El joven contratenor polaco Jakub Józef Orliński se ha convertido en el último lustro en una de las grandes sensaciones de las escenas barrocas internacionales. Al Auditorio Nacional llegará esta vez junto a un grupo también polaco, fundado en Cracovia hace ocho años, para plantear una incruenta batalla entre repertorios vocales e instrumentales que involucran a dos de los héroes de la composición de la primera mitad del siglo XVIII , Haendel y Vivaldi. El duelo se disputará entre arias de ópera (la mayoría, del alemán) y conciertos para violín del veneciano.

Domingo 17 de enero a las 19:00 horas, sala Sinfónica.

Programa

Eroi. Battaglia tra lo strumento e la voce

Antonio Vivaldi (1678-1741)
Sinfonía-Allegro de L’Olimpiade, RV 725 (1733)
Allegro del Concierto para violín en mi menor, RV 273
‘Sento in seno’, de Giustino, RV 717 (1724)
Largo del Concierto para violín en mi menor, RV 273
Allegro del Concierto para violín en re menor ‘Per Pisendel’, RV 242 (1725)
Concierto para violín en re mayor ‘Il grosso mogul’, RV 208
Andante (Ciaccona) del Concierto para violín en re mayor, RV 222
George Frideric Haendel (1685-1759)
‘A dispetto d’un volto ingrato’, de Tamerlano, HWV 18 (1724)
‘Siam prossimi al porto’, de Rinaldo, HWV 7 (1711)
‘Furibondo spira il vento’, de Partenope, HWV 27 (1730)
De Tomoleo, re d’Egitto, HWV 25 (1728)
‘Stille amare’
‘Torna sol per un momento’
‘Cielo ingiusto’
‘Agitato da fi ere tempeste’, de Riccardo I, re d’Inghilterra, HWV 23 (1727)

Fotografía: Jiyang Chen

The Sixteen

El próximo domingo 14 de abril, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) recibe en su ciclo UNIVERSO BARROCO, programado en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música de Madrid, a Harry Christophers al frente de su conjunto The Sixteen. En esta ocasión presentan, a las puertas de la Semana Santa, uno de los oratorios más valorados de Haendel, Israel en Egipto, estrenado en Haymarket en 1739 y destacado por el peso notable de sus maravillosos números corales.

El coro de The Sixteen y su orquesta de instrumentos de época se encuentran hoy entre los mejores conjuntos del mundo, intérpretes excelsos de música renacentista, barroca y coral moderna, respaldados por la crítica en todo el mundo por sus interpretaciones precisas, llenas de poder y pasión. The Sixteen se formó gracias a la formación como coro de la catedral y maestro de coro de su fundador y director Harry Christophers. Su proyecto, lanzado en 1979, se basó en lo mejor de la tradición coral británica y estableció nuevos estándares de virtuosismo y musicalidad. Sus voces profesionales femeninas y masculinas crean un sonido distintivo de gran calidez y claridad. Aunque se ha refinado a lo largo de cuatro décadas, ese sonido ha permanecido notablemente consistente, siempre respondiendo al contenido emocional de las palabras y la música y alerta a los matices sutiles del color y la tonalidad. Su orquesta de instrumentos de época ha sido fundamental para la serie continua de oratorios de Haendel, que presentan por todo el mundo.

Las localidades para este concierto ya están a la venta en las taquillas del Auditorio Nacional de Música, en la web www.entradasinaem.es y en el teléfono 902 22 49 49, con precios que van de los 15€ a los 40€. Desde una hora antes del inicio del concierto se podrán adquirir en las taquillas del Auditorio las entradas de Último Minuto con un descuento del 60% para menores de 30 años y desempleados (localidades desde 6 euros).

Un oratorio excepcional
Desde que en 1719 fue nombrado Director Artístico de la Royal Academy of Music, la principal dedicación de Haendel como compositor en Londres fue la escritura de óperas italianas, aunque en los años 30 empezó también a componer oratorios ingleses, actividad que se hizo prioritaria desde 1740. Según comenta Pablo J. Vayón: “Haendel había tenido el primer contacto con el género del oratorio en Hamburgo, donde conoció las obras que sus amigos Mattheson, Keiser y Telemann presentaban en los templos en estrecha relación doctrinal con los sermones dominicales. Luego pasó por Italia, para escribir dos obras en el exuberante estilo cuasioperístico que se cultivaba en Roma en la primera década del siglo. Los oratorios haendelianos del Londres de 1730 tenían más que ver con los alemanes que con los italianos. Aunque eran destinados a los teatros, y no a las iglesias, estaban escritos en inglés y concedían a los coros un papel mucho más dominante que en Italia. Israel en Egipto es, en esencia, un oratorio coral en el que la fuerza de los coros y la casi ausencia absoluta de arias solistas acaso apuntan hacia un ideal colectivo, nacional. Con veintiséis números corales, de los cuales dieciocho están escritos a ocho voces, un recurso a la policoralidad que no encuentra parangón en todo el resto del catálogo del compositor y que en algunos momentos parece retrotraer su música al esplendor veneciano de los Gabrieli, las arias y dúos son, en realidad, poco relevantes desde el punto de vista dramático ya que Haendel los usa como argamasa para enlazar y fundir las grandes escenas.”

Radamisto de Haendel

El domingo 22 de abril a las 18 horas, el ciclo Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música de Madrid la última cita de este ciclo en la temporada actual: la ópera Radamisto de Haendel. El conjunto Wiener Akademie del inquieto Martin Haselböck, junto a un elenco de grandes estrellas del actual universo barroco (Carlos Mena, Patricia Bardon, Florian Boesch, Sophie Karthäuser…) serán los encargados de interpretarla en versión concierto.

Radamisto: Haendel en estado puro
Como comenta Eduardo Torrico: “Radamisto no es un título más en la insuperable producción operística de Georg Friedrich Haendel. Fue su primer título para la Royal Academy of Music, fundada en febrero de 1719 por un grupo de nobles londinenses para asegurarse un suministro regular de óperas serias italianas. El sajón sería elegido director y uno de los tres principales compositores que debían proveer de música a la compañía (los otros dos eran Giovanni Bononcini y Attilio Ariosti). Entre las obligaciones de Haendel estaban las de adaptar óperas extranjeras y proporcionar libretos —fundamentalmente provenientes de Italia— para consumo particular, así como la de seleccionar músicos. También correspondió a Haendel seleccionar los instrumentistas para una nutrida orquesta: diecisiete violines, dos violas, dos violonchelos, dos contrabajos, cuatro oboes, tres fagotes, un archilaúd, una trompeta y dos claves (uno de ellos, el propio Haendel). Haendel había compuesto para tan magna ocasión una ópera que llevaba por título Radamisto, pero los quehaceres de Jorge I no le permitían asistir al estreno, fijado para el 2 de abril de 1720, así que finalmente se representó el 27 de ese mismo mes en el King’s Theatre de Haymarket. Tanto caló el título en el público de Londres que Haendel repuso la ópera en el mismo teatro solo ocho meses después, el 28 de diciembre, con una segunda versión que difería considerablemente de la primera: buena parte de la música fue revisada y reasignada a otros personajes, con el propósito de adaptar los papeles a las voces de los cantantes que no habían intervenido en el estreno, como el castrato Senesino que recogió el rol principal”.

UNIVERSO BARROCO
AUDITORIO NACIONAL | SALA SINFÓNICA
Domingo, 22 de abril | 18:00 h.

WIENER AKADEMIE
Martin HASELBÖCK, director

G. F. HAENDEL: Radamisto
Ópera seria en tres actos con libreto de Nicola Francesco Haym

The King´s Consort

El domingo 25 de marzo a las 19 horas, el ciclo Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música de Madrid dos las obras más exuberantes y festivas de Haendel: Música acuática y Música para los reales fuegos artificiales, de la mano del mítico conjunto The King´s Consort, dirigido por Robert King. Las suites de la Música acuática fueron elaboradas por el compositor a partir de lo escrito para una travesía por el Támesis del rey Jorge I en julio de 1717. La Música para los reales fuegos artificiales nació unida a otra ceremonia real, la celebración en 1749 de la Paz de Aix-La-Chapelle. A estas dos piezas claves del Barroco se unirá la Suite de la última de las tragedias en música de Rameau, Les Boréades, obra que no se representó en vida del autor y se abandonó tras el primer ensayo.

Las entradas, con un precio general de 15€ a 40€, y descuentos hasta del 60% para los menores de 26 años y desempleados (entradas de “Último minuto”, con compra desde una hora antes del inicio del concierto en las taquillas de la sala) ya están a la venta en las taquillas del Auditorio Nacional y teatros del INAEM, además de venta online en www.entradasinaem.es y por teléfono en el 902 22 49 49.

La exuberante música para reyes
Según cuenta Pablo Vayón: “han quedado varios testimonios de la espectacular fiesta sobre el Támesis que el rey Jorge I de Inglaterra celebró el 17 de julio de 1717 y para la que Haendel, instalado en Londres un lustro antes, escribió una serie de piezas que con el tiempo serían agrupadas con el título genérico de Música acuática. Ningún manuscrito autógrafo ha sobrevivido y las ediciones que se publicaron a lo largo del siglo XVIII no coinciden ni en el número ni en las piezas concretas que pudieron ser interpretadas, por lo que Robert King ha recurrido a dos transcripciones para clave publicadas a principios de la década de 1720, una de ellas debida a John Christopher Smith, que llegaría a ser fiel secretario y copista de Haendel, para acercarse lo más posible a la disposición original. El carácter de la Música para los reales fuegos artificiales es también por supuesto festivo. Haendel la compuso para las celebraciones por el Tratado de Aix-la-Chapelle que puso fin a la Guerra de Sucesión austriaca en octubre de 1748, si bien la fiesta, que se celebró en Green Park, tuvo lugar en abril del año siguiente. La partitura autógrafa muestra que la primera interpretación de esta música, que se ajusta también al modelo de la suite de danzas a la francesa, tuvo que resultar un soberbio acontecimiento sonoro, pues la orquestación incluye nueve trompetas, nueve trompas, veinticuatro oboes, doce fagotes (incluido un contrafagot) y tres pares de timbales, así como una cantidad no especificada de tambores. Las cuerdas debieron añadirse para una interpretación posterior, a cubierto, en el Foundling Hospital. En los dos casos hablamos de música de gran brillantez, en la que Haendel fundió los principios de las tradiciones italiana y francesa.”

Considerado como uno de los grupos de instrumentos de época más importantes del mundo, la orquesta The King’s Consort y el Coro de The King’s Consort, fueron fundados en 1980 por Robert King y han girado por los cinco continentes, siendo su presencia es habitual en casi todos los países de Europa, Japón, Hong Kong y el Extremo Oriente, así como Norte y Suramérica. Durante más de tres décadas, The King’s Consort ha presentado un amplio abanico en su repertorio, desde 1550 hasta nuestros días, en las principales salas de música. Cabe destacar siete apariciones en los BBC Proms, representaciones de la espectacular Coronación del Rey Jorge II, la reposición del veneciano Lo Sposalizio, la Misa en Si menor y la Pasión según San Mateo de Bach, Elijah de Mendelssohn (interpretado por toda Europa), representaciones de The Fairy Queen de Purcell en España y Gran Bretaña, el concierto inaugural de las celebraciones del año Purcell en la TV de la BBC y el Requiem de Mozart en La Alhambra de Granada. Otras óperas llevadas a los escenarios han sido Ottone de Haendel en Japón y Gran Bretaña, Exio de Haendel en el Teatro de los Campos Elíseos de París y The Indian Queen de Purcell en el histórico teatro de Schwetzingen en Alemania. Otras giras han incluido conciertos y óperas en Japón, Hong Kong y Filipinas, México, Brasil y Argentina y a través de Estados Unidos y Canadá. De sus actuaciones recientes destacan Dido & Aeneas y King Arthur de Purcell en Barcelona, Madrid y Viena, La Coronación del Rey Jorge por toda Europa, la Misa en Si menor en Lucerna, El Mesías de Haendel en Versalles, Annecy, La Chaise-Dieu y Marsella, Les Illuminatios de Britten en el Wigmore Hall y en Francia, Mendelssohn en la Gewandhaus de Leipzig, así como giras por Francia, Hungría, Malta, Rumanía, Suiza y España. La temporada 2016/17 incluyó una extensa gira de El Mesías de Haendel, Las Vísperas de Monteverdi y Lo Sposalizio en el Festival de Rheingau, Juditha Triumphants en Viena, Ámsterdam y Versalles y una gira de seis conciertos en España con música de Purcell y de la época de Shakespeare, además de conciertos en Bélgica Francia, Alemania y Holanda.

Las grabaciones de The King’s Consort han sido ampliamente elogiadas, han recibido multitud de premios internacionales y vendido más de un millón y medio de copias. La orquesta graba ahora para la marca VIVAT y está especializada en la música de Haendel y Purcell; pero su amplio catálogo incluye música instrumental y coral de compositores desde Albinoni hasta Zelenka, incluyendo la Misa en Si menor de Bach, la Petite Messe Solennelle de Rossini, veinticinco grabaciones inéditas de las Odas completas de Purcell de sus canciones y de su música sacra; todo ello ha convertido a The King’s Consort en la principal orquesta mundial en interpretar a dicho autor. TKC también es reconocido por sus grabaciones de más de una docena de oratorios y operas de Haendel. Otros proyectos incluyen la grabación de la música sacra de Monteverdi, diez volúmenes de la música sacra completa de Vivaldi, una grabación de La Coronación del Rey Jorge, la Oda para Santa Cecilia de Haendel, Requiem de Michael Haydn (ganadora de la “mejor grabación coral” de la revista BBC Music) y la música sacra de Mozart con la soprano Carolyn Sampson. Con un centenar de CDs editados y más de un millón y medio vendidos, The King’s Consort es una de las orquestas mundiales de instrumentos históricos más grabada. El Coro de TKC ha participado en la música de películas de Hollywood como El Reino de los Cielos de Ridley Scott, las Crónicas de Narnia, Piratas del Caribe, Ratónpolis y El Código Da Vinci.

Harry Bicket

El domingo 11 de marzo a las 18 horas, el ciclo Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música de Madrid la ópera Rinaldo de Georg Frideric Haendel, obra que contiene varios de los verdaderos hits de la ópera barroca, como las famosísimas arias Lascia ch’io pianga o Cara sposa, amante cara. Estrenada en febrero de 1.711 en el Queen’s Theatre de Londres, se trata del primer título inglés de Haendel y una de sus obras más apreciadas hoy en día. El mítico conjunto The English Concert dirigido por Harry Bicket la interpretará, en versión concierto, con el contratenor británico Iestyn Davies en el rol principal, arropado por un elenco de absolutos especialistas en este género. Según el diario The Guardian: “Bajo la experta dirección de Bicket, The English Concert realiza una interpretación exquisita y revive esta enrevesada partitura llena de ingenio y encanto.” Las entradas para Madrid, con un precio general de 15€ a 40€, y descuentos hasta del 60% para los menores de 26 años y desempleados (entradas de “Último minuto”, con compra desde una hora antes del inicio del concierto en las taquillas de la sala) ya están a la venta en las taquillas del Auditorio Nacional y teatros del INAEM, además de venta online en www.entradasinaem.es y por teléfono en el 902 22 49 49.

Banco de pruebas del belcantismo
Según Arturo Reverter: “No hay duda de que Rinaldo es una de las óperas más famosas de Haendel…un auténtico aldabonazo en su momento, poco después de que el compositor aterrizara en Londres tras sus primeros escarceos en Alemania y su estancia en Italia. Su gusto por el bel canto, no el de los ornamentos y del puro virtuosismo, sino el de la frase plena que lleva a cantante y auditor a respirar a la vez, marca el camino. En esta como en otras óperas, en su perenne búsqueda de los efectos vocales más impactantes, Haendel planteó grandes exigencias a los solistas. Se hacía llamada a los principales recursos de un belcantismo que empezaba a adquirir por entonces su sazón y que venía de la mano de los adalides de las escuelas de canto, que establecían las sacrosantas reglas áureas que habrían de regir y enaltecer ese arte, elevándolo a alturas inaccesibles nunca alcanzadas con posterioridad. Toda esta preceptiva vocal, que se iría desarrollando y perfeccionando con el tiempo, se aplicaba ya, naturalmente, a las óperas de este primer —o segundo, si se quiere— período haendeliano. Rinaldo sería un estupendo banco de pruebas. Todas las fuentes están de acuerdo en que la música estuvo lista en el espacio de dos semanas, lo que revela la facilidad del compositor y también su habilidad para utilizar músicas provenientes de partituras anteriores, algo que ya había practicado en Agrippina. Por ejemplo, la aria Lascia ch’io pianga procede de una sarabanda instrumental de Almira, incluida ya, con otra letra (Lascia la spina), en su ópera Il trionfo del Tempo e del Disinganno.”

Reconocida como una de las mejores orquestas de cámara del mundo por sus exquisitas interpretaciones de música barroca y clásica, The English Concert atesora desde 1973 una amplia trayectoria guiada en sus comienzos por su fundador Trevor Pinnock, su sucesor Andrew Manze, y el actual director artístico Harry Bicket. Su extensa y premiada discografía de más de cien grabaciones incluye obras maestras de Bach a Purcell y de Haendel a Mozart, así como de algunos de los artistas contemporáneos más importantes. Colaboraciones con directores invitados de renombre, incluyendo los clavecinistas Laurence Cummings, Christian Curnyn y el el intérprete de fortepiano Kristian Bezuidenhout.
Dentro de su filosofía está la búsqueda de la innovación en sus colaboraciones, tanto en el teatro musical como en la ópera; abarcando desde el Festival de Buxton, el Globe de Shakespeare y el Sam Wanamaker Playhouse, hasta incluso salir sin temor fuera de las salas tradicionales para llegar a nuevos públicos. La orquesta también está profundamente influenciada por la literatura, celebrando hace dos temporadas el 400 Aniversario de las muertes de William Shakespeare y Miguel de Cervantes: las aventuras de Don Quijote a través de la música de Purcell y Telemann, o las representaciones musicales en Bard de A Midsummer Night’s Dream y Giulio Cesare in Egitto embarcándose en una gira por Asia. En la actualidad realizan una gira mundial con una serie de óperas en concierto, producción del Carnegie Hall de Nueva York, de Haendel (Radamisto -Daniels, Pisaroni, Rae-, Theodora -Röschmann, Connolly, Streit-, Alcina -DiDonato, Coote, Rice-, Hercules -Rose, Coote, Watts- y Orlando -Davies, Sampson, Cooke-), continuando con el éxito de temporadas anteriores.

Conocido internacionalmente como director de ópera y de orquesta, Harry Bicket destaca por su interpretación del repertorio barroco y clásico. En el año 2007 se convirtió en el director artístico de The English Concert, una de las mejores orquestas del Reino Unido y en 2013 fue nombrado director de la Ópera de Santa Fe, abriendo la temporada 2014 con un Fidelio aclamado por crítica y público. Nacido en Liverpool, estudió en el Royal College of Music y en la Universidad de Oxford, además de ser un consumado clavecinista. Entre las producciones más destacadas en los Estados Unidos y Canadá se encuentran Le nozze di Figaro y Rusalka, con la Houston Grand Opera; Maometto y Hércules con la Canadian Opera Company y Rodelinda, La clemenza di Tito y Giulio Cesare in Egitto con la Metropolitan Opera En Europa ha visitado, entre otros, el Liceo de Barcelona (Agrippina, Lucio Silla), la Ópera de Burdeos (Alcina) y el Theater an der Wien (Iphigénie en Tauride) con la Filarmónica de Oslo, además de sus apariciones en los BBC Proms (Samson, Misa en si menor, Being Both con Alice Coote). En el año 2001 su primera producción en Barcelona, Giulio Cesare, le valió el “Premio de la Crítica al mejor director de Ópera”. En 2003 su versión de Orlando de Haendel en la Royal Opera House Covent Garden recibió una nominación al Premio Olivier a la ‘Mejor Nueva Producción de Ópera’. Sus grabaciones a día de hoy con The English Concert incluyen lanzamientos para sellos discográficos como Virgin Classics, Chandos y Harmonia Mundi.

FRANCO FAGIOLI

Franco Fagioli, una de las voces más privilegiadas de nuestros días, presenta su personal selección de arias de Handel, un compositor estrechamente vinculado a los hitos de su carrera. Su sensual y aterciopelada voz no conoce límites y su coloratura virtuosística e intensidad emocional aportan un enfoque único a este repertorio, a través del cual Fagioli explora la amplia gama de emociones y affetti musicali típicos hendelianos.

El álbum supone el reencuentro de Fagioli con la dinámica orquesta Il pomo d’oro, con la cual el cantante está de gira presentando el álbum en los mejores teatros europeos.

“Handel Arias” es un ambicioso proyecto internacional con gran participación española en su producción.

EL factor “Carne de gallina”
Las interpretaciones de Haendel de Franco Fagioli nos llevan a un viaje sensual de descubrimiento

Está previsto que el más reciente recital grabado por el contratenor Franco Fagioli para Deutsche Grammophon, Arias de Haendel, se publique internacionalmente el 12 de enero de 2018. Grabado con el grupo especializado de instrumentos originales Il pomo d’oro, el disco incluye una selección personal de Fagioli de doce arias predilectas del rico y colorista mundo operístico de Handel, incluidos fragmentos de Serse, Rinaldo y Ariodante. Fagioli e Il pomo d’oro interpretarán este repertorio de gira en diversas salas y teatros de Francia, Alemania, Bélgica y España en enero y marzo de 2018.

El contratenor argentino Franco Fagioli es un verdadero animal escénico, aprovechando su tremenda capacidad para expresar emoción, así como su virtuosismo vocal, para que los personajes que interpreta cobren vida. Está en su líquido elemento en las coloristas óperas barrocas de Haendel, que le permiten desplegar al máximo todos los aspectos de su monumental talento.

Para su nuevo disco, Arias de Haendel, cuyo lanzamiento internacional está programado el 12 de enero de 2018, Fagioli ha buceado en las riquezas de las obras del compositor para reunir doce de sus arias predilectas. Se trata de piezas que reflejan muchos de los momentos definitorios de su carrera, explica: música que le provoca el “factor carne de gallina”. “Cuando estaba grabando, era como si estuviera realizando instantáneas de momentos que quería capturar para siempre”, dice. “Al elegir las arias, mi único criterio fue este: ¿qué piezas me emocionan más cuando las canto?” El resultado es una selección deslumbrante ‒y muy personal‒, que revela la profunda veneración que siente Fagioli por este gran compositor barroco. “Las óperas de Haendel son una música ineludible para cualquier contratenor”, señala. “Su inimitable estilo cautivaba tanto a los cantantes como a los públicos. Podría decirse que fue la estrella de Broadway del Barroco”.

Además de piezas tan famosas como “Ombra mai fu” de Serse o el aria de bravura “Venti turbini” de Rinaldo, Fagioli también ha elegido joyas en miniatura, como la radiante y etérea “Ch’io parta?” de Partenope, o “Dopo notte” de Ariodante, que se deleita en una luz dorada. Al margen de la popularidad de las arias, él ha llegado a sus propias interpretaciones personales, todas ellas impregnadas de su profunda comprensión de Haendel y su tiempo, así como de una conciencia de sus propias fuerzas que refuerzan su inspiración. Fagioli estaba decidido a que las grabaciones transmitieran el desarrollo emocional de los diversos personajes, aun careciendo del contexto de la ópera completa, y lo consigue de un modo tan extraordinario que oímos incluso las arias más famosas con oídos renovados y somos sensibles a todos los “affetti virtuosi” de la música.

Franco Fagioli ha encontrado los compañeros perfectos para esta incursión en los mundos sonoros de Haendel en los músicos del conjunto barroco italiano Il pomo d’oro. Desde que se formó en 2012, la orquesta ha estado explorando las sutilezas de la práctica interpretativa histórica, y en sus grabaciones con Fagioli sus instrumentistas hacen que resplandezcan todos los matices de las partituras, mostrando en todo su esplendor, de principio a fin, la extraordinaria e ingrávida belleza de su voz, con su tesitura de tres octavas. El entusiasmo de Fagioli por la música de Haendel es tan contagioso que se extiende de inmediato al oyente. Los esplendores del Barroco emanan de sus grabaciones, distinguiéndolo como uno de los intérpretes más apasionantes de nuestro tiempo.

(Traducción: Luis Gago)

Bejun Mehta
El domingo 23 de abril a las 19.30 horas, el ciclo Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta su penúltima cita en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música de Madrid con “Cantata” recital del contratenor Bejun Mehta acompañado por la reputada Akademie Für Alte Musik Berlin. Mehta vuelve a la temporada barroca del CNDM tras su espléndido Orfeo de Gluck de hace tres temporadas y tras el reciente éxito como Bertarido en la ópera Rodelinda de Haendel programada en el Teatro Real de Madrid. Mehta, uno de los contratenores más refinados de su cuerda, presenta un programa que nos acercará a la época álgida de los castrati, recreando un universo poliédrico que contiene arias de oratorios ingleses de Haendel junto a cantatas sacras y profanas de Bach y Vivaldi. Un viaje que nos transportará al corazón musical del siglo XVIII.

Considerado uno de los contratenores actuales más reputados, Bejun Mehta es invitado habitual de las principales salas internacionales de ópera y concierto. El estadounidense es, durante la presente temporada, Artista Residente en la Filarmónica de Dresde, donde está demostrando su versatilidad artística con cuatro programas diferentes como cantante y director, en los que presenta arias de las grandes óperas y oratorios de Haendel y Mozart además de la obra Dream of the Song de George Benjamin, cantata escrita para él y ya estrenada en Francia y Estados Unidos. En la escena operística acaba de obtener un gran éxito en el Teatro Real de Madrid como Bertarido en Rodelinda de Haendel.

Otras producciones le han llevado a interpretar a Farnace en Mitridate de Mozart en la Royal Opera House de Londres, el papel protagonista de Tamerlano de Haendel en Teatro alla Scala de Milán y Oberon en A Midsummernight’s Dream de Britten. Entre sus momentos más destacados de las últimas temporadas se incluyen el estreno mundial de Stilles Meer de Toshio Hosokawa para la Staatsoper de Hamburgo (papel de Stephan), que volverá a interpretarse en la temporada 17/18, y una nueva producción de Orfeo ed Euridice de Gluck bajo la dirección de Daniel Barenboim en la Staatsoper de Berlín. Además de su trabajo como cantante, Mehta está impulsando su faceta como director con un par de compromisos por temporada, caso de su labor con la Filarmónica de Dresde, y está ofreciendo clases magistrales de Canto, como las impartidas dentro del Proyecto de Jóvenes Cantantes del Festival de Salzburgo. Mehta cuenta con un amplio catálogo de discos, entre los que se encuentran Che Puro Ciel, una colección de arias clásicas con la Akademie für Alte Musik Berlin y René Jacobs, publicado en otoño de 2014 por Harmonia Mundi y galardonado con Le Diamant d’Opera Magazine y Choc de Classica y el disco en directo de Dream of the Song de George Benjamin con la Orquesta del Concertgebouw de Ámsterdam y George Benjamin dirigiendo, publicado en 2016 dentro de las series RCO Live, Horizon7 de dicha orquesta.

PROGRAMA:
George Frideric Haendel (1685-1759)
Siete rose rugiadose (1711/12)
Cantata Mi palpita il cor (ca.1709)
Antonio Vivaldi (1678-1741)
Concierto para cuerdas en re menor ‘Madrigalesco’ (ca. 1720)
Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Cantata Ich habe genug (1727)
Johann Christoph Bach (1642-1703)
Cantata (lamento) Ach dass ich wasser g’nug hätte zum weinen
A. Vivaldi
Cantata Pianti, sospiri e dimandar mercede
Antonio Caldara (1670-1736)
De La Passione di Gesù Cristo Signor Nostro
Sinfonía para cuerdas y continuo nº 12 en la menor (1730)
Melchior Hoffmann (1679-1715)
Schlage doch, gewünschte Stunde (atribuida a J.S. Bach)
G.F. Haendel
I will magnify Thee (1717/18)

SMR Cuenca

Se ha presenta en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid la 56 edición de la Semana de Música Religiosa de Cuenca. Es la primera del nuevo director artístico Cristóbal Soler quien desgranó el programa de esta edición, junto al resto de los asistentes Ángel Mariscal, Alcalde de Cuenca y Presidente del Patronato de la Semana de Música Religiosa de Cuenca, Ángel Felpeto, Consejero de Educación, Cultura y Deportes de la Junta de Comunidades de Castilla La Mancha. Vicepresidente del Patronato de la Semana de Música Religiosa de Cuenca, Benjamín Prieto, Presidente de la Exma. Diputación Provincial de Cuenca. Vicepresidente del Patronato de la Semana de Música Religiosa de Cuenca, Manuel Ventero, Director de Comunicación y Relaciones Institucionales de Radio Televisión Española, José María Sánchez Verdú, compositor, y José Luis García del Busto, Secretario General de la Real Academia de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y musicólogo, que presentó el acto.

Las novedades de esta 56 Semana de Música Religiosa de Cuenca son muy numerosas:

Se presentó la Nueva Academia de Perfeccionamiento Musical para las disciplinas de práctica orquestal, coral y vocal, a la que asistirán más de un centenar de personas llegadas de todo el país, con la colaboración de profesorado de prestigio nacional e internacional.

Estreno de la obra encargada para esta edición de la SEMANA DE MÚSICA RELIGIOSA DE CUENCA a Francisco Coll, Cantos, con el Cuarteto Casals; Coll será el compositor residente de esta edición y colaborará con la Academia.

Estreno en España de la ópera de cámara de José María Sánchez Verdú, Il gardino della vita (sobre la vida
espiritual del arquitecto Antonio Gaudí), con Arturo Tamayo, Alberto Jona, el Festival Lugano 900 Presente, el Teatro dell’Ombre y la Escolanía Ciudad de Cuenca.

Nuevas recuperaciones de partituras que se conservan en el Archivo de la Catedral de Cuenca, que serán interpretadas por Geoffrey Webber y el Caius College Choir, así como la interpretación de La Pasión según San Mateo, del compositor toledano Alonso Lobo, en el 400 aniversario de su muerte.

Nuevos premios honoríficos «a la defensa y divulgación de la música religiosa» en las modalidades de individual,
premiado que se anunciará en la presentación, y de agrupación para la Orquesta Sinfónica y Coro de Radio Televisión de España.

Nueva colaboración con la Universidad de Castilla-La Mancha en la realización de tres encuentros musicales: La música religiosa en el Lied: Franz Schubert, La música religiosa en la música de cámara: Franz Joseph Haydn y La música religiosa en el siglo XX: Olivier Messiaen.

Nueva actividad cultural vinculando el conjunto arquitectónico barroco de la ciudad con la SEMANA DE MÚSICA RELIGIOSA DE CUENCA, denominada Tras el paso de Martín de Aldehuela “Ruta barroca”, que se desarrollará en tres diferentes recorridos dedicados respectivamente a Georg Friedrich Haendel, el barroco italiano y Johann Sebastian Bach.

Estas dos nuevas actividades, colaboración con la Universidad y Ruta Barroca, pretenden ser dos líneas de actuación
en las que el público tendrá acceso por medio de entrada libre, con la intención de crear una SMR de Cuenca más cercana, útil, pedagógica y abierta a la sociedad.

La Orquesta y Coro de la Radio Televisión Española, premio honorífico de esta edición, residente de
esta edición de la SEMANA DE MÚSICA RELIGIOSA DE CUENCA.

Participación del director de escena José Carlos Plaza en la SEMANA DE MÚSICA RELIGIOSA DE CUENCA, con el fin de crear espacios escénicos-musicales en los lugares donde se celebrarán los conciertos.

Nueva iniciativa de carácter social (SMR Social), que acercará la música a centros públicos como hospitales y residencias de la tercera edad.

Durante la Semana Santa el Coro y Orquesta de la SMR participará en una gira con la cantata de Franz Schuber, Lazarus, oder: die Feier der Auferstehung, D.689; esta actividad se realizará en distintas ciudades de la Comunidad de Castilla-La Mancha.

Para más información, véase www.smrcuenca.es

 

Fabio Biondi

Fabio Biondi cierra la programación de 2016 en Les Arts con “Israel in Egypt”, de Händel, el jueves 22 de diciembre, a las 20.00 h en el Auditori. El director titular de la Orquestra de la Comunitat Valenciana se adentra en el repertorio de uno de sus autores fetiche, que ya presentó con éxito en su primera temporada al frente de la OCV con la ópera “Silla”.

El Cor de la Generalitat, que dirige Francesc Perales, canta una de las partituras corales más exigentes del repertorio junto con los cantantes del Centre Plácido Domingo Jorge Álvarez, Michael Borth, Karen Gardeazabal y Marianna Mappa, además de Cristina Alunno y Valentino Buzza, de anteriores promociones de este proyecto.

“Israel in Egypt” es un oratorio bíblico, con textos del Antiguo Testamento, principalmente del Éxodo y del Libro de los Salmos, que se estrenó el 4 de abril de 1739 en el King’s Theatre en el Haymarket de Londres. La obra de Händel narra la esclavitud del pueblo de Israel bajo el yugo del faraón y su posterior liberación guiados por Moisés. Al contrario que las anteriores composiciones del alemán, “Israel in Egypt” contiene más movimientos corales que para solistas.

Después de este oratorio, el maestro Biondi aparca el repertorio barroco para hacer una incursión en el clasicismo en Les Arts con “Philemon und Baucis”, de Haydn. Esta ópera compuesta para ser representada por marionetas se estrena el próximo 8 de enero en el Teatre Martín i Soler con la compañía de títeres Carlo Colla e Figli y las voces de los artistas del Centre Plácido Domingo.

Un poderoso ejercicio de reivindicación

Según indica Anselmo Alonso, del departamento de Dramaturgia de Les Arts, la génesis de la partitura está contagiada por el momento decisivo que atravesaba Gran Bretaña, en el que no pocos identificaron la esclavitud de los judíos bajo los egipcios, con el sometimiento del pueblo británico a los Hannover, la dinastía germánica reinante en Gran Bretaña.

Este oratorio, uno de los dos compuestos por Händel con textos de la Biblia, es un poderoso ejercicio de reivindicación del poder que reside en el pueblo y de su rebelión ante un injusto dominador.

Es por ello que su personaje principal es el coro, un doble coro del pueblo hebreo esclavizado, para el que el compositor escribe una sucesión de números apenas interrumpida por las intervenciones solistas, escasas en cantidad pero no por ello menos brillantes. A este esplendor contribuirá una orquesta llena de colores, sonidos de trompeta, trombones y timbales.

La idea de grito multitudinario fue puesta de manifiesto por público y prensa, en una reacción que confirma la grandeza del arte de Händel y la del arte en general: la potencia de su mensaje universal, pareja a la de su belleza formal, la identificación entre la música y el sentimiento íntimo, han convertido esta pieza en obra de arte universal.

William Christie

El concierto navideño de la 47ª temporada de Ibermúsica tendrá como protagonistas a la agrupación francesa Les Arts Florissants y al legendario director de orquesta, William Christie. Juntos interpretarán uno de los oratorios más populares sobre la vida de Jesús de Nazaret: El Mesías, de Haendel, el próximo miércoles 21 de diciembre, a las 19:30 horas, en el Auditorio Nacional de Música de Madrid. La agrupación, reconocida por haber rescatado del olvido el repertorio barroco francés, abordará una de las obras más impresionantes y simbólicas de esa época.

El Mesías se estrenó en Dublín en 1742. Desde entonces y durante toda su vida, Haendel dirigió cada año su representación en el Covent Garden de Londres durante la época de Pascua. La obra fue escrita con una rapidez inusitada (entre tres y cuatro semanas) y no existe una versión definitiva, pues Haendel reescribió varias de sus partes para adaptarlas a los solistas de los diferentes conciertos. Aunque el grueso del oratorio aborda la muerte y resurrección de Jesús, durante el siglo XIX se popularizó como una pieza de navidad en Estados Unidos.

La 47ª temporada de Ibermúsica, en la que se encuadra esta aparición, comenzó el pasado 24 de junio con el concierto inaugural de la Filarmónica de Viena. Desde entonces, y hasta mayo de 2017, Ibermúsica ha programado 25 actuaciones con 12 de las mejores orquestas del mundo. Se trata de la marca que lleva cerca de medio siglo trayendo lo mejor de la música a España. La institución, fundada por Alfonso Aijón y codirigida ahora por Llorenç Caballero, ha evolucionado en concordancia con los tiempos y ha sabido preservar el interés por la música clásica.

LES ARTS FLORISSANTS

Este conjunto francés fue fundado en 1979 por el clavecinista y director de orquesta franco-estadounidense, William Christie. Desde entonces, la agrupación ha desempeñado un papel pionero al imponer en el paisaje musical francés un repertorio hasta entonces descuidado y hoy sobradamente admirado e interpretado: el del Gran Siglo Francés y la música europea de los siglos XVII y XVIII. Dirigida habitualmente por William Christie, éste ejerce desde 2007 regularmente de codirector junto al tenor británico, Paul Agnew.

Cada temporada, Les Arts Florissants ofrecen alrededor de 100 conciertos y representaciones de ópera en Francia. Lo hacen en escenarios tan destacados como la Philharmonie de París -donde son artistas en residencia desde 2015-, en el Théâtre de Caen, La Opéra Comique, el Théâtre des Champs-Élysées, el Château de Versailles, así como en numerosos festivales. Son un activo embajador de la cultura francesa en el extranjero y reciben invitaciones para actuar en Nueva York, Londres, Edimburgo, Bruselas, Viena, Salzburgo, Madrid, Barcelona o Moscú , entre otras ciudades de todo el mundo.

Poseen una extensa discografía con cerca de un centenar de grabaciones en los sellos Harmonia Mundi, Warner Classics/Erato y Virgin Classics. En 2013, lanzaron su propio sello discográfico, Les Editions Arts Florissants, con el que ya han grabado cinco discos. El pasado 4 de noviembre salió a la venta su último LP, La Harpe Reine (con el sello Harmonia Mundi), junto a Christie y al reconocido arpista Xavier de Maistre. El álbum está inspirado en la música de arpa que imperaba en la corte francesa del siglo XVIII tras la llegada de María Antonieta de Austria al país galo.

En los últimos años, han creado numerosos programas de formación para músicos jóvenes, como la emblemática Academia Le Jardin des Voix. Asimismo, en 2012 pusieron en marcha el festival Dans les Jardins de William Christie, un evento anual que une artistas de Les Arts Florissants, alumnos de la Juilliard School of Music de Nueva York y finalistas del festival para ofrecer conciertos y paseos musicales. La agrupación recibe el apoyo del Ministerio de Cultura y Comunicación francés, así como de los American Friends of Les Arts Florissants.

WILLIAM CHRISTIE

Clavecinista, director, musicólogo y profesor, es el motor de uno de los proyectos musicales más apasionantes de los últimos 40 años: Les Arts Florissants. Ha redescubierto para el gran público francés la música barroca, un repertorio descuidado hasta la fecha. La carrera de este nativo de Buffalo (Nueva York), formado en las Universidades de Harvard y Yale, e instalado en Francia desde 1971, tomó un giro decisivo cuando en 1979 puso en marcha esta iniciativa pionera. A la cabeza de este conjunto instrumental y vocal, William Christie impuso, tanto en conciertos como en escenarios de ópera, un estilo muy personal de músico y hombre de teatro, renovando la interpretación de este repertorio. En 1987 conoció una verdadera consagración pública con la producción de Atys de Lully en La Opéra Comique de París, una producción que posteriormente también triunfó en numerosos escenarios internacionales.

Desde Charpentier a Rameau, pasando por Couperin, Mondonville, Campra o Montéclair, William Christie es el maestro indiscutible de la tragedia lírica francesa así como de producciones de ópera-ballet, motetes franceses y música cortesana. Asimismo, se ha dedicado a repertorios europeos, contribuyendo al redescubrimiento de las obras de compositores italianos como Monteverdi, Rossi y Scarlatti. Además de ser un gran conocedor e interprete de la música de Purcell, Haendel, Mozart y Haydn. La extensa carrera operística de William Christie ha estado marcada por numerosas colaboraciones con los más renombrados directores de escena y de ópera, como Jean-Marie Villégier, Robert Carsen, Alfredo Arias, Jorge Lavelli, Graham Vick, Adrian Noble, Andrei Serban, Luc Bondy y Deborah Warner. Entre sus más recientes proyectos se incluyen dos producciones en la Opéra Comique de París: Platée (Rameau), en 2014; y Les Fêtes vénitiennes (Campra), en 2015. Como director invitado, Christie aparece regularmente en prestigiosos festivales de ópera, así como en óperas internacionales, como el Metropolitan Opera de Nueva York, la Opernhaus de Zúrich o la Opéra National de Lyon. Entre 2002 y 2007 fue también director invitado de la Orquesta Filarmónica de Berlín.

Su abundante producción discográfica (más de 100 grabaciones, muchas de las cuales han sido premiadas en Francia y en el extranjero) ha sido publicada por los sellos Harmonia Mundi, Warner Classics/Erato y Virgin Classics, y en ellos se refleja la riqueza de su aventura artística. Sus más recientes grabaciones han tenido lugar con el sello Les Editions Arts Florissants: Belshazzar, Le Jardin de Monsieur Rameau, Music for Queen Caroline (un programa de obras religiosas de Haendel).

Con una amplia trayectoria como profesor, a lo largo de su carrera William Christie ha estado implicado en la formación de muchos de los directores de conjuntos barrocos franceses que comenzaron en Les Arts Florissants. Fue profesor en el Conservatorio de París desde 1982 hasta 1995, y desde 2007 ha sido Artista Residente en la Juilliard School of Music. En 2002 fundó junto Les Arts Florissants la academia Le Jardin des Voix, cuyos finalistas forman parte de una gira internacional de la agrupación que lidera. Debido a su afición a la jardinería, Christie puso en marcha en 2012 Dans les Jardins de William Christie, un festival de música que tiene lugar cada agosto en los jardines de Vendée.

William Christie ha sido distinguido con la Legión de Honor, el reconocimiento más importante de Francia, así como la Ordre des Arts et des Lettres y la Ordre National du Mérite. Es Doctor Honoris Causa por la State University de Nueva York, la Juilliard School of Music y la University of Leide (Países Bajos). En noviembre de 2008, fue elegido miembro de la Academia de Bellas Artes de Francia. Además, es Miembro Honorífico de la Royal Academy of Music de Londres.

En España, fue invitado entre 2008 y 2010 por el Teatro Real de Madrid para dirigir junto al director de escena Pier Luigi Pizzi la trilogía monteverdiana. Ha ofrecido recitales en el Teatro Arriaga de Bilbao, el Auditorio Nacional de Madrid, el Auditorio del Centro Miguel Delibes de Valladolid (del que son residentes desde la temporada 2010/11), el Auditorio de Galicia en Santiago de Compostela. En 2011 obtuvo un gran éxito en el Auditorio Príncipe Felipe de Oviedo con Arias y Duettos de Cámara, junto a Philippe Jaroussky y Max Cencic. Ese mismo año también fue muy celebrado su Pygmalion de Rameau en el Palau de la Música de Valencia. En 2015 dirigió a la Orquesta Nacional de España en el Auditorio Nacional del Madrid.

PROGRAMA MIÉRCOLES 21 DE DICIEMBRE

Auditorio Nacional de Música, Sala Sinfónica, 19:30 horas

Duración aproximada 120 minutos

Haendel El Mesías

EMMANUELLE DE NEGRI, soprano
CARLO VISTOLI, contratenor
SAMUEL BODEN, tenor
KONSTANTIN WOLF, bajo
Cencic

El domingo 16 de octubre a las 18 horas, el ciclo Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música de Madrid, la ópera Tamerlano de Haendel, interpretada, en versión concierto, por Il Pomo d´Oro con Maxim Emelyanychev a la dirección y un elenco vocal excepcional protagonizado por grandes voces internacionales especializadas en este repertorio: Xavier Sabata, Max Emanuel Cencic, Juan Sancho, Romina Basso, Dilyara Idrisova y Pavel Kudinov. Se trata, sin lugar a dudas, de una de las grandes citas de la temporada lírica madrileña.

El tenor como protagonista

En 1724 George Friedrich Haendel era, sin discusión posible, el gran dominador de la escena de Londres. Su cruzada para implantar la ópera italiana en Inglaterra transcurría acompañada del éxito. El 20 de febrero de ese año, en la quinta temporada de la Royal Academy of Music –fundada por un grupo de aristócratas para asegurarse un suministro constante de óperas serias–, el compositor sajón estrenó Giulio Cesare. El público londinense la recibió con entusiasmo: trece representaciones, además de veinte reposiciones en los años 1725, 1730 y 1732. Haendel había dejado el listón muy alto y era consciente de que sus incondicionales ya no se iban a conformar con óperas que estuvieran a un nivel inferior. El 31 de octubre de ese mismo año, en lo que suponía la apertura de otra nueva temporada de la Royal Academy of Music en el King’s Theater de Haymarket, tiene lugar el estreno de Tamerlano, escrita durante el mes de julio, en el increíble espacio de sólo tres semanas. La fortuna vuelve a sonreírle: nueve funciones, a las que se sumarán otras tres funciones más al final de la temporada, en mayo de 1725.

Tamerlano confirmó a Haendel como el gran talento operístico del momento y se ha convertido en una de las óperas más populares de su autor y en un título clave en la historia de la música, entre otras cosas porque incluye el papel de tenor más desarrollado de todo el corpus lírico haendeliano, que en esta interpretación asumirá Juan Sancho. En plena edad de oro de los castrati, a Haendel se le ocurre que el protagonista fuera una voz grave, en concreto, la de Francesco Borosini para el papel de Bajazet. Sí, porque el protagonista de esta historia no es Tamerlano, como pudiera sugerir su título, sino Bajazet, emperador otomano que fue derrotado en 1402 por Tamerlán, líder militar y político tártaro. Curiosamente, una parte de la extraordinaria partitura tiene procedencia casi religiosa, ya que había sido previamente utilizada por Haendel en el oratorio italiano La Resurrezione (Roma, 1708) y en la Brockes-Passion alemana (Hamburgo, 1719). Estamos ante una de las tragedias haendelianas más profundas, intensas y potentes. Se trata, además, de una ópera que presenta una increíble cantidad de problemas musicodramáticos, razón por la cual resulta raro que los directores de la actualidad se decanten –ya sea para representaciones en salas de concierto o para grabaciones de estudio– por la versión original de 1724 (el único que se ha atrevido a ello ha sido George Petrou, en la grabación que realizara para el sello germano MDG en 2006). La versión que escucharemos en esta cita es la de 1731, en la cual hay cambios sustanciales: se acortan de manera significativa los recitativos, se prescinde de varios números y se ofrece un aria añadida, “Nel mondo e nell’abisso”, para el famoso bajo Antonio Montagnana, quien intervino en dicha reposición en el papel de Leone. Dicha aria pertenecía a la ópera Riccardo primo, estrenada en 1727. No obstante ello, se ha optado por recuperar aquí el formidable terceto de Tamerlano, Bajazet y Asteria “Voglio strage”, el cual figuraba en la versión de 1724.

Las entradas, con un precio general de 15€ a 40€, y descuentos hasta del 60% para los menores de 26 años y desempleados (entradas de “Último minuto”, con compra desde una hora antes del inicio del concierto en las taquillas de la sala) ya están a la venta en las taquillas del Auditorio Nacional y teatros del INAEM, además de venta online en www.entradasinaem.es y por teléfono en el 902 22 49 49.

Alcina en el Teatro Real de Madrid

Una ópera barroca es siempre un acontecimiento. Primero, y tratándose de Alcina, por la excelencia de su música. Y segundo por las escasas oportunidades que tenemos de disfrutarlas.

Se puede decir que Alcina fue el producto final tras la mala relación de dos genios de la música del barroco. Haendel como compositor que era entonces director en el Royal Academy of Music (1720-1728), con sede en el King´s Theatre, y el contratenor Senesino como intérprete de la mayoría de sus composiciones.

En 1734 las diferencias entre ambos se acentúan y deciden separarse. El compositor se marcha del King´s Theatre, para instalarse en el Covent Garden, y Senesino comienza a trabajar para un nuevo compositor italiano, Nicola Porpora, fundando en el King´s Theatre la nueva compañía “Opera of the Nobility” (Ópera de la Nobleza).

Esta nueva situación empresarial suponía un duelo operístico entre los antiguos colaboradores. Haendel sentía la obligación de crear una obra con capacidad de competir con su rival en el Londres de la época. Y es aquí donde aparece nuestra protagonista, Alcina.

El gusto por la mitología más extravagante que se producía en la época de su composición, llevó a Haendel a fijarse en un libreto anónimo, basado en L´isola d´Alcina de Riccardo Broschi, basado a su vez en los Cantos VI y VII del poema épico Orlando Furioso (1516) de Ludovico Ariosto. Un cuento en el que la hechicera Alcina convierte en animales o rocas a sus antiguos amantes.

Alcina ha estado durante mucho tiempo condenada injustamente a permanecer fuera de los repertorios habituales. Acusada de “irrepresentable” y por supuestas dificultades para la teatralización de un endiablado libreto donde la interrelación de los personajes casi obliga al espectador a utilizar una guía de quién es quién.

Esta producción de la Ópera de Burdeos se compone de distintas vertientes a tener en cuenta. La primera, y más importante, la extraordinaria música de Haendel. Una obra maestra del barroco únicamente superada por Julio César. Es esta la principal razón por la que no se entienda que el público no termine de llenar el teatro o, incluso, lo abandone en alguno de los dos descansos de los que ha constado. Pero tal vez encontremos más adelante la explicación a esta imperiosa necesidad de cenar.

La propuesta escénica de David Alden está inspirada en la película de Woody Allen, La Rosa Púrpura del Cairo. Bajo la idea del teatro dentro del teatro, Alden descubre la clave fantástica de la obra. Como dos caras de la misma moneda nos presenta el sueño y la realidad. Tal vez por eso Alcina canta su primer aria detrás del telón.

Desde el mundo de los sueños, de la fantasía. Es en ese momento cuando empieza el cuento. Un decadente teatro y la entrada a los palcos, son los escenarios principales de la obra.

A pesar de este derroche de genialidad de David Alden, la propuesta escénica no termina de llegar al público. Resulta excesivamente estática en algunos casos y en otros falta de ritmo y de equilibrio. Hay momentos en los que la desconexión entre música y escena es evidente. La leve iluminación de Simon Mills sabe llenar de luz los pequeños detalles, pero oscurece situaciones que precisan de más brillo. Se echa de menos un libro de claves, no solo para identificar a los personajes, también para saber el significado de algunas escenas.

La impresión general es que, quizá, el Teatro Real le viene un poco grande a esta producción. Pero a quien le viene grande de verdad ha sido a algunos de los componentes de este segundo reparto.

María José Moreno da vida a una Morgana aguda y alegre. Interpretando sus principales arias con destreza y haciendo gala de cualidades casi pirotécnicas en el “Tornari a vagghegiar”. Sus agudos y ligereza dieron brillo a su impecable interpretación.

Sofia Soloviy ha sido una Alcina muy solvente, sobre todo en la interpretación. Su elegante línea de canto nos regaló una Alcina con cierta apariencia aristocrática.

José María Lo Monaco, como Ruggiero, no pasó de ser agradable. Su “Verdi prati” del segundo acto estuvo lleno de emotividad.

El resto del reparto no tuvo su noche. A Angélique Noldus apenas se la podía escuchar y Johannes Weisser, como Melisso, hizo sufrir a los espectadores en alguna de sus intervenciones. Lo mismo les ocurrió a Anthony Gregory y Franceca Lombardi Mazzulli. Parecía no salirles a veces la voz del cuello.

Un gran teatro no deber permitir el sufrimiento de algunos cantantes en escena. Tampoco el de algunos espectadores que pagan el mismo precio por escuchar a primeras figuras.

La dirección orquestal de Cristopher Moulds fue un bálsamo. Demostró como se puede llegar a un sonido barroco sin necesidad de instrumentos de época. Acompañó siempre a cada instrumento de la Orquesta y a cada cantante en el escenario y siempre sonriendo. Hay que resaltar a los músicos que interpretaron desde el escenario, Eva Jornet y Melodi Roig, flautas de pico. Victor Ardelean, violín y un magistral Simon Veis al violonchelo.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: JAvier del Real
Vídeos: Teatro Real

ALCINA
Georg Friedrich Händel
D. musical: Christopher Moulds
D. escena: David Alden
Escenógrafo y figurinista: Gideon Davey
Iluminación: Simon Mills
Coreógrafa: Beate Vollack
Reparto: Sofia Soloviy, María José Moreno, José María Lo Monaco, Angélique Noldus, Johannes Weisser, Anthony Gregory, Francesca Lombardi Mazzulli.
Orquesta Titular del Teatro Real

Natalie Dessay

El próximo martes 29 de septiembre, a las 20.00 horas, el Teatro Real ofrecerá el primer concierto de su ciclo VOCES DEL REAL, un recital de Natalie Dessay, acompañada al piano por Philippe Cassard.

La cantante francesa vuelve al Real, donde debutó en marzo de 2008 interpretando arias de ópera italiana y francesa.

En esta ocasión, cinco años después, Natalie Dessay trae al coliseo madrileño un programa más intimista, íntegramente compuesto por canciones, repertorio que frecuenta con asiduidad desde que en 2013 se despidiera de los escenarios operísticos tras interpretar el rol titular de Manon de Massenet en Toulouse.

Después de más de veinte años de brillante carrera, marcada por sus dotes vocales y dramáticas, y su capacidad para ir adaptando el repertorio a la idiosincrasia de su voz, Natalie Dessay ha redireccionado su trayectoria artística en diversas ocasiones, explorando un vasto repertorio, que abarca desde los papeles de soprano coloratura que la han catapultado a la fama, hasta los roles belcantistas más dramáticos, sin olvidar sus interpretaciones de Monteverdi, Bach, Haendel, Debussy o Stravisnky.

La soprano, verdadero ave fénix del canto, dedica esta etapa de su vida a espectáculos puramente teatrales, su vocación primordial, y a conciertos de cámara en los que, sin embargo, siguen patentes la ductilidad de su voz, su expresividad y el talento actoral que la han consagrado como artista.

El programa que interpretará en Madrid, con los sentimientos, imágenes, recuerdos y perfumes que transitan por los poemas de Goethe, Hugo, Thomas Moore o Baudelaire exaltados por la música de Schubert, Mendelshonn, Liszt, Duparc, Fauré o Bizet, permitirán a Natalie Dessay, con la complicidad del refinado pianista Philippe Cassard, exhibir su extraordinaria versatilidad en este delicado repertorio.

Al término de su recital la soprano estará a disposición del público para la firma de autógrafos en el foyer del Teatro Real.