CNDM Archives - Página 3 de 3

La Directora General del INAEM, Montserrat Iglesias junto a Antonio Moral, director del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), han presentado esta mañana en rueda de prensa la temporada 18/19 de este centro. El CNDM, unidad dependiente del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música (INAEM), propone para su novena temporada un intenso y extenso programa que mantiene su espíritu de recuperar y difundir nuestro vasto patrimonio histórico y las músicas cultas de raíz popular como el flamenco y el jazz, incentivar la composición actual y atraer a nuevos públicos hacia la música clásica, o aquellos géneros menos frecuentes, a través de las diversas actividades organizadas de forma autónoma o en colaboración con más de un centenar de instituciones nacionales e internacionales.

– El CNDM en su novena temporada organizará 293 actividades diferentes en Madrid y otras 28 ciudades españolas de 12 comunidades autónomas, además de estar en 14 ciudades extranjeras (un total de 43 ciudades distintas). La programación de la 18/19 cuenta con 65 grupos españoles (145 artistas nacionales) y 25 grupos extranjeros (97 artistas foráneos). De los 241 conciertos previstos, 98 se ofrecerán en Madrid y 143 fuera de la capital española.

– Por primera vez, se programan dos jornadas en el Auditorio Nacional de Madrid con el pop (en acústico) como protagonista, bajo la denominación Auditorio Actual. Y presentamos un nuevo festival dedicado a la música medieval y renacentista española,Palencia Antiqua y la colaboración con las Jornadas Contemporáneas de Segovia.

– La presencia internacional crece de forma importante y se desarrollará en 14 ciudades de 11 países con 18 conciertos repartidos por Bogotá (Colombia), Trondheim (Noruega), Elvas (Portugal), Ámsterdam (Holanda), Basilea (Suiza), Cracovia (Polonia), Hamburgo (Alemania), Nápoles, Palermo y Roma (Italia), Londres y Oxford (Reino Unido), Tel Aviv (Israel) y Nueva York (Estados Unidos).
– Se mantienen las figuras de Artista Residente, con el violinista italiano Fabio Biondi(Palermo, 1961) y la de Compositor Residente, con Jesús Rueda (Madrid, 1961).

– Se articula un gran ciclo transversal en la programación general dedicado al destacado compositor bilbilitano José de Nebra (#Nebra2.5.0, para conmemorar el 250 aniversario de su muerte).

– Se recuperarán 35 obras inéditas del patrimonio musical español y se estrenarán 49 nuevas partituras, 30 por encargo del CNDM. Además, se estrenarán 332 nuevas partituras, de las cuales 164 serán por encargo del CNDM.

– Vuelven artistas imprescindibles en los diferentes géneros musicales: William Christie, Thomas Hengelbrock, Philippe Herreweghe, Jordi Savall, Harry Christophers, Marc Minkowski, Frank Peter Zimmermann, Elisabeth Leonskaja o Tabea Zimmermann a los que se unen otros nuevos como Madeleine Peyroux, Mariza, Bobby McFerrin o Sabine Meyer.

– La educación tendrá de nuevo una importancia capital con 52 actividades gratuitas en 11 ciudades españolas y 3 extranjeras, en coproducción con 16 instituciones académicas y se organizarán 55 conciertos de entrada libre.

– El CNDM colaborará en la temporada 18/19 con 121 instituciones públicas y entidades privadas.

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), unidad dependiente del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música (INAEM), propone para su novena temporada un intenso y extenso programa que mantiene su espíritu de recuperar y difundir nuestro vasto patrimonio histórico y las músicas cultas de raíz popular como el flamenco y el jazz, incentivar la composición actual y atraer a nuevos públicos hacia la música clásica, o aquellos géneros menos frecuentes, a través de las diversas actividades organizadas de forma autónoma o en colaboración con más de un centenar de instituciones nacionales e internacionales.

La temporada 2018/19 está conformada por un total de 293 actividades diferentes que tendrán lugar desde el 6 de julio de 2018 al 22 de junio de 2019. El programa se desarrollará en Madrid capital y en otras 28 ciudades españolas de 12 comunidades autónomas, a las que hay que añadir 14 ciudades extranjeras con 18 conciertos repartidos por Bogotá (Colombia), Trondheim (Noruega), Elvas (Portugal), Ámsterdam (Holanda), Basilea (Suiza), Cracovia (Polonia), Hamburgo (Alemania), Nápoles, Palermo y Roma (Italia), Londres y Oxford (Reino Unido), Tel Aviv (Israel) y Nueva York (Estados Unidos), alcanzando un total de 43 ciudades distintas, con una amplia oferta de conciertos, sesiones educativas, academias musicales, cursos de interpretación, clases magistrales y conferencias a cargo de destacados intérpretes y creadores. En total, se producirán 241 conciertos, con música del siglo XII al XXI, de los cuales 143 se ofrecerán fuera de la capital española y 55 tendrán carácter gratuito. La programación cuenta con 65 grupos españoles (145 artistas nacionales) y 25 conjuntos extranjeros (97 artistas foráneos).

Los conciertos organizados en Madrid se reparten, de nuevo, en 10 ciclos y tres espacios: el Auditorio Nacional de Música, el Teatro de La Zarzuela y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS). A los ciclos ya clásicos Universo Barroco (Sala Sinfónica y Sala de Cámara), Series 20/21, Fronteras, Liceo de Cámara XXI, Andalucía Flamenca, Jazz en el Auditorio, Ciclo de Lied y Bach Vermut, se suma Auditorio Actual, primera incursión del centro en la música pop (en acústico) que se celebrará el fin de semana del 6 y 7 de julio (viernes y sábado) y contará con tres grupos españoles por sesión, además de un DJ que acompañará el refrigerio que se ofrecerá cada tarde en el vestíbulo principal de la Sala Sinfónica. Será un non stop de más de cinco horas cada día con una muestra del pop más actual. Entre los grupos que se darán cita en esta primera edición figuran Xoel López, La Bien Querida, Anaut, Shica & Gutman, Nora Norman y Museless, además de los DJ´s Víctor Caballeira y Xácome Froupe. A todo lo mencionado hay que añadir la octava edición del proyecto pedagógico y social “Todos Creamos”.

En la próxima temporada el CNDM aumenta sus colaboraciones hasta las 121 instituciones públicas y entidades privadas. En España lo hará para coproducir el XVIciclo Músicas Históricas de León (el ciclo en el Auditorio Ciudad de León junto al Ayuntamiento que este año crece hasta los 9 conciertos), los cuatro ciclos de música actual en Alicante, Badajoz, Malpartida de Cáceres (Museo Vostell Malpartida) ySegovia, los dos barrocos en Oviedo y Salamanca, además de los conciertos coproducidos por los cabildos catedralicios incluidos dentro de la serie El órgano en las catedrales. El ciclo Beethoven Actual, que incluye las 32 Sonatas para piano de Beethoven junto a los 18 estudios para piano de G. Ligeti y 9 reestrenos de compositores españoles, este año llegará a Salamanca, Soria y Badajoz. Continúa la colaboración estable con los festivales internacionales de música de Cádiz, Sevilla y Úbeda-Baeza, refuerza sus alianzas con el L´Auditori de Barcelona (con la segunda parte del ciclo Schubert Lied, coproducido por la Asociación Franz Schubert de Barcelona) y comienza la colaboración con la Iglesia de Santiago de Betanzos (A Coruña) y laDiputación de Palencia (festival Palencia Antiqua). Este festival palentino nace para impulsar la música medieval y renacentista española y se desarrollará en su capital y en los pueblos limítrofes que cuentan con una colección de órganos sin parangón en nuestro país.

El programa internacional crece exponencialmente repitiendo la colaboración por cuarto año con el Festival de Música Sacra de Bogotá (Colombia) y con la vecina ciudad portuguesa de Elvas y, por segundo año, con el Festival de Música Barroca deTrondheim (Noruega). El éxito de los dos pasadas ediciones del Proyecto Europa: El cuarteto de cuerdas en España junto al Instituto Cervantes ha hecho que el ciclo llegue en esta temporada a 3 nuevas ciudades (Hamburgo -Alemania-, Londres -Reino Unido- y Cracovia -Polonia-), y que se añadan dos series de conciertos más con el IC: “Diálogo de viejos y nuevos sones” proyecto de Rocío Márquez y Fahmi Alqhai que se presentará en Roma, Nápoles y Palermo y el “Proyecto Israel” (dos citas), además de un concierto dentro de la Bienal de Flamenco de Holanda. Para redondear la apuesta fuera de nuestras fronteras se realizarán tres conciertos más en Basilea (Suiza), Nueva York (Estados Unidos) y Oxford (Reino Unido) hasta alcanzar un total de 18 conciertos repartidos por 14 ciudades.

La actual temporada mantendrá las “residencias” del CNDM. El madrileño Jesús Rueda(Madrid, 1961) será Compositor Residente, autor que hoy se encuentra en plena madurez creativa y presentará un total de veintitrés obras, escritas entre 1991 y 2019, donde se incluyen tres estrenos absolutos. El prestigioso violinista italiano Fabio Biondi(Palermo, 1961) será nuestro Artista Residente. Biondi, que lleva décadas muy ligado a nuestro país, en la actualidad reside en Valencia, donde ha sido director musical del Palau de Les Arts hasta este año. Músico habitual de los ciclos Universo Barroco y Circuitos, ofrecerá cuatro conciertos en Madrid y uno en Salamanca, al frente de su orquesta Europa Galante, junto a cantantes de la talla de Vivica Genaux, Sonia Prina e Ian Bostridge o el joven pianista español Juan Pérez Floristán en el Liceo de Cámara XXI.

José de Nebra (Calatayud, 1702 – Madrid, 1768), ocupará la atención del ciclo transversal de este año. Bajo la denominación #Nebra2.5.0 conmemoraremos los doscientos cincuenta años transcurridos desde su muerte, obligado reconocimiento a uno de nuestros compositores barrocos más creativos, quien fuera organista de la Catedral de Cuenca, del Monasterio de las Descalzas Reales y de la Capilla Real de Madrid hasta convertirse en su Vicemaestro en 1751. Este ciclo de 17 conciertos en 8 ciudades diferentes (Cádiz, León, Madrid, Oviedo, Palencia, Salamanca, Segovia y Úbeda) recuperará y estrenará en tiempos modernos varias obras importantes, como su segunda ópera Venus y Adonis(1729), en edición crítica de Luis Antonio González y una nueva Misa a ocho con violines y dos Cantatas al Santísimo, encontradas en la Catedral de Segovia y recuperadas por Alicia Lázaro. A ello se le sumará la interpretación de una muestra de su rica música sacra (tanto coral como para órgano) y de una selección de arias y dúos de algunas de sus óperas y zarzuelas más representativas como Amor aumenta el valor (1728), Viento es la dicha de Amor (1743), Vendado es amor, no es ciego (1744) e Iphigenia in Tracia (1747).

La creación contemporánea sigue siendo un pilar fundamental en la programación del CNDM, incentivando la composición de nuevas páginas (332 estrenos hasta el 2018 de los cuales 164 han sido encargos del CNDM) y ampliando el conocimiento del repertorio menos transitado del pasado siglo. Este año verán la luz 49 nuevas obras, 30 de las cuales serán por encargo del CNDM. Entre los estrenos más importantes de los próximos meses destacan los cuartetos de Jesús Rueda (Cuarteto Gerhard), Gabriel Erkoreka (Cuarteto Granados), Gabriel Loidi (Cuarteto Leonor) y Antoni Parera Fons (Cuarteto de Leipzig), así como el Quinteto para clarinete “Joyce” de Peter Eötvös (Cuarteto Quiroga y Jörg Widmann). Se estrenará también una inusual composición para dos quintetos de cuerda, La rebelión de los ecos de Cristóbal Halffter; la obra No longer para conjunto instrumental de César Camarero, en coproducción con la Fundación Pro Helvetia, y dos obras dedicadas a la memoria de Federico García Lorca encargadas a Manuel Martínez Burgos. A ello hay que añadir la Sexta sonata para piano de Jesús Rueda, las nuevas páginas en coproducción con la Casa de Velázquez y el Goethe-Institut de Madrid encargadas a Jorge Fernández Guerra y Hans-Jürgen von Bose respectivamente, y una nueva obra para trompeta (dedicada a Manuel Blanco), piano y conjunto de cámara del gran pianista de jazz Pepe Rivero. No podemos olvidar tampoco los estrenos de generaciones más jóvenes como los que formarán parte del XXIX Premio de Jóvenes Compositores Fundación SGAE-CNDM.

Los homenajes también llegarán a otros ciclos, como a Andalucía Flamenca, que contará con un concierto extraordinario en memoria del legendario cantaor José Menese en el que brillará una constelación de nombres propios como Carmen Linares, Rocío Márquez, Aurora Vargas, La Macanita, Laura Vital, Pansequito, El Pele, Tomatito, Rafael Riqueni, Antonio Carrión y Jorge Pardo. El segundo concierto extraordinario unirá la genial guitarra de Dani de Morón a las voces de cuatro cantaores de diferente estilo: Rocío Márquez, Antonio Reyes, Duquende y Pitingo. También visitarán este año nuestro ciclo flamenco voces que mostrarán el amplio espectro de la sensibilidad de este género: las de Esperanza Fernández, Argentina, Mayte Martín, Jesús Méndez, El Pele y David Palomar, Virginia Gámez, Melchora Ortega y Rocío Bazán junto a maestros del toque como Manuel Valencia, Miguel Ángel Cortés, José Quevedo, Niño Seve, Rafael Rodríguez, Alfredo Lagos, Andrés Cansino y Alejandro Hurtado.

Jazz en el Auditorio dará cita de nuevo en Madrid un conjunto de carismáticos intérpretes en busca de nuevas emociones, convocando al pasado, presente y futuro del género: de las indispensables voces de Madeleine Peyroux y Bobby McFerrin a grandes pianistas como Fred Hersch (en solitario), Danilo Pérez (con su grupo Children of the Light), Kenny Barron (en formato trío) al quinteto del versátil Moisés P. Sánchez, sin olvidar el jazz oriental del contrabajista Omer Avital. Velada destacada será también la protagonizada por el conjunto Valencia Jazz Top 7, un septeto capitaneado por los saxofonistas Perico Sambeat y Javier Vercher junto a otras importantes firmas del jazz valenciano que darán prueba de la buena salud del jazz nacional.

El ciclo Fronteras reincide, tras recibir el año pasado a Cristina Branco, en la esencia musical portuguesa con la diva del fado Mariza, que presentará su nuevo disco en la Sala Sinfónica del Auditorio. Mientras tanto, en la Sala de Cámara se alternarán las bandas sonoras de las películas de Fellini con un cuarteto de destacados solistas nacionales que se han juntado bajo el nombre de Cuarteto Fellini; el inquieto Javier Limón, que nos descubrirá nuevos caminos y nuevas voces del mundo; Santiago Auserón vestido de Juan Perro volverá a enamorar con su mezcla de músico total: rock, jazz, música latina y caribeña; el gran flautista y saxofonista Jorge Pardo traerá ritmos de la otra orilla del Atlántico; el atractivo dúo de nuestro trompeta más internacional Manuel Blanco y el pianista cubano de jazz Pepe Rivero invocarán los espíritus de Piazzolla a Berstein pasando por Rimski-Korsakov, viaje paralelo al que realizarán la popular clarinetistaSabine Meyer en comunión con el Quinteto Alliage con obras de Bernstein, Shostakóvich y Stravinski; el pianista Marco Mezquida junto a la guitarra de Chicuelodarán cuenta de la inspiración y química que les une en su segundo disco juntos y el singular dúo creado por el contratenor Carlos Mena y el acordeonista Iñaki Alberdi para interpretar “de otra manera” a J.S. Bach y Tomás Luis de Victoria.

La exitosa programación para órgano continuará con el ciclo Bach Vermut con una nueva entrega de siete conciertos que ampliarán el repertorio y contarán con nombres imprescindibles del mundo organístico en Madrid y en las siete catedrales españolas(Bilbao, Logroño, Murcia, Palma de Mallorca -primera visita del CNDM a las Islas Baleares-, Salamanca, Segovia y Valencia) que componen la tercera edición de la serie El Órgano en las Catedrales. Este año disfrutaremos del homenaje a la gran dama del órgano en España, Montserrat Torrent, por parte de algunos de sus ya muy famosos alumnos, además de extraordinarios improvisadores (David Briggs, Olivier Latry yWayne Marshall), el primer dúo de órgano y piano, de la mano de los hermanos Scott, su compatriota Stephen Tharp (que por diversas razones no ha podido estar en esta serie musical antes) y el suizo Yves Rechsteiner, autor de una amplia literatura de transcripciones interpretadas por organistas de todo el mundo que llegará acompañado del percusionista Henri-Charles Caget.

El ciclo Liceo de Cámara XXI mantiene la excelencia en la Sala de Cámara con prestigiosos solistas como Frank Peter Zimmermann, que iniciará en esta temporada, junto al pianista Martin Helmchen, la integral de las Sonatas de Beethoven repartidas en tres conciertos; la singular violinista Leila Josefowicz, experta en el repertorio contemporáneo; Fabio Biondi, que ha invitado para tocar a dúo al joven pianista Juan Pérez Floristán; el también pianista Andreas Haefliger, junto al Louisiana Boathouse Ensemble, volverá la legendaria pianista rusa Elisabeth Leonskaja, esta vez junto a su recién formado trío; el joven pianista, fortepianista y clavecinista surafricano Kristian Bezuidenhout y tres virtuosos que unirán sus genios: Tabea Zimmermann, Jean-Guihen Queyras y Daniel Sepec. Como no puede ser de otra forma en un ciclo centrado en la música de cámara, recibiremos a algunos de los más renombrados cuartetos de cuerda del mundo como son el Cuarteto Arditti (con obras de Kurtág, Rueda y Ligeti), el Prazak(con la violista española Isabel Villanueva), el asiduo y brillante Cuarteto de Jerusalén, el Belcea (junto al pianista Anderszewski); el Quiroga (con Jörg Widmann en un importante estreno absoluto de Peter Eötvös), el Chiaroscuro que toca con instrumentos de época y el veterano Cuarteto de Leipzig (presentando el último cuarteto -el noveno- de Cristóbal Halffter tras haber interpretado en Madrid los ocho anteriores, el último por encargo del CNDM) y el joven Cuarteto Signum que compartirá escenario con la pianista Judith Jáuregui en este encuentro musical entre amigos.

El Ciclo de Lied, ya en su vigésimo quinta edición en el Teatro de La Zarzuela, seguirá contando con las mejores voces que cultivan este género tan especial y que han convertido a Madrid en uno de los centros de referencia internacional. Para celebrar su medio siglo de vida la soprano Ainhoa Arteta estrenará el ciclo de canciones Sendero mágico de Lorenzo Palomo. Volverá el barítono alemán Christian Gerhaher, uno de los mejores liederistas de hoy; el bajo alemán Franz-Josef Selig, indispensable en las producciones operísticas actuales; la cotizada soprano canadiense Adrianne Pieczonka, que ahondará en una nueva versión del Winterreise de Schubert; la refinada y cálida mezzosoprano argentina Bernarda Fink (con un insólito programa checo e hispano-argentino) y la luminosa soprano alemana Dorotea Röschmann. Participarán por primera vez la poderosa mezzosoprano rusa Ekaterina Semenchunck, la también mezzo Sarah Connolly, que al fin debutará en esta serie tras su cancelación de hace dos años; el joven barítono austriaco André Schuen, un valor en alza y el veterano tenor suizo Michael Schade.

La Educación adquiere, como en cursos pasados, una importancia capital con 52 actividades diversas repartidas a lo largo de once ciudades españolas y tres extranjeras (Elvas -Portugal-, Bogotá -Colombia- y Tel Aviv -Israel-) coproducidas con cuatro universidades españolas (Oviedo, León, Salamanca y Complutense de Madrid) cinco Conservatorios de Música en la Península Ibérica (Alicante, Badajoz, Madrid, Oviedo y Elvas en Portugal), dos centros educativos de secundaria de la Comunidad de Madrid (que participarán en la octava edición del Proyecto Pedagógico, coordinado por el pedagogo Fernando Palacios y dedicado este año al misterioso Manuscrito Voynich), tres festivales (Música Contemporánea Vostell Malpartida, Música Española de Cádiz y Música Contemporánea de Tres Cantos), el Goethe-Institut (con las Jornadas “Interacciones XXI”, dedicadas a la creación musical actual de ambos países) y laEscuela Superior de Música Reina Sofía. En la Universidad de Salamanca tendrá lugar, por sexto año, un intenso programa de clases magistrales y talleres de interpretación, de carácter transversal, centrado en el ámbito de la música antigua y barroca “históricamente informada”. En el Auditorio de León se celebrará el VIII Curso de Interpretación Vocal Barroca, que anualmente imparte el director, clavecinista y musicólogo Eduardo López Banzo.

El CNDM mantiene el interés en incentivar y promover la incorporación de nuevas audiencias a sus diferentes programas divulgativos y educativos. Esta temporada aumenta la edad de aplicación de los descuentos para jóvenes (que pasa de menores de 26 años a menores de 30) para los que desarrolla una amplio abanico de posibilidades, que incluyen ofertas con importantes ventajas en la adquisición de entradas o abonos, sobre todo a través del programa Último Minuto (con un descuento del 60%, para localidades adquiridas desde una hora antes del inicio de los conciertos) y acuerdos estables con numerosos centros educativos para que los estudiantes que participan activamente en los cursos y ciclos coproducidos conjuntamente, puedan asistir gratuitamente a los conciertos y otras actividades programadas por el centro en las diferentes ciudades españolas. Se beneficiarán también del descuento Último Minuto losdesempleados y se mantiene el descuento del 20% para todos los estudiantes, grupos de más de 20 personas y mayores de 65 años, aumentando al 50% el aplicado a familias numerosas. A este interés por impulsar la música en todas sus vertientes hay que sumar las 52 actividades educativas gratuitas y los 55 conciertos de entrada libre.

La renovación de abonos para todos los ciclos programados en el Auditorio Nacional de Música, estará disponible del 25 de mayo al 5 de julio, en las taquillas del Auditorio Nacional, www.entradasinaem.es y 902 22 49 49, y la venta de nuevos abonos del 11 de julio al 8 de septiembre. Las entradas libres, si las hubiere, para todos los conciertos programados en la Sala Sinfónica, salvo el extraordinario en colaboración con Ibermúsica, estarán a la venta desde el 11 de julio, con entradas de 5 a 40 euros, mientras que para los ciclos de la Sala de Cámara se podrán adquirir a partir del 12 de septiembre, con precios de 10 a 20 euros. El XXV Ciclo de Lied, programado en elTeatro de La Zarzuela, mantiene sus localidades de 4 a 35 euros, y las Series 20/21programadas en el Museo Reina Sofía seguirán siendo con acceso libre hasta completar el aforo de la sala.

Con Schwanengesang (Canto del cisne) termina el ciclo que esta temporada ha ofrecido Matthias Goerne sobre Franz Schubert. Todo el universo liederístico de Schubert junto a Die schöne müllerin (La bella molinera) y Winterreise (Viaje de invierno).

El 30 de abril Goerne y Hinterhäuser abordaban Winterreise. Un ciclo de canciones compuestos inicialmente para tenor, pero dejando abierta la posibilidad de ser interpretadas por voces más graves que pueden dotar de mayor intensidad y oscuridad cada canción. Siendo también interpretada en ocasiones por voces femeninas. Y es que Winterreise, a diferencia de otras obras, a través de sus dinámicas, tempos o fraseos, proporciona una variedad de posibilidades interpretativas casi infinitas.

Y Matthias Goerne es un de esos intérpretes que dota a Winterreise de vida propia. Goerne profundiza en la intimidad de este viaje de invierno como nadie. La flexibilidad de su voz baritonal, descubre siempre nuevos matices en este conjunto de canciones para que nunca nos cansemos de escucharlas. Este dramático viaje a la soledad sobre versos de Wilhelm Müller, describen el momento emocional de un Schubert abandonado por una mujer. Las canciones van desgranando, mediante la desesperanza, el vagar por ese viaje hacia la melancolía.

Apenas una semana después, el 8 de mayo, Goerne, en esta ocasión acompañado al piano por el veterano Alexander Schmalcz, que sustituyó a un enfermo Hinterhäuser, ofreció Schwanengesang. Los poemas que forman este ciclo de canciones, a diferencia de los otros dos ciclos, no pertenecen solamente a un autor. En este caso son tres los poetas elegidos, Ludwing Rellstab, Heinrich Heine y una última de Seidl que ha sido omitida en este recital. Parece que no formaba parte del cuerpo inicial y solo fue añadida por la superstición de que no fueran 13, sino 14, las canciones que componen este ciclo.

Esta última recopilación de canciones fue realizada por el editor Hanslinger y el hermano de Schubert, tras la muerte del compositor, ante la enorme producción de canciones que había compuesto, casi compulsivamente, antes de su muerte. Menos conocidas que los dos ciclos anteriores, Schwanengesang no trata solamente de una materia. En ellas aparecen temas dedicados al amor, al desamor, la mitología y, uno de los temas preferidos de Schubert, el viaje, del que trata Aufenthalt (Lugar de reposo).

Goerne ha utilizado casi todos los recursos que posee, que no son pocos, para desgranar cada una de las piezas que conforman este ciclo. Desde la exaltación vocal, tal vez algo exagerada de Der Atlas (El Atlas), al dramatismo turbador de Der Doppelgänger (El doble), con el que Goerne es capaz de transmitir las más profundas y desgarradoras tensiones psicológicas. La ejecución de Alexander Schmalcz al piano, fue el marco y el camino perfecto para la interpretación de Goerne. Sutil, enérgico y delicado. Todo en el momento y la medida justa.

El ciclo es una coproducción entre el Centro Nacional de Difusión Musical y el Teatro de La Zarzuela. Tras cantar el lunes 26 de febrero Die schöne Müllerin (La bella molinera) junto al pianista Markus Hinterhäuser, ofrece ahora los ciclos de canciones Winterreise (30 de abril) y Schwanengesang (8 de mayo)

El lunes 30 de abril a las 20h00, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en coproducción con el Teatro de La Zarzuela presentan de nuevo en el XXIV Ciclo de Lied al barítono alemán Matthias Goerne junto al excelente pianista Markus Hinterhäuser, esta vez para interpretar el ciclo Winterreise de Franz Schubert.

Siempre con programas especialmente exigentes, las sorprendentes propuestas de Goerne para voz masculina revelan su permanente inquietud en este género. En esta temporada está abordando los tres grandes ciclos schubertianos. Tras Die schöne Müllerin y Winterreise, el 8 de mayo terminará el ciclo con Schwanengesang en el Teatro de La Zarzuela. Tres recitales en poco más de dos meses con el mismo pianista acompañante, que se han convertido citas indispensables de esta temporada para los amantes de la lírica.

Las entradas, con un precio general de 8 a 35 euros, ya están a la venta en las taquillas del Teatro de La Zarzuela, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y 902 22 49 49.

Como «Artista Residente» del CNDM en la presente temporada, Goerne ha participado en dos conciertos más: junto a la Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM) con su maestro titular, Víctor Pablo Pérez, cantó el pasado noviembre los Kindertotenlieder de Gustav Mahler. Además ha pisado la escena del Teatro Real en el Elías de Mendelssohn, con el granadino Pablo Heras-Casado al frente de dos magníficos conjuntos germanos (Rias Kammerchor y Freiburger Barockorchester) en una coproducción del CNDM con La Filarmónica y el coliseo madrileño el pasado 8 de abril.

Schubert: el lirismo del lied

El crítico Arturo Reverter indica que: «El lirismo de Schubert es el lirismo del lied, que tiene como preocupante y profundo telón de fondo nada menos que la tan romántica idea de la muerte, que se intuye, se presiente, se hace real finalmente, sola o en singular conexión con la naturaleza circundante, tras cada efecto instrumental, melódico o armónico; tras esos sutiles encadenamientos temáticos, aparentemente improvisados o por debajo de expresivos trémolos, de abundantes cromatismos, de las disonancias o de las apoyaturas. A través de la efusión lírica las cosas son transfiguradas en ese universo romántico al que acaba por adscribirse y en el que nada será ya lo que fue. Winterreise (Viaje de invierno) es, en efecto, un auténtico viaje interior, una idea básica, como hemos dicho, en la música de Schubert. En pocas ocasiones se ha pintado con tanta precisión, justeza y dramatismo la soledad, la desolación y la desesperanza; en pocas oportunidades se ha calado tan hondo en el drama íntimo de un ser humano y se ha profundizado en la antesala de la propia muerte como en estas canciones, verdadero viaje hacia la nada. Dos temas fundamentales y recurrentes en el músico dominan los poemas de Müller: de nuevo la idea de viaje, de cambio de situación en el espacio, de traslado, y la soledad».

Matthias Goerne, natural de Weimar (Alemania), estudió con Hans-Joachim Beyer, Elisabeth Schwarzkopf y Dietrich Fischer-Dieskau. Colabora con las principales orquestas y directores del mundo en las más importantes salas de concierto, teatros de ópera y festivales, como la Royal Opera House, Teatro Real, las óperas de París y Viena y el Metropolitan de Nueva York. Sus papeles van desde Wolfram, Amfortas, Kurwenal, Wotan y Orest a los papeles principales de Wozzeck de Alban Berg, El castillo de Barbazul de Béla Bartók, y Matías el pintor de Hindemith. Por sus grabaciones discográficas ha recibido numerosos premios, que incluyen cuatro nominaciones al Grammy, un premio ICMA y recientemente un Diapason d’Or. Tras sus legendarias grabaciones con Vladimir Ashkenazy y Alfred Brendel acaba de grabar una serie de 11 CDs de lieder de Schubert con Christoph Eschenbach y Elisabeth Leonskaja. De 2001 a 2005 fue profesor honorario de canto en la Musikhochschule Robert Schumann de Düsseldorf, y en 2001 fue nombrado Miembro Honorario de la Royal Academy of Music de Londres.

De la temporada pasada destacan sus conciertos con las orquestas más importantes de Estados Unidos y Europa como son la Boston Symphony, Dallas Symphony, Philadelphia Orchestra, Chicago Symphony, Los Angeles Philharmonic, San Francisco Symphony, Pittsburgh Symphony, Berlin Philharmonic, Orchestre de Paris y Philharmonia Orchestra London, así como una serie de recitales de canciones con Leif Ove Andsnes y Markus Hinterhäuser en Dallas, París, Bruselas, Milán, Madrid, Londres y la nueva sala de conciertos LOTTE en Seúl, entre muchos otros lugares. Ha realizado una gira mundial cantando Winterreise con el célebre William Kentridge y otra con la Orquesta Barroca de Friburgo por las principales ciudades europeas. Además, Goerne debutó como Jochanaan (Salomé) en la Ópera Estatal de Viena y como Wotan (Siegfried) en versión en concierto con la Filarmónica de Hong Kong y Jaap van Zweden. En verano de 2017, volvió al prestigioso Festival de Salzburgo, donde cantó el papel protagonista de Wozzeckademás de un recital de lied con Danii Trifonov al piano.

Cristina Gómez Godoy, Pablo Ferrández y Juan Pérez Floristán interpretarán obras de Franz Joseph Haydn, Robert Schumann y Robert Kahn junto al estreno absoluto de un encargo del CNDM al compositor Jesús Torres.

Las entradas, con un precio de 10€ a 20€, están disponibles en las taquillas del Auditorio Nacional, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y 902 22 49 49

El jueves 8 de marzo a las 19.30 horas, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) llega a la sexta cita de su ciclo Liceo de Cámara XXI, centrado en la música de cámara, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música de Madrid. Protagonizado por los tres jóvenes intérpretes españoles con mayor proyección internacional del momento: Cristina Gómez Godoy, oboe solista de la Staatskapelle de Berlín; Pablo Ferrández, Premio Joven Artista del Año 2016 de los ICMA, y Juan Pérez Floristán, ganador del «Concurso Paloma O’Shea» y del «Steinway» en Berlín, este concierto estrenará el Trío para oboe, violonchelo y piano encargado al compositor Jesús Torres por el CNDM, Compositor Residente de la institución musical en la presente temporada. El programa lo completarán obras de Franz Joseph Haydn, Robert Schumann y Robert Kahn.

“La oboísta Cristina Gómez Godoy combina brillantez técnica con expresividad musical, virtuosismo con delicadeza artística y posee un “prodigioso instinto natural” (Süddeutsche Zeitung)

“Con un tono cálido y un lirismo impulsivo, a la vez que refinado, Ferrández es un intérprete ideal para el concierto de Schumann, con su melancólica elegancia y sus ráfagas de amargura mercúrica” (The Guardian)

«Juan Pérez Floristán no sólo tiene habilidades técnicas sorprendentes sino que además su interpretación dramática es un arco que abarca todo» (Bachtrack)

El Teatro de la Zarzuela, en coproducción con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), presentarán el próximo lunes, 26 de febrero, a las 20h00, en el XXIV Ciclo de Lied al barítono alemán Matthias Goerne, visitante habitual y uno de sus artistas favoritos (ha actuado en 15 ocasiones), interpretando junto al excelente pianista Markus Hinterhäuser, Die schöne Müllerin (La bella molinera) de Franz Schubert. Siempre con programas especialmente exigentes, sus sorprendentes propuestas en una voz masculina revelan su permanente inquietud en este género.

En esta temporada abordará los tres grandes ciclos schubertianos -tras Die schöne Müllerin, llegarán Winterreise (30 de abril) y Schwanengesang (8 de mayo)– que ya ha interpretado por separado en esta serie musical, pero esta vez en tres recitales que tienen poco más de dos meses de diferencia y con el mismo acompañante.

Las entradas, con un precio general de 8 a 35 euros, ya están a la venta en las taquillas del Teatro de la Zarzuela, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y 902 22 49 49. La interpretación por parte de Goerne de estas piezas se convierte en una de las citas indispensables de esta temporada para los amantes de la lírica.

Como «Artista Residente» del CNDM en la presente temporada, Goerne participa en tres conciertos más: junto a la Orquesta de la Comunidad de Madrid, ORCAM (Titular del Teatro de la Zarzuela) con su maestro titular, Víctor Pablo Pérez, cantó el pasado noviembre los Kindertotenlieder de Gustav Mahler. Además pisará la escena del Teatro Real en el Elías de Mendelssohn, con el granadino Pablo Heras-Casado al frente de dos magníficos conjuntos germanos (Rias Kammerchor y Freiburger Barockorchester) en una coproducción del CNDM con La Filarmónica y el coliseo madrileño el próximo 8 de abril. Un par de días después, ofrecerá, dentro del ciclo Liceo de Cámara XXI en el Auditorio Nacional, y acompañado por el Cuarteto Belcea, el melancólico Notturno, op. 57 de Othmar Schoeck con poemas de Lenau.

Schubert y su reflejo en la cima del lied

Basado en una antología poética de Wilhelm Müller (1794-1827) publicada en 1820 bajo el título Sieben und siebzig Gedichte aus den hinterlassenen Papieren eines reisenden Waldhornisten (Setenta y siete poemas de los papeles póstumos de un trompista itinerante), Die schöne Müllerin (1823) se ha convertido en una de las cimas del género liederístico. El musicólogo Pablo L. Rodríguez indica que: «Schubert no sólo utilizó los versos de Müller en este primer ciclo, sino también en el segundo, Winterreise (1827), cuya composición coincidió con la muerte del poeta y casi también con la suya propia. El compositor había empezado a escribir el primero a comienzos de 1823, es decir, a las pocas semanas de conocer su diagnóstico de sífilis, la enfermedad, por entonces mortal, que terminaría con su vida cinco años más tarde. En realidad, la obra no se limita a un estado de ánimo depresivo o a un hecho concreto de su biografía, sino que refleja su propia naturaleza. El musicólogo Maynard Solomon publicó hace más de dos décadas un importante estudio psicoanalítico del compositor vienés a partir de numerosos testimonios de la época que revela su doble naturaleza: una mezcla de interior poético unido a un exterior hedonista. Y es precisamente en esa condición de hedonista atormentado donde Schubert encontró en los poemas de Müller una expresión ideal de sus vivencias. La denominación de ciclo de lieder es secundaria, pues Schubert realmente hizo una selección de veinte poemas donde presenta una secuencia emotiva completa en sí misma, aunque cada episodio de la historia resulte más completo si se rodea de su contexto. El compositor utilizó elementos básicos, pero tremendamente efectivos, para lograr semejante unidad. Por ejemplo, hizo uso de la sucesión de tonalidades como forma de engarzar o de contraponer cada uno de los lieder, todo ello con la ayuda del piano que, lejos de constituir un mero acompañamiento, adquiere un protagonismo fundamental al tejer la puesta en escena sonora de cada lied, ya sea convertido en arroyo o como álter ego del protagonista.»

Matthias Goerne

Natural de Weimar (Alemania), estudió con Hans-Joachim Beyer, Elisabeth Schwarzkopf y Dietrich Fischer-Dieskau. Colabora con las principales orquestas y directores del mundo en las más importantes salas de concierto, teatros de ópera y festivales, como la Royal Opera House, Teatro Real, las óperas de París y Viena y el Metropolitan de Nueva York. Sus papeles van desde Wolfram, Amfortas, Kurwenal, Wotan y Orest a los papeles principales de Wozzeck de Alban Berg, El castillo de Barbazul de Béla Bartók, y Matías el pintor de Hindemith. Por sus grabaciones discográficas ha recibido numerosos premios, que incluyen cuatro nominaciones al Grammy, un premio ICMA y recientemente un Diapason d’Or. Tras sus legendarias grabaciones con Vladimir Ashkenazy y Alfred Brendel acaba de grabar una serie de 11 CDs de lieder de Schubert con Christoph Eschenbach y Elisabeth Leonskaja. De 2001 a 2005 fue profesor honorario de canto en la Musikhochschule Robert Schumann de Düsseldorf, y en 2001 fue nombrado Miembro Honorario de la Royal Academy of Music de Londres.

De la temporada pasada destacan sus conciertos con las orquestas más importantes de Estados Unidos y Europa como son la Boston Symphony, Dallas Symphony, Philadelphia Orchestra, Chicago Symphony, Los Angeles Philharmonic, San Francisco Symphony, Pittsburgh Symphony, Berlin Philharmonic, Orchestre de Paris y Philharmonia Orchestra London, así como una serie de recitales de canciones con Leif Ove Andsnes y Markus Hinterhäuser en Dallas, París, Bruselas, Milán, Madrid, Londres y la nueva sala de conciertos LOTTE en Seúl, entre muchos otros lugares. Ha realizado una gira mundial cantando Winterreise con el célebre William Kentridge y otra con la Orquesta Barroca de Friburgo por las principales ciudades europeas. Además, Goerne debutó como Jochanaan (Salomé) en la Ópera Estatal de Viena y como Wotan (Siegfried) en versión en concierto con la Filarmónica de Hong Kong y Jaap van Zweden. En verano de 2017, volvió al prestigioso Festival de Salzburgo, donde cantó el papel protagonista de Wozzeck además de un recital de lied con Danii Trifonov al piano.

El domingo 18 de febrero a las 20.30 horas, en la Capilla Fonseca de la Universidad de Salamanca, el conjunto danés Ars Nova Copenhagen dirigido por Paul Hillier, estrenará a nivel mundial la obra que el Centro Nacional de Difusión Musical y la Universidad de Salamanca han encargado conjuntamente al célebre compositor estonio Arvo Pärt, precursor de la música minimalista sacra. En este concierto, incluido dentro de las actividades programadas para conmemorar el octavo centenario de la institución académica, el grupo Ars Nova Copenhagen interpretará obras vocales antiguas y modernas del Viejo y Nuevo Mundo, que abarcan cinco siglos de música, con piezas entre las que se encuentran otras dos producciones de Arvo Pärt, de 2012 y 2015, y obras de Hernando Franco, Manuel de Sumaya, Alonso Lobo, Abraham Wood, Christian Wolff y John Cage. “El lema del VIII Centenario encuentra en la música un espejo donde reflejarse” indica Bernardo García-Bernalt, director de la Academia de Música Antigua de la Universidad de Salamanca. “Diremos ayer, por el peso singular que ha tenido la música en los ochocientos años de historia del Estudio salmantino, y diremos mañana por la proyección de futuro que encuentra la música en esta institución gracias a la estrecha colaboración entre el Centro Nacional de Difusión Musical y la Universidad de Salamanca, colaboración que se cristaliza este año, en concreto, en la organización de la quinta temporada del ciclo “Salamanca Barroca”, tras el rotundo éxito de las pasadas ediciones, y del programa extraordinario “Salamanca 800”, en el que se incluye este importante estreno absoluto». Tras su estreno en Salamanca, el programa se repetirá en Madrid, dentro del ciclo Series 20/21 que el CNDM programa en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (lunes 19 de febrero, 19.30 horas) y en Badajoz, como actividad del IX Ciclo de Música Actual (martes 20 de febrero, 20.30 horas).

El minimalismo sacro

Arvo Pärt (1935, Estonia) es uno de los grandes nombres de la composición actual. Considerado el precursor de la música minimalista y uno de los representantes más radicales de la vanguardia soviética, su música ha experimentado un profundo proceso evolutivo, desde la música neoclásica para piano al uso individual de la dodecafonía, la composición con masas sonoras, música aleatoria y la técnica de collage. En 1976, tras el estudio intensivo del canto gregoriano, la «Escuela de Notre-Dame» y la polifonía vocal clásica, apareció con un nuevo y extremadamente original lenguaje musical que llamó tintinnabuli (tintinnabulum – ‘campanilla’, en latín) y que ha marcado su obra hasta hoy. Pärt es muy conocido por sus trabajos para bandas sonoras cinematográficas, más de cincuenta hasta la fecha, entre los que se encuentran La gran belleza (2013) de Paolo Sorrentino, Les Amants du Pont-Neuf de Léos Carax (1991), Swept Away de Guy Ritchie (2002), Gerry de Gus van Sant (2003), Soldados de Salamina de David Trueba (2002), Elegy de Isabel Coixet (2008) y, más recientemente, en Los Vengadores de Joss Whedon (2015). Pärt es doctor honoris causa por la Universidad de Oxford desde 2016.

Ars Nova Copenhagen fue creado en 1979 y es ampliamente reconocido como uno de los mejores conjuntos vocales del mundo. Desde 2003 su director principal y artístico es el aclamado director británico Paul Hillier, aunque también han trabajado con Bo Holten y Tamás Vetö (sus dos directores principales anteriores), Kaspars Putnins, Andrew Lawrence King, Anthony Rooley, Kees Boeke, Michael Bojesen y Søren K. Hansen así como con otros directores invitados.

El conjunto está especializado en la interpretación de música coral polifónica del Renacimiento y en la música vocal contemporánea, además de construir colaboraciones con artistas creativos de diferentes ámbitos como el teatro, el cine y el ballet y cultivar nuevas formas de interpretación de conciertos y repertorios innovadores. Sus interpretaciones del conjunto se caracterizan por la precisión y un sonido que capta atención a nivel mundial. Con un ciclo de conciertos anual en Copenhague y Aarhus, numerosos conciertos en el resto de Dinamarca y frecuentes giras internacionales, el conjunto está más solicitado que nunca. En 2015 Ars Nova realizó una larga gira en China con más de diez conciertos como parte significante de la campaña cultural danesa en el país y en 2016 participó en la Nord Choir Expedition presentando a punteros coros y conjuntos vocales nórdicos en cada una de las capitales nórdicas. Sus próximas giras incluyen España y EEUU.

Ars Nova ha grabado numerosos CDs que han recibido múltiples premios, incluyendo un Grammy por “The Little Match Girl Passion” con música de David Lang (Harmonia Mundi). Sus discos más recientes son “Songs for Choir” del compositor danés Carl Nielsen (Dacapo Records), “Gallos y Huesos” con música de Pablo Ortiz (Orchid Classics) y “First Drop”, un nuevo CD en directo con música de Howard Skempton, Michael Gordon, David Lang, Kevin Volans, Pablo Ortiz, Louis Andriessen, Gabriel Jackson, Steve Reich y Terry Riley (Cantaloupe). Durante muchos años Heinrich Schütz ha ocupado un importante lugar en el repertorio de Ars Nova y entre 2008 y 2011 el conjunto grabó sus obras “dramáticas” completas para las festividades de Pascua y Navidad. Estos cuatro CDs, también disponibles como recopilatorio, han obtenido entusiastas críticas por parte de la prensa especializada internacional. Otras notables publicaciones discográficas recientes son «Creator Spiritus» con música de Arvo Pärt (Harmonia Mundi) y «The Golden Age of English Part Songs» (Dacapo Records). VIII Centenario de la Universidad de Salamanca.

VIII Centenario de la Universidad de Salamanca

La Universidad de Salamanca cumple 800 años, lo que la convierte en la primera de las universidades españolas y una de las más longevas del mundo. Celebra por ese motivo sus ocho siglos de historia, que lo son también del sistema universitario de nuestro país. Bajo la Presidencia de Honor de los Reyes de España, la efeméride, catalogada como acontecimiento de Estado, desarrolla un programa que tiñe la ciudad de eventos con los que se pretende recordar los orígenes de la más antigua de las universidades hispanas.

La Universidad de Salamanca pone de relevancia sus valores como cuna del Humanismo y patria intelectual de recordados estadistas, su riqueza patrimonial y su condición de pionera y líder en la enseñanza del Español sin perder de vista objetivos estratégicos de la celebración como el liderazgo internacional en Educación Superior, el fomento de la excelencia académica, la puesta en valor y recuperación del patrimonio y las infraestructuras o la promoción nacional e internacional de la institución académica salmantina.

El CNDM presenta, por segunda vez en su ciclo Liceo de Cámara XXI, un concierto extraordinario de la legendaria pianista argentina, en esta ocasión, junto al también pianista Gabriele Baldocci.

La cita, el domingo 14 de enero en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Madrid, es una de las pocas ocasiones en las últimas décadas en la que se podrá disfrutar de Argerich interpretando en solitario, en este caso, las Escenas de niños de Schumann.

El programa lo completarán obras de Liszt, Shostakóvich, Rachmaninov y Ravel, además de versiones de Liszt de piezas de Verdi y Wagner.

El concierto está coproducido junto a la Sociedad de Conciertos La Filarmónica y es la segunda cita de una gira que también pasará por Valencia (jueves 11, Palau de la Música) y Barcelona (lunes 15, Palau).

Por segundo año el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), en coproducción con La Filarmónica, invita al ciclo Liceo de Cámara XXI a la legendaria pianista Martha Argerich para protagonizar un concierto extraordinario en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música, esta vez, junto al pianista italiano Gabriele Baldocci el próximo domingo 14 de enero a las 19.30 horas. Durante las últimas décadas han sido muy pocas las apariciones en solitario de la pianista. Esta pequeña gira por la península ibérica (que también pasará por Valencia y Barcelona) permitirá a todos los aficionados disfrutar de sus elevadas interpretaciones, algo que se convierte en una rara oportunidad. Martha Argerich siempre se ha caracterizado por su flexibilidad y curiosidad para presentarse en los escenarios con artistas y formaciones diferentes, con especial predilección para proyectar el talento joven. En este concierto se combinará la sabiduría de la ilustre pianista argentina con la frescura del pianista italiano Gabriele Baldocci. El dúo presenta en esta velada su CD grabado en vivo por el sello Dinamics, con obras de Liszt, Shostakóvich, Rachmaninov y Ravel, además de versiones de Liszt de piezas de Verdi (Salve Maria de Jérusalem, de I Lombardi alla prima crociata) y Wagner (Isoldes Liebestod de Tristán e Isolda). La fuerte personalidad musical de ambos pianistas que viven de la inspiración mutua fue lo que les unió para en 2013 emprender un camino conjunto plagado de éxitos. Su paso por Madrid promete un concierto memorable, como todos los de la genial pianista. Las entradas, con un precio general de 15 a 40 euros, ya están a la venta en las taquillas del Auditorio Nacional, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y 902 22 49 49

Martha Argerich: la leyenda incombustible

Nacida en Buenos Aires (Argentina), Martha Argerich empezó a tocar el piano a los cinco años con Vincenzo Scaramuzza. Considerada una niña prodigio, pronto comenzó a actuar en público. En 1955 se trasladó a Europa y continuó sus estudios en Londres, Viena y Suiza con Seidlhofer, Gulda, Magaloff, Lipatti y Stefan Askenase. En 1957 ganó los Concursos de Piano de Bolzano y Ginebra, y en 1965 el Concurso Internacional Chopin de Varsovia. Desde entonces, ha sido una de las pianistas más prominentes tanto en popularidad como en habilidad. Argerich ha destacado por su representación de la literatura pianística de los siglos XIX y XX. Su amplio repertorio incluye obras de Bach y Bartók, Beethoven y Messiaen, así como Chopin, Schumann, Liszt, Debussy, Ravel, Franck, Prokofiev, Stravinski, Shostakóvich y Chaikovski. Aunque es invitada habitual de las más prestigiosas orquestas, directores y festivales de música de Europa, Japón y América, la música de cámara tiene un papel muy relevante en su vida musical, y actúa y graba frecuentemente con los pianistas Nelson Freire y Alexandre Rabinovitch, el chelista Mischa Maisky y el violinista Gidon Kremer. Como ella misma afirma: «Esta armonía entre un grupo de personas me da una gran fuerza y paz». Martha Argerich ha grabado con EMI, Sony, Philips, Teldec y Deutsche Grammophon, y muchos de sus conciertos se han retransmitido por la televisión a todo el mundo.

Entre los numerosos premios que ha recibido a lo largo de su carrera destacan los Premios Grammy por los conciertos de Bartók y Prokofiev, por Cinderella de Prokofiev con Mikhael Pletnev y por los Conciertos 2 y 3 de Beethoven con la Mahler Chamber Orchestra bajo la dirección de Claudio Abbado; Premio Gramophon “Artista del Año, Mejor Disco del Año de Concierto de Piano” por los conciertos de Chopin; Premio “Choc del Monde de la Musique” por su recital en Ámsterdam; premio “Künstler des Jahres Deutscher Schallplatten Kritik” en la categoría de “Mejor Representación de Solista Instrumental”; premio del Sunday Times al “Disco del Año” y “Premio de la Revista Musical de la BBC” por su disco de Shostakóvich (EMI, 2007).

Desde 1998 es Directora Artística del Festival Beppu en Japón; en 1999 creó el Festival y Concurso Internacional de Piano Martha Argerich en Buenos Aires, y en junio de 2002 el “Progetto Martha Argerich” en Lugano. Entre las numerosas distinciones que ha recibido caben destacar: Oficial de la Orden de las Artes y las Letras (1996) y Comandante de la Orden de las Artes y las Letras (2004) del Gobierno francés; Accademica di Santa Cecilia de Roma (1997); Músico del Año por Musical America (2001); Orden del Sol Naciente, Rayos de Oro con Escarapela, del Emperador de Japón y el prestigioso Praemium Imperiale de la Asociación de Arte de Japón (2005).

Gabriele Baldocci, prodigio ecléctico

Gabriele Baldocci, profesor en el Trinity Laban Conservatoire of Music de Londres, ha ofrecido conciertos en centros de prestigio como la Tonhalle de Zúrich, Parco della Musica de Roma, Teatro Colón de Buenos Aires, Ceramic Crystal Hall de Seúl, Sala Verdi de Milán, Teatro Ghione de Roma, Teatro Rossetti de Trieste, Teatro Ponchielli de Cremona, Parnassos Hall de Atenas, Teatro Lirico de Cagliari, Poisson Rouge de Nueva York y muchos otros, presentándose regularmente en algunos de los festivales más importantes del mundo. Ha grabado la obra completa para piano y violín, y piano y viola de Nino Rota junto al violinista Marco Fornaciari, las obras completas para dos pianos de Michael Glenn Williams junto a Enrico Pompili, la obra completa de las Baladas y los Impromptus de Chopin y un recital en vivo para dos pianos, a dúo con Martha Argerich. Actualmente está terminando para Dynamic la obra completa de las Sinfonías de Beethoven transcritas por Liszt para piano solo.

Músico ecléctico y contracorriente, ha creado numerosos espectáculos donde oscila entre el repertorio tradicional y la improvisación (a menudo dirigida por el público), en el que fusiona elementos de música clásica, jazz y rock, así como la presentación a menudo de obras de autores contemporáneos. Baldocci es embajador oficial del Martha Argerich Presents Project y participa regularmente en varios grupos de música de cámara. Forma dúo desde hace años con Martha Argerich y con el pianista argentino Daniel Rivera, aparte de colaborar frecuentemente con diferentes actores como Amanda Sandrelli.

Niño prodigio del piano, empezó a dar conciertos públicamente a la edad de 9 años, siendo ganador de premios en concursos pianísticos muy prestigiosos como el Concorso Casagrande de Terni y el Concurso Martha Argerich de Buenos Aires. Tras haber estudiado en la Accademia Pianistica de Imola con Franco Scala, ha sido alumno de la International Piano Academy de Como, donde ha recibido clases por parte de William Grant Naboré, Lèon Fleisher, Alicia de Larrocha, Dmitri Bashkirov, Fou Ts’Ong, Charles Rosen, Andreas Staier y Claude Frank. Asimismo se ha diplomado en la Accademia Nazionale di Santa Cecilia de Roma bajo la dirección de Sergio Perticaroli. Actualmente integrado en el campo de la enseñanza, es a menudo invitado a dar clases magistrales en universidades y academias muy prestigiosas del mundo. Es invitado con frecuencia a participar como miembro del jurado en concursos pianísticos internacionales.

El lunes 27 de noviembre a las 19.30 horas, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) inaugura la serie de conciertos que tienen al barítono alemán Matthias Goerne como “Artista Residente” del centro para la temporada 17/18. Este primer concierto, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional, es en coproducción con la Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM), y estará protagonizado por la ORCAM con su maestro titular, Víctor Pablo Pérez, al frente. El programa está formado por la Novena Sinfonía de Bruckner y los Kindertotenlieder de Gustav Mahler.

A lo largo de la temporada Goerne participará en cinco conciertos más: podremos disfrutar de su arte en tres ocasiones en el XXIV Ciclo de Lied del Teatro de la Zarzuela, donde ya es un visitante habitual y del que es posiblemente uno de sus artistas favoritos, pues ha actuado en 15 ocasiones. Siempre con programas especialmente exigentes, sus sorprendentes propuestas en una voz masculina (como la colección schumanniana Frauenliebe und -leben) revelan su permanente inquietud en este género. En esta temporada abordará los tres grandes ciclos schubertianos (Die Schone Müllerin, Winterrreise y Schwanengesang) que ya ha abordado por separado, pero esta vez en tres recitales que tienen poco más de dos meses de diferencia y con el mismo pianista, el excelente Markus Hinterhäuser. Además pisará la escena en el Elías de Mendelssohn en el Teatro Real, con el granadino Pablo Heras-Casado al frente de dos magníficos conjuntos germanos (Rias Kammerchor y Freiburger Barockorchester) en una coproducción del CNDM con La Filarmónica y el coliseo madrileño. Y también ofrecerá, dentro del ciclo Liceo de Cámara XXI en el Auditorio Nacional, y acompañado por el Cuarteto Belcea, el melancólico Notturno, op. 57 de Othmar Schoeck con poemas de Lenau.

Destaca de la temporada pasada conciertos con las orquestas más importantes de Estados Unidos y Europa como: Boston Symphony, Dallas Symphony, Philadelphia Orchestra, Chicago Symphony, Los Angeles Philharmonic, San Francisco Symphony, Pittsburgh Symphony, Berlin Philharmonic, Orchestre de Paris y Philharmonia Orchestra London, así como una serie de recitales de canciones con Leif Ove Andsnes y Markus Hinterhäuser en Dallas, París, Bruselas, Milán, Madrid, Londres y la nueva sala de conciertos LOTTE en Seúl, entre muchos otros lugares. Ha realizado una gira mundial cantando Winterreise con el célebre William Kentridge y otra con la Orquesta Barroca de Friburgo por las principales ciudades europeas. Además, Goerne debutó como Jochanaan (Salomé) en la Ópera Estatal de Viena y como Wotan (Siegfried) en versión en concierto con la Filarmónica de Hong Kong y Jaap van Zweden. En verano de 2017, volvió al prestigioso Festival de Salzburgo, donde cantó el papel protagonista de Wozzeck además de un recital de lied con Danii Trifonov al piano.

Baluarte de la vanguardia y modelo de atención al repertorio español desde su creación en 1987, la Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM) se ha distinguido por presentar unas programaciones innovadoras, que han combinado lo más destacado de la creación contemporánea con el repertorio tradicional. Crítica y público han subrayado con unanimidad el interés y atractivo de las temporadas de abono de la ORCAM. Su ciclo de conciertos en el Auditorio Nacional de Música se ha convertido en referencia imprescindible en la vida musical española y punto de encuentro de un público variado y dinámico, interesado en conocer todas las corrientes musicales y los frecuentes estrenos absolutos que incluyen sus diferentes ciclos de conciertos. El sólido aval que representan sus abonados y el respaldo de los más exigentes medios especializados expresan el relieve de la actividad de la ORCAM, que ha prolongado el ámbito de sus actuaciones más allá de la exitosa temporada de abono madrileña, habiéndose incorporado de forma activa a las temporadas de otros escenarios de la Comunidad, como son los Teatros del Canal y el Teatro Auditorio San Lorenzo de El Escorial. Su presencia ha sido requerida en las salas y ciclos más prestigiosos de todo el Estado, así como en temporadas y festivales internacionales, habiendo visitado el Teatro Bellas Artes de México D.F. y diversas salas de Pekín, Shanghai y Hong Kong. En Europa ha actuado en lugares tan emblemáticos como el Théâtre du Châtelet de París, Teatro La Fenice de Venecia, el Lingotto de Turín, el Arsenal de Metz y la Konzerthaus de Berlín. Italia es un país que acoge con frecuencia las actuaciones de la ORCAM, señaladamente la Biennale di Venezia y el Festival MITO (Milán y Turín). De igual modo hay que señalar la actuación celebrada en el Carnegie Hall neoyorquino con Plácido Domingo, a las órdenes del Maestro Miguel Roa.

La estrecha relación de la ORCAM con la lírica viene avalada por el hecho de que la orquesta es, desde el año 1998, Orquesta Titular del Teatro de la Zarzuela de Madrid, lo que le ha situado como máximo exponente del género, llevando a cabo en sus diferentes temporadas reestrenos, reposiciones, recuperaciones, grabaciones y encargos de diversa índole. En el ámbito discográfico, cabe destacar los más de cuarenta registros realizados para sellos nacionales e internacionales como Emi, Deutsche Grammophon, Verso, Stradivarius, Decca, Naxos, etc. junto a artistas de la talla de Plácido Domingo, Ainhoa Arteta, Carlos Álvarez o Rolando Villazón, entre otros. Por el podio de la ORCAM han pasado maestros invitados tan prestigiosos como Fabio Biondi, Harry Christophers, Michel Corboz, Leopold Hager, Jean Jacques Kantorow, Isaac Karabtchevsky, Lorin Maazel, Paul McCreesh, Shlomo Mintz, Krysztof Penderecki, Alberto Zedda, Libor Pesek y José Serebrier. Entre los directores españoles que han colaborado con la ORCAM figuran Edmon Colomer, Rafael Frühbeck de Burgos, Enrique García Asensio, Miguel Ángel Gómez Martínez, Pablo González, Cristóbal Halffter, Jesús López Cobos, Ernest Martínez Izquierdo, Juanjo Mena, Víctor Pablo Pérez, Josep Pons y Antoni Ros Marbà.

El domingo 19 de noviembre a las 19 horas, el ciclo Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música de Madrid a Les Arts Florissants dirigidos por William Christie y acompañados por los seis jóvenes cantantes seleccionados en la última edición del proyecto Le Jardin des Voix: Natalie Pérez, soprano (Francia, 1988); Natasha Schnur, soprano (Alemania, 1991); Eva Zaïcik, mezzosoprano (Francia, 1987); James Way, tenor (Gran Bretaña, 1992); Josep-Ramon Olivé, barítono (España, 1988) y Padraic Rowan, bajo-barítono (Irlanda, 1990). El programa ‘Un jardín a la inglesa’, está centrado en la ópera inglesa de los siglos XVII y XVIII e incluye a los grandes nombres de la composición de esa época (Gibbons, Dowland, Lawes, Purcell y Haendel). El barítono Josep-Ramon Olivé será también el protagonista de uno de los cuatro conciertos del ciclo Schubert Lied, nueva serie musical que el CNDM programa en Barcelona.

Un proyecto clave que descubre grandes talentos
En el año 2002, William Christie creó una academia para jóvenes cantantes que llamó Le Jardin des Voix y la vinculó a la actividad de su famoso conjunto Les Arts Florissants. La experiencia se repitió en 2005 y desde entonces se celebra cada dos años.

Con la dirección de William Christie y Paul Agnew, Le Jardin es una actividad para jóvenes que están comenzando sus carreras. Tras varias semanas de formación intensiva, los cantantes elegidos realizan un concierto de presentación antes de emprender una gira mundial. En esta ocasión, su estreno tuvo lugar este verano en el festival ‘Dans les Jardins de William Christie’. En esta octava convocatoria han sido elegidos seis cantantes de cinco nacionalidades diferentes.

Le Jardin des Voix permite que los seleccionados puedan continuar sus trayectorias internacionales en las salas de conciertos más prestigiosas, convirtiéndose en colaboradores habituales de Les Arts Florissants. El proyecto ha descubierto a 50 nuevos talentos de 16 países, entre los que están Katherine Watson, Marc Mauillon, Sonya Yoncheva, Christophe Dumaux, Emmanuele De Negri, Lea Desandre o los españoles Xavier Sabata, Juan Sancho, Gabriel Pérez-Bermúdez y Lucía Martín-Cartón.

La formación de polifonía Musica Ficta, conjunto barroco residente del Centro Nacional de Difusión Musical (NCDM) en 2017, celebra este mes de septiembre su 25 aniversario con el lanzamiento de una nueva grabación del Officium Defunctorum, obra cumbre de , el más celebre compositor del Renacimiento español. El grupo, fundado en 1992 por su director, Raúl Mallavibarrena, protagonizará durante los próximos meses diversas giras y conciertos nacionales e internacionales, con programas que giran en torno a las efemérides de Monteverdi, Cisneros o “el camino español”.

Coincidiendo con los 25 años de su fundación y los 15 años de la publicación de su primera grabación del Officium Defunctorum, Musica Ficta regresa a su compositor, obra y periodo predilectos: el maestro Victoria, su conocido Réquiem y el Renacimiento español. La aproximación a la partitura es, sin embargo, completamente diferente. Su primera versión (Mejor disco renacentista de 2002, por la revista CD Compact), grabada a dos voces por parte y acompañada de órgano y bajón, mantenía el tono original de la obra, de sonoridad más grave. La nueva grabación, en cambio, ha sido grabada a capela en la capilla de la Hospedería de Santa Cruz (Madrid), a voz por parte, salvo altos y bajos doblados, y un tono alto. El resultado es más luminoso y poético manteniendo el dramatismo. “Victoria ha sido el compositor que más me ha ayudado a comprender la polifonía, lo que me ha permitido acercarme a esta música desde diferentes perspectivas”, apunta Mallavibarrena.

El perfil apasionado y cercano con que aborda la polifonía religiosa ha hecho de Musica Ficta uno de los más destacados renovadores de la interpretación de la música antigua en nuestro país. En esta versión del Officium Defunctorum se aleja de la ortodoxia para deleitar a los oídos actuales con una sensibilidad muy distinta.

Raúl Mallavibarrena (Oviedo, 1970) fundó Musica Ficta en 1992. El conjunto ofreció en 1993 su primer concierto en Madrid y en 1996 publicó su primer disco con las Lamentaciones de Jeremías en el sello Cantus. Desde entonces ha publicado 20 títulos bajo el sello Enchiriadis, fundado por el propio Mallavibarrena en el año 2000. Ha sido el único grupo de música antigua en grabar El Parnaso Español, de Pedro Ruimonte; el Cancionero de Turín, y la integral de las Villanescas, de Francisco Guerrero. En 2005 interpretó por primera vez en tiempos modernos la zarzuela Salir el Amor del Mundo, de Sebastián Durón, en el Teatro Arriaga de Bilbao junto a la orquesta Civitas Harmoniae

Durante estos 25 años, la formación ha sido invitada a los festivales más relevantes del género en España, como el Festival de Música y Danza de Granada, el Festival de Música Antigua de Sevilla, la Quincena Musical de San Sebastián, el Festival de Arte Sacro de Madrid, el Festival de Música Religiosa de Cuenca o el Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza. Asimismo ha protagonizado giras y conciertos por Italia Grecia, Francia (Festival Îlle de France), Noruega (Festival San Olav), Alemania, Chequia, Polonia, Túnez, Egipto, Jordania, Líbano, Siria, Argentina, Uruguay, Colombia, Perú, México (Festival Cervantino de Guanajuato), Estados Unidos (Hispanic Society of America de Nueva York, San Diego Early Music Society, Seattle Early Music Guild, Miami Bach Society), China (Chine International Chorus Festival) y Japón. Voces consolidadas de la escena española como Nuria Rial, Lluís Villamajo, Marta Infante, María Espada, Ruth Rosique, Maria Eugenia Boix, Soledad Cardoso, Raquel Andueza o Gabriel Díaz han formado parte de su plantilla.

Música Ficta, grupo residente barroco del CNDM en 2017

El Centro Nacional de Difusión Musical ha reconocido la trayectoria de Musica Ficta al nombrarlo conjunto barroco residente en 2017. Con esta distinción protagonizará varios conciertos y giras por España, Europa y Latinoamérica. Estos días participa en el Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá, que se celebra hasta el 1 de octubre. En noviembre actuará en el Auditorio Nacional dentro del ciclo Universo Barroco y clausurará el Festival Internacional de Órgano de la Catedral León con un programa de Monteverdi, con motivo del 450 aniversario de la muerte del compositor. Este mismo mes emprenderá además una gira que partirá de Madrid rumbo a Milán, Lyon, Frankfurt, Luxemburgo y Bruselas para conmemorar el 450 aniversario del “camino español”, la ruta inaugurada en 1567 por el tercer Duque de Alba para llevar a los tercios del ejército español a la guerra con Flandes, y evitar así la ruta marítima, mucho más peligrosa.

Además de sus compromisos con el CNDM, Musica Ficta ha sido invitada a participar en los actos conmemorativos del 500 aniversario de la muerte del cardenal Cisneros. Con este motivo, el 28 de octubre ofrecerá un concierto en Torrelaguna.

El CNDM en su octava temporada organizará 330 actividades diferentes en 28 ciudades españolas de 13 comunidades autónomas, además de en 10 ciudades extranjeras de otros tantos países.

De los 272 conciertos previstos, 107 se ofrecerán en Madrid y 165 fuera de la capital española.

La presencia internacional crece de forma importante y se desarrollará en 9 ciudades europeas (Bruselas, Bucarest, Elvas, Frankfurt, Luxemburgo, Lyon, Milán, Sofía, Trondheim [Noruega]) y una americana (Bogotá).

Las residencias del centro aumentan a cuatro en la temporada 17/18: se mantienen las figuras de Artista Residente, con el barítono alemán Matthias Goerne (Weimar, 1967) y la de Compositor Residente, con Jesús Torres (Zaragoza, 1965) y se crean dos nuevas:Conjunto Barroco Residente (Musica Ficta) y Cuarteto Residente (Cuarteto Casals)

Se articulan dos grandes ciclos transversales en la programación general dedicados al gran compositor italiano Claudio Monteverdi (#Monteverdi4.5.0, para conmemorar el 450 aniversario de su nacimiento) y al genial músico vienés Franz Schubert (#Schubert-Zyklus, centrado en la producción liederística).

Se recuperarán 25 obras inéditas del patrimonio musical español y se estrenarán 75 nuevas partituras, 46 por encargo del CNDM (un record absoluto en la historia del Centro, que desde 2011 ya ha estrenado 207 obras con 119 encargos).

Vuelven artistas imprescindibles en los diferentes géneros musicales: Martha Argerich, William Christie, Menahem Pressler, Jordi Savall, Leo Nucci, Michael Nyman, Rocío Márquez, Diana Damrau o Chick Corea, a los que se unen otros nuevos: Pedro Iturralde, Franco Fagioli, Sarah Chang, Lucero Tena, Juan Perro, Cristina Branco, Thomas Quasthoff (cantando jazz), Piotr Beczala, Alba Molina o los grandes compositores Arvo Pärt y Toshio Hosokawa.

La educación tendrá de nuevo una importancia capital con 58 actividades gratuitas en 12 ciudades españolas y 2 extranjeras, en coproducción con 17 instituciones académicas y 73 conciertos de entrada libre (40% del total).

El CNDM colaborará en la temporada 17/18 con 110 instituciones públicas y entidades privadas.

La Directora General del INAEM, Montserrat Iglesias junto a Antonio Moral, director del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), han presentado esta mañana en rueda de prensa la temporada 17/18 de este centro. El CNDM, unidad dependiente del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música (INAEM), propone para su octava temporada un intenso y extenso programa que mantiene su espíritu de recuperar y difundir nuestro vasto patrimonio histórico y las músicas cultas de raíz popular como el flamenco y el jazz, incentivar la composición actual y atraer a nuevos públicos hacia la música clásica, o aquellos géneros menos frecuentes, a través de las diversas actividades organizadas de forma autónoma o en colaboración con más de un centenar de instituciones nacionales e internacionales.

La temporada 2017/18 está conformada por un total de 330 actividades diferentes que tendrán lugar desde el 29 de junio de 2017 al 2 de julio de 2018. El programa se desarrollará en Madrid capital y en otras 27 ciudades españolas de 13 comunidades autónomas, a las que hay que añadir una ciudad americana (Bogotá) y 9 europeas en 9 países (Bruselas, Bucarest, Frankfurt, Luxemburgo, Lyon, Milán, Sofía, Trondheim y la ciudad portuguesa de Elvas, alcanzando un total de 38 ciudades distintas) con una amplia oferta de conciertos, sesiones educativas, academias musicales, cursos de interpretación, clases magistrales, mesas redondas y conferencias a cargo de destacados intérpretes y creadores. En total, se producirán 272 conciertos, de los cuales 165 se ofrecerán fuera de la capital española y habrá 73 conciertos de carácter gratuito. La programación de la 17/18 cuenta con 71 grupos españoles (123 artistas nacionales) y 41 grupos extranjeros (106 artistas foráneos).

Los 107 conciertos organizados en Madrid se reparten en 10 ciclos de abono (Universo Barroco –Sinfónica y Cámara–, Series 20/21, Fronteras, Liceo de Cámara XXI, Andalucía Flamenca, Jazz en el Auditorio, Ciclo de Lied, Bach Vermut y Contrapunto de Verano) además del proyecto pedagógico y social “Todos Creamos”) y tendrán lugar en el Auditorio Nacional de Música, Teatro de la Zarzuela y Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS). El CNDM colaborará con 110 instituciones públicas y entidades privadas. En España lo hará para coproducir los ciclos que componen la parte de Músicas Históricas de León (Festival Internacional de Órgano Catedral de León -FIOCLE- y el ciclo en el Auditorio Ciudad de León junto al Ayuntamiento), los tres ciclos demúsica actual en Alicante, Santiago de Compostela y Badajoz y los dos barrocos en Oviedo y Salamanca, además de los conciertos coproducidos por los cabildos catedralicios incluidos dentro de la serie El órgano en las Catedrales. Continúa la colaboración estable con las ciudades de Segovia (Fundación Juan de Borbón), Cáceres (Conservatorio) y los festivales internacionales de música de Cádiz, Sevilla, Úbeda-Baeza y Zamora. El CNDM ha reforzado sus alianzas con el L´Auditori de Barcelona (creando el ciclo Schubert Lied, coproducido por la Asociación Franz Schubert de Barcelona), el Museo Baluarte de Pamplona (con el ciclo Beethoven Actual) y comenzamos la colaboración con el Teatro de La Maestranza de Sevilla con dos ciclos de piano: el ya mencionado Beethoven Actual y la nueva serie Beethoven por Liszt; y estrena nuevos proyectos en Malpartida de Cáceres (Museo Vostell Malpartida) y Panticosa (Huesca).

El programa internacional crece exponencialmente repitiendo la colaboración por tercer año con el Festival de Música Sacra de Bogotá (Colombia) y con la vecina ciudad portuguesa de Elvas. El éxito del pasado año con el Proyecto Europa: el cuarteto de cuerda en España junto al Instituto Cervantes ha hecho que el ciclo llegue a Bucarest(Rumanía) y Sofía (Bulgaria) y que se añada una segunda serie de conciertos: Proyecto Europa: Un peregrinaje musical en la Europa de Carlos V con el conjunto Musica Fictacomo protagonista y un recorrido que les llevará desde la Iglesia de Los Jerónimos en Madrid a Lyon (Francia), Bruselas (Bélgica), Luxemburgo, Frankfurt (Alemania) y Milán (Italia) siguiendo el camino de Flandes. A todo ello hay que sumar la primera colaboración del centro con el Festival de Música Barroca de Trondheim (Noruega).

Residentes y ciclos transversales

La actual temporada duplica las “residencias” del CNDM hasta llegar a cuatro. El aragonés Jesús Torres (Zaragoza, 1965) será Compositor Residente, que hoy se encuentra en plena madurez creativa y presentará un total de diez obras, escritas entre 2001 y 2018, donde se incluyen cuatro estrenos absolutos, y el prestigioso barítono alemánMatthias Goerne (Weimar, 1967) como Artista Residente tan ligado durante dos décadas al Ciclo de Lied, y que en esta nueva temporada estará presente en las cuatro principales salas musicales de Madrid: Teatro de la Zarzuela, Teatro Real y Auditorio Nacional de Música (Sinfónica y Cámara), a lo largo de seis importantes conciertos. A esas dos secciones se añaden la de Conjunto Barroco Residente, que ostentará el conjunto vocal renacentista Musica Ficta, dirigido por Raúl Mallavibarrena, que conmemora sus primeros 25 años de vida artística, y ofrecerá diez conciertos en Madrid, León, Bogotá, Milán, Lyon, Frankfurt, Luxemburgo y Bruselas; y la de Cuarteto Residente, ocupada por el Cuarteto Casals, que celebra este año los veinte de su creación en Madrid tras una feliz andadura por la que es reconocido como uno de los mejores cuartetos del mundo.

Dos grandes protagonistas ocuparán la atención de sendos ciclos transversales. Por un lado, #Monteverdi4.5.0 recordará los cuatro siglos y medio del nacimiento de Claudio Monteverdi, con 21 conciertos repartidos en 7 ciudades desde Badajoz a Bogotá, pasando por Salamanca, León, Sevilla, Oviedo y Madrid con intérpretes internacionales tan relevantes como Alessandrini, Hengelbrock, Antonacci, Invernizzi o Mingardo, y músicos españoles de la talla de los hermanos Zapico y los Alqhai, Andueza, Almajano, Mena o la cantaora Rocío Márquez junto a directores como Mallavibarrena o Heras-Casado. El segundo pilar será Franz Schubert y #Schubert-Zyklus, donde centramos la atención en su abundante producción liederística, con la inclusión de sus tres grandes ciclos de canciones en el XXIV Ciclo de Lied del Teatro de la Zarzuela (interpretados por el barítono Matthias Goerne y el pianista Markus Hinterhäuser) y seis recitales más a cargo de otros tantos jóvenes cantantes, cuatro de ellos en Barcelona. En Badajoz y Madrid escucharemos la muy interesante versión orquestal para tenor de Winterreise arreglada por Hans Zender y en el Balneario de Panticosa (Huesca) tendremos la ocasión de escuchar un mini festival dedicado al genio austriaco.

Creación e intérpretes actuales

La creación contemporánea sigue siendo un pilar fundamental en la programación del CNDM, incentivando la composición de nuevas páginas y ampliando el conocimiento del repertorio menos transitado del pasado siglo. Este año verán la luz 75 nuevas obras, 46 de las cuales serán por encargo del CNDM. Entre los estrenos más importantes de los próximos meses destacan los cuartetos de cuerda encargados a Gabriel Erkoreka (Meta4) yManuel Hidalgo (Gerhard) o el primer Cuarteto con piano de Jesús Torres (Notos), en ese afán de multiplicar un género esencial de la historia de la música moderna, tan complejo y difícil de componer. Por otro lado, tendremos estrenos absolutos de otras dos personalidades internacionales ya imprescindibles de la creación actual: Arvo Pärt (1935) que será interpretado por el Ars Nova Copenhagen y Toshio Hosokawa (1955), por el Trío Pahud-Queyras-Le Sage, que se suman a la larga lista de estrenos (que ya suman 207 desde 2011) de otros ilustres compositores, que han escrito nuevas obras por encargo del CNDM: György Kurtág (1926), Cristóbal Halffter (1930), Luis de Pablo (1930), Antón García Abril (1933), Krzysztof Penderecki (1933), Tomás Marco (1942), Mario Lavista (1943), Peter Eötvös (1944), Mauricio Sotelo (1962) o Jörg Widmann (1973), además de otros muchos de generaciones más jóvenes (incluido el Premio de Jóvenes Compositores Fundación SGAE-CNDM). Esta firme apuesta por la creación actual nos mantiene, con 119 encargos realizados hasta la fecha, en la primera división de la música contemporánea europea.

Habría que resaltar la presencia de la gran pianista argentina Martha Argerich y el nonagenario Menahem Pressler, dentro del Liceo de Cámara XXI, el concierto homenaje que le haremos al legendario saxofonista español Pedro Iturralde, la presentación en España con su grupo de jazz berlinés del barítono Thomas Quasthoff, la nueva cita con el gran pianista americano Chick Corea y la vuelta al Auditorio de nombres tan carismáticos como Jorge Pardo, China Moses y Uri Caine o el debut del pianista italiano Stefano Bollani. En nuestro ciclo flamenco, además de nombres ya míticos del cante como José de la Tomasa, La Macanita, Luis El Zambo, Pedro El Granaíno, Carmen de la Jara, María Terremoto, La Tremendita o Duquende, la nueva generación también estará presente conManuel Lombo, Alba Molina o Rocío Márquez, que se presentará en la Sala Sinfónica arropada por grandes nombres del flamenco, como ya ocurrió con Arcángel en la pasada temporada. En el ciclo Fronteras vuelve a la Sala Sinfónica del Auditorio el pianista y compositor minimalista Michael Nyman para festejar con su banda los cuarenta años que llevan encima de los escenarios de medio mundo. Mientras tanto, en la Sala de Cámara se alternarán los fados de Cristina Branco con el flamenco innovador de siete grandes compositores europeos actuales que han compuesto su música para el cantaor Jesús Méndez y el Trio Arbós. La pianista clásica Rosa Torres-Pardo estará presente junto con las voces de Arcángel, Rocío Márquez y María Toledo, también reputada pianista flamenca. Jordi Savall establecerá su particular diálogo entre el Barroco y las músicas ancestrales de Oriente y Occidente. El gran contrabajista de jazz Javier Colina se trufará con la guitarra flamenca de Josemi Carmona y las acústicas de Santiago Auserón y Joan Vinyals en El viaje de Juan Perro; y Xavier de Maistre con la mayor intérprete de castañuelas de toda la historia: la legendaria Lucero Tena.

El éxito del órgano y la música de cámara

La exitosa programación para órgano continuará con el ciclo Bach Vermut con una nueva entrega de diez conciertos ampliando el repertorio y contando con nombres imprescindibles del mundo organístico internacional tanto en Madrid como en las nueve catedrales españolas (León, Alcalá de Henares, Las Palmas de Gran Canaria -primera visita del CNDM a las Islas Canarias-, Cuenca, Logroño, Pamplona, Salamanca, Segovia y Valencia) en la segunda edición de la serie El órgano en las Catedrales.

El ciclo Liceo de Cámara XXI presenta de nuevo un concierto extraordinario en la Sala Sinfónica con Martha Argerich (esta vez junto al también pianista Gabriele Baldocci) y mantiene también la excelencia en la Sala de Cámara con solistas como Menahem Pressler(que ofrecerá un concierto solo y otro acompañado del Cuarteto Pacifica), Christian Zacharias, Tabea Zimmermann, Matthias Goerne, Javier Perianes, Emmanuel Pahud, Jean-Guihen Queyras, Eric Le Sage, Adolfo Gutiérrez Arenas, Christopher Park, Alexandre Tharaud, Joaquín Riquelme, Sarah Chang, Julio Elizalde, Vera Martínez Mehner, Andoni Mercero, Cristina Gómez Godoy, Pablo Ferrández, Juan Pérez Floristánademás de algunos de los mejores cuartetos del mundo (Belcea, Jerusalén, Meta4, Manderling y Quiroga) y el Trío Zimmermann.

El Ciclo de Lied, ya en su vigésimo cuarta edición, seguirá contando con las mejores voces que cultivan este género tan especial y que han convertido a Madrid en uno de los centros de referencia internacional en este campo. Además del barítono Matthias Goerne en tres recitales, tendremos la oportunidad de descubrir en este género vocal tan especializado a uno de los tenores más cotizados de hoy: Piotr Beczala, así como a la mezzosoprano suecaAnn Hallenberg, el contratenor Xavier Sabata o las jóvenes sopranos alemanas Hanna-Elisabeth Müller y Anna Lucia Richter. Dos voces italianas de lujo, la soprano Anna Caterina Antonacci y el barítono Leo Nucci, además de Diana Damrau, completarán el cartel liederístico del Teatro de la Zarzuela.

La importancia de la Educación

La Educación adquiere, como en cursos pasados, una importancia capital con 58 actividades diversas repartidas a lo largo de doce ciudades españolas, una portuguesa (Elvas) y una americana (Bogotá), coproducidas con cinco universidades españolas(Oviedo, León, Salamanca, Santiago de Compostela y Complutense de Madrid), cinco Conservatorios de Música en la Península Ibérica (Alicante, Badajoz, Madrid, Oviedo y Elvas en Portugal), dos centros educativos de secundaria de la Comunidad de Madrid(que participarán en la séptima edición del Proyecto Pedagógico, coordinado por el pedagogo Fernando Palacios), tres festivales (Música Contemporánea Vostell Malpartida, Música Española de Cádiz y Música Contemporánea de Tres Cantos), el Goethe-Institut(con las Jornadas “Interacciones XXI”, dedicadas a la creación musical actual de ambos países) y la Escuela de Música Reina Sofía. En la Universidad de Salamanca tendrá lugar, por quinto año, un intenso programa de clases magistrales y talleres de interpretación, de carácter transversal, centrado en el ámbito de la música antigua y barroca “históricamente informada”. En el Auditorio de León se celebrará el VII Curso de Interpretación Vocal Barroca, que anualmente imparte el director, clavecinista y musicólogo Eduardo López Banzo.

Nuevas audiencias

El CNDM mantiene el interés en incentivar y promover la incorporación de nuevas audiencias a sus diferentes programas divulgativos y educativos. De forma muy especial centra su actividad en los jóvenes menores de 26 años para los que desarrolla una amplio abanico de posibilidades, que incluyen ofertas con importantes ventajas en la adquisición de entradas o abonos, sobre todo a través del programa Último Minuto (con un descuento del 60%, para localidades adquiridas desde una hora antes del inicio de los conciertos) y acuerdos estables con numerosos centros educativos para que los estudiantes, que participan activamente en los cursos y ciclos, coproducidos conjuntamente, puedan asistir gratuitamente a los conciertos y otras actividades programadas por el centro en las diferentes ciudades españolas. En esta temporada se beneficiarán también del descuento Último Minuto los desempleados y se mantiene el descuento del 20% para todos los estudiantes, familias numerosas y mayores de 65 años. Además habría que sumar las 58 actividades educativas gratuitas y los 73 conciertos de entrada libre (131 actividades sin coste alguno, que suponen el 40% de la programación total del CNDM), con el fin de acercar la música a todos los públicos y en especial a los más jóvenes. En la temporada pasada Radio Clásica y TVE refrendaron su apoyo a nuestra programación con la grabación y emisión de 35 conciertos por la radio y 4 por La 2, estos últimos con una audiencia total de 152.000 espectadores.

Venta de abonos y localidades

La renovación de abonos para todos los ciclos programados en el Auditorio Nacional de Música, excepto Contrapunto de Verano, estará disponible del 31 de mayo al 5 de julio, en las taquillas del Auditorio Nacional, www.entradasinaem.es y 902 22 49 49, y la venta de nuevos abonos del 11 de julio al 9 de septiembre. Las entradas libres, si las hubiere,para todos los conciertos programados en la Sala Sinfónica estarán a la venta desde el 11 de julio, con entradas de 5 a 40 euros, mientras que para los ciclos de la Sala de Cámara se podrán adquirir a partir del 12 de septiembre, con precios de 10 a 20 euros. El XXIV Ciclo de Lied, programado en el Teatro de La Zarzuela, mantiene sus localidades de 4 a 35 euros, y las Series 20/21 programadas en el Museo Reina Sofía seguirán siendo con acceso libre hasta completar el aforo de la sala.

Las imágenes de la temporada 17/18 son obras originales de los artistas madrileños Pilar Perea y Jesús Perea.

Dentro del ciclo Universo Barroco del CNDM, Paul McCreesh trae a Madrid la música para la Coronación de un Dogo en la Venecia del siglo XVI. La última cita del ciclo Universo Barroco en el Auditorio Nacional nos trasladará a la Venecia del siglo XVI gracias al Gabrieli Consort & players y Paul McCreesh

Madrid, 23 de mayo de 2017. El lunes 29 de mayo a las 19.30 horas, el ciclo Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta su última cita en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música de Madrid con el conjunto Gabrieli Consort & players dirigidos por Paul McCreesh. En 1990, McCreesh reconstruyó con sus conjuntos la parte musical de lo que pudo haber sido la misa de Coronación del Dogo veneciano Marino Grimani en 1595. El espectáculo, grabación incluida, tuvo tanto éxito que, aun después de que McCreesh se hiciera célebre como director de la mejor música barroca e incluso diera el salto a las grandes centurias sinfónicas, seguía siendo solicitado, y en 2012 el maestro británico y sus huestes ofrecieron un nuevo registro renovado de aquel histórico original. Los nombres de Andrea y Giovanni Gabrieli son quienes dominan en esta gran fantasía coral e instrumental.

Fundado por Paul McCreesh en 1982, el conjunto Gabrieli Consort & Players es mundialmente reconocido por abarcar un amplio repertorio coral e instrumental que va desde el Renacimiento hasta la música de nuestros días. Sus interpretaciones recogen las principales obras de la tradición del oratorio, programas virtuosos a cappella y reconstrucciones de celebraciones y ceremonias musicales históricas. Gabrieli Consort & Players son aclamados intérpretes de oratorios de Haendel y las Pasiones de Bach. Sus grabaciones con Deutsche Grammophon han conseguido numerosos premios internacionales. A modo de ejemplo La Creación de Haydn ganó un “Premio Gramophone a la Mejor Grabación Coral” en 2008 y A Spotless Rose fue nominada a un Premio Grammy en 2010. Son visitantes asiduos de las más prestigiosas salas de conciertos del mundo. Actúan frecuentemente en las principales salas de Londres, incluyendo los conciertos que organizan y presentan directamente en las iglesias de Christ Church y Spitalfields. Entre sus proyectos se incluyen una gira de conciertos europea de arias de Haendel con el tenor Rolando Villazón, una colosal representación de La Creación de Haydn como parte de las BBC Proms en 2009, conciertos de Jephtha de Handel y Missa Solemnis de Beethoven en París y Londres, Theodora de Haendel en París y Madrid, y giras de música a cappella por muchas de las catedrales españolas más espectaculares, incluyendo las de Barcelona, Cuenca, Granada y Toledo. El perfil internacional del grupo se ha ido forjando con la ayuda de unas fuertes relaciones. Durante diez años, junto con Martin Randall Travel, Gabrieli Consort & Players ha sido pionero en nuevas áreas del turismo cultural, realizando festivales de música en centros históricos europeos. Han sido artistas en residencia en el Brinkburn Music en Northumberland durante quince años. Gabrieli Consort & Players son también artistas asociados del Festival Wratislavia Cantans en Wrocław (Polonia) donde han comenzado una interesante colaboración con el Coro Filarmónico de Wrocław. El grupo está cada vez más comprometido en su trabajo con la Escuela de Música Chetham, además de colaborar con algunos de los mejores coros juveniles del Reino Unido. Todo lo anterior da a los jóvenes cantantes la oportunidad de ensayar y actuar con músicos del más alto nivel profesional.

El lunes 8 de mayo, el ciclo Series 20/21 del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid el penúltimo concierto del la temporada con la colaboración de la Escuela de Música Reina Sofía, la Fundación BBVA y la Fundación Cisneros – Colección Patricia Phelps de Cisneros. Para la ocasión, la Sinfonietta de la Escuela de Música Reina Sofía, formación instrumental centrada en la música de nuestro tiempo de dicha institución académica, dirigida por el maestro suizo Baldur Brönnimann, interpretarán el programa “Después de Guernica” formado por obras de Ligeti, Lindberg, Birtwistle y Widmann. Gracias al acuerdo de las instituciones implicadas se cumple el objetivo de promover el cruce de la música y las artes plásticas, estableciendo las conexiones que de manera natural existen entre sus creadores, ya sea por compartir movimientos artísticos, procedencia geográfica, o simplemente por inspiración. En este caso algunas de las obras del concierto establecen un puente muy sugerente con la exposición “Piedad y terror en Picasso. El camino a Guernica” que ofrece actualmente el Museo hasta el 4 de septiembre. El concierto es con acceso libre hasta completar el aforo de la sala.

La Sinfonietta de la Esuela de Música Reina Sofía se presentó por primera vez en público el 14 de abril de 2011 dentro del acto de homenaje que la Fundación Albéniz y la Escuela de Música Reina Sofía dedicaron en esa fecha a la memoria de Enrique Franco, que falleció en 2009 y fue Vicepresidente de la Fundación Albéniz y uno de los principales pensadores musicales de su tiempo. En aquella ocasión fue Zsolt Nagy quien dirigió el ensemble.

La creación de la “Sinfonietta”, en colaboración con la Fundación BBVA, se enmarca en la línea de trabajo abierta por la Escuela de Música Reina Sofía en la que la música contemporánea, en su doble vertiente de creación e interpretación, juega un importante papel. Fruto de esta iniciativa es el proyecto “Música para una Escuela”, que surgió con ocasión de la celebración del setenta cumpleaños de su Presidenta, Paloma O’Shea, quien quiso obsequiar a la Escuela con una serie de encargos a los principales compositores españoles y extranjeros, a los que se les pidió una música destinada a ser estudiada y estrenada por los músicos de la Escuela, otorgándoles completa libertad en cuanto a plantilla instrumental y duración, y sin limitación en cuanto a la dificultad técnica de la obra. El objetivo primordial de este proyecto es que las obras se inserten con naturalidad en el plan académico de la Escuela, del Instituto de Música de Cámara y del Encuentro de Música de Santander, produciéndose sus estrenos a lo largo de la vida artística de estas instituciones. Entre los compositores que se han incorporado al proyecto destacan: César Camarero, John Corigliano, Tan Dun, Peter Eötvös, Antón García Abril, Sofía Gubaidulina, Joan Guinjoan, Toshio Hosokawa, Francisco Kröpfl, Tomás Marco, Marlos Nobre, Luis de Pablo, Fabián Panisello, David del Puerto, Krysztof Penderecki y Karlheinz Stockhausen.

La agrupación nació con el objetivo de formar a los jóvenes intérpretes en el conocimiento y la práctica del repertorio de los siglos XX y XXI. La formación de la Sinfonietta es variable en número y tipo de instrumentos, a la manera de los “ensembles” instrumentales que han llevado el peso fundamental de la creación musical en las últimas décadas. La Sinfonietta pasa así a enriquecer los conjuntos instrumentales estables creados por la Escuela de Música Reina Sofía, que incluyen la Orquesta Sinfónica Freixenet y la Camerata Viesgo.

Nacido en Suiza, Baldur Brönnimann se formó en la Academia de Música de la ciudad de Basel y en el Royal Northern College de Música en Manchester, donde fue designado como profesor visitante de Dirección. Entre 2008 y 2012 fue director musical de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia en Bogotá y en enero de 2015 fue nombrado Director Principal de la Orquestra Sinfónica do Porto Casa da Música, después de una larga relación con la orquesta y desde septiembre de 2016 es Director Principal de la Basel Sinfonietta. Brönnimann ha trabajado con compositores como John Adams, Kaija Saariaho, Harrison Birtwistle, Unsuk Chin, Thomas Adès y orquestas como la Filarmónica de Oslo, la Real Filarmónica de Estocolmo, la Britten Sinfonia, la Orquesta Philharmonia, la Sinfónica de la BBC, la Filarmónica de Copenhague y la Filarmónica de Seúl. Entre sus proyectos operísticos se encuentran los realizados en la Ópera Nacional Inglesa (ENO), Ópera de Noruega, Festival Internacional de Bergen y Theater an der Wien, así como en el Teatro Colón de Buenos Aires, en los que ha dirigido las obras Erwartung de Schoenberg, Hagithde Szymanowski y La pequeña cerillera de Lachenmamm.

En el intento y la necesidad de encontrar nuevas fronteras artísticas así como nuevas vías de desarrollo para el arte flamenco, se ha convertido en una práctica bastante habitual la incursión del flamenco en otros géneros musicales, en busca quizás de un diálogo que le proporcione un reconocimiento más universal. En las últimas décadas hemos visto cómo un número elevado de artistas flamencos han abordado la versión de temas de diversos iconos de la música internacional. En este caso el cantaor onubense ha optado por buscar nuevos matices en su propuesta artística cantando y rindiendo homenaje a los iconos de la música flamenca desde sus orígenes hasta nuestros días a través de los grandes clásicos que ha dado el género. Y para ello quiere contar con la colaboración del público que asista al concierto, pues será el propio público el que escoja y elabore el repertorio final que conformará el recital, votando y emitiendo su opinión sobre un amplio cancionero ofrecido por el artista a través de sus redes sociales. Las canciones más votadas por sus seguidores serán las interpretadas por Arcángel en esta velada que, desde su génesis, se intuye como irrepetible, ya que viene arropado de artistas invitados de la talla de Estrella Morente y Miguel Poveda, dos de los cantaores más grandes del presente, y del gran Manolo Sanlúcar, que vuelve a los escenarios tras un largo paréntesis.

Auditorio Nacional, Sala Sinfónica

Domingo 7 de mayo a las 20.00h.

Arcángel (Huelva, 1977), lleva siendo un nombre de referencia en el flamenco prácticamente desde que empezó como cantaor profesional alrededor de los quince años de edad. En su eco y en su modo de entender el cante flamenco conviven con naturalidad un profundo conocimiento y respeto de la raíz de lo jondo con un interés incesante por encontrar nuevos caminos de desarrollo para el arte flamenco: es en esa delicada y bella línea (tantas veces citada, tan pocas veces escuchada o siquiera intuida) que separa la tradición y la vanguardia donde reside la concepción del arte del cantaor onubense. Compositor y dinamizador del género, además de cantaor de enjundia, Arcángel ha recibido en numerosas ocasiones premios de crítica y público de la Bienal de Flamenco de Sevilla (la más importante del mundo). Su recorrido internacional incluye teatros y certámenes tan prestigiosos como el Carnegie Hall (Nueva York), Teatro Real y Auditorio Nacional de Música (Madrid), Fundación Gulbenkian (Lisboa) las Bienales de Flamenco de Roma y Países Bajos o los referenciales festivales franceses de Aix-en-Provence, Mont de Marsan y Les Sud en Arles. En su debut discográfico, Arcángel (2001) y su siguiente trabajo, La calle perdía (2004), trabajó junto al prestigioso guitarrista y productor Juan Carlos Romero. Firmó Ropa vieja (2006) con las colaboraciones de Isidro Muñoz (producción) y Dani de Morón y Miguel Ángel Cortés (guitarras), que también le acompañarían en El Quijote de los sueños (2011), en el que contó además con Dorantes al piano y los textos convertidos en coplas de José Luis Ortiz Nuevo y Juan Cobos Wilkins. La lista de sus colaboraciones en proyectos corales sirve como ejemplo que ilustra a la perfección la versatilidad del cantaor: Israel Galván, Cristina Hoyos, Eva Yerbabuena, Vicente Amigo o Estrella Morente en el baile, el toque y el cante flamenco; el compositor de prestigio mundial Mauricio Sotelo en la música contemporánea; Fahmi Alqhai a la viola de gamba y la música barroca, o las Nuevas Voces Búlgaras en la música folclórica son tan solo algunas muestras de la amplitud de intereses de Arcángel. Tablao (Universal Music Spain, 2015) es el disco más reciente del cantaor onubense. Entre otros artistas acompañan a Arcángel en esta ocasión Dani de Morón, Miguel Ángel Cortés y Diego del Morao a las guitarras, e Isidro Sanlúcar escribe letras y coproduce el álbum junto al propio Arcángel. Grabado en tres tablaos emblemáticos de Madrid, Barcelona y Sevilla, el disco es una reivindicación de este espacio como lugar fundamental en la historia y el desarrollo del arte flamenco, además del escenario en el que se consiguen mayores dosis de intimidad y conexión entre el artista y su público. En palabras de la periodista y escritora Elvira Lindo, Tablao es “Arte puro. Y no apelo al tópico. Esto es arte puro”. La gira de presentación de este disco llevará el “arte puro” a escenarios emblemáticos de dentro y fuera de nuestras fronteras durante todo 2016.

El polivalente tenor suizo Mauro Peter acompañado por Helmut Deutsch, nombre indispensable dentro de los pianistas de este género se presentan el próximo lunes 3 de abril por vez primera vez en el Ciclo de Lied, coproducido por el Teatro de la Zarzuela y el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), que cumple su XXIII edición. En esta cita del Teatro de La Zarzuela (20h00), Peter interpretará el ciclo de canciones de Franz Liszt sobre tres sonetos de Petrarca, además de seis canciones de Robert Schumann sobre poemas de Heinrich Heine y dos atractivas series de canciones de Richard Strauss sobre poemas de Felix Dahn: Schlichte Weisen (Canciones sencillas) y Mädchenblumen (Flores y muchachas). Las entradas para este recital, con un precio general de 8 a 35 euros, ya están a la venta en las taquillas del Teatro de La Zarzuela, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y 902 22 49 49.

Nacido Lucerna (Suiza), Mauro Peter hizo su debut como cantante de lied en las Schubertiadas de Hohenems y Schwarzenberg, interpretando La bella molinera de Schubert con Helmut Deutsch. A éste siguieron muchos otros recitales en las más importantes salas de concierto y teatros de ópera europeos, como el Musikverein y el Konzerthaus de Viena, el Musikverein de Graz, el Wigmore Hall de Londres, deSingel de Amberes, KKL de Lucerna y las óperas de Frankfurt y Zúrich.

En 2016 debutó en recital en el Festival de Salzburgo con La bella molinera. Con similar éxito en concierto, ha cantado con Ivor Bolton, Nikolaus Harnoncourt, Sir John Eliot Gardiner, Gustavo Dudamel, Fabio Luisi y Thomas Quasthoff en los festivales de Salzburgo y Verbier Festival, en el Musikverein de Viena, el Mozarteum de Salzburgo y Copenhague. Desde la temporada 2013/14 es miembro de la Ópera de Zúrich. Además debutó con gran éxito en el Festival de Pascua de Salzburgo, la Ópera de Lyon, el Theater an der Wien, la Komische Oper de Berlín, la Bayerische Staatsoper de Múnich y la Ópera de la Bastilla. Regresó al Festival de Salzburgo, donde es invitado regularmente desde 2012, como Ferrando en Così fan tutte en 2016 y como Andres en Wozzeck en 2017.

En la temporada 2016/2017 actuará en recital en Bolzano, Lugano, Graz, Dortmund, Berlín, Aix-enProvence, en el Musikverein de Viena y en el Wigmore Hall de Londres, así como a dúo con la soprano Christiane Karg en Feuchtwangen, Colonia, Hamburgo y la Schubertiada de Hohenems. Debutará también en el Théâtre du Capitole de Toulouse y en La Scala de Milán, apareciendo por primera vez como Belmonte en El rapto en el serrallo. En Zúrich, su hogar artístico, será Don Ottavio en Don Giovanni y actuará en el Orlando Paladino de Haydn. En Múnich cantará Ferrando en Così fan tutte. Entre sus últimas grabaciones en 2015, el Wigmore Hall Edition editó La bella molinera de Schubert, seguido de un álbum a solo con lieder de Schubert y en otoño de 2016 presentó un nuevo disco de lieder de Schumann con Sony.

El Festival de Música de Tres Cantos presentó el pasado miércoles 29 de marzo un avance de la programación de su decimoséptima edición, en el marco del edificio modernista Palacio de Longoria (sede de la SGAE). El acto contó con la intervención de Jesús Moreno, Alcalde del Ayuntamiento de Tres Cantos, Alfonso Carraté, actual director del Festival, y David del Puerto, asesor artístico.

Bajo el lema “Diacronías”, el reconocido y popular festival del municipio madrileño de Tres Cantos, que se celebrará del 1 al 28 de octubre, en el Teatro Municipal y Auditorio del Centro Cultural “Adolfo Suárez”, inicia una nueva era bajo la dirección de Alfonso Carraté, con una interesante y ecléctica programación, comprometida con la música de nueva creación y apta para todos los públicos, pues el objetivo fundamental del Festival es la promoción de la música de nuestro tiempo entre el gran público. Así, a lo largo de sus siete conciertos se interpretarán obras de más de 40 compositores españoles de los siglos XX y XXI, cuatro obras de encargo, seis estrenos absolutos y un estreno de versión; además, habrá fines de semana temáticos, presentaciones didácticas y un Curso de composición, en colaboración con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM). La música española tendrá un protagonismo especial en la edición de este año, en la que se rinde homenaje a Tomás Marco, en su 75 aniversario, a través de un concierto del especialista Mario Prisuelos, en el que se presentará un nuevo CD del pianista dedicado al compositor madrileño. El Festival se cierra con la celebración del Centenario de Leonard Berstein y la interpretación de una versión para dos pianos de West Side Story, a cargo de Iberian & Klavier, gracias a la colaboración de Hinves Pianos. Para la ocasión, se contará con la actuación del coreógrafo y bailarín Amaury Lebrún.

La nueva edición del Festival de Música de Tres Cantos incorpora destacadas novedades para ofrecer una propuesta atractiva para todo tipo de espectadores, tal y como destacó en la presentación su actual director, Alfonso Carraté: “queremos hablar de música a través de los tiempos, y no solo de música contemporánea como un ghetto cerrado impermeable y que no se codea con el resto de las músicas de las que ha bebido en muchas ocasiones y a las que está sirviendo como referencia. Por esta razón, en esta edición, la música de los siglos XX y XXI, compartirá programa con obras del repertorio clásico, y conformará el 70 % de las obras a interpretar”.

El concierto inaugural del 17º Festival de Música de Tres Cantos llevará por título Música de cine en familia, con lo que el Festival se abrirá a uno de los estilos más cercanos al público en la música de nueva creación. Y lo hará de la mano de Pascual Osa, al frente de la Orquesta y Coro Filarmonía, muy conocida por sus apariciones televisivas en el programa “El Conciertazo” de Fernando Argenta. Además, en esta nueva edición, el Festival de Música de Tres Cantos se abrirá a otras disciplinas artísticas como la danza, la poesía, y el teatro. No faltará tampoco una decidida apuesta por las jóvenes promesas, con un concierto del jovencísimo Pablo de la Fuente, saxofonista ganador del Premio al Mejor Intérprete de Música Contemporánea del 15º Certamen Nacional de Interpretación «Intercentros Melómano» y el encargo de una obra al joven compositor Pablo Díaz.

Destacados artistas del panorama musical de nuestro país como Pablo García–López, Aurelio Viribay, Mario Prisuelos, Sebastián Mariné, Daniel del Pino, Bartomeu Jaume, el piano dúo Iberian & Klavier y el coro de voces iguales VokalArs, dirigido por Nuria Fernández, serán los protagonistas de esta nueva edición.

Los compositores de las obras realizadas por encargo del 17º Festival de Música de Tres Cantos, pertenecientes a diversas generaciones y estéticas, serán: Ramón Paús, Jorge Fernández Guerra, Mercedes Zavala, Pablo Díaz, Hermes Luaces, Jesús Torres y Eduardo Soutullo.

En el marco de las Jornadas de Colaboración con el Centro Nacional de Difusión Nacional (CNDM), que se celebran durante el Festival, tendrá lugar el cuarto curso de composición, que en esta ocasión estará impartido por el pedagogo y compositor gallego Eduardo Soutullo. Las master-classes se completarán con una mesa-redonda acerca de la música de nuestros días, moderada por David del Puerto (Premio Nacional de Música, 2005).

La programación del 17º Festival de Música de Tres Cantos se puede consultar en la web del festival:

www.fest3cantos.com

Durante la pasada temporada, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) encargó al compositor catalán una obra para siete instrumentos. El resultado ha sido Septimino a 7 que el próximo martes día 14 tendrá su estreno absoluto en el Auditorio Nacional de Música de Madrid. Los encargados de ejecutar este septeto serán los Solistas de la Orquesta de Cadaqués: Sara Bitlloch (violín), Miquel Córdoba (viola), Màrius Díaz (violonchelo), Toni García (contrabajo), Joan Enric Lluna (clarinete), David Tomàs (fagot) y María Rubio (trompa).

A esta obra, se añade el Quinteto ‘La trucha’, con el pianista Denis Kozhukhin, compuesto por Schubert a los 22 años de edad y cuyo nombre se debe al tema empleado en el cuarto movimiento, idéntico al del lied Die Forelle (La trucha); y el popular Septeto en mi bemol mayor, de Beethoven, dedicado a la emperatriz María Teresa. Schubert fue precisamente un gran admirador del Septeto de Beethoven y esa fascinación se materializó posteriormente en su Octeto.

La Orquesta de Cadaqués, de la que forman parte el septeto musical que acompañará a Kozhukhin, se formó en 1988 a partir de un grupo de jóvenes músicos españoles y de otros países de Europa que tenían unos objetivos claros como formación orquestal: trabajar de cerca con los compositores contemporáneos, recuperar un legado de música española e impulsar la carrera de solistas, compositores y directores emergentes. De origen mediterráneo pero con una clara visión cosmopolita, la Orquesta de Cadaqués fue reconocida rápidamente en el ámbito musical por la calidad y el compromiso de sus músicos y el dinamismo de sus proyectos.

Directores como Sir Neville Marriner, Gennady Rozhdestvensky o Philippe Entremont apadrinaron el proyecto como también lo hicieron Alicia de Larrocha, Victoria de los Ángeles, Teresa Berganza, Paco de Lucía o Ainhoa Arteta, entre otros. Los compromisos futuros incluyen los conciertos inaugurales del Festival de Bremen en agosto 2017, tres conciertos en el Großes Festspielhaus de Salzburg en octubre 2017, una gira con Vladimir Ashkenazy en mayo de 2018, y su regreso a Austria y Eslovaquia en 2019, entre otros.

A fin de promover y difundir la música contemporánea, la Orquesta de Cadaqués creó el Ensemble Orquesta de Cadaqués y la figura del compositor residente. A lo largo de su historia han estrenado obras de Xavier Montsalvatge, Jesús Rueda, Hèctor Parra, Jesús Torres, Luis de Pablo o Joan Guinjoan, entre otros. La agrupación cuenta asimismo con varias grabaciones de la mano de sus directores principales, Sir Neville Marriner, Gianandrea Noseda y Jaime Martín, editadas por los sellos discográficos Tritó y Philips, y ha creado una colección de música clásica para niños: “Solfa la redonda”.

Por otro lado, Kozhukhin, pianista representado por Ibermúsica, se dio a conocer en el escenario internacional después de ganar en 2010, y con 23 años, el Primer Premio del Concurso Internacional Reina Elisabeth de Bruselas. Sus interpretaciones destacan por su extraordinaria técnica, a la que se añade una aguda inteligencia, madurez y sabiduría, que permite una inmediata conexión con el público.

Colabora con importantes orquestas y directores como Orchestre National de France/ Yamada, Pittsburgh Symphony/ Noseda, Philharmonia/ Weilerstein, Brussels Philharmonic/ Denève, Chicago Symphony/ Morlot, Philadelphia Orchestra/ Denève, BBC Symphony/ Oramo, Mariinsky Orchestra/ Gergiev, Houston Symphony/ Hrusa, Netherlands Radio Philharmonic/ Gimeno y Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo/Alsop.

En la temporada 2014/15, realizó una gira por China con la BBC Scottish Symphony, actuó en el Festival de Salzburgo y en el Teatro Colón de Buenos Aires junto con solistas de la West Eastern Divan Orchestra, bajo la dirección de Daniel Barenboim. Ha ofrecido, también, recitales en la serie Master Pianists del Concertgebouw, Philharmonie de Colonia, Wigmore Hall, Auditorium del Louvre de París y Serie Internacional de Piano de Londres, así como en el Festival de Lucerna, Konzerthaus de Viena y Celebrity Series de Boston. Tras su primer disco con Onyx Classics, las Sonatas para piano Núm 6, 7 y 8, de Prokofiev, fue editada su grabación de las Sonatas, de Haydn, en 2014.

Nacido en Nizhni Novgorod (Rusia), en 1986, en una familia de músicos, comenzó sus estudios de piano a los cuatro años de edad con su madre. Continuó en la Escuela de Música Balakirev como alumno de Natalia Fish. De 2000 a 2007 estudió con Dimitri Bashkirov y Claudio Martínez-Mehner en la Escuela de Música Reina Sofía de Madrid. Al graduarse, recibió su diploma de manos de la Reina de España, fue elegido como el mejor alumno de ese año y su Trío Cervantes también fue señalado como mejor grupo de cámara.

En el terreno camerístico, Kozhukhin ha colaborado con destacados músicos, incluyendo a Leonidas Kavakos, Renaud y Gautier Capuçon, Janine Jansen, Vadim Repin, Julian Rachlin, Jerusalem Quartet, Pavel Haas Quartet, Radovan Vlatkovic, Jörg Widmann y Alisa Weilerstein. En las próximas temporadas actuará en España junto a la Orquesta de Barcelona, la Orquesta de Castilla y León y ofrecerá un concierto en Oviedo. También emprenderá una gira con la London Philharmonic y Jurowski en enero 2018 y, en mayo 2018, con la Orquesta de Cadaqués y Vladimir Ashkenazy.

PROGRAMA martes 14 de marzo

Auditorio Nacional de Música

19:30 horas

Entradas a partir de 10 euros

PROGRAMA MUSICAL

Salvador Brotons (1959), Septimino a 7, op. 140 (2016) *

Franz Schubert (1797-1828), Quinteto con piano en la mayor ‘La trucha’, D 667 (1819)

Ludwig van Beethoven (1770-1727), Septeto en mi bemol mayor, op. 20 (1799-1800)

* Estreno absoluto. Encargo del CNDM.

Con motivo del tercer centenario de la muerte de Sebastián Durón, La Grande Chapelle recupera una serie de obras de su extensa producción sacra en lengua vernácula, compuestas para la Capilla Real, de la que fue organista y maestro. El conjunto liderado por Albert Recasens ofrece aquí una escogida selección de piezas religiosas en romance para solistas dedicadas al Santísimo. Una oportunidad para seguir conociendo a este fascinante compositor que vivió a caballo entre los siglos XVII y XVIII y sirvió a dos dinastías.

La Grande Chapelle es un conjunto vocal e instrumental de música antigua con vocación europea, cuyo principal objetivo es realizar una nueva lectura de las grandes obras vocales españolas de los siglos XVI a XVIII, con especial predilección por la producción policoral del Barroco. Al mismo tiempo, tiene el propósito de contribuir a la acuciante labor de recuperación del repertorio musical hispano.

El conjunto ha actuado en los principales ciclos de España y en los festivales de Picardie, Haut-Jura, Musica Sacra Maastricht, Laus Polyphoniae de Amberes, Rencontres musicales de Noirlac, OsterKlang-Festival (Theater an der Wien) de Viena, Cervantino de Guanajuato, Radio France, Ribeauvillé, Saint-Michel en Thiérache, Saintes, Ile de France, Van Vlaanderen (Malinas), Lyon o en las temporadas de la Cité de la Musique de Paris o UNAM de México (Sala Nezahualcóyotl), entre otros.

Desde su fundación en 2005 y estimulado por la voluntad difundir el patrimonio musical hispano, creó su propio sello, Lauda, con el que edita cuidadas grabaciones de alto interés musical y musicológico, desde una posición independiente. Dos han sido los principales ejes: explorar la relación entre música y literatura de los Siglos de Oro y recuperar la producción de los más destacados compositores españoles del Renacimiento y el Barroco, siempre con primeras grabaciones mundiales, especialmente a través de recreaciones musicológicas que sitúan en su contexto una determinada obra o autor.

Viernes 10 de marzo de 2017 a las 20:30h. en el Auditorio Hospedería Fonseca de la Universidad de Salamanca.

El ciclo es una coproducción entre el Teatro de la Zarzuela y el Centro Nacional de Difusión Musical. Discípulo del mítico barítono Dietrich Fischer-Dieskau, Goerne es uno de los nombres más significativos del género Habitual del ciclo de Lied, en esta ocasión se presenta con un programa que tiene a Robert Schumann, uno de los principales exponentes de la canción alemana, como protagonista

El XXIII Ciclo de Lied recibirá el próximo lunes, 27 de febrero (20:00h), en el Teatro de la Zarzuela, a uno de los grandes barítonos de este género musical: Matthias Goerne. El intérprete alemán, discípulo del mítico barítono Dietrich Fischer-Dieskau y con una carrera liederística sublime, ha elegido a Schumann como columna vertebral de su programa en Madrid. Al piano le acompañará Alexander Schmalcz. Las entradas para estos recitales, con un precio general de 8 a 35 euros, están a la venta en las taquillas del Teatro de la Zarzuela, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y a través del número telefónico 902 22 49 49.

En la temporada 15/16 actuó junto a la Filarmónica de San Petersburgo y Yuri Temirkanov, la Orchestre de Paris, la London Philharmonic y Christoph Eschenbach, la Concertgebouw Orchestra de Ámsterdam y Manfred Honeck, la New York Philharmonic y Christoph von Dohnányi, la Leipzig Gewandhaus Orchestra, la Tonhalle Orchester de Zúrich y Lionel Bringuier, la Swedish Radio Symphony y Daniel Harding y la NHK Symphony y Paavo Järvi, así como una serie de recitales con Daniil Trifonov, Markus Hinterhäuser, Alexander Schmalcz y el Cuarteto Ebène en el Lincoln Center de Nueva York, la Ópera de San Francisco, el Wigmore Hall de Londres, la Ópera de Lille, la Philharmonie de París, el Beaux-Arts de Bruselas, la Gulbenkian de Lisboa, Abu Dhabi, la Schubertiade Hohenems y el Sidney Festival, entre otras salas. Cantará Orest en la Ópera de Viena y debutará como Wotan en la versión en concierto de Walküre de Wagner con la Hong Kong Philharmonic y Jaap van Zweden. En agosto de 2016 ha sido invitado a numerosos festivales, incluyendo Salzburgo y Verbier.

Rocío Márquez, Universo Zapico, EntreQuatre y Forma Antiqva actuarán en la próxima edición en Mayo

Con la intención de subrayar su admiración hacia la música española, el festival internacional de música Primavera de Praga ha presentado por primera vez en España el programa de la 72a edición. El encargado de desgranar las más de 40 actuaciones de la cita, que se celebrará entre el 12 de mayo y el 2 de junio de 2017, ha sido su director, Roman Bělor. Le ha acompañado el director del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), Antonio Moral. Esta institución colabora con el festival Primavera de Praga en el diseño del programa de “Acento español”, un exitoso ciclo creado en 2016 con la intención de presentar en este prestigioso evento musical lo mejor de la cultura musical española e iberoamericana.

Gracias a la colaboración de Acción Cultural Española (AC/E), que ha subvencionado la pasada y la actual edición, se han presentado con gran éxito proyectos como Tesoros españoles en América, por Al Ayre Español; un recital del pianista Javier Perianes y el espectáculo de flamenco Noches españolas. En esta nueva edición serán cuatro las agrupaciones que pongan melodías españolas desde distintos géneros musicales: Rocío Márquez y su Lorca (14 de mayo), Universo Zapico (29 de mayo), EntreQuatre Guitar Quartet (22 de mayo) y, finalmente, el conjunto Forma Antiqva (30 de mayo).

Fundado en la primavera del año 1946, la Primavera de Praga representa uno de los festivales de música clásica más respetados en el mundo. A lo largo de su historia el público ha podido disfrutar de los mejores artistas de su tiempo, así como un gran número de músicos españoles. Algunos de los que han pasado por este evento son el director de orquesta Rafael Frühbeck de Burgos; el arpista Nicanor Zabaleta (1962); los guitarristas Narciso Yepes (1973) o Pepe Romero (1993 y 2001); los pianistas Alicia de Larrocha y Rafael Orozco (1971 y 1987); o la mezzosoprano Teresa Berganza (1984). También son muchos los artistas españoles que han participado en el Concurso internacional de música Primavera de Praga, que se celebra desde el año 1947. En la pasada edición, Mario Martos Nieto ganó el tercer premio en la disciplina trompeta. En 2017 se abordarán las disciplinas de cembalo y violín, con David Henkelman Corral como encargado de representar al talento español.

El programa de la 72a edición del festival internacional de música Primavera de Praga contará con 45 conciertos, una oferta amplia y variada, y la presencia de artistas de la talla de Daniel Barenboim,Maxim Vengerov, Alexander Lonquich, WilliamChristie o Krysztof Penderecki. Barenboim se pondrá al frente de la Filarmónica de Viena en el concierto inaugural; mientras que Penderecki se encargará de la clausura del festival junto a la Orquesta sinfónica de la Radio checa.

En 1747, Bach visitó a su hijo Carl Philipp Emanuel en Potsdam, residencia de Federico el Grande, quien, conocedor de la fama del viejo maestro como improvisador, le ofreció un tema sobre el que Bach improvisó en el acto, dejando asombrados a todos los presentes. Ya en Leipzig, el compositor usó el tema regio como base para una serie de cánones y ricercares (más una sonata) que supone uno de los hitos de su trabajo contrapuntístico. Cuatro grandes solistas de la escena barroca europea actual, entre los que se cuenta la violinista balear Lina Tur Bonet, se enfrentan aquí a esta Ofrenda musical, termómetro indisimulable de talentos.

Violinista versátil, fue reclamada desde muy joven para trabajar junto a muchos de los artistas más reconocidos de la música barroca, romántica y contemporánea del momento. Lina Tur Bonet se dedica actualmente como solista, directora y músico de cámara a la interpretación y grabación tanto de los grandes compositores como de músicas inéditas, siendo invitada en toda Europa y América. Sus primeros estudios de música llegaron de la mano de su padre Antonio Tur a muy temprana edad.

Estudió Violín en las Universidades de Friburgo y Viena con los Profesores Chumachenco, Pichler y Kurosaki, y atendió los consejos de Tibor Varga, Franco Gulli, Shmuel Askenasi, Augustin Dumay, Joseph Silverstein, Maria Joao Pires, Erich Höbarth y Rainer Kussmaul. Obtuvo becas y premios internacionales como de la Alexander von Humboldt-Stiftung, Villa Musica Mainz, ÖAD Austria, Fundación Séneca, el Premio Bonporti o, en dos ocasiones, premio de Juventudes Musicales de España, entre otros muchos. Como solista, ha actuado en el Styriarte de Austria, Festival «Music Before 1800» Nueva York, San Diego Early Music Festival, Yale Instrument Collection, Wigmore Hall Londres, Festival Montreal Baroque, Festival Brezice de Eslovenia, Festival de Herne, Festival de Mainz, Festival de Brunnenthal, Auditorio Nacional de Madrid, Teatros de Santiago de Chile, La Paz y Lima, Residenzwoche Munich, Sala de la Radio Vienesa ORF, Società Aquilana di concerti, Real Coliseo Carlos III de El Escorial, Quincena Musical de San Sebastián, Festival de Música y Danza de Granada, el Lufthansa Festival de Londres, Festival de Arte Sacro de Madrid, Auditorio de Valladolid, Schubertiada de Vilalbertrán, Festival de Aranjuez, Ekhof Festival Gotha, Musika-Música de Bilbao, Palau de la Música de Valencia y un largo etc. Como solista de la European Union Baroque Orchestra realizó giras por toda Europa en el año 2002 en las salas más relevantes.

Miércoles 22 de febrero de 2017 a las 20:30h. en el Auditorio Hospedería Fonseca de la Universidad de Salamanca.

Lina Tur Bonet, violín

Marco Testori, violonchelo

Alexis Kossenko, Flauta

Kenneth Weiss, clave

El XXIII Ciclo de Lied recibirá mañana martes, 14 de febrero (20:00h), en el Teatro de la Zarzuela, a uno de los grandes barítonos de este género musical: Christian Gerhaher. El intérprete alemán, discípulo del mítico barítono Dietrich Fischer-Dieskau y con una carrera liederística sublime, ha escogido a Schumann como eje vertebrador de su programa en Madrid. Al piano le acompañará un escudero de excepción: Gerold Huber, su pianista habitual. Las entradas para estos recitales, con un precio general de 8 a 35 euros, están a la venta en las taquillas del Teatro de la Zarzuela, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y a través del número telefónico 902 22 49 49.

Christian Gerhaher estudió con Paul Kuen y Raimund Grumbach en Múnich y, junto con su pianista acompañante habitual Gerold Huber, estudió lied con Friedemann Berger. Mientras finalizaba sus estudios de medicina asistió a clases magistrales con Dietrich Fischer-Dieskau, Elisabeth Schwarzkopf e Inge Borkh. Actualmente da clases magistrales y es Profesor Honorario en la Musikhochschule de Múnich. Ha recibido la Orden Maximiliana de Bavaria de las Ciencias y las Artes, y el título de Bayerischer Kammersänger. En 2016 será galardonado con el premio Heidelberger Frühling. Entre los múltiples galardones obtenidos con su discografía se encuentra un Gramophone Classical Music Award 2015 por el álbum Nachtviolen. Es invitado con frecuencia al Konzerthaus y al Musikverein de Vienna y al Wigmore Hall de Londres como Artista Residente, así como al Schwetzingen Festival, Rheingau Music Festival, los Proms londinenses y los festivales de Edimburgo, Lucerna y Salzburgo. En la temporada 16/17 ofrecerá junto a Gerold Huber cinco programas de lied diferentes en Salzburgo, La Scala de Milán, Ópera de Múnich, Philharmonie de Berlín, Gewandhaus de Leipzig, Konzerthaus de Viena, Festspielhaus de Baden-Baden, Ginebra, París, Londres, Madrid, Schubertiade Schwarzenberg, así como una gira por Japón y los Estados Unidos.

En el terreno operístico ha recibido el “Premio Laurence Olivier” y el premio “Der Faust” de teatro. En la temporada 16/17 aparecerá en la Ópera de Baviera como Posa en Don Carlo de Verdi y como Wolfram von Eschenbach en Tannhäuser dirigida por Kirill Petrenko. Ha actuado junto a directores como Nikolaus Harnoncourt, Simon Rattle, Herbert Blomstedt, Kent Nagano, Mariss Jansons, Daniel Harding, Bernard Haitink y Christian Thielemann en las principales salas de mundo, junto a orquestas como la London Symphony Orchestra, Concertgebouw Orchestra y las filarmónicas de Viena y Berlín. Actuará próximamente en gira con la Gustav Mahler Youth Orchestra dirigida por Philippe Jordan y Daniel Harding, así como con la Filarmónica de Berlín y Bernard Haitink, la Accademia di Santa Cecilia de Roma y Antonio Pappano, y la WDR Symphony Orchestra y Kent Nagano. Graba en exclusiva para Sony Music acompañado por Gerold Huber.

El pasado 30 de enero se presentaba el Recital V del XXIII Ciclo de Lied que conjuntamente programan el Teatro de la Zarzuela y el Centro Nacional de Difusión de la Música (CNDM). En esta ocasión a cargo del contratenor Carlos Mena. No es esta la tesitura más habitual para este tipo de repertorio, pero el resultado fue muy interesante.

El programa, muy bien elaborado, se iniciaba con las canciones (Evening, Morning, Night) de This Way to the Tomb (1945), seguidas de las Folk Songs, de Benjamin Britten. Se aprecia en estas breves obras la admiración del compositor por Purcell y su gusto por la voz de contratenor, que quedó de manifiesto tras numerosas colaboraciones con Alfred Deller.

Estas tres canciones, que pueden ser acompañadas por piano o por arpa, forman parte ya del repertorio de Carlos Mena. Acompañado al piano por Susana García de Salazar, dibujaron la atmósfera reflexiva que describe esta obra poéticamente descriptiva de la mañana, la tarde y la noche.

Le siguieron una selección de cinco canciones populares que fueron arregladas durante la estancia de Britten en Estados Unidos huyendo de la II Guerra Mundial. Son contemporáneas de algunas de sus obras maestras, como Peter Grimes. Las canciones populares tienen un peso muy importante en la obra de Britten.

Esta primera parte finalizó con “Cantos del arpista” (Gesänge des Harfners) de Franz Schubert sobre textos de Goethe. Texto y música van de la mano en estas recreaciones de la soledad de quienes se culpabilizan y que Schubert representa con la figura del arpista.

La voz de Carlos Mena es de una indiscutible belleza. Ha crecido en volumen y en elegancia, sobre todo en los matices más oscuros de su timbre. Dudó un poco en algunos graves pero el soporte de su voz es sólido y su fraseo delicado.

La segunda parte fue un cambio total de registro. Se interpretaron una selección de Chansons Légères, obras compuestas por el compositor Alberto Iglesias para Carlos Mena y basadas en textos de René Char (en francés), Wallace Stevens (en inglés) y Passolini (en italiano) de gran complejidad. Exige una gran concentración por la dificultad de la partitura y el cambio de idioma. La obra de Iglesias describe atmósferas narrativas cargadas de sensualidad e intriga que obligan al cantante a un esfuerzo interpretativo extra.

Un recital más que interesante por tratarse de obras y tesituras poco habituales y siempre sorprendentes.

Desde el final del Renacimiento, los tratados musicales de la órbita luterana hablan de la Música poética, dando carta de naturaleza a una orientación antropológica. En este programa el Concento de Bozes, un nuevo proyecto musical y formativo nacido en la Academia de Música Antigua de la USAL bajo el impulso de Carlos Mena, ofrece una antología de este proceso en la Alemania de la primera mitad del XVII: un auténtico ramillete de piezas maestras de la que fue una nueva oratoria musical.

La Academia de Música Antigua de la Universidad de Salamanca fue creada en 1990 con el objeto de convertirse en un centro de formación y producción en el campo de la interpretación musical histórica. Desde entonces, contando como agrupaciones principales con una orquesta barroca, un consort de violas da gamba y un coro de cámara, ha ofrecido centenares de conciertos, cursos y seminarios de violín, viola y violonchelo barrocos, canto, viola da gamba, clave, instrumentos de cuerda pulsada, etc. Para ello cuenta con profesorado de la más alta cualificación. A Pedro Gandía, Itziar Atutxa y Andoni Mercero se unen nombres como Enrico GaU, Sigiswald Kuijken, Jaap ter Linde, Wieland Kuijken, Vitorio Ghielmi, Wimten Have, Jacques Ogg, Wilbert Hazelzet, Juan Carlos de Mulder, Maggie Urqhart, Marion Middenway, Richard Levi], Carlos Mena, hasta más de un centenar de colaboradores. El Coro de Cámara de la Universidad de Salamanca fue creado en 1984 con el objeto de especializarse en la polifonía ibérica de los siglos XVI al XVIII. Desde entonces viene realizando un intenso trabajo de difusión y estudio de este repertorio, que se ha plasmado en centenares de conciertos, muchos de los cuales han supuesto el reestreno de par:turas inéditas correspondientes a este periodo. Ha participado en numerosos ciclos y festivales como son el Encuentro Nacional de Polifonía de 1987, el ciclo Música da época das descobertas (Lisboa), la I Muestra de polifonía española (Würzburg), la I Rassegna Polifonica Internazionale (Bolonia), el XIV Ciclo de Música de Cámara y Polifonía (Auditorio Nacional de Madrid), la Semana de Música de Canarias, Música en la España de la expulsión (Lincoln Center y Aaron Copland Auditorium de Nueva York), A Música na Catedral de Santiago de Compostela no século XVIII, Semanas de Música Religiosa de Salamanca, XVIII Jornadas Gulbenkian de Música Antigua (Lisboa), Porto 2001, Los Siglos de Oro, Música y Patrimonio (Salamanca, 2002), ciclo de conciertos de Navidad de Caja San Fernando, ciclo Plaza Sacra (Salamanca, 2005), Festival Florilegio (Salamanca), FEX del Fes:val Internacional de Música y Danza de Granada, X Festival de Música antigua de Úbeda y Baeza, X edición del festival Clásicos en la Frontera (Huesca), ciclo de polifonía Victoria y su tiempo (Ávila), etc. Cuenta con diversas ediciones discográficas para RTVE, Tritó, Movieplay y Verso que han recibido excelentes críticas (disco del mes en Ritmo, 5 estrellas de Goldberg, etc.). Asimismo RNE Radio 2 le ha dedicado varios programas. Ha actuado con grupos y orquestas como los Sacqueboutiers de Tolouse, Segreis de Lisboa, la Orquesta Barroca Il Fondamento, la Orquesta Sinfónica de Bilbao, la Orquesta del Conservatorio de Ginebra, el Ensemble Elyma, Los Músicos de su Alteza, la Orquesta Barroca de Sevilla, la Orquesta de Cámara Gerardo Gombau, etc. Asimismo, colabora periódicamente con la Orquesta Barroca y el Consort de violas da gamba de la Universidad de Salamanca.

6 de febrero de 2017 a las 20:30h. en el Auditorio Hospedería Fonseca de la Universidad de Salamanca.

En su recorrido por la tradición alemana anterior a Bach, Philippe Herreweghe profundiza desde hace tiempo en una obra crucial del siglo XVII, Israelisbrünnlein (La fuente de Israel), una colección de madrigales espirituales a 5 voces y continuo que Johann Hermann Schein publicó en 1623 y que recogía el nuevo espíritu del madrigal italiano alentado por los compositores vanguardistas del cambio de siglo. Con su Collegium Vocale de Gante, Herreweghe volverá a explorar los mil recodos simbólicos y retóricos de una música que se debate entre sensualidad y piedad.

Philippe Herreweghe, director

Nacido en Gante, combinó sus estudios en la Universidad con la formación musical en el Conservatorio, donde estudió Piano con Marcel Gazelle. Durante este mismo periodo empezó a dirigir y en 1970 fundó el ensemble Collegium Vocale Gent. En poco tiempo, Nikolaus Harnoncourt y Gustav Leonhardt notan su excepcionalidad y es invitado a trabajar con ellos en su proyecto de grabación de todas las cantatas de J.S. Bach. Su enfoque dinámico, auténtico y retórico hacia la música barroca pronto le ganó elogios con la crítica. En 1977 forma el ensemble La Chapelle Royale en París, con la cual toca música de la Edad de Oro Francesa. Entre 1982 y 2002 es el director artístico de la Académies Musicales de Saintes. Durante este período ha fundado otros ensembles, que usa en conjunto uno con el otro o por separado, para alcanzar la interpretación apropiada a cada repertorio, desde el Renacimiento a la música contemporánea. Estos ensembles incluyen el Ensemble Vocal Européen, especializado en polifonía del Renacimiento, la Orchestre des Champs Elysées, fundada en 1991 cuyo fin es recrear el resplandor del repertorio romántico y pre-romántico en instrumentos originales. Desde 2009, Invitado por la prestigiosa Accademia Chigiana en Siena, Philippe Herreweghe y el Collegium Vocale Gent, han trabajado intensamente en el desarrollo de un gran coro sinfónico a nivel europeo, proyecto apoyado, desde 2011, por el Programa Cultural de la Unión Europea.

Siempre en búsqueda de nuevos desafíos musicales, en los últimos años Herreweghe ha trabajado muy activamente con el gran repertorio sinfónico desde Beethoven a Gustav Mahler. Desde 1997 ha sido director principal de la Royal Flemish Philharmonic. Desde el 2008 es designado como director invitado permanente de la Netherlands Radio Chamber Philharmonic. Dirige regularmente como director invitado orquestas como Amsterdam Concertgebouw Orchestra, la Gewandhaus Orchestra de Leipzig y la Mahler Chamber Orchestra basada en Berlín. Durante años, Philippe Herreweghe ha construido una discografía extensa de más de 100 grabaciones con todos estos ensembles diferentes, para sellos como Harmonia Mundi France, Virgin Classics y Pentatone. Destacan entre otros: Lagrime di San Pietro de Lassus, La Pasión según San Mateo de Bach, las sinfonías completas de Beethoven y Schumann, el ciclo de canciones Des Knaben Wunderhorn de Gustav Mahler, la Quinta Sinfonía de Anton Bruckner, Pierrot Lunaire de Schoenberg y la Sinfonía de los Salmos de Igor Stravinski. En 2010 funda junto con Outthere Music, su propio sello discográfico φ (phi), para poder actuar con una completa libertad artística en la construcción de un amplio y variado catálogo. Desde entonces, se han producido diez nuevas grabaciones de música vocal de Bach, Beethoven, Brahms, Dvorak, Gesualdo o Victoria.

Viernes 2 de diciembre a las 20:30h. en el Auditorio Hospedería Fonseca de la Universidad de Salamanca.

El tenor Mark Padmore participa en el XXIII Ciclo de Lied que organiza el CNDM y que tiene lugar en el Teatro de la Zarzuela. Estará acompañado al piano por Roger Vignoles. El primer gran ciclo de Schubert, Die schöne Müllerin, como el segundo, Winterreise, sobre poemas de Wilhelm Müller, es el inicio de un largo viaje, al principio optimista, en busca del amor; un traslado confiado, efusivo y soñador que pronto verá enturbiadas su expectativas ante los desaires. Un sinfín de emociones, de nuevas experiencias que nos irá contando el protagonista de viva voz desde la alegre partida (Das Wandern) hasta la posta final, la casi fúnebreDas Baches Wiegenlied. La peripecia estará en la voz del fino estilista que es Padmore, que une la efusión al dominio del acento y de los reguladores.

Mark Padmore nació en Londres y creció en Canterbury. Tras comenzar sus estudios de clarinete, obtuvo una beca para estudiar en el King’s College de Cambridge, graduándose en música. Se ha forjado una brillante carrera en la ópera, conciertos y recitales, con interpretaciones de las Pasiones de Bach que le han otorgado reconocimiento mundial. En ópera ha trabajado con los directores Peter Brook, Katie Mitchell, Mark Morris y Deborah Warner, interpretando recientemente los roles protagonistas de las óperas de Harrison Birtwistle The Corridor y The Cure en el Aldeburgh Festival y el Linbury Theatre, así como Jephtha de Haendel para la WNO y la ENO, Captain Vere en Billy Budd de Britten y el papel de Evangelista en una producción escenificada de la Pasión según San Mateo en Glyndebourne. También interpretó a Peter Quint (Turn of the Screw de Britten) en una producción televisiva para la BBC y grabó el papel protagonista en La Clemenza di Tito con René Jacobs para Harmonia Mundi. Sus próximos papeles incluyen el Tercer ángel (John) en Written on Skin de George Benjamin en la Royal Opera House de Londres.

En concierto ha actuado con las principales orquestas del mundo, incluyendo la Bayerischer Rundfunk y las filarmónicas de Berlín, Viena, Nueva York y Londres, así como la Royal Concertgebouw, Boston, London Symphony y Philharmonia. Aparece regularmente con la OAE en sus producciones de las pasiones de J.S. Bach. Ofrece recitales por todo el mundo junto a Kristian Bezuidenhout, Jonathan Biss, Imogen Cooper, Julius Drake, Till Fellner, Simon Lepper, Paul Lewis, Roger Vignoles y Andrew West. Compositores como Sally Beamish, Harrison Birtwistle, Jonathan Dove, Thomas Larcher, Nico Muhly, Alec Roth, Mark-Anthony Turnage, Huw Watkins, Ryan Wigglesworth y Hans Zender han escrito música para él. Su discografía incluye la Missa Solemnis de Beethoven y Die Schöpfung de Haydn con Bernard Haitink y la Bayerischer Rundfunk, y lieder de Beethoven, Haydn y Mozart con Kristian Bezuidenhout para Harmonia Mundi. Otros álbumes incluyen arias de Handel con The English Concert (As Steals the Morn, Premio BBC Music Magazine), ciclos de Schubert con Paul Lewis (Winterreise, Premio Gramophone 2010), Dichterliebe de Schumann con Kristian Bezuidenhout (Premio Edison Klassiek 2011) y Serenade, Nocturne y Finzi Dies Natalis de Britten con la Britten Sinfonia (Premio ECHO Klassik 2013). Obtuvo asimismo un Premio BBC Music Magazine en 2013 por la Pasión según San Mateo escenificada con la Filarmónica de Berlín y Rattle. Fue elegido Vocalist of the Year 2016 por la revista Musical America y recibió un Doctorado Honoris Causa por la Universidad de Kent en 2014. Es Director Artístico del St. Endellion Summer Music Festival de Cornwall.

Lunes 21 de noviembre de 2016, a las 20:00h. en el Teatro de la Zarzuela.

Entradas

El ciclo es una coproducción entre el Centro Nacional de Difusión Musical y el Teatro de La Zarzuela.

La cantante lituana ha elegido obras de Schubert y Strauss en esta su tercera visita al ciclo de Lied, y estará acompañada por Helmut Deutsch al piano.

El próximo lunes 7 de noviembre el XXIII Ciclo de Lied recibirá a la mezzosoprano lituana Violeta Urmana, una gran diva del mundo lírico internacional, acompañada por el pianista alemán Helmut Deutsch, nombre indispensable dentro de este género. En esta cita, como siempre, en el Teatro de La Zarzuela a las 20 horas, la cantante interpretará canciones de Frank Schubert y Richard Strauss, dos compositores que elevaron el lied a sus cotas más altas. Las entradas para este recital, con un precio general de 8 a 35 euros, ya están a la venta en las taquillas del Teatro de La Zarzuela, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y 902 22 49 49

La diva camaleónica

El critico musical Arturo Reverter comenta sobre Urmana: «¿Soprano?, ¿mezzo? ¿Qué clase de soprano o de mezzo? Sabemos que Urmana comenzó su carrera dentro de este segundo apartado, con papeles como el de Kundry en la ópera Parsifal de Wagner, rol por el que fue aclamada durante varios años a partir de 1999 en el Festival de Bayreuth. Su caso es el de una voz intermedia. Voces que la tradición ha calificado como falcon, y ahí es donde enciclopedias (Wikipedia entre ellas) y diccionarios la ubican. ¿Cuál es el tinte del timbre de Urmana, una vez admitido que es una falcon? Podríamos calificarlo como de lírico-spinto o directamente spinto. No de dramático. La tersura del sonido –no tanto en la zona aguda, hoy menos fragante, como en el centro y graves– lo satinado del espectro no emparentan directamente con las habituales irisaciones metálicas, de aguda penetración, de los instrumentos auténticamente dramáticos. En esta nueva visita a Madrid, en donde la cantante ha actuado con alguna frecuencia, se presenta como mezzosoprano y veremos cómo el arte amplio, variado y tornasolado de esta intérprete, generosa y expresiva, rotunda y camaleónica, encuentra en Schubert un perfecto asidero para penetrar en el meollo de los más intensos dramas íntimos o de las historias crueles como la de El enano, uno de los lieder más extensos de Schubert. Hermosa continuidad es la que supone la inclusión de trece lieder de Strauss. Una selección que penetra en lo más hondo del alma.»

Ya en el comienzo de su carrera, Violeta Urmana obtuvo reconocimiento mundial como Kundry en Parsifal y Eboli en Don Carlo. Su agenda del 2016 incluye Kundry y Amneris en Aida en Viena, la Tía Princesa en Suor Angelica de Puccini en Roma, Judit en actuaciones en concierto con El castillo de Barbazul de Bartók en el Musikverein de Viena, Jokaste en Oedipus Rex en el Festival de Aix-en-Provence y Azucena en Il trovatore en la Arena de Verona. En 2017 será Kundry en el Festival Wagner de Budapest, volverá a Nueva York como Amneris y repetirá este papel en 2018 en el Teatro Real. Durante años ha actuado con gran éxito en papeles como Amelia en Un ballo in maschera, Elisabetta en Don Carlo, Leonora en La forza del destino, Lady Macbeth en Macbeth, Odabella en Attila, los papeles principales de Aida, La Gioconda, Medea, Tosca, Norma, Iphigénie en Tauride y Ariadne auf Naxos, Brünnhilde en Siegfried, Sieglinde en Die Walküre e Isolde. Es invitada con frecuencia a los principales escenarios operísticos, como el Metropolitan de Nueva York, el Liceo de Barcelona, la Opéra National de París, la Deutsche Oper de Berlín, la Ópera de Viena, el Teatro alla Scala de Milán, la Royal Opera House Covent Garden y a los festivales de Bayreuth, Salzburgo, Aix-en-Provence, Edimburgo y los BBC Proms. Como reputada cantante de recitales y conciertos actúa en las salas más famosas de Europa, Estados Unidos y Japón. Ha trabajado con directores como Claudio Abbado, Daniel Barenboim, Bertrand de Billy, Pierre Boulez, Semyon Bychkov, Riccardo Chailly, James Conlon, James Levine, Jesús López Cobos, Fabio Luisi, Zubin Mehta, Riccardo Muti, Sir Simon Rattle, Donald Runnicles, Esa-Pekka Salonen, Franz Welser-Möst o Christian Thielemann. Entre sus grabaciones cabe destacar La Gioconda, Il trovatore, Oberto conte di San Bonifacio, Un ballo in maschera, Aida, La forza del destino, Macbeth, Don Carlo, Andrea Chénier, Siegfried, Parsifal, Cavalleria rusticana, el Requiem de Verdi, Das Lied von der Erde y los Rückert-Lieder de Mahler, los MaeterlinckLieder de Zemlinsky, La mort de Cléopâtre de Berlioz, El castillo de Barbazul de Bartók, Le rossignol de Stravinski y lieder de R. Strauss, Berg y Liszt. Actuó como Kundry en la película de Tony Palmer The Search for the Holy Grail. Urmana ha recibido numerosos premios por su carrera artística, como el de la Royal Philharmonic Society de Londres, el título de Österreichische Kammersängerin de Viena y en su Lituania natal recibió la máxima condecoración del país, la Orden de Tercera Clase del Gran Duque Gedeminas. La Universidad de Música y Teatro de Vilnius (Lituania) también la galardonó con un título honorífico. En 2014 fue nombrada Commendatore dell’Ordine della Stella d’Italia por el Presidente del Estado italiano Giorgio Napolitano. Violeta Urmana ha participado en dos ediciones previas del Ciclo de Lied: XI (04-05) y XVII (10-11).

La segunda cita del ciclo SERIES 20/21, del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), presentará el próximo lunes 24 de octubre en el Auditorio 400 del Museo Reina Sofía a uno de los cuartetos dedicados a la música de nuestros días más respetados internacionalmente: el Cuarteto Diotima. En esta visita a Madrid, que forma parte de la gira de celebración del vigésimo aniversario del grupo, también rendirán homenaje a Henri Dutilleux, uno de los grandes nombres de la composición francesa, interpretando su único cuarteto de cuerda, Ainsi la nuit, para conmemorar el centenario de su nacimiento. Aunque casi todas las composiciones de Dutilleux son instrumentales sólo posee en su catálogo este cuarteto para cuerdas, obra encargo de la Fundación Koussevitzky y de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos. Estrenado el 6 de enero de 1977 en París, este clásico del género ha cautivado a aquellos analistas que lo han desmenuzado compás por compás. Para acompañar esta obra sonarán dos piezas de Alberto Posadas, una de ellas, el quinteto Del reflejo de la sombra estreno en España y con el clarinetista José Luis Estellés como invitado. Esta ocasión será la tercera vez que el prestigioso conjunto galo forma parte de la programación que el CNDM centra en la música actual y la segunda que estrena una obra del compositor vallisoletano. El acceso será libre hasta completar el aforo de la sala como en todos los conciertos de este ciclo.

Contemporáneos mayores de edad

Fundado en 1996 por graduados en el Conservatorio Superior de Música de París, el Cuarteto Diotima es una de las formaciones más demandadas por la escena internacional actual. Su nombre refleja la doble identidad musical del grupo: la palabra Diotima es una referencia al Romanticismo alemán -Friedrich Hölderlin dio ese nombre a la mujer de su vida en su novela Hyperion- si bien es también un guiño a la música de nuestro tiempo, recordando la obra de Luigi Nono Fragmente-Stille, an Diotima.

El cuarteto ha sido un privilegiado colaborador de numerosos e importantes compositores como Lachenmann, Ferneyhough, Boulez y Hosokawa y realiza numerosos encargos a destacados autores de todos los continentes como Tristan Murail, Alberto Posadas, Gérard Pesson, Rebecca Saunders, Emmanuel Nunes, James Dillon o Pascal Dusapin. Aunque mantiene una dedicación incondicional a la música contemporánea, no se limita exclusivamente a este repertorio. Al programar conjuntamente grandes obras clásicas junto a la nueva música de hoy en día, sus conciertos aportan una nueva mirada sobre las obras de los grandes compositores, en particular, Bartók, Debussy y Ravel, los últimos cuartetos de Schubert y Beethoven, compositores de la Escuela de Viena, y también Janácek.

El conjunto ha actuado con asiduidad en los escenarios internacionales y en los principales festivales y ciclos de conciertos europeos (Philharmonie y la Konzerthaus de Berlín, Museo Reina Sofía de Madrid, Cité de la Musique de París, Wigmore Hall y SouthBank Centre de Londres y Konzerthaus de Viena entre otros). Además de ofrecer regularmente extensas giras por Estados Unidos, Asia y Sudamérica, son artistas en residencia en el Théâtre des Bouffes du Nord de París desde 2012 a 2016.
Sus interpretaciones reciben la aclamación de la crítica internacional, especialmente en Alemania (por su Concierto para cuarteto y orquesta de Schoenberg), en España y en Francia, donde su discografía ha sido galardonada con cinco “Diapason D’Or”, de los cuales dos recibieron el “Diapason D’Or de l’année” por sus grabaciones de obras de Lachenmann y Nono en 2004 y de obras de los compositores estadounidenses Crumb, Reich y Barber en 2011.

Su álbum con los Cuartetos de George Onslow –editado por Naïve en 2009- obtuvo un enorme éxito en la crítica especializada (Diapason “CD del mes” y “Diapason D’Or” 2010, “E” de Scherzo…) y consolidó su relación en exclusiva con dicho sello discográfico en una colaboración a largo plazo y de gran éxito. Además, por invitación del sello Megadisc, el cuarteto hizo en 2015 una grabación altamente valorada del Livre pour quatuor de Pierre Boulez, revisado por él mismo, que recibió el “ffff” de Télérama y el “Choc de l’année” de la revista Classica.

En 2016 Diotima celebra los 20 años de su formación con varias grabaciones especiales: un cofre de 5 CDs dedicado a la Segunda Escuela Vienesa (integral de Schoenberg, Berg y Webern) y el lanzamiento de una serie de retratos de compositores contemporáneos, el primero de los cuales está dedicado a Miroslav Srnka, al que seguirá un monográfico Gérard Pesson en colaboración con la Orquesta Sinfónica de la WDR. Además de estos dos proyectos de grabación, los próximos años estarán llenos de compromisos para el cuarteto, incluyendo el ciclo completo Beethoven-Schoenberg-Boulez en el Festival Wien Modern, conciertos en diversos países con el estreno del nuevo cuarteto de Enno Poppe (Wittener Tage für Neuer Musik, Festival de Huddersfield, November Music’s-Hertogenbosch, Festival Transit de Lovaina, Festival de Otoño de París), la integral de cuartetos de cuerda de Bartók en una sola noche en el Théâtre des Bouffes du Nord de París y cuatro giras internacionales a través de Sudamérica, Japón, Estados Unidos y la primera gira del grupo en Rusia.

El Cuarteto Diotima recibe el apoyo de la DRAC (Direction Régionale des Affaires Culturelles) y la Région Centre-Val de Loire, además de ayudas periódicas del Instituto Francés, Spedidam, Musique Nouvelle en Liberté, FCM (Le Fonds pour la Création Musicale), la Sociedad Adami, así como de mecenas privados. El cuarteto está formado actualmente por los violinistas Yun-Peng Zhao y Constance Ronzatti, el violista Franck Chevalier y el violonchelista Pierre Morlet.

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) inaugura mañana el ciclo que dedica en su actual temporada al insigne compositor barroco Sebastián Durón, de cuya muerte se cumple este año el tercer centenario. Atentos siempre al rescate patrimonial, los diversos ciclos del CNDM por toda la geografía española ofrecerán del 30 de septiembre de 2016 al 20 de marzo de 2017 hasta seis programas que tienen a Durón como relevante protagonista.

De la música sacra a la incidental

Los encargados de revivir las obras de Durón son grandes nombres de la interpretación barroca en la España de hoy día, haciendo de altavoz de su música religiosa y profana en trece conciertos repartidos por seis ciudades, de la Brihuega natal a Úbeda, pasando por León, Salamanca, Oviedo y Madrid, en una extensa panorámica de la producción sacra y profana de un músico que fue fundamental en la conformación del peculiar barroco ibérico. Así, Raquel Andueza junto a su grupo La Galanía, inaugurarán el ciclo el viernes 30 de septiembre en Brihuega, con un programa que incluye manifestaciones de la música religiosa, cantadas y tonos del homenajeado junto a las Folías de Sanz, alguna página anónima o del muy poco conocido Carlos Subias además de una Zarabanda de Antonio Martín y Coll. Este programa se repetirá el 5 de octubre en la Catedral de León. La soprano aragonesa Marta Almajano, junto con Juan Carlos Rivera, Mike Fentross y Ventura Rico, todos auténtica memoria viva de la mejor música antigua española, llevarán a Salamanca un programa centrado en tonos humanos de Durón contextualizados con música para guitarra y tiorba. También en la seo castellana se escucharán las recuperaciones históricas, estreno en tiempos modernos, de obras de Juan Hidalgo de Polanco y José Marín, grandes representantes del barroco hispano, rescatados por Alicia Lázaro y la Capilla Jerónimo de Carrión más partituras vocales sacras de Durón, en las voces de la soprano Delia Agúndez, el contratenor Gabriel Díaz Cuesta y los tenores Ariel Hernández y Miguel Mediano. «Muera Cupido» es el impactante título del programa queAccademia del Piacere, el prestigioso conjunto sevillano que lidera el violagambistaFahmi Alqhai, junto a la soprano tarraconense Nuria Rial presentarán en Madrid, Salamanca y Oviedo, un homenaje al compositor que contextualiza su producción de música para el teatro (arias y tonos extraídos de zarzuelas y óperas) al ponerla en relación con la de uno de los más brillantes maestros italianos de su generación, Giovanni Bononcini, y el estreno de un canon del musicólogo Álvaro Torrente. También con la música incidental como centro de atención llegará Harmonía del Parnás dirigida por Marian Rosa Montangut y acompañados por las voces de la soprano Ruth Rosique y la mezzo Marta Infante, dos de las voces femeninas más destacadas del panorama barroco español, a Madrid, León y Úbeda. En este programa, fragmentos de sus obras teatrales se mezclarán con las de otros compositores que compartieron tareas en la corte, trabajando bien para la misma Capilla o para los teatros públicos madrileños y se escuchará el estreno en tiempos modernos de piezas compuestas por Francesco Corradini. El siempre solvente Albert Recasens liderará a su conjunto La Grande Chapelle en Madrid, Salamanca y y León para presentar el estreno de la recuperación histórica de una escogida selección de piezas religiosas en romance para solistas dedicadas al Santísimo, obras de la extensa producción sacra de Durón en lengua vernácula, compuestas para la Capilla Real, de la que fue organista y maestro. En total, el ciclo estrenará la recuperación en tiempos modernos de 11 obras de Sebastián Durón, a las que se sumarán 16 más escritas por otros grandes compositores de la época: Bononcini, Corradini, Hidalgo, Marín y un anónimo.

Durón: caballero andante

A los 300 años de su muerte, el nombre de Sebastián Durón (Brihuega, Guadalajara, 1660 – Cambo-les-Bains, Francia, 1716) ha empezado a despertar la curiosidad de muchos intérpretes y aficionados que hasta ahora sólo se habían acercado de modo tangencial a su figura. Su música es ahora habitual en festivales y ciclos diversos, si bien es cierto que lo más difundido del catálogo del compositor son sus óperas y zarzuelas. Sebastián Durón empezó su carrera como organista, en calidad de lo cual trabajó en La Seo de Zaragoza y en las catedrales de Sevilla (adonde llegó de la mano del gran Alonso Xuárez, que seguramente fue su profesor en Cuenca, y en aquel momento, 1680, era maestro de capilla en la capital andaluza), El Burgo de Osma y Palencia. Como organista ingresó en la Real Capilla de Carlos II en 1691, y en 1701, ya bajo el reinado, en disputa, del primer Borbón, fue nombrado maestro de la Real Capilla y rector del Real Colegio de Niños Cantorcicos. Pero su vida se complicó cuando mostró públicas simpatías por el candidato austriaco, lo que lo obligó a exiliarse en Francia, donde trabajó al servicio de la reina viuda, Mariana de Neoburgo, como Limosnero Mayor y Capellán de Honor.

El musicólogo Pablo Vayón indica que: «Aunque en su célebre Teatro crítico universal el Padre Benito Feijoo lo acusara en su día de ser responsable de la italianización de la música española, en realidad en la obra de Durón se aprecia una notable continuidad con la tradición autóctona del siglo XVII. De la mano del CNDM, en año también cervantino conviene celebrar esta salida al mundo cual aventura digna de andantes caballeros, y el gran compositor alcarreño fue uno de ellos.»

• Las Xornadas están coproducidas por el Concello de Santiago, el Centro Nacional de Difusión Musical, el Centro Galego de Arte Contemporánea, la Universidad de Santiago y la Deputación de A Coruña, con la colaboración del Consorcio de Santiago

• Los 20 conciertos que las conforman se celebrarán del 1 de octubre al 1 de diciembre en diversos espacios de la ciudad

• Todas las actividades son gratuitas, a excepción del concierto de clausura a cargo de la Real Filharmonía de Galicia

En el año 2012 renacían en Santiago estas jornadas con el objetivo de fomentar y difundir las últimas tendencias y la innovación de la música contemporánea. Este año se celebra la quinta edición en colaboración con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), en la que se mantiene la misma línea de trabajo y colaboración institucional del año pasado, fruto de la iniciativa, coordinación y promoción de la institución nacional junto al Ayuntamiento de Santiago, la Universidad de Santiago de Compostela, el Centro Galego de Arte Contemporánea, la Diputación de A Coruña y con la colaboración del Consorcio de la ciudad. Bajo el título de ‘ConCiencia da Palabra’, ofrecerán un total de 20 conciertos interpretados por 14 agrupaciones musicales en lugares como el Paraninfo de la Universidad, el Auditorio de Galicia, la Iglesia de la Universidad y la de Bonaval, el CGAC, la Sala Agustín Magán y el Teatro Principal. Las jornadas, hasta ahora programadas sólo en el mes de octubre, alargan este año su duración hasta el 1 de diciembre, buscando que el público pueda asistir a un mayor número de conciertos. Algo a lo que también ayudará que todos ellos, excepto el de la Real Filharmonía de Galicia sean con entrada libre hasta completar aforo. Estas actividades continúan el compromiso del CNDM por promover y difundir la creación musical contemporánea por todo el país, a través de su programa “Circuitos” presente en veintiocho ciudades españolas a las que se unen, este año, cuatro extranjeras: Bogotá (Colombia), Múnich (Alemania), Viena (Austria) y Elvas (Portugal).

ConCiencia da Palabra

Las jornadas se inauguran el 1 de octubre con el Airas Ensemble en un concierto en el que, bajo el nombre de ‘Océanos’ podremos asistir al estreno absoluto del Quinteto de viento de Óscar Colomina basado en la idea de que la etimología nórdica para «sonido» es la misma que para «estrecho de mar que se puede cruzar nadando». Después escucharemos obras de Jesús Bal y Gay y Octavio Vázquez, dos compositores gallegos, de diferentes épocas, uno exiliado en México y el otro residiendo en EEUU, al otro lado del océano. Los días 8 y 9 de octubre tendremos dos propuestas de Vertixe Sonoro Ensemble: el día 8 en ‘Kairós, el momento oportuno’ podremos disfrutar con diversos instantes exactos en los que el sonido se produce y se transforma y ya el día 9 nos presentan ‘Microteatro Psicopático: palabras perdidas, monstruos y espacios misteriosos’, un acercamiento a la obra literaria de Javier Tomeo con el compositor Óscar Carmona y acompañados por el actor Carlos Álvarez-Ossorio.

El sábado 15 el conjunto vocal catalán Música Reservata de Barcelona presenta ‘Conceptio universalis’ con un programa que juega con los contrastes entre lo nuevo y lo viejo, con piezas de ayer insertadas entre las actuales, entre las que además figura un re-estreno de obra encargo del CNDM. El 16 de octubre el Ensemble Música Prácticapresenta ‘Cuatro tímbricas pintadas’, que nos ofrece una narrativa audiovisual en la que los colores que configuran las imágenes están asociados a cada uno de los cuatro instrumentos que conforman el ensemble.

Las dos propuestas con las que cerramos el mes de octubre llegan de la mano delTaller Atlántico Contemporáneo. El día 28 los ofrecen ‘The Rothko Chapel’, obra absolutamente hipnótica y fascinante que se verá potenciada por la extraordinaria acústica de la Iglesia de Santo Domingos de Bonaval; y los días 29 y 30 interpretaránVox Balaenae de George Crumb, obra para violonchelo, flauta y piano amplificados que está inspirada en el canto de una ballena jorobada que el compositor había escuchado en una grabación.

Comenzamos el mes de noviembre el día 4 con el Hércules Brass que harán un recorrido por la música actual gallega a través de las distintas estéticas musicales creadas por los compositores de la Asociación Galega de Compositores tres de los cuales, Luis Carro, Juan Durán y Xabier Comesanha, ofrecerán una charla al inicio del concierto. Y continuamos el día 5 con el Cuarteto Bretón que hará gala de su buen sonido en tres obras muy distintas: el Cuarteto de cuerdas nº 8 de Shostákovich, un estreno absoluto del compositor Mario Diz y el estreno en España del Cuarteto de cuerdas nº 6 de Philip Glass.

El día 11, la Orquesta de Cámara Galega recogerá alguno de los sonidos de creadores del Atlántico, sin fronteras, para recalar durante un rato en un sentido homenaje a uno de los más prolíficos compositores de Galicia, el maestro Rogelio Groba. Y ya el día 12 podremos escuchar al Quinteto Invento con un repertorio exclusivamente gallego que incluye obras para viento metal, con piano en alguna de ellas, pertenecientes a los siglos XX y XXI, también de diversos autores de la Asociación Galega de Compositores. De nuevo habrá una charla previa al concierto con Carro, Durán y Comesanha.

El domingo 13 llegará la colaboración de la Banda Municipal de Santiago con estas jornadas y será con el concierto ‘Imágenes contemporáneas’ dirigido por Casiano Mouriño. Dos partes componen este programa que gira en torno a la imagen como elemento de inspiración musical. En primer lugar dos obras gallegas de carácter costumbrista de su respectiva época: la reciente recuperación de Cuadros campestres, una obra de mediados de siglo XX de Ricardo Fernández Carreira; y en contraposición la perspectiva actual del valenciano y ya gallego de adopción, Raúl Martín Niñerola, inspirada y dedicada a la tierra de Chantada. La segunda parte se centra en la relación existente entre la música y la pintura. La inspiración que provocan en Johan de Meij obras de Rembrandt, Vermeer o Jan Steen; y, como colofón, una selección de losCuadros para una exposición de Mussorgski en la que nos va guiando por las pinturas de su amigo, Viktor Hartmann. Previamente habrá una charla con Beatriz y Alberto Cancela.

La Orquesta Universitaria del Espacio de Cámara de la USC presentará el viernes 18 y de nuevo el sábado 20 el programa ‘El siglo XX, un camino de melodías’, que recoge composiciones y estrenos llegados de alumnado perteneciente a los principales centros superiores de estudios de composición de cada uno de los cinco principales Caminos de Santiago. Antes del concierto el público podrá asistir a la charla con Francisco Durán, profesor titular de Análisis Geográfico Regional de la USC. La siguiente cita será conDavid Apellániz y Alberto Rosado el día 19 de noviembre que presentan un programa contemporáneo con cuatro obras de compositores españoles, incluido un encargo del CNDM, y otras tantas de compositores internacionales consagrados.

Cerramos la programación del mes de noviembre con tres programas diferentes de Zoar. El viernes 25 podremos escuchar la propuesta ‘SH4K3SP34R3’ que comenzará con una presentación de Jorge Sacido Romero, profesor de Literatura Inglesa de la USC y el día 26 será ‘C3RV4NT3S’ con charla previa de la mano de Santiago Fernández Mosquera, catedrático de Literatura Española de la USC. La última de las propuestas de Zoar, el domingo 27, será ‘Juego de ladrones’, adaptación didáctico-musical alrededor del texto de ‘Rinconete y Cortadillo’ de Miguel de Cervantes.

los encargados de clausurar esta edición de las Xornadas de Música Contemporánea, el 1 de diciembre, será la Real Filharmonía de Galicia dirigida por Jaime Martín y con el violinista Anthony Marwood. Interpretarán Tres pinturas velazqueñas de Jesús Torres; elConcierto para violín de Kurt Weill y la Sinfonía nº 4 en si bemol mayor de Beethoven. Las localidades para este concierto tienen un precio de 15 euros con el 50% para estudiantes y jubilados y se pueden adquirir en entradas.abanca.com, en el teléfono 902 434 443, en las taquillas del Teatro Principal y el mismo día del concierto también en las del Auditorio de Galicia.

Más información.

La soprano malagueña acompañará mañana al conjunto La Ritirata en el concierto programado por el CNDM en Bogotá, dentro del V Festival de Música Sacra.

Alicia Amo, ha sido una de los cuatro ganadores del I Concurso de Ópera Mozart de Granada organizado por la Orquesta Ciudad de Granada del 21 al 25 de septiembre en la ciudad andaluza. Este premio conlleva su debut en el papel de Despina en las funciones de la ópera Così fan tutte de Mozart que tendrán lugar en la temporada de la propia orquesta los días 31 de marzo y 1 de abril de 2017 y en una fecha a determinar en la próxima edición del Festival Internacional de Música y Danza de Granada, bajo las batutas de Giancarlo Andretta y Andrea Marcon. El certamen reunió a 80 participantes de 15 nacionalidades y los ganadores han sido, además de Alicia Amo, Ricardo Fassi (Italia, barítono), Berna Perles (España, soprano) y Karina Demurova (Rusia, mezzosoprano). El tribunal de esta edición ha estado compuesto por Andrea Marcon y Giancarlo Andretta (Directores Artístico y Principal Invitado de la OCG), Bernard Foccroulle (Director del Festival d’Aix-en-Provence), Pablo Heras-Casado (Director Titular de la Orquesta St. Luke’s y Principal Invitado del Teatro Real), Renaud Loranger (Productor Ejecutivo de Deutsche Grammophon), Leticia Martín (Adjunta a la Dirección Artística del Liceo), Joan Matabosch (Director Artístico del Teatro Real), Antonio Moral (Director del CNDM), Kees Vlaardingerbroeck (Concertgebouw de Ámsterdam), Susanne Schmidt (Festival de Bregenz) y Alicia Pire Méndez de Andés (Gerente de la OCG). Alicia Amo acompañará mañana al conjunto La Ritirata en el primero de los dos conciertos que el grupo ofrecerá dentro del V Festival de Música Sacra de Bogotá, citas coproducidas por el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM). Bajo el sugerente título “A vos mi dueño amado” el programa contiene cantatas barrocas europeas de Telemann, Caldara, Murcia e Iribarren y tendrá lugar en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango de la capital colombiana.

Alicia Amo

Alicia Amo comienza sus estudios de violín en el conservatorio Antonio de Cabezón (Burgos) compaginándolos con los de Ballet, y continúa en Musikene (San Sebastián) obteniendo en 2007 el título superior con las más altas calificaciones. En 2008 realiza un Máster en violín y comienza sus estudios de canto en la Universität für Musik de Graz. En 2009 se traslada a Basilea y allí estudia los grados de Bachelor y Máster en Canto en la Schola Cantorum Basiliensis con Gerd Türk y Alessandro di Marchi entre otros, obteniendo Matrícula de Honor. Recibe consejos de Margreet Honig, Rosa Domínguez, Carlos Mena, Richard Levitt, Christophe Coin, Pedro Melmesdorff, Eduardo López Banzo, Andreas Scholl, María Espada, Emma Kirkby, Ana Luisa Chova y ha realizado una taller de ópera con Alberto Zedda.

Amo actúa como soprano solista junto a numerosos ensembles y orquestas como Kammerorchester Zürich, Café Zimmermann, Le Parlement de Musique, Orquesta Barroca de Sevilla, Vokalakademie Berlin, La Cetra Basel, Al Ayre Español, Orchestra di Camera di Lugano, Orquesta Sinfónica de Burgos o la Orquesta Sinfónica de Reinach cantando Le nozze di Figaro de Mozart como Susanna (R. Jacobs; Royaumon-París), La Liberazione de Ruggiero de Caccini como Nunzia (G. Paronuzzi; Basilea y Semperoper Dresde), Dido y Eneas de Purcell como Belinda (O. Gershensohn; Burgos), L’Orfeo de Monteverdi como Musica y Proserpina (S. Schwannberger; Hannover), Ariodante de Haendel en el rol de Dalinda (A. Marcon; Schola Cantorum Basiliensis), Orpheus ou l’inextinguible soif de vengeance d’Orasia de Telemann como Orasia (M. Gester; Estrasburgo, Spa y Ofenburgo), Gloria de Vivaldi (J. Cohen; Zúrich), Carmina Burana de Orff, Mysteries of the macabre de Ligeti y Matthëus Passion de Bach (J. Castro; Burgos), Mass de Stravinski (M. Barrera; Barcelona), Messe in D moll de Hasse (P. Valetti; Basilea), Jephté de Carissimi en el papel de Filia (A. Urbano; Ginebra y Luxemburgo), Oratorio di Natale de Lulier como Angelo (R. Alessandrini; Basilea), Orfeo de Rossi en el papel de Prima Gratia (R. Pichon; Opéra National de Lorrain, Caen, Burdeos y Opéra Royal de Versailles), De lo humano… y divino de J. Hidalgo como principal rol femenino (C. Mena; Teatro de la Zarzuela de Madrid), La Resurrezione de G.F. Haendel en el papel de Angelo (E. Onofri;Teatro de la Maestranza de Sevilla) y ofrece recitales habitualmente junto a E. López Banzo, A. de Marchi, y Opus Lírica en numerosos festivales de toda Europa.

Amo fundó el conjunto especializado en múscia antigua Musica Boscareccia junto a Andoni Mercero y es miembro de ensembles dirigidos por T. Koopman, A. Recasens y W. Testolin y colabora con la compañía de teatro Cal y Canto. También es profesora en AIMAntiqua (Academia Internacional de Música Antigua), en Baroque OperaStudio de la Universidad de Burgos y en la Academia de Música Antigua de la Universidad de Murcia. En su trayectoria como violinista ha sido solista y concertino de la Joven Orquesta Nacional de España (JONDE), Orquesta Sinfónica de Burgos, miembro de la European Union Youth Orchestra (EUYO), Steirische Philarmonie de Graz, I Barocchisti (D. Fasolis), y ha colaborado con la Orquesta Sinfónica de Euskadi, Orquesta Barroca de Sevilla y Orquesta de la Radio Televisión Española.

Además de este galardón, Amo ha sido ganadora del VIII Concurso Internacional de Canto “Francesco Provenzale” (Nápoles), del rol principal en Atelier Lyrique “Génération Baroque” – Le Parlement de Musique (Estrasburgo), de la residencia en el Festival de Ambronay, de los premios Jóvenes Excelentes de Caja de Burgos y Fonds Marie-Louise (Basilea), además de ser finalista del I Concurso Internacional de Ópera de Tenerife, del Chamber Music Competition Aberdeen y del XXIV Concours de Chant Clermont-Ferrand.

La Fundación SGAE y el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) han anunciado hoy, lunes, 26 de septiembre, las cuatro obras finalistas de la 27 edición del Premio Jóvenes Compositores Fundación SGAE-CNDM 2016.

Room & Elbow, de Abel Paúl López (Valladolid, 1984); Time folds II, de Julián Ávila (Valencia, 1982); Música diagonal, de Gonzalo Navarro (Almonte-Huelva, 1981); e Indika, de Daniel Muñoz (Barcelona, 1987) son las obras que optarán a los premios.

Estas composiciones serán interpretadas por el Vertixe Sonora Ensemble, bajo la dirección de Pedro Amaral, en el concierto final y entrega de premios que tendrá lugar, con acceso libre hasta completar aforo, el próximo lunes 28 de noviembre en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid dentro de la temporada de conciertos del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM).

Los galardones de esta edición son: el primer premio “Xavier Montsalvatge” de 6.000 €; el segundo premio “Carmelo Alonso Bernaola” de 3.000 €; el tercer premio “Francisco Guerrero Marín” de 1.500 € y la mención honorífica “Juan Crisóstomo Arriaga”, dotada de 1.200 €. Además, y como en cada edición, la Fundación SGAE editará un disco promocional que reunirá las cuatro obras ganadoras del certamen, con el fin de contribuir a su posterior promoción y difusión. El jurado, compuesto por los compositores Gabriel Erkoreka, Raquel García, Núria Giménez, Jesús Navarro y Víctor Rebullida, han elegido las cuatro obras finalistas de un total de 37 obras presentadas a concurso.

El Premio Jóvenes Compositores fue creado en 1987 para estimular la creación en el campo de la música clásica contemporánea entre los jóvenes creadores hasta 35 años, y con el propósito de contribuir al desarrollo y conocimiento social de nuevos lenguajes, tendencias y modos de expresión musicales.

Acerca de los finalistas

Abel Paúl López (Valladolid, 1984) ha estudiado composición en el Conservatorium van Amsterdam y la Universität der Künste de Berlín y paralelamente ha recibido clases magistrales de compositores como Brian Ferneyhough, Pierluigi Billone y Chaya Czernowin, entre otros. En la actualidad, finaliza un doctorado en la Universidad de Huddersfield (Reino Unido). Su música ha sido galardonada con premios como el Salvatore Martirano Award (2008), CDMC (2010), SUAL Award (2014), Ayudas a Innovadores y Creadores Culturales del BBVA (2014), Internationaler Musiktheaterwettbewerb Darmstadt (compositor seleccionado) y menciones de honor en la Gaudeamus Muziekweek (2013) y el Mauricio Kagel Wettbewerb (2010). Ha recibido encargos de varios festivales como la Münchener Biennale, Darmstadt o el Holland Festival. Sus obras han sido interpretadas por agrupaciones como el ASKO-Schoenberg, Nieuw Ensemble, Ensemble Nikel, Slaagwerk den Haag, ETET, Klangforum Wien, Tamgram project, Insomnio, Distractfold, Adapter, Ensemble Aleph, Plural ensemble, etc.

Julián Ávila (Valencia, 1982)
Es profesor de Composición Electroacústica en el Conservatorio Superior de Música de Castilla-La Mancha y profesor adjunto en el centro de investigación musical NOVARS de la Universidad de Manchester (Reino Unido) en el que realiza su último año de doctorado. Además colabora como profesor invitado en el Master de Artes Efímeras de la Universidad Politécnica de Madrid. Ha resultado ganador de la última edición del concurso de composición del Colegio de España en París (MECD). En la actualidad forma parte del proyecto de investigación Dutch-UK Network 58/58 entre la Universidad de Manchester y el Instituto de Sonología de la Haya (www.dutch-uk.netwok). Dentro de su actividad reciente destaca el estreno de la obra Crescencia, encargo de la Orquesta y Coro de RTVE para la temporada 15/16 y la instalación Travesía por los estados de la palabra (encargo de la Embajada de Colombia y Fundación Telefónica) presentada durante la feria ARCO 2015 en La Casa del Lector, Matadero Madrid.

Gonzalo Navarro (Almonte-Huelva, 1981)
Comenzó sus estudios de guitarra clásica de forma autodidacta para luego ingresar en el Conservatorio Profesional de Música de Huelva “Javier Perianes” donde obtiene el Grado Medio en la especialidad de guitarra clásica bajo la tutela del profesor Adolfo Suárez. En 2006 se trasladó a Badajoz para estudiar composición con el profesor Daniel Sprintz, acabando los estudios superiores con la más alta calificación. Posteriormente realizó cursos de posgrado con José Manuel López López, al mismo tiempo que asistió a clases de compositores como Ivan Fedele, Robert Pascal, Philippe Hurel, Héctor Parra, Christopher Bochmann y Salvatore Sciarrino entre otros. Entre su producción se encuentra la música sinfónica, de cámara, solista y electroacústica, siendo común en su escritura la preocupación por el fenómeno temporal, la búsqueda de lo interior en el sonido y la relación con otras artes, en especial la poesía y la pintura. Su música se ha interpretado en distintas ciudades españolas como Badajoz, Madrid, Zaragoza, y fuera de España en ciudades como Burdeos, Gradignan, Estrasburgo y Ginebra. En el terreno de la docencia es profesor de armonía, análisis y guitarra clásica en varias escuelas de música de la provincia de Badajoz.

Daniel Muñoz (Barcelona, 1987)
Después de empezar sus estudios musicales de piano y teoría musical, se matriculó en el Conservatorio Profesional de Música de Badalona. En 2012 obtuvo el Título Superior de Piano en el año 2012 en el Conservatorio Superior de Música del Liceu de Barcelona bajo la tutela de Michel Wagemans con excelentes calificaciones. Posteriormente inició estudios superiores de composición de la mano de Benet Casablancas en el mismo centro. Ha asistido a cursos de composición con Agustí Charles y Hèctor Parra, y a diversas clases magistrales y seminarios con Joan Guinjoan, David Padrós, Jesús Rueda, Josep Mª Guix, Mª Eugenia Luc, Jesús Torres, Martin Matalon, Philip Cashian, George Benjamin y Kaija Saariaho, entre otros. Ha estrenado diversas obras de música solista, cámara y orquesta en Barcelona y Londres (Royal Academy of Music). Actualmente estudia en la Universität für Musik und darstellende Kunst de Graz con el compositor Beat Furrer.

El Centro Nacional de Difusión Musical coproduce el XXXIII Festival Internacional de Órgano de la Catedral de León (FIOCLE), que propone en esta edición 13 conciertos, desde el 21 de septiembre al 10 de noviembre, en la seo leonesa.
Todos los conciertos serán de acceso libre hasta completar el aforo de la catedral.

El 15 de septiembre el director del Centro Nacional de Difusión Musical, CNDM (unidad del INAEM, Ministerio de Educación, Cultura y Deporte), Antonio Moral, junto al director del Festival Internacional de Órgano de la Catedral de León (FIOCLE), Samuel Rubio y el alcalde de León, Antonio Silván, ha presentado la trigésima tercera edición del festival, actividad que el CNDM coproduce y que se incluye dentro de la programación de su temporada 16/17. La presente edición propone 13 conciertos que tendrán lugar en la seo leonesa del 21 de septiembre al 10 de noviembre de 2016. Estas actividades continúan el compromiso del CNDM por promover y recuperar el patrimonio musical antiguo por todo el país, a través de su programación en veintiocho ciudades españolas y cuatro extranjeras (Bogotá, Múnich, Viena y Elvas, Portugal).

Órgano y mucho más

La programación del trigésimo tercer Festival Internacional de Órgano de la Catedral de León mantiene su esencia con ocho recitales de grandes nombres del panorama organístico mundial a la vez que abre sus puertas a otras cinco propuestas musicales a cargo de destacados conjuntos españoles de música histórica. El vienés Martin Haselböck, organista y director de orquesta reconocido internacionalmente por ser el director artístico y fundador del prestigioso conjunto Wiener Akademie, acudirá para inaugurar el festival el miércoles 21 de septiembre, con un recorrido que se abrirá con la famosa Toccata y fuga en re menor de J.S. Bach e incluye Volumina, una de las obras más importantes para órgano de Ligeti y de la literatura organística contemporánea, a lo que añadirá la improvisación sobre un tema dado, explotando todas las posibilidades de este magnífico órgano. La segunda cita, dos días después, transportará al público a la Edad Media a través de la música que acompañaba a las danzas que protagonizaron el medioevo europeo, la mayoría de ellas de autor desconocido, de la mano del conjunto leonés Eloqventia y su director, Alejandro Villar. La tercera velada vuelve a presentar al clavecinista Eduardo López Banzo acompañando a los cantantes seleccionados en el Curso de Interpretación Vocal Barroca organizado por el CNDM en el Auditorio Ciudad de León y dirigido por el mismo Banzo cada año: las sopranos Elia Casanova, Rosa García Domínguez y Quiteria Muñoz Inglada además del contratenor Christian Gil Borrelli, jóvenes artistas que destacaron en la interpretación de la cantata barroca y que cantarán en este recital arias italianas de cuatro grandes maestros de esa época: Carl Philipp Bach, Antonio Vivaldi, George Frideric Haendel y Antonio Caldara.

Este año el CNDM conmemora el tercer centenario de la muerte del compositor barroco Sebastián Durón (1660-1716), con un ciclo transversal formado por trece conciertos que recorrerán toda la geografía nacional. Dos de esas citas estarán incluidas en este festival: en la primera, la soprano Raquel Andueza y su conjunto La Galanía, colocan al genio alcarreño como eje central de un programa que indaga en la música sacra de esa época, a través de diversas manifestaciones de la música religiosa (cantadas y tonos de Durón) junto a alguna página anónima o de otros contemporáneos suyos como Carlos Subias, Antonio Martín y Coll y Gaspar Sanz, del que interpretarán sus conocidas Folías. En el segundo programa con Durón como protagonista, la Capilla Jerónimo de Carrión y su directora Alicia Lázaro se sumergirán en músicas inéditas del siglo XVII, contrastando partituras vocales del Durón sacro, así como otros tres grandes representantes del barroco hispano: Juan Hidalgo de Polanco, José Marín y Jerónimo de Carrión. En el último concierto de los que no serán de órgano solo oiremos los tesoros medievales del archivo de la catedral leonesa rescatados por Juan Carlos Asensio y su grupo Schola Antiqua, en lo que será el estreno en tiempos modernos de liturgias procesionales de los Santos Isidoro, Antolín y Santiago.

Además de Haselböck, el festival recogerá en los conciertos de órgano un amplio espectro estilístico y temporal, con obras de la literatura ibérica, personalidades destacadas de las postrimerías del Romanticismo –caso de Liszt o Franck– y el lenguaje contemporáneo de Messiaen. No menos interesante resultará la recuperación de dos tradiciones íntimamente ligadas al rey de los instrumentos, la improvisación y la adaptación de partituras procedentes de otros ámbitos sonoros, como una sonata para piano de Beethoven o una escena operística wagneriana. Estas versiones espectaculares explotan el concepto del órgano como orquesta, algo en lo que Widor, con sus sinfonías escritas directamente para el instrumento, fue un maestro. Así, público leonés podrá escuchar en esta edición a los organistas Juan de la Rubia (titular de la Sagrada Familia, que recorrerá en su programa obras de Bach, Franck, Duruflé y el original arreglo de la “Escena del Walhalla” perteneciente a la ópera El ocaso de los dioses de Wagner), Giampaolo di Rosa (que presentará en León la integral de la obra para órgano de Olivier Messiaen, junto a obras de Franck y Beethoven), Vincent Dubois (uno de los organistas titulares de Notre Dame de París, ha elegido repertorio de tres de los compositores más importantes de la historia del órgano: Bach, Franck y Messiaen, a lo que añadirá una extraordinaria transcripción para órgano de la Danza macabra de Saint-Saëns), Jean Guillou (una auténtica leyenda viva del órgano que fue asesor en la construcción del nuevo órgano de la Catedral de León, vuelve a ella con un programa conformado por un movimiento de la Sexta Sinfonía de Charles-Marie Widor, una obra de Liszt y dos temas propios), Daniel Oyarzabal (que iniciará su concierto con la célebre sinfonía de la Cantata BWV 29 del maestro Bach, a quien acompañarán piezas de sus dos compatriotas Mendelssohn y Brahms y obras de Messiaen, Mussorgski y Rimski-Korsakov), Paolo Oreni (que ha elegido para la ocasión partituras de Mozart, Bach, Liszt, Dupré y una improvisación propia) y el intérprete libanés Naji Hakim, que clausurará el festival el jueves 10 de noviembre con la famosísimaPassacaglia de Bach junto a piezas de Cabanilles, Franck y obras propias.

Todos los conciertos del festival serán con acceso libre hasta completar el aforo de la catedral.

Tras el éxito de las pasadas ediciones, «Salamanca Barroca» afronta esta temporada 2016/17 consolidada como “un singular punto de encuentro en el ámbito de la interpretación musical historicista en nuestro país”, según explicó García-Bernalt en rueda de prensa, al tiempo que destacó su firme “apuesta por la recuperación de patrimonio musical, de consolidación de repertorio, de promoción de proyectos relacionados con las músicas históricas ibéricas y de revisión del barroco europeo, todo ello en un entorno donde confluyen también elementos académicos y, particularmente, docentes”.

Programa “variado, extenso y profundo”
El programa de esta edición presenta, a su juicio “un panorama variado, extenso y profundo, en el que conviven repertorios conocidos con obras que vuelven a la vida tras siglos de silencio, en el que Purcell se encuentra con Durón y Schein con Palestrina y jóvenes músicos emergentes comparten escenario con intérpretes de referencia”.

Precisamente uno de estos proyectos abre el ciclo el día 3 de octubre, con la Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca, bajo la dirección de Pedro Gandía. En el marco de las conmemoraciones en torno a Shakespeare y Cervantes ofrecerán un programa que reúne a ambos autores a través de la música que inspiraron sus obras; un viaje por la Europa barroca que nos traslada desde Viena hasta Londres.

Para el director de la Academia de Música Antigua de la Universidad de Salamanca y coordinador del programa la propuesta musical de esta nueva esta edición tiene “a la voz como elemento fundamental, teniendo un papel protagonista en ocho de los 11 conciertos de la nueva temporada”. Tres de ellos están relacionados con los ecos del tercer centenario de la muerte de Sebastián Durón (1660-1716). De la mano de intérpretes y grupos de referencia como Marta Almajano, Nuria Rial, Accademia del Piacere y La Grande Chapelle, se ofrece una extensa panorámica de la producción sacra y profana de un músico que fue fundamental en la conformación del peculiar barroco ibérico.

La vida musical de la Salamanca del XVIII se materializa en un proyecto de recuperación de un concierto sacro, lo que en la época se denominaba una «siesta». Con la colaboración de la mezzosoprano Marta Infante y el Coro de Cámara de la USAL se recorrerá medio siglo de la música asociada a la capilla universitaria, desde el último barroco hasta las primeras muestras del clasicismo.

Dos formaciones vocales de referencia mundial
El ciclo acoge también a dos formaciones vocales de primer orden en el panorama mundial de la música históricamente informada: el Collegium Vocale de Gante y The Sixteen, dirigidos respectivamente por Philippe Herreweghe y Harry Christophers. En el excepcional marco de la capilla del Colegio Fonseca, y fuera de abono, el grupo británico ofrecerá un exuberante paisaje de la música sacra italiana relacionada con la capilla pontificia, articulado en torno a autores medulares de la polifonía occidental como Palestrina, F. Anerio y Allegri. Por su parte el Collegium Vocale centra su programa en una pieza clave de la música sacra alemana del primer cuarto del XVII: la exquisita colección de madrigales espirituales Israelsbrünlein de Johann Hermann Schein.

En la órbita de esta obra se encuentra también el programa ofrecido por el Concento de Bozes. Este grupo emergente, derivado del trabajo formativo realizado por el contratenor Carlos Mena en la USAL, ahondará en el nacimiento de la Música poética, la nueva oratoria musical que acabó alcanzando en el barroco alemán algunas de sus más altas cotas. También Carlos Mena, artista residente del CNDM en la temporada 2016-2017, tomará parte en el concierto que cierra el ciclo. Junto a la Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca ofrecerá un programa organizado en torno a dos cantatas para alto de Johann Sebastian Bach: Widerstehe doch der Sünde, escrita en Weimar en 1715 y Ich habe genug, cuya primera versión se sitúa en Leipzig doce años después. Las dos obras establecerán un diálogo con la música profana de la época, representada por una suite de Telemann y otra de Johann Ludwig Bach.

También la producción profana de Bach estará presente en Salamanca Barroca con una monumental obra que muestra la genialidad del Kantor como geómetra de la música: la Ofrenda musical. Para interpretarla –en varios de los sentidos de la palabra – se reúne un grupo de excepción: la violinista Lina Tur Bonet, el chelista Marco Testori, el flautista Alexis Kossenko y el clavecinista Kenneth Weiss, quienes nos llevarán a una velada que quizá nunca tuvo lugar en la corte de Federico II el Grande.

Academia de Música Antigua
La Academia de Música Antigua, constituye un ámbito global de articulación y promoción de actividades en el campo de la «interpretación musical histórica». Creada con el objeto de facilitar los mecanismos de especialización en repertorio renacentista y barroco a los jóvenes músicos españoles, se ha convertido en un referente de este tipo de trabajo en España. Junto a un programa anual de cursos de especialización, la academia acoge distintas agrupaciones musicales especializadas: Coro de Cámara, Consort de Violas da Gamba y Orquesta Barroca, entre otras.

Precisamente esta es otra de las líneas de actuación de Salamanca Barroca: fomentar y facilitar la presencia de los intérpretes participantes en el ciclo de conciertos en el plan formativo que, desde hace ya casi un cuarto de siglo, se mantiene en la Universidad de Salamanca en relación con la música antigua. Un plan que se articula a través de un programa de cursos, clases magistrales y seminarios centrados fundamentalmente en aspectos de prácticas interpretativas históricas. Este año los cursos contarán con la participación de Pedro Gandia (violín), Andoni Mercero (viola), Itziar Atutxa (violonchelo y viola de gamba) y clases magistrales de Carlos Mena (canto). Información e inscripciones en: academia@usal.es

Las localidades, con un precio de 7€ a 15€ para el público general y con un 20% de descuento para estudiantes y miembros de la comunidad universitaria, se pueden adquirir ya en Mercatus (tienda oficial de la Universidad), de lunes a sábado de 10:00h a 20:00h y domingos de 10:15h a 14:00h, a través de http://sac.usal.es/ y una hora antes de cada concierto en taquilla.

Era la octava vez que Christian Gerhaher participaba en el Ciclo de Lied del CNDM en el Teatro de la Zarzuela. En esta ocasión para interpretar Winterreise (viaje de invierno), que Franz Schubert compuso en 1827 para voz y piano. En él expresa los sentimientos de un caminante a través de un paisaje invernal y gélido, tras conocer el rechazo de su amada. Desgrana su melancolía a través de un viaje en el que solo existe la desesperanza.

Alejado de su familia, sin pareja estable, enfermo y sin haber conseguido ningún éxito como compositor, Schubert transmite a través de este conjunto de 24 canciones los dos temas fundamentales de los poemas de Wilhem Muller, el sentido de viaje y el de soledad. Y lo hace a través de un viaje íntimo en el que utiliza como eje principal el paisaje exterior, la naturaleza, como símbolo de su propio interior. El invierno es aquí el elemento descriptor de los sentimientos más profundos y sombríos. Nos habla claramente de la muerte. Muerte que le acechaba y que llegó apenas fue publicada esta obra casi póstuma.

Schubert resaltó la parte pianística y eliminó cualquier tipo de adorno vocal. la sencillez, que no simplicidad, son un elemento común a destacar en esta obra. Es aquí donde Gerhaher añade una contención desprovista de cualquier exceso de teatralización dramática. Profundizando en la sobriedad de los sentimientos más desgarrados.

Este tipo de composiciones, aparentemente sencillas, requieren de una depurada técnica instrumental. Y es Christian Gerhaher uno de sus mejores exponentes en la actualidad. Se nota la magistral influencia tanto de Fischer-Dieskau, como de Elisabeth Schwarzkopf y es evidente la evolución de su voz y la capacidad de matización en obras de tanta exigencia comunicativa por su contención. Los cambios de tonalidad y de dinámicas son perfectamente expresados por un Gerhaher que ha perfeccionado sus graves y que regula el volumen y los cambios de tono con seguridad y acierto. Como demostró en Irrlicht (Fuego fatuo) donde la amplitud de registro y tonalidad obliga a transitar de agudos a graves y de fortes a delicados pianos.

Acompañado por Gerold Huber, establecen entre ambos ese diálogo íntimo entre voz y piano con el que Schubert concibió Winterreise. Un viaje interior en el que el dramatismo del proceso anímico solo puede conducir a la nada. A la soledad más absoluta del propio compositor.

Fue una hora y media en la que Gerhaher desgranó una a una estas 24 delicadezas del romanticismo. No ofreció bises, no eran necesarios. Nada faltó en esa hora y media de un recogimiento interior del que tan profundamente se puede llega a disfrutar.

https://youtu.be/dIwo6cxcWDE

La quinta edición del ciclo CONTRAPUNTO DE VERANO dedicado a la música de cámara, que tradicionalmente cierra la temporada del CNDM, tiene este año como protagonista absoluta a la música alemana, de la mano de los extraordinarios Christian Zacharias, el Cuarteto de Leipzig, la pianista Olga Gollej y la Joven Orquesta Nacional de España y con la colaboración del Goethe Institut.

Del 1 al 27 de junio, a las 20 horas, los 5 conciertos (4 en la Sala de Cámara y uno en la Sala Sinfónica) recorrerán dos siglos de música, de Robert Schumann a Jörg Widmann.

Vuelve el ciclo Contrapunto de Verano al Auditorio Nacional de Música de Madrid para cerrar la temporada del CNDM. En esta ocasión, la serie se extenderá por todo el mes de junio con cuatro conciertos en la Sala de Cámara a los que se suma este año uno sinfónico, que será interpretado por la Joven Orquesta Nacional de España bajo la dirección de Christian Zacharias. Bajo el título «Tradición y presente en la música alemana», las cinco citas presentarán obras de cámara de Schumann y Brahms a las que se añadirán composiciones de autores germanos del siglo XXI, como son Wolfgang Rihm, Aribert Reimann, Jörg Widmann (que será, además, «Compositor Residente» en la próxima temporada del CNDM), Bernd Franke y Steffen Schleiermacher. El programa plantea así un diálogo entre el pasado y presente de la música alemana, entendidos no como realidades ajenas y enfrentadas, sino como fases distintas de un discurso ininterrumpido, siguiendo la reivindicación que en su momento hizo Schoenberg sobre la “modernidad” de Brahms y Berg sobre la de Schumann. La vinculación de pasado y presente es una constante también en la trayectoria de los intérpretes elegidos, como es el caso del Cuarteto Leipzig presente en cuatro de las cinco veladas y que acumula desde su fundación en 1988 un repertorio inmenso, desde amplias incursiones en Haydn, Mozart y Beethoven, pasando por unas señaladas integrales de Schubert, Schumann, Mendelssohn, Brahms y la Segunda Escuela de Viena hasta los estrenos de autores actuales como Beat Ferrer, Alfred Schnittke, Jörg Widmann, Cristóbal Halffter, Claus-Steffen Mahnkopf, Steffen Schleiermacher, Christian Ofenbauer, Sigfried Thiele, Viktor Ullmann y Wolfgang Rihm, por citar algunos. Entre sus colaboradores habituales está el pianista Christian Zacharias, buen conocido del público español e intérprete exquisito del repertorio de los siglos XVIII y XIX, con especial énfasis en el Romanticismo alemán. Como va siendo cada vez más habitual en él, Zacharias actuará también como director de orquesta al mando de la JONDE, en su última cita en calidad de «Artista Residente del CNDM» en la temporada 15/16. Por su parte, tanto la pianista kazaja Olga Gollej como la Joven Orquesta Nacional de España (JONDE) también pueden presumir del dominio de repertorios que conjugan épocas y generaciones de compositores muy diversos.

Christian Zacharias es un reconocido pianista, director de orquesta, director de festival, pensador musical, escritor y locutor, con una activa carrera de renombre internacional como concertista de piano. Actúa regularmente en recital y en concierto en todo el mundo con los principales directores y orquestas de la escena internacional. Ha sido director artístico y principal de la Orquesta de Cámara de Lausanne, con la que realizó numerosas grabaciones entre las que destaca su ciclo completo de los conciertos para piano de Mozart, ganador de los premios «Diapason d’Or», «Choc du Monde» y «ECHO Klassik». Zacharias es Socio Artístico de la Orquesta de Cámara de St. Paul desde la temporada 2009/10 y también mantiene estrechos vínculos con la Orquesta Sinfónica de Gotemburgo, siendo el Principal Director Invitado desde hace muchos años. Colabora con orquestas como la Filarmónica de Los Ángeles, Orquesta Hallé de Manchester, Het Residentie Orkest Den Haag, Orchestre National de Lyon, Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Bamberger Symphoniker y la Gürzenich Orchester de Colonia. Zacharias ha trabajado en producciones de ópera como La Clemenza di Tito y Le nozze di Figaro de Mozart y La Belle Hélène de Offenbach, y en películas como Domenico Scarlatti en Sevilla, Robert Schumann: der Dichter spricht (INA, París) y Zwischen Bühne und Künstlerzimmer (WDR-Arte). Entre sus numerosos premios y galardones destaca el «Midem Classical Award» como “Artista del Año 2007” en Cannes. Después de haber sido premiado por sus contribuciones a la cultura en Rumanía en 2009, el gobierno francés le honró como “Officier dans l’Ordre des Arts et des Lettres”. Con motivo de su 60 cumpleaños, la Alte Oper Frankfurt organizó un “Retrato de artista” de Christian Zacharias, presentándole como pianista, director de orquesta, músico de cámara y como acompañante de lied. Ha sido el primer pianista alemán en debutar en recital en el Carnegie Hall de Nueva York en 30 años, en diciembre de 2011.

El Cuarteto de Leipzig (Leipziger Streichquartett) se ha perfilado como el “mejor cuarteto alemán” (Gramophone) y como uno de los conjuntos más solicitados y polifacéticos de la actualidad. Fundado en 1988, hasta entonces tres de sus miembros pertenecían a la Gewandhausorchester de Leipzig como solistas de sección, hasta que en 1993 decidieron concentrarse en la música de cámara. Previamente habían realizado estudios con Gerhard Bosse en Leipzig, con el Cuarteto Amadeus en Londres y Colonia, con Hatto Beyerle en Hannover y con Walter Levin. Ha recibido numerosos premios y distinciones y ha ofrecido conciertos en más de cuarenta países en Europa, América del Norte y del Sur, Australia, Japón, Asia y África. Su discografía abarca casi cien discos con composiciones de Mozart a Cage y de Haubenstock-Ramati a Beethoven, e incluye la grabación integral de la obra para cuarteto de cuerda de Brahms, Mendelssohn y Mozart, así como la grabación completa de la Segunda Escuela de Viena. Han recibido distinciones como el «Diapason d’Or», el «Premio CD-Compact», el «Indie Award» y el «ECHO Klassik». Desde 1992 graban en exclusiva para el sello Musikproduktion Dabringhaus und Grimm (MDG). La colaboración con Alfred Brendel, Christian Zacharias, Menahem Pressler, Andreas Staier, Juliane Banse, Christiane Oelze, Herbert Schuch, Alois Posch, Stephan Genz y Giora Feidman enriquece el extenso repertorio del conjunto. Ha estrenado obras de compositores como Beat Furrer, Alfred Schnittke, Jörg Widmann, Cristóbal Halffter, Claus-Steffen Mahnkopf, Steffen Schleiermacher, Christian Ofenbauer, Sigfried Thiele, Viktor Ullmann y Wolfgang Rihm, entre otros. Con motivo de su vigésimo aniversario, el Cuarteto de Leipzig realizó un ciclo de seis conciertos con la integral de los cuartetos de Beethoven en quince salas de todo el mundo entre 2007 y 2009. Durante un ciclo de varios años de duración en el Gewandhaus de Leipzig el cuarteto interpretó los cuartetos de cuerda completos de la Primera y Segunda Escuela de Viena. Forma parte de la Orquesta del Festival de Lucerna desde 2009 por invitación de Claudio Abbado y ocupa una cátedra de profesor invitado en la Universidad de las Artes de Tokio (Geidai).

Nacida en Kazajistán en 1983, Olga Gollej recibió sus primeras clases de Piano a la edad de cinco años. Su extraordinario talento fue descubierto y apoyado desde temprana edad, por lo que compaginó sus estudios escolares con los estudios musicales en las Escuelas Superiores de Música de Leipzig y Würzburg. De 2002 a 2007 estudió en el Mozarteum de Salzburgo y en 2011 finalizó sus estudios en la Escuela Superior de Música Franz Liszt de Weimar. Numerosos premios en concursos y distinciones (Deutscher Musikrat, Jeunesses Musicales de Alemania) le abrieron las puertas a actuaciones en países de Europa, América del Sur y Oriente Próximo. Participa habitualmente en el Festival Arras, en el Festival Sommersprossen y en el Festival Jordan en Amán, entre otros. En el terreno de la música de cámara colabora con el Ensemble Kontrast, con el barítono Stephan Genz y con el Cuarteto de Leipzig, entre otros. En 2008 fundó el Trio ECCO junto al clarinetista Karl Leister y el violonchelista Matthias Moosdorf. En 2010 el conjunto publicó su primer CD con obras de Eberl, Kreutzer y Ries. También ha realizado diversas grabaciones con el Cuarteto de Leipzig, con arreglos de obras orquestales de Mendelssohn y obras de Klughardt, Schreker y Schoeck para el sello Musikproduktion Dabringhaus und Grimm. Su último disco junto a este cuarteto con el Quinteto para piano de Serguéi Tanéyev ha sido publicado recientemente. Desde 2014 es miembro del Trio ex aequo. Es docente del Conservatorio Edward Said (Fundación Barenboim-Said) en Israel y Palestina. Ha sido becada por la Fundación Yehudi Menuhin Live Music Now desde 2010. Junto al violonchelista Matthias Wilde fundó el Festival Anhaltische Kammermusiktage, que cada año atrae grandes figuras de la música a la ciudad de Wörlitz. Desde 2013 es gerente del Festival Internacional Ópera Gluck en Nuremberg.

La Joven Orquesta Nacional de España (JONDE) pertenece al Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), organismo dependiente del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte. Fue creada en 1983 con el propósito de contribuir a la formación de músicos españoles en la etapa previa al ejercicio de su profesión, a través de unos seis encuentros anuales. La JONDE ha colaborado con solistas tan importantes como Rostropovich, León Ara, Rafael Orozco, Zacharias, John Williams, Deszö Ranki, Teresa Berganza, María Bayo, Simon Estes o Juan D. Flores, entre otros, y directores como Carlo M. Giulini, G. Schuller, J. Kreizberg, F. Biondi, R. de Leeuw, V. Petrenko, Zacharias, P. Goodwin, Lutz Köhler, G. Noseda, Ch. Hogwood, Pehlivanian, P. Rundel, E. Colomer, Jesús López Cobos, Josep Pons, Ros Marbá, Víctor Pablo, Frühbeck de Burgos, B. Aprea, Pablo González, A. Zedda o A. Tamayo. La proyección en el extranjero de la JONDE abarca giras por la mayoría de los países europeos y Estados Unidos, actuando en salas de conciertos como el Théâtre des Champs Elysées de París, la Filarmónica de San Petersburgo, el Carnegie Hall de Nueva York, el Royal Albert Hall de Londres, el Concertgebouw de Ámsterdam, el Konzerthaus am Gendarmenmarkt y la Filarmónica de Berlín o la Radio Kulturhaus de Viena, participando, entre otros festivales, en los BBC Proms de Londres, Expo de Lisboa ’98, Robecco Zomerconzerten (Ámsterdam), Musikfestpiele Saar, World Expo Hannover, el Festival Young.Euro.Classic de Berlín, el Schleswig-Holstein Musik Festival, Festspiele Mecklenburg-Vorpommern, Opernfestspiele Schloss Weikersheim, Festival Kultursommer Nordhessen (Alemania) o el Festival España-Venezuela de Caracas. La JONDE cuenta con el patrocinio de la Fundación BBVA, y participa periódicamente en programas de intercambio, especialmente a través de la European Federation of National Youth Orchestras (EFNYO) y de los diversos Sistemas de Orquestas Juveniles hispanoamericanos. Desde 2001 su director artístico es el compositor José Luis Turina.

Las localidades para los 4 conciertos en la Sala de Cámara ya están a la venta en las taquillas del Auditorio Nacional, teatros del INAEM, 902 22 49 49 y www.entradasinaem.es, a un precio de 10€ a 20€ para el público general y de 8€ a 15€ para menores de 26 años. En el caso del concierto en la Sala Sinfónica, también ya la venta, los precios oscilan entre los 5€ y los 20€, para las localidades generales y, para los menores de 26 años, de 3€. A estos precios hay que añadir la existencia de localidades de «Último Minuto», disponibles, si las hubiere, desde una hora antes de comenzar cada recital, para menores de 26 años y desempleados, con un 60% de descuento sobre el precio general.

El CNDM ha presentado su programación de música actual en Santiago de Compostela (dentro del cuarto ciclo “Xornadas contemporáneas”) y Badajoz (con la séptima edición de “Música actual”). El apoyo a la música de nuestro tiempo es uno de los pilares del centro y tendrá́, como ya es habitual, una atención preferente con la organización de 44 conciertos (una quinta parte de toda la programación), repartidos a lo largo de 5 ciudades españolas dentro de los ciclos “Series 20/21” y “Liceo de Cámara XXI” en Madrid (con 21 estrenos absolutos), “Alicante Actual” (8 conciertos y 8 estrenos) las “Xornadas contemporáneas” de Santiago de Compostela (19 actividades y 13 estrenos), “Música Actual” de Badajoz (9 actividades y 11 estrenos) y una ópera sin voces de estreno mundial en Pamplona del recientísimo Premio Nacional de Música 2015 y “Compositor residente” de esta temporada del CNDM, Alfredo Aracil, y el icónico ilustrador Alberto Corazón (Premio Nacional de Diseño 1989). En total, se estrenarán 51 nuevas partituras, 21 de ellas por encargo del CNDM, con una nómina de compositores, en su mayoría nacionales, que abarca un amplio abanico generacional de diferentes tendencias y estilos, como Luis de Pablo, Antón García Abril, Alfredo Aracil, Jesús González, Manuel Rodeiro, José Río-Pareja, Juan Cruz-Guevara, Federico Mosquera Martínez, Jacobo Durán-Loriga, Laura Vega, Joan Arnau Pàmies, Ramón Paus, Irene Galindo, Carlos Cruz de Castro, Agustín Charles, Ramón Humet, Sebastián Mariné, Iluminada Pérez Frutos y Joan Magrané, a los que hay que unir a los maestros internacionales Lera Auerbach, Sarah Nemtsov y Steffen Schleiermacher. Estas actividades continúan el compromiso de la institución nacional por promover y difundir la creación musical contemporánea por todo el país, a través de su programa “Circuitos” presente en dieciocho ciudades españolas a las que se unen, por primera vez, dos extranjeras: Bogotá (Colombia) y Elvas (Portugal).

El Santiago más caníbal
En el año 2012, y tras 13 años sin actividad, renacieron en Santiago de Compostela las Xornadas de Música Contemporánea con el objetivo de fomentar y difundir las últimas tendencias y la innovación en música contemporánea. Mañana comienza la cuarta edición que se extenderá hasta el 29 de octubre en diferentes espacios de la ciudad, en coproducción con el Ayuntamiento de Santiago, el CGAC, la Universidad de Santiago y la colaboración del Consorcio de Santiago y el Consorcio para Promoción de la Música de A Coruña. Como en anteriores ediciones, la ciudad se llenará de música contemporánea con un total de 19 conciertos, de los cuales 3 están enmarcados dentro del programa pedagógico y 3 en el “Off_Contemporánea!!”, parte del ciclo que engloba las propuestas más alternativas: otras músicas, otras visiones, otros espacios.

La Orquestra de Cámara Galega será la encargada de inaugurar el ciclo dirigida por Rogelio Groba con un programa monográfico para homenajear a este director y compositor gallego, que con 85 años cuenta con un catálogo de más de 700 composiciones. Las Xornadas también quieren celebrar el 50 aniversario de Manuel Rodeiro y Jesús González, dos de los compositores más representativos de la música gallega actual, con un concierto del Grupo Instrumental Siglo XX dirigido por Florian Vlashi. Otros conjuntos gallegos que están en la vanguardia musical también tendrán su espacio en el ciclo: Vertixe Sonora Ensemble, pablo_seonae_trem (que presentará el estreno absoluto de ‘La Bestiaire’, composición inspirada en la obra de Apollinaire-Poulenc e Dufy), el quinteto de vientos Zoar, el clarinetista Joaquín Meijide (“Xocas”) y el dúo galego-portugués KONTAKTEduo. Además, añadir la presencia de la Banda Municipal de Música, la orquesta Real Filharmonía de Galicia (que, dirigida por Diego García y con la participación del excomponente de la banda Siniestro Total, Julián Hernández, presentarán el Frankenstein de Gruber), la Orquestra Sinfónica de Galicia y la Camerata OSG. La participación foránea se materializará en conciertos del conjunto extremeño Sonido Extremo, el Cuarteto Gerhard y el pianista Francesco Tristano.

Especial atención requiere la segunda representación de la ópera sin voces ‘Siempre/Todavía’ que tendrá lugar el 23 de octubre en el CGAC, de la mano del pianista granadino Juan Carlos Garvayo. La obra parte de un guión del compositor Alfredo Aracil basado en el libro Damasco Suite, somos memoria (Ahora Ediciones de Bibliofilia, 2004), publicado tras una trascendental estancia del diseñador madrileño (“el padre del diseño español”) Alberto Corazón en la capital siria en 2002, con motivo de una exposición retrospectiva que el Museo Nacional de Damasco dedicó a su pintura y escultura. Dos días antes, el miércoles 21 habrá un encuentro con los dos artistas en el CGAC como preámbulo a la ópera. Este espectáculo es una coproducción del CNDM junto a la Universidad de Navarra y Metacción.

La conquista del Oeste
Coproducido por el CNDM junto a la Sociedad Filarmónica de Badajoz, y con el apoyo de la Consejería de Cultura del Gobierno de Extremadura, el Ayuntamiento, la Diputación de Badajoz y la Fundación Caja Badajoz, el séptimo ciclo “Música Actual” comenzará el 13 de octubre y se extenderá hasta el 30 de enero de 2016 con 7 conciertos en diversos espacios de la capital pacense y dos actividades pedagógicas, una de ellas, en Elvas (Portugal). Por segundo año consecutivo, la ciudad de Badajoz participa en los “Circuitos” de música del CNDM, a través de este ciclo de música que la Sociedad Filarmónica de Badajoz creó hace siete años como un espacio para la difusión de músicas actuales, convirtiéndose en poco tiempo en un referente dentro y fuera de Extremadura. Esta colaboración ha permitido incrementar los conciertos del ciclo y los estrenos absolutos, que este año serán 11. Algunos de los compositores que estrenarán sus obras son extremeños o están afincados en Extremadura, como María José Fontán o Domenéch González de la Rubia. Tres de las once obras que se estrenan son encargo del CNDM y dos de la Sociedad Filarmónica. A lo largo de esos cuatro meses se presentará una amplia y variada perspectiva de la creación musical contemporánea a través de siete formaciones, dos extremeñas (Sonido Extremo y la Orquesta de Extremadura) y cinco foráneas (Sonor Ensemble, Ensemble 20/21 de la Joven Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid –JORCAM-, Ensemble NeoArs Sonora, Dúo Cassadó y el Cuarteto Quiroga) que se presentarán en diferentes espacios de la capital pacense como el teatro López de Ayala, el Palacio de Congresos, el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (Meiac) o el Salón Noble de la Diputación de Badajoz.

La apuesta educativa
El apartado didáctico de las Xornadas cuida especialmente el fundamental acercamiento a los más jóvenes de la música contemporánea y la creación actual, a través de propuestas en forma de conciertos para niños, jóvenes y familiares. En esta edición, bajo la denominación “AdesTempo”, presentará tres variados espectáculos en forma de conciertos para niños y familiares: el domingo 18 la Orquestra do Espazo de Cámara de la Universidad de Santiago dirigida por Mario Diz presentará el programa ‘Cuentos de siempre contados como nunca. Concierto para caja de música y orquesta’ en el CGAC. El sábado 24 la Real Filharmonía de Galicia ofrecerá en el Auditorio de Galicia un segundo concierto del Frankenstein de Gruber acompañados de nuevo por Julián Hernández y dirigidos por Diego García. Y el domingo 25, el Salón Teatro recibirá al Grupo de danza contemporánea del Conservatorio de Lugo con “resonancias en movimiento: un espectáculo didáctico de danza y percusión”.

Por su parte, Música Actual incluye este año como novedad una actividad pedagógica en la que participarán un grupo de alumnos del Conservatorio Profesional ‘Juan Vázquez’ y de la Academia de Música Rodrigues Coelho de Elvas (Portugal) y que consistirá en facilitar el acercamiento de los más jóvenes a la música actual. Para ello, los profesores facilitarán a estos alumnos en las aulas las claves para contextualizar y familiarizarse con la música que después podrán escuchar en los conciertos del ciclo. Está previsto que los alumnos de Elvas asistan al concierto del Ensemble 20/21 de la JORCAM el 23 de noviembre y los del conservatorio pacense al concierto del 30 de enero del Cuarteto Quiroga.

Todos los conciertos, tanto de Santiago como de Badajoz, son con entrada libre hasta completar aforo, salvo los de las orquestas de Extremadura, Real Filharmonía de Galicia y Sinfónica de Galicia.

El secretario de Estado de Cultura, José María Lassalle, junto a la directora general del INAEM, Montserrat Iglesias y Antonio Moral, director del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), han presentado en rueda de prensa la temporada 15/16 de este centro. El CNDM es una unidad dependiente del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música (INAEM), que propone, para la que es su sexta temporada, un amplio y variado programa que mantiene su espíritu por recuperar y difundir nuestro vasto patrimonio histórico y las músicas cultas de raíz popular como el flamenco y el jazz, incentivar la composición actual y atraer a nuevos públicos hacia la música clásica, o géneros menos frecuentes, a través de las diversas actividades organizadas de forma autónoma o en colaboración con múltiples instituciones nacionales e internacionales.

Esta temporada 2015/16 está conformada por un total de 244 actividades diferentes organizadas desde el 12 de septiembre de 2015 al 29 de junio de 2016. El programa se desarrollará en Madrid capital y en otras 18 ciudades españolas de 8 comunidades autónomas diferentes, a las que hay que añadir una ciudad americana (Bogotá) y otra portuguesa (Elvas) con conciertos, sesiones educativas, academias musicales, cursos de interpretación, clases magistrales, mesas redondas y conferencias a cargo de destacados intérpretes y creadores. En concreto, de los 190 conciertos organizados en la temporada, 100 conciertos se harán fuera de la capital española.

Además de los 10 ciclos tradicionales de Madrid (Universo Barroco -Sinfónica y Cámara-, Liceo de Cámara XXI, Series 20/21, Fronteras, Andalucía Flamenca, Jazz en el Auditorio, Contrapunto de Verano, Ciclo de Lied y Bach Vermut) y los 2 ciclos de Músicas Históricas de León (Ayuntamiento y FIOCLE); el CNDM colaborará con 77 instituciones públicas y privadas en toda la geografía española con los ciclos de música actual en Alicante, Santiago de Compostela y Badajoz; los ciclos barrocos de Oviedo y Salamanca y la colaboración estable con las ciudades de Burgos (Cultural Cordón), Segovia (Fundación Juan de Borbón), Cáceres (Conservatorio) y los festivales internacionales de música de Granada, Sevilla, Úbeda-Baeza y Zamora. El CNDM establece en esta temporada nuevas alianzas con la Dirección General de Política e Industrias Culturales y del Libro (Centenario de Santa Teresa), las Universidades de Navarra, Sevilla y Valencia y el Ayuntamiento de Ávila.

Por primera vez en la historia del centro, nuestras actividades salen fuera de nuestras fronteras con conciertos en Bogotá y un curso sobre la “Historia de un soldado” de Stravinski en el Conservatorio Superior de Elvas (Portugal). La primera colaboración institucional de carácter internacional que llevará a cabo el CNDM y que inaugurará esta nueva temporada, tendrá lugar en Bogotá, en coproducción con el Festival Internacional de Música Sacra de la capital colombiana, cita de referencia en la música antigua. Serán 9 conciertos de músicas de la época colonial (siglos XVI al XVIII), compuestas en ambas orillas del Atlántico a cargo de cinco conjuntos españoles y un colombiano, además de dos recitales del cantaor flamenco Arcángel y del violagambista Jordi Savall. Se trata de dar a conocer en la capital americana una parte del ciclo que ya se presentó hace dos temporadas en diez ciudades españolas, bajo el lema “Sones de ida y vuelta” y que ahora viajará a Colombia para formar parte de una certamen internacional más amplio de carácter multirreligioso, único en Latinoamérica, que abarca todas las épocas, estilos y géneros, tanto de la música clásica como de la tradicional.

Las figuras creadas el año pasado bajo la denominación de residentes se materializan en este curso en el pianista y director de orquesta Christian Zacharias como Artista residente (con presencia en nuestros ciclos Liceo de Cámara, Contrapunto de Verano y el Festival Internacional de Música y Danza de Granada) y de Alfredo Aracil como Compositor residente (el músico madrileño estrenará dos encargos: la ópera sin voces Siempre/Todavía, proyecto realizado junto al diseñador Alberto Corazón en Pamplona y Santiago de Compostela y una obra para violonchelo que verá la luz en Alicante, además de una tercera pieza del 2001 que sonará en Madrid, Segovia y Alicante).

Dentro de las conmemoraciones, este año celebraremos el cuarto centenario de la muerte de Miguel de Cervantes (1547-1616) con sendos conciertos en Madrid y Granada como coartada para recuperar el pulso musical de una época dorada; el 500 aniversario del nacimiento de Santa Teresa de Jesús (1515-1582) con la recuperación de un oratorio inédito de Carlo Badia, que se ofrecerá en primicia en nuestro país en Ávila, Salamanca y la catedral de León; el tercer centenario de la muerte del gran compositor alcarreño Sebastián Durón (1660-1716), al que dedicaremos un programa con obras inéditas de la catedral de Segovia, donde se conservan más de cuatrocientas partituras suyas y el nonagésimo aniversario del maestro Pierre Boulez (1925) con tres obras de referencia de su catálogo camerístico: Le marteau sans maître, Livre pour Quator y Dérive I, que serán interpretadas en Madrid, Santiago de Compostela y Badajoz.

En el apartado de músicas históricas hay que destacar la recuperación y difusión de una amplia muestra de nuestro rico y extenso patrimonio desde la Edad Media hasta el Barroco tardío. Se recuperarán del olvido 80 obras inéditas (70 en la temporada anterior), que hasta ahora permanecían inéditas –muchas de ellas estreno en tiempos modernos– de compositores como José de Nebra, Cristóbal de Morales, Francisco Corselli, Juan Manuel de la Puente, Pere Rabassa, Vicente Basset, Antonio Ripa, Juan Pascual Valdivia o Juan Antonio Aragüés además de algunas obras anónimas y de otros compositores nativos o activos en Latinoamérica como Gutiérrez Fernández Hidalgo, Luis Misón, Antonio Guerrero, Domenico Zipoli o José Cascante. Esos estrenos se repartirán entre 14 ciudades españolas (Madrid, además de los ciclos propios de León, Oviedo y Salamanca; la coproducción o colaboración con los festivales internacionales de Granada, Sevilla, Úbeda, Baeza y Zamora y conciertos puntuales en Ávila, Burgos, Cáceres, Segovia y Valencia) y una capital americana, Bogotá, hasta alcanzar la cifra de 63 programas diferentes frente a los 27 en Madrid, lo que supone una decidida apuesta por descentralizar la actividad musical del CNDM.

La música de nuestro tiempo tendrá, como es habitual, una atención preferente con la organización de 44 conciertos, repartidos a lo largo de 4 ciudades españolas dentro de los ciclos Series 20/21 y Liceo de Cámara XXI en Madrid (con 21 estrenos absolutos), las series de Alicante Actual (8 conciertos y 8 estrenos) las Xornadas contemporáneas de Santiago de Compostela (16 conciertos y 13 estrenos), Música Actual de Badajoz (7 conciertos y 8 estrenos) y una ópera sin voces de estreno mundial en Pamplona. En total, se estrenarán 51 nuevas partituras, 21 de ellas por encargo del CNDM. La nómina de compositores, en su mayoría nacionales, que estrenarán obras, abarca un amplio abanico generacional de diferentes tendencias y estilos, con nombres como Alfredo Aracil, Luis de Pablo, Antón García Abril, Jesús González, Manuel Rodeiro, José Río-Pareja, Juan Cruz-Guevara, Federico Mosquera Martínez, Jacobo Durán-Loriga, Laura Vega, Joan Arnau Pàmies, Ramón Paus, Irene Galindo, Carlos Cruz de Castro, Agustín Charles, Ramón Humet, Sebastián Mariné, Iluminada Pérez Frutos y Joan Magrané, a los que hay que unir a los maestros internacionales Lera Auerbach, Sarah Nemtsov y Steffen Schleiermacher. El Auditorio 400 (MNCARS) seguirá siendo el laboratorio experimental del CNDM y acogerá 12 citas musicales que contendrán, por lo menos, un estreno mundial en su programa. De las 60 obras programadas en ese espacio, 37 pertenecen al siglo XXI lo que nos permitirá profundizar en el estado actual de la creación musical. Entre los intérpretes invitados, la gran mayoría son grupos y solistas nacionales procedentes de diversas comunidades autónomas y que están muy comprometidos con la creación contemporánea.

Continúa el exitoso ciclo con la obra integral para órgano de J.S. Bach, en sus dos sedes: la Catedral de León (Bach en la Catedral) y la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música (Bach Vermut, verdadera sorpresa de la vida musical madrileña en la temporada anterior, que ha roto esquemas y ha batido las previsiones más optimistas de público para este tipo de recital y se ha convertido en un auténtico fenómeno social) con otros diez nombres imprescindibles del mundo organístico internacional. También se consolida la labor emprendida desde los inicios del CNDM para difundir y poner en valor las músicas de raíz popular, como son el flamenco, cuyo ciclo en Madrid vio agotadas las localidades de todos sus conciertos en la temporada anterior, y las series de Jazz o Fronteras, que tan buena acogida les dispensan los públicos más jóvenes. El Liceo de Cámara XXI, que se incorporó desde la temporada pasada a la programación del CNDM, prestará una mayor atención a la música de los grandes compositores del Clasicismo y Romanticismo, sin olvidar los músicos más representativos del siglo XX. El Ciclo de Lied, ya en su vigésima segunda edición, seguirá contando con las mejores voces que cultivan este género tan especial y que han convertido a Madrid en uno de los centros de referencia internacional.

La educación adquiere, como en el curso pasado, una importancia capital con 54 actividades diversas repartidas a lo largo de seis ciudades españolas y una portuguesa, coproducidas por 5 universidades españolas (Oviedo, León, Salamanca, Santiago de Compostela y Complutense de Madrid) cinco Conservatorios de Música en la Península Ibérica (Alicante, Badajoz, Madrid, Oviedo y Elvas en Portugal), dos centros educativos de secundaria de la Comunidad de Madrid (la quinta edición del Proyecto Pedagógico, coordinado por el pedagogo Fernando Palacios) y el Goethe-Institut (con las Jornadas “Interacciones XXI”, dedicadas a la creación musical actual de ambos países). En la Universidad de Salamanca tendrá lugar, por tercer año, un intenso programa de clases magistrales y talleres de interpretación, de carácter transversal, en el ámbito de la música antigua y barroca “históricamente informada”, dentro de la Academia de Música Antigua de esta prestigiosa Universidad. En el Auditorio de León se celebrará en marzo de 2016 el V Curso de Interpretación Vocal Barroca, que anualmente imparte el director y clavecinista Eduardo López Banzo.

El CNDM tiene un especial interés en incentivar y promover la incorporación de nuevas audiencias a sus diferentes programas divulgativos y educativos. De forma muy especial centra su actividad en los jóvenes menores de 26 años para los que desarrolla una amplio abanico de posibilidades, que incluyen ofertas con importantes ventajas en la adquisición de entradas o abonos, sobre todo a través del programa de entradas de Último Minuto (con un descuento del 60%) y acuerdos estables con numerosos centros educativos para que los estudiantes, que participan activamente en los cursos y ciclos, coproducidos conjuntamente, puedan asistir gratuitamente a los conciertos y otras actividades programadas por el centro en las diferentes ciudades españolas. Siguiendo la iniciativa nacida el año pasado, en esta temporada se beneficiarán también del descuento Último Minuto los desempleados que lo acrediten y se mantiene el descuento del 20% para todos los estudiantes, familias numerosas y mayores de 65 años.

El miércoles 29 de abril, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en colaboración con la asociación «Música en Vena» y el Hospital 12 de Octubre, presenta, dentro del ciclo de conciertos que esta temporada está organizando en 4 hospitales de Madrid, al mítico barítono Leo Nucci junto a la soprano María José Moreno y el pianista Paolo Marcarini. El recital continúa con el espíritu de esta iniciativa: acercar la mejor música de todas las épocas con los intérpretes internacionales más importantes a enfermos, familiares y personal sanitario de cada centro.

Música en Vena

En la temporada 14/15, el CNDM (Centro Nacional de Difusión Musical) ha incorporado a su programación el Ciclo de Conciertos en Hospitales de Madrid, en coproducción con la asociación sin ánimo de lucro Música en Vena (MeV). Desde hace dos años, MeV llena de música los hospitales de la ciudad con el fin de mejorar las estancias hospitalarias de pacientes, familiares y personal sanitario, tratando además de generar un nuevo circuito de espacios para la música y los músicos. Gracias a su colaboración y esfuerzo conjuntos, este ciclo, que está teniendo una respuesta excelente, acerca intérpretes de primer nivel a aquellos que no pueden acudir a un concierto convencional. A lo largo de doce recitales con diversas formaciones —desde el solista al ensemble orquestal—, artistas de renombre internacional están actuando en cuatro hospitales madrileños (Clínico San Carlos, Gregorio Marañón, 12 de Octubre y Puerta de Hierro) cambiando, de forma altruista, sus escenarios habituales por salones de actos y salas de diálisis y quimioterapia. El público, diferente al que ocupa usualmente la butaca de un auditorio, también muestra una receptividad singular: la experiencia musical cercana, sin dejar de ser un goce estético, se convierte en un bálsamo emocional sin efectos secundarios.

Nucci: un barítono legendario

Tras el éxito de los dos conciertos anteriores en el Auditorio de este hospital, con el prestigioso pianista y director de orquesta alemán Christian Zacharias (que firmó un recital barroco con obras de Bach, Scarlatti y Antonio Soler) e Iris Azquinezer, joven pero ya importante figura nacional del violonchelo, que interpretó obras propias junto a piezas de Bach y Cassadó, este miércoles llegará el legendario barítono Leo Nucci, acompañado por la soprano María José Moreno y el pianista Paolo Marcarini para cantar algunas de las arias y dúos más famosos de uno de los títulos operísticos que, sin duda, le han dado mayores alegrías: Rigoletto de Verdi, del que lleva interpretadas ya más de 500 funciones en todos los grandes teatros de ópera del mundo. Nucci vuelve así a la temporada del CNDM tras recoger la gloria en el Teatro de la Zarzuela dentro del XX Ciclo de Lied en la pasada temporada 13/14, con 45 minutos de propinas y el público extasiado y puesto en pie, en una cita que además de ser solidaria se presenta como otro gran hito musical.

Leo Nucci ((Castiglione dei Pepoli, Bolonia, 1942) se presentó por primera vez ante el público en 1967 en el Teatro Sperimentale (Adriano Belli) de Spoleto como Figaro en Il barbiere di Siviglia de Rossini. Estudió con Mario Bigazzi, completando sus estudios en Bolonia con Giuseppe Marchesi. A partir de 1977 canta el famoso título rossiniano en el Teatro alla Scala de Milán. Para este mismo teatro ha grabado Don Carlo, dos ediciones de Aida, Il barbiere di Siviglia, Simon Boccanegra, Il trovatore, Otello, Tosca, Gianni Schicchi, con directores como Claudio Abbado, Riccardo Chailly, Riccardo Muti, Lorin Maazel y Sir Georg Solti, entre otros. Su estrecha relación con esta meca de la ópera quedó registrada en 2007 con un concierto histórico con motivo de los treinta años de carrera en el Teatro alla Scala: Leo Nucci: Trenta alla Scala. Sus habituales actuaciones en el Covent Garden de Londres, la Staatsoper de Viena (donde ha cantado cerca de trescientas representaciones y ha realizado múltiples grabaciones, recibiendo la distinción como «Kammersänger» y «Ehrenmitglied»), y en el Metropolitan de Nueva York comenzaron a finales de los años 70. En 1977 cantó por primera vez en la Arena de Verona, donde lleva participando regularmente más de treinta años. Hay que destacar sus interpretaciones de Rigoletto siendo, probablemente, el único barítono que ha cantado este papel verdiano en todos los teatros más importantes del mundo, con más de quinientas actuaciones oficiales (la número 500, la interpretó hace ya un año en la Staatsoper de Viena dirigido por Jesús López Cobos). Nucci ha grabado bajo la dirección de Herbert von Karajan, Sir Georg Solti, Riccardo Muti, Claudio Abbado, Carlos Kleiber, Lorin Maazel, Riccardo Chailly, James Levine, Zubin Mehta, Carlo Maria Giulini, Giuseppe Patanè, Nello Santi, Bruno Bartoletti o Daniel Oren, entre otros, compartiendo escenario con los cantantes más improtantes del mundo de la ópera. Recientemente se ha publicado un libro dedicado a él: Leo Nucci, un baritono per caso, de Achille Mascheroni (Parma, Azzali Editore). Entre sus próximos proyectos destacan las representaciones de Rigoletto en gira por Japón con la producción del Teatro alla Scala, así como otras actuaciones en Verona, Bilbao, Viena y Lieja, y nuevas actuaciones en Simon Boccanegra e Il trovatore en el Teatro alla Scala y en La traviata en la Ópera de Múnich, el Teatro del Liceo de Barcelona y el Teatro Real de Madrid, cita que le ha traído a Madrid en esta ocasión.

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