Carmela REMIO

da in 1996 wurde von angerufen Claudio Abbado zum ersten Mal die Rolle von Donna Anna zu spielen, in der Oper Don Giovanni, von Mozart, Carmela Remigio (Pescara 1973) Er hat in mehr gespielt als 350 Gelegenheiten, immer eine Referenz für diesen Charakter. von 19 Juni debütiert bei Liceu Barcelona über Donna Anna junto a Marcusz Kwiecien. Vor der Premiere erzählt er uns von seiner Karriere und seinen Sorgen um diesen Don Giovanni.

Klassische Verve: Nach mehr als 350 mal eine rolle, ebenso wie Donna Anna in Don Giovanni, Wie erhalten Sie die Frische des Charakters und vermeiden, in die Routine zu fallen?

Carmela Remigio: ich muss zugeben, Das ist eine Rolle, die mich immer wieder in Erstaunen versetzt. Jedes Mal, wenn ich es spiele, Ich finde neue Details, weil Donna Anna eine sehr reiche Rolle ist, sowohl aus musikalischer als auch aus theatralischer Sicht. Jede Note soll den psychologischen Charakter des Charakters betonen. und, Glücklicherweise, Ich hatte die Gelegenheit, von großartigen Lehrern zu lernen. Wir können auch nicht vergessen, dass Sie jeden Abend mit verschiedenen Kollegen auf die Bühne gehen, die Don Giovanni spielen, Don Ottavio, Donna Elvira ..., und Beziehungen und Energien sind unterschiedlich. und, Kurs, es gibt auch die verschiedenen Lesarten der Arbeit aus szenischer Sicht. Das alles macht, egal wie viel du diese Rolle spielst, Fallen Sie niemals in die Routine, weil es praktisch unmöglich ist, immer die gleiche Donna Anna zu machen.

b.c. Wie baut man so einen Charakter?? Wie geht es Donna Anna de Carmela Remigio??

C.R.. Ich versuche, der Partitur so treu wie möglich zu sein, sowohl zu Text als auch zu Musik. Deshalb lege ich großen Wert darauf, jeden Akzent und jedes Wort so zu interpretieren, dass er dem Charakter treu bleibt. für mich, Donna Anna ist eine junge Frau, das unterdrückt ihre Sinnlichkeit und ihre Leidenschaft für einen Mann, der sie genauso fasziniert wie Don Giovanni, Eine Leidenschaft, die sie innerlich verbrennt und von der sie in ihrem ganzen Leben nicht heilen wird. Sie will sich rächen, weil Don Giovanni sie mit anderen Frauen betrogen hat und sie nicht weiß, wie sie den Schmerz überleben kann, einen Vater verloren zu haben und diesen Mann entdeckt zu haben, für den sie eine übermäßige Leidenschaft hat, es ist nicht nur deins, Er ist aber auch der Mann anderer Frauen. Schreie Rache, weil er Don Giovanni nicht haben kann, die Liebe seines Lebens. Donna Anna ist aus psychologischer Sicht eine sehr komplexe Figur. Mozartianerinnen, meiner Meinung nach, Sie sind eines der besten Geschenke, die Mozart uns Sopranistinnen gemacht hat, weil sie voller wunderbarer Arien sind, die den emotionalen Zustand perfekt beschreiben, moralisch und sozial aller Charaktere. Ich denke, Elvira ist eher barock, ein Charakter, der mehr mit der Vergangenheit verbunden ist; dafür, Donna Anna repräsentiert die Zukunft: "Non mi dir" kann die erste Arie des Belcanto mit einem Rezitativ sein, eine Cantabile, die einer „Casta Diva“ oder „Al dolce guidami“ von Anna Bolena nahe kommt… es ist eine letzte Cabaletta mit stratosphärischer Beweglichkeit… Mozart, wirklich, Er hat uns eine außergewöhnliche Musik hinterlassen, um all diese Frauen zu entdecken, die so unterschiedlich sind ... hundert Jahre später wird Verdi dies mit Musik und Parola tun…

V.Chr.:Was muss ein neuer Charakter haben, um Teil Ihres Repertoires zu werden??

C.R.. Gut, vor allem, es muss aus vokaler Sicht für mich richtig sein. zweite, Die Stimme muss mit dem Temperament des Charakters umgehen können und dann entwickelt sich alles andere mit der Arbeit, Theatertechnik und interpretative Ideen. Aber wie ich schon sagte, Für die Wahl einer neuen Rolle ist es entscheidend, dass sie stimmlich angemessen ist.

Wie erinnern Sie sich an Ihre Erfahrungen mit Claudio Abbado?? Was hat dir der Italienischlehrer beigebracht??

C.R.. Es war sehr wichtig für mich, weil es zu Beginn meiner Karriere passiert ist. Von einem großartigen Lehrer wie Claudio Abbado, Ich habe gelernt, was musikalische Strenge ist, nämlich, die Musik rigoros zu lesen. Er hat mir beigebracht, dass Mozart eine klare Sprache sein muss, transparent, energisch, und dass Mozarts Musiksprache gleichbedeutend mit Strenge ist… Neben Mozart, Ich habe auch Verdi mit ihm gesungen und ich kann gestehen, dass sein Verdi ebenso streng war. Wenn Sie großartige Regisseure wie ihn sehen, Das lernt man wirklich vor allem und in erster Linie ist es, sich in den Dienst der Musik zu stellen.
Was können Sie uns über die Hightech-Produktion mit unmöglichen Plattformen und Treppen erzählen, die Kasper Holten präsentiert??

C.R.. Meiner Meinung nach, Es ist ein sehr interessanter Vorschlag, weil es aus theatralischer Sicht sehr gut gearbeitet ist; Es gibt eine große Dynamik und eine klare psychologische Differenzierung der Charaktere, ohne in schlechten Geschmack zu geraten und ohne den Text zu kreuzen. und zwar, Wenn Sie das Drehbuch lesen, erkennen Sie, dass alles, was er tut, Sinn macht. Es ist eine sehr gute Lektüre. Und die Inszenierung mit dem Haus, das sich dreht, irgendwie, Es symbolisiert ein bisschen die Verstrickung von Gefühlen, die in den Charakteren existiert.

b.c. Oper ist eine multidisziplinäre Kunst, Es reicht nicht aus, ein gutes Instrument zu haben. Wie bereitest du dich auf eine Karriere vor, die es erfordert, so viele Disziplinen zu beherrschen??

C.R.. heute, Der Sänger muss nicht nur singen können, aber ich werde rezitieren und dass Ihre Interpretation glaubwürdig ist; Die schauspielerische Interpretation ist heute genauso wichtig wie die Stimme. Ich habe nicht studiert, um Schauspielerin zu werden, Aber in all den Jahren habe ich viele meiner Berufskollegen beobachtet und versucht, durch das Betrachten von Theaterschauspielern zu lernen, Ich gehe oft ins Theater und versuche, aus all den Theatershows zu lernen, Ich gehe auch viel ins Kino ... Außerdem, Ich lerne auch von Regisseuren, Ich bitte sie immer um Rat und rede viel mit ihnen. Die Tatsache, die Gelegenheit gehabt zu haben, mit großartigen Regisseuren wie Peter Brook zusammenzuarbeiten, David McVicar, Graham Vick, Pier Luigi Pizzi, Robert Wilson, Mario Martone oder Damiano Michieletto, unter anderem, hat mir erlaubt, als Performer zu wachsen und zu reifen. für mich, sich unterhalten, Eine positive Diskussion und ein positiver Dialog mit dem Regisseur sind eine gute Schule, um als Performer zu lernen und zu wachsen.

b.c. Sie sind eine sehr ausdrucksstarke und mächtige Frau auf der Bühne, Was bedeutet es für dich zu singen??

C.R.. Es ist meine Art, mich emotional auszudrücken, als ein menschliches Wesen. Ich zeige diesen emotionalen Teil gerne zusätzlich zum künstlerischen.

b.c. Er begann in der Musik durch die Geige, Das Lied kam fast zufällig. Als er sich entschied, eine Opernkarriere zu entwickeln, Was erwarten Sie und was finden Sie??

C.R.. Die Wahrheit ist, dass ich mir nie ein Leben und eine Karriere als Sänger vorgestellt hatte, aber als instrumentalist, weil ich musik studiert habe ... und wenn ich ehrlich bin, Ich komme aus dem lyrischen Theater, anfänglich, Ich habe es als Spiel genommen ... Ich habe es nicht ernst genommen, aber später wurde mir klar, dass ich durch das Singen die Musik besser erklären konnte ... Eigentlich, Wir können sagen, das mehr als eine Wahl von mir, Es war das Schicksal, das mich erwählte.

B.B.. Warum denken Sie, im allgemeinen, so wenige Barockwerke sind programmiert?

C.R.. Nun, ich habe keine Ahnung ... sagen wir mal, Was ist ein barockes Geheimnis. Ich liebe den Barock. Ich weiß nicht, warum nicht mehr geplant ist, aber wenn wir einen barocken Titel machen, ist der Raum immer gefüllt. Es gibt ein Publikum, das den Barock liebt und sich darüber beschwert, dass es in den Opernhäusern kaum Barock gibt. Ich habe Alceste de Gluck in Venedig gesungen und ich erinnere mich, dass wir jeden Abend das Schild „Keine Tickets“ aufgehängt haben.

b.c. Wir vermissen es wieder in Madrid zu hören, Haben Sie bald Arbeiten geplant??

C.R.. Sobald Don Giovanni in Barcelona fertig war, Ich fahre nach Madrid, um die Contessa de Le nozze di Figaro beim Sommerfestival San Lorenzo de El Escorial zu machen, Tag 20 und 22 Juli, und ich werde auch an Tagen im San Sebastián Musical Fortnight sein 13 und 15 August ... und Dezember, Ich werde zurückkehren, um Verdis Requiem mit dem Teneriffa Symphony Orchestra unter der Leitung von Michele Mariotti zu singen ... Ich werde auch zum Campoamor Theater in Oviedo zurückkehren, um Mozart zu singen ...

 

Interview: Paloma Samz

Carmela Remigio

Nachdem bei dem Salzburger Fest letzten Rekord erreicht 400 Aufführungen in Don Giovanni, die berühmte italienische Sopranistin, Carmela Remigio, vor kurzem als bester Sänger mit dem renommierten „Abbiati-Preis“, Debüts im Gran Teatre del Liceu als Donna Anna, die nächste 19 Juni.

Claudio Abbado wählte sie persönlich, um Donna Anna in der prestigeträchtigen Ausgabe von Leben zu schenken Don Giovanni mit dem Siegel der Deutschen Grammophon. da, die in Pescara geborene Sopranistin, Wurde gemacht 350 Auftritte auf den renommiertesten lyrischen Bühnen der Welt, in der Rolle von Donna Anna und, fünfzig, als Doña Elvira, im berühmten Theater spielerisch von Mozart.

Die italienische Sopranistin, wahrscheinlich die beste Donna Anna von heute und die gefragteste, Punkte: „Anna ist eine der raffiniertesten Mozart-Figuren. In jedem Puls steckt etwas Wunderbares, sowie der Keim so vieler anderer Charaktere in der Belcanto. Seine Rezitative und Arien sind von Perfektion und Ordentlichkeit, das ist in der Musikgeschichte unerreicht. Sie scheinen die Melodie und Phrasierung aufeinanderfolgender Meisterwerke wie Anna Bolena, Regel e I puritani. Verstehen, genau, in der Tiefe zu Anna - fährt Remigio fort -, Ich habe auch die Rolle von Donna Elvira in einigen Produktionen von gesungen Don Giovanni und ich werde es im Herbst im La Fenice in Venedig wieder singen. Sie sind zwei sehr unterschiedliche Charaktere: Elvira ist dramatischer, während Anna, dafür, ist rätselhafter und gewundener. und, deshalb, sie ergänzen sich, in einer Weise,; einer ist ein Spiegel des anderen. "

Ich war erst achtzehn, als Pavarotti sich in die kristallklare Farbe ihrer Stimme verliebte und die neue Gewinnerin ihres berühmten „Luciano Pavarotti International Voice Competition“ in Philadelphia wurde. später, Carmela Remigio begleitete ihn bei Hunderten von Konzerten und Tourneen rund um die Welt.

Erbe der besten italienischen Gesangstradition, Die Sopranistin Carmela Remigio hat in den Haupttheatern gesungen, internationale Festivals und Konzertsäle: Teatro alla Scala in Mailand, Salzburger Festspiele, Royal Opera House de Londres, San Carlo Theater von Neapel, die Münze von Bruselas, Teatro Massimo von Palermo, Aix-en-Provence Festival, La Fenice in Venedig, Rossini Opera Festival de Pésaro, Carnegie Hall in New York oder Royal Albert Hall in London, unter anderem.

Carmela Remigio gibt ihr Debüt im Barcelona-Kolosseum, nach seinen jüngsten Erfolgen bei seiner Rückkehr an das Teatro dell'Oper in Rom, spielt zum ersten Mal die Rolle der Elisabetta in Maria Stuarda von Donizetti und in der Maggio Musicale Fiorentino, in der anspruchsvollen Rolle einer anderen Mozart-Heldin, Elettra (Idomeneo, König von Kreta).

In der gefeierten Produktion von Don Giovanni, als Firma Kasper Holten, mit musikalischer Leitung von Josep Pons, Die Sopranistin Carmela Remigio wird mit Mariusz Kwiecen singen (Don Giovanni), Eric Halfvarson, (Der Commendatore), Dmitry Korchak (Don Ottavio), Miah Persson (Donna Elvira) und Simón Orfila (Leporello).

http://www.carmelaremigio.net

GUSTAV MAHLER JUGENDORCHESTER

Mit einem Programm, das die schönsten Kompositionen des neunzehnten Jahrhunderts läuft, die Gustav Mahler Jugendorchester Madrid erreicht Hand Ibermusica zwei Termine am nächsten Tag 20 und 21 März. Beide Konzerte sind in der Tour geplant feiern die 30 Jahre der Gruppe und wird auch für die Palau de la Musica in Barcelona Zyklus BCN Classics (Tag 26 März) und Zaragoza (Tag 27 März, Publikum).

Das Projekt begann als Traum im Kopf des Regisseurs Claudio Abbado Es hat sich heute zu den herausragendsten Jugendorchester auf kontinentaler Ebene und hat 31 Spanische Musiker in ihren Reihen, das Land, das mehr Mitglieder bringt. Unter der Leitung von Daniel Harding, in seinen Auftritten in Spanien, Sie werden auch von dem außergewöhnlichen deutschen Bariton begleitet Christian Gerhaher.

Mit drei Jahrzehnten hinter, la Gustav Mahler Jugendorchester (GMJO) Es ist die ideale Basis für neue Talente in Europa haben ihre erste große Orchestererfahrung angesehen. Die strenge Auswahl der mehr als zweitausend Bewerbungen jedes Jahr, sowie seine einwandfreie künstlerische Arbeit, Sie haben diese Gruppe auf Festivals eine der am häufigsten gemacht wie Luzern, Salzburg oder die BBC Proms. GMJO debütierte an Ibermusica in 1994 unter dem Befehl von Abbado. da, häufig genießt dieses Jugendorchester öffentlicher Zyklus.

In der ersten der Aufführungen in Madrid wird sich Fünf Stücke für Orchester, op.16, de Schönberg, datiertes Werk 1909 für diese große revolutionäre Musik; und Sommernächte, Berlioz, durch eine Reihe von Gedichten von Théophile Gautier inspiriert. Es wird das Programm schließen Symphonie Nr. 2 in C-Dur, op.61, Schumann. das Programm 21 März umfasst Altenberg Lieder, von Berg, Schüler Schönberg; Oper Alfonso und Estrella, von Schubert; und, letzte, die Sinfonie No.5 „Fantastic“ nach dem Komponisten nannte sich das ganze Wesen von compositiva wahrgenommen Bruckner.

GUSTAV MAHLER JUGENDORCHESTER

Gegründet in Wien in der Saison 1986/1987 Initiative von Claudio Abbado, Es ist einer der führenden Jugendorchester in der Welt und wurde von der Europäischen Kulturstiftung ausgezeichnet 2007. Neben der Unterstützung von jungen Musikern bei ihrer Arbeit, Abbado zeigte besonderes Interesse an der Förderung, dass junge Österreicher mit seinen Kollegen in den ehemaligen sozialistischen Republiken der Tschechoslowakei und Ungarn berühren konnte. so, die Gruppe war die ersten internationalen Jugendorchester offene Castings in den Ländern des ehemaligen Ostblocks angeboten. in 1992, Orchestermusiker eröffnet 26 Jahre alt, aus ganz Europa, mit diesem außergewöhnlichen Anteil der spanischen.

Sein Repertoire reicht von tourt Klassik bis zur zeitgenössischen, mit besonderem Schwerpunkt auf den großen symphonischen Werken der Romantik und Spätromantik. Das hohe künstlerische Niveau und die internationale Anerkennung des Orchesters haben viele der wichtigsten Dirigenten und Solisten ziehen mit ihm zusammenarbeiten. Neben Abbado, David Afkham, Herbert Blomstedt, Pierre Boulez, Myung-Whun Chung, Sir Colin Davis, Christoph Eschenbach, Iván Fischer, Daniele Gatti, Bernard Haitink, Paavo Järvi, Mariss Jansons, Philippe Jordan die Vladimir Jurowski sie haben sich seit ihrer Gründung geführt.

Viele ehemaligen Mitglieder sind jetzt Teil der großen europäischen Orchester, einige von ihnen in den Positionen ihrer jeweiligen Soloinstrumente. in 2012 Es wurde ein Projekt der intensiven Zusammenarbeit mit dem renommierten Staatskapelle Dresden angekündigt, Es wird Konzerte und Projekte mit der Teilnahme von Mitgliedern beiden Gruppen, einschließlich. Der Gustav Mahler Jugendorchester wurde UNICEF Botschafter in Österreich ernannt.

DANIEL HARDING

Daniel Harding ist Chefdirigent des Sinfonieorchesters von Radio Schweden, Erster Gastdirigent des London Symphony Orchestra, Musikalische Partner des New Japan Philharmonic und, von der Saison 2016/2017, Er ist auch Musikdirektor des Orchestre de Paris. Er war Ehrendirigent des Mahler Chamber Orchestra ernannt. auch, Er ist regelmäßiger Gast einige der wichtigsten Gruppen in der Welt als die Staatskapelle Dresden zu lenken, La Scala Philharmonic und dem Royal Concertgebouw Orchestra. Es hat sich auch verantwortlich für die Berliner Philharmoniker gesetzt worden, la Münchner Philharmoniker, National de Lyon, Oslo Philharmonic, das London Philharmonic Orchestra und Stockholm Philharmonic. Unter den amerikanischen Orchestern hat er mit dem New York Philharmonic gearbeitet inbegriffen, la Philadelphia Orchestra, Los Angeles Philharmonic y la Chicago Symphony Orchestra.

in 2005 Er öffnete die La Scala Saison, Richten eines neuen Produktions Idomeneo. Seitdem hat er in jeder Saison wieder große Produktionen führen Falstaff, die geöffnet, um die Feierlichkeiten Verdi La Scala in 2013. Seine Opern-Erfahrung umfasst Eine andere Wendung und Wozzeck, in Covent Garden; Ariadne auf Naxos, Don Giovanni und Le nozze di Figaro, bei den Salzburger Festspielen mit den Wiener Philharmonikern.

Zu seinem umfangreichen Diskographie ist die Symphonie Nr. 10, Mahler, auch mit der Wiener Gruppe; Carmina Burana, Orff; Symphonie Nr. 6, Mahler; Szenen aus Faust, Schumann, con la SO des Bayerischen Rundfunks; und Billy Budd con la London Symphony (Grammy-Gewinner für die beste Operneinspielung).

in 2002 Er wurde von der Französisch Regierung Chevalier de l'Ordre des Arts et des Lettres benannt. Harding wurde zum ersten Mal in Spanien Hand präsentiert Ibermusica in 1998, con la Mahler Chamber Orchester. Er hat mehrmals mit dieser Gruppe zurück, und der Leiter des London Symphony. Dies ist das erste Mal, dass der GMJO im Zyklus Adressen Ibermusica.

Christian Gerhaher

Bariton Christian Gerhaher war ein Schüler von Paul Kuen und Raimund Grumbach an der Opernschule der Hochschule für Musik in München. Er studierte Interpretation log Friedemann Berger mit dem Pianisten Gerold Huber und, gewöhnliche Begleiter in seinem Erwägungs. Während er sein Medizinstudium abgeschlossen, Er perfektionierte seine Gesangsausbildung in Meisterklassen von Dietrich Fischer-Dieskau, Elisabeth Schwarzkopf e Inge Borkh. Gerhaher war nicht nach seinem Debüt zurück Ibermusica 2009.

Neben dem Kerngeschäft als Konzert- und Konzert, oft auch richtet sie an die Opernbühne. Er hat mehrere Auszeichnungen erhalten, einschließlich der Laurence Olivier Award und dem Theaterpreis "Der Faust". in der Saison 2015/2016 Er debütierte in der Rolle des Wozzeck, Opera in Zürich, von Andreas Homoki Szene gesetzt und von Fabio Luisi gerichtet. Er spielte die Rolle des Pelleas zweimal, mit den Berliner Philharmonikern und Regisseur Peter Sellars- und in Konzertversion mit dem London Symphony Orchestra, beide unter der Leitung von Simon Rattle.

Es Bedeutungsta exklusives Sony Music. er nahm, con Gerold Huber, ciclos de Schumann, Schubert und andere Reihe von lieder. Sein jüngste Live-Mitschnitt, Kopftuch (BRmedia), Es enthält Lieder von Beethoven, Britten und Haydn. Er hat auch Solo-Alben aufgenommen. in 2015 Es wurde im CD-Format seine zweite Oper Konzert veröffentlicht: Mozart-Arien, Betrugla freien Burger Baroque Orchester; Album, das auf Tournee mit Konzerten in Barcelona vorgestellt wurde, Stockholm, Colonia, Wien und New York, unter anderen Städten. Seine hochgelobten Interpretation lieder, auch mit Huber, Er hat ihm zahlreiche Auszeichnungen verdient. CD Nacht Violinen Er gewann einen Classical Music Award 2015, in der Kategorie der „vocal Solist“.

montag PROGRAMM 20 MARCH
National Music Auditorium, Symphony Hall, 19.30 Stunden

Dauer 115 Minuten

Musikprogramm

Schönberg Fünf Stücke für Orchester
Berlioz Sommernächte

Schumann Symphonie Nr. 2 in C-Dur, auf. 6

PROGRAMM dIENSTAG 21 MARCH

National Music Auditorium, Symphony Hall, 19.30 Stunden
Dauer 115 Minuten

Dolmetscher

Gustav Mahler Jugendorchester
Daniel Harding, Direktor
Christian Gerhaher, Bariton

Musikprogramm
Berg Altenberg Lieder
Schubert Zwei Arien aus „Alfonso und Estrella“
Bruckner Symphonie Nr. 5

Gustavo Gimeno

Die Luxemburg Philharmonic Orchestra und seinem Chefdirigenten, Valencia Gustavo Gimeno, wird ausführen nächste 2 November in der 47. Saison Ibermusica. Bei dem Konzert, die in der stattfinden wird Auditorio Nacional de Madrid, das Orchester und der junge Lehrer, auf europäischer Ebene eine der steigenden Zahlen der musikalischen Leitung betrachtet, Sie werden von dem Geiger begleitet werden Patricia Kopatchinskaja , und es werden Stücke von einigen der hellsten russischen Komponisten: Nacht in Monte Pelado, von Mussorgsky; Violinkonzert, von Chaikovski; und The Rite of Spring, von Stravinski.

Gimeno - das wirkt auch in Valencia, Zaragoza und Alicante in den nächsten Tagen 3, 4 und 5 November -, Ich stand vor der großen Luxemburg Bildung der letzten Saison. Bevor wir uns an dieser Institution Ausschiffung, Er war Assistent Mariss Jansons in Royal Concertgebouw Orchestra, einer der fünf besten Mannschaften der Welt und als Assistent gearbeitet Claudio Abbado mit Mozart Orchester, la Lucerne Festival Orchestra y la Mahler Chamber Orchestra. Aber sie haben nicht die einzigen beiden Figuren gewesen, die ihn geprägt haben. in 2013, war Assistent Bernard Haitink, wieder mit dem Orchestra Mozart Bologna.

auch, die herausragende Geiger Patricia Kopatchinskaja abordará el magistral Violinkonzert de Chaikovski. La crítica ha dicho de ella que posee “etwas wichtiger als brillanter Technik. Es heißt Zeichen". Und das Schätze “eine gewaltige Talent und unbändiger Energie, durchdringt die Musiker, die die Macht von mehreren musikalischen Möglichkeiten umgeben“.

Die 47. Saison Ibermusica , in denen dieses Schema passt, begann im vergangenen 24 Juni mit dem Eröffnungskonzert der Wiener Philharmoniker. da, und bis in den Mai 2017, Programmierte Ibermusica 25 Konzerte 12 der besten Orchester der Welt.

DIE PHILHARMONIKERN VON LUXEMBURG

Das Orchester des Großherzogtums, die Luxemburg Philharmonic Orchestra (OPL), Es stellt einen sehr dynamischen Teil der Kultur ihres Landes. Seit seinem Debüt in 1933 unter der Schirmherrschaft von Radio Luxemburg (RTL) und der Regie von Henri Pensis, das Orchester in ganz Europa präsent. Öffentlich verwaltet von 1996, OPL hat ein Bewohner der Philharmonie Luxemburg gewesen, einer der wichtigsten Konzertsälen Europas, y ambas forman un único organismo desde 2012. La acústica de su residencia ha sido elogiada por grandes orquestas, Dirigenten und Solisten aus der ganzen Welt.

Die enge Zusammenarbeit mit großen musikalischen Persönlichkeiten, Er hat dazu beigetragen, die OPL eine Formation zu machen für die Eleganz seiner Sound bekannt. Seine Position wurde durch eine beeindruckende Liste von Auszeichnungen von zwanzig Aufnahmen in den letzten Jahren bestätigt: Grand Prix Charles Cros, BBC Music Choice, und mehrere Diapason d'Or, Shock the World of Music, Pizzicato Supersonic, Classica R10 und viele andere,.

in der Saison 2015/16, Gustavo Gimeno wurde der achte Musikdirektor des OPL (nach Henri Pensis, Carl Melles, Louis de Froment, Leopold Hager, David Shallon, Bramwell Tovey y Emmanuel Krivine). Zusammen mit dem klassisch-romantischen Repertoire, das Orchester Programm behält sich einen wichtigen Platz für Musik der XX und XXI Jahrhunderts.

GUSTAVO GIMENO

Gimeno (Valencia, 1976) Er trat sein Amt die Luxemburg Philharmonie Saison 2015/16. Seine internationale Karriere als Regisseur begann in 2012 Assistent arbeitet für Mariss Jansons mit dem Royal Concertgebouw Orchestra, wo er war Schlagzeuger zwischen 2001 und 2013. Es war an der Spitze dieser mächtigen Training, wo er sein Regiedebüt 2014. auch, war Assistent für viele Jahre Claudio Abbado mit Mozart Orchester, Lucerne Festival Orchestra und dem Mahler Chamber Orchestra. in 2013 besuchte auch Bernard Haitink mit Mozart Orchester. Seine Arbeit neben diesen hervorragenden Mentoren - zu denen hinzugefügt werden muss, seine Ausbildung bei Ed Spanjaard, Hans Vonk und Ivan Fischer - hat einen großen Einfluss auf Ihre Karriere Richtung hatte.

Tras su excepcional debut con la Royal Concertgebouw Orchestra se puso al frente de la Münchner Philharmoniker, Rotterdam Philharmonic Orchestra und Verdi (Mailand), Orchestre National de France, Toulouse Capitol National Orchestra, Royal Liverpool Philharmonic, Staatskapelle Dresden, Philharmonia Zürich und Chicago Symphony.

Mit dem Luxemburg Philharmonic Orchestra, Er beginnt seine Zusammenarbeit auf den frühen Sinfonien von Beethoven konzentriert, Mahler, Bruckner, Schumann y Shostakóvich y ha dirigido el Requiem de Verdi con el coro del Wiener Singverein. Im zeitgenössischen Bereich, Er hat Werke von Rihm gerichtet, Berg y Berio. Einige der Solisten, mit denen er in seiner ersten Saison an der Spitze der Luxemburg-Gruppe gearbeitet sind Isabelle Faust, Frank Peter Zimmermann, Leonidas Kavakos, Anja Harteros y Stefan Dohr.

Im Frühjahr 2015 debutó en el Palau de les Arts en Valencia dirigiendo Regel Bellini, in einer neuen Produktion von Davide Livermore. Gimeno hat eng mit vielen Komponisten unter jenen gefunden Theo Loevendie gearbeitet, Jacob ter Veldhuis, Pierre Boulez, Peter Eötvös, George Benjamin und Francisco Coll.

Patricia Kopatchinskaja

Kopatchinskaja (Chisinau, Moldau, 1977) stammt aus einer Musikerfamilie. Er begann die Geige im Alter von sechs Spielen und hat sich mit den großen Orchestern in Europa und den Wiener Philharmonikern durchgeführt, Berlin oder London. Seine Vielseitigkeit zeigt sich in seinen vielfältigen Repertoire, Es wird zwischen dem Barock und Klassizismus Auftragsarbeiten und neue Interpretationen der modernen Meisterwerke.

in der Saison 2016/17, Dazu gehören Konzerte Saison Eröffnung des neuen SWR Symphony, con la que ha interpretado el Violinkonzert Doremi de Peter Eötvös, unter der Leitung des Komponisten selbst, und eine Leistung mit dem NDR Orchester Elbphilharmonie im Eröffnungskonzert des Konzertsaals der Elbphilharmonie in Hamburg. Er hat auch sein Debüt mit dem Rotterdam Philharmonic mit Krzysztof Urbanski und Göteborg Symphony gemacht. Zu seinen Plänen ist er ihre übliche Zusammenarbeit mit dem London Philharmonic Orchestra, um fortzufahren, mit Auftritten in London und New York mit Vladimir Jurowski. Mehr ausgiebig, interpretieren die Violinkonzert de György Ligeti con la Berliner Philharmoniker y Sir Simon Rattle, die Filarmonica della Scala und Andrés Orozco-Estrada, und das Finnish Radio Symphony Orchestra und Teodor Currentzis.

in dieser Saison, Geiger ist auch Artist in Residence in drei großen Hallen und Festivals in Europa: im Konzerthaus Berlin, Wigmore Hall in London und beim Kissinger Sommer Festival. Auch verpflichtet es mehrere Europa-Tourneen mit dem Orchestre Philharmonique du Luxemburg, Wiener Symphoniker y Musica Aeterna. Wie für Kammermusik, ein Genre, genauso wichtig für sie, Kopatchinskaja wirkt in der Regel mit Künstlern wie Markus Hinter, Polina Leschenko, Anthony Romaniuk und Anu Wirkung, in so prominenten Orten wie Konzerthaus Berlin, Wigmore Hall, Wiener Konzerthaus und Amsterdam Concertgebouw.

Prolífica artista discográfica acaba de lanzar un nuevo álbum en el que aborda Tod und das Mädchen de Schubert con la Saint Paul Chamber Orchestra, Bildung ist künstlerischer Mitarbeiter. Er ist der Gewinner des Gramophone Award (2013), ECHO Klassic-Award und wurde für einen Grammy nominiert in 2014 por el disco dedicado a obras para violín y orquesta de los autores húngaros Béla Bartók, György Ligeti y Peter Eötvös.

Seine Geige wurde von Giovanni Francesco Pressenda gemacht in 1834.

mITTWOCH PROGRAMM 2 NOVEMBER – 19:30h

National Music Auditorium, Symphony Hall

Dauer: 100 Minuten

Dolmetscher

Luxemburg Philharmonie

Gustavo Gimeno, Leiter

Patricia Kopatchinskaja, Violine

Musikprogramm

Mussorgsky Nacht in Monte Pelado
Chaikovski Violinkonzert
Stravinski The Rite of Spring

Lohengrin

Die letzten Wochen wurden durch erhebliche Verluste für die Welt der Musik gekennzeichnet. Claudio Abbado obtenía de las orquestas que dirigía una delicadeza casi irreal. Gerard Mortier era maestro en reunir equipos de trabajo para ofrecer resultados asombrosos.

Das Königliche Theater-Premieren 3 April eines der letzten Werke von Mortier, Lohengrin von Richard Wagner. Wir haben ein Text, um diese Arbeit zu analysieren, que relacionó con la anteriormente programada en el Real, Alceste.

Nos hemos permitido seleccionar la maravillosa versión que de la obertura de Lohengrin realizó Claudio Abbado en el Festival de Lucerna, e incorporar el texto sobre esta obra de Gerard Mortier. Una extraordinaria lectura con el mejor de los fondos musicales.
wie immer, disfruten.
http://youtu.be/6Jggiq2uXu0

LA ETERNA PUGNA ENTRE LA VERDAD Y EL DESLUMBRAMIENTO DEL TEATRO

Gerard Mortier

En el París del siglo XVIII, a mediados de los años 60 y unos 10 años antes de la Revolución francesa, una joven, Pauline R., schreiben, tras asistir a una representación de Alceste: “Escuché esta nueva obra con gran concentración. De inmediato, la ópera me cautivó y me conmovió de tal manera que caí de rodillas en mi palco y permanecí así hasta el final de la representación”. Es la época en la que Gluck, uno de los compositores más famosos por aquel entonces, festeja su triunfo en París. Sobre todo entre los miembros de la nueva generación. Los mismos que habían leído Werther de Goethe y La joven Eloísa de Rousseau. Era la generación que desarrollaría los ideales burgueses de la Revolución francesa. Gluck se entrega por completo a este movimiento intelectual y escribe un prefacio a Alceste, que fue estrenada en Viena en 1767 und, Paris, in 1776, en una versión revisada en profundidad, y que alcanza un enorme éxito. En el prefacio recalca que la música debe volver a su auténtica función: servir a la expresión del drama.

Si en la historia del arte existe desde tiempos inmemoriales la disputa entre “anciens et modernes”, la historia de la ópera se caracteriza además por un permanente movimiento pendular entre la ópera concebida como entretenimiento o como dramma per música. Esta nueva forma artística, que se inspira en la tragedia griega, la desarrollaría Claudio Monterverdi, unter anderem.

En París, esta doble disputa se plasma en aquel momento a través del enfrentamiento entre los piccinnistas, admiradores del belcanto, y los gluckistas, defensores de la tragédie lyrique. Resulta curioso que esta polémica involucrara y dividiera a los enciclopedistas también. De parte de Gluck se sitúan Rousseau y Diderot, de la otra están D’Alembert y el Barón Grimm, en cuya casa vivió Mozart durante su viaje a París, y con el que D’Alembert tampoco se entendió. Mozart conoció entonces, in 1778, la música de Gluck, y está claro que su Idomeneo, que escribió dos años más tarde para la corte de Múnich, muestra su intento por superar el ideal gluckiano. Ifigenia e Illia son hermanas del alma.

“El éxito de Gluck está en estrecha relación con el desarrollo de los ideales burgueses.”

El entusiasmo de las jóvenes mujeres de la época se comprende mejor en el marco de su intento por emanciparse del ambiente rococó, época en la que fueron degradadas a objetos de placer a través de las obras del Marqués de Sade y el Duque de Orléans. Maria Antonieta, hermana del reformista emperador de Austria José II, pertenece a esta nueva generación y es una admiradora de Gluck, con lo que se muestra muy alejada de los intereses de su esposo Luis XVI, lo cual no la salvará de la guillotina.

Wie erwähnt,, el éxito de Gluck está en estrecha relación con el desarrollo de los ideales burgueses, tal como los muestran las pinturas de Jacques-Louis David, Jean-Baptiste Greuze y Jean-Siméon Chardin. Gluck ya había compuesto alrededor de 20 óperas cuando escribió su Orfeo ed Euridice. Que recurra al tema de la primera ópera de Monteverdi no es casual. zusammen mit Iphigénie en Aulide, Iphigenie auf Tauris, Alceste und Armide, estas cinco óperas constituyen el Korpus de su reforma del género artístico apoyado por su libretista Calzabigi, que es quien formula el prefacio de Alceste, que desarrolla el que sería su programa ético y estético, como hicieron Víctor Hugo con Cromwell die Richard Wagner con sus escritos teóricos.

Su éxito en París está más relacionado con esta voluntad de reforma que con la renovación de la expresión musical, para lo cual los parisinos eran más bien algo sordos. Sabemos que Mozart se sintió muy decepcionado en París y, como más tarde haría Wagner, se queja de su incomprensión musical. La innovación musical más importante es el ímpetu de los coros, la sencillez sentimental de las melodías con instrumento obligado como en “Oh malheureuse Iphigénie”, dass encontraremos también en la primera frase de la Sonata Claro de luna, Beethoven, y la expresividad dramática de la orquesta en “Divinités du Styx” de Alceste. El que esta radical reforma musical parezca actualmente pálida en ocasiones se debe a la historia de la música que se sitúa en medio: 50 Jahre nach, Beethoven compuso la Missa solemnis.

Tras el éxito de Iphigenie auf Tauris, Gluck se retiró, por motivos de salud, a Viena, donde transcurrieron los últimos años de su vida, en los que se convirtió en mentor de Salieri. Cuando fallece, Mozart ya había compuesto Die Hochzeit des Figaro und Don Giovanni, con lo que había determinado la estética de la ópera de los siglos XIX y XX. Pero Gluck anticipó mucho de ello, aunque necesitara a un genio como Mozart para que sus ideas sobre la ópera se transformaran en un súmum del arte lírico.

En el siglo XIX, y dado que Mozart estaba demasiado adelantado para su época, Gluck sigue siendo una figura rectora para todos aquellos que, nochmals, quieren rescatar la forma artística de la ópera de su función de mero espectáculo de entretenimiento. En primer lugar se sitúa Hector Berlioz, quien compone una maravillosa reelaboración de Alceste que él mismo dirigió. Y ahí encontramos naturalmente a Richard Wagner, quien se inspira en él para sus escritos teóricos sobre la ópera y el drama, y que programó y dirigió Iphigénie en Aulide.

Esto es motivo suficiente para dedicar el tercer proyecto de esta temporada a Alceste de Gluck y Lohengrin Richard Wagner. Ambas óperas, Alceste und Lohengrin, contradicen el consumismo de la nueva burguesía de un modo brillante, retomando de nuevo la idea del dramma per musica de Claudio Monteverdi con mucho talento, cada una con sus respectivos medios estilísticos tanto musicales como dramáticos.

mit Lohengrin, Richard Wagner escribe la primera ópera (dann Tannhäuser está en deuda con el mundo, como el propio compositor dice) en la que intenta trasladar sus ideales sobre Ópera y drama a lo musical, lo que supone una auténtica revolución en la historia de la música, y cuya obertura es ya un brillante ejemplo de ello. als Alceste, Lohengrin surge en un importante momento de cambio en Alemania. La idea de la Revolución francesa entusiasmó a la burguesía alemana, como nos cuenta Goethe, pero la degeneración de la revolución en un reino del terror y las guerras imperialistas con las que Napoleón, tras su coronación como emperador, quería conquistar Europa, empujó a muchos a alejarse de ella. Con el Congreso de Viena de 1815, Alemania cayó, como ningún otro territorio europeo, bajo la dominación de la Restauración, y ello hasta 1849.

“Los intelectuales se retiran a un mundo ideal”

Georg Büchner, wie kein anderer, denunciará este feudalismo en su obra La muerte de Danton, en la que analiza la Revolución francesa, y en la primera pieza proletaria, Woyzeck.

Alemania es una aglomeración de muchos territorios gobernados por príncipes a partir de privilegios que les permiten explotar desmedidamente a los campesinos. Los intelectuales se retiran a un mundo ideal cuyo modelo se inspira en el Sturm und Drang, Weimar, Schiller y Goethe. Y dibujan un paraíso artístico. Lo que en Francia ha provocado la revolución, se trasnforma en Alemania en sueños idealizados con la Oda a la alegría Schiller, die Götz von Berlichingen Goethe, y la construcción de una filosofía ideal por parte de Hegel. jedoch, surge al mismo tiempo un intercambio fascinante entre Francia y Alemania, cuando los defensores de los ideales burgueses, pero también realistas y católicos convencidos, se distancian del terror de Robespierre y del imperialismo de Napoleón, y buscan refugio en los ideales de Alemania, aunque estos no cristalicen en lo social. Sobre ello dan testimonio Madame de Stael y Chateaubriand, estableciendo las bases del Romanticismo francés, que incluye también, unter anderem, a Victor Hugo, Theophile Gautier y Gerard de Nerval, traductor del Fausto de Goethe al francés. Resulta curioso el hecho de que los románticos alemanes admirados por los franceses fueran denominados “clásicos” por los propios alemanes.

En la época que abarca desde el Congreso de Viena hasta la revolución en Berlín y Dresde de 1848 und 1849, los intelectuales alemanes desarrollan su idea sobre el significado del “estatus nacional” y el concepto de “pueblo alemán”. Algunas de las personalidades más destacadas en este ámbito son los hermanos Jakob y Wilhelm Grimm, los autores de las recopilaciones de cuentos, in 1835 publican La mitología alemana en la que Wagner leerá las historias de Tannhäuser y Lohengrin. Junto a otros cinco profesores, los hermanos Grimm pertenecen a la universidad de Gottinga, y todos ellos serán enviados al exilio por el rey Ernst August I de Hannover, por manifestarse a favor de la abolición de la monarquía constitucional que se acaba de instaurar.

Por lo demás, tampoco estas revoluciones triunfan, y eso llevará a la idea del imperialismo alemán bajo la égida de Bismarck, apoyado en la tan exitosa industrialización alemana y que se reafirma con la victoria frente a Napoleón III en 1870. diese hybris alemana provocó después la declaración de la Primera Guerra Mundial, que apoyaron todos los intelectuales alemanes de entonces, incluidos Thomas Mann y Arnold Schönberg. Para decirlo brevemente, la frustración que produjo la derrota y los términos de la victoria de los aliados en los Pactos de Versalles fueron el caldo de cultivo del nacionalsocialismo. Este es el negativo de los ideales alemanes de finales del siglo XVIII y principios del siglo XIX. Y un ejemplo prístino de cómo los sueños y utopías se pueden convertir en lo contrario si no se integran de forma concreta en la estructura social. De ello habla Richard Wagner en el Anillo de los nibelungos, desde Niebelheim pasando por el Wallhalla hasta la decadencia del mundo. und Lohengrin Ergebnisse, genau, su espléndido preludio.

El exilio de los hermanos Grimm y sus compañeros de la universidad de Gottinga es uno de los muchos acontecimientos que conducen a las llamadas rebeliones en las que Wagner tomará parte en Dresde, lo que le obligará a padecer a él también un exilio durante más de 10 Jahre alt. Para entonces ya había compuesto Tannhäuser und Lohengrin, und, in 1851, Franz Liszt logrará estrenar Lohengrin en Weimar. Este hecho, ampliamente documentado en la extensa correspondencia al respecto entre ambos, le causará un gran pesar a Wagner, que soñaba con asistir a dicho estreno.

“Lohengrin es una obra increíblemente triste”

Esta ópera conquista a toda Europa en un muy breve espacio de tiempo, und sogar Verdi teilnehmen, fasziniert und in einer Kiste versteckt, die Premiere in Bologna, von seinem Freund gerichtet Mariani. Die Gründe dafür sind in Sicht: aus einer musikalischen Sicht, Klänge sind bisher unbekannt gehört, sowohl das Vorspiel und die Schändung der Götter von Ortrud und Erzählung Gral der Lohengrin, und natürlich eine der komplexesten Chöre von Bach bis zur Erscheinung des Schwans „ein Wunder, ein Wunder…”. Vom dramatischen Sicht, Oper erfüllt alle Wünsche der Bourgeoisie dann, Restaurierung enttäuscht von Metternich und das „juste milieu“ von Frankreich; in seinem Wunsch nach einer neuen Weltordnung frustriert, überzeugt von dem besonderen Ort des Künstlers, sondern auch seine Einsamkeit (Lohengrin), bedrängt von Melancholie aus der Frustration unerfüllter Utopie entstehen. Und das alles in übergroßen Formen reflektiert und auch verwendet Meyerbeers, obwohl dies scheiterte sie mit mehr als einem efectismo ähnlich der aktuellen Hollywood-Produktionen zu liefern.

Lohengrin es una obra increíblemente triste, weil das Prinzip verspricht die Realisierung einer neuen Welt und bis zum Ende, wie Elsa, überlässt uns unserer Einsamkeit, weil die Gesellschaft nicht den Mut finden konnte, der Forderung des Künstlers zu folgen, Bote der utopischen Burg des Grals: "Frag mich nie". Elsa will es wissen anstatt zu glauben, und deshalb kann es nicht freigegeben werden, mientras Lohengrin tiene que regresar a su reino ideal del castillo del Grial solo… como Wagner en el exilio.

Gerard Mortier

Abbado

Eine kleine und einfache Trauerzug begleitet die Master 21 Januar durch die Straßen von Bologna. dann, und absolute Privatsphäre, era enterrado el que fuera Director de la Scala und Berliner Philharmoniker. Kaum Blumen hatte, die Familie wollte, dass das Geld an der sozialen Bedürftigkeit gehen sollte.

También a quien más la necesita hizo el Maestro Abbado que llegase la música. La llevó a los hospitales y a las cárceles. Tuvo una dedicación especial con los jóvenes creando la Joven Orquesta Europea oder Orquesta Juvenil Gustav Mahler. Fue el inspirador del Sistema de Orquestas de Venezuela creado por Jose Antonio Abreu y desarrollado por Gustavo Dudamel. En la Scala de Milán fundó la Orchestra della Scala con la que programó conciertos con entradas especialmente baratas, lo que permitió el acceso al Teatro a un público nuevo que, bis zu diesem Moment, no acudía a la Scala. Consideraba que “la educación musical es, tatsächlich, la educación del hombre”.

La semana siguiente a su fallecimiento, Daniel Barenboim, como homenaje al Maestro, dirigió la Orquesta de la Scala interpretando la marcha fúnebre de la Sinfonía “Heróica”, von Beethoven, con la sala vacía y las puertas abiertas…

http://youtu.be/VfU_qaPRa6Y