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Die fünf Aufführungen von Peter Grimes, die in der Palau de les Arts genommen haben, Sie haben in einem großen Sieg in Folge, wegen der hervorragenden Kombination von Landschaft, Bühnenanweisung, eine großartige Orchesterleistung, großartige Leistung der Solostimmen, auch durch eine bemerkenswerte Interventionen von anderen Künstlern ergänzt, die umfangreiche Besetzung dieser Oper bilden. und, vor allem, eine brillante Leistung wie immer- Chor von Valencia Generalitad, wahre Protagonist der Arbeit. Höhepunkt, Inter Palast der Künste, alternative Titel für die traditionelleren Repertoire, andere wie dieser Peter Grimes, die durch zwei weitere Opern von Britten ergänzt: Ein Sommernachtstraum und andere Wendung, In früheren Jahreszeit vertreten. deutlich, im Laufe dieser Aufführungen von Peter Grimes, das öffentliche Interesse sie an der Teilnahme hat zugenommen, vor allem für die hervorragende Aufnahme auf die erste Funktion gegeben.

Edward Benjamin Britten, Baron Britten (Lowestoft, Suffolk County, England, 22 November 1913 - Aldeburgt, Suffolk County, 4 Dezember 1976) Es war einer der wichtigsten und einzigartige Musiker des zwanzigsten Jahrhunderts, mit einer großen symphonischen Produktion, Concertistica und vor allem Opern mit dreizehn Titeln, die setzen ihn als großen Komponisten Genre, während des letzten Jahrhunderts, junto a Richard Strauss, Leo Janacek und Giacomo Puccini. Peter Grimes entstand als Sergei Koussevitzky in Auftrag gegeben, Direktor des Boston Symphony Orchestra, während des Aufenthalts in den USA Britten, zwischen 1939 und 1942. Con ein Libretto von Montagu Slater von del poema Die Borougt (El Pueblo) de George Crabbe, wo auch beteiligt sie deutlich, Britten selbst mit dem Tenor Peter Pears (Mitarbeiter und Lebenspartner Britten) die er für die Rolle des Peter Grimes bestimmt. Die Uraufführung fand im Londoner Sadler Wells Theater der 7 Juni 1945, nur einen Monat nach dem Abschluss des Zweiten Weltkrieges. In der Euphorie des Sieges von Britten erreicht und Birnen, Stolz darstellt, wurde die Geburt einer neuen englischen Oper hinzugefügt, die erste seit dem Tod von Henry Purcell 1695 oder das letzte Spiel von Haendel 1741. Peter Grimes ist ein einsamer Fischer, Träumer und beide primitive und brutal, vollständig durch das soziale Umfeld ausgegrenzt bewohnt, und nur versuchen und respektieren die Lehrer Ellen Orford Dorf, in der Liebe mit ihm und Kapitän Balstrode, pensionierte Marine. Grimes verloren und nacheinander drei seiner Lehrlinge aus Versehen, was dazu führt ihn in den Wahnsinn und ein tragisches Ende. Britten versucht, ein wiederkehrendes Thema in den meisten seiner Opern: das Drama von Außenseitern konfrontiert mit einer feindlichen Gesellschaft, nur heuchlerisch und grausame Ausrottungs. Musikalisch ist es eine ungeheure Arbeit, voller Phantasie, Witz und eclepticismo, wobei die Hände schütteln verschiedene Einflüsse: Verdi, in Fusion Orchester, Stimme und dramatische Situation; Debussy, Mahler y Richard Strauss, in der harmonischen und orchestralen Farbmalerei; Strawinsky, in der imposanten rhythmischen Kraft; Puccini, insbesondere del West seine Fanciulla. auch, Es sollte bestimmte Einflüsse von Dimitri Schostakowitsch Lady Macbeth zu beachten,, das war ein großer Freund von Britten, widmet seine Sinfonie Nr 14. In ihrer formalen Struktur, klare Divisionen gezeigt recitativos, Arien, Duos und Satznummern, mit bewundernswerter dramatischer Einheit und Orchestern Rolle winkt dramatische Spannung und verbindet die sieben Szenen der Oper mit sechs sinfonischen Zwischen starken Wirkung.
Nach seinen ersten London-Funktionen, und in nur drei Jahren, Peter Grimes Premiere in Stockholm, Antwerpen, Zürich, Paris, Mailand, New York und Los Angeles. Seine sehr späte Veröffentlichung in Spanien fand im Teatro de la Zarzuela in Madrid in 1991 und später wurde er am Teatro Real in Madrid vertreten, in 1997. Nach der starken Dynamik, Die Oper war schlecht in den fünfziger Jahren des letzten Jahrhunderts vertreten. aus 1963, um die Szene von seinem Debüt in der Londoner Sadler Wells Theater zurück, von Colin Davis gerichtet, wer wird seitdem worden und seit mehr als 40 Jahren, in dem großen Garant für Peter Grimes. Es gibt mehrere Aufnahmen auf CD und DVD, eine Annäherung an diese Oper ermöglichen. in 1958, die erste Studioaufnahme wurde für Decca gemacht, mit dem London Symphony Orchestra von Benjamin Britten und benahm sich hervorragend als Peter Grimes Peter Pears. in 1969, die BBC einen Film, hervorragend eingestellt, von Brian gerichtet Großen, zur Zeit auf DVD von Decca vermarktet, Britten wieder vor dem London Symphony Orchestra, Ambrosiano Chor und Peter Pears, seine große stimmliche Leistung verbindet eine außergewöhnliche darstellenden Künste, neben Ellen Orford, hervorragend gespielt von der Sopranistin Heather Harper, der seit vielen Jahren wird der wahre Maßstab dieses Charakters sein. Kanadische Tenor John Vickers spielte zunächst Peter Grimes, im Januar 1967, in der Metropolitan in New York, mit Leitung von Colin Davis, da werden, ein wesentlicher Bestandteil seines Repertoires, kommt es für den Rest seiner Karriere zu interpretieren, in über hundert Funktionen, in großen Theatern auf der ganzen Welt. Vickers zu schaffen, ist ausgezeichnet in der vokalen Ebene, eine bewährte und prägnante Formulierung zeigt und seine expressive Leistung Ausrüstung, Markieren Sie die wilde und verrückte Seite des Charakters. Vickers machte ein Studio für das Label Aufnahme PHILIPS, in 1978, junto a Heather Harper, von Colin Davis an der Spitze des Orchesters von Covent Garden gerichtet. Es ist ein Nehmen auf Video-DVD von WARNER MUSIC verkauft, von 1981, am Covent Garden ausgeführt, Produktion der berühmten Bühnenanweisung von Elijah Moshinsky und musikalischen Colin Davis, wo Vickers macht eine nachträgliche Erstellung von Peter Grimes, wieder von Heather Harper begleitet. Peter Pears o John Vickers, Sie sind die größte Peter Grimes Geschichte, seine Kreationen sind sehr unterschiedliche, aber komplementäre ein vollständiges Bild dieses komplexen Charakter geben.

Valencianas dieser Funktionen hat historische Produktion eingesetzt 1994, para el Bruselas Währung Theater, Dirigida por Willy Decker, die bereits im Teatro Real könnte in Madrid gesehen 1997. Dies war François Ersatz von Zimmereien und Rebekka Stanzel, die Verantwortlichen für die Bühnenanweisung, mit hervorragenden Ergebnissen. Das einfache Set-Design besteht aus einem geneigten Boden, wo einige großen Platten begrenzen verschiedene Räume im Bereich bewegen: die Kirche, Grimes Hütte; und, spielerisch Tavern, mit roten Farbtönen, die einem beunruhigenden Aspekt geben, durch das hervorragende Lichtdesign verbessert Trui Malt, insbesondere, wenn die Tür und ein verzerrtes Schatten Grimes öffnet sich auf die Wand projiziert, mit einem deutlich expressionistische Ton. und, vor allem, dass Meeresgrund, mehr Anschauungs, die angezeigt, die beherrscht die ganze Arbeit. In dieser Landschaft eine sehr wichtige Rolle spielen zahlreiche Extras (Protagonisten und Chormitglieder) Bewegen in kompakten Gruppen auf der Bühne, gibt echte Impulse für die Entwicklung der dramatischen Handlung. scenically markieren Sie das gesamte Ende des zweiten Aktes, wo, sie mischen aus mit anderen sichtbaren Räumen: die Partei, die die Tür mit allen Honoratioren der Stadt bildet, durch den Träger Hobson Trommeln angetrieben, in Richtung der Hütte Grimes, und verschwindet aus der Szene, wo es nur, in einer ersten Ebene, vier Frauen: Die Tabernera Tante, seine beiden Nichten und Hellen Orford; und, Schau stehlen kann bis rechts und links dunkle Silhouetten sein, als Raubvögel anderen Frauen, schließlich sie eine dunkle und Stalker Gruppe machen, die sie wirkt als Gegengewicht zu den vier Frauen im Vordergrund liegen gut sichtbar. Die dramatische Aktion fortgesetzt zu Beginn des dritten Aktes, in einem anderen sichtbaren Raum: die Kabine, wo Peter Grimes und Grumete sind, die beginnen, den Drum-Sound kündigte die Ankunft der Delegation zu hören, oben zitierte, was bewirkt, dass große Störung Grimes, wer zwingt den Jungen ins Meer von einer Klippe zu fallen, wo nur despeñando; Grimes wird ihm helfen (eine andere Szene aus.) Verlassen Sie die leere Kabine, in dem die Partei bricht, und wieder angezeigt. auch beachten,, das beeindruckende Ende des ersten Teils des dritten Aktes, landschaftlich sehr gut gelöst, eine vociferous und Hektik des Alltags zeigt, kompakte Gruppe, Sie Grimes zu lynchen. in Summe, eine herrliche Landschaft von John Macfarlane, auch verantwortlich für die Kostüme (basierend auf schwarzen und roten Farben) während geeignete -bis 1830- , in dem die Handlung findet.

Orchester von Valencia schien hoch, von American Christopher Franklin gerichtet, Schuld kann für die Dynamik nicht richtig kümmern, die, mit einer Neigung zu bieten, zeitweise, ein Ton etwas flache Linie, mit zu viel Ton in forte. Dies wurde illustriert, vor allem in den groß „Tutti“, wo einige Schwierigkeiten bei der Differenzierung von Schallpegeln wahrgenommen, mit Einfluß von Metallen auf den verbleibenden Abschnitten. Dies ist kein Hindernis die großartige Leistung aller Orchesterabschnitte markieren, mit einem herrlichen String, und die große Brillanz verschiedenen Instrumente, vor allem in den kostbaren „Sea Interludes“: der erste von ihnen, „Dawn (Alba)„Als Auftakt ich zum Handeln, in der Natur beschreibend, wo glänzt stark den Klang der Flöten und Violinen in hohen Lage (sehr präsent während der Entwicklung der gesamten ersten Szene des ersten Aktes) den Flug was darauf hindeutet, und die Schreie der Möwen oder die Kombination von clarinets, Violen und Harfe den Fluss der Wellen zu zeigen,. Im vierten Zwischenspiel der berühmte „Passacaglia“, zwischen den beiden Szenen des zweiten Aktes liegt, mit herausragendem Eingriff von Metallen in Verbindung mit einem Seil, und Rohre mit der Harfe oder die brillante Optik Sound Einmündung Viola und Celesta gehen zu verschwinden Verblassen. Sehr hell die Umsetzung des fünften Interlude „Moonligh (Mondschein)„Beginnt mit Act III, mit dem beeindruckenden Klang der Saite als Trauermarsch, die eingefügt werden, zeitweise, Flöte und Piccolo und Metalle werden in einem großen Crescendo eingebaut, zu dem Schluss, mit dem Sound-Set von Xylophon und Harfe. auch beachten,, am Ende des Act II, verbunden Klang der Fagotte und Celesta. Beeindruckender Orchesterklang in Verbindung mit dem Chor, in der konzertant, die die erste Szene des dritten Aktes kommt zu dem Schluss.

Gregory Kunde spielte zum zweiten Mal Peter Grimes, die erste war in Rom Opera 2013, und ihre Leistung war sehr auffällig in der Stimm Ebene und vor allem in den dramatischen, Eindringen in die Psychologie des komplexen Charakters. Sehr gut in seinem Monolog im zweiten Akt „Jetzt ist der große Bär (Nun ist der Big Dipper)„wo, Blick auf die Sterne, meditiert auf seinem unglücklichen Schicksal. Interpretiert insbesondere in Akt II Arie „In Träumen l'gebaut sehen (In meinen Träumen hatte er gebaut)„Wo alternative Momente großen Lyrismus, mit den typischen sehr Puccini Beugungen, mit anderen, wo der Song nimmt auf Aggression und Gewalt. und, Es ist sehr hell, zu einer sehr nuanciert und Theateraufführung, sein endgültiger Monolog „Stetig! Es gibt Sie ...... Was Hafen scheters Frieden (beruhigen! Sie sind hier!……Welchen Port ist es möglich, den Frieden zu finden?)„Wo ya, völlig verrückt Denken, wieder, in diesem traurigen Schicksal, von denen nicht entweichen kann, und nur schluchzte und voller Verzweiflung. Kunde ist großartig in Duetten Ellen Orford: die sie interpretiert a cappella, im Prolog, voller Hoffnung, wo beide machen Pläne für die Zukunft, mit einer zarten Firstlinie; und, vor allem, das Gesetz II, wo sie kontras Ruhe und geistige Gesundheit Ellen mit gewalttätig und irrational Verhalten von Peter. Bemerkenswerte ihre Leistung im großen Duett des ersten Aktes, mit Kapitän Balstrode (gut durch Bariton Robert Bork gespielt) Grimes sagt, wo alle Ihre Träume und Hoffnungen und die großen Widersprüche seiner Persönlichkeit, im Gegensatz zu der realistischen und genauen Vorstellung von Balstrode, der mit seinem Rat zu Grimes, zeigt die große Wertschätzung er für ihn empfindet. Die amerikanische Sopranistin Leah Partrigge zeigt gewisse Mängel in den niedrigen und mittleren Register, aber es ist im Besitz eines scharfen ausgezeichnet und großen Theatralik, die seine Interpretation gibt. Es ist in seiner Konfrontation mit dem Publikum prächtig, in Akt I, und macht eine wunderbare und nuancierte Leistung mit exquisiter Gesangslinie, in seiner Arie im dritten Akt „Stickerei in chilhood (als ich klein war)", gefolgten Duo mit Balstrode. auch seine große Leistung in der schönen Quartett Akut eine Reflexion über die Rolle der Frauen im Vergleich zu Männern markieren- mit Tante tabernera (diskret interpretada por Medium Dalia Schaechter) und zwei gut von Sopranistinnen Nichten und Giorgia Rotolo Marianna Mappa gesungen, beide gehören zu Placido Domingo Development Center. Rosalind Plowright einen wichtigen Karriere als Sopranistin in den siebziger und achtziger Jahren des letzten Jahrhunderts, Kombinieren Präsenz eine gute vocalism und eine große Bühne. Hier als Mezzo und sensibel im Alter von, macht eine bemerkenswerte Interpretation der geschwätzigen und gehässigen Frau. Sedley. Während der Rest der großen Besetzung.

Besondere Erwähnung Valenciana Chor Generalitad, leuchtend ein hohes Niveau während seiner zahlreichen Interventionen überall in der Oper. Bemerkenswert ist seine Leistung im Laufe der ersten Szene des ersten Aktes, und, in einem perfekt symmetrischen Aufbau, schließt auch die Oper, als Ellen Orford und Kapitän Balstrade, nach Tragödie, Reintegration in die Gemeinschaft Dynamik. schließlich, ein ausgezeichneter Peter Grimes.

Peter Grimes de Benjamin Britten.

die Palau de les Arts Reina Sofia öffnet freitag, 1 Februar, ‚Peter Grimes‘, Benjamin Britten, eines der Meisterwerke des zwanzigsten Jahrhunderts, plus die beste englische Oper von ‚Dido und Aeneas‘ von Henry Purcell (1689). Christopher Franklin, in der Grube, und Willy Decker, als Regisseur dieser Produktion von La Monnaie Theater (Brüssel), Sie richten sich die erste Oper Les Arts in 2018. Ein Ereignis, das beinhaltet, auch, das Bühnendebüt Gregory Kunde in der Rolle des gepeinigt Seemann, stigmatic, verfolgt und wegen angeblichen Missbrauch Selbstmord verurteilt ihre Lehrlinge.

Spezialisten in dem englischen Repertoire auf der Bühne begleitet: Leah Rebhuhn (Ellen Orford), Robert Bork (Balstrode), Dalia Schächter (Tante), Andrew Greenan (Schlucken), Charles Reis (Ned Keene), Ted Schmitz (Reverend Adams), Richard Cox (Bob Boles) und Lukas Jakobski (Hobson), zusammen mit der legendären Diva Rosalind Plowright in der Rolle der Frau. Sedley.

Benjamin Britten adressierte in ‚Peter Grimes‘ zwei wiederkehrenden Themen in seinem Vermächtnis: die Konfrontation eines Individuums mit der Gesellschaft und der Verlust der Unschuld. Durch die Figur des Protagonisten, Englisch Komponist untersucht die psychologischen Auswirkungen des Ausschlusses auf diejenigen, die die herkömmlichen Codes verstoßen.

Dieser Punkt war der musikalische Leiter, Christopher Franklin, Es wird hervorgehoben, die „Gleichzeitigkeit“ der Arbeit. „Es ist nicht eine Oper über Mythen, noch über Drachen, Prinzessinnen, Schnitte oder Könige ... aber es ist ein Problem, das, heute, Es ist immer noch sehr aktuell, wie die Gesellschaft, als Ganzes, reagiert gegen eine Person ".

musikalisch, Benjamin Britten bietet großes dramatisches Flair auf den Mitarbeitern verschiedenen Umgebungen zu vereinen durch Durchfahren ‚Peter Grimes‘, von Raves Fischer Ausbrüchen, Volkslieder im Gasthaus Tante, Sonntag Sturm oder singen in der Kirche, was das Meer eine ungewöhnliche Bedeutung als Zeichen vom Orchester gespielt, kontinuierliche und Gegenwart Zeuge menschlichen Drama.

Franklin, das läuft seine zweite Arbeit des englischen Komponisten in Valencia nach ‚The Turn of the Screw‘ in 2017, Sie fügt hinzu, dass es „fast Wagnersche Oper, in dem Sinne, dass der Chor als Chor in der griechischen Theater verwendet: Es ist ein Spiegelbild der Gesellschaft ".

Nach seiner berühmten Uhr Traviata ', dass begeisterte bei den Salzburger Festspielen und Kunstzentrum in der zweihundertsten Verdi geplant, Willy Decker presenta ‚Peter Grimes‘. Ein spezieller Montag Director, mit Bühnenbild und Kostüme von John Macfarlane, Trui Malten Beleuchtung und Choreographie von Athol Farmer, die er seit seiner Premiere einhelliges Lob von Kritikern und Publikum erhält in 1994.

Decker betont die Rolle des Meeres in ihrem Vorschlag, ein Meer, das „das Verhalten der Menschen in seiner Gewalt bestimmt“. Ihre Gewalt ist in der Gewalt von Männern und ihre Taten wider: das Land und das Meer, Mensch und Natur, Sie werden in den Griff voneinander gefangen ... In allen Gefühlen, vor allem in der Angst und Wünschen, Es ist immer vorhanden ".

für Inszenierung, das ‚regista‘ Deutsch verwendet, um Bilder von „seiner Weite und Gewalt und repräsentiert die durch das Meer in den Seelen der Menschen erzeugten Effekte“.

„Ein Papier mit Träumen alle Tenor“

Da sie sang ihre erste ‚Otello‘ in Spanien unter der Leitung von Zubin Mehta am Mittelmeer Fest 2013, Gregory Kunde ist einer der Künstler des Hinweises in der Programmierung Les Arts, destacados mit Debüts in Valencia, Don Alvaro in 'La forza del Ziel' oder die Hauptrolle in 'Samson et Dalila'.

Der amerikanische Tenor und sang in 2013 Konzert-Version dieser Oper unter der Leitung von Antonio Pappano. Eine Leistung, die ihm gegenüber sich Sir Peter Pears verdient, Tenor und Liebhaber Benjamin Britten für das englische Genie dieses Papier zusammengesetzt, und die Premiere, die Arbeit der 7 Juni 1945 bei Sadlers Wells Theater in London.

Bei seiner ersten Aufführung von ‚Peter Grimes‘, Kunde gleichsetzen Charakter mit einem anderen bestimmenden Faktor in Ihrer aktuellen Karriere. „Für mich ist es wie‚Otello‘von Verdi: eine Rolle, mit dem alle Träume Tenor ".

„Es ist der beste Job, den er weiter Britten. Wir wissen, dass viele andere Titel: ‚Der Tod in Venedig‘, ‚Billy Budd‘… aber, meiner Meinung nach, Dies ist das Meisterwerk seiner Opern. Und spricht von Jahrhundert XX, Ich würde sagen, dass einer der fünf besten des Jahrhunderts. Niemand hält moderne Oper, weil es Teil Repertoire, was es ist fantastisch ".

Leah Patridge encarna a Ellen Orlford, der Meister der Menschen und die glühendsten Verteidiger von Grimes. Dies ist sein zweiter Besuch in Les Arts nach der Rolle der Helena in „Ein Sommernachtstraum‚Singen in 2016 Roberto Abbado.

Die amerikanische Sopranistin glaubt, dass Britten Werk Singen ist „lebensverändernde Erfahrung“. „Einmal mit Ihren musikalischen Fähigkeiten verwalten Sie zu schätzen und Benjamin Britten Arbeit, Man fühlt sich wie eine andere Welt accedieras Ausdruck ", erklärt.

„Jedes Mal, wenn ich diese Arbeit hören erstaunt mich, wie er des Schreibens denken konnte,… Die Art und Weise, die das Meer einfängt, am Morgen, Plasma, wie die Szene in der Herberge Tante ... In seiner Musik, alles ist sehr visuell. Es gibt wirklich gruselige Momente und andere Provokateure. Ich werde nie müde, um diese Musik zu hören, oder cantarla ".

Rosalind Plowright spielt Mrs. Sedley, „Bad Geschichte“, in den Worten der Diva besitzen, die sich mit diesem Papier, was sie seine „dritte Karriere“, ruft nach 35 erfolgreiche Jahre auf der Bühne.

Brilliant Sopran ‚gedrückt‘, anschließend in ‚Mezzo‘ umgewandelt und jetzt in Charakterrollen spezialisiert, Mrs. Sedley qualifiziert sich als „jemand böse, sehr unangenehm ".

„Sie übertreibt alles viel mehr, und wirklich, er will Peter Grimes "sinken, Apostille.

Les Arts Premiere 1 Februar 'Peter Grimes', der zweite Titel von Britten präsentiert in der Haupthalle, después de ‚Ein Sommernachtstraum‘. Die übrigen Funktionen werden am 4, 7, 10 und 13 des Monats.

Gregory Kunde

US-amerikanischer Veteran Tenor Gregory Kunde (Kankatee, Illinois, 24 Februar 1954), Er debütierte in den frühen achtziger Jahren des letzten Jahrhunderts mit einer lyrischen Stimme Licht, die ihm erlaubt, bel canto Rollen mozartianos gerecht zu werden und. Das Leiden von Krebs 1994, nach einigen Darstellungen diagnostiziert Das italienische en Algier von Rossini, in Teatro de la Zarzuela, Es gelang ihm, schwere Krankheit zu überwinden und seine Karriere wieder aufnehmen 1996. Im Laufe der Jahre hat sich seine Stimme verändert, mehr Körperlichkeit und Volumen immer, Ableiten der Tenor tessitura Translation DE-spinto. aus 2009 eine neue Phase seiner Karriere begann sein erstes Repertoire Papier Verdiano einzuarbeiten, die Arrigo Die sizilianische Vesper. in 2012 Er sang zum ersten Mal Otello von Verdi, Papier, das in den letzten Jahren in großen europäischen Theater gelungen ist,, Es ist eines der wenigen Tenöre in der Geschichte, die die beiden Otello angesprochen haben, die Rossiniano und Verdiano, und dies geschah nacheinander in den Monaten Juli und August 2015, im Teatro alla Scala und am Peralada Festival. In den vergangenen fünf Jahren ist er in anderen Verdian Rollen wurde debütiert: Radames' Aida, Manrico de Il Trovatore, Don Alvaro de La forza del destino, Rodolfo de Luisa Miller, Riccardo Un ballo in maschera. Er hat auch andere Rollen als Turiddu erfolgreich in Angriff genommen von Cavalleria rusticana, Canio die I Pagliacci, Des Grieux in Manon Lescaut, Andrea Chènier und Pollione von Regel. In den letzten Jahren hat er mehr sporadisch Belcanto Rollen als Roberto Devereux gesungen, die gespielt in der Teatro Real Madrid in 2015 und Mozarts Idomeneo in Palau de Les Arts Valencia in 2016; offensichtlich sie- Er hat Platz für Agilität verloren, Es wird emsig viel dramatisches Repertoire adressiert.

In seinem Vortrag von Peralada, von den valencianischen Pianisten begleitet José Ramón Martín, Es konnte eine Stimme Müdigkeit aufgrund seiner unaufhörlichen Aktivität bestätigen. heute, die Stimme ist sicherlich voluminöse, leicht zu singen in stark, Schwierigkeiten für Mittelstimmen, ein ernstes Problem, und Trend, zeitweise, eine unregelmäßige Emissionsfarbe Veränderungen in der Stimme. All dies wird durch seine große Theaterkapazität gemildert, Um das Beste aus ihren Interpretationen zu verfeinern.

Das Konzert begann mit einem eigenen Block Vincenzo Bellini bestehend aus drei schönen und weichen Songs: "Vaga luna che inargenti", „Melancholy, sanfte Nymphe " und „valve, oder rosa Glück ", gut sie interpretiert und diente für die Tenorstimme warm und dann brillant aria-cabaletta adressiert Pollione „Meco auf dem Altar der Venus ... ..me Protege, Me verteidigt " in Regel, in der Arie Einsetzen des C4 und relevante Variationen in der Wiederholung Arie und cabaletta. Die Erwägung setzte sich mit der Leistung von zwei Songs Rossini: "Die Abgeschiedenheit " und "Tyrant auf Spanisch", Interventionen sowohl ausgezeichneter Pianist José Ramón Martín, und wo Kunde bot ein Lied voller Musikalität und Ausdruck. Der erste Teil des Konzertes endete mit der komplexen Arie Arnold „Asylum erblich„von Guillaume Tell Rossini, dass Kunde konfrontiert mit Mut und guten Linienkante, emittierenden vibrierenden Höhen, wenn auch nicht mit dem Glanz vergangener Zeiten-die Jahre ihren Tribut fordern- und damit meine ich die Interpretation angeboten durch Guillaume Tell in Corunna, in 2010, Regie Alberto Zedda, leider fehlt in diesem Jahr. dann, ihre Interpretation „Asylum erblich„Es stellte sich magistral, von cabaletta gefolgt „Freunde, Freunde " (in Peralada weggelassen) mit ausgezeichnetem anhalt steigt bis C4.

Der zweite Teil des Programms begann mit einem eigenen Block Verdi mit drei Liedern: "The Sunset", „Das Geheimnis“ y „Brindisi“ wo der Sänger hatte einige Schwierigkeiten in ihrem Versuch, Mittelstimmen zu erteilen. Es war großartige Interpretation von Rezitativ-Arie von Riccardo „Vielleicht zog er Schwelle ... Aber, wenn ich gezwungen bin, dich zu verlieren“ von Un ballo in maschera, im besten Verdian Stil gesungen, mit einer eleganten und prägnanten Formulierung. Die Aufnahme in diese Erwägung von Arie „Wie kalt deine kleine Hand“ von La Bohème von Puccini war nicht zu angemessen, als die Stimme von Kunden, heute, fehlt, dass jugendliche von der romantischen Rodolfo erforderlich Timbre. jedoch, der Sänger am meisten gespielt insbesondere ohne Score, obwohl er auf glühenden Kohlen in der C4 ausgegeben, Schnell nach unten geschnitten und getönten. Ya, die Erwägung zu dem Schluss,, Es stellte sich heraus brillant dramatische Performance voller Expressivität, die Air de Canio „Rezitiere!….Setzen Sie auf das Kostüm " von Pagliacci, deutlich, Ihre Intervention. Markieren Sie die großartige Leistung von dem Pianisten José Ramón Martín, sehr abgestimmt auf die Sänger.

Gregory Kunde bot ein paar Zugaben fehlerlos Songs durchführen "Was für eine wundervolle Welt" und "Auf meine Art", die jeweils popularisierte sie in den sechziger Jahren des letzten Jahrhunderts Louis Armstrong und Frank Sinatra.

Es befindet sich auf Fehler nicht in dieser Erwägung enthalten jede Arie aus Otello Verde, so viele Triumphe Rolle hat für den amerikanischen Tenor in den letzten Jahren gemeint und hat vor kurzem am Covent Garden in London durchgeführt, abwechselnd befassen sich mit den Medien Jonas Kaufmann, mit einer viel höheren Leistung durch den deutschen Tenor angeboten.

Gregory Kunde

Gregory Kunde Sterne in dieser Auswahl von Arien nach vierzig Jahren auf der Bühne, wo er die einhellige Anerkennung des Publikums und die Kritik in seinem erreicht hat Reife als Performer. an der Lyric Opera of Chicago trainiert, Er wuchs als Künstler unter der Leitung von Alfredo Kraus, und bald begann sie Abstumpfung das Belcanto-Repertoire und Französisch, widmen als erreicht Rossiniano. jedoch, keine Gesichter aus der Vergangenheit, die keinen Platz in dieser Erwägung hat, denn wenn seine Stimme bis zum Erwachsenenalter entschieden, der Rand der fünfziger Jahre und die Änderung des Jahrhunderts, seine Figuren erklärten sich in Rebellion und war ein Sprung ins Unbekannte zu nehmen gezwungen, neu erfinden Singen. Die Sammlung von Stücken in dieser Aufnahme gesammelt geschmiedet die Gegenwart und die Zukunft eines Sängers er fühlt er sich nach wie vor jede Menge Talent im Theater zu teilen. Kunde setzt die Erfahrung in vierzig Jahren Karriere gewonnen Verdi serviert, Puccini und Verismo Autoren. ungekünstelt. Kunst kennt kein Alter. Und was auch die Juroren als die renommierte International Opera-Preis, das war zu Kunden gewährt in 2016 in der Kategorie der besten männlichen Darsteller, eine Anerkennung der in der Reife seiner langen Karriere erreicht excellence. Er wurde auch in Spanien für die beste männliche Darsteller ausgezeichnet 2015 mit dem Campoamor Preis, Auszeichnung hatte schon zwei Jahre zuvor erhaltenen durch seinen beeindruckende Valencia Otello.

  1. Gounod

Romeo und Julia: Ah, entstehen, soleil!

  1. Puccini

La Fanciulla del West: Lassen sie mich glauben

  1. Meyerbeers

die afrikanische: wunderbares Land ... O paradis

  1. Puccini

Tosca: Und die Sterne leuchten

  1. Verdi

Die sizilianische Vesper: É Monforte das Nicken / schreien Tag

  1. Leoncavallo

I Pagliacci: rezitieren! / Kleid Jacken

  1. Puccini

Manon Lescaut: Donna non vidi mai

  1. Puccini

Turandot: Nicht weinen, Liù

  1. Giordano

Andrea Chenier: ein, alle’ blauer Raum

  1. Verdi

Aida: Celeste Aida

  1. Puccini

La Fanciulla del West : Ein Wort allein / Jetzt sind 6 Monate

  1. Verdi

La forza del destino: Das Leben ist die Hölle / das, ich, daß innerhalb des Engels

  1. Verdi

Il trovatore: Ah, ja mein lieber

  1. Verdi

Il trovatore: Davon Pira

  1. Verdi

Otello: ich habe! Ich konnte schleudern

  1. Puccini

Turandot: Nessun Dorma

I Vespri Siciliani

Der Palau de les Arst, hat seine neue Saison mit begonnen I Vespri Siciliani, eine Verdi-Oper authentischen Reiz, obwohl wenig von der Öffentlichkeit bekannt, da es wird selten gezeigt. nur, seine prächtigen Ouvertüre wird oft als Teil des Konzerts enthalten. deshalb, für Valencia Kolosseums eine Oper wie dies war eine Herausforderung, vor allem, für ihre hohe Anforderungen an die Stimm Ebene.

Nach dem Erfolg der sogenannten "Volkstrilogie" von Rigoletto de 1851, zusammen mit Il Trovatore und La Traviata wurden beide uraufgeführt 1853, Giuseppe Verdi beginnt seine Karriere zu überdenken, mit der Absicht, ihre kreativen Bemühungen zu verlangsamen, dass 1839 und 1953, Sie hatten achtzehn Opern produziert, Fast alle von ihnen sind von Eile geprägt, mit hoher Geschwindigkeit komponieren müssen - manchmal zwei Opern im selben Jahr- die Anforderungen der Theater zu erfüllen.

Busettos Komponist beschließt, weniger Quantität und mehr Qualität anzubieten, Frucht einer entspannteren Arbeit, mit der Auswahl attraktiver Texte, zusammen mit einer aufwändigeren Musik und einer Orchestrierung von größerer Komplexität und Raffinesse. Diese neue Bühne beginnt mit der Komposition von Les Vêpres Siciliennes (Die sizilianische Vesper) im Auftrag der Pariser Oper.

Verdi kam im Frühjahr in die französische Hauptstadt 1854, Beginn der Suche nach einem Text, der Anziehungskraft und authentische dramatische Kraft hatte.

jedoch, Angst, den Geschmack der französischen Öffentlichkeit nicht zu treffen, habe das Thema nicht gewählt, stattdessen gab er es Eugene Scribe in Auftrag, berühmter Librettist, der eng mit der Pariser Oper verwandt ist, der Verdi als Argument vorschlug, fand eine Veranstaltung in Sizilien statt, speziell in seiner Hauptstadt Palermo, in 1282, während der französischen Besetzung der Insel und im Vorfeld eines Aufstands des sizilianischen Volkes, militärisch und finanziell unterstützt von Pedro III von Aragon, offen konfrontiert den französischen König Carlo I von Anjou.

Verdi widmete fast ein Jahr der Komposition seiner neuen Oper, deren Struktur typisch für die "Grand Opera" mit ihren fünf Akten und einem attraktiven Ballett von bestimmten Ausmaßen namens "The Four Seasons" war., eingefügt in Akt III. schließlich, Les Vêpres Siciliennes wurde an der Grand Opera in Paris uraufgeführt, in einer "soirée de gala" die 13 Juni 1855, zeitgleich mit den Feierlichkeiten der Weltausstellung, die in der französischen Hauptstadt stattfand. Das in französischer Sprache verfasste Original-Libretto wurde von ins Italienische übersetzt Arnaldo Fusinato, und diese neue Version mit dem Titel I Vespri Siciliani, Premiere am Teatro alla Scala in Mailand, die 4 Februar 1856. In späteren Jahren, Die Oper in ihrer italienischen Fassung hatte eine gewisse Tournee auf internationaler Ebene, in die absoluteste Vergessenheit geraten.

Seine Genesung erfolgte in 1951, Jahr des fünfzigsten Todestages von Verdi, mit einer Produktion im Maggio Musicale Fiorentino uraufgeführt, Musikalisch geleitet von den Großen Erich Kleiber, das kennzeichnete die imposante Schaffung von Maria Callas als Herzogin Elena, mit einem anderen außergewöhnlichen Dolmetscher, der bulgarische Bass Boris Christoff auf die Rolle von Giovanni da Procida, Das führende Quartett wurde durch den hervorragenden Guido de Monforte vervollständigt, der vom Bariton gespielt wurde Enzo Mascherini, nur zur diskreten Wiedergabe des griechischen Tenors Giorgio Bardi Kokolios wie Arrigo. Der absolute Erfolg dieser florentinischen Darstellungen, führte zu dem Titel, der für die Saisoneröffnung des Teatro alla Scala in Mailand am gewählt wurde 7 Dezember 1951, mit musikalischer Leitung von Victor de Sabata, mit den gleichen Interpreten von Florenz und dem deutlich verbesserten Arrigo des nordamerikanischen Tenors Eugene Conley.

In jüngerer Zeit gab es wichtige Aufführungen dieser Oper, wie die, die im Teatro Comunale in Bologna stattfanden, in 1986, Regie führte ein junger Riccardo Chailly und eine großartige Besetzung, zu der auch Leo Nuccis Monforte gehörte, mit dem hervorragenden Tenor Veriano Luchetti als Arrigo, das sehr niedrige Lösungsmittel Bonaldo Giaiotti wie Procida und Elenas großartige Leistung, aufgeführt von der amerikanischen Sopranistin Susan Dunn.

auch beachten,, die Funktionen, die die Einweihung der Scalígera-Saison von 1989-1990, mit der außergewöhnlichen Richtung von Riccardo Muti, und eine sehr bemerkenswerte Gruppe von Darstellern, die Cheryl Studer als Elena vorstellten, Giorgio Zancanaro in einer brillanten Interpretation von Monforte, Chris Merritt als Arrigo und Ferruccio Furlanetto in der Rolle von Procida. Beachten Sie, dass diese Mailänder Aufführungen das schöne Ballett "Die vier Jahreszeiten" beinhalteten., was normalerweise weggelassen wird. Es gibt zwei Videoaufnahmen, während der Aufführungen im Teatro Comunale in Bologna und an der Mailänder Scala, die später auf DVD veröffentlicht wurden.

Der Palau de les Arts hat für diese Aufführungen von I Vespri Siciliani ausgewählt, eine Koproduktion des Teatro Reggio di Torino und der in Bilbao ansässigen ABAO-OLBE, mit einer Inszenierung von Davide Livermore (aktueller künstlerischer Leiter von Les Arts) die im Teatro Reggio di Torino in uraufgeführt wurde 2011, anlässlich 150 Jahrestag der italienischen Einheit. Livermore verlegt die Aktion nach Sizilien von 1992, Jahr, in dem der schreckliche Angriff stattfand, in dem der Richter von der Mafia ermordet wurde Giovanni Falcone, seine Frau und drei seiner Begleiter.

Falcones Beerdigung fand in der Kathedrale von Palermo statt und wurde live für die ganze Welt übertragen. In Akt I, die Landschaft von Centineo Heiligen reproduzieren aquel Beerdigung, diesmal Federico gewidmet, dem Bruder der Herzogin Elena, von den Franzosen hingerichtet, mit dem Sarg auf den Schultern und einem Trauerzug, bei dem Elena und andere Damen zusammen mit Geistlichen auftreten.

Die Ernsthaftigkeit und Erinnerung an das Ereignis wird von den Videokameras, die es als echte „Reality-Show“ betrachten und deren Bilder auf zwei großen Bildschirmen zu sehen sind, maximal frivolisiert. deutlich, Dieser Ansatz bestätigt die Macht der Medien, die Realität zu manipulieren, immer im Dienst der korrupten politischen Klasse, in diesem Fall von der Mafia dominiert.

Viel besser geeignet ist die Kulisse von Akt II, wo es zeigt, in einer düsteren Umgebung, zwei zerstörte Autos, Anspielung auf den Angriff von Falcone und Markierung der Rückkehr des Patrioten Giovanni da Procida nach Palermo, bereit, einen Volksaufstand gegen die französischen Besatzer vorzubereiten.

jedoch, diese dramatische Landschaft, bleibt völlig fehl am Platz- während des Restes der Tat, Den Tanz in Form einer „Tarantella“ umfassen, die junge Sizilianer mit ihren Partnern tanzen, die ihnen von französischen Soldaten genommen werden, die sie missbrauchen, alles gewürzt mit starker Hintergrundbeleuchtung, das gibt der Szene eine nächtliche orgiastische Atmosphäre. und, schließlich, in demselben malerischen Raum, Auf dem roten Teppich ziehen die Paare vorbei, die zur Party von Gouverneur Monforte eingeladen wurden. im Hintergrund eine fröhliche "Barcarola" hören.

im Gegensatz, die Landschaft in Akt III, Es ist ein elegantes Gebäude mit rationalistischer Architektur, was zu einer parlamentarischen Kammer führt, in der der "Masquerade Ball" stattfindet, wo die Verschwörer Gouverneur Guido de Monforte ermorden wollen.

Ya, am Ende des Aktes, in den großen Fenstern des Halbrads, Es werden Bilder von Charakteren aus allen Bereichen projiziert, die die Geschichte von "Unified Italy" geprägt haben: Politiker wie Cavour, De Gasperi, Aldo Moro, Giulio Andreotti, zusammen mit Sportlern wie Fausto Coppi oder Schauspielern wie Marcello Mastroianni und Dramatikern wie Darío Fo, Bilder, die mit italienischen Flaggen verschmelzen.

Und in Akt IV, das Gefängnis, in dem Elena und Procida sind, Es hat auch den Stil des Gebäudes, der zu Beginn des vorherigen Aktes beschrieben wurde, mit schwarzen und symmetrischen vertikalen und horizontalen Strukturelementen, Verbessert durch exzellente Hintergrundbeleuchtung in verblassenden Orangetönen, um einen dunklen und bedrückenden Bühnenraum freizulegen, das driftet zu einem offenen und fröhlichen Raum, in dem Elena und Arrigo mit Monforte auf einem Rednerpult zu sehen sind, wer kündigt die Ehe Verpflichtung von beiden. Zu Beginn von Akt V., Der Stil der "Reality Show" wird wiederhergestellt, Akt I, mit der Party, auf der die Hochzeitsvorbereitungen von Elena und Arrigo getroffen werden, gewürzt mit den Interventionen von Tänzern, deren Kostüme und Entwicklungen auf eine Magazinshow hindeuten.

Das tragische Ende der Geschichte, mit dem Aufstand der Sizilianer gegen die Franzosen und dem Massaker, bei dem die Protagonisten sterben, ist gepolstert und zeigt nur ihre liegenden Körper, im wiederhergestellten Bühnenraum der parlamentarischen Kammer, Am Ende des ersten Artikels der italienischen Verfassung steht projiziert: "Die Souveränität liegt im Volk, wer übt es in Übereinstimmung mit der Form und den Grenzen aus, die in der Verfassung festgelegt sind? ". Die Livermore-Inszenierung, Ergebnisse, zeitweise, interessant und originell, obwohl übermäßig der italienischen Welt umschrieben. Das Valencian Community Orchestra hat erneut seine hervorragende Qualität unter Beweis gestellt, in lösungsmittelhaltiger Weise von Roberto Abbado durchgeführt, aktueller musikalischer Leiter von Les Arts.

Der Orchesterklang war bei der Ausführung der umfangreichen Ouvertüre von großer Brillanz, eine der schönsten verdianischen symphonischen kreationen, wo das lebendige und wiederholte zentrale Thema auffällt, zusammen mit einem weiteren großen melodischen Impuls, der im großen Duett von Arrigo und Monforte aus Akt III wieder auftauchen wird. Hervorragende orchestrale Auflösung von Akt II, mit Seiten von großer dramatischer Intensität zusammen mit anderen mit folkloristischem Charakter "La tarantela" und "La barcarola". Großartige Aufführungen der Orchestereinführungen der übrigen Akte, wo sich die Leichtigkeit dieser Musik in Form eines Tanzes abwechselt, der Akt III vorwegnimmt, mit dem sehr trostlosen und düsteren, der den Beginn von Akt IV markiert, im Vergleich zu der festlichen und folkloristischen Natur, die durch Akt V eingeführt wurde.

Beachten Sie auch, dass das Orchester in dem imposanten Konzert, das Akt III abschließt, und im Verlauf der letzten beiden Akte brillant glänzte, vor allem, im dramatischen Ende der Oper. Im Inneren die hervorragende Leistung aller Orchesterabschnitte, Es sollte erwähnt werden, dass Roberto Abbado Blechbläser und Schlagzeug wurden stärker in den Vordergrund gerückt, was die Momente der größten Orchesterkraft verstärkte, obwohl die Saite Momente von extremer Qualität in Begleitung von Monfortes Arie aus Akt III hatte. Weisen Sie auf den kostbaren Orchesterklang hin, der Procidas Intervention begleitet "Auf Wiedersehen, mein Heimatland " Act IV. Abbado zeigte konzertierte Fähigkeiten, wobei er sich maximal um die Begleitung der Sänger kümmerte, vor allem zur Sopranistin.

Unter den Solostimmen ist es hervorzuheben Gregory Kunde, wie Arrigo, wer auch immer, zeigt seine Beherrschung des verdianischen Gesangsstils, mit einer prägnanten Phrasierung, und ein brillantes hohes Register, zusammen mit einer nuancierten und ausdrucksstarken Interpretation. Die Rezitativ-Arie sticht in ihrer großartigen Szene von Akt IV hervor „Das Schild ist von Monforte….schreien Tag, von heftigen Schmerzen ", gefolgt vom langen und intensiven Duett mit Elena, voller intensiver Lyrik und dramatischer Akzente, wo es eine ganze Interpretationsstunde bietet.

Der nordamerikanische Tenor ist großartig in den Heldenduetten mit Monforte in Apostelgeschichte I und III, und in seiner großartigen Interpretation des Tripletts mit Elena und Procida am Ende der Oper, wo sein Lied, akquiriert, zeitweise, intensive dramatische Töne. Gegen, Zeigen Sie Leichtigkeit im festlichen Duett mit Elena aus Akt V. "Die Brise schwebt herum, um mein Gesicht zu streicheln", obwohl, das abschließende D über das Wort aussenden "Auf Wiedersehen" mit einer hässlichen Falsettnote.

Der Uvense Bariton Juan Jesus Rodriguez führt eine gute Interpretation von Guido de Monforte, zeigt die wechselnden Stimmungen des Charakters und glänzt brillant in seiner Solo-Intervention von Akt III, mit einer großartigen Interpretation der Arie "In den Armen des Reichtums", wo es eine ausgezeichnete Gesangslinie im besten verdianischen Stil bietet.

Beachten Sie auch seine Interventionen in Duetten mit Arrigo, insbesondere in Akt III, mit diesen schönen Sätzen „Während ich über dieses geliebte Gesicht nachdenke, Sprung vor Freude Ich fühle mein Herz…" wo eines der musikalischen Themen der Ouvertüre aufgegriffen wird.

niedrig Alexander Vinogradov, bot eine etwas gutturale Stimme in den niedrigen und zentralen Registern, dass man beim Aufstieg zum Scharfen an Helligkeit und Intensität gewinnt.

Führen Sie eine nuancierte Wiedergabe des nostalgischen Ariers durch "Oder dein Palermo, verehrtes Land " eine der schönsten Seiten von Verdi für Bass. auch Highlights, seine Interpretation der schönen Seite "Auf Wiedersehen, mein Heimatland " im Quartett mit Monforte, Arrigo und Elena aus Akt IV. und, hat lebendige Auftritte im dramatischen Trio mit Elena und Arrigo am Ende der Oper.

Am Tag der Premiere war die junge Jerez-Sopranistin an der Reihe Maribel Ortega, singe die sehr schwierige Rolle von Elena, mit extremen stimmlichen Anforderungen. Ernsthafte Verantwortung, der der Sänger mit einem hohen Maß an Professionalität gegenüberstand. Seine Leistung war nicht diskret, in Akt I, besonders in seiner Interpretation der Cabaletta "Mut, seine, Mut". Es war im "Bolero" von Akt V nicht sehr genau. Verbessert im Duett mit Arrigo, besonders im langen und intensiv lyrischen Akt IV. Auch in der großen Szene mit Monforte, Arrigo und Procida, die diesen Akt abschließen. Er hatte seinen besten Moment im abschließenden Triplett der Oper mit Procida und Arrigo, wo er ein Paar hoch aufragende Höhen platzierte. Nun, der Rest der Dolmetscher, fast alle vom Zentrum für Perfektion Placido Domingo.

wieder, die Chor der Generalitat, In seinen zahlreichen Interventionen in der gesamten Oper hat er erneut seine große Qualität unter Beweis gestellt. Seine Leistung in der großen Konzertante des dritten Aktes war sehr herausragend., im atemberaubenden Moment von Akt IV, einen der Psalmen singen "Tief", Anhänger der Konzertantin „Minister für Todesverhaftungen!Das schließt den Akt: eine sehr schöne Verdi Seite. Ya, Am Ende der Oper erstrahlt der Chor im Beeindruckenden "Vendetta! Vendetta!”.
Text: Diego Manuel Pérez Spiegel
Bilder: Tato Baeza

Die sizilianische Vesper
Giuseppe Verdi (1813-1901)
Drama in fünf Akten
Libreto von Augustin Eugène Scribe und Charles Duveyrier
D. Musical: Roberto Abbado
D. Szene: Davide Livermore
Szenografie: Centineo Heiligen
Kleiderschrank: Giusi Giustino
Beleuchtung: Andrea Anfossi
Choreographie: Luisa Baldinetti
Cor de la Generalitat Valenciana
Francesc Perales, Direktor
Orchester von Valencia
Besetzung: Gregory Kunde, Maribel Ortega, Juan Jesus Rodriguez, Alexander Vinogradov, Andrea Pellegrini, Cristian Diaz, Nozomi Kato, Moses Marin, Andrés Sulbarán, Jorge Álvarez und Fabián Lara.

Otello am Teatro Real Madrid

Ein gemütliches und renoviert Teatro Real Empfangen der 15 September ist der Beginn der Saison. Neue Farben und Zeichen, die Sie bringen, in Erscheinung zumindest, andere renommierte Theater. und, als ob die Scala oder GETROFFEN es waren, der bekannteste auf der forocool thront am Eingang holl Abendkleid gelegen. Sicherlich ist dies eine Möglichkeit, das Theater und die Saison zu werben beginnt, selbst wenn es zum Fernsehen ist schnell, einige Unruhe zunehmend Einzelhandel zu bekommen.

Und die Saison begann mit Otello, die Arbeit, die die am weitesten fortgeschrittenen Musiksprache des Komponisten zeigt, der Rest seiner Arbeit.

Verdi y su Librettist, Arrigo Boito, sie schufen eine Geschichte voller Intensität und Dramatik basiert auf dem Text von Shakespeare Othello oder der Mohr von Venedig (1603). Abgesehen von der Libretto des venezianischen Teil, Verdi und Boito angepasst meisterlich, den ursprünglichen Text. Sie nutzen das Thema Rassismus, nicht den Charakter zu beschreiben,, sondern offenbaren ihre Unsicherheiten. Die Standardisierung Boito gemacht Otello, Aufhellung der rassistischen Aspekt, Er machte erweiterbar auf jede Möglichkeit, die schlimmsten Gräueltaten als Folge der Unsicherheit zu begehen und Eifersucht. Dieser Effekt macht die Verdi-Oper ist noch beunruhigender, dass die Arbeit auf die sie sich stützt.

Die Landschaft ist der Regisseur David Alden. Das gleiche, die in der letzten Saison sorgte Alcina. Szenografie, die Alcina, schwer zu vergessen. Albträume nicht beziehen. Und nun kommt dieses Otello, dass, vielleicht respekt vorstellen die Landschaft, die dem Komponisten, aber das Ergebnis ist eine falsche Bescheidenheit eines Königlichen Theater. Zu dunkel und einen Platz für die Momente der Erinnerung fehlt, die die Arbeit dot. Alles geschieht in der gleichen Stelle, vor den Toren eines Gebäudes fast in Trümmern. Desdemona und Otello dort versiegeln ihre Liebe. Es Sie diskutieren und Zweifel. Es Iago verschwört. es stirbt, dringend und Kälte, Desdemona.

Ein einzigartiges und dekoriert desangelado, die in der ersten Szene ist überwältigend, wo es, dass jederzeit wird ein Mitglied des Chores scheint stürzen in die Grube.

Die Aufteilung der Produktion mit einem wesentlich geringeren Abmessungen Theater zu Real, wie die Stockholmer Oper, kann erklären, in denen auf eine Stufe mindestens zwei Drittel der Bühnenhintergrund verachten.

Das einzige, was die Landschaft verbessert ist Adam Silverman Beleuchtung, die Momente der Intensität und Spannung erreicht, die sie erhöht den Ton einiger Szenen interpretative. In dem Moment, ein Otello erscheint auf der Szene droht Desdemona zu töten, es wird störend dank das Spiel von Licht und Schatten.

Desdemona ist der Charakter dieser Arbeit, die eine geringere psychische Entwicklung hat. Es ist die Darstellung von Weiblichkeit ohne weitere Ausarbeitungen. Das Ewig-Weibliche. Und wenn jemand in der Lage, diese Rollen auf der Bühne zu zeigen, die so charakteristisch für die Zeit ist, deutlich, Jaho Ermonela. Wir erinnern uns noch seine traviata, vor allem der dritte Akt. dieses Mal, Alden hat nicht die Möglichkeit gegeben, auf der Bühne mit dem Drama und Würde zu sterben, die Violetta erwiesen. Hier erschafft eine zarte und empfindliche Desdemona. Es ist nicht ein hohes Volumen an Stimme, aber weder Notwendigkeit.

Er glänzte vor allem im vierten Akt, mit einem Pianissimo von großer Schönheit. So dass hier das Orchester auch apiana. Es wäre unmöglich gewesen, um den Klang des ersten und zweiten Akt zu hören. Er war besonders heikel angesichts der Song Salce und das Liebesduett mit Otello.

Gregory Kunde, Er kehrt zurück in das Königliche Theater nach ao Roberto Devereux der letzten Saison und mit dem Zeichen des Otellos Moment einer der besten zu sein. Ich bekenne, dass ich die Otello Palau de Les Arts zwei Jahreszeiten mochte vor. Sein durchschlagender Stimme und Präsenz, nicht weniger emphatisch, Sie machen ihn für diese Rolle perfekt. schien bei dieser Gelegenheit verschwommen. Erwischt die Verkleinerung der Landschaft. Seine scharfen klang voll und hell, aber der Bass schien eine leise Stimme zu werfen, unrühmlich. Erst im letzten Akt zeigte sie ihre Macht. Die handelnde Fähigkeit hat sich verbessert, aber es ist Ihnen noch einen dramatischen Einfluss Otello niedrig.
Ebenso wenig Intensität ging über den Jago von George Petean links. Man kann nicht sagen, dass seine Interpretation rührend gewesen, aber der Charakter ist bei weitem nicht der Gemeinheit erhöht wurde. Es war weniger für mehr, wie alle, und er war in "Credo in Dio Crudel" zur Schau gestellt.

Alexey Dolgov erwies sich als hervorragender Cassio zu sein. Er zeigte Charakter und eine gute Leistung.

Die Richtung von Renato Palumbo war nicht gerade zart. Während des ersten und zweiten Akt, Musik aus der Grube mit einem Überschuss an Volumen und Bewegung kommen und vermittelt eine gewisse Unruhe. Es war schön, die frenetische Aktivität vieler Menschen auf einen kleinen geschmückten zu sehen, mit einem störenden musikalischen Hintergrund während der Sturmszene. Wenn der Zweck dieses kleinen Palumbo war Hysterie zu erzeugen, Bravo!.

Aber seine Adresse mit der Intervention der Sänger nicht ändern. Es dauerte nicht um sie kümmern, wenn ihre Arien Ordentlichkeit erforderlich. Der Mangel an Zurückhaltung in der Stimme forte geschluckt Dolmetscher in mehr als einer Gelegenheit. Glücklicherweise ist die dritte und vierte Akt ist nicht der Lärm, und wo diese Produktion wurde sah voller.

Die Saison begann mit ein wenig enttäuschend Otello. Dies ist, was geschieht in der Regel, wenn die Erwartungen sind übertrieben. Es darf aber auch in Panik. Dies hat gerade erst begonnen.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

OTELLO
Giuseppe Verdi (1813-1901)
Dramma lirico in vier Akten
Libreto von Arrigo Boito, basierend auf dem Spiel Othello, oder der Mohr von Venedig (1603)
William Shakespeare
Uraufführung im Teatro alla Scala in Mailand 5 Februar 1887
Uraufgeführt am Teatro Real 9 Oktober 1890
Neue Produktion von Teatro Real
in Koproduktion mit dem National Opera Inglés und Königliche Oper in Stockholm
D. Musical: Renato Palumbo
D. Szene: David Alden
Bühne und Kostüme: Jon Morrell
Illuminator: Adam Silverman
Choreograf: Maxine Braham
Kantor: Andrés Máspero
Direktor der Kinderchor: Ana González
Besetzung: Gregory Kunde, George Petean, Alexey Dolgov, Jaho Ermonela, Stephen Vincent, Fernando Rado, Isaac Galán und Gemma Coma-Alabert.
Schlagzeilen Chor und Orchester des Teatro Real
Kleine Sänger der Gemeinschaft von Madrid

Manon Lescaut

ABAO-Olbe (Bilbao Vereinigung der Freunde der Oper) Er erholt sich nach dreizehn Jahren seit seinem letzten Auftritt Manon Lescaut von Puccini. Tag 20, 23, 26 und 29 Februar, von der Provinzregierung von Biskaya gesponsert, auf der Bühne diese faszinierende und tragische Geschichte, die die Toskana Meister als einer der Führer der Verismo Schule erhöht.

Leidenschaft, Tugend, der Wunsch,, Mäßigkeit und die verzweifelte und dringende Jugend Liebesszenen gehen durch diese von einem literarischen Charakter als einer der großen Mythen der modernen Geschichte inspiriert lyrische Tragödie: die femme fatale. Manon ist eine Frau, die eine magnetische Persönlichkeit hat und bewegt sich zwischen der Naivität, der Mangel an Moral, Zärtlichkeit und Betrug Bringen selbst und die um ihre Schande. Leben zu geben, um die Zeichen in dieser Oper, ABAO-Olbe hat eine Besetzung der Leitung von Sopranistin Gipuzkoa zusammengebaut Ainhoa ​​Arteta, vor kurzem verliehen für Verdienste mit der Goldmedaille in Fine Arts, die zurück nach Bilbao Stimme zu setzen, um "Manon Lescaut". Neben dem Protagonisten Duo und die Vollendung des amerikanischen Tenor Gregory Kunde, als besten männlichen Sänger in den für seine Darstellung des 'Canio' Lyrische Theater Campoamor Awards ausgezeichnet und "Turiddu" bei der Herstellung von Cavalleria Rusticana ABAO und Pagliacci unter anderem, Er übernimmt die Rolle der Liebe 'Renato des Grieux'. Neben dem Plakat schließen sie den Bariton santanderino Manuel Lanza como 'Lescaut', Katalanisch unter Stefano Palatchi como 'Gerontes di Ravoir', Gipuzkoa Mezzo Marifé Nogales als "Musiker", der Kantabrischen Tenor Manuel de Diego como 'Edmund', der Bariton Vizcaíno Gexan Etxabe como 'Friseur / Navy Commander ', Bilbao Tief David Aguayo als "Sergente 'und Tenor Eduardo Ituarte como 'Der Tanz-Lehrer / Ein Lampionaio '

In der Grube ist der erwartete Debüt in ABAO-Olbe Lehrer Pedro Halffter, großer Kenner von Puccini Repertoire, an der Vorderseite der Symphonie führen eine komplexe Partitur, die eine weiche und sinnliche Melodie mit leidenschaftlichen Momenten großer dramatischer Intensität kombiniert. Der Chorstimme ist, nochmals, Aufgabe Bilbao Opernchor, mit Boris Dujin voraus.

Auf der Bühne Produktion aus dem Teatro Regio di Parma, von Debütant ABAO konzipiert Stephen Medcalf, durch ein klassisches Ambiente aus, bereinigtes Libretto, mit Kleiderpflege reichlich in Details und Charakterisierung der Saison Jaime Vartan und subtile Lichteffekte entworfen von Simon Corder. Die Landschaft ist ein Universum der reinen Farben visuell symbolische Effekte mit erstaunlicher Effektivität und vielseitig Gegenstände wie Spiegel zuerst die Opulenz darstellen, die der Protagonist später zu seinem Gefängnis verführt, oder klug wie die Simulation des Schwimmers und das Schiff.

Conferencia sobre "Manon Lescaut"

Um zu analysieren,, im Vorfeld der Premiere, die wichtigsten Aspekte dieser Oper von Puccini, ABAO-Olbe hat eine Konferenz organisiert, Freier Eintritt, die findet am Freitag, 19 Februar auf 20.00 Stunden im Hotel Ercilla. dieses Mal, Iñigo Arbizo, Musikkritiker für Scherzo und Noticias de Gipuzkoa, Kommunikation und Leiter ONCE in Euskadi, entdecken Sie die Ins und Outs der Manon Lescaut.

ABAO

La décima edición de los Premios Líricos Teatro Campoamor, deren Entscheidung wurde zuletzt enthüllt 29 de noviembre ha traído dos nuevos reconocimientos a las temporadas de ABAO-Olbe en las figuras de Gregory Kunde und Michel Plasson. El genial maestro francés ha sido galardonada con el Premio Dirección Musical por su impresionante trabajo en Werther de Massenet, im vergangenen Januar in ABAO-Olbe. Gregory Kunde ha recibido el galardón al mejor Cantante Masculino por “Turiddu” en Cavalleria Rusticana de Mascagni y “Canio” en Pagliacci de Leoncavallo, im April 2015 en la temporada bilbaína. in 64 temporada de ABAO-OLBE el mejor Cantante Masculino 2015 nos ha acompañado en Roberto Devereux y le esperamos de nuevo en febrero con Manon Lescaut y en abril en la Messa da Requiem de Verdi.

La Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera suma de esta manera un nuevo reconocimiento en unos Premios que llegan a su décima convocatoria, consolidándose como la gran referencia lírica nacional en España y que son a la lírica lo que los Goya al cine, los Max al mundo del teatro o los Ondas al sector audiovisual, unos Premios que reconocen la actividad de ópera y zarzuela de los principales teatros y temporadas en España. En esta edición se han presentado más de 400 candidaturas procedentes de los principales teatros, festivales y temporadas con programación lírica estable de nuestro país, integrados en su mayoría en la Asociación OPERA XXI.

insgesamt, la Asociación ha recibido diez distinciones en las diferentes ediciones de estos Premios. in 2007 Fiorenza Cedolins conseguía el premio a la Mejor Cantante Femenina de ópera por “Cio-Cio” en Madama Butterfly de ABAO 2006; el mismo premio recibió en 2009 Adrianne Pieczonka por “Adriane y Prima donna” de Adriane auf Naxos de ABAO 2008. Jahr 2010 trajo a la Asociación el Premio a la Institución que ha colaborado significativamente al mundo de la lírica. in 2011 Eugene Onegin una coproducción de ABAO, el Teatro Wielki de Poznan, Opera de Krakowska y Teatro Argentino de la Plata, recibió el galardón a la mejor Nueva Producción. En la edición de 2012 Celso Albelo conseguía el premio al Mejor Cantante Masculino por su “Nemorino” en L’Elisir d’Armor de ABAO. in 2013 el tenor estadounidense Gregory Kunde era galardonado con el Premio al Mejor Cantante Masculino por el rol de “Henry” en Les vêpres siciliennes, una nueva coproducción de ABAO-OLBE, y la soprano valenciana Carmen Romeu recibía el galardón de Cantante Revelación por la extraordinaria “Mussetta” de La Boheme de ABAO. in 2014 Miren Urbieta recibió el premio Cantante Revelación por su interpretación de “Liu” de Turandot.

En la ceremonia de entrega los premiados recibirán junto con una estatuilla en bronce de ‘La Gitana de Parísde Sebastián Miranda, una dotación de 10.000€. La gala se celebrará en el Teatro Campoamor de Oviedo a finales de marzo de 2016.

RobertpDevereux

alte, Bald und zahnlos. So präsentiert er Isabel In aus England der Librettist Salvatore Cammarano in der Fiktion für die Oper von Donizetti. Eine starke Frau, überwinden, indem sie seine groteske Hinfälligkeit, obwohl seine Untertanen war immer die Verkörperung der Tugend.

Die Saison begann am Teatro Real mit Roberto Devereux. Einer der Opern der Tudor-Trilogie von Gaetano Donizetti stürzte in den Abgrund nach dem Verlust seiner ganzen Familie. Ein Abgrund sieht auch aus wie die dunkle Landschaft, die der Australier geschaffen hat Alessandro Talevi. Einfach und ohne von Musik und Szenen abzulenken, etwas, das immer geschätzt wird, aber seine permanente und fast vollständige Dunkelheit belastet die gesamte Darstellung.

Die strengen Figuren von Madeleine Boyd, Niggas wie ist die Bühne, sie erlaubten sich nur, mit einem kräftigen Rot zu schmücken Elisabetta. Beleuchtung, dass alles dunkler wird, hat Blitze von Eleganz und Ruhe für die Augen. Alles, um die Erstickung zu reflektieren, die am englischen Hof des 17. Jahrhunderts eingeatmet wurde.

Joan Matabosch kommentierte auf einer Pressekonferenz, dass Roberto Devereux geplant worden war, als die richtigen Stimmen erhalten worden waren. Und sicherlich sind die Stimmen der wahre Schatz dieser Produktion, die aus dem Cardiff Opera. Bei einer anderen Gelegenheit werden wir die Diskussion über die Bequemlichkeit der Premiere einer Staffel mit einem Theaterstück zur Miete in einem Theater wie dem Real verlassen.

Es ist nicht leicht, sich einer Figur wie Elizabeth I. in einem der Werke der zu stellen Tudor-Trilogie. Aber es ist zweifellos die Elisabetta von Roberto Devereux, die die größten Schwierigkeiten hat. Eine Sopranistin ist mit Leichtigkeit für dramatische Beweglichkeit und gute Unterstützung für die unteren Noten erforderlich.
ein Geschoben agil und zart nicht leicht zu finden. Maria Callas, ohne weiter zu gehen, konfrontiert Anna Bolena, Geben Sie uns einige der besten Charakterisierungen des Charakters, aber er hat nie konfrontiert oder Maria Stuarda ni ein Roberto Devereux.
Der große Joan Sutherland Sie spielte María Stuarda bei zahlreichen Gelegenheiten und bei einigen Gelegenheiten Anna Bolena, schon sehr spät in seiner Karriere, aber sie wagte es nie mit der Rolle der Elisabetta von Roberto Devereux. Weiter von seinen mündlichen Möglichkeiten, dramatischer als lyrisch zu sein.

Möglicherweise sein Mariella Devia einer der besten Sopranistinnen, die sich derzeit mit dieser komplizierten Rolle befassen. Beherrsche alle Terrains des Charakters. Von intensivem Drama, ohne Donizettis ausgeprägten Belcantismus aufzugeben. Es fehlte etwas mehr Unterstützung im Bass, diejenigen, die die dramatischsten Momente des Charakters begleiten, Ich weiß nicht, ob es an Tessitura oder Reife liegt.

Sie selbst gestand, dass sie noch nie einen älteren Charakter gespielt hatte. La Devia, ihre 67 Jahre alt, kann mit einem über dem Orchester bleiben Pianisimo. Die Lautstärke seiner Stimme ist außergewöhnlich. Wenn ich jung bin, möchte ich so sein wie jetzt Mariella Devia. seine "Ah komm zurück was ich hoffe", zusammen mit dem dramatischen Ende, waren die Momente von größter Intensität.

Wenn Isabel, war ich mit der großen Mariella Devia gut vertreten, Nicht weniger wichtig war die Interpretation von Gregory Kunde, verantwortlich für die Rolle von Roberto Devereux. Es beginnt mit „Königliche Frau!" mit einer kraftvollen und emaillierten Stimme, markierte die Linie seiner Leistung, voller Eleganz und begleitet von seiner imposanten Bühnenpräsenz. Die heroischen Nuancen, die er auf seine Figuren druckt, befinden sich immer in der Belcanto-Linie, die so schön dominiert.

Marco Caria hat zu keiner Zeit der außergewöhnlichen Besetzung zusammengestoßen. Sein Herzog von Nottingham war groß. Obwohl wir die ursprünglich geplante Überschrift gerne gehört hätten, Alessandro Luongo.

Ein weiterer großer Gewinner der Nacht war der Valencianer Silvia Tro Santafe. Die Kantenlinie ist äußerst raffiniert. Wie seine exquisite Phrasierung und diese dicht gedrängten Höhen, die in einem Alt so bewegend und ungewöhnlich sind. Sein dröhnender Bass, sein schönes Timbre und eine mächtige Stimme waren in seinen Interventionen offensichtlich. Besonders hervorgehoben wurde das Duett mit Roberto aus dem zweiten Akt, und "All'ambrascia ond'io mi militgo", Duett mit ihrem Mann, Herzog von Nottingham, im dritten Akt. Wir hoffen, es bald wieder in Madrid zu hören.

der Chor Intermezzo, dieser Charakter, der alle Werke im Royal Theatre verschönert, war in seiner Linie der üblichen Delikatesse. Protagonist in einigen Momenten der Szene mit der größten dramatischen Belastung.

der Lehrer Bruno Campanella erweist sich als einer der größten Experten für Belcanto, der die musikalische Leitung beherrscht. Seine tiefe Kenntnis der Partitur und des Charakters der Arbeit ermöglichte es ihm, in der Ouvertüre emotional zu sein, vor allem die Bars der England-Hymne, und mit Agilität, Schwung und Drama angemessen verteilt. In einigen Momenten fehlte nur wenig Wut.

Ein guter Saisonstart. Die erste komplett von Joan Mataboch gemacht. Wir freuen uns. Das ist nur der Anfang.

Text: Paloma Sanz
Bilder: Javier del Real
Videos: Teatro Real

Roberto Devereux
Das heißt, der Earl of Essex
Gaetano Donizetti (1797-1884)
Lyric Tragödie in drei Akten
Libreto de Salvatore Cammarano, basierend auf der Tragödie Elisabeth d´Angleterre von Jacques-Fraçois Ancelot.
Produktion der Cardiff Welsh National Opera, 2013
D. Musical: Bruno Campanella
D. Szene: Alessandro Talevi
Szenografie und Kostüme: Madeleine Boyd
Beleuchtung: Matthew Haskins
D. Chor: Andrés Máspero
Besetzung: Mariella Devia, Gregory Kunde, Silvia Tro Santafe, Marco Caria, Juan Antonio Sanabria, Andrea Mastroni, Sebastian Covarrubias,Koba Sardalashvili.
Titukares Orchester und Chor des Royal Theatre
Teatro Real, Madrid 25 September 2015

Devereux

Am kommenden Dienstag 22 september die Teatro Real inaugurará su 19ª temporada con Roberto Devereux, von Gaetano Donizetti (1797-1848), ópera belcantisca de gran virtuosismo vocal y sobrecogedor retrato psicológico de la reina Isabel I de Inglaterra (Elisabetta), Opfer seines eigenen Despotismus im klaustrophobischen Gericht, Inzucht und Angst vor den Tudors.

Creada en un período terriblemente doloroso de la desdichada vida de Donizetti —el compositor había perdido a sus padres y a su esposa después del fallecimiento consecutivo de sus tres hijos—, y con Nápoles asolado por la cólera, la partitura de Roberto Devereux, mit Wut gefüllt, Trauer und Verzweiflung, würde für seinen Autor, como él mismo confesaba, "Oper der Gefühle". Para expresarlas en toda su plenitud recurre, nochmals, a la corte de los Tudor, cuyas historias sanguinarias, con maquinaciones cortesanas y sentimientos desenfrenados, habían ya inspirado la trama de tres óperas anteriores: Il Castello di Kenilworth (1829), Anna Bolena (1830) y Maria Stuarda (1835).

En esta ocasión la dramaturgia de la ópera, servida por el libreto de Salvatore Cammarano (autor también del texto de Lucia di Lammermoor), privilegia el perfil psicológico y confesional de la reina, atrapada por una red asfixiante de relaciones disfuncionales: ihre junge Liebhaber, Roberto Devereux, Graf von Essex, está enamorado de Sara, duquesa de Nottingham, confidente y amiga cuyo marido es íntimo amigo del adúltero.

Im Gefolge von Donizetti, der Direktor der südafrikanischen Szene Alessandro Talevi verstärkt präzise den Ausdruck ungezügelter Emotionen, pulsiones lujuriosas y tormentos corrosivos de la impetuosa reina, in einer zerstörerischen Spirale, die die Protagonisten zu ihrem tragischen Ausgang zieht.

Encarnando esas pasiones viscerales que van enredando y asfixiando a los cuatro personajes, una araña simbólica va tomando cuerpo en la escenografía oscura y delirante diseñada por Madeleine Boyd, Sie Figuren auch der Oper.

Para dar voz y alma a las turbias relaciones del cuarteto protagonista se alternan dos repartos con algunos nombres estelares en este tipo de repertorio, von den Sopranistinnen geführt Mariella Devia und Maria Pia Piscitelli, que encarnarán a Elisabetta, und Tenöre Gregory Kunde e Ismael Jordi, intérpretes del rol titular. Estarán secundados por los barítonos Ángel Ódena und Alessandro Luongo und die Mezzosopranistinnen Silvia Tro Santafé und Veronica Simeoni.

Bruno Campanella, gran especialista del repertorio belcantista, que dirigió la pasada temporada en el Teatro Real la opéra-comique Die Tochter des Regiments, Donizetti, cambia ahora de registro para la interpretación de esta tragedia lirica der gleiche Komponist, en la que estará al frente, nochmals, die Schlagzeilen Chor und Orchester des Teatro Real.

Otello

Denkwürdige Darstellung von Otello Was fand am Tag statt? 1 August, in dieser Ausgabe von Festival Peralada Castle. Eine ungewisse Meteorologie, besänftigt ständig den Himmel in der Gegenwart aussehen Wolken-Tat, die Nacht hatte vor einem schweren Sturm entladen- das könnte bedeuten Regen mit der daraus folgenden Aussetzung der Darstellung. zum Glück, Er konnte dies wirklich großartige Musik und Theater Otello Ebene gesehen werden. In dieser neuen Koproduktions, im Auftrag der Peralada und Macerata Festivals, der Murcian Paco Azorín, als Regisseur, dreht die ganze Action um den bösen und manipulativen Yago, meisterhaft durchgeführt von Carlos Alvarez, deren absolute Beherrschung der Bühne zeigt sich bereits in den Prolegomena der Aufführung, Bewegen wie ein wahrer "Zeremonienmeister", aufmerksam auf alle Details, auch, den Leiter der Lichttechnik auffordern, das große Label der Show „Otello de Giuseppe Verdi", von „Yago de William Schakelespeare".

Azorín zeigt seine Vorliebe für den englischen Dramatiker, beim Einsetzen, sehr treffend im Kontext der Aktion, seine schönen Sonette 43 und 138, deren auf den Bühnenvorhang projizierte Texte die Akte II und IV einführen. Die von Paco Azorin entworfene Szenografie, Ergebnisse von absoluter Einfachheit, bestehend aus zwei großen massiven Blöcken, die unterschiedliche Positionen einnehmen und, zeitweise, eine steile zentrale Treppe montieren. Die Blöcke haben Rampen, mit denen sich die Charaktere in verschiedenen dramatischen Ebenen positionieren können. Die szenischen Effekte werden durch verschiedene Projektionen von ergänzt Pablo Chamizo: ein stürmisches Meer zu Beginn der Oper, und an dessen Ende dieses schöne Meer in völliger Ruhe gezeigt wird, als Hintergrund der trägen und ineinander verschlungenen Körper von Otello und Desdemona bereits für alle Ewigkeit vereint.

auch, dieser Weidenbaum, der Desdemonas Lied setzt, das verliert seine Blätter, in einen unheimlichen Wald verwandeln, während die Szene ihrem tragischen Ende entgegen treibt, oder dieser höllische rötliche Hintergrund in der Entwicklung des intensiven und dramatischen Duos von Otello und Yago, am Ende von Akt II. und, wenn Iago den Dämon der Eifersucht in Otello einführt, Die Silhouetten von Desdemona und Cassio, die sich unterhalten, sind in Schatten projiziert zu sehen, Das von Iago manipulierte Bild lässt Otello an ihre Liebesbeziehung glauben. Das attraktive Lichtdesign von Albert Faura, Schließen Sie diese erfolgreiche Inszenierung ab. Die Kostüme entworfen von Ana Garay Es ist zeitlos und schwarz in der Kleidung aller Charaktere, im Gegensatz zu dem makellosen Weiß, das die naive und unschuldige Desdemona immer trägt.

In Yagos Fall, und sein Doppelspiel während des Spiels festzuhalten, wir können ihn mit einer Lederjacke sehen, typisch für einen badass biker, der seine offizielle Uniform anzieht, wenn er in Gegenwart von Otello ist.

Bemerkenswerte Leistung des Liceu Orchesters, mit einer detaillierten Adresse von Riccardo Frizza, Unterscheidung von Soundebenen, versuchen, zu Beginn der Oper Spannungen aufzubauen und die Momente der größten Klangwirkung zu konjugieren, mit anderen von intensiver Lyrik, als die Musik, die das Duo von Otello und Desdemona am Ende von Akt I vorstellt und begleitet, oder das schöne musikalische Thema zu den Worten von Desdemona „Dammi la dolce, glückliches Wort der Vergebung ", das taucht im Laufe des Quartetts Otello-Desdemona und Yago-Emilia wieder auf (Beide Paare befinden sich in verschiedenen dramatischen Ebenen) des Aktes II. Die starke symphonische Orchestereinführung von Akt III wurde gut ausgeführt.. Gute Wiedergabe der verschiedenen Orchesterabschnitte, obwohl mit einigen Metallen, zeitweise, un so Außenseiter.

Gregory Kunde ist in den letzten Jahren eine Referenz Otello geworden, im Gefolge anderer großer Interpreten dieses Charakters: Francesco Merli, Ramon Vinay, Mario del Monaco, das vor kurzem verschwunden John Vickers und Placido Domingo. Für seine sorgfältige Formulierung und den totalen Respekt für alle Notizen von Verdi, Kundens Otello weist Ähnlichkeiten mit dem von auf Vickers, obwohl ohne das seriöse Register des großen kanadischen Tenors zu besitzen.

außerdem, Es ist wirklich ungewöhnlich, dass Gregory Kunde in wenigen Tagen das Otello Rossinian im Teatro alla Scala singen kann, dessen letzte Aufführung fand statt 24 Juli, und der Verdian Otello in Peralada, die 1 August. Sein heldenhaftes "Esultate" zu Beginn der Oper ist bereits beeindruckend, im Gegensatz zu der Lyrik, die in seiner Interpretation des intensiven Duetts mit Desdemona "Già nella notte densa" angeboten wird, mit dem Akt I endet. Ya, in Akt II, seine großartige Interpretation von „Tu? Zurück! Fliehen….Auf Wiedersehen jetzt und für immer ", zusammen mit dem dramatischen Duett mit Yago „Oh! Ungeheuerliche Schuld…… ja, pel ciel marmoreo giuro “voller heroischer Akzente. Seine außergewöhnliche und nuancierte Aufführung von „Dio! Du hättest mich werfen können ", in Akt III, wo eine einwandfreie Phrasierung leuchtet, seine Fähigkeit, Legato zu singen, die halben Stimmen und einige leichte und runde Höhen. Es dosiert seinen Schallfluss, um am Ende der Oper unter optimalen Bedingungen anzukommen und mit erbärmlichen und schockierenden Akzenten "Niun mi tema" zu singen.. Zusammen mit seiner ausgezeichneten Stimme, Gregory Kunde gibt eine großartige Theateraufführung.

Carlos Alvarez komponiert einen außergewöhnlichen Yago, kombiniert seine großartige Stimme mit einer außergewöhnlichen Theateraufführung. Es ist ein Charakter, den der große Bariton von Malaga perfekt beherrscht, und dass ich das Glück hatte, ihn zu hören, als er es zum ersten Mal sang, mit großem Erfolg, im schon fernen Herbst von 2002, im Teatro de la Maestranza in Sevilla, mit musikalischer Richtung Platzhalterbild von Jesus Lopez Cobos.

In dieser Darstellung von Peralada, Carlos Alvarez dominiert die Szene von Anfang an, Verschwendung seiner bösen Verschwörung, die am Ende von Akt III endet, seinen Fuß auf einen verblassten Otello setzen, mit der despectiva Phrase "Hier ist der Löwe". Ya, während der Entwicklung von Akt I., eminent Koralle, Alvarez glänzt theatralisch in seinen Duetten mit Roderigo und Casio. In Akt II, spielt die Rezitativ-Arie „Vanne! Dein Ziel……Credo en un Dio Crudel “, wo er all seinen Nihilismus und sein Böses zeigt, mit einer Phrasierung voller Intentionalität und Betonung, vor allem am Ende der Arie "E poi? Der Tod ist nichts. Der Himmel ist eine alte Geschichte ". Seine sibyllinische Interpretation von „Era la notte, Cassio schlief ", durchsetzt in seinem langen Duett mit Otello, meisterhaft abgeschlossen, als Alvarez und Kunde ihre Stimmen zusammenstellten: „Ja, für den Marmorhimmel schwöre ich ". In Akt III sein manipulatives Duo mit Cassio „Vieni, das Klassenzimmer ist verlassen ", mit der Anwesenheit eines verrückten Otello in einer anderen dramatischen Ebene. Die Überfälle von Eva-Maria Westbroek in verschiedenen Repertoires: wagneriano, blutig, Puccini, Verde, von Janacek, o Lady Macbeth de Shostakovich, Sie fordern ihren Tribut; und, Seine kraftvollen Stimmmedien werden von einem scheinbaren Vibrato zusammen mit einem gewissen Verlust an Homogenität in der Emission beeinflusst. Dies zeigt sich in seiner Interpretation von Desdemona, besonders in den Momenten der feinsten Lyrik, wie das große Duett mit Otello aus Akt I., oder in ihren Interventionen während Akt II: dúo mit Otello "D’un uom che moan" Anhänger des cuarteto "Wenn bewusstlos gegen dich, Bräutigam, Ich habe gesündigt ".

Die niederländische Sopranistin zeigt ihre beste Leistung in Akt III, in Momenten des größten dramatischen Schubes: dúo mit Otello „Gott, du spielst, oder Bräutigam…..Fest fest "y, vor allem, in „A terra! und, nel livido mud “mit erbärmlichen Akzenten vor der Verachtung und Demütigung, der Otello ausgesetzt ist. Und in Akt IV, Bessere Kontrolle über die Sendung durch eine gute Aufführung in "Piangea cantando nell'erma landa" (Weidenlied), gefolgt von "Ave Maria", voller Gnade ". Scheint zu sein, que Eva-Maria Westbroek, Er war nicht in der vollen Stimmkapazität und dies wurde bereits in Otellos Generalprobe deutlich. Ich erinnere mich an deine großartige Sieglinde (eine seiner großartigen Kreationen) von La Walkiria, in 2009, neben dem Siegmund von Placido Domingo, im valencianischen Palau de les Arts, das war sein Debüt in Spanien. und, vor allem, seine außergewöhnliche Kreation von Lady Macbeth aus Schostakowitsch am Teatro Real in Madrid, in 2011, wo ich die Gelegenheit hatte, sie zu interviewen, in einem sehr angenehmen und entspannten Gespräch auf Spanisch geführt, wo er seine große Bewunderung für zeigte Renata Tebaldi. Hören Sie sich eine Videoaufnahme von La Forza del Destino an, in 2008, vom Brüsseler Münztheater, Sie können seine großartige Kreation von Leonora nach dem Vorbild von Tebaldi sehen, und durchaus passend zum sogenannten "Verdian-Lied". jedoch, Die sieben Jahre, die vergangen sind, sind nicht umsonst vergangen.

Bericht auch, in diesem Otello, bemerkenswerte Leistung als Cassio des Tenors Francisco cisco~~POS=HEADCOMP Vas, sowie Mireia Pinto in der Rolle von Emilia und Stephen Vincent als Roderigo. Gute Leistung des Liceu-Chores, gut geführt von Conchita Garcia, mit seiner großen Rolle in Akt I., oder die großartige Konzertantin von Akt III. schließlich, weise auf gutes Schauspiel hin - genau wie Schauspieler- von Iagos sechs Schergen.

Text: Diego Manuel Garcia Perez-Espejo
Bilder: Miquel González / Schießen

Otello

Mucha war die Erwartung, dass die Premiere des erzeugten hatte Otello von Zubin Mehta und Davide Livermore in Palau de Les Arts. Und rechtzeitige und verdienten Erfolg, hat sammelte.
Während andere nach innen schauen, Suche nach nichts, Les Arts beendet seine Saison mit einem großartigen Demonstration der Stärke. Weder Drohungen der Krise, noch die Schwierigkeiten bei den Ressourcen zu erhalten ein Hindernis für Valencia haben eine wichtige Opernsaison angeboten, gipfelt mit der Brillanz dieser Arbeit aus eigener Produktion.
Otello, perfekt durch Tragödie zusammengebraut Giuseppe Verdi und Arrigo Boito, Es ist eine heroische und intensive Arbeit mit dem Verdi musikalische und dramatische Kontinuität intensiv Monologe und Duette erreicht durch, deklamierte mehr als gesungen, und eine Orchestrierung, Das unterstreicht die Dramatik und Subtilität während der Arbeit.
Die Oper beginnt und läuft mit einer großen Anzeige von visuellen Effekten. Der Inspizient und Beleuchtung, Davide Livermore, Ich war überrascht mit seinem landschaftlichen Ansatz durch eine spiralförmige Plattform gebildet, ein Kolben.
Auf der gleichen Bühne alle Szenen entfalten, jeweils durch ein efectistas Vorsprünge definiert, von einem stürmischen Meer bis hin zu intimen Räumen, in denen die Tragödie und den Tod von Desdemona entwickelt. Obwohl es gerade die Bilder war, die das Verbrechen illustriert die weniger Glück des Kontextes draußen zu bleiben.
Eine Bühne voller Symbolik. Eifersucht, Groll, Verrat… durch ein großes schwarzes Loch dargestellt, dass die Akteure gewandert zu oder weg von dem Kern.
Und als Zeremonienmeister, Zubin Mehta ein, trotz vielleicht zu langsam in einem Tempo, die Arbeit mit, Vielzahl von Farbtönen in einer Richtung pulcrísima entfalteten, Sprengstoff hellere Momente in den heiklen.
die Orchester von Valencia, verdientermaßen applaudiert, Er reagierte mit Flexibilität und Leichtigkeit auf die Aufträge von der Leitung, immer Momente von großer Schönheit, insbesondere durch die Seile, und erreichte Soundeffekte so entscheidend in Otello.
amerikanischer Tenor Gregory Kunde, die er erreichte der Palau Aleksandrs Antonenko ersetzen, Es war eine weitere angenehme Überraschung der Nacht. Obwohl für die Stimme von Otello mir wie ein dunkler Klangfarbe und weniger Rossiniano, Kunde war der herausragende Otello. Ohne Anspruch ernst Klanglichkeit suchen, dass am besten zu definieren den Charakter, aber er hat nicht, das beste war die Vielfalt der Harmonischen, vor allem in den hohen Tönen, dass ohne Angst angegriffen. Schade, dass der apianar seine Stimme Konsistenz verliert. Aber er begabt seinen Charakter in einem Drama spannend, vor allem im letzten Akt und Szene, beladen mit Symbolik, wobei Yago jede Bewegung wiederholt wie ein Schatten.
Maria Agresta, als Desdemona, Es war weniger mehr. Es hat einen schönen Klang und eine geschickte Möglichkeit, seine Stimme zu steuern. Er baute eine zarte Desdemona, unschuldig und viel Gefühl, sondern muss Dramatisierung arbeiten.
Eine weitere Attraktion des Abends war wieder zu hören, diesmal als machiavellistischen Verräter Jago, Bariton Carlos Alvarez. Sein Comeback wird sorgfältig pausiert.
Seine Stimme ist nicht vor. Das Volumen hat sich verringert und zeigten Schwierigkeiten bei Beförderungen. Aber seine Phrasierung, Adel auf der Bühne, sein eleganter Gesang und ein erster und zweiter Akt, in denen sein Instrument fest und voller Musikalität klang, Sie lassen die Tür offen für eine unbestreitbare Stimmentwicklung. Sichtbar aufgeregt erhielt er große Ovationen.
Marcelo Puente, wie Cassio, und besonders Cristina Faus als Emilia, Sie haben ihre Rollen mit großer Würde gelöst.
Sehr gut der valencianische Gemeinschaftschor. Kraftvoll und gut entwickelt auf der Bühne. Diskreter war die Aufführung des Kinderchors, Escolania von Unserer Lieben Frau von den Obdachlosen, offensichtlich verbesserungsfähig.
Escelente lenk Akteure. Verdi hat die Schwierigkeit seiner großen szenischen Bilder, mit Menschenmassen auf der Bühne, die nicht immer einfach zu verwalten sind. Diesmal Davide Livermore ist eine ausgezeichnete Wirkungsrichtung. Das Gleichgewicht auf der Bühne ist dauerhaft, auch wenn es mit Chor gefüllt, Soldaten, Sänger, Kinder ... nicht so leicht, Menschen in einem Gebiet zu bewegen, so unregelmäßig, aber Livermore bekommen es.
Kostüme, Selbstlivermore, abgerundete Zeichen Verpackungs, insbesondere Otello und Jago. Obwohl ich zugeben, dass ich Frisur Frauenchor verstanden.
schließlich, man, dass Otello, mit all seiner dramatischen Ladung, Es ist voller Frische, Licht und Talent auf der Bühne und dahinter.

OTELLO
Giuseppe Verdi (1813-1901)
1 Juni 2013
Oper in vier Akten
Libreto von Arrigo Boito. Basierend auf dem gleichnamigen Drama von W. Shakespeare
D. Musical: Zubin Mehta
D. Lichtszene: Davide Livermore
Videocreación: D-WOK
Neuinszenierung der Palau de les Arts Reina Sofía.
Gregory Kunde, Carlos Alvarez, Maria Agresta, Marcelo Puente, Cristina Faus, Mario Cerda