Pablo Garcia-Lopez

der Tenor Pablo Garcia-Lopez wird Cegéste dabei sein Orpheus von Philip Glass, der neue Titel der Saison 22/23 die Teatro Real dessen Premiere am stattfindet Mittwoch 21 September in dem Theater Canal. Ein Dichter, der sich nach Unsterblichkeit sehnt, und eine mysteriöse Prinzessin, die in der Lage ist, durch Spiegel in die Welt der Toten zu reisen, sind die Protagonisten dieser Rezension des Mythos von Orpheus, die von Jean Cocteau in geschrieben wurde 1927, später von ihm selbst verfilmt 1950 und als Oper adaptiert von Philip Glass in 1991, zwei Jahre später an der Brooklyn Academy of Music uraufgeführt. Pablo Garcia-Lopez spielt den jungen Dichter Cégeste, Ausgangspunkt und Rückkehr einer bestimmten Höllenfahrt.

Der Sänger aus Cordova wird die Bühne mit Edward Nelson teilen, Maria Rey-Joly, Sylvia Schwartz und Mikeldi Atxalandabaso, unter anderem. Jordi Francés dirigiert das Titular Orchestra des Teatro Real und die Bühnenregie übernimmt Rafael R.. Villalobos.

über seine Rolle in Orpheus, Pablo García-López erklärt: "Cégeste ist ein junger Dichter des Erfolgs und der allgemeinen Anerkennung und möglicherweise vergänglich - alles ist Mode- im künstlerischen Umfeld. Dieser Erfolg und die Art und Weise, wie Sie ihn tragen, schafft eine dramatische Anziehungsspannung, Eifersucht, Rivalität, und begrabener Groll zwischen ihm und Orpheus. Die Figur wiederum fungiert als Bindeglied zwischen der Welt der Toten und der Lebenden durch das Rezitativ, das Orpheus unterworfen hat und das auch als Inspiration dient..

Laut der Website des Teatro Real, „Der Mythos von Orpheus ist, zunächst einmal, die Übersetzung in die Symbolsprache der Trauer nach dem Tod eines geliebten Menschen: die Verneinung, Verhandlung und Akzeptanz finden ihren Ausdruck in der vergeblichen Behauptung der Protagonistin, Eurydike aus dem Königreich des Hades zu retten, und ihrem gescheiterten Pakt mit den Gottheiten der Unterwelt". Jean Cocteau, Autor des Drehbuchs, das als Inspiration für diese Oper dient, führte Regie bei seinem Film Orpheus (1950) nach dem Verlust ihres Geliebten, Raymond Radiguet, mit nur 20 Jahre alt. Seine Erforschung des Mythos wird als "die aufeinanderfolgenden Tode, die ein Dichter durchmachen muss, bevor er er selbst wird" artikuliert..

Der Tod der Lebensgefährtin von Philip Glass, der Designerin und Multimedia-Künstlerin Candy Jernigan, veranlasste den amerikanischen Musiker auch zu dieser doppelten Hommage mit dem ersten Titel einer auf Cocteau basierenden Trilogie von Kammeropern – the other are Die Schöne und das Biest und Die schrecklichen Kinder-, völlig unabhängig voneinander.

Nachdem Sie das Teatros del Canal passiert haben, Pablo Garcia-Lopez wird seine künstlerische Agenda mit fortsetzen Il Tabarro von Puccini im Teatro del Liceu, Die Tarara/123, Recital mit Rosa Torres-Pardo im Teatro Villamarta in Jerez und Der Türke in Italien von Rossini im Teatro Real in Madrid.

Eleonora Buratto

Ein Jahr nach meinem Debüt als Desdemona in Verdis Otello am Liceu in Barcelona, Eleonora Buratto hat die große Ehre, zum ersten Mal gegen Desdemona by Rossini anzutreten. Otello wird im aufgeführt Rossini-Opernfestival die 11 al 20 August, mit der Regie von Rosetta Cucchi und der musikalischen Leitung von Yves Abel.

“Von Shakespeare bis Rossini und Verdi, was für eine Veränderung die Hauptfiguren erleben! Erkundung dieser Rossini-Oper, Ich habe ein tieferes Verständnis für ihre gemischten Schicksale gewonnen. Vor der Rossini-Renaissance, es wurde fast immer von Verdis gleichnamiger Oper überschattet. Mein Verständnis und meine Liebe zu dieser Oper sind dank dieser Inszenierung von Rosetta Cucchi gewachsen, perfekt in der Art und Weise, wie es auf die Bedürfnisse des Dramas reagiert, Hervorheben, wie schwierig es für diese Charaktere ist, seitdem zu kommunizieren “Suchen Sie nach Emotionen, die über die Geschichte hinausgehen”. , es in einen anderen metaphysischen Bereich zu bringen, wo jeder von uns sich selbst sehen kann.“ (wie Alberto Zedda schrieb). Proben Sie für diesen Otello, auf dem erzählerischen Weg von Rosetta Cucchi, wird zu einem schwindelerregenden emotionalen Erlebnis. Themen sind mächtig, mit dem Femizid dort auf der Bühne zeigt die Relevanz, die dieses Thema immer hat, genau wie Verrat (einschließlich des Vaters), liebe, Leidenschaft, Verzweiflung und Eifersucht. Zur musikalischen Stärke von Otello kann ich nichts hinzufügen (und Desdemona, der eigentliche Protagonist)”.

die erhabenen Künstler, die in dieser Rolle gesungen haben, beginnend mit Isabella Colbran, zeugen von ihrem stimmlichen Reiz und der Herausforderung, die sie darstellt. Stellt für Belcanto-Sänger dar, sondern auch seine dramatische Komplexität. Nach der letzten der vier programmierten Funktionen, die 21 August singe ich zusammen mit anderen Kollegen bei der Tra rondò e tournedos Gala, mit der das Rossini Opera Festival die großartigen vierzig Jahre von Pier Luigi Pizzi beim Festival feiern wird. Sowohl Otello als auch die Gala werden vom National Symphony Orchestra della Rai und dem Ventidio Basso Theatre Choir begleitet, ein Grund mehr zum Feiern. schließlich, Ich freue mich, bestätigen zu können, dass die Eröffnungsvorstellung von Otello auf Radio Rai übertragen wird 3. Hier finden Sie alle Informationen zu den Kreativteams und den Casts Hier.

Fotografie © Dario Acosta | © ROF / Studio Amati Bacciardi

Hadrian

die nächste 27 Juli, Das Teatro Real krönt die laufende Spielzeit mit der Uraufführung von Hadrian, Der zweite Ausflug eines kanadisch-amerikanischen Singer-Songwriters in die Oper Rufus Wainwright, die in einer halbszenischen Version mit dem Bariton angeboten wird Thomas Hampson, der Kaiser Hadrian bei der Uraufführung des Werks in Toronto das Leben schenkte 2018.

Mit einer musikalischen Palette, die der Autor selbst als "dunkler und kraftvoller" bezeichnet als die seiner ersten Oper –Erste Frau-, gewebt mit langen melodischen Linien, gemischt mit reichhaltigen Orchestertexturen,

Wainwright baut eine wirklich fesselnde Geschichte auf.

Das komplexe Stimmgerüst wird dadurch verteidigt Thomas Hampson in der Titelrolle, Ainhoa ​​Arteta (Plotina), Santiago Ballerini (Antinoos), Rubén Amoretti (Turbo) und Vanessa Goikoetxea (Sabine) unter anderem. Neben ihnen, die Schlagzeilen Chor und Orchester des Teatro Real, unter der musikalischen Leitung von Scott Dunn.

Die beeindruckenden Bilder des Fotografen Robert Mapplethorpe und die Richtung der Szene Jorn Weisbrodt, runden diese interessante Show ab.

Rufus Wainwright beschreibt so seine Wahl dieser historischen Figur für seine zweite Oper: „Als ich zum ersten Mal das Fabelhafte las Erinnerungen Hadrians, von Marguerite Yourcenar, ein Roman, der mindestens drei Generationen schwuler Männer inspirierte, Ich war sofort von der Idee begeistert, dieses historische Thema in die Form einer Oper zu verwandeln. Sowohl ihre intime Natur als auch ihre wilde Pracht schienen perfekt zu dem zu passen, was die Oper am besten kann.: schaffen eine Hyper-Erleuchtung des dunklen Innenlebens von Menschen, die mit gewaltigen äußeren Umständen konfrontiert sind und, zugleich, erforschen musikalisch die surrealen Dimensionen dessen, was zwischen ihnen liegt. Meiner Meinung nach, keine andere theatralische Form porträtiert

wahres Leben in einer Myriade leuchtend leuchtender Farben, genau wie in der Oper, und die Geschichte des römischen Kaisers Hadrian ist ein perfekt geschliffener Diamant für diese Aufgabe.“.

Die Oper konzentriert sich auf die wahre, aber unruhige Liebe des Kaisers zu dem schönen jungen Antinoos.. Als sich das dunkle Gespenst des Monotheismus nähert, angekündigt von den Juden und frühen Christen, bis zur Zerstörung des alten heidnischen Glaubenssystems. Die historische Forschung stellt sicher, dass viele Teile von Hadrians Leben und Vermächtnis von seinen Verleumdern und zerstört wurden, obwohl er ein produktiver und gerechter Herrscher war, sein massaker an den juden kann nicht vergessen werden, und es ist ein Hauptpunkt der Arbeit.

so, Rufus Wainwright schließt ab: „Fast unmittelbar nach Hadrians Tod, das patriarchalische Diktat der Menschheit übernahm die Erzählung, lass den erbärmlichen Alten das bemerken “weinte wie eine Frau” als Antinoos ertrank, alle seine Errungenschaften überschattet.".

HADRIAN

Oper in vier Akten

Musik Rufus Wainwright (1973)

Libretto Daniel Mzivor

Unter besonderer Mitwirkung des Mapplethorpe-Stiftung

Uraufgeführt an der Canadian Opera Company in Toronto 13 Oktober 2018

Premiere am Königlichen Theater

Oper in halb inszenierter Konzertversion

ARTISTIC TEAM

Direktor Musical ich Scott Dunn

Metaphorik Ich Robert Mapplethorpe

Inspizient Ich Jörn Weisbrodt

Lichtdesigner | John Torres

Projektdesigner | Michael Wortington

Assistent des Projektdesigners | Cory Siefker

Projektionsplaner | James Pomichter

Chorleiter Ich Andres Maspero

Chor und Orchester des Teatro Real Halter
(Intermezzo Chor / Madrid Symphony Orchestra)

VERTEILUNG

Hadrian | Thomas Hampson

Plotina | Ainhoa ​​Arteta

Antinoos | Santiago Ballerini

Turbo | Rubén Amoretti

Sabine | Vanessa Goikoetxea

Trajan | Alejandro del Cerro

Fabius | Stephen Vincent

Hermogenes | Gregor Dahl

Erster Senator | Pablo Garcia-Lopez

zweiter Senator | Josep Ramón Olivé

Dritter Senator | David Lagares

Straße | Berna Beads

Dinarchus | Albert Casals

Fotografie © Javier de Echt | Teatro Real

Manuel Busto

Nach der erfolgreichen Uraufführung seiner Kammeroper die Frau Tiger in einer Neuproduktion von der Teatro de la Maestranza und das Lope de Vega Theater, Manuel Busto kehrt als nächstes in die Hauptstadt Sevilla zurück 22 Juli führen die Traviata in Verdi in der Produktion von David McVicar, die bereits an der Scottish Opera in Glasgow aufgeführt wurde, la Welsh National Opera de Cardiff, das Königliche Theater in Madrid und das Liceu in Barcelona. Büste, der vor vier Jahren am Teatro Lirico Giuseppe Verdi in Triest den berühmten Titel von Verdis populärer Trilogie inszenierte, leitet das Royal Symphony Orchestra of Seville (ROSS), Chor des Maestranza-Theaters, und Besetzung unter der Leitung von Sopranistin Ashley Galvani Bell (Violetta), Antoni Bunk (Alfredo Germont) und Carlos Arambula (Giorgio Germont).

Unter den bevorstehenden Verpflichtungen des sevillanischen Dirigenten ist sein Debüt mit dem City of Granada Orchestra im Auditorium Manuel de Falla hervorzuheben, sowie wichtig Engagements im Ausland, wie seine Rückkehr an das Teatro Comunale di Bologna und die Böhmen von Puccini beim Internationalen Festival für Oper und Ballett „María Biesu“ in Kishinev. auch, als Komponist wird er mit seinen Werken in der Saison der Fine Arts of Mexico präsent sein Jauleña e Aufruf Kegelbahn, Auftragswerk des spanischen Nationalballetts.

Manuel Busto hat sich zu einem der gefragtesten Dirigenten seiner Generation entwickelt, mit einem umfangreichen nationalen und internationalen Curriculum im Bereich Oper und Ballett, Zusammenarbeit mit herausragenden Orchestern wie dem Taiwan National Symphony Orchestra, das Valencianische Gemeinschaftsorchester (OCV), Die musikalischen Nachmittage von Mailand, das BBC Symphony Orchestra, das Barenboim-Said Academy Orchestra, das Orchester und der Chor der Autonomen Gemeinschaft Madrid (BUDGET), Das Royal Symphony Orchestra Sevilla (ROSS), und Auftritte in renommierten Theatern wie dem Palau de Les Arts Reina Sofía in Valencia, das Teatro de la Zarzuela, das Teatro de la Maestranza, und das Theater Giuseppe Verdi in Triest, el Teatro Comunale di Bologna oder die Dutch National Opera de Ámsterdam, unter anderem.

PABLO GARCIA LOPEZ

Der Cordoba Tenor Pablo Garcia-Lopez, in der Rolle des ersten Senators, kehrt in die Teatro Real (27 Juli) und debütiert beim Peralada Festival (29 Juli) mit Hadrian, de Rufus Wainwright. Zwei einzigartige Aufführungen dieser zeitgenössischen Oper, in halbszenischer Konzertfassung, basierend auf dem römischen Kaiser Hadrian, das die perfekten Zutaten für eine klassische Opernhandlung zusammenbringt, die die Liebesgeschichte zwischen Hadrian und seiner jungen Geliebten erzählt.

Für die Gelegenheit, das Teatro Real und das Castell de Peralada Festival haben eine Besetzung unter der Leitung von Thomas Hampson zusammengestellt, Santiago Ballerini, Vanessa Goikoetxea, Ruben Amoretti, Josep-Ramón Olivé und die stabilen Fundamente des Teatro Real mit Scott Dunn auf dem Podium.

Hadrian, Der zweite Ausflug des kanadisch-amerikanischen Singer-Songwriters Rufus Wainwright in die Oper, reiht sich damit in eine illustre Reihe von Operntiteln ein – Pergolesi, Caldara von Johann Christian Bach, unter anderem – mit diesem römischen Kaiser als Protagonist. Uraufgeführt in Toronto um 2018, mit dem Bariton Thomas Hampson in einer für ihn geschriebenen Titelrolle, die er im Teatro Real und beim Perelada Festival wiederholen wird. Mit einer musikalischen Palette, die der Autor selbst als „dunkler und kraftvoller“ bezeichnet als die seiner ersten Oper –Prima Donna-, und unterstützt durch die beeindruckenden Bilder des Fotografen Robert Mapplethorpe, Hadrian läuft, wie vom Royal Theatre vermerkt- „auf einer endlosen reise zwischen dem zerbrechlichen trost der erinnerung und der unanfechtbaren realität des verlustes“.

Garcia López kommt zu dieser Uraufführung nach seiner Mitwirkung an der Lausanner Oper, royal Theatre, das Fest von La Rioja "Pablo Sainz Villegas", sein Debüt im National Music Auditorium in Madrid mit dem OCNE und dem Castilla y León Orchestra und im Miguel Delibes Auditorium.

Nabucco
Nabucco im Königlichen Theater, fast eine Uraufführung
Nabucco
Giuseppe Verdi (1813-1901)
Lyrisches Drama in vier Akten
Libretto von Temistocle Solera, nach dem Theaterstück Nebukadnezar (1836)
von Auguste Anicet-Bourgeois und Francis Cornu, und im Ballett Nebukadnezar (1838) von Antonio Cortesi
Premiere am Teatro Alla Scala in Mailand, die 9 März 1842
Uraufgeführt am Teatro Real 27 Januar 1853
Produktion des Opernhauses Zürich, in Koproduktion mit dem Teatro Real
D. Musical: Nicola Luisotti – Sergio Alapont (13, 16, 20 Juli)
D. Szene: Andreas Homoki
scenographer: Wolfgang Gussmann
Figuren: Wolfgang Gussmann, Susana Mendoza
Illuminator: Franck Evin
Dramaturgin: Fabio Dietsche
D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Nabucco: Luca Salsi, George Gagnidze, Gabriele Viviani, Luis Cansino;
Ismaele: Michael Fabiano, Eduardo Aladren; Sacharja: Dmitri Belosselsky, Roberto und Tagliavini Alexander Vinogradov; Abigaille: Anna Pirozzi, Saioa Hernández und Oksana Dyka;
Fenena: Silvia Tro Santafé, Elena Maximova und Aya Wakizono; der Hohepriester: Simon Lim und Felipe Bou; Abdallo: Fabian Lara und Anna Maribel Ortega

Nabucco wird am Teatro Alla Scala in Mailand uraufgeführt, die 9 März 1842. Er kam sehr bald in Spanien an, im Teatro Santa Creu in Barcelona in 1844 (das Liceu war noch nicht eingeweiht). An der Spitze der Besetzung stand Antonio Superchi, einer der bedeutendsten Baritone der Zeit.

In Madrid eröffnet es nur zwei Monate später im Teatro Circo, mit Giogio Ronconi, noch ein großes, in der Rolle des Nabucco. von 1844 nach oben 1850, Nabucco stand fast jede Saison auf dem Programm. Seit der Einweihung des Liceu in 1847 und das Königliche Theater in 1850, wird zu einem der meistgespielten und erfolgreichsten Werke. Immer auf der Rechnung und immer Hand in Hand mit den besten Performern.

die 9 Februar 1871, Nabucco wird zum letzten Mal in Madrid aufgeführt. da, und trotz der enormen Popularität dieser Arbeit, Ich war bis jetzt noch nicht wieder bei Real auf der Bühne.

Wenn Verdi den Auftrag für Nabucco erhält, Er durchlebt einen der schlimmsten Momente seines Lebens. Seine Frau und seine Kinder waren gestorben und er erwog die Möglichkeit, die Musik zu verlassen. Zunächst lehnt er das Vorhaben aber ab, nachdem ich dachte, dass es die Gelegenheit sein könnte, weiterzukommen, nimm den Job an. Verdi wusste nicht, dass er dank dieser Arbeit zum Nationalhelden werden würde.

Mit nur zwölf Tagen von der ersten Probe am Klavier bis zum Tag der Uraufführung, Verdi muss hart arbeiten mit einer Partitur, die mehrere Neuerungen in ihrer Orchestrierung einführt. Die erste ist die Verwendung zahlreicher Metalle, wie Hörner und Hörner, Anheben der Lautstärke, etwas, das in anderen Opern nicht sehr üblich war. Als Kontrapunkt zur Lautstärke, schafft in den Arien Momente großer Intimität, wie das Cellosextett, das Nabucco begleitet, oder Abigailes Arie, nur von einem Cello und einem Englischhorn begleitet, einen der erhabensten Momente dieser Arbeit zu schaffen, zusammen mit den Interventionen des Chores.

Für diese fast Wiederbelebung in der Teatro Real, ausgewählt wurde die Produktion des Opernhauses Zürich, in Koproduktion mit Real. An der Spitze des Orchesters Nicola Luisotti, ein Meister des verdischen Repertoires, der es wie kein anderer versteht, die klangliche Balance der Orchestrierung eines solchen Werks zu wahren.

Das Bühnenbild von Andreas Homoki und Wolfgang Gussmann ist fast nicht existent. Denn das Stück ist in vier Akte aufgeteilt, und jeder Akt in zwei Frames, Es wird sehr schwierig, so acht verschiedene Landschaften zusammenzustellen, laut den Regisseuren selbst, „Wir haben entschieden, dass der beste Weg, die Veränderungen widerzuspiegeln und die Szenen fließen und Kontinuität zu haben, darin besteht, einfach, dass es keine Landschaft gab". und so ist es, unter der absoluten Präsenz einer eleganten, schwebenden grünen Farbe, Auf der Bühne gibt es nur eine Art gigantische Marmorplatte, die sich bewegt und die Räume erzeugt, in denen die Handlung stattfindet. Das einzige, was die Szene sah und sie einstellte, es sind die Figuren von Wolfgang Gussmann und Susana Mendoza, neben Beleuchtung, immer richtig, obwohl sehr dunkel (etwas, das in Mode gekommen ist) von Frank Ewin.

Für die Stimmen wurde keine Mühe gescheut, bis zu vier Nabuccos nehmen an dieser Produktion teil, Luca Salsi, George Gagnidze, Gabriele Viviani und Luis Cansino. Für Ismaele zwei Möglichkeiten, die immer tadellosen Michael Fabiano und Eduardo Aladrén. Und Zacaria le dan vida Dmitry Belosselsky, Roberto Tagliavini und Alexander Vinogradov.
Abigaille hat die Teilnahme von Anna Pirozzi, Saioa Hernández und Oksana Dyka. Fenena betreut Silvia Tro Santafé, Elena Maximova und Aya Wakizono. als große Priester, Simon Lim und Felipe Bou. Und wir können die Teilnahme des großen Protagonisten dieser Oper nicht vergessen, das Dorf, vertreten durch den Titelchor des Theaters, Chor Intermezzo que, zum Zeitpunkt der Erstellung dieser Chronik, Eine erste Zugabe hatte er bereits bei der Premiere mit „Va pensiero“. Und es ist dieser Chor, unter der Leitung von Andrés Máspero, zeigt, warum er zu Recht zu den Besten der Welt gehört.

Eine beeindruckende Besetzung von Stimmen zur Auswahl in diesem Werk, das warten musste 151 Jahre alt, aber das war es wert.

Anlässlich der Opernwoche, Tag 14 und 15 Juli, zu 21.00 Stunden, Nabucco ist auf einem Bildschirm zu sehen, der auf der Plaza de Isabel II installiert ist (Opernplatz) mit zwei unterschiedlichen Sparten. Es wird____geben 1000 Stühle für die Öffentlichkeit zugänglich, Wer zuerst kommt, mahlt zuerst, bis zur vollen Kapazität.

die 15 Juli um 21.00 Stunden, Nabucco wird weltweit und örtlich kostenlos auf MyOperaPlayer ausgestrahlt, Kulturzentren, Museen, Auditorien und Theater in ganz Spanien.

Sergio Alapont

Der spanische Orchesterleiter Sergio Alapont kehrt diesen Juli an die zurück Teatro Real in Madrid –abwechselnd auf dem Podium mit Maestro Nicola Luisotti– zu übernehmen Nabucco, in Verdi, in seinem Operndebüt auf dieser Bühne. "Ich freue mich sehr und freue mich sehr, zum ersten Mal im Real ein Meisterwerk eines der Komponisten zu dirigieren, dessen verschiedene Titel ich am häufigsten dirigiert habe und dem ich meine Bewunderung und Hingabe für seine Größe zum Ausdruck gebracht habe", kommentiert der in Benicàssim geborene Musiker (Castellón). "Ich verdanke Verdi auch die Auszeichnung des italienischen Magazins GBOpera als bester Regisseur von 2016 von Aida". Alapont kehrt ins Madrider Kolosseum zurück, nachdem er auf dieser Bühne sein Debüt gegeben und eine lyrische Gala geleitet hat 2018, "und im folgenden Jahr kehrte ich mit dem zurück Stabat Mater de Pergolesi, immer an der Spitze des Madrider Symphonieorchesters, ein Orchester mit reicher Klangvielfalt und außergewöhnlicher Qualität. Ich freue mich sehr, jetzt mit dieser für die Opernliteratur so bedeutungsvollen Oper zurückzukehren. Verdi schrieb es dank des Drängens des Direktors der Scala, da der Komponist beschlossen hatte, alles zu verlassen, weil ihn der Verlust seiner beiden Kinder und seiner Frau emotional am Boden zerstört hatte., Margherita. Außerdem hatte er in seinen vorherigen Opern gerade zwei Misserfolge erlitten. mit Nabucco kündigt die großen Werke und Rollen an, die seinen Katalog in den kommenden Jahren vervollständigen werden. Das Werk repräsentiert den Beginn des Verdi-Dramas und jene charakteristische Menschlichkeit, die es den Charakteren verleiht, die nur Verdi in der Partitur einzufangen wusste und die in der öffentlichen Vorstellung geblieben sind.. Die Musik von Nabucco und die spektakuläre Erzählung, die der Komponist zustande bringt, ist hervorragend, und die Regie ist eine der größten Freuden für einen Regisseur", fügt.

Sergio Alapont wird für die an diesen Tagen geplanten Veranstaltungen verantwortlich sein 13, 16 und 20 Juli in einer Inszenierung von Andreas Homoki und mit Luis Cansino in der Besetzung (Nabucco), Oksana Tauchen (Abigaille), Eduardo Aladren (Ismaele), Alexander Vinogradov (Zaccaria), Aya Wakizono (Fenena), Felipe Bou (High Priest), Lara Fabian (Abdallo) und Maribel Ortega (Anna).

In den letzten Jahren, Die Karriere des Regisseurs aus Castellón hat sich auf der internationalen Bühne gefestigt, namentlich genannt worden 2022 Hauptdirektor des klassischen Orchesters des Zentrums in Coimbra, Portugal, mit dem er jede Saison eine intensive Aktivität hat.

Zu seinen jüngsten Engagements gehört ein Symphoniekonzert in der National Concert Hall in Dublin mit dem RTÉ Concert Orchestra (Irish Radio Television Orchestra, im Februar 2022), Neben der Vorstellung der CD von La Bohème für das britische Label Signum Classics aufgenommen 2021 an der Irish National Opera und mit der er ausgezeichnete Kritiken erhielt.

Nach diesen Funktionen Nabucco und seine Tätigkeit beim Orquestra Clássica do Centro, im Sommer dirigiert Sergio Alapont ein Konzert mit Werken von Beethoven beim Festival das Artes in Coimbra (24 Juli), ein weiteres mit spanischer Musik mit der beliebten Sängerin Estrella Morente und dem Espinho Classical Orchestra im Espinho Auditorium (Portugal, 30 Juli) und wird das Pollença Festival eröffnen (Mallorca) mit der Symphonie der Balearen und dem Pianisten Kris Bezuidenhout mit einem Programm mit Werken von Beethoven, Schumann y Dvorak (6 August). Die Saison wird später eröffnet 2022 / 2023 des Teatro Comunale de Sassari mit einem Sinfoniekonzert und mit der Oper Don Giovanni von Mozart – bei seiner sechsten Rückkehr an das italienische Theater, in dem er 2010 debütierte – und erstmals in Kanada konzertant mit dem Orchestre Symphonique de Longueuil im Maison Symphonique de Montréal auftreten wird.

Sondra_Radvanovsky_Copyright Michael Cooper

Kappe Rocat, das abgelegenste und exklusivste Hotel im Mittelmeerraum, wird das nächste anbieten 23 Juli um 21:30h ein musikalischer Abend, der unter dem mallorquinischen Sternenhimmel eine der größten Sopranistinnen der Gegenwart vereinen wird, die Amerikaner Sondra Radvanovsky, zusammen mit dem Sinfonieorchester der Balearen unter der musikalischen Leitung des Lehrers Pablo Mielgo.

Die große Operndiva von heute, Besitzer einer der am meisten applaudierten Stimmen in der weltweiten Lyrikszene, wird in Cap Rocat ein Rezital anbieten, bei dem einige der berühmtesten und beliebtesten Opernstücke behandelt werden: von Oh mein lieber Papa von Gianni Schicchi, zu Vissi d'arte mit dem sich Floria Tosca in die Arme des Schicksals ergibt, Arierpfade signiert von Giacomo Puccini, durch Meilensteine ​​wie La mamma morta von Andrea Chénier von Umberto Giordano, die Bolero Mercè, Diät Freunde de I Vespri Siciliani de Giuseppe Verdi.

Laut Kritikern, die Interpretin befindet sich auf dem Höhepunkt ihrer künstlerischen Laufbahn und besitzt von Natur aus eine ideale Stimme für dieses Repertoire, eine Stimme, die mit der von Opernstars wie María Callas oder Rosa Ponselle verglichen wurde. schließlich, ein Konzert, in dem Sondra Radvanovsky die musikalische Geographie der großen romantischen Oper erkundet, ein Repertoire, mit dem er von der Mailänder Scala bis zur Metropolitan Opera in New York Applaus und Ovationen erntete.

Diese enorme Kommunikationsfähigkeit wurde in den jüngsten und berüchtigten Zugaben bestätigt, die der Sänger in unserem Land gegeben hat, beide am Teatro Real in der vor einem Jahr uraufgeführten Inszenierung von Tosca, wie im Liceo in Barcelona wo, nach mehr als 30 ununterbrochener minutenlanger Applaus, sang in Andrea Chénier erneut die mythische Mamma morta.

Die Stimme einer der größten Sopranistinnen der Gegenwart wird von einem führenden Orchester der nationalen und internationalen Szene begleitet.: die Symphonie der Balearen, zusammen mit seinem Direktor, Pablo Mielgo, bietet einige der bekanntesten Ouvertüren von Verdi, wie die in La Forza del Destino oder Nabucco, sowie andere von Puccini oder Otto Nicolai. schließlich, eine musikalische Nacht, in der sowohl Sondra Radvanovsky als auch die Musiker der Balearischen Symphonie in vollen Zügen glänzen können.

Die „Nacht der Sinne“ im exklusivsten Hotel am Mittelmeer. Seit einigen Jahren, Antonio Obrador, kreativer Schöpfer von Cap Rocat, Die Madina Mayurqa Foundation und Pablo Mielgo, musikalischer Leiter der Balearischen Symphonie, arbeitete an der Idee, eine Reihe von lyrischen Sommerkonzerten zu fördern, große Persönlichkeiten der Oper und der klassischen Musik in diesem außergewöhnlichen Raum präsentieren, mit dem Ziel, diese jährliche Veranstaltung zu einem von Musikliebhabern gewünschten Ereignis und zu einer kulturellen Referenz auf den Inseln zu machen.

so, und trotz der schwierigkeiten, Im August letzten Jahres fand unter dem Namen „La Noche de los Sentios“ ein erster großer lyrischer Vortrag statt., in der der menorquinische Bariton Simón Orfila zu hören war, die mallorquinische Sopranistin Irene Mas und das Symphonieorchester der Balearen unter der Leitung von Pablo Mielgo. Die Veranstaltung fand in Cap Rocat vor einem Publikum statt, das sich aus einigen Leuten zusammensetzte 200 Leute und es war ein großer Erfolg. jetzt, Die Nacht der Sinne kehrt im zweiten Jahr mit mehr Wucht und ohne die Einschränkungen zurück, die die Pandemie im letzten Jahr auferlegt hat. Wie von Antonio Obrador angegeben, „Wir wollen, dass die Nacht der Sinne zurückkommt, um zu bleiben, diesem ersten Konzert Kontinuität zu verleihen und es in eine jährliche Veranstaltung zu verwandeln, die von allen auf Mallorca erwartet und gewünscht wird.“.

Ebenso und für die jährliche Organisation dieser Veranstaltung, Cap Rocat wird einen renommierten Profi aus der Welt der Oper präsentieren, Ilias Tzempetonidis - künstlerischer Koordinator des San Carlos Theaters in Neapel- als künstlerischer Leiter und mit Pablo Mielgo als musikalischer Leiter. deutlich, Ein Großteil der Magie dieser Konzerte wird der beeindruckenden Bühne zu verdanken sein, auf der sie stattfinden: Kappe Rocat, das begehrteste und privateste Hotel im Mittelmeerraum, ein Ort, der seinen Gästen ein unvergleichliches Erlebnis maximalen Wohlbefindens an einem der schönsten Orte der mallorquinischen Küste bietet.

Das Hotel liegt in einer alten Militärfestung, getarnt mit der natürlichen Reserve von 30 Hektar, die es umgibt und begrenzt durch 2 Km geschützte Küste, Cap Rocat ist eine Oase der Ruhe, nur zehn Minuten von Palma de Mallorca entfernt. Ruhe, Einfachheit und Bewahrung einheimischer Werte sind die Hauptmerkmale dieses einzigartigen Hotels, Pionier des ökologischen Tourismus und Mitglied von Kleine Luxushotels der Welt.

Sondra Radvanovsky Copyright Michael Cooper

Moises Marin

Der Tenor aus Granada Moses Marin, eine der jungen Stimmen mit der größten Strahlkraft in unserem Land, wird diesen Sommer in einem Doppeldebüt beim Belcanto Opera Festival auftreten ‘Rossini in Wildbad’ mit zwei der anspruchsvollsten Rollen im Repertoire: Einerseits wird er Pirro in der Oper Ermione sein, unter der musikalischen Leitung von Antonino Fogliani und inszeniert von Jochen Schönleber, Tag 16 und 23 Juli. auch, wird Goffredo in einer konzertanten Version eines weiteren Rossinian-Dramas spielen, Armida, unter der musikalischen Leitung von José Miguel Pérez Sierra, das ist jeden Tag zu hören 15 und 20 Juli. Beide Opern werden vom Krakauer Philharmonischen Orchester und Chor aufgeführt.

Die beiden Titel werden beim Royal Opera Festival in Krakau uraufgeführt (Armida die 3 Juli und Ermine die 10). Uraufführung im Teatro San Carlo in Neapel am 27 März 1819, Ermione gilt heute als Geniestreich Rossinis, obwohl es bei seiner Premiere einen durchschlagenden und schmerzhaften Misserfolg erlitt. Der geringe Erfolg dieses Dramas, das im Trojanischen Krieg spielt, war zum Teil auf sein tragisches Ende zurückzuführen, das war damals nicht nach dem geschmack des publikums und teilweise auch an der musik, innovativ und revolutionär für seine Zeit. die Arbeit, mit einem Libretto von Andrea Leone Tottola nach Andromache von Jean Racine, wurde bis zu seiner Wiederbelebung nicht wiederhergestellt 1987 beim Pesaro-Fest. Es ist eine Oper, die Spitzensänger erfordert: Moisés wird mit der Rolle des Pirro debütieren, Sohn des Achill und König von Epirus; Begleitet wird er von Serena Farnocchia als Ermione und Patrick Kabongo als Orestes.

Die Regie führt Jochen Schönleber, Künstlerischer Leiter der Festspiele Bad Wildbad. inzwischen, Armida hatte seinen ersten Auftritt am Teatro San Carlo in Neapel 11 November 1817 und enthält ein Libretto von Giovanni Schmidt, das auf Szenen aus Torquato Tassos epischem Gedicht Jerusalem Delivered basiert., inspiriert von den Ereignissen des Ersten Kreuzzugs. Armida benötigt sechs Tenorrollen – und einen Bassbariton- und es ist auch einer von Rossinis schwierigsten Titeln. Moisés Marín wird ein Szenario mit Ruth Iniesta als Armida teilen, die einzige weibliche Rolle in dem Stück. Bei der Krakauer Vorschau, Moses spielt Goffredo und auch Ubaldo, ein stimmlicher Kraftakt für den Mann aus Granada, die von der soliden Führung von Miguel Pérez-Sierra unterstützt wird. Sowohl Armida als auch Ermione werden für die Rossini Complete Edition des Naxos-Labels auf CD und DVD aufgenommen.

Moses Marin: eine intensive Saison 22/23
Dieses letzte Papier, Pyrrhus, Sohn des Kriegers Achilles und der Prinzessin Deidamia, Sie gilt als einer der Eckpfeiler des Repertoires der sogenannten Rossinischen Baritenore, wo die Rollen eingerahmt sind, die der „Schwan von Pesaro“ für den Tenor Andrea Nozzari geschrieben hat. Mit dem Namen Baritenor wird eine Tenorstimme bezeichnet, die in Rossinis Opern eine besondere Bedeutung erlangte und sich durch eine dunkle untere Lage und eine resonante obere Lage auszeichnet und über genügend Vielseitigkeit verfügt, um Koloraturen zu singen..

Die Stimme von Moisés Marín hat eine Reihe von Merkmalen, die bei ein und demselben Künstler nur schwer zu finden sind. Zu einer sehr breiten Lage von drei Oktaven gesellt sich eine dunkle Farbe und eine natürliche Beweglichkeit.. Diese Tatsache, kombiniert mit einer unaufhörlichen und konstanten Suche nach technischer und interpretatorischer Exzellenz, veranlasste ihn, neue künstlerische und repertoirebezogene Herausforderungen zu untersuchen., wie dieses Doppeldebüt beim Rossini-Festival mit zwei der anspruchsvollsten Partien des Repertoires. Direkt nach diesem Meilenstein, Moisés wird sich in eine weitere Rolle des Baritenore par excellence wagen, Polijo en Organisation, papel que Bellini escribió para Giandomenico Donzelli.

Darauf folgt eine intensive Saison in den wichtigsten spanischen Opernhäusern: am Liceu als Spoletta in Tosca, im Palau de les Arts in Valencia als Melot in Tristan und Isolde, und als Pang im Turandot des Teatro Real. All dies bildet eine übergreifende Saison mit einem breiten Repertoire, das Moisés Marín als vielseitigen Künstler umrahmt., unter Einsatz aller technischen und künstlerischen Mittel. Und ist, dass, über seine internationale Karriere hinaus, In den letzten Jahren ist die Sängerin aus Granada zu einem Stammgast in allen spanischen Lyriksaisonen geworden und zum Maßstab für einige der wichtigsten Charakter-Tenor-Rollen geworden, wie Goro, unglaublich, Spoletta o Steuermann.

Moses Marin: Stärke und Vielseitigkeit
seit in der saison 17/18 Seine Ausbildung absolvierte er am Centre de Perfeccionament des Palau de les Arts, Moisés Marín ist zu einem festen Bestandteil der spanischen Lyrik geworden, seitdem im Königlichen Theater präsent, das Gran Teatre del Liceu, ABAO, das Campoamor-Theater in Oviedo und das Maestranza-Theater in Sevilla. Goro und Madame Butterfly, Jacquino und Fidelio, Albazar in El Turco in Italien, Unglaublich in Andrea Chenier, Steuermann in Der fliegende Holländer, unter anderem, machen seine intensive Aktivität in den letzten spanischen Saisons aus. Zu seinen zukünftigen Verpflichtungen gehört seine Zeit sowohl am Teatro Real als auch am Teatro Real, das Lyzeum, ABAO und Sevilla, sowie das bereits erwähnte Debüt als Pollione in Norma. Einige seiner früheren Engagements umfassen: Percy in Anne Boleyn von Gaetano Donizetti unter der Leitung von Fabio Biondi und Europa Galante in Italien, Dorvil in The Silk Scale von Gioachino Rossini unter der Leitung von Alberto Zedda, Duca in Rigoletto, Nemorino in „Das Elixier der Liebe“., Don Ottavio und Don Giovanni, Selimo in Rossinis Adina, Pang und Turandot; und seine Zeit am Auditorium Parco della Musica in Rom, der Schullehrer in Das schlaue Füchslein von Leoš Janáček und Gherardo in Gianni Schicchi von Puccini.

Er war Mitglied des Perfection Center des Palau de les Arts in Valencia. In diesen zwei Jahren als regelmäßiger Gast bei Les Arts war er regelmäßig im Programm des Theaters, verschiedene Rollen in Opern wie der sizilianischen Vesper, Philemon und Baucis, Lucrecia Borgia, Werther, Madame Butterfly, Peter Grimes, La Traviata, Oviedo y Mario, Die Welt des Mondes und Tosca. Die Möglichkeit zu haben, technisch und musikalisch mit Künstlern wie Placido Domingo zusammenzuarbeiten, Fabio Biondi, Roverto Abbado, Mariella Devia, Gregory Kunde, Emilio Sagi und Davide Livermore. Er ist Gewinner des 1. Preises beim Internationalen Gesangswettbewerb der Stadt Logroño und des Sonderpreises von Zarzuela. Er war Schüler des Bassbaritons Carlos Chausson und der Sopranistin Renata Scotto. Er war Mitglied des Opernstudio-Ensembles der Accademia Nazionale di Santa Cecilia in Rom und begann seine Ausbildung als Flötist am Konservatorium Victoria Eugenia in Granada bei der Sopranistin María del Coral Morales. Derzeit steht er unter der Anleitung des gefeierten Under Eric Halfvarson.

NACHT IN DER KUNST

Les Arts beendet seine Saison 2021-2022 die 8 und 9 Juli mit "Nacht der Künste": zwei Nächte mit kostenlosen Aktivitäten für alle Zielgruppen, mit einer breiten Palette von Vorschlägen in den verschiedenen Räumen des Gebäudes von der 20.00 h bis 2.00 h am Morgen.

Nachdem mehrere Ausgaben aufgrund der Pandemie verschoben wurden, Les Arts gewinnt seine „weiße Nacht“ zurück, dass, bei seiner neunten Feier, umfasst technisch-künstlerische Shows mit dem Cor de la Generalitat und den Künstlern des Centre de Perfeccionament, Konzerte des Orchesters der Valencianischen Gemeinschaft unter der Leitung von Sergio Sáez, zwei Aufführungen der Oper 'El tutor burlat', eine Kostüm- und Gebrauchsausstellung und zwei DJ-Musik-Sessions mit Eduardo Díaz (KEINEN FROST).

Parallel zur Entwicklung der künstlerischen Tätigkeit, Die Künste abre, von 20.30 h, seine Free-Roaming-Bereiche für alle, die die Open-Air-Räume der Opernenklave kennenlernen und genießen wollen, das wird einen Restaurantservice haben.

von 20.00 h beginnen die fünf technisch-künstlerischen Durchgänge (20.50 h, 21.40 h, 23.30 h y 0.20 h) die es Ihnen ermöglichen, hinter den Kulissen zu betrachten, wie die Arbeit auf der Bühne des Großen Saals aussieht.

In Gruppen von bis zu 240 Leute, Die Teilnehmer haben die Möglichkeit, sich in einer „Ad-hoc“-Show kennenzulernen, von einigen 40 Minuten lang, den Betrieb der Bühnenmaschinerie, Beleuchtung, audiovisuelle Medien und alle notwendigen Elemente, um eine Opernaufführung zu starten, in dieser Ausstellung, an der die Sänger des Centre de Perfeccionament und des Cor de la Generalitat teilnehmen.

inzwischen, das Orquestra de la Comunitat Valenciana (OCV) wird einen beispiellosen Raum für die breite Öffentlichkeit entdecken, der Orchesterproberaum, in dem die Hauptformation von Les Arts drei Konzerte anbieten wird, von 40 Minuten lang, unter der musikalischen Leitung von Sergio Sáez, OCV-Professor.

Das Repertoire von jedem der drei Pässe (20.50 h, 21.50 h y 23.50 h) wird aus berühmten Opern- und Zarzuela-Ouvertüren bestehen. Der öffentliche Zugang erfolgt ab der elften Etage des Gebäudes, wo sich die Terrasses de les Palmeres befinden.

auf derselben Etage, Das Espai Los Toros wird eine Ausstellung mit Kostümen und Requisiten veranstalten, mit Kostümen und szenischen Elementen aus einigen der bedeutendsten Produktionen von Les Arts.

inzwischen, öffnet das Teatre Martín i Soler seine Pforten um 22.00 h Gastgeber einer Aufführung von „El tutor burlat“, die erste Oper von Vicente Martín i Soler, in seiner Version auf Valencianisch, die von jungen Sängern und ehemaligen Studenten des Center for Perfection begleitet vom Klavier gesungen wird.

Jaume Policarpo leitet diese farbenfrohe und unterhaltsame Produktion, zusätzlich zu seinen Auftritten bei Les Arts, reist mit dem Truck „Les Arts Volant“ erfolgreich durch verschiedene Gemeinden der valencianischen Gemeinschaft.

bei 0.30 h, DJ Eduardo Díaz (KEINEN FROST) wird die Terrassen im elften Stock umwandeln, mit Blick auf den Turia-Garten, auf einer großen Tanzfläche mit einer Musiksession, das wird die Aktivität beider Tage im Rhythmus des „Tanzes“ abtun.. Das Kulturzentrum schließt seine Türen von Freitag bis Samstagabend um 2.00 bin, und eine Stunde später, zu 3.00 h, in der nacht von samstag auf sonntag.

Tickets

Les Arts erinnert daran, dass es notwendig sein wird, einen Standort zu haben (frei) um die Shows in geschlossenen Räumen genießen zu können: die technisch-künstlerischen Pässe in der Haupthalle, die Konzerte des Valencian Community Orchestra im Probensaal, und Aufführungen der Oper „El tutor burlat“ im Teatre Martín i Soler.

Abonnenten und Mitglieder des Gönnerprogramms von Les Arts können ihre Tickets ab dem Tag im Voraus anfordern 5 Juli auf der Website www.lesarts.com und, vom Tag 6, persönlich an der Theaterkasse, mit maximal 4 Zugriff durch einen Abonnenten oder Benutzer.

inzwischen, die breite Öffentlichkeit, Sie können Ihre Tickets dort bestellen 6 Juli über die Les Arts-Website und, einen Tag später, die 7 Juli, physisch im Theater. Pro Bewerber werden maximal zwei Einladungen vergeben.

Les Arts weist darauf hin, dass die verfügbaren Plätze durch die Kapazität der einzelnen Veranstaltungsorte begrenzt sind.

Fotografie © Miguel Lorenzo / Mike Ponce

MARC MIGÓ

Tag 9 und 10 Juli, der junge New Yorker Komponist Marc Migó wird seine zweite Kammeroper uraufführen, durch die in Auftrag gegeben Liceu Barcelona, unter dem Projekt OH!OPER unter der künstlerischen Leitung von Àlex Ollé.

Die Fuchsschwestern, Es ist eine Mikrooper, die auf der wahren Geschichte der Fox-Schwestern basiert., denen die Schaffung der spiritistischen Bewegung zugeschrieben wird. in 1848, im Bundesstaat New York, Kate und Maggie Fox, Sie hatten Spaß daran, ihre Mutter zu erschrecken, behaupten, sie könnten mit einem Geist kommunizieren. Lea, Die große Schwester, verstand das Geschäftspotenzial, ihre jüngeren Schwestern als Wunderkinder für übernatürliche Kommunikationen auszubeuten, und wurde sein Manager. Jahre später, Kate und Maggie waren berühmte Medien geworden. jedoch, Am Ende ihres Lebens beschlossen sie, sich aus der neuen spirituellen Religion zurückzuziehen, Sie enthüllen vor Journalisten und Wissenschaftlern alle angeblichen Tricks, die sie bei Seancen angewandt haben.

Mit Libretto von Lila Palmer, Regie führte Silvia Delagneau, Musikalische Leitung von Irene Delgado-Jiménez und die Beteiligung des BAU University Design Center, Kammeroper Die Fuchsschwestern, greift aktuelle Themen wie Feminismus oder Post-Truth auf, und es ist für Sopran geschrieben, Mezzosopran, Bariton und Streichtrio (Violine, Cello und Kontrabass), verstärkt und mit einem das Publikum umgebenden Lautsprechersystem verbunden, um einen umhüllenden Effekt zu erzeugen, damit sich das Drama nicht nur auf der Bühne, sondern im ganzen Raum abspielt.

Marc Migo, der derzeit sein Doktorstudium in Komposition an der Juilliard School in New York fortsetzt, bajo die Anleitung von John Corigliano, wurde gerade für die Veröffentlichung seiner Werke in den Komponistenkatalog des renommierten Verlags Universal Edition aufgenommen, und in diesem Sommer wird er sein Orchesterwerk uraufführen Dumka für Anya beim renommierten Cabrillo Festival (Kalifornien). auch, hat kürzlich das Dominik-Argento-Stipendium für Opernkomposition von der National Opera Association erhalten.

Guiomar sang

Die Madrider Sopranistin Guiomar Cantó stellt ihren Konzertplan für die Sommersaison vor. Eine Reihe von Recitals, die Sie nach Madrid führen werden, Murcia, Schweiz, auf dem Festival zu beenden Opern im Berg aus Salzburg.

Guiomar startete zuletzt in die Sommersaison 25 Juni mit der Premiere in Spanien des Misa bei Rheinberger C in der Kirche des Barfüßigen Mercedarias der Unbefleckten Empfängnis Madrid, zusammen mit dem Orchester und Chor der Universität Carlos III unter der Leitung von Maestro Jerónimo Martín.

Im Rahmen des Festes von Santa Ana, die nächste 23 Juli, Guiomar Cantó wird im Kloster Santa Ana singen Jumilla. Ein Konzert mit dem Symphonieorchester der Katholischen Universität Murcia unter der Leitung von Salvador Pérez mit einem Programm, das Opernarien und Zarzuela-Balladen wie z La Traviata, Königin der Nacht, Lucia di Lammermoor die Doña Francisquita, inter.

Die Tagesordnung geht weiter in Schweiz, speziell die 3 September auf Schloss Wolfsberg. Bei dieser Gelegenheit tritt Cantó zusammen mit dem Orchestra Klassik Nuevo unter der Leitung von Srdjan Vukasinovic auf, mit argentinischem und deutschem Repertoire.

die 17 September debütiert die Sopranistin in der österreichischen Stadt Salzburg, bei den Festspielen Opern im Berg. in der Aula Grosse, die Rolle der Musetta zu spielen La Bohème. Dieser Auftritt ist Teil des Puccini-Preises, den die Sängerin erhielt 2019 beim internationalen Gesangswettbewerb Großartige Stimmen vom gleichen Fest, die aufgrund der Pandemiekrise der letzten beiden Jahre bisher nicht wirksam werden konnten.

Über Guiomar Canto

Solide Technik und vielseitige Stimme, Er begann mit einer Klavierausbildung bei dem Pianisten und Komponisten Manuel Carra, ergänzte diese mit einem Studium der Rechtswissenschaften und der Betriebswirtschaftslehre und absolvierte seine Gesangsausbildung an der Superior School of Singing in Madrid.. Er hat mit Lehrern und Sängern wie Virginia Zeani gearbeitet, schmerzlicher Zajick, Alberto Zedda, Barbara Bonney, Carlos Chausson, Mariella Devia, Raul Gimenez, Francisco Araiza, Anna Tomowa-Sintow, Carlos Aransay und Giulio Zappa. Er perfektioniert sein Gesangs- und Repertoirestudium unter der Leitung von Maestro Luca Fonte, somit Übernahme der technischen Richtlinien, Ästhetik und Philosophie der romantischen Schule Italiens.

in 2021 Guiomar Cantó wurde für das Crescendo-Programm des Teatro Real ausgewählt. Sein Debüt am Teatro de la Zarzuela gab er letzten Oktober in Los Gavilanes de J. Guerrero und erstmals als Pamina in der Zauberflöte von W. A Mozart im Teatro Romea in Murcia und im Teatro Vico. Er wird wieder in der Schweiz singen, wo er sein Debüt gab 2017, diesmal in einem Konzert in Ermantigen zusammen mit dem Orchester Klassik Nuevo unter der Leitung von Srdjan Vukasinovic. Sie hat die Hauptrolle der Doña Ana in Julián Santos' Zarzuela „Elphantom de la Tercia“ aufgenommen, die in dieser Spielzeit uraufgeführt wird und bereits gute Kritiken erhalten hat., so bahnt es sich weiterhin seinen Weg in die nationalen und internationalen Theater, etablierte sich als eines der großen Talente seiner Generation.

Palau Arts

die Palau de les Arts hat ein erstellt „Jugend-Flatrate“ für Minderjährige bestimmt 28 und 35 Jahre für die Shows, die die Saison ausmachen 2022-2023 und das wird als nächstes in den Verkauf gehen 11 Juli, im allgemeinen Ticketverkauf. Nach dem Erfolg von Aktionen wie „Vorschau bis 28“, wer hat die bestanden 90 % der Besetzung in allen Funktionen und das wird Kontinuität im neuen Studienjahr haben, Les Arts startet diese Initiative, die darauf abzielt, sein Programm weiterhin für ein jüngeres Publikum zu öffnen und seine Zugänglichkeit zu verbessern.

hierfür, Mit der neuen „Flatrate Young“ genießen Sie fünf Shows zur Auswahl für einen Preis von 50 Euro, für diejenigen, die unter 28 Jahre alt, und 100, für diejenigen, die unter 35. Vorschläge, bis zu insgesamt fünf, unter denen Jugendliche wählen können, sind Opernaufführungen im Großen Saal, in den Zonen 5 und 6, die Konzerte von „Les Arts és Simfònic“, in der Gegend 3, und „Kunst ist Barock“, keine Zonenbegrenzung, oder die Oper im Konzert 'Alcina', in den Zonen 3 und 4.

Zwei Tage vor der Show, Inhaber der „Flatrate Young“ können sich ihren Sitzplatz für das ausgewählte Konzert oder die Oper in jedem Bereich des Saals aussuchen. Die Werbekampagne für die Saison 2022-2023 beinhaltet auch größere Rabatte auf Saisonkarten, die bis zum nächsten beantragt werden kann 1 Juli, mit Abschlag von 15 % auf den Gesamtbetrag
für diejenigen, die eine Ratenzahlung wünschen, die steigen wird 20 % für den Fall, dass eine einmalige Zahlung gewählt wird.

Zusammen mit diesen neuen, Les Arts gleicht seine Preisklassifizierung auch großen nationalen und internationalen Theatern und Veranstaltungsorten mit der Anwendung eines dynamischen Tarifsystems an. so, abhängig vom Titel und dem Tag, an dem die Show geplant ist, Der Ticketpreis erhöht sich um 10 % und 20 % wenn die verkaufte Kapazität überschritten wird 70 % Zimmerbelegung.

Kiki Morente

In der Endspurt der aktuellen Flamenco Real Saison, kommt im Festsaal an Teatro Real einer der medialsten Vertreter der neuen Cante-Generationen, mit starken Flamenco-Wurzeln und einer neuen Kunst, geschmiedet in der musikalischen Vielfalt, die ihn von der Wiege an umgeben hat. Ihren Namen, Kiki Morente.

Die nächsten Tage30 Juni und 1 Juli, Die junge Sängerin macht einen Bühnenvorschlag, von ihm selbst geleitet, in dem es andere große Flamenco-Namen geben wird, mit der besonderen Mitarbeit des TänzersBelén López, ein persönliches zu feiernFLAMENCO-BEGEGNUNG  inspiriert von der Figur von Enrique Morente. Neben ihnen, Die Show wird auch die Anwesenheit von habenAnton Carbonell, zum cante; Rafael Jimenez „die Funken“ undJosef Carbonell, Gitarre undCarlos Jimenez auf Schlagzeug.

Geboren in Grenada, Sohn des Sängers Enrique Morente und der Tänzerin Aurora Carbonell, Bruder von Estrella und Soleá, José Enrique Morente Carbonell, Kiki Morente, Sie hat großartige Gitarristen und Sänger in ihrer mütterlichen Linie - Montoyita, Sabicas- und in seinen Erfahrungen und dem Lernen den Einfluss von Lehrern wie Pepe Marchena, Antonio Chacon, Manuel Torre, Pepe Pinto oder El Sevillano, unter anderem.

Von seinem Vater ermutigt, Kiki studiert Gitarre am Granada Music Youth Conservatory, Instrument, das er selbst in vielen seiner Konzerte spielt. Klassischen Cante kennenlernen und studieren, auf die es seine Persönlichkeit druckt, und wird von hochkarätigen Künstlern aus anderen musikalischen Manifestationen wie Pat Metheny beeinflusst, Leonard Cohen, Cheb Khaled oder Dulce Pontes, den er durch von seinem Vater geförderte Projekte kennt.

in 2010 beginnt seine Solokarriere und im Herbst 2017 veröffentlicht sein erstes AlbumAlbayzin, absolut klassischer Schnitt, begleitet von den Gitarren von Juan und Pepe Habichuela, Rafael Riqueni, Diego del Morao, Juan Carlos Romero, Montoyita, Juan Habichuelas Enkel, Josemi Carmona und Juan Carmona „Camborio“.

Fotograf: © Juanlu Vela

Nabucco

zwischen 5 und 22 Juli Sie werden angeboten 15 Opera Funktionen Nabucco, von Giuseppe Verdi, mit musikalischer Richtung Nicola Luisotti und Inszenierung von Andreas Homoki, in einer Neuproduktion des Königlichen Theaters und der Oper Zürich, wo es veröffentlicht wurde in 2019 und werden im September zurückkehren.

Jenseits der intrinsischen Qualität von Nabucco, die noch zur ersten Schaffensperiode gehört Giuseppe Verdi, Diese Oper war sehr wichtig in seinem persönlichen Leben und seiner künstlerischen Karriere. Der Komponist durchlebte nach dem Tod seiner beiden Kinder und seiner Frau und dem durchschlagenden Scheitern von Ein Tag der Herrschaft, das brachte ihn dazu, über die Idee nachzudenken, die Komposition aufzugeben. Eine zufällige Begegnung mit dem Direktor der Mailänder Scala, der die Schaffung einer Oper mit biblischem Libretto vorschlug Temistocle Solera, über den Widerstand des jüdischen Volkes gegen die Invasion der babylonischen Heerscharen unter der Ägide von Nabucco, inspirierte den Komponisten, der die Partitur mit wenig Ruhe schrieb.

Der durchschlagende Erfolg der Uraufführung von Nabucco die 9 März 1842 an der Mailänder Scala und die unmittelbare Verbindung der Unterdrückung der Juden mit der der Italiener, unter dem Joch der österreichisch-ungarischen Monarchie, verschaffte der Oper enorme Popularität, Verdi verwandeln, unwillkürlich, in einem der Helden von Risorgimento, was zur Vereinigung der italienischen Gebiete führen würde.

Dieser unerwartete Triumph und die Teilnahme an der Oper der Sopranistin Giuseppina Strepponi, Ihr zukünftiger Partner, in der teuflischen Rolle der Abigaille, Es war der notwendige Ansporn für Verdi, seine produktive und brillante kreative Karriere fortzusetzen, dessen Keim auch drin ist Nabucco. Obwohl die Oper Donizetti und Rossini und der italienischen Operntradition verpflichtet ist, in der Partitur stechen seine wunderbaren Melodien hervor, seine enorme Fähigkeit zur musikalischen Charakterisierung der Charaktere (Hervorhebung, vor allem, Nabucco und Abigaille) und die dramaturgische Wirksamkeit der Orchestrierung, der bis zu seinem Außergewöhnlichen nicht aufhören würde, Fortschritte zu machen Falstaff.

Der Inspizient Andreas Homoki, debütiert am Teatro Real, überträgt den Konflikt zwischen Juden und Babyloniern, im 6. Jahrhundert v, zur Konfrontation zwischen Italienern und Österreichern, im neunzehnten Jahrhundert, wo "dem polytheistischen System der Babylonier entgegengewirkt wird, wie Utopie, ein neues und modernes System, verkörpert im monotheistischen Weltbild der Hebräer.. Die beiden Schwestern, Töchter von Nabucco, verkörpern den Hintergrund zweier gegensätzlicher Welten: „Abigaille, der Erstgeborene, versucht verzweifelt, das alte System zu retten, indem sie ihren Vater stürzt und selbst an die Macht kommt. Fenena, das andere, nimmt den Moment des Übergangs wahr, in dem sie sich befinden, und will sich durch einen Seitenwechsel retten. In dem Prozess, das Alte durch das Neue zu ersetzen, auch die Familie zerbricht am Ende“.

Das Drama spielt sich in einer kargen Umgebung ab, minimalistisch und konzeptionell gestaltet vom Bühnenbildner Wolfgang Gussmann, der auch die prachtvolle Garderobe mit signiert Susana Mendoza.

Nabucco Es war der erste Titel von Verdi, der im neu erbauten Königlichen Theater erklang, in den akustischen Tests vor seiner Einweihung, in 1850. Die Oper wurde auf ihrer Bühne uraufgeführt 1853 und wurde in aufeinanderfolgenden Jahreszeiten vorgestellt, immer mit großem Erfolg, nach oben 1871. Seitdem wurde es in seinem Zimmer nicht mehr angeboten.

jetzt, 151 Jahre nach der letzten Aufführung, kehrt mit drei Besetzungen großartiger verdischer Stimmen zurück, die sich bei der Interpretation der Hauptrollen abwechseln werden: Nabucco, Baritone Luca Salsi, George Gagnidze, Gabriele Viviani und Luis Cansino; Abigaille, las Soprane Anna Pirozzi, Sitzung Hernández und Oksana Tauchen; Ismaele, Tenöre Michael Fabiano und Eduardo Aladren; Fenena, die mezzosopranos Silvia Tro Santafé, Elena Maximova und Aya Wakizono; Zaccaria, niedrig Dmitry Belosselskiy, Roberto Tagliavini und Alexander Vinogradov; und Der Hohepriester, niedrig Simon Lim und Felipe Bou.

Nicola Luisotti wird seinen siebten Verdiano-Titel an die Spitze des richten Schlagzeilen Chor und Orchester des Teatro Real, nach dem enormen Erfolg mit Il trovatore (2007), Rigoletto (2015), Aida (2018), Don Carlo (2019), La traviata (2020) und Un ballo in maschera (2020). Sergio Alapont wird drei der leiten 15 Funktionen.

in Nabucco Der Chor nimmt eine zentrale Rolle ein, sowohl in struktureller als auch in dramaturgischer Hinsicht. die Titular Chor des Teatro Real vorbereitet, wie immer, von Regisseur, Andrés Máspero, wird den berühmten Sklavenchor singen, Va pensiero, den Unterdrückten eine Stimme geben, wie im mythischen Babylon des 6. Jahrhunderts v., Italien des 19. Jahrhunderts oder die heutige Ukraine.

Funktionen Nabucco werden gesponsert von BBVA-Stiftung, dessen Aktivitätenprogramm Musik als vorrangigen künstlerischen Ausdruck betrachtet.

Fotografie: Javier del Real

Opera Benicàssim Lyrical Festival

Ausgabe 2022 die Opera Benicàssim Lyrical Festival (Castellon) versprechen diesen Sommer, ein weiteres Jahr, Fülle die Stadt mit Texten. der Festzug, organisiert von der Stadtverwaltung von Benicàssim, werden großartige Künstler aus der nationalen und internationalen Szene zu sehen sein. Der Bürgermeister, Susana Marqués, zusammen mit dem Kulturdezernenten des Rathauses, Javier Alonso, an den künstlerischen Leiter des Wettbewerbs, Roberto Turlo und Marcello Pérez Pose, Direktor der Zarzuela Around the World Association und des Promoters AIM-América Iber Música, haben heute Morgen auf einer Pressekonferenz ihre XIV-Ausgabe vorgestellt, gehalten werden 1 al 6 August, und das hat vier Konzerte und zwei künstlerische Begegnungen, Aktivitäten, die in ihren üblichen Umgebungen stattfinden, das Stadttheater Francesc Tàrrega und der Stadtpalast Villa Elisa.

Wie der Bürgermeister kommentierte, "Das Benicàssim Opera Lyric Festival ergänzt das große kulturelle Angebot der Gemeinde und kombiniert Vorschläge verschiedener Genres. Ein Jahr, und für eine woche, wir werden allen Bürgern wieder die Möglichkeit näher bringen, diesen Musikstil zu genießen, nach 14 Jahre alt, wurde in unserer Gemeinde bereits unter der Marke Benicàssim konsolidiert, Stadt der Feste".

inzwischen, der Kulturrat, Javier Alonso, Er betonte, dass das Programm – vorbereitet von Ópera Benicàssim zusammen mit AIM-América Iber Música – Sänger beinhalten wird „von anerkanntem Prestige und konsolidierten Karrieren, sondern auch junge Künstler willkommen, die die Zukunft darstellen".

Der künstlerische Leiter des Wettbewerbs, der Oboensolist des Valencia Orchestra Roberto Turlo, kommentierte, dass das Angebot 2022 besitzt mehrereLeseniveaus” mit Vorschlägen, die Sie genießen werden “beide Fans der Welt der Oper und der Zarzuela, wie jeder allgemein an Musik und Kultur interessierte Zuschauer und, auch, die einfach nur eine tolle Show in der Sommerhitze genießen wollen. Ihnen steht ein breitgefächertes Repertoire mit hoher künstlerischer Exzellenz zur Verfügung. Uns gefällt auch, dass jeder, der zum Festival kommt, alle angebotenen Konzerte genießt, und nicht nur einer von ihnen", sagt der Musiker aus Benicassim.

In diesem Jahr gibt es ein Engagement für geweihte Persönlichkeiten, die in der Öffentlichkeit sehr beliebt sind, wie die des menorquinischen Bassbaritons Simón Orfila, "ein Sänger mit einer langen Karriere, der sich in einem sehr süßen Moment seiner Karriere befindet, die ein Duett mit der herausragenden andalusischen Sopranistin Mariola Cantarero aufführen wird; Es wird sicher ein tolles Fest, bei dem wir uns an der Sympathie und der großen Kommunikations- und Komplizenschaft beider Künstler erfreuen können, dieses Mal am Klavier begleitet von Miguel Huertas".

Die Mezzosopranistin Rinat Shaham debütiert beim Festival, "ein international bekannter Sänger, der gerade mit Simon Rattle und dem London Symphony auf Tournee war, Er ist nicht nur auf wichtigen internationalen Opernbühnen präsent, sondern auch einer der größten Carmen-Interpreten der Gegenwart.. In Benicàssim, begleitet von den Solisten von Valencia, ihre große Vielseitigkeit zeigt die israelische Performerin in einem Programm, in dem Rhythmen und Melodien erklingen

Gershwins Americanas und Kabarett harmonieren mit Werken von Autoren wie Kurt Weill, George Forrest oder John Kander", versichert Turlo.

vor, die 2 August, wird den Wettbewerb eröffneneine solide und spektakuläre Stimme", in den Worten des künstlerischen Leiters: der Tenor Eduardo Sandoval, der gerade aufgetreten ist Aida e Il Trovatore in Verdi. "wird uns anbieten, neben Js Klavier. Ramón Martin, ein kontrastreiches Programm mit neapolitanischen und spanischen Liedern, neben Zarzuela, ein musikalisches Menü, das dem Publikum sicherlich gefallen wird".

Benicàssim, ein weiteres Jahr, unterstützt die neuen Künstlergenerationen und setzt dieses Jahr auf den jungen valencianischen Sopranisten Rafael Quirant, "eine hochwertige Stimme, Besitzer eines Saitentyps, der noch nie auf dem Festival zu hören war; jüngster Gewinner des Musikalischen Jugendwettbewerbs, konnte bereits mit hervorragenden Kritiken auf großen Bühnen debütieren. Es bietet uns eine Reise durch die Geschichte, von Monteverdi bis Rossini über Gluck und Martín y Soler, aber auch mit Werken von Turina und sogar einigen Copla, alle mit Klavier- und Gitarrenbegleitung".

auch, wie jedes Jahr, Das Festival fördert beliebte Begegnungen zwischen dem Publikum und den Künstlern, sowohl in Kolloquien als auch in „offene Versuche" in welchem, sobald die Arbeit der Dolmetscher beendet ist, "Die Teilnehmer haben die Möglichkeit, mit ihnen zu sprechen, eine Initiative, die wir vor einigen Ausgaben mit großem Erfolg gestartet haben. In den diesjährigen Präsentationen werden wir ein Treffen haben, das der Zarzuela gewidmet ist, präsentiert von Marcello Pérez Pose, Direktor der Zarzuela Around the World Association, Darin sind Persönlichkeiten wie die Mezzosopranistin Nancy Fabiola Herrera zu sehen", der Erfahrungen rund um das spanische Lyrikgenre auf Bühnen auf der ganzen Welt erklären wird. "Wir glauben, dass es wichtig ist, dass die Öffentlichkeit aus erster Hand erfährt, wie Künstler, Programmierer und Kulturförderer die Welt der Musik erleben.. Bei den Treffen werden wir auch Simón Orifla und Mariola Cantarero haben, um die Einzelheiten einer Opern- oder Zarzuela-Produktion und den künstlerischen Prozess im Allgemeinen kennenzulernen", schließt Roberto Turlo.

Crescendo

Die zweite Auflage von Crescendo, Wir erstellen Opera, Programm der Friends of the Royal Theatre Foundation, ist nach dreimonatiger Ausbildung und künstlerischer Tätigkeit erfolgreich abgeschlossen.

Dreiundzwanzig junge Verheißungen der Oper, aus neun verschiedenen Nationalitäten, waren die Nutznießer der II. Ausgabe von Crescendo, Wir erstellen Opera, Programm der Friends of the Royal Theatre Foundation, das gerade seine Ausbildungsphase abgeschlossen hat, entwickelte sich in drei anspruchsvollen Monaten Arbeit.

Mit dem Ziel, jungen Talenten eine Berufsausbildung und Praktika auf höchstem Niveau anzubieten, Das Crescendo-Programm hat in diesem Kurs natürlich mit 37 Trainingseinheiten in verschiedenen Disziplinen wie Interpretationsworkshops und Stimmbildung mit hervorragenden Lehrern –Carmen Santoro, Viktor Dogar, Ánima May oder Sabina Puértolas-, Körperausdruck, Persönliche Marke und Kommunikation, Klassen mit Wiederholungslehrern und Teilnahme an Opernproben.

Alles, Hinzu kommen ein Dutzend berufliche Möglichkeiten, in Konzerten aufzutreten, Produktionen und Veranstaltungen des Königlichen Theaters, Sie absolvieren eine Ausbildung, die die Karriere einer neuen Künstlergeneration fördert und die Türen zur Arbeitswelt öffnet.

Die jungen Sänger von Crescendo hatten eine prominente Präsenz bei der Präsentation des Saison 2022-2023 Das Königliche Theater, an den Sitzungen des Programms teilgenommen haben Ansätze und soll in den Produktionen der auftreten Echt Junior ab der nächsten Saison: Geist, der singt, erschreckt nicht, A.I.D.A., Musikalisches Familienfest und Jeder an den Gayarre!.

Die Teilnehmer dieser zweiten Ausgabe sind Jugend 23 ein 35 Jahre alt, aus Albanien, Chile, Kolumbien, Spanien, Paraguay, Portugal, Russland, Serbien und Venezuela, nach einem strengen Vorsprechen ausgewählt, bis zur Gründung einer Gruppe bestehend aus 12 Soprane, 2 Mezzosopranistinnen, 1 Tenor, 4 Baritone, 1 Bassbariton und, zuerst, 3 wiederholende Pianisten. insgesamt, die ersten beiden Ausgaben des Programms fügen bereits hinzu 43 Jugendliche profitierten.

Die Erfahrungen und Hintergründe, die diese jungen Menschen nach dem Passieren von Crescendo erwerben, spiegeln sich in den Worten der venezolanischen Sopranistin Sonia Suárez wider, von 28 Jahre alt, einer der Sänger, die bei der Präsentation der Teatro Real Season auftraten, der versichert, am Ende des Kurses: „Es war wunderbar, nicht nur für die Erfüllung des Traums vom Singen im Real, sondern weil sie uns wie Profis behandeln und uns geben Beschäftigungsmöglichkeiten in diesen schwierigen Zeiten. dank Programm, Viele Agenturen haben uns ins Visier genommen. In meinem Fall habe ich gerade einen Vertrag mit Iberkonzert unterschrieben.“.

Crescendo Es ist eine bundesweite Initiative, langfristig, international, die sich Künstlern vom Beginn ihrer Karriere an verpflichtet fühlt. die nächste 16 Der Juli bietet ein Rezital, das von den jungen Talenten dieser zweiten Ausgabe im Königlichen Theater präsentiert wird.

Das Crescendo-Programm wird gesponsert von Porosus Stiftungsfonds, Edmond de Rothschild-Stiftungen und Banco Sabadell Stiftung.

José Miguel Pérez-Sierra

José Miguel Pérez-Sierra, einer der wichtigsten spanischen Regisseure seiner Generation, debütiert im September als Hauptgastdirigent der Saison, die von den Freunden der Oper von A Coruña organisiert wird. Der spanische Musiker, der heute am Teatro de La Zarzuela in Madrid Regie bei El barberillo de Lavapiés führt, Es wurde gezeigt "geehrt und dankbar“ mit dem Termin, Frucht einer fantastischen und intensiven Beziehung mit dem galizischen Unternehmen seit seinem Debüt in 2007. "In A Coruña hat man mir praktisch seit Beginn meiner Karriere vertraut", kommentiert Pérez-Sierra zufrieden. "Ich freue mich auch darauf, meine Beziehung zur Galicia Symphony zu festigen, das Referenzset dieser Saison, ein wirklich außergewöhnliches Orchester, mit dem ich sehr gerne Musik mache; tatsächlich, Mein Profidebüt gab ich bei der galizischen Mannschaft 2005 mit einem für mich unvergesslichen Sinfoniekonzert. Mit A Coruña verbindet mich auch die Figur meines Lehrers, Alberto Zedda, großer Musikwissenschaftler und Dirigent, der der Stadt seit vielen Jahren verbunden ist; Ich begann meine Beziehung zu ihm in der galicischen Hauptstadt, wo ich seine Assistentin war 2003. deshalb, sie sind fast 20 langjährige Zusammenarbeit mit dem Verein und freue mich sehr, diese mit dieser Ernennung zu festigen", fügt der Madrider Regisseur hinzu.

Die Karriere von José Miguel Pérez-Sierra hat in den letzten Jahren nicht aufgehört zu wachsen, sowohl im Opern- als auch im Symphoniebereich, Er hat in einigen der wichtigsten Theater und Auditorien zusammen mit renommierten Orchestern dirigiert. in der Saison 2021-2022 haben ein Konzert mit der Sopranistin Lise Davidsen in A Coruña und an der Oper Bukarest hervorgehoben – dort, mit dem Tenor Freddie de Tommaso–, Oper Yachthafen de Arrieta und ein symphonisches Konzert mit der Navarra Symphony, sowie seine Rückkehr an die Opéra de Marseille mit Armida (Rossini) und sein Debüt gab das Luxembourg Philharmonic Orchestra mit Carmen.

Nach den zehn Vorstellungen aus Der Barbier von Lavapies in Madrid, im sommer warten sie auf dich Armida beim Royal Opera Festival in Krakau (Polen) und beim Wildbad Rossini Festival (Deutschland) –die für Naxos aufnehmen wird-, Wettbewerbe, mit denen es seit mehreren Saisons stabile Beziehungen unterhält.

Der Kurs beginnt 2022-2023 gerade in A Coruña Regie bei der Oper Regel und eine lyrische Gala mit Angela Meade, Mose Martin, Veronica Dzhyoeva, Monika Runde, Nicole Brandolino und Luiz-Ottavio Faria, um später die Zarzuela zu übernehmen Heiliger Franco von Seine (Arrieta) in Pamplona, einer Gala mit dem Tenor Roberto Alagna in A Coruña, ein Konzert mit Nancy Fabiola Herrera auf Teneriffa und die Oper die Hugenotten in Marseille, unter anderem Verpflichtungen.

Programmierung Freunde der Oper von A Coruña

Die Geburt des Sonnenkönigs

Am nächsten Sonntag, 19 Juni, wir können uns daran erfreuen Teatro Real von der Vorstellung Die Geburt des Sonnenkönigs, Das königliche Ballett der Nacht, konzipiert und durchgeführt von der französischen Kompanie Passender Satz, durch harpsichordist gerichtet Sébastien Daucé, dessen Uraufführung in der vergangenen Saison verschoben werden musste, weil es aufgrund der Pandemie Schwierigkeiten gab, die Künstler umzuziehen.

Es gibt viele Monarchen, die in Operntiteln mitgespielt haben, aber nur sehr wenige haben die Ehre, von einem König eingeweiht worden zu sein, wie es der Fall ist Das königliche Ballett der Nacht (1653), Show, in der Ludwig XIV. den Gott Apollo als Tänzer mit kaum verkörperte 14 Alter. die Aristokratie, in großer Zahl vorhanden, die europäischen Botschafter und auch die Pariser Bourgeoisie bejubelten dieses große Spektakel, dessen Wunder einen sehr bleibenden Eindruck hinterließen.

die Show, politisch nichts Unschuldiges, sanktionierte den Triumph der Krone über die Revolten, die die Aristokraten der Fronde in den letzten fünf Jahren angestiftet hatten, durch eine Allegorie, in der der Sonnenkönig die Dunkelheit der Nacht zerstreute, Musikalisch arrangiert in vier Mahnwachen, die gesungene und getanzte Nummern abwechseln. Erstmals in der Geschichte der Gattung erscheint ein einheitliches und sorgfältig ausgearbeitetes Libretto in vier Uhren (Teile) und ein großartiges abschließendes Ballett; alle leistungsstufen und alle künste weisen auf ein ziel hin, Sonnenaufgang.

die Partitur, bestehend aus verschiedenen französischen und italienischen Autoren, die mit dem Gericht in Verbindung stehen, schlief jahrhundertelang in den Archiven der Philidor-Sammlung, des alten Pariser Konservatoriums, bis zu seiner Wiederentdeckung in 2004 und seine musikalische Erholung in 2016 von Sébastian Daucé und dem Ensemble Correspondences. Die Poesie, die das königliche Ballett begleitete, stammte von dem berühmten Isaac de Benserade, die in 1653 genoss bereits als Schriftsteller großes Ansehen und würde sich sowohl im Genre als auch brillieren Hofballett wie in der raffiniertesten Lyrik.

Ergebnis, wie gewöhnlich, schwierig, die Urheberschaft der Musik der zu bestimmen höfische Ballette in den frühen Regierungsjahren Ludwigs XIV. Im Falle des Ballet Royal de la Nuit können wir uns der Identität von Jean de Cambefort sicher sein (c.1605-61), der die Rezitative und Arien produzierte, die jede der vier Mahnwachen eröffnen, und Antoine Bosset (1587-1643) und Louis Constantin (1586-1657),obwohl, deutlich, es gab andere teilnehmende Komponisten.

DIE GEBURT DES SONNENKÖNIGS

Das königliche Ballett der Nacht

Halboper in vier Szenen und Schlusstanz

Johann von Cambefort (1605-1661), Antoine Bosset (1587-1643), Ludwig Konstantin (1586-1657),

Michel Lambert (1610-1696), mit Auszügen aus Hercules Liebhaber (1662) von Francesco Cavalli

(1602-1676) und Orfeo von Luigi Rossi (1597-1653)

Libretto Isaak von Benserade (1613-1691)

Veröffentlicht im Petit-Bourbon Palace in Paris auf 23 Februar 1653

Premiere am Königlichen Theater

Halboper in Konzertfassung

Regie und Rekonstruktor Musical Sébastien Daucé

VERTEILUNG

Die Nacht / Venus | Lucile Richardot

Eurydike / eine Gnade / Schönheit / eine wandernde Seele / Cynthia | Caroline Weynants

Venus / Die Stille / eine Gnade | Caroline Bardot

eine französische gnade | Marie-Frédérique Girod

eine italienische Gnade | Eva Plouvier

Der Mond / Deyanira / eine Gnade / eine wandernde Seele | Blandine von Sansal

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Der Traum / Ein Anhänger der Venus / Ein Fluss / Die Aurora / eine wandernde Seele / ein Zephyr | Etienne Basola

Herkules | Renaud Bres

ein Zephyr / Ein Anhänger von Endymion | Nicolas Brooymans

Passender Satz

Musikausgabe Kritische Ausgabe von Sébastien Daucé

Dauer: 2 Stunden und 55 Minuten

Fotografie © JM Berns

Mark Ältester

„Sir“ Mark Elder, anerkannt als einer der großen Schlagstöcke der internationalen Rennstrecke, leitet die symphonische Dichtung ‘Ein Heldenleben’ („Das Leben eines Helden“), von Richard Strauss', und „Symphonie der Psalmen“, von Igor Stranwinsky in Valencia und Castellón de la Plana.

Der renommierte britische Dirigent gibt sein Debüt mit dem Chor der Generalitat und dem Orchester der Valencianischen Gemeinschaft (OCV) im letzten der Konzerte des Zyklus „Les Arts és Simfònic“, Freitag geplant, 10 Juni, in Palau de les Arts (20.00 h), Und am Samstag 11 im Auditorium und Kongresszentrum von Castellón de la Plana (19.30 h).

Der aktuelle Dirigent des Manchester Hallé Orchestra und erster Gastdirigent der Bergen Philharmonic dirigiert die wichtigsten Ensembles in Europa und den Vereinigten Staaten. Architekt des künstlerischen Wachstums der English National Opera, verbindet das symphonische Repertoire mit der Oper, mit Werken im Londoner Covent Garden, die Opéra de Paris oder das Metropolitan in New York.

für sein Debüt, „Sir“ Mark Elder schlägt zwei Werke von faszinierendem Klang und technischer Komplexität vor, mit denen Sie die Exzellenz der stabilen Körper von Les Arts genießen können, dass sie im selben Monat mit der Uraufführung von „Wozzeck“ in Valencia eine ihrer größten künstlerischen Herausforderungen mit Bravour gemeistert haben.

Igor Strawinsky komponierte „Symphonie der Psalmen“ als Auftrag zur Feier der 50 Jubiläum der Boston Symphony. Basierend auf drei Psalmen aus dem Buch der Psalmen Davids und „der Herrlichkeit Gottes“ gewidmet, diese chorsinfonie gilt als eines der brillantesten geistlichen werke der s. XX.

An die neoklassische Periode des Komponisten angeschlossen, gliedert sich in drei Bewegungen, die ohne Unterbrechung ausgeführt werden. Die strenge und einzigartige Orchestrierung, was Violinen ausschließt, Bratschen und Klarinetten, das Eingreifen des Chores, die die aus den Versionen der 'Vulgata' in lateinischer Sprache extrahierten Texte interpretiert, erzeugen einen verstörenden Klang, mit dem Strawinsky die höchsten Ebenen spiritueller Erhebung erreicht.

Das Orquestra de la Comunitat Valenciana wird den symphonischen Zyklus mit einem der komplexesten und engagiertesten Werke des großen Repertoires abschließen, ‘Ein Heldenleben’, Richard Strauss, brillante Punktzahl, energisch und mit einer beeindruckend satten Orchesterfarbe ausgestattet.

Einkomponiert 1898, Die letzte symphonische Dichtung von Strauss ist eine Allegorie, in der der Autor porträtiert, durch das heroische Lexikon, das Leben des Künstlers. Konfiguriert in sechs Bewegungen, enthält melodische Anspielungen auf frühere Tondichtungen, als musikalische Autobiographie.

‘Ein Heldenleben’ es, auch, eines der wesentlichen Werke auf dem Weg des OCV, mit dem er sein umjubeltes Debüt im National Auditorium in Madrid gab 2010 unter der Leitung von Zubin Mehta.

Mark Ältester

„Sir“ Mark Elder ist seitdem Musikdirektor des Manchester Hallé Orchestra 2000. Von September 2022 wird Erster Gastdirigent der Bergen Philharmonic. Zuvor war er musikalischer Leiter der English National Opera (1979-1993) und die Rochester Philharmonie, NY (1989-1994), sowie Erster Gastdirigent der London Mozart Players und des City of Birmingham Symphony und der BBC.

Der britische Maestro dirigiert die wichtigsten Orchester der internationalen Szene: Concertgebouw, Paris, Budapester Fest, Berliner und Londoner Philharmoniker sowie die Bostoner und Chicagoer Symphoniker. Er ist Hauptkünstler des Orchestra of the Age of Enlightenment, arbeitet regelmäßig mit dem London Symphony zusammen und dirigiert seit vielen Jahren bei den Proms.

Seine Präsenz ist auch in den großen Opernhäusern üblich: Covent Garden, Metropolitan, die Opern von Paris und Chicago oder das Glyndebourne Festival. Außerdem wurde er zu den Bayreuther Festspielen eingeladen (wo er als erster englischer Regisseur eine neue Produktion inszenierte), München, Amsterdam, Zürich, Genf, Berlin und die Bregenzer Festspiele.

Königliche Theaterpreise

José Maria Alvarez-Pallete, José Bogas, Florentino Pérez, Nicola Luisotti, Marina Rebeka, Christof Loy, Michael Fabiano, Carlos Alvarez und Santiago Moreno, erhielt gestern Abend im Royal Theatre, bei einer dem Mezzo gewidmeten Gala Teresa Berganza und es wurde präsentiert von Anne Igartiburu, die ersten Preise des Theaters für die im Kolosseum durchgeführten institutionellen und künstlerischen Aktivitäten.

Die Preisverleihung, Skulpturen gestiftet von Christina Iglesias die den Ansatz einer Stufe darstellt, war der Auftakt zu einem Konzert mit der Mezzosopranistin Silvia Tro Santafé, ausgezeichneter Dolmetscher und großer Bewunderer von Teresa Berganza, die gestorben letzte 13 Mai.

Die Auszeichnungen Teatro Real, Wie in seiner Rede vom Präsidenten der Institution erklärt, Gregorio Maranon, sie werden an „außergewöhnliche Persönlichkeiten“ verliehen, die mit ihrer Unterstützung und ihrem Talent entscheidend dazu beigetragen haben, das Teatro Real zu „einem der führenden Opernhäuser der Welt“ zu machen, Wiederherstellung des Ansehens, das es im 19. Jahrhundert hatte“. Daran erinnerte sich Marañón, obwohl Teresa Berganza, Ehrenpatron des Theaters, wollte ruhig gehen, die Emotion ihrer Interpretationen wird jeden immer begleiten.

Der Präsident von Telefónica, José Maria Alvarez-Pallete, versicherte, nach Erhalt seiner Auszeichnung vom Vizepräsidenten des Royal Theatre Board of Trustees, Helena Revoredo, dass „die Tore des Royal, unvergessliche Erinnerungsfabrik, geben Zugang zu einzigartigen Momenten, Momente, die nur wenige Theater auf der Welt zu produzieren in der Lage sind“.

Für den CEO von Endesa, José Bogas, dem der Generaldirektor des Theaters seine Skulptur schenkte, Ignacio García-Belenguer, die wirkliche, hat sich zu einem "weltweit führenden Management in der Welt der Oper" entwickelt, ein Weg, auf dem Ihr Unternehmen die Einrichtung seit der Wiedereröffnung begleitet, in 1997, und was Sie jetzt auf der audiovisuellen Plattform des Kolosseums haben, Mein Opernteller, und im Near You-Projekt, zwei Erfahrungen, die sie „begeistern“ und die ihr Engagement in der Kulturförderung ausmachen.

Der Präsident von ACS, Florentino Pérez, er zeigte, nachdem er seine Auszeichnung vom Präsidenten des Teatro Real erhalten hatte, Gregorio Maranon, dass es "im Moment deutlicher denn je" sei, dass alle Bemühungen zur Förderung von Kultur und Sport aufrechterhalten werden müssen, und betonte, dass das Real ist, in diesem Sinne, „eine Schlüsselinstitution für die Verbreitung der spanischen Kultur“.

„Diese Auszeichnung ist nicht nur meine Auszeichnung, Es ist die Auszeichnung der Leute des Königlichen Theaters, weil es in diesem Theater Leute gibt: Es gibt ein Orchester, Chor, technisch, Lehrer, Menschen, die jeden Tag für die Musik arbeiten, für das Theater, für Hoffnung, für die Zukunft", der Schaffner bestätigte seinerseits den Lehrer Nicola Luisotti, dem der italienische Botschafter in Spanien seine Auszeichnung überreichte, Riccardo Guariglia.

„Ich möchte das nur sagen, als der Rest der Welt darauf wartete, zu handeln, aufgeführt vom Königlichen Theater, ein Theater, das ich mein Zuhause nenne, mein Zuhause. Es ist weltweit führend in der Aufrechterhaltung der Kultur und, deshalb, Wir müssen dem gesamten Team dieses wunderbaren Unternehmens dankbar bleiben.“, hob den amerikanischen Tenor hervor Michael Fabiano, dem der Staatssekretär für Haushalt und Ausgaben seinen Preis überreichte, Maria José Gualda.

Der künstlerische Leiter des Theaters, Joan Matabosch, war verantwortlich für die Übergabe an die lettische Sopranistin Marina Rebeka, der ein Duett mit gemacht hat Silvia Tro Santafé als Höhepunkt des Konzerts.

„Ich wollte sagen, dass dieses Theater für mich schon immer etwas ganz Besonderes war. diese Traviata –derjenige, der im Juli sang 2020 mit Fabiano als Partner auf der Bühne und Luisotti im Pit- wird immer in meiner Erinnerung und meinem Herzen sein, weil wir alle zu Hause waren, ohne irgendetwas, ohne Arbeit… Die Pandemie stand der Kultur im Weg, und wenn ich mir jetzt diesen Raum ohne Masken ansehe, denke ich, dass es ein Sieg war.“, sagte Rebekka.

Der deutsche Regisseur Christof Loy, verantwortlich für die Produktion von Rusalka in 2021, fiel ein, nachdem er ihm seine Skulptur übergeben hatte, der Generalkoordinator des Bürgermeisteramtes von Madrid, Mathilde García Duarte, dass seine erste Produktion am Theater war Capriccio, in 2019, und „es war Liebe auf den ersten Blick“, weil das Echte ist, detailliert, „eine wunderbare Mischung aus Leidenschaft und Disziplin“.

Bariton Carlos Alvarez, der die Schutzheilige des Reiches und Kulturministerin ihren Preis überreichte, Tourismus und Sport der Autonomen Gemeinschaft Madrid, Marta Rivera de la Cruz, Er gestand, „privilegiert“ zu sein, weil er das Glück hatte, einen Fuß in ein Theater zu setzen, in dem „ein großartiges Team“ arbeitet. Er bekräftigte, dass Künstler verpflichtet seien, „weiterhin ein Beispiel für diejenigen zu sein, die Hoffnung und Kultur brauchen“..

Die Preisverleihung wurde vom Präsidenten des Theatermedizinischen Komitees geschlossen, der Leiter des Dienstes für Infektionskrankheiten des Krankenhauses Ramón y Cajal in Madrid, DR. Santiago Moreno, der seinen Preis all jenen gewidmet hat, die im Gesundheitswesen arbeiten, an diejenigen, die „auf unsere Gesundheit geachtet haben, um ein bisschen besser zu bleiben“.

Das Königliche Theater, sagte er, nachdem er seine Auszeichnung vom stellvertretenden Generaldirektor des Teatro entgegengenommen hatte, Borja Ezcurra, war „ein Beispiel dafür, wie gut Dinge gemacht werden können und sollten (...) Das Theater akzeptierte, freiwillig, die große Herausforderung, seine Tätigkeit während der Pandemie nicht zu unterbrechen. Es war das einzige Beispiel auf der Welt, das in der Lage war, eine solche Leistung zu vollbringen und um jeden Preis die Sicherheit seiner Arbeiter und der Öffentlichkeit zu gewährleisten.. Die Querung ist erfolgreich überwunden und wird in die Annalen der Opernhausgeschichte eingehen.", hinzugefügt.

Fotografie: © Javier de Echt | Teatro Real

Annalisa Stroppa

Einer der etabliertesten italienischen Sänger in der internationalen Lyrikszene, Mezzosopran Annalisa Stroppa, kehrt diesen Juni nach Palma zurück, um sich von der Saison zu verabschieden Teatre Principal in der mallorquinischen Hauptstadt. Er wird es mit den Papieren von La Musa tun, Nicklausse und Stimme aus dem Grab, aus Offenbachs Oper Hoffmanns Erzählungen bei seiner Rückkehr zum französischen Repertoire, in der er zuletzt Erfolge wie die Saisoneröffnung des Teatro Massimo in Palermo mit erzielt hat Carmen, Bizet, dessen Titelrolle auch vor dem mallorquinischen Publikum gespielt wurde.

Stroppa afirma höre "erfreut“, um in die Haut der Nicklausse-Schülerin zu schlüpfen, irdische Erscheinung der Muse der Poesie, der versucht zu führen, umleiten und Wirklichkeit werden lassen, siehe den liebeskranken Hoffmann. "Ich liebe es, ab und zu männliche Charaktere zu spielen", kommentiert die Mezzosopranistin: "Es ist eine Herausforderung, die mich amüsiert und begeistert; Als Mezzosopran habe ich verschiedene Rollen in Transvestiten gespielt, wie Orpheus, Cherub, Hänsel, Romeo, Siebel, Stefano oder Ascanio. Nicklausse kenne ich schon, weil ich das Glück hatte, es vor zwei Spielzeiten im Teatro San Carlo in Neapel zu debütieren. Es ist eine Figur, die in dieser spannenden Oper sowohl auf der Bühnen- als auch auf der Gesangsebene ein besonderes Gewicht hat.. Darüber hinaus werden in Palma einige Szenen wiederhergestellt, die normalerweise geschnitten werden".

Stroppa gab sein Debüt in Palma in „ein heikler Moment", er kommentiert, "genau im März 2020, bevor die Pandemie die Welt lahmlegte. Esa Carmen Es war die letzte Produktion, die ich sang, bevor ich diesen schwierigen Moment für die Menschheit erlebte, in dem so viele Menschen starben, besonders in meinem Land., Brescia (in Norditalien), das ursprünglich das Epizentrum der Krankheit in Europa war. Die Erinnerung an den wunderbaren Zuspruch des mallorquinischen Publikums half mir, darüber hinwegzukommen., Daher habe ich den großen Wunsch, dieses leidenschaftliche Publikum wieder zu treffen, mit einer Rolle, die so anders ist als die von vor zwei Jahren, und in einem so schönen Land wie dem der Balearen; Singen in Spanien ist immer eine große Freude: Ich liebe dein Publikum, zu seinen fantastischen Theatern, Lebensmittel, die Menschen und die wunderschönen Landschaften", kommt zu dem Schluss. Produktion Hoffmanns Erzählungen (8, 10 und 12 Juni) Die Bühnenregie stammt von Vincent Huguet und die musikalische Leitung von der chinesischen Lehrerin Yi-Chen Lin..

Annalisa Stroppa konzentriert einen großen Teil ihrer Karriere auf das Belcanto-Repertoire (Rossini, Donizetti, Bellini) und in der französischen Romantik, aber bei seinen nächsten Verpflichtungen öffnet er sich dem ersten Verdi und seiner Preziosilla (La forza del destino beim Verdi-Festival in Parma) und sie wird auch ihre erste Laura spielen La Gioconda, von Ponchielli, in Verona. All dies vor dem wichtigen Debüt mit Léonor de Guzmán, der Stern zu den Favoriten beim Donizetti-Festival in Bergamo, der wichtigste Wettbewerb der Welt, der dem italienischen Komponisten gewidmet ist.

Marion Cotillard

zwischen den Tagen 7 und 17 Juni, Royal Theatre Angebot 8 Funktionen einer neuen Koproduktion mit der Oper Frankfurt, als eine Kantate Die auserwählte Jungfrau (die gesegnete Jungfrau), von Claude Debussy (1862-1918) -mit Libretto des englischen Dichters und Malers Dante Gabriel Rossetti (1828-1882)- und das dramatische Oratorium Jeanne d'Arc auf dem Spiel (Jeanne d'Arc auf dem Scheiterhaufen), von Arthur Honegger (1892-1955), mit Autorenlibretto Paul Claudel (1868-1955). Marion Cotillard

Die beiden Werke werden ohne Pause präsentiert, mit Dramaturgie und Inszenierung von Alex Olle (La Fura dels Baus), in einer einzigartigen Umgebung konzipiert von Alfons Flores, mit Figur von Luke Schlösser, Beleuchtung Joachim Klein und Urs Shönebaum und Video Franc Aleu.

Erstellt im Auftrag des Tänzers, französisch-ukrainische Schauspielerin und Mäzenin Ida Rubinstein (1885-1960), Jeanne d'Arc auf dem Spiel uraufgeführt in konzertanter Fassung in 1938. jedoch, die Gräueltaten des Nationalsozialismus und die Besetzung Frankreichs führten dazu Paul Claudel und Arthur Honegger um später einen Prolog hinzuzufügen, der die Tragödie von Jeanne d'Arc im Hundertjährigen Krieg und die brutale deutsche Expansion im Zweiten Weltkrieg klarer verband.

Diese zweite Version, mit Prolog u 11 Szenen, veröffentlicht in 1946, Es ist derjenige, der im Königlichen Theater zu sehen sein wird. es, Jeanne d'Arc (Marion Cotillard), auf dem Scheiterhaufen, der sie verbrennen wird, erinnert sich ungeordnet an Momente seines Lebens im Double Rückblende durch die eine Reihe verzerrter Charaktere paradieren: ein Richterschwein, ein Staatsanwalt-Esel, eine Jury aus Schafen, eine lärmende Masse bestialisierter Männer, sondern auch die Jungfrau, Heilige und Kinder.

Musik, mit einer originalen Orchestrierung, die zwei Klaviere umfasst, drei Saxophone, ondas martenot, etc.- es passiert wie ein Mosaik von Sprachen, Stile und Einflüsse, die von gregorianischen Gesängen und Kontrapunkt bis hin zu Folk- und Jazz-inspirierten Melodien reichen, ohne Dissonanzen zu vermeiden, mit einem Chorsatz von großer Komplexität und dramatischer Kraft.

Alex Olle begreift Produktion als Dystopie, mit einer Welt, die von denselben entmenschlichten Horden verwüstet wurde, die Europa im 15. Jahrhundert von Jeanne d'Arc verwüstet haben, im 20. Jahrhundert von Claudel und Honegger und im 21. Jahrhundert, über uns hinaus: ein Universum aus manipulativen Bestien und geselligem Gesindel, aus dem nur der Tod kommt, Spiritualität und Glaube können uns befreien. Diese immaterielle und transzendente Ebene, wo die Jungfrau und die Heiligen wohnen -dargestellt, in der Dekoration von Alfons Flores, in der oberen Bühnenhälfte- es ist auch das himmlische Reich, wo Die auserwählte Jungfrau, die gesegnete Jungfrau, warte auf ihren Geliebten, der noch in der realen Welt lebt, für, nach dem Tod, Begleite sie in die Ewigkeit der Liebe. Dieses immaterielle Universum, von Ruhe und Gelassenheit, es ist dasselbe, was Jeanne d'Arc jenseits des Scheiterhaufens und des vernichtenden Feuers erwartet, vereint die beiden Protagonisten wie das Diptychon eines Altarbildes.

Die Kantate von Claude Debussy, erinnert an die transzendentesten und ätherischen Passagen von Richard Wagner, wird die Sopranistin in der Hauptrolle spielen Camilla Tilling, Mezzosopran Enkelejda Shkosa und ein Chor aus Frauenstimmen, die Fragmente des symbolistischen Gedichts singen Die Gesegneten Damozel, von Dante Gabriel Rossetti, der auch das Porträt der Heldin malte (derzeit im Fogg Art Museum an der Harvard University).

Das flüchtige Ende von Die auserwählte Jungfrau weicht dem düsteren Prolog von Jeanne d'Arc auf dem Spiel, hergestellt von Marion Cotillard, neben dem Schauspieler Sebastian Dutrieux (Fray Dominique), las Soprane Sylvia Schwartz (die Jungfrau) und Elena Copons (Margerite), Mezzosopran Enkelejda Shkoza (Katharina), der Tenor Karl Arbeiter (Schwein), Bassbariton Torben Jügens (Herold), die Schlagzeilen Chor und Orchester des Teatro Real und Kleine Sänger von JORCAM, unter der musikalischen Leitung von juanjo Mena.

Jeanne d'Arc auf dem Spiel im Königlichen Theater aufgeführt, in Konzert, in 1971 -mit Claude Nollier, mit dem RTVE Chor und Orchester unter der Leitung von Odón Alonso- und 1978, mit Schauspielerin Lilliane Becker in der Titelrolle, zusammen mit dem National Orchestra of Spain und dem Orfeón Pamplonés unter der Leitung von Pedro Pirfano. Jetzt ankommen, zuerst, mit einer Bühnenfassung, die zeigt, wie Barbarei und Kriegshitze weiterhin das große Theater der Welt verwüsten.

Königliche Theaterpreise

Der spanische Bariton Carlos Alvarez und der amerikanische Tenor Michael Fabiano; Der italienische Dirigent Nicola Luisotti; deutscher Bühnenmeister Christof Loy und die lettische Sopranistin Marina Rebeka, sind die künstlerischen Preisträger des erste Ausgabe der Auszeichnungen Teatro Real, das wird als nächstes geliefert 6 Juni in einer Gala mit der spanischen Mezzosopranistin Silvia Tro Santafé.

Diese Auszeichnungen kommen zu den bereits angekündigten hinzu, in der institutionellen Kategorie, an Jose Maria Alvarez-Pallete, José Bogas und Florentino Pérez, außer dem Arzt Santiago Moreno, Präsident des Royal Theatre Medical Committee.

Die Preise in der künstlerischen Kategorie werden vergeben an Christof Loy, Nicola Luisotti, Marina Rebeka, Carlos Alvarez und Michael Fabiano für seine großartige künstlerische Saison am Teatro Real. Die Artisten, Teil der "Großen Familie" des Königlichen Theaters, Mit ihrem Talent haben sie eine Reise in Welten geschenkt, die nur sie bauen können.

die nächste 6 Juni, zu 19.30 Stunden, das Königliche Theater wird liefern, bei einer besonderen Gala, die Auszeichnungen, dessen Ziel es ist, die Verdienste von Persönlichkeiten und Künstlern anzuerkennen, die mit der Realität verbunden sind und sich hervorgetan haben, auf besondere Weise, für ihre Unterstützung der Institution während der gesamten Saison 2020-2021.

dieses Mal, die Gala ist der verstorbenen Mezzosopranistin Teresa Berganza gewidmet, Ehrenpatron des Theaters, dessen Abdruck in einigen der für das Konzert ausgewählten Stücke vorhanden sein wird.

die Unterscheidungen, in zwei Kategorien unterteilt, institutionell und künstlerisch, mit einer Berufung zur Kontinuität geboren. Der Preis ist ein großartiges Werk des Bildhauers Christina Iglesias, Großzügig von dem großen Künstler für das Königliche Theater angefertigt.

Lara Diloy
Lara Diloy, Natürlichkeit, ein Orchester zu leiten

Lara Diloy empfand das Dirigieren des Orchesters als die beste Möglichkeit, sich mit ihrer größten Leidenschaft zu verbinden, Musik. Als Regieassistentin ist sie ein Garant für Theater und Chefregisseure.. Und wir konnten es kürzlich verifizieren, Leitung einiger Aufführungen der Oper Don Gil de Alcalá am Teatro de la Zarzuela. Sein Selbstvertrauen und seine Haltung vor einem Orchester zeigen uns, dass wir es mit einem der neuen Dirigiertalente unseres Landes zu tun haben. Die Zukunft ist da.

Wie und wann haben Sie sich entschieden, Dirigent zu werden??

In meinem Fall war es eine natürliche Folge meiner Hingabe und Leidenschaft für die Musik. Schon als kleines Kind habe ich entdeckt, dass mich das Musizieren mit anderen Menschen sehr glücklich macht. Das Orchester war mein Zuhause, Deshalb hatte ich, als ich das höhere Hornstudium abgeschlossen hatte, das Gefühl, dass ich meine Ausbildung erweitern musste, um ein vollständigerer Musiker zu werden, die Option war, Orchesterdirigieren zu studieren, denn diese Disziplin ermöglichte es mir, mein Wissen zu vertiefen und gleichzeitig dem Orchester verbunden zu bleiben.

Wenn ich mich für einen Schlüsselmoment entscheiden muss, in dem ich mich entschieden habe, mich ihm beruflich zu widmen, nahm als junger Regisseur an einem JONDE-Treffen teil. Die Erfahrung erfüllte mich so sehr, dass ich im folgenden Jahr meinen Job als Lehrer und die Mitarbeit als Hornist in Orchestern aufgab., und seitdem widme ich mich mit Leib und Seele der Regie.

Der Dirigent ist der einzige Musiker, der keinen Ton von sich gibt, aber lass es alle anderen machen. Welche Eigenschaften sollte Ihrer Meinung nach ein Dirigent haben??

Es stimmt, dass wir keinen Schall direkt aussenden, aber ich werde darauf hinweisen, dass der Taktstock klingt (und viel). Das Orchester nimmt unsere Energie und unser Wissen über Musik wahr, und überträgt es als solches auf die Interpretation. Das ist die Magie des Dirigierens.

Die notwendigen Qualitäten sind vielfältig, da unsere Disziplin die Beherrschung vieler Facetten erfordert. Aber etwas, das ich für grundlegend halte, ist ein tiefes Wissen über die Musik, die Sie in Ihren Händen halten, Entscheiden Sie sich für Ihre Interpretationsidee und, Kurs, haben die Fähigkeit zu kommunizieren, um es jederzeit an die Gruppe vor Ihnen zu übermitteln.

Sie war mehrfach Regieassistentin am Teatro de la Zarzuela, aber dies ist das erste Mal, dass er den Titularlehrer in mehreren Funktionen ersetzen muss. obwohl, früher oder später kann diese Zeit kommen, Wie ist das?, was dir durch den kopf ging?

Es war wirklich ein unvergessliches Erlebnis. Obwohl man sich als Assistent bewusst ist, dass jederzeit etwas passieren kann und man den Lehrer ersetzen muss, passiert normalerweise nicht. Deshalb ist es schwierig zu wissen, wie Sie in einer solchen Situation reagieren werden..

In Don Gil de Alcalá musste ich in wenigen Stunden das Kommando übernehmen (Sie sagten mir um 15:00 Uhr und die Veranstaltung war um 20:00 Uhr.), und ich kann sagen, dass ich nur daran dachte, das zu tun, was ich tun musste: sei ruhig und direkt. Er kannte die Musik und die Produktion perfekt, und sie war auch von weitem und im ganzen Theater von der Lehrerin umgeben. Fantastische Energie wurde mit den Sängern erzeugt, Chor und Orchester, und diese Energie erreichte die Öffentlichkeit. Ich kann nur dankbar sein für diese Gelegenheit.

Obwohl er die Möglichkeit hatte, in wichtigen Theatern wie dem Auditorio Nacional de Música und dem Teatro Monumental Regie zu führen (Madrid), Alfredo Kraus Auditorium (Las Palmas) oder das Arriaga Theater (Bilbao), Wie war diese erste Erfahrung, das Orchester zu leiten?, der Chor und die Sängergruppe in einer Produktion, die so wichtig ist wie die von Don Gil de Alcalá im Teatro de la Zarzuela?

Es ist aus vielen Gründen ein ganz besonderes Debüt für mich. erste, denn mit dem Debüt am Teatro de la Zarzuela wird ein Traum wahr. Ich bin seit Jahren als Publikum dabei, Teilnahme an verschiedenen Produktionen und Arbeit mit Enthusiasmus, um direkt aus der Grube zu kommen.

Ich schätze mich sehr glücklich, dass es mit einem Titel wie Don Gil de Alcalá war, eine Penella-Oper mit wunderbarer Musik, in dieser Inszenierung von Emilio Sagi, die die Zuschauer begeistert (ist eine "Süßigkeit"). Hinzu kommt, dass er beruflich und menschlich Hand in Hand mit Maestro Macías und einer riesigen Besetzung gearbeitet hat, und musizieren mit dem Madrid Community Orchestra und dem Theaterchor, Gruppen, denen ich große Zuneigung entgegenbringe, Es ist pure Emotion, diese Erfahrung gemacht zu haben, daher wird es immer einen wichtigen Platz in meiner Erinnerung einnehmen.

Die Zahl des Regieassistenten ist nicht bekannt. Erklären Sie uns ein wenig, woraus es besteht und welche Bedeutung es in einer Produktion hat.

Die Arbeit des musikalischen Assistenten ist grundlegend innerhalb einer Produktion und, wie sagt man, wenig bekannt und anerkannt. Es ist die Verlängerung des Musiklehrers im Theater, und daher gewinnt diese Figur Bedeutung für alle Elemente, die sie bilden: Produktion, Herrschaft, IT-Abteilung, Orchester (Datei, Archiv, Inspektion, Musiker), Chor… Der Assistenzdirigent kümmert sich ua um die Aufbereitung der Materialien in Abstimmung mit dem Archiv des Orchesters, Gib den Sängern Notizen, zu Chor und Orchester, bei Proben den Waagen zuzuhören, ersetzt den Lehrer bei Bühnenproben (Lesungen, Sets und Funktionen, falls erforderlich)… Zusammen mit den Wiederholungslehrern bilden sie das musikalische Team und erleichtern die Arbeit des Direktors.

Wenn es interne Bänder gibt, übernimmt deren Regie, etwas, das ich in meinem Fall in Theatern wie dem Maestranza oder dem Palau de Les Arts machen musste. Das Arbeitspensum verlängert sich, wenn Sie für eine Saison musikalischer Assistent sind. von 2021 Ich habe diese Rolle an der Oper von Oviedo übernommen, wo ich auch musikalische Koordinationsaufgaben übernehme, die mit Langfristigkeit zu tun haben (Vorlage Prognose, Kortes, Arrangement des Orchesters und eines langen etc.)

Die Arbeit des Regieassistenten ist nicht nur in Produktionen wichtig, auch in symphonischen Konzerten oder lyrischen Galas. Ich war kürzlich zusammen mit Maestro Rovaris Assistent am Teatro Real, bei einer Gala mit Lisette Oropesa, und die Abstimmung mit dem Theaterarchiv und dem Lehrer zur Vorbereitung der Materialien war von grundlegender Bedeutung, um die Probenzeit maximal zu optimieren.

Neben Dirigieren, Sie ist Leiterin und Gründerin des Sinan Kay White Voices Choir., die wir in diesen Tagen bei der Teilnahme an Carmen hören konnten, Bizet, im Monumental Theatre mit dem RTVE Orchestra and Choir. Wie kam es zu diesem Projekt und was bedeutet es für Sie??

Sinan Kay ist ein sehr persönliches Projekt. Es stammt aus meiner Zeit als Lehrer, wo ich den Kinderchor des Zentrums, in dem ich arbeitete, leitete. Die Gruppe verschwand aus dem Programm und Eltern und Schüler wollten mit der Aktivität fortfahren. Sie wurde im Laufe des Studiums als Verein gegründet 2015/2016 und seitdem haben wir immer nach einem Gleichgewicht zwischen künstlerischer und pädagogischer Exzellenz gesucht.

Zusätzlich zu einem multidisziplinären Lehrteam, Wir haben an zahlreichen Wettbewerben und Festivals teilgenommen, mehrfach ausgezeichnet. Apropos Kooperationen, Wir haben in Produktionen des Teatro de la Zarzuela zusammen mit dem Orchester und Chor der Comunidad de Madrid und dem Chor des Theaters gesungen, wobei Titel wie Pinocchio hervorgehoben wurden, Die Wildkatze oder Mirentxu, und zusammen mit dem Orchester und Chor von Radio Televisión Española im Konzert der Könige von 2020 und in dieser Carmen. In der nächsten Saison haben wir wieder Verpflichtungen mit beiden Institutionen.

Seine Kenntnisse des symphonischen und Opernrepertoires sind sehr breit. Wenn Sie sich für eines der beiden entscheiden müssten, Dirigieren Sie lieber „nur“ Sinfonieorchester oder lieber Oper?

Seither spiele ich im Orchester 12 Jahre alt. Das symphonische Repertoire hat mich immer begleitet und mich als Musiker wachsen lassen. Ich konnte mir nicht vorstellen, mich dem Dirigieren eines Orchesters zu widmen und dieses Repertoire beiseite zu lassen. sogar so, Ich denke, dass ich in der lyrischen Welt meinen Platz finde. Ich fühle mich wohl und mein hohes Engagement der letzten Jahre zahlt sich aus. Sie arbeiten mehrere Wochen an einer Produktion, es bleibt mehr Zeit, sich mit der Musik zu beschäftigen und die Leute kennenzulernen, mit denen man arbeitet, und dieser Teil lässt mich das Gleichgewicht in Richtung Oper und Zarzuela kippen, obwohl ich beides kombinieren möchte.

Sie haben gesagt, dass Frauen in die Orchesterleitung kommen, um Ihnen eine andere Sichtweise zu vermitteln, bereichern… was dir gehört?, Was schlägt Lara Diloy vor??

natürlich, Ich empfinde die Aufnahme neuer Profile in jedem Bereich als Bereicherung. Auch wenn mein Beitrag vielleicht nicht neu ist, ja ich denke das ist selten: den Beruf natürlich behandeln (Wir sind Menschen, die bereit sind, eine komplexe Aufgabe zu erledigen, aber nicht "divos" oder ähnliches), mit Führung, die auf Teamarbeit basiert und andere zum Leuchten bringt, und Suche nach Exzellenz aus der Liebe zur Musik und dem Respekt und der Zuneigung für die Menschen, die mich bei jedem Projekt begleiten.

Gibt es Regisseure, zu denen Sie besonders aufschauen oder die Sie inspirieren??

Im letzten Jahr hatte ich das Glück, mit wunderbaren Lehrern zu arbeiten.: Yves Abel, Corrado Rovaris, Ramón Tebar, Gianluca Marciano, Lucas Macías, Ivan Lopez-Reynoso, Daniele Callegari… Ich habe viel von ihnen gelernt und sie sind täglich meine größte Inspirationsquelle.

Auch Óliver Díaz habe ich viel zu verdanken, mit denen ich schon lange zusammenarbeite, die sich durch ihre Professionalität und menschliche Größe auszeichnet. auch, Ich folge spanischen Regisseuren oder solchen, die in Spanien Karriere machen, wie Pablo González oder Dima Slobodeniouk, da sie sehr talentierte Musiker sind.

Wie für große Namen in der Geschichte, Carlos Kleiber ist eine Referenz, die ich immer im Kopf habe. Und auch Frauen wie Marin Alsop oder Susanna Mälkki, die Pioniere waren und uns den Weg geebnet haben.

Gibt es einen Komponisten oder ein Werk, bei dem Sie besonders gerne Regie führen und warum??

Ich fühle mich sehr wohl dabei, spanisches Repertoire zu leiten, sowohl lyrisch als auch symphonisch, und auch mit Musik von Komponisten wie Mozart und Beethoven. Vielleicht, weil sie die Säulen meiner Ausbildung als Musiker waren und an der DNA festhalten. sogar so, Jedes Mal baue ich mehr Repertoire ein und, auch wenn es klischeehaft klingt, Ich bemühe mich, dass die Arbeit, die ich in jedem Moment interpretiere oder studiere, die wunderbarste der Welt ist.

Sicherlich erfüllen Sie sich bereits einen Ihrer Träume. Wo würden Sie sich gerne in nicht allzu langer Zeit sehen??, Wovon träumst du?

Das Wichtigste wird getan, Was ist es, vom Dirigieren eines Orchesters leben zu können?. Von da an möchte ich mich immer weiter verbessern und verbessern., festige meine Karriere in spanischen Theatern und Orchestern, und starten Sie mit einer internationalen Karriere durch.

Achilles neue Saison Teatro Real

die Saison 2022-2023 des Königlichen Theaters beginnt im Zeichen von OrfeoOrpheus, de Philip Glass, ist wird in Spanien uraufgeführt die nächste 21 September in den Canal Theatres- und sein Zauber wird die ganze Saison über reisen, mit Präsentation von L'Orfeo, von Claudio Monteverdi u Orfeo ed Euridice, de Christoph Willibald Gluck.

Aufgrund der aufwendigen Renovierungsarbeiten am Boden des Bühnenbereichs, nach 25 Jahren maximaler und ununterbrochener Nutzung, die offizielle Saisoneröffnung 2022-2023 wird die 24 Oktober, mit der Wiederbelebung des Spektakulären Aida, de Giuseppe Verdi, konzipiert und renoviert von Hugo de Ana, unter der musikalischen Leitung von Nicola Luisotti.

erneut, die Königliche Theatersaison, mit einer Vielzahl von Epochen und Stilen, Tour fünf Jahrhunderte musikalischen Schaffens [siehe Tabelle unten] und besteht aus 18 arbeitet in der Sektion Oper, 4 Programme von DANCE, 15 KONZERTE 4 Voces del Real, 3 lyrische Konzerte, 2 Gala und 6 Zyklus Konzerte Kammer Sonntage-. Abgeschlossen wird mit 9 Shows für Kinder und Jugendliche eingerahmt EL REAL JUNIOR, Neben 9 Kinderworkshops Jeder an den Gayarre!

von der 18 Titel von Oper, 8 sind neue Koproduktionen des Teatro Real, 2 es sind Wiederholungen; 2 es sind Gastproduktionen; 2 wird in einer halbszenischen Version sein und 4, in Konzert [siehe Tabelle unten].

Das Königliche Theater präsentiert 9 neue Titel die noch nie in ihrer Geschichte präsentiert wurden, einschließlich 3 Premieren in Spanien Orpheus, de Philip Glass; Nixon in China, John Adams und Anti-Formalist Rayok, von Dmitri Schostakowitsch- und 3 Premieren in Madrid: Arabella, Richard Strauss; die Bühnenversion von Nase, von Dmitri Schostakowitsch; und Dialoge von Tirant und Carmesina, Joan Magrane.

die 8 neue Koproduktionen des Teatro Real, 5 Es sind Produktionen, die zuerst in Madrid und später in den anderen Koproduzententheatern gezeigt werden.: Orpheus, de Philip Glass; La Sonnambula, de Vincenzo Bellini; Dido und Aeneas, Henry Purcell; Achilles in Skyros, Francesco Brusa; e Das türkische in Italien, de Gioachino Rossini.

In seinem Engagement für Erholung des spanischen Oper Erbe, das Teatro Real präsentiert zwei barocke Stücke aus dem 18. Jahrhundert, uraufgeführt während der Regierungszeit Philipps V: Oper Achilles in Skyros, von Francesco Corselli und der Zarzuela Coronis, Sebastián Durón, dann Meister der Königlichen Kapelle von Madrid.

   OPER DER JAHRESZEIT

 

Neue Koproduktionen

 

 

 

 

 

 

 

Produktionen

Gäste

 

Wiederholungen

 

Versionen

halb inszeniert

 

Versionen von

Konzert

 

 

Orpheus*, de Philip Glass | Premiere in Spanien

La Sonnambula*, de Vincenzo Bellini

Dido und Aeneas*Henry Purcell

Arabella, Richard Strauss | Premiere in Madrid

Achilles in Skyros*, Francesco Brusa

Nasevon Dmitri Schostakowitsch | Premiere in Madrid (Bühnenversion)

Nixon in China, de John Adams | Premiere in Spanien

Das türkische in Italien*, de Gioachino Rossini

 

L'Orfeo, de Claudio Monte

Dialoge von Tirant und Carmesina, Joan Magrane | Premiere in Madrid

 

Aidade Giuseppe Verdi

Turandot, Giacomo Puccini

 

Tristán e Isolda, Richard Wagner

 Anti-Formalist Rayok, von Dmitri Schostakowitsch | Premiere in Spanien

 

Meister Pedros Puppenspiel, Manuel de Falla 

Tolomeo, König von Ägyptendie Georg Friedrich Händel

Coronis, Sebastián Durón(Konzertversion)

Orpheus und Eurydike, de Christoph Willibald Gluck

*Premiere der Produktion vor dem Kinostart in den Koproduzenten-Kinos

              OPER IN CHRONOLOGISCHER REIHENFOLGE DER SCHÖPFUNG

XVII Jahrhundert

 

 

Jahrhundert XVIII

 

 

XIX Jahrhundert

 

 

 

Zwanzigstes Jahrhundert

 

 

 

 

 

 

 XXI Jahrhundert

 

 

                      

1607 – L'Orfeo, de Claudio Monte

1689 – Dido und AeneasHenry Purcell

16...* – Coronis, Sebastián Durón

1728 – Tolomeo, König von Ägypten, die Georg Friedrich Händel

1744 – Achilles in Skyros, Francesco Brusa

1762 – Orpheus und Eurydike, de Christoph Willibald Gluck

1814 – Das türkische in Italien, de Gioachino Rossini

1831 – La Sonnambula, de Vincenzo Bellini

1865 – Tristán e Isolda, Richard Wagner

1871 – Aidade Giuseppe Verdi

1923 – Meister Pedros Puppenspiel, Manuel de Falla 

1926 – Turandot, Giacomo Puccini

1930 – Nasevon Dmitri Schostakowitsch

1933 – Arabella, Richard Strauss

1987 – Nixon in China, de John Adams

1989 – Anti-Formalist Rayok, von Dmitri Schostakowitsch

1993 – Orpheus, de Philip Glass

2019 – Dialoge von Tirant und Carmesina, Joan Magrane

* unbekanntes Veröffentlichungsdatum

Zum ersten Mal in der Geschichte des Teatro Real

die Theater Canal Sie werden Gastgeber sein 3 Produktionen –Orpheus, de Philip Glass; Dialoge von Tirant und Carmesina, Joan Magrane; und Dido und Aeneas, Henry Purcell- und Circulo de Bellas Artes präsentiert Anti-Formalist Rayok, von Dmitri Schostakowitsch.

in Regie Höhepunkte, die nächste Saison, das Vorhandensein von 4 Frauen: Mariame Clement (Achilles in Skyros), Barbara Lluch (La Sonnambula), Sasha Waltz (L'Orfeo) und Blanca Li (Dido und Aeneas), die letzten beiden auch Choreografen.

Sie kehren zum Royal zurück Christof Loy (Arabella), Laurent Pelly (Das türkische in Italien), Bob Wilson (Turandot), Barrie Kosky (Nase), John Fulljames (Nixon in China), Justin Way (Tristán e Isolda), Rafael Villalobos (Orpheus) und Hugo de Ana (Aida) und Debüt Marc Rosich (Dialoge von Tirant und Carmesina) und Johannes Stepanek (Anti-Formalist Rayok), zusätzlich zu den genannten Mariame Clement, Barbara Lluch und Blanca Li.

Hier eintreten Musikrichtung eine prominentere Präsenz haben, wie immer, Ivor Bolton (Achilles in Skiros und Nixon in China) und Nicola Luisotti (Aida und Turandot).

Sie kehren zum Royal zurück Semyon Bychkov (Tristán e Isolda), Maurizio Benini (La Sonnambula), Daniel Oren (Aida), David Afkam (Arabella), Mark Wigglesworth (Nase), Diego García Rodríguez (Aida), Jordi Französisch (Orpheus) und Francisco cisco~~POS=HEADCOMP Prat (Dialoge von Tirant und Carmesina) und, mit Gastorchestern, Pablo Heras-Casado (Meister Pedros Puppenspiel), William Christie (Dido und Aeneas), René Jacobs (Orfeo ed Euridice), Vicent Dumestre (Coronis) und Francesco Corti (Tolomeo, König von Ägypten).

Sie debütieren in Real Giacomo Sagripanti (Das türkische in Italien) und Leonardo García Alarcón (L'Orfeo), este con la Freiburger Barockorchester.

Sechs Orchester und zwei Gastchöre wird an der Saison teilnehmen: die Freiburger Barockorchester und Gesangskonsort Berlin in L'Orfeo, de Claudio Monte; Les Arts Florissants in Dido und Aeneas, Henry Purcell; die Orquesta Barroca de Sevilla in Achilles in Skyros, Francesco Brusa; die Mahler Chamber Orchestra in  Meister Pedros Puppenspiel und Konzert für Cembalo, Manuel de Falla, und in der Suite Pulcinella, von Igor Stravisnki; Il Pomo d'Oro in Tolomeo, König von Ägypten, die Georg Friedrich Händel; Das harmonische Gedicht in Coronis, Sebastián Durón; und Freiburger Barockorchester und RIAS Kammerchor in Orfeo ed Euridice, de Christoph Willibald Gluck.

die Titular Chor des Teatro Real, unter der Leitung von Andrés Máspero, und Leiter des Royal Theatre Orchestra, mit seinem Titeldirektor, Ivor Bolton, die ein wachsendes nationales und internationales Ansehen genießen, wird an einem Großteil des Programms teilnehmen, Bindungen zu Ihren Gast-Chefdirigenten festigen, Nicola Luisotti und Pablo Heras-Casado.

Parallel zu den Titeln der Saison läuft ein ambitioniertes Programm an PARALLEL AKTIVITÄTEN -Filmzyklen, Ausstellungen, Konzerte, Konferenzen, Kurse, Tafelberge runden, Workshops, Besuche geführt, Aktivitäten für Kinder, etc.- organisiert im Teatro Real und bei Zusammenarbeit mit 28 Kultureinrichtungen (in alphabetischer Reihenfolge):  Víctor Espinós Musikbibliothek (Graf Herzog), National Library of Spain, Regionalbibliothek von Madrid Joaquín Leguina, British Council, Haus Asien, Haus von Amerika, Circulo de Bellas Artes, Spanische Filmbibliothek Cine Doré, Schäfer Stiftung, SGAE-Stiftung, Instituto Cervantes, Italienisches Kulturinstitut Madrid, Internationales Institut, Archäologisches Nationalmuseum, Museo Cerralbo, Madrider Geschichtsmuseum, Städtisches Museum für Zeitgenössische Kunst von Madrid, Museo Reina Sofía, Nationales Museum für dekorative Kunst, National Museum der Romantik, Nationalmuseum Thyssen-Bornemisza, Naval Museum, Nationalerbe, Königliches Musikkonservatorium von Madrid, Kooperationsnetzwerk Routen von Carlos V, Studentenwohnheim, Equis Hall und Universität Nebrija.

Das Theater arbeitet weiterhin hart daran, junges Publikum anzuziehen und zu halten, mit einer Reihe von Initiativen in seinem Programm DAS ECHTE JUNGE und Einrichtungen und Privilegien, die ihnen gewährt werden Junge Freunde, deren Zahl weiter wächst.

Die nächste Saison wird organisiert 4 Junge Vorschauen für Kinder 35 Jahren und werden weiterhin die Vorteile und Rabatte beim Kauf von Lokalitäten durch die junge Sessel oder die Städte von Last Minute.

die OPERWOCHE, mit seinen Sendungen und populären Aktivitäten zur Verbreitung der Oper, und KÖNIGLICHE WAGEN, eine reisende Bühne, die immer bereit ist, Kammerkonzerte in verschiedenen Teilen des Landes anzubieten, sind zwei der herausragendsten Projekte des Programms ROYAL THEATER NAHE BEI ​​DIR, gültig bis Saisonende.

Neben seinem künstlerischen Programm, das Teatro Real verstärkt weiterhin den Dialog mit anderen Musikrichtungen, Co-Produktion in den Sommermonaten die UNIVERSAL MUSIC FESTIVAL  und, während der ganzen Saison, Tanz- und Gesangsdarbietungen REAL FLAMENCO, die donnerstags und freitags in seinem Ballsaal stattfinden.

Das Teatro Real wird die nationale und internationale Verbreitung seines Programms durch neue Aufnahmen und Live-Übertragungen weiter steigern MEIN OPERSPIELER, dessen Katalog durch die regelmäßige Hinzufügung neuer Angebote von mehr als ständig wächst 50 Theater und Auditorien auf der ganzen Welt. Kürzlich, innerhalb der Plattform, a Raum, der ausschließlich dem Flamenco gewidmet ist, mit eigener Registerkarte, um die Verbreitung dieser spanischen Kunst an ein neues Publikum auf der ganzen Welt zu fördern.

OPERA-ZEITPLAN

Orpheus, de Philip Glass | Premiere in Spanien | Produktionspremiere | Premiere am Königlichen Theater

Neue Produktion von Teatro Real und Kanaltheater.

Veröffentlicht in 1993, diese Kammeroper Philip Glass, mit Text von Jean Cocteau, ist ein Abschiedslied des französischen Dichters an seine junge Geliebte und, ein halbes Jahrhundert später, vom Komponisten zu seinem Partner.

Rafael Villalobos, die mit der Uraufführung von triumphierte Marie, von Germán Alonso, in der vergangenen Saison, wird das herzzerreißende Duell von Orpheus und seinen Weg zur Befreiung inszenieren, mit der Komplizenschaft einer meist spanischen Doppelbesetzung, unter der Leitung von Jordi Französisch, vor dem Leiter des Royal Theatre Orchestra.

21 September – 25 September | 5 Funktionen | 2 Lieferungen | Theater Canal 

Aida, Giuseppe Verdi | Ersatz

Royal Theatre Produktion in Koproduktion mit der Abu Dhabi Music and Arts Foundation, basierend auf der Originalproduktion des Royal Theatre of 1998.

Aida eröffnet die lyrische Saison des Teatro Real, vorangestellt von a Jugendvorschau Moll 35 Jahre alt, die 21 Oktober.

Die erneuerte Produktion konzipiert von Hugo de Ana in 1998 kehrt unter der unfehlbaren Leitung von zurück Nicola Luisotti, wer wird sich in der Grube mit abwechseln Daniel Oren und Diego García Rodríguez vor Schlagzeilen Chor und Orchester des Teatro Real.

Drei Abgüsse von verdischen Sternen gingen voran, in der Titelrolle, von Krassimira Stoyanova, Maria Agresta, Roberta Mantegna und Anna Netrebko, wird in der wechseln 20 Vorstellungen, an denen sie auch teilnehmen werden, unter anderem, Piotr Beczala, Jorge de León, Carlos Alvarez, Artur Ruciński, Jamie Barton und Sonia Ganassi.

24 Oktober – 14 November | 20 Funktionen | 3 Abteilung

L'Orfeo, de Claudio Monte | Gastproduktion

Sasha-Walzer-Produktion & Gäste, in Zusammenarbeit mit der Niederländischen Nationaloper Amsterdam, el Gran Théâtre du Luxemburg, das Bergen International Festival und die Opéra de Lille.

der Choreograf Sasha Waltz, präsentiert im Teatro Real, in 2019, ihre Version Dido und Aeneas, Henry Purcell, kehrt mit einer neuen choreografischen Ritualzeremonie zurück, erinnert an die Feste der Vorfahren, in einer bereits ikonischen Produktion, die in mehreren europäischen Theatern und Festivals triumphierte. argentinischer Musikdirektor Leonardo García Alarcón debütiert am Teatro Real mit einer Besetzung von Sängern aus dem Barockuniversum, durch die Gesangskonsort Berlin und die Freiburger Barockorchester.

20 November – 24 November | 4 Funktionen | 1 Abteilung

Dialoge von Tirant und Carmesina, Joan Magrane | Premiere in Madrid | Premiere am Königlichen Theater | Gastproduktion

Produktion der Pocket Opera und New Creation, das Gran Teatre del Liceu in Barcelona und das Castell de Peralada Festival.

Basierend auf dem Ritterroman Tirant lo Blanc, von Joanot Martorell, Komponist Joan Magrané und der Librettist und Bühnenmeister Marc Rosich haben eine Kammeroper als mittelalterlichen 'Liebeskampf' geschaffen, die in einer Lichtinstallation von stattfindet Jaume Plensa, wo die drei Protagonisten Liebe und Herzschmerz beschönigen, zusammen mit Solisten aus dem Leiter des Royal Theatre Orchestra, unter der Leitung von Francisco cisco~~POS=HEADCOMP Prat.

23 November - 27 November | 4 Funktionen | 1 Abteilung | Theater Canal

La Sonnambula, de Vincenzo Bellini | Produktionspremiere

Neue Produktion von Teatro Real in Koproduktion mit dem New National Theatre Tokyo, das Gran Teatre del Liceu in Barcelona und das Teatro Massimo di Palermo.

Nadine Sierra und Xabier Anduaga, und Jessica Pratt und Lawrence Brownlee, leitet die beiden Besetzungen, die Bellinis Oper auf die Bühne des Real bringen werden, Ikone des romantischen Belcantismo, im klaren Sehen, modern und feministisch Barbara Lluch, der am Teatro Real als Regisseur debütierte, nach mehr als einem Jahrzehnt fleißiger Zusammenarbeit als Assistent. Maurizio Benini, vor Schlagzeilen Chor und Orchester des Teatro Real, übernimmt die musikalische Leitung der Oper, mit der Ernsthaftigkeit und Eleganz, die diese Art von Repertoire erfordert.

15 Dezember – 6 Januar | 13 Funktionen | 2 Lieferungen

Dido und Aeneas, Henry Purcell | Produktionspremiere

Neue Produktion von Teatro Real und Kanaltheater, in Koproduktion mit der Opéra Royal de Versailles, Gran Teatre del Liceu in Barcelona, Kaiserliches Theater von Compiègne und Les Arts Florissants.

Dieses untröstliche Lied einer Königin, die von ihrem Geliebten verlassen wurde, Englisches Barockjuwel, Es wurde veröffentlicht in 1689 en una ‚Schule für Mädchen‘, sehr inspirierende Situation, sich der Oper aus dem weiblichen Universum der großen Choreografin zu nähern Blanca Li, der für die Inszenierung von Purcells Oper verantwortlich sein wird, Zählen Sie dabei auf die Vielseitigkeit und Beherrschung von Les Arts Florissants, mit William Christie in Richtung musical.

17 Januar – 22 Januar | 5 Funktionen | 1 Abteilung | Theater Canal 

Arabella, Richard Strauss | Premiere Madrid | Premiere am Königlichen Theater

Neue Produktion von Teatro Real von der Oper Frankfurt.

Komm zurück Christof Loy mit einem Titel von Richard Strauss nach seinem Erfolg Capriccio, in 2019, wieder mit einer Produktion voller interpretatorischer Texturen, die zwischen den realen und spektralen Charakteren übergeht, Erforschung der Hintergründe einer glamourösen und poetischen Komödie, aber auch verstörend und tragisch.
David Afkham, Chefdirektor von ONE, wird in die Grube des Königlichen Theaters zurückkehren, Leitung einer Chorbesetzung unter der Leitung der Sopranistin Sara Jakubiac und Schlagzeilen Chor und Orchester des Teatro Real.

24 Januar – 12 Februar | 7 Funktionen | 1 Abteilung

Achilles in Skyros, Francesco Brusa | Produktionspremiere | Premiere am Königlichen Theater | Wiederherstellung des spanischen Musikerbes

Neue Produktion von Teatro Real in Koproduktion mit dem Theater an der Wien.

Ivor Bolton führt die Wiederherstellung dieser unbekannten Oper des spanischen Barocks, vor dem Orquesta Barroca de Sevilla, die Titular Chor des Teatro Real und eine Besetzung unter der Leitung des Countertenors Franco Fagioli, der den Transvestiten Achilles spielt, als seine Mutter ihn als Frau verkleidet und auf die Insel Skyros schickt, um seine Teilnahme am Trojanischen Krieg zu verhindern.

Mariame Clement bringt das Grundstück in den Hof von Philipp V, unter Beteiligung der Infantin María Teresa Rafaela, dessen Verlobung mit dem Dauphin von Frankreich, Sohn des Sonnenkönigs, wurden mit dieser Oper gefeiert.

17 Februar - 25 Februar | 5 Funktionen | 1 Abteilung

Meister Pedros Puppenspiel und Konzert für Cembalo, Manuel de Falla| Suite Pulcinella, von Igor Strawinsky | Konzertversion

Pablo Heras-Casado, an der Spitze des Prestige Mahler Chamber Orchestra, mit denen Sie regelmäßig zusammenarbeiten, wird das Volkstheater des Goldenen Zeitalters mit dem Mosaik von Cervantine heraufbeschwören Manuel de Falla inspiriert von den Missetaten von Maese Pedro, und wird das burleske und pompöse Universum der erkunden Komödie Kunst, über Igor Strawinsky.

18 Februar | 1 Funktion

Nase, von Dmitri Schostakowitsch | Uraufführung in Bühnenfassung in Madrid | Premiere am Königlichen Theater

Neue Produktion von Teatro Real, in Zusammenarbeit mit dem Royal Opera House, la Komische Oper Berlin y Opera Australia.

Die überfließende und respektlose Vorstellungskraft von Barrie Kosky -Bekannt durch die Real-Öffentlichkeit für seine erfolgreiche Version von Die Zauberflöte im Animationsfilm- zeigt sich in dieser überraschenden und bissigen Oper von Schostakowitsch, wofür mehr als 80 Charaktere, die in die groteske Welt eines verbitterten Bürokraten eintauchen, gespielt von Martin Winkler. Die Besetzung, meist slawisch, wird die Teilnahme von haben Anne Igartiburu in der Rolle des TV-Moderators.

Die musikalische Leitung wird aus dem Englischen sein Mark Wigglesworth, wer leitet die Chor- und Orchesterinhaber des Teatro Real nach dem Erfolg, in 2018, mit Dead Man Walking, de Jake Heggie.

13 März – 30 März | 7 Funktionen | 1 Abteilung

Anti-Formalist Rayok, von Dmitri Schostakowitsch | Premiere in Spanien | Premiere am Königlichen Theater | Oper in halb inszenierter Konzertversion

Diese groteske kleine Kammeroper, marginal y maldita verwebt Fragmente vermeintlich grotesker Reden sowjetischer Behörden mit Volksmusik und Beschwörungen von Militärmärschen, in einer unverhohlenen Kritik am kommunistischen Regime, die dazu führte, dass die Partitur bis nach dem Tod des Komponisten verschwiegen wurde. Es wird als Ergänzung präsentiert Nase, in halbszenischer Version von Johannes Stepanek, mit Sängern aus Titular Chor des Teatro Real, niedrig Alexander Teliga und eine Instrumentalgruppe mit Judith Jáuregui das Klavier.

26 März | 1 Funktion | Circulo de Bellas Artes

Nixon in China, de John Adams | Premiere in Spanien | Premiere am Königlichen Theater

Neue Produktion von Teatro Real in Koproduktion mit der Kopenhagener Den Kongelige Opera und der Scottish Opera.

Das Teatro Real führt diese klassische Oper in Spanien urauf John Adams, das den Besuch des Präsidenten der Vereinigten Staaten nachbildet, Richard Nixon, ein China, in 1972, unter dem zeremoniellen Größenwahn der Maoisten, mitten im Kalten Krieg.

In der Partitur werden Arien artikuliert, duos, Konzertanten, Chor und Ballett, Nachahmung der Operntradition des 19. Jahrhunderts mit einer klaren Kritik an den Utensilien der Macht, unterstreicht die Inszenierung von John Fulljames.

Die musikalische Leitung ist von Ivor Bolton, vor Schlagzeilen Chor und Orchester des Teatro Real und eine Besetzung, von der sie ein Teil sind Leigh Melrose, Sarah Tynan, Jacques Imbrailo, Alfred Kim, Audrey Luna und vielleicht Borja, unter anderem.

17 April – 2 mayo | 7 Funktionen | 1 Abteilung

Tolomeo, König von Ägypten, die Georg Friedrich Händel | Oper in Konzertversion

Die Präsentation der fabelhaften Opernproduktion von HändeI wird in den Spielzeiten des Teatro Real fortgesetzt. nach Alcina (2015), Rodelinda (2017), Ariodante (2018), Agripina (2017) und Parthenope (2021), Retouren

Tolomeo, König von Ägypten -angeboten in 2009- mit einer auf Barock spezialisierten Besetzung unter der Leitung des Countertenors Jakub Jósef Orlinski, neben dem Orchester Il Pomo d'Oro, mit musikalischer Richtung Francesco Corti.

23 April | 1 Funktion

Tristán e Isolda, Richard Wagner | Oper in halb inszenierter Konzertversion

Dieses Meisterwerk aller Zeiten, Quelle unerschöpflicher musikalischer und philosophischer Analyse, und von emotionalen und transzendentalen Höhenflügen, kehrt mit einer Luxusbesetzung zurück, mit Andreas Schager und Ingela Brimberg in den Titelrollen und Schauspielregie von Justin Way.

Semyon Bychkov übernimmt die musikalische Leitung an der Spitze des Schlagzeilen Chor und Orchester des Teatro Real.

25 April und 6 mayo | 4 Funktionen | 1 Abteilung

Das türkische in Italien, de Gioachino Rossini | Produktionspremiere | Premiere am Königlichen Theater

Neue Produktion von Teatro Real in Koproduktion mit der Opéra de Lyon und dem New National Theatre Tokyo

Laurent Pelly wird dafür verantwortlich sein, dem Dichter Prosdocimo zu helfen, Stern Das türkische in Italien, um die Handlung für Ihr literarisches Werk zu finden, die lustvollen Schlamassel aufzudecken, in die seine Charaktere geraten, in einem andauernden und saftigen Verkleidungsspiel, unter denen die großen Dilemmata der Seele schlagen.

Die musikalische Leitung wird Giacomo Sagripanti, der am Teatro Real debütiert und eine Besetzung anführt, zu der viele Sänger gehören, die noch nie auf seiner Bühne aufgetreten sind, zusammen mit anderen viel von der Öffentlichkeit geliebt, als Lisette Oropesa, Pietro Spagnoli die Sara Blanch.

31     mayo – 12 Juni | 10 Funktionen | 2 Lieferungen

Coronis, Sebastián Durón | Zarzuela in Konzertfassung | Premiere am Königlichen Theater | Wiederherstellung des spanischen Erbes

Die Arbeit spanischer Musikwissenschaftler entdeckt überraschende Partituren wie die für diese Zarzuela, ganz gesungen, dem Komponisten zugeschrieben Sebastian Duron, die Geschichten von Göttern und Nymphen miteinander verflochten, tragisch und burlesk, mit einer Musik, die den französischen und italienischen Einfluss verrät, sondern auch das hispanische musikalische Erbe, das es zu verteidigen beabsichtigt. Vinzenz Dumestre, großer Kenner des barocken Repertoires, wird eine internationale Besetzung und das Orchester leiten Das harmonische Gedicht.

10 Juni | 1 Funktion

Orfeo ed Euridice, de Christoph Willibald Gluck | Oper in Konzertversion

René Jacobs, wahrer Patriarch in der Wiedergewinnung und Interpretation des barocken und klassischen Repertoires, wird Real einen Titel bringen, der sich zeigen wird, nochmals, seine Erfahrung im Lesen historischer Musik, dafür rechnen mit drei seiner üblichen Solosänger, durch die RIAS Kammerchor und Freiburger Barockorchester.

13 Juni | 1 Funktion

Turandot, Giacomo Puccini | Ersatz

Royal Theatre Produktion in Koproduktion mit dem Litauischen Nationaltheater, die Canadian Opera Company of Toronto, die Houston Grand Opera und die Pariser Oper.

Die charismatische Bild- und Dramaturgie von Bob Wilson, Hintergrundbeleuchtung Silhouetten, Masken und fast rituelle Bewegungen, Es hat sich als ideal erwiesen, um die Legende der blutrünstigen chinesischen Prinzessin zu erzählen, eingerahmt in einen szenografischen Raum, der an das antike orientalische Schattentheater anknüpft.

Nach dem Triumph in Paris, Toronto und auf MyOperaPlayer, diese Produktion kehrt an das Theater zurück, an dem sie geboren wurde, wieder unter der Leitung von Nicola Luisotti, mit drei außergewöhnlichen Besetzungen angeführt von Anna Pirozzi, Elena Pankratova und Sitzung Hernández, durch die Schlagzeilen Chor und Orchester des Teatro Real.

3 Juli – 22 Juli | 17 Funktionen | 3 Lieferungen

TANZPLAN

die Tanzprogrammierung bietet einen der verführerischsten Vorschläge der letzten Jahre mit der Anwesenheit von 4 Unternehmen das, mit verschiedenen Stilrichtungen, Sie werden im Real einen besonderen Startpunkt haben. Die Saison wird eröffnet Nationale Dance Company ein Hommage an Jiři Kylian, mit choreografischen Arbeiten von Nacho Duato, Andrea Schermoly, Sonnenlöwe, Paul Lightfoot und sich selbst Kylian.

Sasha Waltz & Gäste kehrt mit der ehrgeizigen Herausforderung zurück, den Gesang zu integrieren, Tanz und Musik zu zeigen L'Orfeo Monteverdi aus einer anderen Perspektive. die New Yorker Ballett präsentiert im Teatro Real zwei mythische Choreografien von George Balanchine und eine aktuelle Rechnung des Erstellers Justin Pick, eine ganze Kostprobe der Persönlichkeit des Unternehmens. Und der Kreislauf schließt sich Englisch National Ballet mit der Adaption des Klassikers Raymonda, womit Tamara Rojo gibt ihr Debüt als Choreografin und deren internationale Tournee, diese Arbeit zu zeigen, startet in Madrid.

die Nationale Dance Company eröffnet die Tanzsaison des Teatro Real, mit einer Hommage an den tschechischen Tänzer und Choreografen Jiří Kylián, Hand in Hand mit vier Schöpfern mit einer starken künstlerischen und persönlichen Bindung zum Meister des zeitgenössischen Tanzes und seiner Referenzkompanie, el Niederländisches Tanztheater. Sie sind Nacho Duato, Sonnenlöwe, Paul Lightfoot und Andrea Schermoly. Mit abwechslungsreicher Musik und Inspirationen, Die Nachbildungen der verschiedenen choreografischen Momente bilden einen großartigen Auftakt für ein Programm, das mit der Aufführung von gipfelt Schöne Figur, Gründung von Jiří Kylian von 1995 dass, bereits zu einem Meisterwerk geworden, lädt uns ein, über die gezeigte Kunst als «Zeitreise» nachzudenken, Licht und Raum, in Bezug auf die Mehrdeutigkeit der Ästhetik, Bühnenauftritte und Träume».

Der deutsche Choreograf Sasha Waltz kehrt mit der ehrgeizigen Herausforderung, den Gesang zu integrieren, an das Teatro Real zurück, Tanz und Musik für eine zarte Lektüre der L'Orfeo Monte. Wenn das Werk ursprünglich die Kunst des Theaters und der gesungenen Musik verbindet, schafft es per se ein Modell des künstlerischen Ausdrucks, Waltz vertieft sich in die Erforschung einer Art „choreografierter Oper“, in der sich Klang und Bewegung nahtlos ergänzen.. Wie früher mit Dido & Äneas, Sasha Waltz & Gäste wird die Teilnahme von haben Gesangskonsort Berlin begleitet, diesmal, durch Freiburger Barockorchester.

die New Yorker Ballett besucht Spanien und wird dies mit der Bühne des Teatro Real als Protagonist tun, mit einem Programm, das die Essenz seiner Persönlichkeit einfängt. Für ihre Präsentation in Madrid haben sie drei symbolträchtige Choreografien ausgewählt. Zwei sind Werke von George Balanchine, Mitbegründer der Compagnie und mythische Figur des Balletts: Serenade – ein Meilenstein in der Geschichte, da es das erste originale Ballett war, das Balanchine in den Vereinigten Staaten geschaffen hat., und Square Dance -in dem der Choreograf amerikanische Volkstanztraditionen mit klassischem Ballett verband, beide sind zu Emblemen des Repertoires der NYCB geworden, und Die Zeiten rasen, von Justin Pick, erstellt in 2015 und inspiriert von den letzten vier Tracks des Albums von 2012 de Dan Diakon, Amerika. 

Nach seiner jüngsten Premiere in London, und die Tour, die nächsten Herbst im Vereinigten Königreich stattfinden wird, die Englisch National Ballet präsentiert im Königlichen Theater, erstmals international, Raymonda, Ballett mit dem Tamara Rojo Debüt als Choreograf. Sein Vorschlag verschiebt die ursprüngliche Handlung in den Krimkrieg, inspiriert von der Figur von Florence Nightingale und der Arbeit der Frauen, die, mit innovativen Geist, die Bemühungen der Kombattanten im Konflikt unterstützt. Raymonda wird so eine junge Frau mit einem Beruf als Krankenschwester. Mit einer großartigen Besetzung von Tänzern, diese Version, von der Kritik gelobt, bewahrt das Beste aus dem Original des 19. Jahrhunderts, einschließlich Partitur von Alexander Glazunov, adaptiert und bearbeitet von Gavin Sutherland und Lars Payne. Funktionen Raymonda Sie enthalten die Beteiligung von Leiter des Royal Theatre Orchestra unter der Leitung von Gavin Sutherland.

KONZERTE UND GALA

der Zyklus ECHTE STIMMEN wird in dieser Saison von komponiert 5 Konzerte mit einigen der besten Lyriker der Welt: Cecilia Bartoli, Gregory Kunde, Carlos Alvarez, Matthias Goerne, Joyce DiDonato und Javier Camarena.

Vervollständigen Sie das Angebot 6 das macht den Zyklus aus KAMERASONNTAGE, und ein Konzert mit den Finalisten des Montserrat Caballé-Wettbewerb und ein anderer die Gewinner in Tenor Viñas Wettbewerb.

die THEATRE ROYAL GRAND JÄHRLICHE GALA, für philanthropische Zwecke und die Betreuung prominenter Persönlichkeiten aus dem institutionellen Bereich, Kultur-, künstlerisch, geschäftlich und sozial, statt 13 Dezember nächste.

EL REAL JUNIOR

Kinder- und Jugendprogramm, vollständig erholt, hat seinen Platz EL REAL JUNIOR mit 9 Shows, 4 von ihnen Neuproduktionen von Teatro Real und 5 das wird hier zum ersten Mal zu sehen sein, für verschiedene Altersgruppen und verschiedene Formate wie z. B. musikalische Geschichten, die, dramatisierter Tanz und Konzerte, bestimmt für Familienpublikum und Schulen.

Innerhalb dieses vielseitigen und multidisziplinären Programms, mit Künstlern aus ganz unterschiedlichen Bereichen, hebt die Beteiligung hervor 4 junge Dirigenten: Rubén Gimeno, Elisabeth Rubio, José Sanchis und Lara Diloy.

Die jüngste Saison wird im Oktober mit zwei interessanten Vorschlägen in der Haupthalle eröffnet: eine für Schulen von der Hand der Nationale Dance Company dass, zeitgleich mit den Eröffnungsaufführungen des Tanzprogramms, wird zwei der Choreographien seines Hauptprogramms drei didaktische Sitzungen widmen, Kübler-Ross y Trauriger Fall; das andere, mit einem Konzert voller Arien, Opernduette und -quartette mit denen, am Vorabend der Halloween-Party, sie werden die Geister mit anrufen Geist, der singt, nicht beängstigend, interpretiert von der Jugendorchester der Gemeinschaft von Madrid (JORCAM) und neue Sänger des Projekts Crescendo, Wir schaffen Oper, Programm zur Förderung junger Talente der Friends of the Royal Theatre Foundation, unter der Leitung von Rubén Gimeno, mit Skript und Präsentation von Ana Hernández Sanchís.

Das Abenteuer wird mit einem Reisevorschlag fortgesetzt, der sie in Begleitung von nach Ägypten führen wird A.I.D.A. (Amistad, Gleichberechtigung, Diversität, liebe), eine reduzierte version des verdian titels konzipiert von David Garattini Raimondi und Barbara Palombo, mit musikalischer Richtung Elisabeth Rubio. In vollen Weihnachtsfeierlichkeiten, Nussknacker und der Mäusekönig, werden die Protagonisten eines Konzerts im Story-Format mit Erzählung und animiertem Video von sein Fernando Palacios und Fran Parreno, unter der musikalischen Leitung von José Sanchis.

Der Orchestersaal wird die Bühne für sein Auf dem Boden, Johann Sebastian Jazz!, wo Jazz und klassische Musik mit interessanter Komplexität in Dialog treten, zwischen den Fingern der Pianisten Alexis Delgado e Iñaki Salvador, neben Fernando Palacios. und im März, parallel zu den Funktionen der New Yorker Ballett, die Compagnie bietet einzigartige Sessions rund um zwei ganz besondere Choreographien für sie an: Serenade, eines seiner emblematischen Werke, und Die Zeiten rasen, jung und aktuell.

In der Gayarre Hall werden zwei Puppenspiele mit zwei sehr unterschiedlichen Ansichten stattfinden, Parade, Der Zirkus der Mutigen, mit dem unverkennbaren Stempel von La Maquiné, und Ich bin der Wahnsinn, Schwarzes Theater mit Puppen, Masken und Barockmusik Die Firma Chiaroscuro. Und in demselben Raum, wie jede Jahreszeit, Es finden monatliche Termine statt Jeder an den Gayarre! für die ganze Familie, mit seinem unbeschwerten und unterhaltsamen Blick auf die großen Titel der Opernsaison.

Die Programmierung endet wie sie begonnen hat, mit eine große Musikparty konzertant, in der Haupthalle, mit Jugendorchester der Gemeinschaft von Madrid (JORCAM), neue Projektsänger Crescendo, Wir schaffen Oper, Diesmal mit der Animation von Fernando Palacios und Musikrichtung Lara Diloy.

Zusätzlich zu diesen Schulungsvorschlägen, DAS ECHTE JUNGE, Programm zur kulturellen Wiederbelebung und Kundenbindung junger Mann im Alter zwischen 18 und 35 Jahre alt, hat exklusive Räume, bevorzugte Vertriebskanäle und Veranstaltungen für diese Gruppe in Zusammenarbeit mit einem eigenen Ausschuss, der sich aus Vertretern verschiedener Bereiche der Zivilgesellschaft zusammensetzt.

TRAININGSPROGRAMM

die Trainingsprogramm konsolidiert seine Kurse, die sich sowohl an Studenten als auch an die breite Öffentlichkeit richten, und richtet sich sowohl an persönliche Schulungen als auch an Schulungen online, mit 17 interessante Vorschläge.

Im Abschnitt Die Oper aufgedeckt, das zeigt den Montageprozess einer Opernproduktion von innen heraus, wurden organisiert 4 Workshops konzentrierten sich auf: Aida (Oktober), La Sonnambula (November Dezember), Das türkische in Italien (mayo) und Turandot (Juni Juli).

In dieser Ausgabe werden sie es sein 5 die Kurse im Zusammenhang mit der Saison: Verstehen ... Bellini (La Sonnambula), Strauss (Arabella), Rossini (Das türkische in Italien), Puccini (Turandot) und Oper und Postmoderne: Glas und Adams, und 3 diejenigen, die dazu bestimmt sind, in die einzutreten Geschichte der Oper: Geschichte der Aufführung der Oper I und II, Frauen im Opernhaus, Mythen abbauen und überwinden und Das Reale der Erinnerungen, Geschichte des Königlichen Theaters aus 1850 nach oben 1925.

Die Zahl der Kurse zu Darstellender Kunst und Kulturmanagement bis insgesamt 5: Szenenfotografie; Oper und Führung, Die Kunst, mit Hochleistungsteams zu arbeiten; Verwaltung; Emotionale Intelligenz in der Oper und Grundlegende Konzepte des Tanzes.

SEASON IN ZAHLEN 

FUNKTIONEN | Insgesamt 188 Funktionen: 113 Opernaufführungen verteilt über 18 Wertpapiere; 15 Tanzvorführungen mit 4 verschiedene Shows; 13 Konzerte in verschiedenen Formaten (5 Konzerte von Voces del Real, 2 lyrische Konzerte (Wettbewerbe) und 6 Konzerte von Kammer Sonntage; und 49 Funktionen Königs Junior.

OPERPRODUKTIONEN | von der 18 Opern, 8 sind neue Koproduktionen des Teatro Real, 2 es sind Wiederholungen; 2 es sind Gastproduktionen; 2 wird in einer halbszenischen Version sein und 4, in Konzert.

Das Königliche Theater präsentiert 9 neue Titel, die noch nie in seiner Geschichte präsentiert wurden, einschließlich 3 Premieren in Spanien –Orpheus, de Philip Glass; Nixon in China, John Adams und Anti-Formalist Rayok, von Dmitri Schostakowitsch- und 3 Premieren in Madrid: Arabella, Richard Strauss; die Bühnenversion von Nase, von Dmitri Schostakowitsch; und Dialoge von Tirant und Carmesina, Joan Magrane.

GEFÖRDERTE BETRIEBSPRODUKTIONEN | Telefónica Sponsor Aida, die BBVA-Stiftung Sponsor L'Orfeo und Nixon in China; Endesa Sponsor La Sonnambula und Tristán e Isolda; die Stiftung Freunde des Königlichen Theaters Sponsor Achilles in Skyros;  Santander-Stiftung Sponsor Das türkische in Italien; und ACS-Stiftung Sponsor Turandot.

ARBEITEN NACH JAHRHUNDERTEN DER OPERSAISON | Es wird____geben 3 Produktionen mit Werken des Jahrhunderts XVII (L'Orfeo, Dido und Aeneas und Coronis); 3 Opern des Jahrhunderts XVIII (Tolomeo, König von Ägypten; Achilles in Skyros und Orpheus und Eurydike); 4 Jahrhundert Werke XIX (Das türkische in Italien, La Sonnambula, Tristán e Isolda und Aida); 7 Jahrhundert Werke XX (Meister Pedros Puppenspiel, Turandot, Nase, Arabella, Nixon in China, Anti-Formalist Rayok und Orpheus) und 1 Jahrhunderts Titel XXI (Dialoge von Tirant und Carmesina).

WERKE NACH GEOGRAFISCHEN GEBIETEN (ORT DER OPERPREMIERE) | Sie werden vorgestellt 7 italienische Opern (1 ihrer, de Glück -Deutscher steckt in Italien fest-), 3 Opern und1  Spanische Zarzuela, 2 amerikanische Opern, 2 Germanische Opern, 2 Russische Opern u 1 Englische Oper von Händel -Deutscher Sitz in England-.

DANCE | Es wird____geben 15 Funktionen mit 4 Unternehmen: Nationale Dance Company, Sasha Waltz & Gäste, New York City Ballet und English National Ballet.

EL REAL JUNIOR | Das Kinder- und Jugendprogramm des Teatro Real besteht aus 49 Funktionen –25 für die ganze Familie u 24 für Schulzentren- und 9 Workshops Jeder an den Gayarre! mit 2 Sitzungen jeweils.

TRAININGSPROGRAMM | Sie bieten 4 Workshops Unbedeckte Oper, 5 monografische Kurse im Zusammenhang mit der Saison, 3 Kurse zur Operngeschichte u 1 neue Ausgabe des Programms Die Universität auf der Bühne.

STANDORTE UND DÜNGEMITTEL

KATEGORIEN VON DÜNGEMITTEL DER OPER | Angeboten 1 Abo Schichtpremiere von 9 Opern und ein exklusives Konzert von Cecilia Bartoli, 1 Schichtzahlung 9 Opern, 3 Verschiebungen von Düngemitteln von 8 Opern (eine am Wochenende), 3 schaltet ab einAnleihen von 7 Opern, 1 Schichtzahlung 6 Opern, 2 Verschiebungen von Düngemitteln von 5 Opern (eine auch am Wochenende), 2 Verschiebungen von Düngemitteln von 4 Opern und 2 Abonnementverschiebungen (Auswahl I und II) von 3 beliebte Titel (2 Operntitel u 1 Titel des Tanzes) .

Datum der Renovierung: die 27 Mai al 16 Juni.

Verkaufsdatum der Opernsaisonkarte: die 27 Mai al 13 September.

Saisonkarten-Verkaufsdatum Auswahl: die 9 Juni al 3 Juli.

DÜNGEMITTEL VOM TANZ | Angeboten 4 Tanz geht mit 3 zeigt jeweils.

Datum der Renovierung: die 27 Mai al 16 Juni.

Datum des Saisonkartenverkaufs: die 27 Mai al 3 Juli.

Bodendünger AUS „STIMMEN DER WIRKLICHKEIT“ | Es wird angeboten 1 Schichtzahlung 4 Konzerte.

Datum der Renovierung: die 27 Mai al 16 Juni.

Datum des Saisonkartenverkaufs: die 27 Mai al 13 September.

DÜNGEMITTEL AB „SONNTAGE AUF DER KAMMER“ | Es wird angeboten 1 Schichtzahlung 7 Konzerte (beinhaltet das Viñas Konzert)

Datum der Renovierung: die 27 Mai al 16 Juni.

Datum des Saisonkartenverkaufs: die 9 Juni al 3 Juli.

DAS ECHTE JUNGE | Das Engagement für junge Menschen wird verstärkt durch Initiativen wie diedie erste junge Vorschau der Saison mit Sonderpreisen, der 21 Oktober. Zum dritten Mal in Folge,  die Möglichkeit von junge Sessel wird in Platea verteilte Standorte anbieten, Main und Mezzanine sowie ein Vorzugsverkauf werden ermöglicht Junge Freunde und für andere Jugendliche bis35 Jahre vor dem Verkauf an die Öffentlichkeit. diejenigen unter 26 bekomme diese Tickets für20 € und ab diesem Alter und bis zu35 Jahre 30 €. auch, Der Online-Last-Minute-Verkauf wird eröffnet, in welchen Minderjährigen26 Jahre können einen Eintrag für kaufen 20 € und Jugendliche dazwischen 26 und35 Jahre können Tickets für kaufen35 €.

Fotografie: Javier del Real

Don Gil von Alcala
Don Gil de Alcalá triumphiert im Teatro de la Zarzuela
Manuel Penella komponiert Don Gil de Alcalá in 1932. Schrieb die Musik und das Libretto, inspiriert von den Verstrickungsromanen von Valle-Inclán und Jacinto Benavente. Aber seine größte Ermutigung fand er in dem Stück "Das Ja der Mädchen"., von Leandro Fernández de Moratin.

Bis dahin war die spanische Musikszene von der Vielfalt musikalischer Typologien geprägt: Sketche, Zarzuelas oder Zeitschriften, unter anderem. Aber von 1910 ein gewisser Niedergang des kleinen Genres beginnt und Zarzuelas in zwei Akten beginnen zu triumphieren, im Stil der Wiener Operette, und mit einer größeren Struktur, ähnlich der komischen Oper.

Das Ergebnis ist eine Oper in drei Akten., dessen Szene Penella im Mexiko des 18. Jahrhunderts platzierte, als es noch zu Neuspanien gehörte. Der Autor kannte die südamerikanischen Länder gut, und wollte mit diesem Werk den Orten, die er bereist hatte, von Herzen Tribut zollen, dank seiner Abenteuerlust.

Dem Werk liegt eine Kritik an den damaligen arrangierten Ehen zugrunde, durch ein komisches Durcheinander, erhöht die Feier einer ungleichen Ehe, zwischen einer Dame und einem Hofrüpel, dass es von der Oberschicht, der die junge Frau angehörte, nicht gut gesehen wurde. Alle mit einer Handlungsentwicklung, die der Opera Buffa sehr nahe kommt, gemacht mit großem Einfallsreichtum und mit einem gut umrissenen und raffinierten musikalischen Schreiben.

In dieser Rückkehr von Son Gil de Alcalá an das Teatro de la Zarzuela, die Orchesterleitung übernahm Regieassistentin Lara Diloy, wegen Krankheit des Eigentümers Lucas Macías.
Die junge Lara Diloy ist eine der wenigen spanischen Dirigenten im aktuellen Kreis und verfügt über umfassende Kenntnisse des symphonischen und Opernrepertoires, wie in dieser Darstellung gut demonstriert wurde. Immer herausragende Sänger, er verstand es, das Orchester mit dem Elan und Funken zu beeindrucken, der dieses Werk auszeichnet. Die feinen Nuancen in der Orchestrierung einer klassisch inspirierten Partitur konnten gewürdigt werden, wie ist das. Diloy trat an der Spitze des Orchesters der Autonomen Gemeinschaft Madrid auf, diese Sicherheit, die nur die Frucht von Arbeit und Talent ist. Wir müssen ihr genau folgen.

Die Kulisse stammt aus dem Campoamor-Theater in Oviedo, wo es aufgeführt wurde 2017. Es ist ein einzelner Raum, dem Elemente hinzugefügt werden, die die verschiedenen Umgebungen schaffen, immer kolonial und immer elegant, wie üblich in ihren Direktoren, Emilio Sagi und Daniel Bianco, und dass sie bereits eine Hausmarke sind, wie die Lampen oder die perfekte Anordnung aller Beteiligten auf der Bühne. Exquisit auch die Garderobe der erinnerten Pepa Ojanguren. All dies wird durch die tadellose und romantische Beleuchtung von Eduardo Bravo unterstrichen.

Die Sängergruppe besteht aus zwei hochkarätigen Besetzungen. In diesem ersten ist der kanarische Tenor Celso Albelo dafür verantwortlich, dem Protagonisten Leben einzuhauchen, Don Gil de Alcalá. Er tut es mit der Musikalität seiner wunderschönen Songzeile, den Charakter mit bescheidenem Humor prägen, Deutlich mehr kann Albelo interpretatorisch leisten. Wo er keine Mühen gespart hat, war im Gesangspart. Dieses streichelnde Timbre und der Reichtum an stimmlichen Nuancen.

neben, als Sternenmädchen, die Sopranistin Sabina Puértolas, was ein Funkeln darstellt, sowie unschuldig, Don Diegos Verlobte, obwohl in Don Gil verliebt. Gut im Habanera-Duett mit Maya, aber in anderen wichtigen Momenten seiner Darbietung fehlte es ihm an Ausdruckskraft.

Carol Garcia erweckte Maya zum Leben, Stargirls Dienstmädchen, der einen lustigen und sorglosen Charakter komponierte. Er glänzte in seinem Duett Habanera mit Sabina Puértolas und war das ideale Paar, stimmlich und in interpretative, des Chamaco von Carlos Cosías, die eine grandiose Darbietung abrundeten, voller Anmut und Lebendigkeit.

Der Don Diego des Bariton Manuel Esteve war sehr gut definiert, beide auf deiner Gesangslinie, wie im Charakter des Charakters, arrogant und formell.

Sergeant Carrasquilla wurde von Simón Orfila gespielt. Er war der sympathischste Charakter in der Besetzung und wurde vom Publikum mit seinen scharfen Interventionen als sevillanischer Schurke am meisten gefeiert..

Als Mutter Äbtissin, María José Suárez, ein Stammgast in diesem Szenario, der immer einen Mehrwert bietet.
Der Rest der Comprimarios bewegte sich auf einem guten Niveau, mit Miguel Sola an der Spitze, als Gouverneur; Pablo Lopez, als Vizekönig von Neuspanien; David Sanchez, in der Rolle des meisterhaften Vaters; Ricardo Muniz, als Zeremonienmeister; und die Mitglieder des Kegels, Paula Alonso und Rosa Maria Gutiérrez, als Lucia und Rosita, beziehungsweise.

Ein Don Gil aus Alcalá, der an das Teatro de la Zarzuela zurückgekehrt ist 23 Jahre später und das ist immer in Mode. Mit diesem Schelmen-Spanisch aus anderen Zeiten. Oh nein ...

Teresa Berganza

Die große Mezzosopranistin aus Madrid Teresa Berganza, dieser ist verstorben 13 von Mai bis 89 Alter. Er ging mit seiner Stimme wie kein anderer durch die größten Theater der Welt. Neben Gesang, Berganza hatte Klavier studiert, Harmonie, Kammermusik, Komposition, Orgel und Violoncello. Er verließ die Bühne 75 Jahre alt, aber weiterhin mit der Lyrik verbunden und der Lehre gewidmet. “Ich habe währenddessen gesungen 55 Jahre alt, seit der 20 zu 75. ja, zunehmend abnehmend. Aber es gab eine Zeit, in der ich sagte: 'Das ist vorbei'”.

Er wurde ganz in der Nähe des Königlichen Theaters geboren, und er musste die schwersten zivilen Nachkriegsjahre durchleben. Bald begann er sich mit Hilfe seines ehemaligen Lehrers in seinem Musikstudium hervorzuheben, Lola Rodríguez Aragon. Er debütierte in 1955 im Athenaeum von Madrid, am Klavier begleitet von Gerardo Combáu.

Das Königliche Theater zollt Berganza Tribut, indem es ihm die Opernwoche widmet.

Das Königliche Theater, unter anderen Institutionen, bedauere seinen Tod zutiefst. „Als Zeichen der Zuneigung und Dankbarkeit für alles, was wir so viele Jahre von Teresa Berganza erhalten haben, das Teatro Real hat beschlossen, die diesjährige Ausgabe seiner zu widmen Opera Week, Juni stattfinden, hat angekündigt Ignacio García-Belenguer, CEO von Royal Theatre, der der Familie sein tief empfundenes Beileid ausgesprochen hat, Freunde und das "Publikum des Königlichen Theaters"., der sich immer wie sein fühlte.

Teresa Berganza, Ehrenpatron des Königlichen Theaters, ist seit der Zeit, in der es ein Konzertsaal war, mit dieser Institution verbunden, wo er mit seiner Stimme und seinen einzigartigen Darbietungen triumphierte. Nach der Wiedereröffnung des Real als lyrisches Theater, in 1997, nahm an Konzerten und Meisterkursen im Rahmen seines pädagogischen Programms teil.

„Als Zeichen der Zuneigung und Dankbarkeit für alles, was wir so viele Jahre von Teresa Berganza erhalten haben, das Teatro Real hat beschlossen, die diesjährige Ausgabe seiner zu widmen Opera Week, Juni stattfinden, hat angekündigt Ignacio García-Belenguer, CEO von Royal Theatre, der der Familie sein tief empfundenes Beileid ausgesprochen hat, Freunde und das "Publikum des Königlichen Theaters"., der sich immer wie sein fühlte.

Giselle

Tag 18, 20 und 21 Mai, die Teatro Real bietet vier Aufführungen des klassischen Balletts Giselle interpretiert von der Nationale Dance Company, in der choreografischen Version seines Regisseurs, Joaquin de Luz, inspiriert von der spanischen Romantik und der Poesie von Bécquer.

Ohne die Elemente aufzugeben, die dieses Werk zu einem der Höhepunkte des klassischen Balletts gemacht haben, Die Konzeption von Joaquín de Luz umfasst auch die Bowlingschule und spanische Traditionen, und bau dir eins Giselle menschlicher, greifbarer, basierend auf der Dramaturgie von Borja Ortiz Gondra, das gibt ihm mehr Handlungsinhalt, ohne die Essenz der romantischen Geschichte, die wir alle kennen, zu verzerren.

Die Erzählung spielt in einem Dorf in der Sierra del Moncayo, ausgedacht vom Bühnenbildner Ana Garay neben den wunderschönen Figuren des Designers Rosa García Andújar und Beleuchtung Pedro Chamizo. Zusammen bringen sie uns an einen Ort, wo ländliche Bauern leben, junge Liebhaber und gutaussehende Kerle, Sie begleiten uns in den nächtlichen Wald, wo die willis, diese Geister toter Mädchen, bevor sie geheiratet haben, während die Stimmen des Windes Verse des spanischen Dichters flüstern.

Mit dem Lehrer Oliver Diaz vor dem Leiter des Royal Theatre Orchestra, und die großartige Besetzung des CND, Die Funktionen werden die Anwesenheit des ukrainischen Tänzers haben Katja Khaniukova, Erster Solist des English National Ballet, als besonderer Gast bei den Veranstaltungen des Tages 20 und 21 (zu 21.00 Stunden), in dem er dem Protagonisten Leben einhaucht Joaquin de Luz und Alessandro Riga, beziehungsweise.

Die Aufführungen werden speziell für die vom CND veranstalteten Tänzer sein, vom National Opera Ballet of Ukraine und derzeit in das CND Emerging Talent Programm integriert, da drei von ihnen an der Besetzung teilnehmen werden, die im Teatro Real auftreten wird: Anastasia Hurska, wer wird der Haupttänzer sein und die Rolle von Myrtha an einem der Tage und den Durchgang zu zwei der interpretieren Kein Bauer in zwei weiteren Aufführungen, und Yelyzaveta Semenenko und Kateryna Chupina, als Teil des Tanzcorps in der Rolle von willis.

Giada und Riga @ Alba Muriel

"Tech-Haus"

die Palau de les Arts Musik zusammenführen "Tech-Haus" und Oper für die „Preview to 28“ von „Wozzeck“, von Alban Berg, der letzte der Titel des Aufführungszyklus, den Les Arts für Minderjährige reserviert 29 Jahre mit Sitzplätzen zum Einzelpreis von 10 Euro.

Auch anlässlich der Uraufführung einer der revolutionärsten Opern des Repertoires in Valencia, Les Arts schlägt eine andere Erfahrung für die nächste vor 23 Mai, in dem die Öffentlichkeit, Neben Darstellung, Mit DJ und Restaurantservice können Sie einen kompletten Abend genießen 23.00 Stunden.

Nach der Funktion von 'Wozzeck', Les Arts verwandelt den Laufsteg in eine echte Tanzfläche, inspiriert von der Ästhetik der beeindruckenden und avantgardistischen Inszenierung dieser Oper, Das war eine der größten technischen und künstlerischen Herausforderungen in der Geschichte des Theaters.

Als Zeremonienmeister fungiert Roberto Sansixto. Der valencianische DJ, der die Bühne mit Künstlern vom Format David Guettas geteilt hat, Dimitri Vegas & Wie Mike oder Steve Aoki, verschmilzt zum ersten Mal in seiner Karriere elektronische Musik und Oper. Für ihre Session bei Les Arts, Sansixto bietet ein hervorragendes „Tech House“-Repertoire, die er mit Gesangsfragmenten aus Bergs Oper mischt.

Unter dem Hashtag #AfterOpera, die teilnehmer können ihre empfindungen und meinungen zu dieser transversalen erfahrung teilen, mit denen Les Arts, in seinem Engagement, neue Genres und künstlerische Vorschläge anzunehmen, versucht, Poesie einem neuen Publikum näher zu bringen.

Die Vorpremiere von 'Wozzeck' für Jugendliche bis 28 Jahre findet am Montag statt, 23 Mai, zu 19.00 Stunden, in der Haupthalle. Die Aufführung hat eine erwartete Dauer von 1 Stunde und 40 Minuten. Les Arts erinnert daran, dass die Städte, mit einem Einzelpreis von 10 Euro, können über die verschiedenen Vertriebskanäle erworben werden.

Hochzeiten der Figaro-Sänger

Von Diego García Pérez

DIE HOCHZEITEN VON FIGARO UND SEINEN GROSSEN PERFORMERN.

Von Diego García Pérez.

Die Hochzeit des Figaro wurde am 14. Februar uraufgeführt 1 Mai 1786 am Kaiserlichen Hoftheater in Wien, relativen Erfolg erzielen. Seine Premiere in Prag im Februar 1787 wenn es außerordentlich erfolgreich war. Ya, in 1789, seine Wiederbelebung fand in Wien statt. Es wurde in Paris und London uraufgeführt, jeweils hinein 1807 und 1815. Fast das gesamte 19. Jahrhundert, diese Oper wie auch andere von Mozart gerieten praktisch in Vergessenheit. Es stammt aus dem Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts., wenn es zurückkehrt, um mit einiger Beharrlichkeit vertreten zu werden, zuerst in der New Yorker Metropolitan, wo es im Januar veröffentlicht worden war 1894, mit einer Besetzung, zu der auch die amerikanische Sopranistin Enma Eames gehörte (Die Gräfin von Almaviva), zusammen mit den berühmten Baritonen: der Italiener Mario Ancona und der Pole Edouard de Rezke, bzw. interpretieren Figaro und den Grafen von Almaviva. Während der nächsten fünfzehn Jahre wurde es ziemlich häufig im New Yorker Theater aufgeführt., fast immer mit der Gräfin von Emma Eames, dessen letzte Interpretation dieser Figur im Februar stattfand 1909, zusammen mit anderen berühmten Sängern der Zeit: die polnische Sopranistin Marcella Sembrich (Susanna), auch der polnische Bass Adamo Didur (Figaro), der große italienische Bariton Antonio Scotti (Anzahl) und die berühmte amerikanische Sopranistin Geraldine Farrar (Cherub), unter der Orchesterleitung von Gustav Mahler (dieser große Komponist war ein versierter Mozart-Interpret). Einige Fragmente dieser Oper sind auf YouTube zu hören: el precioso Duett von Acto III "Che soave zeffiretto", mit den Stimmen von Enma Eames und Marcella Sembrich, die Arie aus Akt I „Non piu andrai“ in der Stimme von Adamo Didur und das Duett aus Akt III, "Grausam, weil bisher", in den Stimmen von Antonio Scotti (Anzahl) und Geraldine Farrar (Susanna). Diese sehr alten Aufnahmen mit schlechtem Ton, Sie zeigen uns großartige Darsteller, besonders die kraftvollen und schönen Stimmen von Antonio Scotti und Adamo Didur, mit einem wirklich modernen Gesangsstil.

Die Hochzeit des Figaro bei den Festspielen in Salzburg und Glyndebourne.

deutlich, Die Hochzeit des Figaro erhielt in den dreißiger Jahren des letzten Jahrhunderts einen großen Aufschwung., bei den Salzburger und Glyndebourne Festivals (südlich von london), in dessen Erstausgabe, in 1934, Es fanden mehrere Aufführungen statt, die sich in den Folgejahren wiederholten. In den Ausgaben, die dazwischen stattfanden 1934 und 1939, destaca sobremanera la soprano Finlandesa Aulikki Rautawaara, der große stimmliche Qualität mit einer exzellenten Beherrschung des Mozartschen Gesangsstils verband, zusammen mit einer eleganten und schönen Bühnenpräsenz, die sie in den dreißiger Jahren zur Hauptinterpretin der Gräfin machten. Während der Ausgaben von 1934 und 1935, fand in Glyndebourne statt, die erste Gesamtaufnahme dieser Oper, wo neben Rautawaara, hob die großartige Figaro-Interpretation des deutschen Bariton Willi Domgraf-Fassbaender hervor (Vater der berühmten Mezzosopranistin Brigitte Fassbaender) und auch die guten Interpretationen der englischen Sopranistin Audrey Midmay (Susanna) und die österreichische Sopranistin Luise Helletsgruber (Cherub), Wesentlich dezenter ist die Interpretation des englischen Baritons Roy Henderson (Anzahl). Die Orchesterleitung oblag dem berühmten deutschen Dirigenten Fritz Busch, mit einer raffinierten Darbietung, die nicht frei von Intensität und theatralischem Leben ist, dass in dieser Aufnahme durch das Fehlen der in dieser Oper so wichtigen Rezitative geschmälert wird. Vor einigen Jahren, das NAXOS-Siegel, eine Neuauflage dieser Aufnahme mit Klangverbesserung gemacht, was auf YouTube zu hören ist. Die Salzburger Festspiele, erstellt in 1921, Beginnen Sie mit der Programmierung dieser Oper, mit großem Eifer, von 1925, mit großartigen Darstellern wie der Gräfin, gespielt von der berühmten ukrainisch-österreichischen Sopranistin Viorica Ursuleac; allerdings mit dem Problem, auf Deutsch gesungen zu werden. Es ist in der Ausgabe von 1937, wenn es beginnt, auf Italienisch aufgeführt zu werden, einschließlich der Rezitative, Es gibt eine Live-Aufnahme (Verfügbar auf YouTube), Donde Aulikki Rautawaara, spielt wieder die Gräfin, zusammen mit dem außergewöhnlichen Figaro des italienischen Basses Ezio Pinza, und ein weiterer berühmter Dolmetscher, el bajo italiano Mariano Stabile (Anzahl), die von der ebenfalls berühmten ungarischen Sopranistin Esther Rethy begleitet wurden (Susanna) und ein weiterer großartiger Künstler mit großartigen Vocals, Tschechische Sopranistin Jarmila Novotna (Cherub). Die Orchesterleitung oblag dem großen Bruno Walter, auf der Vorderseite der Wiener Philharmoniker, immer darauf bedacht, die vielen und vielfältigen Nuancen dieser Partitur zu unterstreichen. Die Metropolitan nahm diese Oper in den vierziger Jahren auf, Programmieren Sie es ziemlich regelmäßig, mit der großartigen Gräfin der amerikanischen Sopranistin Eleanor Steber, exquisite Sängerin mit breiter Stimme und üppiger Farbe, mit intensiver und sinnlicher Phrasierung, zusammen mit einem großen Interpretationsvermögen, aus dem konvertiert wird 1942 und bis Mitte der 1950er Jahre im offiziellen Countess of the New York Theater. und, in den vierziger Jahren, neben Steber, in vielen Funktionen, eine außergewöhnliche Gruppe von Sängern: Ezio Pinza (Figaro), Der australische Bariton John Brownlee (Anzahl), eleganter und stattlicher Darsteller, zusammen mit der brasilianischen Sopranistin Bidù Sayao (Susanna), der seinem Charakter und Jarmila Novotna viel Anmut und Unfug verleiht (Cherub). Obwohl es verschiedene Live-Aufnahmen mit dieser Gruppe von Darstellern gibt, Hervorzuheben ist diejenige, die in durchgeführt wurde 1944 (Auf YouTube kann man es sich in voller Länge anhören), mit Orchesterleitung von Bruno Walter.

Zwei referentielle Gräfinnen: Lisa Della Casa y Elisabeth Schwarzkopf.

Parallel zu den New Yorker Auftritten von Eleonor Steber, bei den Salzburger Festspielen 1947, die große deutsche Sopranistin Elisabeth Schwarzkopf spielt die Rolle der Susanna und im folgenden Jahr die der Gräfin, durch Karajan gerichtet (Ihr großer Garant). Dieser exquisite Darsteller, großartiger Gesang und großartige Technik, zusammen mit einer absoluten Beherrschung des Mozartschen Gesangsstils, wird die offizielle Gräfin in den Ausgaben der Salzburger Festspiele der fünfziger Jahre sein, zusammen mit großartigen Interpreten wie der Sopranistin Irmgard Seefried (Susanna), und daneben, in Jahren 1956, 1957 und 1958, der große Berliner Bariton Dietrich Fischer-Dieskau, ein Bezugspunkt für seine große stimmliche Qualität gepaart mit einem hohen Maß an Ausdruckskraft mit einer intensiven und kontrastreichen Phrasierung. Auch in diesen Ausgaben, die berühmte deutsche Mezzosopranistin Christa Ludwig besonders hervorgehoben, mit einer außergewöhnlichen Kreation von Cherubino.

Die Orchesterleitung oblag dem österreichischen Maestro Karl Böhm, versierter mozartianischer Dolmetscher. Die Live-Aufnahme gemacht 1957, kann gehört werden, komplett auf YouTube (mit gutem klang). Elisabeth Schwarzkopf wirkte bei zwei Studioaufnahmen für das Label EMI mit, der erste drin 1950 (Verfügbar auf YouTube) mit Herbert von Karajan am Pult der Wiener Philharmoniker, wo der große Salzburger Meister, bietet suggestive und raffinierte Orchesterklänge, die sich jederzeit als vollendeter Stilist zeigen, den Sängern eine optimale Leistung zu verschaffen, sowohl die stilisierte als auch die perfekte Gräfin von Schwarzkopf, wie eine sensationelle Irmgard Seefried (Susanna) und Sena Jurinac (Cherub), neben den bemerkenswerten Kreationen von George London (Anzahl) y Erich Kunz (Figaro). Das Problem bei dieser Aufnahme ist, dass sie keine Rezitative enthält. Zehn Jahre später, in 1960, Schwarzkopf machte eine zweite Aufnahme, bereits in Stereo, unter der großartigen Leitung des großen italienischen Meisters Carlo María Giulini, der eine kraftvolle und höchst theatralische Version erreicht, hervorragende Darbietungen von den Sängern zu bekommen, wo die Köstlichkeit wieder erstrahlt, Nuance und Raffinesse der großen deutschen Sopranistin, zusammen mit der ausdrucksstarken und humorvollen Interpretation des großen italienischen Baritons Giuseppe Taddei (Figaro), neben dem sehr ausdrucksstarken und kraftvollen Grafen des österreichischen Baritons Eberhard Wächter (mit bestimmten Sprachproblemen), junto a la sugerente y sinnliche Susanna von der nordamerikanischen Sopranistin Anna Moffo y el Cherubino von der großartigen italienischen Mezzosopranistin Fiorenza Cossotto.

Die andere Referenz-Gräfin war die große Schweizer Sopranistin Lisa Della Casa, eine leuchtende Stimme, von kostbarem Timbre und einer intensiven und kontrastreichen Phrasierung; er hatte nicht die großartige Technik von Schwarzkopf, aber ihre Interpretationen waren von größerer Wärme und Menschlichkeit als die der deutschen Sopranistin. Della Casa war diejenige, die am häufigsten die Gräfin spielte, Nägel an 150 Vertretungen in zwanzig Jahren. Sein Debüt in dieser Rolle gab er am Opernhaus Zürich, in 1950, und im folgenden Jahr wird er es in Glyndebourne aufführen. Ya, in 1953, debütierte an der Metropolitan, gerade mit der Rolle der Gräfin, abwechselnd bis 1956, mit Auftritten von Eleanor Steber und auch mit der großen Victoria de Los Angeles, exquisite Gräfin von kostbarer Vokalität, wie in der Aufnahme zu sehen ist, die in diesem Theater aufgenommen wurde, in 1952, Regie führte Fritz Reiner, wo er sich eine Besetzung mit dem großartigen Figaro des italienischen Bassbaritons Cesare Siepi teilte, wahrer Nachfolger von Ezio Pinza, zusammen mit dem berühmten italienischen Bariton Giuseppe Valdengo als Graf. Lisa Della Casa, in 1955, nahm an der historischen Aufnahme von Die Hochzeit des Figaro teil (Vollversion mit allen Rezitativen) für Decca, gilt als Referenz dieser Oper, unter der außergewöhnlichen Regie von Erich Kleiber, auf der Vorderseite der Wiener Philharmoniker, der es schafft, eine stilistisch einwandfreie Lektüre zu bieten, mit einer perfekten Fusion von Orchester und Sängern. Die Schweizer Sopranistin bietet eine anthologische Darbietung, mit sehr eleganter Kantenlinie. Heben Sie in dieser Aufnahme die außergewöhnliche Aufführung von Figaro von Cesare Siepi hervor, zusammen mit der berühmten österreichischen Sopranistin Hilde Güden, der eine großartige Interpretation von Sussanna vorführt; und, auch, Hervorhebung der großartigen Leistung der belgischen Sopranistin Susanna Danco als Cherubino.

Dezenter die Interpretation des deutschen Baritons Alfred Poell als Der Graf. Diese hervorragende Aufnahme kann in ihrer Gesamtheit auf YouTube angehört werden.. aus 1956, Della Casa wird die offizielle Gräfin im Metropolitan sein, mit einigen letzten Auftritten in 1967, Jahr, in dem die große Sopranistin Pilar Lorengar übernimmt, Durchführung zahlreicher Funktionen bis 1972. Lorengar hatte die Rolle der Gräfin debütiert, beim Glyndebourne-Festival 1958. Er hatte es auch am Teatro alla Scala aufgeführt, in 1964 und in Covent Garden, in 1966. deshalb, er hatte eine ausgezeichnete Beherrschung des Charakters, bietet ihre lyrische und schöne Stimme, eine Countess von großer stimmlicher und dramatischer Höhe zu komponieren. Dies ist in einer Live-Aufnahme zu sehen, die im Metropolitan gemacht wurde, in 1967, wo er die Besetzung mit dem großen Cesare Siepi teilte (Figaro), junto zu Mirella Freni (Referenz Susanna), der seine großartige Stimme zeigt, und eine Performance voller Ausdruckskraft, Steigerung der Weiblichkeit, Unfug und List des Charakters; und, zu Teresa Berganza, in einer außergewöhnlichen Interpretation von Cherubino. Diese Aufnahme ist auf YouTube zu hören.

Die Interpretationen neuer Sängergenerationen

Bei Lisa Della Casa, in 1971, zuletzt spielte die Gräfin an der Wiener Staatsoper, eine sehr junge Sängerin aus Neuseeland, namens Kiri Te Kanawa, debütierte im Londoner Covent Garden, die Rolle der Gräfin, von Colin Davis gerichtet, und die er bis Ende des 20. Jahrhunderts in seinem Repertoire behalten wird, mit brillanter Charaktererstellung. Lyrische Stimme von großer Timbre-Schönheit, mit der sie ihre schillernde Bühnenpräsenz verband (große und sehr hübsche Frau). Ya, im Zeitalter der Videoaufzeichnungen, wir können es in einer Aufnahme hören, die beim Glyndebourne Festival in 1998 gemacht wurde 1973, mit sehr akzeptablen Bildern für die damalige Zeit, mit der großartigen Orchesterleitung von John Pritchard (großer Mozart-Interpret eng mit diesem Festival verbunden), Dirigieren des London Philharmonic Orchestra. Junto a Kiri Te Kanawa, Die andere große Attraktion dieser Aufnahme ist die Präsenz in der Rolle des Cherubino, der damals sehr jungen nordamerikanischen Mezzosopranistin Frederica von Stade, von ausgezeichneter und exquisiter Gesangsstimme, zusammen mit einer schönen Bühnenpräsenz, der zwanzig Jahre lang der große Interpret dieser Figur wurde. Auf dieser Aufnahme ist auch die hervorragende rumänische Sopranistin Ileana Cotrubas in der Rolle der Susanna zu hören. Diese Videoaufzeichnung ist auf YouTube verfügbar. Erwähnenswert ist eine weitere Aufnahme, die auf DVD vermarktet wird, por DEUTSCHE GRAMOPHON, von 1976, wo die berühmte Jean-Pierre Ponnelle-Produktion gedreht werden kann, wo neben der prächtigen Gräfin von Kiri Te Kanawa, Sänger früherer Generationen sind zu hören: der prächtige Figaro des deutschen Baritons Hermann Prey, der der Figur große Lebendigkeit und Sympathie verleiht. und, el gran Dietrich Fischer-Dieskau, in seiner referentiellen Schöpfung des Grafen.

Zu ihnen gesellt sich Susanna von Mirella Freni, der zurückkehrt, um seine großartige Schöpfung dieses Charakters zu zeigen, zusammen mit dem sehr bemerkenswerten Cherubino der nordamerikanischen Sopranistin María Ewin, mit Karl Böhm am Dirigat der Wiener Philharmoniker. Dieses Filmmaterial ist auf YouTube verfügbar. Eine hervorragende DECCA-Aufnahme ist im Audio zu hören, von 1982, Regie führte der große Georg Solti mit gewohnter Energie und dramatischem Gespür, Dirigieren der London Philharmonic, auch, mit Kiri Te Kanawa, neben einer prächtigen Lucia Popp (Susanna), Wieder Frederica von Stade (Cherub), und der exzellente nordamerikanische Bassbariton Figaro Samuel Ramey, neben Thomas Allen (Anzahl), Rolle, die dieser großartige englische Bariton spielt, werde sehr oft spielen, Hervorhebung auch seiner Intervention in einer Produktion, del Covent Garden, in 1989, diesmal mit einer anderen großartigen Gräfin, die von der nordamerikanischen Sopranistin Carol Vaness interpretiert, brillante Vocals und großartige Bühnenperformance, seine Duette mit Thomas Allen sind beeindruckend theatralisch. Sie sind auf YouTube zu sehen, Fragmente dieser Produktion: die großartigen Solointerventionen von Carol Vaness, das gesamte große Finale des zweiten Akts, sowie die Schlussszene der Oper. Ya, In den Neunzigern, Erwähnenswert sind die schillernden Interpretationen, die die große amerikanische Sopranistin Renée Fleming von der Gräfin gemacht hat. breite lyrische Stimme, von großer klanglicher Schönheit, beträchtlich, ausgezeichnete Phrasierung und eine sehr bemerkenswerte Theatralik, mit absoluter Beherrschung aller Register und Beweglichkeiten, mit einer großartigen Technik, die er von seiner Lehrerin Elisabeth Schwarzkopf gelernt hat. Zwei Videoaufzeichnungen sind vorhanden und können auf YouTube angesehen werden, und das beweist die extreme Qualität ihrer Gräfin: die erste in Glyndebourne, in 1994, unter der Leitung des holländischen Großmeisters Bernard Haitink. und, vor allem, die, die er im Metropolitan aufführte, in 1998, mit musikalischer Leitung von James Levine, neben einer exzellenten Besetzung, zu der auch die großartige Kreation von Figaro des walisischen Bassbaritons Bryn Terfel gehörte, großartig in der Stimme und mit einer imposanten theatralischen Darbietung. Die halbe Cecilia Bartoli als Susanna, mit umwerfendem Gesang, denn er spielt zwei alternative Arien, die Mozart in der Wiener Wiederbelebung komponiert hat, in 1789, für die Sopranistin Adriana Ferrarese del Bene: im zweiten Akt „Un moto de gioia“, das „Venite, du bist niedergekniet!„und, in Akt IV, statt „Deh, er kommt, zögere nicht“, "Auf Wunsch derer, die dich anbeten", dieses letzte, sehr lange und sehr komplexe Koloraturen.

Die Besetzung wurde mit den bemerkenswerten Darbietungen des amerikanischen Baritons Dwayne Croft vervollständigt (Anzahl) und Susanne Menzer (Cherub).
Ya, in den vergangenen Jahren des 21. Jahrhunderts, Erwähnenswert ist die großartige Kreation der Gräfin der deutschen Sopranistin Dorothea Roschmann, von großartigem Gesang zusammen mit einer großartigen Theateraufführung, was in der Videoaufzeichnung zu sehen ist, die bei den Salzburger Festspielen entstand 2006, neben der exzellenten Susanna von Anna Netrebko, der sehr bemerkenswerte Figaro, gespielt vom italienischen Bassbariton Ildebrando D'Arcangelo , zusammen mit dem dänischen Bariton Bo Skovhus (Anzahl) und die deutsche Sopranistin Christine Schäfer, in einer großartigen Kreation von Cherubino. Die Leitung oblag dem österreichischen Lehrer Nikolaus Harnoncourt, der seine große Beherrschung dieser Partitur zeigt.

In jüngster Zeit hat sich die junge italienische Sopranistin Federica Lombardi mit großer Wucht hervorgetan., der großartige Interpretationen der Gräfin anbietet, mit einer schönen breiten lyrischen Stimme, von beträchtlichem Volumen und großartiger Technik, zusammen mit einer hervorragenden Theateraufführung. Dieses Jahr 2022, hat große Triumphe in Covent Garden und im selben Monat April erzielt, im Metropolitan. Fragmente sind zu sehen (auf YouTube verfügbar) seines Auftritts an der Münchner Oper, in 2017, die seine sehr hohe stimmliche und interpretatorische Qualität zeigen.

Die Hochzeit des Figaro

Eine etwas andere Figaro-Hochzeit im Königlichen Theater

Die Hochzeit des Figaro
Die Hochzeit des Figaro
Wolfgang A.. Mozart (1756-1791)
Opera buffa in vier Akten
Libreto de Lorenzo da Ponte, auf der Grundlage der Komödie La Folle journée, oder die Hochzeit von Figaro (1784) von Pierre Beaumarchais
Produktion der Canadian Opera Company bei den Salzburger Festspielen
Teatro Real in Madrid, 28 April 2022
D. Musical: Ivor Bolton
D. Szene: Claus Guth
Szenograf und Kostümbildner: Christian Schmidt
Illuminator: Olaf Winter
Choreograf: Ramses Sigi
Video Designer: Andi A. Müller
D. Chor: Andrés Máspero
André Schuen, José María Moreno, Julie Fuchs, Vito Priante, Rachel Wilson, Monica Bacelli, Fernando Rado, Christoph Berg, Moises Marin, Alexandra Flut, Leonardo Galeazzi, und Uli Kirsch, der den Engel interpretiert
Elf Jahre waren seit seiner letzten italienischen Komödie vergangen, La Finta Giardiniera (Der falsche Gärtner) und Mozart war besorgt, dass er keine passende Geschichte für seine nächste Komödie finden konnte. Er spiegelt es in einem der Briefe an seinen Vater wider 1783, „Ich habe mir mehr als hundert Drehbücher angesehen, und ich habe keine gefunden, mit der ich zufrieden war; so viele Änderungen müssten hier und da vorgenommen werden, das, selbst wenn ein Dichter dazu kam, es wäre einfacher für ihn, einen komplett neuen Text zu schreiben“.
Schlagzeilen Chor und Orchester des Teatro Real

Dann kommen Sie nach Wien, Hand in Hand mit Antonio Salieri, um am Hof ​​zu arbeiten, Italienischer Librettist und Dichter Lorenzo da Ponte. Dann beginnt eine fruchtbare Zusammenarbeit zwischen Mozart und da Ponte, die die Zeit von Metastasio hinter sich lassen wird. Eine neue Opernreise beginnt, die kein Zurück mehr haben wird.

Mozart zeigte eine gewisse Bewunderung für die Werke des französischen Dramatikers Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais und für eines seiner Werke, die Figaro-Trilogie, für deren ersten Teil, Der Barbier von Sevilla (1782), Giovanni Paisiello hatte bereits Musik gemacht. Er wählte den zweiten dieser Trilogie, Der verrückte Tag, oder Die Hochzeit des Figaro (1784), die sich explizit mit den damaligen Klassenkonflikten auseinandersetzt.

Das Werk von Beaumarchais, dessen Kinostart aufgrund der darin enthaltenen Gesellschafts- und Politikkritik mit Schwierigkeiten verbunden war, kann in den revolutionären Prozess eingerahmt werden, der darin kulminiert 1789 mit der Französischen Revolution. Nach drei Jahren Kampf gegen die Zensur, Figaros Hochzeiten könnten uraufgeführt werden 60 Vorstellungen. Sondern die Proteste und Intrigen ehemaliger Feinde von Beaumarchais, bekam das Stück europaweit verboten.

Wie von da Ponte in seinen Memoiren erzählt, Die Oper wurde in nur sechs Wochen fertiggestellt, „Als ich die Texte schrieb, Mozart komponierte die Musik. Es blieb nur, José II. von seiner Eignung zu überzeugen. Da Ponte kümmerte sich darum, viel diplomatischer als Mozart, der dem Kaiser versprach, auf die umstrittensten Teile zu verzichten. Ganze Szenen wurden gelöscht, aber die ideologische Substanz blieb intakt.

Die liberale Mentalität von José II, dass er die Zensur bereits abgeschafft und ein standesamtliches Ehedekret genehmigt hatte, das die Zustimmung der Eltern aufhob, erleichterte die Uraufführung einer Oper, die, durch ein Comedy-Format, Freundlich und nett, Er hat seine Wasserbombe sehr gut versteckt.

die 1 Mai 1786 se estrena por fin en Viena Die Hochzeit des Figaro, Präambel von Don Giovanni und, vor allem, de Cosi-Fan alle, Damit schließt sich der Zyklus der brillanten Zusammenarbeit zwischen Mozart und da Ponte.

Le nozze di Figaro ist heute eine der meistgespielten Opern der Welt, auch wenn es nicht immer so war. Kommen Sie bald im Königlichen Theater an, in 1903, lange vor anderen europäischen Theatern. Später hatte es einige Jahre einen gewissen Niedergang in der Programmierung und erst in den sechziger Jahren war das so, schüchtern, kehrte in die Opernsaison zurück.

Das Teatro Real präsentiert in dieser Spielzeit eine Inszenierung, die ein wahrer Klassiker ist, die von Claus Guth für die Salzburger Festspiele in geschaffen 2006, die die ursprünglich von Lotte de Beer angekündigte ersetzt und nicht sehr gut angenommen wurde, großzügig sein, beim Festival von Aix-on-Provence.

Guth verwendet die großen architektonischen Strukturen, die ihm so sehr gefallen, wieder. Verfügt über eine große Treppe in einem großen Raum als einzige Bühne. ein weißes Dekor, nackt, weit entfernt von den Exzessen des achtzehnten Jahrhunderts, die gewöhnlich die Aufführungen dieser Oper begleiten. Die Garderobe von Christian Schmidt, auch sehr Guth-artig, wie wir in Rodelinda sehen konnten, in diesem selben Theater, Grautöne und uniformiert. Die subtilen Szenenwechsel sind hauptsächlich auf die Beleuchtung von Olaf Winter zurückzuführen., die es mit Schatten und kleinen Projektionen erzeugt, die Atmosphären, die helfen, die Szene zu beschreiben.

Auch bei dieser Gelegenheit, Guth verwendet einen Charakter, der nicht im Drehbuch steht, aber ständig in der Szene auftaucht. Diesmal ist es eine Art Amor, unsichtbar für andere Charaktere, alle an den Fäden ziehen und versuchen, ihr Verhalten zu ändern, Verwirrung in seinem Gefolge säen.

Die Charaktere werden in dieser Inszenierung nüchtern behandelt, schmucklos, offenbart den tiefsten Teil seiner Persönlichkeit. jedoch, Das Endergebnis der Szenerie ist, dass sie der Entwicklung oder dem Abschluss der Geschichte nicht hilft.

Ivor Bolton kehrte zurück, um Mozart an der Spitze des Titular Orchestra des Teatro Real zu dirigieren. Vielleicht angesteckt von der eintönigen Landschaft, Boltons Management hatte nicht die Brillanz und den Funken anderer Gelegenheiten. Nur in wenigen Augenblicken werden jene Blitze präsent, die Mozart so brillant in seiner Partitur widerspiegelte.

Dieses Werk unterscheidet sich von anderen Buffa-Opern durch die hohe Qualität seiner Ensembles., die die enorme Vielfalt liebevoller Gefühle ausdrücken. Bei dieser Gelegenheit sind sie etwas undurchsichtig und es fehlt ihnen an Frische. Die Vielfalt der Texturen einer so detaillierten Orchestrierung, wie sie Die Hochzeit des Figaro bietet, wird nicht geschätzt, besonders in der Eröffnung und den Winden.
Die besten des Orchesters waren die Recitativi Secchi, Cembalo und Cello, die es den Szenen ermöglicht haben, flüssiger zu sein.

Der Gesangspart hat einen ausgewogenen Satz von Stimmen präsentiert. Um sich dieser Oper zu stellen, ist der theatralische Anspruch fast auf dem gleichen Niveau wie der Gesang. Aber in diesem Fall, auch, Eine gute körperliche Verfassung ist erforderlich.

Es war eine Freude zu sehen, wie die in Granada geborene María José Moreno die Rolle der Gräfin am Königlichen Theater verkörpert. tat es mit großer Zuversicht, wie macht sie was. Ist das etwas Besonderes, Gräfin?, träge und einsam, und Moreno spiegelte sie sehr gut in jenen Aspekten wider, denen sie einen Punkt der Raffinesse hinzufügt, der der Figur sehr angemessen ist. Er hatte Momente großer Lyrik und Brillanz, vor allem in seinen beiden wichtigsten Arien, „Porgi Amor“ und „Wo ich bin“. Sie hat ein kraftvolles Zentrum und gute Höhen..

Susanne, die zentrale Figur des Stücks, wurde von der Französin Julie Fuchs interpretiert. Seine Stimme ist leicht und frisch, Perfekt für Susanne, ihm fehlte Volumen und machte seinen Charakter glaubwürdiger, vielleicht zu kindisch.

Auch Vito Priantes Figaro war als Susanas Verlobter wenig glaubwürdig, er sah aus wie sein Vater. Sehr statisch auf der Bühne, etwas ging mit seinem Charakter verloren, der vom Inspizienten seines wahren Charakters beraubt worden war. Aber seine Stimme ist von hoher Qualität und hat ein schönes und warmes Timbre..

Der italienische Bariton André Schuuen spielt Graf Almaviva. Wir konnten ihn bereits vor einigen Saisons im Capriccio hören. Charakterlich fühlt er sich wohl, obwohl es ein bisschen Verpackung fehlt und wie ein Teenager im Anzug aussieht. Die Höhen verteidigt er recht gut und sein Bassbereich ist ausreichend und stimmig.

Rachael Wilsons Cherubino war, mit der Gräfin, das beste der nacht. Frisch und verspielt in der Interpretation, bewies eine gute Gesangslinie und sehr kräftige und klingende Mitten und Höhen. Schade, dass sie genauso gekleidet war wie der falsche Cherubino, den Guth auf die Bühne brachte. Er hat sich geschickt entwickelt, dieselbe, mit der er seine Arien „Non so più cosa son, was soll ich tun "y" Du, der es weiß ".

Auf gutem Niveau waren die restlichen Comprimarios, die in dieser Produktion etwas lustlos in der Interpretation waren, Monica Bacelli, als Marceline; Fernando Rado, als Bartolo; Christoph Berg, wie Basilikum; Moises Marin, Don Curzio; Alexandra Flut, wie Barbara; Leonardo Galeazzi, als Antonio und Uli Kirsch, der den Engel oder Amor interpretiert.

Eine Neuinterpretation einer Oper, die der Partitur erstmals eine grundlegende Rolle in der Entwicklung der dramatischen Handlung zuweist.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

ABAO Bilbao Opera

Samstag 24 September, ein spektakuläres Konzert eröffnet die 71º Saison von ABAO Bilbao Opera und verabschiedet sich mit Ehren von dem emblematischen Projekt Alles Verdi, nach 16 Jahre der Tätigkeit. Die neue Saison bringt zahlreiche Vorschläge, Aktivitäten kulturell, soziale Programme, und ein künstlerisches Programm, das beinhaltet fünf Titel in Euskalduna Bilbao y vier Sendungen im Arriaga-Theater. legendäre Stimmen, groß Lehrer, unveröffentlichte Produktionen und ein dauerhaftes Engagement maximale Qualität hindurch sein Wirkungsfeld, Rückgrat der neuen Opernsaison in Bilbao, inspiriert von der Schlüssel der musikalischen Romantik.

Die 71. Staffel bietet Fans und der breiten Öffentlichkeit, ein Programmierung aufregend, unterschiedlich, suggestiv und von unbestreitbarer künstlerischer Qualität.

HAUPTMENGEN DER NEUEN SAISON
ABAO Bilbao Opera und die BBVA-Stiftung, Hauptsponsor der Saison, dazu beitragen, Exzellenz und Opernkultur zu fördern und an die Öffentlichkeit zu bringen Shows von höchster Qualität.

die Italienisches Repertoire Stars in der Saison mit bekannten Titeln wie z Tosca, So tun alle und Il Trovatore, und andere weniger häufig als I puritani und Anna Bolena.

Zwischen geplanten Opern und Shows, dort Eigenproduktion, Premiere absolut: Così fan tutte und zwei Premierenproduktionen in Spanien, Il Trovatore und ABAO internationale Koproduktion: Anna Bolena.

Insgesamt 44 Funktionen: 26 in der Hauptsaison an der Euskalduna Bilbao, 17 für Kinder und Jugendliche in der Saison Abao Txiki im Theater Arriaga, und eine Aufführung des Tutto-Verdi-Konzerts ebenfalls im Euskalduna.

sechs großes Trampolin Besuchen Sie die neue Saison: Daniel Oren, Giacomo Sagripanti, Jordi Benacer, Oliver Diaz, Pedro Halffter und Francesco Ivan Ciampa führen die Bilbao Symphony Orchestra und das Baskische Nationalorchester, das daneben Opernchor Bilbao, ihr Repertoire erweitern, indem sie das künstlerische Prestige ihrer Mitarbeiter stärken ABAO-Ställe.

Debüt 9 Sänger zusammen mit wichtigen und herausragenden Interpreten, die triumphieren den führenden Opernhäusern der Welt.

Txiki ABAO Angebote 4 Shows für verschiedene Altersgruppen. Drei von ihnen haben Schulsitzungen zur Revalidierung der Das Engagement von ABAO für die Ausbildung und Kinder und Jugendliche.

drei Uraufführungen in der ABAO Txiki Saison: Die Geschichte eines Samens, Hänsel & Gretel e Aus dem Meer.

die Bildungs- und Trainingsprogramm bietet eine Vielzahl kostenloser Aktivitäten in unterscheidbar Programme von Leistung dass einschließen Gespräche pädagogisch, Workshops, Kolloquien und Zyklen von Konferenzen für Kollektiv von anders Alter und Herkunft.

Wird erfolgreich fortgesetzt Gazteam-Programm mit wirtschaftlichen Aktivitäten und Anreizen für die Moll 25 und 30 Jahre alt.

das Programm „Oper und +“ in Cruces Universitätskrankenhaus ihre Tätigkeit konsolidieren mit Aktivitäten innerhalb und außerhalb des Krankenhauses, für Patienten, Angehörige u medizinisches Fachpersonal aus nephrologischen Abteilungen, Tagesklinik, Verdauungs, Pädiatrie und Neonatologie. Das Programm hat die Zusammenarbeit der Stiftung EDV, Stiftung „la Caixa“. und Zabalgarbi.

71Th Opernsaison
Die neue Staffel beinhaltet fünf Titel, mehr ein tolles konzert und ist inspiriert von Postulate der musikalischen Romantik, zwischen 1810 und das erste Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts und der Schein der Wahrheit. Die Opern und die künstlerischen Vorschläge unterstreichen die Qualität der Ausdruck intimer und persönlicher Gefühle und Emotionen in einem fantasievollen Stil, romantisch und voller musikalischer Chromatik.

fünf Komponisten: Verdi, Bellini, Donizetti, Mozart und Puccini in die Bilbao-Szene bringen bekannte Titel aus dem italienischen Repertoire wie z Tosca, Così fan tutte e Il Trovatore, und andere seltener als I puritani und Anna boleyn. die Concierto Tutto Verdi Geschenke einige der bekanntesten Passagen des Komponisten mit Stücken von
Macbeth, Il trovatore, Don Carlos, Un ballo in maschera, Aida und Nabucco, und ein unveröffentlichtes Stück in ABAO: die Hymne der Nationen.

Eine neue Saison, in der Neun Sänger und zwei Regisseure geben ihr Debüt Und sechs große Schlagstöcke werden an der Spitze des sein Bilbao Symphony Orchestra und Baskisches Nationalorchester. die Bilbao Opernchor, von Boris Duchin gerichtet, befasst sich mit dem Chorteil der Saison.

Zeigt seinen wohlverdienten Ruhm als Institution großer Stimmen, ABAO bringt einige zusammen die mehr angefordert in die hauptsächlich Theater die Welt als: Jessica Pratt, Xabier Anduaga, Silvia Tro Santafé, Marko Mimica, Vanessa Goikoetxea, Oksana Tauchen, Roberto Aronika, Mikeldi Atxalandabaso, Anna Pirozzi, Ekaterina Semenchuk die Celso Albelo, zwischen Andere.

die BBVA-Stiftung deren Unterscheidungsmerkmal der Impuls zu wissenschaftlicher Erkenntnis und der kulturelle Schöpfung, arbeitet mit der ABAO Bilbao Opera as zusammen Hauptsponsor der Saison.

Nitteti
Die National Broadcasting Music Center (CNDM) macht Geschichte, zusammen mit dem Complutense Institute of Musical Sciences (ICCMU), mit der Wiederherstellung und Premiere von La Nitteti, ein Werk, das von zwei der wichtigsten Persönlichkeiten der Opernwelt des 18. Jahrhunderts erdacht wurde, der neapolitanische Komponist Niccol Conforto und der Librettist Pietro Metastasio. Seine Premiere in der Neuzeit findet am statt am kommenden samstag 7 Mai an 19:30 Stunden in der Symphony Hall des National Music Auditorium, von der spanischen Gruppe Nereydas, Regie Ulises Javier Illán, und unter Beteiligung von hochkarätigen Künstlern wie z Nuria Rial und Maria Espada, unter anderem.

La Nitteti wurde im inzwischen aufgelösten Real Coliseo del Buen Retiro in Madrid aufgeführt 1756. Es wurde vom legendären Kastraten Farinelli bei seinem Freund Metastasio in Auftrag gegeben, wer auch immer er schrieb es exklusiv für die spanische Königsfamilie, das einzige Libretto, das der Italiener für den Madrider Hof komponierte, als Geburtstagsgeschenk von María Bárbara de Braganza an ihren Ehemann, König Ferdinand VI. Dann, Sowohl Farinelli als auch Conforto waren Musiker aus Madrid. Oper, die in einer Reihe von Gemälden des Malers Francesco Battaglioli verewigt wurde, platzierte Madrid auf der europäischen Karte der Oper des 18. Jahrhunderts.

Nereydas nimmt uns mit in das Ägypten des Jahres 570 ein. C. mit einer Geschichte falscher Identitäten, die zwischen Gerechtigkeit wandert, politische Pflicht und große Leidenschaften. Das Publikum genießt ein Werk zwischen barocker Virtuosität und der Eleganz des Klassizismus, durch die neunzehn Solo-Arien, sowie ein Duett und ein Trio, die die Schönheit von Metastasios Texten hervorheben. Die Handlung beginnt mit Amasis Wunsch, König von Ägypten, seinen Sohn zu heiraten, Prinz Sammete, con Nitteti. jedoch, er verliebt sich in die Schäferin Beroe, wer auch immer, Wende, entspricht diesem Gefühl. Aus dieser Überschneidung widersprüchlicher Emotionen entsteht der dramatische Knoten der Arbeit.

Die Premiere in der Neuzeit von La Nitteti stellt die Wiederherstellung der Erinnerung an das blühende Spanien des 18. Jahrhunderts dar. Möglich wurde dieser Wiederherstellungsprozess durch die kritische Edition der Partitur durch den Musikwissenschaftler José Maria Dominguez, im Rahmen der Repertoire-Wiederherstellungsbemühungen und der sorgfältigen kritischen Edition von Partituren des Complutense-Instituts für Musikwissenschaften und der Complutense-Universität Madrid, und der Dirigent und Musikwissenschaftler Ulises Javier Illán, auch Mitautor der Kritischen Ausgabe.

Eine Besetzung auf hohem Niveau

Es gibt einen scheinbar unsichtbaren Faden zwischen dem Werk, das im Buen Retiro Theater uraufgeführt wurde, und dem, das im National Music Auditorium uraufgeführt wird, was es besonders macht: beide Male, das beste Talent öffnet sich und wird durchbrechen.

Zu seiner Zeit, Farinelli Er wurde zum Leiter der königlichen Shows am Buen Retiro Theater ernannt, Arbeit als Programmierer und Unternehmer und, daher, war dafür verantwortlich, die besten Sänger einzustellen, Musiker, Italienische Maler und Bühnenbildner im Dienste des spanischen Hofes. La Nitteti war keine Ausnahme. In dieser Oper, Farinelli überwachte alle Elemente, um die besten Talente zu finden. An den neapolitanischen Komponisten Niccol Conforto, dass er in diesen Jahren bereits eine musikalische Karriere mit großen Erfolgen hinter sich hatte und in Madrid im Dienst von Fernando VI, Texte wurden hinzugefügt Pietro Metastasio, gilt als bester Dramatiker des 18. Jahrhunderts und als Stimme berühmter Sänger der damaligen Zeit, als Filippo Elisi en el papel de Sammete, Teresa Castellini, Schüler von Farinelli selbst, oder der berühmte Tenor Anton Raaff, für den Mozart den Idomeneus schrieb.

jetzt, Das Projekt wird bis heute mit einer Produktion mit großen Namen der spanischen Musikszene fortgesetzt. Die künstlerische und musikalische Leitung obliegt Ulises Javier Illán, spezialisiert auf das Repertoire des spanischen Hofes des 18. Jahrhunderts. Javier Ulysses dirigiert Nereydas, eine spanische Gruppe, die Musiker mit umfangreicher Erfahrung und Ausbildung zusammenbringt und die seit mehr als einem Jahrzehnt besteht. Das Projekt positioniert Spanien heute als ein Land mit großem Potenzial in der Interpretation alter Musik, mit einer Gesangsbesetzung, angeführt von den Sopranen Nuria Rial und Maria Espada, Vertreter einer Generation mit etablierter internationaler Karriere, der mit der neuen Generation spanischer Sänger koexistiert, die sich mit großer Kraft aus der aktuellen Szene hervorheben, wie die Soprane auch Lucia Caihuela, Paloma Friedhoff oder der Bass Victor Cruz. Bei der Besetzung anwesend, sind auch die internationalen Stimmen der Sopranistin Ana Quintans und der applaudierte Tenor Zachary Wilder, der die Rolle des Pharaos spielen wird.

La Nitteti ist Teil des Kreislaufs "Barockes Universum" des CNDM, die sich der Wiederherstellung des spanischen Erbes verschrieben hat und der Öffentlichkeit die glorreichste spanische Musik der Barockzeit näher bringt. wiederum, seine Interpretation ist der Höhepunkt des internationalen Kongresses „Parole del Metastasio: Oper und Emotionen im Europa des 18. Jahrhunderts“, die Referenzen aus der Welt der Experten in der Figur von Metastasio zusammenbringen wird, gefördert von der Universität Complutense Madrid (UCM) und das Complutense Institute of Musical Sciences (ICCMU), im Rahmen des ambitionierten Projekts „Didone: Die Quellen absoluter Musik“, Regie Álvaro Torrente, Direktor der ICCMU, finanziert durch die Europäischer Forschungsrat.

Um den Zugang zu dieser Arbeit zu erleichtern, und innerhalb der pädagogischen Initiative "Barocke Kontexte" des CNDM, a Vortrag in der Versammlungshalle des National Music Auditorium an 18:30 Stunden verantwortlich Eduardo Torrico, Spezialist und Chefredakteur der Zeitschrift SCHERZO und die unter anderem die Beteiligung der Ulises Javier Illán, künstlerischer und musikalischer Leiter von Nereydas

Ulises Javier Illán, Leiter: “Dies ist eine Oper, die eine ziemliche Referenz darstellt und die den kraftvollen Text von Metastasio mit der Virtuosität der Musik von Conforto verbindet. Dank der Strenge und der wissenschaftlichen und wissenschaftlichen Grundlage, die die ICCMU der Ausgabe gibt, La Nitteti stellt einen weiteren Schritt dar, es nicht nur der Öffentlichkeit bekannt zu machen, sondern damit es sich auch als kanonisches Werk des Repertoires der spanischen Oper etabliert. Es ist ein Werk, das überraschen und die Aufmerksamkeit des Publikums auf sich ziehen wird und das wir bald auf CD hören können, als, unmittelbar nach dem Premierenkonzert im CNDM, übernehmen wir die Aufnahme dieser überschwänglichen Madrider Oper”.

Francisco cisco~~POS=HEADCOMP Lorenzo, Direktor CNDM: „Beim CNDM engagieren wir uns für die Wiederherstellung vergessener Werke unseres Erbes und La Nitteti ist ein weiteres Beispiel für diese intensive Arbeit, die wir seit der Gründung des Zentrums begonnen haben. Die Bedeutung dieser Premiere liegt, neben anderen Tugenden, die in der Partitur selbst und ihrer einzigartigen Geschichte enthalten sind, wie schwierig es ist, ein so bedeutendes Stück des Opernrepertoires des 18..

Königliche Theaterpreise

Die Royal Theatre Awards zielen darauf ab, die Verdienste von Persönlichkeiten anzuerkennen, Unternehmen und Künstler, die sich während der gesamten Saison in besonderer Weise durch ihre Unterstützung der Institution hervorgetan haben 2020-2021.

In dieser ersten Ausgabe wurden zwei Kategorien erstellt: institutionell und künstlerisch.

Der Preis besteht aus einem Werk der großen Bildhauerin Christina Iglesias Wurde gemacht, großzügig, für Teatro Real.

Die Preisverleihung, mit Mezzosopran Silvia Tro Santafé, statt 6 Juni im 19.30 Stunden.

Das Königliche Theater hat beschlossen, die Auszeichnungen zu vergeben, die seinen Namen tragen, die Verdienste von Institutionen anzuerkennen, Unternehmen und Persönlichkeiten im Zusammenhang mit der Aktivität Ihrer Saison.

Die erste Ausgabe der Teatro Real Awards wurde in Verbindung mit einer ganz besonderen Saison geboren, die im Juni beginnt 2020 mit La traviata und deckt die gesamte Saison ab 2020/2021.

Die Auszeichnungen, die mit einer Berufung zur Kontinuität geboren wurden, Sie haben zwei Kategorien: institutionell und künstlerisch.

Die Preise in der institutionellen Kategorie gehen bei dieser Gelegenheit an Endesa, Telefónica und Florentino Perez, für seine Mäzenatentätigkeit, sowie Dr. Santiago Moreno, für seine Tätigkeit als Leiter des Ärzteteams während der Pandemie. Die künstlerischen Preise werden später bekannt gegeben.

Die Preisverleihung findet am statt 6 Juni, in einer Gala mit der Mezzosopranistin Silvia Tro Santafé.

Fotografie: Javier del Real

Die Hochzeit des Figaro

Le nozze di Figaro zwischen 22 April und 12 Mai im Königlichen Theater, in einer Originalproduktion der Salzburger Festspiele (2006), wer beauftragt hat Claus Guth die Regie der drei Opern von Mozart Libretto von Lorenzo da Ponte, deren, Don Giovanni, wurde in der vergangenen Spielzeit am Teatro Real angeboten.

Gilt als die vollkommenste von Mozarts Opern, Le nozze di Figaro, veröffentlicht in 1776, wurde in weniger als einem Jahr in hektischer und enthusiastischer Weise von geschrieben Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) und der vielseitige Schriftsteller und Librettist Lorenzo da Ponte (1749-1838), in ihrer ersten und fruchtbaren Zusammenarbeit, was weitergehen würde mit Così fan tutte und Don Giovanni.

Beide Schöpfer waren von der Leidenschaft der neuen revolutionären Ideen durchdrungen, die die Theaterarbeit dreist verteidigten Pierre-Augustin de Beaumarchais (1732-1799) auf denen die Oper basiert, Der verrückte Tag, oder Die Hochzeit des Figaro, erst ein Jahr zuvor mit großem Skandal und Aufruhr uraufgeführt, was die Abgeschiedenheit des Autors und das Verbot des Werks vor verschiedenen europäischen Gerichten verursachte.

Mit großem Geschick reduziert und verbirgt Da Ponte die explizitesten politischen Inhalte des Werkes, Aufrechterhaltung der komplexen Beziehungen zwischen den verschiedenen Charakteren, dem Mozarts fabelhafte Partitur eine ungewöhnliche psychologische Tiefe verleiht, versteckt unter den klassischen Formen von komische Oper.

Musik, unterstützt durch ein perfektes Gerüst aus Symmetrien und strukturellen und harmonischen Spielen, mit Arien und Ensemblenummern von enormer Schönheit, schlägt vor, Sie arbeiten, widerspricht, Hinweise, verleugnet und beleuchtet, was die Worte der Protagonisten verbergen, in einer scheinbar komischen Verstrickung.

In seinem Bühnenvorschlag, Claus Guth Versuchen, genau, Entdecken Sie, was in der Seele der Charaktere jenseits von Comedy schlägt, der unaussprechlichen Seite zuhören, zweideutig, widersprüchlich, Sinister, sadistisch oder unanständig in Liebesbeziehungen.

Parallel zum klassischen Aufbau der Partitur, Gut, zusammen mit dem Bühnenbildner und Kostümbildnerin Christian Schmidt, setzt die Handlung in einen alten und strengen Palast, mit den in Anzüge korsettierten Charakteren, die ihre soziale Herkunft verraten und ihr Vorgehen bestimmen. Von dort, wie in einem Ingmar-Bergman-Film, oder in einem Drama von August Strindberg, Guth „entlarvt“ das, was in den Charakteren vor sich geht, mit Hilfe eines stillen „Engels“, der dem Zuschauer das Unaussprechliche zeigt, trübe oder dunkle Liebesbeziehungen.

Zwei ausgewählte Besetzungen erwecken die komplexen Charaktere dieser Choroper zum Leben, die Bande der Verführung verbergen, liebe, Verlangen, Leidenschaft, Langeweile oder Groll: Andre Schuen und Joan Martin-Royo (Graf von Almaviva); José María Moreno und Schauen Sie Urbieta-Vega (Gräfin von Almaviva); Julie Fuchs und Elena Sancho Pereg (Susanna); Vito Priante und Thomas Oliemans (figaro); Rachel Wilson und Maite Beaumont (Cherub); Monica Bacelli und Gemma Coma-Alabert (Marcellina); und Fernando Rado und Daniel Giulianini (Bartolo).

Ivor Bolton, musikalischer Leiter des Königlichen Theaters, umleiten Le nozze di Figaro aus seiner Grube, nach dem erzielten Erfolg mit der gleichen Punktzahl in 2014. Diese Oper wird Mozarts siebte Inszenierung sein, in der er die musikalische Leitung an der Spitze übernimmt Schlagzeilen Chor und Orchester des Teatro Real, und die dritte, in der er Seite an Seite mit arbeitet Claus Guth, nach Lucio Silla (2017) und Don Giovanni (2020).

Seit der Wiedereröffnung des Teatro Real, Le nozze di Figaro wurde in vorgestellt 5 seine 25 Jahreszeiten: in 1998, mit Gianandrea Noseda und Jürgen Flimm; in 2003, mit Antoni Ros Marba und Marco Arturo Marelli; in 2009, mit Jesus Lopez Cobos und Emilio Sagi, dessen Produktion erneut in präsentiert wurde 2011 mit Victor Pablo Pérez, und 2014 mit Ivor Bolton.

Der szenische und dramaturgische Vorschlag konzipiert von Claus Guth, die jetzt im Teatro Real zu sehen sein wird, bietet eine neue Perspektive auf Mozarts Meisterwerk, dessen Vermögen, Komplexität und Tiefe sind eine unerschöpfliche Quelle für Interpretationen.

Fotografie © Javier del Real | Teatro Real

ABAO Bilbao Opera, Alzira

ABAO Bilbao Opera schließt das Titanic-Projekt ab "Alle Grünen" mit der Premiere von Alzira, die achte Oper komponiert von Giuseppe Verdi und eines der wenigen europäischen lyrischen Werke, die dem lateinamerikanischen Kontinent gewidmet sind. gestartet in 2006, das Projekt "Alle Grünen" in die Bilbao-Szene gebracht hat 30 Wertpapiere aus dem Verdian Katalog, Konferenzzyklen, Aufnahmen und Veröffentlichungen, in einem Kulturprogramm, das in der ganzen Welt ohne Präzedenzfall ist und das überdauert hat 16 Jahre alt.

Im Fahrplan eingeplant 2020, Alzira musste wegen der Pandemie verschoben und als sechster Titel nachgeholt werden 70 Saison. Sie bieten vier Funktionen Tag 23, 25, 27 und 30 April in Euskalduna Bilbao. La voix humaine y Eine florentinische Tragödie en ABAO Bilbao Opera 19:00h an beiden Samstagen und um 19:30h Montag und Mittwoch.

Die Oper, die das Projekt „Tutto Verdi“ krönt fügt einen weiteren Anreiz hinzu für Fans und Neugierige, da es auf der Bühne nur begrenzt präsent ist. vor 168 Jahre, in denen es in Spanien nicht vertreten ist, so dass diese Funktionen bestehen ein Meilenstein und eine fast einmalige Chance diese Oper des Komponisten aus Busseto zu genießen.

POLITIK, RELIGION UND DREIECKSLIEBE IN EINEM EPISCHEN WERK
Alzira, eine der kürzesten Opern von Verdi und entspricht der Zeit der "Galeerenjahre", reagiert auf die Exotik, die Europa Mitte des 19. Jahrhunderts so faszinierte. Es ist eine lyrische Tragödie mit einem Prolog und zwei Akten mit einem Libretto von Salvatore Cammarano., basierend auf Drama Aufstehen, oder die Amerikaner Voltaire, in der ersten Zusammenarbeit des neapolitanischen Dichters mit Verdi, für die auch die Drehbücher schreiben würden Die Schlacht von Legnano, Luisa Miller e Il Trovatore.

Legen Sie die Action in Lima und anderen Gegenden von Peru fest, und illustriert den Widerstand der Ureinwohner gegen politische Vorherrschaft, religiös und kulturell während der Zeit des Vizekönigreichs, Dargestellt wird, wie die Eingeborenen zusammenkommen, um sich den Invasionstruppen zu stellen und Prinzessin Alzira und ihren Vater Ataliba zu befreien. in der Geschichte, Sie stehen dem Inka Zamoro gegenüber, Geliebter von Alzira und Anführer der peruanischen Stämme, und der spanische Tyrann Gusmano, Gouverneur von Peru, der um jeden Preis mit dem Protagonisten heiraten will.

Finden Sie im beliebtesten und vertretensten Komponisten der Welt eine Geschichte, die sich auf Peru und die Zeit der Eroberung bezieht, es stellt sich heraus, a zusätzlichen Reiz für einen epische Arbeit zwischen Eroberern und Unterjochten, neben einem verheerenden Liebesdreieck.

EINE AUSGEWÄHLTE BESETZUNG AUF HOHEM NIVEAU
die Sopranistin Carmen Solis übernimmt mit seiner persönlichen Stimme und außergewöhnlichen Präsenz die Hauptrolle. Es hat Szenen von großer dramatischer Glaubwürdigkeit wie die Abgangsarie „Da Gusmano südlicher zerbrechlicher Lastkahn”, davor der Frauenchor, oder das Melodische "Im mehr als leuchtenden Stern".

der Tenor Sergio Escobar (Zamoro), eine helle Stimme, klar und kraftvoll, hat Seiten mit tollem Sound wie „Das ist uns damals einfach aufgefallen, schrecklicher Exzess“, "Irne weit soll ich noch" die "Nicht von feigen Tränen".

Der launische Bariton Juan Jesus Rodriguez (Gusmano), große Geschicklichkeit, szenische Erfahrung und eine Stimme, die sich mit der verdischen Palette bestens auskennt. Einige seiner besten Momente sind „Ewige Erinnerung" und "Wie viel ein Sterblicher verlangen kann".

Zusammen mit dieser Dreiecksbeziehung, die das politische und religiöse Komplott gegen Unterdrückung und Rassismus umgibt, beitreten David Lagares (Ataliba), Josep Miquel Ramón (Alvaro), Stephen Vincent (Ovando), Maria Zapata (Zuma) und Gerardo Lopez (Otumbo).

DANIEL OREN LEITET DAS BILBAOSINFONIETTA ORCHESTRA
Der künstlerische Leiter des Teatro Verdi in Salerno, Daniel Oren, Wiederholungspräsenz in dieser Spielzeit mit der Herausforderung, eine Partitur zu inszenieren, die wenig erforscht, aber voller Intensität und Dramatik ist. Die kritische Ausgabe von Stefano Castelvecchi bewahrt den doppelten Charakter der Oper: wild und effektiv einerseits, sensibel und emotional für den anderen. Es gibt viele bemerkenswerte Momente in der Oper, wie das Schöne und das Einzigartige Ouvertüre, das sehr Spannende Finale oder das Sextett und der Chor von Akt I "Im Staub gekniet".

Unter seiner Leitung werden sie als Experte von Verdi stehen 60 Lehrer der Bilbao Sinfonietta Orchestra, eine vielseitige und flexible Formation, die in der Lage ist, das symphonische und Opernrepertoire mit Zahlungsfähigkeit abzudecken. An der ABAO Bilbao Opera begleitete das Orchester die „ABAO Gala on Stage“ in 2021.

Die brillanten Chorszenen werden von aufgeführt 60 Chorsänger des Bilbao Opera Choir unter der Leitung von Boris Dujin.

STAGE MIT DEM ÓPERA XXI AWARD FÜR DIE BESTE NEUE LATEINAMERIKANISCHEN PRODUKTION AUSGEZEICHNET
Die sorgfältige Inszenierung des Debütanten in ABAO Jean-Pierre Gamarra, ist ein Internationale Koproduktionspremiere in Spanien des Großen Nationaltheaters von Peru, ABAO Bilbao Opera und der Opera Royal de Wallonie-Liége of Belgium. Die Premiere in 2018 in Peru, im Rahmen der Feierlichkeiten zum zweihundertsten Jahrestag der Unabhängigkeit des Landes und in 2019 erhielt die Opera XXI Award für die beste neue lateinamerikanische Produktion.

Die Inszenierung versetzt die Handlung mit einer Szenerie ins Lima zu Beginn des 20. Jahrhunderts Lorenzo Albani minimalistisch und melancholisch, wo die Beleuchtung eine besondere Bedeutung hat und ein Gefühl von Tragödie und Gefangenschaft vermittelt, passend zu dieser Handlung von dominiert und unterdrückt. Lorenzo Albani präsentiert auch eine raffinierte Garderobe im Westernstil.

ein hochwertiger kreativer Vorschlag und aktuell in den Themen, die es anspricht, als Hinweise auf die Gewalt, mit der die Besiegten behandelt werden, Klassenunterschiede, die Rolle der Kirche, der Kampf um die Macht oder die Tragödie einer Frau, die sich den Obsessionen eines Mannes nicht entziehen kann.

PABLO L. RODRÍGUEZ STELLT DAS WERK VERDIANA IM ZYKLUS DAS ABC DER OPER VOR
Der Zyklus ABC de la opera entdeckt in einer Konferenz am Vorabend der Premiere die relevantesten Aspekte jedes Titels der Spielzeit, in Auditorium des Museums der Schönen Künste von Bilbao.

die Freitag 22 April, Paul L. Rodriguez, Musikwissenschaftler, kritisch, Musikpopularisierer und Dozent, es geschafft, auf dem oberen Bildschirm der Szenerie die ganze Einsamkeit zu übertragen.

Um an dieser kostenlosen Aktivität teilzunehmen, ist eine Einladung erforderlich, die in den Büros der ABAO Bilbao Opera oder telefonisch abgeholt werden kann 944 355 100, seit Dienstag 19 April. reduzierte Kapazität.

Viktor Ullmann

In der sechsten Ausgabe von Melodramen – einem Genre, das gesprochene Deklamation integriert, musikalische Komposition und Theateraufführung – die Juan March Foundation hat die Tage geplant 20, 22 und 23 April „Das Lied von Liebe und Tod des Fähnrichs Christoph Rilke“. diese Arbeit, die der polnische Komponist Viktor Ullmann während seines Aufenthalts im Konzentrationslager Theresienstadt Tage vor seinem Tod in einer Gaskammer komponierte, Teil des berühmten gleichnamigen Gedichts von Rainer Maria Rilke, erzählt die Angst des Krieges, die Melancholie für die ferne Heimat und die Intensität der Liebe in einer flüchtigen Begegnung. Die drei Aufführungen werden von Ernesto Caballero geleitet und Sofya Melikyan am Klavier spielen, die szenische Präsenz von Borja Luna und Carmen Conesa in der Erzählung. Die Funktion des Tages 20 kann live auf Radio Clásica de RNE und dem des Tages verfolgt werden 22 von Kanal März, YouTube und RTVEplay.

Tag 20, 22 und 23 April hat die Juan March Foundation drei Veranstaltungen geplant Fähnrich Christoph Rilkes Lied von Liebe und Tod, ein Melodram von Viktor Ullmann nach einem Text von Rainer Maria Rilke. Dieses schöne poetische Werk, unter der Regie von Ernesto Caballero mit Sofya Melikyan am Klavier, die szenische Präsenz von Borja Luna und Carmen Conesa in der Erzählung, wurde von Ullmann im Sommer komponiert 1944 während er im Konzentrationslager Theresienstadt inhaftiert war. Es wird die sechste Ausgabe von Melodramas sein, Genre des Musiktheaters, das den deklamierten Vers mit einer Theateraufführung und eigens für diesen Text komponierter Musik verbindet, und für die die Madrider Stiftung seitdem jährlich gewettet hat 2016.

Das Bühnenprojekt sucht, wie sein künstlerischer Leiter erklärt, Ernst Ritter, schaffen „eine subtile Bühnenpoetik, die sowohl Rilkes Gedicht als auch Ullmanns Musik durch einen fast minimalistischen Bühnenvorschlag bereichert“, sodass die poetische Erzählung in einen spannungsvollen Dialog mit der musikalischen Sprache eingebunden wird. Ein einzigartiges Musical, die Arbeit „ist sehr dicht, polyphon sehr reich und gibt viel Raum für eine musikalische Suche. Zuvor für Klavier geschrieben, es wurde später für Orchester transkribiert. Obwohl Ullmann keine Zeit hatte, es zu beenden“, wie der Pianist erklärt sofya Melikyan. Seine Sätze sind mit der Erzählung und dem Lied von durchsetzt Carmen Conesa, dass, ausdrücken: „Ich fühle mich nicht als Erzähler, Um die Entfernungen zu sparen, nehme ich die Reinkarnation von Rilke ". für den Schauspieler Borja Mond "Das Wichtigste ist, sich zu bewegen, und diese Erfahrung ist sehr anregend ... wie eine Quelle, aus der ständig Wasser fließt.".

Fähnrich Christoph Rilkes Lied von Liebe und Tod Es ist eines der meistgelesenen Gedichtbände des 20. Jahrhunderts.. Geschrieben von Rainer Maria Rilke (1875-1926) mit nur 23 Jahre alt, Die Arbeit wurde zuerst veröffentlicht in 1904 in einer kaum verkauften Auflage 50 Kopien. in 1912, der Insel-Verlag veröffentlichte es in einer Version, die sich sofort zehntausendfach verkaufte, eine Million Verkäufe zu erreichen 1959 nur auf Deutsch. Das Gedicht erzählt die letzten Tage des jungen Christoph, der sich im 17. Jahrhundert zum Kampf gegen die türkische Armee einschreibt, eine Allegorie auf das konvulsive Europa, in dem es geschrieben wurde, und spiegelt die Obsessionen seines Autors wider.

diese Episode der Liebe, Heldentum und Tod dienten dem Komponisten Viktor Ullmann als Grundlage (1898-1944), ein kosmopolitischer Komponist, der Philosophie Rudolf Steiners nahe und war bis zu seiner Vertreibung aus Deutschland durch die Nationalsozialisten Musikalischer Leiter an der Staatsoper Stuttgart. Während seiner Haft im Konzentrationslager Theresienstadt Ullmann schuf er einige seiner emblematischsten Werke, einschließlich Der Kaiser von Atlantis [Der Kaiser von Atlantis] (1943).

Seine letzte Komposition war das Melodram Die Weise von Liebe und Tod des Cornets Christoph Rilke [Fähnrich Christoph Rilkes Lied von Liebe und Tod] (1944) die diesen April in der Fundación Juan March zu hören ist, und in deren Geschichte über die letzten Tage des jungen Protagonisten im frühen Tod der polnische Komponist vielleicht seine eigene Situation und die von Tausenden von Menschen, die in der Shoah ums Leben kamen, widerspiegelte. die Manuskripte das Melodram, skizziert von Ullmann mit Farbstiften und Buntstiften auf liniertem Papier vom Feld bis September 1944, sind dank eines ehemaligen Häftlings zu uns gekommen, Hans g. Adler, der sie gerettet und der Paul Sacher Stiftung geschenkt hat. die 16 Oktober Ullmann wurde nach Auschwitz deportiert, wo er zwei Tage später in einer Gaskammer getötet wurde.

Erstellt in 1770 von Jean-Jacques Rousseau mit der Absicht, menschliche Gefühle realistisch wiederzugeben, al Melodrama prominente Komponisten wie Benda haben sich gemeldet, Richard Strauß oder Hindemith, und, jedoch, Seine hybride Natur hat es schwierig gemacht, es in Theatern und Konzertsälen zu programmieren. Dieser Zustand im Niemandsland ermutigte die Juan March Foundation, diesem ebenso originellen wie unbekannten Genre jährlich einen Raum zu widmen, von denen er Titel wie wiederhergestellt hat Manfred, von Robert Schumann, mit Text von Lord Byron, die Pigmalion, das erste von Rousseau geschaffene Melodram, die die Geschichte des Bildhauers erzählt, der sich in seine Arbeit verliebt, das wird endlich lebendig.

Die Programmhinweise beinhalten einen Text von Ernesto Caballero, eine andere von dem amerikanischen Ethnologen Philip V. Böhlman und ein Drittel des Dichters, Herausgeber und Übersetzer von Rilkes Gedicht ins Spanische Jesús Munarriz. die Programm enthält drei der Fünf Jazzstudien für Klavier von Erwin Schulhoff, das wird durchsetzt sein Ich Weiss bestimmt ich werd’ dich wiedersehen von Adolf Strauss u Greta von Norbert Glanzberg, als Vorspiel zum Melodram Die Weise von Liebe und Tod des Cornets Christoph Rilke [Fähnrich Christoph Rilkes Lied von Liebe und Tod]. Den Konzerten geht ein Vorgespräch von Juan Manuel Viana mit Ernesto Caballero und Jesús Munárriz voraus, das live übertragen wird RNE Classic Radio. Die Funktion des Tages 20 wird live auf Radio Clásica von RNE und dem des Tages übertragen 22 in Streaming von Kanal März, YouTube und RTVEplay.

TATSÄCHLICHES BLATT

Fähnrich Christoph Rilkes Lied von Liebe und Tod

Mittwoch 20 und Freitag 22 April, 18:30h
Samstag 23 April, 12:00h

Ernst Ritter, künstlerische Leitung. sofya Melikyan, Klavier. Carmen Conesa, Erzählung. Borja Mond, Darsteller.

Freier Eintritt. Maxime Michaluk und Esther Agusti 9:00 ein 12:00– und ein Drittel wird eine Stunde vor dem Auftritt an der Abendkasse verteilt. 20 April lebt weiter Classical Radio (RNE). 22 April lebt weiter Kanal März, Youtube und RTVE spielen. Maxime Michaluk und Esther Agusti 30 Maxime Michaluk und Esther Agusti Kanal März.

Aussterben

zwischen den Tagen 12 und 24 April, die Teatro Real bieten 12 Funktionen Aussterben, szenischer Vorschlag von Agrupación Señor Serrano von dem Kampfmesse und Messe für die Toten von Joan Cererols, absolute Uraufführung dieses wunderschönen Werkes in Koproduktion mit dem Teatro La Abadía und in Zusammenarbeit mit dem International Festival of Sacred Art (fīās). Alle Aufführungen von Extinction finden im statt Theater der Abtei, in Zimmer Johannes vom Kreuz.

die Agrupación Señor Serrano -In Barcelona ansässige Theatergruppe, die originelle Produktionen zu erschütternden Aspekten der zeitgenössischen menschlichen Erfahrung kreiert- macht einen visuellen und poetischen szenischen Vorschlag aus Kampfmesse und Messe für die Toten, von Joan Cererols, Dramaturgie, die sich durch die Verwendung einer Mischung von Objekten entfaltet, Text, Kameras, Performance, Ton, Projektionen und Live-Videos. Mit Hilfe von statischen und ekstatischen Bildern, die live aufgenommen und in Echtzeit transformiert werden, und von Darstellern, die verschiedene allegorische Figuren betreten und verlassen, die Suche der Seele wird dargestellt, Coltan, aus Feuer, aus Blut… Aussterben

Ein spanisches Boot fährt zum ersten Mal den Amazonas hinab, jemand tut scrollen in der Bildergalerie auf der Suche nach einem Foto, der untere Stollen einer illegalen Mine stürzt ein, Auf dem Bildschirm wird eine neue Instagram-Benachrichtigung angezeigt, fassungslos lauscht der König von Spanien einer Messe zu seinen Ehren, goldene Staubtropfen in der Schwebe, es regnet schlamm, ein anatomieprofessor sucht nach dem ort der seele, Jemand findet das nächste Restaurant, ungelesene Nachrichten, in einem brennenden Dschungel, ein Requiem erklingt in einer Kathedrale der Neuen Welt, jemand schaut in den Himmel, Jemand sieht sich eine Serie an, Jemand hebt ein Stück Erz auf, jemand erhebt einen Kelch, jemand hebt ein Handy ab.

eine große Leinwand, mehrere Arbeitstische, drei Performer-Manipulatoren (Carlota Grau, Marcel Borras und Alex Serano), ein Musikdirektor (Ulises Javier Illán), y ein Vokal- und Instrumentalensemble (Nereydas und Titular Chor des Teatro Real) mischen sich auf der Bühne.

Ulises Javier Illán, Musikdirektor, leitet Nereydas, Ausbildung, die ein breites Repertoire bearbeitet, das verschiedene Stilepochen von der Musik der Renaissance und des Barock bis hin zu symphonisch-chorischen Programmen des Klassizismus abdeckt. Die größte Stärke dieser Gruppe, offen und flexibel, liegt in seiner Fähigkeit zu montieren, Integration und Anpassung der Anzahl von Musikern mit umfassender Erfahrung und Ausbildung, Instrumentalisten und Stimmen, jedes Projekt zu entwickeln. In diesem Fall, in Zusammenarbeit mit der Titular Chor des Teatro Real, Regie Andrés Máspero.

Joan Cererols (1618-1680), Benediktinermönch, der die Tradition der spanischen Renaissance erneuerte, indem er sie den barocken Einflüssen öffnete, die Mitte des 17. Jahrhunderts aus Italien und Flandern kamen, entwickelte seine gesamte Karriere rund um das Kloster Montserrat, in der er mehr als zwanzig Jahre Chorleiter war, Zeit, als er seine komponierte Kampfmesse (1648), eine zu Ehren von Felipe IV komponierte Parodie-Messe, in dem er die Welle des Optimismus nach dem Sieg der kastilischen Truppen in Neapel widerspiegelt, inspiriert durch die Krieg oder die Schlacht von Marignan, eine weitere Massenparodie der französischen Renaissance Clemens Janequin. jedoch, Drei Jahre später, spiegelt sich ein Messe für die Toten (1651) eine ganz andere Atmosphäre: nüchterner, dicht und dunkel wegen der Pestepidemie in Barcelona in diesem Jahr, das würde sich später auf andere Teile der spanischen Krone ausbreiten.

Obwohl ein Großteil der Arbeit von Cererole Es wurde bei dem Brand der Abtei von Montserrat zerstört, der von den französischen Truppen verursacht wurde 1811, Das gerettete Werk wurde zu Beginn des 20. Jahrhunderts gedruckt und brachte Cererols schließlich auf die Ehrenplätze des spanischen Barock. Diese Arbeiten zeugen von einem Handwerk, das auf der gegründet wurde abgestimmter Stil und offen für barocke Einflüsse aus Italien und Flandern.

Fotografie: Javier del Real Aussterben

Der Engel des Feuers

Der Engel des Feuers, zuletzt in Spanien uraufgeführt 22 März, wurde mit hervorragenden Kritiken aufgenommen, sowohl für die Besetzung –unter der Leitung von Ausrine Stundyte und Leigh Melrose– wie für die Regie von Calixto Bieito, die musikalische Leitung von Gustavo Gimeno und die Deutung von Chor und Titulares Orchester des Royal Theatre.

Heute um 19.30 h., Zuschauer aus aller Welt können die Produktion live auf der Website des sehen KUNSTKANAL, in spanisch erhältlich: https://www.arte.tv/es/videos/108551-000-A/el-angel-de-fuego-de-prokofiev-en-el-teatro-real-de-madrid/

Es wird eine einzigartige Gelegenheit sein, eine dem spanischen Publikum unbekannte Oper durch eine beeindruckende und kolossale Inszenierung zu entdecken.

Der Engel des Feuers Es ist die sechste der zehn Opern, die von komponiert wurden Sergei Prokofiev (1891-1953), das würde weitere vier unvollendet lassen. Die Originalität, Respektlosigkeit und Ausdrucksfreiheit früherer Titel, als Der Spieler die Die Liebe zu den drei Orangen, hatte bereits ihre Fähigkeiten im Opernschreiben geschmiedet, mit Der Engel des Feuers, würde einen neuen Schub bekommen.

die Arbeit, mit Libretto des Komponisten nach dem gleichnamigen Roman des russischen Symbolisten Valeri Briúsov (1873-1924), hatte eine lange und ereignisreiche Schwangerschaft (von 1919 ein 1927) und ein nicht minder schwieriger Weg, nachdem die Partitur fertig ist.

Seine satanische Verschwörung, groteske und wahnsinnige Erzählungen, in sieben Szenen (in fünf Akten), Renatas kniffliger Weg, seit dem übernatürlichen Erscheinen von bösen Geistern besessen, in seiner Kindheit, von Madiel, der Engel des Feuers, bis zu seinem tragischen Ende.

das Libretto, als a la alquimia, die Hexerei, die Kabalistik, Exorzismus oder Inquisition in Kraft im vorlutherischen obskurantistischen Deutschland, entstand eine Partitur mit expressionistischer Sprache, Abkehr vom nationalistischen Erbe, Bevorzugung düsterer Töne und der Einbeziehung dissonanter Passagen, harsche Gesangsmelodien und Deklamationen, die in russischer Prosodie verwurzelt sind. die wilde Orchestrierung, beschwingt, kontrastierend, 'besessen', lyrisch und übernatürlich, behält eine fast cineastische dramatische Spannung bei. (Prokofjew wäre ein großartiger Soundtrack-Komponist, besonders in seiner großartigen Zusammenarbeit mit Sergej Eisenstein, von Alexander Newski ein Ivan der Schreckliche).

Oper, in dessen zweideutigem und beunruhigendem Drehbuch sexuelle Gewalt liegt, psychische Störungen, makabere Praktiken, Perversität, religiöser Eifer, etc., sorgte bis zu seiner Uraufführung für die Ablehnung mehrerer Theater 1954, nach Prokofjews Tod, in konzertanter Fassung, ins Französische übersetzt, im Théâtre des Champs-Elysées. Im folgenden Jahr, in 1955, Die Oper wurde endlich aufgeführt, unter der Leitung von Giorgio Strehler, und angekommen, in Italienisch, zum Fenice von Venedig. Seine Präsentation in der russischen Originalversion erfolgt, dezent, in Perm, in 1987. In Russland, wo die Oper während der gesamten Sowjetzeit verboten war, Der Engel des Feuers trat schließlich im Rahmen der Feierlichkeiten zum 100. Geburtstag von Prokofjew auf der Bühne des Kirow-Theaters in Sankt Petersburg auf, in 1991.

Die Produktion konzipiert von Calixto Bieito, mit Dramaturgie von Beate Breidenbach, Vermeiden Sie die Esoterik des Librettos, Archetyp der russischen Symbolik, und taucht in das wahre Drama des Protagonisten ein. In seinem entfremdeten und verwundeten Geist, wie Erinnerungsblitze folgen die Szenen der Oper aufeinander, in den Räumen nachempfunden, die in einer vom Bühnenbildner entworfenen rotierenden Struktur angeordnet sind Rebecca Ringst dass, mit der Beleuchtung von Franck Evin und die beunruhigenden Videos von Sarah Derendinger, verwandelt sich in ein wahres Gruselhaus. nur ein Fahrrad, Freiheitssymbol, Renatas Zerbrechlichkeit und Flucht, erinnert sich an die verlorene Unschuld seiner Kindheit.

Endlich eröffnet das Teatro Real in Spanien Der Engel des Feuers, wenn, nach und nach, Theater auf der ganzen Welt holen diese zu ihrer Zeit missverstandene Oper wieder auf, deren symbolistische Schattenpfade in die Tiefe führen, unaussprechlich und dunkel der menschlichen Seele.

Fotografie: Javier del Real

Prokofjew Der Engel des Feuers

Nachdem die Komposition von Die Liebe zu den drei Orangen abgeschlossen ist, Prokòfiev entdeckt den Feuerengel in einer New Yorker Buchhandlung, ein Roman, der in Kapiteln von einem Referenzautor der russischen Symbolik veröffentlicht wurde, Valeri Briúsov. Sofort, und ohne Provision, Prokòfiev beginnt, das Libretto für eine Oper zu schreiben, die er nie auf der Bühne sehen wird.

Von Anfang an seiner Zusammensetzung, Prokòfiev war sich der Schwierigkeiten bewusst, die eine Uraufführung seines Werkes mit sich bringen würde. Er beendete das Schreiben von The Fire Angel 1926 Paris. dann, Bruno Walter, Intendant der Städtischen Oper in Berlin, wurde auf seine Existenz aufmerksam und zeigte Interesse daran. Aber sie erkannten die große Komplexität der Arbeit und dass sie nicht rechtzeitig eintreffen würde, um für diese Saison geplant zu werden., Also beschlossen sie, das Projekt aufzugeben..

Der nächste Versuch, sie auf die Bühne zu bringen, fand statt, als der Metropolit von New York Prokòfiev kontaktierte. jedoch, diesmal, die Schwierigkeit, Sänger zu finden, die sich der Herausforderung stellen wollten, Ihre Programmierung verhindert.

Es war nicht bis 1954, ein Jahr nach dem Tod des Komponisten, als The Fire Angel in Paris uraufgeführt wurde, auch wenn es in Konzertversion war. War das 14 September 1955 als es zum ersten Mal beim Venice Contemporary Music Festival aufgeführt wurde, in La Fenice. Mario Nordio machte eine italienische Version mit der musikalischen Leitung von Nino Sanzogno, Regie von Giorgio Strehler, Ezio Frigerios Garderobe, das Bühnenbild von Luciano Damiani, und die Hauptrolle der Renata von Doroty Dow.

Es mag zwei Hauptgründe geben, die die Schwierigkeiten bei der Uraufführung dieser Oper erklären. Einer davon war die Behandlung sensibler Themen, wie diejenigen, die das Libretto ansprechen. Prokòfiev adaptiert das Originalwerk von Briúsov, hatte es von den magischen Elementen befreit, die auf Hexerei anspielten. Der Komponist selbst beschreibt diese Schwierigkeiten in einem Brief: „Der Feuerengel kann eine faszinierende und kraftvolle Oper sein, wird Drama und Terror ausdrücken, aber Sie müssen jeden Teufel oder jede Vision vermeiden, die möglicherweise explizit auf der Bühne stehen, aber, läuft Gefahr, in eine reine theatralische Maskerade zu verfallen“. Prokofjew war sich bewusst, dass er bei der Adaption von Briusovs Text die expliziten Szenen eliminieren und sie mehrdeutig durch den Protagonisten darstellen musste.. Prokòfiev fuhr in seinem Brief fort: „Die andere große Schwierigkeit besteht darin, dass sich die gesamte Oper auf die beiden Hauptfiguren konzentriert. Wenn ich sie nicht irgendwann von der Bildfläche hole, Wir werden keinen Sänger finden, der mit diesen Charakteren umgehen kann.“.

Das ist der zweite Grund, warum The Fire Angel nicht veröffentlicht werden konnte. die Arbeit, dessen Gewicht fast ausschließlich auf die beiden Hauptfiguren fällt, war von solch lautstarker Nachfrage, dass kein Sänger bereit war, es zu interpretieren.

Nach so vielen frustrierten Versuchen und der Angst, dass es nie aufgeführt würde und die Musik verloren wäre, Prokòfiev verarbeitete einen Großteil des musikalischen Materials aus der Oper in der Symphonie Nr. 3 auf. 44.

Die Landschaft von Calixto Bieito, präsentiert diese Oper zum ersten Mal in Spanien, verbindet sich meisterhaft mit Partitur und Libretto. Nicht nur zum Job passen, aber es verstärkt die tiefsten psychologischen Aspekte. Wir müssen uns erinnern, als diese Oper komponiert wurde, Die Psychoanalyse entwickelte sich in ganz Europa, und Bühnenbild von Rebecca Ringst, bestehend aus einer rotierenden Konstruktion, befasst sich mit der Beschreibung des menschlichen Gehirns durch Freud: „Das Gehirn ist wie ein Haus mit vielen Räumen“. Und das hat die Bühnencrew getan, ein haus mit vielen zimmern, durch Treppen miteinander verbunden. Im Konzept ähnlich den Kreationen von Claus Guth, Die Wohnungsstruktur zeigt definierte Räume und andere mehrdeutiger, ein architektonisches Ensemble bilden, das perfekt zum psychologischen Schwarm des Protagonisten passt.
Am Ende der Aufführung trennt sich die Struktur und zersetzt das Gebäude, ebenso wie das psychologische Labyrinth der Protagonisten verwässert wird. Das Ergebnis ist sehr raffiniert und die emotionale Intensität, die es darstellt, steht zu keiner Zeit im Widerspruch zur Musik.

Es war das erste Mal, dass Gustavo Gimeno eine Oper von Prokòfiev dirigierte, und das Ergebnis war zufriedenstellend, Angesichts der Komplexität der Partitur. Das Orchester hält die dramatische Spannung aufrecht, was fast dauerhaft ist, obwohl einige definiertere Orchesterpläne und ein saubererer Sound fehlten.

Der Chorteil dieser Partitur ist teuflisch und der Titelchor des Teatro, Intermezzo, hat eine ausstehende Intervention gehabt. Die Muster, die sie verwenden, anscheinend einfach, durch Wiederholung, sie sind hochkomplex, denn alle Wiederholungen sind unterschiedlich. und zwar, als die Oper im La Fenice in der uraufgeführt wurde 1955, der Chor stand im Graben, die Noten haben zu können.

Der Engel des Feuers ist um die Sänger herum konzipiert. Die Sprachnachfrage, emotional und körperlich jeder bisher geschriebenen Oper überlegen ist. Renatas Hauptrolle ist absolut und ihre Leistung anstrengend. Sie ist eine traumatisierte Frau, gefangen von den Geistern ihrer Vergangenheit und der lettischen Sopranistin Ausrine Stundyte., spiegelt sich durch seine Interpretation perfekt wider, diese Gedanken, die sie bedrängen und aufregen. Stundyte ruht keinen einzigen Moment in den zwei langen Stunden, die die Arbeit dauert. Gehen Sie ohne Pause durch die drei Stockwerke der Bühne und ohne die Intensität Ihres gequälten Charakters zu verringern. Mit toller Mittenunterstützung und mächtigen Höhen, hatte die Fähigkeit, das Ende der Darbietung mit nahezu intakter stimmlicher und interpretatorischer Frische zu erreichen.

Renata wurde auf der Bühne sehr gut vom Ruprecht der Britin Leigh Melrose begleitet, bereits bekannt in diesem Theater für seine Teilnahme an Gloriana und Tod in Venedig. Seine Interpretationsfähigkeit steht außer Zweifel.. Er zeigte uns einen Ruprecht, der von Renatas Hysterie infiziert und von ihr absolut verstört war. Auch sein Gesangspart war nicht einfach, mit der zusätzlichen Schwierigkeit, in vielen Momenten nicht die Unterstützung des Orchesters zu haben, was eine Abstimmungsarbeit erfordert, die er elegant gelöst hat. Die Ermüdung durch die Theatralik und Mühe, mit der er seine Figur darbot, merkte man am Ende ein wenig..
Wie gerne hätte Prokòfiev bei seinen Versuchen, The Fire Angel zu veröffentlichen, auf Stundyte und Melrose gesetzt …

Dmitry Golovnin war dafür verantwortlich, Agrippa von Nettesheim das Leben zu geben, ein philosophischerer Charakter und ein anderer viel dunkler, Mephistopheles. Sein Timbre ist scharf und durchdringend und es war in beiden Fällen störend genug.
Dmitri Ulianov, bereits ein alter Bekannter des Madrider Publikums, gab mit seiner dunklen und runden Stimme und seiner stets imposanten Bühnenpräsenz eine gute Vorstellung ab.
Mika Kares wusste nicht, wie er seine physische Präsenz als Inquisitor auf die Projektion seiner Stimme übertragen sollte. Der finnische Bass behielt ein gutes Stück Kraft.
Agnieszka Rehlis, in ihrer Doppelrolle als Seherin und Vorgesetzte, Er war sehr erfolgreich in seiner Interpretation., rätselhaft und beunruhigend. Gut auch im Gesangspart, mit guten Bassregistern und genügend Power.
Der Tenor Josep Fadó bewies eine hervorragende Klangfülle und Präsenz. David Lagares stach auch in seinen kurzen Reden hervor. Beide haben eine gute Leistung gezeigt.. Der Rest von comprimarios waren auf einem guten Niveau, ergänzt eine sehr ausgewogene Besetzung. Nino Surguladze, als Gastwirt und Anna Gomá und Estibaliz Martyn, als Novizen.

Diese Produktion von The Fire Angel ist spektakulär, hypnotisch. Am Ende, Sie erkennen, dass Sie in eine Welt voller Intensität eingetaucht sind, die schwer zu beschreiben ist. Ein Werk, das niemanden gleichgültig lässt, noch weniger in diesen Momenten, in denen, effektiv, Wir tauchen ein in eine schwer zu beschreibende Welt.

Macbeth

die Palau de les Arts öffnet nächste 31 März 'Macbeth', von Giuseppe Verdi, mit musikalischer Richtung Michele Mariotti und landschaftlich Benedikt Andrews.

Jesus Iglesias Noriega, künstlerischer Leiter von Les Arts, stellte diese Produktion heute auf einer Pressekonferenz vor, begleitet von seinen beiden Direktoren, Michele Mariotti und Benedict Andrews, und von den führenden Künstlern, Bariton Luca Salsi und Sopran Anna Pirozzi.

"Von einem Meisterwerk wie 'Macbeth', Verdi signierte eine seiner großen Opern. Komponiert in seinen „Galeerenjahren“, Es wäre ein Auftakt zu Benchmark-Hits wie „Rigoletto“, „Der Troubadour“ und „La traviata“, sowie eine Vorschau auf seine anderen berühmten Shakespeare-Opern ‚Falstaff‘ und ‚Otello‘“, sagt der künstlerische Leiter von Les Arts.

„Unser Ziel ist es, Maßnahmen zu ergreifen, Kooperationen und Initiativen, damit jeder seinen Platz bei Les Arts findet. deshalb, heute, innerhalb unseres transversalen Vorschlags für „Macbeth“, Wir sind in die Öffentliche Bibliothek von Valencia gekommen, um die vielfältigen Verbindungen zu schätzen, die es ermöglichen, ein Genre wie die Oper zu schaffen, und ich möchte ihrem Direktor danken, Roman Segui, keine Ursache".

Michele Mariotti, einer der großen verdianischen Schlagstöcke, mit Werken in den wichtigsten Theatern der internationalen Schaltung, debütiert mit „Macbeth“ bei Les Arts. Aktueller musikalischer Leiter des Opernhauses von Rom, hat erfolgreich „La Cenerentola“ bei Les Arts inszeniert, Rossini, und ein symphonisches Chorkonzert mit dem Chor der Generalitat und dem Orchester der Valencianischen Gemeinschaft.

Laut dem Direktor von Pesaro, Bei seinem ersten Ausflug in diese Oper hat er versucht, mit den stabilen Körpern von Les Arts Farbe zu bekennen, die Umgebungen, die Dunkelheit und Korruption, in die Verdis Adaption der Shakespeare-Tragödie stürzt.

Benedict Andrews signiert diese Produktion der Royal Danish Opera, mit Landschaft von Ashley Martin-Davis, Die Garderobe von Victoria Behr, Beleuchtung von Jon Clark und Regie der choreografischen Bewegungen von Ran Braun.

„Verdi hat ein immenses Drama geschrieben, mächtig, hart und erotisch aufgeladen mit Lust und Bedürfnis. Folgen Sie den Protagonisten bis in den Abgrund, genau wie shakespeare, aber in der Oper können wir spüren, dass es eine Art Koloss in der Musik gibt, und vielleicht ist es das, was Verdi wirklich hinzufügt: sein Schicksalssinn. Dieses große Interesse am Schicksal bringt Verdi in ‚Macbeth‘ ein.“, erklärt der Regisseur.

Les Arts präsentiert eine außergewöhnliche Besetzung für die Uraufführung dieses Werks, mit Luca Salsi, in der Hauptrolle, die er in València anbietet, nachdem er mit ihm die Opernsaison an der Mailänder Scala eröffnet hat, um es später an der Wiener Staatsoper zu singen.

Berühmt für seine Auftritte in Verdi- und Verista-Opern, Der italienische Bariton ist ein international anerkannter Sänger, wer gehandelt hat, unter anderem, in der Metropolitan in New York, die Salzburger Festspiele, der Pariser Oper und der Bayerischen Staatsoper.

Luca Salsi wird dem schottischen Adligen die Tage Leben einhauchen 31 März, 3 und 10 April. Während der georgische George Gagnidze, ein weiterer der wesentlichen Namen in den Besetzungen der großen Theater für die Arbeit von Verdi, Macbeth wird die Tage singen 5 und 8 April.

Nach ihrem überwältigenden Erfolg mit der gefürchteten Rolle der Abigaille in „Nabucco“ in 2015 und 2019, regresa Kunst Anna Pirozzi, heute eine der gefragtesten Sopranistinnen. Die neapolitanische Diva präsentiert eine weitere der komplexesten und anspruchsvollsten Rollen, die Verdi geschrieben hat, Lady Macbeth, mit der er bereits unbestreitbare Erfolge an der Wiener Oper und im Londoner Covent Garden erzielte.

Kroatischer Bassbariton Marko Mimica (Bank) und der junge italienische Tenor Giovanni Sala (Macduff) runden die Hauptrollen in dieser Besetzung ab, was auch dazugehört: Rosa Davila (Lady Macbeths Lady), Jorge Franco (Malcom), Luis López Navarro (Doktor / Sicario), Marcelo solis (Inländisch) und Juan Felipe Dura (Herold).

junges Publikum

Aufführungen von „Macbeth“, in Verdi, Profitieren Sie vom neuen günstigen Preis für Minderjährige 35 Jahre alt, Ermäßigung 50 % an allen Standorten.

"Macbeth" und "Streaming"

Wie von Iglesias Noriega erklärt, 'Macbeth', zusätzlich zu einem der künstlerischen Requisiten der Saison, dies ist, Zusätzlich, das Rückgrat des „Verdi-Marathons“, ein querschnittlicher und regionaler Konzertkalender, Erwägungs, Oper, Kolloquien, die, Workshops und Gastronomie rund um den Busseto-Komponisten und seinen ersten Ausflug in das Werk von William Shakespeare.

Als Teil seines Engagements für die Entwicklung zugänglicher Programme für das gesamte Gebiet, Als nächstes wird Les Arts den Zyklus der Aufführungen von „Macbeth“ abschließen 10 April mit der kostenlosen Streaming-Übertragung von Verdis Oper, für die Gemeinden und Musikvereine der Autonomen Gemeinschaft Valencia, die darum gebeten haben.

diese Initiative, die die Aktivitäten des „Verdi-Marathon“ abschließt, Es wird im Rahmen der Kooperationsmaßnahmen durchgeführt, die das Opernhaus mit Turisme de la Comunitat Valenciana entwickelt.

Nicola Beller Carbone

die Teatro de la Zarzuela wird live durch Ihre übertragen Youtube Kanal die letzte Sitzung der Meisterkurse die seit vergangenem Montag von der internationalen Sopranistin vermittelt wird Nicola Beller Carbone innerhalb der Kolosseum Bildungsprogramm. Die Sendung wird ab nächsten Sonntag um 18:00 Uhr 27 März, Welttheatertag, wird ungefähr dauern 60 Minuten und während derselben Fragen können gesendet werden die am Ende der Arbeit von der Dolmetscherin selbst oder von den Studierenden beantwortet werden.

Die Sopranistin Nicola Beller Carbone zeichnet sich aus durch a besonderes künstlerisches Profil, in der er sich sowohl um die theatralischen als auch um die musikalischen Aspekte kümmert. Künstler von großer Vielseitigkeit dank a komplette Gesangsausbildung, Klavier, Schauspiel oder klassischer Tanz, sowie seine Erfahrung in Shows aller Art -Oper, Konzert, Musical, Straßentheater, Kabarett oder Rock- und Jazzbands –, Er hat immer in berühmten Theatern und Festivals gesungen wie die Bayerische Staatsoper, La Fenice in Venedig, Bregenzer Festspiele, Paris National Opera, die Zürcher Oper, das Teatro Real in Madrid oder La Monnaie in Brüssel, in dem er aufgetreten ist sehr viele Rollen unter denen, die eine Vorliebe für Salome haben, Tosca, la Marie von „Wozzeck“ oder Katerina Izmáilova von „Lady Macbeth de Mzensk“.

Ist gewesen mehrfach ins Teatro de la Zarzuela eingeladen Titel wie „Die Großherzogin von Gerolstein“ zu singen, „Der Bösewicht“ oder „Die Wildkatze“.

Sänger und Lehrer

In den letzten Jahren hat Beller Carbone verband seine Tätigkeit als Sänger mit dem Unterrichten, Meisterkurse in renommierten Institutionen geben München, Madrid, Las Palmas de Gran Canaria oder Florenz, unter anderem.

in 2019 gestartet FREEinCANTO, wo unterrichtest du Meisterkurse für lyrische Sänger wobei Werke Schauspiel und Gesang aus Fantasie und Kreativität, Kombinieren der Technik, der Körper, Stimme und Intuition.

Vormittags im Les Arts

Für fünf Euro kann das Publikum den Liederabend und eine Kostümausstellung der Opern „Il trovatore“ und „Il corsaro“ genießen..

Die Künstler des Centre de Perfeccionament widmen das Programm „Verdi und dem romantischen Lied“.

die Palau de les Arts öffnet an diesem Sonntag wieder seine Pforten, 27 März, zu 12.00 h, mit einer neuen Sitzung „Morgens in der Kunst“, mit den Künstlern des Centre de Perfeccionament als Protagonisten.

Der Hauptraum ist, nochmals, Schauplatz dieser Tätigkeit, mit dem Les Arts die Bürger einlädt, das von Santiago Calatrava entworfene Gebäude zu entdecken und seine künstlerische Tätigkeit „in situ“ aus der Hand seiner wichtigsten Vermögenswerte für nur fünf Euro zu erfahren.

die Pianisten Josef Albert Sancho e Ignacio Aparisi begleiten die Sänger des Center for Perfection: las Soprane Rosa Maria Davila und Pilar Garrido, die mezzosopranos Laura Orueta und Mariana Sofia García, Tenöre Xavier Hetherington und Jorge Franco und Baritone Carlos Reynoso, Marcelo solis und Alexander Sánchez.

Les Arts widmet diesen Morgen „Matins a Les Arts“. „Verdi und das romantische Lied“, mit Seiten einiger der relevantesten Autoren, Zeitgenossen des Busseto-Komponisten. Werke von Faure, Chausson, Duparc, Liszt, Albéniz und Verdi selbst gestalten das Programm dieser Session.

Der Liederabend ist Teil des Verdi-Marathons, die das Werk des italienischen Genies durch partizipative Aktivitäten in Zusammenarbeit mit Künstlern in alle Ecken der valencianischen Gemeinschaft tragen wird, Verbände und Institutionen in unserer Geographie.

In dieser Zeile, und als Ergänzung zur Aufführung, In der Haupthalle befindet sich auch eine Ausstellung mit Kostümen aus den Opern „Il trovatore“ und „Il corsaro“., beide von Giuseppe Verdi, die vor dem Konzert besichtigt werden kann.

Lisette Oropesa

Seine Stimme hat uns dabei bewegt Traviata der uns aus der Gefangenschaft gerettet hat, und das sorgte für die erste Zugabe einer Frau in der jüngeren Geschichte der Teatro Real , obwohl er uns mit seiner Interpretation von bereits auf die Beine gestellt hatte Lucia de Lammermoor in 2018. Komm jetzt zurück, auf die Bühne der Plaza de Oriente, eine der beliebtesten Sopranistinnen des Madrider Publikums, Lisette Oropesa.

Der Termin findet am kommenden Mittwoch statt., 30 März, mit einem Konzert, bei dem, durch die begleitet Schlagzeilen Chor und Orchester des Teatro Real, unter der Leitung von Corrado Rovaris, Oropesa wird ein Programm anbieten, das aus Fragmenten der Opern besteht Guillaume Tell, Die Belagerung von Korinth und Le Comte Ory von Gioacchino Rossini, und Die Märtyrer, Lucie de Lammermoor, Lesezeichen und Die Tochter des Regiments, de Gaetano Donizetti.

Lisette Oropesa ist eine Sängerin mit Anziehungskraft. Hat Bühnenpräsenz, schauspielkünste, Sympathie u, das wichtigste, eine lyrische und leuchtende Stimme, die, basierend auf einer perfekten Technik, macht sie zur perfekten Darstellerin für Belcanto-Heldinnen, als Protagonisten der für ihr Konzert im Real ausgewählten Werke, obwohl Verdis oder Mozarts Rollen auch eine relevante Präsenz in seinem Repertoire haben.

Mit Ausnahme von Lucia de Lammermoor, Alle für dieses Konzert ausgewählten Arien stammen aus Opern, die ursprünglich in französischer Sprache komponiert wurden, obwohl es von zwei italienischen Autoren geschrieben wurde, Rossini y Donizetti – nicht umsonst, beide Komponisten hatten eine enge Verbindung zu den Pariser Bühnen- und alle von ihnen (außer Lucia) mit großem Erfolg in der französischen Hauptstadt uraufgeführt. Es sind Opern, die erfahrene Sänger erfordern, mit hohen Registern, von sauberem Legato und außergewöhnlicher Agilität, Eigenschaften, die den Protagonisten dieser Voices of Real erhoben haben.

Fotografie © Javier de Echt | Teatro Real

Riccardo Frizza

Riccardo Frizza, einer der italienischen Regisseure mit langer Präsenz in spanischen lyrischen Theatern, wurde heute zum Chefdirigenten des Symphonieorchesters und Chors des Ungarischen Rundfunks ernannt, Position, die von der Saison einnehmen wird 2022/23. Diese Zusammenarbeit ist das Ergebnis einer langen Beziehung, die Frizza hat mit dem ungarischen Team zusammengearbeitet, seit er es zum ersten Mal leitete 2010. Die Ernennung wird morgen im Rahmen eines Konzerts gefeiert 24 März, die im Müpa in Budapest stattfinden wird, unter der Regie des italienischen Regisseurszweite Symphonie Mahler.

Frizza hat als neuer Chefdirigent dieses Ensembles mehr als erklärt 75 Jahre Geschichte bedeutetEine große Ehre". Der italienische Meister beteuert, dass er ihn sehr bewundert „sowohl die Musiker als auch das unglaubliche kulturelle Erbe Ungarns, und in Budapest zu sein erfüllt mich immer mit Freude. Seit ich zum ersten Mal mit diesem Orchester zusammengearbeitet habe, haben wir ein tiefes musikalisches Verständnis. Heute freue ich mich sehr, regelmäßig zusammenarbeiten zu können, Weiterentwicklung und Stärkung unseres künstlerischen Weges. Ich vertraue darauf, dass wir gemeinsam zu den besten und angesehensten europäischen Orchestern gehören werden. das ist mein ziel! das, eher, Ich kann schon „unser“ Ziel sagen".

morgen, 24 März, das Publikum der Bartók National Concert Hall der Müpa wartet darauf, dass er seine Version von hörtdie Sinfonie Nr. 2 in c-Moll das Gustav Mahler, imposantes Chorwerk der Postromantik, auch bekannt als "Auferstehung" ("Auferstehung"): zuOrchester und Chor des Ungarischen Rundfunks werde die hinzufügenKodály-Chor Debrecen, SopranKinga Krista und MezzosopranErika Gal. "Mit diesem Konzertfährt Riccardo Frizza fort– Ich setze mein interpretatives Projekt der Sinfonien Mahlers und des großen deutschen sinfonischen Repertoires fort. die Sinfonie dirigierenAuferstehung Heutzutage ist es aus emotionaler Sicht außerordentlich sensibel: dieses werk spricht zu unserem gewissen wie am ende des 19. jahrhunderts. Die extreme Schönheit seiner Melodien spricht zu uns von einer zerrissenen und erstaunten Menschheit. Mahler, in dieser Qual, er suchte nach dem Schlüssel zu seinem ganzen Leben als Komponist. Heute versuchen wir, in diese Welt des Leidens einzudringen, die sich in den schwindelerregenden Höhen der Musik ausdrückt, in der Hoffnung, – wie der Komponist – eine Vorstellung von der Auferstehung zu finden".

Riccardo Frizza, musikalischer Leiter des Bergamo Donizetti Festivals, ist einer der renommiertesten Dirigenten seiner Generation, regelmäßiger Gast von Theatern und internationalen Festivals wie der Pariser Oper, die Chicago Lyric Opera, das Metropolitan in New York, la Bayerische Staatsoper, und das Teatro alla Scala, Teatro Real in Madrid, Gran Teatre del Liceu in Barcelona, ABAO Bilbao Opera, Rossini Opera Festival, Festival Verdi de Parma, Maggio Musicale Fiorentino, Nationale Akademie von Santa Cecilia de Roma, Gewandhausorchester de Leipzig y Sächsische Staatskapelle de Dresde. Er hat kürzlich Regie geführtL'elisir d'amore beim Donizetti-Festival, Konzerte mit dem Haydn Orchestra und Tribute to Caruso in der Accademia Nazionale di Santa Cecilia, La clemenza di Tito an der Bilbao-Oper, die drei Königinnen von Donizetti am Teatro San Carlo in Neapel undDer Freund Fritz im Teatro del Maggio Musicale Fiorentino.

Im April 2022 kehrt mit einer Neuproduktion von an die Metropolitan Opera in New York zurückLucia di Lammermoor. in Spanien, im Juni 2021 gewann den Ópera XXI Award als bester musikalischer Leiter der Saison.

Chor und Orchester des Ungarischen Rundfunks

Fotografie: Simone Faletta

King-Arthur_Theatre-Royal

die nächste 27 März zu hören sein, zuerst in der Teatro Real, die Arbeit von Henry Purcell (1659-1695) König Arthur, Englische Halboper, die vom belgischen Ensemble besucht wird Die Stimme des Lichts, unter der künstlerischen und musikalischen Leitung von Lionel Meunier, in der dramaturgischen Fassung von Isaline Claeys in Verbindung mit Simon Robson, unter Beteiligung des Schauspielers José Luis Martínez.

Diese musikalische Kuriosität, selten auf der Bühne, dem dramatisch-musikalischen Genre zuzuordnen, erzählt uns vom Kampf zwischen Arthur – dem christlichen König der Briten – und Oswald – dem heidnischen König der Sachsen – um die Hand von Prinzessin Emmeline und, mit ihrem, des Königreichs England. Die Geschichte geht von der Legende aus und darin werden literarische Figuren zitiert, Griechische Gottheiten und germanische Mythologie, Aufbau einer Geschichte, durch seine Länge und das Verhältnis zwischen gesungenen und gesprochenen Teilen, macht es sehr schwierig zu inszenieren.

Die Noten enthalten, jedoch, schöne und bewegende Momente, in denen die Solostimmen kaum im Mittelpunkt stehen – das fällt auf die Deklamation der Schauspieler- Chorstimmen geben, der Satz, eine Präsenz, die den Kompositionen religiöser Natur sehr nahe kommt. Purcells eindrucksvoller musikalischer Teil verstärkt oder hebt den dramatischen Inhalt des Textes hervor John Dryden, Aufbau einer fruchtbaren Beziehung zwischen den beiden.

Die dramaturgische Fassung erstellt von Isaline Claeys, in Verbindung mit Simon Robson, uraufgeführt in Condettes Théatre Hardelot, Frankreich. Die gesprochenen Texte wurden ins Spanische übersetzt und werden vom Schauspieler rezitiert José Luis Martínez in der Rolle des Erzählers. Den musikalischen Teil übernimmt die Formation Die Stimme des Lichts, geführt von Bässen Lionel Meunier, spezialisiert auf das englische Repertoire, Italienisch und Deutsch des 17. und frühen 18. Jahrhunderts, international bekannt für seinen einzigartigen Klang und seine Fähigkeit, sowohl berühmte Meisterwerke als auch seltene Kompositionsjuwelen aus den oben genannten Epochen zum Leben zu erwecken.

Die Stimme des Lichts, mit Wohnsitz im Concertgebouw in Brügge, wurde mit den Gramophone Awards ausgezeichnet (2012), Diapason d’Or (2015), el BBC Music Magazine Chorpreis (2018) y varios Preis der Deutschen Schalplattenkritik, um ein paar zu nennen.

Manuel Busto

Tag 12 und 13 März, die Lope de Vega Theater in Sevilla Gastgeber der Weltpremiere von die Tigerfrau, Kammeroper des Komponisten und Dirigenten Manuel Busto, Auftragswerk des Teatro de la Maestranza, in Koproduktion mit dem Teatro Lope de Vega. Mit Dramaturgie von Julio León Rocha und Regie von Fran Pérez Román, die Tigerfrau wird die Sopranistin Natalia Labourdette mitwirken, das Arbós-Trio, Lorca-Projekt, der Schlagzeuger Agustín Diassera, die Bailaora Paula Comitre und die Cantaora Reyes Carrasco, unter anderem.

Oper und Flamenco gehen Hand in Hand die Tigerfrau, der die Geschichte einer Frau erzählt, die einen Tiger aufweckt, und über Monstrosität nachdenkt, die als soziale Konstruktion verstanden wird. „Das ist eine zeitgenössische Bühnenmelodie; die Tigerfrau weist eine Reihe von Parallelen zum Bühnenlied aus dem 18. Jahrhundert auf, in dem die vorflämische Ästhetik mit der Opernsprache der Zeit verschmolz. auch, Das Thema ist absolut aktuell, wie es im achtzehnten war. Die Dramaturgie spielt in der Gegenwart und beleuchtet die Realität der heutigen Gesellschaft.", Manuel Busto weist darauf hin, der auch die Premiere inszenieren wird.

die Tigerfrau Es ist die zweite Kammeroper des sevillanischen Komponisten, der kürzlich das renommierte Leonardo-Stipendium der BBVA-Stiftung erhalten hat, und hat gerade einen Vertrag mit dem renommierten Musikverlag Universal Edition über die Edition seines Werkverzeichnisses unterzeichnet, darunter sind enthalten Name unter den Tuberosen, Jaleo ist hell, Jauleña die Beschwörungskegelbahn, Auftragswerk des spanischen Nationalballetts.

Teatro de la Maestranza

Götterdämmerung

die Teatro Real hat beschlossen, die Aufführungen des Bolschoi-Balletts abzusagen, für nächsten Mai geplant, angesichts des von Russland entfesselten Krieges in der Ukraine, die eine schwere Krise in der Welt und eine schmerzhafte humanitäre Notlage verursacht.

Das Königliche Theater bedauert, nicht auf dieses renommierte Unternehmen zählen zu können, dessen Regisseur, Wladimir Urin, hat sich öffentlich für die Ukraine und gegen den Krieg ausgesprochen.

Das Königliche Theater, schockiert und bestürzt über die dramatische Lage in der Ukraine, und als Ausdruck tiefen Respekts und Solidarität mit seinen Menschen, letzte 27 Februar, in der letzten Vorführung von Twilight of the Gods, Siegfrieds Leichnam wurde in die ukrainische Flagge gehüllt, Integration der symbolischen Hommage des Königlichen Theaters in Wagners visionäre und erhabene Oper.

Das Königliche Theater erstattet, den ganzen Monat März, die Anzahl der für diese Show gekauften Sitzplätze.

Bild © Javier del Real / Teatro Real

Lisette Oropesa

die Sopranistin Lisette Oropesa, gilt als eine der großen Diven des lyrischen Panoramas, Debüt an diesem Samstag, 5 März, in Palau de les Arts mit Werken Bizet, Fauré, Scheitern, Rodrigo, Schumann y Schubert im Zyklus „Kunst ist Lied“.

seine erstaunliche Stimme, unbeantwortbare Technik, Festigkeit im oberen Register, leuchtende Türklingel, erstaunliche Fähigkeit für Agilität und singende Eleganz, gepaart mit seiner starken Bühnenmagnetik und persönlichen Ausstrahlung, sind der Schlüssel zum Erfolg eines unverzichtbaren Künstlers in den großen Theatern und Auditorien der internationalen Szene.

Begleitet am Klavier von Rubén Fernández Aguirre, Der amerikanische Sänger hispanischer Herkunft tritt vor das valencianische Publikum mit einem Repertoire, das den großen Lied- und Liedkomponisten gewidmet ist, mit besonderem Augenmerk auf spanische und amerikanische Autoren, die Tage später an der Wiener Staatsoper wiederholt wird.

Lisette Oropesa wird den Liederabend mit Seiten führender Liedermacher wie Schumann und Schubert beginnen, durch das französische Bizet und Fauré, und der italienische Mercadante. für den zweiten Teil, der Sänger kubanischer Eltern bietet Stücke des Valencianers Joaquín Rodrigo, 'Vier madrigales amatorios', "Sieben beliebte spanische Lieder", Manuel de Falla, zum Abschluss eine Hommage an seine Ursprünge mit Liedern von Joaquín Nin und Gonzalo Roig.

Tickets für die Konzerte von „Les Arts és Lied“ haben einen Zwischenpreis 40 und 20 Euro für die breite Öffentlichkeit. In diesem Sinne, Les Arts weist darauf hin, dass dieser Zyklus vom neuen Einzeltarif mit Tickets profitiert 15 Euro für Minderjährige 28 Jahre alt.

Der Zyklus, den Les Arts dieser stimmverbindenden Musikform widmet, Poesie und Klavier werden mit Liederabenden der französischen Mezzosopranistin Marianne Crebassa fortgesetzt (2 April 2022) und der gefragte Countertenor Jakub Józef Orliński (15 Mai 2022).

Foto: Steven Harris

EDEN Joyce DiDonato

Seit der Gefängnisreform, die Not der Flüchtlinge, die Notwendigkeit einer Musikausbildung für alle, nach oben In Krieg und Frieden, das definiert die Branche, Opern-Superstar Joyce DiDonato ist seit langem eine Künstlerin, die sich der Schaffung und Initiierung von Projekten verschrieben hat, die das Publikum herausfordern und bewegen, die Grenzen des Konzertsaals überschreiten.

EDEN ist die neueste vielseitige Initiative von DiDonato, dem er in den nächsten vier Jahren einen Großteil seiner Zeit widmen wird, Musik verbinden, Theater und Bildung, um Fragen nach unserer individuellen Naturverbundenheit zu thematisieren. Bestehend aus einer Tour für mehr als 45 Termine auf den fünf Kontinenten dazwischen 2022-24, ein Album für Erato, ein innovatives Bildungsprogramm und mehrere damit verbundene Aktionen, die Wirkung und das Vermächtnis von EDEN, Es wird erwartet, dass es eine große Reichweite in Zeit und Raum hat.

Die Leidenschaft und treibende Kraft hinter EDEN für Didonato, ist, dass eine kollektive Rückkehr zum Besten von uns selbst erforderlich ist, nicht nur unsere aktuelle Klimakrise angehen, sondern auch die Krise des Herzens. Indem wir unsere Beziehung zur natürlichen Welt und unseren einzigartigen Platz darin untersuchen, EDEN lädt den Zuhörer ein, nach Antworten zum Thema Zugehörigkeit zu forschen und zu suchen, Zweck und Heilung.

"Jeder Tag, der vergeht“, schreibt DiDonato, „Ich vertraue immer mehr auf die perfekte Balance, das erstaunliche Mysterium und die Kraft, die die natürliche Welt um uns herum regiert, Wie viel muss uns Mutter Natur beibringen?. EDEN ist eine Einladung, zu unseren Wurzeln zurückzukehren und zu erforschen, ob wir uns so tief wie möglich mit der reinen Essenz unseres Seins verbinden., um ein neues EDEN von innen heraus zu erschaffen und Samen der Hoffnung für die Zukunft zu säen“.

Zusammen mit seinen Orchesterpartnern, mit wem es eine lange und erfolgreiche Beziehung unterhält, Il Pomo d'Oro und Direktor Maxim Emelyanychev, wird mit dem Bühnenregisseur Didonato zusammenarbeiten Maria Lambert und der Komponist, Oscar-Preisträger, Rahel Portmann, Kombinieren Sie Musik aus verschiedenen Genres mit einer Bühne, die das Publikum mit dem Herzen der natürlichen Welt um uns herum verbindet.

DiDonato beschreibt wie, In schwierigen Zeiten, Der Kontakt mit der Natur zusammen mit ihrem musikalischen Leben gibt ihr ein Gefühl der Verbundenheit, mit seinen eigenen Worten: „das Gefühl, ein integraler Bestandteil von etwas Größerem zu sein. Ein Samen erwacht in mir. Genau dann suche ich den Trost und die Verbindung der Musik: mit jedem tag vertraue ich mehr und mehr auf die perfekte balance, das erstaunliche Mysterium und die leitende Kraft der musikalischen Welt. beides Natur, wie die Musik uns den Weg weist, ein Weg, der von Harmonie und Balance bestimmt wird. Werden wir den Anruf beantworten?”

Das Album EDEN wird am veröffentlicht 25 Februar 2022 durch ERATO und Internationale Tournee beginnt 2 März 2022 in Brüssel. Das Repertoire der beiden ist sehr vielfältig, Aufbauend auf dem zeitlosen Thema der Natur, das Komponisten im Laufe der Jahrhunderte fasziniert hat, erforscht jede Aufnahme einen Aspekt der Beziehung der Menschheit zur Natur und, in den Worten von DiDonato, wird keine Grenzen haben, es wird wie ein wilder Garten sein”.

Vom 17. Jahrhundert bis zum 21. Jahrhundert, und umfassende Komponisten wie Händel, Gluck, Wagner, Mahler, Ives, Copland und Oscar-Preisträgerin Rachel Portman, der von DiDonato beauftragt wurde, ein neues Werk speziell für EDEN zu schreiben, Das Programm ist das Herzstück dieses visionären Projekts.

Quer durch verschiedene musikalische Genres, EDEN beginnt mit zwei Stücken, die Fragen aufwerfen, auf der 1908: die rätselhafte unbeantwortete Frage (Die unbeantwortete Frage) von charles ives, in der DiDonato Strophen singt, die normalerweise einer Trompete zugeordnet sind, und ein neuer Auftrag des Oscar-prämierten britischen Komponisten, Rahel Portmann. GELDMACHER, Portman wurde mit dem amerikanischen Dichter und Schriftsteller in Verbindung gebracht Gene Scheer komponieren Der erste Morgen der Welt (Der erste Morgen der Welt). Scheer, bewundert für seine Zusammenarbeit mit so prominenten Komponisten wie Jake Heggie (inklusive Liederzyklus Camille Claudel: Ins Feuer, geschrieben für DiDonato und veröffentlicht auf Erato in 2018) erkenne, durch seinen eindrucksvollen Text, dass dies ein Moment voller Fragen ist. sich wundern “die Klänge und Lieder des ersten Morgens der Welt”.

Eine Oratorienarie von Josef Mysliveček ist einem Rezital der Geschichte von Adam und Eva entnommen, als der Engel der Gerechtigkeit sein Volk streng und bitter warnt. Aus der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts, Händel ist vertreten durch seine berühmten “lang“, eine eindrucksvolle Ode an den erfrischenden Schatten einer Platane. Der frühe Glanz der italienischen Oper wird in einer Arie aus Cavallis Oper der Götter und Menschen beschworen, La Calisto. Seine Geschichte beginnt in einer ausgedörrten und verbrannten Landschaft, aber es endet mit Calisto, seine Heldin, zu den Sternen aufsteigen.

EDEN stellt auch ein neues Modell dar, das dazu beitragen wird, die Branche neu zu definieren, Setzen Sie einen neuen Standard für die Wirkung, die Künstler mit der Kraft ihrer Darbietungen erzielen können. Durch die Zusammenarbeit mit mehreren internationalen Partnern, EDEN stellt sicher, dass ihre Bildungs- und Gemeinschaftsarbeit für das Projekt unerlässlich ist, und möge sein Vermächtnis echt und dauerhaft sein.

Als Botschafter von International Teaching Artists Collaborative (ITAC)'S, DiDonato hat mit ihnen an der Gestaltung und Durchführung von interdisziplinären Bildungs- und Gemeinschaftsprogrammen musikalischer Art für Kinderchöre und Schulgruppen auf der ganzen Welt gearbeitet., unter der Erfahrung von Eric Booth, ITAC-Mitbegründer. Die Vision ist es, in jeder Stadt auf der Tour lokale Lehrkünstler einzusetzen, um die EDEN-Erfahrungen junger Menschen und anderer zu verstärken, um ihre Stimmen zu nutzen, um ein tieferes Verständnis der Natur und ihrer direkten Auswirkungen auf die Welt zu erlangen.. Lokale Kinderchöre haben auch die Möglichkeit, bei EDEN-Konzerten mit DiDonato auf der Bühne zu stehen..

Botanische Gärten Conservation International und DiDonato geschaffen haben Die EDEN-Nachhaltigkeits-Challenge das setzt einfache Ziele, die, nachweisbar, einen nachhaltigeren Lebensstil bringen. BGCI stellt den Zuschauern einheimisches Saatgut zum Pflanzen zur Verfügung, eine einzigartige Gelegenheit für die Gemeinschaft der klassischen Musik, buchstäblich und kollektiv etwas Neues zu gründen “EDEN” weltweit, aktive Teilnahme an der Regeneration, Bewusstsein und Schöpfung.

Brieföffner

Der Brieföffner

Luis de Pablo (1930-2021)

Oper in einem Prolog und sechs Akten. Libretto von Vicente Molina Foix, basierend auf seinem gleichnamigen Roman /2006)

Neue Produktion von Teatro Real. D. Musical: Fabian Panisello. D. Szene: Xavier Albertí. scenographer: Max Glaenzel. Kostümbildnerin: Silvia Delagneau. Illuminator: Juan Gomez Cornejo. Choreograf: Robert G. Alonso. Video Designer: Álvaro Luna. D. Chor: André Máspero. D. Kinderchor: Ana González

Uraufgeführt wurde es in Teatro Real, posthum, eines der lyrischen Werke des kürzlich Verstorbenen Luis de Pablo. Dies war eine wohlverdiente Hommage an den Komponisten aus Bilbao. diese Arbeit, bestehend aus einem Prolog und sechs Szenen, Es ist fast eine künstlerische und philosophische Zusammenstellung seines umfangreichen Werks.. Der Brieföffner ist nicht ohne musikalische Vielschichtigkeit, Hausmarke, und reichlich avantgardistische Einflüsse. Aber er lässt sich auch von traditioneller Musik verführen, wie das Pasodoble oder das Chorstück, mit dem es endet. Die Musik von Luis de Pablo zeichnet sich seit jeher durch ihre Kraft und Kreativität aus und der Brieföffner ist da keine Ausnahme.

Der Autor des Romans, Vicente Molina Foix, war für die Bearbeitung des Librettos verantwortlich. Aber das Ergebnis ist nicht das geeignetste für eine Oper. Sein rezitativischer Stil, etwas zusammenhanglos, passt nicht gerade zu poetischen Texten, die eine Oper erfordern. Zu keinem Zeitpunkt verließ er seine flache Linie, nicht nur wegen des Mangels an Theatralik, sondern wegen der geringen Kraft oder Emotion des Textes selbst.

Es war nicht das erste Mal, dass Luis de Pablo Libretti von Molina Foix vertonte. habe es schon mit gemacht Der indiskrete Reisende und Die Mutter lädt zum Essen ein.

Die Arbeit dreht sich um die Briefe, die zwischen einigen der wichtigsten Persönlichkeiten des spanischen Kulturlebens ausgetauscht werden. Darin erscheint García Lorca, Vicente Aleixandre, Miguel Hernández oder Eugenio d'Ors. Das ist vielleicht warum, denn es sind Briefe und Dokumente, die einander fremd sind, Die Szenen sind etwas zusammenhangslos.

Der Bühnenbildner Xavier Albertí Ich hatte keine leichte Aufgabe, Angesichts des Eklektizismus, Sowohl Musik als auch Text. Das Werk beginnt mit einer Kinderszene von Lorca in Fuentevaqueros, das alles inmitten einer großen landschaftlichen Strenge. Nur ein paar mobile Aktenschränke, die in der gesamten Repräsentation unterschiedliche Funktionen erfüllen. Schwache Beleuchtung und das Fehlen einer anderen Farbe als Grau, sie schmücken jede der Szenen mit kleinen Bewegungen, Erscheinen von großen Gemälden oder Figuren, deren Kostüme die Szene veranschaulichen sollen.

Ist das ein Chorwerk, mit einer guten Anzahl von Zeichen, und die Stimmen sind das, was mir an dieser Produktion am besten gefallen hat. Trotz der Statik der Charaktere auf der Bühne, Hervorzuheben ist seine gute Interpretation, obwohl es sich um einen so deklamierten Text handelt.

Airam Hernández hat García Lorca eine Stimme gegeben, beweist einmal mehr, dass es ein schönes Timbre hat. Singen Sie mit Geschmack und Eleganz, Eigenschaften, die dem Charakter sehr gut entsprechen.

vielleicht Borja, als Vicente Aleixandre, hattest du probleme mit dem bass, aber insgesamt, er löste seine Abstimmung gut. sehr gut, wie immer, Mikeldi Atxalandabaso, als Alfonso, wie der Rest der von José Antonio López gebildeten Besetzung, in der Rolle von Miguel Hernández, Josef Manuel Montero, Rafael, Jorge Rodríguez-Norton, Als André Stahl, Ana Ibarra, in den Rollen von Salvador und Setefilla, Stephen Vincent, als Ramiro, Gabriel Diaz, wie der Kommissar, David Sanchez, als Eugenio d'Ors, Laura Villa, als Sombra und Magdalena Aizpurua, als Manuela.

Bilder: Javier del Real

Lakme und Sabine Devieilhe

Ich verabschiede mich von einem intensiven Monat Februar, Saison Teatro Real bereitet sich darauf vor, eine der wichtigsten Opern zu empfangen, zweifellos das bekannteste, und die letzte Premiere im Leben, des französischen Komponisten Léo Delibes (1836-1891), Lakmé, davon werden zwei Sitzungen angeboten, in Konzert, am nächsten Tag 1 und 3 März.

Lakmé Sie ist die beliebteste Oper von Léo Delibes und die, die auch heute noch am häufigsten aufgeführt wird. Es wurde an der Opéra-Comique in Paris uraufgeführt 14 April 1883 und fünfzehn Jahre später, im November 1898, war erstmals im Teatro Real zu hören. Die Zartheit seiner Melodien und seine Raffinesse scheinen eine Partitur von außerordentlicher Schwierigkeit für die Interpreten zu verbergen..

Die künstlerischen Ausdrucksformen des 19. Jahrhunderts blicken nach Osten, unbekannter und exotischer Ort, angezogen von den Mysterien und Abenteuern neu entdeckter Kulturen – und kolonialisiert- wo man suggestive Geschichten nachspielen kann, die in Farben und Schattierungen gehüllt sind, die so weit von der westlichen Welt entfernt waren. Auch die Musik ist von diesem Trend mit Geschichten durchdrungen, die die Geschichte der Oper geprägt haben, um nur ein paar zu nennen, wir finden Madama Butterfly und Turandot, Puccini; Die Perlenfischer, Bizet; Thaïs, Massenet; Samson und Delilah, Saint-Saëns, und die, die uns jetzt betrifft, Lakmé.

Mit einem Libretto von Pierre-Edmond-Julien Gondinet und Philippe-Emile François Gille – basierend auf dem Roman Lotis Hochzeit, von Gondinet, wiederum inspiriert durch den Roman von Pierre Loti, RarahuLakmé, spielt in der britischen Kolonialisierung Indiens, erzählt die Liebesgeschichte zwischen der Tochter eines hinduistischen Priesters, gezwungen, ihre heiligen Riten in einem geheimen Tempel durchzuführen, versteckt vor dem Verbot der Eindringlinge, ihre religiösen Praktiken zu feiern, und ein englischer Offizier, in dem die Konfrontation zwischen zwei Kulturen die Protagonisten zu einer unmöglichen Beziehung führt, die durch Unehre unterbrochen wird, kolonialistische Rache und Unterdrückung.

Lakmé Sie ist nicht nur die meistgespielte Oper des Komponisten, auch in unseren Tagen, Es ist das Werk, das dem lyrischen Genre einige der bekanntesten musikalischen Momente beschert hat, sowohl bei Fans als auch bei denen, die es nicht sind., wie „Das Duo der Blumen“ und die „Arie der Glöckchen“, häufig in die Konzertprogramme und Liederabende der großen Sänger aufgenommen.

Die einzigen beiden Aufführungen werden die außergewöhnlichen Stimmen von beinhalten Sabine Devieilhe (Lakmé), Xabier Anduaga (Gerald) und Stéphane umleiten (Nilakantha), in den Hauptrollen; David Menendez (Frédéric), Heloise Mas (Mallika), Gerardo Lopez (Hadschi), Inés Ballesteros (Fräulein Ellen), Cristina Toledo (Fräulein Rosa), Enkelejda Shkosa (Herrin Bentson) e Isaac Galan (Kuravar).

Neben ihnen wird sein, unter der fachmännischen Leitung von Leo Hussain, die Chor und Orchester des Teatro Real Halter.

Fotografie © Anna Dabrowska

Sala Gayarre

Extern Empfangen

die Teatro Real setzt seine künstlerischen und kulturellen Verbreitungsinitiativen fort, Darunter sticht das Bemühen hervor, die Oper einem wachsenden Publikum näher zu bringen, durch Projekte wie dasjenige, das das nächste starten wird 19 Februar und so, berechtigt Live-Stream-Sitzungen, wird die Opern, die auf seiner Bühne aufgeführt werden, live übertragen, in diesem Moment, auf der großen Leinwand der Gayarre Hall.

hochauflösendes Bild, Die hervorragende Klangqualität und die sorgfältige Ausführung werden es mehr Zuschauern ermöglichen, das Theater zu betreten und seine Shows unter den gleichen Bedingungen wie das Publikum in der Haupthalle zu genießen, gemeinsame Nutzung von Räumen in den Pausen und mit der Möglichkeit, den gastronomischen Bereich des Café de Palacio zu besuchen.

Die erste Sitzung findet am statt 19 Februar, mit der Ausstrahlung von Götterdämmerung, letzte Reise von Der Ring des Nibelungen, Richard Wagner (1813-1883), Damit endet das Tetralogie-Projekt, das in vier aufeinanderfolgenden Spielzeiten auf dieser Bühne präsentiert wurde und das unter der musikalischen Leitung von Pablo Heras-Casado steht, Robert Carsens ikonische Inszenierung, 11 Solisten, 115 Musiker -wer sein wird, wie es in der letzten Saison passiert ist Siegfried, befindet sich in der Grube und in 8 Boxen auf beiden Seiten der Bühne, um den angemessenen Gesundheitsschutzabstand einzuhalten., 62 Chormitglieder u 17 zusätzliche Schauspieler.

Der Preis für Sitzplätze für die Gayarre Hall beträgt 19 € und kann auf der Website erworben werden (www.teatroreal.es), im Telefonverkauf oder an der Theaterkasse, wie die anderen Sendungen.

Nach der kolossalen Wagnerschen Partitur, Andere Titel der Saison werden verfügbar sein, wie z Lakmé -das kann man sehen 3 Marz-, Le nozze di Figaro, Jeanne d'Arc auf dem Spiel die Nabucco.

Die menschliche Stimme

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es geschafft, auf dem oberen Bildschirm der Szenerie die ganze Einsamkeit zu übertragen. Freitag 18 Februar, Luis Gago, Musikkritiker, es geschafft, auf dem oberen Bildschirm der Szenerie die ganze Einsamkeit zu übertragen, es geschafft, auf dem oberen Bildschirm der Szenerie die ganze Einsamkeit zu übertragen, es geschafft, auf dem oberen Bildschirm der Szenerie die ganze Einsamkeit zu übertragen.

Airam Hernández

Airam Hernández kehrt im Februar nach Madrid zurück, wo er auf die Bühne des Teatro Real zurückkehren wird, diesmal um an der Uraufführung der Oper teilzunehmen der Brieföffner, des kürzlich verstorbenen Luis de Pablo. Es wird in einer Produktion des Madrider Kolosseums unter der Regie von Xavier Albertí und mit Fabián Panisello auf dem Podium zu sehen sein (Tag-Funktionen 16, 18, 20, 22, 24 und 26 Februar).

Für den spanischen Tenor, der sich seit Beginn seiner Karriere auch im zeitgenössischen Repertoire bewegt, Die Teilnahme an der Uraufführung einer Oper in seinem Land und die Erweckung von Federico García Lorca repräsentiert „eine Verantwortung und ein Stolz. Ich war immer fasziniert von seiner Poesie, nachdem ich in New York Gypsy Ballads oder Poet gelesen hatte, obwohl ich mich besonders für seine theatralischen Arbeiten interessiere, insbesondere Yerma und Das Haus von Bernarda Alba. Als Teil des LGTBIQ+-Kollektivs, Ich kann sehr gut mitfühlen, was er zu leben hatte. Obwohl wir nicht bestätigen können, dass er sich aktiv für die Verwirklichung der Grundrechte des Kollektivs eingesetzt hat, es war der Weg, ihre Sexualität natürlich zu leben, was sich auch in seiner Arbeit widerspiegelt, derjenige, der transzendiert und das irgendwie, stellt das ultimative Ziel jeder LGTBIQ+-Militanz dar: das Grundrecht, so frei zu leben, wie wir sind. Als mich das Teatro Real anrief, zögerte ich nicht, den Vorschlag anzunehmen. Das ist meine Art, eine kleine Hommage zu machen. Ich nähere mich ihm, ohne viele audiovisuelle Zeugnisse davon zu haben, wie er sich ausdrückte oder bewegte, abgesehen von einigen punktuellen Aufnahmen. Ich werde versuchen, es auf der Grundlage von Dokumentarfilmen zu erstellen, Biografien und eigene Werke. Federico ist ein Teil dieses großen Puzzles, das The Letter Opener ist, und seine Einbeziehung in das Werk ist Teil einer Reise durch die Geschichte Spaniens im 20. Jahrhundert. Irgendwie, In dieser Arbeit können wir das komprimierte Leben von Federico sehen, von seiner Kindheit bis zu seinem Tod. Darauf vertraue ich, zusammen mit Xavier Albertí und Fabién Panisello, Wir werden einen wunderbaren Job machen, auf den Lorca stolz sein kann", Staaten.

In Bezug auf die Partitur von Luis de Pablo, versichert dass "wie bei jedem anderen Komponisten, Es ist wichtig, die musikalische Sprache selbst zu verstehen, die von verwendet wird. Um sich Luis de Pablo zu nähern, muss man seine Arbeit kennen. In diesem Fall, Sie müssen die Bedeutung berücksichtigen, die Sie dem Rhythmus beimessen, und zu den Soundeffekten, die durch die Dynamik erzielt werden, die er schreibt, um Texturen zu schaffen, die Dramatik hinzufügen und helfen, den Text zu verstehen. Alle Informationen, die uns über den Komponisten und seinen Werdegang bekannt sind, dienen als Orientierungshilfe", kommt zu dem Schluss.

Neben Airam Hernández werden auch Borja Quiza und José Antonio López an dieser absoluten Premiere teilnehmen., die die Rollen der ebenfalls Dichter Vicente Aleixandre bzw. Miguel Hernández übernehmen werden, neben anderen herausragenden Künstlern wie Ana Ibarra, Mikeldi Atxalandabaso, Stephen Vincent, Josef Manuel Montero, Jorge Rodríguez-Norton, Gabriel Diaz, David Sánchez und Laura Vila.

Saison 2021-2022 hat die Sängerin von Teneriffa ins Euskalduna nach Bilbao geführt, im Alfredo-Kraus-Auditorium in Las Palmas de G. C. und das Nationale Auditorium von Madrid mit der neunte Symphonie Beethoven; an der Oper von Oviedo mit seinem Debüt als Tamino de Die Zauberflöte Mozart; an die Juan March Foundation mit einem Rossini gewidmeten Rezital; mit seinem ersten Tebaldo de an das Teatro de La Maestranza in Sevilla Die Capulets und die Montagues Bellini; und in den Hafen von Teneriffa als Protagonist des Weihnachtskonzerts zusammen mit dem Tenerife Symphony, Regie führte Victor Pablo Perez.

Nach seiner Teilnahme an Der Brieföffner Airam Hernández wird nach Teneriffa zurückkehren, um in der spanischen Erstaufführung der Oper in die Haut von Arcadio zu schlüpfen Florenz im Amazonas von Daniel Catán und zum Singen Die sieben Worte Christi am Kreuz, von César Franck; wird Alfredo von sein La Traviata im Calderón Theater in Valladolid; wird singen Faust-Symphonie, aber Liszt, in Weimar (Deutschland) und wird als Pollione de an das Gran Teatre del Liceu in Barcelona zurückkehren Regel Bellini.

Der Brieföffner

Das Vergehen von Luis de Pablo (1930-2021) letzte 10 Oktober, zu 91 Jahre alt, beschattet die Uraufführung seiner letzten Oper, in der uns der Komponist mit einer Sprache überrascht, die weit von seinen früheren Opern entfernt ist, kantabler, ausdrucksstark und an die spanische Musiktradition erinnernd, auf jenem Weg des Suchens und Experimentierens ohne Komplexe, der seine gesamte künstlerische Laufbahn geprägt hat.

Obwohl die Vokalmusik immer einen herausragenden Platz in der Produktion von Luis de Pablo einnahm - einem Komponisten mit einer großen literarischen Kultur und einer wahren Faszination für das Wort und seine klangvollen und semantischen Echos -, sein Opernkorpus besteht aus sechs fast überschriebenen Opern 30 Jahre alt: WHO (1983, Teatro de la Zarzuela), der indiskrete Reisende (1990, Teatro de la Zarzuela), lädt die Mutter ein Essen (1993, Biennale Venedig, Goldoni-Theater), Fräulein Christine (2001, Teatro Real), Ein Park (2005, Biennale Venedig, Kleines Arsenal) und, schließlich, Der Brieföffner, abgeschlossen in 2015.

Diese letzte Oper, von Anfang an als eine Art Patientenverfügung konzipiert, Es basiert auf dem gleichnamigen Werk von Vicente Molina Foix, Librettist derselben und Mitarbeiter von Luis de Pablo in fünf Vokalwerken, einschließlich Libretto für drei Opern: der indiskrete Reisende, Die Mutter lädt zum Essen ein und Der Brieföffner.

Der Roman, Nationaler Erzählpreis 2007, dies ist, in den Worten seines Autors, ein „bitteres Chor-Anti-Epos, (…) voller Mäander und durchzogen von realen und fiktiven Figuren aus dem Spanien des 20. Jahrhunderts, dass Verse und Drohungen ausgetauscht werden, dass Liebesbriefe und geheime Botschaften geschrieben werden, die ihr Ziel nicht erreichen, obwohl andere sie lesen und manipulieren werden.“

die Noten Der Brieföffner deckt nur die erste ab 220 Buchseiten, die der ersten Hälfte des letzten Jahrhunderts und der dunkelsten Zeit des Romans entsprechen, vor dem Hintergrund des Bürgerkriegs, seine konvulsiven Vorläufer und die darauffolgende Diktatur.

Ausgehend von einem alten Foto der Schule von Fuente Vaqueros, auf dem Federico García Lorca zu sehen ist 6 die 7 Jahre alt, weiß gekleidet, zusammen mit den anderen Schülern, Molina Foix hat einen Briefroman geschaffen, in dem er einem der anonymen Kinder des Porträts Leben einhaucht, der Raffael heißt, der von dem Dichter fasziniert wird. Zusammen mit ihm entsteht ein fiktives Universum, das durch Buchstaben verkörpert wird, Briefe, Aufzeichnungen, Polizeiberichte und Dokumente von echten Menschen - García Lorca, Vicente Aleixandre, Miguel Hernandez, Eugenio D'Ors oder Andrés Acero- und fiktiv, die dieselbe dunkle und verstörende Welt teilen, die sie dazu zwingt, ihre Gedanken zu verbergen, sexuelle Gefühle und Impulse.

Obwohl der historische Hintergrund der Arbeit real ist – der Mord an Lorca, der Tod von Miguel Hernández, Aceros Selbstmord in Mexiko, usw. und verwenden sogar Fragmente authentischer Dokumente, die Brieftexte, die die gekreuzten Erfahrungen der Charaktere miteinander verflechten, sind fiktiv, mit Ausnahme der im Duett verwendeten Wörter A cappella das Ende der Arbeit, extrahiert aus Die Zerstörung der Liebe, von Vicente Aleixandre.

Auch der Bühnenmeister Xavier Albertí musste historische Referenzen mit der gespenstischen Welt der geschriebenen Stimmen artikulieren. Vermeidung von Wahrhaftigkeit mit echten Charakteren, seine dramaturgie beschwört die 'geistigen räume' der protagonisten herauf - unterstrichen durch die lichtstimmungen von Juan Gomez Cornejo– die aufeinander folgen und sich in einer metaphorischen Szenerie überlagern, die von entworfen wurde Max Glaenzel, mit großen Modulen von Postfächern, die die Papiererinnerungen beherbergen. der Kleiderschrank Silvia Delagneau schlägt vor, wie die Dekoration, Leben zwischen Mauern, Gräben und Verstecke in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts.

Die Brieferinnerungen kommen aus dem Papier und leben mit der Musik von Luis de Pablo, anschaulicher und verankerter in der spanischen Musiktradition und der Prosodie des gesprochenen Spanisch als in früheren Opern. so, Die Partitur beginnt mit einem kurzen Prolog, der an das Spiel erinnert die Loben mit den Kindern der Schule und von dort, sie passieren 6 Szenen, die als Ausschnitte aus dem Leben konzipiert sind; ein Mosaik voller Kontraste und ein fast kammermusikalischer Orchestersatz, aber dank der großen Anzahl von Instrumenten mit einer reichen Farbpalette und dramatischer Kraft ausgestattet, selten als symphonische Messe verwendet.

Wie José Luis Téllez betont, Zitat und Parodie nehmen einen bedeutenden Raum in der Bedeutungsökonomie von ein Der Brieföffner". Überall in der Oper tauchen melodische „Paraphrasen“ auf, mehr oder weniger versteckt, aus dem spanischen Renaissance-Liederbuch, Schlaflieder oder Volkslieder, sogar die Beschwörungen eines Couplets, oder eine Zarzuela.

Der Brieföffner ist auch eine Hommage an die spanische Literatur, aus dem spanischen Goldenen Zeitalter – mit der Darstellung von Das Leben ist ein Traum, von Calderón– bis zur Generation der 27, mit einem besonderen Platz für den großen Dichter Vicente Aleixandre, Nobelpreis für Literatur in 1977, dessen Haus – das von De Pablo und Molina Foix besucht wurde – ein Ort der Schöpfung war, Diskussion, Schutz und Unterschlupf für Künstler in den schwierigsten Zeiten des 20. Jahrhunderts.

In seiner letzten Oper, Luis de Pablo, Achtzigjährige, guck mal nachsichtig, Schmerz und Nostalgie - und auch mit Ironie, wenn möglich-, die krampfhaften Zeiten, in denen Spanien zerrissen wurde. Es tut dies, indem es die Stimmen großer Schriftsteller und die Stimmen anonymer Wesen, die durch zerbrochene Liebesgeschichten vereint sind, lobt und aufeinander abstimmt., still und verboten, mit der Gelassenheit, sich in einer anderen besseren und helleren Zeit zu kennen.

Fotograf: © Javier de Echt | Teatro Real

Josep Pons führt Regie bei „Atlántida“

Nuria Rial, Maite Beaumont und Damián del Castillo Josep Pons führt Regie bei „Atlántida“, Josep Pons führt Regie bei „Atlántida“.

Josep Pons führt Regie bei „Atlántida“.

Josep Pons führt Regie bei „Atlántida“, Manuel de Falla, in Palau de les Arts, Diesen Donnerstag 3 Februar, Josep Pons führt Regie bei „Atlántida“, am nächsten Tag 4, Josep Pons führt Regie bei „Atlántida“ 2022.

Josep Pons führt Regie bei „Atlántida“, Josep Pons führt Regie bei „Atlántida“, die die Faszination für das Mythologische des Komponisten aus Cadiz in seiner monumentalen und unvollendeten Bühnenkantate mit der seines Zeitgenossen und engen Freundes Maurice Ravel in der ersten und zweiten Suite von „Daphnis et Chloé“ vereint..

die die Faszination für das Mythologische des Komponisten aus Cadiz in seiner monumentalen und unvollendeten Bühnenkantate mit der seines Zeitgenossen und engen Freundes Maurice Ravel in der ersten und zweiten Suite von „Daphnis et Chloé“ vereint., die die Faszination für das Mythologische des Komponisten aus Cadiz in seiner monumentalen und unvollendeten Bühnenkantate mit der seines Zeitgenossen und engen Freundes Maurice Ravel in der ersten und zweiten Suite von „Daphnis et Chloé“ vereint., die die Faszination für das Mythologische des Komponisten aus Cadiz in seiner monumentalen und unvollendeten Bühnenkantate mit der seines Zeitgenossen und engen Freundes Maurice Ravel in der ersten und zweiten Suite von „Daphnis et Chloé“ vereint., die die Faszination für das Mythologische des Komponisten aus Cadiz in seiner monumentalen und unvollendeten Bühnenkantate mit der seines Zeitgenossen und engen Freundes Maurice Ravel in der ersten und zweiten Suite von „Daphnis et Chloé“ vereint. (die die Faszination für das Mythologische des Komponisten aus Cadiz in seiner monumentalen und unvollendeten Bühnenkantate mit der seines Zeitgenossen und engen Freundes Maurice Ravel in der ersten und zweiten Suite von „Daphnis et Chloé“ vereint., die die Faszination für das Mythologische des Komponisten aus Cadiz in seiner monumentalen und unvollendeten Bühnenkantate mit der seines Zeitgenossen und engen Freundes Maurice Ravel in der ersten und zweiten Suite von „Daphnis et Chloé“ vereint.).

die die Faszination für das Mythologische des Komponisten aus Cadiz in seiner monumentalen und unvollendeten Bühnenkantate mit der seines Zeitgenossen und engen Freundes Maurice Ravel in der ersten und zweiten Suite von „Daphnis et Chloé“ vereint. (Isabel), die die Faszination für das Mythologische des Komponisten aus Cadiz in seiner monumentalen und unvollendeten Bühnenkantate mit der seines Zeitgenossen und engen Freundes Maurice Ravel in der ersten und zweiten Suite von „Daphnis et Chloé“ vereint. (die die Faszination für das Mythologische des Komponisten aus Cadiz in seiner monumentalen und unvollendeten Bühnenkantate mit der seines Zeitgenossen und engen Freundes Maurice Ravel in der ersten und zweiten Suite von „Daphnis et Chloé“ vereint.) die die Faszination für das Mythologische des Komponisten aus Cadiz in seiner monumentalen und unvollendeten Bühnenkantate mit der seines Zeitgenossen und engen Freundes Maurice Ravel in der ersten und zweiten Suite von „Daphnis et Chloé“ vereint. (die die Faszination für das Mythologische des Komponisten aus Cadiz in seiner monumentalen und unvollendeten Bühnenkantate mit der seines Zeitgenossen und engen Freundes Maurice Ravel in der ersten und zweiten Suite von „Daphnis et Chloé“ vereint.) die die Faszination für das Mythologische des Komponisten aus Cadiz in seiner monumentalen und unvollendeten Bühnenkantate mit der seines Zeitgenossen und engen Freundes Maurice Ravel in der ersten und zweiten Suite von „Daphnis et Chloé“ vereint., zusammen mit dem Chor der Generalitat und dem Orchester der Valencianischen Gemeinschaft, zusammen mit dem Chor der Generalitat und dem Orchester der Valencianischen Gemeinschaft.

Nach der Pause, zusammen mit dem Chor der Generalitat und dem Orchester der Valencianischen Gemeinschaft, zusammen mit dem Chor der Generalitat und dem Orchester der Valencianischen Gemeinschaft, zusammen mit dem Chor der Generalitat und dem Orchester der Valencianischen Gemeinschaft.

zusammen mit dem Chor der Generalitat und dem Orchester der Valencianischen Gemeinschaft, 3 Februar, zu 20.00 zusammen mit dem Chor der Generalitat und dem Orchester der Valencianischen Gemeinschaft. Einen Tag später, zusammen mit dem Chor der Generalitat und dem Orchester der Valencianischen Gemeinschaft, zusammen mit dem Chor der Generalitat und dem Orchester der Valencianischen Gemeinschaft 4 zu 19.30 h.

Die Künste sind symphonisch

Josep Pons, zusammen mit dem Chor der Generalitat und dem Orchester der Valencianischen Gemeinschaft, ist Teil der Auswahlliste nationaler und internationaler Taktstöcke, die während der gesamten Saison mit dem Valencian Community Orchestra zusammenarbeiten 2021-2022.

ist Teil der Auswahlliste nationaler und internationaler Taktstöcke, die während der gesamten Saison mit dem Valencian Community Orchestra zusammenarbeiten, ist Teil der Auswahlliste nationaler und internationaler Taktstöcke, die während der gesamten Saison mit dem Valencian Community Orchestra zusammenarbeiten, ist Teil der Auswahlliste nationaler und internationaler Taktstöcke, die während der gesamten Saison mit dem Valencian Community Orchestra zusammenarbeiten, James Gaffigan (6 Mai), ist Teil der Auswahlliste nationaler und internationaler Taktstöcke, die während der gesamten Saison mit dem Valencian Community Orchestra zusammenarbeiten, Ravel und Dvořák, ist Teil der Auswahlliste nationaler und internationaler Taktstöcke, die während der gesamten Saison mit dem Valencian Community Orchestra zusammenarbeiten (10 Juni), ist Teil der Auswahlliste nationaler und internationaler Taktstöcke, die während der gesamten Saison mit dem Valencian Community Orchestra zusammenarbeiten.

ist Teil der Auswahlliste nationaler und internationaler Taktstöcke, die während der gesamten Saison mit dem Valencian Community Orchestra zusammenarbeiten 30 und 45 Euro.

Fotografie: ist Teil der Auswahlliste nationaler und internationaler Taktstöcke, die während der gesamten Saison mit dem Valencian Community Orchestra zusammenarbeiten

Maria Jose Montiel

Maria José Montiel beginnt 2022 mit einem Repertoire, das er liebt, der verdian. Es wird in der Baluarte de Pamplona und mit zwei Aufführungen – die Tage 4 und 6 Februar- Un ballo in maschera, spielt Ulrike, eine Rolle, die die Mezzosopranistin aus Madrid in ihrem Repertoire hat, seit ihr Maestro Zubin Mehta sie für ihr Debüt in Tel-Aviv unter seiner Leitung und zusammen mit dem Israel Philharmonic vorgeschlagen hat. „Es war eines dieser wunderbaren Dinge, die dir im Leben passieren. Meister Mehta hat mich eingeladen, es zu singen, und vom ersten Moment an habe ich mich in die stimmliche und dramatische Stärke der Figur verliebt.“, kommentiert die spanische Sängerin. „Es ist eine verdianische Rolle mit einer ernsthaften Tessitura, aber gleichzeitig hat es Anstiege in die akute Zone, und obwohl es nicht übermäßig lang ist, es ist enorm anspruchsvoll; Ich habe mich immer sehr wohl gefühlt, weil es mir ermöglicht, meine Stimme durch die Atmung zu entwickeln, Hervorhebung der Rundheit und des Reichtums der gesamten Tessitura; Ich bin auch begeistert, was Verdis Genie in dieser wunderbaren Partitur geschaffen hat, mit wahrhaft glorreichen Momenten, in dem der Komponist, mit aufwändiger Orchestrierung, Lassen Sie Ihrer Fantasie freien Lauf und drucken Sie eine beeindruckende melodische Darstellung; es war eigentlich eine Oper, mit der Verdi selbst einen großen stilistischen Fortschritt gemacht hat, Verlassen der klassischen Struktur des Rezitativs, Arie und cabaletta mit einem weiter entwickelten musikalischen Diskurs zu spielen und dem etwas näher zu kommen große Oper von Meyerber, ja, ohne auch nur ein Jota seiner Italienität aufzugeben; Es ist wirklich spannend“, bestätigt die Mezzosopranistin, Wer seit Ende 2018 Ihre berufliche Tätigkeit auf der Bühne verbindet sie mit der Lehre als Professorin für Gesang an der Universität der Künste Berlin.. „Ich freue mich besonders, diesen Charakter jetzt nach Pamplona zu bringen, wo ich oft singe und mich immer zu Hause fühle“, kommt zu dem Schluss.

Der Vorschlag des beliebten verdischen Titels, der im Auditorium von Navarra zu sehen sein wird, ist eine Koproduktion der Opéra National de Lorraine, Theater der Stadt Luxemburg, Opera Zuid und Oper Angers-Nantes, mit Regie von Waut Koeken und Yves Abel dirigiert die Navarra Symphony und den AGAO Lyric Choir. Montiel teilt sich die Bühne mit der Sopranistin Maria Pia Piscitelli als Amelia, Tenor Sergio Escobar als Riccardo-Gustavo III und Bariton Artur Rucinski als Renato-Conde Anckarström.

Nach den Funktionen von Un ballo in maschera in Pamplona, Auf María José Montiel warten weitere Verpflichtungen, etwa die Weltpremiere des Stabat Mater de Moreno-Buendía zusammen mit dem Sinfonieorchester der Region Murcia unter der Leitung von Manuel Hernández-Silva, ein Rezital, begleitet vom Pianisten Laurence Verna für die Alicante Concert Society und zeitgenössische Oper María Moliner, des Parera-Fonds, beim Festival des spanischen Lyriktheaters in Oviedo.

Baluarte

AlexEsposito-1

AlexEsposito
Der italienische Bassbariton Alex Esposito wird für seine stimmlichen Qualitäten ebenso geschätzt wie für seine brillanten Darbietungen. Jetzt kommt er zum ersten Mal in den Palau Les Arts, um die Vier zu spielen
Bösewichte von Les Contes d'Hoffmann.
Beansprucht von den führenden Opernhäusern der Welt, Wir freuen uns auf den Check-in
Spanien, wie gut es schlecht geht.

Klassische Verve: Jetzt kommt er nach Valencia, um Les Contes d'Hoffmann bei Les Arts vorzustellen, Dolmetscher Lindorf, Coppelius, Der Doktor und der Kapitän. Er scheint sich sehr wohl dabei zu fühlen, diese „Teufels“-Rollen zu spielen, Fühlen Sie sich von dieser Art von Charakteren angezogen??

Alex Esposito: ja, Ich werde die vier Rollen des Teufels in Les Contes d’Hoffmann spielen … Ich war schon immer fasziniert von bösen Charakteren … als ich als Kind Horrorfilme gesehen habe, Ich war immer von der Fähigkeit angezogen, die der Böse hatte, der Mörder, der Teufel … diesen Terror in Menschen auszuüben … Ich fühlte eine große Faszination für diese Regisseure und diese Schauspieler, die, durch seine Technik und Interpretation, Sie hatten die Fähigkeit, diese große Angst und diesen Schrecken zu erzeugen ... Also habe ich mich immer zu diesen bösen Rollen hingezogen gefühlt, weil, vor allem, Ich finde sie interessanter, denn es gäbe keine Verschwörung, wenn es keinen bösen Charakter gäbe, und das Böse ist ein bisschen der auslösende Motor der Handlung, des Dramas… Ich denke auch, dass der teuflische Teil von uns am interessantesten ist, weil es am grenzwertigsten ist, das schärfste ... ist, schließlich, unsere dunkle Seite, das ist am Ende der, den wir am meisten mögen … Und ich denke, dass die meisten Zuschauer von diesen Charakteren angezogen werden, Aus psychologischer Sicht...

b.c: Sein Repertoire ist breit, von Mozart bis Verdi, vorbei an Rossini, Donizetti, Gounod, Offenbach o Berlioz, unter anderem. Was ist das für ein Charakter, von dem du träumst, ihn zu spielen?, wenn es noch nicht angekommen ist?

A.E: ja, Ich habe schon immer gerne experimentiert… Mozart, Rossini, Strawinsky, Verdi… eigentlich, Verdi Ich habe vor kurzem damit angefangen ... Ich versuche immer, die Rollen mit Kenntnis der Fakten auszuwählen, und bevor ich etwas riskiere, sage ich lieber nein … Es gibt eine Rolle, die ich in Zukunft gerne debütieren würde, und dass es in Wirklichkeit bereits geplant war, aber COVID es abgesagt hat ... es ist der Bösewicht schlechthin, das Mefistofele von Boito… Außerdem, Ich würde auch gerne mit anderen Formen der Unterhaltung experimentieren … Ich sage nicht, dass ich gerne Filme machen würde, weil ich nicht weiß, ob ich die Kapazität habe, aber ich hatte bei mehreren Gelegenheiten die Möglichkeit, Dinge mit Kameras in diesem Sinne zu tun, Sogar bei dieser Produktion von Les Contes d’Hoffmann hier in Valencia und auch bei einer anderen Produktion, bei der auch Kameras während der Live-Performance zum Einsatz kamen, und ich habe es wirklich gemocht, Dinge mit diesem mysteriösen Objekt zu tun, das nur ein Auge hat, als wäre er ein Polyphem, das dich beobachtet und das dich durch einen Mechanismus zu Millionen von Menschen bringt...

b.c: Sie sind ein renommierter Rossini- und Mozart-Interpret, sogar verdeisch, Was, glauben Sie, trägt jeder von ihnen bei?? und, Glauben Sie, dass sich aus technischer Sicht bei der Interpretation eine Reihenfolge festlegen lässt oder hängt es eher von den stimmlichen Merkmalen ab??

A.E: ja, In der Tat habe ich Rossini und Mozart viel interpretiert, bevor ich bei Donizetti und Verdi ankam ... Ich glaube nicht, dass es einen vorgefertigten Weg gibt, da jeder von uns seinen eigenen Weg entwickelt und seine eigenen Grundlagen schafft, um bestimmte Ziele zu erreichen. .. aber ich kann bestätigen, dass Mozart und Rossini für mich die Grundlage des Theaters waren, denn mit Rezitativen ist es praktisch Prosa... Es wird viel geredet, es gibt ein Tauziehen, die Handlung geschieht in den Rezitativen, denn in den Arien und Duetten widmen wir uns nur der kontemplativen Phase, aber das Theater selbst ist im Rezitativ... Bei Mozart und Rossini lernt man, auf der Bühne zu stehen, weil Sie keinem Orchester folgen müssen, und deshalb kannst du dir Zeit nehmen, Dinge zu sagen, um die Phrasierung im Rezitativ zu machen ... definitiv, Sie haben viel Autonomie und viel Raum für Ideenreichtum und Interpretation … … ich denke, Mozart ist ein wahrer Meister des Theaters, der Deutung ...

b.c: Rossini ist während seiner gesamten Karriere ein sehr präsenter Autor, Welchen Rossini magst du mehr?, der Ernste oder der Buffo?

A.E: Nun, meine Beziehung zu Rossini ist seltsam, denn wenn ich mir eine Partitur anschaue, sehe ich Gioacchino Rossinis Namen geschrieben, ich bekomme krank (lacht), denn Rossini schreibt nie leichte Sachen (lacht), aber am Ende macht es einem immer große Freude… Bei Rossini kann man nichts improvisieren, denn das rossinische lied ist wie das dominospiel, bei dem man alle steine ​​in einer reihe hat, wenn du einen wirfst, Sie alle fallen ... Es geht um, schließlich, eines Balancierspiels und Seiltanzens, das erfordert große Konzentration und große Beherrschung des eigenen Stimmorgans… Rossini ist ein großer Meister des Gesangs… und ob ich den ernsthaften Rossini oder den Buffo bevorzuge? Die Wahrheit ist, dass ich ziemlich viel Rossini-Buffo gesungen habe, deshalb bevorzuge ich den ernsthaften Rossini für alles, was er für meine Vocalità geschrieben hat, sondern wenn ich als Zuschauer eine Oper besuche oder höre, Ich sehe gerne meine Kollegen buffi, weil ich diese andere Art des Schreibens auch sehr mag.

b.c: Seine Anfänge in der Oper sind in einen Heiligenschein einer gewissen lyrischen Romantik gehüllt, ein junger Zuschauer im Teatro alla Scala, davon träumen, ein Protagonist auf der Bühne zu sein. Dies ist ein Sänger, so habe ich es mir vorgestellt? Gibt es etwas, das Sie in diesem Beruf entdeckt haben, was Sie sich damals nicht hätten vorstellen können??

A.E: ja, Richtig... Ich habe mich in die lyrische Oper verliebt, als ich mit elf Jahren Nabucco an der Mailänder Scala gesehen habe und davon überzeugt war, dass dies meine Welt werden würde, und ich bin sehr froh, dass es so gekommen ist… Wenn sich der Vorhang hebt, man sieht all die schönen Dinge, sieht das Ergebnis ... aber drinnen ist es eine sehr harte Welt, das erfordert viele Opfer und es ist fair, dass der Betrachter nur den schönen Teil sieht, denn wenn er ins Theater geht, genießen müssen, Entspannen Sie sich, und offensichtlich kennt er den ganzen Aufwand nicht, der dahintersteckt...eigentlich, Es gibt anderthalb Monate gemeinsame Arbeit, zusätzlich zu monatelanger Vorbereitung auf eine Rolle ... Und das alles, um eine Show zu zeigen, die in drei Stunden verbraucht wird, und das jeden Abend live, nämlich, es ist kein Film, wenn man also zehn Aufführungen derselben Produktion sieht, Sie werden nie zehn Darstellungen gleich sehen...

b.c: Mit der Perspektive der Jahre und einer gefestigten Karriere, Was würden Sie diesen jungen Leuten sagen, die, wie du, eine Aufführung besuchen und davon träumen, auf der Bühne zu stehen? Was sollten sie tun und was nicht?

A.E: Nun, ich würde mich freuen zu wissen, dass sie auch das gleiche Gefühl wie ich erlebt haben., und ich würde ihnen sagen, dass sie sich bewusst sein müssen, dass das Leben des lyrischen Sängers, muss man wirklich wollen, was auch immer notwendig ist, und dass es daher kein Beruf, sondern eine Berufung ist... Mein Ratschlag ist, dass sie nicht nur Gesang studieren, denn Gesang zählt für a 50% über ihn 100% des Ergebnisses… man muss auch wissen, wie man auf der Bühne steht, kennen die Techniken des Theaters, interpretieren… weil lyrische Werke nicht so gemacht werden wie vor zwanzig oder dreißig Jahren… Sie müssen informiert sein, ins Theater gehen, an wen, Treffen Sie die großen Schauspieler ... denn was Sie auf der Bühne sehen, ist das Ergebnis eines ganzen kulturellen Hintergrunds, der im Laufe der Jahre erworben wurde ...

b.c: 2020 hatte sehr intensive Momente, auch beruflich, Wie erinnern Sie sich an Donizettis Requiem, das Sie in Bergamo aufgeführt haben??

A.E: ja, Donizettis Requiem auf dem Friedhof von Bergamo war vielleicht eines der Dinge, die mich in meiner Karriere am meisten bewegt haben … es ist nichts, was ich als berufliche Verpflichtung betrachten kann, weil es eher eine Erinnerung an die Katastrophe war, die passiert ist… Ich könnte sagen, dass das Theaterleben für mich zu Ende ging 22 Februar 2020, als das Teatro alla Scala den Vorhang vor meinen Augen senkte, und dann wurde es eröffnet, als ich nach allem, was passiert war, dieses Konzert vor dem Friedhof von Bergamo gab … Die Tage, an denen wir die Proben gemacht haben, waren Tage großer Emotionen, weil wir genau an diesem Ort waren und mit den Arbeitern des Friedhofs von Bergamo in Kontakt standen, der uns wirklich unglaubliche Dinge erzählt hat ... auch, Ich komme aus Bergamo, deshalb hat es mich besonders berührt...

b.c: Wie ist die Rückkehr auf die Bühne nach Ereignissen, wie wir sie erlebt haben??

A.E: Die Rückkehr auf die Bühne war sehr schön und aufregend, weil es so ist, als würde man wieder zur Schule gehen, nach einer Grippe, beispielsweise, und du triffst dich wieder mit all deinen Freunden, du kehrst in deine Umgebung zurück… Es schien, als würde mir mein Beruf noch mehr gefallen, denn wie bei allen Dingen, die man besitzt, Es ist dir egal, bis du siehst, dass du sie verlieren kannst ... Es war, als wäre alles neu, denn damals waren die Gesundheitsprotokolle noch strenger und es war nicht sehr bekannt, wie man das alles behandelt ... jetzt sind wir geimpft und alles ist viel weniger belastend ...

b.c: Was sind die großartigen Leistungsträger, die Ihnen während Ihrer Karriere aufgefallen sind??

A.E: Die Wahrheit ist, dass ich keinen bestimmten Referenzdolmetscher habe... Ich könnte Cesare Siepi und Samuel Ramey sagen, aber jeder hat etwas und jedem fehlt etwas... Es gibt keine perfekte Stimme, der perfekte Dolmetscher… Fehler werden zu Eigenschaften… Ich habe schon immer gerne allen zugehört… es bringt mich zum Lachen, wenn ich diese lächerlichen Sätze höre wie „es gibt keine Dolmetscher mehr wie früher“, die mehr auf Nostalgie für vergangene Zeiten als auf eine echte Analyse der Dinge reagieren ... Ich denke, sie haben etwas Gutes in ihnen allen, und etwas weniger gut, aber, im allgemeinen, Es ist sehr schön, sich zu treffen, hören, ohne sich als Vorbild zu nehmen, sondern ihm zuzuhören, um den Beruf kennenzulernen und sich ein Bild von dem zu machen, was gemacht wurde.

b.c: Es wird gesagt, dass tiefe und hochwertige Stimmen, wie das Ihre, werden immer knapper. Stimmen Sie dieser Meinung zu?, wenn ja, warum denkst du, dass das passiert?

A.E: Ich glaube nicht, dass es an tiefen Stimmen mangelt ... die Sache selbst ist nicht knapp, sondern die Perspektive dieser Sache ... Ich meine, dass die tiefe Stimme eine Stimme ist, die über die Jahre reift, und je älter man wird, es wird interessanter… Wie auch immer, Ich denke, es ist nicht so sehr eine Frage der Stimme, sondern des Künstlers 360 Grade… Don Giovanni zu debütieren ist stimmlich nicht schwierig, aber aus interpretatorischer Sicht ist es schwierig … es ist eine sehr gefährliche Rolle … man stolpert in jedem Teil, deshalb wollte ich das nie machen ... Ich habe es einmal gemacht, als ich jung war, in einem Provinztheater in Italien, aber ich habe mir das geschworen, bis ich einen Regisseur finde, der mir eine zufriedenstellende Lektüre bietet, Ich werde es nicht noch einmal machen… denn in den Rollen gibt es nicht nur den stimmlichen Aspekt, Aber alle Aspekte müssen berücksichtigt werden., wie ich schon sagte… und um bestimmte Rollen zu spielen, braucht man stimmliche und intellektuelle Reife…

b.c: Worauf achten Sie als erstes, wenn Sie sich für eine neue Rolle entscheiden??

A.E: Zunächst muss geprüft werden, ob die mir vorgeschlagene Rolle für mich geeignet ist, und so schaue ich mir die musik an, die Tessitura, und alle Eigenschaften, die man braucht, um zu wissen, ob es so ist … Ich mache eine allgemeine Studie des Charakters, um zu wissen woher es kommt, wer hat es interpretiert, Ich gehe zu verschiedenen Pianisten und Freunden, denen ich vertraue, dass sie mir bei der Vorbereitung helfen, und ich versuche, das Debüt in einem idealen Kontext zu geben, was nicht nur bedeutet, dass es sich um ein renommiertes Theater handelt, aber auch, dass es einen großartigen Regisseur und einen großartigen Dirigenten mit einer Vorbereitung gibt ... wichtig ist auch, dass er die nötige Zeit zum Proben hat ... Ich studiere die Rolle nicht nur in einem Monat ... so wie wir das Glück, unsere Planung jahrelang im Voraus zu kennen, Ich studiere die Rolle in kleinen Dosen… manchmal, Es ist notwendig, es ruhen zu lassen, um es später fortzusetzen ...

b.c: Und wenn sie eine neue Produktion präsentieren, Was halten Sie von einigen der aktuellen Landschaften??

A.E: Ich habe mit großartigen Regisseuren gearbeitet, von den klassischsten bis zu den bahnbrechendsten, aber es ist nicht so, dass ich moderne Inszenierungen liebe und die klassischen hasse, oder umgekehrt… Ich mag intelligente Landschaften, und ich hasse konventionelle und dekorative Bühnenbilder… Ich mag die Idee… Ich meine, dass ein Bühnenbild historische Kostüme tragen kann, aber es kann eine Konzeption und Frische davon haben, manchmal, sind besser als die eines modernen Sets… Ich mag keine Kunst, die tröstet, weil ich denke, dass man das Theater glücklich verlässt, und er geht in die Pizzeria und fängt an, über etwas anderes zu reden, es bedeutet, dass wir gescheitert sind … Ich denke, dass das Theater weitergehen muss … die drei Stunden Theater sind nur die Zündschnur, die die Atombombe explodieren lässt, aber der Zuschauer muss während des Abendessens und an den folgenden Tagen immer wieder an dieses Theater denken ... wir haben die Pflicht, etwas im Zuschauer zu stimulieren und etwas zu hinterlassen, Sowohl im Guten als auch im Schlechten, ob es dir gefällt oder nicht...

b.c: Jetzt werden wir ihn aber in Valencia sehen können, Was sind Ihre zukünftigen Engagements?

b.c: ja, Ich bin in Valencia und gebe nach so langer Zeit endlich mein Debüt in Spanien… Nun, ich werde mit Il Turk in Italia und Le nozze di Figaro in München sein… Ich werde Don Giovanni an der Scala spielen, Faust im La Fenice…

 

Eine Rolle mit Momenten großer Klangfülle und lyrischer Finesse

Der deutsche Bassbariton Eine Rolle mit Momenten großer Klangfülle und lyrischer Finesse wird erstmals in der 70 Saison von ABAO Bilbao Opera in La voix humaine y Eine florentinische Tragödie en ABAO Bilbao Opera im Februar 2022, mit der Rolle der Simone.

Carsten Wittmoser begann seine Karriere an der Staatsoper Stuttgart. Er wurde Erster Solist am Staatstheater, was zu seiner Mitwirkung am Landestheater Linz führte, die Freiburger Oper und die Hamburgische Staatsoper. Er hat an den renommiertesten Opernhäusern wie der Berliner Staatsoper gesungen, Deutsche Oper Berlin, Komische Oper Berlin, Staatsoper München, Teatro Real in Madrid, Opéra de Monte-Carlo, Opernhaus von Seattle, Michigan Opera Theater, Oper der Schönen Künste Mexiko-Stadt, Land, in dem Sie sich derzeit aufhalten, und kürzlich im Metropolitan in New York, wo er debütierte 2016 als Kurwenal ein Tristan und Isolde. Er trat bei bedeutenden Festivals und Konzerten wie den Bayreuther Festspielen auf, das Lucerne Festival, el Festival Gergiev und Rotterdam, Barde SummerScape, der Wiener Musikverein, die Sala São Paulo, Der Herkulessaal in München, la Brucknerhaus Linz, das Kongress- und Kulturzentrum Luzern und die Carnegie Hall.

Spezialist für deutsches Repertoire, sein Katalog enthält Beethoven, Berg, Hindemith, Humperdink, Offenbach, Orff, Strauss, Wagner, Weber und Zemlinsky, unter anderen Autoren. Er sticht besonders in dramatischen Bass- und Bassbaritonpartien wie Rocco und Pizarro hervor Fidelio, Don Basilio herein Der Barbier von Sevilla, Escamillo hinein Carmen, Scarpia en Tosca, die Bösewichte ein Hoffmanns Erzählungen, die Holländer rein Der Fliegende Holländer, Lord Sydney und Reise nach Reims, Peter und Hänsel und Gretel, Sarastro ein Die Zauberflöte, Landgraf u Tannhäuser, Simone rein La voix humaine y Eine florentinische Tragödie en ABAO Bilbao Opera.

Zu seinen Verpflichtungen in dieser Saison gehören die neunte Symphonie Beethoven, die Requiem in Verdi, Liederzyklus Winterreise Schubert, und Fidelio auch Beethoven.

Eine Rolle mit Momenten großer Klangfülle und lyrischer Finesse ersetzt die ursprünglich geplante entfernen Egils, der aus gesundheitlichen Gründen auf seine Teilnahme an dieser Oper verzichten musste. ABAO wünscht dem Künstler gute Besserung.

Götterdämmerung

Sie bieten 9 Funktionen Götterdämmerung, zwischen 26 Januar 27 Februar, was wird die starten 18.30 Stunden (17.00 Sonntags) aufgrund der langen Dauer der Oper.

die nächste 26 Januar findet im statt Teatro Real die Premiere Götterdämmerung, letzte Reise von Der Ring des Nibelungen, von Richard Wagner (1813-1883), das beendet das kolossale Projekt der Tetralogie, das in vier aufeinanderfolgenden Saisons auf dieser Bühne präsentiert wurde und das die musikalische Leitung von hatte Pablo Heras-Casado und die ikonische Inszenierung von Robert Carsen erstellt für die Kölner Oper in 2000 und mehrfach beantwortet.

Die neun Funktionen der Oper beginnen um 18.30 Stunden, außer sonntags, dessen Start sein wird 17.00 Stunden, den Zeitplan an die lange Ausdehnung der Arbeiten anzupassen (fünfeinhalb Stunden).

Die Aufführung dieser kolossalen Partitur wird zu sehen sein 11 Solisten, 115 Musiker -wer sein wird, wie es in der letzten Saison passiert ist Siegfried, befindet sich in der Grube und in 8 Boxen auf beiden Seiten der Bühne, um den angemessenen Gesundheitsschutzabstand einzuhalten., 62 Chormitglieder u 17 zusätzliche Schauspieler.

Götterdämmerung, Abschluss dieser großartigen Geschichte, es war, seltsam, die erste der vier Opern, aus denen sie besteht Ring... vom Komponisten erdacht werden. Darin werden wir Zeugen des tragischen Todes von Siegfried, zu Brunhildas Opfer, bis zum Ende der Tyrannei der Götter und der Zerstörung Walhallas. Bestimmung, Der Fluch des Rings und der Ehrgeiz der Götter führen die Protagonisten zu einem unumkehrbaren Ende, gegen, ein hoffnungsschimmer liegt in der rückgabe des ringes an die rheintöchter und der wiederherstellung der natürlichen ordnung.

Die Struktur des Werks ähnelt der der griechischen Tragödien und darin, Die musikalische Entwicklung verläuft parallel zur Entwicklung des Dramas, Die musikalische Entwicklung verläuft parallel zur Entwicklung des Dramas, Die musikalische Entwicklung verläuft parallel zur Entwicklung des Dramas, Die musikalische Entwicklung verläuft parallel zur Entwicklung des Dramas Leitmotive Die musikalische Entwicklung verläuft parallel zur Entwicklung des Dramas, Die musikalische Entwicklung verläuft parallel zur Entwicklung des Dramas, Die musikalische Entwicklung verläuft parallel zur Entwicklung des Dramas.

Robert Carsen Die musikalische Entwicklung verläuft parallel zur Entwicklung des Dramas, Die musikalische Entwicklung verläuft parallel zur Entwicklung des Dramas, Die musikalische Entwicklung verläuft parallel zur Entwicklung des Dramas Patrick Kinmonth und Beleuchter Manfred Voss. Über vier Spielzeiten hinweg haben sie die Idee entwickelt, die Wagnersche Allegorie in die Gegenwart einer verseuchten Welt zu überführen, die wir unter allen vernichtet haben, aber das wird uns die Gelegenheit geben, nach einem heilenden Feuer wieder aufzutauchen.

erneut, Das Royal Theatre hatte einige der bekanntesten Wagner-Stimmen des Augenblicks: Andreas Schager (Siegfried), Lauri Vasar (Günther), Martin Winkler (Alberich), Stephen Milling (Hagen), Ricarda Menzer (Brünnhilde), Amanda Majeski (Gutrune / norna), Michaela Schuster (Waltraute), Elisabeth Bailey (Woglinde), Maria Miró (Wellgunde), Claudia Huckle (Floßhilde / norna) und Kai Ritter (Norna).

Das Königliche Theater wird fertiggestellt, in diesen Funktionen, audiovisuelle Aufzeichnung von Tetralogie für den internationalen Vertrieb und Ausstrahlung auf My Opera-Player.

Fotografie ©Javier del real / Teatro Real

La clemenza di Tito

ABAO Bilbao Opera erhält die Jahreszahl mit Uraufführung in Bilbao von Mozarts letzter Oper und auch seinem politischsten Werk: La clemenza di Tito, gefördert von der BBVA-Stiftung. eine Geschichte der Macht, Verrat und Reue, in denen schließlich das Mitgefühl triumphiert, mit einer Premierenproduktion in Spanien und dem Debüt großer Stimmen bei ABAO. Aufgrund der Kapazitätsreduzierung auf 800 Orte, die durch geltende Vorschriften gekennzeichnet sind, ABAO hat geplant noch eine Funktion der üblichen für die Tage 22, 24, 26, 28 und 31 Januar an der Euskalduna Bilbao. La voix humaine y Eine florentinische Tragödie en ABAO Bilbao Opera 19:30La voix humaine y Eine florentinische Tragödie en ABAO Bilbao Opera 22 das wird bei beginnen 19:00h.

La clemenza di Tito ist eine ernste Oper in zwei Akten mit Musik von Wolfgang Amadeus Mozart und einem Libretto von Pietro Metastasio und Caterino Mazzolà. in 1791, und während er eine seiner berühmtesten Opern komponierte: Die Zauberflöte (Die Zauberflöte), Mozart erhielt den Auftrag, eine Oper zur Feier der Krönung Leopolds II. zum böhmischen König zu schreiben.. Kurz vor dem Tod des Komponisten in Prag uraufgeführt, aktualisiert ein Drama, das im antiken Rom spielt, mit einer Verschwörung um die Verschwörung von Vitellia und ihrem Liebhaber Sesto, Tito zu ermorden und zu stürzen, der neue Kaiser, wer einmal Verrat kennt, Er beschließt, Mitgefühl zu zeigen und den Rebellen zu vergeben, was beweist, dass die größten Tugenden eines Herrschers Großzügigkeit und Barmherzigkeit sind..

GROSSARTIGE STIMMEN DEBÜT IN DER SAISON VON ABAO
Hebt das Debüt in ABAO hervor, in diesem Clemenza di Tito, von drei großen Stimmen des aktuellen lyrischen Panoramas. Paolo Fanale, der modische italienische Tenor, festes Timbre und leidenschaftlicher Ausdruck, steht bei seinem Debüt in der Bilbao-Saison der Hauptrolle des Kaisers Tito gegenüber. Ein Charakter von integrer Persönlichkeit mit Arien von großer Schwierigkeit und Passagen von lyrischem Gesang.
Auch zwei Mezzosopranistinnen debütieren in männlichen Charakteren: Daniela Macke in der Rolle des Sexten, Vitellias Liebhaber und verräterischer Freund von Tito, ein Bezugsinterpret in Mozartschen Rollen, mit großer szenischer Solvenz, Ausgewogenheit und Eleganz; und Veta Pilipenko als Annio, Freund von Sexten und verliebt in Servilia, eine frische und kraftvolle Stimme.
Vanessa Goikoetxea übernimmt die Rolle von Vitellia, Der Bösewicht der Oper, eifersüchtig und manipulativ. Sänger mit großer stimmlicher Sensibilität, starke Emission und bemerkenswerte dramatische Ausdruckskraft.
Bilbao vervollständigt die Besetzung Itziar de Unda als Servilia, und Josep Miquel Ramón wie der obskure Publius.

RICCARDO FRIZZA VOR DEM BASKENLANDORCHESTER
der Lehrer Riccardo Frizza, kürzlich mit dem Ópera XXI Award als bester musikalischer Leiter für seine Arbeit an ausgezeichnet Lucia di Lammermoor de ABAO Bilbao Opera, steht davor Baskisches Nationalorchester sich der letzten Opernpartitur des Salzburger Komponisten zu stellen, mit einigen seiner inspiriertesten Arien.
Mozart komponierte La clemenza di Tito in nur sechs Wochen, was ihn jedoch nicht daran hinderte, ihr eine große instrumentale und musikalische Solidität zu verleihen.. Schon ab der "Öffnung", ein Werk von großer Klangfülle und Ausdruckskraft wird geschätzt, mit einem außergewöhnlichen dramatischen und poetischen Potenzial, wo großartige Szenen voller schwindelerregender Lyrik hervorstechen, zusammen mit brillanten Ensemblestücken von Solisten und der Bilbao Opernchor.

EINE PREMIERE-PRODUKTION BEI ABAO
Gewinner ein 2016 des International Opera Award for Young Direction, Fabio Ceresa, Debüt in ABAO, er gilt als einer der vielversprechendsten italienischen Bühnenregisseure seiner Generation.
Die für die Opéra de Laussane konzipierte Produktion, Es ist eine Premiere in Spanien und bietet einen eleganten und monumentalen Vorschlag, aus großen beweglichen Figuren und modularen Paneelen. Ceresa kombiniert eine Ästhetik mit neoklassizistischen Elementen des antiken Roms mit einem zeitgenössischeren Look, der der Moderne der Jahre nahe kommt 30 letztes Jahrhundert. Eine Inszenierung mit bewusster Zeitlosigkeit, um die Universalität der Arbeit hervorzuheben.
Die Landschaft Gary McCann präsentiert eine kreative Linie von großer Qualität und kombiniert die palastartige Umgebung wirkungsvoll mit anderen Umgebungen wie Bädern oder heißen Quellen, Nachbildung eines fließenden antiken Roms, körperlich, vielseitig und von großer theatralischer Plastizität. Palacios, Statuen, Monumente, Schwimmbäder und Friedhöfe koexistieren in einem malerischen Raum in Form einer Allegorie über die Art und Weise, wie Männer um die Macht kämpfen.
Der dramatische Ansatz zeichnet die Charakteristik der Charaktere mit Kostümen auch von Gary McCann, Beleuchtung Ben Crackell und Choreografie Mattia Agatiello, mit vorsichtigen Gruppenbewegungen.

ANDREA MERLI STELLT DAS MOZARTISCHE WERK IM ZYKLUS DAS ABC DER OPER VOR
Der Zyklus ABC de la opera entdeckt in einer Konferenz am Vorabend der Premiere die relevantesten Aspekte jedes Titels der Spielzeit, im Auditorium des Bilbao Fine Arts Museum.
Freitag 21 Januar, Andrea Merli, Musikkritiker, es geschafft, auf dem oberen Bildschirm der Szenerie die ganze Einsamkeit zu übertragen, es geschafft, auf dem oberen Bildschirm der Szenerie die ganze Einsamkeit zu übertragen, es geschafft, auf dem oberen Bildschirm der Szenerie die ganze Einsamkeit zu übertragen.
Um an dieser kostenlosen Aktivität teilzunehmen, ist eine Einladung erforderlich, die in den Büros der ABAO Bilbao Opera oder telefonisch abgeholt werden kann 944 355 100, seit Montag 17 Januar. reduzierte Kapazität.

Die Geschichten von Hoffmann

Die Notwendigkeit, den Probenkalender aufgrund der Pandemie-Situation neu anzupassen, motiviert diese Entscheidung mit dem Ziel, diese Oper auf höchstem künstlerischen Niveau anzubieten..

die Kunst wird den Betroffenen die Möglichkeit bieten, die Aufführung dieser Arbeit zu besuchen, die ihren Bedürfnissen am besten entspricht.

Der Palau de les Arts verschiebt die Uraufführung von 'Die Geschichten von Hoffmann', Jacques Offenbach, bis diesen sonntag 23 Januar, zu 18.00 h im Hauptraum.

Les Arts trifft diese Entscheidung aufgrund der Notwendigkeit, den Probenkalender neu anzupassen, die von der Pandemiesituation betroffen sind, um Aufführungen von Offenbachs Oper anzubieten, um Aufführungen von Offenbachs Oper anzubieten, um Aufführungen von Offenbachs Oper anzubieten.

In diesem Sinne, um Aufführungen von Offenbachs Oper anzubieten, um Aufführungen von Offenbachs Oper anzubieten 20 um Aufführungen von Offenbachs Oper anzubieten, um Aufführungen von Offenbachs Oper anzubieten. Zu diesem Zweck, um Aufführungen von Offenbachs Oper anzubieten.

"Die Geschichten von Hoffmann"

Marc Minkowski, um Aufführungen von Offenbachs Oper anzubieten, um Aufführungen von Offenbachs Oper anzubieten 2012 mit Les Musiciens du Louvre mit den stabilen Körpern von Les Arts und einer Starbesetzung.

Zu diesem Anlass bringt das Kunstzentrum große Persönlichkeiten der internationalen Oper zusammen, die zum ersten Mal in der valencianischen Oper singen werden: der Tenor John Osborn, in der Titelrolle; die Sopranistin Pretty Yende, der zum ersten Mal in seiner Karriere die vier idyllischen Musen verkörpert, und Bassbariton Alex Esposito, die den vier antagonistischen Dämonen von Hoffmann Leben einhaucht.

Johannes Erath unterzeichnet die Regie für diese Produktion der Dresdner Semperoper, die die realen und traumhaften Erfahrungen des Dichters in einer kraftvollen und reichhaltigen theatralischen Übung in visuell beeindruckenden Momenten nachbildet, die die Fantasie des Zuschauers anregen.

Die Uraufführung von „Les contes d'Hoffmann“ findet am statt 23 Januar (18.00 h). Die Uraufführung von „Les contes d'Hoffmann“ findet am statt, Die Uraufführung von „Les contes d'Hoffmann“ findet am statt 26, Freitag 28 Die Uraufführung von „Les contes d'Hoffmann“ findet am statt 31, Die Uraufführung von „Les contes d'Hoffmann“ findet am statt 19.00 h.

La clemenza di Tito

Der italienische Dirigent kehrt nach Lucia di Lammermoor an die ABAO Bilbao Opera zurück, Titel, mit dem er letztes Jahr den Ópera XXI Award als bester musikalischer Leiter der spanischen Saison gewann.

wird mit sein La clemenza di Tito, Meisterwerk des Mozartschen Genies, das nie zuvor im Programm der ABAO Bilbao Opera aufgeführt wurde, dass die baskische Institution und der Lehrer Riccardo Frizza eröffnen ihre Opernsaison 2022. Die Produktion kommt von der Opéra de Lausanne, dessen Premiere in der Hauptstadt Bilbao für den Tag geplant ist 22 Januar (mit Wiederholungen an Tagen 24, 26, 28 und 31 Januar), mit Regie von Fabio Ceresa unterzeichnet, Bühnenbild und Kostüme von Gary McCann, Beleuchtung von Ben Cracknell und Choreographie von Mattia Agatiello, während in den Hauptrollen Paolo Fanale ist (Tito), Daniela Macke (Sechste), Vanessa Goikoetxea (Vitellia), Veta Pilipenko (Annio), Itziar de Unda (Servilia) und Josep Miquel Ramón (Publius).

Für Riccardo Frizza, der bei dieser Gelegenheit das Euskadiko Orkestra Sinfonikoa und den von Boris Dujin vorbereiteten Bilbao Opera Choir dirigieren wird, La clemenza di Tito, Mozarts letzte Oper, "erinnert an die alten Stilmerkmale der goldenen Periode der Opera seria, in einer Welt, in der sie mit Gluck – dem großen Reformer der Gattung – ihren höchsten Glanz erreicht hatte und dann verfiel“. Der italienische Musiker arbeitet seit fast zwanzig Jahren mit dem abaistischen Kurs zusammen, und diese Oper, komponiert zur Feier der Krönung des toskanischen Großherzogs Leopold II. von Habsburg zum König von Böhmen, wurde von Mozart zu einem Libretto von Metastasio vertont „speziell überarbeitet von Caterino Mazzolà mit der Reduzierung von drei auf zwei Akte, das Streichen verschiedener Rezitative und die Umwandlung einiger Arien in Ensemblestücke. Es hat mehrere freimaurerische Referenzen in Schattierungen, rhythmische Zellen und im selben Argument, die Qualitäten eines mit allen Tugenden gekrönten Souveräns preisen, vergebend und erleuchtet. In der Partitur tritt Mozarts Genie in seiner ganzen Pracht hervor, indem er einen dem Gemeinwohl verpflichteten Souverän zeichnet, mit fließenden musikalischen Strukturen und wunderbarer Musik, die, schließlich, Lösungen vorwegnimmt, die später Beethoven, Weber und Rossini werden sich als Vorbild für ihre Arbeiten nehmen", kommentiert der in Brescia geborene Regisseur.

"Die Milde Titos wird zum ersten Mal in Bilbao aufgeführt, Daher fühle ich mich sehr geehrt, dass sie mir diese Aufgabe anvertraut haben. Schlussendlich, Ich komme in Bilbao an und fühle mich wie zu Hause, um bei einer Neuheit für die Mitglieder von ABAO Regie zu führen. Seit meinem Debüt in 2005 mit La Sonnambula, dies ist meine achte Produktion im Baskenland und ich freue mich, die Musiker der Euskadi Symphony wieder zu treffen, womit hinein 2019 gerichtet Lucia di Lammermoor, Titel, für den mir der Verein Ópera XXI den Preis als bester Regisseur der Spielzeit in Spanien verliehen hat“, schließt Riccardo Frizza.

Unter anderen Verpflichtungen, in 2022 erwarten Sie im Malibran Theater in Venedig (Sinfoniekonzert), Teatro San Carlo in Neapel (Die drei Königinnen de Donizetti mit Sondra Radvanovsky e Der Barbier von Sevilla), im Teatro del Maggio Musicale Fiorentino (Der Freund Fritz) und an der Metropolitan Opera in New York (Lucia di Lammermoor).

Riccardo Frizza © Gianfranco Rota

Abao Bilbao Oper

Riccardo Frizza

Strategischer Plan

die Stabilität des Königlichen Theaters, in der Ratifizierung verwirklicht, in den letzten Monaten, seines Präsidenten, Gregorio Maranon, und seine CEOs, künstlerisch und musikalischIgnacio García-Belenguer, Joan Matabosch e Ivor Bolton, respektive, wird es dem Madrider Kolosseum ermöglichen, ein ehrgeiziges durchzuführen Strategischer Plan für die nächsten 5 Jahre alt (2021-2026).

seine effektives Managementmodell (mit denen er der Pandemie begegnen konnte), die Unabhängigkeit ihrer Organe, die gesammelten Erfahrungen und die Unterstützung der öffentlichen Verwaltungen, Sponsoren und Zivilgesellschaft haben ihm erlaubt, ein Projekt zu konzipieren, das die in den letzten Jahren begonnene Roadmap festigt und neue Wachstumspfade eröffnet, insbesondere im Bereich Digitalisierung, Ressourcenoptimierung, Expansion und Loyalität des Publikums, Bildung, Aufnahme, Nachhaltigkeit, Zugänglichkeit und Internationalisierung.

die künstlerisches Projekt gerichtet Joan Matabosch, National und international weithin unterstützt und anerkannt, wird das Repertoire des Teatro Real mit einem breit gefächerten Programm mit renommierten Künstlern und der Bevorzugung von Koproduktionen mit den wichtigsten Opernhäusern der Welt weiter ausbauen. Die Artikulation von Repertoireopern mit weniger bekannten Meisterwerken, Weltpremieren und Wiederherstellung des spanischen Musikerbes, werden die Interpreten weiterhin auf die Real-Bühne bringen, musikalische Leiter und Bühnenteams, die für jeden künstlerischen Vorschlag am besten geeignet sind.

Ivor Bolton, in der musikalischen Leitung der Institution, abgeordnet von Nicola Luisotti und Pablo Heras-Casado, neben Andrés Máspero, vor dem Chor, werden ihre gemeinsame Arbeit fortsetzen zu den Chor- und Orchesterschlagzeilen des Königlichen Theaters, in einer permanenten und hartnäckigen Suche nach Exzellenz, die nationale und ausländische Kritiker einhellig lobt.

die öffentlich-rechtliche Berufung des Teatro Real und sein Engagement für ein immer breiteres Publikum, unterschiedlich, dezentral und inklusiv, in der Kinder und Jugendliche einen privilegierten Platz einnehmen, Rückgrat ihres Fünfjahresplans.

Nach der Wiederherstellung der kostenlosen Besuche im Königlichen Theater nach der durch COVID verursachten Pause 19, die Führungen wird mit neuen Modellen und Strecken reaktiviert, attraktiver und abwechslungsreicher.

Der echte Joven -mit dem Last-Minute-Tickets, die junge Sessel und JugendausschussWenn Sie, sowie Junge Freunde des Königlichen Theaters, wird auch mit der Schaffung der wachsen Internationaler Jugendrat, das wird Opernliebhaber verschiedener Nationalitäten bis dahin vereinen 35 Jahre alt, Förderung fruchtbarer Verbindungen und Synergien.

Pferde (Oper, Lernfahrzeug), Projekt, das im Royal Theatre in geboren wurde 2007 und die sich bereits in mehr als entwickelt 200 Schulen in ganz Spanien, kehrt zurück, um vom Königlichen Theater überwacht zu werden, das wird ihm nach der pandemiebedingten Zäsur und dem Tod seines großen Mentors neue Impulse geben, Peter Sarmiento.

Auf dem Gebiet der Ausbildung, Das Angebot wird erhöht Kurse für die Öffentlichkeit, Studenten, und Fachleute aus der künstlerischen Welt, Hervorhebung der Einführung von a Online-Lehrplattform des Königlichen Theaters.

Crescendo, erstellt in Zusammenarbeit mit der Stiftung Freunde des Königlichen Theaters inmitten einer Pandemie, um jungen Sängerinnen und Sängern den Zugang zur Berufswelt zu erleichtern, wird sich weiterhin mit Opernstudioprojekten konsolidieren, die die Programmierung von integrieren Königs Junior (Wie die jüngste Produktion von Aschenputtel) und andere Initiativen starten, als die Ausbildung repetitiver Pianisten, die in dieser Saison starten wird.

Im Rahmen des Cerca de Ti-Programms - vom Ministerrat als Ereignis von außergewöhnlichem öffentlichem Interesse genehmigt und gültig bis 2023- verschiedene Initiativen werden entwickelt, um Oper und Musik zu verbreiten, Hervorhebung des Roaming des Royal Theatre Floats, in Abstimmung mit den autonomen Gemeinschaften in ganz Spanien, und Installation eines Bildschirms, permanent, an der Fassade der Plaza de Isabel II, die das kulturelle und künstlerische Programm von Madrid verbreiten wird (ähnlich denen auf der Plaza de Callao oder im Kolosseum), besondere Relevanz für die Inhalte und Weiterverbreitungen des Teatro Real.

Es wird das Engagement des Königlichen Theaters mit dem fortführen Barrierefreiheit ihrer Shows, Perfektionierung seiner App „Accessible Real Theatre“ für Zuschauer mit Seh- und Hörbehinderungen, sein Magnetschleifensystem, das in der Haupthalle installiert ist und die Mobilität von Rollstühlen innerhalb des Gebäudes verbessert.

Eine der großen Herausforderungen der kommenden Jahre ist die ökologische Nachhaltigkeit des Königlichen Theaters, nach Energieeffizienz, Dekarbonisierung, Digitalisierung von Instandhaltungsvorgängen, Ressourcenoptimierung, Modernisierung der Ausrüstung und Implementierung von erneuerbaren Energien, mit dem Ziel, ein Nullverbrauch Gebäude 4.0.

Im Bereich der Verbesserung von Einrichtungen und Infrastrukturen, wird hinausgetragen werden Renovierung des Bodens der Bühnenloge des Königlichen Theaters, nach 25 Jahren maximaler und ununterbrochener Nutzung.

die Arganda Logistikzentrum, das den Produktionen und Koproduktionen des Teatro Real Schutz bietet, wird mit modernisiert Digitalisierung und Automatisierung von Speichervorgängen.

Der Einsatz neuer Technologien wird alle Bereiche und Dienstleistungen des Teatro Real für eine effizientere Verwaltung betreffen, Hervorhebung der Aufbau eines digitalen historischen Archivs, mit der Zusammenstellung und Katalogisierung aller Materialien von historischem und musikwissenschaftlichem Interesse, die Wissenschaftlern und Forschern zur Verfügung stehen.

An der wird hart gearbeitet internationale Projektion des Königlichen Theaters in seinen vielen Facetten: Koproduktionen mit ausländischen Theatern, Verleih von Eigenproduktionen, Erweiterung des Katalogs MyOperaPlayer, Weiterübertragungen und Sendungen in Koproduktion mit Fernsehsendern und renommierten internationalen Plattformen und Kommunikationskampagnen, um die Bekanntheit des Theaters unter den wichtigsten der Welt zu festigen.

Die Programmierung des Real in 2019, anerkannt mit dem prestigeträchtigen Internationaler Opernpreis (ein Jahr Verspätung durch die Pandemie), hatte erhebliche Medienpräsenz, mit dem es weitergehen wird Als nächstes findet eine Gala statt 28 November auf Ihrer Bühne. Es ist das erste Mal, dass die Preisverleihung außerhalb Englands stattfindet..

Die Arbeit von Real während der Pandemie, nur einer auf der Welt, hat die Aufmerksamkeit der internationalen Presse auf sich gezogen und dem Theater über den musikalischen Bereich hinaus große Sichtbarkeit verliehen, mit prominenter Präsenz in ausländischen Medien.

Fotografie © Javier del Real | Teatro Real

Alex Esposito_photo Victor Santiago

Der italienische Bassbariton Alex Esposito singen, zuerst, auf der valencianischen Bühne des Palau de les Arts Reina Sofía. werden die Tage sein 20, 23, 26, 28 und 31 Januar, Produziert von Hoffmanns Erzählungen von Offenbach, mit musikalischer Leitung von Marc Minkowski und Bühnensignatur von Johannes Erath. Esposito wird alle vier „Schurken“-Rollen spielen (Stadtrat Lindor, el Erfinder Coppelius, Doktor Miracle und der Zauberer Dapertutto), Partien, die er bereits mit großem Erfolg an der Deutschen Oper in Berlin gesungen hat, das Teatro San Carlo in Neapel, der Bayerischen Staatsoper in München und der Oper Stuttgart.

International geschätzt für seine große dramatische Fähigkeit, Alex Esposito gesteht, dass er sich sehr wohl dabei fühlt, teuflische Rollen zu singen: „Ich bin gerne der Bösewicht in der Oper … Hoffmanns Erzählungen, Es gibt drei Möglichkeiten, den Teufel zu sehen: Am lustigsten ist Coppelius, der kapriziöse und trickreiche Wissenschaftler, der magische Augen verkauft, um eine mechanische Puppe zum Leben zu erwecken; das dramatischste und gewalttätigste ist Miracle, eine Art Doktor Mengele, ein Verschwörer, der mit Schuldgefühlen spielt, zur Verzweiflung eines Vaters, der hilflos hilft... Allerdings, Dapertutto ist derjenige, der das grausamste Verbrechen begeht: Mann seiner eigenen Identität berauben… ich bin nicht böse, Ich bin so konstruiert.", betont Esposito, der auch Nick Shadow gespielt hat Der Fortschritt des Rechens von Strawinsky und Mephistopheles in Fausts Verdammnis Berlioz, und Faust Gounod.

Geboren in Bergamo, Alex Esposito ist einer der gefragtesten Sänger auf der internationalen Bühne, und seine Präsenz ist in den renommiertesten lyrischen Theatern der internationalen Szene, wie dem Royal Opera House in London, üblich., la Bayerische Staatsoper de Munich, La Scala in Mailand, La Fenice in Venedig, die Deutsche Oper Berlin, die Pariser Nationaloper oder die Wiener Staatsoper, unter anderem, und bei berühmten europäischen Festivals wie dem Rossini Opera Festival in Pesaro, die Salzburger Festspiele, das Donizetti Opera Festival oder das Aix-en-Provence Festival. Er hat mit führenden Dirigenten wie Claudio Abbado gearbeitet, Antonio Pappano, Riccardo Chailly, Kent Nagano, Myung-Whun Chun, Giovanni Antonini oder Teodor Currentzis, und hat mit renommierten Regisseuren wie Peter Mussbach zusammengearbeitet, Claus Guth, Graham Vick, Damiano Michieletto, David Alden, Laurent Pelly oder Pierluigi Pizzi. auch, wurde von der italienischen Musikkritik mit dem "Abbiati Award" ausgezeichnet, und die Bayerische Staatsoper hat ihm kürzlich den Titel eines Kammersängers verliehen.

Fotografie: Victor Santiago

Palau Arts

Perez-Sierra

JOsé Miguel Pérez-Sierra Direkt zu Carmen im Februar, als erster spanischer Regisseur eine französische Oper inszenieren 160 Jahre des belgischen Kolosseums, in einer Produktion, die anschließend, März, er selbst wird tragen Großes Theater Luxemburg.

José Miguel Pérez-Sierra, einer der wichtigsten spanischen Regisseure seiner Generation und von großer internationaler Ausstrahlung, fügt seiner Karriere eine neue Etappe hinzu, indem er auf das Podium von La Monnaie-De Munt in Brüssel klettert, in denen er führen wird Carmen, Bizet; Dies ist das erste Mal, dass ein spanischer Regisseur eine französische Oper in der europäischen Hauptstadt leitet. in 2011, noch ein spanisch, Pablo Heras-Casado, hineingeführt Die Minze zeitgenössische Oper Matsukaze, vom Japaner Toshio Hosokawa, aber kein anderer Spanier hatte in diesem Theater seit seiner Wiedereröffnung Regie geführt 1856 nach dem Brand, der es vor einem Jahr zerstörte.

Pérez-Sierra wird bei fünf Aufführungen der beliebten französischen Oper Regie führen (Tage 1, 5, 8, 10 und 13 Februar) in einer Produktion des Festival d’Aix-En-Provence in Koproduktion mit Les Théâtres De La Ville De Luxembourg und der Philadelphia Opera, mit Regie von Dmitri Tcherniakov. Auf der Bühne wird es sich zeigen, unter anderem, mit Ève-Maud Hubeaux als Carmen, Andrea Care als Don Jose, Anne-Catherine Gillet als Micäela und Jean-Sébastien Bou als Escamillo.

Der Madrid-Regisseur startete in die Saison 2021-2022 mit einem Konzert mit dem Orchestre national de Metz und Hamilton aus Holland, um später ein Konzert mit der Sopranistin Lise Davidsen und der Oper zu dirigieren Pagliacci (Leoncavallo) in A Coruña; Oper Yachthafen (zum 200-jährigen Jubiläum von E. Arrieta) und ein symphonisches Konzert mit der Navarra Symphony im Auditorium Baluarte in Pamplona; ist mit an die Opéra de Marseille zurückgekehrt Armida (Rossini) und hat Konzerte mit dem Orchester und dem Chor der Autonomen Gemeinschaft Madrid angeboten (BUDGET) im National Music Auditorium und im Alcobendas Auditorium und zusammen mit dem Jugendorchester der Galicischen Symphonie in A Coruña. im Rest der Saison, y tras su debütierte in La Monnaie-De Munt, debütiert am Grand Théâtre in Luxemburg mit Carmen bevor er an das Teatro de La Zarzuela in Madrid zurückkehrt, um die Inszenierung zu leiten Die Barberillo Lavapies (Barbieri).

Miguel Muñiz

Geboren in Ourense in 1939, Miguel Muñiz Er hat einen Abschluss in Wirtschaftswissenschaften der Universität Complutense in Madrid und war in seiner langen beruflichen Laufbahn mit verschiedenen Institutionen sowie öffentlichen und privaten Unternehmen verbunden.. in 1982 wurde zum Generalsekretär für Wirtschaft und Planung im Ministerium für Wirtschaft und Finanzen ernannt und in 1986, Präsident des Amtlichen Kreditinstituts (ICO), Position, die er hielt, bis 1996. Er war Teil des Nationalen Instituts für Statistik und Telefónica, wo er in seinem Studienkabinett eingerahmt war, in einer ersten Stufe, und später in seinem Exekutivkomitee.

die 27 September 2004 wird zum CEO ernannt Teatro Real, Position, die er bis zu halten würde 2012. Unter seinem Mandat wurden Initiativen wie die Einführung von Last-Minute-Tickets durchgeführt, das Audiovisuelle Projekt und die ersten Opernaufnahmen auf DVD, das Sozialprojekt – dessen Initiative Musik im Gefängnis, erhielt in zwei aufeinanderfolgenden Jahren die Medal of Penitentiary Social Merit, die Gründung von Jazz- und Flamenco-Festivals im Sala Principal oder die ersten Tage von Open Doors, um nur ein paar zu nennen; Aktionen, alle, die zur Modernisierung und Förderung der Eröffnung des Königlichen Theaters beigetragen haben.

Über seine Arbeit an der Spitze der Institution, Gregorio Maranon, Präsident des Königlichen Theaters, Er hat erklärt,: “Ich habe Miguel Muñiz vor vielen Jahren getroffen und, in 2004, Ich schlug ihn der Kulturministerin Carmen Calvo als Generaldirektor des Königlichen Theaters vor. im Ruhestand 2012 in den schwierigen Zeiten der Wirtschaftskrise Außerordentliches geleistet zu haben 2008. Abgesehen davon, dass er ein sehr guter Fachmann ist, wie er in der Präsidentschaft des ICO gezeigt hatte, Miguel war ein ausgezeichneter Mensch”.

Fotografie © Javier de Echt / Teatro Real

James Gaffigan

Der amerikanische Regisseur James Gaffigan wird ab September die musikalische Leitung beider Institutionen versöhnen 2023.

Gaffigan wird im Mai nächsten Jahres ein Konzert mit Werken von Rodrigo dirigieren, Ravel und Dvořák und die Uraufführung von „Wozzeck“ in Valencia, berg.

Kündigte die Ernennung von James Gaffigan, musikalischer Leiter von Palau de les Arts, als neuer Generalmusikdirektor der Komischen Oper Berlin; Position, die er im September übernehmen wird 2023 und dass er sich mit seinen Aufgaben bei Les Arts verbinden wird.

In diesem Sinne, Les Arts übermittelt Meister Gaffigan seine Glückwünsche zu seiner Ernennung, Dies bestätigt das künstlerische Engagement des valencianischen Theaters für eine der Persönlichkeiten mit der größten Projektion in der musikalischen Leitung, das Orquestra de la Comunitat Valenciana zu leiten (OCV).

„València und Berlin werden meine beiden ‚musikalischen Heimaten‘ und diese neue Position wird keine Änderung in meiner Beziehung zu Les Arts bedeuten. offen, auch, Möglichkeiten der Zusammenarbeit zwischen beiden Institutionen“, erklärte der New Yorker Regisseur.

Das Engagement des amerikanischen Künstlers bei Les Arts umfasst die musikalische Leitung von zwei Operntiteln und zwei symphonischen Programmen pro Spielzeit, zusätzlich zu den Aufgaben der Position beim OCV für die nächsten vier Jahre.

James Gaffigan wird diesen Frühling nach Valencia zurückkehren, um ein OCV-Konzert mit Werken von Rodrigo zu dirigieren, Ravel und Dvořák, sowie die Uraufführung eines im Repertoire der Stadt noch unveröffentlichten Titels in Valencia, „Wozzeck“, von Alban Berg, mit dem er die Opernsaison abschließen wird.

Daniela Macke

Die argentinische Mezzosopranistin Daniela Macke wird erstmals in der 70 Spielzeit der ABAO Bilbao Opera La clemenza di Tito im Januar 2022, mit der Rolle des Sexten.

Daniela Mack führt die Avantgarde einer neuen Generation von Opernsängern an und zeichnet sich durch Intensität aus, Kühnheit und Charisma ihrer Interpretationen. Der Künstler wurde von Kritikern als beschrieben “hervorragend” (Die New York Times), “ein mächtiges Gefährt” (Wallstreet Journal), “Besitzer einer beispiellosen virtuosen Technik” (Der Wächter) und “eine Stimme wie polierter Onyx: stark, dunkel, tief und glänzend (Opera News). in 2013 war Finalist beim BBC Cardiff Singer of the World-Wettbewerb.
Zu seinen Verpflichtungen in dieser Saison gehören Partenope im Theatre Royal, Die Capulets und die Montecchi in der Maestranza, Amadigi di Gaula im Bostoner Barock, Serse in der Carnegie Hall u Nabucco wieder im Königlichen Theater, unter anderem.

Daniela Mack ist Absolventin des Adler-Stipendienprogramms an der San Francisco Opera, wo hat er gesungen Idomeneo, Faust und Die tote Stadt. Er spielte die Hauptrolle in La Cenerentola als Mitglied des Merola Opera Program und als Recital in der Reihe der San Francisco Opera Schwabacher Debut Recitals.

Auf Konzertebene fallen sie auf spanische Zeit, Das Kind und die Zauber, und Dreispitziger Hut mit dem Orchester der Westschweiz, das Boston Symphony Orchestra und das Chicago Symphony Orchestra, unter der Leitung von Charles Dutoit. Es wurde auf Bühnen wie dem Royal Opera House aufgeführt, Washington Nationaloper, Santa Fe-Oper, Oper von San Francisco, Atlanta-Oper, Metropolitan, Omaha-Oper, Palm Beach Opera, Philadelphia-Oper, etc.

Daniela Macke ersetzt die ursprünglich geplante Daniela Barcellona, der sich von einer Verletzung erholt, obwohl es nicht wichtig ist, hindert ihn daran, an den geplanten Terminen an den Proben der Oper auf der Rechnung teilnehmen zu können. ABAO hat dem Künstler seine besten Wünsche für eine baldige Genesung übermittelt.

Manuel Busto

die nächste 29 Dezember, Bandleader Manuel Busto wird im mythischen Teatro Comunale di Bologna debütieren, am Frente des Orchesters des Teatro Comunale von Bologna, die Schlagstöcke von der Größe eines Sergiu Celibidache dirigiert haben, Sir Georg Solti, Kurt Masur, Rostropovich, Georges Prêtre, Riccardo Muti, Riccardo Chailly, Daniele Gatti oder Christian Thielemann, unter anderem. Die musikalische Leitung des Balletts übernimmt Manuel Busto Don Juan mit der Aterballetto National Dance Foundation (die wichtigste italienische Tanzkompanie), das sieht man bis 2 Januar auf der Bühne der Sala Bibiena. Manuel Busto ist auch für die Partitur und ihre Orchesteradaption nach Originalthemen von Marc Álvarez verantwortlich..

die Show Don Juan, entstanden in Koproduktion mit dem Ravenna Festival, und das Teatro Regio in Parma, das Sferisterio de Macerata oder das Festspielhaus St. Pölten, unter anderen Institutionen, wurde vom schwedischen Choreografen Johan Inger entworfen, die sich mit der Figur befasst Don Juan als alter paradigmatischer Mythos und auch zeitgenössisch. Die ursprüngliche Komödie von Tirso de Molina, Moliere, Das Stück von Bertold Brecht und Suzanne Lilar inspiriert Inger und ihren Dramatiker Gregor Acuña-Pohl, die insgesamt beraten 25 verschiedene Texte im Zusammenhang mit der Figur von Don Juan, und wir werden allen Charakteren in der Geschichte in diesem vorgestellt Kammerspiel: Donna Elvira, Donna Anna, Zerlina, Masetto…

Es ist nicht das erste Mal, dass Manuel Busto in Italien an einem Opernhaus Regie führt, weil er zuvor am Teatro Verdi di Trieste gearbeitet hat. auch, dirigierte mehrere Konzerte des bekannten Orchestra I Pomeriggi Musicali di Milano im Teatro Dal Verme in Mailand, Bergamo und Bellagio. Neben seiner umfangreichen Karriere als Dirigent, Auch als Komponist verwirklicht Manuel Busto zahlreiche Aufträge und wird in diesem Frühjahr seine erste Oper uraufführen die Tigerfrau, Auftragswerk des Teatro de la Maestranza und des Teatro Lope de Vega.

Stadttheater von Bologna

Iñaki Encina Oyón in Alcina

Nach seinem erfolgreichen Debüt an der Nationaloper Paris, mit Iphigenie auf Tauris Gluck, letzten Oktober, der Dirigent des Alava-Orchesters Iñaki Encina Oyón kehrt zum Graben des Palais Garnier zurück, um Alcina . zu leiten, mit Inszenierung der Robert Carsen; werden die Tage sein 26 und 28 Dezember, und dieses Mal, leitet das bekannte deutsche Balthasar Neumann Ensemble. In der Besetzung dieser dreiaktigen Oper von Händel, die Stimmen der Sopranistin Jeanine de Bique stechen heraus (Alcina), Sopranistin Elsa Benoit (Morgana) oder die Mezzosopranistin Roxana Constantinescu (Bradamante), inter.

Die Verbindung von Iñaki Encina Oyón mit der Pariser Nationaloper geht zurück auf 2005, Jahr, in dem er Mitglied seines renommierten Ateliers Lyrique . wurde; später, hatte die Möglichkeit, als Regieassistent bei renommierten Spezialisten wie Thomas Hengelbrock in Idomeneo von Mozart y Emmanuelle Haïm in Hippolyte und Aricie Rameau. auch, Encina Oyón ist regelmäßiger Gast von
prominente französische Opernhäuser wie die Opéra de Lille, Oper von Toulon, die Oper von Rouen oder das Grand Theatre von Dijon, unter anderem.

Musikalischer Leiter der Internationalen Akademie für Alte Musik des Festival du Périgord Noir seit 2016, Alcina wird sein dritter Händelscher Titel, vor kurzem an die Oratorien herangetreten Der Triumph von Zeit und Enttäuschung und Athalia. Encina Oyón ist auch für seine Rolle als Pianistin bekannt, und unter seinen nächsten Projekten, hebt das Recital hervor, das er im Januar mit der guatemaltekischen Sopranistin Adriana González . anbieten wird, en el Museum der Schönen Künste von Dijon, mit Liedern von Robert Dussaut, Henri Duparc, ausfransen, Hélène Covatti, Isaac Albeniz, Mompou, Obradors und Granados.

Iñaki Encina Oyón

Lisette Oropesa, Zarzuela

Für mehr als eine Stunde war er Lisette Oropesa Begrüßung und Fotografieren mit Fans, wartet auf sie am Ausgang des Teatro de la Zarzuela am Montag, 23, nach seinem Konzert „Zarzuela hin und her“. Und es ist so, dass Oropesa überall dort, wo es auftritt, fast zu einem Massenphänomen geworden ist. In Madrid erinnert man sich immer noch daran, neben anderen Maßnahmen, seine Lucia di Lammermoor im Theatre Royal, vor drei Jahren, mit Javier Camarena.

Es war das erste Mal, dass die nordamerikanische Sopranistin im Jovellanos Street Theatre auftrat, auch Uraufführungsrepertoire. Nichts weniger als ein Programm ganz aus Zarzuela, und heben zweifellos Oropesas Bemühungen und Interesse hervor, diese emblematischen Stücke des Genres zu singen, bequem gemischt mit Werken mit ausgeprägtem hispanisch-kubanischem Charakter.

Er demonstrierte einmal mehr die große Vielseitigkeit seiner Stimme, in der Lage, sich neuen Genres zu stellen und sie brillant zu interpretieren. Oder sollte ich sagen, überwältigend. Seine stimmlichen Qualitäten sind offensichtlich. In den Noten steht nichts, nicht einmal davon, widerstehen ihm. Behält außergewöhnliche Höhen und Höhen bei, eine homogene Mitte und sehr beständige Bässe. Und eine seiner größten Qualitäten, in Anbetracht seiner Leichtigkeit, eine mehr als beachtliche Lautstärke der Stimme. Obwohl es manchmal ein bisschen engolado klang, nutzt perfekt aus gebunden und die Mittelstimme. Er pflegt seine gute Ausdrucksweise tadellos und managt das mit Brillanz und Großzügigkeit Atem.

Begleitet wurde sie am Klavier von einer energischen Ruben Fernandez Aguirre. Und es ist nicht einfach, eine so überwältigende Kraft wie Lisette Oropesa am Klavier zu begleiten. Sie führten Werke von Barbieri auf, Scheitern, Joaquin Nin, Jörg Ankermann, Sorozabal, Lecuone, Rodrigo, Carlos Imaz, Manuel Penella, Gonzalo Roig und Piazzolla am Klavier von Fernández Aguirre.

Ihre Nähe zum Publikum hat ihr sehr schöne Momente beschert, kommen, um einen Witz zu erzählen. Er hatte auch das Detail, zu beantragen, dass die Zarzuela zum Weltkulturerbe erklärt wird. Bei dieser gemeinsamen Anstrengung zählt alles.

Der Erfolg von Lisette Oropesa war absolut. Nachdem er mehrmals hinausgegangen war, um ein stehendes Publikum zu begrüßen, Sie boten drei Tipps an. Die erste war eine kubanische Habanera. Dann spielte er "Las carceleras", Zarzuela Die Töchter des Zebedäus, Ruperto Chapí. Und schließlich ein wenig bekanntes Werk, ein Stück von Der Husar der Garde, Amadeo Vives, voller Schwierigkeiten, Koloraturen und hohe Töne, die vom Publikum, das nicht aufhörte zu applaudieren, sehr geschätzt und belohnt wurden.

Zweifellos einer der großen Erfolge, die dieses Theater seit vielen Jahren erlebt. Wir hoffen, dass es nicht das letzte Mal sein wird und Lisette Oropesa das Teatro de la Zarzuela zu ihren üblichen gehören wird.

Fotografie: Elena del Real

magisches Klavier

Der Zauber der Weihnachtsfeiertage, in dem Kinder immer eine Hauptrolle spielen, durfte bei der Programmierung nicht fehlen Königs Junior, die den Hauptsaal zu einer Show für die ganze Familie voller Fantasie und Fantasie öffnet, die mit dem Klavier und der Musik von Frédéric Chopin verwoben ist, am nächsten Tag 27 und 30 Dezember und 3 und 4 Januar, zu 12.00 Stunden.

berechtigt Magischer Chopin wird präsentiert werden, zum ersten Mal in Spanien, dieser Vorschlag von den Oscar-Preisträgern BreakThru Films – deren Kreation, Peter und der Wolf, mehrfacher Preisträger, war in der vergangenen Spielzeit im Königlichen Theater zu sehen – das nun zu einem Animationsfilmkonzert mit der Pianistin Mariana Gurkova einlädt, Live-Aufführung der Musik des polnischen Komponisten, und die Teilnahme von Fernando Palacios, als Autor und Moderator.

Magischer Chopin bietet Chopins Musik mit einer Reihe einzigartiger Animationen, bestehend aus einem Hauptspielfilm, Magisches Klavier, von einigen 30 Minuten lang, in dem das Abenteuer von

Anna und ihr Cousin Chip-Chip an Bord eines magischen fliegenden Klaviers, und verschiedene animierte Kurzfilme, Die Chopin-Shorts (Chopins Shorts), in denen vier Geschichten von 2 ein 3 Minuten, Jeder.

Die verschiedenen Erzählungen umhüllen den Betrachter, der, Vom ersten Moment an, mit den Abenteuern mitfühlen, Emotionen und Haltungen der Protagonisten, ohne sich bis zum letzten Moment überraschen zu lassen, Wegnehmen, Beim Verlassen, die Erinnerung an ein unvergessliches Erlebnis und viele Reflexionen über die erlebten Momente.

BreakThru-Filme, gegründet 2001 von Produzent Hugh Welchman, ist eine polnische Animationsfirma, weltweit bekannt für seine innovativen Projekte und seine außergewöhnliche künstlerische Qualität. Seine erste große Produktion, Peter und der Wolf, Oscar-Gewinner für den besten animierten Kurzfilm, Pionierarbeit für das Format von Filmen, die in Konzertsälen gezeigt werden, begleitet von Live-Orchestern, und ziehen immer mehr Publikum und Jüngere an ! BreakThru Films hat sich einen hervorragenden Ruf für seine Kurzfilme aufgebaut, von mehr als unterstützt 20 Internationale Auszeichnungen und Nominierungen, darunter zwei BAFTA-Nominierungen, die offizielle Auswahl von Cannes, der Chicago Canal+ Award und der TCM Award, um ein paar zu nennen.

MAGISCHES CHOPIN – ZUSAMMENFASSUNG

MAGISCHES KLAVIER

Studium von Frédéric Chopin (1810-1849)

Opus 25 N5, Opus 10 Nr. 3, Opus 10 Nº1, Opus 10 Nr. 7, Opus 25 N6, Opus 25 Nº1, Opus 25 Nr. 12, Opus 10 N9 und Opus 25 N11

Adresse: Martin Klapp

Magisches Klavier erzählt Annas Geschichte, ein Mädchen aus 10 Jahren, deren Vater sie in Polen bei ihrer Tante und Cousine Chip-Chip zurückgelassen hat, während er im Ausland arbeitet, in London. Anna, dass er seinen Vater vermisst, beschließt wegzulaufen. sie gehen sehen, Chip-Chip folgt ihr. um ihn loszuwerden, versteckt sich in einem Müllhaufen und stößt auf ein altes Klavier, der sich in eine magische Flugmaschine verwandelt, in der beide durch die Luft transportiert werden, als würden sie auf einem riesigen Segelboot oder einem Raumschiff reisen.

Anna beschließt, den Apparat zu benutzen, um ihren Vater zu finden und ihn nach Hause zu bringen.. Chip-Chip, trotz eines schrecklichen Schwindelgefühls, Er beschließt, sie zu begleiten, da er unbedingt möchte, dass sein Cousin ihn mag..

Beide starten das Abenteuer aber, Beim Erreichen der Dächer von Paris, Sie treffen einen jungen Mann, mit dem Anna sehr gut zurechtkommt. Chip-Chip, verdächtig, meutern und versuchen, die Flugmaschine in der Luft zu drehen. Beide beginnen einen Streit, im Laufe des Kampfes, Lenkgetriebe brechen, und im Wind durch stürmische Meere in undurchdringliche Nebel treiben.

Wenn sich der Nebel lichtet, stellen zu ihrer Überraschung fest, dass sie sich dennoch in London befinden, mit der kaputten Maschine, Sie können den letzten kleinen Schritt in Richtung Papa nicht machen.

Hinter ihnen bildet sich ein gigantischer Sturm, der sie vom magischen Klavier wegbläst und, unerklärlicherweise, bringt sie plötzlich nach Warschau zurück, neben dem Müllhaufen, wo es kein altes Klavier mehr gibt, aber… wo Papa auf sie zukommt.

DIE CHOPIN-SHORTS (DIE CHOPIN-SHORTS)

DER FETTE HAMSTER

Opus-Studie 25. Nein. 8

Adresse: Adam Wyrwas

Die Protagonisten sind ein paar entzückende und flauschige Hamster. Einer von ihnen ist furchtbar gefräßig, aber sein partner will nicht, dass er dick wird und zwingt ihn, auf dem käfigrad zu trainieren. Die Monotonie der Bewegung lässt Sie in einen tiefen Schlaf fallen, Moment, den sein gefräßiger Partner ausnutzt, um sich mit Essen vollzustopfen… mit komischen folgen...

PL.INK!

Opus-Studie 10. Nein. 4

Adresse: Anne-Kristin Berge

Ein minimalistischer Maler verliert seinen kleinen Sohn in einem seiner Gemälde. Gehen Sie in das Gemälde, um den schelmischen Jungen vor den Tintenmonstern zu retten, Hilfe von einer Flugmaschine finden.

HAMSTERHIMMEL

Opus-Studie 10. Nein. 11

Adresse: Paul Bölger

Die schöne Liebesgeschichte zweier dieser freundlichen Nagetiere, in der das Männchen sein Bestes tut, um sich nie von dem Hamster zu trennen, den es liebt..

PAPAS JUNGE

Opus-Studie 25. Nein. 9

Adresse: Leevi Leemetty

Eine kleine Maus, die Balletttänzerin werden möchte. Sein Vater, ein ehemaliger Boxchampion, kann ihre Leidenschaft für den Tanz nicht verstehen, Aber als der kleine Junge seine Tanzkünste einsetzt, um eine Katze zu täuschen, die seinen Vater gefangen hat., Stolz sieht er seinem Kleinen zu, wie er Purzelbäume schlägt, um ihm bei der Flucht zu helfen.

Kultur zu Weihnachten

die Palau de les Arts schlägt vor, an diesen Feiertagen mit dem Verkauf seiner ersten Geschenkkarte Kultur zu Weihnachten zu verschenken, die für die Anzahl der Sitzplätze für jede Show der Saison einlösbar sind.

Durch Ihre Seite Netz, und persönlich an der Theaterkasse, Les Arts formuliert dies
Neues Produkt, erhältlich ab einem Mindestbetrag von 50 Euro und erlischt ein Jahr nach dem
kauft ein, richtet sich an diejenigen, die an den verschiedenen künstlerischen Vorschlägen interessiert sind, die der Saison des gewidmet sind
Theater.

in 2022, Das Les Arts-Angebot wird wichtige Meilensteine ​​in der Programmierung mit unveröffentlichten Titeln wie z
Offenbachs „Hoffmanns Erzählungen“, unter der musikalischen Leitung von Marc Minkowski; Die Rückkehr von
Barock inszeniert im Großen Saal mit „Ariodante“ von Händel, Regie führte Andrea Marcon; die
Bernstein Theaterfibel mit „Trouble in Tahiti“, zusätzlich zum wesentlichen verdischen Repertoire mit
'Macbeth'.

auch, während des nächsten Jahres, Der dem „Lied“ gewidmete Zyklus wird von einigen Künstlern besucht
am meisten geschätzt in der lyrischen Szene wie Matthias Goerne, Benjamin Bernheim, Marianne Crebassa o
Jakub Józef Orliński, während im symphonischen Kapitel, das Orquestra de la Comunitat Valenciana
wird seine Arbeit mit Referenzstöcken mit Terminen bei Josep Pons fortsetzen, Mark Elder und sein Manager
Musical James Gaffigan.

inzwischen, die dem Tanz gewidmete Sektion präsentiert 2022 drei erstklassige choreografische Shows
Stufe, mit dem spanischen Nationalballett (BNE) und die Show 'Invocation'; Sol Picó und sein Unternehmen
Tanz, die Premiere von „Titanas“, eine neue Produktion in Zusammenarbeit mit Les Arts, und das Vorhandensein von
Opernballett Perm, mit „La Bayadère“ von Ludwig Minkus.

auch, Les Arts wird in fortgesetzt 2022 mit den verschiedenen programmierzeilen um die stimme herum und so
umfassen von cante jondo mit Arcángel, Mayte Martín und María Terremoto in „Les Arts is Flamenco“
zu Pat Methenys Jazz in „Arts and Other Music“.

Contes d’Hoffmann © Heikki Tuuli_Finnish National Opera

Interview mit Michael Fabiano

Michael Fabiano kehrt nach Madrid zurück, Stadt, in der du dich zu Hause fühlst, nachdem er letzte Saison in einigen der aufregendsten Momente auf der Bühne des Teatro Real nach der Pandemie mitgespielt hatte, und kehrt mit einer seiner Fetischfiguren zurück, Rodolfo, in La Bohéme unter der Regie von Nicola Luisotti. Eine neue Gelegenheit, die Sensibilität und Stärke zu genießen, die die Sängerin aus New Jersey in den romantischen Charakter von Pucinni . einbringt.

Fabiano ist derzeit einer der herausragendsten Belcanto-Interpreten. Im Interview erzählt er uns von seinem Werdegang, von einigen der schönsten Momente auf der Bühne und ihren Plänen für die Zukunft.

Eleonora Buratto

Die italienische Sopranistin Eleonora Buratto, gilt als einer der besten Interpreten des puccinischen Charakters, kehrt ins Madrider Kolosseum zurück, um sechs Aufführungen von La Bohème in einer Saison, in der er es auch in New York singen wird.

Die Karriere von Eleonora Buratto hört nicht auf, Bühnen zu erobern und Anhänger auf der ganzen Welt zu gewinnen. Nicht weniger: Sein Spielplan weist auf Engagements in den wichtigsten Theatern der internationalen Lyrikszene hin, dank einer Stimme von beeindruckender Schönheit und einem Temperament, das Kritik und Publikum überall atemlos lässt..

Die Sängerin kommt mit ihrer gefeierten Mimì de . in Madrid an La Bohème nachdem er mit der populären Figur des Puccini an der Metropolitan Opera in New York triumphiert hatte und beeindruckenden Publikums- und Kritikererfolg einheimste, Szenario, in dem sie dieses Jahr wieder die Pariser Näherin spielen wird. Im Königlichen Theater hat er schon gesungen, seit seinem Debüt in 2012 mit Die beiden Figaro, Titel wie Don Pasquale, L'elisir d'amore, Die Hochzeit des Figaro, Carmen e Idomeneo. Jetzt komm zurück mit La Bohème, wer wird die tage interpretieren 13, 16, 19, 27 und 30 Dezember und 3 Januar, in einer von Richard Jones inszenierten Montage und mit Nicola Luisotti auf dem Podium vor dem Symphonieorchester Madrid. Es ist eine Koproduktion des Teatro Real, die Royal Opera of London und die Lyric Opera of Chicago. "Ich freue mich auf neue künstlerische Abenteuer, aber, diesmal, zur Freude füge ich die Emotion hinzu, mit ihm für ein Theater zu singen 100% seiner Kapazität", bekräftigt die in Mantua geborene Sängerin. "Ich bin in Madrid in voller Proben von La Bohème verkörpert Mimì, eine meiner charakteristischen rollen. Es ist auch der letzte Charakter, den ich zu Beginn gesungen habe 2020, vor der Haft, an der Royal Opera in London. Und keiner von uns konnte sich in diesem Moment vorstellen, dass die ganze Welt und die Welt der Oper wegen der Pandemie kurz vor der Lähmung standen.. Ich hoffe, dass sich der Kreis endlich schließt und das, wenn auch mit allen notwendigen Vorkehrungen, Wir nehmen das Leben wieder auf wie zuvor".

Bereits im Sommer 2020 Eleonora Buratto konnte mit dem Requiem Donizetti und Verdi. "Ich habe auch zwei aufregende Verdi-Rollen als Elvira und Desdemona debütiert, neben den Mozartian Fiordiligi in Così fan tutte, zuerst an der Mailänder Scala und dann in Turin –mit Riccardo Muti–, und Anaïs in Moses und Pharao beim Rossini Opera Festival, aber jetzt mit einem wahren Geist der Normalität zu proben, wie wir ihn im Teatro Real erleben, ist ein wunderbares Geschenk. Ich bin seither mit diesem Theater verbunden 2012; hier habe ich wichtige Debüts gemacht wie Elettras in Idomeneo, unter anderem. Jetzt ist Mim an der Reihe. Ich hoffe, dem spanischen Publikum die Emotionen einer Rolle und eines Werks vermitteln zu können, die seit mehr als einem Jahrhundert ein Publikum in der ganzen Welt der Liebe ansprechen, Freude, die Krankheit, der Schmerz und, vor allem, die unendliche Melancholie, die das Ende der Jugend bringt. Ich denke heute, mehr denn je, La Bohème ist in der Lage, uns die wahrsten und am meisten geteilten Emotionen zu geben", schließt den Sopran.

Nach seinem Engagement in Madrid reist er nach Rom, um an drei Rossini-Konzerten mit dem Orchestra e Coro dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia unter der Leitung von Antonio Pappano . teilzunehmen, nach Paris, um die zu singen Requiem von Verdi unter der Regie von Daniele Gatti am Théâtre des Champs-Élysées und kehrt nach New York zurück, diesmal zum debütieren Madama Butterfly und wieder verkörpern Mimì aus La Bohème, beide Engagements am Metropolitan Opera House im März, April und Mai 2022

Weihnachten mit La Bohème

Diese Weihnachten, zwischen 12 Dezember und die 4 Januar Royal Theatre Angebot 15 Funktionen von La bohème, von Giacomo Puccini, in einer Koproduktion des Theatre Royal mit dem Royal Opera House in London und der Lyric Opera in Chicago, der auf seiner Bühne in auftrat 2017.

Die Entstehung von La bohème, und auch die Entwicklung ihres kreativen Prozesses bis zur Uraufführung der Oper am Teatro Regio in Turin 1 Februar 1896, Sie werden gründlich dank der umfangreichen Korrespondenz dokumentiert zwischen Giacomo Puccini, sein Herausgeber und Mentor Giulio Ricordi, und Librettisten Giuseppe Giacosa und Luigi Illica, die begannen, ihre stürmische und fruchtbare Zusammenarbeit in dieser Oper, später das Schreiben der Skripte für Tosca und Madama Butterfly.

Basierend auf dem Buch Szenen aus dem tschechischen Leben, von Henri Murger (1822-1861), Es geboren als eine Reihe von autobiographisch Geschichten als folletín veröffentlicht, die beiden Librettisten, immer sorgfältig geführt von Puccini, Sie bauten eine Koralle Libretto, in dem vier junge Bohemiens - ein Schriftsteller (Rodolfo), ein Maler (Marcello), ein Musiker (Schaunard) und Philosoph (Colline)- wirtschaftliche Schwierigkeiten und schlechtes Wetter mit Humor und Enthusiasmus meistern, die Suche nach seinem Platz in einer Pariseren Brause, lebhafte und Winter.

Die tragische Liebesgeschichte zwischen einer, Rodolfo, aufstrebender Dichter, y la sastrecilla Mimi, dessen Tod an Tuberkulose, unerbittlich, die sorprende, Ausschweifung und Träume der Jugend artikuliert eine Art Initiations Weg Bouncing und zeigt das wahre Leben, mit all seiner Eindringlichkeit und Transzendenz.

Mit seiner brillanten Orchesterpalette, seine Beherrschung der Prosodie und sein riesiges dramatisches Talent, Puccini baut die Persönlichkeit der jungen Menschen mit ihrer Fähigkeit, die charakteristischsten und amüsante anekdotische Einblicke in den Alltag mit den tiefsten Gefühle zu artikulieren, leidenschaftlich und Kehr. so, Interlace Ihre Sätze kurz „Gespräch“ mit anderen großen melodischen Atem und dramatisch. Seine Orchestrierung schlägt vor,, mit großer Wirksamkeit tímbrica, Details von so trivial wie die Flammen oder das Klirren der Münzen snaking, bis ‚Umkreisen‘ der Film fast nackte Mansarde, vom weihnachtlichen Trubel in Paris oder von der Einsamkeit und Entbehrung der Armut.

Die Beschwörung vergangener Momente, als wären sie Blitze, die die Erinnerung wiederbeleben und aktualisieren, wird meisterhaft unter Verwendung musikalischer Motive nachgebildet, die mit Emotionen verbunden sind, Gefühle, oder auch Objekte, die Puccini eine enorme symbolische Kraft gibt, wie die Segel von Mimì, die Rose Cofia que kauft Rodolfo, Colline greatcoat, oder der Ärmel, der die kalten Hände der Protagonistin auf ihrem Sterbebett wärmt.

Es sind diese Momente, die kommen und gehen zurück in den Speicher, dass sie mit den Erfahrungen verborgen und zeigen, dass die Art und Weise das Leben addieren und bauen, diejenigen, die die Produktion von unterstützen La bohème die am Königlichen Theater gesehen werden kann.

In ihrem Vorschlag dramaturgische, der angesehene britische Regisseur Richard Jones und Bühnen- und Kostümbildner Stewart Laing Opera präsentiert als eine Abfolge von Szenen aus dem tschechischen Leben den Betrachter Arbeitsplätze ohne Verschleierung hinter den Kulissen die normalerweise entwickeln technische hinter den Kulissen. so, das Publikum sieht, wie die Sätze geändert werden, wie unterschiedliche Geräte verwendet werden, theatralische Effekte zu erzielen und wie Requisiten stapeln sich in den Flügeln, als ob sie Leben Stücke in dem Speicher vollgestopft.

An einem privilegierten Ort, Der Betrachter sieht ständig die Vergangenheit und Gegenwart der Charaktere, nicht in der Lage in das kalte und sprudelndes Paris des jungen Bohemiens zu tauchen, weil es immer auf der Bühne dargestellt wird.

Aber diese Künstlichkeit ‚Spiel im Spiel‘, dass die Echtzeit und das Theater ist verwirrt, öffentlicher Raum und Künstler, das Drama der Oper und seine Metaphern, den Betrachter zu einer reicheren Interpretation von Puccini Arbeit nehmen, durch die Ansicht aus verschiedenen Winkeln verbesserte, sondern auch mit ihren Reflexionen.

Zwei Angebote geben das Leben diese beliebte Choroper, die Highlights, in den Hauptrollen, las Soprane Jaho Ermonela und Eleonora Buratto (Mimi) und Tenöre Michael Fabiano und Andeka Gorrotxategi (Rodolfo), unterstützt von den Sopranistinnen Ruth Iniesta und Raquel Lojendio (Musetta); Baritone Joan Martin-Royo und Esteve Manel (Schaunard), Tenöre Stephen Vincent und Pablo García López (Benedikt); Baritone Lucas Meachem und Andrzej Filonczyk (Marcello); und niedrig Krzysztof Baczyk und Solomon Howard (Colline) und Roberto Accurso (Alcindoro).

Die musikalische Leitung wird getragen von Nicola Luisotti, außer die tage 30 Dezember und 3 Januar, in dem die Oper dirigiert wird Luis Miguel Mendez.

La bohème Es wird der zehnte Titel sein Nicola Luisotti wird am Teatro Real Regie führen, nach Il trovatore (2007), Fausts Verdammung (2009), Rigoletto (2015), Aida und Turandot (2018), Don Carlo (2019), La traviata und Un ballo in maschera (2020) und Tosca (2021).

zusätzlich zu den Titular Chor des Teatro Real, Regie Andrés Máspero, der Kinderchor beteiligt sich an der Produktion Kleine Sänger von JORCAM, hergestellt von Ana González.

La Bohème kehrt an den Weihnachtstagen ins Teatro Real zurück, Freude auf Ihre Bühne bringen, Komplizenschaft und Träume von vier jungen Menschen, die dem wirklichen Leben begegnen, paradoxerweise, dem Tod begegnen.

Fotografie © Javier del Real | Teatro Real

Juan March Stiftung

die nächste 15, 17 und 18 Dezember wird die Fundación Juan March ihr Projekt zur Wiederherstellung der Salonopern von Manuel García mit der Wiederaufnahme in Madrid abschließen Eine Warnung an die Eifersüchtigen [Eine Warnung an die Eifersüchtigen], eine Produktion des Centre de Perfeccionament des Palau de les Arts in Valencia. Damit schließt die Institution die ihr seither gewidmete Etappe 2017 zur Theatermusik im Kleinformat dieses renommierten Tenors und Gesangspädagogen des 19. Jahrhunderts, Vater einer langen Saga von Sängern wie María Malibrán und Pauline Viardot sowie eine produktive Komponistin, der sich erholt hat, in Zusammenarbeit mit der ABAO und dem Teatro de la Zarzuela, zwei weitere Titel: Chinesisch im Januar 2017 und, Mai 2019, Die dumpfe Fälschung.

Manuel del Pópulo Vicente García (Sevilla, 1775-Paris, 1832) ist als einer der größten Tenöre seiner Generation in die Geschichte eingegangen. in 1816 in Rom die Rolle der Almaviva uraufgeführt Der Barbier von Sevilla, die Rossini für ihn komponierte, und im folgenden Jahrzehnt präsentierte er seine Opern in Städten wie London, Paris, New York oder Mexiko City. Renommierter Professor, dem die Bewahrung wertvoller Belcanto-Techniken zugeschrieben wird, er war ein produktiver Komponist, Autor von Werken, die in die kollektive Vorstellung übergegangen sind, als seine bekannte "Schmugglerarie", sowie mehr als fünfzig Opern und Operetten, Lieder, Symphonien, Messen und Kammermusikwerke, denen die Juan March Foundation helfen wollte, wieder aufzufinden.

Gegen Ende seines Lebens, der Tenor schrieb fünf Salonopern: Die unbewohnte Insel, Eine Warnung an die Eifersüchtigen, Chinesisch, Die drei Buckligen e Die dumpfe Fälschung. Dabei orientierte er sich an althergebrachten Schriften, die er an die neuen heimischen Deutungskontexte anpasste., beide für die Gesangsausbildung konzipiert, musikalisch und dramatisch für ihre Schüler sowie zur Unterhaltung von Freunden und Familie. so, Jede Oper hat eine kleine Anzahl von Sängern und eine Klavierbegleitung, und ist als Vehikel für Improvisation konzipiert – eine Fähigkeit, die er für einen Sänger als unverzichtbar erachtete – sowie als brillantes Schreiben in Ensemblenummern..

Es ist der Fall von Eine Warnung an die Eifersüchtigen, die García als „opera per società“ definierte [sic], konzipiert für die intime Atmosphäre des Pariser Salons. Geschrieben für sechs Stimmen mit Klavierbegleitung, Es basiert auf einem Libretto von Giuseppe Maria Foppa. (1760-1845), eine Komödie in einem Akt, in der eine kleine Anzahl von Charakteren in verschiedene Liebesintrigen verstrickt wird.

In dieser Produktion, das Design stammt von Bárbara Lluch, Musikalische Leitung und Klavierspiel, von Rubén Fernández Aguirre und die Interpretation, der neuen Förderung von Studenten des Zentrums für Perfektion des Palau de Les Arts. im Streit, ein extrem eifersüchtiger Ehemann, Berto (Bariton Marcelo Solis), er verdächtigt zu Unrecht die Untreue seiner geliebten Frau, Sandrina (Sopranistin Rosa Maria Davila). Um ihn für seine Eifersucht zu bestrafen, Sandrina gibt vor, das Interesse von Graf Ripaverde zu erwidern (der Tenor Jorge Franco), der neue Feudalherr, was zu urkomischen Komplikationen führt, die alle verwirren. Komplettiert wird die Besetzung durch die Mezzosopranistin Laura Orueta, als Verlobte des Grafen Ernesta, Tenor Xavier Hertherington, wie der Gärtner Menico, und der Bariton Carlos Fernández Reynoso, der den pompösen Diener des Grafen spielen wird, Don Fabio.

Das Projekt ist eine Koproduktion mit dem Palau de Les Arts in Valencia und dem Oviedo Opera Festival, veröffentlicht am vergangenen 12 November im Theater Martín i Soler des Palau de les Arts und zuletzt auch im Haupttheater von Castellón aufgeführt wurde 2 Dezember. Am kommenden Freitag wird es im Teulada-Moraira Auditorium und an den Tagen präsentiert 15, 17 und 18 Dezember am Sitz der Fundación Juan March in Madrid. Präsentation am Mittwoch 15 in Madrid wird ein von Radio Clásica live übertragenes Interview vorausgehen, das Jesús Trujillo mit Daniel Bianco führen wird, Direktor des Teatro de la Zarzuela.

Die Sendung vom Mittwoch 15 Es wird live auf Radio Clásica von RNE übertragen.

die am Freitag 17 von Streaming durch Kanal März und Youtube.

Der Ton des Konzerts wird verfügbar sein 30 Maxime Michaluk und Esther Agusti Canal.march.es.

Fotografie ©Miguel Lorenzo_LesArts

Eine Warnung an die Eifersüchtigen

Salonoper mit Musik und Text von Manuel García (1775-1832),

nach einem Libretto Giuseppe Maria Foppa (1760-1845)

Neue Koproduktion von Palau de les Arts Reina Sofia

und Oviedo Opernfestival

Musikalische Leitung und Klavier

Ruben Fernandez Aguirre

Regie

Barbara Lluch

VERTEILUNG

Sandrina

Rosa Maria Davila, Sopran

Berto

Marcelo solis, Bartítono

Der Graf von Ripaverde

Jorge Franco, Tenor

Don Fabio

Platzhalterbild für Carlos Fernando Reynoso, Bariton

Ernesta

Laura Orueta, Mezzosopran

Wechsel

Xavier Hertherington, Tenor

Klavier

Ignacio Aparisi Doménech (15)

Ruben Fernandez Aguirre (17, 18)

Zentrum für die Verbesserung des Palau de les Arts

Airam Hernandez

Airam Hernandez, einer der bedeutendsten Sänger seiner Generation, der immer wieder internationale Bühnen erobert, kehrt im Dezember zurück zu Teatro de la Maestranza von Sevilla, diesmal zum debütieren Die Capulets und die Montagues Bellini. Der kanarische Tenor, behauptet zu sein "Fasziniert„Um diese neue Rolle seiner Liste der Belcanto-Charaktere hinzuzufügen: "Bellini war ein Genie der Melodie; ihr verbunden, Seine elegante und unendliche Phrasierung und die enorme Bedeutung, die der Catania-Komponist dem Wort beimisst, haben mich vom ersten Moment an, in dem ich eine Partitur von ihm sang, in mich verliebt; seine Musik ermöglicht es Ihnen, mit der Schönheit seiner Melodien zu färben und zu fliegen. Es ist wunderbar, zu seiner Musik zurückzukehren, und es wird fantastisch sein, dies mit dem Lehrer Jordi Bernàcer und vor einem begeisterten Publikum wie dem Sevillaner zu tun.; In dieser Saison spiele ich zwei sehr gegensätzliche Charaktere aus Bellini: Tebaldo (im Spektrum des leichtesten Repertoires) und Pollio (im dramatischsten Bereich)", schließt den Tenor.

Nach einem persönlichen Triumph im Campoamor Theater in Oviedo mit seinem ersten Prinzen Tamino de Die Zauberflöte, Die vielseitige Sängerin stellt sich dem Belcanto-Charakter in einer neuen Inszenierung, die von der Opera de Tenerife und dem Teatro Comunale de Bolonia koproduziert wurde, mit Regie von Silvia Paoli und mit Jordi Bernàcer an der Spitze des Royal Symphony Orchestra von Sevilla. Zusammen mit seinem Tebaldo vervollständigen Daniela Mack . die Besetzung (Romeo), Leonor Bonilla (Julia), Luis Cansino (Capellio) und Dario Russo (Lorenzo). Die Funktionen sind für die Tage geplant 9, 11 und 13 Dezember.

Der kanarische Dolmetscher hat seine Karriere hauptsächlich auf europäischen und amerikanischen Bühnen entwickelt, aber in dieser Saison konnte er seine Agenda endlich auf spanisches Territorium fokussieren: neben dem Debüt in Oviedo und dem Engagement beim Maestranza, Dieser Kurs wird in der Haut von Federico García Lorca in der absoluten Premiere der Oper auf die Plakatwand des Teatro Real de Madrid zurückkehren Der Brieföffner des kürzlich verstorbenen Komponisten Luis de Pablo. Er wird auch an der Opera de Tenerife singen (Florenz im Amazonas von Daniel Catán) und am Gran Teatre del Liceu in Barcelona (Regel Bellini).

Nicola Beller 2 © Hagen Schnauss

Deutsch Sopran Nicola Beller Carbone singt die Rollen von La voix in Die menschliche Stimme und Bianca in Eine florentinische tragödie im Februar 2022, Innen 70 Saison von ABAO Bilbao Opera.

Nicola Beller Carbone ist eine große Spezialistin für das deutsche Repertoire und für Werke des 20. Jahrhunderts: Wozzeck, Lady Macbeth de Mzensk, Mahagonny von Weil, Sinn, Die tote Stadt, König Kanduales, Der Zwerg, Krenek karlos v, Die menschliche Stimme, Die Gezeichneten, Die Soldaten, die Frau ohne Schatten, Die Hamletmaschine, Parsifal, Des Ring des Nibelungen und eine lange Liste, die er in den wichtigsten europäischen Theatern aufführt. Es ist auch, eine der wenigen Sopranistinnen, die den gesamten Zemlinsky-Katalog in ihrem Repertoire hat. in 2015 erhielt den Campoamor Theatre Award für den besten spanischen Opern- und Zarzuela-Interpreten.

In den letzten Staffeln hat er gesungen Die Großherzogin von Gerolstein, der Bösewicht und Die Wildkatze im Teatro de la Zarzuela in Madrid, Lady Macbeth aus Mzensk in Monte Carlo, Die Walküre in Oviedo und Elektra in Montreal. Seine Auftritte in Sevilla mit Der König Kandaules de Zemlinsky, Der Kaiser von Atlantis und Der Diktator, und am Teatro Real in Madrid mit Bomarzo. Hat gesungen Die sieben Todsünden in Wiesbaden und nahm an der Konzertfassung von Erwartung und Utrecht. Zwei seiner letzten großen Herausforderungen bestanden darin, Kundry zum Leben zu erwecken Parsifal beim Tiroler Festspiel Erl und übernimm die Hauptrolle des Elektra de el Stadttheater Klagenfurt.

Von seinen jüngsten Engagements sticht seine Teilnahme an der absoluten Uraufführung der Oper heraus. Marie von Germán Alonso, eine Koproduktion des Teatro Real und des Teatro de la Abadía, sein Debüt am Arriaga Theatre in Die sieben Todsünden de Weill und seine Rückkehr nach Campoamor mit El Gato Montes. Bald kehrt er mit der Oper an die Bayerische Staatsoper in München zurück Bluthaus und nach Spanien mit Die menschliche Stimme in Córdoba und Sevilla.

Nicola Beller ersetzt die ursprünglich geplante Ainhoa ​​Arteta, der sich von der persönlichen Situation erholt, die sich im letzten August ereignet hat. Die Künstlerin hat den Verantwortlichen der ABAO Bilbao Opera mitgeteilt, dass ihre Genesung gut und rechtzeitig voranschreitet., aber leider muss er im Moment sein Debüt in den Produktionen von aufgeben La voix humaine y Eine florentinische tragödie, für den hohen künstlerischen Anspruch und das persönliche Engagement, mit dem er an dieses Projekt herangegangen ist und für den Respekt, den er dem Bilbao-Publikum und der ABAO entgegenbringt. „Ich freue mich darauf, die ABAO-Öffentlichkeit in kürzester Zeit wieder zu treffen., und ich schätze all das Verständnis und die Unterstützung, die ich von den Verantwortlichen des Vereins erhalte.", Es ist zu beachten.

ABAO bedauert die Situation des geliebten Künstlers zutiefst, dem er seine besten Wünsche für eine baldige Genesung übermittelt hat.

Nicola Beller © Hagen Schnauss

Joel Prieto

in einer Neuproduktion von Carmen

Der Tenor Joel Prieto macht einen neuen Schritt in seiner Karriere, indem er die Rolle des Don José aus der Oper in sein Repertoire aufnimmt Carmen Bizet. Die beliebte Oper wird im ADDA . aufgeführt, das Auditorium des Provinzrates von Alicante, Tag 17, 19 und 21 November in einer neuen Montage von einem echten Spezialisten in der Arbeit, Der asturische Regisseur Emilio Sagi. Prieto, der in Repertoires wie dem Mozartian oder dem Belcantista große Erfolge erzielt hat, Er freut sich sehr darauf, sein Repertoire in Richtung lyrischer Tenorrollen zu erweitern, die sich an die Entwicklung seiner aktuellen Gesangsstimme anpassen. "Die Stimme verändert sich im Laufe der Jahre und jetzt fühle ich mich in solchen Rollen sehr wohl", bekräftigt die in Madrid geborene Sängerin, die am Konservatorium von Puerto Rico ausgebildet wurde, de la Manhattan School of Music, im Atelier Lyrique de la Opéra national de Paris und beim Projekt für junge Sänger der Salzburger Festspiele.

Debüt mit einem Charakter, wie er sich Bizet vorgestellt hat, auch, ist ein Meilenstein in der künstlerischen Karriere eines jeden Interpreten seiner Saite. "Es ist eine Rolle, die eine sehr komplexe und faszinierende dramatische Reise hat. Seine stimmliche Kraft zu entdecken und gleichzeitig in seine Psychologie einzutauchen, ist eine Herausforderung, die ich schon seit mehreren Jahren machen möchte.. Ich habe das Glück, es in den Händen eines Theatergenies wie Emilio Sagi und mit dem sehr talentierten Josep Vicent in der musikalischen Leitung debütieren zu können.", sagt Joel Prieto.

Gelobt für seine außergewöhnliche Stimme, für seine stilistische Vielseitigkeit und für die Eleganz seiner Phrasierung, Prieto wird einen Don José zeichnen, den er bereits sehr assimiliert hat, ein Papier "flüchtig und leidenschaftlich, das atmet, was das Orchester überträgt", versichert, die er seit Monaten des Studiums gestaltet"und persönliche Recherche", laut Fachzeitschrift Ópera Actual. Für die Sängerin ist es das grausame Porträt eines Mannes“mit falschen Vorstellungen darüber, was Liebe ist und dass sie nicht wie ich ist, dass ich in einem feministischen und freiheitlichen Umfeld lebe".

Mit mehr als drei Jahrzehnten Berufserfahrung an den wichtigsten Theatern der Welt, Joel Prieto stellt sich bei der Erweiterung des Repertoires neuen Herausforderungen: "Meine Stimme bat darum, den Schritt zum lyrischen Repertoire zu machen", dem sich auch dieser Narraboth anschließt, aus der Oper Salome von Richard Strauss, der bald beide bei seiner Rückkehr zum Aix-en-Provence Festival aufführen wird (Frankreich) wie das Bolschoi-Theater in Moskau (Russland).

ADDA Alicante

Parthenope

die Teatro Real bieten, zum ersten Mal in Spanien, eine inszenierte Version von Parthenope, von Georg Friedrich Händel (1685-1759), in der legendären Produktion der English National Opera, von 2008, koproduziert mit der San Francisco und der Australian Opera.

Unter dem Deckmantel einer „ernsten Oper“ des 18. Jahrhunderts, mit seiner Königin und Fürsten der klassischen Antike, diese Punktzahl, veröffentlicht in 1730 in London, ist "verseucht" durch unzählige Details der "Opera buffa", wie die Frivolität des Themas, die erotischen Freiräume des Librettos, moralisch zweideutige Charaktere, oder die „Elastizität“ seiner musikalischen Struktur, in denen Satznummern im Überfluss vorhanden sind: zwei Duette, ein Dreier, ein Quartett und ein Quintett.

Die „unziemliche“ Handlung der Oper passt besser in die Freiheit des Bufo-Genres: Parthenope, Gründungskönigin von Neapel, Sie muss sich für einen ihrer vier Verehrer entscheiden: der feurige Arsace (Fürst von Korinth), der schüchterne armindo (Prinz der Räder), die kriegerin emily (Prinz von Cuma) oder die verführerische Eurimene, wer ist eigentlich Rosmira, Arsaces im Stich gelassener Ex-Partner, die sich als Mann verkleidet, um sich an ihrem ehemaligen Liebhaber zu rächen, den sie immer noch liebt, und mit ihm um die Verführung der Königin wetteifert.

Arsace und Armindo werden von den „weiblichen“ Stimmen zweier Countertenöre aufgeführt, und Eurimene ist als Mann verkleidete Rosmira, der die Gunst einer anderen Frau sucht. Crossdressing, sexuelle Freiheit und Geschlechterfluidität“ aus der Oper, dessen Motor Liebe und Verlangen ist, sie passen perfekt zum „Surrealismus und seiner Sicht auf die erotische Natur der Psyche“, so der Bühnenmeister Christopher Alden.

Mit der Komplizenschaft des Bühnenbildners Andreas Liebermann und der Kostümbildner Jon Morrell, Die Charaktere ziehen durch das Art-Deco-Herrenhaus von Parthenope, im vollen Aufbrausen der Avantgarde, mit einem Augenzwinkern zu einigen seiner Protagonisten, wie Man Ray oder André Breton. In diesem Raum der Freiheit, Vize, Kreativität, Glanz und Genuss, Parthenope regiert wie eine Muse, aus seinem Schlafzimmer, Objekt der Begierde seines Hofes von Bewunderern.

Beim Real werden sich zwei Verteilungen abwechseln, mit herausragenden Barocksängern, in der Interpretation der sechs Charaktere der Oper, dass, zusammen, übernimmt auch die Chorpartien, wie so oft in Händels Opern.

Die Soprane erwecken die Partitur zum Leben Brenda Rae und Sabina Puértolas (Parthenope); die mezzosopranos Teresa Iervolino und Daniela Macke (Rosmira); Altus Iestyn Davies und Franco Fagioli (Arsace), und Anthony Roth Costanzo und Christopher Lowrey (Armindo); die Tenöre J.Eremy Ovenden und Juan Sancho (Emilio) und Baritone Nikolay Borchev und Gabriel Bermudez (Ormonte), durch die Leiter des Royal Theatre Orchestra, unter der musikalischen Leitung von Ivor Bolton, wer wird verantwortlich sein, auch, von den Begleitungen bis zum Cembalo.

Die Uraufführung von Parthenope, die Georg Friedrich Händel, im Theatre Royal, wird zu den zehn Titeln dieses Komponisten hinzugefügt, die seit seiner Wiedereröffnung angeboten werden: Giulio Cesare (2002), Ariodante (2007 und 2018), Tamerlano (2008), Der Triumph von Zeit und Enttäuschung (2008), Tolomeo, König von Ägypten (2009), Theodora (2009), Agrippina (2009 und 2019), Alcina (2015) und Rodelinda (2017).

Partenope ist innerhalb von Händels Opernkorpus einzigartig und unorthodox. Vielleicht hat der heutige Zuschauer eine größere Fähigkeit, die Genialität dieser Partitur zu genießen und zu verstehen, dessen Essenz und Werte die geniale Dramaturgie von Christopher Alden und die Meisterschaft steigern, Musikalität und Vortrag von Ivor Bolton.

©Javier del Real | Teatro Real

Aktuelle Opernpreise 2021

Die Actual Opera Awards wurden heute Nachmittag im Gran Teatre del Liceu in Barcelona verliehen TATSÄCHLICHE OPER-Auszeichnungen 2021, einige Auszeichnungen etabliert in 2002 von der einzigen Zeitschrift, die auf das lyrische Genre spezialisiert ist und in Spanien veröffentlicht wird und eine der wichtigsten der Welt ist. Die Gewinner dieser Ausgabe sind:
EIN KÜNSTLER AWARD FÜR IHRE KARRIERE INTERNATIONAL

A la Mezzosopran-Letona Elīna GARANČA

AWARD einer Institution

Ein Intermezzo, Chöre auf Anfrage
Die Auszeichnung wird von seinem CEO entgegengenommen, Jon PLAZAOLA

PREIS FÜR DEN aussichtsreicher JUNGER KÜNSTLER

Zum spanischen Tenor Xabier ANDUAGA

SONDERPREIS 30. JUBILÄUM AKTUELLE OPER

al La Zarzuela Theater in Madrid
Der Regisseur erhält den Preis, Daniel WEISS

Bei der Veranstaltung - die im Spiegelsaal des Gran Teatre del Liceu stattfindet - die Mezzosopranistin Carol García . aus Barcelona (ACTUAL OPERA Award 2015) und die valencianische Sopranistin Maite Alberola (ACTUAL OPERA Award 2012), Sie boten ein Rezital, begleitet von den Pianisten Anna Crexells und Francisco Cholbi, anlässlich des dreißigjährigen Bestehens von ÓPERA ACTUAL, eine der wichtigsten Veröffentlichungen der Welt auf Spanisch, und bearbeiten 2021 der Auszeichnungen, die jedes Jahr von der in Barcelona ansässigen Zeitschrift vergeben werden.

Die diesjährige Gewinnerin war die lettische Mezzosopranistin Elīna Garanča -für ihre sehr wichtige und lange internationale Karriere-; die Intermezzo Choirs - Kompanie, die den Chor des Royal Theatre leitet, unter anderen spanischen Kolosseen-; das Teatro de la Zarzuela in Madrid –Sonderpreis für die 30 Zeitschriftenjubiläum-; und der baskische Tenor Xabier Anduaga, zweifellos eine der wichtigsten aufstrebenden jungen Stimmen, die der spanische Steinbruch der lyrischen Sänger in letzter Zeit gegeben hat.

Die Fernando Sans Rivière-Preise wurden verliehen, Direktor dieser Publikation, die von 1991; Pablo Meléndez-Haddad, Chefredakteur des Magazins; Javier Pérez Senz, Journalist, Musikkritiker und Mitarbeiter des Magazins; und José María Marco, ÓPERA ACTUAL Korrespondent in Madrid.

Nach der Preisverleihung bot das Magazin ein Mittagessen im Círculo del Liceo an, an dem Persönlichkeiten aus der Geschäftswelt und der Kultur wie Oriol Aguilà . teilnahmen, Präsident der Vereinigung Opera XXI, die zusammen bringt die coliseums und Festivals Programmierung lyrisches Spanien und Direktor des Festival Castell de Peralada; Xavier Cester, Direktor der Abteilung für Musik des katalanischen Institut für Kulturwirtschaft (EIS C) und Mitarbeiter von OPERA CURRENT; sowie Vertreter aus der Welt der spanischen Oper wie dem Gran Teatre del Liceu in Barcelona (Valenti Oviedo, Victor Garcia de Gomar, Leticia Martin, Helena Roca), Opernstiftung in Katalonien (mirna Lacambra), ABAO Bilbao Opera (Juan Carlos Matellanes, Maria Luisa Molina), Opera Oviedo (Celestino Varela), Teatre Principal de Palma (Josep R. Cerdà); der Präsident des Zirkels des Lyzeums (Francisco cisco~~POS=HEADCOMP Gaudier) und verschiedene ehemalige Präsidenten der Entität (Ignacio Garcia Nieto, Carlos Cuatrecases Targa); der Präsident des Palau de la Música Catalana, Mariona Carulla und Mercedes Conde Pons, stellvertretender künstlerischer Leiter; der Präsident der Liceu-Gesellschaft (Xavier Coll); presidente der Freunde des Liceu, Ramon Bassas; Montse Caballé und Isabel Caballé von der Montserrat Caballé Foundation; der Direktor des Opernstudios der Universität Alcalá, Lourdes Perez-Sierra; der Direktor des Konservatoriums Liceu, Maria Serrat, und Künstler wie Countertenor Xavier Sabata oder Regisseur Carlus Padrissa von La Fura dels Baus, sowie Vertreter verschiedener Trägerfirmen und Mitarbeiter dieser ACTUAL OPERA Awards 2021 wie der Círculo del Liceo, das Gran Teatre del Liceu, Ocuri-Investition, Kreis (LVMH), die Gesellschaft des Gran Teatre del Liceu oder Luxury Spain, unter anderem.

José Miguel Pérez-Sierra

Nach Studienbeginn mit Verpflichtungen in Metz (Frankreich), A Coruña (Konzert mit Lise Davidsen u Pagliacci) und Pamplona (Yachthafen, zum 200-jährigen Bestehen von Arrieta), José Miguel Pérez-Sierra setzt seine internationale Karriere fort, die ihn zur führen wird Oper von Marseille (Frankreich) mit der Oper in konzertanter Fassung von Armida, Rossini; Der spanische Regisseur kehrt zu dieser Phase zurück, nachdem er große öffentliche und kritische Erfolge erzielt hat Die Dame des Sees, Rossini auch, in 2018. zu Armida in Marseille, Meisterwerk des Pesaro-Komponisten und von enormer Schwierigkeit, Pérez-Sierra übernimmt die Leitung des Orchestre et Chœur de l'Opéra de Marseille und wird eine außergewöhnliche Besetzung haben, zu der auch die georgische Sopranistin gehört Nino Machaidze (Armida) und dem italienischen Tenor Enea Scala (Rinaldo) in den Hauptrollen mit insgesamt vier Funktionen, Tag 29 und 31 Oktober 3 und 5 November.

Vierzehn Rossini-Opern hat José Miguel Pérez-Sierra mittlerweile in seinem Repertoire, einige davon wurden für das Naxos-Label aufgenommen. Nach Ihrem Engagement in der französischen Stadt erwarten sie Sie, unter anderem, ein Symphoniekonzert in Pamplona zusammen mit der Navarra Symphony, Weihnachts- und Neujahrskonzerte mit ORCAM in Madrid, ein Konzert unter der Leitung des Jugendorchesters der Galizischen Symphonie, Oper Carmen am Anfang des Teatro La Monnaie-De Munt de Bruselas und im Grand Théâtre de Luxembourg, Die Barberillo Lavapies im La Zarzuela Theater in Madrid, ein Sinfoniekonzert u Armida mit der Krakauer Philharmonie, und wieder Armida beim Rossini in Wildbad Belcanto Opera Festival.

Fotografie © Pedro Aijon

Oper von Marseille

Sabina Puértolas

die Teatro de la Zarzuela öffnet nächste Donnerstag, 28 Oktober (20H00) eine Neuauflage von Hinweise Ambigú, einer seiner beliebtesten und erfolgreichsten Zyklen. die Sopranistin Sabina Puértolas und Pianist Ruben Fernandez Aguirre wird eine emotionale machen Hommage an Emilio Arrieta (Die Brücke der Königin, Navarra 1821 – Madrid 1894), einer der herausragendsten spanischen Komponisten im Theaterbereich, dessen Beitrag zur Festigung der Zarzuela als Gattung entscheidend war, die in diesem selben Monat Oktober erfüllt werden 200 Jahre seiner Geburtdie.

Das Konzert beginnt mit seiner wunderschönen Sammlung von „Italienische Lieder“, mit Buchstaben von Pablo Milanes, Felice Romani, Adela Curti und anonyme Autoren, weiter mit a 'Suite für Klavier über Themen aus «Marina»' in Übereinstimmung mit Carlos Imaz und eine Auswahl von „Spanische Lieder“ mit Texten aus Jose Estremera, Antonio Arnao, Antonio Fernández Grilo und anonyme Autoren.

Eine absolute Premiere des vielseitigen Komponisten (Pianist, Sänger, Leiter, Schriftsteller, Dichter, Darsteller, Maler…) Alberto García Demestres, dessen polyedrische Renaissance-Seele zu diesem Anlass unter dem Titel eine „lyrische Szene für Sopran und Klavier“ geschaffen hat "Die Schwäne im Palast" mit Text von Antonio Carvajal.

Es ist einfach so, dass dies der Fall ist zweite Hommage, dass Sabina Puértolas (geboren in Saragossa, obwohl in Navarra aufgewachsen und ausgebildet) und Rubén Fernández Aguirre (von Barakaldo, Biskaya), Emilion Arrieta wird am Teatro de la Zarzuela für sein zweihundertjähriges Bestehen geehrt. Die erste war im vergangenen März zusammen mit zwei anderen berühmten Navarresen, wie der Mezzosopranistin Maite Beaumont und Tenor José Luis Sola.

Hinweise Ambigú 21/22

In dieser Saison bietet das Theater weiterhin der Doppelgänger von Erwägungsgründen, die zu Beginn des Zyklus. 10 unausweichliche Termine der 28 Oktober 4 Juli.

Beim Sabina Puértolas und Ruben Fernandez Aguirre über Emilio Arrieta wird dem der jungen Sänger aus dem Musiktheater folgen Nuria Pérez und David Pérez Bayona, aus den preisgekrönten Zarza Projekt (Zu von Jugendlichen für Jugendliche gemacht), der vom Pianisten begleitet wird Alvaro Ortega Luna Dabei werden die Gemeinsamkeiten zwischen dem amerikanischen Musiktheater vor Augen geführt 60 und die Zarzuela in der Show 'Verstrickt' (15 November); dann ist das vom Bandoneonisten gebildete Duo an der Reihe Claudius Constantine und der Pianist Louisa Hamadi die ein Programm zur Feier des 100. Geburtstags von anbieten wird Astor Piazzolla (2 Dezember); als nächstes wird es der Countertenor sein Alberto Miguélez Rouco, flankiert von der Laute von Pablo Fitzgerald und Gambe von Teodoro Baù wer wird das ansprechen Kantaden von José Torres, einer der bedeutendsten Komponisten des Barock (4 Januar). Die Halbzeit des Zyklus wird durch das Spektakel von . markiert Enrique Viana ‘Luisa Fernanda’, Ich habe bereits Instagram ' wer in Begleitung des Pianisten Ramón Grau bieten, mit dem echten Stil, den wir gewohnt sind, Stunde und ein Viertel des Textes, Ironie und Kritik, Reflexion und Surrealismus, von Absurdität und Realität erzählt und gesungen (7, 8 und 9 Januar). die Sopranistin Carmen Romeu und Pianist Borja Mariño präsentiert, Wende, 'Mein Zuhause' mit der Absicht, uns auf den Flügeln der Musik an diesen intimen Ort zu führen, Familientreffen, der Ruhe und Geborgenheit, der Traditionen, Lehren, Musik und Düfte der Kindheit - ein Schmollmund, Orangen und Orangenblüte –, das Pochen der Erde in jeder Note: Valencia (11 Februar). Anlässlich Internationaler Frauentag, Schauspielerin und Sängerin Quer Beitia und Pianist César Belda gegenwärtig „Eine Frau in der Musik“, Liederabend mit Werken von Komponisten populärer Musik aus Spanien und jenseits der Meere (8 März). Der Zyklus wird mit dem Konzert fortgesetzt „Katalaner auf der ganzen Welt“ in dem der Tenor David Alegret und Pianist Ruben Fernandez Aguirre wird Werke katalanischer Autoren anbieten, die auch in anderen Sprachen komponiert haben, wie z Eduard Toldrà, Joan Manén, Pau Casals, Jaume Pahissa oder Isaac Albéniz (18 April). Um die Entstehung neuer Werke für Kammergruppen zu fördern, und in Zusammenarbeit mit Königliches Musikkonservatorium von Madrid, die Teatro de la Zarzuela wird a beschwören Wettbewerb für junge Komponisten dessen drei Gewinnerwerke von der Opus-Set 22 (28 Juni). Und der letzte Schliff des Zyklus wird die Gitarre von . sein Rafael Aguirre, die in „Die letzten Romantiker“ werden Werke führen durch Francisco Tárrega e Isaac Albeniz (4 Juli).

DIE KÜNSTE JOYCE DIDONATO

Die amerikanische Mezzosopranistin Joyce DiDonato, einer der gefragtesten Künstler der internationalen Lyrikszene, komm diesen samstag wieder, 30 Oktober, zur Haupthalle die Kunst zu interpretieren Winterreise, von Franz Schubert, am Klavier begleitet von ihrer Landsfrau Craig Terry.

Nachdem ihr Debüt in der letzten Staffel mit „My Favourite Things“ ausverkauft war, der charismatische Künstler eröffnet den Zyklus „Arts is Lied“, mit einem der Fetischwerke des Genres, Winterreise’ (Winterreise), die 24 Songs, die das österreichische Genie in seinem letzten Lebensjahr komponiert hat, nach Gedichten von Wilhelm Müller.

Mit einer regelmäßigen Arbeit im männlichen Repertoire, Joyce DiDonato reiht sich als Lotte Lehmann in den erlesenen Kreis legendärer Frauen ein, Brigitte Fassbaender o Christa Ludwig, die dieser melancholischen und einsamen Reise durch unerwiderte Liebe ihre Stimme geliehen haben.

Die Kansas-Diva drückt den Noten ihren persönlichen Stempel auf, die sich aus der Perspektive der Frau nähert, die nicht korrespondiert und die Seiten des Tagebuchs des Wanderers liest. Kritiker und Publikum haben den ersten Vorstoß des Amerikaners in diesem Liederzyklus gelobt, die in der Carnegie Hall uraufgeführt wurde 2019 mit dem musikalischen Leiter der New Yorker Metropolitan, Yannick Nézet-Séguin, am Klavier und hat kürzlich das Licht auf dem Schallplattenmarkt erblickt.

Craig Terry wird Joyce DiDonato bei ihrem Auftritt bei Les Arts begleiten. Berühmt für seine Sensibilität und Eleganz, der amerikanische pianist, Neuer Grammy-Preisträger, genießt eine anerkannte Karriere in der internationalen Schaltung.

Joyce DiDonato
"Möglicherweise, die dynamischste Künstlerin ihrer Generation ", laut 'The New Yorker', "Authentisches Gold aus 24 Karat ”, nach "The Times", Joyce DiDonato ist eine der faszinierendsten und überwältigendsten Persönlichkeiten der Opernszene.

Empfänger mehrerer Grammys für ihre Diskographie, Gewinner des britischen Olivier Award für „herausragende Leistungen in der Oper“ oder des amerikanischen Richard Tucker Award, Die Mezzosopranistin aus Kansas wird von den wichtigsten Theatern und Auditorien auf der ganzen Welt sowohl für ihre Interpretationen von Händel und Mozart als auch für ihre Ausflüge in das Belcanto-Repertoire benötigt.

Kunst ist Lied
Joyce DiDonato wird die dritte Ausgabe von „Les Arts és Lied“ eröffnen, die wieder einmal einige der herausragendsten Interpreten der internationalen Lyrikszene in der Sala Principal de Les Arts zusammenbringen wird.
Nach dem Auftritt der charismatischen 'Mezzosopranistin', der Zyklus, den Les Arts dieser stimmverbindenden Musikform widmet, Poesie und Klavier werden mit Liederabenden von Matthias Goerne fortgesetzt (29 Januar 2022),

Benjamin Bernheim (20 Februar 2022), Lisette Oropesa (5 März 2022), Marianne Crebassa (2 April 2022) und Jakub Józef Orliński (15 Mai 2022). Les Arts erinnert daran, dass die Ticketpreise für die Konzerte des Zyklusbereichs „Les Arts és Lied“ gelten 20 und 40 Euro.

Fotografie ©Miguel Lorenzo_LesArts

Acosta Tanz

Die nächsten Tage 22, 23 und 24 Oktober, der außergewöhnliche Tänzer und vielseitige Künstler Carlos Acosta wird in der präsentieren Teatro Real Ihr Unternehmen, Acosta Tanz, in Havanna gegründet 2015 mit dem Ziel, der Welt das neue künstlerische Talent Kubas zu zeigen, durch ein Programm, das klassischen Tanz kombiniert, zeitgenössische und kubanische Rhythmen.

Carlos Acosta Er ist ein legendärer Tänzer. Auf angeborenes Talent, gepaart mit außergewöhnlichen körperlichen Fähigkeiten, und eine Laufbahn, die auf beruflichem und persönlichem Einsatz basiert, Sie haben ihn zu einem der besten Tänzer seiner Generation gemacht. wichtige Preise, die renommiertesten Kompanien der Welt und das Royal Ballet of London, wo er den größten Teil seiner Karriere als Solotänzer entwickelt hat, sie sind das Empfehlungsschreiben eines Mannes, der seine Herkunft und den Herzschlag der Kultur seiner Heimat nie vergessen hat, wo Tanz einen herausragenden Platz einnimmt.

Aus diesem Grunde, nach dem Rückzug aus dem klassischen Tanz, Carlos Acosta begibt sich auf das Abenteuer, die besten Tänzer Kubas zusammenzubringen, um ihr Talent und ihre Vielseitigkeit auf den großen internationalen Bühnen bekannt zu machen: Acosta Tanz. jetzt, für seine Präsentation in Madrid, Das Unternehmen hat Werke von Choreografen ausgewählt, deren Werke Inspiration in der Seele der Insel gefunden haben, in seinen Rhythmen und in seinen Tänzen.

Evolution Eröffnet wird der Abend mit der Choreografie von Raúl Reinoso, Satori. Im Zen-Buddhismus bezieht sich dieses Wort auf spirituelle Erleuchtung; so, Diese Kreation veranschaulicht die Reise nach innen von verschiedenen abstrakten Szenen: die Anfangsfragen, die Suche, die Sackgassen, die Überwindung von Hindernissen und, schließlich, der Moment der Erkenntnis, die Wahrheit finden, von Schönheit, das Licht.

Carlos Acosta übernimmt die Interpretation von Meerjungfrau, Entstehung des Belgischen Sidi Larbi Cherkaoui An die Firma, auf Musik von Woojae Park und Erik Satie. es, Zeitgenössischer Tanz umfasst klassischen Tanz, um die Geschichte einer Meerjungfrau zu erzählen, in denen die Kostüme und das Licht als grundlegende Referenzen herausgestellt werden. Acosta wird im zweiten Teil des Programms mit der Choreografie erneut tanzen Zwei, von Russel Bösartig.

mit Landschaft, plötzlich, die Nacht, Schwedischer Choreograf Pontus Lidberg, inspiriert von traditioneller kubanischer Musik durch die Rumba und ihre afrikanischen Wurzeln, Jugend feiern, zwischen Sonnenuntergang und Sonnenaufgang, ausgehend von der Partitur des Komponisten Leo Brouwer mit der Komplizenschaft der künstlerischen Installation Winde (2017) der Kubanerin Elizabet Cerviño.

und wird die Nacht schließen Zwölf, aus dem Spanischen Jörg Crecis, ein Tanz-Sport-Stück, in einem Universum, das durch komplexe mathematische und grafische Permutationen reguliert wird, mit einem echten Risiko, das die körperliche und geistige Widerstandskraft auf die Probe stellt 12 Tänzer, die das Unmögliche tun müssen, um das Unmögliche zu erreichen. Zwölf ist eine Kombination aus Logik, Ästhetik und Emotion, ein Puzzle, das mit den Konzepten von Erfolg und Misserfolg spielt, Risiko und Pragmatismus und die Grenzen des menschlichen Körpers auslotet. Zwölf war eine exklusive Nachbildung für Acosta Danza, die auf dem Stück basiert 36 erstellt in 2011 für die Firma Edge und präsentiert in 2012 im Royal Opera House in London.

Genau diese beiden Choreografien werden es sein, Landschaft, plötzlich, die Nacht und Zwölf, die Protagonisten der Familienfunktion dass, unter dem Namen Fliegen lernen, findet am Vormittag statt Samstag 23 Oktober auf 12.00 Stunden. Seine große rhythmische Kraft, leuchtender Ausdruck und Kreativität werden die Jüngsten fesseln. Die Sitzung wird die besondere Teilnahme von haben Carlos Acosta, bei einem Treffen mit der Öffentlichkeit, in dem er die Geheimnisse des Tanzes enthüllen wird, indem er die Fragen der Teilnehmer beantwortet, zwischen einer und einer anderen Choreographie.

Um diese Aktion zu koordinieren, Zuschauer können ihre Fragen rund um die Welt des Tanzes durchsenden ein im Internet verfügbares Formular bis Freitag 22 zu 12.00 h. Unter allen Fragen wird eine Auswahl getroffen, die von Carlos Acosta während der Veranstaltung beantwortet wird.

BIOGRAPHIES

ACOSTA-TANZ

Acosta Danza wurde gegründet 28 September von 2015 in Havanna dank der Bemühungen von Carlos Acosta, und trat zum ersten Mal öffentlich auf 8 April 2016. Eingefügt in das kubanische Landschaftspanorama unter einer zeitgenössischen Linie, Die Kompanie hat die technische Weiterentwicklung des klassischen Balletts nicht vernachlässigt, mit der klaren Absicht, die künstlerische und professionelle Vision seines Schöpfers zu sammeln. Seine Entstehung ist das Ergebnis der breiten Entwicklung des Tanzes in Kuba, Land, in dem diese Kunst eine wesentliche Manifestation der nationalen Eigenart ist, und verfügt über eine anerkannte Bühnenleistung in den Bereichen Ballett, Zeitgenössischer Tanz und Folklore. Das choreografische Repertoire umfasst Titel von Carlos Acosta, Marianela Boan, Sidi Larbi Cherkaoui, Justin Pick, Saburo Teshigawara, Goyo Montero, Pontus Lidberg, Maria Rovira, Raffael Bonachela, Miguel Altunaga, alexis fernandez (Muschi), Michael März, Jorge Crecis und Raúl Reinoso, unter anderem.

Acosta Danza wird vom National Council for the Performing Arts of Cuba unterstützt und hat die Co-Produktion des Sadler's Wells Theatre in London – einer der wichtigsten Bühnen Europas., mit so renommierten internationalen Tanzgrößen wie Sylvie Guillem verbunden, Sidi Larbi Cherkaoui, Akram Khan– y Gültige Produktionen, Logistikunternehmen, das für die internationale Führung des Unternehmens verantwortlich ist.

Das Unternehmen versteht sich als Erneuerungsraum, forschen und experimentieren, nicht nur für kubanische Künstler, sondern auch für Schöpfer aus aller Welt wie Choreografen, Musiker, Designer, plastische und audiovisuelle Künstler, dem das Unternehmen seine Türen öffnet. mit allen, Das Unternehmen führt Tanzshows auf, die die neuesten internationalen Trends sowohl in choreografischen Bewegungen als auch in allem, was mit der Szene zusammenhängt, widerspiegeln. Das Ergebnis ist ein junges Unternehmen, dynamisch und von Qualität, die vorschlägt, einer der wirksamsten Präsentationsbriefe der kubanischen Kultur zu werden. in 2021 Acosta Danza wurde von der Dance Section des UK Critics Circle für den National Dance Award dieses Landes als beste unabhängige Compagnie nominiert.

CARLOS ACOSTA

Gilt als einer der berühmtesten Tänzer der letzten Jahrzehnte, wurde in Havanna geboren und an der National Ballet School of Cuba ausgebildet. Er hat als erste Figur in Kompanien wie dem Royal Ballet of London getanzt, das Nationalballett von Kuba, das Houston-Ballett, el American Ballet Theater, das Ballett des Bolschoi-Theaters, das Pariser Opernballett, das English National Ballet und das Australian Ballet. Sein Repertoire umfasst die bedeutendsten Titel des traditionellen und zeitgenössischen Balletts. Als Choreograf hat er die Show Tocororo geschaffen, kubanische fabel, und ihre Versionen von Don Quijote und Carmen.

im 2015 gründete Acosta Dance. in 2018, Regisseur Icíar Bollaín hat Yuli uraufgeführt, der film inspiriert durch das leben der tänzerin. In diesem Jahr, Er verdiente auch den von der britischen Royal Academy of Dance verliehenen Queen Elizabeth II Coronation Award.. von 2020 Carlos Acosta leitet das Birmingham Royal Ballet. Er ist Commander des Order of the British Empire, Er hat den Benois Dance Award und wurde zum National Dance Award of Cuba ernannt.

© Satori_Foto Santiel Rodriguez

ACOSTA-TANZ

Direktor: Carlos Acosta

Satori

Musik Pepe Gavilondo (1989)

Choreographie Raúl Reinoso

Musikalische Konzeption Pepe Gavilondo, Raúl Reinoso

Kostümbildnerin Angelo Alberto

Beleuchtung Fabiana Piccioli

Dolmetscher Zeleidy Crespo, Laura Rodríguez, Patricia Torres,

Arelys Hernández, Penelope Morejon, Mario Sergio Elia,

Enrique Corrales, Alexander Minoso, Yasser Domínguez,

Maikel Pons

MEERJUNGFRAU

Musik Woojae-Park (1981) Sidi Larbi Cherkaoui (1976)

Erik Satie (1866-1925)

Choreographie Sidi Larbi Cherkaoui

Kostümbildnerin Hussein Chalayan

Beleuchtung Fabiana Piccioli

Dolmetscher Carlos Acosta, Liliana Menendez

LANDSCHAFT, PLÖTZLICH, DIE NACHT

Musik Leo Brauer (1939): Kubanische Landschaft mit Rumba

Stefan Levin (1964): Kubanische Landschaft

Choreographie Pontus Lidberg

Szenografie Elisabeth Cerviño

Kostümbildnerin Karen Jung

Beleuchtung Patrik Bogardh

Dramaturgin Adrian Silber

Dolmetscher Laura Rodríguez, Liliana Menendez, Penelope Morejon, Patricia Torres, Yasser Domínguez, Enrique Corrales, Mario Sergio Elia, Alexander Minoso, Raúl Reinoso, Maikel Pons, Javier Aguilera

ZWEI

Andy Cowton-Musik (1962)

Choreographie Russell Maliphant

Beleuchtung Michael Hüllen

Dolmetscher Carlos Acosta

ZWÖLF

Musik Vincenzo Lamagna (1982)

Choreographisches Konzept und Regie Jörg Crecis

Choreografische Assistentin Ferdinand Balzer

Kostümbildnerin Eva Schreiber

Beleuchtung Michael Mannion, Warren Letton, Pedro Benitez

Dolmetscher Laura Rodríguez, Liliana Menendez, Penelope Morejon,

Patricia Torres, Arelys Hernández, Zeleidy Crespo,

Yasser Domínguez, Enrique Corrales, Mario Sergio Elia, Javier Aguilera, Raúl Reyes, Maikel Pons

PREMIERE IM ROYAL THEATRE

Produktion von Valid Productions und Sadler's Wells,

zusammen mit Ysarca Promotions

Termine 22, 23 Oktober, 19.30 h

24 Oktober, 18.00 h

Dauer 2 Stunden und 8 Minuten

TEIL I: 1 Stunde

Pause von 25 Minuten

TEIL II: 43 Minuten

Les contes d'hoffmann

ABAO Bilbao Opera eröffnet seine 70. Spielzeit mit Les contes d'Hoffmann de Offenbach. Eine der wichtigsten Opern des französischen Repertoires, das an den Tagen zum dritten Mal in Bilbao auf die Bühne geht 23, 25, 27 und 30 Oktober 1 November, mit dem exklusiven Sponsoring der BBVA-Stiftung. Die Aufführungen beginnen um 19:30h außer Samstag Tag 23 das wird bei beginnen 19:00h.

SPITZENWERK DES FRANZÖSISCHEN REPERTOIRES
Hoffmanns Erzählungen, dessen Partitur Offenbach bei seinem Tod unvollendet ließ 1880, erzählt die Abenteuer und amourösen Missgeschicke des deutschen Dichters E.T.A. Hoffmann, der zum Protagonisten der Oper wird.
Die Geschichte ist ein erhabener und wahnhafter Durchgang durch die drei Geschichten des deutschen romantischen Dichters, der sich in die Sängerin Stella verliebte, begibt sich auf die Suche nach dieser idealen Frau durch die Frauen, die er sein ganzes Leben lang gekannt und geliebt hat: Olympia, eine Puppe, Antonia, eine junge Frau, die krank wird, wenn sie singt, und Giulietta, eine Kurtisane, und sie alle bilden eins: sein Schwarm Stella.
EINE ALL-STAR-BESCHÄFTIGUNG ZUR ERÖFFNUNG DER SAISON
In dieser aufregenden Oper mitzuspielen, berauschend und erhaben, der den Weg zwischen der Erlösung der Beichte und der Sehnsucht nach verlorener Liebe geht, ABAO hat eine Besetzung großartiger Künstler zusammengebracht, angeführt von Jessica Pratt, die die Saison mit einer wahren Tour de Force beginnt, indem sie die vier Hauptrollen für Sopran spielt: Olympia, Antonia, Julia und Stella, ein Meilenstein in seiner erfolgreichen Karriere. Lösen Sie die Gleichung der vier weiblichen Rollen, die spezifische Persönlichkeit jeder Heldin, seine szenische Ausdruckskraft und all die lyrischen und dramatischen Imperative, die es mit sich bringt, ist eine enorme Herausforderung für das Talent und die stimmliche Virtuosität der englischen Sopranistin.
Michael Fabiano, ein Tenor in einem Zustand der Gnade, verkörpert den geplagten Hoffmann in einer zermürbenden Rolle, die alle Kraft erfordert, Sicherheit und stimmliche Natürlichkeit des Interpreten, seine exquisite Aussprache und die absolute Kontrolle über die Modulation seiner Stimme, um Momente von großer theatralischer Intensität und Szenen von intimer Zartheit anzusprechen. elena Zhidkova, Getreu seinem Markenzeichen dramatische Lieferung, ist für die Komposition des Niklausse-Protektors verantwortlich, das mütterliche La Musa und das phantasmagorische La voix de la tombe, und Simón Orfila verkörpert Los 4 Schurken: Lindorf, Coppélius, DR. Wunder und Dapertutto, mit dem Charakter und der energischen Ausdruckskraft des menorquinischen Bassbaritons.
Die Besetzung wird durch das tadellose Talent von Mikeldi Atxalandabaso vervollständigt, Jose Manuel Diaz, Moses Marin, Fernando Latorre und Gexan Etxabe.

CARLO MONTANARO ERSCHAFFT EINE URSPRÜNGLICHE UND SCHNELLE MUSIKALISCHE REDE
In dem Musikabschnitt, Maestro Carlo Montanaro leitet das Bilbao Orkestra Sinfonikoa, um eine frenetische Partitur zu dirigieren, voller hypnotischer und ausgelassener Momente, mit komplexer musikalischer Struktur und praktisch ohne Pause.
die gewählte Partitur, herausgegeben von Jules Paul Barbier, Michael Kaye y Jean-Christophe Keck para Schott, kulminiert den Akt von Venedig und fügt verschiedene Arien hinzu, und wird aus musikwissenschaftlicher Sicht als die umfassendste und legitimste Version anerkannt.

KLASSISCHES UND MONUMENTALES BÜHNENSPIEL VON VINCENT HUGUET
Auf der Bühne eine nationale Erstaufführung von Vincent Huguet, der mit einem klassizistischen Vorschlag bei ABAO debütiert, imposant und modular, aus monumentalen Treppen und Türen, die ein Theater darstellen und die Handlung während einer Aufführung von Don Giovanni bestimmen.
Huguet, gilt als das Enfant terrible der aktuellen Szene, reist in Zusammenarbeit mit Louis Geisler durch das fantastische und traumhafte Universum der Oper, der an der dramaturgischen Konstruktion der Charaktere und Aurélie Maestre an der Kulisse beteiligt ist. Die Beleuchtung von Christophe Forey und die Kostüme von Clémence Pernoud und Laurianne Scimemi erzeugen einen starken visuellen Eindruck..

RUBÉN AMON STELLT LES CONTES D’HOFFMANN IM ZYKLUS DAS ABC DER OPER VOR
Der Zyklus Das ABC der Oper, der die relevantesten Aspekte jedes Titels der Spielzeit aufdeckt
bei einer Keynote am Tag vor der Premiere, eröffnet eine neue Ausgabe in der Hörsaal der
Bilbao Museum der Schönen Künste am Freitag 22 Oktober.


Der Sprecher, der alle Details dieser Oper enthüllt, ist der bekannte Journalist und Schriftsteller
Rubén Amón, der regelmäßig an verschiedenen Radio- und audiovisuellen Medien teilnimmt, als
Das Vertrauliche, Nullwelle, Antena3 und La Sexta. Er hat mehrere Bücher zu verschiedenen Themen veröffentlicht,
als Untersuchung über Die Geheimnisse des Prado (Heutige Beiträge 1997), Placidos Biographie
Sonntag, Ein Koloss auf der Weltbühne (Planet 2012) o Das Triumvirat: Rennen, Sonntag u
Pavarotti, Wenn die Oper füllt Stadien (Heutige Beiträge 1996). Blut, Poesie und Leidenschaft: zwei Jahrhunderte von
Musik, Lärm und Stille im Royal Theatre (Editorial Alliance 2018).


DAS 25 OKTOBER ABAO NIMMT AN FEIERLICHKEITEN ZUM WELTOPERATAG TEIL

Die Aufführung von Les contes d'Hoffmann am Montag 25 Oktober erinnert an die Weltopern-Tag,
eine Initiative unter dem Dach aller Theater- und Opernorganisationen in Europa, die sich trifft

seine dritte Auflage, und die sich dieses Jahr unter dem Motto „Opera-Neustart“, wie die Idee zu starten
wieder und starte besser, mit dauerhaften Zielen und im Einklang mit der Gesellschaft.


zu feiern, ABAO setzt die Verkaufstage 21 und 22 oktober karten für Funktion des Tages 25
von 36€ für Erwachsene und 18 € für Jugendliche nach oben 35 Jahre alt, in sechs verschiedenen Zonen, das kann man kaufen
in den ABAO-Büros oder über ihre Website.


ABAO BILBAO OPERA ZEIGT DEN GESUNDHEITSARBEITERN TRIBUT, GESUNDHEITSWESEN UND FREIWILLIGE IN
DIE FUNKTION VON 27 Oktober

Einige der Sektoren, die am meisten zum Kampf gegen COVID-19 beigetragen haben, sind zweifellos die
Umfeld im Gesundheitswesen, Gesundheitswesen und Freiwillige der Biscay Food Bank. deine Anstrengung,
Hingabe und unermüdlicher Einsatz während der Pandemie hat sie zu wahren Helden von gemacht
diese Gesundheitskrise. Aus diesem Grunde, ABAO Bilbao Opera will zollen Sie ihnen von Herzen Tribut

ich respektiere, Dankbarkeit und Stolz, in der Funktion von Les contes d'Hoffmann die Mittwoch 27 von
Oktober an der Euskalduna Bilbao an 19:30h, mit denen man sich wohlfühlen kann Eintrittskarten im Wert von a
10 € Spende.

Eine Hommage mit doppeltem Zweck, Auf der einen Seite die Arbeit der Profis anerkennen und ihnen danken
und Gesundheitspersonal, die an vorderster Front gegen das Virus kämpften
Krankenhäuser, Gesundheitszentren, Wohnheime und Seniorenzentren; und andererseits zu beitragen und
mit unterstützen vollständige Übergabe aller gesammelten Spenden, die lobenswerte Arbeit der Bank of
Essen von Bizkaia / Bizkaia Food Bank, die geholfen haben und weiterhin Familien helfen und
schutzbedürftigsten Menschen.

Die Beziehung zwischen Fachleuten und Gruppen wer auf dieses Programm zugreifen kann konsultiert werden kann
Website von ABAO. Interessenten können ihre Tickets in den Geschäftsstellen des Vereins erwerben
und an der Abendkasse von Euskalduna Bilbao am Tag der Aufführung, für das, was notwendig sein wird Datei A
Akkreditierung oder ein amtlicher Ausweis, der die berufliche Zugehörigkeit bescheinigt
ausgewiesene Gruppen.

Diese Initiative ist Teil der globalen Kampagne #TeMerecesÖpera, deren Zweck es ist, die
Bedeutung der Kultur als wesentliches Gut. Die ABAO Bilbao Opera schließt sich auf diese Weise der Anerkennung an
Bemühungen und Arbeit dieser Gruppen seit Beginn der Pandemie, und zum gefühl
Dankbarkeit der ganzen Gesellschaft gegenüber den Fachleuten, Arbeiter und Freiwillige, die riskiert haben
ihre Gesundheit und ihr Leben, um die vieler anderer Menschen zu retten, und sie haben es uns erlaubt
die Normalität unserer kulturellen Aktivitäten wiederzuerlangen.


BBVA-STIFTUNG: FÖRDERUNG WISSENSCHAFTLICHER UND KULTURELLER WISSEN

Die BBVA-Stiftung, deren Unterscheidungsmerkmal der Impuls zur Erkenntnis ist, sowohl wissenschaftlich als auch
Kultur-, artikuliert sein Musikprogramm als eine vollständige Reise durch die verschiedenen Wege, auf denen
Die Gesellschaft kann von dieser künstlerischen Manifestation profitieren und sich daran erfreuen. so, fördert die Schöpfung
des Neubaus mit Kompositionsaufträgen und ermöglicht deren Bewahrung und Verbreitung durch
Aufnahmen in Zusammenarbeit mit Top Labels und Performern.


Fördert die Live-Musik durch Konzertzyklen, kostenlos, in Reichweite bringen
der öffentlichen Ensembles und Referenzsolisten im zeitgenössischen Repertoire. Zyklen organisieren
Konferenzen und bearbeiten Sie Publikationen, um die Arbeit bestimmter Autoren besser zu verstehen oder sich selbst zu vertiefen
in der Erforschung bestimmter Kompositionsperioden und führt Forschungsprojekte durch
hochinnovative Kreation mit den Leonardo-Stipendien in Musik und Oper.


Veranstaltet Fachsymposien auf das Management von Orchestern, arbeitet mit musikalischen Formationen und
Theater im ganzen Land und würdigt herausragende Leistungen durch den Frontiers of Knowledge Award in
Musik und Oper und die Preis von Komposition AEOS-Fundación BBVA, in Zusammenarbeit mit die
Spanischer Verband der Sinfonieorchester.


Die Aufführungen von Les contes d'Hoffmann werden exklusiv von der Stiftung gefördert
BBVA, ABAO Sponsor von Bilbao Opera, die damit zur Förderung der
Opernkultur zu fördern und der Öffentlichkeit Darbietungen von höchster Qualität zu präsentieren.

Michael Fabiano_Foto von Jiyang Chen

Nach seinem abaistischen Debüt mit Lucia di Lammemoor in 2011 und seine Rückkehr in die Hauptstadt Bilbao in 2018 große Erfolge als Chevalier des Grieux in Manon Massenet, Michael Fabiano ist zurück in vollem Gange, um den Abao Bilbao Opera Kurs zu eröffnen und in die Haut einer der emblematischsten Figuren des Tenorrepertoires zu schlüpfen, Hoffmann, der Protagonist von Hoffmanns Erzählungen, von Offenbach. Der in New Jersey geborene Sänger, die die gequälte Figur im Januar an keinem anderen als der Pariser Opéra debütierte 2020 – kurz bevor die Welt aufgrund der Pandemie zum Stillstand kam – sieht die Rolle als „sehr komplex, aber spannend, Gesangs- und actoralmente. Es steckt voller Herausforderungen, denen man sich stellen muss", dazu kommt seine Omnipräsenz auf der Bühne. "Er ist ein Mann, der in die obsessive Suche nach dem Absoluten und dem weiblichen Ideal versunken ist, der Liebe, eine Geschichte, die vier Perioden seines sentimentalen Lebens durch eine sehr reichhaltige Partitur darstellt, mit einem riesigen Orchester. Ohne Zweifel ist es eine jener Rollen, die wir Tenöre irgendwann in unserer Karriere gerne spielen würden., wenn vokale und interpretative Reife vorhanden ist. Ich konnte es in Paris debütieren 2020 und jetzt kehre ich mit großer Begeisterung vor dem Publikum von Bilbao darauf zurück, wo ich schon andere Male gesungen habe und wo ich mich zu Hause fühle", sagt Fabiano.

In Bilbao teilt sich Michael Fabiano die Bühne mit der Sopranistin Jessica Pratt, die die vier weiblichen Hauptrollen übernehmen wird (Olympia, Julia, Antonia und Stella) und mit dem Bassbariton Simón Orfila, wer auch immer, Wende, wird die vier Dämonen verkörpern. Elena Zhidkova wird Niklausse sein, Die Muse und die Mutter von Antonia, in einer von Vincent Huguet inszenierten und von Carlo Montanaro musikalisch geleiteten Produktion, die auf die Bühne gehen wird 23, 25, 27 und 29 Oktober 1 November.

Nach der Durchquerung der baskischen Hauptstadt, Der nordamerikanische Tenor kehrt an das Teatro Real in Madrid zurück, mit dessen Saison im vergangenen Jahr eröffnet wurde Un ballo in maschera– diesmal zum Interpretieren La Bohème (Dezember), dann singen Carmen in La Monnaie-De Munt de Bruselas (Januar und Februar) und am Grand Théatre in Luxemburg (März), um später an der Washington National Opera zu debütieren, Immer wie Don José de Carmen (mayo) vor der Rückkehr an das Teatro San Carlo in Neapel mit Eugen Onegin (Juni).

Michael Fabiano Foto von Jiyang Chen

Michael Fabiano

ABAO Bilbao Opera

Duo-3-c-Marine-Cessat-Bégler - skaliert
Albéniz

Klassische Verve: Das ist der zweite Job, den sie zusammen machen. Die erste ist eine Auswahl von Werken von Robert Dussaut und Hélène Covatti, der Öffentlichkeit unbekannte Komponisten. Auch die dreißig Lieder von Albéniz, die sie in diesem zweiten Werk präsentieren, sind nicht sehr bekannt.. es ist, deutlich, geniale Vermittlungsarbeit. Wie bist du zu diesem Repertoire gekommen und warum hast du es für diese Plattenwerke ausgewählt?


4Zitate2

V.Chr.: Diese Lieder sind das Produkt der künstlerischen Reife von Albéniz, als er bereits einige seiner wichtigsten Werke komponiert hatte. Es sind Texte auf Spanisch, Französisch, Italienisch und Englisch, immer die Persönlichkeit in jedem von ihnen bewahren. Können Sie uns etwas über den Charakter dieser Werke und die Besonderheiten ihres Schreibens sagen??


V.Chr.: Ihre Zusammenarbeit scheint langfristig zu sein. Gibt es in euren Projekten einen roten Faden oder entsteht dieser eher spontan.

 

 

Zitate5p-2

V.Chr.: Warum, glauben Sie, sind in Spanien so wenige spanische Liederabende geplant??

 


Adrianas Website

 

V.Chr.: Führen Sie diese Art von romantischem Repertoire auf, in einem kleinen Raum, nur von einem Klavier begleitet oder eine Operninszenierung auf der Bühne eines großen Opernhauses singen, Welche unterschiedlichen Empfindungen hast du?


V.Chr.: Mimi war vor kurzem, wir sahen sie zuvor in der Rolle von Corinna, von Die Reise nach Reims, beide im Liceu, Auf welche Rollen bereitest du dich kurz- und mittelfristig vor und wovon träumst du für die Zukunft?

b.c.: Diese Lieder von Albéniz hat er seinem Lehrer gewidmet, Barbara Bickford. Erzähl uns ein wenig darüber und warum es dir so wichtig ist.

 


V.Chr.: Haben Sie wichtige Referenzen bei der Vorbereitung einer Rolle, wen sieht er an?, Wen bewundert Adriana González?

 

 

 


V.Chr.: Wann werden wir ihr in Madrid zuhören können, wenn sie diese Arbeit präsentiert oder in einer der Rollen, die sie vorbereitet??


IÑAKI ENCINA
Iñakis Website

V.Chr.: Als er an der Musikene in San Sebastián ankam, wurde er für Klavier ausgewählt, Chorleiter und Orchesterleiter. Er musste sich für einen entscheiden und entschied sich für den letzten, Was hat dich zu dieser Entscheidung bewogen und welche Qualitäten, nach Ihnen, muss einen Dirigenten mit Selbstachtung haben?

 


V.Chr.: Diese Iphigénie in Tauride ist inszeniert von Krzystof Warlikowski, Regisseur, der normalerweise niemanden gleichgültig lässt, Wie hat diese Szenografie im Garnier-Zimmer funktioniert??, Wie kommen Sie mit Regisseuren zusammen?

V.Chr.: in 2005 Er wurde Mitglied der Akademie der Nationaloper in Paris und gibt jetzt sein Paris-Debüt mit Iphigénie en Tauride, Was bedeutet es für Sie, in einem Opernhaus wie dem in Paris zu debütieren??


V.Chr.: Ein symphonisches Repertoire zu dirigieren ist etwas ganz anderes als ein lyrisches zu dirigieren, wenn ich wählen müsste, welches würdest du wählen und warum?

 

 

 


V.Chr.: Wann werden wir dich in Madrid sehen können, Regie oder Präsentation dieses Werkes von Songs of Albéniz?


Pablo Garcia Lopez

die nächste 5 November der Tenor Pablo Garcia-Lopez wird auf die Bühne des zurückkehren Lausanne Opera an einer neuen Produktion von teilnehmen Le Nozze di Figaro von Wolfgang Amadeus Mozart, in dem er die Rolle des Don Basilio spielen wird. Ein Abend, der sicherlich eine besonders emotionale Note bekommt, da das Theater nach der Schließung durch die Pandemie zum ersten Mal wieder seine Türen für die Oper öffnet. zu Pablo Garcia-Lopez vermutet die Rückkehr zu einem Theater, in dem er mehrfach gesungen hat; speziell in 2016 in La Traviata, in 2020 in Doña Francisquita, sowie ein Recital, das er im Òpera Forum . anbot. In zukünftigen Saisons, die Stimme des Tenors wird in einem anderen Schweizer Theater erklingen, speziell am Opernhaus Zürich.

In Lausanne Pablo Garcia-Lopez wird sich die Bühne mit einer Besetzung teilen, zu der die Sopranistin Valentina Nafornita . gehört, in ihrem Debüt als Contessa, und Mezzosopranistin Lea Desandre als Cherubino, unter anderem Zahlen. Die Hochzeit des Figaro das kann man genießen von 5 November ist eine neue Koproduktion der Lausanne Opera junto con el Theatre des Champs-Elysées, Los Angeles Opera, Opera National de Lorraine und die Theater der Stadt Luxemburg. Ein Vorschlag, der mit der Regie des amerikanischen Filmemachers John Gray abgerundet wird, die musikalische Leitung von Frank Beermann, und Kostüme des legendären Christian Lacroix. Die Produktion ist in fünf Funktionen zu sehen, Tag 5, 7, 10, 12 und 14 November.

Anspruchsvolle Verpflichtungen für eine Karriere auf dem Vormarsch

Neben dieser bevorstehenden internationalen Ernennung, die Tagesordnung von Pablo Garcia-Lopez beinhaltet in der Saison 21/22 andere wichtige Verpflichtungen, wie seine Zeit am Royal Theatre in der Rolle des Benoît in La Bohème welches im nächsten Dezember Premiere hat. auch, in 2022 Als Solist wird er im National Auditorium in zwei verschiedenen Zyklen debütieren: Auf der einen Seite, zusammen mit dem Castilla y León Symphony Orchestra im XLIX Cycle of Great Interpreters, die ihre Stimme zum Oratorium bringen Nach Bildern Der Bibel von Fanny Mendelssohn mit dem Castilla y León Symphony Orchestra; für andere, wird in der singen Salomé von Richard Strauss mit dem National Orchestra of Spain unter der Leitung von David Afkham.

Pablo Garcia-Lopez hat in den letzten Jahren auf renommierten nationalen und internationalen Bühnen gesungen, Debüt in Theatern wie der Royal Opera Wallonie de Liège, Königliches Opernhaus von Maskat, Palau de Les Arts Reina Sofía de Valencia y Capitole Theater in Toulouse. Er hat mit Musikdirektoren wie Zubin Mehta . zusammengearbeitet, Riccardo Chailly, Jesús López-Cobos und Omer Meir Wellber, unter anderem.

in 2021 nahm an der Weltpremiere von Transit, Oper von Jesús Torres, Koproduktion des Königlichen Theaters und des Spanischen Theaters, für die es begeisterte Kritiken erhielt. Seine Leidenschaft für zeitgenössische Musik führte ihn zu Uraufführungen wie dem Cordoba Symphonie und Szenen aus einem deutschen Frühling von Lorenzo Palomo, Café Kafka von Francisco Coll im Palast der Künste, Fuenteovejuna von Muñiz an der Oper Oviedo, Der Hüter der Geschichten von Miquel Ortega im Baluarte de Pamplona, sowie die Liederzyklen Mein Sohn von Jesús Torres und Abendstraßen von Hermes Luaces.

Sein erstes Soloalbum mit dem Titel Routes mit dem Pianisten Aurelio Viribay erschien in 2020, dem spanischen Lied gewidmet mit Werken von Eduard Toldrá, Oscar Esplá, Joaquín Reyes und Ramón Medina Hidalgo. Das Album wurde von der Zeitschrift Melómano . mit dem "Melómano de Oro" ausgezeichnet. Seine Diskographie wird komplettiert mit Turandot (Decca) Regie von Zubin Mehta, La bohème (Akzent) Regie Riccardo Chailly, beide von Puccini, und Córdoba Symphonie von Lorenzo Palomo (Naxos) Regie: Jesús López-Cobos.

Die Zeitung El Mundo hat die Stimme von . gelobt Pablo Garcia-Lopez für seine "unbestreitbare Musikalität, die zum Fortschritt in der Mitteilbarkeit berufen ist", zieht den Hörer durch die entscheidende Schönheit seiner natürlichen Ausstrahlung an, Klangfarbe und Stimmung".

Pablo Garcia Lopez

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La Cenerentola präsentiert die Saison im Teatro Real

La Cenerentola
Gioachino Rossini (1792-1868)
Verspielt Drama en dos actos
Libretto von Jacopo Ferreti, nach der Erzählung Cendrillon (1697) Charles Perrault
D. Musical: Riccardo Frizza
D. Bühnen- und Bühnenbildner: Stefan Herheim und Daniel Urgen
Kostümbildnerin: Esther Bialas
Illuminator: Andreas Meier-Dörzenbang
Video Designer: Torge Möller (fettFilm)
D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Michele Angelini, vielleicht Borja, Nicola Alaimo, Rocío Pérez, Carol Garcia, Aigul Akhmetshina, Riccardo Fassi, Orchester und Chor Titulares del Tratro Real

ein 29 Februar, sein Geburtstag, Rossini unterzeichnet den Vertrag über das Schreiben einer neuen Oper, die zur Saisoneröffnung in Rom uraufgeführt wird. Das Übermaß an Bestellungen und das seltsame Problem mit der Zensur, führen Rossini und sein Librettist Jacopo Ferreti, ein neues Drehbuch nach dem Geschmack der Zensur improvisieren zu müssen. So geboren, und in weniger als 24 Tage, La Cenerentola.

Rossinis Virtuosität bewegt sich bereits zwischen Illustration und Romantik und La Cenerentola ist ein großartiges Beispiel dafür.. Verwenden Sie strukturierte Szenen wie in einer ernsten Oper, aber mit ausgeprägtem Buffo-Charakter. In Ferretis Libretto verschwindet die Fee und wird durch eine weniger magische Figur ersetzt, Goldflügel, eine Art Philosoph, der den Protagonisten irgendwie berät. Dies ist ein erstes Zugeständnis an die Illustration, die Ersetzung magischer Elemente durch rationale.

Er verwendet auch ernste Charaktere, wie Cenerentola selbst, Alidoro und Prinz Don Ramiro. Es gibt eine Zwischenrolle, Was ist Dandini?, seine Rolle ist komisch, aber er ist ein ernstzunehmender Bariton. Der Rest der Protagonisten hat einen ausgeprägten Buffo-Charakter, als Don Magnifico und Stiefschwestern Clorinda und Thisbe.

Trotz der Bemühungen von Rossini und Ferreti, La Cenerentola konnte nicht rechtzeitig veröffentlicht werden und das tat es 25 Januar 1817, die Saison hat schon begonnen. Ferreti erzählt in seinen Memoiren, dass die Premiere von Cenerentola turbulent war, aber es ist nicht sehr gut verstanden, worauf er sich bezieht, naja sie haben angeboten 22 Aufführungen und geplant, Im selben Jahr, in sieben weiteren italienischen Theatern. Der Erfolg könnte daran liegen, in hohem Maße, dass die Figur von Cenerentola von den berühmtesten Mezzosopranistinnen der Gegenwart gespielt wurde, Isabella Colbran und Pauline Viardot. Während des 19. Jahrhunderts waren Belcanto-Komponisten sehr berühmt und sehr erfolgreich., später in Vergessenheit geraten und aus dem Repertoire verschwinden, mit einigen Ausnahmen, als Der Barbier von Sevilla.

In der zweiten Freundschaft des zwanzigsten Jahrhunderts wird La Cenerentola wiederhergestellt und beginnt, vertreten zu werden, immer öfter, in den wichtigsten Opernhäusern. Diese Wiedererlangung des Titels und seine schrittweise Aufnahme in das Repertoire, hat zwei Eigennamen, Conchita Supervía und Teresa Berganza, beide gaben dem Charakter von Angelina Leben. sicher, alle Funktionen dieser Produktion des Teatro Real sind Teresa Berganza gewidmet.

Die Partitur ist ein Meisterwerk. Seine Schreibweise ist sehr einfach, was verleiht ihm Agilität und Frische. Während des gesamten Werkes gibt es eine klare Präferenz für Ensembles gegenüber Arien und er baut sie fast durch Akkumulation auf.. Eine Figur beginnt die Arie und die anderen werden nach und nach eingearbeitet, beginnt eins und endet sechs. Die Melodien sind als eine Reihe von Arpeggio-Permutationen mit extremer Virtuosität und Präzision gestaltet. Das Ergebnis ist, beispielsweise, Sextett im zweiten Akt, Das ist ein umwickelter Knoten. Dafür braucht man, Kurs, Stimmen von großer Agilität.

Nach zwanzig Jahren Abwesenheit, La Cenerentola kehrt in einer Koproduktion von Norske in Oslo und der Opéra National in Lyon an das Königliche Theater zurück. In der Grube, einer der Regisseure, der dieses Repertoire am besten kennt, Riccardo Frizza.

In Richtung der Szene, Norweger Stefan Herheim, das seine Szenografie auf dem mittlerweile traditionellen Spiel des Theaters im Theater basiert. Er hat ein klassisches Aschenputtel präsentiert, das er aktualisiert hat, indem er sie als Theaterreiniger verkleidet hat, mit Ihrem Warenkorb mit Zubehör enthalten. Die Landschaft ist bunt und fröhlich, vor allem die prächtige Garderobe von Esther Bialas und die Videos von Torge Moller, das projiziert Bilder des Fürstenschlosses, sehr an Disney-Schlösser erinnernd, was hilft, diese märchenhafte Atmosphäre zu schaffen. Obwohl die Szenerie klarer und effektiver ist, zur Entwicklung der Geschichte, aus dem zweiten Akt.

Riccardo Frizza dominiert dieses Repertoire, dem er seinen Stempel aufdrückt, um den Rossini-Stil zu betonen. Das Orchester klang sehr gut dafür, wie wenig Rossini in den letzten Jahren gespielt hat. Die Zeiten waren etwas langsam, wenig funkelnd, aber das ergebnis war voller nuancen. Der erste Akt stellte sich als etwas abwegig heraus., sowohl auf der Bühne als auch beim Gesang, und eine gewisse Trennung zwischen Bühne und Grube. Frizza half dem Orchester, einige der eher leisen Stimmen, die auf der Bühne zu kämpfen hatten, nicht zu verschlucken. Und es ist die Musik von Rossini, wie Frizza selbst sagt, er ist auf der Höhe der ganz Großen und seine Scores sind nicht leicht zu handhaben. musikalische Leitung, wie die Landschaft und die Stimmen, sie wuchsen mit fortschritt der arbeit, schafft im zweiten Akt eine absolute Rossini-Atmosphäre. Bei dieser Gelegenheit nahm der musikalische Leiter aktiv an der Aufführung teil, auf der Bühne zu intervenieren und sich mehrmals mit den Sängern zu unterhalten. Ein schönes Detail, das dem Publikum gefallen hat.

Diese zweite Besetzung wurde von einer sehr jungen Debütantin angeführt, die eine große Überraschung war, la rusa Aigul Achmetshina. Er hat eine mächtige Stimme und, jedoch, mit großer Beweglichkeit, das dominierte die ganze zeit. Ein gutes Mittelregister und kräftiger Bass. Seine Angelina war zweifellos diejenige, die in dieser Nacht am meisten glänzte, auch im interpretativen Teil.

Prinz Don Ramiro wurde vom Italienisch-Amerikaner vertreten Michele Angelini. Sein Timbre ist schön, hatte aber Probleme mit seiner geringen Lautstärke, vor allem in den höchsten lagen, wo es schien, als würde seine Stimme ersticken. Es hatte auch nicht seine stärkste Seite in der Agilität.

Don Magnifico von Nicola Alaimo war der rossinianischste Charakter derer, die an diesem Abend teilnahmen. Er reagierte mit Leichtigkeit auf seine beiden Rollen, weil er auch der wichtigste Rossini auf der Bühne war und der einzige, neben der Angelina von Achmetshina, der auf die anspruchsvolle Agilität seiner Rolle reagierte.

Der Dandini leitete das Bariton Borja Quiza, von kraftvoller Stimme und großer szenischer Kapazität, aber dieser Charakter passt nicht gut zu einer so lyrischen Stimme. Es fehlte an Ausdruckskraft und Leichtigkeit, die es lieferte, teils, für seine gute Arbeit auf der Bühne.

Sehr gut waren die beiden bösen Stiefschwestern von Aschenputtel, die Sopranistinnen Rocío Pérez und Carol García, sehr gut in den Konzertanten und in ihren Rollen, in denen sie sich mit großartiger Komödie entfalteten.

Besondere Erwähnung verdient der Chor, diesmal nur Männer, Regie Andrés Máspero. Sie glänzten nicht nur in der Stimme, sie hatten auch einige sehr inspirierte Bühnenauftritte.

So wird eine der ganz besonderen Spielzeiten des Royal Theatre trainiert, der weiterhin alle möglichen Glückwünsche für seine gute Führung in einer so schwierigen wie letzten Saison erhält. Ein königliches Theater, das weiterhin mutig ist und es beweist, indem es dieses Cenerentola . programmiert, Eine Absichtserklärung.

Cecilia Bartoli

die 19 November, Cecilia Bartoli ein Album mit dramatischen Konzertarien aus der klassischen Ära zu veröffentlichen. diese Stücke, bemerkenswert für ihre Schwierigkeit, wurden von den großen Komponisten der Klassik für die herausragendsten Soprane der Zeit komponiert. Das Projekt ist seit fast einem Jahrzehnt in der Pipeline, und die Musik wurde aufgenommen in 2013 mit Basler Kammerorchester unter der Leitung von Muhai Tang. Die Titelliste wurde von Bartoli fertiggestellt, als die durch die Pandemie verursachte Pause in ihrem Aufführungsprogramm der Sängerin einen Rückblick auf ihre unvollendeten Werke ermöglichte.

«Mir hat es gefallen, mich um so viele Dinge kümmern zu können, die ich unvollendet gelassen hatte, verschoben oder vergessen. Endlich habe ich die Chance, in meinen Sounddateien nach versteckten Schätzen zu wühlen. Unter den vielen wiederentdeckten Freunden, die ans Licht kamen, Ich fühle eine besondere Verbundenheit zu den Aufnahmen dieses Albums ». - Cecilia Bartoli

Mit über 12 Millionen verkaufte Audio- und Videoaufnahmen, Cecilia Bartoli ist eine der erfolgreichsten klassischen Künstlerinnen unserer Zeit. Bartoli war 1988 Aufnahme exklusiv für Decca Classics und wurde mit fünf Grammy Awards ausgezeichnet, über ein Dutzend Echo- und Brit-Auszeichnungen, der Polar Music Award, den Léonie-Sonning-Musikpreis und den Herbert-von-Karajan-Preis. Er hat in Auditorien gespielt, renommiertesten Opern und Festivals der Welt, arbeitet als künstlerischer Leiter der Salzburger Pfingstfestspiele, und im Januar 2023 wird Direktor der Monte Carlo Opera, die erste Frau in der Geschichte, die Regie führte.

in Unveröffentlicht, Bartoli führt dramatische Konzertarien auf, die über einen Zeitraum von 23 Jahre von vier Komponisten, deren gegenseitige Beeinflussung offensichtlich ist, und deren Kompositionen das Maß der Soprane widerspiegeln, für die sie geschrieben wurden.

Ah! Perfide Beethoven, komponiert für die berühmte Sängerin Josepha Duschek während des Prager Besuchs des Komponisten in 1796, kann einen Teil der Musik ankündigen, die für Beethovens einzige Opernheldin geschrieben wurde: Leonore de Fidelio.

Duschek auch uraufgeführt Bella mein Flamme, von Mozart, die auch ursprünglich für sie komponiert hat Ah, es ich habe erwartet, und dass Aloysia Weber endlich sang. Andere Teile von Unveröffentlicht sind Mozart-Arien, die ursprünglich für andere große Sänger des 18. Jahrhunderts komponiert wurden, Como el Kastrat Tommaso Consoli, wer hat als erster interpretiert ich werde es lieben, ich werde sein Konstante von Mozart in der Oper Der Hirtenkönig.

Bartoli setzt seine Arbeit mit Werken fort, die selten mit aufgeführt werden ist Kann gefühlt. Geschrieben vom tschechischen Komponisten Josef Jäger, diese Arie gehört zu seiner Oper von 1734 Die Gnade des Titus und es wurde für Pietro Benedetti . komponiert (die auch einige von Mozarts frühen Opern uraufgeführt hat). Jäger, der in seiner Heimat Prag Müller war, bevor er nach Italien zog, Er war bereits der erfolgreichste und bestbezahlte Opernkomponist Europas, als er sich mit Mozart anfreundete.

Bartoli hat schon gesungen Szene aus Berenice von Haydn im Konzert unter großem Beifall des Publikums, und seine Interpretation von 2001 bei den Styriarte-Festspielen wurde es von Gramophone als "eines der am besten aufgezeichneten Konzerte auf DVD" bezeichnet.. Dies ist Bartolis erste Studioaufnahme von Haydns schwieriger Arie, dass Brigida Bant in London uraufgeführt wurde 1791.

Der Geiger, israelischer Bratscher und Dirigent russischer Herkunft Maxim Vengerov spielt zwei Violinsoli auf zwei der Stücke: Ich werde sie lieben, ich werde konstant sein und ich vergesse dich?

«Ich danke meinem lieben Kollegen und Freund Maxim Vengerov, die für mich immer eine große Inspirationsquelle war und mich bei der Aufnahme dieser beiden wunderschönen Arien von Mozart begleitet hat ».

- Cecilia Bartoli

LISTE DER TITEL

Beethoven: Ah! Perfide, auf. 65

Mozart: ich vergesse dich? K.505

Jäger: Wenn du jemals hörst von La Clemencia de Tito

Mozart: Ah, Ich habe es vorausgesehen!…Ah, flieh dich…deh, nicht Pfarrer K.272

Mozart: Meine schöne Flamme, Auf Wiedersehen… Bleibe, ach so, K528

Mozart: L’amero, ich werde konstant sein von Der Hirtenkönig. K.208 (Violine solo: Vengerov)

Haydn: Szene aus Berenice, Kochfeld. XXIVa:10

Iñaki Encina Oyón

die nächste 2 Oktober, der baskische Dirigent Iñaki Encina Oyón wird vor der Orchester und Chöre der Nationaloper Paris, zu lenken Iphigenie auf Tauris Gluck (1714-1787) im Palais Garnier, in einer Originalinszenierung mit Bühnensignatur von Krzysztof Warlikowski. Die irische Mezzosopranistin Tara Erraugh (Iphigenie), US-amerikanischer Bariton Jarrett Ott (Orest) und der französische Tenor Julien Behr (Pylade) führe die Besetzung davon an lyrische Tragödie in vier Akte in Paris uraufgeführt 1779.

Der Dirigent Iñaki Encina Oyón, in 2005 trat dem Atelier Lyrique de la Opéra national de Paris bei, Er ist ein regelmäßiger Taktstock in der französischen Musikszene, wo er zahlreiche Opern und Oratorien dirigierte, wie z La Finta Giardiniera Mozart, Madame Butterfly Puccini, Oviedo y Mario Mozart, Die unbewohnte Insel Haydn, Idomeneo Mozart, Hippolyte und Aricie Rameau, Abu Hassan | von Weber, Falstaff die Salieri, Athalia Haendel, San Johannes der Täufer von Stradella, Der Triumph von Zeit und Enttäuschung Haendel, und Der Tag des Gerichts von Telemann. Sein umfangreiches Repertoire umfasst auch Titel zeitgenössischer Komponisten wie Barber, Xavier Dayer, Philippe Fénelon oder Kaija Saariaho, unter anderem. von 2016, es el musikalischer Leiter der Académie Baroque Internationale del renommierten Festival du Périgord Noir, und arbeitete als Assistenzdirigent von Thomas Hengelbrock beim Aix-en-Provence Festival.

die 15 Oktober, Iñaki Encina Oyóns zweites Albumprojekt in seiner Rolle als Pianist wird veröffentlicht, mit der guatemaltekischen Sopranistin Adriana González; es ist Komplette Lieder von Albéniz, auf dem Label Audax Records. Zu seinen unmittelbarsten Verpflichtungen gehört ein Recital mit Adriana González an der Opéra de Lille, Le Nozze di Figaro von Mozart in der Oper von Toulon, und Alcina von Händel an der Opéra national de Paris.

Fotografie © Marine Cessat-Bégler

Iñaki Encina Oyón

Druckrad aus Mozarts REQUIEM-Oper

die Palau de les Arts startet nächsten Donnerstag, 30 September, die lyrische Saison mit der Premiere in Spanien der Kinofassung des 'Requiem', Mozart, durchgeführt von Romeo Castellucci, unter der musikalischen Leitung von James Gaffigan.

Jesus Iglesias Noriega, künstlerischer Leiter von Les Arts, hat heute auf einer Pressekonferenz den ersten Titel der Sektion „Les Arts pera“ als „eine der relevantesten Wetten in dieser neuen Bühne des Theaters als Förderer einer neuen Ästhetik und Referenzvorschläge im Opernkreis“ vorgestellt..

“Romeo Castellucci, einer der Protagonisten des avantgardistischen Theaterraums in Europa, uraufgeführt in Spanien seine applaudierte Version von Mozarts unvollendeter Totenmesse. Inszeniert als Hymne an das Leben von außergewöhnlicher plastischer Schönheit und überwältigender theatralischer Kraft, der Vorschlag des Dramatikers und bildenden Künstlers gilt als eine der wesentlichen Shows der letzten Jahre..

„Requiem“ ist eine Koproduktion von Les Arts mit dem Festival d’Aix-en-Provence, Adelaide Festival, Theater Basel, Wiener Festwochen y La Monnaie / De Munt mit Romeo Castellucci als Architekt der Regie, Szenografie, Kleiderschrank und Beleuchtung. Silvia Costa (stellvertretender Regisseur), Evelin Facchini (Choreographie) und Piersandra di Matteo (Dramaturgie) vervollständigen Sie das Kreativteam.

Iglesias Noriega hat hervorgehoben, auch, „Die hervorragenden Mitglieder, mit denen Les Arts eine der größten Herausforderungen anspricht, sowohl in musikalischer als auch in technischer Hinsicht, der Saison 2021-2022".

„James Gaffigan, guter Kenner von Mozarts Musik, und besonders sein 'Requiem', debütiert als musikalischer Leiter im Großen Saal vor den stabilen Korpussen des Theaters: der Chor der Generalitat, außergewöhnlich in einem seiner komplexesten und anspruchsvollsten Werke sowohl auf Gesangs- als auch auf Bühnenebene, und das Orchester der valencianischen Gemeinschaft, Referenztraining in der Grube ”.

"In der Solisten-Sektion, Les Arts vereint führende Interpreten des Mozart-Repertoires: Elena Tsallagova, Sara Mingardo, Sebastian Kohlhepp und Nahuel Di Pierro, sowie der Sopranjunge Juan José Visquert von der Escolania de la Mare de Déu dels Desemparats ”, hat gezeigt.

inzwischen, James Gaffigan hat mit seiner Inszenierung das großartige Werk von Castellucci hervorgehoben, das den Betrachter nie ablenkt oder Mozarts Musik stört, aber, ganz im Gegenteil, Verbessern Sie Ihre Exzellenz. auch, Der New Yorker Musiker hat die großartige Arbeit des Cor de la Generalitat sowohl auf musikalischer als auch auf Bühnenebene gelobt, um den Anforderungen der Produktion gerecht zu werden.

Verabschiede dich vom Leben

Den fragmentarischen Charakter des 'Requiems' vollständig annehmen, Castellucci erweckt eine Show zum Leben, die aus einer Reihe von stummen Bildern besteht, die in der Lage sind, das dringende Bedürfnis auszudrücken, sich vom Leben zu verabschieden.

Der italienische Künstler fängt das Verblassen des Lebens als Ursprung aller möglichen menschlichen Schönheiten ein. Dieses „Requiem“ steht im Gegensatz zu dem, was man von einer Totenmesse erwarten würde; es ist kein Raum der Klage, will das Leben in der Zerbrechlichkeit feiern, die ihm gehört.

Eine ständige Projektion von Tiernamen, Pflanzen, Städte, Sprachen, Städte, erloschene Gefühle können parallel zum Bühnengeschehen gelesen werden. Die Sätze haben die Form eines Abschieds von den Elementen im Zusammenhang mit dem Leben jedes der Zuschauer, dank einer Annäherung an unsere Zeit und dem Verzicht auf Dinge, die dem Betrachter nahe stehen.

Wie Castellucci selbst erklärte, „Das ‚Requiem‘ befasst sich mit der grundlegenden Frage der Zeit, von der Hoffnung auf Wiedergeburt; Erforsche den Ursprung und das Ende, aber auch das Ende als Ursprung".

'Requiem'

Les Arts hat an den Tagen sechs Aufführungen von Mozarts „Requiem“ geplant 30 September und 2, 3, 6, 8 und 10 Oktober.

Airam Hernández in Oviedo

Wenn es irgendein Merkmal gibt, das die künstlerische Karriere des Tenors von Teneriffa kennzeichnet? Airam Hernandez ist seine Vielseitigkeit. Er hat die unterschiedlichsten Repertoires gesungen, von barocken Oratorien über Verdi-Opern bis hin zu zeitgenössischer Musik, aber jetzt viel Spaß mit einem deiner Lieblingskomponisten: Mozart. Und er tut es im großen Stil, mit einem der wichtigsten Charaktere für sein Seil, das des Prinzen Tamino der Unsterblichen magic flute Oper in Oviedo. Es wird in einer neuen Produktion sein, die von der Regista Albert Estany unterzeichnet wurde, mit musikalischer Leitung von Lucas Macías. Die Reise in die Mozartsche Welt war für die Sängerin eine Entdeckung, ein Repertoire, in dem, Staaten, kann alle seine Ressourcen ausschöpfen, "besonders in heroischen Charakterrollen, die eine lyrische Stimme erfordern, aber duktil". Der elegante und raffinierte Gesang des spanischen Tenors passt wie angegossen zu Taminos Charakter.. "Dies ist ein sehr anspruchsvoller Gesangsstil, bei dem Sie eine Balance zwischen dem dramatischen Charakter des Charakters und der reinen und klaren Linie finden müssen. Ich habe mich seit einiger Zeit auf dieses Repertoire spezialisiert und hoffe, im Laufe meiner Karriere alle Charaktere des Komponisten debütieren zu können, die zu mir passen.", Punkte Sänger. Das Stück wird am Campoamor Theater in der asturischen Hauptstadt uraufgeführt 8 Oktober, Vervollständigen des Kalenders mit Funktionen die Tage 10, 12, 14 und 16 Oktober.

Hernández, mit solider musikalischer Ausbildung, zunächst als Hornist und später als Mitglied des Barcelonés Liceu Choir und des Opernensembles Zürich, Sie befinden sich in einem sehr süßen Moment in Ihrer Karriere, nachdem er einen Großteil seiner Karriere international mit Debüts in halb Europa und den Vereinigten Staaten gemacht hat; dieser Kurs, schließlich, Er wird in verschiedenen spanischen Bühnen zu sehen sein. Unter anderen Verpflichtungen, zusätzlich zu diesem Debüt in Oviedo, kehrt in die Saison des Königlichen Theaters von Madrid zurück und spielt Federico García Lorca in der absoluten Premiere der Oper Der Brieföffner von Luis de Pablo. Aufführungen erwarten Sie auch im Teatro de La Maestranza in Sevilla (I Capuleti ed i Montecchi Bellini), an der Oper von Teneriffa (Florenz im Amazonas von Daniel Catán) oder am Gran Teatre del Liceu in Barcelona (Regel Bellini).

Airam Hernandez

Opera Oviedo

Jorge Wiege

Der Vorstand der Vorstand der Stiftung von die Kunst hat der Ernennung zugestimmt Jorge Culla Bayarri neuer Generaldirektor der Institution. Seine Wahl für die Position wurde nach den Richtlinien bewertet und genehmigt, die durch das Verfahren festgelegt wurden, das in diesen Fällen vom Verwaltungsrat von Les Arts festgelegt wurde. so, Der renommierte valencianische Profi verstärkt das Management-Team des Theaters als Leiter der Verwaltungsleitung, mit Jesús Iglesias Noriega als künstlerischer Leiter.

Mit über 30 langjährige Erfahrung in darstellender Kunst und Musikmanagement, Die Ernennung von Culla Bayarri ist Teil des Fahrplans des Kuratoriums für die Festigung von Les Arts als valencianisches kulturelles Emblem und seine Projektion auf die nationalen und internationalen Kreise. Jorge Culla übernimmt ab dem kommenden Oktober die in der Stiftungssatzung vorgesehenen Funktionen für die Geschäftsführung, Datum, an dem Ihre effektive Einstellung stattfindet. In diesem Sinne, Das Exekutivkomitee dankt José Carlos Monforte Albalat für die Arbeit, die er seit Dezember geleistet hat 2018 verantwortlich für die allgemeine Leitung von Les Arts. Der Vorstand von Les Arts erkennt die Professionalität von Monforte Albalat . an, sowie sein Engagement im Dienst der Institution, insbesondere im komplexen Management der Pandemie, das hat die Aufrechterhaltung der Theatertätigkeit ermöglicht, sowie die administrative Abwicklung des Instituts, um das Maximum zu erreichen
Wirtschaftlichkeit der Les-Arts-Budgets.

Jorge Culla Bayarri
Geboren in Valencia, Er ist der Sohn und Enkel von Theaterunternehmern, die mit den Theatern Ruzafa und Apolo verbunden sind, an Zarzuela und Zeitschriftenfirmen, und zur valencianischen Komödie; lebe die Welt der Musik und des Theaters seit der Kindheit. Er beginnt seine berufliche Laufbahn in 1987 als Produktionskoordinator am Palau de la Música de València, zwei Jahre später gelang ihm der Sprung nach Madrid als stellvertretender Direktor des National Dramatic Center, und kehrt am Ende von . zurück 1991 zum Palau de la Música als stellvertretender Direktor. in 1997 nimmt eine neue berufliche Herausforderung in Madrid als Manager und technischer Leiter des Orchesters und Chors der Autonomen Gemeinschaft Madrid an. von 2009 ist Bürgermeister des Teatros del Canal und des Auditorio de San Lorenzo de El Escorial Theater, wo er auch die Festivals dieser Gemeinde der Autonomen Gemeinschaft Madrid leitet. In diesen Jahren seines Berufslebens hatte er verschiedene verantwortliche Positionen in einigen Institutionen im Bereich der darstellenden Künste und der Musik inne. Er ist Vorsitzender des spanischen Verbandes der
Symphonieorchester und der spanische Verband klassischer Musikfestivals (Festklassiker). Er war Mitglied des Kulturrates der Autonomen Gemeinschaft Madrid und des Staatsrates für darstellende Kunst und Musik. Er ist Gründungsmitglied der Academy of Performing Arts of Spain.

juanjo Mena

Das Orquestra de la Comunitat Valenciana (OCV) Debüts beim ENSEMS Festival nächsten Freitag, 17 September, unter der musikalischen Leitung von Juanjo Mena im Auditori de die Kunst zu 20.00 Stunden.

Die Formation Les Arts macht ihren ersten Streifzug beim Dekan Festival für Avantgarde und experimentelle Musik in Spanien mit einem Programm, das der finnischen Komponistin Kaija Saariaho . gewidmet ist, wesentliche Figur in der Musik des 20. und 21. Jahrhunderts, von denen zwei der repräsentativsten Werke interpretiert werden: „Circle Map“ und das Klarinettenkonzert „D’Om le Vrai Sens“.

Saariaho, obwohl er ein unveröffentlichter Autor in der Programmierung des OCV ist, dies ist, wie der künstlerische Leiter von Les Arts betont, Jesus Iglesias Noriega, "Eine der absoluten Referenzen der aktuellen Komposition, mit Präsenz in den wichtigsten Theatern und Auditorien der Welt ".

"In diesem Sinne", Noriega Iglesias erklärt, „Das von Juanjo Mena geleitete Konzert besteht auf dem Engagement von Les Arts, das Repertoire zu erweitern und die größte Vielfalt an Musikstilen zu zeigen, sowie zur Stärkung der Verbindungen der Institution und ihres künstlerischen Erbes mit dem valencianischen Kulturgefüge, die zum ersten Mal aktiv an ENSEMS teilnehmen".

Saariahos ausdrucksstarke Musik verbindet moderne kompositorische Strömungen mit Tradition, und spiegelt seine Leidenschaft für die Natur wieder. Seine Werke werden von renommierten Orchestern der Los Angeles und Berliner Philharmoniker programmiert, und hat Auftragsopern für die wichtigsten Theater und Festivals geschrieben.

Die Zusammenarbeit mit den Salzburger Festspielen sticht in seiner Karriere heraus, donde estrenó "Liebe aus der Ferne", später bei der Metropolitan in New York vertreten. auch, diesen Sommer, das Aix-en-Provence Festival veranstaltete die Uraufführung seiner neuesten Oper, 'Unschuld', mit großem Publikumserfolg und dem einstimmigen Applaus der internationalen Kritik gefeiert, der das Werk des Finnen als sein großes Meisterwerk bezeichnet hat.

Juanjo Mena gilt als einer der spanischen Schlagstöcke mit der größten internationalen Ausstrahlung. Der derzeitige Hauptdirektor des Cincinnati May Festivals und anerkannter Experte für zeitgenössische Musik übernimmt die musikalische Leitung dieses Konzerts, nachdem die Saison von Les Arts in Alicante mit zwei Konzerten in Teulada und Alcoy eröffnet wurde..

das Programm

Saariaho vereint in „Circle Map“ Orchester- und elektronische Musik aus sechs Gedichtstrophen des persischen Dichters Rumi aus dem 13. Jahrhundert (2012). die Arbeit, was bei Kritikern gut ankam, wurde in den wichtigsten internationalen Auditorien uraufgeführt. Juanjo Mena selbst dirigierte das Werk in seiner amerikanischen Erstaufführung mit dem Boston Symphony Orchestra.

"Om der wahre Sinn" (2010) ist ein Konzert für Klarinette und Orchester in sechs Sätzen, das Saariaho für seinen Landsmann Kari Kriikku . komponierte, virtuose Klarinettistin, die das Stück auch für das Publikum von Les Arts aufführen wird. Die Arbeit ist inspiriert von dem mittelalterlichen Zyklus von sechs Wandteppichen 'Die Dame und das Einhorn', die symbolisch die fünf Sinne des Menschen zusammen mit einem mysteriösen sechsten beschreibt.

Die Künste sind symphonisch

Les Arts erinnert daran, dass der Preis der Tickets für das Konzert von Juanjo Mena mit dem Orquestra de la Comunitat Valenciana zwischen 15 und 25 Euro.

Die Auditori de Les Arts erhalten innerhalb der Saison 2021-2022 zu den Hauptstäben des internationalen Zirkels. Zusammen mit den Rückkehrern der internationalsten spanischen Regisseure, Gustavo Gimeno, Juanjo Mena und Josep Pons, das Orquestra de la Comunitat Valenciana wird in James Gaffigans erstem Jahr als musikalischer Leiter zum ersten Mal mit Riccardo Minasi und Mark Elder zusammenarbeiten.

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