Thomas-Hengelbrock

La Orquestra de la Comunitat Valenciana (OCV) cierra el ciclo ‘Torna a Les Arts’ con un monográfico de Beethoven bajo la dirección de Thomas Hengelbrock el próximo 15 de julio a las 20.00 horas en la Sala Principal.

La formación titular de Les Arts se suma así a las celebraciones del Año Beethoven con un programa que incluye sus obras ‘Obertura de Fidelio, op. 72’ y las sinfonías número 6 y 8 en el primer concierto en formato sinfónico que ofrece desde la instauración de la nueva normalidad.

La cita supone también el debut con la OCV del alemán Thomas Hengelbrock, considerado como uno de los directores de orquesta más versátiles y fascinantes de su generación. Particularmente reconocido por sus trabajos historicistas en el Barroco, su repertorio abarca desde la música del siglo XVII hasta obras contemporáneas, e incluye todos los géneros.

Les Arts ha puesto ya a la venta las entradas para este concierto, que tienen un precio único de 20 euros para el público general y de 10 euros para los abonados.

De acuerdo con la nueva situación, Les Arts elevará el aforo de venta hasta el 75 % del número de localidades de la sala, con el requisito imprescindible para el público asistente de hacer uso de la mascarilla durante todo el espectáculo, así como en las zonas comunes.

Asimismo, se mantendrán el resto de protocolos de seguridad, como la toma de temperatura, el acceso y desalojo controlado de la sala, utilización individual de los ascensores y mantenimiento de la distancia interpersonal de 1,5 metros, además del uso restringido de los aseos.

Festival de Granada

Dos días después de su concierto en Les Arts, Thomas Hengelbrock se presentará con la Orquestra de la Comunitat Valenciana en el Festival de Música y Danza de Granada con este mismo programa.

El prestigioso certamen, que celebra este año su edición número 69, es la primera gran cita musical en España dentro de la nueva normalidad. La presente edición está dedicada al 250 aniversario del nacimiento de Ludwig van Beethoven.

El concierto, que tendrá lugar el 17 de julio a las 22.00 horas en el palacio de Carlos V, constituye, además, el regreso de la OCV a la programación del reconocido festival, en el que actuó por última vez en 2011 bajo la dirección de Zubin Mehta.

Fotografía: (C) FLORENCE GRANDIDIER

Beethoven

Making an early appearance in this Beethoven anniversary year is a very special new album from Deutsche Grammophon. It couples the composer’s Seventh Symphony, op.92 with the Triple Concerto for piano, violin and cello, op.56, the latter work featuring three of today’s most renowned classical artists and
Beethoven interpreters – Anne-Sophie Mutter, Yo-Yo Ma and Daniel Barenboim. The acclaimed West- Eastern Divan Orchestra, meanwhile, gives vibrant, richly nuanced performances of two works central to the 2020 celebrations.

The recordings were made at concerts held in Buenos Aires and Berlin – in July and October 2019 respectively – to mark the West-Eastern Divan’s 20th birthday. Co-founded by Daniel Barenboim in 1999, the orchestra now stands as a symbol of multicultural understanding, as well as being the brave realisation of a long-held dream. A fascinating microcosm of a society of enormous diversity, it is proof positive that working together for a shared goal can break down barriers and lead to reconciliation. Daniel Barenboim considers Beethoven, a confirmed humanist, to have been probably the first truly unconventional composer: “He couldn’t care less about what people thought.” He also underlines the real physicality and dedication Beethoven demands from his players: “He forces you to go to the edge, to the precipice and then the abyss. That takes a tremendous amount of courage.”

With its existential profundity and ability to speak to all of humanity, Beethoven’s music remains as timelessly compelling and universally relevant as the day it was written. As Anne-Sophie Mutter observes, he understood how important it was for all of us to stand up for our fellow men: “The idea that we should live in a brother- and sisterhood is, for me, his major achievement … That’s what makes him a messenger from the past pointing the way to a better future.”

Both works recorded for this album reflect that life-affirming message. The Seventh Symphony is famous for its joyful, dance-like character, with lilting rhythms pervading almost the entire work. The Triple Concerto, too, has a special place in Beethoven’s output, its sophisticated idiom and architecture revealing both his sense of humour and his revolutionary spirit. As Yo-Yo Ma notes, “The constant invention is so surprising, and it’s so celebratory, so positive. The second movement is noble and open, but the first and last movements are just joyous!” The clearly delineated solo parts give the work a chamber-music feel, and the intimate, expressive readings achieved by Mutter, Barenboim and Ma will undoubtedly leave listeners spellbound.

 

 

 

 

 

 

 

 

El 18 de febrero tuvo lugar en Sevilla la presentación de la 37ª edición del Festival de Música Antigua de Sevilla (FeMÀS) en el que estuvieron presentes Fahmi Alqhai, director del festival, junto a Maider Múgica, directora adjunta del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), y Antonio Muñoz, delegado de Hábitat Urbano, Cultura y Turismo del Ayuntamiento de Sevilla. El programa de esta nueva edición, que se desarrollará en la capital andaluza del 13 de marzo al 1 de abril busca el acercamiento al público de la música histórica llevando la interpretación musical a entornos patrimoniales de la mano de primeras figuras de prestigio internacional. Esta particularidad hace de la cita sevillana una experiencia melómana especial e irrepetible y un evento consolidado como el mejor festival de músicas históricas de España. La programación de este año tendrá como ejes centrales las conmemoraciones de la primera vuelta al mundo y el nacimiento de Beethoven.

Una alianza imprescindible y fructífera

El Festival cuenta por séptima vez consecutiva con la colaboración del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), que coproduce los conciertos de tres agrupaciones de referencia en la música histórica: Al Ayre Español, uno de nuestros más importantes conjuntos historicistas, fundado y dirigido por Eduardo López Banzo y que ofrecerá la recuperación histórica de obras de José de Torres y Juan Francés de Iribarren; Los Músicos de Su Alteza, bajo la dirección de Luis Antonio González, con un programa que pone en diálogo obras del Seicento italiano con piezas inéditas del siglo XVII español y La Real Cámara, dirigida por Emilio Moreno, en un concierto cuyo eje principal es la integración de la música de Giuseppe Torelli con la del músico y jesuita sevillano Francisco José de Castro.

El XXXVII Festival de Música Antigua de Sevilla, proyecto del Instituto de la Cultura y las Artes del Ayuntamiento de Sevilla, cuenta con la coproducción del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), unidad del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), Diputación de Sevilla y Real Alcázar. Seis serán los entornos patrimoniales de esta nueva edición del FeMÀS: el Espacio Turina, el Teatro de la Maestranza, el Real Alcázar, la Iglesia de San Luis de los Franceses, el Teatro Alameda y el Teatro Lope de Vega.

La primera vuelta al mundo y el nacimiento de Beethoven, ejes del festival

La programación de esta 37ª edición del FeMÀS se ha planteado en torno a dos efemérides de gran relevancia para la humanidad como son el V Centenario de la primera vuelta al mundo y el 250 aniversario del nacimiento de Ludwig van Beethoven.

En relación con la primera de ellas, el FeMÀS hará un recorrido por las nuevas músicas que llegaron a Europa tras los descubrimientos y la primera vuelta al mundo y cómo influyeron en los músicos del siglo XVI. Sobre el segundo leitmotiv, el festival pretende de algún modo mostrar las maneras historicistas de interpretación de un repertorio habitualmente adjudicado a las orquestas sinfónicas; estas últimas con criterios, en muchos casos, muy diferentes a los modos de entonces, que este FeMÀS permitirá recuperar.

Según ha anunciado Fahmi Alqhai, en la nueva edición se reintroduce la figura del artista residente, que se pretende mantener en sucesivas ediciones. El artista residente este año es el pianista Juan Pérez Floristán, un gran referente de la nueva generación de músicos sevillanos que lleva el nombre de ciudad por las salas de conciertos más importantes del mundo.

Pérez Floristán será el encargado de la inauguración del festival el día 13 de marzo, junto a la Hofkapelle München con un programa que incluye el Concierto para piano nº 4 de Beethoven y la más célebre sinfonía de Mozart.

Dos actuaciones más, una conferencia y una masterclass completarán la residencia de Pérez Floristán en un festival que tendrá como broche final la actuación en el Teatro de la Maestranza de la Orquesta Barroca de Sevilla y su interpretación de la Misa en si menor de J. S. Bach, un sueño que puede hacerse realidad gracias a la colaboración de la Hermandad del Gran Poder, que celebra el IV centenario de la hechura del Señor.

En sus sucesivas jornadas, destacan en la programación grandes nombres propios como el del tenor Ian Bostridge, el grupo Il Giardino Armonico o la Orquesta Barroca de Ámsterdam, dirigida por Ton Koopman, sin olvidar los nuevos grupos que siempre han tenido en el festival una plataforma y un altavoz magníficos para hacerse ver y oír.

Programación

El sábado, día 14 de marzo, el FeMÀS se abre al público familiar en el Teatro Alameda, a las 18.00 horas, con La increíble historia de Juan Latino. Se trata de la quinta producción de la compañía hispano-canadiense Claroscuro Teatro. Pensada para un público de 8 años en adelante, el referido montaje usa títeres, máscaras y música barroca en directo para contar la verdadera historia de superación racial y social de un esclavo negro en la España del siglo XVI.

También el sábado, a las 20.30 horas, en el Espacio Turina, llega otro de los platos fuertes de esta edición, de la mano de Pérez Floristán y el tenor Ian Bostridge, con una sólida carrera internacional.

La programación del domingo, día 15 de marzo, da comienzo a las 13.00 horas en la Iglesia de San Luis de los Franceses con el Ensemble Flandriae-Pyrenaei, con un concierto con repertorio de música barroca de Flandes y Cataluña.

A las 20.30 horas, en el Espacio Turina, bajo la dirección de Eduardo López Banzo, el grupo aragonés Al Ayre Español, consolidado como una de las referencias más destacadas en esta especialidad musical a nivel nacional e internacional, ofrecerán un programa con el título ¡Ay, bello esplendor! Grandes villancicos barrocos. En este recital, el público podrá conocer una serie de obras inéditas de José de Torres y Juan Francés de Iribarren, recuperadas y transcritas por el propio López Banzo a partir de manuscritos originales conservados en las catedrales de Salamanca, Málaga y Guatemala.

El martes 17 de marzo el conjunto musical Il Giardino Armonico, fundado en Milán (Italia) en 1985 y especializado en piezas de los siglos XVII y XVIII, protagonizará otro de los grandes momentos del FeMÀS. La cita será a las 20.30 horas en el Turina, espacio en el que su director Giovanni Antonini empuñará la flauta de pico para interpretar un programa titulado La Morte della Ragione.

Las citas programadas en el Real Alcázar dan comienzo el 18 de marzo, a las 20.30 horas, de la mano de The Orlando Consort, uno de los conjuntos vocales más importantes de Europa, que ofrecerá con Mantra su particular visión de la fusión de culturas que existió hace 500 años. Constituido en el Centro de Música Antigua de Gran Bretaña en 1988, el trabajo de este conjunto combina a la perfección la seriedad y el rigor de sus programas con la frescura de sus interpretaciones, que cautivan al público inmediatamente.

La programación continúa el jueves, día 19 de marzo, a las 20.30 horas en la Iglesia de San Luis de los Franceses con otro referente nacional, Los Músicos de Su Alteza, agrupación dirigida por Luis Antonio González. Con Veritas-Vanitas, la agrupación propone un programa que pone en diálogo obras del Seicento italiano, algunas conocidas, otras recuperadas por el conjunto, con piezas inéditas del siglo XVII español.

Al día siguiente, el viernes 20 de marzo, en el Espacio Turina, el reconocido grupo Accademia del Piacere, con su fundador y director al frente, Fahmi Alqhai, ofrecerá un programa bajo el nombre Ars Melancholiae, también a las 20.30 horas.

Tras una nueva jornada, la del sábado 21 de marzo, protagonizada por el artista residente Juan Pérez Floristán, el domingo 22 llegan al FeMÀS dos grupos que, hasta la fecha, no habían participado en la referida cita con la música antigua. Por la mañana, a las 13.00 horas, será el turno de La Vaghezza, con O prima alba del mondo; y a las 20.30 horas, en el Real Alcázar, Constantinople con otro de los conciertos dedicados al V Centenario de la primera vuelta al mundo.

La Iglesia de San Luis de los Franceses abrirá una nueva semana musical el martes, día 24 de marzo, a las 20.30 horas en el Real Alcázar. Collegium Musicum Madrid interpretará un concierto con el título Rumbo a poniente, una cita a la que sucederá el programa Lenguas Malas, a cargo de Cantoría, el miércoles 25 de marzo, en San Luis de los Franceses.

El día 26 de marzo Lina Tur Bonet, considerada como una de las violinistas más interesantes del ámbito internacional, y el clavecinista sevillano Javier Núñez, llegan al Espacio Turina con un programa en torno a la música de la familia Bach.

El último fin de semana del FeMÀS comienza el viernes, día 27 de marzo, a las 20.30 horas en el Espacio Turina con Capella Neapolitana, agrupación fundada en 1987 por Antonio Florio, integrada por instrumentistas y cantantes especializados en la interpretación del repertorio musical napolitano de los siglos XVII y XVIII, y en la recuperación de compositores olvidados.

Día Bach

El sábado a las 13.00 horas, en la Iglesia de San Luis de los Franceses, la protagonista será la clavecinista Irene González Roldán, ganadora de la beca de la Asociación de Amigos de la Orquesta Barroca de Sevilla, destinada a la educación y promoción de jóvenes músicos historicistas. A las 20.30 horas, en el Real Alcázar, el grupo de música antigua Euskal Barrokensemble, creado por Enrike Solinís en Bilbao en el año 2006, ofrecerá un programa titulado Elkano.

La jornada del domingo, día 29 de marzo, FeMÀS celebra un año más el Día Bach. En esta ocasión, por la mañana, a las 13.00 horas en San Luis de los Franceses, junto a la arpista Margret Köll; y a las 20.30 horas, junto al mítico Ton Koopman y su maravillosa Amsterdam Baroque Orchestra.

La penúltima jornada de FeMÀS el público aficionado podrá disfrutar de un programa con música atribuida a Francisco José de Castro, jesuita sevillano que vivió en Brescia dedicado a diversas ocupaciones intelectuales, entre ellas la música, y era conocido en tierras italianas como ‘Spagnuolo’. Emilio Moreno ha profundizado como ningún otro violinista actual en la obra de este músico y ofrecerá una selección de sus composiciones en su recital con La Real Cámara.

Sobre la clausura en el Teatro de la Maestranza, la Orquesta Barroca de Sevilla interpretará la Misa en si menor de J. S. Bach, bajo la dirección musical de Andreas Spering. La colaboración de FeMÀS, Teatro de la Maestranza, Hermandad del Gran Poder y Fundación La Caixa han propiciado este especial broche final del Festival.

A la extensa programación musical se suma, una edición más, las actividades paralelas, una serie de conferencias con las que se pretende contextualizar el contenido de esta cita con la música antigua.

Triple_Concerto_Mutter_Ma_Barenboim

Making an early appearance in this Beethoven anniversary year is a very special new album from Deutsche Grammophon. It couples the composer’s Seventh Symphony, op.92 with the Triple Concerto for piano, violin and cello, op.56, the latter work featuring three of today’s most renowned classical artists and Beethoven interpreters – Anne-Sophie Mutter, Yo-Yo Ma and Daniel Barenboim. The acclaimed West- Eastern Divan Orchestra, meanwhile, gives vibrant, richly nuanced performances of two works central to the 2020 celebrations.

The recordings were made at concerts held in Buenos Aires and Berlin – in July and October 2019 respectively – to mark the West-Eastern Divan’s 20th birthday. Co-founded by Daniel Barenboim in 1999, the orchestra now stands as a symbol of multicultural understanding, as well as being the brave realisation of a long-held dream. A fascinating microcosm of a society of enormous diversity, it is proof positive that working together for a shared goal can break down barriers and lead to reconciliation.

Daniel Barenboim considers Beethoven, a confirmed humanist, to have been probably the first truly unconventional composer: “He couldn’t care less about what people thought.” He also underlines the real physicality and dedication Beethoven demands from his players: “He forces you to go to the edge, to the precipice and then the abyss. That takes a tremendous amount of courage.” With its existential profundity and ability to speak to all of humanity, Beethoven’s music remains as timelessly compelling and universally relevant as the day it was written. As Anne-Sophie Mutter observes, he understood how important it was for all of us to stand up for our fellow men: “The idea that we should live in a brother- and sisterhood is, for me, his major achievement … That’s what makes him a messenger from the past pointing the way to a better future.”

Both works recorded for this album reflect that life-affirming message. The Seventh Symphony is famous for its joyful, dance-like character, with lilting rhythms pervading almost the entire work. The Triple Concerto, too, has a special place in Beethoven’s output, its sophisticated idiom and architecture revealing both his sense of humour and his revolutionary spirit. As Yo-Yo Ma notes, “The constant invention is so surprising, and it’s so celebratory, so positive. The second movement is noble and open, but the first and last movements are just joyous!” The clearly delineated solo parts give the work a chamber-music feel, and the intimate, expressive readings achieved by Mutter, Barenboim and Ma will undoubtedly leave listeners spellbound.

El próximo lunes 21 de octubre a las 19:30h, el Círculo de Bellas Artes, en coproducción con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), inaugura el ciclo Beethoven Actual en el Teatro Fernando de Rojas. El programa del ciclo estará formado por un total de 9 conciertos, que se desarrollarán entre octubre de 2019 y junio de 2020, en los que 9 pianistas españoles interpretarán las 32 Sonatas de Ludwig van Beethoven, los 18 Estudios para piano de György Ligeti y reestrenarán 8 obras firmadas por algunos de los mejores compositores españoles de hoy, un grupo de creadores actuales pertenecientes a distintas generaciones y estéticas: Francisco Lara, Gustavo Díaz-Jerez, Ramón Paus, Armando Alfonso, José Luis Greco, Ricardo Llorca, Carles Guinovart y Jesús Rueda. Como novedad en el ciclo se presentará el estreno absoluto de Ligetoven de Tomás Marco, obra encargo del CNDM y del Círculo de Bellas Artes.

El protagonista de la velada inaugural será el pianista Daniel del Pino que abordará las Sonatas nº 1, nº 19, nº 20, nº 6 y nº 7 de Beethoven, los Estudios nº 1 y nº 13 de Ligeti y la obra Étude d’Oiseaux de Francisco Lara.

Beethoven Actual, cuyo origen se remonta a las celebraciones del Día de la Música (2013) organizadas por el CNDM en el Auditorio Nacional de Música de Madrid, ha sido presentado desde entonces en numerosas ciudades por una brillante generación de destacados pianistas españoles. Esta temporada los protagonistas serán: Daniel del Pino (21 de octubre), Gustavo Díaz-Jerez (11 de noviembre), Eduardo Fernández (16 de diciembre), Javier Negrín (27 de enero), Judith Jáuregui (17 de febrero), Alba Ventura (16 de marzo), Mario Prisuelos (6 de abril), Noelia Rodiles (18 de mayo) y Miguel Ituarte (1 de junio).

El precio de la entrada general para cada uno de los conciertos, que tendrán lugar en el Teatro Fernando de Rojas del Círculo de Bellas Artes a las 19.30h, es de 10€ y las localidades de precio reducido (para jóvenes menores de 30 años, estudiantes con acreditación, mayores de 65 años, socios CBA y abonados del Auditorio Nacional) se podrán adquirir por 7€.

Este ciclo viajero recalará durante esta nueva temporada, además de en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, en el Auditorio Regional Víctor Villegas de Murcia.

El Festival de Verano del Teatro Auditorio San Lorenzo de El Escorial presenta el ciclo de conciertos de los prestigiosos Cursos Internacionales Matisse, un clásico de las noches veraniegas en la sierra madrileña. Los cinco recitales que componen el ciclo tendrán lugar los días 11, 13, 20, 21 y 26 de julio a las 20.00 h. -excepto el del domingo 21, que comienza a las 19.00 h.-.

El ciclo se inaugura el 11 de julio con un concierto benéfico a favor de los niños de la congregación de Santa María de Leuca de San Lorenzo de El Escorial, que correrá a cargo de la soprano Cecilia Lavilla Berganza y el pianista Miguel Ituarte. Una actuación en la que se interpretarán piezas de Manuel García, Hector Berlioz, Amadeo Vives y Cécile Chaminade.

El concierto del 13 de julio será instrumental, con una primera parte en la que Alfonso Aguirre interpretará a la guitarra partituras de Abel Carlevaro (Preludio Americano nº3 ‘Campo’), Agustín Barrios Mangoré (La Catedral) o Leo Brower (Tres apuntes), entre otros. En la segunda parte la violonchelista Kathryn Price y el pianista Charles Matthews deleitarán al público con la Sonata en Sol menor Opus 19 de Serguéi Rachmaninov.

Víctor del Valle (piano), Carole Petitdemange (violín), Carmen Solís (soprano) y Alisa Labzina (piano), serán los encargados del recital del día 20, en el que interpretarán temas de Francis Poulenc, Giacomo Puccini o Albert Alcaraz. Al día siguiente, el 21 de julio, sonarán Ludwig Van Beethoven (Siete variaciones sobre el ‘Bei Männern, welche Liebe fühlen’ de Mozart), Manuel de Falla (Suite popular española), Astor Piazzolla (Le Grand Tango) o Pablo Sarasate (Habanera Op. 21, nº 2), entre otros, de la mano de Carlos Vesperinas (violonchelo), Carlos Negro (piano), Paula Sastre (violín) y Charles Matthews (piano).

Como colofón final, el 26 de julio se celebrará un concierto con todos los profesores de 32ª edición de los Cursos Internacionales Matisse. Pasarán por el escenario Patricia Arauzo (piano), Hilary E. Fielding (cello), Alisa Labzina (piano), Carmen Solís (soprano), Kathryn Price (cello), Juan Llinares (violín), Sasha Crisan (cello) y Charles Matthews (piano).

Cursos Internacionales Matisse
En el marco de las actividades culturales y de formación que durante 32 años se han venido desarrollando en el Centro de Arte Matisse, destaca por su calidad y prestigio el Curso Internacional de Música Matisse. Un encuentro que realizó su primera edición en agosto de 1988 como clausura del I Ciclo de Música y Teatro en los Reales Sitios de Patrimonio Nacional, y que hoy expresa su madurez y solidez artística gracias a la participación de más de 2.000 alumnos de diversas nacionalidades, que a lo largo de más de veinte años se han formado bajo la atenta mirada de reconocidos maestros de toda España y Europa.

La exigencia y calidad de la oferta educativa, la difusión de la música a través de conferencias y clases magistrales, junto a la belleza de los diferentes espacios históricos y culturales del Real Sitio en los que viene desarrollándose a lo largo de sus catorce ediciones, han convertido este Curso en un escenario abierto que cada vez interesa más a profesionales de la música, estudiantes, aficionados, críticos, especialistas y público en general.

Uno de los principales festivales de nuestro país
Consolidado como uno de los principales festivales de nuestro país, la música, la lírica y la danza llenarán las noches de la sierra madrileña del 6 de julio al 9 de agosto.

Además del ciclo de los Cursos Internacionales Matisse, en julio el Festival de Verano acoge la actuación de Paquito D’Rivera (día 12), el concierto del Joven Coro de Andalucía (día 14), el espectáculo homenaje a Lorca Bernarda’s Backstage de Winged Cranes (19 de julio), la ópera Madama Butterfly de G. Puccini con Ainhoa Arteta como protagonista (25 y 27 de julio) o el estreno en la Comunidad de Madrid de El Quijote del Plata del Ballet Nacional Sodre (30 de julio), entre otros espectáculos.

Jan Lisiecki

Con apenas 23 años, ya es uno de los pianistas más prometedores de su generación. El canadiense Jan Lisiecki se encargará del último recital de la temporada del Ciclo Grandes Intérpretes de la Fundación Scherzo que ha reunido a grandes maestros del piano con jóvenes y sobresalientes artistas. El concierto de este músico exclusivo del sello Deutsche Grammophon tendrá lugar el martes 11 de diciembre a las 19:30 horas en el Auditorio Nacional de Música de Madrid. Sonarán obras de Bach, Chopin –uno de sus compositores predilectos-, Beethoven, Mendelssohn y Rachmaninov.

El artista ha destacado por su extraordinaria madurez interpretativa, sonido distintivo y sensibilidad poética. Sus sutiles interpretaciones, con una técnica depurada y una afinidad artística natural, le dan una voz musical que contrasta con su edad. El concierto de Madrid será el segundo de una gira por España que incluye Girona (10 de diciembre, Auditori de Girona) y Alicante (12 de diciembre, Auditorio Principal).

Nacido en Calgary en 1995, de padres polacos, Jan Lisiecki comenzó a estudiar piano a los cinco años y aunque realizó su debut orquestal a los nueve, siempre ha rechazado la etiqueta de “niño prodigio”. Su acercamiento a la música es una combinación de dedicación, habilidad y entusiasmo, además de una perspectiva realista sobre la carrera de un músico. “Puede ser que tenga la suerte de tener talento, pero también se trata de dedicación y trabajo duro“, ha declarado. Su contrato con el sello Deutsche Grammophon en 2011, a los 15 años de edad, confirmó su estatus entre los pianistas más imaginativos y poéticos de su generación.

Jan Lisiecki llamó la atención internacional en 2010, después de que el Instituto Fryderyk Chopin lanzara una grabación de los conciertos para piano de Chopin, tocadas en directo por él a la edad de 13 y 14 años. El disco recibió el prestigioso Diapason Découverte. Deutsche Grammophon lo contrató en exclusiva en 2011. Su primera grabación para este sello, en 2012, incluía los conciertos para piano K.466 y K.467 de Mozart; seguidos, en 2013, por los Etudes op. 10 y 25, de Chopin. Su tercer álbum fue lanzado en enero 2016 con obras de Schumann. Entre sus últimos trabajos se encuentran obras para piano y orquesta de Chopin con la Orquesta NDR de la Filarmónica del Elba y Krzysztof Urbański.

Actúa con las principales orquestas del mundo, como la Orchestre de Paris, la Filarmónica de Nueva York y la BBC Symphony; en lugares como Suntory Hall, Kennedy Center, Lincoln Center, Barbican y el Royal Albert Hall; y dirigido por maestros como Pappano, Nézet-Séguin, Harding y Zukerman.

Debutó en Carnegie Hall en 2016 con la Philadelphia Orchestra y Nézet-Séguin. En la temporada 2015/16 actuó con la Orquesta Sinfónica de Bamberg en Lucerna, actuó por primera vez con la Cleveland Orchestra y San Francisco Symphony, e hizo giras -incluida una por Europa con la Zurich Kammerorchester- que lideró desde el piano. En la temporada 2016/17, actuó por todo el mundo, incluyendo una gira con la London Philharmonic que le trajo a España junto a Jurowski. Participó además en la actuación de apertura del festival de la nueva Elbphilharmonie en Hamburgo junto a Nézet-Séguin. Entre los compromisos de esta temporada destacan actuaciones en Estados Unidos con la Indianapolis Symphony Orchestra y Urbański, recitales en Hong Kong y Pekín, conciertos en Hamburgo junto a la Orquesta NDR de la Filarmónica del Elba o en Berlín, con la Royal Philharmonic Orchestra y Lionel Bringuier, entre muchos otros.

En 2013 recibió el Premio Leonard Bernstein en el Festival de Música Schleswig-Holstein y fue nombrado Joven Artista del Año por la revista Gramophone. Lisiecki está involucrado en obras benéficas. Actúa para organizaciones como la Fundación David Foster, la Organización Humanitaria Polaca y la Fundación Wish Upon a Star. En 2012 fue nombrado Embajador de UNICEF Canadá después de haber sido representante nacional de la juventud desde 2008

El concierto de Lisiecki será el último de la 23ª temporada del Ciclo Grandes Intérpretes de la Fundación Scherzo. A lo largo de 2018, pianistas de amplia experiencia como Mitsuko Uchida, Grigori Sokolov o Radu Lupu han compartido escenario con jóvenes y talentosos artistas como Yuja Wang, Behzod Abduraimov o Benjamin Grosvenor; además del concierto extraordinario ofrecido por el director Gustavo Dudamel y la Mahler Chamber Orchestra, y el de la mezzosoprano Cecilia Bartoli con La cenerentola.

El precio de las entradas se sitúa a partir de los 25 euros. Los jóvenes menores de 26 años podrán asistir a los conciertos por 10 euros si acuden a la taquilla del Auditorio Nacional media hora antes del comienzo del concierto. A lo largo de las más de dos décadas de vida de este ciclo patrocinado por El País y la Cadena Ser, han actuado casi un centenar de pianistas en más de 200 conciertos. Estas cifras lo han convertido en uno de los mejores ciclos en su especialidad a nivel europeo.

PROGRAMA MARTES 11 DE DICIEMBRE DE 2018
Auditorio Nacional de Música de Madrid, 19:30 horas

  1. S. BACH

Partita nº5 en Sol Mayor, BWV 829

  1. CHOPIN

Nocturno op. 27

  1. V. BEETHOVEN

Sonata nº14, op. 27, nº2 “Claro de luna“

  1. MENDELSSOHN

Canciones sin palabras, op. 62

  1. CHOPIN

Nocturno, op. 37

  1. RACHMANINOV

Preludios, op. 23

  1. CHOPIN

Balada nº1 en Sol menor, op. 23

Fotografía: Holger Hage

1000 funciones

ABAO-OLBE (Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera) da comienzo a la conmemoración de 1.000 funciones de ópera en Bilbao con Fidelio de Ludwig van Beethoven, única ópera del compositor germano. Esta obra, perteneciente al periodo heroico de Beethoven, está considerada como uno de los pilares más sólidos de la ópera genuinamente alemana. Los próximos días 24 -función nº 1.000 -, 27 y 30 de noviembre y 3 de diciembre, con el patrocinio exclusivo de la Fundación BBVA, patrocinador principal de ABAO-OLBE, sube a escena este título, un alegato del amor conyugal, la lealtad, la fidelidad y la libertad, que regresa a la temporada bilbaína tras veintidós años de ausencia.

Obra maestra de compleja gestación

Esta obra maestra de Beethoven sufrió en el proceso de su composición continuas revisiones que han dado como resultado tres partituras diferentes y cuatro oberturas distintas. En la versión que se presenta en Bilbao se podrá disfrutar de dos oberturas, la de “Fidelio” y “Leonore III” como pieza sinfónica.

Reparto especialista en el repertorio alemán

El argumento de este primer drama musical de la historia moderna sobre el hombre y la sociedad se basa en la historia de Leonore, una mujer que se embarca, disfrazada como Fidelio, en la aventura de encontrar a su marido cautivo y salvarlo. Para dar vida a la pareja protagonista cuya interpretación requiere habilidades muy especiales y gran entrenamiento vocal, ABAO-OLBE cuenta con el debut de dos grandes especialistas en el repertorio germánico, la soprano rusa Elena Pankratova como ‘Leonore’ y el tenor británico Peter Wedd como ‘Florestan’. Junto a ellos completan el cartel los debuts del bajo belga Tijl Faveyts como ‘Rocco’, la soprano alemana Anett Fritsch como ‘Marzelline’, el regreso del tenor bilbaíno Mikeldi Atxalandabaso como ‘Jaquino’, el debut del bajo-barítono austriaco Sebastian Holecek como ‘Don Pizarro’, el retorno del bajo-barítono letón Egils Silins como ‘Don Fernando’, el debut del tenor Manuel Gómez Ruiz como ‘Prisionero uno’ y el regreso del bajo Felipe Bou como ‘Prisionero dos’.

Juanjo Mena dirige Fidelio

En el apartado musical, vuelve a Bilbao tras su exitosa dirección de Billy Budd en 2009 el maestro Juanjo Mena, gran conocedor de este repertorio. Al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa, Mena se enfrenta a una partitura que califica como “una obra maestra de la visión trascendente completamente única e innovadora”. En ella la importancia de la orquesta aumenta hasta el punto de marcar a las voces cual debe ser la intensidad teatral para conseguir una mayor dramatización. Completa este apartado el Coro de Ópera de Bilbao, dirigido por Boris Dujin, protagonista de unos de los momentos más destacados de la ópera al poner voz al “coro de prisioneros”.

Producción simbólica ideada por el Premio Nacional de Teatro, José Carlos Plaza

En el escenario, una producción de carácter simbólico, concebida por el Premio Nacional de Teatro en tres ocasiones, José Carlos Plaza, que en Bilbao estará dirigida por el dramaturgo Gregor Acuña-Pohl. El evidente canto a la libertad se sitúa en un espacio vacío delimitado por dos enormes bloques metálicos. Los cambios de estos bloques corresponden a los grandes momentos musicales de la ópera. Una escenografía muy limpia, contundente y esencial que ayuda a entender el mensaje humanista y atemporal de Fidelio.

El vestuario de Pedro Moreno, ganador de dos premios Goya por “El perro del hortelano” de Pilar Miró y “Goya en Burdeos” de Carlos Saura, se centra en los sentimientos de los personajes y en la lucha entre la fuerza represiva exterior y la fuerza interior del alma humana, con multitud de detalles como el óxido de las ropas de los carceleros o los dibujos inspirados en Chillida de las mujeres, mientras los protagonistas se muestran en blanco como símbolo de libertad y pureza.

Fidelio en streaming, la ópera al alcance de todos

La función de Fidelio del sábado 24 de noviembre será retransmitida en directo y gratuitamente vía streaming para todo el mundo, a través de las páginas web de ETB y ABAO. La Asociación se suma de esta manera, con el apoyo del ente público EITB, a las posibilidades que ofrecen las nuevas tecnologías audiovisuales y las redes sociales para la difusión de la cultura y la ópera.

La cadena de televisión pública vasca volverá a emitir la función en diferido el domingo 2 de diciembre a las 9:00 h en ETB 2.

Conferencia sobre “Fidelio”

Luis Gago, protagoniza la segunda conferencia del ciclo de introducción a la ópera que ABAO-OLBE organiza, previo al estreno y con carácter gratuito, en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, con el fin de conocer los aspectos más relevantes de cada título de la temporada.

Luis Gago ha sido Subdirector y Jefe de Programas de Radio 2 (RNE), miembro del Grupo de Expertos de Música Seria de la Unión Europea de Radiodifusión, Coordinador de la Orquesta Sinfónica de RTVE y Editor del Teatro Real. Ha realizado programas de radio para la BBC y es autor de numerosos artículos y monografías, del libro Bach (1995) y de la versión española del Nuevo Diccionario Harvard de Música. Prepara habitualmente los subtítulos en castellano para la Royal Opera House, la English National Opera y el Digital Concert Hall de la Orquesta Filarmónica de Berlín. Es editor y crítico de música de Revista de Libros, crítico musical de El País y codirector, junto con Tabea Zimmermann, del Festival de Música de Cámara de la Beethoven-Haus de Bonn.

La cita es el viernes 23 de noviembre en el Auditorio del Museo de Bellas Artes (acceso por la puerta Chillida) a las 19.15 horas. Entrada libre hasta completar aforo.

Encuentro horizontes de excelencia en el canto lírico

Horizontes de excelencia en el canto lírico es un programa fruto de la dilatada trayectoria de colaboración entre ABAO-OLBE y la Fundación BBVA, que comparten la visión de generar actividades que garanticen el acceso a una cultura de calidad para todos. En el marco de esta sensibilidad compartida, el proyecto Horizontes de excelencia en el canto lírico se ha diseñado a través de un programa que combina encuentros y diálogos entre expertos, artistas o profesionales ligados a la ópera, para ahondar en un nuevo espacio de desarrollo cultural a través de la reflexión sobre el arte lírico, y su cometido en la cultura actual.

Dentro las celebraciones de la temporada histórica ABAO 1.000 funciones de ópera en Bilbao, el 21 de noviembre a las 17:30 horas en el Auditorio del Museo de Bellas Artes se celebra un encuentro ente el director de orquesta Juanjo Mena y el director adjunto de El Correo, César Coca.

ABAO-OLBE participa en la nueva edición de FAIR SATURDAY

El próximo 24 de noviembre, coincidiendo con la primera función de Fidelio y la efeméride 1.000 funciones de ópera, se celebra la cuarta edición de la iniciativa Fair Saturday con la que ABAO-OLBE, impulsora del movimiento, colabora desde sus inicios. Fair Saturday surgió como un movimiento innovador, abierto y participativo que pretende situar el arte y la cultura en el centro de la sociedad y destacar su capacidad transformadora del mundo dedicando cada evento cultural a una ONG o proyecto social. En esta ocasión la Asociación Bilbaína donará parte de la recaudación de la citada función de Fidelio a la ONG Creando Futuros, que entre otras acciones desarrolla un programa educativo en Senegal.

Fundación BBVA: impulso al conocimiento y la creación cultural

La Fundación BBVA, cuyo rasgo diferencial es el impulso al conocimiento científico y la creación cultural, articula su programa de Música como un recorrido completo por las distintas formas en que la sociedad puede beneficiarse y disfrutar de esta manifestación artística, con un espacio propio en la web www.contrapunto-fbbva.es Así, promueve la creación de obra nueva con encargos de composición y hace posible su preservación y difusión por medio de grabaciones en colaboración con sellos e intérpretes de primera línea. Fomenta la música en directo a través de ciclos de conciertos que, de forma gratuita, ponen al alcance del público ensembles y solistas de referencia en el repertorio contemporáneo. Organiza ciclos de conferencias y edita publicaciones para comprender mejor el trabajo de ciertos autores o sumergirse en el estudio de determinados períodos compositivos y lleva a la práctica proyectos de investigación y creación altamente innovadores con las Becas Leonardo en Música y Ópera.

Organiza simposios especializados sobre gestión de orquestas, colabora con formaciones musicales y teatros de todo el país —desde el Teatro Real y el Teatro de la Maestranza al Gran Teatro del Liceu, pasando por la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera y la Orquesta Sinfónica de Madrid— y reconoce la excelencia a través del Premio Fronteras del Conocimiento en Música y Ópera y el Premio de Composición AEOS-Fundación BBVA, en colaboración con la Asociación Española de Orquestas Sinfónicas.

Maria João Pires

El concierto de clausura de la sexta temporada de La Filarmónica será protagonizado por la Orquesta de París, Daniel Harding y Maria João Pires, el próximo 17 de mayo. La Orquesta de París, una de las grandes formaciones orquestales de Europa, debutará en la temporada con su director titular, Daniel Harding, quien actuará por tercera vez en La Filarmónica. Formado con maestros como Claudio Abbado o Simon Rattle, Harding goza de una larga y excelente trayectoria que lo ha llevado a convertirse en Director Titular de la Orquesta Sinfónica de Radio Suecia, Principal Director Invitado de la London Symphony Orchestra y, desde septiembre de 2016, Director Titular de la Orquesta de París. El concierto se enmarca en una gira española que también los llevará a Oviedo, Barcelona, Valencia y Murcia.

Maria João Pires vuelve a La Filarmónica

Reconocida internacionalmente como una de las más grandes artistas de la historia, Maria João Pires vuelve por tercera vez a La Filarmónica, después de sus exitosas apariciones. En esta ocasión lo hará interpretando el Concierto para piano núm. 3 de Beethoven, bajo la batuta de Daniel Harding, director con el que ha colaborado anteriormente y con quien grabó precisamente los Conciertos para piano núm. 3 y el 4 de Beethoven, álbum ganador de un premio en los “2015 Gramophone Classical Music Awards”.

Brahms y Beethoven para despedir la sexta temporada

Estrenado con el mismo compositor como solista en 1803, el Concierto para piano y orquesta núm. 3 de Beethoven es uno de los grandes conciertos del repertorio pianístico, y será interpretado majestuosamente por Maria João Pires durante la primera parte del concierto. En la segunda, contaremos con la Tercera Sinfonía de Brahms, cuyo famoso tema del tercer movimiento representa, a través de su motivo melódico, un mensaje encriptado que fue lema del compositor: “Libre pero feliz”.

BIOGRAFÍAS

MARIA JOÃO PIRES, piano

Nacida el 23 de julio de 1944 en Lisboa, Maria João Pires realizó su primera actuación pública a los cuatro años. Empezó sus estudios de música y piano con Campos Coelho y Francine Benoît, y, posteriormente con Rosl Schmid y Karl Engel en Alemania. Además de sus numerosas actuaciones, ha hecho grabaciones para el sello Erato durante quince años y para Deutsche Grammophon durante veinte años. Desde 1970 ha dedicado su labor a reflejar la influencia que tiene el arte sobre la vida, la comunidad y la educación, buscando nuevas maneras de implementar teorías pedagógicas en la sociedad y fomentar el intercambio de ideas mediante el desarrollo de las culturas y el respeto a estas. En 1999 creó el Centro de Belgais para el Estudio de las Artes en Portugal. Posteriormente amplió este proyecto con iniciativas en las ciudades de Salamanca en España y Salvador de Bahía en Brasil. En 2012, en Bélgica, inició dos proyectos complementarios; el proyecto Equinox, que ofrece ayuda a niños desfavorecidos a través del canto coral, y el proyecto Partitura, cuyo objetivo es crear una interacción entre artistas de diferentes generaciones y ofrecer una plataforma de desarrollo alternativa a un mundo demasiado centrado en la competitividad.

ORCHESTRE DE PARIS

Daniel Harding, Director Musical

En 2016, Daniel Harding, sucedió a Paavo Järvi, convirtiéndose así en el noveno Director Musical de la Orquesta de París, con Thomas Hengelbrock como Director Asociado.

La Orquesta de París es la orquesta sinfónica líder de Francia y la principal orquesta residente de la Philharmonie de Paris, ofreciendo más de cien conciertos cada temporada tanto en París como en sus giras internacionales. La Orquesta de París está celebrando su 50 aniversario, después de haber ofrecido su concierto inaugural en 1967, bajo la dirección de su primer Director Musical, Charles Munch. Posteriormente directores como Herbert von Karajan, Sir Georg Solti, Daniel Barenboim, Semyon Bychkov, Christoph von Dohnányi, Christoph Eschenbach y Paavo Järvi se fueron sucediendo en el cargo de Director Musical de la orquesta.

En la presente temporada, la orquesta y Daniel Harding realizaron en febrero una gira europea con el viola, Antoine Tamestit y tras la gira española del mes de mayo con la pianista Maria João Pires, la orquesta regresará al Festival de Aix-en-Provence en julio de 2018 para tocar The Fiery Angel de Prokofiev dirigida por Kazushi Ono y Ariadne auf Naxos de Strauss dirigida por Marc Albrecht.

Desde su creación, la Orquesta de París, con sus 119 músicos, está financiada por el Ministerio de Cultura francés y la Ciudad de París.

Eurogroup Consulting es el patrocinador principal, apoyando la temporada sinfónica de la Orquesta de París.

DANIEL HARDING, Director Musical

En 2016, Daniel Harding sucedió a Paavo Järvi como nuevo y noveno director musical de la Orquesta de París. Daniel Harding es simultáneamente Director Musical de la Orquesta Sinfónica de la Radio Sueca y Principal Director invitado de la Orquesta Sinfónica de Londres. Recientemente fue honrado con el título vitalicio de Director Honorífico de la Mahler Chamber Orchestra. También es Director Asociado de la New Japan Philharmonic y Director Artístico del Ohga Hall en Karuizawa, Japón.

Daniel Harding comenzó su carrera como asistente de Sir Simon Rattle en la Orquesta Sinfónica de Birmingham, con la que hizo su debut profesional en 1994. Fue director asistente de Claudio Abbado en la Filarmónica de Berlín y debutó con esa orquesta en el Festival de Berlín de 1996.

Actualmente dirige regularmente las orquestas más prestigiosas del mundo como la Orquesta Staatskapelle de Dresde, la Orquesta Filarmónica de Viena, la Filarmónica de Berlín, la Orquesta Gewandhaus de Leipzig, la Orquesta del Royal Concertgebouw, la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera… En los Estados Unidos ha dirigido la Filarmónica de Nueva York, la Orquesta de Filadelfia, la Orquesta Sinfónica de Boston, la Filarmónica de Los Ángeles y la Orquesta Sinfónica de Chicago.

En 2017 fue galardonado con el título de Oficial de la Orden de las Artes y las Letras por el gobierno francés y en 2012 fue elegido miembro de la Real Academia Sueca de la Música.

Sobre La Filarmónica, Sociedad de Conciertos

LA FILARMÓNICA, SOCIEDAD DE CONCIERTOS

La Filarmónica ofrece grandes conciertos con los mejores artistas de la actualidad del panorama internacional. Su programación abarca desde el barroco al siglo XX, de la gran orquesta sinfónica al recital más íntimo y está pensada para que los amantes de la música disfruten de ella con los mejores intérpretes de cada repertorio.

Daniel Barenboim
¿Existe hoy en día un músico más prodigioso, talentoso y versátil que Daniel Barenboim? Director de ópera y orquestas sinfónicas a la vez que pianista de conciertos, recitalista, músico de cámara, acompañante de Lieder por excelencia, el músico argentino-israelí también es uno de los artistas con más grabaciones de todos los tiempos. Sony Classical se complace en presentar la primera colección retrospectiva completa de sus álbumes para CBS/Sony Classical y RCA Red Seal en 46 CDs y DVDs.
Barenboim, en su faceta de pianista, publicó sus primeras grabaciones comerciales en 1958 y pronto comenzó a registrar en formato disco sus vitales e innovadoras interpretaciones de Mozart y Beethoven. No pasó mucho tiempo antes de que añadiera su faceta como director a su ya intensa actividad musical, y en 1965 empezó una estrecha relación con la Orquesta Inglesa de Cámara. Gran parte de esa colaboración se puede escuchar en esta nueva colección de Sony, en particular sus grabaciones de conciertos de Mozart en las que el profundo conocimiento que Barenboim posee de este compositor está al servicio de los violinistas Isaac Stern y Pinchas Zukerman.
Muy pronto Barenboim dirigiría las mejores orquestas sinfónicas estadounidenses y europeas. Entre las agrupaciones que destacan en esta nueva colección se encuentra la Filarmónica de Londres, con la cual Barenboim grabó una serie de obras de Elgar, incluyendo “una apasionada interpretación” (Penguin Guide) de la Segunda Sinfonía: “La interpretación de la Orquesta Filarmónica de Londres es en todo momento soberbia y la agrupación responde a todos los caprichos de Barenboim … Pocas veces la música me emociona hasta las lágrimas, pero confieso que la suave interpretación de los últimos compases, del ‘molto lento’, lo consiguió”. (Gramophone).
Otro de los tesoros del proyecto conjunto compuesto por el tándem Barenboim/Orquesta Filarmónica de Londres fue el que llevaron a cabo con el legendario Arthur Rubinstein en Los conciertos completos de Piano de Beethoven (cuando su grabación como solista acompañando a Otto Klemperer ya se había convertido en una grabación emblemática). De este álbum ganador del Grammy al “Mejor álbum clásico” en 1977, Gramophone escribió: “¿Han sido los conciertos de Beethoven mejor acompañados alguna vez, si se puede definir esta interpretación como ‘acompañamiento’? … En cada una de las piezas [Barenboim y la orquesta] ofrecen un inicio conjunto de tal peso, riqueza de caracterización y belleza de sonido que la entrada del solista, tan bien preparada, llega casi como un anti-clímax. Pasará un tiempo antes de que incluso la personalidad de Rubinstein pueda igualar el esplendor de la escena que se ha preparado para él.”
La lista de otras colaboraciones notables de Barenboim en esta edición es muy extensa e incluye, entre otras: Las sonatas para violín de Brahms con Itzhak Perlman –que aquí aparecen no solo en CD, sino también y por primera vez, en DVD; El Concierto para violín de Beethoven (Filarmónica de Nueva York) y El Tercer concierto de Saint-Saëns (Orquesta de París) con Isaac Stern; El concierto para chelo de Elgar con la Orquesta de Filadelfia y Jacqueline du Pré; El Concierto para violín de Elgar (Filarmónica de Londres) con Pinchas Zukerman (“Una lectura que combina de manera gloriosa el pavoneo virtuoso de Heifetz con la ternura y calidez del joven Menuhin. Barenboim es un acompañante espléndido”) y con él también como viola solista en Harold en Italia de Berlioz (Orquesta de París); conciertos de guitarra de Rodrigo y Villa-Lobos (Orquesta Inglesa de Cámara) con John Williams, y también colaboró con Dietrich Fischer-Dieskau, en ciclos de canciones de Mahler (Filamónica de Berlín).
En la amplia variedad de trabajos sinfónicos de esta colección, Daniel Barenboim dirige la Cuarta sinfonía de Tchaikovsky (Filarmónica de Nueva York); la Séptima de Beethoven —del ya legendario concierto de en el Muro de Berlín en 1989—; la Sinfonía inacabada de Schubert y la Sinfonía fantástica de Berlioz (Filarmónica de Berlín) y Pelleas und Melisande de Schoenberg (Orquesta de París). Barenboim también puede escucharse en su faceta como artista solista en conciertos de piano de Brahms (con Zubin Mehta y la Filarmónica de Nueva York) y Beethoven (dirigiendo él mismo la Filarmónica de Berlín desde el piano). También hay un trabajo coral a gran escala, el Berlioz Te Deum, en una magnífica grabación realizada en St. Eustache con la Orquesta de París.
Los vídeos incluidos en la nueva colección son especialmente interesantes. Como ya hemos mencionado, se publican por primera vez en DVD las Sonatas para violín de Brahms con Itzhak Perlman, junto al Trío para trompa de Brahms (con el famoso Dale Clevenger de la Sinfonía de Chicago). También se incluye en CD y DVD la extraordinariamente innovadora y heterogénea interpretación del Concierto de Año Nuevo junto a la Filarmónica de Viena en 2014, sin duda, una de las más admiradas en los últimos años. The Times of London destacó: “Los conciertos de Año Nuevo más recientes han sido más bien planos, pero el champán fluye sin límite alguno en el segundo periodo de Daniel Barenboim en el podio… The plums (bis aparte) es un seductor Cuentos de los bosques de Viena (Johann II) y un maravilloso ‘Interludio de luz de luna’ de Capriccio”, mientras Presto Classical escribió: “A pesar de que comunmente se lo relaciona con compositores austríacos de más peso, Barenboim no se excede en ningún momento y se sabe la pieza al dedillo… moldea y da ritmo a las cosas de una forma maravillosa, desvelando toda clase de detalles.”
Contenido de la colección:
DISCO 1: MS 7179
Berg: Concierto de cámara para violín y 13 instrumentos de viento (Pierre Boulez, Daniel Barenboim, piano; Saschko Gawriloff, violín)
Berg: Tres piezas para orquesta, Op. 6 (Pierre Boulez)
Berg: Altenberg Lieder, Op. 4 (Pierre Boulez, Halina Łukomska, soprano)
DISCO 2: M 30055
Mozart: Concierto No. 5 en la mayor, K. 219, “Turkish” (Pinchas Zukerman, violín)
Mozart: Concierto No. 4 in re mayor, K. 218 (Pinchas Zukerman, violín)
DISCO 3: M 30572
Tchaikovsky: Sinfonía No. 4 en fa menor, Op. 36
DISCO 4: M 31369
Mozart: Sinfonía Concertante para violín, viola y orquesta en mi bemol mayor, K. 364 (Isaac Stern, violín; Pinchas Zukerman, viola)
Stamitz: Sinfonía Concertante para violín, viola y orquesta en re mayor (Isaac Stern, violín; Pinchas Zukerman, viola)
DISCO 5: M 31997
Elgar: Sinfonía No. 2 en mi bemol mayor, Op. 63
DISCO 6: M 32599
Elgar: Falstaff (Sinfonía de estudio) para orquesta, Op. 68
Elgar: Overtura “Cockaigne” (In London Town), Op. 40
DISCO 7: M 32807
Elgar: Sinfonía No. 1 en la bemol mayor, Op. 55
DISCO 8: M 32301
Mozart: Concierto para violín No. 1 en si bemol mayor, K. 207 (Pinchas Zukerman, violín)
Mozart: Concierto para violín No. 3 en sol mayor, K. 216 (Pinchas Zukerman, violín)
DISCO 9: M 32936
Elgar: Marchas de pompa y circunstancia, Op. 39
Elgar: La corona de India – Suite, Op. 66
Elgar: Marcha imperial, Op.32
DISCO 10: M 32937
Mozart: Concertone en do mayor para dos violines y orquesta, K. 190 (Isaac Stern, violín; Pinchas Zukerman, violín; Neil Black, oboe)
Pleyel: Sinfonía concertante en si bemol mayor para violín, viola y orquesta, Op. 29 (Isaac Stern, violín; Pinchas Zukerman, violín; Neil Black, oboe)
DISCO 11: M 33206
Mozart: Concierto No. 2 en Re mayor para violín y orquesta, K. 211 (Pinchas Zukerman, violín)
Mozart: Rondo en do mayor, K. 373 (Pinchas Zukerman, violín)
Mozart: Adagio e mi mayor, K. 261 (Pinchas Zukerman, violín)
Mozart: Rondo en si bemol mayor para violín y orquesta, K. 269 (Pinchas Zukerman, violín)
DISCO 12: M 33208
Rodrigo: Concierto de Aranjuez (John Williams, guitarra)
Villa-Lobos: Concierto para guitarra y pequeña orquesta (John Williams, guitarra)
DISCO 13: M 33584
Elgar: Chanson de Matin, Op. 15, No. 1
Elgar: Chanson de Nuit, Op. 15, No. 2
Elgar: Elegía para cuerdas, Op.58
Elgar: Serenata para cuerdas, Op.20
Elgar: Hola amor, op.12
Elgar: Romance, en. 62 para fagot y orquesta (Martin Gatt, maricón)
Elgar: Romero
Elgar: queridísima
Elgar: suspiros, en. 70
DISCO 14: METRO 33587
Beethoven: Concierto para violín y orquesta en re mayor, en. 61 (Isaac Stern, violín)
DISCO 15: CRL5-1415
Beethoven: Concierto No. 1 para piano y orquesta, Op. 15 en do (Arthur Rubinstein, piano)
Beethoven: Concierto No. 2 para piano y orquesta, Op. 19 en si bemol (Arthur Rubinstein, piano)
DISCO 16: CRL5-1415
Beethoven: Concierto No. 3 para piano y orquesta, Op. 37 en do menor (Arthur Rubinstein, piano)
Beethoven: Concierto No. 4 para piano y orquesta, Op. 58 en sol (Arthur Rubinstein, piano)
DISCO 17: CRL5-1415
Beethoven: Concierto No. 5 para piano y orquesta, Op. 73 en mi bemol (Arthur Rubinstein, piano)
DISCO 18: M 34500
Ravel: Daphnis y Chloe, Suite No. 2
Chabrier: España
Debussy: Preludio a la siesta de un fauno
Ibert: Escalas
DISCO 19: M 34517
Elgar: Concierto para violín en si menor, Op. 61 (Pinchas Zukerman, violín)
DISCO 20: M 34530
Elgar: Concierto para chelo y orquesta en mi menor, Op. 85 (Jacqueline du Pré, chelo)
Elgar: Variaciones en un tema original para orquesta, Op. 36 “Enigma”
DISCO 21: METRO 34536
Berlioz: ti, en. 22
DISCO 22: METRO 34541
Berlioz: Harold en Italia, en. 16 (Harold uno Italia) (Pinchas Zukerman, viola)
DESCT 23: METRO 34550
Saint-Saens: Concierto para violín y orquesta No. 3 en si menor, en. 61 (Isaac Stern, violín)
chausson: poema, en. 25 (Isaac Stern, violín)
Fauré: canción de cuna, en. 16 (Isaac Stern, violín)
DISCO 24 : METRO 35112
Berlioz : Royal Hunt y tormenta / Caza tormenta de bienes y
Berlioz: Romeo y Julieta, en. 17 Suite
DISCO 25: M 35160
R. Strauss: Concierto para oboe y pequeña orquesta (Neil Black, oboe)
R. Strauss: El burgués gentilhombre: Suite, en. 60 (Peter Frankl, piano)
DISCO 26: M 35880
Elgar: Pinturas marinas para contralto y orquesta, Op. 37 (Yvonne Minton, soprano)
Elgar: Overtura En el Sur, Op. 50, “Alassio”
DISCO 27: M 35885
Brahms: Concierto No. 2 para piano y orquesta en si bemol mayor, Op. 83 (Zubin Mehta, Daniel Barenboim, piano)
DISCO 28: M 35884
Brahms: Concierto No. 1 en re menor para piano y orquesta, Op. 15 (Zubin Mehta, Daniel Barenboim, piano)
DISCO 29: M 38557
Schoenberg : Pelleas und Melisande: poema sinfónico, Op. 5
DISCO 30: IM 39859
Berlioz: Symphonie fantastique, en. 14
DISCO 31: ESTOY 39676
Schubert: Sinfonía No. 2 en si mayor, D. 125
Schubert: Sinfonía No. 8 en si menor, D. 759 “inconclusa”
DISCO 32: IM 39671
Schubert: Sinfonía No. 3 en re mayor, D. 200
Schubert: Sinfonía No. 5 en si bemol mayor, D. 485
DISCO 33: M 42072
Schoenberg: Pierrot Lunaire, Op. 21 (Pierre Boulez, Daniel Barenboim)
DISCO 34: M 42316
Schubert: Sinfonía No. 9 en do mayor, D. 944 (“The Great”)
M 42322
R. Strauss: Sinfonia Domestica, Op. 53, TrV 209 (Mehta, Zubin)
R. Strauss: Burleske e re menor para piano y orquesta, TrV 145 (Zubin Mehta, Daniel Barenboim, piano)
DISCO 35: M2K 42489
Schubert: Sinfonía No. 1 en re mayor, D. 82
Schubert: Rosamunde, re. 797 (fragmentos)
DISCO 36: M2K 42489
Schubert: Sinfonía No. 4 en do menor, D. 417 “Trágica”
Schubert: Sinfonía No. 6 en do mayor, D. 589
DISCO 37: SK 45830
Beethoven: Concierto para piano No. 1 en do mayor, Op. 15
Beethoven: Sinfonía No. 7 en la mayor, Op. 92
DISCO 38: SK 44922
Mahler: Des Knaben Wunderhorn (Dietrich Fischer-Dieskau, barítono)
Mahler: Canciones de un caminante (Dietrich Fischer-Dieskau, barítono)
DISCO 39: S2K 44504
Schubert: Sonata (Sonatina) para piano y violín, en. Posth. 137, No. 1, re. 384 (Isaac Stern, violín, Daniel Barenboim, piano)
Schubert: Sonata (Sonatina) para piano y violín en la menor, Op. Posth. 137, No.2, D.385 (Isaac Stern, violín, Daniel Barenboim, piano)
Schubert: Sonata (Sonatina) para piano y violín en sol menor, Op. Post.137, No. 3, D.408 (Isaac Stern, violín, Daniel Barenboim, piano)
DISCO 40: S2K 44504
Schubert: Sonata (Dúo) para piano y violín en la mayor, Op. 162. D. 574 (Isaac Stern, violín, Daniel Barenboim, piano)
Schubert: Fantasía para violín y piano en do mayor (“Sei mir gegrusst!”), Op. Post.159, D. 934 (Isaac Stern, violín, Daniel Barenboim, piano)
Schubert: Rondo (Rondeau Brillant) para piano y violín en si menor, Op.70, D. 895 (Isaac Stern, violín, Daniel Barenboim, piano)
DISCO 41: SK 45819
Brahms: Sonata para violín No. 1 en sol mayor, Op. 78 (Itzhak Perlman, violín, Daniel Barenboim, piano)
Brahms: Sonata para violín No. 2 en la mayor, Op. 100 (Itzhak Perlman, violín, Daniel Barenboim, piano)
Brahms: Sonata para violín No. 3 en do menor, Op. 108 (Itzhak Perlman, violín, Daniel Barenboim, piano)
DISCO 42/43:
Concierto de Año Nuevo de 2014
DISCO 44: DVD
Concierto del Muro de Berlín 1989
DISCO 45: DVD
Brahms: Sonata para violín No. 1 en sol mayor, Op. 78 (Itzhak Perlman, violín, Daniel Barenboim, piano)
Brahms: Sonata para violín No. 2 en la mayor, Op. 100 (Itzhak Perlman, violín, Daniel Barenboim, piano)
Brahms: Sonata para violín No. 3 en re menor, Op. 108 (Itzhak Perlman, violín, Daniel Barenboim, piano)
Brahms: Trio para violín, trompa y piano en mi bemol mayor, Op. 40
DISCO 46: DVD
Concierto de Año Nuevo de 2014
Wilhelm Schwinghammer

El joven bajo alemán Wilhelm Schwinghammer debuta mañana en el Teatro de la Maestranza de Sevilla. Cantará el papel de Rocco en la nueva producción de “Fidelio”, de Ludwig van Beethoven, y dirigida por su titular, Pedro Halffter. En marzo 2018 volverá a España en una gira de conciertos de “Ariodante” de Händel, la producción se estrenará en febrero 2018 en la Opera national de Vienna (con el maestro William Christie y su orquesta »Les Arts des Florissants«). Los conciertos tendrán lugar en Barcelona (Liceu), Pamplona y Madrid (Teatro Real).

Wilhelm Schwinghammer es uno de los bajos más reconocidos de su joven generación. Su amplio repertorio abarca desde el barroco a la música contemporánea, e incluye los roles más importantes de su tesitura como Figaro (Le Nozze di Figaro), Leporello (Don Giovanni), Sarastro (Die Zauberflöte), Osmin (Die Entführung aus dem Serail), König Heinrich (Lohengrin), König Marke (Tristan und Isolde), Landgraf Hermann (Tannhäuser), Daland (Der fliegende Holländer), Fasolt (Das Rheingold), Rocco (Fidelio), Sparafucile (Rigoletto) y Orest (Elektra). En el futuro incorporará también los roles de Baron Ochs (Der Rosenkavalier) en la Ópera de Estocolmo y en una serie de conciertos con Zubin Mehta en Tel Aviv, y el Re di Scozia (Ariodante) en la Ópera de Viena.

Ha cantado en la mayoría de los principales teatros de ópera como Múnich, Berlín, Dresde, Lyon, Milán, Barcelona, Los Angeles, Washington, Chicago y Hong Kong Arts Festival. Wilhelm Schwinghammer se ha ganado también una sólida reputación como concertistas y actúa habitualmente con renombradas orquestas como la Filarmónica de Berlín, Sinfónica de Boston, Sinfónica de Bamberg, NDR Elbphilharmonie Orquesta y il Concerto Köln. En ópera y conciertos ha sido dirigido por Daniel Barenboim, Zubin Mehta, Kiril Petrenko, Andris Nelsons, Sir Simon Rattle, Marek Janowski, Sebastian Weigle, Philippe Herreweghe, entre otros prestigiosos directores.

En 2005 debutó en el Festival de Salzburgo como Dr. Grenvil en La Traviata con Anna Netrebko y Rolando Villazón. En 2011 volvió al Festival de Pascua de Salzburgo con Salome, dirigida por Sir Simon Rattle. Canta regularmente en el Festival de Bayreuth, donde debutó triunfalmente en 2012 como König Heinrich en Lohengrin, rol que repitió en los años sucesivos, y en 2014 y 2015 cantó, además, Fasolt en Das Rheingold, con dirección escénica de Frank Castorf.

Entre sus éxitos recientes cabe destacar una nueva producción del Ring en Chicago (dirección escénica de David Poutney), el rol titular en la nueva producción de Le Nozze di Figaro de Stefan Herheim en Hamburgo, y, en ese mismo teatro, Osmin en Die Entführung aus dem Serail.

Wilhelm Schwinghammer nació en Baviera e inició sus estudios musicales con los famosos Regensburger Domspatzen. Estudió en la Universidad de Berlín (Universität der Künste) con Harald Stamm y asistió a master-classes con Kurt Moll y Marjana Lipovšek. En 2003 fue admitido en el Programa Joven de la Ópera de Hamburgo y en 2006 entró a formar parte del conjunto estable de dicho teatro. Desde 2017 actúa como artista freelance. Ha sido premiado en diversas ocasiones y el 2009 ganó el prestigioso ARD Music Competition, donde también obtuvo el Premio del Público.

EVGENY KISSIN

Evgeny Kissin es de los pocos artistas contemporáneos que puede presumir de haber ofrecido hasta 15 bises en los auditorios más exigentes del mundo. El próximo miércoles 25 de octubre, el pianista actúa de nuevo España, país en el que debutó con 16 años y que no ha parado de visitar. Lo hará dentro del ciclo Ibermúsica con un repertorio que incluye la Sonata para piano núm. 29, “Hammerklavier”, de Beethoven, y una selección de Preludios opp. 3, 23, 32, de Rachmaninoff.

Con un talento precoz e innato, Kissin se ha consolidado como uno de los músicos más sobresalientes, premiados y admirados de nuestro tiempo. Tanto la crítica como el público han destacado la poética musicalidad de sus interpretaciones, así como su exquisita precisión. El gran director de orquesta Hebert von Karajan predijo con gran acierto que Kissin sabría transformar su natural virtuosismo en conciertos llenos de profundidad y generosidad.

“Todas las marcas distintivas de su genio – y uno no utiliza este palabra con ligereza- estuvieron presentes en la actuación: el tono rico y sonoro, el deslumbrante trabajo de sus dedos y, sobre todo, su inspiradora fantasía. El piano de Kissin es tan cautivador, tan fresco en su respuesta incluso en las frases más conocidas, que uno queda colgado de cada nota”, han dicho de él el periódico The Times (1999).

Con este concierto, Ibermúsica continúa con su temporada más ambiciosa de la última década. Entre el mes de octubre de 2017, y hasta el 7 de junio de 2018, visitarán el ciclo algunas de las mejores orquestas del mundo (Filarmónica de Berlín, Royal Concertgebouw Orchestra, la citada London Symphony Orchestra o La Filarmónica de San Petersburgo), directores y solistas de la talla de Daniel Barenboim, Sir Simon Rattle, Evgeny Kissin, Juan Diego Flórez, las hermanas Katia y Marielle Labèque, Gianandrea Noseda, Maria João Pires, Vladimir Jurowski o Sir John Eliot Gardiner.

EVGENY KISSIN

Evgeny Kissin nació en Moscú en octubre de 1971 y comenzó a tocar de oído y a improvisar en el piano con dos años. A los seis, ingresó en una escuela para niños prodigio, el centro moscovita de música Gnessin, donde fue alumno de Anna Pavlovna Kantor, su única profesora. Con 10 años, debutó con el Concierto para piano y orquesta n.º 20, de Mozart, y un año más tarde, ofrecía su primer recital en solitario en Moscú. Empezó a llamar la atención del público internacional en marzo de 1984 cuando, con 12 años, interpretó los Conciertos para piano 1 y 2, de Chopin, en el conservatorio moscovita con la Moscow State Philharmonic y Dmitri Kitaenko. Este concierto fue grabado por Melodia y lanzado en un LP doble el año siguiente. Posteriormente, varias de las actuaciones de Kissin en Moscú fueron también grabadas en directo y Melodia publicó cinco álbumes más.

La primera aparición de Kissin en el extranjero fue en 1985, en Europa del Este, y un año más tarde emprendía una gira por Japón. En 1987 hacía su debut en Europa Occidental en el festival de Berlín. En 1988 giró por el Viejo Continente con los Virtuosos de Moscú y Vladimir Spivakov y visitó por primera vez España, invitado por Ibermúsica. Ese mismo año también actuaba por primera vez con la London Symphony Orchestra bajo las órdenes de Valery Gergiev. En diciembre de 1988 se subió a un escenario junto a Herbert von Karajan y la Berlin Philharmonic en el concierto de Año Nuevo que fue difundido internacionalmente. Repitieron esta actuación en la siguiente edición del festival de Pascua de Salzburgo. Las grabaciones de vídeo y audio del concierto de Año Nuevo fueron realizadas por Deutsche Grammophon.

En 1990 Kissin apareció por primera vez en los BBC Proms y ese mismo año realizó su debut en Estados Unidos, interpretando los conciertos para piano de Chopin con la New York Philharmonic dirigidos por Zubin Mehta. Entonces también hizo la apertura del centenario del Carnegie Hall con un recital espectacular que fue grabado en directo por BMG Classics.

Ha recibido numerosos premios y reconocimientos. En 1987 recibía el Crystal Prize de Osaka Symphony Hall por la mejor actuación del año 1986, que fue también su primer concierto en Japón. En 1991 recibió el premio Músico del Año de la Academia de Música Chigiana de Siena, Italia. Fue invitado especial a la ceremonia de los premios Grammy de 1992 y se convirtió en el músico más joven del año de Musical America en 1995. Dos años más tarde recibía también el prestigioso premio Triumph por su contribución a la cultura rusa, uno de los más altos reconocimientos culturales que otorga la república rusa y que le convirtió en el premiado más joven de la historia de este premio.

Fue el primer pianista invitado a los BBC Proms para ofrecer un recital en 1997 y, en la temporada de los 2000, se convirtió en el primer solista en acudir al concierto de apertura de los Proms. En mayo de 2001, Kissin obtuvo un doctorado honorífico en Música por la Manhattan School of Music. En diciembre de 2003, en Moscú, recibió el premio Shostakovich, uno de los reconocimientos musicales más importantes de su país natal. En 2005 fue nombrado miembro honorífico de la Royal Academy of Music in London. Recientemente también recibió el premio musical Herbert von Karajan (2005).

Las grabaciones de Kissin ha sido también reconocidos con numerosos galardones, lo que las suma a la lista de piezas maestras de los mejores intérpretes del mundo. Algunos de ellos han sido el Edison Klassiek de Holanda, premios Grammy, el Diapason d’Or y el Grand Prix de la Nouvelle Academie du Disque francesa.

PROGRAMA MIÉRCOLES 25 OCTUBRE
Auditorio Nacional de Música, Sala Sinfónica, 20 horas
Duración aproximada 121 minutos

Programa
Beethoven Sonata piano núm. 29 “Hammerklavier”
Rachmaninoff Preludios opp. 3, 23 y 32 (selección)

LEIF OVE ANDSNES

Convertido en una gran figura del piano mundial, el noruego Leif Ove Andsnes regresa al escenario del Auditorio Nacional de Música de la mano de Grandes Intérpretes de la Fundación Scherzo. El próximo 24 de octubre ofrecerá un recital en el que abordará obras de algunos de los compositores que han apuntalado su sólida carrera musical, como Sibelius, Schubert o Beethoven. Completan el programa composiciones de J. Widmann y Chopin.

El periódico The New York Times ha definido a Leif Ove Andsnes como “un pianista de una elegancia magistral, poder y conocimiento”; mientras que The Wall Street Journal lo ha nombrado “uno de los músicos más talentosos de su generación”. Gracias a su imponente técnica y minuciosas interpretaciones, el celebrado pianista noruego ha conseguido el aplauso del público a lo largo de todo el mundo, ofreciendo recitales y actuando en conciertos en los más importantes auditorios con sus principales orquestas, además de ser un artista con una activa carrera discográfica. Como entusiasta músico de cámara, Andsnes fundó el Rosendal Chamber Music Festival, del que también es director; ha sido codirector artístico Risør Festival of Chamber Music durante casi dos décadas y trabajó como director musical del California’s Ojai Music Festival en el año 2012.

El pianista fue introducido en el paseo de la fama de Gramophone en julio de 2013 y ha recibido doctorados honoríficos de la neoyorquina Juilliard School y de la Universidad de Bergen, en Noruega, en 2016 y 2017, respectivamente.

Colaborador habitual de la New York Philharmonic, Andsnes es artista residente de la orquesta durante la temporada 17/18. Además de la música de cámara y los recitales como solista, a lo largo de esta temporada el pianista se unirá a la Philharmonic para interpretar el Concierto para piano, de Britten, bajo las órdenes de Antonio Pappano. Además, abordará el pocas veces programado Concierto para piano núm. 4, de Rachmaninoff, dirigido por Paavo Järvi; y la Fantaisie, de Debussy, con Edward Gardner. Estos tres conciertos ocupan un lugar destacado en su agenda de esta temporada.

En formato recital, se embarcará en una amplia gira europea que incluye actuaciones en ciudades como Londres, Berlín, Leipzig, Viena, Madrid, Milán y Ámsterdam con un programa compuesto, entre otros trabajos, por una selección de piezas de Sibelius. La obra injustamente olvidada del compositor finés para piano es uno de los ejes centrales del nuevo disco de Andsnes con Sony Classical, que incluye el arreglo propio de Sibelius de su famoso Valse triste, fragmentos de la popular Ten Pieces y la temprana Six Impromptus, y la expresiva Kyllikki. Además de unirse al barítono Matthias Goerne para una representación del Winterreise, de Schubert, en el nuevo Boulez Saal de Berlín, el pianista también cuenta con varias colaboraciones en su agenda para el verano de 2018 como su contribución al Incontri in Terra di Siena Festival, en Italia, y la tercera temporada de su propio Rosendal Chamber Music Festival en Noruega.

La pasada temporada, Andsnes abordó el Concierto para piano núm. 4, de Rachmaninoff, con orquestas como la Berlin Philharmonic y Boston Symphony; obras de Mozart con la Vienna Philharmonic y en gira con la Norwegian Chamber Orchestra; además de composiciones de Schumann con Japan’s NHK Symphony, donde –por segunda vez en los 20 años de historia del premio- fue nombrado el Solista más sobresaliente de 2016. Asimismo emprendió su primera gira como solista por Suramérica, interpretando Sibelius, Beethoven, Debussy y Chopin en Brasil y Chile, antes de repetir un programa similar en Japón y Corea del Sur. Se reunió de nuevo con Matthias Goerne para un ciclo completo de los Tríos de Schubert en París y Bruselas. Junto al pianista Marc-André Hamelin realizó un tour por Estados Unidos y Europa con un programa para dos pianos que, según The Washington Post, se trató de “una reunión de dos campeones en lo más alto de su juego”. Una de las piezas centrales de este programa fue la Consagración de la primavera, de Stravinsky, que forma parte del próximo trabajo que Andsnes lanzará esta próxima temporada con el sello Hyperion.

No obstante, Andsnes también actuará junto a orquestas como Tonhalle Zurich, Vienna Symphony, Symphonie-Orchester de Berlín, Bavarian Radio Symphony, Bergen Philharmonic, London Philharmonic Orchestra, Orchestre Philharmonique de Radio France, Oslo Philharmonic y New World Symphony, entre otras.

Quizás el logro más ambicioso del pianista noruego hasta la fecha haya sido The Beethoven Journey, un proyecto para cuatro temporadas con la música del maestro alemán compuesta para piano y orquesta que le ha llevado por 108 ciudades de 27 países, lo que ha supuesto más de 230 actuaciones en vivo. El premiado realizador Phil Grabsky ha filmado esta iniciativa en el documental, Concerto – A Beethoven Journey (2016); mientras que Sony Classical lo ha recogido en el álbum The Beethoven Journey. Andsnes es artista exclusivo de este sello. Su discografía consta de más de 30 álbumes, cuyo repertorio abarca desde Bach hasta la música contemporánea. Por sus trabajos ha recibido numerosos Grammy, Gramophone, Rosette, entre otros destacados premios y honores.

Con este concierto la Fundación Scherzo continúa su 22 temporada tras el parón veraniego. Los últimos tres conciertos programados son: el recital de Leif Ove Andsnes y los de Piotr Anderzewski (7 de noviembre) y Andras Schiff (28 de noviembre).

Quincena de San Sebastián
A un mes de que comience la 78 edición de la Quincena Musical de San Sebastián, la cita se perfila como una de las más relevantes del verano. Hasta la fecha, se han renovado el 100% de los abonos y ya se han vendido 15.500 entradas. Además, tres de las actuaciones están a punto de agotar localidades: la primera función de “Carmen”, del ballet de Víctor Ullate, que inaugura el festival; “Fidelio” de Beethoven que la BBC Philharmonic y el Orfeón Donostiarra ofrecerán, en versión concierto, el 4 de agosto y el “Requiem”, de Verdi, que interpretarán conjuntamente la Orchestre Philharmonique du Luxembourg y el Orfeón Donostiarra el 26 de agosto. De esta manera, la Quincena se consolida como uno de los festivales más sostenibles, capaz de financiar cerca del 50% de su presupuesto (que asciende a 2.400.000 euros) a través de la venta de entradas, patrocinios y otros ingresos al margen de las instituciones públicas.
Este año, la oferta del festival ha aumentado notablemente con la creación de nuevos ciclos como el del Museo San Telmo, donde se podrán escuchar algunas de las joyas del repertorio camerístico de los últimos dos siglos. También serán más las actividades dirigidas al público infantil no sólo en San Sebastián, sino también en otras localidades de Guipúzcoa, como Irún, Getaria, Oñati o Zumaia, que albergarán por primera vez cuentacuentos y talleres para niños. El programa del Kursaal, la principal sede de la Quincena, cuenta asimismo en esta edición con un mayor número de propuestas musicales, como la doble cita con el ballet o la ópera representada. En total, 87 espectáculos, repartidos en 11 ciclos que se extenderán por toda la provincia, además de Álava, Navarra e Iparralde. La Quincena pretende ampliar su presencia en el País Vasco francés.
El arranque sinfónico de la 78 edición de la Quincena, el festival de música clásica más longevo y sostenible de España, correrá a cargo de la BBC Philharmonic y su director titular, el vitoriano Juanjo Mena, Premio Nacional de Música 2016. Esta actuación supondrá el debut de la agrupación británica en la Quincena. Antes de esta cita, la Philharmonic estrenará el 21 de julio en los Proms de Londres la obra “Fidelio”, de Beethoven, producida al alimón con el festival dirigido por Patrick Alfaya. Ese mismo programa se repetirá, también junto al Orfeón Donostiarra, en la segunda de sus actuaciones en San Sebastián.
Además del debut de la BBC Philharmonic y la Orchestre Philharmonique du Luxembourg, la 78ª edición contempla la recuperación de la ópera representada para el festival. Además de “Fidelio”, de Beethoven, en versión concierto; el público podrá disfrutar de “Las bodas de Fígaro”, de Mozart. La formación luxemburguesa actuará a las órdenes de Gustavo Gimeno, uno de los directores españoles que más triunfan a nivel internacional. Entre la pléyade de artistas que visitarán la Quincena entre los días 1 y 31 de agosto destaca la presencia de la bailarina guipuzcoana Lucía Lacarra, que interpretará a Carmen en la primera de las dos actuaciones del ballet de Víctor Ullate.
En esta edición de la Quincena cabe destacar también la presencia de músicos asiáticos. Casi 20 años después de su primera visita al festival en 1998, la Asian Youth Orchestra regresa a San Sebastián. Además de la directora de orquesta taiwanesa Yi Chen Lin –que dirigirá la ópera de Mozart- y la AYO, destaca el recital que la reconocida y mediática pianista china Yuja Wang ofrecerá junto al violinista Leónidas Kavakos. Finalmente, la Cincinnati Symphony Orchestra, bajo las órdenes de su actual Director Titular, Louis Langrée, clausurará la Quincena con dos actuaciones.
Como también es habitual en esta cita cultural, la 78 edición de la Quincena Musical de San Sebastián desarrollará sus ciclos paralelos: Música Antigua, Música Contemporánea, Órgano, Jóvenes Intérpretes, el nuevo ciclo Música en el Museo San Telmo, Mugetan, Quincena Andante y Quincena Infantil. Pueden adquirirse entradas a través de la página web (www.quincenamusical.eus), así como en las taquillas del Kursaal y el Teatro Victoria Eugenia.
CHRISTIAN ZACHARIAS

En más de una docena de ocasiones Christian Zacharias se ha subido al escenario del Auditorio Nacional de la mano de la Fundación Scherzo. El también director de orquesta llega a esta 22ª edición del Ciclo Grandes Intérpretes con un recital el próximo martes 9 de mayo, a las 19:30 horas, en el Auditorio Nacional de Música. El programa de la actuación incluye a tres de los compositores románticos favoritos de Zacharias: Beethoven, Schubert y Schumann.

Las cualidades que han hecho a este pianista uno de los más famosos panorama musical actual también le han llevado a su mayor reconocimiento como director de orquesta, director de festivales, pensador musical, escritor y locutor. Zacharias mantiene una activa carrera como concertista de piano, actúa con los principales directores y dirige a las orquestas de mayor renombre; muchas de sus grabaciones han recibido premios internacionales.

Fue director artístico y principal de la Orquesta de Cámara de Lausana. De entre sus grabaciones con esta agrupación destaca su ciclo completo de los conciertos para piano de Mozart, que ganó el Diapason d’Or, Choc du Monde y el ECHO Klassik.

Zacharias ha sido “Socio Artístico” de la Orquesta de Cámara de St. Paul desde la temporada 2009/10. También mantiene estrechos vínculos con la Orquesta Sinfónica de Gotemburgo, siendo el Principal Director Invitado desde hace muchos años, y colabora habitualmente con orquestas como la Filarmónica de Los Ángeles, la Orquesta Hallé de Manchester, la Het Residentie Orkest Den Haag, la Orchestre National de Lyon, la Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks (con quienes grabó recientemente Mozart), la Bamberger Symphoniker o la Gurzenich Orchestra de Colonia. Durante los últimos años ha dirigido su atención a la ópera, lo que le ha llevado a trabajar en producciones como La Clemenza di Tito (Mozart), así como su ópera buffa Le nozze di Figaro y La Belle Hélène, de Offenbach. También ha trabajado en tres películas desde 1990: Domenico Scarlatti en Sevilla, Robert Schumann – der Dichter spricht (INA, París) y Zwischen Bühne und Künstlerzimmer (WDR-Arte).

En 2015, Zacharias formó parte del jurado del Concurso Internacional de Piano Clara Haskil; cargo que volverá a ocupar este año. Durante la temporada 2016/17, el pianista actuará, entre otros conciertos, junto a la Orchestre de Paris como director, solista y músico de cámara. En varias actuaciones con la Orchestre National de Lille abordará su recital de Schumann que incluye sus cuatro sinfonías así como sus grandes conciertos como solista.

Zacharias debutó en Grandes Intérpretes en el año 1998 y ha actuado en numerosas ocasiones, incluido el concierto inaugural de la 19ª edición. La presente temporada del ciclo organizado por la Fundación Scherzo, la número 22, se inició con el recital ofrecido por el pianista Daniil Trifonov. Entre los meses de enero y noviembre de 2017 están programados una decena de conciertos que reunirán a músicos de la talla de Sokolov, Javier Perianes, Angela Hewitt o Ashkenazy.

PROGRAMA MARTES 9 DE MAYO

Auditorio Nacional de Música, 19:30 horas
Entradas a partir de 25 euro

PROGRAMA MUSICAL
F. SCHUBERT Piano sonata Nº4 La menor D 537
L. V. BEETHOVEN Piano sonata Nº27 Mi menor op.90; Piano sonata Nº30 Mi Mayor op.109

R. SCHUMANN Davidsbündlertänze op.6

Sokolov_Klaus Rudolf

“Con un grande del piano como Sokolov es difícil mantener contenido el entusiasmo” The Times

Maestro del piano y artista de culto, Grigory Sokolov regresa al escenario del Auditorio Nacional de Música de Madrid el próximo 20 de febrero, dentro de la programación de la 22ª temporada del Ciclo Grandes Intérpretes de la Fundación Scherzo. El calificado como “mejor pianista vivo” por músicos mediáticos como James Rhodes, abordará en esta ocasión obras de W. A. Mozart y L. V. Beethoven. Cierra así una gira por España que comienza en Barcelona (12 de febrero) y continúa en Oviedo (14 de febrero), Bilbao (16 de febrero), Valencia (18 de febrero) y, finalmente, Madrid. Además, este año será la vigésima ocasión que Sokolov actúe dentro de la programación de Scherzo. Desde su debut en 1996 ha participado en prácticamente todos los ciclos organizados, primero, por la revista Scherzo y, posteriormente, por la Fundación Scherzo.

Sokolov nació en San Petersburgo (entonces Leningrado) en 1950. Allí se formó musicalmente en el conservatorio y ofreció su primer recital a los 12 años. Con tan solo 16 ganó el Concurso Internacional Chaikovski de Moscú y su candidatura fue defendida por el presidente del jurado, Emil Gilels. No obstante, mientras que anteriores premiados en este mismo concurso alcanzaron rápidamente fama mundial, el viaje de Sokolov quedó restringido. Otros artistas soviéticos huyeron a Occidente en busca de una mayor libertad personal, pero el intérprete prefirió quedarse en Leningrado para centrarse en su arte. Sólo después de la caída del Muro de Berlín empezó a disfrutar de un reconocimiento internacional más amplio.

Ha trabajado con orquestas como Concertgebouw de Ámsterdam, Filarmónica de Nueva York, Filarmónica de Múnich, Sinfónica de Viena, Sinfónica de Montreal, Orquesta del Teatro alla Scala y Filarmónicas de Moscú y San Petersburgo y entre las españolas con la Orquesta Sinfónica de Galicia. Hace unos años decidió dedicarse por completo a los recitales. Así, actúa regularmente en la Konzerthaus de Viena, la Philharmonie de Berlín, el Théâtre des Champs-Elysées de París, la Tonhalle de Zúrich, la Filarmonía de Varsovia, el Auditorio Nacional de Madrid, el Conservatorio de Milán, la Academia de Santa Cecilia de Roma, La Fenice de Venecia; así como en salas de Múnich, Hamburgo, Barcelona, Estocolmo, Helsinki, Lisboa, Luxemburgo, el Festival Klavier, el Festival de Colmar y el Festival de La Roque d’Anthéron.

Sokolov es artista exclusivo del sello Deutsche Grammophon. Debutó en esta discográfica en 2015 con su Salzburg Recital, que obtuvo un gran éxito y se convirtió en el disco más vendido de música clásica esa temporada. Su último álbum, publicado en enero de 2016, recoge algunas de las últimas piezas de Schubert, como los Impromptus, o la poderosa sonata de Beethoven, Hammerklavier.

Ha actuado en 19 ocasiones en el Ciclo de Grandes Intérpretes, haciendo de cada concierto una de las citas sublimes del calendario. Tras uno de sus últimos conciertos en España, el periodista Javier Pérez Senz comentó: “Es tanta la sabiduría y la humildad de este generoso intérprete -entra y sale rápido del escenario, casi sin pararse a recibir los aplausos- que al salir del concierto, tras una apoteósica tanda de seis propinas, te sientes mucho más feliz y agradecido por tanta emoción compartida”.

Tras la inauguración de la 22ª temporada de Grandes Intérpretes por Daniil Trifonov, Sokolov es el segundo artista invitado. Entre los meses de enero y noviembre de 2017 están programados una decena de conciertos: nueve recitales de piano y un concierto extraordinario de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar junto al Orfeó Català. La 22ª edición del Ciclo Grandes Intérpretes reunirá a músicos de la talla del propio Sokolov, Perianes, Zacharias, Angela Hewitt , Ashkenazy o Piotr Anderzewski. A lo largo de las más de dos décadas de vida de este ciclo, han actuado un total de 80 pianistas en más de 200 conciertos, de los que han disfrutado 300.000 personas.

PROGRAMA LUNES 20 FEBRERO
Auditorio Nacional de Música, 19:30 horas

  1. A. MOZART

Sonata en Do Mayor nº16 “Facile” , K.545 (1788)

Allegro, Andante, Rondo allegretto

Fantasía en Do menor K.475 (1785)

Adagio, Allegro, Andantino, Più allegro; Tempo primo

Sonata en Do menor KV.457 (1784)

Molto allegro, Adagio, Allegro assai

  1. V. BEETHOVEN

Sonata en Mi menor n. 27 op. 90 (1814)

  1. Mit Lebhaftigkeit und durchaus mit Empfindung und Ausdruck
  2. Nicht zu geschwind und sehr singbar vorgetragen

Sonata en Do menor n. 32 op. 111 (1822)

  1. Maestoso – Allegro con brio ed appassionato
  2. Arietta: Adagio molto semplice cantabile
St. Louis Symphony

Después de casi dos décadas sin pisar ningún escenario español, la St. Louis Symphony regresa a España con una gira de cuatro conciertos: Valencia (Palau de la Música, 8 de febrero), Madrid (Auditorio Nacional de Música, 9 y 10 de febrero) y Oviedo (Auditorio Príncipe Felipe, 11 de febrero). El programa que presentará esta agrupación en Madrid, dentro del marco de la 47ª temporada de Ibermúsica, estará compuesto por obras de Copland, Wallin y Beethoven –la Séptima Sinfonía–, en la primera de las actuaciones; y Adams, Korngold y Dvořák (Novena Sinfonía, apodada “Del Nuevo Mundo”), en la segunda.

La St. Louis Symphony estará acompañada por su Director Titular, David Robertson, uno de los artistas estadounidenses más solicitados actualmente, que debuta en Ibermúsica con esta gira. También por el trompetista Håkan Hardenberger y el violinista Gil Shaham, ambos intérpretes alabados por sus cualidades musicales. Hardenberger será el solista de la obra de Wallin Fisher King, ideada por el compositor oslense para expresar todas las posibilidades melódicas de la trompeta.

El programa que presentará esta agrupación está protagonizado por algunas de las composiciones más relevantes de su país. El argumento de Appalachian Spring, de Copland, se desarrolla en una fiesta primaveral de una comunidad de pioneros norteamericanos; mientras que The Chairman Dances, de Adams, utiliza ritmos musicales originarios de Estados Unidos, como el jazz, para evocar un baile entre Mao Tse-Tung y su amante Chiang Ching. Por otro lado, Korngold, que se trasladó a Estados Unidos debido a la persecución nazi a la que fue sometido, combina en Concierto para violín op.35 lo aprendido en Viena con la carga emocional de la música del cine de Hollywood. La última propuesta con fuerte sabor estadounidense de la St. Louis Symphony es Sinfonía del Nuevo Mundo, de Dvořák, obra compuesta durante la estancia del músico en Estados Unidos en el año 1893. No obstante, en la primera de sus actuaciones en Madrid, el programa se cerrará con la Sinfonía núm. 7 en La mayor de Beethoven, sin duda la más enérgica de sus sinfonías de madurez.

LOUIS SYMPHONY

Fundada en 1880, la St. Louis Symphony es la segunda orquesta más antigua de Estados Unidos, sólo precedida por la Filarmónica de Nueva York, y está considerada entre las mejores del mundo. En 2005, David Robertson fue nombrado Director Titular, el duodécimo en la historia de la orquesta y el segundo director nacido en Norteamérica en ocupar este cargo. En la temporada 2016/17, la agrupación realiza una gira de cuatro conciertos en España, su primera visita a nuestro país desde 1998. En esta temporada, continúa, además, aspirando a conseguir la excelencia artística, con responsabilidad y en conexión con la comunidad.

En marzo de 2017, regresará al Carnegie Hall para participar en la celebración del 70º aniversario de John Adams. La orquesta interpreta asiduamente obras de este reconocido compositor estadounidense cada temporada en el Powell Hall, destacando su Concierto para violín. Este mismo concierto fue grabado por Nonesuch Records y será editado junto con la sinfonía para violín Scheherazade.2 del mismo compositor, grabada también con L. Josefowicz en el Powell Hall, en febrero de 2016.

En 2015, recibió un Premio Grammy a la Mejor Interpretación Orquestal, por su grabación de City Noir y del Concierto para saxofón de Adams (Nonesuch). Fue el sexto Grammy obtenido por esta agrupación, así como su 57ª nominación. En la temporada 2015/16, realizó una gira por California, incluyendo actuaciones en Berkeley y Walt Disney Concert Hall de Los Ángeles, entre muchas otras.

DAVID ROBERTSON

Reconocido por sus excelentes cualidades como músico, programador y director, David Robertson es uno de los artistas más solicitados actualmente. Dinámico, apasionado y convincente comunicador, con un amplio repertorio sinfónico y operístico, ha establecido estrechos lazos de colaboración con las grandes orquestas internacionales. En 2005, asumió el cargo de Director Titular de la St. Louis Symphony Orchestra; mientras que en 2014, fue nombrado también Director Titular de la Sydney Symphony Orchestra.

Durante la temporada 2015/16, acompañó a la St. Louis Symphony en su gira por California. También cabe destacar el estreno en Estados Unidos del Concierto para contrabajo “El lobo” de Tan Dun, con el solista Erik Harris; y la más reciente Sinfonía para violín de John Adams y Scheherazade.2, con Leila Josefowicz. En la temporada 2014/15, Robertson volvió a dirigir la St. Louis Symphony Orchestra en el Carnegie Hall, interpretando la obra Weave, de Meredith Monk, así como la Sinfonía núm. 4, de Chaikovski. The New York Times escribió sobre él: “David Robertson dirigió una ‘feroz’ interpretación de la Cuarta Sinfonía de Chaikovski, de fraseo tenso pero natural como el respirar”.

Nacido en Santa Mónica, California, se educó en la Royal Academy of Music de Londres, donde estudió trompa y composición, antes de dedicarse a la dirección orquestal. Ha sido merecedor de numerosos premios y distinciones. Esta gira española supone el debut de Robertson en Ibermúsica.

HÅKAN HARDENBERGER

Hardenberger es uno de los trompetistas solistas más importantes del mundo. Colabora con las mejores orquestas, directores y compositores. Además de sus actuaciones dentro del repertorio clásico, es reconocido internacionalmente como un pionero de nuevas obras virtuosísticas, incluyendo composiciones de Hans Werner Henze, Rolf Martinsson, Olga Neuwirth o HK Gruber, cuyo concierto para trompeta Aerial interpretó por 70ª vez con la Berliner Philharmoniker el verano pasado.

Asimismo, volvió a Tanglewood para interpretar la obra de Brett Dean Dramatis Personae, seguido de conciertos junto a la Boston Symphony Orchestra, bajo la batuta de Andris Nelsons en los BBC Proms, el Festival de Lucerna y Philharmonie de Colonia. Con esta última actuación inició su residencia 2015/16 en la Philharmonie.

Su celebración de la trompeta junto a la Philharmonie culminó el pasado enero con una clase magistral en el Royal College of Music de Londres. Otros puntos culminantes de su carrera incluyen estrenos mundiales del Concerto para trompeta Solei rouge de Thierry Pécou (Orchestre Philharmonique de Radio France) y el Doble concierto para trompeta y piano de Betsy Jolas, acompañado del pianista Roger Muraro (Orchestre Philharmonique de Monte Carlo); el concierto inaugural de la nueva sala de Malmö; y conciertos con la Staatskapelle Dresden, Göteborgs Symfoniker, Bergen Filharmoniske Orkester, Toronto Symphony y Nueva Filarmónica de Japón, entre otros.

Nacido en Malmö, Suecia, Håkan Hardenberger estudió en el Conservatorio de París con Pierre Thibaud y en Los Ángeles con Thomas Stevens. Es profesor en el Conservatorio de su ciudad natal y es Director Artístico del recientemente formado Festival de Cámara de Malmö. Como director, hizo su debut con la BBC Symphony Orchestra en marzo 2011, interpretando Endless Parade de Harrison Birtwistle y el Concierto para trompeta de Haydn. Hardenberger ha estado en tres ocasiones en Ibermúsica, desde su debut en el año 2010.

GIL SHAHAM

Es uno de los más destacados violinistas de nuestro tiempo, reconocido por su técnica impecable, calidez y generosidad de espíritu. Durante la pasada temporada, se editó 1930 Violin Concertos, el primer álbum doble de su nuevo proyecto discográfico, con la Filarmónica de Nueva York, Boston Symphony, BBC Symphony, Staatskapelle Dresden y Sejong Soloists. Interpretó en vivo los conciertos de 1930 de Bartók, Prokofiev, Barber, Berg y Britten, colaborando con prestigiosas orquestas, como la Los Angeles Philharmonic, San Francisco Symphony, Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin y Sinfonieorchester des Bayerischen Rundfunks. Otras actuaciones incluyeron conciertos con la Wiener Philharmoniker, en el Carnegie Hall, con la National Symphony (Washington), Cleveland Orchestra y Orchestre de Paris, así como el estreno mundial de un nuevo concierto de Bright Sheng.

Sus más de 24 grabaciones han recibido numerosos premios: Grammys, Grand Prix du Disque, Diapason d’Or y Gramophone Editor’s Choice. Sus más recientes álbumes para el sello Canary Classics (fundado por él en 2004), incluyen los conciertos para violín de Haydn; el Octeto, de Mendelssohn, con Sejong Soloists; obras para virtuoso de Sarasate, con Adele Anthony, Akira Eguchi y la Orquesta Sinfónica de Castilla y León; o Nigunim: Melodías Hebreas, también con Orli Shaham, que incluye el estreno mundial de una sonata compuesta para él por Avner Dorman; además de otras muchas grabaciones. Entre sus proyectos figura la integral de obras para violín solo de Bach.

Fue galardonado con el Avery Fisher Career Grant (1990) y el Avery Fisher Prize (2008). En 2012, fue nombrado “Instrumentista del Año” por Musical America, que destacó el especial “humanismo” de sus interpretaciones. Toca un Stradivarius “Countess Polignac”, de 1699. Está casado con la violinista Adele Anthony. Gil Shaham se presentó en España en 1992 con Ibermúsica

PROGRAMA JUEVES 9 FEBRERO

Auditorio Nacional de Música, Sala Sinfónica, 19:30 horas
Duración aproximada 115 minutos

INTÉRPRETES
St Louis Symphony Orchestra
David Robertson, director titular
Håkan Hardenberger, trompeta

PROGRAMA MUSICAL
Copland Appalachian Spring
Wallin Fisher King
Beethoven Sinfonía núm. 7

PROGRAMA VIERNES 10 FEBRERO
Auditorio Nacional de Música, Sala Sinfónica, 22:30 horas
Duración aproximada 100 minutos

PROGRAMA MUSICAL

Adams The Chairman dances – Foxtrot for orchestra
Korngold Concierto para violin, op. 35
Dvořák Sinfonía núm. 9 “Del Nuevo Mundo”
Entradas a la venta en www.entradasinaem.es ; 902 22 49 49 o directamente en las taquillas del Auditorio Nacional de Música, a partir de 45 €.

Orchestre de la Suisse Romande

La Orchestre de la Suisse Romande entre Beethoven, Schubert y Mahler, en Ibermúsica
La Orchestre de la Suisse Romande se presenta ante el público de Ibermúsica por octava ocasión con dos conciertos que se celebrarán los próximos días 31 de enero y 1 de febrero. Dos de las composiciones más célebres de Beethoven protagonizan el programa de la primera actuación: Concierto para piano núm. 4, junto al pianista argentino Nelson Goerner, y la Quinta Sinfonía. Mientras que, en la segunda de las citas, ambas bajo las órdenes del recientemente nombrado Director Titular, Jonathan Nott, abordarán la Sinfonía núm. 5, de Schubert, y la Sinfonía núm. 1 “Titán”, de Mahler.

El concierto núm. 4 en sol mayor fue compuesto por Beethoven entre los años 1802 y 1806, durante una de las etapas más decisivas en la evolución creativa y artística del músico de Bonn. “Para muchos, es el más perfecto, el más personal, el más tierno de todos los conciertos para piano de Beethoven”, escribió sobre esta pieza el musicólogo estadounidense Robbins Landon. En esa misma época también vería la luz la segunda de las obras que interpretará la agrupación ginebrina, Sinfonía núm. 5 en do menor, concluida en 1808, cuya dosis de vehemencia y tensión dramática han estremecido al público desde entonces. En la Quinta Sinfonía de Schubert -la primera de las obras que se escucharán en la segunda actuación de la OSR- se aprecia el legado musical de sus predecesores, pero también los toques únicos y personales del compositor austriaco. Al igual que ocurre con la Primera Sinfonía de Mahler, una obra de juventud donde quedaron reflejados los elementos definitorios de toda su producción posterior.

Está será la octava vez que la agrupación suiza visite Ibermúsica. Precisamente, en su último concierto de 2011 debutó en Ibermúsica el pianista Nelson Goerner, que ahora les vuelve a acompañar. La 47ª temporada de Ibermúsica, en la que se encuadra esta aparición, comenzó el pasado 24 de junio con el concierto inaugural de la Filarmónica de Viena. Desde entonces, y hasta mayo de 2017, Ibermúsica ha programado 25 conciertos con 12 de las mejores orquestas del mundo. Se trata de la marca que lleva cerca de medio siglo trayendo lo mejor de la música a España. La institución, fundada por Alfonso Aijón y codirigida ahora por Llorenç Caballero, ha evolucionado en concordancia con los tiempos y ha sabido preservar el interés por la música clásica.

ORCHESTRE DE LA SUISSE ROMANDE

Fundada en 1918 por el que fue su Director hasta 1967, Ernest Ansermet, actualmente está integrada por 112 músicos. Sus actividades incluyen conciertos en Ginebra y Lausana, el Concierto Benéfico Anual de las Naciones Unidas y representaciones de ópera en el Grand Théâtre de Ginebra. Su actual grupo de directores está formado por Jonathan Nott, que asumió el puesto de Director Titular esta misma temporada, y el japonés Kazuki Yamada como Principal Director Invitado. A lo largo de su historia, se han situado al frente de esta agrupación directores como Paul Kletzki, Wolfgang Sawallisch, Horst Stein, Armin Jordan, Fabio Luisi, Pinchas Steinberg, Marek Janowski o Neeme Järvi.

La agrupación ha contribuido activamente a la historia de la música, gracias al respaldo de compositores contemporáneos y nueva música orquestal, especialmente la elaborada por autores suizos. Sus conciertos llegan a un público de millones de personas en todo el mundo. Han realizado grabaciones, muchas de ellas premiadas, con el sello Decca Classics y una docena más de casas discográficas. En los últimos años, la orquesta ha desarrollado una privilegiada colaboración con PentaTone. Junto a este último sello ha publicado su último disco con piezas de Roussel, Debussy y Poulenc, a la venta desde el pasado mes de septiembre.

Sus giras internacionales la han llevado a actuar en las principales salas de concierto de Europa, Asia y América. En julio 2014 realizaron una gira triunfal a Japón (Suntory Hall) y Seúl; y en febrero 2015 emprendieron una gira por Estados Unidos. Asimismo, la OSR también ha sido invitada a participar en numerosos festivales.

JONATHAN NOTT

El recientemente nombrado Director Titular de la Orchestre de la Suisse Romande estudió música en la Universidad de Cambridge, Royal Northern College of Music de Manchester y dirección orquestal en Londres. Lanzó su carrera en los teatros de ópera de Fráncfort y Wiesbaden dirigiendo todo el principal repertorio operístico. Ha sido Director de la Lucerne Symphony Orchestra y Director Titular de la Ensemble Intercontemporain. En el año 2000, asumió el puesto de Director Titular de la Bamberger Symphoniker. En 2009 recibió el Premio Midem a la Mejor Grabación Sinfónica por la Sinfonía núm. 9 de Mahler.

Desde abril de 2014 es Director Titular de la Sinfónica de Tokio. Con la Bamberger Symphoniker ha actuado en gira en Estados Unidos, Sudamérica y Asia; así como en los festivales de Salzburgo, Edimburgo, Lucerna y los BBC Proms. Más recientemente, ha actuado en los escenarios de China, España, Bélgica, Viena, Praga, París y Baden-Baden. Al margen de su labor como director de orquesta, Nott ha creado un programa de artistas residentes y también es fundador del Concurso Internacional Mahler, que se celebra cada tres años y del que Gustavo Dudamel obtuvo el primer premio.

Ha sido director invitado de renombradas orquestas, como las Filarmónicas de Berlín, Viena, Nueva York y Los Ángeles; Staatskapelle Dresden o Chicago Symphony. Durante la temporada 2014/15, Nott colaboró con la Royal Concertgebouw Orchestra, Accademia Nazionale di Santa Cecilia y Wiener Symphoniker. Ha sido Director Titular y Consejero Artístico de la Joven Orquesta Filarmónica de Alemania desde 2014. Dirigió la Gustav Mahler Jugendorchester durante su gira de 2015, paralelamente a su tarea docente en los conservatorios de Lucerna y Karlsruhe. Asimismo, ha grabado la integral de obras orquestales de Ligeti, con la Berliner Philharmoniker (Teldec); obras de Bruckner, Schubert, Stravinski y las sinfonías completas de Mahler con la Bamberger Symphoniker (Tudor).

NELSON GOERNER

Nelson Goerner nació en Argentina y estudió con Jorge Garrubba, Juan Carlos Arabian y Carmen Scalcione. En 1986 debutó en el Teatro Colón con la Filarmónica de Buenos Aires. Posteriormente, se trasladó a Europa y, en 1990, tras sus estudios con Maria Tipo, obtuvo el Primer Premio en el Concurso Internacional de Ginebra. Desde entonces, Goerner ha ofrecido recitales por todo el mundo, en salas como el Concertgebouw (Ámsterdam), el Teatro Colón (Buenos Aires), Auditorio Nacional de Música (Madrid), Wigmore Hall y South Bank Centre (Londres) o Salle Gaveau (París). Ha sido invitado por prestigiosos festivales como los de Verbier, Salzburgo, Edimburgo, La Roque d’Anthéron, Toulouse, Schleswig-Holstein, Festival Chopin y BBC Proms.

Con frecuencia actúa junto a orquestas como la London Philharmonic, BBC Philharmonic, las Orquestas Nacionales de Escocia y de Gales, Hallé de Manchester, MDR de Leipzig, Orchestre de la Suisse Romande, Sinfonía Varsovia, Filarmónica de la Radio Holandesa y las Sinfónicas de Viena, Singapur y de la NHK de Tokio. En música de cámara, ha colaborado con el Cuarteto Tákacs, Janine Jansen, Valery Sokolov, Steven Isserlis, Gary Hoffman, Gautier y Renaud Capuçon; asimismo, interpreta con frecuencia repertorio para dos pianos y cuatro manos junto a Rusudan Alavidze y Martha Argerich.

Esta temporada ofrecerá un ciclo de cuatro recitales en el Wigmore Hall, así como otras actuaciones en París, Lyon, Toulouse, Ginebra, Buenos Aires y Shanghái; además de debutar con las orquestas Hallé de Manchester, Filarmónica de los Países Bajos y Scottish Chamber Orchestra. Su discografía incluye obras de Chopin (EMI); Rachmaninoff, Liszt y Schumann (Cascavelle), y Fantasía India de Busoni. Su más reciente grabación, con obras de Debussy, ha sido galardonada con el Diapason d’or. Recibió el Premio Konex de Platino y la Asociación de Críticos Musicales de Argentina lo distinguió como mejor solista argentino.

PROGRAMA MARTES 31 DE ENERO

PROGRAMA MIÉRCOLES 1 DE FEBRERO

RICHARD GOODE en el Clico de Scherzo

El pianista neoyorquino Richard Goode ofrecerá un recital el próximo martes 29 de noviembre, dentro de la 21ª temporada del Ciclo Grandes Intérpretes de la Fundación Scherzo. El concierto de Goode, conocido mundialmente como uno de los mejores intérpretes de la obra de Beethoven, tendrá lugar en el Auditorio Nacional de Música y en él abordará composiciones de Bach y Chopin.

Nacido en Nueva York, Goode estudió con Nadia Reisenberg en el Mannes College of Music y con Rudolf Serkin en el Curtis Intitute. Ha obtenido numerosos premios como The Young Concert Artists Award, el primer premio en el Concurso de Clara Haskil, the Avery Fisher Prize y un Grammy. Su primera interpretación pública del ciclo íntegro de las sonatas de Beethoven tuvo lugar en Nueva York en 1987 y 1988, y fue aclamada por el periódico The New York Times como “uno de los acontecimientos más memorables de la temporada”. Volvería a repetir el mismo ciclo en Queen Elisabeth Hall de Londres en 1994 y 1995 con el mismo éxito. De él, han destacado su gran sensibilidad, profundidad y expresividad.

En la temporada de 2016/17, entre otros conciertos, el pianista neoyorquino vuelve al Festival Internacional de Edimburgo, al Wigmore Hall, al Royal Festival Hall de Londres, a la Academia Liszt de Budapest, a Piano aux Jacobins de Toulouse, al Festival Internacional de Bergen y debutará en Estocolmo en la Gran Sala de Conciertos. Asimismo, regresa al Ciclo Grandes Intérpretes de Scherzo, en el que debutó en 2006. Goode también actuará junto a la Orquesta Filarmónica de Helsinki y con la Orquesta Festival de Budapest, bajo las órdenes de Ivan Fischer. Con ésta última agrupación, ofrecerá conciertos en la capital húngara, Nueva York, Chicago, Boston, Ann Arbor y Newark.

En Estados Unidos, destaca su retorno al festival Mostly Mozart, del Lincoln Centre, donde interpretará el Concierto para Piano K.414 de Mozart, dirigido por Louis Langrée. También ofrecerá recitales en numerosas series como las de Washington Performing Arts, Carnegie Hall, la Series de Maestros de los Van Cliburn Concerts (Fort Worth), Duke Performances en Carolina del Norte, Green Music Center de California, Beethoven Festival de Minnesota y la Sociedad de Música de Cámara de Filadelfia.

Artista en exclusiva del sello discográfico Nonesuch, Goode ha grabado más de dos docenas de discos, abarcando desde su trabajo como solista, hasta música de cámara, lied y conciertos. Su última grabación, los cinco conciertos de Beethoven con la Orquesta del Festival de Budapest e Ivan Fischer, fue publicada en 2009 recibiendo elogiosas críticas; fue también nominada a un premio Grammy y el Financial Times la calificó como “un hito en el mundo discográfico”. Su serie de 10 CDs con el ciclo completo de sonatas de Beethoven, la primera grabación hecha por un pianista nacido en los Estados Unidos, fue nominada a un Grammy y seleccionada por Gramophone Good CD Guide. Otros de sus álbumes señalados son la serie de Partitas de Bach, el lied con Dawn Upshaw y los conciertos para piano de Mozart con Orpheus Chamber Orchestra.

De 1999 hasta 2013, Richard fue Director Artístico, junto con Mitsuko Uchida, de la Marlboro Music School and Festival en Vermont. Está casado con la violinista Marcia Weinfield y, cuando no están de gira, viven en la ciudad de Nueva York.

Este será el último concierto de la 21ª temporada del Ciclo Grandes Intérpretes de Scherzo, inaugurada el pasado mes de febrero por Ivo Pogorelich. Además del intérprete croata, también han pasado por el escenario del Auditorio Nacional los reputados pianistas Arkadi Volodos, Grigory Sokolov, Paul Lewis, Emanuel Ax y Lang Lang, éste último en un concierto extraordinario para el que se agotaron las entradas. Otro concierto extraordinario, el de Philippe Jaroussky con la Orquesta Barroca de Friburgo, también colgó el cartel de entradas agotas para su actuación del 12 de noviembre. El programa de la 21ª temporada ha incluido 11 recitales, así como tres clases magistrales impartidas por Volodos, Lewis y Fellner. A lo largo de sus 21 ediciones, el Ciclo de Grandes Intérpretes ha acogido más de 200 conciertos de los mejores pianistas de las últimas décadas, de cuya música han disfrutado más de 300.000 personas.

PROGRAMA MARTES 29

19:30 horas

AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA

J.S. Bach Concierto Italiano
J.S. Bach 15 Sinfonías

-Pausa-

Chopin Nocturno en Mi bemol Op.55 No.2
Chopin Nocturno en Do menor Op.48, No.1
Chopin Mazurka Op.24 No.2
Chopin Mazurka Op.59 No.2
Chopin Mazurka Op.7 No.3
Chopin Mazurka Op.24 No.4
Chopin Barcarola Op.60
Chopin Nocturno en Do sostenido menor Op.27 No.1
Chopin Nocturno en Mi mayor Op.62 No.1
Chopin Polonesa-Fantasía en La bemol Op.61

Más información.

Albert Cano Smit

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid acogen el concierto del pianista Albert Cano Smit que tendrá lugar el martes 22 de noviembre en la Sala Roja dentro del Ciclo de Jóvenes Intérpretes organizado por la Fundación Scherzo.

Albert Cano Smit nació en Ginebra (Suiza) en 1996. A los 6 años se trasladó a Barcelona. Tras unirse a la Escuela de Música de la Abadía de Montserrat recibió una beca para continuar sus estudios musicales en la Chetham’s School of Music (Reino Unido). Ha sido galardonado en el Hilton Head Piano Competition, el Ricard Viñes de Lérida, el Concurso de Manchester para jóvenes pianistas menores de 23 años, el Festival Chopin en Mazovia (Polonia) y el concurso de la Beethoven Society of Europe.

Se ha presentado como solista en el Bridgewater Hall de Manchester, Auditorio Enric Granados de Lérida, Catedral de Westminster en Londres, Ambassador Auditorium de Passadena y Walt Disney Concert Hall de Los Ángeles. Como músico de cámara, ha colaborado con Jean-Yves Thibaudet, Gary Hoffman, Andrej Bielow, Will Hagen y los Cuartetos Gerhard y Szymanowski y actualmente es estudiante de grado en el conservatorio Colburn de Los Ángeles (EE.UU.) con el profesor Ory Shihor.

En este programa, caben destacar dos piezas, Campanas y Estrella (del 4º y 5º cuaderno de Escenas del bosque) del compositor e ingeniero Ramón Humet (Barcelona 1968). Es un ciclo de obras para piano formado por varios cuadernos y basado en fenómenos de la naturaleza.

La música de Humet ha recibido una amplia difusión y aceptación por parte del público y de la crítica. Compositor de fina sensibilidad e imaginación y de una sólida técnica compositiva.

El día 10 de enero de 2017 la pianista georgiana Mariam Batsashvilli ofrecerá un concierto con piezas de Bach, Chopin, Mendelssohn y Liszt y el 14 de febrero, el ruso Daniel Kharitonov tocará obras de Liszt y Chopin, además de dos creaciones de Rachmaninov.

El Ciclo de Jóvenes Intérpretes de la Fundación Scherzo lleva 15 ediciones apoyando la carrera internacional de jóvenes pianistas y se ha fijado como objetivo que todos los años haya dos españoles.

Programa:
I

Beethoven: Sonata N.6 en Fa Mayor, Op.10 N.2

Ramón Humet: Campanes y Estel de las Escenas del Bosque

Franck: Preludio, Coral y Fuga

II

Debussy Selección de Preludios, Libro II

Schubert Sonata en Do menor, D958

Joel Prieto

Joel Prieto, nacido en Madrid y criado en Puerto Rico, continúa imparable con su carrera internacional, muy centrado en la obra de su compositor predilecto, Wolfgang Amadeus Mozart. Después de ser Tamino (Die Zauberflöte) en Madrid y Ferrando (Così fan tutte) en el Festival de Aix-en-Provence (Francia), el Mostly Mozart de Nueva York, en los Proms de Londres y en el Festival de Edimburgo (Escocia), este afamado cantante formado entre Puerto Rico y Estados Unidos ha realizado una pausa en su agenda mozartiana para encarnar a Bénédicte de la ópera de Berlioz Béatrice et Bénédicte en el Théâtre du Capitole de Toulouse (Francia) durante septiembre y octubre.

En diciembre debutará en el Teatr Wielki, el Gran Teatro de Varsovia (Polonia), para volver a meterse en la piel del Príncipe Tamino de Die Zauberflote, y lo hará en la misma producción en la que triunfara en el Teatro Real de Madrid el pasado mes de enero, firmada por Suzanne Andrade y Barrie Kosky, y en la que la obra del genio de Salzburgo se presenta como un homenaje a las películas del cine mudo (días 11, 13, 15 de diciembre).

Más tarde viajará a Tokio (Japón) para interpretar la Novena Sinfonía de Beethoven junto a la NHK Symphony Orchestra y al coro de los Tokyo Opera Singers (21, 23, 24, 25, 27), bajo la dirección del maestro Herbert Blomstedt; este compromiso marcará su debut en el país asiático y será la primera vez que cante la monumental composición del maestro de Bonn.

Joel Prieto comenzará 2017 con un nuevo e importante paso en su carrera: su debut en la Ópera de Los Ángeles (Estados Unidos), siempre con Mozart, esta
vez con Belmonte de El rapto en el Serrallo.

http://joelprieto.com/

Daniel Barenboim’s first solo recording on the remarkable new concert grand Barenboim-Maene which he developed in collaboration with instrument maker Chris Maene.

Barenboim has selected works by four keyboard masters to display his piano’s timbral and tonal capabilities:

“I’ve fallen in love with my new piano”, he exclaims, “and want to spend as much time with it as possible.”

Conceived and commissioned by Barenboim himself, the new piano was developed and built by esteemed Belgian instrument maker Chris Maene, with support from Steinway & Sons.

Barenboim was inspired to create a new piano after playing Franz Liszt’s restored grand piano during a trip to Siena in September 2011. Struck by the vital differences in sound of an instrument constructed with straight, parallel strings rather than the diagonal crossed ones of a contemporary instrument, he set out to create a brand new instrument that combines the best of the old and the new and offers a real alternative for pianists and music-lovers in the 21st century.

Barenboim says:

“The transparency and tonal characteristics of the traditional straight-strung instruments is so different from the homogenous tone produced by the modern piano across its entire range. The clearly distinguishable voices and color across its registers of Liszt’s piano inspired me to explore the possibility of combining these qualities with the power, looks, evenness of touch, stability of tuning and other technical advantages of the modern Steinway…”

There are only two Barenboim-Maene in the world.

Daniel Barenboim will play selected pieces of the album repertoire on his new piano during his upcoming European recital tour.

re. Scarlatti: Sonata K.159 en C L104; Sonata en Re K9 L413; Sonata K.380 en E L23;

Beethoven: 32 Variaciones en Do menor

Chopin: balada 1 en. 23 Largo

Wagner / Liszt: “La marcha de los caballeros Grails” de Parsifal

Liszt: funeral; Valses primeros Mephisto

Tour:

noviembre 23 – Zaragoza

noviembre 24 – Barcelona

noviembre 27 – Madrid

till-fellnerben

El pianista austriaco Till Fellner ofrecerá un recital el próximo 4 de octubre dentro de la 21a temporada del Ciclo de Grandes Intérpretes de la Fundación Scherzo. El concierto tendrá lugar a las 19:30 horas en el Auditorio Nacional de Música de Madrid y en él abordará piezas de L. V. Beethoven, J. S. Bach y R. Schumann. Asimismo, el intérprete, un apasionado del uso de la música en la filmografía de Luis Buñuel, impartirá una clase magistral para los alumnos del Real Conservatorio de Música el día 5 de octubre, a las 10 horas, abierta a todo el público.

Till Fellner (Viena, 1972) ha sido alabado por su manera sencilla, natural y exquisita de abordar el género clásico. De su estilo han dicho que es contenido y equilibrado, destacando especialmente por su manera fresca y llena de matices a la hora interpretar la obra de Beethoven. Tampoco ha pasado desapercibida para la crítica su elegante y virtuosa forma de presentar las composiciones de Mozart. En Viena, el pianista fue alumno de Helene Sedo-Stadler antes de comenzar sus estudios junto al maestro Alfred Brendel, así como junto a Meira Farkas, Oleg Maisenberg y Claus-Christian Schuster.

Su carrera internacional comenzó en 1993 cuando ganó el primer premio en el certamen internacional de piano Clara Haskil, en Vevey, Suiza. Durante estas dos últimas décadas, ha sido artista invitado en algunas de las orquestas más aclamadas de Europa, Estados Unidos y Japón. En diciembre de 2015, Fellner debutó en la Filarmónica de Berlín bajo las órdenes de Bernard Haitink, precisamente, con el Concierto para Piano n.o 25 de Mozart.

Durante la temporada 2015/2016, el pianista ha pasado por los recitales más importantes de Europa y Asia, así como participado en conciertos junto a la NHK Symphony Orchestra, Chicago Symphony Orchestra, la Academy of St Martin in the Fields (dirigida por Neville Marriner) y la Mahler Chamber Orchestra (bajo la batuta de Manfred Honeck). El pianista ha trabajado con los directores de orquesta Claudio Abbado, Vladimir Ashkenazy, Semyon Bychkov, Christoph von Dohnányi, Nikolaus Harnoncourt, Sir Charles Mackerras, Kurt Masur, Kent Nagano, Jonathan Nott, Kirill Petrenko, Claudius Traunfellner, and Hans Zender, entre otros muchos.

El en ámbito de la música de cámara, Fellner colabora habitualmente con el tenor británico Mark Padmore, junto al cual presentó por primera vez una composición de Hans Zender el pasado mes de enero. Ambos han actuado en varios recitales en Alemania, Tokio y Seúl. Por otro lado, Belcea Quartet invitó al pianista para celebrar su vigésimo aniversario interpretando el Quinteto para piano de Brahms en las principales ciudades europeas. Fellner es artista exclusivo del sello ECM.

A lo largo de los últimos años, se ha dedicado a dos hitos de la música para piano: El clave bien temperado de Bach y las 32 Sonatas para piano de Beethoven, que abordará en el recital del ciclo Grandes intérpretes de la Fundación Scherzo. Desde 2008 y hasta 2010, el músico recorrió numerosas ciudades de todo el mundo con un ciclo dedicado exclusivamente a Beethoven. No obstante, Fellner muestra gran interés por la música contemporánea, estrenando piezas de Kit Armstrong, Harrison Birtwistle, Thomas Larcher o Alexander Stankovski. Durante el año 2012, se retiró temporalmente de las tablas para estudiar un nuevo repertorio y profundizar sus conocimientos de composición, cine y literatura. Fruto de aquella temporada, Fellner se ha convertido en un gran conocedor del uso musical en la obra cinematográfica del director aragonés Luis Buñuel.

Sobre esta materia ha publicado varios artículos, entre ellos, una pieza con el título Subversión y silencio, que apareció en el periódico suizo Neuen Zürcher Zeitung
 www.nzz.ch/subversion-und-stille-1.18058726 . En él, hace un repaso a las diferentes etapas de la filmografía de Buñuel, analizando la importancia de la música clásica, de la que el realizador era un gran admirador, en la composición narrativa de la cinta. En numerosos filmes del aragonés se pueden escuchar piezas de Wagner – utiliza repetidas veces la ópera de Tristán e Isolda (Abismos de pasión, 1953)-, así como de Beethoven, Mozart o Brahms, cuya Sinfonía n.o 4 añadió retrospectivamente a Las Hurdes (1933).

La de Till Fellner será la sexta actuación de la 21a temporada del Ciclo Grandes Intérpretes de la Fundación Scherzo, que fue inaugurada el pasado mes de febrero por Ivo Pogorelich. Además del intérprete croata, también han pasado por el escenario del Auditorio Nacional los reputados pianistas Arcadi Volodos, Paul Lewis y Lang Lang, éste último en un concierto extraordinario para el que se agotaron las entradas. El programa de la 21a temporada incluye 11 recitales, así como tres clases magistrales impartidas por Volodos, Lewis y el propio Till Fellner. Ésta última masterclass tendrá lugar el próximo 5 de octubre. A lo largo de sus 21 ediciones, el Ciclo de Grandes Intérpretes ha acogido más de 200 conciertos de los mejores pianistas de las últimas décadas, de cuya música han disfrutado más de 300.000 personas.

PROGRAMA MARTES 5 DE OCTUBRE

19:30 horas

AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA

  1. SCHUMANN

Papillons Op. 2

  1. S. BACH

El clave bien temperado, Cuaderno 2 – Preludio y Fuga No19 – 21 (BWV 888-890)

  1. V. BEETHOVEN

Sonata No 13, en Mi bemol Op. 27/1, “Quasi una fantasia”

  1. S. BACH

El clave bien temperado, Cuaderno 2 – Preludio y Fuga No22 – 24 (BWV 891-893)

  1. SCHUMANN

Humoreske Op. 2

Más información.

Palau les Arts

Roberto Abbado y Fabio Biondi, directores musicales del Palau de les Arts Reina Sofía, comparten el podio en el Concierto Abbado-Biondi que acoge el Auditori el 7 de abril con obras de Mozart, Beethoven y Vitali.

Según ha explicado el Intendente Davide Livermore en conferencia de prensa, se trata de una propuesta inédita para ambos maestros, además de una muestra del funcionamiento de la doble titularidad de la Orquestra de la Comunitat Valenciana que ostentan Roberto Abbado y Fabio Biondi desde su nombramiento en 2015.

“Sé que hubo dudas cuando presenté una dirección musical compartida, pero a falta de dos títulos –Idomeneo, de Mozart, en el caso de Fabio Biondi, y A Midsummer Night’s Dream, de Britten, para Roberto Abbado- el éxito de los dos maestros con la formación titular de Les Arts es una realidad innegable”, ha señalado Livermore.

Antes de cederles la palabra, el Intendente les ha agradecido también su compromiso con Les Arts y sus propuestas, cuerpos estables y excelencias: el Cor de la Generalitat Valenciana, la OCV y el Centre Plácido Domingo.

Según ha indicado Roberto Abbado, el concierto se divide en tres partes. Comienza con Fabio Biondi en el podio con la Sinfonía número 41 en Do mayor, ‘Júpiter’ de Mozart. Tras el descanso, Roberto Abbado ofrece la Quinta sinfonía de Beethoven. Cierra la velada la Ciaccona para violín, órgano y cuerda de Tomaso Antonio Vitali en la orquestación de Ottorino Respighi con Fabio Biondi como solista y Roberto Abbado como director.

Se trata de dos grandes obras del repertorio sinfónico -como ha recordado Abbado- que tienen como clausura una pieza de gran profundidad y espiritualidad “con sabor a principios del S. XX y la estética decadentista predominante”.

Según ha abundado Fabio Biondi, supone también un punto de encuentro entre los repertorios de ambos maestros, pues “se trata una mirada a cómo se ha desarrollado el interés por el Barroco a finales del S. XIX”.

La Cicaccona, ha apuntado Biondi, es una obra que se conoce en 1860 con la publicación de las sonatas de Vitali y de la que el Respighi violinista se enamora y finalmente orquesta en 1908. El compositor italiano, miembro de la ‘generazione dell’Ottanta’”, fue uno de los motores primarios en la recuperación de la música barroca.

NDT

El miércoles, 15 de julio, el Teatro Real celebrará el último estreno de su actual temporada. Para ello contará con la presencia del Nederlands Dans Theater, una de las compañías de danza contemporánea más importante del mundo, que nos ofrecerá dos bellísimas coreografías Sehnsucht y Schmetterling, capaces de hacernos olvidar el implacable calor de estos días. Ambas han sido creadas por la pareja de coreógrafos Paul Lightfoot, actual director de la compañía, y la española Sol León.

Aunque los dos títulos se presentan de forma independiente, componen un programa con unidad temática en torno al amor y la transformación del ser humano, el paso del tiempo y la metamorfosis vital como fruto de las experiencias vividas. Amor de pareja, de padre, de madre, de familia.. abordado desde puntos de vista diferentes pero unidas incluso en la escena, manteniendo sobre el escenario a algunos bailarines durante el intermedio entre las dos obras.

Sehnsucht (Anhelo) es la coreografía más íntima y emocional de la noche. Cargada de símbolos, el movimiento dibuja recuerdos y situaciones que todos podemos reconocer como parte de nuestras propias vivencias. La narración trascurre sobre tres composiciones de Beethoven: el Concierto de piano nº3 en Do menor, la Sinfonía nº5 en Do menor, y el Concierto de piano nº4 en Sol Mayor y para cada una de ellas se concibe un espacio o escenario diferente. Tiempo, amor y espacio oprimen y transforman, pero muestran también la capacidad del ser humano para adaptarse a las nuevas situaciones y vivir, sobrevivir y ser libre.

Schmetterling (Mariposa) se adentra en la música instrumental de Max Richter y el indie del grupo estadounidense The Magnetic Fields, para continuar desarrollando el tema de la transformación. Lo que nace y cambia puede también morir para dar lugar a algo nuevo, diferente, la transición de la existencia y la obligada evolución del ser humano, el cambio de crisálida a mariposa. La coreografía es una consecución de solos, dúos y tríos que culminan con la aparición del grupo, que rebasa la línea del escenario para bailar sobre el foso de la orquesta y estar más cerca de la audiencia e interactuar con el público.

Dirigida desde 2011 por el británico Paul Lightfoot, la Nederlands Dans Theater destaca por un esfuerzo constante en unificar diferentes disciplinas artísticas, basándose en la danza, y lograr estar en continua evolución creativa. Así la compañía contribuye al desarrollo.

Cartel

El próximo uno de agosto arranca en el Kursaal donostiarra la Quincena Musical de San Sebastián con la Mahler Chamber Orchestra (días 1 y 2) y obras de Prokofiev, Beethoven y Mozart. Será el inicio de una nueva edición centrada en consolidar un novedoso modelo que sin renunciar al rigor, la variedad y la calidad de sus propuestas, ha conseguido una total y muy sana sostenibilidad en tiempos de crisis.

Con los abonos confirmados al 100% para la edición de 2015 y algunas funciones agotadas a un mes de su inauguración con el 78% de la previsión de venta de localidades cubierta, el interés que ha despertado cuenta con el apoyo de un público que ve como platos fuertes la ‘Tosca’ que se representará los días 13 y 15, con Ainhoa Arteta como protagonista y el espectáculo ‘Voces’, de Sara Baras, con las entradas agotadas.

La serie sinfónica, con la Mahler Chamber en la apertura y sucesivamente la Filarmónica de San Petersburgo, la Orquesta de Cadaqués, la Sinfónica de la Radio de Colonia –estas tres con el Orfeón Donostiarra- y la Filarmónica de Oslo para el cierre el 30 de agosto, también han sido favorablemente acogidas por el público con los programas que serán dirigidos, por este orden, por batutas como la de Yuri Termikanov, Alberto Zedda, Jukka-Pekka Sarastre o Vasily Petrenko.

La presencia de solistas como Grigori Sokolov (día 10 en el teatro Victoria Eugenia), para muchos el mejor pianista del mundo, o Javier Perianes, el español con más presencia internacional, al lado de la Filarmónica de San Petersburgo, así como propuestas líricas, de música antigua, barroca o programas pedagógicos y solidarios de amplia presencia dentro del calendario –como el previsto cada año con los fondos del Ciclo de Música Antigua, que destina esta temporada el dinero recaudado de las entradas a la asociación ADELA-Gipuzkoa para la Esclerosis Lateral Amiotrófica-, conforman al donostiarra como uno de los festivales más señeros pero mejor adaptados a la modernidad de Europa.
www.quincenamusical.eus/programa/

PaavoJarvi

Paavo Järvi y la Filarmónica de Cámara de Bremen se vuelven a asociar en honor a Brahms, Beethoven y Shumann, coincidiendo con su aparición en Festspiele Mecklenburg-Vorpommern y Rheingau Musik Festival, interpretando sinfonías y conciertos de Brahms. Tres nuevas grabaciones del compositor y pianista alemán del romanticismo forman parte del CD, para combinarse con lo más destacado de sus renombrados ciclos de Beethoven y Schumann.

Las interpretaciones de Beethoven llevadas a cabo por Järvi y la Filarmónica han sido aclamadas en todo el mundo como una nueva referencia internacional. Tanto a través de actuaciones como un Ciclo de Sinfónica como de las actuaciones individuales en todas las grandes capitales musicales del mundo, son conciertos que han recibido las más favorables críticas y fantásticas ovaciones del público.

Juntos han grabado nueve sinfonías entre 2004 y 2008 en cinco discos publicados por RCA Red Seal, y en 2009, su Ciclo de Sinfónica en el festival de Beethoven de Bonn fue filmado y transmitido en todo el mundo, para ser posteriormente lanzado a través de Sony Classical. También juntos se embarcaron a continuación en el Ciclo de Schumann, también con un vídeo de la actuación y documental para Deutschewelle/Unitel con gran éxito de crítica.

Este nuevo álbum incluye futuro, presente y pasado de su colaboración: futuro y presente están representados por tres Danzas húngaras (nº 1, 3 y 10) orquestadas por Brahms. Ellas formarán parte de su proyecto de Brahms y las realizan en su gira en curso. Se trata de las únicas piezas orquestadas por Brahms de las 24 existentes, y están llenas de energía, alegría, encanto y sabor exótico. Son algunas de las piezas favoritas de Paavo Järvi.

Otras piezas son lo más destacado de sus aclamadas grabaciones para RCA Red Seal, escogidas personalmente por el propio director de Tallin, Estonia. La Filarmónica de Cámara de Bremen muestra elevadas dosis de virtuosismo, intensidad, emoción y energía.

El ganador del Grammy Paavo Järvi se encuentra ahora en su quinta temporada como director musical de la Orquesta de París. Después de su residencia de gran éxito en el Musikverein de Viena en mayo de 2014, esta temporada sigue apareciendo en las principales capitales de Europa y Asia. En la temporada 2012/13 fue nombrado Comandante de la Orden de las Artes y de las Letras por el Ministerio de Cultura de Francia, debido a su contribución a la música en ese país.

La Filarmónica de Cámara de Bremen es una de las principales orquestas del mundo, deleitando a las audiencias de todos los países con su estilo musical único.

Fidelio en el Teatro Real

Desde 1981 no he dirigido Fidelio y cuando terminé dije que no lo volvería hacer”. Estas palabras de Hartmut Haenchen, director musical de Fidelio 34 años después, describen perfectamente el carácter y la dificultad de esta obra.

La única ópera de Beethoven, de la que escribió tres versiones diferentes y hasta cuatro oberturas, tiene dos caracteres o almas muy diferenciados que vienen influenciados, cada uno de ellos, de las tendencias operísticas del momento.

La primera parte tiene una clara influencia del Singspiel vienés. Pequeña comedia burguesa de equívocos. Se trataba del género más popular de Viena que Mozart contribuyó a dignificar con obras como La flauta mágica o el Rapto en el Serrallo.
La segunda fuente viene de los conocidos como “piezas de salvamento”. Género muy afianzado en Francia al final de La Revolución Francesa que tenía siempre la misma estructura: alguien se encuentra en prisión por una causa injusta y es liberado, a través de una acto heroico, restableciendo la justicia y el orden.

Beethoven construye con estas dos fuentes de inspiración una obra que comienza como un Singspiel, ligero y divertido, y poco a poco va derivando hacia la gran explosión romántica que es. Desaparece lo anecdótico y deja paso al drama heroico.

34 años ha tardado el director musical Hartmut Haenchen en afrontar de nuevo esta obra de ingeniería beethoveniana. Escuchando la obertura, una podía pensar que tal vez debiera haber esperado un poco más.

Pero las dudas desaparecen al escuchar el interludio para el cambio de escena antes del último acto, donde el volumen de la música fue superior al resto de la representación, también la intensidad y la fuerza interpretativa, algo ausente hasta ese momento. Haenchen cambió la tradición seguida hasta este momento en la que se suele interpretar la obertura Leonore nº 3, para interpretar los últimos movimientos de la 5º Sinfonía. Demostró el maestro Haenchen conocer la obra a la perfección.

Su trabajo con los manuscritos de Fidelio han posibilitado la localización de numerosos errores de imprenta que la editorial Alkor Edition Kassel GmbH va a subsanar a través de una adenda.

La escenografía de Pier´Alli, muy clásica y ya representada en el Palau de les Arts Reina Sofía, tiene sus peculiaridades. El vídeo, cada vez con más presencia en las producciones operísticas como herramienta que proporciona un gran desahogo a los escenógrafos, consigue en este Fidelio efectos notables. Una simulada cámara nos adentra en las mazmorras de la fortaleza donde se encuentra recluido Florestan. Pier´Alli ha creado una escenografía llena de elementos ambíguos e inquietantes. Ha introducido desde las primeras escenas instrumentos de tortura que forman parte de las escenas cotidianas de los personajes, creando una convivencia natural con potros, guillotinas o borceguíes.

Con estos elementos habría sido más que interesante ver la propuesta de la escenografía inicialmente anunciada de La Fura Dels Baus.

La iluminación es casi un personaje en algunas escenas. La luz, a la que regresan libres los prisioneros que habitan la fortaleza, y la ausencia de esa misma luz describe la situación del héroe encarcelado.

Beethoven, que prefería volcar sus esfuerzos en la parte instrumental en lugar de la vocal, ofrece una partituras que suponen todo un desafío para los cantantes y el coro. La música es potente y se necesitan voces de un porte casi wagneriano para abordar los papeles.

No ha sido el caso de su protagonista. La soprano canadiense Adrianne Pieczonka, comenzó tímidamente su intervención. Con poca contundencia y muy justa de fiato cuando de Fidelio se trataba. Mucho mejor como Leonore, consiguió momentos de gran lirismo y dramatismo.

Anett Fritsch fue una Marcelline con chispa y vida. Con suficiente volumen y buenos agudos parecía rivalizar a veces con Leonore. Hizo buena y equilibrada pareja con Ed Lyon, tenor aplicado que interpretó a un simpático Jaquino.

El germano-canadiense Michael König, del que conocemos su evolución artística (no falta ninguna temporada desde hace cinco), no tiene entre sus cualidades la elegancia en la línea de canto, pero no canta mal, no comete graves errores y da todas las notas sin dejarse una. Dadas las dificultades del personaje, eso ya es mucho.

Franz-Josef Selig. Después de su inolvidable Marke de la pasada temporada, ha compuesto un entrañable Rocco. De voz densa y timbre cálido y penumbroso, se acompañaba con una buena presencia escénica y actoral.

Alan Held
no emocionó a nadie. Es más barítono que bajo y su Pizarro no pasó de ser aseado.

El coro, como siempre, ¡grande!. Unos conmovedores prisioneros que explotaron en volumen y emoción al final de la obra. Muy destacables los dos solistas, Enrique Lacárcel y Carlos García-Ruiz, con una calidad vocal que para sí quiera a veces algún protagonista.

Un éxito moderado para este Fidelio. Una noche más que sumar a una temporada que corre el peligro de iniciar una era rutinaria. Menos mal que mis conocimientos sobre automóviles de lujo se están completando con las sorprendentes y mágicas apariciones en el vestíbulo del Teatro de máquinas tan imponentes como inalcanzables. Hay que hacer caja.

FIDELIO
Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Ópera en dos actos
Teatro Real, 5 junio 2015
Libreto de Joseph von Sonnleithner, revisado por Stephan von Breuning y Georg Friedrich Treitschke, basado en el libreto de Léonore, ou l´amour conjugal (1798) de Jean-Nicolas Bouilly.
D. musical: Hartmut Haenchen
D. escena: Pier´Alli
Coreógrafa: Simona Chiesa
D. coro: Andrés Máspero
Reparto: Michael König, Adrianne Pieczonka, Franz-Josef Selig, Anett Fritsch, Ed Lyon, Goran Juric, Alan Held,
Enrique Lacárcel, Carlos García-Ruiz
Fotografías: Javier del Real
Vídeos: Teatro Real

Fidelio

El próximo miércoles, 27 de mayo, volverá al escenario del Teatro Real el único título de ópera compuesto por Ludwig van Beethoven, Fidelio, del que se ofrecerán ocho representaciones desde su estreno y hasta el 17 de junio.

Este canto a la libertad cuenta en la dirección con dos importantes nombres para alzar el telón. El maestro Hartmut Haenchen, especialista en el repertorio alemán y al que hemos escuchado inolvidables interpretaciones en el Real (Lady Macbeth de Mtsensk, Boris Godunov y Lohengrin), se colocará de nuevo al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real y de un reparto encabezado por Michael König (Florestan), Adrianne Pieczonka (Leonora), Franz-Josef Selig (Rocco) y Anett Fritsch (Marzelline) en los papeles principales.

Pier’Alli, director de escena y responsable también de la escenografía, los figurines y la iluminación, se presenta por primera vez en el Teatro Real con una concepción escénica compleja y cargada de simbolismo, despojada de elementos escénicos ornamentales y en la que el apoyo audiovisual es decisivo para reforzar diferentes aspectos de una trama que encierra en sí misma, varias tramas.

Fidelio está inspirada en un hecho real ocurrido en Francia durante el periodo del Terror, aunque el libreto de Jean-Nicolas Bouilly traslada la acción a España para conservar el anonimato. La obra contiene mucho más que una decidida defensa de la justicia y la libertad, es una exaltación del amor y la fidelidad, y tiene el atractivo de que en ella la mujer, Leonore/Fidelio, se convierte en el instrumento conductor y ejecutor, un personaje que lucha por sus principios con todo su ingenio intelectual, abandonando el lugar de víctima, en espera del héroe o de la venganza que, tradicionalmente, se asignaba a la mujer en las óperas.

La complejidad de Leonore se traslada a una partitura con duras exigencias vocales que requieren para el papel protagonista una soprano con recursos líricos y dramáticos, capaz de dibujar una línea de canto expresiva, que son sin duda características precursoras de las heroínas de Wagner, a las que ha dado vida, en numerosas ocasiones, Adrianne Pieczonka.

Fidelio y su emotiva carga ideológica, su canto de lucha y su exaltación del amor y la libertad, es un símbolo capaz de remover la consciencia de la sociedad de hoy en día, por encima de la historia.

En torno al estreno de la ópera se han organizado dos actividades paralelas. El Museo Nacional del Romanticismo acogerá la conferencia de Joaquín Turina, Beethoven en el Madrid romántico, que tendrá lugar el 28 de mayo a las 19.00 horas en el auditorio del museo. Y en el ciclo Los domingos de cámara, solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real interpretarán un programa dedicado íntegramente al compositor alemán, el 7 de junio a las 12.00 horas en la sala principal del Teatro.

Toledo

La Orquesta y Coro Titulares del Teatro Real de Madrid inaugurarán el próximo 28 de marzo, el Festival de Música El Greco en Toledo, en la Catedral Primada de la ciudad, una iniciativa cultural nacida tras el éxito de las conmemoraciones del IV Centenario del fallecimiento del pintor, cuya programación musical se asienta sobre una doble vertiente: historicista e innovadora, con la que dar a conocer grandes obras del patrimonio musical de la ciudad y de la composición universal.

La programación del Festival está divida en dos partes, la primera se desarrollará entre los meses de marzo y junio y la segunda, tendrá lugar el mes de octubre.

Coincidiendo con el inicio de la Semana Santa, la Orquesta y Coro Titulares del Teatro Real las formaciones titulares del Teatro Real interpretarán en la sesión inaugural de la primera parte del ciclo, la Novena Sinfonía de Beethoven, bajo la dirección del maestro alemán Hartmut Haenchen y con la participación de los solistas Charlotta Larsson, soprano; Gemma Coma–Alabert, mezzosoprano; John Daszak, tenor; y Albert Dohmen, bajo barítono.

Haenchen, uno de los grandes especialistas en la obra de Beethoven, emprenderá, poco después, los ensayos de Fidelio, única ópera del compositor alemán, cuyo estreno tendrá lugar en el Teatro Real el 27 de mayo y de la que se ofrecerán ocho funciones.

Participan en esta primera parte del Festival parte la Accademia del Piacere, dirigida por Fahmi Alqhai; La Grande Chapelle, con Albert Recasens al frente; Zarabanda, con Álvaro Marías; Nereydas, dirigido por Javier Ulises Illán; y el Ensemble Plus Ultra, con Michael Noone.

El Teatro Real será el encargado de cerrar este ciclo con la participación del Coro de la Ópera de Ciudad del Cabo, presente en el escenario madrileño, entre el 10 de junio y el 10 de julio, para interpretar la popular ópera de George e Ira Gershwin, Porgy and Bess, cuya partitura incorpora ritmos de jazz y de blues, melodías populares afroamericanas y góspel. Será precisamente este último género, el que podrá escucharse en la Catedral de Toledo el 13 de junio.

El Festival de Música El Greco en Toledo, creado por la Real Fundación de Toledo y la Fundación El Greco 2014, cuenta con la colaboración del Gobierno de Castilla-La Mancha, el Ayuntamiento de Toledo, la Diputación de Toledo, la Catedral Primada y la Universidad de Castilla-La Mancha. El concierto de la Novena cuenta con el patrocinio de Obra Social La Caixa.