des Augenblicks betrachtet, Er war verantwortlich für das Leben zu schenken Grimoald. Es war nicht ungewöhnlich Tenöre in den Zusammensetzungen der Zeit zu finden,, und weniger auf Papierkram so umfangreich,, aber Borosino hatte mit Tamerlano und Händel triumphierte für ihn komponiert eine wichtige Rolle.

Obwohl er ein Meisterwerk sein, Rodelinda hatte einen bescheidenen Erfolg bei der Premiere und nur ein paar Mal erholt. Die Schwierigkeit der Tenöre von Bedeutung zu finden, kann zu dieser Zeit für seine wenige Aufführungen einer der Gründe sein,. heute, Barock scheint, dass wider Teil des Standardrepertoires. Dies kann auf die lange Dauer dieser Arbeiten fällig, da im siebzehnten und achtzehnten Jahrhundert Musik war eine Ergänzung zu dem öffentlichen Freizeitaktivitäten in den Theatern entwickelt, und „Angst“ von einigen Szene Arien Manager und Rezitative diese dacappo, dass put in Schwierigkeiten das Tempo der Bau. Tatsache ist, dass Rodelinda überlebt hat bis heute eine große Unbekannte bleibt.

Um dieses Fehlen abzuhelfen hat eine neue Produktion von Teatro Real vorgestellt, in Koproduktion mit dem Oper Frankfurt, das Gran Teatre del Liceu in Barcelona und der Opéra de Lyon. Unter der Regie von Claus Guth, dass nach ihrem architektonischen Stil, die bereits gab er ein gutes Konto seiner außergewöhnlichen Parsifal, Er hat neu erstellt, von dem Bühnenbildner Christian Schmidt, ein Palast wird von der Zeit inspiriert, in dem Handel in London lebte.

Um das komplexe Netz von Rodelinda zu entwirren, durch die Öffnung und der in der Einleitung, Guth verwendet eine kleine Familienforschung und eine stille Zeitlupenszene gibt uns genug Hintergrund. Das große Dreh Haus, unterteilt in Räume, die zu verschiedenen Stufen führen, Es ist das beste Szenario der Familie Intrigen zu vertreten.

Guth Ansatz zur Verstärkung kennt alle wichtigen Elemente der Arbeit. Es bietet verschiedene Dimensionen dacappo ary und nutzt parallel Aktion die statischen Repeats zu brechen. Es ist hier, dass sehr wichtig, eine der Hauptfiguren wird, seltsam, nicht singen. Es ist die kleine Flavio, Sohn von Rodelinda und Bertardio, Kolumbianische Schauspieler, der Fabian Augusto Gomez spielt. Es wurde die Bereitstellung der Schlüssel mit seiner großartigen Leistung zu arbeiten. Flavio leben mit allen Familiendrama Intrigen und reflektiert durch seine Zeichnungen, der sie auf der Bühne projizierten. Leben eine parallele Realität, nur er sieht, und dass Qualen.

Ivor Bolton, noch genießen den Erfolg von Billy Budd, Es hat die Größe des Orchesters reduziert und hat Instrumenten aufgenommen, wie in den Händen von Michael Freimuth chitarrón, die Flöte oder Eileiter. Sehr wichtig, die Cembalistin David Bates einzubeziehen, deren Verbindung zu Bolton, auch der Schlüssel, Es war klar und voller Energie. Das Orchester war weniger mehr und erreicht einige brillante Momente. Immer herausragende Sänger, Bolton nimmt eine sehr genaue Ablesung Punktzahl.

Die Protagonisten der barocken Werke haben sehr unterschiedliche Rollen zu denen des neunzehnten Jahrhunderts italienischen Oper. Rodelinda ist eine starke Frau und heroische, das nichts mit dem zarten italienischen Star zu tun. Der männliche Star hier ist der Zähler, viel subtiler als der galante neunzehnten. umgekehrt, der Tenor, Protagonist in der italienischen Oper, im Baroque ist zweitrangig.

Diese zweite Besetzung, sehr spanisch, Er hat die Arbeit vortrefflich verteidigt. Xavier Sabata, als Bertardio, perfekt erfüllt die Rolle. Aber irgendwann hatte es mit dem Volumen des Orchesters konkurrieren, seine Leistung war inspiriert, vor allem in einem emotionalen Mit rauco mormorio.

Die Sopranistin Sabina Puértolas spielte eine mutige und volle Empfindlichkeit Rodelinda. Es hat einen schönen Timbre, umfassende und konsistente Flüssigkeiten und scharfe wuchs damit auf, als sie den Arbeitsplatz voran. Er benutzte elegant Koloratur, für eine große Anlage mit. seine Ombre, pianre, urne funeste und teuer mio bene waren voller Absicht und Zartheit.

Das Grimoald Übel wird von Tenor Juan Sancho interpretiert. Sein Timbre ist poliert und sonnig. Dramatisierung sehr gut in einem verdrehten und oberflächlich zunächst die Schaffung und edelsten Grimoald, als er von den Ereignissen entwaffnete. Es fehlt eine voluminöse Stimme. Er glänzte in den Arien des dritten Aktes.

Lidia Vinyes Curtis überrascht durch seine fabelhafte Bühnenpräsenz. Er rekonstruiert eine frivole und listig wie es sich für den Charakter Eduige. Es hat eine gute Lautstärke und Sprachaufzeichnung ändert sich mit Leichtigkeit. Sehr gut Echt auf neue Stimmen zu wetten, haben eine sehr interessante Projektion Theater.

Die Ununlfo Altus Christopher Ainslie südafrikanische begann unsicher aber wurde abgewickelt ein gutes Niveau zu erreichen, sowohl das Volumen und die Qualität der Interpretation.

Garibaldo wurde von dem spanischen Bariton José Antonio López gespielt. Seine Leistung war überzeugend und die richtige Timbre, aber das Volumen war übermäßige Momente und ungekünstelt.

Kein Zweifel, dieser Rodelinda war erfolgreicher in dieser Saison, Was soll ein Anreiz sein, mehr barocke Werke zu planen (Wir werden die vergangenen Spielzeiten nicht als Alcina). Drei Stunden in diesem Fall habe ein wenig bekannt.
Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

Rodelinda
Oper in drei Akten
Música de Georg Frirdrich Händel
Nicola Haym Libretto Fracesco, Operntext angepasst Rodelinda, regina'Longobards Pierre Corneille.
Uraufführung in der Königs Theater in London, die 13 Februar 1725
Premiere am Königlichen Theater
Direktor Musical: Ivor Bolton
Inspizient: Claus Guth
Bühnen- und Kostümbildner: Christian Schmidt
Illuminator: Joachim Klein
Video-Maker: Andi A Müller
Dramaturgin: Konrad Kuhn
clavecinista: David Bates
Organist: Bernard Robertson
Chitarrón: Michael Freimuth
Besetzung: Xavier Sabata, Sabina Puértolas, Juan Sancho, Curtis-Bekämpfung Vineyards, Christopher Ainslie, José Antonio López, Fabián Gómez Augusto
Leiter des Royal Theatre Orchestra

Billy Budd

Didficil zu verstehen, dass eines der wichtigsten Werke des zwanzigsten Jahrhunderts heute nicht vertreten hatte in Madrid. Billy Budd, das bunteste Werk von Benjamin Britten, kam zu Teatro Real aus der Hand eines der renommiertesten Regisseure, Deborah Warner, DAS AUCH präsentierte er eine perfekte Radiographie von den Absichten eines Britten mit Subtilität Umgang eines seiner wiederkehrenden Themen, diese Dualität, die für ihn zwischen Gut und Böse besteht.

Die zweite überarbeitete Version wurde angeboten, bestehend aus zwei Akten sowie einem Prolog und einem Epilog. Diese Version war immer der Favorit des Komponisten. Nach dem Anschauen dieser Produktion, Ohne Zweifel ist es auch unser Favorit.

Nach dem fliegenden Holländer, wo der Bug eines Schiffes in der Szene spielte, Wir kommen zu einem Billy Budd, bei dem der Ansatz viel eindrucksvoller ist. Das Unbezwingbare, ein Kriegsschiff aus dem 18. Jahrhundert, Fülle die Bühne mit Seilen, Seile und Wasser. Wo das Gefühl der Bewegung dauerhaft und manchmal real ist, wie es im letzten Akt passiert. Und ist das für Deborah Warner das Theater und das Meer verbunden, "Als die Boote aufhörten zu segeln und die Seile verschwanden, erschien in Theatern ".

Britten es, deutlich, ein großartiger Komponist, vor allem aber ist er eines der größten dramatischen Genies in operativer Hinsicht. Seine Sensibilität, wenn es darum geht, die Tiefe des Menschen einzufangen und Charaktere zu bauen, ist außergewöhnlich, und Deborah Warner ist ihre beste Darstellerin. Er hat jede der Schichten, mit denen Britten seine Figuren bedeckt hat, genau unter die Lupe genommen, um sie der Öffentlichkeit zu präsentieren, wie der Komponist sie entworfen hat, und ohne sie zu beurteilen. Das Ergebnis ist keine komplexe Produktion, in den Augen des Betrachters unerreichbar, die manche Regisseure so sehr mögen, aber ein Genie weit entfernt von Oberflächlichkeit und voller gerechter und wesentlicher Elemente.

Mit mobilen Plattformen, die die Räume durch komplexe, scheinbar einfache szenische Mechanismen abgrenzen. Mit Charakteren, die sich durch intime Dialoge beschreiben, und mit einer Gruppe von Sängern, deren Interpretationsniveau über dem ihres Timbres liegt, etwas, das diesmal, Es ist fast der Schlüssel zum Erfolg.

Das Stück beginnt, wenn das Publikum noch nicht fertig ist. Die erste der drei Hauptfiguren erscheint im Prolog und im Epilog, ein älterer Kapitän Edward Fairfax Sehen Sie das, ein modo de flashback, erzählt die Geschichte. Diese Rolle wurde von Britten für ihren Partner geschrieben, Peter Pears. Und es könnte nicht die beste Rolle für ihn sein, da es eine umfangreichere und lyrischere Tenorstimme erfordert, als Pears besaß. Hier wird er von den Briten gespielt Toby Spence, das baut einen gequälten und inkonsistenten Charakter auf, der gemartert wurde, weil er einen Unschuldigen zu Unrecht beschuldigt hat. Nun, in seinen herzzerreißendsten und tiefsten Arien.

Der zweite Protagonist ist der junge und ehrliche Billy Budd. Ein Seemann voller Attraktionen, der seine Kollegen und Vorgesetzten verblüfft. Der Charakter benötigt einen Bariton mit etwas Beweglichkeit. Vielleicht nicht der Fall bei Jacques Imbrailo, das gibt dem Protagonisten Leben. Aber seine dramatische Fähigkeit, sogar sportlich (Er konnte das Seil beim Singen freihändig spielen), diente dazu, einige der lyrischsten Momente der Nacht anzubieten. Seine letzte Arie vor seinem Tod ist wie ein Schlaflied, evokativ und einfach, Tiefgang, der die Öffentlichkeit überwältigte.

Der dritte Protagonist ist der böse John Claggart. Ein Charakter voller komplizierter Kanten, brillant gespielt von Brindley Sherratt. Dieser britische Bassist verteidigte mit Leichtigkeit einen Mann, der von Billy Budd gefoltert und fasziniert wurde, den er aufgrund von Lügen zerstören kann. Hat unvergessliche Szenen, in dem er das Drama eines dunklen Individuums voller Widersprüche perfekt überträgt.

Der Bühnenbildner Michael Levine hat einen außergewöhnlichen Job gemacht, angetrieben durch Beleuchtung Jean Kalman und die fantastische Regie der Schauspieler, mit mehr als hundert Charakteren auf der Bühne, alle Männer. Ein Boot, die Indomitable, in der eine erstickende Atmosphäre voller Testosteron und Aggressivität erreicht wurde, in der weibliche Stimmen nicht übersehen wurden. Vielleicht wegen der enormen emotionalen Ladung, die das Werk besitzt, und der Zärtlichkeit, die einige seiner Charaktere teilen, oder wegen des enormen orchestralen Reichtums, den die Partitur besitzt, mit einer Vielzahl von Farben in Zahlen und Hauptstimmen.

Besonders hervorzuheben ist die Aufführung des Chores, einer noch. Ihre Professionalität und die Qualität ihrer Stimmen ist bekannt und unbestritten, aber sie haben immer noch die Fähigkeit zu überraschen und zu erfreuen. Dutzende bewegen sich mit Rhythmus und Leichtigkeit auf der Bühne, mit einer dramatischen Fähigkeit Wesentlich, um die Atmosphäre zu schaffen, die in diesem Gefängnisschiff erreicht wird, Bewegung erzeugen, der Arbeit zu glauben und damit die Energie, die durch die Kraft ihrer Stimmen erzeugt wird, die Pulsationen der Stände beschleunigt.

Sein musikalischer Leiter trat schließlich im Theater auf Ivor Bolton, und er tat es, um eine brillante Version eines Werkes anzubieten, das er gut kennt, wenn auch nur nach Sprache. Es ist eine Partitur mit einer sehr engen Schrift, Hohe Dichte, mit vielen Ensemble-Details in einem großen Orchester, in dem Solisten eine große Rolle spielen.

Bolton stellt eine perfekte Kommunikation zwischen der Grube und der Bühne her und das Ergebnis ist brillant. Gehen Sie von orchestralen Momenten großer Intimität zu anderen, die durch Intensität und orchestrale Kraft gekennzeichnet sind, wie in dem Moment, in dem sie sich auf den Kampf vorbereiten. Das Orchester ist auch dafür verantwortlich, einige der wichtigsten Momente des Werkes zu erzählen. Als Captain Vere Billy Budd sein Urteil mitteilt, Die Geschichte wird dem Orchester anvertraut, das sie aufführt 34 Wiederholen von Akkorden, in denen Dur- und Moll-Modi einen erstaunlichen und aufschlussreichen narrativen Effekt haben.

Das Stück endet fast so, wie es begonnen hat, Verbinden des Epilogs mit dem Prolog durch die Erinnerung, die Captain Vere an die Geschichte hat. Das Ende ist verwässert und scheint an einem dauerhaften Motorhauben-Tag von vorne beginnen zu wollen. Es ist ein echtes Gefühl, diesen unübertroffenen Billy Budd wieder sehen zu wollen, deutlich, Das Beste, was ich seit langem in diesem Theater gesehen habe.
Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

Billy Budd
Benjamin Britten (1913-1976)
Oper in zwei Akten mit Libretto von Edward Morgan Foster und
Eric Crozier, basierend auf der gleichnamigen Arbeit von Herman Melville
Neue Produktion von Teatro Real, in Koproduktion mit
Paris Opera, Nationaloper von
Finnland (Helsinki) und das Teatro dell´Opera di Roma
D. Musical: Ivor Bolton; D. Szene: Deborah Warner
scenographer: Michael Levine; Kostümbildnerin: Chloé Obolensky
Illuminator: Jean Kalman; Choreograf: Kim Brandstrup
Video: Álvaro Luna; D. Chor: Andrés Máspero
D. junge Sänger: Ana González
Chor und Orchester des Teatro Real Halter
Kleine Sänger der Gemeinschaft von Madrid
Besetzung: Jacques Imbrailo, Toby Spence, Brindley Sherratt,
Thomas Oliemans, David Soar, Torben Jungens,
Christopher Gillett, Duncan Felsen, Clive Bayley,
Sam Furness, Francisco cisco~~POS=HEADCOMP Vas, Esteve Manel, Gerardo Bullón,
Tomeu Bibiloni, vielleicht Borja, Jordi Casanova, Isaac Galan.
Teatro Real in Madrid 9 Februar 2017

Der fliegende Holländer

“Hölle auf Erden ", gut ist es die Stadt Chittagong bekannt, en Bangladesch. Ort, der der größte Abwrackarbeiter in der Welt ist und wo die Arbeit ist sehr prekär getan. Wo das menschliche Leben hat Wert nur, sondern, zugleich, Es ist eine ungeheuer spirituelle Gesellschaft, der glaubt an die Reinkarnation und in den traditionellen Legenden Konflikt mit dem brutalsten Materialismus permanent Eingabe. Und dies ist der Ort, an dem Alex Ollé (La Fura dels Baus) und Alfons Flores Sie haben die Szene dieses platziert flying Dutchman. Eine aktuelle Lage der Lage, ein Skript wie diese Halte. Ein Ort, wo ein Mann seine eigene Tochter an den Meistbietenden zu verkaufen, ist in der Lage.

es Wagner, Er hielt seine erste reife Arbeit, eine neue kreative Sprache Anzeichen dafür, dass die Entwicklung in seinen späteren Arbeiten beenden,. Mit klaren italienischen Einflüssen noch, beginnt Schlüsselelemente in Wagner mit, wie Live-Motiv und die Schaffung des kontinuierlichen Musik Diskurses. Eine Musik, die deutlich sichtbar ist, und aus der Einbeziehung dieser Techniken, drei verschiedene Zeit, eine unwirkliche oder exlusiven, von Geistern vertreten; in den täglichen Szenen der Hauptfiguren im Spiel ein echter Teil entwickelt, und ein spiritueller Teil, bei dem zwischen Senta und Holländer die Beziehung gezeigt. Drei wesentliche Dimensionen, die ernähren und sind perfekt durch die richtige außergewöhnliche Landschaft und die Richtung der Schauspieler porträtiert.

Scenic Wette Alex Olle und Alfons Flores ist spektakulär. Im Gegensatz zu anderen Bühnen von Ollé, das ist vollkommen anschaulich und verständlich in den Augen des Betrachters. Mit Elementen der traditionellen Theaterbühne Maschinen und Projektionen haben außergewöhnliche szenische Effekte erzielt und erreichten ihren Höhepunkt in der Ouvertüre, wo die trotzig ein Schiffsbug Segeln in den Sturm dank der Auswirkungen auf himnótico Bewegung, die diese den Beginn der Arbeit begleitet. Nach der Landung auf dem simulierten Strand Chittagong beginnt die herrliche Dramatisierung eines niederländischen auf das Fehlen der Romantik aktualisiert hat seine dramatische Ladung nicht verändert.

Wagner war der erste Lehrer, konfrontiert Heras-Casado. Die Sensation aus der Grube verursacht ist zuversichtlich,. Aber die Dynamik gedruckt ein paar Momente mal manchmal zu voreilig. Es wurde vor allem in einer etwas laut und dramatischen Ouvertüre bemerkt. Er verbessert während der Arbeit, aber das Endergebnis war eine gewisse Oberflächlichkeit.

Russisch niedrig Dimitry Ivashchenko Es war ein mehr als ausreichend Daland, obwohl gelegentlich wurde er vom Orchester bedeckt.

Benjamin Brown Er hatte die komplexe Aufgabe des Erik in der zweiten Liga und Steuermann in dem ersten. Erik seinen Charakter fehlt Lyrismus und litt erfordert einige hohe Töne.

Ricarda Menzer Es war die beste Nacht. Seine Senta war voller Dramatik. Seine lyrische Stimme und hat die Funktionen, die Sie von einer Wagnerianer Stimme erwarten, breit und voluminös. Mit guter Phrasierung und sang eine Linie definiert, aber verbesserungsfähig Delikatesse.

die niederländische Samuel One Es war ein sehr gutes Niveau. Elegant und gut Dramatisierung. Es war besser, das Ziel im dritten Akt zu erreichen.

der Chor Er strahlte und war ein weiterer großer Star. Neben Singen Tanzen. Schwerwiegende Fehler zu haben, in dem Chor der Geister durch eine marodee Aufnahme angeboten. Das Ergebnis wurde nicht verstanden.

Eine spektakuläre und übermäßige Produktion, im Fall von Wagner, Es dient nicht die Mängel der Romantik zu verbergen, die die Arbeit präsentiert und nicht sofort Evokation erlauben. Das Gefühl, wenn Sie verlassen das Flying Dutchman ist, dass, trotz vieler wesentliches Element, etwas fehlt.
Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

Der fliegende Holländer
Richard Wagner (1813-1883)
Der fliegende Holländer
Romantische Oper in drei Akten
Libretto vom Komponisten, basiert auf der Arbeit von Heinrich Heine Aus
den Memoiren des Herren von Schnabelewopski
Veröffentlicht in Königlich Sächsisches Hoftheater Dresden die 2-1-1843
Uraufgeführt am Teatro Real 27 Oktober 1896
D. Musical: Pablo Heras-Casado
D. Szene: Alex Olle (La Fura dels Baus)
scenographer: Alfons Flores
Kostümbildnerin: Josep Abril
Illuminator: Urs Schönebaum
Video: Franc Aleu
D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Dimitry Ivashchenko, Ricarda Menzer, Benjamin Brown,
Pilar Vázquez, Roger Padullés, Samuel One
Schlagzeilen Chor und Orchester des Teatro Real

I Vespri Siciliani

Der Palau de les Arst, hat seine neue Saison mit begonnen I Vespri Siciliani, eine Verdi-Oper authentischen Reiz, obwohl wenig von der Öffentlichkeit bekannt, da es wird selten gezeigt. nur, seine prächtigen Ouvertüre wird oft als Teil des Konzerts enthalten. deshalb, für Valencia Kolosseums eine Oper wie dies war eine Herausforderung, vor allem, für ihre hohe Anforderungen an die Stimm Ebene.

Nach dem Erfolg der sogenannten "Volkstrilogie" von Rigoletto de 1851, zusammen mit Il Trovatore und La Traviata wurden beide uraufgeführt 1853, Giuseppe Verdi beginnt seine Karriere zu überdenken, mit der Absicht, ihre kreativen Bemühungen zu verlangsamen, dass 1839 und 1953, Sie hatten achtzehn Opern produziert, Fast alle von ihnen sind von Eile geprägt, mit hoher Geschwindigkeit komponieren müssen - manchmal zwei Opern im selben Jahr- die Anforderungen der Theater zu erfüllen.

Busettos Komponist beschließt, weniger Quantität und mehr Qualität anzubieten, Frucht einer entspannteren Arbeit, mit der Auswahl attraktiver Texte, zusammen mit einer aufwändigeren Musik und einer Orchestrierung von größerer Komplexität und Raffinesse. Diese neue Bühne beginnt mit der Komposition von Les Vêpres Siciliennes (Die sizilianische Vesper) im Auftrag der Pariser Oper.

Verdi kam im Frühjahr in die französische Hauptstadt 1854, Beginn der Suche nach einem Text, der Anziehungskraft und authentische dramatische Kraft hatte.

jedoch, Angst, den Geschmack der französischen Öffentlichkeit nicht zu treffen, habe das Thema nicht gewählt, stattdessen gab er es Eugene Scribe in Auftrag, berühmter Librettist, der eng mit der Pariser Oper verwandt ist, der Verdi als Argument vorschlug, fand eine Veranstaltung in Sizilien statt, speziell in seiner Hauptstadt Palermo, in 1282, während der französischen Besetzung der Insel und im Vorfeld eines Aufstands des sizilianischen Volkes, militärisch und finanziell unterstützt von Pedro III von Aragon, offen konfrontiert den französischen König Carlo I von Anjou.

Verdi widmete fast ein Jahr der Komposition seiner neuen Oper, deren Struktur typisch für die "Grand Opera" mit ihren fünf Akten und einem attraktiven Ballett von bestimmten Ausmaßen namens "The Four Seasons" war., eingefügt in Akt III. schließlich, Les Vêpres Siciliennes wurde an der Grand Opera in Paris uraufgeführt, in einer "soirée de gala" die 13 Juni 1855, zeitgleich mit den Feierlichkeiten der Weltausstellung, die in der französischen Hauptstadt stattfand. Das in französischer Sprache verfasste Original-Libretto wurde von ins Italienische übersetzt Arnaldo Fusinato, und diese neue Version mit dem Titel I Vespri Siciliani, Premiere am Teatro alla Scala in Mailand, die 4 Februar 1856. In späteren Jahren, Die Oper in ihrer italienischen Fassung hatte eine gewisse Tournee auf internationaler Ebene, in die absoluteste Vergessenheit geraten.

Seine Genesung erfolgte in 1951, Jahr des fünfzigsten Todestages von Verdi, mit einer Produktion im Maggio Musicale Fiorentino uraufgeführt, Musikalisch geleitet von den Großen Erich Kleiber, das kennzeichnete die imposante Schaffung von Maria Callas als Herzogin Elena, mit einem anderen außergewöhnlichen Dolmetscher, der bulgarische Bass Boris Christoff auf die Rolle von Giovanni da Procida, Das führende Quartett wurde durch den hervorragenden Guido de Monforte vervollständigt, der vom Bariton gespielt wurde Enzo Mascherini, nur zur diskreten Wiedergabe des griechischen Tenors Giorgio Bardi Kokolios wie Arrigo. Der absolute Erfolg dieser florentinischen Darstellungen, führte zu dem Titel, der für die Saisoneröffnung des Teatro alla Scala in Mailand am gewählt wurde 7 Dezember 1951, mit musikalischer Leitung von Victor de Sabata, mit den gleichen Interpreten von Florenz und dem deutlich verbesserten Arrigo des nordamerikanischen Tenors Eugene Conley.

In jüngerer Zeit gab es wichtige Aufführungen dieser Oper, wie die, die im Teatro Comunale in Bologna stattfanden, in 1986, Regie führte ein junger Riccardo Chailly und eine großartige Besetzung, zu der auch Leo Nuccis Monforte gehörte, mit dem hervorragenden Tenor Veriano Luchetti als Arrigo, das sehr niedrige Lösungsmittel Bonaldo Giaiotti wie Procida und Elenas großartige Leistung, aufgeführt von der amerikanischen Sopranistin Susan Dunn.

auch beachten,, die Funktionen, die die Einweihung der Scalígera-Saison von 1989-1990, mit der außergewöhnlichen Richtung von Riccardo Muti, und eine sehr bemerkenswerte Gruppe von Darstellern, die Cheryl Studer als Elena vorstellten, Giorgio Zancanaro in einer brillanten Interpretation von Monforte, Chris Merritt als Arrigo und Ferruccio Furlanetto in der Rolle von Procida. Beachten Sie, dass diese Mailänder Aufführungen das schöne Ballett "Die vier Jahreszeiten" beinhalteten., was normalerweise weggelassen wird. Es gibt zwei Videoaufnahmen, während der Aufführungen im Teatro Comunale in Bologna und an der Mailänder Scala, die später auf DVD veröffentlicht wurden.

Der Palau de les Arts hat für diese Aufführungen von I Vespri Siciliani ausgewählt, eine Koproduktion des Teatro Reggio di Torino und der in Bilbao ansässigen ABAO-OLBE, mit einer Inszenierung von Davide Livermore (aktueller künstlerischer Leiter von Les Arts) die im Teatro Reggio di Torino in uraufgeführt wurde 2011, anlässlich 150 Jahrestag der italienischen Einheit. Livermore verlegt die Aktion nach Sizilien von 1992, Jahr, in dem der schreckliche Angriff stattfand, in dem der Richter von der Mafia ermordet wurde Giovanni Falcone, seine Frau und drei seiner Begleiter.

Falcones Beerdigung fand in der Kathedrale von Palermo statt und wurde live für die ganze Welt übertragen. In Akt I, die Landschaft von Centineo Heiligen reproduzieren aquel Beerdigung, diesmal Federico gewidmet, dem Bruder der Herzogin Elena, von den Franzosen hingerichtet, mit dem Sarg auf den Schultern und einem Trauerzug, bei dem Elena und andere Damen zusammen mit Geistlichen auftreten.

Die Ernsthaftigkeit und Erinnerung an das Ereignis wird von den Videokameras, die es als echte „Reality-Show“ betrachten und deren Bilder auf zwei großen Bildschirmen zu sehen sind, maximal frivolisiert. deutlich, Dieser Ansatz bestätigt die Macht der Medien, die Realität zu manipulieren, immer im Dienst der korrupten politischen Klasse, in diesem Fall von der Mafia dominiert.

Viel besser geeignet ist die Kulisse von Akt II, wo es zeigt, in einer düsteren Umgebung, zwei zerstörte Autos, Anspielung auf den Angriff von Falcone und Markierung der Rückkehr des Patrioten Giovanni da Procida nach Palermo, bereit, einen Volksaufstand gegen die französischen Besatzer vorzubereiten.

jedoch, diese dramatische Landschaft, bleibt völlig fehl am Platz- während des Restes der Tat, Den Tanz in Form einer „Tarantella“ umfassen, die junge Sizilianer mit ihren Partnern tanzen, die ihnen von französischen Soldaten genommen werden, die sie missbrauchen, alles gewürzt mit starker Hintergrundbeleuchtung, das gibt der Szene eine nächtliche orgiastische Atmosphäre. und, schließlich, in demselben malerischen Raum, Auf dem roten Teppich ziehen die Paare vorbei, die zur Party von Gouverneur Monforte eingeladen wurden. im Hintergrund eine fröhliche "Barcarola" hören.

im Gegensatz, die Landschaft in Akt III, Es ist ein elegantes Gebäude mit rationalistischer Architektur, was zu einer parlamentarischen Kammer führt, in der der "Masquerade Ball" stattfindet, wo die Verschwörer Gouverneur Guido de Monforte ermorden wollen.

Ya, am Ende des Aktes, in den großen Fenstern des Halbrads, Es werden Bilder von Charakteren aus allen Bereichen projiziert, die die Geschichte von "Unified Italy" geprägt haben: Politiker wie Cavour, De Gasperi, Aldo Moro, Giulio Andreotti, zusammen mit Sportlern wie Fausto Coppi oder Schauspielern wie Marcello Mastroianni und Dramatikern wie Darío Fo, Bilder, die mit italienischen Flaggen verschmelzen.

Und in Akt IV, das Gefängnis, in dem Elena und Procida sind, Es hat auch den Stil des Gebäudes, der zu Beginn des vorherigen Aktes beschrieben wurde, mit schwarzen und symmetrischen vertikalen und horizontalen Strukturelementen, Verbessert durch exzellente Hintergrundbeleuchtung in verblassenden Orangetönen, um einen dunklen und bedrückenden Bühnenraum freizulegen, das driftet zu einem offenen und fröhlichen Raum, in dem Elena und Arrigo mit Monforte auf einem Rednerpult zu sehen sind, wer kündigt die Ehe Verpflichtung von beiden. Zu Beginn von Akt V., Der Stil der "Reality Show" wird wiederhergestellt, Akt I, mit der Party, auf der die Hochzeitsvorbereitungen von Elena und Arrigo getroffen werden, gewürzt mit den Interventionen von Tänzern, deren Kostüme und Entwicklungen auf eine Magazinshow hindeuten.

Das tragische Ende der Geschichte, mit dem Aufstand der Sizilianer gegen die Franzosen und dem Massaker, bei dem die Protagonisten sterben, ist gepolstert und zeigt nur ihre liegenden Körper, im wiederhergestellten Bühnenraum der parlamentarischen Kammer, Am Ende des ersten Artikels der italienischen Verfassung steht projiziert: "Die Souveränität liegt im Volk, wer übt es in Übereinstimmung mit der Form und den Grenzen aus, die in der Verfassung festgelegt sind? ". Die Livermore-Inszenierung, Ergebnisse, zeitweise, interessant und originell, obwohl übermäßig der italienischen Welt umschrieben. Das Valencian Community Orchestra hat erneut seine hervorragende Qualität unter Beweis gestellt, in lösungsmittelhaltiger Weise von Roberto Abbado durchgeführt, aktueller musikalischer Leiter von Les Arts.

Der Orchesterklang war bei der Ausführung der umfangreichen Ouvertüre von großer Brillanz, eine der schönsten verdianischen symphonischen kreationen, wo das lebendige und wiederholte zentrale Thema auffällt, zusammen mit einem weiteren großen melodischen Impuls, der im großen Duett von Arrigo und Monforte aus Akt III wieder auftauchen wird. Hervorragende orchestrale Auflösung von Akt II, mit Seiten von großer dramatischer Intensität zusammen mit anderen mit folkloristischem Charakter "La tarantela" und "La barcarola". Großartige Aufführungen der Orchestereinführungen der übrigen Akte, wo sich die Leichtigkeit dieser Musik in Form eines Tanzes abwechselt, der Akt III vorwegnimmt, mit dem sehr trostlosen und düsteren, der den Beginn von Akt IV markiert, im Vergleich zu der festlichen und folkloristischen Natur, die durch Akt V eingeführt wurde.

Beachten Sie auch, dass das Orchester in dem imposanten Konzert, das Akt III abschließt, und im Verlauf der letzten beiden Akte brillant glänzte, vor allem, im dramatischen Ende der Oper. Im Inneren die hervorragende Leistung aller Orchesterabschnitte, Es sollte erwähnt werden, dass Roberto Abbado Blechbläser und Schlagzeug wurden stärker in den Vordergrund gerückt, was die Momente der größten Orchesterkraft verstärkte, obwohl die Saite Momente von extremer Qualität in Begleitung von Monfortes Arie aus Akt III hatte. Weisen Sie auf den kostbaren Orchesterklang hin, der Procidas Intervention begleitet "Auf Wiedersehen, mein Heimatland " Act IV. Abbado zeigte konzertierte Fähigkeiten, wobei er sich maximal um die Begleitung der Sänger kümmerte, vor allem zur Sopranistin.

Unter den Solostimmen ist es hervorzuheben Gregory Kunde, wie Arrigo, wer auch immer, zeigt seine Beherrschung des verdianischen Gesangsstils, mit einer prägnanten Phrasierung, und ein brillantes hohes Register, zusammen mit einer nuancierten und ausdrucksstarken Interpretation. Die Rezitativ-Arie sticht in ihrer großartigen Szene von Akt IV hervor „Das Schild ist von Monforte….schreien Tag, von heftigen Schmerzen ", gefolgt vom langen und intensiven Duett mit Elena, voller intensiver Lyrik und dramatischer Akzente, wo es eine ganze Interpretationsstunde bietet.

Der nordamerikanische Tenor ist großartig in den Heldenduetten mit Monforte in Apostelgeschichte I und III, und in seiner großartigen Interpretation des Tripletts mit Elena und Procida am Ende der Oper, wo sein Lied, akquiriert, zeitweise, intensive dramatische Töne. Gegen, Zeigen Sie Leichtigkeit im festlichen Duett mit Elena aus Akt V. "Die Brise schwebt herum, um mein Gesicht zu streicheln", obwohl, das abschließende D über das Wort aussenden "Auf Wiedersehen" mit einer hässlichen Falsettnote.

Der Uvense Bariton Juan Jesus Rodriguez führt eine gute Interpretation von Guido de Monforte, zeigt die wechselnden Stimmungen des Charakters und glänzt brillant in seiner Solo-Intervention von Akt III, mit einer großartigen Interpretation der Arie "In den Armen des Reichtums", wo es eine ausgezeichnete Gesangslinie im besten verdianischen Stil bietet.

Beachten Sie auch seine Interventionen in Duetten mit Arrigo, insbesondere in Akt III, mit diesen schönen Sätzen „Während ich über dieses geliebte Gesicht nachdenke, Sprung vor Freude Ich fühle mein Herz…" wo eines der musikalischen Themen der Ouvertüre aufgegriffen wird.

niedrig Alexander Vinogradov, bot eine etwas gutturale Stimme in den niedrigen und zentralen Registern, dass man beim Aufstieg zum Scharfen an Helligkeit und Intensität gewinnt.

Führen Sie eine nuancierte Wiedergabe des nostalgischen Ariers durch "Oder dein Palermo, verehrtes Land " eine der schönsten Seiten von Verdi für Bass. auch Highlights, seine Interpretation der schönen Seite "Auf Wiedersehen, mein Heimatland " im Quartett mit Monforte, Arrigo und Elena aus Akt IV. und, hat lebendige Auftritte im dramatischen Trio mit Elena und Arrigo am Ende der Oper.

Am Tag der Premiere war die junge Jerez-Sopranistin an der Reihe Maribel Ortega, singe die sehr schwierige Rolle von Elena, mit extremen stimmlichen Anforderungen. Ernsthafte Verantwortung, der der Sänger mit einem hohen Maß an Professionalität gegenüberstand. Seine Leistung war nicht diskret, in Akt I, besonders in seiner Interpretation der Cabaletta "Mut, seine, Mut". Es war im "Bolero" von Akt V nicht sehr genau. Verbessert im Duett mit Arrigo, besonders im langen und intensiv lyrischen Akt IV. Auch in der großen Szene mit Monforte, Arrigo und Procida, die diesen Akt abschließen. Er hatte seinen besten Moment im abschließenden Triplett der Oper mit Procida und Arrigo, wo er ein Paar hoch aufragende Höhen platzierte. Nun, der Rest der Dolmetscher, fast alle vom Zentrum für Perfektion Placido Domingo.

wieder, die Chor der Generalitat, In seinen zahlreichen Interventionen in der gesamten Oper hat er erneut seine große Qualität unter Beweis gestellt. Seine Leistung in der großen Konzertante des dritten Aktes war sehr herausragend., im atemberaubenden Moment von Akt IV, einen der Psalmen singen "Tief", Anhänger der Konzertantin „Minister für Todesverhaftungen!Das schließt den Akt: eine sehr schöne Verdi Seite. Ya, Am Ende der Oper erstrahlt der Chor im Beeindruckenden "Vendetta! Vendetta!”.
Text: Diego Manuel Pérez Spiegel
Bilder: Tato Baeza

Die sizilianische Vesper
Giuseppe Verdi (1813-1901)
Drama in fünf Akten
Libreto von Augustin Eugène Scribe und Charles Duveyrier
D. Musical: Roberto Abbado
D. Szene: Davide Livermore
Szenografie: Centineo Heiligen
Kleiderschrank: Giusi Giustino
Beleuchtung: Andrea Anfossi
Choreographie: Luisa Baldinetti
Cor de la Generalitat Valenciana
Francesc Perales, Direktor
Orchester von Valencia
Besetzung: Gregory Kunde, Maribel Ortega, Juan Jesus Rodriguez, Alexander Vinogradov, Andrea Pellegrini, Cristian Diaz, Nozomi Kato, Moses Marin, Andrés Sulbarán, Jorge Álvarez und Fabián Lara.

La clemenza de Tito am Teatro Real Madrid

Wenden Sie aus unserem Leben alles, was nicht Liebe ist ...", Sie singen ein Duett Annio und Servilia einer der romantischsten Momente dieser Oper. Und so verliebt sein muss erfolgreich in das Eis escenográfico zu wagen vorgeschlagen Ursel y Karl-Eenst-Rousset in ihrem Vorschlag letzte Oper komponiert von Mozart für die Krönung Pomp von Leopold II als König von Böhmen geschrieben.

Die Zeit vergeht für diese Produktion war ein Erfolg bei der Premiere, zurück in 1982. Er hatte schon im Alter von, wenn es um dieses gleiche Theater kam 2012, und er hat jetzt im Alter von weiter. es sieht immer noch wie das Wartezimmer eines Pflegeheims in der ehemaligen Sowjetunion, wie wir in 2012.

Eine szenische Feld von einem hell erleuchteten weiß das nicht Zuschauer Stände Untertitel erlauben lesen, schließlich zu langweilen und Kühlung, nicht nur der öffentliche, Sänger auch mit denen, die es schwierig, Schritt zu halten mit der Arbeit gefunden. Teilweise wegen der Ansteckung Szenario Arktis, und zum Teil durch die ewige Stille minimale Veränderungen landschaftlich Rom zu machen, einer der Protagonisten des Librettos, kaum schlägt das Erscheinungsbild einer Spalte. Nicht schlecht Absicht Regisseuren wollen, um die psychologischen Aspekte der Charaktere zu betonen, das Fehlen von Elementen auf der Bühne zu verbessern, aber es war nicht notwendig, sowohl zu erreichen.

Rezitative zur Routine geworden, wenn es nichts in welche Unterstützung ist, visuell oder scenically. Zum Glück permanent kam Mozart zur Rettung aller, Öffentlichkeit und Sänger, Sie werden sofort von der Musik-Genie getröstet.

Die musikalische Leitung Christophe Rousset, gute Kenntnisse in diesem Repertoire und Experte Cembalist, Er wurde immer langsam nach einer guten Ouvertüre. Rezitative, Rousset sich von der Hammerflügel begleitet, Sie erwiesen sich als schlecht, wenn man bedenkt, seine Virtuosität, und sie machten das ewige. Vor allem im zweiten Teil etwas langweilig.

Kein Zweifel, das Vokalensemble der Produktion verbessert von 2012. Bernard Richter Es ist ein lyrischer Tenor mit einer guten Stimme Volumen und genug Beweglichkeit ein Tito gelöst zu bauen. Die Mitten und Höhen sind leistungsstark und hell. Weitere Schwierigkeiten hatte, mit Ernst und Tempi der Rezitative.

Kanarienvogel Yolanda Auyanet Er war großartig in seiner Rolle als Vitellia. Eine Stimme, die mit hoher Qualität reift. Sauber und ohne Künstlichkeit. Gute Phrasierung, die flink seine particella lief. Aber er schien noch mehr in der interpretierenden Teil. Er legte den Funken und die Absicht auf der Bühne desangelado.

Er schien auch Pamplonesa Maite Beaumont als Sesto. Er ging die Extra-Meile Ihre Stimme hören zu lassen. Best in Vorbühne.

Anna Palimina, geboren in Moldawien, entfaltete es sehr gut in der Rolle der Servilia. Die Strafe war die Kleidung, die ihn setzen, vor allem Schuhe.

Eine weitere angenehme Überraschung des Abends war der kanadische Mezzo Sophie Harmsen als Annio. Licht und schöne Stimme Timbre. Seine scharfen und ihn durch Sopran setzen könnte.

Der italienische Bariton Guido Loconsolo Es hat eine gute Bühnenpräsenz, aber Publius fühlte mich sehr unwohl aus den schlechtesten Aufzeichnungen. Was den Rest, langsam und langweilig Rezitative waren eher ein Problem als eine Erleichterung.

Der Inhaber des Königlichen Theaters Chor wie immer, groß. Teilnahme als regen Mai die Routine Szenografie zu brechen wurde erwartet,.

Ein Ersatz hat dazu gedient, Tribut zu zahlen, um Gerar Mortier erinnerte, die diese Produktion in Auftrag gegeben. Außerhalb dieser Gedenkfeier, geben diese Clemenza nicht viel mehr.

DIE GNADE DE TITO
Wolfgang Amadeus Mozart
ernsten Oper in zwei Akten
Libreto de Pietro Metastasio, adaptado por Caterino Mazzola
im Nationaltheater in Prag Veröffentlicht 6 September 1791
Uraufgeführt am Teatro Real 12 März 1999
D. Musical: Christophe Rousset
D. Szene: Ursel y Karl-Ernst Herrmann
scenographer, Kostümbildnerin und Beleuchter: Karl-Ernst Herrmann
D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Bernard Richter, Yolanda Auyanet, Maite Beaumont, Anna Palimina, Sophie Harmsen, Guido Loconsolo
Schlagzeilen Chor und Orchester des Teatro Real

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

Angela Meade als Norma

Nicht verwunderlich, dass Regel, was sie sagen, ist das Meisterwerk von bellcantismo, und einer der Repertoireopern, sie getroffen hat, 102 Jahre am Teatro Real in Madrid vertreten zu sein.

Bellini, Brücke zwischen Klassik und Romantik, Es dauerte die Neugier der alltäglichen Emotionen zu einer zaghaften Gesellschaft vom Katholizismus. Eine wahre Revolution der romantischen Gefühle wusste, dass er Einfluss anderer Komponisten. Chopin Bellini geerbt die Flexibilität, das Tempo und Harmonie zu adressieren. Verdi Bellini bewegt, um die Revolution von der privaten in den öffentlichen, die politischen Konnotationen mit kollektiven Emotionen zu schaffen. Wagner, einer der von Bellini beeinflusst Komponisten, er sogar eine neue Version der Arie der zweiten Szene komponieren Oroveso.

Warum ist es nicht Bellini einer meiner Lieblingskomponisten? Wegen der Geschmack ...

Norma ist sicherlich eine großartige Arbeit. Es ist voll von kleinen Details, diejenigen, die in der Regel in der Teufel lebt, aber hier verstecken sie die Zartheit einiger extrem langsam Tempi, die die romantische Philosophie der Arbeit und voller Komplexität der Arbeit des Sängers verfolgen, eine langsame Freisetzung gezwungen. Dilated Melodien, die eine gut funktioniert fiato erfordern, wie es in einem der Arien belegt, die ein "Hit" aus der Oper ist, die lang erwartete von der Öffentlichkeit "Casta Diva", und fasst den Wert der romantischen Zeit.

Eine Zeit, die Wagner im Sinn hatte, zu Tristan und Isolde erstellen. Eine Isolde, dass, als Standard-, Es detoniert sich auf eine große und steigende Melodie.

Aber kommen auf die Erde. Genauer gesagt Darstellung 21 Oktober. Dies ist eine Koproduktion mit dem Teatro Real Palua Les Arts in Valencia, die bereits uraufgeführt es letzte Saison, y ABAO.

Die Landschaft Davide Livermore Es hat klare filmischen Einflüsse. Durch Game of Thrones oder King Arthur, produziert eine traumhafte und fantastische Atmosphäre, die einen überwältigenden Baum verfügt über. Es nimmt viel von der Bühne, dreht sich und bewegt sich als totemic Element und Orakel, wo alles passiert, und alles ist erfüllt. Die Absicht ist es, eine klaustrophobische Atmosphäre zu schaffen, wie die Geschichte selbst. Und es tut.

Die Szenen werden mit Projektionen abgeschlossen D-Wok. dass vorab, als Orakel, die Zukunft, die die Protagonisten erwartet.

Die energetische Leitung von Maestro Roberto Abbado die Ouvertüre begann mit einem Überschuss Volumen. Auf der Bühne die Tänzer kamen und gingen, Chor, szenischen Elementen und Projektionen inmitten einer scheinbaren bafflement. Als es schien, hatte das Chaos über die Darstellung genommen, Er erschien auf der Szene, an der Spitze des Baumes, Angela Meade Singen "Casta diva " und, plötzlich, geherrscht Frieden und Harmonie, alles wird aufgesetzt und erst dann begann Norma.

Bevor er machte seine Erscheinung Meade, und ein Teil der anfänglichen Verwirrung, Roberto Aronica hatte seine Darstellung begonnen Oroveso. In holzig und schrille Stimme fehlt Tiefe und ernsten Charakter. Er verbesserte sich im zweiten Akt und legte mehr Absicht und Nuance ihre Arien. Seine Interpretation war kalt und Leidenschaftslosigkeit.

Simon Orfila Er komponierte eine Oroveso mit guter Bühnenpräsenz, aber seine Stimme, obwohl gut kling, nicht den dunklen Tönen, die seinen Charakter ausgestattet haben, die Verpackung erfordert.

Angela Meade nicht nur kam es zu bringen, um, Es war der Schlüssel, um das Aussehen des Belcanto. kraftvolle Stimme und saubere Emissionen, allerdings mit deutlichen Mängel interpretative, rauf und runter die vielen Schritte des Protagonisten Baum nicht gestoppt, während Singen. etwas Sinnvolles.

Römer Veronica Simeoni, als Adalgisa, Er war richtig. Am besten im Duett mit Norma zweiten Akt, für die schien es gewesen war, Speichern.
während Barcelona María Miró als Clotilde. Es ging nicht unbemerkt.

Norma wartet so lange und hat sich mit einem grundlegenden Mangel kommen, Leidenschaft. Es wird warten müssen,. Aber anders als noch 100 Jahre.

NORMA
Vincenzo Bellini (1801-1835)
llirica Tragödie in zwei Akten
Libreto von Felice Romani, basierend auf der Arbeit
Regel, oder Kindestötung (1831) Alexandre Übermittelt
Uraufführung im Teatro alla Scala in Mailand 26 Dezember 1831
Uraufgeführt am Teatro Real 13 November 1851
Neue Produktion des Royal Theatre in Koproduktion mit
Palau de les Arts in Valencia und ABAO
D. Musical: Roberto Abbado
D. Szene: Davide Livermore
Szenografie: Wind Forma (Florian Boje)
Beleuchtung: Antonio Castro
Video: D-Wok
D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Roberto Aronica, Simon Orfila, Angela Meade,
Verónica Simeoni, María Miró und Antonio Lozano
Chor und Orchester des Teatro Real Halter
Teatro Real in Madrid 21 Oktober 2016

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real

Placido Domingo und Michael Fabiano in I Due Foscari am Teatro Real

I due Foscari Es ist eines der Werke komponiert von Verdi in sogenannten "Kombüse Jahre". So bezeichnet der Komponist selbst den sieben Jahren, in denen er zusammengesetzt ist nicht weniger als elf Opern. Es ist nicht, viel weniger, eines seiner besten Werke. Nicht einmal die bekanntesten. Aber es gibt etwas I due Foscari angezeigt mehr Zeit als ihre Qualität und Position im Repertoire zu ihm.

Vielleicht dank Zeit und Perspektive, unter Berücksichtigung der späteren Werke des italienischen Meisters, es ist eine bessere Positionierung.

Die Figuren in diesem Drama "Familie” romantisch (Vater, Sohn und Tochter) Sie haben eine starke Persönlichkeit. Einige von ihnen, speziell die de Jacopo Foscari, provozierten Diskrepanzen zwischen Verdi und sein Librettist Francesco Maria Piave. La pusilanimidad del personaje, gepaart mit seiner geringen Präsenz durch das ganze Stück, Sie nahmen Verdi Piave Anfrage einiger der wichtigsten Änderungen. Das Endergebnis war ein größeres Gewicht dieser Charakter von Anfang an der Arbeit und ihre Rolle in einigen der schönsten Gesangs Seiten.

Die Darstellungen, die in diesen Tagen in der zu sehen ist Teatro Real Sie sind in Konzertversion. das, Spezifischer, semiescenificada. Da box zeigt die Fähigkeit der Dramatisierung eines sehr leistungsfähigen Sänger, dass das Fehlen von Landschaft, nicht eine großartige Opernaufführung verhindern.

Die musikalische Leitung Pablo Heras-Casado Es hat eine belebende Wirkung auf das Orchester, die Sänger und die Arbeit selbst. Da die Ouvertüre bewiesen Energie, mit der Heras-Casado die Partitur spielt. Damit gleiche Kraft führt zu einigen Sängern, die ihre Interpretation von Nerven füllen und Spannung. Es gibt Momente von seltener Schönheit in Duette und Quartette für Violine und Cello von Solisten gespielt.

Lucrecia Contarini, esposa de Jacopo Foscari, Es wird gespielt von Angela Meade. Diese amerikanische Washington stimmlich und dramatisch entfaltet unter den strengsten Regeln der traditionellen Oper, leidet aber unter gewissen Automatismus. Aber was ist wirklich beeindruckend ist die Stratosphären Lautstärke Ihrer Stimme. Feature hindert ihn nicht, eine sehr gute Rechnung Phytate anbieten. Die Schwingungen emittiert, zumindest von der dritten Reihe hören, beeindruckt. Als er von vorn demonstriert beginnen Ihre onnipossente cui mit dem sguardo ...

Michael Fabiano

Royal Theatre kehrte in die amerikanische Tenor Michael Fabiano, como Jacopo Foscari. Vieles hat sich seine Stimme aus dem von Cyrano de Bergerac geändert 2012.

Mit einer bemerkenswerten Volumen der Stimme und tessitura mehr als spinto Tenor so dramatisch, Fabiano hat ein Jacopo Foscari dramatisch und verzweifelt gebaut. Fantastische in ihre Romanzen, insbesondere in der zweiten, Nacht, ewige Nacht!. Mit der Forderung tessitura und dramatisch und Fabiano trifft mit Geschmack und Beredsamkeit.

Vor seiner Rede, Er war so freundlich, ein paar Fragen für Brio Klassische antworten.

Es war nicht, bis er College erreicht und begann sein Studium, als er erkannte, das enorme Potenzial, das seine Stimme hatte. Es war zu dieser Zeit, dass er seine Karriere begann.

Klassische Verve.: In derselben Art, Wer sind die Sänger, in der er gesetzt ist?

Michael Fabiano.: Aureliano Pertile, die unüberbrückbare Größe ihrer technischen. Mario del Monaco, für ihr Engagement bei der Interpretation. Franco Corelli, für seinen Heldenmut und Placido Domingo, durch seine tiefe Leidenschaft und Know-how.

B. C.: Wie fühlen Sie sich, wenn sie einem jungen Pavarotti verglichen?

P. M.: Ich fühle eine tiefe Demut.

B. C.: Es ist nicht das erste Mal mit Placido Domingo singen, Wie ist diese Erfahrung?

M. F.: Es ist eine Ehre für mich, seine große Karriere und seine immense Erbe gegeben.

V.Chr.: Ihre Rollen als Rodolfo in La Bohème und Luisa Miller wurden von der Öffentlichkeit weitgehend akzeptiert. Welche anderen Rollen in der Zukunft spielen?

M. F.: Me veo como en Oper Un Ballo in Maschera, Simon Boccanegra , Attila, Ernani, Die Schlacht von Legnano, Mefistofele , Manon, Werther, Romeo und Julia o Carmen.

Bald werden wir in Spanien genießen.

die baritenor, wie er genannt wird, Placido Domingo, Es war einer der Höhepunkte der Nacht, Interpretieren Francesco Foscari. Die Diskussion über die Tessitura von Placido Domingo muss aufhören zu existieren. Er ist ein Künstler. Ein großer Künstler, der Lage, eine tessitura im Einklang mit der Entwicklung ihrer Stimmcharakteristika und die Verwendung zu erfinden, mit ihren Fähigkeiten auf der Bühne, mit einem einzigen Ziel, Erfolg bei der Interpretation. Jedes der Interventionen wurde applaudiert, bis Sie die letzte Ovation erreichen. Auch hat das Verdienst erstaunliche Tatsache nicht von der Kaskade der Stimme Meade aufgedeckt werden.

Andere als nicht zu kurz italienischen Stimmvolumen ist gering Roberto Tagliavini in seiner Rolle als böse Jacopo Lorendano. Auf der Höhe der Hauptdarsteller waren Sopran Susana Cordón, als Pisana und Tenor Mikeldi Atxalandabaso, als Barbarigo.

Eine fantastische Nacht der Oper, in dem das Publikum genossen und erwies sich als Füße für einige Minuten applaudieren. Ein Saisonfinale, die einen guten Geschmack und die beste Visitenkarte für die nächsten Blätter.

Text: Paloma Sanz
Metaphorik: Javier del Real
Videos: Teatro Real

Idomeneo, Mozart

Die Palau de les Arts in Valencia Er hat ein starkes Engagement aus, durch die eigene Produktion Inszenierung, eine Oper von Mozart als Idomeneo, König von Kreta, wenig bekannte spanische Publikum, trotz seiner hohen Qualität Musik, wie es ist in der Regel nur sehr selten vertreten, zumindest im Vergleich mit anderen bekannten Titeln wie mozartischen: Le nozze di Figaro, Don Giovanni , Così fan tutte Die Zauberflöte. Die fünf geplanten Aufführungen von Idomeneo, Sie haben sich bewährt, Massen Anwesenheiten, die er hat stark am Ende der gleichen applaudierte.

Mozart erhielt im Sommer 1780, durch die Kurfürsten in Auftrag gegeben Karl Theodor de Baviera, eine ernste Oper komponiert in Italienisch geschrieben, nehmen schließlich den Titel Idomeneo, König von Kreta, wird an den Münchner Faschings uraufgeführt 1781. Abbe Giambattista Varesco Er wurde beauftragt, das Skript zu entwickeln, wo das mythologische Drama von König Idomeneo von Kreta ist chronicled, bei seiner Rückkehr in den trojanischen Krieg zu kämpfen. Die saubere und umfassende Broschüre von Varesco vorbereitet angeboten Mozart eine große Auswahl Musik zu schreiben, aber bald begann er Zweifel an seiner dramatischen Struktur zu haben,, mit gründlich überprüfen, in einem Versuch, Volltext und Musik zu bringen. Mozart war besonders daran interessiert, die Kontraste zwischen den beiden Paaren von weiblichen und männlichen Darstellern zeigen: süß und nett Ilia, im Gegensatz zum Bösen und manipulative Elettra, mit seinem Haßausbrüche, Eifersucht und Wut; Idomeneo ins Stocken gerät im Gegensatz zu der Aufrichtigkeit und Idealismus, der immer seinen Sohn zeigt Idamante. Mozart begann die Partitur Spätsommer Komponieren 1780 und, Nach Beendigung der ersten beiden Akten, im November desselben Jahres, ging er nach München, wo er den dritten und letzten Akt abgeschlossen, , die es kostet ihn eine große Anstrengung, mit kontinuierlichen Bewertungen, bis sehr kurz vor der Premiere am Hoftheater in München 29 Januar 1781. Mozart eliminiert bei der Münchner Premiere und mehrere Arien komponiert für Akt III: de Idomeneo “Frieden kehrt zum Kern", de Idamante "Nein, Tod ", der Komplex von Elettra „D'Oreste, von Ajax "und die Arbace (Idomeneo Berater) „Wenn es geschrieben ist das Schicksal en“. Bei der Premiere in München, auch eine brillante Ballettmusik enthält.

Mozarts Idomeneo hat eine Überprüfung, die präsentiert wurde privat die 13 März 1786 bei dem Fürstenpalast Johans Adam Auersperg Wien. Die Sänger waren alle Amateure und Zugehörigkeit zum Adel. In dieser Version von Wien, die Rolle des Idamante sang ein Tenor, während in München hatte er einen Kastraten gemacht. Mozart nahm einige Änderungen in der Partitur: Idomeneo Szene und Arbace zu Beginn des zweiten Aktes, Es wird von anderen geändert, die Ilia und Idamante beteiligt. In Akt III, Es enthält ein neues Duett von Ilia und Idamante, die ersetzt das Schreiben für die Premiere von München.

Idomeneo fiel in die tiefste Vergessenheit, und Erholung trat beim Glyndebourne Festival 1951, mit einer Reihe von Darstellungen Regie Fritz Busch, Sein sein Assistent John Pritchard, wer wird den großen Garant dieser Oper, die oft führen, Version im Wesentlichen Wien: Idomeneo kann die aufgezeichnet im Studio hören, in 1956, mit John Pritchard vor dem Glyndebourne Orchester, und durchgeführt durch Sena Jurinac (ihre), Leopold Simoneau (Idamante), Richard Lewis (Idomeneo) und Lucilla Udovick (Elettra). auch, mit Adresse Pritchard, gibt es eine Live-Aufnahme beim Glyndebourne Festival statt 1964, mit Idamante, schön von einem jungen gesungen Luciano Pavarotti, neben Gundula Janowiz (ihre), Richard Lewis (Idomeneo) und katalanische Sopranistin Enriqueta Tarrés como Elettra. Ya, aus den siebziger Jahren des letzten Jahrhunderts, es begann vertreten, im Grunde, „Version München“, wo die Rolle der Idamante wird von einem lyrischen Mezzo gesungen. Dies ist die Version, die in Valencia gehört hat, unter Einbeziehung der sehr schwierigen Arie Elettra Act III "D'Oreste, von Ajax ", die, wie bereits von Mozart bei der Premiere von München unterdrückt erwähnt.

Diese Neuproduktion von Idomeneo von dem Palau de les Arts durchgeführt, Er hat als Regisseur und Bühnenbildner seinen jetzigen Bürgermeister Davide Livermore, wer macht einen Vorschlag Bühne starke visuelle Komponente, Es manifestiert sich von Anfang an der Oper, wenn Sie die Ausführung der Ouvertüre, zugleich zeigt, das Bild des Gesichts einer Statue Partei, die verwandelt sich in das Gesicht eines Idomeneo, altert schnell, und einer von dessen Augen sich die Kamera zu zeigen, taucht einen Astronauten durch den Raum wandern (deutlich von dem berühmten Film inspiriert 2001, A Space Odyssey von Stanley Kubrick) für, dann, ein anderes Bild an der Unterseite einer Plattform zum Starten von Satelliten angezeigt erscheint, und im Vordergrund, Idomeneo Figur Abschied von einem Kind Ihr Kind Idamante! Diese Serie von Bildern decken sich mit der Umsetzung der Ouvertüre zur Oper, und dies Das ist eine persönliche Meinung- Sie können den Betrachter ablenken hörte die brillante Musik zu konzentrieren interpretiert wird.

Die starke visuelle Komponente wird in der gesamten Darstellung beibehalten, mit Vorsprüngen, etwas repetitious, ein ruhiges Meer, oder rau mit großen Wellen gegen Felsen zu brechen und erreichen einen Strand, die auf der Bühne selbst fortgesetzt, mit einem Blatt vorhandenes Wasser während der gesamten Leistungs. Die Landschaft wird durch Metall-Plattformen abgeschlossen, die Gateways werden, wo die Zeichen wie Elettra Roaming, oder jene modernen Pulte von Idamante und Idomeneo verwendet seine Themen zu adressieren.

Ästhetik 2001, A Space Odyssey, am Ende der Oper wieder vorhanden: zuerst, wenn die Stimme des Orakels ist zu hören und elegantes Zimmer erscheint dieciochesca, Es kehrt im letzten Augenblick der Oper zu sehen, und alle Symbole von Kubrick in seinem Film verwendet: Monolith, fetale Taschen und ein Charakter in Richtung Idomeneo für beide beweglichen verschmelzen zu einem tödlichen Umklammerung. obwohl, tatsächlich, Idomeneo sterben nicht in der Geschichte, nur dankt zugunsten seines Sohnes Idamante. Erfolgreiche Beleuchtung erstellt von Antonio Castro, Es produziert schöne szenische Effekte, die die visuelle Attraktivität zu erhöhen.

Markieren Sie die Arbeit von Mariana Fracasso als Designer einer bunten und zeitlose Garderobe, Es schließt spacesuits, mythische griechische Krieger Kostüme, im Gegensatz zu modernen Uniform Soldaten und Polizisten. und, im Fall von Elettra, das kostspielig Modell, das in seinem Eingang aufweist szenischem, im Vergleich zu den in Act II in einem Minirock und Stiefel andere verwendete gekleidet.

aber, der wesentliche Teil des Idomeneo ist seine brillante Musik, von einem reichhaltigen Orchestergewebe serviert. Hier hatte ich eine sehr herausragende Leistung Fabio Biondi vor dem Orchester von Valencia, die erneut gezeigt, seine hohe Qualität und von der gleichen Ausführung des Annäherungsversuches, mit dem herrlichen Klang des Seils ein Thema zu entwickeln, die die heftigen Wellen des Ozeans erinnert, und wieder wiederholt in verschiedenen Momenten der Oper. Biondi großartige Arbeit in der Rezitativen: viele mit Orchesterbegleitung, die authentische Ariosos machen. Der Orchesterklang von stark schaut auf den hellen Märsche und in ihren verschiedenen Interventionen mit dem Chor, vor allem, Zwischen den beiden ersten Akten, am Ende des zweiten Aktes Auferlegung, und die abschließende Oper. Markieren Sie die versöhnliche Arbeit von Fabio Biondi, da das Orchester nicht darauf beschränkt ist, die Stimmen zu betonen und ergänzen, aber über und vor ihnen gehen. schließlich, zeigt die große Orchesterleistung in der Ausführung der brillanten Ballettmusik aus (Chaconne), Schließen der Repräsentation, sowie anderes kleines Ballett: "Der Tanz der kretischen Frauen ", in dieser Produktion interpretiert es die Wiederaufnahme Darstellung, nach Zwischen hergestellt, während Akt II, das Ende der Arie aus Idomeneo "Fuor del mar".

hervorragende Leistung Gregory Kunde als Idomeneo, bereits deutlich in seinem landschaftlichen Eingang, in Akt I, mit Rezitativ „Hier sind wir endlich gerettet“ von Arie gefolgt "Vendromi intorno" gut gesungen, abwechselnd mit Akzenten gefüllt Momente intensiver Lyrismus mit anderen bravos. Seine Leistung ist hervorragend in der schönen cavatina mit Chor, durch Klang der Saite pizzicato markiert "Acogli, oh Könige mar " gehör III zu handeln, oder dass warmes Plädoyer „Peoples, Sie das letzte Gesetz ". Kunde steht vor allem die berühmte Arie im zweiten Akt "Fuor del mar", vor allem in Passagen ein Lied voller Bravour erfordern, oder zeigt mit der Endung Arie ihre wunderschönen hohen Lage in der aufsteigenden Skala ab, wo, wenn natürlich aussendet von do4 gefolgt. Es hat einige Schwierigkeiten in den verschwenderischen Passagen verziert, die diese Arie dot und erfordern große stimmliche Beweglichkeit. Die junge brasilianische Sopranistin Lina Mendes, es ist zu leicht in ihrer Rolle als Prinzessin Ilia Troyana, aber es bietet seinen angenehmen Timbre, mit gutem Vorsprung und einem ausgezeichneten Beherrschung der Beweglichkeit; und, es zeigte, in jedem seiner lyrischen Interventionen: ganz am Anfang der Oper, expressiv zu interpretieren und zarte Akzente „Vater, Deutsch, Auf Wiedersehen ". Es wird eine ausgezeichnete Linie von Gesang in ihrer Arie des zweiten Aktes, „Wenn der Vater, den er verloren“. Es produziert seine besten im Umgang mit dem kostbaren und empfindlichen Arie „Zeffirelli schmeicheln“ Akt III. In der Rolle des Idamante, der mittlere Veteran Monica Bacelli, Er zeigte ein hohes Maß an Ausdruckskraft, obwohl die Stimme war klein und niedriger Bauhöhe, und das ist offensichtlich in ihren Duetten mit Lina Mendes Ilia. Nur erwies sich als richtige Auslegung der erste seiner Arien von Akt I „Ich nicht die Schuld, und ich condani ", Verbesserung der Leistung in der zweiten „Der Vater verehrt“, gesungen mit starken Akzenten durch das schnelle Tempo des Orchesters geprägt. Bacelli hat seine besten Momente im Rezitativ-Duett mit Idomeneo Act III „Vater, Mein lieber Vater ".

Elettra ist die beste dramatische Charakter Definition des ganzen Werkes, und er fand einen hervorragenden Darsteller in der Region Valencia Sopran Carmen Romeu, schön und durchschlagende Stimme, gut verwaltet. Er machte eine große Leistung, voller Theatralik in seiner großen Szene der ersten Akt, die beginnt mit dem Rezitativ „Ausgestorben ist Idomeneo“, deren Orchesterbegleitung gibt einen Charakter von Arioso, mit einem Lied voller Wut und Spannung, dessen Ton in der Arie vollen Schwierigkeiten Crescendo wird „Alles, was ich in meinem Herzen zu hören“, fachmännisch zu lösen Oktave Sprüngen und ausgezeichnete Beherrschung der Agilität. Und in Akt II, Seine Stimme war warm Akzente in der Rezitativ-Arie „Wer würde ich versuchen, meine süßeste Vergnügen……Idol mio, wenn rückwärts ", mit einer schönen Form von Tanzmusik, wo der Sänger zeigte voller Absicht Fraseo, in perfekter Harmonie mit Orchestermusik. Carmen Romeu Leistung hatte ihren Höhepunkt in der Arie „D'Oreste, von Ajax " Akt III, wo er wieder angeboten, dass die wilden und verrückten Song von Akt I, dominiert eine teuflische Koloratur, mit komplexem vocal Beugungen, wo er zeigte eine breite fiato. Einige scharfe Strapsen dämpfen nicht etwas die hervorragende Leistung Valencia Sopran.

Diese Oper enthält zwei Seiten der schönen Rechnung: das Trio des zweiten Aktes „Men in partir, oh Dio " die beteiligten Idomeneo, Idamante y Elettra, vom Quartett von Act Act III „Ich werde gehen und einfach spazieren“, gesungen von Idomeneo, Idamante, Ilia y Elettra, auch in beiden Fällen von Sängern gelöst, obwohl Ungleichgewicht zwischen den großen Stimmen von Gregory Kunden und Carmen Romeu im Vergleich zu kleineren und Lina Mendes Monica Bacelli. Emmanuelle Faraldo in dem Papier Arbace, Er zeigte in seiner Arie im zweiten Akt "Se il tuo durch", eine Stimme in einem leichten Überschuss und hässlich Timbre, obwohl mit Leichtigkeit im oberen Register. Performance Alejandro López und Michael Borth, Stimme und Hohenpriester Nettuno bzw. Interpretieren, Sie gingen nicht über diskrete.

Große Leistung Chor Generalitad in seinen zahlreichen Interventionen: in Akt I „Lassen Sie uns genießen den Frieden“ festliche Tonwahl und „Pieta! Götter Gnade!" Chorus-Effekte mit glitzern, wenn sie in zwei Teile geteilt, die Geräusche in der Nähe produzieren und weit. Und in Akt II, die schöne „Placido ist das Meer“ und zur Einführung „Was gibt es Neues Terror“ und „Wir betreiben, fliehen”. In Akt III, die beeindruckende „Oh gewaltige Stimme“ und die abschließende Oper „Rau Amor, fallen Hymen ", mit herrlicher Verkettung von Chor und Orchestern. Ballettaufführung im Generalitad „Chaconne“ Schließen der Repräsentation, Er war etwas glanzlos, seine Komponenten, die zum Tanzen, mit offensichtlichen Schwierigkeiten, auf dem Blatt von Wasser in Stufe.

Diese Aufführungen von Idomeneo wurde dem Direktor gewidmet Nikolaus Harnoncourt, vor kurzem verstorben, und große Schüler dieser Partitur.

Durch Diego Manuel García Pérez

IDOMENEO, König von Kreta
Wolfgang Amadeus Mozart
Dramma per musica in drei Akten, K 366
Die Bilanz von Giambattista Varesco, von einem Französisch Text von Antoine Danchet angepasst
Premiere: München, 29 Januar 1781,
Residenz Ausgabe: Alkor Ausgabe Kassel GmbH
D. Musical: Fabio Biondi
Regie und Bühnenbild: Davide Livermore
Kleiderschrank: Mariana Fracasso
Beleuchtung: Antonio Castro
Videocreación: D-WOK
Choreographie: Leonardo Santos
Neue Produktion Palau de les Arts Reina Sofía
Ballet de la Generalitat
Cor de la Generalitat Valenciana
Francesc Perales, Direktor
Orchester von Valencia
Besetzung: Gregory Kunde, Monica Bacelli, Lina Mendes,
Carmen Romeu, Emmanuel Faraldo, Michael Borth
und Alejandro López

Parsifal am Teatro Real

Parsifal, letzte Komposition Wagner, Er wurde von seinem Exklusivvertrag freigegeben mit Bayreuth die 31 Dezember 1913. In der gleichen Nacht Premiere in der Gymnasium Barcelona und am nächsten Tag Teatro Real Madrid. in turbulenten Zeiten Geschrieben, perfekt spiegelt eine zerstörte Welt und die Notwendigkeit, eine befreiende Ausgang oder so etwas wie ein Messias zu finden. Amfortas der Befreier, der mit seiner ritterlichen Bruderschaft sucht, ist Parsifal, der Narr, der seinen Namen nicht kennt und kommen nur zur Weisheit durch Mitgefühl. Wagner ist wieder ein Visionär seiner Zeit voraus, denn wir alle wissen, die Ereignisse nach 1914.

Deshalb intelligente Produktion Claus Guth von Zauberberg inspiriert Thomas Mann, Es ist genauso relevant und sachdienlich. in der Zwischenkriegszeit entfernt, ein Krankenhaus ist die perfekte Kulisse, die Folgen der Ereignisse zu berücksichtigen, die die europäische Gesellschaft der ersten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts geprägt. Ein Ort, wo Krankheit und Tod, die großen sozialen Widersprüche reflektieren, politische und moralische der Zeit.

Guth verwendet diese Landschaft die gleiche Paradigma auszudrücken. Diese permanente Wunde Amfortas ist die Metapher von Europa nach der Verletzung Erster Weltkrieg. Szenografie durch Projektionen dargestellt Bilder zeigen, die uns betreffen, und wir sind unbequem. Dieser Parsifal Claus Guth Herausforderungen direkt mit uns und lädt uns zu reflektieren. Sehen als alles beendet, Änderungen oder kathartische Führer sucht, kann zu unsicheren Orten führen. und Alpträume, wie Träume, manchmal auch trafen sie.

Ein ausgezeichneter Drehscheibe bietet Räume, in denen die verschiedenen Formate entwickelt werden. Wieder ein Strom ohne Anfang und Ende.

Parsifal kann nur das Endprodukt eines Genie Wagner. Und es ist. Musik fließt permanent und die Vorstellung von Raum-Zeit unterscheidet sich von herkömmlichen Konzepten. Musikalische Leitung für, Semyon Bychkov, „In dieser Arbeit wird der Schlüssel für die Schwere im Zusammenhang. Diese wichtigsten Änderungen, daß in einem zweiten auftreten, Schwerkraft ist als Verlust von. Als ob wir in einer anderen Galaxie waren, aber nie wussten, in der ".

Diese kontinuierliche Weiterentwicklung von Gründen macht die Musik fließt kontinuierlich ohne ersichtlichen Anfang oder Ende, immer unterstützt durch die leifmotiv Begleit Charaktere und Situationen.

Die musikalische Richtung durch Semyon Bychkov, die perfekt kennt diesen kontinuierlichen Fluss des Schall lesen, gibt, von der Ouvertüre, die Balance, die verschiedenen Orchesterstimmen erfordern, die diese architektonische Punktzahl besitzt. Es war kraftvoller Sound von einem Orchester erreicht, die Antwort auf alle Indikationen Lehrer russischer Herkunft gab. Spielte mit Transparenz und Zartheit nur durch die Leichtigkeit angepasst, mit dem es ausgeführt wurde. Spannung, die durch die Seile erreicht, Sicherheit und Präzision Metall Hölzer erzeugen eine solide und flexible Klang. Die erzeugte Atmosphäre hätte man von den Wünschen der Bychkov erfüllt, weiterhin in dem vierten und fünften Akt, ein Ende zu verlängern, die nicht vorhanden.

Auf der Bühne lief eine ungleiche Verteilung der rotierende Guth den Rhythmus vorgeschlagen, der eine ausgezeichnete Richtung der Akteure gekennzeichnet.

Christian Elsner Parsifal war ausdruckslos und interpretierende Einschränkungen. Issuance große Anstrengungen erforderlich, und war mehr als genug von Nasallauten. Er verteidigte seinen Charakter mit einer gewissen Würde, sondern wurde durch das Orchester mehrfach verschlungen. Seine Ungeschicklichkeit auf der Bühne ruiniert den Helden, interpretieren muss, vollständig von der Entwicklung eines Charakters mit vielen Schattierungen bleiben weg.

Deutsch Sopran Anja Spiele, einer der meistgesuchten Wagnerianer Stimmen heute, Kundry bot eine hervorragend angeliefert und interpretiert in verschiedenen Profilen seinen anspruchsvollen Charakter. Deviled Registrierungsänderungen werden aufgelöst, ordnungsgemäß, mit einigen stridency. Besonders im zweiten Akt. Am Bass und Mittel würden sie in Ordnung gewesen, ein wenig mehr Kraft, um den dunkelsten Kundry zu bauen. Aber alles in allem seine Leistung war hoch.

Franz-Josef Selig, mit einer eleganten Linie des Gesangs, gemeißelt ein Gurnemanz maßgebliche und starke Bühnenpräsenz, gut durch die Bühnenanweisung ausgebeutet. Er bot einen guten ersten Akt, mit einer gut abgegrenzte phrasing und Klangfarbe der Stimme und heftigen Rundes. Aber seine Leistung war über und endete verdünnt wird, es sei denn ein Teil.

Der deutsche Bariton Detlef Roth er spielte eine dramatische Amfortas und zerrissen. Aber seine Stimme begleiten nicht die Interpretation, und die Unfähigkeit, die extremsten Register zu erreichen, die Schwierigkeiten verbunden, seine Stimme die innere Angst des Zeichens auszudrücken.

kroatisch zu Jerkunica, als Titurel, Es exibió eine der interessantesten Instrumente Nacht, mit einer voluminösen und umfangreichen Stimme. Das Gegenteil von Klingsor gespielt von dem russischen Bariton Evgeny Nikitin, die ging knapp genau jene Qualitäten, Volumen und Breite.

der Chor Es ist eines der wichtigsten Protagonisten dieser monumentalen Arbeit. Und der Besitzer des Teatro Real, die wir an illustren Interventionen gewöhnt, Ich wollte weniger diesmal nicht. Ein stimmlicher Brillanz und pastosen muss die Fähigkeit hinzugefügt werden, zu interpretieren, meist von ihnen, eine Szene der Blumenmädchen Komponieren herrlich frisch und appetitlich.

Fünfeinhalb Stunden können lang oder kurz sein. und, como Würfel Bychkov, Parsifal hat eine andere Vorstellung von Raum-Zeit. das ist vielleicht, warum die fünfeinhalb Stunden dieser Parsifal sehr kurzen Zeit, aber raumfüllend ist immens.

Text: Paloma Sanz
Fotografie: Javier del Real
Videos: Teatro Real

PARSIFAL
Richard Wagner (1813 - 1883)
Scenic Festival in drei Akten sacrum.
Libretto von Richard Wagner,
auf der Grundlage des mittelalterlichen Epos
Parzival von Wolfram von Eschenbach.
Koproduktion des Opernhauses Zürich
und das Gran Teatre del Liceu in Barcelona
Teatro Real in Madrid 27 - 4 – 16
D. Musical: Semyon Bychkov
D. Szene: Claus Guth
Bühnen- und Kostümbildner: Christian Schmidt
Illuminator: Jürgen Hoffmann
Choreograf: Volker Michl
D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Detlef Roth, zu Jerkunica, Franz Josef Selig,
Evgeny Nikitin, Anja Spiele, Christian Elsner, Stephen Vincent,
David Sanchez, Ana Puche, Kai Ritter, Alejandro González,
Jordi Casanova, Ilona Krzywicka, Khatouna Gadelia, Kai Ritter,
Samantha Crawford, Ana Puche, Rosie Aldridge, Rosie Aldridge.
Schlagzeilen Chor und Orchester des Teatro Real

Luisa Miller

Zwei Vorstellungen hatten die geplant Teatro Real von Luisa Miller verdiana. Eine Arbeit als ungerecht Moll im Repertoire. Vielleicht, weil seine Zusammensetzung, vor der Trilogie von Rigoletto, Il trovatore und La traviata sie stellten sie in den Hintergrund. Verdi diesmal hat der Librettist Friedrich von Schiller der Liebe und dem sozialen Drama des Originalwerks mehr Bedeutung beimessen, Kabale und liebe (Kabale und Liebe). Was der Autor selbst "bürgerliche Tragödie" nennen wird. Diese neuen argumentativen „Motive“ könnten durchaus gerechtfertigt sein, um die Aktion der Zensur zu vermeiden. Sehr aktiv in jenen Momenten des europäischen revolutionären Umbruchs in 1848.

Dies war eine Konzertversion. Aber man kann nicht sagen, dass es nicht inszeniert wurde. Immer mehr Opern im Konzert sind, Verzicht auf die immer unbequemen Notenständer, werden von den Sängern halb inszeniert, Schaffung einer lyrischen Atmosphäre, die einer Opernnacht mit all ihren Waffen näher kommt.

An der Spitze der Richtung stand der Amerikaner James Conlon. Ein wahrer Liebhaber von Luisa Miller. Bis zu dem Punkt, seine Tochter Luisa anzurufen und damit die väterliche kindliche Beziehung der Protagonisten hervorzurufen. Sein Wissen über die Arbeit ist total, er konsultierte kaum die Partitur, zu der er einen lebhaften Rhythmus voller Spannung aus der Ouvertüre druckte. Besonders in den Endungen. Er holte aus dem Orchester einen rein verdianischen Klang heraus, hauptsächlich aus den Saiten. der Chor, in seiner üblichen Linie, großartig!.

Am Rande der Musik, Ohne Zweifel waren die Stimmen die Protagonisten der Nacht. Leo Nucci, der die dramatischen Rollen des verdianischen Vaters stickt, behält außergewöhnliche stimmliche Qualitäten bei 74 Jahre alt. Die Kurzatmigkeit manchmal und Ihre Reservierungen, in anderen, in der Lage sein, das Finale zu übernehmen, werden durch eine Fähigkeit zur Dramatisierung kompensiert, die nur die Erfahrung bietet.

Der Kroate Lana Kos Es war eine ziemliche Überraschung in ihrer Rolle als Luisa. Sein großes zentrales Register ist die ideale Unterstützung, um sich durch eine kraftvolle lyrische Sopran-Tessitura zu bewegen. Kräftige, homogene Stimme mit genügend Kopffreiheit, um die Höhen zu verfeinern.

Der böse Wurn wurde vom kanadischen Bariton verkörpert John Relyea. Robuste, schattige Stimme, um einen interessanten Charakter zu komponieren, der ein kraftvolles Duell mit Walter führte.

Dmitry Belosselskiy spielte einen großartigen Earl of Walter. Er trug gute Höhen in seiner Arie "Mein Blut, Ich würde Leben geben " und sein kraftvoller und sanfter Bass im Duett mit Wurn "Das hohe Erbe".

Der Madrilenier Maria Jose Montiel spielte die immer undankbare Rolle von Federica. Vor ein paar Tagen haben wir es uns im angehört Teatro de la Zarzuela in der Rolle eines María Moliner makellos und, plötzlich, erscheint auf der Bühne im Teatro Real mit einem völlig anderen Register. Mit einer Verdi-Partitur von Abgrundtönen für eine Mezzosaite, Löse deinen Charakter mit einer dichten und kompakten Stimme, Dies zeigt, dass der Aktionsradius seiner Stimme groß ist und dass er sich in einem der besten Momente seiner Karriere befindet.

Der junge neapolitanische Tenor debütierte im Real Vincenzo Costanzo. Er kam, um die ursprünglich für diesen Rodolfo ausgewählten zu ersetzen. Es ist nicht einfach, sich dieser Rolle zu nähern 24 Jahre alt, auf dem Proscenium singen und von etablierten Stimmen umgeben. Und Costanzo tut es mit Tapferkeit und Entschlossenheit. Ihr Instrument befindet sich im Aufbau, wie seine Fähigkeit zu interpretieren, aber es zielt auf ein schönes Timbre ab und sobald das Fiato verlängert wird und die Technik die körperliche Anstrengung übersteigt, Sie können diese anspruchsvollen Aufgaben mit allen Garantien bewältigen. Der Applaus der Öffentlichkeit nach der bekannten Arie “Wenn die Abende ruhig sind” Sie gaben ihm das Vertrauen, den Rest der Arbeit mit größerer Sicherheit anzugehen. Nächste Saison werden wir die Gelegenheit haben, ihn in diesem Theater in seiner Rolle als Pinkerton noch einmal zu hören, und wir werden seine Entwicklung beobachten. Mimbres hat.

Marina Rodriguez-Cusi spielte Laura. Diese valencianische Mezzosopranistin ist immer eine Garantie. Seine kurze Rolle zeigte seine gute Arbeit. Obwohl sie sich hinter dem Orchester und dem Rest der Besetzung befinden, seine Stimme war voll zu hören.

Die erfolgreiche Intervention von César de Frutos einen Dorfbewohner spielen.

Diese Luisa Miller hat in der Öffentlichkeit sehr gute Gefühle hinterlassen. Von Zeit zu Zeit wird ein rein operativer Titel geschätzt, und niemand ist besser als Verdi, um diese Art von Emotionen zu provozieren.

LUISA MILLER

Giuseppe Verdi (1813-1901)

Melodrama tragisch in drei Akten

Salvadore Cammarano Libretto basierend auf dem Stück Kabale und Liebe (Intrige und Liebe, 1783) de Friedrich von Schiller. Uraufführung im Teatro San Carlo in Neapel am 8 Dezember 1849.

Oper in Konzertversion.

D. Musical: James Conlon

D. Chor: Andrés Máspero

Besetzung: Dmitry Belosselsky, Vincenzo Costanzo, Maria Jose Montiel, John Relyea, Löwe Nucci, Lana Kos, Yachthafen Rodriguez-Cusi, César von Früchten.

Chor und Orchester Inhaber des Royal Theatre.

Maria Jose Montiel Maria Moliner spielt im Teatro de la Zarzuela

Es ist ungewöhnlich, Marke, eine Oper in Spanien. I ist noch weniger in der Teatro de la Zarzuela. Und wenn Oper ist Spanisch, mehr Musikereignis, Wir reden fast ein Wunder.

María Moliner ein Zeichen mit genug Verpackung ist in einer Geschichte zu Stern. Verpackung und Heldentum, die eine gewaltige Aufgabe aus reinem Ächtung gemacht. Schreiben Sie ein Wörterbuch der Verwendung von Kastilisch in der Einsamkeit ihres Wohnzimmers, isoliert und von der Zensur der Zeit umgeben, tun es nur 15 Jahre in, und diskutieren auch das Wörterbuch des SAR und die Mitglieder seiner Akademie, Es ist kein Ereignis minor.

Auf einer Idee Paco Azorín Es hat eine strenge und sorgfältige Arbeit gebaut. Unterteilt in zwei Akten und zehn Szenen, Es ist das Ergebnis der Komplizenschaft zwischen Paco Azorín besitzen, Komponist Antoni Parera Fons y der Librettist Lucia Vilanova. Es ist in der Musik, wo ein großer Teil der Erfolg dieser Oper liegt. Experte für die Dynamik Gläser und können speziell für die Stimme zu schreiben, Parera Fons hat eine Partitur perfekt erkennbar und eine hohe Konsistenz von Anfang bis zum Ende zusammengesetzt. Es war in der Lage verschiedene musikalische Techniken in perfekter Balance zu verwenden und sie in den Dienst der Arbeit zu setzen.

An dieser Stelle, die Arbeit von Musikdirektor Victor Pablo Pérez Es ist einwandfrei. Sensible und aufmerksam auf alles, was um Sie herum passiert, er zog aus seinem Orchester, jede Nuance der Partitur, enriqueciéndola.

Das Libretto von Lucia Vilanova hat vor allem aus zwei Quellen gezogen, die Biographie von Maria Moliner Inmaculada de la Fuente, und Selbst Wörterbuch. Der Artikel versucht, das tägliche Leben eines so komplexen Prozess zu reflektieren, wie die Entwicklung eines Wörterbuchs ist, aber meistens versucht, es ihr inneres Leben zu entwirren, ihre Träume und die Entwicklung eines Projekts dieser Größenordnung. Vielleicht fehlt das Skript die Lyrik eines Opernwerk. Zu beschreibt anschaulich einige schwierige Ereignisse in eine richtige Linie von Song zu passen. Das Skript hat die Zugabe eines Traums, die sich vorstellt, die Zeit, den Antrag auf Eintritt in die Akademie zu schreiben. Moliner wird dann von anderen Autoren begleitet,, wie sie, Sie sollten Teil des RAE gewesen. Sie helfen, den Brief Emilia Pardo Bazán Entwurf, Isidra de Guzmán und der Borste und Gertrudis Gómez de Avellaneda.

Eine weitere Säule der Arbeit ist seine Protagonisten. Maria Moliner Rolle geschrieben wurde speziell für Maria Jose Montiel. Die Lieferung an den Charakter ist absolut. Seine Bühnenpräsenz ist nahezu konstant und sowohl, Moliner und Montiel, Sie haben die gleiche Belastung von Temperament Zärtlichkeit. Seine konsequente Stimme, umfangreiche und großzügige Glätte, alle Notenausgaben schwankt mit seinem schönen Timbre.

Der Rest der Besetzung ist unter der Leitung von José Julián Frontal, als Fernando, ihr Mann. Der Charakter ist nicht stimmlich umfangreich, aber gut dank seiner großartigen Leistung positioniert.

Emilia Pardo Bazan wurde von der Sopranistin vizcaína interpretiert Celia Alcedo, Stimme kräftig und gut bewaffnet, Er begabt sein Charakter in der Einheit, die angeblich.

Bei einem sehr hohen Niveau, trotz seiner kurzen Interventionen, María José Suárez und Lola Casariego, die gespielt Isidra de Guzmán und der Borste und Gertrudis Gómez de Avellaneda, beziehungsweise. Wie ein Übel Sandra Fernández, CEU auszuüben Inspektor und später Carmen Conde.

Goyanes, die Schriftsetzer Maria Moliner, Charakter, der in der Realität existiert und schloss sich dem Libretto. Es wird mit der Gnade von der valencianischen Bariton gespielt Sebastian Perez.

Unter Hinweis auf die Rolle der drei Almanache eingeführt sehr dynamisch verschiedene wichtige Momente im Leben des Protagonisten. der Tenor Gerardo Lopez und Baritone David Oller und Toni Marsol.

Besonders zu erwähnen ist die Teilnahme, als Stuhl B SAR, Bariton Joan Pons. Es ist immer ein Vergnügen, seine Stimme, stark und mächtig zu hören.

Die Arbeit von Coro del Teatro de la Zarzuela Er war auf einem hohen Niveau in seinen zahlreichen Interventionen.

Die Landschaft von Paco Azorín hat zwei Hauptelemente Metallstrukturen zu bewegen und deren Protagonisten durchstreifen die endlose Treppe Szenen von großer Dynamik und visuelle Attraktivität zu schaffen. Hinter ihnen Bilder von verschiedenen Charakteren und historische Momente werden umgesetzt. Das Ergebnis kann nicht mehr erfolgreich sein. Po Bühne Charaktere und Ereignisse entfalten unter guten Richtung der Akteure.

Maria Moliner ist nie allein auf der Bühne. Es wird von einer kleinen Armee von Frauen, die die Bedeutung seiner Worte, während sie in der Zahl über Darstellung wachsen rezitieren begleitet. Diese schöne Allegorie kommt aus einer der Referenzen, die Paco Azorín hatte seine Landschaft zu schaffen, Marguerite Yourdenar, mit denen trägt unser Protagonist einige Ähnlichkeiten. Yourdenar wurde ein Teil der Akademie der Französisch Sprache in 1981. In seiner Antrittsrede sagte er: "Ich komme hier von einer Armee von unsichtbaren Frauen begleitet, die diese Akademie vor mir eingegeben haben sollte. Ich fühle mich zurück zu Schritt versucht, sie zu passieren ".

Diese scheinbar unsichtbare Armee von Frauen am Ende alles überfluten, ersten Stufe und dann das Zimmer. Dabei anwesend all jene Frauen, die ging vor.

MARY MILLER
Antoni Parera Fons
dokumentarische Oper in zwei Akten und zehn Szenen
Libretto von Lucia Vilanova
D. Musical: Victor Pablo Pérez
D. Szene und Landschaft: Paco Azorín
Beleuchtung: Pedro Yagüe
Video Diesner: Pedro Chamizo
Tischbewegung: Carlos Martos de la Vega
Autonome Gemeinschaft Madrid Orchestra
Coro del Teatro de la Zarzuela
D. Chor: ALberto Trijueque
Besetzung: Maria Jose Montiel, José Luis Vorder, Sandra Fernández, Sebastian Peris, Juan Pons, Celia Alcedo, María José Suárez, Lola
Casariego, Gerardo Lopez, David Oller, Toni Marsol, Sara Rosique, Ana Maria Ramos,
Daniel Huerta y Mario Villoria.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Fernando Marcos

Benjamin

Für ein kleines Ohr auf die wie meine Zwölftonmusik Abenteuer gegeben, Nichts machte ihn, dass an diesem Donnerstag den Verdacht 17 März würde auf jeden Fall erobert. Die Person, die für diese vollständige Kapitulation verantwortlich war, war der britische Komponist George Benjamin und seine Arbeit Geschrieben auf der Haut. einfach, ein Meisterwerk.

Das Libretto von Martin Crimp basierend auf begründet anonymes 13. Jahrhundert, Das gegessen Herz, ist die Legende des provenzalischen Troubadours Guillem de Cabestany, bereits zitiert von Bocaccio in Decameron. Die Geschichte ist grausam und voller krasser Situationen. Die niedrigsten Wünsche, Frustrationen und Ängste der Protagonisten werden von Benjamin mit einer außergewöhnlichen Theatralik behandelt, die von seinem künstlerischen Leiter geleitet wird Benjamin Davis.

Musik, davon beherrscht der britische Meister alle zeitgenössischen Techniken, transportiert Sie durch Straßen unerträglicher Spannung.

Writtem auf der Haut
Von den ersten Takten an packt dich die Musik auf fast gewalttätige Weise und lässt dich erst in den letzten Takten los, sicher, der Stille. Schlagzeug, zu denen die Saiten auch auf herkömmliche Weise hinzugefügt wurden, oder, erzeugen eine magnetische Harmonie mit dem Text, der sich im Inneren bewegte, als wäre dem schlimmsten Albtraum ein Soundtrack hinzugefügt worden.

Die Partitur meißelt jedes Gefühl der Charaktere millimetergenau aus. so viel, dass die minimale Dramatisierung der Sänger ausreicht, um die Handlungen zu beschreiben.

Die Verantwortlichen für solch einen aufschlussreichen Klang sind nichts anderes als die Makellosen Mahler Chamber Orchestra. Und zum Stab George Benjamin, wer radiographierte jede Maßnahme mit dem Wissen der Arbeit, die, Kurs, nur er hat.

Geschrieben auf der Haut

Die außergewöhnliche Teilnahme der Sänger, sowohl Gesang als auch Theater, Sie haben die Show abgerundet. Christopher Purves, der einen komplizierten und gequälten Beschützer spielte; Tim Mead, junger britischer Countertenor, der dafür verantwortlich war, den Jungen und den Engel mit großer Zartheit im Detail zu beleben; Victoria Simmonds und Robert Murray Sie vervollständigten mit akribischer Arbeit das Canoro-Gemälde, von dem sein Protagonist auffiel, die kanadische Sopranistin Barbara Hannigan, Für wen ist der Charakter von Agnés geschrieben und für wen, mit einer kraftvollen Dramatisierung, schuf eine Figur voller vokaler und theatralischer Nuancen.

Das Gefühl am Ende des Stücks bleibt, nachdem man den intelligentesten und verstörendsten Thriller gesehen hat. Ein angenehmes Vergnügen nach einem heftigen Schütteln.

Liebesverbot

Das Liebesverbot, eine Seltenheit in der Wagnerschen Katalog, Es ist eine perfekte Arbeit, die Ursprünge des Genies zu entdecken, Er reifte persönlich und musikalisch sehr unterschiedliche Weise, in der wir in dieser Arbeit vorgestellten.

sirbe auch einige Etiketten zu entfernen, die immer die Figur des deutschen Komponisten begleitet haben. dank, oft, verzerren die Arbeit eines seiner familiates. Hauptsächlich Cosima und Winifred.

Allein aus diesem Grund, die Entdeckung des Wagner-Keims, es lohnt sich, diese Oper zu hören, zu der die Wagner er bestand darauf, es einen Fehler der Jugend zu nennen.

mit nur 21 Jahre alt, Wagner ließ sich von der Arbeit von inspirieren William Shakespeare Maß für Maß, um eine Komposition zu schaffen, die seine Ablehnung des deutschen Puritanismus offenbarte und eine gewisse Sehnsucht nach Frivolität zeigte, Sex und Verspieltheit. Es macht auch eine klare Verteidigung der Lebensweisen Südeuropas gegen die Schwere Mitteleuropas. Nicht umsonst setzt er die Szene in Sizilien, statt wien.

Wenn jemand behauptet, in dieser Oper den späteren Wagner zu identifizieren, schon reif, er ist sehr falsch. Vielleicht liegt der Fehler bei der Annäherung an diese Arbeit in den Erwartungen. Der Wagner von "Das Liebesverbot" ist ein junger Mann, der von den Konventionen der Oper des Augenblicks beeinflusst ist. Nur wenige kurze Fragmente erinnern an das, was später ein sein könnte “Tannhäuser”.
Diese Arbeit ist rein französischer und italienischer Einfluss. Es ist nicht schwer an ihr zu erkennen Rossini die Donizetti. Es klingt aber auch nach deutscher Romantik.

Es ist sehr interessant, die Kombination von Einflüssen in einem Schöpfer zu hören, der seine eigene musikalische Persönlichkeit bildet.

Die Umstände seiner Zusammensetzung hatten auch Einfluss auf die Arbeit. In jenen Momenten war Wagner bereits der Größenwahnsinnige, der sich in seiner Reife ohne Komplexe aufdecken würde. Der Drang zum Erfolg, für den entscheidenden Start seiner Karriere, sie stürmten ihn, um das Stück im zu uraufführen Stadttheater de Magdeburgo die 29 März 1836. Das Ergebnis war katastrophal. Die Sänger kannten die Rolle nicht, sogar zwei von ihnen kämpften und an diesem Tag gab es keine Vertretung. Eine Arbeit im Chaos, die nicht mehr viele Möglichkeiten bot.

Produktion Ivor Bolton und der Inspizient, Kasper Holten, hat auf übermäßige Wiederholungen der Partitur verzichtet. Lassen Sie es in zweieinhalb Stunden und nicht in den ersten vier. Kasper hat sich auf den Comic-Aspekt konzentriert, fast Operette, aus dem Skript. Es befindet sich im roten Viertel von Palermo und baut einen Mehrzweckraum, der als Kloster und Bordell dient. Dies wird mit Elementen erreicht, die sowohl Treppen als auch kleinen Räumen gemeinsam sind. Videoprojektion und Beleuchtung Bruno Poet Sie beenden die Konfiguration der verschiedenen Umgebungen. Szenografie, im 19. Jahrhundert gesetzt, wird mit aktuellen Elementen abgeschlossen, weil die Charaktere über WhatsApp-Nachrichten interagieren, die auf die Seiten projiziert werden.

Wir nehmen an der Darstellung der zweiten Besetzung teil. Als Beschwerde dienen, dass es in diesem Theater bereits mehrere Opern gibt, während die zweite Besetzung weit von der ersten entfernt ist, mündlich gesprochen. Etwas Unverzeihliches, ja, auch, Der Preis der Sitze ist in allen Darstellungen gleich.

ja, eine mittelmäßige Sprachbox, in der er auffiel, für unglücklich, Peter Bronder, wer spielte Luzio. Wenn die Informationen im Handprogramm wahr sind, Seine berufliche Laufbahn ist sehr umfangreich und die Theater, die er besucht hat, sind wichtig, um dieses Ergebnis zu erzielen. Wenn ja, Ein pünktlicher Rückzug ist immer mehr wert. Irgendwann kamen wir zu dem Schluss, dass er ertrinkt.

Er hatte auch seine Probleme Leigh Melrose, Friedrich ausüben. Aber er wurde durch einen Moment der Inspiration gerettet.
Auch unregelmäßig Mikheil Sheshaberidze, als Claudio. Aber er gab seinem Charakter Rhythmus und Humor.

Die beiden Protagonistinnen, Sonja Gornik wie Isabella und María Miró, wie Mariana, Sie waren die Besten der Nacht. Es war auch nicht sehr schwierig, aber sie wussten mit Arien und Duetten guter Ausführung Schritt zu halten.
Der Rest der Besetzung glänzte auch nicht besonders. Sehr kleine Stimmen für eine Partitur, die Wege aufzeigt und einen großartigen Chor und ein großartiges Orchester hat. Schon einen Blick auf den Wagner werfen.

der Chor, dass etwas Ungehärtetes begann, Er erholte sich sofort und bot sein gewohnt gutes Niveau an.
Eine sehr interessante Arbeit zum Anhören, versuche dafür eine andere Kontextualisierung. Sie müssen Ihren Komponisten vergessen und genießen, trotz einiger routinemäßiger Momente, der verschiedenen Verstrickungen seiner Protagonisten.
Text: Paloma Sanz
Fotografie: Javier del Real
Videos: Teatro Real

DAS VERBOT DER LIEBE
Richard Wagner (1813-1883)
Das Liebesverbot oder Die Novize von Palermo Grosse Komische Oper en dos actos
Libretto vom Komponisten, basierend auf Komödie
Maß für Maß von William Shakespeare
Neue Produktion von Teatro Real, in Zusammenarbeit mit dem Royal Opera House in London und dem Teatro Colón in Buenos Aires
Teatro Real in Madrid, 1 März 2016
D. Musical: Ivor Bolton
D. Szene: Kasper Holten
Bühnen- und Kostümbildner: Steffen Aarfing
Choreograf: Zeichen Walker
Beleuchtung: Bruno Poet
Videodesign: Luke Halls
D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Leigh Melrose, Peter Bronder, Mikheil Sheshaberidze,
David Alegret, David Jerusalem, Sonja Gornik, María Miró,
Martin Winkler, Isaac Galan, Maria Hinojosa, Francisco cisco~~POS=HEADCOMP Vas

magic flute

Aufgeführt ist, dass die meisten kritischen Situationen von jeder Person extrahiert sein "Selbst" außergewöhnlichsten. Übertragen diese Theorie zu einem Genie wie Mozart und gemischt mit freimaurerischen Idealen, das Ergebnis ist eine der erhabensten Werke der Kunst der Musik. Ein Werk, das, weit von einer Geschichte für Kinder sein, durchsuchen Sie die tiefsten Träume Illustration.

mit Die Zauberflöte Mozart hob die Singspiel, die beliebtesten Musik, at its best. Veröffentlicht in 1791 in Theater auf der Wieden, zweites Theater der Stadt Wien, Zusammensetzung erwies sich als ein Meisterwerk sein. Libretto von Emanuel Schikaneder, Mozarts Freund und Mason, als er, und beeinflusst sowohl durch den Wind des Wandels aus Frankreich, sie erstellt ein Werk voller Dualitäten. Der Übergang zwischen Dunkelheit darstellt religiöse Vorstellungen, und das Licht der neuen Ideale der Aufklärung des achtzehnten Jahrhunderts.

Auf der Grundlage dieses allgemeinen Konzept, das die Zauberflöte repräsentiert, Barrie Kosky und Suzanne Andrade meisterhaft fängt die Essenz der Oper des deutschen Komponisten haben es geschafft,. So wie Mozart das Singspiel als die populärste und verständliche Form wird die Öffentlichkeit in den Vororten von Wien zu erreichen, Barrie Kosky verwendet auch andere beliebte und verständliche Verfahren wie Stummfilme. Die Theatergruppe 1927, auf die Zusammenarbeit mit den Tasten zur Filmgeschichte verwendet, Es war zunächst verantwortlich für diese Arbeit in Film Magie verwandeln. Eine perfekte Oper Umkodierung mit dem gleichen Schlüssel, der zu seiner Zusammensetzung und Mozart führte würde das Beste aus dieser Produktion genießen.

Es ist nicht leicht, das Publikum mit einer Oper oft zu überraschen vertreten, aber darin liegt der Erfolg dieser Version von Barrie Kosky. immer hält öffentliches Interesse.

Die Landschaft ist nicht vorhanden. Es wird von einem großen Bildschirm ersetzt, wo Animationen mit den Sängern Darstellern interagieren in einem perfekten Gang projiziert ging wirklich Stummfilme die Jahre evoziert 20. Rezitative, von denen, die in vielen Produktionen dieser Oper weggelassen, in diese werden durch die Projektion eines prägnanten Text ersetzt, die Sänger mimte auszuführen. Diese Texte legt Musik Klavier, die dazu dient, kontinuierliche, Fantasien in c-Moll und d-Moll von Mozart Interpretation selbst. Das Ergebnis kann nicht mehr verführerisch. Hervorragende Schärfe, die es geschafft hat, all diese komplexen Elemente zu integrieren und deren Ergebnis die anregendsten Einfachheit. Der Bildaufbau auf der Bühne erleichtert die Projektion der Stimmen für seine Nähe zu der Grube.

Die einzige Produktion, aber dies kann ihre überschüssige Rolle sein. Die Show ist so intensiv, dass es von den Stimmen oder Musik ablenken.

Die Box hat einen wichtigen Qualitäts Sänger, der Rest. Zwei leistungsstarke Angebote, in denen es bemerkenswert, dass 13 Spanisch von ihnen sind Sie. Und auch er sagte, Joan Mataboch, „Sie sind hier nicht von den Spaniern, aber durch außergewöhnliche Sänger ".

Die Besetzung glänzte zusammen, aber es gab auch sehr gute Individualisten. Debutant Echt Joel Prieto, als Tamino, Es war das herausragendste. Seine schöne Timbre, voller Glätte, eine elegante und glatte Gratlinie fügt, perfekte Diktion, bemerkenswerte Volumen und Geschmack in der Interpretation. Sobre todo en el aria “Dies Bildnis ist bezaubernd schön”.

Englisch Sophie Bevan, er diente als Pamina-Louise Brooks fließend. Es war weniger mehr und gab dem Publikum einen herzlichen „ACH, ich fühl´s”.

Ein weiteres Highlight des Abends war der Bariton Joan Martin-Royo, Papageno-spielt einen großen Comic-Buster Keaton, ohne jemals in Übertreibung zu fallen. Eine große und frische Stimme, mit perfekter Phrasierung, Erfolgreiche Absicht füllte er alle seine Interventionen.

Christof Fischesser, in seiner Doppelrolle von Sarastro und Lautsprechern, Er überrascht durch seine Timbre und tessitura. Eine umfangreiche runde Stimme, Erreichen einer konsistenten dunkel und ernst. Abyssal nicht die niedrigen tessitura einer anderen Zeit erreichen, aber es ist üblich und hören tiefe Bässe.

Mikeldi Atxalandabaso, als Monostatos-Nosferatu, Es war eine weitere angenehme Überraschung. Wäre eine brillante Interpretation mit Bildern meisterlich und Spaß der Interaktion. Mächtige Stimme und hell gedruckt akzentuierte Zeichen zu Zeichen.

Cadiz Ruth Rosique Er hat uns mit Honig auf den Lippen, als seine Rolle der Papagena nicht mehr geben. Ihre pert Interpretation war hoch und wir hoffen, bald hören auf eine größere Rolle.

Die Sopranistin Mazedonien Startseite Durlovs dass sie spielte eine böse Königin der Nacht große Spinne gekennzeichnet. Es war die applaudierte, wie es ist fast immer dieses Zeichen. Pyrotechnische zu interpretieren seine beiden Arien Qualitäten sind nicht zu leugnen. Besserer zweite als die ersten. Aber beide fehlten Emotion. Seine Höhen waren teuflisch agile.

Nun, die drei Damen, interpretiert von Elena Copons, Gemma Coma-Alabert und Nadine Weissmann. Beleben einige Damen voller Charisma und Sympathie stimmlich verfehlten den mächtigen Guss.

Wenn es ein „Zeichen“, die auf ihren Interpretationen immer eine Garantie ist, beide pastosen, Homogenität und Ausdruckskraft, das heißt, deutlich, die Coro del Teatro. einwandfrei.

Ivor Bolton aus der Grube war die ganze Nacht sehr inspiriert. Es hat eine besondere Sensibilität für diese Art von Repertoire. Seine Begeisterung verbreitete das Orchester leiten. Schwebende Sänger gerichtet sogar vocalizing ihre Texte. eine bemerkenswerte Präsenz von Trompeten bemerkt, der Geschmack der Arbeit und Regisseur, aber irgendwann werden sie verdunkeln die subtile Interpretation anderer Instrumente.

Kein Zweifel, diese magische Flöte hat, bisher, die Besten der Saison. Es hat sich auch erfolgreich Politik neues Publikum einladen Kinder und Jugendliche Studien gewesen. Energie anregend, die uns ins Theater bringt wie man geht zu einem Tempel.

Die Zauberflöte
(Die Zauberflöte)
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
Singspiel in zwei Akten
Libretto von Emanuel Schikaneder
Komische Oper Berlin Produktion
D. Musical: Ivor Bolton
Regisseuren: Suzanne Andrade, Barrie Kosky
Konzept: 1927 (Suzanne Andrade, Paul Barrit),Barrie Kosky
Szenografie und Figuration: Esther Bialas
Illuminator: Diego Leetz
D. Chor: Andrés Máspero
D. junge Sänger: Ana González
Besetzung: Christof Fischesser, Joel Prieto, Startseite Durlovs dass, Sophie Bevan, Joan Martin-Royo, Mikeldi Atxalandabaso,
Ruth Rosique, Elena Copons, Gemma Coma-Alabert,
Nadine Weissmann, Catalina Pelaez, Celia Martos,
Patricia Ginés, Airam Hernandez, David Sanchez,
Schlagzeilen Chor und Orchester des Teatro Real,
Kleine Sänger von ORCAM

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

Placido Domingo als Macbeth bei Les Arts in Valencia Palau

Die neue Saison des Palau de Les Arst Valencia, Es hat sechs erfolgreichen Aufführungen von Verdis Macbeth gestartet, gespielt von Placido Domingo, mit einer massiven Teilnahme der Öffentlichkeit, Nachweis der realen Sog dieser unbrennbar Sänger, in den letzten Jahren gewidmet Rollen Bariton.

Giuseppe Verdi hatte eine besondere Bewunderung für die Stücke von William Shakespeare, Anpassung in seiner Jugend die Macbeth, und in seiner hellen Seneszenz: Otello, und ein Kompendium aus The Merry Wives of Windsor und Henry IV, mit dem Titel Falstaff, das werden seine letzten beiden großen Opern.

Busettos Großmeister, hatte vor, andere Shakespeare-Dramen in die Welt der Oper zu bringen: der Tempest, Weiler oder König Lear, Projekte, die nie zustande kamen. Die Komposition von Macbeth war eine echte Herausforderung für Verdi, seit Mitte des 19. Jahrhunderts, Es war undenkbar, dass die übermäßige Leidenschaft für Macht und der Weg, sie um jeden Preis zu erreichen, erhöht wurden, sogar durch Verrat und Mord, im Gegensatz zu tragischen romantischen Geschichten, dass die italienische Öffentlichkeit zu dieser Zeit so sehr mochte. Die Premiere von Macbeth fand am Teatro Della Pergola in Florenz statt 14 März 1847, mit großem Erfolg für seinen Autor, der bis zu siebenunddreißig Mal auf die Bühne gehen musste, um die Öffentlichkeit zu begrüßen. Verdi hat diese Partitur für die Aufführung an der Pariser Oper umfassend überarbeitet, in 1865.

Die Hauptmodifikationen beinhalteten eine neue Arie für Lady Macbeth "Die Zunge luceIn Akt II, das Umschreiben einiger Passagen aus der Szene der spektralen Erscheinungen von Akt III, die Aufnahme eines Balletts in den gleichen Akt, ein neuer Anfang von Akt IV, mit dem Chor der Verbannten "Unterdrücktes LandUnd ein neues Ende, die eine strukturierte Musik in Form einer Fuge für die Schlacht enthalten, gefolgt von einem Triumphchor "Victoria! Victoria", Macbeths Tod auf der Bühne aus der ersten Version zu eliminieren "Schlecht für mich, dass ich mich anvertraut habe".

Macbeth verschwand nach den Pariser Aufführungen von praktisch von der Bühne 1865, mit sehr wenigen Darstellungen in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Die endgültige Erholung dieser Punktzahl erfolgte zu Beginn der Saison im Teatro alla Scala in Mailand 7 Dezember 1952 mit der außergewöhnlichen und einzigartigen Kreation von Lady Macbeth von María Callas, mit einem meisterhaften Konzert und musikalischer Leitung von Victor de Sabata. Diese Scaligera-Aufführung wurde live aufgenommen und ist seitdem eine authentische Referenz dieser Oper. Es sollte auch beachtet werden, die großen Beiträge aus den siebziger Jahren des letzten Jahrhunderts, von Regisseuren wie Riccardo Muti und dem verstorbenen Claudio Abbado, die uns sehr repräsentative Aufnahmen und Videobänder dieses attraktiven Verdi-Titels hinterlassen haben.

Die im Palau de les Arts vertretene Version ist die von 1865, ohne Akt III Ballett, und der abschließende Triumphchor der Oper "Victoria! Victoria", und Abrufen des Endes der Version von 1947, mit der Arie von Macbeth "Schlecht für mich, dass ich mich anvertraut habe".

Es ist wirklich schade, dass diese Produktion diesen brillanten Schlusschor und das Act III-Ballett nicht enthält., unter Berücksichtigung, dass der Palau de les Arts ein ausgezeichnetes Tanzkorps hat.

Diese Produktion wurde gemeinsam von der Rom Opernhaus und Salzburger Festspiele, wo seine Premiere in stattfand 2011, mit der Leitung des renommierten Registers Peter Stein.

In diesem valencianischen Ersatz hat er die Regie übernommen Carlo Bellamio, wer löst fachmännisch die Inszenierung der letzten Schlacht, wo die Teilnehmer authentische Schwerter benutzen, die beim Schlagen Funken erzeugen. auch, Es ist wirklich neu, die drei Hexen von Tänzern darzustellen, die handeln und so tun, als würden sie singen, Arbeit von Mitgliedern des als Bäume getarnten Frauenchors. Die vier Mörder von Banquo, Sie erscheinen auch als Tänzer verkleidet, und in diesem Fall, Es sind die Männerstimmen des Chores, die singen und sich unter großen schwarzen Mänteln verstecken. jedoch, Carlo Bellamio vernachlässigt es, die Bewegungen von Sängern und Chor auf der Bühne zu kontrollieren, vielfach, wirklich unberechenbar.

Die Landschaft Ferdinand Wögerhauer es ist um jeden Preis minimalistisch, mit sehr wenigen Objekten, untereinander, das Panel, das über die Bühne gleitet, mit einer Tür, durch die Lady Macbeth zu Beginn ihres Auftritts tritt, und wo Macbeth eindringt, um König Duncan zu ermorden, taucht in der Entwicklung der Schlafwandelszene von Lady Macbeth wieder auf. Markieren Sie das hervorragende Lichtdesign von Joachim Barth, mit Bühnenhintergründen in verschiedenen Farben projiziert, immer basierend auf der dramatischen Entwicklung der Aktion. und, diese zonale Beleuchtung, wenn es aus dem Boden kommt, ein großer Wasserkocher, in der Szene von Akt III Hexen. Sehr attraktives Kostümdesign von Anna María Heinreich, völlig ausreichend - sehr geschätzt- bis 11. Jahrhundert Schottland, , in dem die Handlung findet.

die Orchester von Valencia, zeigte erneut seine hervorragende Qualität, mit einer Adresse der Ungar Henrik Nánási, flexibel, kontrastiert, von großer dramatischer Kraft und gut abgestimmt, Erleichterung der Arbeit von Sängern. Das Orchester zeigte einen hellen und kompakten Klang. alle, wurde bereits in der Interpretation der ersten Ouvertüre offenbart, wo sich starke Klänge abwechseln, mit einer wiederkehrenden und schönen Orchestersequenz, wer wird in der Szene von Lady Macbeths Schlafwandeln aus Akt IV wieder auftauchen.

Markieren Sie die Leistung dieser brillanten Musik, in Marschform, als König Duncan und sein Gefolge erscheinen, in Akt I, oder jene musikalischen Momente voller Leichtigkeit und Farbe während des Banketts von Akt II, im Gegensatz zu den düsteren und eindringlichen Klängen der vorherigen Szene , in dem der Mord an Banquo stattfindet. Großartige Orchesterleistung bei den abschließenden Konzertbesuchern der ersten beiden Akte, in der musikalischen Einführung des Chores "Unterdrückte Heimat!", zu Beginn des Aktes IV, sowie die brillante Flucht in die letzte Schlacht. Innerhalb der großartigen Darstellung aller Mitglieder des Orchesters, Hervorzuheben sind die hervorragenden Solo-Interventionen von Cristina Montes zur Harfe, das englische Horn von Ana Rivero; und, insbesondere, der Oboe von Christopher Bowman, die Klarinette von John Mond Enrinc und die Flöte von Alvaro Octavio.

Außergewöhnliche Leistung von Chor der Generalitat Valenciana, sehr gut von seinem Besitzer gerichtet Francesc Perales, in seinen zahlreichen Interventionen während der Aufführung, mit diesem quietschenden und krankhaften Klang des Frauenchors in den Szenen, in denen die Hexen auftauchen, und besonders im Chor von Akt III "Dreimal miaut die rasselnde Katze". Bestandteile des Männerchors, Sie haben auch eine großartige Leistung in der Banquo-Mordszene, in Akt II singen “Wer verlangt von dir, dass du ni beitrittst?"Mit diesem dunklen und bedrohlichen Satz"Zittern, Banquo! In deiner Seite". Der Chor in vollem Umfang, hält brillante Reden bei Konzertdarstellern, stark hervorheben, die imposante Koralle "Ihre Wut ist gewaltig und bereitVon der Konzertantin, die Akt I abschließt. Von beeindruckender dramatischer Kraft war seine Interpretation von „Heim unterdrückt!Zu Beginn von Akt IV.

Die Bühnenauftritte von Placido Domingo, Sie werden zu echten Ereignissen, die eine große Menge der Öffentlichkeit bewegen, einem Künstler zuzuhören, der es geschafft hat, seine exzellente stimmliche und interpretative Qualität zu kombinieren, mit einer enormen Fähigkeit, sein Image durch die Medien zu verbessern und zu einem der großen Medienphänomene der letzten fünfzig Jahre zu werden. im Juni 2009 Ich hatte die Gelegenheit, ihm zuzuhören, genau in diesem Palau de les Arts, eine seiner letzten Tenorinterventionen, in seiner bemerkenswerten Wiedergabe des Siegmunds aus La Valkyrie, mit der Richtung von Zubin Metha, wo der Sänger schon achtundsechzig Jahre alt ist, zeigte eine angebliche Abnahme seines hohen Registers, bewahrt immer noch sein schönes Zentrum und seine große Interpretationsfähigkeit.

Im selben Jahr begann er eine zweite und erfolgreiche Karriere als Bariton.: Domingo singt Baritonrollen, mit Tenorstimme, und so sehr ich die Sendung abdunkeln möchte, hat keine baritonale Einstellung, was seine Interpretationen von Verdi-Rollen als Simón Boccanegra verzerrt, Rigoletto, Der Graf von Luna aus Il Trovatore, Giorgio Germont von La Traviata oder Francesco Foscari von I due Foscari. In diesen valencianischen Aufführungen wurde er in der Rolle des Macbeth gehört, seine neueste Verdi-Bariton-Kreation, mit ungleichmäßigen Ergebnissen angesichts der Schwierigkeiten dieses Charakters. Ya, fast fünfundsiebzig Jahre alt, Domingo fehlte Fiato, was ihm echte Probleme bereitete, lange Sätze zu verknüpfen, wie im Fall dieser umfangreichen Monologe "Kenne meine BrautWas er vor der Ermordung von König Duncan in Akt I ausführt. auch, eine Volumenverringerung war offensichtlich, das ließ ihn die stimmliche Präsenz in Duetten mit der mächtigen Lady Macbeth von verlieren Ekaterina Semenchuk, und machen ihn im Konzert praktisch unhörbar.

Seine Leistung hat sich in den letzten beiden Akten spürbar verbessert., bietet eine gute Aufführung der spektralen Auftritte von Akt III vor Ort, und singe die Arie "Mitleid, Respektiere die LiebeVon Akt III, obwohl weit entfernt von den Interpretationen der italienischen Baritonstimmen des großartigen Gesangs, als Renato Brusson, Piero Capuccilli oder Leo Nucci, die nordamerikanischen Sherrill Mines nicht zu zitieren, und besonders Leonard Warren, wer erlaubte, auch, Schließen Sie diese Arie mit einer monumentalen Schärfe ab. Domingo machte seine beste Intervention, Singen, eher rezitieren, die abschließende Arie der Oper "Schlecht für mich, aber ich habe anvertraut". Es ist notwendig darauf hinzuweisen, das trotz der Einschränkungen, die in seiner Darstellung von Macbeth angegeben sind, Domingo zeigt weiter - auf wundersame Weise zu seinen Jahren- eine große timbrale Schönheit, gepaart mit einer großartigen Bühnenperformance, am Ende der Aufführung laut applaudiert werden.

Ekaterina Semenchuk como Lady Macbeth, zeigte große Stimmkraft, zusammen mit einer bemerkenswerten Theateraufführung, was bereits in seinem Bühneneingang enthüllt wurde, der mit wahrem Stil rezitiert "Am Tag des Sieges traf ich sie"Mit einer exzellenten Interpretation der Rezitativ-Arie zum Singen führen"Ehrgeiziger Geist bist du, Macbetto……kommen! T'afretta!", mit authentischen verdianischen Akzenten gesungen und mit der Cabaletta abgeschlossen “Jetzt entstehen alle", gut im zentralen und hohen Register bewegen, obwohl es einige Inkonsistenzen im Bassbereich und einige Probleme in der Agilität der Cabaletta zeigt, das kommt auch wieder in dem wiederholten Toast eines markierten Belcanto-Charakters vor "Füllen Sie den Kelch", während der Bankettszene, die Akt II beendet. Der russische Mezzo hat die Arie gut interpretiert “Die Zunge luceZu Beginn des zweiten Aktes, obwohl mit Schwierigkeiten bei der Emission in die akute natürliche si im letzten Teil der Arie, und mangelnde Schärfe in der Formulierung, um das eigentliche Übel des Charakters zu zeigen. Bemerkenswert war seine Interpretation der großartigen Szene des Schlafwandelns, in Akt IV, seine Leistung erbärmliche Akzente geben, mit einer nuancierten Kantenlinie, obwohl hässlich den Aufstieg bis zur letzten Überhöhung abschneiden d. Heben Sie seine großartigen Leistungen im Duett mit Macbeth hervor, insbesondere der Abschluss von Akt III "Wo bin ich?"Fertig mit der lebendigen Stretta"Stunde des Todes und der Rache". Es lohnt sich, seine Interventionen in den Konzertanten hervorzuheben, wo seine Stimme mit Gewalt auftauchte, über Chor und Orchester, die in forte senden.

MacDuffs Tenorpapier, ist in dieser Oper zweitrangig, aber es hat eine Intervention von authentischer Brillanz in die Rezitativ-Arie “O meine Kinder…..Ah, die väterliche Hand”Eine der schönsten Seiten, die von Verdi komponiert und auf bemerkenswerte Weise interpretiert wurden, obwohl mit einigen Abstimmungsproblemen aufgrund Giorgio Berrugi, wer zeigt eine schöne Stimme, obwohl übermäßig lyrisch, für eine Figur, die einen lyrischen Tenor erfordert-geschoben, wie es beim großen Carlo Bergonzi der Fall ist, Wer hat uns eine außergewöhnliche und referenzielle Interpretation dieser Seite hinterlassen.

niedrig Alexander Vinogrador Richtig die Rolle des Banquo gesungen, zeigt eine Stimme von gewisser Rotundität, aber mit einer etwas raffinierten Gesangslinie, in seinem Duett mit Plácido Domingo, zu Beginn der Oper, Verbesserung seiner Leistung in der Arie "Studiere den Pass, oder mein Sohn….Wie es vom Himmel fälltDas geht seinem Mord in Akt II voraus. Nun, der Rest der Sekundärdolmetscher, Hervorhebung Federica Alfano, in ihrem kurzen Auftritt als Lady Macbeths Lady in der Schlafwandelszene.

Text: Diego Manunel Garcia Perez
Fotografie: Tato Baeza

Alcina am Teatro Real Madrid

Eine Barockoper ist immer ein Ereignis. zuerst, und im Fall von Alcina, für die hervorragende Qualität ihrer Musik. Und zweitens durch die wenigen Möglichkeiten müssen wir genießen.

Man kann sagen, dass Alcina das Endprodukt nach der schlechten Beziehung zweier Genies der Barockmusik war. Haendel als Komponist, der damals Dirigent an der Royal Academy of Music war (1720-1728), am Kings Theatre basiert, und Altus Senesino als Interpret der meisten seiner Kompositionen.

in 1734 Die Unterschiede zwischen den beiden werden akzentuiert und sie entscheiden sich zu trennen. Der Komponist verlässt das King's Theatre, in Covent Garden niederzulassen, und Senesino beginnt für einen neuen italienischen Komponisten zu arbeiten, Nicola Porpora, Gründung der neuen Kompanie "Opera of the Nobility" im King's Theatre (Adelsoper).

Diese neue Geschäftslage vermutete ein Opernduell zwischen den ehemaligen Mitarbeitern. Händel fühlte sich verpflichtet, ein Werk zu schaffen, das mit seinem damaligen Rivalen in London konkurrieren kann.. Und hier erscheint unser Protagonist, Alcina.

Der Geschmack für die extravaganteste Mythologie, die zum Zeitpunkt ihrer Komposition vorkam, Händel bemerkte ein anonymes Skript, basierend auf L´isola d´Alcina von Riccardo Broschi, basierend wiederum auf Cantos VI und VII des epischen Gedichts Orlando Furioso (1516) von Ludovico Ariosto. Eine Geschichte, in der die Zauberin Alcina ihre ehemaligen Liebhaber in Tiere oder Felsen verwandelt.

Alcina ist seit langem zu Unrecht dazu verurteilt, außerhalb des gewohnten Repertoires zu bleiben. Beschuldigt wegen "nicht darstellbar" und wegen angeblicher Schwierigkeiten bei der Dramatisierung eines teuflischen Librettos, bei dem die Wechselbeziehung der Charaktere den Betrachter fast zwingt, einen Who-is-Who-Leitfaden zu verwenden.

Diese Produktion der Bordeaux-Oper besteht aus verschiedenen Aspekten, die berücksichtigt werden müssen. die erste, und wichtiger, Händels außergewöhnliche Musik. Ein barockes Meisterwerk, das nach Julius Cäsar an zweiter Stelle steht. Dies ist der Hauptgrund, warum es nicht verstanden wird, dass die Öffentlichkeit das Theater nicht zu voll füllt oder, auch, Lass es in einer der beiden Pausen, aus denen es besteht. Aber vielleicht finden wir später die Erklärung für dieses dringende Bedürfnis nach Abendessen.

Der szenische Vorschlag von David Alden Es ist inspiriert vom Film von Woody Allen, Die lila Rose von Kairo. Unter der Idee des Theaters im Theater, Alden entdeckt den fantastischen Schlüssel zur Arbeit. Als zwei Seiten derselben Medaille präsentiert es den Traum und die Realität. Vielleicht singt Alcina deshalb ihre erste Arie hinter dem Vorhang.

Aus der Welt der Träume, der Fantasie. In diesem Moment beginnt die Geschichte. Ein dekadentes Theater und der Eingang zu den Kisten, sind die Hauptphasen des Stücks.

Trotz dieser genialen Ausgießung durch David Alden, Der szenische Vorschlag erreicht die Öffentlichkeit nicht. In einigen Fällen ist es übermäßig statisch, in anderen fehlt es an Rhythmus und Gleichgewicht. Es gibt Zeiten, in denen die Trennung zwischen Musik und Szene offensichtlich ist. Die leichte Beleuchtung von Simon Mills weiß, wie man kleine Details mit Licht füllt, Aber es verdunkelt Situationen, die mehr Helligkeit benötigen. Ein Codebuch fehlt, nicht nur um die Charaktere zu identifizieren, auch um die Bedeutung einiger Szenen zu kennen.

Der allgemeine Eindruck ist das, vielleicht, Das Royal Theatre ist für diese Produktion etwas groß. Aber wer wirklich groß ist, war einer der Bestandteile dieser zweiten Besetzung.

José María Moreno erweckt eine scharfe und freche Morgana zum Leben. Seine Hauptarien gekonnt aufführen und fast pyrotechnische Qualitäten in der „Geh zurück zum Wandern". Seine Höhen und Leichtigkeit erhellten seine einwandfreie Leistung.

Sofia Soloviy Es war ein sehr lösungsmittelhaltiges Alcina, vor allem in der Interpretation. Seine elegante Gesangslinie gab uns eine Alcina mit einem gewissen aristokratischen Aussehen.

Jose Maria Lo Monaco, als Ruggiero, es war nicht schön. ihre "Verdi prati"Der zweite Akt war voller Emotionen.

Der Rest der Besetzung hatte keine Nacht. EIN Angelique Noldus man konnte sie kaum hören und Johannes Weisser, wie Melisso, ließ die Zuschauer in einigen seiner Interventionen leiden. Das gleiche passierte Anthony Gregory und Franceca Lombardi Mazzulli. Manchmal schienen ihre Stimmen nicht aus ihrem Nacken zu kommen.

Ein großartiges Theater sollte das Leiden einiger Sänger auf der Bühne nicht zulassen. Auch nicht das einiger Zuschauer, die den gleichen Preis zahlen, um führende Persönlichkeiten zu hören.

Das Orchesterdirigieren von Cristopher Formen Es war ein Balsam. Demonstriert, wie ein Barockklang ohne Vintage-Instrumente erzielt werden kann. Er begleitete immer jedes Instrument des Orchesters und jeden Sänger auf der Bühne und lächelte immer. Wir müssen die Musiker hervorheben, die von der Bühne aus auftraten, Eva Jornet und Rote Melodie, Blockflöten. Victor Ardelean, Geige und ein Meister Simon Veis zum Cello.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

ALKINE
Georg Friedrich Händel
D. Musical: Christopher Moulds
D. Szene: David Alden
Bühnen- und Kostümbildner: Gideon Davey
Beleuchtung: Simon Mills
Choreograf: Beate Vollack
Besetzung: Sofia Soloviy, José María Moreno, Jose Maria Lo Monaco, Angelique Noldus, Johannes Weisser, Anthony Gregory, Francesca Lombardi Mazzulli.
Leiter des Royal Theatre Orchestra

RobertpDevereux

alte, Bald und zahnlos. So präsentiert er Isabel In aus England der Librettist Salvatore Cammarano in der Fiktion für die Oper von Donizetti. Eine starke Frau, überwinden, indem sie seine groteske Hinfälligkeit, obwohl seine Untertanen war immer die Verkörperung der Tugend.

Die Saison begann am Teatro Real mit Roberto Devereux. Einer der Opern der Tudor-Trilogie von Gaetano Donizetti stürzte in den Abgrund nach dem Verlust seiner ganzen Familie. Ein Abgrund sieht auch aus wie die dunkle Landschaft, die der Australier geschaffen hat Alessandro Talevi. Einfach und ohne von Musik und Szenen abzulenken, etwas, das immer geschätzt wird, aber seine permanente und fast vollständige Dunkelheit belastet die gesamte Darstellung.

Die strengen Figuren von Madeleine Boyd, Niggas wie ist die Bühne, sie erlaubten sich nur, mit einem kräftigen Rot zu schmücken Elisabetta. Beleuchtung, dass alles dunkler wird, hat Blitze von Eleganz und Ruhe für die Augen. Alles, um die Erstickung zu reflektieren, die am englischen Hof des 17. Jahrhunderts eingeatmet wurde.

Joan Matabosch kommentierte auf einer Pressekonferenz, dass Roberto Devereux geplant worden war, als die richtigen Stimmen erhalten worden waren. Und sicherlich sind die Stimmen der wahre Schatz dieser Produktion, die aus dem Cardiff Opera. Bei einer anderen Gelegenheit werden wir die Diskussion über die Bequemlichkeit der Premiere einer Staffel mit einem Theaterstück zur Miete in einem Theater wie dem Real verlassen.

Es ist nicht leicht, sich einer Figur wie Elizabeth I. in einem der Werke der zu stellen Tudor-Trilogie. Aber es ist zweifellos die Elisabetta von Roberto Devereux, die die größten Schwierigkeiten hat. Eine Sopranistin ist mit Leichtigkeit für dramatische Beweglichkeit und gute Unterstützung für die unteren Noten erforderlich.
ein Geschoben agil und zart nicht leicht zu finden. Maria Callas, ohne weiter zu gehen, konfrontiert Anna Bolena, Geben Sie uns einige der besten Charakterisierungen des Charakters, aber er hat nie konfrontiert oder Maria Stuarda ni ein Roberto Devereux.
Der große Joan Sutherland Sie spielte María Stuarda bei zahlreichen Gelegenheiten und bei einigen Gelegenheiten Anna Bolena, schon sehr spät in seiner Karriere, aber sie wagte es nie mit der Rolle der Elisabetta von Roberto Devereux. Weiter von seinen mündlichen Möglichkeiten, dramatischer als lyrisch zu sein.

Möglicherweise sein Mariella Devia einer der besten Sopranistinnen, die sich derzeit mit dieser komplizierten Rolle befassen. Beherrsche alle Terrains des Charakters. Von intensivem Drama, ohne Donizettis ausgeprägten Belcantismus aufzugeben. Es fehlte etwas mehr Unterstützung im Bass, diejenigen, die die dramatischsten Momente des Charakters begleiten, Ich weiß nicht, ob es an Tessitura oder Reife liegt.

Sie selbst gestand, dass sie noch nie einen älteren Charakter gespielt hatte. La Devia, ihre 67 Jahre alt, kann mit einem über dem Orchester bleiben Pianisimo. Die Lautstärke seiner Stimme ist außergewöhnlich. Wenn ich jung bin, möchte ich so sein wie jetzt Mariella Devia. seine "Ah komm zurück was ich hoffe", zusammen mit dem dramatischen Ende, waren die Momente von größter Intensität.

Wenn Isabel, war ich mit der großen Mariella Devia gut vertreten, Nicht weniger wichtig war die Interpretation von Gregory Kunde, verantwortlich für die Rolle von Roberto Devereux. Es beginnt mit „Königliche Frau!" mit einer kraftvollen und emaillierten Stimme, markierte die Linie seiner Leistung, voller Eleganz und begleitet von seiner imposanten Bühnenpräsenz. Die heroischen Nuancen, die er auf seine Figuren druckt, befinden sich immer in der Belcanto-Linie, die so schön dominiert.

Marco Caria hat zu keiner Zeit der außergewöhnlichen Besetzung zusammengestoßen. Sein Herzog von Nottingham war groß. Obwohl wir die ursprünglich geplante Überschrift gerne gehört hätten, Alessandro Luongo.

Ein weiterer großer Gewinner der Nacht war der Valencianer Silvia Tro Santafe. Die Kantenlinie ist äußerst raffiniert. Wie seine exquisite Phrasierung und diese dicht gedrängten Höhen, die in einem Alt so bewegend und ungewöhnlich sind. Sein dröhnender Bass, sein schönes Timbre und eine mächtige Stimme waren in seinen Interventionen offensichtlich. Besonders hervorgehoben wurde das Duett mit Roberto aus dem zweiten Akt, und "All'ambrascia ond'io mi militgo", Duett mit ihrem Mann, Herzog von Nottingham, im dritten Akt. Wir hoffen, es bald wieder in Madrid zu hören.

der Chor Intermezzo, dieser Charakter, der alle Werke im Royal Theatre verschönert, war in seiner Linie der üblichen Delikatesse. Protagonist in einigen Momenten der Szene mit der größten dramatischen Belastung.

der Lehrer Bruno Campanella erweist sich als einer der größten Experten für Belcanto, der die musikalische Leitung beherrscht. Seine tiefe Kenntnis der Partitur und des Charakters der Arbeit ermöglichte es ihm, in der Ouvertüre emotional zu sein, vor allem die Bars der England-Hymne, und mit Agilität, Schwung und Drama angemessen verteilt. In einigen Momenten fehlte nur wenig Wut.

Ein guter Saisonstart. Die erste komplett von Joan Mataboch gemacht. Wir freuen uns. Das ist nur der Anfang.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

Roberto Devereux
Das heißt, der Earl of Essex
Gaetano Donizetti (1797-1884)
Lyric Tragödie in drei Akten
Libreto de Salvatore Cammarano, basierend auf der Tragödie Elisabeth d´Angleterre von Jacques-Fraçois Ancelot.
Produktion der Cardiff Welsh National Opera, 2013
D. Musical: Bruno Campanella
D. Szene: Alessandro Talevi
Szenografie und Kostüme: Madeleine Boyd
Beleuchtung: Matthew Haskins
D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Mariella Devia, Gregory Kunde, Silvia Tro Santafe, Marco Caria, Juan Antonio Sanabria, Andrea Mastroni, Sebastian Covarrubias,Koba Sardalashvili.
Titukares Orchester und Chor des Royal Theatre
Teatro Real, Madrid 25 September 2015

Otello

Denkwürdige Darstellung von Otello Was fand am Tag statt? 1 August, in dieser Ausgabe von Festival Peralada Castle. Eine ungewisse Meteorologie, besänftigt ständig den Himmel in der Gegenwart aussehen Wolken-Tat, die Nacht hatte vor einem schweren Sturm entladen- das könnte bedeuten Regen mit der daraus folgenden Aussetzung der Darstellung. zum Glück, Er konnte dies wirklich großartige Musik und Theater Otello Ebene gesehen werden. In dieser neuen Koproduktions, im Auftrag der Peralada und Macerata Festivals, der Murcian Paco Azorín, als Regisseur, dreht die ganze Action um den bösen und manipulativen Yago, meisterhaft durchgeführt von Carlos Alvarez, deren absolute Beherrschung der Bühne zeigt sich bereits in den Prolegomena der Aufführung, Bewegen wie ein wahrer "Zeremonienmeister", aufmerksam auf alle Details, auch, den Leiter der Lichttechnik auffordern, das große Label der Show „Otello de Giuseppe Verdi", von „Yago de William Schakelespeare".

Azorín zeigt seine Vorliebe für den englischen Dramatiker, beim Einsetzen, sehr treffend im Kontext der Aktion, seine schönen Sonette 43 und 138, deren auf den Bühnenvorhang projizierte Texte die Akte II und IV einführen. Die von Paco Azorin entworfene Szenografie, Ergebnisse von absoluter Einfachheit, bestehend aus zwei großen massiven Blöcken, die unterschiedliche Positionen einnehmen und, zeitweise, eine steile zentrale Treppe montieren. Die Blöcke haben Rampen, mit denen sich die Charaktere in verschiedenen dramatischen Ebenen positionieren können. Die szenischen Effekte werden durch verschiedene Projektionen von ergänzt Pablo Chamizo: ein stürmisches Meer zu Beginn der Oper, und an dessen Ende dieses schöne Meer in völliger Ruhe gezeigt wird, als Hintergrund der trägen und ineinander verschlungenen Körper von Otello und Desdemona bereits für alle Ewigkeit vereint.

auch, dieser Weidenbaum, der Desdemonas Lied setzt, das verliert seine Blätter, in einen unheimlichen Wald verwandeln, während die Szene ihrem tragischen Ende entgegen treibt, oder dieser höllische rötliche Hintergrund in der Entwicklung des intensiven und dramatischen Duos von Otello und Yago, am Ende von Akt II. und, wenn Iago den Dämon der Eifersucht in Otello einführt, Die Silhouetten von Desdemona und Cassio, die sich unterhalten, sind in Schatten projiziert zu sehen, Das von Iago manipulierte Bild lässt Otello an ihre Liebesbeziehung glauben. Das attraktive Lichtdesign von Albert Faura, Schließen Sie diese erfolgreiche Inszenierung ab. Die Kostüme entworfen von Ana Garay Es ist zeitlos und schwarz in der Kleidung aller Charaktere, im Gegensatz zu dem makellosen Weiß, das die naive und unschuldige Desdemona immer trägt.

In Yagos Fall, und sein Doppelspiel während des Spiels festzuhalten, wir können ihn mit einer Lederjacke sehen, typisch für einen badass biker, der seine offizielle Uniform anzieht, wenn er in Gegenwart von Otello ist.

Bemerkenswerte Leistung des Liceu Orchesters, mit einer detaillierten Adresse von Riccardo Frizza, Unterscheidung von Soundebenen, versuchen, zu Beginn der Oper Spannungen aufzubauen und die Momente der größten Klangwirkung zu konjugieren, mit anderen von intensiver Lyrik, als die Musik, die das Duo von Otello und Desdemona am Ende von Akt I vorstellt und begleitet, oder das schöne musikalische Thema zu den Worten von Desdemona „Dammi la dolce, glückliches Wort der Vergebung ", das taucht im Laufe des Quartetts Otello-Desdemona und Yago-Emilia wieder auf (Beide Paare befinden sich in verschiedenen dramatischen Ebenen) des Aktes II. Die starke symphonische Orchestereinführung von Akt III wurde gut ausgeführt.. Gute Wiedergabe der verschiedenen Orchesterabschnitte, obwohl mit einigen Metallen, zeitweise, un so Außenseiter.

Gregory Kunde ist in den letzten Jahren eine Referenz Otello geworden, im Gefolge anderer großer Interpreten dieses Charakters: Francesco Merli, Ramon Vinay, Mario del Monaco, das vor kurzem verschwunden John Vickers und Placido Domingo. Für seine sorgfältige Formulierung und den totalen Respekt für alle Notizen von Verdi, Kundens Otello weist Ähnlichkeiten mit dem von auf Vickers, obwohl ohne das seriöse Register des großen kanadischen Tenors zu besitzen.

außerdem, Es ist wirklich ungewöhnlich, dass Gregory Kunde in wenigen Tagen das Otello Rossinian im Teatro alla Scala singen kann, dessen letzte Aufführung fand statt 24 Juli, und der Verdian Otello in Peralada, die 1 August. Sein heldenhaftes "Esultate" zu Beginn der Oper ist bereits beeindruckend, im Gegensatz zu der Lyrik, die in seiner Interpretation des intensiven Duetts mit Desdemona "Già nella notte densa" angeboten wird, mit dem Akt I endet. Ya, in Akt II, seine großartige Interpretation von „Tu? Zurück! Fliehen….Auf Wiedersehen jetzt und für immer ", zusammen mit dem dramatischen Duett mit Yago „Oh! Ungeheuerliche Schuld…… ja, pel ciel marmoreo giuro “voller heroischer Akzente. Seine außergewöhnliche und nuancierte Aufführung von „Dio! Du hättest mich werfen können ", in Akt III, wo eine einwandfreie Phrasierung leuchtet, seine Fähigkeit, Legato zu singen, die halben Stimmen und einige leichte und runde Höhen. Es dosiert seinen Schallfluss, um am Ende der Oper unter optimalen Bedingungen anzukommen und mit erbärmlichen und schockierenden Akzenten "Niun mi tema" zu singen.. Zusammen mit seiner ausgezeichneten Stimme, Gregory Kunde gibt eine großartige Theateraufführung.

Carlos Alvarez komponiert einen außergewöhnlichen Yago, kombiniert seine großartige Stimme mit einer außergewöhnlichen Theateraufführung. Es ist ein Charakter, den der große Bariton von Malaga perfekt beherrscht, und dass ich das Glück hatte, ihn zu hören, als er es zum ersten Mal sang, mit großem Erfolg, im schon fernen Herbst von 2002, im Teatro de la Maestranza in Sevilla, mit musikalischer Richtung Platzhalterbild von Jesus Lopez Cobos.

In dieser Darstellung von Peralada, Carlos Alvarez dominiert die Szene von Anfang an, Verschwendung seiner bösen Verschwörung, die am Ende von Akt III endet, seinen Fuß auf einen verblassten Otello setzen, mit der despectiva Phrase "Hier ist der Löwe". Ya, während der Entwicklung von Akt I., eminent Koralle, Alvarez glänzt theatralisch in seinen Duetten mit Roderigo und Casio. In Akt II, spielt die Rezitativ-Arie „Vanne! Dein Ziel……Credo en un Dio Crudel “, wo er all seinen Nihilismus und sein Böses zeigt, mit einer Phrasierung voller Intentionalität und Betonung, vor allem am Ende der Arie "E poi? Der Tod ist nichts. Der Himmel ist eine alte Geschichte ". Seine sibyllinische Interpretation von „Era la notte, Cassio schlief ", durchsetzt in seinem langen Duett mit Otello, meisterhaft abgeschlossen, als Alvarez und Kunde ihre Stimmen zusammenstellten: „Ja, für den Marmorhimmel schwöre ich ". In Akt III sein manipulatives Duo mit Cassio „Vieni, das Klassenzimmer ist verlassen ", mit der Anwesenheit eines verrückten Otello in einer anderen dramatischen Ebene. Die Überfälle von Eva-Maria Westbroek in verschiedenen Repertoires: wagneriano, blutig, Puccini, Verde, von Janacek, o Lady Macbeth de Shostakovich, Sie fordern ihren Tribut; und, Seine kraftvollen Stimmmedien werden von einem scheinbaren Vibrato zusammen mit einem gewissen Verlust an Homogenität in der Emission beeinflusst. Dies zeigt sich in seiner Interpretation von Desdemona, besonders in den Momenten der feinsten Lyrik, wie das große Duett mit Otello aus Akt I., oder in ihren Interventionen während Akt II: dúo mit Otello "D’un uom che moan" Anhänger des cuarteto "Wenn bewusstlos gegen dich, Bräutigam, Ich habe gesündigt ".

Die niederländische Sopranistin zeigt ihre beste Leistung in Akt III, in Momenten des größten dramatischen Schubes: dúo mit Otello „Gott, du spielst, oder Bräutigam…..Fest fest "y, vor allem, in „A terra! und, nel livido mud “mit erbärmlichen Akzenten vor der Verachtung und Demütigung, der Otello ausgesetzt ist. Und in Akt IV, Bessere Kontrolle über die Sendung durch eine gute Aufführung in "Piangea cantando nell'erma landa" (Weidenlied), gefolgt von "Ave Maria", voller Gnade ". Scheint zu sein, que Eva-Maria Westbroek, Er war nicht in der vollen Stimmkapazität und dies wurde bereits in Otellos Generalprobe deutlich. Ich erinnere mich an deine großartige Sieglinde (eine seiner großartigen Kreationen) von La Walkiria, in 2009, neben dem Siegmund von Placido Domingo, im valencianischen Palau de les Arts, das war sein Debüt in Spanien. und, vor allem, seine außergewöhnliche Kreation von Lady Macbeth aus Schostakowitsch am Teatro Real in Madrid, in 2011, wo ich die Gelegenheit hatte, sie zu interviewen, in einem sehr angenehmen und entspannten Gespräch auf Spanisch geführt, wo er seine große Bewunderung für zeigte Renata Tebaldi. Hören Sie sich eine Videoaufnahme von La Forza del Destino an, in 2008, vom Brüsseler Münztheater, Sie können seine großartige Kreation von Leonora nach dem Vorbild von Tebaldi sehen, und durchaus passend zum sogenannten "Verdian-Lied". jedoch, Die sieben Jahre, die vergangen sind, sind nicht umsonst vergangen.

Bericht auch, in diesem Otello, bemerkenswerte Leistung als Cassio des Tenors Francisco cisco~~POS=HEADCOMP Vas, sowie Mireia Pinto in der Rolle von Emilia und Stephen Vincent als Roderigo. Gute Leistung des Liceu-Chores, gut geführt von Conchita Garcia, mit seiner großen Rolle in Akt I., oder die großartige Konzertantin von Akt III. schließlich, weise auf gutes Schauspiel hin - genau wie Schauspieler- von Iagos sechs Schergen.

Text: Diego Manuel Garcia Perez-Espejo
Bilder: Miquel González / Schießen

Placido Domingo

Er hatte das Teatro Real geplant, um die Saison mit seiner nunmehr traditionellen Oper mit zu beenden Placido Domingo. Es ging um Gianni Shicchi, de Giacomo Puccini, das zusammen mit Goyescas, Lehrer Granados, sie zusammen das Plakat für dieses Ende des Jahres bilden. Die schmerzhaften Tod von Schwester Sonntag, und Humor, mit dem Puccinis Werk bezieht sich auf den Tod, Sie haben sich auf die jetzt Bariton führte seine Beteiligung an diesen Arbeiten zu suspendieren. An seiner Stelle, und wie nur die größten tun, Domingo bot in der Pause beider Werke ein kleines Konzert an.
Das Endergebnis ist ein abwechslungsreiches Opernprogramm, schwer zu heiraten, wo die Bekanntheit und der Erfolg an einem anomalen Abend Plácido Domingo gehörten, Es ist nicht häufig, ein solches Programm zu finden.

Der Abend begann mit Goyescas. Granados 'Arbeit wurde sehr gut von a geleitet Guillermo García Calvo wer wusste, wie man eine andere Arbeit perfekt abgrenzt. Rückwärts komponiert, wie der Regisseur selbst sagt, da Musik zuerst war und die Texte darüber geschrieben wurden.

Die Halbinszenierung, Arm von der Dunkelheit der Bühne, die seelenlos wirkte, trug zu der Langeweile bei, in die die Arbeit von den ersten Takten fiel. Die Einstellung der Sänger auf der Bühne, außer Ana Ibarra, es half nicht zu viel Ausdruckskraft. Nur die Musik war sicher.

die Sopranistin Maria Bayo, das hatten wir schon lange nicht mehr im Real gehört, schickte den Charakter mit Geschick und Genauigkeit. Andeka Gorrotxategi und César San Martín wurden oft hinter dem Chor und Orchester versteckt. Besonders der erste.

Nach Goyescas kam Er, Placido Domingo. Vorangegangen sind große Ovationen, sobald ich die Bühne betrete, bot einen kurzen Erwägungsgrund an. "Feind des Vaterlandes", von Andrea Chénier aus Giordano; "Mitleid, Respekt, Liebe"Von Verdis Macbeth und"Madamigella Valery", von La traviata mit einem außergewöhnlichen Maite Alberola. Das Konzert wurde mit „Sei eine der Töchter", von La Cenerentola von Rossini von Brunó Praticó, deren gebrochene Stimme passte gut zum Charakter. und Luis Cansino wer interpretierte "L´OnoreVon Falstaff mit einer Anmut, die ein bereits engagiertes Publikum mochte. Die mittlerweile traditionellen jährlichen Auftritte von Domingo im Teatro Real, ihre emotionale Belastung nimmt immer mehr zu. Es ist nicht überraschend, dass der Lehrer diesen "kleinen" Auftritt auf der Bühne haben wollte.. Die Energie und Zuneigung Ihres Publikums, so notwendig in jenen Tagen, es hat sich gelohnt.

Das letzte Gericht der Nacht war Gianni Schicchi Giacomo Puccini. Die Landschaft entworfen von Woody Allen es war sehr bunt. Eine bunte Wohnung, typischer für Süditalien als für Venedig, wo es stattfindet, aber es fehlte kein einziges Detail. Sehr filmisch, wie es nicht anders sein könnte,. Es begann sogar mit einer großen Leinwand, auf der die Kredit-Titel erschienen. Die kraftvolle Musik von Puccini, Lesen Sie wie niemand aus dem Wassergraben vorbei Giuliano Carella, schuf eine Atmosphäre eines italienischen Films der Jahre 50.

Das Gemälde von Sängern, sehr zahlreich in dieser Arbeit, Sie entwickelten sich mit Leichtigkeit und Komik durch die geschäftige und überfüllte Bühne. Das Papier von Nicola Alaimo es war nicht einfach. Es soll Plácido Domingo in der Rolle des Schicchi nicht ersetzen, aber er löste es mit Erfolg und kraftvoller Stimme. Obwohl sie auf der Bühne jünger aussieht als ihre eigene Tochter.

Der Rest der Charaktere, Maite Alberola, eine schelmische und erfrischende Lauretta, Elena Zilio, Albert Casals, Vicente Ombuena, Bruno Praticò, Eliana Bayón, Luis Cansino, Maria Jose Suarez, Francisco Santiago, Tomeu Bibiloni, Valeriano Boote, Federico de Michelis, Francisco Crespo, Darius Baron und die Toten, Gabi Nicolas, Sie haben die Comicfigur meisterhaft auf das Werk gedruckt. Eine sehr erfolgreiche Theatralisierung und Regie der Schauspieler. Alles perfekt durcheinander in dieser rein neapolitanischen Bühne, die ein Publikum begeisterte, das die Nacht gelangweilt begann, er setzte es mit Emotionen fort und beendete es mit einer auffälligen Unterhaltung. Wer gibt mehr?

Fidelio am Teatro Real

von 1981 Ich habe nicht gerichtet Fidelio und als ich fertig war, sagte ich, ich würde es nicht wieder tun”. Diese Worte von Hartmut Haenchen, Direktor Musical de Fidelio 34 Jahre nach, beschreiben perfekt den Charakter und die Schwierigkeit dieser Arbeit.

Die einzige Oper von Beethoven, von denen er schrieb drei verschiedenen Versionen und bis zu vier Ouvertüren, Es verfügt über zwei sehr unterschiedliche Charaktere oder Seelen, die beeinflusst werden, jeder von ihnen, die Opern Tendenzen des Augenblicks.

Der erste Teil ist deutlich beeinflusst von Singspiel du kommst. Kleine bürgerliche Komödie von Missverständnissen. Es war das beliebteste Genre in Wien, das Mozart mit Werken wie der Zauberflöte oder der Entrückung aus dem Serail würdigte.
Die zweite Quelle stammt von denen, die als "Teile retten". Genre, das am Ende der Französischen Revolution in Frankreich sehr verwurzelt war und immer die gleiche Struktur hatte: Jemand ist aus ungerechtfertigten Gründen im Gefängnis und wird freigelassen, durch eine Heldentat, Wiederherstellung von Gerechtigkeit und Ordnung.

Beethoven baut mit diesen beiden Inspirationsquellen ein Werk auf, das als Singspiel, leicht und lustig, und nach und nach driftet es in Richtung der großen romantischen Explosion, die ist. Die Anekdote verschwindet und weicht dem Heldendrama.

34 Jahre hat der Musikdirektor Hartmut Haenchen gebraucht, um sich wieder dieser Arbeit der Beethovenschen Technik zu stellen. Die Ouvertüre hören, man könnte denken, ich hätte vielleicht etwas länger warten sollen.

Aber Zweifel verschwinden, wenn man sich das Zwischenspiel für den Szenenwechsel vor dem letzten Akt anhört, wo die Lautstärke der Musik höher war als der Rest der Darstellung, auch die Intensität und die Interpretationskraft, etwas, das bis zu diesem Moment fehlt. Haenchen änderte die Tradition bis zu dem Moment, in dem die Ouvertüre Leonore Nr. 3, die letzten Sätze der 5. Symphonie zu interpretieren. Meister Haenchen kannte die Arbeit perfekt.

Seine Arbeit mit den Fidelio-Manuskripten hat es ermöglicht, zahlreiche Druckfehler zu lokalisieren, die der Verlag Alkor Edition Kassel GmbH durch einen Nachtrag korrigieren wird..

Die Landschaft Pier´Alli, sehr klassisch und bereits im Palau de les Arts Reina Sofía vertreten, hat seine Besonderheiten. Das Video, zunehmend in Opernproduktionen als Werkzeug präsent, das Bühnenbildnern große Erleichterung verschafft, Erhalten Sie bemerkenswerte Effekte in diesem Fidelio. Eine simulierte Kamera führt uns in die Kerker der Festung, in der Florestan festgehalten wird. Pier´Alli hat eine Szenografie voller mehrdeutiger und verstörender Elemente geschaffen. Von den ersten Szenen an hat er Folterinstrumente eingeführt, die Teil der täglichen Szenen der Charaktere sind, Schaffung einer natürlichen Koexistenz mit Fohlen, Guillotinen oder Stiefel.

Mit diesen Elementen wäre es mehr als interessant gewesen, den Vorschlag für die ursprünglich angekündigte Szenografie von La Fura Dels Baus zu sehen.

Beleuchtung ist in einigen Szenen fast ein Charakter. Das Licht, zu denen die Gefangenen, die die Festung bewohnen, frei zurückkehren, und das Fehlen desselben Lichts beschreibt die Situation des inhaftierten Helden.

Beethoven, wer zog es vor, seine Bemühungen in den instrumentalen Teil anstelle des Vokals zu gießen, bietet herausfordernde Partituren für Sänger und Chor. Die Musik ist kraftvoll und Stimmen von fast wagnerischer Haltung werden benötigt, um die Rollen anzugehen.

Bei seinem Protagonisten war dies nicht der Fall. Die kanadische Sopranistin Adrianne Pieczonka, schüchtern begann seine Intervention. Mit wenig Kraft und sehr fair von Atem wenn es um Fidelio ging. Viel besser als Leonore, bekam Momente von großer Lyrik und Drama.

Anett Fritsch Es war eine Marcelline mit Funken und Leben. Mit genügend Volumen und guten Höhen schien es zeitweise mit Leonore zu konkurrieren. Es machte ein gutes und ausgeglichenes Paar mit Ed Lyon, angewandter Tenor, der einen sympathischen Jaquino spielte.

Der deutsch-kanadische Michael König, von denen wir seine künstlerische Entwicklung kennen (Für fünf fehlt keine Saison), es hat nicht unter seinen Qualitäten die Eleganz in der Randlinie, aber er singt nicht schlecht, macht keine ernsthaften Fehler und gibt alle Notizen, ohne a zu hinterlassen. Angesichts der Schwierigkeiten des Charakters, das ist schon viel.

Franz-Josef Selig. Nach seiner unvergesslichen Marke aus der letzten Saison, hat einen liebenswerten Rocco komponiert. Dichte Stimme und warmes und düsteres Timbre, wurde von einer guten Bühne und schauspielerischer Präsenz begleitet.

Alan gehaltene
hat niemanden bewegt. Er ist mehr Bariton als Bass und sein Pizarro war nicht mehr als sauber.

die Chor, wie immer, groß!. Einige bewegende Gefangene, die am Ende des Stücks in Lautstärke und Emotionen explodierten. Die beiden Solisten sind sehr bemerkenswert, Enrique Lacárcel und Carlos Garcia-Ruiz, mit einer stimmlichen Qualität, die ein Protagonist manchmal will.

Ein mäßiger Erfolg für diesen Fidelio. Noch eine Nacht, um eine Saison zu verlängern, in der die Gefahr besteht, eine Routine-Ära zu beginnen. Glücklicherweise wird mein Wissen über Luxusautos durch die überraschenden und magischen Auftritte in der Lobby des Theater der Maschinen vervollständigt, die ebenso imposant wie unerreichbar sind. Du musst eine Kiste machen.

FIDELIO
Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Oper in zwei Akten
Teatro Real, 5 Juni 2015
Libreto de Joseph von Sonnleithner, revisado por Stephan von Breuning y Georg Friedrich Treitschke, basierend auf dem Libretto von Léonore, oder eheliche Liebe (1798) von Jean-Nicolas Bouilly.
D. Musical: Hartmut Haenchen
D. Szene: Pier´Alli
Choreograf: Simona Chiesa
D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Michael König, Adrianne Pieczonka, Franz-Josef Selig, Anett Fritsch, Ed Lyon, Goran Juric, Alan gehaltene,
Enrique Lacárcel, Carlos Garcia-Ruiz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

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Das Così fan tutte al Gymnasium, was sie sagen, ist kein mozartischen Theater. Da wir wissen sehr gut, was ist oder nicht sein mozartiano, im Fall eines Theaters, wir sind mit dem Zweifel gelassen. Wer kennt sie nicht sehr mozartischen scheint ist der Regisseur dieser Produktion, Damiano Michieletto. Dieser junge Venetian beginnt für die Durchführung diskreter Extravaganzen bekannt sein. Einige erfolgreicher als andere. Und das ist es nicht Così fan tutte, das kommt aus La Fenice, eine seiner berühmtesten Produktionen.

Die von Michieletto entworfene Szenografie trivialisiert die Handlung von Brücke. Basierend auf nichts weniger als Arbeiten von Bocaccio, Shakespeare und Cervantes. Dies ist keine Oper buffa, aber von a dramma giocoso. Oder so gut definiert René Leibowitz, eine "Tragödie in Form eines Spiels". Aber der Bühnenmanager hat diesmal ein zu einfaches Spiel erstellt. Er hat den intelligenten Vorschlag des Komponisten nicht gesehen, so auf das Spiel und Spaß gegeben. Er hat das Grundstück in einem heruntergekommenen Hotel in 5 Sterne, von denen Sie verfolgt haben, diesmal mit großem Erfolg, dieses trübe und entmutigende Licht, das Sie immer einlädt, den Raum zu verlassen.

Es gelingt auch nicht, kleine parallele Handlungen auf die Bühne zu bringen, die nur von der Haupthandlung und von der Handlung der Sänger ablenken..

Aus der Grube, Der Beginn der Arbeiten ist vielversprechend. Es ist Mozart! die Ouvertüre, immer kräftig, füllt alles. Aber nach den ersten Takten beginnt sich der Mangel an Geist zu zeigen. Dieser Geist, den der Komponist, Meister des Untreue-Spiels, so treffend reflektiert. Es gibt keine Orchesterlinie, eine musikalische Erzählung der Geschichte.
Pons achtet nicht genug auf die Sänger oder den Chor. Das Ergebnis ist die Hilflosigkeit der Dolmetscher und die Trennung zwischen Grube und Bühne. Besonders in Gruppenarien, so wichtig in dieser Arbeit. Unzeitige Tickets und wenig Koordination zwischen den Sängern. Das meisterhafte Spiel der Verstrickungen und des Austauschs, das Mozart in seiner Partitur vorgeschlagen hat, fehlt. Im zweiten Akt geht es vom Mangel an Geist zur Langeweile. Die schlechte Auflösung des Endes, das ist auf halbem Weg zwischen Freude und Liebeskatastrophe, nicht schnell, um einen guten Geschmack im Mund der Öffentlichkeit zu hinterlassen.

EIN Juliane Banse Er musste eine der vollständigsten und komplexesten Rollen spielen, die Mozart geschrieben hatte, Fiordiligi. Eine Sopranistin ist erforderlich angetrieben von Agilität, mit einer robusten Stimme, um sich Arien wie z Für Mitleid. Juliane Banse hat eine gute zentrale Bilanz, litt aber in den unteren Tönen. Es hatte auch seine Schwierigkeiten in der komplizierten Wie Scoglio. Arie mit großen technischen Anforderungen, für die sie nicht genug Ermutigung oder Unterstützung hatte. Es war weniger für mehr, Erreichen des zweiten Aktes mit einem weniger strengen und strafferen Klang.
Dorabella, Fiordiligis vokaler Kontrapunkt, wurde interpretiert von Maite Beaumont. Eine viel ausgeglichenere und homogenere Stimme. Schönes Timbre und gute Gesangslinie. Sie wurde mehrmals von ihrer künstlerischen Schwester gedeckt, aber es gab dem Charakter den richtigen Charakter, schüchterner und zurückhaltender.

Despina wurde gespielt von Sabina Puértolas. Eine Sopranistin mit höheren Tönen als die vorherigen. Er animierte die Szene mit seiner Unverschämtheit, manchmal übertrieben, aber es gab der ganzen Arbeit Frische. Breite und ausdrucksstarke Stimme. Sie ging über die Bühne, während ihre Gefährten statisch blieben.

Die angenehme Überraschung der Nacht war der junge Tenor Joel Prieto, Ferrando spielen. Seine volle lyrische Tessitura, sie versuchen es hart, ist am besten für diese Mozart-Rolle geeignet. Er sang mit bemerkenswertem Geschmack, vor allem seine Hauptarie, Liebevolle Aura, wer näherte sich mit Finesse. Cavatina hat sehr gut gelöst Verraten, verspottet, theatralisch anspruchsvoller und für die ein guter Bass benötigt wird. Sehr gut im Duett mit Fiordiligi im zweiten Akt. Angesichts seiner Jugend und der Qualität seines Instruments, Eine brillante Entwicklung wird vermutet.

Joan Martin-Royo komponierte einen soliden Guglielmo. Die baritonale Tessitura ist mit gutem Bass verstärkt, das entspricht dem von Mozart beschriebenen Charakter. Seine schauspielerische Arbeit war verdienstvoll und glänzte in den Arien. Wie der Rest der Dolmetscher, Die Kostüme und die Landschaft haben sie nicht allzu sehr bevorzugt.

EIN Pietro Spagnoli Sie beauftragten ihn mit einem Don Alfonso, der etwas rau und mit wenig Funken war, wenn das, was der Charakter benötigt, ein fast ist buffa. Gesanglich wurde es von Spagnoli sehr gut gelöst. Eine großartige Phrasierung und eine sehr gute Deklamation in den Rezitativen. Ihre Tische sind auffällig.

Der Liceu-Chor klang großartig, Hand Conxita García, trotz des Mangels an Gegenständen.

ein Così fan tutte etwas Armes und Ungleichmäßiges, das die Liceu bei dieser Gelegenheit präsentiert haben. Kann auf jeden Fall verbessert werden, aber immer außergewöhnlich, wenn es um Mozart geht. Denken wir nicht, dass der Liceu kein Mozartianer ist. Geben wir ihm noch eine Chance.

Nabucco

Die sieben Darstellungen Nabucco, , die sie in die genommen Palau de les Arts in Valencia, mit einer massiven Teilnahme der Öffentlichkeit, Sie waren der wahre Triumph einer Saison voller Höhen und Tiefen und Schwierigkeiten aller Art.

Nabucco wird von der dritten Oper zusammengesetzt Verdi, Libretto von Temistocle Solera, und seine Uraufführung fand am Teatro alla Scala in Mailand, die 9 März 1842, bilden einen großen Erfolg, bis zu dem Punkt in dieser Saison dargestellt wird und die nächste, in 57 Gelegenheiten, etwas, das noch nie zuvor geschehen war. Nabucco kann beeinflusst werden durch Donizetti und Bellini, aber seine kräftigen Melodien, mit leidenschaftlicher Gesangssprache, und sie sind in der Regel verdianos. In dieser Oper, und zum ersten Mal, Verdi gibt große Bedeutung für den Bariton, Zuweisen der Titelrolle von Nabucco. und, Abigaille -der extreme Schwierigkeiten- ein Sopran dramatische Agilität, Er wird in der Premiere von Giuseppina Strepponi gesungen, zu werden sentimental Begleiter von Verdi und seiner zukünftigen Frau bestimmt.
Nach ein paar Jahren, als wurde diese Oper massiv weltweit vertreten, Er fiel etwas vergessen, Es wird durch den Lehrer gewonnen Vittorio Gui, in den dreißiger Jahren des letzten Jahrhunderts, auch Regie, in den berühmten Aufführungen, mit einer Live-Aufnahme- Welche nahmen sie im Dezember 1949, Teatro San Carlo in Neapel, mit der Schaffung von Abigaille unübertroffen durch Maria Callas.

Nabucco-Produktion wurde in der Palau de les Arts gesehen, Bayerische Staats kommt aus München, und es wurde veröffentlicht in 2008, Er ist sein Schöpfer Yannis Kokkos, verantwortlich für die Szenografie, Regie und Kostüm-Design. Es ist eine dunkle und einfache Landschaft, ein Hintergrund, wo geometrische Formen vorherrschen: in Akt I, sechs Fenster mit großem vergoldetem Rahmen und einer Treppe der Tempel Salomons in Jerusalem vertreten; und, in Akt II, eine große Tür der Palast von Babylon.
Ya, in Akt III, die Tür liegt über die Fenster, das heißt die Unterdrückung der Babylonier über Juden. Nur eine szenische Änderung auftritt, als der berühmte interpretiert "Va pensiero", wo die Mitglieder des Chores, Sie repräsentieren das Volk Israel, Sie sind hinter einem Zaun gelegen, in einer möglichen Anspielung auf die Vernichtungslager Nazi, im Ersten Weltkrieg. Moody Beleuchtung dimmt und nicht den düsteren und düsteren Bühnenraum zu lindern, mit Ausnahme der beiden Zeiten, in denen eine Gruppe von Leuchten als Symbol für die Entstehung von "Gott Israel", senkt sich von oben und seine Energie nimmt einen echten Blitz zu erzeugen, die das Publikum blendet. Die Landschaft ändert, mit schnellen Bewegungen der szenischen Elemente, horizontal und vertikal zu bewegen, wie im Fall der Ankunft von König Nebukadnezar in Akt I, in einer Rauchwolke und auf einer erhöhten Plattform gewickelt, die langsam abfällt. Unattraktiv und unoriginell ist Kostümdesign, wo Juden erscheinen in schwarz gekleidet, und dunkelblau Babylonier Wächter, die Pistolen anstelle von Lanzen, der Arbeit ein Gefühl von Zeitlosigkeit zu geben.

bewährte und energische Adresse Nicola Luisotti, der Leiter des Orchestre de Valencia, was beweist wieder eine Reihe von hohen Qualität zu sein, und dies ergibt sich aus der hervorragenden Leistung der Ouvertüre: eine lange Seite, sehr attraktiv, und voller Kontraste, wo und verschiedene musikalische Motive, die in der ganzen Oper erscheint wieder ausgesetzt, untereinander, -mit den begleitenden geringen Modifikationen, der berühmte Chor "Va pensiero". Das Orchester hat eine hervorragende Leistung, während der gesamten Leistung, in Momenten intensiver Lyrismus glänzenden: Einführung und Begleitung von Arien von Abigaille, Act II und jeweils die Schließung der Oper, oder Fenena Arie in Act IV. und, im Gegensatz, Es zeigt eine unkontrollierbare Kraft, Im pulsierenden Ende des ersten Aktes, wenn Nabucco platzt auf die Szene, dessen musikalisches Thema -recurrente- und in der Öffnung freigelegt, Es ist in der Orchestereinleitung des dritten Aktes aufgenommen, und die Coda des letzten cabaletta von Nabucco durchgeführt, in seiner großen Szene von Akt IV. Bericht auch, die großartige Orchester Intervention Nabucco und Abigaille Duett des dritten Aktes und, attraktiv, und kontrast Ouvertüre Act IV. Zur Bewältigung Nicola Luisotti, Es wird Tendenz verantwortlich gemacht Klänge in forte zu verwenden. schließlich, und in dem hohen Niveau von den Mitgliedern des Orchesters angeboten, gehört die prächtige Leistung der Soloflöte Alvaro Octavio, und die großartige Intervention Rafal Jezierski Cello und Pierre Antoine Escoffier al Oboe.

Der große Gewinner dieser Darstellungen, Es hat die neapolitanische Sopranistin gewesen Anna Pirozzi, Abigaille, die eine große stimmliche und dramatische Statur komponiert, Der Sänger hat in seinen zahlreichen Interpretationen dieser Art gereift, vor allem, die durchgeführt bei den Salzburger Festspielen 2013, mit einem klaren Sieg unter der Leitung von Riccardo Muti. voluminöse Stimme und helle Timbre, gut Atem, hervorragende Fähigkeit, den Klang zu regulieren, und ein Höhen und Höhen gut aufgestellt und perfekt besetzt, dass, auch, Stand stark, in den Momenten der größten Orchester Eindringlichkeit. Es bietet eine gute Beherrschung der Belcanto-Koloraturen, und trifft sich mit Know-how deviled Oktave Sprünge, die einen großen Teil ihrer Interventionen interpunktieren. Mach eine große Leistung in seiner großen Szene des zweiten Aktes, mit heftigem Rezitativ eingeleitet "Nun, ich t'inventi", zu dem lyrischen und intimen Gesang der Arie "zu bewegenAnch ‚geöffnet 1 Tag„und, dann, zeigt eine überwältigende Kraft in der cabaletta "Ich steige auf den Thron bereits aurato". auch Highlights, seine große Leistung im Duett mit Nabucco Act III, in seinen Dialogen Einsetzen mit einem Schriftsatz Nabucco, eine lebendige cabaletta, dessen musikalisches Thema erschien in der Anfangs Ouvertüre ausgesetzt. Anna Pirozzi blickt seine vocalism und Interpretationskraft, in der schönen Arie aus der Oper schlüssig "its me, sterbend, essanime„Exquisite Mittelstimmen, und Ausgabe von zarten Noten "Pianissimi".

Ich hatte meine Teilnahme an der Funktion des Tages geplant 10 Mai, die Nabucco zu hören, gesungen von veteranísimo Leo Nucci, seine immer noch aktiv 73 Jahre alt, und schon eine Legende der Oper geworden. Ich hatte Gelegenheit, auf DVD zu sehen, seine großartige Leistung in der Arena di Verona, Jahr 2007, mit ausgezeichnetem und temperament Abigaille von María Guleghina und Anschrift Orchester Daniel Oren. schließlich, Nucci abgesagt, Es wird von Last-Minute ersetzt David Cecconi, Stimme unattraktiv tímbrico, obwohl gut verwaltet, dass während der ersten zwei Akten, Er konnte nicht projizieren vorwärts. Seine Leistung verbesserte sich im Duett mit Abigaille Act III, und die große Szene von Akt IV, edle Akzente die Arie zu singen "Gott von Juda!", und hart und zwingt den cabaletta "O mein tapferer, folge mir".

Die Rolle von Zaccaria großem Vokal- und Bühnenbedarf, Es wurde von dem russischen Bass gespielt Serguei Artamonov, die zeigten eine akzeptable Zentralregister, mit ernsten Schwierigkeiten im Bereich von Bass und Höhen und, deshalb, häufige Pausen in der achten, durchgeführt in seinen vielen Interventionen während der Arbeit zu. Seine Leistung war nicht diskret, in Szenen der authentischen Brillanz als Arie "Sperate, oder Kinder…„Gefolgt von der cabaletta“Als Nachtsonne shining„Act I oder, das Ende des dritten Aktes "Oh,diejenigen, die weinen?…Die Zukunft erkennen im Dunkeln".

Das mittlere Armenien Varduhi Abrahamjan, in der Rolle der Fenena, Sie trug eine schöne, warme Stimme, in seinem einzigen großen, die Arie "Oh offenbart ist die Feste„Act IV, was zeigt, eine zarte und elegante Gesangslinie. auch beachten,, Anlässlich der "Terzettino„Act I, Abigaille mit Ismaele und von dem amerikanischen Tenor interpretiert Brian Jadge, kraftvolle Stimme Timbre und Helligkeit, ausstellenden, vor allem, in seinem lebendigen Arioso "l", Bezug II Act. Richtig in ihren kurzen Interventionen Hyekyung Choi como Anna, Zaccaria Schwester, el Abdallo (Nabucco treuer Offizier) von David Fruci und Shi Zong als Hohepriester, drei zum „Training Center gehört, Placido Domingo".

„Der Chor der Generalitat Valenciana“, Regie Francec Perales, Er schien hoch, offensichtlich markieren- in seiner außergewöhnlichen Interpretation der berühmten "Va pensiero", Es endete mit einer fast unstillbaren note „Pianissimi“. auch, unter Hinweis darauf, ihre großen Leistungen von anderen großen Chor Momente: "Die Einrichtung, Urlaub aufgeschlüsselt Cadona", sehr schöne Rechnung, mit dem beginnt die Oper. auch, el de los Levitas Chor der Acto II "The Damned hat keine Brüder", deren lebendiges musikalisches Thema, schon erschien er in der ursprünglichen Ouvertüre ausgesetzt. und, Eingriffe in den abschließenden concert der Akte I und II, oder seine starke Präsenz in ganz am Ende des dritten Aktes.

NABUCCO
Giuseppe Verdi
Palau de les Arts Reina Sofia
Valencia, 10 Mai 2015
D. Musical: Nicola Luisotti
D. Szene: Yannis Kokkos
Beleuchtung: Michael Bauer
Produktion: Bayerische Staatsoper
Cor de la Generalitat Valenciana
D. Chor: Francesc Perales
Orchester von Valencia
Besetzung: Anna Pirozzi, David Cecconi,
Serguéi Artamonov, Brian Jadge,
Varduhi Abrahamjan, David Fruci,
Hyekyung Choi, Shi Zong.

Landschaft der Öffentlichkeit am Königlichen Theater

“unrepräsentierbare Arbeit, gemacht werden pfiff ". Mit diesen Worten beschrieben García Lorca seine Arbeit die Öffentlichkeit. Was zeigt die außergewöhnliche Komplexität, die den Text versteckt.

wenn Gerard Mortier Er übernahm die künstlerische Leitung des Teatro Real, Er war entschlossen, um zu untersuchen und zu denken, was die literarische Substrat sein würde, die das moderne Spanien vertreten. Es wurde dann in Auftrag gegeben Mauricio Sotelo die Zusammensetzung einer Oper durch die Arbeit von Lorca inspiriert. Aber er war nicht eine spanische Oper in Auftrag gegeben, aber universal, als eigene Federico.

Und die Schwierigkeiten und Komplexitäten, die dieses geheimnisvolle Werk enthalten beginnen im Skript selbst, ein Skript, das nicht als solches, aber ein Entwurf Manuskript, das der Autor gab seinen Freund Martinez Vidal in Madrid, mit dem Auftrag, es zu zerstören, wenn ihm etwas passiert ist. Das Manuskript wurde zerstört und dieser Entwurf ist alles, was existiert. Man könnte sagen, dass es ein unvollendetes Werk, da Lorca, exquisite, wie es war in der formalen Gestaltung seiner Werke, definiert hätte darin eine viel klarere Vorstellung Zeit mit.
Dies bringt uns in die Tiefen der authentischsten Genie, ohne Grenzen oder Beschränkungen. Die komplexeste, unergründlich und unmöglich. Löst ihre tiefsten sexuellen Konflikte, Theater-und vital ausdrücklich und surreal.

Sowohl der Komponist Mauricio Sotelo, als Librettist Andrés Ibáñez, Sie haben eine schwierige Aufgabe haben einen „kohärenten“ Job mit diesen wickers zu interpretieren und zu entwickeln,. immer des Messers Schneide zu Fuß nicht zu beiden Seiten zu fallen versuchen. Ein originelles Werk, surreal, voller verrückt und absurd Dialoge, ohne jede Logik. Auf der anderen, versuchen Sie es verständlich machen, montieren und gibt ihm Bedeutung.

Das Skript ist eine Folge von Zeichen und sehr unterschiedliche poetische Zeilen. Darin stellt sich als eine Metapher für die Unterschiede und Präferenzen unter den Freilichttheater, konventionelleren, traditionelles und mit geringem Risiko, und Theater unter dem Sand, Suche nach dem verborgenen, so weit weg von Konventionalität, fast verboten.

Zu vermitteln all diese Emotionen, Mauricio Sotelo hat eine ungeregelte Partitur und uneben erstellt. Die Arbeit ist hervorragend und andere langweilige Momente. Es wurde weggelassen, aber vanguardistas haben musical Techniken Spektrallinien als melodisches akustisches Phänomen Hand erreicht percussion Augustine Diassera.
Die gute Arbeit der Lehrer Klangforum Wien Er war zeitweise durch eine Überlagerung von elektronischen Klängen begleitet, die auf subtile Weise Klangkultur eingeführt durch 33 im ganzen Raum verstreut Lautsprecher. Sie versuchen, die Resonanzgefäße zu erinnern, die in der römischen Theater wurden verwendet, um die Zuschauer zu bringen, die Gefühle intensiver.
Das Endergebnis ist eine sehr ungleiche Arbeit. Das Sammeln von wenigen Augenblicken und Arien führen zu authentischen Sound-Orgien nach einem Spannungs Charakter Bogen in das Spiel entwickelt.
Das beste Ergebnis ist, deutlich, als Einlagerungen zwei Klangwelten so vielfältig wie die zeitgenössische Musik und traditioneller Flamenco, Verwebt in der harmonischen und dramatische Struktur der Arbeit ein Teil davon.
Unfusionierte als Volkselement, aber als die tiefsten Wurzeln des Flamenco ist die beste. Diese offensichtliche Schwierigkeit Sänger Erzengel und Jesus Mendez, Es wurde meisterlich gelöst. Fermaten die Partitur enthält, erlaubt die Freiheit ihrer „quejíos“.

Gitarre Cañizares Er hat dazu beigetragen, das Klanguniversum von Lorca erdacht erstellen. Mache ich etwas so schwierig, wie leicht das Tempo und den Charakter der Arbeit anzupassen. „Das Ergebnis ist ein Dialog, und wann immer es ist, den Dialog gibt es Verständnis ". fesselnd.
So faszinierend Tanz läuft Ruben Olmo Interpretieren des Pferdes. Die perfekte Choreographie Darrel Groß Moultrie Es ist brillant ausgeführt, als Symbol für den Wunsch, durch seinen Charakter, die schließlich durch sie Juliet vorgelegt umwerben.

Adresse Pablo Heras-Casado Es ist großartig. Diese Arbeit ist eine jener Raritäten, in denen es wichtig ist, bestimmte Tasten zu haben, seinen Inhalt zu interpretieren. Nachdem von der kleinen Albaizin gereist, oder kennen die Geheimnisse einer Seguirilla, geben die Behörde alle Elemente, um zu bestellen, die die Partitur bilden.

Die Arbeit der Sänger, die Komplexität des Textes und die Partitur gegeben, Es ist mehr als würdig, für die außerordentlichen Anstrengungen unternommen,. Markieren Sie die junge Stimme Isabella Gaudí, Koloraturarie und.

Nun, der Chor, mit einem sehr wichtige Rolle in den letzten Frame, in dem einige ihrer Mitglieder von Proszenium beteiligen sich auch actoralemnte.

Die Landschaft Robert Castro Er hatte auch Höhen und Tiefen. Bare und kalt manchmal, Barock in anderen und immer surreal, wie die Arbeit selbst. Der szenische Moment in seinem Hintergrund fällt, Es ist, wo die Bühne einen riesigen Spiegel verwandelt sich in die die Öffentlichkeit reflektiert. Perfekte Metapher des Textes von Lorca. Ein Spiegel der Öffentlichkeit mit sich selbst konfrontiert. Das Publikum als je zuvor in der künstlerischen Produktion beteiligt. Ein Publikum, das bei dieser Gelegenheit ausgewandert, teils, während der Pause.

Das öffentliche verärgert, wenn sie ihre eigenen Widersprüche ausgesetzt, Ängste und Vorurteile und Masken, die verstecken. Die gleichen Befürchtungen, Widersprüche und Vorurteile, die Lorca verfolgt. Das Theater unter dem Sand. Die meisten zerreißend und aufrichtig Theater. Das Leben ...

Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

die öffentlichen
Mauricio Sotelo (1961)
Opera unter dem Sand, fünf Gemälde und ein Prolog
Libretto von Andrés Ibáñez auf der Arbeit von Federico García Lorca
Individuelle und Neuproduktion von Teatro Real, zur Erinnerung an Gerard Mortier gewidmet
D. Musical: Pablo Heras-Casado
D. Szene: Robert Castro
scenographer: Alexander Polzin
Kostümbildnerin: Wojciech Dziedzic
Illustrator: Urs Schönebaum
Choreograf: Darrell Groß Moultrie
Besetzung: José Antonio López, Thomas Tatzl, Erzengel, Jesus Mendez, Ruben Olmo, Josep Miquel Ramón, Antonio Lozano, Dun-Brit Barkmin, Erin Caves, Isabella Gaudí, José San Antonio
Schlagzeuger: Augustine Diassera
Lead-Gitarre: Juan Manuel Cañizares
Klangforum Wien
Titular Chor des Teatro Real

Hänsel und Gretel

Eine große Verpackung als Vorhang verbirgt die Überraschung und Magie der Geschichte, die die Musik von nachbildet Humperdinck und die Landschaft von Pelly. Eine Produktion von Hänsel und Gretel dass, seit seiner Premiere in Madrid 1901, es hatte sich wieder in diesem Theater vertreten.
Mit der Bezeichnung Märchenoper (Oper-Märchen), Humperdinck spielt die Adaption der Geschichte der Brüder Grimm. Beseitigen Sie die steilsten Stellen und bewahren Sie den Wald als wichtiges Element der deutschen Tradition. Dieser magische und romantische Ort, an dem die verstörendsten Träume und Fantasien untergebracht werden können.

Pellys köstliche Szenografie schafft es, eine Situation extremer Armut für die Protagonisten zu verwandeln, in einem liebenswerten Märchen. Die Schärfe und das fantasievolle Talent der Szenerie spiegeln sich in jedem Detail wider, das auf der Bühne erscheint. Das Haus aus Pappe gebaut. Der Wald war mit kahlen Bäumen übersät und mit Müllsäcken bedeckt. Die Bildschirme zeigen den gefräßigen Traum von Kindern. Das magische Aussehen von Feen. Und alles in Musik und Licht gehüllt, die diesen geschrubbten und schmutzigen Wald zu einem mysteriösen und magischen Ort machen, an dem sich alle Kinder im Raum bereits zu diesem Zeitpunkt in der Aufführung verloren hatten.. Erst das Ende des zweiten Aktes weckte uns, Kurs, hungrig.

Im dritten Akt spielt der große Supermarkt, der das traditionelle Schokoladen- und Ingwerhaus ersetzt, die Hauptrolle. Alles angehäuft mit saftigem Junk Food. Daraus ergibt sich eine gut charakterisierte José Manuel Zapata die böse Hexe spielen. Kurze aber führende Rolle. Zeige Zapata, nochmals, seine außergewöhnliche Fähigkeit, skurrile und histrionische Charaktere zu spielen. Ohne den Gesangsteil aufzugeben, der gekonnt löst. Es war für all dies derjenige, der die größte öffentliche Anerkennung erhielt.
Adresse Paul Daniel Es war brillant und gut gearbeitet. Von großer ästhetischer Ordentlichkeit, zu der es keinen zusätzlichen Punkt der Süße gegeben hätte. Das Orchester sündigte irgendwann über die Lautstärke hinaus. Dies verdarb pünktlich die Arbeit einiger Sänger. Markieren Sie die Öffnungen, die Feen Szenen, die Musik, die den süßen Traum der Brüder im Wald begleitet, und die herrlichen Momente der Spannung der Saiten, die die musikalische Transparenz von a hervorrufen Wagner Dirigent und Inspirator von Humperdinck.

Das Brüderpaar bestehend aus Alice Coote (Hänsel) und Sylvia Schwartz (Gretel), Sie interpretierten ihre Charaktere mit Leichtigkeit, mit Anmut und Leichtigkeit über die Bühne gehen. Alice Coote, mit seinem interessanten Bass, zeichnete eine schelmische und stimmlich nuancierte Hänsel.
Sylvia Schwartz hatte einige Probleme mit der Lautstärke des Orchesters, aber die Beweglichkeit und Subtilität ihrer Stimme waren perfekt für den Charakter von Gretel.
Peter und Gertrud, die Eltern der Kinder, werden vom dänischen Bariton gespielt Bo Skovhus und die britische Mezzosopranistin Diane Montague. Sie bilden ein ordentliches Gesangspaar und treten dank ihrer Bühnenpräsenz gut auf. Skovhus behält eine gute Projektion bei, aber sie haben ihre Schwierigkeiten mit den tieferen Noten erhöht.
Montague machte eine perfekte hysterische Mutter, die von der familiären Situation überwältigt war.

Die Kobolde, des Traums Elena Copons, und der Tau Ruth Rosique, Sie waren großartig in ihren kurzen Reden. Zwei gute Stimmen, die wir hoffentlich öfter hören werden.

Sehr gut Kleine Sänger von JORCAM aus der Hand seines Direktors, Ana González, obwohl sie sich mit genügend Mühe auf der Bühne bewegten, Kleider für den Anlass mit großer Polsterung, um sie extra fett zu machen.

Eine köstliche Produktion mit einer guten Resonanz des Publikums, die das Happy Theatre verlassen hat. Eine Arbeit, die ein Lächeln voller Zärtlichkeit hervorruft.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

Hänsel und Gretel
Elgelbert Humperdinck
(1854-1921)
Märchenoper in drei Akten
Libretto Adelheid Wette
Basierend auf der gleichnamigen Geschichte
von die brüder grimm
Premiere in Weimar,
die 23 Dezember 1893
Premiere im Teatro Real,
die 4 Dezember 1901
Produktion des Festivals von Glyndebourne
D. Musical: Paul Daniel
D. Szene: Laurent Pelly
D. Szene und Kostüm: Barbara de Limburg
Illuminator: Joel Adam
D. Chor: Andrés Máspero
D. Kinderchor: Ana González
Besetzung: Bo Skovhus, Diane Montague,
Alice Coote, Sylvia Schwartz, José Manuel Zapata,
Elena Copons, Ruth Rosique
Schlagzeilen Chor und Orchester des Teatro Real
Kleine Sänger von JORCAM

Bild von Tod in Venedig Oper am Königlichen Theater

wenn Benjamin Britten er kontaktierte Golo per Brief, der dritte Sohn von Thomas Mann, um ihre Erlaubnis zu bitten und in der Lage zu sein, eine Oper zu schreiben, die auf ihrer Arbeit basiert Der Tod in Venedig, Er ahnte nicht, dass es seine letzte Arbeit sein. Oder vielleicht, wenn. Nach dem Hören dieser Störung zu arbeiten ist nicht bekannt, in welchem ​​Umfang Britten war sich der wenig Zeit er verlassen hatte,.
Der Tod in Venedig ist eine Art Kompendium all seiner künstlerischen Arbeiten mit seinem Alter Ego, Gustav von Aschenbach. Ein Schriftsteller, der Opfer des kreativen und persönlichen Niedergangs ist und voller emotionaler Widersprüche.

Das Hauptmerkmal dieser Arbeit ist die Verwendung einer einzelnen Hauptfigur. Mit dieser Theatertechnik, Britten strebt eine größere Beredsamkeit in Bezug auf Aschenbachs Denken und Sensibilität an. Das Ergebnis ist eine absolut introspektive Arbeit des Regisseurs Willy Decker erfasst auf außergewöhnliche Weise, Aschenbachs inneren Monolog in eine brillante Theateraufführung mit allen von Mann beschriebenen symbolischen Elementen verwandeln.
Es ist eine bedeutende Herausforderung für die Bühne. ihre 2 Handlungen und 17 Szenen erzwingen eine rasende Abwechslung, Film, dass Decker meisterhaft ausführt. Mit der konzeptionellen Eleganz und Leichtigkeit, die das Kino bietet und die in dieser Produktion erreicht wird. Die Schönheit szenischer Gemälde, die nuancierte und einhüllende Beleuchtung, Die außergewöhnliche Regie der Schauspieler und die akribischen Details machen den Tod in Venedig zu einem Werk voller Attraktionen und ästhetischer Reflexionen.

Der andere Hauptdarsteller, die Partitur, ist voller klanglicher Besonderheiten. Das erste, was auffällt, ist die Bedeutung des Schlagzeugs, weit davon entfernt, eine bloße Begleitung zu sein, wird zum Skelett und Protagonisten der Arbeit. Die symbolische Bedeutung, die der Text enthält, wird ebenfalls dargestellt. zum Beispiel, jung Tadzio, dass Aschenbach angezogen wird, und dass er nicht in der gesamten Darstellung spricht und die Kommunikationsprobleme des Protagonisten zum Ausdruck bringt, Es wird durch das Vibraphon am Anfang und dann durch die Leier dargestellt. Emotionen und Stimmungen haben auch ihre Orchestervertreter in einer komplexen Partitur, störend, fast dunkel, intim und voller Kraft.

Ein weiteres wichtiges Element in Brittens Arbeit sind die zahlreichen Rezitative. Es kann ein weiteres Ausdruckselement dieser kontinuierlichen Analyse und inneren Reflexion sein, oder es kann sein, dass der Komponist, bereits über die Verschlechterung ihrer Gesundheit bewusst, Ich hatte Angst, ich könnte die Oper nicht rechtzeitig beenden.

Der britische Tenor John Daszak er spielt einen gequälten und introspektiven Gustav von Aschenbah. Und er macht es brillant. Seine Rolle ist überhaupt nicht einfach, Ein Charakter, der so dunkel und voller Widersprüche ist, das erfordert mehr Interpretationsaufwand als Gesang. Das Endergebnis ist das eines gut bewaffneten Aschenbachs, der mit den widersprüchlichsten Aspekten des Charakters ausgestattet ist..
Apollos Stimme, durchgeführt vom amerikanischen Countertenor Anthony Roth Costanzo aus dem Paradies, Es ist ein bisschen eng, aber es passt zu dem Charakter, den es darstellt.
Leigh Melrose spielte verschiedene Charaktere auf Chamäleon-Art. Leuchtete sie alle an, hauptsächlich in der histrionischsten, zeigt großes schauspielerisches Talent.

Es hat sich gelohnt, so lange zu warten, um diese Produktion im Teatro Real zu sehen. erneut, Ein großer Teil der Öffentlichkeit dieses Theaters verpasst eine weitere Gelegenheit, ein außergewöhnliches Werk zu schätzen.

TOD IN VENEDIG
Benjamin Britten (1913-1976)
Oper in zwei Akten und siebzehn Szenen
Libretto von Myfranwy Piper, basierend auf der Geschichte Der Tod in
Venedig (1912) von Thomas Mann
Koproduktion von Teatro Real und Gran Teatre del Liceu
D. Musical: Alejo Pérez
D. Szene: Willy Decker
D. Chor: Andrés Máspero
Regisseur D.. Szene: Rebekka Stanzel
scenographer: Wolfgang Gussmann
Figuren: Wolfgang Gussmann, Susana Mendoza
Illuminator: seine Toelstede
Dramaturgin: Klaus Bert Isch
Choreograf: Athol Farmer
Besetzung: John Daszak, Leigh Melrose, Anthony Roth Costanzo,
Duncan Felsen, Itxaro Mentxaka, Vicente Ombuena, Antomio
Lozano, Damián del Castillo, Nuria García Arrés, Ruth Iniesta.

Plasson

letzte 16 Dezember des Teatro Real Premiere, Konzertversion, Romeo und Julia, von Charles Gounod. Eine fantastische Nacht der Oper dank, hauptsächlich, zum Stab des Meisters Michel Plasson. Orchestra gewann einen sehr raffinierten Klang und eine Zartheit und Romantik, die Momente mit Emotionen aufgeladen verwaltet, als das Ende des zweiten Aktes. Sein Staffelstab war auf jeden Fall das beste der Nacht.

In der Rolle des Roméo, Rolle, die Sie perfekt kennen, Roberto Alagna. Seine Anwesenheit auf der Bühne ist immer noch mit einem gewissen Magnetismus aufgeladen. Von großer theatralischer Ausdruckskraft (manchmal etwas übertrieben), man könnte sagen, dass seine Stimme offen ist. Seine Gesangslinie ist sehr gut, aber es gab zu viele Details, die sie in Beweis ließen. Eilte in die Höhen und einige verstimmte Noten. Bei seinem Debüt erwartete er viel mehr.

Sonia Yoncheva glänzte wie Juliette für die Intensität und Kraft ihres Instruments, wer muss lernen, in wenigen Augenblicken zu klemmen. Eine natürliche und leichte Emission, die mit der Arbeit wuchs und letzte Momente voller Emotionen erreichte.

Höhepunkt, für seine Brillanz, ein Marianne Crebassa, in der Rolle von Stéfhano. Und das Schlimmste der Nacht, Laurent Alvaro, como Capulet, mit einer sehr unangenehmen Emission.

Der Rest der Besetzung: Diana Montague, Mikeldi Atxalandabaso, Antonio Lozano, Joan Martin-Royo, Damián del Castillo, Toni Marsol, Roberto Tagliavini und Fernando Radó, waren hoch. Alle haben von Master Plasson aus der Grube geholfen, immer aufmerksam und kümmert sich um die Sänger.

Desirée Rancatore in die Tochter des Regiments

Wie zu Recht sagt Jaume Radigales im Theaterplakat, "Die Tochter des Regiments es ist eine herrlich nutzlose Oper ... Diese Arbeit zeigt, dass Oper auch sein kann, schließlich, zeigen für alle Scham und eine gute Zeit zu haben, ohne zu versuchen, sterile Metaphysik zu finden."

Und es ist nicht einfach, ein Werk ohne zu viele intellektuelle Ansprüche zu entwickeln, ohne in Gemeinheit oder Einfachheit zu verfallen. Diese Oper zeigt seine Qualitäten vermöge Darstellungen. Diese von der Kritik gefeierte Produktion, von Pelly, hat einen großen Mehrwert geliefert. Die Anpassung, die die Originaltexte vorgenommen haben, hat enorm dazu beigetragen Agathe Mélinand, Aktualisierung von naiven Dialogen, die natürlich geworden sind, spontan, erschwinglich und zeitlos.

Paris, 1840, Donizetti. Dass er sich damals für den besten Komponisten Italiens hält, nach dem Tod von Bellini und der noch jungen von Verdi, erhält von Paris einen Auftrag für eine Oper Comique, etwas, das wichtig wäre, um Ihre Karriere einer anderen Ebene zu widmen. Schreibe zwei Werke, beide Geschlechter, Die Faborite y Die Tochter des Regiments. In letzterem bemüht sich Donizetti sehr, sich den Kanonen und Geschmäcken des Augenblicks zu unterwerfen. Schreibe eine komische Oper, beliebt und mit erzwungenen Liebesbeziehungen und Gesellschaftskritik.
Wie sich der künstlerische Leiter Joan Mataboch erinnert, der außerordentliche Erfolg bei seiner Premiere an der Opéra Comique in Paris, hob den Zorn von Berlioz, der in einer Pariser Zeitung schreiben durfte: "Behandelt uns wie ein erobertes Land".

Damit ein reines Repertoire wie dieses konsolidiert werden kann, Sie brauchen eine Bühne und einen Musikdirektor, die in die gleiche Richtung arbeiten, unter den Codes, die sein Komponist gut definiert gelassen hat. Es ist nicht leicht, die Schlüssel einer scheinbar einfachen Oper zu verstehen, aber es ist überhaupt nicht. Und wer kann die Koordinaten eines romantischen belcantistischen Werkes wie La fille du régiment am besten entziffern?, ist ohne Zweifel Bruno Campanella, einer der größten Experten für Belcanthus und ein großer Kenner aller seiner Nuancen, von der Hand des Regisseurs Laurent Pelly, haben diese Inszenierung von Donizettis Oper in eine privilegierte Position innerhalb des aktuellen Repertoires gebracht.

Dies ist das erste Mal des Bühnenbildners Laurent Pelly im Teatro Real in Madrid, und es wird mit einer seiner bekanntesten und berühmtesten Produktionen präsentiert. Im französischen Patriotismus einen Sinn finden, den das Werk ausstrahlt, Pelly hat die Aktion in den Ersten Weltkrieg gestellt und wusste, wie man den zartesten Teil einer solch dramatischen historischen Situation hervorhebt. Markieren Sie auch die Figuren, Klassisch inspiriert, elegant und voller Fantasie.
Die Landschaft ist exquisit. Voller Elemente, alle von ihnen wesentlich. Ohne Überschuss, Keine Extravaganzen, nichts lenkt von den szenen ab. Jedes Element bringt das Ohr und den Blick an die richtige Stelle. Alles hat Kohärenz und einen theatralischen Sinn voller Bedeutung. Sie können die Brillanz des Bühnenbildners sehen Chantal Thomas und der Choreograf Laura Scozzi.

In einer Arbeit wie dieser, wo die Plottiefe nicht existiert, Es ist, wenn Sänger an Gewicht und Bekanntheit zunehmen. Unsere spezifische Funktion entspricht dem, was sie als Zweitbesetzung bezeichnen, was manchmal nicht so ist.
Desirée Rancatore Er hat seitdem nicht mehr in Real gehandelt 2006 und natürlich, Das erste, was überprüft werden kann, ist die Entwicklung seiner Stimme und seines Fachs. Marie ist eine Figur, für die eine leichte, aber energische Stimme erforderlich ist. Und hier wird der Unterschied zu den anderen Darstellern gemacht, Rancatore geht mutig mit seinem Charakter um. Zu seiner enormen Sicherheit auf der Bühne müssen wir seine kraftvolle Stimme hinzufügen, sein Umgang mit der Koloratur und den überscharfen Teufeln, von denen er beim Kartoffelschälen leicht abstammt oder in der Luft aufgezogen wird.
Die Stimmschwierigkeiten von Marie zwingen ihn manchmal, in den Schlamm zu springen, aber das von Palermo hat den Charakter, aus so vielen Forderungen mehr als anmutig hervorzugehen. Seine Theaterkapazität ist zweifellos. Sie wusste, wie man dem Charakter mit männlichen Gesten den Funken und Charakter einer jungen Frau verleiht und, hat vez, die Melancholie der zärtlichsten Marie. Dies wurde in der Arie des ersten Aktes demonstriert “wir müssen gehen”, Emotionen zu vermitteln und das brachte ihm die ersten Mutigen der Nacht ein.

Antonio Siragusa, wie Tonio, es hinterließ Blitze eines schönen Timbres, das in den hohen Tönen leuchtete. Er hatte mehr Schwierigkeiten in den Mitten- und Basstönen, die von größeren und besseren Unterstützungen begleitet werden müssen. Die bekannteste Arie von “Zu meinen Freunden”, nicht aus diesem Grund größerer Schwierigkeit, wurde bis zum letzten C sehr gut gelöst, wovon er Angst zu haben schien und in dem er viel mehr hätte aussehen können.

Der Madrileño Luis Cansino, als Sergeant Sulpice, es war lustig ohne exzentrizitäten, die geschätzt wird,. Er musste nicht übertreiben, um Humor zu zeigen und liebenswert zu sein. Solide und kraftvolle Stimme, die den Rest der Besetzung in den Ensemble-Arien ausgewogen begleitete.

Rebeca de Pont Davis machte eine ausreichende Marquiseurin von Berkenfield. Es ist nicht Ewa Podles auf der Stimme, aber es hat andere künstlerische Qualitäten. Spaß und Theater, ohne jemals die Eleganz auf der Bühne aufzugeben.

Musikalischer Leiter debütierte auch bei Real, Jean-Luc Tingaud, und er tat es mit Leichtigkeit und Elan. Er hat eine große Sensibilität, die er an die Grube und an die Sänger weitergeben konnte. Das Orchester klang hell.

Die Anwesenheit von Angela Molina, eine böse und grausame Herzogin von Crakentorp spielen, ist eine weitere Attraktion der Produktion. Sie können seine Bühnenpräsenz sehen, der Handel und die Kunst, das erhöht das Niveau der Theatralik, eine der Qualitäten dieser Oper.

Es war lange her, dass das Publikum im Teatro Real dies genoss oder so zufrieden war. tatsächlich, Alles ist nicht metaphysisch und es ist bereits eine wichtige Leistung, dass das Publikum das Theater mit einem großen Lächeln verlässt, aber wir wollen alles, das Einfache und das Erhabene.

Die Tochter des Regiments
Gaetano Donizetti (1797-1848)
Opéra-Comique in zwei Akten
Libretto von J.. H. Vernoy de Saint-Georges und Jean-François-Alfred Bayard
Uraufführung an der Opéra Comique in Paris, die 11 Februar 1840
Koproduktion der MET in New York, La Royal Opera House Covent Garden
London und die Wiener Staatsoper.
D. Musical: Jean-Luc Tingaud
D. Bühne und Figur: Laurent Pelly
Direktor der Bühnenanweisung: Christian Räth
scenographer: Chantal Thomas
Textadapter: Agathe Mélinand
Illuminator: Joel Adam
Choreograf: LAura Scozzi
D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Desirée Rancatore, Antonio Siragusa, Rebecca de Pont Davies,
Luis Cansino, Isaac Galan, Mathieu Bettinger, Pablo Oliva.
Schlagzeilen Chor und Orchester des Teatro Real.

Bilder: Javier del Real
Vïdeo: Teatro Real

Die Hochzeit des Figaro

Das Königliche Theater hat seine Saison mit zu geben Erklärungen zu den vielen Änderungen gestartet, die der angekündigten neuen Saison einnehmen. Gehen Sie weiter, dass das Theater in den letzten Monaten eine komplizierte Situation erlebt hat. Der Tod seines ehemaligen künstlerischen Leiter, Gerard Mortier, und die Ernennung statt wie bisher, Joan Mataboch, Sie sind nicht eine Anekdote. Da es nicht eine Saison mit nur sechs Monaten in einer Welt vorbereitet, wo sie mit vielen größeren Margen arbeiten.
Verschiedene Programmänderungen sind aus verschiedenen Gründen. Die Weltpremiere von The City of Lies, Elena Mendoza, nach Texten von Julio Cortazar, es wird vertagt 2017 ohne klare Gründe sie haben. Es fällt auf das Plakat Fidelio, Dieses Mal ist die Ladung ist Alex Ollé, La Fura dels Baus. Gollescas wird in Konzertversion angeboten werden, und nicht mit der Inszenierung von José Luis Gómez und dem Maler Eduardo Arrollo. Hänsel und Gretel in der Phase Richtung ersetzt wird. Zunächst Joan Font sein würde, Els Comedians, und Agatha Ruiz de la Prada Manager, Laurent Pelly, aber schließlich wird.
auch fällt Plakat Sopranistin Natalie Dessay in La Fille du Régiment. Theater hat hier nichts zu tun, Es war die Sängerin selbst, der seinen Rücktritt aus der Opernbühne bekannt gegeben, sich zu dem Konzert zu widmen. Im Gegenzug ersetzt Aleksandra Kurzak, das kommt einen enormen Triumph in Wien mit der gleichen Rolle aus, die.
Hoffentlich neue Tiefs werden keine Saison treten in dem Übergang aufgerufen werden kann, die Ereignisse und Schwierigkeiten gegeben, die geprägt haben.

Die Saison beginnt mit einem Reset (und macht drei in fünf Jahren) Produktion, dass Die Hochzeit des Figaro er dirigierte Emilio Sagi.
diese Arbeit, durch einen Text der umstrittenen inspiriert Pierre Beaumarchais, Dank seiner Expertise bei der Verwaltung Satire, Er war die Geißel des Adels betrachtet. Es wäre während der Revolution Französisch fallen und die hatte soliviantada mit seinen Werken und politischen Schriften.
Figaro-Trilogie von Beaumarchais geschrieben, um den sozialpolitischen Moment zu repräsentieren, die Europa gelebt. Der Fall der Aristokratie, in der Figur der gräfliche Almaviva vertreten, und der Aufstieg der unteren Klassen, mit dem Diener mit Figaro. Diese Texte waren die Inspiration sowohl für die Zusammensetzung des Barbier von Sevilla Rossini, die er mehr wurde im ersten Teil der Trilogie interessiert, Die Hochzeit des Figaro und Mozart, der es wurde teilweise inspiriert.

Mozart beschlossen, seinen neuen Librettist zu instruieren, Lorenzo Da Ponte, Anpassung des Textes für die Oper. es gab in Da Pontes Arbeit führte viele Änderungen, erhält vor allem aus dem hohen Ton nach unten kritisch und es in eine Comic-Umwandlung. Die Oper uraufgeführt in Wien 1786, nur drei Jahre vor dem Beginn der Revolution Französisch. Komponist und Librettist arbeitete später in Cosi fan tutte und Don Giovanni.

Die Landschaft Saga Es ist klassisch und konventionell. Irgendwann es entblößen, aber die Verantwortung, diese Phase obwohl kaum Elemente zu füllen, Es ist nicht so viel von dem Inspizienten, sondern die Künstler selbst.

An der Klassik und Romantik, die die Landschaft hat, Sie tragen sehr schön Kleiderschrank Renata Schussheim, und eine ausreichende Beleuchtung Eduardo Bravo. Emilio Sage kennt seine Werke geben Helligkeit und iness. dieses Mal, einen Körper, Tanz und Kastagnetten Einbeziehung, Sie geben dem Werk einen reinblütigen Note, die das Leben der Arbeit gab.

während Ivor Bolton Es ist ein ausgezeichneter Regisseur, Le nozze di Figaro diese nicht sagen kann ich das richtige Tempo und viel weniger mit dem Charakter der Arbeit habe. Seine Führung fehlte Funken und Elan aus der Ouvertüre aus. Er hatte keinen Geist, Was es ist unverzeihlich in einer Opera buffa, da dies. Zu seiner Ehre, das zu allen Zeiten des Sängers anstand.

mit Andreas Wolf Wir haben die Darstellung von steifem Figaro meisten geschmacklos miterlebt und waren. Wie funkelnde als Figaro Charakter gelöst werden kann, nicht so starr. Seine Stimme ist schön, manchmal schön, sondern ein Charakter mit solch dramatischen Bedeutung erfordert, nicht nur ein Versuch in der Interpretation, Auch Eigenschaften für sie.
Sylvia Schwartz Es war ein Susana auf der Höhe des Figaro, wenn sie nicht durch Überzeugung oder es beeinflussen, aber sie haben gute Partner in dem Mangel an Ausdruckskraft in der Auslegung. Die Stärke ihrer Stimme nicht gelingt, dieses Mal mit dem Charakter.
Luca Pisaroni, als Graf Almaviva, Es war die beste in der Nacht mit der Gräfin, Sofia Soloviy. Gala beide aus guten Job auf der Bühne, aber meistens, so sind sie ausstatten seine Figuren Verpackung und Auszeichnung. Soloviy wurde in einigen seiner Arien applaudierte, vor allem in "Dove Sono", für seine musikalische Qualität und außergewöhnliche Hinterlassenschaften.
Elena Schneiderman er zeigte sich auch nicht mit seinem Cherubino. Viel zu, wie der Rest der Besetzung, von der Komödie, die dieses Werk charakterisiert, und dem schelmischen Funken seines Charakters, der fast unbemerkt bleibt.
Der Rest der Besetzung war in der Langeweile der Aufführung verloren. Versucht zu José Manuel Zapata für die Nachbildung eines scherzhaften und lustigen Don Basilio, Sie waren nicht genug.
Einige Dolmetscher ohne Sprachkenntnisse, starr, ohne das kleinste theatralische Detail entstehen zu lassen, Das einzige Ergebnis ist Langeweile für ein Publikum, das zum Theater kommt, um es zu genießen.

DIE EHE VON FIGARO
Wolfgang A.. Mozart (1756-1791)
Opernbuffa in vier Akten
Libreto de Lorenzo da Ponte, auf der Grundlage der Komödie La Folle journée, oder Die Hochzeit des Figaro (1784) von Pierre Beaumarchais.
D. Musical: Ivor Bolton
D. Szene: Emilio Sagi
scenographer: Daniel Bianco
Kostümbildnerin: Renata Schussheim
Illuminator: Eduardo Bravo
Choreographie: Nuria Castejon
D. Chor: Andrés Máspero

Besetzung: Luca Pisaroni, Dona Soloviy, Sylvia Schwartz, Andreas Wolf,
Elena Tsallagova, Helene Schneiderman, Christophoros Stamboglis,
José Manuel Zapata, Gerardo Lopez, Khatouna Gadelia, Miguel Sola,
Pilar Moránguez, wie Kontinente.
Chor und Orchester des Teatro Real Halter

Perelada

Andrea Chénier Jonas Kaufmann
(Diego Manuel Garcia Perez-Espejo)

die Festival Peralada Castle Es hielt seine XXVIII Ausgabe, mit einem Programm von Hoch, die geöffnet 11 Juli, mit dem Konzert des Tenors Piotr Beczala und Sopran Erika Grimaldi, mit Cadaqués Orchestra Regie Marc Piollet. Beczala Konzert begann zögernd, wie die anspruchsvolle Arie „Tombe degli'avi miei“ von Lucia di Lammemoor, ohne gute Stimme projizieren zu können,. In seiner zweiten Intervention deutlich verbessert, im Umgang mit Kraft und Intensität und im besten Verdian Stil Rezitativ-Arie „Forse la attinse soglia……ma m’ Festigkeit verlieren ", zugehörig Un ballo in maschera.
Erika Grimaldi, konfrontiert mit extremer Eleganz der schwierige Arie „S'allontano Alfin…undurchsichtige Dschungel „von Guillermo Tell von Rossini. Das Konzert erhöhte Temperatur, mit guten Leistungen beiden Sänger, die gesamte letzte Szene des ersten Aktes von pucciniana La Bohème.
Ya, in dem zweiten Teil, Polnische Tenor konzentrierte sich auf dem Französisch Repertoire, wo er trug seine schöne Stimme in der Arie „L'amour! Oh Liebe! Leve-toi soleil „von Romeo und Julia von Gounod, und "Porquoi révieller Me" Werther von Jules Massenet, gesungen mit melancholischen Akzenten und seine stilistische und idiomatische Beherrschung dieses Repertoires zeigt. Er verströmte auch einen guten Geschmack und eine ausgezeichnete Linie Singen „Pays merveilleux…Ein Paradies „von die afrikanische von Giacomo Meyerbeer.
Erika Grimaldi spielte mit Stil und Ausdruckskraft der Arie „Voi piangete….um mich zu führen sweet „de Anna Bolena von Donizetti, y „Er kehrt noch nicht… Ich weiß nicht, die düsteren Bilder „de Il Corsaro von Giuseppe Verdi.
Beczala und Grimaldi trat ihre Stimmen in den schönen Duetten „Es wird, Ich habe dir vergeben „zu Romeo und Julia, y „Es ist zu spät…Adieu! Ich imploire Sie vergeblich „del Faust Gounod. Marck Piolet bekam eine diskrete Leistung des Orchesters von Cadaqués, im ersten Teil des Intermezzos spielen Cavalleria Rusticana, und zweite Waltz Fausto. Entweder Programm der beiden Sänger das schöne Duett „Lippen Schweigen“ von Die lustige Witwe von Franz Lehar und die berühmte „Brindis“ La Traviata.

die 25 Juli, und Karmeliterkirche Peralada, es war die denkwürdige Aufführung von Altus Xavier Sabata, durch die Abend des Baroque Orchestra Arnadi, mit Richtung vom Schlüssel Dani Espasa. Das Konzert wurde der Titel „Furioso oder die Spuren von Orlando“. Xavier Sabata zeigte ihr schönes Timbre, mit einer raffinierten Technik Song zu meistern verziert, Alle kombiniert dies mit einer großen Theateraufführung ‚Es ist ein vollendeter Schauspieler- die ihm erlaubt, mit Vermögen jeder der fünf Seiten zu beschäftigen Orlando von Händel, Hervorhebung seiner Interpretation von „pro der Mann Giah d'Orlando…..Schon die Stirn "drunken, voller Ausdruckskraft und Zartheit. auch, "Ah Stigie Larve", Einführung eines schönen Bass und Cello, und wo der Künstler zeigte seine hervorragende Gesangslinie, geben Prominenz zu jedem Satz, jedes Wort, und zeigt unübertroffene Theater, mit Blicken des reinen Wahnsinns. In „Verdi allori unito sempre“ ausgeführt Triller mit seltener Perfektion, und eine absolute Beherrschung des Melisma auf „Fammi combat“, oder en la página „Wenn die glückliche sortisce Täuschung“ perteneciente Ariorante Händel. El Air „Steh auf die böse Wolke“ aus Orlando Furioso von Antonio Vivaldi, Es war einer der großen Momente des Konzerts, mit einer hellen Einführung und Orchesterbegleitung, und wo der Sänger zeigte wieder sein großes Schauspieltalent, und absolute Beherrschung der melismatische Gesang. Orchester, auch von dem Schlüssel durch Dani Espasa gerichtet, Er hatte eine klare Leistung mit den Leistungen des Concerto grosso Opus 3 keine 3 Händel, und Konzert für zwei Hörner von Vivaldi.
Unter lautem und lang anhaltenden Applaus vom begeisterten Publikum, das die Karmeliterkirche gefüllt, der Künstler sang außerhalb des Programms Arie „Cara Sposa“ aus Rinaldo Händel, dem Song einen Hauch von Melancholie traurig geben, die im Gegensatz zu Momenten, in denen die Stimme auf einem Ton ungewöhnlicher Gewalt nimmt. in Zusammenfassung, Xabier ein absoluter Triumph von Sabata in dem Konzert, das sein Debüt soll in Peralada.

Das Festival hatte zwei große lyrische Tägige Veranstaltungen 26 Juli 3 August, jeweils darstellen, Andrea Chénier von Umberto Giordano, und der deutsche Tenor Erwägungsgrund Jonas Kaufmann.

aristokratische Verismo Andrea Chénier

AndreaChenier

Vor dem Start von Andrea Chenier, die Organisation des Festivals vermittelt seine Trauer über den Tod Carlo Bergonzi. Verschwinden eine der größten Tenöre des zwanzigsten Jahrhunderts, Gehören die außergewöhnliche Generation von Stimmen gebildet wie: Maria Callas, Renata Tebaldi, Victoria de los Angeles, Joan Sutherland, Fedora Barbieri, Franco Corelli, Giuseppe Di Stefano, Alfredo Kraus, Ettore Bastianini, Piero Capuccilli, Dietrich Fischer-Dieskau, Hermann Prey, Cesare Siepi, Nicolai Ghiaurov, und nur am Leben: Nicolai Gedda, Leontine Preis und Christa Ludwig.

Andrea Chénier Sie können auf den Ruf verismo Bewegung zugeschrieben werden. Wenn Sie sprechen über <<Verismo>>, sofort mit Titeln zugeordnet wie Cavalleria Rusticana von Pietro Mascagni und Pagliacci von Ruggiero Leoncavallo, der sie entstehen, mit all seiner Rohheit, truculent Situationen und die verborgensten Leidenschaften, die Menschen beeinflussen, Es ist seine Hauptfiguren der populären Extraktion. Es gibt auch eine <<Verismo>> aristokratisches Gericht, wo die Merkmale, die oben umrissenen, ohne ein bisschen Drama zu verlieren, Sie bewegen sich zu mehr Raffinesse und verfeinerte Bühne. Beteiligen Sie sich an diesen Opern-Funktionen wie Andrea Chénier und Fedora ambas de Umberto Giordano, neben Tosca von Giacomo Puccini und Adriana Lecouvreur von Francesco Cilea.

diese Baugruppe Andrea Chénier Es ist eine Koproduktion des Festivals von Peralada ABAO (Bilbao Vereinigung der Freunde der Oper). Sehr gut geeignet und voller Symbolik, die Menge ist so konzipiert, durch Ricardo Sánchez Cuerda, verkörpert die Ideen von Regisseur Alfonso Romero Mora, und zeigt einen einzigen Raum, das ändert sich auf die Entwicklung der Aktion abhängig: im Verlauf des ersten Akt, Es ist, als der Ballsaal präsentiert, wenn eine Partei in dem Palast der Gräfin von Coigny nimmt, mit rissiger Decke und dem schrägen Boden, Vorboten der Zukunft Zusammenbruch einer dekadenten Gesellschaftsklasse, auf den Druck des erliegen Französisch Revolution, und die Knospung. Scheint, dass Dach und in Act II abgerissen, als klarer Hinweis auf Chaos in der Zeit des Terrors produzierte. Im dritten und vierten wirkt verziert die anfängliche bzw. geworden ist, in der Halle des Revolutionsgerichts, und ein Gefängnis, in dem ironisch Magdalena de Coigny- Es wird von Chénier gefangen werden, im Ballsaal seines eigenen Hauses ins Gefängnis umgewandelt.

Andrea Chénier Es wurde aufgerufen <<Operntenor>> da der Protagonist, Er hat vier Arien in so viele Ereignisse singen. Opera Fans im Sinn haben,, die großen Schöpfungen des revolutionären Dichters im vergangenen Jahrhundert gemacht Beniamino Gigli, in den dreißiger und vierziger Jahren, und Franco Corelli in den fünfziger Jahren, sechziger und siebziger Jahren. auch, Interpretationen Mario del Monaco und Richard Tucker. und, in jüngerer Zeit, diejenigen von Placido Domingo und Josep Carreras. deshalb, für Poesie und Stimme timbrada Marcelo Alvarez, Es könnte schwierig sein, eine Rolle als Chénier zu Angesicht, was es erfordert einen lyrischen Tenor Charakter spinto. Argentinischer Tenor fehlt, dass die großen dramatischen Schub, zeitweise, Es erfordert den Charakter. jedoch, Er nahm sich bemerkenswert und mutig seinen harten Teil, Hervorhebung ihrer Soli: der berühmte <<plötzlich>> die Acto I „Eines Tages alle blauen Raum“, eine Reihe von Gesang voller Ausdruckskraft anbieten, abwechselnde Abschnitte lyrical, mit anderen stärker dramatischen Inhalt. Das gleiche gilt für die emotionale Arie im dritten Akt „Sì, Ich war Soldat….Übertragen Sie mein Leben wie ein weißes Segel ". Er bekam seine beste Leistung in den Arien „Credo einen possanza Arcana“ Act II, y „Wie ein schöner Tag im Mai“, Act IV.

ungarische Sopranistin Csilla Boross, die debütierte in Spanien, Es ist im Besitz eines guten Stimm Medien und in nicht unerheblichem szenische Kapazität, dabei eine hervorragende Interpretation von Magdalena di Coigny, Verwaltung der tiefe psychologische Entwicklung des Charakters zu erfassen. Seine Leistung war weniger mehr, und in Akt II und bot eine gute und nuancierte Interpretation der Arie „Erabate Poss“, bis Sie das berühmte „La mamma morta“ Act III erreichen, hervorragend gesungen. und, Marcelo Alvarez sehr abgestimmt auf, im schönen Duett des zweiten Aktes „Udite! Sie sind Single!…jetzt suave, Jetzt erhabene Liebe ", und und, am Ende der Oper, in der intensiven, lebendige und genommen "Vicino a te s'acqueta", in beiden Fällen mit großen Leistungen der beiden Sänger.

Carlo Gérard Es ist eine der großen Baritonrollen für das gesamte Repertoire, und er Helligkeit stark Carlos Alvarez, sowohl vom Standpunkt der Gesangs- und Theater, und von Anfang an der Oper „Sie sind sessant'anni, o vechio“; und, mit großer Eleganz bewegt auf der Bühne in seiner großen Szene im dritten Akt, gipfelt mit einer großen Interpretation von „Nemico della patria“, seguida von duo „Ich t'voluta, wenn einer von euch ein wenig“, mit einer pathetischen und Flehen Magdalena de Coigny.

Andrea Chénier ist eine Oper mit vielen Charakteren, einige von ihnen mit wichtigen Interventionen wie im Fall von Bersi mulatta, auch von der katalanischen Mezzo gespielt Mireia Pintó, zu Beginn des zweiten Aktes „Temer singen? denn ". Die Hälfte Galizisch Nuria Lorenzo López Er hatte auch eine hervorragende Leistung in seiner Doppelrolle als Comtessa de Coigny; und, vor allem, wie das alte Madelon in seiner Rede im dritten Akt „sie sind die vecchia Madelon“. Valeriano Boote Er bot seine mächtige vocalism als Roucher Freund Chenier. Während der Rest der Darsteller. Destacar el precioso concert von Acto II „fragte die Frau Sie mich zu schauen“, mit der Teilnahme des Chores des Liceu, in der gesamten Leistung sehr abgeschwächt und zum letzten Mal gerichtet Jose Luis Basso. Die Bereitstellung des Orquesta del Liceu, Regie Marco Armiliato, Er hatte gute Momente und andere weniger Glück, mit einigen Tönen gemacht, dass es schwierig forte Sänger zu hören. Eine echte Schande, da diese schöne Score ermöglicht die Inszenierung eines Orchesters.

Die schöne, warme Stimme von Jonas Kaufmann

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Ganz war ein Ereignis, das Konzert Jonas Kaufmann, mit dem ihm eigenen Mitarbeitern Jochen Rieder, vor dem Orchester Cadaqués, das eröffneten das Konzert mit der Leistung des Annäherungsversuches Le Cid von Jules Massenet, Seite Orchester Brillanz mit unzweifelhaften Wagnerianer Einflüsse. Kaufmann sehen centro ein Giuseppe Verdi, während des ersten Teils, seine Leistung mit der Arie „Io l'ho Ausgang perduta…Ich sah sie .. ", von Don Carlo, wo er zeigte ihr Gesangs- und dramatische Fähigkeit Verdian Art des Singens zu betreten. Dann spielte das Orchester den ersten Teil des Balletts, die Verdi für die Französisch-Version, bestehend aus Il Trovatore, die es diente als Auftakt für die Interpretation der Rezitativ-Arie „Il baleful Omen….Ah! und, ben mio…„In dieser Oper, auch von den deutschen Tenor gesungen, wenn auch mit einem gewissen Problem Abstimmung in <<Die Hälfte Stimme>> Schließen des Rezitativs und, auch, einige Schwierigkeiten bei der Agilität in dieser schwierigen Arie erforderlich. Kaufmann war einer der hellsten Momente des ganzen Abends, mit interpretación der Rezitativ-Arie „Das Leben ist die Hölle… Oh ihr, die Brust Engel haben…„La forza del destino, durch die lange Orchestereinleitung voran, in denen schien er die Klarinettistin John Mond Enrinc, und wo der Tenor wußte meisterlich alternativen Gesang und Klavier forte, die letzte Note der Arie in Pianissimi laufen, und öffnet allmählich den Ton Forte, Er Funken der Öffentlichkeit Begeisterung.
Zeigt seine Vielseitigkeit, Kaufmann schloß die erste Hälfte mit einer Seite von Französisch Repertoire: die schöne Arie „Ah! Alles ist gut verarbeitet…..Souverän O, ô jude, pere…„von Le Cid Massenet, elegante Phrasierung gesungen, große Musikalität, mit scharfen rund und gut platziert.
Abgesehen von den oben genannten Fragmenten, das Orchester während des ersten Teils des Annäherungsversuches durchgeführt, La forza del destino, und echte Neugier: Micaela Arie aus dem zweiten Akt I Carmen, wo die concertino Violine ersetzt den Sopran.

Der zweite Teil wurde auf Wagnerianer Repertoire Seiten gewidmet, mit dem Annäherungsversuch Ausgang Der fliegende Holländer, auch vom Orchester gespielt, seguida del monólogo de Sigmund “Ein Schwert verhiess mir der Vater”, von La Walkiria, gesungen von Jonas Kaufmann mit wirklicher Macht und Emotion, Abschnitte von großen dramatischen Inhalt -Awesome abwechselnd, wenn sie wiederholt das Wort „Wälse ausstößt- mit anderen intensivem Lyrismus, immer gut begleitet von dem Orchester. Impeccable drehte seine Interpretation der beiden Wesendonck-Lieder: “Schmerzen” y “Träume”, die erste in einer Stimme expansiven Lyrizismus gesungen, und die zweite, eine Kammlinie von extremen Feinheit Anzeige, mit einigen schönen Pianissimi. Spannend und voller Dramatik war ihre Interpretation von „Amfortas! Die Wunde”, von Parsifal, wo der Tenor sang mit Subtilität und Vielfalt von Akzenten. Das Orchester während dieses zweiten Teils, und mit lobenswerten Ergebnissen, Es sandwichartig Prelude Act III Meistersinger und Prelude Act III Parsifal.

Aufgrund der intensiven und wiederholten Applaus, Jonas Kaufmann fühlte sich großzügig zur Ergänzung der Programm vier Tipps. La primera "Donna non vidi mai" de Manon Lescaut, exquisit gesungen. Er folgte der berühmte Klage Federico „É la solita storia del pastore“ von La Arlesiana von Francesco Cilea, mit einer vollständigen Interpretation der Melancholie Akzente, interspersing sbellísimos pianisimi, und Anzeigen eines prächtigen hohen Register. Der Tenor schloß seine Leistung mit zwei Seiten von Operetten Franz Lehar: “Gern nab ich die Frau’n gekusst” perteneciente a Paganini y “Dein ist mein gances Herz” de Das Land des Lächelns, wo er verschleudert Musikalität und des guten Geschmacks. schließlich, ein großartiges Konzert.

(Diego Manuel Garcia Perez-Espejo)

 

 

“Tanz Risiko aufzulösen, wenn es narzisstisch selbst erwägt weiter .... Die Grenzen zwischen Theater, Kunststoff, Tanz und Literatur werden in einem Spiegel verwischt wieder seine vergrößerte Bild und, bis zu einem gewissen Punkt verzogen seiner eigenen Herkunft zu sein und sein Ballett nicht, Sein und nicht Sein Theater, Kunststoff, Tanz Literatur und sogar Philosophie”.
(Adolfo Vasquez Rocca, Pina Bausch: Abstrakt Tanz und Analytische Psycho)

Gluck Durch seine Arbeit wollte er die Oper reformieren, die bis dahin den Barock geprägt hatte. Er wollte alles aufhellen, was Zubehör war und das nur dazu diente, es zu überladen. in Orfeo y Euridice (1774), und Iphigenie in Tauride (1781), Ich wollte die verschiedenen Elemente, aus denen es bestand, gleichstellen, und auf diese Weise drückte er es aus: Die Stimme, die Instrumente, alle Geräusche, sogar die Stille, Sie müssen dem gleichen Ziel dienen, der Ausdruck; und die Einheit zwischen den Wörtern und dem Lied muss so eng sein, dass die Poesie nicht weniger wichtig zu sein scheint als das Lied, noch Musik weniger als Poesie ".

Pina Bausch, der deutsche Tänzer und Choreograf, der im 20. Jahrhundert die europäische Tanzgeschichte revolutionierte, wählte in 1975 die erste Version von Orpheus und Euridice, die W komponierte. Gluck on 1774, eine Tanzoper zu schaffen, in der die Choreografin versucht, das von Gluck in ihren Kompositionen geprägte Prinzip zu respektieren. Vereinigung, zu den künstlerischen Ausdrucksformen, aus denen es besteht, der Tanz. Dies geschieht durch den Aufbau einer Parallelität zwischen Stimmen und Tänzern, deren Ergebnis die Verschmelzung beider Elemente auf der Bühne ist..

diese Version, in denen die Götter den Liebenden nicht erlauben, sich zu treffen, es wurde von Bausch in vier Quadrate geteilt, Trauer, Gewalt, Frieden und Tod. Vom ersten Moment an die Hauptrolle reflektieren, die Bausch den vom Tanz erzeugten Emotionen beimisst. Wie Gluck, Pina Bausch beraubte den Tanz von allem Accessoire. Das Ergebnis war das Wesentliche. Dieser Ort, von dem nur Genies zum Bau ihrer Werke abreisen.

In der ersten Szene, "Duell", Euridice erscheint auf einem Hochstuhl, bewegungslos, mit einer fast andalusischen Macarena-Ästhetik. Auf der Bühne liegt ein trockener Baum mit seinen Wurzeln. Dies ist ein Element mit einer großen symbolischen Ladung. All dies in einem großen weißen Würfel, in dem die Tänzer zu funktionieren beginnen.. Sie weichen "Gewalt". Die Kräfte der Hölle sind diejenigen, die an diesem Akt beteiligt sind. Die Furien weben das Labyrinth mit weißen Fäden, während der Tanz der „Can Cerberos“ stattfindet, und bewachen die Tore der Hölle, damit die Toten nicht gehen können, und die Lebenden können nicht eintreten.

Dann kommt "Frieden", der Moment der Erinnerung zwischen Orpheus und Euridice, obwohl sie sich bewusst sind, dass sich der Moment der Trennung nähert. Es ist auch ein Moment der Ruhe nach der intensiven und gewalttätigen Szene der Hölle.
Zum Zeitpunkt des "Todes", wie die vorherigen, ist mit Intensität geladen, Euridice erscheint rot gekleidet und Orpheus erscheint zurückhaltend und schweigsam. Kann Cerberos wieder auftauchen und Orpheus daran hindern, Euridice auf ihrer Reise in die Hölle zu begleiten?, sie für immer trennen.

die Stimmen, wesentliche Elemente in dieser Tanzoper, waren hoch. Maria Riccarda Wesseling, spielte einen intensiven Orpheus, dramatisch, kraftvoll und voller Ausdruckskraft. Es war das von der Öffentlichkeit am meisten gefeierte. Sein tanzender Orpheus Stéphane Bullion und Nicolas Paul Sie waren manchmal sehr zurückhaltend, Goldbarren sogar langweilig.

Yun Jung Choi, wie Eurydike, hat eine großartige und gut gesprochene Stimme, kraftvoll und agil das, gepaart mit der Ausdruckskraft von Marie-Agnès Gillot und Alice Renavand, Sie bauten ein Euridice voller Plastizität und Emotionen.

Die Rolle der Liebe wurde von a gespielt Jaël Azzaretti quietschende und böse Stimme. Weit entfernt von der Eleganz von Charlotte Ranson, das gab mit seinen Bewegungen der zartesten Liebe Leben.

Eine großartige musikalische Leitung von Thomas Hengelbrock vor seinem Orchester und Chor, Balthasar-Neumann-Ensemble und Balthasar-Neumann-Chor. Ein Orchester nicht überfüllt, aber ausreichend, und ein Refrain, der aus der Grube und ohne Noten kommt, hat die dramatischsten Fragmente der Arbeit elegant gelöst.

Die delikate Delikatesse, mit der die Nationalballett der Pariser Oper interpretieren diese Kreation von Pina Bausch, wurde von der Madrider Öffentlichkeit mit Begeisterung und großer Anerkennung aufgenommen. Hoffentlich die Teatro Real Machen Sie die Anwesenheit der besten Tanzkompanien zu jeder Jahreszeit zur Tradition. Das hat uns auch gewöhnt Gerard Mortier. Brigitte Lefèvre, Direktor des Dance de l´Opéra de Paris, er erinnerte sich an die vermissten Gerard Mortier und Pina Bausch, die sich auf sie bezogen, "Wir hatten immer seine Augen und seinen Geist, und wir haben sie nicht mehr. Ich bin sehr optimistisch, weil ich denke, dass beide irgendwie da sind, das ist Kunst “.

Tales of Hoffman am Königlichen Theater

E. T. EIN. Hoffmann (1776-1822), dass Schriftsteller, Komponist, Leiter, Tenor und bemerkenswerte jurist, Er erwarb seine größte künstlerische Anerkennung für seine Rolle als Schriftsteller. Er war ein Teil der romantischen Bewegung und seine Werke, eine beunruhigende Art zwischen Humor und Schrecken, Sie beeinflussten die Arbeit von anderen namhaften Autoren wie Allan Poe oder Gautier.
Sie waren nur einige seiner Geschichten von der Französisch Komponisten gewählt Jacques Offenbach (1819-1880), vertont werden. Insbesondere drei seiner Geschichten: „Der Sandmann“, „Der Berater Krespel“, und "Night Adventures San Silvestre", Sie dienten als Inspiration für Hoffmanns Erzählungen.
Offenbach starb, als er gerade ein Drittel der Arbeit fertig, aber er hat viel geschrieben Musik, genug für zumindest drei weitere Opern. Dies ist der Hauptgrund, warum gibt es mehrere Versionen existieren Geschichten. Laut dem Direktor Cambreling, einige der Versionen, die bisher nicht von den freundlich alle mit dem ursprünglichen Text vorgenommen wurden. Für ihn ist die Arbeit wie eine große Collage, Elemente zusammengeklebt. Parallel Geschichten, die nichts zu tun haben, notwendigerweise, sie. Mit dieser Prämisse hat diese neue Anpassung der Version von Fritz Oeser gemacht. Die Hauptanstrengungen war die maximale Surrealismus des Original-Skript zu respektieren. Und sie haben es geschafft, Ich weiß nicht, ob Sie das Libretto respektieren, sondern entwickeln eine surrealistische Arbeit, voller Inhalt und zusammenhangslos Details, die es schwierig machen, ein Argument zu folgen, dass es, schlechthin, teuflisch kompliziert.

Er hat Inspiration diesmal gefunden Marthaler in den Hallen der schönen Künste in Madrid. Ort, der von Mortier zitiert wurden Arbeiten vor Ort zu beginnen, da dies ein Ort, an die verschiedenen künstlerischen Disziplinen suggestiv in einer chaotischen Weise miteinander verflochten sind. Und diese Verwirrung beruht auf zarten, auf der die Collage gebaut verpasste durch Cambreling und Marthaler. Wenn der Zweck war Verwirrung, das Ergebnis ist ausgezeichnet.
Das Spiel findet in einer einzigartigen Umgebung, wo verschiedene Bereiche in der Kunst widerspiegeln. Cafeteria, das Spielzimmer, die Malerei Raum, von paradierten Modelle dargestellt und eine anfängliche Übertragung unaufhörlichen Chor zu Fuß auf der Bühne und die Besucher des Kreises werden. in dem alle vergehen fast zehn ersten Minuten ohne Musik.
das Szenario, obwohl es mit allen Arten von ablenkenden Elementen geladen: Sänger, Extras, Requisiten, unter anderem Details, Es sieht abklingende, einsam und traurig, dass es vor allem auf die Beleuchtung Olaf Winter. Dies unterstreicht den tragischen Hintergrund der Arbeit, während sie haben fast alle humoristische Aspekte gespielt, die sie nur wenige in dieser Arbeit, und hellt das zugrunde liegende Drama. Auch sie haben zu berücksichtigen wichtige Schlüssel genommen landschaftlich, als Schauplatz von Olympia, was es seiner mechanischen Problemen beigetragen Fantasiegeschichte, um die Szene beraubt. Der große Freiraum nach oben, sehr industriell und sehr erfreut, Marthaler, Enden der Umgebungskühl.

Die Box Sänger ist ausgeglichen und homogen. Ein Werk wie Korallen (nie besser) erfordert ein starkes Team Nebenstimmen, und in dieser Produktion wird diese Anforderung erfüllt.
Das erste Zeichen ist beteiligt Anne Sofie von Otter, die zwischen der Musa und Niklausse geteilt. Es ist immer ein Vergnügen zu hören, obwohl gelegentlich wird es vollständig vom Orchester bedeckt. Seine Charaktere sind etwas langweilig, aber behält seine Eleganz auf der Bühne und eine schöne Glocke, in diesem Stadium seiner Karriere, Es wird viel interessante Aufführungen in Opern vollständig.
Eric Cutler Hoffmann interpretiert ein feiger, die manchmal die Bühne herum zu wandern scheint. Seine Emission ist ungleichmäßig in der gesamten Darstellung, aber insgesamt, sein Charakter richtig gelöst. Zu scharf fehlte ihnen Intensität, aber es war weniger mehr, vor allem in dem zweiten Akt.
Measha Brueggergosman konfrontierte Papiere Antonia und Giulietta. Es gelang ihm jeden der Charaktere in den Nuancen und Persönlichkeit genug unterscheiden zu verleihen. Er schuf eine tiefe Antonia und Giulietta schwül. Ihre Unterlagen werden reichlich Stimme erlauben, den Geschmack zu verschleiern und dieses Mal gibt es überschüssige Energie. Seine Fähigkeit, die Ausdruckskraft Dramatisierung Zeichen zu verbessern.

Startseite Durlovs dass
Es war der Beifall mit seinem teuflischen Olympia. Obwohl leicht schrillen Klang, dominiert die Koloraturen ihrer Arie, zu denen er nicht eine einzige Note verpassen. Schade, dass der Dramatiker Ubenauf beschlossen, den Charakter seiner Elemente Träumern abzustreifen.
Vito Priante Er kämpfte mit seinen vier Bösewichten und guten Charakterisierungen, in allen glaubhaften. Ihre Stimme ist vielseitig, ohne zu dunkel. Es wurde verdünnt, wie sie wirkt bewegt.
Jean-Philippe Lafont, Maestro Luther und Crespel, er bewegte sich auf der Bühne mit einigen Schwierigkeiten und seine Stimme, als er fast so müde.

Christoph Homberger
Er löste seine vier Zeichen sehr richtig, dass, wegen der glanzlosen Landschaft, Sie waren arm und langweilig.
Spalanzanis Ereignis, das von einem Akteur gespielt wurde (Graham Valentine) und kein Sänger, Ich könnte keine schlechte Idee gewesen, wenn sie ohne weitere rund um die Bühne worden waren wandernde. Ein Schauspieler schlecht ausgenutzt und eine Opernsängerin verschwendet.
Gerardo Lopez Er hat nicht eine große Stimme, aber seine scharfe einen schönen Metall haben. Nasality müssen Sie ihre Mitteltöne korrigieren.

Dies hat nicht die beste Leistung des Chores gewesen, Es war viel besser der wirkenden Teil und seltsam genug, um mit ihren lächerlichen Charakterisierungen mußte umziehen.
Orchester in den Händen für Drömann Es klingelt mit Präzision und Energie. zeitweise beschleunigt, Auch sie wird in die Geschichte Theater nach unten gehen.

Es war die letzte Oper inszeniert, die Gerard Mortier geplant. Es wollte seine Marke machen, Wenn Sie identifizieren können, und, ein través del Person Gedicht (unter dem Namen von Alvaro de Campos) „Ultimatum“, die von aus Costa Rica rezitiert Altea Garrido, nur zog er die Aufmerksamkeit über die Seltsamkeit.

Die d'Hoffmann Geschichten
Jacques Offenbach (1819-1880)
Opéra fantastique in fünf Akten (1881)
D. Musical: für Drömann
D. Szene: Christoph Marthaler
Beleuchtung: Olaf Winter
Dramaturgin: Malte Ubenauf
Choreograf: Altea Garrido
D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Eric Cutler, Anne Sofie von Otter, Vito Priante, Christoph Homberger, Startseite Durlovs dass, Measha Brueggergosman, Altea Garrido,
Lani Poulson, Jean-Philippe Lafont, Gerardo Lopez, Graham Valentine, Tomeu Bibiloni, Isaac Galan.

Lohengrin

"Diese Oper Eroberung in ganz Europa in kürzester Zeit, und sogar Verdi teilnehmen, fasziniert und in einer Kiste versteckt, die Premiere in Bologna, von seinem Freund gerichtet Mariani. Die Gründe dafür sind in Sicht: aus einer musikalischen Sicht, Klänge sind bisher unbekannt gehört, sowohl das Vorspiel und die Schändung der Götter von Ortrud und Erzählung über den Gral Lohengrin, und natürlich eine der komplexesten Chöre von Bach bis zur Erscheinung des Schwans „ein Wunder, ein Wunder…”. Vom dramatischen Sicht, Oper erfüllt alle Wünsche der Bourgeoisie dann, Restaurierung enttäuscht von Metternich und das „juste milieu“ von Frankreich; in seinem Wunsch nach einer neuen Weltordnung frustriert, überzeugt von dem besonderen Ort des Künstlers, sondern auch seine Einsamkeit (Lohengrin), bedrängt von Melancholie aus der Frustration unerfüllter Utopie entstehen. Und das alles in übergroßen Formen reflektiert und auch verwendet Meyerbeers, obwohl dies scheiterte sie mit mehr als einem efectismo ähnlich der aktuellen Hollywood-Produktionen zu liefern.
Lohengrin ist eine unglaublich traurige Arbeit, weil das Prinzip verspricht die Realisierung einer neuen Welt und bis zum Ende, wie Elsa, überlässt uns unserer Einsamkeit, weil die Gesellschaft nicht den Mut finden konnte, der Forderung des Künstlers zu folgen, Bote der utopischen Burg des Grals: "Frag mich nie". Elsa will es wissen anstatt zu glauben, und deshalb kann es nicht freigegeben werden, während Lohengrin allein in sein ideales Reich der Gralsburg zurückkehren muss ... wie Wagner im Exil. "
(Der ewige Kampf zwischen der Wahrheit und der Blendung des Theaters, Gerard Mortier).

Gerard Mortiers Begeisterung hat das Teatro Real zur Präsentation gebracht, zuerst, eine eigene Produktion von Wagners romantischstem Werk, Lohengrin.
Dies ist eine Arbeit, die alle Archetypen der Romantik entwickelt, das tragische Schicksal, mittelalterliche Legende, der Kontrast zwischen dem Göttlichen und dem Menschen und eine dunkle und eindringliche Atmosphäre.
Wie die alten Griechen drückten sie die Realität durch Legenden aus, Wagner, Nachahmung der Griechen, Ich habe versucht, die universelle Wahrheit auch anhand der Legenden auszudrücken. In deinem Fall, mittelalterliche Legenden deutscher Herkunft zusammen mit einem der Themen, die das größte Interesse an ihm weckten, Der Heilige Gral.
Lohengrin ist ein Werk, das einen Wendepunkt in der Musik seiner Zeit markiert, Nun, er wird den Opernstil der Zukunft verfolgen. Eine neuartige Instrumentierung, in der Wagner nicht mehr klassisch komponiert, Vielmehr entstehen unterschiedliche musikalische Ebenen, die im Vorspiel deutlich geschätzt werden, wo die Saiten, Sie sind unterteilt und gruppiert, wodurch ein anderer Klang erzeugt wird, nur, Wagnerianer unverwechselbares Instrumental.
Wagner hatte Dresden zu fliehen, der war geplant Arbeit veröffentlicht, nachdem er in der Revolution teilnehmen 1848. Bevor er alle Arten von Informationen über die Orchestrierung und Inszenierung geschrieben hatte gelassen. Für diese neue Produktion des Realen, Sie haben berücksichtigt all diese Quellen zu den Ideen der Selbst Wagner durchaus treu zu sein,.
Einige dieser Angaben wurden treu geachtet, wie das Aussehen auf der Bühne 12 Trompeten, oder die Zusammensetzung einer Chor außerordentlichen, bezogen auf die Anzahl der Mitglieder und Lautstärke.

Das erste, was die Aufmerksamkeit dieser Produktion zieht, ist die Verwendung der Bühne gemacht. Lukas Hemleb und Alexander Polzin Sie haben eine entfernte Landschaft des statischen Sinn haben wir in einer Produktion dieser Größe vorstellen. Das Ergebnis ist eine Totalität, in seiner Rolle ein romantisches Universum Händen des Polzin selbst als Bildhauer fast gemeißelt. Sie haben eine besondere Balance erreicht, mystische und legendäre, das kann mit keinem aktuellen Moment identifiziert werden, auch nicht historisch. Ist spontan außer Zeit und voller Sensibilität.
Es war sicherlich der Meister Hartmut Haenchen die verdientesten applaudierten nach der Aufführung. Er hat vom Titelorchester eine seiner besten Aufführungen seit der Wiedereröffnung des Theaters erhalten. die Ouvertüre, von überwältigender Spannung und Intensität, Es wurde nur von einem magnetischen Ende übertroffen, das gleiche, das die Arbeit als Ganzes überträgt. Der erfahrene deutsche Regisseur, extrahiert aus dem Orchester einen Klang voller Reife, Produkt der Entwicklung, die dieser stabile Körper des Theaters in den letzten Jahren erlebt hat.

Der Titelchor des Theaters, Intermezzo Chor, verstärkt, um die erforderliche Lautstärke in Lohengrin zu erreichen, spielte eine außerordentlich wichtige Rolle, vor allem der Männerchor. Es bewegte sich wie eine lebende Körpereinheit über die Bühne, in der großen höhlenartigen Bühne. Die Qualität dieses Chors, Regie führte Maestro Máspero, es überrascht uns immer wieder. Die hohe Qualität macht es zu einem der besten in Europa, etwas, das vielleicht geschätzt werden muss, auch, und Gerard Mortier.

Die Hauptstimmen waren ausgewogen und von großem Niveau. der Tenor Christopher Ventris, als Lohengrin, kann nicht als spezifisch wagnerische Stimme bezeichnet werden, aber es brachte einen gewissen heroischen Ton, Neben einem Leichtmetall, das in diesen Charakteren immer geschätzt wird. In einigen Passagen fehlte ihm die Emotion, aber er hat eine schöne Farbe in seiner Stimme.
Catherine Naglestad spielte eine sehr glaubwürdige Elsa in ihrer Naivität. Süß im Übermaß, hat helle und ausdrucksstarke Höhen.
Deborah Polaski als Ortrud hoch leuchtete. Eine großartige Dramatisierung machte sie bei weitem zur bösesten. Sie schaffte es, die Protagonistin in jedem der Duelle mit den anderen Hauptstimmen zu sein. Seine Erfahrung auf der Bühne milderte einige Stimmmängel, vor allem in den hohen Tönen.
Franz Hawlati als König Heinrich war die angenehme Überraschung. Der deutsche Bariton hat sich seit seinen letzten Eingriffen in dieses Theater stark verbessert. Bei dieser Gelegenheit war seine Interpretation sehr korrekt.
Thomas Johannes Mayer, als Telramund, hatte einen makellosen ersten Akt und eine überzeugende Dramatisierung. Dieser deutsche Bariton hat eine kraftvolle und tiefe Stimme, die seine Darbietungen mit Intensität erfüllt..

Das Endergebnis ist eine runde Arbeit, Suche nach der Gesamtkunst, die Wagner mit seinen Kompositionen verfolgte. Verstehe es nicht, Aber das Ergebnis ist mehr als würdig, seine Inspiration zu ehren, ein Gerard Mortier schwebte in der Luft.

LOHENGRIN
Richard Wagner (1813-1883)
Romantische Oper in drei Akten (1850)
Libretto vom Komponisten, basierend auf den Parzival-Romanzen, de Wolfram von Eschenbach, und Lohengrin, Anonymus
Neue Produktion von Teatro Real
Obituary Gerard Mortier
D. Musical: Hartmut Haenchen
D. Szene: Lukas Hemleb
scenographer: Alexander Polzin
Kostümbildnerin: Wojciech Dziedzic
Illuminator: Urs Schönebaum
D. Chor: Andrés Máspero
D. Kinderchor: Ana González
Besetzung: Christopher Ventris, Catherine Naglestad, Thomas Johannes Mayer, Deborah Polaski, Franz Hawlati, Anders Larsson, Antonio Lozano, Gerardo Lopez, Isaac Galan, Rodrigo Álvarez

isa Marcello

Am vergangenen Sonntag 23 März, bei 18 Uhr, die Nationale Verbreitungszentrum Musical (CNDM) Er schließt die aktuelle Ausgabe seines Zyklus BAROCK UNIVERSE in der Symphony Hall of National Music Auditorium mit einem noch nie da gewesenen Programm in Spanien: die Version in Rom geschrieben 1720 Oper Tito Manlio von Vivaldi. Hierzu, es hat einige der führenden Stimmen der nationalen und internationalen Barockszene hatte, die Concerto de'Cabalieri, Regie Marcelo Lisa und Stimmen Maria Espada, Ann Hallenberg, Vivica Genaux, Magnus Staveland und Nerea Berraondo.
Die Wiederherstellung einer verlorenen Oper Tito Manlio (Version von Rom, 1720)
Neben sagt Frédéric Delamea , „Während des Karnevals 1719, Sein di cappella Meister des österreichischen Prinz Philipp von Hess-Darmstadt, Gouverneur von Mantua, Vivaldi komponierte die Musik für eine Oper in der de la Villa de Mantua Teatro durchgeführt werden. Die Oper wurde Tito Manlio betitelt und wurde auf einem Libretto von dem Dichter Matteo Noris komponiert. diese Broschüre, die er zum ersten Mal vertont 1696 in Villa de Pratolino Florenz, Er hatte bereits einen großen Erfolg durch die Theater von Venedig erhalten, Ferrara, Livorno, Neapel, Genua, Verona, Reggio oder Turín.
Der Erfolg der Arbeit, die Musik war so viel wie das Libretto, die werfen ein ganz neues Licht auf die tragischen Gegensatz zwischen dem römischen Konsul und sein Sohn Tito Manlio, wie sie von Tito Livio erzählt, durch einen intelligenten rund um den Schatten und Lichter von Vertus romaines gebaut Rahmen, Gründung und vereinigende Werte der jungen Republik. deshalb, Es war fast natürlich, dass das nächste Jahr, 1720, Teatro della Pace Rom tat Vivaldi, und Red Priest, sein erster römischer Brauch, zu komponieren auf eine neue Oper Tito Manlio, basiert auf dem gleichen Libretto von Matteo Noris Musik, sondern völlig neue und andere aus dem Verbund Mantua.
Die Einladung wurde empfangen von Vivaldi, sowieso, Sonderkonditionen: Vivaldi akzeptiert, sondern nach der üblichen Praxis zu der Zeit wurde die Oper in Zusammenarbeit geschrieben mit zwei brillanten Komponisten Roman, Gaetano Boni y Giovanni Giorgi, die wichtige Beiträge zur Oper. Vivaldi wurde beauftragt, die Musik des dritten Aktes dieses neuen Tito Manlio zu schreiben, aber auf jeden Fall überwacht er die anderen zwei Akten, jeweils Boni anvertraut und Giorgi.
Im Gegensatz zu den Noten von Mantua, Tito Manlio Musik leider verloren Rom, aber sein musikalisches Gefolge hat durch eine kürzliche Entdeckung von drei Sammlungen von Arien in Rom zu uns kommt, kopiert und in mehreren Bibliotheken in Europa gespeichert, die es ermöglicht, die Oper wieder zu beleben. Heute ist es möglich, mehr als zwanzig Arien zu identifizieren, zwei Duos und ein Chor, Sie bieten ein lebendiges und begeistertes Bild dieses Buchs und erlauben dem Wiederaufbau in Form einer Erwägung der Arien und Ensembles, Wahrung der dramatische Chronologie des Librettos.
Die Darstellung dieser großartigen Arbeit verloren und erholt die Chance, das ultimative Dramma per noch nicht veröffentlichte Musik von Vivaldi zu offenbaren. Dies ermöglicht auch, Dank der Ruf und Ruhm berühmten venezianischen, Schatten-Rettung zwei brillante Musiker Roman vergessen, aber die, Durch diese Zusammenarbeit, wir können ihr Talent zeigen. "
Obwohl die Arbeit als Ganzes ist außergewöhnlich, sicherlich das Genie war Vivlaldi, und so ist es in den signifikanten Unterschiede zwischen den beiden ersten Akten reflektiert, Boni und Giorgi, und dritte, komponierten Vivladi. die Arien, von außergewöhnlicher Schönheit und Komplexität in diesem dritten Akt, stellt eine Herausforderung für Dolmetscher.
Maria Espada, die er gespielt Vitellia, Es hat eine einheitliche technisch Stimme, hohe Festigkeit und Ausdruck. Extremadura begeistert mit einigen der schönsten Arien der Arbeit. Eine klare Stimme, glatt und voller Nuancen.
Die Mezzosopranistin Vivica Genaux in Alaska geboren gespielt Manlio. Es ist eines der stärksten Stimmen im barocken Universum. Seine erste Arie war übermäßiger Nachhall, aber es war weniger mehr und gab eine dramatische Arie im dritten Akt von großer Emotion. Beherrscht sein Instrument mit großer Leichtigkeit.
Ann Hallenberg, als Servilia, demonstrierte Beherrschung der akuten Aufzeichnungen verlangt auch den Charakter. Wie der Rest der Besetzung, er sah mehr in den Arien des dritten Aktes, komplexer und aufwendiger.
El Tenor Inglés Magnus Staveland, Er rekonstruierte einen etwas maßlos Tito am Anfang. Tuning ihre Probleme wurden über die Arbeit, bis eine endgültige Arie großer Emotionen gelöst.
Nerea Berraondo spielte Lucio. Es war die Überraschung des Abends. Es hat eine lange Geschichte, helle Höhen und Tiefen Schwellkörper. Schade, seine Stimme leise Lautstärke, vor allem in der Beweglichkeit, und der zweite seiner beiden Arien, wo wenig zu hören war. Dies ist ein Aspekt, die Sprachlautstärke, die die Karriere eines Sängers beeinflussen können. Hoffentlich nicht der Fall von Nerea Berraondo wie es ein schönes Instrument hat.

Alceste

“Wer will, Musik in "mein" Opern hört zu Hause und setzen Helme "zu bleiben.
Mit diesen Worten wurde die Bühnenbildnerin versandt Krzysztof Warlikowski kürzlich in einem Interview auf ABC. Mehr als eine Absichtserklärung, Ich würde diesen Kommentar als Empfehlung nehmen.

Dies ist die zweite Version Alceste, eine der Opern Reform Gluck, in Paris uraufgeführt 1776, in denen bemerkenswerte Unterschiede mit der ersten Version in Italienisch zu sehen. Sie verlieren ein wenig stimmliche Virtuosität der Darsteller und die schönen Melodien, zu rechtfertigen, nach dem Komponisten selbst, "Einfachheit, die Wahrheit und das Fehlen einer Beteiligung".
Auf dem eher technischen Aspekte der Partitur, in der neuen Französisch-Version von einigen Zeichen verschwinden, andere erscheinen und die zweiten und dritten Akt sind modifizierte. Der Geschmack der Französisch Öffentlichkeit nahm sich die Zeit eine Konzession Gluck Einführung Ballette und Pantomimen zu machen, die gerade jetzt Konto. ein offensichtlicher Übergang beginnt daher zwischen barocker Oper und Klassik, Markieren der konzeptionellen und ästhetischen Aspekten, die den Weg der Zukunft Oper definieren.
In dieser Version, dunkler und streng als die erste, Gluck zeigt größere Treue zum Drama von Euripides. es, die Tragödie und die Emotionen erreichen eine höhere Intensität.

Krzysztof Warlikowski Er hat die Szene heute bewegt. Alceste ist jetzt Lady Di. Auf einem großen Bildschirm, die Dramatisierung des berühmten und umstrittenen Interviews, in dem er die krampfhaften Geheimnisse ihrer Ehe mit Carlos de Inglaterra Projekten vorgestellt. Projektionen begleiten den Verlauf der Arbeit durch die Dramatisierung Verbesserung.
Warlikowski ist einer jener registas, dass sie nur auf die Bühne gehen müssen. Oder vielleicht auch nicht, es wird die ganze Aufmerksamkeit der Arbeit an seiner Arbeit und seiner Person zu konzentrieren. Macht ein echtes Manipulation Libretto von François-Louis Gand Le Blanc. Erlaubt Librettist und Komponist rectify Text hinzufügen, um besser auf Ihre aktuellen Kriterien anpassen. Frivole dramatisch Herkunft darstellt Hades werden Leichenschauhaus, wo Sexszenen post mortem während des dritten Aktes abgelenkt.
Aber die größten Momente der Verwirrung und sie beginnen, im ersten Akt, vor allem aus der Bankettszene. wenn, plötzlich, ein Flamenco tablao ist auf einer der emotionalsten Momente montiert. von hier aus, die ganze Arbeit wird bagatellisiert und es ist schwierig, in den Musikkomponisten Ansätze zu bekommen. Um all dies muss eine lästige und kalte Beleuchtung hinzugefügt werden, die trägt, wie er in der Regel tut dies Bühnenbildnerin, eine maßlose und unwirtlichen Umgebung schaffen.

Ivor Bolton
führt eine extreme Konzentrationsübung. erste, weil die Scheinwerfer konzentrieren sich auf ihn, nachdem er als Chefdirigent der Saison präsentiert 2015-2016. zweite, weil es zu abstrahieren von der allgemeinen auf die atemberaubende Landschaft sehr schwierig führende. trotz aller, und obwohl reduziert, das Orchester klang gut. Der Start war diskret, manchmal der Ton war glanzlos. Aber seine Führung wuchs, als er Repräsentation vorangetrieben und extrahiert merkliche Momente der Zartheit, vor allem einige Original-Metalle. Immer aufmerksam auf die Nuancen Chor und Orchester, nur fehlte manchmal einen Punkt dramatische.

Angela Denoke
Es ist eine gute Schauspielerin, aber es scheint, dass nicht Alceste glaubt nicht aufhören stimmlich. Ich queda en Ladi Di. In den ersten Akt Schwierigkeiten festgestellt wurden, vor allem in den hohen Tönen. Wie stellte sich die Denoke fester Stimme und schönen Timbre.

der Tenor Paul Groves als Admete, er fing die Landschaft. Er streifte die Bühne mit seiner Stimme dumpf und stumpf. Ich weiß nicht schuld.

erneut, und sie sind schon viele, sagte der Jamaican baritone Willard White. Die Stärke ihrer Stimme, groß und gut timbrada, und deren Interpretationen, Sie sind immer eine Garantie und kann exemplarisch abdecken, wie, zwei Rollen, der Hohepriester und Thanatos.

Bariton Hercule Thomas Oliemas, aber in dieser Produktion verbannt, Er behauptete, die Art und stimmliche Präsenz gelassen zu. Erwähnen der jungen unter argentinischem Fernando Radó. mit 27 Jahre und machen Heraldo und Orakel, verspricht eine glänzende Karriere.

Der Chor in dieser Oper ist ein wichtiges Element. Ihre Interventionen sind zahlreich und sind nicht ohne Komplexität. Barring war einen vorzeitigen Eintritt in seiner gewohnten Linie. Highlight gute Interventionen einiger ihrer Mitglieder Solo, Oxana Arabadzhieva und César de Frutos, als Koryphäen und Rosaida Castillo als Gouvernante.

Warlikowski sagt seine Werke für ein intelligentes Publikum sind. Schade, dass ich nicht sein.

ALCESTE
Christoph Willibald Gluck (1714-1787)
Tragödie Oper en tres actos
Libreto von Gent Francois-Louis Le Blanc Roullet, basierend auf dem ursprünglichen Ranieri de ‚Calzabigi
Neue Produktion von Teatro Real
D. Musical: Ivor Bolton
D. Szene: Krzysztof Warlikowski
Illuminator: Felice Ross
Video-Maker: Denis GUEGUIN
Choreograf: Claude Bardouil
D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Paul Groves, Angela Denoke, Willard White, Magnus Staveland, Thomas Oliemans, Isaac Galan, Fernando Rado, María Miró, Oxana Arabadzhieva, César de Frutos, Rodrigo Álvarez, Amparo Bengal, Alberto Junco, Celine Peña, David Moreno, Rosaida Castillo und Christophe Linéré.
Orchester und Chor der Königlichen Theater Schlagzeilen

Brokeback Mountain

Normale Menschen, die Liebe". dies ist, im wesentlichen, globale Vision Mörtel Er will, dass das Publikum Extrakt Brokeback Mountain, deren Öffnung hat eine außergewöhnliche Erwartung angezogen. Mehr als hundert ausländische Journalisten nahmen an der Weltpremiere 28 Januar, und die Zinsen müssen dem Thema der Arbeit zugeschrieben werden.
Homosexualität wurde zuvor von anderen Komponisten behandelt, como Berg o Britten, aber es ist wahr, dass in Brokeback Mountain reflektiert expliziter. Man kann nicht sagen, dass diese Oper Frage über Homosexualität als solche, entweder auf homophobia, sondern über die Liebe, Menschliche Beziehungen und die Notwendigkeit, dass sie.

Die Geschichte wird bewusst in einem Szenario gelegt, die besonders feindlich, eine ländliche Gegend in den Vereinigten Staaten. Bei der Präsentation der Arbeit, Gerard Mortier bestand darauf, das Publikum auf der Suche nach, dass nicht entsprechen, nur mit Musik und Divertimento, sondern ist in der Lage zu reflektieren, durch Oper, zu aktuellen Themen. Glaubt, dass "eine Gesellschaft wie die unsere ist offen bestimmte Diskussionen gezwungen".

Brokeback Mountain mit dem Teatro Real schließt die so genannten „Zyklus der unmöglichen Liebe“. Dies ist, wie wollte das Element, das sie gemeinsam haben, nennen (aus verschiedenen Gründen) die neuesten Titel vertreten, L'elisir d'amore, Tristan und Isolde y Brokeback Mountain.

Wenig bekannt ist für das spanische Publikum seines Komponisten, amerikanisch Charles Wuorinen. Seine Arbeit hat sich mehr auf symphonische Kompositionen konzentriert, Brokeback Mountain ist seine zweite Oper. in 1970 er wurde der jüngste Komponist den Pulitzer-Preis mit einer Zusammensetzung der elektronischen Musik zu gewinnen, Die Zeit ist Encomiun.
Mit dieser Punktzahl jedes Zeichen, das anzeigt Musik zu geben, hat es geschafft,, und beschreiben jeden Moment und Situation, vor allem diejenigen, die meisten stören. Die Arbeit beginnt mit einer Intensität, die in Emotion wächst, wie Sie gehen. Endend am emotionalsten Moment, die dramatische und verheerende Ende.

Die Landschaft Ivo van Hove Es ist fast ausschließlich auf Projektionen auf einem großen Bildschirm beschränkt, die den gesamten Bühnenhintergrund besetzt. Er wollte ein unabhängiges visuelles Element von Ang Lee Film machen, und er erreicht hat. Er bewegte sich auf die mythische und reale Brokeback Mountain zu rollen auf dem Boden. Dies illustriert die Szenen eingestellt dort und von den beiden Protagonisten geteilt. Der Rest der Landschaft, durch wenige Elemente gebildet, Dekadenz und trocken, Kühlen der erstickenden und Lebensumfeld in seinen zwei Sternen auf. Gefangen in einem unmittelbareren Leben außerhalb ihnen, wo die Richtlinien durch das soziale Umfeld eingestellt, schiebt sie, dass sie auf den Berg zurück frees.

Annie Proulx, der Autor des Buchs, Er hat eine sehr gute Passform für eine Oper Libretto gemacht. genaue Sätze kurz und sehr geeignete Zeit zu interpretieren. Mit einer Formulierung, die gut zur Musik von Wuorinen geeignet ist, trotz seiner Schwierigkeiten.

Es ist beunruhigend, wie langsam Szenen in Dunkelheit und Stille der Bühne vorbei. Ennui tragen dazu bei, dass ein Werk deklamierte nicht gesungen. Es gibt keine Erwartung Argument viel weniger Emotion. Alles ist vorhersehbar. Die wenigen lyrischen Momente verblassen in den Händen von Zwölftonmusik entfernt. Zwei Stunden Deklamation auf einer fast leeren Bühne sind ewig.
Die beiden Schauspieler führen eine wichtigere Rolle als Schauspieler und Sänger. Daniel Okulitch innterpreta Ennis del Mar, der Cowboy introvertiert und weniger gesellig. Tom Randle es Jack Twist, extrovertierte und positiver Teil des Paares. Sowohl mit großer Präsenz auf der Bühne und läuft sehr erfolgreich eine komplizierte Partitur durch niedrige lucimiento.

Der Rest der Besetzung hat seine kurze Rolle. Stimmen zu hören starken spanischen geschätzt und als Sopranistin erfahren Celia Alcedo. Garantie.

Orchester leuchten wieder, diesmal, Hand Deutsch Titus Engel. Großer Experte in Regie Uraufführungen zeitgenössischer Opern, wie bereits demonstrierte er in diesem selben Theater mit der leeren Seite von Pilar Jurado.

Violeta Urmana in der Rolle der Isolde

Menschliche Wissenschaft ist nicht in der Lage zu verstehen,. Keine Erfahrung kann beschreiben,. Nur derjenige, der dort war, weiß, was es bedeutet,. Zwar gibt es keine Worte, um es auszudrücken". (Johannes vom Kreuz)

Mit diesen Worten versuchte Bill Viola die wahre Bedeutung zu erklären, dass es Tristán e Isolda. Isnpirado von einem der Mystiker, die meisten seiner Arbeit beeinflusst hat.
Wagner er ging nach Listzt per Brief 1854 dadurch: "Da ich die wahre Glück im Leben Liebe ist nicht bekannt, Ich möchte ein Denkmal für die schönsten Träume errichten, in denen erfüllt sein müssen,, von Anfang bis Ende, dass die Liebe". diese Idee, stürmische Frucht der Liebe zwischen Wagner und Mathilde Wessendonck, Er beeinflusste in verschiedenen Werken des deutschen Komponisten und, vor allem, in Tristan und Isolde.

Wagners Anspruch zu schaffen "die Kunst der Zukunft", voll zufrieden in diesen Tagen in der Produktion ist, ist in der dargestellt Teatro Real in Madrid. Bill Viola Videoaufnahmen hinzufügen, Hinzufügen Schönheit, zu diesen anspruchsvollen für Gäste sowohl das Orchester und Sänger für. Eine Anforderung, dass die Öffentlichkeit bewegt sich durch die große Menge an Informationen, die Musik liefert, das Skript, scenography und Projektionen. Die Tiefe, mit welcher alle diese Elemente exprimiert werden,, sein Reichtum und seine Widersprüche, Sie schaffen eine einzigartige und außergewöhnliche intellektuelle und künstlerische Erfahrung, dass der Betrachter in ein Meer von Empfindungen dieser Größenordnung tauchen, das ist überwältigend.

Ein Akkord mit ALLES BEGANN
Die Arbeit beginnt mit einem Akkorde von drei Noten in einem ernsten und aufsteigenden Register der Celli unisono. Dies ist die große Besonderheit und Größe von Tristan und Isolde. Ein Akkord, der durch das ganze Stück entwickelt und funktioniert nur am Ende aus, mit dem Tod von Isolda. Liebe löst Tod Dissonanz. harmonische Behandlung und schafft so einzigartige, noch nie gehört, Das wird die Ansätze der musikalischen Struktur ändert von diesem Moment. die "Tristan-Akkord", die immer nach vorne schiebt in einem unendlichen musikalischen Umschlag nur in ein paar entspannenden Intermezzi. Der harmonische Reichtum und die Tatsache, dass alle Instrumente des Orchesters in Kontinuität spielen, immer von der Dunkelheit zum Licht bewegen, vom Konkreten zum Unendlichen, auf einer emotionalen Reise, die erst in letzter Minute gelöst.

RASTER
Wagner beschrieben als Tristan "Handlung", (Aktion, Grundstück). Eine zeitlose Oper, es wird nicht auf einem historischen Ereignis basiert, aber etwas mythologisch. Sie zeigen zwei Frames oder zwei Welten, real, rational oder gekünstelt, sie gehören Brangäne, Kurwenal, Melot und König Marke; und die innere Welt, die Welt des Herzens von Tristan und Isolde.
Die innere Welt, die verwirrt Tag und Nacht, Raum-Zeit, und brillant beschreibt es die Partitur Wagner. Der Komponist sollte in Abwesenheit von bestimmten Ereignissen oder Geschichten auf diesem inneren Rahmen konzentrieren. Die Aktionen zum realen Leben entsprechen,, derjenigen, auf die die beiden Protagonisten leben außerhalb, Sie entwickeln sich in dem Ende jeder Akt. Der Rest der Arbeit gehört in den Bereich der Träume.
Es ist dieses Feld der Träume, die brillant in der videotaping reflektiert wird von Bill Viola. Niemand hat mit Bildern beschrieben, was Wagner sagte in seiner Partitur so, wie es tut Viola. Die Kadenz einer unendlichen Zeit mit Musik fließt. Bilder, wie Musik, Sie hören niemals auf. Viola will den Fluss des Lebens darstellen. Sie was auch immer passiert nichts stoppt. Zwei völlig unterschiedliche Gehgeschwindigkeiten raschend unisono. Eine plastische Schönheit, dass die Grenzen auf Genie und markiert einen harmonischen Diskurs. Poesie in Bewegung, die begleitet und beschreibt die Szenen Magie Bereitstellung.
Wasser ist das leitende Element für Viola. Was früher die Zeitlosigkeit zu erleichtern und eine Atmosphäre zu schaffen, in der es, Schwimmer. Im Gegensatz ist das Feuer, in denen verschwindet Isolde, Tristan, wie es funktioniert im Wasser. Magic ist der Moment, als Tristan und Isolde eingetaucht sind,, wörtlich, in profundidaz Gefühle nach dem Filter der Liebe nehmen.

Wenig hat sich seit der Premiere Inszenierung dieser Produktion in Paris geändert, in 2005. Peter Sellars Er schuf die dezentesten seiner Bühnenproduktionen. Dass nichts lenkt ab, Es hatte von dem maximal Sellars verwendet werden, und es war die erfolgreichste Entscheidung. Das Ergebnis ist die Verfeinerung und Stillen Zeichen ausdrücken, durch die Eindämmung, die intensiven Gefühle, die Musik und Bilder auf der Bühne.

Dunkelheit ist ein Merkmal dieser Produktion, schafft Atmosphäre der Selbstbeobachtung und das Geheimnis, aber die Beleuchtung ist nicht immer die richtige. Weder es ist die Präsenz auf der Szene im zweiten Akt von Kurwenal aufgelöst. Zwang untätig und hieratic Haltung zu singen.

Helle und spektakulär ist der Eingang zum König Marke am Ende des ersten Aktes, durch den Mittelgang der Stände während des Chor singt auf dem Balkon im vierten Stock, während das gesamte Theater beleuchtet. Sie sind sehr gut, diese szenischen Mittel verwendet, so selten genutzt, und einen Beitrag zu der Wirkung des gesamten Arbeitsbereich.

Substitution in der musikalischen Leitung von Teodor Currentzis von dem Französisch Marc Piollet, Er hatte einige Bedenken erzeugt. Vor allem, wenn es auftritt, mit nur einem Monat im Voraus. Ya die Öffnung, Zweifel bezüglich gelöscht wurde. Die Beziehung, die zwischen dem Leiter und Orchester, Es erzeugt einen tiefen Ton, ein Tempo gut geführtes. Eine strenge Auslegung der Partitur. Mit übermäßiger Lautstärke manchmal, dass afearon einige Momente, die sollten empfindliche. Der Klang der Saiten war außergewöhnlich, und die Wirkung einiger Instrumente in Kisten, definitiv verschönert das ganze Set.

Violeta Urmana hat die Grundvoraussetzungen, um einem Wagner-Werk mit Garantien und Zahlungsfähigkeit zu begegnen: Kraft und Ausdauer. Kraft wird benötigt, um nicht vom Orchesterstrom verschluckt zu werden, der in Wellen aus der Grube kommt. Widerstand ist wichtig, um die Intensität während einer Arbeit dieser Größe aufrechtzuerhalten. Diese Intensität zeigte sich in seinem großartigen „Liebestod”Final, schockierend. Ein immer mächtiges Urmana auf der Bühne. Bietet eine herzliche und aufgeregte Dramatisierung, eine scharfe und hochmütige Isolde komponieren. Eine konsequente und voluminöse Stimme, das rettete keine Überhöhung und es fehlte nur in einigen Momenten ein weiterer Punkt der Emotion. Es wurde von der Öffentlichkeit am meisten belohnt. Ein zunehmend eisiges Publikum ,Wer reserviert Effusivität für Boos und wer verlässt den Raum mit der Geschwindigkeit eines Parlamentariers.

der Tenor Robert Dean Smith Es ist eine breite Lyrik, die für einen Tristan geeignet ist. Schade, dass er nur in den lyrischsten Fragmenten zu hören war, als das Orchester nicht bei ihm war. Den Rest der Zeit war er unter den Lautstärken des Orchesters und der kräftigen Isolde kaum zu spüren. Wir vertrauen darauf, dass Sie haben, mindestens, ein gutes Selbstwertgefühl.

Ekaterina Gubanova, wie Brangäne, mit einer soliden und intensiven Stimme, hatte einige emotionale Momente, wie seine Warnungen an die Liebhaber des zweiten Aktes aus dem vierten Stock. Auf der Bühne wusste er sehr gut mit sich umzugehen. Es ist nicht immer einfach, still zu sein.

Eines der besten Stimmen war der König Marke gespielt von Franz-Josef Selig. tief, autoritär und majestätisch. Center vocal wohldefinierte, ausgewogen und elegant Sound. Seine Interpretation ist eine Frage, die ich, Will ich schien zu verstehen, dass Marke ist in der Liebe mit Tristan?. es wäre, jedenfalls, Sellars Lizenz.

Kein Zweifel, dieser Tristan und Isolde ist die intensivste in der neu renovierten Königlichen Theater gesehen, etwas sehr geschätzt in einem bereits, Selbst, intensive Saison.
dank, monsieur.

Tristan und Isolde
Richard Wagner (1813-1883)
Aktion in drei Akten
Libretto vom Komponisten
D. Musical: Marc Piollet
D. Szene: Peter Sellars
Videoartista: Bill Viola
Kostümbildnerin: Martin Pakledinaz
Illuminator: James F. Ingalls
D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Robert Dean Smith, Violeta Urmana,
Franz-Josef Selig,Ekaterina Gubanova,
Jukka Rasilainen, Nabil Suliman,
Alfredo Nigro, César San Martín.
Schlagzeilen Chor und Orchester des Teatro Real

Celso Albelo en L'elisir d'Amore

Die Geschichte von L'elisir d'amore von Gaetano Donizetti real, Es geht zurück auf die frühe Geschichte des Madrider Theater. Er ging auf der Bühne zum ersten Mal 1851, ein Jahr nach seiner Eröffnung durch Königin Elizabeth II. Seitdem ist mehr die Oper oft dargestellt, mit den Funktionen dieser Produktion wird mehr als 80, und immer mit großem Erfolg der Öffentlichkeit.
Diese Arbeit von Donizetti, das hat den Einfluss seiner Zeitgenossen Rossini und Bellini, Bufo und romantisches Melodramm, präsentiert alle Komponenten des Genres des Post-Belcantismus. Aber es ist nicht nur ärgerlich, hat eine dramatische und emotionale Ladung, die sich sehr gut im melancholischen Nemorino widerspiegelt. Sein Argument, traditionell und einfach. Eine große Mittelökonomie, sowohl in der Orchestrierung als auch in der Aktion und einer effektiven und harmonischen Musik, die, obwohl anscheinend einfach, es fällt schön aus. Hinzu kommt die Frische und der Optimismus, die die Arbeit ausstrahlt. Ausreichende Argumente, mit Erfolgsgarantien, an ein Publikum der Zeit, das nicht mehr brauchte, um zufrieden zu sein.
Ich möchte denken, dass diese Gründe heute nicht ausreichen. Obwohl der Bedarf und die Bedeutung der Erholung niemals unterschätzt werden sollten, sogar für einen Moment, Aber es ist mehr als zu schätzen, eine Produktion mit einem gewissen Mehrwert zu besuchen, gerade um der Beherrschung seiner Komposition Kontinuität zu verleihen. Die Bedeutung von Stimmen, die musikalische Leitung und die szenografische, Sie sind daher von grundlegender Bedeutung.

Die musikalische Leitung wollte aus der Originalpartitur eine frische und leichte Orchestrierung wiederherstellen. Mit der Absicht, ein Ergebnis von Finesse und Eleganz in der musikalischen Darbietung zu erzielen. aber Vicente Alberola, das lief nur zwei Funktionen, es war nicht kompliziert und seine Adresse, nicht, dass es ein geringes Risiko war, ist, dass es keine Substanz hatte. Das Ergebnis war flach und wenig inspirierend.

Ganz im Gegenteil, bei der Szenografie des jungen Mannes Damiano Michieletto. Es war sein Debüt bei Real und es gab einige Neugierde über seine Erfolge, eine wachsende Anerkennung und ein anderer klangender Misserfolg.
Seine Wette für L’elisir d’amore war die eines modernen Strandes, dem kein Detail fehlte. Weder in Requisiten noch in Besonderheit und Charaktervielfalt. Im Prinzip alles sehr originell.

Eleonora Buratto, wie Adina, hat sich aus seinem Don Pasquale aus der letzten Saison entwickelt. Ihre großzügige Lautstärke wird von guter Projektion und Diktion begleitet. Es begann mit einer Nasalität, die er sofort korrigierte. Schöne Stimme und gute Präsenz eines Charakters mit wenig Theaterbedarf.
Zum jungen Mann Antonio Poli Die Rolle des Nemorino war ihm etwas zu groß. Seine Stimme zeigt sehr gute Manieren, aber er hat Arbeit vor sich. Es hat eine gute melodische Linie, aber es fehlt Fiat und Spannung in den Klavieren. Fehlt Comic-Streifen, Theaterfähigkeit und Bedeutung auf der Bühne, vor allem im Fall einer Hauptrolle.
Erwin Schrott, Bassbariton (mehr Bariton als Bass) Uruguayaner, der Dulcamara spielte, hatte einen spektakulären Bühnenauftritt. Der Redbull-Moment, einschließlich Hostessen, Marketin und alles Terrain, erfreut a, bis zu diesem Moment, öffentlich tot. Seine Dulcamara war nicht gerade bufo. Es ist ein Zuhälter am Strand, der sich mit bestimmten Substanzen befasst. Einer von ihnen die Hauptsubstanz. Seine Stimme ist kraftvoll, manchmal zu viel und, obwohl er im Theater nicht den richtigen Charakter gezeichnet hat, wenn er die Arbeit hob, seit sie auf der Szene erschien. Die Öffentlichkeit feierte und dankte im Applaus.
Fabio Maria Capitanucci da Belcore auch dem Charakter nicht gewachsen war. Seiner Stimme fehlen Helligkeit und Nuancen und sie hat sich auch auf der Bühne nicht aufgelöst. Fehlt Funke, obwohl er im schnaubenden Teil erfolgreicher war als Schrott.
Ruth Rosique, als Giannetta, Wir wollten alle mehr. Es ist Zeit, dieser jungen Sopranistin aus Sanlúcar einen wichtigeren Charakter zu bieten. Wir haben hochwertige Stimmen, die die Hauptfiguren sehr gut füllen würden, ohne auf internationale Besetzungen von Drittanbietern zurückgreifen zu müssen. Aber der dritte befasst sich, wie, Sie sind auch von Gott.

L'elisir d'amore
Gaetano Donizetti (1797-1848)
Teatro Real, 8-12-2013
Verspieltes Melodram en dos actos (1832)
Libreto von Felice Romani, basierend auf Text
von Eugène Scribe für die Oper Le philtre de
Daniel-François-Esprit Auber
Neuproduktion des Teatro Real in Koproduktion
mit dem Oalau de les Arts de Valencia
D. Musical: Marc Piollet
D. Szene: Damiano Michieletto
Illuminator: Alessandro Carletti
D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Antonio Poli, Eleonora Buratto, Fabio
Maria Capitanucci, Erwin Schrott y Ruth Rosique.

valquiria

Den zweihundertsten von VERDI UND WAGNER, SEHR Anwesend bei der Eröffnung der Saison VALENCIANO Palau de les Arts.

Obwohl in einer tiefen Wirtschaftskrise eingetaucht, die zu einer drastischen Kürzung des Haushalts geführt hat, wie wiesen wir auf die Medien aus Helga Smith, Top-Führer der Valencia Palau de Les Arts: der geplante Zeitplan für diese Saison 2013-2014, Es ist attraktiv und mit unbestrittenen Qualität Produktionen, Nachdem sie schon durch die Anwesenheit von jungen Sängern gewählt, und mit erheblichem Gepäck hinter und guten Zukunftsaussichten.

Wir befinden uns im Jahr der Zweihundertjahrfeier von Verdi und Wagner, der Rassen zusammen, Sie besetzen viel des neunzehnten Jahrhunderts. Die ersten beiden Opern von Richard Wagner: Die feen (Las Hadas) zusammengesetzt 1833, deren Veröffentlichung nicht auftreten, bis 1888, fünf Jahre nach seinem Tod; und, Das Liebesverbot (Das Liebesverbot) veröffentlicht in 1836, und es ist nicht bis zum letzten Sommer nach Spanien kommen, das Festival von Peralada Castle, und ich bot eine umfassende Überprüfung in unserem Magazin. Verdi uraufgeführt 1839 mit dem Grafen Oberto von San Bonifacio.
deshalb, und unter Berücksichtigung zusammen, um die Werke von Wagner und Verdi, dass lange Zeit des neunzehnten Jahrhunderts, Abdeckungen 60 Jahre zwischen Den Feen (1933) und letzte Oper Falstaff von Verdi (1893).

Ich hatte Gelegenheit zur Teilnahme an Die Walküre letzte 9 November und La Traviata am nächsten Tag. wirklich, ein Luxus, dass nur wenige Theater zu bieten weltweit der Lage sind,.

in DIE WALKÜRE könnte man den Palau de les Arts et Maggio Musicale Fiorentino "sehenLa Fura dels Baus", welche es war zum ersten Mal an dem Palau de les Arts in 2007, und anschließend 2009, mit der wichtigen Präsenz, die Funktion, die ich besucht, Placido Domingo und Eva-Maria Westbroek, jeweils als Siegmund und Sieglinde. deshalb, der erste Schock, dass diese Produktion verursacht wurde mir mehr verdünnt, obwohl diese immer sehr interessante und originelle Projektionen die Bodenplatten der Bühne fällt. Sie haben weniger attraktiv, Geräte wie Kräne thront, wo sie erscheinen: Wotan, Brünnhilde, Fricka und Walküren.

Magnificent Orchester von Valencia, zeigt Kohäsions, mit perfekter Definition von Schallpegeln, Hervorhebung, innerhalb der Hochpegel von allen Orchesterabschnitte gezeigt, hämmernden Metalle und verfeinert. Die Interpretation des berühmten Walkürenritt war von großer Brillanz und Effekthascherei. Zubin Metha meisterhaft dieses Orchester dirigierte er so gut kennt, und die umfangreichen Tests unterzogen zu erhalten, sehr hohe Ausbeuten. In beiden Fällen, der große indische Meister, Er zeigte uns seine große Kenntnis dieser monumentalen Punktzahl; und, eine öffentliche vollständig geliefert, dass das Theater gefüllt, Sie zeigte ihre Begeisterung widmen lange Ovationen.

Die Stimm Besetzung war eine bemerkenswerte Höhe, die Anwesenheit von Heidi Melton als Sieglinde. Die amerikanische Sopranistin begann mit einem Volumen von Stimme nicht zu groß, aber es war deutlich im Laufe repräsentations vor allem weiteten sich, als er die Vierbeiner Position links (wie ein Tier), von erecta- eine großartige Stimme und dramatische Performance bieten, Hervorhebung, die lange und schöne Duette mit Siegmund, gut gesungen und gespielt von Nikolai Schukoff.
auch, eine hervorragende und Rotunde Bereitstellung dramatischer Sopran Jennifer Wilson como Brünnhilde, ist diese lange, philosophischen Parlamente mit seinem unruhigen Vater Gott Wotan, den er gab eine überzeugende Stimme und Theateraufführung Thomas Johannes Mayer. Prächtige und sehr starke Gesangsarbeit Stephen Miling als Hunding, Vorführung, in seiner ganzen Pracht schlechten Trauben Charakter.

Elisabeth Winkel Er brachte seine schöne Bühnenpräsenz, eine bemerkenswerte Interpretation von Fricka Durchführung, vor allem in diesem riesigen Duett mit ihrem Mann Wotan, die materiell, zermalmt mit seinen Vorwürfen. schließlich, Die Walkure eine sehr bemerkenswerte, mit guten Stimmen, besonders origineller Szenografie, für jene Zuschauer, die kannten sie nicht- und, eine musikalische Hochhöhenauflösung von dem Orchester von Valencia, hervorragend von Zubin Mehta gerichtet.

und, zu LA TRAVIATA, Wir geben Ihnen die minimalistische Produktion der berühmten Salzburger Festspiele 2005. berühmt, im Grunde, dass die internationale Einführung der russischen Sopranistin Anna Netrevko markiert, dann flankierte von dem mexikanischen Tenor Rolando Villazón, Auch zu diesem Zeitpunkt, Schwellen Figur in der Opernszene, zusammen mit dem bereits gefeierten amerikanischen Bariton Thomas Hampson.

Mit der Allgegenwart dieser großen Uhr -gebraucht Kreis auch als lässiger Spieltisch- dessen Fortschritt beschleunigt oder auf den Ereignissen verlangsamte je die Protagonisten umgebenden, und in Bezug auf das Vorhandensein des alten Charakters und mürrischen, die Marken die Entwicklung der Violetta, und bereits, im letzten Akt, Es wird in die Rolle des Arztes erhalten, die den Tod bescheinigt.

Die Landschaft Wolfgang Gussmann, trotz seiner Einfachheit ist es erfolgreich und Wander Operationen mit diesen sexyen Sofas rot, als Protagonist Kleid, die zwischen seinem schädlichen und verrückten Leben des Kurtisane zerrissen, und dass aufrichtige Liebe zu Alfredo Germont, im Hintergrund materialisiert dekoriert Blume-basierte, ähnlich die Violetta und Alfredo Aufenthalt in einem Ferienhaus am Stadtrand von Paris, beide leben eine intensive und voller Idylle, durch das Vorhandensein des Computers abgeschnitten und die Probe menschlichen mittlere Empfindlichkeit Ende -at- Giorgio Germont Charakter namens.

wieder, Zubin Mehta, in einem echten Pirouette musikalischen germanismo sich entwickelnden vorgeschlagen, den Tag, bevor sie mit der Walküre, die südliche Musik von Verdi La Traviata. Die Ergebnisse sind wieder herausragende, und der große indische Meister zeigt seine Weisheit und stilistische Eignung zur Gewinnung von hellen Klängen des Orchesters von Valencia, von dieser etwas Sensen-Annäherungsversuch, bekräftigt, dass der Anfang des letzten Aktes- bis Coloristen und desenfadas Sie Szenen des zweiten Aktes. sehr hell, die Leistung des Chores der Generalitat Valenciana von seinem Besitzer gerichtet Francesc Perales. auch, Markieren Sie die gute Leistung des Balletts der Generalitat, Regie Immaculate Gil-Lazaro.

Was die Solostimmen markieren die Anwesenheit bulgarische Sopranistin junge Sonya Yoncheva, Gewinner 2010 des Wettbewerbs Operalia, Placido Domingo. Wir finden ein lyrisches Sänger signifikantes Volumen und attraktive Stimme Timbre. In Akt I, stark übertrifft die Anforderungen der Schnitt belcantista, obwohl am Ende der gleichen, in "immer kostenlos", Lässt die optionale Mi5. Sein Sieg genug ganze Bestimmung von Akt II, bis zum Ende mitleiderregend oper, sowohl aus der Sicht Vokal, so dramatisch. Betonen Sie ihre Leistung in dem Duett mit Giorgio Germont lange, auch stimmlich und darstellerisch von Bariton gespielt Simone Piazzola, wer hat seine besten Momente in der berühmten Arie "Provence am Di„Und nachfolgender cabaletta“Sie nicht Vorwürfe hören".

italienischer Tenor Ivan Magri, die wir letzte Saison gehört, in demselben Theater, der Herzog von Mantua in Rigoletto und Jacopo Foscari Verdis I due Foscari, seine Leistung beginnt etwas maßlos, deutlich zu verbessern und gleichzeitig die Darstellung fort. Sein Gesang Linie ist akzeptabel, aber hat ernsthafte Schwierigkeiten mit ihrer großen Szene von Beginn des zweiten Aktes fertig, "Lange von ihr..„Wessen Interpretation erfordert großes technisches Können und Stil, sind wir verpflichtet, die Kreationen dieser Alfredo Kraus oder Carlo Bergonzi zu erinnern. Magri hat ein ausgezeichnetes hochen Register, dass vor der cabaletta erlaubt "O meine Reue..„Mit einem stumpfen C4. in Summe, eine gute Darstellung von La Traviata, wo wieder leuchtet Hoch Orchester Dirigent Zubin Mehta und.

DIE WALKÜRE
Richard Wagner
D. Musical: Zubin Mehta
D. Szene: carlus padrissa (La Fura dels Baus)
Allex Aguilera (Ersatz)
Videocreación: Franc Aleu
Szenografie: Roland Olbeter
Kleiderschrank: Chu Uroz
Beleuchtung: Peter van Praet
Copoducción Palau de les Arts Reina Sofía und Maggio Musicale Fiorentino
Orchester von Valencia
Besetzung: Nikolai Schukoff, Stephen Milling, Thomas Johannes Mayer, Heidi Melton, Jennifer Wilson, Elisabeth Winkel, Eugenia Bethencourt, Bernadette Flaitz, Julia Borchert, Pilar Vázquez, Julia Rutigliano, Patrizia Scivoletto, Nadine Weissmann, Gemma Coma-Alabert

LA TRAVIATA
Giuseppe Verdi
D. Musical: Zubin Mehta
D. Szene: Willy Decker
Mädchen Barbara Hummel (Ersatz)
Szenografie: Wolfgang Gussmann
Kleiderschrank: Wolfgang Gussmann und Susana Mendoza
Beleuchtung: seine Toelstede
Choreographie: Athol Farmer John
Coproduktion von De Nederlandse Opera, Amsterdam, basierend auf der ursprünglichen Produktion der Salzburger Festspiele
Immaculate Gil-Lazaro, Ballettdirektor der Regierung
Francesc Perales, Direktor Cor de la Generalitat Valenciana
Orchester von Valencia
Besetzung: Jessica Nuccio y Sonya Yoncheva, Maria Kosenkova, Cristina Schüler, Ivan Cordoba, Simone Piazzola, Mario Cerda, Javier Franco, Maurizio Lo Piccolo, Luigi Roni, Valentino Buzza, David Astorga, Germán Olvera, Olivieri Mattia

Bild der Oper The Indian Queen

Und schließlich kommt es Purcell zum Royal Theatre. Er tut dies mit einem seiner weniger bekannten Werke und vertreten, Die indische Königin. und, als, von früheren umstrittenen umgeben. Vor allem von denen, die in der zweiten oder dritten Produktions Absichten rühmen. Geschichte decontextualise, vor der 500 Jahre alt, wie vor 70, Es ist eine anstehende Aufgabe für viele.

Es sollte gesagt werden, dass das Publikum der Premiere-Funktion seine eigenen Besonderheiten hat. Es gibt viele Fälle, in denen sich das endgültige Urteil stark von den übrigen Darstellungen unterscheidet. Und so war es auch bei dieser Gelegenheit. Die Buhrufe am Ende des ersten Teils dieser Show, Applaus verwandelte sich in spätere Aufführungen. Ist dies ein Rätsel, das Gegenstand des Studiums sein könnte?. Von hier aus starte ich diese Hypothese für den Fall, dass sich einige Neugierige für das Thema interessieren.

Die indische Königin ist das letzte Werk des englischen Komponisten Henry Purcell in 1695. Es ist eine unvollendete Arbeit. Der Komponist starb in einer betrunkenen Nacht gefroren auf der Straße, nachdem seine Frau ihn nicht ins Haus gelassen hatte. Es war sein Bruder, der dafür verantwortlich war, es mit einem unglücklichen Mozart-Stil zu beenden. Seitdem wurde mehrfach versucht, diese Arbeit mit einem anderen Ende auszustatten, das nicht immer das erfolgreichste war.

Aber lassen Sie uns vor der Beurteilung der tatsächlichen Verhältnismäßigkeit der neuen Version von Peter Sellars stehen. Purcell begann seine Kompositionen sehr früh, mit nur 15 Jahre später wurden seine ersten Werke veröffentlicht und bald begann er eine brillante berufliche Karriere. Das England von Purcells frühen Jahren war das der Zeit der Puritaner. Fast alle künstlerischen Äußerungen waren verboten und die Theater geschlossen.. Der junge Purcell war dann seit der Oper auf liturgische Kompositionen beschränkt, so wie, es war in England noch nicht bekannt. Es war Händel, der die ersten Opern im italienischen Stil vorstellte. Mit der monarchischen Wiederherstellung und der Ankunft auf dem Thron von Carlos II, Die Theater wurden wiedereröffnet und das kulturelle und soziale Leben in die englischen Städte zurückgebracht. In dieser beispiellosen Situation, Die Nachfrage nach neuen kulturellen "Produkten" war außergewöhnlich. Und Purcells Sorge um Musik, Theater oder Tanz, führte ihn zu den ersten Kompositionen. So die sogenannten Halbopern, Musikdramen von Nebencharakteren, oft allegorisch, während die Hauptaktion mündlich gemeldet wird.

Die indische Königin, deren ursprüngliche Partitur dauert kaum 50 Minuten, Es ist eine Halboper, die aus sogenannten Masken oder Divertimenten besteht und Poesie zusammenbringt, Musik und komplizierte Sets, in denen Tanz und andere künstlerische Ausdrucksformen ihren Platz haben. Die Version, die Peter Sellars hat nach mehr als erstellt 25 der Bewunderung und Vertiefung in dieser Arbeit, hat einen notwendigen Mitarbeiter gehabt, Teodor Currentzis. Er fiel mit ihm zusammen, als beide Iolanta einstudierten und ihre gemeinsame Leidenschaft für den englischen Komponisten und für dieses besondere Werk entdeckten. Das Ergebnis entspricht fast millimetergenau dem klassischen Konzept der Halboper. Mit einer Dauer von fast vier Stunden nach der Aufnahme von Hymnen und Psalmen durch den Komponisten selbst, meist liturgisch, aber perfekt eingebettet in die neue Literatur der Arbeit, dramatische Ausgewogenheit und Kohärenz. Dieses dunkle und herzzerreißende Drama, mit dem Purcell sich von der Welt verabschiedet. Sellars hat auch das ursprüngliche Libretto mit einer für diesen Anlass von Rosario Aguilar in Auftrag gegebenen Umschreibung umgestaltet. Nicaraguanischer Schriftsteller, Autor von "Das weiße Mädchen und die Vögel ohne Haut". Das weiße Mädchen ist Leonor, Tochter von Teculihuatzin (Frau Luisa) und der Eroberer Don Pedro de Alvarado. Beide Protagonisten der Geschichte.

Die Arbeit beginnt mit der Dynamik der Tänzer, die sich in Stille entwickeln, bis die Musik beginnt. Dynamik, die eine Konstante in der Arbeit sein wird. Wie auch die Stille, jene bewertenden Stille, auf die Sellars als reflektierendes Element zwischen Zwischenspielen zurückgreift. Die Bühne ist einfach und sauber. Nur die expressionistischen Werke von Gronk Sie kleiden die Bühne von einer Seite zur anderen und füllen jede der Masken mit Stärke und Symbolik. Die diskrete und zarte Beleuchtung von James F. Ingalls verleiht diesen riesigen Leinwänden Leben und Bewegung, die sich wiederum mit den Effekten von Schattenspielen verschönern.

Die Gruppe der Tänzer gebildet von Burr Johnson, Takemi Kitamura, Caitlin Scranton und Paul Singh Es ist eine der verschiedenen künstlerischen Ebenen, die gleichzeitig auf der Bühne stattfinden. Sie haben ein außergewöhnliches Gewicht und eine herausragende Bedeutung. Amerikaner Christopher Williams, hat eine aktuelle Choreografie erstellt, elegant und präzise, basiert auf barocken Hoftänzen und wird von diesen vier Künstlern mit meisterhafter Brillanz aufgeführt. Markieren Sie die exquisiten Bewegungen von Caitlin Scranton.

Das Stück wird von Leonor erzählt, das weiße Mädchen, gespielt von der puertoricanischen Schauspielerin Maritxel Carrero. Seine Anwesenheit ist Szene, diskret aber nachdrücklich, präsentiert die Zwischenspiele, wo die Frauen, Eroberer und Indigene, Sie sind die Protagonisten. Die Bedeutung von Frauen in den Vordergrund rücken, immer von der Geschichte weggelassen, ist einer der Zwecke dieser Arbeit, Geben Sie ihnen eine Vermittlerrolle zwischen den Konflikten, in die sich die männlichen Protagonisten verwickeln. Aber so viel Erzählung ist übertrieben und, trotz perfekt verständlichem Englisch, und eine sehr gute Sprachprojektion ohne Verstärkung. Viele Bürger haben die Untertitel verlassen. Die Geschichte erzählt von der Tragödie, die während der spanischen Eroberungen in der Neuen Welt stattfand, Sellars hat sich auf das Drama der spirituellen Eroberung konzentriert. Ein Volk seiner Götter berauben, um es zu zwingen, andere anzubeten. Argument im Einklang mit den tieferen Fragen, die Purcell durch seine Musik stellte, und dass sie ihren Weg durch die Hymnen und Psalmen finden, die Sellars ausgewählt hat, um das Werk zu vervollständigen.

Die Gruppe junger Sänger wird von geleitet Jilia Bullock, wer spielt Königin Teculihuatzin oder Doña Luisa, einmal christianisiert. Mit einem Körperbau und einer Präsenz, die dem Charakter sehr angemessen ist, seine lange und beständige Stimme, begleitet zu jeder Zeit eine sehr gute Dramatisierung. Sehr gut in den letzten Szenen seiner Krankheit und seines Todes, trotz der Langsamkeit, am Rande der Langeweile, was zu dieser Zeit die Arbeit erreichte.

Die belarussische Sopranistin Nadine Koutcher gab einer außergewöhnlichen und ruhigen Doña Isabel mit einer runden und polierten Stimme Leben. ihre "O Einsamkeit", atemberaubendes Drama und wundervolles Pianissimi in "Sehen, sogar die Nacht selbst ist hier"Was sich bewegte.

Der koreanische Countertenor Vince Yi, Besitzer einer exotischen und schönen Stimme, beeindruckt von seiner Leichtigkeit in der Farbe und außergewöhnlichen Höhen. Begleitete ihn nicht, wie die meisten Protagonisten, Kostüme.

Der andere Countertenor der Nacht, die Franzosen Christophe Dumaux als Ixbalanqué, führte einige der bewegendsten Stücke auf, gespielt mit exquisitem Geschmack und dramatischem Timbre wie in "Musik für eine Weile".

Das Männchen führt, Markus Brutscher, als Don Pedrarias Dávila und Noah Stewart, Don Pedro de Alvarado, wer singt nur im zweiten Teil, sind die am wenigsten brillanten Gesangselemente der Produktion. Stewart ging nicht über das Ermessen hinaus und hatte Schwierigkeiten bei der Ausstrahlung, wenn seine Position nicht völlig vertikal war. Die Militäruniformen, die sie trugen, und eine Bierszene, sie verblassten ein wenig inmitten so viel landschaftlicher Schönheit.

deutlich, Die wichtigste Stimme der Nacht war die des Chores, MusicAeterna. Tadellose Einheit, die nur das Produkt ständiger und unermüdlicher Arbeit unter der Leitung ihres Besitzers sein kann, Teodor Currentzis. Es gab keine Kälte, ganz im Gegenteil. Die Disziplin im Dienste des höchsten künstlerischen Ausdrucks. Immer aufmerksam auf die Eingänge, zu den Stille, zu einer perfekten rhythmischen Atmung. Leistungsstarke Lautstärke oder wachsende Eingaben, und das alles in der Mystik der Emotionen.

Currentzis es, deutlich, einer der am schnellsten wachsenden Regisseure der internationalen Szene und einer der mächtigsten Schlagstöcke. Das dramatische Tempo, mit dem er Orchester und Chor leitete. Die Kommunikation und das Wissen, das zwischen ihm und den stabilen Körpern der Perm Opera, es wird in jedem Moment der Arbeit geschätzt. Ein ordentlicher und raffinierter Sound, voller emotionaler Effekte. Der Klang des Kontinuums, Regie Andrew Lawrence-King, und das der Erzengel und des Psalters. Aber der Klang aus Laute und Theorbe, eine dunkle Atmosphäre schaffen, dramatische Begleitung zu den Psalmen, den barocken Charakter des gesamten Werkes und das Gefühl, das Purcell in es gesteckt hat, in den Mittelpunkt zu stellen. Ein polierter Klang in seiner Dicke, das lud zur ständigen Erinnerung ein, Erhöhung enthalten oder, einfach, zur inneren Begeisterung, derjenige, mit dem es übertragen wird.

Empfindlichkeit, Dramaturgie, Stärke, Balance, Delikatesse, Schönheit ... Literatur, Musik, Theater, Tanz, Malerei, Singen… Die Welt auf der Bühne.

Die indische Königin Henry Purcell (1659-1695)
Halboper in fünf Akten und ein Prolog mit Musik von Henry Purcell und Libretto von John Dryden
Neue Version von Peter Sellars mit Texten von Katherine Philips, George Herbert und andere
Gesprochenes Zeugnis aus dem Roman "Das weiße Mädchen und die Vögel ohne Füße", von Rosario Aguilar
Neue Produktion von Teatro Real, in Koproduktion mit dem Perm Opera House und der English National Opera, London
D. Musical: Teodor Currentzis
D. Szene: Peter Sellars
scenographer: Gronk
Kostümbildnerin: Dunya Ramicova
Illuminator: James F. Ingalls
Choreograf: Christopher Williams
D. Chor: Vitaly Polonsky
Besetzung: Vince Yi, Julia Ochse, Nadine Koutcher, Markus Brutscher, Noah Stewart, Christophe Dumaux, Luthando Qave, Maritxell Carrero
Tänzer: Burr Johson, Takemi Kitamura, Caitlin Scranton und Paul Singh
Perm Opera Chor und Orchester (MusicAeterna)

Rigoletto

Interpretieren Sie über 500 manchmal das gleiche Zeichen ohne in die Routine fallen, Es ist mehr als ein Verdienst, Es ist Kunst, Handwerk und Leidenschaft. und Leo Nucci, sobrado Gewalten, in dieser Phase seines Lebens ist er von Ressourcen auf der Bühne voll, und auch außerhalb. Er weiß, wie die Emotionen des Publikums zu verwalten, die Bilbao, Spannung erwartete ich ihn nach seinem letzten Stornierungen in I Due Foscari und Nabucco.

Seine Interpretation von Rigoletto Es war weniger mehr. Heizung seiner Stimme und die Öffentlichkeit kam mit dem Duo Ah!, nur für mich l'infamia, was es war der Auftakt zu einem großartigen Cortiggiani vil vertreten und einwandfreie dramatisch Vendetta welche es war bisada. Trotz einiger Mangel in der fiato, die sie führte ihn zu einem Begriff zu verkürzen, die Stimm Fähigkeit von Leo Nucci ist ein Mann von erstaunlichen 71 Jahre alt. Er zeigte großes Wissen über die Partitur und das Konzept der Verdian Drama. Seine Stimme behält seine Farbe und verfügt über fast intakt trotz jahre. Und Rigoletto ist sicherlich sein Charakter. Keine Spiele zu Rigoletto, es wird.

Und wenn Leo Nucci hatte alle die anfängliche Rolle übernommen, Nacht reserviert eine große Überraschung, rumänische Sopranistin Elena Mosuc im Charakter Gilda. Es war sein Debüt in Bilbao und das schafft immer eine gewisse Erwartung, vielmehr hoffen, dass sie nie verloren. Und wir hatten die Chance, eine immer seltene Veranstaltung teilnehmen, vor allem, wenn es mit einem solchen klassischen Umgang. Eines dieser Werke, die jeder im Kopf mit seinen Sängern verwiesen hat, Direktor, Bühne ... und sie machen hohl kaum andere Versionen.
Elena schien Mosuc, mit Ermessens und szenische Delikatesse, mit denen Verdi den Charakter von Gilda beschrieben. Dann kam Caro nome, und sie fingen an, die Erinnerungen zu schütteln Weg für diese Zeit zu machen. Elena Mosuc hat einige canoros Ressourcen bereits kaum auf der Bühne im Einsatz. Entweder aus Mangel an sie, aus Angst oder Scham. Die Anlage für legatto. Apianar eine Notiz mit languid Aufgeben und beenden mit einem subtilen Crescendo. Alle mit einem Finezza und exquisitem Geschmack. einige sobreagudo und Agilität als Geschenk zu einem öffentlichen erlaubt, die absolut zu dieser Zeit geliefert wurden,. Handwerk und Erfahrung sowohl Leo Nucci als Elena Mosuc, Es wurde auch in der perfekten Bindung der beiden führenden Stimmen festgestellt.

Die Interpretation Ismael Jordi, como Herzog von Mantua, ein Schritt nach unten interpretativen Ebene als die beiden anderen Protagonisten. Er begann etwas maßlos und verbessert in dem zweiten und dritten Akt. Seine Stimme hat in den letzten Jahren verbessert, aber nicht überzeugen. Seine Farbe wechselt mit Leichtigkeit und ist sehr deutlich ändern destabilisiert einige scharfe Passage. Aber sein Gesang ist raffiniert und elegant. Keine schlechte Bühnenpräsenz, aber vielleicht ist das Lager fest für den Charakter des Duca. Vor allem, wenn er erscheint auf der Bühne Maria Jose Montiel mit einem temperament Magdalena, üppigen und, vor allem, castiza. Nun im Quartett, Er ausgeglichen und rundeten das prächtige Bild von Sängern aus. Sie waren nicht seine Höhe seiner Kollegen Wanderungen, ni Felipe Bou, como Sparafucile, ni Javier Galan Interpretation zu Marullo.
Ainhoa ​​Zubillaga, wie Giovanna, nicht überzeugt. Es verfügt nicht über eine schöne Stimme. Das Gefühl ist Schwere-, eine quälende Schmerzen Ausgabe. Schärfe Phrasierung ist nicht existent.

Die musikalische Leitung war bei weitem das schwächste im gesamten Leistungs. Er überraschte Stornierung Regisseur Daniel Oren, dem wurde es ersetzt durch Miguel Ángel Gómez Martínez. Die Richtung der letzteren hat übermäßige Langsamkeit gesündigt. Dilated einige Male mehr, die sie nicht das Drama aber Langeweile manchmal bevorzugen.

Es gibt Szenen, die sehr schlecht altern. Dies ist der Fall, der uns betrifft, von Emilio Sagi, die am selben Theater 7 Jahre Premiere vor. Sein Nachfolger ist verantwortlich für Ricardo Sánchez-Cuerda gewesen, und das Ergebnis ist dunkel und schlecht. Sie erkennen ihn nicht oder bekannte klassische Elemente. Änderungen und Übergänge werden die Öffentlichkeit über mobile Plattformen gemacht. Sänger gezwungen zwischen den einzelnen Posten wie in einem Labyrinth zu bewegen. Schauspieler Regie an Zeiten, in denen nicht Rigoletto hinter der Bühne wird der Protagonist. Er will eine einfache Landschaft sein, aber es bleibt einfach.
Beleuchtung, verantwortlich Eduardo Bravo, Er will helfen, eine gespenstische Atmosphäre, aber es knauserig und Licht, niedrig.

die Bilbao Symphony Orchestra Er hatte eine diskrete Leistung, mehr Mängel der musikalischen Leitung von Ressourcen, die Lehrer bilden.
Der Chor glänzte und trug zum Erfolg der Darstellung. Gut und kraftvolle Einträge in den Tabellen.

Werden diejenigen, die glauben, dass der Erfolg dieser Premiere von Rigoletto übertrieben, im Zimmer war viel nucciniano Tiffosi. Die Realität ist, dass die Oper und die Beteiligten nur eine Verpflichtung hat,, entzünden Leidenschaften. Mission erfüllt.

Die Eroberung von Mexiko

Die Eroberung von Mexiko, Deutsch Komponist Wolfgang Rihm, Es ist eine der Wetten für diesen neuen künstlerischen Berater der Saison jetzt Royal Theatre, Gerard Mortier. Ein Mörtel,, mit der üblichen Begeisterung, Es gibt einen Vortrag über die Arbeit und deren Komponisten, der in diesem Artikel sehen und hören können. Eine zeitgenössische Oper oder, als Komponist genannt, Musiktheater. Die Premiere in Deutschland 1992, in Mexiko wurde in Konzertversion vorgestellt 2003 und nun öffnet es in Spanien in einer Produktion von Teatro Real.
das Libretto, der Komponist, und zurück zur Musik, Es basiert auf Texten Antonin Artaud und Octavio Paz. Französisch Artaud hat versucht, die Unmöglichkeit der Verständigung zwischen den beiden Kulturen zu reflektieren, die nicht bekannt sind und die Konfrontation zwischen den beiden Kulturen, Christian Evangelisierungstätigkeit, mit einem klaren repräsentativen, Hernán Cortés, und heidnische präkolumbianischen durch den Charakter von Montezuma. Artaud Theater Vorschläge, fast verblüffende immer an die Öffentlichkeit, Sie stellen eine vernünftige und ausgewogene Indigenen mit der Natur. Im Gegensatz zu der christlichen Barbarei des Eroberer. All dies ist Teil des neuen Theaterkonzept: das so genannte Theater der Grausamkeit.
Wolfgang Rihm wollte, durch seine Zusammensetzung, Übertragen eines kathartischen Gefühl. Zielt darauf ab, eine magische und transzendentale Atmosphäre zu schaffen und die Verwendung von Stimmen ist wichtig, zu erreichen. Der Konflikt zwischen den beiden Kulturen ist klar definiert und polarisiert. Die Darstellung der indigenen Welt entspricht Frauenstimmen. Es ist die Sopranistin Nadja Michael, wer wir waren in diesem Theater in Wozzeck vor kurzem gehört,, von Alban Berg. Seine kraftvolle Stimme, einen Träger und außerordentliche Projektions, Form und Charakter zu Montezuma. Begleitet auf der Bühne von Caroline Stein und Katarina Bradic. mit ihnen, der Charakter der Malinche, von Ryoko Aoki Japanisch gespielt. Große Kenner der zeitgenössischen Oper und Musiktheater Japanisch. Was für eine große dramatische Kraft otroga seine Interpretation.
Die onírico Umgebung wird durch die Partitur von Rihm erreicht, Es spiegelt die Folgen des Krieges. All dies von Urs Schönebaum mit Beleuchtung verbessert, die bunten Kostüme Kostüm polnischen Wojciech Dziedzic und videografische Projektionen Deutsch Alexander Polzin.
Obwohl entfalten sich die Szenen in einem sehr dynamischen Art und Weise, das Gefühl der Langsamkeit ist manchmal evident. Vielleicht ist dies der beste Weg, um die schwere Last der verlängerten Kriege zum Ausdruck bringt.
Gute Übergänge zwischen sozialen Konflikten und die zwischen den Protagonisten auftreten, persönlichere und in der Nähe. Eine scheinbar komplexe Art und Weise direkt aus mit Einfachheit.
Nicht vergessen, dass Rihm die Musik komponiert, bevor das Skript mit. Es zeigt eine große Ausdruckskraft der Partitur. Percussion reproduziert diskrete Rausch Schlachten, wie oft ohne eine bloße Begleitung zu sein, ist constumbre, aber Pacesetter vor allem zu Beginn der Arbeit. und nichts, kein Ton, jedoch klein oder kurz, um es, irrelevant oder Prominenz.
Die Lage des Orchesters, dieses Mal durch Kästen verteilt, Proszenium, Boxen und Stände, einen Umschlag und dramatische Atmosphäre erzeugen,. Auch die Stimmen des Chores, leben und durch Aufnahmen, zum Traum-Musikmontagearbeiten beitragen.
Das Ergebnis ist eine neue und moderne Produktion, auf denen die Öffentlichkeit mit einer gewissen Kälte reagiert. Eher durch Verwirrung, dass die Ablehnung. Königliche Theater Publikum, im allgemeinen, hat in diesen Jahren entwickelt war Mortier. hören sonst zeitgenössische Musik, vor fast nicht existent, und kann die unterschiedlichen Qualitäten eines Werkes dieser Merkmale unterscheiden und schätzen.

Die Eroberung von Mexiko
Wolfgang Rihm (1952)
Theatermusik in vier Teilen (1992)
Libretto vom Komponisten, nach Texten von Antonin Artaud und Octavio Paz
D. Musical: Alejo Pérez
D. Szene: Pierre Audi
scenographer: Alexander Polzin
Kostümbildnerin: Wojciech Dziedzic
Beleuchtung: Urs Schönebaum
Video: Polzin, Claudoa Rohrmoser
Dramaturgin: Klaus Bert Isch
D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Nadja Michael, Georg Nigl, Graham Valentine, Ryoko Aoki

Wozzeck

Wozzeck Es ist ein komplexes Werk, das erfordert, unter anderem, eine kleine Anfangsdosis von Geduld. Ist eine Oper mit ständigen Herausforderungen, die dauerhaft überwunden werden muss,. Ich kann nicht sagen, ich mochte es, jedoch nicht anders. Man kann fühlen sich überfordert, unruhig, beladen, und immer espectante. Und das Wozzeck ist eine Oper mit einem anderen Zweck.

Die Unruhen haben Befallen Königlichen Theater als Licht regt, dass kaum spürbar, aber bis auf die Knochen. Und die Ladung ist nichts anderes als Wozzeck, Komponist Alban Berg und basierend auf Woyceck, de Georg Büchner (die Differenz zwischen dem Namen und dem Titel beruhen in der ersten Ausgabe auf einen Fehler entschieden Berg zu halten). Ihre Beteiligung im Ersten Weltkrieg, Berg führte einen ausgeprägten Antimilitarismus zu entwickeln, dass, jedoch, Es verhinderte nicht, dass die Zusammensetzung dieser Arbeit mit einem schizophrenen militärisch als Protagonist.
Nie ein paar Jubel waren so seltsam ängstlich. Das Publikum war gerade in dieser Produktion ungelöst alle einem Druck ausgesetzt worden.
Wozzeck ist nicht easy listening. Seine musikalische und argumentative Sprache wird mit der Abstraktion atonaler Musik beschrieben, eine dramatisch ungerechten Universum präsentiert und öffentlichem Interesse, deren Ursprung Übertragung befindet sich nicht easly. Es ist Musik?, Es ist das Argument? Eine seltsame Beschwerden, die einige Zuschauer unvorbereitet führte den Raum zu verlassen.
Die Inszenierung von Christoph Marthaler, Produktion Premiere an der Pariser Oper 2008, Es war etwas glanzlos und deren Alltag und Einfachheit. Es war eine einzigartige Kulisse, ein Zelt als Messe im Vordergrund und dahinter Spielplatz ein Park wir in jeder Stadt finden konnten,. und zwar, Marthaler entdeckte sie, als sie durch die Straßen von Gent ging. Die Szene von spielenden Kindern und isolierten Ältesten in ihrer Welt, jeder besetzen einen Tisch allein, Es war seine Inspiration zwei verschiedene Welten zu ziehen und keiner von ihnen der Melancholie befreien. Die Szenografie hat nicht die Rotundität, die wir in Calixto Bieitos Wozzeck in sehen konnten 2007. dieses Mal, Marthaler Vorschlag verringert die Intensität und die Kraft, die die Partitur von Berg hat.
Und warten Tische im Zelt platziert, ein verstört Wozzeck, unruhig, maniatico, Zwanghaftes und naiv. gespielt von Simon Keenlyside, Wozzeck Charakter überzeugt sehr in dem Kino. Sie erhalten etwas Mitgefühl für den armen Mann zu fühlen, den Wahnsinn von einer bedrückenden Gesellschaft und Medizin geschoben erreicht, weit davon entfernt, die ihre Mittel, nutzen, um ihre Schwächen, ihre Neugier und Ego zu befriedigen. Keenlyside Stimme ist nicht bei allen sperrigen, irgendwann war es schwer zu hören, aber das Drama wurde für das Ende des dritten Aktes vorbehalten. rührend.
Nadja Michael, als Marie, Es wird mit einem Instrument mit einer bemerkenswerten Leistung ausgestattet und kraftvoll. Ihr Ergebnis ist nicht einfach, da es ein empfindliches Gleichgewicht halten muss Emotionen auszudrücken und ruft keine Exzesse. Das Ergebnis ist sehr zufriedenstellend und eloquent.
Kapitän, gespielt von Gerhard Siegel, Er hatte einen theatralischen Punkt, fast desapacible, die er potenziert den Charakter. Seine Stimme und Interpretation war sehr scharf und prägnant.
Dr., Franz Hawlati, Er spielte einen Bösewicht zu Recht Papier. Sie trug zu dieser einer escasísima Sprachqualität, sehr geeignet für den Charakter, gemein und verächtlich, aber nicht für ein Szenario wie Real.
Jon Villars, als Trommel, Er spielte in einer dampfigen Szene mit Nadja Micael. Sein raues Aussehen, ein treffend klebrig Kostüme und Theater Fähigkeit, Sie gaben große Glaubwürdigkeit auf den Charakter.
Der Rest der Besetzung, Roger Padullés, Scott Wilde, Katarina Bradic, Tomeu Bibiloni, Francisco cisco~~POS=HEADCOMP Vas, Magno Antonio und Enrique Lacárcel, Sie perfekt ausgewogenes Bild von Sängern und einige wie Katarina Bradic und Francisco Vas, mit einem perfekten Dramatisierung seiner Charaktere.
das Orchester, ein wenig maßlosen zum Anfang, wie das Tor selbst und wie wir waren alle, es wurde intoniert schockierende Momente bieten, manchmal eine Macht entrückt, aber ohne Tamtam.
Sylvain Cambreling ist kein Direktor der großen Leidenschaften, aber seine Technik ist Inbegriff und wusste von Orchester-Sounds und spektakuläre Momente und voller Absicht extrahiert. Alles, was zu erreichen Reflexion auf einer familiär dramatischen Geschichte.

Alban Berg (1885-1935)
Oper in drei Akten und fünfzehn Szenen
Libretto vom Komponisten, basierend auf
Woyzeck de Georg Büchner
Neue Produktion im Theatre Royal,
von der Opéra National de Paris
D. Musical: Sylvain Cambreling
D. Szene: Christoph Marthaler
Bühne und Kostüme: Anna Viebrock
Illuminator: Olaf Winter
Dramaturgin: Malte Ubenauf
D. Chor: Andrés Máspero
D. Kinderchor: Ana González
Besetzung: Simon Keenlyside,
Nadja Michael, Jon Villars, Roger Padullés, Gerhard Siegel, Franz Hawlati, Katarina Bradic, Scott Wilde, Tomeu Bibiloni,
Francisco cisco~~POS=HEADCOMP Vas, Antonio Magno,
Enrique Lacárcel, Alvaro Vallejo

Otello

Mucha war die Erwartung, dass die Premiere des erzeugten hatte Otello von Zubin Mehta und Davide Livermore in Palau de Les Arts. Und rechtzeitige und verdienten Erfolg, hat sammelte.
Während andere nach innen schauen, Suche nach nichts, Les Arts beendet seine Saison mit einem großartigen Demonstration der Stärke. Weder Drohungen der Krise, noch die Schwierigkeiten bei den Ressourcen zu erhalten ein Hindernis für Valencia haben eine wichtige Opernsaison angeboten, gipfelt mit der Brillanz dieser Arbeit aus eigener Produktion.
Otello, perfekt durch Tragödie zusammengebraut Giuseppe Verdi und Arrigo Boito, Es ist eine heroische und intensive Arbeit mit dem Verdi musikalische und dramatische Kontinuität intensiv Monologe und Duette erreicht durch, deklamierte mehr als gesungen, und eine Orchestrierung, Das unterstreicht die Dramatik und Subtilität während der Arbeit.
Die Oper beginnt und läuft mit einer großen Anzeige von visuellen Effekten. Der Inspizient und Beleuchtung, Davide Livermore, Ich war überrascht mit seinem landschaftlichen Ansatz durch eine spiralförmige Plattform gebildet, ein Kolben.
Auf der gleichen Bühne alle Szenen entfalten, jeweils durch ein efectistas Vorsprünge definiert, von einem stürmischen Meer bis hin zu intimen Räumen, in denen die Tragödie und den Tod von Desdemona entwickelt. Obwohl es gerade die Bilder war, die das Verbrechen illustriert die weniger Glück des Kontextes draußen zu bleiben.
Eine Bühne voller Symbolik. Eifersucht, Groll, Verrat… durch ein großes schwarzes Loch dargestellt, dass die Akteure gewandert zu oder weg von dem Kern.
Und als Zeremonienmeister, Zubin Mehta ein, trotz vielleicht zu langsam in einem Tempo, die Arbeit mit, Vielzahl von Farbtönen in einer Richtung pulcrísima entfalteten, Sprengstoff hellere Momente in den heiklen.
die Orchester von Valencia, verdientermaßen applaudiert, Er reagierte mit Flexibilität und Leichtigkeit auf die Aufträge von der Leitung, immer Momente von großer Schönheit, insbesondere durch die Seile, und erreichte Soundeffekte so entscheidend in Otello.
amerikanischer Tenor Gregory Kunde, die er erreichte der Palau Aleksandrs Antonenko ersetzen, Es war eine weitere angenehme Überraschung der Nacht. Obwohl für die Stimme von Otello mir wie ein dunkler Klangfarbe und weniger Rossiniano, Kunde war der herausragende Otello. Ohne Anspruch ernst Klanglichkeit suchen, dass am besten zu definieren den Charakter, aber er hat nicht, das beste war die Vielfalt der Harmonischen, vor allem in den hohen Tönen, dass ohne Angst angegriffen. Schade, dass der apianar seine Stimme Konsistenz verliert. Aber er begabt seinen Charakter in einem Drama spannend, vor allem im letzten Akt und Szene, beladen mit Symbolik, wobei Yago jede Bewegung wiederholt wie ein Schatten.
Maria Agresta, als Desdemona, Es war weniger mehr. Es hat einen schönen Klang und eine geschickte Möglichkeit, seine Stimme zu steuern. Er baute eine zarte Desdemona, unschuldig und viel Gefühl, sondern muss Dramatisierung arbeiten.
Eine weitere Attraktion des Abends war wieder zu hören, diesmal als machiavellistischen Verräter Jago, Bariton Carlos Alvarez. Sein Comeback wird sorgfältig pausiert.
Seine Stimme ist nicht vor. Das Volumen hat sich verringert und zeigten Schwierigkeiten bei Beförderungen. Aber seine Phrasierung, Adel auf der Bühne, sein eleganter Gesang und ein erster und zweiter Akt, in denen sein Instrument fest und voller Musikalität klang, Sie lassen die Tür offen für eine unbestreitbare Stimmentwicklung. Sichtbar aufgeregt erhielt er große Ovationen.
Marcelo Puente, wie Cassio, und besonders Cristina Faus als Emilia, Sie haben ihre Rollen mit großer Würde gelöst.
Sehr gut der valencianische Gemeinschaftschor. Kraftvoll und gut entwickelt auf der Bühne. Diskreter war die Aufführung des Kinderchors, Escolania von Unserer Lieben Frau von den Obdachlosen, offensichtlich verbesserungsfähig.
Escelente lenk Akteure. Verdi hat die Schwierigkeit seiner großen szenischen Bilder, mit Menschenmassen auf der Bühne, die nicht immer einfach zu verwalten sind. Diesmal Davide Livermore ist eine ausgezeichnete Wirkungsrichtung. Das Gleichgewicht auf der Bühne ist dauerhaft, auch wenn es mit Chor gefüllt, Soldaten, Sänger, Kinder ... nicht so leicht, Menschen in einem Gebiet zu bewegen, so unregelmäßig, aber Livermore bekommen es.
Kostüme, Selbstlivermore, abgerundete Zeichen Verpackungs, insbesondere Otello und Jago. Obwohl ich zugeben, dass ich Frisur Frauenchor verstanden.
schließlich, man, dass Otello, mit all seiner dramatischen Ladung, Es ist voller Frische, Licht und Talent auf der Bühne und dahinter.

OTELLO
Giuseppe Verdi (1813-1901)
1 Juni 2013
Oper in vier Akten
Libreto von Arrigo Boito. Basierend auf dem gleichnamigen Drama von W. Shakespeare
D. Musical: Zubin Mehta
D. Lichtszene: Davide Livermore
Videocreación: D-WOK
Neuinszenierung der Palau de les Arts Reina Sofía.
Gregory Kunde, Carlos Alvarez, Maria Agresta, Marcelo Puente, Cristina Faus, Mario Cerda

Don Giovanni

Mortier verteidigt gegen die offensichtliche Scheitern des Don Giovanni, sagen, dass die Spanier haben nicht das Eigentum an den Charakter, da dies universal, und spricht auch vom Recht auf Tcherniakov seine besondere Vision der Arbeit aufzudecken. natürlich, Sr. Mörtel, fehlt mehr. Don Giiovanni Aber das ist nicht das Ergebnis einer provozierenden Landschaft und verursacht Öffentlichkeit und stimuliert. Es ist auch nicht das Ergebnis eines ausgereiften intellektuellen Ansatzes, der eine stärkere Reflexion seitens der Öffentlichkeit erfordert.. Es ist nicht einmal ein zeitgemäßes riskantes und unverständliches Vorschlagsprodukt eines Künstlerdeliriums. Das Ergebnis ist, einfach, ein schlechter und langweiliger Don Giovanni. Wenn Sie es vorziehen, außerordentlich gemein und langweilig, Dafür ist Real da.

Es war gut durchdacht, Don Giovanni nach Così fan tutte zu programmieren. Beide reden über Liebe, Freiheit und Treue, aber beide sind sehr unterschiedliche Werke. Die Version, die uns das Königliche Theater bei dieser Gelegenheit anbietet, ist die von Wien, Das hat zwei Arien für Tenor und eine für Donna Elvira, mehr als Prag.
Don Giovanni ist ein weitreichender Mythos. Wenn Mozart seine schreibt, existieren bereits 80 dem Charakter gewidmete Opern. Ein Mythos, der in viele verschiedene Richtungen gehen kann. Obwohl in einigen von ihnen, wie ist das, Ich ging unbeholfen zum Scheitern.
Sie sagen, dass wir alle einen Don Juan drinnen tragen. Alles andere als Russell Braun. Was für ein Zufall und was für ein Pech für die Öffentlichkeit von Real.
Schade, dass für Mr.. Mortier gibt es keine guten spanischen Sänger. Das muss der Grund sein, warum er gezwungen war, einen Kader von Sängern mit diesem so schwer zu überwindenden Maß an Mittelmäßigkeit einzustellen. sein Ainhoa ​​Arteta (berühmte australische Sopranistin) der einzige Darsteller in dieser Produktion, der über Wasser blieb.

Es ist wichtig, das künstlerische und theatralische Talent von Tcherniakov hervorzuheben. Denken Sie nur an Ihren Eugene Onegin in diesem Theater. Talent, das zweifellos bei der Schaffung eines Werkes von Anfang an offensichtlich wäre. Eine zeitgenössische Arbeit, mit der Sie Ihre künstlerischen Ansätze direkt aufzeigen können, ohne die Notwendigkeit, einen ersten Ansatz aus einer Laune heraus zu verdrehen und ihn in den Abgrund der Enttäuschung zu führen.
Tcherniakovs Bestehen darauf, die Hauptfiguren der von ihm geleiteten Werke der Würde zu berauben, und dauerhafte Berichtigung der Lehrer, die sie schreiben, erfordert besser eine therapeutische Überprüfung als eine künstlerische.
Mit der Ausrede, den Charakter zu entmystifizieren, er schuf eine Verfolgungsjagd mit Don Giovanni, unverantwortlich, ohne jegliche Galanterie, sichtbar alkoholisch und durch die inkohärente Inszenierung belastet.
Die Landschaft ist absolut flach. Tcherniakov besteht erneut ausschließlich auf großen Salons, da alle Arbeiten im selben Satz dargestellt sind, die Bühne noch einmal in den Schatten stellen. Dies trägt zur Langeweile der Produktion bei.

Ein großer Teil der Hoffnungen eines Madrider Publikums, das, nach seiner Leistung in der vergangenen Saison mit Plácido Domingo, Ich wartete großzügig und aufgeregt auf sie. Man kann sagen, dass es in der Verwirrung dieser Produktion fast die einzige ist, die gerettet wird. Annahme dieser Rolle auf Mortiers Vorschlag, Es war ein großer Erfolg. Die Verlagerung hin zu anspruchsvolleren und komplexeren Rollen kann dazu führen, dass Ihre Karriere die Mittelmäßigkeit aufgibt und sich aneignet, zu guter Letzt, eine neue Dimension. Qualitäten fehlen nicht.
seine Stimme, kraftvolle Emission und angenehmes Timbre, etwas Ungehärtetes begann, Vielleicht stört die Montage und das Scheitern der Premiere, aber er übernahm sofort die Zügel einer energischen und spöttischen Donna Elvira, obwohl weniger schmerzhaft. Er hatte ernsthafte Schwierigkeiten im ersten Akt, die in "Ich möchte sein Herz herausnehmen". Besser im zweiten Akt, wo sie rund war, obwohl in einigen Arien von verlängerten Volata kaum Fiato vorhanden ist. Erkennen Sie auch seine interpretativen Verbesserungen.

Eine weitere hervorzuhebende Stimme war die von Leporello, gespielt von Kyle Ketelsen. Eine tolle Stimme, rund und harmonisch das, zusammen mit Arteta, hob die Mängel des Restes der Besetzung hervor.
Christine Schäfer Er hat gerade seine Rolle erfüllt. Es ging von weniger zu mehr, bis es „Beat oder hübscher MasettoWas er gerne interpretierte. Das beste, das Drama, das er seinen Rezitativen auferlegte.
Paul Groves, was wir in Iphigénie in Tauride und Persephone genießen, Es war eine traurige Überraschung als Don Ottavio. Mit permanenten Problemen in Einklang zu bleiben, mit einer schrillen Stimme, guttural und fälschlicherweise gefälscht, wurde am Ende einer seiner Reden von der Öffentlichkeit ermahnt. Don Ottavio hat es nicht betreten, noch er in Don Ottavio.
Die junge deutsche Sopranistin Mojca Erdmann löste ihre Rolle als Zerlina diskret. Eine schöne und mozartianische Stimme wird angestrebt,, obwohl klein. Sie müssen Ihre Dramaturgie stark verbessern, und ob sie auch ihre Garderobe verbessern können, Der Charakter würde viel gewinnen.
David Bizic, como Masetto, Es war ein Hulk, der sich als solcher auf der Bühne bewegte. Kalt und ausdruckslos, schien in einer Schulaufführung zu sein.

Russell Braun Es war der größte Fehler der Nacht, das ist zu sagen. Eine brüchige Stimme, klein, inkonsistent. Punkt des Zusammenbruchs zu verschiedenen Zeiten, Ich weiß nicht, ob aus Angst oder Mimikry. Russell Braun ist keine Stimme für Don Giovanni. Es war zu keiner Zeit, trotz der vielen, die die Partitur zum Vorführen bietet. Er konnte sich nicht einmal von der schönen Mandolinenaufführung mitreißen lassen, in den geschickten Händen von Araceli Yustas, der die Arie interpretiert “Komm zum Fenster". Wartete am Eingang auf ihn, zart schmoren, um ihn nicht zu bedecken, zeigte ihm aber den richtigen Weg, um anzugeben, es war alles umsonst.

Die musikalische Leitung Alejo Pérez ist nicht vorhanden. Aus einer Ouvertüre manchmal nicht wiederzuerkennen, bis zum fortschreitenden Niedergang des zweiten Aktes. Als positiven Aspekt sagen Sie, dass seine Routine, das Orchester zu leiten, erlaubt, mindestens, der ruhige Traum eines Zuschauers. Alejo Pérez beschwerte sich, Tage vor der Premiere, dass die Szenografie das Tempo der Arbeit beeinflusst und verändert hatte. Aber das musikalische Ergebnis zeigte mehr Veränderungen als das. Orchester, das hat uns an tolle Nächte gewöhnt, es klang dünn, flach und aus der Zeit.
Sei ein Chor in der Produktion von jemandem, der, wie es bei Tcherniakov der Fall ist, er mag keine Chöre, ist, sich damit abzufinden, während der gesamten Aufführung verborgen zu bleiben. diesmal, wie bei anderen, Er war in der Grube versteckt, und die Grube klingelte.

Don Giovanni
Der Dissolute bestraft oder Don Giovanni
W. EIN. Mozart (1756-1791)
Libreto de Lorenzo da Ponte
D. Musical: Alejo Pérez
D. Szene: Dmitri Tcherniakov
D. Chor: Andrés Máspero
Don Giovanni: Russell Braun
Der Kommandant: Anatoli Kotscherga
Donna Anna: Christine Schäfer
Don Ottavio: Paul Groves
Donna Elvira: Ainhoa ​​Arteta
Leporello: Kyle Ketelsen
Masetto: David Bizic
Zerlina: Mojca Erdmann
Klavier: Eugene Miichelangeli
Chor und Orchester Titulares del
Teatro Real

Barbier von Sevilla

Diese Valencia Barbier von Sevilla, mit einem sehr originellen und modernen Landschaft von Paolo Fantin: und Drehen eines beliebten Viertel bauen, wo die Augen der Zuschauer kann scannen, wie im Fall von James Stewart Gießens (Jeff. B. Jeffries), das war gewidmet aussehen, von Rear Window, die Aktivitäten und Entwicklungen aller seiner Nachbarn in der großen Alfred Hitchcock lesen Fenster.

Die überquellenden Gnade Der Barbier von Sevilla, Er geboren von der perfekten Kombination aus einem herrlichen Libretto von Cesari Sterbini, basado en la comedia Der Barbier von Sevilla oder Die nutzlose Vorsicht von Pierre Beaumarchais, und die brillante Partitur Rossini, zu übertreffen Einfallsreichtum und Findigkeit, mit jedem Ihrer Zahlen, wirklich erstaunlich Progression. von "Klavier pianissimo„Um stretta das Gesetz I endet. und, vom Duo "Frieden und Freude I„Bis zum Ende Sextett blendend, die ganze Oper ist ein echter wachsender Reichtum an melodischen, perfekt auf die Aktion lighthearted aufgeworfen.
Neben einer Reihe von Zahlen, in der Tat „Meilensteine“, das ganze Repertoire wie „ECCO, Lachen im Himmel"Oder aria-cabaletta"Cease länger zu widerstehen ... Ah, mehr zufrieden", geladen sehr schwierig Agilität, prächtig gelöst, wir erinnern- von Tenören wie Alfredo Kraus, Cesare Valetty, Nicolai Gedda, Fritz Wunderlich oder Argentinier Raul Gimenez (großer Stilist des belcantismo); und, heute, von Juan Diego Florez, erinnern wir uns an seine großartigen Grafen Almaviva, am Teatro Real in Madrid, auch auf DVD veröffentlicht- die, das „Largo zum Faktotum“ des Figaro, und "Slander" Don Basilio. Nicht darauf hin, dass "Una voce poco fa", wo so viele Sänger sind gescheitert, bei dem Versuch, einen wirklich ausdrucks Inhalt zur Phrase ma meine toccano zu geben.
Der Barbier ist ein weiterer unwiderlegbarer Beweis der Orchester Beherrschung von Rossini. „Die Ouvertüre“ oder Begleitung "Verleumdung", kann bezeugen,.

etwas auch, Highly bemerkenswert ist die Darstellung der verschiedenen Charaktere durch Musik: der volle Charakter von großem Adel Lied Count, die verschiedenen Aspekte der Persönlichkeit von Rosina ausgesetzt in ihrem "a voce poco fa„die, die schlechte Idee von Bartolo in "Zu einem Arzt", und die anmutige Rokoko Nachahmung der Sprache in ihrer Arietta des zweiten Aktes, erinnert an seine Jugend. All diese Aspekte zu dieser Rossini Oper beitragen hat, ohne Rückgriff auf Mozart Meisterwerke wie Die Entführung aus dem Serail und Die Hochzeit des Figaro verglichen. Bericht schließlich, Akt I, der größer ist als der zweite, und dies ist kein Defekt, da die Summe Schnelligkeit der Ergebnisse dieser Oper, die gesamten Akt I bildet dient als Ausgleich für die Verlängerung der Präsentation.
In dieser Rossini Oper, wir können klare Erinnerungen an der berühmten Trilogie von Mozart-Da Ponte finden: Die Hochzeit des Figaro, Y Don Giovanni und Così fan tutte.
Nach dieser langen Einführung bin ich denke Didaktik- den Leser anziehen, zurück zur Fokussierung auf diesem Barbero wurde im vergangenen März in Valencia gesehen.

Diese Produktion aus dem Grand Théâtre de Geneve, , Wie es bereits darauf hingewiesen worden,- mit exzellenter und modernen Landschaft, bestehend aus der originalgetreue Rekonstruktion eines beliebten Gebäudes mehrgeschossige, wo auch, Wir sehen die Ford ‚In Ordnung geparkt! Propaganda der valencianischen Fabrik- Graf Almaviva, unsterblich in sie verliebt mit dem pert und anmutig Rosina, der lebt in diesem geschützten Gebäude, eher gedämpft, die Dodo und Eifersucht Don Bartolo.
Dieser Satz kann sich drehen komplett, siehe die Interna der verschiedenen Etagen zu ermöglichen, und dass die Zuschauer können verschiedene Aktionen scannen und Ziel gesungen, simultanean, dass andere nur Theater; und, alle, durch ein erfolgreiches Lichtdesign ergänzt, dass die zeitlichen Übergänge Aktionsmarken entstehen. deshalb, eine bemerkenswerte, bemerkenswerte Landschaft.

Exzellente Musik erstellt von Gioachino Rossini ist hervorragend vom Orchester des Valencia Großdurchgeführt, gut von seinem Besitzer gerichtet Omer Meir Wellber, das Tragen von zu sehr auf die „Ouvertüre“ (wahre Wunder der bunten und prägnant Musik), und wenn die Bestimmung ist wichtig, in der gesamten Oper, erreicht Höhen von hoch auf langen -sehr Ende mit dem mozartischen Stil- Akt I. Der Omer eigenen Wellber, befasst sich mit dem Schlüssel, begleitet Rezitative.
Und in der Stimm Ebene sind die schwersten Stimmen: die bemerkenswerte Figaro Mario Cassi, die zeigt eine breite und nachdrückliche Stimme, dass die Dynamik auf der Bühne zeigt, die diese Rolle erfordert, deren Persönlichkeit zeigt deutlich,, in seiner berühmten Arie "largo al Factotum". Grand Basilio des jungen bulgarischen Orlin Anastassov, Stimme eines großen Pakets, das sehr in der berühmten Arie sieht "Slander ist ein Kinderspiel", und in allen anderen Interventionen innerhalb einer großen Vokal- und Bühnenperformance.
Orlin Anastassov sang nur in den Funktionen des Tages 12, und der Tag meiner Teilnahme 15 März. Ich weiß, dass auf jeden Fall die großartige Leistung der großen unter Georgian Paata Burchuladze, in anderen Darstellungen. Lustig und sehr theatralisch Bartolo von Marco Camastra immer nach dem Windschatten von Rosina, und die Lösung seiner fachmännisch Act I Arie "Zu einem Arzt meines Schicksals". Besondere Erwähnung des valencianischen Mezzo Berta Marina Rodriguez Cusi, brillante Karriere in den letzten zwanzig Jahren.
Rodriguez-Wege, Es gibt eine Lektion Theater, denn ohne Gesang, Alleingang, kommt voll zu konzentrieren, mit ihrer Bühne Bewegungen der Aufmerksamkeit der Zuschauer, und schon trägt seine vocalism attraktiv während Akt II, in ihrem kleinen Duett mit Bartolo "Ah, elend mir!„Gefolgt von ihrer Arie“Die antiquiert kommend".
Wie für Rosina von Valencia de Sagunto Silvia Vázquez, Es ist ziemlich gut in Theater Hintergrund, und eine bemerkenswerte vocalism Schießen, vor allem in der Auflösung der Agilität Belcanto in seiner berühmten Arie shining "Una voce poco fa".
Der Uruguayer Tenor Edgardo Rocha (helle Schüler andere Almaviva: Amerikanische Tenor Rockwell Blake), Es hat eine gute Gesangstechnik, mit einer Stimme inhomogenen assoziiert, völliges Fehlen von schweren, und ein Zentralregister kein Licht, aber ultra-light Tenor; dass, nimmt nur einen Breiten Körper und auch in der akuten bewegen. Diese Eigenschaften bleiben lucimiento in ihren wichtigen Interventionen beiden Handlungen. El Figaro de Mario Cassi, erzählt wahre Brillanz im Duo sowohl in ihrem Duett der ersten Akt "Die Idee dieses Metall". Die große Anzahl von großartigen Set, das Gesetz I schließt, mit diesem ausgezeichneten Coro de la Generalitat Valenciana. schließlich, ein sehr bemerkenswert Barbero, vor allem für sein Theater Ansatz und die schwersten Stimmen.

Der Barbier von Sevilla
Gioachino Rossini
Palau de les Arts in Valencia
D. Musical: Omer Meir Wellber
D. Szene: Damiano Micheletto
Mario Cassi, Silvia Vázquez,
Edgardo Rocha, Marco Camastra,
Orlin Anastassov, Marina Rodriguez-Cusi,
Oliveri Mattia

Juan Diego Florez

Con Die Perlenfischer, Georges Bizet legt auf Rekord, durch seine Musik, neue künstlerische Strömungen, die in Europa in der zweiten Hälfte des neunzehnten Jahrhunderts entwickelt wurden. Literatur, Malerei und, Musikkurs, Sie offenbaren eine neue Ästhetik.
die lyrisches Drama, Genre charakteristische Second Empire, Sie distanziert sich von den politischen und gesellschaftlichen Konflikte in einzelne Ereignisse eintreten und folkloristische. Konfrontiert mit großen und komplexen Sätzen und multitudinous Tablets, Drame lyrique konzentriert sich auf die Intimität der Charaktere und ihre amourösen Leidenschaften.
Mit Perlenfischer, Bizet tritt in die Exotik zu dieser Zeit vorherrschenden. Exotik, die Carmen entwickeln up wird.

Es gibt nur wenige Gelegenheiten, die in Madrid an den peruanischen Tenor spielen Juan Diego Florez. Das letzte Mal, 2010, Durch die in Schlitten teilnehmen. Auch in Konzertversion. Und es ist noch schwieriger, ihn als Schauspieler zu sehen.
Flórez wirft immer große Erwartungen in Madrid und wurde noch einmal auf den Papierlauf ergibt nichts heraus Schließfächer zum Verkauf angeboten.
Und Florez hat uns nicht enttäuscht sein Publikum, aber weder ihre außergewöhnliche Leistung und rund bewerten. Sein Instrument bleibt intakt, fast perfekt, und seine Stimme ist immer noch Licht, Luft, homogene, veröffentlicht, stechend, obwohl sie geschätzt nicht in dieser Nacht ihre hohen Töne Bronzieren.
jedoch, Es war voller Unsicherheiten im gesamten ersten Teil. Er war nicht bequem und man könnte sagen,.
Nichts mit ihren Belcanto Leistungen zu tun. Und vielleicht ist das der Grund für die Unsicherheit. Die Rolle des Fischers Nadir hat ihn nicht zulassen, dass die Festigkeit seiner üblichen Gesangslinie zeigen,.
Die zweite und dritte Handlungen waren besser als die erste gelöst. Vor allem dank Duette mit Patrizia Ciofi, wo seine Stimme und sein Vertrauen stieg.
Er riskierte nur was für Juan Diego Florez in einer Nacht als erwartet, wie bei anderen Gelegenheiten, unvergesslich, aber diesmal schien unfertig zu sein. Immer erwartet, dass es mehr von einem der besten Stimmen der internationalen Opernszene.

Licht Sopran Patrizia Ciofi, was es scheint ein guter ewigen Moment zu sein, ausgeübte, in seiner Rolle als Priesterin Leïla, perfekte Replikation seine Schauspielkollegen. Seine große Stimme, manchmal zart, Er zeigte gelegentlich shrillness und beginnt das Fehlen einer Stimme zu bemerken Ansätze, zwangsläufig, eine klare Verschleiß. Aber nichts davon verhindert das würde große Momente erreichen. Es war seine Rolle jederzeit sichern, vielleicht übermäßig in einigen Gesten, aber seine Interpretation wurde die applaudierten.

Marius Kwiecien Es begann mit ernsthaften Problemen, und es war nicht bis zum Beginn des zweiten Teils, als er warnte die Öffentlichkeit über seine Kehle Probleme. sogar so, und wie immer in Ehrerbietung, Er spielte seine Rolle zu Ende. Schade, nicht die bereits wissen, von seinen jüngsten Leistungen für Real in Le nozze di Figaro in der Lage, in seiner Pracht zu diesem polnischen Bariton zu hören, Eugene Onegin und Król Roger.

Die kurze Rolle der Nourabad, von den jungen italienischen verteidigt Roberto Tagliavini, Er ließ mich fast unbemerkt passieren, Wenn es nicht für seine imposante Bühnenpräsenz. Aber es bot eine Ahnung, warum es zu einem der begehrtesten niedrig in letzter Zeit auf dem großen Theatern.

der Chor, er erhielt einen verdienten Standing Ovations vom Publikum, rang Tuned, leistungsfähige und Tempo in dieser Saison in einem ihrer großartigen Leistungen. Es ist bereits ein wesentlicher und erkennbar Spieler in jeder Darstellung.

Die musikalische Leitung der israelischen Daniel Oren Es war ziemlich diskret. Das Orchester klang langsam und übermäßige, fast wie Gesten. Der Mangel an Feinheit und Lyrik, die Partitur erfordert.

 

Georges Bizel (1838-1875)
28 März, Teatro Real in Madrid
Oper in drei Akten in Konzertversion
Rekord: Michel Carré sind Eugene Carmon
D. Musical: Daniel Oren
D. Chor: Andrés Máspero
Leila: Patrizia Ciofi
Nadir: Juan Diego Florez
Zurga: Mariusz Blumen,
Nourabad: Roberto Tagliavini

DiDonato

März einen sehr aktiv am Königlichen Theater. Tras Cosi fan tutte de Mozart y Haneke, un Roberto Devereux de Donizetti, So hören Sie Edita Gruberova, Nacht von Real für die Inszenierung von Joyce DiDonato und, ungebrochen, Bizets Perlenfischer, mit einem gewünschten Juan Diego Florez mit Patrizia Ciofi. All dies macht Eingang, im April und, ein mozartischen Don Giovanni in debütierende, zweites Mal, Ainhoa ​​Arteta.
Wochen von Schwindel, in dem die Menge von Qualität begleitet.

Nach der Premiere von Glass-Oper, und „Cosi fan tutte“ mozartischen unter der Bühne Richtung Haneke, Teatro Real Erholung Programmierung für März und April dauert einige der attraktivsten Spiele der Saison. Dieses Mal ist die Anziehungskraft liegt, nur, in der Musik und Interpreten, etwas sehr geschätzt.

Roberto Devereux
Drei Aufführungen in Konzertversion von „Roberto Devereux“ von Donizetti, Sie haben die Gelegenheit gewesen, die slowakische Sopranistin Edita Gruberova unbrennbar zu hören, nach 10 Jahr Abwesenheit in diesem Theater. bewahren, ihre 66 Jahre alt, eine mächtige Stimme, die vom Orchester nicht zertreten links, und prächtige Pianissimi, obwohl deutlich den Rückgang der Stimme, aber es hat die Fähigkeit, ihre Charaktere in dem Drama zu kleiden, Zartheit und Persönlichkeit, die nur Erfahrung gibt und so auf der Bühne fehlt heute.
In ihrer Antwort hatte er José Bros.
Selbst für eine Konzertversion ist undemonstrative, aber die ganze Nacht war zuversichtlich, insbesondere in Duetten. Seine Stimme war kraftvoll und voluminös, auch emotional manchmal.
Vladimir Stoyanov wurde weitgehend von der Öffentlichkeit applaudiert. Seine Leistung war sehr korrekt, gelang es ihm, den Rest der Stimmen zu leben. Seine Stimme ist von großer Schönheit.
Sonia Ganassi war der Beifall. Mit großer Dramatik und einer Stimme, kraftvoll und überzeugend, Sara gebar eine sehr große.
Orchester, unter der Leitung von Andriy Yurkevych, klang fast ohrenbetäubend, voll und agil, mit den Sängern ausgewogen. Nun richtet sich auch den Chor, zart und spannend, insbesondere in Lautstärken zu erreichen verwaltet. Magnificent Oper Nacht.

Gaetano Donizetti
Lyric Tragödie in drei Akten
D. Musical: Andriy Yurkevych
D. Chor: Andrés Máspero
Gruberova, Stoyanov, Ganassi,
Bros, Atxalandabaso, Orfila,
San Antonio, Stanchev

Joyce DiDonato
„Ich war hier als Junge und ich liebe es wie eine Königin kommt zurück“. Mit diesen Worten, in Italienisch, Amerikanische Mezzosopranistin wurde zuletzt präsentiert 8 am Teatro Real in Madrid marschiert. Und Hinweis auf seine bisherigen Leistungen im Coliseum in Madrid gemacht 2010, spielt den jungen Octavian, in Der Rosenkavalier.

„Reinas“ ist der Zweck dieser Erwägung und sie sind die Protagonisten. Und wie eine Königin auf der Bühne gezeigt DiDonato. Das Tragen eines spektakulären roten Kleid, das war mehrere Stücke Sandwich, Il Complesso geschützt von Barock, unter der Leitung der Violine Dmitry Sinkovsky, Joyce DiDonato hat alle seine Tugenden entfaltet und Durchführung canoras, Übertragen der Intensität der Arbeiten mit einer gewaltigen Energie. Die Öffentlichkeit hat mit ihr, und sie mit der Öffentlichkeit in einem Austausch von Emotionen genossen, die mit vier Zugaben beendet.
Dominator der Koloratur und anspruchsvolle Änderungssätze von einigen der Arien er gespielt hat,, Sie sind sicherlich dramatischen Arien, in denen besser entwickelt und die eine außergewöhnliche Interpretationsebene erreicht. Eine Nacht voller Emotionen dank einer schönen Frau auf der Bühne, die für die Öffentlichkeit in die Tasche bekommen hat.

Cosi Fan Tutte

Und Haneke kam in Madrid, zu dirigir und "Cosi fan tutte" mit 5 Oscar-Nominierungen und begleitet von erheblichen Medien-Hype. ein, dass nicht auf den Regisseuren in nur Protagonisten der aktuellen Opernaufführungen errichtet zu gewöhnen, Ich befürchtete das Schlimmste. Aber es gibt nichts zu befürchten, Es ist wahr, was sie sagen,, Haneke ist ein Meister.

Die Intensität der Emotionen sind nicht immer gleichbedeutend mit Folter. Wie gut erklärt er Haneke über das Leiden, die seine Filme zu brechen kommen kann, „Es sind diejenigen, die mit ihnen leiden, die sich fragen müssen, warum, da es nicht meine Absicht ist, zu leiden ". Und so hat er angesprochen und die Bühne Richtung dieser Arbeit gelöst, intensiv, Vorteil der Arbeit nimmt mehr tief Mozart erarbeiten. Ein convulsive Mozart zum Zeitpunkt seiner Zusammensetzung und dies wird in der Partitur reflektiert. deutlich, der schönsten schrieb er.

Aber lassen Sie uns beginnen, die Ins und Outs dieser Darstellung bröckeln. Beim Betreten finden wir die angenehme Überraschung Rückkehr in die Pogrammheft 32 Seiten, die die Fessel lächerlich zu ersetzen, die in letzter Zeit verteilt. Hoffentlich ist dies eine letzte Geste.

Hissen Vorhang das Geheimnis für Monate so lächerlich neidisch und gehalten enthüllt. Ein großes Fenster trennt das Innere eines barocken Palastes des siebzehnten Jahrhunderts Italienisch. im Ausland, ein neapolitanischer Balustrade und zeitlose Spalten, die eine große Tiefe anbieten, den Himmel und das Licht enthüllt einer der Protagonisten in ständiger Bewegung zu sein,, von einem hellen Tag bewegt sich mit einer geschlossenen estrelladamente Nacht. Beide Effekte unzweifelhafte Schönheit.
Innere, eine elegante Einfachheit, die einzigen Elemente sind die Kamine und Loggia Napolitanas, Sessel und moderner Stil, als Kontrapunkt zu dieser Pracht, ein Kühlschrank, der fast ein Protagonist des Spiels ist, wie es immer wieder von allen Charakteren besucht.
Auf der Bühne tritt interessante Symbiose zwischen dem siebzehnten und zwanzigsten. Sie streuten ungemischt und sehr elegant, Charaktere und Kostüme für beide Jahreszeiten. Eine perfekte Fusion, die bewirkt, dass wahllos und subtile Identifikations.

Mortier hatte sich für eine lange Zeit damit verbracht, Cambreling und Haneke selbst zu Auswahl, durch Castings, der am besten geeigneten Satz von Sänger. Das Ergebnis ist eine bemerkenswerte musikalische und interpretierende Balance. Alle in einer gewissen Diskretion. Markieren Sie den jungen Tenor Juan Francisco Gatell. Er spielte galant „Eine liebevolle Aura“, mit einem schönen Timbre ausgestattet, wenn auch mit leicht bebenden, strebt ein wichtiges Rennen.
Eine weitere herausragende Stimmen war Fiordiligi, Anett Fritsch gespielt von. Feinheit und Raffinessen weg, aber mit einem leistungsstarken Werkzeug im Screening, geräumig und mit großer Kapazität. Schien der Lage zu sein, alles zu singen, dass er an diesem Abend in Führung gebracht hatte,.
Es fehlt die Sänger, wenn nicht seine Jugend gegeben, oder ehrerbietiger Respekt für die anspruchsvollen Lehrer abwesend, eine gewisse Belastung dramatischer Tiefe in der Interpretation der Arien. Ein Werk, so voller Impulse benötigt mehr hören Organe zu hören.
Sie haben leuchteten Sets, in diesen Opernarien sehr wichtig, dass. Duos haben eine außergewöhnliche Beziehung angezeigt.

Musikalische Richtung durch Cambreling muß in zwei Teile geteilt werden,. immer man bedenkt, dass Mozart nicht seine Spezialität. Der erste Teil drehte sich etwas langsam wegen des Mangels an Schwung. Etwas ganz anders war als der zweite Teil, traf sich mit Brillanz und Energie.
Absichtliche Weise Cambreling und Haneke markierten das musikalische und dramatisches Tempo, Einbeziehung erhebliche Schweigen, sie waren besser verstanden als die Arbeit fortgeschritten. Diese evaluativ Haneke bricht, auf die wir in seinen Filmen gewohnt sind,, hier sind dann erfolgreich, wenn die Ergänzung mal höhere Intensität. Lassen Sie tief die Szene atmet gerade erlebt. Rezitative trägt alle Auslegungsgewicht und zu einem Leiter dramatisches Element wesentlich, Platzieren Sie die Szene genau.

Hanekes Handbewegungen atmen, Details, nichts ist ihrem Schicksal überlassen. Alles, was geschieht,, und was nicht, Es ist beabsichtigt. Eine ausgezeichnete Richtung der Akteure, die einem malerischen Blick auf einer perfekten Verteilung ermöglichen.
Ohne es zu merken, eine Geschichte, die unwahrscheinlich scheint, es wird vollkommen glaubwürdig und dass das Ende mit Begeisterung erwartet, eine endgültige bekannt, aber das ist zu erwarten Überraschung.

Ein Così fan tutte in vollen Zügen genießen und für einen letzten Gedanken. Was würde aus derselben Produktion gesagt werden, wenn der Lehrer nicht Haneke Szene ist?.

AS FAN ALL
Teatro Real, Madrid, 26 Februar 2013
W. Amadé Mozart (1756-1791)
Verspielt Drama en dos actos
Libreto de Lorenzo Da Ponte
Neue Produktion von Teatro Real. Co-Produktion mit De Munt La Monnaie in Brüssel
D. Musical: Sylvain Cambreling
D. Szene: Michael Haneke
scenographer: Christoph Kanter
Kostümbildnerin: Moidel Bickel
Illuminator: Urs Schönebaum
D. Chor: Andrés Máspero
Orchester und Chor des Teatro Real Halter
Fiordiligi: Anett Fritsch
Dorabella: Paola Gardina
William: Andreas Wolf
Ferrando: Juan Francisco Gatell
Despina: Kerstin Avemo
Don Alfonso: William Shimell
Schlüssel: Eugene Michelangelila

I Due Foscari

Es hat das Jahr VERDI gestartet, in 200 Jahrestag seiner Geburt, und der Palau de Les Arts feiert das Jubiläum mit einem Titel jungen Verdi I due Foscari, entlang von sechs Aufführungen, die begann -exitosamente- letzte 24 Januar, und läuft bis zum 8 Februar. und, gefolgt von den Rollen von Otello, einem der Gipfel der Kunst zu werden Verdiano- das wird in den kommenden Monaten Mai und Juni stattfinden, mit der Leitung von Zubin Mehta, beim Mittelmeerfest.

TOD IN VENEDIG
In dem berühmten Luchino Visconti Film in 1971 und, auch, in Benjamin Brittens letzter Oper aus 1973, Der Tod ereignete sich in Venedig, des gequälten Musikers Gustav von Achenbach: Francesco María Piave - aus Lord Byrons Drama, Die beiden Foscari- schrieb das Libretto für die sechste Oper von Verdi, mit dem italienisierten Titel von I due Foscari. Es präsentiert eine bedrückende und höchst dramatische Handlung, das endet mit dem Tod, im Venedig des Quatrocento, des Dogen der Gelassenen Republik, Francesco Foscari und sein Sohn Giacopo.
Diese Oper eröffnet dem Komponisten von Busseto eine Zeit frenetischer kreativer Aktivitäten, wer da 1844 (Jahr der Premiere von I Due Foscari) nach oben 1850, wird elf Opern komponieren. Diese intensiven sieben Jahre sind unter dem Namen "Galeerenjahre" bekannt.. Dieser Name basiert auf einem Brief von Verdi selbst an seine Freundin Gräfin Maffei, in dem er sich über den Weg beschwerte
folgenden: „Aus Nabucco kann man sagen, dass ich keine einzige Stunde der Ruhe hatte. Es waren sieben Jahre Galeere!"Später erreichte der Ausdruck Glück, aber es auf den Sechsjahreszeitraum zwischen I fällig Foscari und Stiffelio anzuwenden, wurde in uraufgeführt 1850.
Zwei können die Gründe für diese große kreative Anstrengung sein: Anfragen von Theatern nach neuen Opern und zur Festigung der wirtschaftlichen Position des Komponisten, deren Triumphe auf der Bühne sorgten für eine gesunde finanzielle Situation. Beide Gründe sind plausibel, obwohl die erste normalerweise zum Nachteil der zweiten verwendet wird, weniger romantisch. sicher, Damals gab es ein echtes öffentliches Verlangen nach, wesentlich, neue Opern verschlingen; Dieser Umstand zwang den Komponisten, ununterbrochen eine Oper nach der anderen zu schaffen, und reisen Sie kontinuierlich, um an Premieren teilzunehmen oder Proben und Wiederholungen zu überwachen. Aber es ist nicht weniger wahr, das aufgrund seiner bescheidenen Herkunft, Verdi hatte eine große Anziehungskraft für Geld.
deshalb, diese frenetische Arbeit der "Jahre der Galeere", dazu kann der Zeitraum zwischen hinzugefügt werden 1851 und 1853 wo er seine beliebte Trilogie komponierte, das macht Rigoletto aus, Il Trovatore y La Traviata, mach dich zu einem Millionärs-Songwriter, der, seit damals, es verlangsamt allmählich seine Produktion, als, in den nächsten vierzig Jahren, und sogar sein letzter Otello wurde uraufgeführt 1887, und Falstaff aus 1893, er wird nur acht Opern komponieren.

aber, Kehren wir zu diesem valencianischen und sehr bemerkenswerten Foscari zurück: wo, wieder, wie in den vorherigen Fällen von Rigoletto und La Bohème, während dieser Saison, Wir sehen eine originelle Szenografie. Ya, ganz am Anfang der Darstellung, Wir können ein dynamisches Meer sehen, das auf einen transparenten Hintergrund projiziert wird, das symbolisiert diesen schönen venezianischen blauen Horizont, durch die man das hässliche und unheimliche Gefängnisuniversum erblicken kann, einmal wurde dieser maritime Vorhang geöffnet, kann in all seiner schmutzigen Schärfe gesehen werden, und wo Jacopo Foscari in einem Käfig eingesperrt ist,an den Sohn des Dogen Francesco Foscari, umgeben von Folterern, und ein Inquisitor Geistlicher, der die Bestrafung der Gefangenen segnet. wieder, in Akt III, Dieses bedrückende unterirdische Universum interagiert mit einer farbenfrohen Belustigung, wo die Figuren singen und tanzen, um dieses historische Festereignis namens "Venezianische Regatta" zu feiern.. Sehr erfolgreiches Kostümdesign von Mattie Ullrich, mit Proliferation von roten und weißen Farben, zusammen mit den hübschen Outfits der chinesischen Sopranistin Guanqun Yu, in der Rolle von Lucrecia Contarini. Hervorragende Regie von Thaddeus Strassberger, die Charaktere dazu bringen, die Spannung und das Drama zu zeigen, von denen sie betroffen sind.

musikalisch, In dieser Oper können Sie den Fortschritt der Orchestrierung sehen, den Verdi in Bezug auf seine früheren Werke gemacht hat. Hier experimentierte der Komponist erstmals mit den sogenannten "wiederkehrenden Themen" oder "Leitmotiv", die die Bühnenpräsenz der verschiedenen Charaktere ankündigen, und einschließlich des Chores. deshalb, Bussetos Lehrer zeigt in I due Foscari, neue Formen des musikalischen Ausdrucks, hauptsächlich mit diesen wiederkehrenden Themen, durch die jeder Charakter durch ein musikalisches Motiv definiert wird, das ihn auf der Bühne identifiziert. Für den Achtzigjährigen Francesco Foscari, Es sind die Basssaiten: Celli und Bässe, das entwickelt eine schöne melodisch absteigende Figur, das spiegelt Zerbrechlichkeit und Alter wider. Lucrecia Contarinis Auftritt in der Szene ist durch ein "Allegro Agitato" gekennzeichnet, das von der Saite gespielt wird, mit einer unruhigen und feurigen Melodie, die den hohen Grad an ständiger Bewegung des Charakters zeigt. Sogar der Chor, in den Interventionen des "Rates der Zehn", hat sein musikalisches Motiv: ein "Wanderer mit einem Motorrad", was reflektieren, irgendwie, Grausamkeit und Unnachgiebigkeit.

Omer Wellber dirigierte das Valencian Community Orchestra mit einem guten Puls, schon von Anfang an, mit diesen starken und kräftigen Akkorden, die die Ouvertüre beginnen, und die Ausführung dieses funerealen und melancholischen Themas im Moll-Modus, zuerst von der Klarinette und später von der Flöte gespielt, mit offensichtlicher Brillanz beider Instrumente, und dass die Anwesenheit von Jacopo Foscari musikalisch markieren wird.

Das Orchester zeigt zu Beginn des zweiten Aktes seine Vorteile, mit dieser schönen Kammermusik, mit leuchtender Violine und Cello abwechselnd und sprechend, zu dem sich die Stimme von Jacopo Foscari gesellt, gut aufgeführt vom Tenor Ivan Magri - über die Passage, Verdiano guter Stil des Singens- zu Beginn seiner großartigen Szene „Notte! Ewige Nacht, die hier herrscht ... ". Der Tenor konfrontiert auch klar seine Intervention in Akt III, "Sein unerbittlicher Felskern". Obwohl Ivan Magri weit entfernt ist von den außergewöhnlichen Leistungen des jungen Carlo Bergonzi, in der Live-Aufnahme dieser Oper aufgeführt in 1951, mit musikalischer Leitung von Carlo María Giulini oder dem jungen Josep Carreras, in der großartigen Philips Aufnahme von 1976, Regie von Lamberto Gardelli, und wo der katalanische Tenor uns sein schönes Timbre von damals anbietet, zusammen mit einem verdianischen Temperament - besonders in den Kabaletten- der ersten Größenordnung.

Letzte Saison, Plácido Domingo sah sich einer lyrischen Baritonrolle gegenüber, como el Athanael de Thais de Jules Massenet. Wieder hören wir ihm in dieser Position zu, verkörpert den alten Francesco Foscari, der, tatsächlich, erfordert einen dramatischeren Bariton wie bei Renato Bruson und Leo Nucci, die diese Rolle wiederholt im Theater gespielt haben, und sie haben uns DVD-Aufnahmen von unbestrittener Qualität hinterlassen. In beiden Fällen, Domingo ist im Test erfolgreich, zeigt uns immer noch das jugendliche und schöne Timbre, Unglaublich bei einem Sänger, der bereits zweiundsiebzig geworden ist.
und, ist bemerkenswert in seinem ersten Bühnenauftritt "Eccomi solo alfine ...", das zeigt den Herrscher in der Einsamkeit der Macht. auch, in seinen Solo-Interventionen von Akt III „Egli ora parte!… Und unschuldiger Teil!", um seine wichtige Aufführung gegen Ende der Oper „Questa dunque è l'iniqua mercede… Principe“ zu beenden, wo, dann stirbt vor so viel Unglück. aber, vielleicht, wo Domingo mit seiner Schwiegertochter Lucrecia Contarini stärker im Duett glänzt, großartig aufgeführt von dem jungen Guanqun Yu, -großer Gewinner der Nacht- Gewinner der Ausgabe 2012, des Operalia-Plácido Domingo-Wettbewerbs, und Schüler von Carlo Bergonzi, Reneé Fleming und Eva Marton. Die chinesische Sopranistin hat ein schönes Timbre, und eine sehr gut projizierte Stimme, mit runden und scharfen Höhen und Höhen. jedoch, sein Bassbereich, Ergebnisse begrenzt. Seine Leistung war sehr klar, seit er zum ersten Mal auf der Bühne erschien, während Akt I., mit der Rezitativ-Arie-Kabalette "Nein, lass mich ... du siehst mich allmächtig an ... O Patrices zittern ... das Ewige", von einem donizettianischen Belcanto-Stil und großer Schwierigkeit. auch, Er hatte auch eine brillante Intervention in der Act III Cabaletta „Piu non vive! Der Unschuldige .. ". Besondere Erwähnung verdient die Aufführung des lebendigen Act II-Quartetts, mit Lucrecia, Francesco, Giacopo und der böse Loredano, Sehr gut gespielt von dem Bass großartiger Vokalmedien, Gianluca Buratto. wie immer, großartige Aufführung des Chores der Generalitat Valenciana, von Francesc Perales gerichtet. schließlich, eine Oper des jungen Verdi, die stimmlich und szenisch gut aufgelöst ist.

Perfekte Amerikaner

Die Uraufführung einer Oper kann etwas inkonsequent sein (Faust-Ball sehen), oder kann eine besondere Zeit sein, fast magische. Welches Element macht den Unterschied zwischen den beiden Situationen? deutlich, Qualität und das spezifische Gewicht des Autors.

Philip Glass ist das wesentliche Element in der Lage Erwartungen gerecht zu werden, bevor ein Ereignis wie dieses. Aber mit einem Ergebnis deutlich über dem Libretto, vielleicht ein wenig enttäuscht, Güte, mit der das Ende einer Disney-Figur, gegeben ursprünglichen Erwartungen. Der Roman, an dem die Arbeit basiert, Der König von Amerika, de Peter Stephan Jungk, Es ist viel rücksichtsloser als das Endergebnis der perfekten amerikanischen.

Die Uraufführung einer Oper kann etwas inkonsequent sein (Faust-Ball sehen), oder kann eine besondere Zeit sein, fast magische. Welches Element macht den Unterschied zwischen den beiden Situationen? deutlich, Qualität und das spezifische Gewicht des Autors.
Philip Glass ist das wesentliche Element in der Lage Erwartungen gerecht zu werden, bevor ein Ereignis wie dieses. Aber mit einem Ergebnis deutlich über dem Libretto, vielleicht ein wenig enttäuscht, Güte, mit der das Ende einer Disney-Figur, gegeben ursprünglichen Erwartungen. Der Roman, an dem die Arbeit basiert, Der König von Amerika, de Peter Stephan Jungk, Es ist viel rücksichtsloser als das Endergebnis der perfekten amerikanischen.
Wer kennt die Arbeit von Glas weiß, dass seine musikalische Sprache ist keine traditionelle Opernsprache. Minimalist ist voller Besonderheiten, die ihre Musik zu machen ist unverkennbar in seiner Besonderheit. Aber in der amerikanischen Perfekt Philip Glass entdeckten wir eine andere, was es ist ein außergewöhnlicher kreativer Moment.
Nach einer gereiften Evolution, Es hat eine Linie mit einer ungewöhnlichen musikalischen Kohärenz geschaffen. Die Kadenz der Musik ist unwiderstehlich von den ersten Akkorden. Eine fast hypnotische Art und Weise, tugendhafte Tempo vor allem Schlagzeug, Spuren eine unmögliche Art und Weise bis zum Ende der Arbeit zu verlassen. Unter dem Einfluss von Brukner, produziert lange Fragmente wiederkehrende. Glas offenbar Notizen Vordergrund versteckt und wird zum Hauptthema.
Sein breites Zeitgefühl, fast ruhig, stimmungsvolle Musik von Ravi Shankar, Es ist meisterlich mit plötzlichen Änderungen von Tempo kombiniert.

Szenografie EINFACH UND brilante
Der Vorschlag Regisseur Phelim McDermott Teil einer anfänglichen Herausforderung, eine Dramatisierung Walt Disney ohne jede seiner berühmten Zeichnungen erstellen mit. Nicht vergessen, dass Disney ist, zunächst einmal, einer der führenden Marken der Welt, einschließlich der Rechte.
Dies hat ein größeres Maß an Kreativität und Frische aktiviert. hierfür, Es hat einen Bühnenraum gebaut onírico, die ähnelt ein altes Filmstudio mit einem Luft dekadent, fast melancholischen, wobei Vorsprünge als Haupt-Thread Deskriptortabellen differentiate Schichten oder verschiedene Szenen verwendet, eine Lücke zwischen Realität und Traum Schaffung.
Die Bilder der Entwicklung einfacher Zeichnungen, Erstellen von Figuren und Räume komplementierenden, stellt eine der ersten Überlegungen der Arbeit, künstlerischer und kreativer Prozess. Der eigentliche Protagonist über die endgültige Arbeit und als Produktion darstellt.

Die Arbeit ist nicht über das Leben von Disney, befasst sich mit bestimmten Zeit, vor allem seine letzten Lebensmonate. Die Beziehung mit seinem Bruder Roy, mit dem Rest seiner Familie. Ihre Befürchtungen über die Nähe des Todes und der Wunsch, für immer zu leben.
das immer heikele Dilemma entsteht auch das geistigen Eigentums. Disney hat keine der Charaktere erstellen, und dieser Konflikt hat eine starke Präsenz in der Arbeit mit einem seines Karikaturisten Umgang.

Die Box Sänger diesmal ist ein bemerkenswertes Gleichgewicht. Das Libretto ist nicht sehr umfangreich, noch ist groß die Schwierigkeit, verschiedene Charaktere. Aber dies verhindert, dass nicht eine außergewöhnliche Arbeit zu Christopher Purves tun, weit von der Öffentlichkeit anerkannt. Disney ist ein gut charakterisiertes und stimmlich die Kraft und die Persönlichkeit des Charakters zu übertragen. Die gleiche Vokal Eindringlichkeit, die David Pttsinger zeigte, Roy Disney. Beide Sänger perfekt in Duos geklebt.
Donald Kaasch, ein weiterer großer an diesem Theater bekannt, erstellt einen Karikaturisten trotzig und aufsässig, dass der Disney Brüder auf einem Niveau von Balance und Gleichheit konfrontiert.

Wand Disney hatte einen Automaten von Abraham Lincoln gebaut, die in der Arbeit erscheint und verwendet wird, um die dunkelsten Persönlichkeit des Protagonisten zu entdecken. ein eindrucksvoller (für seine Größe) Zachary James, Das Leben al autóata Lincoln.

Ein weitere der Figuren, die den Protagonisten im Zusammenhang erscheinen ist Andy Warhol, von Tenor John Easterlin vertreten, gut bekannt und von der Madrid öffentlichen und Master erkannt statten ihre Zeichen eine notwendige Theatralik zu Runde.
Markieren Sie diese Zeit, und sie sind schon viele, die Leistung des Chores. Eine perfekte Füllung für einen schönen particelle entwickelt von Glas, das ist, zusammen mit einem Paar von einzelnem Cello, die schönsten Töne dieser neuen Arbeit so voller Zartheit und intime Momente.

Die musikalische Leitung von Dennis Russell Davies demonstriert seine perfekte Kenntnis der Autor und sein Werk. Orchester zieht einen feinen Klang, knackig und voller Frische und setzen Sie Ihr Sandkorn in der wachsenden Professionalität und Qualität des Madrid Symphony Orchestra. Die Percussion-Sounds sind in erster Linie verantwortlich für die Persönlichkeit dieser Arbeit.

Es ist wichtig, einige Details zu notieren. Die fast einstimmig eine positive Stellungnahme von einem Pu