Grigory Sokolov

La Fundación Scherzo se complace en anunciar el esperado recital del legendario pianista Grigory Sokolov, que tendrá lugar el próximo 24 de febrero a las 19:30 horas en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música. Enmarcado en el 30.º Ciclo de Grandes Intérpretes, este concierto ha vuelto a batir récords al agotar todas sus localidades con dos meses de antelación, confirmando una vez más la inquebrantable conexión del pianista ruso con el público madrileño.

Considerado una de las figuras más influyentes del piano contemporáneo, Sokolov convierte cada una de sus interpretaciones en una experiencia única, donde el virtuosismo y la introspección se funden con un sonido inconfundible. Este año, el artista ha diseñado un programa de gran riqueza expresiva, combinando la música renacentista de William Byrd con la intensidad romántica de Johannes Brahms.

En la primera parte del recital, Sokolov se adentrará en la obra de William Byrd (1540-1623), figura clave de la música isabelina y maestro del teclado en su tiempo. Byrd, protegido de la reina Isabel I, tuvo una carrera marcada por su fidelidad a la fe católica en un contexto de persecución religiosa en Inglaterra. Su música para teclado, de una inventiva sin igual, influyó en generaciones posteriores y aún hoy sorprende por su modernidad.

La segunda parte estará dedicada a Johannes Brahms (1833-1897), cuyas Cuatro baladas, Op. 10, reflejan la fascinación del compositor por la literatura y la tradición germánica, en particular la balada escocesa de Edward, que inspiró la primera de ellas. Completan el programa sus Dos rapsodias, Op. 79, piezas de gran fuerza dramática que muestran a un Brahms en plena madurez creativa.

Este concierto, que promete ser una de las citas ineludibles de la temporada, da continuidad a una programación excepcional dentro del 30.º Ciclo de Grandes Intérpretes de la Fundación Scherzo. El próximo recital se celebrará el 2 de marzo, con un emocionante concierto de piano a cuatro manos protagonizado por la gran dama del piano Maria João Pires y el pianista Ignasi Cambra, quienes nos ofrecerán un recorrido por el Mozart más escondido, el Haydn más emocionante y el Schubert más amado.

Programa completo:

William Byrd (1540-1623)

John come kiss me now (T478, BK81, FVB10)
The first pavan y The galliard to the first pavan (T487, BK29a, 29b, FVB167, 168)
Fantasia (T455, BK63, FVB8)
Alman (T436, BK11, FVB163)
Pavan: The Earl of Salisbury. Galliard. Second galliard (T503, BK15a, 15b, 15c)
Callino Casturame (T441, BK35, FVB158)

Johannes Brahms (1833-1897)

Cuatro baladas, Op. 10

  1. Andante
    II. Andante
    III. Intermezzo. Allegro
    IV. Andante con moto

Dos rapsodias, Op. 79

  1. Agitato
    II. Molto passionato, ma non troppo allegro
Don Quijote

El Teatro Real presentará, entre el 27 de febrero y el 2 de marzo, cinco funciones de uno de los ballets más populares de la danza clásica, Don Quijote, en la versión coreográfica de José Carlos Martínez, sobre el original de Marius Petipa, interpretado por la Compañía Nacional de Danza, bajo la dirección artística de Muriel Romero.

Esta obra es una de las favoritas del público junto al Lago de los cisnes. Llena de alegría, color y fuerza expresiva, rompe con el universo de las criaturas sobrenaturales o etéreas de los ballets clásicos del XIX (a pesar de un acto blanco), para poner en escena a la gente del pueblo.

Basada en un episodio del segundo volumen de El Quijote de Cervantes (capítulo XXI, “Donde se prosiguen las bodas de Camacho y otros gustosos sucesos…”), la acción se centra más en los amores tumultuosos de Quiteria y Basilio que en las propias aventuras de Don Quijote y Sancho, aunque los personajes son más fieles a los creados por Cervantes, y el vestuario y la puesta en escena contribuyen a darle un aire más español que en la versión de Petipa.

La coreografía que veremos en el Real, creada para la CND por José Carlos Martínez -actual director del Ballet de la Ópera de Paris- cuando estaba al frente de la Compañía, mantiene la dificultad técnica y las complejas variaciones, pero otorga mayor protagonismo a la danza española.

Martínez define así su creación: “basándome en la coreografía original de Marius Petipa, y en las diversas versiones que he tenido ocasión de bailar (Nureyev, Baryshnikov, Gorski), me ha parecido importante mantener la construcción coreográfica del ballet, pero he querido darle un matiz más poético al personaje de Don Quijote y a su búsqueda del amor perfecto encarnado por Dulcinea. A su vez, era necesario acercarse lo más posible a la esencia de nuestra danza. Me parece muy importante que la producción de Don Quijote de una compañía española, aún siendo una versión del clásico ruso-francés, sea realmente respetuosa con nuestra cultura y nuestra tradición”.

En el foso, la Orquesta Titular del Teatro Real bajo la dirección de Manuel Coves, interpretará la que es, posiblemente, la partitura más conocida de Ludwig Minkus. Su estreno, en 1869 en el Bolshoi de Moscú para la coreografía original de Petipa, disfrutó de un extraordinario reconocimiento y supuso un importante cambio profesional en la vida del compositor austriaco, al unirle al coreógrafo en creaciones como La bayadere.

El 28 de febrero, la Compañía Nacional de Danza celebrará la función número 100 de esta hermosa coreografía de José Carlos Martínez.

Fotografía: Javier del Real

Eugenio Oneguin

Eugenio Oneguin en el Teatro Real
Escenas líricas en tres actos y siete cuadros
Música de Piotr Ilich Chaikovski (1840-1893)
Libreto de Konstantín S. Shilovski, basado en la novela homónima en verso de Aleksandr S. Pushkin (1831)
D. Musical: Gustavo Gimeno
D. Escena: Christof Loy
Escenografía: Raimund Orfeo Voigt
Vestuario: Herbert Murauer
Iluminación: Olaf Winter
Coreografía: Andreas Heise
D. Coro: José Luis Basso
Reaprto: Kristina Mkhitaryan, Victoria Karkacheva, Iurii Samoilov, Bogdan Volkov, Katarina Dalayman, Elena Zilio, Maxim Kuzmin-Karavaev, Frederic Jost y Juan Sancho
Orquets y Coro Titulares del Teatro Real
Teatro Real de Madrid, 3 de febrero de 2025
“Pretenden que Oneguin no es una obra escénica… ¡A mí me dan grima los efectos teatrales! […] Quiero en el escenario a seres humanos, y no a títeres… No quiero reyes, ni revoluciones, ni dioses, ni marchas. En una palabra, ¡no quiero nada de los atributos habituales de la grand ópera! Necesito un drama íntimo y profundo, basado en situaciones y en conflictos vividos por mí mismo o que he podido observar o que me puedan conmover…”

Con estas palabras, dirigidas por carta a uno de sus amigos, trataba Chaikovski de explicar cómo quería que fuera su nuevo proyecto. No tenía buena opinión de la ópera que se componía tanto en Rusia como en Italia o Alemania, le parecía superficial, pero aunque en ese momento su carrera empezaba a tener cierto éxito, no se sentía cómodo dentro de los convencionalismos que marcaban las composiciones operísticas de la época. Su propósito era escribir una obra no apta para los grandes escenarios.
Comenzó entonces eligiendo la historia. Nada menos que la obra literaria rusa más famosa hasta el momento, la novela homónima en verso de Pushkin. Escoge 7 escenas del libro para desarrollar la historia y los personajes, y le pone el sobretítulo de Escenas líricas en tres actos y siete cuadros.

Chaikovski estaba decidido a prescindir de cantantes profesionales y escenografías opulentas. Quería una representación sincera, que reflejara las emociones en profundidad y cantantes capaces de transmitir sencillez y naturalidad.

La primera versión fue estrenada en 1879 por estudiantes del conservatorio, pero a pesar de los esfuerzos del compositor, la obra tuvo un gran éxito y pronto levantó el interés de las grandes casas de ópera. El estreno con profesionales llegará en 1881 en el Teatro Bolshói.

Chaikovski siempre presenta a sus personajes femeninos atormentados por la dificultad de expresar sus afectos y deseos inconfesables. Parecen estar siempre bajo la amenaza del rechazo o el abandono. Esto refleja, a modo de metáfora, su propia situación personal. Debido a la opresiva sociedad de la época, no podía mostrar abiertamente su homosexualidad. Solo a través de sus composiciones, en especial de esta ópera, pudo esxpresar libremente sus sentimientos más íntimos y contradicciones sociales.

La ópera comienza con el llamado tema de Tatiana, unos acordes que describen el carácter de la obra, marcan el curso de los acontecimientos y de un destino que, por mucho que quieran sus protagonistas, no cambiará. La partitura consigue una profundidad excepcional generando atmósferas cargadas de sentimientos. Y lo consigue con una sencilla orquestación, sin grandes artificios. Utiliza una especie de leitmotiv que más que identificar personajes, señalan momentos dramáticos, expresados delicada y magistralmente por las cuerdas y los vientos madera. Nada en la partitura está escrito al azar. Cada personaje tiene su motivo musical que aparece a lo largo de la obra, describiendo perfectamente las sombras y ambigüedades de cada protagonista.

Otro quiebro a los convencionalismos operísticos y que da también una pista sobre el triste desarrollo de los acontecimientos es la asignación de roles de los personajes y el emparejamiento vocal. El romántico e idealista Lenski, tenor, está emparejado con la bulliciosa y soñadora Olga, mezzosoprano. La otra extraña pareja está formada por la ingenua Tatiana, soprano y Oneguin, un personaje oscuro, vividor y superficial, interpretado por un barítono. Un intercambio de roles vocales que demuestra que ambas historias de amor están condenadas al fracaso.

Chaikovski escribió una obra diferente para la que tampoco quería un coro convencional. Su movimiento en escena no debía ser uniforme, como era habitual en la grand ópera. Buscaba en todos los elementos la esencia humana, no solo de los personajes, también en el rol que juega el coro y los bailarines en las distintas escenas. Quería que su comportamiento sobre el escenario fuera el más natural y espontáneo posible. En esta primera intervención del coro, el compositor utiliza la tradición de la liturgia ortodoxa, un miembro del coro lanza una frase y el resto responde.

A pesar del empeño del compositor para crear una obra de gran intimidad, sin grandes escenografías ni grandes efectos escénicos, Eugenio Oneguin se fue haciendo cada vez más grande, lo que le permitió demostrar que soportaba muy bien toda esa grandiosidad para la que no había sido escrita. como ha quedado demostrado en su amplia historia de representaciones.

En esta ocasión, el Teatro Real presenta una nueva producción, en colaboración con Den Norske Opera & Ballet de Oslo y el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, bajo la dirección escénica de Christof Loy, que ha querido volver al planteamiento inicial del compositor y ha propuesto una escenografía austera, despojada de cualquier artificio, que da más importancia a la psicología de los personajes y donde los protagonistas son, podríamos decir, las víctimas de Oneguin. Otra cosa es que Loy lo consiga.

La escenografía de Raimund Orfeo Voigt tiene dos partes bien diferenciadas. Los dos primeros actos, en los que hay tres bajadas de telón poco justificadas, la escena se desarrolla en el interior de la casa familiar, donde transcurren escenas domésticas y costumbristas protagonizadas por las cuatro protagonistas y un ardoroso y excitado servicio doméstico. En el tercer acto pareciera que han aprovechado la escenografía de Arabella, del propio Loy, que pudimos ver aquí recientemente. Un escenario con poca profundidad y de un blanco luminoso no apto para ojos sensibles. Tratando de expresar el universo psicológico, un tanto agobiante, del protagonista.

La partitura, de excepcional belleza melódica, que indica que Chaikovski ha sido el compositor ruso con más influencia occidental, ha estado interpretada en el foso por Gustavo Gimeno, que ha sabido establecer esa conexión, a menudo difícil, entre partitura y escenografía, sobre todo, teniendo en cuenta la variedad de dinámicas y motivos musicales, algunos particularmente destacables, como la polonesa o la escocesa. Supo además favorecer a los cantantes, sobre todo en las dos principales escenas de conjunto, cuando el escenario se convierte un caos de gente en movimiento. Gimeno ha delineado al frente de la orquesta los momentos más íntimos y delicados, como el aria de Lenski “Kuda Kuda”, o el hermoso y complicado cuarteto del primer acto entre los protagonistas.

Muy bien el coro, con grandes dotes interpretativas mientras cantaban en ruso, que no es poca cosa. Y sabiendo moverse en un escenario empequeñecido con aparente facilidad y armonía.
Es cierto que Chaikovski no necesitaba de grandes teatros para representar esta ópera, pero sí de grandes artistas. Y esta producción del Teatro Real, los tiene.

Al frente del elenco de cantantes de ha estado la soprano rusa Kristina Mkhitaryan, como Tatiana, que supo manejar con técnica la variedad de sentimientos que desbordan al personaje, sobre todo en la extensa aria de la carta, una de las más hermosas del repertorio operístico. Su voz potente y bien timbrada, hizo gala de un fraseo impecable y elegante. Muy bien en la parte interpretativa, tanto en la adolescente soñadora, como la perfecta aristócrata al final de la obra.

El barítono ucraniano Iurii Samoilov estuvo encargado de dar vida al protagonista Oneguin. Demostró tener unas capacidades actorales innegables, creando un personaje altivo, chulesco y hastiado que reflejó perfectamente ese perfil tan habitual en la literatura rusa. Posee un hermoso y cálido timbre, al que dotó del desgarro que sufría el personaje en los momentos más intensos.

La otra pareja estaba formada por la mezzosoprano rusa Victoria Karkacheva, en el siempre ingrato rol de Olga, la hermana pequeña y algo díscola de Tatiana. Su personaje no es vocalmente fácil, exige unos graves poderosos que Karkacheva demostró tener. Bien también en la parte interpretativa, tan importante en esta producción.

Su compañero sobre el escenario Lenski, estuvo a cargo de Bogdan Volkov. Otro de los más aplaudidos gracias a la delicadeza y el buen gusto en la interpretación de la ya mencionada “Kuda Kuda”. Su personaje, un hombre leal, tímido y cuidadoso de sus principios, estuvo muy bien elaborado por el tenor ucraniano.

Katarina Dalayman ha sido Larina, en una más que correcta interpretación de la madre de ambas protagonistas. Al igual que la veterana Elena Zilio, que interpreta magníficamente la tata Filipievna. A sus 84 años, supo dotar al personaje de toda la personalidad que atesora. Un buen ejemplo de cómo aprovechar la experiencia y las características vocales e interpretativas de algunos cantantes. Esperemos que cunda el ejemplo.

El siempre atractivo rol de príncipe Gremin, gracias a su hermosa aria del tercer acto, fue para el bajo ruso Maxim Kuzmin-Karavaev que, a pesar del buen gusto en la interpretación, no consiguió rematar su aria con los graves que le exige.

Muy buena impresión dejó el sevillano Juan Sancho como Triquet. Su breve intervención estuvo llena de musicalidad y marcando la diferencia con esa aria que demuestra la potente influencia francesa en el compositor.

El resultado de esta producción del Real ha gustado a un público que abandonaba el teatro fascinado con los elementos más importantes, la música y las voces.
Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real / Teatro Real

Pepe Marchena

Cuando Sandra Carrasco, una de las voces más especiales del panorama español y el talentoso guitarrista David de Arahal se unieron para la creación de este proyecto lo hicieron con la intención de homenajear el universo de Pepe Marchena. Cabe destacar que dicho objetivo ha sido conseguido desmontando pieza a pieza al genio flamenco y volviéndolo a reconstruir con una arquitectura nueva, a través del estudio y la comprensión de su esencia. ‘Recordando a Marchena’ es el título con el que han bautizado este proyecto único, un sueño hecho realidad que se presentará en el Teatro de la Zarzuela el próximo martes, 11 de febrero a las 19h30.

‘Recordando a Marchena’ es un proyecto de dos artistas originales y pioneros en su categoría. Sandra es una de las cantaoras más versátiles y con más sabiduría flamenca de su generación, pero también de las que más lejos ha llevado el flamenco. David, por su parte, es uno de los nuevos talentos de la guitarra, en continua evolución, capaz de recoger el aprendizaje de sus maestros.

Una propuesta grande y sin concesiones. No es una mera imitación de Marchena como el enorme creador que fue, sino una reinterpretación de su arte sin perder las raíces de quien fue uno de los artistas más queridos y a la vez criticados de la historia del cante.

En este concierto estarán acompañados por Ana Morales,  reconocida con el Premio Nacional de Danza en la modalidad de Interpretación en el año 2022, una de las bailarinas y bailaoras más destacadas de la escena flamenca por la versatilidad de recursos en su creación artística.

Jonathan Nott

La Orchestre de la Suisse Romande regresa a España bajo la dirección de su titular Jonathan Nott entre el 11 y el 16 de febrero para ofrecer una gira de cinco conciertos con paradas en Madrid, Zaragoza, Barcelona (ciclo BCN Clàssics), Tenerife y Las Palmas, donde serán los encargados de clausurar el Festival Internacional de Música de Canarias.

En esta visita a nuestro país la agrupación ofrecerá Claire de Lune (Suite Bergamasque) de Debussy, La consagración de la primavera de Stravinski y el virtuoso Concierto para violín en Re menor op. 47 de Sibelius a cargo de la violinista japonesa Midori, quien celebra sus cuatro décadas de vida artística. Para la ocasión, la solista ha escogido el mismo concierto con el que debutó a sus once años en Nueva York bajo la batuta de Zubin Mehta.

Con más de cien años de historia, la célebre orquesta de Ginebra ha contribuido activamente a la historia de la música estrenando, entre otras, obras de Stravinski, Britten, Lutosławski, Milhaud, Honegger o Eötvös. Desde su presentación en Ibermúsica en 2004 nos han visitado en otras cuatro ocasiones con los maestros Pinchas Steinberg, Marek Janowski y el propio Jonathan Nott.

Orchestre de la Suisse Romande

Fundada en 1918 por Ernest Ansermet, quien fue su Director Titular hasta 1967, está formada por 112 músicos permanentes. Ofrece conciertos de abono en Ginebra y Lausana, programas sinfónicos para la ciudad de Ginebra, el concierto anual del Día de las Naciones Unidas, y acompaña las representaciones operísticas en el Grand Théâtre de Ginebra. Ha consolidado una reputación internacional gracias a sus históricas grabaciones y a su interpretación del repertorio francés y ruso del siglo XX.

Jonathan Nott ha sido su Director Titular desde 2017, siguiendo los pasos de sus antecesores en el podio: Paul Kletzki, Wolfgang Sawallisch, Horst Stein, Armin Jordan, Fabio Luisi, Pinchas Steinberg, Marek Janowski, Neeme Järvi, y su Director Invitado Principal, Kazuki Yamada.

Bajo el liderazgo de Nott, la OSR ha contribuido activamente a la historia de la música, a través del descubrimiento y apoyo a compositores contemporáneos. Ha estrenado, entre otras, obras de Stravinski, Milhaud, Honegger, Martin, Marescotti, Britten, Lutosławski, Holliger, Blank, Eötvös, MacMillan, Dusapin y Jarrell, y promovido, como una de sus principales misiones, la interpretación de nueva música sinfónica, especialmente de compositores suizos.

Ha grabado más de 100 discos para Decca, revitalizado auténticas grabaciones legendarias e impulsado así su posición en el escenario musical internacional. Ha recibido numerosos premios discográficos. Graba dos o tres nuevos álbumes cada temporada. Las giras internacionales la han llevado a prestigiosas salas de concierto y es muy demandada por los más renombrados festivales. Una de sus misiones clave es la promoción de la música sinfónica entre los jóvenes, que serán el público del mañana, ofreciéndoles un amplio rango de actividades.

Jonathan Nott

Destaca por la fuerza y claridad de sus interpretaciones de Mahler. En 2014 fue invitado a dirigir la Séptima Sinfonía de Mahler con la Orchestre de la Suisse Romande (OSR). Como resultado de este primer encuentro, fue nombrado director titular y artístico de la OSR a partir de enero de 2017.

1997 marcó el comienzo de una estrecha relación con Suiza: como director titular de la Lucerne Symphony Orchestra, tomó parte activa en el periodo inaugural de la nueva sala KKL donde dirigió la Ensemble Intercontemporain, agrupación que lideró como titular desde 2000-2003. Fue director titular de la Bamberger Symphoniker de 2000-2016, y creó unos programas para artistas residentes, acompañó a la orquesta en varias giras internacionales, fue galardonado con el Premio Midem 2010 por su grabación de la Novena Sinfonía de Mahler y promovió el Concurso Internacional Gustav Mahler donde han emergido algunos de los directores más destacados como Gustavo Dudamel y Lahav Shani. También ha sido titular de la de la Sinfónica de Tokio desde 2014 y aporta inspiración a jóvenes artistas a través de su compromiso con la Junge Deutsche Philharmonie y la Gustav Mahler Jugendorchester.

Cuenta con un amplio catálogo de aclamadas grabaciones, entre las que se incluyen la integral orquestal de Ligeti (Berliner Philharmoniker); las Sinfonías completas de Schubert y Mahler (Bamberger Symphoniker); La canción de la tierra, de Mahler (Wiener Philharmoniker y Jonas Kaufmann). Su primera grabación con la OSR (Richard Strauss, Debussy y Ligeti) fue lanzada por PentaTone en 2018 y su segunda grabación, dedicada a Schoenberg y Pelléas et Mélisande de Debussy fue muy aclamada por la crítica en 2021 y, recibió un «choc» de Classic y el Preis der deutschen Schallplattenkritik (Premio de la Crítica Discográfica Alemana). Un tercer CD con Francesco Piemontesi con obras de Ravel, Schoenberg y Messiaen salió a la venta en 2022.

Su colaboración con la OSR se ha prorrogado hasta principios de 2026.

Midori

La violinista Midori es una artista visionaria, activista y con un gran sentido para la docencia, características que la dotan para desarrollar una carrera musical inigualable explorando y construyendo conexiones entre la música y la experiencia humana.

Como solista durante 40 años, Midori toca alrededor del mundo; así ha tocado con las mejores orquestas como la Sinfónica de Londres, Chicago, y San Francisco. Otras orquestas son la Sinfonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Berlín Philharmonic, Vienna Philharmonic, así como la Mahler Chamber Orchestra. Ha colaborado con grandes directores entre los que se encuentran Claudio Abbado, Leonard Bernstein, Emanuel Ax, Zubin Mehta, Christoph Eschenbach, Mariss Jansons, Paavo Järvi, Omer Meir Wellber, Yo-Yo Ma, y Susanna Mälkki, entre otros.

La diversa discografía de Midori, publicada por Sony Classical, Ondine y Onyx, incluye grabaciones de sonatas de Bloch, Janáček y Shostakovich, y una grabación ganadora del Grammy del Concierto para violín de Hindemith con Christoph Eschenbach dirigiendo a la NDR Symphony Orchestra. Su recorrido de la complete con las sonatas y partitas para violín solo grabadas en DVD en el Castillo de Köthen para Accentus.

En 2021 ha sido galardonada con el prestigioso premio Kennedy Center Honors otorgado por el Kennedy Center de Washington en reconocimiento a su carrera artística. Midori toca un violín Guarnerius del Gesú “ex-Huberman” de 1734 y emplea cuatro arcos, dos de Dominique Peccatte, uno de François Peccatte y uno de Paul Siefried.

Jonathan Nott © Guillaume Mégevand

José Bros

El tenor José Bros, una de las grandes voces de nuestra lírica en las últimas décadas, en las que ha gozado del aplauso incondicional  en los mejores escenarios del mundo, volverá a subir a las tablas del Teatro de la zarzuela para celebrar una vida repleta de éxitos y reconocimientos, en las que el coliseo de la plazuela de Teresa Berganza ha sido siempre uno de sus lugares predilectos. Estará acompañado por el pianista Marco Evangelisti, socio habitual en sus recitales. El concierto, bautizado como ‘Romántico de zarzuela’, será este próximo martes, 4 de febrero a las 19h30.

El intérprete barcelonés ofrecerá un homenaje muy especial al género con romanzas eternas de Soutullo y Vert, Moreno Torroba, Serrano, Martínez Valls, Guerrero, Sorozábal o Guridi. Y sonarán a piano solo, obras de Albéniz o Falla.

Todo parece indicar que la del próximo martes será una noche para el recuerdo.

andrè-schuen

Vuelve al XXXI ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela el barítono Andrè Schuen acompañado por su fiel escudero, el pianista Daniel Heide. Schuen, reconocido como una de las voces líricas más aplaudidas del panorama actual y celebrado por la crítica especializada, ofrecerá un recital que conecta a Gustav Mahler con Franz Schubert. Como señala el crítico Arturo Reverter en las notas al ciclo, Mahler y Schubert son “una pareja distante en el tiempo pero no en el significado y delineación de la música”. El concierto se abrirá con el ciclo Lieder eines fahrenden Gesellen de Mahler y se cerrará con los Rückert Lieder del compositor bohemio, que son “auténticas y reveladoras piezas capitales” y que darán paso a una evocadora selección de lieder de Schubert, como el famoso Du bist die Ruh o An den Mond, entre otros. El recital tendrá lugar el lunes 3 de febrero de 2025, a las 19:30h, en el Teatro de la Zarzuela.

Andrè Schuen, barítono

Andrè Schuen es natural de La Val in Ladin (Tirol del Sur, Italia). Schuen actúa en importantes escenarios líricos de ámbito internacional, así como en destacados festivales. En la presente temporada interpretará de nuevo el papel del Conte Almaviva en Le nozze di Figaro en la Ópera Estatal de Viena, con dirección de Bolton y Kosky, y en la Ópera de Zúrich, con Manacorda y Gloger. En La Scala de Milan será Donner en Das Rheingold de Wagner, con dirección de Thielemann y McVicar. Participará en el Festival de Pascua de Salzburgo en 2025 en Jovánschina de Mussorgski, en la que asumirá el papel de Shakloviti, con la dirección de Salonen y McBurney. Además, será solista en el Elijah de Mendelssohn con la Mahler Chamber Orchestra, bajo la dirección de Emelyanychev. Schuen se siente igualmente cómodo en los escenarios de conciertos. En la apertura de temporada de la Filarmónica de la Radio Alemana Saarbrücken Kaiserslautern interpretó Lieder eines fahrenden Gesellen de Mahler, bajo la dirección de Inkinen. Con un programa de arias de Mozart, se presentará junto a la Orquesta del Mozarteum de Salzburgo y González-Monjas. También interpretará el ciclo Poème de l’amour et de la mer de Chausson con la Orquesta Sinfónica de la Radio Sueca y González-Monjas y con la Finnish Radio Symphony Orchestra y Manacorda. En Estados Unidos, cantará la Sinfonía n.º 9 de Beethoven con la Orquesta Sinfónica de Boston y Nelsons y volverá a ser uno de los solistas con la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera y Rattle.
Entre los momentos destacados de su carrera, tanto en los escenarios de conciertos como en el de ópera, se incluyen su debut en el Carnegie Hall de Nueva York con Ein deutsches Requiem de Brahms, junto a la Orquesta de St. Luke’s y bajo la dirección de Labadie. También actuó en el Festival de Ópera de Múnich como Wolfram en Tannhäuser con Castellucci y en la Royal Opera House de Londres como Sharpless en Madame Butterfly de Puccini. Además, participó en el Konzerthaus de Berlín durante la celebración del 125.º Aniversario de Deutsche Grammophon. Tras sus grabaciones de Die Schöne Müllerin y Schwanengesang de Schubert, Schuen completó en 2024 la trilogía de los ciclos de canciones de Schubert con Winterreise. Andrè Schuen ha participado, con la presente, en cinco ediciones del Ciclo de Lied: XXV (18-19), XXVIII (21-22), XXIX (22-23),
XXX (23-24), XXXI (24-25).

Daniel Heide, piano

El pianista Daniel Heide, nacido en Weimar, es conocido sobre todo como uno de los acompañantes más solicitados de su generación, pero también actúa como solista en recitales. Su extensa carrera concertística lo ha llevado por todo el mundo. Como acompañante de lied y de música de cámara, actúa en festivales y en salas de conciertos. Ha participado como invitado en los más importantes escenarios europeos, incluidos las filarmónicas de Berlín, Colonia, Bilbao y París, la Konzerthaus de Viena, la Ópera de Fráncfort, el Wigmore Hall de Londres, el Concertgebouw de Ámsterdam, la Tonhalle de Zúrich, el Palau de la Música de Barcelona, el Børssalen de Copenhague, el deSingel de Amberes, el Muziekcentrum De Bijloke de Gante y, más recientemente, el Bunka Kaikan Hall de Tokio. También ha colaborado con cantantes como Andrè Schuen, Konstantin Krimmel, Christoph Prégardien, Julian Prégardien, Katharina Konradi, Patrick Grahl, Tobias Berndt, Britta Schwarz y Stella Doufexis. Su disco Poèmes con canciones de Claude Debussy ganó el Premio de la Crítica Discográfica Alemana. Como colaborador en recitales de sonatas, también ha actuado con Tabea Zimmermann, Julia Hagen, Andreas Willwohl y el Cuarteto Mandelring. Un impulso importante para su carrera como acompañante de recitales fue la creación del ciclo de conciertos Der lyrische Salon-Liederabende auf Schloss Ettersburg. Como pianista acompañante, ha actuado con solistas vocales de renombre internacional en más de cien recitales de este ciclo. A Daniel Heide le encanta trabajar en un contexto melodramático, por ejemplo, en programas con Christian Brückner, Klaus Maria Brandauer, Thomas Thieme, Hanns Zischler, Markus Meyer, Sky Dumont y Udo Samel. Además de su apretada agenda de conciertos, su trabajo está documentado en más de treinta discos; los más recientes son Schwanengesang con Andrè Schuen para Deutsche Grammophon, que recibió el premio Opus Klassik 2023, y Die schöne Müllerin con Konstantin Krimmel para Alpha, que obtuvo el Premio de la Crítica Discográfica Alemana 2023 y el premio Opus Klassik 2024. Su lanzamiento más reciente ha sido Winterreise, con Schuen, para Deutsche Grammophon, y las sonatas de Shostakóvich y Schubert, junto al violista Andreas Willwohl para CAvi-Music, Universal Music. Daniel Heide ha participado, con la presente, en cinco ediciones del Ciclo de Lied: XXV (18-19), XXVIII (21-22), XXIX (22-23), XXX (dos recitales 23-24), XXXI (24-25).

La Carroza del Real

La Fundación Amigos del Teatro Real participará, un año más, en la edición del Tour del talento de la Fundación Princesa de Girona, una iniciativa que tiene como objetivo impulsar el desarrollo de los jóvenes a través de la formación y la creación de actividades y canales que faciliten su incorporación al mercado laboral.

El Tour del Talento 2025 dará comienzo en L’Hospitalet de Llobregat (Barcelona) entre el 3 y el 7 de febrero, en el marco de las celebraciones del “Centenario de la concesión del título de ciudad”, donde se celebrarán más de 200 actividades dirigidas a jóvenes de 16 y 35 años, entre las que se encuentra la Carroza del Real para ofrecer un recital lírico, en el Parc de la Torrassa, en el que podrán escucharse arias de algunas de las óperas más conocidas de la mano de jóvenes artistas que han participado en el programa Crescendo, creado por la Fundación Amigos Del Teatro Real.

La actual edición del Tour recorrerá cinco ciudades en las que se llevarán a cabo actividades en torno a cinco temas que vertebrarán el programa: ocupabilidad, propósito, sostenibilidad, bienestar emocional y salud y deporte, y en el que se prestará especial atención al papel de la Inteligencia Artificial. En cada una de las paradas, se darán a conocer los ganadores de las cinco categorías de los Premios Princesa de Girona 2025: la categoría Social se conocerá en L’Hospitalet de Llobregat; Arte, en Almería (del 10 al 14 de marzo); CreaEmpresa, en León (del 7 al 11 de abril); Investigación, en Badajoz (del 5 al 9 de mayo), y las dos Internacionales (CreaEmpresa e Investigación), Madrid (del 9 al 13 de junio).

Otra de las novedades será el impulso de actividades específicas en cada parada del Tour, vinculadas al premio que se fallará en cada ciudad, como por ejemplo el Reto Emprendedor en León o el Investor Day de proyectos de impacto social en L’Hospitalet de Llobregat.

La actuación de los jóvenes artistas de Crescendo tendrá lugar en las siguientes fechas y lugares:

–          L’Hospitalet de Llobregat: 4 de febrero. Parc de Torrassa. Acceso gratuito.

–          Almería: 11 de marzo (espacio por determinar).

–          León: 8 de abril (espacio por determinar).

–          Badajoz: 6 de mayo  (espacio por determinar).

El primer concierto estará protagonizado por Dragana Paunović (soprano), Alejandra Acuña (mezzosoprano), Eduardo Pomares (tenor) y Milan Perišić (barítono), que estarán acompañados al piano por Gonzalo Villarruel, todos ellos integrantes de anterior ediciones de Crescendo, para interpretar conocidas arias y dúos de óperas de compositores como Mozart,  Puccini, Verdi, e inolvidables páginas de zarzuela de Sorozábal o Chapí.

Coincidiendo con este inicio del proyecto Princesa de Girona destinado a los jóvenes talentos, se ha abierto la convocatoria para acceder a las pruebas de la que será la quinta edición del programa Crescendo, en la que podrán inscribirse entre el martes 14 de enero y el jueves 6 de febrero (ver aquí), cuyo programa formativo tendrá lugar durante los meses de marzo, abril y mayo, en el Teatro Real..

Impulsado por la Fundación Amigos del Teatro Real, el programa Crescendo, con carácter internacional, pretende complementar la formación académica adquirida por jóvenes cantantes de todo el mundo y la creación de oportunidades reales para que inicien su carrera profesional, con actuaciones en diferentes iniciativas del Teatro Real, como espectáculos del programa Real Junior en el Real Teatro de Retiro y actuaciones en la Carroza para toda España, muy en sintonía con el espíritu de la Fundación Princesa de Girona.

Crescendo cuenta con la colaboración de la Fundación Banco Sabadell, Fonds de Dotation Porosus y Mitsubishi Electric, y con el apoyo de la Asociación de Guitarra Clásica Ángel G. Piñero.

Desde su creación en 2022, el Tour del Talento se ha convertido en un evento de referencia en el que han participado cerca de 60.000 jóvenes que han podido desarrollar competencias como la gestión emocional, el trabajo en equipo o el liderazgo, ampliar su red de contactos o impulsar su espíritu emprendedor y, además, han tenido la oportunidad de conocer historias y profesionales que les han inspirado a lograr sus propósitos o a generar un impacto positivo en la sociedad.

Natalia-Labourdette

La soprano madrileña Natalia Labourdette será Colorina, la protagonista del estreno absoluto de la nueva creación de ópera Tejas Verdes. En un programa compartido con la Vida Breve, estas dos óperas con heroínas trágicas del siglo XX, podrán verse en el Teatro Real del 13 al 22 de febrero.

Desde su debut en el Teatro Real como Tebaldo en Don Carlo en septiembre de 2019, Natalia ha tenido el privilegio de participar en diversas producciones, como Peter Grimes, La Cenerentola y  Orphée. “Protagonizar ahora Tejas Verdes en la Sala Principal del Teatro Real representa para mí no solo la oportunidad de interpretar un rol protagónico, sino también el reconocimiento y el fruto de años de esfuerzo, además del gran desafío que implica abordar la música de nueva creación” afirma Labourdette.

Tejas verdes es una ópera con música de Jesús Torres y libreto de Fermín Cabal, basado en su obra homónima, con poemas intercalados procedentes del Cancionero y romancero de ausencias de Miguel Hernández. Comparte cartel con La Vida Breve, un drama lírico en dos actos con música de Manuel de Falla y libreto de Carlos Fernández Shaw.

Para Natalia Labourdette, “cuando se recibe una propuesta para un rol en una ópera escrita hace más de 100 años, generalmente uno sabe qué lenguaje compositivo enfrentará. Sin embargo, las obras de nueva creación son diferentes. A mí me fascina ese desafío: comprender esta música viva, dialogar directamente con su compositor o compositora, y, aunque las complejidades técnica, rítmica y musical son enormes, el esfuerzo vale la pena.”

La dirección musical corre a cargo de Jordi Francés, al frente de la Orquesta y Coros titulares del Teatro Real. Rafael R. Villalobos está al frente de la dirección de escena y ligará la partitura de Jesús Torres y la obra de Manuel de Falla a través de la escenografía y sus personajes.

Colorina, la protagonista de Tejas verdes, comparte con la Salud de La vida breve una muerte temprana en trágicas circunstancias: su título hace referencia al centro de detención Tejas Verdes erigido en San Antonio (Chile) tras el golpe de estado de Pinochet. La ópera de Jesús Torres es una aproximación al tema universal de la tiranía y la represión, al margen de cualquier época y lugar.

Además de en la preparación de estas funciones, en los últimos meses Labourdette ha estado inmersa en desafiantes proyectos, entre otros, su reciente debut en la Opernhaus Wuppertal y en Gelsenkirchen con la ópera Hänsel y Gretel – en el rol protagonista de Gretel.

Natalia Labourdette

La soprano madrileña Natalia Labourdette es uno de los talentos al alza del panorama operístico actual. Desde su debut en 2016 Natalia ha cantado, entre otros, en teatros como el Teatro Real de Madrid, Gran Teatre del Liceu de Barcelona, Teatro dell’Opera di Roma, Festival Castell de Peralada, Teatro de la Maestranza de Sevilla, Ópera de Tenerife, Deutsche Oper Berlin, Theater Dortmund, Aalto Musiktheater Essen, Dante Alighieri di Ravenna, Comunale di Ferrara and Municipale di Piacenza, bajo la batuta de Jordi Savall, Ivor Bolton, Riccardo Frizza, Corrado Rovaris, Michele Mariotti, Iván López-Reynoso, Nicola Luisotti, Elda Laro, Pedro Halffter, Donato Renzetti, Miquel Ortega y Jordi Francés; y ha obedecido directrices escénicas de Deborah Warner, Emilio Sagi, Calixto Bieito, Barbara Lluch, Stefan Herheim, David McVicar, Leo Nucci, Marco Gandini, Michal Znaniecki, Frank Hilbrich, y Rafael R. Villalobos.

Invitada a diversos festivales de Lied, en 2022 lanzó ‘Petite MORT’, su primer proyecto discográfico en este género junto a la pianista Victoria Guerrero. También ha cantado repertorio puramente sinfónico con diversas orquestas (Orquesta de RTVE, ROSSevilla, Orquesta Ciudad de Granada, Real Filharmonia de Galicia, etc).

Cautivada por el mundo de los musicales modernos y el pop, a los dieciocho años entró en el Conservatorio, en la especialidad de canto, donde descubrió la riqueza histórica, lingüística y estilística de la ópera. El siguiente paso fue estudiar canto en la Universidad de las Artes de Berlín y, desde entonces, su introducción al mundo profesional ha sido natural.

Fotografía Natalia Labourdette: Irene Garmtz

La corte del faraóm

El Teatro de la Zarzuela comienza el año con energía positiva y buen humor de la mano de ‘La corte de Faraón’, obra divertida, transgresora y a la vez imprescindible, que marcó una transición del género chico al musical a la española. El montaje que ahora llega al escenario de la plazuela de Teresa Berganza es ese mismo de 2012 firmado por Emilio Sagi y coproducido por los teatros Arriaga de Bilbao, Campoamor de Oviedo y del Canal de Madrid, que desde aquel estreno no ha cesado de conseguir éxitos y parabienes. Es por todo ello que las entradas para las 15 funciones programadas del 29 de enero al 16 de febrero hayan volado (o estén ya a punto de volar) como arte de magia.

La excelente partitura de Vicente Lleó –con no pocos números musicales instalados en la memoria colectiva– y el libreto firmado por Guillermo Perrín y Miguel de Palacios, calificado en su día de “sicalíptico”, y que se presenta en versión del propio Emilio Sagi y Enrique Viana, es una combinación entre zarzuela, opereta y revista que a lo largo de los 115 años transcurridos desde su estreno en el Teatro Eslava de Madrid el 21 de enero de 2010, ha alcanzado gran fama. En el Teatro de la Zarzuela, Lleó presentó la obra cinco años después de su estreno, en 1916, con la misma compañía que la había interpretado por primera vez en el Eslava.

El Maestro Carlos Aragón –que ya participó en la producción allá en el estreno de este montaje y en alguna de sus reposiciones– volverá a impartir su sabiduría en el género al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid (Titular del teatro), de un reparto de campanillas en lo lírico y en lo actoral, y del siempre notable Coro Titular del Teatro de la Zarzuela dirigido por el Maestro Antonio Fauró.

El reparto, se mire por donde se mire, no tiene desperdicio alguno: es de lujo para esta “opereta bíblica” en un acto y cinco cuadros que narra las peripecias de José (interpretado por el tenor Jorge Rodríguez-Norton), hijo predilecto de Jacob, sus hermanos, enriqueciendo el significado del término “cainita”, lo venden como esclavo a los egipcios. El desdichado joven acaba en casa de Putifar (a quien da vida el barítono Ramiro Maturana) que padece una severa disfunción eréctil para desesperación de su ardiente esposa Lota (que encarna la soprano María Rey-Joly).

Los intentos de calmar esos ardores con el joven esclavo pondrán en peligro que éste pueda seguir llamándose “el casto José” sin faltar a la verdad. Con estos antecedentes se comprenderá por qué la censura franquista prohibió durante cuatro décadas la representación de la obra.

El reparto lo completan el barítono Luis Cansino y el barítono-bajo Enric Martínez-Castignani (como el gran Faraón), el tenor Enrique Viana (con su personalísima Sul), la mezzosoprano María Rodríguez (cumpliendo como Reina), las también sopranos Annya Pinto, Amparo Navarro, Amelia Font y Leticia Rodríguez (Raquel, Ra, Sel y Ta respectivamente), el barítono José Manuel
Díaz (que hace las veces del Gran Sacerdote) y el actor-cantante Jesús García Gallera y el acróbata Rafael S. Lobeto (en los papeles de Selhá y Seti). Con todos ellos comparten escenario seis bilarines.

En cuanto al equipo artístico, además de Sagi y Aragón, lo integran el escenógrafo Daniel Bianco, la figurinista Gabriela Salaverri, el iluminador Eduardo Bravo y la coreógrafa Nuria Castejón, que también ejerce de ayudante de dirección de escena.

La Corte como referente
Desde su estreno en 1910, ‘La corte de Faraón’ se ha convertido, como apunta el experto Manuel Lagos, en «el referente de un tipo de teatro frívolo, de humor inigualable, que contiene la dosis justa de voluptuosidad y crítica para reconciliar al ser humano con su vida, y cuya partitura musical ha quedado grabada en el subconsciente colectivo de los países hispanohablantes». Un título este con el que, en palabras de Lagos, podemos descubrir cómo una opereta bíblica transformó buena parte de nuestro teatro musical con sexo, política y religión.

Hoy, como explica Emilio Sagi, ‘La corte de Faraón’ que presentamos es de 2012, pero «me gusta retomarla cada cierto tiempo porque es una de mis favoritas: divertida, llena de humor y energía positiva, con abundantes diálogos cargados de ironía y crítica social, además de sensualidad y sexualidad». La partitura y el libreto—este en la versión adaptada por Sagi y Viana— «logran un equilibrio perfecto para el disfrute tanto de quienes hacen el espectáculo como de quienes lo contemplan».

En esta misma línea, el director musical, Carlos Aragón, destaca que «vamos a disfrutar y a hacer disfrutar a quienes vengan a verla». Explica que, aunque la música de Lleó representa el final de una época, la Belle Époque, nos resulta «fresca, divertida y muy espontánea». A pesar de su toque claramente decadente, «su encanto reside en el ritmo español que salpica los cuplés y el
garrotín».

Lahav Shani

Lahav Shani llega a Ibermúsica al frente de la Münchner Philharmoniker, de la que será el director titular a partir de la temporada 2026/2027, para ofrecer una gira de seis conciertos por España entre el 2 y el 8 de febrero con paradas en Valencia, Alicante, Las Palmas, Tenerife y Madrid. Su visita a la capital supondrá el debut de Shani en Ibermúsica.

En la presentación del maestro en el ciclo madrileño, el martes 4, la formación germana acompañará a Esther Yoo en el Concierto para violín op. 64 de Mendelssohn. En la segunda parte de la velada ofrecerán una de las obras más aclamadas del repertorio sinfónico, la Quinta de Chaikovski.

El miércoles 5 Lahav Shani ejercerá de solista y director en el Concierto para piano y orquesta núm. 1 en re menor de Bach, el primero de los conciertos para teclado del maestro germano, mientras la segunda parte estará protagonizada por la última obra de Anton Bruckner: la Sinfonía núm. 9.

Münchner Philharmoniker

Desde su fundación en 1893, ha hecho una invalorable contribución a la vida musical muniquesa. Bajo la batuta del propio Mahler, interpretó el estreno mundial de sus Sinfonías núms. 4 y 8 y, en 1911, La canción de la tierra, dirigida por Bruno Walter. Otros prestigiosos directores, que han estado en su podio, incluyen a Ferdinand Löwe, Eugen Jochum, Hans Rosbaud, Fritz Rieger y Rudolf Kempe.

En 1979, Sergiu Celibidache fue nombrado director titular. Sus legendarios conciertos de Bruckner impulsaron la reputación internacional de la orquesta. Posteriormente, han ocupado el puesto de director titular, James Levine, Zubin Mehta (primer director laureado), y Christian Thielemann. Su sucesor, Lorin Maazel, ocupó el puesto hasta su fallecimiento, en 2014. Le sucedió Valery Gergiev, de 2015 a 2022, período durante el cual se grabaron todas las sinfonías de Bruckner para el sello de la orquesta, MPHIL.

En 2018/19, celebró su 125 aniversario. Fiel a su nuevo lema “accesibilidad e innovación”, su música llega a nuevos públicos en modernos formatos, como mphil late y Wandelkonzerte. A través de Spielfeld Klassik, ofrece un programa intergeneracional e integrativo, seguido anualmente 35,000 personas de todas las edades.

En 2023, eligió a Lahav Shani como su Director titular. Antes de asumir oficialmente su cargo, en 2026, dirige seis programas diferentes durante la temporada 2024/25, bajo el título de Dreams (Sueños), tanto en Munich como en gira, así como los conciertos Klassik en la Odeonsplatz.

Lahav Shani

Desde 2018, ha sido director titular de la Filarmónica de Rotterdam. Sucedió a Zubin Mehta como titular de Israel Philharmonic y fue director invitado principal de la Wiener Symphoniker. En 2023, fue nombrado director titular de Münchner Philharmoniker a partir de septiembre 2026.

En 2016, debutó con la Filarmónica de Rotterdam como director y pianista solista. Dos meses más tarde, fue elegido director titular a partir de 2017-2018. Graban en exclusiva para Warner Classics. Su relación con la Israel Philharmonic comenzó con su debut con la orquesta a los dieciséis años y, dos años más tarde, interpretó el Concierto para piano de Chaikovski, dirigido por Zubin Mehta. En 2013, después de ganar el Concurso Internacional de Dirección Gustav Mahler en Bamberg, la Orquesta lo invitó a dirigir sus conciertos de inauguración de temporada.

Entre actuaciones recientes y próximas cabe destacar colaboraciones con las filarmónicas de Viena, Berlín y Múnich, Gewandhausorchester, Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks (BRSO), London Symphony, Filarmonica della Scala, sinfónicas de Boston y Chicago, Royal Concertgebouw Orchestra (RCO), las orquestas de Philadelphia, Budapest Festival, y París y la Philharmonia.

Como pianista, ha colaborado como solista con D. Barenboim, Mehta y Noseda. Ha actuado como director y pianista con muchas orquestas, incluyendo Wiener Philharmoniker, Philharmonia, Scala, Staatskapelle Berlin y RCO. Posee amplia experiencia en la música de cámara y recital; es invitado habitual de los festivales de Verbier, Aix-en-Provence y Jerusalem Chamber Music, y actúa en recitales a dúo con Martha Argerich.

Esther Yoo

En 2010 Esther Yoo se convirtió en la artista más joven en ganar el prestigioso Jean Sibelius Violin Competition y el Queen Elisabeth Competition en 2012. En 2018 fue seleccionada por Classic FM como una de las TOP 30 Artistas menores de 30 años y fue elegida Artista en Residencia por la Royal Philharmonic Orchestra. En 2020 fue nombrada una de las «20 por 20» Artists to Watch por la Radio Clásica de Nueva York, WQXR.

Esther ha actuado como solista con orquestas como la Filarmónica de Nueva York, Los Angeles Philharmonic, Philharmonia Orchestra, Deutsche Radio Philharmonie, Melbourne Symphony, así como en el Lincoln Center, Royal Albert Hall, Aspen Music Festival o los BBC Proms.

La temporada 2024/25 incluye su debut con Baltimore Symphony, Calgary Philharmonic, Netherlands Radio Philharmonic, Shanghai Symphony, China Philharmonic, Seattle Symphony y Hong Kong Philharmonic,y regresa a escenarios icónicos como el Wigmore Hall y Concertgebouw Amsterdam.

Sus colaboraciones con los principales directores del mundo incluyen a Gustavo Dudamel, Esa-Pekka Salonen, Vladimir Ashkenazy, Vasily Petrenko o Santtu-Matias Rouvali.

Con una prolífica producción discográfica, Esther ha lanzado varios álbumes aclamados por la crítica con sellos como Deutsche Grammophon, los más recientes dedicados a Barber y Bruch. Para su nuevo álbum colabora con Long Yu y la Royal Philharmonic Orchestra que será presentado a lo largo de la presente temporada.

Lahav Shani © Marco Borggreve

Idomeneo

El Teatro Real ofrecerá esta noche la ópera de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) Idomeneo, Rè di Creta interpretada por la Freiburger Barockorchester y el conjunto vocal de la Zürcher Sing Akademie bajo la dirección musical de René Jacobs, especialista en este repertorio, con la propuesta semiescénica de Benoît de Leersnyde.

Mozart debió de alegrarse mucho cuando, a principios de 1780, recibió el encargo de escribir una ópera para el príncipe elector de Múnich, Karl-Theodor. Poco antes, el monarca se había trasladado de Mannheim a Baviera, llevándose consigo a su legendaria orquesta, la Orquesta de la Corte de Mannheim, lo que dio al compositor la oportunidad de  contar no sólo con una gran y excelente orquesta, sino también con un ilustre grupo de cantantes.

Articulada a partir de una versión ilustrada y afrancesada del canto XXIV de la Iliada, con el libretista Giovanni Battista Varesco -que no siempre satisfizo a Mozart- la ópera cuenta la historia de Idomeneo, de regreso a Creta después de vencer a los troyanos. Para salvar su vida, amenazada por la furia del mar, promete a Neptuno sacrificar a la primera persona que encuentre en la orilla, que resultará ser su propio hijo Idamante.

La compleja, dolorosa y tensa relación entre padre e hijo, que late a lo largo de toda la ópera, se suele comparar con la que vivía entonces el propio Mozart, que a sus 25 años había dejado Salzburgo y la casa paterna, componiendo gran parte de la partitura en Múnich, lejos del yugo y la protección de su progenitor.

En la partitura late esa libertad y frescura, con una invención melódica desbordante y una orquestación llena de hallazgos y osadías armónicas, pese a encontrase encorsetada entre dos modelos de ópera ─la italiana y la francesa─ que convivían en la Europa convulsa de entonces, en la que Mozart enlaza magistralmente los recitativos, con las arias, números de conjunto y partes corales.

El director de orquesta René Jacobs, meticuloso y concienzudo investigador e historiador, cuenta con Idomeneo entre sus óperas favoritas de Mozart. Su pasión por esta partitura, unida a una orquesta de referencia y a unos extraordinarios solistas, pueden competir fácilmente con la mencionada orquesta de la corte de Mannheim y los cantantes del estreno.

Rene Jacobs @Philippe Matsas

Violoncello In Rilievo

El próximo 1 de febrero, la Cátedra Mayor del Ateneo de Madrid se convertirá en el escenario del concierto «Violoncello in Rilievo”. Este recital contará con la destacada actuación de los violonchelistas Ángel Luis Quintana, solista de la Orquesta Nacional de España durante más de 20 años, y Alejandro Gómez Pareja, quien recientemente obtuvo el segundo premio en el prestigioso concurso internacional de violonchelo ‘Pau Casals’ en 2023.

Una vez más, el ciclo de música de cámara “Salón del Ateneo”, apuesta por poner el foco en la difusión de la creación contemporánea junto a obras tradicionales.

El programa combinará una selección de piezas maestras del repertorio para dúos de violonchelo, abarcando composiciones de renombrados compositores como Luigi Boccherini, Jacques Offenbach, Jean-Baptiste Barrière, Reinhold Glière y Niccolò Paganini, e incluyendo el estreno absoluto de la obra “Para dos violonchelos” del compositor madrileño, Ismael García Daganzo.

Ángel Luis Quintana y Alejandro Gómez Pareja, ambos reconocidos por su talento y virtuosismo, unirán sus fuerzas para para ofrecer un diálogo musical que resaltará la belleza y la versatilidad del violonchelo.

Las entradas para el concierto se pueden adquirir en la web de Tala Producciones.

Ángel Luis Quintana

Violoncello Solista de la Orquesta Nacional de España, (durante más de 20 años), Orquesta de Cámara de Canarias, Artista Asociado del Quantum Ensemble (agrupación residente en el Auditorio de Tenerife) y Profesor Invitado del Conservatorio de Rotterdam.

Ha sido Primer Premio de distintos Concursos Nacionales (Juventudes Musicales, Dirección General de Música y Teatro). Participa regularmente en prestigiosos Ciclos de Cámara con agrupaciones como Plural Ensemble, Zarabanda, y Camerata Sa Nostra y en Festivales Internacionales como Presences 2000 (Paris), A Tempo (Caracas), Dublín, EEUU etc.

Formó parte del Claustro de Profesores de Música en Compostela entre 2013 y 2018 y en el año 2015 del Jurado Internacional A. Janigro (Croacia).
En la actualidad es profesor de la Escuela Superior de Música Forum Musikae.

Toca un instrumento J. Guadagnini » Il Soldato » cedido por la Fundación Columbus.

Alejandro Gómez Pareja

Ganador del primer premio en el concurso internacional Joël Klepal, segundo premio del Galardón Internacional de Violonchelo Pau Casals y segundo premio del Elizabeth Loker International Concerto Competition (Maryland, EEUU), destacan sus actuaciones recientes con la Orquesta Sinfónica de Sevilla, Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña, Orchestre de Caen, Mid-Atlantic Symphony Orchestra y la Südwestdeutsches Kammerorchester Pforzheim, con directores como Alondra de la Parra, David Afkham, Nicolas Simon, Michael Repper o David Fernández Caravaca. Ha compartido escenario con músicos como Midori Goto, Vivian Weilerstein, Nicholas Mann, Anthony Marwood, Natasha Brofsky, Marta Gulyás, Alena Baeva, Marc Coppey, John Myerscough (cuarteto Doric), Krzysztof Chorzelski (cuarteto Belcea) o Jonathan Brown (cuarteto Casals). Asimismo, ha participado en festivales internacionales como Yellow Barn, Mozarteum de Salzburgo, la Universidad de Brunswick en Maine, el Festival Pau Casals en El Vendrell, el Festival de Moritzburg o el Festival de violoncello de Rutesheim, teniendo ocasión de trabajar con profesores como Maria Kliegel, Orfeo Mandozzi, Torleif Thedeen, Danjulo Ishizaka, Frans Helmerson, Laurence Lesser, Natalia Shajovskaya, Astrid Schween, Jörg Widmann, Steve Doane o Wolfgang Schmidt. Destaca su participación en el proyecto ICEP en Laos y Japón con Midori Goto durante la temporada 2023-2024. También ha sido invitado en varias ocasiones al festival Musethica, con el objetivo de acercar la música en vivo a colectivos en riesgo de exclusión social.

El pasado mes de junio finalizó sus estudios superiores en la Escuela Superior de Música Reina Sofia con Jens Peter Maintz, habiendo recibido el premio al alumno más sobresaliente el curso anterior. Alejandro Gómez toca un violoncello Colin Mezin de 1933.

Programa

LUIGI BOCCHERINI (1743-1805)

Sonata para violonchelo en la mayor G. 4

  1. Allegro Moderato
  2. Adagio

III. Affetuoso

JEAN-BAPTISTE BARRIÈRE (1707-1747)

Sonata para dos violonchelos en sol mayor

  1. Andante
  2. Adagio

III. Allegro prestissimo

ISMAEL GARCÍA DAGANZO (1974)

“Para dos violonchelos” (estreno absoluto*)

JACQUES OFFENBACH (1819-1880)

Duo para dos violonchelos en mi mayor, Op. 54 No. 2

  1. Allegro
  2. Andante

III. Polonaise

LUIGI BOCCHERINI (1743-1805)

Sonata para violonchelo en do menor G. 2

REINHOLD GLIÈRE (1875-1956)

10 Duos, Op. 53

  1. Commodo
  2. Leggiero

III. Con moto

  1. Vivace
  2. Andante
  3. Energico

VII. Animato

VIII. Giocoso

  1. Andantino
  2. Capriccioso

NICCOLÒ PAGANINI (1782-1840)

Variaciones sobre un tema de Rossini, para dos violonchelos

El ciclo “Salón del Ateneo” nace con la vocación de dotar a la música de cámara – especialmente a aquella de nueva creación- de un espacio de difusión estable en la escena musical madrileña. Enfocándose en intérpretes emergentes del panorama nacional y europeo, el ciclo Salón del Ateneo tiene como objetivo favorecer la difusión de la música contemporánea, poniéndola en comunicación con repertorios de nuestra tradición musical reciente, en el marco inigualable del Ateneo de Madrid, que desde su constitución en 1820 se ha convertido en un espacio de progreso y promoción de las artes. Organizado por TALA Producciones, la temporada 2024-2025 presenta un total de nueve conciertos que tendrán lugar entre el 21 de septiembre de 2024 y el 22 de junio de 2025.

TALA Producciones se dedica desde 2014 a la producción y promoción de conciertos de música clásica, con especial foco en la música de cámara y la creación contemporánea. Asimismo, representa a un selecto grupo de compositores e intérpretes guiada por su compromiso por la excelencia artística y la vocación por promover el talento.

Klaus Makela

Klaus Mäkelä, considerado uno de los mejores directores de la actualidad, debuta en Ibermúsica con la formación de la que será titular a partir de 2027: la Royal Concertgebouw Orchestra. Disfrutaremos de esta agrupación por partida doble el martes 28 y el miércoles 29 de enero, día en que además contaremos como solista invitada con Janine Jansen, una de las violinistas más destacadas del panorama actual.

La Royal Concertgebouw Orchestra regresa a España tras una larga historia musical en el país (95 conciertos desde 1967) para ofrecer dos programas que transitan por distintos periodos y estilos musicales.

El martes 28 de enero interpretarán el célebre Idilio de Sigfrido de Wagner, Una vida de héroe de Richard Strauss y Subito con forza de la compositora coreana Usunk Chin, obra encargada en 2020 por la Orquesta con motivo del año Beethoven, mientras el miércoles 29 ofrecerán el Concierto para violín, op. 15 de Britten con Janine Jansen, la Sinfonía núm. 2 de Schumann, Lacrimae antiquae de Downland y la Marcha de la música para el funeral de la Reina María de Purcell.

Estos dos conciertos suman 36 visitas de la Royal Concertgebouw a Ibermúsica desde su presentación en 1983 y forman parte de una gira por España que se inicia el domingo 26 de enero en Barcelona, prosigue el lunes 27 en Oviedo y finaliza en la capital.

ROYAL CONCERTGEBOUW ORCHESTRA

Con sede en Ámsterdam, fue fundada en 1888 y recibió su denominación oficial de ‘Royal’, con ocasión de la celebración de su centenario, en 1988. Es una de las mejores orquestas del mundo y siempre ha colaborado con los más destacados directores y solistas. Compositores como Richard Strauss, Gustav Mahler e Igor Stravinski, la han dirigido en más de una ocasión.

Ha cultivado un sonido muy distintivo e individual, que se debe, en parte, a la excelente acústica de la sala Concertgebouw. Otro factor determinante es la influencia ejercida por los músicos de la Orquesta, así como de los directores titulares, de los que se cuentan siete hasta la fecha: Willem Kes, Willem Mengelberg, Eduard van Beinum, Bernard Haitink, Riccardo Chailly, Mariss Jansons y Daniele Gatti. En junio de 2022, se anunció que Klaus Mäkelä asumiría el puesto a partir de 2027. Iván Fischer es Director Invitado Honorífico. Pierre Audi colabora como socio creativo.

Además de unos 80 conciertos interpretados en el Concertgebouw de Ámsterdam, la Orquesta ofrece 40 más en otras grandes salas de concierto de todo el mundo, que llegan a 250,000 espectadores cada año. También emite sus conciertos a través de videos, streaming, radio y televisión. Graba y edita grabaciones en CD y DVD para su sello Concertgebouworkest Live.

La Academia de la Orquesta contribuye a la formación de jóvenes músicos con talento abriéndose puertas hacia músicos ya consagrados de la orquesta. Reúne jóvenes músicos desconocidos de toda Europa, de catorce a diecisiete años.

KLAUS MÄKELÄ

Es director titular de la Filarmónica de Oslo desde 2020, y de la Orchestre de Paris, desde 2021. Asumirá el puesto de director titular de la Royal Concertgebouw Orchestra en septiembre 2027. En la misma temporada ocupará el cargo como director titular de la Chicago Symphony Orchestra.

Artista exclusivo de Decca Classics, ha grabado música de los Ballets Rusos de Stravinski y Debussy, con la Orchestre de Paris. Con la Filarmónica de Oslo ha grabado el ciclo completo de las sinfonías de Sibelius, y dos álbumes con los Conciertos para violín de Sibelius y Prokófiev con Janine Jansen.

Al frente de la Filarmónica de Oslo, Mäkelä, ha estado de gira por Japón, Corea del Sur y Taiwán, y fueron invitados a dar conciertos en Hamburgo, Ámsterdam, París y Viena. Shostakovich sigue siendo el compositor principal en la quinta temporada de Mäkelä en Oslo. Centrada en compositores franceses y nuevas obras, su cuarta temporada con la Orchestre de Paris incluye invitaciones por toda Europa y un regreso a Asia en junio de 2025.

Su sobresaliente debut en septiembre 2020 hizo que la Royal Concertgebouw Orchestra le volviera a invitar cuatro veces en el plazo de dos años. Como Socio Artístico, Mäkelä colabora estrechamente con la orquesta en diversos programas durante 2024-25, entre ellos las Sinfonías núms. 1 y 8 de Mahler, la Matinée de Navidad y el concierto de Gala Anual. En noviembre 2024 está proyectada una extensa gira por Estados Unidos.

Como director invitado, en 2024-2025, volverá a dirigir la Berliner Philharmoniker y la Cleveland Orchestra y hará su debut con la Wiener Philharmoniker.

JANINE JANSEN

Considerada una de las mejores violinistas del mundo, ha realizado numerosas giras con la Royal Concertgebouw Orchestra, en España y los Estados Unidos, en 2010; Berlín, en abril de 2011; China y Corea, en febrero de 2012 y 2015; Sudáfrica, en marzo de 2013, y otra vez China, en 2017.

También ha actuado frecuentemente como invitada, desde que hiciera su doble debut con la Royal Concertgebouw Orchestra, en 2004, cuando interpretó los Conciertos para violín de Britten y núm. 2 de Prokófiev. Actuó como solista con la Royal Concertgebouw Orchestra en la gira estreno del Concierto para violín de Michel van der Aa, en 2014.

Ha sido invitada para colaborar con destacadas orquestas, entre las que cabe destacar la Chicago Symphony Orchestra, la Philadelphia Orchestra, London Symphony Orchestra, y las filarmónicas de Berlín y Viena.

Es una dedicada intérprete de música de cámara, colaborando con Leif Ove Andsnes, Martin Fröst, Itamar Golan, Mischa Maisky y Julian Rachlin. Organizó su propio Festival Bach en la Concertgebouw de Ámsterdam, en marzo de 2024.

Ha ganado numerosos premios, incluyendo cuatro Premios Edison, cuatro Echo Klassik, el Premio de Música Clásica de la Association of Theatres and Concert Hall Management Boards (2008), Mejor Instrumentalista de la Royal Philharmonic Society (2009), el Premio Concertgebouw (2013) y el Premio Johannes Vermeer (2018).

Estudió con  Coosje Wijzenbeek, Philippe Hirschhorn y Boris Belkin. Toca el Stradivarius ‘Shumsky-Rode’, de 1715.

Fotografía © Marco Borggreve

Eugenio Onegin

El Teatro Real presentará, entre el 22 de enero y el 18 de febrero, 10 funciones de  Eugenio Oneguin, de Piotr Ilich Chaikovski, en una nueva coproducción estrenada en 2020 en la Ópera de Oslo y presentada posteriormente en el Liceu de Barcelona, cosechando un gran éxito en ambos teatros.

Eugenio Oneguin es una novela introspectiva, reflexiva y confesional escrita íntegramente en verso por Alexandr Pushkin (1799-1837), con un narrador omnisciente, amigo del protagonista, que describe su corta y atribulada vida con una distancia crítica, analítica e irónica inspirada, en gran medida, en las peripecias vitales del propio escritor que, como el poeta Lenski en las páginas de su libro, moriría prematuramente en un duelo.

Cuando Piotr Ilich Chaikovski (1840-1893) decidió componer una ópera sobre Eugenio Oneguin, la obra de Pushkin era ya venerada como un monumento de la literatura rusa, precursora de las grandes novelas de Gógol, Turguénev, Dostoievski o Tolstói. Con enorme respeto y admiración, el compositor utiliza en el libreto fragmentos literales de la obra, omite y cambia algunas escenas y transforma en música la complejidad de los personajes, a los que trata con compasión, comprensión y ternura, distanciándose del sarcasmo crítico de la obra literaria.

El origen y composición de la ópera están ampliamente documentadas a través de la ingente correspondencia de Chaikovski, que da cuenta de cómo se entrelazan las vicisitudes de los personajes con los episodios de su propia vida.

La trama, muy sencilla, esconde los conflictos internos de los protagonistas, víctimas, todos ellos, de un contexto social implacable y hostil del que no logran liberarse. Tatiana, joven culta y melancólica de una familia hacendada, se refugia en la literatura para trascender la abulia de la vida rural. Un día conoce a Oneguin, estereotipo del héroe romántico -dandi, intelectual, seductor, ególatra, sarcástico y rebelde-, al que confiesa su amor en una carta apasionada a la que Chaikovski da voz con la poesía de Pushkin, creando una de las más bellas -y más largas- arias del repertorio lírico romántico.

Oneguin desprecia los sentimientos de Tatiana y coquetea con su hermana Olga, una ingenua pizpireta provinciana, provocando los celos de su prometido Lenski, poeta y gran amigo suyo al que acaba matando en un duelo. A partir de entonces, Oneguin deambula sin rumbo, cargando con su hastío y su culpa hasta a cruzarse de nuevo, años más tarde, con Tatiana. Ahora la ingenua joven que conoció se ha convertido en una mujer glamurosa, refinada y atractiva, esposa del príncipe Gremin, a la que expresa su tardío amor, siendo finalmente repudiado por ella, que decide ser fiel al marido.

Desde su génesis Chaikovski pensó en componer una obra sincera e intimista para cantantes jóvenes, capaces de mimetizarse con los personajes, alejados de los divos, fastos y oropeles de los teatros de ópera. Denominada como “escenas líricas en tres actos y siete cuadros”, la ópera se estructura sobre dos mundos diferenciados por la música: el campo, evocado desde el inicio por canciones tradicionales, antífonas ortodoxas y danzas folclóricas con una textura instrumental fluida, nostálgica y sugerente, y la ciudad de los salones burgueses, con el vals, la polonesa o la mazurca, y una orquestación más densa, rica y contrastante.

Entre estos dos mundos se desarrollan los encuentros y desencuentros de los cuatro protagonistas, emparejados con tesituras discordantes -Oneguin, barítono, y Tatiana, soprano; y Lenski, tenor, y Olga, mezzosoprano- que sugieren la imposibilidad de un amor recíproco y verdadero.

Para el director de escena Christof Loy -que en el Real ha dirigido Ariadne auf Naxos (2006), Lulu (2009), Capriccio (2019), Rusalka (2020), Arabella (2023), La voz humana y La espera (2024)-, los tres actos de la ópera rompen su estructura de simetrías -dos hermanas, dos parejas, dos ancianas, dos paisajes, dos cartas, dos bailes…- que su dramaturgia recupera dividiendo la ópera en dos partes con distintas escenografías, protagonistas y temáticas: la primera, con un decorado casi cinematográfico, representa la soledad buscada (estar solo); en la segunda, con una estancia cerrada por un muro blanco, los protagonistas sufren con la soledad que los enfrenta a sí mismos (sentirse solo).

La música emocional de Chaikovski, con algunas de las páginas más inspiradas de la ópera romántica, nos llegará bajo la batuta de Gustavo Gimeno, que vuelve a dirigir una obra maestra del repertorio lírico ruso en el Teatro Real, después del gran éxito obtenido con El ángel de fuego, de Serguei Prokófiev, en 2022. Estará al frente de un fantástico reparto con la soprano Kristina Mkhitaryan (Tatiana), el barítono Iurii Samoilov (Eugenio Oneguin), el tenor Bogdan Volkov (Lenski), la mezzosoprano Victoria Karkacheva (Olga) y el bajo Maxim Kuzmin-Karavaev (El príncipe Gremin / Zaretski) en los papeles protagonistas, que actuarán junto al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

Eugenio Oneguin siempre se ha programado en Madrid con compañías invitadas, con sus propios solistas, coro y orquesta: en el Teatro de la Zarzuela, en 1972 (con el Teatro Nacional de Sofia) y en 1981 (con el Teatro Kirov de Leningrado) y en el Teatro Real, en 2010, con el Teatro del Bolshói, en la producción de Dmitri Tcherniakov. Será la primera vez que la ópera se presenta con una producción propia, en coproducción con la Ópera de Oslo y  el Liceu de Barcelona, volviendo al escenario del Teatro Real 15 años después, ahora con la participación de sus cuerpos estables.

También volverá Alexandr Pushkin entre el 30 de abril y el 11 de mayo, con siete funciones de la ópera El cuento del zar Saltán, de Nikolái Rimski-Kórsakov, creada a partir del poema homónimo de este grandísimo escritor, que inspiró a los más importantes compositores rusos, de Chaikovski, Glinka y Musorgski a Rachmáninov y Stravinski.

AGENDA | ACTIVIDADES CULTURALES

16 de enero a las 20.15 horas | TEATRO REAL, Sala de orquesta

ENFOQUES: Eugenio Oneguin

Participan: Gustavo Gimeno (director musical), Christof Loy (director de escena), Juan Lucas (director de la revista SCHERZO) y Joan Matabosch (director artístico del Teatro Real).

11 y 18 enero a las 11.00 y 12.30 horas | REAL JARDÍN BOTÁNICO-CSIC

12 y 26 de enero, y 1, 15 y 22 de febrero a las 12.30 horas

VISITA GUIADA: El jardín de invierno también enamora

Seguro que un paseo guiado a través del Real Jardín Botánico de Madrid transportará de inmediato los visitantes a los fríos escenarios de Eugenio Oneguin.

Los participantes visitarán los invernaderos y las colecciones de plantas y conocerán sus usos y su importancia en nuestra vida cotidiana. También verán los ejemplares más singulares del Jardín y podrán descubrir algunas curiosidades del centro.

Más información y compra de entradas en este enlace

Fechas por determinar en febrero | MUSEO DEL ROMANTICISMO

VISITA GUIADA: Los duelos por honor en el Romanticismo

Este singular museo propone un recorrido por algunas de sus salas para conocer, de la mano de su equipo de mediación cultural, la literatura romántica y los duelos por honor a los que los hombres de las clases privilegiadas del siglo XIX se retaban.

Acceso gratuito previa reserva en este enlace

8 de febrero a las 10.00 horas | SALA DE ARMAS DE MADRID

CURSO DE INICIACIÓN DE ESGRIMA: Esgrima para todos

Aunque en el texto de Pushkin, Oneguin y Lenski se retan a duelo con pistola, en el siglo XIX los hombres también se batían con espadas, floretes o sables.

El club de esgrima Sala de Armas de Madrid, uno de los más antiguos de España, nos acerca al mundo de las espadas con una clase de iniciación a este apasionante deporte, en el que nuestro país tiene excelentes competidores.

Más información y reservas en este enlace

14 de febrero a las 19.30 horas | TEATRO REAL, Sala de orquesta

RETRANSMISIÓN: Eugenio Oneguin se emitirá en directo en MEZZO y en MyOperaPlayer.

Bach Collegium Japan

Tras su aclamado debut en Ibermúsica en 2022, el Bach Collegium Japan regresa al ciclo madrileño el próximo miércoles 22 de enero con un programa dedicado íntegramente a la obra de Mozart. Un día después, el jueves 23, la agrupación visitará el Palau de la Música Catalana en el que será su debut en el ciclo BCN Clàssics.

Bajo la batuta de su director musical Masaaki Suzuki y su director principal Masato Suzuki ofrecerán la Sinfonía núm. 40, el motete Ave Verum Corpus y una de las grandes obras de la historia de la música y broche de oro de la producción del genio de Salzburgo: el Réquiem, que ofrecerán en versión del propio Masato Suzuki. Como voces solistas contarán con Carolyn Sampson, Marianne Beate Kielland, Shimon Yoshida y Dominik Wörner.

Bach Collegium Japan

Bach Collegium Japan (BCJ) fundada en 1990 por Masaaki Suzuki, su director musical, tiene el objetivo de acercar al público japonés las interpretaciones historicistas de las grandes obras del barroco, junto con su director principal Masato Suzuki.

Formada por una orquesta barroca con instrumentos de época y un coro, sus actividades incluyen una temporada anual de conciertos de cantatas de Bach y numerosos programas instrumentales. El premiado conjunto explora repertorios clásicos, ha lanzado una grabación del Réquiem de Mozart, la Gran Misa en Do menor de Mozart (Premio Gramophone 2017 en la categoría Coral), la Misa Solemnis y la Novena Sinfonía de Beethoven. Ha adquirido una gran reputación internacional tras sus grabaciones con el sello BIS de las más importantes obras corales de J.S. Bach. Culminó la grabación del ciclo de la integral de las Cantatas Sacras de Bach, un proyecto de más de 50 CDs iniciado en 1995. Este gran logro ha sido reconocido en 2014 con el premio anual ECHO Klassik Editorial Achievement. Su grabación de los Motetes de Bach fue galardonada con el Premio de la Crítica Alemana, Diapason d’Or en 2010, y el BBC Music Magazine Award en 2011.

BCJ y Masaaki Suzuki han compartido sus interpretaciones por toda la escena internacionall, así como en festivales como BBC Proms, Festival Internacional de Edimburgo, Festival de Flandes, Festival de Artes de Hong Kong, Festival Bach Leipzig y Festival Internacional de Artes (Nueva Zelanda).

Masaaki Suzuki

Desde que en 1990 fundara Bach Collegium Japan, es considerado como una autoridad en la obra de Bach. Actúa regularmente en las principales salas y festivales del mundo. Además de colaborar con reconocidos conjuntos de época; como Orchestra of the Age of Enlightenment y Philharmonia Baroque, es invitado a dirigir orquestas de diversos repertorios, con orquestas como las sinfónicas de Baltimore, Radio Nacional Danesa, y Goteburgo, la Filarmónica de Nueva York, Philharmonique de Radio France, y las sinfónicas de San Francisco y Sidney.

Su extensa discografía con el sello BIS, le han aportado numerosos elogios por parte de la crítica. En 2018, Suzuki y Bach Collegium Japan concluyeron la última grabación del ciclo completo de las “Cantatas para iglesia” de Bach, iniciado en 1995 y contenido en 65 volúmenes. Recientes compromisos con Bach Collegium Japan incluyen su debut en el Festival Internacional de Música Sacra de Friburgo en Suiza. Destacan sus actuaciones en Concertgebouw de Ámsterdam, el Bachfest de Leipzig y el Théâtre de Champs Elysées, y una gira por Estados Unidos.

En 2023/24 debuta con Los Angeles Philharmonic, hr-Sinfonieorchester, Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo y vuelve a dirigir la Symphonique de Montréal, NHK Symphony, y Haendel and Haydn Orchestra entre otras. Colabora con la Orchestra of the Age of Enlightenment en una extensa gira europea. Masaaki Suzuki combina su carrera de director con su actividad como organista y clavecinista.

Masato Suzuki

Músico multifacético, actúa en el escenario concertístico como director, compositor e intérprete de teclado. Desde el podio, regresó a dirigir la Sinfónica Yomiuri Nippon y la Sinfónica de Tokio, y realizó su debut al frente de la Orquesta Sinfónica NHK, interpretando con ella la Sinfonía para órgano y orquesta de Copland. Su variado repertorio incluye programas donde contrastan obras de diversos compositores, tales como Bach, Berlioz, Mendelssohn, Prokofiev, Rameau, Stravinski y Takemitsu.

Como Director Titular de la Bach Collegium Japan, debutó como director en la serie de abono dirigiendo La Pasión según San Juan de Bach y La coronación de Popea de Monteverdi; en gira, han actuado en los festivales Thüringen Bachwochen y Varazdin Baroque. En 2019, BIS editó el primer disco con los Concertos para clave de Bach, con Bach Collegium Japan y Masato Suzuki, dirigiendo desde el teclado.

Hizo su debut al frente de la Sinfónica de Singapur y la Academy of Ancient Music de Londres, tras su presentación en el Festival de Edimburgo con músicos del Ensemble barroco Dunedin Consort. Otras actuaciones en recital y música de cámara incluyen los festivales de Chofu (del que es Director Artístico y Productor Ejecutivo), Schleswig Holstein y Verbier. Continúa su colaboración con el violista Antoine Tamestit, en gira con un programa Bach, editado por Harmonia Mundi en 2019.

Sus composiciones incluyen obras para conjuntos instrumentales y vocales, publicadas por Schott Japan. Su reconstrucción de los movimientos perdidos de la Cantata BWV190 de Bach (Carus) y la revisión y finalización del Réquiem de Mozart, le han valido grandes elogios.

Fotografía © Marco Borggreve

Marin Alsop

La Philharmonia Orchestra regresa a Ibermúsica este domingo 12 de enero (19:30h, Auditorio Nacional de Música) de la mano de la Maestra americana Marin Alsop, principal directora invitada de la formación londinense, y la violinista granadina María Dueñas. La cita se enmarca en una gira española que les llevará, además, al Festival Internacional de Música de Canarias (concierto inaugural el viernes 10 en Las Palmas de Gran Canaria y sábado 11 en Tenerife) y a Barcelona (lunes 13 en el Palau de la Música Catalana).

Desde su debut en Ibermúsica en 2019, Maria Dueñas ha recorrido un fulgurante camino lleno de reconocimientos destacándose como uno de los talentos más relevantes de la actualidad en la escena internacional de la música clásica. En su esperado regreso al ciclo madrileño interpretará el Concierto para violín op. 35 de Korngold. El programa se completará con la presentación en Madrid de Strum de Jessie Montgomery y, para cerrar la velada, Romeo y Julieta (suite) de Prokófiev.

Philharmonia Orchestra

Fundada en 1945, la Philharmonia Orchestra es una de las mejores orquestas del mundo. El director finlandés, Santtu-Matias Rouvali tomó la batuta como director titular en 2021 y Marin Alsop se unió como principal directora invitada en 2023. Siguen los pasos ilustres de Herbert von Karajan, Otto Klemperer, Kurt Furtwängler, Riccardo Muti, Giuseppe Sinopoli, Christoph von Dohnányi, Vladimir Ashkenazy y Esa-Pekka Salonen que son algunos de los directores que han perfeccionado el reconocido “Sonido Philharmonia” a lo largo de ocho décadas. Está formado por 80 excepcionales músicos y ha estrenado obras de Richard Strauss, Sir Peter Maxwell Davies, Errollyn Wallen, y Laufey, entre otros, y colabora con los más destacados solistas del mundo.

La Orquesta tiene una audiencia global: realiza numerosas giras por toda Europa y ha actuado en China, Colombia, Japón, Mauricio y Estados Unidos. En la temporada 2024/25, Santtu llevará a la Orquesta a Estonia, Finlandia, España y Japón. La Philharmonia es conocida por adoptar tecnologías innovadoras. Ha grabado unas 150 bandas sonoras de cine y videojuegos y tiene actuaciones disponibles en streaming. Su grabación de la Quinta Sinfonía de Beethoven viaja por el espacio interestelar a bordo del Voyager y sus instalaciones de realidad virtual han introducido a miles de personas a la experiencia de la música orquestal. La Philharmonia está comprometido con el desarrollo de la próxima generación de instrumentistas y compositores, orientado en aumentar la diversidad dentro de la industria de la música clásica.

Marin Alsop

Es reconocida internacionalmente por su innovador enfoque de la programación y su rica aportación al público. La temporada 2023/24 marca su quinta como Directora Titular de la ORF-RSO Wien (Orquesta Sinfónica de la Radio de Viena), y su primera como Director Titular de la Sinfónica de la Radio Nacional de Polonia. Fue nombrada Directora Invitada Principal de la Philadelphia Orchestra y de la Philharmonia Orchestra.

Hizo historia como primera mujer Directora de los BBC Última Noche de los Proms y, en 2023, lo dirigió por tercera vez. Actúa regularmente con la  Cleveland Orchestra, Philadelphia Orchestra, NDR Elbphilharmonie, Filarmonica della Scala, Orchestra of the Age of Enlightenment, Danish National, Budapest Festival y Royal Concertgebouw Orchestra. Directora Titular Laureada de la Baltimore Symphony desde 2021, estuvo 14 años al frente de esa agrupación, con la que realizó la primera gira europea de la orquesta en 13 años, grabaciones premiadas, más de dos docenas de estrenos mundiales y la fundación de OrchKids. En 2019, fue nombrada Directora Honorífica de la OSESP.

Ganadora de múltiples premios Gramophone, ha grabado para Decca, Harmonia Mundi, Sony Classical, y Naxos. Dirigió el Festival de Música Contemporánea, en Cabrillo, California, durante 25 años. La película ‘La directora‘ recorre su carrera a través de entrevistas muy personales e intercambio inédito con su mentor mentor Leonard Bernstein, así como imágenes de Alsop enseñando a la siguiente generación de directores. En 2002, fundó Taki Concordia Conducting Fellowship, para promover a sus compañeras directoras femeninas.

María Dueñas

Deslumbra al público con la espectacular variedad de colores que hace surgir de su instrumento, su destreza técnica, madurez artística y audaces interpretaciones. Nacida en Granada en 2002, comenzó a tocar el violín a los seis años, e ingresó en el Conservatorio de su ciudad natal un año más tarde. En 2014 ganó una beca al extranjero, patrocinada por Juventudes Musicales de Madrid y Fundación Humboldt (Wardwell Stipend). Se trasladó primero a Dresde, para estudiar en la Academia de Música Carl Maria von Weber, donde fue pronto descubierta por el director Marek Janowski, cuya invitación le llevó, más tarde, a hacer su debut con la San Francisco Symphony Orchestra.

Tras una serie de primeros premios en prestigiosos concursos internacionales, causó sensación en 2021, especialmente en el Concurso de Violín Menuhin, donde obtuvo el primer premio y el premio del público. En 2023, recibió el prestigioso Premio Princesa de Girona de las Artes y las Letras de España.

Es muy solicitada para actuar con las grandes orquestas internacionales, como Los Angeles Philharmonic, Pittsburgh Symphony Orchestra, Accademia di Santa Cecilia, Münchner Philharmoniker, Staatskapelle Berlin, Oslo Philharmonic, Toronto Symphony Orchestra, Pittsburgh Symphony Orchestra o la Philadelphia Orchestra, y renombrados directores, como Yannick Nézet-Séguin, Jukka-Pekka Saraste, Daniel Harding o Alan Gilbert. Colabora regularmente con la Los Angeles Philharmonic y Gustavo Dudamel. Es artista exclusiva de Deutsche Grammophon. Toca el violín Nicolò Gagliano cedido por la fundación alemana Musikleben, y el Stradivari «Camposelice» de 1710, cedido por la Nippon Music Foundation.

Fotografía © Nancy Horowitz

Gala de Navidad

El Teatro Real ha celebrado esta noche su sexta Gala anual que, bajo el título Ecos Del Alma, ha reunido en su escenario a la soprano Sabina Puértolas, acompañada por el pianista Rubén Fernández Aguirre, y al guitarrista Pablo Sainz-Villegas, para interpretar obras de Enrique Granados, Isaac Albéniz, Francisco Tárrega, Emilio Arrieta, Jesús Guridi y Amadeo Vives.

Este especial encuentro, preludio a las fiestas navideñas, ha tenido un marcado acento español, tanto por sus intérpretes como por los compositores elegidos para el programa, de los que se han seleccionado algunas de las páginas más profundamente ligadas a nuestra cultura, evocadoras de paisajes y costumbres, alojadas desde siempre en la memoria del alma.

El virtuoso guitarrista Pablo Sainz-Villegas abrió el concierto con la más conocida de las Danzas españolas, “Andaluza”, de Enrique Granados. Le seguirían después “Torre Bermeja”, de Doce piezas características, y “Asturias”, de la Suite española, ambas de Isaac Albéniz, para finalizar con Recuerdos de la Alhambra y la Gran jota de concierto, de Francisco Tárrega, que darían paso a la segunda parte del concierto, protagonizada por la soprano Sabina Puértolas, acompañada por el pianista Rubén Fernández Aguirre (ver programa adjunto).

La Gala del Teatro Real es un encuentro musical, con fines filantrópicos, en la que la generosa participación de las empresas y la sociedad civil, permite sacar adelante iniciativas especiales del Teatro Real como el proyecto Crescendo y los programas de divulgación de la lírica gracias a las retransmisiones y los espectáculos de la Carroza del Real.

Pablo Sainz-Villegas, reconocido por algunos como el sucesor de Andrés Segovia, es uno de los grandes solistas de referencia en el mundo de la guitarra. Su deslumbrante currículum, con más de treinta importantes premios en diferentes países, nos recuerda también que ha sido el primer guitarrista en actuar en el Carnegie Hall de Nueva York desde Andrés Segovia en 1983, el primero en tocar en el Concierto de Año Nuevo de la Berliner Philharmoniker desde 1983, el primero en tocar con la Orquesta Sinfónica de Chicago desde 2001 y ha participado en conocidos estrenos mundiales, como la primera obra escrita para guitarra de John Williams. Quizás sólo hitos para un artista que vive, interpreta y disfruta la música desde una gran humanidad.

Sabina Puértolas, una de nuestras sopranos más internacionales, es también artista de referencia en el Teatro Real, no sólo por los éxitos en su escenario –donde ha interpretado con gran reconocimiento de la crítica, en Rodelinda (2017), Idomeneo, L’elisir d’amore (2019) y Viva la mamma!, Partenope (2021), Achille in Sciro e Il turco in Italia (2023)-, sino por estar vinculada a los proyectos de internacionalización de la institución -fue la voz protagonista del primer concierto del Real en el Carnegie Hall de Nueva York- y a los de formación -imparte clases magistrales para los jóvenes cantantes del programa Crescendo-, dejando siempre huella con su enorme simpatía y su versatilidad para la interpretación.

El piano de Rubén Fernández Aguirre ha acompañado a las grandes voces de la lírica actual, desde Lisette Oropesa a Ermonela Jaho, con Javier Camarena o Andreas Schager. No es la primera vez que comparte escenario con Sabina Puértolas; entre ellos, la complicidad, el carácter, la profesionalidad y el amor por la música española han sido más que evidentes en el concierto de hoy.

La gala ha tenido como embajadores, entre otros, a Idealista, El Corte Inglés, Deloitte, EY y Prodware y como patrocinadores a Telefónica, BMW, Mastercard, Grupo Oesía y Exterior Plus.   

Sabina Puértolas ha sustituido en esta Gala a la soprano Marina Monzó, cuya participación ha tenido que ser cancelada por razones médicas.

Fotógrafo © Javier del Real | Teatro Real

Entrevista Airam Hernández

La singularidad de su timbre y la versatilidad de su voz, le permiten abordar un repertorio que amplia estos días debutando el rol de Conde de Leicester en la nueva producción de Maria Stuarda de Donizetti que se estrena en el Teatro Real. Con dirección musical de José Miguel Pérez-Sierra y escenografía de David McVicar, Hernández dará la réplica a dos reinas, María Stuarda, en la voz de Yolanda Auyanet, y Elisabetta, interpretada por Silvia Tró Santafé. Nos habla en esta entrevista de este nuevo desafío y de su pasión por el lied.

José Miguel Pérez-Sierra

“Me siento feliz y entusiasmado”, confiesa José Miguel Pérez-Sierra, uno de los directores españoles de mayor proyección internacional, que vuelve al podio del Teatro Real de Madrid para ponerse al mando de la ópera de Donizetti Maria Stuarda. Esta obra maestra imprescindible del bel canto romántico que, junto a Roberto Devereux y Anna Bolena completa la trilogía Tudor del compositor bergamasco, se estrena en el coliseo madrileño en una nueva producción dirigida musicalmente por Pérez-Sierra y por David McVicar en el apartado escénico. Subirá a escena los días 14, 16, 17, 19, 20, 23, 26, 27, 29 y 30 de diciembre con un doble reparto de estrellas internacionales de la lírica entre las que destacan Lisette Oropesa y Yolanda Auyanet (Maria Stuarda), Aigul Akhmetshina y Silvia Tro Santafé (Elisabetta), Ismael Jordi y Airam Hernández (Roberto, Conde de Leicester), además de Roberto Tagliavini y Krzysztof Baczyk (Giorgio Talbot), entre otros, todos junto al Coro y la Orquesta Titulares del Teatro Real.

Para José Miguel Pérez-Sierra, “uno de los puntos fuertes de esta puesta en escena es la inclusión de la obertura original que escribió Donizetti para su estreno en Milán con temas musicales que se eliminaron posteriormente. El compositor italiano es sin duda un pilar fundamental en la historia de la ópera, ya que sin él, Verdi hubiera sido algo así como Meyerbeer. El compositor belcantista reinterpreta la ópera seria de Rossini –su ‘hermano mayor’ musical– huyendo de la grand-opéra francesa de gran formato. Con toda esa herencia configura el ‘melodramma’ italiano del sigo XIX, mucho más humano, más directo y menos abstracto que la ópera seria rossiniana, y de ahí nace el Verdi serio. Por ello es realmente un privilegio estar al frente de la dirección musical de esta nueva producción que es un auténtico lujo, contando además con un doble elenco magnífico que estoy seguro que hará soñar al público; además, dirigir en el Real es doblemente satisfactorio para mí, ya que es el teatro de ópera de mi ciudad, y en estos momentos uno de los más importantes del mundo”, asegura el maestro madrileño.

Tras este compromiso, la carrera de José Miguel Pérez-Sierra seguirá este año conquistando escenarios españoles e internacionales. Si en las dos últimas temporadas ha asumido importantes cargos como son su nombramiento como director musical del Teatro de la Zarzuela y del Royal Opera Festival de Cracovia (Polonia) –además de ser el principal director invitado de la Ópera de A Coruña–, en 2025 le esperan su debut en la Ópera de Basilea con Turandot, la Novena Sinfonía de Mahler con la Filarmónica de Cracovia y La Tabernera del Puerto en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, además de regresar, como cada año, al podio del Festival Rossini de Wildbad y del Royal Opera Festival de Cracovia.

Cast Maria Stuarda © Teatro Real_Madrid

Albert Cano Smit

El jueves 19 de diciembre a las 19:30h Ibermúsica proseguirá la programación de su ciclo km0 con un recital a cargo del pianista español Albert Cano Smit. 

El intérprete estrenará la Sonata para piano núm. 7 ‘Isola T.’ de Jesús Rueda (Premio Nacional de Música 2004), quien presentará personalmente su obra y ofrecerá un breve contexto sobre la sonata. El programa se completa con obras de dos compositores fundamentales del siglo XX, György Ligeti (Etudes I, II y III) y Olivier Messiaen (Preludio núm. 1′ La colombe’ y Le Baiser de l’enfant Jesus).

Durante el recital, y como parte del formato del ciclo km0, Cano Smit comentará las obras y explicará al público algunas de las claves del programa que ha elegido para su debut en Ibermúsica.

Comprometido con la música de nueva creación, Albert Cano Smit ha desarrollado una importante labor de comisión y estreno de obras, colaborando así con destacados creadores, intérpretes y ensambles contemporáneos de distintas latitudes. Radicado en Nueva York, ha actuado como solista junto a importantes orquestas de Estados Unidos y suma prestigiosos méritos internacionales, entre los que destacan el Arthur Rubinstein Prize o el primer lugar en Young Concert Artists International Auditions y Walter W. Naumburg Piano Competition.

Ciclo Km0

Comprometidos con el fomento de los talentos nacionales, la Fundación Ibermúsica puso en marcha en 2023 un nuevo ciclo de conciertos denominado km0. Se trata de una programación extraordinaria de conciertos de pequeño formato, con intérpretes de proximidad, obras de recuperación patrimonial de artistas españoles y de nueva creación protagonizados por músicos del país. El repertorio abarca desde el renacimiento hasta la época contemporánea con el fin de dar a conocer un tipo de música desconocida para muchos. El importe para todos los recitales del ciclo es de 15€ por concierto.

Albert Cano Smit

Elogiado como “un joven poeta conmovedor” y “un gran romántico” (Le Devoir de Montreal), disfruta de una creciente carrera en numerosos escenarios internacionales.

Ganador del 1er Premio Young Concert Artists International Auditions (2019) ha actuado en recital, como artista de cámara y como solista con las sinfónicas de San Diego, Seattle, Montreal, Las Vegas Philharmonic, Orchestra of St. Luke’s, Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña, Manchester Camerata, entre otras. Ganó el Primer Premio en el Concurso de Piano Walter W. Naumburg (2017), que lo presentó en recital en la Sala Weill de Carnegie Hall. En 2020 ganó el Premio para Piano Arthur Rubinstein de la Escuela Juilliard.

Ha estrenado obras que le han dedicado Hough, Oliu y Balch. Colabora con Jean-Yves Thibaudet, Gary Hoffman, Pinchas Zukerman, Lun Li, Zlatomir Fung, Kevin Zhu, Leonard Fu y Lev Sivkov; ha actuado con los cuartetos Ebene, Szymanowski, Casals, Cosmos, Gerhard y Verona. Ha publicado un álbum de música austriaca para viola para el sello Champs Hills con Emma Wernig.

Alcina de Händel

El próximo 15 de diciembre, la hechicera Alcina desplegará sus encantamientos, seducción, venganza y desesperanza en el escenario del Teatro Real donde, de la mano de la prestigiosa formación barroca Il Pomo d’Oro, bajo la dirección musical de Francesco Corti, representará, en versión de concierto, el que es, posiblemente, uno de los títulos más populares de Georg Friedrich Händel (1685-1759).

Un reparto de voces especialista en este repertorio dará vida a los personajes encabezados por Elsa Dreisig (Alcina), Sandrine Piau (Morgana), Juliette Mey (Ruggiero), Jasmin White (Bradamante), Alex Rosen (Melisso), Stefan Sbonnik (Oronte) y Bruno de Sá (Oberto).

Entre las 42 óperas que compuso Händel, Alcina —estrenada en 1735 en el Covent Garden de Londres en su última etapa como compositor operístico— está considerada como una de las más logradas en la caracterización de los personajes y en la expresión de sus emociones. Su dramaturgia moderna, sus inspiradas melodías y su brillante orquestación justifican la creciente presencia de esta obra en la programación de teatros y festivales de todo el mundo desde su ‘redescubrimiento’ en los años 60 del pasado siglo, después de más de doscientos años de olvido.

En Alcina, Händel recurre por tercera vez al poema épico Orlando furioso, de Ludovico Ariosto (1474-1533) —después de hacerlo en Orlando y Ariodante—, para retratar las emociones y las pasiones humanas con la libertad que le otorga el mundo alegórico, fantástico y sobrenatural del poeta italiano. La partitura, inscrita en los cánones de la llamada opera seria barroca, alterna los recitativos que avanzan la acción y las arias que expresan las emociones de los personajes y que dan alas a la exhibición virtuosística de los cantantes.

Real Teatro de Retiro

La Navidad está a la vuelta de la esquina y el Real Teatro de Retiro se convierte en el lugar perfecto para vivir momentos mágicos en familia. Desde el 1 de diciembre hasta el 5 de enero, el nuevo espacio del Teatro Real y el Ayuntamiento de Madrid para niños y jóvenes, ofrece una programación con propuestas variadas que incluyen conciertos, ballet y cine con música en directo.

El domingo 1 de diciembre, a las 12.00 h., comienza el nuevo ciclo Miniclásica, que invita a los más pequeños a descubrir la música en un espacio excepcional pensado para ello. Se trata del espectacular atrio, en el que pueden moverse, bailar, gatear a plena luz del día y explorar la riqueza del mundo sonoro. El programa cuenta con dos citas en el periodo navideño: Descubriendo el Arpa, el 1 de diciembre, donde los niños podrán explorar las encantadoras sonoridades del arpa en un cuento musical interpretado por Camille Levecque; y Descubriendo el blues, el 5 de enero a las 12.00 h., en compañía del Aftershave Quartet y su concierto Los barberos de los Reyes Magos, con música vocal cantada a cappella con una vibrante mezcla de jazz, blues y pop-rock.

El Concierto de Navidad se multiplica esta temporada para ofrecer cuatro sesiones -los fines de semana  del 7-8 y 14-15 de diciembre, siempre a las 12.00 horas- en las que se escucharán conocidas melodías de grandes compositores como Mozart, Corelli y Händel, entre otros, junto a clásicos navideños, interpretados por la Joven Camerata de la ORCAM y la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (JORCAM), bajo la dirección musical de Lara Diloy.

Continúa la serie de talleres musicales en familia, dirigidos y presentados por Fernando Palacios, ¡Todos al Real Teatro!. En esta ocasión, el domingo 15 de diciembre (en doble sesión, a las 11.00 y a las 12.00 horas) explorará el universo sonoro de la ópera Maria Stuarda, de Donizetti, de la mano de la soprano Dragana Paunovic y el pianista Samuel Martín.

La danza estará presente con el más clásico y entrañable cuento navideño, El cascanueces. Niños y mayores intercambian regalos en la casa familiar donde la pequeña Clara recibe como presente un precioso cascanueces con forma de soldadito de madera. A partir de la media noche, la imaginación de la joven protagonista desata una colorida aventura en la que juguetes, animales y personas recrearán sus anhelos y sus pesadillas.. y así lo contarán el África Guzmán Dance Project y la Escuela de Ballet África Guzmán, con la inolvidable música de Chaikovski, en una versión para todos los públicos de una hora y cuarenta de duración.

En el camino que despide 2024 y recibe el Año Nuevo, nos acompañará Pedro y el lobo live (Peter and the wolf), la multipremiada película de Suzie Templeton, producida por Break Thru Films, ganadora en 2007 del Oscar y el BAFTA al Mejor Cortometraje de Animación, y de dos premios en el Festival de Annecy, Mejor Cortometraje y Premio del Público.  La proyección cobra vida con la música conmovedora de Serguéi Prokófiev interpretada en directo por la Orquesta Titular del Teatro Real, en la que toda la familia podrá disfrutar de una experiencia única y emocionante con cine y música en vivo.

En colaboración con el Teatro Real y el Real Teatro de Retiro, el Real Jardín Botánico de Madrid ha organizado dos actividades destinadas al público familiar los días 23, 27, 28 y 30 de diciembre de 2024 y 2 y 3 de enero de 2025. Por un lado, se realizarán los talleres  »Los ‘animhojas’ del Jardín y los secretos de la Navidad», pensado para niños a partir de 4 años, a las 11.00 horas,  y la visita guiada »Las plantas de la Navidad’‘, para un público a partir de 7 años, cada día a las 12.30 horas.

PROGRAMACIÓN DE NAVIDADMINICLÁSICA: DESCUBRIENDO EL ARPA

Domingo 01 de diciembre 2024 – 12.00h. 

Atrio del Real Teatro de Retiro 

Precio: 1 € bebés entre 0 y 3 años / 8 € tarifa única a partir de 3 años

En esta primera sesión del nuevo ciclo Miniclásica, se exploran las sonoridades del arpa de Camille Levecque y su cuento musical lleno de entrega y pasión con tres divertidos personajes: una concertista, una aventurera y una estudiante que, al finalizar su historia invitará a los pequeños a probar el arpa con sus propias manos.

CONCIERTOS DE NAVIDAD

7 – 8 y 14 – 15 de diciembre de 2024, a las 12.00h.

Sala Principal

Concierto para todos los públicos.

Precio: 15 € (niños) y 20 € (adultos)

Melodías de Mozart, Corelli y Händel, entre otros grandes compositores, interpretados en directo por la Joven Camerata de la ORCAM y la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (JORCAM), bajo la dirección musical de Lara Diloy.

¡TODOS AL REAL TEATRO! MARiA STUARDA

15 de diciembre de 2024 a las 11.00h y a las 13.00h.

Sala Pacífico

Talleres familiares.

Precio: 15 € (niños) y 20 € (adultos)

Aprender en familia es muy divertido con este taller de introducción a la música para conocer todo sobre la ópera y sus personajes. Una sesión de canciones y juegos con Fernando Palacios junto a varios artistas invitados para explorar la ópera Maria Stuarda, de G. Donizetti, programada en el Teatro Real.


EL CASCANUECES

18, 19, 20 y 21 de diciembre de 2024 a las 18.00h

21 de diciembre de 2024 a las 12.00 y a las 18.00h

Sala Principal

Ballet para todos los públicos.

Precio: 15 € (niños) y 20 € (adultos)

Todo un clásico navideño, El cascanueces, en una adaptación de la compañía África Guzmán Dance Project con la inolvidable música de Chaikovski, en una versión para todos los públicos de una hora y cuarenta de duración. En la víspera de Navidad, una niña recibe un cascanueces como regalo y esa misma noche, algo mágico pasará…


PEDRO Y EL LOBO LIVE

27, 28, 29 y 30 de diciembre de 2024 a las 12.00h

2, 3, 4 de enero de 2025 a las 12.00h.

Sala Principal

Cine de animación con música en vivo

Proyección de Pedro & el lobo, cinta producida por Break Thru Films y firmada por Suzie Templeton, ganadora del Oscar y el BAFTA al Mejor Cortometraje Animado en 2007, con la que toda la familia podrá disfrutar del cine y la música en vivo con la Orquesta Titular del Teatro Real, con dirección musical de Lara Diloy.

MINICLÁSICA: DESCUBRIENDO EL BLUES

Domingo 05 de enero 2025 – 12.00h

Atrio del Real Teatro de Retiro

Precio: 1 € bebés entre 0 y 3 años / 8 € tarifa única a partir de 3 años

Miniclásica invita a los más pequeños a descubrir la música en un espacio en el que pueden moverse, bailar y gatear a plena luz del día. Con el Aftershave Quartet y su concierto Los barberos de los Reyes Magos el público disfrutará de conocidas y evocadoras músicas de jazz y blues.

Maria Stuarda

El próximo 14 de diciembre el Teatro Real estrenará una nueva producción de Maria Stuarda, de Gaetano Donizetti, que se presentará posteriormente en los teatros coproductores: el Gran Teatre del Liceu, el Donizetti Opera Festival-Bergamo, La Monnaie de Bruselas y la Ópera Nacional de Finlandia.

En la ingente producción operística de Gaetano Donizetti (1797-1848) -70 óperas escritas con increíble premura a lo largo de su corta y azarosa vida-, destaca la llamada “Trilogía Tudor” –Anna Bolena (1830), Maria Stuarda (1835) y Roberto Devereux (1837)-, cuya trama gravita, directa o indirectamente, en torno a la figura centrípeta, implacable y extraordinaria de Isabel I de Inglaterra.  Las luchas de poder sanguinarias en su corte, con maquinaciones cortesanas, traiciones, asesinatos, amoríos y sentimientos desenfrenados encajaban perfectamente con el ímpetu creador de Donizetti, que unió con increíble habilidad y simplicidad el melodismo belcantista de las emociones exacerbadas con el paroxismo de las situaciones dramáticas.

Maria Stuarda es un duelo de reinas que luchan por el mismo cetro y el mismo amor, víctimas ambas de fuerzas políticas y religiosas que manipulan sus destinos desde la infancia en los bajos fondos de las encarnizadas guerras de poder que las involucran y trascienden.

Partiendo de la obra homónima de Friedrich von Schiller (1759-1805), alejada de la verdadera historia de la reina católica escocesa, por la que toma partido en relación con su rival anglicana, Donizetti creó una partitura de grandes vuelos melódicos y contrastes abruptos que privilegia el perfil psicológico de las protagonistas, atrapadas por una red asfixiante de relaciones disfuncionales y tóxicas. Es precisamente esta caracterización musical y dramatúrgica la que seduce actualmente a importantes directores de escena, más allá de la belleza de su belcantismo.

David McVicar, que dirigirá su sexto título en el Teatro Real -después de Otra vuelta de tuerca (2010), La traviata (2015), Rigoletto (2015), Gloriana (2028) y Adriana Lecouvreur (2024)- ofrece una visión intimista de la ópera, que explora la complejidad de los sentimientos y pasiones de los personajes, caracterizados con un espectacular vestuario renacentista diseñado por Brigitte Reiffenstuel.

La escenografía parte del dibujo de una escena de la ejecución de la reina María I de Escocia realizado por Robert Beale, diplomático de la reina Isabel I presente en el acto. Sobre las líneas de ese esbozo se irguió un decorado conceptual, transformando la ópera en el trágico camino de la protagonista hacía el patíbulo como destino inexorable que subyace bajo toda la trama.

En ese decorado simbólico, concebido por la escenógrafa Hannah Postlethwaite, bajos relieves de orejas y ojos evocan el permanente estado de vigilancia, tensión y alerta; ráfagas de sombras insinúan la sangre derramada, o una contundente orbe irrumpe con el implacable peso del poder político y religioso, indisociable en esos tiempos en los que Inglaterra luchaba por su desvinculación de la curia romana.

Este espacio diáfano está concebido para que brillen las voces de los dos repartos que se alternarán en el escenario del Teatro Real -las sopranos Lisette Oropesa y Yolanda Auyanet (Maria Stuarda), las mezzosopranos Aigul Akhmetshina y Silvia Tro Santafé (Elisabetta), los tenores Ismael Jordi y Airam Hernández (Roberto, conde de Leicester), los bajos Roberto Tagliavini y Krzysztof Baczyk (Giorgio Talbot), los barítonos Andrzej Filonczyk y Simon Mechlinski (Lord Guglielmo Cecil) y Elissa Pfaender y Mercedes Gancedo (Anna Kennedy)- que actuarán junto al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, bajo la dirección de José Miguel Pérez-Sierra.

Fotógrafo: © Javier del Real | Teatro Real

MARIA STUARDA

Tragedia lírica en dos actos

Música de Gaetano Donizetti (1797-1848)

Libreto de Giuseppe Bardari, basado en la obra Maria Stuart, de Friedrich von Schiller

Estrenada en el Teatro alla Scala de Milán el 30 de diciembre de 1835

Estreno en el Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real, en coproduccion con el Gran Teatre del Liceu, el Donizetti Opera Festival de Bergamo, La Monnaie de Bruselas y la Ópera Nacional de Finlandia

Dirección musical: José Miguel Pérez-Sierra

Dirección de escena: David McVicar

Escenografía: Hannah Postlethwaite

Vestuario: Brigitte Reiffenstuel y David McVicar

Iluminación: Lizzie Powell

Dirección de movimiento: Gareth Mole

Dirección del coro: José Luis Basso

Asistente de la dirección musical: Jon Malaxetxebarria

Asistentes de la dirección de escena: Greg Eldridge y Isabelle Kettle

Airam Hernández

Desde el inicio de su trayectoria internacional, el tenor tinerfeño ­Airam Hernández ha conseguido prodigarse en un repertorio diverso en estilos, épocas y géneros: óperas de Mozart o Cherubini, pasando por el bel canto romántico de Donizetti o Bellini, por obras de Verdi, Mussorgsky o títulos de autores de los siglos XX y XXI, así como piezas fundamentales del ámbito sinfónico, del oratorio, del Lied o de la canción española. Han sido sus herramientas para forjar una hoy consolidada carrera en teatros y auditorios de Europa, Asia y Estados Unidos, un repertorio que sigue creciendo al asumir, esta temporada, su primera ópera de Wagner. Pero si el verano pasado obtuvo un triunfo de público y crítica en el Festival della Valle d’Itria en Martina Franca (Italia) con su aclamado Pollione de Norma de Bellini, en diciembre volverá a meterse en otro rol belcantista como es el de Roberto, Conde de Leicester, de Maria Stuarda de Gaetano Donizetti: será su debut en el personaje coincidiendo con su regreso al Teatro Real de Madrid, donde ya ha actuado en Don Giovanni y dando vida a Federico García Lorca en el estreno absoluto de la ópera El abrecartas, de Luis de Pablo.

“Volver al bel canto es siempre un buen método para reafirmar la técnica con personajes increíbles”, afirma el tenor tinerfeño. “Aunque me motiva moverme en todo tipo de repertorios, algo que he querido hacer desde siempre, y pese a la dificultad, me entusiasma regresar a la melodía pura y genuina de Donizetti, autor –junto a Bellini– que fue clave para definir los principios estéticos del bel canto romántico; interpretar su música te lleva inexorablemente a cuidar con mimo el fraseo, el canto legato y a teñir la voz de infinidad de colores para conseguir la máxima expresividad en el canto. Maria Stuarda junto a las otras dos óperas que conforman la Trilogía Tudor, Anna Bolena y Lucrezia Borgia, reúne algunos de los mejores momentos de Donizetti, y para interpretar a Leicester tradicionalmente hay que controlar la línea de canto manteniendo la elegancia en el fraseo, base del estilo. Así lo preparé con mi maestra, Mariella Devia, aunque el punto de vista del personaje del director de escena del montaje que estamos preparando en el Teatro Real, David McVicar, es diferente, ya que concibe a Leicester lejos de la idea romántica: no lo reduce al típico enamorado que da su vida por la mujer que ama, dejándolo en un sólo tono dramático, sino que propone mayor dimensión del personaje, ofreciendo una nueva lectura en la que Leicester se muestra como un tipo ambicioso que se mueve en un registro mucho más rico en emociones, capaz de usar todos los recursos que están a su alcance para lograr sus objetivos”.

La ópera de Donizetti sube al coliseo madrileño es una nueva coproducción con el Liceu, el Donizetti Festival de Bérgamo, el Teatro La Monnaie/De Munt de Bruselas y la Ópera de Finlandia, con José Miguel Pérez-Sierra en el podio. Airam Hernández interpretará cuatro funciones los días 16, 19, 27, 30 de diciembre compartiendo escenario con Silvia Tro Santafé (Elisabetta), Yolanda Auyanet (Maria Stuarda) y Krzysztof Baczyk (Giorgio Talbot).

Tras esta producción le esperan Das Lied von der Erde (Mahler) en la Opernhaus Stuttgart; Giovanna d’Arco (Verdi) en la Ópera de Tenerife; el Requiem de Mozart junto a la Filarmónica de Gran Canaria; L’enfant prodigue (Debussy) con la Sifónica de Tenerife; y su debut en Der fliegende Holländer (Wagner) en el Théâtre du Capitole de Toulouse.

Ópera en corto

Coincidiendo con el Día Internacional de la Música, el Teatro Real presenta un proyecto para acercar la ópera a las nuevas generaciones, “Ópera en Corto”.

Se han seleccionado las óperas más populares disponibles en el catálogo de My Opera Player para la realización de programas monográficos de 45 minutos, en los que se articulan los fragmentos más importantes de cada título con explicaciones multidisciplinares ofrecidas, de manera dinámica, atractiva, divertida e informativa por una recreación virtual de Francesca Caccini (1587-1641), autora de La liberazione di Ruggiero dall’isola d’Alcina, que se presentó el pasado junio en los Teatros del Canal, en una coproducción con el Teatro Real con dirección musical de Aarón Zapico y dirección de escena y coreografía de Blanca Li.

Partiendo de documentos que retratan a la compositora florentina, el Teatro Real y NTT DATA han creado, a través de inteligencia artificial, un boceto tridimensional al que se ha dado una voz propia.

Para generar el personaje digital, NTT DATA, apoyada por su agencia creativa Tangity, ha utilizado distintas tecnologías de vanguardia: Unreal Engine 5, que aporta gráficos y efectos avanzados; Metahuman, que ofrece avatares detallados con expresiones faciales auténticas; y Rokoko, que captura cada movimiento y gesto en tiempo real, logrando así que Francesca Caccini se vea natural y cercana al momento actual.

A lo largo de cada programa de “Ópera en Corto”, Caccini desvelará a los usuarios-espectadores los secretos de una producción operística con explicaciones sobre el libreto, la música, contexto histórico y social o anécdotas relativas a cada título, articulando sus comentarios con las grabaciones realizadas en el Teatro Real, en las que participan los más importantes directores y cantantes del mundo lírico.

Estos programas de síntesis de una ópera estarán abiertos a todos los usuarios, gratuitamente, en My Opera Player y disponibles para su emisión en los centros escolares adscritos a la comunidad de El Real en tu clase con el apoyo de Telefónica.

El primer título del proyecto es La bohème, en la producción que triunfó en el Teatro Real en 2017, con dirección musical de Paolo Carignani, dirección de escena Richard Jones y un fantástico reparto encabezado por la soprano Anita Hartig (Mimì), el tenor Stephen Costello (Rodolfo) y la soprano Joyce El-Khoury (Musetta), que actúan junto al resto de elenco con el  Coro y la Orquesta Titulares del Teatro Real y los Pequeños Cantores de la ORCAM.

La iniciativa ha sido presentada hoy, tras la firma de un convenio de patrocinio entre el Teatro Real y la multinacional tecnológica NTT DATA, responsable de la creación de Francesca Caccini.

Sobre  “Ópera en Corto”, Ignacio García-Belenguer, director general del Teatro Real, destacó que “la unión de ópera y tecnología es un vehículo excepcional para acercar el arte más completo que existe al público del futuro, es decir a los niños y jóvenes en los centros escolares, gracias al ambicioso programa audiovisual de formación y difusión del Teatro, El Real en tu clase,  y a  instituciones como ayuntamientos o centros hospitalarios. Este proyecto que presentamos hoy con NTT Data permite de una forma didáctica a la vez que entretenida hacer nuevos aficionados a la ópera”.

EL REAL EN TU CLASE

El Real en tu clase es el programa del Real que permite a los centros educativos emitir en sus aulas y auditorios producciones del Teatro Real -ópera, danza, conciertos, espectáculos infantiles, etc.- adaptadas a su alumnado.

Los centros de enseñanza primaria, secundaria o de bachillerato deberán estar adscritos al proyecto a través de las consejerías de educación de sus comunidades, previa firma de un convenio de colaboración con el Teatro Real.

Con este proyecto el Teatro Real pretende acercar la ópera, la música clásica y las artes escénicas a niños, adolescentes y jóvenes a través de producciones de gran calidad artística que han triunfado en su escenario.

FRANCESCA CACCINI

Huesos de ballena, monstruos marinos, caballos con alas… Todo eso y una música deliciosamente sugestiva componen La liberazione di Ruggiero Dall’Isola D’Alcina, la primera ópera de la historia compuesta por una mujer, Francesca Caccini, que interpretó además el papel de Alcina.

El Teatro Real recuperó ese título, compuesto hace casi 400 años y nunca estrenado en España, en la temporada 23/24 con un gran éxito. La italiana, a la que llamaban la Cecchina, fue tan precoz que con solo 13 años -en 1600- participó en el estreno de Euridice, de Jacopo Peri, la ópera más antigua cuya partitura se conserva.

Caccini, que fue la música “de cabecera” de la familia de los Medici, decidió retirarse de la vida social italiana para dedicarse solo a componer, cantar y enseñar hasta su muerte, en 1641.

Patricia Donn

La frescura, sabiduría y pasión de la bailaora Patricia Donn protagonizarán la próxima cita de Flamenco Real, los días 27, 28 y 29 de noviembre, ciclo en el que la artista se presenta por primera vez, con un espectáculo creado y coreografiado por ella donde celebra la riqueza del flamenco, en todo su abanico de expresiones y sentimientos, bajo el título de Patricia Donn en concierto.

Patricia Donn y su compañía proponen un recorrido por los diversos palos flamencos, desde los más ancestrales, como el martinete y la soleá, a los que fusionan expresiones de otras culturas como los tangos de ida y vuelta o el recién creado por la artista el repique del colibrí, pura exhibición de gracia y ligereza con un taconeo de puntillas que requiere extraordinaria rapidez y precisión. Con el icónico mantón en guajiras y la intensidad de la soleá y bulería, el espectáculo es un despliegue de pasión y virtuosismo que se fijará en la memoria de los espectadores.

La bailaora estará acompañada por la guitarra de Israel Cerreduela, la percusión de Iván Losada, el violonchelo de Barnabas Hangonyi “Batio”, el cante de Saúl Quirós y la réplica en el baile de Dani Caballero.

Nacida en Granollers, y formada en la escuela de flamenco de Paca García, en Barcelona, ha estudiado danza clásica, contemporánea y clásico español, lo que la convierte en una de las mejor preparadas de su generación, conocimientos que, unidos a su duende y su talento natural, hacen de ella una bailaora única. Ha tenido como maestros a Eva Yerbabuena, Antonio Canales, Lola Greco, Farruquito y Gala Vivancos, entre otros, y ha obtenido el Primer Premio en el Concurso Flamenco Tablao Las Carboneras de Madrid (2018).

En 2022 Patricia Donn se estrena como coreógrafa y directora, además de intérprete, con su primer espectáculo en solitario denominado Mujeres, y en 2023 crea su propio Ballet Flamenco Teatro/Danza que se estrena con el espectáculo Ángeles y Demonios. En junio de este año participa en la gira internacional del Teatro Real y Fever, Authentic Flamenco, en coproducción artística con SO-LA-NA, con la que visita Los Ángeles, San Diego, San Francisco, San José, Sacramento, Portland y Vancouver, con un extraordinario reconocimiento de la crítica.

Asmik Grigorian

Sólo decir su nombre nos evoca la magnífica interpretación de Rusalka en el escenario del Teatro Real en 2020. Ahora, cuando se cumplen justo cuatro años de su presentación en el coliseo madrileño, Asmik Grigorian regresa para ofrecer un concierto en el que demostrará, junto a la Orquesta Titular del Teatro del Real, bajo la batuta de Henrik Nánási, su maestría musical, la versatilidad de su voz y la capacidad para dotar de intensa emoción cada uno de los papeles que aborda.

El próximo 24 de noviembre, domingo, a las 18.00 horas, la cantante lituana de origen armenio interpretará un programa cargado de romanticismo que palpitará en la primera parte a través de la enérgica musicalidad de compositores eslavos -como los rusos Chaikovski, Rimski-Kórsakov y Glinka; el armenio Tigranian, el lituano Dvarionas o el checo Dvořák- y reservará para la segunda parte el protagonismo sobre tres personajes de la ópera italiana que Grigorian acaba de debutar con gran éxito: Manon Lescaut y Madama Butterfly, de Giacomo Puccini, y Elisabetta di Valois, del Don Carlo verdiano.

Con excepción de La dama de picas (Pikovaya Dama), representada en el Teatro Real en 2004, y la inolvidable Rusalka, protagonizada por la propia Grigorian en 2020, las obras ofrecidas en la primera parte serán un descubrimiento para el espectador del Real. Comenzará la velada con la enérgica, exuberante y colorida obertura de Ruslan y Ludmilla, de Glinka, cuyo alegre torrente abrirá las puertas a la historia de cuatro mujeres cuyos destinos están marcados por un mismo triste y dramático final: Anoush, que da su nombre a la ópera del compositor Armen Tigranian, considerada un tesoro nacional armenio, país de origen del padre de la soprano (el tenor  Gegam Grigorian); Dalia, de Balys Dvarionas; Marfa, protagonista de La novia del Zar, de Rimski-Kórsakov, y Kuma, personaje femenino de La hechicera, de Chaikovski.

Las tres protagonistas femeninas de la segunda parte hablan italiano y Grigorian ha convertido su interpretación en un referente para los grandes teatros líricos. Tanto en  Manon Lescaut como en Madama Butterfly, la soprano construye personajes creíbles, alejados de los excesos del melodrama, cargados de sinceridad, conmovedores, fuertes y frágiles al mismo tiempo, gracias a su extraordinaria teatralidad y a un canto cristalino, de hermoso fraseo y depurada técnica. De su recién estrenada Elisabetta di Valois (debutó el rol el pasado septiembre en la Ópera de Viena) la crítica ha destacado su construcción de una reina digna, pero torturada por sus sentimientos, cuya voz limpia y contenida en el comienzo se transforma en poderosa hasta desatar el torrente que hace crecer el personaje.

Se configura así un interesante y apasionado concierto con el que disfrutar de una de las mejores sopranos del momento.

Asmik Grigorian recibió el pasado 1 de septiembre el Premio Especial del Jurado de los prestigiosos galardones Österreichischer Musiktheaterpreis, que reconocen las contribuciones excepcionales a la escena operística y teatral de Austria, en una ceremonia que tuvo lugar en la Ópera Popular de Viena.

Asmik Grigorian © Olivia Kahler

CNDM 24-25. LIED. SABINE DEVIEILHE

Sabine Devieilhe regresaba al Teatro de la Zarzuela para inaugurar el XXXI Ciclo de Lied que organizan este Teatro y el Centro Nacional de Difusión Musical. Su repertorio es muy amplio y abarca distintos géneros y épocas, desde el barroco a la música contemporánea, para lo que Devieilhe posee grandes cualidades, no solo vocales, también interpretativas, además de una arrolladora personalidad sobre el escenario y gran originalidad a la hora de seleccionar las obras.

Y así ha quedado demostrado en este recital junto a su pianista acompañante habitual, Mathieu Pordoy. Ambos han realizado un recorrido romántico por obras de distintos autores, incluyendo Lieder de Liszt, Franz Schubert o Richard Strauss, junto a obras de destacadas compositoras francesas como Lili Boulanger, Cécile Chaminade, o Marguerite Monnot, entre otras.

Sabine Devieilhe (Calvados, Francia, 1985), que es una de las sopranos coloratura más reconocidas en la actualidad, comenzó con una obra evocadora y romántica sobre el mito de Lorelay, personaje que resultó fascinante para un Franz Liszt que llegó a publicar hasta tres versiones sobre el tema. En esta ocasión escuchamos Die Lorelay, S 273, que fue repetida como último bis tras una mala pasada del soporte electrónico de Mathieu Pordoy al inicio del recital.

Siguió con un ciclo de nanas, pequeñas obras íntimas que, bajo este hilo conductor, tejieron un clima relajante y armonioso que recorría la sala. Empezó con la delicada interpretación de Ever shel shoshanim, de Josef Hadar, pieza tradicional hebrea que suele ser interpretada durante las celebraciones de boda, y que fue el punto de partida de una primera parte cargada de emoción.

Después llegó el momento de la divertida participación de Pordoy en la obra anónima Le petit chat triste, interpretada con jovial frescura. Esta obra dio paso a un conjunto de piezas puramente liederísticas, con Du bist die Ruh y Nacht und Träume, ambas de Schubert, que por su carácter pueden ser una oración o una canción de amor, como bien señala María del Ser en las notas del programa. Igual sensación de serenidad y sosiego aportaron las interpretaciones de Meinem Kinde, nº 3 y Die Nacht, nº 3, de Richard Strauss. Para terminar esta primera y onírica parte con Ein Traum, nº 6 de Edvard Grieg.

Tras el descanso Devieilhe comenzó con el entusiasmo floral de tres Lieder del ciclo Mädchenblumen, op. 22, nº 1. De Strauss, para continuar, ya hasta el final, con una melodiosa atmósfera francesa.

La soprano abordó las tres piezas del ciclo Clairières dans le ciel de Lili Boulanger, para continuar con Ma première lettre de Cécile Chaminade y tres obras de Germaine Tailleferre, que utiliza textos franceses de los siglos XVI y XVII, pertenecientes a su primera colección Six chansons françaises, todas ellas interpretadas con el carácter y la sensibilidad con la que sabe impregnar cada frase, y demostrando su dominio sobre los filatos.

Para terminar con “Tay toy, babillarde arondelle” de la colección Chansons de Ronsard, de Darius Milhaud y con todo un himno en Francia, la icónica Hymne à l’amour de Marguerite Monnot, que popularizó otra referencia de la música francesa, Édith Piaf.

En cada una de las partes Mathieu Pordoy interpretó una obra a piano solo: En reve: Nocturne, s 207, de Liszt, que terminó de interpretar con la sala completamente a oscuras, demostrando un gran dominio del teclado y creando un efecto original en este tipo de recitales. En la segunda parte el protagonismo al piano lo tuvo Francis Poulenc, con Improvisation n.º15 en do menor “Hommage à Édith Piaf”.

La entusiasta reacción del público llevó a los intérpretes a ofrecer dos bises, a parte de la repetición de Die Loreley, una endiablada “Vocalise étude en forme de habanera”, de Ravel, y “Una noche en el gallinero”, una divertida pieza de la opereta “Schnock”, de Laforge, en la que volvió a ser protagonista la simpatía de ambos intérpretes.

Una noche mágica en el Teatro de la Zarzuela, otra más, que disfrutamos y recordaremos.

Fotografía (c) Rafa Martín

La del manojo de rosas

La producción de La del manojo de rosas’ de Sorozábal firmada por Emilio Sagi hace 34 años, es sin lugar a dudas el montaje más representativo, acreditado y aplaudido del Teatro de la Zarzuela. En aquel estreno de septiembre de 1990, el público y la crítica la recibieron con especial entusiasmo, y así ha seguido siendo durante las más de tres décadas transcurridas desde aquella puesta de largo. No es fácil adivinar la suerte que en el futuro le espera a un montaje teatral. Se puede intuir si funcionará. Si gozará de la aprobación del público. Pero no saber a ciencia cierta si con el paso de los años (de muchos años) seguirá levantando telones y pasiones. Esto último es precisamente lo que le ocurre a esta mágica e irresistible lectura escénica de la obra de Pablo Sorozábal con libreto de Francisco Ramos de Castro y Anselmo Cuadrado Carreño.

El Teatro de la Zarzuela revivirá estos éxitos con diez funciones entre el 20 de noviembre y el 1 de diciembre, que servirán para seguir celebrando el que es su montaje más aplaudido y viajero. Varias generaciones de cantantes, artistas, técnicos y público han participado o disfrutado del que es ahora el título más conocido de Pablo Sorozábal, vinculado de forma especial con el recinto de la plazuela de Teresa Berganza.

Los ingredientes son muchos para que esta nueva presentación de ‘La del manojo de rosas’ vuelva a ser una fiesta de las que difícilmente se olvidan. Y aún hay más: la Maestra mexicana Alondra de la Parra, una de las directoras de orquesta más requeridas y veneradas del momento, ocupará el podio del foso al frente de la orquesta de la que es titular, la Orquesta de la Comuni­dad de Madrid (titular a su vez del coliseo), del Coro del Teatro de La Zarzuela y de dos espléndidos y compensados repartos.

Emilio Sagi no es ajeno a la emoción. La siente profundamente y sabe que estos días tienen algo nuevo, distinto: “Para mí cada reposición ha sido como la primera vez. Es tremendamente emocionante ver cómo los personajes van adquiriendo vida”.

No en vano, ‘La del manojo de rosas’ tiene, por muchas razones, un significado muy especial para él. Fue su primer trabajo de zarzuela en España —ya había montado ‘La Revoltosa’ y ‘La verbena de La Paloma’, pero curiosamente había sido en La Habana y Buenos Aires—. Fue un encargo del entonces sobreintendente de La Zarzuela, José Antonio Campos, que le iba a permitir acercarse aún más, si cabe, a la figura de su tío Luis Sagi Vela, para quien Sorozábal, Ramos de Castro y Cuadrado Carreño, crearon expresamente el personaje de Joaquín. 

Fundamento lírico y dramático

Los dos repartos que intervienen en esta séptima presentación del montaje en el Teatro de la Zarzuela (donde se ha podido disfrutar en 1990, 1991, 1999, 2004, 2013, 2020 y ahora en 2024) están cargados de artistas de nervio y fundamento lírico y dramático.

En la piel de Ascensión, florista soñadora y moderna, orgullosa de su origen obrero que no quiere oír hablar de amores más que con un hombre de su clase, se meterán en esta ocasión las sopranos Vanessa Goikoetxea y Beatriz Díaz. El personaje de Joaquín, ese joven señorito que simula ser mecánico y que pretende a aquella, será interpretado por Manel Esteve Madrid y por el también barítono David Menéndez. Gerardo López encarnará a Ricardo, aviador que también bebe los vientos por la chica de ‘El manojo de rosas’ (que así se llama la floristería donde brega), y que por ello está en constante disputa con Joaquín. En contraste con este conflicto amoroso a tres bandas, surge otro entre Clarita –una coqueta y «superculta» manicura–, Capó –aprendiz de mecánico– y Espasa –camarero del bar de la plaza–. Aunque novia del primero, ella se deja querer por el segundo para así poner a prueba el cariño de Capó. Jesús Álvarez Carrión y Joselu López y Nuria García Arrés y Rocío Faus, darán vida a Capó y a Clarita. Por su parte, del pomposo y divertido Espasa se encargará el polifacético cantante y actor Ángel Ruiz.

Y llegados a este punto, hay que hacer un merecido inciso, ya que la madre de Joaquín, Doña Mariana, como ya sucediera hace cuatro años, estará interpretada por Milagros Martín, una de las artistas que en las últimas tres décadas más ha pisado las tablas del Teatro de la Zarzuela, y que en la primera reposición del montaje de Sagi, en 1991, hacía las veces de Asunción (papel que luego representó durante años).

Completan el reparto Enrique Baquerizo y Abel Vitón como Don Daniel y Don Pedro, padres de Ascensión y Joaquín respectivamente; los actores Ángel Burgos y Joseba Pinela, los integrantes del Coro Titular del Teatro, Francisco José Pardo, Ricardo Rubio, Alberto Ríos, Alberto Camón, Francisco Díaz, Román Fernández-Cañadas y Francisco José Rivero; además de 19 bailarines-figurantes.

En cuanto al equipo artístico, lo rematan el escenógrafo Gerardo Trotti, la añorada diseñadora de vestuario Pepa Ojanguren, el iluminador Eduardo Bravo y la coreografía, de cuya reposición se encarga Nuria Castejón, es del también desaparecido y admirado Goyo Montero.

Las funciones están asimismo planteadas como un sentido homenaje al Maestro Miguel Ángel Gómez-Martínez, fallecido el pasado 4 de Agosto, que de 1985 a 1991 fue director artístico del Teatro de la Zarzuela, desde cuyo foso dirigió en 2013 esta misma producción de ‘La del manojo de rosas’.

90 años de aplausos y viajes

A nadie se le escapa que con ‘La del manojo de rosas’ Emilio Sagi realizó uno de los mejores trabajos de su larga y muy productiva carrera. En todos estos años el Teatro de la Zarzuela ha llevado la producción a otros doce escenarios del país —Valencia, Málaga, Oviedo, Bilbao, Santander, Barcelona, Sevilla, Jerez de la Frontera, San Sebastián, Valladolid, Santiago de Compostela, Pamplona—, así como a otras dos capitales europeas —Roma y París—, y siempre ha cosechado grandes éxitos de público y crítica por igual. Porque, como los autores explicaron en su estreno en 1934, “el sainete debe ser como un reflejo sentimental y gracioso de la vida popular”, aclarando que a lo largo de los años y de las geografías cambia lo externo: atuendo, diálogo, lugar de acción, “aunque los sentimientos del pueblo no varían”.

‘La del Manojo de Rosas’, que ya cuenta con 90 años (se estrenó en el Teatro Fuencarral de Madrid el 13 de noviembre de 1934), es el título que mejor refleja el Madrid moderno de aquellos años. Después de todo, esa fue la intención de Sorozábal, «hacer una música sencilla, espontánea, garbosa, que tuviera salero y sentimiento, con sabor popular». Es el momento en el que las mujeres tuvieron la libertad de aprender y de decidir, y así lo muestran en escena Ascensión y Clarita, dos chicas sacadas de uno de esos ateneos femeninos del momento, ya sea el Lyceum Club o La Cívica, porque hablan de sus sueños y deseos sin sentimentalismos, y dicen con claridad lo que saben y lo que piensan.

La zarzuela es, en definitiva, como todas las artes, algo vivo que evoluciona con los autores que viven en la sociedad; eso se refleja en la adaptación de sus obras a cada época y lugar. En ese sentido, ‘La del Manojo de Rosas’ sirve de modelo de una época, la República, en la que se fusionan géneros musicales e ideologías en un Madrid cambiante y moderno. Y esta producción de hace “solo 34 años” ya se ha convertido en el mejor legado del escenario del Teatro de la Zarzuela al Madrid de entonces y de ahora.

Gli Incogniti

La Fundación Scherzo celebra su Concierto Extraordinario de Otoño el próximo 18 de noviembre en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música. Para esta ocasión única, el prestigioso conjunto barroco Gli Incogniti, dirigido por la violinista Amandine Beyer, interpretará una selección de obras de Johann Sebastian Bach (1685-1750) bajo el evocador título Non sei solo. Este concierto será especialmente significativo, ya que estará dedicado a la memoria de Javier Rodríguez-Miñón Falero.

Gli Incogniti fue fundado en 2006 por Beyer y rápidamente se consolidó como uno de los conjuntos más destacados en la interpretación del repertorio barroco y clásico. Con un nombre que rinde homenaje a la Accademia degli Incogniti de la Venecia del siglo XVII, el conjunto ha sido aclamado por su autenticidad y profundidad interpretativa. Sus actuaciones en las más prestigiosas salas y festivales internacionales han sido aplaudidas por crítica y público, consolidando su reputación y su compromiso con la excelencia artística. Además, colaboran con solistas de renombre y graban en exclusiva para el sello Harmonia Mundi, que recoge el trabajo minucioso y apasionado que caracteriza sus interpretaciones.

El programa de esta velada incluirá obras sublimes de Bach: el Concierto para dos violines en re menor BWV 1043, el Concierto para clave y orquesta en fa menor BWV 1056, y dos de sus emblemáticos Conciertos de Brandemburgo (n.º 3 en sol mayor BWV 1048 y n.º 6 en si mayor BWV 1051), además del Concierto para tres violines en re mayor BWV 1064R. Este repertorio celebra el esplendor de la música de cámara de Bach y se inspira en el espíritu de camaradería y creatividad que caracterizó los años de plenitud del compositor en Köthen. Allí, rodeado de músicos excepcionales y alentado por un mecenas amante de la música, Bach halló el entorno perfecto para componer algunas de sus obras más innovadoras y complejas.

La interpretación de este programa por parte de Gli Incogniti busca recordar al maestro de Köthen que no estaba solo, un mensaje de comunión y consuelo que se traduce en la música vibrante y llena de matices que Amandine Beyer y su grupo traerán al escenario del Auditorio Nacional.

El concierto Non sei solo, en palabras de Amandine Beyer, es «una invitación a reflexionar sobre la soledad, el duelo y la creatividad», recordando la resiliencia y el amor a la música que caracterizaron la vida y obra de Bach.

Este Concierto Extraordinario de Otoño promete ser un evento inolvidable, una celebración de la música barroca y un homenaje al genio de Bach, resonando con fuerza en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional.

Alexander-Kantorow

El próximo 12 de noviembre, la Sala de Cámara del Auditorio Nacional recibirá a Alexandre Kantorow en un concierto excepcional y exclusivo para los abonados del Ciclo de Grandes Intérpretes, con motivo del 30º aniversario de la Fundación  compromiso con este prestigioso ciclo. No habrá entradas a la venta, lo que convierte este concierto en un verdadero regalo para quienes han sido parte fundamental de esta historia musical.

Con solo 27 años, Alexandre Kantorow ha dejado una huella imborrable en el mundo de la música clásica. Reconocido como el pianista más joven en recibir el Gilmore Artist Award en 2024 y el primer francés en obtener este galardón, Kantorow es una de las figuras más prometedoras y solicitadas a nivel internacional. Cuatro años antes, con tan solo 22 años, se coronó como el primer pianista francés en ganar la medalla de oro y el Grand Prix del Concurso Internacional Chaikovski, una hazaña alcanzada en pocas ocasiones en la historia del certamen. Su virtuosismo impactante, combinado con un inconfundible lirismo poético y una claridad interpretativa, han conquistado al público en las salas más renombradas, incluyendo el Royal Concertgebouw de Ámsterdam, la Queen Elizabeth Hall en Londres y la Philharmonie de París.

El programa del recital para esta ocasión especial promete ser un viaje por el alma de grandes compositores. Kantorow interpretará la Rapsodia op.79 n°1 de Brahms, la deslumbrante Chasse Neige y Vallée d’Obermann de Liszt, la Rapsodia op.1 de Bartók, la grandiosa Sonata n°1 op.28 de Rachmaninov y culminará con la imponente Chacona de Bach en la transcripción de Brahms.

Este concierto único no solo será un homenaje al Ciclo de Grandes Intérpretes, sino también una oportunidad de presenciar en directo a uno de los pianistas más destacados de nuestra época.

Sabine Devieilhe

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela inauguran su XXXI Ciclo de Lied de esta temporada con el recital de la gran soprano Sabine Devieilhe y el pianista Mathieu Pordoy, que debuta en esta programación. En esta ocasión, ambos artistas ofrecerán un repertorio repleto de piezas emblemáticas del género de la canción, que incluye lieder de Franz Schubert y Richard Strauss, junto a mélodies de destacadas compositoras como Lili Boulanger, francesa y primera mujer en ganar el prestigioso Premio de Roma, Cécile Chaminade, o Marguerite Monnot, entre otras. El recital tendrá lugar el lunes 11 de junio, a las 19:30h, en el Teatro de la Zarzuela.

Sabine Devieilhe (Calvados, Francia, 1985) es una de las sopranos más aclamadas del panorama internacional, con interpretaciones y recitales que le han brindado un gran reconocimiento tanto del público como de la crítica. Su nombre es habitual en las programaciones de los principales teatros de ópera del mundo, como la Ópera Nacional de París, la Opernhaus Zürich, la Ópera Estatal de Viena o La Scala de Milán. Junto a Mathieu Pordoy, destacado pianista que colabora habitualmente con Devieilhe, presenta en este concierto un programa que hará un recorrido romántico desde los paisajes austrohúngaros hasta el corazón de Francia.

De los lieder a las mélodies

El recital comenzará con Die Loreley de Franz Liszt, con el que el público del Teatro de la Zarzuela se introducirá en la evocadora e hipnótica música del Romanticismo. La obra captura al máximo la esencia trágica y misteriosa de la leyenda de Loreley, una sirena que con su canto atraía a los navegantes hacia su perdición en el río Rin. Sabine también sorprenderá a los oyentes con Erev shel shoshanim, una transcripción melódica de una pieza tradicional hebrea del compositor Josef Hadar, así como con dos piezas anónimas: Le petit chat triste y Berceuse cosaque, ambas cargadas de un poderoso misterio y de una tierna melancolía.

De forma intercalada, también aparecerá un joven, tranquilo e introspectivo Franz Schubert con Du bist die Ruh y Nacht und Träume, ambas compuestas en 1823. En este programa no podía faltar tampoco uno de los compositores de lieder por excelencia, Richard Strauss, con Meinem Kinde, nº 3 de carácter onírico y Die Nacht, nº 3, con un texto envolvente sobre el poder omnipresente de la noche. Y para cerrar la primera parte, Ein Traum, nº 6 de Edvard Grieg, conun marcado carácter expresivo y una perfecta integración del acompañamiento con la línea vocal.

Tras la pausa, volverá la musicalidad de Richard Strauss sobre textos de Felix Dahn, con tres lieder de su ciclo Mädchenblumen, op. 22, nº 1. A partir de aquí el programa se torna francés con la presentación de tres piezas del ciclo Clairières dans le ciel de Lili Boulanger, que evocan emociones apacibles y fenómenos naturales fugaces. Esta compositora se caracteriza por la fuerte carga emocional de sus piezas y la sencillez de sus melodías. Le sigue Ma première lettre de Cécile Chaminade, talentosa compositora francesa.

Germaine Tailleferre emerge en el programa con tres piezas de su colección Six chansons françaises: “Non, la fidélité…”, “Mon mari m’a diffamée” y “Les trois présents”. En ellas, la compositora usó textos franceses antiguos para abordar temas sentimentales y dedicó cada una de las canciones a una mujer diferente de su entorno. Y para concluir el recital, cargado de absoluta sensibilidad y delicadeza, el dúo interpretará por un lado “Tay toy, babillarde arondelle” de la colección Chansons de Ronsard de Darius Milhaud, quien combina elementos clásicos con el espíritu de la chanson evocando el París de mediados del siglo XX, y por otro, Hymne à l’amour de la compositora del siglo XX Marguerite Monnot.

Programación XXXI Ciclo de Lied 24/25

El veterano Ciclo de Lied celebrará su XXXI edición en el Teatro de la Zarzuela con 7 conciertos. Por primera vez, el ciclo contará con la soprano Patricia Petibon, en una novedosa formación junto a la pianista Susan Manoff y al violonchelista Christian-Pierre La Marca, para interpretar un original repertorio que aglutina desde canciones populares españolas y francesas, hasta autores actuales como Yann Tiersen. Asimismo, debuta en el ciclo el tenor Julian Prégardien, junto al pianista Kristian Bezuidenhout, con uno de los primeros ciclos de lied de la historia, Die schöne Müllerin de Franz Schubert. El ciclo contará también con las jóvenes y brillantes voces del barítono Andrè Schuen, junto a Daniel Heide, en un recital que unirá a Franz Schubert con Gustav Mahler; y del también barítono Konstantin Krimmel, que acudirá con el pianista Ammiel Bushakevitz para cantar a Franz Schubert y Carl Loewe. Visitan nuevamente el ciclo grandes figuras del género como son la soprano Julia Kleiter, con el pianista Michael Gees, y el bajo Franz-Josef Selig, con Gerold Huber al piano. Kleiter interpretará lieder de Richard Strauss, Gustav Mahler y Johannes Brahms junto a una sugestiva aproximación a Arnold Schoenberg, mientras que Selig explorará los imponentes lieder sobre Michelangelo de Dmitri Shostakóvich.

Sabine Devieilhe, soprano

Originaria de Normandía, Sabine Devieilhe estudió primero violonchelo y musicología, antes de dedicarse por completo a sus estudios vocales en el Conservatorio Nacional Superior de París. Poco después de graduarse, fue invitada al Festival de Aix-en-Provence para cantar La finta giardiniera de Mozart, a Montpellier para Lakmé de Delibes y a Lyon para su debut en Die Zauberflöte de Mozart. En 2013 fue nombrada «Révélation Artiste Lyrique» en la vigésima edición de las Victoires de la Musique. Desde entonces, ha actuado en el Teatro de los Campos Elíseos, la Ópera Cómica, el Teatro de la Monnaie de Bruselas, la Ópera de Zúrich, la Ópera Estatal de Viena, La Scala de Milán, la Royal Opera House Covent Garden de Londres, el Festival de Glyndebourne y el Festival de Salzburgo. Devieilhe celebró sus éxitos más recientes en Alcina de Haendel en la Ópera de París, Hamlet de Thomas en la Ópera Cómica, Giulio Cesare de Haendel en el Teatro de los Campos Elíseos e Idomeneo de Mozart en el Festival de Aix-en-Provence. Su temporada 2022-2023 incluyó Dialogues des carmélites de Poulenc en la Ópera Estatal de Viena y Les mamelles de Tirésias de Poulenc y Le rossignol de Stravinski en el Teatro de los Campos Elíseos. En el verano de 2023, Devieilhe debutó en Le nozze di Figaro de Mozart en el Festival de Salzburgo, seguido de Lakmé de Delibes en la Ópera Nacional del Rin de Estrasburgo. En la Ópera Estatal de Baviera, en Múnich, cantó Pelléas et Mélisande de Debussy. En la temporada 2024-2025, Devieilhe interpretará Der Rosenkavalier de Strauss en La Scala de Milán y Pelléas et Mélisande en la Ópera de París. También volverá a interpretar Arabella de Strauss en la Ópera Estatal de Viena. Devieilhe también participa en conciertos, ya sea con obras de Haendel y Bach con el Ensemble Pygmalion y Raphaël Pichon o con obras de Britten con la Orquesta Estatal de Baviera y Vladimir Jurowski. En 2023, debutó con la Filarmónica de Berlín y Maxim Emelyanychev, así como con la Orquesta del Concertgebouw y Klaus Mäkelä. Su primera colaboración con Sir Simon Rattle ha sido en Idomeneo de Mozart. En la temporada 2024-2025, actuará con el Ensemble Pygmalion y Raphaël Pichon en el Réquiem de Brahms, el Réquiem de Fauré, y hará una selección de Hamlet de Thomas. Devieilhe recibirá el Año Strauss 2025 con el Frühlingsstimmen-Walzer, junto a la Orquesta de París y Daniel Harding. Tras publicar su nuevo álbum con obras de Mozart y Strauss, en 2024 aborda un programa de lied que interpretará junto a Mathieu Pordoy en una gira europea. También cantará en París, Viena, Hamburgo, Dortmund y Lausana. Sabine Devieilhe ha participado en una edición del Ciclo de Lied: XXVII (20-21).

Mathieu Pordoy, piano

Natural del suroeste de Francia, es pianista y director vocal, graduado con honores del Conservatoire National de Musique de París. Artista versátil y de renombre, se siente igualmente cómodo tanto en el escenario como tras las bambalinas. Con frecuencia participa como pianista acompañante en recitales y ha actuado con la soprano Sabine Devieilhe, con la que grabó un álbum de canciones de Mozart y Strauss, lanzado por el sello Erato, que ha recibido excelentes críticas de Télérama, Opéra Magazine y Opernwelt, entre otros. Sabine Devieilhe y Mathieu Pordoy forman un excelente dúo que ha actuado en numerosos escenarios internacionales, como el Carnegie Hall, el Musikverein Wien, el Wigmore Hall de Londres, el Concertgebouw de Ámsterdam y la Filarmónica de Berlín. Mathieu Pordoy también colabora con el barítono-tenor Michael Spyres, con quien ha actuado durante años desde su primer recital en la Ópera de Burdeos, lo que los ha llevado a realizar giras por Europa (París, Fráncfort, Roma), Estados Unidos (Nueva York, Washington DC), Canadá (Lanaudière) y Seúl (Corea del Sur). Junto con la soprano Marina Rebeka, grabó el álbum de canciones Voyage(s) para el sello Prima Classic, en colaboración con el Palazzetto Bru Zane. Además, Pordoy ha ofrecido recitales en el Teatro Real de Madrid, el Conservatorio Chaikovski de Moscú, la Salle Gaveau de París o el Palau de les Arts de Valencia, entre otros. Asimismo, ha actuado con el tenor Benjamin Bernheim en el Festival de Salzburgo y el Teatro de los Campos Elíseos, con la soprano Diana Damrau en Hong Kong y con el tenor Pene Pati en Aix-en-Provence y Burdeos. Como director vocal, Mathieu Pordoy es especialista en el repertorio lírico francés, que ha llevado a algunos de los teatros más importantes del mundo, como la Ópera Estatal de Viena, la Ópera de Zúrich, la Ópera de París, el Festival de Aix-en-Provence y la Ópera de Montecarlo, junto a eminentes directores como François-Xavier Roth, Fabio Luisi, Mikko Franck, John Eliot Gardiner, Louis Langrée y Michele Mariotti. Deseoso de transmitir su conocimiento a través de la enseñanza, es invitado a formar a jóvenes cantantes en Canadá, Rusia y en la Academia de la Ópera de París. También es coordinador artístico de la Academia de la Ópera Cómica y consultor de casting de la Ópera de de Dijon y la Ópera Cómica de París. Mathieu Pordoy participa por primera vez en el Ciclo de Lied.

El niño y los sortilegios

El próximo 9 de noviembre se estrenará en el Real Teatro de Retiro una nueva producción de El niño y los sortilegios (L’Enfant et les Sortilèges) de Maurice Ravel (1875-1937), con libreto de la escritora francesa Sidonie-Gabrielle Colette (1873-1954), que esbozó, en apenas una semana, un cuento sencillo, en el cual un niño enrabietado, en la soledad de su habitación, va ordenando sus ideas a través de la imaginación y la fantasía, llenando de sentido su pequeño mundo.

Ravel tomó muy en serio la recreación de este universo infantil, con una orquestación brillante y llena de color y una partitura que mezcla elementos de la música clásica, melodías tradicionales y ritmos de jazz, escrita como un refugio de fantasía después de la primera guerra mundial. La ópera se estrenó en Montecarlo en 1926 y desde entonces se ha incorporado al repertorio lírico infantil y juvenil.

La producción que se presentará en el Real Teatro de Retiro, cantada en castellano, fue concebida como una ópera-estudio en la que todo el equipo artístico, incluyendo los ocho cantantes y los dos pianistas, han creado juntos la dramaturgia, bajo la tutela del director de escena Alfonso Romero.

La soprano Aida Turganbayeva interpreta al niño protagonista; Andrea Rey Gil, mezzosoprano, dará vida a los personajes de Mamá, Taza china y Libélula; Ivana Andrea Ledesma, soprano, será en escena Poltrona, Lechuza y Murciélago; Dragana Paunovic, soprano, interpreta los personajes de Gata y Ardilla. Estíbaliz Martyn, también soprano, será Fuego, Ruiseñor y La princesa de un cuento de hadas. Entre las voces masculinas se encuentran el barítono Gonzalo Ruiz, que dará vida a Sillón y Árbol; Enrique Torres, también barítono, interpretará Gato y Reloj de pie. Por último, el tenor Pablo Puértolas será Tetera, Ranita y Aritmética con momentos realmente exuberantes. Junto a todos los solistas, Samuel Martín y Sergio Berlinches harán sonar el piano como si fuera una encantadora orquesta.

De acuerdo con Alfonso Romero, la producción evoca “la visión cosmológica de un niño de corta edad y su proceso de evolución psicológica desde el egocentrismo propio de su edad hasta el nacimiento de la empatía”.

La dramaturgia, y también la escenografía, “están inspiradas en el teatro de marionetas, de  títeres, el teatro negro, el teatro Kabuki y especialmente el Bunraku, en el que cada títere es manipulado al menos por tres artistas en una perfecta coordinación y fluidez de movimientos.” Así, el público y el niño protagonista verán solamente a los objetos, como si su alma, la música y voz de los cantantes, emanara de los mismos.

El robo de las sabinas

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) inaugura su ciclo Universo Barroco con un importante estreno en tiempos modernos, la recuperación histórica de El robo de las sabinas de Francisco Corselli, uno de los compositores más importantes del Barroco español. De la mano de Alberto Miguélez Rouco, artista residente del CNDM en la temporada 24/25 y una de las voces y batutas más sólidas entre las nuevas generaciones, su prestigioso ensemble Los Elementos y un elenco vocal extraordinario, el público podrá disfrutar en versión de concierto de la única ópera con libreto en castellano conservada hasta la fecha de Corselli. El concierto tendrá lugar el domingo 10 de noviembre, a las 18:00 horas, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música.

Compuesta en 1735, El robo de las sabinas se estrenó en el teatro madrileño de los Caños del Peral por parte de las dos mejores compañías teatrales del momento y con la presencia de algunas de las más destacadas voces de la época. Estructurada en dos actos, siguiendo la tradición teatral española, la ópera narra un conocido episodio mitológico, el secuestro de las mujeres de los sabinos por parte de los fundadores de Roma. Pasiones cruzadas, fiestas paganas y una gran batalla se suceden en una trepidante historia que se articula, principalmente, en torno a los personajes de Rómulo y Eresilea.

Francesco Corselli está considerado uno de los más grandes compositores del Barroco español, junto con José de Nebra. Acababa de llegar de Italia cuando compuso esta ópera. Tras su exitosa carrera en Venecia, donde estuvo en contacto con compositores de la talla de Baldassare Galuppi, Johann Adolf Hasse o Antonio Vivaldi, Corselli llegó a España en 1733 para ser maestro de los infantes. Cinco años después, fue nombrado maestro de la Capilla Real de Madrid, puesto que mantuvo durante más de cuarenta años. En El robo de las sabinas, una obra cargada de recitativos y bellas arias combinadas con ricos pasajes orquestales, su influencia italiana se despliega en todo su esplendor.

Este proyecto se enmarca en las acciones que el CNDM impulsa cada temporada para la difusión del patrimonio musical español; y ha sido posible gracias a la gran labor de investigación y recuperación del manuscrito liderada por Alberto Miguélez Rouco. Según señala este artista, “con esta representación queremos devolver a Francisco Corselli al lugar que se merece en la historia de la música española e internacional, esperando que sea la primera de muchas interpretaciones de sus obras de gran formato”.

Un elenco excepcional

El elenco de esta ópera barroca incluye a grandes voces especializadas como las de las sopranos Jone Martínez (Tacio), María Espada (Elicia), Carlotta Colombo (Eresilea), y Aurora Peña (Justino, Esclavonio, Julieta); así como las de las mezzosopranos Natalie Pérez (Rómulo), Lucía Caihuela (Camilo), y Judit Subirana (Pastelón). Ellas serán las encargadas de recrear el esplendor vocal de la época de Corselli, junto a la agrupación Los Elementos. Este conjunto está compuesto por músicos de diversas nacionalidades, la mayoría de ellos vinculados a la prestigiosa escuela de alto rendimiento y especialización musical Schola Cantorum Basiliensis de Suiza, y tiene entre sus objetivos la interpretación, recuperación y difusión del rico patrimonio musical español, especialmente el del siglo XVIII.

Contextos Barrocos

Como preludio al concierto, a las 17:00 horas tendrá lugar una charla previa en el salón de Actos del Auditorio Nacional de Música en el marco de los “Contextos Barrocos del CNDM”, una serie de encuentros que buscan profundizar en la historia de la ópera y sus intérpretes. Con una duración de 45 minutos, esta sesión permitirá al público sumergirse en el fascinante mundo de El robo de las sabinas, y descubrir las claves para la comprensión de su música y personajes. El encuentro será dirigido por el musicólogo y crítico Mario Muñoz y contará con la participación del director y contratenor Alberto Miguélez Rouco. Entrada entrada libre hasta completar aforo para asistentes al concierto.

Sobre Los Elementos

El Ensemble Los Elementos nace en 2018 con la finalidad de interpretar por primera vez con instrumentos de época la zarzuela Vendado es Amor, no es ciego, del bilbilitano compositor José de Nebra, uno de los mayores exponentes del barroco español. Fundado por Alberto Miguélez Rouco, está compuesto por músicos de diversas nacionalidades, la mayoría de ellos vinculados a la Schola Cantorum Basiliensis de Suiza. Uno de sus principales objetivos es la interpretación, recuperación y difusión del rico patrimonio musical español, especialmente el del siglo XVIII. En 2019 graba esta zarzuela en colaboración con la Schola Cantorum Basiliensis para el prestigioso sello discográfico Glossa, publicado en junio de 2020 y obteniendo excelentes críticas en revistas especializadas tanto nacionales como internacionales. En septiembre de 2020 graban su segundo disco, Cantadas, en el que Alberto Miguélez Rouco recupera cuatro cantadas inéditas para contralto de los maestros Francisco Corselli y José de Nebra. Asimismo interpretan en el Festival de Amigos de la Ópera de La Coruña la zarzuela Vendado es Amor, no es ciego con un gran éxito. En noviembre de 2021 graban para el sello Glossa la zarzuela de José de Nebra Donde hay violencia, no hay culpa, y en 2023 la ópera Venus y Adonis. En marzo de 2023 interpretaron en el Teatro de la Zarzuela Donde hay violencia, no hay culpa, y en junio inauguraron el prestigioso Stockholm Early Music Festival. En el verano de 2024 hacen su debut en los festivales de Innsbruck, Saintes y Prades. Entre sus compromisos de la temporada 2024-2025 se encuentran El robo de las sabinas de Corselli, el Requiem de José de Torres en Versailles o Clori, Tirsi e Fileno de George Frideric Haendel.

Fotografía: Javier Salas

Sobre Alberto Miguélez Rouco, clave y dirección

Nacido en La Coruña en 1994, Alberto Miguélez Rouco comenzó sus estudios de piano a los 8 años, obteniendo el Grado Profesional con Premio Extraordinario en 2012 bajo la tutela de Cristina López. Paralelamente, se formó en canto con el tenor Pablo Carballido del Camino. En 2015 completó sus estudios superiores en la Musik Akademie de Basilea (Suiza) con la mezzosoprano Rosa Domínguez, con quien continúa trabajando. Posteriormente, realizó dos másteres en interpretación y pedagogía del canto, y estudió clave y bajo continuo con Francesco Corti, Giorgio Paronuzzi y Jesper Christensen. En ópera, ha interpretado roles como Ottone en L’incoronazione di Poppea de Monteverdi (Colonia, Valencia), Ascalax en el Orpheus de Telemann con René Jacobs (Basel), Armindo en Partenope de Haendel con William Christie (París, Barcelona, Lucerna, Valencia) y Adelberto en Ottone de Haendel (Innsbruck). También ha trabajado en producciones como La Divisione del Mondo de Legrenzi (Estrasburgo, Versalles, Nancy, Colonia), Il ritorno d’Ulisse in Patria de Monteverdi (Vicenza), Dido y Eneas de Purcell y La flauta mágica de Mozart, colaborando con directores como Jetske Mijnnsen, Anna Magdalena Fitzi y Deda Cristina Colonna. En oratorio, ha interpretado papeles como Amor Celeste en Maddalena ai piedi di Cristo (René Jacobs), la Johannes-Passion de Bach, Israel in Egypt de Haendel, y Il trionfo del Tempo e del Disinganno. Ha cantado obras de Hasse, Pasquini, Haydn, Saint-Saëns y Pergolesi. Asistió a clases magistrales con Mariella Devia, Margreet Honig, Sara Mingardo, Philippe Jaroussky, y ha trabajado bajo la dirección de René Jacobs, William Christie, Georges Petrou y Josep Pons. Ha colaborado con orquestas como Freiburger Barockorchester, Les Arts Florissants, Bach Vereniging y Ensemble Elyma. Ganador del X Jardin des Voix, realizó una gira mundial (2021-2023) con Les Arts Florissants y William Christie, interpretando Armindo en Partenope de Haendel. Desde 2020 forma parte de la Academia Musical de Philippe Jaroussky. Con su ensemble Los Elementos, ha grabado la obra escénica de José de Nebra: Vendado es Amor, no es ciego (2019), Donde hay violencia, no hay culpa (2021) y Venus y Adonis (2023). En 2020 lanzó su primer álbum solista, Cantadas, y en 2023 dirigió la zarzuela Donde hay violencia, no hay culpa en el Teatro de la Zarzuela. En la temporada 2024-2025, será músico residente del CNDM, participando en la recuperación de la ópera El robo de las sabinas de Francisco Corselli y la cantata Clori, Tirsi e Fileno de Haendel. En mayo y junio de 2025, interpretará Giulio Cesare de Haendel en el Liceo de Barcelona bajo la dirección de William Christie. El Ensemble Los Elementos, fundado por Miguélez Rouco en 2018, interpreta zarzuelas del siglo XVIII con instrumentos de época, como las de Nebra. Compuesto por músicos vinculados a la Schola Cantorum Basiliensis, busca recuperar el patrimonio musical español.

Beczala_Piotr

El próximo 3 de noviembre, domingo, a las 18.00 horas, el Teatro Real reunirá en su escenario, dentro del ciclo Voces del Real, a la soprano Sondra Radvanovsky y al tenor Piotr Beczala en un concierto único en el que estas dos grandes voces de la lírica rendirán homenaje al compositor Giacomo Puccini, cuando se cumplen cien años de su fallecimiento.

Radvanovsky y Beczala, protagonistas de tantas funciones inolvidables en el Teatro Real –Aida, Tosca, Un ballo in maschera y el concierto Las tres reinas de Donizetti, en el caso de la soprano, y La damnation de Faust, Faust, Aida, Halka  y dos conciertos, en 2014 y 2021, por parte del tenor- interpretarán emblemáticas arias de las óperas del compositor italiano como Tosca, Manon Lescaut y Le villi, en un concierto cuyo programa se completará con fragmentos de Rusalka, de  Antonín Dvořák, y Andrea Chénier, de Umberto Giordano. (Ver programa adjunto)

La extraordinaria combinación de sus voces y la complicidad de sus personalidades -ambos han actuado juntos en numerosas ocasiones- son el instrumento perfecto para abordar una propuesta que une a tres compositores fundamentales en la historia de la música. A través de sus obras caminaremos hacia el verismo, viviremos pasiones extremas y se liberarán sentimientos básicos, ocultos y descarnados, con arias tantas veces escuchadas, que siempre consiguen despertar la emoción en una unión perfecta de teatralidad y música.

La cita acogerá el debut en el Real de la directora de orquesta canadiense Keri-Lynn Wilson, al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real. La maestra, que ha dirigido las óperas puccinianas en los grandes escenarios líricos del mundo, es también gran conocedora de la obra de Dvořák. Destacada por la crítica por su enorme sensibilidad, sabiduría al mando de la interpretación lírica y capacidad para extraer de las orquestas toda su musicalidad, llega a Madrid con la mejor compañía.

Fotografía: Julia Wesely

Día Mundial de la Ópera

Entre la medianoche del 24 de octubre y la medianoche del  27 de octubre, el Teatro Real ofrecerá  un 35% de descuento en la compra de entradas (con excepción de las zonas F, G y H) para Theodora, de Georg Friedrich Händel, que estará en escena del 11 al 23 de noviembre, en una impresionante nueva producción, con dirección musical de Ivor Bolton y puesta en escena de Katie Mitchell.

También hasta el domingo 27 de octubre, tendrán un 30% de descuento las suscripciones a My Opera Player, plataforma audiovisual del Teatro Real, que cuenta actualmente con un catálogo de más de 300 títulos, incluyendo ópera, conciertos, danza y espectáculos de flamenco.

El Real Teatro de Retiro realizará un sorteo de entradas, a través de Instagram, para el estreno de la ópera El niño y los sortilegios, de Maurice Ravel, primera nueva producción propia de la presente temporada.

El mismo teatro ha preparado, a partir de las 14:00 horas del Día Mundial de la Ópera, una «entrevista performativa» en directo, en Instagram, con Cristina Cubells -la creadora del cuento musical Pinocchio, dónde estás, actualmente en escena-, su mediador, Christian Fernández, y la directora artística del Real Teatro de Retiro, Susana Gómez, en que dialogarán sobre el icónico muñeco de madera.

El Teatro Real anima a todos a escuchar al menos un aria de ópera italiana en el Día Mundial de la Ópera, entrando en My Opera Player, donde podrán encontrar una excelente colección de títulos procedentes del país donde nació este arte, que no deja de crecer, transformarse y actualizarse.

El Teatro Real se une a la celebración del Día Mundial de la Ópera, que se conmemora anualmente el 25 de octubre desde su creación en Madrid, en 2018, durante la primera reunión del World Opera Forum, con la participación de Opera Europa, OPERA América y Ópera Latinoamérica.

Durante los tres días del fin de semana -de la medianoche del jueves, a la medianoche del domingo- se ofrecerá un 35% de descuento en la compra de entradas (con excepción de las zonas F, G y H) para Theodora, de Georg Friedrich Händel, que estará en escena del 11 al 23 de noviembre.

Este maravilloso “oratorio dramático” compuesto por Händel al final de su vida, se presentará en una nueva, impresionante y audaz coproducción del Teatro Real y la Royal Opera House, donde se estrenó, con gran éxito, hace dos años.

En la obra de Händel, Theodora, fervorosa cristiana,  es condenada porque rehúsa participar en los sacrificios en honor a Júpiter. Como castigo  es obligada a prostituirse, “sirviendo” a los romanos que honran a los dioses paganos. Pero en la osada producción que se verá en el Real, la irreverente directora de escena Katie Mitchell rehúye la visión de las mujeres cristianas como mártires pasivas y las convierte en exaltadas guerrilleras que luchan contra el sistema, representado por sus jefes, tiranos que someten a las minorías religiosas.

Un fantástico reparto de grandes cantantes  y también admirables actores (Joyce DiDonato, Julia Bullock, Iestyn Davies, Ed Lyon y Callum Thorpe) defenderá esta producción, cuyas escenas de mayor contenido sexual están concebidas, por primera vez en el Real, con la mediación de una “coordinadora de intimidad”.

También en el marco del Día Mundial de la Ópera, en el  Real Teatro de Retiro se sortearán entradas, a través de Instagram, para El niño y los sortilegios, de Maurice Ravel, que estará en escena entre el 9 y el 24 de noviembre.

Esta nueva producción, concebida para el público familiar (niños y niñas a partir de los 8 años), cuenta con dirección musical de Miguel Huertas, puesta en escena de Alfonso Romero, y un reparto joven y divertido que interpretará a los más increíbles personajes de esta ópera, en la que el niño protagonista convive con la Aritmética, el Fuego, la Princesa, la Mamá, un montón de animales -Libélula, Lechuza, Murciélago, Ranita, Ruiseñor, Ardilla y Gato- y hasta cosas -Taza china, Tetera, Poltrona, Reloj, Árbol y Fuego-, en un asombroso mundo de fantasía, en el que Ravel combina la rica tradición de la música clásica con melodías populares y ritmos de jazz. (Ver Guía Didáctica del espectáculo).

El mismo teatro, el Día Mundial de la Ópera, a partir de las 14:00 horas, se emitirá en directo, en Instagram una «entrevista performativa» con Cristina Cubells, la creadora de Pinocchio, dónde estás (con música de Miquel Ortega), su mediador Christian Fernández, y la directora artística del Real Teatro de Retiro, Susana Gómez.

Con este diálogo se pretende profundizar en el universo recreado en el cuento musical, en escena en el Real Teatro de Retiro hasta el 3 de noviembre, en el que dos cantantes, un pianista y un percusionista presentan un nuevo enfoque del mundo de Pinocho que, acompañado por Arlecchino, Pulcinella y Lucignolo, quiere vender su abecedario a Mangiafuoco, desencadenando un insólito drama. (Ver Guía Didáctica del espectáculo).

Este año el Día Mundial de la Ópera está dedicado a homenajear la práctica del canto de ópera en Italia, declarada Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, por lo que el Teatro Real invita a todos a escuchar, ese día, por lo menos una de las maravillosas arias del país donde nació, en el siglo XVII, un arte que entonces como ahora nos emociona, deleita, divierte, inquieta, hechiza y transforma.

Sonya Yoncheva

La famosa soprano Sonya Yoncheva llega a Madrid el próximo 24 de octubre de 2024 para interpretar Dido y Eneas de Henry Purcell en el Auditorio Nacional de Música junto con la prestigiosa Orquesta y Coro de la Ópera Real de Versalles y bajo la dirección de Stean Plewniak. Será la primera vez que la conocida artista búlgara interprete el papel de Dido en la capital, en un evento que dará el pistoletazo de salida al ciclo IMPACTA, una serie de seis conciertos que incluye a estrellas de la música como el pianista Lang Lang, el contratenor Philippe Jaroussky, el director William Christie o el pianista Arcadi Volodos.

Dido y Eneas también se podrá disfrutar en versión concierto el próximo 26 de octubre en el Auditorio Príncipe Felipe de Oviedo. La obra, que se estrenó con éxito el pasado 7 de octubre en la Opéra national du Capitole de Toulouse, se presentará en versión escenificada en la Ópera Real del Palacio de Versalles los días 18, 19 y 20 de octubre.

Sonya Yoncheva ha interpretado el papel de Didoen el pasadocon Les Arts Florissants y William Christie en Nueva York, Moscú, San Petersburgo y Valladolid, entre otros. Ahora, después de más de diez años, la soprano vuelve a ponerse en la piel de uno de los personajes trágicos más universales de la ópera. Y lo hace acompañada por la extraordinaria Orquesta y Coro de la Ópera Real de Versalles, un conjunto con una fascinante historia que se remonta a la creación de la institución en 1770 por el rey Luis XVI de Francia. Tanto la famosa soprano como la extraordinaria orquesta y coro francesa apadrinarán, con su excepcional calidad artística, la presentación en sociedad del nuevo ciclo de conciertos IMPACTA.

Considerada como la primera ópera nacional inglesa, Dido y Eneas de Henry Purcell es una de las óperas más relevantes del barroco, así como uno de los dramas más conocidos del compositor inglés.

Después del estreno de Dido y Eneas, el ciclo IMPACTA continuará el 4 de noviembre con un recital de Philippe Jaroussky, en el que el reconocido contratenor presentará temas de su nuevo disco Schubert Lieder -además de otras piezas- en una velada única en la que estará acompañado por el pianista Jérôme Ducros. Jaroussky está considerado uno de los mejores contratenores de los últimos tiempos, célebre por su gran maestría técnica y su sorprendente coloratura de voz.

Sobre Sonya Yoncheva

Nacida en 1981 en Plovdiv (Bulgaria), la soprano superestrella Sonya Yoncheva está considerada una de las artistas más aclamadas e impresionantes de su generación.

Ganadora del Opus Klassik 2021 a Cantante del Año, desde su debut se ha convertido en una figura solicitada en los principales escenarios del mundo, entre ellos, la Metropolitan Opera de Nueva York, la Royal Opera House en Londres, el Teatro alla Scala de Milán, el Teatro Real de Madrid o la Ópera de París. Gracias a sus inolvidables interpretaciones de papeles icónicos ha recibido numerosos premios y reconocimientos, además de grandísimos elogios tanto de la crítica como del público. El extenso repertorio de Sonya Yoncheva incluye joyas del canon barroco, así como obras de Bellini, Cherubini, Giordano, Puccini, Tchaikovsky y Verdi.

Aclamada por la belleza extraordinaria de su voz y su excepcional presencia dramática, Sonya es una artista que transciende de la música clásica y llega a una audiencia muy amplía gracias a su carisma y a su modo de conectar con el público. Ha colaborado, por ejemplo, con artistas pop como Sting y Elvis Costello, y ha salido en programas de la Televisión Nacional Búlgara.

Los álbumes en solitario de Sonya como artista exclusiva de Sony Classical incluyen Rebirth, Handel, The Verdi Album o Paris mon amour; sobre Stabat Mater de Pergolesi. Sonya Yoncheva se convirtió en productora en 2020 y creó su empresa SY11 para organizar sus propios conciertos y actividades. Su último álbum en solitario, lanzado en 2023 con su compañía, es The Courtesan. En 2023 lanzó su primer libro con SY11, Fifteen Mirrors: un glamurosa publicación de fotografías de Sonya donde presenta 15 personajes icónicos de la ópera. Y en otoño de 2024 lanzará su primer álbum de recital con SY11, GEORGE.

La conocida artista búlgara se graduó en piano y cantó en su ciudad natal bajo las directrices de Nelly Koitcheva. Posteriormente, obtuvo su Máster en Canto en el Conservatorio de Ginebra, estudiando con Danielle Borst. También es alumna de Le Jardin des Voix del prestigioso director William Christie.

En noviembre de 2021, Sonya Yoncheva se convirtió en embajadora de UNICEF en Bulgaria. Es, además, embajadora mundial de Rolex.

Sobre la Orquesta y Coro de la Ópera Real de Versalles

La Ópera Real del Palacio de Versalles acoge en su prestigioso escenario cien representaciones por temporada musical, por la que suelen pasar todos los grandes nombres e intérpretes internacionales. La Orquesta de esta histórica institución nació en diciembre de 2019 en Versalles para las representaciones de la ópera de John Corigliano Los Fantasmas de Versalles. La Orquesta surgía así con el objetivo de adaptarse a los proyectos artísticos programados en la Ópera Real y a sus artistas invitados. Después, en 2022, hacía su debut el Coro, dotando a la Ópera Real del Palacio de Versalles de una verdadera identidad musical, junto a la orquesta ya existente.

La Orquesta del Palacio de Versalles, compuesta por músicos que trabajan con los principales directores de orquesta, tanto en el repertorio barroco como en el romántico, actúa habitualmente en los conciertos de la Ópera Real.

Entre sus últimos proyectos destacan algunas producciones escénicas de gran envergadura: Giulietta e Romeo de Zingarelli, bajo la dirección de Gilles Rico (octubre de 2023); Don Giovanni de Mozart (noviembre de 2023); la versión francesa de El rapto en el serrallo de Mozart, dirigida por Michel Fau (mayo de 2024) o Gloria e Imeneo de Vivaldi (junio de 2024). Además, la Orquesta suele participar en varios festivales como Uzès, Prades, Sablé-sur-Sarthe, Sisteron o Valloire.

En esta temporada 2024-2025, la Orquesta de la Ópera Real estará muy presente en el foso y en la Capilla con más de veinte producciones para más de cuarenta representaciones, sin contar las giras en Francia y en el extranjero. En particular, participará en la creación y reposición de producciones puestas en escena por la Ópera Real: Dido y Eneas de Purcell, Polifemo de Porpora, Carmen de Bizet, La hija del regimiento de Donizetti y La Senna festeggiante de Vivaldi.

La Orquesta de la Ópera Real graba habitualmente para el sello discográfico Château de Versailles Spectacles. Entre los numerosos proyectos que tienen, destaca Dis-moi Vénus, con arias procedentes de grandes óperas barrocas francesas, con la soprano Marie Perbost; además de Las cuatro estaciones de Vivaldi con Stefan Plewniak, Bastien y Bastienne de Mozart, La Serva Padrona de Pergolesi o El Mesías de Haendel. A pesar de la corta historia del grupo, las grabaciones de la Orquesta de la Ópera Real ya han sido ampliamente galardonadas. Ha recibido, entre otros reconocimientos, la calificación de diamante de Opera Magazine, el Choc de Classica y 5 diapasones.

Ibermúsica

El próximo miércoles 23 de octubre Ibermúsica inaugura la segunda edición del ciclo km0 con un recital de violonchelo y piano protagonizado por Ángel García Jermann y Oleksandra Totkalova.

Los recitales del ciclo km0, de una hora de duración, cuentan con intervenciones y explicaciones de las obras por parte de los artistas y algunos de los compositores del programa. El día 23 pasarán por el escenario de la Sala de Cámara del Auditorio Nacional para ofrecer el contexto y las claves de sus obras los compositores españoles Jorge Fernández Guerra Fantasía para violonchelo y piano«), Consuelo Díez FernándezViento, Silencio, Silente luna«) e Iris Azquinezer Escribano, que presentará el estreno de su obra «Almanzor«, encargo de la Fundación Ibermúsica.

El programa contará, además, con obras de Nadia BoulangerTrois pièces«), Joaquim CassadóPlus ultra, un pensamiento musical«), Ricard Lamote de GrignonTres bagatelas de Fin de Siglo» y «Serenata«) y romanzas de Juan María Guelbenzu y Gerónimo Jiménez.

Comprometidos con el fomento de los talentos nacionales, la Fundación Ibermúsica puso en marcha en 2023 un nuevo ciclo de conciertos denominado km0. Se trata de una programación extraordinaria de conciertos de pequeño formato, con intérpretes de proximidad, obras de recuperación patrimonial de artistas españoles y de nueva creación protagonizados por músicos del país. El repertorio abarca desde el renacimiento hasta la época contemporánea con el fin de dar a conocer un tipo de música desconocida para muchos. El importe para todos los recitales del ciclo es de 15€ por concierto.

ÁNGEL GARCÍA JERMANN

De origen hispano alemán, Ángel García Jermann es uno de los violonchelistas más destacados de su generación en España. Ha sido Catedrático de violonchelo en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid durante 17 años y durante 11 años ha sido Solista de la Orquesta Sinfónica de RTVE. Como solista, en recitales y con diversos conjuntos de cámara ofrece conciertos en diversos países europeos y Latino América. Ha impartido clases magistrales en España, Alemania, Suiza y Polonia.

OLEKSANDRA TOTKALOVA

Natural de Ucrania, Oleksandra Totkalova comienza sus estudios de piano a los cinco años destacando muy pronto en numerosos concursos juveniles tanto nacionales como internacionales. En 2015 se traslada a España para continuar sus estudios y su éxito en concursos internacionales no cesa desde entonces (II Livorno Piano Competition, XVIII Concurso de Jóvenes Intérpretes “CIUTAT DE XÀTIVA”, VI Concurso Internacional “Gran Klavier»…). En 2020 se gradúa con máximas calificaciones en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, y ha ofrecido conciertos y recitales, entre otros, en el Auditorio Nacional de Música de Madrid, en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando o en los festivales SonCello de Galicia y CelloLeón.

Maxim Vengerov

La Fundación Scherzo, en su ininterrumpido esfuerzo por acercar al público español lo mejor del panorama internacional de la música clásica, presenta en su prestigioso ciclo Grandes Intérpretes a uno de los más reconocidos y versátiles violinistas de nuestro tiempo, Maxim Vengerov, acompañado por la Franz Schubert Filharmonia bajo la batuta del talentoso director Tomàs Grau. Este evento de primer nivel tendrá lugar el próximo 21 de octubre en el Auditorio Nacional de Música de Madrid, prometiendo una velada de excepcional calidad artística.

Un programa cargado de virtuosismo y emoción

El programa de la noche incluye tres obras que permitirán al público deleitarse con la maestría técnica y expresiva de Vengerov, así como la impecable dirección de Grau frente a la Schubert Fhilharmonia, orquesta que ha destacado por su profundo respeto por las obras de los grandes maestros de la música clásica.

Concierto para violín y orquesta nº 1, KV 207 – W. A. Mozart

El Concierto para violín nº 1 en si bemol mayor, KV 207, compuesto en 1773, es una de las primeras muestras del virtuosismo de Wolfgang Amadeus Mozart como compositor para violín. Tenía escasos diecisiete años, pese a que ya se pueden observar las bases de su inconfundible estilo. El concierto destaca por su frescura juvenil y vigorosa energía. En tres movimientos, la obra nos
transporta desde un vivaz Allegro moderato hasta el encantador lirismo del Adagio, finalizando con un ágil y brillante Presto. Una pieza que combina destreza técnica y la elegancia característica de la música de cámara mozartiana, que Maxim Vengerov interpretará con su maestría inigualable.

Concierto para violín nº 3 en sol mayor, KV 216 — W. A. Mozart

El Concierto para violín nº 3 en sol mayor, KV 216, compuesto en 1775, es uno de los más populares y emblemáticos de Mozart. Con una estructura clásica en tres movimientos, esta obra es un verdadero testimonio de la madurez temprana de Mozart como compositor. Conocido como el Concierto de Estrasburgo debido a una melodía del último movimiento que recuerda a una danza
popular de la región, se distingue por su equilibrada combinación de elegancia y solidez técnica.

Sinfonía n.º 1 en do menor, op. 68 — J. Brahms

La Sinfonía n.º 1 en do menor, op. 68 de Johannes Brahms, completada en 1876 tras casi 20 años de trabajo, es considerada una obra maestra del repertorio sinfónico. Influenciada por Beethoven, lamnsinfonía muestra un equilibrio entre el rigor estructural y la profunda expresividad. Su primer movimiento es dramático y poderoso, seguido por un andante melódico y sereno. El tercer
movimiento es más ligero, casi pastoral, y el final culmina en un tema triunfal, evocador del estilo beethoveniano. La obra consolidó a Brahms como uno de los grandes sinfonistas del Romanticismo.

Maxim Vengerov: un talento insuperable
Maxim Vengerov, nacido en Novosibirsk en 1974, es una leyenda viva del violín. Desde su temprana infancia demostró un talento extraordinario que le ha llevado a ser uno de los solistas más solicitados del mundo. Su versatilidad le ha permitido sobresalir tanto en el repertorio tradicional como en incursiones en la dirección de orquesta y la enseñanza musical, siendo además Embajador de Buena Voluntad de UNICEF. A lo largo de su carrera ha colaborado con los más grandes directores y orquestas, destacando siempre por su capacidad para conectar profundamente con el público y por una técnica virtuosa que nunca sacrifica la expresividad.

Este concierto representa una nueva ocasión para disfrutar de la maestría de Vengerov en directo, quien ha sido elogiado no solo por su virtuosismo sino también por la pasión y el profundo entendimiento de las obras que interpreta. Su debut en el ciclo de Grandes Intérpretes supone toda una novedad dentro de la programación de uno de los ciclo de piano más antiguos del mundo.

La Schubert Filharmonia y Tomàs Grau
La Schubert Philharmonia es una formación de referencia dentro del panorama musical europeo, caracterizada por su respeto por el repertorio clásico y romántico. Fundada en 2016, ha realizado giras por Europa y ha colaborado con renombrados solistas. Su director, Tomàs Grau, ha sido reconocido por su claridad en la dirección y su capacidad para extraer lo mejor de cada orquesta,
llevando a la Schubert Philharmonia a nuevas alturas interpretativas.

Foto: Davide Cerati

El lago de los cisnes

Entre el 15 y el 22 de octubre el Teatro Real ofrecerá ocho funciones de El lago de los cisnes interpretadas por el San Francisco Ballet, que hace su presentación en Madrid, con la versión coreográfica de Helgi Tomasson sobre este título, clásico entre los clásicos, del ballet.

Será también la primera vez de Tamara Rojo en el Teatro Real como directora artística de la compañía, cargo que asumió en junio de 2022, cuando Helgi Tomasson, después de 37 años al frente del San Francisco Ballet, dejaba el cargo cerrando su última temporada con la producción de El lago de los cisnes que veremos en el Real.

Estrenada en 2009, la coreografía de Tomasson, sobre el original de Marius Petipa y Lev Ivanov, trata de abordar la historia desde otra perspectiva, aportando frescura y acercando el argumento a las nuevas audiencias para hacer más comprensible la narrativa –por ejemplo, con el explícito prólogo sobre la figura de Odette y su destino- pero manteniendo al mismo tiempo la herencia clásica del ballet y el respeto por la coreografía original.

La producción cuenta con un diseño escénico minimalista y un sofisticado vestuario de Jonathan Fenson que, apoyado en la inteligente y delicada iluminación de Jennifer Tripton y las proyecciones de Sven Ortel, consigue un gran efectismo escénico, lleno de momentos sutiles, amplía los límites visuales y ensambla el conjunto de forma que la historia resulta clara y convincente, elegante y contemporánea sin dejar de reflejar los temas y emociones centenarios de la obra. Razones, todas ellas, que han convertido este trabajo en uno de los emblemas del repertorio de la compañía.

Las funciones tendrán en el foso a la Orquesta Titular del Teatro Real dirigida por Martin West, director musical del San Francisco Ballet, con excepción de los días 17 (17.30 h) y 21 de octubre, en los que la parte musical estará a cargo del maestro Ming Luke.

Las bailarinas Sasha de Sola, Wona Park, Nikisha Fogo y Jasmine Jimison, se alternarán en la interpretación del rol principal Odette/Odile. Junto a ellas, Aaron Robison, Wei Wang, Max Cauthorn y Harrison James, darán vida al príncipe Siegfried, y Nathaniel Remez, Jakub Groot y Rubén Cítores encarnarán al malvado Von Rothbart.

La producción contará con la participación de jóvenes alumnos del Conservatorio Profesional de Danza Carmen Amaya, seleccionados en Madrid por la compañía norteamericana.

Imagen © Erik Tomasson

CelsoAlbelo

Con una voz más lírica y expresiva, pero con el mismo carisma y simpatía de siempre, regresa Celso Albelo al Teatro de la Zarzuela en un rol que conoce bien, pues hace once años que, en este mismo Teatro, dio vida a Jorge en “Marina” de Emilio Arrieta. Muchas cosas han cambiado desde entonces pero hay algo que permanece, la melancolía con la que los canarios añoran su tierra, unas Islas Canarias que son toda una multinacional de extraordinarias voces líricas y de la que Celso Albelo es uno de sus máximos exponentes.

Eduardo Guerrero

Su nombre está vinculado a Flamenco Real desde su creación y ha participado en todas sus temporadas, siempre con propuestas personales, arriesgadas y únicas. Ahora Eduardo Guerrero es el encargado de estrenar la séptima temporada de Flamenco Real con su nuevo espectáculo Códigos, en el que explora las reglas tradicionales del flamenco mostrando la esencia de su estilo, que fusiona una técnica impecable y elegante con la emoción del flamenco puro.

Las funciones para este nuevo espectáculo tendrán lugar los días 16, 17 y 18 de octubre a las 20:00 horas y el 19 de octubre, a las 19.30 y a las 21.30 horas, en el Salón de Baile del Teatro Real, y en ellas estará acompañado por Benito Berbal, a la guitarra, y Antonio Carmona, a la percusión, junto a las voces de Pilar Sierra, habitual colaboradora del bailaor, y Anabel Rivera, cantaora destacada por su estilo apasionado y profundo.

Eduardo Guerrero llega al Teatro Real en un momento cúspide de su creación artística tras recibir el pasado lunes 30 de septiembre el Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid en la categoría de Danza por su gran trayectoria coreográfica y su contribución al desarrollo sociocultural de la región. El bailaor, que acaba de presentar un montaje innovador junto al Ballet Nacional de Canadá en el Museo Aga Khan de Toronto, tiene en el Teatro Real el escenario donde mostrar al público madrileño su inconfundible estilo. Con su baile definido, en el que deconstruye las raíces flamencas para dibujar un universo modelado por sus experiencias vitales, y una concepción del espectáculo en el que cuida la puesta en escena, la elección de las canciones y el diseño del vestuario, se ha convertido en el nombre del nuevo flamenco.

Códigos es un espectáculo que reflexiona sobre cómo, en su origen, leyes y códigos nos defendieron de la barbarie, pero también contribuyeron a amordazarnos, o, quizá, nos salvaron. Llevando al extremo la rítmica, el trabajo físico y la descomposición de la escena, Eduardo Guerrero muestra su código flamenco, del valor del cuerpo, de sus luces y sombras, de su delicadeza y desarrollo. Con este espectáculo quiere mostrar la intangibilidad de la danza, la delicadeza de los acordes en la guitarra, el cante puro y la percusión como símbolo primitivo, la irrealidad del arte que conecta con el misticismo… Un mundo cargado de significados ambiguos y de comprensión irracional. Los códigos hechos realidad.

El bailaor gaditano siempre se ha sentido un ser libre. No es de estirpe gitana, no ha crecido en el seno de una familia de artistas,  su sed de baile nace de un impulso íntimo, de la necesidad de expresarse a través del cuerpo desde la cultura de su tierra, ese Cádiz natal donde comenzó a formarse y donde dio sus primeros pasos en la escuela de Carmen Guerrero con tan solo seis años. Entendió desde el principio que el flamenco es una manera de contar y de mostrar el mundo y que su generación tiene otras inquietudes y unos problemas muy distintos de los de antaño, por eso arriesga, evoluciona, apuesta y desnuda su alma ante el público.

Eduardo Guerrero ha trabajado con grandes artistas del panorama nacional desarrollando papeles principales en la Compañía de Aida Gómez, Eva La Yerbabuena, Rocío Molina, el Ballet Nacional de España, Javier Latorre o Rafael Aguilar. En 2011 obtiene el Premio Concurso Coreográfico Conservatorios Profesionales con su coreografía “Mayo” y, poco después, se suceden los reconocimientos: Premio Desplante del Festival de las Minas de la Unión (2013); Premio del Público del Festival de Jerez, espectáculo Guerrero (2017); Premio Pata Negra (2018) y Premio Fiver, Internacional Dance Film Festival, con Symphony of the body (2019).

Es uno de los artistas más asiduos en las temporadas de Flamenco Real, ha participado en dos de las giras internacionales organizadas por el Teatro Real bajo el título de Authentic Flamenco, cosechando un gran éxito y reconocimiento en diversas ciudades de India y Brasil.

Homenaje de Flamenco Real

Flamenco Real rinde homenaje, en su séptima temporada, a dos grandes leyendas del flamenco: el guitarrista Víctor Monje “Serranito” y la bailaora Francisca Sadornil “La Tati”.

Víctor Monge, Serranito, Madrid, 1942. Guitarrista y compositor madrileño, es considerado uno de los grandes virtuosos del flamenco y la guitarra española, con una carrera que comenzó a los 8 años. Autodidacta y pionero, ha sido fundamental en la evolución del flamenco y ha logrado reconocimiento incluso en el ámbito de la música clásica. Con más de 60 años de trayectoria y 20 trabajos discográficos, se le ha otorgado la Medalla de Oro de las Bellas Artes (2019) y está realizando su gira de despedida, «Como un Sueño», celebrando 65 años en los escenarios.

Francisca Sadornil, La Tati, Madrid, 1945. Bailaora de flamenco, a lo largo de su carrera, ha sabido conjugar la tradición flamenca con una sensibilidad artística única, cautivando al público con su presencia escénica y dominio técnico. Su trayectoria incluye actuaciones en prestigiosos teatros y colaboraciones con grandes artistas del flamenco. Sadornil se ha consolidado como una embajadora de la cultura flamenca, llevando su arte por el mundo. Es miembro del Consejo Internacional de la Danza de la Unesco.

Fotógrafo © Juanlu Vela

Tezier

El recital que Ludovic Tézier nos brindó el pasado 3 de octubre en el Teatro Real, tenía como primer atractivo la original selección de obras, ya que no suelen ser las más habituales en este tipo de recitales, con una primera parte dedicada al repertorio francés y una segunda parte dedicada íntegramente a Wagner. 

Domina, como no puede ser de otra manera, el repertorio francés. Empezó con una extraordinaria versión de “Scintille, diamant”, de Les contes d’Hoffmann de Offenbach, con una delicada y luminosa interpretación.

Continuó con Sois “immobile”, de Guillaume Tell de Rossini, interpretada con el nervio y la contundencia de su voz baritonal, terminando esta primera parte con “Qui donc commande quand il aime?”, de Henry VIII de Saint-Saëns y “Voici donc la terrible cité”, de la Thaïs de Massenet. Fue en  estas dos versiones en las que Tézier demostró su capacidad dramática. A su riqueza timbrica y voz voluminosa, se unen unos bajos profundos y potentes y un centro y agudos baritonales ricos en colores y densidades. Posee un registro amplio que le permite abordar ciertos roles wagnerianos, como demostró en la segunda parte del recital.

Comenzó esta segunda parte con “O du mein holder Adendstern”, del Wolfram de Tannhäuser, para llegar a los dos monólogos más importantes de Wotan, “Abendlich strahlt der Sonne Auge”, de Das Rheingold y “Wotans Abschied und Feuerzauber”, de Die Walküre, donde tuvo sus momentos de mayor lucimiento, tanto en lo vocal como en la interpretación. Su ascenso al Wallhala fue conmovedor, con variedad de matices, amplia tesitura y una gran carga de profundidad. 

La sorpresa de la noche vino de la mano del joven director berlinés Marcus Merkel (1991), al frente de la Orquesta Titular del Teatro, ya que una parte importante del recital tuvo como protagonista obras orquestales de los mismos compositores. Empezaron con una obra animada, la Obertura de La perle du Brésil, de Félicien David. Seguido de la “Bacanal” de Samson et Dalila, para terminar esta primera parte con la “Meditación” de Thais.

La segunda parte de la orquesta también estuvo protagonizada por Wagner. Empezaron con el preludio de Los maestros cantores, que tienen muy reciente, para terminar con la Cabalgata de las Walquirias. La orquesta sonó homogénea y elegante, con un sonido limpio y mostrando la personalidad de cada obra. Muy bien los solistas, sobre todo el primer violín en la pieza de Massenet.

Las propinas no se quedaron atrás en este despliegue vocal y orquestal. Después del intenso y emocional repertorio francés y de la exigencia de Wagner, Tézier se marcó el aria final del Macbeth verdiano y una conocida canción Del hombre de La Mancha.

Un recital que terminó con el público en pie ante el alarde vocal y la presencia escénica que siempre nos ofrece un grande como Lusovic Tézier.

Fotografía © Javier del Real | Teatro Real

Cuarteto Belcea

El prestigioso Cuarteto Belcea inaugurará la temporada 24/25 del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en el Auditorio Nacional de Música con dos obras maestras del repertorio de música de cámara junto con la reconocida violista Tabea Zimmermann, estrella indiscutible del instrumento y una de las intérpretes más solicitadas internacionalmente. El programa incluye dos quintetos de Wolfgang Amadeus Mozart. El concierto tendrá lugar el viernes 11 de octubre, a las 19:30 horas, en el marco del ciclo Liceo de Cámara XXI del CNDM, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música.

El programa se abrirá con el Quinteto de cuerda n.º 2 en do menor, K 406 de Mozart, que constituye la transcripción de la conocida Serenata para instrumentos de viento, K 388. Este quinteto, que contiene vibrantes y enérgicos pasajes, es un ejemplo de la maestría del compositor austríaco en la elaboración contrapuntística así como de su capacidad para describir, a través de la música, estados de ánimo diversos y contrapuestos. Por su parte, el Quinteto de cuerda n.º 3 en do mayor, K 515 se concluyó justo antes de que el compositor comenzara a trabajar en la famosa ópera Don Giovanni, con cuyos pasajes más solemnes y majestuosos comparte ciertas similitudes. Junto con el quinteto anterior, es una de las obras cumbre del periodo pletórico de la creación mozartiana.

De la mano del Cuarteto Belcea y Tabea Zimmermann, el público podrá asistir a una velada que promete ser una de las grandes citas musicales de la nueva temporada del CNDM. Formado en 1994, el Belcea es uno de los cuartetos más sobresalientes del panorama actual. La formación está integrada por la violinista rumana Corina Belcea, la violinista coreano-australiana Suyeon Kang, el violista polaco Krzysztof Chorzelski y el chelista francés Antoine Lederlin, músicos que cuentan con orígenes artísticos diferentes para crear una excelencia única. El cuarteto se caracteriza por su virtuosismo interpretativo en perfecto equilibrio con una expresividad inigualable, un elemento que también caracteriza a la violista Tabea Zimmermann, quien ha figurado durante más de cuatro décadas entre las principales violistas de su tiempo.

Liceo de Cámara XXI

El ciclo Liceo de Cámara XXI del CNDM estará compuesto por 12 conciertos de los mejores cuartetos y solistas del momento. Por primera vez, nos visitará la violista española Sara Ferrández, en compañía del violinista Yamen Saadi (concertino de la Filarmónica de Viena) y el violonchelista Kian Soltani, este último fiel colaborador del maestro Daniel Barenboim. Interpretarán en formato trío las famosísimas Variaciones Goldberg. Soltani también nos visitará junto al pianista Mao Fujita y el violinista Renaud Capuçon. El tercer trío destacado será el de Vilde Frang y Valeriy Sokolov junto al violista Lawrence Power. El cuarteto integrado por el pianista Jonathan Biss, la violinista Liza Ferschtman, la violista Malin Broman y el violonchelista Antoine Lederlin interpretará, entre otras, una pieza de Fanny Hensel-Mendelssohn. Esta constante incorporación de repertorio de mujeres compositoras en el ciclo se podrá apreciar también en el concierto que ofrecerá la pianista Judith Jáuregui junto al Cuarteto Gerhard, con un programa que incluye el quinteto para piano de Amy Beach, una de las más destacadas compositoras y pianistas estadounidenses del pasado reciente. Contaremos, nuevamente, con los mejores cuartetos del panorama actual, como el Cuarteto Casals y el Cuarteto Cosmos, el Cuarteto de Cuerda de la Staatskapelle Berlin junto a la pianista Elisabeth Leonskaja o el Cuarteto Belcea con la violista Tabea Zimmermann, que nos visita en esta ocasión. A dúo disfrutaremos de la violinista Patricia Kopatchinskaja y la violonchelista Sol Gabetta, o del violonchelista Gautier Capuçon con el pianista Alexandre Kantorow, en su debut en el CNDM. Por último, contaremos con un concierto extraordinario que acogerá, por primera vez en esta programación, la visita de la arrolladora violinista Janine Jansen junto al pianista Denis Kozhukhin.

Sobre el Cuarteto Belcea

Pasión, unida a precisión, expresividad inaudita y emoción pura caracterizan los conciertos del Cuarteto Belcea. Con la violinista rumana Corina Belcea, la coreano-australiana Suyeon Kang al segundo violín, el violista polaco Krzysztof Chorzelski y el violonchelista francés Antoine Lederlin, cuatro procedencias artísticas diferentes se encuentran y se unen para crear una excelencia única. El repertorio del conjunto abarca desde Haydn, Mozart y Beethoven hasta Bartók, Janacek y Szymanowski. También siguen presentando al público nuevas obras de compositores actuales como Guillaume Connesson (2023), Joseph Phibbs (2018), Krzysztof Penderecki (2016), Thomas Larcher (2015) y Mark-Anthony Turnage (2014 y 2010). Esta temporada se estrenará una nueva obra de Julian Anderson. Estas obras de encargo se crean en asociación con el Belcea Quartet Trust, la propia fundación del cuarteto, cuyo objetivo es ampliar continuamente la literatura del cuarteto de cuerda, así como apoyar a los cuartetos jóvenes a través de sesiones concentradas de ensayo conjunto. De este modo, también pueden transmitir a la siguiente generación la experiencia que adquirieron como alumnos del Cuarteto Amadeus & Alban Berg. Además de las grabaciones completas de los Cuartetos de cuerda de Bartók, Beethoven, Brahms (Diapason d’or de l’année 2016) y Britten, la amplia discografía del cuarteto incluye obras de Berg, Dutilleux, Mozart, Schoenberg, Schubert, Shostakóvich, Janáček y Ligeti (entre otros). De 2017 a 2020, el cuarteto ocupó el prestigioso puesto de Ensemble en Residencia en la Sala Pierre Boulez de Berlín. Desde entonces, han actuado allí con regularidad. Además, el Cuarteto Belcea ha formado parte de una serie compartida de Cuartetos de Cuerda en el Konzerthaus de Viena desde 2010. A partir de la temporada pasada, el Cuarteto Ébène se convirtió en su conjunto asociado. Esta temporada, el Cuarteto Belcea actuará como invitado en las tres importantes bienales europeas de cuartetos de cuerda de París, Lisboa y Ámsterdam. Además, actuarán en varias salas de prestigio, como el Carnegie Hall de Nueva York, la Elbphilharmonie de Hamburgo, el Flagey de Bruselas, el National Concert Hall de Dublín, la Tonhalle de Zúrich, el Toppan Hall de Tokio o el Auditorio Nacional de Música de Madrid.

Sobre Tabea Zimmermann

Durante más de cuatro décadas, Tabea Zimmermann ha figurado entre las principales violistas de su tiempo. Ha grabado casi todo el repertorio para su instrumento, y compositores como György Ligeti, Wolfgang Rihm y Georges Lentz le han dedicado obras. Más allá de su papel como intérprete, se considera a sí misma una gran colaboradora del mundo musical. Fue la profesora más joven de Alemania y ha formado a toda una generación de violistas. Como presidenta de la Fundación Hindemith y (desde julio de 2023) de la Fundación Musical Ernst von Siemens, apoya a jóvenes artistas, especialmente en el sector de la Nueva Música. Con su propia fundación, apoya específicamente proyectos innovadores e interculturales. Por supuesto, sigue actuando como solista y músico de cámara. Tras su residencia con la Filarmónica de Berlín y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, la Orquesta de Cámara de Saint Paul ha nombrado a Zimmermann Directora Artística durante tres años. Además, en su agenda figuran actuaciones como invitada en Japón, conciertos de retrato en el Festival SWR de Schwetzingen y esta gira europea con el Cuarteto Belcea.

Fotografía: Maurice Haas

Ivo Pogorelich

El próximo 16 de octubre de 2024, a las 19:30h, la Fundación Scherzo tiene el honor de presentar en su Ciclo de Grandes Intérpretes al legendario pianista Ivo Pogorelich, una de las figuras más influyentes y controvertidas del piano contemporáneo. El concierto tendrá lugar en el Auditorio Nacional de Música de Madrid, en el marco de este prestigioso ciclo que celebra su 30ª edición.

Desde su irrupción en el panorama musical en los años 80, Pogorelich ha cautivado a la crítica y al público por su extraordinaria técnica, su enfoque profundo y emocional, y su inconfundible estilo interpretativo. Su regreso a este ciclo marca una oportunidad única para los amantes de la música clásica de experimentar su singular visión artística en directo.

El Ciclo de Grandes Intérpretes de la Fundación Scherzo, reconocido por traer a los más destacados pianistas del mundo, ha contado a lo largo de su historia con figuras como Grigory Sokolov, Maurizio Pollini y Maria João Pires, consolidándose como una de las citas imprescindibles de la música clásica en España.

Sobre el artista Ivo Pogorelich, nacido en Belgrado, alcanzó fama internacional en 1980 tras su controvertida participación en el Concurso Chopin de Varsovia, donde, a pesar de no haber recibido un premio, su actuación generó una polémica que lo catapultó a la fama. Desde entonces, ha sido aclamado por su estilo interpretativo único y su habilidad para aportar nuevas perspectivas a los grandes clásicos del repertorio pianístico.

Para esta cita tan esperada, el pianista ruso ofrecerá un recital con obras de Chopin, Sibelius, Schumann… Comenzando por el Preludio en Do sostenido menor, Op. 45 de Chopin, obra breve pero intensa, de tonalidad sombría y una complejidad armónica que hacen de este preludio una joya del repertorio romántico. A continuación, interpretará otro de los epítomes románticos: los Estudios Sinfónicos, Op. 13 de Schumann, una de las grandes contribuciones al repertorio pianístico, formada por toda una serie de variaciones entre las que se incluirán las menos interpretadas variaciones póstumas.

La segunda parte estará marcada por el Valse Triste, Op. 44 de Sibelius: originalmente parte de la música incidental para la obra de teatro Kuolema, este vals es una pieza melancólica que refleja la profunda tristeza y la sensación de pérdida que caracteriza muchas de las obras de Sibelius.

Por último, los Seis Momentos Musicales, D 780 (Op. 94) de Schubert, instantes musicales evocadores que demuestran el lirismo y la simplicidad de del genio de lied. Cada una de ellas captura un estado de ánimo o momento diferente, desde la serenidad hasta la agitación, destacando la habilidad de Schubert para expresar una gama de emociones en un formato breve.

De esta forma, Ivo Pogorelich vuelve al Ciclo de Grandes Intérpretes en la que será su 8ª participación. El mes de octubre proseguirá con una de las grandes novedades dentro de nuestra programación: el concierto del violinista Maxim Vengerov y la Franz Schubert Filharmonia el 21 de este mes.

Fotografía: Bernard Martinez

Adriana Lecouvreur
Marina

El Teatro de la Zarzuela comienza la nueva temporada con un título que el aficionado siempre agradece y disfruta con especial emoción. Se trata de ‘Marina’, la ópera en tres actos que Emilio Arrieta estrenara allá por 1871 en el Teatro Real de Madrid (dieciséis años antes había visto la luz en formato de zarzuela), con libreto de Francisco Camprodón y Miguel Ramos Carrión.

A lo largo de los 168 años de historia del Teatro de la Zarzuela (que se cumplen este próximo mes de octubre), ‘Marina’ —junto con ‘El barberillo de Lavapiés’, ‘Jugar con fuego’, ‘El dúo de «La africana»’ o ‘La Gran Vía’— es uno de los títulos con mayor presencia en este escenario. Pero la de Arrieta, con gran diferencia y como vuelve a ser el caso, ha protagonizado más estrenos de temporada que ninguna otra obra lírica. Sin lugar a dudas, una perla musical dentro de la vertiente española del género,

La producción que presenta estos días la Zarzuela en 10 funciones del 9 al 20 de octubre, es una nueva y deslumbrante producción con dirección de escena de la siempre cautivadora Bárbara Lluch, que tan buen sabor de boca dejó al público de este mismo teatro con sus montajes de ‘La casa de Bernarda Alba’ (2018) y ‘El rey que rabió’ (2021).

Para la ocasión, frente a la Orquesta de la Comunidad de Madrid (Titular del Teatro) ocupará el foso José Miguel Pérez-Sierra (Maestro titular de la casa), uno de nuestros directores más cosmopolitas y unánimemente celebrados.

El reparto que subirá a escena junto al Coro Titular del Teatro de la Zarzuela dirigido por Antonio Fauró, está integrado por grandes figuras internacionales como son las sopranos Sabina Puértolas y Marina Monzó (las dos “Marinas”, enamoradas en secreto del joven marino Jorge), los tenores Ismael Jordi y Celso Albelo (en el papel del capitán de buque Jorge. Enamorado a su vez y también de forma furtiva de Marina, ambos jóvenes ven peligrar su futuro por medias palabras y malos entendidos), los barítonos Juan Jesús Rodríguez y Pietro Spagnoli (que encarnan el rol del contramaestre Roque, un personaje desengañado que recurre al alcohol como refugio, y que al cabo es quien intuye los problemas y trata de poner orden en el enredo) o los bajos Rubén Amoretti y Javier Castañeda (que hacen las veces de Pascual, el tercero en discordia en esta historia de amores secretos a la orilla del mar). También participa en la producción la Rondalla Lírica de Madrid «Manuel Gil» dirigida por Antonio Ortega.

La propuesta cuenta con la sensibilidad y la belleza escenográfica de Daniel Bianco, la imaginación y la creatividad del vestuario de Clara Peluffo Valentini, el romanticismo de la iluminación de Albert Faura, y el inteligente e impactante diseño de videoproyeccciones de Pedro Chamizo.

Fuertes emociones y belleza

Bárbara Lluch dirige el punto de mira de su ‘Marina’ a un lugar muy concreto. Según avanza la obra, vemos como los personajes «se mueven entre el miedo al rechazo, al abandono, la inseguridad, los celos, los complejos o la incertidumbre»; esas emociones que «complican nuestras relaciones amorosas continuamente y que tanto daño nos hacen». Para Lluch, la obra contiene también «las músicas más bellas del mundo». Emociones y melodías se dan por tanto la mano en esta sobrecogedora historia de amores y mar.

Por su parte, José Miguel Pérez-Sierra, quien conoce bien la obra de Arrieta, considera que ‘Marina’ «es la ópera idónea para una inauguración brillante de la temporada porque requiere de grandes voces como las que tenemos en los dos repartos». Y es que «la frescura juvenil de la historia se combina con el excelente trabajo vocal y orquestal de Arrieta para ofrecernos una de las obras más bellas del repertorio español».

Sin duda, una forma magnífica de comenzar la temporada.

Ludovic Tézier

El próximo jueves, 3 de octubre, a las 19.30 horas, el Teatro Real ofrecerá el tercer concierto lírico de su Temporada 2024-2025, esta vez con el barítono Ludovic Tézier y la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Markus Merkel, que debutará en el Real.

El programa, que alterna arias y obras orquestales, tiene dos partes muy distintas: en la primera Ludovic Tézier interpretará arias de ópera francesa, repertorio que domina y cuyos papeles protagonistas para barítono se ajustan a su voz poderosa y a su timbre cálido y oscuro, que, unido a una técnica impecable, le permiten afrontar roles muy diversos. La segunda parte será íntegramente dedicada a Wagner, con escenas de Tannhäuser, El oro del Rin y La valquiria.

El concierto comienza con el perfume tropical de la obertura de La perle du Brésil, de Félicien David (1810 – 1876), con el exotismo del gusto francés de fin de siécle y la clara influencia de Berlioz o Meyerbeer. Le sigue la primera aria, «Scintille, diamant» de Les contes d’Hoffmann, de Jacques Offenbach (1819 – 1880), en la que Tézier da vida a Nicklausse, cantando el amor y al arte, “deslumbrantes como un diamante”, para animar a Hoffmann en medio de sus desventuras. La orquesta continúa con el intermezzo del acto IV de la misma ópera, en unas páginas teñidas de melancolía y delicada orquestación que expresan la lucha interna de Hoffmann, entre la emoción y la razón.

Cambiando completamente de registro, en el aria «Sois immobile», Guillermo Tell, en la ópera homónima de Giacomo Rossini (1792 – 1868), le pide a su hijo que permanezca inmóvil mientras él se prepara para disparar una flecha a una manzana colocada sobre su cabeza, como parte de un cruel castigo impuesto por el gobernador. Es un momento lleno de tensión dramática, con el eterno conflicto entre el amor paterno y el deber político.

Después de la «Bacchanale» de Samson et Dalila, de Camille Saint-Saëns (1835 – 1921), pieza orquestal llena de contrastes, quizás el punto culminante de la ópera, anticipando la inevitable caída de Sansón, Tézier vuelve a enfundarse el traje de un rey, ahora como Enrique VIII en la ópera homónima de Saint-Saëns, reflexionando sobre el poder y el amor.

La primera parte concluye con Thaïs, de Jules Massenet (1842 – 1912). Después de la célebre «Méditation» pieza orquestal, in

La Orquesta Titular del Teatro Real inicia la segunda parte con el Preludio de Los maestros cantores de Núremberg, de Richard Wagner (1813 – 1883), que evoca, a través de una riquísima orquestación, la vida cotidiana de Núremberg, con su herencia cultural y sus tradiciones.

Le sigue «Wie Todesahnung… O du mein holder Abendstern», aria de Tannhäuser en la que Wolfram von Eschenbach expresa su amor idealizado por Elisabeth, a través de un ambiente etéreo que evoca la comunión espiritual entre ambos.

Sonará entonces la popular «Cabalgata de las valquirias», que antecederá al crucial monólogo de Wotan  «Abendlich strahlt der Sonne Auge» de El oro del Rin.

El concierto concluirá con otra conocida escena de la Tetralogía: la emocionante y trascendente «Wotans Abschied und Feuerzauber», en el final del tercer acto de La valquiria, en la que Wotan, profundamente dolido, se despide y castiga a su amada hija Brünnhilde, quien le ha desobedecido, en una profunda reflexión sobre el sacrificio y el destino.

PROGRAMA

Ludovic Tézier, barítono

Orquesta Titular del Teatro Real

Marcus Merkel, director de orquesta

PARTE I

FÉLICIEN DAVID (1810 – 1876)

La perle du Brésil

Obertura

JACQUES OFFENBACH (1819 – 1880)
Les contes d’Hoffmann

«Scintille, diamant»

Intermezzo del acto IV

GIOACHINO ROSSINI (1792 – 1868)
Guillaume Tell

«Sois immobile»

CAMILLE SAINT-SAËNS (1835 – 1921)
Samson et Dalila

«Bacchanale»

Henry VIII

«Qui donc commande quand il aime?»

JULES MASSENET (1842 – 1912)
Thaïs

«Méditation»

«Voici donc la terrible cité»

PARTE II

RICHARD WAGNER (1813 – 1883)
Die Meistersinger von Nürnberg

Preludio

Tannhäuser

      «Wie Todesahnung… O du mein holder Abendstern»

Die Walküre

«Cabalgata de las valquirias»

Das Rheingold

«Abendlich strahlt der Sonne Auge

Die Walküre

«Wotans Abschied und Feuerzauber» Wotan

BIOGRAFÍAS

LUDOVIC TÉZIER, barítono

Este barítono francés formado en Marsella y París actúa regularmente en escenarios como la Metropolitan Opera House de Nueva York, la Staatsoper de Viena, la Opéra national de París, el Teatro alla Scala de Milán, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, el Grand Téâtre de Ginebra, la Royal Opera House de Londres, la Bayerische Staatsoper de Múnich, la Deutsche Oper y la Staatsoper de Berlín, así como en los festivales de Salzburgo Aix-en-Provence y Savonlinna. Ha destacado en los grandes roles verdianos, como los titulares de Macbeth, Rigoletto y Simon Boccanegra, Renato de Un ballo in maschera, Ford de Falstaff, Germont de La traviata, Posa de Don Carlo y Don Carlo de La forza del destino, así como los titulares de Hamlet, Werther y Eugenio Oneguin, el conde de Le nozze di Figaro, Yeletsky de La dama de picas, Wolfram de Tannhäuser, Scarpia de Tosca, Amfortas de Parsifal, Athanaël de Thaïs y Barnaba de La Gioconda. En el Teatro Real ha participado en Un ballo in maschera (2008), Le nozze di Figaro (2009), I puritani (2016), Il trovatore (2019) y Rigoletto (2023).

MARCUS MERKEL, director de orquesta

Este director de orquesta berlinés estudió dirección, composición, piano y canto en su ciudad natal, además de formarse como pianista de jazz y aprender contrabajo y saxofón. Ganador de varios concursos de composición en Alemania y Austria, fundó, aún como estudiante, La Joven Filarmonía de Berlín, de la cual sigue siendo director artístico. Kapellmeister de la Ópera de Graz desde la temporada 2015/16, dirigió en esta sede alrededor de 40 representaciones por temporada, con un repertorio sumamente variado. Desde la temporada 2022/23 es director musical del Theater Koblenz en Alemania, donde debutó con Parsifal y ha dirigido sendas producciones de Der Freischütz, La traviata, Nixon in China, Ariadne auf Naxos y La clemenza di Tito. En los últimos veranos ha

dirigido representaciones televisadas de Tosca, Carmen y Der Ring des Nibelungen en Graz, junto a artistas como Elīna Garanča, Erwin Schrott, Bryn Terfel, Ludovic Tézier, Ramón Vargas, Klaus Florian Vogt y Michael Volle. Como invitado, ha dirigido numerosos conciertos sinfónicos por toda Europa.

David et Jonathas

No son muchas las ocasiones en las que podemos disfrutar del barroco francés. Después de escuchar la temporada pasada Medea, el Teatro Real ha estrenado el pasado 27 de septiembre, una de las joyas de Marc-Antoine Charpentier (1643-1704), la tragedia bíblica en cinco actos con prólogo, “David et Jonathas”, que cuenta una de las relaciones más emblemáticas del Tanaj, también conocido como Mikrá, que es el conjunto de los veinticuatro Libros Sagrados canónicos en el judaísmo y que se basa en el amor, la fe y la lealtad.

El libreto es obra del religioso jesuita François de Paule Bretonneau (1660-1741), y narra la amistad entre los adolescentes David, el rey David, hijo menor del pastor Jesé, criado por el rey Saúl, y Jonathas, hijo mayor de Saúl.

David y Jonathas se aman desde que se conocieron, se juran amistad eterna provocando los celos y la furia de Saúl, que intenta matar a David, pero finalmente se reconcilian. Sin embargo, el dolor vuelve a interponerse entre los dos amigos cuando Jonathas es vilmente asesinado por los filisteos, provocando el inconsolable sufrimiento de David: “tu amor fue para mí más maravilloso que el amor de las mujeres”.

Fue precisamente gracias a los jesuitas y a su aprecio por las artes, por lo que Charpentier desarrolló el gusto por las composiciones de Historias Sagradas. Supo utilizarlas para ofrecer otro tipo de representaciones teatrales, ya que en aquel momento era Lully quien tenía el monopolio de la teatralización.

Se ha estrenado en versión de concierto con el Ensemble Correspondances, dirigido por un dinámico Sébastien Daucé. Con un control y conocimiento absoluto de la partitura, supo extraer de la orquesta todos los matices y riqueza armónica que atesora la obra.   

El joven tenor checo Petr Nekoranec ha ofrecido una extraordinaria versión de David, con una gran amplitud de registro, brillando especialmente en los agudos de cabeza, sin descuidar los graves.

Lucile Richardot estuvo muy convincente en el rol de pitonisa, gracias a su original timbre y capacidad teatral.

La soprano francesa Gwendoline Blondeel, con un timbre cristalino y una emisión delicada, supo también demostrar el dramatismo y desgarro del personaje en su canto final.

El bajo Lysandre Châlon abordó con gran solvencia y aplomo sus dos personajes, dotando a cada uno de personalidad, con una voz oscura y compacta.

El resto del reparto, incluido el coro, demostró su maestría en el desarrollo de una obra compleja, que no resulta fácil abordar sin elementos escénicos. Demostraron un total dominio de la obra, ofreciendo una variedad tímbrica de voces e instrumentos de época. Los violines, el laúd y la viola de gamba ofrecieron momentos de gran inspiración e intimidad junto a las voces. Al igual que la paleta de colores ofrecida por las distintas flautas. Fue una noche inolvidable para los, cada vez más, amantes del barroco.

 

David et Jonathas, música de Marc-Antoine Charpentier

libreto de François Bretonneau

Estreno en el Teatro Real. En versión de concierto, 27 de septiembre de 2024

Ensemble Correspondances, bajo la dirección de Sébastien Daucé

Reparto: Gwendoline Blondeel, Lucile Richardot, Petr Nekoranec, Jean-Christophe Lanièce,  Etienne Bazola, Lysandre Châlon. Ensemble Correspondances. Dirección musical: Sébastien Daucé.

Fotografía © Javier del Real |Teatro Real

Semana de la Ópera

Cientos de pueblos e instituciones se sumarán a la celebración de la IX edición de la Semana de la Ópera del Teatro Real, que entre mañana y el próximo domingo, 29 de septiembre, ofrecerá gratuitamente cinco espectáculos –dos de ellos con pases dobles- y abrirá su edificio al público con el propósito de compartir y acercar las distintas expresiones artísticas y culturales que se crean en el Teatro Real y que transitan desde los conciertos líricos al flamenco con la ópera como gran protagonista.

Desde mañana hasta el 29 de septiembre, la Plaza de Isabel II se convertirá en una gran auditorio al aire libre donde se colocarán 1000 sillas a las que el público podrá acceder, por orden de llegada, hasta completar aforo. Como novedad, este año, el Real Teatro de Retiro abrirá su Sala Principal, de forma gratuita hasta completar el aforo, con la misma programación.

Un año más, se sumarán a la experiencia más de 250 municipios de toda España para compartir la retransmisión de la ópera que inaugura su temporada, Adriana Lecouvreur, el sábado 28 de septiembre, a las 19.30 horas, en riguroso directo desde su escenario, y que será proyectada en plazas, centros culturales, museos, auditorios y teatros de las distintas localidades.

Adriana Lecouvreur, ambientada en el efervescente París de la Ilustración, está inspirada en la vida real de esta  legendaria actriz, considerada la mejor intérprete de su tiempo. Murió con tan solo 38 años de edad, supuestamente envenenada por la princesa de Bouillon, examante del conde de Sajonia, con quien Adriana mantenía una relación. Su misteriosa muerte y el mito inagotable se sus interpretaciones son el origen de esta ópera, cuyo argumento tremendista, lleno de amores imposibles, muertes grandilocuentes y situaciones complejas, busca reflejar la vida real, con el mundo del teatro y sus entresijos como telón de fondo.

La propuesta del director de escena, David McVicar, recrea el teatro dentro del teatro y pone de manifiesto, con todo lujo de detalles, el fascinante mundo artístico del siglo XVIII, así como la vida y costumbres palaciegas de la época. La función que veremos en la pantalla estará dirigida musicalmente por Nicola Luisotti y contará con las extraordinarias voces de Maria Agresta (Adriana Lecouvreur), Matthew Polenzani (Maurizio) y Ksenia Dudnikova (princesa de Bouillon), en los papeles protagonistas

26 de septiembre, jueves, a las 19.30 horas

GALA PUCCINI

La soprano Anna Netrebko y el tenor  Yusif Eyvazov son los protagonistas de este concierto en el interpretan emblemáticas arias, dúos y cuartetos de TurandotManon LescautLa bohèmeTosca y Madama Butterfly,  junto a la soprano Daria Rybak y al barítono Jérôme Boutillier. El programa ofrece una inmersión profunda en el universo emocional de Giacomo Puccini, que el pasado 5 de septiembre, hizo vibrar de emoción y entusiasmo al público en la sala del Teatro Real y recogió unanimidad de elogiosas críticas.

La cita contó con la participación del Coro Titular del Teatro Real, dirigido por José Luis Basso, y del Coro de RTVE, dirigido por Marc Korovitch, todos ellos bajo la batuta de Denis Vlasenko

27 de septiembre, viernes, a las 19.30 horas

LA BOHÈME, de Giacomo Puccini

Cuatro jóvenes artistas bohemios sortean las dificultades económicas y las inclemencias del tiempo con humor e ilusión, buscando su lugar en un París efervescente, bullicioso e invernal. La trágica historia de amor entre Rodolfo, aspirante a poeta, y la modista Mimì, cuya muerte, inexorable, les sorprende poniendo fin a los desenfrenos y sueños de la juventud y revela la vida real, con toda su contundencia y transcendencia.

La bohème, una de las óperas de Puccini más queridas por el público, podrá verse con la propuesta dramatúrgica, del prestigioso director de escena británico Richard Jones y el escenógrafo y figurinista Stewart Laing presentan la ópera como una sucesión de escenas de la vida bohemia presentadas al espectador sin ocultarle los trabajos de backstage que normalmente desarrollan los técnicos detrás del escenario.

Destacan en los papeles principales, la soprano Anita Hartig (Mimí), el tenor Stephen Costello (Rodolfo), la soprano Joyce El-Khoury (Musetta) y el barítono Joan Martín-Royo (Marcello). La dirección musical corre a cargo de Paolo Carignani, al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real y de los Pequeños Cantores de la ORCAM.

28 de septiembre, sábado

De 10.00 a 14.00 horas

Jornada de Puertas Abiertas

Los visitantes podrán acceder al Teatro de manera gratuita por la plaza de Oriente y recorrer la caja escénica, la sala principal, los palcos y los salones, espacios emblemáticos del edificio en el que late la pasión por la cultura de la ciudad.

19.30 horas

ADRIANA LECOUVREUR, de Francesco Cilea

Inspirada en la vida real de esta  legendaria actriz, la propuesta del director de escena, David McVicar, recrea el teatro dentro del teatro y pone de manifiesto, con todo lujo de detalles, el fascinante mundo artístico del siglo XVIII, así como la vida y costumbres palaciegas de la época. La función que veremos en la pantalla estará dirigida musicalmente por Nicola Luisotti y contará con las extraordinarias voces de Maria Agresta (Adriana Lecouvreur), Matthew Polenzani (Maurizio) y Ksenia Dudnikova (princesa de Bouillon), en los papeles protagonistas.

29 de septiembre, domingo

A las 11.00 y a las 13.00 horas

LA CENICIENTA, de Pauline Viardot

La trama de la ópera  se inspira en el cuento de hadas de Charles Perrault, con libreto en francés (adaptado al castellano para la producción del Teatro Real) y dividido en tres breves actos en los que se alternan las partes cantadas y las habladas.

Interpretada por jóvenes solistas del programa Crescendo del Teatro Real -de programa formativo de la Fundación Amigos del Real-, cuenta con dirección musical de Francisco Soriano y escénica de Guillermo Amaya.

A las 18.00 y a las 20.0 horas

ORIGEN, con Eduardo Guerrero

Origen es una experiencia artística que transmite los valores del flamenco con un trazo de vanguardia: original, transgresor, inspirado y directo, siempre en busca de la complicidad del espectador.

El espectáculo, que tuvo lugar en el Salón de Baile del Teatro Real, contó con la participación del guitarrista Pino Losada y las cantaoras Pilar Sierra VillarAna Polanco y Eva Ruiz y la colaboración de Palomo Spain, en el diseño del vestuario.

SORTEOS Y PROMOCIONES

A lo largo de toda la semana, a través de la redes sociales y de su página web, se podrá participar en sorteos de  premios  como entradas para la ópera Adriana Lecouvreur, el ballet El lago de los cisnes (interpretado por el San francisco Ballet), el espectáculo del bailaor Eduardo Guerrero en Flamenco Real, visitas especiales al Teatro Real o una suscripción anual para My Opera Player, plataforma de vídeo del Teatro Real.

Además, se llevarán a cabo promociones especiales para los espectáculos más demandados de la actual temporada del Teatro Real. Toda la información en www.teatroreal.es.

Fotografía © Javier del Real Teatro Real.

Ruth González

El concierto ‘Diálogos de Oro’ que se celebrará en el Ambigú del Teatro de la Zarzuela el próximo 15 de octubre a las 19h30 dentro del ciclo ‘Voz y alma’, será ofrecido por la soprano Ruth González en lugar de Sonia de Munck, quien se ha visto obligada a renunciar a participar en el mismo por motivos personales.

Tal y como estaba previsto, la intérprete estará acompañada por el pianista Miguel Huertas y la actriz Marta Poveda. La dramaturgia es de Raúl Losánez.

Sabina Puértolas,

El Teatro de la Zarzuela da el pistoletazo de salida a su nueva temporada con la producción de la popular ópera en tres actos ‘Marina’, con música de Emilio Arrieta y libreto de Francisco Camprodón y Miguel Ramos Carrión.

La soprano Sabina Puértolas, reconocida internacionalmente por su voz lírica y su profundo compromiso con el repertorio español, encarnará el papel protagónico de Marina. Compartirá este rol con la joven soprano Marina Monzó con quien irán alternándose en el papel principal. Estarán acompañadas en el escenario por Ismael Jordi y Celso Albelo en el rol de Jorge, Juan Jesús Rodríguez y Pietro Spagnoli como Roque, y Rubén Amoretti y Javier Castañeda como Pascual.

La dirección musical estará a cargo del maestro José Miguel Pérez-Sierra, quien dirigirá a la Orquesta de la Comunidad de Madrid, titular del Teatro de la Zarzuela junto al Coro Titular del Teatro de la Zarzuela dirigido por Antonio Fauró. La dirección de escena estará en manos de rbara Lluch, junto al talento creativo de Daniel Bianco en la escenografía y Clara Peluffo Valentini en el vestuario.

‘Marina’ se erige como una piedra angular del género lírico español del siglo XIX, celebrada por su emotiva narrativa y su exquisita partitura, está ambientada en la idílica villa marinera de Pasajes. La ópera narra la historia de amor entre la humilde pescadora Marina y Jorge, un joven marinero destinado a partir hacia horizontes lejanos. Su romance, marcado por la pasión y la tragedia, destaca los ideales románticos y el carácter nacional de la España del siglo XIX.

Sabina Puértolas

Sabina Puértolas es una de las sopranos españolas más internacionales, reconocida por su talento y entrega para unir a la perfección técnica e intensidad interpretativa y ponerlas al servicio de los grandes papeles del bel canto, la ópera barroca y el repertorio de zarzuela.

Ha actuado en teatros como la Royal Opera House de Londres, el Carnegie Hall de Nueva York, el Teatro Real de Madrid, el Liceo de Barcelona, el Teatro Municipal de Santiago de Chile o la Ópera de Seattle.

Ha interpretado roles como Manon, Gilda (Rigoletto), Marie (La fille du régiment), Adina (L’elisir d’amore), Partenope y Rodelinda, Poppea (L’incoronazione di Poppea), Amina (La sonnambula) o Susanna (Le nozze di Figaro), entre otros.

Este año la soprano interpretó con gran éxito de crítica y público los papeles de Musetta en «La Bohème» en el Teatro Verdi de Salerno y a Violetta en «La Traviata» en el Teatro Villamarta de Jerez. En junio, también interpretó a Doña Francisquita en el Teatro de la Zarzuela y regresa al teatro madrileño tras interpretar el papel de Anna Bolena en la ópera de Oviedo.

Sabina Puértolas © Gemma Escribano

Daniele Gatti

Ibermúsica dará comienzo a su temporada 55 por todo lo alto con la Filarmónica de Viena el lunes 1 de octubre a las 19:30 horas en el Auditorio Nacional de Música de Madrid.

Bajo la dirección del maestro italiano Daniele Gatti, la prestigiosa orquesta austriaca ofrecerá un programa dedicado a dos grandes compositores del siglo pasado, Stravinski y Shostakovich, de quienes interpretarán el ballet Apollon Musagète («Apolo líder de las musas») y la Sinfonía núm. 10, respectivamente.

El mismo programa se presentará el miércoles 2 de octubre en el Auditorio de Zaragoza, el jueves 3 en el Palau de la Música Catalana, y unos días después en París y Saarbrücken como parte de la gira europea de la orquesta.

El concierto en Madrid marca el regreso de la Wiener Philharmoniker a Ibermúsica, ciclo que ha visitado en otras 18 ocasiones desde su presentación en 1984 con Leonard Bernstein y hasta su más reciente visita en 2016 bajo la batuta de Andrés Orozco-Estrada. En su larga historia con Ibermúsica la legendaria agrupación ha sido dirigida por algunas de las más grandes batutas, como Claudio Abbado, Riccardo Muti, Zubin Mehta, Lorin Maazel, Seiji Ozawa o Daniel Barenboim.

Por su parte, Daniele Gatti liderará por quinta vez en Ibermúsica a la Filarmónica de Viena en la que será la décimo tercera visita del maestro.

WIENER PHILHARMONIKER

Es, quizás, la agrupación musical más estrechamente vinculada a la historia y tradición de la música clásica europea. Incluso hoy en día los más prestigiosos solistas y directores hacen referencia al incomparable “sonido vienés” como destacada cualidad que la distingue de otras orquestas.

La fascinación que ha provocado, desde su fundación a cargo de Otto Nicolai en 1842, en los más importantes compositores y directores, se basa en mantener un estilo musical propio y singular, así como una historia y estructura organizativa únicas. Los pilares de la “Idea Filarmónica” son una organización democrática, que pone la entera capacidad de decisión artística y organizativa en manos de los músicos, y una estrecha simbiosis con la Wiener Staatsorchester. Sus estatutos estipulan que solo los músicos de la Wiener Staatsoper pueden llegar a ser miembros de la Wiener Philharmoniker.

Ofrece aproximadamente 40 conciertos al año en Viena, entre ellos el Concierto de Año Nuevo y el Concierto Nocturno de Verano de Schönbrunn, emitidos en todo el mundo. También lleva a cabo una residencia estival anual en el Festival de Salzburgo, e interpreta más de 50 conciertos al año en sus giras internacionales.

Todas estas actividades reafirman su reputación como una de las mejores orquestas del mundo. Desde 2008, recibe el apoyo de ROLEX, su patrocinador exclusivo.

DANIELE GATTI

Graduado en composición y dirección orquestal en el Conservatorio Giuseppe Verdi de Milán, Daniele Gatti es el nuevo director titular de la Sächsische Staatskapelle Dresden desde agosto de 2024, así como director titular del Teatro del Maggio Musicale Fiorentino y Consejero Artístico de la Mahler Chamber Orchestra.

Ha ocupado el puesto de director titular del Teatro dell’Opera de Roma y, anteriormente, ostentó importantes cargos en prestigiosas instituciones musicales, entre las que cabe resaltar la Accademia Nazionale di Santa Cecilia, la Royal Philharmonic Orchestra, Orchestre National de France, Royal Opera House, Covent Garden, Teatro Comunale di Bologna, Opernhaus Zürich y Royal Concertgebouw Orchestra de Ámsterdam.

Colabora con renombradas orquestas, entre ellas, la Berliner Philharmoniker, Wiener Philharmoniker, Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks y la Orchestra Filarmonica della Scala.

En la temporada 2024-25, inaugura la temporada de la Staatskapelle Dresden y lidera varias giras de la Orquesta; inaugura la temporada de la Wiener Philharmoniker en el Musikverein de Viena, y realiza con ellos giras por las grandes ciudades europeas. En el verano de 2025, regresa al Festival de Bayreuth con una nueva producción de Los Maestros Cantores de Núremberg.

Daniele Gatti ha recibido el Premio “Franco Abbiati” al mejor director, el Premio de la crítica musical italiana, en 2015; en 2016 el título de Chevalier de la Légion d’Honneur de la República Francesa, por su labor al frente de la Orchestre National; y el de Grande Ufficiale dell’Ordine al Mérito de la República Italiana.

Gatti foto ©Anne Dokter

David et Jonathas

El 27 de septiembre, viernes, a las 19.30 horas, el Teatro Real estrenará la ópera David et Jonathas, de Marc-Antoine Charpentier (1643-1704), que se ofrecerá en una función única, con el Ensemble Correspondances y su director musical, Sébastien Daucé, que presentaron, con gran éxito, hace dos años, El nacimiento del Rey Sol.

David et Jonathas es una grandiosa tragédie biblique en cinco actos, estrenada en París en 1688, con la estructura de una ópera y la temática de un oratorio. El libreto, del padre jesuita François de Paule Bretonneau (1660-1741), está inspirado en el conmovedor pasaje del Antiguo Testamento que narra la amistad entre los adolescentes David -el rey David, hijo menor del pastor Jesé, criado por el rey Saúl-, y Jonathas, hijo mayor de Saúl.

Jonathas y David, que se aman desde que se conocieron, se juran amistad eterna provocando los celos y la furia de Saúl, que intenta matar a David, pero finalmente se reconcilian. Sin embargo, el dolor vuelve a interponerse entre los dos amigos cuando Jonathas es vilmente asesinado por los filisteos, provocando el inconsolable sufrimiento de David: “tu amor fue para mí más maravilloso que el amor de las mujeres”.

La música de Charpentier, de gran expresividad, refleja la grandiosidad de los conflictos políticos y también el intimismo, complejidad y profundidad psicológica de los personajes, sobre todo del dúo protagonista, cuya relación emocional es el núcleo de la partitura. A través de arias, coros y escenas dramáticas, Charpentier crea un paisaje

sonoro con una música ricamente ornamentada, incluyendo distintas danzas, ritornelos y motivos melódicos de gran belleza, que enriquecen la narrativa musical.

El reparto de esta función estará formado por el contratenor Petr Nekoranec (David), la soprano Gwendoline Blondeel (Jonathas, hijo de Saúl), el barítono Jean-Christophe Lanièce (Saül, rey de los israelitas), la mezzosoprano Lucile Richardot (La Pythonisse), el tenor Etienne Bazola (Joabel) y el bajo Lysandre Châlon (Achis / L’ombre de Samuel).

El contratenor Petr Nekoranec, que dará voz al joven David, hizo su debut en el Teatro Real en 2017, en el concierto de los galardonados en el Concurso Tenor Viñas, y la mezzosoprano Lucile Richardot subió por primera vez al escenario del Real junto al contratenor Philippe Jarousky, en un concierto celebrado en octubre de 2020, y regresó en 2022 para interpretar el doble papel de La noche/Venus en El nacimiento del Rey Sol, Le ballet royale de la nuit, bajo la dirección de Sébastien Daucé.

SOBRE DAVID ET JONATHAS

SÉBASTIEN DAUCÉ

Las primeras notas que interpretó Correspondances fueron las de Charpentier. A lo largo de los años hemos construido la identidad del grupo bajo la protección de este genio de la música. Llegamos con este David & Jonathas a un punto importante para nosotros, abordar por primera vez una de las dos únicas grandes obras líricas que nos dejó.

¿Por qué David et Jonathas antes que Médée? No solo por la cronología, aunque el desarrollo de Charpentier sigue un proceso lineal muy diferente al de sus contemporáneos; siempre estuvo en una búsqueda constante, ninguna obra se parece a la anterior, nunca un descubrimiento se convierte en un sistema, nunca de un hallazgo resulta un tic repetitivo… David la compuso después de una serie de experiencias anteriores (principalmente sus Histoires sacrées, que presentamos en Caen en 2016) que renueva por completo. Así, el tema de Saúl y David, que había tratado en forma de oratorio, reaparece aquí bajo una luz totalmente nueva.

¿Una ópera? ¿Una ópera bíblica? El género de esta obra no encaja en nuestras categorías. Compuesta para el espectáculo de fin de año del Gran Colegio Jesuita Louis-le-Grand en 1688, Charpentier moviliza tanto a profesionales de la Academia Real como a los propios estudiantes en el marco de una producción importante digna de la ópera. Los actos que la componen se alternaban con los actos de una tragedia teatral sobre el mismo tema, representada en latín. Esta obra se aleja de los cánones de la tragedia inventada por Lully en su forma, pero también en su estilo musical: se dan en ella una intensidad y una interioridad singulares, un cuidado especial en la escritura vocal y en la riqueza de su acompañamiento, así como evocaciones descriptivas muy notables.

Lo que da todo su sabor a David et Jonathas hoy en día es su punto de vista. Vemos el mundo, la guerra, las tensiones familiares, la locura, el ejercicio del poder, la paranoia, el valor de la palabra, todo con la mirada de la juventud. Así, las guías de lectura del mundo de los adultos se vuelven obsoletas.

Al final de este primer cuarto del siglo XXI me parece que esta obra del siglo XVII, a pesar de la tragedia que nos presenta, respira una forma de idealismo saludable que nutre la esperanza (David quiere la paz y se esfuerza, contra viento y marea, por reconciliar a las partes) y nos dice algo sobre la fuerza de los juramentos (poco importa si se trata de amistad o amor, lo que cuenta es la palabra dada, más fuerte que todo). Alimenta, en fin, una visión del mundo, seguramente caballeresca e idealista, que solo la adolescencia se atreve a tener. Quizás esta mirada de adolescente, reforzada por la cultura y experiencias de siglos pasados, sea la clave de nuestro futuro.Sébastien Daucé es el director musical de la ópera

SINOPSIS

PRÓLOGO

Saúl acude a consultar a una pitonisa, que invoca al fantasma del profeta Samuel y le comunica las desgracias que le esperan.

ACTO I

Cuando comienza la acción, David ha sido expulsado del campamento de los israelitas a causa de los celos de Saúl. Refugiado entre los filisteos, David disfruta de la amistad de su rey Achis y de la admiración de todo el pueblo. Tras la escena inicial, en la que los escuchamos cantarle alabanzas, lo vemos en conversación con Achis, quien le anuncia que acaba de firmar una tregua con los israelitas, que debe reunirse con Saúl y que este encuentro tendrá como resultado la paz o la guerra.

ACTO II

Aparece el personaje de Joabel, general filisteo que mantiene una relación con Saúl y está celoso de la gloria de David. En una conversación con David intenta persuadirlo para que vaya a la guerra con la esperanza de que esto le acarree la muerte. David se niega, por lo que la única opción de Joabel es denunciarlo a Saúl. Jonathas y David se han reencontrado gracias a la tregua y cantan las alegrías de la amistad.

ACTO III

El tercer acto presenta el encuentro entre Saúl y Achis. El rey de los israelitas ha escuchado las calumnias de Joabel, lo que ha reforzado el odio que siente por David. También exige que se le entregue al joven como condición para la paz. Achis se niega, ya que tiene fe en la inocencia de David. Jonathas y David hacen aparición en el lugar de negociación, lo que despierta la ira de Saúl, que persigue a David. Éste, al ver que no es bienvenido, se retira. Joabel se felicita por el éxito de su complot.

ACTO IV

La batalla es ahora inevitable. Saúl está convencido de que el apoyo de Achis a David anuncia su posible traición. Achis se siente espoleado por los sentimientos de sus soldados, a quienes Joabel ha enardecido con sus planes. David y Jonathas se encuentran, lamentando la amenaza de la separación a la que se enfrentan. El héroe promete que, lejos de luchar contra Saúl, hará todo lo posible por salvarlo.

ACTO V

Nos muestra la batalla, que Saúl está perdiendo. Jonathas está herido de muerte. Ante esta visión, Saúl casi pierde la razón y, tras intentar matar a uno de sus guardias, a quien considera responsable de la muerte de Jonathas, sale en persecución de David para vengar la suerte de su hijo. Jonathas muere en los brazos de David. Solo falta que el propio Saúl ejecute a este con su espada. Entonces llega Achis para anunciar que los israelitas han elegido a David como su rey, pero el coro alegre y triunfante del final no ahoga por completo los gritos de desolación del héroe.

FICHA ARTÍSTICA

David et Jonathas

Tragédie biblique en cinco actos con prólogo

Estrenada en el Collège des Jésuites Louis-le-Grand de Paris, el 25 de febrero de 1688

Libreto de François de Paule Bretonneau

Música de Marc-Antoine Charpentier

Orquesta y Coro por el Ensemble Correspondances

Dirección musical de Sébastien Daucé

Producción escénica estrenada en el Théâtre de Caen el 9/11/2023

Reparto

David, Petr Nekoranec

Jonathas, hijo de Saúl, Gwendoline Blondeel

Saül, rey de los israelitas, Jean-Christophe Lanièce

La Pythonisse, Lucile Richardot

Joabel, Etienne Bazola

Achis / L’ombre de Samuel, Lysandre Châlon

International Opera Awards

El Teatro Real y los artistas participantes en sus producciones el pasado año, han conseguido siete nominaciones a los International Opera Awards 2024, entre ellas Mejor Nueva Producción y Mejor Estreno Mundial, cuyos ganadores se darán a conocer el próximo 2 de octubre en una ceremonia que tendrá lugar en  la Bayerische Staatsoper de Munich.

El Teatro Real, que fue reconocido como Mejor Compañía del mundo en la edición de 2021 de los Iternational Opera Awards, ha logrado las siguientes candidaturas en la presente edición: Mejor Estreno Mundial (La Regenta, de Marisa Manchado);  Mejor Nueva Producción (Los maestros cantores de Nüremberg); Mejor Director de Escena (Christof Loy por La voix humaine/Erwartung); Mejor Cantante Femenina (Adela Zaharia, por Rigoletto, entre otras óperas); Mejor Cantante Masculino (Gerald Finley, por Los maestros cantores de Nüremberg, entre otros títulos):  Premio de los Lectores (Xabier Anduaga y Ludovic Tezier, por Rigoletto) y Mejor Grabación Solista (Saioa Hernández, Il verismo d’oro (EuroArts).

Los International Opera Awards se crearon en 2012 por la revista británica Opera, y desde sus comienzos fueron considerados los oscar del mundo de la ópera. Con ellos se quiere galardonar anualmente a los mejores en el mundo de la lírica (producciones, cantantes, directores, teatros, orquestas…), reconociendo así públicamente a sus protagonistas y apoyando la formación de nuevos talentos a través de becas financiadas con los beneficios obtenidos en la gala.

La Regenta,  estrenada en Naves del Español en Matadero el 24 de octubre de 2023, se basa en la novela homónima de Leopoldo Alas Clarín, con música de Marisa Manchado, libreto de Amelia Valcárcel, dirección musical de Jordi Francés y dirección de escena de Bárbara Lluch. Después de más de un centenar de años, este texto cumbre de la literatura se ha hecho un hueco en el repertorio de ópera, estrenado gracias a una nueva colaboración entre el Teatro Real y el Teatro Español. La ópera contó con un reparto de excelentes intérpretes formado por María Miro (La Regenta, Ana Ozores), David Oller (El Magistral, Fermín de Pas), Vicenç Esteve (Álvaro Mesía), Cristian Díaz (Don Víctor), Pablo García-López (Paco Vegallana), María Rey-Joly (Obdulia), Anna Gomá (Petra), Laura Vila (Doña Paula) y Gabriel Díaz (El Sapo).

Los maestros cantores de Núremberg, de Richard Wagner, fue una nueva coproducción, estrenada el 24 de abril en el Teatro Real, que unió a dos directores muy queridos por el público de Madrid: Pablo Heras Casado, principal director invitado de la Orquesta Titular del Teatro Real, y Laurent Pelly, gran maestro del universo simbólico de la comedia –La hija del regimiento (2014), Hansel y Gretel (2015), El gallo de oro (2017), Falstaff (2019), Viva la mamma! (2021) e Il turco in Italia (2023)–. El monumental montaje de Pelly, con 135 artistas sobre el escenario, potencia el sustrato burlesco de la ópera, alejándose del tratamiento realista del gremio de los artesanos en Nüremberg.

Fotografía © Javier del Real Teatro Real.

Semana de la ópera

El próximo jueves, 26 de septiembre, dará comienzo la novena edición de la Semana de la Ópera del Teatro Real para ofrecer, a todos los públicos, la posibilidad de disfrutar y compartir las distintas expresiones artísticas y culturales que se crean en el Teatro Real y que transitan desde los conciertos líricos al flamenco, con espectáculos para el público juvenil y familiar con, una vez más, la ópera como gran protagonista.

Entre los días 26 y 29 de septiembre, la Plaza de Isabel II se convertirá en una gran auditorio al aire libre donde se colocarán 1000 sillas a las que el público podrá acceder, por orden de llegada, hasta completar aforo. Como novedad, este año, el Real Teatro de Retiro abrirá su Sala Principal, de forma gratuita hasta completar el aforo, con la misma programación.

Un año más, se sumarán a la experiencia más de 250 municipios de toda España para compartir la retransmisión de la ópera que inaugura su temporada, Adriana Lecouvreur, el sábado 28 de septiembre, a las 19.30 horas, en riguroso directo desde su escenario, y que será proyectada en plazas, centros culturales, museos, auditorios y teatros de las distintas localidades.

Adriana Lecouvreur, ambientada en el efervescente París de la Ilustración, está inspirada en la vida real de esta  legendaria actriz, considerada la mejor intérprete de su tiempo. Murió con tan solo 38 años de edad, supuestamente envenenada por la princesa de Bouillon, examante del conde de Sajonia, con quien Adriana mantenía una relación. Su misteriosa muerte y el mito inagotable se sus interpretaciones son el origen de esta ópera, cuyo argumento tremendista, lleno de amores imposibles, muertes grandilocuentes y situaciones complejas, busca reflejar la vida real, con el mundo del teatro y sus entresijos como telón de fondo.

La propuesta del director de escena, David McVicar, recrea el teatro dentro del teatro y pone de manifiesto, con todo lujo de detalles, el fascinante mundo artístico del siglo XVIII, así como la vida y costumbres palaciegas de la época. La función que veremos en la pantalla estará dirigida musicalmente por Nicola Luisotti y contará con las extraordinarias voces de Maria Agresta (Adriana Lecouvreur), Matthew Polenzani (Maurizio) y Ksenia Dudnikova (princesa de Bouillon), en los papeles protagonistas.

26 de septiembre, jueves, a las 19.30 horas

GALA PUCCINI

La soprano Anna Netrebko y el tenor  Yusif Eyvazov son los protagonistas de este concierto en el interpretan emblemáticas arias, dúos y cuartetos de TurandotManon LescautLa bohèmeTosca y Madama Butterfly,  junto a la soprano Daria Rybak y al barítono Jérôme Boutillier. El programa ofrece una inmersión profunda en el universo emocional de Giacomo Puccini, que el pasado 5 de septiembre, hizo vibrar de emoción y entusiasmo al público en la sala del Teatro Real y recogió unanimidad de elogiosas críticas.

La cita contó con la participación del Coro Titular del Teatro Real, dirigido por José Luis Basso, y del Coro de RTVE, dirigido por Marc Korovitch, todos ellos bajo la batuta de Denis Vlasenko

27 de septiembre, viernes, a las 19.30 horas

LA BOHÈME, de Giacomo Puccini

Cuatro jóvenes artistas bohemios sortean las dificultades económicas y las inclemencias del tiempo con humor e ilusión, buscando su lugar en un París efervescente, bullicioso e invernal. La trágica historia de amor entre Rodolfo, aspirante a poeta, y la modista Mimì, cuya muerte, inexorable, les sorprende poniendo fin a los desenfrenos y sueños de la juventud y revela la vida real, con toda su contundencia y transcendencia.

La bohème, una de las óperas de Puccini más queridas por el público, podrá verse con la propuesta dramatúrgica, del prestigioso director de escena británico Richard Jones y el escenógrafo y figurinista Stewart Laing presentan la ópera como una sucesión de escenas de la vida bohemia presentadas al espectador sin ocultarle los trabajos de backstage que normalmente desarrollan los técnicos detrás del escenario.

Destacan en los papeles principales, la soprano Anita Hartig (Mimí), el tenor Stephen Costello (Rodolfo), la soprano Joyce El-Khoury (Musetta) y el barítono Joan Martín-Royo (Marcello). La dirección musical corre a cargo de Paolo Carignani, al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real y de los Pequeños Cantores de la ORCAM.

28 de septiembre, sábado

De 10.00 a 14.00 horas

Jornada de Puertas Abiertas

Los visitantes podrán acceder al Teatro de manera gratuita por la plaza de Oriente y recorrer la caja escénica, la sala principal, los palcos y los salones, espacios emblemáticos del edificio en el que late la pasión por la cultura de la ciudad.

19.30 horas

ADRIANA LECOUVREUR, de Francesco Cilea

Inspirada en la vida real de esta  legendaria actriz, la propuesta del director de escena, David McVicar, recrea el teatro dentro del teatro y pone de manifiesto, con todo lujo de detalles, el fascinante mundo artístico del siglo XVIII, así como la vida y costumbres palaciegas de la época. La función que veremos en la pantalla estará dirigida musicalmente por Nicola Luisotti y contará con las extraordinarias voces de Maria Agresta (Adriana Lecouvreur), Matthew Polenzani (Maurizio) y Ksenia Dudnikova (princesa de Bouillon), en los papeles protagonistas.

29 de septiembre, domingo

A las 11.00 y a las 13.00 horas

LA CENICIENTA, de Pauline Viardot

La trama de la ópera  se inspira en el cuento de hadas de Charles Perrault, con libreto en francés (adaptado al castellano para la producción del Teatro Real) y dividido en tres breves actos en los que se alternan las partes cantadas y las habladas.

Interpretada por jóvenes solistas del programa Crescendo del Teatro Real -de programa formativo de la Fundación Amigos del Real-, cuenta con dirección musical de Francisco Soriano y escénica de Guillermo Amaya.

A las 18.00 y a las 20.0 horas

ORIGEN, con Eduardo Guerrero

Origen es una experiencia artística que transmite los valores del flamenco con un trazo de vanguardia: original, transgresor, inspirado y directo, siempre en busca de la complicidad del espectador.

El espectáculo, que tuvo lugar en el Salón de Baile del Teatro Real, contó con la participación del guitarrista Pino Losada y las cantaoras Pilar Sierra VillarAna Polanco y Eva Ruiz y la colaboración de Palomo Spain, en el diseño del vestuario.

SORTEOS Y PROMOCIONES

A lo largo de toda la semana, a través de la redes sociales y de su página web, se podrá participar en sorteos de  premios  como entradas para la ópera Adriana Lecouvreur, el ballet El lago de los cisnes (interpretado por el San francisco Ballet), el espectáculo del bailaor Eduardo Guerrero en Flamenco Real, visitas especiales al Teatro Real o una suscripción anual para My Opera Player, plataforma de vídeo del Teatro Real.

Además, se llevarán a cabo promociones especiales para los espectáculos más demandados de la actual temporada del Teatro Real. Toda la información en www.teatroreal.es.

Alondra de la Parra

La Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM) arranca su temporada 2024/2025 el próximo martes 24 de septiembre con un concierto inaugural en el que Alondra de la Parra se estrenará como nueva directora titular y artística de la orquesta. Bajo el título de Raíces, el primer concierto del Ciclo Sinfónico se podrá disfrutar en el Auditorio Nacional de Música de Madrid a las 19:30 h.

Raíces también contará con el solista Pablo Sáinz-Villegas, unos de los guitarristas españoles más famosos de la actualidad; aclamado por la prensa internacional como el sucesor de Andrés Segovia y solicitado en los grandes escenarios del mundo. El Coro de la Comunidad de Madrid, que este año celebra su 40.º Aniversario, estará dirigido por Josep Vila i Casañas.

El programa de Raíces lo compondrán tres de las grandes obras maestras de la música: El Sombrero de Tres Picos, de Manuel de Falla; el Concierto de Aranjuez, de Joaquín Rodrigo; y Daphnis et Chloé, de Maurice Ravel.

La directora mexicana Alondra de la Parra afronta su primera temporada al frente de la ORCAM como una de las directoras más prestigiosas a nivel internacional. Su liderazgo artístico con la batuta es magnético y la ha llevado a dirigir algunas de las orquestas más renombradas del mundo, además de a crear proyectos inspiradores como la Orquesta Filarmónica de las Américas o la Orquesta Imposible. El universo creativo de De la Parra va más allá de la dirección orquestal: también entrevista, produce, conecta, invita y promueve iniciativas para acercar la música sinfónica a un público amplio.

La programación 2024/2025 de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid incluye un total de catorce conciertos, diez del Ciclo Sinfónico y cuatro en Tiempo de Cámara. En lo que queda de este año 2024 se presentarán otros conciertos destacados dirigidos por Alondra de la Parra como Pura expresión (14 de octubre), en el que se interpretarán obras de Brahms y Dvoràk; o Catarsis (5 de noviembre), con obras de Mozart y en el que participarán las sopranos Siobhan Staag y Olivia Vermeulen, el tenor Antoni Lliteres, y el bajo Manel Esteve. El 16 de diciembre Josep Vila i Casañas dirigirá al Coro de la Comunidad en Viaje Espiritual, un concierto que presenta una de las obras más populares de la Navidad: El Mesías de Handel.

En estos meses el Coro también presentará otras dos citas musicales dentro del ciclo Tiempo de Cámara: El alma de los vientos (27 de octubre), dirigido por Josep Vila i Casañas y en el que se interpretarán obras de Stravinsky y Bruckner; y Una invitación a viajar (22 de noviembre), con Marc Korovitch como director, la participación de la pianista Karina Azizova y en el que se podrán escuchar obras de compositores como Debussy, Farué, Duparc o Rachmaninoff.

Todos los conciertos tendrán lugar en el Auditorio Nacional de Música de Madrid. Para más información sobre la programación y conocer todas las opciones de abono y venta de entradas, se puede consultar: https://orquestaycoro.fundacionorcam.org

Juan Diego Flórez

Será el primer concierto de una gira internacional de Juan Diego Flórez y la Orquesta Juvenil Sinfonía por el Perú, que comenzará en el Teatro Real y proseguirá en Barcelona, Viena, Ginebra y París.

La dirección musical correrá a cargo de la joven colombiana Ana María Patiño-Osorio, que está comenzando su carrera internacional después del éxito de su trabajo como directora asistente en la Orchestre de la Suisse Romande durante dos temporadas.

El programa está compuesto por arias de Vincenzo Bellini, Gaetano Donizetti, Matteo Salvi, Giuiseppe Verdi, Charles Gounod y Jacques Offenbach; y piezas de zarzuela de Ruperto Chapí, José Serrano, Pablo Luna, Gerónimo Giménez, Reveriano Soutullo y Juan Vert.

La Orquesta Juvenil Sinfonía por el Perú, elenco principal de la organización fundada y presidida por Juan Diego Flórez, estará conformada, en esta gira, por 75 instrumentistas procedentes de los más de 20 centros donde 6.400 niños y jóvenes reciben educación musical.

Este jueves, 19 de septiembre, a las 19.30 horas, el Teatro Real ofrecerá el segundo concierto lírico de su Temporada 2024-2025, esta vez con Juan Diego Flórez y la  Orquesta Juvenil Sinfonía por el Perú, bajo la dirección de Ana María Patiño-Osorio.

Será la presentación en el Teatro Real de la Orquesta Juvenil Sinfonía por el Perú, elenco principal de la organización fundada y presidida por Juan Diego Flórez, que desde 2011, ha permitido beneficiar a más de  30.000 niños y jóvenes de Perú.

En su segunda gira internacional, la orquesta estará conformada por 75 instrumentistas procedentes de los centros con los que la organización cuenta en diversas regiones de Perú, en los que actualmente 6.400 niños y jóvenes reciben educación musical.

La dirección musical será de la joven colombiana Ana María Patiño-Osorio, que está iniciando su carrera internacional después del éxito de su trabajo como directora asistente de la Orchestre de la Suisse Romande durante dos temporadas, donde fue la primera asistente femenina de la agrupación.

El ambicioso programa del concierto permitirá al público disfrutar del arte de Juan Diego Flórez en diferentes registros, estilos y lenguajes, desde la pureza del repertorio belcantista a la ductilidad de su voz en las páginas más trágicas; del refinamiento de sus interpretaciones en la ópera francesa, al canto desinhibido, con gracia y gallardía de las piezas de zarzuela o de la música popular latinoamericana.

El concierto comienza con Vincenzo Bellini y tres arias de su ópera I Capuleti e i Montecchi, donde las pasiones exacerbadas se expresan con maravillosas melodías delicadamente ornamentadas, que exigen un gran control del legato y de la expresión emocional.

Le sigue la gran escena para tenor de Roberto Devereux, de Gaetano Donizetti, de gran dramatismo, que reflejan el dolor, la desesperación, el remordimiento o el desamor, expresados con el ímpetu emocional tan característico del estilo donizettiano, que Flórez domina como nadie.

Con Matteo Salvi, menos conocido que sus contemporáneos, Flórez volverá a cantar al amor y al honor con un fraseo amplio, bello e intimista en «Inosservato, penetrava…. Angelo casto e bel…»  de Il duca d’Alba, cerrando la primera parte con la heroicidad de «L’émir auprès de lui m’appelle…», de la ópera Jérusalem, de Giuseppe Verdi, que exige líneas de canto más poderosas y dramáticas, acompañadas con brío por una orquesta que acompaña a la perfección la dramaturgia del texto.

La segunda parte comienza con una de las arias más románticas y delicadas del repertorio francés, «L’amour!… Ah, lève-toi, soleil», de Roméo et Juliette, de Charles Gounod, impregnada del ingenuo fulgor juvenil, seguida de «Au mont Ida», de La belle Hélène, de Jacques Offenbach, una pieza llena de humor y donaire.

El Preludio de La revoltosa da inicio a la sesión de zarzuela, que prosigue con la vitalidad y el orgullo patriótico de «Al mismo rey del moro…», de La alegría del batallón de José Serrano.

De La pícara molinera, de Pablo Luna, Flórez interpretará «Mi locura non tien cura… Paxarín, tú que vuelas», una pieza delicada, melancólica y emotiva, que resalta la poesía del paisaje rural español.

Siempre en crescendo, llega una de las piezas más icónicas del dúo Reveriano Soutullo y Juan Vert: la romanza «Bella enamorada», de El último romántico, himno al amor y a la belleza escrito con una melodía expansiva que exige al tenor una voz más enérgica y expresiva, muy característica de la zarzuela.

La velada concluye con la popularísima Granada, de Agustín Lara, con la que, seguramente, se dará paso a los bises, que Juan Diego Flórez suele regalar con generosidad, complicidad y simpatía.

Fotógrafo: © Javier del Real | Teatro Real

PROGRAMA

Juan Diego Flórez,

tenor

Orquesta Juvenil Sinfonía por el Perú

Ana María Patiño-Osorio,

directora de orquesta

Duración:

1 hora y 50 minutos, con un intermedio de 25 minutos

PARTE I

VINCENZO BELLINI (1801 – 1835)

Norma

Sinfonía

I Capuletti e i Montecchi

«O, di Capellio generosi amici…»

«È serbato a questo acciaro…»

«L’ amo tanto, e m’è sì cara…»

GAETANO DONIZETTI (1797 – 1848)

Roberto Devereux

«Ed ancor la tremenda….»

«Come uno spirito angelico…»

«Bagnato il sen di lagrime…»

MATTEO SALVI (1816 – 1887)

Il duca d’Alba

«Inosservato, penetrava…. Angelo casto e bel…»

GIUSEPPE VERDI (1813 – 1901)

La forza del destino

Obertura

Jérusalem

«L’ émir auprès de lui m’appelle….

Je veux encore entendre…»

PARTE II

CHARLES GOUNOD (1818 – 1893)

Roméo et Juliette

Entreacto del acto II

«L’amour!… Ah, lève-toi, soleil»

JACQUES OFFENBACH (1819 – 1880)

Orphée aux enfers

«Galop infernal» (can-can)

La belle Hélène

«Au mont Ida»

RUPERTO CHAPÍ (1851 – 1909)

La revoltosa

Preludio

JOSÉ SERRANO (1873 – 1941)

La alegría del batallón

«Al mismo rey del moro…»

PABLO LUNA (1879 – 1942)

La pícara molinera

«Mi locura non tien cura…. Paxarín, tú que vuelas»

REVERIANO SOUTULLO (1880 – 1932) y JUAN VERT (1890 – 1931)

El último romántico

«Bella enamorada»

GERÓNIMO GIMÉNEZ (1854 – 1923)

La boda de Luis Alonso

Intermezzo

AGUSTÍN LARA (1897 – 1970)

Granada

BIOGRAFÍAS 

JUAN DIEGO FLÓREZ, tenor

Formado en el Conservatorio Nacional de Música de Lima y el Curtis Institute of Music de Filadelfia, este tenor peruanoalcanzó fama internacional tras su debut en el Festival Rossini de Pésaro en Matilde di Shabran y su presentación en el Teatro alla Scala de Milán, dirigido por Riccardo Muti en 1996, con solo 23 años. Excelso cultivador del bel canto y de la ópera francesa, recientemente ha incorporado a su repertorio títulos como La traviata, en la Metropolitan Opera House de Nueva York, Werther, en la Royal Opera House de Londres, La bohème, en la Opernhaus de Zúrich, y Manon y Faust en la Staatsoper de Viena. Ha sido galardonado con la Gran Cruz de la Orden del Sol y es, desde 2022, director artístico del Festival Rossini de Pésaro. En 2011, fundó Sinfonía por el Perú, un proyecto musical de inclusión social. En reconocimiento por su labor, fue nombrado Embajador de Buena Voluntad de la UNESCO y fue premiado por el World Economic Forum con el Crystal Award. En el Teatro Real ha cantado en Il barbiere di Siviglia (2005), Orphée et Eurydice (2008), I puritani (2010) y Les pêcheurs de perles (2013), y ofrecido diferentes conciertos y recitales en los años 2006, 2009, 2015, 2017 y 2021.

ANA MARÍA PATIÑO-OSORIO, directora de orquesta

Esta directora de orquesta colombiana es la ganadora del Segundo Premio, el Premio del Público y el Premio del Jurado Juvenil en el Concurso Malko para Jóvenes directores de 2024 en Copenhague. En las temporadas 22-23 y 23-24, ha ocupado el cargo de directora asistente de la Orchestre de la Suisse Romande, trabajando estrechamente con Jonathan Nott. Comenzó su formación musical como saxofonista antes de pasar a la dirección orquestal. Completó su licenciatura en Dirección de Orquesta en la Universidad EAFIT en Medellín antes de ser aceptada en el prestigioso programa de Dirección Orquestal en la Escuela Superior de Artes de Zúrich bajo la tutela de Johannes Schlae‑ i, donde se graduó con honores en 2021. Durante la temporada 2023/24 ha dirigido, entre otras, la Orquesta Iberacademy en Mozartwoche en Salzburgo, la Orchestre de Chambre de Lausanne, la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia y la Filarmónica de Bogotá, entre otras. 

SINFONÍA POR EL PERÚ

Sinfonía por el Perú es una organización social, fundada y presidida por el tenor peruano Juan Diego Flórez. Desde su creación hace trece años, ha transformado las vidas de más de 30.000 niños, niñas, adolescentes y jóvenes mediante la formación musical colectiva y gratuita. Actualmente, más de 6.400 jóvenes participan en esta iniciativa en una treintena de sedes a lo largo de diez regiones del Perú. Sinfonía por el Perú no solo enseña música, sino que también fomenta habilidades y valores esenciales como la disciplina, el respeto, la cooperación y el liderazgo. La organización se ha convertido en un referente cultural y social en el país, con numerosos testimonios de bene­ficiarios que demuestran mejoras en autoestima, habilidades sociales y rendimiento académico. Alineada con los Derechos Humanos y los Derechos del Niño de la ONU, y guiada por los Objetivos de Desarrollo Sostenible de la Agenda 2030, Sinfonía por el Perú muestra cómo la música puede cambiar el mundo.

Adriana Lecouvreur

El Teatro Real inaugurará el próximo 23 de septiembre su Temporada de ópera 2024-2025, con Adriana Lecouvreur, de Francesco Cilea (1866-1950), que nunca se ha presentado en su escenario, pese a la gran popularidad de este título.

Aunque el nombre de Francesco Cilea aparezca normalmente asociado a los de Pietro Mascagni, Ruggero Leoncavallo, Umberto Giordano o Giacomo Puccini como uno de los representantes del verismo -movimiento operístico de cuño realista y naturalista en boga en Italia en los albores del siglo XX- su ópera más conocida, Adriana Lecouvreur, podría considerarse, de cierta manera, la despedida del gran melodrama romántico italiano, sobre todo verdiano, con tintes veristas y la elegancia y refinamiento de la ópera francesa finisecular, sobre todo de Massenet.

La ópera, ambientada en el efervescente París de la Ilustración, está inspirada en la vida real de la legendaria actriz Adrienne Lecouvreur, idolatrada y defendida por Voltaire, que destacó por sus brillantes, sinceras y originales interpretaciones en la Comédie Française. Su enorme fama, amoríos, su relación con el mariscal Mauricio de Sajonia -pareja de la celosa Madame de Bouillon-, y su muerte en extrañas circunstancias, con apenas 38 años, han inspirado, ya en el siglo XIX, la obra teatral de Eugène Scribe y Gabriel Legouvé que sirvió de base al libreto de Arturo Colautti.

Pese a que la ópera confronta las emociones exacerbadas de la pasión de Adriana Lecouvreur y los celos de la princesa de Bouillon, que aman al mismo hombre, Cilea crea una partitura de gran elegancia y contención, que combina la intensidad dramática, la belleza melódica, la exquisita orquestación y una refinada sensibilidad lírica, capaz de expresar las complejas emociones de los personajes, desde el lirismo más íntimo a los estallidos de pasión.

David McVicar respeta estrictamente la época y los espacios del libreto, con una puesta en escena espectacular, en la que la tensión emocional de la trama y de la música fluye sin obstáculos, transformando el Teatro en un personaje vivo que, con su presencia omnipresente, influye y moldea el destino de los protagonistas.

La impactante escenografía de Charles Edwards, con su mezcla de cortinajes, maquinaria teatral y juego de espejos, y el opulento vestuario dieciochesco de Brigitte Reiffenstuel, crean una atmósfera melancólica anticipando el trágico final de la ópera, con una paleta cromática dominada por tonos dorados, ocres y púrpuras, que evocan el lujo decadente de la aristocracia y la libertad, siempre marginal, de la vida sobre un escenario.

En la interpretación del arrebatador papel de Adriana Lecouvreur se alternarán las sopranos Ermonela Jaho y Maria Agresta. Estarán secundadas por Elīna Garanča (princesa de Bouillon) -que debuta en el Teatro Real en una producción operística- Brian Jagde (Maurizio) y Nicola Alaimo (Michonnet), en el primer reparto; y Ksenia Dudnikova, Matthew Polenzani y Manel Esteve, en el segundo. Junto a ellos, actuarán el Coro Titular del Teatro Real, con dirección de José Luis Basso, y la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la experta e exquisita dirección musical de Nicola Luisotti, principal director invitado del coliseo de la Plaza de Oriente.

AGENDA | ACTIVIDADES CULTURALES

19 de agosto a 21 de septiembre | TEATRO REAL, Sala de ensayo de puesta en escena y Sala principal

CURSO: Una aproximación a la dirección de escena

Coordinado por Justin Way, responsable de la reposición de Adriana Lecouvreur

El curso tiene como objetivo mostrar a los participantes el trabajo del director de escena, encargado de coordinar los elementos escenográficos y dramatúrgicos de una producción. Para ello, se hace un seguimiento del proceso de ensayos de Adriana Lecouvreur, en el que los participantes pueden conocer lo que ocurre durante el mes de ensayos y trabajos que preceden el estreno de la ópera.

20 de septiembre a 13 de octubre | MUSEO DEL ROMANTICISMO, Sala XVIII

EXPOSICIÓN: Una obra, una ópera

El museo muestra en su sala XVIII, dedicada a la literatura y el teatro, el retrato de la actriz aragonesa Teodora Lamadrid, caracterizada de Adriana Lecouvreur, el papel con el que consiguió el reconocimiento del público español del siglo XIX y con el que consolidó su prestigio en los escenarios madrileños.

Acceso gratuito con la entrada del museo en su horario de apertura.

18 de septiembre, a las 20.15 horas | TEATRO REAL, Sala de orquesta

ENFOQUES: Adriana Lecouvreur

Participan: Nicola Luisotti (director musical), Justin Way (responsable de la reposición), Ricardo de Cala (director del programa Los maestros cantores, en Radio Clásica) y Joan Matabosch (director artístico del Teatro Real).

La soprano Dragana Paunovic, acompañada al piano por Edoardo Barsotti, interpretarán dos arias de Adriana Lecouvreur: «lo son l’umile ancella» y «Poveri fiori».

22 y 29 de septiembre, y 5 y 12 de octubre, a las 11.00 y 12.30 horas | REAL JARDÍN BOTÁNICO

ITINERARIO POR EL JARDÍN: Plantas tóxicas y venenosas

El Real Jardín Botánico de Madrid ha elegido Adriana Lecouvreur para iniciar su colaboración con el Teatro Real. La misteriosa muerte de la actriz francesa con unas flores envenenadas es la excusa perfecta para realizar una visita guiada por su jardín, donde el público descubrirá las plantas tóxicas que se esconden en la naturaleza, qué partes son venenosas y cuáles no, cómo funcionan los venenos y, algo muy importante, para qué sirven además de para matar.

Más información y compra de entradas en este enlace.

24 de septiembre, a las 19.00 horas | CASA ASIA

CONFERENCIA: Artes escénicas en extremo oriente

Poniente: Horacio Curti, etnomusicólogo y maestro shakuhachi.

Una temporada más, la institución destinada a acercar el conocimiento de Asia Pacífico a España propone una actividad que permitirá al público descubrir la riqueza de la cultura asiática. En este caso utiliza el gran melodrama romántico que es Adriana Lecouvrer para demostrar la estrecha relación que existe entre la ópera oriental y la occidental. Y es que las formas y principios estéticos de las artes escénicas de Asia Oriental, en general y de Japón en particular, se dan la mano con la esencia de esta ópera de Cilea.

Entrada libre hasta completar aforo, previa inscripción en este enlace.

25 de septiembre, a las 12.00 horas y 26 de septiembre, a las 17.00 horas | MUSEO DEL TRAJE

VISITAS GUIADAS: Adriana, una mujer a la moda del siglo XVIII

La producción de David McVicar que se verá en el Real es el marco perfecto para un itinerario por el Museo que girará en torno al denominado “traje a la francesa” o “a la moda”. En él se podrán ver siluetas, formas y tejidos, además de analizar brevemente su contexto histórico, cultural y social, desde su origen a finales del XVII, en la corte de Luis XIV, a su evolución durante el primer tercio del XVIII.

Entrada libre hasta completar aforo, previa inscripción en este enlace.

28 de septiembre, a las 19.30 horas | PLAZA DE ISABEL II y distintos espacios en toda España

RETRANSMISIÓN EN DIRECTO: Adriana Lecouvreur será retransmitida en directo en la Plaza de Isabel II, en Madrid y en plazas, teatros, auditorios, museos y centros culturales de toda España en el marco de la Semana de la Ópera del Teatro Real.

Siguen abiertas las inscripciones, en este link, para todos los ayuntamientos que se quieran unir.

6 de octubre, a las 11.00 y a las 13.00 horas | REAL TEATRO DE RETIRO, Sala Pacífico

TALLER MUSICAL EN FAMILIA: ¡Todos al Real Teatro!

El caso de las violetas envenenadas explora el universo sonoro de la ópera Adriana Lecouvreur, de Francesco Cilea. Nos convertiremos en detectives para descubrir quién asesinó a una importante actriz…

Participan  la soprano Aida Turganbayeva y el pianista Sergio Berlinches.

8 de octubre, a las 20.00 horas | INSTITUT FRANÇAIS

DOCUMENTAL: Sarah Bernhardt, à corps perdu

Considerada una de las mejores actrices del siglo XIX y XX, Sarah Bernhardt supo dar una dimensión especial al personaje de Adriana Lecouvreur, actriz también –como Bernhardt– de la Comédie Française y sobre la que grabó una película en 1913. Para ahondar en la vida de esta musa de escritores como Oscar Wilde, Víctor Hugo o Jean Cocteau, el Institut Français de Madrid junto al canal audiovisual francés TV5MONDE presentan un documental que la directora Sophie Jaubert realizó con motivo del centenario de la muerte de la bretona.

Entrada libre hasta completar aforo.

21 y 22 de octubre, a las 18.30 horas | CÍRCUO DE BELLAS ARTES, Sala Ramón Gómez de la Serna

CONFERENCIA: Voltaire 2024

21 de octubre. Ponentes: Juan Manuel Forte y Alicia H. Puleo. Moderador: Rodrigo Castro Orellana

22 de octubre: Ponentes: José L. Villacañas y Nuria Sánchez Madrid. Moderador: Rodrigo Castro Orellana

Voltaire, amigo cercano de Adriana Lecouvreur, y autor del Tratado sobre la tolerancia, fue enemigo del dogmatismo y de la ignorancia de su tiempo. Su figura sigue inspirando hoy en día y nos puede ayudar a reflexionar y debatir sobre los nuevos fanatismos, a combatir la disolución de la razón y la verdad, y a denunciar las nuevas manifestaciones reaccionarias.

Para ello el CBA propone dos charlas en las que cuatro filósofos pondrán de manifiesto cómo los problemas que acuciaban a Voltaire aún siguen removiendo conciencias en el siglo XXI.

Más información en este  enlace.

Entrada libre hasta completar aforo.22 de octubre a las 20.00 horas | CÍRCULO DE BELLAS ARTES, Teatro Fernando Rojas

LECTURA DRAMATIZADA: Sarah Bernhardt Fan Club

En colaboración con el Círculo de Bellas Artes, el Institut français de España y la embajada francesa proponen una lectura dramatizada en francés con sobretítulos en español, escrita y dirigida por Juliette Deschamps, con los actores Judith Chemla y Bruno Blairet. Con este acto, a la vez divertido y conmovedor, en forma de biopic en 18 episodios, se homenajeará la figura de la inmensa y escandalosa actriz francesa Sarah Bernhardt, quien creó los más grandes papeles del repertorio de la época.

Compra de entradas en este enlace.

Hasta final de temporada| TEATRO REAL

EXPOSICIÓN: Puccini fotógrafo

Contemporáneo de Francesco Cilea (1866-1866), Giacomo Puccini (1858-1924) –cuyo centenario de fallecimiento se está celebrando con varias iniciativas en el Teatro Real– ejerció gran influencia en el compositor de Adriana Lecouvreur, encontrándose paralelismos entre el drama Tosca y de Adriana, dos heroínas trágicas que contraponen la libertad y trascendencia del arte, frente al drama que experimentan en sus vidas.

En la exposición Puccini-Fotógrafo, organizada en colaboración con PHotoEspaña, se pueden ver fotografías de gran formato en el foyer, las escaleras imperiales y el óvalo de la tercera planta del Teatro Real.

Hasta final de temporada| TEATRO REAL, Salón de baile y 7ª planta

EXPOSICIÓN: Centenario Victoria de los Ángeles

Victoria de los Ángeles (1923-2005) –de quien se está conmemorando el centenario de nacimiento– fue una gran intérprete de las heroínas trágicas puccinianas por su delicadísima sensibilidad, y encarnó también el rol titular de Adriana Lecouvreur, dando al personaje fragilidad y hondura.

El Teatro Real expone en el salón de baile y en el espacio expositivo que se encuentra en la séptima planta una colección de vestidos de la soprano, en colaboración con la Fundación Victoria de los Ángeles.

Anna Netrebko

El 5 de septiembre, jueves, a las 19.30 horas, el Teatro Real ofrecerá el primer concierto lírico de su Temporada 2024-2025, cuya inauguración oficial será el 23 de septiembre, con el estreno de la ópera Adriana Lecouvreur, de Francesco Cilea.

La velada, íntegramente dedicada a Giacomo Puccini (Lucca, 1859 – Bruselas, 1924), estará protagonizada por Anna Netrebko y Yusif Eyvazov, que ya actuaron juntos en el Teatro Real en dos conciertos (el 1 de noviembre de 2019 y el 25 de julio de 2022) y en las óperas Tosca, en 2021, y Aida, en 2022.

Netrebko y Eyvazov interpretarán arias, dúos y cuartetos de Turandot, Manon Lescaut, La bohème, Tosca y Madama Butterfly,  junto a la soprano Daria Rybak y al barítono Jérôme Boutillier, que debutarán en el Real y a los que escucharemos también en solitario con arias de Turandot y Edgar.

Junto a ellos tendrá un importante papel el coro, donde se unirán las voces del Coro Titular del Teatro Real, dirigido por José Luis Basso, y del Coro de RTVE, dirigido por Marc Korovitch.

Denis Vlasenko, director artístico del Teatro Estatal Académico Bolshoi de Taskent (Uzbekistán), y con un largo vínculo artístico con Anna Netrebko, será el encargado de la dirección musical del concierto, como ya hizo, con éxito, en 2019, cuando la soprano hizo su debut en el Real junto a Yusif Eyvazov.

Anna Netrebko ha encontrado en las grandes heroínas puccinianas un terreno fértil para explorar la ductilidad de su voz y la intensidad dramática de sus interpretaciones. La combinación de su lirismo cálido, virtuosismo técnico y una profunda comprensión emocional de los personajes que encarnará en el concierto – Turandot, Manon Lescaut, Tosca, Mimi y Cio-Cio-San logra captar su complejidad, vulnerabilidad, contradicciones y la evolución dramática de los mismos, logrando versiones únicas de estos papeles, marcados por la pasión y la tragedia.

El programa del concierto ofrece una inmersión profunda en el universo emocional de Giacomo Puccini, con una selección de sus más emblemáticas arias, dúos y números de conjunto. La primera parte comenzará con Turandot, con el vibrante coro «Popolo di Pekino» y la impresionante interpretación de «In questa reggia» por Anna Netrebko, arropada por el coro. Le siguen los dramáticos diálogos entre Calaf, Liù y Turandot, que culminan en el conmovedor lamento «Tu che di gel sei cinta», que dará a conocer a Daria Rybak al público del Real. El contraste emocional se realza con el «Intermezzo» orquestal de Manon Lescaut, antes de que Netrebko vuelva al universo trágico de «Sola, perduta, abbandonata». Yusif Eyvazov aportará la pasión de «Donna non vidi mai», y el dúo de amor «Tu, tu, amore? Tu?» cerrará la primera parte con gran intensidad.

La segunda parte abrirá con la frescura y el encanto de La Bohème, seguida por el aria «Questo amor, vergogna mia» de Edgar, la menos conocida de la velada, interpretada por el barítono Jérôme Boutillier, pianista repetidor que está haciendo una interesante carrera como cantante, y que debuta en el Real. El lirismo melódico de Tosca cobra vida en las populares «Vissi d’arte» con Anna Netrebko y «Recondita armonia» con Yusif Eyvazov. Madama Butterfly cerrará el programa con el delicado «Coro a boca cerrada» y el dúo «Vogliatemi bene», brindando un final emotivo a una velada que evoca el gran genio creativo de Puccini.

Fotógrafo: © Javier del Real | Teatro Real

PROGRAMA

Anna Netrebko, soprano

Yusif Eyvazov, tenor

Daria Rybak, soprano

Jérôme Boutillier, barítono

Christian Díaz, bajo

Mikeldi Atxalandabaso, tenor

Pablo García-López, tenor

Coro y Orquesta Titulares Del Teatro Real

Coro RTVE

Denis Vlasenko, director de orquesta

José Luis Basso, director del Coro Titular del Teatro Real

Marc Korovitch, director del Coro RTVE

PARTE I

Turandot

«Popolo di Pekino… Dal deserto al mar…»

Jérôme Boutillier y Coro

«In questa reggia»

Anna Netrebko y Coro

«Non piangere, Liù!»

Yusif Eyvazov, Daria Rybak, Jérôme Boutillier y Coro

«Sei pallido, straniero…!»

Anna Netrebko, Daria Rybak,Yusif Eyvazov y Coro

«Tu che di gel sei cinta»

Daria Rybak

«Diecimila anni al nostro imperatore!»

Coro y Anna Netrebko

Manon Lescaut

Intermezzo

Orquesta Titular del Teatro Real

«Sola, perduta, abbandonata»

Anna Netrebko

«Donna non vidi mai»

Yusif Eyvazov

«Tu, tu, amore? Tu?»

Anna Netrebko y Yusif Eyvaz

PARTE II

La bohème

«Sa dirmi, scusi, qual’è l’osteria.. Mimi!»

Anna Netrebko, Yusif Eyvazov, Daria Rybak y Jérôme Boutillier

Edgar

«Questo amor, vergogna mia»

Jérôme Boutillier

Tosca

«Vissi d’arte»

Anna Netrebko

«Recondita armonia»

Yusif Eyvazov

Madama Butterfly

Coro a boca cerrada

«Vogliatemi bene…»

Anna Netrebko y Yusif Eyvazov

Fundación Scherzo

Del 2 al 10 de septiembre, podrás adquirir el Abono Joven del 30º Ciclo de Grandes Intérpretes de la Fundación Scherzo por solo 90 euros. Este abono exclusivo te permite acceder a los 11 conciertos de la temporada 2024-2025, donde disfrutarás de la presencia de pianistas de renombre internacional. Además, formarás parte del club «Amantes del piano», con acceso a beneficios y experiencias exclusivas. 

¿Qué incluye el Abono Joven?

A continuación, te presentamos la programación completa del 30º Ciclo de Grandes Intérpretes, una temporada que promete ser inolvidable:

10 de septiembre – Yulianna Avdeeva: La ganadora de la XVI edición del Concurso Internacional de Piano Frédéric Chopin debutará en nuestro ciclo con un programa dedicado al pianismo romántico, interpretando obras de Chopin y Liszt.

16 de octubre – Ivo Pogorelich: El arquitecto del sonido. Pogorelich, pianista indispensable del panorama contemporáneo, en su vuelta más esperada a nuestro ciclo, consolidando su posición en la memoria colectiva de melómanos e intérpretes.

21 de octubre – Franz Schubert Filharmonia y Maxim Vengerov: Como una de las grandes novedades de la temporada, contaremos con la presencia de la Franz Schubert Filharmonia bajo la dirección de Tomàs Grau, presentando un recital dedicado a los conciertos para violín de Mozart, con Maxim Vengerov como solista.

12 de noviembre – Alexandre Kantorow (Concierto exclusivo para abonados): Como parte de la dedicación especial al abonado en esta edición, Kantorow ofrecerá un recital exclusivo en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional, interpretando obras de Liszt, Rachmaninov, Bartók y Bach.

8 de enero – Stephen Hough: El pianista británico debutará en nuestro ciclo con un recital lleno de misterio y emoción, interpretando obras de Chopin y la compositora francesa Cécile Chaminade.

24 de febrero – Grigory Sokolov: Nuestro artista predilecto y emblema de la programación, Grigory Sokolov, regresa una vez más para cautivarnos con su inigualable maestría.

2 de marzo – Maria João Pires e Ignasi Cambra: La aclamada pianista portuguesa, junto con Ignasi Cambra, ofrecerá un recital a cuatro manos, una experiencia única que no te puedes perder.

25 de marzo – Rudolph Buchbinder: Tras muchos años de intentarlo, por fin debuta en nuestro ciclo uno de los pianistas más legendarios de nuestro tiempo, con un homenaje muy personal a Beethoven.

20 de abril – Seong-Jin Cho: El ganador del Concurso Internacional de Piano Frédéric Chopin 2015 regresa al ciclo con un repertorio que abarca obras de Liszt, Beethoven, Bartók y Brahms.

17 de mayo – Khatia Buniatishvili: La diva del piano nos impresionará con su virtuosismo y energía inigualables, ofreciendo un concierto que promete ser tan glamuroso como electrizante.

7 de junio – Nelson Goerner: La temporada culmina con el recital del pianista argentino, que interpretará un programa en torno a la música de Beethoven, Rachmaninov y Schumann.

¿Cómo puedes adquirir tu Abono Joven?

Es muy sencillo. Solo necesitas acercarte a nuestras oficinas en Calle Cartagena 10, 1ºC, Madrid entre el 2 y el 10 de septiembre (horario de lunes a viernes de 10 a 15h), presentando tu DNI para acreditarte como menor de 30 años. Recuerda que esta oferta es exclusivamente presencial y estará disponible por tiempo limitado.

¡No te lo pierdas!

Hazte con tu abono y sumérgete en una temporada llena de magia musical junto a los más grandes intérpretes del piano. 

Para más información sobre la programación y eventos paralelos, visita nuestra web

zarzuela-en-danza

El Teatro de la Zarzuela llega a la programación de Veranos de la Villa del Ayuntamiento de Madrid, y lo hace por todo lo alto con su producción Zarzuela en danza’, un espectáculo teatral diferente planteado como una fiesta que alegrará Patio Central del Centro de Cultura Contemporánea Conde Duque con tres funciones del 25 al 27 de julio (22h00). Se trata esta de una historia que recorre algunas de las más atractivas escenas de baile y danza de la historia de la Zarzuela, con la irrenunciable compañía del canto y la emoción mágica de un texto que también baila, concebido por el polifacético y reconocidísimo dramaturgo Álvaro Tato. El argumento echa a andar en brazos de un enigma: “Un bailarín tiene un sueño recurrente en el que persigue a una sombra misteriosa”. José Antonio Irastorza, al frente de la Orquesta titular de la Compañía Lírica Amadeo Vives, será el director musical de este montaje que cuenta con la dirección musical y la coreografía de Nuria Castejón.

De lo que se trata en ‘Zarzuela en danza’ es de navegar, con el viento a favor y las velas bien abiertas, por los océanos infinitos de las obras maestras que para ser danzadas compusieron los genios indiscutibles del género en las dos orillas: Bretón, Chapí, Chueca, Vives, Giménez, Soutullo y Vert, Lleó, Lleó o Roig, con el flirteo añadido de alguna nueva canción popular.

Los bailarines son Cristina Arias, Marián Alquézar, David Acero, Ángel Capel, Andro Crespo, María Ángeles Fernandez, Lucía Fernández, Olivia Juberías, Daniel Morillo, Carla Prado, Luis Romero y Cristian Sandoval, y del indiscutible valor de la producción son también culpables la escenografía de Carmen Castañón, el vestuario de Gabriela Salaverri y la iluminación de Eduardo Bravo. Eduardo Cortés, a la guitarra flamenca y al cajón flamenco, acompañará a en escena a la compañía.

Tradición y travesía

Y ‘Zarzuela en danza’ es también tradición. Tradición de raíces profundas. Tradición por los cuatro costados. Tradición en cada poro abierto. Enseñanza de un aprendizaje que viene de lejos; de quienes fueron maestros y antes discípulos de otros maestros que a su vez fueron discípulos, y así hasta los límites del conocimiento. Nuria Castejón quiere así rendir homenaje a la prodigiosa herencia de sus padres: “el amor a la zarzuela y, al mismo tiempo, a mi profesión”, porque la zarzuela nos ha acompañado a lo largo de nuestras vidas, “como parte discreta y permanente de nuestras pasiones comunes y nuestros paisajes cotidianos”. Y avisa a navegantes: “Este es un espectáculo que los amantes de la zarzuela y de la danza no deben perderse, es un emocionante viaje a través de los parajes y horizontes de la Zarzuela, contado desde la Danza”.

Ambos directores nos proponen, a través de la dramaturgia creada por Álvaro Tato, un paseo que tiene como excusa y principio de aventura ese sueño del bailarín que persigue una sombra. Esperanzado asedio que milagrosamente deriva en un viaje de varios siglos, en una travesía que recorre los diversos estilos de danza que han jalonado la historia del género lírico español.

Antonio Gades

Este sábado, 20 de julio, se cumplirán 20 años de la muerte de Antonio Gades, uno de los más grandes artistas españoles del mundo de la danza, en el que exploró todas sus vertientes: bailarín (también bailaor), coreógrafo, investigador, productor, además de polifacético creador, ya que todas sus creaciones fueron concebidas, desde su génesis, como una obra de arte total, en la que Gades, junto a los demás artistas, ideó la estructura, dramaturgia, música, iluminación, etc.

Desde su reapertura, el Teatro Real ha ofrecido en su escenario toda la obra coreográfica de Antonio Gades, que supervisó el estreno de Fuenteovejuna, en 2002, cuando la obra fue interpretada por Ballet Nacional de España (BNE), participando en la que fue su última rueda de prensa en España.

Después de su fallecimiento el Teatro Real presentó nuevamente esta obra, ya bajo la dirección artística de Stella Arauzo con la Compañía Antonio Gades, creada por la Fundación que lleva su nombre, presidida por su hija María Esteve y con dirección de su viuda, Eugenia Eiriz.

En cuatro años consecutivos, de 2011 a 2014, se ofrecieron en el Teatro Real Fuenteovejuna, Carmen, Bodas de sangre, Suite flamenca y el estreno absoluto de dos espectáculos didácticos creados por Hugo Pérez de la Pica y Maite Chico  e interpretados por la Compañía Antonio Gades, con el fin de divulgar y mostrar la especificidad y el lenguaje coreográfico de la danza española: Movimientos I: la danza de la punta al tacón y Movimientos II: danzar al aire español.

En octubre de 2020, en plena pandemia y con estrictas medidas sanitarias, la Compañía Antonio Gades estrenó en el Teatro Real Fuego, en sustitución del Ballet de Múnich, que no pudo viajar a España debido a las restricciones impuestas entonces por el Gobierno alemán. Con estas actuaciones, el Real completó la presentación de la obra completa de este gran creador en su escenario.

En el apartado dedicado a la danza española en My Opera Player, están disponibles cuatro de las cinco coreografías de Gades –Fuenteovejuna, Carmen, Bodas de sangre y Suite flamenca-, entrevistas con los artistas –Carmen, Bodas de sangre y Suite flamenca– y el estreno absoluto de Movimientos II: danzar al aire español.

Las grabaciones, realizadas en los años 2011 y 2014, se llevaron a cabo en coproducción con la Fundación Antonio Gades con el fin de proteger y divulgar el legado de Gades, que sigue suscitando, 20 años después de su fallecimiento, un gran interés y reconocimiento. La Compañía acaba de recibir la Medalla de Honor del Festival Internacional de Música y Danza de Granada, 2024, después de haber cosechado varios premios nacionales e internacionales a lo largo de las dos últimas décadas, en las que la influencia de su genio y de su maestría no han dejado de crecer.

 Crescendo

El próximo 13 de julio, sábado, a las  19.30 horas, los jóvenes talentos del Teatro Real, participantes de la cuarta edición del programa Crescendo, serán los protagonistas de un recital en la Sala Principal, en la que interpretarán algunas de las arias y dúos más conocidos de óperas como La bohèmeLa traviataI PuritaniDon PasqualeUn ballo in mascheraFaust Carmen.

A lo largo de esta temporada, el programa Crescendo, Creamos Ópera, desarrollado por la Fundación Amigos del Teatro Real, ha contado con 18 prometedores artistas, todos menores de 35 años -12 cantantes, 3 pianistas repetidores y 3 ayudantes de dirección de escena-procedentes de España, Italia, Venezuela, Argentina, Serbia y Kazajistán, que han podido completar formación y acceder a las primeras oportunidades profesionales en dos títulos de la actual temporada del Teatro Real, La liberazione di Ruggiero dall’isola d’Alcina y el estreno escénico de Tenorio, en espectáculos del programa Real Junior en el Real Teatro de Retiro,  en actuaciones en la Carroza del Real por toda España, formando parte del concierto EmocionArte -de la Fundación Princesa de Girona- o del homenaje del Día Europeo de la Música –en el Metro de Madrid-, por mencionar algunos.

Importantes artistas del mundo lírico -las sopranos Sabina Puértolas y Ermonela Jaho, el bajo Leight Melrose, el director del Coro Titular del Teatro Real, José Luis Basso y el director de escena Rafael Villalobos– han ofrecido sus conocimientos en clases magistrales únicas que han contribuido a completar la formación, compartir experiencias, desarrollar actitudes personales, transmitir emociones y ampliar horizontes en un trabajo que es también la expresión artística más completa sobre un escenario.

La recaudación de las entradas del concierto, con un coste único de 10 euros en cualquier zona del teatro,  estará destinada íntegramente a programas de impulso del talento joven del Teatro Real y de la Fundación Amigos. Asimismo se ha habilitado un canal de donación, con el mismo fin, mediante una fila cero con aportaciones desde 10 euros.

El recital contará con la participación de los profesores del programa Víctor Manuel Dogar, como responsable de la dramaturgia y dirección de escena, y Patricia Barton, como asesora musical. Sobre las tablas, las voces de las sopranos Aida Turganbayeva, Carmen Larios, Dragana Paunovic e Ivana Ledesma; la mezzosoprano Andrea Rey; los tenores Manuel de Filera y Pablo Puértolas, y los barítonos Alejandro von Büren, Enrique Torres y Johann Sebastian Salvatori, que estarán acompañados al piano por los pianistas Gonzalo Villarruel, Sergio Berlinches y Samuel Martín, y dirigidos en la escena por Íñigo Santacana, Marlene Michaelis y Sofía Merchán.

Crescendo, Creamos Ópera es un programa de la Fundación Amigos del Teatro Real que nace con el objetivo de ofrecer formación y oportunidades profesionales a jóvenes promesas dentro del ámbito de la creación operística, bajo un compromiso de fomentación de un ecosistema artístico diverso e inclusivo. Más de 80 jóvenes artistas de 14 nacionalidades han participado en las cuatro ediciones de este programa formativo, que ofrece una formación artística de primer nivel —a cargo de destacados profesionales y artistas vinculados al Teatro Real— y un acompañamiento al inicio de su trayectoria a través de oportunidades laborales.

Crescendo está impulsado por Fonds de Dotation Porosus, la Fundación Banco SabadellMitsubishi Electric, y cuenta con el apoyo de la Asociación de Guitarra Clásica Ángel G. Piñero.

Fotógrafo: © Javier del Real @ Teatro Real

Puccini

El Teatro Real se suma por primera vez como sede de la Sección Oficial de PHotoESPAÑA, que este año cumple su vigesimoséptima edición, con la exposición Puccini fotógrafo, en la que se descubre una de las grandes pasiones -hasta ahora inédita- del genial compositor italiano: la fotografía.

Comisariada por Gabriella Biagi Ravenni, Paolo Bolpagni y Patrizia Mavilla, la exposición nos desvela el resultado de esta actividad que el compositor inicia alrededor de 1894, a través de una veintena de fotografías realizadas en su Toscana natal y en los países que visitó en sus múltiples viajes.

La muestra es, además, especial, señala Bolpagni, porque nunca se había hecho fuera de Italia y la elección de Madrid y de este lugar “no es casual, ya que en este Teatro, Puccini en persona estrenó, en 1892, bajo la batuta de Luigi Mancinelli, su ópera Edgar. Fue la primera vez que una de sus óperas se interpretaba fuera de las fronteras italianas, y fue aquí, en el Teatro Real”.

Las fotografías de Puccini tienen a la naturaleza como principal protagonista, en encuadres que al mismo tiempo reducen la figura humana a una pequeña silueta en la inmensidad del paisaje, dominadas por un profundo sentimiento poético. Se trata de composiciones visuales bien calibradas, que, si bien están inspiradas en las obras de alguno de sus amigos pintores, cuentan siempre con un carácter personal.

Junto con estas instantáneas, se pueden descubrir imágenes de Nueva York, en las que dominan el imponente urbanismo y los grandes puentes de la ciudad, o Egipto, con una mirada más centrada en sus habitantes y en el paisaje.

La exposición Puccini fotógrafo está organizada por el Teatro Real, el Istituto Italiano di Cultura di Madrid y PHotoESPAÑA, bajo los auspicios de la Embajada de Italia en Madrid, y cuenta con el patrocinio de Tradichem. Han colaborado en la exposición la Fondazione Ragghianti de Lucca, la Fondazione Simonetta Puccini per Giacomo Puccini de Torre del Lago y el Centro studi Giacomo Puccini de Lucca (Italia).

Exposición homenaje a Victoria de los Ángeles

Puccini fotógrafo comparte espacio con la exposición homenaje que el Teatro Real dedica a la soprano Victoria de los Ángeles, organizada en colaboración con la Fundación Victoria de los Ángeles, en la que se muestra una selección de trajes y objetos personales que utilizó la soprano a lo largo de su carrera.

Victoria de los Ángeles (1923-2005), una de las sopranos más importantes del siglo XX, fue también una apasionada de la moda, con un gusto innato para la combinación de colores, volúmenes y tejidos, que la llevaron a confeccionar algunos de los vestidos que lució en conciertos y actos sociales, presentes en la muestra.

A través del vestuario que utilizó en las funciones, recordaremos sus inmortales interpretaciones de Rosina -ataviada con tafetán de seda y pedrería- en El barbero de Sevilla; Elisabeth -de la que se muestran vestido, capa, y corona- en Tannhäuser, y sin duda, Cio-Cio-San, papel emblemático en su carrera y del que ahora, coincidiendo con el estreno de Madama Butterfly en el Teatro Real -que ha dedicado estas funciones a su memoria- se exhiben sus vistosos kimonos.

La exposición podrá disfrutarse con las entradas para las funciones y en la visitas al edificio.

El 2 de julio a las 18.00 horas, en el marco de las actividades paralelas organizadas en colaboración con el Teatro Real de Madrid y el ciclo de encuentros ITALIA ALL’OPERA, el Istituto Italiano di Cultura di Madrid acogerá un encuentro dedicado a Puccini, Madama Butterfly y el japonismo entre los siglos XIX y XX, con Paolo Bolpagni, Director de la Fundación Ragghianti, y el Maestro Nicola Luisotti, director principal invitado del Teatro Real y director musical de la recién estrenada Madama Butterfly.

Fotógrafo: © Javier del Real | Teatro Real

Katharina Konradi & Catriona Morison

Se despedía el XXX Ciclo de Lied que conjuntamente organizan el CNDM y el Teatro de la Zarzuela, y lo hacía con un formato singular en este tipo de recitales. Un dúo compuesto por la soprano kirguisa, Katharina Konradi, y la mezzosoprano escocesa-alemana, Catriona Morison.

Ambas intérpretes alternaron los dúos con intervenciones en solitario, una manera fresca y original de presentar un repertorio menos conocido. Alguna de las obras que hemos escuchado, fueron compuestas para ser interpretadas en la intimidad de los salones privados a los que asistían, principalmente, mujeres.

Con una base romántica, de amor y desamor, como tema principal, eñ recital se inició con cuatro Lieder de Schumann, Mädchenlieder (Canciones de mujeres), tres del libro de canciones españolas, Spanisches Liederspiel, y Bedeckt mich mit Blumen, (Cúbreme con flores). Estas primeras obras a dúo demostraron la buena compenetración, el dominio de coloraturas y una gran expresividad por parte de ambas. Cada una desde su cuerda, demostraron gran técnica y perfecta armonía en las dinámicas.

Esta primera parte terminó con la interpretación de obras de Brahms, primero en solitario, por parte de Catriona Morison, que hizo alarde de una gran capacidad dramática y calidad vocal en su estreno en este Ciclo de Lied.

La segunda parte, con gran variedad de compositores, se inició a dúo con repertorio francés y obras de Chausson, Malibrán, Boonis y una exquisita interpretación de la “Havanaise”, compuesta por la otra hija de Manuel García, Pauline Viardot.

Después llegó el momento de Katharina Konradi en solitario, con obras del I y IV vols. De sus Canciones Clásicas Españolas de Obradors, como “Coplas de Curro Dulce”, “Del cabello más sutil” y “El molondrón”. En su interpretación derrochó simpatía y demostró su conocimiento y aprecio por el repertorio español, acompañado por una extraordinaria dicción que, si no fuera por las pronunciadas erres, tan características en los cantantes de esas latitudes, pasaría por castiza. Muy bien la capacidad interpretativa y la variedad de matices y recursos vocales.

Para terminar, regreso el dúo, esta vez con Feauré, siguiendo con el buen empaste y perfectas articulaciones, ante un público entusiasmado por el diseño de este recital, con obras de gran atractivo y un formato, el de dúo, que ha resultado todo un éxito.

Para terminar, ofrecieron dos piezas de Saint-Saëns, “El desdichado”, un bolero de sus Chanson Espagnole A Deux, y La siesta” de Gounod.

Mención especial merece el pianista Ammiel Bushakevitz, que hizo un recorrido por el amplio repertorio con elegancia y delicadeza, llenando de matices cada época musical que abordaba y respondiendo con ello a la densidad de la partitura y su variedad de estilos.

Un estupendo final para esta temporada del Ciclo de Lied. Esperamos ya con impaciencia la próxima, que se anuncia extraordinaria. Esperamos que retomen los programas de mano tradicionales en lugar de las hojas que se entregan últimamente, en las que apenas aparece el nombre de los artistas.

Día de la música

El Teatro Real y la Comunidad de Madrid han conmemorado esta mañana el Día Europeo de la Música, con la celebración de un recital que ha tenido lugar en el vestíbulo de la estación de Nuevos Ministerios y en el que jóvenes artistas del programa Crescendo, de la Fundación Amigos del Teatro Real, han interpretado conocidas áreas de ópera y zarzuela con el fin de acercar la lírica y la música clásica a los usuarios del Metro.

El pianista Sergio Berlinches ha acompañado las voces de la soprano Ivana Ledesma, la mezzosoprano Andrea Rey y el barítono Enrique Torres, que han emocionado al público con las partituras de Puccini, Bizet, Delibes, Penella y Chapí, en un programa que ha incluido la interpretación al piano de la “Oda a la Alegría”, del cuarto movimiento de la Novena Sinfonía de Beethoven, convertido en el himno de Europa, en el 200 aniversario de su estreno.

El día Europeo de la Música es una conmemoración que invita a los músicos a compartir su arte en espacios públicos, de forma gratuita, para promocionar y reivindicarla como lenguaje universal de la humanidad.

Impulsado por la Fundación Amigos del Teatro Real, el programa Crescendo, con carácter internacional, pretende complementar la formación académica adquirida por jóvenes cantantes de todo el mundo y la creación de oportunidades reales para inicien su carrera profesional, con actuaciones en diferentes eventos del Teatro Real, como espectáculos del programa Real Junior en el Real Teatro de Retiro y actuaciones en la Carroza del Real por toda España.

Desde su creación, más de 80 jóvenes artistas de 14 nacionalidades han participado en esta iniciativa del Teatro Real que les ha acompañado en sus primeros pasos de la vida profesional y que cuenta con el patrocinio der Fonds de Dotation Porosus, la Fundación Banco Sabadell, Mitsubishi Electric, y cuenta con el apoyo de la Asociación de Guitarra Clásica Ángel G. Piñero

Esta es la segunda ocasión en la que el Teatro Real y el suburbano madrileño participan juntos en una actividad encaminada a la promoción de la música. En noviembre de 2023, la estación de Paco de Lucía fue el escenario elegido para una actuación con la que se conmemoraba el Día Internacional del Flamenco.

El Teatro Real también quiere celebrar este día con entradas entre al 45% de descuento para la ópera Madama Butterfly, cuyo estreno tendrá lugar en su escenario el próximo 30 de junio, que podrán adquirirse desde hoy y  las 23.59 horas del sábado 22 de junio, para las funciones de los días 9, 15, 18 y 19 de julio.

Estas localidades, 1.500 distribuidas en todas las zonas de la sala, podrán adquirirse en los canales habituales de venta del Teatro Real: www.teatroreal.es, venta telefónica en el 900 24 48 48 y en las taquillas ubicadas en la puerta principal del Teatro, en la Plaza de Oriente.

Fotógrafo: © Javier del Real | Teatro Real

Katharina Konradi

La soprano Katharina Konradi y la mezzosoprano Catriona Morison, dos de las cantantes líricas más reclamadas en los escenarios internacionales, ponen el broche de oro al XXX Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical y el Teatro de la Zarzuela. Junto al experimentado pianista Ammiel Bushakevitz, harán un recorrido por algunos de los lieder más exigentes y emblemáticos de Robert Schumann o Johannes Brahms, así como por partituras de compositoras como Pauline García Viardot o María Malibrán, entre otras. El recital tendrá lugar el lunes 24 de junio a las 20:00 horas en el Teatro de la Zarzuela.

Katharina Konradi, aclamada soprano de origen kirguís, y Catriona Morison, destacada mezzosoprano escocesa, se unen en este recital que promete cautivar al público con su talento y versatilidad. Konradi, conocida por su pureza vocal y emotiva interpretación, ha brillado en escenarios internacionales, desde la Ópera Estatal de Baviera hasta el Festival de Bayreuth. Por su parte, Morison, ganadora del prestigioso concurso BBC Cardiff Singer of the World, ha impresionado con su riqueza tonal y presencia escénica, actuando en teatros de renombre como la Royal Opera House y el Deutsche Oper Berlin. En esta ocasión, juntas ofrecerán una velada musical inolvidable en la que presentarán su proyecto Echoes, un álbum de canciones a dúo publicado recientemente por Deutsche Grammophon y SWR en el que unen fuerzas con Bushakevitz.

La primera parte de este recital estará protagonizada por una selección de exquisitos lieder a dúo de Robert Schumann y Johannes Brahms, maestros del género. El repertorio abarca canciones que reflejan una temática predominantemente amorosa, desde la pasión por el ser amado hasta el dolor por su ausencia. La segunda parte del concierto ofrecerá canciones francesas de Gabriel Fauré, Mélanie Bonis, una de las compositoras francesas más prolíficas de finales del Romanticismo y Ernest Chausson. También encontraremos obras de Pauline García Viardot y María Malibrán, españolas de origen, grandes divas e hijas del famoso tenor español y maestro del belcanto Manuel García. El programa también incluye tres de las Canciones clásicas españolas de Fernando Obradors.

Nueva edición del Ciclo de Lied

El CNDM y el Teatro de la Zarzuela han anunciado recientemente la 31ª edición del Ciclo de Lied, una programación que celebrará ocho recitales durante la temporada 24/25. El ciclo presentará conciertos de diferentes estilos, timbres y colores a través de programas vocales de excelencia, con un repertorio que tendrá la canción en alemán como protagonista, pero que también albergará programas con canciones de otras procedencias.

La nueva edición contará con aclamadas voces líricas internacionales como las de las sopranos Julia Kleiter y Sabine Devieilhe y la del bajo Franz-Josef Selig; así como con jóvenes y brillantes cantantes que volverán un año más a esta programación, como los barítonos Andrè Schuen y Konstantin Krimmel. Además actuarán por primera vez en el ciclo la soprano Patricia Petibon, el tenor Julian Prégardien y el barítono Ludovic Tézier.

Sobre Katharina Konradi

Katharina Konradi nació en Biskek (Kirguistán, Asia). Es la primera soprano de este país con una carrera internacional como cantante de lied, conciertos y ópera. Durante tres años, actuó en la Ópera Estatal de Hesse en la ciudad de Wiesbaden. Y, en 2018, hizo su presentación como Ännchen en Der Freischütz, de Carl Maria von Weber, en la Ópera Estatal de Hamburgo. A partir de entonces, ha cantado los principales papeles de soprano en los mejores teatros de lírica del mundo, por ejemplo, Zdenka en Arabella, de Richard Strauss, en la Semperoper en Dresde (2018-2019); la Pastora en Tannhäuser, de Richard Wagner, en el Festival de Bayreuth (2019 y 2021); o Sophie en Der Rosenkavalier, de Richard Strauss, dirigida por Vladimir Jurowski —también la ha interpretado, bajo la dirección de Barrie Kosky, en la Ópera Estatal de Baviera en Múnich (2020-2021)—. Además de participar en numerosas producciones de la Ópera Estatal de Hamburgo, lo ha hecho en la presente temporada de la Ópera Estatal de Baviera como Sophie en Werther, de Jules Massenet, y Susanna en Le nozze di Figaro, de Wolfgang Amadeus Mozart.

Sobre Catriona Morison

Ganadora el 2017 del concurso BBC Cardiff Singer of the World en las categorías Singer of the World y Song Price, la mezzosoprano escocesa-alemana Catriona Morison fue miembro de la Ópera de Wuppertal desde el 2016 hasta el 2018, pasando a ser artista residente posteriormente. Ha cantado una amplia variedad de papeles, incluyendo Nicklausse (Les contes de Hoffmann), Charlotte (Werther), Hänsel (Hänsel und Gretel), Maddalena (Rigoletto) y Cherubino (Le nozze di Figaro). En las salas de conciertos, debutó en los BBC Proms el 2019, cantando las Sea Pictures de Elgar. Como recitalista, trabaja regularmente con Malcolm Martineau, Simon Lepper o Joseph Middleton, en salas y festivales como el Wigmore Hall, el Festival Internacional de Edimburgo, el Leeds Lieder Festival y lo Weimarer Meisterkurs; recientemente fue BBC Radio 3 New Generation Artist.

Sobre Ammiel Bushakevitz

Nacido en Jerusalén, Ammiel Bushakevitz actúa regularmente en Europa, Norteamérica, África, Asia y Australia; en salas como el Carnegie Hall de Nueva York, el Wigmore Hall de Londres, la Philharmonie de París, el Concert Hall de Shanghai, el Concertgebouw de Ámsterdam y el Konzerthaus de Berlín. También ha actuado en los festivales de Aix-en-Provence, Salzburgo, Bayreuth, Lucerna, Ciudad del Cabo, Heidelberg, Melbourne y Montreal; el Festival Pontino di Latina de Roma, el Festival Casals de España y las Schubertiades de Schwarzenberg, Hohenems, Vilabertran y Jerusalén. Ammiel, uno de los últimos alumnos privados del difunto Dietrich Fischer-Dieskau, es reconocido como uno de los principales pianistas de canto de su generación, y ha actuado con cantantes de la talla de Dame Felicity Lott, Christian Gerhaher y Thomas Hampson. También ha recibido notables lecciones de Brigitte Fassbaender, Barbara Bonney, Thomas Quasthoff y Matthias Goerne. Su discografía incluye galardonados álbumes como solista y pianista de canto para BIS (Suecia), Pentatone (Holanda), Hänssler Classics (Alemania), SOLFA (España) y Gramola (Austria). Próximos lanzamientos aparecerán en sellos como Berlin Classics, Hänssler y Harmonia Mundi. Apasionado de la educación, Ammiel ha impartido clases magistrales en destacadas universidades de Australia, Israel, España, China, Sudáfrica, Nueva Zelanda y Estados Unidos. También dedica tiempo a tutelar a jóvenes músicos en países en desarrollo como Etiopía, Zimbabue, México y Marruecos.

Madama Butterfly

Entre los días 30 de junio y 22 de julio, el Teatro Real ofrecerá 19 funciones de Madama Butterfly, de Giacomo Puccini, con puesta en escena de Damiano Michieletto y dirección musical de Nicola Luisotti, que estará al frente de 4 repartos y del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

El exotismo inspirador de los países lejanos, tan en boga en el arte y la literatura europeas del final del siglo XIX, dio a la ópera algunos antecedentes directos de Madama Butterfly: mujeres fascinadas con el hombre occidental, seductor y poderoso, que traicionan, por amor, los dogmas sagrados de su tradición y de su cultura, pagando con su vida esa transgresión, como sucede con las protagonistas de La africana (1865) de Giacomo Meyerbeer, o Lakmé (1883) de Léo Delibes.

Madama Butterfly es la sexta de las 10 grandes óperas de Giacomo Puccini (1858-1924) y su tercera colaboración con los libretistas Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, con los que ya había trabajado en La bohème y Tosca, siempre con gran tensión, disputas y desavenencias provocadas por el carácter difícil, obsesivo y perfeccionista de Puccini.

Las fuentes literarias de la ópera están fuertemente ancladas a una inquietante realidad: la impunidad con la que los hombres occidentales utilizaban sexualmente a las mujeres asiáticas, fascinados por su erotismo, misterio, delicadeza y servidumbre. Ese es el tema de la novela Madame Chrysanthème (1887), en la que el marino francés Pierre Loti describe como la ley japonesa permitía a los oficiales de las armadas realizar matrimonios temporales con geishas, generalmente a través de una transición económica, que quedarían disueltos tras un mes de abandono por cualquiera de las partes.

Pocos años después, al otro lado del Atlántico, John Luther Long publica Madame Butterfly (1898), basado supuestamente en un caso real que conoció su hermana durante una estancia en Nagasaki. Este breve relato fue transformado en pieza teatral, con gran éxito, por el dramaturgo y productor David Belasco -que volvería a colaborar con Puccini en La fanciulla del West– que la presentó en Estados Unidos y en Londres. Fue ahí que Puccini vio la obra, con tal conmoción que al final de la misma propuso directamente a su autor la compra de los derechos para la creación de su ópera homónima.

El libreto, estructurado por Luigi Illica y versificado el poeta Giuseppe Giacosa, tiene una dureza inaudita, contraponiendo la naturalidad con la que se negocia la compra y venta de una joven pobre e inocente para complacer los deseos sexuales de un marino foráneo, con la tragedia que vive la protagonista, enamorada de su seductor “marido” extranjero que la va a liberar de la miseria en la que vive.

Para conceder a la partitura la atmósfera oriental Puccini estudió el folclore japonés, los timbres de sus instrumentos, la sonoridad de las voces, los temas, ritmos y escalas más utilizados, articulando todas estas influencias con la música europea, en una relación finísima y sutil con la dramaturgia del libreto y la caracterización de los personajes.

Este “exotismo” musical potencia la riqueza tímbrica y armónica de su escritura orquestal, siempre refinada, fluida y epigramática, con hallazgos expresivos únicos, de grandísima belleza y plasticidad.

Para el director de escena Damiano Michieletto este mundo sonoro orientalizante que atraviesa toda la obra no necesita de ser reforzado con kimonos, biombos y abanicos japoneses que alejan, enmascaran y embellecen el terrible sufrimiento de la inocente Cio-Cio-San en su abnegado camino hacía madurez y el consciente suicidio.

En la producción concebida para el Teatro Regio de Torino, Michieletto despoja la ópera del esteticismo orientalista y sitúa la trama en la actualidad, en los suburbios de una bulliciosa ciudad asiática con carteles publicitarios y letreros de neón concebida por el escenógrafo Paolo Fantin, donde habita Cio-Cio-San, refugiada con sus sueños juveniles en una habitación de plexiglás.

Cuatro cantantes encarnan a esta joven enamorada, que se hace mujer a lo largo de la ópera: Saioa Hernández, Ailyn Pérez, Lianna Haroutounian y Aleksandra Kurzak. El ingrato papel de Pinkerton será asumido por los tenores Matthew Polenzani, Charles Castronovo, Michael Fabiano y Leonardo Capalbo. Completan el cuarteto protagonista las mezzosopranos Silvia Beltrami, Nino Surguladze y Gemma Coma-Alabert, como Suzuki, y Lucas Meachem, Gerardo Bullón y Luis Cansino, como Sharpless.

Madama Butterfly volverá al Real después de las 42 funciones con puesta en escena de Mario Gas, en la producción con más reposiciones desde la reinauguración del Teatro. La ópera llega ahora con el enfoque diferente y complementario de Damiano Michieletto, que nos interroga sobre la crueldad, el dolor, la humillación y el desengaño que viven las víctimas del turismo sexual de antaño y de hoy, en Japón o en los rincones de nuestras ciudades.

AGENDA | ACTIVIDADES PARALELAS

A partir del 1 de julio| Teatro Real: foyer, escaleras imperiales y óvalo de la tercera planta

Puccini fotógrafo

El Teatro Real se suma por primera vez a PHotoEspaña con una exposición que aborda la desconocida faceta como fotógrafo del compositor Giacomo Puccini.

A partir del 1 de julio se podrán ver expuestas fotografías de gran formato del autor de Madama Butterfly en el foyer, las escaleras imperiales y el óvalo de la tercera planta.

Se puede acceder a la exposición con entradas para visitas o para una función.

 

A partir del 30 de junio| Teatro Real de Madrid

Centenario Victoria de los Ángeles

En conmemoración del centenario del nacimiento de Victoria de los Ángeles (1923-2005), el Teatro Real expondrá una colección de vestidos de la soprano catalana que tan brillantemente interpretó a Cio-Cio San en las principales óperas de todo el mundo.

En colaboración con la Fundación Victoria de los Ángeles, se podrán ver vestidos de sus principales roles como Mimì en La Bohème, Elisabeth en Tannhäuser o la mismísima Cio-Cio San en Madama Butterfly.

 

23 de junio a las 11.00 y a las 13.00 horas| Real Teatro de Retiro, Sala Pacífico

¡Todos al Real Teatro! La casa del sol naciente

Un viaje a los cerezos en flor y el rito del té de Japón.

Un taller de introducción a la música para familias, con Fernando Palacios y los Pequeños Cantores de la ORCAM, dirigidos por Ana González

2 de julio a las 18.30 | Istituto Italiano di Cultura di Madrid

Inspiraciones orientales en la Italia de la Belle Époque – Conferencia

Acceso gratuito

Durante el mes de julio | Museo de Historia de Madrid

Piezas de chinería: objetos orientales de moda en occidente en el siglo XIX

Acceso gratuito para los visitantes del museo durante el mes de julio

Yolanda Osuna

Dice lo que tiene que decir con su baile, sincero, apasionado y, sobre todo, libre. Yolanda Osuna regresa a Flamenco Real con un espectáculo que muestra lo más puro de ella, como un grito interno que al vuelo de sus tacones y de sus manos dibuja su esencia y se declara Y.O. Misma.

Predomina en la propuesta de la bailaora cordobesa la naturalidad, la expresión artística, la complicidad con el espectador, el gesto que llena el escenario antes de desbordar con su técnica prodigiosa. Osuna lleva a gala la pureza del baile flamenco tradicional y, desde él, lo baila en su tiempo.

Yolanda Osuna  estará acompañada por la voz de Bernardo Miranda, la guitarra de Jesús Rodríguez y las palmas y el baile de Lorena Osuna.

Nacida en Córdoba, realizó su debut a los cinco años y se graduó con matrícula de honor en danza española, a los 18 años, en el Conservatorio de Danza de Córdoba. Es ganadora de los premios ‘Antonio Hidalgo’ en el Concurso Nacional de Fandangos de Lucena y  ‘Jóvenes flamencos’ de la Diputación de Córdoba. También fue finalista en el Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba y en el del Cante de las Minas de La Unión.

Yolanda Osuna ha actuado en los más prestigiosos teatros y festivales de flamenco tanto de España como del extranjero. Su perfil artístico se ha caracterizado por combinar el flamenco tradicional con otras disciplinas, como la danza contemporánea, las artes plásticas y las performances, ampliando el abanico de posibilidades para expresar su arte. Ha sido una de las estrellas de las giras de Authentic Flamenco y forma parte de los elencos protagonistas de Flamenco Real desde su debut en 2016.

Doña Francisquita

El Teatro de la Zarzuela vuelve a presentar en estos días la producción de ‘Doña Francisquita’ (zarzuela de zarzuelas) firmada por el director de escena Lluís Pasqual (que en este montaje también escribe los textos hablados) y coproducida con el Gran Teatre del Liceu y con la Opera de Lausanne, cuya intención primera es la de otorgar a cada detalle un inconfundible espíritu de alegría y de emociones felices, dejando también, como es habitual en sus trabajos, un espacio para la reflexión útil. A un lustro desde su estreno en el coso de Madrid, esta propuesta regresa a su casa natural tras haber sido recompensada con el Premio Max a la Mejor Producción Lírica (2020), y después de recibir los aplausos cálidos y encendidos del público de Barcelona, Valencia o de Lausanne en Suiza.

Se ofrecerán 10 funciones, del 19 al 30 de junio, de la obra compuesta por Amadeo Vives, considerada como una de las partituras más brillantes e inspiradas de nuestro patrimonio musical, con textos cantados de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw inspirado en ‘La discreta enamorada’ de Lope de Vega y, como queda dicho, con textos hablados de Lluís Pasqual.

Se da además el caso, en esta ocasión, de que las funciones coinciden con la celebración de los 100 años de la primera ‘Doña Francisquita’ en el Teatro de la Zarzuela, cuatro meses después de su apoteósico estreno en el Teatro de Apolo de la calle Alcalá. Por tanto, en 1924 la obra llegó por primera vez al escenario de La Zarzuela —se conserva el cartel publicitario—, y fue en este Teatro donde la Gran Compañía Cómico-Lírica Amadeo Vives posó para la posteridad con los autores; y desde donde salió rumbo a América para llegar al Teatro Colón de Buenos Aires.

En la Francisquita que podremos disfrutar en los próximos días, frente a la Orquesta de la Comunidad de Madrid (Titular del Teatro) ocupará el foso Guillermo García Calvo, quien considera las páginas musicales de ‘Doña Francisquita’ “una de las mejores obras de música en escena no solo de nuestro repertorio, sino de toda la música occidental. Y aunque no es necesario comparar una obra con otras para destacar su valor intrínseco, el maestro observa que la calidad de esta partitura está al nivel de las mejores partituras de ópera y opereta de sus coetáneos europeos como Puccini, Richard Strauss, Kálmán o Lehár».

Pasqual, por su parte, evoca la alegría al enfrentarse cara a cara con la obra de Vives, Romero y Fernández-Shaw, y al cabo de los muchos años transcurridos desde que se la escuchara a su madre en los días luminosos: “La alegría, algo tan difícil de conseguir en el mundo en el que vivimos si uno intenta ser mínimamente consciente de la realidad que nos rodea, ha vuelto a mí, sino la misma, con el mismo perfume y la misma intensidad”. Y la emoción que esto le causa le lleva a pensar que tal vez solo la música, “evocadora y real al mismo tiempo”, sea capaz de producir esos sentimientos. El director lo tiene claro: esa alegría, “ese espíritu de fiesta compartida es lo que no podía no estar en el espectáculo”.

El reparto, que compartirá la escena de esta historia de amor a cuatro y más bandas con el Coro Titular del Teatro de la Zarzuela, volverá a contar con esas dos colaboraciones especiales de altura que son la de la inmensa maestra de las castañuelas Lucero Tena y el actor Gonzalo de Castro. Los elencos están integrados, en su mayoría, por voces habituales en los más importantes recintos líricos, muchas de las cuales repiten participación en esta producción. Así, las sopranos Sabina Puértolas y Marina Monzó darán vida a esa joven hermosa llamada Francisquita, cuyo amor se disputan Don Matías y su hijo Fernando, quien se desvive por otra hasta que Francisquita le sale al paso; los tenores Ismael Jordi y Alejandro del Cerro interpretarán el papel del estudiante Fernando, que pretende a Aurora, la Beltrana, una popular actriz que por su parte nada quiere de él, cuyo apasionado rol lo encarnarán las mezzosopranos Ana Ibarra y María Rodríguez. Los tenores Enrique Ferrer y Manuel de Diego serán Cardona, también estudiante y amigo inseparable de Fernando que urde y desurde historias. La soprano Milagros Martín dará vida a una muy especial doña Francisca, madre de Francisquita; el barítono Santos Ariño a Don Matías, padre de Fernando y pretendiente igual que este de Francisquita, y el barítono Isaac Galán a Lorenzo, alias el “pollito”, amante de Aurora que ve cómo la suerte en el amor se le escapa cuando ella se siente atrapada de Fernando precisamente desde el momento en que este la ignora en favor de Francisquita. 12 bailarines y 12 actores, completan el elenco de esta comedia lírica en tres actos y amor a cinco bandas.

La escenografía y el vestuario de esta propuesta están firmados por Alejandro Andújar, la iluminación por Pascal Mérat, la coreografía por Nuria Castejón y el diseño audiovisual es de Celeste Carrasco. Asimismo, en las funciones participa la Rondalla Lírica de Madrid «Manuel Gil».

Un gran Clásico

Que ‘Doña Francisquita’ es uno de nuestros grandes clásicos de la lírica no hay quien lo ponga en duda. Recién cumplidos cien años (lo ha hecho en 2023), hasta la fecha se han visto grandes producciones en el escenario del Teatro de la Zarzuela donde llegó por vez primera en 1924 (este año celebramos un siglo de aquello), con la misma producción del estreno de cuatro meses antes en el vecino Teatro de Apolo, firmada por Manuel Fontanals, y casi con idéntico reparto. Desde entonces, la obra de Amadeo Vives se ha representado en numerosas ocasiones en este recinto.

En 1934, ‘Doña Francisquita’ se había transformado ya en una comédie lyrique en trois actes en el escenario de la Ópera de Montecarlo, y poco después en una opérette à grand spectacle en el del Teatro Real de la Moneda de Bruselas, para en 1954 pasar a ser un Spiel aus Spanien en la Volksoper de Viena. ¡La internacional Francisquita!

Esa fue precisamente la razón por la que en 1956 fue el título seleccionado para la gala de reinauguración de la sala del Teatro de la Zarzuela con dirección de escena de José Tamayo. En 1972 volvería a subir a estas tablas nuevamente de la mano de Tamayo, aunque con una nueva propuesta escénica dirigida al público de Madrid. Pero 1985 fue realmente un año excepcional para ‘Doña Francisquita’ en el Teatro de la Zarzuela: la versión escénica de José Luis Alonso viajó a las ciudades belgas de Amberes y Gante —en el marco del Festival Cultural Europalia 85: España— y volvió a este mismo escenario de la plazuela de Jovellanos con el Ballet Nacional de España que la estrenó como un espectáculo de danza, con música de Vives, arreglos de Antón García Abril y coreografía de Alberto Lorca.

En 1998 ‘Doña Francisquita’ estuvo en Buenos Aires y Washington DC con una nueva y espectacular coproducción del Teatro de la Zarzuela dirigida por Emilio Sagi. Y por último, en 2019, volvió a Madrid con esta propuesta escénica dirigida por Lluís Pasqual, que ha viajado con éxito a Barcelona y Lausanne, coproductores del montaje, y que ahora regresa al Teatro de la Zarzuela..

Cine y Filmoteca Española

El Teatro de la Zarzuela y la Filmoteca Española firmaron hace unos años un convenio de colaboración para la restauración de la película ‘Doña Francisquita’ de Hans Behrendt (1934). Esa fue la primera vez que ambas instituciones se unían para abordar un proyecto conjunto de recuperación de patrimonio cultural español, en este caso cinematográfico y musical. Algunos de los fragmentos de dicho largometraje se ven en la producción que ahora regresa al Teatro de la Zarzuela.

En 1992 la Filmoteca Española encontró en el fondo de la Cinémathèque Française de París un negativo de imagen y sonido de una película hasta el momento desaparecida; se trataba de Doña Francisquita (1934), del director alemán Hans Behrendt, producida por la compañía Ibérica Films en los Estudios CEA de Madrid. En 1993 se logra, como intercambio entre ambos organismos, que se enviara la copia a Madrid para su restauración. Primero se restauró físicamente y luego, entre 1995 y 1996, se realizaron nuevos trabajos con el Laboratorio Polisitem de Barcelona: el duplicado del negativo de imagen, el negativo de sonido y una copia estándar. Y en 2018 el Teatro de la Zarzuela colabora con la Filmoteca Española en el tiraje de una nueva copia digital.

La película, rodada íntegramente en Madrid en el año 34 con Raquel Rodrigo (Francisquita), Fernando Cortés (Fernando), Matilde Vázquez (Aurora) y Antonio Palacios (Cardona) en el reparto, es un importante ejemplo del cine sonoro del periodo republicano en España. El promotor del proyecto original fue el hijo de Amadeo Vives, José Vives Giner, quien ejerció de supervisor artístico de esta adaptación de la popular zarzuela.

Para su segunda versión cinematográfica ‘Doña Francisquita’ se vestirá de colores y fantasía —con el nuevo Cinefotocolor— de la mano de otro director exiliado, el húngaro Ladislao Vajda, en 1952. El reparto está formado por Mirtha Legrand (Francisquita), Armando Calvo (Fernando), Emma Penella (Aurora) y Antonio Casal (Cardona). En esta ocasión la película llegará hasta las pantallas del Festival de Cannes como Mascarade d’Amour en 1953.

Paul Lewis

La Sala Sinfónica del Auditorio Nacional se viste con sus mejores galas para presentar el concierto de clausura de la 29ª temporada de la Fundación Scherzo. Un concierto protagonizado por las sonatas D. 958, 959 y 960 de Franz Schubert interpretadas por Paul Lewis.

El legado musical y pianístico del compositor vienés se puede apreciar en este testamento sonoro, ideado como una trilogía que pretendía dedicar al pianista y compositor Johann Nepomuk Hummel.

Las Tres últimas sonatas abarcan toda una amalgama de emociones y sonidos que van desde la agitación mas exacerbada de la Sonata nº 19 en do menor, D. 958 hasta la serenidad y ensoñación de la Sonata nº 21 en Si bemol Mayor, D. 960. En palabras de Eva Sandoval, quien firma además las notas al programa: «Quizás la reciente muerte de Beethoven en 1827 le liberó a Schubert de la angustia de la influencia que el gran compositor ejercía sobre él y, con estas tres geniales e imaginativas partituras, contribuyó a ensanchar los límites del concepto clásico de sonata».

Siguiendo la senda de algunos de los grandes maestros en este repertorio como son Alfred Brendel o Sviatoslav Richter, Paul Lewis nos propone una visión personal y reflexiva, que sumerge de lleno al espectador en una sonoridad donde los guiños de Schubert a Beethoven son más que recurrentes.

De esta forma, el Ciclo de Grandes Intérpretes clausura su 29ª edición, marcada por toda una serie de novedades que continuarán en el 30º Ciclo de Grandes Intérpretes, cuyo comienzo está programado para el próximo 10 de septiembre, junto a la pianista rusa Yulianna Avdeeva. Además, todos los abonados al 30º Ciclo de Grandes Intérpretes podrán disfrutar de forma gratuita del concierto de Alexandre Kantorow, el próximo 12 de noviembre.

Medea de Charpentier

Esta es sin duda la temporada ideal para un aficionado a la ópera barroca. Y una de las razones principales es el estreno en el Teatro Real de la Medea de Charpentier. Dirigida por William Christie, al frente del Coro y Orquesta de Les Arts Florissants y un reparto coral con Véronique Gens (Médée), Reinoud van Mechelen (Jason), Cyril Costanzo (Créon), Ana Vieira Leite (Créuse), Marc Mauillon (Oronte), Emmanuelle de Negri (Nérine), Élodie Fonnard (Cléone), Lisandro Abadie (Arcas), Lucía Martín-Cartón (El Amor), en los principales papeles.

Esta Medea se estrena después de haber iniciado la temporada con la de Cherubini. Ambas basadas en el personaje mítico que aparece en la genealogía de los dioses de Hesíodo, del siglo VIII a.C., que fue renovada por Eurípides, donde narra la epopeya de Apolonio de Rodas y el viaje de Jasón y los argonautas. La de Charpentier, escrita casi un siglo después, cuenta con el libreto de un gran autor teatral, miembro de la Academia Francesa, Thomas Corneille, hermano menor del escritor Pierre Corneille.

La música de esta Medea de Charpentier proyecta un extraordinario dramatismo. En algunos momentos puede resultar monótona, pero su escritura responde a la sobriedad y desenlace trágico del texto.

William Christie, perfecto conocedor de la obra, ha estado al frente de la Orquesta y Coro de Les Arts Florissants, convirtiéndose en personajes principales con el carácter que son capaces de dotar a esta partitura. Con una orquestación colmada de sonoridades, colores y matices, que llenan de intimidad los momentos más delicados y de exaltación y volumen los conjuntos de coro y orquesta. Todo ello acompañado de la sobriedad y elegancia de la propuesta escénica de Marie Lambert-Le Bihan y la iluminación de Fiammetta Baldiserri. El resultado es un movimiento escénico sutil, acompasando la música con la historia y dejando todo el protagonismo a la partitura y las voces.

A la cabeza del reparto vocal, Véronique Gens, que ha construido una Medea elegantemente dramática, con una voz sólida, sobre todo en los graves, y un impecable fraseo.

Muy bien el Jasón de Reinoud van Mechelent, en un rol nada fácil, con agudos falseados, casi sopraniles.

El barítono Cyril Costanzo desplegó un potente instrumento para dar vida a Creón.

El resto de reparto estuvo a un gran nivel. Incluido el coro, que tuvo momentos espectaculares junto a la orquesta. Todos echamos de menso la participación de un ballet, que tal vez hubiera dado a la escenografía otro dinamismo.

Bravo por el Teatro Real al estrenar esta obra y completar con ella una de sus temporadas más barrocas, creando un hilo conductor con dos de los mitos más importantes de la literatura y el arte, Medea y Orlando.

CNDM (c) Elvira Megías
La nueva temporada del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), que tendrá lugar del 12 de septiembre de 2024 al 22 de junio de 2025, albergará un total de 200 citas musicales, con 150 conciertos y 50 actividades pedagógicas. Asimismo, se recuperarán 26 obras del patrimonio musical que verán su estreno en tiempos modernos en esta edición; y se reforzará el compromiso con la creación contemporánea con 40 estrenos absolutos, 25 por encargo del CNDM de los cuales la mitad serán creaciones de compositoras. La programación se desarrollará en 25 ciudades en colaboración con más de 100 instituciones.

En la temporada 24/25 del CNDM se cumplirán quince años con más de 2.600 conciertos celebrados hasta la fecha. En esta edición, destaca nuevamente la reivindicación del patrimonio musical español, con el doble de obras de nuestro repertorio musical recuperadas respecto a la temporada pasada. Otro punto importante es que la cita con los grandes títulos del Barroco español se celebrará por partida triple, con tres obras de gran formato que serán interpretadas por agrupaciones nacionales de primer nivel. Asimismo, la programación prestará especial atención a las grandes compositoras de todos los tiempos, desde el primer Barroco con las célebres Elisabeth Jacquet de la Guerre o Barbara Strozzi, hasta las más actuales, con Teresa Catalán, Helga Arias, Laura Vega, Isabel Mundry, Gabriela Ortiz, Caroline Shaw o Missy Mazzoli, pasando por por Amy Beach, Lili Boulanger o Fanny Mendelssohn.

La nueva edición se asentará en los tres pilares fundamentales del CNDM. En primer lugar, el desarrollo de la dirección artística del Auditorio Nacional de Música, dotando a este espacio de una programación pública, diversa y de máxima calidad. En segundo lugar, la promoción, difusión y ampliación del patrimonio musical nacional, a través de la programación de conciertos y actividades pedagógicas, encargos de composición y recuperaciones históricas. Y en tercer lugar, el apoyo a los creadores e intérpretes españoles.

La temporada 24/25 se apoya en la obra de David Santiago, fotógrafo especializado en naturaleza que capta lo intangible que nos emociona.

Ciclo Transversal #Palestrina.500

El ciclo transversal #Palestrina.500 celebra el quinto centenario del nacimiento del compositor italiano Giovanni Pierluigi da Palestrina, uno de los máximos exponentes del repertorio polifónico del Renacimiento y cuya música también tuvo gran influencia en nuestro país y en nuestros compositores, como en Tomás Luis de Victoria, con quien coincidió en Roma. A través de varios conciertos que tendrán lugar a lo largo de todo nuestro territorio, en ciudades como Betanzos, León, Madrid, Oviedo, Salamanca y Sevilla, se revivirán algunas de sus obras más representativas de la mano de prestigiosas agrupaciones vocales nacionales y extranjeras: Cantoría, Tasto Solo, Stile Antico, Vox Luminis y Musica Ficta.

Residencias artísticas

El CNDM mantiene un año más las residencias artísticas con el objetivo de poner en valor la carrera de compositores e intérpretes y contribuir a su trayectoria y a su reconocimiento con una programación que les permita ampliar su catálogo, o mostrar su talento durante toda la temporada. En la edición 24/25, Alberto Miguélez Rouco será el artista residente y Alberto Posadas el compositor residente.

Alberto Miguélez Rouco (La Coruña, 1994) es uno de los artistas con mayor proyección internacional en su doble faceta de cantante y director. Con su gran calidad artística y su carisma, y tras su formación en la prestigiosa Musik Akademie de Basilea (Suiza), reúne en sus proyectos a los mejores solistas y músicos especializados en la interpretación historicista nacionales e internacionales. Miguélez Rouco es fundador y director del ensemble Los Elementos y, como cantante, es reclamado por las mejores batutas como las de William Christie, René Jacobs, Christophe Rousset o Leonardo García-Alarcón.

Por su parte, Alberto Posadas (Valladolid, 1967) es uno de los compositores más audaces del panorama actual y con una sólida trayectoria a sus espaldas. Este maestro, que inició su carrera de la mano del aclamado compositor Francisco Guerrero, ha recibido encargos de reconocidas instituciones nacionales e internacionales y ha obtenido numerosos galardones, como el premio nacional de música. El CNDM invitará al público a descubrir el poético imaginario de este creador a través de estrenos y la recreación de algunas de sus obras más emblemáticas.

La programación en Madrid

En el ciclo Universo Barroco Sinfónica se celebrarán 7 conciertos. Contaremos con tres grupos españoles: Los Elementos, bajo la dirección de Alberto Miguélez Rouco, Nereydas, con Ulises Illán, y Vespres d’Arnadí, dirigido por Dani Espasa. Los dos primeros ofrecerán estrenos en tiempos modernos, con la recuperación de La cautela en la amistad y robo de las sabinas de Francisco Corselli, una ópera con libreto en castellano que se estrenó en 1735 en el teatro madrileño de los Caños del Peral, y la Didone abbandonata de Baldassare Galuppi, una ópera que se presentó en el Teatro del Buen Retiro de Madrid en 1752; proyecto que cuenta con la colaboración del Instituto Complutense de Ciencias Musicales. Por su parte, Vespres d’Arnadí interpretará el oratorio Giuseppe riconosciuto del destacado compositor Domènec Terradellas. Estos conciertos contarán con grandes voces nacionales y extranjeras, como Alicia Amo, María Espada, Aurora Peña, Jone Martínez, Natalie Pérez, Roberta Mameli o Zachary Wilder. Este año, se ampliarán las fronteras del Barroco para ofrecer la colosal Missa solemnis de Ludwig van Beethoven, con la Balthasar-Neumann-Chor und Orchestrer liderada por Thomas Hengelbrock y con la presencia de un gran elenco vocal. Presentamos dos grandes títulos operísticos de Antonio Vivaldi: Arsilda, regina di Ponto, de la mano de La Cetra Barockorchester Basel, bajo la dirección de Andrea Marcon; e Il Giustino, interpretado por la Accademia Bizantina, dirigida por Ottavio Dantone y con la presencia de la gran soprano Emöke Baráth. Como broche de oro llegará al CNDM, por primera vez, el oratorio Serpentes ignei in deserto de Johann Adolf Hasse, todo un duelo de contratenores y sopranistas junto a Les Accents. Contaremos para la ocasión con las voces de Carlo Vistoli -que tanto éxito cosechó en la pasada temporada del CNDM-, Bruno de Sá, David Hansen, Christophe Dumaux y Paul-Antoine Bénos-Djian.

El ciclo Universo Barroco Cámara albergará 10 conciertos. La programación contará con la presencia de nuestro artista residente Alberto Miguélez Rouco en sus diversas facetas. En primer lugar, como contratenor y director de su agrupación Los Elementos, con la soprano Deborah Cachet y un repertorio de villancicos y cantadas navideñas de Francisco Corselli y otros autores. En segundo lugar, de nuevo al frente de su ensemble como cantante y director, presentando Clori, Tirsi e Fileno, uno de los títulos más romanos de George Frideric Haendel. Y, en tercer lugar, como contratenor junto a La Guirnalde, agrupación que debuta en nuestro ciclo con un programa cargado de estrenos en tiempos modernos y enfocado en los compositores españoles Francisco Hernández Illana y Diego Pérez de Camino. En otoño, nos visitará La Grande Chapelle, bajo la dirección de Albert Recasens, con el estreno en España de Festa a ballo, un espectáculo que el duque de Osuna hizo representar en 1620 en Nápoles por el restablecimiento de la salud del rey Felipe III. A esta obra se añadirán para la ocasión cinco estrenos en tiempos modernos. Este concierto es una coproducción con la Fundación Tatiana y el Centro de Estudios Europa Hispánica. Contaremos con dos grandes agrupaciones vocales internacionales, Stile Antico y Vox Luminis, quienes abordarán algunas de las obras más representativas de Giovanni Pierluigi da Palestrina en el marco de nuestro ciclo transversal. Vuelve Les Arts Florissants, con Paul Agnew como tenor y director, para interpretar las Jephte de Antonio Draghi y Giacomo Carissimi; y el sopranista Samuel Mariño, con un programa de arias de cantatas en torno al delirio amoroso. Por su parte, Nevermind y su clavecinista Jean Rondeau dedicarán su concierto a la figura de Elisabeth Jacquet de la Guerre, gran compositora del Barroco cuya música, afortunadamente, ha llegado hasta nuestros días. En el Día Europeo de la Música Antigua contaremos con la Orquesta Barroca de Sevilla y Midori Seiler, como concertino y directora, con un exquisito programa en torno a Johann Sebastian Bach.

Nuestro Liceo de Cámara XXI estará compuesto por 12 conciertos de los mejores cuartetos y solistas del momento, uno de ellos extraordinario (fuera de abono). Por primera vez, tendremos a la violista española Sara Ferrández en compañía del violinista Yamen Saadi (concertino de la Filarmónica de Viena) y el violonchelista Kian Soltani, este último fiel colaborador del maestro Daniel Barenboim. Interpretarán en formato trío las famosísimas Variaciones Goldberg. Soltani también nos visitará junto al pianista Mao Fujita y el violinista Renaud Capuçon. El tercer trío destacado será el de los violinistas Vilde Frang y Valeriy Sokolov junto al violista Lawrence Power. El cuarteto integrado por el pianista Jonathan Biss, la violinista Liza Ferschtman, la violista Malin Broman y el violonchelista Antoine Lederlin interpretará, entre otras, una pieza de Fanny Hensel-Mendelssohn. Esta constante incorporación de repertorio de mujeres compositoras en el ciclo se podrá apreciar también en el concierto que ofrecerá la pianista Judith Jáuregui junto al Cuarteto Gerhard, con un programa que incluye el quinteto para piano de Amy Beach, una de las más destacadas compositoras y pianistas estadounidenses del pasado reciente. Contaremos, nuevamente, con los mejores cuartetos del panorama actual, como el Cuarteto Casals y el Cuarteto Cosmos, el Cuarteto Belcea con la violista Tabea Zimmermann o el Cuarteto de Cuerda de la Staatskapelle de Berlin junto a la pianista Elisabeth Leonskaja. A dúo disfrutaremos de la violinista Patricia Kopatchinskaja y la violonchelista Sol Gabetta, o del violonchelista Gautier Capuçon con el pianista Alexandre Kantorow, en su debut en el CNDM. Por último, contaremos con un concierto extraordinario que acogerá, por primera vez en esta programación, la visita de la virtuosa violinista Janine Jansen junto al pianista Denis Kozhukhin.

El ciclo Jazz en el Auditorio celebrará 6 conciertos en la Sala de Cámara Auditorio Nacional de Música, con propuestas de uno y otro lado del Atlántico. Nos visitarán dos exponentes del jazz latinoamericano: el pianista cubano Alfredo Rodríguez, con la presentación de su nuevo proyecto en formato trío, “Coral way”, y el cuarteto del puertorriqueño Miguel Zenón, uno de los saxofonistas más innovadores e influyentes de su generación. El saxo tendrá un papel protagonista en otras dos suculentas citas. Por un lado, con el regreso al CNDM del experimentado saxofonista, compositor y productor Joe Lovano, con The Paramount Quartet, su recién estrenado proyecto en que también participa el famoso guitarrista Julian Lage. Por el otro, la visita y debut en el CNDM de la saxofonista Lakecia Benjamin con la presentación de “Phoenix”, un proyecto muy personal que evoca el sonido del jazz de los años 70. En cuanto a las citas nacionales, visitará el ciclo el pianista Chano Domínguez, uno de los máximos exponentes de la escena jazzística nacional, en esta ocasión en su versión más íntima de piano solo; y también recibiremos al contrabajista Pablo Martín Caminero, con el estreno de su nuevo proyecto “51”, encargo del CNDM que celebra su medio siglo de vida y su salto a la madurez artística.

El ciclo Andalucía Flamenca, organizado en coproducción con el Instituto Andaluz del Flamenco, aglutina 5 conciertos. La programación se abrirá con dos grandes ejemplos de la tradición jerezana, Tía Juana la del Pipa y Tomasa Guerrero la Macanita, junto al guitarrista Manuel Valencia. En la siguiente cita se pasará a un cartel doble protagonizado por dos brillantes jóvenes cordobeses, Rocío Luna, que se alzó con la Lámpara Minera 2023 en La Unión y se ha constituido en una pujante realidad, y Rafa del Calli, ganador en la categoría de cante del Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba en 2022. De Lebrija procede el cantaor José Valencia, quien presentará el proyecto Mi camino. Asimismo, esta temporada acogerá el concierto de La Saga de los Carmona (Habichuela), encabezada por el gran guitarrista Pepe Habichuela y con la presencia de su hijo Josemi Carmona y la colaboración especial de Juan Habichuela Nieto, entre otros nombres. El broche de oro lo pondrá la cantaora Marina Heredia, que presentará un recorrido por la esencia del flamenco en el que no faltarán guiños a otras músicas que han tenido una gran influencia en este arte.

En el ciclo Fronteras, considerado el más mestizo del CNDM, asistiremos a 5 conciertos de abono en la Sala de Cámara y 2 extraordinarios en la Sala Sinfónica. Estos últimos estarán protagonizados por dos de los pianistas más brillantes del panorama actual, Brad Mehldau y Víkingur Ólafsson. El pianista de jazz estadounidense Brad Mehldau presentará Après Fauré, su personal visión sobre la obra del famoso compositor francés en el centenario de su fallecimiento. Por su parte, Víkingur Ólafsson regresa al CNDM para deslumbrar al público con esa trilogía casi cósmica que son las tres últimas sonatas de Ludwig van Beethoven. El piano en su versión más flamenca estará también presente de la mano del lebrijano David Dorantes, en diálogo con el contrabajo de Renaud García-Fons, en el concierto que abre el ciclo. Vuelve António Zambujo, en esta ocasión con Yamandu Costa y su guitarra de siete cuerdas, en un exquisito recorrido por canciones populares luso-brasileñas. Y debuta el pianista británico Bill Laurance, a dúo con Michael League, ambos integrantes de la mítica banda Snarky Puppy y con personalidades poliédricas que han definido el jazz de los últimos años. La violinista Leticia Moreno protagoniza otra de las citas fronterizas de este año. Junto al bandoneonista Claudio Constantini y rodeada por otros grandes músicos, interpretará su nuevo proyecto Bach in the jungle. Y para celebrar el Día Internacional de la Mujer, L’Arpeggiata presentará junto a su directora Christina Pluhar y la mezzosoprano Luciana Mancini, Wonder Woman, un particular recorrido por el seicento italiano y la canción popular mexicana escrita y protagonizada por mujeres.

Uno de los más exitosos y queridos ciclos del CNDM, Bach Vermut, volverá por todo lo alto para convertir los sábados del Auditorio Nacional de Música en una gran fiesta del órgano, con conciertos de grandes intérpretes nacionales y extranjeros aderezados con una degustación gastronómica acompañada de jazz. En total, la temporada 24/25 albergará 7 conciertos. Una cita muy esperada será la de Paolo Oreni, uno de los grandes improvisadores del momento, que pondrá música en vivo a la película de cine mudo El gabinete del doctor Caligari, de Robert Wiene. Otra cita destacada será la de la apertura del propio ciclo, con la vuelta de Gunnar Idenstam y un repertorio que abarca desde sus propias transcripciones de grandes obras orquestales hasta conocidas bandas sonoras. Debutan en la programación la organista belga Els Biesemans, ganadora de varios concursos internacionales, y el estadounidense Nathan Laube, con su espectacular versión de la Sonata para piano en si menor de Liszt. Visitan el ciclo dos destacados jóvenes organistas españoles, Sara Johnson Huidobro y Víctor Baena, quienes han concebido un programa titulado Freestyle en el que sonarán músicas desde el siglo XVI al XX. Bach Vermut contará también con Joonho Park, uno de los organistas asiáticos más sobresalientes del panorama actual, y el veterano David Briggs, organista de la catedral de Nueva York, que interpretará arreglos del gran repertorio sinfónico y concluirá con una improvisación de cuyo arte es un maestro consagrado. Algunos de estos músicos y otros estarán presentes en los recitales del ciclo itinerante El órgano en las catedrales, que en esta nueva edición recalará en Ávila, Barcelona, Logroño, San Cristóbal de la Laguna y Valencia, de la mano de Juan de la Rubia, Nathan Laube, Susanne Kujala, Joonho Park y Carlos Fernández Bollo.

El veterano Ciclo de Lied celebrará su XXXI edición en el Teatro de la Zarzuela con 8 conciertos. Por primera vez, el ciclo contará con la soprano Patricia Petibon, en una novedosa formación junto a la pianista Susan Manoff y al violonchelista Christian-Pierre La Marca, para interpretar un original repertorio que aglutina desde canciones populares españolas y francesas, hasta autores contemporáneos como Yann Tiersen. Asimismo, debuta en el ciclo el tenor Julian Prégardien, junto al pianista Kristian Bezuidenhout, con uno de los primeros ciclos de lied de la historia, Die schöne Müllerin de Franz Schubert; y el aclamado barítono francés Ludovic Tézier, con el pianista Julius Drake. El ciclo contará también con las jóvenes y brillantes voces del barítono Andrè Schuen, junto a Daniel Heide, en un recital que unirá a Franz Schubert con Gustav Mahler; y del también barítono Konstantin Krimmel, que acudirá con el pianista Ammiel Bushakevitz para cantar Franz Schubert y Carl Loewe. Visitan nuevamente el ciclo grandes figuras del género como son la soprano Julia Kleiter, con el pianista Michael Gees, y el bajo Franz-Josef Selig, con Gerold Huber al piano. Kleiter interpretará lieder de Richard Strauss, Gustav Mahler y Johannes Brahms junto a una sugestiva aproximación a Arnold Schoenberg, mientras que Selig explorará los imponentes lieder sobre Michelangelo de Dmitri Shostakóvich. También visitará de nuevo la programación la gran soprano Sabine Devieilhe, junto a Mathieu Pordoy, con lieder de Liszt, Strauss y mélodies de Lili Boulanger.

El ciclo Series 20/21, dedicado a la mejor música actual, contará con 11 conciertos, diez de ellos de entrada libre en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y uno de ellos extraordinario en el Auditorio Nacional de Música. Se trata de una cita que celebrará los 30 años de la Orquesta Joven de Andalucía y del ensemble Neopercusión, que estrenarán en España el concierto para percusión del aclamado compositor Peter Eötvös. La música del compositor residente Alberto Posadas tendrá una gran presencia en esta programación. Algunas de sus obras más emblemáticas serán interpretadas por el cuarteto español de saxofones Sigma Project; el pianista Florian Hölscher, que debuta en el CNDM; la Sinfonietta de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, bajo la dirección de Johannes Kalitzke; o el Ensemble mdi, que también estrenará un encargo del CNDM al compositor Aureliano Cattaneo. El CNDM también ha realizado varios encargos de obra nueva a Posadas, cuyas creaciones serán estrenadas por el trío conformado por la violista Geneviève Strosser, el violista Dimitrios Polisoidis y el contrabajo Dario Calderone, tres intérpretes que tocan habitualmente con las mejores agrupaciones internacionales, así como por el aclamado Trío Abstrakt. Visitan el ciclo grandes figuras como Pierre-Laurent Aimard, en un concierto en homenaje a Maurice Ravel y Pierre Boulez en sus aniversarios, o el Cuarteto Attacca, que estrenará una obra encargo del CNDM y el Carnegie Hall de la gran compositora mexicana Gabriela Ortiz y un encargo del CNDM a Juan José Colomer, junto al pianista Juan Carlos Fernández-Nieto. Y se potencia el talento joven con dos proyectos. Por un lado, se renueva la colaboración con la Fundación SGAE en el Premio de Jóvenes Compositores, que cumple 35 años, con un concierto del Ensemble Vigo 430, dirigido por Lara Diloy. Por el otro, el Ensemble Connect ofrecerá un recorrido por la pujante actualidad estadounidense con la presencia de compositores muy interesantes como Missy Mazzoli.

Fotografía (c) Elvira Megías
Sabina Puértolas

El Teatro de la Zarzuela contará de nuevo con la aclamada soprano Sabina Puértolas quien encabezará el elenco de esta producción de “Doña Francisquita”, la célebre comedia lírica en tres actos con música de Amadeo Vives y libreto de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw. Esta producción de El Teatro de la Zarzuela de 2019 regresa con renovada energía bajo la dirección escénica de Lluís Pasqual, escenografía y vestuario de Alejandro Adnújar y las coreografías de Nuria Castejón.

La Orquesta de la comunidad de Madrid, Titular del teatro de la Zarzuela y dirigidos por Antonio Fauró, acompañarán a este impresionante elenco en una producción dinámica y divertida.

Doña Francisquita es una comedia de enredo en la que Doña Francisquita, una joven vivaz y encantadora, está enamorada de Fernando, un apuesto y voluble estudiante. A lo largo de la trama Francisquita debe enfrentar diversas complicaciones para conseguir el corazón de Fernando. Con mucha astucia y determinación buscará la forma de conquistar a Fernando mientras compite con el personaje de Aurora, la Beltrana.

Las funciones tendrán lugar los días 19,21,23,26,28 y 30 de junio de 2024, a las 20:00h menos los domingos que será a las 18:00h Doña Francisquita es una de las obras maestras del repertorio zarzuelístico, caracterizado por la fuerza y encanto de su protagonista, que será interpretada con maestría por Sabina Puértolas, y un argumento lleno de humor y romance.

Sabina Puértolas

Sabina Puértolas es una de las sopranos españolas más internacionales, reconocida por su talento y entrega para unir perfección técnica e intensidad interpretativa y ponerlas al servicio de los grandes papeles del bel canto, la ópera barroca y el repertorio de zarzuela.

Ha actuado en teatros como la Royal Opera House de Londres, el Carnegie Hall de Nueva York, el Teatro Real de Madrid, el Liceo de Barcelona, el Teatro Municipal de Santiago de Chile o la Ópera de Seattle.

Ha interpretado roles como Manon, Gilda (Rigoletto), Marie (La fille du régiment), Adina (L’elisir d’amore), Partenope y Rodelinda, Poppea (L’incoronazione di Poppea), Amina (La sonnambula) o Susanna (Le nozze di Figaro), entre otros.

La soprano regresa de interpretar a dos de los grandes personajes de la ópera italiana: Musetta (La Bohème) y Violetta (La Traviata). Interpretará a Musetta en ‘La Bohème’ durante el mes de abril en el Teatro Verdi de Salerno y a Violetta en ‘La Traviata’ en el Teatro Villamarta de Jerez.

Real Teatro de Retiro

La programación artística, talleres, cursos y encuentros destinados a niños y adolescentes se presentan, desde hace más de un año, en el REAL TEATRO DE RETIRO, lo que ha permitido incrementar el número de espectáculos y la diversidad de programas destinados a las diferentes edades.

Así, para la nueva temporada, que empezaremos en septiembre, el Real Teatro de Retiro contará con un total de 258 funciones, de las cuales 132 serán familiares (para todos los públicos) y 126 serán para escolares, incluyendo 18 talleres familiares ¡Todos al Real Teatro!

Se ofrecerán dos óperas muy atractivas: la primera, una nueva producción de El niño y los sortilegios, de Maurice Ravel, con dirección musical de Miguel Huertas y dirección de escena de Alfonso Romero, enmarcada en el programa Opera Estudio del Teatro Real; y la segunda, una reposición de La cenicienta, de Pauline Viardot, que se presentó con gran éxito en la pasada temporada, con dirección musical de Francisco Soriano y dirección de escena de Guillermo Amaya. En ambas producciones participarán los cantantes y pianistas del proyecto Crescendo.

Los cuentos, tan sugerentes para el público infantil, serán presentados en distintos formatos, pero siempre con música en vivo. Pinocchio… ¿Dónde estás?, con partitura de Miquel Ortega y puesta en escena de Cristina Cubells, será interpretado también por los jóvenes de CrescendoHistoria de Babar, el pequeño elefante, con música de Francis Poulenc, volverá a hechizar a los más pequeños con el baile de Lara Sagastizabal y la narración llena de empatía de Ana Hernández Sanchíz, creadora del espectáculo. Finalmente, Un cuento de hadas: el zar Saltán, con música de Nikolái Rimski-Kórsakov y narración, dramaturgia y dirección de Eduardo Aguirre de Cárcer, ilustraciones animadas del dibujante Fran Parreño, evocará la atmósfera mágica del cuento de Pushkin -que sirvió de base a la ópera homónima que se presentará en el Teatro Real- con la complicidad, una vez más, de los pianistas de Crescendo.

El cine con música volverá con tres propuestas. Pedro y el lobo Live, con música de Serguéi Prokófiev, es una película de animación dirigida por Suzie Templeton, que se presentará con la interpretación de la

Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Lara Diloy. Completan la oferta cinematográfica dos programas con clásicos del cine mudo, protagonizados por Buster Keaton, acompañados por la Orquesta Jazz on Five y la Orquesta Agrupación Caspervek, respectivamente.

En la programación infantil no puede faltar el teatro de títeres y objetos. Comenzamos con las aventuras de El gato con botas, que serán presentadas con el ingenio y destreza de la compañía Per Poc Marionetas, con música de Jean-Baptiste Lully y Marin Marais interpretada por el Ensamble Barroco Forma Antiqva, bajo la dirección de Aarón Zapico. Le sigue Arturo y Clementina, basado en un cuento de Adela Turín, a cargo de la compañía granadina Titiritrán. Y, por último,  La casa flotante, con música de Xavier Montsalvatge y Claude Debussy, llenará de animales el arca de Noé, en una creación de Joaquín Casanova y Elisa Ramos.

La compañía LaJoven presentará tres interesantes producciones teatrales que indagan y reflexionan sobre temas candentes en la actualidad, todas con la dirección de escena de José Luis Arellano: el papel de la mujer en el deporte en Playoff -con música de Luis Delgado y texto de María Buchaca-; la relación de la mujer y el poder en María (Estuardo) –a partir de la biografía de Maria Stuarda, de Stefan Zweig- y el miedo a enfrentarse a uno mismo y su propia historia en Un monstruo viene a verme, a partir de la novela de Patrick Ness.

Finalmente, volverá Flamenco Emergente -con jóvenes artistas premiados en el Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco de Madrid (2024)- y varias modalidades de conciertos: el Concierto de Apertura con los Pequeños Cantores de la ORCAM dirigidos por Ana González; el Concierto de Navidad con la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (JORCAM) y la Camerata de Cuerdas, con dirección de Lara Diloy; el Miniconcierto de piano, con juegos participativos con la pianista Constanza Lechner, el Concierto de la Agrupación Musical Inclusiva con niños y jóvenes de distintas capacidades y, coronando la temporada, el Concierto de Verano, con el Coro de Jóvenes de Madrid, bajo la dirección de Juan Pablo de Juan.

La nueva temporada pondrá en marcha el proyecto Micro-óperas, coordinado por el compositor José María Sánchez-Verdú, catedrático del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, en colaboración con la Escuela Superior de Canto de Madrid y la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid, que contempla la realización y presentación de cuatro óperas de pequeño formato en torno a una misma temática, en las que colaboren jóvenes compositores, dramaturgos, directores de escena y cantantes.

PROGRAMACIÓN INFANTIL Y JUVENIL
REAL TEATRO DE RETIRO

Concierto de voces blancas. Todos los públicos

Concierto de apertura

Dirección coral: Ana González

Participación de los Pequeños Cantores de la ORCAM

5 y 6 octubre | 2 funciones | 12:00

Música y títeres. Todos los públicos, a partir de 7 años

El gato con botas | Música de Jean-Baptiste Lully (1632-1687) y Marin Marais (1656-1728)

Basado en el texto de Charles Perrault

Producción de la Compañía Per Poc Marionetas

DM: Aarón Zapico. DE y artística: Santi Arnal y Anna Fernández. Narración: Santi Arnal. Dibujos: Alexandra Semenova. Diseño de iluminación: Pau Vila

Ensamble Barroco Forma Antiqva

12 – 20 octubre | 8 funciones | Sábados: 12:00 y 17:30, domingos: 11:00 y 13:00

Cuento lírico en cinco escenas. Todos los públicos, a partir de 6 años

 Pinocchio… ¿dónde estás? | Música de Miquel Ortega (1963)

Una producción de Teatro Real en colaboración con Fundación Daniel y Nina Carasso, y el Real Teatro de Retiro

DE y dramaturgia: Cristina Cubells y Mervat Alramli

Con la participación de cantantes y pianistas del programa CRESCENDO de la Fundación Amigos del Teatro Real

26 octubre – 3 noviembre | 8 funciones | Sábados: 12:00 y 17:30, domingos: 11:00 y 13:00

Ópera estudio. Todos los públicos, a partir de 8 años

El niño y los sortilegios | Música de Maurice Ravel (1875-1937)

Producción del Real Teatro de Retiro

DE: Alfonso Romero. DM y pianista: Miguel Huertas. Diseño escenografía y vestuario: Ricardo Sánchez Cuerda

Con la participación de cantantes y pianistas del programa CRESCENDO de la Fundación Amigos del Teatro Real

9 – 24 noviembre | 12 funciones | Sábados: 12:00 y 17:30, domingos: 11:00 y 13:00

Concierto con orquesta. Todos los públicos

Concierto de Navidad | Música de W. A. Mozart (1756-1791), A. Corelli (1653-1713), G. F. Händel (1685-1759), y otros

Producción del Real Teatro de Retiro

DM: Lara Diloy

Camerata de Cuerdas y Joven Orquesta de la ORCAM

7 – 15 diciembre | 4 funciones | 12:00

Cine mudo con música en vivo I. Todos los públicos

El maquinista, de Buster Keaton| Ciclo de clásicos del cine mudo con música en vivo

Producción de Café Kino

The Jazz on Five

19 – 22 diciembre | 8 funciones | 19/12 y 20/12: 18:00 y 20:00, 21/12: 12:00 y 18:30, 22/12: 12:00 y 17:30

Concierto con cine. Todos los públicos

Pedro y el lobo Live | Música de Serguéi Prokófiev (1891-1953), versión de cámara de Carlos Domínguez-Nieto

Producción de BreakThru Films Ltd Se-ma-for Studios

DM: Lara Diloy. Guión y dirección: Suzie Templeton.

Orquesta Titular del Teatro Real

27 diciembre – 4 enero | 7 funciones | 12:00

Teatro con música. Matinés escolares: ESO y bachillerato

Playoff | Música de Luis Delgado (1956), texto de Marta Buchaca

Producción de LaJoven (Fundación Teatro Joven)

DM: José Luis Arellano García, Escenografía y vestuario: Silvia de Marta. Iluminación: Juanjo Llorens. Videoescena: Álvaro Luna y Elvira Ruiz Zurita. Caracterización: Sara Álvarez

Intérpretes: Julia Adún, Gema Baos, Iviyana Doncheva, Flavia Forni, Isabel Genis, Leyre Morlán, Mar Roldán

Matinés escolares

Cuento musical. A partir de 4 años

Historia de Babar, el pequeño elefante | Música de Francis Poulenc (1899-1963)

Basado en un cuento de Jean de Brunhoff

Reposición del Real Teatro de Retiro

DE, dramaturgia y narración: Ana Hernández Sanchiz. DM y piano: Miguel Huertas. Bailarina y actriz: Lara Sagastizábal

18 – 26 enero | 8 funciones | Sábados: 12:00 y 17:30, domingos: 11:00 y 13:00

Ópera. A partir de 10 años

La cenicienta | Música de Pauline Viardot (1821-1910)

Producción del Teatro Real, coproducción con Teatro de la Maestranza de Sevilla, Teatro Cervantes de Málaga, Fundación Ópera de Oviedo

DM y piano: Francisco Soriano. DE: Guillermo Amaya. Escenografía: Pablo Menor. Vestuario: Raquel Porter

Con la participación de cantantes y pianistas del programa CRESCENDO de la Fundación Amigos del Teatro Real

1 – 9 febrero | 8 funciones | Sábados: 12:00 y 17:30, domingos: 11:00 y 13:00

Concierto de piano y teatro de objetos. A partir de 7 años

Arturo y Clementina | Música de Héctor E. Márquez (1979), basado en un cuento de Adela Turín

Producción de Compañía Titiritrán Teatro

Dirección: Maruja Gutiérrez, Pedro A. López. Diseño y realización de imágenes: Maruja Gutiérrez. Iluminación: Pedro A. López. Pianista: Saleta Sánchez Ayerbe. Actores: Pedro A. López y Maruja Gutiérrez

15 – 23 febrero | 8 funciones | Sábados: 12:00 y 17:30, domingos: 11:00 y 13:00

Títeres y teatro con música en vivo. A partir de 6 años

La casa flotante| Música de Xavier Montsalvatge (1912-2002) y Claude Debussy (1862-1918)

Coproducción de Gran Teatre del Liceu de Barcelona, Festival de Música y Danza de Granada, La Maquiné

Creación: Joaquín Casanova, Elisa Ramos. DE, iluminación, proyecciones: Joaquín Casanova. Pianista: José López Montes

1 – 9 marzo | 8 funciones | Sábados: 12:00 y 17:30, domingos: 11:00 y 13:00

Teatro. Matinés escolares: ESO y Bachillerato

María (Estuardo)

Basado en la biografía de Stefan Zweig

Producción LaJoven, Fundación Teatro Joven

D: José Luis Arellano García

Matinés escolares

Concierto para piano y juegos participativos. A partir de 3 años

Miniconcierto de piano

Con juegos participativos para los más pequeños

Pianista: Constanza Lechner

5 – 13 abril | 8 funciones | Sábados: 12:00 y 17:30, domingos: 11:00 y 13:00

Cuento con proyecciones y música en vivo. A partir de 8 años

Un cuento de hadas: el zar Saltán | Música de Nikolái Rimski-Kórsakov (1844-1908)

Basado en el cuento homónimo de Alexandr Pushkin, versión para piano de Nadezhda Rimskaya-Korsakova

Producción de Real Teatro de Retiro

Narración, dramaturgia y dirección: Eduardo Aguirre de Cárcer

Con la participación de pianistas del programa CRESCENDO de la Fundación Amigos del Teatro Real

19 – 27 abril | 8 funciones | Sábados: 12:00 y 17:30, domingos: 11:00 y 13:00

Teatro. Matinés escolares: ESO, Bachillerato y FP

Un monstruo viene a verme

Basado en la novela de Patrick Ness, inspirado en la idea original de Slobhán Dowd, adaptación de Sally Cookson y Adam Peck

Producción de LaJoven (Fundación Teatro Joven), en colaboración con la Asociación Española contra el Cáncer
DE: José Luis Arellano García

Matinés escolares

Cine mudo con música en vivo II. Todos los públicos

Siete ocasiones, de Buster Keaton | Ciclo de clásicos del cine mudo con música en vivo

Producción de Café Kino

Caspervek Ensemble

24 – 31 mayo | 6 funciones | Sábados: 12:00 y 18:30, domingos: 12:00 y 17:30

Danza y música flamenca. A partir de 10 años

Flamenco emergente

Producción del Real Teatro de Retiro, colaboración el Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco de Madrid, y Producciones La Maga

7 – 15 junio | 8 funciones | Sábados: 12:00 y 19:30, domingos: 12:00 y 18:30

Concierto. Todos los públicos

Concierto agrupación musical inclusiva (AMI)

DM: Francisco Borro y Jesús Alonso

21 junio | 19:00

Concierto . Todos los públicos

Concierto de verano

Producción de Real Teatro de Retiro

Dirección coral: Juan Pablo de Juan

Participación del Coro de Jóvenes de Madrid

5 y 6 junio | 2 funciones | 12:00

Talleres musicales en familia

¡Todos al Real Teatro!

9 talleres de introducción a la música para familias con Fernando Palacios.

LÓVA, LA ÓPERA, UN VEHÍCULO DE APRENDIZAJE

LÓVA es un proyecto educativo en el que los niños y niñas de una clase (en su mayoría de primaria) se organizan como una compañía de ópera, asumiendo cada uno un cometido profesional para crear y producir una ópera original a lo largo de un año lectivo, con la implicación toda la comunidad educativa.

El aula se transforma en un escenario vibrante, donde los jóvenes no solo aprenden los contenidos curriculares, sino que crean y se expresan a través de la ópera, trabajando en equipo, organizándose, intercambiando opiniones y valorando a sus  compañeros por lo que son capaces de hacer y cómo son.

Después de 15 años de actividad con excelentes resultados en más de 200 centros escolares de toda España –en los que se han creado 800 compañías, con una participación de cerca de 21.000 alumnos-, el proyecto

LÓVA sigue creciendo y ampliando sus actividades para docentes y alumnado: cursos de formación, encuentros de compañías, jornadas.. convirtiendo la ópera en un estimulante trampolín pedagógico para el aprendizaje, a través de la integración del trabajo de cada estudiante en un proyecto común, en el que todos participan con un cometido personal y sin exclusiones.

COLEGIO AMIGO – EL REAL EN TU CLASE

El Real Teatro de Retiro afianza su vínculo con los centros escolares a través de dos canales: Colegio Amigo –con asistencia presencial en el Teatro- y El Real en tu clase – retransmisiones en streaming, los espectáculos infantiles y juveniles que forman parte del catálogo de MyOperaPlayer-, con los que pretende acercar las artes escénicas y musicales al público infantil y juvenil, apostando por la formación musical del público del futuro y las nuevas audiencias.

Ambos programas se completan con Guías Didácticas específicas de cada espectáculo, con las que descubrir a los jóvenes espectadores las claves literarias, musicales, históricas y teatrales de cada producción. Así, los docentes y alumnos pueden trabajar con ejercicios prácticos para conocer mejor las obras, y los padres pueden ampliar la experiencia de la visita al teatro con un conocimiento más lúdico y formativo de lo que van a ver.

CONCIERTO AGRUPACIÓN MUSICAL INCLUSIVA (AMI)

Nacida en 2020, la Agrupación Musical Inclusiva del Teatro Real es una iniciativa de referencia nacional e internacional que muestra cómo la inclusión de la neurodiversidad es posible en un espacio de excelencia artística musical. Asimismo, supone un ejemplo del impacto que implica un modelo verdaderamente inclusivo en la sociedad.

En un contexto en el que Experimentamos cómo los desafíos colectivos superan las capacidades individuales, a través de la imagen emocionante e inspiradora de la música en equipo, esta agrupación muestra cómo la unión de las fortalezas y capacidades es verdadera generadora de valor.

La metodología aplicada parte del modelo de educación musical para la inclusión educativa, basado en la investigación realizada durante los últimos 30 años por el doctor Francisco Borro, director de la agrupación, y

reconocida internacionalmente por IAUD: International Design Award 2022 (Silver Award) e International Design for All Foundation Awards 2020 (Good Practice 2019).

Autonomía y creatividad en equipo; investigación, desarrollo e innovación; difusión e impacto forman parte de este proyecto inclusivo diferencial y único en el mundo, que pone en el centro a cada músico de la agrupación potenciando todo su talento y el desarrollo de sus capacidades en equipo.

MICRO-ÓPERAS

ACTIVIDADES INVITADAS

La temporada 24-25 acogerá también actividades invitadas. Se trata de iniciativas generadas por entidades culturales afines al proyecto del Real Teatro de Retiro, que tienen como objetivo fomentar las sinergias sectoriales, generar tejido artístico y trabajo en red. Es el caso de las Micro-óperas, un proyecto coordinado por José María Sánchez-Verdú, catedrático del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, en colaboración con la Escuela Superior de Canto de Madrid y la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid. Contempla la realización y presentación de cuatro óperas de pequeño formato en torno a una misma temática, en las que colaboran jóvenes compositores, dramaturgos, directores de escena y cantantes.

Esta iniciativa, que podrá verse el 4 de abril de 2025 en la Sala Principal, nace de la necesidad de potenciar proyectos escénicos de óperas y de teatro musical que hagan confluir el mundo de la creación con los de la interpretación y la puesta en escena.

© Javier del Real | Teatro Real

Premios Teatro Real- Saioa Hernández

Ha tenido lugar la tercera edición de la Gala Concierto de los Premios Teatro Real, unos galardones que, en palabras del presidente del Teatro Real, Gregorio Marañón, “representan el necesario reconocimiento que una sociedad desarrollada debe darle a la cultura y al arte, y a quienes, con su talento y esfuerzo, hacen que el arte y la cultura sean realidad”.

Un año más, la periodista y actriz Anne Igartiburu ha sido la encargada de presentar y conducir una ceremonia en la que han brillado con luz propia el artista plástico Jaume Plensa, el Consejo Internacional del Teatro Real y la Ciudad de Zaragoza, en la categoría de premios institucionales, y Pablo Heras-Casado, Robert Wilson, Saioa Hernández, Sara Blanch, Leigh Melrose y Martin Winkler, en lospremios artísticos.

Helena Revoredo, presidenta del Consejo Internacional del Teatro Real, y en representación del mismo, ha sido la primera en recibir la escultura de Cristina Iglesias de manos de Gregorio Marañón. Revoredo ha señalado que “este reconocimiento es el resultado de diez años de apoyo leal e inquebrantable” de todos los miembros del Consejo “a un proyecto emocionante y de gran impacto para la sociedad y la cultura”.

Formado por destacadas personalidades que comparten su filantropía y afición por la ópera, este Consejo cuenta con relevantes personalidades procedentes de Alemania, Argentina, Brasil, Colombia, Chile, China, España, Estados Unidos, Finlandia, Francia, Italia, México, Nicaragua, Perú, Portugal, Reino Unido y Suiza.

El secretario de Estado de Cultura, Jordi Martí Grau, ha sido el encargado de entregar el segundo premio institucional al polifacético artista Jaume Plensa, creador de la videoinstalaciónCielo para el Teatro Real, que ha podido verse en su techo durante toda la ceremonia. Con la mirada en las nubes que cruzaban el tondo de la sala, Plensa ha dicho: “finalmente Cielo es una ventana abierta al cielo de Madrid… repleto de silenciosas nubes que celebraban la diversidad de la vida. Cielo es un sueño de música visual, poesía urbana de una ciudad abrazándose a la ópera”.

Natalia Chueca, alcaldesa de Zaragoza, ha destacado, tras recoger el premio que le ha entregado el director general del Teatro Real, Ignacio García-Belenguer,  “El poder de la cultura para unirnos y enriquecer nuestras vidas”, “este premio ha resaltado nuestro firme compromiso para poder democratizar el acceso a la cultura y simboliza la fuerza de la colaboración y la importancia de llevar el arte a todos los rincones de nuestra ciudad”.

Todavía con los calurosos aplausos recibidos la noche anterior en la memoria, por su magistral dirección de Los maestros cantores de Núrenberg en ese mismo escenario, Pablo Heras-Casado, principal director invitado del Teatro Real, con más de doce títulos a sus espaldas en el foso madrileño, ha recibido el primer premio artístico de la noche entregado por el consejero de Cultura, Turismo y Deporte de la Comunidad de Madrid, Mariano de Paco.

Heras-Casado ha recordado su primera vez en el Teatro Real, hace 18 años, y como aquí “ha tenido la oportunidad de asumir alguno de los mayores retos artísticos de su carrera. Aquí he crecido personal y profesionalmente”. El maestro ha destacado la enorme labor de equipo que se realiza en este teatro y que lo ha convertido en uno de los más importantes del mundo.

El director artístico del Teatro, Joan Matabosch, ha reconocido el personal lenguaje estético y escenográfico de Robert Wilson al entregarle el quinto galardón de la noche. Wilson, que forma parte de la historia del Teatro Real desde su reapertura ha contado, con gran sentido del humor, cómo al ser preguntado por su profesor de escuela, cuando tenía siete años, en un pequeño pueblo de Texas,  “Bob ¿qué quieres ser de mayor?” y él respondió “el Rey de España, y esta noche me siento como un Rey” en un teatro “que se ha convertido en mi casa en Europa y en el resto del mundo”.

Las sopranos españolas Sara Blanch y Saioa Hernández recogían el cariño de los asistentes y sus premios de manos del director adjunto del Teatro, Borja Ezcurra, y del secretario de Estado de Asuntos Exteriores y Globales, Diego Martínez Maillo, respectivamente.

También Blanch ha recordado su primera vez en el Teatro Real, donde comenzó cantando en el foso para la producción El gallo de oro “sintiéndome muy pequeña” y ahora “estoy aquí, en un lugar en el que he ido creciendo, donde me siento como en casa y donde siento a todos como una gran familia”.

Una emocionada Saioa Hernández reconocía cuantas veces “había paseado por las calles de esta ciudad, mi ciudad, junto al Teatro Real soñando con cantar aquí, y eso hace este premio mucho más especial y me siento muy feliz”. Ha dedicado el galardón a todos los trabajadores del Teatro que hacen posible la magia de la ópera, al director artístico del Teatro Real, Joan Matabosch, por su confianza y a todos los artistas que pasan por este escenario y del que ella es “una pequeña representación”.

El barítono Leigh Melrose –inolvidable su interpretación de Richard Nixon en Nixon in China, de John Adams- ha declarado “que este es uno de los escenarios más especiales del mundo, en uno de los lugares más especiales del mundo”, tras recibir el premio que le ha entregado la secretaria de Estado de Presupuestos y Gastos, María José Gualda. Ha destacado la labor de todos  los trabajadores, dentro y fuera del escenario, para sacar adelante el reto de poner en pie una ópera”.

El último galardón de la noche ha sido para el bajo-barítono Martin Winkler, Kovaliov en La Nariz, de Dmitri Shostakóvich. Se lo entregaba la delegada del Área de Gobierno de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, Marta Rivera de la Cruz. “Este es el mejor lugar en el que puede trabajar un cantante, es el mejor lugar del mundo para cantar ópera” y ha añadido que “aquí ha creado una familia, tanto artística como profesional y, cuando llego a Madrid, se me pone una sonrisa de.. Guau”.

Una vez finalizada la entrega de premios, el pianista Javier Perianes ha interpretado la suite Goyescas, de Enrique Granados, obra maestra de la música española que aúna dificultad técnica y belleza, para poner fin a una velada extraordinaria en el Teatro Real.

Fotografía: © Javier del Real | Teatro Real

Anna Lucia Richter

La destacada mezzosoprano Anna Lucia Richter, junto al virtuoso pianista Ammiel Bushakevitz, protagoniza la siguiente cita del XXX Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela. En esta ocasión, los artistas presentarán un viaje fascinante a través de la historia del lied, desde sus humildes orígenes medievales hasta las innovaciones del siglo XX. Grandes autores como Oswald von Wolkenstein, Alban Berg, Hanns Eisler o Kurt Weill, entre otros, vertebran un amplio programa conformado por casi 30 canciones que ofrecerá una visión panorámica del género del lied. El concierto tendrá lugar el lunes 20 de mayo, a las 20:00 horas, en el Teatro de la Zarzuela.

La aclamada y carismática voz de Anna Lucia Richter y la destreza instrumental de Ammiel Bushakevitz -quien en las piezas más antiguas también interpretará la zamfoña-, abrirán al público una ventana a un mundo de gran expresión lírica y musical en este penúltimo concierto del Ciclo de Lied. El programa, que abarca ocho siglos de evolución del género, sugiere un diálogo temático entre la luz y la oscuridad que caracterizan al ser humano. Desde una perspectiva religiosa hasta la exploración de la pérdida y el exilio, el recital nos invita a reflexionar sobre la importancia de la luz en nuestras vidas y en el arte.

El recital parte de Oswald von Wolkenstein y Walther von der Vogelweide, pasa por el Barroco y la escuela de Viena, en la que el lied todavía era melodía acompañada, y se detiene en la ampliación del canon en una segunda etapa ya posromántica. Canciones de Johann Sebastian Bach, Franz Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Franz Schubert, Fanny Hensel-Mendelssohn, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Johannes Brahms y Hugo Wolf estarán muy presentes en esta cita musical. A ellas se suman el simbolismo y el expresionismo del siglo XX, con canciones de Alban Berg, Hanns Eisler y Kurt Weill, y compositores del presente que, a su vez, son muy conscientes de sus tradiciones, Aribert Reimann y Wolfgang Rihm.

Este concierto forma parte del proyecto Licht! (La historia del desarrollo de la canción alemana), que la cantante ha elaborado junto con Ammiel Bushakevitz y ha presentado en ciudades como Heidelberg, Frankfurt, Núremberg, Colonia, Dortmund, Granada, Ámsterdam y, ahora, Madrid.

Sobre Anna Lucia Richter

Anna Lucia Richter es una de las cantantes más reclamadas internacionalmente como cantante de ópera y de concierto. Recientemente ha trabajado con la Orquesta Filarmónica de Viena bajo la dirección de Franz Welser-Möst (Pasión según San Mateo de Bach) y ha cantado frecuentemente bajo la dirección de Teodor Currentzis con MusicAeterna, incluyendo La Clemenza di Tito de Mozart, en gira con obras de Gustav Mahler y como Zerlina en Don Giovanni de Mozart en el Festival de Salzburgo 2021. También ha actuado regularmente con la Orquesta Sinfónica de Londres y la Orquesta de Cámara Mahler bajo la dirección de Bernard Haitink, Il Giardino Armonico y Giovanni Antonini, la Orquesta de París y Thomas Hengelbrock, la Orquesta de la Gewandhaus y Philippe Herreweghe, así como la Orquesta del Festival de Budapest bajo la dirección de Iván Fischer. Ha actuado repetidamente con estos conjuntos en importantes festivales como el Festival de Lucerna, los BBC Proms de Londres, el Festival de Música de Schleswig-Holstein y como «Artista en Residencia» en el Festival de Música de Rheingau 2018 y la Filarmónica de Colonia 2018/2019. La artista ha recibido numerosos premios, entre ellos el prestigioso Borletti-Buitoni Trust Award. Más recientemente, fue nominada para Opus Klassik como Cantante del Año por su álbum debut como mezzosoprano «Brahms-Lieder». En la primavera de 2020, la artista cambió a mezzosoprano bajo la dirección de la profesora Tamar Rachum, que ha sido su mentora y principal maestra desde entonces. Un paso importante que abrió nuevas oportunidades para la artista en todo el mundo. En marzo de 2021 interpretó los Wunderhorn Lieder de Mahler bajo la batuta de Ádám Fischer en Düsseldorf y en 2022 interpretó la parte de contralto de la Segunda Sinfonía de Mahler con la Orquesta Sinfónica de Bamberg bajo la dirección de Jakub Hrůša en Bamberg, Viena y Baden-Baden, así como la Tercera Sinfonía de Mahler con la Konzerthausorchester de Berlín bajo la dirección de Iván Fischer. También hay grandes proyectos en la temporada 23/24: interpretará por primera vez la Missa Solemnis de Beethoven con la Filarmónica de Múnich bajo la dirección de Ph. Herreweghe, antes de regresar a la Ópera de Colonia para encarnar a Idamante en el Idomeneo de Mozart en una nueva producción. Le siguen actuaciones de música de cámara en Heidelberg, Boswil y Alicante, así como la Misa en fa menor de Bruckner con la Rundfunk-Sinfonieorchester de Berlín, la Misa en la bemol mayor de Schubert con la Filarmónica de Dresde y arias de Mozart y Haydn con la Orquesta Gürzenich de Colonia bajo la dirección de F.X. Roth. Roth. Anna Lucia Richter ha interpretado un amplio repertorio de lieder en los principales centros de canto, como la Schubertiade Schwarzenberg, la Schubertiada Vilabertran, el Festival de Música de Rheingau, el Heidelberger Frühling, el Park Avenue Armory de Nueva York, el Carnegie Hall y el Wigmore Hall de Londres.

Sobre Ammiel Bushakevitz

Nacido en Jerusalén, Ammiel Bushakevitz actúa regularmente en Europa, Norteamérica, África, Asia y Australia; en salas como el Carnegie Hall de Nueva York, el Wigmore Hall de Londres, la Philharmonie de París, el Concert Hall de Shanghai, el Concertgebouw de Ámsterdam y el Konzerthaus de Berlín. También ha actuado en los festivales de Aix-en-Provence, Salzburgo, Bayreuth, Lucerna, Ciudad del Cabo, Heidelberg, Melbourne y Montreal; el Festival Pontino di Latina de Roma, el Festival Casals de España y las Schubertiades de Schwarzenberg, Hohenems, Vilabertran y Jerusalén. Ammiel, uno de los últimos alumnos privados del difunto Dietrich Fischer-Dieskau, es reconocido como uno de los principales pianistas de canto de su generación, y ha actuado con cantantes de la talla de Dame Felicity Lott, Christian Gerhaher y Thomas Hampson. También ha recibido notables lecciones de Brigitte Fassbaender, Barbara Bonney, Thomas Quasthoff y Matthias Goerne. Su discografía incluye galardonados álbumes como solista y pianista de canto para BIS (Suecia), Pentatone (Holanda), Hänssler Classics (Alemania), SOLFA (España) y Gramola (Austria). Próximos lanzamientos aparecerán en sellos como Berlin Classics, Hänssler y Harmonia Mundi. Apasionado de la educación, Ammiel ha impartido clases magistrales en destacadas universidades de Australia, Israel, España, China, Sudáfrica, Nueva Zelanda y Estados Unidos. También dedica tiempo a tutelar a jóvenes músicos en países en desarrollo como Etiopía, Zimbabue, México y Marruecos.

Eleomar Cuello

El concierto ‘Zarzuela en el Malecón’ a cargo del barítono Eleomar Cuello, previsto para el próximo 4 de junio a las 20h00 dentro del ciclo Notas del Ambigú del Teatro de la Zarzuela, queda suspendido de forma definitiva debido a motivos personales insalvables por los que el cantante se ha visto obligado cancelar.

El Teatro atenderá a los espectadores para la devolución del importe de las entradas entre el viernes 17 de mayo y el domingo 28 de julio.

Premios Teatro Real

El próximo 22 de mayo, a las 19.30 horas, tendrá lugar la tercera edición de la Gala Concierto de los Premios Teatro Real, unos galardones que quieren reconocer el apoyo, el trabajo, el talento y las iniciativas de aquellas personas o entidades que contribuyen a convertir en realidad el proyecto artístico y cultural de la institución.

Así, en la categoría institucional, los premios serán concedidos al artista plástico Jaume Plensa, al Consejo Internacional del Teatro Real y a la Ciudad de Zaragoza. Los premios artísticos recaerán en Pablo Heras-Casado, Robert Wilson, Saioa Hernández, Sara Blanch, Leigh Melrose y Martin Winkler.

Creador excepcional y polifacético, símbolo de una generación, con obra expuesta en ciudades de todo el mundo, Jaume Plensa está unido para siempre al Teatro Real con Cielo, videoinstalación inaugurada por SSMM los Reyes el pasado mes de septiembre,  que consiste en abrir visualmente el tondo central del Teatro para convertir este elemento arquitectónico en una cúpula virtual que conecta directamente con el maravilloso cielo de Madrid.

El Consejo Internacional es un órgano integrado en la estructura del Teatro Real cuya finalidad es apoyar,  promover y difundir su proyecto artístico, cultural, pedagógico y social a través de la participación de la sociedad civil de ámbito internacional. Formado por destacadas personalidades que comparten su filantropía y afición por la ópera, este Consejo, que preside Helena Revoredo, cuenta con relevantes personalidades procedentes de Alemania, Argentina, Brasil, Colombia, Chile, China, España, Estados Unidos, Finlandia, Francia, Italia, México, Nicaragua, Perú, Portugal, Reino Unido y Suiza.

Con el firme propósito de ofrecer a sus ciudadanos nuevas experiencias culturales y artísticas, la Ciudad de Zaragoza se ha sumado con entusiasmo a las propuestas del Teatro Real que, de forma abierta y accesible, han buscado llegar al mayor número de espectadores posible, fuera de sus muros y de su localidad. Así, iniciativas como la retransmisión de ópera al aire libre o los conciertos de la Carroza del Teatro forman parte de la programación cultural de su ayuntamiento.

Recientemente, la alcaldesa de Zaragoza, Natalia Chueca, ha apoyado la creación del Círculo de Amigos del Teatro Real de Aragón,  liderado por  empresarios aragoneses en apoyo al proyecto cultural del coliseo madrileño.

Pablo Heras Casado, principal director invitado del Teatro Real, con más de doce títulos a sus espaldas en el foso madrileño, ha dejado en la memoria magistrales direcciones musicales de óperas como Mahagonny (2010), Die Soldaten (2018), el Anillo wagneriano (2019-2022) o Los maestros cantores, a punto de representar su última función.

El personal lenguaje estético y escenográfico de Robert Wilson, ha formado parte de la historia del Teatro Real desde su reapertura. Su primer trabajo en el escenario madrileño fue en 1998 con O corvo branco, junto a Philip Glass, y su impronta ha quedado en inolvidables producciones como Turandot, representada la pasada Temporada, en la que su concepción escénica, decorados e iluminación conceden a la ópera de Puccini un aura espectral muy ajustada al universo dramatúrgico y sonoro de la partitura, que evoca un mundo ancestral de reminiscencias orientales.

Dos grandes voces femeninas han brillado con luz propia en las dos últimas temporadas, las sopranos españolas  Saioa Hernández y Sara Blanch. La primera, dando vida a personajes emblemáticos como Turandot, Medea y, próximamente, Madama Butterfly, ha demostrado con sus interpretaciones porqué es una de las cantantes más demandadas en los principales escenarios del mundo lírico. Vocacional y entregada, despliega los matices necesarios para emocionar a través de mujeres que viven el drama de maneras muy diferentes. La segunda, afianza una carrera que comienza y en la que su voz brillante, ligera y llena de color ha regalado a este escenario personajes como la soñadora Fiorilla de Il turco in Italia o Dircé, en Medea.

La Temporada 22/23 del Teatro Real ha dejado también las memorables actuaciones del bajo-barítono  Martin Winkler -con su irrepetible encarnación de Kovaliov en La Nariz, de Dmitri Shostakóvich- y del barítono Leigh Melrose – por la encarnación de Richard Nixon en Nixon in China, de John Adams-, ambos reconocidos como grandes cantantes, pero también como extraordinarios actores.

La Gala contará con la actuación del pianista Javier Perianes, para interpretar la suite Goyescas, de Enrique Granados, obra maestra de la música española que aúna dificultad técnica y belleza, para poner fin a una velada extraordinaria en el Teatro Real.

Perianes es Premio Nacional de Música 2012, Artista del Año 2019 de los International Classical Music Awards (ICMA) y Medalla de Honor del Festival de Granada, entre otros reconocimientos.

Tanto el concierto de Javier Perianes y la Gala estarán abiertos al público, que puede adquirir sus entradas en los canales de venta habituales del Teatro Real, con entradas disponibles entre 12 y 50 €.

Fotografía ©Javier del Real | Teatro Real

Marco Flores

Flamenco Real se transforma en una vereda de emociones por la que el bailaor Marco Flores camina, se detiene, disfruta o encoje el alma al ritmo de los palos del flamenco que descubre la guitarra y, entre la verdad de su herencia cultural, nos invita a Un paseo por el Real.

Recién cumplidos sus veinticinco años sobre las tablas, reconocido como uno de los valores más sólidos de su generación y en plenitud creativa, Marco Flores ofrece en este espectáculo una muestra de baile a través del flamenco puro, jondo, pero también del más alegre, de los cantes de trilla e incluso del cuplé. Un paseo por las emociones que relatan los cantes y que su cuerpo transforma.

La cita tendrá lugar los días 22, 23 y 24 de mayo, a las 20.00 horas, en el Salón de Baile del Teatro Real, acompañado por la guitarra de José Tomás (Premio de Guitarra Solista en el X Certamen de Jóvenes Flamencos de Córdoba en 2012 y Premio Bordón Minero del Festival Internacional del Cante de las Minas en 2014) y el cante de Manuel de la Nina.

Marco Flores nace en 1981 en Arcos de la Frontera, Cádiz. Allí surge su pasión por el baile flamenco y comienza a formarse, primero de forma autodidacta y luego en cursos intensivos con Antonio Canales y Javier Latorre. Con 18 años empieza a trabajar en tablaos, lo que le permitió consolidar su aprendizaje antes de pasar a formar parte de las compañías de Sara Baras, primero, y de Rafaela Carrasco, después.

A partir de 2003, inicia su andadura como codirector y coproductor de sus propios espectáculos junto a Manuel Liñán (Dos en Compañía), Manuel y Olga Pericet (En sus 13, En clave) o Olga y Daniel Doña (Chanta la muí, Complot, Recital).

En 2010 crea su propia compañía y estrena su primer espectáculo, DeFlamencas, en el Gran Teatro de Córdoba, logrando el Premio de la Crítica Especializada del Festival de Jerez de 2012. Después vendrían Tránsito, Laberíntica, Paso a Dos, Entrar al Juego y Fase Alterna. En 2018 estrena su primera pieza para espacios no convencionales, Extracto Abierto, y, poco después, su primer solo, al que denomina Extrema, que se exhibirá en distintos teatros y festivales de Asia y Europa.

En 2007 consigue el Premio Absoluto del Baile del Concurso Nacional de Arte Flamenco, al hacerse con las categorías Premio Carmen Amaya, Premio Antonio Gades y Premio Mario Maya. Entre otros galardones posee también el Premio al Mejor Bailaor de la Revista Deflamenco, Premio al Mejor Bailaor de Flamenco de la Crítica Especializada, Premio de la Crítica del Festival de Jerez al Mejor Espectáculo por DeFlamencas,  Medalla de Oro del Festival Flamenco de la Virgen de las Nieves (Arcos de la Frontera),  el Premio Ojo Crítico de Danza y el Premio Max al mejor Intérprete de Danza.

La verbena de la Paloma

El Teatro de la Zarzuela ha presentado una nueva producción de una de las obras más importantes de Tomás Bretón y con el cartel de agotado en la taquilla. Una representación cargada de nostalgia, pues evoca directamente, a modo de homenaje, al Teatro Apolo, donde se estrenó la verbena de la Paloma el 17 de febrero de 1894. Para ello se ha incorporado un prólogo, con texto de Álvaro Tato, que nos cuenta como debió ser el último ensayo de esta obra en el Apolo, antes de su traslado al Teatro de la Zarzuela. Un añadido lleno de humor y alguna de las piezas más conocidas de otras obras del género lírico español.

La escenografía de Nicolás Boni, en la que son protagonistas los característicos balcones del Madrid más castizo, son perfectos para el desarrollo de la siempre extraordinaria dirección de escena de Nuria Castejón. Todo bajo la íntima y acertada iluminación de Albert Faura.

En el foso, el flamante nuevo director musical del Teatro, José Miguel Pérez-Sierra, que hizo una lectura de la partitura animada y llena de frescura. En un repertorio que conoce y domina. Su participación nos dará grandes tardes de zarzuela al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid.

El elenco de cantantes fue una perfecta combinación entre veteranía y juventud. Julián, el rol protagonista, estuvo interpretado por un sobrado de facultades vocales Borja Quiza, que está en un momento impresionante. Su voz voluminosa y extraordinaria proyección, se comió un poco al resto del elenco. Se agradece en estas obras del repertorio, una menor impostación vocal que resulte más natural y apropiada a los personajes populares.

Milagros Marín fue una estupenda Señá Rita. Divertida, castiza y llena de naturalidad.

Carmen Romeu, como Susana, dio buena réplica vocal al caudal de su Julián, con una voz sólidamente colocada y muy caudalosa caudalosa. Antonio Comas dio vida a un Don Hilarión en muy buena forma, rejuvenecido bajo el influjo de las dos hermanas. El Don Sebastián de Gerardo López ofreció un toque de sofisticación y gracejo muy simpático. Aunque la mejor interpretación fue para la Tia Antonia de Gurutze Beitia, que definió perfectamente su personaje, una mujer algo rústica y con carácter, pero con nobleza. Bien la Casta de Ana San Martín, que brilló más en la primera parte de la obra, donde demostró gran comicidad, que en la propia verbena.

Muy bien la escena flamenca, con la coreografía de Nuria Castejón y el cante de Sara Salado.

Una tarde de Zarzuela en la que el público disfrutó y que demuestra la buena salud de este género y, sobre todo, de La verbena de la Paloma.

Elisabeth Leonskaja

La Fundación Scherzo se complace en anunciar la vuelta de Elisabeth Leonskaja al Ciclo de Grandes Intérpretes el próximo 15 de mayo, en un concierto en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional que tendrá lugar a las 19:30h.

La gran Dama del piano vuelve a Madrid para celebrar su onceava participación en el Ciclo de Grandes Intérpretes. Su debut con nosotros, celebrado en 1999, nos trajo un sentido homenaje a Schubert que ya auguraba el gusto de la georgiana por el maestro vienés. En esta ocasión tan especial, veinticinco años después y diez recitales más tarde, quien por entonces ya era maestra y ahora es leyenda del piano, nos ofrece un homenaje al último Beethoven, en el que fue su testamento musical.

Elisabeth Leonskaja siempre se ha definido como una intérprete que sigue los pasos de los grandes músicos rusos de la época soviética, como Oistrakh, Richter y Gilels, que nunca renunciaron a su manera de interpretar la música a pesar de un ambiente político muy difícil. Su incansable refinamiento y estudio de las partituras nos han regalado algunas de las grabaciones más emblemáticas de los últimos treinta años.

Maestra de maestros y gran pedagoga, su compromiso con los jóvenes y con el público se caracteriza siempre por la elaboración de programas muy concretos, que buscan ensalzar un espíritu muy determinado. Las tres últimas sonatas de Beethoven representan, para muchos, el epítome del piano romántico. Su composición, siguiendo el mito y la leyenda del genio de Bonn, no está exenta de misterio. Fue al editor berlinés Adolf Martin Schlesinger a quien Beethoven le prometió tres sonatas para piano en tres meses. Pero los afanes compositivos del Sordo de Bonn, que en aquellos tiempos se encontraba sumergido en las fauces de su Missa Solemmnis, solo le permitieron terminar la primera de ellas, la Sonata para piano nº 30 en Mi mayor, op. 109. Sus profundas reflexiones sobre los choques entre el amor, la muerte y la esperanza se tornaron algo más afables en la siguiente de sus sonatas, la Sonata para piano nº 31 en La bemol mayor, op. 110, que supone, en palabras de Beethoven: «La lucha del hombre contra el sufrimiento», y se caracteriza por la fuga final en donde el universo musical del compositor alemán nos dibuja una de las estructuras musicales más perfectas que se recuerden. Por último, la Sonata para piano nº 32 en Do menor op. 111, obra que rompe la forma de la sonata clásica al resumirse en dos movimientos y en donde Beethoven parece enviar un mensaje de paz al mundo, y es que tras el terror de las sombras, siempre se atisba paz aunque la luz sea difusa.

Con este recital, el Ciclo de grandes Intérpretes se prepara para su último concierto de temporada, el del pianista Paul Lewis el próximo 18 de junio. Por otro lado, el Ciclo Horizontes celebrará «Las Voces de Lorca» el próximo 29 de mayo, en un espectáculo musical con la cantaora María Toledo, el pianista Pablo Rubén Maldonado y el poeta Aitor Contreras.

Noelia Rodiles

La pianista Noelia Rodiles (Oviedo, 1985) protagoniza la segunda de las citas musicales que el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) dedica esta temporada a la gran artista Alicia de Larrocha con motivo del centenario de su nacimiento. En esta ocasión, la joven pianista asturiana ofrecerá un recital que incluye obras de Franz Joseph Haydn y Franz Schubert interpretadas frecuentemente por Alicia de Larrocha, en diálogo con piezas contemporáneas de la gran compositora mexicana Gabriela Ortiz. El recital tendrá lugar el martes 14 de mayo, a las 19:30 horas, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música de Madrid.

Alicia de Larrocha no solo fue una de las pianistas más importantes de su generación, sino un auténtico referente de la música clásica del siglo XX. El ciclo Recordando a Alicia del CNDM rinde homenaje a su figura a través de recitales que permiten al público conocer su legado y descubrir todos los registros de su pianismo. En el caso del concierto que ofrecerá Noelia Rodiles el próximo martes, nos acercaremos a la vital Sonata para piano en fa mayor de Franz Joseph Haydn y a la famosa Sonata para piano en si bemol mayor de Franz Schubert, obra cumbre del repertorio pianístico; junto a dos obras contemporáneas: Patios serenos y Su-Muy-Key de la creadora Gabriela Ortiz.

Sobre Alicia de Larrocha, Noelia Rodiles pone en valor “su rigor, su buen gusto y la claridad de sus planteamientos musicales en un repertorio tan amplio”. Además, destaca que “es muy importante preservar el legado de Alicia de Larrocha y difundir su trabajo. Es evidente que para nosotras ha sido un gran referente, pero hay que intentar que las nuevas generaciones la tengan muy presente y que el público sea consciente de que fue una de las grandes pianistas de la historia”. Este concierto del CNDM será una gran oportunidad para conocer su legado y aquellas obras que la inspiraron y acompañaron en su trayectoria.

Noelia Rodiles (C) Michal Novak

Tenorio

Entre los días 13 y 19 de mayo el Teatro Real ofrecerá 4 funciones de una nueva producción de Tenorio, ópera de cámara de Tomás Marco (1942) estrenada en versión de concierto en el Teatro Auditorio San Lorenzo de El Escorial en 2017 y que tendrá finalmente su estreno escénico absoluto.

Tenorio, compuesta entre 2008 y 2009, es la séptima ópera de Tomás Marco dentro de su prolífico catálogo creativo, que incluye 10 sinfonías, 1 ballet, 1 zarzuela, un gran número de partituras de música de cámara para distintas formaciones, música vocal e incidental.

Encargada por el Estío Musical Burgalés en 2010, la partitura fue víctima de la crisis económica que hizo desaparecer el Festival dirigido por Rafael Frühbeck de Burgos, impidiendo entonces su estreno, que solo tendría lugar 7 años más tarde, en versión de concierto, en el Auditorio de San Lorenzo de El Escorial.

La ópera, compuesta por siete escenas y cinco intermedios instrumentales, enmarcados por un preludio, un prólogo y un epílogo,  es un viaje por el mito de Don Juan guiado por el drama romántico de José Zorrilla (1817-1893), con libreto del compositor, que incluye también textos de Tirso de Molina, Molière, Lorenzo Da Ponte, Lord Byron, sor Juana Inés de la Cruz y Francisco de Quevedo, siempre en verso y con una música que evoca tiempos pasados, recogiendo formas, armonías, o estructuras del teatro musical renacentista y barroco, que impregnan la partitura sin alejarla del lenguaje musical del siglo XXI.

En relación con el elenco, el número de cantantes puede variar, ya que un cantante puede interpretar uno o más personajes dependiendo de las propuestas dramatúrgicas. Los papeles de Doña Inés, Doña Ana y Lucía pueden ser interpretados por una, dos o tres sopranos; igualmente, los personajes de La Narración y Don Luis Mejía pueden ser encarnados por uno o dos tenores. Solo el rol de Tenorio, para barítono, está concebido para un solista único.

Paradójicamente, hay personajes individuales que son cantados por un pequeño grupo de cantantes, denominado en la partitura como Madrigal, emulando a los conjuntos vocales del Renacimiento y del Barroco. Este pequeño coro muy compacto -que en la producción está conformado por jóvenes formados en el proyecto Crescendo de la Fundación Amigos del Teatro Real- comenta la acción, pero también da voz a personajes como Ciutti, el Comendador o Brígida.

Tomás Marco evoca la poderosa fuerza centrípeta -sexual y sensual- de Don Juan, en un entrelazado de personajes mayores y menores que gravitan a su alrededor, como un gran fresco que propicia el uso de distintas texturas sonoras en un continuum vocal e instrumental circular.

La puesta en escena de la Agrupación Señor Serrano indaga precisamente sobre el arquetipo de este depredador sexual en la actualidad, en una propuesta dramatúrgica de Clara Serra, filósofa e investigadora en el ámbito de cuestiones de género, sexualidad y feminismo.

Àlex Serrano y Pau Palacios trasladan la ópera a un set de rodaje, en el que los protagonistas de la “película Tenorio” tienen su propia vida fuera de ella, creando un juego de personajes dobles con dos mundos que se van fundiendo y confundiendo a lo largo de la obra.

La escenografía e iluminación diseñada por CUBE.BZ, transforman el escenario en el plató y backstage del rodaje -camerinos, zona de cáterin, rincón de maquillaje, sala de vestuario, etc.-, con distintos espacios concebidos como instalaciones o pequeños bodegones conceptuales que reflejan el perfil psicológico y el desdoblamiento de los personajes.

La dirección musical es de Santiago Serrate, gran conocedor de la partitura, que ya dirigió el estreno y la grabación discográfica de la obra. Estará al frente de los seis solistas de la ópera –Joan Martín-Royo (Tenorio), Juan Francisco Gatell (Don Luis), Adriana González (Doña Inés), Juan Antonio Sanabria (La Narración), Lucía Caihuela (Doña Ana), Sandra Ferrández (Lucía)-, de la Orquesta Titular del Teatro Real y de un grupo vocal formado por cantantes del programa Crescendo.

Tenorio, como todas las óperas, nació como una obra musical y dramatúrgica que sólo adquiere su verdadera dimensión presentada en versión escénica y teatral. Después de las vicisitudes de su partitura, cuyo estreno fue afectado por la crisis económica de 2010 y, posteriormente, por las consecuencias de la pandemia, la obra de Tomás Marco podrá finalmente renacer en el Teatro Real en toda su plenitud, con nuevas miradas, reflexiones y preguntas sobre el inagotable mito de Don Juan.

FICHA ARTÍSTICA

TENORIO

Ópera de cámara

Música y libreto de Tomás Marco (1942), basado en Don Juan Tenorio de José Zorrilla, con añadidos de Tirso de Molina, Molière, Lorenzo da Ponte, Lord Byron, sor Juana Inés de la Cruz y Francisco de Quevedo.

Estrenada en versión concierto en el Festival de Verano del Teatro-Auditorio de San Lorenzo de El Escorial en 2017.

Estreno absoluto en versión escénica

Nueva producción del Teatro Real

Dirección musical: Santiago Serrate

Dirección de escena: Àlex Serrano, Pau Palacios (Agrupación Señor Serrano)

Escenografía e iluminación: CUBE.BZ

Dirección de arte: Jacobo Cayetano (Zuloark)

Vestuario: Joan Ros Garrofé, Atena Pou Clavell

Asesoría dramatúrgica: Clara Serra

Diseño de videoescena y realización: Xavier Gibert

Asistente de la dirección musical: Rubén Sánchez-Vieco

Asistentes de la dirección de escena: Cristina Cubells, Anna Llopart

Operadores de cámara: Bibiana Gispert, Marc Costa

Creación de vídeos digitales: Boris Ramírez

Solistas

La Narración: Juan Antonio Sanabria

Tenorio: Joan Martín-Royo

Doña Inés: Adriana González

Don Luis: Juan Francisco Gatell

Doña Ana: Lucía Caihuela

Lucía: Sandra Ferrández

Madrigal

Comendador: Alejandro von Büren, Gonzalo Ruiz Domínguez, Enrique Torres

Brígida: Inés Lorans, Miriam Silva, Aida Gimeno

Ciutti: Pablo Puértolas, Eduardo Pomares, Manuel de Filera

Hostelera: Ana Molina García, Paola Leguizamon, Yeraldin León

Actores

Asistentes de rodaje: Raquel Villarejo, Joseba Priego

Actores: Victoria Lucena, Roberto Lua

Orquesta Titular del Teatro Real

Grupo vocal formado por cantantes del programa Crescendo

de la Fundación Amigos del Teatro Real preparado por Santiago Serrate y Rubén Sánchez-Vieco.

Duración aproximada 1 hora y 40 minutos

Fechas 13, 15, 17, 19 de mayo a las 19:30 horas

Barbara Strozzi, Hathor Consort

La figura de Barbara Strozzi, una de las cantantes y compositoras más destacadas en la Venecia del siglo XVII, será la gran protagonista del concierto que presenta el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) el próximo viernes. De la mano de las sopranos Dorothee Mields y Hana Blažíková, junto al Hathor Consort, ensemble que dirige la aclamada violagambista Romina Lischka, el público podrá sumergirse en un fascinante programa que rinde homenaje a la vida y obra de Strozzi. La cita tendrá lugar el 10 de mayo a las 19:30 horas, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música en el marco del ciclo Universo Barroco del CNDM.

Este programa, que lleva por título “Obras de Barbara Strozzi. Retrato de una artista en cinco actos”, tiene como objetivo reivindicar la labor de las mujeres en la música, especialmente en períodos donde su contribución fue minimizada o eclipsada, centrándose en la compositora más prolífica del Barroco, Barbara Strozzi. Hija del famoso libretista Giulio Strozzi, la artista deslumbró en las academias venecianas del seicento y se erigió como una compositora de referencia. A pesar de las barreras, creó un legado musical único que perdura hasta nuestros días, llegando a publicar ocho colecciones de música vocal, un logro sin precedentes para su tiempo. Sus composiciones, que abarcan desde madrigales hasta cantatas y arias, reflejan una evolución en el género y revelan su habilidad para expresar la emotividad y la complejidad del amor y la vida humana.

En este concierto, el público del CNDM tendrá la oportunidad de disfrutar de la riqueza musical de Strozzi, explorando algunas de sus arias, arietas, caprichos y cantatas más emblemáticas y que reflejan la vida musical de las academias venecianas en las que la compositora brilló con su talento único. El repertorio se articula en cinco partes, queriendo emular las partes de una ópera que Strozzi nunca tuvo la oportunidad de escribir, y cada parte evoca a una musa. Su música, llena de ingenio y expresividad, desafía las convenciones de su tiempo y continúa inspirando a oyentes y músicos en la actualidad.

El Hathor Consort, bajo la dirección de Romina Lischka, será el encargado de dar vida a este repertorio. Reconocido internacionalmente por su dedicación a la interpretación históricamente informada de la música Barroca, el ensemble contará con la participación de las esperadas sopranos Dorothee Mields y Hana Blažíková, dos de las voces más destacadas del panorama actual por su técnica impecable y su capacidad para transmitir la emoción y el significado de la música Barroca.

Real Teatro de Retiro

El Real Teatro de Retiro acoge por primera vez en sus tablas la danza española y el flamenco con Flamenco emergente. Del 9 al 19 de mayo, a las 19h y a las 20h, el público podrá ver los mejores artistas de la edición 2023 del Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco de Madrid.

Dirigido por Margaret Jova, el Certamen es una plataforma de exhibición y concurso de obras coreográficas nuevas que representan los diferentes estilos que felizmente coexisten dentro  de la Danza Española y que se celebra anualmente desde 1992. Con más de treinta años de trayectoria se ha convertido en uno de los certámenes flamencos más relevantes en el panorama internacional y es cuna de varias generaciones de artistas de primer nivel.

En Flamenco emergente se ofrecerán las piezas ganadoras de la edición número 32 gracias a dos programas dobles. El primero de ellos está programado para los días 9 y 10 de mayo, a las 20 horas,  y  el 11 y 12 de mayo, a las 19 horas y estará compuesto por las obras: Número oculto, creación de Marta Gálvez, bailarina sobresaliente en danza española, acompañada por la guitarra de Claudio Villanueva, el cante de David Vázquez y las palmas de Juan Carlos Avecilla, y Lo que pasa mientras nos encontramos, un bellísimo dúo de David Acero Delgado, ganador del Primer Premio del Certamen, interpretado por la bailarina Elisabet Romagosa Xufré y el bailarín Sergio R. Suárez.

El segundo programa tendrá lugar los días 16 y 17 de mayo, a las 20 horas y el 18 y 19 de mayo, a las 19 horas, e incluirá las piezas Duelo, de Sara Pérez, Primer premio en la categoría Coreografía de Solo, interpretada por ella misma en una actuación en la que estará acompañada por el cantaor David Vázquez, y Entre nosotras, creación Christian Rubio para cuatro bailarinas, merecedor del Segundo Premio de Coreografía, al que darán vida en escena las bailarinas Sara Canabal, Daniella Hernández, Ana Rebolo y Elsa Ribas.

La cita con la danza española y el flamenco tendrá continuidad en la próxima temporada del Real Teatro de Retiro, trayendo en junio de 2025 lo mejor del Certamen en su edición 33.

Danza Española y Flamenco

 

FLAMENCO EMERGENTE

 

PROGRAMA DOBLE días 9, 10 de mayo a las 20h y 11 y 12 de mayo a las 19h.

Número oculto, de Marta Gálvez
Bailarina sobresaliente en danza española

Compositor: Claudio Villanueva

Bailarina: Marta Gálvez

Guitarra: Claudio Villanueva

Cante: David Vázquez

Palmas: Juan Carlos Avecilla

Lo que pasa mientras nos encontramos, de David Acero Delgado
1º Premio de Coreografía

Compositores: Andrea Falconieri, Giovanni Sollima y Víctor Guadiana

Bailarina: Elisabet Romagosa Xufré

Bailarín: Sergio R. Suárez

PROGRAMA DOBLE días 16, 17 a las 20h y 18 y 19 de mayo a las 19h.

Duelo, de Sara Pérez
1º Premio a una Coreografía de Solo

Bailarina: Sara Pérez

Dirección: Mariana Collado

Composición: Jaime González

Cantaor: David Vázquez

Entre nosotras, de Christian Rubio
2º Premio de Coreografía

Compositores: Wim Mertens y José Almarcha

Bailarinas: Sara Canabal, Daniella Hernández, Ana Rebolo y Elsa Ribas

Edad recomendada a partir de 10 años

Entradas a la venta en www.realteatroderetiro.es, 900 24 48 48 y en las taquillas del teatro.

EmociónArte

La Fundación Princesa de Girona, Art House Academy y el Teatro Real se han unido para promover el bienestar emocional y una mejor salud mental entre los jóvenes con el concierto EmociónArte, un evento único dirigido a centros educativos de secundaria que ha congregado a más de 1.200 jóvenes en el teatro lírico de Madrid bajo la presidencia de S.M. la Reina Letizia.

Al acto han asistido también Ángel Víctor Torres Pérez, ministro de Política Territorial y Memoria Democrática; Carmen Calvo, presidenta del Consejo de Estado; Ignacio García-Belenguer, director General del Teatro Real; Francisco Belil, presidente de la Fundación Princesa de Girona; Salvador Tasqué; director general de la Fundación Princesa de Girona; y Pablo Fernández, CEO de TRIVU, entre otras autoridades y patronos de la entidad.

El concierto, conducido por Andrés Salado, Premio Princesa de Girona Arte 2016 y director de orquesta, ha contado con la actuación del músico y compositor Alfred García como artista invitado, junto a jóvenes artistas procedentes de los programas AmplificARTE y Generación Arte, de la Fundación Princesa de Girona, y Crescendo, de la Fundación Amigos del Teatro Real, uniendo sobre su escenario lírica y pop en un encuentro único en el que, con diferentes estilos, a través de la música, han reafirmado su compromiso para difundir los mensajes y valores con los que quieren transformar el mundo.

Durante el evento, que ha contado también con la presencia de cantantes como Blas Cantó, María Carrasco, Luis Cepeda, y Cris B se ha estrenado en exclusiva el nuevo himno de Generación arte, La vida es hoy, interpretado por todos los artistas que forman parte de este programa. (ver videoclip himno)

Tras el concierto, S.M la Reina se ha reunido con los estudiantes, de entre 12 y 18 años, procedentes de distintos colegios de Madrid, Aragón, Castilla y León y Andalucía, con quienes ha conversado sobre sus intereses musicales y la experiencia educativa vivida en el Teatro Real.

En la edición de este año, antes de llegar a Madrid, el Tour del Talento ha estado presente en Lleida, Salamanca, Cádiz y Santander, ciudades en las que ha ofrecido diferentes actividades centradas en cinco grandes ejes: la empleabilidad y el emprendimiento; la salud física; la salud emocional; el propósito y el impacto social, y la sostenibilidad. En todas ellas el Teatro Real ha estado presente con la actuación de cantantes del programa Crescendo en los conciertos ofrecidos en su Carroza.

Entre el 6 y el 9 de mayo tendrán lugar en Madrid los encuentros y actividades que pondrán fin al Tour de este año. La agenda de actividades, que ha comenzado con este concierto en el Teatro Real, incluye el anuncio de los ganadores del Premio Internacional «CreaEmpresa e Investigación», que se entrega este año por primera vez y está dirigido a jóvenes latinoamericanos que hayan destacado por su trabajo y sus méritos en el ámbito del emprendimiento y la empresa, y de la investigación de manera extraordinaria y ejemplar.

AmplificARTE es un proyecto educativo que utiliza la música como disciplina transversal y herramienta para trabajar el desarrollo personal y el bienestar emocional de los jóvenes, a la par que promueve la cultura musical en los centros educativos, entidades sociales y otros espacios. Impulsado por la Fundación Princesa de Girona y Art House Academy, creada por el productor, pianista y compositor Julio Reyes Copello.

Generación Arte está dirigido a artistas emergentes con el propósito y compromiso de fomentar la educación emocional a través de la música. Este formato ofrece a los seleccionados más de 30 horas de formación en habilidades clave para impulsar su desarrollo profesional, encuentros con reconocidos artistas y expertos de la industria de la música, la oportunidad de participar en conciertos educativos y convertirse en la cantera de talento musical de AmplificARTE.

Creado por la Fundación Amigos del Teatro Real, el programa Crescendo, con carácter internacional, pretende complementar la formación académica adquirida por jóvenes cantantes de todo el mundo y la creación de oportunidades reales para inicien su carrera profesional, con actuaciones en diferentes iniciativas del Teatro Real, como espectáculos del programa Real Junior en el Real Teatro de Retiro y actuaciones en la Carroza del Real para toda España, muy en sintonía con el espíritu de la Fundación Princesa de Girona.

Fotógrafo: © Javier del Real | Teatro Real

LA VERBENA DE LA PALOMA

‘La verbena de la Paloma’, compuesta por Tomás Bretón y con libreto de Ricardo de la Vega, subió por primera vez al escenario del Teatro de la Zarzuela apenas cuatro años después de su estreno absoluto en el desaparecido Teatro de Apolo el 17 de febrero de 1894. Desde entonces hasta hoy, ha formado parte de nuestra tradición lírica, del repertorio más conocido y querido por el público. Es por eso, entre otras muchas cuestiones, que toda nueva producción de este título suscita una extraordinaria expectación como la que ha levantado el estreno del montaje que en estos próximos días presentará el Teatro de la Zarzuela con dirección de escena y coreografía de Nuria Castejón y dirección musical del maestro José Miguel Pérez-Sierra. Las 14 funciones programadas irán del 8 al 25 de mayo y las entradas están prácticamente agotadas.

La acción de ‘La verbena de la Paloma’ se desarrolla en la calurosa noche de fiesta del 15 de agosto, en la que propios y extraños celebran la festividad de la virgen de la Paloma, y en la que los devaneos y los celos afloran a la vuelta de cada esquina. En el brillo soberano de cada plaza. Todo está teatralizado, musicado de forma perfecta en una dramaturgia que hace de esta obra breve una de las más valiosas joyas de nuestro repertorio; que posee la virtud que ineludiblemente va unida a los grandes títulos: nunca dejan de sorprender y siempre emocionan.

Nuria Castejón explica que su propuesta cuenta con el prólogo cómico-lírico ‘Adiós, Apolo’, escrito por Álvaro Tato, “como homenaje a los muchos artistas que hicieron del Teatro de Apolo la catedral del género chico”; se trata, en dicho preludio, de escenificar lo que vivieron los intérpretes en su última función de 1929. Por eso, la directora dedica su espectáculo, con un elocuente y emocionado “¡Va por ellos!”, a los artistas y trabajadores de aquel histórico edificio tan lleno de vida, arte y raíces; lo ofrece al teatro de entonces, y, cómo no, a sus padres —los inolvidables héroes de la zarzuela Pepa Rosado y Rafael Castejón—, herederos de la tradición del Apolo.

Un regalo fresco y joven

Por su parte, el maestro José Miguel Pérez-Sierra, director musical del montaje y nuevo titular del Teatro de la Zarzuela, ocupará en cada una de las funciones el podio del foso al frente de la Orquesta de la Comunidad de Madrid –titular del coliseo–. Y no es menor la devoción que el músico siente por el título en cuestión y por su autor, al afirmar que  ‘La verbena de la Paloma’ “es una obra maestra que conjuga lo folclórico, lo popular y lo culto de una manera que podemos encontrar en pocas partituras”; y explica asimismo que Bretón, como compositor, está interesado en la tradición musical europea “y por eso aquí afronta el desafío de hacer una obra profundamente popular con raíces del folclore madrileño, y enlazar todo de una manera magistral”. Ese es el secreto de la enorme acogida de esta obra desde su primera función; del encanto que hace que a sus 130 años mantenga la frescura y jovialidad de antaño, y que el público de toda condición la reciba siempre con renovado entusiasmo. Como el regalo que es.

El reparto que interpretará los diferentes roles puede calificarse de absolutamente redondo, equilibrado, atractivo, un elenco que cualquier director –musical o de escena– firmaría con los ojos cerrados para afrontar una Verbena. En él transitan Antonio Comas, Borja Quiza, Milagros Martín, Carmen Romeu, Ana San Martín, Gerardo López, Gurutze Beitia, Rafa Castejón, José Luis Martínez, Nuria Pérez, Alberto Frías, Adrián Quiñones, Ricardo Reguera, Mitxel Santamarina, Ana Goya, Andro Crespo,  Albert Díaz y Ramón Grau en el papel de pianista. También participará Jesús Castejón poniendo la voz a la emisión de radio, y junto a todos ellos, como es de ley, el Coro Titular del Teatro de la Zarzuela dirigido por Antonio Fauró.

Para ilustrar el prólogo y el archifamoso sainete, la nueva producción cuenta con la escenografía de Nicolás Boni, el vestuario de Gabriela Salaverri y la iluminación de Albert Faura. Un cóctel de grandes creadores que solo puede conducir a buen puerto. A tierra firme y fértil.

A todo ello se suman 12 actores-bailarines y la emocionante intervención en el tablao del Café de Melilla de la cantaora Sara Salado.

Y para que quede constancia de la magia y el espectáculo previstos, la función del viernes 24 de mayo será grabada por Radio Clásica de Radio Televisión Española para emitir en próximas fechas.

La genialidad de Bretón

Tomás Bretón fue con todas las de la ley uno de los grandes creadores de finales del XIX. En este sentido, el musicólogo Víctor Sánchez señala que “la genialidad de ‘La verbena de la Paloma’ nos recuerda una y otra vez la calidad de su creación, su sentido dramático y el atractivo de su música”. Y en este punto aprovecha también para recordar que el compositor salmantino luchó toda su vida por “la importancia que debía tener la actividad musical en la cultura española”. Sus obras fueron muchas —45 zarzuelas, 9 óperas, 19 piezas sinfónicas y 9 de cámara— y sus éxitos abundantes y continuados tanto en la península como en el continente americano.

Por tanto, volviendo a ‘La verbena de la Paloma’, a lo largo de los ciento treinta años transcurridos desde aquella presentación en el Apolo —donde entre otras obras del género también sonó en la fatídica noche de su cierre—, muchos intérpretes han vestido los ropajes de Hilarión, Sebastián, Julián, Rita, Susana, Casta, Antonia o la Cantadora en las calles de Madrid; personajes, todos ellos, que a través del lenguaje del teatro dan vida a nuestros más genuinos sentimientos en medio de la algarabía de una fiesta popular. Y es que la naturaleza humana se muestra en cada diálogo, en cada canto y en cada uno de los actos de estos paradigmas castizos que llenan la escena con sus dimes y diretes o sus amores y rencillas.

Peter Pan y Wendy

El Real Teatro de Retiro se adentra en el mundo mágico de Peter Pan, donde los sueños pueden hacerse realidad, con una nueva versión del cuento clásico de J. M. Barrie a través de la ensoñadora producción de La Joven compañía, Peter y Wendy, rumbo a Nunca Jamás, de la que se ofrecerán dieciséis funciones entre el 2 y el 19 de mayo, a las 17:00 y a las 20:00 horas.

Peter y Wendy, rumbo a Nunca Jamás aúna artes escénicas y circo en una nueva versión dramatúrgica de Nando López, con dirección escénica de José Luis Arellano y música y espacio sonoro de Alberto Granados Reguilón.

La historia de Wendy, Peter Pan, Garfio y los niños perdidos ha formado parte del imaginario popular desde hace más de un siglo. Nació en teatro, para después ser libro e inspirar incontables películas, series, novelas, ficciones sonoras… En el Real Teatro de Retiro, diez artistas en escena dan vida a una historia que ha emocionado a generaciones enteras con estas aventuras.

El autor, Nando López, escribe esta nueva adaptación y afirma que “pocos títulos me han obsesionado tanto como Peter Pan a lo largo de mi vida. Desde que siendo niño descubrí su historia no ha habido una sola etapa en la que no me haya sentido tentado a seguir sus huellas en busca de ese Nunca Jamás al que nunca acabamos de llegar y donde, sin embargo, hemos estado siempre”.

Porque ese Nunca Jamás es el lugar en el que habitan nuestros sueños, nuestros anhelos y, entre relojes y cocodrilos, también nuestros temores, una isla de ubicación atemporal—«la segunda a la derecha y luego todo recto hasta la mañana»—que cada cual construye de acuerdo con sus propios miedos y deseos, convirtiéndose así en un necesario refugio cuando la vida adulta amenaza con dejarnos sin fuerzas o, peor aún, con obligarnos a confundir el hecho de sumar años con la resignación.»

El espectáculo es fruto de una coproducción de LaJoven/Fundación Teatro Joven y el Circo Price, teatro en el que se estrenó la temporada pasada con una estupenda acogida del público y en el que la crítica destacó: «Una renovada versión de un clásico que ha cautivado a generaciones enteras, y que promete transportarnos a un mundo de fantasía y magia», «Una oportunidad única de disfrutar del teatro en su máxima expresión» o “Peter y Wendy rumbo a nunca jamás aúna talento a raudales y remueve emociones.»

LaJoven celebra su décimo aniversario en esta temporada y acaba de ser galardonada con el Premio Talía 2024 a Mejor Labor de Compañía por su trayectoria comprometida con la juventud y la educación a través del teatro. Un reconocimiento que se suma a otros galardones como el Premio Talento Joven de Onda Madrid en 2020 o el Premio El Ojo Crítico de RNE en 2014.

             PETER Y WENDY RUMBO A NUNCA JAMÁS

             Texto de Nando López, basado en Peter and Wendy, de J. M. Barrie

                                                                        Coproducción de LaJoven / Fundación Teatro Joven y Teatro Circo Price


                                                                          EQUIPO ARTÍSTICO

                                              Dramaturgia     Nando López

Dirección    José Luis Arellano García

Música    Alberto Granados Reguilón

Escenografía     Silvia de Marta

Iluminación     Juan Gómez-Cornejo

Vestuario     Guadalupe Valero

Asesoría de circo      Isa Belui

 

                                                                           REPARTO

Peter Pan      Víctor de la Fuente

Wendy     Lucía Nin Ott

Mrs. Darling / Hook /Wendy adulta      Mabel del Pozo (2, 9, 10, 16 y 17 de mayo)

Antonia Paso (3, 4, 5, 11, 12, 18 y 19 de mayo)

Nana / Smee / Slightly    Jesús Irimia

Campanilla / Nibs / Sirena / Pirata     Isa Belui

John    Eneko Larrazabal

Michael    Clara Bernet

Sombra de Peter / Tootles /Sirena / Pirata      Daniel Esteban

Curly / Sirena / Pirata      Gustavo Vidal

Tiger Lily      Laura Forero

FECHAS

2, 3, 4, 5, 11, 12, 18, 19 de mayo de 2024

17:00 y 20:00 h

Edad recomendada a partir de 10 añ

Trío Catch

Un programa protagonizado por compositoras contemporáneas conforma la siguiente cita del ciclo de música contemporánea Series 20/21 del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM). En esta ocasión, el Trío Catch, destacada formación alemana en la interpretación de música actual, será el encargado de estrenar obras de la compositora española Helena Cánovas Parés y de la famosa compositora francesa Betsy Jolas, así como de revivir una de las piezas más emblemáticas de la creadora italiana Clara Iannotta. El ensemble también interpretará partituras de dos autores españoles actuales de referencia, Mikel Urquiza y José Luis Turina, compositor residente del CNDM esta temporada. El concierto tendrá lugar el lunes 29 de abril, a las 19:30h, en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (entrada libre).
 
Formado por Martin Adámek (clarinete), Eva Boesch (violonchelo) y Sun-Young Nam (piano), el Trío Catch debe su nombre a la obra homónima de Thomas Adès en la que el violonchelo y el piano “cautivan” al clarinete mediante una encantadora danza en corro. En este concierto del CNDM, su objetivo también será el de cautivar al público a través de un repertorio actual protagonizado por el estreno absoluto de la obra Una mica de cosa de no res de Helena Cánovas Parés, encargo del CNDM. En esta pieza, la compositora considera el cuerpo del artista “como un elemento más de la partitura”. El trío también estrenará en España Rounds to catch de Betsy Jolas, articulada en torno a cuatro de sus cánones favoritos. La figura de la mujer creadora también estará presente con The people here go mad. They blame the wind de Clara Iannotta, pieza inspirada en campanas y mecanismos de cajas de música.
 
El recorrido continuará con Túmulo de la mariposa de José Luis Turina, obra basada en un poema homónimo de Francisco de Quevedo y cuyo sonido trata de capturar la imagen de un insecto atrapado por la llama de una vela. Como broche de oro, el Trío Catch interpretará Pièges de neige de Mikel Urquiza, una reflexiva y evocadora pieza en torno a cómo se siente el artista cuando escucha su propia obra.
 

Charla con Helena Cánovas Parés. En el marco del programa educativo del CNDM, la compositora Helena Cánovas Parés, junto al también compositor Mikel Urquiza, ofrecerá una charla en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, sobre el concierto posterior. El encuentro tendrá lugar a las 18 horas y estará moderado por Paco Daunesse.

Sobre el Trío Catch
 
Atrapar al público: con un diálogo virtuoso entre los timbres tan diferentes del clarinete, el violonchelo y el piano; mediante la alegría de hacer música juntos; mediante la búsqueda incansable de un sonido compartido. Esto es lo que distingue al Trio Catch. Está formado por Martin Adámek (clarinete), Eva Boesch (violonchelo) y Sun-Young Nam (piano). El trío ha trabajado con numerosos compositores a lo largo de sus trece años de colaboración, entre ellos Mark Andre, Georges Aperghis, Beat Furrer y Helmut Lachenmann, con quien también les unen varias producciones de CD y proyectos de grabación radiofónica. El CD debut de Trio Catch «in between» fue lanzado en 2014 en el sello col legno, seguido por el lanzamiento de su segundo CD «Sanh» en 2016. En 2019 el sello bastille musique publicó el CD «As if», que fue galardonado con el Premio de la Crítica Discográfica Alemana (Preis der deutschen Schallplattenkritik), el Supersonic Award Luxembourg y el Clef d’Or de ResMusica en Francia. El trío ganó el premio Hermann y Milena Ebel en 2012, el Berenberg Kulturprize en 2014 y fue galardonado con el Premio Dwight y Ursula Mamlok en 2018. Una apretada agenda ha visto ya al Trío Catch dar conciertos en Sudamérica, Asia y Europa, en salas como la Filarmónica de Colonia, Elbphilharmonie Hamburg, Philharmonie du Luxembourg, la Sala Pierre Boulez de Berlín, así como en festivales como Ultraschall Berlin, Musica Strasbourg, Heidelberger Frühling, International Summer Course for New Music Darmstadt, Klangspuren Schwaz y el Wittener Tage für neue Kammermusik. Durante la temporada 2015/16 el Trío Catch actuó en algunas de las mayores salas de conciertos de Europa como parte de la serie «Rising Stars» de la Organización Europea de Salas de Conciertos. Lo más destacado de las temporadas pasadas fueron las actuaciones en la Elbphilharmonie de Hamburgo, la Pierre Boulez Saal de Berlín, la Kölner Philharmonie y la Philharmonie de Luxemburgo. El trío también se dedica a la educación musical. En Klangspuren Schwaz impartió clases a jóvenes en el taller de composición infantil «lautstärker», en la Musikhochschule Hamburg ocupó un puesto de profesor e imparte regularmente talleres para compositores e intérpretes en escuelas superiores de música. En 2016, el Trío Catch inició «Ohrknacker», su propia serie de conciertos-taller. Cada concierto presenta una pieza seleccionada de música contemporánea, escrita especialmente para el trío.

Fotografía ©Jean-Baptiste Millot

Cuarteto Ribera

El ciclo Domingos de Cámara del Teatro de la Zarzuela presenta este próximo domingo 28 de abril (12h00) al Cuarteto Ribera en el Ambigú del coliseo con un concierto íntegramente de obras de compositoras españolas, entre las que se incluirá un estreno absoluto.

Una temporada más, el ciclo, que celebra ya su octava edición, está dedicado plenamente a la mujer, y más concretamente al papel de las compositoras en la música española.

El Cuarteto Ribera incluirá en su concierto música de María Teresa Prieto (1896-1982), María de Pablos (1904-1990) y Ángela B. Pérez Lendínez (2003), de quien interpretará el estreno absoluto de La muerte de Marguerite.

Compuesto por los violinistas Liz Moore e Iván Artaraz, el violinista Jokin Urtasun y el violonchelista Jordi Creus, el Cuarteto Ribera nació en 2012 en el seno de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, es fruto de la amistad y una manera semejante de entender la música. Sus miembros se han formado tanto en territorio nacional como internacional: en centros tan prestigiosos como la Guildhall School of Music and Drama de Londres, el Hogeschool van de Kunsten de Utrecht o el Paul Dukas de París.

En sus interpretaciones destaca el hecho de haber compartido escenario con solistas y agrupaciones especialistas en repertorios de distintas épocas y estilos, forjando así un sonido personal y lleno de vida, con una especial capacidad de conexión con el público.

Asimismo, el Cuarteto mantiene un intenso compromiso con las personas en riesgo de exclusión social, llevando su música a hospitales, colegios de educación especial y centros de personas con discapacidad intelectual.

Nadine Sierra y Pretty Yende.

El próximo jueves 25 de abril el ciclo Voces de Real reunirá en el escenario del Teatro Real a dos estrellas de la lírica del momento, dos cantantes cuya expresión, delicadeza y virtuosismo deslumbran en los escenarios más importantes del mundo con sus actuaciones individuales y que ahora entrelazan sus voces en un concierto único, ellas son las sopranos Nadine Sierra y Pretty Yende.

La velada, que contará con dirección musical de Pablo Mielgo al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real, ofrecerá un programa dividido en dos partes; la primera, protagonizada por personajes dramáticos del Romanticismo italiano y francés- Amina, en La sonnambula; Norma y Adalgisa, en Norma; Violeta, en La traviata; Olympia, de Los cuentos de Hoffmann, o Juliette, de Roméo et Juliette, – pura exhibición belcantista, que exige al intérprete voz y técnica extraordinarias, además de una gran sensibilidad para dotar de sentimiento un canto casi pirotécnico.

En un claro guiño al público de Madrid, y a la audiencia española, la segunda parte del programa transitará por la zarzuela –El barbero de Sevilla, La tempranica-, el bolero, la opereta y el musical, igualmente exigentes para las cantantes, pero menos introspectivas, más ligeras, alegres y encaminadas a finalizar este encuentro con buen humor.

Galardonada con el Premio Richard Tucker 2017 y el Premio Beverly Sills de The Metropolitan Opera de Nueva York en 2018, la soprano estadounidense Nadine Sierra, nacida en Florida, ha sido también la ganadora más joven hasta la fecha tanto del Concurso Vocal de la Fundación Marilyn Horne como de las Audiciones del Consejo Nacional de Met.  Su belleza vocal, su impecable técnica y su gran musicalidad la han convertido en una de las artistas más reclamadas en los principales escenarios de ópera de Europa y los Estados Unidos. La pasada temporada hizo su primera aparición en el Teatro Real, donde debutó el rol de Amina en La sonnambula, en una producción dirigida en la escena por Bárbara Lluch y en la parte musical por Maurizio Benini.

Desde su debut profesional en la ópera en el Teatro Nacional de Letonia en Riga, como Micaela en Carmen, la sudafricana Pretty Yende ha actuado en casi todos los grandes teatros del mundo, como la Royal Opera House londinense, la Ópera Nacional de París, la Metropolitan Opera de Nueva York o el Teatro alla Scala de Milán. Su carrera se ha desarrollado con una rapidez sin precedentes. Graduada en la Young Artists Accademia del Teatro alla Scala, Yende ha sido la primera artista en la historia del Concurso Belvedere en ganar el primer premio en todas las categorías en 2010 y, al año siguiente, se hizo con el Primer Premio en el Concurso Operalia en 2011. Entre otros galardones, el Gobierno sudafricano le concedió la Orden de Ikhamanga de Plata por sus excelentes logros y su reconocimiento internacional en el mundo de la ópera y por servir de modelo a jóvenes músicos aspirantes. Así mismo, ha recibido la Orden Stella de Italia y posee la Orden de las Artes y las Letras de Francia.

En la próxima Temporada del Teatro Real 2024/2025, Pretty Yende interpretará el rol de Ismene en Mitridate, re di Ponto (Wolfgang Amadeus Mozart, 1756-1791), los meses de marzo y abril, y Nadine Sierra encarnará el papel protagonista de La Traviata (Giuseppe Verdi, 1813-1883) en los meses de junio y julio.

Los maestros cantores de Núremberg

Entre el 24 de abril y el 25 de mayo el Teatro Real ofrecerá 9 funciones de una nueva coproducción de Los maestros cantores de Núremberg, de Richard Wagner (1813–1883), que unirá a dos directores muy queridos del público de Madrid: Pablo Heras Casado, principal director invitado del Teatro Real, y Laurent Pelly, gran maestro del universo simbólico de la comedia –La hija del regimiento (2014), Hansel y Gretel (2015), El gallo de oro (2017), Falstaff (2019), Viva la mamma! (2021) e Il turco in Italia (2023)– que se enfrenta ahora a su “primer Wagner” en una monumental producción con 135 artistas sobre el escenario.

Los maestros cantores de Núremberg, estrenada en el Teatro de la Corte de Múnich el 21 de junio de 1868, es una obra singular en la producción de Wagner y el décimo título de su catálogo operístico. La trama transcurre en un espacio y un tiempo muy concretos: la ciudad de Núremberg, durante una sola jornada –la noche y el día de San Juan– en el siglo XVI, coincidiendo con la vida real del poeta, músico y zapatero Hans Sachs (1494-1576), convertido en protagonista de la partitura y cuya estatua preside hoy la plaza que lleva su nombre en la ciudad.

Los protagonistas de la ópera son miembros de un gremio de artesanos burgueses que compaginan sus oficios con el arte de crear canciones bajo reglas muy estrictas y minuciosas. La llegada de un forastero que, por amor, intenta participar en uno de sus severos concursos de canto con una arrebatadora e inspirada canción fuera de todos los cánones establecidos, genera entre los Maestros cantores un encendido debate estético y filosófico entre lo transgresor y lo normativo en la creación artística, que va creciendo en complejidad a lo largo de toda la ópera, evocando las grandes corrientes de pensamiento del Romanticismo centroeuropeo.

Wagner, autor también del libreto concebido a través de un sesudo trabajo de documentación sobre el universo gremial de los maestros cantores en Núremberg, da alas a sus reflexiones filosóficas enfrentando a los partidarios de la tradición reglada e inamovible representados por Sixtus Beckmesser –caricaturizado sin piedad– y los defensores de la libertad creativa del artista, encarnada por el joven Walther von Stolzing. Entre ambos, la figura conciliadora y abnegada de Hans Sachs, que aboga por un arte libre y sincero, inspirado en la tradición y la cultura del pueblo alemán. Su monólogo final, apropiado y distorsionado por el régimen nazi, propició un enfoque siniestro de la ópera, lejos de su defensa del arte como fundamento de la convivencia y la armonía de un pueblo.

La portentosa música de Wagner recrea el ambiente de Núremberg con un riquísimo lenguaje formal y armónico que potencia el perfil de los personajes, situaciones dramatúrgicas y discursos de los protagonistas, articulando con pericia y fluidez los corales religiosos luteranos, marchas, canciones de trabajo, melodías populares, bailes y evocaciones del mundo sonoro de la ciudad. La brillante orquestación, muy articulada a la trama y sin los vuelos armónicos de sus óperas anteriores, critica, parodia, se mofa y se divierte con los personajes.

El director de escena Laurent Pelly potencia, precisamente, el sustrato burlesco de la ópera, alejándose del tratamiento realista del gremio de los artesanos en Núremberg, que emerge en un universo quimérico y poético que refleja el pensamiento, los anhelos  y los conflictos de los protagonistas.

La ópera se desarrolla en un mundo devastado e inestable –con escenografía de Caroline Ginet e iluminación de Urs Schönebaum– en el cual los hombres sobreviven gracias a su herencia cultural y artística y a la memoria de su ciudad protectora. Los personajes se mueven en un espacio simbólico de casas de cartón apiñadas como los retazos de una vida estructurada que se tambalea y se derrumba, abriéndose a un nuevo mundo más libre y verdadero a través de la sublimación del arte.

La ópera será dirigida por Pablo Heras–Casado, cada vez más vinculado al repertorio wagneriano. Después de haber inaugurado, con gran éxito, la pasada edición del Festival de Bayreuth, con Parsifal (que volverá a interpretar este año), va a dirigir una nueva producción de El anillo del nibelungo, junto a Calixto Bieito, en la Ópera de París. En el Teatro Real interpretará su sexto título de Wagner después de El holandés errante (2017) y la Tetralogía –El oro del Rin (2019), La valquiria (2020), Siegfried (2021) y El ocaso de los dioses (2022)–.

Un impresionante reparto de excelentes cantantes-actores dará voz a los peculiares personajes de Los maestros cantores, encabezados por Gerald Finley (Hans Sachs), Leigh Melrose (Sixtus Beckmesser), Tomislav Mužek (Walther von Stolzing), Jongmin Park (Veit Pogner), Nicole Chevalier (Eva), Sebastian Kohlhepp (David) y Anna Lapkovskaja (Magdalene).

Junto a ellos, el Coro Titular del Teatro Real, con 112 cantantes preparados por José Luis Basso, y la Orquesta Titular del Teatro Real, con una plantilla de 95 músicos, interpretarán esta nueva gran producción, en la que Laurent Pelly, junto a Jean-Jacques Delmotte, se ocupa también de los más de 300 trajes que utilizarán los intérpretes en escena.

Los maestros cantores volverán al Teatro Real después 23 años, ya que desde su reapertura se han ofrecido solamente tres funciones de esta ópera, en junio de 2001, con el Coro y Orquesta de la Staatsoper de Berlín, bajo la dirección de Daniel Barenboim. Será, seguramente, una nueva mirada sobre esta ópera tan singular, con una dialéctica filosófica retórica y profunda, pero también paródica y grotesca.

Fotógrafo: © Javier del Real | Teatro Real

JuanJosé
Va de Bach

El Real Teatro de Retiro presentará, el próximo 13 de abril, el estreno absoluto de Va de Bach, nueva creación de la compañía Aracaladanza en la que, a través de la música de Johann Sebastian Bach, exploran y deconstruyen los límites del escenario con nuevas coreografías que buscan acercar la danza contemporánea a nuevos espectadores.

Así, la compañía quiere liberar la imaginación de un público de todas las edades –recomendado a partir de cuatro años- para disfrutar sin prejuicios ni normas de la música de un compositor cuya obra definen como “más que belleza creativa, más que perfección técnica, más que profundidad intelectual. Bach es pureza espiritual y absoluta imaginación”.

Basado en la idea original de Enrique Cabrera, director, coreógrafo y fundador de Aracaladanza, Va de Bach toma forma a través de un gorila triste, una mano gigante y cinco bailarines de la compañía: Carolina Arija, Jonatan de Luis, Jimena Trueba, Aleix Rodríguez y Lydia Martínez, intérpretes y creadores coreográficos, y la participación de la actriz Carla Maró.  Juntos construyen un espectáculo sin estructura argumental o narrativa convencional en el que no buscan coreografiar su música (con variaciones y versiones), si no bucear en un universo creativo que permita imaginar libremente a quien abra los ojos y afine los oídos.

El compositor español Luis Miguel Cobo ha sido el encargado de la “reconstrucción” y adaptación de algunas de las piezas de Bach que se escucharán en la función para dotarlas del carácter necesario para cada momento y movimiento. Se escucharán son fragmentos de Badinerie, Suite orquestal Nº2, BWV 1067; el Preludio Nº2 en Do menor de El clave bien temperado, BWV 847; el  Aria “Ja, tausendmal tausend begleiten den Wagen” de la Cantata Gott fähret auf mit Jauchzen BWV 43 y el Concierto de Brandenburgo Nº3 BWV 1048.

Completan el equipo la escenógrafa y figurinista Elisa Sanz, el diseñador de iluminación Pedro Yagüe, el video creador Álvaro Luna, los responsables de vestuario Gabriel Besa Pilar López Jurado, y el realizador de atrezzo y marionetista Ricardo Vergne.

Con mucha curiosidad e imaginación, Aracalandaza se pregunta: ¿y si el telón de fondo es rojo terciopelo? ¿Y el suelo, dorado?

¿Y si armamos una mano gigante como la que podría tocar un órgano gigante?

¿Y si hay pianos diminutos? ¿Y si unos globos acaban cantando? ¿Y qué pasaría si llegaran a pincharse?

¿Y si bailamos un malambo colectivo a ritmo de Bach?

¿Y si unas presuntas pelucas barrocas regalan metros de papel?

¿Y si nos volvemos locos, nos emocionamos y reímos con Bach, su música y su

universo?

Todas estas preguntas y muchas más, en Va de Bach. Y para todo lo demás, ¡Bach!

La compañía madrileña Aracaladanza, reconocida mundialmente como pionera y abanderada de un riguroso lenguaje escénico de alta calidad para público familiar e infantil, tiene experiencia en la re-construcción de universos de grandes artistas que han dejado huella en el imaginario universal. Aracaladanza ha sido galardonada con el Premio Nacional de Teatro para la Infancia y la Juventud 2010, reiteradamente premiada en FETEN (Feria Europea de Teatro para Niños y Niñas) y ganadora de varios MAX. Sus espectáculos El Bosco (“Pequeños paraísos”), Magritte (“Nubes”), Miró (“Constelaciones”) y Leonardo (“Vuelos”) han inspirado espectáculos de gran formato que han sido disfrutados en los cinco continentes por miles de jóvenes espectadores.

Fotógrafo: © marcosGpunto

Amador Rojas

Una vez más, el artista flamenco Amador Rojas acerca su talento al ciclo Flamenco Real. Desde su temporada de inauguración en 2018, el bailaor y coreógrafo no ha faltado a una cita en la programación de flamenco del Teatro Real. Además, es el director artístico de Authentic Flamenco, la gira internacional que desde 2022 ha recorrido 53 ciudades de todo el mundo acercando el arte del flamenco a más de 150.000 espectadores.

‘Ahora es el tiempo. Tiempo de amarse, tiempo de sentirse, de respetarse, de cantarse y bailarse’ son los primeros versos en los que se basa el nuevo espectáculo creado por el artista. Las funciones tendrán lugar los días 16, 17 y 18 de abril en el Salón de Baile del Teatro Real.

Autodidacta, ambicioso y emprendedor, Amador Rojas comenzó a bailar a los 7 años de la mano del maestro Farruco, quien le instruyó en las bases de este arte. A los 12 ya bailaba como solista y creaba sus propias coreografías; a los 16 años se une a la compañía de Salvador Távora, y su camino continuó junto a nombres como los de Manuela Carrasco, Eva Yerbabuena o Antonio CanalesYa con su propia compañía, recibió el premio de Artista Revelación de la Bienal de Flamenco de Sevilla de 2008, el Premio La Venencia Flamenca en 2009 y The Golden Lyre Musicianship Award, en 2010.

En esta ocasión, el elenco que le acompaña estará formado por Nazaret Reyes, bailaora; David Cerreduela, guitarra y música; Felipe Maya, percusión, y Juañarito y José Aser, cante.

La sexta temporada del ciclo Flamenco Real -una producción del Teatro Real con la colaboración artística de Solana Entertainment-, presenta de octubre a julio a los mejores artistas del baile flamenco. Además de Amador Rojas, el ciclo cuenta con la presencia de Olga Llorente, Daniel Casares, el Yiyo, Eduardo Guerrero, Ángeles Gabaldón, el Farru, Marco Flores, Yolanda Osuna y Concha Jareño.

Los espectáculos se incluyen, desde la pasada temporada 2023, en el catálogo de flamenco de My Opera Player.

Fotógrafo: © Juanlu Vela

Vivica Genaux

La mezzosoprano norteamericana Vivica Genaux vuelve al Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela junto al pianista cubano Marcos Madrigal, quien debuta en esta programación. Juntos, ofrecerán un repertorio que abre y cierra con grandes cantatas dedicadas a figuras heroicas femeninas, Arianna a Naxos de Franz Joseph Haydn y Giovanna d’Arco de Gioacchino Rossini. El programa también incluye el ciclo de canciones Frauenliebe de Carl Loewe, protagonizado de nuevo por una mujer, y otras piezas tanto de Gioacchino Rossini como de Robert Schumann, maestro indiscutible del lied. El recital tendrá lugar el lunes 8 de abril a las 20:00 horas en el Teatro de la Zarzuela.

La célebre cantata Arianna a Naxos de Franz Joseph Haydn abrirá el recital. La obra se centra en la traición de Teseo, que abandona a su amada Ariadna. Con una musicalidad deslumbrante, fue presentada en 1791 con enorme éxito en un concierto público en Londres con Gaspare Pacchierotti, uno de los cantantes más famosos de su época. Por su parte, la cantata Giovanna d’Arco de Gioacchino Rossini, que se estructura como una gran escena operística, cerrará el programa. La obra refleja el paso de Juana de Arco desde su etapa como pastora hasta convertirse en una auténtica heroína.

El programa también incluye el emocionante ciclo de canciones Frauenliebe de Carl Loewe, basado en poemas de Adelbert von Chamisso. Las piezas describen la historia de amor de una mujer de clase media por su esposo, desde el primer encuentro hasta su fatídica muerte. El ciclo está lleno de emociones y pasiones y será una gran oportunidad para apreciar el amplio abanico expresivo de Vivica Genaux. Además, se escucharán canciones de Robert Schumann y la famosa Canzonetta spagnuola de Gioacchino Rossini, que compuso cuando se fue a Londres con su musa y futura esposa, la mezzosoprano y compositora española Isabel Colbran.

Una voz prodigiosa

Con una carrera que abarca ya dos décadas, la mezzosoprano Vivica Genaux goza de gran éxito entre el público y la crítica internacional gracias a su carismática voz, su asombrosa técnica vocal y su coloratura. Aunque es conocida por sus grandes interpretaciones en el ámbito del Barroco y el bel canto, su repertorio va más allá. Una muestra de ello es el campo liederístico, en el cual está considerada una de las voces más brillantes del panorama actual. Junto al virtuoso pianista Marcos Madrigal, ofrecerá un concierto que promete ser toda una experiencia para los amantes del género.

Sobre Vivica Genaux

Desde su debut profesional como Isabella de L’italiana in Algeri de Rossini, la mezzosoprano Vivica Genaux cautiva a público y crítica de todo el mundo con su agilidad vocal e integridad artística. Su aclamada carrera lleva a Vivica desde su Alaska natal a los teatros y salas de conciertos más prestigiosos del mundo, incluidos el Metropolitan Opera House de Nueva York, el Barbican Centre de Londres, el Teatro Real de Madrid, la Accademia Nazionale di Santa Cecilia de Roma y la Staatsoper de Viena, por citar algunos ejemplos. Otros aspectos a destacar de la carrera más reciente de Vivica son la recuperación del papel de Vagaus en Juditha triumphans; su Il Divino Sassone en el Festival Barroco de Bayreuth; las primeras funciones de su espectáculo en solitario “Vivica & Viardot”; la grabación de “Gender Stories”, junto al contratenor Lawrence Zazzo; y los debuts del papel principal de Irene de Hasse y Trasimede de Merope de Riccardo Broschi. Su repertorio, que abarca cinco siglos de música, se consolida con elogiadas interpretaciones de roles barrocos y belcantistas, incluidos muchos papeles de hombre. Su debut en el Metropolitan Opera House de Nueva York fue con el papel que ha cantado con más frecuencia en su carrera, Rosina de Il barbiere di Siviglia de Rossini. Como una vertiente adicional a su exitosa carrera, Vivica cumple un papel fundamental en la introducción de obras olvidadas al público moderno. Así, es una apasionada defensora de la recuperación del interés por la música del compositor Johann Adolf Hasse, y sus esfuerzos fueron reconocidos en 2019 con el Premio Hasse otorgado por la Fundación Johann-Adolf-Hasse. También recibe el Premio Haendel de la Ciudad de Halle en 2017, ampliando una galería de premios que incluye el Premio ARIA en 1997, el Premio Christopher Keene de la Ópera de la Ciudad de Nueva York en 2007 y el Premio Maecenas de la Ópera de Pittsburgh en 2008. El interés y dedicación de Vivica por compartir su experiencia y amor por la voz se manifiesta en la creación de la Academia V/vox y en fructíferos compromisos docentes. Vivica sigue ampliando su discografía con célebres grabaciones.

Sobre Marcos Madrigal

Marcos Madrigal nace en La Habana, Cuba. Se gradúa en el año 2007 con Diploma de Oro del Instituto Superior de Arte, bajo la orientación de la eminente profesora Teresita Junco. Cursa estudios de perfeccionamiento en la Universidad Musical del Conservatorio de Lugano y en la prestigiosa Academia Internacional de Piano “Lake Como”, donde recibe clases de los maestros Andreas Staier, Dimitri Bashkirov, Fou Ts’ong, John Perry, Malcolm Bilson y especialmente, William Grant Naboré. Ha ofrecido recitales y conciertos con orquestas en algunas de las más importantes salas del mundo, como el Teatro Colón de Buenos Aires, el Auditorio Parco della Musica de Roma, el Queen Elizabeth Hall de Londres, el Auditorio Manuel de Falla de Granada, la Ópera Nacional de Bucarest, el Volkstheater de Viena, el Teatro Rossini de Pésaro, el Teatro delle Muse de Ancona, el Teatro Romano de Verona, el National Concert Hall de Dublín y el Gran Teatro Qintai de China, colaborando con importantes directores como Claudio Abbado, Leo Brouwer, Paul Mann, Enrique Diemecke y Lorenzo Ramos. Además, ha colaborado en varios proyectos con Nicola Piovani, ganador de un Oscar por “La vida es bella”, así como con otros compositores vinculados al mundo del cine y del teatro. Desde 2017 es director artístico de Habana Clásica, un festival internacional de música clásica con sede en la capital cubana. Es ganador de numerosos concursos internacionale. En 2012, recibe el prestigioso Premio Internacional “Medaglia d’Oro Maison des Artistes”, otorgado por la Asociación de Cultura, Arte, Ciencia y Compromiso Social de la ciudad de Roma.

Temporada 24:25
  • En la próxima temporada se ofrecerán 19 títulos de ópera con 1 estreno absoluto, 6 nuevas coproducciones (3 de las cuales se estrenan en el Teatro Real), 10 títulos que nunca se presentaron en el Teatro Real, 2 producciones invitadas de otros teatros, 2 óperas en versión semiescenificada y 8 en versión de concierto.
  • La programación de danza tendrá, como en las temporadas precedentes, 3 compañías invitadas y una producción de ópera coreografiada y se ofrecerán 15 conciertos.
  • Después de la actual temporada de ópera, con importantes estrenos del siglo XX, en la próxima se privilegiarán los dos siglos anteriores. Habrá 8 obras barrocas, 2 óperas de Mozart adscritas al clasicismo, 6 óperas del siglo XIX, 2 óperas del siglo XX y 1 del siglo XXI (más las 2 que se anunciarán en el futuro, en el Teatro Español y en Teatros del Canal).
  • El compositor más presente será Georg Friedrich Händel, con 4 títulos Tamerlano, Alcina, Theodora y Jephtha-, uno de los cuales, la nueva coproducción de Theodora, traerá al Teatro Real por primera vez a la aclamada directora de escena británica Katie Mitchell. La dirección musical será de Ivor Bolton, profundo conocedor de Händel, que ya dirigió 3 óperas suyas en el  Real –Rodelinda (2017), Parténope (2021) y Orlando (2023)-. Conforman el reparto Julia Bullock, Joyce DiDonato, Iestyn Davies, Ed Lyon y Callum Thorpe.
  • Dentro del repertorio barroco se presentarán 2 óperas francesas: el estreno en España de David et Jonathas, de Marc-Antoine Charpentier -con el Ensemble Correspondances y Sébastien Daucé- y Las indias galantes, de Jean-Philippe Rameau, en una versión coreografiada por Bintou Dembélé, con dirección musical de Leonardo García Alarcón -que triunfó hace dos años con el L’Orfeo, de Claudio Monteverdi, en otra “versión operística bailada” dirigida por Sasha Waltz-.

  • También se estrena en España L’uomo femmina, de Baldassare Galuppi -con Le Poème Harmonique y Vincent Dumestre- y se recupera una ópera española injustamente olvidada, La Merope, de Domènec Terradellas, que se escuchará por primera vez en el Teatro Real con una nueva edición de la partitura, que será interpretada por la Akademie für Alte Musik de Berlín, bajo la dirección de Francesco Corti.
  • Aún en el siglo XVIII, ya en el clasicismo, se ofrecerán 2 óperas de Wolfgang Amadeus Mozart protagonizadas por reyes y separadas entre sí por 11 años: Mitridate, re di Ponto, e Idomeneo, re di Cresta. La primera es una nueva producción que volverá a unir a Ivor Bolton y Claus Guth en una ópera de juventud de Mozart, después del éxito de ambos en Lucio Silla, en 2017; la segunda, una versión historicista semiescenificada dirigida por René Jacobs, con puesta en escena de Benoît de Leersnyder.
  • Del XIX se estrenará en el Real una nueva producción de Maria Stuarda, de Gaetano Donizetti (que nunca se ha hecho en su escenario) con dos repartos estelares -Lisette Oropesa, Aigul Akhmetshina, Ismael Jordi; y Yolanda Auyanet, Silvia Tro Santafé, Airam Hernández…-, dirección musical de José Miguel Pérez-Sierra y puesta en escena de David McVicar.
  • De Giuseppe Verdi se presentarán tres títulos. Attila e I lombardi alla prima crociata, anclados todavía a los modelos de gran ópera decimonónica, y ambos con libretos de Temistocle Solera -empresario del Teatro Real a mediados del siglo XIX- serán interpretadas en versión de concierto por repartos verdianos de gran solvencia. Nicola Luisotti dirigirá Attila -con Christian Van Horn, Sondra Radvanovsky, Michael Fabiano y Artur Ruciński-, y Daniel Oren estará al frente de I lombardi allá prima crociata, encabezada por Anna Pirozzi, Francesco Meli, Alex Esposito e Iván Ayón Rivas.
  • La traviata llegará en la icónica producción de Willy Decker que estaba prevista para 2020 y que tuvo que posponerse por la pandemia. Un doble reparto de grandes solistas -Nadine Sierra, Adela Zaharia, Xabier Anduaga, Juan Diego Flórez, Iván Ayón Rivas, Luca Salsi, Artur Ruciński, Albert Casals…- actuará bajo la dirección de Henrik Nánási, que debutará en el Real.
  • Despidiendo el siglo XIX, dos óperas rusas basadas en obras de Aleksandr Pushkin, de quien se conmemora el 225º aniversario de su nacimiento. La nueva producción de Eugenio Oneguin de Piotr Ilich Chaikovski, con dirección de escena de Christof Loy, traerá de nuevo al Teatro a Gustavo Gimeno, después de su enorme éxito en El ángel de fuego, de Sergei Prokofiev, en 2022. El cuento del Zar Saltán, de Rimski-Kórsakov, se estrenará en el Real con una nueva producción concebida por Dmitri Tcherniakov -que retorna al Teatro después de 11 años- y dirección musical de Karel Marc Chichon.
  • Ya en los albores del siglo XX, la ópera verista Adriana Lecouvreur, de Francesco Cilea, será la que inaugure la temporada con la aplaudida producción de David McVicar y la infalible dirección musical de Nicola Luisotti, que estará al frente de dos repartos en que se alternan, en los papeles principales, Ermonela Jaho y Maria Agresta; Brian Jagde y Matthew Polenzani; Elina Garanča, Nicola Alaimo y Manel Esteve.
  • Un doble programa unirá La vida breve, de Manuel de Falla -título que reinauguró el Teatro Real en 1997- y el estreno absoluto de Tejas verdes, de Jesús Torres, a partir de la obra homónima del chileno Fermín Cabal y del Cancionero y romancero de ausencias, de Miguel Hernández. Jordi Francés, que dirigió el estreno de Tránsito, con gran éxito, en 2021, volverá a alumbrar una nueva partitura de este compositor.
  • Para dar vida a estos títulos, el Teatro Real ha invitado a directores, coros y orquestas de gran prestigio y los intérpretes más idóneos para cada obra, contando la excelencia de sus cuerpos estables, el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real. El primero, bajo la escrupulosa dirección de José Luis Basso; y la Orquesta, con el trabajo y dedicación de su director musical, Ivor Bolton, la maestría de su sucesor en el cargo (a partir de la próxima temporada) Gustavo Gimeno, y la asidua y entusiasta participación de Nicola Luisotti, director invitado del Teatro Real.

TEMPORADA DE ÓPERA

Adriana Lecouvreur, de Francesco Cilea | Producción invitada | Patrocina Fundación BBVA

Producción de la Royal Opera House, el Gran Teatre del Liceu, la Wiener Staatsoper, la Opèra national de Paris y la San Francisco Opera

DM: Nicola Luisotti DE: David McVicar. Reparto: Ermonela Jaho, Maria Agresta, Nicola Alaimo, Brian Jagde, Mathew Polenzani, Manel Esteve

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

23 septiembre – 11 octubre | 13 funciones | 2 repartos

David et Jonathas, de Marc-Antoine Charpentier | Versión de concierto

DM: Sébastien Daucé. Reparto: Petr Nekoranec, Gwendoline Blondeel, Jean-Christophe Lanièce…

Ensemble Correspondances

27 septiembre | función única

Theodora, de Georg Friedrich Händel | Nueva producción del Teatro Real | Estreno en España de la versión escénica

Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la Royal Opera House

DM: Ivor Bolton. DE: Katie Mitchell. Reparto: Julia Bullock, Joyce DiDonato, Iestyn Davies, Ed Lyon, Callum Thorpe…

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

11 – 23 noviembre| 7 funciones | 1 reparto

Maria Stuarda, de Gaetano Donizetti | Nueva producción del Teatro Real | Estreno de la producción | Patrocina Fundación BBVA

Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con el Gran Teatre del Liceu, el Donizetti Opera Festival – Bergamo y el Théâtre de la Monnaie de Bruselas

DM: José Miguel Pérez-Sierra. DE: David McVicar. Reparto: Lisette Oropesa, Aigul Akhmetshina, Ismael Jordi, Yolanda Auyanet, Silvia Tro Santafé, Krzysztof Bączyk, Airam Hernández…

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

14 – 30 diciembre| 10 funciones | 2 repartos

Alcina, de Georg Friedrich Händel | Versión de concierto

DM: Francesco Corti. Reparto: Elsa Dreisig, Sandrine Piau, Emily d’Angelo, Nadezhda Karyazina, Alex Rosen, Stefan Sbonnik y Bruno de Sá.

Il Pomo d’Oro

15 diciembre | función única

Eugenio Oneguin, de Piotr Ilich Chaikovski | Nueva producción del Teatro Real | Patrocina Fundación Santander

Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con Den Norske Opera & Ballett y el Gran Teatre del Liceu

DM: Gustavo Gimeno, Kornilios Michailidis. DE: Christof Loy. Reparto: Iurii Samoilov, Kristina Mkhitaryan, Bogdan Volkov, Victoria Karkacheva, Maxim Kuzmin-Karavaev, Katarina Dalayman, Elena Zilio, Juan Sancho…

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

22 enero – 18 febrero| 10 funciones | 1 reparto

Idomeneo, re di Cresta, de Wolfgang Amadeus Mozart | Versión de concierto semiescenificada

DM: René Jacobs. Reparto: Emiliano González Toro, Olivia Vermeulen, Polina Pastirchak, Kateryna Kasper, Mak Milhofer, Kresimir Spicer, Yannick Debus

Zürcher Sing-Akademie, Freiburger Barockorchester

23 enero | función única

La vida breve, de Manuel de Falla / Tejas verdes, de Jesús Torres | Estreno absoluto. Nueva producción del Teatro Real | Patrocina Fundación Amigos del Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real, estreno absoluto de Tejas Verdes

DM: Jordi Francés. DE: Rafael R. Villalobos. Reparto La vida breve: Adriana González, Eduardo Aladrén, Ana Ibarra, Rubén Amoretti… Reparto de Tejas verdes: Natalia Labourdette, Maria Miró, Sandra Ferrández…

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

13 – 22 febrero| 6 funciones | 1 reparto

La Merope, de Domènec Terradellas | Versión de concierto

DM: Francesco Corti. Reparto: Emőke Baráth, Pia Francesca Vitale, Paul-Antoine Bénos-Djian, Valerio Contaldo, Sunhae Im, Margherita Maria Sala

Akademie für Alte Musik de Berlín

21 febrero | función única

Mitridate, re di Ponto, de Wolfgang Amadeus Mozart | Nueva producción del Teatro Real. Estreno de la producción | Patrocina Endesa

Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la Oper Frankfurt

DM: Ivor Bolton. DE: Claus Guth. Reparto: Juan Francisco Gatell, Siyabonga Maqungo, Sara Blanch, Ruth Iniesta, Elsa Dreisig, Vanessa Goikoetxea, Franco Fagioli, Tim Mead, Pretty Yende, Sabina Puértolas…

Orquesta Titular del Teatro Real

23 marzo – 9 abril| 10 funciones | 2 repartos

L’uomo femmina, de Baldassare Galuppi | Versión de concierto

DO: Vincent Dumestre. Reparto: Eva Zaïcik, Lucile Richardot, Victoire Bunel, Anas Séguin, Victor Sicard y Paco García

Le Poème Harmonique

3 abril | función única

El cuento del zar Saltán, de Nikolái Rimski-Kórsakov | Nueva producción del Teatro Real | Patrocinan Consejo de Amigos y Fundación Amigos del Teatro Real

Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con el Théatre Royal de La Monnaie / de Munt

DM: Karel Mark Chichon. DE: Dmitri Tcherniakov. Reparto: Bogdan Volkov, Ante Jerkunica, Svetlana Aksenova, Stine Marie Fischer, Bernarda Bobro, Carole Wilson, Nina Minasyan…

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

30 abril – 11 mayo| 7 funciones | 1 reparto

Jephtha, de Georg Friedrich Händel | Versión de concierto

DM: Francesco Corti. Reparto: Michael Spyres y Joyce DiDonato.

Il Pomo d’Oro

1 mayo | función única

Attila, de Giuseppe Verdi | Versión de concierto

DM: Nicola Luisotti. Reparto: Christian Van Horn, Artur Ruciński, Sondra Radvanovsky, Michael Fabiano, Moisés Marín e In Sung Sim.

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

14 y 17 mayo | 2 funciones

Tamerlano, de Georg Friedrich Händel | Versión de concierto

DM: René Jacobs. Reparto: Paul-Antoine Bénos-Dijan, Thomas Walker, Polina Pastirchak, Alex Chance, Helena Rasker y Matthias Winckhler.

Freiburger Barockorchester

16 mayo | función única

Las indias galantes, de Jean-Philippe Rameau | Versión semiescénica y coreográfica | Patrocina Fundación Amigos del Teatro Real

DM: Leonardo García Alarcón. DE: Bintou Dembélé. Reparto: Julie Roset, Ana Quintans, Mathias Vidal, Andreas Wolf

Cappella Mediterranea, Choeur de Chambre de Namur, CIE RUALITÉ

28 mayo – 1 junio | 4 funciones

La traviata, de Giuseppe Verdi  | Producción invitada | Patrocina Telefónica

Producción de la Dutch National Opera & Ballet

DM: Henrik Nánási, Francesc Prat. DE: Willy Decker. Reparto: Nadine Sierra, Adela Zaharia, Xabier Anduaga, Iván Ayón Rivas, Juan Diego Flórez, Luca Salsi, Artur Ruciński, Karina Demurova, Gemma Coma-Alabert, Albert Casals…

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

24 junio – 23 julio| 18 funciones | 2 repartos

I lombardi alla prima crociata, de Giuseppe Verdi | Versión de concierto

DM: Daniel Oren. Reparto: Anna Pirozzi, Francesco Meli, Alex Esposito, Iván Ayón Rivas, Miren Urbieta-Vega, David Lagares, Josep Fadó, Manuel Fuentes, y Mercedes Gancedo.

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

6 y 9 julio | 2 funciones

PROGRAMACIÓN DE DANZA

El BALLET DE SAN FRANCISCO debutará en el Teatro Real con El lago de los cisnes de Piotr Illich Chaikovski, coreografía de Helgi Tomasson creada en 2009, cuando era director artístico de la compañía, y que pone el foco en el personaje de Odette y su pasado. El viaje del Ballet de San Francisco a Madrid es el primer tour internacional de la compañía desde que Tamara Rojo asumió su dirección.

La COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA, dirigida por Joaquín de Luz, presentará Don Quijote en el Teatro Real con coreografía de José Carlos Martínez -director del Ballet de l’Opéra de Paris- inspirada en las famosas versiones de Marius Petipa y Alexander Gorski, a las que Martínez añade un matiz más poético al personaje de don Quijote en su búsqueda del amor ideal.

El BALLET ESTATAL DE VIENA traerá al Teatro Real dos coreografías: Concertante -música de Frank Martin y coreografía de Hans van Manen– explora la idea de que aunque se esté cerca de alguien, no se sabe jamás lo que el otro está pensando; y 4 creada por el director de la compañía, Martin Schläpfer, con música de Gustav Mahler y casi 70 bailarines en escena, muestra una humanidad llena de deseos, expuesta y desamparada.

PROGRAMACIÓN DE CONCIERTOS

El ciclo VOCES DEL REAL está compuesto por 6 conciertos líricos con orquesta protagonizados por algunas de las voces más representativas de la actualidad: Juan Diego Flórez, Ludovic Tézier, Sondra Radvanovsky, Piotr Beczała, Asmik Grigorian, Michael Volle, Gabriela Scherer, Sabine Devieilhe y Stéphane Degout.

Completan la oferta la Gala Puccini con Anna Netrebko y Yusif Eyvazov, la Gala del Teatro Real, el Concierto del Concurso Tenor Viñas y los 6 conciertos matinales que conforman el ciclo DOMINGOS DE CÁMARA.

EL REAL JOVEN

El Teatro sigue trabajando con ahínco en la captación y fidelización del público joven, con una serie de iniciativas enmarcadas en su programa EL REAL JOVEN y facilidades y prerrogativas concedidas al público joven, tanto a sus Amigos Jóvenes, cuyo número no para de crecer, como a todos los jóvenes que descubren el Teatro Real por primera vez.  (El Real Joven es un proyecto que incluye acciones con Amigos Jóvenes y Jóvenes no Amigos)

Los  Jóvenes menores de 26 y los que tienen entre 26 y 35 años podrán beneficiarse de ventajas y descuentos en la compra de localidades: a través de la Butaca Joven, en venta preferente por 20 y 30 euros respectivamente, o de las localidades de Último Minuto, disponibles el mismo día de funciones seleccionadas de ópera, danza y Voces del Real, por 20 euros y 35 euros, según el tramo de edad.

Para los jóvenes prosiguen, dentro del Programa de Formación, los proyectos La universidad a escena, cursos y talleres diseñados para acercar la ópera a estudiantes universitarios a través del seguimiento activo de una producción operística en los diversos pasos y ámbitos del montaje; y ESÓpera, el concurso-taller organizado junto a la Comunidad de Madrid para estudiantes de 3º y 4º de ESO. Los ganadores del concurso reciben como premio la posibilidad de conocer el Teatro Real desde dentro, a través de una visita técnica, asistencia a ensayos y encuentros con profesionales de las artes escénicas.

PROGRAMA DE FORMACIÓN

El programa de formación consolida sus cursos y talleres presenciales con formatos y temas muy diversos destinados a estudiantes y al público general.

Merece una mención especial REALÍZAT-e, la plataforma audiovisual educativa del Teatro Real, que ofrece cursos online diseñados exclusivamente para ese soporte con profesores, profesionales de las artes escénicas y expertos de gran prestigio.

Para el programa La ópera al descubierto, que desvela el proceso de montaje de una producción operística desde dentro, se han organizado 5 talleres centrados en Theodora, Maria Stuarda, Mitridate, re di Ponto, El cuento del zar Saltán y La traviata.

En esta temporada se impartirán 4  cursos de aproximación a la ópera: Las protagonistas de la ópera (por Rosa Fernández), Comprender a Donizetti: Maria Stuarda (por Mario Muñoz), Aprender a escuchar ópera (por Sofía Martínez) -exclusivo para Amigos del Teatro Real- y Ópera y literatura (por Irene de Juan).

Se ofrecerán 4 cursos de Historia de la ópera y de la danza Historia de la ópera I (siglos XVII y XVIII), Historia de la ópera II (siglo XIX) e Historia de la ópera III (siglos XX y XXI)-, los tres impartidos por Gabriel Menéndez- y el curso Los ballets rusos de Diághilev, por Ana Abad.

Finalmente, habrá dos cursos sobre las profesiones de la ópera: Introducción a la dirección de escena (por Justin Way) y Regiduría de ópera (por Pepa Hernández).

REAL TEATRO DE RETIRO

La programación artística, talleres, cursos y encuentros destinados a niños y adolescentes se ofrecen desde hace más de un año en el REAL TEATRO DE RETIRO, lo que ha permitido incrementar el número de espectáculos y la diversidad de programas destinados a las diferentes edades: 258 funciones en total, siendo 132 funciones familiares para todo público y 126 funciones escolares, incluyendo 18 talleres familiares ¡Todos al Real Teatro!

Se ofrecerán dos óperas muy atractivas: la primera, una nueva producción de El niño y los sortilegios, de Maurice Ravel, con dirección musical de Miguel Huertas y dirección de escena de Alfonso Romero, enmarcada en el programa Opera Estudio del Teatro Real; y la segunda, una reposición de La cenicienta, de Pauline Viardot, que se presentó con gran éxito en la pasada temporada, con dirección musical de Francisco Soriano y dirección de escena de Guillermo Amaya. En ambas producciones participarán los cantantes y pianistas del proyecto Crescendo.

Los cuentos, tan sugerentes para el público infantil, serán presentados en distintos f

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