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Bach Archives - Brío Clásica
Benjamin Alard

Benjamin Alard, considerado por la crítica como uno de los clavecinistas bachianos más profundos y distinguidos del mundo, es el protagonista de un gran proyecto transversal del Centro Nacional de Difusión Musical que abarca seis conciertos programados a lo largo de dos temporadas: se trata del #ProyectoClavierÜbung, dedicado a recrear la serie de obras para teclado que Bach publicó en vida con el título de Clavier Übung (esto es, Ejercicios de teclado), y que reúne algunas de las páginas musicales más brillantes del genio alemán.

El proyecto se abre con un concierto de Benjamin Alard al clave dentro del ciclo Universo Barroco en la Sala de Cámara del Auditorio, que se celebra mañana día 2 de febrero. El 20 de marzo ofrecerá un segundo concierto en el gran órgano Grenzing de la Sala Sinfónica del Auditorio, dentro del ciclo Bach Vermut. Un tercer concierto, de nuevo al clave y en la Sala de Cámara, podrá escucharse el 24 del mismo mes, dentro de Universo Barroco. Este gran proyecto transversal se extenderá a lo largo de la próxima temporada con otros 3 conciertos a cargo también de Benjamin Alard.

Pasión por Bach

La pasión principal de Benjamin Alard siempre ha sido la música de Johann Sebastian Bach y fue por su interpretación de este genial compositor por lo que fue galardonado con el primer premio en el Concurso Internacional de Clave de Brujas en 2004. Aun todavía muy joven empezó a estudiar música en su ciudad natal, Dieppe, Francia. Pronto se sintió atraído por el órgano y entró en el Conservatorio de Rouen donde estudió con Louis Thiry y François Ménissier. Fue Elizabeth Joyé quien le introduce al clave, y con ella estudió en París antes de continuar, en el año 2003, en la Schola Cantorum de Basilea para trabajar con Jörg-Andreas Bötticher, Jean-Claude Zehnder y Andrea Marcon. Desde 2005 ha sido el organista del órgano Bernard Aubertin de la Iglesia de Saint-Louis-en-L’île de Paris, donde cada temporada organiza un ciclo temático de conciertos en torno a Bach (para órgano, clave, conjuntos de música de cámara y clavicordio). Hoy en día Benjamin Alard divide su tiempo entre recitales de clave y la música de cámara tanto en clave como en órgano. Se presenta a menudo con repertorio para dos claves, en dúo con el violinista François Fernandez y en varias formaciones. Es invitado regularmente a actuar como solista en los más importantes auditorios, festivales y ciclos de música en Europa, Japón y América del Norte. Desde 2005 ha sido miembro de La Petite Bande, ensemble fundado en 1973 por Gustav Leonhardt y Sigiswald Kuijken. En los últimos conciertos Benjamin Alard ha sido quien ha dirigido al grupo desde el clave. Ha grabado para el sello Hortus y también tiene en su haber diversas grabaciones de obras de J.S. Bach para el sello Alfa. Sus grabaciones han recibido constantemente elogios por parte de la prensa y han sido galardonadas con múltiples premios. Benjamin Alard se dedica ahora en exclusiva a un proyecto de enorme envergadura para el sello Harmonia Mundi: la grabación de la integral de la obra para teclado de J.S. Bach, tanto órgano como clave. El primer cofre apareció en primavera de 2018 y el segundo (de un total de 14 cajas) se puso a la venta en abril de 2019.

Fotografía (c) Bernard Martinez

Collegium 1704

El domingo 25 de octubre a las 19 horas, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) inaugura su ciclo Universo Barroco en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música con un concierto de la orquesta praguense Collegium 1704 en el que podrá escucharse el Magnificat en re mayor de Johann Sebastian Bach y el estreno en España de la Missa Omnium Sanctorum del compositor checo Jan Dismas Zelenka. Al frente de Collegium 1704 se sitúa su fundador y director, Václav Luks, un músico que se ha ganado el reconocimiento no sólo como destacado músico de cámara y orquestal, sino como excepcional director dotado de una intuición infalible y un enorme sentido de interpretación de autores como Zelenka, Bach y Haendel. De igual manera, Collegium 1704, desde su creación en 2005 cuenta con una excepcional reputación en la escena internacional de los conjuntos especializados en la interpretación históricamente informada y se ha convertido en un invitado habitual en festivales de toda Europa. Acompañan a la formación un elenco de cinco voces femeninas -las soprano Lucía Caihuela, Helena Hozová y Tereza Zimková, las contralto Kamila Mazalová y Aneta Petrasová- y dos masculinas, las del tenor Ondřej Holub y el bajo Václav Čížek.

Este concierto se inscribe dentro del ciclo transversal #CortedeDresde, que tendrá lugar a lo largo de toda la temporada 20/21 del Centro Nacional de Difusión Musical y cuyo objetivo es acercar al público, a través de 8 conciertos, a la música de esta corte alemana, que en el siglo XVI se había convertido ya en un importante centro político y cultural. Los conciertos que conforman el ciclo recogen el fulgor de dicha corte, en su mezcla de música religiosa, operística, orquestal y de cámara a través de repertorios vinculados a la misma.

Las entradas para el concierto de Collegium 1704 de este domingo tienen un precio general de 12€ a 30€, y descuentos de hasta el 60% para los menores de 30 años y desempleados (entradas de “Último minuto”, con compra desde una hora antes del inicio del concierto en las taquillas de la sala). Pueden adquirirse en las taquillas del Auditorio Nacional y red de teatros del INAEM, en entradasinaem.es y por teléfono en los números 902 22 49 49 y 985 67 96 68.

Bach y Zelenka: las obras en su contexto
Sobre las partituras que se escucharán en el concierto de este domingo, el crítico y musicólogo Pablo J. Vayón ha escrito: “Para sus primeras Navidades en Leipzig, las de 1723, Bach escribió el Magnificat. En algunas fiestas del año de especial solemnidad o vinculadas a María, la obra se cantaba en las iglesias de la ciudad en latín y con gran majestuosidad, y por ello Bach dispuso un amplio dispositivo, con cinco solistas, coro a cinco voces y orquesta en la que no faltaban trompetas y timbal, instrumentos típicos de la música más solemne y espléndida del autor. En aquella primera versión, compuesta en la tonalidad de mi bemol mayor, interpoló en el Magnificat una serie de canciones navideñas.

Después, Bach revisó la obra, la bajó medio tono (re mayor), enriqueció la orquestación (sustituyó las flautas dulces por traversos y añadió oboes d’amore en algunos números) y eliminó las laudas navideñas. Aún se discute la fecha de esta segunda versión. Durante un tiempo, se propusieron los años entre 1728 y 1731, pero Christoph Wolff desechó esta opción y apuntó directamente al 2 de julio de 1733, fiesta de la Visitación, recién terminado el luto por la muerte del elector Augusto II de Sajonia, por lo que coincidiría con el trabajo de Bach sobre el Kyrie y el Gloria de lo que más tarde sería su Misa en si menor y que el compositor envió aquel mismo mes de julio al nuevo elector, que, además, era rey de Polonia como Augusto III.

Los electores de Sajonia tenían su sede en Dresde, que contaba con una de las capillas musicales más prestigiosas y mejor dotadas de la época. A ella estuvo vinculado prácticamente toda su vida Zelenka, como contrabajista en un primer momento en 1710 y, después, entre 1719 y la fecha de su muerte, sumó desde 1721 el cargo de vicemaestro de capilla y desde 1729 el de director de la música de iglesia.

Este último puesto es el que determina que de Zelenka se haya conservado tanta música sacra, incluidas veintidós misas. La Misa Omnium Sanctorum (1741), que estrena en España el Collegium 1704 de Praga, fue la última obra coral del compositor, tercera de un previsto ciclo de seis misas que el músico deseaba escribir como testimonio de su devoción personal, pero que quedó truncado, sin terminar.

En el Magnificat de Bach se alternan los números solistas (aunque sin da capo en las arias) con los destinados al coro, que es algo parecido a lo que hace Zelenka en esta misa, si bien la mayoría de las partes solistas están destinadas al Gloria, con algunos números que rozan la naturaleza operística en su virtuosismo vocal.”

Fotografía: Petra Hajsk

LangLang

Desde el histórico templo Dongjingyuan en Pekín, una introducción muy personal a las Variaciones Goldberg con una breve interpretación de las mismas y un turno de preguntas y respuestas.

Un evento que marca el lanzamiento global de este proyecto en Deutsche Grammophon.

Puedes seguirlo en el canal de Lang Lang de YouTube

 

 

59ª Semana de Música Religiosa de Cuenca

La 59ª edición de la Semana de Música Religiosa de Cuenca, el Festival de Semana Santa por excelencia del panorama musical español, se celebrará del 6 al 12 de abril, en diversas sedes de concierto de la ciudad (Teatro-Auditorio, Iglesia de la Merced, Espacio Torner, Capilla del Espíritu Santo de la Catedral de Cuenca, y la Iglesia de Arcas)

Cristóbal Soler, Director artístico de la SMR desde 2017, ha diseñado un amplia y variada programación, articulada a través de sus diversos apartados (SMR- Semana de Pasión, SMR-Antigua y SMR-Contemporánea), en la que destaca la presencia de numerosos conjuntos e intérpretes de renombre nacional e internacional como la Freiburger Barockorchester, Vox Luminis, Lionel Meunier, Amsterdam Baroque Orchestra & Choir, Ton Koopman, Conductus Ensemble, Andoni Sierra, Nereydas, Javier Ulises Illán, María Espada, La Folía, Guillermo Turina, Iagoba Fanlo, Gabriel Díaz, la Orquesta Sinfónica RTVE, PluralEnsemble, Fabián Panisello o Angélica de la Riva, entre otros.

Johann Sebastian Bach sigue siendo uno de los ejes vertebradores del festival, y además de la Pasión según San Mateo, la 59 SMR presentará J.S.Bach: Pasión, Muerte y Resurrección, cantatas para la Semana Santa”, a cargo de Conductus Ensemble, dirigidos por Andoni Sierra; los recitales Bach y sus coetáneos con la violinista Tetiana Lutsyk, Bach schreibt zeitgenössisch, con el violonchelista Iagoba Fanlo.

La 59 SMR se unirá a la celebración del 250º aniversario del nacimiento de Beethoven, con Obituario a Beethoven, y el pianista Eduardo Fernández.

La 59 SMR presentará diversos proyectos de recuperación del patrimonio musical español, en el que participan intérpretes vinculados a la Comunidad de Castilla-La Mancha: Estruendos sonorosos, con Nereydas y Javier Ulises Illán, con obras de Corselli, Lidón y Porretti; Nebra & Nebra, a cargo de los Músicos de Su Alteza y Luis Antonio González, con obras de José de Nebra Mezquita, albergadas en el Archivo de la Catedral de Cuenca. Otro de los proyectos de recuperación del patrimonio español será la celebración del 550º Aniversario del nacimiento del compositor toledano Francisco de Peñalosa, con Juan Carlos Asensio y su Schola Antiqua.

Altera Bestia para soprano solista y 16 instrumentos, del compositor Jesús Torres será la obra de encargo de la 59 SMR de Cuenca; su texto, en latín, pertenece a un fragmento del Apocalipsis de San Juan. La soprano Isabella Gaudí y el PluralEnsemble, bajo la dirección de Fabián Panisello, protagonizarán su estreno absoluto en el concierto de clausura de la SMR el Domingo de Resurrección.

La 59 SMR se suma a las conmemoraciones del V Centenario de la primera circunnavegación de Magallanes y Elcano con un concierto del grupo barroco La Folía dirigido por Pedro Bonet. El programa dedicado a las músicas de evangelización por las rutas ibéricas que España y Portugal comenzaron a explorar a partir de finales del siglo XV comprende obras en castellano, francés, latín, quechua y chiquitano relacionadas con los tres océanos y los cuatro continentes.

La Academia de la SMR participa en dos citas musicales barrocas: el Stabat Mater de Pergolesi, y Dixit Dominus de Handel.

El cartel de la 59 SMR ha sido diseñado por José María Lillo, artista plástico nacido en Cuenca y formado bajo la influencia de Fernando Zóbel, que actualmente ejerce la docencia en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca.

La SMR presenta una nueva web renovada y con diseño responsivo, que se puede visualizar en todo tipo de dispositivos (móviles, tablets, ordenadores)

Se puede consultar la programación detallada de la 59 SMR en www.smrcuenca.com

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el concierto del joven pianista italiano Giuseppe dentro del XVIII Ciclo de Jóvenes Intérpretes de la Fundación Scherzo el próximo 15 de octubre a las 20:30 en la Sala Roja.

En 2017 Giuseppe Guarrera obtuvo el segundo premio del Montréal International Competition junto con cinco premios más: Premio del Público, mejor recital de la semifinal, premios por su interpretación de obras de Bach, Chopin y varias otras obras obligatorias. Giuseppe nació en Sicilia, terminó sus estudios con el maestro Nelson Goerner en 2018, en la Academia Barenboim- Said de Berlín. Ese mismo año ganó un Galardón de la Fundación Tabor en la Academia del Verbier Festival, recibió una prestigiosa beca del Festival de Piano del Ruhr, a la vez que fue uno de los jóvenes pianistas seleccionados por el Young Classical Artists Trust (YCAT).

Destacan sus colaboraciones con la Orquesta Filarmónica Real de Liverpool, dirigida por Vasily Petrenko; la Orquesta Filarmónica Real; la Orquesta Sinfónica de Montreal, dirigida por Claus Peter Flor, y la Orquesta del Teatro La Fenice, dirigida por D. Kitajenko. Estrenó un nuevo concierto escrito por Benjamin Attahir con el Ensemble Pierre Boulez, dirigido por Daniel Barenboim, en el concierto inaugural de la Sala Pierre Boulez de Berlín. Giuseppe ha tocado en varios lugares de Europa: Studio Flagey de Bruselas, Fundación Louis Vuitton de París, Auditorio Sony de Madrid, Teatros La Fenice de Venecia y Giuseppe Verdi de Trieste, Universidad de Leeds, etc.

El Ciclo de Jóvenes Intérpretes, que realizan en colaboración la Fundación Scherzo y los Teatros del Canal, tiene como objetivo acercar a Madrid a los más destacados jóvenes pianistas nacionales e internacionales y potenciar la carrera de los intérpretes del futuro.

Por este ciclo han pasado la gran mayoría de pianistas españoles jóvenes de renombre; entre ellos se puede citar a Javier Perianes, Iván Martín, Alba Ventura, Judith Jáuregui, Juan Pérez Floristán o José Enrique Bagaría, entre otros. En cuanto a los pianistas foráneos, destacan nombres como Yuja Wang, David Kadouch, Kirill Gerstein, Betrand Chamayou, Alice Sara Ott, Behzod Abduraimov, Daniel Kharitonov o Francesco Piemontesi.

Salvo la Barcarola, única obra de Chopin con este nombre (secuencia ABA) que evoca de lejos cantos venecianos de gondoleros; salvo esa pieza, todo lo demás, hoy, es de comienzos del siglo XX o finales del anterior, un pianismo que cambia y deja atrás la carga romántica, demasiado humana y grandiosa. Así, el siglo XVIII lo transforma Busoni a partir de Bach en pieza del tránsito de su tiempo. Más aún en el Preludio y nocturno del visionario Scriabin, que compuso esta obra todavía en 1894, y que es poema y al mismo ejercicio solo para la mano izquierda.

Miroirs (1905) es uno de los cinco ciclos pianísticos de Ravel. En ellos, muestra cómo cambia y abre (se abre) perspectivos. Los Pájaros tristes de la segunda pieza son sobre todo pájaros abrumados, y los arpegios evocan un melancólico vuelo. Es una pieza lenta, una especie de lamento en el que también hay algo de ‘perpetuo’, “un re sostenido que se repite”. En Une barque sur l’océan la naturaleza ha dejado de ser humana, como el arte trata de dejar de serlo entonces. Alborada sugiere la serenata y la danza de un gracioso de comedia de capa y espada, ya entrado en años, ya torpe, algo ridículo en su ir por ahí de ronda. La guitarra da la serenata y marca la transición hacia o desde la danza, hacia o desde la copla.

El pianismo de Debussy es menos evocador que los títulos de las piezas. Pero ahí se produce la magia. Estas piezas, las Estampas, sugieren, evocan. El qué. Eso es mejor no concretarlo, que lo desarrolle cada cual. El gamelán de Java fue muy importante para Debussy: sonoridades, y sobre todo aquel timbre, el color, la escala pentatónica, mas también aquellas figuras rítmicas: comprendió Debussy que existían otras voces. Así, en Pagodas: percusiones con alturas, fuertes en ocasiones, delicadas, matizadoras: colores, colores. La Soirée dans Grénade es una habanera compleja, por decirlo así, y se nota desde el comienzo mismo en la propuesta de graves y agudos tan alejados, ritmo permanente, adorno, apoyo y desarrollo imprevisibles, ricos. A Falla le pasmaba esta pieza de Debussy, lo mismo que La Puerta del Vino. Nunca había estado Debussy en Granada, no tomó prestados motivos hispánicos, ni siquiera visitó España. Siempre la soñó. Jardins sur la pluie tiene base lejana de canción infantil, es una toccata para correr con las manos por el teclado. Es, si acaso, más lluvia que jardines: por los jardines pasamos a toda velocidad.

La Séptima Sonata de Prokófiev es la segunda las tres llamadas “sonatas de guerra”, y pudo pasar como expresión de rabia y de lucha contra el invasor nazi. Va de un Allegro inquieto, a menudo furioso, hasta un Precipitato (esto, es caída en el vacío). En el Allegro inquieto hay pasajes en calma aparente en una Andantino interior, amenazador y acre. Un Allegro cierra el movimiento, aunque parece más bien una coda que un regreso del tema. El movimiento central, Andante caloroso, es de una calma cantabile que ahora no tiene disfraz. Hay canto, por momento el de un nocturno chopiniano. Hay una tocata que apenas se permite un acelerando concreto. Y llega la página de precipitación, para virtuosos, tres minutos y medio para, con una base rítmica endiablada (7/8), con tres bloques temáticos distintos.
Santiago Martín Bermúdez, crítico musical, y patrono de la Fundación Scherzo

El próximo martes 11 de junio, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) cierra su ciclo UNIVERSO BARROCO, programado en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música de Madrid, con Philippe Herreweghe al frente de su conjunto Collegium Vocale Gent. Considerado uno de los mejores conjuntos del mundo especializado en la interpretación de la obra de Bach, en esta visita presentan la Misa en si menor, magnas obra coral del Cantor. Las sopranos Dorothee Mields y Hana Blazikova, junto al contratenor Alex Potter, el tenor Thomas Hobbs y el bajo Kresimir Strazanac forman el plantel de solistas destacados en esta velada bachiana.

Collegium Vocale Gent fue fundado en 1970 por un grupo de amigos estudiantes de la Universidad de Gante bajo la iniciativa de Philippe Herreweghe. Fue uno de los primeros ensembles que aplicó un novedoso enfoque en la música vocal barroca. Su visión auténtica, con respeto a los textos y retórica, dio al grupo el sonido transparente con el que se ha ganado fama internacional presentándose en las principales salas de conciertos de Europa, Estados Unidos, Rusia, Sudamérica, Japón, Hong Kong y Australia. Desde 2007 el ensemble dirige su propio festival de verano Collegium Vocale Crete Senesi, en la Toscana, Italia.

En los últimos años, Collegium Vocale Gent ha crecido orgánicamente, convirtiéndose en un ensemble extremamente flexible, cuyo amplio repertorio engloba una gran gama de distintos periodos estilísticos. El Barroco alemán, particularmente la obra vocal de J.S. Bach, llegó a ser en poco tiempo la especialidad del grupo y sigue todavía siendo la “joya de la corona”. Hoy en día presenta esta música con un pequeño ensemble en el que los cantantes hacen tanto las partes de solistas como de las de coro. Aparte de usar su propia orquesta barroca, el grupo trabaja habitualmente con diversos prestigiosos ensembles de instrumentos originales para presentar estos proyectos, tales como la Orchestre des Champs Elysées, Freiburger Barockorchester y Akademie für Alte Musik Berlin.

Las ultimísimas localidades para este concierto están a la venta en las taquillas del Auditorio Nacional de Música, en la web www.entradasinaem.es y en el teléfono 902 22 49 49, con precios que van de los 15€ a los 40€.

Herreweghe: el corazón de Bach
Philippe Herreweghe nace en Gante donde combina sus estudios en la universidad con la formación musical en el conservatorio, donde estudió piano con Marcel Gazelle. Durante este mismo periodo empezó a dirigir y en 1970 fundó el ensemble Collegium Vocale Gent. En poco tiempo, Nikolaus Harnoncourt y Gustav Leonhardt notan su excepcionalidad y es invitado a trabajar con ellos en su proyecto de grabación de todas las cantatas de J.S. Bach.

Su enfoque dinámico, auténtico y retórico hacia la música barroca pronto le ganó elogios con la crítica. En 1977 forma el ensemble La Chapelle Royale en Paris, con la cual toca música de la Edad de Oro Francesa. Entre 1982 y 2002 es el director artístico de la Académies Musicales de Saintes. Durante este período funda otros ensembles que usa en conjunto uno con el otro o por separado, para alcanzar la interpretación apropiada a cada repertorio, desde el Renacimiento a la música contemporánea. Estos ensembles incluyen el Ensemble Vocal Européen, especializado en polifonía del Renacimiento y la Orchestre des Champs Elysées, fundada en 1991 cuyo fin es recrear el resplandor del repertorio romántico y pre-romántico en instrumentos originales. Philippe Herreweghe y el Collegium Vocale Gent, han trabajado intensamente en el desarrollo de un gran coro sinfónico a nivel europeo. Desde 2001 Herreweghe es el director artístico de la Accademia delle Crete Senesi, desde 2017 este proyecto pasa a ser denominado Festival Collegium Vocale Crete Senesi en Toscana, Italia. Siempre en búsqueda de nuevos desafíos musicales, en los últimos años ha trabajado muy activamente con el gran repertorio sinfónico desde Beethoven a Stravinski. Desde 1997 ha sido director principal de la Antwerp Symphony Orchestra (deFilharmonie) tanto como director principal como invitado. Dirige regularmente como director invitado orquestas como Ámsterdam Concertgebouw Orchestra, la Gewandhaus Orchestra de Leipzig la Scottish Chamber Orchestra y la Tonhalle Orchester de Zúrich.

Durante años, Herreweghe ha construido una discografía extensa de más de 120 grabaciones con todos estos ensembles diferentes, para sellos como Harmonia Mundi France, Virgen Classics y Pentatone. En 2010 funda junto con Outthere Music, su propio sello discográfico φ (PHI) para poder actuar con una completa libertad artística en la construcción de un amplio y variado catálogo. En su haber destacan un gran número de premios y títulos de diferentes lugares de Europa por su visión artística constante y su incansable compromiso con la música. En 1990 la prensa Europea de música lo denomina “Musical Personality of the Year” y en 1993, junto con Collegium Vocale Gent, es nombrado Embajador Cultural de Flandes. Al año siguiente es nombrado Caballero de las Artes y de las Letras de Bélgica, y en 1997 recibe el Doctor honoris causa por la Universidad Católica de Lovaina. En 2003 recibe el prestigiosos título Chevalier de la Légion d’Honneur del gobierno francés. En 2010, la ciudad de Leipzig le concede la “Bach-Medaille”, por su enorme servicio como intérprete de Bach. En 2017 recibió un Doctorado Honorario por la Universidad de Gante.

Fotografía: Wouter Maeckelberghe

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan dos programas dirigidos al público familiar interpretados por la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (JORCAM) los días 12 y 18 de mayo de 2019.

En primer lugar, el día 12 de mayo, los integrantes de los Pequeños Cantores de la JORCAM interpretarán en la Sala Verde el programa Música en colores II. Un repertorio en el que las propias obras reflejarán con su musicalidad distintos colores y los ambientes que los evocan con obras como Las nubes en el cielo azul de Holst, Green songs y Cuatro baladas amarillas de Chilcott o Acuarelas de Antón García Abril.

El día 18 el grupo Timbarimba realizará un apasionante recorrido por el mapamundi a través de las experiencias de una marimba viajera. Desde música de autores clásicos, como Bach y Mozart, hasta canciones pop actuales, pasando por música folklórica, étnica y bandas sonoras.

El Grupo Timbarimba está especializado en diseñar y protagonizar espectáculos con un carácter divulgativo para el público familiar, donde niños y mayores pueden disfrutar de la música. Timbarimba son tres profesionales percusionistas con formación musical, alma de clown y espíritu artístico.

En su décima edición, el Ciclo Ibercaja de Música ha consolidado su actividad manteniendo un sello de calidad e innovación, dirigiendo su oferta a todo tipo de público, y conservando el compromiso con los conciertos didácticos y familiares, en un formato ameno y, a la vez, formativo. De la mano de la JORCAM, un proyecto joven con una gran conexión con la sociedad, este ciclo está diseñado para brindar una oportunidad a jóvenes intérpretes, con el fin de que puedan compartir su talento y creatividad.

La Joven Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (JORCAM), en sus diferentes formaciones (Joven Orquesta, Jóvenes y Pequeños Cantores y la Camerata Infantil Fundación BBVA) está integrada por unos 370 jóvenes (210 instrumentistas y en torno a 160 voces). Su objetivo principal es ampliar y desarrollar los conocimientos musicales a fin de facilitar y preparar a sus miembros para un futuro acceso a las agrupaciones profesionales. Este aprendizaje se realiza a través del conocimiento y la práctica del repertorio coral y orquestal, de la experiencia en agrupaciones de cámara, de la participación en proyectos artísticos integrales como la danza, el teatro musical, la ópera, etc.

Programa 12 mayo

Acuarelas A. García Abril
KolorezkoKaiola D. Azurza
Cuatro baladas amarillas B. Chilcott
Cuckoo, Jazz-man, Old Abram B. Britten
El Cañaveral R. Alarco
Viento que sopla J. Busto
Nigra sum P. Casals
Gaubeltza D. Azurza
Mi padre tiene un castillo A. García Abril
El manguito M. Bor
Tres hojitas R. Lluch
Green Songs B. Chilcott
Las nubes en el cielo azul G. Holst
Lullaby in Blue B. Chilcott
El mar azul A. Grau
Paramparam D. Azurza

Programa 18 de mayo
Sonata para violín nº2 (Adagio) J. S. Bach
Rondó a la Turca W. A. Mozart
Ghanaia M. Schmitt
The Entertainer S. Joplin
Srpska Igra N. J. Zivkovic
Sweet Dreams P.I.Tchaikowsky
Remains of the day D. Elfman
The Little Mermaid A. Menken & H. Ashman
La Tortuga Arr. P. Spiesser
Spain C. Corea

Jan Lisiecki

Con apenas 23 años, ya es uno de los pianistas más prometedores de su generación. El canadiense Jan Lisiecki se encargará del último recital de la temporada del Ciclo Grandes Intérpretes de la Fundación Scherzo que ha reunido a grandes maestros del piano con jóvenes y sobresalientes artistas. El concierto de este músico exclusivo del sello Deutsche Grammophon tendrá lugar el martes 11 de diciembre a las 19:30 horas en el Auditorio Nacional de Música de Madrid. Sonarán obras de Bach, Chopin –uno de sus compositores predilectos-, Beethoven, Mendelssohn y Rachmaninov.

El artista ha destacado por su extraordinaria madurez interpretativa, sonido distintivo y sensibilidad poética. Sus sutiles interpretaciones, con una técnica depurada y una afinidad artística natural, le dan una voz musical que contrasta con su edad. El concierto de Madrid será el segundo de una gira por España que incluye Girona (10 de diciembre, Auditori de Girona) y Alicante (12 de diciembre, Auditorio Principal).

Nacido en Calgary en 1995, de padres polacos, Jan Lisiecki comenzó a estudiar piano a los cinco años y aunque realizó su debut orquestal a los nueve, siempre ha rechazado la etiqueta de “niño prodigio”. Su acercamiento a la música es una combinación de dedicación, habilidad y entusiasmo, además de una perspectiva realista sobre la carrera de un músico. “Puede ser que tenga la suerte de tener talento, pero también se trata de dedicación y trabajo duro“, ha declarado. Su contrato con el sello Deutsche Grammophon en 2011, a los 15 años de edad, confirmó su estatus entre los pianistas más imaginativos y poéticos de su generación.

Jan Lisiecki llamó la atención internacional en 2010, después de que el Instituto Fryderyk Chopin lanzara una grabación de los conciertos para piano de Chopin, tocadas en directo por él a la edad de 13 y 14 años. El disco recibió el prestigioso Diapason Découverte. Deutsche Grammophon lo contrató en exclusiva en 2011. Su primera grabación para este sello, en 2012, incluía los conciertos para piano K.466 y K.467 de Mozart; seguidos, en 2013, por los Etudes op. 10 y 25, de Chopin. Su tercer álbum fue lanzado en enero 2016 con obras de Schumann. Entre sus últimos trabajos se encuentran obras para piano y orquesta de Chopin con la Orquesta NDR de la Filarmónica del Elba y Krzysztof Urbański.

Actúa con las principales orquestas del mundo, como la Orchestre de Paris, la Filarmónica de Nueva York y la BBC Symphony; en lugares como Suntory Hall, Kennedy Center, Lincoln Center, Barbican y el Royal Albert Hall; y dirigido por maestros como Pappano, Nézet-Séguin, Harding y Zukerman.

Debutó en Carnegie Hall en 2016 con la Philadelphia Orchestra y Nézet-Séguin. En la temporada 2015/16 actuó con la Orquesta Sinfónica de Bamberg en Lucerna, actuó por primera vez con la Cleveland Orchestra y San Francisco Symphony, e hizo giras -incluida una por Europa con la Zurich Kammerorchester- que lideró desde el piano. En la temporada 2016/17, actuó por todo el mundo, incluyendo una gira con la London Philharmonic que le trajo a España junto a Jurowski. Participó además en la actuación de apertura del festival de la nueva Elbphilharmonie en Hamburgo junto a Nézet-Séguin. Entre los compromisos de esta temporada destacan actuaciones en Estados Unidos con la Indianapolis Symphony Orchestra y Urbański, recitales en Hong Kong y Pekín, conciertos en Hamburgo junto a la Orquesta NDR de la Filarmónica del Elba o en Berlín, con la Royal Philharmonic Orchestra y Lionel Bringuier, entre muchos otros.

En 2013 recibió el Premio Leonard Bernstein en el Festival de Música Schleswig-Holstein y fue nombrado Joven Artista del Año por la revista Gramophone. Lisiecki está involucrado en obras benéficas. Actúa para organizaciones como la Fundación David Foster, la Organización Humanitaria Polaca y la Fundación Wish Upon a Star. En 2012 fue nombrado Embajador de UNICEF Canadá después de haber sido representante nacional de la juventud desde 2008

El concierto de Lisiecki será el último de la 23ª temporada del Ciclo Grandes Intérpretes de la Fundación Scherzo. A lo largo de 2018, pianistas de amplia experiencia como Mitsuko Uchida, Grigori Sokolov o Radu Lupu han compartido escenario con jóvenes y talentosos artistas como Yuja Wang, Behzod Abduraimov o Benjamin Grosvenor; además del concierto extraordinario ofrecido por el director Gustavo Dudamel y la Mahler Chamber Orchestra, y el de la mezzosoprano Cecilia Bartoli con La cenerentola.

El precio de las entradas se sitúa a partir de los 25 euros. Los jóvenes menores de 26 años podrán asistir a los conciertos por 10 euros si acuden a la taquilla del Auditorio Nacional media hora antes del comienzo del concierto. A lo largo de las más de dos décadas de vida de este ciclo patrocinado por El País y la Cadena Ser, han actuado casi un centenar de pianistas en más de 200 conciertos. Estas cifras lo han convertido en uno de los mejores ciclos en su especialidad a nivel europeo.

PROGRAMA MARTES 11 DE DICIEMBRE DE 2018
Auditorio Nacional de Música de Madrid, 19:30 horas

  1. S. BACH

Partita nº5 en Sol Mayor, BWV 829

  1. CHOPIN

Nocturno op. 27

  1. V. BEETHOVEN

Sonata nº14, op. 27, nº2 “Claro de luna“

  1. MENDELSSOHN

Canciones sin palabras, op. 62

  1. CHOPIN

Nocturno, op. 37

  1. RACHMANINOV

Preludios, op. 23

  1. CHOPIN

Balada nº1 en Sol menor, op. 23

Fotografía: Holger Hage

Benjamin Grosvenor

Conocido por sus eléctricas y penetrantes interpretaciones, el joven pianista británico Benjamin Grosvenor será el encargado de reanudar la programación del Ciclo Grandes Intérpretes de la Fundación Scherzo tras el parón veraniego. Grosvenor, uno de los intérpretes más solicitados del mundo, debutará el próximo 9 de octubre en el escenario del Auditorio Nacional de Música con un programa que incluye obras de Bach, Mozart, Chopin, Granados y Ravel.

El crítico de The New York Times David Allen ha dicho de él que manda en el escenario con una facilidad aristocrática… Grosvenor te hace suspirar con alegría… una característica extraña en el pasado, y mucho más en la actualidad”. Su virtuosa inspiración en las más extenuantes complejidades técnicas nunca compromete la profundidad y la inteligencia de sus interpretaciones. Grosvenor es reconocido por su sonido personal y descrito como “poético y sutilmente irónico, brillante, de mente clara pero con humor, todo lo traduce de forma maravillosa a través de un detalle nítido” (The Independent).

En 2004, a los 11 años, Grosvenor ganó la final de piano de la BBC Young Musician Competition. Desde entonces, se ha convertido en un pianista internacionalmente reconocido, realizando conciertos con orquestas de renombre como la Filarmónica de Londres, RAI Torino, la Orquesta Filarmónica de Nueva York, Philarmonia Orchestra, Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig, Tokyo Symphony; y se ha presentado en el Royal Festival Hall, Barbican Centre, Victoria Hall de Singapur, The Frick Collection y en el Carnegie Hall, entre otras.

Con 19 años, Benjamin actuó con la BBC Symphony en la primera noche de los BBC Proms, llenando el Royal Albert Hall. Volvió a los BBC Proms en 2012 junto con la Royal Philharmonic Orchestra y Charles Dutoit y, en 2014, con la Orquesta Filarmónica de la BBC y Gianandrea Noseda. En 2015 debutó en la última noche de este ciclo de conciertos con la BBC Symphony Orchestra y Marin Aslop.

Entre sus recientes y próximos proyectos destacan sus colaboraciones con la Boston Symphony, la Orquesta Sinfónica de la Radio Finesa, la Orquesta Gürzenich de Colonia, con las orquestas de Cleveland, Gulbenkian y Hallé, la Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig, la Filarmonica della Scala; así como sus proyectos con la London Symphony y las orquestas de Melbourne, San Francisco, Singapur, Tokio y la Washington National Symphony. Entre sus principales recitales destacan sus actuaciones en el Konzerthaus de Viena, Théâtre des Champs Elysées de París, Muziekgebouw de Ámsterdam, Carnegie Hall de New York, Konzerthaus de Berlín, Barbican Centre de Londres, Musashino Civic Cultural Hall de Tokio, los festivales de Lucerna y Gilmore, La Roque d’Antheron, en las series internacionales del Southbank Centre, así como su primera gira por Latinoamérica.

En España, Grosvenor debutó en el Palau de la Música Catalana (Piano 100) antes de llegar este 2018 al ciclo de Grandes Intérpretes en el Auditorio Nacional de Madrid. El próximo año hará su primera actuación con la Orquesta Nacional de España y regresará al Palau de la Música Catalana.

Grosvenor es artista exclusivo de Decca y firmará discos después del recital.

Este será el séptimo concierto de la 23ª temporada del Ciclo Grandes Intérpretes de la Fundación Scherzo. Además de la de Grosvenor, el público podrá disfrutar de otras tres citas más: Murray Perahia (13 noviembre); Jan Lisiecki (11 diciembre); y el concierto extraordinario ofrecido por el director Gustavo Dudamel – que cosechó un enorme y sonado éxito en la anterior temporada – que regresa al ciclo al frente de la Mahler Chamber Orchestra (20 de septiembre). A lo largo de 2018, pianistas de amplia experiencia como Mitsuko Uchida, Grigori Sokolov o Radu Lupu, han compartido escenario con jóvenes y talentosos artistas como Yuja Wang.

El precio de las entradas se sitúa a partir de los 25 euros. Los jóvenes menores de 26 años podrán asistir a los conciertos por 10 euros acudiendo a la taquilla del Auditorio Nacional media hora antes del comienzo del concierto. A lo largo de las más de dos décadas de vida de este ciclo patrocinado por El País y la Cadena Ser, han actuado casi un centenar de pianistas en más de 200 conciertos. Estas cifras lo han convertido en uno de los mejores ciclos en su especialidad a nivel europeo.

PROGRAMA MARTES 9 DE OCTUBRE DE 2018
Auditorio Nacional de Música de Madrid, 19:30 horas

J. S. BACH
Suite Francesa nº5 en Sol Mayor, BWV 81
W. A. MOZART
Sonata nº13 en Si bemol mayor, K. 333
F. CHOPIN
Barcarola op. 60
E. GRANADOS
Dos piezas de Goyescas:
Los requiebros
La maja y el ruiseñor
M. RAVEL
Gaspard de la Nuit
Sylvia Schwartz

La soprano española Sylvia Schwartz sustituirá a la también soprano Nuria Rial, que ha tenido que cancelar en el último momento por enfermedad, en los conciertos con la Orquesta y Coro Nacionales de España del Sinfónico 12, del viernes 9 al domingo 11 de febrero. La obra programada es Matthäuspassion (La Pasión según San Mateo), BWV 244, de Johann Sebastian Bach, dirigida por el maestro David Afkham.

Sylvia Schwartz es una de las cantantes liricas más apasionantes de su generación. Entre los compromisos próximos para esta temporada 2017/2018 se incluyen producciones como Don Giovanni and Falstaff con la Orquesta del Festival de Budapest tanto en Budapest como en una gira por Asia; Fidelio en Japón con la Filarmónica de Tokio; conciertos en toda Europa, incluido el Théâtre des Champs-Élysées; y recitales en Amberes, Oxford, Londres, Montreal y Toronto.

Sylvia se ha presentado en muchos de los mejores teatros de ópera del mundo y festivales como La Scala de Milán, Óperas de Berlín, Viena, Baviera, el Teatro Bolshoi, y festivales como el Maggio Musicale Fiorentino, Edimburgo, Baden Baden, Salzburgo y Verbier.

En el ámbito de concierto Sylvia Schwartz es una artista muy solicitada, habiendo trabajado con pianistas como Wolfram Rieger, Charles Spencer y Malcolm Martineau; y con directores como Claudio Abbado, Daniel Barenboim, Philippe Jordan, Rene Jacobs, Fabio Luisi, Nikolaus Harnoncourt, Sir Colin Davis, Gustavo Dudamel, Patrick Fournillier, Marc Minkowski, Ivor Bolton, Yves Abel, Jean Christophe Spinosi, Helmut Rilling y Christopher Hogwood .

Algunos de los momentos más destacados de las últimas temporadas han sido los conciertos de El Barbero de Sevilla con Jean-Christophe Spinosi, el papel de María en la producción de The Sound of Music en el Theatre du Chatelet de Paris, el cuarteto con Bernarda Fink, Michael Schade y Thomas Quasthoff en una gran gira por los EE.UU. y Europa, así como recitales en las Schubertiade de Schwarzenberg, en la serie de recitales Rosenblatt en el Wigmore Hall, y en el Festival de Verbier, entre otros.

Más información.

ccademia Bizantina

El famoso ensemble de música barroca, la Accademia Bizantina, fundado en la ciudad italiana de Ravenna en 1983, acaba de sacar al mercado su último proyecto discográfico en el sello DECCA: “Bach: The Art of Fugue”. Ottavio Dantone, clavecinista y director de la prestigiosa Accademia Bizantina, ofrece una renovada versión de Die Kunst der Fuge, BWV 1080 de Johann Sebastian Bach (1685 -1750), de carácter pedagógico, que pretende hacer comprender, desde el punto de vista musical y expresivo, una forma tan compleja como la fuga.

“No buscar entre los entretejidos del contrapunto los sublimes placeres y las dulces emociones que esconden, supone no rendir justicia al extraordinario trabajo de Bach, una síntesis sin parangón de arte y ciencia, intensidad expresiva e intelecto.” (Ottavio Dantone)

Fieles a su filosofía de una auténtica baroque revolution y con el objetivo de acercar la música antigua a un público contemporáneo, el conjunto italiano presenta un videoclip promocional dirigido por Marco Boarino, y grabado en el Teatro Goldoni de Bagnacavallo (Ravenna)

Ars Fagoto

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan Ars fagoto. Un viaje por el Barroco, un concierto interpretado por un cuarteto de dos fagotes, violonchelo y clave, tres instrumentos imprescindibles de la época, que se podrá disfrutar el próximo domingo 29 de octubre en la Sala Verde. Es uno de los conciertos en familia del Ciclo Ibercaja de Música, una serie de 8 conciertos matinales con los que se pretende acercar a toda la familia diferentes cuentos, anécdotas y curiosidades a través de la música.

El grupo Ars Fagoto nace en 2016 promovido por la amistad que une a sus integrantes con el propósito de difundir la música a través del fagot, al que consideran un gran desconocido. La necesidad de dar a conocer tanto el instrumento como su repertorio les lleva a plantear conciertos de cámara y conciertos dirigidos a las familias.

El programa pone en valor el Barroco como periodo histórico musical fascinante transportando al espectador a otro tiempo y conectándolo con la actualidad por su fuerza y carácter en los ritmos y sonoridades. Tres instrumentos imprescindibles en esta época, clave, chelo y fagot, se ponen en escena para interpretar obras representativas de los más grandes compositores del periodo, haciendo que el fagot pase de ser un acompañante a convertirse en el más virtuoso de los instrumentos.

En su novena edición, el Ciclo Ibercaja de Música consolida su actividad manteniendo un sello de calidad e innovación, dirigiendo su oferta a todo tipo de público, conservando el compromiso con los conciertos didácticos y familiares, en un formato ameno y, a la vez, formativo. De la mano de la JORCAM, un proyecto joven con una gran conexión con la sociedad, este ciclo está diseñado para brindar una oportunidad a jóvenes intérpretes, para que puedan compartir su talento y creatividad.

La Joven Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (Jorcam), en sus diferentes formaciones (Joven Orquesta, Jóvenes y Pequeños Cantores y la Camerata Infantil Fundación BBVA) está integrada por unos 370 jóvenes (210 instrumentistas y en torno a 160 voces). Su objetivo principal es ampliar y desarrollar los conocimientos musicales a fin de facilitar y preparar a sus miembros para un futuro acceso a las agrupaciones profesionales. Este aprendizaje se realiza a través del conocimiento y la práctica del repertorio coral y orquestal, de la experiencia en agrupaciones de cámara, de la participación en proyectos artísticos integrales como la danza, el teatro musical, la ópera, etc.

Programa

Te Deum, H. 146 / M. A. Charpentier (1643-1704)

Canon en re mayor, P. 37 / J. Pachelbel (1653-1706)

Concierto para dos violonchelos / F. Couperin (1668-1733)

Sonata en mi menor, TWV 41:e5 / G. P. Telemann (1681-1767)

Sonata nº 2 en fa mayor, RV 41 / A. Vivaldi (1678-1741)

La fábula de Orfeo / C. Monteverdi (1567-1643)

Trío Sonata en sol mayor, BWV 1039 / J. S. Bach (1685-1750)

Trío Sonata nº 8 en sol menor, HWV 393 / G. F. Händel (1685-1759)

La Folía de España / Anónimo

Música para los Reales Fuegos Artificiales, HWV 351 /

  1. F. Händel (1685-1759)

Arreglos y adaptaciones: Ars Fagotto

Bejun Mehta
El domingo 23 de abril a las 19.30 horas, el ciclo Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta su penúltima cita en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música de Madrid con “Cantata” recital del contratenor Bejun Mehta acompañado por la reputada Akademie Für Alte Musik Berlin. Mehta vuelve a la temporada barroca del CNDM tras su espléndido Orfeo de Gluck de hace tres temporadas y tras el reciente éxito como Bertarido en la ópera Rodelinda de Haendel programada en el Teatro Real de Madrid. Mehta, uno de los contratenores más refinados de su cuerda, presenta un programa que nos acercará a la época álgida de los castrati, recreando un universo poliédrico que contiene arias de oratorios ingleses de Haendel junto a cantatas sacras y profanas de Bach y Vivaldi. Un viaje que nos transportará al corazón musical del siglo XVIII.

Considerado uno de los contratenores actuales más reputados, Bejun Mehta es invitado habitual de las principales salas internacionales de ópera y concierto. El estadounidense es, durante la presente temporada, Artista Residente en la Filarmónica de Dresde, donde está demostrando su versatilidad artística con cuatro programas diferentes como cantante y director, en los que presenta arias de las grandes óperas y oratorios de Haendel y Mozart además de la obra Dream of the Song de George Benjamin, cantata escrita para él y ya estrenada en Francia y Estados Unidos. En la escena operística acaba de obtener un gran éxito en el Teatro Real de Madrid como Bertarido en Rodelinda de Haendel.

Otras producciones le han llevado a interpretar a Farnace en Mitridate de Mozart en la Royal Opera House de Londres, el papel protagonista de Tamerlano de Haendel en Teatro alla Scala de Milán y Oberon en A Midsummernight’s Dream de Britten. Entre sus momentos más destacados de las últimas temporadas se incluyen el estreno mundial de Stilles Meer de Toshio Hosokawa para la Staatsoper de Hamburgo (papel de Stephan), que volverá a interpretarse en la temporada 17/18, y una nueva producción de Orfeo ed Euridice de Gluck bajo la dirección de Daniel Barenboim en la Staatsoper de Berlín. Además de su trabajo como cantante, Mehta está impulsando su faceta como director con un par de compromisos por temporada, caso de su labor con la Filarmónica de Dresde, y está ofreciendo clases magistrales de Canto, como las impartidas dentro del Proyecto de Jóvenes Cantantes del Festival de Salzburgo. Mehta cuenta con un amplio catálogo de discos, entre los que se encuentran Che Puro Ciel, una colección de arias clásicas con la Akademie für Alte Musik Berlin y René Jacobs, publicado en otoño de 2014 por Harmonia Mundi y galardonado con Le Diamant d’Opera Magazine y Choc de Classica y el disco en directo de Dream of the Song de George Benjamin con la Orquesta del Concertgebouw de Ámsterdam y George Benjamin dirigiendo, publicado en 2016 dentro de las series RCO Live, Horizon7 de dicha orquesta.

PROGRAMA:
George Frideric Haendel (1685-1759)
Siete rose rugiadose (1711/12)
Cantata Mi palpita il cor (ca.1709)
Antonio Vivaldi (1678-1741)
Concierto para cuerdas en re menor ‘Madrigalesco’ (ca. 1720)
Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Cantata Ich habe genug (1727)
Johann Christoph Bach (1642-1703)
Cantata (lamento) Ach dass ich wasser g’nug hätte zum weinen
A. Vivaldi
Cantata Pianti, sospiri e dimandar mercede
Antonio Caldara (1670-1736)
De La Passione di Gesù Cristo Signor Nostro
Sinfonía para cuerdas y continuo nº 12 en la menor (1730)
Melchior Hoffmann (1679-1715)
Schlage doch, gewünschte Stunde (atribuida a J.S. Bach)
G.F. Haendel
I will magnify Thee (1717/18)

Angela Hewitt ha llevado la música de Johann Sebastian Bach por todo el mundo hasta convertirse en una de las mejores intérpretes del repertorio del maestro barroco. Ahora, debuta en el Ciclo Grandes Intérpretes de la Fundación Scherzo con un concierto el próximo 18 de abril, a las 19:30 horas, en el Auditorio Nacional de Música. El recital, que marca el ecuador de esta 22ª temporada del ciclo, incluye también una selección de Sonatas de Scarlatti; Sonatine, de Ravel; y Bourrée fantasque, de Chabrier.

Una de las pianistas actuales más destacadas, Hewitt aparece habitualmente en recitales junto a las orquestas más importantes del mundo. En 2015 entró en el Salón de la fama de Gramophone. Sus grabaciones y actuaciones de Bach han sido especialmente alabadas, convirtiéndola en una de las intérpretes actuales más importantes de la obra del compositor alemán.

En otoño de 2016, Hewitt se embarcó en un gran proyecto con el título The Bach Odyssey, que comprende todos los trabajos de Bach para piano en una gira de 12 recitales durante cuatro años. La pianista actuará en grandes ciudades y lugares de todo el mundo, incluido el Wigmore Hall de Londres, el National Arts Centre de Ottawa, así como en Tokio y Florencia. Otros recitales destacados de esta temporada incluyen Vienna Konzerthaus, Birmingham Town Hall, Bath Mozartfest, Rotterdam’s De Doelen, Sociedad Filarmónica de Bilbao y una gira por Australia junto a Música Viva. Durante el verano de 2015, Hewitt fue residente en el Shakespeare’s Globe de Londres.

Otro de los aspectos más memorables de la temporada 2016/17 son las actuaciones junto a las orquestas Baltimore Symphony y Winnipeg Symphony, la Duisburger Philharmoniker y la Orchestre Symphonique de Montreal. En la primavera de 2017 inició una gira por el Reino Unido junto a la Tonkünstler Orchestra de Viena. Sus apariciones más recientes han sido con orquestas como la Toronto Symphony Orchestra, Washington’s National Symphony Orchestra y de nuevo una gira asiática con la Academy of St. Martin-in-the-Fields.

La pianista ha ganado varios premios por sus grabaciones y cosechado elogios en todo el mundo. Su álbum The Art of Fugue, de Bach, fue publicado en 2014 y su proyecto desarrollado a lo largo de una década para grabar los trabajos principales de Bach para piano, publicado con el sello Hyperion, ha sido descrito por The Sunday Times como “una de las grabaciones más esplendorosas de nuestra era”.

Entre sus últimos álbumes está la sexta entrega de las Sonatas de Beethoven una nueva grabación de las Variaciones Goldberg, de Bach, y la sinfonía Turangalîla de Messiaen, con la Finnish Radio Symphony Orchestra y Hannu Lintu. El primer disco en el que aborda las Sonatas de Scarlatti fue publicado en la primavera de 2016. Su discografía también incluye discos de Mozart, Schumann, Couperin y Rameau.

Nacida en una familia de músicos, Angela Hewitt comenzó sus estudios de piano a los tres años, sus primeras actuaciones con público fueron a los cuatro años y, un año después, consiguió su primera beca escolar. Estudió junto a Jean-Paul Sévilla y, en 1985, ganó el Concurso Internacional de Piano de Bach de Toronto. En 2006 recibió la Orden del Imperio Británico y fue nombrada Companion de la Orden de Canadá en 2015. Vive en Londres, pero también tiene casas en Ottawa e Italia, donde ejerce como Directora Artística del festival musical de Trasimeno.

La 22ª temporada de Grandes Intérpretes, en la que debutará Hewitt, fue inaugurada por el pianista Daniil Trifonov. Entre los meses de enero y noviembre de 2017 están programados una decena de conciertos. La 22ª edición del Ciclo Grandes Intérpretes reunirá a músicos de la talla de Sokolov, Zacharias o Ashkenazy.

Minkowski y Bach

Les Musiciens du Louvre, considerada una de las mejores orquestas del mundo dedicadas a la música barroca, debutan en Ibermúsica con una obra emblemática: la Pasión según San Juan, BWV 245, de Johann Sebastian Bach, una pieza escrita para voces solistas, coro y orquesta, basada en el Evangelio de San Juan. En el concierto que tendrá lugar el jueves 6 de abril en el Auditorio Nacional de Música, la agrupación francesa estará dirigida por su fundador, Marc Minkowski.

Del músico de Leipzig han llegado a nuestros días dos pasiones, la que abordarán Les Musiciens en la 47ª temporada de Ibermúsica y la de San Mateo (BWV 244). Ambas composiciones están consideradas como las más destacadas de este género en la historia de la música. En el caso de la Pasión según San Juan –estrenada el Viernes Santo de 1724 en la Iglesia de San Nicolás, Leipzig– se trata de una obra más, tensa y dramática que la dedicada al Evangelio de San Mateo.

LES MUSICIENS DU LOUVRE

Fundada en 1982 por Marc Minkowski, esta orquesta ofrece una reinterpretación del repertorio lírico y sinfónico desde el período Barroco hasta el Moderno con instrumentos de época. A lo largo de su historia ha forjado su reputación con exitosas representaciones de Haendel, Purcell y Rameau; pero también de Haydn y Mozart (Misa en do menor) y más recientemente de Bach (Misa en si menor, Pasión de San Juan) o de Schubert (la integral de las sinfonías) en grabación y en concierto.

También es muy apreciado por su interpretación de la música francesa del siglo XIX. Ha organizado proyectos focalizados en Berlioz (Sinfonía Fantástica, Les Nuits d’été, Harold en Italie), Bizet (música adicional para L’Arlésienne) y Massenet (Cendrillon).

Sus éxitos líricos más recientes son Alceste (Opéra Garnier, París); Orfeo ed Euridice, de Gluck (Salzburgo, Grenoble); Platée, de Rameau (Opéra Garnier, París); una Gala Mozart para celebrar los 30 años de la Orquesta; Cuentos de Hoffmann, de Offenbach (Salle Pleyel, París); El holandés errante; de Wagner (Versailles Opéra, Grenoble, Konzerthaus de Viena, Palau de la Música, Theater an der Wien); Lucio Silla, de Mozart (Mozartwoche, Festival de Verano de Salzburgo y Festival de Bremen, donde la orquesta es regularmente invitada desde 1995); Las bodas de Fígaro (Versailles Opéra) y Fidelio (Wienerfestwochen).

En esta temporada, Les Musiciens ha sido testigo de la creación del segundo opus de la Trilogía Mozart/ Da Ponte, Don Giovanni en Versalles, Armide (Gluck), al mismo tiempo que Alcina (Haendel) en Wiener Staatsoper, que serán escuchadas en versión de concierto en Burdeos y París. Asimismo han interpretado un programa de sinfonías y un concierto de Mozart y Haydn en la Ópera Nacional de Lyon y en Grenoble, donde han compartido escenario con la violonchelista Anne Gastinel.

En cuanto a su discografía, después de grabar la integral Sinfonías londinenses de Haydn para Naïve (2010) y Sinfonías de Schubert (2012), la Orquesta publicó El holandés errante de Dietsch y de Wagner (2013).

MARC MINKOWSKI

Desde muy joven, Marc Minkowski decidió convertirse en director. A los 19 años fundó Les Musiciens du Louvre, que ha jugado un papel muy activo bajo su liderazgo en el renacimiento de la interpretación Barroca. Inicialmente, el grupo se centró en los compositores franceses y la música de Haendel antes de expandir su repertorio para incluir a Mozart, Rossini, Offenbach y Wagner.

Es invitado habitual en las salas de París, donde ha dirigido producciones como Platée, Idomeneo, La flauta mágica, Ariodante y Alceste en la Ópera Nacional; La Bella Helena, Carmen y Die Feen en Théâtre du Châtelet; así como La dama blanca, Pelléas et Mélisande y Die Fledermaus en Opéra Comique. Ha dirigido también proyectos operísticos en el Festival de Salzburgo (El rapto en el serrallo, Mitridate, Così fan tutte, Lucio Silla), Bruselas (Les Huguenots y Il Trovatore), Zurich, Venecia, Moscú, Berlín, Ámsterdam, Viena (Hamlet y El holandés errante en Theater an der Wien y Alcina en Wiener Statsoper) y Aix-en-Provence (L’incoronazione di Poppea, Las bodas de Fígaro, El rapto en el serrallo, Idomeneo, Don Giovanni e Il turco in Italia). En la temporada 14/15 debutó en Royal Opera House, Covent Garden y en Teatro alla Scala de Milán. Para el Festival Drottningholm en Suecia trabaja actualmente en la Trilogía Mozart/ Da Ponte, que arrancó en el verano de 2015 con una magnífica interpretación de Las bodas de Fígaro.

Es también un director muy demandado en la escena de conciertos, dirigiendo orquestas como Staatskapelle Dresden, Berliner Philharmoniker y Wiener Philharmoniker, Orquesta Mozarteum de Salzburgo, Mahler Chamber Orchestra, Cleveland Orchestra y la Orquesta del Teatro Mariinski, donde también dirige obras de los siglos XIX y XX.

Como director artístico de la Semana Mozart desde 2013, invitó a Bartabas y su Academia ecuestre de Versalles a actuar en una producción de Davide penitente, de Mozart, en 2015 en Felsenreitschule, la antigua escuela de equitación Barroca de verano. En 2011 fundó el Festival Ré Majeure en la Isla de Ré, en la costa atlántica francesa. Desde septiembre de 2016 Minkowski ejerce como nuevo gerente de la Opéra National de Bordeaux.

PROGRAMA JUEVES 6 DE ABRIL

Auditorio Nacional de Música, Sala Sinfónica, 19:30 horas

Duración aproximada 134 minutos

Les Musiciens du Louvre

Marc Minkowski, director titular

Bach La Pasión según San Juan, BWV. 245

Francisco Valero-Terribas

El ascendente director musical Francisco Valero-Terribas subirá durante el mes de abril al podio del Palau de la Música de Valencia, al del Teatro Monumental de Madrid y al de Es Baluard de Palma de Mallorca para dirigir a la Orquesta de Valencia, a la Sinfónica de RTVE y a la Simfònica de les Illes Balears, respectivamente. El maestro Valero-Terribas, reconocido como “una auténtica revelación” por su aplaudida participación en algunos de los concursos y festivales especializados de mayor prestigio internacional –Nikolai Malko Competition, Lucerne Festival, Cabrillo Contemporary Music Festival y Järvi Suvefestival– revisará en dichos compromisos un amplio programa que va del Barroco al siglo XX. Esta es, precisamente, una constante en la carrera del joven músico valenciano, un espíritu inquieto que ha forjado un repertorio ecléctico e innovador. Es así como en el Palau de la Música Valencia (Sala Rodrigo, 23/III) dirigirá a las solistas Silvia Vázquez y Marina Rodríguez-Cusi y a la Orquesta de Cámara Eutherpe en un programa con obras de Händel, Bach y Pergolesi, regresando al mismo escenario, entonces al mando de la Orquesta de Valencia (11/IV) con obras de Dvorák, Strauss, Falla y Granados.

Unos días más tarde (21/IV) el maestro viajará a Madrid para instalarse en el Teatro Monumental y ante la Orquesta Sinfónica de RTVE para revisar obras de Copland, Ponce y Bizet, contando con Mabel Millán en la guitarra. Finalizará su gira española los últimos días del mes de abril para dirigir un programa Stravinsky con la Orquestra Simfònica de les Illes Balears en Ibiza (28/IV) y en Palma (30/IV).

Entre otras actuaciones, este año el maestro Valero-Terribas también dirige la ópera de Verdi La Traviata y una Gala Lírica con alumnos destacados del Centre de Perfeccionament Plácido Domingo del Palau de Les Arts de Valencia, así como varias orquestas en Brasil.

SMR Cuenca

Se ha presenta en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid la 56 edición de la Semana de Música Religiosa de Cuenca. Es la primera del nuevo director artístico Cristóbal Soler quien desgranó el programa de esta edición, junto al resto de los asistentes Ángel Mariscal, Alcalde de Cuenca y Presidente del Patronato de la Semana de Música Religiosa de Cuenca, Ángel Felpeto, Consejero de Educación, Cultura y Deportes de la Junta de Comunidades de Castilla La Mancha. Vicepresidente del Patronato de la Semana de Música Religiosa de Cuenca, Benjamín Prieto, Presidente de la Exma. Diputación Provincial de Cuenca. Vicepresidente del Patronato de la Semana de Música Religiosa de Cuenca, Manuel Ventero, Director de Comunicación y Relaciones Institucionales de Radio Televisión Española, José María Sánchez Verdú, compositor, y José Luis García del Busto, Secretario General de la Real Academia de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y musicólogo, que presentó el acto.

Las novedades de esta 56 Semana de Música Religiosa de Cuenca son muy numerosas:

Se presentó la Nueva Academia de Perfeccionamiento Musical para las disciplinas de práctica orquestal, coral y vocal, a la que asistirán más de un centenar de personas llegadas de todo el país, con la colaboración de profesorado de prestigio nacional e internacional.

Estreno de la obra encargada para esta edición de la SEMANA DE MÚSICA RELIGIOSA DE CUENCA a Francisco Coll, Cantos, con el Cuarteto Casals; Coll será el compositor residente de esta edición y colaborará con la Academia.

Estreno en España de la ópera de cámara de José María Sánchez Verdú, Il gardino della vita (sobre la vida
espiritual del arquitecto Antonio Gaudí), con Arturo Tamayo, Alberto Jona, el Festival Lugano 900 Presente, el Teatro dell’Ombre y la Escolanía Ciudad de Cuenca.

Nuevas recuperaciones de partituras que se conservan en el Archivo de la Catedral de Cuenca, que serán interpretadas por Geoffrey Webber y el Caius College Choir, así como la interpretación de La Pasión según San Mateo, del compositor toledano Alonso Lobo, en el 400 aniversario de su muerte.

Nuevos premios honoríficos «a la defensa y divulgación de la música religiosa» en las modalidades de individual,
premiado que se anunciará en la presentación, y de agrupación para la Orquesta Sinfónica y Coro de Radio Televisión de España.

Nueva colaboración con la Universidad de Castilla-La Mancha en la realización de tres encuentros musicales: La música religiosa en el Lied: Franz Schubert, La música religiosa en la música de cámara: Franz Joseph Haydn y La música religiosa en el siglo XX: Olivier Messiaen.

Nueva actividad cultural vinculando el conjunto arquitectónico barroco de la ciudad con la SEMANA DE MÚSICA RELIGIOSA DE CUENCA, denominada Tras el paso de Martín de Aldehuela “Ruta barroca”, que se desarrollará en tres diferentes recorridos dedicados respectivamente a Georg Friedrich Haendel, el barroco italiano y Johann Sebastian Bach.

Estas dos nuevas actividades, colaboración con la Universidad y Ruta Barroca, pretenden ser dos líneas de actuación
en las que el público tendrá acceso por medio de entrada libre, con la intención de crear una SMR de Cuenca más cercana, útil, pedagógica y abierta a la sociedad.

La Orquesta y Coro de la Radio Televisión Española, premio honorífico de esta edición, residente de
esta edición de la SEMANA DE MÚSICA RELIGIOSA DE CUENCA.

Participación del director de escena José Carlos Plaza en la SEMANA DE MÚSICA RELIGIOSA DE CUENCA, con el fin de crear espacios escénicos-musicales en los lugares donde se celebrarán los conciertos.

Nueva iniciativa de carácter social (SMR Social), que acercará la música a centros públicos como hospitales y residencias de la tercera edad.

Durante la Semana Santa el Coro y Orquesta de la SMR participará en una gira con la cantata de Franz Schuber, Lazarus, oder: die Feier der Auferstehung, D.689; esta actividad se realizará en distintas ciudades de la Comunidad de Castilla-La Mancha.

Para más información, véase www.smrcuenca.es

 

RICHARD GOODE en el Clico de Scherzo

El pianista neoyorquino Richard Goode ofrecerá un recital el próximo martes 29 de noviembre, dentro de la 21ª temporada del Ciclo Grandes Intérpretes de la Fundación Scherzo. El concierto de Goode, conocido mundialmente como uno de los mejores intérpretes de la obra de Beethoven, tendrá lugar en el Auditorio Nacional de Música y en él abordará composiciones de Bach y Chopin.

Nacido en Nueva York, Goode estudió con Nadia Reisenberg en el Mannes College of Music y con Rudolf Serkin en el Curtis Intitute. Ha obtenido numerosos premios como The Young Concert Artists Award, el primer premio en el Concurso de Clara Haskil, the Avery Fisher Prize y un Grammy. Su primera interpretación pública del ciclo íntegro de las sonatas de Beethoven tuvo lugar en Nueva York en 1987 y 1988, y fue aclamada por el periódico The New York Times como “uno de los acontecimientos más memorables de la temporada”. Volvería a repetir el mismo ciclo en Queen Elisabeth Hall de Londres en 1994 y 1995 con el mismo éxito. De él, han destacado su gran sensibilidad, profundidad y expresividad.

En la temporada de 2016/17, entre otros conciertos, el pianista neoyorquino vuelve al Festival Internacional de Edimburgo, al Wigmore Hall, al Royal Festival Hall de Londres, a la Academia Liszt de Budapest, a Piano aux Jacobins de Toulouse, al Festival Internacional de Bergen y debutará en Estocolmo en la Gran Sala de Conciertos. Asimismo, regresa al Ciclo Grandes Intérpretes de Scherzo, en el que debutó en 2006. Goode también actuará junto a la Orquesta Filarmónica de Helsinki y con la Orquesta Festival de Budapest, bajo las órdenes de Ivan Fischer. Con ésta última agrupación, ofrecerá conciertos en la capital húngara, Nueva York, Chicago, Boston, Ann Arbor y Newark.

En Estados Unidos, destaca su retorno al festival Mostly Mozart, del Lincoln Centre, donde interpretará el Concierto para Piano K.414 de Mozart, dirigido por Louis Langrée. También ofrecerá recitales en numerosas series como las de Washington Performing Arts, Carnegie Hall, la Series de Maestros de los Van Cliburn Concerts (Fort Worth), Duke Performances en Carolina del Norte, Green Music Center de California, Beethoven Festival de Minnesota y la Sociedad de Música de Cámara de Filadelfia.

Artista en exclusiva del sello discográfico Nonesuch, Goode ha grabado más de dos docenas de discos, abarcando desde su trabajo como solista, hasta música de cámara, lied y conciertos. Su última grabación, los cinco conciertos de Beethoven con la Orquesta del Festival de Budapest e Ivan Fischer, fue publicada en 2009 recibiendo elogiosas críticas; fue también nominada a un premio Grammy y el Financial Times la calificó como “un hito en el mundo discográfico”. Su serie de 10 CDs con el ciclo completo de sonatas de Beethoven, la primera grabación hecha por un pianista nacido en los Estados Unidos, fue nominada a un Grammy y seleccionada por Gramophone Good CD Guide. Otros de sus álbumes señalados son la serie de Partitas de Bach, el lied con Dawn Upshaw y los conciertos para piano de Mozart con Orpheus Chamber Orchestra.

De 1999 hasta 2013, Richard fue Director Artístico, junto con Mitsuko Uchida, de la Marlboro Music School and Festival en Vermont. Está casado con la violinista Marcia Weinfield y, cuando no están de gira, viven en la ciudad de Nueva York.

Este será el último concierto de la 21ª temporada del Ciclo Grandes Intérpretes de Scherzo, inaugurada el pasado mes de febrero por Ivo Pogorelich. Además del intérprete croata, también han pasado por el escenario del Auditorio Nacional los reputados pianistas Arkadi Volodos, Grigory Sokolov, Paul Lewis, Emanuel Ax y Lang Lang, éste último en un concierto extraordinario para el que se agotaron las entradas. Otro concierto extraordinario, el de Philippe Jaroussky con la Orquesta Barroca de Friburgo, también colgó el cartel de entradas agotas para su actuación del 12 de noviembre. El programa de la 21ª temporada ha incluido 11 recitales, así como tres clases magistrales impartidas por Volodos, Lewis y Fellner. A lo largo de sus 21 ediciones, el Ciclo de Grandes Intérpretes ha acogido más de 200 conciertos de los mejores pianistas de las últimas décadas, de cuya música han disfrutado más de 300.000 personas.

PROGRAMA MARTES 29

19:30 horas

AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA

J.S. Bach Concierto Italiano
J.S. Bach 15 Sinfonías

-Pausa-

Chopin Nocturno en Mi bemol Op.55 No.2
Chopin Nocturno en Do menor Op.48, No.1
Chopin Mazurka Op.24 No.2
Chopin Mazurka Op.59 No.2
Chopin Mazurka Op.7 No.3
Chopin Mazurka Op.24 No.4
Chopin Barcarola Op.60
Chopin Nocturno en Do sostenido menor Op.27 No.1
Chopin Nocturno en Mi mayor Op.62 No.1
Chopin Polonesa-Fantasía en La bemol Op.61

Más información.

La Grande Chapelle

Tras el éxito de las pasadas ediciones, “Salamanca Barroca” afronta esta temporada 2016/17 consolidada como “un singular punto de encuentro en el ámbito de la interpretación musical historicista en nuestro país”, según explicó García-Bernalt en rueda de prensa, al tiempo que destacó su firme “apuesta por la recuperación de patrimonio musical, de consolidación de repertorio, de promoción de proyectos relacionados con las músicas históricas ibéricas y de revisión del barroco europeo, todo ello en un entorno donde confluyen también elementos académicos y, particularmente, docentes”.

Programa “variado, extenso y profundo”
El programa de esta edición presenta, a su juicio “un panorama variado, extenso y profundo, en el que conviven repertorios conocidos con obras que vuelven a la vida tras siglos de silencio, en el que Purcell se encuentra con Durón y Schein con Palestrina y jóvenes músicos emergentes comparten escenario con intérpretes de referencia”.

Precisamente uno de estos proyectos abre el ciclo el día 3 de octubre, con la Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca, bajo la dirección de Pedro Gandía. En el marco de las conmemoraciones en torno a Shakespeare y Cervantes ofrecerán un programa que reúne a ambos autores a través de la música que inspiraron sus obras; un viaje por la Europa barroca que nos traslada desde Viena hasta Londres.

Para el director de la Academia de Música Antigua de la Universidad de Salamanca y coordinador del programa la propuesta musical de esta nueva esta edición tiene “a la voz como elemento fundamental, teniendo un papel protagonista en ocho de los 11 conciertos de la nueva temporada”. Tres de ellos están relacionados con los ecos del tercer centenario de la muerte de Sebastián Durón (1660-1716). De la mano de intérpretes y grupos de referencia como Marta Almajano, Nuria Rial, Accademia del Piacere y La Grande Chapelle, se ofrece una extensa panorámica de la producción sacra y profana de un músico que fue fundamental en la conformación del peculiar barroco ibérico.

La vida musical de la Salamanca del XVIII se materializa en un proyecto de recuperación de un concierto sacro, lo que en la época se denominaba una «siesta». Con la colaboración de la mezzosoprano Marta Infante y el Coro de Cámara de la USAL se recorrerá medio siglo de la música asociada a la capilla universitaria, desde el último barroco hasta las primeras muestras del clasicismo.

Dos formaciones vocales de referencia mundial
El ciclo acoge también a dos formaciones vocales de primer orden en el panorama mundial de la música históricamente informada: el Collegium Vocale de Gante y The Sixteen, dirigidos respectivamente por Philippe Herreweghe y Harry Christophers. En el excepcional marco de la capilla del Colegio Fonseca, y fuera de abono, el grupo británico ofrecerá un exuberante paisaje de la música sacra italiana relacionada con la capilla pontificia, articulado en torno a autores medulares de la polifonía occidental como Palestrina, F. Anerio y Allegri. Por su parte el Collegium Vocale centra su programa en una pieza clave de la música sacra alemana del primer cuarto del XVII: la exquisita colección de madrigales espirituales Israelsbrünlein de Johann Hermann Schein.

En la órbita de esta obra se encuentra también el programa ofrecido por el Concento de Bozes. Este grupo emergente, derivado del trabajo formativo realizado por el contratenor Carlos Mena en la USAL, ahondará en el nacimiento de la Música poética, la nueva oratoria musical que acabó alcanzando en el barroco alemán algunas de sus más altas cotas. También Carlos Mena, artista residente del CNDM en la temporada 2016-2017, tomará parte en el concierto que cierra el ciclo. Junto a la Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca ofrecerá un programa organizado en torno a dos cantatas para alto de Johann Sebastian Bach: Widerstehe doch der Sünde, escrita en Weimar en 1715 y Ich habe genug, cuya primera versión se sitúa en Leipzig doce años después. Las dos obras establecerán un diálogo con la música profana de la época, representada por una suite de Telemann y otra de Johann Ludwig Bach.

También la producción profana de Bach estará presente en Salamanca Barroca con una monumental obra que muestra la genialidad del Kantor como geómetra de la música: la Ofrenda musical. Para interpretarla –en varios de los sentidos de la palabra – se reúne un grupo de excepción: la violinista Lina Tur Bonet, el chelista Marco Testori, el flautista Alexis Kossenko y el clavecinista Kenneth Weiss, quienes nos llevarán a una velada que quizá nunca tuvo lugar en la corte de Federico II el Grande.

Academia de Música Antigua
La Academia de Música Antigua, constituye un ámbito global de articulación y promoción de actividades en el campo de la “interpretación musical histórica”. Creada con el objeto de facilitar los mecanismos de especialización en repertorio renacentista y barroco a los jóvenes músicos españoles, se ha convertido en un referente de este tipo de trabajo en España. Junto a un programa anual de cursos de especialización, la academia acoge distintas agrupaciones musicales especializadas: Coro de Cámara, Consort de Violas da Gamba y Orquesta Barroca, entre otras.

Precisamente esta es otra de las líneas de actuación de Salamanca Barroca: fomentar y facilitar la presencia de los intérpretes participantes en el ciclo de conciertos en el plan formativo que, desde hace ya casi un cuarto de siglo, se mantiene en la Universidad de Salamanca en relación con la música antigua. Un plan que se articula a través de un programa de cursos, clases magistrales y seminarios centrados fundamentalmente en aspectos de prácticas interpretativas históricas. Este año los cursos contarán con la participación de Pedro Gandia (violín), Andoni Mercero (viola), Itziar Atutxa (violonchelo y viola de gamba) y clases magistrales de Carlos Mena (canto). Información e inscripciones en: academia@usal.es

Las localidades, con un precio de 7€ a 15€ para el público general y con un 20% de descuento para estudiantes y miembros de la comunidad universitaria, se pueden adquirir ya en Mercatus (tienda oficial de la Universidad), de lunes a sábado de 10:00h a 20:00h y domingos de 10:15h a 14:00h, a través de http://sac.usal.es/ y una hora antes de cada concierto en taquilla.

Semana de Música Religiosa de Cuenca

La Semana de Música Religiosa de Cuenca presentó hoy en el Goethe-Institut Madrid, su 55 edición con Alemania como país invitado. Esta nueva cita del festival sacro de referencia en Europa se desarrollará entre el 19 y el 27 de marzo próximos en la ciudad castellanomanchega, con el Vocalconsort Berlin como artista residente y un especial homenaje a Sebastián Durón y Miguel de Cervantes, que incluyen dieciséis conciertos, cursos y jornadas como las que llevan por título “Jornadas Cervantinas · Música y Literatura”.

Una de las citas imprescindibles de la 55o edición será la Misa en si menor de Bach –cuya partitura ha sido declarada, recientemente, patrimonio de la UNESCO– interpretada por William Christie y Les Arts Florissants el día 24 de Marzo en el Teatro Auditorio de Cuenca.

En cuanto a otro tema clave de este año –el cuarto centenario de la muerte de Miguel de Cervantes–, además de cinco conferencias entre las que destacan las de expertos como Javier Gomá, Juan Ruiz Jiménez, Emilio Pascual, José María Ribagorda o Ignacio Amestoy, la SMRC se une a los actos con- memorativos con un concierto en que se interpretarán las Villanescas espirituales de Francisco Guerrero y el montaje, en coproducción con Antiqua Escena, de La Conquista de Jerusalén.

El espacio dedicado al país invitado contará con 7 conciertos. Además, se estrenarán dos obras en el marco del Festival: Lamentation de James Wood y Breathing del joven compositor Héctor Parra, una pieza encargada por la SRMC con texto de Jaume Plensa para la celebración del IV Centenario de la Procesión Camino del Calvario.

Este 2016, la Semana de Música Religiosa comienza el 19 de marzo con un monográfico dedicado a Vivaldi a cargo de Modo Antiquo, bajo la dirección de Federico Maria Sardelli y la colaboración de la soprano Roberta Mameli. Este polifacético director es autor asimismo de una novela sobre Antonio Vivaldi de inminente aparición en España.

ALEMANIA PAÍS INVITADO. Vocalconsort Berlin, artista residente

Desde el domingo 20 de marzo hasta el Sábado 26, la SMRC contará con la participación de diversos artistas de origen alemán. Entre ellos el Vocalconsort Berlín, artista residente, que será el encargado de los dos estrenos preparados para este año: Lamentations de James Wood, y Breathing de Héctor Parra.

Ars Choralis Coeln dedicará su concierto a la recuperación del Codex Paradiese; Christian Tetzlaff asumirá el 21 de marzo la integral de las Sonatas y Partitas para violín solo de Johann Sebastian Bach. El Leipzig Quartet interpretará a Beethoven y Kurtag y Christian Rieger dedicará su concierto a recordar los centenarios de Froberger y Weckmann.

CELEBRACIONES: IV Centenario de la muerte de Cervantes. III Centenario de la muerte de Sebastián Durón. IV Centenario del Nacimiento de Froberger y Weckmann

Este año 2016 arranca con una cita inexcusable: Cervantes, en el cuarto centenario de su muerte. Así mismo, Durón, Weckmann y Froberger estarán presentes en la 55 edición. El concierto de Christian Rieger en la Capilla del Espíritu Santo de Cuenca supondrá la primera escucha en vivo del órgano en su ubicación original, tras un proceso de limpieza y restauración. A Durón se le dedicarán dos programas. Uno, el de clausura, en lengua vernácula, y otro dedicado a las Lamentaciones y cantos de Semana Santa en latín.

En cuanto a Miguel Cervantes, además de las conferencias, la SMRC se une a los actos con- memorativos con un concierto en el que se interpretarán las villanescas espirituales de Francisco Guerrero y con el montaje, en coproducción con Antiqua Escena, de La Conquista de Jerusalén, todo un reto para la SMRC.

MÚSICA Y LITERATURA, Jornadas en la UIMP

2016 nos vincula a todos los que formamos parte del mundo de la cultura a personajes de la relevancia de Cervantes y Shakespeare. Nuestro foco de interés se centra en Cervantes a través de tres jornadas en las que estarán presentes la música, el teatro, la escritura, etc. Estas Jornadas se realizarán gracias a la colaboración y mecenazgo de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo (UIMP).

Pretendemos transportar a los asistentes al mundo sonoro cervantino, a su teatro y a su pensa- miento. También a su mundo en el papel, a la “hoja en blanco” y todo lo que da origen a la escritura. Los conferenciantes encargados de abordar estos asuntos son personas de reconocido presti- gio. Nuestro interés se centra en hacer que estas Jornadas ayuden a comprender un poco más a este genial idealista, clave en nuestra cultura.

CURSOS. Gregoriano y taller didáctico

Desde el punto de vista musical y litúrgico, los cantos de Semana Santa constituyen uno de los pilares de la composición del repertorio gregoriano. En estos días, la liturgia conserva las formas más arcaicas junto a las más evolucionadas, las formal y musicalmente más simples, con las más innovadoras, siempre eso sí, dentro de la sobriedad propia del canto monódico que caracteriza a la Iglesia. El curso, organizado conjuntamente por la 55 edición de la Semana de Música Religiosa de Cuenca y por la Asociación Hispana para el Estudio del Canto Gregoriano (AHisECGre), abordará estos géneros tanto para el público en general como para estudiosos y expertos en la materia. Ana Hernández realizará un taller de dicción e interpretación, Siglo de Oro, Siglo de Coro con miembros de la Escolanía de San Agustín. Este taller concluirá el domingo 13 de marzo, con una muestra del trabajo realizado, en la Iglesia del Salvador.

COPRODUCCIONES y COLABORACIONES

Para el diseño de esta edición se cuenta con la valiosa colaboración de diferentes instituciones a las que agradecemos su apoyo. Por un lado con Vocalconsort, artista residente, establecimos un acuerdo para la coproducción de SOS: Songs of Suffering, que incluye el estreno en España de la obra de James Wood. Así mismo, partimos de una coproducción con Antiqua Escena para poner en pie La conquista de Jerusalén, de Miguel de Cervantes. La Fundación DKV Integralia, además, patrocina la actuación de Andrea Zamora.

LOS ESPACIOS

Por último, no debemos olvidar la importancia de los maravillosos espacios que ofrece Cuenca, ciudad Patrimonio de la Humanidad, y que sirven de escenarios naturales para cada una de las actividades programadas. Muchos de ellos suman su belleza arquitectónica a un intenso espíritu religioso. Losactosse celebrarán en la Catedral, en el Teatro Auditorio, en la Iglesia de San Miguel, en la de Ntra Sra de la Luz, la del Salvador, la Iglesia de Arcas, la de San Pedro, la de la Merced y en el Espacio Torner. Se contará además con la Iglesia de Nuestra Señora de la Asunción, de Tarancón, cuyo magnífico retablo se ha restaurado recientemente, y con el Museo Tesoro de la Catedral de Cuenca.

Bejun Mehta

Che puro ciel es el título del recital que ha ofrecido el pasado 16 de diciembre el contratenor Bejun Mehta en el ciclo Grandes Voces del Teatro Real. También es el título de un aria de Orfeo de Gluck. Tristemente no la pudimos escuchar. Pero el repertorio que preparó para este recital y sobre todo, la música de la Akadamie für Alte Musik Berlin, colmaron con creces las expectativas del público que ocupaba no mucho más de la mitad del aforo del Teatro.

Una de las orquestas más prestigiosas de su género, la Akadamie für Alte Musik Berlin, dirigida por Elfa Rún Kristinsdóttir, interpretó con sus instrumento de época obras de Mozart, Bach y Hasse de manera exquisita. Alcanzó su culmen en la obertura de Ezio, de Adolph Hasse, que entusiasmó a un público ya entregado.

La elegancia de Bejun Mehta en sus interpretaciones le sitúa entre los mejores de su cuerda. Con obras de Gluck y Bach, Mehta se fue creciendo a medida que avanzó el recital. Sus mejores arias fueron las de la ópera Ezio, de Gluck. Brilló en las coloraturas, pero tuvieron mayor intención las obras dramáticas. El público, sin embargo, sigue prefiriendo el estrépito de la coloratura frente a la calma del aria dramática, mucho más elaborada y compleja.

Natalie Dessay

El próximo martes 29 de septiembre, a las 20.00 horas, el Teatro Real ofrecerá el primer concierto de su ciclo VOCES DEL REAL, un recital de Natalie Dessay, acompañada al piano por Philippe Cassard.

La cantante francesa vuelve al Real, donde debutó en marzo de 2008 interpretando arias de ópera italiana y francesa.

En esta ocasión, cinco años después, Natalie Dessay trae al coliseo madrileño un programa más intimista, íntegramente compuesto por canciones, repertorio que frecuenta con asiduidad desde que en 2013 se despidiera de los escenarios operísticos tras interpretar el rol titular de Manon de Massenet en Toulouse.

Después de más de veinte años de brillante carrera, marcada por sus dotes vocales y dramáticas, y su capacidad para ir adaptando el repertorio a la idiosincrasia de su voz, Natalie Dessay ha redireccionado su trayectoria artística en diversas ocasiones, explorando un vasto repertorio, que abarca desde los papeles de soprano coloratura que la han catapultado a la fama, hasta los roles belcantistas más dramáticos, sin olvidar sus interpretaciones de Monteverdi, Bach, Haendel, Debussy o Stravisnky.

La soprano, verdadero ave fénix del canto, dedica esta etapa de su vida a espectáculos puramente teatrales, su vocación primordial, y a conciertos de cámara en los que, sin embargo, siguen patentes la ductilidad de su voz, su expresividad y el talento actoral que la han consagrado como artista.

El programa que interpretará en Madrid, con los sentimientos, imágenes, recuerdos y perfumes que transitan por los poemas de Goethe, Hugo, Thomas Moore o Baudelaire exaltados por la música de Schubert, Mendelshonn, Liszt, Duparc, Fauré o Bizet, permitirán a Natalie Dessay, con la complicidad del refinado pianista Philippe Cassard, exhibir su extraordinaria versatilidad en este delicado repertorio.

Al término de su recital la soprano estará a disposición del público para la firma de autógrafos en el foyer del Teatro Real.

Segovia

Del 15 al 26 de julio, el Festival de Segovia (FS) cumplirá 40 años. 40 años de recorrido en los que los mejores intérpretes del panorama internacional han dejado su huella con conciertos inolvidables. Un Festival que, avalado por las 46 ediciones de su característica Semana de Música de Cámara y los 20 de su Festival Joven, que lo integran, apuesta por los grandes y jóvenes valores del panorama de la música actual, con un programa que este año es todo un homenaje a la esencia de las músicas del mundo.

Rincones históricos y llenos de referencias donde la acústica es espectacular, como la Plaza de San Martín, el Jardín de los Zuloaga, el Jardín del Mudo, el Jardín y el Patio del Colegio de Arquitectos, San Juan de los Caballeros-Museo Zuloaga, la Catedral, la Iglesia de San Nicolás, el Patio de Armas de El Alcázar y, por primera vez, su Sala de La Galera, se vestirán de música para hacer descubrir al público auténticas joyas de la música de cámara y sinfónica y al mismo tiempo ofrecer conciertos de música latina, zarzuela, fado, flamenco o incluso la característica música de barbería.

Inaugurando el Festival, el jueves 16 de julio la Plaza de San Martín se llenará de música afro-cubana, armonías tropicales y ritmos latinos gracias a una de las bandas latinas más destacadas del mundo -y la primera banda auténticamente afro-cubana en los Estados Unidos-: Tiempo libre. Nominada tres veces a los Grammy, ha compartido cartel y escenario con figuras como Celia Cruz, Aretha Franklin, Gonzalo Rubalcaba o Paulito FG y Su Elite, y es célebre por su sofisticada música tropical y una irresistible y excitante combinación de armonías de la música jazz, de sonidos contemporáneos y de seductores ritmos latinos.

Dedicada a Guillermo Pastrana, chelista excepcional y músico de sensibilidad exquisita que ya ha formado parte del Festival de Segovia en ediciones pasadas, la Orquesta de Castilla y León (viernes 17 a las 22.30h.), dirigida en esta ocasión por el joven Eduardo Portal, uno de los directores más activos y demandados actualmente, interpretará un repertorio para disfrutar de una noche colorista en el Jardín de los Zuloaga, encabezada por la obra de David de Puerto “Campos de Tauro”, que celebra el renacimiento de la vida en los campos y dos de cuyos cinco movimientos provienen de dos de las piezas para guitarra más íntimas y queridas del autor. Además, los espectadores podrán disfrutar de la Suite Sinfónica más conocida de Rimsky- Korsakov y la obra insigne del orientalismo ruso: Scheherazade, inspirada en Las mil y una noches. “Un caleidoscopio de imágenes de cuentos de hadas de carácter oriental”, como el propio autor escribió y se recoge en su Diario de mi vida musical.

Además, en su afán por elaborar un programa ecléctico y lleno de géneros diferentes, el FS ofrecerá también una Antología de la Zarzuela de manos de Luis Olmos (sábado 18 a las 22.30h. en el Patio de armas de El Alcázar). Un recorrido por las maravillas del musical español por excelencia repleto de joyas como Luisa Fernanda, El Barberillo de Lavapiés, Los Cláveles, Doña Francisquita, etc., entrelazadas desde la dramaturgia implícita en sus textos y en su música, con el fin de que el espectador vuelva a degustar la Zarzuela en toda su esencia.

Desde la música tradicional portuguesa, llegarán también los fados de una de las voces más bellas de este género, con una capacidad vocal inusual y una de las embajadoras internacionales del fado en todo el mundo: Katia Guerreiro (domingo 19 a las 22.30h. en el Patio de Armas de El Alcázar), que presentara su último disco, “Até ao Fim” (Hasta el fin) realizado con la ayuda de Tiago Bettencourt. Su fado se caracteriza por una gran riqueza lírica y el homenaje a escritores portugueses contemporáneos, cantando a António Lobo Antunes o a los poetas Vasco Graça Moura y Sophia de Mello Breyner, con un fado fresco, lleno de referencias contemporáneas.

Otra de las músicas poco habituales que se podrán escuchar en el 40 FS es la música de barbería (“Barbershop style”), que floreció entre 1895 y 1930 en Estados Unidos, contribuyendo a la configuración de la música popular americana junto a otros géneros como el jazz, el blues o el góspel. Un estilo exclusivamente vocal y a cuatro voces no mixtas, con una sonoridad y una presentación especialmente atractivas y divertidas para el espectador. De ello se encargará Aftershave Quartet (viernes 24 a las 22.30h. en el Jardín de los Zuloaga), la mejor referencia del género en el ámbito nacional, que se adentra en el estudio del repertorio más característico del Barbershop, en un programa muy original y de gran dificultad técnica.

Desde el flamenco, el bailaor Manuel Fdez. Montoya “El Carpeta” y el cantaor Miguel Flores Quirós “Capullo de Jerez” deleitarán al público con su espectáculo “Fuego & Tierra” (sábado 25 a las 22.30h. en el Patio de Armas de El Alcázar), concebido con el propósito de unir y realzar las cualidades de dos grandes artistas. Una fusión de cante, baile y prosa con una puesta en escena brillante. Asimismo, llegará una de las voces más relevantes de los últimos años, con una solidez que asusta de tanta premura y consistencia y con una espiritualidad que, según se dice, toca el cielo entre quejíos y rotundo grito flamenco: Argentina (domingo 26 a las 22.30h.), en un viaje por el cante junto a las guitarras de José Quevedo, El Bola y Eugenio Iglesias y la gran bailaora María Canea como artista invitada.

Desde el Barroco al Romanticismo en la 46 Semana de Cámara

Una mirada diferente para un público que también podrá pasear a través de la música de cámara, por la que se define desde hace ya 46 años el FS, y que en esta edición apostará por la música más esplendorosa del Barroco, encabezada por el Brillant Magnus Quintet (lunes 20 a las 22.30h. en la Catedral), un quinteto que conjuga el brillo del metal con la energía de la percusión, arropado por la majestuosidad del órgano. Una original formación instrumental que permite crear un ambiente sonoro que sorprende por la combinación de los instrumentos, el virtuosismo de sus componentes y la frescura de sus interpretaciones, con obras de J. S. Bach, Handel, Pachelbel, Mouret y Purcell. A través de 4 pianos históricos pertenecientes a la Colección Serrato, los espectadores podrán experimentar los mismo que los hombres y mujeres del Clasicismo o del Romanticismo sintieron al escuchar obras de J. C. Bach, Haydn, Beethoven, Mozart, Liszt, Brahms y Granados, en un recorrido histórico por ambas épocas (martes 21 a las 22.30h. en la Sala La Galera de El Alcázar).

Obras de J. S. Bach, Corelli, Handel y Vivaldi se podrán escuchar de la mano del grupo Da Kamera (miércoles 22 a las 22.30h.), una formación integrada por violín, clave y cello cuya manera de interpretar se centra en el componente emocional (o emocionante) de la música, que existe (y que hacen existir) para mover los afectos, para conmover, para emocionar. Con “Molto affettuoso”, que promete una velada llena de candorosa pasión, demostrarán que 300 años después de su estreno, estas sonatas siguen vivas y siguen conmoviendo a quien las escuche en la Iglesia de San Juan de los Caballeros.

Clausurando la Semana de Cámara (jueves 23 a las 22.30h. en San Juan de los Caballeros), y regresando a J. S. Bach, una mirada de Bach hacia el futuro y del futuro hacia Bach con “Bach to the future”, gracias al Camelot Ensemble. Un homenaje a la libertad del Barroco, en el que el intérprete daba rienda suelta a su personalidad al interpretar una obra, (re)creándola al mismo tiempo, con un plantel de músicos excepcionales encabezado por el violín de Lina Tur Bonet y con un repertorio integrado por dos obras barrocas significativa, los conciertos de Brandemburgo n. 5 y n. 6, y obras inspiradas en Bach: la Sonata de Ysäye para violín solo, inspirada en la Partita en mi mayor de Bach; el Trío para flauta, violonchelo y piano de Kapustin; una obra de Earl Wild, pianista del siglo XX que tradujo en su personal estilo la Sarabanda de la segunda Partita de Bach para clave, y experimentos como el de Varèse, para flauta sola.

Vibrando en familia

Para el público infantil acompañado de adultos, el característico y tradicional Concierto en Familia (domingo 20 a las 20.00h. en San Juan de los Caballeros) también se centrará en las músicas del mundo, pero como nunca las hemos escuchado, interpretadas con instrumentos insólitos, no convencionales y fabricados con materiales de desecho: recogedores cromáticos de los que salen melodías milenarias, regaderas en clave de jazz y con mucho swing, latas convertidas en guitarras y panderos, botellas, embudos, peines, tubos… Vibra-tó es un concierto didáctico interactivo en el que dos músicos-pedagogos multi-instrumentistas (Joaquín Sánchez y Miguel Iroshi) interpretan composiciones propias y músicas del folclore universal demostrando que todo suena…

La apuesta por las jóvenes promesas

Pero una de las características del FS es su apuesta por las jóvenes promesas del panorama musical español, y el FS no sería tal sin su Festival Joven, que cumple 20 años, un apartado a través del cual dará a conocer el talento de los ganadores del 18 Premio de Piano Santa Cecilia de la Fundación Don Juan de Borbón y los ganadores de los certámenes Intercentros Melómano, Pedro Bote y Premio Jóvenes Promesas del Violoncello Jaime Dobato Benavente, con conciertos de acceso libre. Además, el Festival Joven se cerrará con un concierto del Curso de Clarinetes que ofrece este año el FS, dirigido por Mariano Delgado, y con la Orquesta Infantil y Juvenil EOS.

Actividades paralelas como la exposición “La Dance, ça tourne… La danza que gira…”, producida por la Casa de la Danza de Logroño y comisariada por Perfecto Uriel en el Patio del Colegio de Arquitectos, con fotografías de bailarines famosos en lugares conocidos, completará uno de los festivales españoles con mayor tradición y solidez que se celebran en España, que ofrece pequeños y grandes conciertos para todo tipo de público ávido de disfrute de la buena música, con precios que oscilan entre la gratuidad (el 40% de los conciertos son gratuitos), 3€ y 20€.

Montiel

La mezzosoprano madrileña María José Montiel y el tenor barcelonés David Alegret ofrecerán, junto al pianista de Baracaldo Rubén Fernández Aguirre, un recital en homenaje a Victoria de Los Ángeles el próximo 21 de junio en el Claustro del Monasterio de Sant Cugat. Se trata de un acto que recordará a la gran soprano barcelonesa en el décimo aniversario de su fallecimiento, parte de las actividades #10devictoria impulsadas por la Escola de Música Victoria dels Àngels y la Fundación Victoria de los Ángeles y que está a su vez enmarcado en el ciclo Nits de Música al Claustre que organiza el Ayuntamiento de Sant Cugat. Montiel y Alegret, dos cantantes de amplísima trayectoria internacional, han querido sumarse a este homenaje en el que ofrecerán una selección de obras de su repertorio: si en la primera parte el tenor catalán cantará canciones de Jordi Sabatés o Eduard Toldrà, entre otros, la mezzosoprano madrileña interpretará canciones y arias de ópera de autores como Montsalvatge, Halffter, Debussy, Saint-Säens o Bizet.

María José Montiel ha afrontado un 2015 repleto de compromisos, cantando en Valencia (recital en el Palau de la Música y el Stabat Mater rossiniano en
el Palau de les Arts), Barcelona (Siete Canciones populares españolas, de Falla, en el Palau de la Música), Madrid (Requiem de Verdi y una Gala Lírica junto a la Orquesta y Coro de RTVE y un recital a beneficio del Centro para la Investigación Médica Aplicada de la Universidad de Navarra), Pamplona (recital en el Teatro Gayarre), Lisboa (Tercera Sinfonía de Mahler), Tel Aviv (Carmen junto a Zubin Mehta) o Milán (Tercera Sinfonía de Mahler); en junio ofrecerá un recital en el XXI Ciclo de Lied del madrileño Teatro de La Zarzuela y en julio debutará el rol de Ulrica, de Un ballo in maschera, de nuevo junto a Mehta y la Israel Philharmonic en Tel Aviv.

Por su parte, David Alegret acaba de cosechar grandes éxitos en escenarios como los del Teatro Comunale de Treviso y Ferrara (Il Turco in Italia, de
Rossini), Teatro Arriaga de Bilbao (Recital de Lied), Palau de la Música Catalana (Recital de Lied y La Creación, de Haydn), Auditori de Girona (Pasión según San Mateo, de Bach) o el Gran Teatre del Liceu de Barcelona (Così fan tutte, de Mozart), y en octubre próximo cantará Semiramide, de Rossini, en la Ópera de Marsella.

CNDM

El secretario de Estado de Cultura, José María Lassalle, junto a la directora general del INAEM, Montserrat Iglesias y Antonio Moral, director del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), han presentado en rueda de prensa la temporada 15/16 de este centro. El CNDM es una unidad dependiente del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música (INAEM), que propone, para la que es su sexta temporada, un amplio y variado programa que mantiene su espíritu por recuperar y difundir nuestro vasto patrimonio histórico y las músicas cultas de raíz popular como el flamenco y el jazz, incentivar la composición actual y atraer a nuevos públicos hacia la música clásica, o géneros menos frecuentes, a través de las diversas actividades organizadas de forma autónoma o en colaboración con múltiples instituciones nacionales e internacionales.

Esta temporada 2015/16 está conformada por un total de 244 actividades diferentes organizadas desde el 12 de septiembre de 2015 al 29 de junio de 2016. El programa se desarrollará en Madrid capital y en otras 18 ciudades españolas de 8 comunidades autónomas diferentes, a las que hay que añadir una ciudad americana (Bogotá) y otra portuguesa (Elvas) con conciertos, sesiones educativas, academias musicales, cursos de interpretación, clases magistrales, mesas redondas y conferencias a cargo de destacados intérpretes y creadores. En concreto, de los 190 conciertos organizados en la temporada, 100 conciertos se harán fuera de la capital española.

Además de los 10 ciclos tradicionales de Madrid (Universo Barroco -Sinfónica y Cámara-, Liceo de Cámara XXI, Series 20/21, Fronteras, Andalucía Flamenca, Jazz en el Auditorio, Contrapunto de Verano, Ciclo de Lied y Bach Vermut) y los 2 ciclos de Músicas Históricas de León (Ayuntamiento y FIOCLE); el CNDM colaborará con 77 instituciones públicas y privadas en toda la geografía española con los ciclos de música actual en Alicante, Santiago de Compostela y Badajoz; los ciclos barrocos de Oviedo y Salamanca y la colaboración estable con las ciudades de Burgos (Cultural Cordón), Segovia (Fundación Juan de Borbón), Cáceres (Conservatorio) y los festivales internacionales de música de Granada, Sevilla, Úbeda-Baeza y Zamora. El CNDM establece en esta temporada nuevas alianzas con la Dirección General de Política e Industrias Culturales y del Libro (Centenario de Santa Teresa), las Universidades de Navarra, Sevilla y Valencia y el Ayuntamiento de Ávila.

Por primera vez en la historia del centro, nuestras actividades salen fuera de nuestras fronteras con conciertos en Bogotá y un curso sobre la “Historia de un soldado” de Stravinski en el Conservatorio Superior de Elvas (Portugal). La primera colaboración institucional de carácter internacional que llevará a cabo el CNDM y que inaugurará esta nueva temporada, tendrá lugar en Bogotá, en coproducción con el Festival Internacional de Música Sacra de la capital colombiana, cita de referencia en la música antigua. Serán 9 conciertos de músicas de la época colonial (siglos XVI al XVIII), compuestas en ambas orillas del Atlántico a cargo de cinco conjuntos españoles y un colombiano, además de dos recitales del cantaor flamenco Arcángel y del violagambista Jordi Savall. Se trata de dar a conocer en la capital americana una parte del ciclo que ya se presentó hace dos temporadas en diez ciudades españolas, bajo el lema “Sones de ida y vuelta” y que ahora viajará a Colombia para formar parte de una certamen internacional más amplio de carácter multirreligioso, único en Latinoamérica, que abarca todas las épocas, estilos y géneros, tanto de la música clásica como de la tradicional.

Las figuras creadas el año pasado bajo la denominación de residentes se materializan en este curso en el pianista y director de orquesta Christian Zacharias como Artista residente (con presencia en nuestros ciclos Liceo de Cámara, Contrapunto de Verano y el Festival Internacional de Música y Danza de Granada) y de Alfredo Aracil como Compositor residente (el músico madrileño estrenará dos encargos: la ópera sin voces Siempre/Todavía, proyecto realizado junto al diseñador Alberto Corazón en Pamplona y Santiago de Compostela y una obra para violonchelo que verá la luz en Alicante, además de una tercera pieza del 2001 que sonará en Madrid, Segovia y Alicante).

Dentro de las conmemoraciones, este año celebraremos el cuarto centenario de la muerte de Miguel de Cervantes (1547-1616) con sendos conciertos en Madrid y Granada como coartada para recuperar el pulso musical de una época dorada; el 500 aniversario del nacimiento de Santa Teresa de Jesús (1515-1582) con la recuperación de un oratorio inédito de Carlo Badia, que se ofrecerá en primicia en nuestro país en Ávila, Salamanca y la catedral de León; el tercer centenario de la muerte del gran compositor alcarreño Sebastián Durón (1660-1716), al que dedicaremos un programa con obras inéditas de la catedral de Segovia, donde se conservan más de cuatrocientas partituras suyas y el nonagésimo aniversario del maestro Pierre Boulez (1925) con tres obras de referencia de su catálogo camerístico: Le marteau sans maître, Livre pour Quator y Dérive I, que serán interpretadas en Madrid, Santiago de Compostela y Badajoz.

En el apartado de músicas históricas hay que destacar la recuperación y difusión de una amplia muestra de nuestro rico y extenso patrimonio desde la Edad Media hasta el Barroco tardío. Se recuperarán del olvido 80 obras inéditas (70 en la temporada anterior), que hasta ahora permanecían inéditas –muchas de ellas estreno en tiempos modernos– de compositores como José de Nebra, Cristóbal de Morales, Francisco Corselli, Juan Manuel de la Puente, Pere Rabassa, Vicente Basset, Antonio Ripa, Juan Pascual Valdivia o Juan Antonio Aragüés además de algunas obras anónimas y de otros compositores nativos o activos en Latinoamérica como Gutiérrez Fernández Hidalgo, Luis Misón, Antonio Guerrero, Domenico Zipoli o José Cascante. Esos estrenos se repartirán entre 14 ciudades españolas (Madrid, además de los ciclos propios de León, Oviedo y Salamanca; la coproducción o colaboración con los festivales internacionales de Granada, Sevilla, Úbeda, Baeza y Zamora y conciertos puntuales en Ávila, Burgos, Cáceres, Segovia y Valencia) y una capital americana, Bogotá, hasta alcanzar la cifra de 63 programas diferentes frente a los 27 en Madrid, lo que supone una decidida apuesta por descentralizar la actividad musical del CNDM.

La música de nuestro tiempo tendrá, como es habitual, una atención preferente con la organización de 44 conciertos, repartidos a lo largo de 4 ciudades españolas dentro de los ciclos Series 20/21 y Liceo de Cámara XXI en Madrid (con 21 estrenos absolutos), las series de Alicante Actual (8 conciertos y 8 estrenos) las Xornadas contemporáneas de Santiago de Compostela (16 conciertos y 13 estrenos), Música Actual de Badajoz (7 conciertos y 8 estrenos) y una ópera sin voces de estreno mundial en Pamplona. En total, se estrenarán 51 nuevas partituras, 21 de ellas por encargo del CNDM. La nómina de compositores, en su mayoría nacionales, que estrenarán obras, abarca un amplio abanico generacional de diferentes tendencias y estilos, con nombres como Alfredo Aracil, Luis de Pablo, Antón García Abril, Jesús González, Manuel Rodeiro, José Río-Pareja, Juan Cruz-Guevara, Federico Mosquera Martínez, Jacobo Durán-Loriga, Laura Vega, Joan Arnau Pàmies, Ramón Paus, Irene Galindo, Carlos Cruz de Castro, Agustín Charles, Ramón Humet, Sebastián Mariné, Iluminada Pérez Frutos y Joan Magrané, a los que hay que unir a los maestros internacionales Lera Auerbach, Sarah Nemtsov y Steffen Schleiermacher. El Auditorio 400 (MNCARS) seguirá siendo el laboratorio experimental del CNDM y acogerá 12 citas musicales que contendrán, por lo menos, un estreno mundial en su programa. De las 60 obras programadas en ese espacio, 37 pertenecen al siglo XXI lo que nos permitirá profundizar en el estado actual de la creación musical. Entre los intérpretes invitados, la gran mayoría son grupos y solistas nacionales procedentes de diversas comunidades autónomas y que están muy comprometidos con la creación contemporánea.

Continúa el exitoso ciclo con la obra integral para órgano de J.S. Bach, en sus dos sedes: la Catedral de León (Bach en la Catedral) y la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música (Bach Vermut, verdadera sorpresa de la vida musical madrileña en la temporada anterior, que ha roto esquemas y ha batido las previsiones más optimistas de público para este tipo de recital y se ha convertido en un auténtico fenómeno social) con otros diez nombres imprescindibles del mundo organístico internacional. También se consolida la labor emprendida desde los inicios del CNDM para difundir y poner en valor las músicas de raíz popular, como son el flamenco, cuyo ciclo en Madrid vio agotadas las localidades de todos sus conciertos en la temporada anterior, y las series de Jazz o Fronteras, que tan buena acogida les dispensan los públicos más jóvenes. El Liceo de Cámara XXI, que se incorporó desde la temporada pasada a la programación del CNDM, prestará una mayor atención a la música de los grandes compositores del Clasicismo y Romanticismo, sin olvidar los músicos más representativos del siglo XX. El Ciclo de Lied, ya en su vigésima segunda edición, seguirá contando con las mejores voces que cultivan este género tan especial y que han convertido a Madrid en uno de los centros de referencia internacional.

La educación adquiere, como en el curso pasado, una importancia capital con 54 actividades diversas repartidas a lo largo de seis ciudades españolas y una portuguesa, coproducidas por 5 universidades españolas (Oviedo, León, Salamanca, Santiago de Compostela y Complutense de Madrid) cinco Conservatorios de Música en la Península Ibérica (Alicante, Badajoz, Madrid, Oviedo y Elvas en Portugal), dos centros educativos de secundaria de la Comunidad de Madrid (la quinta edición del Proyecto Pedagógico, coordinado por el pedagogo Fernando Palacios) y el Goethe-Institut (con las Jornadas “Interacciones XXI”, dedicadas a la creación musical actual de ambos países). En la Universidad de Salamanca tendrá lugar, por tercer año, un intenso programa de clases magistrales y talleres de interpretación, de carácter transversal, en el ámbito de la música antigua y barroca “históricamente informada”, dentro de la Academia de Música Antigua de esta prestigiosa Universidad. En el Auditorio de León se celebrará en marzo de 2016 el V Curso de Interpretación Vocal Barroca, que anualmente imparte el director y clavecinista Eduardo López Banzo.

El CNDM tiene un especial interés en incentivar y promover la incorporación de nuevas audiencias a sus diferentes programas divulgativos y educativos. De forma muy especial centra su actividad en los jóvenes menores de 26 años para los que desarrolla una amplio abanico de posibilidades, que incluyen ofertas con importantes ventajas en la adquisición de entradas o abonos, sobre todo a través del programa de entradas de Último Minuto (con un descuento del 60%) y acuerdos estables con numerosos centros educativos para que los estudiantes, que participan activamente en los cursos y ciclos, coproducidos conjuntamente, puedan asistir gratuitamente a los conciertos y otras actividades programadas por el centro en las diferentes ciudades españolas. Siguiendo la iniciativa nacida el año pasado, en esta temporada se beneficiarán también del descuento Último Minuto los desempleados que lo acrediten y se mantiene el descuento del 20% para todos los estudiantes, familias numerosas y mayores de 65 años.

Lidia Vinyes-Curtis

Desde que esta joven intérprete barcelonesa Lidia Vinyes-Curtis fuera premiada en la Bachakademie Stuttgart en 2013 su carrera va en alza y no ha parado de cosechar éxitos por todo el mundo. Ahora regresa a Madrid para interpretar el Requiem de Mozart junto a la ONE los días 22, 23 y 24 de mayo antes de continuar con su periplo internacional.

Formada como violinista en el Conservatorio del Liceu y habiendo colaborado con formaciones como Al Ayre Español, l’Ensemble Baroque de Limoges, o l’Orquestra Barroca Catalana, posteriormente estudió canto especializándose en Música Antigua en el Conservatoire National de Toulouse y en la Schola Cantorum Basiliensi. Ha colaborado junto a directores de la talla de Jordi Savall, Jean-Claude Malgoire, Helmuth Rilling o Sigiswald Kuijken, interpretando tanto las grandes cantatas y oratorios como la Pasión según San Mateo y la Pasión según San Juan, de Bach, o El Mesías, de Händel. Acaba de grabar un disco de Tonos Humanos del siglo de Oro español para Naxos.

Tras su paso por Madrid con la popular obra mozartiana, regresará al genio bachiano para interpretar algunas de sus cantatas en Stuttgart junto al Ensemble Bach Vokal dirigida por Kay Johannsen (26 de junio), a Santiago de Compostela con la ópera Rinaldo, de Händel, en el Festival Via Stellae (8 de julio), para emprender durante el verano una gira con la Misa en SI menor de Bach que la llevará a Saarbrücken (22 de julio), Hong-Kong (8 de agosto), Mühlhausen (15 de agosto), Arnstadt (16 de agosto), Weimar (18 y 19 de agosto), Eisenach (29 de agosto) y Leipzig (21 de agosto) dirigida en todas ellas por Helmuth Rilling. En septiembre comenzará el nuevo curso con una gira y la grabación de un CD de cantatas de Bach con La Petite Bande bajo la dirección de Sigiswald Kuiken, antes de su debut en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona con el papel en Ascanio de Benvenuto Cellini, de Berlioz, dirigida por Josep Pons.

Gould

Nos encontramos ante un personaje fascinante, tanto por su genialidad interpretativa, como por su extravagante y atractiva personalidad. A pesar de su singularidad, y de haber sido diagnosticado, a título póstumo, con el síndrome de Asperger, su genio musical está por encima de cualquiera de sus aspectos personales.

Glenn Gould, la excentricidad de un genio

La interpretación de las Variaciones Goldberg, concretamente el aria inicial, resulta tan profunda como turbadora. Esa misma versión que el profesor Hannibal Lecter escuchaba ensimismado en “El silencio de los corderos”. Y es que una obra como esta no solo aumenta el refinamiento de un antropófago. También lo hace con personalidades mucho más sencillas, en lo culinario, como las nuestras.

Su repertorio fue extenso pero fue Bach su compositor de referencia. Se puede decir que Gould se transformaba con la obra del maestro alemán. La métrica pura que proporcionan las partituras de Bach fueron el objeto de su estudio, casi obsesión. Una acertada explicación de esta fascinación nos la ofrece Agustí Francelli:

“Glenn Gould fue un artista singular por muchos motivos. Entre ellos, por el apego que profesó por una forma musical específica: el tema con variaciones. Es significativo que sus cerca de 60 registros se enmarquen entre las dos célebres versiones de las Variaciones Goldberg, abordadas a distancia de 26 años. El artista canadiense no volvía nunca a una pieza, una vez grabada. Para él, el disco era obra acabada. Precisamente, las ventajas creativas que ofrece el estudio sobre la sala de cocierto es la posibilidad del “recorta y pega”, de editar la versión, de modificarla cuantas veces convenga hasta dar con el resultado más satisfactorio. Gould fue muy criticado por su temprana retirada de escena y su dedicación exclusiva a la industria discográfica: es más, se entendió esto como una estrategia publicitaria y para nada se reparó en el calado artístico de su decisión, por más que el pianista lo argumentara una y otra vez en sus escritos. Simplemente, le parecía más serio y riguroso el trabajo recogido en el estudio que la exhibición acrobática sobre la escena. El éxito no le interesaba, le interesaba el legado que podía dejar a las generaciones siguientes. Gran parte de su público no se lo perdonó.

Pero, ¿por qué esa predilección por el tema con variaciones y por qué en el caso de las Goldberg hizo la excepción? Bueno, el tema con variaciones es la forma primigenia de la música, la más sencilla, la que remite más directamente a su estructura intrínseca basada en la repetición, el mecanismo que la convierte en comprensible y reconocible al oído humano. Si la forma sonata, que se impone en el clasicismo, es narrativa y parece prestada de la literatura (finalmente es la traslación al papel pautado de la secuencia planteamiento-nudo-desenlace, convertida en exposición-desarrollo-reexposición), el tema con variaciones remite a la propia estructura musical, pues se trata de alterar ora uno ora otro de los componentes de una secuencia dada: la tonalidad, el modo, el tiempo, la armonización, el timbre, la melodía, etcétera. Por supuesto, a veces el reconocimiento del tema es prácticamente imposible, pero siempre está ahí. Es finalmente minimalismo: modificaciones sucesivas de un tema que queda diseccionado en todos sus recursos.

Este proceso a Gould le fascinaba. Y si abordó las Goldberg, una de las cumbres absolutas del género, cuando tenía poco más de 20 años y luego ya cerca de la cincuentena, fue porque sin duda consideró que el factor edad constituía otra posible variación de la obra. En cierto modo, era introducir el tiempo (la relatividad) en la obra: no el de la ejecución, sino el de la perspectiva que dan los años. Y en la última versión se permitió una significativa inversión de todo el proceso: grabó el tema inicial después de haber pasado por las 30 variaciones. El tema pues no como generador, sino como agujero negro que contiene todas las variaciones posibles, toda la energía desprendida. Una lección fascinante”.o
Uno de los primeros intérpretes en utilizar la nuevas tecnologías, pronto abandonó los conciertos en directo. Su obsesión por la perfección le llevaron a elegir las grabaciones de estudio donde todo estuviera controlado. Aun así, casi nunca tuvo que volver a repetir una grabación. Tal era la perfección de sus interpretaciones.