Deutsche Grammophon Archives

Este viernes, sale al mercado el nuevo proyecto discográfico de la famosa chelista franco-belga Camille Thomas en el sello Deutsche Grammophon: “The Chopin Project”, una ambiciosa trilogía de tres discos, en la que Thomas nos muestra la intensa y sobrecogedora historia de su admirado Frédéric Chopin (1810-1849), y nos descubre la figura de Auguste Franchomme (1808-1884), el violonchelista amigo de Chopin y dedicatario de su célebre Sonata para violonchelo y piano en sol menor op. 65.

“The Chopin Project” es una auténtica oda a la amistad: “Chopin y Franchomme fueron amigos desde el día en el que Chopin llegó a Francia procedente de Polonia, y su amistad duró has sus últimas horas, cuando en octubre de 1849, Franchomme tocó para él el segundo y tercer movimiento de la Sonata para violonchelo, que habían compuesto juntos”, señala Camille Thomas, que también se ha rodeado de sus propios amigos en este proyecto discográfico. “Es, sin duda, un álbum lleno de emociones, que me ha permitido contar con los pianistas Julien Brocal, Julien Libeer, y Lucas Debargue, y también he invitado a Daniel Hope que toca, por cierto, un instrumento que podría haber escuchado Chopin. Además, me alegra mucho que mis dos grandes maestros, Wolfgang Emanuel Schmidt y Frans Helmerson, hayan aceptado acompañarme en este proyecto”, concluye la chelista estrella del sello amarillo.

“The Franchomme Legacy” es el primer disco de la trilogía, y presenta todas las obras compuestas por Franchomme y las obras transcritas para cuatro chelos que el propio Franchomme hizo de algunas composiciones de Chopin. El segundo disco “Complete Chamber Music” incluye tres obras para violonchelo y piano de Chopin (dos de ellas fueron compuestas con la colaboración de Franchomme) y su Trío con piano op. 8. Por último, el tercer disco lleva por título “Chopin for Cellists”, y reúne transcripciones y arreglos de conocidas obras de Chopin realizadas por Camille Thomas, Franchomme, Alexander Glazunov, Mischa Maisky y Sergey Taneyev.

El próximo 15 de junio Camille Thomas ofrecerá un recital junto al pianista Julien Brocal en el Auditorio de Tenerife, en el que tocará el Stradivarius Feuermann 1730, que perteneció a Franchomme, e interpretará varias de las obras incluidas en este triple álbum, como la célebre Sonata para chelo y piano en sol menor op. 65. Será la única cita en España del tour “The Chopin Project”.

Entre los próximos Highlights de su agenda, destacan también el concierto “Hope & Friends” en el Schleswig-Holstein Musik Festival, su debut con el Concierto para chelo de Elgar en The Kennedy Center de Washington, junto a la National Symphony Orchestra y Gustavo Gimeno, y su regreso a nuestro país para tocar Never Give Up, el concierto que el compositor Fazil Say escribió expresamente para ella, como solista invitada de la Orquesta Sinfónica RTVE, dirigida por Christoph König.

Fotografía Camille Thomas (C) Edouard Brane

Tras la extraordinaria acogida de “Voice of Hope”, que dio lugar a una Extended Edition, y hasta una versión en vinilo, la famosa chelista franco-belga regresa al mercado discográfico con “The Chopin Project”, en el sello Deutsche Grammophon. Se trata de un triple álbum con 220 minutos de música, en el que Camille Thomas va trazando la historia de Chopin a través de tres capítulos, desde la perspectiva del violonchelo.

Aunque Chopin compuso fundamentalmente para piano, dedicó una de sus últimas obras a su amigo chelista Auguste Franchomme: la conocida Sonata para violonchelo y piano en sol menor op. 65. Y en este ambicioso proyecto discográfico, Camille Thomas no solo rinde homenaje a Chopin y esta sonata en particular, sino también a Franchomme: “En la Biblioteca Nacional de Francia, donde se conservan todos los manuscritos de Chopin, encontré obras compuestas por el propio Franchomme, además de algunas de sus trascripciones de la música de Chopin”, afirma Camille Thomas que, además, toca el instrumento que perteneció a Franchomme, el famoso Stradivarius “Feuermann” 1730, cedido por la Nippon Music Foundation.

El primer capítulo de esta trilogía (que también estará disponible próximamente en CD) lleva por título The Franchomme Legacy, y ya se puede escuchar en todas las plataformas de streaming. En este primer Digital Album con composiciones y arreglos de Franchomme, Camille Thomas ha querido contar con la participación de sus profesores de violonchelo, Frans Helmerson y Wolfgang Emanuel Schmidt.

Camille Thomas, que ha convertido el optimismo y la vitalidad en sus señas de identidad, fue la primera chelista en más de cuarenta años en firmar un contrato en exclusiva con el prestigioso sello amarillo. Sus conocidos vídeos en Instagram y TikTok interpretando obras clásicas desde los tejados más icónicos de París se convirtieron en un auténtico fenómeno viral, y cuenta con millones de seguidores en las redes sociales, donde irá anunciando las nuevas entregas de “The Chopin Project”. El próximo mes de junio, regresará a España para ofrecer el recital À mon ami. Chopin y Franchomme, el crepúsculo de los dioses junto al pianista Julien Brocal, en el Auditorio de Tenerife, en el que interpretará obras incluidas en este triple álbum.

Camille Thomas (C) Edouard Brane

Link para escuchar The Franchomme Legacy – Chapter 1 (The Chopin Project): https://camillethomas.lnk.to/TheChopinProject

Deutsche Grammophon tiene el placer de anunciar la firma de un contrato en exclusiva con la pianista, compositora y cantante Hania Rani y la violonchelista Dobrawa Czocher (pronunciado “Choquer”). El joven dúo polaco, dos amigas desde sus años como estudiantes en la Escuela de Música Feliks Nowowiejski de Gdańsk, son conocidas por su estilo musical contenido pero revelador, absolutamente honesto y auténtico.

Su primer álbum, Biała flaga (“Bandera blanca”), marcó el comienzo de su colaboración artística. Tras recibir la invitación de volver a imaginar la música del ya fallecido compositor polaco Grzegorz Ciechowski (fundador y líder de la banda Republika), Dobrawa le pidió a Hania que se uniera a ella para hacer el álbum. Biała flaga entró en la lista de los 30 álbumes más vendidos de Polonia tras su publicación en septiembre de 2015. La grabación reveló la capacidad de las artistas para adoptar un sonido característico y traducirlo a su propio y único lenguaje musical. Les granjeó una legión de seguidores de culto y puso unos cimientos seguros para su diálogo dinámico y creativo. El debut del dúo en DG, su primer álbum completo de obras originales, reflejará la sensación de aventura que ha ido desarrollándose durante estos años de estrecha colaboración artística entre ambas.

“Firmar con Deutsche Grammophon es algo muy especial para nosotras”, dicen Hania y Dobrawa. “Nuestra amistad y amor compartido por la música nos ha guiado hasta muchos lugares fascinantes, pero jamás habríamos soñado con que nos conduciría hasta Deutsche Grammophon. A lo largo de nuestra educación musical admiramos a artistas increíbles que formaban parte de este sello legendario; nos sentíamos inspiradas y a veces incluso intimidadas por su fascinante presencia escénica. Para nosotras es un honor y una motivación formar parte de la familia de DG y estamos enormemente agradecidas. Estamos deseando poder mostrar los resultados finales de esta colaboración”.

Ambas artistas ya han dejado su impronta en Deutsche Grammophon, Hania con una exquisita reelaboración de La Damoiselle élue de Debussy para el proyecto Reflections de Víkingur Ólafsson, mientras que Dobrawa lo ha hecho como parte de “Project XII” de DG, que reúne a una comunidad de compositores e intérpretes. Aparecieron juntas a finales de marzo en compañía de otros colegas artistas de DG, como Joep Beving y Dustin O’Halloran para un Clubhouse Chat de Deutsche Grammophon sobre las ilimitadas posibilidades de componer para piano.

“Es un verdadero placer dar la bienvenida a estas dos sobresalientes compañeras creativas a nuestra familia de artistas”, comenta el Dr. Clemens Trautmann, Presidente de Deutsche Grammophon. “Hania y Dobrawa se encuentran entre los más versátiles e imaginativos artistas contemporáneos: tienen sus raíces en el género clásico, pero reciben también inspiración de otras formas artísticas musicales y visuales. Como estrechas colaboradoras durante más de una década, han consolidado una voz inconfundible, única y conmovedora, tanto con una perfecta armonía como con la tensión dinámica que surge entre piano y violonchelo. Estamos encantados con su vinculación con Deutsche Grammophon, la cual dará como resultado no sólo la publicación de su último álbum en colaboración, sino también una reedición de su primera grabación como dúo, Biała flaga”.

Christian Badzura, Vicepresidente A&R Nuevo Repertorio en Deutsche Grammophon, también aguarda con expectación la posibilidad de trabajar con el dúo. “Tanto Hania como Dobrawa son artistas, compositoras e instrumentistas excepcionales. Pertenecen a una generación de músicos con una formación clásica del más alto calibre, pero que se muestran abiertos a un gran número de influencias musicales y culturales”, señala. “Su manera de hacer música es emocionante, porque es muy libre, al tiempo que enormemente respetuosa con la tradición. Me siento muy feliz de que hayan entrado a formar parte de nuestro sello”.

El arte evocador de Hania y Dobrawa crece a partir de una amistad que dio comienzo cuando no eran más que unas adolescentes. Refleja una mutua pasión por todo, de la música clásica y el jazz a la música electrónica y contemporánea, así como su negativa a aceptar barreras entre géneros diferentes impuestas artificialmente. Su trabajo se ha visto moldeado por, entre otras influencias, los ritmos naturales de las costas y los paisajes del norte de Polonia y más allá, la libertad y el espacio para la improvisación, además de una valiente apertura a todas las emociones, sensaciones y sentimientos.

Hania Rani nació en Gdańsk en 1990 y empezó a tocar el piano clásico a la edad de siete años. Comenzó a experimentar con nuevos estilos musicales cuatro años después, después de conocer a Dobrawa Czocher en la escuela de música, y prosiguió su formación en Varsovia, en la prestigiosa Universidad de Música Fryderyk Chopin. Los estudios de posgrado en Berlín le llevaron a sumergirse en la obra del compositor, intérprete y productor Nils Frah, además de otros artistas creativos pioneros. Trabajó en los temas de su álbum de presentación mientras estuvo retirada en Islandia en 2017 y lo tituló Esja, valiéndose del nombre de la cadena montañosa que hay cerca de Reikiavik. El álbum recibió críticas entusiastas, dio lugar a una serie de conciertos por toda Europa y Japón, e inspiró que el presentador Mark Coles eligiera a Hania como el centro de uno de sus programas Profile en la BBC Radio 4. Su más reciente álbum en solitario, Home, se publicó en mayo de 2020.

Nacida en 1991 en la histórica ciudad de Tczew, a unos 30 kilómetros de Gdańsk, Dobrawa Czocher recibió sus primeras clases de violonchelo a la edad de siete años. Tras sus estudios en la Escuela de Música Feliks Nowowiejski, la Universidad de Música Fryderyk Chopin y en Alemania, pasó a formar parte de la Orquesta Filarmónica de Szczecin. Además de su trabajo orquestal y de ofrecer conciertos de música de cámara, prosigue con sus colaboraciones creativas en Varsovia, fundamentalmente con Hania Rani.

Foto © Bernard Ambroziewicz

Anna Netrebko interpreta una selección de arias de ópera muy diversas en su última grabación para Deutsche Grammophon. Amata dalle tenebre, cuyo lanzamiento internacional está previsto para el 5 de noviembre de 2021 en todos los formatos, con inclusión del sonido surround 3D de Dolby Atmos, es el primer álbum clásico a solo que graba esta soprano superestrella en los últimos cinco años. Ha interpretado la música que ella misma ha elegido, y que incluye algunas de las arias más dramáticas y apasionadas de todo el repertorio, en la legendaria La Scala de Milán, con la Orquesta del Teatro alla Scala bajo la batuta del director musical de La Scala, Riccardo Chailly. La cineasta italiana Elena Petitti di Roreto ha inmortalizado cuatro de las interpretaciones de Netrebko en vídeos musicales que forman parte de su nueva y original película: Anna – Escenario de emociones, una mezcla radical de la esencia sensual de la ópera y un vocabulario visual contemporáneo.

En Amata dalle tenebre, Anna Netrebko presenta el optimismo injustificado de “Un bel dì vedremo” de Puccini, cantada por Madama Butterfly; la desesperación de “Sola, perduta, abbandonata!” de Manon Lescaut de Puccini; y la resignación y el anhelo intrínsecos a “Tu che le vanità”, un tour-de-force emocional de Don Carlo de Verdi. En los últimos años, la cantante se ha decantado, con notable éxito, por algunos de los papeles más dramáticos de la literatura operística y aquí demuestra también su maestría en este repertorio, aportando unos colores maravillosamente suntuosos y oscuros a “Ritorna vincitor! … Numi, pietà del mio soffrir!” de Aida de Verdi; a “Poveri fiori” de Adriana Lecouvreur de Cilea; y al Aria de Lisa de La dama de picas de Chaikovski. Netrebko canta también dos piezas en alemán: la trágica y, sin embargo, extática Liebestod de Isolda, de Tristán e Isolda de Wagner, y la descripción que hace Ariadne, con el corazón roto, del país de la muerte, “Es gibt ein Reich”, de Ariadne auf Naxos de Richard Strauss. Finalmente, a modo de inclusión sorpresa, regala a sus oyentes una desgarradora interpretación de “When I am laid in earth”, de Dido y Eneas de Purcell.

Netrebko se ha introducido también en nuevos territorios al colaborar con la famosa cineasta Elena Petitti di Roreto en la grabación de una serie de vídeos musicales para cuatro de las piezas del nuevo álbum. La película de la directora italiana, Anna – Escenario de emociones, es en parte documental, en parte una respuesta abstracta y visualmente deslumbrante a algunos de los poderosos temas que se encuentran presentes en esta música, desde el amor y la esperanza a la muerte y la desesperación. Recoge los retratos que hace Anna Netrebko de cuatro grandes heroínas operísticas –Aida, Lisa, Dido e Isolda–, todas las cuales cobran vida individualmente gracias al lenguaje y el estilo visual único de la directora. Intercalados con los cuatro vídeos musicales puede verse también una entrevista en profundidad con Netrebko, que habla tanto de los distintos papeles como de su propia vida. Rodada en gran medida en el marco majestuoso del famoso auditorio de La Scala, la película establece conexiones con la venerable historia de este teatro de ópera (aquí se celebró el estreno mundial de Madama Butterfly) y su excelencia artística ininterrumpida, en la actualidad bajo la dirección del Maestro Chailly. Anna – Escenario de emociones es el complemento perfecto de Amata dalle tenebre.

El prolífico y pionero Max Richter se dispone a estrenar el ballet Exiles (Exiliados), de 33 minutos, junto con reinterpretaciones de piezas procedentes de: un ballet inspirado por Virginia Woolf, las pasarelas de moda de Fendi, grandes éxitos de Hollywood, documentales ganadores de un Globo de Oro y un disco amado por David Bowie.

Exiles empezó con la esperanza suscitada por la Primavera Árabe hace diez años, y continúa en la actualidad con las dificultades que viven millones de personas que buscan refugio lejos de su país. Al igual que muchos seres humanos de todo el mundo, el venerado compositor y activista europeo se sintió profundamente emocionado por la tragedia de la “crisis de los migrantes”. Su partitura de ballet Exiles surgió de una conversación con los coreógrafos de la compañía holandesa Nederlands Dans Theater.

Exiles, que contiene también nuevas versiones orquestales de algunas de sus obras anteriores más conocidas, se grabó en Tallin en 2019 con Kristjan Järvi y la Filarmónica del Mar Báltico, una orquesta que se enorgullece de promover la unidad surcando fronteras y la innovación artística.

On the Nature of Daylight probablemente su composición más famosa, vio la luz en 2003 como parte de su segundo álbum, The Blue Notebooks, una respuesta sentida y emotiva al estallido de la Guerra de Irak.

The Haunted Ocean es una obra hipnótica procedente de la banda sonora de Vals con Bashir (2008), que trata de los traumáticos recuerdos del escritor y director Ariel Folman de su servicio militar durante la Guerra del Líbano de 1982.

Infra 5, originalmente para 5 instrumentos de cuerda, es una meditación semejante a un mantra sobre los atentados del 7 de julio de 2005 en Londres.

Sunlight por su parte, procede del álbum de 2006 Songs from Before, uno de los álbumes predilectos de David Bowie, y su carácter anhelante se ve reforzado en la nueva versión orquestal.

Exiles se abre con la hasta ahora inédita Flowers of Herself del ballet Woolf Works que acompañó este año a Kate Moss y Demi Moore en el desfile de alta costura de Fendi S/S21 en París. Inspirada por el retrato de un bullicioso Londres, esta pieza rítmicamente compleja trata de un movimiento constante y actúa como un eficaz reflejo de la obra que da título al álbum: la luz frente a su sombra.

Making an early appearance in this Beethoven anniversary year is a very special new album from Deutsche Grammophon. It couples the composer’s Seventh Symphony, op.92 with the Triple Concerto for piano, violin and cello, op.56, the latter work featuring three of today’s most renowned classical artists and
Beethoven interpreters – Anne-Sophie Mutter, Yo-Yo Ma and Daniel Barenboim. The acclaimed West- Eastern Divan Orchestra, meanwhile, gives vibrant, richly nuanced performances of two works central to the 2020 celebrations.

The recordings were made at concerts held in Buenos Aires and Berlin – in July and October 2019 respectively – to mark the West-Eastern Divan’s 20th birthday. Co-founded by Daniel Barenboim in 1999, the orchestra now stands as a symbol of multicultural understanding, as well as being the brave realisation of a long-held dream. A fascinating microcosm of a society of enormous diversity, it is proof positive that working together for a shared goal can break down barriers and lead to reconciliation. Daniel Barenboim considers Beethoven, a confirmed humanist, to have been probably the first truly unconventional composer: “He couldn’t care less about what people thought.” He also underlines the real physicality and dedication Beethoven demands from his players: “He forces you to go to the edge, to the precipice and then the abyss. That takes a tremendous amount of courage.”

With its existential profundity and ability to speak to all of humanity, Beethoven’s music remains as timelessly compelling and universally relevant as the day it was written. As Anne-Sophie Mutter observes, he understood how important it was for all of us to stand up for our fellow men: “The idea that we should live in a brother- and sisterhood is, for me, his major achievement … That’s what makes him a messenger from the past pointing the way to a better future.”

Both works recorded for this album reflect that life-affirming message. The Seventh Symphony is famous for its joyful, dance-like character, with lilting rhythms pervading almost the entire work. The Triple Concerto, too, has a special place in Beethoven’s output, its sophisticated idiom and architecture revealing both his sense of humour and his revolutionary spirit. As Yo-Yo Ma notes, “The constant invention is so surprising, and it’s so celebratory, so positive. The second movement is noble and open, but the first and last movements are just joyous!” The clearly delineated solo parts give the work a chamber-music feel, and the intimate, expressive readings achieved by Mutter, Barenboim and Ma will undoubtedly leave listeners spellbound.

Making an early appearance in this Beethoven anniversary year is a very special new album from Deutsche Grammophon. It couples the composer’s Seventh Symphony, op.92 with the Triple Concerto for piano, violin and cello, op.56, the latter work featuring three of today’s most renowned classical artists and Beethoven interpreters – Anne-Sophie Mutter, Yo-Yo Ma and Daniel Barenboim. The acclaimed West- Eastern Divan Orchestra, meanwhile, gives vibrant, richly nuanced performances of two works central to the 2020 celebrations.

Daniel Barenboim considers Beethoven, a confirmed humanist, to have been probably the first truly unconventional composer: “He couldn’t care less about what people thought.” He also underlines the real physicality and dedication Beethoven demands from his players: “He forces you to go to the edge, to the precipice and then the abyss. That takes a tremendous amount of courage.” With its existential profundity and ability to speak to all of humanity, Beethoven’s music remains as timelessly compelling and universally relevant as the day it was written. As Anne-Sophie Mutter observes, he understood how important it was for all of us to stand up for our fellow men: “The idea that we should live in a brother- and sisterhood is, for me, his major achievement … That’s what makes him a messenger from the past pointing the way to a better future.”

Franco Fagioli, una de las voces más privilegiadas de nuestros días, presenta su personal selección de arias de Handel, un compositor estrechamente vinculado a los hitos de su carrera. Su sensual y aterciopelada voz no conoce límites y su coloratura virtuosística e intensidad emocional aportan un enfoque único a este repertorio, a través del cual Fagioli explora la amplia gama de emociones y affetti musicali típicos hendelianos.

El álbum supone el reencuentro de Fagioli con la dinámica orquesta Il pomo d’oro, con la cual el cantante está de gira presentando el álbum en los mejores teatros europeos. “Handel Arias” es un ambicioso proyecto internacional con gran participación española en su producción. Franco Fagioli es el primer contratenor que firma un contrato en exclusiva con el prestigioso sello Deutsche Grammophom. “Handel Arias” es el segundo álbum de Fagioli como artista exclusivo de Deutsche Grammophon. El álbum reúne algunas de las arias más famosas del compositor (“Cara sposa”, “Ombra mai fu”, “Scherza infida”, etc.) así como algunas joyas menos conocidas como “Ch’io parta” o “Sento brillar”)

Fagioli es admirado por su técnica vocal belcantística y por su voz inigualable, aterciopelada, redonda y rica en matices, la cual comparan a menudo con la de grandes mezzosopranos de todos los tiempos. Franco es un músico muy completo (estudió también la carrera de piano y dirección), lo cual le da una comprensión profunda y una expresión privilegiada de sus personajes Fagioli, argentino de nacimiento, descendiente de italianos y españoles, y madrileño de adopción (ha fijado su residencia en la ciudad) es un enamorado de nuestra cultura (incluida la zarzuela, que le cantaba su madre).

EL factor “Carne de gallina”
Las interpretaciones de Haendel de Franco Fagioli nos llevan a un viaje sensual de descubrimiento

Está previsto que el más reciente recital grabado por el contratenor Franco Fagioli para Deutsche Grammophon, Arias de Haendel, se publique internacionalmente el 12 de enero de 2018. Grabado con el grupo especializado de instrumentos originales Il pomo d’oro, el disco incluye una selección personal de Fagioli de doce arias predilectas del rico y colorista mundo operístico de Handel, incluidos fragmentos de Serse, Rinaldo y Ariodante. Fagioli e Il pomo d’oro interpretarán este repertorio de gira en diversas salas y teatros de Francia, Alemania, Bélgica y España en enero y marzo de 2018.

El contratenor argentino Franco Fagioli es un verdadero animal escénico, aprovechando su tremenda capacidad para expresar emoción, así como su virtuosismo vocal, para que los personajes que interpreta cobren vida. Está en su líquido elemento en las coloristas óperas barrocas de Haendel, que le permiten desplegar al máximo todos los aspectos de su monumental talento.

Para su nuevo disco, Arias de Haendel, cuyo lanzamiento internacional está programado el 12 de enero de 2018, Fagioli ha buceado en las riquezas de las obras del compositor para reunir doce de sus arias predilectas. Se trata de piezas que reflejan muchos de los momentos definitorios de su carrera, explica: música que le provoca el “factor carne de gallina”. “Cuando estaba grabando, era como si estuviera realizando instantáneas de momentos que quería capturar para siempre”, dice. “Al elegir las arias, mi único criterio fue este: ¿qué piezas me emocionan más cuando las canto?” El resultado es una selección deslumbrante ‒y muy personal‒, que revela la profunda veneración que siente Fagioli por este gran compositor barroco. “Las óperas de Haendel son una música ineludible para cualquier contratenor”, señala. “Su inimitable estilo cautivaba tanto a los cantantes como a los públicos. Podría decirse que fue la estrella de Broadway del Barroco”.

Además de piezas tan famosas como “Ombra mai fu” de Serse o el aria de bravura “Venti turbini” de Rinaldo, Fagioli también ha elegido joyas en miniatura, como la radiante y etérea “Ch’io parta?” de Partenope, o “Dopo notte” de Ariodante, que se deleita en una luz dorada. Al margen de la popularidad de las arias, él ha llegado a sus propias interpretaciones personales, todas ellas impregnadas de su profunda comprensión de Haendel y su tiempo, así como de una conciencia de sus propias fuerzas que refuerzan su inspiración. Fagioli estaba decidido a que las grabaciones transmitieran el desarrollo emocional de los diversos personajes, aun careciendo del contexto de la ópera completa, y lo consigue de un modo tan extraordinario que oímos incluso las arias más famosas con oídos renovados y somos sensibles a todos los “affetti virtuosi” de la música.

Franco Fagioli ha encontrado los compañeros perfectos para esta incursión en los mundos sonoros de Haendel en los músicos del conjunto barroco italiano Il pomo d’oro. Desde que se formó en 2012, la orquesta ha estado explorando las sutilezas de la práctica interpretativa histórica, y en sus grabaciones con Fagioli sus instrumentistas hacen que resplandezcan todos los matices de las partituras, mostrando en todo su esplendor, de principio a fin, la extraordinaria e ingrávida belleza de su voz, con su tesitura de tres octavas. El entusiasmo de Fagioli por la música de Haendel es tan contagioso que se extiende de inmediato al oyente. Los esplendores del Barroco emanan de sus grabaciones, distinguiéndolo como uno de los intérpretes más apasionantes de nuestro tiempo.

(Traducción: Luis Gago)

PRÓXIMOS CONCIERTOS DE PRESENTACIÓN EN ESPAÑA

Programación del CNDM

13.03.18 Oviedo, Auditorio Príncipe Felipe

15.03.18 Madrid, Auditorio Nacional

17.03.18 Zamora, Iglesia de San Cipriano

19.03.18 Sevilla, Espacio Turina

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