CNDM

La directora general del INAEM, Amaya de Miguel, junto a Francisco Lorenzo, director del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), han presentado esta mañana en rueda de prensa la temporada 20/21 de dicho centro, unidad dependiente del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM). El CNDM propone para su undécima temporada un extenso programa musical que apuesta por el apoyo al sector, la recuperación de los conciertos cancelados la temporada pasada y una extensa actividad en la capital y el resto del territorio español.

El CNDM mantiene en esta nueva edición sus valores fundacionales de recuperación y difusión del valioso patrimonio musical histórico español, el fomento de la creación contemporánea, la atención a repertorios menos habituales o de tradición popular, como el flamenco o el jazz, y el desarrollo de nuevos públicos a través de diversas actividades socioeducativas, organizadas de forma autónoma o en colaboración con más de un centenar de instituciones nacionales e internacionales.

– El CNDM en su undécima temporada organizará 288 actividades diferentes en Madrid y otras 29 ciudades españolas de 12 comunidades autónomas, además de estar en 4 ciudades extranjeras (un total de 33 ciudades distintas). De los 230 conciertos previstos, 101 se ofrecerán en Madrid y 129 fuera de la capital española.

– La presencia internacional se traduce en 8 conciertos en 4 ciudades de 4 países: París (Francia), Londres (Reino Unido), Elvas (Portugal) y Trondheim (Noruega).

– Se mantienen las figuras de Compositor Residente, con el compositor catalán Joan Magrané (Reus, 1988), mientras que el barítono austriaco Florian Boesch (Saarbrücken, 1971) será el Artista Residente del Ciclo de Lied.

– Se articulan dos ciclos transversales a toda la programación dedicados a la música en la corte de Dresde en los siglos XVII y XVIII, #CortedeDresde, y el #ProyectoClavierÜbung, que desarrollará el clavecinista y organista Benjamin Alard, dando vida a algunas de las mejores páginas de Johann Sebastian Bach.

Contaremos con el estreno absoluto de 57 nuevas partituras, 35 de ellas por encargo del CNDM, de las cuales más de la mitad serán creadas por compositoras. Se recuperarán 40 composiciones del patrimonio musical español que verán su estreno en tiempos modernos en esta temporada.

– La temporada contará con artistas imprescindibles de diferentes géneros como Jakub Jozef Orliński, una de las sensaciones de la escena barroca internacional; la gran Vivica Genaux junto a Fabio Biondi y su Europa Galante dando vida a la ópera Argippo de Vivaldi; el pianista Christian Zacharias junto al Azahar Ensemble; el conjunto Café Zimmermann, Il Giardino Armonico, el Cuarteto Emerson o el imprescindible Jordi Savall. También escucharemos a figuras como el pianista de jazz Brad Meldhau, la legendaria Ute Lemper, Alba Molina, componente de una gran saga flamenca, o a la renovadora del fado Katia Guerreiro, entre otros.

– En esta temporada volverá a celebrarse la cita bienal ¡Sólo Música! que en su edición 2021 presenta “Siete Séptimas“, un maratón de cuatro conciertos que se desarrollarán en una sola jornada en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música. En esta gran fiesta musical se abordarán las siete “séptimas” sinfonías de Haydn, Mozart, Bruckner, Beethoven, Dvořák, Mahler y Shostakóvich interpretadas por las mejores orquestas nacionales bajo la batuta del director norteamericano James Conlon.

– La educación tendrá de nuevo un papel relevante, con 58 actividades, casi todas gratuitas, en 13 ciudades españolas, en coproducción con 14 instituciones académicas y un centro educativo de primaria y secundaria de la Comunidad de Madrid, que participará en la décima edición del Proyecto Pedagógico “Todos creamos”.

– El CNDM colaborará en la temporada 20/21 con 153 instituciones públicas y entidades privadas e incorporará nuevas alianzas, entre otros, con el Palau de la Música Catalana y el Festival Internacional de Música y Danza de Granada.

– La institución ha puesto el foco en reprogramar aquellos conciertos y ciclos afectados por la emergencia sanitaria declarada el pasado mes de marzo. Así, se han reubicado en la nueva temporada 64 conciertos, la práctica totalidad de los que tuvieron que ser cancelados, dando prioridad a los artistas y agrupaciones españolas, con el objetivo preferente de reforzar el tejido y la industria musical de nuestro país. Aquellos conciertos de la temporada 19/20 que no han podido reprogramarse en la 20/21 serán ubicados en las siguientes.
El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), unidad dependiente del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música (INAEM), propone para su undécima temporada un extenso programa que mantiene su espíritu de recuperación y difusión de nuestro vasto patrimonio histórico y las músicas cultas de raíz popular como el flamenco y el jazz, así como el apoyo a la creación actual y el desarrollo de nuevos públicos a través de las diversas actividades organizadas de forma autónoma o en colaboración con más de un centenar de instituciones nacionales e internacionales.

La temporada 2020/2021 está conformada por un total de 288 actividades que tendrán lugar desde el 16 de septiembre de 2020 al 14 de julio de 2021. El programa se desarrollará en Madrid y en otras 28 ciudades españolas de 12 comunidades autónomas, a las que hay que añadir 4 ciudades extranjeras con 8 conciertos repartidos por París (Francia), Londres (Reino Unido), Elvas (Portugal) y Trondheim (Noruega), hasta alcanzar un total de 33 ciudades distintas, con una amplia oferta de conciertos, sesiones educativas, cursos de interpretación, clases magistrales y conferencias a cargo de destacados intérpretes y creadores. En total, se producirán 230 conciertos, con música del siglo XII al XXI, de los cuales 129 se ofrecerán fuera de la capital española.

Los conciertos organizados en Madrid se reparten, de nuevo, en 10 ciclos desarrollados en sus tres espacios habituales: el Auditorio Nacional de Música, el Teatro de La Zarzuela y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS): Universo Barroco (Sala Sinfónica y Sala de Cámara), Series 20/21, Fronteras, Liceo de Cámara XXI, Andalucía Flamenca, Jazz en el Auditorio, Ciclo de Lied y Bach Vermut. A todo lo mencionado hay que añadir la décima edición del proyecto pedagógico y social “Todos creamos”, que estará dedicado al tema “Sombras de la Catedral”.

En la próxima temporada el CNDM aumenta sus colaboraciones hasta las 153 instituciones públicas y entidades privadas. Así, volverá a coproducir el XVIII ciclo Músicas Históricas de León –junto al Auditorio Ciudad de León y el Ayuntamiento de la ciudad-, los ciclos de música actual de Badajoz, Malpartida de Cáceres (Museo Vostell Malpartida), Segovia y Valencia (Festival ENSEMS) y los ciclos barrocos en Oviedo y Salamanca, además de los conciertos coproducidos por los cabildos catedralicios e incluidos dentro de la serie El Órgano en las Catedrales. Asimismo, en coproducción con el Palau de la Música Catalana y la Asociación Franz Schubert se celebrará la Schubertíada, al tiempo que continúan otras coproducciones estables con los festivales internacionales de música de Cádiz, Sevilla y Úbeda-Baeza. En esta nueva temporada el CNDM volverá a coproducir el festival de Música Antigua en Betanzos.
En Palencia se celebrará el II Festival de Música Medieval y Renacentista Palencia Antiqva, que no pudo celebrarse este año por la emergencia sanitaria.

El CNDM impulsará también su actividad en el campo del jazz con el objetivo de contribuir al desarrollo de un circuito nacional estable para dicho género donde poner en valor a sus principales intérpretes. Así, la institución presentará un nuevo ciclo, Oviedo Jazz, en coproducción con la Fundación Municipal del Ayuntamiento de la capital asturiana, y volverá a coproducir Salamanca Jazz, junto a la Universidad de Salamanca. De igual manera, el CNDM volverá a colaborar con el Festival de Jazz de Madrid.

Beethoven Actual y Beethoven por Liszt se celebrarán en Murcia y Cuenca respectivamente, reprogramándose en ambas ciudades los conciertos suspendidos en sus ciclos de la temporada 19/20.

El programa internacional repite la colaboración por sexto año con la localidad portuguesa de Elvas y por cuarto año con el Festival de Música Barroca de Trondheim (Noruega) y se celebrará un concierto en París (Francia). Asimismo, el Festival de Música Barroca de Londres 2020, en coproducción con el Instituto Cervantes, dentro de su Proyecto Europa, reservará una sección a la música española del Siglo de Oro, que resumirá en cinco conciertos más de dos siglos de música española entre piezas instrumentales y vocales, sacras y profanas, teatro, cancioneros, danzas y sonatas, incluidos varios estrenos en tiempos modernos, que cobrarán vida en St John Smith Square de la mano de algunos de nuestros mejores intérpretes especializados. En total, a nivel internacional, se programarán 8 conciertos en 4 ciudades.

En el apartado de las residencias del CNDM, en esta entrega el Compositor Residente será Joan Magrané (Reus, 1988), un creador que, pese a su juventud, ha alcanzado altas cotas de reconocimiento a nivel nacional e internacional. A lo largo de esta temporada conoceremos en profundidad el universo sonoro de este compositor, del cual escucharemos un total de 17 obras, entre ellas, 4 estrenos absolutos (tres de música de cámara y una obra sinfónica, Obreda, que interpretará la Orquesta Nacional de España en el Auditorio Nacional). En el Museo Reina Sofía podremos disfrutar de una amplia selección de sus obras en diferentes formatos, incluidos varios estrenos absolutos, encargos del CNDM, de la mano de Sigma Project, el Ensemble O Vos Omnes, el Ensemble Télémaque, el Cuarteto Diotima y la pianista Noelia Rodiles. Su obra podrá también escucharse en varias de las ciudades de Circuitos, como Badajoz, Alicante y Barcelona.

Como Artista Residente del Ciclo de Lied, el CNDM cuenta esta temporada con el barítono austriaco Florian Boesch (Saarbrücken, 1971), uno de los más destacados intérpretes de lieder de nuestro tiempo. Con una amplia trayectoria tanto en salas de concierto como en teatros de ópera, Boesch ofrecerá tres conciertos en el Ciclo de Lied del Teatro de La Zarzuela, en los que se podrá advertir las cotas de madurez y expresividad que ha alcanzado su voz. A lo largo de tres sesiones y acompañado por el pianista Malcolm Martineau, el cantante abordará una selección de lieder de Schubert y Wolf así como los ciclos Sechs Monologe aus «Jedermann» de Frank Martin, Winterreise de Schubert y Reisebuch aus den österreichischen Alpen de Ernst Krenek.

La programación 20/21 del CNDM constará de dos ciclos transversales. #CortedeDresde acercará al público, a través de 8 conciertos, la música de esta corte alemana, que en el siglo XVI se había convertido ya en un importante centro político y cultural. Los conciertos que conforman el ciclo recogen el fulgor de esta corte, en su mezcla de música religiosa, operística, orquestal y de cámara a través de repertorios vinculados a la misma. #ProyectoClavierÜbung, se articula en torno a la colección de composiciones para teclado que Johann Sebastian Bach publicó en vida y que incluye algunas de las páginas más brillantes que el genio de Leipzig compusiera a lo largo de su trayectoria. El gran clavecinista y organista francés Benjamin Alard, uno de los más acreditados intérpretes de la música del genial compositor, ofrecerá dos recitales al clave dentro del ciclo Universo Barroco en la Sala de Cámara y un tercero al órgano dentro del ciclo Bach Vermut. El #ProyectoClavierÜbung proseguirá en la próxima temporada con otros 3 recitales, también a cargo de Benjamin Alard.

En esta nueva temporada se profundiza nuevamente en la recuperación de nuestro valioso patrimonio musical histórico con 40 estrenos en tiempos modernos. De igual modo, se mantiene la tradicional cita con nuestro repertorio lírico menos conocido con la versión de concierto de la zarzuela barroca Júpiter y Semele, de Antonio de Literes a cargo de Al Ayre Español bajo la dirección del especialista Eduardo López Banzo y protagonizada por un elenco de lujo de voces nacionales. Verán su estreno en tiempos modernos obras de Antonio Gallego, Juan Hidalgo, José de Herrando, Carlos Patiño o Juan Manuel de la Puente, a cargo de los mejores grupos e intérpretes españoles especialistas. Y asistiremos también a dos importantes hitos: los estrenos en España, en versión de concierto, de Giulio Cesare in Egitto de Haendel (en su versión de 1725), dentro del ciclo Universo Barroco y de la ópera de Vivaldi Argippo, en el marco del Festival de Música Antigua de Sevilla y un día después en el Auditorio Nacional de Música.

El CNDM mantiene su política de apoyo a la creación contemporánea, con 57 estrenos absolutos, 35 de los cuales son encargos del CNDM a autores de reconocida trayectoria y jóvenes promesas, más de la mitad, compositoras, cuyas obras verán la luz tanto en los escenarios madrileños como en circuitos nacionales e internacionales, interpretadas por formaciones y músicos españoles y extranjeros de primera fila. Además, este año rendimos homenaje a dos figuras clave de las últimas décadas, Cristóbal Halffter y Luis de Pablo, cuando se cumplen noventa años de sus nacimientos.

Series 20/21 arranca con sendos conciertos-homenaje a Cristóbal Halffter y Luis de Pablo, que correrán a cargo, respectivamente, de Bambú Ensemble junto a Musica Ficta y del grupo Taller Sonoro. Tras una nueva edición del Premio Jóvenes Compositores Fundación SGAE-CNDM, asistiremos al concierto “a tres” del violonchelista Jean-Guihen Queyras, el clarinetista Mark Simpson y el pianista Pierre Laurent-Aimard. El compositor residente del CNDM, Joan Magrané, será el protagonista de cinco conciertos, el primero de ellos a cargo de Sigma Project, con el estreno absoluto de Chanson & frottola del autor catalán. Después de escuchar al Trío Isimsiz, Series 20/21 dará paso al Cuarteto Diotima, que interpretará los tres primeros cuartetos para cuerda de Magrané, mientras que el Ensemble O Vos Omnes contrapondrá obras del compositor renacentista Josquin Desprez con las de Joan Magrané. La violonchelista estadounidense Kathleen Balfe asumirá el reto de preparar diez nuevas partituras, fruto de la nueva edición del “Taller de mujeres compositoras”, iniciativa conjunta del CNDM y el Festival de Música Española de Cádiz. Seguirá una velada con Spanish Brass, uno de los quintetos de metales más veteranos del panorama español; después, Noelia Rodiles, sólido valor del piano español, dará forma a un repertorio que unirá obras de Joan Magrané y Schubert. La propuesta musical continuará con el concierto de la Sinfonietta de la Escuela Superior de Música Reina Sofía. Ya en la recta final del ciclo, asistiremos al estreno absoluto de A mitad del camino de la vida, obra encargo del CNDM a Mauricio Sotelo, protagonizada por el cantaor Arcángel y la violinista Leticia Moreno. El Ensemble Télémaque cerrará el ciclo con los estrenos absolutos de las obras encargo de la Casa Velázquez y el CNDM a sus respectivos compositores residentes de las dos últimas temporadas.

Universo Barroco Sinfónico constará en esta temporada de ocho conciertos, uno de ellos extraordinario, en el que Café Zimmermann, el conjunto fundado por el violinista Pablo Valetti y la clavecinista Céline Frisch, abordarán la integral de los conciertos de Brandemburgo de Bach. El ciclo ofrecerá otros grandes alicientes, como el concierto que escucharemos del joven contratenor polaco Jakub Jozef Orliński, una de las grandes sensaciones de la escena barroca internacional. Destacamos también el concierto de Al Ayre Español, con Eduardo López Banzo al frente, en el que se escuchará Júpiter y Semele o El estrago en la fineza, zarzuela de Antonio de Literes de 1718 y rescatada por López Banzo en 2003; interpretará esta obra un fastuoso elenco nacional conformado por Sabina Puértolas, María Espada y Maite Beaumont, entre otras grandes voces nacionales. Collegium 1704 dará forma al Magnificat de Bach y estrenará en España la Missa Omnium Sanctorum de Jan Dismas Zelenka, dentro del ciclo transversal #CortedeDresde.

Por su parte, Robert King y su King’s Consort interpretarán el oratorio haendeliano Esther. Posteriormente, Lionel Meunier, al frente de los prestigiosos Vox Luminis, ofrecerá un programa basado en obras de Bernhard, Steffani y von Biber. A continuación, Fabio Biondi y Europa Galante, junto a Vivica Genaux y un elenco de grandes cantantes, ofrecerán la ópera de Vivaldi Argippo, un día después de su estreno en tiempos modernos en Sevilla. La propuesta de Universo Barroco en la Sala Sinfónica se cerrará con el estreno en España de la versión de 1725 de Giulio Cesare in Egitto de Haendel, que ofrecerán Andrea Marcon y La Cetra Barockorchester Basel, protagonizada por Emöke Baráth y con un reparto de grandes voces nacionales como Carlos Mena, Juan Sancho y José Antonio López.

Universo Barroco en la Sala de Cámara ofrecerá 16 conciertos, uno de ellos extraordinario, en el que Jordi Savall planteará un recorrido por la música europea entre los siglos XVI y XVIII. Otras propuestas son los dos conciertos que ofrecerá Les Arts Florissants, en los que la formación de Paul Agnew cerrará su “integral” de los madrigales a cinco voces de Gesualdo, el nuevo proyecto de la violinista Lina Tur Bonet y Musica Alchemica -que plantea un recorrido por la música instrumental italiana del XVII- o el monográfico haendeliano de L’Apothéose. La Accademia del Piacere de Fahmi Alqhai presentará Lamentum, un acercamiento a la visión tenebrosa de los terribles años centrales del siglo XVII (guerra de los Treinta Años) a través de obras de músicos que vivieron esa época, como Matthias Weckmann o Dietrich Buxtehude. López Banzo y su Al Ayre Español ofrecerán el programa de recuperación histórica “¡Ay, bello esplendor!”. Grandes villancicos barrocos, en cuyo repertorio comparten protagonismo el maestro José de Torres y su discípulo Juan Francés de Iribarren. Benjamin Alard, uno de los clavecinistas bachianos más reconocidos a nivel mundial, ofrecerá dos de los tres conciertos de esta temporada dedicados a las obras de Bach para teclado que conforman el transversal #ProyectoClavier-Übung. Junto a la mezzosoprano francesa Delphine Galou, Ottavio Dantone propondrá, al frente de su Accademia Bizantina, un programa de Barroco italiano. Ignacio Prego, liderando Tiento Nuovo, brindará un intenso programa en torno a la naturaleza con la soprano Núria Rial y el flautista Maurice Steger. Marcel Ponseele y su grupo Il Gardellino trazarán una panorámica de la música creada en el siglo XVIII en Dresde, eje de uno de los ciclos transversales de esta temporada. Por su parte, Emilio Moreno y su Real Cámara acercarán al público la obra del jesuita y músico sevillano Francisco José de Castro; La Ritirata, con Josetxu Obregón al frente y acompañado de dos jóvenes solistas femeninas, nos sumergirá en uno de los géneros cuyas señas redefinió Scarlatti a lo largo de casi ochocientas obras: la cantata de cámara, algunas de las cuales verán su estreno en tiempos modernos en este concierto. También será la música de la corte de Dresde el eje central del concierto que planteará Vespres d’Arnadí junto a la célebre Vivica Genaux, con obras, entre otros, de Johann Adolph Hasse. Finalmente, Il Giardino Armonico, con Giovanni Antonini al frente, nos traerá un proyecto sobreMúsica y músicos emigrantes en la Europa del Renacimiento y el primer Barroco”.

El CNDM y el Instituto Andaluz del Flamenco, presentan en coproducción una nueva edición de su madrileño ciclo Andalucía Flamenca, que volverá a ser cita de los mejores artistas de ayer y de hoy de este arte: Antonia Contreras y Fabiola Pérez ‘La Fabi’, unidas en un concierto bajo el genérico de “Andalucía Cantaora”; Lela Soto y Mari Peña, también juntas en el recital “La mujer en el cante”. Los cantaores José Valencia y Rafael de Utrera protagonizarán otra velada. Por su parte, Alba Molina, continuadora de una celebérrima saga flamenca, nos mostrará lo mejor de su arte. El ciclo continuará con el cantaor Pedro ‘el Granaíno’, los guitarristas Rycardo Moreno y Diego del Morao y se cerrará con una actuación a cargo de María Terremoto.

Jazz en el Auditorio regresa con un plantel de grandes nombres internacionales y una relevante representación del jazz nacional. Brad Mehldau, uno de los músicos imprescindibles del jazz moderno protagonizará los dos conciertos extraordinarios de la temporada con una velada íntima a piano solo en la Sala de Cámara y otra posterior en la Sala Sinfónica en formato trio con Brad Mehldau Trio; el programa sigue con Marco Mezquida, que revisitará a Beethoven, el CMS Trio, formado por tres músicos de excepción –Perico Sambeat, Javier Colina y Marc Miralta-, el pianista Joey Calderazzo, a dúo con John Patitucci, los veteranos The Cookers y la formación Valencia Jazz Top 7.
El programa se completa con el pianista romano Enrico Pieranunzi, el trío liderado por el gallego Abe Rábade, y el Andrea Motis Quintet, encabezado por una de las jóvenes sensaciones del jazz español reciente.

El ciclo Fronteras presenta 10 conciertos, dos de ellos extraordinarios y protagonizados respectivamente por dos artistas de muy diferentes perfiles: la fascinante y poliédrica Ute Lemper, y el influyente Max Richter, multipremiado pianista-compositor de música contemporánea y autor de culto de algunas de las bandas sonoras más alabadas del cine y las series de televisión actuales. En la Sala de Cámara podremos asistir a la actuación de la pianista Rosa Torres-Pardo con “Clásicos al cabaret”, junto a Clara Muñiz y poemas de Luis García Montero y al viaje paralelo del Alternative History Quartet entre temas de Sting, Led Zeppelin y Genesis y canciones del siglo XVII. También asistiremos a la presentación en concierto en España del ambicioso proyecto en gira del pianista Rudolf Buchbindger Diabelli 2020, que reúne en diálogo las famosas Variaciones Diabelli de Beethoven y once nuevos encargos, realizados por el CNDM y diversas instituciones y salas de concierto internacionales, a compositores de la talla de Tan Dun, Toshio Hosokawa, Max Richter, Rodion Shchedrin, Johannes Maria Staud o Jörg Widmann, entre otros, y que el pianista ha publicado recientemente con Deutsche Grammophon.

Le seguirán el islandés Víkingur Ólafsson –firmante también de un premiadísimo proyecto discográfico, DebussyRameau, en torno al cual girará su recital- o el concierto “a tres” en torno a Bach que protagonizarán Antonio Serrano (armónica), Pablo Martín Caminero (violone y contrabajo) y Daniel Oyarzabal (clave y Fender Rhodes). El programa se completa con un recital de la catalana Maria Rodés y su delicado cancionero y el ensemble del pianista madrileño Moisés P. Sánchez, que nos acercará a su visión de la obra de Bartók desde una perspectiva contemporánea. Katia Guerreiro, representante de la generación de fadistas que han revitalizado el género en el último cuarto de siglo, pondrá broche de oro a este ciclo.

La nueva edición del exitoso Bach Vermut ofrecerá en Madrid ocho conciertos que reunirán a los organistas más prestigiosos de la actualidad. A los recitales de este ciclo hay que añadir otros ocho conciertos enmarcados en el ciclo El órgano en las catedrales, que se desarrollará en Valencia, Murcia, Bilbao, Logroño, Barcelona, Santiago de Compostela, Tui y Segovia. Escucharemos entre ambos ciclos a Christian Schmitt, Herman Jordaan, Iveta Apkalna, Alberto Sáez Puente, Benjamin Alard, Gunther Rost, Paolo Oreni, Olivier Latry, Daniel Oyarzabal junto al percusionista Joan Castelló, Aarón Ribas, Enrique Martín Laguna, Jean-Baptiste Robin, David Briggs, Jordi Vergés y Thomas Ospital.

Liceo de Cámara XXI está conformado por 16 conciertos, uno de ellos extraordinario protagonizado por el dúo formado por los hermanos Isata y Sheku Kanneh-Mason. El ciclo contará con el trío VibrArt, el joven Azahar Ensemble junto al pianista Christian Zacharias, Gautier Capuçon y Gabriela Montero; y el Cuarteto Quiroga y Juan Manuel Cañizares, con el estreno absoluto de su Quinteto de cuerda nº 1, encargo del CNDM. El público podrá también disfrutar del Cuarteto Modigliani junto a Clemens y Veronika Hagen -con el estreno absoluto de un nuevo cuarteto de cuerda del británico Mark-Anthony Turnage-, y del Cuarteto Doric junto al brillante pianista Benjamin Grosvenor. Asistiremos al viaje musical que protagonizará el cuarteto formado por Nikita Boriso-Glebsky, Maxim Rysanov y Narek Hakhnazaryan junto a un pianista bien conocido entre nosotros como es Nikolái Lugansky. El Cuarteto Gerhard interpretará el Cuarteto nº 2 de Ramon Humet -compuesto recientemente para la agrupación, junto a obras de Debussy y Bartók; también escucharemos a Renaud Capuçon y Beatrice Rana, al gran Cuarteto Emerson, y regresará también a Isabelle Faust en “formato noneto“, con algunos de los mejores solistas del momento. Le seguirán el cuarteto Belcea junto a Amihai Grosz y el Takács, y ya a en la recta final del ciclo, se escuchará al Cuarteto Schumann junto a la soprano Katharina Konradi. El cierre lo pondrá el Cuarteto Elias junto al tenor Mark Padmore.

El Ciclo de Lied, en su vigesimoséptima edición en el Teatro de La Zarzuela reunirá un año más a algunas de las mejores voces del género en diez conciertos, tres de los cuales correrán a cargo del Artista Residente de dicho ciclo en esta temporada, el barítono austriaco Florian Boesch. La programación contará también con la presencia de voces como las de Juliane Banse, Sabine Devieilhe, Matthew Polenzani, Christian Gerhaher, el contratenor Bejun Mehta, Christoph Prégardien y Núria Rial.

El CNDM mantiene el interés en incentivar y promover la incorporación de nuevas audiencias a sus diferentes programas divulgativos y educativos con 58 actividades, casi todas gratuitas, en 12 ciudades españolas, en coproducción con 14 instituciones académicas: siete universidades españolas (Oviedo, León, Salamanca, Complutense de Madrid, Granada, Cádiz y CEU), cinco Conservatorios de Música españoles (Alicante, Badajoz, Mérida, Madrid y Oviedo), y un centro educativo de primaria y secundaria de la Comunidad de Madrid (que participará en la décima edición del Proyecto Pedagógico “Todos creamos”, coordinado por el pedagogo Fernando Palacios y dedicado este año a “Sombras de la Catedral”). En la Universidad de Salamanca tendrá lugar, por octavo año, un intenso programa de clases magistrales y talleres de interpretación de carácter transversal, centrado en el ámbito de la música antigua y barroca “históricamente informada”. Y en el Auditorio Ciudad de León se celebrará el X Curso de Interpretación Vocal Barroca, que anualmente imparte el director, clavecinista y musicólogo Eduardo López Banzo.

También se mantienen los descuentos para jóvenes menores de 30 años, con diversas ofertas e importantes ventajas en la adquisición de entradas o abonos, sobre todo a través del programa Último Minuto (con un descuento del 60%, para localidades adquiridas desde una hora antes del inicio de los conciertos) y acuerdos estables con numerosos centros educativos para que los estudiantes que participan activamente en los cursos y ciclos coproducidos conjuntamente, puedan asistir gratuitamente a los conciertos y otras actividades programadas por el centro en las diferentes ciudades españolas. Se beneficiarán también del descuento Último Minuto los desempleados y se mantiene el descuento del 20% para todos los estudiantes, grupos de más de 20 personas y mayores de 65 años, y el del 50% a familias numerosas.

Este año la venta de entradas se realizará en dos fases. Para la “pretemporada”, que comprende los conciertos programados en Madrid entre los meses de septiembre y diciembre, solo habrá entradas sueltas y se podrán adquirir a partir del 21 de julio. La “temporada”, que comprenderá los conciertos programados en la capital entre los meses de enero y junio dispondrá de abonos y localidades sueltas. La adquisición de dichas localidades se podrá realizar a partir de otoño y se informará más adelante de todos los detalles, en función de las medidas que dictamine la Comunidad de Madrid.

Las entradas de la pretemporada de los ciclos programados en el Auditorio Nacional de Música y el Teatro de la Zarzuela se podrán adquirir entre el 21 y 29 de julio y a partir del 1 de septiembre en las taquillas del Auditorio Nacional de Música y de los teatros nacionales del INAEM, y a partir de la misma fecha (21 de julio) y de manera ininterrumpida también en www.entradasinaem.es y el servicio telefónico 902 22 49 49.

Las entradas para todos los conciertos programados en otoño en la Sala Sinfónica tendrán un coste entre los 5 y los 30 euros y los programados en la Sala de Cámara entre los 10 y 20 euros. El XXVII Ciclo de Lied del Teatro de La Zarzuela, mantiene sus localidades de 4 a 35 euros, y Series 20/21 programado en el Museo Reina Sofía mantendrá el acceso libre hasta completar el aforo de la sala.

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) cuenta con una plantilla de dieciséis personas, entre funcionarios y contratados. Las imágenes de la temporada 20/21 son obra del diseñador Francesc Freixes (“PacoDesign”), que ha aplicado su estilo minimalista a la imagen de la nueva temporada del CNDM así como a cada uno de los ciclos que la componen, resumiendo con expresividad e imaginación la esencia de cada uno de ellos.

Conciertos Estivales

Solistas y agrupaciones españolas de primera fila ofrecerán desde la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música cuatro conciertos de diversos géneros musicales a lo largo del mes de julio.

El jueves 9 de julio, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), unidad dependiente del INAEM, inicia su Ciclo Estival, con la programación de cuatro nuevos conciertos que serán emitidos a través de su canal de YouTube (youtube.com/user/CanalCNDM). Durante cuatro jueves de julio se podrá disfrutar de una serie de conciertos de una hora de duración desde la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música “sin público” y a cargo de grupos e intérpretes españoles de primera fila.

El grupo Musica Ficta, uno de los conjuntos vocales españoles más destacados en la interpretación de la música antigua, repasará bajo la dirección de Raúl Mallavibarrena una selección de joyas de la polifonía española, compuestas por algunos de los nuestros compositores más internacionales y reconocidos de todos los tiempos, como Tomás Luis de Victoria, Cristóbal de Morales o Francisco Guerrero entre otros.

La Ritirata, agrupación creada y dirigida por el violonchelista Josetxu Obregón y especializada en la interpretación historicista, presentará algunas de las piezas incluidas en su recién publicado álbum Antonio Caldara y el violonchelo, dedicado al violonchelista y prolífico compositor veneciano. El concierto incluirá en primicia la recuperación histórica, estreno en tiempos modernos, de dos piezas del popular compositor, del que este año se celebran los 350 años de su nacimiento.

El dúo formado por el contrabajista Pablo Martín Caminero y el pianista de jazz Moisés P. Sánchez pondrán la nota más actual con la genialidad y frescura de sus propias composiciones y Leticia Moreno (violín) y Josu de Solaun (piano) evocarán los paisajes más exóticos a través de la colorida música de Bartok y Ravel, en diálogo con las pocas y luminosas páginas españolas para violín y piano; la sonata de Granados y el “Poema para una Sanluqueña” de Turina.

Los cuatro conciertos programados se celebrarán los días 9, 16, 23 y 30 de julio a las 19:30 horas y se podrá acceder a los mismos a través del canal de YouTube del CNDM (youtube.com/user/CanalCNDM):

Jueves, 9 de julio: Musica Ficta (Raúl Mallavibarrena, dirección)
Jueves, 16 de julio: La Ritirata (Josetxu Obregón, violonchelo y dirección)
Jueves, 23 de julio: Pablo Martín Caminero (contrabajo) y Moisés P. Sánchez (piano)
Jueves, 30 de julio: Leticia Moreno (violín) y Josu de Solaun (piano)

Con este ciclo en streaming y otras iniciativas digitales impulsadas en los últimos meses el CNDM apuesta por mantener su actividad musical y propiciar el contacto entre público y músicos mientras se acerca la nueva temporada 20/21 y el deseado reencuentro entre artistas y aficionados, tanto en las salas del Auditorio Nacional como en los espacios de toda España y del extranjero en los que la institución celebra sus ciclos y conciertos.

Otras propuestas innovadoras del CNDM que han mantenido al público “conectado” con la música han sido las dos series de Micro-conciertos en Instagram, que congregaron a miles de personas a través de esta red social. Cabe recordar igualmente la amplia y diversa aportación de la institución a la programación extraordinaria en streaming con motivo del Día Europeo de la Música el pasado sábado 20 de junio.

Teatro de la Zarzuela

El deseo del Teatro es que esta nueva temporada sea un ansiado reencuentro: un gran abrazo colectivo del público con los artistas.

Se presentarán 9 títulos de teatro musical, 4 recuperaciones de patrimonio lírico, 5 producciones de gran repertorio y 6 nuevas producciones

Se ofrecerán 173 funciones, un 50% más desde la llegada de Daniel Bianco a la dirección

Se han reprogramado todos los espectáculos cancelados por la pandemia

  • Una de las líneas maestras de la programación es la figura de la mujer en la música española, dedicando íntegramente a las compositoras españolas el ciclo Domingos de Cámara Mujeres con Ñ, el recital de “Notas del Ambigú” Zarzuela en femenino y el concierto de Mujeres de Música, de Sole Giménez
  • El afianzado Proyecto Zarza –zarzuela hecha por jóvenes para jóvenes– volverá a ser una de las joyas de la temporada, y los proyectos didácticos suponen ya más del 20% de la programación
  • El ciclo de Conciertos incrementa su oferta con 13 propuestas de algunas de las más destacadas voces e instrumentistas de la lírica, el flamenco, el pop o la música popular
  • Los recitales del ciclo ‘Notas del ambigú’, que continúa vendiendo todas las entradas, ofrece 12 recitales, uno más que en la pasada temporada y más del doble que en su primera edición
  • Volverán, asimismo, el Teatro Musical de Cámara en coproducción con la Fundación Juan March y el ciclo de Lied, coproducido con el CNDM
  • Se mantienen los precios populares (4 a 50€), e importantes descuentos (entre el 20 y el 60 % del PVP) para jóvenes, mayores, desempleados, familias numerosas, grupos o último minuto.

 

 

El Teatro de la Zarzuela presenta la Temporada 2020/2021 cuyas 173 funciones suponen un aumento del 50% desde que Daniel Bianco recalara en el coliseo de la madrileña calle Jovellanos en 2015. Respecto a la nueva realidad que irremediablemente se deriva de la crisis sanitaria, el director del Teatro es optimista, confía en el futuro y asegura que “sí, son tiempos muy difíciles, pero aquí estamos para presentar una temporada que los haga más luminosos”. Una temporada que, según sus palabras, “pretende ser un gran abrazo que nos ofrezca ese calor en el corazón que enciende siempre la música española”.

Y pese al optimismo, el gestor no deja de ser cauto, porque así lo imponen las complejas circunstancias que debemos afrontar: “Más allá de nuestra ilusión y nuestro deseo, hemos escogido el camino de la prudencia, que es mejor consejera que la prisa”. En este sentido, recalca que sinceramente cree que “afrontar un futuro con optimismo, ilusión y prudencia allana el camino y disipa de alguna manera sus dificultades por grandes que sean.”

Bianco, que se ha mostrado siempre defensor a ultranza del teatro público, sostiene que, como tal, “esta es nuestra primera responsabilidad y nuestro compromiso prioritario: que la prudencia sea la que abra el Teatro el día 1 de octubre con el inicio de esta nueva temporada, garantizando así el estricto cumplimiento de todas las recomendaciones y normas que nos protegen del coronavirus.” Y es categórico al insistir que “debemos tener todas las garantías no solo de poder ofrecer espectáculos de la mayor excelencia, sino también la protección a nuestros artistas, a nuestros trabajadores y a nuestro público ante cualquier riesgo”.

Espectáculos reprogramados

Otra de las grandes preocupaciones del director de La Zarzuela es recuperar todos aquellos espectáculos que no han podido celebrarse por culpa de la pandemia. Por ello, desde el teatro de la zarzuela, “con el fin de paliar el enorme impacto de este parón obligatorio”, y siguiendo las directrices del INAEM y de su directora general, Amaya de Miguel, se han reprogramado todos los espectáculos cancelados. Algunos se podrán disfrutar en la temporada presentada hoy, y otros se retomarán en futuras temporadas ya comprometidas.

“El objetivo es proteger a nuestros artistas y ofrecerles un horizonte de esperanza porque nadie puede quedarse atrás”, explica Daniel Bianco, quien añade que “estamos muy felices de haberlo conseguido, y todo gracias a que somos un teatro público.”

Teatro online

En referencia a la intensa actividad online del mundo de la cultura en general y de los teatros en particular, dice que “este terrible virus ha atacado en su esencia misma el hecho teatral. Ha herido su raíz, su razón de ser”, y en consecuencia, opina, “el teatro ha buscado un recurso, una grieta para abrirse paso mediante las retransmisiones online”. Según su opinión, “es de agradecer esta posibilidad que nos brinda la tecnología, pero el teatro es mucho más, es un acto irrepetible, es ese momento fugaz en el que la vida del artista se conjuga con la del público. La música y la escena –prosigue– sólo florecen con el contacto humano y su milagro se hace presente cuando público y artistas comparten un mismo ritmo, un mismo canto, un mismo sueño y una misma respiración.”

Y eso que los números registrados en las redes sociales del Teatro de la Zarzuela en el periodo de confinamiento no son nada desdeñables: en Facebook se ha producido un crecimiento del 17,85% en el número de seguidores con un total de 1.800.000 impresiones y 485.883 reproducciones de vídeo. En Twitter la subida ha sido del 8,87% y el alcance de 784.500 impresiones; en YouTube las impresiones han sido 965.440 y la subida de suscriptores del 110% (el consumo principal del canal fueron las zarzuelas completas disponibles, así como conciertos retransmitidos en directo con anterioridad). Por último, a través de Instagram el Teatro ha alcanzado a 422.870 usuarios.

La Temporada

La Temporada 2020/2021, cuyo primer título lírico se presentará el 1 de octubre y se extenderá hasta el 18 de julio, presenta 9 títulos de teatro musical, 4 recuperaciones de patrimonio lírico –‘Marianela’, ‘Las calatravas’, ‘Benamor’ e ‘I Tre Gobbi’–, 5 producciones de gran repertorio –‘La tempranica’, ‘La vida breve’, ‘La del manojo de rosas’, ‘Luisa Fernanda’ y ‘El rey que rabió’y 6 nuevas producciones –‘La tempranica’, ‘Luisa Fernanda’, ‘Amores en Zarza’, ‘Benamor’, ‘El rey que rabió’ e ‘I Tre Gobbi’–.

Asimismo, crecen tanto el ciclo de conciertos (con 13 propuestas) como el de Notas del Ambigú (con 12 recitales) y se consolida el ciclo Domingos de Cámara protagonizado por músicos de la orquesta Titular del Teatro, ORCAM. De igual manera, continúan las colaboraciones ya veteranas con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en el ciclo de Lied, y con la Fundación Juan March en el ciclo de Teatro Musical de Cámara.

En cuanto a las entradas, se mantienen los precios populares (de 4 a 50€), e importantes descuentos (entre el 20 y el 60 % del PVP) para jóvenes, mayores, desempleados, familias numerosas, grupos o último minuto. Daniel Bianco manifiesta al respecto que esta es una de las funciones esenciales de un teatro público: ser “verdaderamente” el teatro de todos. Mantener esta escala de precios ”supone un enorme esfuerzo, un sacrificio que es absolutamente necesario”, indica.

LÍRICA

Comenzará la temporada con 14 funciones del espectáculo ‘Granada’, que reúne y aúna dos títulos especialmente representativos de nuestra lírica: Por un lado ‘La tempranica’, zarzuela en un acto de Gerónimo Giménez en una nueva producción del Teatro de la Zarzuela, y por otro, ese drama lírico que es ‘La Vida Breve’ de Manuel de Falla en una producción del Palau de les Arts Reina Sofía de Valencia. Los dos títulos tienen mucho en común: Una historia de amor, Granada como paisaje y que ‘La vida breve’ se miró en el espejo de ‘La tempranica’ por la admiración que Falla profesaba a Giménez. El texto del dramaturgo Alberto Conejero cuenta la historia de La Tempranica a través de tres encuentros imaginarios de los dos compositores a lo largo de sus vidas. Ambas propuestas escénicas están firmadas por Giancarlo del Monaco, y contarán con Miguel Ángel Gómez-Martínez en la dirección musical, escenografía de William Orlandi, vestuario de Jesús Ruiz y unos elencos encabezados por Nancy Fabiola Herrera, Ainhoa Arteta, Ana Ibarra, Virginia Tola, Rubén Amoretti, Javier Franco, Jorge de León o Francesco Pio Galasso; ‘Granada’ estará en cartel del 1 al 18 de octubre.

Tras este singular inicio, será el turno para la reposición de uno de los montajes más exitosos de la historia contemporánea del Teatro de la plazuela de Jovellanos: la producción de ‘La del manojo de Rosas’ ideada por Emilio Sagi en 1990, que supuso (entre otras muchas alegrías) el debut estelar y el descubrimiento de ese cantante único que es Carlos Álvarez. Para conmemorar los 30 años transcurridos desde entonces, el propio barítono malagueño encarnará al personaje de Joaquín en 6 de las 12 funciones del incontestable sainete lírico de Pablo Sorozábal, programadas del 10 al 22 de noviembre; con el director musical del Teatro, Guillermo García Calvo en el podio del foso, el reparto, además de con arlos Álvarez, contará entre otros con Ruth Iniesta, Raquel Lojendio, Gabriel Bermúdez, Vicenç Esteve, Enrique Baquerizo o Ángel Ruiz. La escenografía es de Gerardo Trotti y el vestuario de Pepa Ojanguren.

Los días 27 y 29 de noviembre el público podrá disfrutar de ‘Marianela’, la ópera en tres actos de Jaime Pahissa estrenada en el Gran Teatre del Liceu en 1923, cuyo libreto es una adaptación de la obra teatral escrita por Serafín y Joaquín Álvarez Quintero basada en la célebre novela del mismo nombre de Benito Pérez Galdós, precisamente en este año en que se celebra el centenario de la muerte del literato canario y universal acaecida en Madrid cuando contaba 76 años. El aficionado de hoy se enfrentará por vez primera a este más que interesante título que, como tantos otros, cayó en el más injusto de los olvidos y que se presenta en versión de concierto. Jaime Pahissa, pertenece a esa generación de músicos que, a pesar de su calidad, han quedado prácticamente olvidados. Como tantos otros, tuvo que abandonar España durante la Guerra Civil, y en su caso el destino fue Argentina. Óliver Díaz asumirá la dirección musical, y el reparto estará integrado por Adriana González, Paola Leguizamón, Alejandro Roy, Luis Cansino, Simón Orfila, Luis Méndez Silvagnoli y María José Suárez.

A continuación, el escenario revivirá el Madrid de mediados del siglo XIX (también aquella Extremadura que cierra la historia) para acoger las idas y venidas de una de las obras maestras indiscutibles de nuestra lírica: ‘Luisa Fernanda’ de Federico Moreno Torroba, con libreto de una de las parejas más prolíficas, exitosas e ilustradas del género, como son Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw. Programada en un principio para la Temporada 2019/2020, finalmente tuvo que ser pospuesta debido a la crisis sanitaria. El estreno de esta nueva producción promete ser todo un acontecimiento, y más si se tiene en cuenta que el Teatro de la Zarzuela y esta obra han estado estrechamente unidos desde 1934, dos años después de su estreno en el Teatro Calderón de Madrid. Dirigida musicalmente por Karel Mark Chichon y David Gómez-Ramírez, otro de los muchos atractivos de este proyecto es la visión que de esta obra tan popular como amada regalará el director de escena turinés Davide Livermore. La escenografía es de Giò Forma y el vestuario de Mariana Fracasso. Yolanda Auyanet, Maite Alberola, Jorge de León, Alejandro del Cerro, Juan Jesús Rodríguez, Javier Franco, Rocío Ignacio o Leonor Bonilla son algunas de las voces que conforman un doble reparto de absolutas campanillas. Las 14 funciones programadas irán del 28 de enero al 14 de febrero.

Los estatutos que rigen el espíritu y el funcionamiento del Teatro de la Zarzuela lo dicen bien claro: el coliseo erigido en 1856 debe, sin ningún tipo de pretexto, salvaguardar y difundir el género lírico español. Por ello, como ya ocurriera en la anterior temporada, se recuperará un segundo título en versión de concierto. En esta nueva ocasión será ‘Las calatravas’, comedia lírica en tres actos de Pablo Luna. Estará dirigida en lo musical por Guillermo García Calvo, con un reparto integrado por Miren Urbieta-Vega, Lola Casariego, Lucía Tavira, David Menéndez, Andeka Gorrotxategi o Carlos Cosías y con el joven dramaturgo y actor Paco Gámez adaptando el libreto de Federico Romero y José Tellaeche en forma de narración. Se ofrecerán dos pases, el 12 y el 14 de marzo.

Será motivo de celebración la oportunidad de ver y escuchar ‘Benamor’. La recuperación de esta opereta en tres actos de Pablo Luna (cuya música magistral es una de las protagonistas indiscutibles de la temporada), completa la que se conoce como “trilogía oriental” junto a ‘El asombro de Damasco’ y ‘El niño judío’. Con libreto de Antonio Paso y Ricardo González del Toro, en esta ocasión en versión de Enrique Viana que también asume la dirección de escena, la obra que se estrenó en el mismo Teatro de la Zarzuela hace ahora 97 años tendrá entre los muchos valores de esta nueva producción la batuta de José Miguel Pérez-Sierra, la escenografía de Daniel Bianco, el vestuario de Gabriela Salaverri o la coreografía de Nuria Castejón, además de un luminoso doble reparto con Vanessa Goikoetxea, Susana Cordón, Carol García, Cristina Faus, Damián del Castillo, César San Marín, Gerardo Bullón, Irene Palazón, Amelia Font, Gerardo López, Francisco Javier Sánchez, Emilio Sánchez y el propio Enrique Viana. Serán diez funciones del 14 al 25 de abril.

Si hay que destacar a los mejores y más influyentes compositores del género de la zarzuela, en todas las listas sin excepción aparecerá entre neones el nombre de Ruperto Chapí. El escenario del Teatro de la Zarzuela volverá a acoger una nueva producción de ‘El rey que rabió’ 130 años después de su estreno en estas mismas tablas. La emoción está servida, puro Chapí (ese monstruo dominador a partes iguales de lo teatral y lo musical hasta el punto de convertir sus creaciones en un explosivo todo escénico) y un satírico libreto de Miguel Ramos Carrión y Vital Aza con alusiones veladas y no tanto a la España del momento, que expone las razones de por qué el público de zarzuela tan a menudo abandona la sala con una luminosa sonrisa. Será duro esperar todo un año para tener la oportunidad de disfrutar de los sobrados encantos de este título, y más si el equipo artístico lo integran nombres como el del maestro Iván López Reynoso –quien hace varias temporadas dirigió en este Teatro el concierto de Zarzuela de Javier Camarena–, Bárbara Lluch, la directora de escena que hizo posible el milagro operístico de ‘La casa de Bernarda Alba’ –con música y dirección de Miquel Ortega y ganadora del Premio Ópera XXI a la mejor producción de ópera de la temporada 2018/2019–, el del escenógrafo Juan Guillermo Nova, el de la figurinista Clara Peluffo o el del maestro de maestros iluminadores Vinicio Cheli. El doble reparto tampoco tiene desperdicio: Enrique Ferrer, Jorge Rodríguez-Norton, Rocío Ignacio, Sofía Esparza, María José Suárez, Carlos Chausson, Miguel Sola, José Manuel Zapara, Carlos Cosías, Igor Peral o José Julián Frontal. Serán 14 funciones del 3 al 20 de junio.

Con la presentación de estos 8 títulos el teatro seguirá siendo ejemplo único en la conservación, difusión y exhibición de nuestra lírica, tan fecunda como heterogénea.

CONCIERTOS: SALA PRINCIPAL, NOTAS DEL AMBIGÚ, Domingos de Cámara, LIED

Tras el éxito obtenido en sus cuatro primeras temporadas (esta última irremediablemente mermada por la pandemia), el CICLO DE CONCIERTOS en la sala principal incrementa su oferta, y propone 13 conciertos con algunas de las más destacadas voces de la lírica, la canción popular, el flamenco y el pop. Entre las propuestas, se incluyen los conciertos que en el presente curso no han podido celebrarse debido a la crisis sanitaria: este es precisamente el caso del de María Bayo. ‘Ecos barrocos’, en el que la siempre sorprendente y carismática soprano navarra presentará un programa que va desde José de Nebra, Sebastián Durón o Emanuele Ricón de Astorga, hasta Alessandro Scarlatti, Antonio Lotti, Händel o Vivaldi, acompañada por la orquesta barroca Vespres D’Arnadì (27 de septiembre); Celso Albelo, tenor de agudos conmovedores y admirable proyección, en este concierto el público podrá descubrir, además, una de sus facetas más desconocidas. Y es que este tinerfeño de nacimiento y convencimiento, alternará un programa de inmortales romanzas de zarzuela con canciones tradicionales de su venerada tierra (5 de octubre); la cantante Sole Giménez presenta ‘Mujeres de Música’, proyecto que reúne grandes canciones compuestas y escritas por mujeres con la intención de visibilizar el trabajo de la mujer en el mundo de la música (6 de octubre); el tenor Ismael Jordi, uno de nuestros cantantes más internacionales, invitado en las casas de ópera más importantes de Europa, celebrará con este concierto sus 20 años de carrera haciendo un repaso por alguno de los grandes títulos de nuestro patrimonio lírico y estará acompañado al piano por Rubén Fernández Aguirre (28 de noviembre); Rodrigo Cuevas es uno de los artistas de mayor impacto en los últimos años en el ámbito de la música popular que, con su rompedor y vanguardista concepto del folclore, combina lo popular de ayer y de hoy, lo rural y lo urbano. En esta ocasión, su espectáculo ‘Barbián’ cambiará el folclore por la zarzuela (30 de noviembre); el tradicional Concierto de Navidad, con el Maestro Víctor Pablo Pérez como director musical, a quien acompañarán la soprano Yolanda Auyanet y la mezzosoprano Nancy Fabiola Herrera (30 de diciembre); Amancio Prada. ‘Voces y huellas’, un recital antológico que muestra el amplio y variado horizonte de la poesía española de todos los tiempos. Encuentro y revelación de las huellas y voces que laten en su propio canto y que según el intérprete han trenzado el hilo de su vida de artista (2 de febrero); En ‘Navarra es música’, la soprano Sabina Puértolas, la mezzosoprano Maite Beaumont y el tenor José Luis Sola, acompañados por el pianista Rubén Fernández Aguirre, conducirán al público por un intenso y profundo viaje a través de la música de esa prolífica tierra (13 de marzo); Saioa Hernández y Francesco Pio Galasso, acompañados por el pianista Vincenzo Scalera: la soprano bautizada por su maestra Montserra Caballé como “la diva del siglo XXI”, vuelve junto con el tenor italiano al Teatro de la Zarzuela después de su debut en este escenario con ‘El Gato Montés’ en 2012 y del éxito rotundo de ‘Curro Vargas’ en 2014, y lo hace después de haberse labrado una trayectoria internacional de gran altura encarnando a las primeras figuras de la ópera en los teatros más relevantes del mundo (28 de marzo); Argentina. ‘La vida del artista’: desde su concepción del flamenco y las posibilidades que este arte permite, desde la alegría hasta la melancolía, pasando por otros estados de infinita profundidad, Argentina reivindica el arte y al artista de verdad en una época dura. En este proyecto hermana el flamenco, la canción, el fado, el tango, el teatro, la pintura, la literatura, la música clásica y en este concierto, además, también la zarzuela (20 de abril); Sonya Yoncheva, con dirección musical de Miquel Ortega: la soprano búlgara, una de las voces más aclamadas actualmente por la crítica internacional y el público de los más célebres escenarios de ópera del mundo, ha desarrollado un intrépido y exitoso itinerario artístico encarnando los principales y más arriesgados personajes de ópera, del Barroco al Verismo. Con este concierto, Yoncheva debuta en este teatro, único en el mundo, y suma la Zarzuela Grande a su exquisito repertorio poniendo así de relieve la creciente atracción y reconocimiento que nuestro género lírico suscita fuera de nuestras fronteras (29 de abril); Joaquín Achúcarro: el pianista universal celebra en el Teatro de la Zarzuela los 75 años de carrera transcurridos desde su debut como concertista siendo tan solo un niño de 13 años (8 de mayo); Lucero Tena y Xavier de Maistre: dos maestros se unen en este concierto para deleitarnos con algunas de las más hermosas perlas de la música española. Con el tañido apasionado y bizarro de las castañuelas, en irresistible conversación con el dulce y evocador sonido del arpa (23 de mayo).

Desde su creación, hace ya cuatro temporadas, todos los conciertos del CICLO NOTAS DEL AMBIGÚ han colgado el cartel de ‘localidades agotadas’. Esa es una de las razones por las que en la próxima temporada siga ofreciendo más del doble de recitales que al inicio del ciclo: en esta ocasión los protagonistas serán el guitarrista Ricardo Gallén con ‘Guitarra romántica’ (12 de octubre), la soprano Raquel Lojendio y el pianista Rubén Fernández Aguirre que rinden homenaje a Lorenzo Palomo, uno de nuestros más internacionales compositores (20 de octubre), el conjunto barroco La Ritirata dirigido por el violonchelista Josetxu Obregón con ‘Il Spiritillo Brando’ (1 de noviembre), el Trío Arbós con la tercera entrega de ‘Música de cámara’ (9 de noviembre), la violinista y violista Cecilia Bercovich, el pianista y bandoneonista Claudio Constantini y el violonchelista y guitarrista Sergio Menem, que ofrecen un concierto dedicado a la música palpitante e imperecedera del maestro José Padilla (24 de noviembre), la soprano Berna Perles y Rubén Fernández Aguirre, que homenajean a su vez la música sublime de Joaquín Turina (3 de diciembre), la Capilla Jerónimo de Carrión dirigida por Alicia Lázaro, con quienes emprenderemos un viaje desde el Renacimiento al Barroco español a través de las influencias que la música profana y sacra ejercieron entre sí en tiempos en que las representaciones teatrales, que antes quedaban adscritas al ámbito litúrgico, comenzaban a tomar un carácter más profano para, poco a poco, salir ‘Del templo al teatro’ (15 de febrero), la soprano Cristina Toledo acompañada por el pianista Aurelio Virivay, ofrecerá el concierto ‘Zarzuela en femenino’ con ocasión del Día Internacional de la Mujer. El Teatro de la Zarzuela quiere dar así visibilidad a las mujeres que, a pesar de las dificultades para hacerlo y la ingratitud del olvido, se dedicaron a la composición de

zarzuelas y música española (8 de marzo), Lamentatio. Música trobada, obras desconocidas representativas del barroco español, más concretamente de la escuela valenciana de música sacra. Se trata de las lamentaciones del Profeta Jeremías compuestas por el prolífico maestro de capilla de la Catedral de Valencia, Pasqual Fuentes i Alcàsser (22 de marzo), la mezzosoprano María Antúnez, acompañada por Rubén Fernández Aguirre al piano, ofrecerá un recital dedicado a la ‘Música uruguaya’ (19 de abril), la soprano Rocío Pérez y el pianista Ramón Grau presentarán la Integral del ciclo ‘Canciones clásicas españolas’ de Fernando Obradors (10 de mayo) y el artista Ángel Ruiz, acompañado por el pianista César Belda, homenajeará a aquellos artistas, músicos y letristas que, desde el otro lado del Atlántico, lo sedujeron e inspiraron formando parte de su vida y de su bagaje artístico en ‘Tributo a Iberoamérica’ (15 de junio).

El CICLO DOMINGOS DE CÁMARA: MUJERES CON Ñ con solistas de la Orquesta de la Comunidad de Madrid, orquesta Titular del Teatro, y dedicado exclusivamente a la música española, irrumpe con fuerza y personalidad en su segunda temporada. El ciclo está dedicado en esta ocasión a música compuesta por mujeres. Para el Teatro de la Zarzuela es importante dar visibilidad a las mujeres compositoras que rara vez obtuvieron el merecido reconocimiento por su labor musical y cuyas obras han permanecido en la ingratitud del olvido. Con ello el Teatro quiere poner en valor a algunas de nuestras compositoras de los siglos XX y XXI como María Rodrigo, María Teresa Prieto, Pilar Jurado, Teresa Catalán, Zulema de la Cruz, Marisa Manchado, Rosa Alarcó o Diana Pérez Custodio entre muchas otras. Las cinco citas de esta edición serán: ‘Miradas cruzadas’ (18 de octubre), ‘Imágenes contemporáneas’ (15 de noviembre), ‘Navidad con Ñ’ (20 de diciembre), ‘Modernas y clásicas’ (14 de marzo) y ‘Hacer las Américas’ (6 de junio). Como el Teatro entiende que esta reparación no solo debe centrarse en la historia, sino también en el hoy, el ciclo acogerá cuatro estrenos absolutos de alumnas del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid: Laura de las Heras, Miriam Sanz Ortega, Amanda Garrido y Sofía Sainz.

Por otra parte, el CICLO DE LIED, en coproducción con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), celebrará su XXVII edición con 10 recitales: El barítono Florian Boesch (28 de septiembre), la soprano Juliane Banse (13 de octubre), la soprano Sabine Devieilhe (16 de noviembre), el tenor Matthew Polenzani (14 de diciembre), el barítono Florian Boesch (25 de enero) el barítono Christian Gerhaher (8 de febrero), el contratenor Bejun Mehta (15 de marzo), el tenor Christoph Prégardien (12 de abril), la soprano Núria Rial (17 de mayo) y de nuevo el barírono Florian Boesch (14 de junio), completan la propuesta de la nueva temporada.

PROYECTOS DIDÁCTICOS. PROYECTO ZARZA. CLASES MAGISTRALES

El Teatro de la Zarzuela continúa dando una importancia muy especial a la formación y la información para ese amplio público joven al que corresponderá llenar la sala de este teatro en el futuro y que, a su vez, deberá formar a la generación que le tome el relevo. “Tenemos la obligación de seducirlos y hacerles asequible la zarzuela en este siglo que nos toca”, asevera Daniel Bianco, quien lleva a la práctica su intención como muestra el hecho de que más del 20% de la programación del Teatro esté dedicada al público joven, y hasta tal punto la respuesta es positiva que la edad media de los espectadores del Teatro se ha reducido en las cuatro últimas temporadas en diez años: de 69 a 59 años.

En la nueva Temporada se ofrecerá un total de 36 funciones entre los tres espectáculos que conforman el proyecto didáctico.

El PROYECTO ZARZA, zarzuela hecha por jóvenes para jóvenes, supone un éxito rotundo cada temporada. Desde que se iniciara hace ya cuatro, han ocupado las butacas del Teatro 26.000 espectadores de entre 12 y 18 años, que acudieron a las funciones de ‘La revoltosa’, ‘El dúo de La Africana’, ‘La verbena de La Paloma’ y ‘Agua, Azucarillos y Aguardiente’, y otros 90.000 que pudieron verlos por ‘streaming’. Como no podía ser de otra forma, en la Temporada 2020/2021 el proyecto vuelve con fuerza y renovado: En él se presentará la nueva producción del Teatro ‘Amores en Zarza’, con música de Pablo Sorozábal, Gerónimo Giménez, Federico Chueca, Ruperto Chapí o José Serrano, entre otros grandes compositores de nuestro género. El texto será del novelista y dramaturgo Nando López, que en la presente temporada firmaba la versión de ‘Agua, Azucarillos y aguardiente’. Con dirección de escena de Rita Cosentino, musical de Miquel Ortega, escenografía y vestuario de Elisa Sanz, iluminación de Juanjo Llorens y coreografía de Nuria Castejón, el reparto estará formado, tal como ocurriera con los anteriores títulos, por un grupo de jóvenes cantantes y actores de entre 18 y 30 años elegidos tras un proceso de audiciones y acompañado por un conjunto musical de cámara. Las 13 funciones, cuatro de ellas abiertas al público general, se ofrecerán del 26 de febrero al 5 de marzo de 2021.

En la Temporada 2020/2021 se presentará, asimismo, un espectáculo didáctico participativo “intergeneracional e interactivo” que bajo el título ‘De la Z a la A’ se ha ideado para acercar la Zarzuela a un público poco habituado al género, desde la conexión entre la memoria musical de los abuelos y los lenguajes y estéticas audiovisuales de los nietos. Esta producción de Diabolus in Música es un espectáculo en el que cada función será única, diferente a cualquier otra por su carácter participativo, en el que la implicación e interacción del público determinará su desarrollo.

Y los proyectos didácticos vuelven a destacar un año más porque, gracias a ellos, el Ambigú del Teatro vuelve a tener por cuarto año consecutivo la función de espacio de espectáculos. Tras las dos emocionantes entregas de ‘Perdida en el Bosco’ y el éxito arrollador de ‘La increíble historia de Juan Latino’, volverá a nuestro Ambigú el teatro de títeres con música en directo. La propuesta será la reposición de este último título, coproducido por el Teatro y la Compañía Claroscvro, después de los 1.800 niños de entre 6 y 10 años que el pasado mes de enero llenaron día tras día sus 18 funciones. En esta ocasión serán otras 18 funciones (cuatro de ellas abiertas al público) del 9 al 19 de enero de 2021.

También enmarcado en los proyectos didácticos, el director de escena José Carlos Plaza, cuyo nombre, sinónimo de teatro con mayúsculas, es tan importante para este Teatro de la Zarzuela, ofrecerá clases magistrales a esa generación de cantantes españoles que necesita un Maestro de la escena para completar su formación. Del 6 al 13 de octubre de 2020. La última sesión se realizará abierta al público en la sala principal del Teatro.

DANZA

En la temporada próxima la danza será protagonista a través de las dos compañías nacionales: La Compañía Nacional de Danza presentará una nueva producción de ‘Giselle’ coreografiada y dirigida por su director artístico Joaquín de Luz a partir de la original de Jules Perrot y Jean Coralli sobre la música de Adolphe-Charles Adam. Contará con la dirección musical de Oliver Díaz, dramaturgia de Borja Ortiz de Gondra, escenografía de Ana Garay, vestuario de Rosa García Andújar e iluminación y audiovisuales de Pedro Chamizo. Serán doce funciones del 9 al 22 de diciembre. Por su parte, el Ballet Nacional de España llega con el ESTRENO ABSOLUTO de ‘La bella Otero’, con música de Manuel Busto, Alejandro Cruz, Rubén Díaz y Agustín Diassera, coreografía y dirección de escena del director de la Compañía, Rubén Olmo, dirección musical del propio Manuel Busto, dramaturgia de Gregor Acuña-Pohl, escenografía de Eduardo Moreno, vestuario de Yaiza Pinillos e iluminación de Juan Gómez-Cornejo. Serán diez funciones del 7 al 18 de julio.

TEATRO MUSICAL DE CÁMARA

Otro de los ciclos que prevalece cada año renovado de energía e intenciones es el dedicado al Teatro Musical de Cámara en colaboración con la Fundación Juan March. Del 10 al 18 de enero de 2021 se presentarán las siete funciones (tres de ellas escolares) de ‘I Tre Gobbi’ (‘Los tres jorobados’) de Manuel García, con libreto del propio músico sevillano del siglo XVIII basado en el intermedio de Carlo Goldoni. Se trata de una nueva coproducción entre ambas instituciones, que vuelve a demostrar que la suma de esfuerzos permite llegar más lejos. La dirección musical de esta ópera de cámara será de Rubén Fernández Aguirre, uno de los más destacados expertos en la obra de Manuel García, que también interpretará la música al piano. La dirección de escena es de José Luis Arellano, la escenografía de este y Pablo Menor, el vestuario de Ikerne Giménez y el reparto lo componen Serena Sáenz, David Alegret, David Oller y Javier Povedano. Como es habitual, las representaciones serán en la Fundación Juan March.

López-Cobos

El programa ‘Los Conciertos de La 2’ de TVE emitirá este sábado 6 de junio el primero de los cinco programas que recogen el “Maratón Beethoven” que organizó el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM, unidad dependiente del INAEM) con motivo de la jornada Solo música 2103: Mucho Beethoven, celebrada el 22 de junio de ese año en el Auditorio Nacional para conmemorar el Día Europeo de la Música. Se trata de un evento histórico, ya que por primera vez se ejecutaba en España la integral de las sinfonías de Beethoven en un mismo día, dirigidas todas ellas por un solo maestro: Jesús López Cobos.

Así, en una única jornada, que arrancó a las 10 h de la mañana y se prolongó hasta la noche, el recordado director musical afrontó este reto poniéndose al frente de algunas de las mejores orquestas de nuestro país: la Joven Orquesta Nacional de España, la Orquesta y Coro Nacional de España, la Orquesta Sinfónica de RTVE y la Orquesta Sinfónica de Madrid. Los solistas que pusieron sus voces a la Novena fueron la soprano Raquel Lojendio, la mezzo Marina Rodríguez-Cusí, el tenor Mikeldi Atxalandabaso y el barítono David Menéndez.

La emisión de La 2 supone una oportunidad para dedicar un recuerdo muy especial al maestro López Cobos, fallecido en 2018, sin duda uno de nuestros músicos más queridos y de mayor proyección internacional. Nacido en Toro en 1940, Jesús López Cobos fue director general de la Ópera de Berlín entre 1981 y 1990, además de dirigir la Orquesta Nacional de España entre 1986 y 2000 y la Orquesta Sinfónica de Cincinnati entre 1990 y 2000. Desde 2003 y hasta 2010 fue director musical del Teatro Real de Madrid.

Por otra parte, ‘Los conciertos de La 2’ nos ofrece la ocasión de revivir un hito musical con pocos precedentes hasta entonces. De hecho, y hasta el Solo música 2013 del CNDM, un acontecimiento de similares características -la interpretación en una sola jornada de las nueve sinfonías de Beethoven- sólo se había producido dos veces en todo el mundo, el primero de ellos en 1988 en el Royal Festival Hall de Londres con Lorin Maazel al frente de tres orquestas londinenses.

De igual manera, desde el CNDM se quiere poner en valor la emisión de estos conciertos desde un canal de ámbito público y alcance internacional, ya que ofrece a toda la sociedad la oportunidad de disfrutar de una absoluta cumbre musical en un contexto especial: la celebración en 2020 del “Año Beethoven”, en el que conmemoramos los 250 años del nacimiento de uno de los mayores genios musicales de la historia.

La programación completa del “Maratón Beethoven” en Los Conciertos de La 2 es la siguiente:

Sábado 6 de junio, 8:00 horas
Sinfonía nº 1 en Do mayor, Op. 21 / Sinfonía nº 2 en Re mayor, Op. 36
Joven Orquesta Nacional de España
Jesús López Cobos, Director

Sábado 13 de junio, 8:00 horas
Sinfonía nº 3 en Mi bemol mayor “Heroica” / Sinfonía nº 4 en Si bemol mayor, Op. 60
Orquesta Nacional de España
Jesús López Cobos, Director

Sábado 20 de junio, 8:00 horas
Sinfonía nº 5 en Do menor, Op. 67 / Sinfonía nº 6 en Fa mayor, Op. 68 “Pastoral”
Orquesta Sinfónica de RTVE
Jesús López Cobos, Director

Sábado 27 de junio, 8:00 horas
Sinfonía nº 7 en La mayor, Op. 92 / Sinfonía nº 8 en Fa mayor, Op. 93
Joven Orquesta Nacional de España
Jesús López Cobos, Director

Sábado 4 de julio, 8:00 horas
Sinfonía nº 9 en Re menor, Op. 125
Orquesta Sinfónica de Madrid. Coro Nacional de España.
Raquel Lojendio, soprano
Marina Rodríguez, mezzo
Mikeldi Atxalandabaso, tenor
David Menéndez, barítono
Jesús López Cobos, Director

Jóvenes Compositores

La Fundación SGAE y el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) han abierto la convocatoria de la XXXI edición del Premio Jóvenes Compositores Fundación SGAE-CNDM 2020. Consolidados ya entre los profesionales de la música, estos galardones tienen el objetivo de estimular la creación en el campo de la música clásica contemporánea entre los jóvenes compositores y contribuir al desarrollo social mediante el conocimiento de nuevos lenguajes, tendencias y modos de expresión musicales.

Podrán concurrir todos los compositores en cualquier país del mundo con obras de cualquier lenguaje o tendencia estética dentro de la música contemporánea, siempre que sean menores de 35 años al cierre de la convocatoria y socios/as de la SGAE. Aquellos autores cuyas obras fueron distinguidas con el primer premio en las ediciones convocadas a partir de 2017 no podrán participar.

Las obras deberán ser necesariamente inéditas, de autoría única, con una duración entre siete y doce minutos, y ajustarse a una plantilla instrumental conformada por un mínimo de cinco intérpretes y un máximo de nueve. Cada concursante solo podrá presentar una única obra.

El 10 de septiembre: cierre de plazo

La recepción de los trabajos a concurso se extenderá hasta el jueves 10 de septiembre de 2020. Con el fin de preservar el anonimato de los concursantes, las partituras serán presentadas incluyendo el título original de la obra y un lema (que deberá ser diferente del título de la obra) y no indicarán el nombre del autor en ninguna de sus páginas. Las partituras deberán ser remitidas por email a la dirección de correo electrónico smoralg@fundacionsgae.org junto con los datos de contacto del autor.

Un jurado, compuesto por destacados expertos en música, seleccionará las cuatro obras finalistas que optarán a galardones valorados en 11.700 euros, repartidos como sigue: Primer Premio “Xavier Montsalvatge” (6.000 euros y diploma), Segundo Premio “Carmelo Alonso Bernaola” (3.000 euros y diploma), Tercer Premio “Francisco Guerrero Marín” (1.500 euros y diploma) y Mención Honorífica “Juan Crisóstomo Arriaga” (1.200 euros y diploma). Además, para contribuir a la posterior promoción y difusión de las obras ganadoras, la Fundación SGAE editará un disco promocional con la grabación en directo de las interpretaciones en el concierto final.

Premio especial: Compositor Residente de la Red de Músicas

A estos cuatro galardones se suma el “Premio Especial JM España”, que otorgará Juventudes Musicales de España. De este modo, el ganador del Primer Premio de esta edición se convertirá en Compositor Residente de la Red de Músicas de JM España durante la temporada 2021-2022. JM España le encargará tres obras de música de cámara y otorgará 1.000 euros por cada pieza. El compositor escogerá tres formaciones de los seleccionados en la Red de Músicas que las estrenarán e interpretarán en todos los recitales que den en este circuito que organiza más de 200 conciertos al año.

Los ganadores, en noviembre

El 23 de noviembre de 2020, dentro del ciclo SERIES 20/21 del CNDM, se celebrará en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía el concierto con las cuatro obras finalistas y se darán a conocer los galardones otorgados.

Entre los ganadores de sus anteriores ediciones destacan nombres ya consolidados dentro del panorama de la composición actual, con carreras internacionales que demuestran la buena salud de la creación musical española: Agustín Charles, Mauricio Sotelo, José María Sánchez-Verdú, Jesús Rueda, Jesús Torres, Pilar Jurado, Gabriel Erkoreka, Ramón Humet, Juan Cruz Guevara, Jesús Navarro, Oliver Rappoport o Nuria Núñez, entre muchos otros, han sido protagonistas de esta cita indispensable en el apartado de la composición para ensemble a nivel nacional.

Acerca del Premio

El premio, que fue creado en 1987 por la SGAE con una frecuencia anual, se ha convertido en uno de los más importantes certámenes de su tipo, por su nivel de organización y su rigurosidad, por el prestigio de los intérpretes y de los jurados participantes.

A través de sus treinta ediciones, el Premio ha servido de escaparate promocional en los inicios profesionales de algunos de los autores contemporáneos que actualmente gozan de un mayor reconocimiento y cuyas obras son habituales de los circuitos internacionales dedicados a la música actual.

Más información

Los interesados podrán ampliar la información consultando las bases en las web www.fundacionsgae.org y www.cndm.mcu.es o dirigiéndose a los correos electrónicos de la Fundación SGAE: informacion@fundacionsgae.org

CNDM

Tras el éxito de la primera edición, que fue seguida por más de 7.000 usuarios, artistas de primera fila acercarán al público los diferentes géneros musicales que componen la programación del Centro Nacional de Difusión Musical

Madrid, 15 de mayo de 2020.- El lunes 18 de mayo, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), unidad dependiente del INAEM, inicia un segundo ciclo de Micro-conciertos en directo a través de su cuenta de Instagram (@cndm_inaem). Tras el éxito de la primera edición, que concitó a más de 7.000 usuarios en Instagram, el público podrá disfrutar de un concierto diario que en esta nueva edición se amplía a 30 minutos de duración.

Las propuestas de los artistas participantes abarcan la amplia variedad estética y de géneros musicales que tienen cabida en la programación del CNDM. Así, se darán cita a través de Instagram artistas como el dúo formado por Raquel Andueza (soprano) y Jesús Fernández (tiorba), Enrike Solinís (guitarra barroca), Isabel Villanueva (viola), Moisés P. Sánchez (piano), Maria Rodés (voz y guitarra), Niño de Elche (cante y guitarra) y Pablo Ferrández (violonchelo).

Los siete conciertos se celebrarán entre el lunes 18 y el domingo 24 de mayo a las 19:30 horas y se podrá acceder a los mismos a través de la cuenta de Instagram del CNDM (@cndm_inaem).

Las actuaciones programadas a lo largo de la semana son las siguientes:

Lunes 18 de mayo: Raquel Andueza (soprano) y Jesús Fernández (tiorba)
Martes 19 de mayo: Enrike Solinís, guitarra barroca
Miércoles 20 de mayo: Isabel Villanueva, viola
Jueves 21 de mayo: Moisés P. Sánchez, piano
Viernes 22 de mayo: Maria Rodés, voz y guitarra
Sábado 23 de mayo: Niño de Elche, cante y guitarra
Domingo 24 de mayo: Pablo Ferrández, violonchelo

Con estos ciclos digitales de música en directo el CNDM quiere enviar a su público un mensaje de ilusión y cercanía, al tiempo que subraya el papel esencial que la música cumple en nuestras vidas, especialmente en estos tiempos difíciles.

Los micro-conciertos se dirigen tanto al público habitual que acude a los conciertos y ciclos que programa el CNDM -en el Auditorio Nacional de Música como en otras salas de toda la geografía española e internacional-, así como a aquellos que deseen disfrutar de buena música y observar el trabajo de los artistas en un entorno íntimo.

Finalmente, cabe destacar que esta iniciativa forma parte del afán del CNDM por acercar sus propuestas musicales a nuevos públicos, entre ellos a los más jóvenes.

Forma Antiqva

El próximo domingo 17 de mayo a las 08:00 horas, ‘Los conciertos de La 2′ emitirá Crudo Amor, un concierto del conjunto barroco Forma Antiqva, dirigido por Aarón Zapico, junto con dos de los cantantes barrocos españoles más considerados en la actualidad: la soprano Eugenia Boix y el contratenor Carlos Mena. Este concierto, dedicado al compositor italiano Agostino Steffani, se grabó en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional el 10 de junio de 2016, dentro del ciclo Universo Barroco que programa el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM, unidad dependiente del INAEM).

Se trata de una oportunidad única para conocer, a través de una agrupación imprescindible en el panorama barroco, la obra de Agostino Steffani (1654-1728), músico, clérigo y diplomático italiano de apasionante biografía que desarrolló casi toda su carrera en Alemania, compaginando su tarea artística con el sacerdocio y con diversas empresas diplomáticas al servicio del Papado. Aunque recientemente ha empezado a difundirse su amplia y variada producción operística, durante mucho tiempo el nombre de Agostino Steffani estuvo asociado a los exquisitos dúos de cámara que compuso a lo largo de su carrera.

En este universo refinado y sensual se inscribe el concierto que Forma Antiqva brindó a los asistentes al ciclo del CNDM y que ahora podrá disfrutar todo el público gracias a la emisión de RTVE.

Centrado en los hermanos Pablo, Daniel y Aarón Zapico, y bajo la dirección de este último, Forma Antiqva es un conjunto de música barroca de formación variable que reúne a los intérpretes más brillantes de su generación y que está considerado por la crítica como una de las formaciones más importantes y prometedoras de la música clásica en España. Su fulgurante carrera incluye conciertos en los más prestigiosos festivales y ciclos tanto españoles -Teatro Real de Madrid, Semana de Música Religiosa de Cuenca, Festival Internacional de Música y Danza de Granada, Quincena Musical de San Sebastián, L’Auditori de Barcelona, Auditorio Nacional de Madrid, etc.-, como internacionales: Ludwigsburger Schlossfestspiele en Alemania, el Van Vlaanderen en Brujas (Bélgica) o las Summer Festivities of Early Music de Praga. Su grabación de Las Cuatro Estaciones de Vivaldi fue calificada por la crítica española y europea de “referencia” y, al igual que sus anteriores grabaciones, supusieron un gran éxito de ventas en gran parte de Europa.

 

 

 

 

 

 

 

 

El 18 de febrero tuvo lugar en Sevilla la presentación de la 37ª edición del Festival de Música Antigua de Sevilla (FeMÀS) en el que estuvieron presentes Fahmi Alqhai, director del festival, junto a Maider Múgica, directora adjunta del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), y Antonio Muñoz, delegado de Hábitat Urbano, Cultura y Turismo del Ayuntamiento de Sevilla. El programa de esta nueva edición, que se desarrollará en la capital andaluza del 13 de marzo al 1 de abril busca el acercamiento al público de la música histórica llevando la interpretación musical a entornos patrimoniales de la mano de primeras figuras de prestigio internacional. Esta particularidad hace de la cita sevillana una experiencia melómana especial e irrepetible y un evento consolidado como el mejor festival de músicas históricas de España. La programación de este año tendrá como ejes centrales las conmemoraciones de la primera vuelta al mundo y el nacimiento de Beethoven.

Una alianza imprescindible y fructífera

El Festival cuenta por séptima vez consecutiva con la colaboración del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), que coproduce los conciertos de tres agrupaciones de referencia en la música histórica: Al Ayre Español, uno de nuestros más importantes conjuntos historicistas, fundado y dirigido por Eduardo López Banzo y que ofrecerá la recuperación histórica de obras de José de Torres y Juan Francés de Iribarren; Los Músicos de Su Alteza, bajo la dirección de Luis Antonio González, con un programa que pone en diálogo obras del Seicento italiano con piezas inéditas del siglo XVII español y La Real Cámara, dirigida por Emilio Moreno, en un concierto cuyo eje principal es la integración de la música de Giuseppe Torelli con la del músico y jesuita sevillano Francisco José de Castro.

El XXXVII Festival de Música Antigua de Sevilla, proyecto del Instituto de la Cultura y las Artes del Ayuntamiento de Sevilla, cuenta con la coproducción del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), unidad del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), Diputación de Sevilla y Real Alcázar. Seis serán los entornos patrimoniales de esta nueva edición del FeMÀS: el Espacio Turina, el Teatro de la Maestranza, el Real Alcázar, la Iglesia de San Luis de los Franceses, el Teatro Alameda y el Teatro Lope de Vega.

La primera vuelta al mundo y el nacimiento de Beethoven, ejes del festival

La programación de esta 37ª edición del FeMÀS se ha planteado en torno a dos efemérides de gran relevancia para la humanidad como son el V Centenario de la primera vuelta al mundo y el 250 aniversario del nacimiento de Ludwig van Beethoven.

En relación con la primera de ellas, el FeMÀS hará un recorrido por las nuevas músicas que llegaron a Europa tras los descubrimientos y la primera vuelta al mundo y cómo influyeron en los músicos del siglo XVI. Sobre el segundo leitmotiv, el festival pretende de algún modo mostrar las maneras historicistas de interpretación de un repertorio habitualmente adjudicado a las orquestas sinfónicas; estas últimas con criterios, en muchos casos, muy diferentes a los modos de entonces, que este FeMÀS permitirá recuperar.

Según ha anunciado Fahmi Alqhai, en la nueva edición se reintroduce la figura del artista residente, que se pretende mantener en sucesivas ediciones. El artista residente este año es el pianista Juan Pérez Floristán, un gran referente de la nueva generación de músicos sevillanos que lleva el nombre de ciudad por las salas de conciertos más importantes del mundo.

Pérez Floristán será el encargado de la inauguración del festival el día 13 de marzo, junto a la Hofkapelle München con un programa que incluye el Concierto para piano nº 4 de Beethoven y la más célebre sinfonía de Mozart.

Dos actuaciones más, una conferencia y una masterclass completarán la residencia de Pérez Floristán en un festival que tendrá como broche final la actuación en el Teatro de la Maestranza de la Orquesta Barroca de Sevilla y su interpretación de la Misa en si menor de J. S. Bach, un sueño que puede hacerse realidad gracias a la colaboración de la Hermandad del Gran Poder, que celebra el IV centenario de la hechura del Señor.

En sus sucesivas jornadas, destacan en la programación grandes nombres propios como el del tenor Ian Bostridge, el grupo Il Giardino Armonico o la Orquesta Barroca de Ámsterdam, dirigida por Ton Koopman, sin olvidar los nuevos grupos que siempre han tenido en el festival una plataforma y un altavoz magníficos para hacerse ver y oír.

Programación

El sábado, día 14 de marzo, el FeMÀS se abre al público familiar en el Teatro Alameda, a las 18.00 horas, con La increíble historia de Juan Latino. Se trata de la quinta producción de la compañía hispano-canadiense Claroscuro Teatro. Pensada para un público de 8 años en adelante, el referido montaje usa títeres, máscaras y música barroca en directo para contar la verdadera historia de superación racial y social de un esclavo negro en la España del siglo XVI.

También el sábado, a las 20.30 horas, en el Espacio Turina, llega otro de los platos fuertes de esta edición, de la mano de Pérez Floristán y el tenor Ian Bostridge, con una sólida carrera internacional.

La programación del domingo, día 15 de marzo, da comienzo a las 13.00 horas en la Iglesia de San Luis de los Franceses con el Ensemble Flandriae-Pyrenaei, con un concierto con repertorio de música barroca de Flandes y Cataluña.

A las 20.30 horas, en el Espacio Turina, bajo la dirección de Eduardo López Banzo, el grupo aragonés Al Ayre Español, consolidado como una de las referencias más destacadas en esta especialidad musical a nivel nacional e internacional, ofrecerán un programa con el título ¡Ay, bello esplendor! Grandes villancicos barrocos. En este recital, el público podrá conocer una serie de obras inéditas de José de Torres y Juan Francés de Iribarren, recuperadas y transcritas por el propio López Banzo a partir de manuscritos originales conservados en las catedrales de Salamanca, Málaga y Guatemala.

El martes 17 de marzo el conjunto musical Il Giardino Armonico, fundado en Milán (Italia) en 1985 y especializado en piezas de los siglos XVII y XVIII, protagonizará otro de los grandes momentos del FeMÀS. La cita será a las 20.30 horas en el Turina, espacio en el que su director Giovanni Antonini empuñará la flauta de pico para interpretar un programa titulado La Morte della Ragione.

Las citas programadas en el Real Alcázar dan comienzo el 18 de marzo, a las 20.30 horas, de la mano de The Orlando Consort, uno de los conjuntos vocales más importantes de Europa, que ofrecerá con Mantra su particular visión de la fusión de culturas que existió hace 500 años. Constituido en el Centro de Música Antigua de Gran Bretaña en 1988, el trabajo de este conjunto combina a la perfección la seriedad y el rigor de sus programas con la frescura de sus interpretaciones, que cautivan al público inmediatamente.

La programación continúa el jueves, día 19 de marzo, a las 20.30 horas en la Iglesia de San Luis de los Franceses con otro referente nacional, Los Músicos de Su Alteza, agrupación dirigida por Luis Antonio González. Con Veritas-Vanitas, la agrupación propone un programa que pone en diálogo obras del Seicento italiano, algunas conocidas, otras recuperadas por el conjunto, con piezas inéditas del siglo XVII español.

Al día siguiente, el viernes 20 de marzo, en el Espacio Turina, el reconocido grupo Accademia del Piacere, con su fundador y director al frente, Fahmi Alqhai, ofrecerá un programa bajo el nombre Ars Melancholiae, también a las 20.30 horas.

Tras una nueva jornada, la del sábado 21 de marzo, protagonizada por el artista residente Juan Pérez Floristán, el domingo 22 llegan al FeMÀS dos grupos que, hasta la fecha, no habían participado en la referida cita con la música antigua. Por la mañana, a las 13.00 horas, será el turno de La Vaghezza, con O prima alba del mondo; y a las 20.30 horas, en el Real Alcázar, Constantinople con otro de los conciertos dedicados al V Centenario de la primera vuelta al mundo.

La Iglesia de San Luis de los Franceses abrirá una nueva semana musical el martes, día 24 de marzo, a las 20.30 horas en el Real Alcázar. Collegium Musicum Madrid interpretará un concierto con el título Rumbo a poniente, una cita a la que sucederá el programa Lenguas Malas, a cargo de Cantoría, el miércoles 25 de marzo, en San Luis de los Franceses.

El día 26 de marzo Lina Tur Bonet, considerada como una de las violinistas más interesantes del ámbito internacional, y el clavecinista sevillano Javier Núñez, llegan al Espacio Turina con un programa en torno a la música de la familia Bach.

El último fin de semana del FeMÀS comienza el viernes, día 27 de marzo, a las 20.30 horas en el Espacio Turina con Capella Neapolitana, agrupación fundada en 1987 por Antonio Florio, integrada por instrumentistas y cantantes especializados en la interpretación del repertorio musical napolitano de los siglos XVII y XVIII, y en la recuperación de compositores olvidados.

Día Bach

El sábado a las 13.00 horas, en la Iglesia de San Luis de los Franceses, la protagonista será la clavecinista Irene González Roldán, ganadora de la beca de la Asociación de Amigos de la Orquesta Barroca de Sevilla, destinada a la educación y promoción de jóvenes músicos historicistas. A las 20.30 horas, en el Real Alcázar, el grupo de música antigua Euskal Barrokensemble, creado por Enrike Solinís en Bilbao en el año 2006, ofrecerá un programa titulado Elkano.

La jornada del domingo, día 29 de marzo, FeMÀS celebra un año más el Día Bach. En esta ocasión, por la mañana, a las 13.00 horas en San Luis de los Franceses, junto a la arpista Margret Köll; y a las 20.30 horas, junto al mítico Ton Koopman y su maravillosa Amsterdam Baroque Orchestra.

La penúltima jornada de FeMÀS el público aficionado podrá disfrutar de un programa con música atribuida a Francisco José de Castro, jesuita sevillano que vivió en Brescia dedicado a diversas ocupaciones intelectuales, entre ellas la música, y era conocido en tierras italianas como ‘Spagnuolo’. Emilio Moreno ha profundizado como ningún otro violinista actual en la obra de este músico y ofrecerá una selección de sus composiciones en su recital con La Real Cámara.

Sobre la clausura en el Teatro de la Maestranza, la Orquesta Barroca de Sevilla interpretará la Misa en si menor de J. S. Bach, bajo la dirección musical de Andreas Spering. La colaboración de FeMÀS, Teatro de la Maestranza, Hermandad del Gran Poder y Fundación La Caixa han propiciado este especial broche final del Festival.

A la extensa programación musical se suma, una edición más, las actividades paralelas, una serie de conferencias con las que se pretende contextualizar el contenido de esta cita con la música antigua.

Simon Keenlyside

El lunes 3 de febrero a las 20h, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en coproducción con el Teatro de La Zarzuela, presentan en el XXVI Ciclo de Lied al barítono británico Simon Keenlyside junto a la pianista Caroline Dowdle. Ambos artistas abordarán un programa con lo mejor de la tradición musical romántica alemana y francesa a través de las páginas de Schubert, Ravel, Fauré, Poulenc y Debussy. Las entradas, con un precio general de 8 a 35 euros, ya están a la venta en las taquillas del Teatro de La Zarzuela, teatros del INAEM, entradasinaem.es y 902 22 49 49.

Simon Keenlyside nació en Londres. Hizo su debut operístico en la Ópera Estatal de Hamburgo como el conde de Almaviva en Le nozze di Figaro. Keenlyside ha cantado en los grandes teatros de ópera del mundo y tiene una asociación particularmente estrecha con la Metropolitan Opera House de Nueva York, la Royal Opera House de Londres, la Ópera de Baviera y la Ópera de Viena, donde ha interpretado a Prospero (The Tempest), Rodrigo (Don Carlo), Giorgio Germont (La traviata), Papageno (Die Zauberflöte), el conde de Almaviva y los papeles principales en Don Giovanni, Eugenio Oneguin, Pelléas et Mélisande, Wozzeck, Billy Budd, Hamlet, Macbeth y Rigoletto. Recientemente, ha interpretado Rigoletto en Luxemburgo, París, Bratislava y Múnich, Giorgio Germont y Ford en la Ópera Estatal de Viena, el conde de Almaviva en la Royal Opera House, Wolfram en la Ópera Alemana de Berlín, así como su don Giovanni en la Ópera de Baviera. En concierto, Simon Keenlyside ha cantado canciones de Sibelius con la Orquesta de Cleveland, bajo la dirección de Franz Welser-Möst, y con la Orquesta Sinfónica de la Radio ORF en la Vienna Konzerthaus con Ryan Wigglesworth. Es un reconocido recitalista que canta en los principales escenarios del mundo. La pasada temporada ofreció algunos recitales en Vancouver, Quebec, Washington D. C., Atlanta, Schenectady, Filadelfia, Cleveland, Estrasburgo, Ámsterdam, Viena y Londres, acompañado al piano por Malcolm Martineau, Emanuel Ax, Natalia Katyukova o Julius Drake. Ha grabado un álbum de lieder de Schumann con Graham Johnson y cuatro con Malcolm Martineau con obras de Schubert, Strauss y Brahms, y más recientemente, uno de canciones, Songs of War, que obtuvo el Premio Gramophone 2012. Ha cantado bajo la dirección de los principales directores del mundo con la Orquesta de Cámara de Europa, la Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Birmingham, la Orquesta Sinfónica de Londres, la Orquesta Filarmónica Checa, así como las de Cleveland, Viena y Berlín. También ha grabado el War Requiem de Britten con la London Symphony Orchestra bajo la dirección de Noseda, Elijah de Mendelssohn con McCreesh, Des Knaben Wunderhorn con Simon Rattle, así como Don Giovanni con Abbado, Carmina Burana con Thielemann, La bohème con Chailly, Billy Budd, Die Zaruberflöte con Mackerras, Le nozze di Figaro con Jacobs y The Tempest con Adès, que ganó en la categoría de mejor grabación de ópera (Grammy 2014) y de grabación musical de dvd del año (Echo Klassik 2014). En 2006, le concedieron el Premio Olivier; en 2007, el Echo Klassik en la categoría de cantante masculino del año y, en 2011, el Musical America’s Vocalist of the Year. Y, en 2017, fue nombrado Kammersänger por la Ópera Estatal de Viena. Simon Keenlyside ha participado en tres ediciones del Ciclo de Lied: XIII (06-07), XV (08-09), XXI (14-15).

Fotografía: © Robert Workman

Ciclo Músicas de León

El director del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), Francisco Lorenzo, junto a José Antonio Diez, alcalde de León y la concejala de Acción y Promoción Cultural, Evelia Fernández Pérez, presentan la decimoséptima edición del Ciclo Músicas Históricas de León, programación coproducida entre el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM, unidad del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música del Ministerio de Cultura y Deporte) y el Ayuntamiento de León. Además de los nueve conciertos que forman esta serie musical, se celebrará la novena edición de un curso de extensión universitaria organizado conjuntamente con la Universidad de León (ULE) y el IX Curso Internacional de Interpretación Vocal Barroca, dirigido por Eduardo López Banzo. Estas actividades continúan el compromiso del CNDM por promover y recuperar el patrimonio musical antiguo desde la capital leonesa, a través de su programación en 32 ciudades españolas y 12 extranjeras, y por apoyar a los jóvenes cantantes españoles en el inicio de sus carreras.

Viajes musicales históricos

Del 22 de enero al 1 de junio de 2020 se podrá disfrutar, en el Auditorio Ciudad de León, de nueve propuestas que mostrarán un amplio abanico musical, una invitación a viajar a través de creativos contrastes. La cita inaugural llegará de la mano del conjunto Sarao de Musas, que invitarán al público a adentrarse en una panorámica sobre la música española de los grandes siglos con Johanna Rose (viola da gamba y dirección) y Mariví Blasco (soprano). La siguiente cita, protagonizada por Ignacio Prego, uno de los grandes nuevos valores de la interpretación clavecinística en nuestro país, junto con el grupo fundado por él, Tiento Nuevo, planteará un recorrido musical “De los Habsburgo a los Borbones” con obras de A. Caldara, D. Scarlatti y C. Avison. Una inmersión bachiana es la opción escogida por Hippocampus y Alberto Martínez Molina (clave y dirección), con un programa de composiciones para flauta travesera, a cargo del multifacético Jorge Pardo. Bajo el título “De aquel inmenso mar. Música en torno a las rutas ibéricas de circunnavegación en el V centenario de la primera vuelta al mundo de Magallanes y Elcano (1519-1522)”, el grupo veterano La Folía, junto a Pedro Bonet (flautas de pico y dirección) ofrecerá al público un concierto de lo más llamativo en relación con los lugares y avatares de esa ruta marítima.

Además de los intérpretes consagrados, el ciclo leonés, en un concierto extraordinario, brindará una oportunidad a los que tomarán pronto el relevo, caso de los surgidos del asentado Curso de Interpretación Vocal Barroca: Beatriz Arenas (soprano), Olmo Blanco (contratenor), Alberto Ballesta (tenor) y Daniel Muñoz (barítono), con el propio Eduardo López Banzo al clave y la dirección. El concierto será una celebración del Día Europeo de la Música Antigua (21 de marzo), con música de G. F. Haendel, A. Vivaldi, A. de Literes y J. S. Bach. El Haendel más italiano se hará presente en el concierto del Ensemble 1700 con dos afamados intérpretes, Dorothee Oberlinger (flauta y dirección) y el polifacético Dmitry Sinkovsky (contratenor y violín), con un programa que incluirá también música de A. Falconieri, T. Merula, G. P. Telemann, C. P. E. Bach y A. Vivaldi. L’Apothéose, conjunto residente de la temporada 19/20 del CNDM, presentará un monográfico camerístico dedicado a Haendel con cuatro sonatas en trío y otras dos para violín, una de ellas, en versión para flauta travesera. Dos conciertos del ciclo transversal #España-Italia pisarán las tablas del Auditorio: el grupo La Tempestad, con Silvia Márquez (clave y dirección) y Eugenia Boix (soprano), abordará un programa de compositores italianos en España que contará con cinco estrenos en tiempos modernos, con el protagonismo musical de D. Scarlatti. Completarán la velada las obras de G. Facco, D. Porretti y del desconocido compositor murciano J. Oliver y Astorga. Ya en junio, los tres grandes, Bach, Haendel y Scarlatti, se reunirán de nuevo en el concierto de la Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca, con Pedro Gandía al violín y Alfredo Bernardini a la batuta y el oboe.

Con la idea de seguir animando al público a acercarse aún más a las músicas históricas, este año los nueve recitales mantiene precios de ediciones anteriores: un abono de 64€ (ocho conciertos más uno de regalo y un 20% de descuento) para todo el ciclo, que estará disponible desde el 7 al 22 de enero en los canales habituales de compra. Las localidades estarán a la venta a partir del 13 de enero en las taquillas del Auditorio Ciudad de León, www.aytoleon.es y www.auditorioleon.es/compradeentradas, a un precio de 10€, a excepción del concierto extraordinario, cuyo precio será de 5€. Los menores de 26 años y los alumnos de la Universidad de León disfrutarán de un descuento del 40% sobre el precio general de las localidades, con entradas a 6€.

Otras actividades

Del 21 de febrero al 1 de junio de 2020 la Sala Polivalente del Auditorio Ciudad de León acogerá el noveno curso de extensión universitaria impulsado por la Universidad de León y el CNDM con el apoyo del Ayuntamiento de la capital leonesa. El objetivo es introducir al alumnado superior, y al resto de interesados, la valía del legado patrimonial español, principalmente musical, pero también artístico, en sus constantes interrelaciones y contactos. Esta iniciativa continúa la colaboración creada hace nueve años entre las tres instituciones involucradas. El curso se articula en partes teóricas a las que se suman los nueve conciertos del ciclo del CNDM como ejemplos musicales a lo tratado. La inscripción a este curso y la información completa estarán próximamente disponibles en las webs de la Universidad de León y el CNDM. Por otro lado, Eduardo López Banzo impartirá el IX Curso Internacional de Interpretación Vocal Barroca del 22 al 26 de marzo de 2020, en el Auditorio Ciudad de León. El éxito de las ediciones anteriores se refleja en la selección de 28 cantantes jóvenes (16 sopranos, 1 mezzosoprano, 4 barítonos, 3 tenores y 4 contratenores) cuyas carreras se han visto impulsadas, tras su paso por este curso especializado, hasta formar parte de elencos de producciones barrocas internacionales.

Prégardien en el Ciclo de Lied

No estamos ya acostumbrados a asistir a una interpretación en la que su protagonista se muestre humilde en la perfección y lleve a cabo su virtuosismo sin aspavientos. La elegancia y la sutileza son dos cualidades a sumar a las que ya posee Christoph Prégardien, un tenor lírico ligero que, aunque acusando ya el paso de los años, es más que un placer escucharle en un género, el liederístico, que conoce y domina con maestría.

Prégardien ofreció en el cuarto recital del Ciclo de Lied que conjuntamente organizan el Teatro de la Zarzuela y el Centro Nacional de Difusión de la Música, un repertorio dividido en dos partes. En una correcta primera parte interpretó los Lied que, sobre poemas de Ernst Schulze, compuso Schubert. La segunda parte estuvo dedicada a Schumann y a su Liederkreis, op. 39, compuestas en 1840. En esta segunda parte Prégardien sacó lo mejor del liederista que lleva dentro. Llenó este ciclo de canciones de matices y musicalidad. Los textos de Joseph von Eichendorff y la intensidad de la música de Schumann, inspiraron a un Prégardien mucho más profundo y expresivo. Sin duda estas obras se acomodan mejor a las cualidades de su voz y a su perfecto fraseo.

Estuvo acompañado al piano por Julius Drake, que puso el espíritu y el brío que le faltó en algunos momentos a Prégardien. Drake brilló con luz propia y equilibró desde el piano a su acompañante, ofreciendo profundidad emocional en las canciones de mayor calado dramático, y más arrebatado en las de mayor brío.

La noche terminó con tres propinas que el público agradeció entusiasmado, la “Serenata”, del Canto del Cisne, “Nacht und Träume” y “Der Musensohn”.

Fotografía: CNDM / Rafa Martín

Christoph Prégardien

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en coproducción con el Teatro de la Zarzuela, presentarán el próximo lunes 2 de diciembre (20h00), en el XXVI Ciclo de Lied, al tenor lírico alemán Christoph Prégardien junto al pianista inglés Julius Drake. El programa elegido para esta cita estará formado por las páginas liederísticas del compositor vienés Franz Schubert dando vida a la poesía de Ernst Schulze, junto a una de las series básicas de la obra schumanniana, ‘Liederkreis’, op. 39, en la que el autor se centra en la poética de Joseph von Eichendorff.

Las entradas, con un precio general de 8 a 35 euros, ya están a la venta en las taquillas del Teatro de la Zarzuela, teatros del INAEM, entradasinaem.es y 902 22 49 49.

Preciso control vocal, dicción clara, musicalidad inteligente y la habilidad de llegar al corazón con todo lo que canta aseguran a Christoph Prégardien un lugar entre los más importantes tenores líricos del mundo. Actúa regularmente con orquestas de todo el mundo, como las Filarmónicas de Viena y Berlín, la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, la Orquesta del Concertgebouw de Ámsterdam, la Staatskapelle Dresden o la Gewandhausorchester de Leipzig.

Su amplio repertorio orquestal incluye los grandes oratorios barrocos, clásicos y románticos, así como obras del siglo XVII (Claudio Monteverdi, Henry Purcell, Heinrich Schütz) y del XX (Benjamin Britten, Wilhelm Killmayer, Wolfgang Rihm, Ígor Stravinski). Especialmente apreciado como cantante de lied, sus compromisos esta temporada incluyen una gira por Estados Unidos y recitales en el Temple Church, el Wigmore Hall, el Concertgebouw o la Schubertiade Schwarzenberg y la Schubertíada de Vilabertran. Christoph Prégardien ha actuado en dos ediciones del Ciclo de Lied: VI (99–00), acompañado al piano por Michael Gees, y IX (02–03), junto a Juliane Banse, Ingeborg Danz y Olaf Baer; acompañados al piano por Wolfram Rieger.

Fotografía: Jean-Baptiste Millot

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en coproducción con el Teatro de la Zarzuela, presentarán el lunes 25 de noviembre a las 20h00 en el XXVI Ciclo de Lied a la mezzosoprano canaria Nancy Fabiola Herrera junto al pianista estadounidense Mac McClure. El programa elegido para esta velada, que se celebrará en el coliseo de la plazuela de Jovellanos, nos sumerge en un variado y colorista reducto que nos lleva del salero vienés de Oscar Straus a los sones cadenciosos de Astor Piazzolla, pasando por el iconoclasta mundo de Erik Satie, el cabaret de Kurt Weill, la evocación de la gran Édith Piaf y el humor de Poulenc, junto a los sones cubanos de Ernesto Lecuona, dos piezas del hoy olvidado Joaquín Zamacois y, volviendo al cabaret, cuatro boleros mexicanos y antillanos. Las entradas, con un precio general de 8 a 35 euros, ya están a la venta en las taquillas del Teatro de la Zarzuela, teatros del INAEM, entradasinaem.es y 902 22 49 49.

La constante presencia de Nancy Fabiola Herrera en los escenarios internacionales la convierte en una de las grandes mezzosopranos de la actualidad, la prensa especializada la ha denominado «la Carmen del siglo XXI». En 2018 realizó dos grabaciones interpretando Rosario en Goyescas, de Granados, con la BBC de Londres y Salud en La vida breve, de Falla, con la BBC de Mánchester. Destacan sus interpretaciones de Isabella en L’italiana in Algeri en el Teatro Colón de Buenos Aires y como Bernarda en La casa de Bernarda Alba en el Teatro de la Zarzuela. Ha cantado el Stabat Mater (Rossini), el Requiem (Verdi) en San Sebastián y Guadalajara (México), dirigidos por Plácido Domingo, y ha ofrecido conciertos en la Sala Chaikovski de Moscú y recitales en el Palau de la Música de Valencia y en el Festival de Benicàssim, junto a Ainhoa Arteta. Su interpretación de Salud en La vida breve la ha llevado a San Petersburgo, Tanglewood, Toronto, Los Ángeles —con el maestro Frühbeck de Burgos—, Madrid, Cincinnati y la Orquesta de Capitole. Su Carmen se ha visto en la Metropolitan Opera, el Covent Garden, el Teatro Bolshói, la Ópera de Tokio, la Deutsche Oper, la Bayerische Staatsoper, las termas de Caracalla, el Dresden Semperoper, el Masada Festival, la Ópera de Tel Aviv, la Ópera de Los Ángeles y teatros españoles como la Ópera de Sabadell, el Teatro Villamarta de Jerez, el Kursaal de San Sebastián y el Teatro Pérez Galdós de Gran Canaria, entre otros. En 2009, abrió la temporada de la Arena de Verona como Carmen, bajo la dirección de Domingo. Entre sus grabaciones destacan La bruja de Chapí para Deutsche Grammophon, Dante de Granados para ASV, Tonades de los siglos XVII y XVIII de Gerhard para Columna Música, la Sinfonía nº 3 de Mahler para Arte Nova, El amor brujo de Falla para Naxos y Concierto italiano de Llorca, además de Il postino de Catán y Luisa Fernanda, ambas también con Domingo. Y entre sus distinciones cabe mencionar el Premio Ópera Actual 2018 a toda una carrera y el Plácido Domingo Award. En 2019, ha actuado en la Houston Grand Opera, en Florencia, en el Amazonas de Catán, El Gato Montés en la Ópera de Los Ángeles, Les contes d’Hoffmann en el Teatro Nacional de Pekín y Samson et Dalila en La Maestranza de Sevilla. Nancy Fabiola Herrera ha participado en una edición del Ciclo de Lied: XVII (10-11).

Fotografía: ©Shirin Tinati

David Cantalejo Gómez (Bilbao, 1985) se ha alzado ganador de la XXX edición del Premio Jóvenes Compositores Fundación SGAE – CNDM 2019 que convocan conjuntamente la Fundación SGAE y el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), y cuya final se celebró ayer en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. El bilbaíno ha obtenido el primer premio “Xavier Montsalvatge“, dotado con 6.000 euros, por su obra La noche de Walpurgis y se convierte además en compositor residente de la Red de Músicas de Juventudes Musicales de España durante la temporada 2020-2021. “Este premio reconoce el fruto de mucho esfuerzo y trabajo diario, recibirlo es un impulso y como compositores nos obliga a superarnos”, ha declarado Cantalejo. Sobre La noche de Walpurgis, obra con la que ha conquistado el galardón, David Cantalejo ha explicado: “Quería recrear la atmósfera de las hogueras, las brujas, el movimiento del fuego, que es central en la pieza, cómo se aviva y cómo desaparecen las llamas, evitando recurrir a sonidos programáticos”.

Pilar Jurado, presidenta de SGAE, hizo entrega del primer premio al compositor y recordó como ella misma se alzó con este galardón en 1997, después de haber sido finalista tres años antes: “Este certamen evidencia el compromiso de la Sociedad General de Autores y Editores con la creación sinfónica, son unos premios de gran transcendencia en el sector y, para un joven compositor, el recital de hoy supone la mejor carta de presentación y un impulso al desarrollo de sus carreras”.

Palmarés completo
De este modo, el palmarés completo de la XXX edición del Premio Jóvenes Compositores Fundación SGAE – CNDM 2019 queda configurado de la siguiente forma: María del Pilar Miralles Castillo (Almería, 1997), conquistó el segundo premio “Carmelo Alonso Bernaola” (3.000 euros) con su obra Overthinking IC; Antón Alcalde (Rianxo, A Coruña, 1992), se alzó con el tercer premio “Francisco Guerrero Marín” (1.5000 euros) con su pieza Firefly (after ‘Tokio Blues’), mientras que Bruno Angelo (Brasil, 1985) recibió la mención honorífica “Juan Crisóstomo Arriaga” (1.200 euros) por su trabajo Res nata. Reflexión ontológica sobre el ornamento. Todos ellos cuentan con menos de 35 años de edad.

El conjunto instrumental KOAN 2, bajo la dirección de José Ramón Encinar, estrenó ayer las cuatro composiciones, dentro del ciclo Series 20/21 del CNDM. Además, y como en cada edición, la Fundación SGAE editará un disco promocional que reunirá las cuatro obras finalistas del certamen, con el fin de contribuir a su posterior promoción y difusión. El jurado, que estuvo compuesto por los compositores Carlos Fontcuberta Llavata, Junkal Guerrero Langara, Alejandro López Román, Jesús Torres Ruiz y Ana Vázquez Silva, ha seleccionado estas obras de un total de 22 presentadas a concurso.

Compositor Residente de la Red de Músicas
Al primer premio se suma también la designación de Cantalejo como Compositor Residente de la Red de Músicas de Juventudes Musicales de España. El bilbaíno recibe así el encargo de tres obras de música de cámara que serán estrenadas e interpretadas dentro del circuito de Red de Músicas durante la temporada 2020 – 2021 y se le otorgarán 1.000 euros por cada pieza. “Este es nuestro granito de arena para paliar la dificultad de los compositores de música contemporánea en general, y los jóvenes en particular”, ha expresado Antonio Martín, secretario general de Juventudes Musicales de España tras la entrega del premio. El compositor residente escogerá tres formaciones de los seleccionados en la Red de Músicas que las estrenarán e interpretarán en todos los recitales que ofrezcan en este circuito que organiza más de 200 conciertos al año.

Acerca del premio
La Fundación SGAE y el CNDM convocan anualmente este premio con el propósito de estimular la creación en el campo de la música clásica contemporánea entre los jóvenes creadores de hasta 35 años, contribuir al desarrollo y conocimiento social de nuevos lenguajes, tendencias y modos de expresión musicales. Creado en 1987 por la SGAE, se ha convertido en uno de los más importantes certámenes de su tipo, por su nivel de organización y su rigurosidad, por el prestigio de los intérpretes y de los jurados participantes. A través de sus veintinueve ediciones, el premio ha servido de escaparate promocional en los inicios profesionales de algunos de los autores contemporáneos que actualmente gozan de un mayor reconocimiento, y cuyas obras son habituales de los circuitos internacionales dedicados a la música actual.

Entre los ganadores de sus anteriores ediciones destacan nombres ya consolidados dentro del panorama de la composición actual, con carreras internacionales que demuestran la buena salud de la creación musical española: Agustín Charles, Mauricio Sotelo, José María Sánchez-Verdú, Jesús Rueda, Jesús Torres, Pilar Jurado, Gabriel Erkoreka, Ramón Humet, Juan Cruz Guevara, Jesús Navarro, Oliver Rappoport o Nuria Núñez, entre muchos otros, han sido protagonistas de esta cita indispensable en el apartado de la composición para ensemble a nivel nacional.

Acerca del ganador
David Cantalejo (Bilbao, 1985)
Estudió composición en el Conservatorio Superior de Navarra Pablo Sarasate con Joseba Torre y piano en la Escola Superior de Música de Catalunya bajo la supervisión de Eulàlia Solé. Ha ganado el primer premio en varias ediciones del Concurso de Composición Durango Hiria, entre otros, además de certámenes de música de cámara siendo miembro del dúo de flauta y piano Iceberg. Forma parte como compositor e intérprete del Centro de Música Contemporánea Garaikideak. En el año 2016, la Orquesta Sinfónica de Navarra estrena Elegía del silencio para acordeón y orquesta, dentro del Festival NAK. Algunas de sus obras han sido publicadas por la editorial Da_sh Editions y la asociación Silboberri.

Acerca de La noche de Walpurgis
La inspiración de la obra surge a raíz de la festividad pagana de la Noche de Walpurgis, celebrada en regiones de Europa Central en la noche del 30 de abril al 1 de mayo, donde según la tradición conjuraban brujas a través de danzas y fuego. Las grandes hogueras formadas desde una chispa, y que hace falta avivar para que no se extingan, son las que me generan una imagen de un gesto musical que irá elaborándose desde diferentes puntos de partida a lo largo de las siete secciones de la pieza, sustentadas por un sistema modal y rítmico, donde el número 3 (y el ya mencionado 7) están constantemente presentes. En mi lenguaje muestro especial interés por los cambios súbitos de carácter, la insistencia en los registros extremos de los instrumentos y por lo relativo a los opuestos aplicados a diferentes parámetros musicales como son los contrastes de dinámica, el colapso sonoro desde la quietud frente a la disolución de una gran textura, o el estatismo contra la vorágine rítmica.

Fotografía: Fundación SGAE

El próximo viernes 15 de noviembre dará comienzo el ciclo Andalucía Flamenca en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música de Madrid, serie musical coproducida por el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Instituto Andaluz del Flamenco (perteneciente a la Consejería de Cultura y Patrimonio Histórico de la Junta de Andalucía) que presentará un total de 7 conciertos hasta el 22 de mayo de 2020. El encargado de inaugurarlo será el cantaor gaditano Antonio Reyes, junto a la guitarra de Diego del Morao. Tras ellos pisarán también la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música figuras del cante como Arcángel (13 de diciembre), Tomasa Guerrero “La Macanita” junto a Ana María Ramírez “La Yiya” (17 de enero), Israel Fernández (14 de febrero), el guitarrista Rafael Riqueni (6 de marzo), la cantaora María Terremoto (24 de abril) y Antonia Contreras junto a Fabiola Pérez “La Fabi” (22 de mayo).

El ciclo Andalucía Flamenca nació en 2008 buscando consolidar este género en la capital, objetivo que ha conseguido convirtiéndose para el público madrileño en una oferta flamenca de calidad que se ve, año tras año, refrendada por el cartel de “no hay entradas”, como en esta temporada que comienza con todas las localidades vendidas para los 7 conciertos en la Sala de Cámara.

Antonio Reyes, clasicismo y vanguardia

Antonio Reyes Montoya nació en Chiclana de la Frontera (Cádiz) en 1975. Lo hizo en el seno de una familia de tradición flamenca: su abuelo materno es Antonio Montoya y su tío Roque Montoya “Jarrito”, a lo que se suma el parentesco paterno que lo enlaza con José Cortés Jiménez “Pansequito”. Subió por primera vez a un escenario cuando tenía 7 años, durante la celebración de la fiesta de la Parpuja de Chiclana. Poco después, en 1984, actuó en la plaza de toros de Jerez, dentro del ciclo de los ‘Jueves Flamencos’ organizados por el guitarrista Manuel Morao. Su trayectoria cosechó muy pronto importantes galardones. Con 10 años obtuvo el primer premio de Fuengirola, en la modalidad de jóvenes. En 1988, con 13 años, fue finalista del Concurso de Mairena del Alcor; ese mismo año viajó por Estados Unidos con la Compañía Gitanos de Jerez, dirigida por Manuel Morao, y después por Europa con el espectáculo “Misa Flamenca”. A partir de 2000 se consolidó como profesional al lograr los premios del Memorial Camarón de la Isla y el Concurso Nacional de Arte Flamenco. A todo ello se sumó, en 2014, el Giraldillo al Cante de la Bienal de Flamenco de Sevilla “por incorporar su personalidad al legado de los grandes maestros”, según destacó el jurado. En 2008 grabó su primer disco, Viento del sur, al que le siguió en 2015 Directo en el Círculo Flamenco de Madrid, junto al guitarrista Diego del Morao.

Fotografía: oliver Viladoms Studio

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El próximo sábado 26 de octubre comienza la sexta edición del ciclo BACH VERMUT del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música de Madrid. El protagonista que dará comienzo a esta serie de siete conciertos será David Cassan, una de las figuras más destacadas de la joven hornada de organistas franceses. En esta nueva etapa, el ciclo presentará, desde el 26 de octubre al 9 de mayo del año próximo, obras de Bach junto a piezas de otros grandes nombres de la composición para órgano, de diferentes épocas, de la mano de figuras internacionales de este instrumento, como el mencionado David Cassan, Jeremy Joseph, el dúo formado por Ana Aguado y Ana Belén García, Thierry Escaich, Óscar Candendo (acompañado por la Coral de Cámara de Navarra), Daniel Oyarzabal y Jean-Baptiste Robin.

Una revolución en el mundo del órgano

La ambiciosa iniciativa Bach Vermut del CNDM, que inició su andadura en octubre de 2014, ha conseguido durante cinco temporadas consecutivas que más de 80.000 espectadores (cada vez con más gente joven en los conciertos) se acerquen, muchos de ellos por primera vez, a escuchar y contemplar el fascinante mundo del órgano. El público le ha perdido definitivamente el “miedo” al órgano y Bach Vermut se ha establecido como una de las citas musicales y culturales más exitosas del momento, actualizando radicalmente la imagen de este instrumento excepcional. Todo ello gracias a una fórmula innovadora de formato de concierto que ha sabido combinar varios elementos, por un lado la grandeza de la música de J.S. Bach interpretada por los mejores organistas internacionales en un órgano formidable, y por otro haberla acompañado de un espacio de convivencia lúdico que ha roto con el protocolo clásico de los recitales al uso, al fomentar la tertulia entre el público mientras se degusta un aperitivo antes y después de cada concierto, aderezado con una sesión de jazz en vivo. Y todo ello a unos precios asequibles: 5€ para el público general y 3€ para menores de 30 años. Un plan redondo para las mañanas de los sábados madrileños.

Bach Vermut ya se ha consolidado agotando las localidades para casi todas sus citas y, a día de hoy, se reconoce también fuera de España debido a su exitosa receta de concierto, vermut y jazz. El nombre de Bach está unido indisolublemente al órgano y todo organista, en mayor o menor medida, se llena y nutre de la obra del Maestro durante toda su carrera. Pero, claro está, hay vida en el órgano más allá de Bach y ello ha quedado más que evidenciado en los programas de las temporadas precedentes, donde el repertorio se ha ampliado enormemente y ha hecho que el fastuoso órgano Grenzing de la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional nos mostrara sonidos, colores y tímbricas que no habían sido escuchados en los 20 conciertos de la integral de Bach.

El apoyo del CNDM a la música de órgano se volverá a extender por toda la geografía española gracias al ciclo “El Órgano en las Catedrales”: siete conciertos en las catedrales de Bilbao, Murcia, Pamplona, Málaga, Segovia, Las Palmas de Gran Canaria y Girona en línea con la vocación del centro de hacer llegar la música a un gran número de ciudades, en este caso a través de los magníficos instrumentos de nuestras catedrales y manteniendo vivo el patrimonio musical.

David Cassan

David Cassan es considerado por muchos uno de los organistas más destacados de su generación. Estudió en el Conservatorio de Caen y París con maestros de la talla de Thierry Escaich, Pierre Pincemaille, Philippe Lefebvre, Francois Espinasse, Jean-Francois Zygel y Erwan Le Prado. Es invitado habitualmente a tocar de solista con la Orquesta Filarmónica de París, la Orquesta Nacional de Lyon, Capitole de Toulouse y la Orquesta y Coro Sinfónico de París. Además de en Francia, ha tocado en Alemania, Inglaterra, Rusia, China, Israel, Letonia, Estonia, España, Irlanda, Uruguay, Holanda, Islandia, Portugal, Luxemburgo, Bélgica, Italia y Suiza. En la actualidad es uno de los organistas más aclamados por la crítica especializada. Su repertorio incluye todas las épocas prestando especial atención al repertorio de Bach y a la música francesa de los siglos XIX y XX. Cassan es un destacado y creativo improvisador y ofrece numerosos conciertos improvisando al piano y al órgano en películas mudas. Tienen en su poder 12 primeros premios en muchos de los más importantes concursos de órgano del mundo como Chartres (Francia), St. Albans (Inglaterra), Haarlem (Holanda) y Gran Prix Jean-Louis Florentz de la Academia de Bellas Artes de Francia. Su reputación como pedagogo ha crecido vertiginosamente en los últimos 5 años e imparte clases magistrales alrededor de todo el mundo: San Petersburgo, Pekín, Milán, Lausana, París, etc. Cassan es docente en los Conservatorios de Nancy y Saint Mur-des-Fossés. Es invitado como jurado en infinidad de concursos internacionales. Actualmente es organista de El Oratorio de Louvre en París.

Agenda Bach Vermut:

  • 11.30h Apertura de puertas y acceso a la zona de degustación gastronómica
  • 12.30h Concierto en el órgano de la Sala Sinfónica, retransmitido en pantalla gigante
  • 13.30h-14.30h BACH JAZZ! Aperitivo-degustación amenizado por conjuntos de jazz que interpretan sus versiones de obras de Bach
  • Fotografía: Q. Lagny

El domingo 27 de octubre a las 19 horas, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) inaugura su ciclo Universo Barroco en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música de Madrid con el estreno en tiempos modernos de la ópera Coronis, atribuida al compositor Sebastián Durón y al dramaturgo José de Cañizares. Los encargados de darle vida serán el conjunto Los Músicos de Su Alteza, dirigidos por su fundador, Luis Antonio González, junto a un elenco que reúne a buena parte de las mejores voces femeninas del actual Barroco español: las sopranos Olalla Alemán, Estefanía Perdomo, Eugenia Boix y Aurora Peña, la mezzosoprano Marta Infante y dos voces masculinas, la del tenor Diego Blázquez y el barítono José García Aréjula. Las entradas, con un precio general de 12€ a 30€, y descuentos hasta del 60% para los menores de 30 años y desempleados (entradas de “Último minuto”, con compra desde una hora antes del inicio del concierto en las taquillas de la sala) ya están a la venta en las taquillas del Auditorio Nacional y teatros del INAEM, en entradasinaem.es y por teléfono en el 902 22 49 49.

Esta temporada se incorporan a la programación los “Contextos Barrocos”, una nueva serie de charlas previas a los conciertos del ciclo Universo Barroco (Sinfónica) en las que el redactor jefe de la revista Scherzo, Eduardo Torrico, desgranará de un modo desenfadado los detalles más interesantes de las obras interpretadas así como su historia, personajes y anécdotas. También participarán de esta nueva cita diversos intérpretes del ciclo enriqueciendo con su propia visión y experiencia dichos encuentros. La primera charla, “Atribuido a Durón: Coronis”, se celebrará a las 18:00 horas el mismo día del concierto y contará, además, con la presencia del director Luis Antonio González. Todas las charlas se celebrarán en el Salón de Actos de la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional y tendrán una duración aproximada de 45 minutos.

Coronis o la incertidumbre

Según expone el director Luis Antonio González: “La pieza que hoy llamamos Coronis es una obra llena de misterios, a pesar de la erudición de algunos estudios realizados. […] Tanto en el texto como en la música Coronis presenta algunos contrastes estilísticos que podrían hacer pensar en una autoría múltiple, es decir, que en el libreto y la música hubieran podido colaborar diversos ingenios. No sería la primera ni la última vez en la dramaturgia musical española. En todo caso, desde el punto de vista estilístico, que es el principal asidero hoy existente a falta de documentación al respecto, y conectando circunstancias históricas ya conocidas, puede atribuirse la música, al menos en su mayor parte, a Sebastián Durón; también puede pensarse que el libreto o parte de él sea obra de José de Cañizares, que colaboró con Durón en varias producciones desde Salir el Amor del mundo (1696). Cuestiones métricas, giros particulares y la caracterización de algunos personajes como los graciosos parecen apuntar a Cañizares, buen conocedor del teatro calderoniano y, posteriormente, colaborador de los grandes músicos españoles para el teatro en la primera mitad del XVIII (Literes, Nebra…). Asimismo, los procedimientos constructivos, las líneas melódicas, la reiteración de ciertos intervalos con valor simbólico, el idiomatismo de las partes instrumentales, etcétera, señalan a Durón como autor —o principal autor— de la música. El hecho de que convivan maneras arcaizantes con elementos de rabiosa modernidad es, por otro lado, característico de Durón y de los buenos músicos de su generación, que están en activo en las últimas décadas del siglo XVII y principios del XVIII, una época en que los compositores españoles intentan, con mayor o menor fortuna, asimilar y hacer suyas las formas y técnicas que vienen de Italia —y también de Francia, no hay que olvidarlo—, sin renunciar a la tradición de composición hispánica”.

Emoción, frescura y rigor histórico componen su divisa. Una justa mezcla de investigación, intuición e imaginación sirve a Los Músicos de Su Alteza para convertir, desde el máximo respeto a la obra de los grandes maestros de siglos pasados, la vieja escritura muerta en música viva. Centenares de actuaciones -conciertos, grabaciones, publicaciones, cursos- en Europa y América avalan a Los Músicos de Su Alteza como grupo de referencia en la recuperación e interpretación de la música barroca. En sus más de veinticinco años de vida, han rescatado de archivos españoles y americanos una buena parte del rico patrimonio musical hispánico de los siglos XVII y XVIII, partiendo de las investigaciones de su fundador y director Luis Antonio González. Compositores antes desconocidos o poco frecuentados, como Joseph Ruiz Samaniego (fl. 1653-1670) o José de Nebra (1702-1768), son hoy acogidos con enorme éxito en medio mundo gracias a la labor de Los Músicos de Su Alteza.

El conjunto Los Músicos de Su Alteza cuenta desde sus comienzos con un sólido conjunto de cantantes e instrumentistas fieles al espíritu de recuperar con renovada frescura el repertorio barroco español e internacional. Con la vocación de recuperar la mejor música española de los siglos XVII y XVIII en las mejores condiciones de calidad artística y verosimilitud histórica, contextualizada con la música internacional de aquellos siglos y con criterios avalados por la investigación musicológica, Los Músicos de Su Alteza han actuado con éxito considerable en numerosos escenarios y en los más importantes festivales en España, Francia, Holanda, Bélgica, Suiza, Italia, Gran Bretaña, México, Estados Unidos, etcétera. En los últimos años, Los Músicos de Su Alteza dedican parte de su tiempo a compartir experiencias con jóvenes músicos en cursos, talleres y seminarios (Curso Internacional de Música Antigua de Daroca, Cursos de Verano en La Alhambra Universidad de Granada, en la Universidad Juárez de Durango, el Conservatorio de Las Rosas de Morelia, la Universidad de Arizona, etcétera). Desde 2017 Los Músicos de Su Alteza son grupo residente del Auditorio de Zaragoza.

El próximo lunes 21 de octubre a las 19:30h, el Círculo de Bellas Artes, en coproducción con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), inaugura el ciclo Beethoven Actual en el Teatro Fernando de Rojas. El programa del ciclo estará formado por un total de 9 conciertos, que se desarrollarán entre octubre de 2019 y junio de 2020, en los que 9 pianistas españoles interpretarán las 32 Sonatas de Ludwig van Beethoven, los 18 Estudios para piano de György Ligeti y reestrenarán 8 obras firmadas por algunos de los mejores compositores españoles de hoy, un grupo de creadores actuales pertenecientes a distintas generaciones y estéticas: Francisco Lara, Gustavo Díaz-Jerez, Ramón Paus, Armando Alfonso, José Luis Greco, Ricardo Llorca, Carles Guinovart y Jesús Rueda. Como novedad en el ciclo se presentará el estreno absoluto de Ligetoven de Tomás Marco, obra encargo del CNDM y del Círculo de Bellas Artes.

El protagonista de la velada inaugural será el pianista Daniel del Pino que abordará las Sonatas nº 1, nº 19, nº 20, nº 6 y nº 7 de Beethoven, los Estudios nº 1 y nº 13 de Ligeti y la obra Étude d’Oiseaux de Francisco Lara.

Beethoven Actual, cuyo origen se remonta a las celebraciones del Día de la Música (2013) organizadas por el CNDM en el Auditorio Nacional de Música de Madrid, ha sido presentado desde entonces en numerosas ciudades por una brillante generación de destacados pianistas españoles. Esta temporada los protagonistas serán: Daniel del Pino (21 de octubre), Gustavo Díaz-Jerez (11 de noviembre), Eduardo Fernández (16 de diciembre), Javier Negrín (27 de enero), Judith Jáuregui (17 de febrero), Alba Ventura (16 de marzo), Mario Prisuelos (6 de abril), Noelia Rodiles (18 de mayo) y Miguel Ituarte (1 de junio).

El precio de la entrada general para cada uno de los conciertos, que tendrán lugar en el Teatro Fernando de Rojas del Círculo de Bellas Artes a las 19.30h, es de 10€ y las localidades de precio reducido (para jóvenes menores de 30 años, estudiantes con acreditación, mayores de 65 años, socios CBA y abonados del Auditorio Nacional) se podrán adquirir por 7€.

Este ciclo viajero recalará durante esta nueva temporada, además de en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, en el Auditorio Regional Víctor Villegas de Murcia.

El lunes 14 de octubre a las 19.30 horas, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) inaugura la temporada 19/20 de su ciclo Series 20/21, centrado en la música de nuestros días, en dos espacios diferentes: el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) y las Naves de Matadero de Madrid. Esta serie musical presentará doce conciertos gratuitos en el MNCARS desde el 14 de octubre de 2019 al 25 de mayo de 2020, y dos conciertos en las Naves de Matadero los días 28 y 29 de febrero de 2020 (venta de entradas en: naves.mataderomadrid.org/), en los que participarán grandes nombres de la escena musical contemporánea. Para la inauguración del ciclo se ha elegido un programa que intercala una selección de las Vingt regards sur l’Enfant-Jésus de Olivier Messiaen con obras de José Manuel López López, Compositor Residente del CNDM para la temporada 19/20, del que se interpretarán, a lo largo de este año, 19 obras -con cuatro estrenos- en 15 conciertos programados en siete ciudades españolas (Madrid, Malpartida de Cáceres, Segovia, Badajoz, Valencia, Alicante y Barcelona) y una extranjera (París).

El mosaico musical de la obra de Messiaen se contrastará con el opus pianístico del compositor madrileño reflejado en cinco obras: Lo fijo y lo volátil, Bien à toi, Finestra in la Chigiana, In memoriam Joaquín Homs y Un instante anterior al tiempo. El pianista salmantino Alberto Rosado será el titular de esta velada de acceso libre hasta completar el aforo de la sala. Como actividad complementaria a este concierto, el mismo día 14 de octubre, a las 13 horas, Rosado participará en un encuentro con estudiantes (con acceso previa inscripción para todos los interesados) en la Facultad de Geografía e Historia de la Universidad Complutense.

López López: comprometido con su tiempo

Según Antonio Gómez Schneekloth: “Una mirada somera al catálogo de José Manuel López López basta para captar su amplitud: desde la brevísima Aixa de 1984, el compositor madrileño ha sentido la ‘necesidad interior’ (diría Kandinsky) de escribir varias piezas al año. La continuidad es un síntoma inequívoco de una mente inquieta que quiere comunicar algo, que desea entablar un diálogo con quienes se dejan embaucar por su universo sonoro. Éste no siempre fue el mismo. El tiempo ha esculpido el estilo y la manera de pensar de López López, lo cual se refleja en otro aspecto crucial de su catálogo: la diversidad. Receptivo, curioso, intuitivo y reflexivo a la vez, distinguido con diversos premios nacionales e internacionales, ha tocado muchos palos y tiene en su haber obras solistas y de cámara, electrónicas y multimedia, sinfónicas y escénicas. También ha colaborado con artistas como el pintor José Manuel Broto o el videocreador Pascal Auger, con quien volverá a trabajar mano a mano en el séptimo concierto de Series 20/21. El primero de éstas correrá a cargo del pianista Alberto Rosado y permitirá conocer el opus pianístico de López López, mientras que el Cuarteto Arditti estrenará su Cuarteto nº 2 en una cita posterior. En el ámbito sinfónico, Nacho de Paz dirigirá en marzo de 2020 el estreno de la obra Tisseur de sable. Éstos son algunos de los puntos álgidos del conjunto de piezas de López López que sonarán a lo largo de la temporada en distintos espacios y ciudades de la geografía nacional. Tras estudiar con Luis de Pablo, López López asistió a cursos impartidos por Luigi Nono y Franco Donatoni en España e Italia. Más tarde, se trasladó a Francia para ampliar sus estudios con Messiaen y Boulez, entre otros. Concluida esta etapa, afianzó su propio lenguaje musical adentrándose en el campo de la música electrónica a través de Horacio Vaggione y, en el IRCAM de París, con Tristan Murail, Philippe Manoury y Hugues Dufourt. Hoy en día, el propio López López desarrolla una amplia labor pedagógica, formando a las nuevas generaciones de compositores: lo que antaño fueron Nono, Donatoni, Boulez y otros para él ahora lo es él para los jóvenes. Pero hay algo que no ha cambiado en todos estos años con respecto al compositor y profesor: la ‘necesidad interior’ (volvería a decir Kandinsky) de sentirse comprometido con su tiempo”.

El pianista Alberto Rosado (Salamanca, 1970) ha ofrecido recitales en las principales ciudades y festivales de Europa, América y Asia y ha actuado como solista con algunas de las mejores orquestas y ensembles europeos dirigido por P. Eötvös, S. Mälkki, J. Pons, J. Nott, F. Panisello, R. Frübeck de Burgos, J. R. Encinar, P. Halffter, A. Tamayo, Z. Nagy, J. L. Temes, P. Rundel, etc. Es pianista de Plural Ensemble -Madrid- desde 1997. Entre sus grabaciones destacan el Concierto para piano y orquesta de J. M. López López con la Deutsches Symphonie Orchestre dirigida por J. Kalitzke, para Kairos, el Concierto para piano de Ligeti con Plural Ensemble y Fabián Panisello para Neos y la obra completa para piano de C. Halffter y la de J. M. López López con Verso, discográfica con la que también tiene un disco con obras de Messiaen, Ligeti, Takemitsu y Cage. Su proyecto más ambicioso hasta la fecha es e-piano_video&electronics, un CD-DVD distribuido por el sello IBS Classical con la colaboración de la Fundación BBVA y con la música más reciente para piano, electrónica y vídeo de Fuentes, Paredes, Humet, Estrada, Edler-Copes, Morales-Ossío y Navarro. Es profesor de música de cámara y piano contemporáneo del Conservatorio Superior de Castilla y León donde dirige el taller de música contemporánea.

Fotografía: Arturo Fuentes

El miércoles 9 de octubre a las 19.30 horas, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) inaugura la serie de conciertos protagonizados por la violinista alemana Isabelle Faust, “Artista Residente” del centro para la temporada 19/20. En esta residencia, Isabelle Faust viajará desde el siglo XVII hasta las creaciones actuales, algunas escritas específicamente para ella. En el primer concierto, que se celebrará en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música, dentro del ciclo Liceo de Cámara XXI, Faust liderará un octeto de grandes instrumentistas integrado por Anne-Katharina Schreiber (violín), Danusha Waskiewicz (viola), Kristin von der Golt (violonchelo), James Munro (contrabajo), Lorenzo Coppola (clarinete) Javier Zafra (fagot) y Teunis van der Zwart (trompa). El programa estará formado por las Seis bagatelas para cuarteto de cuerda de A. Webern y dos obras clave de F. Schubert: el Cuarteto de cuerda nº 12 en do menor ‘Quartettsatz’ y el Octeto en fa mayor.

A lo largo de la temporada Isabelle Faust participará en cuatro conciertos más incluidos en tres ciclos diferentes de la programación del CNDM. La próxima cita será el 4 de noviembre en el Auditorio 400 del Museo Reina Sofía, dentro del ciclo Series 20/21, donde Isabelle Faust abordará un programa solista integrado por obras de G. Rochberg, L-G. Guillemain, H. Holliger, J. Georg Pisendel, G. Benjamin y H.I. Franz von Biber. Junto a la Akademie für Alte Musik Berlin, la violinista alemana hará su incursión en el ciclo Universo Barroco, acompañada de Bernhard Forck (concertino y director) y Xenia Löffler (oboe) para interpretar el gran repertorio de J.S. Bach y C.P.E. Bach. El concierto se celebrará el 2 de marzo en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional. El 4 de junio tres músicos clave de la escena actual se unirán a Isabelle Faust en una de las citas más esperadas del ciclo Liceo de Cámara XXI. El violonchelista Jean-Guihen Queyras, el pianista Pierre-Laurent Aimard y el clarinetista Jörg Widmann tocarán junto a Faust una de las obras más importantes del siglo XX: el Cuarteto para el fin de los tiempos de O. Messiaen. Completará el programa la música de A. Berg, M. Ravel y E. Carter. Por último, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional, el CNDM realizará un concierto en coproducción con la Orquesta Sinfónica de Galicia con Isabelle Faust como solista de la primera versión del Concierto para violín y orquesta en re menor de J. Sibelius. La cita será el 10 de junio de 2020.

Isabelle Faust fascina a sus oyentes con sus sólidas interpretaciones. Profundiza en cada pieza consciente del contexto musical, los instrumentos históricamente apropiados y la autenticidad de acuerdo con un estado de conocimiento contemporáneo. Destaca constantemente en un repertorio que va desde H. I. Franz von Biber a H. Lachenmann. Después de ganar el Concurso Leopold Mozart y el Paganini, actuó muy pronto con las orquestas más importantes del mundo, como la Orquesta Filarmónica de Berlín, la Orquesta Sinfónica de Boston, la Orquesta Sinfónica de NHK en Tokio, la Chamber Orchestra of Europe y la Orquesta Barroca de Friburgo. Faust disfruta actualmente de una estrecha colaboración con directores como Giovanni Antonini, Frans Brüggen, Sir John Eliot Gardiner, Bernard Haitink, Daniel Harding, Philippe Herreweghe, Andris Nelsons y Robin Ticciati. La gran curiosidad artística de Isabelle Faust y su mente abierta abarcan todas las épocas y formas de cooperación instrumental. Además de los grandes conciertos de violín sinfónico, toca, por ejemplo, el Octeto de Schubert con instrumentos históricos y los Fragmentos de Kafka de G. Kurtág con Anna Prohaska o Historia de un soldado de I. Stravinski con Dominique Horwitz. Con gran compromiso, presta un servicio excepcional a la interpretación de la música contemporánea y en las próximas temporadas estrenará obras de P. Eötvös, O. Adámek, M. Stroppa, O. Strasnoy y B. Furrer. Las grabaciones de Faust han sido elogiadas unánimemente por la crítica y galardonadas con el Premio Diapason d’Or, Grammophone Award, Choc de l’année y otros premios. Las más recientes incluyen los conciertos de violín de Mozart con Il Giardino Armonico bajo la dirección de Giovanni Antonini. Isabelle Faust cuenta también en su discografía con grabaciones destacadas, entre otras, de sonatas y partituras para solo de violín de J.S. Bach, así como conciertos de violín de L.v Beethoven y A. Berg bajo la dirección de Claudio Abbado. Faust mantiene una larga colaboración en música de cámara con el pianista Alexander Melnikov, con el que ha publicado todas las sonatas para piano y violín de L.v Beethoven, así como otras obras. Isabelle Faust ha sido artista residente en Kölner Philharmonie durante la temporada 2018/2019.

Fotografía: Felix Broede

El lunes 7 de octubre a las 20h, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en coproducción con el Teatro de La Zarzuela, presentan en el XXVI Ciclo de Lied al barítono alemán Matthias Goerne, que este año cumple dos décadas desde su debut en el ciclo. Goerne ha sido el artista que más veces ha participado, con un total de veinte recitales a lo largo de diecisiete ediciones. Siempre con programas especialmente exigentes, las sorprendentes propuestas de Goerne para voz masculina revelan su permanente inquietud en este género. El barítono interpretará junto al pianista Alexander Schmalcz, un programa heterogéneo protagonizado por la música de Frank Martin, Dmitri Shostakóvich, Hans Pfitzner y Richard Strauss. Las entradas, con un precio general de 8 a 35 euros, ya están a la venta en las taquillas del Teatro de La Zarzuela, teatros del INAEM, entradasinaem.es y 902 22 49 49.

Goerne: 20 aniversario

Según palabras de Miguel Ángel González Barrio en las notas al programa: “Matthias Goerne y Alexander Schmalcz nos proponen un recital denso y variado. En cada parte, dos compositores coetáneos dialogan sobre los mismos temas. Ellos y sus poetas, sus voces, estilos respectivos y puntos de vista son confrontados. En el proceso contemplamos el asunto desde distintos ángulos, con diferente luz, adquiriendo una imagen más rica y completa.”

Matthias Goerne es uno de los cantantes más versátiles y solicitados internacionalmente y un invitado frecuente en festivales y salas de conciertos de renombre. Ha colaborado con las orquestas, los directores y los pianistas más importantes del mundo. Nacido en Weimar, estudió con Hans-Joachim Beyer en Leipzig y más tarde con Elisabeth Schwarzkopf y Dietrich Fischer-Dieskau. Matthias Goerne ha cantado en los principales teatros de ópera del mundo, como el Metropolitan Opera de Nueva York, el Royal Opera House Covent Garden, el Teatro Real de Madrid, la Ópera Nacional de París y la Ópera Estatal de Viena. Sus roles van desde Wolfram, Amfortas, Wotan, Orest y Jochanaan hasta los papeles principales en Duke Bluebeard’s Castle de Béla Bartók y Wozzeck de Alban Berg. El arte de Goerne ha sido documentado en numerosas grabaciones, muchas de las cuales han recibido prestigiosos premios, entre ellos, cuatro nominaciones a los Grammy, el Premio ICMA, el Premio Gramophone, el BBC Music Magazine Vocal Award 2017 y el Diapason d’Or. Después de sus legendarias grabaciones con Vladimir Ashkenazy y Alfred Brendel para Universal Music, registró una serie de canciones de Schubert seleccionadas en doce álbumes para Harmonia Mundi (The Goerne/Schubert Edition) con eminentes pianistas. Sus últimas grabaciones han recibido críticas muy favorables. Además de su residencia en la Filarmónica de Nueva York, otros aspectos destacados de la temporada 2018-2019 incluyeron conciertos con otras orquestas importantes en Estados Unidos, Europa y Japón. Matthias Goerne ha cantado acompañado por Daniil Trifonov, Leif Ove Andsnes y Antonio Pappano, en la Philharmonie en Berlín, la Philharmonie de París, el Wigmore Hall en Londres, el Palau de la Música en Barcelona y otros lugares importantes de Europa. Por último, Goerne ha estado presente en los festivales de verano de 2019 en Ravinia, Salzburgo y Verbier. Matthias Goerne ha participado en diecisiete ediciones del Ciclo de Lied: V (98-99), VI (99-00), VII (00-01), VIII (01-02), IX (02-03), X (dos recitales, 03-04), XII (05-06), XIII (06-07), XIV (07-08), XV (08-09), XVI (09-10), XVII (10-11), XIX (12-13), XXI (14-15), XXIII (16-17), XXIV (tres recitales, 17-18), XXVI (19-20).

Fotografía: Caroline de Bon

Enrique Cabero, vicerrector de Política Académica y Participación Social, Francisco Lorenzo, director del Centro Nacional de Difusión Musical, junto a Bernardo García-Bernalt, director de la Academia de Música Antigua de la Universidad de Salamanca y Luis Barrio, subdirector del Servicio de Actividades Culturales, presentan la séptima edición del ciclo ‘Salamanca Barroca’, programación coproducida entre la Universidad de Salamanca (USAL) y el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM, unidad del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música del Ministerio de Cultura y Deporte) para el curso académico 2019-2020. El ciclo ‘Salamanca Barroca’ forma parte del programa “Circuitos” del CNDM, presente en 32 ciudades españolas y 12 extranjeras.

Salamanca Barroca

La séptima edición del ciclo ‘Salamanca Barroca’ presentará 12 conciertos del 14 de octubre al 2 de junio de 2020. El ciclo, a lo largo de todas sus temporadas, ha supuesto un punto de encuentro de intérpretes y formaciones emergentes con otros de una larga y consolidada trayectoria. En esta edición se recorrerá la música de los siglos XVI, XVII y XVIII donde se podrán escuchar más de una veintena de recuperaciones históricas en tiempos modernos.

La Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca será la encargada de inaugurar el ciclo el próximo 14 de octubre junto a Pedro Gandía (concertino y dirección) y Julia Doyle (soprano), con un programa dedicado a las músicas que confluyeron entre las Cortes barcelonesa y vienesa de los Habsburgo. El mismo conjunto será el encargado de clausurar el ciclo con un programa, dirigido por Alfredo Bernardini, que pondrá en diálogo la obra de Domenico Scarlatti con la de los otros dos gigantes de la añada de 1685: Johann Sebastian Bach y George Frideric Haendel.

La siguiente cita, el 28 de octubre, la protagonizarán la Academia de Música Antigua junto a la soprano Barbora Kabátková y el Consort de Violas da Gamba de la Universidad de Salamanca bajo la dirección de Sara Ruiz. Ambos conjuntos interpretarán obras de Diego Ortiz, centrándose en la música incluida en su Tratado de glosas, la contribución hispana más importante a la literatura para viola da gamba. El seiscientos ibérico será el eje central del programa presentado por La Galanía y la soprano Raquel Andueza, en el que se reconstruirán danzas y bailes cantados, algunos de ellos con textos de los más conocidos poetas auriseculares. La cita será el 19 de noviembre.

La intrincada red musical del ciclo llegará a un punto álgido con el concierto extraordinario que conmemora, en la capilla del Colegio Mayor Arzobispo Fonseca, los quinientos años de la fundación del mismo. El 27 de noviembre el grupo vocal inglés Stile Antico llenará la capilla con músicas de compositores católicos isabelinos en el exilio. Todo un símbolo.

La música iberoamericana tendrá cabida en el ciclo de la mano del conjunto Nereydas con Javier Ulisas Illán al frente, que contará con la soprano Alicia Amo y el contratenor Filippo Mineccia. La figura central del programa será la música rescatada de las catedrales de México, Puebla y Oaxaca del compositor español Ignacio de Jerusalem. Tal acontecimiento se celebrará el 10 de diciembre. A esta cita le seguirá, el 6 de febrero, el concierto protagonizado por Ignacio Prego, uno de los nuevos valores de la interpretación clavecinística en nuestro país, junto con el grupo fundado por él, Tiento Nuovo, que nos llevará de nuevo desde la Corte de Habsburgo hasta la Corte madrileña de los Borbones con Domenico Scarlatti como figura fundamental.

Los Músicos de su Alteza con Luis Antonio González (clave, órgano y dirección) y Olalla Alemán (soprano) propondrán el 18 de marzo un programa conceptual que pondrá en diálogo obras del seiscientos italiano con piezas inéditas del siglo XVII español. Por su parte, la agrupación Concento de Bozes, bajo la dirección de Carlos Mena, junto a la Academia de Música Antigua de la USAL interpretará el 30 de marzo un programa centrado en la música vocal española de los siglos XVII y XVIII.

El Haendel más italiano se hará presente en el concierto del Ensemble 1700, el 17 de abril, con Dorothee Oberlinger (flauta y dirección) y el polifacético Dmitry Sinkovsky (contratenor y violín), con un programa que incluirá también música de A. Falconieri, T. Merula, G. P. Telemann, C. P. E Bach y A. Vivaldi. Con toque haendeliano le seguirá el concierto del Coro de Cámara y la Academia de Música Antigua de la USAL, bajo la dirección de Bernardo García-Bernalt, junto al tenor Víctor Sordo, en el que se abordará la música sacra anglicana del compositor alemán. Por último, una de las obras más míticas del barroco musical, las Variaciones Goldberg de Johann Sebastian Bach, se escucharán en la versión del clavecinista francés Benjamin Alard. La cita será el 12 de mayo.

El programa del ciclo ‘Salamanca Barroca’ coproducido por la USAL y el CNDM se completa con dos cursos: uno de canto histórico dirigido por el contratenor Carlos Mena y otro de cuerda barroca impartido por Pedro Gandía, Andoni Mercero e Itziar Atutxa. Ambos cursos están organizados por la Academia de Música Antigua de la Universidad de Salamanca.

Las localidades, con un precio de 8€ a 15€ para el público general y con un 20% de descuento para estudiantes y miembros de la comunidad universitaria, se pueden adquirir ya en Mercatus (tienda oficial de la Universidad) de lunes a sábado de 10:00 a 20:00h y domingos de 10:15 a 14:00h (c/ Benedicto XVI, nº 22) y en Long Play de lunes a viernes de 10:00 a 14:00h y de 17:00 a 20:30h, sábados de 10:00 a 14:00h (c/ Rúa Mayor, nº 6), a través de la web http://sac.usal.es y una hora antes de cada concierto en taquilla.

Fotografía: © Dave Casanova

De izquierda a derecha: Isabel Plano (concejala de Cultura del Ayuntamiento Malpartida de Cáceres), Alberto Flores (técnico de Arte del Museo Vostell Malpartida), Toni Álvarez (directora del Centro de las Artes Escénicas y de la Música de Extremadura – CEMART) y Francisco Lorenzo (director del Centro Nacional de Difusión Musical).

 

El Centro Nacional de Difusión Musical coproduce, por tercera vez, el Ciclo de Música Contemporánea del Museo Vostell Malpartida que, del 12 al 27 de septiembre, presentará cinco conciertos y tres actividades educativas centradas en el arte sonoro y las músicas experimentales.

Todas las actividades del festival son de acceso libre hasta completar el aforo.

Cáceres. 12 de septiembre 2019 – Esta mañana, Toni Álvarez (directora del Centro de las Artes Escénicas y de la Música de Extremadura – CEMART) junto a Francisco Lorenzo, director del Centro Nacional de Difusión Musical, CNDM (unidad del INAEM, Ministerio de Cultura y Deporte), Isabel Plano (concejala de Cultura del Ayuntamiento de Malpartida) y Alberto Flores (técnico de Arte del Museo Vostell Malpartida) han presentado la vigésima primera edición del Ciclo de Música Contemporánea del Museo Vostell Malpartida, actividad de carácter internacional centrada en el arte sonoro y en la diversidad de músicas experimentales. Esta edición ofrecerá, del 12 al 27 de septiembre, cinco conciertos y tres actividades educativas. Se trata de la tercera vez en que el CNDM lo coproduce como parte del compromiso que tiene por promover e impulsar la creación musical actual a través de su extensa programación en 44 ciudades (32 españolas y 12 extranjeras), y fomentando la composición de nuevas partituras (56 nuevas obras en esta temporada, 32 de las cuales son encargo del CNDM).

Músicas exploratorias

La vigésima primera edición de este ciclo de carácter indagador se extenderá a lo largo de tres fines de semana. En la primera jornada, hoy jueves 12, el inventivo percusionista portugués, Gabriel Ferrandini, presentará un concierto de música improvisada en formato trío: Gabriel Ferrandini’s Volúpias junto a dos históricos improvisadores del país vecino, el contrabajista Hernâni Faustino y el saxofonista Pedro Sousa. La intensidad creativa de la música exploratoria lusa nos permitirá descubrir los principales movimientos sísmicos que se producen en una escena de gran efervescencia. Al día siguiente, viernes 13, la flautista Alessandra Rombolà y la saxofonista Xelo Giner tendrán un encuentro con el público previo a un concierto vertebrado por obras de compositoras del panorama contemporáneo actual, entre las que destacan el estreno absoluto Dé-coll/age firmado por la extremeña Inés Badalo.

En su semana central, el ciclo ofrecerá el viernes 20 de septiembre un concierto bajo el título “In the Shadow of Fluxus”, donde el intérprete, compositor y uno de los principales exponentes de la escena del arte sonoro, John Godfrey, combinará en un discurso fluido piezas firmadas por fluxistas y obras más recientes de su propia autoría y de creadores irlandeses. A través de un material visual, sonoro y performativo las obras se fundirán, se superpondrán y, a veces, se interpretarán simultáneamente. Ya en la jornada del sábado 21, el gran pianista y compositor Agustí Fernández, considerado como el improvisador español más notable de su generación, ofrecerá un encuentro con el público como preámbulo a un concierto intimista a piano solo.

Como cierre, el viernes 27, el conjunto Valencia Percussion Academy presentará en el Museo Vostell una experiencia musical donde las texturas más exquisitas y las sonoridades más salvajes y atronadoras se harán presentes en un espectáculo en el que las piezas se sucederán sin solución de continuidad. Una jornada cargada de emoción que cuestionará los límites del arte, previo a un encuentro con el público en el que se expondrán las particularidades de este concierto bajo el título “Drama Around”. Cabe destacar la interpretación de Estudio II sobre las Modulaciones Métricas de José Manuel López López, compositor residente de la temporada 19/20 del CNDM.

La XXI edición de este Ciclo de Música Contemporánea estará coproducida, además de por el Centro Nacional de Difusión Musical del INAEM y el Consorcio Museo Vostell Malpartida, por la Junta de Extremadura, la Diputación de Cáceres y el Ayuntamiento de Malpartida de Cáceres, y cuenta además, con la colaboración del Centro de las Artes Escénicas y de la Música de Extremadura (CEMART), el Gabinete de Iniciativas Transfronterizas, el Instituto Camões y la Asociación de Amigos del Museo Vostell Malpartida. Todos los conciertos son de acceso libre hasta completar el aforo.

Más información: cndm.mcu.es / museovostell.gobex.es

El pasado sábado 22 de junio, el Auditorio Nacional de Música acogió la quinta edición (las cuatro anteriores, en junio de 2011, 2013, 2015 y 2017) del maratón musical ¡Solo música!, cita bienal nacida para celebrar el Día de la Música. Organizado por el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), unidad perteneciente al Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), esta edición presentó 7 conciertos, con más de 500 intérpretes, a lo largo de 13 horas ininterrumpidas de música, con los ballets rusos de Chaikovski y Stravinski como eje central. Las actividades se repartieron entre la Sala Sinfónica y los dos espacios extraordinarios añadidos en las ediciones anteriores, el Salón de Tapices y el auditorio al aire libre de la Plaza Rodolfo y Ernesto Halffter, atrayendo la atención de 10.594 madrileños, casi un 80% de aforo, muchos de ellos poco familiarizados con la música clásica, que siguieron entusiasmados las propuestas programadas.

Como sucedió con los maestros Víctor Pablo Pérez (2017), Juanjo Mena (2015) y Jesús López Cobos (2013) Josep Pons ha superado el reto propuesto con gran éxito: casi un siglo de historia musical incidental rusa desde las Danzas Polovtsianas de Borodin, de 1869, a Petrushka de Stravinski compuesto en 1947.

Además de los conciertos ya citados, hay que mencionar Jazz Vermut!, improvisaciones jazzísticas de extractos musicales de los ballets rusos interpretadas por destacados solistas del panorama nacional que amenizaron las degustaciones gastronómicas montadas para avituallar al público. Como en ocasiones previas, a partir de media tarde se emitieron, en directo, en una pantalla gigante en la calle los conciertos de la Orquesta Nacional de España y la Joven Orquesta Nacional de España y, en diferido, el concierto de la Orquesta Sinfónica de RTVE. Cerca de la medianoche, la música de Haendel cerró la jornada acompañando a un castillo de fuegos artificiales, tradicional broche final de la cita más importante de música clásica dentro de las celebraciones de la “Fiesta de la Música”.

Proyecto compartido
Como en años anteriores, el proyecto ha sido posible gracias al apoyo del Ayuntamiento de Madrid, el Grupo RTVE (al que pertenece la Orquesta Sinfónica de RTVE), la Orquesta de la Comunidad de Madrid y la Orquesta Sinfónica de Madrid que se han sumado una vez más a esta iniciativa musical sin precedentes en nuestro país. Además, agradecer la participación de otras unidades del INAEM, como son la Orquesta Nacional de España, la Joven Orquesta Nacional de España o el propio Auditorio Nacional de Música, para hacerla realidad y abrirla al mayor número de ciudadanos posible. Hay que destacar el respaldo constante de los medios de comunicación, en especial el de Radio Clásica, que emitió en directo tres de los conciertos sinfónicos y RTVE, que grabó los cinco para emitirlos próximamente dentro de su programación dedicada a la música culta. Cerca de 150 profesionales hicieron posible que esta maratoniana jornada musical se desarrollara con total normalidad, sin ningún incidente entre el numeroso público asistente, que en todo momento se mostró tan respetuoso como entusiasta.

La prensa ha dicho de ¡Que vienen los rusos!:
“…Y de riesgo y entrega (la calidad se da por supuesta) va un maratón sinfónico. Lo demostró la Joven Orquesta Nacional de España, que brindó una versión brillante y emotiva. Aquí se bailó hasta la muerte, tal y como soñó el compositor. Pons, muy aplaudido durante todo el día, obtuvo, por fin, su mayor ovación. Y parecía poner cara de Diáguilev y esbozar en los labios la frase inmortal que pronunció, tras el escandaloso estreno de la obra: Esto es exactamente lo que quería” Pablo L. Rodríguez, EL PAÍS

“Con una cadencia de dos años, «Sólo música» ha alcanzado su quinta edición concentrando en un día cinco conciertos sinfónicos, otros tantas sesiones de «jazz vermut» con improvisaciones jazzísticas sobre extractos musicales de ballets rusos, y proyecciones en la calle de lo visto en el interior de auditorio. El proyecto midió ahora sus fuerzas con una programación más concentrada que en anteriores ocasiones, aunque mantenga inalterable su ambición popular. Según avanzó la jornada, el aforo del auditorio se completó poco a poco hasta llegar al lleno absoluto. En el tramo final, el cierre habitual en la plaza Rodolfo y Ernesto Halffter, entrada principal del auditorio, con castillo de fuegos artificiales al ritmo de la famosa música que para una ocasión equivalente escribió Haendel…El Auditorio Nacional, definitivamente conquistado tras la invasión de los rusos y su música.”. Alberto González Lapuente, ABC

“Poco antes de que dieran las doce de la noche Josep Pons salía a una de las balconadas del Auditorio Nacional. El maestro daba las gracias, deseaba que hubiera merecido la pena el esfuerzo del día entero y decía que después de una jornada de beber solo agua estaba deseando tomarse una cerveza. Seguro que se le sirvieron ipso facto…un día en el que Pons estuvo al frente de cinco orquestas y dio lo mejor de sí.” Gema Pajares, LA RAZÓN

“…había una especie de crescendo en la propuesta de Josep Pons por encima de las propuestas concretas de cada concierto. Pons cumplió con creces su hazaña, y las cinco orquestas respondieron con ese acierto que se da cuando sabes (saben los músicos) que esto no es una cita más ante el público. Sino otra cosa.” Santiago Martín Bermúdez. SCHERZO

“El director de orquesta (Josep) Pons ha realizado un trabajo realmente meritorio. Es verdad que era todo música de ballet y que ha faltado “lo visual”, pero si bien “el ballet queda ridículo sin música no sucede eso al revés”, defiende el director, que está persuadido de que las orquestas han contribuido a olvidar la falta de movimiento ya que el público ha sido capaz de captar en las obras “otra belleza”. Y lleva toda la razón.” José Oneto, LA REPÚBLICA

El próximo martes 11 de junio, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) cierra su ciclo UNIVERSO BARROCO, programado en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música de Madrid, con Philippe Herreweghe al frente de su conjunto Collegium Vocale Gent. Considerado uno de los mejores conjuntos del mundo especializado en la interpretación de la obra de Bach, en esta visita presentan la Misa en si menor, magnas obra coral del Cantor. Las sopranos Dorothee Mields y Hana Blazikova, junto al contratenor Alex Potter, el tenor Thomas Hobbs y el bajo Kresimir Strazanac forman el plantel de solistas destacados en esta velada bachiana.

Collegium Vocale Gent fue fundado en 1970 por un grupo de amigos estudiantes de la Universidad de Gante bajo la iniciativa de Philippe Herreweghe. Fue uno de los primeros ensembles que aplicó un novedoso enfoque en la música vocal barroca. Su visión auténtica, con respeto a los textos y retórica, dio al grupo el sonido transparente con el que se ha ganado fama internacional presentándose en las principales salas de conciertos de Europa, Estados Unidos, Rusia, Sudamérica, Japón, Hong Kong y Australia. Desde 2007 el ensemble dirige su propio festival de verano Collegium Vocale Crete Senesi, en la Toscana, Italia.

En los últimos años, Collegium Vocale Gent ha crecido orgánicamente, convirtiéndose en un ensemble extremamente flexible, cuyo amplio repertorio engloba una gran gama de distintos periodos estilísticos. El Barroco alemán, particularmente la obra vocal de J.S. Bach, llegó a ser en poco tiempo la especialidad del grupo y sigue todavía siendo la “joya de la corona”. Hoy en día presenta esta música con un pequeño ensemble en el que los cantantes hacen tanto las partes de solistas como de las de coro. Aparte de usar su propia orquesta barroca, el grupo trabaja habitualmente con diversos prestigiosos ensembles de instrumentos originales para presentar estos proyectos, tales como la Orchestre des Champs Elysées, Freiburger Barockorchester y Akademie für Alte Musik Berlin.

Las ultimísimas localidades para este concierto están a la venta en las taquillas del Auditorio Nacional de Música, en la web www.entradasinaem.es y en el teléfono 902 22 49 49, con precios que van de los 15€ a los 40€.

Herreweghe: el corazón de Bach
Philippe Herreweghe nace en Gante donde combina sus estudios en la universidad con la formación musical en el conservatorio, donde estudió piano con Marcel Gazelle. Durante este mismo periodo empezó a dirigir y en 1970 fundó el ensemble Collegium Vocale Gent. En poco tiempo, Nikolaus Harnoncourt y Gustav Leonhardt notan su excepcionalidad y es invitado a trabajar con ellos en su proyecto de grabación de todas las cantatas de J.S. Bach.

Su enfoque dinámico, auténtico y retórico hacia la música barroca pronto le ganó elogios con la crítica. En 1977 forma el ensemble La Chapelle Royale en Paris, con la cual toca música de la Edad de Oro Francesa. Entre 1982 y 2002 es el director artístico de la Académies Musicales de Saintes. Durante este período funda otros ensembles que usa en conjunto uno con el otro o por separado, para alcanzar la interpretación apropiada a cada repertorio, desde el Renacimiento a la música contemporánea. Estos ensembles incluyen el Ensemble Vocal Européen, especializado en polifonía del Renacimiento y la Orchestre des Champs Elysées, fundada en 1991 cuyo fin es recrear el resplandor del repertorio romántico y pre-romántico en instrumentos originales. Philippe Herreweghe y el Collegium Vocale Gent, han trabajado intensamente en el desarrollo de un gran coro sinfónico a nivel europeo. Desde 2001 Herreweghe es el director artístico de la Accademia delle Crete Senesi, desde 2017 este proyecto pasa a ser denominado Festival Collegium Vocale Crete Senesi en Toscana, Italia. Siempre en búsqueda de nuevos desafíos musicales, en los últimos años ha trabajado muy activamente con el gran repertorio sinfónico desde Beethoven a Stravinski. Desde 1997 ha sido director principal de la Antwerp Symphony Orchestra (deFilharmonie) tanto como director principal como invitado. Dirige regularmente como director invitado orquestas como Ámsterdam Concertgebouw Orchestra, la Gewandhaus Orchestra de Leipzig la Scottish Chamber Orchestra y la Tonhalle Orchester de Zúrich.

Durante años, Herreweghe ha construido una discografía extensa de más de 120 grabaciones con todos estos ensembles diferentes, para sellos como Harmonia Mundi France, Virgen Classics y Pentatone. En 2010 funda junto con Outthere Music, su propio sello discográfico φ (PHI) para poder actuar con una completa libertad artística en la construcción de un amplio y variado catálogo. En su haber destacan un gran número de premios y títulos de diferentes lugares de Europa por su visión artística constante y su incansable compromiso con la música. En 1990 la prensa Europea de música lo denomina “Musical Personality of the Year” y en 1993, junto con Collegium Vocale Gent, es nombrado Embajador Cultural de Flandes. Al año siguiente es nombrado Caballero de las Artes y de las Letras de Bélgica, y en 1997 recibe el Doctor honoris causa por la Universidad Católica de Lovaina. En 2003 recibe el prestigiosos título Chevalier de la Légion d’Honneur del gobierno francés. En 2010, la ciudad de Leipzig le concede la “Bach-Medaille”, por su enorme servicio como intérprete de Bach. En 2017 recibió un Doctorado Honorario por la Universidad de Gante.

Fotografía: Wouter Maeckelberghe

André Schuen

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en coproducción con el Teatro de La Zarzuela presentarán el lunes 22 de abril a las 20h00 en el XXV Ciclo de Lied al barítono alemán Andrè Schuen junto a su compatriota, el pianista Daniel Heide. El programa se extiende desde el pleno Romanticismo del alemán Robert Schumann y el húngaro Franz Liszt hasta sus últimos coletazos, ya cerca de la vocalidad expresionista, con el suizo Frank Martin y sus potentes monólogos sobre el drama moralizante Jedermann.

Las entradas, con un precio general de 8 a 35 euros, ya están a la venta en las taquillas del Teatro de La Zarzuela, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y 902 22 49 49.

Schuen: en línea con las grandes voces

Según el crítico Arturo Reverter la voz de este joven cantante alemán, que en poco tiempo se ha abierto un hueco interesante entre los más conspicuos liederistas del momento “es timbrada, de excelente pasta baritonal, homogénea, maleable y bien emitida es. En la línea, salvando las distancias, de un Dieskau, un Prey, un Bahr, un Quasthoff o un Gerhaher, su expresividad y efusión lírica, especialmente contagiosas, son buenos avales para pensar en que sus versiones de algunos de los más bellos lieder de Schumann pueden tener la medida ideal.”

El barítono Andrè Schuen (1984) se crió en la región de Ladinia, concretamente, en la Val del Tirol (Italia). Aunque el violonchelo fue el instrumento que eligió y tocó durante muchos años, decidió asistir a la Universidad Mozarteum de Salzburgo, donde estudió con Horiana Branisteanu y Wolfgang Holzmair. Schuen completó su educación con clases magistrales organizadas por Kurt Widmer, sir Thomas Allen, Brigitte Fassbaender, Romualdo Savastano y Olaf Bär. Se graduó del Mozarteum en 2010. Al inicio de su carrera, Schuen recibió numerosos premios. Comenzó la temporada 2017-2018 cantando Don Giovanni en la Opéra National de Lorraine, en Nancy y en el Grand Théâtre de Luxemburgo. Luego, cantó por primera vez Pagliacci en el Gran Teatro de Ginebra y, a finales de año, Così fan tutte en el Teatro Regio de Turín. Ha ofrecido recitales de lied en la Radio de Baviera en Múnich y en el Concertgebouw de Ámsterdam. Es residente, por tercera temporada consecutiva, en la Dortmund Konzerthaus, junto con Junger Wilder. En 2018 cantó el Ein deutsches Requiem de Brahms en el Festival de Whitsun de Salzburgo y, desde 2010, actúa en Salzburgo: primero, como miembro del Young Singers Project y, posteriormente, en el Salzburger Festspiele, dirigido por Simon Rattle y Riccardo Muti. Entre 2010 y 2014 Schuen fue miembro de la Opernhaus Graz. Ha sido uno de los pocos cantantes que ha aparecido en tres papeles al mismo tiempo: Figaro, Don Giovanni y Guglielmo en el ciclo Da Ponte, de Harnoncourt, en el Theater an der Wien de Viena. También ha cantado Il barbiere di Siviglia de Paisiello, bajo la dirección de René Jacobs, Fidelio de Beethoven, Capriccio de Strauss y el estreno mundial de Hamlet de Schreier, dirigido por Christof Loy. Asimismo, se ha presentado en el papel de Marcello en La Bohème en Ginebra y el conde Almaviva en Le nozze di Figaro en Angers y Nantes.

Con el pianista Daniel Heide, Schuen ha cantado en el Wigmore Hall de Londres, en el Heidelberger Frühling y en la Konzerthaus de Viena. Gerold Huber es también uno de sus compañeros de recital, con quien actuó en el festival Schubertiade en Hohenems. En 2017 Andrè Schuen cantó en el Tanglewood Festival, así como en el Aspen Music Festival, junto con Andreas Haefliger. En sus primeros dos discos de lied, Andrè Schuen interpreta obras de Schumann, Wolf y Martin, acompañadas por Daniel Heide. Ha grabado, asimismo, obras de Beethoven con el Trío Boulanger. Schuen y Heide participan por primera vez en el Ciclo de Lied.

The Sixteen

El próximo domingo 14 de abril, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) recibe en su ciclo UNIVERSO BARROCO, programado en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música de Madrid, a Harry Christophers al frente de su conjunto The Sixteen. En esta ocasión presentan, a las puertas de la Semana Santa, uno de los oratorios más valorados de Haendel, Israel en Egipto, estrenado en Haymarket en 1739 y destacado por el peso notable de sus maravillosos números corales.

El coro de The Sixteen y su orquesta de instrumentos de época se encuentran hoy entre los mejores conjuntos del mundo, intérpretes excelsos de música renacentista, barroca y coral moderna, respaldados por la crítica en todo el mundo por sus interpretaciones precisas, llenas de poder y pasión. The Sixteen se formó gracias a la formación como coro de la catedral y maestro de coro de su fundador y director Harry Christophers. Su proyecto, lanzado en 1979, se basó en lo mejor de la tradición coral británica y estableció nuevos estándares de virtuosismo y musicalidad. Sus voces profesionales femeninas y masculinas crean un sonido distintivo de gran calidez y claridad. Aunque se ha refinado a lo largo de cuatro décadas, ese sonido ha permanecido notablemente consistente, siempre respondiendo al contenido emocional de las palabras y la música y alerta a los matices sutiles del color y la tonalidad. Su orquesta de instrumentos de época ha sido fundamental para la serie continua de oratorios de Haendel, que presentan por todo el mundo.

Las localidades para este concierto ya están a la venta en las taquillas del Auditorio Nacional de Música, en la web www.entradasinaem.es y en el teléfono 902 22 49 49, con precios que van de los 15€ a los 40€. Desde una hora antes del inicio del concierto se podrán adquirir en las taquillas del Auditorio las entradas de Último Minuto con un descuento del 60% para menores de 30 años y desempleados (localidades desde 6 euros).

Un oratorio excepcional
Desde que en 1719 fue nombrado Director Artístico de la Royal Academy of Music, la principal dedicación de Haendel como compositor en Londres fue la escritura de óperas italianas, aunque en los años 30 empezó también a componer oratorios ingleses, actividad que se hizo prioritaria desde 1740. Según comenta Pablo J. Vayón: “Haendel había tenido el primer contacto con el género del oratorio en Hamburgo, donde conoció las obras que sus amigos Mattheson, Keiser y Telemann presentaban en los templos en estrecha relación doctrinal con los sermones dominicales. Luego pasó por Italia, para escribir dos obras en el exuberante estilo cuasioperístico que se cultivaba en Roma en la primera década del siglo. Los oratorios haendelianos del Londres de 1730 tenían más que ver con los alemanes que con los italianos. Aunque eran destinados a los teatros, y no a las iglesias, estaban escritos en inglés y concedían a los coros un papel mucho más dominante que en Italia. Israel en Egipto es, en esencia, un oratorio coral en el que la fuerza de los coros y la casi ausencia absoluta de arias solistas acaso apuntan hacia un ideal colectivo, nacional. Con veintiséis números corales, de los cuales dieciocho están escritos a ocho voces, un recurso a la policoralidad que no encuentra parangón en todo el resto del catálogo del compositor y que en algunos momentos parece retrotraer su música al esplendor veneciano de los Gabrieli, las arias y dúos son, en realidad, poco relevantes desde el punto de vista dramático ya que Haendel los usa como argamasa para enlazar y fundir las grandes escenas.”

Josep Pons

¡SOLO MÚSICA! ¡QUE VIENEN LOS RUSOS! es la quinta edición del maratón musical bienal que el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Auditorio Nacional de Música (ambas unidades del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música, INAEM, perteneciente al Ministerio de Cultura y Deporte), organizan desde hace ocho años para unirse a las actividades programadas al hilo del “Día de la Música”, conmemoración que se celebra en toda Europa cada 21 de junio con la llegada del solsticio de verano.

Tras el éxito de las pasadas cuatro ediciones en los años 2011, 2013, 2015 y 2017, con más de 86.000 espectadores repartidos en 54 horas de música y 93 conciertos, esta edición tendrá lugar el sábado 22 de junio (de 11h. a 24h.) con la interpretación de extractos y obras completas de los ballets rusos más famosos, en un solo día y por cinco orquestas distintas. El objetivo principal de esta cita sigue siendo atraer a nuevos públicos o aquellos menos habituales de las salas de concierto. Y todo ello a precios muy populares.

¡QUE VIENEN LOS RUSOS! propone cinco conciertos con las cuatro orquestas madrileñas (Orquesta Sinfónica de Madrid, Orquesta de la Comunidad de Madrid, Orquesta Sinfónica RTVE y Orquesta Nacional de España) además de la Joven Orquesta Nacional de España, dirigidas todas ellas por un solo maestro (marca de la casa de este popular proyecto), en este caso, Josep Pons.

Este programa nació hace cuatro años unido a la edición de ¡SOLO MÚSICA! 2015 donde se interpretó la integral de las sinfonías de Chaikovski (dirigidas por Juanjo Mena), pero su amplitud de contenido requería una edición específica. La admiración de Igor Stravinski por la obra de Piotr Ilich Chaikovski vertebra un programa musical que presenta los tres grandes ballets de Chaikovski (El lago de los cisnes, La Bella Durmiente y El Cascanueces), los tres ballets más populares de Stravinski (El pájaro de fuego, Petrushka y La consagración de la primavera), a los que se añadirán el ballet Romeo y Julieta de Serguéi Prokófiev (junto al homónimo de Chaikovski), la Suite de Jazz de Dmitri Shostakóvich, Scheherezade de Nikolái Rimski-Kórsakov y las Danzas Polovtsianas (de la ópera El Príncipe Ígor) de Aleksander Borodin. Casi un siglo de historia musical incidental rusa desde las Danzas Polovtsianas, de 1869, a El pájaro de fuego de 1945.

Entre las 12 horas y las 19.15 horas, el Auditorio seguirá vibrando desde el Salón de Tapices con las improvisaciones jazzísticas sobre las obras programadas que amenizarán las pausas de todos aquellos espectadores que decidan vivir todo el maratón. A partir de las 19.30 horas la fiesta se trasladará también al aire libre en la plaza de Rodolfo y Ernesto Halffter (plaza ubicada en el acceso a la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional), con la retransmisión en diferido del concierto de la Orquesta de Radiotelevisión Española y en directo de los conciertos de la Orquesta Nacional de España (19.30 horas) y de la Joven Orquesta Nacional de España (22.30 horas). Al filo de la medianoche, se cerrará la jornada con fuegos artificiales al ritmo de la Música para los reales fuegos artificiales de Haendel.

Con más de 13 horas de música ininterrumpida en tres espacios diferentes del Auditorio Nacional (Sala Sinfónica, Salón de Tapices y el auditorio al aire libre en la plaza de Rodolfo y Ernesto Halffter) ¡SOLO MÚSICA! va a reunir en un mismo día a más 500 intérpretes agrupados en cinco orquestas sinfónicas (Orquesta Sinfónica de Madrid, Orquesta de la Comunidad de Madrid, Orquesta Sinfónica RTVE, Orquesta Nacional de España y Joven Orquesta Nacional de España) y una banda de jazz que interpretarán un total de 11 obras a lo largo de 7 conciertos.

¡SOLO MÚSICA! mantiene su objetivo de llegar a todo el mundo. Así, por el precio habitual medio de un concierto sinfónico se podrá disfrutar de todas las actividades en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional (abonos de 17,50 a 52,50 euros para los 5 conciertos, y de 12 a 36 euros en el caso de los abonos mixtos que permiten elegir un concierto de la mañana y dos de la tarde/noche). Las localidades tienen un precio de 5 a 15 euros para el público general y de 4 a 12 euros para menores de 30 años. El jazz del Salón de Tapices y las actividades al aire libre tendrán acceso gratuito. La venta de abonos estará disponible hasta el 5 de mayo y las localidades a partir del 8 de mayo en los canales habituales de venta del CNDM (taquillas del Auditorio Nacional y teatros del INAEM, por teléfono en el 902 22 49 49 y en la web www.entradasinaem.es)

La gesta será posible gracias a colaboradores ya habituales como son la Orquesta Nacional de España y la Joven Orquesta Nacional de España (ambos unidades también del INAEM), el Ayuntamiento de Madrid, el Grupo RTVE, la Orquesta de la Comunidad de Madrid y la Orquesta Sinfónica de Madrid que se suman una vez más a esta iniciativa musical sin precedentes en nuestro país, para hacerla realidad y abrirla al mayor número de ciudadanos posible.

Radiotelevisión Española, también presente en las pasadas ediciones, grabará la parte sinfónica para emitirla posteriormente dentro de su programación semanal dedicada a la música clásica.

La imagen de este año es una obra original del ilustrador madrileño Iván Solbes.

Una batuta para dirigirlos a todos

Josep Pons (Puigreig, 1957) comenzó su formación musical en la prestigiosa Escolanía de Montserrat. La tradición secular y el estudio intenso de la polifonía y la música contemporánea en este centro marcaron su desarrollo posterior tanto musical como intelectual. En 1999 recibió el Premio Nacional de Música de España por su destacado trabajo en la música del siglo XX.

Considerado como el principal director de orquesta español de su generación, ha establecido sólidas relaciones con la Gewandhausorchester Leipzig, Orchestre de Paris, Orchestre National du Capitole de Toulouse, Deutsche Kammerphilharmonie Bremen y la BBC Symphony Orchestra. Además de continuar con estas relaciones, en la temporada 2018/19 volverá a dirigir a la Orquesta Nacional de España, la Orchestre National du Capitole de Toulouse, a la Sinfónica de Galicia y a la Orquesta de Castilla y León. También colaborará con la NHK Symphony Orchestra, Taipei Symphony Orchestra y Singapore Symphony Orchestra.

Como director musical del Gran Teatre del Liceu, dirige varias producciones en Barcelona cada temporada, entre las que han estado Roméo et Juliette, Tristan und Isolde, Don Giovanni y Elektra. En esta temporada dirigirá las óperas Káťa Kabanova, Rodelinda y el estreno mundial de L’Enigma de Lea de Casablancas, así como varios conciertos sinfónicos. Pons también ocupa el cargo de Director Honorario de la Orquesta Nacional de España, donde fue director artístico durante nueve años, época en la que se consolidó su faceta internacional y es director honorífico de la Orquesta Ciudad de Granada.

La discografía de Josep Pons, con más de 50 CD´s y DVD´s, en su mayoría editados por Harmonia Mundi y Deutsche Grammophon, incluye algunas grabaciones de Manuel de Falla y repertorio francés cuyas interpretaciones han sido consideradas de referencia y galardonadas con numerosos premios. Su grabación de Noches en los jardines de España con Javier Perianes obtuvo un “Choc de la Musique”, Melancolía con Patricia Petibon recibió el premio “Gramophone Editor’s Choice” y su colaboración con Tomatito le valió un “Grammy Latino”. Su última grabación de Sinfonia de Berio y Frühe Lieder (Mahler/Berio) con la Orquesta Sinfónica de la BBC y Matthias Goerne ha recibido el “Premio de Música de la BBC”, el “Choc de la Musique” y el “Télérama Ffff”, además de estar entre los 10 mejores discos del año de Presto Classical.

Cuarteto Signum

El jueves 4 de abril a las 19.30 horas, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional al Cuarteto Signum junto a la pianista Judith Jáuregui. El programa elegido para la ocasión une a Shostakóvich y a Weinberg, dos amigos que se admiraban mutuamente y que sufrieron las consecuencias de la persecución política. El caso del primero es más conocido, pero el del segundo no tanto: su familia emigró a Polonia tras los pogromos de 1903 y 1905. En 1939 Weinberg buscó refugio en la Unión Soviética y perdió a sus padres y a su hermana en un campo de concentración.

Las últimas entradas para este concierto, con un precio general de 10 a 20 euros, están a la venta en las taquillas del Auditorio Nacional, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y 902 22 49 49.

Cinco fantásticos

Distinguida por la crítica como una artista luminosa, elegante y personal, Judith Jáuregui se ha convertido en una de las figuras más valoradas del panorama musical español. Nacida en San Sebastián en 1985, su talento destacó muy pronto llevándole a debutar en recital con apenas 11 años. Habitual de los principales escenarios españoles, desde el Auditorio Nacional de Madrid al Auditori de Barcelona, Auditorio de Zaragoza, Miguel Delibes de Valladolid, Festival de Granada, Peralada, Musika-Música o Quincena Musical de San Sebastián, Judith ha dado el salto internacional en festivales y salas de referencia como el Festival de piano de La Roque d’Anthéron, La Folle Journée de Nantes, el Festival de Piano de Lille y el Festival de Montpellier en Francia, el Festival Murten Classics de Suiza en el que ha sido artista residente, el National Center for the Performing Arts de Pekín o el Suntory Hall de Tokyo donde finalizó con gran éxito una reciente gira por varias ciudades de Japón junto a la Orquesta Nacional de España.

Asimismo ha colaborado, entre otras, con la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, la Sinfónica de Euskadi, Sinfónica de Bilbao, Sinfónica de Murcia, la Orquesta de la Comunidad de Madrid, la Oviedo Filarmonía y con formaciones internacionales entre las que se incluyen la Prague Philharmonia, Das Neue Orchester de Colonia, la Sinfónica de Aarhus, Sinfonietta Eslovaca o la Orquesta Simón Bolívar de Venezuela, teniendo la oportunidad de trabajar con directores como Andrey Boreyko, Marc Soustrot, Diego Matheuz, Jaime Martín, Victor Pablo Pérez, Christoph Spering o Kaspar Zehnder. Artista involucrada en la música de cámara, Jáuregui tiene actualmente proyectos con diferentes agrupaciones y músicos como el alemán Signum Quartett o la violonchelista franco-suiza Nadège Rochat. Por otro lado y desde el convencimiento de que la música no entiende de fronteras estilísticas, comparte un proyecto de fusión clásica y jazz latina con el pianista cubano Pepe Rivero.

Cumpliendo con su faceta más emprendedora la pianista creó en 2013 su propio sello discográfico, BerliMusic. En su último lanzamiento titulado X, se adentra en el éxtasis de Scriabin, su inspiración en Chopin y posterior influencia en Szymanowski. Sus trabajos anteriores comprenden diversos autores y épocas, desde Debussy, Liszt, Mompou a Albéniz, Granados o Schumann. Su primer registro editado por Columna Música (Robert Schumann, el arte de lo pequeño) fue reconocido como “Mejor Álbum de Clásica” en los ‘Premios de la Música Independiente’. Además ha grabado para medios como Radio Nacional de España, Radio Televisión Española o France Musique de Radio France.

En la pasada temporada 2017-2018 destacaron sus debuts en Londres y París, en el Southbank Centre y el Auditorio del Louvre respectivamente, así como su regreso a China, país en el que ofreció una extensa gira de recitales. Además actuó junto a la Orquesta de Córdoba, Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia y en el ciclo de Matinées de la Orquesta Sinfónica de Euskadi. Otras citas la llevaron también a la Opera House de Saint-Étienne y al Festival de Toulon en Francia, Schloss Elmau en Alemania, así como a otras salas españolas como el Teatro de la Maestranza de Sevilla, Auditorio Baluarte de Pamplona y Palacio Euskalduna de Bilbao. Futuros compromisos le esperan junto a la Hrladec Králové Philharmonic en República Checa y en otros escenarios como la Quincena Musical de San Sebastián, el Auditorio Príncipe Felipe de Oviedo o el Auditorio Nacional de Madrid.

El Cuarteto Signum ha dejado siempre un recuerdo imborrable en todas sus actuaciones en los más prestigiosos escenarios internacionales, consolidando como uno de los conjuntos más interesantes del momento. Fundado en 1994, el cuarteto ha contado con el apoyo de Bayer Kultur como parte de su programa START cultural, y en Ia actualidad es miembro de Ia BBC New Generation Serie 3 Artits. Estudios intensivos con el Cuarteto Alban Berg, el Cuarteto Artemis y el Cuarteto Melos, así como colaboraciones con Gyorgy Kurtag, Walter Levin, Alfred Brendel, Leon Fleisher y Jorg Widmann, han caracterizado el desarrollo artfstico del cuarteto que ha ganado numerosos premios, entre ellos los prestigiosos ‘Paolo Borciani’, ‘ICMC’ de Hamburgo y el Concurso Internacional de Cuartetos de Londres, donde también obtuvo el “Premio del Público”.

El cuarteto, cuyos mentores siguen siendo Jörg Widmann y Alfred Brendel, colabora habitualmente con Igor Levit, Leonard Elschenbroich, Adrian Brendel, Christian lhle Hadland, Eckart Runge (Artemis Quartet), Mark Simpson, Carolin Widmann y Dominique Horwitz. Entre otras muchas ciudades, sus giras han recalado en París, Viena, Colonia, Basilea, Oslo, Frankfurt o Santa Fe, y ha participado en los festivales de Davos, Lofoten, West Cork, Schleswig-Holstein, Rheingau, Aldeburgh y Aix-enProvence. Tam ién ha actuado en Ia Berliner Philharmoniker, en el Tonhalle Dusseldorf con Leon Fleisher, Wigmore Hall de Londres con Ia BBC Proms, Laeiszhalle de Hamburgo, Liederhalle Stuttgart, Concertgebouw de Ámsterdam y en el Harvard Music Association de Boston. Por invitación del lnstituto Goethe, el conjunto ha realizado giras por Asia, América Central y África. En nuestro país ha ofrecido varios conciertos en Madrid y en Barcelona, así como para Ia Sociedad Filarmónica de Valencia, Fundación Salamanca Ciudad de Cultura y Festival de Musica de Canarias. Su última grabación, en mayo del 2013, con cuartetos de Bartok, Schnittke y Berg, fue galardonado con el ‘International Music Award’ a Ia “Mejor Grabación de Música de Cámara”. Los conciertos del Cuarteto Signum han sido retransmitidos a nivel internacional por las emisoras de radio de la ARD, Deutschlandfunk, DRS, ORF, BBC y Arte.

Foto: CUARTETO SIGNUM © Irène Zandel

Dorothea Röschmann

El lunes 25 de febrero a las 20 horas, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en coproducción con el Teatro de La Zarzuela presentan en el XXV Ciclo de Lied a la soprano alemana Dorothea Röschmann junto al pianista Malcolm Martineau. El programa que han preparado es verdaderamente excepcional y abarca casi un siglo de canción de arte alemana, desde 1815, en que se fecha el primero de los Mignon Lieder de Franz Schubert, a 1902, que es cuando Gustav Mahler remata el más tardío de sus Rückert-Lieder. A estos dos ciclos imponentes se les sumarán canciones de Robert Schumann y Richard Wagner. Un programa marcado por la intensidad y que supone una compleja aventura expresiva para quien canta o acompaña y una experiencia estética de primera magnitud para sus oyentes. Las entradas, con un precio general de 8 a 35 euros, ya están a la venta en las taquillas del Teatro de La Zarzuela, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y 902 22 49 49.

Röschmann: intensidad expresiva

Nacida en Flensburgo, Alemania, Dorothea Röschmann fue miembro del Ensemble de la Deutsche Staatsoper Berlín, donde, en 2016, recibió el título de Kammersängerin. Estrechamente asociada con el teatro, allí cantó papeles como Agathe, Ännchen con Mehta, Nannetta con Abbado, Eva, Elsa, Pamina, Fiordiligi, Susanna, Zerlina, Micela, Donna Elvira, condesa Almaviva con Barenboim y la Marschallin con sir Simon Rattle. En 1995 realizó su debut en el Salzburger Festspiele como Susanna con Harnoncourt con gran éxito. Han sido numerosas las veces que ha regresado al festival para cantar a Donna Elvira, condesa Almaviva, Ilia, Servilia, Nannetta, Pamina, Florinda y Vitellia, con directores como Abbado, Harding, Mackerras y Von Dohnányi. En 2014 volvió al festival para cantar Florinda en Fierrabras con Ingo Metzmacher y en 2016 al Festival de Pascua para interpretar a Desdémona en Otello con Christian Thielemann. En el Teatro alla Scala de Milán cantó la condesa y Donna Elvira de gira con la compañía del Bolshoi y Daniel Barenboim. En la Wiener Staatsoper ha interpretado a la condesa Almaviva, Susanna, Marschallin y, en 2016, volvió para debutar el papel de Jenůfa. En la Bayerische Staatsoper, en Múnich, cantó Zerlina, Susanna, Ännchen, Marzelline, Anne Trulove, Elvira y Rodelinda. En teatros de Europa ha cantado en La Monnaie de Bruselas como Norina y en el Théâtre de la Bastille de París como la condesa Almaviva y Pamina. En el Metropolitan Opera de Nueva York cantó Susanna, Pamina, Elvira e Ilia con Levine y, en la Royal Opera House de Londres, sus papeles han incluido a Pamina y Fiordiligi con sir Colin Davis, la condesa Almaviva con sir Antonio Pappano y Donna Elvira. Ha cantado el papel principal de Theodora en el Carnegie Hall con Harry Bicket y The English Concert; Faustszenen con Daniel Harding y la Berliner Philharmoniker; una gira europea con Mariss Jansons y la Royal Concertgebouw Orchestra con la Sinfonía nº 4 de Mahler; Sieben frühe Lieder, de Berg, con Marc Albrecht y la Rundfunk Sinfonieorchester Berlin, y Dido and Aeneas, de Purcell, en el Carnegie Hall con Les Violons du Roy.

Como reconocida intérprete de lied, ha cantado en el Wigmore Hall de Londres, el Concertgebouw de Ámsterdam, la Wiener Konzerthaus, así como en Amberes, Lisboa, Madrid, Colonia, Bruselas, Oslo y en los festivales de Edimburgo, Múnich y Schwarzenberg. Cantó con Daniel Barenboim en el Teatro Schiller de Berlín y con Mitsuko Uchida en el Festival de Lucerna, en el Wigmore Hall de Londres y en una gira por Estados Unidos que culminó con un recital en el Carnegie Hall de Nueva York. Dorothea Röschmann ha participado en dos ediciones previas del Ciclo de Lied: VIII (01-02) y XV (08-09).

DOROTHEA RÖSCHMANN © Harald Hoffmann – Sony Entertainment

 

Grupo Enigma

El próximo lunes 18 de febrero el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía dentro de su ciclo Series 20/21, el estreno de La rebelión de los ecos, el doble quinteto de cuerda encargado por el centro al maestro Cristóbal Halffter. La primicia será interpretada por el emblemático Grupo Enigma, Orquesta de Cámara del Auditorio de Zaragoza, dirigidos por Nacho de Paz, en sustitución de Juan José Olives, fallecido el pasado mes de diciembre y al que se le dedica el concierto in memoriam. Esta obra es el segundo encargo que el CNDM hace al compositor madrileño, tras el Cuarteto nº 8 “Ausencias”, estrenado por el Cuarteto de Leipzig en 2013. Junto a esta partitura sonarán trabajos de Jesús Rueda (Cuarteto nº3 ‘Islas‘) y Dimitri Shostakóvich (Sinfonía de cámara en do menor ‘En memoria de las víctimas del fascismo y la guerra’). Como complemento, el mismo lunes 18, a las 18 horas, Halffter participará en una charla sobre su obra en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, actividad incluida en el Seminario “La creación y la interpretación de la música actual”. Tanto la charla previa como el concierto serán de entrada libre hasta completar el aforo de las salas.

Sociedad, individuo e independencia

Según Antonio Gómez Sneekloth: “En La rebelión de los ecos, Cristóbal Halffter se aproxima de manera implícita a la música programática. ¡Pero cuidado! Su idea literaria no es objeto de una traslación directa al universo sonoro, sino que se manifiesta a través de unos ecos que se establecen entre los dos quintetos situados a ambos lados del director. La simetría así obtenida entre los dos conjuntos, que bien pueden incrementarse hasta obtener dimensiones orquestales, es la base sobre la que se cimientan ecos que nos son meras llamadas imitativas, sino que cohesionan estructuralmente a la pieza. La idea de Halffter que actúa por debajo de las notas es la de una sociedad en la que ciertos individuos aspiran a ser independientes, carentes, sin embargo, de la preparación y las agallas para crear algo que deje un eco tras de sí. Original-eco / eco-original: el diálogo establecido entre ambos quintetos está hecho de retales entretejidos, capturados al vuelo tanto a la izquierda como a la derecha del director”.

Cristóbal Halffter (Madrid, 1930) es uno de los compositores más sobresalientes de la conocida como “Generación del 51”, de la que también forma parte Luis de Pablo, Carmelo Bernaola, Joan Guinjoan o Ramón Barce. Nombre indispensable de la escena musical nacional del último medio siglo, fue alumno de Conrado del Campo y de Alexander Tansman, y obtuvo la Cátedra en Composición en el Conservatorio Superior de su ciudad natal, organismo del que sería director de 1964 a 1966. Posteriormente, amplió sus estudios musicales con becas en París, Roma y Milán, relacionándose con Albert Blancafort, Luigi Dallapiccola, Luciano Berio y Bruno Maderna. A su exitosa carrera como compositor se ha unido la extensa trayectoria como director de orquesta, labor que le ha llevado a trabajar con los principales conjuntos internacionales en los espacios más importantes de Europa y América. Entre sus muchos reconocimientos se encuentra su pertenencia como miembro de las Academia Europea de las Ciencias, de las Artes y las Letras de París, de las Artes de Berlín, de la Real Academia de Bellas Artes de San Femando, Doctor Honoris Causa por la Universidad de León, la Medalla Goethe, el Premio Montaigne de la Fundación Friedrich von Schiller de Hamburgo, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes y el Premio Nacional de Música recibido en 1989.

Adrianne Pieczonka

Schubert escribe Winterreise (Viaje de invierno) estando muy avanzada ya la sífilis que acabaría con su vida poco tiempo después. Solitario y sin haber tenido ningún éxito en su carrera, Schubert desgrana a lo largo de 24 canciones dos de los temas fundamentales en los poemas de Wilhem Muller, la soledad y el camino. Y lo hace transmitiendo, de manera desgarradora, su propio invierno interior, lleno de melancolía, soledad y temor por esa muerte que le acechaba.

Winterreise fue escrito inicialmente para voz de tenor, bien conocida por Schubert. Pero es la voz de barítono la que con mayor frecuencia aborda este repertorio, tal vez porque describa la melancolía con mayor exactitud. Pero en esta ocasión, el Ciclo de Lied del Teatro de la Zarzuela y del Centro Nacional de la Música nos han sorprendido con la voz Adrianne Pieczonka. Todo un descubrimiento escuchar la expresión romántica más profunda de la mano de esta soprano canadiense, ya experimentada sobre los escenarios. Tal vez gracias a esa experiencia vital y profesional se deba la capacidad de transmitir tantas emociones distintas contenidas en esta obra. Pieczonka ha ido desgranando, de manera turbadora, cada momento en el que Schubert describe, a través de su música, la llegada del final del camino. Una voz luminosa y esmaltada cuando las dinámicas ascendentes lo requieren, como en Frühlingstraum (sueño primaveral), o capaz de crear atmósferas cargadas de melancolía o dulzura, como en Der Lindenbaum (El tilo) o Der Leiermann (El zanfonista).

Estuvo acompañada al piano por Wolfram Rieger, quien marcó, con técnica impecable y elegancia, el camino perfecto a Pieczonka para transitar la romántica melancolía descrita por Schubert. Su conocimiento del repertorio liederístico es impecable, como su dominio del instrumento. Formaron un tándem perfecto en coordinación y expresividad que dejó al público feliz y satisfecho.

Adrianne Pieczonka

La soprano Adrianne Pieczonka interpretará Winterreise de Franz Schubert dentro del XXV Ciclo de Lied que coproducen el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela. El concierto será el lunes 28 de enero a las 20h00 en el propio coliseo de la plazuela de Jovellanos, y ha levantado una especial expectación ya que ‘Viaje de invierno’ está considerada como una de las obras fundamentales del género, y la cantante canadiense, que estará acompañada por el pianista Wolfram Rieger, una de sus voces más representativas.

Las entradas, con un precio general de 8 a 35 euros, ya están a la venta en las taquillas del Teatro de La Zarzuela, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y 902 22 49 49.

Winterreise: el profundo viaje interior

El crítico Arturo Reverter indica que: “El lirismo de Schubert es el lirismo del lied, que tiene como preocupante y profundo telón de fondo nada menos que la tan romántica idea de la muerte, que se intuye, se presiente, se hace real finalmente, sola o en singular conexión con la naturaleza circundante, tras cada efecto instrumental, melódico o armónico; tras esos sutiles encadenamientos temáticos, aparentemente improvisados o por debajo de expresivos trémolos, de abundantes cromatismos, de las disonancias o de las apoyaturas. A través de la efusión lírica las cosas son transfiguradas en ese universo romántico al que acaba por adscribirse y en el que nada será ya lo que fue. Winterreise (Viaje de invierno) es, en efecto, un auténtico viaje interior, una idea básica, como hemos dicho, en la música de Schubert. En pocas ocasiones se ha pintado con tanta precisión, justeza y dramatismo la soledad, la desolación y la desesperanza; en pocas oportunidades se ha calado tan hondo en el drama íntimo de un ser humano y se ha profundizado en la antesala de la propia muerte como en estas canciones, verdadero viaje hacia la nada. Dos temas fundamentales y recurrentes en el músico dominan los poemas de Wilhelm Müller: de nuevo la idea de viaje, de cambio de situación en el espacio, de traslado, y la soledad”. Jordi Roch añade: “Ambos eran caminantes, Franz Schubert, por los bosques de Viena y Müller, en los paisajes paradisiacos de los alrededores de Dessau, y más tarde en Berlín, en compañía del poeta Friedrich Rückert, y en Roma. A fines del siglo XVIII, el Wanderschaft o persona errante equivalía a la idea del verso de Machado: «Se hace camino al andar», y el Wanderer («caminante»), desde el primer lied que con este título escribiera Schubert en 1816, es tema recurrente en toda su obra.”

“Reconocida internacionalmente por sus interpretaciones de Wagner, Strauss, Verdi y Puccini, Adrianne Pieczonka ha encarnado poderosas heroínas como Senta, Chrysothemis, Sieglinde, la Mariscala, la Emperatriz, Tosca, Elisabetta y Amelia en los principales escenarios de Europa, América el Norte y Asia. Ha cantado en el Metropolitan Opera de Nueva York, Royal Opera House Covent Garden, Viena, París, Berlín, Madrid, Múnich, Frankfurt, Los Ángeles y La Scala, así como en los Festivales de Salzburgo, Bayreuth, Glyndebourne y Aix-en-Provence, dirigida por James Levine, Riccardo Muti, Zubin Mehta, Sir Neville Marriner, Claudio Abbado, Richard Bradshaw, Lorin Maazel, Nikolaus Harnoncourt, Anthony Pappano o Sir Georg Solti.

Recientes y futuros compromisos incluyen Elektra (Barcelona Liceu, San Francisco, Metropolitan Opera Nueva York), Tosca (Toronto, Viena, Londres), Un Ballo in Maschera (Viena, Múnich), Fidelio (Metropolitan Opera), Die Frau ohne Schatten y Der fliegende Holländer (Múnich), Der Rosenkavalier (Múnich y Carnegie Hall Nueva York) y Tosca (Staatsoper Berlín), entre otros. Pieczonka es también una consumada artista en el repertorio de concierto y recitales, y se ha presentado con gran éxito en la Konzerthaus de Viena, Salle Pleyel de París, Lincoln Center y Carnegie Hall de Nueva York, los Proms de Londres, Festivales de Edimburgo, Lucerna, Montpellier y Salzburgo. Recientemente ha cantado las Cuatro Últimas Canciones con la Vancouver Symphony Orchestra y Die Winterreise con la pianista Rachel Andrist en Toronto.

La soprano canadiense estudió en las Universidades de Western Ontario y Toronto, y empezó su carrera en la Canadian Opera Company de Toronto. En 1989 fue contratada como solista en la Volksoper de Viena y en 1991 entró a formar parte de la compañía de la Wiener Staatsoper, donde inició su carrera internacional. En marzo de 2007 fue nombrada Kammersängerin por el gobierno austríaco.

Andreas Haefliger

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) continúa, después del descanso navideño, su ciclo “Liceo de Cámara XXI” en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música con dos conciertos en menos de una semana. En el primero, el jueves 17 de enero, el pianista suizo Andreas Haefliger presentará, junto al Lousiana Boathouse Ensemble, un interesantísimo programa formado por tres obras poco conocidas pero de calidad incuestionable: el Quinteto para piano y cuerdas de Edward Elgar, la Suite para dos violines, violonchelo y piano (mano izquierda) de Eric Wolfgang Korngold y Slide Stride, compuesta en 2002 por Mark-Anthony Turnage. La segunda cita, el martes 22 de enero, presentará al público de esta serie musical a la violinista Leila Josefowicz junto al pianista John Novacek. La inquieta solista canadiense, destacada defensora de la música de nuestro tiempo, ha creado un intenso programa en el que también se recorrerá un amplio camino musical, con obras que van desde el famoso Valse Triste de Sibelius, la Sonata nº1 para violín y piano de Prokofiev y elAdagietto de la Sinfonía nº5 de Mahler hasta piezas de Berd Alois Zimmermann, Oliver Knussen y Kaija Saariaho. Las últimas entradas para estos dos conciertos, con un precio general de 10 a 20 euros, están a la venta en las taquillas del Auditorio Nacional, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y 902 22 49 49.

Calidad y calidez interpretativas

Andreas Haefliger nació en una distinguida familia de músicos suizos y creció en Alemania. Estudió en la Juilliard School de Nueva York. Rápidamente fue reconocido como un pianista de primera fila y pronto colaboró con las principales orquestas estadounidenses: New York Philharmonic, Cleveland Orchestra, Los Angeles Philharmonic, Boston Symphony, Pittsburgh, Chicago y San Francisco Symphony, entre otras. También en su Europa natal Haefliger ha aparecido con las grandes orquestas y festivales como Royal Concertgebouw, Rotterdam Philharmonic, Munich Philharmonic, Budapest Festival Orchestra, Deutsche Symphonie-Orchester Berlin, Orchestre de París, London Symphony Orchestra y Vienna Symphony. Reconocido como un excelente solista, hizo su debut en Nueva York en 1988. Mantiene relación constante con Lucerne y Edinburgh Festival y Vienna Konzerthaus, así como con las salas de conciertos principales de Norteamérica y Asia.

Haefliger visita con regularidad el Wigmore Hall de Londres con su serie Perspectives en la que interpreta todo el repertorio para piano de Beethoven junto con obras de otros compositores desde Mozart hasta Ligeti. Esta serie ha sido el centro de las apariciones en solitario y grabaciones en disco de Haefliger en los últimos años. Su último proyecto de cámara consiste en reunir a amigos músicos de cámara de primera fila durante períodos de ensayos intensivos y dar conciertos cada año en el Louisiana Museum en Copenhague. Su gira en enero de 2019 les llevará a espacios como el De Doelen de Rotterdam, De Singel de Amberes, el Auditorio Nacional de Madrid y el Hong Kong Chamber Music Festival. También colabora ocasionalmente en recitales de Lied, como el recientemente ofrecido junto al barítono italiano Andrè Schuen.

Después del gran éxito de su primera grabación de las sonatas de Mozart para Sony Classical, Haefliger realizó tres grabaciones adicionales para Sony de Davidsbündlertanze yFantasiestücke de Schumann, Impromptus de Schubert y un disco de música de Sofia Gubaidulina. Más tarde, Haefliger grabó para Decca con el Takács Quartet y Matthias Goerne, ganando el ‘Preis Der Deutschen Schallplattenkritik’ por su disco de Schubert de las canciones de Goethe con Goerne. Su último disco, Perspectives, se lanzó en la primavera de 2018.

La apasionada defensa de Leila Josefowicz por la música contemporánea para violín se refleja en su entusiasmo al tocar nuevas obras y variedad de programas. Colabora con compositores y orquestas y directores de todo el mundo. En 2008 fue galardonada con el prestigioso ‘MacArthur Fellowship’, uniéndose a científicos, escritores y músicos que han hecho contribuciones únicas a la sociedad. De sus recientes temporadas, destacan sus conciertos con la Sinfónica de Cleveland y la Orquesta Sinfónica de la Radio Finlandesa, así como conciertos con la Filarmónica de Los Ángeles, Sinfónica de Seattle, Orquesta Nacional de Washington, Royal Concertgebouw de Ámsterdam, Sinfónica de Toronto y Sidney. Durante la temporada 2016-2017 tocó junto a la Filarmónica de Berlín, la Orquesta de la Tonhalle de Zúrich y Filarmónica de Helsinki. Josefowicz regresó de nuevo con la Sinfónica de Londres en diciembre 2016 con el concierto Scheherazade nº 2 de John Adams, que se interpretó en Londres, París y Dijon. En Norteamérica trabajó junto a la Sinfónica de San Louis, Sinfónica de San Francisco y junto a las Orquestas Sinfónicas de Chicago y Minnesota. Entre los conciertos destacados de la temporada 2017-2018 están los realizados junto a la La Filarmónica de Los Ángeles, Concertgebouw de la Orquesta Sinfónica de la Radio Finlandesa y la Orquesta Nacional de Washington. Junto al pianista John Novacek, con el que colabora desde 1985, realiza una gira de reciales en Reykjavik, Leeds, Chicago, San Francisco, Santa Bárbara y Halifax, el Zankel Hall de Nueva York y el Wigmore Hall de Londres, entre otros.

Varios compositores como John Adams, Esa-Pekka Salonen, Colin Matthews y Steven Mackey han escrito conciertos para violín para Leila Josefowicz. El concierto Scheherazade nº 2 (Sinfonía dramática para violín y orquesta) de Adams lo estrenó en marzo de 2015 con la Filarmónica de Nueva York, dirigida por Alan Gilbert. Josefowicz ha publicado varios discos para Deutsche Grammophon, Philips / Universal y Warner Classics. El Concierto para violín de Esa-Pekka Salonen, que el director compuso para ella, con la Orquesta Sinfónica de la Radio de Finlandia dirigida por el compositor fue nominado para un ‘Premio Grammy’ en 2014.

Drumming

El conjunto portugués Drumming Grupo de Percussão completará el programa con dos estrenos absolutos de Luis Tinoco y Jesús Rueda, Compositor Residente del CNDM en la presente temporada

Drumming está considerada como la primera obra maestra del minimalismo musical

El concierto, como todos los del ciclo, tiene entrada libre hasta completar el aforo.

El lunes 14 de enero a las 19.30 horas, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta la primera cita del 2019 de su ciclo Series 20/21, centrado en la música de nuestros días, en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) de Madrid. En esta ocasión, el conjunto portugués Drumming Grupo de Percussão interpretará la obra homónima de Steve Reich, Drumming, junto a dos estrenos absolutos del compositor portugués Luis Tinoco y del madrileño Jesús Rueda, Compositor Residente del CNDM para la temporada 2018/2019. El acceso a este concierto, como al resto del ciclo programado en el Auditorio 400, será libre hasta completar el aforo de la sala.

La primera obra maestra del minimalismo

Según cuenta el musicólogo Antonio Gómez Schneekloth: “Becado por el Instituto para la Educación Internacional, en 1970 el compositor estadounidense Steve Reich asistió a unos cursos de percusión en el Instituto de Estudios Africanos de la Universidad de Ghana en Acra. Allí surgió la idea de escribir Drumming, «la primera obra maestra del minimalismo», según el musicólogo K. Robert Schwarz, autor también del libro Minimalistas (Londres, Phaidon). Drumming supone una pieza de transición entre las primeras composiciones más austeras de Reich y las posteriores que se caracterizan por el empleo de formas y estructuras más abiertas. De nuevo según Schwarz, Reich utiliza tres técnicas para su noneto por aquel entonces inéditas: la sustitución gradual de ataques por silencios (o viceversa) dentro de una célula rítmica que se repite constantemente, la combinación simultánea de diferentes instrumentos (timbres) en texturas homófonas y la incorporación de voces humanas imitando los sonidos de los instrumentos de percusión. En palabras de Steve Reich: «Drumming Part I para pequeños instrumentos de parche arranca con un pulso de doce ataques regulares del que se destila la única célula rítmica de Drumming. Una vez establecida, ésta se acelera gradualmente en una de las voces mientras que en las otras permanece constante…». Este proceso produce una especie de textura asincrónica imitada por muchos otros compositores que en los años posteriores a Drumming crearon una enorme estela de epígonos minimalistas que aún hoy en día produce nuevos adeptos, como si de una religión se tratara.”

El CNDM coproduce el XXII Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza

Como parte del programa CIRCUITOS del Centro Nacional de Difusión Musical, presente en 28 ciudades españolas y 14 extranjeras

El CNDM coproduce el XXII Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza

• Esta es la octava edición en la que el centro nacional colabora con el festival andaluz

• La programación conjunta se materializa este año en cuatro conciertos los días 7 y 8 de diciembre, con el estreno en tiempos modernos de seis recuperaciones históricas encargadas por el CNDM.

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) vuelve a coproducir el Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza, colaboración que comenzó con la creación del centro nacional hace ocho años y que en esta edición se materializa en cuatro conciertos programados el 7 y 8 de diciembre en las dos ciudades que dan nombre al ciclo. Así, cuatro destacadas formaciones especializadas en música histórica, Euskal Barrokensemble, La Bellemont, L´Apothèose y Recóndita Armonía, estrenarán en tiempos modernos seis piezas cuya recuperación es un encargo del CNDM. Según el festival: “esta especial colaboración institucional, a la que se añade la creada con Radio Nacional de España, es fundamental en el éxito que cada año tiene nuestro festival, pues su apoyo nos ayudan a llevar la música antigua a todos los públicos”.

Del templo al teatro

El viernes 7 de diciembre a las 20:30h, en el Auditorio de San Francisco de Baeza, el conjunto Euskal Barrokensemble dirigido por Enrike Solinís presentará La profecía de la Sibila, un programa de música religiosa que trata de evidenciar la influencia del rito pagano en el ritual religioso que se dio en las músicas del Medioevo y del Renacimiento. Su versión del Canto de la Sibila nos muestra el canto religioso a través de la voz de una cantaora, rescatando la práctica centenaria de presentar los cantos litúrgicos con apego a las maneras y tradiciones musicales de cada lugar. Unas horas después, al filo de la medianoche, La Bellemont interpretará en la Capilla del Antiguo Seminario de San Felipe Neri, de la misma ciudad, su enfoque del lenguaje de la viola da gamba en la Francia de François Couperin, con obras de este pilar de la música gala, del que se cumplen 350 años de su muerte, junto a piezas de compositores coetáneos.

Ya inmersos en el fin de semana, el viaje por Europa continúa para detenernos esta vez en España, concretamente en Madrid, con la agrupación L’Apothéose, el sábado 8 de diciembre a las 17:30h, en el Auditorio del Hospital de Santiago en Úbeda. De Durón a Nebra. Óperas y zarzuelas en el Madrid del siglo XVIII trata la música escénica de José de Nebra como un hito dentro de la corriente modernizadora que vivió el Madrid de las primeras décadas del siglo XVIII. Este concierto está incluido en el ciclo transversal #Nebra2.5.0 que el CNDM está desarrollando en nueve ciudades españolas para conmemorar los 250 años de la muerte del célebre compositor bilbilitano. Para cerrar esta colaboración, el mismo 8 de diciembre a las 20:30h en el Auditorio del Hospital de Santiago de Úbeda disfrutaremos de Recóndita Armonía Ensemble, conjunto capitaneado por la violagambista cubana Lixsania Fernández. Para la ocasión interpetarán Música de la catedral de Santiago de Cuba, selección de la música sacra interpretada en el siglo XVIII en ese templo, con recuperaciones históricas de Esteban Salas y Juan Paris.

Ainhoa Arteta

Con las localidades ya agotadas, la soprano guipuzcoana estrenará un ciclo de canciones encargadas por el CNDM al compositor Lorenzo Palomo al hilo del aniversario del ciclo

La soprano Ainhoa Arteta, acompañada por Roger Vignoles, uno de los mejores pianistas especializados en lied, celebrará el próximo lunes 10 de diciembre los 25 años del ciclo de Lied que el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) coproduce con el Teatro de La Zarzuela.

Lo hará con un recital en el que estrenará el ciclo de canciones Sendero mágico, obra encargada por el CNDM al compositor Lorenzo Palomo al hilo del aniversario del ciclo. Junto a este estreno absoluto, Arteta y Vignoles interpretarán los Tre Sonetti di Petrarca de Liszt y obras de Jaime León, Jayme Ovalle, Osvaldo Lacerda, Fernando Obradors y Enrique Granados. Las localidades para este concierto están agotadas.

Arteta protagonizó en el mes de octubre, con gran éxito de crítica y público, la opereta Katiuska de Pablo Sorozábal, que abrió la temporada 2018/2019 del Teatro de la Zarzuela.

La elegante “marca España” lírica

Tras resultar vencedora de los Concursos Metropolitan Opera National Council Auditions de Nueva York y del Concours International de Voix d’Opera Plácido Domingo de París, inicia una brillante carrera internacional en teatros como el Metropolitan Opera, Carnegie Hall, Covent Garden, Bayerische Staatsoper, Operas de Washington, Houston, Dallas, Seattle, San Francisco, Scala de Milán, San Carlos de Nápoles, Arena di Verona, Teatro Bellas Artes de México, Ámsterdam, Deutsche Oper Berlín y un largo etc., interpretando los papeles principales de óperas como La Traviata, La Bohème, Romeo et Juliette, Faust, La Rondine, Eugene Onegin, Turandot, Manon Lescaut, etc.

Combina sus actuaciones operísticas con recitales y conciertos dirigida por los más reputados maestros como Sir Neville Marriner, Christian Badea, Gianandrea Noseda, Christopher Hogwood, Vasily Petrenko, Pablo González, Adrian Leaper, Víctor Pablo Pérez, Friedrich Haider, Pier Giorgio Morandi, Gustavo Dudamel, Miguel Ángel Gómez Martínez, Günter Neuhold, Frédéric Chaslin, etc, y por renombrados pianistas repertoristas como Marco Evangelisti, Rubén Fernández Aguirre, Roger Vignoles y Malcolm Martineau con quien graba para el sello Deutsche Grammophon Recital, una exquisita selección de canción francesa y española.

En los últimos años ha recibido numerosos galardones como la ‘Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes’, Doctor Honoris Causa por la Universidad Rey Juan Carlos, Embajadora de la Marca España, ‘Premio de la Hispanic Society of America’ por su Contribución a las Artes, Premio al “Mejor Artista de Música Clásica” en la V Edición de los ‘Premios de la Música’, ‘Premio ONDAS’ a la labor más notoria en música clásica, ‘Premio Federico Romero’ de la Fundación Autor a su carrera de proyección internacional, ‘Medalla de Oro del Palau de la Música de Valencia’, Presidenta de Honor de la Asociación Maestro Segovia, Académica de la Real Academia de Bellas Artes de Cádiz, Vasca Universal, Patrona de la Fundació Orfeó Català-Palau de la Música, artista en residencia de la Orquesta de Cadaqués, ‘Micrófono de Oro de la Federación de Asociaciones de Radio y Televisión de España’, ‘Premio Enric Granados’ y Medalla de Oro de la Asociación de Amigos de la Ópera de Lleida, así como el ‘Premio Ciudad de Alcalá de las Artes y las Letras’.

De sus grandes éxitos habría que destacar su participación en Cyrano de Bergerac junto a Plácido Domingo en San Francisco Opera y en el Teatro Real, La Bohème en el Metropolitan y La Scala de Milán, Otello en La Coruña, Turandot, Carmen y La Bohème en el Liceo, Dialogues des Carmelites, Eugene Onegin y Simon Boccanegra en ABAO, así como el estreno en París de la ópera Le dernier jour d’un condamné junto a Roberto Alagna, Don Carlo en la Ópera de Oviedo y Don Giovanni en el Teatro Real, su papel como Alice Ford de Falstaff junto a Bryn Terfel en la Ópera de San Francisco, el Réquiem de Verdi en el Suntory Hall y Fukushima con la Orquesta Filarmónica de Tokyo bajo la batuta de Nicola Luisotti, Manon Lescaut en el Teatro de la Maestranza, Adriana Lecouvreur en la ABAO, Tosca en el Teatro Comunale de Bologna y en Reggio Emilia, La Wally en el Gran Theatre de Geneve, La Bohème en el Bellas Artes de México y Tosca junto a Marcelo Álvarez en Sao Paulo. Han sido igualmente grandes éxitos su Falstaff en el Covent Garden, Tosca en la Welsh National Opera junto a Bryn Terfel, la gala lírica en el Vienna Konzerthaus con la Wiener Kammer Orchester, Tosca en la Deutsche Oper de Düsseldorf, Manon Lescaut en ABAO, Alice Ford de Falstaff en el Teatro San Carlo de Nápoles y A Coruña y su debut en el Teatro Bolshoi de Moscú con el rol de Manon Lescaut, así como en la Sydney Opera House con Tosca.

Entre sus últimos y próximos compromisos se encuentran Tosca en la Arena de Verona, Teatro San Carlos de Nápoles y en la Deutsche Oper de Düsseldorf, Manon Lescaut en el Teatro San Carlo de Nápoles y Bolshoi, Réquiem de Verdi junto a la Royal Liverpool Philharmonic bajo la dirección de Vasily Petrenko, Andrea Chenier en la Ópera de Oviedo, La Bohème en ABAO, Adriana Lecouvreur en Sevilla (Maestranza), I Pagliacci (Nedda) en la Monnaie de Bruselas, Madama Butterfly en el Liceo y Don Carlo en el Teatro Real.

Fotografía: La petite chambre mr

Marquez

La cantaora flamenca Rocío Márquez junto al violagambista barroco Fahmi Alqhai terminaron ayer la exitosa minigira que han realizado por Italia, con conciertos en Roma, Nápoles y Palermo, presentando su proyecto Diálogo de viejos y nuevos sones. Estos tres conciertos están incluidos en el ciclo “Proyecto Europa: Mestizajes”, al que también pertenece el concierto del Trío Arbós junto al cantaor Rafael de Utrera programado el 3 de febrero en Ámsterdam dentro de la prestigiosa Bienal Holandesa de Flamenco. A estas citas que el Centro Nacional de Difusión Musical coproduce con el Instituto Cervantes, se añade, por tercer año consecutivo, la serie “Proyecto Europa: el cuarteto de cuerdas en España” dedicada a difundir y promocionar a los cuartetos de cuerda españoles y las obras para este formato escritas por compositores de nuestro país pertenecientes a todas las épocas (con cuatro conciertos en Londres, Cracovia y Hamburgo) y, por primera vez, el “Proyecto Israel”, que presentará dos conciertos y una clase magistral del Trío Arbós en Tel Aviv en los primeros dás del año próximo.

Diálogos de viejos y nuevos sones

Fahmi Alqhai y su Accademia del Piacere llevan ya un largo recorrido estudiando y recuperando las músicas de “ida y vuelta”, especialmente en su punto de unión con el flamenco más antiguo. En estos diálogos junto a la cantaora Rocío Márquez resaltan la base de este género tan español y cómo en su tradición existe una constante interacción entre lo nuevo y lo antiguo, buscando los puntos de unión de los cantes hoy vivos con sus orígenes, unos llegados a nosotros por la tradición oral y otros leídos en viejos manuscritos: cantes flamencos idos y venidos desde Andalucía al folklore americano y de nuevo a Andalucía, pero también chaconas y marionas que cruzaron el Atlántico para quedar escritas en los primeros libros de guitarra española, allá por el siglo XVII; cantos en ostinato del gran Monteverdi junto a ancestrales seguiriyas, con su rueda de acordes venida de esa misma Italia del Seicento, tientos y tangos…Tanto Rocío Márquez como Fahmi Alqhai vienen de recorrer juntos mucho camino, y la complicidad que existe facilita su conversación y el disfrute de los públicos italianos que los han recibido con calor y agradecimiento en todas las veladas.

Definida por la prensa como “el talento joven más cotizado del flamenco actual”, Rocío Márquez (Huelva, 1985) es hoy una de las cantaoras con más proyección de su generación. Su voz clara, de luz, está plagada de matices que expresan su exquisita sensibilidad. En su posicionamiento estético confluyen clasicismo y vanguardia, pues tanto es su amor por la tradición como inquieto su espíritu creador. Con la publicación de El Niño (2014) y Firmamento (2017) ha trascendido los circuitos tradicionales del flamenco, donde es desde hace tiempo una figura consolidada, llamando la atención de crítica y públicos diversos, que ven en ella a una de las renovadoras del cante.

Si es cierta la afirmación de la crítica, que asegura que “empieza a marcar una época”, sin duda uno de sus hitos más destacados fue el concierto celebrado en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional la temporada pasada 2017-2018 dentro del ciclo Andalucía Flamenca del CNDM. En este espectáculo Rocío recorrió lo más destacado de su repertorio flamenco, invitando además a dos de sus referentes artísticos. De un lado, Carmen Linares, la gran dama del cante flamenco y la responsable de abrir camino a toda una generación de cantaoras que en la actualidad reivindican la presencia de la mujer en el cante. Del otro, Kiko Veneno, figura fundamental de la música española en los últimos 40 años, creador genial y ejemplo de libertad y compromiso.

Fahmi Alqhai es hoy considerado uno de los más importantes intérpretes de viola da gamba del mundo y uno de los mayores renovadores de la interpretación de la música antigua, gracias a su concepción arriesgada, personal y comunicativa del acercamiento a los repertorios históricos. Nacido en Sevilla en 1976 de padre sirio y madre palestina, se formó en Sevilla y Suiza (Schola Cantorum Basiliensis y Conservatorio della Svizzera Italiana de Lugano) con los profesores Ventura Rico, Paolo Pandolfo y Vittorio Ghielmi. Trabajó para conjuntos y directores de primer nivel (Jordi Savall, Ton Koopman, Pedro Memelsdorff, Uri Caine, etc.), mientras obtenía la licenciatura de Odontología por la Universidad de Sevilla. Focalizada ya su carrera hacia su vertiente solista y su conjunto, Accademia del Piacere, Fahmi Alqhai ha dirigido innovadoras grabaciones para Glossa (Rediscovering Spain, Cantar de Amor) que han recibido importantes reconocimientos a nivel mundial, incluso fuera del ámbito de las músicas históricas, como el ‘Giraldillo’ a la “Mejor Música” de la Bienal de Flamenco de Sevilla 2012 por Las idas y las vueltas —su cuarto CD—, junto al cantaor Arcángel, y el ‘Giraldillo’ 2016 a la “Innovación” por Diálogos junto Rocío Márquez. En 2014 Alqhai presenta su primer CD a solo, A piacere, cuya renovadora concepción de la viola da gamba recibe una excelente acogida en toda Europa. Para la revista británica Gramophone es un disco “extraordinario” que “lleva la viola da gamba a un nuevo terreno de gozoso potencial”, y “un feliz tributo a todo lo que la viola pudo haber sido, y puede aún ser”. Con él gira por Japón y Estados Unidos, tras haber dirigido a Accademia del Piacere en las salas de concierto más importantes del mundo como el Konzerthaus de Viena y el de Berlín, la nueva Elbphilharmonie de Hamburgo, la Philharmonie de Colonia, la Fundación Gulbenkian de Lisboa, el Auditorio Nacional de Madrid y muchos otros escenarios de Holanda, México, Colombia, Suiza, Francia, Italia, etc. En 2016 presenta su trabajo más personal como solista: The Bach Album para el sello Glossa, ‘Premio del Público’ al “Mejor Disco” 2016 para GEMA, ‘Disco Excepcional’ para Scherzo y ‘Melómano de Oro’. Desde 2009 es director artístico del FeMÀS, Festival de Música Antigua de Sevilla.

Sonido extremo

El próximo lunes, 26 de noviembre, a las 19:30 horas, tendrá lugar el concierto final del 29º Premio Jóvenes Compositores, que convocan la Fundación SGAE y el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, dentro del ciclo SERIES 20/21 del CNDM. Inés Badalo López (Badajoz, 1989) con Evanescente Latir; Hugo Gómez-Chao Porta (A Coruña, 1995) con Límites del negro; Román González Escalera (Ciudad Real, 1987) con Espejismo Volátil y José Luis Valdivia Arias (Granada, 1994) con Gouache son los cuatro finalistas de esta edición que concede un total de 11.700 euros.

Con entrada libre hasta completar aforo, el Ensemble Sonido Extremo, bajo la dirección de Jordi Francés, estrenará las composiciones finalistas. Al término del concierto, un jurado integrado por los compositores Alicia Díaz de la Fuente, Juan José Eslava Cabanellas, Jacobo Gaspar Grandal, José Miguel Fayos Jordán y Diana Pérez Custodio emitirá el fallo. Un total de 23 obras han sido presentadas a concurso en esta edición de 2018.

Los cuatro autores de menos de 35 años optarán a los siguientes galardones: el primer premio “Xavier Montsalvatge” de 6.000 €; el segundo premio “Carmelo Alonso Bernaola” de 3.000 €; el tercer premio “Francisco Guerrero Marín” de 1.500 € y la mención honorífica “Juan Crisóstomo Arriaga”, dotada con 1.200 €. Además, y como en cada edición, la Fundación SGAE editará un disco promocional que reunirá las cuatro obras ganadoras del certamen, con el fin de contribuir a su posterior promoción y difusión.

Un nuevo premio especial: Compositor Residente de la Red de Músicas
A estos cuatro galardones se suma el nuevo “Premio Especial JM España”, que otorgará Juventudes Musicales de España. De este modo, el ganador del Primer Premio de esta edición se convertirá en Compositor Residente de la Red de Músicas de JM España durante la temporada 2019-2020. JM España le encargará tres obras de música de cámara y otorgará 1.000 euros por cada pieza. El compositor escogerá tres jóvenes solistas o grupos de los seleccionados en la Red de Músicas que las estrenarán e interpretarán en todos los recitales que den en este circuito que organiza más de 200 conciertos al año.

Acerca del Premio Jóvenes Compositores
El Premio Jóvenes Compositores fue creado en 1987 para estimular la creación en el campo de la música clásica contemporánea entre los jóvenes creadores de hasta 35 años, con el propósito de contribuir al desarrollo y conocimiento social de nuevos lenguajes, tendencias y modos de expresión musicales.

Entre los ganadores de sus veintiocho ediciones destacan nombres ya consolidados dentro del panorama de la composición actual, con carreras internacionales que demuestran la buena salud de la creación musical española: Agustín Charles, Mauricio Sotelo, José María Sánchez-Verdú, Jesús Rueda, Jesús Torres, Pilar Jurado, Gabriel Erkoreka, Ramón Humet, Juan Cruz Guevara, Jesús Navarro, Oliver Rappoport o Nuria Núñez, entre muchos otros, han sido protagonistas de esta cita indispensable en el apartado de la composición para ensemble a nivel nacional.

Acerca de los finalistas
Inés Badalo López (Olivenza, Badajoz, 1989)
Estudió guitarra y composición en el Conservatorio Superior de Música de Badajoz y la Escola Superior de Música de Lisboa (ESML). Ha asistido a clases de compositores como Luís Tinoco, Franck Yeznikian, Christopher Bochmann o José Manuel López López y de guitarristas como Carles Trepat, Evaristo Valentí, Antonio Jorge Gonçalves y Álvaro Pierri. Ha ganado diversos concursos entre los que destacan el destacan el Concurso Internacional de Composición “Manuel de Falla” (2016), Premio Francisco Guerrero Marín – Jóvenes Compositores de la Fundación SGAE/CNDM (2017), Prémio de Composição Sociedade Portuguesa de Autores/Antena 2 (2017), Premio FIDAPA Concorso Internazionale di Composizione Città di Udine (2018) y Convocatoria para Jóvenes Compositores de Plural Ensemble (2018). Sus composiciones han sido estrenadas por la Orquesta Gulbenkian, Trío Arriaga, Ensemble Sonido Extremo, Orquesta Joven de Extremadura, Ensemble Kuraia, Ensemble vocal Soli-Tutti, entre otros, e interpretadas en España, Portugal, Croacia, Reino Unido, Brasil, Alemania y Francia.

Hugo Gómez-Chao Porta (A Coruña, 1995)
Estudió el Grado Superior de Composición con David del Puerto Jimeno en Madrid, acabando sus estudios con las máximas calificaciones. Actualmente cursa en la Kunstuniversität de Graz el Máster de composición, siendo alumno de Beat Furrer y Clemens Gadenstätter. Ha sido becado por la Diputación de A Coruña con las “Becas de perfeccionamiento artístico” durante los cursos 2017-2018 y 2018-2019. Ha recibido clases de compositores como Fiedrich Haas, Sergio Luque, Jesús Rueda y Bernhard Lang. Ha estrenado obras y recibido encargos gracias a entidades como Fundación SGAE, Asociación de Orquestas Españolas (AEOS), Orquesta Sinfónica de Galicia, Festival de Tres Cantos de Música Contemporánea, La Phármaco, Museo de Bellas Artes de A Coruña, Museo Provincial de Pontevedra, entre otras. Es uno de los miembros fundadores del Festival RESIS de Música Contemporánea de A Coruña, del cual es actualmente director artístico.

Román González Escalera (Ciudad Real, 1987)
Estudia el grado en Composición en Córdoba con Francisco Martín Quintero y Juan de Dios García. Posteriormente estudió un Máster en composición instrumental con Alberto Posadas y Aureliano Cattaneo. Recibe los consejos de grandes compositores como Pierluigi Billone, Beat Furrer, José Luis Torá, Chaya Czernowin, Voro García, César Camarero o Héctor Parra entre otros. Sus obras se han interpretado por gran parte de la geografía española, Francia e Italia por agrupaciones como la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, Orquesta de Córdoba, Nou ensemble, Ensemble Zenit 2000, OnOff ensemble… o solistas como Lorelei Dowling o Christian Dierstein. Actualmente es profesor de Técnica armónico-contrapuntística en el Conservatorio Superior de Castilla-La Mancha.

José Luis Valdivia Arias (Granada, 1994)
Jose Luis Valdivia Arias se graduó con las máximas calificaciones en composición clásica contemporánea en Escuela TAI (Madrid), teniendo como profesores a Rodrigo Faina y José Javier Peña Aguayo. Actualmente se encuentra estudiando el Máster de composición en Codarts (Rotterdam) con el compositor Robin de Raaff y composición electroacústica con el compositor René Uijlenhoet. A su vez, recibe clases de composición de Peter-Jan Wagemans, con el que se instruye y trabaja. Su enfoque como músico es interdisciplinario; abarca una serie de formas artísticas, visuales, literarias y musicales en obras que exploran un diálogo entre imagen, continuidad y tiempo. Estas formas se derivan de una serie de perspectivas sobre la idea de “narrativa” recurriendo a una variedad de enfoques para revelar las percepciones comunes de la creatividad musical.

FRANZ-JOSEF SELIG

Con un programa formado por baladas de Carl Loewe, Hugo Wolf y Rudi Stephan

El Centro Nacional de Difusión Musical en coproducción con el Teatro de La Zarzuela presentarán el próximo lunes 12 de noviembre, al bajo Franz-Josef Selig en su segunda visita al Ciclo de Lied. Selig llega acompañado por Gerold Huber al piano para ofrecer un programa formado por baladas de Carl Loewe, Hugo Wolf y Rudi Stephan. Las entradas, con un precio general de 8 a 35 euros, están a la venta en las taquillas del Teatro de La Zarzuela, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y 902 22 49 49.

La elegante profundidad del bajo

Según la musicóloga Isabel García Adánez: “Franz-Joseph Selig es uno de los bajos de mayor renombre en la actualidad, y su voz, tan imponente como delicada y llena de matices, ha dado vida a numerosos personajes de ópera igualmente imponentes y llenos de matices desde Monteverdi y Mozart hasta Wagner (ha interpretado al gigante Fasolt del Das Rheingold y al Rey Marke de Tristan und Isolde). No es menor el éxito que ha alcanzado más allá de la ópera, por ejemplo, en el Requiem de Mozart o las Szenen aus Goethes Faust de Schumann, y tiene grabado un magnífico disco de lieder sobre Prometeo, con textos de Goethe y las versiones que hicieron de ellos Schubert, Strauss y Hugo Wolf, acompañado al piano por Gerold Huber, a quien ya hemos tenido el placer de escuchar en diversos recitales de este Ciclo de Lied. La prestancia de un gran bajo de ópera invita a su identificación con los numerosos personajes de gran envergadura dramática que protagonizan los textos de las baladas de esta noche: Archibald Douglas, el Gran Emperador, el sanguinario Edward, el caballero Oluf, el arpista ambulante del Wilhelm Meister de Goethe o el mismo el dios Odín dispuesto para la batalla. A diferencia de otros programas, más en la línea del Liederabend entendido como velada íntima para cantar en torno al piano, el de esta noche sugiere la tradición de reunirse para contar cuentos o representar escenas de teatro, puesto que casi todo son baladas, cuya característica principal es el elemento narrativo. Esta tradición de narrar una hilera de cuentos o novellas a partir de un marco es bien conocida desde los inicios de la historia de la literatura: pensemos en Las mil y una noches o el Decamerón y, ya en la época de los lieder, en los ciclos de Novellen del Romanticismo alemán, por ejemplo, de E.T.A. Hoffmann. Como curiosidad, en alemán, selig significa «feliz, enormemente dichoso, bienaventurado» y es una palabra que aparece con frecuencia en los cuentos. Gracias a esta voz, propia de Odín, encarnando tantas historias maravillosas, la dicha será para nuestros oídos.”

Franz-Josef Selig se ha establecido en la escena internacional como uno de los bajos más conocidos. Habitualmente canta los roles de Gurnemanz, el Rey Marke, Sarastro, Rocco, Osmin, Daland, Fiesco y Fasolt en los principales teatros operísticos del mundo como la Ópera Estatal de Viena, la Ópera Estatal de Baviera, el Teatro Scala de Milán, el Teatro Real de Madrid, las óperas parisinas o el Metropolitan Opera de Nueva York, y en prestigiosos festivales como: Bayreuth, el Festival de Salzburgo y el Festival d’Aix-en-Provence. Las producciones operísticas y su actividad concertística le lleva a colaborar con orquestas y directores como James Levine, Christian Thielemann, Sir Simon Rattle, Marek Janowski, Semyon Bychkov, Riccardo Muti, Yannick NezétSéguin, Antonio Pappano, Phillipe Jordan, Zubin Mehta, entre otros. Además de sus numerosos compromisos operísticos y actuaciones en conciertos, dedica una importante parte de su tiempo a los recitales de lied. Recientemente ha cantado en solitario junto al pianista Gerold Huber en Katowice, Colonia y Frankfurt, y junto a Markus Schäfer, Christian Elsner, Michael Volle en conciertos del Liedertafel (acompañados también por Gerold Huber al piano) en Stuttgart, Schaffhausen y Madrid.

Selig estudió música sacra en el Staatliche Hochschule für Musik en Colonia antes de empezar a tomar clases Canto con Claudio Nicolai. Al inicio de su carrera fue miembro del Teatro Aalto en Essen. Desde entonces ha sido un cantante independiente. Durante la pasada temporada 2017-2018 ha destacado en los siguientes roles operísticos: King Arkel (Pelléas et Mélisande) en Bochum y París, Séneca en una nueva producción de L’incoronazione di Poppea de Monteverdi en la Ópera Estatal de Berlín, Daland (The flying dutchman) en la Ópera Estatal de Múnich, Gurnemanz (Parsifal) con la Filarmónica de Berlín bajo la dirección de Sir Simon Rattle y Sarastro (Die Zauberflöte) con la Orquesta de Cámara de Europa y Yannick Nézet-Séguin en el Festival de Baden Baden. En ámbito concertístico Franz-Josef Selig ha cantado la Missa Solemnis de Beethoven con Thielemann y Rattle y la ópera Parsifal, en versión concierto, en la Filarmónica de Berlín.

Sus numerosas grabaciones en CD y DVD van desde la Pasión según San Mateo de Bach hasta Die Zauberflöte de Mozart (The Royal Opera, Londres / Sir Colin Davis) pasando por Don Giovanni (Ópera Estatal de Viena / Riccardo Muti), Le nozze di Figaro (Festival de Salzburgo / Nikolaus Harnoncourt), y Die Entführung aus dem Serail (Gran Teatre del Liceu / Ivor Bolton / Christoph Loy), así como L’incoronazione di Poppea (Gran Teatre del Liceu / David Alden / Harry Bicket). Ha grabado el rol de Gurnemanz en la ópera Parsifal (Wagner) bajo la batuta de Christian Thielemann (Ópera Estatal de Viena / Deutsche Grammophon) y con Marek Janowski y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Berlín (Pentatone). El DVD Der Ring des Nibelungen (DG, Metropolitan Opera de Nueva York, 2010) donde Selig cantó el papel de Fasolt, recibió un ‘Premio Grammy’ en 2013. Este mismo año se lanzó el DVD de Der Fliegende Holländer del Festival de Bayreuth (Thielemann / Gloger). En junio de 2014 salió a la luz su primer CD de lied acompañado al piano por Gerold Huber. Bajo el título Prometheus (AVI) reúne canciones de Schubert, Wolf y Strauss. En julio de 2015 Deutsche Grammophon lanzó una nueva grabación de Die Entführung aus dem Serail de Mozart (producción del Festival de Baden-Baden, 2014).

CNDM Badajoz

Esta edición de la coproducción entre el CNDM y la Sociedad Filarmónica de Badajoz presenta doce conciertos y diez estrenos absolutos, de octubre de 2018 a marzo de 2019.

Badajoz. 17 de octubre de 2018. Esta mañana, el director de la Sociedad Filarmónica de Badajoz, Javier González Pereira junto al director del Centro Nacional de Difusión Musical, Francisco Lorenzo, han presentado la décima edición del Ciclo de Música Actual de Badajoz. En la mesa les han acompañado la directora del Centro de las Artes Escénicas y la Música (Cemart) de la Junta de Extremadura, Antonia Álvarez y el director del Área de Cultura de la Diputación de Badajoz, Ricardo Cabezas.

El X Ciclo de Música Actual, que coproducen la Sociedad Filarmónica de Badajoz y el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), llevará a la capital pacense a una docena de destacadas formaciones especializadas en música actual que ofrecerán, desde el 23 de octubre hasta el 8 de marzo de 2019, doce conciertos, diez estrenos absolutos y ocho actividades pedagógicas. Todos los conciertos tendrán acceso libre hasta completar el aforo del espacio salvo el ofrecido por la Orquesta de Extremadura en el Palacio de Congresos de Badajoz.

Por quinto año consecutivo, la ciudad de Badajoz participa en la temporada del CNDM, centro dependiente del Ministerio de Cultura y Deporte, y lo hace a través de este ciclo de música que la Sociedad Filarmónica de Badajoz creó hace diez años como un espacio para la difusión de músicas actuales, convirtiéndose en poco tiempo en un referente dentro y fuera de Extremadura. La colaboración con el CNDM ha permitido incrementar el número de conciertos y de estrenos absolutos, a la vez que ha propiciado que algunos compositores extremeños o afincados en Extremadura hayan podido estrenar sus obras, como María José Fontán, José Ignacio de la Peña, Jerónimo Gordillo, Inés Badalo, Leandro Lorrio y Francisco Novel Sámano. El ciclo cuenta también con el apoyo de la Junta de Extremadura, la Diputación de Badajoz y la Fundación CB.

La presencia del reputado compositor y director de orquesta húngaro Peter Eötvös en Badajoz y el estreno absoluto de su obra Joyce (coencargo de la Sociedad Filarmónica y del CNDM) será uno de los platos fuertes de la presente edición. El Cuarteto Quiroga, flamantes ganadores del Premio Nacional de Música 2018, junto con el reconocido clarinetista y compositor Jörg Widmann serán los encargados de dar vida a esta pieza el 10 de febrero en la Diputación de Badajoz. Antes del concierto, Eötvös y Widmann ofrecerán una charla introductoria en un encuentro con el público en el Conservatorio Superior de Música ‘Bonifacio Gil’ Badajoz.

Este décimo aniversario propone una programación diversa en contenidos que se acerca a los públicos jóvenes y se extiende a otros puntos de Extremadura. El ciclo visitará por primera vez la localidad de Jerez de los Caballeros, donde el grupo Tulam Dúo ofrecerá un concierto el 24 noviembre en el Cine Teatro Balboa, y el Conservatorio Profesional de Música ‘Hermanos Berzosa’ de Cáceres, que acogerá una de las actividades pedagógicas del ciclo. En su interés por acercarse a los más jóvenes, el ciclo ha aumentado el programa pedagógico respecto a la edición anterior, pasando de cinco a ocho actividades que se desarrollarán en conservatorios y escuelas de música de diferentes municipios de Extremadura y Portugal. Además, por primera vez, la Orquesta Sinfónica del Conservatorio Superior de Badajoz, integrada por alumnos de este centro, participará en la programación y se realizará un concierto en el Skate Park del Centro Joven de la capital pacense, centro neurálgico juvenil de la ciudad, a cargo del Ensemble Container. Estos nuevos espacios se suman a los escenarios ya habituales del ciclo como son el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC), el Palacio de Congresos, el Teatro López de Ayala, la Biblioteca de Extremadura, el Salón Noble de la Diputación de Badajoz o la Residencia Universitaria de la Fundación CB.

El CUARTETO PRAZÁK INAUGURA LA DÉCIMA EDICIÓN

El X Ciclo de Música Actual se inaugurará el martes 23 de octubre en el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC) con un concierto del Cuarteto Pražák de Praga, en el que se centrarán en las denominadas “músicas degeneradas”, obras de compositores asesinados y marginados por el Nazismo.

El Glass Farm Ensemble de Nueva York llegará para presentar el 6 de noviembre ‘El piano hecho de memoria y de silencio’ proyecto en el que figuran piezas de la fundadora del conjunto, la pianista Yvonne Troxler, junto a trabajos de Balz Trümpy, Ian Wilson, Fabián Panisello, José Manuel López López y un encargo del CNDM a César Camarero, compositor habitual en los programas de este ensemble neoyorquino. Glass Farm Ensemble desarrolla imaginativos proyectos en disposiciones espaciales no convencionales que invitan al público a una experiencia íntima de la música.

Una de las formaciones que ha acompañado desde sus inicios al ciclo es NeoArs Sonora, que regresará desde Granada a la capital pacense el 2 de diciembre para ofrecer al público extremeño obras de Jesús Torres y George Crumb, además de dos estrenos absolutos del compositor Francisco Novel Sámano, profesor de Composición en el Conservatorio Superior de Música de Badajoz y de Antonio Blanco, a quien le gusta compaginar la creación musical con la dirección teatral. El primero es un encargo de la Sociedad Filarmónica de Badajoz y el segundo del CNDM.

El cuarteto de saxofones Folium Fugit ofrecerá el 11 de diciembre un ambicioso y ecléctico programa con obras de gran dificultad formado por los estrenos absolutos de Danza afromeña de Leandro Lorrio, Swirls de Gabriel Erkoreka (ésta por encargo de la Sociedad Filarmónica de Badajoz) y una pieza nueva de José Luis Turina. Uno de los integrantes de este cuarteto, David Alonso, es profesor en el Conservatorio Oficial de Música ‘Hermanos Berzosa’ de Cáceres.

Otra de las propuestas destacadas de este año llegará el 15 de enero con el Romancero Gitano de Lorca, recitado por el pianista granadino Juan Carlos Garvayo sobre música de Manuel Martínez Burgos, compositor ampliamente galardonado nacional e internacionalmente. En este concierto estrenará Poeta en Nueva York y Romancero Gitano, dos encargos del CNDM.

Siguiendo la estela del piano, otro destacado solista, el vizcaíno Miguel Ituarte, llegará el 1 febrero para conmemorar el centenario del fallecimiento de Debussy junto al estreno absoluto, encargo del CNDM, de las dos últimas sonatas de Jesús Rueda, Compositor Residente de la presente temporada del centro nacional.

LA APORTACIÓN EXTREMEÑA AL X CICLO DE MÚSICA ACTUAL
El Ciclo de Música Actual siempre ha concedido un especial protagonismo a las formaciones extremeñas. En esta edición estarán presentes cuatro: la Orquesta de Extremadura, por la Orquesta Sinfónica del Conservatorio Superior de Música ‘Bonifacio Gil’ de Badajoz y los ensembles Container y Sonido Extremo.

La Orquesta de Extremadura (OEX), dirigida por Álvaro Albiach, estará presente el 29 de noviembre con Manuel Blanco, el trompetista principal de la Orquesta Nacional de España, en un programa de abono que incluye el estreno en España de Entropía, de la joven compositora hispano-lusa Inés Badalo.

La Orquesta Sinfónica del Conservatorio Superior de Badajoz dirigida por David Azagra interpretará el 18 de enero los arreglos para orquesta de la suite Iberia de Isaac Albéniz realizados por el compositor Jesús Rueda, además de sendos conciertos de Edward Elgar y de Robert Schumann.

El Ensemble Container (15 de febrero) traerá al ciclo, como en las dos ediciones anteriores, una vanguardista propuesta que gravita entre la electrónica y el rock, con un programa cargado de estrenos en España de compositores europeos como Sánchez-Chiong o Michael Beil y de interrogantes que invitan a reflexionar sobre la música y la sociedad actual. El escenario de su concierto será el Skate Park del Centro Joven de la capital pacense.

Por su parte, Sonido Extremo ofrecerá el 8 de marzo un programa que reflexiona sobre el sonido e incluye el estreno de una obra basada en el teatro de sombras de la compositora extremeña Inés Badalo, además de la obra Coming Together del compositor estadounidense Frederic Rzewski, cargada de contenido social y que tendrá como invitado al cantante pacense Gene García, que hará de recitador. El programa lo completará la reciente composición de Joan Magrané para saxo y ensemble con Antonio García Jorge como solista.

EL APOYO DEL CICLO DE MÚSICA ACTUAL A LA NUEVA CREACIÓN
El Ciclo de Música Actual ha destacado siempre por la cantidad de obras de nueva creación que acoge. En esta edición se podrán escuchar 10 estrenos absolutos, tres de ellos de compositores extremeños o afincados en Extremadura (Leandro Lorrio, Inés Badalo y Francisco Novel Sámano) y 9 estrenos en España. Sonarán nuevas obras de Peter Eötvös, César Camarero, Yvonne Troxler, Antonio Blanco, José Luis Turina, Manuel Martínez Burgos, Leandro Lorrio, Jesús Rueda, Francisco Novel Sámano y Gabriel Erkoreka.

EL PROGRAMA PEDAGÓGICO CRECE Y LLEGA A CÁCERES

El programa pedagógico ha crecido respecto a la edición anterior. A las actividades programadas en los conservatorios de Mérida, Almendralejo, Badajoz, Elvas (Portugal) y la Escuela de Música de Villafranca de los Barros se suma este año una nueva actividad en el Conservatorio Profesional ‘Hermanos Berzosa’ de Cáceres.

El objetivo de estas actividades es acercar a los más jóvenes al lenguaje de la música contemporánea a través del encuentro en las aulas con compositores e intérpretes participantes y el análisis de las obras que presentan en el ciclo.

A la actividad que celebró el Ensemble Container el pasado 11 de octubre con alumnos de centros de enseñanza de Badajoz, muchos de ellos sin formación musical, en la que los niños participaron en un exitoso concierto-performance de la obra Ricefall (2) del compositor americano Michael Pisaro, se sumarán otras siete en centros de enseñanza musical.

En el Conservatorio Oficial de Música de Almendralejo se desarrollará el 30 de noviembre la actividad ‘Siente la música de hoy’, relacionada con el concierto del Ensemble NeoArs Sonora, dirigida a los alumnos de Fundamentos de la Composición y Análisis.

El 4 de diciembre está prevista la actividad ‘Danzas afromeñas: una aproximación compositiva integradora’ a cargo del compositor extremeño Leandro Lorrio, en el Conservatorio Profesional de Música ‘Hermanos Berzosa’ de Cáceres. Esta actividad está relacionada con el concierto de Folium Fugit.

En el Conservatorio Profesional de Música ‘Esteban Sánchez’ de Mérida los alumnos de Fundamentos de la Composición, Análisis e Historia de la Música, podrán participar en la actividad ‘Mira la música actual’ el 8 de febrero, relacionada con el concierto que el Cuarteto Quiroga y el estreno absoluto de Peter Eötvös, que tendrá lugar el 10 de febrero en Badajoz, organizada por el Departamento de Lenguaje Musical y Composición de este conservatorio.

El 10 de febrero tendrá lugar el ‘Encuentro con Peter Eötvös y Jörg Widmann’ en el salón de actos del Conservatorio Superior de Música de Badajoz. Una actividad abierta al público en la que ambos músicos hablarán de la obra Joyce que se estrenará ese mismo día en el Salón Noble de la Diputación de Badajoz.

En el Conservatorio Profesional de Música ‘Juan Vázquez’ de Badajoz se llevará a cabo el 6 de marzo la actividad ‘ACTUAlizándose’, coordinada por el director Jordi Francés. En ella se realizará un acercamiento a los lenguajes y las ideas que se desarrollan en cada una de las obras del programa del concierto que ofrecerá Sonido Extremo el 8 de marzo.

Otra sesión didáctica sobre este concierto de Sonido Extremo será impartida también Jordi Francés el 7 de marzo a los alumnos de la Escuela Municipal de Música de Villafranca de los Barros.

El programa pedagógico se cerrará en Portugal, en la Academia de Música ‘Rodrigues Coelho’ de Elvas, donde la compositora extremeña y lusa Inés Badalo mantendrá el 7 de marzo un encuentro de los alumnos de esta escuela en el que hablará de su obra que estrenará Sonido Extremo.

Cuarteto Prazak

El próximo miércoles 17 de octubre el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) inaugura su ciclo “Liceo de Cámara XXI” en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música con el reputado Cuarteto Prazak, que ofrecerá dos conciertos en el lapso de una semana en la capital española. En este primero, nos presentarán junto a la violista Isabel Villanueva un duelo musical entre Mozart y Kurtág. La segunda cita, ya en solitario, será el lunes 22 de octubre en el Auditorio 400 del Museo Reina Sofía, dentro del ciclo Series 20/21. Para esta ocasión el cuarteto ha seleccionado piezas de la denominada “música degenerada”, etiqueta que el gobierno de la Alemania Nazi aplicó durante los años 30 y 40 del siglo XX a determinadas formas de música que consideraba perniciosas o decadentes. Las autoridades intentaron aislar, desacreditar o prohibir las obras compuestas por creadores que fueron marginados o asesinados durante esa etapa y que sonarán en esta velada como Viktor Ullmann, muerto en Auschwitz en 1944, Alban Berg y Zemlinski. A ese trío de compositores se unirá el Cuarteto nº 3 del compositor, músico y productor mallorquín Antoni Parera Fons, Premio Nacional de Música en 2016. Este concierto inaugurará, un día después, el X Ciclo de Música Actual de Badajoz, también coproducido por el CNDM.

Las últimas entradas para el concierto del 17, con un precio general de 10 a 20 euros, ya están a la venta en las taquillas del Auditorio Nacional, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y 902 22 49 49. El concierto en el Reina Sofía tiene entrada libre hasta completar el aforo de la sala.

Cuatro décadas de historia y excelencia musical

Como la mayor parte de las agrupaciones bohemias, sus comienzos se remontan a su época de estudiantes en el Conservatorio de Praga (1974-1978). En 1979 obtienen dos importantes premios: el Primer Premio del Concurso Internacional de Evian y el de ‘Radio France’ a la “Mejor Grabación”. Al año siguiente obtienen el Primer Premio del Festival Internacional Primavera de Praga así como el Premio a la “Mejor Agrupación de Cámara”. A partir de ese momento el Cuarteto Pražák ha obtenido el reconocimiento mundial tanto como cuarteto de tradición checa como por su musicalidad y virtuosismo.

Durante casi 40 años el Cuarteto Pražák ha participado en los más prestigiosos Festivales y escenarios del mundo: Salzburgo, Múnich, París, Roma, Berlín, Colonia, Londres, Ámsterdam, Bruselas, Madrid, Barcelona, así como más de veinte giras en Estados Unidos (con conciertos en el Carnegie Hall, Lincoln Center, Los Ángeles, San Francisco, Washingtom, Philadelphia, Cleveland, Vancouver, Toronto, Montreal), Japón, Corea del Sur, Australia y Nueva Zelanda. Han colaborado con artistas como Menahem Pressler, Jon Nakamatsu, Cynthia Phelps, Roberto Diaz, Josef Suk, Sharon Kam, Christine Whittlesey, Kocian y Zemlinsky Quartett y un largo etc.

En la actualidad el Cuarteto Pražák graba en exclusiva para Praga/Harmonia Mundi. Con el mencionado sello ha realizado más de 30 CDs, muchos de ellos ganadores de numerosos premios discográficos (el repertorio checo de Smetana, Dvorak, Janacek, Suk, Martinu, pero también el internacional con Schubert, Mendelssohn, Shostakovich, Borodin, Schönberg, Zamlinsky, Haydn). Entre 1999 y 2003 grabaron la integral de los Cuartetos de Beethoven, posteriormente la integral de Brahms y actualmente graban Schubert, incluido el último Cuarteto en sol mayor. Han realizado numerosas grabaciones para la Radio France, Radio Holanda, West Deutsche Rundfunk de Colonia, Radio Praga. El Cuarteto Pražák ha recibido por su labor discográfica numerosos premios y condecoraciones: ‘Grand Prix de la Academie Charles Cross’ de París, ‘Choc du Monde de la Musique’, ‘10 de Répertoire’, ‘Diapason d’Or’, ‘Événement exceptionnel Télérama’, ‘Prix Fonoforum’, etc. Las críticas de las revistas especializadas aparecidas en Monde de la Musique, Télérama, Répertoire, Fono Forum, avalan la extraordinaria categoría de esta agrupación, una de las más importantes representantes de la música de cámara checa en la escena internacional. “He aquí un cuarteto que es tan excelente como los Alban Berg” (CD Compact).

En 2015 se unió al grupo como primera violinista Jana Vonášková, reemplazando a Pavel Hula. El segundo violinista Vlastimil Holek lleva con el Cuarteto Pražák casi cuatro décadas y también toca como solista. El viola Josef Kluson es miembro fundador del conjunto y da clases magistrales por todo el mundo. El chelista Michal Kaňka se unió al grupo en 1986. Además de tocar con el Cuarteto Pražák toca y graba como solista. Holek, Klusoň y Kaňka se graduaron el en Conservatorio y la Academia Superior de Bellas Artes de Praga.

Gerhaher y Huber

Comenzaba en el Teatro de la Zarzuela el celebrado Ciclo de Lied que conjuntamente organiza con el Centro Nacional de Difusión de la Música. Esta temporada, además, celebra los 25 años del ciclo. Y para empezar por todo lo alto, Christian Gerhaher y su álter ego al piano, Gerold Huber, han hecho las delicias de todos con las Schwanengesang, de Franz Schubert.

Schwanengesang (El canto del cisne), está formado por textos de distintos autores y no tienen nada en común entre ellas, a diferencia de los otros dos ciclos de Schubert, Die schöne Müllerin (La bella molinera) y Winterreise (Viaje de invierno), que hemos tenido oportunidad de escuchar en temporadas anteriores en la voz de Matthias Goerne y del propio Gerhaher. La que hoy nos ocupa fue publicada de manera póstuma por el editor Tobias Haslinger quien, tras la muerte del compositor, negoció la compra de los borradores de las ultimas canciones compuestas por Schubert con su hermano Ferdinand. 14 canciones inéditas con acompañamiento de piano que no forman un corpus, como las dos anteriormente citadas, pero cuya calidad no deja lugar a dudas.

Gerhaher y Huber forman un binomio perfecto para la nostalgia de la que partir hacia los textos de Fridrich Rückert y Heinrich Heine. Dos de las principales referencias románticas de la época a los que puso música un Schubert conocedor ya, en aquel momento, de la cercanía de su muerte. Las Schwanengesang son un conjunto de canciones que transitan entre la alegría y la tristeza producidas, principalmente, por situaciones amorosas disfrutadas, como Liebesbotsschaft, (Mensaje de amor) o desgarradas, como Der Atlas (El Atlas).

Gerhaher huye de cualquier elocuencia expresiva. Solo abandona la discreción cuando su voz se eleva, firme y rotunda, llevado por el dramatismo del momento, como en Aufenthalt (Lugar de reposo). Pero siempre desde un elegante e inalterable hermetismo interpretativo que no necesita para trasmitir la elocuencia de los textos de Rükert, Ellstab, Heine y Seidl.

Gerold Huber, que maneja el pedal como nadie, camina siempre en paralelo a Gerhaher, recreando una atmósfera llena de matices y vinculada con precisión a la voz del barítono. Entre ambos configuran un tándem indisoluble.

Una noche romántica y exquisita en un Teatro de la Zarzuela que esta vez dio cabida a un nutrido número de jóvenes aficionados. Esperemos que se consoliden. No en vano, el Teatro de la Zarzuela está realizando un notable esfuerzo para que así sea.

Hanna-Elisabeth Müller

El próximo lunes 2 de julio, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en coproducción con el Teatro de La Zarzuela, presenta por primera vez en el Ciclo de Lied a la soprano alemana Hanna-Elisabeth Müller (Mannheim, 1985), que estará acompañada por Juliane Ruf al piano. El programa tiene como protagonistas a dos de los compositores más destacados del género, delimitadores entre el Romanticismo temprano y el muy tardío: Robert Schumann y Richard Strauss. Según Arturo Reverter: “El arte caleidoscópico de esta cantante, que se desenvuelve estupendamente en la ópera italiana más tradicional, resplandece en este mundo más interiorizado”. Las últimas entradas, con un precio general de 8 a 35 euros, están a la venta en las taquillas del Teatro de La Zarzuela, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y 902 22 49 49

Müller: sabia juventud

Hanna-Elisabeth Müller estudió con Rudolf Piernay con quien todavía colabora. Galardonada en múltiples ocasiones, la soprano continuó perfeccionando su técnica en clases magistrales con Dietrich Fischer-Dieskau, Julia Varady, Elly Ameling y Thomas Hampson. En 2017 hizo su debut en el Metropolitan Opera House de Nueva York como Marzelline (Fidelio) y Jürgen Flimm, debutó en La Scala de Milán como Donna Anna (Don Giovanni) y en la Ópera de Zúrich como Ilia en Idomeneo de Mozart. En 2015 se presentó en Ámsterdam cantando el papel de Sophie en una nueva producción de Der Rosenkavalier. Un año después, se estrenó en el Festival de Ópera de Salzburgo como Zdenka junto a Renée Fleming y Thomas Hampson bajo la dirección de Christian Thielemann. Poco después fue distinguida por la revista Opernwelt como “Artista Joven del Año”. Desde 2012 hasta 2016, ha sido miembro de la Ópera Estatal de Baviera, donde interpretó a Pamina, Zerlina, Susanna, Servilia, Gretel, Zdenka, la Infanta doña Clara en The Dwarf de Zemlinski y Sophie en Werther, entre otros. En la presente temporada ha cantado con la Orquesta Estatal de Baviera en una gira por Japón (Pamina) y en el Carnegie Hall de Nueva York (Sophie en Der Rosenkavalier). En el verano de 2018 volverá a Múnich como Zdenka. Esta versátil cantante es habitual en las salas de concierto más prestigiosas como la Elbphilharmonie de Hamburgo (con la Novena Sinfonía de Beethoven), la Filarmónica de París, Philharmonie Essen, Philharmonie Cologne (con WDR Symphony Orchestra), y el Tonhalle en Düsseldorf. En la temporada 17/18 ha interpretado Ein deutsches Requiem de Brahms con la Orquesta Filarmónica de Berlín, bajo la dirección de Yannick Nézét-Seguin y Sieben frühe Lieder de Berg con la Orquesta Sinfónica de Bilbao y Erik Nielsen.

Festival Internacional de Panticosa 2018

El próximo viernes 29 de junio comienza la sexta edición del Festival Internacional de Panticosa que, por primera vez, cuenta con la coproducción del Centro Nacional de Difusión Musical. El CNDM coproduce junto a la Fundación García Esteban cuatro conciertos en torno a las figuras de Franz Schubert (recitales enmarcados dentro de #Schubert-Zyklus, ciclo transversal del CNDM que este año está conmemorando los casi dos siglos pasados desde su muerte) y del compositor aragonés Jesús Torres, Premio Nacional de la Música 2012 y Compositor Residente del CNDM en la presente temporada. Según Carmen Esteban, codirectora del certamen: “La coproducción del Festival oscense junto al CNDM supone el reconocimiento nacional al trabajo que hemos desarrollado durante estos cinco años, a la calidad de la programación que se ha ofrecido y el alto nivel de los intérpretes que cada año participan”.

Las cuatro citas musicales impulsadas por el CNDM ocuparán el primer fin de semana del festival. El Cuarteto Granados junto al clarinetista valenciano Francisco Antonio García inaugurarán el ciclo con un programa dedicado a Schubert el viernes 29 de junio. Un día después, la soprano aragonesa Eugenia Boix junto al violonchelista Guillermo Turina y la clavecinista Tomoko Matsuoka presentarán Il Martirio Della Corte, obras de música sacra y profana de las cortes españolas del siglo XVIII, con piezas de Caldara y tres recuperaciones históricas, estreno en tiempos modernos de Facco y Supriani. El domingo 1 de julio se completará el miniciclo con un recital de la pianista Noelia Rodiles, que combinará los Impromptus de Schubert con la obra Musica ricercata de Ligeti, y un concierto del Trío Arbós, también Premio Nacional de Música, que interpretarán obras de Haydn, Schubert y Jesús Torres.

Por segundo año consecutivo, el festival recibe el apoyo a la internacionalización de la cultura española, a través de su participación en el programa “Visitantes” de Acción Cultural Española (AC/E). El tercer pilar de este encuentro será el homenaje a la relación entre la música y la danza como un tándem fundamental de la creación musical. Así, se dará a conocer un repertorio de ballet de los compositores Simón Tapia Colman y Gustavo Pitaluga, en el año en que se conmemora el 200 aniversario del nacimiento del coreógrafo, Marius Petipá. El 5 de julio tendrá lugar la Gala lírica Mozart&Così Fan Tutte, fruto del taller de ópera realizado por los alumnos de Teresa Berganza con obras de Mozart. A partir del 6 de julio la danza tomará protagonismo con el Trío Salduie, Elia Lozano&Kenji Matsuyama Ribeiro y Pedro Mateo, junto a los dúos Ánima y García-Esteban, que interpretarán Danzas al viento. Mariano García junto a Takahiro Mita, el Ensemble 442 y el Cuarteto Nel Cuore, que también estarán presentes en esta edición que culminará el 15 de julio. La mezzosoprano Teresa Berganza impartirá de nuevo clases magistrales de canto a 9 cantantes profesionales seleccionadas por ella.

Xavier Sabata

El Teatro de la Zarzuela en coproducción con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), presentará el próximo lunes 25 de junio (20h00), por primera vez en el Ciclo de Lied, a Xavier Sabata, uno de los contratenores más importantes de la actualidad, que estará acompañado por Anne Le Bozec al piano.

El ambicioso, insólito y heterogéneo programa, cantado en catalán, italiano, griego y francés está formado por obras de Giovanni Battista Perucchini, Déodat de Severac, Manos Jatzidakis, Federico Mompou, Luciano Berio y Manuel de Falla. El hilo conductor de esta variada selección nos hace viajar a las músicas populares.

Según Enrique Martínez Miura, autor de las notas al programa, “varios de los compositores del presente programa, caso de Falla y Berio, encontraron en la música popular una manifestación poética que les sirvió de acicate para la creación de su propio mundo sonoro. En las canciones de Déodat de Séverac está presente este fenómeno, recubierto además por una capa de regionalismo occitano. No es muy habitual en las salas de concierto de España el compositor griego Manos Jatzidakis, bien conocido por los cinéfilos empedernidos, pero en su país de origen es todo un mito, en cuya imagen se refleja la canción griega del último medio siglo. El compositor no solo se relacionó con el cine, puesto que también compuso música incidental con una estrecha colaboración con el Teatro del Arte de Atenas. El viaje definitivo es una atípica canción para voz sola escrita por Mompou en 1947 sobre un poema de Juan Ramón Jiménez. Luciano Berio tuvo una actitud muy distinta hacia la música popular. El compositor italiano buscaba crear una unidad nueva entre las canciones procedentes de ese acervo y su estilo personal.”

Las últimas entradas, con un precio general de 8 a 35 euros, están a la venta en las taquillas del Teatro de La Zarzuela, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y 902 22 49 49.

Sabata: el contratenor inquieto Nacido en Avià, Barcelona, se graduó en Interpretación teatral en el Institut del Teatre de Barcelona. Paralelamente cursó estudios superiores de saxofón. Entre los años 2002/06 estudia en el Departamento de Música Antigua de la ESMUC, en el aula de Marta Almajano. Luego continua estudios en Alemania en la Hochshule de Karlsruhe en Liedgestaltung con Hartmut Höll y Mitsuko Shirai. En 2005 participó con William Christie y Les Arts Florissants en Le Jardin des Voix. Ha colaborado y trabaja habitualemnte con orquestas como la Orquesta Barroca de Venecia de Andrea Marcon, Europa Galante de Fabio Biondi, El Concierto Español de Emilio Moreno, Al Ayre Español de Eduardo López Banzo, Forma Antiqua,
La Risonanza, I Barocchisti, Los Músicos de su Alteza de Luis Antonio González, Laberintos Ingeniosos de Xavier Díaz-Latorre, La Tempestad, Ensemble Pulcinella de Ophéle Gallard, Washington Symphony Orchestra y Orquesta Sinfónica de Castilla y León. Sabata desarrolla su actividad operística en teatros de ópera como el Gran Teatre del Liceo de Barcelona, el Teatro Real de Madrid, la Ópera de Oviedo, el Teatro de la Fenice de Venecia, el Teatro de Champs-Élysées en París, el Teatro de Caen, el Gran Teatro de Luxemburgo, el Teatro de Nancy, el Lincoln Center en Nueva York, el Festival de Aixen-Provence, el Teatro de Montecarlo, el Teatro de Friburgo y Theater Basel. Se ha presentado en salas de concierto como el Auditorio de Barcelona, el Palau de la Música Catalana, el Auditorio Nacional de Madrid, la Cité de la Musique y la Salle Pleyel de París, el Kennedy Center de Washington DC y el Barbican Center de Londres, entre otros. Ha cantado los papeles de Ottone, Arnalta y la Nodriza en diferentes producciones de L’incoronazione di Poppea y Pisandro de Il ritorno d’Ulisse in patria, ambas de Monteverdi, Ruggiero del Orlando Furioso de Vivaldi, Perseo de Andromeda liberata de
Vivaldi y otros autores, Gernando de Faramondo y Ottone de Agrippina, ambas de Haendel, el Príncipe Go-Go de Le Gran Macabre de Ligeti, la Madre de Il Sant’Alessio de Landi y Endimione de La Callisto de Cavalli, entre otros. Ha desarrollado una serie de proyectos a partir de la vida de varios personajes: Undercastration, sobre Francesco Bernardi y Senesino, así como La gacetilla de Alonso de Arrendó, capón. Sabata ha grabado para las discográficas Harmonia Mundi Ibérica, EMIVirgen Classics y Faramondo de Haendel con I Barocchisti, Cencic y Jaroussky. Para Aparté grabó Bad Guys, con arias de Haendel, junto a Il Pomo d’Oro y Riccardo Minasi.

XXVI Jornadas de Música Contemporánea

La alcaldesa de Segovia, Clara Luquero, junto a la concejala de Cultura, Marifé Santiago, Chema García, director de las Jornadas de Música Contemporánea, Noelia Gómez, coordinadora de la Fundación Don Juan de Borbón y Antonio Moral, director del CNDM, han presentado en rueda de prensa su coproducción de las XXVI Jornadas de Música Contemporánea, que se desarrollarán del 1 al 22 de noviembre, además de los conciertos en la Catedral incluidos en los ciclos #Nebra2.5.0 y “El Órgano en las Catedrales” del CNDM. Las Jornadas de Música Contemporánea de Segovia, que celebrarán en el mes de noviembre su vigésimo sexta edición, han sido organizadas hasta el año pasado por el Ayuntamiento de Segovia a través de su Concejalía de Cultura y coordinadas por la A. C. Jornadas de Música Contemporánea de Segovia, a los que se suman este año dos nuevos socios: el Centro Nacional de Difusión Musical y la Fundación Don Juan de Borbón, que ya apoyó a las jornadas en sus comienzos. Ambas instituciones remarcan así su compromiso con la difusión del repertorio menos conocido del siglo pasado y la creación de los compositores más actuales.

Desde el inicio de su andadura, hace nueve años, el CNDM ha ratificado este compromiso con el estreno de 332 nuevas piezas, de las cuales 164 han sido por su encargo directo, lo que representa un 49,4% de todos los estrenos mundiales realizados por la institución, en su mayoría confiados a autores españoles pertenecientes a diferentes generaciones y estéticas. A este balance histórico hay que añadir los 49 estrenos absolutos de esta nueva temporada, 30 encargados por el CNDM, lo que coloca a la institución en la primera división de la música contemporánea europea. En las Jornadas de Música Contemporánea de Segovia de 2018 dos de los nueve estrenos que tendrán lugar serán encargo del CNDM. La perspectiva de género también está presente en la nueva colaboración y provoca que actividades distintas pero complementarias interactúen, como es el caso de las propias Jornadas y el Encuentro Internacional de Mujeres Músicas María de Pablos. Como una colaboración con el Encuentro, el Trío Arbós ofrecerá durante las Jornadas una muestra del Taller de mujeres compositoras, apoyado por el CNDM. La presencia del CNDM en Segovia no se va a ceñir únicamente a la música contemporánea, también va a estar activa a través de otras dos actividades:

– Recuperar a Nebra: #Nebra2.5.0 es el ciclo monográfico del Centro Nacional que en esta temporada dedican a la figura del gran compositor aragonés José de Nebra Blasco (Calatayud de Zaragoza, 1702 – Madrid, 1768), organista de la Catedral de Cuenca, del Monasterio de las Descalzas Reales y de la Capilla Real de Madrid, hasta convertirse en su Vicemaestro en 1751. En torno a la música y su época se ha organizado un ciclo transversal con 17 conciertos en 8 ciudades diferentes (Cádiz, León, Madrid, Oviedo, Palencia, Salamanca, Segovia y Úbeda). Se recuperarán obras importantes, algunas de las cuales se interpretarán en la época actual por primera vez, como es el caso de una nueva Misa a ocho con violines y dos Cantatas al Santísimo, encontradas en la Catedral de Segovia y recuperadas por Alicia Lázaro. Se interpretarán dentro de la XXXVII Semana de Música Sacra en coproducción con la Fundación Don Juan de Borbón en marzo de 2019.

– El Órgano en las Catedrales: es el ciclo de órgano, organizado por el CNDM, que se desarrolla fuera de Madrid. En la capital se titula Bach Vermut y tiene lugar en el Auditorio Nacional. El Órgano en las Catedrales hará sonar los órganos de las catedrales de Murcia, Valencia, Logroño, Bilbao, Mallorca, Salamanca y Segovia. La catedral de Segovia será la única que acoja un concierto en honor a Montserrat Torrent, la figura homenajeada este año, madre de todos los organistas españoles, concierto que también se programará en Madrid. En la ciudad castellana se tocarán obras de algunos de sus autores más queridos, figuras relevantes que van desde el s. XVI hasta bien entrado el XVIII, en un concierto que se realizará en el mes de mayo de 2019. Gracias a esta nueva colaboración, Segovia tiene un lugar en los Circuitos del CNDM, que a su vez trabaja a través de distintos circuitos internacionales en distintos países de América, Europa y Oriente Medio.

Cuarteto Casals

Vuelve el ciclo Contrapunto de Verano al Auditorio Nacional de Música de Madrid para cerrar la temporada del CNDM. En esta ocasión, la serie se extenderá del 24 de mayo al 21 de junio con seis conciertos en la Sala de Cámara. Bajo la denominación Beethoven Modern, en la presente edición el CNDM ha invitado en su vigésimo aniversario al excepcional Cuarteto Casals, Cuarteto Residente del centro durante la temporada 17/18, para interpretar la integral de cuartetos de cuerda de Ludwig van Beethoven. A ello se añadirán seis estrenos absolutos de los encargos hechos, en colaboración con el String Quartet Biennial Amsterdam (SQBA), L’Auditori de Barcelona, el Wigmore Hall de Londres, la Unione Musicale Torino y la Wiener Konzerthausgesellschaft, a otros tantos compositores actuales: Benet Casablancas, Lucio Franco Amanti, Giovanni Sollima, Aureliano Cattaneo, Matan Porat y Mauricio Sotelo.

Tras ganar los primeros premios en los Concursos Internacionales de Londres y de Hamburgo (concurso Brahms), el Cuarteto Casals ha llegado a ser considerado como uno de los cuartetos de cuerda más importantes de su generación. Es regularmente invitado a los festivales y ciclos de conciertos más prestigiosos del mundo. Actúa de forma asidua en las salas Wigmore Hall, Carnegie Hall, Musikverein de Viena, Kölner Philarmonie, Cité de la Musique de París, Schubertiade de Schwarzenberg, Concertgebouw de Ámsterdam y Philarmonie de Berlín, entre muchas otras de Europa, Norteamérica y Asia. Asimismo, el Cuarteto ha realizado una importante producción discográfica con Harmonia Mundi, hasta ahora 11 Cds, grabando música de compositores desde el periodo clásico hasta música del siglo XX. Más recientemente, ha grabado su primer CD de Cuartetos de Beethoven (lanzado en el verano del 2017), y Neu Records ha lanzado el primero de los cinco DVD’s del aclamado ciclo de Schubert que el Cuarteto Casals interpretó en L’Auditori de Barcelona.

Críticas internacionales destacan, entre muchas otras cualidades, el gran registro de sonoridades del grupo. Tras ganar el prestigioso premio de la fundación “Borletti-Buitoni” de Londres, el Cuarteto empezó a utilizar arcos del periodo barroco-clásico para los compositores desde Purcell hasta Schubert, práctica que ha reportado al grupo una nueva dimensión acústica que favorece aún más sus exposiciones de los diferentes lenguajes estilísticos. El Cuarteto ha recibido una profunda influencia de compositores vivos de nuestra época como György Kurtág y ha realizado estrenos mundiales de notables compositores españoles de la actualidad. Con la intención de ampliar el repertorio de cuarteto de cuerda, el Cuarteto Casals estrenó un nuevo Concierto para cuarteto de cuerda y orquesta de Francisco Coll con la Orquesta Nacional de España. En reconocimiento a su posición de primer cuarteto español con una importante carrera internacional, el grupo ha recibido los galardones como el Premio Nacional de Música, el Premi Nacional de Cultura en Cataluña y el Premio Ciutat de Barcelona. Anualmente el Cuarteto es invitado a tocar con los Stradivarius de la colección palatina en el Palacio Real de Madrid, donde serán cuarteto residente a partir de 2018 en su temporada de conciertos. Las ejecuciones del Cuarteto Casals han sido frecuentemente retransmitidas por televisión y radio, tanto en Europa como en los Estados Unidos. Ha sido cuarteto en Residencia en la Musikhochschule de Colonia e imparte clases en la Escola Superior de Música de Catalunya, en Barcelona, ciudad donde los cuatro miembros del Cuarteto residen actualmente.

CNDM

La Directora General del INAEM, Montserrat Iglesias junto a Antonio Moral, director del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), han presentado esta mañana en rueda de prensa la temporada 18/19 de este centro. El CNDM, unidad dependiente del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música (INAEM), propone para su novena temporada un intenso y extenso programa que mantiene su espíritu de recuperar y difundir nuestro vasto patrimonio histórico y las músicas cultas de raíz popular como el flamenco y el jazz, incentivar la composición actual y atraer a nuevos públicos hacia la música clásica, o aquellos géneros menos frecuentes, a través de las diversas actividades organizadas de forma autónoma o en colaboración con más de un centenar de instituciones nacionales e internacionales.

– El CNDM en su novena temporada organizará 293 actividades diferentes en Madrid y otras 28 ciudades españolas de 12 comunidades autónomas, además de estar en 14 ciudades extranjeras (un total de 43 ciudades distintas). La programación de la 18/19 cuenta con 65 grupos españoles (145 artistas nacionales) y 25 grupos extranjeros (97 artistas foráneos). De los 241 conciertos previstos, 98 se ofrecerán en Madrid y 143 fuera de la capital española.

– Por primera vez, se programan dos jornadas en el Auditorio Nacional de Madrid con el pop (en acústico) como protagonista, bajo la denominación Auditorio Actual. Y presentamos un nuevo festival dedicado a la música medieval y renacentista española,Palencia Antiqua y la colaboración con las Jornadas Contemporáneas de Segovia.

– La presencia internacional crece de forma importante y se desarrollará en 14 ciudades de 11 países con 18 conciertos repartidos por Bogotá (Colombia), Trondheim (Noruega), Elvas (Portugal), Ámsterdam (Holanda), Basilea (Suiza), Cracovia (Polonia), Hamburgo (Alemania), Nápoles, Palermo y Roma (Italia), Londres y Oxford (Reino Unido), Tel Aviv (Israel) y Nueva York (Estados Unidos).
– Se mantienen las figuras de Artista Residente, con el violinista italiano Fabio Biondi(Palermo, 1961) y la de Compositor Residente, con Jesús Rueda (Madrid, 1961).

– Se articula un gran ciclo transversal en la programación general dedicado al destacado compositor bilbilitano José de Nebra (#Nebra2.5.0, para conmemorar el 250 aniversario de su muerte).

– Se recuperarán 35 obras inéditas del patrimonio musical español y se estrenarán 49 nuevas partituras, 30 por encargo del CNDM. Además, se estrenarán 332 nuevas partituras, de las cuales 164 serán por encargo del CNDM.

– Vuelven artistas imprescindibles en los diferentes géneros musicales: William Christie, Thomas Hengelbrock, Philippe Herreweghe, Jordi Savall, Harry Christophers, Marc Minkowski, Frank Peter Zimmermann, Elisabeth Leonskaja o Tabea Zimmermann a los que se unen otros nuevos como Madeleine Peyroux, Mariza, Bobby McFerrin o Sabine Meyer.

– La educación tendrá de nuevo una importancia capital con 52 actividades gratuitas en 11 ciudades españolas y 3 extranjeras, en coproducción con 16 instituciones académicas y se organizarán 55 conciertos de entrada libre.

– El CNDM colaborará en la temporada 18/19 con 121 instituciones públicas y entidades privadas.

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), unidad dependiente del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música (INAEM), propone para su novena temporada un intenso y extenso programa que mantiene su espíritu de recuperar y difundir nuestro vasto patrimonio histórico y las músicas cultas de raíz popular como el flamenco y el jazz, incentivar la composición actual y atraer a nuevos públicos hacia la música clásica, o aquellos géneros menos frecuentes, a través de las diversas actividades organizadas de forma autónoma o en colaboración con más de un centenar de instituciones nacionales e internacionales.

La temporada 2018/19 está conformada por un total de 293 actividades diferentes que tendrán lugar desde el 6 de julio de 2018 al 22 de junio de 2019. El programa se desarrollará en Madrid capital y en otras 28 ciudades españolas de 12 comunidades autónomas, a las que hay que añadir 14 ciudades extranjeras con 18 conciertos repartidos por Bogotá (Colombia), Trondheim (Noruega), Elvas (Portugal), Ámsterdam (Holanda), Basilea (Suiza), Cracovia (Polonia), Hamburgo (Alemania), Nápoles, Palermo y Roma (Italia), Londres y Oxford (Reino Unido), Tel Aviv (Israel) y Nueva York (Estados Unidos), alcanzando un total de 43 ciudades distintas, con una amplia oferta de conciertos, sesiones educativas, academias musicales, cursos de interpretación, clases magistrales y conferencias a cargo de destacados intérpretes y creadores. En total, se producirán 241 conciertos, con música del siglo XII al XXI, de los cuales 143 se ofrecerán fuera de la capital española y 55 tendrán carácter gratuito. La programación cuenta con 65 grupos españoles (145 artistas nacionales) y 25 conjuntos extranjeros (97 artistas foráneos).

Los conciertos organizados en Madrid se reparten, de nuevo, en 10 ciclos y tres espacios: el Auditorio Nacional de Música, el Teatro de La Zarzuela y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS). A los ciclos ya clásicos Universo Barroco (Sala Sinfónica y Sala de Cámara), Series 20/21, Fronteras, Liceo de Cámara XXI, Andalucía Flamenca, Jazz en el Auditorio, Ciclo de Lied y Bach Vermut, se suma Auditorio Actual, primera incursión del centro en la música pop (en acústico) que se celebrará el fin de semana del 6 y 7 de julio (viernes y sábado) y contará con tres grupos españoles por sesión, además de un DJ que acompañará el refrigerio que se ofrecerá cada tarde en el vestíbulo principal de la Sala Sinfónica. Será un non stop de más de cinco horas cada día con una muestra del pop más actual. Entre los grupos que se darán cita en esta primera edición figuran Xoel López, La Bien Querida, Anaut, Shica & Gutman, Nora Norman y Museless, además de los DJ´s Víctor Caballeira y Xácome Froupe. A todo lo mencionado hay que añadir la octava edición del proyecto pedagógico y social “Todos Creamos”.

En la próxima temporada el CNDM aumenta sus colaboraciones hasta las 121 instituciones públicas y entidades privadas. En España lo hará para coproducir el XVIciclo Músicas Históricas de León (el ciclo en el Auditorio Ciudad de León junto al Ayuntamiento que este año crece hasta los 9 conciertos), los cuatro ciclos de música actual en Alicante, Badajoz, Malpartida de Cáceres (Museo Vostell Malpartida) ySegovia, los dos barrocos en Oviedo y Salamanca, además de los conciertos coproducidos por los cabildos catedralicios incluidos dentro de la serie El órgano en las catedrales. El ciclo Beethoven Actual, que incluye las 32 Sonatas para piano de Beethoven junto a los 18 estudios para piano de G. Ligeti y 9 reestrenos de compositores españoles, este año llegará a Salamanca, Soria y Badajoz. Continúa la colaboración estable con los festivales internacionales de música de Cádiz, Sevilla y Úbeda-Baeza, refuerza sus alianzas con el L´Auditori de Barcelona (con la segunda parte del ciclo Schubert Lied, coproducido por la Asociación Franz Schubert de Barcelona) y comienza la colaboración con la Iglesia de Santiago de Betanzos (A Coruña) y laDiputación de Palencia (festival Palencia Antiqua). Este festival palentino nace para impulsar la música medieval y renacentista española y se desarrollará en su capital y en los pueblos limítrofes que cuentan con una colección de órganos sin parangón en nuestro país.

El programa internacional crece exponencialmente repitiendo la colaboración por cuarto año con el Festival de Música Sacra de Bogotá (Colombia) y con la vecina ciudad portuguesa de Elvas y, por segundo año, con el Festival de Música Barroca deTrondheim (Noruega). El éxito de los dos pasadas ediciones del Proyecto Europa: El cuarteto de cuerdas en España junto al Instituto Cervantes ha hecho que el ciclo llegue en esta temporada a 3 nuevas ciudades (Hamburgo -Alemania-, Londres -Reino Unido- y Cracovia -Polonia-), y que se añadan dos series de conciertos más con el IC: “Diálogo de viejos y nuevos sones” proyecto de Rocío Márquez y Fahmi Alqhai que se presentará en Roma, Nápoles y Palermo y el “Proyecto Israel” (dos citas), además de un concierto dentro de la Bienal de Flamenco de Holanda. Para redondear la apuesta fuera de nuestras fronteras se realizarán tres conciertos más en Basilea (Suiza), Nueva York (Estados Unidos) y Oxford (Reino Unido) hasta alcanzar un total de 18 conciertos repartidos por 14 ciudades.

La actual temporada mantendrá las “residencias” del CNDM. El madrileño Jesús Rueda(Madrid, 1961) será Compositor Residente, autor que hoy se encuentra en plena madurez creativa y presentará un total de veintitrés obras, escritas entre 1991 y 2019, donde se incluyen tres estrenos absolutos. El prestigioso violinista italiano Fabio Biondi(Palermo, 1961) será nuestro Artista Residente. Biondi, que lleva décadas muy ligado a nuestro país, en la actualidad reside en Valencia, donde ha sido director musical del Palau de Les Arts hasta este año. Músico habitual de los ciclos Universo Barroco y Circuitos, ofrecerá cuatro conciertos en Madrid y uno en Salamanca, al frente de su orquesta Europa Galante, junto a cantantes de la talla de Vivica Genaux, Sonia Prina e Ian Bostridge o el joven pianista español Juan Pérez Floristán en el Liceo de Cámara XXI.

José de Nebra (Calatayud, 1702 – Madrid, 1768), ocupará la atención del ciclo transversal de este año. Bajo la denominación #Nebra2.5.0 conmemoraremos los doscientos cincuenta años transcurridos desde su muerte, obligado reconocimiento a uno de nuestros compositores barrocos más creativos, quien fuera organista de la Catedral de Cuenca, del Monasterio de las Descalzas Reales y de la Capilla Real de Madrid hasta convertirse en su Vicemaestro en 1751. Este ciclo de 17 conciertos en 8 ciudades diferentes (Cádiz, León, Madrid, Oviedo, Palencia, Salamanca, Segovia y Úbeda) recuperará y estrenará en tiempos modernos varias obras importantes, como su segunda ópera Venus y Adonis(1729), en edición crítica de Luis Antonio González y una nueva Misa a ocho con violines y dos Cantatas al Santísimo, encontradas en la Catedral de Segovia y recuperadas por Alicia Lázaro. A ello se le sumará la interpretación de una muestra de su rica música sacra (tanto coral como para órgano) y de una selección de arias y dúos de algunas de sus óperas y zarzuelas más representativas como Amor aumenta el valor (1728), Viento es la dicha de Amor (1743), Vendado es amor, no es ciego (1744) e Iphigenia in Tracia (1747).

La creación contemporánea sigue siendo un pilar fundamental en la programación del CNDM, incentivando la composición de nuevas páginas (332 estrenos hasta el 2018 de los cuales 164 han sido encargos del CNDM) y ampliando el conocimiento del repertorio menos transitado del pasado siglo. Este año verán la luz 49 nuevas obras, 30 de las cuales serán por encargo del CNDM. Entre los estrenos más importantes de los próximos meses destacan los cuartetos de Jesús Rueda (Cuarteto Gerhard), Gabriel Erkoreka (Cuarteto Granados), Gabriel Loidi (Cuarteto Leonor) y Antoni Parera Fons (Cuarteto de Leipzig), así como el Quinteto para clarinete “Joyce” de Peter Eötvös (Cuarteto Quiroga y Jörg Widmann). Se estrenará también una inusual composición para dos quintetos de cuerda, La rebelión de los ecos de Cristóbal Halffter; la obra No longer para conjunto instrumental de César Camarero, en coproducción con la Fundación Pro Helvetia, y dos obras dedicadas a la memoria de Federico García Lorca encargadas a Manuel Martínez Burgos. A ello hay que añadir la Sexta sonata para piano de Jesús Rueda, las nuevas páginas en coproducción con la Casa de Velázquez y el Goethe-Institut de Madrid encargadas a Jorge Fernández Guerra y Hans-Jürgen von Bose respectivamente, y una nueva obra para trompeta (dedicada a Manuel Blanco), piano y conjunto de cámara del gran pianista de jazz Pepe Rivero. No podemos olvidar tampoco los estrenos de generaciones más jóvenes como los que formarán parte del XXIX Premio de Jóvenes Compositores Fundación SGAE-CNDM.

Los homenajes también llegarán a otros ciclos, como a Andalucía Flamenca, que contará con un concierto extraordinario en memoria del legendario cantaor José Menese en el que brillará una constelación de nombres propios como Carmen Linares, Rocío Márquez, Aurora Vargas, La Macanita, Laura Vital, Pansequito, El Pele, Tomatito, Rafael Riqueni, Antonio Carrión y Jorge Pardo. El segundo concierto extraordinario unirá la genial guitarra de Dani de Morón a las voces de cuatro cantaores de diferente estilo: Rocío Márquez, Antonio Reyes, Duquende y Pitingo. También visitarán este año nuestro ciclo flamenco voces que mostrarán el amplio espectro de la sensibilidad de este género: las de Esperanza Fernández, Argentina, Mayte Martín, Jesús Méndez, El Pele y David Palomar, Virginia Gámez, Melchora Ortega y Rocío Bazán junto a maestros del toque como Manuel Valencia, Miguel Ángel Cortés, José Quevedo, Niño Seve, Rafael Rodríguez, Alfredo Lagos, Andrés Cansino y Alejandro Hurtado.

Jazz en el Auditorio dará cita de nuevo en Madrid un conjunto de carismáticos intérpretes en busca de nuevas emociones, convocando al pasado, presente y futuro del género: de las indispensables voces de Madeleine Peyroux y Bobby McFerrin a grandes pianistas como Fred Hersch (en solitario), Danilo Pérez (con su grupo Children of the Light), Kenny Barron (en formato trío) al quinteto del versátil Moisés P. Sánchez, sin olvidar el jazz oriental del contrabajista Omer Avital. Velada destacada será también la protagonizada por el conjunto Valencia Jazz Top 7, un septeto capitaneado por los saxofonistas Perico Sambeat y Javier Vercher junto a otras importantes firmas del jazz valenciano que darán prueba de la buena salud del jazz nacional.

El ciclo Fronteras reincide, tras recibir el año pasado a Cristina Branco, en la esencia musical portuguesa con la diva del fado Mariza, que presentará su nuevo disco en la Sala Sinfónica del Auditorio. Mientras tanto, en la Sala de Cámara se alternarán las bandas sonoras de las películas de Fellini con un cuarteto de destacados solistas nacionales que se han juntado bajo el nombre de Cuarteto Fellini; el inquieto Javier Limón, que nos descubrirá nuevos caminos y nuevas voces del mundo; Santiago Auserón vestido de Juan Perro volverá a enamorar con su mezcla de músico total: rock, jazz, música latina y caribeña; el gran flautista y saxofonista Jorge Pardo traerá ritmos de la otra orilla del Atlántico; el atractivo dúo de nuestro trompeta más internacional Manuel Blanco y el pianista cubano de jazz Pepe Rivero invocarán los espíritus de Piazzolla a Berstein pasando por Rimski-Korsakov, viaje paralelo al que realizarán la popular clarinetistaSabine Meyer en comunión con el Quinteto Alliage con obras de Bernstein, Shostakóvich y Stravinski; el pianista Marco Mezquida junto a la guitarra de Chicuelodarán cuenta de la inspiración y química que les une en su segundo disco juntos y el singular dúo creado por el contratenor Carlos Mena y el acordeonista Iñaki Alberdi para interpretar “de otra manera” a J.S. Bach y Tomás Luis de Victoria.

La exitosa programación para órgano continuará con el ciclo Bach Vermut con una nueva entrega de siete conciertos que ampliarán el repertorio y contarán con nombres imprescindibles del mundo organístico en Madrid y en las siete catedrales españolas(Bilbao, Logroño, Murcia, Palma de Mallorca -primera visita del CNDM a las Islas Baleares-, Salamanca, Segovia y Valencia) que componen la tercera edición de la serie El Órgano en las Catedrales. Este año disfrutaremos del homenaje a la gran dama del órgano en España, Montserrat Torrent, por parte de algunos de sus ya muy famosos alumnos, además de extraordinarios improvisadores (David Briggs, Olivier Latry yWayne Marshall), el primer dúo de órgano y piano, de la mano de los hermanos Scott, su compatriota Stephen Tharp (que por diversas razones no ha podido estar en esta serie musical antes) y el suizo Yves Rechsteiner, autor de una amplia literatura de transcripciones interpretadas por organistas de todo el mundo que llegará acompañado del percusionista Henri-Charles Caget.

El ciclo Liceo de Cámara XXI mantiene la excelencia en la Sala de Cámara con prestigiosos solistas como Frank Peter Zimmermann, que iniciará en esta temporada, junto al pianista Martin Helmchen, la integral de las Sonatas de Beethoven repartidas en tres conciertos; la singular violinista Leila Josefowicz, experta en el repertorio contemporáneo; Fabio Biondi, que ha invitado para tocar a dúo al joven pianista Juan Pérez Floristán; el también pianista Andreas Haefliger, junto al Louisiana Boathouse Ensemble, volverá la legendaria pianista rusa Elisabeth Leonskaja, esta vez junto a su recién formado trío; el joven pianista, fortepianista y clavecinista surafricano Kristian Bezuidenhout y tres virtuosos que unirán sus genios: Tabea Zimmermann, Jean-Guihen Queyras y Daniel Sepec. Como no puede ser de otra forma en un ciclo centrado en la música de cámara, recibiremos a algunos de los más renombrados cuartetos de cuerda del mundo como son el Cuarteto Arditti (con obras de Kurtág, Rueda y Ligeti), el Prazak(con la violista española Isabel Villanueva), el asiduo y brillante Cuarteto de Jerusalén, el Belcea (junto al pianista Anderszewski); el Quiroga (con Jörg Widmann en un importante estreno absoluto de Peter Eötvös), el Chiaroscuro que toca con instrumentos de época y el veterano Cuarteto de Leipzig (presentando el último cuarteto -el noveno- de Cristóbal Halffter tras haber interpretado en Madrid los ocho anteriores, el último por encargo del CNDM) y el joven Cuarteto Signum que compartirá escenario con la pianista Judith Jáuregui en este encuentro musical entre amigos.

El Ciclo de Lied, ya en su vigésimo quinta edición en el Teatro de La Zarzuela, seguirá contando con las mejores voces que cultivan este género tan especial y que han convertido a Madrid en uno de los centros de referencia internacional. Para celebrar su medio siglo de vida la soprano Ainhoa Arteta estrenará el ciclo de canciones Sendero mágico de Lorenzo Palomo. Volverá el barítono alemán Christian Gerhaher, uno de los mejores liederistas de hoy; el bajo alemán Franz-Josef Selig, indispensable en las producciones operísticas actuales; la cotizada soprano canadiense Adrianne Pieczonka, que ahondará en una nueva versión del Winterreise de Schubert; la refinada y cálida mezzosoprano argentina Bernarda Fink (con un insólito programa checo e hispano-argentino) y la luminosa soprano alemana Dorotea Röschmann. Participarán por primera vez la poderosa mezzosoprano rusa Ekaterina Semenchunck, la también mezzo Sarah Connolly, que al fin debutará en esta serie tras su cancelación de hace dos años; el joven barítono austriaco André Schuen, un valor en alza y el veterano tenor suizo Michael Schade.

La Educación adquiere, como en cursos pasados, una importancia capital con 52 actividades diversas repartidas a lo largo de once ciudades españolas y tres extranjeras (Elvas -Portugal-, Bogotá -Colombia- y Tel Aviv -Israel-) coproducidas con cuatro universidades españolas (Oviedo, León, Salamanca y Complutense de Madrid) cinco Conservatorios de Música en la Península Ibérica (Alicante, Badajoz, Madrid, Oviedo y Elvas en Portugal), dos centros educativos de secundaria de la Comunidad de Madrid (que participarán en la octava edición del Proyecto Pedagógico, coordinado por el pedagogo Fernando Palacios y dedicado este año al misterioso Manuscrito Voynich), tres festivales (Música Contemporánea Vostell Malpartida, Música Española de Cádiz y Música Contemporánea de Tres Cantos), el Goethe-Institut (con las Jornadas “Interacciones XXI”, dedicadas a la creación musical actual de ambos países) y laEscuela Superior de Música Reina Sofía. En la Universidad de Salamanca tendrá lugar, por sexto año, un intenso programa de clases magistrales y talleres de interpretación, de carácter transversal, centrado en el ámbito de la música antigua y barroca “históricamente informada”. En el Auditorio de León se celebrará el VIII Curso de Interpretación Vocal Barroca, que anualmente imparte el director, clavecinista y musicólogo Eduardo López Banzo.

El CNDM mantiene el interés en incentivar y promover la incorporación de nuevas audiencias a sus diferentes programas divulgativos y educativos. Esta temporada aumenta la edad de aplicación de los descuentos para jóvenes (que pasa de menores de 26 años a menores de 30) para los que desarrolla una amplio abanico de posibilidades, que incluyen ofertas con importantes ventajas en la adquisición de entradas o abonos, sobre todo a través del programa Último Minuto (con un descuento del 60%, para localidades adquiridas desde una hora antes del inicio de los conciertos) y acuerdos estables con numerosos centros educativos para que los estudiantes que participan activamente en los cursos y ciclos coproducidos conjuntamente, puedan asistir gratuitamente a los conciertos y otras actividades programadas por el centro en las diferentes ciudades españolas. Se beneficiarán también del descuento Último Minuto losdesempleados y se mantiene el descuento del 20% para todos los estudiantes, grupos de más de 20 personas y mayores de 65 años, aumentando al 50% el aplicado a familias numerosas. A este interés por impulsar la música en todas sus vertientes hay que sumar las 52 actividades educativas gratuitas y los 55 conciertos de entrada libre.

La renovación de abonos para todos los ciclos programados en el Auditorio Nacional de Música, estará disponible del 25 de mayo al 5 de julio, en las taquillas del Auditorio Nacional, www.entradasinaem.es y 902 22 49 49, y la venta de nuevos abonos del 11 de julio al 8 de septiembre. Las entradas libres, si las hubiere, para todos los conciertos programados en la Sala Sinfónica, salvo el extraordinario en colaboración con Ibermúsica, estarán a la venta desde el 11 de julio, con entradas de 5 a 40 euros, mientras que para los ciclos de la Sala de Cámara se podrán adquirir a partir del 12 de septiembre, con precios de 10 a 20 euros. El XXV Ciclo de Lied, programado en elTeatro de La Zarzuela, mantiene sus localidades de 4 a 35 euros, y las Series 20/21programadas en el Museo Reina Sofía seguirán siendo con acceso libre hasta completar el aforo de la sala.

Matthias Goerne

Con Schwanengesang (Canto del cisne) termina el ciclo que esta temporada ha ofrecido Matthias Goerne sobre Franz Schubert. Todo el universo liederístico de Schubert junto a Die schöne müllerin (La bella molinera) y Winterreise (Viaje de invierno).

El 30 de abril Goerne y Hinterhäuser abordaban Winterreise. Un ciclo de canciones compuestos inicialmente para tenor, pero dejando abierta la posibilidad de ser interpretadas por voces más graves que pueden dotar de mayor intensidad y oscuridad cada canción. Siendo también interpretada en ocasiones por voces femeninas. Y es que Winterreise, a diferencia de otras obras, a través de sus dinámicas, tempos o fraseos, proporciona una variedad de posibilidades interpretativas casi infinitas.

Y Matthias Goerne es un de esos intérpretes que dota a Winterreise de vida propia. Goerne profundiza en la intimidad de este viaje de invierno como nadie. La flexibilidad de su voz baritonal, descubre siempre nuevos matices en este conjunto de canciones para que nunca nos cansemos de escucharlas. Este dramático viaje a la soledad sobre versos de Wilhelm Müller, describen el momento emocional de un Schubert abandonado por una mujer. Las canciones van desgranando, mediante la desesperanza, el vagar por ese viaje hacia la melancolía.

Apenas una semana después, el 8 de mayo, Goerne, en esta ocasión acompañado al piano por el veterano Alexander Schmalcz, que sustituyó a un enfermo Hinterhäuser, ofreció Schwanengesang. Los poemas que forman este ciclo de canciones, a diferencia de los otros dos ciclos, no pertenecen solamente a un autor. En este caso son tres los poetas elegidos, Ludwing Rellstab, Heinrich Heine y una última de Seidl que ha sido omitida en este recital. Parece que no formaba parte del cuerpo inicial y solo fue añadida por la superstición de que no fueran 13, sino 14, las canciones que componen este ciclo.

Esta última recopilación de canciones fue realizada por el editor Hanslinger y el hermano de Schubert, tras la muerte del compositor, ante la enorme producción de canciones que había compuesto, casi compulsivamente, antes de su muerte. Menos conocidas que los dos ciclos anteriores, Schwanengesang no trata solamente de una materia. En ellas aparecen temas dedicados al amor, al desamor, la mitología y, uno de los temas preferidos de Schubert, el viaje, del que trata Aufenthalt (Lugar de reposo).

Goerne ha utilizado casi todos los recursos que posee, que no son pocos, para desgranar cada una de las piezas que conforman este ciclo. Desde la exaltación vocal, tal vez algo exagerada de Der Atlas (El Atlas), al dramatismo turbador de Der Doppelgänger (El doble), con el que Goerne es capaz de transmitir las más profundas y desgarradoras tensiones psicológicas. La ejecución de Alexander Schmalcz al piano, fue el marco y el camino perfecto para la interpretación de Goerne. Sutil, enérgico y delicado. Todo en el momento y la medida justa.

Mathias Goerne

El ciclo es una coproducción entre el Centro Nacional de Difusión Musical y el Teatro de La Zarzuela. Tras cantar el lunes 26 de febrero Die schöne Müllerin (La bella molinera) junto al pianista Markus Hinterhäuser, ofrece ahora los ciclos de canciones Winterreise (30 de abril) y Schwanengesang (8 de mayo)

El lunes 30 de abril a las 20h00, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en coproducción con el Teatro de La Zarzuela presentan de nuevo en el XXIV Ciclo de Lied al barítono alemán Matthias Goerne junto al excelente pianista Markus Hinterhäuser, esta vez para interpretar el ciclo Winterreise de Franz Schubert.

Siempre con programas especialmente exigentes, las sorprendentes propuestas de Goerne para voz masculina revelan su permanente inquietud en este género. En esta temporada está abordando los tres grandes ciclos schubertianos. Tras Die schöne Müllerin y Winterreise, el 8 de mayo terminará el ciclo con Schwanengesang en el Teatro de La Zarzuela. Tres recitales en poco más de dos meses con el mismo pianista acompañante, que se han convertido citas indispensables de esta temporada para los amantes de la lírica.

Las entradas, con un precio general de 8 a 35 euros, ya están a la venta en las taquillas del Teatro de La Zarzuela, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y 902 22 49 49.

Como “Artista Residente” del CNDM en la presente temporada, Goerne ha participado en dos conciertos más: junto a la Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM) con su maestro titular, Víctor Pablo Pérez, cantó el pasado noviembre los Kindertotenlieder de Gustav Mahler. Además ha pisado la escena del Teatro Real en el Elías de Mendelssohn, con el granadino Pablo Heras-Casado al frente de dos magníficos conjuntos germanos (Rias Kammerchor y Freiburger Barockorchester) en una coproducción del CNDM con La Filarmónica y el coliseo madrileño el pasado 8 de abril.

Schubert: el lirismo del lied

El crítico Arturo Reverter indica que: “El lirismo de Schubert es el lirismo del lied, que tiene como preocupante y profundo telón de fondo nada menos que la tan romántica idea de la muerte, que se intuye, se presiente, se hace real finalmente, sola o en singular conexión con la naturaleza circundante, tras cada efecto instrumental, melódico o armónico; tras esos sutiles encadenamientos temáticos, aparentemente improvisados o por debajo de expresivos trémolos, de abundantes cromatismos, de las disonancias o de las apoyaturas. A través de la efusión lírica las cosas son transfiguradas en ese universo romántico al que acaba por adscribirse y en el que nada será ya lo que fue. Winterreise (Viaje de invierno) es, en efecto, un auténtico viaje interior, una idea básica, como hemos dicho, en la música de Schubert. En pocas ocasiones se ha pintado con tanta precisión, justeza y dramatismo la soledad, la desolación y la desesperanza; en pocas oportunidades se ha calado tan hondo en el drama íntimo de un ser humano y se ha profundizado en la antesala de la propia muerte como en estas canciones, verdadero viaje hacia la nada. Dos temas fundamentales y recurrentes en el músico dominan los poemas de Müller: de nuevo la idea de viaje, de cambio de situación en el espacio, de traslado, y la soledad”.

Matthias Goerne, natural de Weimar (Alemania), estudió con Hans-Joachim Beyer, Elisabeth Schwarzkopf y Dietrich Fischer-Dieskau. Colabora con las principales orquestas y directores del mundo en las más importantes salas de concierto, teatros de ópera y festivales, como la Royal Opera House, Teatro Real, las óperas de París y Viena y el Metropolitan de Nueva York. Sus papeles van desde Wolfram, Amfortas, Kurwenal, Wotan y Orest a los papeles principales de Wozzeck de Alban Berg, El castillo de Barbazul de Béla Bartók, y Matías el pintor de Hindemith. Por sus grabaciones discográficas ha recibido numerosos premios, que incluyen cuatro nominaciones al Grammy, un premio ICMA y recientemente un Diapason d’Or. Tras sus legendarias grabaciones con Vladimir Ashkenazy y Alfred Brendel acaba de grabar una serie de 11 CDs de lieder de Schubert con Christoph Eschenbach y Elisabeth Leonskaja. De 2001 a 2005 fue profesor honorario de canto en la Musikhochschule Robert Schumann de Düsseldorf, y en 2001 fue nombrado Miembro Honorario de la Royal Academy of Music de Londres.

De la temporada pasada destacan sus conciertos con las orquestas más importantes de Estados Unidos y Europa como son la Boston Symphony, Dallas Symphony, Philadelphia Orchestra, Chicago Symphony, Los Angeles Philharmonic, San Francisco Symphony, Pittsburgh Symphony, Berlin Philharmonic, Orchestre de Paris y Philharmonia Orchestra London, así como una serie de recitales de canciones con Leif Ove Andsnes y Markus Hinterhäuser en Dallas, París, Bruselas, Milán, Madrid, Londres y la nueva sala de conciertos LOTTE en Seúl, entre muchos otros lugares. Ha realizado una gira mundial cantando Winterreise con el célebre William Kentridge y otra con la Orquesta Barroca de Friburgo por las principales ciudades europeas. Además, Goerne debutó como Jochanaan (Salomé) en la Ópera Estatal de Viena y como Wotan (Siegfried) en versión en concierto con la Filarmónica de Hong Kong y Jaap van Zweden. En verano de 2017, volvió al prestigioso Festival de Salzburgo, donde cantó el papel protagonista de Wozzeckademás de un recital de lied con Danii Trifonov al piano.

Gómez Godoy, Ferrández y Floristán

Cristina Gómez Godoy, Pablo Ferrández y Juan Pérez Floristán interpretarán obras de Franz Joseph Haydn, Robert Schumann y Robert Kahn junto al estreno absoluto de un encargo del CNDM al compositor Jesús Torres.

Las entradas, con un precio de 10€ a 20€, están disponibles en las taquillas del Auditorio Nacional, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y 902 22 49 49

El jueves 8 de marzo a las 19.30 horas, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) llega a la sexta cita de su ciclo Liceo de Cámara XXI, centrado en la música de cámara, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música de Madrid. Protagonizado por los tres jóvenes intérpretes españoles con mayor proyección internacional del momento: Cristina Gómez Godoy, oboe solista de la Staatskapelle de Berlín; Pablo Ferrández, Premio Joven Artista del Año 2016 de los ICMA, y Juan Pérez Floristán, ganador del “Concurso Paloma O’Shea” y del “Steinway” en Berlín, este concierto estrenará el Trío para oboe, violonchelo y piano encargado al compositor Jesús Torres por el CNDM, Compositor Residente de la institución musical en la presente temporada. El programa lo completarán obras de Franz Joseph Haydn, Robert Schumann y Robert Kahn.

“La oboísta Cristina Gómez Godoy combina brillantez técnica con expresividad musical, virtuosismo con delicadeza artística y posee un “prodigioso instinto natural” (Süddeutsche Zeitung)

“Con un tono cálido y un lirismo impulsivo, a la vez que refinado, Ferrández es un intérprete ideal para el concierto de Schumann, con su melancólica elegancia y sus ráfagas de amargura mercúrica” (The Guardian)

“Juan Pérez Floristán no sólo tiene habilidades técnicas sorprendentes sino que además su interpretación dramática es un arco que abarca todo” (Bachtrack)

Matthias Goerne

El Teatro de la Zarzuela, en coproducción con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), presentarán el próximo lunes, 26 de febrero, a las 20h00, en el XXIV Ciclo de Lied al barítono alemán Matthias Goerne, visitante habitual y uno de sus artistas favoritos (ha actuado en 15 ocasiones), interpretando junto al excelente pianista Markus Hinterhäuser, Die schöne Müllerin (La bella molinera) de Franz Schubert. Siempre con programas especialmente exigentes, sus sorprendentes propuestas en una voz masculina revelan su permanente inquietud en este género.

En esta temporada abordará los tres grandes ciclos schubertianos -tras Die schöne Müllerin, llegarán Winterreise (30 de abril) y Schwanengesang (8 de mayo)– que ya ha interpretado por separado en esta serie musical, pero esta vez en tres recitales que tienen poco más de dos meses de diferencia y con el mismo acompañante.

Las entradas, con un precio general de 8 a 35 euros, ya están a la venta en las taquillas del Teatro de la Zarzuela, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y 902 22 49 49. La interpretación por parte de Goerne de estas piezas se convierte en una de las citas indispensables de esta temporada para los amantes de la lírica.

Como “Artista Residente” del CNDM en la presente temporada, Goerne participa en tres conciertos más: junto a la Orquesta de la Comunidad de Madrid, ORCAM (Titular del Teatro de la Zarzuela) con su maestro titular, Víctor Pablo Pérez, cantó el pasado noviembre los Kindertotenlieder de Gustav Mahler. Además pisará la escena del Teatro Real en el Elías de Mendelssohn, con el granadino Pablo Heras-Casado al frente de dos magníficos conjuntos germanos (Rias Kammerchor y Freiburger Barockorchester) en una coproducción del CNDM con La Filarmónica y el coliseo madrileño el próximo 8 de abril. Un par de días después, ofrecerá, dentro del ciclo Liceo de Cámara XXI en el Auditorio Nacional, y acompañado por el Cuarteto Belcea, el melancólico Notturno, op. 57 de Othmar Schoeck con poemas de Lenau.

Schubert y su reflejo en la cima del lied

Basado en una antología poética de Wilhelm Müller (1794-1827) publicada en 1820 bajo el título Sieben und siebzig Gedichte aus den hinterlassenen Papieren eines reisenden Waldhornisten (Setenta y siete poemas de los papeles póstumos de un trompista itinerante), Die schöne Müllerin (1823) se ha convertido en una de las cimas del género liederístico. El musicólogo Pablo L. Rodríguez indica que: “Schubert no sólo utilizó los versos de Müller en este primer ciclo, sino también en el segundo, Winterreise (1827), cuya composición coincidió con la muerte del poeta y casi también con la suya propia. El compositor había empezado a escribir el primero a comienzos de 1823, es decir, a las pocas semanas de conocer su diagnóstico de sífilis, la enfermedad, por entonces mortal, que terminaría con su vida cinco años más tarde. En realidad, la obra no se limita a un estado de ánimo depresivo o a un hecho concreto de su biografía, sino que refleja su propia naturaleza. El musicólogo Maynard Solomon publicó hace más de dos décadas un importante estudio psicoanalítico del compositor vienés a partir de numerosos testimonios de la época que revela su doble naturaleza: una mezcla de interior poético unido a un exterior hedonista. Y es precisamente en esa condición de hedonista atormentado donde Schubert encontró en los poemas de Müller una expresión ideal de sus vivencias. La denominación de ciclo de lieder es secundaria, pues Schubert realmente hizo una selección de veinte poemas donde presenta una secuencia emotiva completa en sí misma, aunque cada episodio de la historia resulte más completo si se rodea de su contexto. El compositor utilizó elementos básicos, pero tremendamente efectivos, para lograr semejante unidad. Por ejemplo, hizo uso de la sucesión de tonalidades como forma de engarzar o de contraponer cada uno de los lieder, todo ello con la ayuda del piano que, lejos de constituir un mero acompañamiento, adquiere un protagonismo fundamental al tejer la puesta en escena sonora de cada lied, ya sea convertido en arroyo o como álter ego del protagonista.”

Matthias Goerne

Natural de Weimar (Alemania), estudió con Hans-Joachim Beyer, Elisabeth Schwarzkopf y Dietrich Fischer-Dieskau. Colabora con las principales orquestas y directores del mundo en las más importantes salas de concierto, teatros de ópera y festivales, como la Royal Opera House, Teatro Real, las óperas de París y Viena y el Metropolitan de Nueva York. Sus papeles van desde Wolfram, Amfortas, Kurwenal, Wotan y Orest a los papeles principales de Wozzeck de Alban Berg, El castillo de Barbazul de Béla Bartók, y Matías el pintor de Hindemith. Por sus grabaciones discográficas ha recibido numerosos premios, que incluyen cuatro nominaciones al Grammy, un premio ICMA y recientemente un Diapason d’Or. Tras sus legendarias grabaciones con Vladimir Ashkenazy y Alfred Brendel acaba de grabar una serie de 11 CDs de lieder de Schubert con Christoph Eschenbach y Elisabeth Leonskaja. De 2001 a 2005 fue profesor honorario de canto en la Musikhochschule Robert Schumann de Düsseldorf, y en 2001 fue nombrado Miembro Honorario de la Royal Academy of Music de Londres.

De la temporada pasada destacan sus conciertos con las orquestas más importantes de Estados Unidos y Europa como son la Boston Symphony, Dallas Symphony, Philadelphia Orchestra, Chicago Symphony, Los Angeles Philharmonic, San Francisco Symphony, Pittsburgh Symphony, Berlin Philharmonic, Orchestre de Paris y Philharmonia Orchestra London, así como una serie de recitales de canciones con Leif Ove Andsnes y Markus Hinterhäuser en Dallas, París, Bruselas, Milán, Madrid, Londres y la nueva sala de conciertos LOTTE en Seúl, entre muchos otros lugares. Ha realizado una gira mundial cantando Winterreise con el célebre William Kentridge y otra con la Orquesta Barroca de Friburgo por las principales ciudades europeas. Además, Goerne debutó como Jochanaan (Salomé) en la Ópera Estatal de Viena y como Wotan (Siegfried) en versión en concierto con la Filarmónica de Hong Kong y Jaap van Zweden. En verano de 2017, volvió al prestigioso Festival de Salzburgo, donde cantó el papel protagonista de Wozzeck además de un recital de lied con Danii Trifonov al piano.

Arvo Pärt

El domingo 18 de febrero a las 20.30 horas, en la Capilla Fonseca de la Universidad de Salamanca, el conjunto danés Ars Nova Copenhagen dirigido por Paul Hillier, estrenará a nivel mundial la obra que el Centro Nacional de Difusión Musical y la Universidad de Salamanca han encargado conjuntamente al célebre compositor estonio Arvo Pärt, precursor de la música minimalista sacra. En este concierto, incluido dentro de las actividades programadas para conmemorar el octavo centenario de la institución académica, el grupo Ars Nova Copenhagen interpretará obras vocales antiguas y modernas del Viejo y Nuevo Mundo, que abarcan cinco siglos de música, con piezas entre las que se encuentran otras dos producciones de Arvo Pärt, de 2012 y 2015, y obras de Hernando Franco, Manuel de Sumaya, Alonso Lobo, Abraham Wood, Christian Wolff y John Cage. “El lema del VIII Centenario encuentra en la música un espejo donde reflejarse” indica Bernardo García-Bernalt, director de la Academia de Música Antigua de la Universidad de Salamanca. “Diremos ayer, por el peso singular que ha tenido la música en los ochocientos años de historia del Estudio salmantino, y diremos mañana por la proyección de futuro que encuentra la música en esta institución gracias a la estrecha colaboración entre el Centro Nacional de Difusión Musical y la Universidad de Salamanca, colaboración que se cristaliza este año, en concreto, en la organización de la quinta temporada del ciclo “Salamanca Barroca”, tras el rotundo éxito de las pasadas ediciones, y del programa extraordinario “Salamanca 800”, en el que se incluye este importante estreno absoluto”. Tras su estreno en Salamanca, el programa se repetirá en Madrid, dentro del ciclo Series 20/21 que el CNDM programa en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (lunes 19 de febrero, 19.30 horas) y en Badajoz, como actividad del IX Ciclo de Música Actual (martes 20 de febrero, 20.30 horas).

El minimalismo sacro

Arvo Pärt (1935, Estonia) es uno de los grandes nombres de la composición actual. Considerado el precursor de la música minimalista y uno de los representantes más radicales de la vanguardia soviética, su música ha experimentado un profundo proceso evolutivo, desde la música neoclásica para piano al uso individual de la dodecafonía, la composición con masas sonoras, música aleatoria y la técnica de collage. En 1976, tras el estudio intensivo del canto gregoriano, la “Escuela de Notre-Dame” y la polifonía vocal clásica, apareció con un nuevo y extremadamente original lenguaje musical que llamó tintinnabuli (tintinnabulum – ‘campanilla’, en latín) y que ha marcado su obra hasta hoy. Pärt es muy conocido por sus trabajos para bandas sonoras cinematográficas, más de cincuenta hasta la fecha, entre los que se encuentran La gran belleza (2013) de Paolo Sorrentino, Les Amants du Pont-Neuf de Léos Carax (1991), Swept Away de Guy Ritchie (2002), Gerry de Gus van Sant (2003), Soldados de Salamina de David Trueba (2002), Elegy de Isabel Coixet (2008) y, más recientemente, en Los Vengadores de Joss Whedon (2015). Pärt es doctor honoris causa por la Universidad de Oxford desde 2016.

Ars Nova Copenhagen fue creado en 1979 y es ampliamente reconocido como uno de los mejores conjuntos vocales del mundo. Desde 2003 su director principal y artístico es el aclamado director británico Paul Hillier, aunque también han trabajado con Bo Holten y Tamás Vetö (sus dos directores principales anteriores), Kaspars Putnins, Andrew Lawrence King, Anthony Rooley, Kees Boeke, Michael Bojesen y Søren K. Hansen así como con otros directores invitados.

El conjunto está especializado en la interpretación de música coral polifónica del Renacimiento y en la música vocal contemporánea, además de construir colaboraciones con artistas creativos de diferentes ámbitos como el teatro, el cine y el ballet y cultivar nuevas formas de interpretación de conciertos y repertorios innovadores. Sus interpretaciones del conjunto se caracterizan por la precisión y un sonido que capta atención a nivel mundial. Con un ciclo de conciertos anual en Copenhague y Aarhus, numerosos conciertos en el resto de Dinamarca y frecuentes giras internacionales, el conjunto está más solicitado que nunca. En 2015 Ars Nova realizó una larga gira en China con más de diez conciertos como parte significante de la campaña cultural danesa en el país y en 2016 participó en la Nord Choir Expedition presentando a punteros coros y conjuntos vocales nórdicos en cada una de las capitales nórdicas. Sus próximas giras incluyen España y EEUU.

Ars Nova ha grabado numerosos CDs que han recibido múltiples premios, incluyendo un Grammy por “The Little Match Girl Passion” con música de David Lang (Harmonia Mundi). Sus discos más recientes son “Songs for Choir” del compositor danés Carl Nielsen (Dacapo Records), “Gallos y Huesos” con música de Pablo Ortiz (Orchid Classics) y “First Drop”, un nuevo CD en directo con música de Howard Skempton, Michael Gordon, David Lang, Kevin Volans, Pablo Ortiz, Louis Andriessen, Gabriel Jackson, Steve Reich y Terry Riley (Cantaloupe). Durante muchos años Heinrich Schütz ha ocupado un importante lugar en el repertorio de Ars Nova y entre 2008 y 2011 el conjunto grabó sus obras “dramáticas” completas para las festividades de Pascua y Navidad. Estos cuatro CDs, también disponibles como recopilatorio, han obtenido entusiastas críticas por parte de la prensa especializada internacional. Otras notables publicaciones discográficas recientes son “Creator Spiritus” con música de Arvo Pärt (Harmonia Mundi) y “The Golden Age of English Part Songs” (Dacapo Records). VIII Centenario de la Universidad de Salamanca.

VIII Centenario de la Universidad de Salamanca

La Universidad de Salamanca cumple 800 años, lo que la convierte en la primera de las universidades españolas y una de las más longevas del mundo. Celebra por ese motivo sus ocho siglos de historia, que lo son también del sistema universitario de nuestro país. Bajo la Presidencia de Honor de los Reyes de España, la efeméride, catalogada como acontecimiento de Estado, desarrolla un programa que tiñe la ciudad de eventos con los que se pretende recordar los orígenes de la más antigua de las universidades hispanas.

La Universidad de Salamanca pone de relevancia sus valores como cuna del Humanismo y patria intelectual de recordados estadistas, su riqueza patrimonial y su condición de pionera y líder en la enseñanza del Español sin perder de vista objetivos estratégicos de la celebración como el liderazgo internacional en Educación Superior, el fomento de la excelencia académica, la puesta en valor y recuperación del patrimonio y las infraestructuras o la promoción nacional e internacional de la institución académica salmantina.

Martha Argerich

El CNDM presenta, por segunda vez en su ciclo Liceo de Cámara XXI, un concierto extraordinario de la legendaria pianista argentina, en esta ocasión, junto al también pianista Gabriele Baldocci.

La cita, el domingo 14 de enero en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Madrid, es una de las pocas ocasiones en las últimas décadas en la que se podrá disfrutar de Argerich interpretando en solitario, en este caso, las Escenas de niños de Schumann.

El programa lo completarán obras de Liszt, Shostakóvich, Rachmaninov y Ravel, además de versiones de Liszt de piezas de Verdi y Wagner.

El concierto está coproducido junto a la Sociedad de Conciertos La Filarmónica y es la segunda cita de una gira que también pasará por Valencia (jueves 11, Palau de la Música) y Barcelona (lunes 15, Palau).

Por segundo año el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), en coproducción con La Filarmónica, invita al ciclo Liceo de Cámara XXI a la legendaria pianista Martha Argerich para protagonizar un concierto extraordinario en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música, esta vez, junto al pianista italiano Gabriele Baldocci el próximo domingo 14 de enero a las 19.30 horas. Durante las últimas décadas han sido muy pocas las apariciones en solitario de la pianista. Esta pequeña gira por la península ibérica (que también pasará por Valencia y Barcelona) permitirá a todos los aficionados disfrutar de sus elevadas interpretaciones, algo que se convierte en una rara oportunidad. Martha Argerich siempre se ha caracterizado por su flexibilidad y curiosidad para presentarse en los escenarios con artistas y formaciones diferentes, con especial predilección para proyectar el talento joven. En este concierto se combinará la sabiduría de la ilustre pianista argentina con la frescura del pianista italiano Gabriele Baldocci. El dúo presenta en esta velada su CD grabado en vivo por el sello Dinamics, con obras de Liszt, Shostakóvich, Rachmaninov y Ravel, además de versiones de Liszt de piezas de Verdi (Salve Maria de Jérusalem, de I Lombardi alla prima crociata) y Wagner (Isoldes Liebestod de Tristán e Isolda). La fuerte personalidad musical de ambos pianistas que viven de la inspiración mutua fue lo que les unió para en 2013 emprender un camino conjunto plagado de éxitos. Su paso por Madrid promete un concierto memorable, como todos los de la genial pianista. Las entradas, con un precio general de 15 a 40 euros, ya están a la venta en las taquillas del Auditorio Nacional, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y 902 22 49 49

Martha Argerich: la leyenda incombustible

Nacida en Buenos Aires (Argentina), Martha Argerich empezó a tocar el piano a los cinco años con Vincenzo Scaramuzza. Considerada una niña prodigio, pronto comenzó a actuar en público. En 1955 se trasladó a Europa y continuó sus estudios en Londres, Viena y Suiza con Seidlhofer, Gulda, Magaloff, Lipatti y Stefan Askenase. En 1957 ganó los Concursos de Piano de Bolzano y Ginebra, y en 1965 el Concurso Internacional Chopin de Varsovia. Desde entonces, ha sido una de las pianistas más prominentes tanto en popularidad como en habilidad. Argerich ha destacado por su representación de la literatura pianística de los siglos XIX y XX. Su amplio repertorio incluye obras de Bach y Bartók, Beethoven y Messiaen, así como Chopin, Schumann, Liszt, Debussy, Ravel, Franck, Prokofiev, Stravinski, Shostakóvich y Chaikovski. Aunque es invitada habitual de las más prestigiosas orquestas, directores y festivales de música de Europa, Japón y América, la música de cámara tiene un papel muy relevante en su vida musical, y actúa y graba frecuentemente con los pianistas Nelson Freire y Alexandre Rabinovitch, el chelista Mischa Maisky y el violinista Gidon Kremer. Como ella misma afirma: “Esta armonía entre un grupo de personas me da una gran fuerza y paz”. Martha Argerich ha grabado con EMI, Sony, Philips, Teldec y Deutsche Grammophon, y muchos de sus conciertos se han retransmitido por la televisión a todo el mundo.

Entre los numerosos premios que ha recibido a lo largo de su carrera destacan los Premios Grammy por los conciertos de Bartók y Prokofiev, por Cinderella de Prokofiev con Mikhael Pletnev y por los Conciertos 2 y 3 de Beethoven con la Mahler Chamber Orchestra bajo la dirección de Claudio Abbado; Premio Gramophon “Artista del Año, Mejor Disco del Año de Concierto de Piano” por los conciertos de Chopin; Premio “Choc del Monde de la Musique” por su recital en Ámsterdam; premio “Künstler des Jahres Deutscher Schallplatten Kritik” en la categoría de “Mejor Representación de Solista Instrumental”; premio del Sunday Times al “Disco del Año” y “Premio de la Revista Musical de la BBC” por su disco de Shostakóvich (EMI, 2007).

Desde 1998 es Directora Artística del Festival Beppu en Japón; en 1999 creó el Festival y Concurso Internacional de Piano Martha Argerich en Buenos Aires, y en junio de 2002 el “Progetto Martha Argerich” en Lugano. Entre las numerosas distinciones que ha recibido caben destacar: Oficial de la Orden de las Artes y las Letras (1996) y Comandante de la Orden de las Artes y las Letras (2004) del Gobierno francés; Accademica di Santa Cecilia de Roma (1997); Músico del Año por Musical America (2001); Orden del Sol Naciente, Rayos de Oro con Escarapela, del Emperador de Japón y el prestigioso Praemium Imperiale de la Asociación de Arte de Japón (2005).

Gabriele Baldocci, prodigio ecléctico

Gabriele Baldocci, profesor en el Trinity Laban Conservatoire of Music de Londres, ha ofrecido conciertos en centros de prestigio como la Tonhalle de Zúrich, Parco della Musica de Roma, Teatro Colón de Buenos Aires, Ceramic Crystal Hall de Seúl, Sala Verdi de Milán, Teatro Ghione de Roma, Teatro Rossetti de Trieste, Teatro Ponchielli de Cremona, Parnassos Hall de Atenas, Teatro Lirico de Cagliari, Poisson Rouge de Nueva York y muchos otros, presentándose regularmente en algunos de los festivales más importantes del mundo. Ha grabado la obra completa para piano y violín, y piano y viola de Nino Rota junto al violinista Marco Fornaciari, las obras completas para dos pianos de Michael Glenn Williams junto a Enrico Pompili, la obra completa de las Baladas y los Impromptus de Chopin y un recital en vivo para dos pianos, a dúo con Martha Argerich. Actualmente está terminando para Dynamic la obra completa de las Sinfonías de Beethoven transcritas por Liszt para piano solo.

Músico ecléctico y contracorriente, ha creado numerosos espectáculos donde oscila entre el repertorio tradicional y la improvisación (a menudo dirigida por el público), en el que fusiona elementos de música clásica, jazz y rock, así como la presentación a menudo de obras de autores contemporáneos. Baldocci es embajador oficial del Martha Argerich Presents Project y participa regularmente en varios grupos de música de cámara. Forma dúo desde hace años con Martha Argerich y con el pianista argentino Daniel Rivera, aparte de colaborar frecuentemente con diferentes actores como Amanda Sandrelli.

Niño prodigio del piano, empezó a dar conciertos públicamente a la edad de 9 años, siendo ganador de premios en concursos pianísticos muy prestigiosos como el Concorso Casagrande de Terni y el Concurso Martha Argerich de Buenos Aires. Tras haber estudiado en la Accademia Pianistica de Imola con Franco Scala, ha sido alumno de la International Piano Academy de Como, donde ha recibido clases por parte de William Grant Naboré, Lèon Fleisher, Alicia de Larrocha, Dmitri Bashkirov, Fou Ts’Ong, Charles Rosen, Andreas Staier y Claude Frank. Asimismo se ha diplomado en la Accademia Nazionale di Santa Cecilia de Roma bajo la dirección de Sergio Perticaroli. Actualmente integrado en el campo de la enseñanza, es a menudo invitado a dar clases magistrales en universidades y academias muy prestigiosas del mundo. Es invitado con frecuencia a participar como miembro del jurado en concursos pianísticos internacionales.

Matthias Goerne

El lunes 27 de noviembre a las 19.30 horas, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) inaugura la serie de conciertos que tienen al barítono alemán Matthias Goerne como “Artista Residente” del centro para la temporada 17/18. Este primer concierto, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional, es en coproducción con la Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM), y estará protagonizado por la ORCAM con su maestro titular, Víctor Pablo Pérez, al frente. El programa está formado por la Novena Sinfonía de Bruckner y los Kindertotenlieder de Gustav Mahler.

A lo largo de la temporada Goerne participará en cinco conciertos más: podremos disfrutar de su arte en tres ocasiones en el XXIV Ciclo de Lied del Teatro de la Zarzuela, donde ya es un visitante habitual y del que es posiblemente uno de sus artistas favoritos, pues ha actuado en 15 ocasiones. Siempre con programas especialmente exigentes, sus sorprendentes propuestas en una voz masculina (como la colección schumanniana Frauenliebe und -leben) revelan su permanente inquietud en este género. En esta temporada abordará los tres grandes ciclos schubertianos (Die Schone Müllerin, Winterrreise y Schwanengesang) que ya ha abordado por separado, pero esta vez en tres recitales que tienen poco más de dos meses de diferencia y con el mismo pianista, el excelente Markus Hinterhäuser. Además pisará la escena en el Elías de Mendelssohn en el Teatro Real, con el granadino Pablo Heras-Casado al frente de dos magníficos conjuntos germanos (Rias Kammerchor y Freiburger Barockorchester) en una coproducción del CNDM con La Filarmónica y el coliseo madrileño. Y también ofrecerá, dentro del ciclo Liceo de Cámara XXI en el Auditorio Nacional, y acompañado por el Cuarteto Belcea, el melancólico Notturno, op. 57 de Othmar Schoeck con poemas de Lenau.

Matthias Goerne, natural de Weimar (Alemania), estudió con Hans-Joachim Beyer, Elisabeth Schwarzkopf y Dietrich Fischer-Dieskau. Colabora con las principales orquestas y directores del mundo en las más importantes salas de concierto, teatros de ópera y festivales, como la Royal Opera House, Teatro Real, las óperas de París y Viena y el Metropolitan de Nueva York. Sus papeles van desde Wolfram, Amfortas, Kurwenal, Wotan y Orest a los papeles principales de Wozzeck de Alban Berg, El castillo de Barbazul de Béla Bartók, y Matías el pintor de Hindemith. Por sus grabaciones discográficas ha recibido numerosos premios, que incluyen cuatro nominaciones al Grammy, un premio ICMA y recientemente un Diapason d’Or. Tras sus legendarias grabaciones con Vladimir Ashkenazy y Alfred Brendel acaba de grabar una serie de 11 CDs de lieder de Schubert con Christoph Eschenbach y Elisabeth Leonskaja. De 2001 a 2005 fue profesor honorario de canto en la Musikhochschule Robert Schumann de Düsseldorf, y en 2001 fue nombrado Miembro Honorario de la Royal Academy of Music de Londres.

Destaca de la temporada pasada conciertos con las orquestas más importantes de Estados Unidos y Europa como: Boston Symphony, Dallas Symphony, Philadelphia Orchestra, Chicago Symphony, Los Angeles Philharmonic, San Francisco Symphony, Pittsburgh Symphony, Berlin Philharmonic, Orchestre de Paris y Philharmonia Orchestra London, así como una serie de recitales de canciones con Leif Ove Andsnes y Markus Hinterhäuser en Dallas, París, Bruselas, Milán, Madrid, Londres y la nueva sala de conciertos LOTTE en Seúl, entre muchos otros lugares. Ha realizado una gira mundial cantando Winterreise con el célebre William Kentridge y otra con la Orquesta Barroca de Friburgo por las principales ciudades europeas. Además, Goerne debutó como Jochanaan (Salomé) en la Ópera Estatal de Viena y como Wotan (Siegfried) en versión en concierto con la Filarmónica de Hong Kong y Jaap van Zweden. En verano de 2017, volvió al prestigioso Festival de Salzburgo, donde cantó el papel protagonista de Wozzeck además de un recital de lied con Danii Trifonov al piano.

Baluarte de la vanguardia y modelo de atención al repertorio español desde su creación en 1987, la Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM) se ha distinguido por presentar unas programaciones innovadoras, que han combinado lo más destacado de la creación contemporánea con el repertorio tradicional. Crítica y público han subrayado con unanimidad el interés y atractivo de las temporadas de abono de la ORCAM. Su ciclo de conciertos en el Auditorio Nacional de Música se ha convertido en referencia imprescindible en la vida musical española y punto de encuentro de un público variado y dinámico, interesado en conocer todas las corrientes musicales y los frecuentes estrenos absolutos que incluyen sus diferentes ciclos de conciertos. El sólido aval que representan sus abonados y el respaldo de los más exigentes medios especializados expresan el relieve de la actividad de la ORCAM, que ha prolongado el ámbito de sus actuaciones más allá de la exitosa temporada de abono madrileña, habiéndose incorporado de forma activa a las temporadas de otros escenarios de la Comunidad, como son los Teatros del Canal y el Teatro Auditorio San Lorenzo de El Escorial. Su presencia ha sido requerida en las salas y ciclos más prestigiosos de todo el Estado, así como en temporadas y festivales internacionales, habiendo visitado el Teatro Bellas Artes de México D.F. y diversas salas de Pekín, Shanghai y Hong Kong. En Europa ha actuado en lugares tan emblemáticos como el Théâtre du Châtelet de París, Teatro La Fenice de Venecia, el Lingotto de Turín, el Arsenal de Metz y la Konzerthaus de Berlín. Italia es un país que acoge con frecuencia las actuaciones de la ORCAM, señaladamente la Biennale di Venezia y el Festival MITO (Milán y Turín). De igual modo hay que señalar la actuación celebrada en el Carnegie Hall neoyorquino con Plácido Domingo, a las órdenes del Maestro Miguel Roa.

La estrecha relación de la ORCAM con la lírica viene avalada por el hecho de que la orquesta es, desde el año 1998, Orquesta Titular del Teatro de la Zarzuela de Madrid, lo que le ha situado como máximo exponente del género, llevando a cabo en sus diferentes temporadas reestrenos, reposiciones, recuperaciones, grabaciones y encargos de diversa índole. En el ámbito discográfico, cabe destacar los más de cuarenta registros realizados para sellos nacionales e internacionales como Emi, Deutsche Grammophon, Verso, Stradivarius, Decca, Naxos, etc. junto a artistas de la talla de Plácido Domingo, Ainhoa Arteta, Carlos Álvarez o Rolando Villazón, entre otros. Por el podio de la ORCAM han pasado maestros invitados tan prestigiosos como Fabio Biondi, Harry Christophers, Michel Corboz, Leopold Hager, Jean Jacques Kantorow, Isaac Karabtchevsky, Lorin Maazel, Paul McCreesh, Shlomo Mintz, Krysztof Penderecki, Alberto Zedda, Libor Pesek y José Serebrier. Entre los directores españoles que han colaborado con la ORCAM figuran Edmon Colomer, Rafael Frühbeck de Burgos, Enrique García Asensio, Miguel Ángel Gómez Martínez, Pablo González, Cristóbal Halffter, Jesús López Cobos, Ernest Martínez Izquierdo, Juanjo Mena, Víctor Pablo Pérez, Josep Pons y Antoni Ros Marbà.

William Christie

El domingo 19 de noviembre a las 19 horas, el ciclo Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música de Madrid a Les Arts Florissants dirigidos por William Christie y acompañados por los seis jóvenes cantantes seleccionados en la última edición del proyecto Le Jardin des Voix: Natalie Pérez, soprano (Francia, 1988); Natasha Schnur, soprano (Alemania, 1991); Eva Zaïcik, mezzosoprano (Francia, 1987); James Way, tenor (Gran Bretaña, 1992); Josep-Ramon Olivé, barítono (España, 1988) y Padraic Rowan, bajo-barítono (Irlanda, 1990). El programa ‘Un jardín a la inglesa’, está centrado en la ópera inglesa de los siglos XVII y XVIII e incluye a los grandes nombres de la composición de esa época (Gibbons, Dowland, Lawes, Purcell y Haendel). El barítono Josep-Ramon Olivé será también el protagonista de uno de los cuatro conciertos del ciclo Schubert Lied, nueva serie musical que el CNDM programa en Barcelona.

Un proyecto clave que descubre grandes talentos
En el año 2002, William Christie creó una academia para jóvenes cantantes que llamó Le Jardin des Voix y la vinculó a la actividad de su famoso conjunto Les Arts Florissants. La experiencia se repitió en 2005 y desde entonces se celebra cada dos años.

Con la dirección de William Christie y Paul Agnew, Le Jardin es una actividad para jóvenes que están comenzando sus carreras. Tras varias semanas de formación intensiva, los cantantes elegidos realizan un concierto de presentación antes de emprender una gira mundial. En esta ocasión, su estreno tuvo lugar este verano en el festival ‘Dans les Jardins de William Christie’. En esta octava convocatoria han sido elegidos seis cantantes de cinco nacionalidades diferentes.

Le Jardin des Voix permite que los seleccionados puedan continuar sus trayectorias internacionales en las salas de conciertos más prestigiosas, convirtiéndose en colaboradores habituales de Les Arts Florissants. El proyecto ha descubierto a 50 nuevos talentos de 16 países, entre los que están Katherine Watson, Marc Mauillon, Sonya Yoncheva, Christophe Dumaux, Emmanuele De Negri, Lea Desandre o los españoles Xavier Sabata, Juan Sancho, Gabriel Pérez-Bermúdez y Lucía Martín-Cartón.

Música Ficta

La formación de polifonía Musica Ficta, conjunto barroco residente del Centro Nacional de Difusión Musical (NCDM) en 2017, celebra este mes de septiembre su 25 aniversario con el lanzamiento de una nueva grabación del Officium Defunctorum, obra cumbre de , el más celebre compositor del Renacimiento español. El grupo, fundado en 1992 por su director, Raúl Mallavibarrena, protagonizará durante los próximos meses diversas giras y conciertos nacionales e internacionales, con programas que giran en torno a las efemérides de Monteverdi, Cisneros o “el camino español”.

Coincidiendo con los 25 años de su fundación y los 15 años de la publicación de su primera grabación del Officium Defunctorum, Musica Ficta regresa a su compositor, obra y periodo predilectos: el maestro Victoria, su conocido Réquiem y el Renacimiento español. La aproximación a la partitura es, sin embargo, completamente diferente. Su primera versión (Mejor disco renacentista de 2002, por la revista CD Compact), grabada a dos voces por parte y acompañada de órgano y bajón, mantenía el tono original de la obra, de sonoridad más grave. La nueva grabación, en cambio, ha sido grabada a capela en la capilla de la Hospedería de Santa Cruz (Madrid), a voz por parte, salvo altos y bajos doblados, y un tono alto. El resultado es más luminoso y poético manteniendo el dramatismo. “Victoria ha sido el compositor que más me ha ayudado a comprender la polifonía, lo que me ha permitido acercarme a esta música desde diferentes perspectivas”, apunta Mallavibarrena.

El perfil apasionado y cercano con que aborda la polifonía religiosa ha hecho de Musica Ficta uno de los más destacados renovadores de la interpretación de la música antigua en nuestro país. En esta versión del Officium Defunctorum se aleja de la ortodoxia para deleitar a los oídos actuales con una sensibilidad muy distinta.

Raúl Mallavibarrena (Oviedo, 1970) fundó Musica Ficta en 1992. El conjunto ofreció en 1993 su primer concierto en Madrid y en 1996 publicó su primer disco con las Lamentaciones de Jeremías en el sello Cantus. Desde entonces ha publicado 20 títulos bajo el sello Enchiriadis, fundado por el propio Mallavibarrena en el año 2000. Ha sido el único grupo de música antigua en grabar El Parnaso Español, de Pedro Ruimonte; el Cancionero de Turín, y la integral de las Villanescas, de Francisco Guerrero. En 2005 interpretó por primera vez en tiempos modernos la zarzuela Salir el Amor del Mundo, de Sebastián Durón, en el Teatro Arriaga de Bilbao junto a la orquesta Civitas Harmoniae

Durante estos 25 años, la formación ha sido invitada a los festivales más relevantes del género en España, como el Festival de Música y Danza de Granada, el Festival de Música Antigua de Sevilla, la Quincena Musical de San Sebastián, el Festival de Arte Sacro de Madrid, el Festival de Música Religiosa de Cuenca o el Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza. Asimismo ha protagonizado giras y conciertos por Italia Grecia, Francia (Festival Îlle de France), Noruega (Festival San Olav), Alemania, Chequia, Polonia, Túnez, Egipto, Jordania, Líbano, Siria, Argentina, Uruguay, Colombia, Perú, México (Festival Cervantino de Guanajuato), Estados Unidos (Hispanic Society of America de Nueva York, San Diego Early Music Society, Seattle Early Music Guild, Miami Bach Society), China (Chine International Chorus Festival) y Japón. Voces consolidadas de la escena española como Nuria Rial, Lluís Villamajo, Marta Infante, María Espada, Ruth Rosique, Maria Eugenia Boix, Soledad Cardoso, Raquel Andueza o Gabriel Díaz han formado parte de su plantilla.

Música Ficta, grupo residente barroco del CNDM en 2017

El Centro Nacional de Difusión Musical ha reconocido la trayectoria de Musica Ficta al nombrarlo conjunto barroco residente en 2017. Con esta distinción protagonizará varios conciertos y giras por España, Europa y Latinoamérica. Estos días participa en el Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá, que se celebra hasta el 1 de octubre. En noviembre actuará en el Auditorio Nacional dentro del ciclo Universo Barroco y clausurará el Festival Internacional de Órgano de la Catedral León con un programa de Monteverdi, con motivo del 450 aniversario de la muerte del compositor. Este mismo mes emprenderá además una gira que partirá de Madrid rumbo a Milán, Lyon, Frankfurt, Luxemburgo y Bruselas para conmemorar el 450 aniversario del “camino español”, la ruta inaugurada en 1567 por el tercer Duque de Alba para llevar a los tercios del ejército español a la guerra con Flandes, y evitar así la ruta marítima, mucho más peligrosa.

Además de sus compromisos con el CNDM, Musica Ficta ha sido invitada a participar en los actos conmemorativos del 500 aniversario de la muerte del cardenal Cisneros. Con este motivo, el 28 de octubre ofrecerá un concierto en Torrelaguna.

CNDM

El CNDM en su octava temporada organizará 330 actividades diferentes en 28 ciudades españolas de 13 comunidades autónomas, además de en 10 ciudades extranjeras de otros tantos países.

De los 272 conciertos previstos, 107 se ofrecerán en Madrid y 165 fuera de la capital española.

La presencia internacional crece de forma importante y se desarrollará en 9 ciudades europeas (Bruselas, Bucarest, Elvas, Frankfurt, Luxemburgo, Lyon, Milán, Sofía, Trondheim [Noruega]) y una americana (Bogotá).

Las residencias del centro aumentan a cuatro en la temporada 17/18: se mantienen las figuras de Artista Residente, con el barítono alemán Matthias Goerne (Weimar, 1967) y la de Compositor Residente, con Jesús Torres (Zaragoza, 1965) y se crean dos nuevas:Conjunto Barroco Residente (Musica Ficta) y Cuarteto Residente (Cuarteto Casals)

Se articulan dos grandes ciclos transversales en la programación general dedicados al gran compositor italiano Claudio Monteverdi (#Monteverdi4.5.0, para conmemorar el 450 aniversario de su nacimiento) y al genial músico vienés Franz Schubert (#Schubert-Zyklus, centrado en la producción liederística).

Se recuperarán 25 obras inéditas del patrimonio musical español y se estrenarán 75 nuevas partituras, 46 por encargo del CNDM (un record absoluto en la historia del Centro, que desde 2011 ya ha estrenado 207 obras con 119 encargos).

Vuelven artistas imprescindibles en los diferentes géneros musicales: Martha Argerich, William Christie, Menahem Pressler, Jordi Savall, Leo Nucci, Michael Nyman, Rocío Márquez, Diana Damrau o Chick Corea, a los que se unen otros nuevos: Pedro Iturralde, Franco Fagioli, Sarah Chang, Lucero Tena, Juan Perro, Cristina Branco, Thomas Quasthoff (cantando jazz), Piotr Beczala, Alba Molina o los grandes compositores Arvo Pärt y Toshio Hosokawa.

La educación tendrá de nuevo una importancia capital con 58 actividades gratuitas en 12 ciudades españolas y 2 extranjeras, en coproducción con 17 instituciones académicas y 73 conciertos de entrada libre (40% del total).

El CNDM colaborará en la temporada 17/18 con 110 instituciones públicas y entidades privadas.

La Directora General del INAEM, Montserrat Iglesias junto a Antonio Moral, director del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), han presentado esta mañana en rueda de prensa la temporada 17/18 de este centro. El CNDM, unidad dependiente del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música (INAEM), propone para su octava temporada un intenso y extenso programa que mantiene su espíritu de recuperar y difundir nuestro vasto patrimonio histórico y las músicas cultas de raíz popular como el flamenco y el jazz, incentivar la composición actual y atraer a nuevos públicos hacia la música clásica, o aquellos géneros menos frecuentes, a través de las diversas actividades organizadas de forma autónoma o en colaboración con más de un centenar de instituciones nacionales e internacionales.

La temporada 2017/18 está conformada por un total de 330 actividades diferentes que tendrán lugar desde el 29 de junio de 2017 al 2 de julio de 2018. El programa se desarrollará en Madrid capital y en otras 27 ciudades españolas de 13 comunidades autónomas, a las que hay que añadir una ciudad americana (Bogotá) y 9 europeas en 9 países (Bruselas, Bucarest, Frankfurt, Luxemburgo, Lyon, Milán, Sofía, Trondheim y la ciudad portuguesa de Elvas, alcanzando un total de 38 ciudades distintas) con una amplia oferta de conciertos, sesiones educativas, academias musicales, cursos de interpretación, clases magistrales, mesas redondas y conferencias a cargo de destacados intérpretes y creadores. En total, se producirán 272 conciertos, de los cuales 165 se ofrecerán fuera de la capital española y habrá 73 conciertos de carácter gratuito. La programación de la 17/18 cuenta con 71 grupos españoles (123 artistas nacionales) y 41 grupos extranjeros (106 artistas foráneos).

Los 107 conciertos organizados en Madrid se reparten en 10 ciclos de abono (Universo Barroco –Sinfónica y Cámara–, Series 20/21, Fronteras, Liceo de Cámara XXI, Andalucía Flamenca, Jazz en el Auditorio, Ciclo de Lied, Bach Vermut y Contrapunto de Verano) además del proyecto pedagógico y social “Todos Creamos”) y tendrán lugar en el Auditorio Nacional de Música, Teatro de la Zarzuela y Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS). El CNDM colaborará con 110 instituciones públicas y entidades privadas. En España lo hará para coproducir los ciclos que componen la parte de Músicas Históricas de León (Festival Internacional de Órgano Catedral de León -FIOCLE- y el ciclo en el Auditorio Ciudad de León junto al Ayuntamiento), los tres ciclos demúsica actual en Alicante, Santiago de Compostela y Badajoz y los dos barrocos en Oviedo y Salamanca, además de los conciertos coproducidos por los cabildos catedralicios incluidos dentro de la serie El órgano en las Catedrales. Continúa la colaboración estable con las ciudades de Segovia (Fundación Juan de Borbón), Cáceres (Conservatorio) y los festivales internacionales de música de Cádiz, Sevilla, Úbeda-Baeza y Zamora. El CNDM ha reforzado sus alianzas con el L´Auditori de Barcelona (creando el ciclo Schubert Lied, coproducido por la Asociación Franz Schubert de Barcelona), el Museo Baluarte de Pamplona (con el ciclo Beethoven Actual) y comenzamos la colaboración con el Teatro de La Maestranza de Sevilla con dos ciclos de piano: el ya mencionado Beethoven Actual y la nueva serie Beethoven por Liszt; y estrena nuevos proyectos en Malpartida de Cáceres (Museo Vostell Malpartida) y Panticosa (Huesca).

El programa internacional crece exponencialmente repitiendo la colaboración por tercer año con el Festival de Música Sacra de Bogotá (Colombia) y con la vecina ciudad portuguesa de Elvas. El éxito del pasado año con el Proyecto Europa: el cuarteto de cuerda en España junto al Instituto Cervantes ha hecho que el ciclo llegue a Bucarest(Rumanía) y Sofía (Bulgaria) y que se añada una segunda serie de conciertos: Proyecto Europa: Un peregrinaje musical en la Europa de Carlos V con el conjunto Musica Fictacomo protagonista y un recorrido que les llevará desde la Iglesia de Los Jerónimos en Madrid a Lyon (Francia), Bruselas (Bélgica), Luxemburgo, Frankfurt (Alemania) y Milán (Italia) siguiendo el camino de Flandes. A todo ello hay que sumar la primera colaboración del centro con el Festival de Música Barroca de Trondheim (Noruega).

Residentes y ciclos transversales

La actual temporada duplica las “residencias” del CNDM hasta llegar a cuatro. El aragonés Jesús Torres (Zaragoza, 1965) será Compositor Residente, que hoy se encuentra en plena madurez creativa y presentará un total de diez obras, escritas entre 2001 y 2018, donde se incluyen cuatro estrenos absolutos, y el prestigioso barítono alemánMatthias Goerne (Weimar, 1967) como Artista Residente tan ligado durante dos décadas al Ciclo de Lied, y que en esta nueva temporada estará presente en las cuatro principales salas musicales de Madrid: Teatro de la Zarzuela, Teatro Real y Auditorio Nacional de Música (Sinfónica y Cámara), a lo largo de seis importantes conciertos. A esas dos secciones se añaden la de Conjunto Barroco Residente, que ostentará el conjunto vocal renacentista Musica Ficta, dirigido por Raúl Mallavibarrena, que conmemora sus primeros 25 años de vida artística, y ofrecerá diez conciertos en Madrid, León, Bogotá, Milán, Lyon, Frankfurt, Luxemburgo y Bruselas; y la de Cuarteto Residente, ocupada por el Cuarteto Casals, que celebra este año los veinte de su creación en Madrid tras una feliz andadura por la que es reconocido como uno de los mejores cuartetos del mundo.

Dos grandes protagonistas ocuparán la atención de sendos ciclos transversales. Por un lado, #Monteverdi4.5.0 recordará los cuatro siglos y medio del nacimiento de Claudio Monteverdi, con 21 conciertos repartidos en 7 ciudades desde Badajoz a Bogotá, pasando por Salamanca, León, Sevilla, Oviedo y Madrid con intérpretes internacionales tan relevantes como Alessandrini, Hengelbrock, Antonacci, Invernizzi o Mingardo, y músicos españoles de la talla de los hermanos Zapico y los Alqhai, Andueza, Almajano, Mena o la cantaora Rocío Márquez junto a directores como Mallavibarrena o Heras-Casado. El segundo pilar será Franz Schubert y #Schubert-Zyklus, donde centramos la atención en su abundante producción liederística, con la inclusión de sus tres grandes ciclos de canciones en el XXIV Ciclo de Lied del Teatro de la Zarzuela (interpretados por el barítono Matthias Goerne y el pianista Markus Hinterhäuser) y seis recitales más a cargo de otros tantos jóvenes cantantes, cuatro de ellos en Barcelona. En Badajoz y Madrid escucharemos la muy interesante versión orquestal para tenor de Winterreise arreglada por Hans Zender y en el Balneario de Panticosa (Huesca) tendremos la ocasión de escuchar un mini festival dedicado al genio austriaco.

Creación e intérpretes actuales

La creación contemporánea sigue siendo un pilar fundamental en la programación del CNDM, incentivando la composición de nuevas páginas y ampliando el conocimiento del repertorio menos transitado del pasado siglo. Este año verán la luz 75 nuevas obras, 46 de las cuales serán por encargo del CNDM. Entre los estrenos más importantes de los próximos meses destacan los cuartetos de cuerda encargados a Gabriel Erkoreka (Meta4) yManuel Hidalgo (Gerhard) o el primer Cuarteto con piano de Jesús Torres (Notos), en ese afán de multiplicar un género esencial de la historia de la música moderna, tan complejo y difícil de componer. Por otro lado, tendremos estrenos absolutos de otras dos personalidades internacionales ya imprescindibles de la creación actual: Arvo Pärt (1935) que será interpretado por el Ars Nova Copenhagen y Toshio Hosokawa (1955), por el Trío Pahud-Queyras-Le Sage, que se suman a la larga lista de estrenos (que ya suman 207 desde 2011) de otros ilustres compositores, que han escrito nuevas obras por encargo del CNDM: György Kurtág (1926), Cristóbal Halffter (1930), Luis de Pablo (1930), Antón García Abril (1933), Krzysztof Penderecki (1933), Tomás Marco (1942), Mario Lavista (1943), Peter Eötvös (1944), Mauricio Sotelo (1962) o Jörg Widmann (1973), además de otros muchos de generaciones más jóvenes (incluido el Premio de Jóvenes Compositores Fundación SGAE-CNDM). Esta firme apuesta por la creación actual nos mantiene, con 119 encargos realizados hasta la fecha, en la primera división de la música contemporánea europea.

Habría que resaltar la presencia de la gran pianista argentina Martha Argerich y el nonagenario Menahem Pressler, dentro del Liceo de Cámara XXI, el concierto homenaje que le haremos al legendario saxofonista español Pedro Iturralde, la presentación en España con su grupo de jazz berlinés del barítono Thomas Quasthoff, la nueva cita con el gran pianista americano Chick Corea y la vuelta al Auditorio de nombres tan carismáticos como Jorge Pardo, China Moses y Uri Caine o el debut del pianista italiano Stefano Bollani. En nuestro ciclo flamenco, además de nombres ya míticos del cante como José de la Tomasa, La Macanita, Luis El Zambo, Pedro El Granaíno, Carmen de la Jara, María Terremoto, La Tremendita o Duquende, la nueva generación también estará presente conManuel Lombo, Alba Molina o Rocío Márquez, que se presentará en la Sala Sinfónica arropada por grandes nombres del flamenco, como ya ocurrió con Arcángel en la pasada temporada. En el ciclo Fronteras vuelve a la Sala Sinfónica del Auditorio el pianista y compositor minimalista Michael Nyman para festejar con su banda los cuarenta años que llevan encima de los escenarios de medio mundo. Mientras tanto, en la Sala de Cámara se alternarán los fados de Cristina Branco con el flamenco innovador de siete grandes compositores europeos actuales que han compuesto su música para el cantaor Jesús Méndez y el Trio Arbós. La pianista clásica Rosa Torres-Pardo estará presente junto con las voces de Arcángel, Rocío Márquez y María Toledo, también reputada pianista flamenca. Jordi Savall establecerá su particular diálogo entre el Barroco y las músicas ancestrales de Oriente y Occidente. El gran contrabajista de jazz Javier Colina se trufará con la guitarra flamenca de Josemi Carmona y las acústicas de Santiago Auserón y Joan Vinyals en El viaje de Juan Perro; y Xavier de Maistre con la mayor intérprete de castañuelas de toda la historia: la legendaria Lucero Tena.

El éxito del órgano y la música de cámara

La exitosa programación para órgano continuará con el ciclo Bach Vermut con una nueva entrega de diez conciertos ampliando el repertorio y contando con nombres imprescindibles del mundo organístico internacional tanto en Madrid como en las nueve catedrales españolas (León, Alcalá de Henares, Las Palmas de Gran Canaria -primera visita del CNDM a las Islas Canarias-, Cuenca, Logroño, Pamplona, Salamanca, Segovia y Valencia) en la segunda edición de la serie El órgano en las Catedrales.

El ciclo Liceo de Cámara XXI presenta de nuevo un concierto extraordinario en la Sala Sinfónica con Martha Argerich (esta vez junto al también pianista Gabriele Baldocci) y mantiene también la excelencia en la Sala de Cámara con solistas como Menahem Pressler(que ofrecerá un concierto solo y otro acompañado del Cuarteto Pacifica), Christian Zacharias, Tabea Zimmermann, Matthias Goerne, Javier Perianes, Emmanuel Pahud, Jean-Guihen Queyras, Eric Le Sage, Adolfo Gutiérrez Arenas, Christopher Park, Alexandre Tharaud, Joaquín Riquelme, Sarah Chang, Julio Elizalde, Vera Martínez Mehner, Andoni Mercero, Cristina Gómez Godoy, Pablo Ferrández, Juan Pérez Floristánademás de algunos de los mejores cuartetos del mundo (Belcea, Jerusalén, Meta4, Manderling y Quiroga) y el Trío Zimmermann.

El Ciclo de Lied, ya en su vigésimo cuarta edición, seguirá contando con las mejores voces que cultivan este género tan especial y que han convertido a Madrid en uno de los centros de referencia internacional en este campo. Además del barítono Matthias Goerne en tres recitales, tendremos la oportunidad de descubrir en este género vocal tan especializado a uno de los tenores más cotizados de hoy: Piotr Beczala, así como a la mezzosoprano suecaAnn Hallenberg, el contratenor Xavier Sabata o las jóvenes sopranos alemanas Hanna-Elisabeth Müller y Anna Lucia Richter. Dos voces italianas de lujo, la soprano Anna Caterina Antonacci y el barítono Leo Nucci, además de Diana Damrau, completarán el cartel liederístico del Teatro de la Zarzuela.

La importancia de la Educación

La Educación adquiere, como en cursos pasados, una importancia capital con 58 actividades diversas repartidas a lo largo de doce ciudades españolas, una portuguesa (Elvas) y una americana (Bogotá), coproducidas con cinco universidades españolas(Oviedo, León, Salamanca, Santiago de Compostela y Complutense de Madrid), cinco Conservatorios de Música en la Península Ibérica (Alicante, Badajoz, Madrid, Oviedo y Elvas en Portugal), dos centros educativos de secundaria de la Comunidad de Madrid(que participarán en la séptima edición del Proyecto Pedagógico, coordinado por el pedagogo Fernando Palacios), tres festivales (Música Contemporánea Vostell Malpartida, Música Española de Cádiz y Música Contemporánea de Tres Cantos), el Goethe-Institut(con las Jornadas “Interacciones XXI”, dedicadas a la creación musical actual de ambos países) y la Escuela de Música Reina Sofía. En la Universidad de Salamanca tendrá lugar, por quinto año, un intenso programa de clases magistrales y talleres de interpretación, de carácter transversal, centrado en el ámbito de la música antigua y barroca “históricamente informada”. En el Auditorio de León se celebrará el VII Curso de Interpretación Vocal Barroca, que anualmente imparte el director, clavecinista y musicólogo Eduardo López Banzo.

Nuevas audiencias

El CNDM mantiene el interés en incentivar y promover la incorporación de nuevas audiencias a sus diferentes programas divulgativos y educativos. De forma muy especial centra su actividad en los jóvenes menores de 26 años para los que desarrolla una amplio abanico de posibilidades, que incluyen ofertas con importantes ventajas en la adquisición de entradas o abonos, sobre todo a través del programa Último Minuto (con un descuento del 60%, para localidades adquiridas desde una hora antes del inicio de los conciertos) y acuerdos estables con numerosos centros educativos para que los estudiantes, que participan activamente en los cursos y ciclos, coproducidos conjuntamente, puedan asistir gratuitamente a los conciertos y otras actividades programadas por el centro en las diferentes ciudades españolas. En esta temporada se beneficiarán también del descuento Último Minuto los desempleados y se mantiene el descuento del 20% para todos los estudiantes, familias numerosas y mayores de 65 años. Además habría que sumar las 58 actividades educativas gratuitas y los 73 conciertos de entrada libre (131 actividades sin coste alguno, que suponen el 40% de la programación total del CNDM), con el fin de acercar la música a todos los públicos y en especial a los más jóvenes. En la temporada pasada Radio Clásica y TVE refrendaron su apoyo a nuestra programación con la grabación y emisión de 35 conciertos por la radio y 4 por La 2, estos últimos con una audiencia total de 152.000 espectadores.

Venta de abonos y localidades

La renovación de abonos para todos los ciclos programados en el Auditorio Nacional de Música, excepto Contrapunto de Verano, estará disponible del 31 de mayo al 5 de julio, en las taquillas del Auditorio Nacional, www.entradasinaem.es y 902 22 49 49, y la venta de nuevos abonos del 11 de julio al 9 de septiembre. Las entradas libres, si las hubiere,para todos los conciertos programados en la Sala Sinfónica estarán a la venta desde el 11 de julio, con entradas de 5 a 40 euros, mientras que para los ciclos de la Sala de Cámara se podrán adquirir a partir del 12 de septiembre, con precios de 10 a 20 euros. El XXIV Ciclo de Lied, programado en el Teatro de La Zarzuela, mantiene sus localidades de 4 a 35 euros, y las Series 20/21 programadas en el Museo Reina Sofía seguirán siendo con acceso libre hasta completar el aforo de la sala.

Las imágenes de la temporada 17/18 son obras originales de los artistas madrileños Pilar Perea y Jesús Perea.

Gabrieli Consort & players

Dentro del ciclo Universo Barroco del CNDM, Paul McCreesh trae a Madrid la música para la Coronación de un Dogo en la Venecia del siglo XVI. La última cita del ciclo Universo Barroco en el Auditorio Nacional nos trasladará a la Venecia del siglo XVI gracias al Gabrieli Consort & players y Paul McCreesh

Madrid, 23 de mayo de 2017. El lunes 29 de mayo a las 19.30 horas, el ciclo Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta su última cita en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música de Madrid con el conjunto Gabrieli Consort & players dirigidos por Paul McCreesh. En 1990, McCreesh reconstruyó con sus conjuntos la parte musical de lo que pudo haber sido la misa de Coronación del Dogo veneciano Marino Grimani en 1595. El espectáculo, grabación incluida, tuvo tanto éxito que, aun después de que McCreesh se hiciera célebre como director de la mejor música barroca e incluso diera el salto a las grandes centurias sinfónicas, seguía siendo solicitado, y en 2012 el maestro británico y sus huestes ofrecieron un nuevo registro renovado de aquel histórico original. Los nombres de Andrea y Giovanni Gabrieli son quienes dominan en esta gran fantasía coral e instrumental.

Fundado por Paul McCreesh en 1982, el conjunto Gabrieli Consort & Players es mundialmente reconocido por abarcar un amplio repertorio coral e instrumental que va desde el Renacimiento hasta la música de nuestros días. Sus interpretaciones recogen las principales obras de la tradición del oratorio, programas virtuosos a cappella y reconstrucciones de celebraciones y ceremonias musicales históricas. Gabrieli Consort & Players son aclamados intérpretes de oratorios de Haendel y las Pasiones de Bach. Sus grabaciones con Deutsche Grammophon han conseguido numerosos premios internacionales. A modo de ejemplo La Creación de Haydn ganó un “Premio Gramophone a la Mejor Grabación Coral” en 2008 y A Spotless Rose fue nominada a un Premio Grammy en 2010. Son visitantes asiduos de las más prestigiosas salas de conciertos del mundo. Actúan frecuentemente en las principales salas de Londres, incluyendo los conciertos que organizan y presentan directamente en las iglesias de Christ Church y Spitalfields. Entre sus proyectos se incluyen una gira de conciertos europea de arias de Haendel con el tenor Rolando Villazón, una colosal representación de La Creación de Haydn como parte de las BBC Proms en 2009, conciertos de Jephtha de Handel y Missa Solemnis de Beethoven en París y Londres, Theodora de Haendel en París y Madrid, y giras de música a cappella por muchas de las catedrales españolas más espectaculares, incluyendo las de Barcelona, Cuenca, Granada y Toledo. El perfil internacional del grupo se ha ido forjando con la ayuda de unas fuertes relaciones. Durante diez años, junto con Martin Randall Travel, Gabrieli Consort & Players ha sido pionero en nuevas áreas del turismo cultural, realizando festivales de música en centros históricos europeos. Han sido artistas en residencia en el Brinkburn Music en Northumberland durante quince años. Gabrieli Consort & Players son también artistas asociados del Festival Wratislavia Cantans en Wrocław (Polonia) donde han comenzado una interesante colaboración con el Coro Filarmónico de Wrocław. El grupo está cada vez más comprometido en su trabajo con la Escuela de Música Chetham, además de colaborar con algunos de los mejores coros juveniles del Reino Unido. Todo lo anterior da a los jóvenes cantantes la oportunidad de ensayar y actuar con músicos del más alto nivel profesional.

CNDM Reina Sofía

El lunes 8 de mayo, el ciclo Series 20/21 del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid el penúltimo concierto del la temporada con la colaboración de la Escuela de Música Reina Sofía, la Fundación BBVA y la Fundación Cisneros – Colección Patricia Phelps de Cisneros. Para la ocasión, la Sinfonietta de la Escuela de Música Reina Sofía, formación instrumental centrada en la música de nuestro tiempo de dicha institución académica, dirigida por el maestro suizo Baldur Brönnimann, interpretarán el programa “Después de Guernica” formado por obras de Ligeti, Lindberg, Birtwistle y Widmann. Gracias al acuerdo de las instituciones implicadas se cumple el objetivo de promover el cruce de la música y las artes plásticas, estableciendo las conexiones que de manera natural existen entre sus creadores, ya sea por compartir movimientos artísticos, procedencia geográfica, o simplemente por inspiración. En este caso algunas de las obras del concierto establecen un puente muy sugerente con la exposición “Piedad y terror en Picasso. El camino a Guernica” que ofrece actualmente el Museo hasta el 4 de septiembre. El concierto es con acceso libre hasta completar el aforo de la sala.

La Sinfonietta de la Esuela de Música Reina Sofía se presentó por primera vez en público el 14 de abril de 2011 dentro del acto de homenaje que la Fundación Albéniz y la Escuela de Música Reina Sofía dedicaron en esa fecha a la memoria de Enrique Franco, que falleció en 2009 y fue Vicepresidente de la Fundación Albéniz y uno de los principales pensadores musicales de su tiempo. En aquella ocasión fue Zsolt Nagy quien dirigió el ensemble.

La creación de la “Sinfonietta”, en colaboración con la Fundación BBVA, se enmarca en la línea de trabajo abierta por la Escuela de Música Reina Sofía en la que la música contemporánea, en su doble vertiente de creación e interpretación, juega un importante papel. Fruto de esta iniciativa es el proyecto “Música para una Escuela”, que surgió con ocasión de la celebración del setenta cumpleaños de su Presidenta, Paloma O’Shea, quien quiso obsequiar a la Escuela con una serie de encargos a los principales compositores españoles y extranjeros, a los que se les pidió una música destinada a ser estudiada y estrenada por los músicos de la Escuela, otorgándoles completa libertad en cuanto a plantilla instrumental y duración, y sin limitación en cuanto a la dificultad técnica de la obra. El objetivo primordial de este proyecto es que las obras se inserten con naturalidad en el plan académico de la Escuela, del Instituto de Música de Cámara y del Encuentro de Música de Santander, produciéndose sus estrenos a lo largo de la vida artística de estas instituciones. Entre los compositores que se han incorporado al proyecto destacan: César Camarero, John Corigliano, Tan Dun, Peter Eötvös, Antón García Abril, Sofía Gubaidulina, Joan Guinjoan, Toshio Hosokawa, Francisco Kröpfl, Tomás Marco, Marlos Nobre, Luis de Pablo, Fabián Panisello, David del Puerto, Krysztof Penderecki y Karlheinz Stockhausen.

La agrupación nació con el objetivo de formar a los jóvenes intérpretes en el conocimiento y la práctica del repertorio de los siglos XX y XXI. La formación de la Sinfonietta es variable en número y tipo de instrumentos, a la manera de los “ensembles” instrumentales que han llevado el peso fundamental de la creación musical en las últimas décadas. La Sinfonietta pasa así a enriquecer los conjuntos instrumentales estables creados por la Escuela de Música Reina Sofía, que incluyen la Orquesta Sinfónica Freixenet y la Camerata Viesgo.

Nacido en Suiza, Baldur Brönnimann se formó en la Academia de Música de la ciudad de Basel y en el Royal Northern College de Música en Manchester, donde fue designado como profesor visitante de Dirección. Entre 2008 y 2012 fue director musical de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia en Bogotá y en enero de 2015 fue nombrado Director Principal de la Orquestra Sinfónica do Porto Casa da Música, después de una larga relación con la orquesta y desde septiembre de 2016 es Director Principal de la Basel Sinfonietta. Brönnimann ha trabajado con compositores como John Adams, Kaija Saariaho, Harrison Birtwistle, Unsuk Chin, Thomas Adès y orquestas como la Filarmónica de Oslo, la Real Filarmónica de Estocolmo, la Britten Sinfonia, la Orquesta Philharmonia, la Sinfónica de la BBC, la Filarmónica de Copenhague y la Filarmónica de Seúl. Entre sus proyectos operísticos se encuentran los realizados en la Ópera Nacional Inglesa (ENO), Ópera de Noruega, Festival Internacional de Bergen y Theater an der Wien, así como en el Teatro Colón de Buenos Aires, en los que ha dirigido las obras Erwartung de Schoenberg, Hagithde Szymanowski y La pequeña cerillera de Lachenmamm.

Arcángel

En el intento y la necesidad de encontrar nuevas fronteras artísticas así como nuevas vías de desarrollo para el arte flamenco, se ha convertido en una práctica bastante habitual la incursión del flamenco en otros géneros musicales, en busca quizás de un diálogo que le proporcione un reconocimiento más universal. En las últimas décadas hemos visto cómo un número elevado de artistas flamencos han abordado la versión de temas de diversos iconos de la música internacional. En este caso el cantaor onubense ha optado por buscar nuevos matices en su propuesta artística cantando y rindiendo homenaje a los iconos de la música flamenca desde sus orígenes hasta nuestros días a través de los grandes clásicos que ha dado el género. Y para ello quiere contar con la colaboración del público que asista al concierto, pues será el propio público el que escoja y elabore el repertorio final que conformará el recital, votando y emitiendo su opinión sobre un amplio cancionero ofrecido por el artista a través de sus redes sociales. Las canciones más votadas por sus seguidores serán las interpretadas por Arcángel en esta velada que, desde su génesis, se intuye como irrepetible, ya que viene arropado de artistas invitados de la talla de Estrella Morente y Miguel Poveda, dos de los cantaores más grandes del presente, y del gran Manolo Sanlúcar, que vuelve a los escenarios tras un largo paréntesis.

Auditorio Nacional, Sala Sinfónica

Domingo 7 de mayo a las 20.00h.

Arcángel (Huelva, 1977), lleva siendo un nombre de referencia en el flamenco prácticamente desde que empezó como cantaor profesional alrededor de los quince años de edad. En su eco y en su modo de entender el cante flamenco conviven con naturalidad un profundo conocimiento y respeto de la raíz de lo jondo con un interés incesante por encontrar nuevos caminos de desarrollo para el arte flamenco: es en esa delicada y bella línea (tantas veces citada, tan pocas veces escuchada o siquiera intuida) que separa la tradición y la vanguardia donde reside la concepción del arte del cantaor onubense. Compositor y dinamizador del género, además de cantaor de enjundia, Arcángel ha recibido en numerosas ocasiones premios de crítica y público de la Bienal de Flamenco de Sevilla (la más importante del mundo). Su recorrido internacional incluye teatros y certámenes tan prestigiosos como el Carnegie Hall (Nueva York), Teatro Real y Auditorio Nacional de Música (Madrid), Fundación Gulbenkian (Lisboa) las Bienales de Flamenco de Roma y Países Bajos o los referenciales festivales franceses de Aix-en-Provence, Mont de Marsan y Les Sud en Arles. En su debut discográfico, Arcángel (2001) y su siguiente trabajo, La calle perdía (2004), trabajó junto al prestigioso guitarrista y productor Juan Carlos Romero. Firmó Ropa vieja (2006) con las colaboraciones de Isidro Muñoz (producción) y Dani de Morón y Miguel Ángel Cortés (guitarras), que también le acompañarían en El Quijote de los sueños (2011), en el que contó además con Dorantes al piano y los textos convertidos en coplas de José Luis Ortiz Nuevo y Juan Cobos Wilkins. La lista de sus colaboraciones en proyectos corales sirve como ejemplo que ilustra a la perfección la versatilidad del cantaor: Israel Galván, Cristina Hoyos, Eva Yerbabuena, Vicente Amigo o Estrella Morente en el baile, el toque y el cante flamenco; el compositor de prestigio mundial Mauricio Sotelo en la música contemporánea; Fahmi Alqhai a la viola de gamba y la música barroca, o las Nuevas Voces Búlgaras en la música folclórica son tan solo algunas muestras de la amplitud de intereses de Arcángel. Tablao (Universal Music Spain, 2015) es el disco más reciente del cantaor onubense. Entre otros artistas acompañan a Arcángel en esta ocasión Dani de Morón, Miguel Ángel Cortés y Diego del Morao a las guitarras, e Isidro Sanlúcar escribe letras y coproduce el álbum junto al propio Arcángel. Grabado en tres tablaos emblemáticos de Madrid, Barcelona y Sevilla, el disco es una reivindicación de este espacio como lugar fundamental en la historia y el desarrollo del arte flamenco, además del escenario en el que se consiguen mayores dosis de intimidad y conexión entre el artista y su público. En palabras de la periodista y escritora Elvira Lindo, Tablao es “Arte puro. Y no apelo al tópico. Esto es arte puro”. La gira de presentación de este disco llevará el “arte puro” a escenarios emblemáticos de dentro y fuera de nuestras fronteras durante todo 2016.

Mauro Peter

El polivalente tenor suizo Mauro Peter acompañado por Helmut Deutsch, nombre indispensable dentro de los pianistas de este género se presentan el próximo lunes 3 de abril por vez primera vez en el Ciclo de Lied, coproducido por el Teatro de la Zarzuela y el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), que cumple su XXIII edición. En esta cita del Teatro de La Zarzuela (20h00), Peter interpretará el ciclo de canciones de Franz Liszt sobre tres sonetos de Petrarca, además de seis canciones de Robert Schumann sobre poemas de Heinrich Heine y dos atractivas series de canciones de Richard Strauss sobre poemas de Felix Dahn: Schlichte Weisen (Canciones sencillas) y Mädchenblumen (Flores y muchachas). Las entradas para este recital, con un precio general de 8 a 35 euros, ya están a la venta en las taquillas del Teatro de La Zarzuela, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y 902 22 49 49.

Nacido Lucerna (Suiza), Mauro Peter hizo su debut como cantante de lied en las Schubertiadas de Hohenems y Schwarzenberg, interpretando La bella molinera de Schubert con Helmut Deutsch. A éste siguieron muchos otros recitales en las más importantes salas de concierto y teatros de ópera europeos, como el Musikverein y el Konzerthaus de Viena, el Musikverein de Graz, el Wigmore Hall de Londres, deSingel de Amberes, KKL de Lucerna y las óperas de Frankfurt y Zúrich.

En 2016 debutó en recital en el Festival de Salzburgo con La bella molinera. Con similar éxito en concierto, ha cantado con Ivor Bolton, Nikolaus Harnoncourt, Sir John Eliot Gardiner, Gustavo Dudamel, Fabio Luisi y Thomas Quasthoff en los festivales de Salzburgo y Verbier Festival, en el Musikverein de Viena, el Mozarteum de Salzburgo y Copenhague. Desde la temporada 2013/14 es miembro de la Ópera de Zúrich. Además debutó con gran éxito en el Festival de Pascua de Salzburgo, la Ópera de Lyon, el Theater an der Wien, la Komische Oper de Berlín, la Bayerische Staatsoper de Múnich y la Ópera de la Bastilla. Regresó al Festival de Salzburgo, donde es invitado regularmente desde 2012, como Ferrando en Così fan tutte en 2016 y como Andres en Wozzeck en 2017.

En la temporada 2016/2017 actuará en recital en Bolzano, Lugano, Graz, Dortmund, Berlín, Aix-enProvence, en el Musikverein de Viena y en el Wigmore Hall de Londres, así como a dúo con la soprano Christiane Karg en Feuchtwangen, Colonia, Hamburgo y la Schubertiada de Hohenems. Debutará también en el Théâtre du Capitole de Toulouse y en La Scala de Milán, apareciendo por primera vez como Belmonte en El rapto en el serrallo. En Zúrich, su hogar artístico, será Don Ottavio en Don Giovanni y actuará en el Orlando Paladino de Haydn. En Múnich cantará Ferrando en Così fan tutte. Entre sus últimas grabaciones en 2015, el Wigmore Hall Edition editó La bella molinera de Schubert, seguido de un álbum a solo con lieder de Schubert y en otoño de 2016 presentó un nuevo disco de lieder de Schumann con Sony.

Festival de Música de Tres Cantos
El Festival de Música de Tres Cantos presentó el pasado miércoles 29 de marzo un avance de la programación de su decimoséptima edición, en el marco del edificio modernista Palacio de Longoria (sede de la SGAE). El acto contó con la intervención de Jesús Moreno, Alcalde del Ayuntamiento de Tres Cantos, Alfonso Carraté, actual director del Festival, y David del Puerto, asesor artístico.
Bajo el lema “Diacronías”, el reconocido y popular festival del municipio madrileño de Tres Cantos, que se celebrará del 1 al 28 de octubre, en el Teatro Municipal y Auditorio del Centro Cultural “Adolfo Suárez”, inicia una nueva era bajo la dirección de Alfonso Carraté, con una interesante y ecléctica programación, comprometida con la música de nueva creación y apta para todos los públicos, pues el objetivo fundamental del Festival es la promoción de la música de nuestro tiempo entre el gran público. Así, a lo largo de sus siete conciertos se interpretarán obras de más de 40 compositores españoles de los siglos XX y XXI, cuatro obras de encargo, seis estrenos absolutos y un estreno de versión; además, habrá fines de semana temáticos, presentaciones didácticas y un Curso de composición, en colaboración con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM). La música española tendrá un protagonismo especial en la edición de este año, en la que se rinde homenaje a Tomás Marco, en su 75 aniversario, a través de un concierto del especialista Mario Prisuelos, en el que se presentará un nuevo CD del pianista dedicado al compositor madrileño. El Festival se cierra con la celebración del Centenario de Leonard Berstein y la interpretación de una versión para dos pianos de West Side Story, a cargo de Iberian & Klavier, gracias a la colaboración de Hinves Pianos. Para la ocasión, se contará con la actuación del coreógrafo y bailarín Amaury Lebrún.
La nueva edición del Festival de Música de Tres Cantos incorpora destacadas novedades para ofrecer una propuesta atractiva para todo tipo de espectadores, tal y como destacó en la presentación su actual director, Alfonso Carraté: “queremos hablar de música a través de los tiempos, y no solo de música contemporánea como un ghetto cerrado impermeable y que no se codea con el resto de las músicas de las que ha bebido en muchas ocasiones y a las que está sirviendo como referencia. Por esta razón, en esta edición, la música de los siglos XX y XXI, compartirá programa con obras del repertorio clásico, y conformará el 70 % de las obras a interpretar”.
El concierto inaugural del 17º Festival de Música de Tres Cantos llevará por título Música de cine en familia, con lo que el Festival se abrirá a uno de los estilos más cercanos al público en la música de nueva creación. Y lo hará de la mano de Pascual Osa, al frente de la Orquesta y Coro Filarmonía, muy conocida por sus apariciones televisivas en el programa “El Conciertazo” de Fernando Argenta. Además, en esta nueva edición, el Festival de Música de Tres Cantos se abrirá a otras disciplinas artísticas como la danza, la poesía, y el teatro. No faltará tampoco una decidida apuesta por las jóvenes promesas, con un concierto del jovencísimo Pablo de la Fuente, saxofonista ganador del Premio al Mejor Intérprete de Música Contemporánea del 15º Certamen Nacional de Interpretación «Intercentros Melómano» y el encargo de una obra al joven compositor Pablo Díaz.
Destacados artistas del panorama musical de nuestro país como Pablo GarcíaLópez, Aurelio Viribay, Mario Prisuelos, Sebastián Mariné, Daniel del Pino, Bartomeu Jaume, el piano dúo Iberian & Klavier y el coro de voces iguales VokalArs, dirigido por Nuria Fernández, serán los protagonistas de esta nueva edición.
Los compositores de las obras realizadas por encargo del 17º Festival de Música de Tres Cantos, pertenecientes a diversas generaciones y estéticas, serán: Ramón Paús, Jorge Fernández Guerra, Mercedes Zavala, Pablo Díaz, Hermes Luaces, Jesús Torres y Eduardo Soutullo.
En el marco de las Jornadas de Colaboración con el Centro Nacional de Difusión Nacional (CNDM), que se celebran durante el Festival, tendrá lugar el cuarto curso de composición, que en esta ocasión estará impartido por el pedagogo y compositor gallego Eduardo Soutullo. Las master-classes se completarán con una mesa-redonda acerca de la música de nuestros días, moderada por David del Puerto (Premio Nacional de Música, 2005).
La programación del 17º Festival de Música de Tres Cantos se puede consultar en la web del festival:
www.fest3cantos.com
Denis Kozhukhin

Durante la pasada temporada, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) encargó al compositor catalán una obra para siete instrumentos. El resultado ha sido Septimino a 7 que el próximo martes día 14 tendrá su estreno absoluto en el Auditorio Nacional de Música de Madrid. Los encargados de ejecutar este septeto serán los Solistas de la Orquesta de Cadaqués: Sara Bitlloch (violín), Miquel Córdoba (viola), Màrius Díaz (violonchelo), Toni García (contrabajo), Joan Enric Lluna (clarinete), David Tomàs (fagot) y María Rubio (trompa).

A esta obra, se añade el Quinteto ‘La trucha’, con el pianista Denis Kozhukhin, compuesto por Schubert a los 22 años de edad y cuyo nombre se debe al tema empleado en el cuarto movimiento, idéntico al del lied Die Forelle (La trucha); y el popular Septeto en mi bemol mayor, de Beethoven, dedicado a la emperatriz María Teresa. Schubert fue precisamente un gran admirador del Septeto de Beethoven y esa fascinación se materializó posteriormente en su Octeto.

La Orquesta de Cadaqués, de la que forman parte el septeto musical que acompañará a Kozhukhin, se formó en 1988 a partir de un grupo de jóvenes músicos españoles y de otros países de Europa que tenían unos objetivos claros como formación orquestal: trabajar de cerca con los compositores contemporáneos, recuperar un legado de música española e impulsar la carrera de solistas, compositores y directores emergentes. De origen mediterráneo pero con una clara visión cosmopolita, la Orquesta de Cadaqués fue reconocida rápidamente en el ámbito musical por la calidad y el compromiso de sus músicos y el dinamismo de sus proyectos.

Directores como Sir Neville Marriner, Gennady Rozhdestvensky o Philippe Entremont apadrinaron el proyecto como también lo hicieron Alicia de Larrocha, Victoria de los Ángeles, Teresa Berganza, Paco de Lucía o Ainhoa Arteta, entre otros. Los compromisos futuros incluyen los conciertos inaugurales del Festival de Bremen en agosto 2017, tres conciertos en el Großes Festspielhaus de Salzburg en octubre 2017, una gira con Vladimir Ashkenazy en mayo de 2018, y su regreso a Austria y Eslovaquia en 2019, entre otros.

A fin de promover y difundir la música contemporánea, la Orquesta de Cadaqués creó el Ensemble Orquesta de Cadaqués y la figura del compositor residente. A lo largo de su historia han estrenado obras de Xavier Montsalvatge, Jesús Rueda, Hèctor Parra, Jesús Torres, Luis de Pablo o Joan Guinjoan, entre otros. La agrupación cuenta asimismo con varias grabaciones de la mano de sus directores principales, Sir Neville Marriner, Gianandrea Noseda y Jaime Martín, editadas por los sellos discográficos Tritó y Philips, y ha creado una colección de música clásica para niños: “Solfa la redonda”.

Por otro lado, Kozhukhin, pianista representado por Ibermúsica, se dio a conocer en el escenario internacional después de ganar en 2010, y con 23 años, el Primer Premio del Concurso Internacional Reina Elisabeth de Bruselas. Sus interpretaciones destacan por su extraordinaria técnica, a la que se añade una aguda inteligencia, madurez y sabiduría, que permite una inmediata conexión con el público.

Colabora con importantes orquestas y directores como Orchestre National de France/ Yamada, Pittsburgh Symphony/ Noseda, Philharmonia/ Weilerstein, Brussels Philharmonic/ Denève, Chicago Symphony/ Morlot, Philadelphia Orchestra/ Denève, BBC Symphony/ Oramo, Mariinsky Orchestra/ Gergiev, Houston Symphony/ Hrusa, Netherlands Radio Philharmonic/ Gimeno y Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo/Alsop.

En la temporada 2014/15, realizó una gira por China con la BBC Scottish Symphony, actuó en el Festival de Salzburgo y en el Teatro Colón de Buenos Aires junto con solistas de la West Eastern Divan Orchestra, bajo la dirección de Daniel Barenboim. Ha ofrecido, también, recitales en la serie Master Pianists del Concertgebouw, Philharmonie de Colonia, Wigmore Hall, Auditorium del Louvre de París y Serie Internacional de Piano de Londres, así como en el Festival de Lucerna, Konzerthaus de Viena y Celebrity Series de Boston. Tras su primer disco con Onyx Classics, las Sonatas para piano Núm 6, 7 y 8, de Prokofiev, fue editada su grabación de las Sonatas, de Haydn, en 2014.

Nacido en Nizhni Novgorod (Rusia), en 1986, en una familia de músicos, comenzó sus estudios de piano a los cuatro años de edad con su madre. Continuó en la Escuela de Música Balakirev como alumno de Natalia Fish. De 2000 a 2007 estudió con Dimitri Bashkirov y Claudio Martínez-Mehner en la Escuela de Música Reina Sofía de Madrid. Al graduarse, recibió su diploma de manos de la Reina de España, fue elegido como el mejor alumno de ese año y su Trío Cervantes también fue señalado como mejor grupo de cámara.

En el terreno camerístico, Kozhukhin ha colaborado con destacados músicos, incluyendo a Leonidas Kavakos, Renaud y Gautier Capuçon, Janine Jansen, Vadim Repin, Julian Rachlin, Jerusalem Quartet, Pavel Haas Quartet, Radovan Vlatkovic, Jörg Widmann y Alisa Weilerstein. En las próximas temporadas actuará en España junto a la Orquesta de Barcelona, la Orquesta de Castilla y León y ofrecerá un concierto en Oviedo. También emprenderá una gira con la London Philharmonic y Jurowski en enero 2018 y, en mayo 2018, con la Orquesta de Cadaqués y Vladimir Ashkenazy.

PROGRAMA martes 14 de marzo

Auditorio Nacional de Música

19:30 horas

Entradas a partir de 10 euros

PROGRAMA MUSICAL

Salvador Brotons (1959), Septimino a 7, op. 140 (2016) *

Franz Schubert (1797-1828), Quinteto con piano en la mayor ‘La trucha’, D 667 (1819)

Ludwig van Beethoven (1770-1727), Septeto en mi bemol mayor, op. 20 (1799-1800)

* Estreno absoluto. Encargo del CNDM.

La Grande Chapelle

Con motivo del tercer centenario de la muerte de Sebastián Durón, La Grande Chapelle recupera una serie de obras de su extensa producción sacra en lengua vernácula, compuestas para la Capilla Real, de la que fue organista y maestro. El conjunto liderado por Albert Recasens ofrece aquí una escogida selección de piezas religiosas en romance para solistas dedicadas al Santísimo. Una oportunidad para seguir conociendo a este fascinante compositor que vivió a caballo entre los siglos XVII y XVIII y sirvió a dos dinastías.

La Grande Chapelle es un conjunto vocal e instrumental de música antigua con vocación europea, cuyo principal objetivo es realizar una nueva lectura de las grandes obras vocales españolas de los siglos XVI a XVIII, con especial predilección por la producción policoral del Barroco. Al mismo tiempo, tiene el propósito de contribuir a la acuciante labor de recuperación del repertorio musical hispano.

El conjunto ha actuado en los principales ciclos de España y en los festivales de Picardie, Haut-Jura, Musica Sacra Maastricht, Laus Polyphoniae de Amberes, Rencontres musicales de Noirlac, OsterKlang-Festival (Theater an der Wien) de Viena, Cervantino de Guanajuato, Radio France, Ribeauvillé, Saint-Michel en Thiérache, Saintes, Ile de France, Van Vlaanderen (Malinas), Lyon o en las temporadas de la Cité de la Musique de Paris o UNAM de México (Sala Nezahualcóyotl), entre otros.

Desde su fundación en 2005 y estimulado por la voluntad difundir el patrimonio musical hispano, creó su propio sello, Lauda, con el que edita cuidadas grabaciones de alto interés musical y musicológico, desde una posición independiente. Dos han sido los principales ejes: explorar la relación entre música y literatura de los Siglos de Oro y recuperar la producción de los más destacados compositores españoles del Renacimiento y el Barroco, siempre con primeras grabaciones mundiales, especialmente a través de recreaciones musicológicas que sitúan en su contexto una determinada obra o autor.

Viernes 10 de marzo de 2017 a las 20:30h. en el Auditorio Hospedería Fonseca de la Universidad de Salamanca.

 

MAtthias Goerne

El ciclo es una coproducción entre el Teatro de la Zarzuela y el Centro Nacional de Difusión Musical. Discípulo del mítico barítono Dietrich Fischer-Dieskau, Goerne es uno de los nombres más significativos del género Habitual del ciclo de Lied, en esta ocasión se presenta con un programa que tiene a Robert Schumann, uno de los principales exponentes de la canción alemana, como protagonista

El XXIII Ciclo de Lied recibirá el próximo lunes, 27 de febrero (20:00h), en el Teatro de la Zarzuela, a uno de los grandes barítonos de este género musical: Matthias Goerne. El intérprete alemán, discípulo del mítico barítono Dietrich Fischer-Dieskau y con una carrera liederística sublime, ha elegido a Schumann como columna vertebral de su programa en Madrid. Al piano le acompañará Alexander Schmalcz. Las entradas para estos recitales, con un precio general de 8 a 35 euros, están a la venta en las taquillas del Teatro de la Zarzuela, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y a través del número telefónico 902 22 49 49.

Matthias Goerne, natural de Weimar (Alemania), estudió con Hans-Joachim Beyer, Elisabeth Schwarzkopf y Dietrich Fischer-Dieskau. Colabora con las principales orquestas y directores del mundo en las más importantes salas de concierto, teatros de ópera y festivales, como la Royal Opera House, Teatro Real, las óperas de París y Viena y el Metropolitan de Nueva York. Sus papeles van desde Wolfram, Amfortas, Kurwenal, Wotan y Orest a los papeles principales de Wozzeck de Alban Berg, El castillo de Barbazul de Béla Bartók, y Matías el pintor de Hindemith. Por sus grabaciones discográficas ha recibido numerosos premios, que incluyen cuatro nominaciones al Grammy, un premio ICMA y recientemente un Diapason d’Or. Tras sus legendarias grabaciones con Vladimir Ashkenazy y Alfred Brendel acaba de grabar una serie de 11 CDs de lieder de Schubert con Christoph Eschenbach y Elisabeth Leonskaja. De 2001 a 2005 fue profesor honorario de canto en la Musikhochschule Robert Schumann de Düsseldorf, y en 2001 fue nombrado Miembro Honorario de la Royal Academy of Music de Londres.

En la temporada 15/16 actuó junto a la Filarmónica de San Petersburgo y Yuri Temirkanov, la Orchestre de Paris, la London Philharmonic y Christoph Eschenbach, la Concertgebouw Orchestra de Ámsterdam y Manfred Honeck, la New York Philharmonic y Christoph von Dohnányi, la Leipzig Gewandhaus Orchestra, la Tonhalle Orchester de Zúrich y Lionel Bringuier, la Swedish Radio Symphony y Daniel Harding y la NHK Symphony y Paavo Järvi, así como una serie de recitales con Daniil Trifonov, Markus Hinterhäuser, Alexander Schmalcz y el Cuarteto Ebène en el Lincoln Center de Nueva York, la Ópera de San Francisco, el Wigmore Hall de Londres, la Ópera de Lille, la Philharmonie de París, el Beaux-Arts de Bruselas, la Gulbenkian de Lisboa, Abu Dhabi, la Schubertiade Hohenems y el Sidney Festival, entre otras salas. Cantará Orest en la Ópera de Viena y debutará como Wotan en la versión en concierto de Walküre de Wagner con la Hong Kong Philharmonic y Jaap van Zweden. En agosto de 2016 ha sido invitado a numerosos festivales, incluyendo Salzburgo y Verbier.

Primavera de Praga

Rocío Márquez, Universo Zapico, EntreQuatre y Forma Antiqva actuarán en la próxima edición en Mayo

Con la intención de subrayar su admiración hacia la música española, el festival internacional de música Primavera de Praga ha presentado por primera vez en España el programa de la 72a edición. El encargado de desgranar las más de 40 actuaciones de la cita, que se celebrará entre el 12 de mayo y el 2 de junio de 2017, ha sido su director, Roman Bělor. Le ha acompañado el director del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), Antonio Moral. Esta institución colabora con el festival Primavera de Praga en el diseño del programa de “Acento español”, un exitoso ciclo creado en 2016 con la intención de presentar en este prestigioso evento musical lo mejor de la cultura musical española e iberoamericana.

Gracias a la colaboración de Acción Cultural Española (AC/E), que ha subvencionado la pasada y la actual edición, se han presentado con gran éxito proyectos como Tesoros españoles en América, por Al Ayre Español; un recital del pianista Javier Perianes y el espectáculo de flamenco Noches españolas. En esta nueva edición serán cuatro las agrupaciones que pongan melodías españolas desde distintos géneros musicales: Rocío Márquez y su Lorca (14 de mayo), Universo Zapico (29 de mayo), EntreQuatre Guitar Quartet (22 de mayo) y, finalmente, el conjunto Forma Antiqva (30 de mayo).

Fundado en la primavera del año 1946, la Primavera de Praga representa uno de los festivales de música clásica más respetados en el mundo. A lo largo de su historia el público ha podido disfrutar de los mejores artistas de su tiempo, así como un gran número de músicos españoles. Algunos de los que han pasado por este evento son el director de orquesta Rafael Frühbeck de Burgos; el arpista Nicanor Zabaleta (1962); los guitarristas Narciso Yepes (1973) o Pepe Romero (1993 y 2001); los pianistas Alicia de Larrocha y Rafael Orozco (1971 y 1987); o la mezzosoprano Teresa Berganza (1984). También son muchos los artistas españoles que han participado en el Concurso internacional de música Primavera de Praga, que se celebra desde el año 1947. En la pasada edición, Mario Martos Nieto ganó el tercer premio en la disciplina trompeta. En 2017 se abordarán las disciplinas de cembalo y violín, con David Henkelman Corral como encargado de representar al talento español.

El programa de la 72a edición del festival internacional de música Primavera de Praga contará con 45 conciertos, una oferta amplia y variada, y la presencia de artistas de la talla de Daniel Barenboim,Maxim Vengerov, Alexander Lonquich, WilliamChristie o Krysztof Penderecki. Barenboim se pondrá al frente de la Filarmónica de Viena en el concierto inaugural; mientras que Penderecki se encargará de la clausura del festival junto a la Orquesta sinfónica de la Radio checa.

Lina Tur Bonet

En 1747, Bach visitó a su hijo Carl Philipp Emanuel en Potsdam, residencia de Federico el Grande, quien, conocedor de la fama del viejo maestro como improvisador, le ofreció un tema sobre el que Bach improvisó en el acto, dejando asombrados a todos los presentes. Ya en Leipzig, el compositor usó el tema regio como base para una serie de cánones y ricercares (más una sonata) que supone uno de los hitos de su trabajo contrapuntístico. Cuatro grandes solistas de la escena barroca europea actual, entre los que se cuenta la violinista balear Lina Tur Bonet, se enfrentan aquí a esta Ofrenda musical, termómetro indisimulable de talentos.

Violinista versátil, fue reclamada desde muy joven para trabajar junto a muchos de los artistas más reconocidos de la música barroca, romántica y contemporánea del momento. Lina Tur Bonet se dedica actualmente como solista, directora y músico de cámara a la interpretación y grabación tanto de los grandes compositores como de músicas inéditas, siendo invitada en toda Europa y América. Sus primeros estudios de música llegaron de la mano de su padre Antonio Tur a muy temprana edad.

Estudió Violín en las Universidades de Friburgo y Viena con los Profesores Chumachenco, Pichler y Kurosaki, y atendió los consejos de Tibor Varga, Franco Gulli, Shmuel Askenasi, Augustin Dumay, Joseph Silverstein, Maria Joao Pires, Erich Höbarth y Rainer Kussmaul. Obtuvo becas y premios internacionales como de la Alexander von Humboldt-Stiftung, Villa Musica Mainz, ÖAD Austria, Fundación Séneca, el Premio Bonporti o, en dos ocasiones, premio de Juventudes Musicales de España, entre otros muchos. Como solista, ha actuado en el Styriarte de Austria, Festival “Music Before 1800” Nueva York, San Diego Early Music Festival, Yale Instrument Collection, Wigmore Hall Londres, Festival Montreal Baroque, Festival Brezice de Eslovenia, Festival de Herne, Festival de Mainz, Festival de Brunnenthal, Auditorio Nacional de Madrid, Teatros de Santiago de Chile, La Paz y Lima, Residenzwoche Munich, Sala de la Radio Vienesa ORF, Società Aquilana di concerti, Real Coliseo Carlos III de El Escorial, Quincena Musical de San Sebastián, Festival de Música y Danza de Granada, el Lufthansa Festival de Londres, Festival de Arte Sacro de Madrid, Auditorio de Valladolid, Schubertiada de Vilalbertrán, Festival de Aranjuez, Ekhof Festival Gotha, Musika-Música de Bilbao, Palau de la Música de Valencia y un largo etc. Como solista de la European Union Baroque Orchestra realizó giras por toda Europa en el año 2002 en las salas más relevantes.

Miércoles 22 de febrero de 2017 a las 20:30h. en el Auditorio Hospedería Fonseca de la Universidad de Salamanca.

Lina Tur Bonet, violín

Marco Testori, violonchelo

Alexis Kossenko, Flauta

Kenneth Weiss, clave

 

CHRISTIAN GERHAHER

El XXIII Ciclo de Lied recibirá mañana martes, 14 de febrero (20:00h), en el Teatro de la Zarzuela, a uno de los grandes barítonos de este género musical: Christian Gerhaher. El intérprete alemán, discípulo del mítico barítono Dietrich Fischer-Dieskau y con una carrera liederística sublime, ha escogido a Schumann como eje vertebrador de su programa en Madrid. Al piano le acompañará un escudero de excepción: Gerold Huber, su pianista habitual. Las entradas para estos recitales, con un precio general de 8 a 35 euros, están a la venta en las taquillas del Teatro de la Zarzuela, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y a través del número telefónico 902 22 49 49.

Christian Gerhaher estudió con Paul Kuen y Raimund Grumbach en Múnich y, junto con su pianista acompañante habitual Gerold Huber, estudió lied con Friedemann Berger. Mientras finalizaba sus estudios de medicina asistió a clases magistrales con Dietrich Fischer-Dieskau, Elisabeth Schwarzkopf e Inge Borkh. Actualmente da clases magistrales y es Profesor Honorario en la Musikhochschule de Múnich. Ha recibido la Orden Maximiliana de Bavaria de las Ciencias y las Artes, y el título de Bayerischer Kammersänger. En 2016 será galardonado con el premio Heidelberger Frühling. Entre los múltiples galardones obtenidos con su discografía se encuentra un Gramophone Classical Music Award 2015 por el álbum Nachtviolen. Es invitado con frecuencia al Konzerthaus y al Musikverein de Vienna y al Wigmore Hall de Londres como Artista Residente, así como al Schwetzingen Festival, Rheingau Music Festival, los Proms londinenses y los festivales de Edimburgo, Lucerna y Salzburgo. En la temporada 16/17 ofrecerá junto a Gerold Huber cinco programas de lied diferentes en Salzburgo, La Scala de Milán, Ópera de Múnich, Philharmonie de Berlín, Gewandhaus de Leipzig, Konzerthaus de Viena, Festspielhaus de Baden-Baden, Ginebra, París, Londres, Madrid, Schubertiade Schwarzenberg, así como una gira por Japón y los Estados Unidos.

En el terreno operístico ha recibido el “Premio Laurence Olivier” y el premio “Der Faust” de teatro. En la temporada 16/17 aparecerá en la Ópera de Baviera como Posa en Don Carlo de Verdi y como Wolfram von Eschenbach en Tannhäuser dirigida por Kirill Petrenko. Ha actuado junto a directores como Nikolaus Harnoncourt, Simon Rattle, Herbert Blomstedt, Kent Nagano, Mariss Jansons, Daniel Harding, Bernard Haitink y Christian Thielemann en las principales salas de mundo, junto a orquestas como la London Symphony Orchestra, Concertgebouw Orchestra y las filarmónicas de Viena y Berlín. Actuará próximamente en gira con la Gustav Mahler Youth Orchestra dirigida por Philippe Jordan y Daniel Harding, así como con la Filarmónica de Berlín y Bernard Haitink, la Accademia di Santa Cecilia de Roma y Antonio Pappano, y la WDR Symphony Orchestra y Kent Nagano. Graba en exclusiva para Sony Music acompañado por Gerold Huber.

Carlos Mena

El pasado 30 de enero se presentaba el Recital V del XXIII Ciclo de Lied que conjuntamente programan el Teatro de la Zarzuela y el Centro Nacional de Difusión de la Música (CNDM). En esta ocasión a cargo del contratenor Carlos Mena. No es esta la tesitura más habitual para este tipo de repertorio, pero el resultado fue muy interesante.

El programa, muy bien elaborado, se iniciaba con las canciones (Evening, Morning, Night) de This Way to the Tomb (1945), seguidas de las Folk Songs, de Benjamin Britten. Se aprecia en estas breves obras la admiración del compositor por Purcell y su gusto por la voz de contratenor, que quedó de manifiesto tras numerosas colaboraciones con Alfred Deller.

Estas tres canciones, que pueden ser acompañadas por piano o por arpa, forman parte ya del repertorio de Carlos Mena. Acompañado al piano por Susana García de Salazar, dibujaron la atmósfera reflexiva que describe esta obra poéticamente descriptiva de la mañana, la tarde y la noche.

Le siguieron una selección de cinco canciones populares que fueron arregladas durante la estancia de Britten en Estados Unidos huyendo de la II Guerra Mundial. Son contemporáneas de algunas de sus obras maestras, como Peter Grimes. Las canciones populares tienen un peso muy importante en la obra de Britten.

Esta primera parte finalizó con “Cantos del arpista” (Gesänge des Harfners) de Franz Schubert sobre textos de Goethe. Texto y música van de la mano en estas recreaciones de la soledad de quienes se culpabilizan y que Schubert representa con la figura del arpista.

La voz de Carlos Mena es de una indiscutible belleza. Ha crecido en volumen y en elegancia, sobre todo en los matices más oscuros de su timbre. Dudó un poco en algunos graves pero el soporte de su voz es sólido y su fraseo delicado.

La segunda parte fue un cambio total de registro. Se interpretaron una selección de Chansons Légères, obras compuestas por el compositor Alberto Iglesias para Carlos Mena y basadas en textos de René Char (en francés), Wallace Stevens (en inglés) y Passolini (en italiano) de gran complejidad. Exige una gran concentración por la dificultad de la partitura y el cambio de idioma. La obra de Iglesias describe atmósferas narrativas cargadas de sensualidad e intriga que obligan al cantante a un esfuerzo interpretativo extra.

Un recital más que interesante por tratarse de obras y tesituras poco habituales y siempre sorprendentes.

Carlos Mena

Desde el final del Renacimiento, los tratados musicales de la órbita luterana hablan de la Música poética, dando carta de naturaleza a una orientación antropológica. En este programa el Concento de Bozes, un nuevo proyecto musical y formativo nacido en la Academia de Música Antigua de la USAL bajo el impulso de Carlos Mena, ofrece una antología de este proceso en la Alemania de la primera mitad del XVII: un auténtico ramillete de piezas maestras de la que fue una nueva oratoria musical.

La Academia de Música Antigua de la Universidad de Salamanca fue creada en 1990 con el objeto de convertirse en un centro de formación y producción en el campo de la interpretación musical histórica. Desde entonces, contando como agrupaciones principales con una orquesta barroca, un consort de violas da gamba y un coro de cámara, ha ofrecido centenares de conciertos, cursos y seminarios de violín, viola y violonchelo barrocos, canto, viola da gamba, clave, instrumentos de cuerda pulsada, etc. Para ello cuenta con profesorado de la más alta cualificación. A Pedro Gandía, Itziar Atutxa y Andoni Mercero se unen nombres como Enrico GaU, Sigiswald Kuijken, Jaap ter Linde, Wieland Kuijken, Vitorio Ghielmi, Wimten Have, Jacques Ogg, Wilbert Hazelzet, Juan Carlos de Mulder, Maggie Urqhart, Marion Middenway, Richard Levi], Carlos Mena, hasta más de un centenar de colaboradores. El Coro de Cámara de la Universidad de Salamanca fue creado en 1984 con el objeto de especializarse en la polifonía ibérica de los siglos XVI al XVIII. Desde entonces viene realizando un intenso trabajo de difusión y estudio de este repertorio, que se ha plasmado en centenares de conciertos, muchos de los cuales han supuesto el reestreno de par:turas inéditas correspondientes a este periodo. Ha participado en numerosos ciclos y festivales como son el Encuentro Nacional de Polifonía de 1987, el ciclo Música da época das descobertas (Lisboa), la I Muestra de polifonía española (Würzburg), la I Rassegna Polifonica Internazionale (Bolonia), el XIV Ciclo de Música de Cámara y Polifonía (Auditorio Nacional de Madrid), la Semana de Música de Canarias, Música en la España de la expulsión (Lincoln Center y Aaron Copland Auditorium de Nueva York), A Música na Catedral de Santiago de Compostela no século XVIII, Semanas de Música Religiosa de Salamanca, XVIII Jornadas Gulbenkian de Música Antigua (Lisboa), Porto 2001, Los Siglos de Oro, Música y Patrimonio (Salamanca, 2002), ciclo de conciertos de Navidad de Caja San Fernando, ciclo Plaza Sacra (Salamanca, 2005), Festival Florilegio (Salamanca), FEX del Fes:val Internacional de Música y Danza de Granada, X Festival de Música antigua de Úbeda y Baeza, X edición del festival Clásicos en la Frontera (Huesca), ciclo de polifonía Victoria y su tiempo (Ávila), etc. Cuenta con diversas ediciones discográficas para RTVE, Tritó, Movieplay y Verso que han recibido excelentes críticas (disco del mes en Ritmo, 5 estrellas de Goldberg, etc.). Asimismo RNE Radio 2 le ha dedicado varios programas. Ha actuado con grupos y orquestas como los Sacqueboutiers de Tolouse, Segreis de Lisboa, la Orquesta Barroca Il Fondamento, la Orquesta Sinfónica de Bilbao, la Orquesta del Conservatorio de Ginebra, el Ensemble Elyma, Los Músicos de su Alteza, la Orquesta Barroca de Sevilla, la Orquesta de Cámara Gerardo Gombau, etc. Asimismo, colabora periódicamente con la Orquesta Barroca y el Consort de violas da gamba de la Universidad de Salamanca.

6 de febrero de 2017 a las 20:30h. en el Auditorio Hospedería Fonseca de la Universidad de Salamanca.

Collegium Vocale - Gent

En su recorrido por la tradición alemana anterior a Bach, Philippe Herreweghe profundiza desde hace tiempo en una obra crucial del siglo XVII, Israelisbrünnlein (La fuente de Israel), una colección de madrigales espirituales a 5 voces y continuo que Johann Hermann Schein publicó en 1623 y que recogía el nuevo espíritu del madrigal italiano alentado por los compositores vanguardistas del cambio de siglo. Con su Collegium Vocale de Gante, Herreweghe volverá a explorar los mil recodos simbólicos y retóricos de una música que se debate entre sensualidad y piedad.

Philippe Herreweghe, director

Nacido en Gante, combinó sus estudios en la Universidad con la formación musical en el Conservatorio, donde estudió Piano con Marcel Gazelle. Durante este mismo periodo empezó a dirigir y en 1970 fundó el ensemble Collegium Vocale Gent. En poco tiempo, Nikolaus Harnoncourt y Gustav Leonhardt notan su excepcionalidad y es invitado a trabajar con ellos en su proyecto de grabación de todas las cantatas de J.S. Bach. Su enfoque dinámico, auténtico y retórico hacia la música barroca pronto le ganó elogios con la crítica. En 1977 forma el ensemble La Chapelle Royale en París, con la cual toca música de la Edad de Oro Francesa. Entre 1982 y 2002 es el director artístico de la Académies Musicales de Saintes. Durante este período ha fundado otros ensembles, que usa en conjunto uno con el otro o por separado, para alcanzar la interpretación apropiada a cada repertorio, desde el Renacimiento a la música contemporánea. Estos ensembles incluyen el Ensemble Vocal Européen, especializado en polifonía del Renacimiento, la Orchestre des Champs Elysées, fundada en 1991 cuyo fin es recrear el resplandor del repertorio romántico y pre-romántico en instrumentos originales. Desde 2009, Invitado por la prestigiosa Accademia Chigiana en Siena, Philippe Herreweghe y el Collegium Vocale Gent, han trabajado intensamente en el desarrollo de un gran coro sinfónico a nivel europeo, proyecto apoyado, desde 2011, por el Programa Cultural de la Unión Europea.

Siempre en búsqueda de nuevos desafíos musicales, en los últimos años Herreweghe ha trabajado muy activamente con el gran repertorio sinfónico desde Beethoven a Gustav Mahler. Desde 1997 ha sido director principal de la Royal Flemish Philharmonic. Desde el 2008 es designado como director invitado permanente de la Netherlands Radio Chamber Philharmonic. Dirige regularmente como director invitado orquestas como Amsterdam Concertgebouw Orchestra, la Gewandhaus Orchestra de Leipzig y la Mahler Chamber Orchestra basada en Berlín. Durante años, Philippe Herreweghe ha construido una discografía extensa de más de 100 grabaciones con todos estos ensembles diferentes, para sellos como Harmonia Mundi France, Virgin Classics y Pentatone. Destacan entre otros: Lagrime di San Pietro de Lassus, La Pasión según San Mateo de Bach, las sinfonías completas de Beethoven y Schumann, el ciclo de canciones Des Knaben Wunderhorn de Gustav Mahler, la Quinta Sinfonía de Anton Bruckner, Pierrot Lunaire de Schoenberg y la Sinfonía de los Salmos de Igor Stravinski. En 2010 funda junto con Outthere Music, su propio sello discográfico φ (phi), para poder actuar con una completa libertad artística en la construcción de un amplio y variado catálogo. Desde entonces, se han producido diez nuevas grabaciones de música vocal de Bach, Beethoven, Brahms, Dvorak, Gesualdo o Victoria.

Viernes 2 de diciembre a las 20:30h. en el Auditorio Hospedería Fonseca de la Universidad de Salamanca.

Mark Padmore

El tenor Mark Padmore participa en el XXIII Ciclo de Lied que organiza el CNDM y que tiene lugar en el Teatro de la Zarzuela. Estará acompañado al piano por Roger Vignoles. El primer gran ciclo de Schubert, Die schöne Müllerin, como el segundo, Winterreise, sobre poemas de Wilhelm Müller, es el inicio de un largo viaje, al principio optimista, en busca del amor; un traslado confiado, efusivo y soñador que pronto verá enturbiadas su expectativas ante los desaires. Un sinfín de emociones, de nuevas experiencias que nos irá contando el protagonista de viva voz desde la alegre partida (Das Wandern) hasta la posta final, la casi fúnebreDas Baches Wiegenlied. La peripecia estará en la voz del fino estilista que es Padmore, que une la efusión al dominio del acento y de los reguladores.

Mark Padmore nació en Londres y creció en Canterbury. Tras comenzar sus estudios de clarinete, obtuvo una beca para estudiar en el King’s College de Cambridge, graduándose en música. Se ha forjado una brillante carrera en la ópera, conciertos y recitales, con interpretaciones de las Pasiones de Bach que le han otorgado reconocimiento mundial. En ópera ha trabajado con los directores Peter Brook, Katie Mitchell, Mark Morris y Deborah Warner, interpretando recientemente los roles protagonistas de las óperas de Harrison Birtwistle The Corridor y The Cure en el Aldeburgh Festival y el Linbury Theatre, así como Jephtha de Haendel para la WNO y la ENO, Captain Vere en Billy Budd de Britten y el papel de Evangelista en una producción escenificada de la Pasión según San Mateo en Glyndebourne. También interpretó a Peter Quint (Turn of the Screw de Britten) en una producción televisiva para la BBC y grabó el papel protagonista en La Clemenza di Tito con René Jacobs para Harmonia Mundi. Sus próximos papeles incluyen el Tercer ángel (John) en Written on Skin de George Benjamin en la Royal Opera House de Londres.

En concierto ha actuado con las principales orquestas del mundo, incluyendo la Bayerischer Rundfunk y las filarmónicas de Berlín, Viena, Nueva York y Londres, así como la Royal Concertgebouw, Boston, London Symphony y Philharmonia. Aparece regularmente con la OAE en sus producciones de las pasiones de J.S. Bach. Ofrece recitales por todo el mundo junto a Kristian Bezuidenhout, Jonathan Biss, Imogen Cooper, Julius Drake, Till Fellner, Simon Lepper, Paul Lewis, Roger Vignoles y Andrew West. Compositores como Sally Beamish, Harrison Birtwistle, Jonathan Dove, Thomas Larcher, Nico Muhly, Alec Roth, Mark-Anthony Turnage, Huw Watkins, Ryan Wigglesworth y Hans Zender han escrito música para él. Su discografía incluye la Missa Solemnis de Beethoven y Die Schöpfung de Haydn con Bernard Haitink y la Bayerischer Rundfunk, y lieder de Beethoven, Haydn y Mozart con Kristian Bezuidenhout para Harmonia Mundi. Otros álbumes incluyen arias de Handel con The English Concert (As Steals the Morn, Premio BBC Music Magazine), ciclos de Schubert con Paul Lewis (Winterreise, Premio Gramophone 2010), Dichterliebe de Schumann con Kristian Bezuidenhout (Premio Edison Klassiek 2011) y Serenade, Nocturne y Finzi Dies Natalis de Britten con la Britten Sinfonia (Premio ECHO Klassik 2013). Obtuvo asimismo un Premio BBC Music Magazine en 2013 por la Pasión según San Mateo escenificada con la Filarmónica de Berlín y Rattle. Fue elegido Vocalist of the Year 2016 por la revista Musical America y recibió un Doctorado Honoris Causa por la Universidad de Kent en 2014. Es Director Artístico del St. Endellion Summer Music Festival de Cornwall.

Lunes 21 de noviembre de 2016, a las 20:00h. en el Teatro de la Zarzuela.

Entradas

Violeta Urmana

El ciclo es una coproducción entre el Centro Nacional de Difusión Musical y el Teatro de La Zarzuela.

La cantante lituana ha elegido obras de Schubert y Strauss en esta su tercera visita al ciclo de Lied, y estará acompañada por Helmut Deutsch al piano.

El próximo lunes 7 de noviembre el XXIII Ciclo de Lied recibirá a la mezzosoprano lituana Violeta Urmana, una gran diva del mundo lírico internacional, acompañada por el pianista alemán Helmut Deutsch, nombre indispensable dentro de este género. En esta cita, como siempre, en el Teatro de La Zarzuela a las 20 horas, la cantante interpretará canciones de Frank Schubert y Richard Strauss, dos compositores que elevaron el lied a sus cotas más altas. Las entradas para este recital, con un precio general de 8 a 35 euros, ya están a la venta en las taquillas del Teatro de La Zarzuela, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y 902 22 49 49

La diva camaleónica

El critico musical Arturo Reverter comenta sobre Urmana: “¿Soprano?, ¿mezzo? ¿Qué clase de soprano o de mezzo? Sabemos que Urmana comenzó su carrera dentro de este segundo apartado, con papeles como el de Kundry en la ópera Parsifal de Wagner, rol por el que fue aclamada durante varios años a partir de 1999 en el Festival de Bayreuth. Su caso es el de una voz intermedia. Voces que la tradición ha calificado como falcon, y ahí es donde enciclopedias (Wikipedia entre ellas) y diccionarios la ubican. ¿Cuál es el tinte del timbre de Urmana, una vez admitido que es una falcon? Podríamos calificarlo como de lírico-spinto o directamente spinto. No de dramático. La tersura del sonido –no tanto en la zona aguda, hoy menos fragante, como en el centro y graves– lo satinado del espectro no emparentan directamente con las habituales irisaciones metálicas, de aguda penetración, de los instrumentos auténticamente dramáticos. En esta nueva visita a Madrid, en donde la cantante ha actuado con alguna frecuencia, se presenta como mezzosoprano y veremos cómo el arte amplio, variado y tornasolado de esta intérprete, generosa y expresiva, rotunda y camaleónica, encuentra en Schubert un perfecto asidero para penetrar en el meollo de los más intensos dramas íntimos o de las historias crueles como la de El enano, uno de los lieder más extensos de Schubert. Hermosa continuidad es la que supone la inclusión de trece lieder de Strauss. Una selección que penetra en lo más hondo del alma.”

Ya en el comienzo de su carrera, Violeta Urmana obtuvo reconocimiento mundial como Kundry en Parsifal y Eboli en Don Carlo. Su agenda del 2016 incluye Kundry y Amneris en Aida en Viena, la Tía Princesa en Suor Angelica de Puccini en Roma, Judit en actuaciones en concierto con El castillo de Barbazul de Bartók en el Musikverein de Viena, Jokaste en Oedipus Rex en el Festival de Aix-en-Provence y Azucena en Il trovatore en la Arena de Verona. En 2017 será Kundry en el Festival Wagner de Budapest, volverá a Nueva York como Amneris y repetirá este papel en 2018 en el Teatro Real. Durante años ha actuado con gran éxito en papeles como Amelia en Un ballo in maschera, Elisabetta en Don Carlo, Leonora en La forza del destino, Lady Macbeth en Macbeth, Odabella en Attila, los papeles principales de Aida, La Gioconda, Medea, Tosca, Norma, Iphigénie en Tauride y Ariadne auf Naxos, Brünnhilde en Siegfried, Sieglinde en Die Walküre e Isolde. Es invitada con frecuencia a los principales escenarios operísticos, como el Metropolitan de Nueva York, el Liceo de Barcelona, la Opéra National de París, la Deutsche Oper de Berlín, la Ópera de Viena, el Teatro alla Scala de Milán, la Royal Opera House Covent Garden y a los festivales de Bayreuth, Salzburgo, Aix-en-Provence, Edimburgo y los BBC Proms. Como reputada cantante de recitales y conciertos actúa en las salas más famosas de Europa, Estados Unidos y Japón. Ha trabajado con directores como Claudio Abbado, Daniel Barenboim, Bertrand de Billy, Pierre Boulez, Semyon Bychkov, Riccardo Chailly, James Conlon, James Levine, Jesús López Cobos, Fabio Luisi, Zubin Mehta, Riccardo Muti, Sir Simon Rattle, Donald Runnicles, Esa-Pekka Salonen, Franz Welser-Möst o Christian Thielemann. Entre sus grabaciones cabe destacar La Gioconda, Il trovatore, Oberto conte di San Bonifacio, Un ballo in maschera, Aida, La forza del destino, Macbeth, Don Carlo, Andrea Chénier, Siegfried, Parsifal, Cavalleria rusticana, el Requiem de Verdi, Das Lied von der Erde y los Rückert-Lieder de Mahler, los MaeterlinckLieder de Zemlinsky, La mort de Cléopâtre de Berlioz, El castillo de Barbazul de Bartók, Le rossignol de Stravinski y lieder de R. Strauss, Berg y Liszt. Actuó como Kundry en la película de Tony Palmer The Search for the Holy Grail. Urmana ha recibido numerosos premios por su carrera artística, como el de la Royal Philharmonic Society de Londres, el título de Österreichische Kammersängerin de Viena y en su Lituania natal recibió la máxima condecoración del país, la Orden de Tercera Clase del Gran Duque Gedeminas. La Universidad de Música y Teatro de Vilnius (Lituania) también la galardonó con un título honorífico. En 2014 fue nombrada Commendatore dell’Ordine della Stella d’Italia por el Presidente del Estado italiano Giorgio Napolitano. Violeta Urmana ha participado en dos ediciones previas del Ciclo de Lied: XI (04-05) y XVII (10-11).

Cuarteto Diotima

La segunda cita del ciclo SERIES 20/21, del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), presentará el próximo lunes 24 de octubre en el Auditorio 400 del Museo Reina Sofía a uno de los cuartetos dedicados a la música de nuestros días más respetados internacionalmente: el Cuarteto Diotima. En esta visita a Madrid, que forma parte de la gira de celebración del vigésimo aniversario del grupo, también rendirán homenaje a Henri Dutilleux, uno de los grandes nombres de la composición francesa, interpretando su único cuarteto de cuerda, Ainsi la nuit, para conmemorar el centenario de su nacimiento. Aunque casi todas las composiciones de Dutilleux son instrumentales sólo posee en su catálogo este cuarteto para cuerdas, obra encargo de la Fundación Koussevitzky y de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos. Estrenado el 6 de enero de 1977 en París, este clásico del género ha cautivado a aquellos analistas que lo han desmenuzado compás por compás. Para acompañar esta obra sonarán dos piezas de Alberto Posadas, una de ellas, el quinteto Del reflejo de la sombra estreno en España y con el clarinetista José Luis Estellés como invitado. Esta ocasión será la tercera vez que el prestigioso conjunto galo forma parte de la programación que el CNDM centra en la música actual y la segunda que estrena una obra del compositor vallisoletano. El acceso será libre hasta completar el aforo de la sala como en todos los conciertos de este ciclo.

Contemporáneos mayores de edad

Fundado en 1996 por graduados en el Conservatorio Superior de Música de París, el Cuarteto Diotima es una de las formaciones más demandadas por la escena internacional actual. Su nombre refleja la doble identidad musical del grupo: la palabra Diotima es una referencia al Romanticismo alemán -Friedrich Hölderlin dio ese nombre a la mujer de su vida en su novela Hyperion- si bien es también un guiño a la música de nuestro tiempo, recordando la obra de Luigi Nono Fragmente-Stille, an Diotima.

El cuarteto ha sido un privilegiado colaborador de numerosos e importantes compositores como Lachenmann, Ferneyhough, Boulez y Hosokawa y realiza numerosos encargos a destacados autores de todos los continentes como Tristan Murail, Alberto Posadas, Gérard Pesson, Rebecca Saunders, Emmanuel Nunes, James Dillon o Pascal Dusapin. Aunque mantiene una dedicación incondicional a la música contemporánea, no se limita exclusivamente a este repertorio. Al programar conjuntamente grandes obras clásicas junto a la nueva música de hoy en día, sus conciertos aportan una nueva mirada sobre las obras de los grandes compositores, en particular, Bartók, Debussy y Ravel, los últimos cuartetos de Schubert y Beethoven, compositores de la Escuela de Viena, y también Janácek.

El conjunto ha actuado con asiduidad en los escenarios internacionales y en los principales festivales y ciclos de conciertos europeos (Philharmonie y la Konzerthaus de Berlín, Museo Reina Sofía de Madrid, Cité de la Musique de París, Wigmore Hall y SouthBank Centre de Londres y Konzerthaus de Viena entre otros). Además de ofrecer regularmente extensas giras por Estados Unidos, Asia y Sudamérica, son artistas en residencia en el Théâtre des Bouffes du Nord de París desde 2012 a 2016.
Sus interpretaciones reciben la aclamación de la crítica internacional, especialmente en Alemania (por su Concierto para cuarteto y orquesta de Schoenberg), en España y en Francia, donde su discografía ha sido galardonada con cinco “Diapason D’Or”, de los cuales dos recibieron el “Diapason D’Or de l’année” por sus grabaciones de obras de Lachenmann y Nono en 2004 y de obras de los compositores estadounidenses Crumb, Reich y Barber en 2011.

Su álbum con los Cuartetos de George Onslow –editado por Naïve en 2009- obtuvo un enorme éxito en la crítica especializada (Diapason “CD del mes” y “Diapason D’Or” 2010, “E” de Scherzo…) y consolidó su relación en exclusiva con dicho sello discográfico en una colaboración a largo plazo y de gran éxito. Además, por invitación del sello Megadisc, el cuarteto hizo en 2015 una grabación altamente valorada del Livre pour quatuor de Pierre Boulez, revisado por él mismo, que recibió el “ffff” de Télérama y el “Choc de l’année” de la revista Classica.

En 2016 Diotima celebra los 20 años de su formación con varias grabaciones especiales: un cofre de 5 CDs dedicado a la Segunda Escuela Vienesa (integral de Schoenberg, Berg y Webern) y el lanzamiento de una serie de retratos de compositores contemporáneos, el primero de los cuales está dedicado a Miroslav Srnka, al que seguirá un monográfico Gérard Pesson en colaboración con la Orquesta Sinfónica de la WDR. Además de estos dos proyectos de grabación, los próximos años estarán llenos de compromisos para el cuarteto, incluyendo el ciclo completo Beethoven-Schoenberg-Boulez en el Festival Wien Modern, conciertos en diversos países con el estreno del nuevo cuarteto de Enno Poppe (Wittener Tage für Neuer Musik, Festival de Huddersfield, November Music’s-Hertogenbosch, Festival Transit de Lovaina, Festival de Otoño de París), la integral de cuartetos de cuerda de Bartók en una sola noche en el Théâtre des Bouffes du Nord de París y cuatro giras internacionales a través de Sudamérica, Japón, Estados Unidos y la primera gira del grupo en Rusia.

El Cuarteto Diotima recibe el apoyo de la DRAC (Direction Régionale des Affaires Culturelles) y la Région Centre-Val de Loire, además de ayudas periódicas del Instituto Francés, Spedidam, Musique Nouvelle en Liberté, FCM (Le Fonds pour la Création Musicale), la Sociedad Adami, así como de mecenas privados. El cuarteto está formado actualmente por los violinistas Yun-Peng Zhao y Constance Ronzatti, el violista Franck Chevalier y el violonchelista Pierre Morlet.

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) inaugura mañana el ciclo que dedica en su actual temporada al insigne compositor barroco Sebastián Durón, de cuya muerte se cumple este año el tercer centenario. Atentos siempre al rescate patrimonial, los diversos ciclos del CNDM por toda la geografía española ofrecerán del 30 de septiembre de 2016 al 20 de marzo de 2017 hasta seis programas que tienen a Durón como relevante protagonista.

De la música sacra a la incidental

Los encargados de revivir las obras de Durón son grandes nombres de la interpretación barroca en la España de hoy día, haciendo de altavoz de su música religiosa y profana en trece conciertos repartidos por seis ciudades, de la Brihuega natal a Úbeda, pasando por León, Salamanca, Oviedo y Madrid, en una extensa panorámica de la producción sacra y profana de un músico que fue fundamental en la conformación del peculiar barroco ibérico. Así, Raquel Andueza junto a su grupo La Galanía, inaugurarán el ciclo el viernes 30 de septiembre en Brihuega, con un programa que incluye manifestaciones de la música religiosa, cantadas y tonos del homenajeado junto a las Folías de Sanz, alguna página anónima o del muy poco conocido Carlos Subias además de una Zarabanda de Antonio Martín y Coll. Este programa se repetirá el 5 de octubre en la Catedral de León. La soprano aragonesa Marta Almajano, junto con Juan Carlos Rivera, Mike Fentross y Ventura Rico, todos auténtica memoria viva de la mejor música antigua española, llevarán a Salamanca un programa centrado en tonos humanos de Durón contextualizados con música para guitarra y tiorba. También en la seo castellana se escucharán las recuperaciones históricas, estreno en tiempos modernos, de obras de Juan Hidalgo de Polanco y José Marín, grandes representantes del barroco hispano, rescatados por Alicia Lázaro y la Capilla Jerónimo de Carrión más partituras vocales sacras de Durón, en las voces de la soprano Delia Agúndez, el contratenor Gabriel Díaz Cuesta y los tenores Ariel Hernández y Miguel Mediano. “Muera Cupido” es el impactante título del programa queAccademia del Piacere, el prestigioso conjunto sevillano que lidera el violagambistaFahmi Alqhai, junto a la soprano tarraconense Nuria Rial presentarán en Madrid, Salamanca y Oviedo, un homenaje al compositor que contextualiza su producción de música para el teatro (arias y tonos extraídos de zarzuelas y óperas) al ponerla en relación con la de uno de los más brillantes maestros italianos de su generación, Giovanni Bononcini, y el estreno de un canon del musicólogo Álvaro Torrente. También con la música incidental como centro de atención llegará Harmonía del Parnás dirigida por Marian Rosa Montangut y acompañados por las voces de la soprano Ruth Rosique y la mezzo Marta Infante, dos de las voces femeninas más destacadas del panorama barroco español, a Madrid, León y Úbeda. En este programa, fragmentos de sus obras teatrales se mezclarán con las de otros compositores que compartieron tareas en la corte, trabajando bien para la misma Capilla o para los teatros públicos madrileños y se escuchará el estreno en tiempos modernos de piezas compuestas por Francesco Corradini. El siempre solvente Albert Recasens liderará a su conjunto La Grande Chapelle en Madrid, Salamanca y y León para presentar el estreno de la recuperación histórica de una escogida selección de piezas religiosas en romance para solistas dedicadas al Santísimo, obras de la extensa producción sacra de Durón en lengua vernácula, compuestas para la Capilla Real, de la que fue organista y maestro. En total, el ciclo estrenará la recuperación en tiempos modernos de 11 obras de Sebastián Durón, a las que se sumarán 16 más escritas por otros grandes compositores de la época: Bononcini, Corradini, Hidalgo, Marín y un anónimo.

Durón: caballero andante

A los 300 años de su muerte, el nombre de Sebastián Durón (Brihuega, Guadalajara, 1660 – Cambo-les-Bains, Francia, 1716) ha empezado a despertar la curiosidad de muchos intérpretes y aficionados que hasta ahora sólo se habían acercado de modo tangencial a su figura. Su música es ahora habitual en festivales y ciclos diversos, si bien es cierto que lo más difundido del catálogo del compositor son sus óperas y zarzuelas. Sebastián Durón empezó su carrera como organista, en calidad de lo cual trabajó en La Seo de Zaragoza y en las catedrales de Sevilla (adonde llegó de la mano del gran Alonso Xuárez, que seguramente fue su profesor en Cuenca, y en aquel momento, 1680, era maestro de capilla en la capital andaluza), El Burgo de Osma y Palencia. Como organista ingresó en la Real Capilla de Carlos II en 1691, y en 1701, ya bajo el reinado, en disputa, del primer Borbón, fue nombrado maestro de la Real Capilla y rector del Real Colegio de Niños Cantorcicos. Pero su vida se complicó cuando mostró públicas simpatías por el candidato austriaco, lo que lo obligó a exiliarse en Francia, donde trabajó al servicio de la reina viuda, Mariana de Neoburgo, como Limosnero Mayor y Capellán de Honor.

El musicólogo Pablo Vayón indica que: “Aunque en su célebre Teatro crítico universal el Padre Benito Feijoo lo acusara en su día de ser responsable de la italianización de la música española, en realidad en la obra de Durón se aprecia una notable continuidad con la tradición autóctona del siglo XVII. De la mano del CNDM, en año también cervantino conviene celebrar esta salida al mundo cual aventura digna de andantes caballeros, y el gran compositor alcarreño fue uno de ellos.”

 

CNDM+SGAE

• Las Xornadas están coproducidas por el Concello de Santiago, el Centro Nacional de Difusión Musical, el Centro Galego de Arte Contemporánea, la Universidad de Santiago y la Deputación de A Coruña, con la colaboración del Consorcio de Santiago

• Los 20 conciertos que las conforman se celebrarán del 1 de octubre al 1 de diciembre en diversos espacios de la ciudad

• Todas las actividades son gratuitas, a excepción del concierto de clausura a cargo de la Real Filharmonía de Galicia

En el año 2012 renacían en Santiago estas jornadas con el objetivo de fomentar y difundir las últimas tendencias y la innovación de la música contemporánea. Este año se celebra la quinta edición en colaboración con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), en la que se mantiene la misma línea de trabajo y colaboración institucional del año pasado, fruto de la iniciativa, coordinación y promoción de la institución nacional junto al Ayuntamiento de Santiago, la Universidad de Santiago de Compostela, el Centro Galego de Arte Contemporánea, la Diputación de A Coruña y con la colaboración del Consorcio de la ciudad. Bajo el título de ‘ConCiencia da Palabra’, ofrecerán un total de 20 conciertos interpretados por 14 agrupaciones musicales en lugares como el Paraninfo de la Universidad, el Auditorio de Galicia, la Iglesia de la Universidad y la de Bonaval, el CGAC, la Sala Agustín Magán y el Teatro Principal. Las jornadas, hasta ahora programadas sólo en el mes de octubre, alargan este año su duración hasta el 1 de diciembre, buscando que el público pueda asistir a un mayor número de conciertos. Algo a lo que también ayudará que todos ellos, excepto el de la Real Filharmonía de Galicia sean con entrada libre hasta completar aforo. Estas actividades continúan el compromiso del CNDM por promover y difundir la creación musical contemporánea por todo el país, a través de su programa “Circuitos” presente en veintiocho ciudades españolas a las que se unen, este año, cuatro extranjeras: Bogotá (Colombia), Múnich (Alemania), Viena (Austria) y Elvas (Portugal).

ConCiencia da Palabra

Las jornadas se inauguran el 1 de octubre con el Airas Ensemble en un concierto en el que, bajo el nombre de ‘Océanos’ podremos asistir al estreno absoluto del Quinteto de viento de Óscar Colomina basado en la idea de que la etimología nórdica para «sonido» es la misma que para «estrecho de mar que se puede cruzar nadando». Después escucharemos obras de Jesús Bal y Gay y Octavio Vázquez, dos compositores gallegos, de diferentes épocas, uno exiliado en México y el otro residiendo en EEUU, al otro lado del océano. Los días 8 y 9 de octubre tendremos dos propuestas de Vertixe Sonoro Ensemble: el día 8 en ‘Kairós, el momento oportuno’ podremos disfrutar con diversos instantes exactos en los que el sonido se produce y se transforma y ya el día 9 nos presentan ‘Microteatro Psicopático: palabras perdidas, monstruos y espacios misteriosos’, un acercamiento a la obra literaria de Javier Tomeo con el compositor Óscar Carmona y acompañados por el actor Carlos Álvarez-Ossorio.

El sábado 15 el conjunto vocal catalán Música Reservata de Barcelona presenta ‘Conceptio universalis’ con un programa que juega con los contrastes entre lo nuevo y lo viejo, con piezas de ayer insertadas entre las actuales, entre las que además figura un re-estreno de obra encargo del CNDM. El 16 de octubre el Ensemble Música Prácticapresenta ‘Cuatro tímbricas pintadas’, que nos ofrece una narrativa audiovisual en la que los colores que configuran las imágenes están asociados a cada uno de los cuatro instrumentos que conforman el ensemble.

Las dos propuestas con las que cerramos el mes de octubre llegan de la mano delTaller Atlántico Contemporáneo. El día 28 los ofrecen ‘The Rothko Chapel’, obra absolutamente hipnótica y fascinante que se verá potenciada por la extraordinaria acústica de la Iglesia de Santo Domingos de Bonaval; y los días 29 y 30 interpretaránVox Balaenae de George Crumb, obra para violonchelo, flauta y piano amplificados que está inspirada en el canto de una ballena jorobada que el compositor había escuchado en una grabación.

Comenzamos el mes de noviembre el día 4 con el Hércules Brass que harán un recorrido por la música actual gallega a través de las distintas estéticas musicales creadas por los compositores de la Asociación Galega de Compositores tres de los cuales, Luis Carro, Juan Durán y Xabier Comesanha, ofrecerán una charla al inicio del concierto. Y continuamos el día 5 con el Cuarteto Bretón que hará gala de su buen sonido en tres obras muy distintas: el Cuarteto de cuerdas nº 8 de Shostákovich, un estreno absoluto del compositor Mario Diz y el estreno en España del Cuarteto de cuerdas nº 6 de Philip Glass.

El día 11, la Orquesta de Cámara Galega recogerá alguno de los sonidos de creadores del Atlántico, sin fronteras, para recalar durante un rato en un sentido homenaje a uno de los más prolíficos compositores de Galicia, el maestro Rogelio Groba. Y ya el día 12 podremos escuchar al Quinteto Invento con un repertorio exclusivamente gallego que incluye obras para viento metal, con piano en alguna de ellas, pertenecientes a los siglos XX y XXI, también de diversos autores de la Asociación Galega de Compositores. De nuevo habrá una charla previa al concierto con Carro, Durán y Comesanha.

El domingo 13 llegará la colaboración de la Banda Municipal de Santiago con estas jornadas y será con el concierto ‘Imágenes contemporáneas’ dirigido por Casiano Mouriño. Dos partes componen este programa que gira en torno a la imagen como elemento de inspiración musical. En primer lugar dos obras gallegas de carácter costumbrista de su respectiva época: la reciente recuperación de Cuadros campestres, una obra de mediados de siglo XX de Ricardo Fernández Carreira; y en contraposición la perspectiva actual del valenciano y ya gallego de adopción, Raúl Martín Niñerola, inspirada y dedicada a la tierra de Chantada. La segunda parte se centra en la relación existente entre la música y la pintura. La inspiración que provocan en Johan de Meij obras de Rembrandt, Vermeer o Jan Steen; y, como colofón, una selección de losCuadros para una exposición de Mussorgski en la que nos va guiando por las pinturas de su amigo, Viktor Hartmann. Previamente habrá una charla con Beatriz y Alberto Cancela.

La Orquesta Universitaria del Espacio de Cámara de la USC presentará el viernes 18 y de nuevo el sábado 20 el programa ‘El siglo XX, un camino de melodías’, que recoge composiciones y estrenos llegados de alumnado perteneciente a los principales centros superiores de estudios de composición de cada uno de los cinco principales Caminos de Santiago. Antes del concierto el público podrá asistir a la charla con Francisco Durán, profesor titular de Análisis Geográfico Regional de la USC. La siguiente cita será conDavid Apellániz y Alberto Rosado el día 19 de noviembre que presentan un programa contemporáneo con cuatro obras de compositores españoles, incluido un encargo del CNDM, y otras tantas de compositores internacionales consagrados.

Cerramos la programación del mes de noviembre con tres programas diferentes de Zoar. El viernes 25 podremos escuchar la propuesta ‘SH4K3SP34R3’ que comenzará con una presentación de Jorge Sacido Romero, profesor de Literatura Inglesa de la USC y el día 26 será ‘C3RV4NT3S’ con charla previa de la mano de Santiago Fernández Mosquera, catedrático de Literatura Española de la USC. La última de las propuestas de Zoar, el domingo 27, será ‘Juego de ladrones’, adaptación didáctico-musical alrededor del texto de ‘Rinconete y Cortadillo’ de Miguel de Cervantes.

los encargados de clausurar esta edición de las Xornadas de Música Contemporánea, el 1 de diciembre, será la Real Filharmonía de Galicia dirigida por Jaime Martín y con el violinista Anthony Marwood. Interpretarán Tres pinturas velazqueñas de Jesús Torres; elConcierto para violín de Kurt Weill y la Sinfonía nº 4 en si bemol mayor de Beethoven. Las localidades para este concierto tienen un precio de 15 euros con el 50% para estudiantes y jubilados y se pueden adquirir en entradas.abanca.com, en el teléfono 902 434 443, en las taquillas del Teatro Principal y el mismo día del concierto también en las del Auditorio de Galicia.

Más información.

Alicia Amo

La soprano malagueña acompañará mañana al conjunto La Ritirata en el concierto programado por el CNDM en Bogotá, dentro del V Festival de Música Sacra.

Alicia Amo, ha sido una de los cuatro ganadores del I Concurso de Ópera Mozart de Granada organizado por la Orquesta Ciudad de Granada del 21 al 25 de septiembre en la ciudad andaluza. Este premio conlleva su debut en el papel de Despina en las funciones de la ópera Così fan tutte de Mozart que tendrán lugar en la temporada de la propia orquesta los días 31 de marzo y 1 de abril de 2017 y en una fecha a determinar en la próxima edición del Festival Internacional de Música y Danza de Granada, bajo las batutas de Giancarlo Andretta y Andrea Marcon. El certamen reunió a 80 participantes de 15 nacionalidades y los ganadores han sido, además de Alicia Amo, Ricardo Fassi (Italia, barítono), Berna Perles (España, soprano) y Karina Demurova (Rusia, mezzosoprano). El tribunal de esta edición ha estado compuesto por Andrea Marcon y Giancarlo Andretta (Directores Artístico y Principal Invitado de la OCG), Bernard Foccroulle (Director del Festival d’Aix-en-Provence), Pablo Heras-Casado (Director Titular de la Orquesta St. Luke’s y Principal Invitado del Teatro Real), Renaud Loranger (Productor Ejecutivo de Deutsche Grammophon), Leticia Martín (Adjunta a la Dirección Artística del Liceo), Joan Matabosch (Director Artístico del Teatro Real), Antonio Moral (Director del CNDM), Kees Vlaardingerbroeck (Concertgebouw de Ámsterdam), Susanne Schmidt (Festival de Bregenz) y Alicia Pire Méndez de Andés (Gerente de la OCG). Alicia Amo acompañará mañana al conjunto La Ritirata en el primero de los dos conciertos que el grupo ofrecerá dentro del V Festival de Música Sacra de Bogotá, citas coproducidas por el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM). Bajo el sugerente título “A vos mi dueño amado” el programa contiene cantatas barrocas europeas de Telemann, Caldara, Murcia e Iribarren y tendrá lugar en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango de la capital colombiana.

Alicia Amo

Alicia Amo comienza sus estudios de violín en el conservatorio Antonio de Cabezón (Burgos) compaginándolos con los de Ballet, y continúa en Musikene (San Sebastián) obteniendo en 2007 el título superior con las más altas calificaciones. En 2008 realiza un Máster en violín y comienza sus estudios de canto en la Universität für Musik de Graz. En 2009 se traslada a Basilea y allí estudia los grados de Bachelor y Máster en Canto en la Schola Cantorum Basiliensis con Gerd Türk y Alessandro di Marchi entre otros, obteniendo Matrícula de Honor. Recibe consejos de Margreet Honig, Rosa Domínguez, Carlos Mena, Richard Levitt, Christophe Coin, Pedro Melmesdorff, Eduardo López Banzo, Andreas Scholl, María Espada, Emma Kirkby, Ana Luisa Chova y ha realizado una taller de ópera con Alberto Zedda.

Amo actúa como soprano solista junto a numerosos ensembles y orquestas como Kammerorchester Zürich, Café Zimmermann, Le Parlement de Musique, Orquesta Barroca de Sevilla, Vokalakademie Berlin, La Cetra Basel, Al Ayre Español, Orchestra di Camera di Lugano, Orquesta Sinfónica de Burgos o la Orquesta Sinfónica de Reinach cantando Le nozze di Figaro de Mozart como Susanna (R. Jacobs; Royaumon-París), La Liberazione de Ruggiero de Caccini como Nunzia (G. Paronuzzi; Basilea y Semperoper Dresde), Dido y Eneas de Purcell como Belinda (O. Gershensohn; Burgos), L’Orfeo de Monteverdi como Musica y Proserpina (S. Schwannberger; Hannover), Ariodante de Haendel en el rol de Dalinda (A. Marcon; Schola Cantorum Basiliensis), Orpheus ou l’inextinguible soif de vengeance d’Orasia de Telemann como Orasia (M. Gester; Estrasburgo, Spa y Ofenburgo), Gloria de Vivaldi (J. Cohen; Zúrich), Carmina Burana de Orff, Mysteries of the macabre de Ligeti y Matthëus Passion de Bach (J. Castro; Burgos), Mass de Stravinski (M. Barrera; Barcelona), Messe in D moll de Hasse (P. Valetti; Basilea), Jephté de Carissimi en el papel de Filia (A. Urbano; Ginebra y Luxemburgo), Oratorio di Natale de Lulier como Angelo (R. Alessandrini; Basilea), Orfeo de Rossi en el papel de Prima Gratia (R. Pichon; Opéra National de Lorrain, Caen, Burdeos y Opéra Royal de Versailles), De lo humano… y divino de J. Hidalgo como principal rol femenino (C. Mena; Teatro de la Zarzuela de Madrid), La Resurrezione de G.F. Haendel en el papel de Angelo (E. Onofri;Teatro de la Maestranza de Sevilla) y ofrece recitales habitualmente junto a E. López Banzo, A. de Marchi, y Opus Lírica en numerosos festivales de toda Europa.

Amo fundó el conjunto especializado en múscia antigua Musica Boscareccia junto a Andoni Mercero y es miembro de ensembles dirigidos por T. Koopman, A. Recasens y W. Testolin y colabora con la compañía de teatro Cal y Canto. También es profesora en AIMAntiqua (Academia Internacional de Música Antigua), en Baroque OperaStudio de la Universidad de Burgos y en la Academia de Música Antigua de la Universidad de Murcia. En su trayectoria como violinista ha sido solista y concertino de la Joven Orquesta Nacional de España (JONDE), Orquesta Sinfónica de Burgos, miembro de la European Union Youth Orchestra (EUYO), Steirische Philarmonie de Graz, I Barocchisti (D. Fasolis), y ha colaborado con la Orquesta Sinfónica de Euskadi, Orquesta Barroca de Sevilla y Orquesta de la Radio Televisión Española.

Además de este galardón, Amo ha sido ganadora del VIII Concurso Internacional de Canto “Francesco Provenzale” (Nápoles), del rol principal en Atelier Lyrique “Génération Baroque” – Le Parlement de Musique (Estrasburgo), de la residencia en el Festival de Ambronay, de los premios Jóvenes Excelentes de Caja de Burgos y Fonds Marie-Louise (Basilea), además de ser finalista del I Concurso Internacional de Ópera de Tenerife, del Chamber Music Competition Aberdeen y del XXIV Concours de Chant Clermont-Ferrand.

CNDM+SGAE

La Fundación SGAE y el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) han anunciado hoy, lunes, 26 de septiembre, las cuatro obras finalistas de la 27 edición del Premio Jóvenes Compositores Fundación SGAE-CNDM 2016.

Room & Elbow, de Abel Paúl López (Valladolid, 1984); Time folds II, de Julián Ávila (Valencia, 1982); Música diagonal, de Gonzalo Navarro (Almonte-Huelva, 1981); e Indika, de Daniel Muñoz (Barcelona, 1987) son las obras que optarán a los premios.

Estas composiciones serán interpretadas por el Vertixe Sonora Ensemble, bajo la dirección de Pedro Amaral, en el concierto final y entrega de premios que tendrá lugar, con acceso libre hasta completar aforo, el próximo lunes 28 de noviembre en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid dentro de la temporada de conciertos del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM).

Los galardones de esta edición son: el primer premio “Xavier Montsalvatge” de 6.000 €; el segundo premio “Carmelo Alonso Bernaola” de 3.000 €; el tercer premio “Francisco Guerrero Marín” de 1.500 € y la mención honorífica “Juan Crisóstomo Arriaga”, dotada de 1.200 €. Además, y como en cada edición, la Fundación SGAE editará un disco promocional que reunirá las cuatro obras ganadoras del certamen, con el fin de contribuir a su posterior promoción y difusión. El jurado, compuesto por los compositores Gabriel Erkoreka, Raquel García, Núria Giménez, Jesús Navarro y Víctor Rebullida, han elegido las cuatro obras finalistas de un total de 37 obras presentadas a concurso.

El Premio Jóvenes Compositores fue creado en 1987 para estimular la creación en el campo de la música clásica contemporánea entre los jóvenes creadores hasta 35 años, y con el propósito de contribuir al desarrollo y conocimiento social de nuevos lenguajes, tendencias y modos de expresión musicales.

Acerca de los finalistas

Abel Paúl López (Valladolid, 1984) ha estudiado composición en el Conservatorium van Amsterdam y la Universität der Künste de Berlín y paralelamente ha recibido clases magistrales de compositores como Brian Ferneyhough, Pierluigi Billone y Chaya Czernowin, entre otros. En la actualidad, finaliza un doctorado en la Universidad de Huddersfield (Reino Unido). Su música ha sido galardonada con premios como el Salvatore Martirano Award (2008), CDMC (2010), SUAL Award (2014), Ayudas a Innovadores y Creadores Culturales del BBVA (2014), Internationaler Musiktheaterwettbewerb Darmstadt (compositor seleccionado) y menciones de honor en la Gaudeamus Muziekweek (2013) y el Mauricio Kagel Wettbewerb (2010). Ha recibido encargos de varios festivales como la Münchener Biennale, Darmstadt o el Holland Festival. Sus obras han sido interpretadas por agrupaciones como el ASKO-Schoenberg, Nieuw Ensemble, Ensemble Nikel, Slaagwerk den Haag, ETET, Klangforum Wien, Tamgram project, Insomnio, Distractfold, Adapter, Ensemble Aleph, Plural ensemble, etc.

Julián Ávila (Valencia, 1982)
Es profesor de Composición Electroacústica en el Conservatorio Superior de Música de Castilla-La Mancha y profesor adjunto en el centro de investigación musical NOVARS de la Universidad de Manchester (Reino Unido) en el que realiza su último año de doctorado. Además colabora como profesor invitado en el Master de Artes Efímeras de la Universidad Politécnica de Madrid. Ha resultado ganador de la última edición del concurso de composición del Colegio de España en París (MECD). En la actualidad forma parte del proyecto de investigación Dutch-UK Network 58/58 entre la Universidad de Manchester y el Instituto de Sonología de la Haya (www.dutch-uk.netwok). Dentro de su actividad reciente destaca el estreno de la obra Crescencia, encargo de la Orquesta y Coro de RTVE para la temporada 15/16 y la instalación Travesía por los estados de la palabra (encargo de la Embajada de Colombia y Fundación Telefónica) presentada durante la feria ARCO 2015 en La Casa del Lector, Matadero Madrid.

Gonzalo Navarro (Almonte-Huelva, 1981)
Comenzó sus estudios de guitarra clásica de forma autodidacta para luego ingresar en el Conservatorio Profesional de Música de Huelva “Javier Perianes” donde obtiene el Grado Medio en la especialidad de guitarra clásica bajo la tutela del profesor Adolfo Suárez. En 2006 se trasladó a Badajoz para estudiar composición con el profesor Daniel Sprintz, acabando los estudios superiores con la más alta calificación. Posteriormente realizó cursos de posgrado con José Manuel López López, al mismo tiempo que asistió a clases de compositores como Ivan Fedele, Robert Pascal, Philippe Hurel, Héctor Parra, Christopher Bochmann y Salvatore Sciarrino entre otros. Entre su producción se encuentra la música sinfónica, de cámara, solista y electroacústica, siendo común en su escritura la preocupación por el fenómeno temporal, la búsqueda de lo interior en el sonido y la relación con otras artes, en especial la poesía y la pintura. Su música se ha interpretado en distintas ciudades españolas como Badajoz, Madrid, Zaragoza, y fuera de España en ciudades como Burdeos, Gradignan, Estrasburgo y Ginebra. En el terreno de la docencia es profesor de armonía, análisis y guitarra clásica en varias escuelas de música de la provincia de Badajoz.

Daniel Muñoz (Barcelona, 1987)
Después de empezar sus estudios musicales de piano y teoría musical, se matriculó en el Conservatorio Profesional de Música de Badalona. En 2012 obtuvo el Título Superior de Piano en el año 2012 en el Conservatorio Superior de Música del Liceu de Barcelona bajo la tutela de Michel Wagemans con excelentes calificaciones. Posteriormente inició estudios superiores de composición de la mano de Benet Casablancas en el mismo centro. Ha asistido a cursos de composición con Agustí Charles y Hèctor Parra, y a diversas clases magistrales y seminarios con Joan Guinjoan, David Padrós, Jesús Rueda, Josep Mª Guix, Mª Eugenia Luc, Jesús Torres, Martin Matalon, Philip Cashian, George Benjamin y Kaija Saariaho, entre otros. Ha estrenado diversas obras de música solista, cámara y orquesta en Barcelona y Londres (Royal Academy of Music). Actualmente estudia en la Universität für Musik und darstellende Kunst de Graz con el compositor Beat Furrer.

Jean Guillou

El Centro Nacional de Difusión Musical coproduce el XXXIII Festival Internacional de Órgano de la Catedral de León (FIOCLE), que propone en esta edición 13 conciertos, desde el 21 de septiembre al 10 de noviembre, en la seo leonesa.
Todos los conciertos serán de acceso libre hasta completar el aforo de la catedral.

El 15 de septiembre el director del Centro Nacional de Difusión Musical, CNDM (unidad del INAEM, Ministerio de Educación, Cultura y Deporte), Antonio Moral, junto al director del Festival Internacional de Órgano de la Catedral de León (FIOCLE), Samuel Rubio y el alcalde de León, Antonio Silván, ha presentado la trigésima tercera edición del festival, actividad que el CNDM coproduce y que se incluye dentro de la programación de su temporada 16/17. La presente edición propone 13 conciertos que tendrán lugar en la seo leonesa del 21 de septiembre al 10 de noviembre de 2016. Estas actividades continúan el compromiso del CNDM por promover y recuperar el patrimonio musical antiguo por todo el país, a través de su programación en veintiocho ciudades españolas y cuatro extranjeras (Bogotá, Múnich, Viena y Elvas, Portugal).

Órgano y mucho más

La programación del trigésimo tercer Festival Internacional de Órgano de la Catedral de León mantiene su esencia con ocho recitales de grandes nombres del panorama organístico mundial a la vez que abre sus puertas a otras cinco propuestas musicales a cargo de destacados conjuntos españoles de música histórica. El vienés Martin Haselböck, organista y director de orquesta reconocido internacionalmente por ser el director artístico y fundador del prestigioso conjunto Wiener Akademie, acudirá para inaugurar el festival el miércoles 21 de septiembre, con un recorrido que se abrirá con la famosa Toccata y fuga en re menor de J.S. Bach e incluye Volumina, una de las obras más importantes para órgano de Ligeti y de la literatura organística contemporánea, a lo que añadirá la improvisación sobre un tema dado, explotando todas las posibilidades de este magnífico órgano. La segunda cita, dos días después, transportará al público a la Edad Media a través de la música que acompañaba a las danzas que protagonizaron el medioevo europeo, la mayoría de ellas de autor desconocido, de la mano del conjunto leonés Eloqventia y su director, Alejandro Villar. La tercera velada vuelve a presentar al clavecinista Eduardo López Banzo acompañando a los cantantes seleccionados en el Curso de Interpretación Vocal Barroca organizado por el CNDM en el Auditorio Ciudad de León y dirigido por el mismo Banzo cada año: las sopranos Elia Casanova, Rosa García Domínguez y Quiteria Muñoz Inglada además del contratenor Christian Gil Borrelli, jóvenes artistas que destacaron en la interpretación de la cantata barroca y que cantarán en este recital arias italianas de cuatro grandes maestros de esa época: Carl Philipp Bach, Antonio Vivaldi, George Frideric Haendel y Antonio Caldara.

Este año el CNDM conmemora el tercer centenario de la muerte del compositor barroco Sebastián Durón (1660-1716), con un ciclo transversal formado por trece conciertos que recorrerán toda la geografía nacional. Dos de esas citas estarán incluidas en este festival: en la primera, la soprano Raquel Andueza y su conjunto La Galanía, colocan al genio alcarreño como eje central de un programa que indaga en la música sacra de esa época, a través de diversas manifestaciones de la música religiosa (cantadas y tonos de Durón) junto a alguna página anónima o de otros contemporáneos suyos como Carlos Subias, Antonio Martín y Coll y Gaspar Sanz, del que interpretarán sus conocidas Folías. En el segundo programa con Durón como protagonista, la Capilla Jerónimo de Carrión y su directora Alicia Lázaro se sumergirán en músicas inéditas del siglo XVII, contrastando partituras vocales del Durón sacro, así como otros tres grandes representantes del barroco hispano: Juan Hidalgo de Polanco, José Marín y Jerónimo de Carrión. En el último concierto de los que no serán de órgano solo oiremos los tesoros medievales del archivo de la catedral leonesa rescatados por Juan Carlos Asensio y su grupo Schola Antiqua, en lo que será el estreno en tiempos modernos de liturgias procesionales de los Santos Isidoro, Antolín y Santiago.

Además de Haselböck, el festival recogerá en los conciertos de órgano un amplio espectro estilístico y temporal, con obras de la literatura ibérica, personalidades destacadas de las postrimerías del Romanticismo –caso de Liszt o Franck– y el lenguaje contemporáneo de Messiaen. No menos interesante resultará la recuperación de dos tradiciones íntimamente ligadas al rey de los instrumentos, la improvisación y la adaptación de partituras procedentes de otros ámbitos sonoros, como una sonata para piano de Beethoven o una escena operística wagneriana. Estas versiones espectaculares explotan el concepto del órgano como orquesta, algo en lo que Widor, con sus sinfonías escritas directamente para el instrumento, fue un maestro. Así, público leonés podrá escuchar en esta edición a los organistas Juan de la Rubia (titular de la Sagrada Familia, que recorrerá en su programa obras de Bach, Franck, Duruflé y el original arreglo de la “Escena del Walhalla” perteneciente a la ópera El ocaso de los dioses de Wagner), Giampaolo di Rosa (que presentará en León la integral de la obra para órgano de Olivier Messiaen, junto a obras de Franck y Beethoven), Vincent Dubois (uno de los organistas titulares de Notre Dame de París, ha elegido repertorio de tres de los compositores más importantes de la historia del órgano: Bach, Franck y Messiaen, a lo que añadirá una extraordinaria transcripción para órgano de la Danza macabra de Saint-Saëns), Jean Guillou (una auténtica leyenda viva del órgano que fue asesor en la construcción del nuevo órgano de la Catedral de León, vuelve a ella con un programa conformado por un movimiento de la Sexta Sinfonía de Charles-Marie Widor, una obra de Liszt y dos temas propios), Daniel Oyarzabal (que iniciará su concierto con la célebre sinfonía de la Cantata BWV 29 del maestro Bach, a quien acompañarán piezas de sus dos compatriotas Mendelssohn y Brahms y obras de Messiaen, Mussorgski y Rimski-Korsakov), Paolo Oreni (que ha elegido para la ocasión partituras de Mozart, Bach, Liszt, Dupré y una improvisación propia) y el intérprete libanés Naji Hakim, que clausurará el festival el jueves 10 de noviembre con la famosísimaPassacaglia de Bach junto a piezas de Cabanilles, Franck y obras propias.

Todos los conciertos del festival serán con acceso libre hasta completar el aforo de la catedral.

La Grande Chapelle

Tras el éxito de las pasadas ediciones, “Salamanca Barroca” afronta esta temporada 2016/17 consolidada como “un singular punto de encuentro en el ámbito de la interpretación musical historicista en nuestro país”, según explicó García-Bernalt en rueda de prensa, al tiempo que destacó su firme “apuesta por la recuperación de patrimonio musical, de consolidación de repertorio, de promoción de proyectos relacionados con las músicas históricas ibéricas y de revisión del barroco europeo, todo ello en un entorno donde confluyen también elementos académicos y, particularmente, docentes”.

Programa “variado, extenso y profundo”
El programa de esta edición presenta, a su juicio “un panorama variado, extenso y profundo, en el que conviven repertorios conocidos con obras que vuelven a la vida tras siglos de silencio, en el que Purcell se encuentra con Durón y Schein con Palestrina y jóvenes músicos emergentes comparten escenario con intérpretes de referencia”.

Precisamente uno de estos proyectos abre el ciclo el día 3 de octubre, con la Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca, bajo la dirección de Pedro Gandía. En el marco de las conmemoraciones en torno a Shakespeare y Cervantes ofrecerán un programa que reúne a ambos autores a través de la música que inspiraron sus obras; un viaje por la Europa barroca que nos traslada desde Viena hasta Londres.

Para el director de la Academia de Música Antigua de la Universidad de Salamanca y coordinador del programa la propuesta musical de esta nueva esta edición tiene “a la voz como elemento fundamental, teniendo un papel protagonista en ocho de los 11 conciertos de la nueva temporada”. Tres de ellos están relacionados con los ecos del tercer centenario de la muerte de Sebastián Durón (1660-1716). De la mano de intérpretes y grupos de referencia como Marta Almajano, Nuria Rial, Accademia del Piacere y La Grande Chapelle, se ofrece una extensa panorámica de la producción sacra y profana de un músico que fue fundamental en la conformación del peculiar barroco ibérico.

La vida musical de la Salamanca del XVIII se materializa en un proyecto de recuperación de un concierto sacro, lo que en la época se denominaba una «siesta». Con la colaboración de la mezzosoprano Marta Infante y el Coro de Cámara de la USAL se recorrerá medio siglo de la música asociada a la capilla universitaria, desde el último barroco hasta las primeras muestras del clasicismo.

Dos formaciones vocales de referencia mundial
El ciclo acoge también a dos formaciones vocales de primer orden en el panorama mundial de la música históricamente informada: el Collegium Vocale de Gante y The Sixteen, dirigidos respectivamente por Philippe Herreweghe y Harry Christophers. En el excepcional marco de la capilla del Colegio Fonseca, y fuera de abono, el grupo británico ofrecerá un exuberante paisaje de la música sacra italiana relacionada con la capilla pontificia, articulado en torno a autores medulares de la polifonía occidental como Palestrina, F. Anerio y Allegri. Por su parte el Collegium Vocale centra su programa en una pieza clave de la música sacra alemana del primer cuarto del XVII: la exquisita colección de madrigales espirituales Israelsbrünlein de Johann Hermann Schein.

En la órbita de esta obra se encuentra también el programa ofrecido por el Concento de Bozes. Este grupo emergente, derivado del trabajo formativo realizado por el contratenor Carlos Mena en la USAL, ahondará en el nacimiento de la Música poética, la nueva oratoria musical que acabó alcanzando en el barroco alemán algunas de sus más altas cotas. También Carlos Mena, artista residente del CNDM en la temporada 2016-2017, tomará parte en el concierto que cierra el ciclo. Junto a la Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca ofrecerá un programa organizado en torno a dos cantatas para alto de Johann Sebastian Bach: Widerstehe doch der Sünde, escrita en Weimar en 1715 y Ich habe genug, cuya primera versión se sitúa en Leipzig doce años después. Las dos obras establecerán un diálogo con la música profana de la época, representada por una suite de Telemann y otra de Johann Ludwig Bach.

También la producción profana de Bach estará presente en Salamanca Barroca con una monumental obra que muestra la genialidad del Kantor como geómetra de la música: la Ofrenda musical. Para interpretarla –en varios de los sentidos de la palabra – se reúne un grupo de excepción: la violinista Lina Tur Bonet, el chelista Marco Testori, el flautista Alexis Kossenko y el clavecinista Kenneth Weiss, quienes nos llevarán a una velada que quizá nunca tuvo lugar en la corte de Federico II el Grande.

Academia de Música Antigua
La Academia de Música Antigua, constituye un ámbito global de articulación y promoción de actividades en el campo de la “interpretación musical histórica”. Creada con el objeto de facilitar los mecanismos de especialización en repertorio renacentista y barroco a los jóvenes músicos españoles, se ha convertido en un referente de este tipo de trabajo en España. Junto a un programa anual de cursos de especialización, la academia acoge distintas agrupaciones musicales especializadas: Coro de Cámara, Consort de Violas da Gamba y Orquesta Barroca, entre otras.

Precisamente esta es otra de las líneas de actuación de Salamanca Barroca: fomentar y facilitar la presencia de los intérpretes participantes en el ciclo de conciertos en el plan formativo que, desde hace ya casi un cuarto de siglo, se mantiene en la Universidad de Salamanca en relación con la música antigua. Un plan que se articula a través de un programa de cursos, clases magistrales y seminarios centrados fundamentalmente en aspectos de prácticas interpretativas históricas. Este año los cursos contarán con la participación de Pedro Gandia (violín), Andoni Mercero (viola), Itziar Atutxa (violonchelo y viola de gamba) y clases magistrales de Carlos Mena (canto). Información e inscripciones en: academia@usal.es

Las localidades, con un precio de 7€ a 15€ para el público general y con un 20% de descuento para estudiantes y miembros de la comunidad universitaria, se pueden adquirir ya en Mercatus (tienda oficial de la Universidad), de lunes a sábado de 10:00h a 20:00h y domingos de 10:15h a 14:00h, a través de http://sac.usal.es/ y una hora antes de cada concierto en taquilla.

Gerhaher

Era la octava vez que Christian Gerhaher participaba en el Ciclo de Lied del CNDM en el Teatro de la Zarzuela. En esta ocasión para interpretar Winterreise (viaje de invierno), que Franz Schubert compuso en 1827 para voz y piano. En él expresa los sentimientos de un caminante a través de un paisaje invernal y gélido, tras conocer el rechazo de su amada. Desgrana su melancolía a través de un viaje en el que solo existe la desesperanza.

Alejado de su familia, sin pareja estable, enfermo y sin haber conseguido ningún éxito como compositor, Schubert transmite a través de este conjunto de 24 canciones los dos temas fundamentales de los poemas de Wilhem Muller, el sentido de viaje y el de soledad. Y lo hace a través de un viaje íntimo en el que utiliza como eje principal el paisaje exterior, la naturaleza, como símbolo de su propio interior. El invierno es aquí el elemento descriptor de los sentimientos más profundos y sombríos. Nos habla claramente de la muerte. Muerte que le acechaba y que llegó apenas fue publicada esta obra casi póstuma.

Schubert resaltó la parte pianística y eliminó cualquier tipo de adorno vocal. la sencillez, que no simplicidad, son un elemento común a destacar en esta obra. Es aquí donde Gerhaher añade una contención desprovista de cualquier exceso de teatralización dramática. Profundizando en la sobriedad de los sentimientos más desgarrados.

Este tipo de composiciones, aparentemente sencillas, requieren de una depurada técnica instrumental. Y es Christian Gerhaher uno de sus mejores exponentes en la actualidad. Se nota la magistral influencia tanto de Fischer-Dieskau, como de Elisabeth Schwarzkopf y es evidente la evolución de su voz y la capacidad de matización en obras de tanta exigencia comunicativa por su contención. Los cambios de tonalidad y de dinámicas son perfectamente expresados por un Gerhaher que ha perfeccionado sus graves y que regula el volumen y los cambios de tono con seguridad y acierto. Como demostró en Irrlicht (Fuego fatuo) donde la amplitud de registro y tonalidad obliga a transitar de agudos a graves y de fortes a delicados pianos.

Acompañado por Gerold Huber, establecen entre ambos ese diálogo íntimo entre voz y piano con el que Schubert concibió Winterreise. Un viaje interior en el que el dramatismo del proceso anímico solo puede conducir a la nada. A la soledad más absoluta del propio compositor.

Fue una hora y media en la que Gerhaher desgranó una a una estas 24 delicadezas del romanticismo. No ofreció bises, no eran necesarios. Nada faltó en esa hora y media de un recogimiento interior del que tan profundamente se puede llega a disfrutar.

https://youtu.be/dIwo6cxcWDE

Christian Zacharias

La quinta edición del ciclo CONTRAPUNTO DE VERANO dedicado a la música de cámara, que tradicionalmente cierra la temporada del CNDM, tiene este año como protagonista absoluta a la música alemana, de la mano de los extraordinarios Christian Zacharias, el Cuarteto de Leipzig, la pianista Olga Gollej y la Joven Orquesta Nacional de España y con la colaboración del Goethe Institut.

Del 1 al 27 de junio, a las 20 horas, los 5 conciertos (4 en la Sala de Cámara y uno en la Sala Sinfónica) recorrerán dos siglos de música, de Robert Schumann a Jörg Widmann.

Vuelve el ciclo Contrapunto de Verano al Auditorio Nacional de Música de Madrid para cerrar la temporada del CNDM. En esta ocasión, la serie se extenderá por todo el mes de junio con cuatro conciertos en la Sala de Cámara a los que se suma este año uno sinfónico, que será interpretado por la Joven Orquesta Nacional de España bajo la dirección de Christian Zacharias. Bajo el título “Tradición y presente en la música alemana”, las cinco citas presentarán obras de cámara de Schumann y Brahms a las que se añadirán composiciones de autores germanos del siglo XXI, como son Wolfgang Rihm, Aribert Reimann, Jörg Widmann (que será, además, “Compositor Residente” en la próxima temporada del CNDM), Bernd Franke y Steffen Schleiermacher. El programa plantea así un diálogo entre el pasado y presente de la música alemana, entendidos no como realidades ajenas y enfrentadas, sino como fases distintas de un discurso ininterrumpido, siguiendo la reivindicación que en su momento hizo Schoenberg sobre la “modernidad” de Brahms y Berg sobre la de Schumann. La vinculación de pasado y presente es una constante también en la trayectoria de los intérpretes elegidos, como es el caso del Cuarteto Leipzig presente en cuatro de las cinco veladas y que acumula desde su fundación en 1988 un repertorio inmenso, desde amplias incursiones en Haydn, Mozart y Beethoven, pasando por unas señaladas integrales de Schubert, Schumann, Mendelssohn, Brahms y la Segunda Escuela de Viena hasta los estrenos de autores actuales como Beat Ferrer, Alfred Schnittke, Jörg Widmann, Cristóbal Halffter, Claus-Steffen Mahnkopf, Steffen Schleiermacher, Christian Ofenbauer, Sigfried Thiele, Viktor Ullmann y Wolfgang Rihm, por citar algunos. Entre sus colaboradores habituales está el pianista Christian Zacharias, buen conocido del público español e intérprete exquisito del repertorio de los siglos XVIII y XIX, con especial énfasis en el Romanticismo alemán. Como va siendo cada vez más habitual en él, Zacharias actuará también como director de orquesta al mando de la JONDE, en su última cita en calidad de “Artista Residente del CNDM” en la temporada 15/16. Por su parte, tanto la pianista kazaja Olga Gollej como la Joven Orquesta Nacional de España (JONDE) también pueden presumir del dominio de repertorios que conjugan épocas y generaciones de compositores muy diversos.

Christian Zacharias es un reconocido pianista, director de orquesta, director de festival, pensador musical, escritor y locutor, con una activa carrera de renombre internacional como concertista de piano. Actúa regularmente en recital y en concierto en todo el mundo con los principales directores y orquestas de la escena internacional. Ha sido director artístico y principal de la Orquesta de Cámara de Lausanne, con la que realizó numerosas grabaciones entre las que destaca su ciclo completo de los conciertos para piano de Mozart, ganador de los premios “Diapason d’Or”, “Choc du Monde” y “ECHO Klassik”. Zacharias es Socio Artístico de la Orquesta de Cámara de St. Paul desde la temporada 2009/10 y también mantiene estrechos vínculos con la Orquesta Sinfónica de Gotemburgo, siendo el Principal Director Invitado desde hace muchos años. Colabora con orquestas como la Filarmónica de Los Ángeles, Orquesta Hallé de Manchester, Het Residentie Orkest Den Haag, Orchestre National de Lyon, Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Bamberger Symphoniker y la Gürzenich Orchester de Colonia. Zacharias ha trabajado en producciones de ópera como La Clemenza di Tito y Le nozze di Figaro de Mozart y La Belle Hélène de Offenbach, y en películas como Domenico Scarlatti en Sevilla, Robert Schumann: der Dichter spricht (INA, París) y Zwischen Bühne und Künstlerzimmer (WDR-Arte). Entre sus numerosos premios y galardones destaca el “Midem Classical Award” como “Artista del Año 2007” en Cannes. Después de haber sido premiado por sus contribuciones a la cultura en Rumanía en 2009, el gobierno francés le honró como “Officier dans l’Ordre des Arts et des Lettres”. Con motivo de su 60 cumpleaños, la Alte Oper Frankfurt organizó un “Retrato de artista” de Christian Zacharias, presentándole como pianista, director de orquesta, músico de cámara y como acompañante de lied. Ha sido el primer pianista alemán en debutar en recital en el Carnegie Hall de Nueva York en 30 años, en diciembre de 2011.

El Cuarteto de Leipzig (Leipziger Streichquartett) se ha perfilado como el “mejor cuarteto alemán” (Gramophone) y como uno de los conjuntos más solicitados y polifacéticos de la actualidad. Fundado en 1988, hasta entonces tres de sus miembros pertenecían a la Gewandhausorchester de Leipzig como solistas de sección, hasta que en 1993 decidieron concentrarse en la música de cámara. Previamente habían realizado estudios con Gerhard Bosse en Leipzig, con el Cuarteto Amadeus en Londres y Colonia, con Hatto Beyerle en Hannover y con Walter Levin. Ha recibido numerosos premios y distinciones y ha ofrecido conciertos en más de cuarenta países en Europa, América del Norte y del Sur, Australia, Japón, Asia y África. Su discografía abarca casi cien discos con composiciones de Mozart a Cage y de Haubenstock-Ramati a Beethoven, e incluye la grabación integral de la obra para cuarteto de cuerda de Brahms, Mendelssohn y Mozart, así como la grabación completa de la Segunda Escuela de Viena. Han recibido distinciones como el “Diapason d’Or”, el “Premio CD-Compact”, el “Indie Award” y el “ECHO Klassik”. Desde 1992 graban en exclusiva para el sello Musikproduktion Dabringhaus und Grimm (MDG). La colaboración con Alfred Brendel, Christian Zacharias, Menahem Pressler, Andreas Staier, Juliane Banse, Christiane Oelze, Herbert Schuch, Alois Posch, Stephan Genz y Giora Feidman enriquece el extenso repertorio del conjunto. Ha estrenado obras de compositores como Beat Furrer, Alfred Schnittke, Jörg Widmann, Cristóbal Halffter, Claus-Steffen Mahnkopf, Steffen Schleiermacher, Christian Ofenbauer, Sigfried Thiele, Viktor Ullmann y Wolfgang Rihm, entre otros. Con motivo de su vigésimo aniversario, el Cuarteto de Leipzig realizó un ciclo de seis conciertos con la integral de los cuartetos de Beethoven en quince salas de todo el mundo entre 2007 y 2009. Durante un ciclo de varios años de duración en el Gewandhaus de Leipzig el cuarteto interpretó los cuartetos de cuerda completos de la Primera y Segunda Escuela de Viena. Forma parte de la Orquesta del Festival de Lucerna desde 2009 por invitación de Claudio Abbado y ocupa una cátedra de profesor invitado en la Universidad de las Artes de Tokio (Geidai).

Nacida en Kazajistán en 1983, Olga Gollej recibió sus primeras clases de Piano a la edad de cinco años. Su extraordinario talento fue descubierto y apoyado desde temprana edad, por lo que compaginó sus estudios escolares con los estudios musicales en las Escuelas Superiores de Música de Leipzig y Würzburg. De 2002 a 2007 estudió en el Mozarteum de Salzburgo y en 2011 finalizó sus estudios en la Escuela Superior de Música Franz Liszt de Weimar. Numerosos premios en concursos y distinciones (Deutscher Musikrat, Jeunesses Musicales de Alemania) le abrieron las puertas a actuaciones en países de Europa, América del Sur y Oriente Próximo. Participa habitualmente en el Festival Arras, en el Festival Sommersprossen y en el Festival Jordan en Amán, entre otros. En el terreno de la música de cámara colabora con el Ensemble Kontrast, con el barítono Stephan Genz y con el Cuarteto de Leipzig, entre otros. En 2008 fundó el Trio ECCO junto al clarinetista Karl Leister y el violonchelista Matthias Moosdorf. En 2010 el conjunto publicó su primer CD con obras de Eberl, Kreutzer y Ries. También ha realizado diversas grabaciones con el Cuarteto de Leipzig, con arreglos de obras orquestales de Mendelssohn y obras de Klughardt, Schreker y Schoeck para el sello Musikproduktion Dabringhaus und Grimm. Su último disco junto a este cuarteto con el Quinteto para piano de Serguéi Tanéyev ha sido publicado recientemente. Desde 2014 es miembro del Trio ex aequo. Es docente del Conservatorio Edward Said (Fundación Barenboim-Said) en Israel y Palestina. Ha sido becada por la Fundación Yehudi Menuhin Live Music Now desde 2010. Junto al violonchelista Matthias Wilde fundó el Festival Anhaltische Kammermusiktage, que cada año atrae grandes figuras de la música a la ciudad de Wörlitz. Desde 2013 es gerente del Festival Internacional Ópera Gluck en Nuremberg.

La Joven Orquesta Nacional de España (JONDE) pertenece al Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), organismo dependiente del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte. Fue creada en 1983 con el propósito de contribuir a la formación de músicos españoles en la etapa previa al ejercicio de su profesión, a través de unos seis encuentros anuales. La JONDE ha colaborado con solistas tan importantes como Rostropovich, León Ara, Rafael Orozco, Zacharias, John Williams, Deszö Ranki, Teresa Berganza, María Bayo, Simon Estes o Juan D. Flores, entre otros, y directores como Carlo M. Giulini, G. Schuller, J. Kreizberg, F. Biondi, R. de Leeuw, V. Petrenko, Zacharias, P. Goodwin, Lutz Köhler, G. Noseda, Ch. Hogwood, Pehlivanian, P. Rundel, E. Colomer, Jesús López Cobos, Josep Pons, Ros Marbá, Víctor Pablo, Frühbeck de Burgos, B. Aprea, Pablo González, A. Zedda o A. Tamayo. La proyección en el extranjero de la JONDE abarca giras por la mayoría de los países europeos y Estados Unidos, actuando en salas de conciertos como el Théâtre des Champs Elysées de París, la Filarmónica de San Petersburgo, el Carnegie Hall de Nueva York, el Royal Albert Hall de Londres, el Concertgebouw de Ámsterdam, el Konzerthaus am Gendarmenmarkt y la Filarmónica de Berlín o la Radio Kulturhaus de Viena, participando, entre otros festivales, en los BBC Proms de Londres, Expo de Lisboa ’98, Robecco Zomerconzerten (Ámsterdam), Musikfestpiele Saar, World Expo Hannover, el Festival Young.Euro.Classic de Berlín, el Schleswig-Holstein Musik Festival, Festspiele Mecklenburg-Vorpommern, Opernfestspiele Schloss Weikersheim, Festival Kultursommer Nordhessen (Alemania) o el Festival España-Venezuela de Caracas. La JONDE cuenta con el patrocinio de la Fundación BBVA, y participa periódicamente en programas de intercambio, especialmente a través de la European Federation of National Youth Orchestras (EFNYO) y de los diversos Sistemas de Orquestas Juveniles hispanoamericanos. Desde 2001 su director artístico es el compositor José Luis Turina.

Las localidades para los 4 conciertos en la Sala de Cámara ya están a la venta en las taquillas del Auditorio Nacional, teatros del INAEM, 902 22 49 49 y www.entradasinaem.es, a un precio de 10€ a 20€ para el público general y de 8€ a 15€ para menores de 26 años. En el caso del concierto en la Sala Sinfónica, también ya la venta, los precios oscilan entre los 5€ y los 20€, para las localidades generales y, para los menores de 26 años, de 3€. A estos precios hay que añadir la existencia de localidades de “Último Minuto”, disponibles, si las hubiere, desde una hora antes de comenzar cada recital, para menores de 26 años y desempleados, con un 60% de descuento sobre el precio general.

CNDM

El CNDM ha presentado su programación de música actual en Santiago de Compostela (dentro del cuarto ciclo “Xornadas contemporáneas”) y Badajoz (con la séptima edición de “Música actual”). El apoyo a la música de nuestro tiempo es uno de los pilares del centro y tendrá́, como ya es habitual, una atención preferente con la organización de 44 conciertos (una quinta parte de toda la programación), repartidos a lo largo de 5 ciudades españolas dentro de los ciclos “Series 20/21” y “Liceo de Cámara XXI” en Madrid (con 21 estrenos absolutos), “Alicante Actual” (8 conciertos y 8 estrenos) las “Xornadas contemporáneas” de Santiago de Compostela (19 actividades y 13 estrenos), “Música Actual” de Badajoz (9 actividades y 11 estrenos) y una ópera sin voces de estreno mundial en Pamplona del recientísimo Premio Nacional de Música 2015 y “Compositor residente” de esta temporada del CNDM, Alfredo Aracil, y el icónico ilustrador Alberto Corazón (Premio Nacional de Diseño 1989). En total, se estrenarán 51 nuevas partituras, 21 de ellas por encargo del CNDM, con una nómina de compositores, en su mayoría nacionales, que abarca un amplio abanico generacional de diferentes tendencias y estilos, como Luis de Pablo, Antón García Abril, Alfredo Aracil, Jesús González, Manuel Rodeiro, José Río-Pareja, Juan Cruz-Guevara, Federico Mosquera Martínez, Jacobo Durán-Loriga, Laura Vega, Joan Arnau Pàmies, Ramón Paus, Irene Galindo, Carlos Cruz de Castro, Agustín Charles, Ramón Humet, Sebastián Mariné, Iluminada Pérez Frutos y Joan Magrané, a los que hay que unir a los maestros internacionales Lera Auerbach, Sarah Nemtsov y Steffen Schleiermacher. Estas actividades continúan el compromiso de la institución nacional por promover y difundir la creación musical contemporánea por todo el país, a través de su programa “Circuitos” presente en dieciocho ciudades españolas a las que se unen, por primera vez, dos extranjeras: Bogotá (Colombia) y Elvas (Portugal).

El Santiago más caníbal
En el año 2012, y tras 13 años sin actividad, renacieron en Santiago de Compostela las Xornadas de Música Contemporánea con el objetivo de fomentar y difundir las últimas tendencias y la innovación en música contemporánea. Mañana comienza la cuarta edición que se extenderá hasta el 29 de octubre en diferentes espacios de la ciudad, en coproducción con el Ayuntamiento de Santiago, el CGAC, la Universidad de Santiago y la colaboración del Consorcio de Santiago y el Consorcio para Promoción de la Música de A Coruña. Como en anteriores ediciones, la ciudad se llenará de música contemporánea con un total de 19 conciertos, de los cuales 3 están enmarcados dentro del programa pedagógico y 3 en el “Off_Contemporánea!!”, parte del ciclo que engloba las propuestas más alternativas: otras músicas, otras visiones, otros espacios.

La Orquestra de Cámara Galega será la encargada de inaugurar el ciclo dirigida por Rogelio Groba con un programa monográfico para homenajear a este director y compositor gallego, que con 85 años cuenta con un catálogo de más de 700 composiciones. Las Xornadas también quieren celebrar el 50 aniversario de Manuel Rodeiro y Jesús González, dos de los compositores más representativos de la música gallega actual, con un concierto del Grupo Instrumental Siglo XX dirigido por Florian Vlashi. Otros conjuntos gallegos que están en la vanguardia musical también tendrán su espacio en el ciclo: Vertixe Sonora Ensemble, pablo_seonae_trem (que presentará el estreno absoluto de ‘La Bestiaire’, composición inspirada en la obra de Apollinaire-Poulenc e Dufy), el quinteto de vientos Zoar, el clarinetista Joaquín Meijide (“Xocas”) y el dúo galego-portugués KONTAKTEduo. Además, añadir la presencia de la Banda Municipal de Música, la orquesta Real Filharmonía de Galicia (que, dirigida por Diego García y con la participación del excomponente de la banda Siniestro Total, Julián Hernández, presentarán el Frankenstein de Gruber), la Orquestra Sinfónica de Galicia y la Camerata OSG. La participación foránea se materializará en conciertos del conjunto extremeño Sonido Extremo, el Cuarteto Gerhard y el pianista Francesco Tristano.

Especial atención requiere la segunda representación de la ópera sin voces ‘Siempre/Todavía’ que tendrá lugar el 23 de octubre en el CGAC, de la mano del pianista granadino Juan Carlos Garvayo. La obra parte de un guión del compositor Alfredo Aracil basado en el libro Damasco Suite, somos memoria (Ahora Ediciones de Bibliofilia, 2004), publicado tras una trascendental estancia del diseñador madrileño (“el padre del diseño español”) Alberto Corazón en la capital siria en 2002, con motivo de una exposición retrospectiva que el Museo Nacional de Damasco dedicó a su pintura y escultura. Dos días antes, el miércoles 21 habrá un encuentro con los dos artistas en el CGAC como preámbulo a la ópera. Este espectáculo es una coproducción del CNDM junto a la Universidad de Navarra y Metacción.

La conquista del Oeste
Coproducido por el CNDM junto a la Sociedad Filarmónica de Badajoz, y con el apoyo de la Consejería de Cultura del Gobierno de Extremadura, el Ayuntamiento, la Diputación de Badajoz y la Fundación Caja Badajoz, el séptimo ciclo “Música Actual” comenzará el 13 de octubre y se extenderá hasta el 30 de enero de 2016 con 7 conciertos en diversos espacios de la capital pacense y dos actividades pedagógicas, una de ellas, en Elvas (Portugal). Por segundo año consecutivo, la ciudad de Badajoz participa en los “Circuitos” de música del CNDM, a través de este ciclo de música que la Sociedad Filarmónica de Badajoz creó hace siete años como un espacio para la difusión de músicas actuales, convirtiéndose en poco tiempo en un referente dentro y fuera de Extremadura. Esta colaboración ha permitido incrementar los conciertos del ciclo y los estrenos absolutos, que este año serán 11. Algunos de los compositores que estrenarán sus obras son extremeños o están afincados en Extremadura, como María José Fontán o Domenéch González de la Rubia. Tres de las once obras que se estrenan son encargo del CNDM y dos de la Sociedad Filarmónica. A lo largo de esos cuatro meses se presentará una amplia y variada perspectiva de la creación musical contemporánea a través de siete formaciones, dos extremeñas (Sonido Extremo y la Orquesta de Extremadura) y cinco foráneas (Sonor Ensemble, Ensemble 20/21 de la Joven Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid –JORCAM-, Ensemble NeoArs Sonora, Dúo Cassadó y el Cuarteto Quiroga) que se presentarán en diferentes espacios de la capital pacense como el teatro López de Ayala, el Palacio de Congresos, el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (Meiac) o el Salón Noble de la Diputación de Badajoz.

La apuesta educativa
El apartado didáctico de las Xornadas cuida especialmente el fundamental acercamiento a los más jóvenes de la música contemporánea y la creación actual, a través de propuestas en forma de conciertos para niños, jóvenes y familiares. En esta edición, bajo la denominación “AdesTempo”, presentará tres variados espectáculos en forma de conciertos para niños y familiares: el domingo 18 la Orquestra do Espazo de Cámara de la Universidad de Santiago dirigida por Mario Diz presentará el programa ‘Cuentos de siempre contados como nunca. Concierto para caja de música y orquesta’ en el CGAC. El sábado 24 la Real Filharmonía de Galicia ofrecerá en el Auditorio de Galicia un segundo concierto del Frankenstein de Gruber acompañados de nuevo por Julián Hernández y dirigidos por Diego García. Y el domingo 25, el Salón Teatro recibirá al Grupo de danza contemporánea del Conservatorio de Lugo con “resonancias en movimiento: un espectáculo didáctico de danza y percusión”.

Por su parte, Música Actual incluye este año como novedad una actividad pedagógica en la que participarán un grupo de alumnos del Conservatorio Profesional ‘Juan Vázquez’ y de la Academia de Música Rodrigues Coelho de Elvas (Portugal) y que consistirá en facilitar el acercamiento de los más jóvenes a la música actual. Para ello, los profesores facilitarán a estos alumnos en las aulas las claves para contextualizar y familiarizarse con la música que después podrán escuchar en los conciertos del ciclo. Está previsto que los alumnos de Elvas asistan al concierto del Ensemble 20/21 de la JORCAM el 23 de noviembre y los del conservatorio pacense al concierto del 30 de enero del Cuarteto Quiroga.

Todos los conciertos, tanto de Santiago como de Badajoz, son con entrada libre hasta completar aforo, salvo los de las orquestas de Extremadura, Real Filharmonía de Galicia y Sinfónica de Galicia.

CNDM

El secretario de Estado de Cultura, José María Lassalle, junto a la directora general del INAEM, Montserrat Iglesias y Antonio Moral, director del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), han presentado en rueda de prensa la temporada 15/16 de este centro. El CNDM es una unidad dependiente del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música (INAEM), que propone, para la que es su sexta temporada, un amplio y variado programa que mantiene su espíritu por recuperar y difundir nuestro vasto patrimonio histórico y las músicas cultas de raíz popular como el flamenco y el jazz, incentivar la composición actual y atraer a nuevos públicos hacia la música clásica, o géneros menos frecuentes, a través de las diversas actividades organizadas de forma autónoma o en colaboración con múltiples instituciones nacionales e internacionales.

Esta temporada 2015/16 está conformada por un total de 244 actividades diferentes organizadas desde el 12 de septiembre de 2015 al 29 de junio de 2016. El programa se desarrollará en Madrid capital y en otras 18 ciudades españolas de 8 comunidades autónomas diferentes, a las que hay que añadir una ciudad americana (Bogotá) y otra portuguesa (Elvas) con conciertos, sesiones educativas, academias musicales, cursos de interpretación, clases magistrales, mesas redondas y conferencias a cargo de destacados intérpretes y creadores. En concreto, de los 190 conciertos organizados en la temporada, 100 conciertos se harán fuera de la capital española.

Además de los 10 ciclos tradicionales de Madrid (Universo Barroco -Sinfónica y Cámara-, Liceo de Cámara XXI, Series 20/21, Fronteras, Andalucía Flamenca, Jazz en el Auditorio, Contrapunto de Verano, Ciclo de Lied y Bach Vermut) y los 2 ciclos de Músicas Históricas de León (Ayuntamiento y FIOCLE); el CNDM colaborará con 77 instituciones públicas y privadas en toda la geografía española con los ciclos de música actual en Alicante, Santiago de Compostela y Badajoz; los ciclos barrocos de Oviedo y Salamanca y la colaboración estable con las ciudades de Burgos (Cultural Cordón), Segovia (Fundación Juan de Borbón), Cáceres (Conservatorio) y los festivales internacionales de música de Granada, Sevilla, Úbeda-Baeza y Zamora. El CNDM establece en esta temporada nuevas alianzas con la Dirección General de Política e Industrias Culturales y del Libro (Centenario de Santa Teresa), las Universidades de Navarra, Sevilla y Valencia y el Ayuntamiento de Ávila.

Por primera vez en la historia del centro, nuestras actividades salen fuera de nuestras fronteras con conciertos en Bogotá y un curso sobre la “Historia de un soldado” de Stravinski en el Conservatorio Superior de Elvas (Portugal). La primera colaboración institucional de carácter internacional que llevará a cabo el CNDM y que inaugurará esta nueva temporada, tendrá lugar en Bogotá, en coproducción con el Festival Internacional de Música Sacra de la capital colombiana, cita de referencia en la música antigua. Serán 9 conciertos de músicas de la época colonial (siglos XVI al XVIII), compuestas en ambas orillas del Atlántico a cargo de cinco conjuntos españoles y un colombiano, además de dos recitales del cantaor flamenco Arcángel y del violagambista Jordi Savall. Se trata de dar a conocer en la capital americana una parte del ciclo que ya se presentó hace dos temporadas en diez ciudades españolas, bajo el lema “Sones de ida y vuelta” y que ahora viajará a Colombia para formar parte de una certamen internacional más amplio de carácter multirreligioso, único en Latinoamérica, que abarca todas las épocas, estilos y géneros, tanto de la música clásica como de la tradicional.

Las figuras creadas el año pasado bajo la denominación de residentes se materializan en este curso en el pianista y director de orquesta Christian Zacharias como Artista residente (con presencia en nuestros ciclos Liceo de Cámara, Contrapunto de Verano y el Festival Internacional de Música y Danza de Granada) y de Alfredo Aracil como Compositor residente (el músico madrileño estrenará dos encargos: la ópera sin voces Siempre/Todavía, proyecto realizado junto al diseñador Alberto Corazón en Pamplona y Santiago de Compostela y una obra para violonchelo que verá la luz en Alicante, además de una tercera pieza del 2001 que sonará en Madrid, Segovia y Alicante).

Dentro de las conmemoraciones, este año celebraremos el cuarto centenario de la muerte de Miguel de Cervantes (1547-1616) con sendos conciertos en Madrid y Granada como coartada para recuperar el pulso musical de una época dorada; el 500 aniversario del nacimiento de Santa Teresa de Jesús (1515-1582) con la recuperación de un oratorio inédito de Carlo Badia, que se ofrecerá en primicia en nuestro país en Ávila, Salamanca y la catedral de León; el tercer centenario de la muerte del gran compositor alcarreño Sebastián Durón (1660-1716), al que dedicaremos un programa con obras inéditas de la catedral de Segovia, donde se conservan más de cuatrocientas partituras suyas y el nonagésimo aniversario del maestro Pierre Boulez (1925) con tres obras de referencia de su catálogo camerístico: Le marteau sans maître, Livre pour Quator y Dérive I, que serán interpretadas en Madrid, Santiago de Compostela y Badajoz.

En el apartado de músicas históricas hay que destacar la recuperación y difusión de una amplia muestra de nuestro rico y extenso patrimonio desde la Edad Media hasta el Barroco tardío. Se recuperarán del olvido 80 obras inéditas (70 en la temporada anterior), que hasta ahora permanecían inéditas –muchas de ellas estreno en tiempos modernos– de compositores como José de Nebra, Cristóbal de Morales, Francisco Corselli, Juan Manuel de la Puente, Pere Rabassa, Vicente Basset, Antonio Ripa, Juan Pascual Valdivia o Juan Antonio Aragüés además de algunas obras anónimas y de otros compositores nativos o activos en Latinoamérica como Gutiérrez Fernández Hidalgo, Luis Misón, Antonio Guerrero, Domenico Zipoli o José Cascante. Esos estrenos se repartirán entre 14 ciudades españolas (Madrid, además de los ciclos propios de León, Oviedo y Salamanca; la coproducción o colaboración con los festivales internacionales de Granada, Sevilla, Úbeda, Baeza y Zamora y conciertos puntuales en Ávila, Burgos, Cáceres, Segovia y Valencia) y una capital americana, Bogotá, hasta alcanzar la cifra de 63 programas diferentes frente a los 27 en Madrid, lo que supone una decidida apuesta por descentralizar la actividad musical del CNDM.

La música de nuestro tiempo tendrá, como es habitual, una atención preferente con la organización de 44 conciertos, repartidos a lo largo de 4 ciudades españolas dentro de los ciclos Series 20/21 y Liceo de Cámara XXI en Madrid (con 21 estrenos absolutos), las series de Alicante Actual (8 conciertos y 8 estrenos) las Xornadas contemporáneas de Santiago de Compostela (16 conciertos y 13 estrenos), Música Actual de Badajoz (7 conciertos y 8 estrenos) y una ópera sin voces de estreno mundial en Pamplona. En total, se estrenarán 51 nuevas partituras, 21 de ellas por encargo del CNDM. La nómina de compositores, en su mayoría nacionales, que estrenarán obras, abarca un amplio abanico generacional de diferentes tendencias y estilos, con nombres como Alfredo Aracil, Luis de Pablo, Antón García Abril, Jesús González, Manuel Rodeiro, José Río-Pareja, Juan Cruz-Guevara, Federico Mosquera Martínez, Jacobo Durán-Loriga, Laura Vega, Joan Arnau Pàmies, Ramón Paus, Irene Galindo, Carlos Cruz de Castro, Agustín Charles, Ramón Humet, Sebastián Mariné, Iluminada Pérez Frutos y Joan Magrané, a los que hay que unir a los maestros internacionales Lera Auerbach, Sarah Nemtsov y Steffen Schleiermacher. El Auditorio 400 (MNCARS) seguirá siendo el laboratorio experimental del CNDM y acogerá 12 citas musicales que contendrán, por lo menos, un estreno mundial en su programa. De las 60 obras programadas en ese espacio, 37 pertenecen al siglo XXI lo que nos permitirá profundizar en el estado actual de la creación musical. Entre los intérpretes invitados, la gran mayoría son grupos y solistas nacionales procedentes de diversas comunidades autónomas y que están muy comprometidos con la creación contemporánea.

Continúa el exitoso ciclo con la obra integral para órgano de J.S. Bach, en sus dos sedes: la Catedral de León (Bach en la Catedral) y la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música (Bach Vermut, verdadera sorpresa de la vida musical madrileña en la temporada anterior, que ha roto esquemas y ha batido las previsiones más optimistas de público para este tipo de recital y se ha convertido en un auténtico fenómeno social) con otros diez nombres imprescindibles del mundo organístico internacional. También se consolida la labor emprendida desde los inicios del CNDM para difundir y poner en valor las músicas de raíz popular, como son el flamenco, cuyo ciclo en Madrid vio agotadas las localidades de todos sus conciertos en la temporada anterior, y las series de Jazz o Fronteras, que tan buena acogida les dispensan los públicos más jóvenes. El Liceo de Cámara XXI, que se incorporó desde la temporada pasada a la programación del CNDM, prestará una mayor atención a la música de los grandes compositores del Clasicismo y Romanticismo, sin olvidar los músicos más representativos del siglo XX. El Ciclo de Lied, ya en su vigésima segunda edición, seguirá contando con las mejores voces que cultivan este género tan especial y que han convertido a Madrid en uno de los centros de referencia internacional.

La educación adquiere, como en el curso pasado, una importancia capital con 54 actividades diversas repartidas a lo largo de seis ciudades españolas y una portuguesa, coproducidas por 5 universidades españolas (Oviedo, León, Salamanca, Santiago de Compostela y Complutense de Madrid) cinco Conservatorios de Música en la Península Ibérica (Alicante, Badajoz, Madrid, Oviedo y Elvas en Portugal), dos centros educativos de secundaria de la Comunidad de Madrid (la quinta edición del Proyecto Pedagógico, coordinado por el pedagogo Fernando Palacios) y el Goethe-Institut (con las Jornadas “Interacciones XXI”, dedicadas a la creación musical actual de ambos países). En la Universidad de Salamanca tendrá lugar, por tercer año, un intenso programa de clases magistrales y talleres de interpretación, de carácter transversal, en el ámbito de la música antigua y barroca “históricamente informada”, dentro de la Academia de Música Antigua de esta prestigiosa Universidad. En el Auditorio de León se celebrará en marzo de 2016 el V Curso de Interpretación Vocal Barroca, que anualmente imparte el director y clavecinista Eduardo López Banzo.

El CNDM tiene un especial interés en incentivar y promover la incorporación de nuevas audiencias a sus diferentes programas divulgativos y educativos. De forma muy especial centra su actividad en los jóvenes menores de 26 años para los que desarrolla una amplio abanico de posibilidades, que incluyen ofertas con importantes ventajas en la adquisición de entradas o abonos, sobre todo a través del programa de entradas de Último Minuto (con un descuento del 60%) y acuerdos estables con numerosos centros educativos para que los estudiantes, que participan activamente en los cursos y ciclos, coproducidos conjuntamente, puedan asistir gratuitamente a los conciertos y otras actividades programadas por el centro en las diferentes ciudades españolas. Siguiendo la iniciativa nacida el año pasado, en esta temporada se beneficiarán también del descuento Último Minuto los desempleados que lo acrediten y se mantiene el descuento del 20% para todos los estudiantes, familias numerosas y mayores de 65 años.

Leo-Nucci

El miércoles 29 de abril, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en colaboración con la asociación “Música en Vena” y el Hospital 12 de Octubre, presenta, dentro del ciclo de conciertos que esta temporada está organizando en 4 hospitales de Madrid, al mítico barítono Leo Nucci junto a la soprano María José Moreno y el pianista Paolo Marcarini. El recital continúa con el espíritu de esta iniciativa: acercar la mejor música de todas las épocas con los intérpretes internacionales más importantes a enfermos, familiares y personal sanitario de cada centro.

Música en Vena

En la temporada 14/15, el CNDM (Centro Nacional de Difusión Musical) ha incorporado a su programación el Ciclo de Conciertos en Hospitales de Madrid, en coproducción con la asociación sin ánimo de lucro Música en Vena (MeV). Desde hace dos años, MeV llena de música los hospitales de la ciudad con el fin de mejorar las estancias hospitalarias de pacientes, familiares y personal sanitario, tratando además de generar un nuevo circuito de espacios para la música y los músicos. Gracias a su colaboración y esfuerzo conjuntos, este ciclo, que está teniendo una respuesta excelente, acerca intérpretes de primer nivel a aquellos que no pueden acudir a un concierto convencional. A lo largo de doce recitales con diversas formaciones —desde el solista al ensemble orquestal—, artistas de renombre internacional están actuando en cuatro hospitales madrileños (Clínico San Carlos, Gregorio Marañón, 12 de Octubre y Puerta de Hierro) cambiando, de forma altruista, sus escenarios habituales por salones de actos y salas de diálisis y quimioterapia. El público, diferente al que ocupa usualmente la butaca de un auditorio, también muestra una receptividad singular: la experiencia musical cercana, sin dejar de ser un goce estético, se convierte en un bálsamo emocional sin efectos secundarios.

Nucci: un barítono legendario

Tras el éxito de los dos conciertos anteriores en el Auditorio de este hospital, con el prestigioso pianista y director de orquesta alemán Christian Zacharias (que firmó un recital barroco con obras de Bach, Scarlatti y Antonio Soler) e Iris Azquinezer, joven pero ya importante figura nacional del violonchelo, que interpretó obras propias junto a piezas de Bach y Cassadó, este miércoles llegará el legendario barítono Leo Nucci, acompañado por la soprano María José Moreno y el pianista Paolo Marcarini para cantar algunas de las arias y dúos más famosos de uno de los títulos operísticos que, sin duda, le han dado mayores alegrías: Rigoletto de Verdi, del que lleva interpretadas ya más de 500 funciones en todos los grandes teatros de ópera del mundo. Nucci vuelve así a la temporada del CNDM tras recoger la gloria en el Teatro de la Zarzuela dentro del XX Ciclo de Lied en la pasada temporada 13/14, con 45 minutos de propinas y el público extasiado y puesto en pie, en una cita que además de ser solidaria se presenta como otro gran hito musical.

Leo Nucci ((Castiglione dei Pepoli, Bolonia, 1942) se presentó por primera vez ante el público en 1967 en el Teatro Sperimentale (Adriano Belli) de Spoleto como Figaro en Il barbiere di Siviglia de Rossini. Estudió con Mario Bigazzi, completando sus estudios en Bolonia con Giuseppe Marchesi. A partir de 1977 canta el famoso título rossiniano en el Teatro alla Scala de Milán. Para este mismo teatro ha grabado Don Carlo, dos ediciones de Aida, Il barbiere di Siviglia, Simon Boccanegra, Il trovatore, Otello, Tosca, Gianni Schicchi, con directores como Claudio Abbado, Riccardo Chailly, Riccardo Muti, Lorin Maazel y Sir Georg Solti, entre otros. Su estrecha relación con esta meca de la ópera quedó registrada en 2007 con un concierto histórico con motivo de los treinta años de carrera en el Teatro alla Scala: Leo Nucci: Trenta alla Scala. Sus habituales actuaciones en el Covent Garden de Londres, la Staatsoper de Viena (donde ha cantado cerca de trescientas representaciones y ha realizado múltiples grabaciones, recibiendo la distinción como “Kammersänger” y “Ehrenmitglied”), y en el Metropolitan de Nueva York comenzaron a finales de los años 70. En 1977 cantó por primera vez en la Arena de Verona, donde lleva participando regularmente más de treinta años. Hay que destacar sus interpretaciones de Rigoletto siendo, probablemente, el único barítono que ha cantado este papel verdiano en todos los teatros más importantes del mundo, con más de quinientas actuaciones oficiales (la número 500, la interpretó hace ya un año en la Staatsoper de Viena dirigido por Jesús López Cobos). Nucci ha grabado bajo la dirección de Herbert von Karajan, Sir Georg Solti, Riccardo Muti, Claudio Abbado, Carlos Kleiber, Lorin Maazel, Riccardo Chailly, James Levine, Zubin Mehta, Carlo Maria Giulini, Giuseppe Patanè, Nello Santi, Bruno Bartoletti o Daniel Oren, entre otros, compartiendo escenario con los cantantes más improtantes del mundo de la ópera. Recientemente se ha publicado un libro dedicado a él: Leo Nucci, un baritono per caso, de Achille Mascheroni (Parma, Azzali Editore). Entre sus próximos proyectos destacan las representaciones de Rigoletto en gira por Japón con la producción del Teatro alla Scala, así como otras actuaciones en Verona, Bilbao, Viena y Lieja, y nuevas actuaciones en Simon Boccanegra e Il trovatore en el Teatro alla Scala y en La traviata en la Ópera de Múnich, el Teatro del Liceo de Barcelona y el Teatro Real de Madrid, cita que le ha traído a Madrid en esta ocasión.

La Cetra

En las últimas décadas, la imagen pública de Antonio Vivaldi ha cambiado por completo: de autor casi exclusivamente de una brillantísima música instrumental ha pasado a ser considerado también un extraordinario compositor de óperas, género al que se dedicó con fruición. Andrea Marcon ofrecerá uno de sus más conocidos títulos de madurez, La fida ninfa, obra que sirvió en 1732 para la inauguración del Teatro Filarmónico de Verona. María Espada, Carlos Mena, Karina Gauvin, Romina Basso o Topi Lehtipuu son razones de peso para pensar que la propuesta será un nuevo éxito de la ópera vivaldiana en Madrid.

La Cetra Barockorchester se fundó en 1999 por iniciativa del Dr. Peter Reidemeister, entonces director de la Schola Cantorum Basiliensis, y rápidamente llegó a ser reconocida nternacionalmente como uno de los principales conjuntos en la práctica interpretativa histórica. El nombre de La Cetra se ha tomado del título de la colección de 12 conciertos para violín op 9 de Antonio Vivaldi, publicado por primera vez en Amsterdam en 1727. “La Cetra” se refiere a la antigua lira o cítara.

La mayoría de los músicos son graduados de la Schola Cantorum Basiliensis, el centro Suizo de entrenamiento de élite en música antigua. El conjunto colabora con el departamento de investigación de la Schola Cantorum que permite que el proceso de creación musical vaya acompañado de los últimos avances de la investigación musicológica. El descubrimiento de obras de compositores como Brescianello, Venturini o Paisiello han enriquecido el repertorio de la orquesta, el cual abarca desde las primeras obras de Monteverdi del siglo XVII hasta las sinfonías del clasicismo y primer romanticismo.

Desde 2009, el director artístico de La Cetra es Andrea Marcon, conocido internacionalmente como unode los directores más prominentes del repertorio barroco y de principios del clasicismo. Él ha traído nuevos impulsos y un nuevo enfoque para el rico y, a menudo redescubierto, repertorio de la época. Recientemente, por ejemplo, La Concordi de’ pianeti de Antonio Caldara fue interpretada por primera vez en casi 300 años y fue grabado por el sello Deutsche Grammophon.

Antonio Vivaldi (1678-1741): La fida ninfa, RV 714

Dramma per musica en tres actos con libreto de Francesco Scipione (1732)

La Certrabarockorchester Basel

Andrea MARCON, director

Carlos MENA, Osmino/Tirsi

Franziska GOTTWALD, Elpina

Ismael ARRÓNIZ, Eolo

Luca TITTOTO, Oralto

María ESPADA, Licori

Roberta INVERNIZZI, Morasto

Romina BASSO, Giunone

Topi LEHTIPUU, Narete

Domingo 19 de abril, 18.00h.

Auditorio Nacional de Música de Madrid

Sala Sinfónica

Mullova

Una de las grandes divas del violín, Viktoria Mullova, presenta el próximo martes 17 de marzo, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música de Madrid, su nuevo disco Stradivarius in Rio, dentro del ciclo FRONTERAS del CNDM (Centro Nacional de Difusión Musical). En el escenario estará acompañada por su marido, el violonchelista Matthew Barley; el guitarrista João Luís Nogueira Pinto y Paul Clarvis a la percusión. El programa, formado por clásicos de la música brasileña, incluye temas de Caetano Veloso, Chico Buarque, Antonio Carlos Jobim, Marisa Monte, Zequinha de Abreu y Claudio Nucci.

La idea de Mullova para grabar las canciones brasileñas de Stradivarius in Rio nació en el transcurso de diversos conciertos informales con amigos a lo largo de los últimos años. Poco a poco fue tomando forma y Mullova formó el grupo para incluir al guitarrista de Río, Carioca Freitas, al violonchelista Matthew Barley y a dos percusionistas: el brasileño Luiz Guello y Paul Clarvis, con quien colaboró anteriormente en dos álbumes de música no clásica. En agosto 2013 se llevó al grupo a Río de Janeiro para grabar el álbum en tres emocionantes tardes y su concierto dentro de la actual temporada del CNDM es su presentación en directo en Madrid. Mullova comenta que: “La gente me pregunta por qué he llevado a cabo un proyecto tan diferente y grabado un álbum de música brasileña. La respuesta es muy sencilla: amo esa música. Stradivarius in Rio es mi tercer trabajo ‘no-clásico’, pero este es el primer proyecto que he llevado a cabo por mi cuenta, desde la elección de las canciones hasta convencer a algunos de mis músicos favoritos a colaborar conmigo”. El Stradivarius al que alude el título es su Stradivarius de 1723 Jules Falk.

Viktoria Mullova (Moscú, 1959) estudió en la Escuela Central de Música y en el Conservatorio de Moscú. Su extraordinario talento atrajo la atención internacional cuando ganó el primer premio en el Concurso Sibelius de Helsinki en el año 1980 y la Medalla de Oro en el Concurso Tchaikovsky en el año 1982, que fue seguida, en el año 1983, por su exilio a Occidente. Desde entonces ha actuado con la mayoría de las orquestas, directores y festivales más importantes del mundo. Es famosa en todo el mundo por ser una violinista en posesión de una excepcional versatilidad e integridad musical. Su curiosidad musical la lleva a interpretar y explorar obras que van desde el barroco hasta la música contemporánea, experimental y de fusión. Su interés por un enfoque genuino la ha llevado a colaborar con formaciones musicales como Orchestra of the Age of Enlightenment, Il Giardino Armonico, Venice Baroque, l’Orchestre Révolutionnaire et Romantique y Academia Bizantina, grupo con el que ha grabado recientemente un CD de conciertos de Bach. Mantiene una estrecha colaboración con el clavecinista Ottavio Dantone, con quien ha realizado diversas giras y ha grabado el programa “Todo Bach”, que Tim Ashley comentaba en estos términos en ‘The Guardian’: “Oír a Mullova tocar la música de Bach es, sencillamente, una de las experiencias más sublimes a nuestro alcance…” Su grabación de las sonatas en solitario y partitas de Bach representan un importante hito en el viaje de personal de Viktoria en la música. La grabación ha recibido extraordinarias críticas lo que ha llevado a Viktoria a giras de varias temporadas dando recitales de Bach. Sus incursiones en la música creativa empieza en el año 2000 con el álbum Through the Looking Glass en el que interpretaba música popular, jazz y pop con arreglos de Matthew Barley. Su exploración continúa con su segundo álbum The Peasant Girl, un proyecto con el Matthew Barley Ensemble que presentó también hace dos años en Madrid de la mano del CNDM. Este proyecto mostraba sus raíces campesinas en Ucrania y exploraba la influencia de la música gitana en los géneros de música clásica y jazz en el siglo 20. Sus próximas citas incluyen conciertos con la Hallé, Philharmonia Orchestra, Orquesta de Cámara de Europa, Orquesta Nacional de Francia y una gira con The Age of Enlightenment Orchestra por Estados Unidos y Reino Unido. Viktoria también ofrecerá recitales con Katia Labèque en toda Europa y América del Sur.

Gerhaher-Huber

Extraordinario recital el que ofreció el pasado 21 de diciembre el barítono alemán Christian Gerhaher, acompañado de su fiel pianista Gerold Huber, en el Teatro de la Zarzuela.

Lo primero que capta la atención es su claro color de voz, poco común en un barítono. Esta cualidad le permite alcanzar notas agudas con gran facilidad y ligereza. El recorrido de sus registros es amplio, la dicción perfecta, variedad de matices. Capaz de expresar un suave pero intenso dramatismo, como demostró en las Kindertotenlieder (Canciones para los niños muertos) que no estaban programadas, pero que ofreció en sustitución de las Rückert-Lieder.

Una voz clara, elegante, expresiva, sutil. De líneas impecables y de discreta expresividad. Siempre magistralmente acompañada al piano por Gerold Huber, con el que forma un equipo perfecto. La exquisitez de Huber al piano contribuye y acompaña, acentuando o llenando de matices o energía los requerimientos de cada canción y de Gerhaher.

Si la máxima aspiración de Gerhaher es la profundización en la interpretación de la canción de arte alemana, su camino en esta dirección es, inequívocamente, impecable.

Teatro de la Zarzuela 21-12-14
Centro Nacional de Difusión de la Música (CNDM)
XXI Ciclo de Lied
Christian Gerhaher, barítono
Gerold Huber, piano

Gustasv Mahler (1860-1911)
Lieder eines fahrenden Gesellen (Canciones del aprendiz errabundo)
Des Knaben Wundehorn (El cuaderno maravilloso del muchacho)
Kindertotenlieder (Canciones para los niños muertos)