Tras iniciar la temporada celebrando el 50º aniversario de la Simfònica de les Illes Balears dirigida por Pablo Mielgo con tres conciertos en Mallorca, María José Montiel vuelve este mes a Valencia para abrir la temporada de abono de la Orquesta de Valencia con la Tercera Sinfonía de Gustav Mahler con el maestro Ramón Tebar en el podio. Será el 22 de octubre en el Palau de Les Arts. Mahler, del que la mezzosoprano madrileña ha cantado buena parte de su catálogo vocal y de quien se la considera toda una referencia es un autor que, en palabras de la cantante, “en los últimos años me ha acompañado muchísimo en mi carrera y por ello estoy muy feliz y orgullosa, ya que siento su música y su arte como una segunda piel. Sus creaciones son sublimes y cuando tuve la fortuna de comenzar a interpretar sus obras quedé atrapada por la carga emocional que conlleva”. En cuanto a su Tercera Sinfonía, Montiel la define como “todo un himno a la naturaleza; posee una maravillosa originalidad en su tratamiento melódico transportándote a otro mundo, en ocasiones cortándote la respiración; es sin duda una de las obras más bellas jamás escritas y es un privilegio poder darle vida”, concluye.

Alternando su actividad profesional sobre los escenarios con la docencia –el pasado mes de mayo fue nombrada catedrática de canto de la Universität der Künste de Berlín–, la mezzo madrileña volverá en noviembre a la capital alemana para continuar con su magisterio, trabajo que, en colaboración con distintas instituciones españolas afincadas en Alemania, está realizando para difundir y divulgar la canción de concierto de autores españoles.

Entre otros compromisos, en su temporada 2019/2020 también figuran recitales en ciudades como Madrid y Alicante o su regreso al Teatro Cervantes de Málaga para meterse en la piel de la protagonista femenina de La Favorita, de Donizetti, un personaje que debutó hace algunas temporadas en el Teatro Comunale de Bolonia.

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Fotografía: Fernando Vázquez Morago

Mahler había dicho “soy apátrida por triplicado: nativo de Bohemia en Austria, austríaco entre los alemanes y judío en todo el mundo. Siempre un intruso, nunca bienvenido”, era prisionero de la época que le tocó vivir. El imperialismo vienés entraba en decadencia y se abrían paso las nuevas corrientes artísticas, intelectuales y filosóficas, encabezas por Klimt, Olbrich, von Hoffmannstahl o Freud, su amigo personal.

Tardó en llegarle el reconocimiento. La originalidad de sus composiciones, por un lado, y el auge del nazismo en Alemania y Austria por otro, hicieron que su obra fuera catalogada como “degenerada”. A esto se unía el ambiente antisemita de la sociedad vienesa de la época que, tras una campaña en la prensa destinada a su expulsión de la Ópera de Viena, logró que en 1907 Marler se trasladara a Nueva York, donde dirigió la Ópera Metropolitana entre 1908 y 1910. Al año siguiente regresaría a Viena donde falleció el 18 de mayo, aquejado de una grave enfermedad.

Tras la Segunda Guerra Mundial, dos de sus alumnos más brillantes, Bruno Waltter y Otto Klemperer, comenzaron la difusión de su obra, tras más de 50 años de indiferencia.

Gran admirador de Wagner, había intentado sin éxito componer ópera, pero si desarrolló una brillante carrera como compositor de sinfonías y lieder orquestales. Aunque se trata de dos géneros diferentes, en Mahler no se entiende el uno sin el otro. A lo largo de su carrera compositiva, ambos géneros se retroalimentaban. A partir de 1890, Mahler orquestó todas sus canciones, dotándolas de una entidad sinfónica que enriqueció notablemente su música vocal.

El Teatro de la Zarzuela dedica en su XXVI Ciclo de Lied dos series completas de las obras de lied de Gustav Mahler. En esta primera entrega se interpretan las Llieder eines fahrenden gesellen (1884-1885), canciones del camarada errante. Este fue el primer ciclo de canciones como tal, que compuso al término de su tormentosa relación amorosa con la soprano Johanna Richter, mientras era director de la Casa de Ópera en Kassel, Alemania.

Las Lieder acompañadas de piano no deben considerarse como obra menor. Mahler era un pianista extraordinario y es el conocimiento absoluto del instrumento, junto a la claridad y perfección que buscaba en sus composiciones, las que hacen que estas versiones de voz y piano estén tratadas como una versión orquestada, llena de matices y texturas sinfónicas.

Christian Gerhaher y Gerold Huber elevan a su máxima expresión el término compenetración. Ambos fueron alumnos del gran Dietrich Fischer-Dieskau, lo que se nota, entre otras cosas, en la fiel interpretación que realizan. Dieskau pensaba que a Mahler no hay que leerlo entre líneas, “solo observando exactamente sus instrucciones puede ponerse de manifiesto plenamente el arte de Mahler”.

Gerhaher moduló su voz para ofrecer un registro más claro, más cercano al tenor que a su natural voz de barítono. Demostró una vez más su capacidad de articular, de decir el verso delineado y exacto con una voz depurada y fluida. Como siempre, sin necesidad de adornos estilísticos. Realiza con precisión el viaje hacia lo más profundo en la interpretación del lied. Nadie como él transita por los diferentes caracteres y exigencias que contienen estos ciclos de canciones. Dota de una profunda intimidad expresiva las Canciones del camarada errante, donde nada es accesorio. Desemboca entonces en Des knaben wunderhorn (El cuerno maravilloso del muchacho) y su voz se eleva con una rotundidad concluyente.

El broche final llegó con una honda interpretación de Kindertotenlieder (canciones sobre la muerte de los niños). No abandona la elegancia nunca, ni se deja llevar por el dramatismo, pero otorga a cada una de estas canciones una intensidad abisal y siempre sobria.

Una magnífica forma de comenzar este tradicional Ciclo de Lied del CNDM y el Teatro de la Zarzuela. Sin duda, la calidad de este Ciclo supone ya un patrimonio cultural muy importante para Madrid. Que cunda el ejemplo.

Fotografía: Elvira Megías

El pasado 10 de Agosto tuvo lugar en el Auditorio de Peralada, un extraordinario concierto con la actuación de la Mahler Chamber orchestra & Friends dirigida por Gustavo Dudamel (Barquisimeto, Venezuela, 26 de enero de 1981), con un programa que incluía en la primera parte El sueño de una noche verano (versión integra) de Felix Mendelssohn, con la intervención como narradora de la actriz María Valverde, actualmente casada con Gustavo Dudamel, que dotó al concierto de una añadida expectación. En la segunda parte pudo escucharse una impresionante ejecución de la Sinfonía nº 1 (El Titán) de Gustav Mahler.

Gustavo Dudamel es uno de los grandes directores de orquesta actuales, cuya vertiginosa carrera comenzó en 2004, cuando consiguió el primer premio del Concurso de dirección Gustav Mahler. Desde entonces ha triunfado en las principales salas de conciertos de todo el mundo, dirigiendo prestigiosas orquestas. Desde 2009 hasta la actualidad es director titular de la Orquesta Filarmónica de los Ángeles. Fue en 2017, el director más joven del famoso Concierto de año nuevo en Viena. Su carrera está muy relacionada con Gustav Mahler, de quien ha llegado a dirigir todas sus sinfonías.

Inspirándose en sus experiencias musicales y pedagógicas, creó en 2012, la Fundación Gustavo Dudamel, una organización benéfica cuyo objetivo es procurar el acceso a la música como un derecho humano y como un catalizador para el aprendizaje, la integración y el cambio social.

La Mahler Chamber Orchestra fue fundada en 2007 por Claudio Abbado, basándose es la visión compartida de sus miembros en ser un conjunto libre e internacional, dedicado a crear y compartir excepcionales experiencias en la música clásica. Su plantilla base es de 40 músicos de 20 países, a los que se agregan de manera circunstancial otros jóvenes músicos, en sus giras por Europa y el resto del Mundo. Un acuerdo educativo entre la Fundaciones Gustavo Dudamel y Mahler, ha hecho posible la preparación de esta Sinfonía nº 1 de Mahler, que ha podido escucharse en Peralada.

El sueño de una noche de verano de Felix Mendelssohn (Hamburgo, 1809 – Leipzig, 1847), es una música para escena basada en la obra de Shakespeare, cuyo estreno tuvo lugar en Postdam el 14 de octubre de 1843, acompañando una representación de la obra teatral. La “Obertura” ya había sido escrita por Mendelssohn, en 1827, cuando el compositor apenas contaba dieciocho años. En el presente concierto la batuta de Dudamel transmitió en la “Obertura” una gran brillantez sonora por parte de todas las secciones orquestales, destacando en su inicio los lentos y luminosos acordes de la madera que dan paso al acariciante sonido de la cuerda. Magníficas las intervenciones de las trompas y del resto de instrumentos de metal. En el “Scherzo” destacó el sonido de cuerda y maderas, sobre todo el solo de la flauta solista con el que concluye este movimiento. Verdaderamente brillante resultó la interpretación de la deliciosa canción “You Spotted Snakes”, introducida por las lucidas intervenciones de clarinetes y fagots, seguidos de un solo de flauta, que da entrada a las magníficas intervenciones de la soprano Mercedes Gancedo y la mezzo Lídia Vinyes-Curtis, junto a miembros del coro femenino del L’Orfeó Català, con dirección de Buia Reixach i Feises. En el “Intermezzo”, se producen motivos melódicos donde brillaron maderas y cuerda. En el “Nocturno” resultó magnífica la interpretación de las trompas así como de la cuerda y las flautas. En la conocidísima “Marcha nupcial” brillaron de sobremanera las intervenciones de tres trompetas y tres trombones, junto al resto de la orquesta. En la “Fanfarria y Marcha fúnebre”, tuvieron una lucida actuación clarinete y fagot dialogando sobre la percusión de los timbales. En la “Danza de los payasos”, brillaron a ritmo frenético los “tutti orquestales”, con puntuales intervenciones solistas de los clarinetes junto a los oboes y ocasionalmente de la tuba. Precedido por el sonido de la flauta y las trompas, volvieron a intervenir de manera muy brillante las cantantes solistas y el coro interpretando “Through the House”.

Paralelamente a la magnífica interpretación orquestal, se produjeron una serie de proyecciones de imágenes de dibujosanimados, que parecían extraídos de un cuento de hadas, pero que no aportan casi nada a interpretación de la obra y llegan a distraer al público de lo que es realmente importante: escuchar la maravillosa música de Mendelssohn. La presencia como narradora de la actriz María Valverde, resultó bastante discreta; visiblemente nerviosa, leía el texto, por momentos, con poca claridad, sin haberlo memorizado debidamente, para dotarlo de auténtico énfasis.

Gustav Mahler (Kaliste, Bohemia, 1860 – Viena, 1911) concibió su primera sinfonía como un largo poema sinfónico en dos partes y cinco movimientos, cuyo estreno tuvo lugar en Budapest, en 1889, con dirección del propio compositor y que resultó un auténtico fracaso. Mahler realizó una importante revisión, convirtiendo la obra original en una sinfonía en cuatro movimientos, cuyo estreno dirigió en Berlín, en 1896, siendo la que suele escucharse habitualmente.

Como gran interprete mahleriano, Gustavo Dudamel consiguió una impresionante respuesta orquestal, con un rendimiento verdaderamente al limite de las diferentes secciones, con una cuerda suntuosa, junto a un sonido muy brillante de las maderas, en especial del oboe solista en sus numerosas intervenciones a lo largo de la obra. Resaltar la vibrante e inusual fanfarria de clarinetes, en el primer movimiento “Langsam, schleppend (Como un sonido de la naturaleza). Pero, sobre todo, cabe señalar el afinadísimo sonido del numeroso conjunto de instrumentos de metal, formado por siete trompas, cuatro trompetas, tres trombones y tuba, que emerge con tremendo poderío en perfecta conjunción con la percusión, cuerda y maderas en los numerosos “tutti orquestales”, que jalonan esta partitura, sobre todo en ese imponente arranque del cuarto movimiento “Stürmisch bewegt (Atormentado, agitado)”, y en la larga coda conclusiva de la sinfonía. Dentro un altísimo nivel interpretativo, cabe destacar la ejecución del tercer movimiento, esa “Trauermasch (Marcha fúnebre)”, que comienza y concluye con la famosa melodía “Frere Jacques”, interpretada en forma de canon, e iniciada con el tenue sonido de los timbales, al que se incorpora el violonchelo solista, y va siendo retomado por los fagots, el conjunto de violonchelos y la tuba. La melodía reaparece fugazmente para lucimiento clarinetes, fagots y trompas, y vuelve a ser el tema conclusivo del movimiento con sonidos de timbales, fagot y violín en pizzicato, que van desvaneciéndose hasta desaparecer. Gran interpretación de Gustavo Dudamel y La Mahler Chamber Orchestra en Peralada.

 

María José Montiel

María José Montiel concluye el curso interpretando a dos de sus compositores favoritos, Mahler y Parera Fons, después de una temporada que ha destacado por los éxitos obtenidos en el Festival Otoño Musical Soriano con las Cinco canciones negras de Montsalvatge, con la Joven Orquesta Sinfónica de Soria dirigida por Borja Quintas; con una gala lírica acompañada de la Orquesta de la Región de Murcia con Virginia Martínez en el podio; y con sus recitales como los brindados en Torrelodones junto al piano de Miquel Estelrich, en Valencia durante la presentación de la Fundación Columbus –de la que es Embajadora– con Ramón Tebar al piano y Ángel Luis Quintana al violonchelo o el ofrecido en el Teatro de La Zarzuela de Madrid en homenaje al compositor José Padilla con la complicidad de Rubén Fernández Aguirre al piano. La
mezzosoprano española, además, consiguió un triunfo personal en Barcelona con el Requiem de Verdi junto a la Simfònica del Liceu dirigida por su titular, Josep Pons, en su regreso al Palau de la Música Catalana, así como en el concierto junto a solistas de la Orquesta de Valencia en el Palau de la Música de Valencia; en las impresionantes Five Neruda Songs, de Lieberson, interpretadas en Lisboa con la Orquestra Sinfónica Portuguesa dirigida por Alexander Joel o con Il Tramonto de Respighi junto a la Orquesta y Coro de RTVE y bajo la batuta de Miguel Ángel Gómez Martinez.

María José Montiel encara el verano con la Tercera Sinfonía de Mahler, un compositor con el que se siente muy identificada y del que tiene en repertorio varias de sus obras maestras; la interpretará junto a la Orquesta y al Coro de RTVE en el Hospital San Juan de la Cruz de Úbeda (5 de julio) y en el Teatro Auditorio de El Escorial (7 de julio). Más tarde regresará a Mallorca para participar en el estreno absoluto de Nanas, del compositor balear Antoni Parera Fons, programado por la Simfònica de Balears bajo la dirección de Pablo Mielgo en una velada en la que la cantante también ofrecerá arias de ópera y romanzas de zarzuela y que se celebrará en el Castell de Bellver de Palma (19 de julio) dentro del ciclo Estius Simfònics. El concierto, con idénticos intérpretes y con ligeros cambios de programa, se repetirá en el Concert de la Lluna a les Vinyes (Concierto de la luna en las viñas) que tendrá lugar el 21 de julio en las Bodegas Macià Batle de Santa Maria del camí, siempre en Mallorca.

Roberto Abbado

Roberto Abbado dirige el próximo 25 de mayo la ‘Séptima’ sinfonía de Gustav Mahler con la Orquestra de la Comunitat Valenciana (OCV) en el Auditori del Palau de les Arts.

El maestro milanés, director titular de la OCV, regresa a València después de casi tres meses en el Metropolitan de Nueva York, donde ha ofrecido unas celebradas funciones de la ópera ‘Lucia di Lammermoor’, de Donizetti, con primeras divas del bel canto: Olga Peretyatko-Mariotti, Jessica Pratt y Pretty Yende.

La formación titular de Les Arts retoma con Abbado el repertorio sinfónico de Mahler. Zubin Mehta fue quien inició el ciclo en 2007 con su ‘Segunda’, conocida como “Resurrección”, y un año después Lorin Maazel escogería la cuarta sinfonía del compositor checo-austriaco para la puesta de largo del Auditori de Castelló.

En junio de 2011, la OCV, con Zubin Mehta como director musical, se desplazó hasta Granada para inaugurar el LX Festival Internacional de Música y Danza con la ‘Tercera’ y Omer Meir Wellber seleccionó en 2013 la ‘Novena’ para el ciclo de conciertos con el que se despidió de la titularidad de la Orquestra de la Comunitat Valenciana.

Asimismo, en junio de 2017, Asher Fisch dirigió la ‘Sinfonía Titán’ para el debut de la OCV en el Palau de la Música de València.

La ‘Séptima sinfonía’ de Mahler es, tradicionalmente, la obra menos popular y la menos interpretada de su catálogo. No obstante, la pieza ha recuperado el interés del público gracias a grandes directores como Leonard Bernstein, Rafael Kubelik, Claudio Abbado, Klaus Tennstedt y George Solti.

Estrenada en Praga en 1908, la ‘Séptima’ consta de cuatro movimientos y está compuesta sin la participación de la voz, al igual que las dos que la preceden. Mahler, además, añadió diversos instrumentos poco convencionales dentro de una orquesta, como la guitarra o la mandolina.

Les Arts informa de que los precios de las entradas para este concierto oscilan entre los 30 y los 45 euros en función de la visibilidad de las distintas zonas del Auditori.

El maestro Abbado será, por tercer año consecutivo, el protagonista del cierre de la temporada. Además de la ‘Séptima’ de Mahler, el batuta milanés se pondrá al frente de la orquesta de Les Arts para el concierto de la legendaria soprano Mariella Devia.

‘La damnation de Faust’, de Berlioz, designada recientemente mejor espectáculo en Italia, contará también con Roberto Abbado en el foso.

Natalia Ensemble

El miércoles sonó en el Auditorio Nacional la Quinta Sinfonía de Mahler. Esa Sinfonía con la que, al parecer, Mahler nunca estuvo del todo satisfecho y que modificó en varias ocasiones. Tal vez la versión que de esta obra nos ofreció Natalia Ensemble parta de ese espíritu de experimentación del autor. Y el resultado es fascinante.

Los 17 músicos que forman Natalia Ensemble habían coincidido en la Gustav Mahler Jugendorchester (GMJO). Tras esta experiencia en común y dedicados ya a sus carreras profesionales en algunas de las más prestigiosas orquestas europeas, deciden unirse de nuevo para continuar haciendo música y trabajando sobre el repertorio que más disfrutan. Comienza así el primer gran reto, adaptar la Quinta Sinfonía de Mahler para ser interpretada por 17 músicos sin director. Lo que requiere una concentración y trabajo de cámara extraordinario.

Y el miércoles 1 de marzo Luis Esnaola (violín), Oleguer Beltran (violín), Behrang Rassekhi (viola), Raúl Mirás (violonchelo) y José Andrés Reyes (Contrabajo), André Cebrián (flauta), Miriam Pastor (oboe), Darío Mariño (clarinete), María José Rielo (fagot), Maciej Baranowski (trompa) y Jonathan Müller (trompeta) Natalia (percussion), Actea Jiménez (timbales), Sabela Caridad (percusión), Héctor Marqués (percusión), Bleuenn Le Friec (arpa), Irene Alfageme (piano) y Esteban Domínguez (harmonium), subieron al escenario de la Sala de Cámara del Auditorio Nacional e interpretaron la Quinta Sinfonía de Mahler. Y sonó como es, poderosa y delicada, con su evocador Adagietto y su prodigioso Finale.

Quédense con este nombre, Natalia Ensemble, y si tienen ocasión, no se lo pierdan.

https://es-es.facebook.com/nataliaensemble/

Natalia Ensemble

Natalia Ensemble es un proyecto que nace de un conjunto de jóvenes y destacados músicos del panorama nacional e internacional que, tras coincidir en la Gustav Mahler Jugendorchester (GMJO), se reunieron para seguir haciendo música con el mismo espíritu y la misma intensidad en un nuevo contexto. La mayoría de los miembros del Natalia Ensemble, ocupan en la actualidad los primeros atriles de las más prestigiosas orquestas europeas: Berliner Philharmoniker, Royal Concertgebouw, Gewandhausorchester Leipzig, Royal Flemish Philharmoniker, Danish Radio Symphony Orchestra, entre otras.

La práctica y el disfrute de la música en conjunto, el estudio en profundidad de la partitura y la pasión por el gran repertorio son los ejes fundadores de este ensemble. En el Natalia Ensemble, la orquesta sinfónica queda reducida a su mínima expresión y cada sección es representada por un solista. Los propios músicos participan en todo el proceso de trabajo, desde los arreglos de las obras, que evolucionan a lo largo de los ensayos, hasta en la interpretación final. El resultado es una verdadera versión camerística de las grandes obras sinfónicas. Su atípica plantilla y sus propios arreglos de las obras que interpretan, ofrecen a los miembros del Natalia Ensemble una gran libertad musical y un espacio de expresión fuera de lo común.

Esta original formación de cámara cuenta con una plantilla de 17 músicos, que tocan sin director. Natalia Strings: Luis Esnaola (violín), Oleguer Beltran (violín), Behrang Rassekhi (viola), Raúl Mirás (violonchelo) y José Andrés Reyes (Contrabajo) Natalia Winds: André Cebrián (flauta), Miriam Pastor (oboe), Darío Mariño (clarinete), María José Rielo (fagot), Maciej Baranowski (trompa) y Jonathan Müller (trompeta) Natalia percussion, keyboards & harp: Actea Jiménez (timbales), Sabela Caridad (percusión), Héctor Marqués (percusión), Bleuenn Le Friec (arpa), Irene Alfageme (piano) y Esteban Domínguez (harmonium)

En su primer trabajo discográfico, editado por el prestigioso sello Cobra Records y grabado en la Sala Mozart del Auditorio de Zaragoza, el Natalia Ensemble presenta su propia versión de la Quinta Sinfonía de Mahler para 17 músicos sin director. Para financiarse la grabación del disco, los miembros del Natalia Ensemble llevaron a cabo una campaña de crowdfunding a través de la plataforma Verkami.

Kaufmann Mahler
Das lied von der erde, de Gustav Mahler, está subtitulada como Una Sinfonía para Tenor y Alto (o Barítono). Y por lo tanto, tradicionalmente dos voces han cantado los seis movimientos de la obra. Sin embargo Jonas Kaufmann se siente diferente también para esto. Quería cantar ambas partes él mismo, y en junio de este año se unió a la Wiener Philharmoniker y al director de Orquesta Jonathan Nott en un concierto especial en el Goldener Saal en el Musikverein en Viena, donde él mismo cantó toda la obra. Ese momento tan especial queda reflejado en este álbum, en el que todos los movimientos de la obra maestra de Mahler son cantados por una sola voz.
Es probablemente la primera vez que las dos partes y sus seis movimientos están cantadas por una misma voz, en un concierto que desató las mejores críticas. “Y así fue moviéndose después de todo para encontrar el amplio alcance de este trabajo, desde la plenitud y la intensidad de la vida hasta la muerte final, unidos por una sola voz”, escribió Der Standard.
Kaufmann cantó no sólo los movimientos de tenor sino también los de barítono o contralto. “Con la mayoría de los cantantes esto parece presuntuoso, pero con él resulta de una lógica absoluta, porque de esta manera su timbre barítono se pone en magnífica ventaja, mientras que sus notas superiores, sin embargo, permanecen radiantes”, se leyó en Der Kurier. “Con su maravillosa habilidad para dar forma a una línea melódica, su excelente dicción y entonación y su ejemplar fraseo, Kaufmann hizo toda la empresa suya”.
Nacido en Múnich en 1968, Kaufmann está situado en el escalón más alto del mundo de la ópera, demandado por los directores más influyentes y los teatros más importantes. En 2011 recibió el Opera News Award en Nueva York y fue nombrado Caballero de la Orden de las Artes y de las Letras en Francia. Revistas especializadas y el jurado del ECHO Klassik alemán lo eligieron como Cantante del Año.
lista de canciones
Gustav Mahler (1860-1911)
La Canción de la Tierra
yo. La canción de bebida de la Tierra Jammer
II. El solo del otoño
III. De la juventud
IV. en belleza
V. El borracho en primavera
WE. la despedida
Orchestre de la Suisse Romande

La Orchestre de la Suisse Romande entre Beethoven, Schubert y Mahler, en Ibermúsica
La Orchestre de la Suisse Romande se presenta ante el público de Ibermúsica por octava ocasión con dos conciertos que se celebrarán los próximos días 31 de enero y 1 de febrero. Dos de las composiciones más célebres de Beethoven protagonizan el programa de la primera actuación: Concierto para piano núm. 4, junto al pianista argentino Nelson Goerner, y la Quinta Sinfonía. Mientras que, en la segunda de las citas, ambas bajo las órdenes del recientemente nombrado Director Titular, Jonathan Nott, abordarán la Sinfonía núm. 5, de Schubert, y la Sinfonía núm. 1 “Titán”, de Mahler.

El concierto núm. 4 en sol mayor fue compuesto por Beethoven entre los años 1802 y 1806, durante una de las etapas más decisivas en la evolución creativa y artística del músico de Bonn. “Para muchos, es el más perfecto, el más personal, el más tierno de todos los conciertos para piano de Beethoven”, escribió sobre esta pieza el musicólogo estadounidense Robbins Landon. En esa misma época también vería la luz la segunda de las obras que interpretará la agrupación ginebrina, Sinfonía núm. 5 en do menor, concluida en 1808, cuya dosis de vehemencia y tensión dramática han estremecido al público desde entonces. En la Quinta Sinfonía de Schubert -la primera de las obras que se escucharán en la segunda actuación de la OSR- se aprecia el legado musical de sus predecesores, pero también los toques únicos y personales del compositor austriaco. Al igual que ocurre con la Primera Sinfonía de Mahler, una obra de juventud donde quedaron reflejados los elementos definitorios de toda su producción posterior.

Está será la octava vez que la agrupación suiza visite Ibermúsica. Precisamente, en su último concierto de 2011 debutó en Ibermúsica el pianista Nelson Goerner, que ahora les vuelve a acompañar. La 47ª temporada de Ibermúsica, en la que se encuadra esta aparición, comenzó el pasado 24 de junio con el concierto inaugural de la Filarmónica de Viena. Desde entonces, y hasta mayo de 2017, Ibermúsica ha programado 25 conciertos con 12 de las mejores orquestas del mundo. Se trata de la marca que lleva cerca de medio siglo trayendo lo mejor de la música a España. La institución, fundada por Alfonso Aijón y codirigida ahora por Llorenç Caballero, ha evolucionado en concordancia con los tiempos y ha sabido preservar el interés por la música clásica.

ORCHESTRE DE LA SUISSE ROMANDE

Fundada en 1918 por el que fue su Director hasta 1967, Ernest Ansermet, actualmente está integrada por 112 músicos. Sus actividades incluyen conciertos en Ginebra y Lausana, el Concierto Benéfico Anual de las Naciones Unidas y representaciones de ópera en el Grand Théâtre de Ginebra. Su actual grupo de directores está formado por Jonathan Nott, que asumió el puesto de Director Titular esta misma temporada, y el japonés Kazuki Yamada como Principal Director Invitado. A lo largo de su historia, se han situado al frente de esta agrupación directores como Paul Kletzki, Wolfgang Sawallisch, Horst Stein, Armin Jordan, Fabio Luisi, Pinchas Steinberg, Marek Janowski o Neeme Järvi.

La agrupación ha contribuido activamente a la historia de la música, gracias al respaldo de compositores contemporáneos y nueva música orquestal, especialmente la elaborada por autores suizos. Sus conciertos llegan a un público de millones de personas en todo el mundo. Han realizado grabaciones, muchas de ellas premiadas, con el sello Decca Classics y una docena más de casas discográficas. En los últimos años, la orquesta ha desarrollado una privilegiada colaboración con PentaTone. Junto a este último sello ha publicado su último disco con piezas de Roussel, Debussy y Poulenc, a la venta desde el pasado mes de septiembre.

Sus giras internacionales la han llevado a actuar en las principales salas de concierto de Europa, Asia y América. En julio 2014 realizaron una gira triunfal a Japón (Suntory Hall) y Seúl; y en febrero 2015 emprendieron una gira por Estados Unidos. Asimismo, la OSR también ha sido invitada a participar en numerosos festivales.

JONATHAN NOTT

El recientemente nombrado Director Titular de la Orchestre de la Suisse Romande estudió música en la Universidad de Cambridge, Royal Northern College of Music de Manchester y dirección orquestal en Londres. Lanzó su carrera en los teatros de ópera de Fráncfort y Wiesbaden dirigiendo todo el principal repertorio operístico. Ha sido Director de la Lucerne Symphony Orchestra y Director Titular de la Ensemble Intercontemporain. En el año 2000, asumió el puesto de Director Titular de la Bamberger Symphoniker. En 2009 recibió el Premio Midem a la Mejor Grabación Sinfónica por la Sinfonía núm. 9 de Mahler.

Desde abril de 2014 es Director Titular de la Sinfónica de Tokio. Con la Bamberger Symphoniker ha actuado en gira en Estados Unidos, Sudamérica y Asia; así como en los festivales de Salzburgo, Edimburgo, Lucerna y los BBC Proms. Más recientemente, ha actuado en los escenarios de China, España, Bélgica, Viena, Praga, París y Baden-Baden. Al margen de su labor como director de orquesta, Nott ha creado un programa de artistas residentes y también es fundador del Concurso Internacional Mahler, que se celebra cada tres años y del que Gustavo Dudamel obtuvo el primer premio.

Ha sido director invitado de renombradas orquestas, como las Filarmónicas de Berlín, Viena, Nueva York y Los Ángeles; Staatskapelle Dresden o Chicago Symphony. Durante la temporada 2014/15, Nott colaboró con la Royal Concertgebouw Orchestra, Accademia Nazionale di Santa Cecilia y Wiener Symphoniker. Ha sido Director Titular y Consejero Artístico de la Joven Orquesta Filarmónica de Alemania desde 2014. Dirigió la Gustav Mahler Jugendorchester durante su gira de 2015, paralelamente a su tarea docente en los conservatorios de Lucerna y Karlsruhe. Asimismo, ha grabado la integral de obras orquestales de Ligeti, con la Berliner Philharmoniker (Teldec); obras de Bruckner, Schubert, Stravinski y las sinfonías completas de Mahler con la Bamberger Symphoniker (Tudor).

NELSON GOERNER

Nelson Goerner nació en Argentina y estudió con Jorge Garrubba, Juan Carlos Arabian y Carmen Scalcione. En 1986 debutó en el Teatro Colón con la Filarmónica de Buenos Aires. Posteriormente, se trasladó a Europa y, en 1990, tras sus estudios con Maria Tipo, obtuvo el Primer Premio en el Concurso Internacional de Ginebra. Desde entonces, Goerner ha ofrecido recitales por todo el mundo, en salas como el Concertgebouw (Ámsterdam), el Teatro Colón (Buenos Aires), Auditorio Nacional de Música (Madrid), Wigmore Hall y South Bank Centre (Londres) o Salle Gaveau (París). Ha sido invitado por prestigiosos festivales como los de Verbier, Salzburgo, Edimburgo, La Roque d’Anthéron, Toulouse, Schleswig-Holstein, Festival Chopin y BBC Proms.

Con frecuencia actúa junto a orquestas como la London Philharmonic, BBC Philharmonic, las Orquestas Nacionales de Escocia y de Gales, Hallé de Manchester, MDR de Leipzig, Orchestre de la Suisse Romande, Sinfonía Varsovia, Filarmónica de la Radio Holandesa y las Sinfónicas de Viena, Singapur y de la NHK de Tokio. En música de cámara, ha colaborado con el Cuarteto Tákacs, Janine Jansen, Valery Sokolov, Steven Isserlis, Gary Hoffman, Gautier y Renaud Capuçon; asimismo, interpreta con frecuencia repertorio para dos pianos y cuatro manos junto a Rusudan Alavidze y Martha Argerich.

Esta temporada ofrecerá un ciclo de cuatro recitales en el Wigmore Hall, así como otras actuaciones en París, Lyon, Toulouse, Ginebra, Buenos Aires y Shanghái; además de debutar con las orquestas Hallé de Manchester, Filarmónica de los Países Bajos y Scottish Chamber Orchestra. Su discografía incluye obras de Chopin (EMI); Rachmaninoff, Liszt y Schumann (Cascavelle), y Fantasía India de Busoni. Su más reciente grabación, con obras de Debussy, ha sido galardonada con el Diapason d’or. Recibió el Premio Konex de Platino y la Asociación de Críticos Musicales de Argentina lo distinguió como mejor solista argentino.

PROGRAMA MARTES 31 DE ENERO

PROGRAMA MIÉRCOLES 1 DE FEBRERO

OSG

La Orquesta Sinfónica de Galicia (OSG) debuta la próxima semana en el prestigioso ciclo “Abu Dhabi Classics” con dos conciertos. Tendrán lugar el 13 y 14 de enero bajo la batuta de su director titular, Dima Slobodeniouk, y contarán con la presencia del pianista español Javier Perianes. El Emirates Palace será el primer escenario y la antigua Fortaleza Al Jahili, en la oasis Al Ain, el siguiente. Un entorno ideal para escuchar las ‘Noches en los jardines de España’, de Manuel de Falla.
Según Andrés Lacasa, gerente de la Orquesta, “con esta gira la Sinfónica de Galicia exporta marca Galicia y marca España en su debut en el prestigioso ciclo de los Emiratos Árabes, consolidándose como un referente sinfónico a nivel internacional”.
Se trata de la primera cita internacional importante del año, después de haber iniciado 2016 con la ‘Sexta de Mahler’ en A Coruña, apoyados por músicos de la Orquesta Joven para el Concierto de Reyes el pasado día 5, y antes de presentarse el 30 de marzo en el Auditorio Nacional de Madrid con la ‘Sexta de Chaikovski’ y el ‘Segundo concierto para piano’, de Beethoven, junto a Yefim Bronfman. Antes de cerrar la temporada con la ‘Quinta sinfonía’ de Mahler, bajo la batuta de Christoph Eschenbach, acometerán también en mayo el ‘Requiem’ de Verdi con su director titular.
La OSG contará para la interpretación de la ‘Sexta de Mahler’ en Abu Dabi con el refuerzo de músicos de la Orquesta Joven.

DIMA SLOBODENIOUK
Slobodeniouk es uno de los maestros más destacados de las nuevas generaciones. Combina sus raíces rusas originarias con sus años de estudio en Finlandia, país donde ahora reside. El haber fundido las identidades musicales de ambos países, ha permitido a Slobodeniouk situarse entre la nueva hornada de batutas con personalidad propia, una profunda formación y gran inteligencia artística.
En la temporada 2011/12, Slobodeniouk realizó su debut con la Orquesta Filarmónica de la Radio Francesa, la Orquesta de Castilla y León junto a Baiba Skride, la Orquesta SWR de Stuttgart junto a Christian Poltera y la Filarmónica de Essen junto a Kari Kriikku. Después de realizar un magnífico debut en los EE UU con la Orquesta Sinfónica de Cincinnati en 2010, Dima Slobodeniouk volvió a este país para su debut con la Orquesta de Cámara St. Paul, junto al violinista finlandés Pekka Kusisto como solista.
Nacido en Moscú, Dima Slobodeniouk estudió violín en la Escuela Central de Música con Zinaida Gilels y J. Chugajev entre 1980 y 1989, para posteriormente continuar sus estudios en el Conservatorio de Moscú, en el de Middle Finlands y en la Academia Sibelius, con Olga Parhomenko. En 1994 inició sus estudios de dirección, participando en las clases de Atso Almila entre 1996 y 1998. Continuó sus estudios en la Academia Sibelius con Leif Segerstam, Jorma Panula y Atso Almila. También se ha formado junto a Ilja Musinin y Esa-Pekka Salonen.
Desde la temporada 2013-14 es titular de la Sinfónica de Galicia.

JAVIER PERIANES
Recién nombrado artista del año 2015 por la revista Codalario y Premio Nacional de Música 2012, Javier Perianes ha sido descrito por diarios como The Telegraph como “un pianista de impecable y refinado gusto, dotado de una extraordinaria calidez sonora”. Su carrera internacional abarca los cinco continentes, con presencia en el Royal Festival Hall de Londres, el Carnegie Hall de Nueva York, el Théâtre des Champs Élysées de París, la Philharmonie de Berlín, el Great Hall del Conservatorio de Moscú o el Suntory Hall de Tokio.
La temporada 2016 de Perianes incluye conciertos con la Wiener Philharmoniker, Chicago Symphony, Boston Symphony, Yomiuri Nippon Symphony Orchestra,London Philharmonic Orchestra, Netherlands Radio Philharmonic Orchestra, Tonkünstler-Orchester, Orchestre de Chambre de Paris y Orchestra of St. Luke’s (Carnegie Hall), así como un mes de gira con diversas formaciones por Australia y Nueva Zelanda.
De su anterior temporada de conciertos, destacan varios debuts de prestigio entre los que se incluyen la Orchestre de Paris, Washington National Symphony, San Francisco Symphony y BBC Scottish. Invitado por muchos de los principales directores del mundo, Perianes ha trabajado con maestros como Daniel Barenboim, Charles Dutoit, Zubin Mehta, Lorin Maazel, Rafael Frühbeck de Burgos, Daniel Harding, Yuri Temirkanov, Juanjo Mena, López Cobos, Josep Pons, Andrés Orozco-Estrada, Robin Ticciati, Thomas Dausgaard y Vasily Petrenko.
Perianes es un artista exclusivo del sello harmonia mundi. Su álbum dedicado a Falla, que incluye ‘Noches en los jardines de España’ y una selección de piezas para piano, fue nominado al Grammy Latino 2012. Más recientemente ha salido al mercado una grabación en vivo del ‘Concierto para piano de Grieg’ con la BBC Symphony Orchestra y el maestro Sakari Oramo. La revista Grammophone apuntaba:“Hay que ser realmente valiente para grabar el Concierto para piano de Grieg […] pero la interpretación del joven virtuoso español Javier Perianes es de una brillantez e intrepidez tales que borra prácticamente los recuerdos del pasado”.

LA ORQUESTA SINFÓNICA DE GALICIA
Creada en 1992 por el Ayuntamiento de A Coruña, ciudad en cuyo Palacio de la Ópera tiene su sede, la Orquesta fue comandada desde sus inicios por Víctor Pablo Pérez, ahora director honorario, que consolidó a la OSG como una de las formaciones emergentes más atractivas del continente. Orquesta residente del Festival Rossini de Pésaro, entre 2003 y 2005, así como del Festival Mozart de A Coruña desde su creación en 1998, los músicos han realizado varias giras por Alemania y Austria –donde en 2009 se presentó en la mítica Musikverain, de Viena- y ofrecido conciertos en las mejores salas y ciclos de conciertos. En 2007 realizó su primera gira por América del Sur, con actuaciones en Chile, Argentina, Brasil, Uruguay y Montevideo.
Además de la colaboración con Perianes – Premio Nacional de Música en 2012- la OSG cuenta habitualmente con solistas como Anne-Sophie Mutter, Maurizio Pollini, Krystian Zimerman, Gil Shaham, Sarah Chang, Grigory Sokolov, Leonidas Kavakos, Arcadi Volodos, Maria Joao Pires, F. P. Zimmermann, Mischa Maisky o Christian Lindberg entre otros. Con ella han cantado Alfredo Kraus, Teresa Berganza, Plácido Domingo, María Bayo, Ainhoa Arteta, Juan Diego Flórez, Simon Estes, Mirella Freni, Ann Murray, Amanda Roocroft, Ildar Abdrazakov, Hildegard Behrens, Eva Marton, Giuseppe Giacomini, Philip Langridge, Carlos Chausson, Raúl Giménez, Isabel Rey, Carlos Álvarez, Ana María Sánchez o Giuseppe Sabbatini entre otros muchos. Por su podio han pasado directores de la talla de Lorin Maazel, Daniel Harding, Guennadi Rozdestvenski, James Judd, Jean-Pascal Tortelier, Stanislaw Skrowaczeski, Libor Pesek, Peter Maag, Jesús López Cobos, Osmo Vänskä, Alberto Zedda, Emmanuel Krivine, Yoav Talmi, Raymond Leppard, Gabriel Chmura, Jean-Jacques Kantorow, Josep Pons, John Nelson, Gianandrea Noseda, Ron Goodwin o Manfred Honeck.
En su discografía para sellos como EMI, DECCA, Koch, Naïve, BMG y Arts figura como acompañante de nombres como los de Juan Diego Flórez, Kaori Muraji, Peter Maag, Antonio Meneses, Manuel Barrueco —con quien fue nominada al Grammy 2007 por el mejor álbum clásico del año—, María Bayo, Plácido Domingo, Juan Pons o Ewa Podles entre otros.
Más de 430.000 personas se han conectado a canales como Youtube, convirtiéndola en la orquesta española más seguida en internet. La OSG ha sido premiada con la Medalla de Oro de la Real Academia Galega de Bellas Artes y es Premio Cultura Galega da Música 2010. Está financiada por el Ayuntamiento de A Coruña, la Diputación de A Coruña y la Xunta de Galicia.

Programa del concierto de 13 de enero en Emirates Palace, Abu Dabi
LUDWIG VAN BEETHOVEN Concierto para piano y orquesta no 4, en sol mayor, op. 58
GUSTAV MAHLER Sinfonía no 6
Dima Slobodeniouk (director)
Javier Perianes (piano)

Programa del concierto de 14 de enero en Al Jahili Fort, Al Ain
RICHARD WAGNER Preludio y muerte de amor de Tristán e Isolda
MANUEL DE FALLA Noches en los jardines de España
JOHANNES BRAHMS Sinfonía no 4, en mi menor, op. 98
Dima Slobodeniouk (director)
Javier Perianes (piano)

María José Montiel

Después de realizar con extraordinario éxito una gira de conciertos con la Orquesta Sinfónica Ciudad de Elche y la Coral Crevillentina este mes de enero (Abarán, Cieza y Murcia), la diva madrileña María José Montiel amplía su ya anunciada agenda de recitales y conciertos integrando ahora las ciudades de Barcelona y Zaragoza. Se trata de dos actuaciones junto a la Classical Concert Chamber Orchestra, un conjunto con sede en California (Estados Unidos) dirigido por el violinista Ashot Tigranyan, que en febrero realizará una amplia gira por diversas ciudades españolas y a la que María José Montiel se unirá en las paradas que la orquesta realice en las capitales catalana (Palau de la Música Catalana, 18 de febrero) y aragonesa (Auditorio de Zaragoza, 28 de febrero). En el programa se anuncian las Siete canciones populares españolas, de Manuel de Falla, piezas a las que se unirán obras Vivaldi, Mozart y Sarasate interpretadas por el conjunto norteamericano.

Antes, el 2 de febrero, la cantante española regresará al escenario del Teatro de La Zarzuela de Madrid donde inauguró la temporada como protagonista de Carmen, de Bizet, ahora para debutar en el Ciclo de Lied del coliseo lírico madrileño, acompañada de Josep Colom desde el piano. El 10 de febrero, María José Montiel ofrecerá un recital en el Palau de la Música de Valencia junto al pianista Miquel Estelrich con obras, entre otros, de Montsalvatge, García Abril, Ravel, Massenet y Saint-Saëns.

Y como ya se había anunciado, los días 26 y 27 de febrero Montiel volverá a interpretar una de las obras que la han hecho famosa a nivel internacional, la Messa da Requiem, de Verdi; será bajo la dirección de Carlos Kalmar en el Teatro Monumental de Madrid y dentro de la temporada de la Orquesta y Coro de RTVE.

Ya entrado el mes de marzo, la mezzo madrileña se trasladará a Pamplona para ofrecer un recital en el Teatro Gayarre de la capital navarra acompañada al piano por Laurence Verna (3 de marzo). Unos días más tarde volverá a Lisboa para interpretar, junto a la Orquestra Sinfónica Portuguesa y en el Centro Cultural de Belém, la Tercera Sinfonía de Gustav Mahler (8 de marzo), todo ello antes de su regreso a Tel-Aviv (Israel), ciudad en la que volverá a estar dirigida por Zubin Mehta en dos funciones de Carmen al lado de la Israel Philharmonic Orchestra (15 y 22 de marzo). María José Montiel regresa a la temporada del conjunto israelí en la que ya estuvo el pasado mes de diciembre como protagonista de la popular ópera de Bizet, siempre dirigida por el maestro Mehta, uno de sus directores favoritos y con el que acostumbra a colaborar.

Gerhaher-Huber

Extraordinario recital el que ofreció el pasado 21 de diciembre el barítono alemán Christian Gerhaher, acompañado de su fiel pianista Gerold Huber, en el Teatro de la Zarzuela.

Lo primero que capta la atención es su claro color de voz, poco común en un barítono. Esta cualidad le permite alcanzar notas agudas con gran facilidad y ligereza. El recorrido de sus registros es amplio, la dicción perfecta, variedad de matices. Capaz de expresar un suave pero intenso dramatismo, como demostró en las Kindertotenlieder (Canciones para los niños muertos) que no estaban programadas, pero que ofreció en sustitución de las Rückert-Lieder.

Una voz clara, elegante, expresiva, sutil. De líneas impecables y de discreta expresividad. Siempre magistralmente acompañada al piano por Gerold Huber, con el que forma un equipo perfecto. La exquisitez de Huber al piano contribuye y acompaña, acentuando o llenando de matices o energía los requerimientos de cada canción y de Gerhaher.

Si la máxima aspiración de Gerhaher es la profundización en la interpretación de la canción de arte alemana, su camino en esta dirección es, inequívocamente, impecable.

Teatro de la Zarzuela 21-12-14
Centro Nacional de Difusión de la Música (CNDM)
XXI Ciclo de Lied
Christian Gerhaher, barítono
Gerold Huber, piano

Gustasv Mahler (1860-1911)
Lieder eines fahrenden Gesellen (Canciones del aprendiz errabundo)
Des Knaben Wundehorn (El cuaderno maravilloso del muchacho)
Kindertotenlieder (Canciones para los niños muertos)