Die Hochzeit des Figaro

Eine etwas andere Figaro-Hochzeit im Königlichen Theater

Die Hochzeit des Figaro
Die Hochzeit des Figaro
Wolfgang A.. Mozart (1756-1791)
Opera buffa in vier Akten
Libreto de Lorenzo da Ponte, auf der Grundlage der Komödie La Folle journée, oder die Hochzeit von Figaro (1784) von Pierre Beaumarchais
Produktion der Canadian Opera Company bei den Salzburger Festspielen
Teatro Real in Madrid, 28 April 2022
D. Musical: Ivor Bolton
D. Szene: Claus Guth
Szenograf und Kostümbildner: Christian Schmidt
Illuminator: Olaf Winter
Choreograf: Ramses Sigi
Video Designer: Andi A. Müller
D. Chor: Andrés Máspero
André Schuen, José María Moreno, Julie Fuchs, Vito Priante, Rachel Wilson, Monica Bacelli, Fernando Rado, Christoph Berg, Moises Marin, Alexandra Flut, Leonardo Galeazzi, und Uli Kirsch, der den Engel interpretiert
Elf Jahre waren seit seiner letzten italienischen Komödie vergangen, La Finta Giardiniera (Der falsche Gärtner) und Mozart war besorgt, dass er keine passende Geschichte für seine nächste Komödie finden konnte. Er spiegelt es in einem der Briefe an seinen Vater wider 1783, „Ich habe mir mehr als hundert Drehbücher angesehen, und ich habe keine gefunden, mit der ich zufrieden war; so viele Änderungen müssten hier und da vorgenommen werden, das, selbst wenn ein Dichter dazu kam, es wäre einfacher für ihn, einen komplett neuen Text zu schreiben“.
Schlagzeilen Chor und Orchester des Teatro Real

Dann kommen Sie nach Wien, Hand in Hand mit Antonio Salieri, um am Hof ​​zu arbeiten, Italienischer Librettist und Dichter Lorenzo da Ponte. Dann beginnt eine fruchtbare Zusammenarbeit zwischen Mozart und da Ponte, die die Zeit von Metastasio hinter sich lassen wird. Eine neue Opernreise beginnt, die kein Zurück mehr haben wird.

Mozart zeigte eine gewisse Bewunderung für die Werke des französischen Dramatikers Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais und für eines seiner Werke, die Figaro-Trilogie, für deren ersten Teil, Der Barbier von Sevilla (1782), Giovanni Paisiello hatte bereits Musik gemacht. Er wählte den zweiten dieser Trilogie, Der verrückte Tag, oder Die Hochzeit des Figaro (1784), die sich explizit mit den damaligen Klassenkonflikten auseinandersetzt.

Das Werk von Beaumarchais, dessen Kinostart aufgrund der darin enthaltenen Gesellschafts- und Politikkritik mit Schwierigkeiten verbunden war, kann in den revolutionären Prozess eingerahmt werden, der darin kulminiert 1789 mit der Französischen Revolution. Nach drei Jahren Kampf gegen die Zensur, Figaros Hochzeiten könnten uraufgeführt werden 60 Vorstellungen. Sondern die Proteste und Intrigen ehemaliger Feinde von Beaumarchais, bekam das Stück europaweit verboten.

Wie von da Ponte in seinen Memoiren erzählt, Die Oper wurde in nur sechs Wochen fertiggestellt, „Als ich die Texte schrieb, Mozart komponierte die Musik. Es blieb nur, José II. von seiner Eignung zu überzeugen. Da Ponte kümmerte sich darum, viel diplomatischer als Mozart, der dem Kaiser versprach, auf die umstrittensten Teile zu verzichten. Ganze Szenen wurden gelöscht, aber die ideologische Substanz blieb intakt.

Die liberale Mentalität von José II, dass er die Zensur bereits abgeschafft und ein standesamtliches Ehedekret genehmigt hatte, das die Zustimmung der Eltern aufhob, erleichterte die Uraufführung einer Oper, die, durch ein Comedy-Format, Freundlich und nett, Er hat seine Wasserbombe sehr gut versteckt.

die 1 Mai 1786 se estrena por fin en Viena Die Hochzeit des Figaro, Präambel von Don Giovanni und, vor allem, de Cosi-Fan alle, Damit schließt sich der Zyklus der brillanten Zusammenarbeit zwischen Mozart und da Ponte.

Le nozze di Figaro ist heute eine der meistgespielten Opern der Welt, auch wenn es nicht immer so war. Kommen Sie bald im Königlichen Theater an, in 1903, lange vor anderen europäischen Theatern. Später hatte es einige Jahre einen gewissen Niedergang in der Programmierung und erst in den sechziger Jahren war das so, schüchtern, kehrte in die Opernsaison zurück.

Das Teatro Real präsentiert in dieser Spielzeit eine Inszenierung, die ein wahrer Klassiker ist, die von Claus Guth für die Salzburger Festspiele in geschaffen 2006, die die ursprünglich von Lotte de Beer angekündigte ersetzt und nicht sehr gut angenommen wurde, großzügig sein, beim Festival von Aix-on-Provence.

Guth verwendet die großen architektonischen Strukturen, die ihm so sehr gefallen, wieder. Verfügt über eine große Treppe in einem großen Raum als einzige Bühne. ein weißes Dekor, nackt, weit entfernt von den Exzessen des achtzehnten Jahrhunderts, die gewöhnlich die Aufführungen dieser Oper begleiten. Die Garderobe von Christian Schmidt, auch sehr Guth-artig, wie wir in Rodelinda sehen konnten, in diesem selben Theater, Grautöne und uniformiert. Die subtilen Szenenwechsel sind hauptsächlich auf die Beleuchtung von Olaf Winter zurückzuführen., die es mit Schatten und kleinen Projektionen erzeugt, die Atmosphären, die helfen, die Szene zu beschreiben.

Auch bei dieser Gelegenheit, Guth verwendet einen Charakter, der nicht im Drehbuch steht, aber ständig in der Szene auftaucht. Diesmal ist es eine Art Amor, unsichtbar für andere Charaktere, alle an den Fäden ziehen und versuchen, ihr Verhalten zu ändern, Verwirrung in seinem Gefolge säen.

Die Charaktere werden in dieser Inszenierung nüchtern behandelt, schmucklos, offenbart den tiefsten Teil seiner Persönlichkeit. jedoch, Das Endergebnis der Szenerie ist, dass sie der Entwicklung oder dem Abschluss der Geschichte nicht hilft.

Ivor Bolton kehrte zurück, um Mozart an der Spitze des Titular Orchestra des Teatro Real zu dirigieren. Vielleicht angesteckt von der eintönigen Landschaft, Boltons Management hatte nicht die Brillanz und den Funken anderer Gelegenheiten. Nur in wenigen Augenblicken werden jene Blitze präsent, die Mozart so brillant in seiner Partitur widerspiegelte.

Dieses Werk unterscheidet sich von anderen Buffa-Opern durch die hohe Qualität seiner Ensembles., die die enorme Vielfalt liebevoller Gefühle ausdrücken. Bei dieser Gelegenheit sind sie etwas undurchsichtig und es fehlt ihnen an Frische. Die Vielfalt der Texturen einer so detaillierten Orchestrierung, wie sie Die Hochzeit des Figaro bietet, wird nicht geschätzt, besonders in der Eröffnung und den Winden.
Die besten des Orchesters waren die Recitativi Secchi, Cembalo und Cello, die es den Szenen ermöglicht haben, flüssiger zu sein.

Der Gesangspart hat einen ausgewogenen Satz von Stimmen präsentiert. Um sich dieser Oper zu stellen, ist der theatralische Anspruch fast auf dem gleichen Niveau wie der Gesang. Aber in diesem Fall, auch, Eine gute körperliche Verfassung ist erforderlich.

Es war eine Freude zu sehen, wie die in Granada geborene María José Moreno die Rolle der Gräfin am Königlichen Theater verkörpert. tat es mit großer Zuversicht, wie macht sie was. Ist das etwas Besonderes, Gräfin?, träge und einsam, und Moreno spiegelte sie sehr gut in jenen Aspekten wider, denen sie einen Punkt der Raffinesse hinzufügt, der der Figur sehr angemessen ist. Er hatte Momente großer Lyrik und Brillanz, vor allem in seinen beiden wichtigsten Arien, „Porgi Amor“ und „Wo ich bin“. Sie hat ein kraftvolles Zentrum und gute Höhen..

Susanne, die zentrale Figur des Stücks, wurde von der Französin Julie Fuchs interpretiert. Seine Stimme ist leicht und frisch, Perfekt für Susanne, ihm fehlte Volumen und machte seinen Charakter glaubwürdiger, vielleicht zu kindisch.

Auch Vito Priantes Figaro war als Susanas Verlobter wenig glaubwürdig, er sah aus wie sein Vater. Sehr statisch auf der Bühne, etwas ging mit seinem Charakter verloren, der vom Inspizienten seines wahren Charakters beraubt worden war. Aber seine Stimme ist von hoher Qualität und hat ein schönes und warmes Timbre..

Der italienische Bariton André Schuuen spielt Graf Almaviva. Wir konnten ihn bereits vor einigen Saisons im Capriccio hören. Charakterlich fühlt er sich wohl, obwohl es ein bisschen Verpackung fehlt und wie ein Teenager im Anzug aussieht. Die Höhen verteidigt er recht gut und sein Bassbereich ist ausreichend und stimmig.

Rachael Wilsons Cherubino war, mit der Gräfin, das beste der nacht. Frisch und verspielt in der Interpretation, bewies eine gute Gesangslinie und sehr kräftige und klingende Mitten und Höhen. Schade, dass sie genauso gekleidet war wie der falsche Cherubino, den Guth auf die Bühne brachte. Er hat sich geschickt entwickelt, dieselbe, mit der er seine Arien „Non so più cosa son, was soll ich tun "y" Du, der es weiß ".

Auf gutem Niveau waren die restlichen Comprimarios, die in dieser Produktion etwas lustlos in der Interpretation waren, Monica Bacelli, als Marceline; Fernando Rado, als Bartolo; Christoph Berg, wie Basilikum; Moises Marin, Don Curzio; Alexandra Flut, wie Barbara; Leonardo Galeazzi, als Antonio und Uli Kirsch, der den Engel oder Amor interpretiert.

Eine Neuinterpretation einer Oper, die der Partitur erstmals eine grundlegende Rolle in der Entwicklung der dramatischen Handlung zuweist.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

Die Hochzeit des Figaro

Le nozze di Figaro zwischen 22 April und 12 Mai im Königlichen Theater, in einer Originalproduktion der Salzburger Festspiele (2006), wer beauftragt hat Claus Guth die Regie der drei Opern von Mozart Libretto von Lorenzo da Ponte, deren, Don Giovanni, wurde in der vergangenen Spielzeit am Teatro Real angeboten.

Gilt als die vollkommenste von Mozarts Opern, Le nozze di Figaro, veröffentlicht in 1776, wurde in weniger als einem Jahr in hektischer und enthusiastischer Weise von geschrieben Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) und der vielseitige Schriftsteller und Librettist Lorenzo da Ponte (1749-1838), in ihrer ersten und fruchtbaren Zusammenarbeit, was weitergehen würde mit Così fan tutte und Don Giovanni.

Beide Schöpfer waren von der Leidenschaft der neuen revolutionären Ideen durchdrungen, die die Theaterarbeit dreist verteidigten Pierre-Augustin de Beaumarchais (1732-1799) auf denen die Oper basiert, Der verrückte Tag, oder Die Hochzeit des Figaro, erst ein Jahr zuvor mit großem Skandal und Aufruhr uraufgeführt, was die Abgeschiedenheit des Autors und das Verbot des Werks vor verschiedenen europäischen Gerichten verursachte.

Mit großem Geschick reduziert und verbirgt Da Ponte die explizitesten politischen Inhalte des Werkes, Aufrechterhaltung der komplexen Beziehungen zwischen den verschiedenen Charakteren, dem Mozarts fabelhafte Partitur eine ungewöhnliche psychologische Tiefe verleiht, versteckt unter den klassischen Formen von komische Oper.

Musik, unterstützt durch ein perfektes Gerüst aus Symmetrien und strukturellen und harmonischen Spielen, mit Arien und Ensemblenummern von enormer Schönheit, schlägt vor, Sie arbeiten, widerspricht, Hinweise, verleugnet und beleuchtet, was die Worte der Protagonisten verbergen, in einer scheinbar komischen Verstrickung.

In seinem Bühnenvorschlag, Claus Guth Versuchen, genau, Entdecken Sie, was in der Seele der Charaktere jenseits von Comedy schlägt, der unaussprechlichen Seite zuhören, zweideutig, widersprüchlich, Sinister, sadistisch oder unanständig in Liebesbeziehungen.

Parallel zum klassischen Aufbau der Partitur, Gut, zusammen mit dem Bühnenbildner und Kostümbildnerin Christian Schmidt, setzt die Handlung in einen alten und strengen Palast, mit den in Anzüge korsettierten Charakteren, die ihre soziale Herkunft verraten und ihr Vorgehen bestimmen. Von dort, wie in einem Ingmar-Bergman-Film, oder in einem Drama von August Strindberg, Guth „entlarvt“ das, was in den Charakteren vor sich geht, mit Hilfe eines stillen „Engels“, der dem Zuschauer das Unaussprechliche zeigt, trübe oder dunkle Liebesbeziehungen.

Zwei ausgewählte Besetzungen erwecken die komplexen Charaktere dieser Choroper zum Leben, die Bande der Verführung verbergen, liebe, Verlangen, Leidenschaft, Langeweile oder Groll: Andre Schuen und Joan Martin-Royo (Graf von Almaviva); José María Moreno und Schauen Sie Urbieta-Vega (Gräfin von Almaviva); Julie Fuchs und Elena Sancho Pereg (Susanna); Vito Priante und Thomas Oliemans (figaro); Rachel Wilson und Maite Beaumont (Cherub); Monica Bacelli und Gemma Coma-Alabert (Marcellina); und Fernando Rado und Daniel Giulianini (Bartolo).

Ivor Bolton, musikalischer Leiter des Königlichen Theaters, umleiten Le nozze di Figaro aus seiner Grube, nach dem erzielten Erfolg mit der gleichen Punktzahl in 2014. Diese Oper wird Mozarts siebte Inszenierung sein, in der er die musikalische Leitung an der Spitze übernimmt Schlagzeilen Chor und Orchester des Teatro Real, und die dritte, in der er Seite an Seite mit arbeitet Claus Guth, nach Lucio Silla (2017) und Don Giovanni (2020).

Seit der Wiedereröffnung des Teatro Real, Le nozze di Figaro wurde in vorgestellt 5 seine 25 Jahreszeiten: in 1998, mit Gianandrea Noseda und Jürgen Flimm; in 2003, mit Antoni Ros Marba und Marco Arturo Marelli; in 2009, mit Jesus Lopez Cobos und Emilio Sagi, dessen Produktion erneut in präsentiert wurde 2011 mit Victor Pablo Pérez, und 2014 mit Ivor Bolton.

Der szenische und dramaturgische Vorschlag konzipiert von Claus Guth, die jetzt im Teatro Real zu sehen sein wird, bietet eine neue Perspektive auf Mozarts Meisterwerk, dessen Vermögen, Komplexität und Tiefe sind eine unerschöpfliche Quelle für Interpretationen.

Fotografie © Javier del Real | Teatro Real

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Don Giovanni
Wolfgang A.. Mozart (1756-1794)
Verspielt Drama en dos actos
Libreto de Lorenzo Da Ponte, basierend auf dem Trickster von Sevilla (1616) de Tirso de Molina y en el libreto de Giovanni Bertati für die Oper Don Giovanni Tenorio oder den Steingast (1787)
Produktion der Berliner Staatsoper, von den Salzburger Festspielen
Teatro Real, Madrid 29 Dezember 2020
D. Musical: Ivor Bolton
D. Szene: Claus Guth
Verantwortlich für den Ersatz: Julia Burbach
Illuminator: Olaf Winter
dramaturgie: Ronny Dietrich
Choreografen: Ramses Sigl
D. Chor: André Máspero
Dolmetscher: Adrian Eröd, Goran Juric, Adela Zaharia, Airam Hernandez, Federica Lombardi, Marco Mimica, Cody Quattlebaum, Marina Monzó
Titulares Chor und Orchester des Royal Theatre Persönlich muss ich sagen, dass ich mit dem Don Giovanni, an dem ich teilgenommen habe, Pech hatte. Ich denke, das ist das Beste, was ich je gesehen habe. Und ich muss auch zugeben, dass sich nach dem Betrachten der Darstellung einige Widersprüche ergeben. Einige Dinge mag ich sehr, andere, weniger. Aber wenn Sie das Ganze betrachten, in allen Elementen (was sie sind wenige) das macht diese Produktion aus, Ich kann sagen, dass ich das Theater glücklich verlassen habe, nachdem ich Don Giovanni genossen habe, der in Madrid einen Fluch zu haben scheint, weil die Darstellungen, die in den letzten Jahrzehnten von ihm gemacht wurden, nicht gerade brillant waren. La de Claus Guth, die Premiere in 2008 bei den Salzburger Festspielen und jetzt im Königlichen Theater ankommen, Seitdem steht er mit genügend Würde auf der Bühne. Es ist auch die einzige Mozart-Oper, die seit ihrer Uraufführung in der Romantik im Repertoire verblieben ist., als der Rest aus der Programmierung verschwunden war. Es gibt zwei Versionen von Don Giovanni, das Prag von 1787 und Wien in 1788, Welches ist derjenige, der bei dieser Gelegenheit vertreten ist, obwohl auf das letzte Sextett und das Duo zwischen Zerlina-Leporello verzichtet wurde. Wie Mozart für Sänger schrieb, adaptierte die Wiener Fassung für die österreichische Sopranistin Caterina Cavalieri für die Rolle der Elvira, einer der berühmtesten Sänger des Augenblicks. Er tat dasselbe mit der Rolle von Don Ottavio, welches in Wien von Francesco Morella gespielt wurde, denn wer hat die Arie von Il mio tesoro geschrieben?, Ein Tenor mit mehr Geschick und Leichtigkeit für Koloraturen als Antonio Baglioni, Das hat die Version in Prag uraufgeführt. Guth hat einen Wald von außergewöhnlichem Realismus geschaffen. Rotary, wie könnte es beim deutschen Regisseur anders sein. Der Wald ... der Ort, an dem wir uns verstecken oder lieben. Ein Ort, an dem wir Angst fühlen können, wir verlieren uns und sorgen uns, aber wo Emotionen immer stark sind. Claus Guths Szenografie beginnt mit der Veränderung des Librettos, denn der Kommandant verwundet Don Giovanni bereits in der Ouvertüre tödlich, als Spoiler. Von hier aus erleben wir die Qual, Echtzeit, eines Don Giovanni, der wie ein Tier ist, das in einem Wald gejagt und verwundet wird, beim Wenden, außer ein bisschen schwindelig zu sein, enthüllt die Geheimnisse und Ecken, in denen die Szenen stattfinden. All dies in einer permanenten und brillanten Dämmerung, die von Olaf Winter geschaffen wurde. Es ist Platz für ein Auto, eine Bushaltestelle oder eine Schaukel. alle, weniger ein Palast, weder die Kostüme noch die unverständlichen szenischen Elemente begleiten das Eintauchen in Mozarts Werk, wie Don Giovannis Anspielung auf Drogen und, im allgemeinen, die mangelnde Sensibilität in einer Arbeit wie dieser Ivor Bolton, das wird im Mozart-Repertoire sehr gut gehandhabt, hatte diesmal ein etwas ungleichmäßiges Ergebnis. Es war weniger für mehr, nach einer leicht gedämpften Ouvertüre, wie die meisten des ersten Teils, Eine Sekunde kam mit größerer Musikalität und Verfeinerung der Saiten. Die Musik hat es geschafft, die Momente zu ersticken, in denen die Landschaft Sie aus der Arbeit genommen hat. Ich habe nicht verstanden, dass James Ellis 'Mandoline verstärkt werden musste. Ich weiß nicht, ob dies die Ursache für die mangelnde Sauberkeit seiner Emission in einer Arie war, die, andererseits, wurde geschickt beleuchtet und schuf einen der großartigsten Momente der Aufführung. Die Sänger waren sehr ausgeglichen.. Sie sollten die Interpretation von Don Giovanni durch Adrian Eröd hervorheben, von einem hohen Interpretationsniveau. Frivol und hastig bei seinen Eroberungen im Sterben. Schade, dass Ihre Sendung nicht sauber war, Es schien, als hätte ich ein Problem. Kalt, vielleicht. Ein Charakter, der szenisch wie ein armer unberechenbarer Mann behandelt wird. Der kroatische Goran Jurik hat nichts mit dem von uns verinnerlichten Don Juan zu tun und bietet ein gutes Bild von Comendador, dank seiner Bühnenpräsenz und kraftvollen Bassstimme in einer undankbaren Rolle, Kurz gesagt, ich mochte Adela Zaharia in ihrer Rolle als Donna Anna. Die rumänische Sopranistin verband Sensibilität mit stimmlicher Zahlungsfähigkeit und einer guten Interpretation. sie, wie der Rest der Solisten, Sie mussten singen, während sie auf einer unebenen Bühne balancierten. Manchmal wird wenig über Sänger nachgedacht und viel über instabile und unnötige Elemente des Sets. Auch Federica Lombardis Donna Elvira war nicht schlecht, Mit einer soliden zentralen Zone und guten Höhen, die ihm Momente der Brillanz ermöglichten. Der Leporello des Kroaten Marko Mimica hatte fast mehr stimmliche Bedeutung als Don Giovanni selbst. Nicht so in der interpretativen Facette. Obwohl heutzutage wirklich ernsthafte Stimmen vermisst werden, Mimica hat ihre Rolle erfüllt.

Die Rolle von Don Ottavio wurde von Airam Hernández gespielt, Ein feiger Charakter, der vom Tenor aus Teneriffa gut dargestellt wurde und auch im Gesangsteil auf einem guten Niveau war.

Marina Monzós Zerlina war eine der Befriedigungen der Nacht, keine Überraschung. Neben Cody Quattlenaums Masetto, Sie schufen ein gut verbundenes Paar im Theaterteil.

Eine weitere Nacht der Oper im Teatro Real, Das verhält sich wie ein großes Schiff, das sich vorwärts bewegt, Durch dick und dünn und den Kurs halten, in einem riesigen Ozean aus Eis.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real / Teatro Real
Videos: Teatro Real

Don Giovanni

zwischen den Tagen 18 Dezember und 10 Januar wird das Teatro Real anbieten 15 Funktionen Don Giovanni, Wolfgang Amadeus Mozart, in einer Berliner Staatsoper, Premiere bei den Salzburger Festspielen in 2008, mit dem gleichen führenden Duo, das bei Real auftreten wird: britischer Bariton Christopher Maltman, als Don Giovanni, und der spanisch-uruguayische Bassbariton Erwin Schrott, als Leporello.

Die Interpretation von beiden, von Kritikern einstimmig gelobt, erhält in dieser Montage eine besondere Bedeutung, als Claus Guth verstärkt, in seiner Inszenierung, die makabere Bindung der beiden Charaktere, deren Mitschuld und Frömmigkeit bringen, vielleicht, die einzigen zarten und mitfühlenden Momente der Produktion.

Das Grundstück findet in einem sehr vielseitigen Tannenwald statt, entworfen vom Bühnenbildner Christian Schmidt, wo die verschiedenen Bilder der Oper passieren, verzerrt durch die Qual von Don Giovanni, das blutet langsam von der ersten bis zur letzten Szene aus.

Zu Beginn der Oper vom Commander verwundet, im Anfall des Todes die perversen Verführungsspiele, die seine hektische Lebensparade durch seinen Kopf gefüllt haben, auf Entfremdung und Tod zugehen, ohne jemals seinen ungestümen Geist aufzugeben, unanständig und blasphemisch.

Unterstützt von Leporello, Freund Junkie und Abenteuerfreund, der ihn in der schmerzhaften Trance begleitet, Don Giovanni Mezcla, in der Oper, die lebendigen Erinnerungen, die durch seinen hedonistischen Eifer gefördert wurden, Mit den verschwommenen Visionen, die dem Tod vorausgehen. Versteckt in den Mäandern und Nischen eines Waldes immer ein Komplize, weise beleuchtet von Olaf Winter, Der Wald spiegelt das Drama der Charaktere wider, in einem Bildspiel Helldunkel, das das barocke Universum von Tirso de Molinas Libertin verbindet, Mit der trüben Welt der Sexualdummköpfe des 21. Jahrhunderts.

Zwei Besetzungen von international bekannten Sängern verkörpern die Charaktere von Don Giovanni, geführt mit Fachwissen und Tiefe von Claus Guth, Das hat bereits drei Produktionen geprägt, die im Teatro Real präsentiert wurden: Parsifal (15/16), Rodelinda (16/17) und Lucio Silla (17/18).

Baritone Christopher Maltman und Adrian Eröd (Don Giovanni), die Bassbaritone Erwin Schrott und Marko Mimica (Leporello), las Soprane Anett Fritsch und Federica Lombardi (Donna Elvira), Tenöre Mauro Peter und Airam Hernandez (Don Ottavio), las Soprane Brenda Rae, Adela Zaharia und José María Moreno (Donna Anna), und Louise Alder und Marina Monzó (Zerlina), sowie der Bass Krzysztof Baczyk und Cody Quattlebaum (Masetto), und Tobias Kehrer und Goran Juric (Der Kommandant), wird in der wechseln 15 programmierte Funktionen, immer unter der Leitung von Ivor Bolton, der seinen fünften Mozart-Titel im Royal inszenieren wird, vor Coro und Orchester Titulares del Teatro o Real.

Don Giovanni wird zum vierten Mal seit der Wiedereröffnung des Royal Theatre präsentiert: im Juni 1999 mit Daniel Barenboim und Thomas Langhoff; im Oktober 2005 mit Víctor Pablo Pérez und Lluis Pasqual; und im April 2013, mit Alejo Pérez und Dmitri Tcherniakov.

Die Produktion, die jetzt das Reale erreicht, wird in einer Zeit der Unsicherheit und Schwierigkeiten angeboten, Fordern Sie von allen zusätzliche Anstrengungen, um die Oper im Rahmen der Gesundheitsschutzbestimmungen zu präsentieren.

Der Inspizient Claus Guth hat einige Details der Inszenierung und der Titular Chor des Teatro Real wird mit Masken auftreten, die speziell für Sänger entwickelt wurden, die die Sprachprojektion und Gesichtsbewegung fördern, ohne Aerosole freizusetzen. Diese und andere Anpassungen werden das Royal Theatre jedoch nicht am Angebot hindern, mit höchster Qualität, eine andere Perspektive des großen Mythos der spanischen Literatur, mit neuen Interpretationen, die Ihre Aura weiter bereichern.

ENDESAS SPONSORING

zu José Bogas, CEO von Endesa "dazu beitragen, dass die Kultur nicht aufhört und, insbesondere, unterstütze das Royal Theatre, ist ein großer Stolz für Endesa. Wir wissen sehr zu schätzen, dass das Royal Theatre eines der wenigen Opernhäuser der Welt ist, das sein Programm durch dick und dünn beibehalten hat, trotz der Pandemie; auch, Es hat es mit einer enormen Qualität und ohne die Sicherheit zu vernachlässigen getan. Und das werden wir mit diesem von Endesa gesponserten „Don Giovanni“ überprüfen."

Lucio Silla

die nächste 13 September Oper Lucio Silla, von Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) wird die neue Saison des Teatro Real öffnen, schließlich die Reparatur einer Schuld für die Öffentlichkeit in Madrid, er konnte nie diese Oper sehen vertreten, Trotz der unbestrittenen Qualität und die Schönheit seiner Musik.

Die Oper wird im Royal Theatre in einer von Claus Guth, das hat in mehreren Theatern seit seiner Premiere im Festival Wiener Festwochen in 2005. Der deutsche Regisseur entzieht dem Werk seinen anekdotischsten Inhalt und erschafft sich neu, indem er die psychologische Beziehung zwischen den Figuren und der Innerlichkeit jeder dramatischen Situation untersucht, die Oper mit enormer Dynamik erfüllen.

Dazu greift er erneut auf ein geniales rotierendes Set zurück, das vom Bühnenbildner und Kostümbildner entworfen wurde. Christian Schmidt Autor auch der Szenografien von Parsifal und Rodelinda─ Dies ermöglicht es, die kontinuierliche Abfolge der Szenen, aus denen sich die Arbeit zusammensetzt, zu optimieren.

Obwohl Mozart die Partitur in Mailand in uraufgeführt hat 1772, mit nur 16 Jahre alt, Der junge Komponist hatte seit dem Jahr 2000 szenisch-musikalische Werke in verschiedenen Formaten geschrieben 11 Jahre alt, und Lucio Silla Es war bereits die dritte Oper, die er erfolgreich in Italien präsentierte, nach Mithridates, Könige von Pontus und Ascanio in Alba.

Im Anschluss an die opera seria achtzehnten dann in Mode, Das Libretto ist inspiriert von den Heldentaten einer Figur aus der Antike, ohne sich um einen Pruritus der Wahrhaftigkeit oder historischen Strenge zu kümmern. und zwar, Verwandtschaftsbeziehungen, Liebesbeziehungen und Großmut von Lucio Silla von Mozart sind weit entfernt von dem, was die Geschichtsschreibung über das Leben des blutigen Tyrannen und großen Militärstrategen beleuchtet Lucio Cornelio Sila (138-78 a.C.).

Die Handlung, dramaturgisch schwach, dies ist, jedoch, strukturell konsistent durch die komplexen Beziehungen zwischen den sechs Zeichen, Zugehörigkeit zu zwei rivalisierenden und feindlichen Seiten, zwischen denen widersprüchliche Gefühle und Leidenschaften fließen, unkontrolliert und in der Lage, die Ehrenkodizes zu brechen, die so viele Gräueltaten und Machtkämpfe abschirmen.

Musikalisch entspricht die Oper den starren Kanonen der opera seria, in denen sich Arien und Rezitative abwechseln, mit einigen wunderbaren Ensemble-Nummern und Orchester-Zwischenspielen. Aber das Genie Mozarts schafft es, jeder Szene eine einzigartige Atmosphäre zu verleihen, mit großen Kontrasten, Gesangslinien von ergreifendem dramatischem Atem und einem zunehmend autonomen Orchester im dramaturgischen Ausdruck der Figuren.

Obwohl Mozart die besten Sänger der Zeit hatte, um seine zu interpretieren Lucia Stuhl, der Ersatz, in den Tagen vor der Premiere, des führenden Tenors von einem anderen von viel niedrigerem Rang, zwang den Komponisten, diese Rolle an die neuen Umstände anzupassen, Vereinfachung seiner Musik und Enteignung des Charakters der Größe, die die Titelrolle haben sollte, dass im Real die Tenöre interpretieren werden Kurt Streit und Benjamin Brown.

Als zwei der männlichen Charaktere, die ursprünglich gesungen werden sollten Kastraten wird von einer Mezzosopranistin und einer Sopranistin aufgeführt, es kann gesagt werden, dass in Lucio Silla Die große stimmliche Schwierigkeit liegt bei den vier Sängerinnen, vor allem Giunia, deren sehr schwierige Rolle wird abwechselnd von den französischen Sopranisten gespielt Patricia Petibon und Julie Fuchs. Sie werden von den Mezzosopranisten unterstützt Silvia Tro Santaféund Marina Comparato (Cecilio), las Soprane Inga Kalna und Pleiades Sabirova (Lucio China) und José María Moreno und Anna Devin (Celia). Die Tenöre vervollständigen die Besetzung Kenneth Tarver und Roger Padullés (Aufidio).

Zusammen mit beiden Casts die Orchester und Chor der Königlichen Theater Schlagzeilen, unter der sensiblen musikalischen Leitung von Ivor Bolton, mit umfangreicher Erfahrung im Mozart-Repertoire.

Lucio Silla | PARALLEL AKTIVITÄTEN

15, 19 und 21 September | Archäologisches Nationalmuseum

Thematische Führungen kostenlos mit begrenzter Kapazität.

Rom im Nationalen Archäologischen Museum: 15 September, 18.00 h.

Liebes zu liebes mit Lucio Cornelio Sila (138-78 a.C.): 19 September, 18.00 h. und 21 September, 12.00 h.
Es ist wichtig zu buchen: visitasgrupos.man@mecd.es

17 September, zu 12.00 Stunden | Teatro Real, Hauptraum

Kammersonntage

Konzert ganz Wolfgang Amadeus Mozart gewidmet

Adagio in A-Dur KV 580 ein
Quartett in C-Dur KV 465, Dissonanz
Sonate für Fagott und Cello in B-Dur K. 292
Quintett für Klavier und Blas in Es-Dur K. 452

Solisten des Titular Orchester des Teatro Real

19 September, zu 17.30 Stunden | Spanische Kinemathek, Zimmer 1

Filmvorführung Nannerl, Mozarts Schwester (Nannerl, Mozarts Schwester),

von René Féret (2010)

Detailliertes Programm

23 September, zu 19.00 Stunden

Live-Übertragung Lucio Silla auf dem Fernsehkanal HALF.

Rodelinda

Rodelinda, eine der schönsten Opern von Händel kam zuerst zu Real in dem, was ist jetzt die Zeit der großen Freisetzungen.

das London 1725 Es ist die kosmopolitischste Stadt in Europa. Mit mehr als einer Million Einwohnern und außerhalb der Konflikte, die auf dem Kontinent auftreten, genießt eine bemerkenswerte künstlerische Tätigkeit. Händel, der größte Vertreter der italienischen Oper in London, arbeitet nicht nur als Komponist, sondern auch als Unternehmer, in diesen Momenten der Royal Academy of Music gerichtet, Unternehmen Opern Aktivitäten gewidmet. Jahre 1724 und 25 Sie waren die kreativsten Aktivität des Komponisten. Während dieser zwei Jahre und bei voller Geschwindigkeit, Er komponierte drei Hauptwerke, Julius Caesar, Tamerlanos y Rodelinda. Er hatte mit der Virtuosität der besten Sänger der Zeit zu tun.

Der Hauptcharakter von Rodelinda, Bertarino, Sie wurde von den berühmtesten Kastraten des Gefechts gespielt, Senesino. Rodelinda beauftragt, die große Diva Francesca Cuzzioni, nicht sehr anmutig und schreckliche Schauspielerin, aber mit einer Stimme und Magnetismus auf der Bühne hypnotisiert, dass die Öffentlichkeit. Francesco Borosino wurde auch der wichtigste Tenor des Augenblicks betrachtet, Er war verantwortlich für das Leben zu schenken Grimoald. Es war nicht ungewöhnlich Tenöre in den Zusammensetzungen der Zeit zu finden,, und weniger auf Papierkram so umfangreich,, aber Borosino hatte mit Tamerlano und Händel triumphierte für ihn komponiert eine wichtige Rolle.

Obwohl er ein Meisterwerk sein, Rodelinda hatte einen bescheidenen Erfolg bei der Premiere und nur ein paar Mal erholt. Die Schwierigkeit der Tenöre von Bedeutung zu finden, kann zu dieser Zeit für seine wenige Aufführungen einer der Gründe sein,. heute, Barock scheint, dass wider Teil des Standardrepertoires. Dies kann auf die lange Dauer dieser Arbeiten fällig, da im siebzehnten und achtzehnten Jahrhundert Musik war eine Ergänzung zu dem öffentlichen Freizeitaktivitäten in den Theatern entwickelt, und „Angst“ von einigen Szene Arien Manager und Rezitative diese dacappo, dass put in Schwierigkeiten das Tempo der Bau. Tatsache ist, dass Rodelinda überlebt hat bis heute eine große Unbekannte bleibt.

Um dieses Fehlen abzuhelfen hat eine neue Produktion von Teatro Real vorgestellt, in Koproduktion mit dem Oper Frankfurt, das Gran Teatre del Liceu in Barcelona und der Opéra de Lyon. Unter der Regie von Claus Guth, dass nach ihrem architektonischen Stil, die bereits gab er ein gutes Konto seiner außergewöhnlichen Parsifal, Er hat neu erstellt, von dem Bühnenbildner Christian Schmidt, ein Palast wird von der Zeit inspiriert, in dem Handel in London lebte.

Um das komplexe Netz von Rodelinda zu entwirren, durch die Öffnung und der in der Einleitung, Guth verwendet eine kleine Familienforschung und eine stille Zeitlupenszene gibt uns genug Hintergrund. Das große Dreh Haus, unterteilt in Räume, die zu verschiedenen Stufen führen, Es ist das beste Szenario der Familie Intrigen zu vertreten.

Guth Ansatz zur Verstärkung kennt alle wichtigen Elemente der Arbeit. Es bietet verschiedene Dimensionen dacappo ary und nutzt parallel Aktion die statischen Repeats zu brechen. Es ist hier, dass sehr wichtig, eine der Hauptfiguren wird, seltsam, nicht singen. Es ist die kleine Flavio, Sohn von Rodelinda und Bertardio, Kolumbianische Schauspieler, der Fabian Augusto Gomez spielt. Es wurde die Bereitstellung der Schlüssel mit seiner großartigen Leistung zu arbeiten. Flavio leben mit allen Familiendrama Intrigen und reflektiert durch seine Zeichnungen, der sie auf der Bühne projizierten. Leben eine parallele Realität, nur er sieht, und dass Qualen.

Ivor Bolton, noch genießen den Erfolg von Billy Budd, Es hat die Größe des Orchesters reduziert und hat Instrumenten aufgenommen, wie in den Händen von Michael Freimuth chitarrón, die Flöte oder Eileiter. Sehr wichtig, die Cembalistin David Bates einzubeziehen, deren Verbindung zu Bolton, auch der Schlüssel, Es war klar und voller Energie. Das Orchester war weniger mehr und erreicht einige brillante Momente. Immer herausragende Sänger, Bolton nimmt eine sehr genaue Ablesung Punktzahl.

Die Protagonisten der barocken Werke haben sehr unterschiedliche Rollen zu denen des neunzehnten Jahrhunderts italienischen Oper. Rodelinda ist eine starke Frau und heroische, das nichts mit dem zarten italienischen Star zu tun. Der männliche Star hier ist der Zähler, viel subtiler als der galante neunzehnten. umgekehrt, der Tenor, Protagonist in der italienischen Oper, im Baroque ist zweitrangig.

Diese zweite Besetzung, sehr spanisch, Er hat die Arbeit vortrefflich verteidigt. Xavier Sabata, als Bertardio, perfekt erfüllt die Rolle. Aber irgendwann hatte es mit dem Volumen des Orchesters konkurrieren, seine Leistung war inspiriert, vor allem in einem emotionalen Mit rauco mormorio.

Die Sopranistin Sabina Puértolas spielte eine mutige und volle Empfindlichkeit Rodelinda. Es hat einen schönen Timbre, umfassende und konsistente Flüssigkeiten und scharfe wuchs damit auf, als sie den Arbeitsplatz voran. Er benutzte elegant Koloratur, für eine große Anlage mit. seine Ombre, pianre, urne funeste und teuer mio bene waren voller Absicht und Zartheit.

Das Grimoald Übel wird von Tenor Juan Sancho interpretiert. Sein Timbre ist poliert und sonnig. Dramatisierung sehr gut in einem verdrehten und oberflächlich zunächst die Schaffung und edelsten Grimoald, als er von den Ereignissen entwaffnete. Es fehlt eine voluminöse Stimme. Er glänzte in den Arien des dritten Aktes.

Lidia Vinyes Curtis überrascht durch seine fabelhafte Bühnenpräsenz. Er rekonstruiert eine frivole und listig wie es sich für den Charakter Eduige. Es hat eine gute Lautstärke und Sprachaufzeichnung ändert sich mit Leichtigkeit. Sehr gut Echt auf neue Stimmen zu wetten, haben eine sehr interessante Projektion Theater.

Die Ununlfo Altus Christopher Ainslie südafrikanische begann unsicher aber wurde abgewickelt ein gutes Niveau zu erreichen, sowohl das Volumen und die Qualität der Interpretation.

Garibaldo wurde von dem spanischen Bariton José Antonio López gespielt. Seine Leistung war überzeugend und die richtige Timbre, aber das Volumen war übermäßige Momente und ungekünstelt.

Kein Zweifel, dieser Rodelinda war erfolgreicher in dieser Saison, Was soll ein Anreiz sein, mehr barocke Werke zu planen (Wir werden die vergangenen Spielzeiten nicht als Alcina). Drei Stunden in diesem Fall habe ein wenig bekannt.
Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

Rodelinda
Oper in drei Akten
Música de Georg Frirdrich Händel
Nicola Haym Libretto Fracesco, Operntext angepasst Rodelinda, regina'Longobards Pierre Corneille.
Uraufführung in der Königs Theater in London, die 13 Februar 1725
Premiere am Königlichen Theater
Direktor Musical: Ivor Bolton
Inspizient: Claus Guth
Bühnen- und Kostümbildner: Christian Schmidt
Illuminator: Joachim Klein
Video-Maker: Andi A Müller
Dramaturgin: Konrad Kuhn
clavecinista: David Bates
Organist: Bernard Robertson
Chitarrón: Michael Freimuth
Besetzung: Xavier Sabata, Sabina Puértolas, Juan Sancho, Curtis-Bekämpfung Vineyards, Christopher Ainslie, José Antonio López, Fabián Gómez Augusto
Leiter des Royal Theatre Orchestra

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