Fidelio

Am kommenden mittwoch, 27 Mai, Der einzige von Ludwig van Beethoven komponierte Opern-Titel wird auf die Bühne des Royal Theatre zurückkehren, Fidelio, Davon werden acht Vorstellungen von der Premiere bis angeboten 17 Juni.

Dieses Lied zur Freiheit hat zwei wichtige Namen in der Richtung, den Vorhang zu öffnen. der Lehrer Hartmut Haenchen, Spezialist für das deutsche Repertoire und dem wir unvergessliche Auftritte im Real zugehört haben (Lady Macbeth de Mzensk, Boris Godunov und Lohengrin), wird wieder an die Spitze des Titulares Chors und Orchesters des Royal Theatre gestellt und eine Besetzung unter der Leitung von Michael König (Florestan), Adrianne Pieczonka (Leonora), Franz-Josef Selig (Rocco) und Anett Fritsch (Marzelline) in den Hauptrollen.

Pier’Alli, Regisseur und auch verantwortlich für die Szenografie, die Kostüme und Beleuchtung, wird zum ersten Mal im Royal Theatre mit einer komplexen und symbolischen Bühnenkonzeption präsentiert, ohne dekorative szenische Elemente, bei denen die audiovisuelle Unterstützung entscheidend ist, um verschiedene Aspekte einer Handlung zu verstärken, die sich selbst einschließt, verschiedene Rahmen.

Fidelio Es ist inspiriert von einem realen Ereignis, das sich in Frankreich während der Terrorperiode ereignete, obwohl das Libretto von Jean-Nicolas Bouilly die Aktion nach Spanien verlegt, um die Anonymität zu wahren. Die Arbeit enthält viel mehr als eine entschlossene Verteidigung von Gerechtigkeit und Freiheit, Es ist eine Erhöhung der Liebe und Treue, und hat die Anziehungskraft, dass in ihr die Frau, Leonore / Fidelio, wird zum leitenden und ausführenden Instrument, Ein Charakter, der mit all seinem intellektuellen Einfallsreichtum für seine Prinzipien kämpft, den Platz des Opfers verlassen, Warten auf den Helden oder Rache dafür, traditionell, Frauen wurden in Opern eingesetzt.

Die Komplexität von Leonore wird auf eine Partitur mit harten Gesangsanforderungen übertragen, die eine Sopranistin mit lyrischen und dramatischen Ressourcen für die Hauptrolle erfordern, in der Lage, eine ausdrucksstarke Gesangslinie zu ziehen, das sind zweifellos Vorläufermerkmale von Wagners Heldinnen, dem es Leben gegeben hat, Bei zahlreichen Gelegenheiten, Adrianne Pieczonka.

Fidelio und seine emotionale ideologische Ladung, sein Lied des Kampfes und seine Erhöhung der Liebe und Freiheit, Es ist ein Symbol, das das Bewusstsein der heutigen Gesellschaft anregen kann, über der Geschichte.

Rund um die Uraufführung der Oper wurden zwei parallele Aktivitäten organisiert. Das Nationalmuseum für Romantik wird Gastgeber der Konferenz von Joaquín Turina sein, Beethoven im romantischen Madrid, gehalten werden 28 Mai an 19.00 Stunden im Museumsauditorium. Und im Zyklus Kammer Sonntage, Solisten des Titelorchesters des Königlichen Theaters werden ein Programm aufführen, das ausschließlich dem deutschen Komponisten gewidmet ist, die 7 Juni im 12.00 Stunden in der Haupthalle des Theaters.

Lohengrin

"Diese Oper Eroberung in ganz Europa in kürzester Zeit, und sogar Verdi teilnehmen, fasziniert und in einer Kiste versteckt, die Premiere in Bologna, von seinem Freund gerichtet Mariani. Die Gründe dafür sind in Sicht: aus einer musikalischen Sicht, Klänge sind bisher unbekannt gehört, sowohl das Vorspiel und die Schändung der Götter von Ortrud und Erzählung über den Gral Lohengrin, und natürlich eine der komplexesten Chöre von Bach bis zur Erscheinung des Schwans „ein Wunder, ein Wunder…”. Vom dramatischen Sicht, Oper erfüllt alle Wünsche der Bourgeoisie dann, Restaurierung enttäuscht von Metternich und das „juste milieu“ von Frankreich; in seinem Wunsch nach einer neuen Weltordnung frustriert, überzeugt von dem besonderen Ort des Künstlers, sondern auch seine Einsamkeit (Lohengrin), bedrängt von Melancholie aus der Frustration unerfüllter Utopie entstehen. Und das alles in übergroßen Formen reflektiert und auch verwendet Meyerbeers, obwohl dies scheiterte sie mit mehr als einem efectismo ähnlich der aktuellen Hollywood-Produktionen zu liefern.
Lohengrin ist eine unglaublich traurige Arbeit, weil das Prinzip verspricht die Realisierung einer neuen Welt und bis zum Ende, wie Elsa, überlässt uns unserer Einsamkeit, weil die Gesellschaft nicht den Mut finden konnte, der Forderung des Künstlers zu folgen, Bote der utopischen Burg des Grals: "Frag mich nie". Elsa will es wissen anstatt zu glauben, und deshalb kann es nicht freigegeben werden, während Lohengrin allein in sein ideales Reich der Gralsburg zurückkehren muss ... wie Wagner im Exil. "
(Der ewige Kampf zwischen der Wahrheit und der Blendung des Theaters, Gerard Mortier).

Gerard Mortiers Begeisterung hat das Teatro Real zur Präsentation gebracht, zuerst, eine eigene Produktion von Wagners romantischstem Werk, Lohengrin.
Dies ist eine Arbeit, die alle Archetypen der Romantik entwickelt, das tragische Schicksal, mittelalterliche Legende, der Kontrast zwischen dem Göttlichen und dem Menschen und eine dunkle und eindringliche Atmosphäre.
Wie die alten Griechen drückten sie die Realität durch Legenden aus, Wagner, Nachahmung der Griechen, Ich habe versucht, die universelle Wahrheit auch anhand der Legenden auszudrücken. In deinem Fall, mittelalterliche Legenden deutscher Herkunft zusammen mit einem der Themen, die das größte Interesse an ihm weckten, Der Heilige Gral.
Lohengrin ist ein Werk, das einen Wendepunkt in der Musik seiner Zeit markiert, Nun, er wird den Opernstil der Zukunft verfolgen. Eine neuartige Instrumentierung, in der Wagner nicht mehr klassisch komponiert, Vielmehr entstehen unterschiedliche musikalische Ebenen, die im Vorspiel deutlich geschätzt werden, wo die Saiten, Sie sind unterteilt und gruppiert, wodurch ein anderer Klang erzeugt wird, nur, Wagnerianer unverwechselbares Instrumental.
Wagner hatte Dresden zu fliehen, der war geplant Arbeit veröffentlicht, nachdem er in der Revolution teilnehmen 1848. Bevor er alle Arten von Informationen über die Orchestrierung und Inszenierung geschrieben hatte gelassen. Für diese neue Produktion des Realen, Sie haben berücksichtigt all diese Quellen zu den Ideen der Selbst Wagner durchaus treu zu sein,.
Einige dieser Angaben wurden treu geachtet, wie das Aussehen auf der Bühne 12 Trompeten, oder die Zusammensetzung einer Chor außerordentlichen, bezogen auf die Anzahl der Mitglieder und Lautstärke.

Das erste, was die Aufmerksamkeit dieser Produktion zieht, ist die Verwendung der Bühne gemacht. Lukas Hemleb und Alexander Polzin Sie haben eine entfernte Landschaft des statischen Sinn haben wir in einer Produktion dieser Größe vorstellen. Das Ergebnis ist eine Totalität, in seiner Rolle ein romantisches Universum Händen des Polzin selbst als Bildhauer fast gemeißelt. Sie haben eine besondere Balance erreicht, mystische und legendäre, das kann mit keinem aktuellen Moment identifiziert werden, auch nicht historisch. Ist spontan außer Zeit und voller Sensibilität.
Es war sicherlich der Meister Hartmut Haenchen die verdientesten applaudierten nach der Aufführung. Er hat vom Titelorchester eine seiner besten Aufführungen seit der Wiedereröffnung des Theaters erhalten. die Ouvertüre, von überwältigender Spannung und Intensität, Es wurde nur von einem magnetischen Ende übertroffen, das gleiche, das die Arbeit als Ganzes überträgt. Der erfahrene deutsche Regisseur, extrahiert aus dem Orchester einen Klang voller Reife, Produkt der Entwicklung, die dieser stabile Körper des Theaters in den letzten Jahren erlebt hat.

Der Titelchor des Theaters, Intermezzo Chor, verstärkt, um die erforderliche Lautstärke in Lohengrin zu erreichen, spielte eine außerordentlich wichtige Rolle, vor allem der Männerchor. Es bewegte sich wie eine lebende Körpereinheit über die Bühne, in der großen höhlenartigen Bühne. Die Qualität dieses Chors, Regie führte Maestro Máspero, es überrascht uns immer wieder. Die hohe Qualität macht es zu einem der besten in Europa, etwas, das vielleicht geschätzt werden muss, auch, und Gerard Mortier.

Die Hauptstimmen waren ausgewogen und von großem Niveau. der Tenor Christopher Ventris, als Lohengrin, kann nicht als spezifisch wagnerische Stimme bezeichnet werden, aber es brachte einen gewissen heroischen Ton, Neben einem Leichtmetall, das in diesen Charakteren immer geschätzt wird. In einigen Passagen fehlte ihm die Emotion, aber er hat eine schöne Farbe in seiner Stimme.
Catherine Naglestad spielte eine sehr glaubwürdige Elsa in ihrer Naivität. Süß im Übermaß, hat helle und ausdrucksstarke Höhen.
Deborah Polaski als Ortrud hoch leuchtete. Eine großartige Dramatisierung machte sie bei weitem zur bösesten. Sie schaffte es, die Protagonistin in jedem der Duelle mit den anderen Hauptstimmen zu sein. Seine Erfahrung auf der Bühne milderte einige Stimmmängel, vor allem in den hohen Tönen.
Franz Hawlati als König Heinrich war die angenehme Überraschung. Der deutsche Bariton hat sich seit seinen letzten Eingriffen in dieses Theater stark verbessert. Bei dieser Gelegenheit war seine Interpretation sehr korrekt.
Thomas Johannes Mayer, als Telramund, hatte einen makellosen ersten Akt und eine überzeugende Dramatisierung. Dieser deutsche Bariton hat eine kraftvolle und tiefe Stimme, die seine Darbietungen mit Intensität erfüllt..

Das Endergebnis ist eine runde Arbeit, Suche nach der Gesamtkunst, die Wagner mit seinen Kompositionen verfolgte. Verstehe es nicht, Aber das Ergebnis ist mehr als würdig, seine Inspiration zu ehren, ein Gerard Mortier schwebte in der Luft.

LOHENGRIN
Richard Wagner (1813-1883)
Romantische Oper in drei Akten (1850)
Libretto vom Komponisten, basierend auf den Parzival-Romanzen, de Wolfram von Eschenbach, und Lohengrin, Anonymus
Neue Produktion von Teatro Real
Obituary Gerard Mortier
D. Musical: Hartmut Haenchen
D. Szene: Lukas Hemleb
scenographer: Alexander Polzin
Kostümbildnerin: Wojciech Dziedzic
Illuminator: Urs Schönebaum
D. Chor: Andrés Máspero
D. Kinderchor: Ana González
Besetzung: Christopher Ventris, Catherine Naglestad, Thomas Johannes Mayer, Deborah Polaski, Franz Hawlati, Anders Larsson, Antonio Lozano, Gerardo Lopez, Isaac Galan, Rodrigo Álvarez

Lady Macbeth

Chaos statt Musik "Komponist" formalistischen ", Er verurteilt auf 1936 Pravda auf dem erfolgreichen Lady Macbeth de Mzensk, in der Kleinen Akademisches Theater von Leningrad uraufgeführt 22 Januar 1934. Nach dem Urteil der offiziellen Zeitung des Regimes, und nach dem Lernen, dass Stalin hatte seine Arbeit nicht mochte, Schostakowitsch, Er erhielt die Gräuel von "Feind des Volkes" durch die stalinistische Kulturbürokratie kommt, um sein Leben zu fürchten. Er dachte, das gleiche Schicksal ihm zwei seiner Freunde erwartete, Tuchachevsky y Meyerholds, (Genies Theater) wer sie wurden deportiert und hingerichtet.

Er wurde schließlich freigesprochen, aber seine Werke waren von allen Opernhäusern und Konzertsälen gewettert. Bis zum Tod von Stalin in 1953, seine Werke litt immer harsche Kritik an den Medien des Regimes.

Lady Macbeth ist das Werk eines jungen Mannes, 26 Jahre entscheidet Musik zu einem riskanten und ungewöhnliche Argument zu setzen. nämlich, eine gierige und skrupellose Zeichen in einem dunklen Ort der tiefsten Russland, wo alles ist Langeweile und verdrängte Sexualität. Das Ergebnis ist ein Werk, das die sexuelle Freiheit, während Beamtentum behandelt Sex als ausschließlich auf die Fruchtbarkeit orientiert behauptet. Der Sowjetstaat alle Anstrengungen zu sexuellen Impulse für das Wachstum der Nation gestellt. Oper Schostakowitsch Es ist eine Reaktion gegen diese Ideologie und stellt einen der sexuellen Befreiung. Es ist auch eine E Beschwerde gegen die erniedrigende Situation der Frauen in Russland. Es ist nicht überraschend, dann Stalins Unmut.

Wenig tut diese Produktion von Lady Macbeth mit Rostropowitsch vor zehn Jahren in gleichen Szenario. Ein Rostropovich, die die Sowjet Beamtentum links nicht die Original-Partitur Zugang zu 1979. Es ist von diesem Punkt, wenn Lady Macbeth von Mzensk geboren in der Welt.

grandios! So lässt sich zusammenfassen, dass die Lady Macbeth in diesen Tagen in Echt vertreten. Ich dachte, dass nichts die Regie majestätisch von der Bühne der Maestro Rostropowitsch gleich könnte.

Es wird von einigen seiner erotischen Szenen von Hochspannungs kritisiert, aber das ist die Essenz der Arbeit, Rohheit, fast gewalttätig, der Wirklichkeit, die zeigen will,. Und eine Wirklichkeit, die manchmal nicht gefällt, ein Ende alle glücklich.
Die Musik von Schostakowitsch, bewusst spöttisch in den dramatischsten Momente, Es hält eine konstante Spannung der Arbeit. Es gibt viele Momente, die andere große Werke evozieren, auf denen beeinflusst hat entscheidend. Daher seine Größe und Know-how.

Adresse Hartmut Haenchen Es wurde allgemein gelobt, ohne Vergleiche gehen in mit Rostropovich. Er lief sehr gut das Titular Orchester des Teatro Extrahieren von ihm das Beste mit einem komplexen und anspruchsvollen Partitur. Die Zwischenspiele waren großartig, einige zu Vorhang gesenkt, aber ihm fehlte die Kontinuität in Zeiten. Ein Treffer wurde gesetzt Produktion Metalle auf Gehwege auf beiden Seiten der Bühne. Erhöhte Energie und Lautstärke. Dies trug dazu bei, das Drama der Arbeit zu markieren, was es ist schon viel.

Der große Gewinner des Abends war definitiv Eva-Maria Westbroek. Es scheint, dass die Rolle von Katerina hatte für sie geschrieben worden. Er füllte die Bühne mit einer dramatischen Interpretation auf der Höhe seiner Stimme. Er bewegt sich gut auf der Bühne, welche Ausdrucksfähigkeit, Wie überträgt seine Rolle. Eine umfangreiche Stimme, Runde, emailliertem und kraftvoll. Mit einer hohen Stimme und dramatischen Ebene während der Arbeit beibehalten. ¡Brava!.

Der Rest der Dolmetscher war auf einem akzeptablen Niveau. Vladimir Vaneev wie hatte Boris seine Schwierigkeiten. Oft wurde seine Stimme durch den majestätischen Orchester verschluckt.
Michael König Ich war ein wenig enttäuscht,. Er erfüllte seinen Charakter aber seine Stimme fehlt Agilität und harmonisch. die Szene des Verkehrs Hervorhebungen war, interpretativ mit Musik und Lichteffekten, außergewöhnlich.

Einer der Spieler und Gewinner des Abends war der Chor. Besonders Highlight Lani Poulson, die zu einem Produktionsanforderungen vereinbart ist nicht einfach. Der Chor klang großartig, manchmal spektakulär, vor allem in der Hochzeitsszene und der letzten Szene, in den langen Marsch nach Sibirien. Die Lautstärke und Leistung waren spannend zu Zeiten. Máspero Er macht einen guten Job.

Die Landschaft war sehr erfolgreich und getreu dem Geist des Werkes. Er wusste, wie eine erstickende Atmosphäre zu schaffen, die viele andere Atmosphären untergebracht, jedes Zeichens, und alle gleichermaßen bedrückend. sicher, immer noch nicht mag Tiere auf der Bühne.

schließlich, eine Show. Weit weg von traditionellen Opern, Wir sind ein hohes Maß Werke zu genießen, die schütteln, das Innere entfernen und nicht immer bequem. Aus diesem Grund Angst komme ich nicht gute Zeiten für diese Art der Programmierung oder Mortier. Die Messer sind geschärft und wenn keiner Abhilfe, bald können wir casposas konventionellen Arbeiten und Produktionen genießen, die die eine Analyse der Sänger nicht weitere Überlegungen verdienen. jetzt, dass wir immer auf die gute verwendet…

LADY MACBETH DE Mzensk
Dmitri Schostakowitsch (1906-1975)
Oper in vier Akten und neun Bilder
Libretto von Dmitri Schostakowitsch und Alexander Preys
basierend auf der Geschichte von Nikolai Leskow
Madrid 9 Dezember, Teatro Real
Musikrichtung: Hartmut Haenchen
Regie: Martin Kusej
Eva-Maria Westbroek, Vladimir Vaneev
Leiter des Royal Theatre Orchestra
Neue Produktion im Theatre Royal
von der Nederlandse Opera Amsterdam