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Händel Archives - Brío Clásica

Un reparto de lujo, con Joyce DiDonato, Elsa Benoit, Renato Dolcini, Xavier Sabata, Franco Fagioli y Andrea Mastroni, actuará junto con la orquesta Il Pomo d’oro, bajo la dirección del clavecinista Maxim Emelyanychev. [Reparto y biografías en el Programa de mano]

La presentación de Agrippina, de Georg Friedrich Händel (1685-1759), el próximo 16 de mayo, se sumará a los diez títulos de este compositor que se han ofrecido en el Teatro Real desde su reapertura: Giulio Cesare (2002), Ariodante (2007), Tamerlano (2008), Il trionfo del tempo e del disinganno (2008), Tolomeo, Re d’Egitto (2009), Theodora (2009), Agrippina (2009), Alcina (2015), Rodelinda (2017) y Ariodante (2018).

La ópera será interpretada en versión de concierto con un reparto de cantantes muy afines a este tipo de repertorio, como las sopranos Joyce DiDonato (Agrippina) y Elsa Benoit (Poppea), el bajo-barítono Renato Dolcini (Claudio), los contratenores Franco Fagioli (Nerone), Xavier Sabata (Ottone/Giunone) y Carlo Vistoli (Narciso), el bajo Andrea Mastroni (Pallante) y el barítono Biagio Pizzuti (Lesbo). Actuarán junto a la orquesta Il Pomo d’oro, que ha tocado en el Teatro Real dos veces en 2017 en sendos conciertos protagonizados por Joyce DiDonato y Franco Fagioli, dirigidos, como en esta ocasión, por Maxim Emelyanychev.

La fecunda estancia del joven Georg Friedrich Händel en Italia durante cerca de 3 años y medio, de 1706 a 1710, sería determinante en el devenir de su carrera creativa y profesional, que culminaría en Londres, donde el compositor ‘reinaría’ durante más de cuatro décadas, con una actividad frenética como compositor y empresario, componiendo ahí sus páginas de más alto vuelo e inspiración, sin abandonar jamás la fuerte influencia de la ópera seria italiana, incluso cuando sus preceptos eran ya anacrónicos.

Agrippina, sexta de las 42 óperas de Händel, fue escrita como colofón a ese fecundo trienio italiano y estrenada con todos los honores en el fastuoso teatro San Giovanni Grisostomo de Venecia, bajo el auspicio de los hermanos Grimani -uno de los cuales, Vincenzo Grimani, está considerado el probable autor del libreto-. El reparto estelar, que reunía a algunos de los mejores cantantes de entonces, contribuyó sin duda al estruendoso éxito del estreno, en el que Händel fue ovacionado con sonoros ¡Viva il caro Sassone!, aludiendo a su origen sajón que dejaba su impronta sobre todo en la riqueza armónica de la partitura.

El libreto de la ópera, cuya trama, basada en personajes históricos, es típica del melodrama veneciano del siglo XVII, ha sido interpretado frecuentemente como una crítica al papa Clemente XI -asociado al personaje de Claudio -y a la depravación de la curia romana; o como una evocación de la Guerra de Sucesión española, con el enfrentamiento entre Felipe de Anjou y Carlos de Austria reflejado en la disputa entre Nerone y Ottone. En ambos casos el libretista, perteneciente a la poderosa familia veneciana de los Grimani, apoyaba abiertamente la causa finalmente perdedora, de los Habsburgo.

Pese a que Agrippina es una obra de juventud, conformada mayoritariamente con páginas musicales retiradas de obras anteriores de Händel-algunas extraídas también de obras de compositores coetáneos-, la partitura ostenta muchas de las cualidades ‘hendelianas’ que crecerán a lo largo de su carrera: articulación de recitativos, arias y números de conjunto con coherencia y continuidad dramatúrgica; personajes con entidad psicológica individualizada; rigor estructural de la partitura, maestría en el uso de la escritura armónica, cromatismo y modulación, etc.

De la valía de esta gran partitura dará cuenta el concierto del próximo 16 de mayo, que traerá al Teatro Real una nueva partitura de Händel, compositor cada vez más asiduo en el repertorio de los teatros líricos.

LA SPAGNA

Cerrando sus conciertos de este otoño, La Orquesta Barroca La Spagna, que dirige Alejandro Marías, debuta el 15 de diciembre en la sala sinfónica del Auditorio Nacional con El Mesías de Händel. Actuarán con el coro de la Universidad Politécnica de Madrid y su director titular, Javier Corcuera, así como con los solistas Sonia de Munck, soprano, Marta Infante, alto, Diego Neira, tenor, y Christopher Robertson, barítono. “Nuestro debut en el Auditorio Nacional ha tardado en llegar, pero sin duda la espera ha merecido la pena”, asegura Alejandro Marías, quien también afirma que “es un gran paso que la UPM haya querido contar con una orquesta especializada como la nuestra para este concierto; en otros países de Europa sería insólito escuchar música de Händel o Bach interpretada por orquestas modernas, pero en España aún sigue siendo frecuente”. Para este concierto, la orquesta barroca La Spagna contará con una extensa plantilla que incluye a muchos de los mejores músicos historicistas de nuestro país.

La formación de música antigua La Spagna, fundada y dirigida por Alejandro Marías en 2009, es uno de los grupos de música antigua que más han despuntado en los últimos años. Con disposiciones muy diferentes, desde un reducido grupo de cámara hasta producciones orquestales y operísticas con directores invitados, el conjunto toca instrumentos originales o copias adaptadas a cada época y estilo, así como con unos criterios interpretativos de carácter histórico que acercan a la música tal y como fue concebida por sus autores. La Spagna, premio GEMA al mejor grupo joven de música antigua, ha publicado recientemente A Tribute to Telemann, un monográfico de música orquestal que ha recibido elogios unánimes de la crítica internacional.

La Spagna completa con este concierto su agenda de este otoño entre los que se cuentan, entre otros, el concierto de conmemoración del 350º aniversario de François Couperin en el XI West Coast Early Music Festival en Portugal y el estreno, el 2 de diciembre, de la versión inédita de Francisco Asenjo Barbieri de Las Siete Palabras, de Haydn. La Spagna, junto con Rafael Ruibérriz de Torres, flauta travesera, interpretan, por primera vez en tiempos modernos esta versión para flauta y cuarteto de cuerda desconocida hasta hoy, precisamente en el mismo escenario donde se estrenó la obra original, el Oratorio de la Santa Cueva, dentro del Festival de Música Española de Cádiz.

Alejandro Marías (Madrid, 1984) es profesor de viola da gamba del Conservatorio Superior de Sevilla, director artístico de La Spagna, violonchelista del Cuarteto Goya y colaborador habitual de grupos como Zarabanda o Forma Antiqva. Ha dado conciertos en una veintena de países y grabado para sellos como Brilliant, Warner o Winter&Winter, al tiempo que desarrolla una labor como investigador, conferenciante y ensayista.

Serse

Franco Fagioli protagoniza la primera grabación mundial de la ópera “Serse” de Handel con un contratenor en el papel principal de Serse, originalmente cantado por un soprano castrato.

El contratenor encabeza un reparto estelar acompañado por el conjunto historicista Il pomo d’oro y la batuta de Maxim Emelyanychev.

REPARTO

Franco Fagioli, Serse
Vivica Genaux, Arsamente
Inga Kalna, Romilda
Francesca Aspromonte (courtesy Pentatone), Atalanta
Andrea Mastroni, Ariodate
Delphine Galou, Amastre
Biagio Pizzuti, Elviro
Cantica Symphonia, choir (Giuseppe Maletto, director del coro)
Il Pomo d´Oro Orchestra
Maxim Emelyanychev, director musical

“Franco Fagioli fue perfecto como el impredecible tirano… Verdaderamente confirmó su estatus como el contratenor estrella de su generación. Su paleta de colores vocales fue vasta, su coloratura, perfecta, y su musicalidad y sentido del estilo barroco asombrosos. […] El resto del reparto estuvo a la altura, todos ellos especialistas barrocos con una coloratura clara y brillante. […] La orquesta fue Il pomo d’oro, un conjunto de época creado en 2012, que se ha consolidado como uno de los más interesantes del panorama musical actual. Confirmaron su posición con una actuación precisa y reflexiva, dinámicas matizadas y un estilo perfecto. Maxim Emelyanychev dirigió desde el clave con energía e impulso; Su juventud, evidente en su aspecto juvenil, contrastó con su indiscutible experiencia y habilidad.

Franco Fagioli

Franco Fagioli, una de las voces más privilegiadas de nuestros días, presenta su personal selección de arias de Handel, un compositor estrechamente vinculado a los hitos de su carrera. Su sensual y aterciopelada voz no conoce límites y su coloratura virtuosística e intensidad emocional aportan un enfoque único a este repertorio, a través del cual Fagioli explora la amplia gama de emociones y affetti musicali típicos hendelianos.

El álbum supone el reencuentro de Fagioli con la dinámica orquesta Il pomo d’oro, con la cual el cantante está de gira presentando el álbum en los mejores teatros europeos. “Handel Arias” es un ambicioso proyecto internacional con gran participación española en su producción. Franco Fagioli es el primer contratenor que firma un contrato en exclusiva con el prestigioso sello Deutsche Grammophom. “Handel Arias” es el segundo álbum de Fagioli como artista exclusivo de Deutsche Grammophon. El álbum reúne algunas de las arias más famosas del compositor (“Cara sposa”, “Ombra mai fu”, “Scherza infida”, etc.) así como algunas joyas menos conocidas como “Ch’io parta” o “Sento brillar”)

Fagioli es admirado por su técnica vocal belcantística y por su voz inigualable, aterciopelada, redonda y rica en matices, la cual comparan a menudo con la de grandes mezzosopranos de todos los tiempos. Franco es un músico muy completo (estudió también la carrera de piano y dirección), lo cual le da una comprensión profunda y una expresión privilegiada de sus personajes Fagioli, argentino de nacimiento, descendiente de italianos y españoles, y madrileño de adopción (ha fijado su residencia en la ciudad) es un enamorado de nuestra cultura (incluida la zarzuela, que le cantaba su madre).

EL factor “Carne de gallina”
Las interpretaciones de Haendel de Franco Fagioli nos llevan a un viaje sensual de descubrimiento

Está previsto que el más reciente recital grabado por el contratenor Franco Fagioli para Deutsche Grammophon, Arias de Haendel, se publique internacionalmente el 12 de enero de 2018. Grabado con el grupo especializado de instrumentos originales Il pomo d’oro, el disco incluye una selección personal de Fagioli de doce arias predilectas del rico y colorista mundo operístico de Handel, incluidos fragmentos de Serse, Rinaldo y Ariodante. Fagioli e Il pomo d’oro interpretarán este repertorio de gira en diversas salas y teatros de Francia, Alemania, Bélgica y España en enero y marzo de 2018.

El contratenor argentino Franco Fagioli es un verdadero animal escénico, aprovechando su tremenda capacidad para expresar emoción, así como su virtuosismo vocal, para que los personajes que interpreta cobren vida. Está en su líquido elemento en las coloristas óperas barrocas de Haendel, que le permiten desplegar al máximo todos los aspectos de su monumental talento.

Para su nuevo disco, Arias de Haendel, cuyo lanzamiento internacional está programado el 12 de enero de 2018, Fagioli ha buceado en las riquezas de las obras del compositor para reunir doce de sus arias predilectas. Se trata de piezas que reflejan muchos de los momentos definitorios de su carrera, explica: música que le provoca el “factor carne de gallina”. “Cuando estaba grabando, era como si estuviera realizando instantáneas de momentos que quería capturar para siempre”, dice. “Al elegir las arias, mi único criterio fue este: ¿qué piezas me emocionan más cuando las canto?” El resultado es una selección deslumbrante ‒y muy personal‒, que revela la profunda veneración que siente Fagioli por este gran compositor barroco. “Las óperas de Haendel son una música ineludible para cualquier contratenor”, señala. “Su inimitable estilo cautivaba tanto a los cantantes como a los públicos. Podría decirse que fue la estrella de Broadway del Barroco”.

Además de piezas tan famosas como “Ombra mai fu” de Serse o el aria de bravura “Venti turbini” de Rinaldo, Fagioli también ha elegido joyas en miniatura, como la radiante y etérea “Ch’io parta?” de Partenope, o “Dopo notte” de Ariodante, que se deleita en una luz dorada. Al margen de la popularidad de las arias, él ha llegado a sus propias interpretaciones personales, todas ellas impregnadas de su profunda comprensión de Haendel y su tiempo, así como de una conciencia de sus propias fuerzas que refuerzan su inspiración. Fagioli estaba decidido a que las grabaciones transmitieran el desarrollo emocional de los diversos personajes, aun careciendo del contexto de la ópera completa, y lo consigue de un modo tan extraordinario que oímos incluso las arias más famosas con oídos renovados y somos sensibles a todos los “affetti virtuosi” de la música.

Franco Fagioli ha encontrado los compañeros perfectos para esta incursión en los mundos sonoros de Haendel en los músicos del conjunto barroco italiano Il pomo d’oro. Desde que se formó en 2012, la orquesta ha estado explorando las sutilezas de la práctica interpretativa histórica, y en sus grabaciones con Fagioli sus instrumentistas hacen que resplandezcan todos los matices de las partituras, mostrando en todo su esplendor, de principio a fin, la extraordinaria e ingrávida belleza de su voz, con su tesitura de tres octavas. El entusiasmo de Fagioli por la música de Haendel es tan contagioso que se extiende de inmediato al oyente. Los esplendores del Barroco emanan de sus grabaciones, distinguiéndolo como uno de los intérpretes más apasionantes de nuestro tiempo.

(Traducción: Luis Gago)

PRÓXIMOS CONCIERTOS DE PRESENTACIÓN EN ESPAÑA

Programación del CNDM

13.03.18 Oviedo, Auditorio Príncipe Felipe

15.03.18 Madrid, Auditorio Nacional

17.03.18 Zamora, Iglesia de San Cipriano

19.03.18 Sevilla, Espacio Turina

Joyce DiDonato

Una paciente Joyce DiDonato observa, sentada desde el fondo del escenario, como el público entra en la sala y toma asiento. Se está poniendo de moda esta entrada a porta gayola, que requiere de cierta valentía para arrancarse a cantar si haber calentado previamente.

La mezzosoprano estadounidense presentaba en el Teatro Real de Madrid su nuevo espectáculo (y disco) “En guerra y paz: armonía a través de la música”. Un proyecto cargado de buenas intenciones en el que DiDonato ha puesto todas sus energías. Buscar la paz y la armonía a través de la música y hacer de ello un proyecto humanitario. Este es el gran desafío que plantea DiDonato con su nuevo espectáculo.

El programa está dividido en dos partes bien diferenciadas, la primera dedicada a la guerra, en la que se interpretan obras de G. F. Händel (1685-1759), Leonardo Leo (1694-1744), Emilio de Cavalieri (1550-1602), Henry Purcell (1659-1695) y Carlo Gesualdo (1566-1631). La segunda parte, mucho más coherente, estuvo dedicada a la paz, con obras de Purcell, Händel y Arvo Pärt (1935), del que se interpretó la estremecedora obra Da pacem, Domine. Composición que fue encargada por Jordi Savall en memoria a las víctimas del atentado de Madrid de 2004.

 

 

La actuación de Il Pomo d´Oro fue, simplemente, magistral. Es sin duda una de las mejores formaciones que pueden escucharse en la actualidad. La genial dirección de Maxim Emelyanichev, también al clave, llenaron de energía y musicalidad un recital en el que el acompañamiento musical estuvo por encima del de la interpretación de una DiDonato que posee un gran magnetismo sobre el escenario, pero que ayer no consiguió transmitir tanta carga dramática. Tal vez el exceso elementos visuales impidió el recogimiento que requerían las obras.

Se trata de un espectáculo muy visual, con efectos de luz y proyección de vídeos y una coreografía ejecutada por el bailarín Manuel Palazzo, que acompañan la interpretación de DiDonato. Cuando los elementos que acompañan a este tipo de espectáculos no aportan nada al mismo, simplemente, son innecesarios. Eso es lo que ocurrió anoche en esta guerra y paz. La sencilla, aunque elegante, coreografía de Palazzo, no aportaba nada al espectáculo. Tampoco las proyecciones de video de Yousef Iskandar, aunque no por ello dejaron de ser hermosas. La música barroca no necesita de ningún adorno ni aditivo más allá de su propia interpretación. Y si ésta, además, corre a cargo de Il Pomo d´Oro, nada se puede echar en falta.

El recital terminó con un agradecido discurso de Joyce DiDonato y dos excelentes propinas, el aria Par che di guibilo, de Attilio Regolo, de Niccolò Jommelli (1714-1774) y un intimista Morgen!, de Richard Strauss (1864-1949), para terminar una noche en la que recibió el calor del público de Madrid.

Joyce DiDonato

El próximo 2 de junio, viernes, a las 20.00 horas, Joyce DiDonato volverá al Teatro Real con un concierto integrado en el ciclo Voces del Real, en el que presentará su nuevo proyecto artístico titulado En guerra y paz, armonía a través de la música, cuya idea surgió tras los atentados de París en noviembre de 2015 y con el que, a través de la música barroca, reflexiona sobre la desesperación y la esperanza.

Concebido como una propuesta artística que trasciende el concierto clásico convencional, DiDonato se ha rodeado de un grupo de artistas de gran prestigio e inquietudes intelectuales que han colaborado en el diseño del espectáculo. La parte instrumental estará interpretada por la formación barroca Il Pomo d’Oro, con dirección musical de Maxim Emelyanichev. Sobre la escena las proyecciones del artista visual Yousef Iskandar y la coreografía de Manuel Palazzo desarrollarán el discurso narrativo articulado por una selección de arias de Händel y Purcell, entre otros.

El programa está vertebrado por dos conceptos antagónicos: la guerra y la paz. La primera parte, centrada íntegramente en la guerra, se abrirá con el aria Scenes of Horror, Scenes of Woe, del oratorio Jeptha, de Händel. A partir de ese momento, la voz expresiva y dúctil de Joyce sumergirá al espectador en los sentimientos de rabia, miedo, dolor y venganza surgidos de los conflictos humanos. Del compositor alemán se escucharán también arias de Rinaldo y Agripina, junto a otras de Andromaca, de Leonardo Leo y Dido and Aeneas, de Henry Purcell.

Completarán esta parte piezas instrumentales barrocas de Emilio de’ Cavalieri (la Sinfonia da Rappresentatione di anima e di corpo), Henry Purcell (​chacona en Sol menor para tres violines y continuo) y Carlo Gesualdo (Tristis est anima mea. Tenebrae Responsoria No. 2).

Tras el descanso llegará el momento de la paz, el canto a la vida, el amor y la esperanza. Del caos y las tinieblas, del espíritu devastador, surgirán la actitud y la palabra decididamente optimistas. The Indian Queen, de Purcell, y Susanna y Rinaldo de Händel exigirán de la cantante estadounidense su máximo virtuosismo. La obra instrumental Da pacem, Domine del compositor estonio Arvo Pärt preparará el espíritu para las palabras de Cleopatra: “… así mi corazón, tras penas y llantos, ahora que halla su consuelo, se colma de felicidad…” (Giulio Cesare, Händel).

Joyce DiDonato mantiene una estrecha relación con el Teatro Real, en cuyo escenario dio los primeros pasos de su carrera en Europa, interpretando a Angelina en La cenerentola (2001). Desde entonces ha protagonizado tres óperas ─Ariadne auf Naxos (2006), Idomeneo re di Creta (2008) y Der Rosenkavalier (2010)─ y dos conciertos ─uno con Les talents lyriques (2008) y otro con Il complesso barroco (2013)─, siempre con una entusiasta acogida por parte del público.

El concierto de Joyce DiDonato en el Teatro Real será el primero de su gira por España, que incluye actuaciones en Barcelona y Oviedo junto a Il Pomo d’Oro.

FIRMA DE DISCOS

Al término del concierto Joyce DiDonato estará a disposición del público para la firma de su último disco, In War & Peace.

Temporada Les Arts

El Palau de les Arts Reina Sofía aumenta la colaboración institucional y ofrece 249 sesiones artísticas y educativas en la Temporada 2017-2018, que han presentado hoy en conferencia el secretario autonómico de Cultura y Deporte, Albert Girona, y el intendente-director artístico Davide Livermore.

Una oferta, que como ha señalado Albert Girona, incluye 38 representaciones de ópera, 10 de ballet, 11 conciertos sinfónicos, 2 sesiones de música de cámara, 3 recitales, 4 conciertos de música de banda, 5 jornadas de actividad continua i gratuita, 37 funciones de espectáculos educativos. 110 funciones que junto con las propuestas y talleres didácticos suma la cifra de 248 sesiones de actividades para la ciudadanía, 27 más que la anterior Temporada.

El secretario autonómico de Cultura ha puesto en valor los acuerdos con la Universitat de València, la Federación de Sociedades Musicales, el Ayuntamiento de València, la Agencia Valenciana del Turismo, la Diputación de València, además de una actividad sinfónica en Alicante y Castelló, en la línea de apertura de Les Arts al territorio, que este año acogerá nuevamente, doce años después de su inauguración, el concierto institucional del 9 de Octubre.

Asimismo, Albert Girona ha recordado la apuesta del Govern del Botànic por lograr una auténtica participación de la ciudadanía del patrimonio cultural, que se materializa en una pretemporada con precios populares y una programación al mismo nivel artístico que el resto de espectáculos de Les Arts.

Lucrezia Bori en una nueva interpretación del artista italiano Francesco Calcagnini se mantiene como icono de Les Arts según ha avanzado Davide Livermore. El ilustrador y escenógrafo ha creado, además, una serie de composiciones que constituirán la imagen de cada una de las propuestas de la Temporada 2017-2018.

El 5 de octubre, Fabio Biondi, con un concierto con obras de Händel y Rameau, inaugura la Pretemporada de Les Arts, siguiendo la misma filosofía de precios populares que anteriores ediciones: entradas de 7 a 50 euros para las representaciones de ópera y de 10 a 20 euros para los conciertos, junto con los pases combinados con descuentos añadidos de hasta el 50% sobre estos importes.

Como principal novedad, este año, Les Arts estrena una nueva producción de ‘Madama Butterfly’, de Puccini, con cinco funciones los días 11, 14, 17, 20 y 22 de octubre. Diego Matheuz, la nueva estrella del Sistema Venezolano de Orquestas, asume la dirección musical. En el escenario, dos jóvenes estrellas: la soprano armenia Liana Aleksanyan, que debutó en La Scala de Milán con Riccardo Chailly en el papel de Cio-cio san, y el toledano Sergio Escobar, que recientemente salvó ‘in extremis’ la despedida de Zubin Mehta del Maggio Musicale Fiorentino al sustituir al protagonista de ‘Don Carlo’ ya comenzada la función. El joven valenciano Emilio López, que comenzó su carrera en el centro de artes, firma la puesta en escena.

El 2 de noviembre, Fabio Biondi dirige, en versión de concierto, el primer título dentro la colaboración con la Agencia Valenciana del Turismo: ‘Le cinesi’, de Gluck, ópera sobre las diferencias culturales entre oriente y occidente, con con dos primeras voces en el Auditori: la soprano italiana Desirée Rancatore y la mezzo sueca Ann Hallenberg. Una semana después, el día 7, el maestro palermitano ofrece su primer Rossini en Les Arts: ‘Petite Messe Solennelle’, obra sacra del genio de Pésaro.

El día 10 de noviembre regresa La Fura dels Baus con cinco funciones de ‘El amor brujo’, de Falla. Carlus Padrissa dirige este espectáculo alrededor de la célebre gitanería y otras obras del compositor español, que combina palabra, fuego, magia, arena y agua en una fiesta para los sentidos. En el podio, debuta con la Orquestra de la Comunitat Valenciana una de las jóvenes batutas más prometedoras del panorama nacional, el madrileño Andrés Salado.

Por segundo año consecutivo, los artistas del Centre Plácido Domingo clausuran la Pretemporada con el concierto ‘Noves Veus’, con fragmentos de ópera en el programa.

Temporada de ópera

El 9 de diciembre, Plácido Domingo, en el papel de Rodrigo, inaugura la Temporada de abono con ‘Don Carlo’, la monumental ópera de Verdi sobre las intrigas palaciegas del rey Felipe II en El Escorial. Ramón Tebar, principal director invitado, dirige un reparto de primerísimas estrellas: María José Siri, Violeta Urmana, Alexánder Vinogradov y Andrea Carè. El reconocido ‘regista’ suizo Marco Arturo Marelli, es el autor de esta producción de la Deutsche Oper de Berlín.

Gregory Kunde regresa en febrero para interpretar al pescador inglés Peter Grimes, en la ópera homónima de Benjamin Britten, uno de los primeros éxitos del compositor inglés. Christopher Franklin vuelve al foso para ofrecer el tercer Britten para la Orquestra de la Comunitat Valenciana. El alemán Willy Decker, autor de ‘La Traviata’ minimalista que abrió el curso lírico 2013-2014, firma la puesta en escena del montaje, adquirido al teatro La Monnaie de Bruselas.

En el mes de marzo, los artistas del Centre Plácido Domingo protagonizan en el Teatre Martin i Soler ‘Il mondo della luna’, de Haydn, una deliciosa ópera bufa sobre los engaños a un inocente burgués apasionado por la astronomía que hará disfrutar a todos los públicos. Emilio Sagi estrena un interesante montaje del Teatro Arriaga, premiado como la mejor producción operística de 2013 en España, y cuenta con direccion musical de Jonathan Brandani.

A finales de ese mismo mes, el centro operístico recupera una de las óperas de juventud de Giuseppe Verdi: ‘Il Corsaro’, melodrama trágico en tres actos basado en el poema homónimo de Lord Byron, que -por primera vez en su carrera- dirige Fabio Biondi. El joven tenor estadounidense, Michael Fabiano, una de las sensaciones del momento, protagoniza este título junto con Oksana Dyka y la prometedora soprano Kristina Mkhitaryan. Nicola Raab que estrenó en 2012 la aplaudida puesta en escena de ‘Thaïs’, de Massenet, realiza su primera producción para Les Arts.

En mayo, el podio de la Sala Principal recibe a Nicola Luisotti, director de la Opera de San Francisco, para ‘Tosca’, de Puccini. La diva armenia, Lianna Haroutounian, protagoniza esta obra, que representamos en un montaje de Davide Livermore para el Teatro Carlo Felice de Génova y que aborda la historia de la actriz Floria Tosca y el pintor Mario Caravadossi desde múltiples puntos de vista.

Roberto Abbado estrena en Les Arts ‘La damnation de Faust’, de Berlioz, leyenda dramática entre la sinfonía y la ópera alrededor de la obra de Goethe, con el tenor canario Celso Albelo y el bajo burgalés Rubén Amoretti como protagonistas. Damiano Michieletto, uno de los ‘registas’ del momento firma esta nueva coproducción de Valencia con la Ópera de Roma y el Teatro Regio de Torino.
El Auditori de Les Arts programa el 24 y 28 de junio la última ópera que dejó escrita Mozart, ‘La clemenza di Tito’, en versión de concierto-espectáculo, con Fabio Biondi como director musical. Dos reputadas voces mozartianas: el tenor estadounidense René Barbera y la distinguida soprano italiana Eva Mei, encabezan el reparto.

Ballet

Los días 21, 22, 23, 24 y 25 de febrero, la Sala Principal recibe la visita de la Compañía Antonio Gades con un espectáculo que revolucionó la visión del flamenco en el mundo: ‘Carmen’, el tercer ballet narrativo del mítico bailarín y su primera colaboración con Carlos Saura. Flamenco, la música de Bizet y la literatura de Prosper Mérimée se reúnen en este espectáculo, la segunda propuesta de danza que programa Les Arts.

Conciertos, música de cámara y recitales

Además de los conciertos de Pretemporada, el Palau de les Arts incluye en su duodécima Temporada otras siete citas de referencia con la Orquestra de la Comunitat Valenciana, entre las que destaca el regreso, después de 12 años, del Concierto Institucional del 9 de Octubre. El alcoyano Jordi Bernàcer, primer valenciano que dirigió ópera en la Sala Principal, se pone al frente de la formación titular de Les Arts para esta jornada.

Roberto Abbado se subirá en tres ocasiones al podio del Auditori. El 14 de diciembre, el maestro milanés propone obras de Haydn, Beethoven y Hindemith, mientras que el 25 de mayo, abunda en uno de los autores que más éxitos ha dado a la OCV: Mahler con su séptima sinfonía, también llamada ‘Canción de la Noche’. El 2 de junio, el director musical de Les Arts dirigirá una de las grandes citas de la Temporada, el concierto lírico en el que Mariella Devia interpretará algunas de las arias que la han encumbrado como reina del bel canto.

Plácido Domingo protagoniza el concierto de Navidad en su faceta de director de orquesta el 22 de diciembre, en una cita en la que Les Arts celebrará el 30 aniversario del Cor de la Generalitat Valenciana. La oferta sinfónica también incluye un concierto, el 2 de febrero, con el ganador del Concurso Internacional de Piano José Iturbi y la Orquestra de la Comunitat Valenciana, fruto de la colaboración de Les Arts con la Diputación de València.

El 20 de abril, la Orquestra de la Comunitat Valenciana recibe a una de las batutas más apreciadas por el público, el húngaro Henrik Nánási, que después de ‘El castillo del duque Barbazul’, ‘Macbeth’ y ‘Werther’ para dirigir un concierto con la OCV.

La Temporada 2017-2018 mantiene la música de cámara con dos conciertos de Fabio Biondi y los profesores de la Orquestra de la Comunitat Valenciana los meses de marzo y abril en los que interpretan la integral de los ‘Conciertos de Brandenburgo’, de Bach. Asimismo, los artistas del Centre Plácido Domingo ofrecen dos recitales de ‘Lied’ en abril y junio.

Programa didáctico

El Programa Didáctico de Les Arts aumenta su presencia en la temporada con 176 sesiones planificadas, que incluyen desde espectáculos educativos como: ‘Siente la música’, ‘Detectives en la ópera’, ‘Dibujar la Música’, Lecturas Dramatizadas y Conciertos participativos hasta talleres didácticos, acciones divulgativas y de acercamiento de la lírica.

A lo largo del curso, el centro cultural acogerá propuestas de trabajo alrededor de la ópera, su entorno profesional y funcionamiento como ‘La ópera en construcción’, ‘Una mañana con…’, ‘Atrezzomania’, ‘VestuArts’, ‘CaracterizaT’, ‘Tots a Cor’, además de los grupos de trabajo del Proyecto LÓVA.

Asimismo, junto con las conferencias previas a las funciones de ópera, que se realizan en colaboración con la Universitat de València, los principales protagonistas de la temporada participarán en actividades divulgativas como ‘La voz de…’ y los encuentros magistrales.

El programa también incluye iniciativas para la apertura de la lírica al público más joven con programas como ‘Siente la ópera’, funciones orientadas a la comunidad educativa y los ‘European Opera days’.

Actividades gratuitas y de apertura de Les Arts

El 24 de septiembre, Les Arts celebra la X Jornada de Puertas Abiertas, con dos espectáculos gratuitos: un concierto de Jordi Bernàcer y la Orquestra de la Comunitat Valenciana y un recital de los cantantes del Centre Plácido Domingo con fragmentos de ópera y zarzuela.

El centro de artes volverá a celebrar el natalicio de Mozart con la maratón cultural ‘Mozart, Mozart Nacht und Tag’, que registró el pasado enero, en su primera edición, la asistencia de 2.500 personas a las más de 24 horas de oferta de música, charlas y actividad para todos los públicos.

Como cada temporada, Nit a Les Arts clausurará la actividad del teatro con espectáculos técnico-artísticos desde el escenario de la Sala Principal y música en vivo en diferentes terrazas y espacios abiertos del edificio durante dos noches consecutivas.

Además, el ciclo ‘Bandes a Les Arts’ se incorpora oficialmente a la Temporada con cuatro conciertos los días 17 de septiembre, 11 de febrero, 25 de marzo y 3 de junio, además de la celebración del Certamen de Bandas de la Comunitat Valenciana que tradicionalmente acoge el Auditori.

Rodelinda

Rodelinda, una de las más bellas óperas de Händel llegaba por primera vez al Real en la que es ya la temporada de los grandes estrenos.

El Londres de 1725 es la ciudad más cosmopolita de Europa. Con más de un millón de habitantes y ajena a los conflictos que se suceden en el continente, disfruta de una actividad artística notable. Händel, el mayor exponente de la ópera italiana en Londres, no solo ejerce como compositor, sino también como empresario, dirige en esos momentos la Royal Academy of Music, empresa dedicada a actividades operísticas. Los años 1724 y 25 fueron los de mayor actividad creativa del compositor. Durante estos dos años y a toda velocidad, compuso tres grandes obras, Julio César, Tamerlano y Rodelinda. Contaba para ello con el virtuosismo de los mejores cantantes de la época.

El personaje principal de Rodelinda, Bertarino, fue interpretado por el más famoso castrati del momento, Senesino. De Rodelinda se encargó la gran diva Francesca Cuzzioni, no muy agraciada y pésima actriz, pero con una voz y un magnetismo sobre el escenario que hipnotizaba al público. Francesco Borosino estaba considerado también el tenor más importante del momento, se encargaba de dar vida a Grimoaldo. No era habitual encontrar tenores en las composiciones de esa época, y menos en papeles tan extensos, pero Borosino había triunfado con Tamerlano y Händel compuso para él un importante papel.

A pesar de la ser una obra maestra, Rodelinda tuvo un discreto éxito en su estreno y apenas se repuso un par de veces más. La dificultad de encontrar tenores de importancia puede ser una de las razones de sus escasas representaciones en aquel momento. En la actualidad, el barroco parece que se resiste a formar parte del repertorio habitual. Esto puede deberse a la larga duración de estas obras, ya que en el siglo XVII y XVIII la música era un complemento a las actividades recreativas que el público desarrollaba en los teatros, y el “miedo” de algunos directores de escena a esas arias dacappo y recitativos, que ponen en dificultades el ritmo de las obras. El caso es que Rodelinda ha llegado hasta nuestros días siendo una gran desconocida.

Para remediar esta ausencia se ha presentado una nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la ópera de Frankfurt, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona y la Opéra de Lyon. Bajo la dirección escénica de Claus Guth, que siguiendo su estilo arquitectónico, del que ya dio buena cuenta su extraordinario Parsifal, ha recreado, junto al escenógrafo Christian Schmidt, una casa palaciega inspirada en el período en el que Händel vivió en Londres.

Para desentrañar la complicada trama de Rodelinda, junto a la obertura y a modo de introducción, Guth recurre a una pequeña genealogía y una escena muda a cámara lenta que nos pone en antecedentes. La gran casa giratoria, dividida en estancias a las que llevan las distintas escaleras, es el mejor escenario para representar las intrigas familiares.

El planteamiento de Guth sabe potenciar todos los elementos importantes de la obra. Proporciona dimensiones diferentes a las arias dacappo y utiliza acciones paralelas para romper el estatismo de las repeticiones. Es aquí donde adquiere gran importancia uno de los personajes principales que, curiosamente, no canta. Se trata del pequeño Flavio, hijo de Rodelinda y Bertarido, que interpreta el actor colombiano Fabián Augusto Gómez. Fue proporcionando las claves de la obra con su magnífica actuación. Flavio vive con dramatismo todas las intrigas familiares y las refleja a través de sus dibujos, que son proyectados en escena. Vive una realidad paralela, que solo él ve, y que le atormenta.

Ivor Bolton, que aún saborea el éxito de Billy Budd, ha reducido el tamaño de la orquesta y ha incorporado instrumentos de época, como el chitarrón a manos de Michael Freimuth, la flauta travesera o las trompas. Muy importante la participación del clavecinista David Bates, cuya conexión con Bolton, también al clave, era evidente y llena de energía. La orquesta fue de menos a más y alcanzó algunos momentos brillantes. Siempre pendiente de los cantantes, Bolton hace una lectura de la partitura muy acertada.

Los protagonistas de las obras barrocas tienen roles muy diferentes a los de la ópera italiana del siglo XIX. Rodelinda es una mujer fuerte y heróica que nada tiene que ver con las delicadas protagonista italianas. La estrella masculina aquí es el contratenor, mucho más sutil que el galán del XIX. Por el contrario, el tenor, protagonista en la ópera italiana, en el barroco ocupa un lugar secundario.

Este segundo reparto, muy español, ha defendido la obra de manera espléndida. Xabier Sabata, como Bertarido, cumplió perfectamente con el papel. Aunque en algún momento tuvo que competir con el volumen de la orquesta, su actuación estuvo inspirada, sobre todo en un emotivo Con rauco mormorio.

La soprano Sabina Puértolas interpretó a una Rodelinda valiente y llena de sensibilidad. Posee un hermoso timbre, centro amplio y consistente y agudos fluidos que crecieron con ella según avanzaba la obra. Usó con elegancia la coloratura, para la que tiene una gran facilidad. Su Ombre, pianre, urne funeste y mio caro bene estuvieron llenos de intención y delicadeza.

El malvado Grimoaldo ha estado interpretado por el tenor Juan Sancho. Su timbre es pulido y soleado. Muy bien en la dramatización creando un Grimoaldo retorcido y superficial al principio y más noble cuando fue desarmado por los acontecimientos. Se echa de menos una voz más voluminosa. Brilló con luz propia en las arias del tercer acto.

Lidia Vinyes-Curtis sorprendió por su fabulosa presencia escénica. Recreó una Eduige frívola y taimada como corresponde al personaje. Tiene buen volumen de voz y cambia con facilidad de registro. Muy bien el Teatro Real al apostar por nuevas voces que tienen una proyección más que interesante.

El Ununlfo del contratenor sudafricano Christopher Ainslie empezó inseguro pero se fue asentando hasta alcanzar un buen nivel, tanto en el volumen como en la calidad de su interpretación.

Garibaldo estuvo interpretado por el barítono español José Antonio López. Su actuación fue convincente y su timbre adecuado, pero el volumen fue por momentos excesivo y poco refinado.

Sin duda esta Rodelinda ha sido un éxito más de esta temporada, lo que debería ser un aliciente para programar más obras barrocas (no tendremos en cuenta la Alcina de pasadas temporadas). Tres horas y media en este caso han sabido a poco.
Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real
Vídeos: Teatro Real

RODELINDA
Ópera en tres actos
Música de Georg Frirdrich Händel
Libreto de Nicola Fracesco Haym, adaptado del libreto Rodelinda, regina de ´Longobards de Pierre Corneille.
Estrenada en el King´s Theatre de Londres, el 13 de febrero de 1725
Estreno en el Teatro Real
Director musical: Ivor Bolton
Director de escena: Claus Guth
Escenógrafo y figurinista: Christian Schmidt
Iluminador: Joachim Klein
Creador de vídeo: Andi A Müller
Dramaturgo: Konrad Kuhn
Clavecinista: David Bates
Organista: Bernard Robertson
Chitarrón: Michael Freimuth
Reparto: Xavier Sabata, Sabina Puértolas, Juan Sancho, Lídia Vinyes-Curtis, Christopher Ainslie, José Antonio López, Fabián Augusto Gómez
Orquesta Titular del Teatro Real

Franco Fagioli

A pesar de vivir en Madrid y de ser una de las voces de contratenor más reclamadas en la actualidad, el argentino Franco Fagioli no había debutado aún en esta ciudad. Esa puede ser una de las razones por las que había tantos asientos libres. Y es que Fagioli era, al menos hasta el miércoles, un desconocido para el gran público. Quien no asistió el 22 de marzo al recital de Fagioli en el Teatro Real simplemente se perdió una de las sorpresas de la temporada.

Se presentaba en Madrid con un programa cargado de dificultades, pues las arias escritas para Caffarelli por el poeta italiano Metastasio son extraordinariamente complicadas. Interpretó Obras de Domenico Sarro, Nicola Antonio Porpora, Johann Adolph Hasse, Leonardo Leo, Leonardo Vinci, Giovanni Battista Pergolesi, Angelo Ragazzi, Pasquale Cafaro y Gennaro Manna.

La voz de Fagioli es diferente a la de cualquier otro cantante de su cuerda. Más cerca de una contraalto que de un contratenor. Capaz de alcanzar tres octavas, ofreció un recital que fue de menos a más, alcanzando la apoteosis del virtuosismo en la segunda parte, donde llegó al sobreagudo. Su técnica es precisa, de vertiginosa coloratura. Su voz posee una elasticidad que le permite transitar de graves formidables a sobreagudos con gran facilidad, y generar siempre un sonido resplandeciente, gracias a un hermoso timbre. Carismático sobre el escenario, fue sintiéndose cómodo a medida que avanzaba en el programa y ofreció varias propinas que concluyeron con ‘Ombra mai fu’, de Händel, que provocaron el delirio del público. Tiene un grave problema con la dicción que debería solucionar. Pero su pésimo fraseo no estropearon en ningún momento sus dos horas y media de concierto en el que estuvo acompañado por Dimitry Sinkovsky, al frente de Il Pomo d´Oro, que fueron la compañía perfecta para la pirotecnia vocal de Fagioli.

Rodelinda de Händel

El próximo 24 de marzo el Teatro Real subirá por primera vez a su escenario Rodelinda, ópera de Georg Friedrich Händel, de la que se ofrecerán nueve funciones, hasta el 5 de abril, en una nueva producción del Teatro Real, en coproducción de la Ópera de Fránkfurt, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona y la Opéra de Lyon.

Rodelinda, uno de los títulos del compositor alemán menos frecuentes en los escenarios líricos del mundo, y también uno de los más hermosos y cautivadores, se ofrecerá en el Real bajo la dirección musical de Ivor Bolton y la concepción escénica de Claus Guth.

La historia de Rodelinda tiene lugar en Milán, en el palacio de los reyes de Lombardía. Rodelinda, devastada por la aparente muerte de su esposo, el rey Bertarido, y temerosa por la vida y el futuro de su hijo, se convierte en una heroína llena de coraje y astucia para desafiar a Grimoaldo, el tirano que ha usurpado el trono y la acosa para convertirla en su esposa y consolidar así su poder en el estado.

El director de escena alemán, Claus Guth, cuyo trabajo para Parsifal en la pasada temporada del Real recibió una gran acogida por parte del público, es el responsable de esta nueva producción de Rodelinda, en la que vuelve a contar son su colaborador habitual Christian Schmidt, para la elaboración de la escenografía y el vestuario, dejando el desarrollo de la iluminación en manos de Joachim Klein.

Guth nos cuenta la historia de Rodelinda a través de los ojos de su hijo Flavio, personaje sin voz en la partitura, aunque parte fundamental en el desarrollo de la historia, y sitúa a los personajes en el seno de una gran casa de estilo georgiano en plena campiña inglesa. El pequeño es testigo de los acontecimientos y a través de sus sueños, miradas y dibujos infantiles, que son proyectados sobre los muros de la casa, se clarifica la trama y abre el camino que nos permite profundizar en los diferentes perfiles psicológicos de los personajes.

Rodelinda, estrenada en Londres en 1725, es una de las 42 óperas serias compuestas en estilo italiano por Georg Friedrich Händel. En el más puro estilo barroco, la partitura alterna los recitativos y las arias; la palabra, la música y la destreza de los cantantes se combinan para crear momentos de gran belleza y explorar los caminos de la emoción humana.

El libreto de Nicola Francesco Haym está basado en un libreto original de Antonio Salvi, quien se inspira en la tragedia Petharite, roi des Lombards, de Pierre Corneille. En él, seis personajes sustentan el desarrollo de la historia, los seis con similar peso dramático, lo que da más coherencia a la estructura de la obra, y aquí, como ya sucediera en Tamerlano, la voz de tenor adquiere una mayor importancia.

Rodelinda cuenta con un doble reparto de grandes voces internacionales y nacionales, en el que las sopranos Lucy Crowe y Sabina Puértolas se alternarán en la interpretación de la leal reina lombarda. Junto a ellas, los contratenores Bejun Mehta y Xavier Sabata (Bertarido) y Lawrence Zazzo y Christopher Ainslie (Unulfo), los tenores Jeremy Ovenden y Juan Sancho (Grimoaldo), las mezzosopranos Sonia Prina y Lídia Vinyes-Curtis (Eduige) y los bajos Umberto Chiummo y José Antonio López (Garibaldo).

ACTIVIDADES PARALELAS EN TORNO A RODELINDA

Rodelinda, ópera en pantalla

Proyección de la película de Brian Large (2003, 203 min.)

Adaptación de la puesta en escena de David Alden para la Bayerische Staatsoper
14 de marzo, a las 18.00 horas

Goethe Institut

Calle Zurbarán 21

Entrada libre previa inscripción en el correo electrónico kultur-1@madrid.goethe.org

Encuentro con Claus Guth

Encuentro con el director de escena de Rodelinda.

Participa el periodista y escritor Jesús Ruiz Mantilla

15 de marzo, a las 14.00 horas

Goethe Institut, Calle Zurbarán 21

Entrada libre previa inscripción en el correo electrónico: kultur-1@madrid.goethe.org

Enfoques

Encuentro con los directores y protagonistas de Rodelinda

17 de marzo, a las 20.15 h.

Teatro Real. Sala Gayarre

Entrada por la calle Felipe V. Acceso libre hasta completar aforo

Concierto de Franco Fagioli

Dmitri Sinkovski, concertino y director

Il Pomo d’Oro
22 de marzo, a las 20.00 horas

Teatro Real. Sala Principal

¡Todos a la Gayarre!

La reina de los lombardos

Volvemos a la casa de Händel para ver cómo compone

Taller concebido y presentado por Fernando Palacios

Con la colaboración de Sara Águeda (arpa barroca)

26 de marzo, a las 12.00 y a las 17.00 h.

Teatro Real. Sala Gayarre

Entrada por la calle Felipe V

 

Francisco Valero-Terribas

El ascendente director musical Francisco Valero-Terribas subirá durante el mes de abril al podio del Palau de la Música de Valencia, al del Teatro Monumental de Madrid y al de Es Baluard de Palma de Mallorca para dirigir a la Orquesta de Valencia, a la Sinfónica de RTVE y a la Simfònica de les Illes Balears, respectivamente. El maestro Valero-Terribas, reconocido como “una auténtica revelación” por su aplaudida participación en algunos de los concursos y festivales especializados de mayor prestigio internacional –Nikolai Malko Competition, Lucerne Festival, Cabrillo Contemporary Music Festival y Järvi Suvefestival– revisará en dichos compromisos un amplio programa que va del Barroco al siglo XX. Esta es, precisamente, una constante en la carrera del joven músico valenciano, un espíritu inquieto que ha forjado un repertorio ecléctico e innovador. Es así como en el Palau de la Música Valencia (Sala Rodrigo, 23/III) dirigirá a las solistas Silvia Vázquez y Marina Rodríguez-Cusi y a la Orquesta de Cámara Eutherpe en un programa con obras de Händel, Bach y Pergolesi, regresando al mismo escenario, entonces al mando de la Orquesta de Valencia (11/IV) con obras de Dvorák, Strauss, Falla y Granados.

Unos días más tarde (21/IV) el maestro viajará a Madrid para instalarse en el Teatro Monumental y ante la Orquesta Sinfónica de RTVE para revisar obras de Copland, Ponce y Bizet, contando con Mabel Millán en la guitarra. Finalizará su gira española los últimos días del mes de abril para dirigir un programa Stravinsky con la Orquestra Simfònica de les Illes Balears en Ibiza (28/IV) y en Palma (30/IV).

Entre otras actuaciones, este año el maestro Valero-Terribas también dirige la ópera de Verdi La Traviata y una Gala Lírica con alumnos destacados del Centre de Perfeccionament Plácido Domingo del Palau de Les Arts de Valencia, así como varias orquestas en Brasil.

XavierSabata

Reconocido como uno de los mejores contratenores del momento, llega al Teatro Real Xavier Sabata, con un concierto que tendrá lugar el próximo jueves, 5 de noviembre, cuyo programa está dedicado íntegramente a Georg Friedrich Händel. Acompañado por el violinista Simos Papanas y el clavecinista Markellos Chryssicos, la velada barroca tendrá lugar en el Auditorio Sony de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, como parte de la colaboración iniciada entre ambas instituciones.

Xavier Sabata posee un extraordinario dominio técnico y vocal que complementa con grandes dotes de interpretación teatral, lo que hace que sea demandado por los más grandes directores de música barroca, como René Jacobs, Fabio Biondi o William Christie, con quien debutó en 2005 en L’incoronazione di Poppea y bajo cuyas órdenes actuó por primera vez en el Teatro Real en la producción de L’Orfeo, de Monteverdi, diseñada por Pier Luigi Pizzi.

Monodrama: Rinaldo para un solo cantante da título a un concierto que, como su propio nombre indica, contiene algunas de las arias más conocidas de la ópera del compositor alemán. Sabata utilizará su versatilidad dando voz a dos de los protagonistas de la obra, Rinaldo y Goffredo, a través de las conocidas arias Cara sposa o Sorge nel petto, entre otras. La interpretación coincide con las representaciones de Alcina, en el escenario del Teatro Real, y ofrece la oportunidad de profundizar en la obra de Händel y en la evolución de su composición desde la más temprana, Rinaldo, a la más madura, Alcina.

El recital tendrá lugar en el Auditorio Sony de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, ubicado en la Plaza de Oriente, en el que se celebrarán los conciertos del ciclo titulado Bailando Bajo el volcán, el próximo mes de mayo.

AlcinaPrensa

Se ofrecerán diez funciones de la ópera con dos repartos distintos entre los días 27 de octubre y 10 de noviembre.

Alcina es una coproducción del Teatro Real y de la Opéra National de Bordeaux, que estrenó la producción en 2012.

En su versión escénica, el director David Alden homenajea al teatro como refugio y evasión de la realidad, inspirándose en la película La rosa púrpura de El Cairo (1985), de Woody Allen.

Dos selectos repartos de siete cantantes se encargan de la interpretación de la ópera, incluyendo sus partes corales, bajo la experta batuta del británico Christopher Moulds al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real.

En torno a Alcina se ofrecerá el próximo 5 de noviembre un recital del contratenor Xavier Sabata con arias de Händel compuestas para castrato, que tendrá lugar en el Auditorio Sony de la Fundación Albéniz (Plaza de Oriente).

Los programas del concierto de los Domingos de cámara del 8 de noviembre y del taller infantil ¡Todos a la Gayarre! del 15 de noviembre estarán también inspirados por la gran figura de Händel.

Hasta el día 17 de enero, la Biblioteca Nacional ofrece una exposición sobre las principales ediciones de Orlando furioso, de Ludovico Ariosto, poema épico del que parte el libreto de Alcina.

La función del día 10 de noviembre será retransmitida en directo en Palco Digital.

Entre los días 27 de octubre y 10 de noviembre el Teatro Real ofrecerá diez funciones de Alcina, de Georg Friedrich Händel (1685-1759), nueva coproducción del Teatro Real y la Opéra National de Bordeaux, donde la producción se estrenó en mayo de 2012.

Entre las 42 óperas que compuso Händel, Alcina —estrenada en 1735 en el Covent Garden de Londres en su última etapa como compositor operístico— está considerada como una de las más logradas en la caracterización de los personajes y en la expresión de sus emociones. Su dramaturgia moderna, sus inspiradas melodías y su brillante orquestación justifican la creciente presencia de esta obra en la programación de teatros y festivales de todo el mundo desde su ‘redescubrimiento’ en los años 60 del pasado siglo, después de más de doscientos años de olvido.

En Alcina, Händel recurre por tercera vez al poema épico Orlando furioso, de Ludovico Ariosto (1474-1533) —después de hacerlo en Orlando y Ariodante—, para retratar las emociones y las pasiones humanas con la libertad que le otorga el mundo alegórico, fantástico y sobrenatural del poeta italiano.

En su concepción escénica de esta ópera, el meticuloso director de escena estadounidense David Alden —que ha dirigido ocho títulos de Händel, incluyendo dos producciones diferentes de Alcina—hace un homenaje al cine y al teatro como espacios de evasión de la realidad.

Inspirándose en la película de Woody Allen La rosa púrpura de El Cairo, Alden transforma la isla encantada de Alcina en un pequeño teatro, adonde Ruggiero se escapa para huir de la rutinaria vida con su amada Bradamante. Ahí goza de los placeres eróticos y el embrujo de la impetuosa y pérfida hechicera Alcina, que da rienda suelta a sus deseos sexuales, desechando a sus sucesivos amantes y transformándolos en piedras y animales salvajes.

La trama se complica cuando Alcina sucumbe al amor verdadero por Ruggiero, mientras éste es finalmente rescatado por su amada Bradamante y los guardianes del orden y de la moral. Pero su liberación de las garras de la maga representa también la vuelta a la vida real, donde le perseguirá para siempre la nostalgia de ese mundo de ensueño, lujuria y desenfreno.

En Alcina siete personajes expresan una enorme y riquísima paleta de emociones a lo largo de más de tres horas de música, incluyendo 26 arias, partes corales (interpretadas por los siete solistas) y orquestales, en una mordaz y conmovedora epopeya lírica, que será interpretada en el Real por dos selectos repartos y la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección del prestigioso director inglés Christopher Moulds.

La partitura, inscrita en los cánones de la llamada opera seria barroca, alterna los recitativos que avanzan la acción y las arias que expresan las emociones de los personajes y que dan alas a la exhibición virtuosística de los cantantes.

En el Real el reparto incluye dos papeles travestidos: Ruggiero —el joven prometido de Bradamante que enamora a la insaciable hechicera Alcina— fue escrito para un castrato y será interpretado por las mezzosopranos Christine Rice y Josè Maria Lo Monaco; Oberto —personaje juvenil y pizpireto que Händel creó para un virtuoso niño soprano que había llamado su atención en una representación de su ópera Ariodante— será encarnado por las sopranos Erika Escribá y Francesca Lombardi Mazzulli.

Karina Gauvin, intérprete del rol titular, ha sido una de las musas del director y musicólogo Alan Curtis, recientemente fallecido, con el que actuó y grabó asiduamente durante los últimos diez años. Con él y su conjunto, Il complesso barroco, se dio a conocer en el Real con Tolomeo, del mismo Händel, junto a la contralto Sonia Prina, otra gran especialista en el barroco, que la acompaña en esta ocasión como intérprete del papel de Bradamante (en el Real debutó en la temporada 2007-2008, junto a Les Arts Florissants, en L’orfeo de Monteverdi). El trío protagonista se completa con la mezzosoprano Christine Rice, que actuó en dos producciones dirigidas por Pier Luigi Pizzi en el Real: A Midsummer Night’s Dream, de Benjamin Britten e Il ritorno d’Ulisse in patria, de Claudio Monteverdi.

Estas tres cantantes se alternarán con Sofia SoloviyPoppea e Nerone, Alceste y Le nozze di Figaro— en el papel titular, y con las mezzosopranos Josè Maria Lo Monaco y Angélique Noldus, que debutan en el Teatro Real.

Completan ambos repartos las sopranos Anna Christy y María José Moreno, como Morgana, y Erika Escribà y Francesca Lombardi Mazzulli, como Oberto.

Los papeles masculinos serán interpretados por los tenores Allan Clayton y Anthony Gregory, como Oronte, y el bajo Luca Tittoto y el barítono Johannes Weisser, como Melisso.

ALCINA

ACTIVIDADES PARALELAS

Exposición ‘El Furioso en la BNE’

http://www.bne.es/es/Actividades/Exposiciones/Exposiciones/exposiciones2015/el-furioso/index.html?pagina=0

Selección de las principales ediciones de Orlando furioso, de Ludovico Ariosto
6 de octubre de 2015 – 17 de enero de 2016

Museo de la Biblioteca Nacional de España. Sala mínima

 

Enfoques

Encuentro con los directores y protagonistas de Alcina

22 de octubre, a las 20.15 h.

Teatro Real. Sala Gayarre

Entrada por la calle Felipe V

Acceso libre hasta completar aforo

Recital del contratenor Xavier Sabata
Markello Chrysikopoulos, clave
Simos Papanas, violón
5 de noviembre de 2015. 20.00 horas

Fundación Albéniz. Auditorio Sony

Plaza de Oriente. Entrada por calle Requena, 1

 

Los domingos de cámara

Alrededor de Georg Friedrich Händel

http://www.osm.es/es/Programacion/Detalle_Actividad.aspx?id=596&tipo=Conciertos&type=concierto

Programa

Parte I

Georg Friedrich Händel/Johan Halvorsen: Passacaglia para violín y viola

Georg Friedrich Händel: Sonata en trío para dos oboes, fagot y clave, HWV 381

Franz Joseph Haydn: Trío en Re mayor para flauta, viola y contrabajo

François Couperin: Las Naciones: La española

Parte II

Hugo Wolf: Serenata italiana, para cuarteto de cuerda

Ludwig van Beethoven: Cuarteto para cuerda op. 59 nº 3, “Razumovski”

Solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real

8 de noviembre, a las 12.00 h.

Teatro Real. Sala principal

 

¡Todos a la Gayarre!

Alcina, la hechicera

Es muy bella, pero, cuidado, te puede convertir en cucaracha…

Taller concebido y presentado por Fernando Palacios

15 de noviembre, a las 12.00 y a las 17.00 h.

Teatro Real. Sala Gayarre

Entrada por la calle Felipe V