Ballo in maschera
  • La inauguración oficial de la presente temporada, el próximo 18 de septiembre, será precedida, por primera vez, de un preestreno sólo para menores de 35 años ─la Gala Joven─ el 16 de septiembre.
  • Se ofrecerán 16 funciones de Un ballo in maschera con un aforo máximo del 75% de las localidades y con las medidas de seguridad sanitaria implementadas en las 27 representaciones de La traviata el pasado julio, modificadas de acuerdo con la normativa aprobada recientemente por la Comunidad de Madrid.
  • El director de escena Gianmaria Aliverta y el escenógrafo Massimo Checchetto han introducido importantes modificaciones en la producción original del Teatro de La Fenice de Venecia para adaptarla al protocolo sanitario del Teatro Real, manteniendo intacto su concepto dramatúrgico. 
  • Nicola Luisotti, primer director musical invitado del Teatro Real, dirigirá su sexto título verdiano al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, después del enorme éxito obtenido con Don Carlo y La traviata en la pasada temporada. 
  • Dos repartos (con cuatro Amelias) se alternarán en la interpretación de los papeles protagonistas: los tenores Michael Fabiano y Ramón Vargas (Riccardo); las sopranos Anna Pirozzi, Saioa Hernández, María Pia Piscitelli y Sondra Radvanovsky (Amelia); los barítonos Artur Ruciński y George Petean (Renato); las mezzosopranos Daniela Barcellona y Silvia Beltrami (Ulrica) y las sopranos Elena Sancho Pereg e Isabella Gaudí (Oscar).
  • Está previsto que el estreno de Un ballo in maschera, el 18 de septiembre a las 20.00 horas, sea retransmitido en directo en pantallas instaladas en la Plaza de Oriente y en la Plaza de Isabel, con aforo limitado y de acuerdo con la normativa relativa a la COVID 19 de la Comunidad de Madrid.
  • En torno a Un ballo in maschera se han organizado actividades paralelas en el Teatro Real y en colaboración con la Fundación SGAE, Museo de Artes Decorativas y Universidad Nebrija, destacando la sesión de Enfoques, el 14 de septiembre a las 20.15 horas, con un aforo del 75% de las localidades presenciales y retransmisión, por primera vez, en el canal de Youtube del Teatro Real.
  • Las funciones de Un ballo in mascheracuentan con el patrocinio de Telefónica.

  • La retransmisión en directo de la ópera en las pantallas exteriores está patrocinada por Telefónica, Endesa, Loterías y Apuestas del Estado, Mutua Madrileña, Fundación Redexis y Fundación EDP.
  • La Gala Joven contará con la colaboración de la firma de servicios profesionales EY.

El Teatro Real inaugurará la Temporada 2020-2021 ─la 24ª desde su reapertura─, con Un ballo in maschera, de Giuseppe Verdi, que se ofrecerá en una producción procedente del Teatro La Fenice de Venecia y repuesta en colaboración con el Teatro de la Maestranza de Sevilla.

El libreto de la ópera, algo trasnochado para la época, parte de uno anterior, de Agustin Eugène Scribe, inspirado tangencialmente en el asesinato del rey Gustavo III de Suecia durante un baile de máscaras en la Ópera de Estocolmo, víctima de una conspiración. Sucesivos problemas con la censura romana y napolitana obligaron al libretista Antonio Somma a trasladar el trasfondo político de la ópera de la corte sueca a Boston, a finales del XVII, entonces bajo gobernación británica.

El director de escena Gianmaria Aliverta mantiene la trama de la ópera en Estados Unidos, pero desplaza la acción al siglo XIX, cuando las violentas luchas fratricidas enfrentaban los estados del Norte y del Sur, que se resistían a abolir la esclavitud y a perder otras prerrogativas abusivas adscritas a los propietarios de los grandes latifundios.

En este contexto de enfrentamientos se enfatiza la tensión política que subyace en el libreto, que tiene, en primer plano, un funesto triángulo amoroso, en el que las vicisitudes de los protagonistas son descritas musicalmente con el afilado sentido dramático de Verdi y su inagotable inspiración melódica. El compositor entrelaza arias, dúos y escenas corales en bloques que conforman grandes cuadros, articulando con extrema habilidad el drama y la comedia, los números de conjunto y los momentos íntimos, el bullicio palaciego y el drama interior de los personajes, manteniendo siempre la tensión en “el más melodramático de los melodramas”, en las palabras de Gabrielle D’Annunzio.

Nicola Luisotti, primer director invitado del Teatro Real, estará al frente de dos repartos de grandes voces verdianas, en los que el papel protagonista femenino (Amelia), será interpretado por cuatro distintas sopranos: Anna Pirozzi, Saioa Hernández, María Pia Piscitelli y Sondra Radvanovsky. Completan los elencos los tenores Michael Fabiano y Ramón Vargas (Riccardo); los barítonos Artur Ruciński y George Petean (Renato), las mezzosopranos Daniela Barcellona y Silvia Beltrami (Ulrica) y sopranos Elena Sancho Pereg e Isabella Gaudí (Oscar).

Tal como ocurrió con las funciones de las La traviata, los solistas, coro, actores y trabajadores del teatro cumplirán rigurosamente con el Protocolo de Seguridad Sanitaria diseñado por el Comité Médico del Teatro Real, en conformidad con las directrices de la Comunidad de Madrid.

Está previsto que el estreno de Un ballo in maschera, el 18 de septiembre, sea retransmitido en directo en pantallas instaladas en la Plaza de Oriente y, por primera vez, en la Plaza de Isabel II, donde se colocarán 450 sillas separadas entre sí por 2 m., en un área acotada de 4000 m2 con 320 m. de vallado de seguridad y 8 entradas y salidas debidamente señalizadas y dotadas de hidrogel.

TELEFÓNICA, MECENAS PRINCIPAL TECNOLÓGICO DEL TEATRO REAL

Telefónica, mecenas principal tecnológico del Teatro Real, impulsa su desarrollo digital y la mejor conectividad para optimizar la experiencia de los aficionados a la ópera en todos los canales digitales del Teatro. En estos años Telefónica ha ampliado el número de funcionalidades y servicios de la web, reforzando el carácter interactivo y la comunicación con los usuarios. De este modo, ha permitido crear un catálogo de productos mucho más amplio -abarcando diferentes tipos de música- y accesible, con servicios más ajustados a las preferencias de los seguidores de esta institución. Un paso más dentro de este proyecto global ha sido My Opera Player, plataforma digital que permite a los amantes de la ópera, la danza y la música clásica disfrutar desde casa, con tan sólo un click, de las mejores producciones de éxito internacional.

MyOperaPlayer, , cuenta con Telefónica, como socio tecnológico del Teatro Real, y con el patrocinio de Endesa, que apoyó esta iniciativa como patrocinador único cuando la plataforma se llamaba Palco Digital.

AGENDA | ACTIVIDADES PARALELAS

11 de septiembre, a las 20.15 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

Enfoques: encuentro con Nicola Luisotti y Gianmaria Aliverta -directores musical y de escena de Un ballo in maschera- y Joan Matabosch, director artístico del Teatro Real. Interpretación de arias de óperas de Mercadante y Auber basadas en el libreto de Eugene Scribe.

18 de septiembre, a las 20.00 horas | Retransmisión en la Plaza de Oriente y Plaza de Ópera

Retransmisión en directo de Un ballo in maschera en las pantallas situadas en la Plaza de Oriente y Plaza de Isabel II.

8 de octubre, 19:00 h. | Universidad Nebrija

Conferencia en streaming: primera de cuatro las conferencias del ciclo Hilvanes de ópera, que a lo largo de toda la temporada del Teatro Real quiere ahondar en el fascinante mundo de la moda a través de la ópera.

Actividad gratuita previa inscripción en actos.nebrija.es

11 de octubre, a las 12.00 horas | Teatro Real, Sala Principal

Los domingos de cámara I: los Solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real ofrecerán un concierto con afinidades con la ópera Un ballo in maschera.

18 de octubre, a las 12.00 y a las 17.00 horas | Teatro Real, Sala Gayarre

Todos a la Gayarre: talleres musicales para toda la familia, con dirección y presentación de Fernando Palacios.

Un baile con suspense. Nos colamos con un paje en un baile de disfraces.

Sábados y domingos de octubre a diciembre | Museo de Artes Decorativas

Recorridos en familia: bajo el título Un baile de máscaras, Mitos clásicos el museo ofrece itinerarios autoguiados para descubrir en familia la multitud de héroes de la mitología clásica que se esconden en sus salas. Héroes que en muchas ocasiones la máscara del tiempo ha convertido en figuras anónimas y de los que ahora podremos conocer su nombre y su historia. Actividad gratuita previa inscripción en difusion.mnad@cultura.gob.es

Fotografía: Javier del Real

Doña Francisquita

La producción del Teatro de la Zarzuela ‘Doña Francisquita’ dirigida y adaptada por Lluís Pasqual, ha sido galardonada hoy con el Premio Max de las Artes Escénicas al mejor espectáculo Musical o Lírico, en la XXIII edición del certamen promovido por la Fundación SGAE que se ha celebrado en el Teatro Cervantes de Málaga.

Este montaje de la obra de Amadeo Vives, considerada como una de las partituras más brillantes de nuestro patrimonio musical, fue estrenado en el coliseo de la plazuela de Jovellanos en mayo de 2019 y coproducido con el Gran Teatre del Liceu y la Opera de Lausanne. El libreto, de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw, está inspirado en ‘La discreta enamorada’ de Lope de Vega y ha sido adaptado para esta versión por el propio Pasqual.

El director de escena afirma que la zarzuela es en sí un episodio alegre: el público acude al teatro con buen humor, y por lo general abandona la sala con una generosa sonrisa. De ahí que su propuesta tenga como principio y finalidad ungir cada detalle de ese espíritu de alegría y emociones felices, dejando también, como es habitual en sus trabajos, un espacio para la reflexión útil.

En su estreno de Madrid, el Maestro Óliver Díaz se encargó de la dirección Musical al frente a la Orquesta de la Comunidad de Madrid (Titular del Teatro). El reparto, que compartió la escena con el Coro Titular del Teatro de la Zarzuela, contó con dos colaboraciones especiales de altura: la de la inmensa maestra de las castañuelas Lucero Tena y la del actor Gonzalo de Castro. Los elencos estuvieron integrados, en su mayoría, por voces habituales en los más importantes recintos líricos como las sopranos Sabina Puértolas y Sonia de Munck, los tenores Ismael Jordi y José Luis Sola, las mezzosopranos Ana Ibarra y María Rodríguez, los tenores Vicenç Esteve y Jorge Rodríguez-Norton, la mezzosoprano María José Suárez o los barítonos Santos Ariño y Antonio Torres. También participaban 12 bailarines y 12 actores, completando el elenco de esta comedia lírica en tres actos y amor a cinco bandas.

La escenografía y el vestuario están firmados por Alejandro Andújar, la iluminación por Pascal Mérat, la coreografía es de Nuria Castejón y el diseño audiovisual de Celeste Carrasco. Asimismo, en las funciones intervino la Rondalla Lírica de Madrid «Manuel Gil».

Quienes aún no hayan podido disfrutar de esta ‘Doña Francisquita’, tienen la ocasión de hacerlo en las cuentas de YouTube y Facebook del Teatro.

Un gran Clásico

Que ‘Doña Francisquita’ es uno de nuestros grandes clásicos de la lírica no hay quien lo ponga en duda. A punto de cumplir cien años (lo hará en 2023), hasta la fecha se han visto grandes producciones en el escenario del Teatro de la Zarzuela donde llegó por vez primera en 1924, con la misma producción del estreno de cuatro meses antes en el vecino Teatro Apolo, firmada por Manuel Fontanals, y casi con idéntico reparto. Desde entonces, la obra de Amadeo Vives se ha representado en numerosas ocasiones en este recinto.

En 1934, ‘Doña Francisquita’ se había transformado ya en una comédie lyrique en trois actes en el escenario de la Ópera de Montecarlo, y poco después en una opérette à grand spectacle en el del Teatro Real de la Moneda de Bruselas, para en 1954 pasar a ser un Spiel aus Spanien en la Volksoper de Viena. ¡La internacional Francisquita!

Esa fue precisamente la razón por la que en 1956 fue el título seleccionado para la gala de reinauguración de la sala del Teatro de la Zarzuela con dirección de escena de José Tamayo. En 1972 volvería a subir a estas tablas nuevamente de la mano de Tamayo, aunque con una nueva propuesta escénica dirigida al público de Madrid. Pero 1985 fue realmente un año excepcional para ‘Doña Francisquita’ en el Teatro de la Zarzuela: la versión escénica de José Luis Alonso viajó a las ciudades belgas de Amberes y Gante —en el marco del Festival Cultural Europalia 85: España— y volvió a este mismo escenario de la plazuela de Jovellanos con el Ballet Nacional de España que la estrenó como un espectáculo de danza, con música de Vives, arreglos de Antón García Abril y coreografía de Alberto Lorca.

En 1998 ‘Doña Francisquita’ estuvo en Buenos Aires y Washington DC con una nueva y espectacular coproducción del Teatro de la Zarzuela dirigida por Emilio Sagi. Y en 2019 volvió a Madrid con esta nueva propuesta escénica dirigida por Lluís Pasqual, que luego viajó con éxito a Barcelona y Lausanne, coproductores del montaje.

Cine y Filmoteca Española

El Teatro de la Zarzuela y la Filmoteca Española firmaron con ocasión de esta producción un convenio de colaboración para la restauración de la película ‘Doña Francisquita’ de Hans Behrendt (1934). Es la primera vez que ambas instituciones se unen para abordar un proyecto conjunto de recuperación de patrimonio cultural español, en este caso cinematográfico y musical. Algunos de los fragmentos de dicho largometraje forman parte de la producción premiada hoy.

En 1992 la Filmoteca Española encontró en el fondo de la Cinémathèque Française de París un negativo de imagen y sonido de una película hasta el momento desaparecida; se trataba de Doña Francisquita (1934), del director alemán Hans Behrendt, producida por la compañía Ibérica Films en los Estudios CEA de Madrid. En 1993 se logra, como intercambio entre ambos organismos, que se enviara la copia a Madrid para su restauración. Primero se restauró físicamente y luego, entre 1995 y 1996, se realizaron nuevos trabajos con el Laboratorio Polisitem de Barcelona: el duplicado del negativo de imagen, el negativo de sonido y una copia estándar. Y en 2018 el Teatro de la Zarzuela colabora con la Filmoteca Española en el tiraje de una nueva copia digital.

La película, rodada íntegramente en Madrid en el año 34 con Raquel Rodrigo (Francisquita), Fernando Cortés (Fernando), Matilde Vázquez (Aurora) y Antonio Palacios (Cardona) en el reparto, es un importante ejemplo del cine sonoro del periodo republicano en España. El promotor del proyecto original fue el hijo de Amadeo Vives, José Vives Giner, quien ejerció de supervisor artístico de esta adaptación de la popular zarzuela.

Para su segunda versión cinematográfica ‘Doña Francisquita’ se vestirá de colores y fantasía —con el nuevo Cinefotocolor— de la mano de otro director exiliado, el húngaro Ladislao Vajda, en 1952. El reparto está formado por Mirtha Legrand (Francisquita), Armando Calvo (Fernando), Emma Penella (Aurora) y Antonio Casal (Cardona). En esta ocasión la película llegará hasta las pantallas del Festival de Cannes como Mascarade d’Amour en 1953.

https://teatrodelazarzuela.mcu.es/es/

Fotografía: Javier del Real

 

 

 

 

 

 

 

 

El 18 de febrero tuvo lugar en Sevilla la presentación de la 37ª edición del Festival de Música Antigua de Sevilla (FeMÀS) en el que estuvieron presentes Fahmi Alqhai, director del festival, junto a Maider Múgica, directora adjunta del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), y Antonio Muñoz, delegado de Hábitat Urbano, Cultura y Turismo del Ayuntamiento de Sevilla. El programa de esta nueva edición, que se desarrollará en la capital andaluza del 13 de marzo al 1 de abril busca el acercamiento al público de la música histórica llevando la interpretación musical a entornos patrimoniales de la mano de primeras figuras de prestigio internacional. Esta particularidad hace de la cita sevillana una experiencia melómana especial e irrepetible y un evento consolidado como el mejor festival de músicas históricas de España. La programación de este año tendrá como ejes centrales las conmemoraciones de la primera vuelta al mundo y el nacimiento de Beethoven.

Una alianza imprescindible y fructífera

El Festival cuenta por séptima vez consecutiva con la colaboración del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), que coproduce los conciertos de tres agrupaciones de referencia en la música histórica: Al Ayre Español, uno de nuestros más importantes conjuntos historicistas, fundado y dirigido por Eduardo López Banzo y que ofrecerá la recuperación histórica de obras de José de Torres y Juan Francés de Iribarren; Los Músicos de Su Alteza, bajo la dirección de Luis Antonio González, con un programa que pone en diálogo obras del Seicento italiano con piezas inéditas del siglo XVII español y La Real Cámara, dirigida por Emilio Moreno, en un concierto cuyo eje principal es la integración de la música de Giuseppe Torelli con la del músico y jesuita sevillano Francisco José de Castro.

El XXXVII Festival de Música Antigua de Sevilla, proyecto del Instituto de la Cultura y las Artes del Ayuntamiento de Sevilla, cuenta con la coproducción del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), unidad del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), Diputación de Sevilla y Real Alcázar. Seis serán los entornos patrimoniales de esta nueva edición del FeMÀS: el Espacio Turina, el Teatro de la Maestranza, el Real Alcázar, la Iglesia de San Luis de los Franceses, el Teatro Alameda y el Teatro Lope de Vega.

La primera vuelta al mundo y el nacimiento de Beethoven, ejes del festival

La programación de esta 37ª edición del FeMÀS se ha planteado en torno a dos efemérides de gran relevancia para la humanidad como son el V Centenario de la primera vuelta al mundo y el 250 aniversario del nacimiento de Ludwig van Beethoven.

En relación con la primera de ellas, el FeMÀS hará un recorrido por las nuevas músicas que llegaron a Europa tras los descubrimientos y la primera vuelta al mundo y cómo influyeron en los músicos del siglo XVI. Sobre el segundo leitmotiv, el festival pretende de algún modo mostrar las maneras historicistas de interpretación de un repertorio habitualmente adjudicado a las orquestas sinfónicas; estas últimas con criterios, en muchos casos, muy diferentes a los modos de entonces, que este FeMÀS permitirá recuperar.

Según ha anunciado Fahmi Alqhai, en la nueva edición se reintroduce la figura del artista residente, que se pretende mantener en sucesivas ediciones. El artista residente este año es el pianista Juan Pérez Floristán, un gran referente de la nueva generación de músicos sevillanos que lleva el nombre de ciudad por las salas de conciertos más importantes del mundo.

Pérez Floristán será el encargado de la inauguración del festival el día 13 de marzo, junto a la Hofkapelle München con un programa que incluye el Concierto para piano nº 4 de Beethoven y la más célebre sinfonía de Mozart.

Dos actuaciones más, una conferencia y una masterclass completarán la residencia de Pérez Floristán en un festival que tendrá como broche final la actuación en el Teatro de la Maestranza de la Orquesta Barroca de Sevilla y su interpretación de la Misa en si menor de J. S. Bach, un sueño que puede hacerse realidad gracias a la colaboración de la Hermandad del Gran Poder, que celebra el IV centenario de la hechura del Señor.

En sus sucesivas jornadas, destacan en la programación grandes nombres propios como el del tenor Ian Bostridge, el grupo Il Giardino Armonico o la Orquesta Barroca de Ámsterdam, dirigida por Ton Koopman, sin olvidar los nuevos grupos que siempre han tenido en el festival una plataforma y un altavoz magníficos para hacerse ver y oír.

Programación

El sábado, día 14 de marzo, el FeMÀS se abre al público familiar en el Teatro Alameda, a las 18.00 horas, con La increíble historia de Juan Latino. Se trata de la quinta producción de la compañía hispano-canadiense Claroscuro Teatro. Pensada para un público de 8 años en adelante, el referido montaje usa títeres, máscaras y música barroca en directo para contar la verdadera historia de superación racial y social de un esclavo negro en la España del siglo XVI.

También el sábado, a las 20.30 horas, en el Espacio Turina, llega otro de los platos fuertes de esta edición, de la mano de Pérez Floristán y el tenor Ian Bostridge, con una sólida carrera internacional.

La programación del domingo, día 15 de marzo, da comienzo a las 13.00 horas en la Iglesia de San Luis de los Franceses con el Ensemble Flandriae-Pyrenaei, con un concierto con repertorio de música barroca de Flandes y Cataluña.

A las 20.30 horas, en el Espacio Turina, bajo la dirección de Eduardo López Banzo, el grupo aragonés Al Ayre Español, consolidado como una de las referencias más destacadas en esta especialidad musical a nivel nacional e internacional, ofrecerán un programa con el título ¡Ay, bello esplendor! Grandes villancicos barrocos. En este recital, el público podrá conocer una serie de obras inéditas de José de Torres y Juan Francés de Iribarren, recuperadas y transcritas por el propio López Banzo a partir de manuscritos originales conservados en las catedrales de Salamanca, Málaga y Guatemala.

El martes 17 de marzo el conjunto musical Il Giardino Armonico, fundado en Milán (Italia) en 1985 y especializado en piezas de los siglos XVII y XVIII, protagonizará otro de los grandes momentos del FeMÀS. La cita será a las 20.30 horas en el Turina, espacio en el que su director Giovanni Antonini empuñará la flauta de pico para interpretar un programa titulado La Morte della Ragione.

Las citas programadas en el Real Alcázar dan comienzo el 18 de marzo, a las 20.30 horas, de la mano de The Orlando Consort, uno de los conjuntos vocales más importantes de Europa, que ofrecerá con Mantra su particular visión de la fusión de culturas que existió hace 500 años. Constituido en el Centro de Música Antigua de Gran Bretaña en 1988, el trabajo de este conjunto combina a la perfección la seriedad y el rigor de sus programas con la frescura de sus interpretaciones, que cautivan al público inmediatamente.

La programación continúa el jueves, día 19 de marzo, a las 20.30 horas en la Iglesia de San Luis de los Franceses con otro referente nacional, Los Músicos de Su Alteza, agrupación dirigida por Luis Antonio González. Con Veritas-Vanitas, la agrupación propone un programa que pone en diálogo obras del Seicento italiano, algunas conocidas, otras recuperadas por el conjunto, con piezas inéditas del siglo XVII español.

Al día siguiente, el viernes 20 de marzo, en el Espacio Turina, el reconocido grupo Accademia del Piacere, con su fundador y director al frente, Fahmi Alqhai, ofrecerá un programa bajo el nombre Ars Melancholiae, también a las 20.30 horas.

Tras una nueva jornada, la del sábado 21 de marzo, protagonizada por el artista residente Juan Pérez Floristán, el domingo 22 llegan al FeMÀS dos grupos que, hasta la fecha, no habían participado en la referida cita con la música antigua. Por la mañana, a las 13.00 horas, será el turno de La Vaghezza, con O prima alba del mondo; y a las 20.30 horas, en el Real Alcázar, Constantinople con otro de los conciertos dedicados al V Centenario de la primera vuelta al mundo.

La Iglesia de San Luis de los Franceses abrirá una nueva semana musical el martes, día 24 de marzo, a las 20.30 horas en el Real Alcázar. Collegium Musicum Madrid interpretará un concierto con el título Rumbo a poniente, una cita a la que sucederá el programa Lenguas Malas, a cargo de Cantoría, el miércoles 25 de marzo, en San Luis de los Franceses.

El día 26 de marzo Lina Tur Bonet, considerada como una de las violinistas más interesantes del ámbito internacional, y el clavecinista sevillano Javier Núñez, llegan al Espacio Turina con un programa en torno a la música de la familia Bach.

El último fin de semana del FeMÀS comienza el viernes, día 27 de marzo, a las 20.30 horas en el Espacio Turina con Capella Neapolitana, agrupación fundada en 1987 por Antonio Florio, integrada por instrumentistas y cantantes especializados en la interpretación del repertorio musical napolitano de los siglos XVII y XVIII, y en la recuperación de compositores olvidados.

Día Bach

El sábado a las 13.00 horas, en la Iglesia de San Luis de los Franceses, la protagonista será la clavecinista Irene González Roldán, ganadora de la beca de la Asociación de Amigos de la Orquesta Barroca de Sevilla, destinada a la educación y promoción de jóvenes músicos historicistas. A las 20.30 horas, en el Real Alcázar, el grupo de música antigua Euskal Barrokensemble, creado por Enrike Solinís en Bilbao en el año 2006, ofrecerá un programa titulado Elkano.

La jornada del domingo, día 29 de marzo, FeMÀS celebra un año más el Día Bach. En esta ocasión, por la mañana, a las 13.00 horas en San Luis de los Franceses, junto a la arpista Margret Köll; y a las 20.30 horas, junto al mítico Ton Koopman y su maravillosa Amsterdam Baroque Orchestra.

La penúltima jornada de FeMÀS el público aficionado podrá disfrutar de un programa con música atribuida a Francisco José de Castro, jesuita sevillano que vivió en Brescia dedicado a diversas ocupaciones intelectuales, entre ellas la música, y era conocido en tierras italianas como ‘Spagnuolo’. Emilio Moreno ha profundizado como ningún otro violinista actual en la obra de este músico y ofrecerá una selección de sus composiciones en su recital con La Real Cámara.

Sobre la clausura en el Teatro de la Maestranza, la Orquesta Barroca de Sevilla interpretará la Misa en si menor de J. S. Bach, bajo la dirección musical de Andreas Spering. La colaboración de FeMÀS, Teatro de la Maestranza, Hermandad del Gran Poder y Fundación La Caixa han propiciado este especial broche final del Festival.

A la extensa programación musical se suma, una edición más, las actividades paralelas, una serie de conferencias con las que se pretende contextualizar el contenido de esta cita con la música antigua.

Guillermo García Calvo

El prestigioso director de orquesta Guillermo García Calvo, desde 2017 Director General Musical de la centenaria Ópera alemana de Chemnitz y de su orquesta –la Robert-Schumann-Philharmonie–, será a partir del 1 de enero del 2020 Director Musical del Teatro de la Zarzuela. En las próximas temporadas el joven maestro madrileño se hará cargo de la dirección musical de un significativo número de producciones del coliseo de la plazuela de Jovellanos.

La relación del maestro García Calvo con este Teatro se ha ido consolidando desde su debut en el mismo en 2012 con ‘¡Ay, amor!’, un programa doble que incluía ‘El amor brujo’ y ‘La vida breve’. Desde entonces ha ocupado el foso o el escenario de La Zarzuela para dirigir títulos como la nueva producción de ‘Curro Vargas’ (2014) con dirección de escena de Graham Vick, que recibió el Premio Campoamor; la recuperación de ‘La tempestad’ de Ruperto Chapí en versión de concierto en 2017 o ‘Katiuska’ un año después.

En la presente temporada 2019/2020 asumirá en febrero la dirección de ‘Farinelli’ en versión de concierto, esperada recuperación de la obra de Tomás Bretón.

Formado en Viena, Guillermo García Calvo debutó a los 25 años como director de ópera en la capital austriaca. Desde entonces, su trayectoria internacional se ha ido afianzando de forma sorprendente hasta convertirse en uno de los directores de orquesta españoles más brillantes y queridos más allá de nuestras fronteras. No en vano, en la actualidad dirige con asiduidad en teatros como la Staatsoper de Viena –con la que mantiene una estrecha relación, habiendo dirigido más de 200 funciones de ópera y ballet–, la Deutsche Oper de Berlín o la Opera de Paris, donde ha dirigido este año ‘Don Giovanni’.

Guillermo García Calvo es también una de las batutas más requeridas en los teatros y auditorios de España, donde, por poner dos ilustrativos ejemplos, en los últimos meses ha asumido ‘La Gioconda’ en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, o ‘La tabernera del puerto’ –producción del propio Teatro de la Zarzuela– en el Palau de Les Arts Reina Sofía de Valencia.

Entre los reconocimientos que ha recibido a lo largo de su sólida y ascendente carrera, el más reciente es el Premio Ópera XXI que se le ha otorgado este mismo año por la dirección musical de ‘Siegfried’ en la Ópera de Oviedo.

GUILLERMO GARCÍA CALVO

Guillermo García Calvo es unos de los directores de orquesta españoles más destacados de la actualidad. Desde la temporada 2017-2018 es Generalmusikdirektor del Theater Chemnitz (Alemania) y Director Titular de la Robert-Schumann-Philharmonie.

Nacido en Madrid en 1978, se graduó en la Universität für Musik de Viena y debutó como director de ópera con Hänsel und Gretel en el Schlosstheater de Schöburn en 2003. Desde entonces colabora estrechamente con la Wiener Staatsoper, donde ha dirigido más de doscientas representaciones y medio centenar de títulos operísticos, como Macbeth, Die Zauberflöte, La traviata, Il barbiere di Siviglia, L’elisir d’amore o Lucia de Lammermoor. Es también huésped habitual de la Deutsche Oper Berlin, donde ha estado al cargo de la dirección de La Cenerentola, Il barbiere di Siviglia, Carmen, Don Giovanni o Pechêurs du perles. Asimismo, ha colaborado con el Aalto-Theater de Essen, dirigiendo Nabucco, La bohème, I puritani y La traviata, entre otros. Su estreno operístico en España tuvo lugar en 2011 con Tristan und Isolde en la Ópera de Oviedo junto a la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias, con quienes reaparece con la tetralogía wagneriana Der Ring des Nibelungen. Es especialmente destacable la dirección del primer registro discográfico de la ópera Elena y Malvina, de Ramón Carnicer, junto a la Orquesta y Coro Nacionales de España.

Guillermo García Calvo goza igualmente de una atractiva trayectoria sinfónica al frente de orquestas como la Orquesta Nacional de España, London Symphony Orchestra, DRP Saarbrücken Kaiserslautern, Orquesta de RTVE, Hamburger Symphoniker, Orquestra de València, Filarmonica del Teatro Comunale di Bologna, Latvijas Nacionālais Simfoniskais Orķestris, Orquesta Sinfónica Nacional (México), Orquestra de Barcelona i Nacional de Catalunya, Orquestra de la Comunitat Valenciana y las orquestas sinfónicas de Bilbao, Tenerife, Madrid, Galicia y Principado de Asturias, entre otras.

Recientes y próximos compromisos incluyen Un ballo in maschera, Die Fledermaus, Fidelio o Der Ring des Nibelungen en el Theater Chemnitz (habiendo obtenido Götterdämmerung el Premio Faust 2019 a la mejor producción de ópera de Alemania), Siegfried en la Ópera de Oviedo, Stiffelio con Graham Vick en Festival Verdi de Parma, Rigoletto en la Deutsche Oper Berlin, Goyescas en el Teatro Real y en el Maggio Musicale Fiorentino, L’elisir d’amore en el New National Theater de Tokio y en la Wiener Staatsoper donde también dirigirá esta temporada Nabucco o el estreno mundial de la ópera Persinette, La Tempestad o Katiuska en el Teatro de la Zarzuela, La Gioconda en el Teatre del Liceu o Don Giovanni en la Ópera de París, así como varias galas con el tenor Juan Diego Flores y su debut en el Festival Internacional de Música de Canarias junto a la Orquesta Sinfónica de Tenerife, entre muchos otros.

Ha recibido diversos galardones a su carrera musical, como el Premio Codalario al Mejor Artista en 2013, el Premio Leonardo da Vinci en 2017 o el Premio Ópera XXI a la mejor dirección musical en 2019.

www.guillermogarciacalvo.com

Fotografía©David Bohmann Photography

http://teatrodelazarzuela.mcu.es/es/

Creado en 2004, el ciclo de conciertos de música de cámara protagonizado por solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real, Orquesta Sinfónica de Madrid, es hoy una referencia en la programación musical de los fines de semana de Madrid.

Su programación variada, amena y relacionada con los títulos operísticos que vertebran la temporada del Teatro Real, está concebida para un público ecléctico de todas las edades.

En la presente edición, que arranca este domingo 22 de septiembre, a las 12.00 horas, se incluirá en cada concierto una obra de Mieczyslaw Weinberg, como preludio a la presentación de su ópera La Pasajera, que el Teatro Real estrenará en España en junio del próximo año.

El Teatro Real la 15ª edición del ciclo de conciertos ‘Los domingos de Cámara’ – 2019-2020. El acto contó con la presencia de Joan Matabosch, director artístico del Teatro Real, y los músicos Laure Mª Gaudron (viola) y Francisco Alonso (fagot), ambos miembros de la Junta Directiva de la Orquesta Sinfónica de Madrid, quienes compartieron la experiencia vivida a lo largo de estos años.

La rueda de prensa incluyó la interpretación de un fragmento de uno de los conciertos previstos para esta temporada, el primer movimiento del Cuarteto de cuerda nº 9 de Mieczystaw Weinberg (1919-1996) interpretado por Margarita Sikoeva y Laurentiu Grigorescu, violines; Olga Izsak, viola; y Dragos Balan, violonchelo.

Joan Matabosch destacó el éxito y la clara consolidación de esta iniciativa que después de tres lustros cuenta con una ocupación muy alta de público. “El Teatro Real,” señaló “está muy orgulloso de este tipo de actividades que enriquecen y complementan la oferta de nuestra programación operística y contribuyen así a acercar a otros públicos a la temporada de ópera.” Además, dijo, “desde la creación del ciclo, en 2010, se ha introducido en la programación de los conciertos de cámara un hilo conductor que los articula con la temporada operística. Este año, ese hilo es la presencia de obras del compositor Mieczyslaw Weinberg, autor de la ópera La pasajera.”

Asimismo, los miembros de la Orquesta Sinfónica señalaron que la acogida entre los músicos ha sido excepcional. Destacaron también que “los grupos de cámara que participan en el ciclo se componen expresamente para cada concierto y son sus integrantes los que hacen propuestas de programación, que luego se coordinan con la Dirección Artística del Teatro Real.

Todos los intervinientes destacaron que en la programación de los conciertos se ha buscado potenciar la variedad y la diversidad de formaciones instrumentales, épocas y estilos, muy valoradas por el público.

LOS DOMINGOS DE CÁMARA

Programación

DOMINGO, 22 DE SEPTIEMBRE

Claude Debussy: Sonata para flauta, viola y arpa

Mieczyslaw Weinberg: Cuarteto nº 9, Op. 80

Jan Koetsier: Quinteto de metales, Op. 65

Wolfgang Amadeus Mozart: Serenata en Do menor K388/384a para octeto de viento

DOMINGO, 6 DE OCTUBRE

Mieczyslaw Weinberg: 12 miniaturas para flauta y piano, Op. 29

Antonin Dvorak: Trio nº4 para piano, violín y violonchelo, Op. 90

Wolfgang Amadeus Mozart: Dos dúos para violín y viola, K. 423-424

Antonio Pasculli: Gran concierto para oboe y piano sobre temas de la opera I vespri siciliani de Giuseppe Verdi

DOMINGO, 3 DE NOVIEMBRE

Mieczyslaw Weinberg: Cuarteto nº 5, Op. 27

Antonin Dvorak: Quinteto de cuerda, Op. 77

Kaspar Kummer: Duo, Op. 67, nº 1, “Fantasia brillante sobre un motivo de Bellini”, Op.67

Gaetano Donizetti: Cuarteto de cuerda nº 17 en Do mayor

DOMINGO, 1 DE DICIEMBRE

Mieczyslaw Weinberg: Trio de cuerda para violín, viola y violonchelo, Op. 48

Cristobal Halffter: Octeto de violonchelos

Wolfgang Amadeus Mozart: Cuarteto con flauta nº 1 en Re mayor, K. 285

Gabriel Fauré: Quinteto para piano y cuerdas nº 2, Op. 115

DOMINGO, 19 DE ABRIL

Mieczyslaw Weinberg: Cuarteto nº 8, Op. 66

George Benjamin: Octeto

Carlos Pellicer: Re-flect para cuatro percusionistas

Steve Reich: Triple Cuarteto

Malcolm Arnold: Quinteto de metales nº 1, Op. 73

DOMINGO, 14 DE JUNIO

Aribert Reimann: Adagio en memoria de Robert Schumann

Robert Schumann: Quinteto para piano, Op. 44

Mieczyslaw Weinberg: Trio para flauta, viola y arpa, Op. 127

Dohnanyi Erno: Sexteto en Do mayor, Op. 37

De izquierda a derecha: Isabel Plano (concejala de Cultura del Ayuntamiento Malpartida de Cáceres), Alberto Flores (técnico de Arte del Museo Vostell Malpartida), Toni Álvarez (directora del Centro de las Artes Escénicas y de la Música de Extremadura – CEMART) y Francisco Lorenzo (director del Centro Nacional de Difusión Musical).

 

El Centro Nacional de Difusión Musical coproduce, por tercera vez, el Ciclo de Música Contemporánea del Museo Vostell Malpartida que, del 12 al 27 de septiembre, presentará cinco conciertos y tres actividades educativas centradas en el arte sonoro y las músicas experimentales.

Todas las actividades del festival son de acceso libre hasta completar el aforo.

Cáceres. 12 de septiembre 2019 – Esta mañana, Toni Álvarez (directora del Centro de las Artes Escénicas y de la Música de Extremadura – CEMART) junto a Francisco Lorenzo, director del Centro Nacional de Difusión Musical, CNDM (unidad del INAEM, Ministerio de Cultura y Deporte), Isabel Plano (concejala de Cultura del Ayuntamiento de Malpartida) y Alberto Flores (técnico de Arte del Museo Vostell Malpartida) han presentado la vigésima primera edición del Ciclo de Música Contemporánea del Museo Vostell Malpartida, actividad de carácter internacional centrada en el arte sonoro y en la diversidad de músicas experimentales. Esta edición ofrecerá, del 12 al 27 de septiembre, cinco conciertos y tres actividades educativas. Se trata de la tercera vez en que el CNDM lo coproduce como parte del compromiso que tiene por promover e impulsar la creación musical actual a través de su extensa programación en 44 ciudades (32 españolas y 12 extranjeras), y fomentando la composición de nuevas partituras (56 nuevas obras en esta temporada, 32 de las cuales son encargo del CNDM).

Músicas exploratorias

La vigésima primera edición de este ciclo de carácter indagador se extenderá a lo largo de tres fines de semana. En la primera jornada, hoy jueves 12, el inventivo percusionista portugués, Gabriel Ferrandini, presentará un concierto de música improvisada en formato trío: Gabriel Ferrandini’s Volúpias junto a dos históricos improvisadores del país vecino, el contrabajista Hernâni Faustino y el saxofonista Pedro Sousa. La intensidad creativa de la música exploratoria lusa nos permitirá descubrir los principales movimientos sísmicos que se producen en una escena de gran efervescencia. Al día siguiente, viernes 13, la flautista Alessandra Rombolà y la saxofonista Xelo Giner tendrán un encuentro con el público previo a un concierto vertebrado por obras de compositoras del panorama contemporáneo actual, entre las que destacan el estreno absoluto Dé-coll/age firmado por la extremeña Inés Badalo.

En su semana central, el ciclo ofrecerá el viernes 20 de septiembre un concierto bajo el título “In the Shadow of Fluxus”, donde el intérprete, compositor y uno de los principales exponentes de la escena del arte sonoro, John Godfrey, combinará en un discurso fluido piezas firmadas por fluxistas y obras más recientes de su propia autoría y de creadores irlandeses. A través de un material visual, sonoro y performativo las obras se fundirán, se superpondrán y, a veces, se interpretarán simultáneamente. Ya en la jornada del sábado 21, el gran pianista y compositor Agustí Fernández, considerado como el improvisador español más notable de su generación, ofrecerá un encuentro con el público como preámbulo a un concierto intimista a piano solo.

Como cierre, el viernes 27, el conjunto Valencia Percussion Academy presentará en el Museo Vostell una experiencia musical donde las texturas más exquisitas y las sonoridades más salvajes y atronadoras se harán presentes en un espectáculo en el que las piezas se sucederán sin solución de continuidad. Una jornada cargada de emoción que cuestionará los límites del arte, previo a un encuentro con el público en el que se expondrán las particularidades de este concierto bajo el título “Drama Around”. Cabe destacar la interpretación de Estudio II sobre las Modulaciones Métricas de José Manuel López López, compositor residente de la temporada 19/20 del CNDM.

La XXI edición de este Ciclo de Música Contemporánea estará coproducida, además de por el Centro Nacional de Difusión Musical del INAEM y el Consorcio Museo Vostell Malpartida, por la Junta de Extremadura, la Diputación de Cáceres y el Ayuntamiento de Malpartida de Cáceres, y cuenta además, con la colaboración del Centro de las Artes Escénicas y de la Música de Extremadura (CEMART), el Gabinete de Iniciativas Transfronterizas, el Instituto Camões y la Asociación de Amigos del Museo Vostell Malpartida. Todos los conciertos son de acceso libre hasta completar el aforo.

Más información: cndm.mcu.es / museovostell.gobex.es

Leo Nucci

El próximo lunes 18 de diciembre, el Teatro de la Zarzuela, en coproducción con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), presenta al mítico barítono Leo Nucci en un concierto extraordinario dentro del XXIV Ciclo de Lied. Nucci regresa al teatro de la calle Jovellanos después de aquel histórico concierto, hace cuatro temporadas, que permanecerá en la memoria de quienes tuvieron la fortuna de vivirlo: 45 minutos de propinas con el público completamente entregado. En esta ocasión, llega acompañado por James Vaughan al piano para ofrecer un programa compuesto por obras de Verdi, Rossini, Puccini, Tosti, Field y Buzzi-Peccia. Las entradas, con un precio general de 8 a 35 euros, ya están a la venta en las taquillas del Teatro de La Zarzuela, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y 902 22 49 49.

Pasada con creces la sesentena, el indestructible barítono todavía está en condiciones de emitir con prestancia, de frasear con sentido, de expresar con pasión. Muy lírico en sus orígenes, aunque siempre dotado de un timbre brillante, comunicativo y de un reconocible metal, además de una considerable extensión, el artista, nacido en una localidad vecina a Bolonia el 16 de abril de 1942, ha ido oscureciendo su color y ampliando su emisión –que realiza mediante curiosas muecas en busca de la más conveniente direccionalidad del aliento– hasta poder acometer los personajes más exigentes. Nucci aún puede dar lecciones a muchos barítonos más jóvenes de cómo ha de estudiarse y componerse un figura operística. Sea la que sea, se mete en su piel de manera casi violenta; se transmuta y deja de ser él para convertirse en otra criatura sin olvidar una línea de canto muy cuidada. Es sorprendente el mordiente que tiene todavía el artista boloñés en la zona aguda: el fa, el sol e incluso el la salen de su garganta a propulsión. Su canto, sincero y entregado, se nos ofrece a través de una actuación actoral de primera.

Nucci: un barítono legendario

Leo Nucci (Castiglione dei Pepoli, Bolonia, 1942) se presentó por primera vez ante el público en 1967 en el Teatro Sperimentale (Adriano Belli) de Spoleto como Figaro en Il barbiere di Siviglia de Rossini. Estudió con Mario Bigazzi, completando sus estudios en Bolonia con Giuseppe Marchesi. A partir de 1977 canta el famoso título rossiniano en el Teatro alla Scala de Milán. Para este mismo teatro ha grabado Don Carlo, dos ediciones de Aida, Il barbiere di Siviglia, Simon Boccanegra, Il trovatore, Otello, Tosca, Gianni Schicchi, con directores como Claudio Abbado, Riccardo Chailly, Riccardo Muti, Lorin Maazel y Sir Georg Solti, entre otros. Su estrecha relación con esta meca de la ópera quedó registrada en 2007 con un concierto histórico con motivo de los treinta años de carrera en el Teatro alla Scala: Leo Nucci: Trenta alla Scala. Sus habituales actuaciones en el Covent Garden de Londres, la Staatsoper de Viena (donde ha cantado cerca de trescientas representaciones y ha realizado múltiples grabaciones, recibiendo la distinción como “Kammersänger” y “Ehrenmitglied”), y en el Metropolitan de Nueva York comenzaron a finales de los años 70. En 1977 cantó por primera vez en la Arena de Verona, donde lleva participando regularmente más de treinta años. Hay que destacar sus interpretaciones de Rigoletto siendo, probablemente, el único barítono que ha cantado este papel verdiano en todos los teatros más importantes del mundo, con más de quinientas actuaciones oficiales (la número 500, la interpretó hace ya varios años en la Staatsoper de Viena dirigido por Jesús López Cobos). Nucci ha grabado bajo la dirección de Herbert von Karajan, Sir Georg Solti, Riccardo Muti, Claudio Abbado, Carlos Kleiber, Lorin Maazel, Riccardo Chailly, James Levine, Zubin Mehta, Carlo Maria Giulini, Giuseppe Patanè, Nello Santi, Bruno Bartoletti o Daniel Oren, entre otros, compartiendo escenario con los cantantes más improtantes del mundo de la ópera. Recientemente se ha publicado un libro dedicado a él: Leo Nucci, un baritono per caso, de Achille Mascheroni (Parma, Azzali Editore). En las últimas temporadas ha obtenido un gran éxito en el Teatro alla Scala y el Covent Garden de Londres con Nabucco de Verdi, Rigoletto en gira por Japón con la producción del Teatro alla Scala, en Simon Boccanegra e Il trovatore en el Teatro alla Scala y en La traviata en la Ópera de Múnich y el Teatro del Liceo de Barcelona.

Andrea Caré

Andrea Carè, uno de los tenores más importantes de su generación, acaba de triunfar en el Teatro Real de Madrid interpretando a Pinkerton en Madama Butterfly y a Don José en Carmen. Ahora prepara su debut en el Palau de Les Arts de Valencia donde volverá a ser el protagonista de la ópera de Verdi Don Carlo, título que el interprete italiano ya ha cantado en Canadá, Francia y en el mítico Bolshoi de Moscú. “Se trata de un personaje fascinante por la complejidad psicológica que representa y por su dificultad vocal e interpretativa, aunque creo que se adapta muy bien a mi instrumento”, apunta el tenor, entusiasmado con cantar esta ópera en España, país en el que se ambienta la acción. Esta vez encarnará al infante nada menos que junto al Rodrigo de Plácido Domingo, artista con el que Andrea Carè ha coincidido en varias oca-siones y con quien tiene grabado Nabucco en DVD (Sony). Ganador de la Spoleto International Opera Competition (2005), ha perfeccionado su arte con la mítica soprano Raina Kabaivanska así como con el legendario Luciano Pavarotti. Y si en próximas temporadas debutará en el Metropolitan de Nueva York y en la Ópera de Viena, Carè ya ha actuado en algunos de los escenarios más importantes del mundo, como la Royal Opera House del Covent Garden de Londres, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, el Teatro Regio de Turín, la Ópera de Roma, la Deutsche Oper de Berlín, el China NCPA de Pequín o el Teatro alla Scala de Milán. Con esta producción valenciana, Carè consolida su presencia en el mercado operístico español después de sus debuts en Barcelona y Madrid.

Más información.

La Favorita

El próximo 2 de noviembre a las 19.00 horas tendrá lugar la Gala del 20º Aniversario de la Reapertura del Teatro Real en la que se interpretará, en versión de concierto, La Favorite, de Gaetano Donizetti, cuya segunda función, abierta al público, será el 6 de noviembre a las 20 horas.

Esta ópera, elegida para inaugurar el Teatro Real el 19 de noviembre de 1850, coincidiendo con la fiesta onomástica de la Reina Isabel II, volverá a su escenario para dos funciones festivas que unen la celebración de los 20 años del renovado Teatro Real al inicio de su accidentada historia, que comenzó hace 200 años, bajo el reinado de Fernando VII.

La Gala conmemorativa contará con la presencia de personalidades del ámbito institucional, cultural, empresarial y social de nuestro país, entre las que está prevista la asistencia de los ministros de Educación, Cultura y Deporte; Asuntos Exteriores y Cooperación; Defensa; y Justicia; la Presidenta del Congreso de los Diputados, el Presidente del Tribunal Constitucional y los embajadores de Bélgica, Canadá, Colombia, Japón Italia, México, Reino Unido, Rusia y China, entre otras personalidades.

También asistirán altos representantes de instituciones culturales y artísticas como el Museo del Prado, Museo Reina Sofía, Patrimonio Nacional, Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas, Círculo de Bellas Artes o Teatro de la Abadía, así como personalidades vinculadas al Teatro Real como Elena Revoredo, Durão Barroso, Carlos Salinas, Mario Vargas Llosa, o Pablo Heras-Casado; los exministros de cultura Carmen Calvo, Pilar del Castillo y José Ignacio Wert, y directores del Teatro Real a lo largo de estos 20 años. Asimismo, estarán representantes de las tres más importantes asociaciones internacionales de teatros líricos -Ópera Europa, Ópera América y Ópera Latinoamérica- además de representantes del Gran Teatre Liceu de Barcelona, Palau des Arts de Valencia, Teatro de la Maestranza y ABAO, entre otros.

El tema español

En la creación artística adscrita al Romanticismo, el ‘exotismo español’ fue una riquísima fuente de inspiración literaria, dramatúrgica y pictórica, que bebió sobre todo de su historia medieval, de las hazañas de los descubrimientos y del prolífico Siglo de Oro, unidos a las jugosas crónicas de los escritores y viajeros decimonónicos.

En ese contexto, son innúmeras las óperas basadas en personajes o historias de esa España imaginaria, de Las bodas de Fígaro a Carmen ­–actualmente en escena-, destacando Gaetano Donizetti (1797-1848), que en su extenso catálogo de 63 títulos incluye 11 partituras de tema español, que van de Zoraida di Granata y La Zingara, ambas de 1822, hasta La Favorite (1840), Maria Padilla (1841), Dom Sébastien, roi de Portugal (1843), o la inconclusa Le duc d’Albe.

La Favorite se inspira en la relación ilícita que mantuvo a lo largo de toda su vida el rey Alfonso XI de Castilla con Leonor de Guzmán, quien le dio nueve hijos al margen de su matrimonio oficial con la reina María de Portugal, provocando el malestar de la curia y de la nobleza de la época y, finalmente, su ejecución.

La ópera trascurre en el reino de Castilla, con monjes de Santiago y nobles sevillanos, peregrinos y esclavas moras, pero la desdichada trama amorosa de los protagonistas se aleja totalmente de la verosimilitud histórica y está construida para articular varias partituras anteriores, creando un contexto ideal para la expresión de los sentimientos extremos que permiten a los grandes divos de la época interpretar con virtuosismo las bellas melodías de Donizetti.

¿La Favorita o La Favorite?

La partitura original, escrita con una enorme premura por encargo de la Ópera de París, se estrenó el 12 de diciembre de 1840 con el título de La Favorite y libreto en francés. En pocos meses el compositor había transformado una obra inédita anterior, L´Ange de Niside, añadiéndole partes de otras óperas suyas, junto con nuevos pentagramas, en un genial y rápido ensamblaje destinado a las voces y el carácter de los célebres cantantes congregados en la capital francesa para la interpretación de la partitura.

Después de su estreno parisino la ópera inició un aclamado periplo por teatros europeos, asumiendo diferentes títulos y traducciones, con modificaciones impuestas por la idiosincrasia de cada lugar: censura, caprichos de los cantantes, gustos del público, etc. Así, la ópera recaló en Padua como Leonora di Guzman, en Milán como La Favorita, o en Viena como Richard und Mathilde, llevando a todos los teatros el drama de la ‘amante oficial’ de Alfonso XI, que incorporaba todos los ingredientes del gusto romántico: dos hombres enamorados y traicionados por la misma mujer profesan hacía ella sentimientos pasionales y contradictorios que desencadenan la muerte de la protagonista, presa de su condición de cortesana…

A Madrid llegó la versión en italiano, La Favorita, que se había impuesto a la original francesa, primero al Teatro del Circo, en 1843, y más tarde al Teatro Real, por deseo de la mezzosoprano Marietta Alboni, la gran diva que encabezaba el fantástico cartel de su velada inaugural, presidida por la Reina Isabel II.

La Favorita resurgió paulatinamente en los teatros europeos en la segunda mitad del siglo XX, con ediciones revisadas, tanto en italiano como en francés, que intentan limpiar la partitura de añadidos y adulteraciones ajenos la composición de Donizetti, aflorando su cuidada y sobria orquestación y el melodismo de largas frases, que cristalizaría en las óperas de Verdi. Dentro de este espíritu el Teatro Real ofrecerá la versión original en francés, La Favorite, tal como se hizo en las 12 funciones de la temporada 2002-2003.

La belleza de su música, ideal para el lucimiento de grandes voces, vuelve a traer al Real a cantantes de reconocido prestigio en este tipo de repertorio, como la mezzosoprano norteamericana Jamie Barton (Leonor De Guzmán), que debuta en el Real, el tenor Javier Camarena (Fernand) ─que volverá después de sus aclamadísimas interpretaciones en La hija del regimiento e I puritani─ el barítono Simone Piazzola (Alphonse XI) y el bajo Simón Orfila (Balthasar), que estarán secundados por la soprano Marina Monzó (Inés) y los tenores Antonio Lozano (Don Gaspar) y Alejandro Del Cerro (Un Señor).

Daniel Oren, que dirigió en el Real Los pescadores de perlas, de Georges Bizet, en 2013, protagonizada por Juan Diego Flórez y Patricia Ciofi, vuele a ponerse al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

Las funciones de La Favorite de los días 2 y 6 de noviembre se sumarán a las 288 representaciones anteriores de esta ópera, como un simbólico homenaje al pasado y presente del Teatro Real, que ha conseguido sobreponerse a las vicisitudes de su historia, gozando hoy día de una enorme y esperanzadora vitalidad.

‘LA FAVORITE’ | ACTIVIDADES PARALELAS

31 de octubre, a las 19.00 horas | Teatro Real, sala Gayarre

Coloquio en torno a La Favorita

​​con Miguel Ángel Ladero Quesada, Feliciano Barrios Pintado y Jaime de Salazar y Acha

Colaboración con la Real Academia de la Historia

3 de noviembre, a las 18.00 horas | Museo Arqueológico Nacional

Visita guiada: Reinos cristianos de la Edad Media en el Museo Arqueológico Nacional

4 de noviembre, a las 16.30 horas | Museo Naval

Visita-taller al Museo Naval para niños de 8 a 12 años.

Inscripciones: actividadesmuseonaval@educacionypatrimonio.es

5 de noviembre, a las 11.30 y a las 12.30 horas | Museo Naval

Cuenta-cuentos en el Museo Naval

Inscripciones: actividadesmuseonaval@educacionypatrimonio.es

6 de noviembre, a las 19.00 horas | Museo Naval, Salón de Actos del Cuartel General de la Armada

Conferencia: La favorita de Alfonso XI: Gibraltar, Trastámara y Almirantes de Castilla. Por Mariano Juan y Ferragut

Fecha por anunciar | Filmoteca Española

Ciclo de cine: Teatro Real: Noche de ópera

Teatro de la Zarzuela

A principios de esta temporada decíamos que algo estaba pasando en el Teatro de la Zarzuela y, a la vista de la Temporada 2017/2018 que se ha presentado esta mañana, solo podemos confirmarlo. Esta es la segunda programada por su director Daniel Bianco, con un firme compromiso: tender la mano a todos los públicos, reivindicando así su ineludible condición de teatro plural. Las 161 funciones que compondrán el nuevo curso irán por tanto dirigidas, cómo no, al espectador habitual del teatro, pero también y en la misma medida a quienes se acercan a él con curiosidad e inquietud de conocer e incluso a aquellas personas que aún no saben lo que se cuece entre los centenarios muros del coliseo.

En esa dirección orienta sus palabras Bianco al afirmar que la intención original de la nueva temporada es “invitar a que cada vez más personas se sumen a este viaje, que cojan nuestra mano para andar ese camino”. Un trayecto que implica, según reconoce, un trabajo “colosal” pero que merece la pena para que “el género lírico español en su más amplio sentido siga sintiéndose como uno de los patrimonios culturales de mayor arraigo, siendo así signo significativo de cada uno de nosotros”.

Un camino que según el director hay que recorrerlo juntos y en una única dirección: “la de sentir, gozar y vivir el género lírico español cuya riqueza reside, precisamente, en su extensa variedad”; y afirma que “podemos mirar al futuro con total garantía y optimismo, ya que tenemos el objetivo claro y las herramientas para alcanzarlo”.

Este es el espíritu con el que se presenta esta nueva temporada de La Zarzuela: aumentando el número de funciones a un total de 161, que supone un incremento del 15% respecto a la actual temporada y un 41% en relación a la temporada 2015/2016.

Así, la Temporada 2017/2018, que echará a andar el próximo 6 de octubre y se prolongará hasta el 14 de julio, presenta ocho títulos líricos: seis nuevas producciones del Teatro de la Zarzuela (entre las que se encuentran una coproducción con la Ópera de Lausanne y un estreno absoluto de una obra contemporánea), una reposición de una producción propia, funciones abiertas a todos los públicos del Proyecto Zarza (zarzuela hecha por jóvenes para jóvenes) y una zarzuela en versión concierto.

Lírica

Se iniciará la temporada con 18 funciones de una nueva producción de ‘El cantor de México’ de Francis Lopez en coproducción con la Ópera de Lausanne. Firmada por Emilio Sagi, con Óliver Díaz en la dirección musical, escenografía de Daniel Bianco, vestuario de Renata Schussheim y un elenco encabezado por Rossy de Palma, José Luis Sola, Sonia de Munck, Manel Esteve o Luis Álvarez, estará en cartel del 6 al 29 de octubre. Tras este comienzo será el turno para la ópera española con dos títulos: ‘El gato Montés’ de Manuel Penella y ‘Maruxa’ de Amadeo Vives. El primero, reposición de una producción propia estrenada en 2012 y firmada por José Carlos Plaza, de la que se han programado 8 funciones del 23 de noviembre al 2 de diciembre; con Ramón Tebar en el foso el reparto estará encabezado por Nicola Beller Carbone, Carmen Solís, Juan Jesús Rodríguez, César San Martín, Thiago Arancam o Alejandro Roy. La coreografía es de Cristina Hoyos.

‘Maruxa’, por su parte, es una nueva producción del Teatro cuya música estará dirigida por José Miguel Pérez-Sierra. Esta historia que se desarrolla en la confusa frontera entre el amor y el deseo contará con escena y escenografía de Paco Azorín; Saioa Hernández, Susana Cordón, Rodrigo Esteves, Borja Quiza, Ekaterina Metlova, Miren Urbieta o Simón Orfila, integrarán el reparto de este esperado título cuyas 14 funciones irán del 25 de enero al 11 de febrero.

El 16 y el 18 de febrero el público tendrá ocasión de degustar ‘La Tempestad’ tras más de medio siglo sin escucharse en Madrid. La programación de este melodrama fantástico de Ruperto Chapí, una de las obras más celebradas del compositor, solo es posible si se cuenta con un reparto como el que en esta ocasión presenta el Teatro de la Zarzuela: Carlos Álvarez, Celso Albelo, Mariola Cantarero, Ketevan Kemoklidze, Carlos Cosías y Alejandro González, todos ellos dirigidos por Guillermo García Calvo. Se ofrecerá en versión de concierto con una adaptación de Alberto Conejero para narrar la historia en la que un crimen no resuelto golpea la conciencia de un asesino sumido en el remordimiento.

En la temporada también se presentará, como feliz novedad, el estreno absoluto de una obra contemporánea, en otra nueva producción del coliseo. ‘Policías y ladrones’ de Tomás Marco, con libreto original de Álvaro del Amo, estará dirigida por José Ramón Encinar, con Carme Portaceli como creadora de la puesta en escena. Manuel lanza, José Antonio García, Rocío Pérez, Pablo García López y María Hinojosa compondrán el elenco en las 5 funciones que irán del 5 al 11 de abril.

La zarzuela grande estará también presente en el escenario de la calle Jovellanos con uno de sus títulos emblemáticos: ‘La tabernera del puerto’ de Pablo Sorozábal. Son muchos los atractivos de esta nueva producción del Teatro. Como decimos, la propia obra, su director de escena: Mario Gas, el musical: Josep Caballé-Domenech, el maestro de maestros de la escenografía Ezio Frigerio, el vestuario ideado por la oscarizada Franca Squarciapino, o el deslumbrante reparto con Sabina Puértolas, Marina Monzó, Ángel Ódena, Javier Franco, Antonio Gandía, Alejandro del Cerro, Rubén Amoretti o David Sánchez. Cada una de las 12 funciones, del 5 al 20 de mayo, promete ser un hito. De forma paralela, durante el mes de mayo el Teatro de la Zarzuela y el Museo Thyssen-Bornemisza organizarán conjuntamente una exposición dedicada a la obra escénica de Frigerio y Squarciapino en la sede madrileña de la pinacoteca. La colaboración entre ambas instituciones se lleva a cabo por segundo año consecutivo.

La temporada concluirá con la comedia musical del maestro Alonso ‘¡24 horas mintiendo!’. En versión libre de Alfredo Sanzol, sin lugar a dudas uno de nuestros más valiosos dramaturgos, la dirección de escena de esta nueva producción estará firmada por Jesús Castejón. De la música se hará cargo Carlos Aragón, que tendrá enfrente un más que adecuado reparto compuesto por el propio Castejón, Yolanda Ramos, Gurutze Beitia, Tomás Pozzi, José Luis Martínez y Enrique Viana. De este vodevil en el que nadie quiere mostrar quién es por temor a que se sepa lo que no tiene se ofrecerán 14 funciones del 29 de junio al 14 de julio.

Con la presentación de todos estos títulos el teatro seguirá siendo escaparate único de nuestra lírica, fértil y heterogénea a un tiempo.

Conciertos: Sala principal, ‘Notas del Ambigú’, ciclo Lied

Tras el éxito obtenido en la presente temporada, se mantiene el número de conciertos en la sala principal. Ocho serán las propuestas, en las que además de la lírica, también tendrán cabida otras formas de sentir y desdoblar la música: la soprano Ainhoa Arteta con un homenaje a Lorca titulado ‘La voz y el poeta’ (9 de octubre), el tenor mexicano Javier Camarena en su primer concierto dedicado únicamente a la zarzuela (19 de noviembre), la cantante Silvia Pérez Cruz que ofrecerá un espectáculo bajo el nombre de la canción que escribieron sus padres hace más de 30 años: ‘Vestida de nit’ (28 de noviembre), el concierto de Navidad ‘Zarzuela en plural’, que bajo la batuta de Óliver Díaz aglutinará a artistas como Lucero Tena, José Antonio López, Carol García, Svetla Kresteva y Enrique Ferrer, en torno a zarzuelas de todas las regiones españolas (28 de noviembre), el cantaor Arcángel que ofrecerá una nueva mirada del género lírico español (30 de enero); la cantante Marta Sánchez acompañada únicamente de piano ofrecerá la versión más íntima de su voz (17 de febrero); la mezzosoprano letona Elīna Garanča, con su esperadísimo debut en Madrid y la participación especial de Andeka Gorrotxategi (11 de marzo) y la mezzosoprano María José Montiel, que acompañada por el pianista Rubén Fernández Aguirre, presentará ‘Descubriendo a Padilla’ (6 de abril).

El hecho de haber colgado el cartel de ‘localidades agotadas’ en todos los conciertos del ciclo ‘Notas del Ambigú’ de la presente temporada, ha originado de forma natural no solo su afianzamiento, sino también el incremento de los conciertos que lo componen: en esta ocasión los protagonistas serán la soprano Carmen Romeu con ‘Una tarde francesa’ (30 de octubre), la mezzosoprano Marta Infante con ‘Tonadas y zarzuelas barrocas’ (12 de diciembre), el Trío Arbós con ‘Música de cámara’ (22 de enero), el barítono Javier Franco con ‘Canción gallega’ (13 de febrero), la soprano Ruth Iniesta con ‘A Joaquín Rodrigo’ (13 de marzo), la formación Música Ficta con ‘Música sefardí’ (16 de abril), la soprano guatemalteca Adriana González, ganadora del reciente Concurso Viñas, con ‘Canción de cámara mexicana’ (21 de mayo) y Charo Reina con ‘Una copla y una copa’ (4 de junio).

Por otra parte, el ciclo de Lied también crece. En coproducción con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), cumplirá su XXIV edición con 11 recitales, uno de ellos extraordinario ofrecido por el barítono Leo Nucci. La mezzosoprano Ann Hallenberg (10 de octubre), la también mezzo Anna Caterina Antonacci (24 de octubre), el tenor Piotr Beczala (8 de enero), el barítono Matthias Goerne (26 de febrero, 30 de abril y 8 de mayo), la soprano Diana Damrau (5 de marzo), la soprano Ana Lucía Richter (9 de abril), el contratenor Xabier Sabata (25 de junio) y la soprano Hanna-Elisabeth Müller (2 de julio) completarán la propuesta de la nueva temporada.

Proyectos didácticos. Proyecto Zarza. Clases magistrales

El Teatro de la Zarzuela continúa dando una importancia muy especial a ofrecer formación e información a ese público joven al que corresponderá llenar la sala de este teatro en el futuro y que a su vez deberá formar a la generación que le tome el relevo. “Tenemos la obligación de seducirlos y hacerles asequible la zarzuela en este siglo que nos toca”, asevera Daniel Bianco, quien lleva a la práctica su intención como muestra el hecho de que el 22% de la programación del Teatro esté dedicada a los proyectos didácticos.

El Proyecto Zarza, que promueve la zarzuela hecha por jóvenes para jóvenes y que tan importante éxito ha alcanzado en 2016/2017 registrando 9.000 espectadores entre ‘La revoltosa’ de Chapí y el espectáculo ‘Zarzuela en danza’, vuelve con fuerza en la nueva temporada con ‘El dúo de “La africana”’ de Manuel Fernández Caballero en versión libre de Susana Gómez. Con dirección de escena de la propia Susana Gómez y musical de Miguel Huertas, esta nueva producción del Teatro estará representada, tal como ocurriera con ‘La revoltosa’, por un grupo de jóvenes cantantes y actores elegidos tras un proceso de audiciones y acompañados por un grupo de cámara. Las 12 funciones, tres de ellas abiertas al público general, se ofrecerán del 28 de febrero al 7 de marzo de 2018.

En este punto es importante añadir que ‘La revoltosa’, en versión libre de Guillem Clua y dirección de escena de José Luis Arellano, que tantos elogios ha recibido este año, saldrá de gira por distintas ciudades españolas.

Los proyectos didácticos también destacarán en la próxima temporada. Gracias a ellos, el Ambigú del Teatro también se descubrirá como un espacio de espectáculos. En ese lugar se presentará precisamente el teatro de títeres con música en directo ‘Perdida en el Bosco’, nueva producción del Teatro de la Zarzuela en coproducción con Claroscvro para público infantil a partir de los 6 años. Serán 12 funciones del 5 al 10 de febrero.

Continuará, asimismo, la colaboración entre el Teatro de la Zarzuela y la Universidad Carlos III. En esta ocasión presentarán la nueva producción ‘Master Chez’, que durante 5 funciones y del 16 al 21 de abril, pondrá a prueba a los escolares para ver quién prepara más rápidamente una suculenta merienda o un desayuno saludable al ritmo de Chueca, Fernández Caballero, Giménez, Luna o Moreno Torroba. La dirección de escena será de Enrique Viana y la musical de Carlos Chamorro. Gurutze Beitia ejercerá de presentadora, y el reparto estará formado por Irene Palazón, Yauci Yanes y David Oller.

También enmarcado en los proyectos didácticos, la soprano Isabel Rey, colaboradora asidua del Festival de Salzburgo y desde hace años reclamo habitual de las más importantes casas de ópera, ofrecerá clases magistrales a jóvenes cantantes del 9 al 16 de octubre. Esta última sesión se realizará abierta al público en la sala principal del Teatro.

Danza

En la temporada próxima la danza será también una de las grandes protagonistas. No podía ser de otra manera, ya que en el Teatro de la Zarzuela recalarán las dos compañías públicas: el Ballet Nacional de España (BNE) de Antonio Najarro y la Compañía Nacional de Danza (CND) de José Carlos Martínez.

El BNE presentará del 9 al 23 de diciembre 11 funciones del espectáculo ‘Electra’, primera propuesta de obra argumental completa bajo la dirección de Najarro. Se trata de una creación del coreógrafo Antonio Ruz en la que este da vida, ahondando en diferentes lenguajes de danza, a la tragedia clásica con una visión contemporánea. La música es de Pablo Martín Caminero, Diego Losada y Moisés Sánchez y la dirección musical de Manuel Coves. El BNE ofrecerá además el 19 de diciembre una Gala homenaje a Mariemma, una de las grandes figuras de la danza del siglo XX, y lo hará con el Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma y con el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila.

La CND, por su parte, regresará al escenario de La Zarzuela del 29 de mayo al 10 de junio con 12 funciones de “Kylián-Galili-Duato”, un programa diseñado para la ocasión por Martínez que invita al espectador a un viaje a través de la historia de la Compañía. El programa incluye ‘Por vos muero’, una de las coreografías de Nacho Duato más representadas y aplaudidas durante su etapa de la CND y que originariamente creó para esta. Duato vuelve así al repertorio de la Compañía Nacional después de 7 años de ausencia. De igual manera, el público podrá disfrutar nuevamente del talento de Itzik Galili y del maestro checo Jiri Kylián de quien la CND ha llevado a escena más de diez ballets a lo largo de su historia.

Teatro Musical de Cámara

Otro de los ciclos que continúan y permanecen plenos de salud es el de Teatro Musical de Cámara en colaboración con la Fundación Juan March. Del 9 al 16 de abril se presentará ‘Los elementos’ de Antonio Literes en una nueva coproducción entre ambas instituciones. La dirección musical será de Aarón Zapico al frente de la agrupación Forma Antiqva que comparte con sus hermanos Daniel y Pablo. La dirección de escena será de Tomás Muñoz y el vestuario de Gabriela Salaverri. El reparto estará formado por Eugenia Boix, Aurora Peña, Ana Cristina Marco, Olalla Alemán o Soledad Cardoso. Como es habitual las representaciones serán en la Fundación Juan March.

Concurso de Creación

Teniendo en cuenta que el secreto de que un arte perdure en el tiempo no consiste únicamente en preservar lo ya concebido, sino promover además que la creación continúe por el camino adecuado, el Teatro de la Zarzuela pondrá en marcha un Concurso de Proyecto de Creación de Obra Lírica cuyas bases serán publicadas el próximo 30 de junio.

Teatro plural, precios populares

Hay que destacar, por último, el importante esfuerzo que el INAEM y el Teatro llevan a cabo para mantener los mismos precios populares en las entradas –de 4 a 50 €–, preservando asimismo el descuento del 20% para los abonados, y ampliando el descuento para jóvenes menores de 35 años del 35 al 50%, equiparándolo así al descuento para mayores de 65 años. De igual manera los menores de 35 años podrán beneficiarse de descuentos adicionales del 40% en el abono de Zarzuela y del 30% en los abonos de Zarzuela y Danza y Conciertos.

Es significativo destacar el nuevo descuento dirigido a las personas desempleadas, que podrán adquirir sus entradas con un 50% de deducción, y que se aplicará por primera vez en el Teatro de la Zarzuela a partir de la próxima temporada. Esta novedad se suma a los descuentos ya habituales para familias numerosas (50%), último minuto (60% desde dos horas antes del inicio de cada función) y grupos (30%).

“Todo esto lo hacemos”, señala Daniel Bianco, “llevados por el mismo espíritu que nos hace avanzar cada día: queremos que este Teatro de la Zarzuela sea un teatro plural”; una necesidad, asegura, que la propia realidad demanda. “El presente nos exige un cambio sustancial y urgente. Hemos abierto las puertas y las ventanas con la intención de que un aire nuevo circule del patio de butacas al escenario y viceversa”.

La clemenza de Tito

El Teatro Real estrenará el próximo sábado, 19 de noviembre, la ópera La clemenza di Tito, último título de Wolfgang Amadeus Mozart, que regresa al Teatro Real con la mítica producción creada y dirigida por el matrimonio Ursel y Karl-Ernst Herrmann, procedente del Festival de Salzburgo y precedida por el éxito que la acompañó en su presentación en el Real en 2012 programada por Gerard Mortier.

En esta ocasión, La clemenza di Tito contará con la dirección musical del reputado director Christophe Rousset, gran experto en este repertorio, que se colocará frente a un doble reparto y el Coro y la Orquesta Titulares del Teatro Real.

En la interpretación de los papeles principales se alternarán los tenores Jeremy Ovenden y Bernard Richter (Tito), las sopranos Karina Gauvin y Yolanda Auyanet (Vitellia), las mezzosopranos Monica Bacelli y Maite Beaumont (Sesto) y las sopranos Sylvia Schwartz y Anna Palimina (Servilia).

La clemenza di Tito fue escrita con motivo de la coronación de Leopoldo II como rey de Bohemia y se estrenó el 6 de septiembre de 1791, en el Teatro Nacional de Praga, horas después de la ceremonia. Fue la última creación del compositor de Salzsburgo, pero no en ser estrenada, pues unos días después, el 30 de septiembre, vería la luz La flauta mágica.

La ópera cuenta la historia del emperador Tito, al que retrata como hombre recto y justo, pero también clemente, capaz de perdonar a su amigo íntimo, Sesto, y a su prometida, Vitellia, que habían intentado asesinarle. Basada en la obra original de Pietro Metastasio, adaptada por Caterino Mazzolà, seis personajes se enfrentan a una partitura tan hermosa como difícil, en la que la voz es un instrumento más, y donde cada uno ofrece al espectador sus más íntimos sentimientos, como en una tragedia griega.

Ursel y Karl-Ernst Herrmann conciben un espacio escénico desnudo, blanco y luminoso que consigue realzar el conflicto de pasiones que teje el argumento. La acción interior se concentra en un lugar único, “frío y casi abstracto”, en el que los sentimientos contradictorios del drama, con su mensaje atemporal, resultan aún más desgarradores. La acción exterior abre las puertas sobre una imaginada Roma imperial.

Mortier amaba de forma especial esta ópera y sentía gran predilección por la puesta en escena de los Herrmann, a quienes se la había encargado cuando dirigía el Teatro de La Monnaie en Bruselas y que supuso el inicio del tándem como codirectores de escena, diseñadores de escena y vestuario. De La clemenza afirmaba: “es el ejemplo de una inspirada narración moderna del siglo XVIII sobre la grandeza de la clemencia por parte de los gobernantes. Una grandeza que se refleja en el espacio blanco de la escena en el que los personajes son desmenuzados hasta el más pequeño detalle“.

Así, con la reposición de esta producción, el Teatro Real quiere rendir homenaje al que fue su director artístico.

Más información.

Davinia Rodríguez

El 13 de noviembre la carrera artística de la soprano española Davinia Rodríguez da un paso de gigante: la incorporación a su repertorio de Lady Macbeth, de la ópera Macbeth de Giuseppe Verdi, considerado como uno de los papeles más complejos y difíciles de todo el repertorio. La cantante española debutará el personaje en Viena, en el Theater an der Wien, nada menos que al lado de Plácido Domingo interpretando a Macbeth. «Sin duda que es un papel complejo, que he estado preparando más de un año con mi maestra, Silvia Sass, una de la grandes Ladies de las últimas décadas». Davinia Rodríguez, que en Viena ya había cantado «I due Foscari», se siente «encantada de regresar a esta capital de la música, ahora con esta fascinante ópera de Verdi. Mi papel, aparte de ser muy exigente técnicamente, es también muy demandante en el plano actoral, ya que ella, Lady Macbeth, es una mujer cuya ambición no tiene límites, empujando a su marido incluso al asesinato para conseguir más poder político. Como todo personaje shakesperiano, es, en todo caso, fascinante, y un reto para cualquier intérprete». La cantante canaria ofrecerá del emblemático personaje 3 funciones los días 13, 17 y 20 de noviembre, con todas las entradas vendidas un mes y medio antes del estreno, y en una producción del teatro vienés que estará dirigida musicalmente por Bertrand de Billy y cuya dirección de escena firma Roland Geyer.

La carrera internacional de Davinia Rodríguez sigue imparable en un año en el que también destacan triunfos como su reciente debut en el Gran Teatre del Liceu con Simon Boccanegra, de Verdi, -coincidiendo con el 50 aniversario del debut en España de Plácido Domingo- o su participación el verano pasado en la inauguración del Festival de Spoleto interpretando a la Condesa de Almaviva en Le Nozze de Figaro, de Mozart. En la temporada 2016-2017 le esperan, entre otros compromisos, su regreso a la temporada de ABAO-OLBE en Bilbao, esta vez como Donna Anna en Don Giovanni, de Mozart, su regreso al Teatro San Carlo de Nápoles con su aclamada Amelia Grimaldi de Simon Boccanegra y su debut en el papel protagonista de Maria Stuarda en el Teatro Carlo Felice de Génova.

Violeta Urmana

El ciclo es una coproducción entre el Centro Nacional de Difusión Musical y el Teatro de La Zarzuela.

La cantante lituana ha elegido obras de Schubert y Strauss en esta su tercera visita al ciclo de Lied, y estará acompañada por Helmut Deutsch al piano.

El próximo lunes 7 de noviembre el XXIII Ciclo de Lied recibirá a la mezzosoprano lituana Violeta Urmana, una gran diva del mundo lírico internacional, acompañada por el pianista alemán Helmut Deutsch, nombre indispensable dentro de este género. En esta cita, como siempre, en el Teatro de La Zarzuela a las 20 horas, la cantante interpretará canciones de Frank Schubert y Richard Strauss, dos compositores que elevaron el lied a sus cotas más altas. Las entradas para este recital, con un precio general de 8 a 35 euros, ya están a la venta en las taquillas del Teatro de La Zarzuela, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y 902 22 49 49

La diva camaleónica

El critico musical Arturo Reverter comenta sobre Urmana: “¿Soprano?, ¿mezzo? ¿Qué clase de soprano o de mezzo? Sabemos que Urmana comenzó su carrera dentro de este segundo apartado, con papeles como el de Kundry en la ópera Parsifal de Wagner, rol por el que fue aclamada durante varios años a partir de 1999 en el Festival de Bayreuth. Su caso es el de una voz intermedia. Voces que la tradición ha calificado como falcon, y ahí es donde enciclopedias (Wikipedia entre ellas) y diccionarios la ubican. ¿Cuál es el tinte del timbre de Urmana, una vez admitido que es una falcon? Podríamos calificarlo como de lírico-spinto o directamente spinto. No de dramático. La tersura del sonido –no tanto en la zona aguda, hoy menos fragante, como en el centro y graves– lo satinado del espectro no emparentan directamente con las habituales irisaciones metálicas, de aguda penetración, de los instrumentos auténticamente dramáticos. En esta nueva visita a Madrid, en donde la cantante ha actuado con alguna frecuencia, se presenta como mezzosoprano y veremos cómo el arte amplio, variado y tornasolado de esta intérprete, generosa y expresiva, rotunda y camaleónica, encuentra en Schubert un perfecto asidero para penetrar en el meollo de los más intensos dramas íntimos o de las historias crueles como la de El enano, uno de los lieder más extensos de Schubert. Hermosa continuidad es la que supone la inclusión de trece lieder de Strauss. Una selección que penetra en lo más hondo del alma.”

Ya en el comienzo de su carrera, Violeta Urmana obtuvo reconocimiento mundial como Kundry en Parsifal y Eboli en Don Carlo. Su agenda del 2016 incluye Kundry y Amneris en Aida en Viena, la Tía Princesa en Suor Angelica de Puccini en Roma, Judit en actuaciones en concierto con El castillo de Barbazul de Bartók en el Musikverein de Viena, Jokaste en Oedipus Rex en el Festival de Aix-en-Provence y Azucena en Il trovatore en la Arena de Verona. En 2017 será Kundry en el Festival Wagner de Budapest, volverá a Nueva York como Amneris y repetirá este papel en 2018 en el Teatro Real. Durante años ha actuado con gran éxito en papeles como Amelia en Un ballo in maschera, Elisabetta en Don Carlo, Leonora en La forza del destino, Lady Macbeth en Macbeth, Odabella en Attila, los papeles principales de Aida, La Gioconda, Medea, Tosca, Norma, Iphigénie en Tauride y Ariadne auf Naxos, Brünnhilde en Siegfried, Sieglinde en Die Walküre e Isolde. Es invitada con frecuencia a los principales escenarios operísticos, como el Metropolitan de Nueva York, el Liceo de Barcelona, la Opéra National de París, la Deutsche Oper de Berlín, la Ópera de Viena, el Teatro alla Scala de Milán, la Royal Opera House Covent Garden y a los festivales de Bayreuth, Salzburgo, Aix-en-Provence, Edimburgo y los BBC Proms. Como reputada cantante de recitales y conciertos actúa en las salas más famosas de Europa, Estados Unidos y Japón. Ha trabajado con directores como Claudio Abbado, Daniel Barenboim, Bertrand de Billy, Pierre Boulez, Semyon Bychkov, Riccardo Chailly, James Conlon, James Levine, Jesús López Cobos, Fabio Luisi, Zubin Mehta, Riccardo Muti, Sir Simon Rattle, Donald Runnicles, Esa-Pekka Salonen, Franz Welser-Möst o Christian Thielemann. Entre sus grabaciones cabe destacar La Gioconda, Il trovatore, Oberto conte di San Bonifacio, Un ballo in maschera, Aida, La forza del destino, Macbeth, Don Carlo, Andrea Chénier, Siegfried, Parsifal, Cavalleria rusticana, el Requiem de Verdi, Das Lied von der Erde y los Rückert-Lieder de Mahler, los MaeterlinckLieder de Zemlinsky, La mort de Cléopâtre de Berlioz, El castillo de Barbazul de Bartók, Le rossignol de Stravinski y lieder de R. Strauss, Berg y Liszt. Actuó como Kundry en la película de Tony Palmer The Search for the Holy Grail. Urmana ha recibido numerosos premios por su carrera artística, como el de la Royal Philharmonic Society de Londres, el título de Österreichische Kammersängerin de Viena y en su Lituania natal recibió la máxima condecoración del país, la Orden de Tercera Clase del Gran Duque Gedeminas. La Universidad de Música y Teatro de Vilnius (Lituania) también la galardonó con un título honorífico. En 2014 fue nombrada Commendatore dell’Ordine della Stella d’Italia por el Presidente del Estado italiano Giorgio Napolitano. Violeta Urmana ha participado en dos ediciones previas del Ciclo de Lied: XI (04-05) y XVII (10-11).

la prohibición de amar

El próximo 6 de noviembre, el programa El Palco de Televisión Española, emitirá La prohibición de amar, ópera de juventud de Richard Wagner (1813-1883), estrenada en el Teatro Real la pasada temporada, que disfrutó de una gran acogida por parte del público y de la que la crítica dijo que es un “privilegio que no se puede perder” porque se trata de “un gran descubrimiento”.

En esta divertida, fresca y melodiosa partitura, de claro sabor mediterráneo, un Wagner de 21 años recurre a la censurada y ácida comedia Medida por medida de William Shakespeare (1564-1616) para criticar la hipocresía y puritanismo de la sociedad centroeuropea del siglo XIX, reivindicando la libertad sexual, la expresión de los sentimientos y el calor meridional. Para ello traslada la acción original de la obra shakesperiana de Viena a Sicilia, donde Friedrich —caricatura del dictador alemán que se esconde detrás de un pretendido idealismo— impone la pena de muerte para castigar la promiscuidad sexual y prohíbe los prostíbulos, el carnaval y el amor extraconyugal al que él mismo sucumbe.

La prohibición de amar, escrita después de Las hadas —que Wagner nunca pudo escuchar—, tuvo su azaroso estreno en 1836 en Magdeburgo. La primera y única representación de la ópera durante la vida del compositor fue desastrosa, ya que algunos solistas no se sabían su papel. La segunda función no pudo celebrase porque el marido de la protagonista, en un ataque de celos e impulsado, quizás, por el hedonismo y la lujuria de que alardea la trama, agredió al tenor que interpretaba el papel de Claudio, quien, al parecer, mantenía un indisimulado romance con su mujer.

Esta nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la Royal Opera House de Londres y el Teatro Colón de Buenos Aires, está protagonizada por Christopher Maltman (Friedrich), Manuela Uhl (Isabella), Peter Bronder (Lucio), Ilker Arcayürek (Claudio), y Ante Jerkunica (Brighella), que actuarán junto a María Miró, David Alegret, David Jerusalem, Isaac Galán, María Hinojosa y Francisco Vas.

Al frente de todos ellos, y del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, estarán el maestro Ivor Bolton, responsable de la parte musical, y el director de escena Kasper Holten, que moderniza esta comedia de enredo shakesperiana con guiños a la actualidad.

Celso Albelo

Celso Albelo cambia a Donizetti por Verdi y Massenet en el corazón de Italia. Después del gran éxito obtenido en Bilbao con su primer Gennaro de la donizettiana Lucrezia Borgia con la cual inauguró la temporada de ABAO-OLBE, el tenor canario regresará a Italia para afrontar dos títulos de contrastadas características en el Teatro Comunale de Bologna. En ese escenario será el Duque de Mantua del Rigoletto verdiano los días 8, 10, 13, 15 y 17 de noviembre junto a la soprano Irina Lungu y al barítono Vladimir Stoyanov, todos bajo la dirección del maestro Renato Palumbo. Unas semanas más tarde (días 16, 20 y 23 de diciembre), Albelo paseará por el coliseo boloñés el primer Werther que cante en Italia después de haber debutado el personaje de Massenet en Tenerife a comienzos de año. Se trata de una nueva producción del Comunale firmada por el regista Damiano Michieletto, con Michele Mariotti en el podio, en la que el cantante español se alternará con el tenor peruano Juan Diego Flórez.

Más información

Annalisa Stroppa

Annalisa Stroppa volverá al escenario de La Scala de Milán para la inauguración de la temporada 2016-2017, esta vez interpretando el delicado papel de Suzuki en Madama Butterfly, de la obra maestra de Puccini. “Estoy muy feliz y me siento muy honrada de poder participar en la prestigiosa apertura de la temporada de La Scala”, dijo la mezzo nacida en Brescia, que a principios de este año ya cantó en el mismo teatro la Maddalena de Rigoletto.

Ahora regresa bajo la dirección del maestro Riccardo Chailly en una producción de Alvis Hermanis, con un papel que ya ha cantado en otras ocasiones: el de la fiel y confidente sirviente de la desafortunada Butterfly, un rol con el que hizo su debut en la Opéra Nacional de París, en la legendaria producción de Robert Wilson. Para la intérprete italiana “Suzuki es un personaje muy positivo, tierno y cómplice. La relación que se establece entre ella y Ciò Ciò San es absolutamente especial: Butterfly está sola, repudiada por familiares y abandonada por Pinkerton, y la única persona que está fielmente a su lado es Suzuki, quien, como si fuera una hermana, la entiende, la protege y la apoya hasta el final “.

Las representaciones de la popular ópera de Puccini en la Scala durarán hasta el 8 de enero; posteriormente Annalisa Stroppa participará en Falstaff -como Meg Page-, siempre en el escenario milanés, y bajo la dirección de Zubin Mehta; la ópera de Verdi se presentará en la aclamada producción dirigida por Damiano Michieletto.

Seguidamente a la mezzosoprano italiana le esperan compromisos con la Opéra de Monte-Carlo (Il Barbiere di Siviglia), con el Festival de Bregenz (Carmen) y, una vez más, con la Scala de Milán (Nabucco).

Más información

dvd El Público

En el marco de las actividades conmemorativas de su Bicentenario, el Teatro Real incrementa la difusión mundial de sus producciones operísticas con el lanzamiento de dos nuevas grabaciones audiovisuales realizadas el pasado año, que llegarán al mercado en DVD y Blu-Ray: El Público, de Mauricio Sotelo (1961) y Roberto Devereux, de Gaetano Donizetti (1797-1848), ambas coproducidas con Bel Air Media y distribuidas en España por Música Directa.

EL PÚBLICO, encargo del Teatro Real cuyo estreno mundial, el 24 de febrero de 2015, tuvo una enorme repercusión mediática, podrá llegar ahora a una audiencia todavía más amplia, en una coproducción audiovisual entre el Teatro Real y Bel Air Media —en asociación con TVE (que emitió la ópera el pasado 29 de noviembre), Arte France y M_Media—, y disponible también para su distribución internacional en televisión y soportes digitales.

La ópera, con libreto de Andrés Ibáñez (1961), rescata la esencia de la obra homónima de Federico García Lorca (1898-1936), conservando sus dos temas fundamentales: “la homosexualidad y el teatro contemporáneo; la apariencia y la máscara. Máscara del ‘amor que no puede decir su nombre’ y, finalmente, máscara que se revela como esencia del ser humano. (…) La obra explora el deseo sexual con una franqueza y una complejidad que desafía las simplificaciones bienintencionadas o más o menos moralizantes”.

Para dar vida a la treintena de personajes que desfilan en la ópera, el director de escena Robert Castro partió de la atmósfera de Poeta en Nueva York evocada en la escenografía diseñada por Alexander Polzin, con nueve inmensos telones pintados que sugieren el icónico biombo lorquiano y los inmensos edificios de Manhattan. Desde ese espacio poético se explora el viaje en espiral que realiza Lorca al interior de la identidad del artista y al abismo del amor, que se esconde detrás del juego de espejos, máscaras y alegorías que mezclan realidad y ensoñación.

Un equipo artístico multicultural ha ensamblado la riqueza y autenticad del flamenco con el refinamiento de la música contemporánea, con artistas de ambos mundos: siete cantantes encabezados por los barítonos José Antonio López y Thomas Tatzl y las sopranos Gun-Brit Barkmin e Isabella Gaudí encarnan los varios y enigmáticos personajes que van tejiendo el drama; los cantaores Arcángel y Jesús Méndez y el bailaor Rubén Olmo interpretan los tres caballos blancos que simbolizan las fuerzas incontrolables de la naturaleza; y varios bailarines-actores evocan los personajes simbólicos y surrealistas que desfilan por la obra. Junto a ellos actúan el Coro Titular del Teatro Real, la prestigiosa orquesta de música contemporáneaKlangforum de Viena, el gran guitarrista Cañizares y el percusionista Agustín Diassera, todos bajo la dirección de Pablo Heras-Casado, principal director musical invitado del Teatro Real.

El Público, de MAURICIO SOTELO
Producción del Teatro Real, 2015
Con José Antonio López, Thomas Tatzl, Gun-Brit Barkmin, Arcángel y Jesús Méndez
Cañizares, guitarra
Coro Titular del Teatro Real y Klangforum Wien
Dirección: Pablo Heras-Casado | Dirección de escena: Robert Castro
Realizador para TV y vídeo: Stéphane Lebard
Coproducción audiovisual del Teatro Real y Bel Air, en asociación con TVE, Arte France y M_Media, y el apoyo del Centre national du cinéma et de l’image animée.
Subtítulos: español, inglés, francés, alemán y coreano
Libro: información en español, inglés, francés y alemán
16/9 – 142 min.
BAC134 (DVD)
Ean: 3760115301344
BELAIR – T.64

Distribuidor en España: Música Directa

ROBERTO DEVEREUX, de Gaetano Donizetti (1797-1848), que inauguró con gran éxito la pasada temporada del Teatro Real y fue retransmitida en una treintena de radios europeas a través de la UER (Unión Europea de Radiodifusión), sale también al mercado en DVD y Blu-Ray con el sello del Teatro Real en coproducción con Bel Air Media y Kairos Musique, en asociación con M_Media, la colaboración de Samsung y el apoyo del Centre national du cinéma et de l’image animée.

Esta ópera belcantista, de gran virtuosismo vocal, es un sobrecogedor retrato psicológico de la reina Isabel I de Inglaterra, víctima de su propio despotismo en la corte claustrofóbica y endogámica de los Tudor.

Creada en un período muy doloroso de la vida de Donizetti —el compositor había perdido a sus padres y a su esposa después del fallecimiento consecutivo de sus tres hijos—, cuando Nápoles estaba devastado por el cólera, la partitura de Roberto Devereux,cargada de rabia, pena y desesperación, sería para su autor, como él mismo confesó, “la ópera de las emociones”.

Siguiendo la estela de Donizetti, el director de escena sudafricano Alessandro Talevi refuerza la expresión de las pulsiones lujuriosas y tormentos corrosivos de la impetuosa reina, en una espiral destructiva evocada por una araña simbólica que va enredando y asfixiando los cuatro personajes, tomando cuerpo en la escenografía oscura y delirante diseñada por Madeleine Boyd, autora también de los figurines de la ópera.

La gran soprano Mariella Devia encabeza el reparto con una desgarradora interpretación de la reina de Inglaterra unánimemente aplaudida. La secundan el tenor Gregory Kunde, en el papel titular, el barítono Marco Caria y la mezzosoprano Silvia Tro Santafé, todos bajo la experta y sensible batuta de Bruno Campanella, al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

Roberto Devereux, de GAETANO DONIZETTI
Producción de la Welsh National Opera
Con Mariella Devia, Gregory Kunde, Marco Caria y Silvia Tro Santafé
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
Dirección Musical: Bruno Campanella | Dirección de escena: Alessandro Talevi
Realizador para TV y video: Stéphane Lebard
Coproducción audiovisual del Teatro Real, Bel Air Media y Kairos Musique, en asociación con M_Media,
la colaboración de Samsung, y el apoyo del Centre national du cinéma et de l’image animée.
Subtítulos: español, inglés, francés, alemán y coreano
Libro: información en español, inglés, francés y alemán
16/9 – 137 min.
BAC130 (DVD)
Ean: 3760115301306
BELAIR – T.64

Distribuidor en España: Música Directa

Tannhauser

Tannhäuser, ópera romántica de Richard Wagner vuelve de nuevo al Maestranza los días 28 de octubre y 1 y 5 de noviembre en una producción del Teatro Wielki-Poznán y el Teatro de la Maestranza con dirección de escena de Achim Thorwald y musical de Pedro Hlaffter al frente de un fabuloso reparto liderado por Peter Seiffert y Ricarda Merbeth.

Días 28 de octubre, 1 y 5 de noviembre, a las 20.30 horas

TANNHÄUSER

Ópera romántica en tres actos de Richard Wagner (1813-1883),

sobre libreto del autor.

Estreno en Teatro de la Corte Real de Sajonia, Dresde, el 19 de octubre de 1845

Tannhäuser und der Sängerkrieg auf Wartburg

(Pariser Fassung), WWV 70

Schott Music GmbH & Co, Kg

Dirección musical PEDRO HALFFTER

Dirección de escena ACHIM THORWALD

Director del Coro ÍÑIGO SAMPIL

Escenografía CHRISTIAN FLOEREN

Vestuario UTE FRÜHLING-STIEF

Iluminación JUAN MANUEL GUERRA

Coreografía CAROLINA ARMENTA

REAL ORQUESTA SINFÓNICA DE SEVILLA

Director artístico y musical, John Axelrod

CORO DE LA A.A. DEL TEATRO DE LA MAESTRANZA

Director, Íñigo Sampil

Producción

Teatro Wielki-Poznán / Teatro de la Maestranza

Asistente a la dirección musical Manuel Busto

Asistente a la dirección de escena Gregor Acuña-Pohl

Maestra repetidora Natalia Kuchaeva

Realización de la escenografía, vestuario, utilería y calzado Teatro Wielki-Poznán

Teatro de la Maestranza

Hermann, Landgrave de Turingia ATTILA JUN

Bajo

Tannhäuser, caballero trovador PETER SEIFFERT

Tenor

Wolfram von Eschenbach, caballero trovador MARTIN GANTNER

Barítono

Walter von der Vogelweide, caballero trovador VICENTE OMBUENA

Tenor

Biterolf, caballero trovador DAMIÁN DEL CASTILLO

Bajo

Heinrich der Schreiber, caballero trovador JOSÉ MANUEL MONTERO

Tenor

Reinmar der Zweter, caballero trovador DAVID LAGARES

Bajo

Elisabeth, sobrina del Landgrave RICARDA MERBETH

Soprano

Venus ALEXANDRA PETERSAMER

Soprano

Un joven pastor ESTEFANÍA PERDOMO

Soprano

Bailarines Sergio González, Leticia Gude, Paloma Jaén Rivas, Rocío Peluaga Lozada

Javier Ruiz de Velasco, Mario Salas, María Sánchez Calatayud, Marta Vilalta Rivas

Niños de la Escolanía de Los Palacios David Amodeo Moguer, Alba Caro Brenes

Nerea Triguero Sánchez, Antonio José Troncoso Mateo

Raúl Parejo García, Alba Vargas Crespo

Figuración Juan Carrillo Rubio, Luis Alberto Domínguez Amador

Francisco Javier Jaro Martínez, Miguel Ángel Luque Cantos

Antonio Felipe Puntas Barrios

Banda interna Miguel Carrasco, Manuel Enamorado, Ignacio Gallardo, Joaquín Gutiérrez

Marco Pacyga, Antonio Manuel Reyes, José Luis Reyes

Cencic

El domingo 16 de octubre a las 18 horas, el ciclo Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música de Madrid, la ópera Tamerlano de Haendel, interpretada, en versión concierto, por Il Pomo d´Oro con Maxim Emelyanychev a la dirección y un elenco vocal excepcional protagonizado por grandes voces internacionales especializadas en este repertorio: Xavier Sabata, Max Emanuel Cencic, Juan Sancho, Romina Basso, Dilyara Idrisova y Pavel Kudinov. Se trata, sin lugar a dudas, de una de las grandes citas de la temporada lírica madrileña.

El tenor como protagonista

En 1724 George Friedrich Haendel era, sin discusión posible, el gran dominador de la escena de Londres. Su cruzada para implantar la ópera italiana en Inglaterra transcurría acompañada del éxito. El 20 de febrero de ese año, en la quinta temporada de la Royal Academy of Music –fundada por un grupo de aristócratas para asegurarse un suministro constante de óperas serias–, el compositor sajón estrenó Giulio Cesare. El público londinense la recibió con entusiasmo: trece representaciones, además de veinte reposiciones en los años 1725, 1730 y 1732. Haendel había dejado el listón muy alto y era consciente de que sus incondicionales ya no se iban a conformar con óperas que estuvieran a un nivel inferior. El 31 de octubre de ese mismo año, en lo que suponía la apertura de otra nueva temporada de la Royal Academy of Music en el King’s Theater de Haymarket, tiene lugar el estreno de Tamerlano, escrita durante el mes de julio, en el increíble espacio de sólo tres semanas. La fortuna vuelve a sonreírle: nueve funciones, a las que se sumarán otras tres funciones más al final de la temporada, en mayo de 1725.

Tamerlano confirmó a Haendel como el gran talento operístico del momento y se ha convertido en una de las óperas más populares de su autor y en un título clave en la historia de la música, entre otras cosas porque incluye el papel de tenor más desarrollado de todo el corpus lírico haendeliano, que en esta interpretación asumirá Juan Sancho. En plena edad de oro de los castrati, a Haendel se le ocurre que el protagonista fuera una voz grave, en concreto, la de Francesco Borosini para el papel de Bajazet. Sí, porque el protagonista de esta historia no es Tamerlano, como pudiera sugerir su título, sino Bajazet, emperador otomano que fue derrotado en 1402 por Tamerlán, líder militar y político tártaro. Curiosamente, una parte de la extraordinaria partitura tiene procedencia casi religiosa, ya que había sido previamente utilizada por Haendel en el oratorio italiano La Resurrezione (Roma, 1708) y en la Brockes-Passion alemana (Hamburgo, 1719). Estamos ante una de las tragedias haendelianas más profundas, intensas y potentes. Se trata, además, de una ópera que presenta una increíble cantidad de problemas musicodramáticos, razón por la cual resulta raro que los directores de la actualidad se decanten –ya sea para representaciones en salas de concierto o para grabaciones de estudio– por la versión original de 1724 (el único que se ha atrevido a ello ha sido George Petrou, en la grabación que realizara para el sello germano MDG en 2006). La versión que escucharemos en esta cita es la de 1731, en la cual hay cambios sustanciales: se acortan de manera significativa los recitativos, se prescinde de varios números y se ofrece un aria añadida, “Nel mondo e nell’abisso”, para el famoso bajo Antonio Montagnana, quien intervino en dicha reposición en el papel de Leone. Dicha aria pertenecía a la ópera Riccardo primo, estrenada en 1727. No obstante ello, se ha optado por recuperar aquí el formidable terceto de Tamerlano, Bajazet y Asteria “Voglio strage”, el cual figuraba en la versión de 1724.

Las entradas, con un precio general de 15€ a 40€, y descuentos hasta del 60% para los menores de 26 años y desempleados (entradas de “Último minuto”, con compra desde una hora antes del inicio del concierto en las taquillas de la sala) ya están a la venta en las taquillas del Auditorio Nacional y teatros del INAEM, además de venta online en www.entradasinaem.es y por teléfono en el 902 22 49 49.

Andrea MAstroni

“Se trata de una ópera escrita en recuerdo de la tragedia vivida en Venecia en 1966 por la subida del nivel del mar, ahora hace 50 años. Todo sucedió, precisamente, a comienzos del mes de noviembre de hace medio siglo, dejando miles de damnificados”, explica el bajo italiano Andrea Mastroni, protagonista de Aquagranda, la ópera del compositor Filippo Perocco que inaugura, el 4 de noviembre, la temporada del Gran Teatro La Fenice de Venecia (Italia). Periódicamente la ciudad del norte de Italia recibe el azote de la subida del nivel del mar, fenómeno que se conoce como Acqua alta, pero pocas veces se alcanzan los 2 metros, como sucedió en 1966 con un saldo devastador. Con libreto de Roberto Bianchin y Luigi Cerantola, dirigida musicalmente por Marco Angius y en una producción de Damiano Michieletto, Aquagranda es “una auténtica obra maestra nacida de la pluma de un compositor joven como es Filippo Perocco, a quien admiro mucho”, afirma Andrea Mastroni. “Ya en la primera lectura de mi papel –Fortunato– me quedé estupefacto por la gran adecuación conseguida en la partitura respecto de mi vocalidad: está escrito para un verdadero bajo profundo, con acentos extrovertidos, extraños, juegos onomatopéyicos y gran dramatismo. En resumen: yo. Mis orígenes venecianos me ligan incluso más con esta trama y con lo ocurrido en la ciudad”.

Este estreno mundial, que estará en cartelera hasta el 13 de noviembre, cuenta con una escritura “muy verosímil y con mucha lógica, y se sostiene muy bien desde el punto de vista musical y narrativo. Subyuga el terrible momento cuando Fortunato revela a su hijo Ernesto que no habrá escapatoria para ninguno de ellos porque el agua no para de ‘crecer’. También posee momentos evocativos, como el madrigal ‘Acque, atroci acque’, un momento de gran impacto emotivo”, comenta Andrea Mastroni. El cantante milanés subraya la ilusión que le hace participar en este proyecto, “en el que tendré la suerte de volver a trabajar en una nueva producción con el genio de Damiano Michieletto, hecho que me honra todavía más formar parte de este montaje tan especial”.
Más información.

María José Montiel

La Florida Grand Opera de Miami (Estados Unidos) inaugurará su temporada a finales de noviembre con la mezzosoprano madrileña María José Montiel como protagonista absoluta: la diva española regresa a América con su sensual, temperamental e inigualable retrato de la gitana más famosa de la ópera, la protagonista de Carmen, de Bizet. Con este papel, Montiel, Premio Nacional de Música 2015, se ha presentado un los principales teatros de Europa, Asia y Estados Unidos, siendo reconocida como una de las máximas intérpretes del complejo personaje. Y si el curso pasado inauguraba con él la temporada del mítico Teatro di San Carlo de Nápoles (Italia), bajo la batuta de Zubin Mehta, este año levanta el telón de la ascendente compañía estadounidense. “Serán unas funciones inolvidables, eso seguro, porque me han hablado mucho de lo cariñoso que es el público de Miami. Por eso me encanta que mi debut en esa fantástica ciudad sea con Carmen, un personaje que es muy querido para mí y que sé que gustará, ya que en Miami hay un amplio porcentaje de público latino. Además, para mí es un honor inaugurar la temporada”, afirmó la cantante.

María José Montiel es una de las más grandes intérpretes de Carmen de su generación; su concepto del personaje en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona le valió el Premio Campoamor a la Mejor Cantante de la temporada española. “Desde que lo debuté, Carmen se ha convertido como en una hermana. Hemos viajado juntas por todo el mundo y la he interpretado en decenas de producciones, cada una con un punto de vista diferente. Me interesa mucho el personaje por su perfil psicológico, por lo que tiene de raza, de mujer valiente. Es una adelantada a su tiempo que ama la libertad por sobre todas las cosas, aún a costa de su propia vida. Por eso me parece fascinante”.

Las funciones serán los días 12, 15 y 19 de noviembre y 1 y 3 de diciembre, primer título de una temporada que, precisamente, ha escogido a María José Montiel como imagen de todo el curso lírico.

Más información:

www.mariajosemontiel.com

Florida Grand Opera: http://bit.ly/2dIEMlI

Luca Sasi

El cantante italiano, que hizo historia por cantar dos papeles principales el mismo día en el Metropolitan de Nueva York y el barítono favorito del maestro Muti, será Macbeth en el escenario del coliseo barcelonés los días 8, 11, 14, 19 y 22 de octubre. Tras su extraordinario éxito en la gran sala de conciertos de Estocolmo (Stockholms konserthus) bajo la batuta de Riccardo Muti, con quien ya había cantado Macbeth en Chicago, el barítono que lleva la fidelidad en la interpretación de Verdi como bandera, con quien comparte tierra natal “Soy de Parma, llevo a Verdi en mi sangre”, vuelve a ponerse en la piel de Macbeth en cinco de las once funciones programadas por el Gran Teatre del Liceu, en la inauguración de su temporada. “Macbeth -dice Luca Salsi– es mi rol favorito, y un verdadero desafío para el cantante que ha de saber dosificar y modular su voz para conseguir sonidos oscuros, strisciati, e incluso soffocati. Macbeth es una ópera fascinante, rica en colores y matices, en una partitura llena de indicaciones para el intérprete que hasta entonces no se habían visto en Verdi”.

Más información

Otello en el Teatro Real de Madrid

Un acogedor y renovado Teatro Real recibía el 15 de septiembre el inicio de la temporada. Nuevos colores y señalización que le acercan, en apariencia al menos, a otros prestigiosos teatros. Y, como si de la Scala o el MET se tratara, los más famosos posaban en el forocool situado en el holl de entrada vestidos de etiqueta. Sin duda esta es una forma de publicitar el Teatro y la temporada que comienza, aunque produzca cierta desazón recurrir cada vez más al menudeo televisivo para conseguirlo.

Y la temporada se ha iniciado con Otello, la obra que muestra el lenguaje musical más evolucionado de su compositor, respecto al resto de su obra.

Verdi y su libretista, Arrigo Boito, crearon un relato lleno de intensidad y dramatismo partiendo del texto de Shakespeare Othello or The Moor of Venice (1603). Prescindiendo en el libreto de la parte veneciana, Verdi y Boito adaptan con maestría el texto original. Utilizan el tema del racismo, no para describir al personaje, sino para poner de manifiesto sus inseguridades. La normalización que Boito hizo de Otello, aligerando el aspecto racista, hizo extensible a cualquiera la posibilidad de cometer las mayores atrocidades como consecuencia de la inseguridad y los celos. Este efecto consigue que la ópera de Verdi sea aún más inquietante que la obra en la que está basada.

La escenografía es del director David Alden. El mismo que se encargó de Alcina la temporada pasada. Una escenografía, la de Alcina, difícil de olvidar. Las pesadillas no remiten. Y ahora llega este Otello que, tal vez sea respetuoso con la escenografía que imaginó su compositor, pero el resultado es de una modestia impropia de un Teatro Real. Demasiado oscuro y falto de un lugar para esos momentos de recogimiento que salpican la obra. Todo se desarrolla en el mismo lugar, a las puertas de un edificio casi en ruinas. Ahí Desdemona y Otello sellan su amor. Ahí lo discuten y dudan. Ahí Iago conspira. Ahí muere, con urgencia y frialdad, Desdemona.

Un único y desangelado decorado que resulta agobiante en la primera escena, en la que parece que en cualquier momento algún miembro del coro va a precipitarse al foso.

El hecho de compartir producción con teatros de dimensiones muy inferiores a las del Real, como la Ópera de Estocolmo, puede ser la explicación a una escenografía en la que se desprecian al menos dos tercios de fondo de escenario.

Lo único que mejora la escenografía es la iluminación de Adam Silverman que logra momentos de intensidad y suspense, que elevaron el tono interpretativo de algunas escenas. El momento en el que un amenazador Otello aparece en escena para matar a Desdemona, se convierte en inquietante gracias al juego de luces y sombras.

Desdémona es el personaje de esta obra que tiene un menor desarrollo psicológico. Es la representación de la feminidad sin más elaboraciones. El eterno femenino. Y si hay alguien capaz de demostrar sobre el escenario estos roles tan característicos de la época es, sin duda, Ermonela Jaho. Aún recordamos su traviata, sobre todo la del tercer acto. En esta ocasión, Alden no le ha dado la oportunidad de morir en escena con el dramatismo y dignidad que demostró siendo Violetta. Aquí recrea una Desdemona delicada y sensible. No posee un gran volumen de voz, pero tampoco lo necesita.

Brilló sobre todo en el cuarto acto, con unos pianísimos de gran belleza. Suerte que aquí la orquesta apiana también. Habría sido imposible escucharla con el estruendo del primer y segundo acto. Estuvo especialmente entregada y delicada en la canción del Salce y en el dúo de amor con Otello.

Gregory Kunde, regresaba al Teatro Real tras su extraordinario Roberto Devereux de la pasada temporada y con el cartel de ser uno de los mejores Otellos del momento. Confieso que me gustó más en el Otello del Palau de Les Arts de hace dos temporadas. Su voz rotunda y presencia, no menos rotunda, le hacen perfecto para este rol. En esta ocasión parecía algo desdibujado. Contagiado del empequeñecimiento de la escenografía. Sus agudos sonaron plenos y brillantes pero los graves parecían emitidos a media voz, sin pena ni gloria. Solo en el último acto mostró su poderío. La capacidad interpretativa ha mejorado, pero sigue siendo el suyo un Otello de bajo impacto dramático.
Tampoco anduvo sobrado de intensidad el Iago de George Petean. No puede decirse que su interpretación haya sido enternecedora, pero se quedó muy lejos de la vileza que plantea el personaje. Fue de menos a más, como todos, y se lució en “Credo en un Dio crudel”.

Alexey Dolgov resultó ser un excelente Cassio. Demostró carácter y una buena interpretación.

La dirección de Renato Palumbo no fue precisamente delicada. Durante el primer y segundo acto, la música llegaba del foso con exceso de volumen y agitación y transmitía un cierto desasosiego. No era agradable ver la frenética actividad de tanta gente sobre un pequeño decorado, con un fondo musical perturbador durante la escena de la tormenta. Si el propósito de Palumbo era generar esta pequeña histeria, ¡bravo!.

Pero su dirección no cambió con la intervención de los cantantes. No cuidó de ellos cuando sus arias requerían pulcritud. La falta de mesura en los forte se tragó la voz de los intérpretes en más de una ocasión. Por fortuna el tercer y cuarto acto no permiten el estruendo, y fue ahí donde esta producción lució más plena.

La temporada se ha iniciado con un Otello un poco decepcionante. Es lo que suele ocurrir cuando las expectativas se exageran. Pero tampoco debe cundir el pánico. Esto no ha hecho más que empezar.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real
Vídeos: Teatro Real

OTELLO
Giuseppe Verdi (1813-1901)
Dramma lirico en cuatro actos
Libreto de Arrigo Boito, basado en la obra Othello, or The Moor of Venice (1603)
de William Shakespeare
Estrenada en el Teatro alla Scala de Milán el 5 de febrero de 1887
Estrenada en el Teatro Real el 9 de octubre de 1890
Nueva producción del Teatro Real
en coproducción con la English National Opera y la Kungliga Operan de Estocolmo
D. musical: Renato Palumbo
D. escena: David Alden
Escenografía y figurinista: Jon Morrell
Iluminador: Adam Silverman
Coreógrafa: Maxine Braham
Director del coro: Andrés Máspero
Directora del coro de niños: Ana González
Reparto: Gregory Kunde, George Petean, Alexey Dolgov, Ermonela Jaho, Vicenç Esteve, Fernando Radó, Isaac Galán y Gemma Coma-Alabert.
Coro y Orquestra Titulares del Teatro Real
Pequeños Cantores de la Comunidad de Madrid

Davinia Rodríguez

El 13 de noviembre la carrera artística de la soprano española Davinia Rodríguez da un paso de gigante: la incorporación a su repertorio de Lady Macbeth, de la ópera Macbeth de Giuseppe Verdi, considerado como uno de los papeles más complejos y difíciles de todo el repertorio. La cantante española debutará el personaje en Viena, en el Theater an der Wien, nada menos que al lado de Plácido Domingo interpretando a Macbeth. «Sin duda que es un papel complejo, que he estado preparando más de un año con mi maestra, Silvia Sass, una de la grandes Ladies de las últimas décadas». Davinia Rodríguez, que en Viena ya había cantado «I due Foscari», se siente «encantada de regresar a esta capital de la música, ahora con esta fascinante ópera de Verdi. Mi papel, aparte de ser muy exigente técnicamente, es también muy demandante en el plano actoral, ya que ella, Lady Macbeth, es una mujer cuya ambición no tiene límites, empujando a su marido incluso al asesinato para conseguir más poder político. Como todo personaje shakesperiano, es, en todo caso, fascinante, y un reto para cualquier intérprete». La cantante canaria ofrecerá del emblemático personaje 3 funciones los días 13, 17 y 20 de noviembre, con todas las entradas vendidas un mes y medio antes del estreno, y en una producción del teatro vienés que estará dirigida musicalmente por Bertrand de Billy y cuya dirección de escena firma Roland Geyer.

La carrera internacional de Davinia Rodríguez sigue imparable en un año en el que también destacan triunfos como su reciente debut en el Gran Teatre del Liceu con Simon Boccanegra, de Verdi, -coincidiendo con el 50 aniversario del debut en España de Plácido Domingo- o su participación el verano pasado en la inauguración del Festival de Spoleto interpretando a la Condesa de Almaviva en Le Nozze de Figaro, de Mozart. En la temporada 2016-2017 le esperan, entre otros compromisos, su regreso a la temporada de ABAO-OLBE en Bilbao, esta vez como Donna Anna en Don Giovanni, de Mozart, su regreso al Teatro San Carlo de Nápoles con su aclamada Amelia Grimaldi de Simon Boccanegra y su debut en el papel protagonista de Maria Stuarda en el Teatro Carlo Felice de Génova.

www.daviniarodriguez.com

Macbeth

Escocia. Macbeth escucha cómo enigmáticas brujas profetizan que será rey de Escocia. Al conocerlo, su esposa le incita a asesinar al actual rey para sustituirle. Los vaticinios de las brujas empujan a Macbeth a ser sanguinario con amigos y rivales, hasta que solo y furioso va a enfrentarse a la postrera batalla, en la que acaba muriendo.

Giuseppe Verdi sentía devoción por la obra de Shakespeare y esta es la primera ópera en que se basa en un texto del bardo. El entusiasmo de Verdi puede resumirse en su voluntad de lograr «algo extraordinario».

En esta versión, el director de escena Christof Loy sitúa la acción en un espacio clásico atemporal con toques surrealistas y dominado por blancos y negros, de gran intensidad dramática.

Melodrama en cuatro actos. Libreto de Francesco Maria Piave. Música de Giuseppe Verdi. Estreno absoluto de la primera versión: 14/03/1847, Teatro della Pergola de Florència. Estreno de la segunda versión (francesa): 21/04/1865, Théâtre Lyrique de París. Estreno en Barcelona: 01/07/1848, Liceu. Última representación en el Liceu: 05/04/2004. Total de representaciones en el Liceu: 106

DIRECCIÓN MUSICAL
Giampaolo Bisanti

DIRECCIÓN DE ESCENA
Christof Loy

DIRECTOR DE REPOSICIÓN
Jean-François Kessler

COREOGRAFÍA
Thomas Wilhelm

ESCENOGRAFÍA
Jonas Dahlberg

VESTUARIO
Ursula Renzenbrink

ILUMINACIÓN
Bernd Purkrabek

PRODUCCIÓN
Grand Théâtre de Genève

Orquesta Sinfónica y Coro del Gran Teatre del Liceu

DIRECTORA DEL CORO
Conxita Garcia

REPARTO: Ludovic Tézier, Luca Salsi, Vitalij Kowaljow, Alessandro Guerzoni, Martina Serafin, Tatiana Serjan, Anna Puche, Saimir Pirgu, Teodor Ilincai, Albert Casals, David Sánchez, Marc Canturri.

María José Montiel

El año 2016 va a ser difícil de olvidar para la mezzosoprano española María José Montiel. El estreno en el Teatro de la Zarzuela de la ópera “María Moliner”, obra escrita especialmente para ella por el compositor Antoni Parera Fons, o el haber sido distinguida con el Premio Nacional de la Música, han sido dos de los acontecimientos que han marcado para ella esta temporada.

María José Montiel habla para Brío Clásica y reflexiona sobre su carrera, sus experiencias y su futuro. Nos explica la importancia que han tenido para ella personajes como Carmen, Dalila o María Moliner. Grandes personajes a los que Montiel ha contribuido con una interpretación llena de carácter y pasión.

Las características de su voz amplia y redonda, el gran recorrido de su registro y las tonalidades oscuras de sus generosos graves, se combinan a la perfección con una sensibilidad exquisita en la interpretación y un timbre inconfundible. Todo ello hace de María José Montiel una de las mejores intérpretes nacionales y con mayor proyección internacional.

Un balance lleno de éxitos, anécdotas y vivencias que narra para nosotros.

Celso ALbelo

Entre el 22 y el 31 de octubre, el tenor español Celso Albelo regresará al escenario del Palacio Euskalduna bilbaíno para inaugurar la temporada operística de la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera. Lo hará encarnando por primera vez a Gennaro, el protagonista de la ópera de Gaetano Donizetti Lucrezia Borgia. Albelo aterrizará en Bilbao después de su regreso triunfal al Bolshói de Moscú (con Don Pasquale, también de Donizetti), y lo hará en una producción dirigida musicalmente por el maestro José Miguel Pérez-Sierra y que firma el director de escena Franceso Bellotto. Especialista consumado en el bel canto romántico, Celso Albelo ha cantado una gran parte de su repertorio ante el público abaísta: “Nunca olvidaré, en todo caso”, afirma el tenor, “la noche en que, a pedido del público, repetimos el aria ‘Una furtiva lagrima’, de L’elisir d’amore. Creo que a partir de ese momento pude establecer una comunicación muy especial con el público bilbaíno, ante el cual me siento como en mi casa. Por eso escogí debutar allí el papel de Gennaro, quizás el último de los grandes personajes para tenor del repertorio donizettiano que me faltaba por interpretar”.

Después de esta Lucrezia Borgia, Celso Albelo continúa con su imparable carrera internacional: en noviembre participará en Rigoletto en el Teatro Comunale de Bolonia (Italia), escenario en el que, ya entrado diciembre interpretará al personaje romántico por antonomasia, el protagonista del Werther de Massenet.

Más información.

Alicia Amo

La soprano malagueña acompañará mañana al conjunto La Ritirata en el concierto programado por el CNDM en Bogotá, dentro del V Festival de Música Sacra.

Alicia Amo, ha sido una de los cuatro ganadores del I Concurso de Ópera Mozart de Granada organizado por la Orquesta Ciudad de Granada del 21 al 25 de septiembre en la ciudad andaluza. Este premio conlleva su debut en el papel de Despina en las funciones de la ópera Così fan tutte de Mozart que tendrán lugar en la temporada de la propia orquesta los días 31 de marzo y 1 de abril de 2017 y en una fecha a determinar en la próxima edición del Festival Internacional de Música y Danza de Granada, bajo las batutas de Giancarlo Andretta y Andrea Marcon. El certamen reunió a 80 participantes de 15 nacionalidades y los ganadores han sido, además de Alicia Amo, Ricardo Fassi (Italia, barítono), Berna Perles (España, soprano) y Karina Demurova (Rusia, mezzosoprano). El tribunal de esta edición ha estado compuesto por Andrea Marcon y Giancarlo Andretta (Directores Artístico y Principal Invitado de la OCG), Bernard Foccroulle (Director del Festival d’Aix-en-Provence), Pablo Heras-Casado (Director Titular de la Orquesta St. Luke’s y Principal Invitado del Teatro Real), Renaud Loranger (Productor Ejecutivo de Deutsche Grammophon), Leticia Martín (Adjunta a la Dirección Artística del Liceo), Joan Matabosch (Director Artístico del Teatro Real), Antonio Moral (Director del CNDM), Kees Vlaardingerbroeck (Concertgebouw de Ámsterdam), Susanne Schmidt (Festival de Bregenz) y Alicia Pire Méndez de Andés (Gerente de la OCG). Alicia Amo acompañará mañana al conjunto La Ritirata en el primero de los dos conciertos que el grupo ofrecerá dentro del V Festival de Música Sacra de Bogotá, citas coproducidas por el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM). Bajo el sugerente título “A vos mi dueño amado” el programa contiene cantatas barrocas europeas de Telemann, Caldara, Murcia e Iribarren y tendrá lugar en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango de la capital colombiana.

Alicia Amo

Alicia Amo comienza sus estudios de violín en el conservatorio Antonio de Cabezón (Burgos) compaginándolos con los de Ballet, y continúa en Musikene (San Sebastián) obteniendo en 2007 el título superior con las más altas calificaciones. En 2008 realiza un Máster en violín y comienza sus estudios de canto en la Universität für Musik de Graz. En 2009 se traslada a Basilea y allí estudia los grados de Bachelor y Máster en Canto en la Schola Cantorum Basiliensis con Gerd Türk y Alessandro di Marchi entre otros, obteniendo Matrícula de Honor. Recibe consejos de Margreet Honig, Rosa Domínguez, Carlos Mena, Richard Levitt, Christophe Coin, Pedro Melmesdorff, Eduardo López Banzo, Andreas Scholl, María Espada, Emma Kirkby, Ana Luisa Chova y ha realizado una taller de ópera con Alberto Zedda.

Amo actúa como soprano solista junto a numerosos ensembles y orquestas como Kammerorchester Zürich, Café Zimmermann, Le Parlement de Musique, Orquesta Barroca de Sevilla, Vokalakademie Berlin, La Cetra Basel, Al Ayre Español, Orchestra di Camera di Lugano, Orquesta Sinfónica de Burgos o la Orquesta Sinfónica de Reinach cantando Le nozze di Figaro de Mozart como Susanna (R. Jacobs; Royaumon-París), La Liberazione de Ruggiero de Caccini como Nunzia (G. Paronuzzi; Basilea y Semperoper Dresde), Dido y Eneas de Purcell como Belinda (O. Gershensohn; Burgos), L’Orfeo de Monteverdi como Musica y Proserpina (S. Schwannberger; Hannover), Ariodante de Haendel en el rol de Dalinda (A. Marcon; Schola Cantorum Basiliensis), Orpheus ou l’inextinguible soif de vengeance d’Orasia de Telemann como Orasia (M. Gester; Estrasburgo, Spa y Ofenburgo), Gloria de Vivaldi (J. Cohen; Zúrich), Carmina Burana de Orff, Mysteries of the macabre de Ligeti y Matthëus Passion de Bach (J. Castro; Burgos), Mass de Stravinski (M. Barrera; Barcelona), Messe in D moll de Hasse (P. Valetti; Basilea), Jephté de Carissimi en el papel de Filia (A. Urbano; Ginebra y Luxemburgo), Oratorio di Natale de Lulier como Angelo (R. Alessandrini; Basilea), Orfeo de Rossi en el papel de Prima Gratia (R. Pichon; Opéra National de Lorrain, Caen, Burdeos y Opéra Royal de Versailles), De lo humano… y divino de J. Hidalgo como principal rol femenino (C. Mena; Teatro de la Zarzuela de Madrid), La Resurrezione de G.F. Haendel en el papel de Angelo (E. Onofri;Teatro de la Maestranza de Sevilla) y ofrece recitales habitualmente junto a E. López Banzo, A. de Marchi, y Opus Lírica en numerosos festivales de toda Europa.

Amo fundó el conjunto especializado en múscia antigua Musica Boscareccia junto a Andoni Mercero y es miembro de ensembles dirigidos por T. Koopman, A. Recasens y W. Testolin y colabora con la compañía de teatro Cal y Canto. También es profesora en AIMAntiqua (Academia Internacional de Música Antigua), en Baroque OperaStudio de la Universidad de Burgos y en la Academia de Música Antigua de la Universidad de Murcia. En su trayectoria como violinista ha sido solista y concertino de la Joven Orquesta Nacional de España (JONDE), Orquesta Sinfónica de Burgos, miembro de la European Union Youth Orchestra (EUYO), Steirische Philarmonie de Graz, I Barocchisti (D. Fasolis), y ha colaborado con la Orquesta Sinfónica de Euskadi, Orquesta Barroca de Sevilla y Orquesta de la Radio Televisión Española.

Además de este galardón, Amo ha sido ganadora del VIII Concurso Internacional de Canto “Francesco Provenzale” (Nápoles), del rol principal en Atelier Lyrique “Génération Baroque” – Le Parlement de Musique (Estrasburgo), de la residencia en el Festival de Ambronay, de los premios Jóvenes Excelentes de Caja de Burgos y Fonds Marie-Louise (Basilea), además de ser finalista del I Concurso Internacional de Ópera de Tenerife, del Chamber Music Competition Aberdeen y del XXIV Concours de Chant Clermont-Ferrand.

“L’elisir d’amore”

El Palau de les Arts Reina Sofía estrena este sábado, 1 de octubre, “L’elisir d’amore”, de Donizetti, la ópera con la que comienza la II Pretemporada con precios populares.

Keri-Lynn Wilson regresa al podio de Les Arts diez años después de su primera colaboración con la Orquestra de la Comunitat Valenciana (OCV), en febrero de 2007, en un concierto de la mezzosoprano Olga Borodina y el bajo Ildar Abdrazakov.

Según ha señalado la directora canadiense, “si ya quedé impresionada hace diez años por el excelente nivel de la OCV, en mi primera ópera con ellos he podido comprobar cómo han crecido y madurado en este tiempo, su técnica perfecta y un gran respeto por la lírica y las voces. Han conseguido en apenas diez años un nivel que a otras formaciones les cuesta 50 años”.

El centro de artes repone su montaje de “L’elisir d’amore”, realizado en coproducción con el Teatro Real, que ha sido requerido por las óperas de Bruselas, Graz y Palermo. Damiano Michieletto firma la puesta en escena, con escenografía de Paolo Fantin, vestuario de Silvia Aymonino e iluminación de Alessandro Carletti.

En esta ocasión, Eleonora Gravagnola firma la reposición de esta obra “digna de Broadway por su frescura y energía”, en palabras de Keri-Lynn Wilson. el director, que ha asistido a Damiano Michieletto en sus principales colaboraciones, ha resaltado la visión joven y actual de esta ópera, cuya acción se tralada a una jornada, con su día y su noche, en una playa valenciana.

En la producción de Michieletto, Adina regenta el chiringuito de la playa donde trabaja Giannetta. Nemorino es un humilde “chico para todo”, cuya máxima dicha es poder contemplar a la bella Adina. Dulcamara es un moderno charlatán que promete felicidad a cambio de sus brebajes energéticos, mientras que Belcore es un marinero recién llegado al puerto que desembarca en la costa con ganas de compañía femenina.

miste lugar, la playa, recoge de manera simple las relaciones necesarias del libreto y potencia la diversión y la credibilidad para el público de hoy. En el primer acto es la playa de día, con las familias y los niños que juegan. En el segundo acto es la playa de noche, con la fiesta, el alcohol, el sexo, las bromas y luego la playa desolada y vacía en la que Nemorino canta ‘Una furtiva lagrima’, uno de los momentos más célebres de la partitura”.

La historia de “L’elisir d’amore” es divertida pero a la vez triste porque nos muestra al desdichado Nemorino, que prueba lo posible y lo imposible para conquistar a Adina. Lo intenta incluso con un elixir mágico que promete el amor, pero el propio brebaje es una mentira en sí mismo”.

Destacados artistas, jóvenes cantantes y antiguos alumnos del Centre Plácido Domingo integran el reparto de la obra. La soprano Ilona Mataradze, una de las primeras artistas del Centre que disfruta de carrera internacional, alterna el papel de Adina con Karen Gardeazabal, de la actual promoción del proyecto artístico.

Por su parte, el ascendente tenor estadounidense William Davenport, que cantará también en “Lucrezia Borgia”, de Donizetti, interpreta el papel de Nemorino, que ya ha cantado con éxito en Estados Unidos, donde lo han encumbrado como una de las promesas del repertorio italiano.

Paolo Bordogna es una de las máximas estrellas del repertorio ‘buffo’, con trabajos en los principales teatros de ópera del mundo y más de 50 roles en su currículo. Debutó en Les Arts en 2011 con “La Cenerentola” y retorna para dar vida a Dulcamara, el ‘charlatán’ de “L’elisir d’amore”.

El barítono Mattia Olivieri, que también se formó en el Centre de Perfeccionament y que en la actualidad canta con regularidad en teatros y festivales de prestigio como Glyndebourne, la Ópera de Roma y la Scala de Milán, es Belcore. Cierra el elenco la reconocida soprano belcantista Caterina di Tonno (Giannetta).

Una de las favoritas del repertorio

El elixir de amor " es una ópera cómica en dos actos con libreto de Felice Romani, basado en el libreto de Eugène Scribe para “La poción ", Daniel Auber. Estrenada en Milán en 1832, relata las vicisitudes que atraviesa el ingenuo Nemorino para conquistar el amor de la rica y distante Adina. El éxito fue tan grande que la ópera permaneció en cartel durante 32 días consecutivos y apenas tardó un año en estrenarse en España.

La obra de Donizetti es una de las piezas imprescindibles dentro del repertorio operístico y figura entre los primeros quince títulos más representados del gran repertorio. Su partitura contiene algunas de las arias más populares del género como ‘Una furtiva lagrima’ y ‘Chiedi all’aura lusinghiera’.

Además del estreno este sábado, 1 de octubre, Les Arts acoge más funciones de “L’elisir d’amore” los días 4, 7, 9 y 12 de ese mismo mes. El importe de las localidades oscila entre 7 y 50 euros, con precios intermedios de 40, 28, 20 y 15 euros.

Otello

Más de 80 municipios ofrecerán Otello en directo, destacando la implicación activa y entusiasta de importantes museos y centros culturales e artísticos de todas las comunidades españolas.

Se instalarán pantallas al aire libre en Sevilla, Murcia, Valladolid, Zaragoza, Chichón, Alcobendas, Getafe y Jumilla, llevando la ópera a la calle en un ambiente festivo y distendido.

Varias instituciones culturales amplían el aforo de sus espacios, animadas por el éxito de la retransmisión de I puritani la pasada temporada.

Para los que deseen ver la ópera en casa, Otello será retransmitida en directo, gratuitamente, y para todo el mundo, en Palco Digital del Teatro Real. También se podrá seguir en RTVE.es (coproductora de la producción audiovisual), The Opera Platform (Opera Europa), Shakespeare Lives (British Council) y ARTE Concert (canal ARTE).

Seguimiento de las todas las retransmisiones en el hashtag #OtelloEnDirectoTR

Shakespeare Lives, auspiciada por el British Council, llevará Otello en directo a 140 países, con una selección de cortometrajes y material sobre la ópera, que se podrá seguir en redes sociales con la etiqueta #ShakespeareLives.

En los países de América latina la ópera será retransmitida en diferido, el 30 de septiembre, en diferentes espacios de Chile, Colombia, México y Venezuela.

Las retransmisiones de Otello cuentan con la colaboración de HISPASAT.

Siguiendo la estela de la exitosa retransmisión de I Puritani, el pasado mes de julio, que ha llegado a casi 20 millones de personas en sus diversas ventanas —webs, museos, auditorios y plazas de España y América Latina, redes sociales, etc. —, el Teatro Real retransmitirá Otello el sábado, 24 de septiembre, a las 20 horas, en directo y gratuitamente para todo el mundo, con la participación activa de diferentes instituciones culturales, medios de comunicación y ayuntamientos.

En esta ocasión, además de la retransmisión en directo en museos, centros culturales, ayuntamientos, teatros y auditorios de toda España, se instalarán pantallas fuera de Madrid, en espacios emblemáticos de Sevilla (Plaza de España), Valladolid (Plaza Mayor), Murcia (Plaza de la Cruz Roja), Zaragoza (Plaza de San Bruno), Chinchón (Plaza Mayor), Alcobendas (Plaza de los juegos reunidos), Getafe (Plaza del Teatro Federico García Lorca) y Jumilla (Plaza de arriba), llevando la ópera al corazón de las ciudades e implicando a toda su ciudadanía.

Nuevamente, prestigiosos museos e instituciones culturales de toda España ofrecerán Otello, en directo, destacando el Museo del Prado, el Museo Thyssen-Bornemisza, el Círculo de Bellas Artes, la Fundación Giner de los Ríos, la Residencia de Estudiantes y la Fundación Canal de Isabel II, en Madrid; el Museo Guggenheim de Bilbao; el MARCO, Museo de Arte Contemporáneo de Vigo; el Museo de Belas Artes de A Coruña; el Centro Niemeyer de Avilés; el Museo de las Ciencias de Castilla-La-Mancha, en Cuenca; museo Carmen Thyssen y Museo Ruso de san Petersburgo en Málaga, la Alhambra de Granada, el Museo Diocesano de Barbastro-Monzón (Huesca), entre otros.

También se suman a esta gran fiesta de la ópera teatros y auditorios como el Palau de les Arts de Valencia, el Auditorio Baluarte de Pamplona, el Gran Teatro de Huelva, Teatro Cervantes de Málaga, la Fundación Auditorio y Teatro de las Palmas de Gran Canaria, entre otros.

Asimismo, varios ayuntamientos de toda España acogerán la ópera en sus instalaciones y centros culturales: Caudete (Albacete); Elda y Guardamar del Segura (Alicante); Cangas del Narcea, El Franco y Soto del Barco (Asturias); Ávila, El barco de Ávila y Piedrahita (Ávila); Herrera del Duque (Badajoz); Alaior y Sant Lluis (Menorca, Baleares); Sant Fost de Campsentelles (Barcelona); Almaraz y Miajadas (Cáceres); San Fernando (Cádiz); Morella, Torreblanca y Vilafranca (Castellón); Pedro Muñoz, Puertollano y Villanueva de los Infantes (Ciudad Real); Montilla (Córdoba); Garriguella (Girona); Diezma y Guadix (Granada); Huelva y Beas (Huelva); Alcalá de Henares, San Martín de Valdeiglesias, Tres Cantos, Torrelodones, Valdemoro y Daganzo (Madrid); Unzué (Navarra; Monleras (Salamanca); Santander; Bormujos y Gines (Sevilla); Trevago (Soria); Calanda (Teruel); Illescas y Bargas (Todelo); Ayora, Benigànim y Puçol (Valencia).

En los países Iberoamericanos la retransmisión del día 24 de septiembre se ofrecerá el 30 de septiembre, viernes, en auditorios de Chile, Colombia, México y Venezuela.

Asimismo, desde el Teatro Real se retransmitirá la ópera en directo, en abierto y para todo el mundo, en Palco Digital y en otras plataformas online, nacionales e internacionales, que ofrecerán Otello en streaming a un público cada vez más diversificado.

RTVE, coproductora de la producción audiovisual, ofrecerá la ópera en su página web RTVE.es. The Opera Platform, plataforma de ópera online tutelada por OPERA EUROPA, que inició su actividad con la retransmisión internacional de La traviata desde el Teatro Real, en 2014, emitirá la primera y la última óperas de la temporada: Otello y Madama Butterfly. También ARTE Concert, del canalARTE, y Shakespeare Lives, del British Council, se unirán a la retransmisión de Otello.

COLABORACIÓN CON EL BRITISH COUNCIL

En el marco de las conmemoraciones del Cuarto Centenario de la muerte de William Shakespeare y del Bicentenario de la fundación del Teatro Real, Otello, que une los nombres de Verdi y Shakespeare, se retransmitirá en directo para 140 países en la plataforma audiovisual Shakespeare Lives, en las webs de los centros de British Council en todo el mundo, y también en teatros como el Shakespeare Theatre de Gdansk (Polonia) o el Teatro Nacional de Rumanía.

Los espectadores podrán disfrutar además, durante el intermedio, de una selección de cortometrajes producidos por aclamados directores británicos actuales e inspirados en los clásicos de Shakespeare con una mirada rotundamente contemporánea. Asimismo se ofrecerán una serie de entrevistas con los artistas de Otello que se podrán seguir en las redes sociales con la etiqueta#ShakespeareLives, con el fin de ofrecer al público una mirada multiforme de la de esta obra maestra desde los distintos ámbitos de la creación.

La estrecha colaboración del British Council con el Teatro Real proseguirá en el futuro con una serie de proyectos que abarcan el emprendimiento digital, el sector audiovisual y la educación.

 

Andrea Mastroni

Esta es una temporada crucial en la ya imparable carrera del cantante italiano Andrea Mastroni. Formado también como clarinetista –y diplomado en Filosofía y Estética–, este intérprete de voz profunda, amplio poder expresivo y sólida técnica vocal ha sido vencedor en varios concursos de canto antes de comenzar con su trayectoria artística profesional. Después de inaugurar el día 23 de este mes de septiembre la temporada de la Staaatsoper Hamburg (Hamburgo, Alemania) con una nueva producción de Die Zauberflöte (La flauta mágica) en su debut germano del personaje de Sarastro –escenario al que regresará a partir del 10 de octubre con su temible Sparafucile de Rigoletto (Verdi)–, el bajo milanés viajará en noviembre a Venecia para inaugurar la temporada del Gran Teatro La Fenice con el estreno absoluto de la ópera Aquagranda del compositor Filippo Perocco (4 de noviembre), contando con la dirección de escena del regista Damiano Michieletto, con quien colabora asiduamente. En esta nueva obra contemporánea, en la que Mastroni asumirá el papel protagonista, estará en cartelera hasta el 13 de noviembre y se anuncia como uno de los grandes acontecimientos culturales del año en Italia.

Ya entrado 2017, Andrea Mastroni debutará en dos de los teatros más importantes del circuito internacional, comenzando por el Metropolitan Opera House de Nueva York, donde en enero interpretará a Sparaficile de Rigoletto. En marzo cantará por primera vez el papel de Fiesco del verdiano Simon Boccanegra y lo hará en la Opéra de Monte-Carlo y posteriormente en el Théâtre du Chams Élysées de París. En mayo le espera otro gran debut internacional, cuando cante por primera vez en la Royal Opera House del Covent Garden de Londres: será en Don Carlo, bajo la dirección de Bertrand de Billy y en una producción de Nicholas Hytner.

En la temporada que acaba de finalizar, Andrea Mastroni ha paseado su talento por escenarios como los del Teatro Real de Madrid (Roberto Devereux y Rigoletto), Massimo de Palermo (Die Zauberflöte), Ópera de Oviedo (La Bohème), Opéra National de París (Rigoletto) y Festival Castell de Peralada (Turandot).

British Council

La primera iniciativa que ambos centros pondrán en marcha será la retransmisión de la ópera Otello a través de la web shakespearelives.org.

Esta será la primera y única ópera que se verá a través de este canal en el marco de las conmemoraciones del año Shakespeare.

http://bit.ly/TR-BritishCouncil

El director general del Teatro Real, Ignacio García-Belenguer y el director del British Council, Andy Mackay,han firmado un convenio de colaboración por el que ambas instituciones desarrollarán proyectos y actividades culturales en común, con especial atención en la celebración del bicentenario del Teatro Real y la conmemoración del IV Centenario de la muerte de William Shakespeare.

La primera iniciativa que verá la luz a raiz de esta colaboración, será la retransmisión de la ópera Otello, con música de Giuseppe Verdi y libreto de Arrigo Boito basado en la obra de William Shakespeare, el próximo sábado 24 de septiembre. La emisión de esta ópera, que inaugura la temporada del teatro Real, se realizará en directo para 140 países a través de la plataforma audiovisual Shakespeare Lives, en las webs de los centros de British Council en todo el mundo y a través de centros y teatros colaboradores como el Shakespeare Theatre de Gdansk (Polonia) o el Teatro Nacional de Rumanía.

Los espectadores podrán disfrutar además, durante el intermedio, de una selección de cortometrajes producidos por aclamados directores británicos inspirados en los clásicos de Shakespeare con una mirada rotundamente contemporánea. Asimismo se ofrecerán una serie de entrevistas con los artistas de Otello que se podrán seguir en las redes sociales con la etiqueta #ShakespeareLives, con el fin de ofrecer al público un enfoque diferente de la obra maestra desde los distintos ámbitos de la creación.

Otello2

RETRANSMISIONES DE OTELLO

Entre las propuestas de acercamiento de la ópera a todos los ciudadanos, que impulsa el programa de actividades del Bicentenario del Teatro Real, la difusión de sus espectáculos con la ayuda de las nuevas tecnologías audiovisuales es una prioridad.

Así, siguiendo la estela de la exitosa retransmisión de I puritani, el pasado 4 de julio, que ha llegado a 20 millones de personasen sus diversas ventanas —webs, museos, auditorios y plazas de España y América Latina, redes sociales, etc.—, el Teatro Real vuelve a ofrecer la posibilidad de que Otello pueda ser seguida, en directo o diferido, gratuitamente, en todo el mundo, con la participación activa de diferentes instituciones culturales, medios de comunicación y ayuntamientos.

En esta ocasión, además de la retransmisión en directo en museos, centros culturales, ayuntamientos y auditorios de toda España, se instalarán pantallas fuera de Madrid, en espacios emblemáticos de Granada, Murcia, Sevilla y Valladolid, llevando la ópera a la calle en un ambiente festivo y distendido.

En los países Iberoamericanos la retransmisión del día 24 de septiembre se ofrecerá el 30 de septiembre, viernes, en auditorios de Chile, Colombia, México y Venezuela.

Asimismo, desde el Teatro Real se retransmitirá la ópera en directo, en abierto y para todo el mundo, en Palco Digital y en otras plataformas online, nacionales e internacionales, que ofrecerán Otello en streaming a un público cada vez más diversificado.

RTVE, coproductora de la producción audiovisual, ofrecerá la ópera en su página web RTVE.es. The Opera Platform, plataforma de ópera online tutelada por OPERA EUROPA, que inició su actividad con la retransmisión internacional de La traviata desde el Teatro Real, en 2014, emitirá la primera y la última óperas de la temporada: Otello y Madama Butterfly. También ARTE Concert, del canalARTE, y Shakespeare Lives, del British Council, se unirán a la retransmisión de Otello.

COLABORACIÓN CON EL BRITISH COUNCIL

En el marco de las conmemoraciones del Cuarto Centenario de la muerte de William Shakespeare y del Bicentenario de la fundación del Teatro Real, Otello, que une los nombres de Verdi y Shakespeare, se retransmitirá en directo para 140 países en la plataforma audiovisual Shakespeare Lives, en las webs de los centros de British Council en todo el mundo, y también en teatros como el Shakespeare Theatre de Gdansk (Polonia) o el Teatro Nacional de Rumanía.

Los espectadores podrán disfrutar además, durante el intermedio, de una selección de cortometrajes producidos por aclamados directores británicos actuales e inspirados en los clásicos de Shakespeare con una mirada rotundamente contemporánea. Asimismo se ofrecerán una serie de entrevistas con los artistas de Otello que se podrán seguir en las redes sociales con la etiqueta #ShakespeareLives, con el fin de ofrecer al público una mirada multiforme de la de esta obra maestra desde los distintos ámbitos de la creación.

La estrecha colaboración del British Council con el Teatro Real proseguirá en el futuro con una serie de proyectos que abarcan el emprendimiento digital, el sector audiovisual y la educación.‘OTELLO’

ACTIVIDADES PARALELAS Y RETRANSMISIONES

Presentación al público de la exposición ‘Otello’ de Verdi: una mirada al Archivio Storico Ricordi

Coloquio con Pierluigi Ledda, director del Archivio Storico Ricordi, y Luis Gago, musicólogo y crítico.

Visita libre a la exposición al término del coloquio.

13 de septiembre, a las 20.00 h.

Teatro Real. Sala Gayarre y Café de Palacio

Acceso libre hasta completar aforo.

Curso monográfico: Sobre ‘Otello’ de Verdi

Por Gabriel Menéndez Torrellas

13, 20 y 22 de septiembre

Teatro Real. Sala Gayarre y sala de orquestaÓpera en cine

La Traviata, de Giuseppe Verdi

Dirección musical de Renato Palumbo y dirección de escena de David McVicar

18 de septiembre, a las 12.00 h.

Teatro Real. Sala principal

Conferencia: Shakespeare convertido en ópera romántica: el ‘Otello’ de Verdi

por Víctor Sánchez Sánchez

22 de septiembre, a las 19.00 h.

Museo del Romanticismo. Auditorio

Acceso libre hasta completar aforo.

Ópera en la calle. Retransmisión en directo de Otello

Retransmisión en directo de Otello para todo el mundo en Palco Digital y en museos, instituciones culturales, ayuntamientos y plazas de toda España.

24 de septiembre, a las 20.00 h.

Los domingos de cámara

Programa

Solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real

25 de septiembre, a las 12.00 h.

Teatro Real. Sala principal

Coloquio. Acto de clausura de las celebraciones del cuarto centenario de William Shakespeare

Noviembre y diciembre

British Council
Acceso libre hasta completar aforo.

Conferencia: La llegada de ‘Otello’ a España
Fecha por determinar

Instituto Cervantes

Otello

El próximo 15 de septiembre el Teatro Real inaugura la temporada 2016-2017 con una nueva producción de Otello, de Giuseppe Verdi (1813-1901), coproducción con la English National Opera —donde se estrenó, con excelente acogida, en septiembre de 2014— y la Ópera Real de Estocolmo, que presentó la ópera en marzo de 2015.

Como se podrá ver en la exposición El nacimiento del ‘Otello’ de Verdi: una mirada al Archivio Storico Ricordi, esta obra maestra nació gracias a la habilidad y perseverancia del gran editor Giulio Ricordi (1840-1912), que a lo largo de varios años fue persuadiendo a Verdi, ya discretamente retirado, de retomar la creación operística, que había abandonado después del estreno de Aida en El Cairo, en 1871.

Giuseppe Verdi era entonces un compositor consagrado internacionalmente, con una larga y fructífera carrera, buena posición económica, muy popular y querido por su implicación activa en la agitada vida política y social italiana. Decidió, pues, no volver a componer óperas, dando paso a una nueva generación de compositores que intentaba renovar los cánones de la ópera italiana, cuando la poderosa influencia de Wagner impregnaba la vida musical de su país.

Pero la arrebatadora fuerza dramática de William Shakespeare (1564-1616) despertó a Verdi de su letargo y, con el acicate de los excelentes libretos del compositor y poeta Arrigo Boito (1842-1918), compuso, ya septuagenario, sus dos últimas y mejores óperas: Otello y Falstaff. Con la primera, emprendió la más honda renovación de su lenguaje, con una suerte de síntesis y quintaesencia de la ópera italiana, que marcaría el final de un ciclo de casi dos siglos; con la segunda, llevó la ópera cómica a la cumbre del refinamiento y sutileza, despidiéndose con una deliciosa y nostálgica loa a la juventud y al amor.

Impulsado por la concisión del libreto de Boito, que simplifica la trama shakesperiana profundizando en la complejidad de los personajes y sus relaciones, Verdi utiliza todos sus recursos creativos al servicio de la dramaturgia, creando una partitura sin fisuras, en la que se funden y se disuelven arias, dúos, recitativos y ariosos, en un continuum en que la tensión no decae nunca, ni siquiera en los momentos de mayor intimidad y lirismo.

Una genial orquestación perfila los personajes y alumbra el devenir del drama, con una densidad y una contención difícilmente igualables, en la que el canto fluye como una declamación, que entrelaza sutiles melodías, casi epigramáticas, de enorme fuerza dramática, con otras de largo aliento expresivo.

Con esta obra, tan potente dramatúrgicamente, el director de escena estadounidense David Alden ha optado por enfatizar el conflicto interno de Otello, cuyo carácter guerrero enmascara la enorme inseguridad que lo hace vulnerable a la maquinación perversa de Iago. Una derruida y sombría ciudad mediterránea concebida por el escenógrafo Jon Morrell acentúa la atmósfera terrorífica del drama shakespeariano que Verdi engrandeció y universalizó.

Renato Palumbo, que en el Real ha dirigido Les Huguenots, Tosca y La traviata, vuelve con otro título verdiano, de nuevo con la soprano albanesa Ermonela Jaho, que triunfó con su interpretación de La traviata, en 2014. Estará acompañada por el tenor Gregory Kunde, uno de los más alabados intérpretes del exigente papel de Otello en la actualidad, que también inauguró la pasada temporada del Real con su aplaudido Roberto Devereux, y que protagonizará la Norma que se ofrecerá en octubre y noviembre. Junto a ellos, encarnando al sádico y sibilino Iago, estará el barítono George Petean, que acaba de participar en la ópera I puritani que puso fin a la pasada temporada.

Este trío protagonista se alternará con la soprano armenia Lianna Haroutounian, el tenor Alfred Kim y el barítono Àngel Òdena, que cantará su 13º papel protagonista en el Teatro Real (Das Rheingold, La conquista di Granata, La Dolores, I pagliacci, Luisa Fernanda, Madama Butterfly, Merlin, Margarita la tornera, Simon Boccanegra, Cyrano de Bergerac, La traviata y Roberto Devereux).

El coro Pequeños Cantores de la Comunidad de Madrid, dirigido por Ana González, y el Coro Titular del Teatro Real, preparado, como siempre, por su director titular, Andrés Máspero, actuarán una vez más junto a la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la batuta de Renato Palumbo.

Ricordi

Bertelsmann trae a España por primera vez el Archivo Ricordi, una de las colecciones musicales privadas más valiosas del mundo, a través de la exposición ‘El nacimiento del Otello de Verdi: una mirada al Archivio Storico Ricordi’. La muestra del Archivo Ricordi, esencial para entender la génesis del género de la ópera, se exhibirá en el Teatro Real de Madrid entre los días 15 de septiembre y 3 de octubre, y su inauguración coincide con el arranque de la temporada operística 2016-2017 con la representación de Otello.

Partituras manuscritas del célebre compositor, correspondencia seleccionada, bocetos de escenarios, diseños de vestuario que resucitan la cultura de la ópera del siglo XIX… El grupo de comunicación más grande de Europa y con una tradicional fuerte presencia en España quiere acercar al público español la herencia histórica del Archivio Storico Ricordi de Milán, propiedad de Bertelsmann desde 1994.

El objetivo de la exposición es mostrar la amplia variedad de documentos que alberga el archivo a través de la creación de Otello, una obra maestra clave que refleja el papel único que Ricordi tuvo en el proceso creativo de producción y concepción de la ópera. La colaboración creativa entre el editor Giulio Ricordi y el genio artístico Giuseppe Verdi se cuenta entre las grandes empresas culturales de la historia.

Bertelsmann adquirió la emblemática editora musical Casa Ricordi en 1994 y el inventario del archivo contiene a día de hoy 7.800 partituras originales de más de 600 óperas, incluyendo valiosos manuscritos originales de Giuseppe Verdi y Giacomo Puccini, así como unos 10.000 libretos, 6.000 fotografías históricas y la correspondencia completa del negocio de la compañía entre 1888 y 1962, que proporciona un conocimiento trascendental de cómo pensaba y trabajaba en aquella época la industria cultural. Además, la editorial Ricordi ha sido pionera fundamental en la industria de la música gestionando la creatividad, uno de los valores que impulsa a Bertelsmann como principal industria cultural de Europa.

Palau Les Arts

El Palau de les Arts Reina Sofía pone en marcha, hasta el próximo domingo 25 de septiembre, la comercialización de los nuevos abonos para la Temporada 2016-2017 a través de su página web www.lesarts.com, o de forma presencial en las Taquillas.

Les Arts ofrece para el próximo curso siete turnos de abono que combinan cinco títulos de ópera en la Sala Principal: “I vespri siciliani”, “La traviata”, “Lucrezia Borgia”, “Werther” y “Tancredi”, el ballet “El sombrero de tres picos”¸ y los conciertos “Israel in Egypt”, “Piramo e Tisbe” y “Mural – Das Lied von der Erde”.

Los precios oscilan entre los 652,50 euros del pase de Turno A en zona de visibilidad 1 y los 219,30 euros de los formatos más económicos, en zona de visibilidad 4, en los turnos D, E y F. El abono de Les Arts incluye un descuento del 15% sobre el precio original de las localidades si se abona en un único pago, o de un 10% si se fracciona.

Además, el centro de artes introduce una nueva modalidad en los diferentes turnos: los abonos Mentor-Neo, que ofrece un descuento añadido del 5% a los titulares (Mentor) que apadrinen a un joven abonado (Neo) menor de 30 años y titular del Carnet Joven, que se beneficiará de un descuento del 60%. En este sentido, el centro de artes recuerda que los abonos Neo están limitados a un máximo de 20 localidades por turno de abono y que sus titulares sólo podrán renovarlo una temporada adicional siempre y cuando se mantengan en los límites de edad estipulados.

Los titulares del abono de Les Arts disfrutan, entre otras ventajas, de una serie de descuentos y promociones en la compra de productos y servicios del teatro, además de una atención personalizada en las Taquillas o de periodos de venta preferente para los espectáculos propios del centro operístico.

Asimismo, el centro de artes recuerda otras fechas de interés dentro de la campaña de abonos. Hasta el 18 de septiembre, los abonados podrán remitir sus formularios de actualización de datos y también, ese mismo día, finaliza el plazo para solicitar la renuncia al abono de temporada. El lunes 19, de 10.00 a 18.00 h, Les Arts registrará las solicitudes de cambio de turno y del 30 de septiembre al 2 de octubre las peticiones de compra preferente de localidades. La documentación para todos estos procedimientos está disponible en www.lesarts.com.

Continúa la venta de pases y entradas para la Pretemporada

Por otra parte, Les Arts continúa con la venta de pases y localidades para las diferentes propuestas de la Pretemporada. Cinco espectáculos conforman la oferta con precios populares de 2016: las óperas en la Sala Principal “L’elisir d’amore”, de Gaetano Donizetti, y “El gato montés”, de Manuel Penella, junto con los conciertos “Gloria e Imeneo”, “Cantúria cantada” y ‘Noves veus’.

El centro lírico mantiene las tarifas de esta iniciativa para todos los públicos, con entradas para ópera en la Sala Principal entre 7 y 50 euros, conciertos en el Auditori de 10 a 20 euros, y espectáculos en el Teatre Martín i Soler por 15 euros.

Asimismo, también se ofrecen pases que agrupan las diferentes propuestas desde 62 euros en la versión más económica, la dirigida a los titulares del Carnet Jove en zona 3, hasta los 150 euros que alcanza el pase para público general en zona de máxima visibilidad.

La segunda Pretemporada comenzará el 1 de octubre con “L’elisir d’amore”, de Donizetti, en el montaje que Damiano Michieletto ambientó en la playa de La Malvarrosa, con Keri-Lynn Wilson en el foso. La ópera española regresa con “El gato montés”, del valenciano Manuel Penella, que Les Arts programa en al centenario de su estreno en el Teatro Principal de Valencia con Óliver Díaz como director musical y José Carlos Plaza al frente de la dirección escénica.

La oferta se complementa con un monográfico de Vivaldi bajo la batuta de Fabio Biondi, director musical de Les Arts, el 6 de octubre en el Auditori, con las obras “Gloria e Imeneo” y “Gloria”. A éstas se añaden dos propuestas en le Teatre Martín i Soler: “Cantúria Cantada”, de Carles Santos, a cargo del Cor de la Generalitat, con dirección de Dolors Ricart el 10 de noviembre, y una gala de ópera con los artistas de la octava promoción del Centre Plácido Domingo, ‘Noves veus’, dirigida por Ramón Tebar, el 26 de ese mes.

Horario de Taquillas de Les Arts

Les Arts recuerda que, hasta el 18 de septiembre inclusive, el horario de atención al público, así como de las líneas 902 202 383 y 96 197 59 00, es de lunes a viernes de 10.00 h a 14.30 h.

Sábata

Hace dos años se produjo el debut en Peralada de Xavier Sabata (Avià, Barcelona, 1976), quien obtuvo un gran triunfo con el concierto que llevaba por título “Furioso o tras los pasos de Orlando”. Su vuelta a Peralada, ha constituido uno de los máximos atractivos en la programación de la treinta edición del festival ampurdanés. El contratenor barcelonés nos mostró de nuevo sus inquietudes musicológicas, al elaborar un programa alrededor de la figura de Alejandro el Magno, a través de diferentes títulos del repertorio operístico barroco, que centran su temática en la figura del gran conquistador griego. Con el título “Alejandro el Grande, el hombre que conquistó el mundo” el concierto tuvo lugar en la Iglesia del Cármen de Peralada, el pasado 7 de agosto, donde Xavier Sabata, estuvo acompañado por una orquesta de cámara con miembros del conjunto polaco Capella Cracoviensis, formado por los violinistas Zofia Wojniakiewick y Tomasz Góra junto al viola Mariusz Grochowski, la violonchelista Agnieszka Oszańca, el contrabajo Zenon Skiba y los oboés Taka Kitazato y Alayne Leslie, todos dirigidos por Tomasz Adamus también a cargo del clavecin. El mérito de Xavier Sabata es haber recuperado una serie de óperas barrocas que no habían vuelto a ser escuchadas desde las fechas de sus correspondientes estrenos como La superbia d’Alessandro (1690) de Alessandro Steffani. Abdolomino (1711) y L’Euleo festeggiante nel ritorno d’Alessandro Magno dall’Indie (1699) de Giovanni Battista Bononcini. Alessandro il Grande in Sidone (1706) de Francesco Mancini. Alessandro nell’Indie (1732) de Giovanni Battista Pescetti. Alessandro e Poro (1744) de Carl Heinrich Graun. Alessandro nell’Indie (1729) de Leonardo Vinci y Alessandro in Persia (1741) de Leonardo Leo.

El programa también incluía páginas de dos óperas más conocidas y representadas: Poro (1731) y Alessandro (1726) ambas de Georg Friedrich Händel. El concierto comenzó con sendas páginas orquestales bien interpretadas por la Capella Cracoviensis, pertenecientes a las óperas La superbia d’Alessandro de Alessandro Steffani y Abdolomino de Giovanni Battista Bononcini, y de otra ópera de este mismo autor con el largo título L’Euleo festeggiante nel ritorno d’Alessandro dall’Indie, que incluía dos arias con las que se inició la actuación de Xavier Sabata: en la primera de ellas “Da tuoi lumi”, un aria de bravura con la típica estructura da capo, el cantante mostró su dominio técnico de la coloratura con una gama de graves bien emitida; y, en contraposición, la segunda “Chiare faci” de carácter claramente intimista, donde Sabata mostró un canto pleno de fino melodismo, con el solo acompañamiento del violonchelo, que convierten esta página en un auténtico lamento. En esa misma línea intensamente melódica, se encuadra la bellísima aria “Servati a grande” de la ópera Alessandro nell’Indie de Giovanni Battista Pescetti, con una preciosa introducción orquestal, donde el cantante mostró su dominio de las complejas ejecuciones de milismas ligados, para concluir su interpretación en piano con trino incluido. La primera parte del concierto finalizó con la interpretación de otra aria de bravura “Spirti fieri alla vendetta” de la ópera Alessandro il Grande in Sidone de Francesco Manzini, en cuya primera sección, Xavier Sabata mostró un canto lleno de furia con notas emitidas vertiginosamente, así como su gran capacidad teatral, llegando incluso a enfrentarse a la partitura pasando violentamente sus páginas.

Sábata2

La interpretación realizada por la Capella Cracoviensis del andante de la sinfonía perteneciente a la ópera Alessandro e Poro de Carl Heinrich Graun, marcó el inicio de la segunda parte del concierto, dando paso a Xavier Sabata para afrontar el aria “Servati a grandi impresa” con el mismo texto y título de ópera Alessandro nell’Indie pero de otro autor Leonardo Vinci, donde, de nuevo, el cantante nos mostró su dominio estilístico y gran capacidad para resolver las dificilísimas agilidades de una página sumamente ornamentada, mostrando también su elegante fraseo y magnífico legato. A continuación en “Possono tanto due luci” de la ópera Poro de Händel, iniciada con una brillante introducción orquestal, Sabata volvió a ofrecer una línea de canto que resaltaba el tono intimista y melancólico del aria, para concluirla ensanchando la voz y dotando a su interpretación de fuerte dramatismo. El aria “Dirti, ben mio, vorrei” de Alessandro in Persia de Leonardo Leo, se convierte en una verdadera declaración amorosa de Alejandro a su amante, con frases de carácter tan intimista y sugerente como “che t’amo, che t’adoro, Ma non lo posso dir” cantadas por Sabata con gran estilo y auténtico apasionamiento. El concierto concluyó con la interpretación del aria bravura “Vano amore” perteneciente a la ópera Alessandro de Händel, donde el cantante volvió a mostrar su excelente técnica para afrontar complejas coloraturas, con pasajes ejecutados a gran velocidad, mostrando un amplio fiato para la ejecución de larguísimos melismas y perfectos saltos de octava, con un gran dominio de todos los registros y aportando a su interpretación un alto grado de teatralidad.

Ante los continuos aplausos de un público enfervorizado, Xavier Sabata interpretó dos arias de sendas óperas Händel: “Cedo a Roma e cedo a tè” de Scipione y “Vibra cortese amore” de Alessandro. En la primera, con la alternancia de pasajes lentos y rápidos, junto a las reiteradas repeticiones de la frase que da título al aria, efectuadas con diferentes entonaciones, donde el cantante volvió a demostrar su arte interpretativo. En la segunda, Sabata volvió a deleitarnos con ese canto intimista y de gran delicadeza ya ofrecido en diferentes momentos de este concierto. Buenas interpretaciones de la Capella Cracoviensis en la Sinfonía perteneciente a la ópera Alessandro il Grande in Sidone de Francesco Mancini, donde resultan magníficos los diálogos de los violines con la cuerda grave, ensamblados por el sonido del clave. Momento especialmente brillante en la actuación de la orquesta de cámara polaca, fue la interpretación de la Obertura de la ópera de Händel Alexander’s Feast. Buena actuación de Jan Tomasz Adamus tanto en su labor directorial como en la de interprete al clavecin.

En suma, un concierto de verdadera altura, que muestra de nuevo, la gran capacidad de Xavier Sabata a la hora de elaborar atractivos programas temáticos, junto a su excelente calidad como cantante, y también, como un consumado actor capaz de establecer un alto grado de comunicación con el público.

Celso Albelo

Después de completar una temporada con importantes debuts como los vividos en el Metropolitan de Nueva York y en el Bolshoi de Moscú, y de llegar hasta Eslovaquia con la ópera de Donizetti Maria Stuarda -título con el que, precisamente, debutó en el Met-, el tenor canario Celso Albelo participará mañana en la programación lírica de A Coruña con un concierto muy especial: la celebración de los diez años de su debut profesional en España, precisamente en la ciudad gallega. En Albelo, 10 años en A Coruña, el cantante canario realizará, junto al piano de José Francisco Parra, un viaje por los títulos operísticos que ha interpretado ante el público coruñés, como I Puritani, Don Pasquale, Lucia di Lamermoor o La fille du régiment.

Calificado por Plácido Domingo como “el número uno de los tenores españoles”, Albelo regresará más tarde al Bolshoi de Moscú para una nueva serie de funciones de Don Pasquale (Donizetti, 22 y 24 de septiembre), título con el que debutó en el coliseo moscovita el pasado mes de abril, antes de inaugurar con Lucrezia Borgia (Donizetti) la temporada bilbaína de ABAO-OLBE (22, 25, 28 y 31 de octubre) y de instalarse en el Teatro Comunale de Bolonia (Italia) en el que, entre noviembre y diciembre, interpretará Rigoletto (Verdi, 8, 10, 13, 15 y 17 de noviembre) y Werther (Massenet, 16, 20 y 23 de diciembre).

Nancy Fabiola Herrera

Con Las golondrinas, de Usandiza­ga, en una nueva producción que firma Giancarlo del Monaco, la mezzosoprano española Nancy Fabiola Herrera inaugurará en octubre la nueva temporada del Teatro de La Zar­zuela de Madrid. Será el comienzo de un curso en el que la cantante canaria también se tomará un tiempo en Madrid para presentar su último disco, Ensueños, grabado entre España y Uruguay junto al piano de Rubén Fernández Aguirre y que incluye “un programa que hemos paseado en recitales por varios países y que teníamos muchas ga­nas de grabar por el éxito y la gran acogida de público”, afirma la mezzo canaria; “se trata de un retrato de compositores de origen español. Al­gunos son temas más escuchados, otros menos conocidos, pero todos bellísimos, que van des­de Pauline Viardot -que aunque se la considere francesa es de origen español- a compositores nuestros tanto del pasado –Montsalvatge, Falla-como contemporáneos –Miquel Ortega o Antón García Abril-. Se trata de un programa evoca­dor, de gran belleza y muy variado, que intenta embaucar al oyente en un mundo de ensueños; son piezas escogidas porque tienen una atmós­fera especial que me tocan muy adentro y de las cuales quería ofrecer mi visión al público. Es un disco muy especial para mí que además vamos a promocionar junto a Rubén Fernández Aguirre con una gira de recitales”.

Más tarde, Nancy Fabiola Herrera regresará al Metropolitan Opera House de Nueva York para participar, entre diciembre y enero, en dos produc­ciones: Salome, de Richard Strauss, y Nabucco, de Giuseppe Verdi. A estos dos títulos se unirán, ya en­trado el mes de abril, varias funciones de Rigoletto, también de Verdi, en el montaje que ya ha interpre­tado en dos temporadas anteriores.

En España podrá verse a Nancy Fabiola Herrera en su tierra, Las Palmas de Gran Canaria, donde será la protagonista de La Favorite, de Donizetti, en marzo, mes en el que también participará en la tem­porada de la Orquesta de Radio Televisión Españo­la interpretando el Stabat Mater de Rossini.

http://nancyfabiolaherrera.com/

María Katzarava

Después de cantar en México La Voix Humaine, de Poulenc, y de debutar con gran éxito en el Festival Castell de Peralada (España) con Liù de Turandot, de Puccini, la soprano mexicana Maria Katzarava se apunta a un nuevo reto en su carrera: debutar el emblemático papel de Cio-Cio San, la protagonista de Madama Butterfly, el sueño de toda soprano lírica. Lo hará en el Teatro Massimo de Palermo (Italia) los días 17, 20, 23 y 25 de septiembre. “Estoy muy entusiasmada y feliz con este nuevo debut”, afirmó la intérprete, “ya que se trata de un personaje al que Puccini dotó de innumerables detalles de personalidad que se reflejan en la partitura. Veo a Butterfly como una mujer muy fuerte, determinada y que sabe lo que hace. La música es bellísima y la dramaturgia es puro teatro. Será además todo un reto y un honor debutarla ante un público de tanta tradición como el italiano y estoy segura de que será una ópera que me acompañará muchos años”.

Después de este debut en Sicilia, la ganadora del Concurso Operalia regresará a México, esta vez para cantar de nuevo La Voix Humaine en Monterrey (30 de septiembre) y para ofrecer, el 4 de octubre, un concierto en el Auditorio Blas Galindo de Ciudad de México a beneficio de su recién inaugurada Fundación Centro Cultural el Tecolote a través de la cual apoyará a jóvenes artistas de escasos recursos del estado de Guerrero; en octubre (días 8, 9, 11 y 12) asumirá por vez primera, siempre en México, el rol protagonista de Florencia en el Amazonas, de Daniel Catán; el 6 de noviembre brindará un recital benéfico dentro del ciclo Life Victoria organizado por la Fundación Victoria de los Ángeles en Barcelona, para después cambiar rápidamente de registro y meterse en la piel de un personaje que conoce muy bien y que también le fascina: el de Violetta Valéry, la sufrida protagonista de La Traviata, de Giuseppe Verdi. Lo hará en una nueva producción de la cineasta Alice Rochwacher y con la que, entre el 4 de noviembre y el 19 de enero de 2017, se irá de gira por diversas ciudades del norte de Italia, como Reggio Emilia, Módena, Como, Bérgamo, Cremona, Brescia y Pavía. El 10 de enero interrumpirá la gira italiana para debutar en el prestigioso ciclo Rosenblatt Recitals de Londres.

http://www.katzaravamaria.com/

 

San Sebastián

La Quincena Musical de San Sebastián inicia su 77º edición, que se celebra entre el 4 y el 31 de agosto, con 16.000 entradas vendidas y siete citas con cartel de no hay billetes o a punto de llenar todas las localidades. “La Quincena 2016 empieza con buen pie: a pocos días del comienzo tenemos agotados dos de los grandes conciertos del Kursaal -¡el de clausura se vendió en menos de dos horas!- y hay otros cinco que están al borde del lleno. Además, la renovación de abonos ha sido del 100%”, ha señalado Patrick Alfaya, director artístico del festival. Según el responsable de la programación, esta edición resalta como la más coral de los últimos años. Además de las agrupaciones habituales (Orfeón Donostiarra, Andra Mari o Easo), también estarán Monteverdi, Collegium Vocale Gent, Balthassar Neumann y Orfeón Pamplonés.

El ciclo del Auditorio Kursaal arranca el 5 de agosto con “La Pasión según San Mateo”, de J.S. Bach, a cargo de sir John Eliot Gardiner, que dirigirá a English Baroque Soloist, Monteverdi Choir y la veintena de jóvenes que componen el Easo Eskolania. Las entradas para este concierto ya están agotadas. Así como las del espectáculo de clausura el 31 de agosto, un cierre histórico que reunirá por primera vez sobre el escenario a 400 músicos de la Orquesta Sinfónica de Euskadi y la de Bilbao para interpretar el “Te Deum” de Berlioz, además de los orfeones Donostiarra y pamplonés junto a la Escolanía Easo.

Otras citas que han despertado el interés del público son la ópera “Don Giovanni”, ofrecida en versión semi – escenificada con un reparto que incluye al barítono Christopher Maltman (13 de agosto); también la actuación del conjunto de Budapest Festival Orchestra y el Orfeón Donostiarra (21 de agosto); y la de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Frankfurt con la agrupación de música coral Andra Mari Abesbatza (27 de agosto).

El festival más antiguo de música clásica en España es además, el más sostenible y en esta edición dedica un especial protagonismo a W. A. Mozart. Busca ampliar su público a través de iniciativas como #conversanDO. Gracias a este proyecto, la Quincena invita a ocho personas de edades comprendidas entre 18 y 30 años (en las jornadas del 13, 23, 24 y 27 de agosto), y de entre 30 y 55 años (21, 23, 24 y 31 de agosto), para que acudan por primera vez a un concierto de música clásica. Hasta el momento, cerca de 200 personas han disfrutado de su primer contacto con este género. De esta manera, la cita se ha convertido en una referencia esencial, reforzando la imagen de San Sebastián como ciudad cultural.

María Katzarava

A pesar de su apellido de origen georgiano, María Katzarava viene de México. Esa tierra que nos regala siempre potentes y expresivas voces. La suya es, sin duda, una de las que con mayor intensidad suenan. Ha llegado a Europa y ha establecido su centro de operaciones en Barcelona, iniciando una carrera internacional que se apunta exitosa. El 6 de agosto se estrena en uno de sus roles favoritos, la Liú de Turandot, junto a Irène Theorin y Roberto Aronica. Entre ensayo y ensayo ha respondido a las preguntas de Brío Clásica.

Quédense con el nombre, María Katzarava, porque ha venido para quedarse.

Brío Clásica: El día 6 de agosto se estrena en el Festival de Peralada Turandot. Su personaje, Liú, no es desconocido para Usted, lo ha interpretado ya en Cagliari y en Caracalla. Liú es, junto a Mimi y Butterfly una de las heroínas puccinianas más sufridoras. Necesita de una gran expresividad interpretativa. ¿Cómo se aborda un rol como este?

María Katzarava: Especialmente el rol de Liú es muy afortunado para nosotras las sopranos. Está perfectamente bien escrito musicalmente y creo que Puccini le ha dado el perfil psicológico que requiere este papel, y que es muy claro. Pienso que es un dulce para la intérprete, porque también está muy apegado al gusto del público y que éste se siente mucho más cercano a lo que siente Liú, que a lo que puede sentir Truandot.

B.C.: Usted ha tenido la oportunidad de perfeccionar su técnica junto a Mirella Freni, una grandísima Liú. ¿Llegó a preparar este personaje con ella?

M. K.: Yo estudié un tiempo con Mirella y uno de los roles que más preparé con ella fue el de Liú. Este personaje es uno de mis caballitos de batalla. Es de los que más interpreto y es, además, uno de mis papeles favoritos. Con este personaje si que lo di todo con Mirella.

B. C.: Su personaje en Turandot tiene dos extraordinarias arias casi consecutivas, “L´amore?… Tanto amore e inconfesato” y la bellísima “Tu che di gel sei cinta”, un precioso y dramático andantino. ¿Cuáles son las mayores dificultades a la hora de interpretar estas dos arias?

M. K.: Siempre se busca que la Liú sea muy expresiva y que tenga esos piannissimi que el público espera siempre de la intérprete. Creo que esa es la mayor dificultad es este de este personaje.

B. C.: Sabemos que domina distintos registros, desde Desdemona en Otello, Micaela en Carmen, Antonia Y Giulietta en los Cuentos de Hoffmann, Margarita en Fausto… Incluso hace incursiones en el repertorio barroco, Dónde se siente más cómoda ahora mismo?

M. K.: Me siento más cómoda precisamente en el repertorio más pesado, justo donde me estoy enfocando más en estos momentos. Como Madama Butterfly, Tosca o Il trovatore, Simon Boccanegra. Todos roles más maduros vocalmente. Para los que he tenido que esperar muchos años y por fin lo logré y estoy en ellos.

B. C.: ¿Y qué roles se ve interpretando en el futuro?

M. K.: Yo creo que esos roles van a ser mi máximo. Es donde mi voz puede realmente evolucionar y me siento cómoda al cien!. Donde yo puedo realmente sentirme a gusto y plena. Son además roles que histriónicamente me gustan mucho y los siento muchísimo cuando los interpreto. Así todo es más fácil para poder transmitírselo al público.

B. C.: Usted, antes de adentrarse de lleno en la lírica, exploró otros mundos musicales como el Pop o el Rock. Para un cantante lírico, y teniendo en cuenta lo delicada que es la voz, ¿utilizar registros diferentes hace a la voz más versátil o, por el contrario, puede llegar a perjudicarla?

M. K.: Creo que hay que ser una artista sensible y abierta a la vez. Yo soy de la idea de que es una gran experiencia abrir tus horizontes, tus puertas, también a otros repertorio, a otros géneros. Y siempre con la inteligencia de saber cambiar tu chip. Si vas a cantar Pop-Rock, cambias el chip para que no suenes a una cantante de ópera queriendo cantar como una popera, que es algo terrible, y viceversa. Yo creo que la inteligencia está en eso, en simplemente saber que cuando cantas pop es pop y cuando cantas ópera es ópera. Yo he tenido esa oportunidad y me encaminé a la ópera a través del pop. Y es algo que aún puedo diferenciar y tener la facilidad de cambiar el chip. Y creo, sin duda, que eso también ayuda mucho a atraer a un público que no siempre está empapado de ópera. Es una gran posibilidad.

B. C.: Su mentalidad es muy abierta a la hora de abordar nuevas producciones. ¿Qué opina de las escenografías más actualizadas que utilizan a veces la provocación como elemento fundamental de la obra?

M. K.: Yo soy muy abierta siempre, también con los directores de escena para explorar nuevas facetas de algún personaje que muchas veces he llegado a interpretar de manera tradicional. Yo estoy muy a favor de las puestas en escena contemporáneas. Cuando quieren presentar una situación actual, siempre y cuando tengan una lógica y una historia que realmente me cuadre, siempre estoy dispuesta. Creo que también la gente lo agradece mucho. No siempre y exclusivamente propuestas tradicionales.

B. C.: Su madre es violinista mexicana y su padre es violinista georgiano, y tal vez sean dos concepciones distintas de interpretar la música. ¿Existe alguna diferencia de sonido entre las orquestas europeas y la americanas?

M. K.: Yo creo que si. La cultura milenaria siempre se ha enfocado también el los instrumentos y en la música clásica. La historia es más antigua en Europa. Creo que tiene un sonido diferente. Yo creo que se puede diferenciar incluso en las orquestas europeas de una georgiana a una rusa, sobre todo en la técnica. Incluso con los cantantes. Se puede diferenciar su origen solo por la técnica. Hay diferencias muy marcadas.

B. C.: México ha sido siempre cuna de extraordinarios cantantes como Ramón Vargas. Ahora Usted misma o Javier Camarena. ¿Cómo ve el futuro de la lírica en su país?

M. K.: Me enorgullece muchísimo ver que salen tantas voces mexicanas. Es muy importante resaltar la presencia de las sopranos, no solo de los tenores. Las sopranos y mezzos, también las contraaltos que son sobre todo del norte de México y donde me he encontrado con gratísimas sorpresas. Insisto, no solo de los hombres, sobre todo de las mujeres y creo que hay que empezar a dar un peso muy importante a las mujeres que estamos muy presentes. Pero a veces se da más presencia a los tenores y las voces femeninas son muy importantes.

Ópera y metro

La Comunidad de Madrid acerca el Teatro Real a los usuarios de Metro de Madrid con la renovación de la imagen de la estación de Ópera que exhibe, desde hoy, vinilos con imágenes del Teatro y de las principales obras representadas en las últimas temporadas con el objetivo de remarcar la relación de la estación con la actividad cultural del entorno y conmemorar los 200 años del Teatro Real y el centenario del suburbano madrileño.

Esta iniciativa forma parte del acuerdo marco de colaboración firmado entre Metro de Madrid y el Teatro Real que busca, además, promover el uso del transporte público en los desplazamientos para acudir a eventos culturales y, en especial, a los celebrados en el Real. Así lo ha destacado esta mañana la presidenta de la Comunidad de Madrid, Cristina Cifuentes, quien, acompañada por el presidente del Teatro Real, Gregorio Marañón, ha visitado la estación para conocer el resultado final de los trabajos de personalización de Ópera. La nueva decoración ha supuesto la actuación en más de 500 metros cuadrados de la estación, afectando al vestíbulo, pasillos y escaleras.

Bajo el título “Esto es Ópera”, el usuario del metro tendrá la sensación de acceder al interior de la sala principal del Teatro y disfrutará de la exhibición de vinilos que rememoran algunos de los títulos más emblemáticos del Teatro Real, como La clemenza di Tito o Las bodas de Fígaro, de Mozart; El barbero de Sevilla, de Rossini, y La traviata o Don Carlo, de Verdi, junto a títulos contemporáneos como L’Upupa, de Henze o el espectáculo Vida y muerte de Marina Abramović, en el que se dieron cita cuatro de los nombres más relevantes de la cultura internacional: Robert Wilson, Marina Abramović, Willen Dafoe y Antony.

Junto a ellos, también figuran los estrenos mundiales que han tenido lugar en la etapa reciente del Teatro Real, del que pronto se celebrarán los veinte años de su reapertura, con los que se rinde homenaje a los compositores españoles de nuestro tiempo, como es el caso de Don Quijote, de Cristóbal Halffter, y El Público, de Mauricio Sotelo.

Además, el Museo de los Caños del Peral, ubicado en la misma estación, acoge una muestra de parte del vestuario utilizado por los artistas en distintas representaciones. Desde el vestido de la protagonista de la ópera para niños Dulcinea, de Sotelo, basada en El Quijote, a los espectáculos de danza Punta y tacón, de la compañía de Antonio Gades y Bestiario, en el que el compositor Miguel Ortega hermanaba canto y baile.

Maria Katzarava

Maria Katzarava acaba de regresar de México donde realizó un verdadero tour de force lírico al enfrentarse a la solitaria protagonistas de La Voix Humaine, de Francis Poulenc y libreto de Jean Cocteau, en una producción independiente que también subió al escenario del Palacio Bellas Artes de la capital mexicana. Después de ese aplaudido debut, que se une a otras
recientes incorporaciones en su repertorio (Marguerite de Faust en la Opéra de Lausanne, Suiza, y Desdemona del Otello verdiano en el Liceu de Barcelona, España), la cantante mexicana de origen georgiano debutará en el Festival Castell de Peralada (España) con su inigualable Liù de Turandot, de Puccini. «Se trata de un personaje que me encanta y que ya interpreté en el Festival de Caracalla, en Roma, el pasado verano, precisamente junto a Iréne Theorin como Turandot, quien también cantará este personaje en Peralada», afirmó la cantante ganadora del concurso Operalia en 2003. «Muchos
consideran que la esclava Liù es débil y frágil, pero yo creo todo lo contrario: su voluntad, que nace del amor, es valiente. Su honestidad, fidelidad y fuerza espiritual la definen como una mujer decidida, nada débil y nada frágil. También es emocionante saber que Puccini dejó inacabada la ópera Turandot precisamente cuando Liù se suicida».

El Festival Castell de Peralada es el evento lírico estival más importante de España y este verano celebra su 30ª edición. Este debut se avanza a otro hito en la carrera de Maria Katzarava: en el Teatro Massimo de Palermo (Italia), cantará en septiembre, y por primera vez, el papel protagonista de una de las óperas más populares de Puccini: Madama Butterfly.

http://www.katzaravamaria.com

 

I due Foscari

I due Foscari (Los dos Foscari), de Giuseppe Verdi (1813-1901), traerá al Real, nuevamente, al arquetípico padre verdiano, sufridor y atormentado, después de los de Rigoletto y Luisa Miller, ambos protagonizados por Leo Nucci en la presente temporada.

En esta ocasión el papel del progenitor, escrito, como los mencionados, para la cuerda de barítono, será interpretado por Plácido Domingo, que ha triunfado en varios teatros encarnando al viejo Francesco Foscari, cuyo trágico final es de los más tristes y lacerantes de toda la producción verdiana.

A su lado estarán el tenor estadounidense Michael Fabiano, que volverá al Real, ya consagrado internacionalmente, después de haber actuado en Cyrano de Bergerac en la temporada 2011-2012, y la soprano, también norteamericana, Angela Meade, que debutará en Madrid precedida de grandes éxitos en Europa y América.

Basada en el drama histórico The Two Foscari, de Lord Byron, la partitura de Giuseppe Verdi, parte de las intrigas políticas y luchas de poder en la antigua república de Venecia, para ahondar en la psicología de los personajes protagonistas, anticipando sus óperas posteriores. La obra, una de las más oscuras partituras de Verdi, refleja, quizás, el estado de ánimo del compositor, que había perdido a su mujer e hijos en un breve período de tiempo.

En la música de I due Foscari podemos encontrar el uso casi embrionario de los leitmotiv wagnerianos y elementos precursores del estilo posterior de Verdi, especialmente en las páginas de Lucrecia, la abnegada y luchadora esposa, y en sus magníficos dúos con el Dux.

Esta obra asiste hoy a una revalorización impulsada por Plácido Domingo, que la ha interpretado en distintas producciones y en versión de concierto en Los Ángeles, Valencia, Viena, Londres, Barcelona y Milán.

Festival Segovia

Del 17 al 31 de julio, el Festival de Segovia (FS) vuelve a deleitar al público después de 40 años en los que los mejores intérpretes del panorama internacional han dejado su huella con conciertos inolvidables. Un Festival que, avalado por las 47 ediciones de su característica Semana de Música de Cámara y los 21 de su prestigioso Festival Joven, que lo integran, apuesta por los grandes y jóvenes valores del panorama musical actual, con un programa que este año ahonda en las raíces populares de la música española, en un canto a los versos más hondos de nuestra cultura, al flamenco, siempre presente en el FS, sin olvidar el jazz, la música de fusión, la música coral o la danza. Todo aquello que vivimos y soñamos en un presente en constante movimiento que no puede desprenderse de sus recuerdos ni permanecer ajeno a su entorno y a la evolución de sus formas.

Rincones históricos y llenos de referencias donde la acústica es espectacular, como San Juan de los Caballeros-Museo Zuloaga, la Catedral, el Patio de Armas de El Alcázar, lugares amplios que alojan a un gran auditorio como la Plaza del Azoguejo o más recogidos para un recital de piano, como el Casino de la Unión, se vestirán de gala para hacer vivir al público instantes de disfrute en una ciudad nacida para el arte vivo.

Inaugurando el Festival, el domingo 17 de julio la Catedral acogerá a las voces de Lexington Singers, dirigidas desde hace 18 años por Jefferson Johnson, uno de los coros más prestigiosos de Kentucky y uno de los coros comunitarios más antiguos de EEUU. Compuesto por 50 cantantes, interpretarán espirituales americanos y música sacra.

Dirigida por Andrew Gourlay, “uno de los directores emergentes y grandes artistas del futuro”, como auguraba la revista BBC Music, miembro de la Joven Orquesta Gustav Mahler a las órdenes de Claudio Abbado, y ya con una trayectoria donde los compromisos operísticos sobreabundan, la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, celebrando su 25 aniversario, ofrecerá en la Plaza del Azoguejo (21 de julio) un concierto para enaltecer el ánimo: Un americano en París, de Gershwin; “Interludio” y “danza” de La vida breve de Falla, y la Sinfonía nº 3 en mi bemol mayor, op. 55 “Heroica”, de Beethoven.

Desde el flamenco, la gran Carmen Linares, acompañada por el piano elegante de Pablo Suárez, el swing del contrabajo de Josemi Garzón y la percusión brillante de Karo Sampela, presentará “Verso a verso” (22 de julio en El Alcázar): un proyecto que muestra la identidad musical de la cantaora como voz única del flamenco contemporáneo y su pasión por la poesía en español para redescubrir un repertorio de versos, reflexiones y cantares de García Lorca, Miguel Hernández y Juan Ramón Jiménez. Un recital de cante y poesía donde el dialogo musical entre la voz y los instrumentos revelan la dimensión del flamenco como música auténtica y versátil. Flamenco que nace de la voz de Andalucía, de la primera soledad, el primer llanto en la primera noche…

Tras experimentar en su proyecto Lookingback con el pálpito compositor de Chopin, el aliento de repertorios renacentistas y barrocos o la canción de concierto, Andreas Prittwitz, creador capaz de reivindicar tanto las excelencias musicales de la cultura renacentista como del jazz improvisado, también revuelve en las raíces del flamenco para darle la mano a la música antigua y barroca en un concierto único. Y es que este virtuoso saxofonista, clarinetista y exclusivo intérprete de la flauta de pico viene desde hace años entregándose a repertorios lejanos para darles una nueva piel y un pensamiento nuevo. He aquí esta “Zambra barroca” con la que en Segovia el músico une dos mundos completamente diferentes, distintas épocas, distintas raíces, diferentes timbres e instrumentos que convivirán durante este concierto (29 de julio en El Alcázar). Chacona, bulería, folía, tanguillo, Bach, soleá, Vivaldi, fandango, Henry Purcell y toná… Eva Durán al cante y Jorge Enrique García contratenor, Mario Montoya al toque y Ramiro Morales con la guitarra barroca, y como elementos “conciliadores”, Joan Espina y Andreas Prittwitz, violín y vientos, todos unidos por el contrabajo de Roberto Terrón.

Que la canción lírica es un género esencial en y para la cultura española es algo que evidencia la aclamada María José Montiel, Premio Nacional de Música 2015, una de las mejores mezzosopranos de nuestro país, protagonista en Segovia de “Terciopelo”, un recital (23 de julio en El Alcázar) con el que, junto al pianista Miquel Estelrich, recorrerá la música popular española como muestra de ese espíritu sentimental donde no falta ese homenaje al amor correspondido o anhelado. Temas de Falla, Turina, Granados, Villa-Lobos, Ovalle, E. Halffter, A. Thomas, Debussy, Saint-Säens o R. Hahn componen el repertorio de esta recitalista y cantante de ópera de reconocimiento internacional –una de las grandes intérpretes de Carmen de la actualidad, papel que ha encarnado en más de 90 ocasiones con gran éxito- que es capaz de poner en pie a todo un auditorio gracias a la perfección de su técnica, su timbre brillante, su versatilidad musical y dramática y su amplia tesitura vocal.

Desde el jazz, Patricia Kraus vuelve nuevamente la mirada sobre sí misma a través de las canciones que la han acompañado a lo largo de su vida. Con un estilo personal inconfundible, y junto a una banda de excelentes músicos internacionales, Segovia se rendirá a su voz gracias a un concierto en el que estarán incluidos los temas de su último disco ECOS y el anterior DIVAZZ. Un conjunto de versiones y temas propios impregnados de las armonías del R&B, jazz y el Soul, que ofrecen un directo tan íntimo como espectacular (30 de julio en el Jardín de los Zuloaga).

Entre el Renacimiento y el Barroco, hacia el Romanticismo. 47 Semana de Cámara

Una mirada diferente para un público que también podrá pasear a través de la música de cámara, por la que se define desde hace ya 47 años el FS, y que en esta edición apostará también por la música de los primeros años del siglo XVII, una erupción de expresión musical, la época de las primeras óperas de Peri, Monteverdi y Cavalli, y del bajo continuo, de la sonata para solista y “el virtuoso”, como Giovanni Antonio Pandolfi Mealli, uno de los primeros compositores de sonatas para violín, del virtuoso del bajón como Bartolomé de Selma y Salaverde, de compositores como Diego Ortiz, Salamone Rossi, Aurelio Virgiliano, Jan Pieterszoon Sweelinck, el italiano Carlo Gesualdo o su contemporáneo Michelangelo Rossi. Todo ello de la mano de Audi Alteram (María Martínez Ayerza, flautas dulces; Petri Arvo, bajón, fagot barroco y flautas dulces; Petros Paukkunen, órgano), una formación que nace para promover uno de los repertorios más innovadores y valiosos de la historia de la música occidental: el Stylus Phantasticus. Un estilo de música instrumental del siglo XVII caracterizado por la utilización de una variada paleta expresiva, grandes contrastes y una libertad compositiva desconocida hasta el momento (25 de julio en la Catedral).

Ignacio Prego, uno de los clavecinistas más importantes de su generación, deleitará al público con un concierto en el que interpretará las Variaciones Goldberg de Bach (26 de julio en San Juan de los Caballeros). Alto grado de virtuosismo, cruce de manos y uso de los de los dos teclados. Fantasía y orden para un concierto de una hora y media de una técnica que raya la perfección y pasión musical.

El Trío Arriaga, asimismo, realizará –gracias a la colaboración de Acción Cultural Española (AC/E)- un homenaje a Granados y Shostakovich (27 de julio en San Juan de los Caballeros) en un concierto íntimo pero no menos esplendoroso. Con conciertos en los mejores Festivales europeos y acompañados de la gran mayoría de las orquestas españolas y por algunas de las mejores europeas, el Trío Arriaga es el lugar de encuentro de tres músicos de reconocido prestigio y allí donde convergen sus trayectorias solísticas. Con más de 25 álbumes, algunos para sellos como NAXOS o Sony, y los múltiples galardones conseguidos, los avalan como un trío de referencia de su generación con un exquisito empaste y bellísima sonoridad.

De Mujeres ejemplares

La palabra que escribió Cervantes para describir a sus mujeres en sus Novelas ejemplares, comedias y en Don Quijote de la Mancha, ilustra y guía la música originalmente compuesta para conmemorar su figura en el IV Centenario de su muerte por seis compositores de España y América que, desde la perspectiva de cuatro siglos de lejanía histórica, glosan las singularidades de algunas de los personajes femeninos creados por Cervantes. Sobre ello versa el espectáculo musical Mujeres cervantinas, de la mano del actor Manuel Galiana, la mezzo María Rodríguez Cusí y Marisa Blanes al piano, dirigidos por Luciano González Sarmiento. Mujeres que tratan de ser “dueñas” de sí mismas, “mujeres ejemplares” que se protegen de la hostilidad y de los convencionalismos sociales y morales. Mujeres que vindican su identidad femenina con una voz propia que se vuelve palabra y música (24 de julio en El Alcázar).

Sobre otra mujer apasionante, una revolucionaria de la danza y de la vida, Carmen Tórtola Valencia (1882-1955), admirada por Valle Inclán, Pérez de Ayala, Gómez de la Sena o D’Annunzio, Pirandello o Marta Graham, ahondará la bailarina Clara Bueno en Tórtola Valencia, Mujer eterna. Tórtola va narrando su vida junto a la poesía de artistas e intelectuales de la generación del 98 que su arte inspiró, sobre un fondo musical de algunas de las composiciones que ella bailó y que proporcionarán la entrada a sus danzas (28 de julio en San Juan de los Caballeros). Así pues la danza ocupará, asimismo, un lugar privilegiado en el FS, también de la mano de Uniqart Dance Company, una compañía de ballet neoclásico creada por los ex bailarines del Béjart Ballet de Lausanne Iker Murillo, Marsha Rodríguez y el aclamado coreógrafo ruso Vitali Sanfrokine. Parte de su filosofía se condensa en su lema: “Crear arte en lugares únicos” (31 de julio en el Jardín de los Zuloaga). Y la exposición presentada por la Casa de la Danza de Logroño “Perpetuum mobile” de Josep Aznar nos hará soñar con momentos históricos de la mano de la danza internacional que nos visitaba en festivales de verano. El archivo que estas fotografías, para la danza, es el mejor legado que siempre será testigo de los momentos brillantes que la danza ha ofrecido en nuestro país (Desde el 20 de julio en el Colegio de Arquitectos).

Música y emociones en familia

Para el público infantil acompañado de adultos, el característico y tradicional Concierto en Familia (24 de julio en San Juan de los Caballeros) se centrará en la música y las emociones para hablar del amor por la música y el trabajo en equipo, y se completará con un pequeño taller de instrumentos y creación plástica. El misterioso artefacto es un cuento musical en un acto escrito por Patricia García Sánchez en el que sonarán temas de Romeo y Julieta de Prokofiev adaptados para conjunto de cámara. La representación contará con la autora como narradora, y los intérpretes Gemma Romero (piano), Cristina García (flauta), Beatriz Alonso (fagot) y Fran Cabanillas (saxo).

La apuesta por las jóvenes promesas

Pero una de las características del FS es su apuesta por las jóvenes promesas del panorama musical español, y el FS no sería tal sin su Festival Joven, que cumple 21 años, un apartado a través del cual dará a conocer el talento de los ganadores del 19 Premio de Piano Santa Cecilia de la Fundación Don Juan de Borbón y los ganadores de los certámenes Intercentros Melómano, Pedro Bote y Premio Jóvenes Promesas del Violoncello Jaime Dobato Benavente, con conciertos de acceso libre.

Una veintena de conciertos, así pues, para un Festival dirigido a todo tipo de público ávido de disfrute de la buena música, con precios que oscilan entre la gratuidad (el 40% de los conciertos son de acceso libre hasta completar aforo), 3€ y 20€.

Sergio Alapont

La imparable carrera de Sergio Alapont sigue cosechando éxitos y conquistando nuevas plazas; en mayo pasado fue nombrado director residente de la Suzhou Symphony Orchestra -con sede en el impresionante Suzhou Culture and Arts Center de Suzhou, en China-, puesto que asumirá el 1 de enero de 2017 y que le supondrá al maestro valenciano dirigir seis programas sinfónicos a lo largo del año además del concierto final del Concurso Internacional de Piano de Suzhou. La ciudad es una de las grandes metrópolis del país asiático, con más de diez millones de habitantes y un enorme y creciente número de aficionados a la música clásica de Oriente.

Este jueves (14 de julio) el maestro Alapont vuelve a dirigir en Italia, nada menos que a la Orchestra del Maggio Musicale Fiorentino (Florencia) en un programa que incluye la Obertura de la ópera Don Giovanni de Mozart, el Concierto Nº 2 en Re mayor para violoncelo y orquesta, de Haydn (con Patrizio Serino como solista) y la Séptima Sinfonía de Beethoven.

Entre los éxitos recientes del maestro Alapont destacan varias funciones de Idomeneo, de Mozart, en la Opéra National du Rhin en Estrasburgo y Mulhouse y el Premio como Mejor Director de Ópera en Italia 2016 otorgado por la revista GBOpera, por su dirección de Aida, de Verdi, en el Teatro de Sassari.

Tras el compromiso en Florencia dirigirá La Traviata los días 29 y 31 de Julio en el Orizzonti Festival de Chiusi, del que es director musical, y en el que también dirigirá otros dos conciertos los días 1 y 5 de agosto. Para el inicio de la temporada 2016-17 le esperan una Gala operística en el Festival de Ópera de Santanyí (Mallorca, 3 de septiembre) y subirá de nuevo al podio de la Orquesta de Valencia para el concierto de clausura del 50º aniversario del Certamen Internacional de Guitarra Francisco Tárrega de Benicássim; en octubre dirigirá Norma, de Bellini, (días 14, 16 y 18) en el Teatro Comunale de Treviso, Il Barbiere di Siviglia, de Rossini, en Pamplona (AGAO, días 27 y 28 del mismo mes), tres conciertos con la Sinfónica de Castilla y León (23 y el 25 de Noviembre), y dos conciertos en el Teatro Massimo Bellini de Catania, antes de viajar a Israel para dirigir Le Nozze di Figaro, de Mozart, en Haiffa (18 y 19 de diciembre).

Más información

Celso Albelo

Esta temporada que termina ha sido una de las más prolíferas en debuts y éxitos en la ascendente carrera del tenor canario Celso Albelo. Después de debutar en el Metropolitan de Nueva York y en el Teatro Bolshoi de Moscú y de cantar su primer Werther, Albelo se prepara para un nuevo debut, esta vez en el Festival de Verano de la Ópera Estatal de Banská Bystrica, una de las ciudades más importantes de la República Eslovaca, de gran tradición musical. A ese escenario llevará su Robert Dudley, Conde de Leicester, protagonista de la ópera de Donizetti Maria Stuarda, precisamente con la que debutó en Nueva York. “Te proporciona una satisfacción personal única”, afirma el cantante refiriéndose al personaje, “porque es en todo momento un desafío vocal con el que asentar unas buenas bases técnicas e interpretativas”. La cita es el próximo 23 de agosto.

Recientemente Celso Albelo ha clausurado el ciclo de conciertos de la temporada de la Fundación Juan March de Madrid y ha regresado al Teatro Real con I Puritani de Bellini. Tras su debut eslovaco, el tenor español comenzará próximo el curso con su regreso al Teatro Bolshoi de Moscú con Don Pasquale (Donizetti) en septiembre.

Más información.

José Miguel Pérez-Sierra

José Miguel Pérez-Sierra regresa al podio del Belcanto Opera Festival Rossini in Wildbad (Alemania). Como reconocido especialista en la obra rossiniana, el joven maestro español impondrá su sabiduría revisando un menú musical pleno de ornamento, cuya parte vocal irá por cuenta de otro experto en el estilo, el tenor Maxim Mironov. El programa se centrará en el repertorio del legendario Giovanni Battista Rubini, para quien muchos compositores belcantistas crearon importantes personajes. Junto a obras de los maestros del bel canto más conocidos -Rossini, Donizetti y Bellini-, también figuran compositores menos divulgados en la actualidad, como Niedermayer, Balducci y Pacini. El concierto se grabará para posteriormente ser editado en disco por NAXOS.

Pérez-Sierra debutó en 2013 en el Festival alemán con la ópera de Rossini Ricciardo e Zoraide, al cual regresó el pasado año para dirigir un concierto junto a la mezzosoprano Marianna Pizzolato. Ambos eventos fueron también grabados y próximamente serán lanzados por la comentada casa discográfica.

Futuros compromisos lo llevarán a la Ópera de Metz (Francia), donde dirigirá Il Trittico de Puccini (Il tabarro, Suor Angelica y Gianni Schicchi); a la temporada de ópera de Bilbao para inaugurar el curso de ABAO-OLBE con Lucrezia Borgia (Donizetti) y al podio de la Orquesta Nacional de España, en el Auditorio Nacional de Madrid.

La muerte en la ópera El emperador de la Atlántida

Si todas las obras necesitan de su contexto, la obra de Viktor Ullmann, Der Kaiser von Atlantis oder Der Tod dankt ab (El Emperador de la Atlántida o la abdicación de la muerte), tiene en el contexto su principal protagonista. Un protagonista que no se ve, que no canta ni actúa, pero que en esta producción se hace evidente en numerosas ocasiones.

Ullmann compuso esta obra durante su estancia en el campo de Terezin. Una especie de ciudad propaganda donde el Tercer Reich había recluido, previa selección, a judíos con “cualidades especiales”. Entre ellos varios compositores como el propio Ullmann.

Discípulo de Schömbery y asistente de Zemlinsky, tomó como libreto para su composición el texto de otro preso, el poeta Peter Kien. Juntos crearon una sátira en la que un emperador declara la guerra a toda la humanidad y al que incluso la muerte, una de las protagonistas de la obra, planta cara. Tal vez la evidente crítica a Hitler y Goebbels fueron las razones por las que la obra nunca llegó a representarse.

La partitura original, escrita para 13 instrumentos, ofrece una versión más íntima y camerística que la que hemos podido escuchar en el Teatro Real. La orquestación, creada por Pedro Halffter por encargo de Joan Mataboch, resulta excesiva y un tanto superficial. Una música quizá exuberante en sonidos metálicos y fríos, que rompe con la atmósfera más personal y sencilla con la que el compositor refleja las circunstancias de su composición.

Como prólogo a El Emperador de la Atlántida, se ofreció El canto de amor y muerte del corneta Christoph Rilke, para narrador y orquesta con música del propio Ullmann. La actriz Blanca Portillo es la encargada de la narración, y lo hace con tal brillantez que casi logra que pase desapercibido el torpe trabajo escenográfico de Gustavo Tambascio y Ricardo Sánchez Cuerda. La potente proyección de voz de Blanca Portillo, cualidad fundamental y escasa entre los actores españoles, hace innecesario el exceso de amplificación.

A este primer prólogo le sigue el Adagio in memoriam de Ana Frank y la Pequeña obertura para “El emperador de la Atlántida”. Ambos basados en movimientos de la Sonata para piano núm.7 de Viktor Ullmann, con música del compositor y orquestación de Pedro Halffter. Estas obras se acompañaron de proyecciones innecesariamente aclaratorias sobre la temática de la noche.

La escenografía de Gustavo Tambascio es un tanto confusa. Los personajes se encuentra a veces fuera de un contexto que les defina y ayude a situar la escena. Se notó sobre todo con la aparición sobre el escenario, no sin dificultades, de Sonia de Munck como Bubikopf. El peso de su gran tocado dificultaba su deambular. A veces los cantantes, no solo tienen que cantar bien, también deben sortear las dificultades de los directores de escena. Lo que repercute a veces en la calidad de la emisión.

Alejandro Marco-Buhrmester, como Emperador Overall, brilló en la parte interpretativa. Su voz es suficiente para el personaje aunque sobrada de gola.

El tambor Mayor estuvo interpretado en esta ocasión por la soprano zaragozana Ruth Iniesta. Su volumen de voz es indudable y resolvió con soltura ser llamada en el último momento para este papel.

Torben Jürgens daba miedo con su extraordinaria caracterización de la muerte, a la que ayudaba su inquietante presencia escénica y su profunda voz de bajo. Su personaje pasó de malvado a bueno cuando negó su colaboración al Emperador para iniciar la masacre.

El mejor y más aplaudido de la noche fue Martin Winkler como Altoparlante. Con un sobresaliente fraseo y una interpretación radiante y cargada de intención y energía, puso la ironía y mordacidad que se oculta en esta obra.

El final, con la imagen de al fondo de los judíos entrando en la cámara de gas para ser exterminados, refleja por si sola toda la carga de profundidad que contiene la obra y todo este ciclo dedicado, de manera tan acertada, a este período de la historia de Europa.

Viktor Ullmann (1898 – 1944)
Der Kaiser von Atlantis oder Der Todt dankt ab
Ópera en un acto con libreto de Peter Kien
Estrenada en el Theater Bellevue de Ámsterdam el 16 de diciembre de 1975, según la versión de Kerry Woodward.
Estreno absoluto de la revisión ampliada para gran orquesta por Pedro Halffter (2015)
Nueva coproducción del Teatro Real, el Teatro de la Maestranza de Sevilla y Palau de les Arts Reina Sofía de Valencia.

Prólogo: El canto de amor y muerte del corneta Christoph Rilke, para narrador y orquesta (1944). Música de Viktor Ullmann, texto de Rainer Maria Rilke, versión española de Jesús Munárriz, reconstrucción de Henning Brauel, narración de Blanca Portillo.

Adagio in memoriam Ana Frank
Basado en movimientos de la Sonata para piano núm. 7 de Viktor Ullmann (1944 / 2015), Música de Viktor Ullmann y Pedro Halffter, orquestación de Pedro Halffter

Pequeña obertura para “El emperador de la Atlántida”
Basada en movimientos de la Sonata para piano núm. 7 de Viktor Ullmann (1944 / 2015), Música de Viktor Ullmann y Pedro Halffter, Orquestación de Pedro Halffter

El emperador de la Atlántida, OP. 49
Música de Viktor Ullmann
D. musical: Pedro Halffter
D. escena: Gustavo Tambascio
Escenógrafo: Ricardo Sánchez Cuerda
Figurinista: Jesús Ruiz
Iluminador: Felipe Ramos
Reparto: Alejandro Marco-Buhrmester, Martin Winkler, Torben Jürgens, Roger Padullés, Albert Casals, Sonia de Munck, Ana Ibarra.
Orquesta Titular del Teatro Real
Actores: Helena Dueñas, Javier Ibarz, Rodrigo Poisón, Lander Otaola, Elena González, Ainara Arístegui, Resu Morales, David Tenreiro, Fernando Ustarroz.
Bailarinas: Cristina Arias, Carmen Angulo

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real
Vídeos: Teatro Real

Los puritanos

El próximo 4 de julio llegará al escenario del Teatro Real I puritani, última ópera del compositor italiano Vincenzo Bellini (1801-1835), de la que se ofrecerán 10 funciones hasta el día 24 de julio, en una coproducción del Teatro Real y el Teatro Municipal de Santiago de Chile con dirección de escena de Emilio Sagi y musical del maestro italiano Evelino Pidò.

I puritani supuso el debut de Bellini en París, donde se estrenó en 1835 en el Théâtre-Italien con un clamoroso éxito de público. En ella se encuentran los mejores ingredientes del melodrama italiano del romanticismo: drama histórico, amor, celos, intriga política, locura… construidos sobre una partitura en la que la orquestación es más rica que en obras anteriores del compositor, pero donde no renuncia a sublimes melodías, himnos heroicos y arias y dúos de difícil coloratura.

Bellini equilibra cuidadosamente la efusividad lírica y las necesidades dramáticas, compone arias y dúos de endiablada coloratura, que en las funciones que veremos en el Teatro Real serán afrontadas, en los papeles principales, por los tenores Javier Camarena y Celso Albelo (Lord Arturo Talbo), las sopranos Diana Damrau y Venera Gimadieva (Lady Elvira Valton), los barítonos Ludovic Tezier, George Petean y Damiano Salerno (Sir Riccardo Forth) los bajos Nicolas Testé y Roberto Tagliavini (Sir Giorgio), la mezzosoprano Annalisa Stroppa y la soprano Cassandre Berthon (Enriqueta). Junto a ellos, el Coro y la Orquesta Titulares del Teatro Real.

Emilio Sagi, responsable de la dirección de escena, se aleja en esta producción de una versión realista del libreto para centrarse en el mundo abstracto de la ensoñación y los sentimientos. En este mundo onírico, retratado en blanco y negro, salpicado de elementos surrealistas, serán las voces las que trasladen la realidad dramática a través de unas melodías que transmiten más que las palabras. Para Sagi, la partitura de I puritani es cristalina, romántica, sublima las emociones y está cargada de sensualidad, por esa razón desnuda el espacio de todo realismo y lo centra en la música y las voces.

Como en otras ocasiones, Emilio Sagi ha contado con algunos de sus colaboradores habituales, a los que el público del Real siempre ha recibido con gran entusiasmo en producciones como Las bodas de Fígaro, El barbero de Sevilla o Luisa Fernanda, entre otras. Daniel Bianco se hace cargo de la escenografía, Peppispoo (Pepa Ojanguren) diseña el vestuario y Eduardo Bravo dirige la delicada iluminación en esta coproducción firmada por el Teatro Real y el Teatro Municipal de Santiago de Chile, donde en su estreno en mayo de 2014, recibió numerosos elogios.

Las representaciones de I puritani coincidirán con la celebración de la Semana de la Ópera del Teatro Real, que tendrá lugar entre el 11 y el 17 de julio y que, entre los actos programados, emitirá en la pantalla instalada en su fachada la función del día 14. Esta retransmisión también podrá seguirse en directo en algunos de los espacios culturales más importantes de España como el Museo del Prado, el Museo Reina Sofía, el Centro Niemeyer de Avilés, Museo Guggenheim Bilbao y La Alhambra de Granada, entre otros. Además, la plataforma audiovisual del Teatro Real, Palco Digital, ofrecerá la representación en streaming, de forma gratuita, para todos los que no puedan acercarse a la Plaza de Oriente.

Gerhaher

Era la octava vez que Christian Gerhaher participaba en el Ciclo de Lied del CNDM en el Teatro de la Zarzuela. En esta ocasión para interpretar Winterreise (viaje de invierno), que Franz Schubert compuso en 1827 para voz y piano. En él expresa los sentimientos de un caminante a través de un paisaje invernal y gélido, tras conocer el rechazo de su amada. Desgrana su melancolía a través de un viaje en el que solo existe la desesperanza.

Alejado de su familia, sin pareja estable, enfermo y sin haber conseguido ningún éxito como compositor, Schubert transmite a través de este conjunto de 24 canciones los dos temas fundamentales de los poemas de Wilhem Muller, el sentido de viaje y el de soledad. Y lo hace a través de un viaje íntimo en el que utiliza como eje principal el paisaje exterior, la naturaleza, como símbolo de su propio interior. El invierno es aquí el elemento descriptor de los sentimientos más profundos y sombríos. Nos habla claramente de la muerte. Muerte que le acechaba y que llegó apenas fue publicada esta obra casi póstuma.

Schubert resaltó la parte pianística y eliminó cualquier tipo de adorno vocal. la sencillez, que no simplicidad, son un elemento común a destacar en esta obra. Es aquí donde Gerhaher añade una contención desprovista de cualquier exceso de teatralización dramática. Profundizando en la sobriedad de los sentimientos más desgarrados.

Este tipo de composiciones, aparentemente sencillas, requieren de una depurada técnica instrumental. Y es Christian Gerhaher uno de sus mejores exponentes en la actualidad. Se nota la magistral influencia tanto de Fischer-Dieskau, como de Elisabeth Schwarzkopf y es evidente la evolución de su voz y la capacidad de matización en obras de tanta exigencia comunicativa por su contención. Los cambios de tonalidad y de dinámicas son perfectamente expresados por un Gerhaher que ha perfeccionado sus graves y que regula el volumen y los cambios de tono con seguridad y acierto. Como demostró en Irrlicht (Fuego fatuo) donde la amplitud de registro y tonalidad obliga a transitar de agudos a graves y de fortes a delicados pianos.

Acompañado por Gerold Huber, establecen entre ambos ese diálogo íntimo entre voz y piano con el que Schubert concibió Winterreise. Un viaje interior en el que el dramatismo del proceso anímico solo puede conducir a la nada. A la soledad más absoluta del propio compositor.

Fue una hora y media en la que Gerhaher desgranó una a una estas 24 delicadezas del romanticismo. No ofreció bises, no eran necesarios. Nada faltó en esa hora y media de un recogimiento interior del que tan profundamente se puede llega a disfrutar.

https://youtu.be/dIwo6cxcWDE

Pérez-Sierra

José Miguel Pérez Sierra asume la dirección musical del concierto-espectáculo “El sueño de una noche de verano”, de Mendelssohn-Bartholdy, el próximo 23 de junio en el Auditori del Palau de les Arts Reina Sofía.

El maestro madrileño sustituye a Ramón Tebar, principal director invitado del centro de artes, que ha tenido que cancelar su participación por motivos de salud.

Pérez Sierra debutó en Les Arts en 2009 con la dirección musical de “La scala di seta”, de Rossini, título al que le han seguido zarzuelas como “El rey que rabió”, de Chapí o “El dúo de “La Africana” así como un concierto con obras del género lírico español.

“El sueño de una noche de verano”, de Mendelssohn-Bartholdy clausura la temporada de abono de Les Arts, en la misma fecha en la que comienza la estación estival. El programa también incluye “Sinfonía Escocesa”, del compositor alemán.

El centro de artes ofrece un nuevo concierto-espectáculo, de facturación propia y dirección de concepto- escénico a cargo de Allex Aguilera. Regresa a la ópera de Valencia la actriz Rossy de Palma, que anteriormente ha participado en los montajes de la zarzuela “La corte de Faraón”, de Lleó Barbastre, y en “Romancero Gitano”, de García Lorca. La reconocida intérprete pone voz a los extractos de la comedia de Shakespeare que introdujo el compositor en la partitura.

Angela Denoke

El recital que ha ofrecido la soprano alemana Angela Denoke en el Teatro Real el pasado 15 de junio, ha sido sin duda el complemento perfecto de Moisés y Aarón de Schönberg, El emperador de la Atlántida de Viktor Ullmann y Brundibár de Hans Krása.

Con el Ciclo Bailando sobre el volcán, el Teatro Real ha puesto en valor la música de entreguerras y a los compositores que, capitaneados por Kurt Weill, trataban de dejar a un lado esa música cargada del dolor wagneriano de la época, y resaltar el lado más lúdico de una música que narraba la vida cotidiana bajo la denominación de Gebrauchmusik, música de uso.

Ver la Guerra y la crisis económica desde un punto de vista satírico, era uno de los objetivos de este grupo de compositores nacidos en la última década del siglo XIX, que tuvieron que exiliarse a Estados Unidos después de trabajar en los cabarets de Berlín durante los años veinte y que, a excepción de Weill, regresaron a Europa una vez terminada la Guerra.

Sobre el escenario, una Angela Denoke elegantísima, de voz vibrante y luminosa, fue desgranando obras de Weill, Walter Kollo, Werner Richard Heymann, Hanns Eisler, Friedrich Hollander y Mischa Spoliansky.

Estuvo acompañada por músicos de gran altura. Al piano, el también compositor israelí Tal Balshai. Clarinete y saxofón a cargo del alemán Norbert Nagel y el neoyorkino, de origen coreano, Tim Park, al violonchelo.

Hay que hacer una mención especial a Reinhard Bischel, que realizó un diseño de iluminación y proyecciones que ayudaron a crear esa atmósfera decadente del cabaret berlinés. El resultado final fue una velada exquisita en la que solo se ausentó un público gélido, que únicamente apareció en la última tanda de aplausos.

Latorre

Fernando Latorre es un cantante con una larga trayectoria artística, pero es ahora cuando se va a producir su estreno en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona. Latorre se siente “muy afortunado de cantar por primera vez en este teatro, uno de los más importantes del mundo y que ha sido testigo durante casi dos siglos de las más importantes voces del mundo de la ópera”.

Esta producción de La Bohème en la que el cantante ya lleva varios días de ensayos y se encuentra “muy a gusto”, “lleva la firma de la English National Opera y de la Concinnati Opera. Estará dirigida en lo musical por Marc Piollet y en los escénico por Jonathan Miller”. Fernando Latorre cantará los dos roles de Bajo Buffo, Benoit y Alcindoro a los que “les tengo mucho cariño, y para mí es un reto abordarlos ya que exigen dos personalidades muy diferentes, distintas edades y una amplia paleta de colores vocales para hacerlos creíbles”, comenta el cantante.

La Bohème en la que Latorre celebrará su estreno en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona, tendrá un total de 14 funciones entre el 18 de junio y el 8 de julio próximos, y cuenta, además de con el cantante vizcaíno, con las voces de Tatiana Monogarova y Eleonora Buratto como Mimí, Nathalie Manfrino y Olga Kulchynska como Musetta, Matthew Polenzani y Saimir Pirgu en el papel de Rodolfo, Artur Rucinski y Gabriel Bermúdez como Marcello, David Menéndez e Isaac Galán interpretando a Schaunard o Paul Gay y Anatoli Sivko como Colline. La producción, ambientada en la primera mitad del siglo XX, será emitida en directo el 8 de julio en numerosos municipios catalanes a través de la iniciativa “Liceu a la fresca” del teatro barcelonés.

Una vez concluidas las funciones de La Bohème, Fernando Latorre acudirá al Festival de El Escorial, en el que participará en la ópera de Verdi, Don Carlo, interpretando el papel de Frate. La producción, del dramaturgo Albert Boadella, tendrá dos funciones, los días 28 y 30 de julio en la localidad de la sierra madrileña.

http://www.fernandolatorre.com/

Susan Graham

Era el último recital del ciclo Las voces del Real, y esta vez a cargo de la mezzosoprano Susan Graham. Nacida en Nuevo México, Graham marcó grandes diferencias con las dos divas estadounidenses que la han precedido en las últimas fechas en Madrid. La primera, la elegancia, respondiendo con ello a los cánones y formas más pragmáticos en esto del canto liederístico. Nada que ver, por ejemplo, con la dicharachera Renée Fleming.

La siguiente diferencia es la elección del repertorio. Muy acertado en su elaboración, su disposición y criterios, que fueron explicados por la propia Graham nada más pisar el escenario, en perfecto castellano y de manera pedagógica y divertida. Un programa representado por canciones de amor de 17 compositores diferentes, dividido en bloques temáticos y perfectamente equilibrado. Un repertorio adaptado pulcramente a las características de su voz, brillante en los agudos. Con pianos exquisitos y suavizando unos graves en los que se maneja con mayor dificultad.

El público disfrutó de una interpretación sentida y delicada. Dramatizando cada frase y dotándola del sentimiento más acertado para cada palabra, cada nota. Una voz timbrada y con un centro bien apoyado para llenar de intención y sutileza sus filatos más sobrecogedores. Ya desde el inicio con “Seit ich ihn gesehen”, hasta llegar a un delicado final con “Nun hast du mir den ersten Schmerz getan”, ambas obras de Robert Schumann.

Estuvo acompañada al piano por Malcolm Martineau. Magistral en todo momento, sobre todo en esa intuición a la hora de acompañar, no solo en tempis, sino en sentimientos y delicadezas para expresar en conjunto.

Un final de temporada magnífico para este ciclo que terminó con un esperanzador “Hello young lovers”. Seremos jóvenes mientras amemos. Y felices asistiendo a estos despliegues de sensibilidad infinita.

2 delirios sobre Shakespeare

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan 2 delirios sobre Shakespeare, una obra con dirección musical de José Ramón Encinar y dirección de escena de Tomás Muñoz. Este montaje, del que se ofrecerán tres únicas funciones en la Sala Negra los días 14, 16 y 18 de junio, es una coproducción de los Teatros del Canal y el Teatro Real.

2 delirios sobre Shakespeare es un espectáculo compuesto por dos monodramas, Próspero: Scena y Julieta en la cripta, escritos para actor y actriz, que componen sus personajes (Próspero y Julieta) acompañados por un trío vocal y un pequeño conjunto instrumental. La actriz que interpreta el papel de Julieta es Irene Bau y el personaje de Próspero lo encarna el actor Manuel de Blas.

El aspecto más destacable de 2 Delirios sobre Shakespeare es que la música compuesta por Alfredo Aracil no es un mero ornamento o ambientación escénica, sino parte dramática protagonista: para Próspero es la manifestación de sus poderes, y cuando esta escapa a su control, su magia se desvanece; para Julieta, lo único que rompe su rutina son los sonidos, que quizá solo existan en su cabeza.

El canto del trío vocal (soprano, contratenor y tenor) se inspira en el madrigalismo inglés de la época de Shakespeare y es de una gran belleza. El trío representa el papel de corifeos anónimos, que a veces materializan los pensamientos, deseos o temores de Próspero y Julieta, y otras veces se convierten en reflejos deformados de los personajes más cercanos a los protagonistas: en los espíritus de la isla en la que ha naufragado Próspero, o en los muertos que acompañan a Julieta en su cripta.

Al igual que el actor y la actriz, tanto el trío como los instrumentistas actúan sobre el escenario, a la vista del público. Los madrigalistas son Mercedes Lario (soprano), David Azurza (contratenor) y Gerardo López (tenor) acompañados de los Solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real.

El libreto de José Sanchis Sinisterra se inspira en textos de La tempestad y de Romeo y Julieta de Shakespeare y combina el drama y la ironía, con un imprevisto desenlace:. ¿Realmente Próspero es el anciano sabio y generoso de La Tempestad que gobierna la isla a la que ha sido desterrado junto a su hija Miranda? ¿Y Julieta, muere junto a su amado Romeo? En 2 Delirios sobre Shakespeare, no se sabe si

Próspero es un demiurgo o un pobre actor loco, porque se presenta como un hombre degradado, achacoso y ciego, que a lo sumo parece tener poderes sobre una música imaginaria.

Julieta, por su parte, no ha logrado suicidarse y lleva viviendo treinta largos años en su propia cripta, en la oscuridad, sin poder salir de allí, con el recuerdo y la escucha como únicas compañías.

¿Quién es Próspero? ¿Quién es Julieta? Dos preguntas que rinden un hermoso homenaje a Shakespeare en su cuarto centenario.

INFORMACIÓN

 

 

Moisés y Aarón

El Teatro Real decidió dedicar la segunda parte de su temporada a un único hilo conductor que trascurre entre el período de Entre Guerras y el efecto que tuvo en la expresión artística de quienes lo padecieron. Uno de estos protagonista fue el compositor Arnold Schönberg que, influenciado por la persecución a los judíos, decidió abrazar las creencias de sus antepasados. Para ello tomó como inspiración el Libro del Éxodo de la Biblia y le puso la música más compleja que se había escrito hasta ese momento. Creando “Moses und Aron”.

Un siempre insatisfecho Schönberg, empeñado en buscar nuevos sistemas de expresión y creador del dodecafonismo, compuso una obra con la libertad de quien no se siente comprometido con convencionalismos, ni sujeto a encargos o tiempos. Una obra no pensada para un estreno sino para el propio deleite y experimentación.
El resultado es una partitura endiablada y excelsa, pero también inacabada, pues quedó pendiente la música del tercer acto.

La necesidad de Schönberg de descubrir formas inéditas de expresión, se debía, tal vez, a las dificultades que un artista siempre encuentra para expresarse. Puede que estas dificultades sean un apunte autobiográfico. En sus inicios era un compositor romántico, antes de llegar al dodecafonismo como conclusión natural de su desarrollo musical.

Era la primera vez que la obra de Schönberg, Moisés y Aarón, se representaba en el Teatro Real. No tomaremos en consideración la versión concierto que se ofreció en 2012 bajo la dirección de Sylvan Cambreling.

No sabría decir si Moisés y Aarón está inacabada o, sencillamente, es interminable. Nos pone en la pista de esta posibilidad Romeo Castellucci, que ha tomado como referencia para crear la escenografía ese tercer acto que musicalmente no existe.

La inteligente propuesta de Castellucci, que profundiza en los aspectos más intelectuales de la obra, sitúa en su epicentro la palabra y su concepto. Ambas como paradigma de la comunicación y, sobre todo, de sus dificultades y de los riesgos que entraña una mala utilización de la comunicación y las imágenes. Como ejemplo metafórico de esas dificultades, sirva el efecto que produce la proyección sobre la tela que cubre el escenario de palabras que adquieren tal velocidad que obligan a apartar la mirada. Algunos conceptos planteados en la obra, recordemos basada en el Antiguo Testamento, son, además, de una asombrosa actualidad, como “pueblo”, “éxodo”, esas migraciones periódicas en busca de tierras prometidas, “idolatría”, incluso “desierto”.
La escenografía es de una plasticidad innegable. Durante la primera parte, un telón de gasa blanca crea un ambiente níveo, de vacío y silencio, tras el que apenas se intuyen las siluetas del coro mientras entona “tu Dios no puede hacernos visibles”. En una perfecta simbología del desierto como condición de la experiencia humana.

La escena de la orgía del pueblo, de exquisita belleza, sirve de elegante transición a un segundo acto donde el blanco es, literalmente, teñido de negro.

La batuta de Lothar Koenigs es la clave en toda esta producción. Su capacidad para interpretar esos ritmos de melodías interválicas, donde la jerarquía no existe y cada nota es independiente de la que tiene al lado. Es absolutamente clarificadora. Su profundo conocimiento de la partitura y de aquello que la inspira, pone el acento en la música, y no en lo que hay detrás, como era deseo del propio Schönberg. El rendimiento musical que obtiene de la orquesta, la expresividad que logra, tanto de la orquesta como del coro, son sin duda el gran secreto del éxito de esta producción.

El bajo-barítono alemán Albert Dohmen compone un Moisés un tanto severo, obsesionado con su propia responsabilidad y de impecable timbre. Manejó fantásticamente ese cantar hablado que es el Sprechgesang.

Totalmente opuesto es el personaje de Aarón, interpretado por el tenor británico John Graham-Hall. Su personaje es mucho más complaciente y especulador. De voz algo estridente y en algún momento desapacible, pero necesaria para representar un Aarón fundamentalmente superficial.

Junto a estos dos personajes principales se sitúa el tercer protagonista, el Pueblo de Israel, Interpretado por el Coro Titular del Teatro, bajo la dirección del maestro Andrés Máspero. 12 meses de ensayo han llevado a estos más de 80 componentes a afrontar la partitura más endemoniada que se ha escrito para voz de manera sobresaliente. Aún conociendo la escala dodecafónica, me sentí incapaz de reproducir una sola nota de lo que acababa de escuchar, dada la gran complejidad de esta partitura. La calidad de este coro se sitúa muy por encima del de la ya citada versión de 2012, interpretada, por cierto, por un coro foráneo. Sus prolongadas intervenciones fueron abordadas con exactitud y valentía. La dicción, impecable.

El hecho de que una ópera dodecafónica no deje al público conmocionado y si emocionado, es sin duda un punto que debe anotarse el Teatro y quien durante esta temporada ha sorprendido, muy gratamente, con algunos títulos inesperados. Asistir a la ópera y las acertadas actividades paralelas, para algo más que disfrutar, debe ser el objetivo de cualquier teatro. Y el Teatro Real está acertando en esa línea.

Moses und Aron
Arnold Schönberg (1874-1951)
Ópera en tres actos
Libreto del compositor,
basado en el libro del Éxodo de la Biblia
Estrenada en el Stadttheater de Zúrich en 1957
Estreno en el Teatro Real
Nueva producción del Teatro Real. en coproducción con la Ópera Nacional de París. Con la colaboración de Patrimonio Nacional.
Teatro Real de Madrid 1 de junio de 2016
D. musical: Lothar Koenigs
D. escena, escenógrafo, figurinista e iluminador:
Romeo Castellucci
Directora asociada: Silvia Costa
Coiluminador: Marco Giusti
Coreógrafa: Cindy van Acter
Dramaturgos: Piersandra Di Matteo, Christian Longchamp
Creador de vídeo: Luca Mattei
D. coro: Andrés Máspero
Reparto: Albert Dohmen, John Graham-Hall, Catherine Wyn-Rogers, Antonio Lozano, Michael Pflumm, Oliver Zwarg, Andreas Hörl, Julie Davies, Beatriz Jiménez, Anaís Masllorens, LAura Vila, Pilar Belaval, Cristian Díaz Navarro, John Heath, Beatriz Oleaga, Manuel Rodríguez, Cristina Tejeiro
Orquesta y Coro Titulares del Teatro Real

Palau Les Arts Reina Sofía

Roberto Abbado, en el podio, y Paul Curran, como director de escena, cierran el curso lírico en el Palau de les Arts Reina Sofía con la ópera “A Midsummer Night’s Dream”, de Benjamin Britten, que se estrena el viernes 10 de junio.

El maestro milanés y el director escocés han comparecido hoy en rueda de prensa, junto con el Intendente de Les Arts, Davide Livermore, para presentar la cuarta nueva producción del centro de artes en la Temporada 2015-2016.

“A Midsummer Night’s Dream”, ópera en tres actos con música de Benjamin Britten y libreto de Benjamin Britten y Peter Pears, basado en la obra homónima de William Shakespeare, inaugura un mes de junio dedicado al dramaturgo inglés en el cuarto centenario de su muerte, según ha explicado Davide Livermore.

Se trata, además de la primera obra del compositor inglés, “uno de los genios del S. XX” que interpreta la Orquestra de la Comunitat Valenciana. “Una partitura de reparto coral y de gran fuerza teatral, que precisa de unos sólidos mimbres artísticos para ser representada”, ha matizado el Intendente.

En este sentido, ha explicado que Les Arts reúne un reparto de valores consolidados del repertorio inglés junto emergentes voces, los artistas del Centre Plácido Domingo y los niños de la Escolania de la Mare de Déu dels Desemparats.

La soprano Nadine Sierra, a quien el público valenciano recordará por Don Pasquale bajo la dirección del propio maestro Abbado en 2015, y el contratenor Christopher Lowrey, uno de los nuevos valores en su tesitura, encabezan el reparto como Tytania y Oberon, reyes las hadas.

Completan el elenco Brandon Cedel (Theseus), Iuliia Safonova (Hippolyta), Mark Milhofer (Lysander), Dan Kempson (Demetrius), Nozomi Kato (Hermia), Leah Partridge (Helena), Conal Coad (Bottom), Richard Burkhard (Quince), Keith Jameson (Flute), Tyler Simpson (Snug), William Ferguson (Snout), Michael Borth (Starveling) y Chris Agius Darmanin (Puck).

Roberto Abbado, director titular de la OCV, ha subrayado la capacidad innovadora de Britten con esta obra, que introduce nuevos elementos como la relevancia de la figura del contratenor, el papel de los coros infantiles para extraer un color “no humano” y “mágico” y un sonido orquestal misterioso. “Es una partitura con una gran cantidad de matices y colores, que es un placer extraer para un director”, ha añadido.

Paul Curran, director de escena, escenógrafo y coreógrafo de “A Midsummer Night’s Dream” debuta en Les Arts con esta producción, que cuenta con vestuario de Gabriella Ingram e iluminación de David Jacques.

Según ha destacado Livermore, el director escocés, artista polifacético y reconocido en los principales teatros del mundo, fue, además, maestro del director artístico de Les Arts. Para Curran la principal dificultad de la ópera, como director de escena, estriba en su reparto con 19 papeles para solista, “donde todo el mundo es una estrella”.

“A Midsummer Night’s Dream nos ofrece también una riqueza increíble para trabajar” -ha analizado Curran- “puesto que es la única ópera basada en Shakespeare que usa el texto real del dramaturgo sin cambiar apenas nada”.

Curran, según ha avanzado, ambienta la acción de “A Midsummer Night’s Dream” en las ruinas de un viejo templo en el que convergen las tres dimensiones de la fantasía de Shakespeare. El director asimismo, ha destacado los tres ejes temáticos sobre los que se basa la obra: política, religión y sexo. “Os encantará”, ha sentenciado el escocés.

Además del día 10, habrá más representaciones los días 12, 14, 16 y 18 de junio, siendo el día 16 la soprano estadounidense Jennifer O’Loughlin quien cante el papel de la reina de las hadas.

Actividades alrededor de William Shakespeare.

Este mismo mes de junio, ha recordado Davide Livermore, el Aula Magistral acoge una lectura dramatizada del clásico shakesperiano, con funciones para el público del programa didáctico, los días 8 y 9, y una representación para el público general el sábado 11 de junio a las 18.00 h. Les Arts presenta una nueva producción teatral propia, con texto adaptado por Anselmo Alonso, y actores de La Farsería.

De manera paralela, los estudiantes podrán analizar en el Taller literario ‘De libro a libreto’, la adaptación del texto teatral, que escribió el dramaturgo inglés a finales del S. XVI, al lenguaje operístico del S. XX en la obra de Benjamin Britten.

Más información: www.lesarts.com

El EMperador de la Atlántida

Entre los días 10 y 18 de junio el Teatro Real presentará la ópera El emperador de la Atlántida o la abdicación de la muerte, de Viktor Ullmann (1898-1944), con libreto de Peter Kien (1919-1944): una sarcástica comedia con perfume de cabaret, dejes de opereta y ritmos de jazz, creada en condiciones extremas en el campo de concentración de Terezín, en 1943, antes de que ambos artistas acabaran sus días en Auschwitz.

Esta ópera en un acto, que se estrenará con una nueva orquestación de Pedro Halffter —responsable también de su dirección musical—, estará precedida de un Prólogo compuesto por tres obras entrelazadas: El canto de amor y muerte del corneta Christoph Rilke, para narrador y orquesta, con música de Viktor Ullmann y texto de Rainer Maria Rilke (en versión española de Jesús Munárriz) —que se estrenará en España con interpretación de la actriz Blanca Portillo—; y las piezas Adagio in memoriam Ana Frank y Pequeña obertura para “El emperador de la Atlántida” ambas con música y orquestación de Pedro Hallfter basadas de la Sonata para piano núm. 7 de Viktor Ullmann.

Gustavo Tambascio, con una amplia y versátil carrera en España, y que en el Real ha dirigido el estreno mundial de Dulcinea, de Mauricio Sotelo, es el responsable de la dirección escénica de la producción, situando la ópera de Ullmann en su opresivo contexto real y metafísico, con la ayuda de una ingeniosa dramaturgia que articula las tres obras del Prólogo con la ópera, glosando las ideas del honor y la muerte.

Siete cantantes dan vida a los caricaturescos personajes de El emperador de la Atlántida: el barítono Alejandro Marco-Buhrmester, en el papel titular, y el bajo Torben Jürgens, encarnando a La Muerte, encabezan el reparto. Estarán secundados por el bajo-barítono Martin Winkler (El altoparlante), la mezzosoprano Ana Ibarra (El tambor mayor), el tenor Roger Padullés (Arlequín), la soprano Sonia de Munck (Bubikopf) y el tenor Albert Casals (Un soldado).

La Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Pedro Halffter, interpretará todas las obras de este espectáculo único, que llevará al público la música de Viktor Ullmann, que la barbarie silenció durante tanto tiempo.

Este espectáculo, con estreno absoluto el próximo 10 de junio, es una nueva producción del Teatro Real, en coproducción con el Teatro de la Maestranza de Sevilla y el Palau de les Arts Reina Sofía de Valencia, donde la ópera será presentada en próximas temporadas.

EL COMPOSITOR Y LA ÓPERA

Viktor Ullmann

Nació en 1918 en el seno de una familia católica de judíos conversos, en la ciudad checa de Teschen, entonces parte del Imperio austrohúngaro y hoy perteneciente a Polonia. Esta encrucijada de religiones y nacionalidades marcaría su vida itinerante por el centro de Europa —Viena, Praga, Zúrich, Stuttgart…— conciliando su carrera profesional con un constante aprendizaje y una permanente búsqueda espiritual, que encontró aliento en la antroposofía de Rudolf Steiner.En 1942, ya famoso y con un amplío catálogo de obras musicales, fue confinado con parte de su familia en el campo de concentración de Terezín, “gueto modelo” de la propaganda nazi donde Ullmann desarrolló una frenética actividad como compositor, director de orquesta y dinamizador de actividades artísticas hasta su deportación y asesinato en Auschwitz el 18 de octubre de 1944.

El emperador de la Atlántida

Entre las obras creadas en estos dos años de reclusión en Terezín destaca El Emperador de Atlantis o La abdicación de la Muerte, escrita para un pequeño grupo instrumental y siete cantantes, que hicieron varios ensayos de la ópera antes de que parte de ellos cogiera el tren de la muerte para Auschwitz.

La partitura, con el eclecticismo tan en boga entonces, recuerda la música de Weill, Hindemith o del Stavinsky de Renard. Con influencias del cabaret berlinés y pinceladas de jazz, entrelaza hábilmente muchas citas musicales reconocibles por sus intérpretes, desde un himno a un coral luterano, un vals de Strauss o la cita reiterativa de la Sinfonía Azrael de Josek Suk, que evoca al ángel de la muerte con el célebre tritono del diabulus in musica.

El emperador de la Atlántida es una sátira amordazada en la que un desquiciado y despreciable Emperador (Kaiser) —que nos remite inevitablemente a la figura de Hitler—, declara una guerra total contra la que se rebela la Muerte, renunciando a hacer su trabajo: si nadie puede morir, las batallas carecerán de sentido. La Muerte no debe perder su dignidad: no puede acoger en su seno a los indefensos, desnutridos, dementes, desnortados, niños y enfermos de los campos de concentración y exterminio.

El ácido libreto del joven y talentoso escritor Peter Kien, asesinado en Aschwitz con apenas 25 años, despertó la suspicacia de los nazis, que impidieron el estreno de la ópera.

Las numerosas partituras que Ullmann escribió febrilmente en Terezín pasaron por varias manos hasta que el director inglés Kerry Woodward las conociera en 1972. A él se debe la primera edición de El emperador de la Atlántida y el estreno de la ópera en Ámsterdam, en 1975, después de un letargo de 30 años.

Desde entonces esta breve ópera, escrita en las más atroces circunstancias, es un testimonio vivo de la capacidad del hombre para crear en el límite de sus fuerzas, riéndose de la fatalidad de su destino, rodeado de dolor, horror y sinrazón.

ACTIVIDADES PARALELAS

LOS DOMINGOS DE CÁMARA
Música degenerada (Entartete Musik)

Parte I:
André Previn: Four Outings for Brass (Dos trompetas, trompa, trombón y tuba)
Ernst Krenek: Música sinfónica para 9 instrumentistas

Parte II:
Erich Wolfgang Korngold: Sexteto para cuerda en Re mayor, op. 10

Solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real

Teatro Real. Sala principal
12 de junio a las 12.00 horas

SESIONES GOLFAS
Recital de Angela Denoke

Música en la época de la república de Weimar

Programa

Kurt Weill: Berlin im Licht
Walter Kollo: Untern Linden
Werner Richard Heymann: Die kleine Stadt / An den Kanälen
Hanns Eisler: Den Graben
Friedrich Holländer: Ich bin vom Kopf bis Fuss
Kurt Weill: Und was bekam des Soldaten Weib / Alabama Song / Bilbao Song
Werner Richard Heymann: Heut’ gefall ich mir
Kurt Weill: Denn wie man sich bettet so liegt man / Nanas Lied
Friedrich Holländer: Raus mit den Männern aus dem Reichstag / Zwei dunkle Augen, zwei Eier im Glas
Mischa Spoliansky: Leben ohne Liebe

Friedrich Holländer: Johnny, wenn du Geburtstag hast
Hanns Eisler: Lied von der Moldau
Friedrich Holländer: Wenn ich mir was wünschen dürfte
Werner Richard Heymann: Irgendwo auf der Welt

Angela Denoke, soprano
Tal Balshai, piano
Norbert Nagel, clarinete y saxofón

Teatro Real. Sala principal
15 de junio a las 20.00 horas

Angela Denoke

Dos voces de mujer, dos grandes divas de la ópera, cerrarán el ciclo de conciertos líricos de la actual temporada del Teatro Real: la mezzosoprano americana Susan Graham, cuyo recital tendrá lugar el sábado 11 de junio, será el broche del ciclo Las voces del Real, y la soprano alemana Angela Denoke, el 15 de junio, pondrá fin a las denominadas Sesiones golfas.

En plena madurez artística y personal, Susan Graham, querida y reconocida por el público de Madrid, se presenta esta vez en el Real con un programa en torno a Frauenliebe und Leben (Amor y vida de mujer). Este ciclo de poemas de Adelbert von Chamisso, al que Robert Schumann puso música, recrea los sentimientos, emociones e ideales del amor romántico a través de la mirada y la voz de una mujer modelada a la imagen del mito del “amor único” imperante en la época.

Sin embargo, no será este un programa limitado a una sucesión de canciones. Graham contrapone cada uno de los ocho poemas que componen el ciclo, y las vivencias y emociones que abordan, a la visión de esos mismos sentimientos a través de otros autores y otras épocas, poniendo de manifiesto tanto las diferencias ideológicas como las estrictamente musicales, en el que tendrán cabida composiciones de Grieg, Fauré, Mahler, Ravel, Richard Strauss o Joaquín Turina, entre otros. Un placer tanto intelectual como para los sentidos, gracias al brillo de su voz, a la impecable dicción y a la personalidad de una de las grandes cantantes que en la noche del 11 junio estará acompañada por el admirable pianista Malcolm Martineau.

Angela Denoke es reconocida en la actualidad como una de las grandes intérpretes de ópera, tanto por su precisión vocal como por el carácter y la intensidad dramática que aporta siempre a sus personajes. En el Real ha dado muestras de su versatilidad a través de personajes femeninos tan dispares e intensos como Venus y Elisabeth en Tannhäuser, Marie en Wozzeck, Emilia en El caso Makropulos, Kundry en Parsifal y el papel titular en Alceste. Serán precisamente sus dotes interpretativas las que impriman un sello personal al concierto que ofrecerá el próximo 15 de junio en el Teatro Real, en el que a través de la música de Kurt Weill, F. Hollaender o W.R. Heymann rendirá homenaje a la música del cabaret de los años veinte, al cine de los años treinta y a los primeros pasos del musical americano.

Acompañada por el pianista Tal Balshai y el clarinetista y saxofonista Norbert Nagel, Angela Denoke cerrará el ciclo de las Sesiones golfas y nos demostrará, una vez más, por qué es una cantante poco convencional.

 

Roberto Abbado

El director de orquesta milanés, cierra la temporada operística 2015-2016 del Palau con el estreno de “El sueño de una noche de verano” (A Midsummer Night’s Dream), la primera incursión de la formación titular de les Arts en la obra de Benjamin Britten. Roberto Abbado asume la dirección musical de esta ópera basada en la obra homónima de Shakespeare, que levanta el telón el próximo 10 de junio con una producción propia del coliseo valenciano, una apuesta con la que el Palau de les Arts Reina Sofia se suma a las celebraciones de los 400 años de la muerte de William Shakespeare.

Además de su amplia trayectoria en la dirección del repertorio sinfónico en Estados Unidos y en formaciones europeas de referencia como la Concertgebouw de Ámsterdam, Gewandhaus de Leipzig o Staatskapelle de Dresde, el maestro Roberto Abbado ha dirigido numerosos estrenos en los teatros de ópera más prestigiosos de la escena internacional: el Teatro alla Scala de Milán (La Gioconda, Lucia di Lammermoor, La donna del lago), la Staatsoper de Viena (I vespri siciliani), la Ópera Estatal de Baviera (El amor de las tres naranjas, Aida y La Traviata), el Metropolitan de Nueva York (Fedora), la Deutsche Oper de Berlín (Don Giovanni), la Ópera Nacional de París (La donna del lago), Rossini Opera Festival de Pesaro (Ermione, Zelmira, y Mosè in Egitto), el Maggio Musicale Fiorentino (Le comte Ory, Attila, I Lombardi, Il barbiere di Siviglia, Anna Bolena, Phaedra), entre otros. Tras el éxito de público y crítica en su primera ópera como titular del podium valenciano, el pasado mes de enero, con Samson et Dalila de Camille Saint-Saëns y una dilatada experiencia en el repertorio contemporáneo y la música de los grandes compositores del siglo XX como Luciano Berio, Salvatore Sciarrino, Henri Dutilleux, Olivier Messiaen, Helmut Lachenmann, John Adams o Hans Werner Henze, entre otros muchos, retoma la batuta del coliseo valenciano para el estreno, por primera vez en el Palau de les Arts, de la ópera en tres actos basada en la obra de Shakespeare con música de Benjamin Britten (1913-1976) y libreto del compositor británico y Peter Pears, estrenada el 11 de junio de 1960 en el Festival de Aldeburgh, con dirección del propio compositor.

Roberto Abbado ha sido galardonado en dos ocasiones con el prestigioso y codiciado “Premio Abbiati” de la crítica italiana.

Fotografía: Priamo Tolu-Teatro lirico Cagliari

Más información

Shostakovich

David Afkham, director principal, y la Orquesta Nacional de España abordarán el próximo domingo 12 de junio, en el último Descubre de esta temporada, la exigente Sinfonía núm. 5 de Dmitri Shostakovich (San Petersburgo, 1906 – Moscú, 1975), partitura de tintes autobiográficos atravesada por el drama vivido y superado por el compositor bajo la acusación de realizar una música antipopular en la extinta Unión Soviética.

En 2014, la Orquesta y Coro Nacionales de España puso en marcha los conciertos Descubre, iniciativa pensada para las familias, como una nueva fórmula para acercar la música sinfónica a todos. Hasta ahora, un 14% del público que acude a un Descubre no había venido nunca a un concierto de la OCNE y la media de edad de los asistentes ha bajado en 13 años. “Hemos logrado atraer a un público distinto, familiar, con niños, derribando las barreras que existen cuando se dice que no se consume música clásica porque no se entiende”, afirma Félix Alcaraz, director artístico y técnico de la Orquesta y Coro Nacionales.

Los Descubre son conciertos de 40 minutos, introducidos por un narrador, Luis Ángel de Benito, que desvela con ayuda de la orquesta algunos detalles de la obra, mientras que los niños de entre 3 y 8 años se divierten en el Pintasonic, un taller estimulante que potencia la creatividad infantil a través de la música y en el que intervienen músicos, educadores y artistas plásticos. Al finalizar, el público tiene la oportunidad de dialogar con los músicos.

Descubre… la Quinta Sinfonía de Shostakovich 12 junio 2016 / 12:00
Auditorio Nacional de Música (c/ Príncipe de Vergara 146, Madrid)
DMITRI SHOSTAKOVICH Sinfonía núm. 5, en re menor, opus 47

El precio de la entrada incluye la charla previa de Luis Ángel de Benito y una consumición al finalizar el concierto. Este concierto está vinculado al taller Pintasonic, el punto de encuentro para la actividad es el foyer de las Sala Sinfónica a las 11:45 h. Pintasonic es una actividad gratuita y una entrada Descubre da opción a una plaza en Pintasonic. Precios de entradas desde 15€ hasta 27€.

William Shakespeare

El Palau de les Arts Reina Sofía dedica su actividad del mes de junio a las celebraciones del 400 aniversario de la muerte de William Shakespeare con una programación alrededor de su comedia “Un sueño de una noche de verano” y sus diferentes adaptaciones.

Tanto la actividad operística en la Sala Principal, con “A Midsummer Night’s Dream”, de Benjamin Britten, como la sinfónica, en el Auditori, con el concierto-espectáculo “El sueño de una noche de verano”, de Mendelssohn-Bartholdy, se completarán con propuestas de corte educativo.

Este sábado 4 de junio, el centro de artes propone una nueva edición de la actividad familiar ‘Una mañana con A Midsummer Night’s Dream’, un taller práctico que explica a jóvenes y no tan jóvenes el proceso de construcción de un montaje operístico desde el escenario de la Sala Principal, con entradas por 15 euros para el público general, 12 para abonados, 7 euros para jóvenes hasta 20 años, y 10 euros para quienes acompañen a un joven de su entorno en esta actividad.

Además los participantes en esta actividad, si realizan reserva previa, pueden disfrutar de un menú especial en el restaurante Contrapunto por 20 euros presentando su localidad de ‘Una mañana con A Midsummer Night’s Dream’.

Este mismo mes de junio, el Aula Magistral acoge una lectura dramatizada del clásico shakesperiano, con funciones para el público del programa didáctico, los días 8 y 9, y una representación para el público general el sábado 11 de junio a las 18.00 h. Les Arts presenta una nueva producción teatral propia, con texto adaptado por Anselmo Alonso, y actores de La Farsería.

De manera paralela, los estudiantes podrán analizar en el Taller literario ‘De libro a libreto’, la adaptación del texto teatral, que escribió el dramaturgo inglés a finales del S. XVI, al lenguaje operístico del S. XX en la obra de Benjamin Britten.

Shakespeare por Britten y Mendelssohn-Bartholdy

Roberto Abbado, en el podio, y Paul Curran, en la escena, ultiman esta semana los trabajos previos al estreno de la ópera homónima que compuso Benjamin Britten. A Midsummer Night’s Dream, la última nueva producción de la Temporada 2015-2016 supone, además, la primera partitura del autor inglés para la Orquestra de la Comunitat Valenciana.

El director escocés, responsable también de la escenografía y coreografía de este montaje, con iluminación de David Jacques y vestuario de Gabriella Ingram, estrena el viernes, 10 de junio, su primer trabajo para Les Arts, que también se representará los días 12, 14, 16 y 18.

Jóvenes estrellas del repertorio inglés junto con cantantes del Centre Plácido Domingo conforman el amplio elenco de esta obra, con el contratenor Christopher Lowrey (Oberon) y la emergente soprano Nadine Sierra (Tytania), que el público de Les Arts recordará por su debut en “Don Pasquale” en 2016, como protagonistas.

Completan el reparto: Brandon Cedel (Theseus), Iulia Safonova (Hippolyta), Mark Milhofer (Lysander), Dan Kempson (Demetrius), Nozomi Kato (Hermia), Leah Partridge (Helena), Conal Coad (Bottom), Richard Burkhard (Quince), Keith Jameson (Flute), Tyler Simpson (Snug), William Ferguson (Snout), Michael Borth (Starveling) y el actor Christopher Darmanin (Puck).

Ramón Tebar clausura la oferta sinfónica de Les Arts con otra adaptación de la comedia de Shakespeare, en este caso la que escribió Felix Mendelssohn-Bartholdy y que se utilizó como acompañamiento musical de la obra teatral a lo largo del siglo XIX.

“El Sueño de una noche de verano” se ofrecerá en el Auditori el día 23 de junio, fecha que marca el inicio de esta estación. Les Arts ofrece un nuevo concierto-espectáculo, de facturación propia y dirección escénica de Allex Aguilera. Regresa a la ópera de Valencia la actriz Rossy de Palma, que anteriormente ha participado en los montajes de la zarzuela “La corte de faraón”, de Lleó Barbastre, y en “Romancero Gitano”, de García Lorca, en la transcripción para narrador, cuarteto vocal y guitarra de Mario Castelnuovo-Tedesco.

Más info: lesarts.com

Michael Fabiano

Michael Fabiano ha sido en abril y mayo el Duque de Mantua (Rigoletto) en la Opéra National de París, en junio cantará Don Carlo en San Francisco y en julio regresará al Teatro Real, ahora como Jacopo Foscari de I due Foscari (Verdi). Michael Fabiano, «la voz de tenor más interesante del momento» según la revista estadounidense Opera News -de la que es portada este mes de mayo a propósito de su actuación parisina- impondrá sus cualidades en Madrid ante la batuta de Pablo Heras-Casado y al lado de Plácido Domingo y Angela Meade. Aplaudido sobre todo por su Rodolfo de La Bohème y Luisa Miller, por su Alfredo de La Traviata o por su Lensky de Evgeni Onegin, para muchos la voz de este joven tenor estadounidense (Montclair, Nueva Jersey, 1984) recuerda a un joven Luciano Pavarotti, y eso ya es decir mucho de su arte. Según afirma Fabiano, Poliuto, interpretado en el Festival de Glyndebourne, ha sido su máximo reto sobre un escenario.

Con solo 32 años, el cantante estadounidense es tan aficionado al deporte como al teatro y a la música: corre cada mañana 8 kilómetros para mantenerse en forma, una rutina a la que une la lectura musical y el estudio de sus roles. De esta manera ha podido realizar auténticos prodigios, como cuando en 2015, en el Met de Nueva York, reemplazó solo siete horas antes del estreno al tenor previsto en Lucia di Lammermoor (Donizetti) obteniendo un éxito rotundo tanto por su entrega vocal como por sus dotes de actor, aspecto al que le brinda especial importancia en sus representaciones.

Ganador del Richard Tucker Award y del Met’s Beverly Sills Award -ambos en 2104-, Fabiano anuncia que le encantaría incluir en su repertorio Un ballo in maschera, de Verdi.

Después de su compromiso en Madrid, donde debutó en 2012 con Cyrano de Bergerac también al lado de Plácido Domingo, le esperan Faust en Houston, La Bohème y La Traviata en el Met y Hérodiade (Massenet) en Washington.

Más info: michaelfabianotenor.com/

Celso Albelo

La ascendente carrera del tenor español Celso Albelo continúa sumando éxitos. En lo que va de año ha incorporado dos importantes debuts: en el Metropolitan Opera House de Nueva York -en Maria Stuarda– y en el Teatro Bolshoi de Moscú -con Don Pasquale-, sin olvidar su primer Werther -en la Ópera de Tenerife- y de dar vida a Tebaldo de I Capuleti e i Montecchi, de Bellini, en la Deutsche Oper de Berlín y en el Gran Teatre del Liceu barcelonés. «La verdad es que no paro y estoy muy contento y agradecido de tener una agenda con tanto trabajo», afirma el cantante, que en junio regresa a Madrid, y por partida doble. El próximo 4 de junio clausurará el ciclo de conciertos de la temporada de la Fundación Juan March con un recital en solitario -acompañado al piano por Juan Francisco Parra– con un programa que incluye obras del repertorio español e italiano.

Más tarde, ya entrado el mes de julio, Albelo regresará al escenario del Teatro Real de Madrid como protagonista de I Puritani (6, 13 y 19 de julio), una de las obras maestras de Bellini y un reto para cualquier tenor debido a sus exigencias técnicas y dramáticas. Se trata de un nuevo montaje del coliseo lírico madrileño en coproducción con el Municipal de Santiago de Chile y que lleva la firma de Emilio Sagi. A la batuta estará el maestro Evelino Pidò.

Más info: www.celsoalbelo.com

Sokolov

“Muchos lo consideran, sencillamente, el más grande pianista vivo” The Independent.

Dos de los representantes cruciales de la escuela rusa pianística en la actualidad se presentan este principio de junio en el ciclo Grandes Intérpretes de la Fundación Scherzo: Grigori Sokolov y Elisso Virsaladze. El primero está considerado uno de los mejores pianistas vivos y en los últimos tiempos, según la mayor parte de la crítica, se encuentra en el cenit de su ya larga carrera.

Nació en San Petersburgo (entonces Leningrado) en 1950. Fue allí donde se formó musicalmente en el conservatorio y ofreció su primer recital en la ciudad a los 12 años. Con tan solo 16 ganó el Concurso Internacional Chaikovski de Moscú y su candidatura fue defendida por el presidente del jurado, Emil Gilels. Pero, mientras que numerosos premiados del concurso en otras ediciones se dispusieron a alcanzar rápidamente fama mundial, el viaje de Sokolov quedó restringido. Otros artistas soviéticos huyeron a Occidente en busca de una mayor libertad personal, pero el intérprete prefirió quedarse en Leningrado y centrarse en su arte. Fue sólo después de la caída del Telón de Acero cuando empezó a disfrutar de un reconocimiento internacional más amplio.

Ha trabajado con orquestas como Concertgebouw de Ámsterdam, Filarmónica de Nueva York, Filarmónica de Múnich, Sinfónica de Viena, Sinfónica de Montreal, Orquesta del Teatro alla Scala y Filarmónicas de Moscú y San Petersburgo.
Hace unos años decidió dedicar su actividad completa a los recitales. Así, actúa regularmente en la Konzerthaus de Viena, la Philharmonie de Berlín, el Théâtre des Champs-Elysées de París, el Concertgebouw de Ámsterdam, la Tonhalle de Zúrich, la Filarmonía de Varsovia, el Auditorio Nacional de Madrid, el Conservatorio de Milán, la Academia de Santa Cecilia de Roma, La Fenice de Venecia, así como en salas de Múnich, Hamburgo, Barcelona, Estocolmo, Helsinki, Lisboa, Luxemburgo, el Festival Klavier, el Festival de Colmar y el Festival de La Roque d’Anthéron.
Sokolov es artista exclusivo de Deutsche Grammophon. Después de su debut en el sello en 2015 con su Salzburg Recital, que tuvo un gran éxito y fue el disco más vendido de música clásica esa temporada, su nuevo disco, que apareció en enero, recoge algunas de las últimas piezas de Schubert, como los Impromptus o la poderosa sonata de Beethoven, ‘Hammerklavier’.
Ha actuado en 17 ocasiones en el Ciclo de Grandes Intérpretes y siempre transformó cada concierto en una de las citas sublimes del calendario. Según comentó Rubén Amón después de su última aparición en el cartel de Scherzo, la humanidad se divide en dos categorías: “Los que escucharon a Sokolov en el Auditorio Nacional anoche y los que no”.

Lunes 6 de junio a las 19:30horas en el Auditorio Nacional de Música de Madrid.

PROGRAMA DEL CONCIERTO DE 6 DE JUNIO
R. SCHUMANN
Arabeske op. 18
Fantasia en do major op. 17
F. CHOPIN
2 Nocturnos op. 32
Sonata No. 2 en Si bemol menor, Op. 35

Davinia Rodríguez

Davinia Rodríguez continúa desarrollando su carrera profesional con grandes éxitos en el extranjero. La soprano canaria regresará a Italia este verano para inaugurar el Festival de Spoleto encarnando el personaje de la Condesa en la obra maestra de Mozart Le nozze di Figaro. «Se trata de un personaje al que le tengo mucho cariño», afirma Davinia Rodríguez, «un papel que ya interpreté en Sassari en 2012 y al que me encanta poder regresar después de un período en el que he estado muy concentrada en mi nuevo repertorio, con papeles de mucha envergadura. Siempre es saludable para la voz volver a Mozart».

La cantante española acaba de obtener un gran éxito como Amelia de Simon Boccanegra en su debut en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona junto a Plácido Domingo. «Además se trató de unas funciones muy especiales, ya que Plácido celebraba los 50 años de su debut en España y para mí fue todo un honor acompañarle».

Más adelante le espera uno de los debuts más importantes en la carrera de toda soprano: el del personaje de Lady Macbeth del Macbeth verdiano, con el que inaugurará la temporada del Theater an der Wien en Viena (Austria), siempre junto a Plácido Domingo.

Info: http://www.daviniarodriguez.com

María José Montiel

Todavía saboreando el triunfo como la protagonista de María Moliner en el estreno absoluto en el Teatro de La Zarzuela de la ópera de Antoni Parera Font y después de su regreso al Teatro Real de Madrid (Luisa Miller), al Palau de la Música de Valencia (concierto con la Orquesta de Valencia) y al Teatro de La Maestranza de Sevilla (gala de los 25 años del coliseo hispalense), la mezzosoprano española María José Montiel recibirá en la Catedral de Palencia y en un acto presidido por SM los Reyes de España el Premio Nacional de Música 2015 (1 de junio), una distinción que reconoce una trayectoria siempre en ascenso y de gran repercusión internacional. «Me siento muy agradecida y honrada por este Premio que me llega en un momento muy positivo y que me está deparando muchos éxitos. Desde aquí quiero dar las gracias al jurado por pensar en mí y en mi trayectoria profesional», apunta la diva madrileña.

Posteriormente María José Montiel emprenderá una gira de recitales por varias ciudades del país, comenzando en Asturias, donde ofrecerá un recital junto al destacado concertista Iván Martín -uno de los grandes pianistas de la cantera española- estrenando obra del compositor Guillermo Martínez en la Fundación Selgas Fagalde en Cudillero (Asturias). Más tarde se trasladará a Segovia para actuar junto al piano de Miquel Estelrich; en el Festival Lírico Ópera Benicàssim ofrecerá un programa de arias y canciones junto a solistas de la Orquesta de Valencia antes de su regreso al Festival Chopin de Valldemossa (Mallorca) donde también actuará acompañada de Miquel Estelrich. Montiel despedirá la gira -y el verano- en el Festival Internacional de Santander, esta vez junto al piano de Rubén Fernández Aguirre.

Info: http://www.mariajosemontiel.com/

Christian Zacharias

La quinta edición del ciclo CONTRAPUNTO DE VERANO dedicado a la música de cámara, que tradicionalmente cierra la temporada del CNDM, tiene este año como protagonista absoluta a la música alemana, de la mano de los extraordinarios Christian Zacharias, el Cuarteto de Leipzig, la pianista Olga Gollej y la Joven Orquesta Nacional de España y con la colaboración del Goethe Institut.

Del 1 al 27 de junio, a las 20 horas, los 5 conciertos (4 en la Sala de Cámara y uno en la Sala Sinfónica) recorrerán dos siglos de música, de Robert Schumann a Jörg Widmann.

Vuelve el ciclo Contrapunto de Verano al Auditorio Nacional de Música de Madrid para cerrar la temporada del CNDM. En esta ocasión, la serie se extenderá por todo el mes de junio con cuatro conciertos en la Sala de Cámara a los que se suma este año uno sinfónico, que será interpretado por la Joven Orquesta Nacional de España bajo la dirección de Christian Zacharias. Bajo el título “Tradición y presente en la música alemana”, las cinco citas presentarán obras de cámara de Schumann y Brahms a las que se añadirán composiciones de autores germanos del siglo XXI, como son Wolfgang Rihm, Aribert Reimann, Jörg Widmann (que será, además, “Compositor Residente” en la próxima temporada del CNDM), Bernd Franke y Steffen Schleiermacher. El programa plantea así un diálogo entre el pasado y presente de la música alemana, entendidos no como realidades ajenas y enfrentadas, sino como fases distintas de un discurso ininterrumpido, siguiendo la reivindicación que en su momento hizo Schoenberg sobre la “modernidad” de Brahms y Berg sobre la de Schumann. La vinculación de pasado y presente es una constante también en la trayectoria de los intérpretes elegidos, como es el caso del Cuarteto Leipzig presente en cuatro de las cinco veladas y que acumula desde su fundación en 1988 un repertorio inmenso, desde amplias incursiones en Haydn, Mozart y Beethoven, pasando por unas señaladas integrales de Schubert, Schumann, Mendelssohn, Brahms y la Segunda Escuela de Viena hasta los estrenos de autores actuales como Beat Ferrer, Alfred Schnittke, Jörg Widmann, Cristóbal Halffter, Claus-Steffen Mahnkopf, Steffen Schleiermacher, Christian Ofenbauer, Sigfried Thiele, Viktor Ullmann y Wolfgang Rihm, por citar algunos. Entre sus colaboradores habituales está el pianista Christian Zacharias, buen conocido del público español e intérprete exquisito del repertorio de los siglos XVIII y XIX, con especial énfasis en el Romanticismo alemán. Como va siendo cada vez más habitual en él, Zacharias actuará también como director de orquesta al mando de la JONDE, en su última cita en calidad de “Artista Residente del CNDM” en la temporada 15/16. Por su parte, tanto la pianista kazaja Olga Gollej como la Joven Orquesta Nacional de España (JONDE) también pueden presumir del dominio de repertorios que conjugan épocas y generaciones de compositores muy diversos.

Christian Zacharias es un reconocido pianista, director de orquesta, director de festival, pensador musical, escritor y locutor, con una activa carrera de renombre internacional como concertista de piano. Actúa regularmente en recital y en concierto en todo el mundo con los principales directores y orquestas de la escena internacional. Ha sido director artístico y principal de la Orquesta de Cámara de Lausanne, con la que realizó numerosas grabaciones entre las que destaca su ciclo completo de los conciertos para piano de Mozart, ganador de los premios “Diapason d’Or”, “Choc du Monde” y “ECHO Klassik”. Zacharias es Socio Artístico de la Orquesta de Cámara de St. Paul desde la temporada 2009/10 y también mantiene estrechos vínculos con la Orquesta Sinfónica de Gotemburgo, siendo el Principal Director Invitado desde hace muchos años. Colabora con orquestas como la Filarmónica de Los Ángeles, Orquesta Hallé de Manchester, Het Residentie Orkest Den Haag, Orchestre National de Lyon, Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Bamberger Symphoniker y la Gürzenich Orchester de Colonia. Zacharias ha trabajado en producciones de ópera como La Clemenza di Tito y Le nozze di Figaro de Mozart y La Belle Hélène de Offenbach, y en películas como Domenico Scarlatti en Sevilla, Robert Schumann: der Dichter spricht (INA, París) y Zwischen Bühne und Künstlerzimmer (WDR-Arte). Entre sus numerosos premios y galardones destaca el “Midem Classical Award” como “Artista del Año 2007” en Cannes. Después de haber sido premiado por sus contribuciones a la cultura en Rumanía en 2009, el gobierno francés le honró como “Officier dans l’Ordre des Arts et des Lettres”. Con motivo de su 60 cumpleaños, la Alte Oper Frankfurt organizó un “Retrato de artista” de Christian Zacharias, presentándole como pianista, director de orquesta, músico de cámara y como acompañante de lied. Ha sido el primer pianista alemán en debutar en recital en el Carnegie Hall de Nueva York en 30 años, en diciembre de 2011.

El Cuarteto de Leipzig (Leipziger Streichquartett) se ha perfilado como el “mejor cuarteto alemán” (Gramophone) y como uno de los conjuntos más solicitados y polifacéticos de la actualidad. Fundado en 1988, hasta entonces tres de sus miembros pertenecían a la Gewandhausorchester de Leipzig como solistas de sección, hasta que en 1993 decidieron concentrarse en la música de cámara. Previamente habían realizado estudios con Gerhard Bosse en Leipzig, con el Cuarteto Amadeus en Londres y Colonia, con Hatto Beyerle en Hannover y con Walter Levin. Ha recibido numerosos premios y distinciones y ha ofrecido conciertos en más de cuarenta países en Europa, América del Norte y del Sur, Australia, Japón, Asia y África. Su discografía abarca casi cien discos con composiciones de Mozart a Cage y de Haubenstock-Ramati a Beethoven, e incluye la grabación integral de la obra para cuarteto de cuerda de Brahms, Mendelssohn y Mozart, así como la grabación completa de la Segunda Escuela de Viena. Han recibido distinciones como el “Diapason d’Or”, el “Premio CD-Compact”, el “Indie Award” y el “ECHO Klassik”. Desde 1992 graban en exclusiva para el sello Musikproduktion Dabringhaus und Grimm (MDG). La colaboración con Alfred Brendel, Christian Zacharias, Menahem Pressler, Andreas Staier, Juliane Banse, Christiane Oelze, Herbert Schuch, Alois Posch, Stephan Genz y Giora Feidman enriquece el extenso repertorio del conjunto. Ha estrenado obras de compositores como Beat Furrer, Alfred Schnittke, Jörg Widmann, Cristóbal Halffter, Claus-Steffen Mahnkopf, Steffen Schleiermacher, Christian Ofenbauer, Sigfried Thiele, Viktor Ullmann y Wolfgang Rihm, entre otros. Con motivo de su vigésimo aniversario, el Cuarteto de Leipzig realizó un ciclo de seis conciertos con la integral de los cuartetos de Beethoven en quince salas de todo el mundo entre 2007 y 2009. Durante un ciclo de varios años de duración en el Gewandhaus de Leipzig el cuarteto interpretó los cuartetos de cuerda completos de la Primera y Segunda Escuela de Viena. Forma parte de la Orquesta del Festival de Lucerna desde 2009 por invitación de Claudio Abbado y ocupa una cátedra de profesor invitado en la Universidad de las Artes de Tokio (Geidai).

Nacida en Kazajistán en 1983, Olga Gollej recibió sus primeras clases de Piano a la edad de cinco años. Su extraordinario talento fue descubierto y apoyado desde temprana edad, por lo que compaginó sus estudios escolares con los estudios musicales en las Escuelas Superiores de Música de Leipzig y Würzburg. De 2002 a 2007 estudió en el Mozarteum de Salzburgo y en 2011 finalizó sus estudios en la Escuela Superior de Música Franz Liszt de Weimar. Numerosos premios en concursos y distinciones (Deutscher Musikrat, Jeunesses Musicales de Alemania) le abrieron las puertas a actuaciones en países de Europa, América del Sur y Oriente Próximo. Participa habitualmente en el Festival Arras, en el Festival Sommersprossen y en el Festival Jordan en Amán, entre otros. En el terreno de la música de cámara colabora con el Ensemble Kontrast, con el barítono Stephan Genz y con el Cuarteto de Leipzig, entre otros. En 2008 fundó el Trio ECCO junto al clarinetista Karl Leister y el violonchelista Matthias Moosdorf. En 2010 el conjunto publicó su primer CD con obras de Eberl, Kreutzer y Ries. También ha realizado diversas grabaciones con el Cuarteto de Leipzig, con arreglos de obras orquestales de Mendelssohn y obras de Klughardt, Schreker y Schoeck para el sello Musikproduktion Dabringhaus und Grimm. Su último disco junto a este cuarteto con el Quinteto para piano de Serguéi Tanéyev ha sido publicado recientemente. Desde 2014 es miembro del Trio ex aequo. Es docente del Conservatorio Edward Said (Fundación Barenboim-Said) en Israel y Palestina. Ha sido becada por la Fundación Yehudi Menuhin Live Music Now desde 2010. Junto al violonchelista Matthias Wilde fundó el Festival Anhaltische Kammermusiktage, que cada año atrae grandes figuras de la música a la ciudad de Wörlitz. Desde 2013 es gerente del Festival Internacional Ópera Gluck en Nuremberg.

La Joven Orquesta Nacional de España (JONDE) pertenece al Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), organismo dependiente del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte. Fue creada en 1983 con el propósito de contribuir a la formación de músicos españoles en la etapa previa al ejercicio de su profesión, a través de unos seis encuentros anuales. La JONDE ha colaborado con solistas tan importantes como Rostropovich, León Ara, Rafael Orozco, Zacharias, John Williams, Deszö Ranki, Teresa Berganza, María Bayo, Simon Estes o Juan D. Flores, entre otros, y directores como Carlo M. Giulini, G. Schuller, J. Kreizberg, F. Biondi, R. de Leeuw, V. Petrenko, Zacharias, P. Goodwin, Lutz Köhler, G. Noseda, Ch. Hogwood, Pehlivanian, P. Rundel, E. Colomer, Jesús López Cobos, Josep Pons, Ros Marbá, Víctor Pablo, Frühbeck de Burgos, B. Aprea, Pablo González, A. Zedda o A. Tamayo. La proyección en el extranjero de la JONDE abarca giras por la mayoría de los países europeos y Estados Unidos, actuando en salas de conciertos como el Théâtre des Champs Elysées de París, la Filarmónica de San Petersburgo, el Carnegie Hall de Nueva York, el Royal Albert Hall de Londres, el Concertgebouw de Ámsterdam, el Konzerthaus am Gendarmenmarkt y la Filarmónica de Berlín o la Radio Kulturhaus de Viena, participando, entre otros festivales, en los BBC Proms de Londres, Expo de Lisboa ’98, Robecco Zomerconzerten (Ámsterdam), Musikfestpiele Saar, World Expo Hannover, el Festival Young.Euro.Classic de Berlín, el Schleswig-Holstein Musik Festival, Festspiele Mecklenburg-Vorpommern, Opernfestspiele Schloss Weikersheim, Festival Kultursommer Nordhessen (Alemania) o el Festival España-Venezuela de Caracas. La JONDE cuenta con el patrocinio de la Fundación BBVA, y participa periódicamente en programas de intercambio, especialmente a través de la European Federation of National Youth Orchestras (EFNYO) y de los diversos Sistemas de Orquestas Juveniles hispanoamericanos. Desde 2001 su director artístico es el compositor José Luis Turina.

Las localidades para los 4 conciertos en la Sala de Cámara ya están a la venta en las taquillas del Auditorio Nacional, teatros del INAEM, 902 22 49 49 y www.entradasinaem.es, a un precio de 10€ a 20€ para el público general y de 8€ a 15€ para menores de 26 años. En el caso del concierto en la Sala Sinfónica, también ya la venta, los precios oscilan entre los 5€ y los 20€, para las localidades generales y, para los menores de 26 años, de 3€. A estos precios hay que añadir la existencia de localidades de “Último Minuto”, disponibles, si las hubiere, desde una hora antes de comenzar cada recital, para menores de 26 años y desempleados, con un 60% de descuento sobre el precio general.

Alqhai

El cuarto fin de semana del Festival Música Antigua Aranjuez pretende despertar todos nuestros sentidos con un programa que va más allá de la música.

El sábado, 28 de mayo, visitaremos la bodega de Carlos III (declarada Monumento Histórico-Artístico en 1983), que se adentra más de medio kilómetro bajo el Real Cortijo de San Isidro.

La visita comienza en la monumental portada de piedra de Colmenar. A continuación se recorrerán los dos ramales de la bodega, flanqueados por las 200 hornacinas donde envejecen los vinos, hasta llegar a la cueva de crianza.

En ese espacio, el quinteto femenino Seldom Sene ofrecerá un concierto en el que apreciaremos cerca de 50 flautas en un mosaico de 500 años de música. Una vez finalizado se degustarán los vinos locales, acompañados de un aperitivo.

La viola da gamba regresa el domingo, 29 de mayo, a la Capilla del Palacio Real de Aranjuez, esta vez, de la mano de los jóvenes hermanos Fahmi y Rami Alqhai. Este instrumento fue el máximo protagonista de la música de cámara durante 250 años. Su viaje comenzó como parte del equipaje de los papas Borgia desde su Valencia natal, a la Roma universal, allá por el siglo XV. Durante esos dos siglos y medio, el espíritu de la viola y sus intérpretes recorrió toda Europa: Tobias Hume en Inglaterra, Marin Marais y Antoine Forqueray en Francia, y Christoph Schaffrath y la escuela berlinesa en Prusia.

Fahmi Alqhai, considerado uno de los más importantes violagambistas del mundo, junto a su hermano Rami, están revolucionando y renovando el panorama musical historicista con su interpretación arriesgada y personal de la música antigua, a la vez que realizan una gran labor de difusión de la viola da gamba entre nuevos públicos.

En su concierto de Aranjuez harán un recorrido por varios géneros e intérpretes, demostrando que este maravilloso instrumento sigue vivo. Nos deleitarán con temas de Marin Marais y de Jimi Hendrix, entre otros.

Programa del cuarto fin de semana del Festival Música Antigua Aranjuez:

Sábado, 28 de mayo. Bodega del Real Cortijo. Carlos III, 1782. Visita y concierto en la bodega con degustación: Seldom Sene (quinteto de flautas)

El Real Cortijo de San Isidro es una pedanía de Aranjuez situada a 6 kilómetros, antigua explotación agrícola creada en 1766 por el rey Carlos III. La bodega de Carlos III, deno-­‐ minada actualmente del Real Cortijo, es un Monumento Histórico-­Artístico desde 1983, que cuenta con un lagar de 900 metros cuadrados, una nave neoclásica above-­ dada y una bodega subterránea de 2.500 metros cuadrados, que recorre más de medio kilómetro bajo el Real Cortijo de San Isidro.

La visita, de una hora aproximadamente de duración, comienza en la monumental puerta principal. Un guía recibe al público en el jardín francés para introducirlo en el mágico mundo de la historia de la bodega y de su vino. El acceso desde los jardines a la galería subterránea es una monumental portada de piedra de Colmenar, diseñada por Marquét y construida en 1782. En la parte superior de la portada hay un mirador des-­ de el cual los reyes contemplaban toda la vega de Aranjuez. Se recorrerán los dos ra-­ males de la bodega flanqueados por 200 hornacinas, donde envejecen los vinos.

El concierto se celebra en la cueva de crianza subterránea, en la intersección de los dos ramales. Una vez finalizado se accederá al lagar, estancia abovedada ejemplo de la arquitectura civil de finales del siglo XVIII, en el que se degustarán los vinos locales, acompañados de un aperitivo.

La formación Seldom Sene está compuesta por Ruth Dyson, Eva Gemeinhardt, Hester Groenleer, Stephanie Brandt y María Martínez Ayerza. Los conciertos de Seldom Sene son toda una experiencia, tanto auditiva como visual. En una sola actuación el grupo llega a utilizar más de 50 flautas de diferentes tamaños y modelos. Su programa Tara-­ cea es un mosaico de 500 años de música. A través de sus flautas descubriremos piezas de Antonio de Cabezón, Hermann Robert Frenzel, Max Reger, Tomás Luis de Victoria, Johann Sebastian Bach, Francesco Canova da Milano o Francisco de la Torre, entre otros.

Domingo, 29 de mayo. Concierto: Fahmi Alqhai & Rami Alqhai. The Spirit of Gambo

La tarde del domingo, la Capilla del Palacio Real acoge un concierto a dos violas de gamba interpretado por los hermanos Fahmi y Rami Alqhai. Bajo el programa, denominado The Spirit of Gambo, sonarán entre otros temas: A Pavin, de Tobias Hume; Les Voix Humaines y Les Folies d’Espagne, de Marin Marais; La plissay, de Antoine Forque-­‐ ray, Variaciones sobre un tema de Joe Satriani, de Fahmi Alqhai, y Purple Haze, de Jimi Hendrix.

Último fin de semana del festival:

Domingo, 12 de junio. Concierto: María Espada, María Ferré y Amélie Chemin + (opcional) visita guiada: paseo por el Aranjuez de Carlos III

Carlos III dejó una profunda huella en la arquitectura ribereña, como veremos en este recorrido. Partiremos desde el palacio, para visitar a continuación ejemplos del desa-­‐ rrollo urbanístico que el propio monarca impulsó, hasta el Teatro Real que lleva su nombre. Allí se celebra el concierto que clausura el festival, a cargo de la reconocida soprano María Espada, acompañada de la tiorba de María Ferré y la viola da gamba de Amélie Chemin. Juntos ofrecerán una selección de joyas del seicento italiano.

José Miguel Pérez-Sierra

Dos sinfonías del «padre» Beethoven y obras de compositores de diversos estilos. El joven maestro madrileño José Miguel Pérez-Sierra regresará este mes al podio de la Orquesta Sinfónica de Galicia con un puñado de obras fundamentales del repertorio, y lo hace semanas después de obtener un nuevo triunfo personal ante el exigente público de la temporada lírica de la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera (ABAO-OLBE) con Il Barbiere di Siviglia de Rossini, y de dirigir dos programas en el Festival Musika-Música ante la Euskadiko Orkestra Sinfonikoa, siempre en Bilbao. Reconocido especialista en la obra rossiniana, Pérez-Sierra incluirá en su concierto del día 3 de junio en el Auditorio de Ferrol la obertura de la ópera Guglielmo Tell del genial compositor italiano, aperitivo de un programa que también incluye obras de Barber y Grieg para finalizar con la Quinta Sinfonía de Beethoven. El 8 de junio, siempre ante la Sinfónica de Galicia pero esta vez en Círculo de las Artes de Lugo, la sinfonía de Beethoven escogida será la Cuarta, obra maestra que se interpretará junto a piezas de Ravel y Respighi.

Más adelante le esperan Il Trittico de Puccini en la Ópera de Metz (Francia), la inauguración del curso 16-17 de la temporada de ópera de Bilbao con Lucrezia Borgia y su esperado debut en el podio de la Orquesta Nacional de España en el Auditorio Nacional de Madrid.

Más Información:

http://josemiguelperezsierra.com/

Idomeneo, Mozart

El Palau de les Arts de Valencia ha realizado una fuerte apuesta, al poner en escena con producción propia, una ópera de Mozart como Idomeneo, re di Creta, poco conocida del público español, a pesar de su altísima calidad musical, ya que se suele representar en muy contadas ocasiones, al menos en comparación con otros famosos títulos mozartianos como: Las bodas de Fígaro, Don Giovanni , Così fan tutte o La flauta mágica. Las cinco representaciones programadas de Idomeneo, han resultado todo un éxito, por la masiva asistencia de público, que ha aplaudido con fuerza al final de las mismas.

Mozart recibió en el verano de 1780, el encargo del elector Karl Theodor de Baviera, de componer una ópera seria escrita en italiano, que finalmente llevaría el título de Idomeneo, re di Creta, para ser estrenada en el carnaval de Munich de 1781. El abate Giambattista Varesco fue el encargado de elaborar el libreto, donde se narraba el drama mitológico del rey de Creta Idomeneo, a su regreso de combatir en la Guerra de Troya. El prolijo y extenso libreto elaborado por Varesco ofrecía a Mozart un amplio campo para escribir música, pero pronto empezó a tener dudas sobre su estructura dramática, teniendo que revisarlo a fondo, en un intento de adecuar al máximo texto y música. Mozart estaba especialmente interesado en mostrar los contrastes entre las dos parejas de interpretes femeninos y masculinos: la dulce y bondadosa Ilia, en contraposición con la malvada y manipuladora Elettra, con sus estallidos de odio, celos e ira; el vacilante Idomeneo en contraposición con la sinceridad e idealismo que siempre muestra su hijo Idamante. Mozart comenzó la composición de la partitura a fines del verano de 1780 y, una vez terminados los dos primeros actos, en noviembre de ese mismo año, marchó a Munich donde concluyó el tercer y último acto, que le costó un gran esfuerzo, con continuas revisiones, hasta muy poco antes del estreno en el Teatro de la Corte de Munich el 29 de enero de 1781. Mozart eliminó en ese estreno muniqués varias arias ya compuestas para el Acto III: de Idomeneo “Torna la pace al core”, de Idamante “No, la morte”, la muy compleja de Elettra “D’Oreste, d’Aiace”y la de Arbace (consejero de Idomeneo) “Se colà en fati è scrito”. En el estreno de Munich, también se incluía una brillante música de ballet.

Mozart realizó una revisión de Idomeneo que se presentó de forma privada el 13 de marzo de 1786 en el Palacio del príncipe Johans Adam Auersperg de Viena. Los cantantes eran todos aficionados y pertenecientes a la nobleza. En esa versión de Viena, el papel de Idamante lo cantaba un tenor, mientras que en la de Munich lo había hecho un castrato. Mozart introdujo algunas modificaciones en la partitura: la escena de Idomeneo y Arbace en el comienzo del Acto II, es cambiada por otra donde intervienen Ilia e Idamante. En el Acto III, se incluye un nuevo dúo de Ilia e Idamante, que sustituye al escrito para el estreno de Munich.

Idomeneo cayó en el más profundo de los olvidos, y su recuperación se produjo en el Festival de Glyndebourne de 1951, con una serie de representaciones dirigidas por Fritz Busch, siendo su ayudante John Pritchard, quien se convierte en el gran avalista de esta ópera, que dirigirá en muchas ocasiones, fundamentalmente la Versión de Viena: puede escucharse el Idomeneo grabado en estudio, en 1956, con John Pritchard al frente de la Orquesta del Festival de Glyndebourne, e interpretada por Sena Jurinac (Ilia), Leopold Simoneau (Idamante), Richard Lewis (Idomeneo) y Lucilla Udovick (Elettra). También, con dirección de Pritchard, existe una toma en directo realizada en el Festival de Glyndebourne de 1964, con el Idamante, muy bien cantado por un joven Luciano Pavarotti, junto a Gundula Janowiz (Ilia), Richard Lewis (Idomeneo) y la soprano catalana Enriqueta Tarrés como Elettra. Ya, a partir de los años setenta del pasado siglo, se empezó a representar, fundamentalmente, la “Versión de Munich”, donde el papel de Idamante es cantado por una mezzo lírica. Esta es la versión que ha podido escucharse en Valencia, con la inclusión de la dificilísima aria de Elettra del Acto III “D’Oreste, d’Aiace”, que como ya se ha indicado fue suprimida por Mozart en el estreno de Munich.

Esta nueva producción de Idomeneo realizada por el Palau de les Arts, tiene como director escénico y escenógrafo a su actual Intendente Davide Livermore, quien realiza una propuesta escénica de fuerte componente visual, que se manifiesta desde el mismo comienzo de la ópera, cuando se está ejecutando la obertura, mostrándose al mismo tiempo, la imagen del rostro partido de una estatua, que se va convirtiendo en la cara de un Idomeneo, que envejece con gran rapidez, y en uno de cuyos ojos se adentra la cámara para mostrar a un astronauta vagando por el espacio (claramente inspirada en la famosa película 2001, una odisea del espacio de Stanley Kubrick) para, seguidamente, mostrarse otra imagen en cuyo fondo aparece una plataforma de lanzamiento espacial, y en un primer plano, la figura de Idomeneo despidiéndose de un niño ¡su hijo Idamante! Esta serie de imágenes coinciden con la ejecución de la obertura de la ópera, y ello -es una opinión personal- puede distraer al espectador de concentrarse en la audición de la brillante música que se está interpretando.

Esa fuerte componente visual se mantiene durante toda la representación, con proyecciones, un tanto reiterativas, de un mar en calma, o embravecido con grandes olas que rompen contra acantilados y llegan a una playa, que tiene su continuación en el propio escenario, con una lámina agua presente durante toda la representación. La escenografía se completa con plataformas metálicas que se transforman en pasarelas donde deambulan personajes como Elettra, o esos modernos atriles utilizados por Idamante e Idomeneo para dirigirse a sus súbditos.

La estética de 2001, una odisea del espacio, vuelve a estar presente en la parte final de la ópera: en primer lugar, cuando se escucha la voz del Oráculo y aparece una elegante sala dieciochesca, que vuelve a verse en el momento final de la ópera, ya con toda la simbología utilizada por Kubrick en su película: el monolito, las bolsas fetales y un personaje que avanza hacia Idomeneo para ambos fundirse en un mortal abrazo. Aunque, en realidad, Idomeneo no muere en la historia, solamente abdica en favor de su hijo Idamante. La acertada iluminación creada por Antonio Castro, produce bellos efectos que aumentan el atractivo visual escénico.

Resaltar la labor de Mariana Fracasso como diseñadora de un variopinto e intemporal vestuario, que incluye trajes espaciales, vestimentas de míticos guerreros griegos, en contraposición con modernos uniformes de soldados y policías. Y, en el caso de Elettra, el suntuoso modelo que exhibe en su entrada escénica, en comparación con ese otro vestido con minifalda y botas que utiliza en el Acto II.

Pero, la parte esencial de Idomeneo es su brillantísima música, servida por un suntuoso entramado orquestal. Aquí tuvo una muy destacada actuación Fabio Biondi al frente de la Orquesta de la Comunidad Valenciana, que volvió a demostrar su gran calidad ya desde la misma ejecución de la obertura, con el espléndido sonido de la cuerda elaborando un tema que asemeja el violento oleaje marino, y que reaparecerá de manera recurrente en diferentes momentos de la ópera. Gran labor de Biondi en los recitativos: muchos de ellos con acompañamiento orquestal que los convierten en auténticos ariosos. El sonido orquestal luce de sobremanera en las brillantes marchas y en sus diversas intervenciones junto al coro, sobre todo, en el intermedio de los dos primeros actos, en el imponente final del Acto II, y el conclusivo de la ópera. Resaltar la labor concertadora de Fabio Biondi, ya que la orquesta no se limita a subrayar y complementar a las voces, sino ir por encima y por delante de ellas. Finalmente, señalar la gran actuación orquestal en la ejecución de la brillante música de ballet (Chaconne), que cierra la representación, así como de otro pequeño ballet: “Il ballo delle donne cretesi”, que en esta producción se interpreta al reanudarse la representación, después de intermedio que se produce, durante el Acto II, al concluir el aria de Idomeneo “Fuor del mar”.

Destacada actuación de Gregory Kunde como Idomeneo, que ya se pone de manifiesto en su entrada escénica, en el Acto I, con el recitativo “Eccoci salvi alfine” seguido del aria “Vendromi intorno” muy bien cantada, alternando momentos de intenso lirismo con otros llenos de bravos acentos. Magnífica resulta su actuación en la preciosa cavatina con coro, marcada por sonido de la cuerda en pizzicato “Acogli, oh re del mar” perteneciente al Acto III, o en ese cálido discurso final “Popoli, a voi l’ultima legge”. Kunde afronta de manera notable la famosa aria del Acto II “Fuor del mar”, sobre todo en los pasajes que requieren un canto lleno de bravura, o luciendo su magnífico registro agudo en la escala ascendente con la que finaliza el aria, donde emite un si natural seguido de un do4. Tiene ciertas dificultades en los pasajes profusamente adornados que salpican este aria y que requieren una gran agilidad vocal. La joven soprano brasileña Lina Mendes, resulta excesivamente ligera en su papel de la princesa troyana Ilia, aunque ofrece su agradable timbre, junto a una buena proyección y excelente dominio de las agilidades; y, ello se puso de manifiesto, en cada una de sus líricas intervenciones: en el mismo arranque de la ópera, al interpretar con expresividad y delicados acentos “Padre, germani, addio”. Mostrando una excelente línea de canto en su aria del Acto II, “Se il padre perdei”. Su mejor momento se produce al afrontar la preciosa y delicada aria “Zeffirelli lusinghieri” del Acto III. En el papel de Idamante, la veterana mezzo Monica Bacelli, mostró un alto grado de expresividad, aunque la voz resultaba pequeña y con poca proyección, y ello se hace ostensible en sus dúos con la Ilia de Lina Mendes. Solo correcta resultó su interpretación de la primera de sus arias del Acto I “Non ho colpa, e mi condani”, mejorando su actuación en la segunda “Il padre adorato”, cantada con fuertes acentos marcados por el ritmo vertiginoso de la orquesta. Bacelli consiguió sus mejores momentos en el recitativo-dúo con Idomeneo del Acto III “Padre, mio caro padre”.

Elettra es el personaje de mejor definición dramática de toda la obra, y encontró una excelente interprete en la soprano valenciana Carmen Romeu, de bella y rotunda voz, muy bien manejada. Realizó una gran actuación, llena de teatralidad en su gran escena del Acto I, que arranca con el recitativo “Estinto è Idomeneo”, cuyo acompañamiento orquestal le da un carácter de arioso, con un canto lleno de furia y crispación, cuyo tono va in crescendo en el aria llena de dificultad “Tutte nel cor vi sento”, resolviendo con pericia los saltos de octava y con excelente dominio de las agilidades. Ya en el Acto II, su voz mostró cálidos acentos en el recitativo-aria “Chi mai del mio provo piacer piu dolce……Idol mio, se ritroso”, con una bella música en forma de danza, donde la cantante mostró un fraseo lleno de intencionalidad, en una perfecta simbiosis con la música orquestal. La actuación de Carmen Romeu tuvo su momento culminante en el aria “D’Oreste, d’Aiace” del Acto III, donde volvió a ofrecer ese canto salvaje y enloquecido del Acto I, dominando una endiablada coloratura, con muy complejas inflexiones vocales, donde mostró un amplio fiato. Algunos agudos un tanto tirantes no empañaron la excelente actuación la soprano valenciana.

Esta ópera contiene dos páginas de bella factura: el terceto del Acto II “Pria di partir, oh Dio” donde intervienen Idomeneo, Idamante y Elettra, junto al cuarteto del Acto del Acto III “Andrò ramingo e solo”, cantado por Idomeneo, Idamante, Ilia y Elettra, bien resuelto en ambos casos por los cantantes, aunque con desequilibrio entre las voces grandes de Gregory Kunde y Carmen Romeu en comparación con las más pequeñas de Lina Mendes y Monica Bacelli. Emmanuelle Faraldo en el papel de Arbace, mostró en su aria del Acto II “Se il tuo duol”, una voz en exceso ligera y de feo timbre, aunque con facilidad en el registro agudo. Las actuaciones de Alejandro López y Michael Borth, interpretando respectivamente La Voz y el Gran Sacerdote de Nettuno, no pasaron de discretas.

Gran actuación del Coro de la Generalitad en sus numerosas intervenciones: en el Acto I “Godiam la pace” de marcado tono festivo y “Pieta! Numi pietà!” con hermosísimos efectos al dividirse el coro en dos partes que producen sonidos cercanos y lejanos. Ya en el Acto II, el bellísimo “Placido è il mare” y los imponentes “Qual nuovo terrore” y “Corriamo, fuggiamo”. En el Acto III, el impresionante “Oh voto tremendo” y el conclusivo de la ópera “Scenda Amor, scenda Imeneo”, con magnífica concatenación de coro y orquesta. La actuación del Ballet de la Generalitad en la “Chaconne” que cierra la representación, quedó algo deslucida, al tener sus componentes que bailar, con evidentes dificultades, sobre la lámina de agua existente en el escenario.

Estas representaciones de Idomeneo se han dedicado a la memoria del director Nikolaus Harnoncourt, recientemente fallecido, y gran estudioso de esta partitura.

Por Diego Manuel García Pérez

IDOMENEO, RE DI CRETA
Wolfgang Amadeus Mozart
Dramma per música en tres actos, K 366
Libreto de Giambattista Varesco, adaptado de un texto francés de Antoine Danchet
Estreno: Múnich, 29 enero 1781,
Residenztheater Edición: Alkor Edition Kassel GmbH
D. musical: Fabio Biondi
Dirección de escena y escenografía: Davide Livermore
Vestuario: Mariana Fracasso
Iluminación: Antonio Castro
Videocreación: D-WOK
Coreografía: Leonardo Santos
Nueva producción Palau de les Arts Reina Sofía
Ballet de la Generalitat
Cor de la Generalitat Valenciana
Francesc Perales, director
Orquestra de la Comunitat Valenciana
Reparto: Gregory Kunde, Monica Bacelli, Lina Mendes,
Carmen Romeu, Emmanuel Faraldo, Michael Borth
y Alejandro López

ConciertoViena

El próximo jueves, 26 de mayo, a las 20.15 horas, la Plaza de Oriente evocará un poético atardecer en el Parque del Palacio de Schönbrunn, en Viena, con su célebre Glorieta, desde donde la Orquesta Filarmónica de Viena, dirigida por Semyon Bychkov, interpretará un atractivo programa de música francesa con la participación de las hermanas Katia y Marielle Labèque.

El concierto, denominado “Una noche de verano”, se retransmitirá en directo desde Viena, a Madrid, Londres, Monza y Bucarest, por la privilegiada relación de estas ciudades con la capital austríaca, sobre todo en el ámbito de las artes y la cultura.

Las personas que acudan a la Plaza de Oriente el próximo jueves encontrarán delante de la fachada del Teatro Real una reproducción de la célebre Glorieta del Palacio de Schönbrunn, de Viena, en donde estará enmarcada una pantalla LED de 8 x 4 metros que retransmitirá el concierto con la mejor calidad de imagen y sonido.

Para suplir los problemas de visibilidad causados por los árboles, estatuas y la fuente de la Plaza de Oriente, se ubicarán otras tres pantallas de menor dimensión en diferentes puntos de los jardines.

El programa del concierto, con perfume estival e íntegramente dedicado a la música francesa, está compuesto por la Farándula de la Suite nº 2, La arlesiana, de Georges Bizet; la Marcha Rákóczy de La condenación de Fausto, Op. 24, de Hector Berlioz; el Concierto para dos pianos y orquesta en Do menor, de Francis Poulenc (con las hermanas Labèque como solistas) y para terminar dos obras de Maurice Ravel: la Suite nº 2 de Dafnis y Cloe y su célebre Bolero.

La Oficina de Turismo de Viena, con la colaboración del Teatro Real, en el marco de las conmemoraciones de su 200 aniversario, promueve esta emocionante retransmisión en directo junto con la Filarmónica de Viena, con la participación de la ORF – Radiotelevisión Austríaca.

La Oficina de Turismo de Viena instalará un stand en la Plaza de Oriente desde la víspera de la retransmisión, donde se proporcionará información sobre el concierto “Una noche de verano” y sobre Viena como destino turístico y cultural. Asimismo se ofrecerá al público la posibilidad de participar en juegos interactivos y un atractivo concurso.

Café Kafka

El Palau de les Arts Reina Sofía acoge el domingo 22 de mayo el estreno en España de la ópera “Café Kafka”, de Francisco Coll (Valencia, 1985) en el Teatre Martín i Soler. Las representaciones de esta obra, como ha señalado el Intendente Davide Livermore en su presentación, están dedicadas a la memoria de Inmaculada Tomás, principal impulsora de este proyecto.

“Se trata, asimismo, de una cita señalada en la X Temporada de Les Arts”, ha destacado el Intendente Davide Livermore. “No todos los días un teatro de ópera tiene la oportunidad de estrenar en este país una nueva obra, de un compositor de su ciudad, y además, con una nueva producción de tanta fuerza”.

“Café Kafka”, con música de Francisco Coll y libreto de Meredith Oakes, es una ópera de cámara en un acto, escrita para cinco solistas y diez instrumentistas. La obra nace como encargo de la Royal Opera House Covent Garden de Londres, el Festival de Aldeburgh y la Opera North de Leeds.

El estadounidense afincado en Italia Christopher Franklin asume la dirección musical de esta pieza, que recibió el elogio de la crítica inglesa en su estreno. “Café Kafka” supone también el debut operístico de Franklin en Les Arts, donde anteriormente ha dirigido a la OCV en un concierto del tenor peruano Juan Diego Flórez.

Franklin es una de las batutas emergentes en el panorama musical europeo, que ha trabajado en destacados centros líricos italianos, entre los que figuran el Maggio Musicale Fiorentino, la Ópera de Roma, el Teatro Regio de Turín, así como en los festivales de Pésaro o de Jesi.

Rotativos y medios especializados dieron la bienvenida a la obra de Francisco Coll con entusiasmo: “Se puede convertir en un clásico”, subrayó ‘The Independent’, “Coll podría ser el compositor que España ha estado esperando desde hace mucho tiempo”, sentenció la ‘BBC Music Magazine’ o “Café Kafka” quedará para la posteridad”, según ‘The Stage’.

Les Arts presenta “Café Kafka” en una nueva producción, con dirección escénica del británico afincado en Valencia Alexander Herold, que ha sido realizada íntegramente por el Equipo Técnico de teatro. El montaje cuenta con escenografía de Manuel Zuriaga, vestuario de José María Adame, iluminación de Antonio Castro, videocreación de Miguel Bosch, basada en imágenes de Quique Reche, y movimientos escénicos de Ricardo Sile.

Según Alexander Herold, “la ópera de Coll es un desafío para cualquier director de escena”. “Esta partitura no es sólo una ópera, es también un ballet, una película, una caleidoscópica investigación sobre el yugo que aflige a nuestra sociedad: la soledad”.

“La música tan densa -en palabras de Herold-, tan llena de vida, humor, bromas, ironías y ritmos de danza, exige un decorado que refleje este mundo disonante y surrealista. La estructura y el color de la música me sugerían los colores puros y separados del mundo de la pintura de Piet Mondrian, artista que divide espacios de color con trazos negros”.

Un reparto de jóvenes cantantes protagoniza “Café Kafka”. El elenco incluye a actuales artistas del Centre de Perfeccionament Plácido Domingo, como Miriam Zubieta, Tatiana Irizarry, Elisa Barbero y Pablo Aranday, además de un antiguo alumno de este proyecto, Pablo García López, y del británico William Purefoy, que participó en el estreno en 2014 de esta obra.

“Café Kafka”, está basada en textos del autor checo pero es una obra independiente que, toma al escritor nacido en Praga como punto de partida, para llevar al espectador a una realidad social actual. Para Francisco Coll, “Kafka fue un visionario. La ficción que narró, se ha convertido en una realidad en la actualidad. Por lo tanto, esta obra se podría entender como un espejo de nuestra sociedad, en el cual nos podemos sentir identificados”.

El compositor, que ha recordado la fantástica recepción de la obra en Londres, vaticina que el público valenciano que se acerque a las representaciones “disfrutará de la experiencia”.

Por su parte, Davide Livermore ha apuntado que el estreno este domingo de “Café Kafka” marca, asimismo, el inicio de la última etapa de la temporada de Les Arts, con otras dos obras también mucho más cercanas a la contemporaneidad que el repertorio habitual: “Juana de Arco en la Hoguera”, de Honegger, y “”Sueño de una noche de verano”, de Britten.

El Intendente-director artístico ha reconocido que la labor de un teatro público es “acercar la ópera a toda la ciudadanía, pero también nutrir a los espectadores de nuevas sugerencias e ideas con las que abrir la mente y formar una población crítica. ¡Qué mejor reflexión y crítica de nuestra sociedad, sus vicios y miserias, que la que hace el arte de nuestro tiempo!”, ha enfatizado Livermore,

“Café Kafka”, concluye, “es una excelente propuesta para acercarse al repertorio contemporáneo: una ópera con una duración menor a una hora, una puesta en escena viva y colorista, un maestro y unos cantantes jóvenes y llenos de energía, que harán disfrutar a todos los públicos”.

Además del estreno el domingo 22, el Teatre Martín i Soler de Les Arts acogerá más representaciones de “Café Kafka” los días 25 y 28, con una función didáctica el 31 de mayo. Las entradas para este espectáculo tienen un precio único de 25 euros.

Más información: lesarts

Don Carlo

El Festival de Verano de San Lorenzo de El Escorial arranca el próximo 24 de junio con una variada selección de espectáculos. Consolidado como uno de los principales festivales de nuestro país, la música, la lírica y la danza llenarán las noches de la sierra madrileña del 24 de junio al 6 de agosto. Albert Boadella con su versión de Don Carlo, de G. Verdi, la Compañía Nacional de Danza, el pianista inglés James Rhodes y la agrupación Capella Mediterranea serán algunos de los protagonistas de esta edición.

Aunque fue Vivaldi quien elevó la división de los meses del año a categoría de obra maestra, han sido muchos los compositores que han hecho su personal lectura de las cuatro estaciones o han querido interpretar musicalmente alguna de ellas. Las cuatro estaciones sirven de hilo conductor de gran parte de la programación de este festival. En esta ocasión se podrá disfrutar tanto de la versión clásica de la obra de Vivaldi como de su interpretación sinfónica, acompañada de un cuarteto de jazz latino. Además, el público podrá disfrutar de Las cuatro estaciones porteñas de Piazzola o Las estaciones de Tchaikovsky. Por su parte, Stravinsky escogió centrarse en La consagración de la primavera y Schubert, en su Viaje de invierno (Die Winterreise). Todas estas obras forman parte de la programación del Festival de Verano 2016.

Con motivo del centenario de su muerte, el festival ofrecerá distintos recitales con obras del compositor Enrique Granados, que incluyen su célebre suite Goyescas, obra maestra de inspiración madrileña, la Danza de los ojos verdes, La boyra o Doce tonadillas al estilo antiguo.

Don Carlo se consolida como la cita del verano y atrae a un elenco internacional.

Tras su estreno en el Festival de Verano de 2015 y repitiendo el éxito en los Teatros del Canal, Albert Boadella vuelve los días 28 y 30 de julio, al frente de Don Carlo de Verdi, con un montaje que presenta la versión más española de este personaje histórico en el lugar donde vivieron sus protagonistas y donde hoy reposan sus restos. Manuel Coves estará al frente de la dirección musical de esta producción para la que se ha contado con un elenco que reúne voces tan destacadas como Massimo Giordano, Ekaterina Metlova, Carlo Colombara, Juan Jesús Rodríguez, Nadia Krasteva, Eric Halfvarson junto con la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid.

El pianista londinense James Rhodes interpretará obras de Chopin, Bach y otros, el día 1 de julio. Su historia, publicada en un libro autobiográfico titulado Instrumental, se ha convertido en un fenómeno editorial que refleja cómo la música le ha ayudado a sobrevivir.

El día 15 de julio la Compañía Nacional de Danza interpretará un triple programa formado por Anhelos y tormentos, con música de Granados y Rosa Torres-Pardo al piano; In the night, con una obra de Chopin, y Don Quijote Suite, con una coreografía del propio director de la CND, José Carlos Martínez.

Boston Philarmonic Youth Orchestra, Luis Fernando Pérez o Raquel Andueza y La Galanía, entre otros.

El festival arranca el día 24 de junio con un concierto de la Boston Philarmonic Youth Orchestra, en el que se interpretará la Sinfonía nº5 de Chaikovsky y obras de Glinka, Dvorak, y Debussy, bajo la dirección de Benjamin Zander. Acompañada por un cuarteto de jazz latino, la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid revoluciona las Cuatro estaciones de Vivaldi, el día 25 de junio.

Capella Mediterranea ofrecerá el 26 de junio Ángel y demonio, un recorrido por obras de Monteverdi y Piazzola, que plantea un diálogo entre instrumentos antiguos y modernos, entre el pasado y el presente, entre la danza y la música. Este concierto es el lazo de unión entre Las cuatro estaciones y Monteverdi.

El 2 de julio la JORCAM interpretará la Sinfonía nº5 de Beethoven, junto con obras de Astasio y Turina, y el día 3, Las cuatro estaciones de Vivaldi y Las cuatro estaciones porteñas de Piazzola. La consagración de la primavera de Stravinsky o la banda sonora de West Side Story, de Bernstein formarán el repertorio que el dúo de pianos Iberia & Klavier ofrecerá en un recital junto con el Tak-Nara Percusión Group.

El 16 de julio será el turno del pianista Luis Fernando Pérez, que interpretará piezas de Goyescas, la gran obra de Granados, junto con otras de Debussy o Chopin. El 22 de julio los profesores de los Cursos Internacionales Matisse ofrecerán su ya tradicional concierto y el 23, se podrá disfrutar de El último viaje. Granados en Nueva York, un espectáculo de cante lírico, danza y piano en el que se interpretarán también obras del compositor. El concierto de piano de Luis Fernando Pérez y El último viaje. Granados en Nueva York cuentan con la colaboración de Acción Cultural Española (AC/E).

El Trío Malats ofrece un programa con Viajes de Otoño de Zalba y Las estaciones de Tchaikovsky, el día 24 de julio; y el 29, el barítono Damián del Castillo, junto con el fortepiano David Aijón, interpretarán Die Winterreise, de Schubert.

El día 2 de agosto la Turkish National Youth Orchestra ofrecerá la Sinfonía nº8 ‘Incompleta’ de Schubert y el Concierto para orquesta de Bartok. El 3 será el turno de Raquel Andueza y La Galanía, que interpretan el programa Monteverdi & friends. Por último, el día 6 de agosto la compañía de danza De Sangre y Raza ofrece el espectáculo 400 años de flamenco.

Las entradas están a la venta en internet a precios populares desde 10 euros (http://www.teatroauditorioescorial.es/) y existen diferentes opciones de abonos y descuentos.

Moisés y Aarón

Entre los días 24 de mayo y 17 de junio el Teatro Real ofrecerá siete funciones de Moisés y Aarón, obra maestra de Arnold Schönberg (1874-1951), compositor genial y artista polivalente con una enorme vocación pedagógica, una fuerte consciencia ética y una profunda espiritualidad, que revolucionó la música del siglo XX con la creación del dodecafonismo, técnica de composición basada en el tratamiento serial y equitativo de las 12 notas.

Paralelamente a su actividad como compositor, Schönberg destacó como pintor, exhibiendo sus cuadros al lado de importantes artistas plásticos de su tiempo —expuso con Kandinski, Kokoschka, Schiele, Klimt, Oppenheimer o Chagall— y participó en los efervescentes movimientos estéticos de principios del siglo XX, destacando su colaboración con el arquitecto vienés Adolf Loos, que plasmó en sus edificios algunas de las partituras de Schönberg.

Además de su talento para la expresión plástica, Schönberg cultivó también la escritura, dejando una vasta obra teórica entre ensayos, métodos de composición y abundante correspondencia, redactando él mismo los textos de algunas de sus obras, como el libreto de su única ópera, Moisés y Aarón, que dejaría inconclusa.
Su compromiso ético y moral estuvo fuertemente vinculado con la búsqueda espiritual, que evolucionó desde el agnosticismo a una profunda fe religiosa. Pese a su origen judío, profesó el protestantismo hasta que la brutal persecución antisemita, de la que también fue víctima, le llevó a abrazar el judaísmo como acto de rebeldía y solidaridad con su pueblo.

En Moisés y Aarón afloran las cuestiones éticas y religiosas más transcendentes que atormentaron al compositor, que nunca concluyó la partitura, dejando abierto su final. Inicialmente estructurada en tres actos, del último quedó apenas el texto, sin la música, por lo que la ópera finaliza al término del segundo acto, escrito en Barcelona durante la estancia de Schönberg en esa ciudad, acogido por el compositor catalán Roberto Gerhard antes de partir para su exilio definitivo en Estados Unidos.

La ópera narra la huida del pueblo hebreo de Egipto y la revelación y propagación de los Mandamientos, ahondando en la cuestión de la esencia y expresión de la fe a través de la dialéctica entre Moisés —idealista, de inflexible rectitud y de pensamiento puro, que se expresa a través de una especie de canto hablado (Sprechgesang)— y Aarón, hombre de acción y de palabra, de conducta irregular, que canta con frases musicales de gran aliento y lirismo. Estos dos papeles, que, junto con el coro, sostienen la dramaturgia de la ópera, serán interpretados por el bajo-barítono Albert Dohmen (Moisés) —que fue Pizarro en Fidelio, en el Real, bajo la batuta de Claudio Abbado— y el tenor John Graham-Hall, que debutará en el Teatro Real con el papel de Aarón, después de su aclamada interpretación en el estreno de esta coproducción en París.

Junto a los dos personajes titulares, y en permanente diálogo con ellos, el Coro Titular del Teatro Real representa el pueblo de Israel, con una presencia constante en la ópera, interpretando una partitura de grandísima riqueza armónica y sorprendentes efectos dramáticos y expresivos, pero también de extrema dificultad. Actuarán con la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la batuta de Lothar Koenigs, director musical de la Ópera Nacional de Gales desde 2009, cuya lectura de la ópera de Schönberg, hace dos años, en el Covent Garden de Londres, fue unánimemente elogiada por la crítica del Reino Unido.

Romeo Castelluci, uno de los creadores más vanguardistas y brillantes de la actualidad en el ámbito de las artes escénicas, firma la dirección de escena, escenografía, figurines e iluminación de la ópera, ahondando en cuestiones filosóficas y ontológicas, con una impactante propuesta conceptual que utiliza el desierto como metáfora de la soledad y el silencio: la incapacidad del lenguaje, en todo su espectro, para expresar y transmitir la fe en un Dios único y todopoderoso.

Una escenografía amplia, potente, simbólica y fuertemente evocadora acoge a una producción escénica de gran envergadura y complejidad técnica e interpretativa que involucra a cerca de 400 personas: 15 integrantes del equipo artístico (creadores, directores y asistentes), 17 cantantes solistas, 80 cantantes del Coro Titular del Teatro Real, 110 músicos de la Orquesta Titular del Teatro Real, 48 bailarines (incluyendo 6 especialistas en alpinismo), 3 submarinistas profesionales, 16 técnicos y 2 limpiadoras en el escena, y detrás del escenario y en otros espacios del teatro, más de 100 profesionales de distintas aéreas implicados, directa o indirectamente, en la realización del espectáculo.

Todos trabajan al servicio de la excepcional producción de la obra maestra de Schönberg, cuyo estreno en Madrid, transformado en un gran acontecimiento artístico, ha vertebrado una programación especial del Teatro Real a lo largo de los meses de abril, mayo y junio, con el fin de contextualizar el período de gestación y creación de Moisés y Aarón, cuando Europa se resquebrajaba, mientras crecía la persecución antisemita alimentando el monstruo que materializó unas de las historias más trágicas y espeluznantes de la humanidad.

Así, las siete funciones de Moisés y Aarón se alternarán con cinco de El emperador de la Atlántida, de Viktor Ullmann (1898-1944), discípulo de Schönberg que tuvo una importante y prolífica carrera musical truncada por su asesinato en Auschwitz.

En el mismo marco trascurre el ciclo Bailando sobre el volcán, cuyo último concierto, “Música en Terezín”, tendrá lugar dos días después del estreno de Moisés y Aarón.

Varias iniciativas y actividades en las que participan diferentes instituciones de Madrid complementan la programación en torno a la ópera de Schönberg, ofreciéndole el enfoque pluridisciplinar que merece.

ACTIVIDADES PARALELAS

FUNDACIÓN JUAN MARCH
Ciclo de conciertos “El universo musical de Bertolt Brecht”
18 y 25 de mayo a las 19.30 horas

BAILANDO SOBRE EL VOLCÁN
Recital de Salome Kammer
El cabaret judío en la república de Weimar
Obras de Arnold Schönberg, Hans Pfitzner, Richard Strauss, Oscar Straus, Paul Strasser, Kurt Weill,
Erich Zeisl, Hugo Ball, Erwin Schulhoff, Eduard Künneke, Rudolf Nelson y Friedrich Holländer y otros
Salome Kammer, cantante
Rudi Spring, piano
Fundación Albéniz. Auditorio Sony
19 de mayo a las 20.00 horas
ENFOQUES
Encuentro con el equipo artístico de Moisés y Aarón
Teatro Real. Sala Gayarre
22 de mayo a las 18.00 horas

RESIDENCIA DE ESTUDIANTES
Encuentro: En torno a Moisés y Aarón
Con Santiago Martín Bermúdez y Lothar Koenigs
Salón de actos
23 de mayo a las 19.30 horas

CÍRCULO DE BELLAS ARTES
Ciclo “Moisés y Aarón”
‘Moisés y Aarón’, de Schönberg, y la tragedia del monoteísmo
Por Jan Assmann
Sala Valle-Inclán
25 de mayo a las 19:30 horas

BAILANDO SOBRE EL VOLCÁN
Música en Terezín
Obras de Pavel Haas, Hans Krása, Adolf Strauss, Viktor Ullmann y otros
Gustavo Tambascio, director de escena
Juan Mayorga, textos
Sylvia Schwartz, soprano
Fundación Albéniz. Auditorio Sony
26 de mayo a las 20.00 horas

¡TODOS A LA GAYARRE!
Talleres dominicales de introducción a la música para toda la familia con la presentación de Fernando Palacios y la colaboración de músicos y cantantes
El becerro de oro
En el desierto, los hermanos Moisés y Aarón arman un buen lío
Teatro Real. Sala Gayarre
Domingo, 29 de mayo a las 12.00 y e a las 17.00 horas
ÓPERA
El emperador de la Atlántida
Ópera de Viktor Ullmann, con preludio y orquestación de Pedro Halffter
Director musical: Pedro Halffter / Director de escena: Gustavo Tambascio
Nueva coproducción del Teatro Real, el Teatro de la Maestranza de Sevill
y el Palau de les Arts de Valencia
Teatro Real. Sala principal
5 representaciones entre el 10 y el 18 de junio

SESIONES GOLFAS
Recital de Angela Denoke
Música en la época de la república de Weimar
Angela Denoke, soprano
Tal Balshai, piano
Norbert Nagel, clarinete y saxofón
Teatro Real. Sala principal
15 de junio a las 20.00 horas
FILMOTECA ESPAÑOLA
Moses und Aron (Jean-Marie Straub y Danièle Huillet, 1974)
Adaptación de la inacabada ópera bíblica de Arnold Schönberg, sobre el libro del Éxodo.
Cine Doré
Junio [fecha por determinar]

Parsifal en el Teatro Real

Parsifal, ultima composición de Wagner, se liberó de su contrato de exclusividad con Bayreuth el 31 de diciembre de 1913. Esa misma noche se estrenaba en el Liceu de Barcelona y al día siguiente en el Teatro Real de Madrid. Escrita en tiempos convulsos, refleja a la perfección un mundo destruido y la necesidad de encontrar una salida liberadora o algo parecido a un mesías. Ese libertador que Amfortas busca junto a su hermandad de caballeros es Parsifal, el necio que no conoce ni su nombre y que solo llegará a la sabiduría a través de la compasión. Wagner es una vez más un visionario adelantado a su tiempo, pues todos conocemos los hechos ocurridos después de 1914.

Es por eso que la elegante producción de Claus Guth inspirada en La montaña mágica de Thomas Mann, resulta tan acertada y pertinente. Situada en el periodo de entre guerras, un hospital es el escenario perfecto para reflejar las consecuencias de los acontecimientos que marcaron a la sociedad europea de la primera mitad del siglo XX. Un lugar donde la enfermedad y la muerte reflejan las grandes contradicciones sociales, políticas y morales de la época.

Guth se sirve de esta escenografía para expresar el mismo paradigma. Esa herida permanente de Amfortas que es la metáfora de la Europa herida tras la I Guerra Mundial. Una escenografía ilustrada por proyecciones que muestran imágenes que nos atañen y nos resultan incómodas. Este Parsifal de Claus Guth nos interpela directamente e invita a reflexionar. Viendo como acabó todo, la búsqueda de cambios o líderes catárticos pueden llevar a lugares inciertos. Y las pesadillas, como los sueños, a veces también se cumplen.

Una magnífica plataforma giratoria proporciona los espacios donde se desarrollan las distintas tramas. Una vez más un fluir sin principio ni fin.

Parsifal solo puede ser el producto final de un genio como Wagner. Y lo es. La música fluye permanentemente y la concepción de espacio-tiempo es diferente a los conceptos convencionales. Para su director musical, Semyon Bychkov, “En esta obra se relaciona la tonalidad con la gravedad. Estos cambios de tonalidad, que pueden ocurrir en un segundo, son como una pérdida de gravedad. Como si estuviéramos en otra galaxia pero nunca supiéramos en cual”.

Esta evolución permanente de los motivos hace que la música fluya constantemente sin aparente principio ni fin, apoyada siempre en los leifmotiv que acompañan a personajes y situaciones.

La dirección musical está a cargo de Semyon Bychkov, que sabe leer perfectamente ese continuo discurrir del sonido al que concede, desde la obertura, el equilibrio que requieren las distintas voces orquestales que posee esta partitura arquitectónica. Era poderoso el sonido logrado por una orquesta que daba respuesta a todas las indicaciones del maestro de origen ruso. Sonaba con una transparencia y delicadeza solo igualada por la naturalidad con la que era ejecutada. La tensión lograda por las cuerdas, la seguridad de los metales y la precisión de las maderas producen un sonido sólido y ágil. La atmósfera creada habría cumplido uno de los deseos de Bychkov, el de continuar en un cuarto y quinto acto, prolongando un final que no existe.

Sobre el escenario un reparto desigual recorría la giratoria propuesta de Guth al ritmo que marcaba una excelente dirección de actores.

Christian Elsner fue un Parsifal inexpresivo y con limitaciones interpretativas. Su emisión requería de grandes esfuerzos y estuvo sobrada de sonidos nasales. Defendió su personaje con cierta dignidad pero fue engullido por la orquesta en varias ocasiones. Su torpeza sobre el escenario arruinó al héroe que debía interpretar, manteniéndose ausente por completo de la evolución de un personaje con tantos matices.

La soprano alemana Anja Kampe, una de las voces wagnerianas más cotizadas en la actualidad, ofreció una Kundry entregada y magníficamente interpretada en los diferentes perfiles que posee su exigente personaje. Los endiablados cambios de registro son resueltos, puntualmente, con alguna estridencia. Sobre todo en el segundo acto. A sus tonos graves y medios les hubiera ido bien un poco más de fortaleza para construir la Kundry más oscura. Pero en líneas generales su actuación estuvo a gran altura.

Franz-Josef Selig, con una elegante línea de canto, esculpió un Gurnemanz de gran autoridad y potente presencia escénica, muy bien aprovechadas por la dirección de escena. Ofreció un buen primer acto, con un fraseo bien delineado y un timbre de voz redondo y vigoroso. Pero su actuación fue de más a menos y acabó diluyéndose en parte.

El barítono alemán Detlef Roth interpretó un Amfortas dramático y desgarrado. Pero su voz no acompañó a la interpretación, y a la incapacidad de llegar a los registros más extremos, se sumaron las dificultades para expresar con la voz la angustia interior del personaje.

El croata Ante Jerkunica, como Titurel, exibió uno de los instrumentos más interesantes de la noche, con una voz voluminosa y amplia. Todo lo contrario del Klingsor interpretado por el barítono ruso Evgeny Nikitin, que anduvo escaso precisamente de esas dos cualidades, volumen y amplitud.

El coro es otro de los protagonistas principales de esta obra monumental. Y el titular del Teatro Real, que nos tiene acostumbrados a ilustres intervenciones, no iba a ser menos en esta ocasión. A la brillantez y el empaste vocal hay que sumar la capacidad de interpretación, sobre todo de ellas, que componen una escena de las muchachas flor deliciosamente fresca y sugerente.

Cinco horas y media puede ser mucho tiempo o poco. Y, como dice Bychkov, Parsifal tiene una concepción distinta del espacio-tiempo. Tal vez sea esa la razón por la que las cinco horas y media de este Parsifal son muy poco tiempo, pero el espacio que llenan es inmenso.

Texto: Paloma Sanz
Fotografía: Javier del Real
Vídeos: Teatro Real

PARSIFAL
Richard Wagner (1813 – 1883)
Festival escénico sacro en tres actos.
Libreto de Richard Wagner,
basado en el poema épico medieval
Parzival de Wolfram von Eschenbach.
Coproducción de la Ópera de Zúrich
y el Gran Teatre del Liceu de Barcelona
Teatro Real de Madrid 27 – 4 – 16
D. musical: Semyon Bychkov
D. escena: Claus Guth
Escenógrafo y figurinista: Christian Schmidt
Iluminador: Jürgen Hoffmann
Coreógrafo: Volker Michl
D. coro: Andrés Máspero
Reparto: Detlef Roth, Ante Jerkunica, Franz Josef Selig,
Evgeny Nikitin, Anja Kampe, Christian Elsner, Vicenç Esteve,
David Sánchez, Ana Puche, Kai Rüütel, Alejandro González,
Jordi Casanova, Ilona Krzywicka, Khatouna Gadelia, Kai Rüütel,
Samantha Crawford, Ana Puche, Rosie Aldridge, Rosie Aldridge.
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

Campoamor

El pasado 19 de marzo se celebró en Oviedo la Gala de entrega de los Premios Campoamor. Este año con una celebración especial pues ya son 10 los que se vienen celebrando.

Para acercarse a la verdadera dimensión de estos Premios hay que tener en cuenta, al menos, dos premisas. La primera, se premian espectáculos líricos. Y la segunda, estamos en España. Estas dos condiciones podrían ser contradictorias, pero la importancia que están alcanzando estos Premios Campoamor y la tradición lírica española, deberían ser suficientes para que algunos se planteasen situarlos dónde les corresponde, entre las grandes Galas y Premios de otras disciplinas artísticas que se desarrollan en nuestro país.

Este año la director de escena ha estado a cargo de Joan Font, director de Comediants, que con el circo, como hilo conductor, llenó de magia el escenario y la sala del Campoamor.

La Gala contó con dos maestros de ceremonia, la soprano Silvia Vázquez y el barítono Borja Quiza, que se desenvolvieron por el escenario con simpática soltura, intercalando arias con la presentación de los premiados. Las sorpresas en forma de magia y acrobacias llegaron con Raúl Rodríguez Alegría, Albert Ubach y Raquel Ferri.

En la parte alta del escenario se había colocado una cocina en la que el maestro pastelero Jacinto Rama y su ayudante elaboraban la tarta del décimo cumpleaños de la gala. Tarta que sería repartida entre el público al finalizar el acto.

Con todos estos elementos, lírica, cocina, magia y circo, empezó a transcurrir una gala que solo en algunos momentos fue un poco lenta, pero en la que la brillantez y los premiados fueron los protagonistas.

El premio a la cantante revelación fue para la soprano aragonesa Ruth Iniesta, que arriesgó con un aria de Mignon, de Thomas.

Siguió la entrega del Premio a nueva producción de ópera española o zarzuela, para “El terrible Pérez”, de Tomás López Torregrosa y Joaquín Valverde (hijo). El premio lo recogió el maestro Antón García Abril.

El Premio contribución al mundo de la lírica y Premio especial del jurado llevaba una gran carga de profundidad, pues se le otorgó al Teatro Villamarta de Jerez, que está pasando por serias dificultades debido a las veleidades presupuestarias y políticas. Y no es el único, solo recordar lo que ocurre con la Ópera en La Coruña.

Hubo también algunas ausencias. No asistieron Laurent Pelly, premio al mejor director de escena, ni Michel Plasson, Premio a la mejor dirección musical. Este último al haber sufrido un accidente en estos días. Tampoco asistió la norteamericana Joyce Didonato, premio a la cantante femenina de ópera, pero sí envió un vídeo de agradecimiento.

La simpatía la puso el Premio a la cantante de ópera española o zarzuela, la alemana Nicola Beller Carbone, quien apareció por el pasillo central interpretando la borrachera de La Périchole, de Offenbach. Cambiando de registro inmediatamente para ofrecernos un aria de Ariadne auf Naxos, De Strauss.

La emoción y la intensidad llegaron con Gregory Kunde, Premio al mejor cantante masculino de ópera. Este estadounidense, del que disfrutamos con frecuencia en nuestro país, se marcó un “Vesti la giubba” del Pagliacci de Leoncavallo que puso la carne de gallina.

La otra gran sorpresa de la noche fue la presencia del bajo-barítono galés Bryan Terfel. Llegó apenas unos minutos antes de salir a escena a recoger su premio y regalarnos dos piezas, una lied y una canción popular galesa que nos hizo a todos sentir la añoranza de su tierra.

Otro emotivo momento fue la entrega del Premio especial a toda una carrera a la grandísima Fiorenza Cossotto, que fue, por cierto, la única que tuvo la oportunidad de dirigirse al público y agradecer su premio. Este último premio dio paso a un apoteósico final. Todos los premiados sobre el escenario entonando el “brindis” de la Traviata.

A la salida una banda de música y las luces de una verbena ofrecían zarzuela y pasodobles para acompañar la salida del teatro. Llovía y hacía frío, pero un público participativo y una ciudad con la experiencia de saber hacer muy bien las cosas importantes, dejaron de manifiesto que la lírica en España está en nuestra raíz cultural y cuando se ofrece con calidad y generosidad al público, adquiere su verdadera dimensión socio-cultural.
Texto: Paloma Sanz
Fotografía: I. Martínez/ D. Arienza
Vídeo: TPA (Televisión del Principado de Asturias)

Teatro de la Maestranza

El próximo 30 de abril tendrá lugar, en el Teatro de la Maestranza, de la Gala Lírica conmemorativa del XXV Aniversario del Teatro de la Maestranza y de la Orquesta Sinfónica de Sevilla y el XX Aniversario de la creación del Coro de la A. A. del Teatro de la Maestranza.

Con este motivo se ofrecerá una Gala Lírica bajo la dirección orquestal de John Axelrod, con dirección de coro de Íñigo Sampil y la participación de los solistas María José Montiel, Mariola Cantarero y Juan Pons.

MARÍA JOSÉ MONTIEL

Mezzosoprano

Premio Nacional de Música 2015 otorgado por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte de España, revistas como Opera News (USA), Ópera Actual (España), Opéra Magazine (Francia), L?Opera (Italia) y Orpheus (Alemania) posicionan a María José Montiel como una de las grandes mezzosopranos de la actualidad alabada por la belleza de su timbre, su delicadeza interpretativa y poder comunicativo. En 2014 y 2015 ha interpretado Carmen en Israel e Italia dirigida por Zubin Mehta, un personaje que ha paseado por los escenarios más importantes de Suiza, Italia, Alemania, Francia, España, Japón, China y Estados Unidos. La gitana de Bizet transformó a la mezzo madrileña en toda una revelación internacional y sus colaboraciones con Riccardo Chailly en obras como el Réquiem de Verdi (Viena, Frankfurt, Milán, Budapest, Tokio o Leipzig) han consolidado ese imparable prestigio.

Recientemente ha debutado el rol de Ulrica en Un ballo in maschera de Verdi, en Israel y nuevamente junto a Mehta (julio de 2015) y el personaje de Dalila en Samson et Dalila de Saint-Säens, en México (septiembre 2015); ha cantado el Réquiem de Verdi con La VERDI en Milán como parte de los actos que cierran la Expo Milano 2015 y ha debutado en el Teatro San Carlo de Nápoles como protagonista de Carmen, siempre bajo la batuta del director indio. Entre sus próximos compromisos destacan el estreno absoluto de María Moliner de Antoni Parera, en el Teatro de la Zarzuela de Madrid y Shéhérazade de Ravel, con la Orquesta de Valencia.

Nace en Madrid donde cursa la carrera superior de canto en el Real Conservatorio de dicha ciudad, antes de trasladarse a Viena para perfeccionarse con O. Miljakovic. También cursa estudios de Derecho en la Universidad Autónoma de Madrid, en la que además obtiene el DEA en Historia y Ciencias de la Música.

MARIOLA CANTARERO

Soprano

Granadina de nacimiento, comienza sus estudios musicales en el Conservatorio de su ciudad natal, y posteriormente los amplia con el Catedrático de canto cordobés Carlos Hacar y ya en carrera se perfecciona con Ruthilde Böesch en Viena. Es premiada en diferentes concursos internacionales de canto como el “Francisco Viñas”, “Operalia´99”, “Pedro Lavirgen” y “A.S.L.I.C.O. 2000” y recibe distintos premios por su trayectoria como “Premio ópera Actual 2002”, “Revalación del círculo de amigos del Liceo 2003”, “Premio Imagen de la Ciudad de Granada 2003”, “Ojo Crítico de RNE 2005”, “La Mención de´Honor de la Diputación de Granada”,”La Medalla de Oro de la Ciudad de Granada”, así como “La Medalla de Oro de Andalucía 2011”.

Debuta en el teatro Carlo Felice de Genova con Le Comte Ory de Rossini, y desde entonces se convierte en soprano habitual de los principales teatros de Europa como el Teatro Real de Madrid, Liceo de Barcelona, Maestranza de Sevilla, la Ópera de Bilbao, Maggio Fiorentino, San Carlo di Napoli, L´Opera di Roma, Rossini Opera Festival, así como en la ópera de Hamburgo, ópera de Bucarest, Berlín, Zurich, Amsterdam, Strasburgo… y más allá de nuestro continente en la Ópera Nacional de Corea, Shanghai Oriental Art center de China, San Juan de Puerto Rico, Santiago de Chile, Ópera de Sao Paulo, Ópera de Detroit, New Jersey…

JUAN PONS

Barítono

Reconocido en todo el mundo como uno de los principales barítonos dramáticos de nuestro tiempo. Sus interpretaciones más reconocidas incluyen Rigoletto, Tosca, La traviata, La fanciulla del west, Gianni Schicchi, Pagliacci, Madama Butterfly, Cavalleria rusticana, etc.

A lo largo de su carrera, Juan Pons ha cantado regularmente con las compañías operísticas más prestigiosas del mundo, como por ejemplo: La Scala de Milán, el Metropolitan Opera House de Nueva York, la Ópera Estatal de Viena, el Covent Garden de Londres, el Teatro de la Bastilla de París, la Ópera Estatal de Baviera, Hamburgo y Zúrich, el Gran Teatre del Liceu, el Teatro de la Zarzuela, el Teatro Real, las óperas de Roma y Florencia, el Teatro La Fenice de Venecia, el Teatro Comunale de Bolonia, el Teatro Regio de Parma, la Arena de Verona o las Termas de Caracalla, entre muchos otros.

Programa:

I

Richard Wagner (1813-1883)

Tannhauser (coro de invitados)

George Bizet (1838-1875)

Carmen

Prelude

Habanera (Mª José Montiel y coro)

Aria de las cartas (Mª José Montiel)

Chanson Boheme

Franz Lehár (1870-1948)

La viuda alegre

Vilja Lied (Mariola Cantarero)

Giuseppe Verdi (1813-1901)

Il Trovatore

Coro de Gitanos

Giacomo Puccini (1858-1924)

Tosca

Te Deum (Juan Pons y coro)

II

Richard Wagner (1813-1883)

El ocaso de los dioses

III acto “selección”

Campoamor

El mundo de la lírica se da cita en Oviedo para asistir a su gran noche en la Gala de los Premios Campoamor. La ceremonia de entrega de los premios líricos más importantes de España tendrá lugar el sábado día 19 de marzo, a las 21:00h, en el emblemático teatro de la capital asturiana.

El barítono Borja Quiza y la soprano Silvia Vázquez serán los maestros de ceremonias de una gala, que este año lleva firma escénica de Joan Font (Comediants), y dirección musical de Marzio Conti, al frente de la orquesta Oviedo Filarmonía y la Capilla Polifónica Ciudad de Oviedo.

A esta décima edición de los premios se presentaron un total de 400 candidaturas de la temporada lírica nacional, según Cosme Marina, director de la Fundación Premios Líricos.

Tras una reñida e intensa elección del jurado, constituido por destacadas personalidades de la crítica musical, Michel Plasson, ha sido galardonado como mejor director musical por Werther de Massenet, Roméo et Juliette de Gounod, y Les Pêcheurs de Perles de Bizet. El premio a la dirección escénica fue para su compatriota Laurent Pelly, por Don Pasquale de Donizetti, Hänsel und Gretel de Humperdinck y La fille du régiment de Donizetti.

El tenor Gregory Kunde se alzó, por segunda vez, con el galardón al mejor cantante masculino de ópera por Pollione en Norma de Bellini, Otello en Otello de Verdi, Turiddu en Cavalleria Rusticana de Mascagni, y Canio en Pagliacci de Leoncavallo; el premio en la categoría femenina fue para la mezzosoprano americana Joyce DiDonato por Alcina de Händel. La cantante revelación ha sido Ruth Iniesta por Martha en Luna de miel en el Cairo de Francisco Alonso, y por su rol como la Soprano en La ópera de cuatro notas de Tom Johnson. Nicola Beller Carbone ha sido galardonada como mejor intérprete de ópera española o zarzuela por Pepita Jiménez, en la ópera del mismo nombre de Isaac Albéniz, y por el rol protagonista de La Gran Duquesa de Gerolstein de Offenbach.

La mejor nueva producción de ópera ha recaído ex aequo en El Castillo de Barbazul de Bartók, de la Ópera de Oviedo, y Otello de Verdi, del Festival Castell de Peralada. El terrible Pérez de Tomás López Torregrosa y Joaquín Valverde, hijo, ha recibido el premio a la mejor producción de zarzuela u ópera española.

El famoso bajo-barítono galés Bryn Terfel ha sido galardonado con el premio en la categoría al mejor recital o concierto lírico de la temporada. La célebre mezzosoprano italiana Fiorenza Cossotto recibirá el premio especial a toda una carrera. Y el premio especial del Jurado de esta décima edición ha sido para la Fundación Teatro Villamarta de Jerez, galardonada también con el premio a la mejor institución que ha contribuido muy significativamente al mundo de la lírica.

Más info:

http://www.premiosliricos.com/