Palau Les Arts de Valencia

El Palau de les Arts inaugurará la temporada 2020-2021 con una versión de ‘Così fan tutte’, de Mozart, adaptada a los requisitos de la actual realidad sanitaria.

Esta ópera sustituirá en el calendario a las representaciones de la impactante recreación escénica de Romeo Castellucci del ‘Réquiem’ de Mozart que se había anunciado como título inaugural.

Ante la evolución de la situación de la COVID-19 en las últimas semanas, Les Arts considera apropiado posponer, por su complejidad escénica, el aplaudido montaje del dramaturgo y artista plástico italiano.

La coproducción de Les Arts con Festival d’Aix-en-Provence, Adelaide Festival, Theatre Basel, Wiener Festwochen y La Monnaie se estrenará dentro de la temporada 2021-2022.

Con el fin de garantizar la seguridad de artistas y público, se ofrecerá una versión de ‘Così fan tutte’ con una duración aproximada de 2 horas y 15 minutos sin descanso.

El violinista y director Stefano Montanari, batuta de acreditado prestigio en los repertorios barroco y clásico, dirigirá esta ópera, con la que se cierra la llamada trilogía Mozart-Da Ponte.

Les Arts continúa así con su apuesta por el repertorio de Wolfgang Amadeus Mozart, que ya inauguró la pasada temporada con ‘Le nozze di Figaro’, el primero de los títulos de la trilogía, que surge como fruto de la colaboración del compositor de Salzburgo con el exitoso libretista de Treviso Lorenzo Da Ponte.

Silvia Costa, estrecha colaboradora de Romeo Castellucci, firma la concepción de esta propuesta semiescenificada, que se realizará ‘ad hoc’ para sus representaciones en Les Arts, y que cuenta con iluminación de Marco Giusti.

Destacados intérpretes mozartianos conforman el reparto. Anett Fritsch, Anicio Zorzi Giustiniani, Davide Luciano, Nahuel Di Pierro, entre otros, protagonizan los enredos del celebrado ‘dramma giocoso’, que supondrá también el debut operístico en Les Arts de la valenciana Marina Monzó con el papel de Despina.

En los próximos días, Les Arts contactará con sus abonados para informarles de las diferentes opciones ante este cambio en la programación.

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Sala principal del Palau de Les Arts. Fotografías Miguel Lorenzo / Mikel Ponce

La Orquestra de la Comunitat Valenciana, los artistas del Centre de Perfeccionament y el Cor de la Generalitat protagonizan las distintas sesiones.

Las localidades tienen un precio único de 5 euros y solamente se podrán adquirir a través de la web de Les Arts y en la línea 902 202 383.

El Palau de les Arts pone a la venta este lunes, 8 de junio a las 10.00 h, las entradas para el ciclo de conciertos y recitales ‘Torna a Les Arts’, con el que el centro cultural reanuda la actividad artística después del periodo de confinamiento.

Tras el concierto dedicado al personal sanitario el viernes, 12 de junio, la Sala Principal, acogerá, a partir del sábado 13 de este mismo mes, diez sesiones con diferentes propuestas a cargo de la Orquestra de la Comunitat Valenciana, los artistas del Centre de Perfeccionament y del Cor de la Generalitat.

Los conciertos, con localidades con un precio único de 5 euros, tendrán una hora de duración, sin descanso, y se celebrarán los jueves, viernes y sábados, hasta el próximo 11 de julio.

En virtud de los protocolos sanitarios, las sesiones se comercializan con butaca numerada. y un aforo siempre ajustado a la normativa vigente. Les Arts recuerda que, dentro de su apuesta por fomentar la lírica y la música clásica para los más jóvenes, las sesiones de los viernes se reservarán exclusivamente a menores de 29 años.

Las entradas pueden adquirirse a través la página web de Les Arts, así como en el teléfono 902 202 383, que estará operativo de lunes a viernes de 10.00 h a 14.30 h. La compra mínima es de dos localidades contiguas. Las entradas individuales únicamente pueden solicitarse a través de la línea de venta telefónica.

La dirección artística de Les Arts ha adaptado las diferentes propuestas y programas musicales a los requisitos de la situación actual. Tanto la Orquestra de la Comunitat Valenciana, en agrupación camerística, como el Cor de la Generalitat, con una plantilla reducida, mantendrán en todo momento las exigencias de distanciamiento sobre el escenario.

La Orquestra de la Comunitat Valenciana ofrecerá tres programas diferentes durante este ciclo: uno para instrumentos de cuerda, con páginas de Mozart, Dvořák, Barber y Chaikovski, otro dedicado exclusivamente a la sección de vientos, con obras de Donizetti, Gounod y Beethoven y una tercera propuesta para vientos y cuerdas con partituras de Cimarosa, Mozart y Haydn.

El Cor de la Generalitat, por su parte, en su única actuación el 2 de julio, interpretará obras de Victoria, Palestrina, Guerrero, Bach, Elgar, Bruckner, Poulenc y Fauré, entre otros, con el acompañamiento de Francisco Hervás al piano.

Los cantantes del Centre de Perfeccionament, acompañados por los pianistas José Miguel Román y Stanislav Angelov, interpretarán diferentes programas con arias y romanzas de ópera y zarzuela en sus respectivas sesiones.

Fotografía: Miguel Lorenzo / Mikel Ponce

La flauta mágica, ¡de cine!
La flauta mágica
W. A. Mozart (1756 – 1791)
Die Zauberflöte
Singspiel en dos actos
Libreto de Emanuel Schikaneder
Producción de la Komische Oper de Berlín
Teatro Real Madrid 17/02/20
D. musical: Ivor Bolton
D. escena: Suzane Andrade, Barrie Kosky
Concepto: 1927 (Suzane Andrade & Paul Barritt)Barrie Kosky
Escenografía y figurinista: Esther Bialas
Iluminador: Diego Leetz
Dramaturgo: Ulrich Lenz
D. coro: Andrés Máspero
D. coro JORCAM: Ana González
Reparto: Rafal Siwek, Paul Appleby, Rocío Pérez, Olga Peretyatko, Andreas Wolf, Ruth Rosique, Mikeldi Atxalandabaso, Elena Copons, Grmma Coma-Alabert, Marie-Luise Dreben, Catalina Peláez, Celia Martos, Patricia Ginés, Antonio Lozano, Felipe Bou
E l Teatro Real ha tirado de fondo de armario (lo hizo también esta temporada con su L´elissir d´amore) y ha programado La Flauta mágica que con tanto éxito estrenó la temporada 2016. Hay que decir que en esta ocasión el éxito no ha sido menor. Barrie Kosky y Suzanne Andrade firman una escenografía que hace las delicias de todo tipo de público en una de las obras más populares del repertorio.Le quedaban a Mozart apenas unos meses de vida cuando se estrenó La Flauta mágica, atendiendo un encargo que podría ayudar a sanear su maltrecha economía. El más influyente personaje de la vida cultural de Viena, Emanuel Schikaneder, libretista, empresario, cantante, actor, compositor y director de escena, había pedido a Mozart la composición de un Singspiel, lo que se entendía tradicionalmente por una comedia costumbrista, con personajes campesinos y muy populares en el que se alternaban partes cantadas con recitadas.El género fue evolucionando y empezó a incorporar otros personjes, como nobles y burgueses, sin abandonar nunca el costumbrismo y la humorada.
Mozart consiguió elevar el género del Singspiel introduciendo para ello personajes más propios de la ópera seria y elaborando partituras más complejas musicalmente para alguno de los roles. En La flauta mágica Mozart llena la partitura y el libreto de una serie de claves y referencias masónicas, logia a la que pertenecían tanto Mozart como Schikaneder, y que recorría Europa de la mano de las nuevas ideas de la ilustración. Todos estos elementos enriquecen el género más popular en esos momentos en Alemania y Austria.

Teniendo como eje principal la popularidad de la obra, Barrie Kosky y Suzanne Andrade han desarrollado una escenografía inspirada en el cine y la animación. Para ello han contado con la colaboración de la compañía de teatro 1927, que tiene ya cierta experiencia en trabajar vinculando la animación con personajes reales. El resultado no puede ser más espectacular y atractivo para el público. Pero también entraña algunos riesgos, sobre todo para unos cantantes que, de manera intuitiva, deben interactuar con unas proyecciones que no pueden ver. Otro problema que pueden presentar las proyecciones cinematográficas es que el público preste más atención al vídeo que a los cantantes y la partitura.

Se puede decir que esta producción no tiene escenografía, tan solo una enorme pantalla en boca de escenario sirve para que los cantantes, a través de pequeñas gestualizaciones que imitan el cine mudo, interpreten su papel junto a las imágenes que se proyectan.
En algunos momentos el volumen de imágenes y el movimiento constante puede resultar abrumador para el público. Pero lo cierto es que las nuevas tecnologías y la realidad virtual al servicio del teatro, abren unas posibilidades escénicas, casi infinitas.

La Flauta mágica es una ópera en la que a menudo se prescinde de los recitativos cuya presencia era tan importante en el momento de su composición. Esta producción no es una excepción. Se han eliminado dejando la parte más superficial e infantil, renunciando a la filosofía más profunda e instruida de la obra creada por Mozart. A cambio aparecen entre escenas los típicos carteles que acompañaban el cine mudo y que van narrando brevemente la historia. Todo muy bien encajado en la línea cinematográfica de la producción. En esta ocasión están acompañados del fortepiano de Ashok Gupta, interpretando fragmentos de la Fantasía en Do menor de Mozart.

La dirección musical ha estado a cargo del titular del teatro, Ivor Bolton. Su técnica y corrección a la hora de dirigir es absoluta, pero en esta ocasión la orquesta sonó plana, apagada, con escaso volumen de sonido y sin matizaciones. Faltó la chispa que acompaña las obras Mozart que en esta ocasión solo fue correcto.

Del cuadro de cantantes, que podía haber estado más equilibrado, hay que resaltar su esfuerzo para cantar en unas condiciones en las que habría que verse. Aparecían las más de las veces en pequeñas plataformas a varios metros del suelo. Aunque estaban bien amarrados, hay que valorar su disposición y buen trabajo.
La Pamina de Olga Peretyatko fue de lo mejor de la noche. Una muy buena línea de canto y fraseo para una voz con buen volumen y hermosos timbre.

El norteamericano Paul Appleby fue un Tamino irregular. Posee un bonito timbre, sobre todo en los agudos, a los que llega de un modo extraño en los apoyos.

Rocío Pérez fue la Reina de la noche, pero solo por reparto de roles. Abordó su personaje sin miedo, que no es poco, pero sus sobreagudos quedaros algo tirantes. Mejor su primer aria. Por lo visto en los tres repartos de este papel, hay cierta crisis de reinas.

Muy bien el Papageno de Andreas Wolf. Voz poderosa y excelente fraseo, ser alemán ayuda en estos casos.
Otro de los triunfadores fue Mikeldi Atxalandabaso, que interpretó un Monostratos evocador de Nosferatum lleno de matices vocales e interpretativos.

La Papagena de Ruth Rosique estuvo en su punto, divertida y chispeante. Muy bien también las tres damas Elena Compons, Marie-Luise Dreben y Gemma Coma-Alabert, a pesar de la indisposición de esta última.

Buena labor realizó Rafal Siwek, como Sarastro, posee un buen registro central, aunque sus graves eran casi inaudibles. Solvente la interpretación de Antonio Lozano y Felipe Bou, como dos hombres con armadura.

Los tres muchachos que interpretan los pequeños cantores de la JORCAM Catalina Peláez, Lucía Seriñán, Celia Martos, Chandra Henderson y Patricia Ginés, María Guzmán, son de esas voces que nunca fallan. Aunque estén casi colgadas a varios metros del suelo.

Un éxito más de esta reedición de una Flauta mágica que siempre es una garantía. Taquilla, espectáculo y público feliz. Misión cumplida.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real

Una flauta mágica de cine

El Teatro Real comenzará el nuevo año con la reposición de la deslumbrante producción de La flauta mágica, de Wolfgang Amadeus Mozart, concebida por Suzanne Andrade, Paul Barritt y Barrie Kosky, presentada con gran éxito en su escenario en enero de 2016.

En esta ocasión se ofrecerán 13 funciones, entre el 19 de enero y el 24 de febrero, nuevamente con el director musical de Teatro Real, Ivor Bolton, al frente de un doble reparto, del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real y de los Pequeños cantores de la JORCAM.

La creativa y trepidante puesta en escena del director australiano Barrie Kosky, estrenada en la Ópera Cómica de Berlín en 2012, devuelve a La flauta mágica su carácter de alegoría moral para todos los públicos, pero con múltiples capas interpretativas ─del cuento infantil a la reflexión filosófica─, referencias estéticas ─del cine surrealista al comic─, y guiños cómplices al espectador.

La producción carece de decorados y en ella los cantantes interactúan ─con muy escasa movilidad y un meticuloso y preciso trabajo actoral─, con las proyecciones de una película de animación llena de ritmo, humor e imaginación. En las partes habladas de la ópera ─en realidad un singspiel, que mezcla texto hablado y cantado─ los diálogos aparecen proyectados en cartelas y acompañados al pianoforte por Ashok Gupta, que interpretará fragmentos de la Fantasía en Do menor de Mozart.

El éxito de esta propuesta escénica y dramatúrgica radica en su enorme facilidad para comunicar con el público, su humor, su derroche de creatividad y la complicidad con el espectador a través de un universo visual en el que los personajes mozartianos de hace dos siglos llegan al público convertidos con naturalidad en referentes tan cercanos para nosotros como un galán tipo Rodolfo Valentino (Tamino), una seductora pizpireta como Louise Brooks (Pamina), un malvado como el terrible Nosferatu (Monostatos), o un hilarante, torpe e ingenuo Buster Keaton (Papageno)…

La ausencia de un decorado tradicional, con una ‘escenografía virtual’ reducida a la presencia de una pantalla en el escenario, obliga a los cantantes a actuar con una enorme concentración, talento actoral y movimientos sincronizados, que deben tener la frescura del gag y una precisión de relojería en su coordinación con la proyección de los dibujos.

Un doble reparto se alternará en las representaciones dando vida a los personajes principales ─Andrea Mastroni y Rafal Siwek (Sarastro/Orador), Stanislas de Barbeyrac y Paul Appleby (Tamino), Albina Shagimuratova, Aleksandra Olczyk y Rocío Pérez (La Reina de la Noche), Anett Fritsch y Olga Peretyatko (Pamina), Ruth Rosique (Papagena), Andreas Wolf y Joan Martín-Royo (Papageno) y Mikeldi Atxalandabaso (Monostatos), que estarán secundados por las tres damas de Elena Copons, Gemma Coma-Alabert, Marie-Luise Dreßen y los dos hombres con armadura interpretados por Antonio Lozano y Felipe Bou.

En el foso estará el director musical del Teatro Real, Ivor Bolton, gran experto en la obra de Mozart y titular entre 2004 y 2014 de Orquesta del Mozarteum de Salzburgo, donde ha dedicado más de 10 años a la interpretación del repertorio clásico en la cuna del compositor.

Bolton volverá a dirigir al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, en uno de los títulos operísticos más populares, que se presentará por cuarta vez en el reinaugurado Teatro Real después de haberlo hecho en enero de 2001 (Frans Brüggen / Marco Arturo Marelli), julio de 2005 (Marc Minkowski / La Fura dels Baus) y enero de 2016, con esta misma producción.

Coincidiendo con las funciones de La flauta mágica el Teatro Real ha organizado una serie de actividades paralelas relacionadas con la ópera de Mozart y el cine mudo de los años 20 que inspiró la dramaturgia y propuesta escénica de la producción que se verá en su escenario.

Las funciones de La flauta mágica están patrocinadas por la Fundación BBVA como parte de su programa de Música, que se concibe como un recorrido completo por las distintas formas en que la sociedad puede beneficiarse y disfrutar de esta manifestación artística.

Fotografía: Javier del Real

Orquesta Sinfónica de Castilla y León

El Área Socioeducativa de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, con el director Alejandro Garrido, presenta el sábado una propuesta innovadora en torno obras de Mozart y Stravinski, que se desarrollará en una emblemática sala del Museo Nacional del Prado, con motivo de la clausura de los actos de su Bicentenario. Esta propuesta forma parte del Proyecto Ibérico Orquestal, impulsado por la Junta de Castilla y León.

El Proyecto Ibérico Orquestal (PIO) de emprendimiento y liderazgo comenzaba en el año 2017 como una iniciativa singular del Área Socioeducativa de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, con la colaboración del Centro Cultural Miguel Delibes, en el que participan jóvenes músicos procedentes de Andorra, España y Portugal seleccionados por las principales agrupaciones de jóvenes instrumentistas de los tres países. Al ser un trabajo multidisciplinar se suman tres bailarines de la Escuela Profesional de Danza de Castilla y León y el joven barítono portugués, Frederico de Vasconcelos, además de una veintena de jóvenes músicos.

El secretario general de Cultura y Turismo de la Junta de Castilla y León, Gregorio Muñoz Abad, ha estado presente en la presentación del programa diseñado con motivo de los actos de clausura del Bicentenario del Museo del Prado. El repertorio que PIO presentará en dos performances en la pinacoteca el próximo sábado, 14 de diciembre, está formado por las siguientes piezas: ‘Madamina, il catalogo è questo’ (Aria para barítono de Mozart), ‘Andante’ (Stravinski), ‘Deh vieni alla finestra’ (Aria para barítono de Mozart), ‘X14’ (Alejandro Garrido) y ‘Aprite un po´ quegli ochhi’ (Ara para barítono de Mozart), bajo la dirección de Alejandro Garrido.

Durante la mañana tendrán lugar ensayos abiertos en tres espacios diferentes del Museo del Prado, y por la tarde sorprenderán al público visitante con dos performances en una emblemática sala de la colección permanente del Museo. Durante la jornada del sábado (también los días 12, 13 y 15 de diciembre) el público podrá disfrutar de un espectáculo audiovisual en la calle que incluye música en directo y juego de luces, en homenaje a la institución a través de un recorrido por sus obras.

La intervención audiovisual se desarrollará sobre la fachada de Goya con la colaboración artística de Daniel Canogar. Los objetivos del PIO son la innovación, disrupción, atrevimiento, compromiso, formación, liderazgo, multiculturalidad, territorio. En el contexto de la OSCyL, el Proyecto Ibérico Orquestal, al margen de incidir en la formación artística de alto nivel, se amplía con una formación para preparar a los jóvenes para el futuro, dando respuesta a la alta profesionalización del sector y a un entorno de alta competitividad.

También se incide en aportar una visión diferente sobre la expresión musical, corporal y la puesta en escena. En realidad, el músico se convierte en una figura interdisciplinar: en bailarín, músico y actor a la vez, tomando la idea de que a través de lo interdisciplinar, se potencia la interpretación musical, donde los jóvenes músicos actúan sin partitura.

En el Proyecto Ibérico Orquestal colabora también activamente la Fundación Personas, gracias a la implicación de hasta 60 personas con discapacidad de la Fundación. Además, el vestuario diseñado por Nina Cruz, y que utilizan en sus actuaciones, ha sido confeccionado en los talleres textiles de la Fundación Personas en Guardo (Palencia). La Fundación tiene como objetivo fomentar la prevención, atención e inclusión de las personas con discapacidad intelectual y prestar servicios que mejoren su calidad de vida y la de sus familias.

El Proyecto Ibérico Orquestal ha actuado en estos tres años buscando nuevos espacios escénicos en capitales como Madrid, Lisboa y Valladolid.

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William Christie debuta en el Palau de les Arts con ‘La finta giardiniera’, de Mozart, este domingo, 10 de noviembre, a las 18.00 horas. La Sala Principal acoge esta única función de la primera ópera cómica del genio de Salzburgo, que se representa en versión semiescenificada.

El respetado clavecinista, director de orquesta, musicólogo y profesor visita el centro de artes con su formación, Les Arts Florissants, que celebra este año su 40 aniversario y está considerada el ‘ensemble’ de referencia en la recuperación e interpretación de música barroca y clásica con instrumentos antiguos.

El reparto de la obra está integrado por solistas de Le Jardin des Voix, la academia de canto para jóvenes artistas de Les Arts Florissants, que dirigen William Christie y Paul Agnew. Mariasole Mainini (Sandrina), Lauren Lodge-Campbell (Serpetta), Deborah Cachet (Arminda), Théo Imart (Ramiro), Moritz Kallenberg (Il contino Belfiore), Rory Carver (Il podestà) y Sreten Manojlovic (Nardo) conforman el elenco. Su actuación supone, además, la única visita de los talentos de Le Jardin des Voix programada en España para 2019.

Sophie Daneman dirige esta versión semiescenificada de ‘La finta giardiniera’, con escenografía de Adeline Caron y vestuario de Pauline Juille, que se estrenó este pasado verano en el festival Dans les Jardins de William Christie.

‘La finta giardiniera’ supone la segunda incursión de Les Arts esta temporada en el repertorio mozartiano tras el éxito de ‘Le nozze di Figaro’, que inauguró ‘Les Arts és Òpera’. Los interesados en asistir pueden adquirir sus localidades en las taquillas del teatro, en www.lesarts.com y en la línea de venta telefónica 902 202 383. Los precios de las entradas oscilan entre 24 y 60 euros.

Primera ópera cómica

Mozart compuso con apenas 18 años ‘La finta giardiniera’, ópera bufa en tres actos con libreto de Giuseppe Petrosellini. Estrenada el 13 de enero de 1775 en el Salvatortheater de Múnich con gran éxito, se trata de la primera ópera cómica del genio de Salzburgo.

Comedia de engaños, encuentros y desencuentros entre tres parejas con momentos de gran nobleza musical. La acción transcurre en una hacienda a las afueras de Milán a mediados del siglo XVIII. Para estar cerca de su amado, el conde Belfiore, la marquesa Violante Onesti decide hacerse pasar por una joven jardinera, Sandrina, para buscar empleo en la corte del ‘podestà’ de la hacienda. Su criado Nardo finge ser su hermano.

Estos y otros protagonistas como Arminda, la sobrina del ‘podestà’, el caballero Ramiro y la criada Serpetta se sumergen en un alegre caos en tres actos, en los cuales todas las parejas de amantes tienen su propio final feliz.

Le Jardin des Voix 2019

Le Jardin des Voix se ha convertido en un proyecto ineludible tanto para el público como para programadores, que hallan en este espacio la cantera de jóvenes talentos que se incorporan a la escena musical internacional, entre ellos Sonya Yoncheva, Lea Desandre, Marc Mauillon o Christophe Dumaux, que fueron, al comienzo de sus carreras, los primeros frutos de este jardín floreciente. Con motivo del 40 aniversario de Les Arts Florissants, la novena edición de Le Jardin des Voix ha optado por la interpretación de la ópera ‘La finta giardiniera’, escrita por un Mozart de 18 años y, por tanto, aún más joven que estos cantantes, que no llegan siquiera a los treinta. Para un programa llamado “El jardín de las voces”, la elección de esta “jardinera fingida” no es inocente, ya que ha sido creada en los jardines de William Christie, en Vendée (Francia), en versión semiescenificada firmada por Sophie Daneman.

William Christie

Clavecinista, director, musicólogo y profesor, William Christie es pionero en el redescubrimiento y acercamiento de la música barroca francesa al gran público. Originario de Búfalo y formado en las universidades de Harvard y Yale, su carrera tomó un giro decisivo cuando formó Les Arts Florissants. A la cabeza de este conjunto, en 1987 logró su consagración pública con la producción de ‘Atys’, de Lully, en la Opéra-Comique de París, proyecto seguido de otros muchos éxitos centrados en el repertorio barroco francés y europeo. Interesado por profundizar en su labor como formador, William Christie, junto con Les Arts Florissants, creó en 2002 Le Jardin des Voix, una academia bienal para jóvenes cantantes.

Les Arts Florissants

Es una de las agrupaciones barrocas vocales e instrumentales más solicitadas del mundo. Fundada en 1979 por William Christie, está especializada en la interpretación con instrumentos de época y ha jugado un papel pionero en la recuperación del repertorio de los siglos XVII y XVIII. Bajo la batuta de William Christie y Paul Agnew, el conjunto ofrece alrededor de cien conciertos y funciones de ópera en las salas más prestigiosas del mundo.

El miércoles 9 de octubre a las 19.30 horas, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) inaugura la serie de conciertos protagonizados por la violinista alemana Isabelle Faust, “Artista Residente” del centro para la temporada 19/20. En esta residencia, Isabelle Faust viajará desde el siglo XVII hasta las creaciones actuales, algunas escritas específicamente para ella. En el primer concierto, que se celebrará en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música, dentro del ciclo Liceo de Cámara XXI, Faust liderará un octeto de grandes instrumentistas integrado por Anne-Katharina Schreiber (violín), Danusha Waskiewicz (viola), Kristin von der Golt (violonchelo), James Munro (contrabajo), Lorenzo Coppola (clarinete) Javier Zafra (fagot) y Teunis van der Zwart (trompa). El programa estará formado por las Seis bagatelas para cuarteto de cuerda de A. Webern y dos obras clave de F. Schubert: el Cuarteto de cuerda nº 12 en do menor ‘Quartettsatz’ y el Octeto en fa mayor.

A lo largo de la temporada Isabelle Faust participará en cuatro conciertos más incluidos en tres ciclos diferentes de la programación del CNDM. La próxima cita será el 4 de noviembre en el Auditorio 400 del Museo Reina Sofía, dentro del ciclo Series 20/21, donde Isabelle Faust abordará un programa solista integrado por obras de G. Rochberg, L-G. Guillemain, H. Holliger, J. Georg Pisendel, G. Benjamin y H.I. Franz von Biber. Junto a la Akademie für Alte Musik Berlin, la violinista alemana hará su incursión en el ciclo Universo Barroco, acompañada de Bernhard Forck (concertino y director) y Xenia Löffler (oboe) para interpretar el gran repertorio de J.S. Bach y C.P.E. Bach. El concierto se celebrará el 2 de marzo en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional. El 4 de junio tres músicos clave de la escena actual se unirán a Isabelle Faust en una de las citas más esperadas del ciclo Liceo de Cámara XXI. El violonchelista Jean-Guihen Queyras, el pianista Pierre-Laurent Aimard y el clarinetista Jörg Widmann tocarán junto a Faust una de las obras más importantes del siglo XX: el Cuarteto para el fin de los tiempos de O. Messiaen. Completará el programa la música de A. Berg, M. Ravel y E. Carter. Por último, en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional, el CNDM realizará un concierto en coproducción con la Orquesta Sinfónica de Galicia con Isabelle Faust como solista de la primera versión del Concierto para violín y orquesta en re menor de J. Sibelius. La cita será el 10 de junio de 2020.

Isabelle Faust fascina a sus oyentes con sus sólidas interpretaciones. Profundiza en cada pieza consciente del contexto musical, los instrumentos históricamente apropiados y la autenticidad de acuerdo con un estado de conocimiento contemporáneo. Destaca constantemente en un repertorio que va desde H. I. Franz von Biber a H. Lachenmann. Después de ganar el Concurso Leopold Mozart y el Paganini, actuó muy pronto con las orquestas más importantes del mundo, como la Orquesta Filarmónica de Berlín, la Orquesta Sinfónica de Boston, la Orquesta Sinfónica de NHK en Tokio, la Chamber Orchestra of Europe y la Orquesta Barroca de Friburgo. Faust disfruta actualmente de una estrecha colaboración con directores como Giovanni Antonini, Frans Brüggen, Sir John Eliot Gardiner, Bernard Haitink, Daniel Harding, Philippe Herreweghe, Andris Nelsons y Robin Ticciati. La gran curiosidad artística de Isabelle Faust y su mente abierta abarcan todas las épocas y formas de cooperación instrumental. Además de los grandes conciertos de violín sinfónico, toca, por ejemplo, el Octeto de Schubert con instrumentos históricos y los Fragmentos de Kafka de G. Kurtág con Anna Prohaska o Historia de un soldado de I. Stravinski con Dominique Horwitz. Con gran compromiso, presta un servicio excepcional a la interpretación de la música contemporánea y en las próximas temporadas estrenará obras de P. Eötvös, O. Adámek, M. Stroppa, O. Strasnoy y B. Furrer. Las grabaciones de Faust han sido elogiadas unánimemente por la crítica y galardonadas con el Premio Diapason d’Or, Grammophone Award, Choc de l’année y otros premios. Las más recientes incluyen los conciertos de violín de Mozart con Il Giardino Armonico bajo la dirección de Giovanni Antonini. Isabelle Faust cuenta también en su discografía con grabaciones destacadas, entre otras, de sonatas y partituras para solo de violín de J.S. Bach, así como conciertos de violín de L.v Beethoven y A. Berg bajo la dirección de Claudio Abbado. Faust mantiene una larga colaboración en música de cámara con el pianista Alexander Melnikov, con el que ha publicado todas las sonatas para piano y violín de L.v Beethoven, así como otras obras. Isabelle Faust ha sido artista residente en Kölner Philharmonie durante la temporada 2018/2019.

Fotografía: Felix Broede

El Palau de les Arts inaugura el viernes, 27 de septiembre, la temporada 2019-2020 con el estreno en la Sala Principal de ‘Le nozze di Figaro’, de Mozart.

El director artístico de Les Arts, Jesús Iglesias Noriega, ha presentado en conferencia de prensa este montaje acompañado de su director musical, el británico Christopher Moulds, así como de Emilio Sagi, artífice de la puesta en escena.

“Mozart es un compositor imprescindible para cualquier teatro con vocación internacional y así va a ser en Les Arts a partir de esta temporada, en la cual ya podremos escuchar un título inédito para nuestro público, como es ‘La finta giardiniera’, el próximo mes de noviembre”, ha señalado Iglesias Noriega. “Y también es un autor indispensable dentro de nuestro compromiso con la formación de nuevos públicos. Por eso, ‘Le nozze di Figaro’ es uno de los títulos que Les Arts ha programado con precios populares, entre 18 y 60 euros, pero con el mismo nivel artístico que el resto de las propuestas de la temporada”, ha señalado.

Christopher Moulds, internacionalmente reconocido por sus trabajos en el Barroco y Clasicismo musical, debuta con el Cor de la Generalitat y la Orquestra de la Comunitat Valenciana.

El maestro británico, que ha tenido palabras de elogio para los cuerpos estables del teatro, ha trabajado desde la perspectiva de la música de cámara para extraer un sonido más clásico de la OCV, ‘una formación de costumbres románticas’, tal y como ha apuntado.

Emilio Sagi firma la puesta en escena de ‘Le nozze di Figaro’, que es una coproducción del Teatro Real de Madrid con la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera (ABAO) y el Teatro Nacional de Ópera y Ballet de Lituania, con escenografía de Daniel Bianco, vestuario de Renata Schussheim, iluminación de Eduardo Bravo y coreografía de Nuria Castejón.

Figura imprescindible en la historia de Les Arts, donde ha presentado producciones como ‘La bruja’, ‘El rey que rabió’, ‘El dúo de ‘La Africana’’, ‘Katiuska’, ‘Luisa Fernanda’, ‘Lucrezia Borgia’, ‘Tancredi’, ‘Il mondo della luna’ o ‘Rigoletto’, Sagi reproduce con fidelidad la sensualidad de la ciudad de Sevilla a mediados del siglo XVIII.

El director ovetense, que considera ‘Le nozze di Figaro’ como una pieza teatralmente perfecta en la que caben alteraciones, plantea un Mozart ‘hiperrealista’, exagerando el carácter español del argumento, con elementos como el vestuario de Schussheim, de corte claramente goyesco.

Les Arts reúne en este reparto a reconocidas voces del repertorio mozartiano, con dos de las sopranos españolas más internacionales, María José Moreno y Sabina Puértolas, en los papeles de Condesa de Almaviva y Susanna, respectivamente. Asimismo, el centro de artes presenta al barítono canadiense Robert Gleadow, aclamado por público y crítica como el nuevo intérprete de referencia en el rol de Figaro.

El emergente barítono polaco Andrzej Filończyk, como el Conde de Almaviva; o la sobresaliente ‘mezzosoprano’ rossiniana Cecilia Molinari, que interpreta al ingenuo Cherubino, cierran el quinteto protagonista. Completan el elenco de la producción la soprano Susana Cordón, el bajo-barítono Valeriano Lanchas, el tenor José Manuel Montero, el bajo Felipe Bou, y los artistas del Centre de Perfeccionament Plácido Domingo Joel Williams, Vittoriana De Amicis, Aida Gimeno y Evgeniya Khomutova.

‘Le nozze di Figaro’ se representará en Les Arts el 27 y el 29 de septiembre, así como los días 2, 4 y 6 de octubre en la Sala Principal.

‘Le nozze di Figaro’

‘Le nozze di Figaro’ es una ópera bufa en cuatro actos con libreto en italiano de Lorenzo Da Ponte, que se basó en la obra de Pierre Augustin Caron de Beaumarchais, ‘Le mariage de Figaro’.

Con este título comienza la llamada trilogía Mozart-Da Ponte, que surge como fruto de la colaboración del compositor de Salzburgo con el exitoso libretista de Treviso, Lorenzo Da Ponte, y a la que pertenecen ‘Don Giovanni’ y ‘Così fan tutte’.

Ambientada en la segunda mitad del siglo XVIII, en la residencia de un noble español en los campos de Sevilla, ‘Le nozze di Figaro’ escenifica el conflicto moral en torno al derecho feudal de pernada. De fondo, un fresco de la vida cotidiana en el que evolucionan los siervos, los burgueses y los señores al son de la burla final a las leyes arcaicas de que aún gozan los señores.

La obra está considerada un canto en pro de un nuevo orden social en el que el don de la inteligencia nada le debe al dinero y la cuna, y el valor de las clases fabriles se contrapone a la inoperancia frívola de las clases dominantes y pasivas. Su estreno tuvo lugar el 1 de mayo de 1786 en Viena, a tres años del estallido de la Revolución Francesa.

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan dos programas dirigidos al público familiar interpretados por la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (JORCAM) los días 12 y 18 de mayo de 2019.

En primer lugar, el día 12 de mayo, los integrantes de los Pequeños Cantores de la JORCAM interpretarán en la Sala Verde el programa Música en colores II. Un repertorio en el que las propias obras reflejarán con su musicalidad distintos colores y los ambientes que los evocan con obras como Las nubes en el cielo azul de Holst, Green songs y Cuatro baladas amarillas de Chilcott o Acuarelas de Antón García Abril.

El día 18 el grupo Timbarimba realizará un apasionante recorrido por el mapamundi a través de las experiencias de una marimba viajera. Desde música de autores clásicos, como Bach y Mozart, hasta canciones pop actuales, pasando por música folklórica, étnica y bandas sonoras.

El Grupo Timbarimba está especializado en diseñar y protagonizar espectáculos con un carácter divulgativo para el público familiar, donde niños y mayores pueden disfrutar de la música. Timbarimba son tres profesionales percusionistas con formación musical, alma de clown y espíritu artístico.

En su décima edición, el Ciclo Ibercaja de Música ha consolidado su actividad manteniendo un sello de calidad e innovación, dirigiendo su oferta a todo tipo de público, y conservando el compromiso con los conciertos didácticos y familiares, en un formato ameno y, a la vez, formativo. De la mano de la JORCAM, un proyecto joven con una gran conexión con la sociedad, este ciclo está diseñado para brindar una oportunidad a jóvenes intérpretes, con el fin de que puedan compartir su talento y creatividad.

La Joven Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (JORCAM), en sus diferentes formaciones (Joven Orquesta, Jóvenes y Pequeños Cantores y la Camerata Infantil Fundación BBVA) está integrada por unos 370 jóvenes (210 instrumentistas y en torno a 160 voces). Su objetivo principal es ampliar y desarrollar los conocimientos musicales a fin de facilitar y preparar a sus miembros para un futuro acceso a las agrupaciones profesionales. Este aprendizaje se realiza a través del conocimiento y la práctica del repertorio coral y orquestal, de la experiencia en agrupaciones de cámara, de la participación en proyectos artísticos integrales como la danza, el teatro musical, la ópera, etc.

Programa 12 mayo

Acuarelas A. García Abril
KolorezkoKaiola D. Azurza
Cuatro baladas amarillas B. Chilcott
Cuckoo, Jazz-man, Old Abram B. Britten
El Cañaveral R. Alarco
Viento que sopla J. Busto
Nigra sum P. Casals
Gaubeltza D. Azurza
Mi padre tiene un castillo A. García Abril
El manguito M. Bor
Tres hojitas R. Lluch
Green Songs B. Chilcott
Las nubes en el cielo azul G. Holst
Lullaby in Blue B. Chilcott
El mar azul A. Grau
Paramparam D. Azurza

Programa 18 de mayo
Sonata para violín nº2 (Adagio) J. S. Bach
Rondó a la Turca W. A. Mozart
Ghanaia M. Schmitt
The Entertainer S. Joplin
Srpska Igra N. J. Zivkovic
Sweet Dreams P.I.Tchaikowsky
Remains of the day D. Elfman
The Little Mermaid A. Menken & H. Ashman
La Tortuga Arr. P. Spiesser
Spain C. Corea

Annalisa Stroppa

Después de conseguir un gran éxito en la Carmen del pasado curso de la Temporada Alfredo Kraus de los Amigos de la Ópera de Canarias (ACO), Annalisa Stroppa regresa en mayo a Las Palmas de Gran Canaria para interpretar a la deliciosa Dorabella, una de las protagonistas de la coral Così fan tutte, una obra maestra de Mozart y de la trilogía que el compositor de Salzburgo realizara junto a Lorenzo Da Ponte como libretista. Stroppa, que ha interpretado a la simpática hermana de Fiordiligi en el Teatro Regio de Turín (Italia, 2018), en la Saatsoper de Viena (Austria, 2016), en la Opéra de Rouen-Normandie (Francia, 2016) y en el Teatro Verdi de Sassari (Italia, 2013), afronta el personaje “con especial ilusión”, ya que se trata “de uno de los papeles más interesantes de los concebidos por Mozart para la cuerda de mezzosoprano”.

Para Stroppa, Dorabella “es una mujercita que comienza a comprender que en el juego del amor nadie está completamente seguro. La obra, una comedia de enredos con una visión que hoy en día que podría tildarse incluso de machista, propone un divertido engaño a dos hermanas enamoradas a quienes les intercambian sus prometidos. Dorabella es la primera en caer, quizás por ser la más ingenua. En todo caso posee una música maravillosa y arias, dúos y números de conjunto son entrañables”.

Annalisa Stroppa consiguió hace precisamente un año, en la pasada temporada en Las Palmas de G. C., un gran éxito como protagonista de Carmen de Bizet. “Este es un personaje completamente diferente, y me encanta que el público canario pueda verme en esta faceta más cómica y relajada. Me encantó cantar allí y es un honor regresar. Estoy segura que los amigos de ACO conseguirán un nuevo éxito con esta fantástica ópera de Mozart”.

Stroppa regresa a Canarias procedente de Múnich, donde ha sido Suzuki de Madama Butterfly y Adalgisa de Norma, parte de una agitada agenda que también la ha llevado a Nápoles (Les contes d’Hoffmann), Berlín (Il Barbiere di Siviglia), Padua (La Cenerentola) o Buenos Aires (Norma), un periplo que, después de Las Palmas continuará en el festival de las Chóregies de Orange (Don Giovanni), Parma (Nabucco) y Hamburgo (La Cenerentola).

Info:

http://www.annalisastroppa.it/

http://www.operalaspalmas.org

Foto © Víctor Santiago

Idomeneo 1

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Idomeneo 5

Idomeneo 6

 

Idomeneo, Rè di Creta
Idomeneo, Rè di Creta
Wolfgang Amadeus Mozart
Ópera seria en tres actos, K. 36
Teatro Real, 20 de febrero de 2019
Libreto de Giovanni Battista Varesco, basado en la obra Idoménée (1712) de Antoine Danchet, inspirada en la obra teatral homónima (1705) de Prosper de Crébillon
Versión revisada por Mozart para el estreno en el palacio de
Auersperg de Viena el 10 de marzo de 1786
Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con
la Canadian Opera Company de Toronto y el Teatro dell’Opera di Roma
D. musical: Ivor Bolton
D. escena: Robert Carsen
Escenógrafos: Robert Carsen y Luis F. Carvalho
Figurinista: Luis F. Carvalho
Iluminadores: Robert Carsen y Peter van Praet
Director de movimiento: Marco Berriel
Diseñador de vídeo: Will Duke
D. del coro: Ándres Máspero
Reparto: Jeremy Ovenden, Anicio Zorzi Giustiniani, Sabina Puertolas,
Hulkar Sabirova, Krystian Adam, Oliver Johnston, Alexander Tsymbalyuk
Coro y Orquesta Titulares del Teatro RealLas guerras entre griegos y troyanos, descritas por Prosper Jolyoy de Crébillon en 1705, inspiraron el Idoménée de Antoine Danchet en el que se basa el libreto de Giovanni Battista Varesco. En la obra de Mozart son los descendientes de los protagonistas de la Ilíada los que se enfrentan, pero en esta ocasión no termina con la destrucción de Troya, este Idomeneo mozartiano se resuelve con la reconciliación de los pueblos a través del matrimonio de la troyana Ilia y el griego Idamante.La composición de Idomeneo, Rè di Creta constituye un enorme salto creativo. Mozart se implicó de lleno en la elaboración del libreto, lo que le supuso no pocas disputas con Varesco. Quería que la dramaturgia tuviera un gran protagonismo y fuera lo más convincente posible.Su influencia en el libreto le llevó a elaborar varias versiones. Entre la primera, estrenada en el Resodenztheater de Múnich el 29 de enero de 1781, y la segunda, estrenada en Viena cinco años después, Mozart realizó numerosos cambios hasta justo antes del estreno.Aunque los coros y las marchas siguen el estilo francés de la Tragédie lyrique, Mozart, con su empeño de actualizar permanentemente la obra y consciente del declive del Teatro Barroco de corte italiano, decide acortar los largos y secos recitativos, que aligeró con acompañamientos musicales, elaboró una línea vocal más amplia, utilizó cantantes italianos y una orquesta mucho más rica en instrumentos y timbres. Todos estos elementos otorgaron a la partitura mucha más profundidad y frescura.Mozart contaba en Múnich con el famoso y virtuoso tenor Anton Raaff, conocido por su coloratura, para el que compuso dos arias cargadas de pirotecnia vocal. Estas arias desaparecieron en la versión de Viena, no sabemos si porque el cantante en esta ocasión no era tan brillante. Otro cambio importante fue la sustitución, del rol de Idamante, que inicialmente escribió para contratenor y que pasó a ser tenor.

A Mozart le hubiera gustado estrenar su Idomeneo en Viena en lugar de en Munich, pero el peso de Gluck en esos momentos era demasiado importante. En Viena se representaba Iphigenia in Tauride primero y Alceste después, impidiendo que se programaran a la vez las obras de un consagrado Gluck y las de un joven de 25 años aún desconocido, como Mozart.

La versión que ofrece el Teatro Real está inspirada en la revisión de Viena. Prescindiendo de las dos largas arias de Arbace, como ya hizo Mozart. Lo hace en coproducción con los teatros de Toronto, Roma y Copenhague. La escenografía corre a cargo de Robert Carsen y, como es habitual en él, el escenario está despejado. Una playa y el mar son los únicos elementos donde unos actualizados griegos y troyanos, vencedores y vencidos, aparecen como militares y refugiados evidenciando que la tragedia continua siendo actual.

Un mar de chalecos naranjas y la proyección de una ciudad destruida, completan la escena. Un alegato pacifista un tanto forzado y que, de tan manido, resulta cansino y carente de originalidad.

Lo que si hace muy bien Carsen es gestionar las multitudes que coloca sobre el escenario. Más de 60 miembros del coro y unos 100 figurantes llenaban el escenario perfectamente sincronizados. Reservando la intimidad escénica más absoluta para los protagonistas, sobre todo los dúos de Idomeneo con Idamante, o las arias de Elettra.

Una escenografía oscura, donde destaca la sutil iluminación de Carsen y Peter van Praet, que proyectan la enorme sombra de un afligido Idomeneo. Una iluminación llena de detalles e información que amplifica los espacios abiertos y ayuda a crear las atmósferas más reservadas.

Extraordinaria es la labor que al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real realiza su director Ivor Bolton. La inclusión de algunos instrumentos de época, como las trompas con sordina, ideadas por Leopoldo Mozart, o las flautas de madera, consiguen un sonido auténticamente mozartiano. Bolton realiza una lectura llena de detalles y refinamiento que, junto a su peculiar y entusiasta manera de dirigir, a la vez que acompaña al clave, hace que la música quede por encima del resto de elementos de la producción, como no podía ser de otra manera.

Otro de los protagonistas de estas representaciones a destacar, es el coro. Cada vez más inspirado, tanto en la parte vocal, como en la interpretativa. Este coro, de la mano de su director Andrés Máspero, parece no tener límites. No hay partitura ni escenografía que se les resista. ¡Brillante!

Idomeneo, personaje que requiere de cierta agilidad y refinamiento, estuvo interpretado por Jeremy Ovenden. Su voz es demasiado ligera para un rey. Su escaso volumen se notaba en las arias de conjunto, en las que apenas se le escuchaba.

Elettra ha sido interpretada por Hulkar Sabirova. Este personaje precisa de una soprano dramática de agilidad. Vigorosa, para esos momentos di forza, en los que lucha por el amor de Idamante. La soprano uzbeka, que fue la más aplaudida por el público, consiguió dotar a su personaje de fuerza y de lirismo, con un gran volumen de voz e intensidad dramática.
El personaje de Ilia estuvo interpretado por la soprano española Sabina Puértolas. La mayor dificultad de este rol, para una soprano lírica como Puértolas, se encuentra en sus coloraturas. Supo abordar el personaje con valentía y con esa línea vocal fresca y elegante de la que siempre hace gala. Su voz se está ensanchando, ganando en cuerpo y sonoridad. Solo le faltó un poquito de volumen.

El papel de Idamante, que Mozart compuso inicialmente para castrato, en la versión de Viena lo modificó y pasó a ser tenor. En El Real ha sido interpretado por el italiano Anicio Zorzi Giustiniani con bastante discreción. Posee un hermoso timbre pero lo llena de sonidos extraños y, como el resto del reparto, que en esto si es equilibrado, el volumen es muy escaso.

Una buena lectura del Idomeno mozartiano, musiclamente hablando, que es lo importante.

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real

Idomeneo

El próximo 19 de febrero el Teatro Real estrenará una nueva producción de Idomeneo, Rè di Creta, coproducción con la Canadian Opera Company de Toronto y el Teatro dell’Opera di Roma, donde se presentará posteriormente. La ópera, que estará en escena hasta el 1 de marzo ─9 funciones con doble reparto─, será grabada para su edición en DVD, retransmitida en directo para toda Europa (Radio Clásica y UER) y en diferido por el canal de televisión Mezzo.

La dirección de escena de Robert Carsen ─que firma también la escenografía, junto con Luis F. Carvalho, y la iluminación, compartida con Peter van Praet─, traslada las luchas homéricas entre griegos y troyanos, trasfondo original de la ópera, a una isla del Mediterráneo en la actualidad, donde cerca de 170 intérpretes ─miembros del coro y actores─ representan al ejército, deportados, refugiados y víctimas de guerra. Personajes que, según Carsen, “han perdido sus puntos de referencia: desnortados por la guerra y el dolor, no saben hacia dónde dirigirse…”

El mar, tan genialmente evocado en la instrumentación de Mozart, está omnipresente en la producción, reforzando la sensación de desarraigo, soledad, inseguridad o temor de los personajes. A sus orillas se desarrollan los grandes temas de la ópera, articulada a partir de una versión ilustrada y afrancesada del canto XXIV de la Iliada en el que Idomeneo, de regreso a Creta después de vencer a los troyanos, para salvar su vida amenazada por la furia del mar, promete a Neptuno sacrificar a la primera persona que encuentre en la orilla, que resultará ser su propio hijo Idamante.

La compleja, dolorosa y tensa relación entre padre e hijo, que late a lo largo de toda la ópera, se suele comparar con la que vivía entonces el propio Mozart, que a sus 25 años había dejado Salzburgo y la casa paterna, componiendo gran parte de la partitura en Munich, lejos del yugo y la protección de su progenitor.

En la partitura late esa libertad y frescura, con una invención melódica desbordante y una orquestación llena de hallazgos y osadías armónicas, pese a encontrase encorsetada entre dos modelos de ópera ─la italiana y la francesa─ que convivían en la Europa convulsa de entonces.

Mozart enlaza magistralmente los recitativos, con las arias, números de conjunto y partes corales en una partitura bisagra entre dos estilos que Ivor Bolton conoce con profundidad y veteranía. El director musical del Teatro Real, que dirigirá su cuarto título mozartiano al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real ─después de Las bodas de Figaro, La flauta mágica y Lucio Silla─ interpretó también Alceste, de Christoph Gluck, en 2014, con la que Idomeneo encuentra muchas afinidades, sobre todo en los maravillosos números para coro, marchas e interludios orquestales.

Encarnan el doble cuarteto protagonista los tenores Eric Cutler y Jeremy Ovenden (Idomeneo), y David Portillo y Anicio Zorzi Giustiniani (Idamante); y las sopranos Anett Fritsch y Sabina Puértolas (Ilia), y Eleonora Buratto y Hulkar Sabirova (Elettra), que estarán acompañados por Benjamin Hulett Y Krystian Adam (Arbace), Oliver Johnston (El gran sacerdote de Neptuno) Y Alexander Tsymbalyuk (La voz de Neptuno).

El Coro Titular del Teatro Real preparado, como siempre, por su director Andrés Máspero, tiene en Idomeneo un papel de gran importancia dramatúrgica y musical, interpretando algunas de las más bellas páginas mozartianas.

Idomeneo, Rè di Creta se ofreció en el Teatro Real en julio de 2008, en una coproducción del Teatro Real con La Scala de Milán y la Ópera Nacional de París, con dirección musical de Jesús López Cobos y dirección de escena de Luc Bondy. Entonces se interpretó la versión de Munich, de 1781, con el papel de Idamante, escrito originalmente para castrato, interpretado por las mezzosopranos Bernarda Fink y Joyce DiDonato. En esta ocasión se ofrecerá una versión basada en la que Mozart reescribió, con sustanciales modificaciones, para Viena, en 1786, con el rol de Idamante destinado a un tenor, pero prescindiendo de las arias de Arbace y del ballet, en beneficio de la coherencia dramatúrgica de la ópera.

Idomeneo vuelve al Real en la concepción de Robert Carsen, como una “declaración anti-belicista potente, con un final lleno de esperanza: la posibilidad de que una nueva generación traiga el amor y la paz y pueda transformar un mundo herido por el poder, la guerra y la destrucción”.

Fotografía: Javier del Real

Eleonora Buratto

La soprano Eleonora Buratto, una de las cantantes favoritas del maestro Riccardo Muti, con quien desde hace una década trabaja habitualmente en los más célebres escenarios internacionales, será Elettra en el próximo estreno del Teatro Real: Idomeneo, re di Creta de Mozart, con dirección musical de Ivor Bolton y firma escénica de Robert Carsen. Tras su extraordinario éxito en su debut en la Royal Opera House como Micaëla (Carmen), y antes de su actuación en Simón Boccanegra de Verdi junto a Plácido Domingo en la Wiener Staatsoper, Eleonora Buratto regresa al escenario del coliseo madrileño para interpretar, por primera vez, a la princesa de Argos, enamorada de Idamante; rol mozartiano que interpretará de nuevo en abril en el Teatro Massimo de Palermo. Tres años después de su aplaudida Mimì (La bohéme) en el Gran Teatre del Liceu, el próximo mes de julio, la soprano de Mantua volverá al coliseo barcelonés, para debutar el rol de Luisa Miller de Verdi.

Considerada por público y crítica como una cantante de extraordinario talento, la joven soprano italiana cuenta con un amplio currículum de actuaciones en los más célebres festivales y teatros de ópera de reconocido prestigio internacional como el Festival de Salzburgo, el Festival Aix-en-Provence, el Festival de Ravenna, la Arena di Verona, el Teatro alla Scala de Milán, la Metropolitan Opera de Nueva York, la Lyric Opera de Chicago, la Wiener Staatsoper, la Royal Opera House de Londres, la Opernhaus de Zurich, el Teatro San Carlo de Nápoles, el Teatro all’Opera di Roma, el Teatro Real de Madrid, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, la Semperoper de Dresde o la Dutsch National Opera de Ámsterdam, entre otros. Muy activa también en el campo concertístico, ha cantado Stabat Mater de Rossini con la Orquesta y Coro del Teatro Real en la Catedral de Toledo, en Roma junto a la Accademia Nazionale de Santa Cecilia, y en el Teatro Comunale de Módena, en un homenaje a su maestro Luciano Pavarotti; la Petite Messe Solennelle de Rossini en el Wiener Konzerthaus y en la Philharmonie de Luxemburgo; la Sinfonía nº 4 de Mahler, los Vier letzte Lieder y el Requiem de Verdi en el Teatro San Carlo de Nápoles; la Sinfonía nº 2 de Mahler en la Ópera de Florencia, y la Misa en si menor de Bach en Chicago, acompañada por la Chicago Symphony Orchestra.

Eleonora Buratto ha colaborado con destacados directores como Zubin Mehta, Riccardo Muti, Daniele Gatti, Gianandrea Noseda, Ivor Bolton, Daniel Harding, Fabio Luisi, Ottavio Dantone, Michele Mariotti o Juraj Valcuha, entre otros.

Sus próximos compromisos incluyen su regreso al Metropolitan Opera de Nueva York y el debut en la Staatsoper de Berlín, además de actuaciones en Londres, Tokio y Ámsterdam.

http://www.eleonoraburatto.com/

Mozart en Les Arts

El Palau de les Arts ofrece el 26 y el 27 de enero 25 actividades gratuitas en los diferentes espacios y salas del edificio para celebrar el cumpleaños de Mozart con la tercera edición de ‘Mozart Nacht und Tag’.

El programa didáctico de Les Arts canaliza esta iniciativa de 25 horas ininterrumpidas de actividad con representaciones de ópera, conciertos espectáculo y sinfónicos, recitales, música de cámara, charlas-café, talleres didácticos, lecturas, cine y una sesión con DJ alrededor de la figura del genio de Salzburgo y su repercusión en las diferentes disciplinas artísticas.

Desde las 20.00 horas del 26 de enero hasta las 21.00 horas del día 27, la Sala Principal, el Auditori, el Teatre Martín i Soler, el Aula Magistral, el Espai Los Toros y los vestíbulos de las salas del teatro encadenarán un completo programa para todos los públicos que, a excepción de los talleres didácticos, serán de libre acceso hasta completarse el aforo de los diferentes espacios habilitados.

La puesta en marcha de la tercera edición de ‘Mozart Nacht und Tag’ ha sido posible gracias a la colaboración desinteresada de artistas e instituciones: la Subdirección de Música del Institut Valencià de Cultura; la Universitat de València, a través de los departamentos de Filología Inglesa y Alemana; los Conservatorios Joaquín Rodrigo (CSMV), José Iturbi y número 1 de València; así como el Instituto de Secundaria Lluís Vives, el Centre Plácido Domingo, la UNED, el DJ Eduardo Díaz, la solista de la OCV Susanna Gregorian, Gourmet Catering & Espacios y Tossal Producciones.

La actividad comienza a las 20.00 horas del 26 de enero con la primera representación del concierto espectáculo ‘Lumina’, primera colaboración entre Les Arts y la Subdirección de Música y Cultura Popular del Institut Valencià de Cultura.

Hilari García dirige a los cantantes del Centre Plácido Domingo y a la Jove Orquestra de la Generalitat Valenciana en este montaje con dirección de escena de Allex Aguilera, que enlaza fragmentos de las óperas de Mozart con la luz como hilo conductor.

De forma paralela, 35 alumnos de Educación Primaria, que pertenecen al Conservatorio Profesional de Música de València, llegarán al teatro, alrededor de las 20.45 horas, para pasar una noche en el Palau de les Arts y conocer mejor la figura de Mozart gracias al trabajo de alumnos del máster universitario de Profesor/a de Educación Secundaria, que organiza el Departamento de Filología Inglesa y Alemana de la Universitat de València.

A las 21.30 horas, el vestíbulo del Teatre Martín i Soler acogerá una lectura acompañada de piano de las cartas de Mozart, realizada en colaboración con el alumnado de Lengua Alemana del Instituto Lluís Vives, a la que seguirá un recital de violín de la profesora de la Orquestra de la Comunitat Valenciana, Susanna Gregorian, en el Teatre Martín i Soler a las 22.45 horas.

Y, mientras los más pequeños se preparan para irse a dormir a la Sala Principal, el vestíbulo del Teatre Martín i Soler se transformará en un animado café para charlar sobre las cartas de Mozart e intercambiar opiniones sobre la figura del genio de Salzburgo en un debate organizado por la UNED.

A partir de la medianoche, Les Arts propone dos alternativas para el público más trasnochador: ópera o sesión de música con DJ. El Teatre Martín i Soler se convertirá en un cine para 380 personas con la proyección de la ópera ‘La flauta mágica’ retransmitida desde la Ópera de Garsington a través del portal OperaVision.

Y, por su parte, el vestíbulo del Aula Magistral se transformará en una singular pista de baile con una sesión de música con DJ sobre la obra de Mozart, con el DJ Eduardo Díaz como artífice del espectáculo.

Propuestas matinales

La mañana del día 27 comienza con el desayuno, en el vestíbulo principal, de los más pequeños que han pasado la noche en la Sala Principal. La actividad, cortesía de Gourmet Catering & Espacios, pone punto y final al taller didáctico.

A partir de las 11.00 horas, se retoma la actividad artística con un ciclo ininterrumpido de conciertos y recitales en los principales espacios escénicos de Les Arts.

Mientras que los alumnos del Conservatorio Superior de Música Joaquín Rodrigo protagonizan un recital con arias y fragmentos de las óperas más populares del compositor en el Aula Magistral, el Espai Los Toros recibe a estudiantes de instrumentos de cuerda de esa misma institución para interpretar el ‘Cuarteto para cuerdas en re menor K 421’ del genio de Salzburgo.

La Orquesta sinfónica del CSMV Joaquín Rodrigo, por su parte, debutará en el Auditori de Les Arts con un concierto sinfónico a mediodía, que incluirá páginas como ‘Concierto para piano y orquesta en re menor número 20’ y el motete para orquesta y cuerda ‘Exsultate, Jubilate’. Como cierre del programa, la orquesta rendirá homenaje a Salvador Giner, figura imprescindible en la puesta en marcha de su centro de formación musical.

El Teatre Martín i Soler, centro neurálgico del maratón de Mozart, presenta a las 13.00 horas ‘El empresario’, una producción de Tossal Producciones del ‘singspiel’ ‘Der Schauspieldirektor’, que el genio compuso como encargo del emperador para unos festejos en el Palacio de Schönbrunn.

Se trata de una de las óperas menos conocidas del compositor salzburgués. El libreto narra las vicisitudes de un empresario de ópera para llevar a cabo un montaje en la época de la Viena imperial. Manuel Pérez Múgica dirige musicalmente esta obra inédita en Les Arts, que reúne a antiguos alumnos del Centre Plácido Domingo bajo la coordinación escénica de Zvonimir Ostoic.

De manera simultánea, el centro de artes continúa con su oferta de conciertos y recitales, que incluyen un cuarteto de cuerdas formado por alumnos del CSMV con la obra ‘Las disonancias K465’, a las 13.15 horas en Los Toros, y una propuesta camerística en el Aula Magistral con ‘Trío para clarinete, viola y piano en Mi bemol Mayor K 498’.

El también conocido como ‘Trío Kegelstatt’ se podrá escuchar de nuevo a las 19.00 horas interpretado también por alumnos de este conservatorio en el mismo escenario.

Tras la pausa de mediodía, a las 15.30 horas se retoma la actividad en el Aula Magistral. Alumnos del Conservatorio Profesional de Música número 1 de València ofrecen una selección de fragmentos de una de las óperas más apreciadas y representadas del compositor: ‘Le nozze di Figaro’. Para aquellos interesados, el centro de artes informa de que el espectáculo se volverá a representar a las 16.45 horas.

El alumnado del Joaquín Rodrigo protagoniza la oferta vespertina de recitales y de música de cámara, que comienza a las 16.00 horas en el Teatre Martín i Soler con el segundo recital de voz y piano de esta maratón mozartiana. Media hora después, instrumentistas del CSMV interpretarán en el Espai Los Toros ‘Quinteto con clarinete en La Mayor, K. 581’ y a las 17.45 horas, en el Teatre Martín i Soler, ofrecerán una de las partituras más populares: ‘Eine kleine Nachtmusik K525’.

Por su parte, estudiantes de flauta y de guitarra del Conservatorio Municipal de Música José Iturbi ofrecen un divertimento mozartiano en el Espai Los Toros a las 19.00 horas como penúltima actividad de la jornada.

El segundo pase del concierto-espectáculo ‘Lumina’, realizado en colaboración con la Subdirección de Música del IVC y el Centre Plácido Domingo, cerrará la edición de 2019 de ‘Mozart Nacht und Tag’.

Kursaal

La próxima temporada de Kursaal Eszena arrancará el 22 y el 23 de febrero con “La flauta mágica” de Mozart, producción de Opus Lirica, la primera de las dos óperas protagonistas de esta temporada. “La flauta mágica” es una de las óperas más célebres de la historia de la música y muestra una combinación entre el tradicional cuento dramatizado vienés y el rito escénico en el que se representan los ideales humanistas de la ilustración. Además, para el 24 de febrero Opus Lirica ha diseñado una versión reducida de “La flauta mágica” con piano para el público más joven. El 29 de junio tendrá lugar la segunda ópera, una cita imprescindible dentro de esta temporada. Se trata de la joya lírica “Mendi Mendiyan”, una de las grandes composiciones de José María Usandizaga, en la que Calixto Bieito vuelve a enfrentarse al reto de llevar a escena una gran obra de un autor vasco de primer nivel. La producción se estrenará en el Teatro Arriaga y a continuación se presentará en el Kursaal.

El arranque del abono de música clásica será será el 26 de febrero, con La Cetra Barockorchester Basel y la soprano Patricia Petibon, que nos guiarán por un fascinante viaje entre el Viejo y el Nuevo Mundo, a través de una selección de arias conocidas y curiosidades musicales del siglo XVII. Interpretarán arias en las que el viejo continente lo representan melodías barrocas francesas, inglesas y españolas, y el Nuevo Mundo se materializa en canciones populares de América Latina, que Patricia Petibon rescata del olvido.

Otra de las grandes citas de la temporada será el 7 de marzo, con la interpretación de la “3ª sinfonía” de Mahler en la que el compositor expresó su gran amor por la naturaleza y que será interpretada por la joven orquesta Gustav Mahler Jugendorchester. El 7 de abril, Concertgebouw Chamber Orchestra ofrecerá un original programa en el que se podrán escuchar obras desde el clasicismo de un concierto de Mozart hasta Webern, uno de los máximos exponentes de la Segunda Escuela de Viena.

La Akademie Für Alte Musik Berlin actuará en el Kursaal el 25 de mayo. La Orquesta de Cámara de Berlín interpretará una de las piezas más populares del repertorio barroco, la “Música Acuática” de Haendel, junto a otras obras de Marais, Telemann y Delalande inspiradas por el mismo elemento líquido.

La Flauta Mágica 1

La Flauta Mágica 2

La Flauta Mágica 3

La Flauta Mágica 4

La Flauta Mágica 5

La Flauta Mágica 6

La Flauta Mágica 7

La Flauta Mágica 8

Una polémica “Flauta Mágica” abre temporada en Les ArtsPor Diego Manuel García Pérez.

Muy controvertida esta Flauta mágica, con una transgresora puesta en escena de Graham Vick, que pretende mostrar los graves desequilibrios que afectan a la sociedad actual, con un claro enfrentamiento entre las clases más privilegiadas y las más desfavorecidas. Grandes cartelones y pancartas reivindicativas dominaban el espacio escénico así como los extremos laterales de las diferentes plantas de la sala, junto a una gran cantidad de figurantes, que se movían tanto en el escenario como fuera de él. Todo ello, lo que produce es desviar la atención de los espectadores de lo que realmente importa: la maravillosa música mozartiana. Afortunadamente, la orquesta de la Comunitat Valenciana, bien dirigida por Lothar Koenigs, ofreció un excelente sonido y el Coro de la Generalitat estuvo a su gran altura habitual. Notable prestación del grupo de cantantes solistas, donde cabe destacar a la soprano italiana Mariangela Sicilia, que ofreció una excelente creación de Pamina.

Die Zauberflöte (La flauta mágica) es un Singspiel (ópera cantada en alemán donde se incluyen diálogos teatrales), en dos actos con música de Wolfgang Amadeus Mozart y libreto de Emanuel Schikaneder. Su estreno tuvo lugar en el popular Theater auf der Wieden de Viena el 30 de septiembre de 1791, dirigido por el propio Mozart y con Schikaneder interpretando el personaje de Papageno. Fue el último estreno del compositor, que moriría dos meses después, el 4 de diciembre, con solo treinta y cinco años. Hoy parece demostrado que fue Mozart quien propuso a Schikaneder (personaje multifacético: empresario, actor, cantante, libretista y director teatral), y no a la inversa, la creación de una ópera alemana de carácter mágico. Quería repetir el gran éxito obtenido, en 1782, con el Singspiel Die Enführung aus dem Serail (El rapto en el serrallo). El argumento ha sido muy controvertido, por su desordenado entramado. Parece ser que empezaron a redactarlo Schikaneder y el actor y cantante Ludwig Giesecke, junto al propio Mozart, y que cambiaron de criterio una vez escritas las primeras escenas, por lo que, de comedia mágica con una Reina atribulada por el rapto de su hija la princesa Pamina y el galante príncipe Tamino encargado de rescatarla, se convirtió en algo más complejo: una apología de la francmasonería, a la que se alude claramente al convertir al malvado raptor de Pamina, en el sabio sacerdote Sarastro, quien gobierna un templo al que se accede superando unas pruebas donde se debe mostrar valor y firmeza de carácter. Tamino y Pamina, logran superarlas sellando así su amor, a pesar de las maquinaciones de La Reina de la Noche y de las tres damas a su servicio. El personaje más entrañable de la obra es el sencillo Papageno, cazador de pájaros, en principio al servicio de la Reina de la Noche, y posteriormente convertido en protector de la relación amorosa entre Pamina y Tamino. Este deslavazado argumento es cohesionado por la extraordinaria música de Mozart, en cuyo entramado orquestal se insertan las voces de los diferentes personajes como un instrumento más. Obviamente, al tratarse de una ópera de repertorio habitual, existen muchas grabaciones tanto en CD como DVD. Cabe citar dos grabaciones históricas, con magníficas orquestas y excelentes interpretes, tomadas en estudio y que pueden escucharse completas en YouTube. La primera de ellas fue realizada en Berlín entre 1937 y 1938, con el gran director inglés Sir Thomas Beecham, al frente de la Filarmónica de Berlín. En un ambiente ya prebélico, Beechan no pudo terminar la grabación; que, parece ser, fue concluida por un joven Herbert von Karajan. El reparto estaba encabezado por dos sensacionales interpretes: la soprano alemana Tiana Lemnitz como Tamina, ofreciendo una voz de gran pureza y plena de melancolía, junto al Tamino del tenor danés Helge Roswaenge, voz voluminosa y de gran belleza, con un magnífico fraseo y absoluto dominio del estilo mozartiano. La soprano Erna Berger realiza una excelente creación de la Reina de la Noche. La edición remasterizada por el sello NAXOS, mejora sensiblemente el sonido original. La segunda grabación recomendada, fue la realizada por EMI, en 1950, con la bellísima respuesta orquestal de la Filarmónica de Viena dirigida por Herbert von Karajan, y un gran elenco vocal con el excelente Tamino del tenor esloveno Antón Dermota, auténtico estilista mozartiano, de una depurada línea de canto, junto a la soprano alemana Irmgard Seefried, una voz de gran belleza tímbrica que interpreta a una sensible y delicada Pamina. Wilma Lipp realiza una gran creación de La Reina de Noche, con magnífico dominio de la coloratura. El resto de personajes están interpretados por excelentes voces: el gran bajo Ludwig Weber, interpreta un sensacional Sarastro, Erich Kunz (Papageno), George London (Sprecher), Emmy Loose (Papagena). A mediados de los años cincuenta del pasado siglo, irrumpe en el panorama lírico el extraordinario tenor alemán Fritz Wunderlich, de bellísima vocalidad y gran temperamento dramático, cuya creación de Tamino resulta antológica, llegando a interpretarlo en muchas ocasiones. En 1964 (dos años antes de su muerte, con apenas treinta y seis años) interpretó Tamino en una grabación de estudio DEUSTCHE GRAMMOPHON, con Karl Böhm al frente de la Filarmónica de Berlín, el gran Hans Otter (Sprecher), Franz Grass (Sarastro), Dietrich Fischer-Dieskau (Papageno), Evelyn Lear (Pamina) y Roberta Peters (Reina de la Noche). Escuchar a Fritz Wunderlich en el aria del retrato “Dies Bildnis ist bezaubernd schön”, es un verdadero deleite canoro.

Existen dos tomas en video, que pueden escucharse completas en YouTube. La primera de ellas realizada en 1983, en la Ópera de Munich, con dirección orquestal de Wolfgang Sawalisch, y comercializada en DVD por DEUSTCHE GRAMMOPHON, con el magnífico Tamino del tenor mejicano Francisco Araiza, de bello timbre y perfecta adecuación estilística al repertorio mozartiano, junto a la excelente Pamina de la gran soprano checa Lucia Popp, con una voz de cristalina pureza, y la Reina de la Noche de Edita Gruberoba, quien muestra su absoluto dominio de la coloratura. La segunda toma en video recomendada, fue realiza en la Ópera de Zurich, en le año 2000 y comercializada en DVD por ARTHAUS MUSIC, con dirección orquestal de Frantz Welser-Möst, con el magnífico Tamino del tenor polaco Piotr Beczala, cuya voz recuerda la de Fritz Wunderlich, junto a la Pamina de la soprano sueca Malin Hartelius, quien aporta belleza vocal y escénica. El gran bajo finlandés Matti Salminen, compone un imponente Sarastro. Clásica y muy adecuada la propuesta escénica de Jonathan Miller.

No puede decirse lo mismo del montaje escénico de Graham Vick, que ha podido verse en Valencia, con la coproducción del Palau de les Arts, la Ópera de Birminghan y el Festival de Macerata. Los espectadores que entraban en la sala quedaban sorprendidos por una serie de grandes cartelones colgados desde todos los pisos con reivindicativos mensajes: “Contra la violencia machista”, “En defensa de los derechos y la libertad”, “El sistema no puede combatir la corrupción porque la corrupción es el sistema”, “Pensiones justas, ya”. Cantidad de figurantes invadían tanto el escenario como los espacios de unos sufridos espectadores que, lo que pretendían, era pasar un buen rato escuchando la maravillosa música de Mozart. Y, todo ello, es el envoltorio de la propia escenografía, realizada por Stuart Nunn, (también responsable del diseño de vestuario), donde pueden verse tres edificios colindantes: uno de gran altura, en cuya parte superior, aparece el símbolo del euro (El poder financiero), una tienda de Appel (El poder informático, también sede del templo masónico) y una reproducción de la Basílica de San Pedro (El poder de la iglesia). De estos edificios, en algún momento de la función, salen cantidad de figurantes: ejecutivos financieros elegantemente vestidos y rodeados de mujeres sofisticadas, junto a militares y eclesiásticos de rojas púrpuras, que conforman los poderes fácticos, opresores de ese pueblo que se manifiesta con significativas pancartas: “No, es no”, “Nosotros también tenemos voz”, “No nos robéis el futuro”, “Diversidad, Igualdad y Unidad”, en las cercanías de esos emblemáticos edificios, acotados con defensivas vallas. El edificio financiero es girado en algún momento, pudiendo verse en su parte posterior, una batería de misiles ¡connivencia del poder económico y militar! o se nos muestra la parte posterior de la basílica, donde aparece una gran madonna, con la boca tapada ¡la marginación de la mujer en los centros de poder del mundo eclesiástico católico! Resulta inadmisible la manipulación realizada por Graham Vick de los brillantes diálogos en alemán del texto original, con la inserción de frases en español, donde ese improvisado coro de figurantes actúa a modo de corifeo griego, advirtiendo a los personajes de las posibles consecuencias de sus acciones o reprochándoles su conducta. La pretensión de trasladar una obra inmersa en el mundo de finales del Siglo XVIII a la problemática actual, debería llevar por título: La Flauta mágica con música de Wolfgang Amadeus Mozart y texto de Emanuel Schikaneder, revisado por Graham Vick. El vestuario resulta variopinto, desde ese elegante traje de ejecutivo que porta Sarastro, hasta Papageno envuelto en un disfraz de pollo, pasando por Tamino vestido con chándal y Pamina con una vestimenta que recuerda a la muñeca Olympia de Los cuentos de Hoffmann, o las tres damas embutidas en monos de trabajadoras, que se quitan exhibiendo atractivas vestimentas en consonancia con la que lleva su jefa, la malvada Reina de la Noche ¡Ah! Y, también señalar la presencia de una pala excavadora que hace las veces de la serpiente que persigue a Tamino, y de unos patinetes donde se desplazan los niños soprano. Al final, el desplome de los tres edificios emblemáticos seguido de una macrodanza donde evolucionan todos los participantes ¡preámbulo de un mundo donde reina la paz y la armonía!

Ante tantos figurantes, con sus continuos movimientos escénicos, tiene mucho merito la labor directorial y concertadora de Lothar Koenigs, con el excelente sonido de la Orquesta de la Comunitat Valenciana, que ya se pone de manifiesto en la obertura, la más extensa compuesta por Mozart, con un sorprendente uso del contrapunto, y que tiene su continuación con esa música que envuelve el arioso de un asustado Tamino y la irrupción escénica de las tres damas. Destacar la resolución orquestal tanto del quinteto de Tamino, Papageno y las tres damas, como del precioso dúo de Pamina y Papageno. La orquesta brilla de sobremanera en todo el amplísimo final del Acto I, con ese solemne acompañamiento que confiere auténtico énfasis al dúo de Tamino y el Sprecher, o el sonido de la flauta mágica en la segunda intervención solista de Tamino, junto a la música que marca la presencia escénica de Sarastro, y el conjunto orquesta-coro, con el que concluye ese Acto I. Ya, en el Acto II, cabe resaltar el sonido orquestal introductorio con esa “Marcha de los sacerdotes” y la brillante combinación de orquesta y coro en el “Coro de los sacerdotes”. El sonido orquestal envuelve de manera brillante las dos intervenciones solistas de Sarastro. Muy destacada actuación orquestal en las intervenciones solistas de Papageno, con la continua presencia sonora del “glockenspiel”. Pero, sobre todo, cabe destacar, el excelente sonido orquestal en todo el amplio final de la obra, con momentos musicales de extraordinaria calidad: esa gran escena, donde, primeramente, intervienen los dos hombres armados del templo junto a Tamino, con unos sonidos que recuerdan un oratorio dramático, seguido de ese sublime dúo de Pamina y Tamino, en el que se insertan preciosos interludios orquestales donde luce el sonido de la flauta, junto a una coda conclusiva donde se conjuntan de manera brillantísima coro y orquesta. Como en tantos momentos de esta obra, se muestran los contrastes entre el mundo idealizado en el que se mueven Tamino y Pamina, y la realidad tangible, con ese cómico dúo de Papageno y Papagena, donde también –en otro plano- el sonido orquestal resulta muy brillante. Hermosa conjunción de orquesta, voces solistas y coro en el brillantísimo final de este Singspiel. Dentro del alto nivel de todas las secciones orquestales cabe destacar el sonido de oboes, clarinetes y fagots con una especial mención a la flauta solista.

Del extenso grupo de cantantes cabe destacar la magnífica Pamina de la soprano italiana Mariangela Sicilia, voz de atractivo timbre, con anchura y extensión, junto a un excelente fraseo y capacidad para las regulaciones de sonido. Ya muestra su calidad vocal en el precioso dúo con Papageno del Acto I, ofreciendo su mejor prestación en el aria del Acto II “Ach, ich fühl’s, esist verschuwunden”, cantada con buen estilo mozartiano y gran capacidad dramatica. Magnífica su interpretación de ese sublime dúo “Tamino mein! O welch ein Glück” junto al Tamino interpretado por el tenor ucraniano Dmitry Korchak, de voz ancha con buen registro agudo, aunque mostrando carencias estilísticas, sobre todo al afrontar la dificilísima aria del retrato “Dies Bildnis ist bezaubernd schön”, que exige depurada técnica y gran expresividad. Su actuación mejora en el aria “Wie stark ist nicht dein Zauberton” acompañado por su flauta mágica. Destacar su intervención en el trío del Acto II junto a Pamina y Sarastro, interpretado por el bajo alemán Wilhelm Schwinghammer, de muy elegante presencia escénica, canta con estilo, aunque adolece de esas profundas notas graves que requiere el personaje. También está sometido a las ocurrencias de Graham Vick, teniéndose que mover por el patio de butacas y emitir algunas palabras en español. El barítono inglés Mark Stone, compone un gracioso Papageno, notable en el plano vocal y sobre todo interpretativo, teniendo también que cantar frases en español. Como Reina de la Noche, la soprano checa Tetiana Zhuravel, ofrece una atractiva presencia escénica; y, aunque su voz resulta pequeña y en exceso ligera, logra resolver de manera notable la coloratura del aria “Der Hölle rache kocht in meinen Hertz”, con esas dificilísimas notas picadas. Bien el Monostatos de Moisés Marín. Muy graciosas las tres damas: Camila Titinger, Olga Syniakova y Marta Di Stefano, pertenecientes al Centro Plácido Domingo. Aceptable el Sprecher interpretado por el bajo Deyan Vatchkov. Notable la creación de Papagena de la soprano Júlia Farrés-Llongueras, quien, en su primera aparición, Graham Vick, la obliga a permanecer cual contorsionista en un pequeño contenedor, y que dota de auténtica comicidad a su dúo con Papageno. Bien el resto de interpretes incluidos los tres niños-soprano que se desplazan en patinete.

El Coro de la Generalitat vuelve a mostrar su gran calidad en sus muchas intervenciones a lo largo de la obra.

 

La flauta mágica

El Palau de les Arts reivindica la figura de la mujer en el nuevo montaje de ‘La flauta mágica’, de Mozart, que firma el prestigioso director inglés Graham Vick.

El centro de artes inaugura este sábado, 1 de diciembre, su decimotercera temporada de abono con este título, coproducido con el Festival de Macerata (Italia), y que podrá verse hasta el día 15 de este mismo mes en la Sala Principal.

Lothar Koenigs debuta en el foso con los cuerpos estables de Les Arts, el Cor de la Generalitat, la Orquestra de la Comunitat Valenciana y los artistas del Centre Plácido Domingo.

El director alemán, según ha recordado la presidenta del Patronato de Les Arts, Susana Lloret, es una reputada batuta mozartiana, que, tras su paso por València, dirigirá en el Metropolitan de Nueva York ‘La clemenza di Tito’.

Nacido en Aquisgrán, el maestro Koenigs cultiva un repertorio que abarca desde Mozart hasta Alban Berg, con trabajos en las principales capitales líricas como Viena, Nueva York, Múnich o Milán.

Para Lothar Koenigs, ‘La flauta mágica’ tiene una música que “te atrapa y puedes sentir desde dentro. En ella se reconocen diferentes elementos: como las referencias a la música sacra en Sarastro, las melodías sencillas y de fácil retención en Papageno, los elementos oscuros en la segunda aria de la Reina de la Noche…”

El alemán también ha subrayado la importancia del texto que incluye referencias a lo que será el futuro de la ópera, como la escena entre Tamino y el Sacerdote, donde ya se adivina figuras como Wagner.

Versión novedosa

‘La flauta mágica’ es la tercera puesta en escena de Graham Vick que presenta Les Arts, pero la primera realizada por el prestigioso ‘regista’ para el centro operístico valenciano, en colaboración con el Festival de Macerata (Italia).

Graham Vick es uno de los grandes nombres de la escena operística, además de uno de sus mayores renovadores. Como fundador y director artístico de la Ópera de Birmingham, ha convertido a la compañía en estandarte de la modernización y democratización de la ópera. Reconocido con las más altas distinciones, ha desarrollado su faceta de director de escena en los principales teatros del mundo.

Para esta coproducción de ‘La flauta mágica’, el veterano inglés se ha rodeado de un equipo formado por Stuart Nunn, responsable de la escenografía y del vestuario, Giuseppe Di Iorio, artífice de la iluminación, y Ron Howell, coreógrafo.

Según explica Vick, se trata de la quinta producción en su carrera del Singspiel mozartiano. En esta ocasión el inglés ha concebido “una versión totalmente novedosa, incluyendo un final más abierto que suscita muchas preguntas y subraya aspectos como el papel de la mujer”.

En este sentido, el fundador de la Ópera de Birmingham recuerda que la obra de Mozart está influenciada por la masonería: “La sociedad masónica era exclusivamente patriarcal, una realidad también en la Iglesia católica, donde la mujer no tiene poder y no se le permite nunca opinar. Es muy interesante ver que estos dos enemigos tengan eso en común, además del silencio y el secretismo”.

Asimismo, Graham Vick ha reducido el texto en alemán para añadir diálogos en español en los que intervienen los 73 ciudadanos que invitó a participar en el montaje a modo del coro de una tragedia griega, o de una comedia de Aristófanes.

“Recurro a actores no profesionales −idea con la que llevo experimentando veinte años− con la intención de enriquecer la función de ópera, como deber cívico, tanto desde el punto de vista de la representación como del público. Busco un público democrático y un formato de ópera que se dirija a cualquier escala, raza o credo de la comunidad en que vivimos”, ha explicado.

Veteranía y juventud

Les Arts combina veteranía y juventud para el reparto de esta producción, “con la excelencia artística como denominador común”, como ha recordado Susana Lloret en la presentación de la producción.

Dmitry Korchak, uno de los tenores belcantistas más aclamados, regresa al centro de artes para cantar el papel de Tamino. Vinculado al centro operístico valenciano desde sus inicios, el público recordará sus interpretaciones en ‘L’enfant et les sortilèges’, de Ravel, ‘Eugenio Oneguin’, de Chaikovski, ‘La cenerentola’, de Rossini, o ‘Don Giovanni,’ de Mozart.

Debuta en el Palau de les Arts, Mariangela Sicilia como Pamina. Desde su reconocimiento en Operalia 2014, la joven cantante se ha revelado como una de las sopranos italianas con mayor proyección. Le acompaña en su presentación en València la también soprano Tetiana Zhuravel, que encarnó a la Reina de la Noche en el estreno de este montaje en Macerata y que repite este mismo rol.

Mark Stone da vida a Papageno, papel que ha cantado anteriormente en compañías como la Opera de Philadelphia. El barítono británico, que desarrolla una importante carrera como intérprete de recital, posee asimismo una premiada trayectoria discográfica.

Por su parte, el bajo Wilhelm Schwinghammer, figura habitual de festivales de prestigio como Bayreuth o Salzburgo, canta el papel de Sarastro.

Completan el reparto, el bajo búlgaro Deyan Vatchkov (orador/primer sacerdote), el tenor granadino y antiguo alumno del Centre Plácido Domingo Moisés Marín (Monóstatos), el bajo galés Richard Wiegold (segundo armado), la soprano catalana Júlia Farrés-Llongueras (Papagena), la soprano italo-brasileña Camila Titinger (primera dama), las mezzosopranos del Centre Plácido Domingo Olga Syniakova y Marta Di Stefano, el tenor valenciano y también integrante del Centre de Perfeccionament Vicent Romero y los niños del Trinity Boys Choir: Lucas Rebato, Kiran Patel y Dionysios Sevastakis.

En total, Les Arts ofrecerá seis funciones de este innovador montaje de ‘La flauta mágica’ los días 1, 4, 7, 9, 13 y 15 de diciembre.

Wilhelm Schwinghammer

Wilhelm Schwinghammer es uno de los bajos más reconocidos de su joven generación. Su amplio repertorio abarca desde el barroco a la música contemporánea, e incluye los roles más importantes de su tesitura como Figaro (Le Nozze di Figaro), Leporello (Don Giovanni), Sarastro (Die Zauberflöte), Osmin (Die Entführung aus dem Serail), König Heinrich (Lohengrin), König Marke (Tristan und Isolde), Landgraf Hermann (Tannhäuser), Daland (Der fliegende Holländer), Fasolt (Das Rheingold), Rocco (Fidelio), Sparafucile (Rigoletto) y Orest (Elektra). En Mayo 2018 debutó como Baron Ochs (Der Rosenkavalier) en la Ópera de Estocolmo.

Ha cantado en la mayoría de los principales teatros de ópera como Múnich, Berlín, Dresde, Lyon, Milán, Viena, Barcelona, Los Angeles, Washington, Chicago y Hong Kong Arts Festival. Wilhelm Schwinghammer se ha ganado también una sólida reputación como concertistas y actúa habitualmente con renombradas orquestas como la Filarmónica de Berlín, Sinfónica de Boston, Sinfónica de Bamberg, NDR Elbphilharmonie Orquesta y il Concerto Köln. En ópera y conciertos ha sido dirigido por Daniel Barenboim, Zubin Mehta, Kirill Petrenko, Andris Nelsons, Sir Simon Rattle, Marek Janowski, Sebastian Weigle, Philippe Herreweghe, entre otros prestigiosos directores.

En 2005 debutó en el Festival de Salzburgo como Dr. Grenvil en La Traviata con Anna Netrebko y Rolando Villazón. En 2011 volvió al Festival de Pascua de Salzburgo con Salome, dirigida por Sir Simon Rattle. Canta regularmente en el Festival de Bayreuth, donde debutó triunfalmente en 2012 como König Heinrich en Lohengrin, rol que repitió en los años sucesivos, y en 2014 y 2015 cantó, además, Fasolt en Das Rheingold, con dirección escénica de Frank Castorf.

Entre sus éxitos recientes cabe destacar una nueva producción del Ring en Chicago (dirección escénica de David Poutney), el rol titular en la nueva producción de Le Nozze di Figaro de Stefan Herheim en Hamburgo, y, en ese mismo teatro, Osmin en Die Entführung aus dem Serail.

Wilhelm Schwinghammer nació en Baviera e inició sus estudios musicales con los famosos Regensburger Domspatzen. Estudió en la Universidad de Berlín (Universität der Künste) con Harald Stamm y asistió a master-classes con Kurt Moll y Marjana Lipovšek. En 2003 fue admitido en el Programa Joven de la Ópera de Hamburgo y en 2006 entró a formar parte del conjunto estable de dicho teatro. Desde 2017 actúa como artista freelance. Ha sido premiado en diversas ocasiones y el 2009 ganó el prestigioso ARD Music Competition, donde también obtuvo el Premio del Público.

Maria João Pires

El miércoles 14 de noviembre, la pianista Maria João Pires regresa a Madrid de la mano de La Filarmónica para ofrecer un concierto con un repertorio muy poco habitual en el que se interpretaran las Sonatas para piano a cuatro manos de Mozart.

Miércoles 14 de noviembre de 2018 | 19.30 | Sala de Cámara del Auditorio Nacional

EL REGRESO A MADRID

Cada una de las apariciones de Maria João Pires ha sido un gran acontecimiento: después de sus exitosas apariciones, la referencia universalmente venerada y admirada regresa por cuarta vez a Madrid de mano de La Filarmónica. En esta ocasión la acompaña la joven pianista armenia Lilit Grigoryan, la cual debuta en la temporada. Ambas nos deleitaran con las Sonatas para piano a cuatro manos de Mozart, tan bellas como raramente interpretadas.

MOZART Y SUS SONATAS PARA PIANO A CUATRO MANOS

Durante su juventud, Wolfgang Amadeus Mozart y su hermana mayor Nannerl acostumbraban a tocar juntos con mucha frecuencia; durante sus largas giras por Europa, popularizaron la interpretación de pequeñas piezas para piano a cuatro manos. Destaca la Sonata para piano a cuatro manos, K.19d en do mayor, la primera que compuso Mozart con tan solo nueve años. Esta requiere una importante parte técnica por parte de los intérpretes.

El compositor no volvió a componer música para piano a cuatro manos hasta el verano de 1786, en el que despuntan la Sonata para piano a cuatro manos, K.497 en fa mayor, uno de los duetos más grandes y ambiciosos del compositor seguida de la Sonata para piano a cuatro manos K. 521 en do mayor.

PIRES & GRIGORYAN, PROYECTO PARTITURA

Entre los años 2012 y 2016, Lilit Grigoryan fue artista residente en la institución belga dirigida a la enseñanza superior artística Chapelle Musicale Reine Elisabeth. El primer año, la joven pianista armenia estuvo bajo la dirección del pianista libanés Abdel Rahman El Bacha; los siguientes junto con Maria João Pires. Ésta última fue una colaboración intensa e inspiradora con la pianista y permitió a Lilit encontrar nuevas maneras de comunicarse y compartir su pasión por la música clásica con otra gente.

Con la célebre pianista al frente del “Proyecto Partitura”, en 2016, Pires cuenta con Grigoryan y algunos de sus colegas para participar y colaborar. El proyecto cuestiona el lugar, la responsabilidad estética, ética, social, pedagógica y espiritual en una sociedad donde algunos de los valores humanos más fundamentales parecen estar en crisis. El equipo (formado por varios pianistas, un musicoterapeuta, una soprano, un compositor y un autor) trabaja para transmitir educación mediante el fomento de la escucha recíproca entre generaciones: músicos conocidos para fomentar a músicos jóvenes e invitarles a compartir el escenario de los conciertos. El objetivo es permitir un diálogo abierto entre los diferentes géneros del arte y la ciencia y contribuir a una comprensión más completa de los seres humanos en su entorno.

Maria João Pires, piano

Nacida el 23 de julio de 1944 en Lisboa, Maria João Pires realizó su primera actuación pública a los 4 años. Empezó sus estudios de piano con Campos Coelho y Francine Benoît, y posteriormente con Rosl Schmid y Karl Engel en Alemania.

Además de sus numerosas actuaciones, ha hecho grabaciones para el sello Erato durante quince años y para Deutsche Grammophon durante veinte.

Desde 1970 ha dedicado su labor a reflejar la influencia que tiene el arte sobre la vida, la comunidad y la educación, buscando nuevas maneras de implementar teorías pedagógicas en la sociedad y fomentar el intercambio de ideas mediante el desarrollo de las culturas y el respeto a éstas. En 1999 creó el Centro de Belgais para el Estudio de las Artes, en Portugal. Posteriormente amplió este proyecto con iniciativas en las ciudades de Salamanca (España) y Salvador de Bahía en Brasil.

En 2012, en Bélgica, inició dos proyectos complementarios: el Proyecto Equinox, que ofrece ayuda a niños desfavorecidos a través del canto coral, y el Proyecto Partitura, cuyo objetivo es crear una interacción entre artistas de diferentes generaciones y ofrecer una plataforma de desarrollo alternativa a un mundo demasiado centrado en la competitividad.

Lilit Grigoryan, piano Nacida en Ereván (Armenia) en 1985, Lilit Grigoryan comenzó a tocar el piano a los siete años con Arkuhi Harutyunyan; más tarde fue alumna de Sergey Sarajyan y Matthias Kirschnereit. Se graduó en la Universidad de Música y Teatro de Rostock (Alemania) con las distinciones más altas. Entre 2012 y 2016, Lilit también fue artista en residencia en la Chapelle Musicale Reine Elisabeth en Bélgica, bajo la dirección de Maria João Pires. La intensa e inspiradora colaboración con la pianista, le dio la oportunidad de compartir y comunicar su pasión por la música clásica, creando en 2016, junto a varios de sus compañeros, el “Proyecto Partitura”, bajo la iniciativa de Maria Joao Pires. Lilit ha realizado giras por todo el mundo y ha actuado en salas de concierto conocidas mundialmente como el Konzerthaus de Berlín, la Philharmonie de Essen (Alemania), Elbphilharmonie o el Laeiszhalle de Hamburgo, el Concertgebouw de Ámsterdam, el Mozarteum Hall en Salzburgo, la Salle Cortot y la Cité de la Musique en París, el Centro Artístico Bozar o el Flagey en Bruselas, el Palau de la Música Catalana de Barcelona y el Steinway Halls en Nueva York, Londres y Hamburgo. Lo más destacado de la temporada 18/19 incluye el lanzamiento de su nuevo álbum en solitario Orchid Classics con obras de Szymanowski, Beethoven, Mendelssohn, Bizet y Bach / Busoni, recitales solistas en toda Europa y numerosos recitales a dúo con artistas como Maria João Pires, Sarah Christian y Hiyoli Togawa.

Programa

MOZART, Sonata para piano a cuatro manos en do mayor, K. 19d
MOZART, Sonata para piano en si bemol mayor, K. 333

MOZART, Adagio y Allegro para piano a cuatro manos en fa menor, “Ein Stück für ein Orgelwerk in einer Uhr”, K. 594
MOZART, Fuga para piano a cuatro manos en sol menor, K. 401/375e
MOZART, Sonata para piano en re mayor, K. 576
MOZART, Sonata para piano a cuatro manos en do mayor, K. 521

Intérpretes
Maria João Pires, piano
Lilit Grigroryan, piano

Davini Rodríguez

La agenda de Davinia Rodríguez continúa consolidándose en el circuito internacional. Después de haber debutado en febrero pasado como protagonista de la ópera Thaïs de Massenet en el China National Centre for the Performing Arts de Pequín (NCPA), la diva canaria regresará en noviembre a ese escenario esta vez para meterse en la piel de Donna Elvira, una de las mujeres engañadas por Don Juan, el mito erótico español que inspiró a Mozart para su genial Don Giovanni. “Tengo un fantástico recuerdo de mi debut en ese impresionante teatro de la capital de China”, apuntó la cantante, “donde me llamó la atención lo atento y cariñoso que es el público chino, y ahora vuelvo con otro personaje que adoro y que ya canté en el Festival dei Due Mondi de Spoleto (Italia)”.

La intérprete española conoce muy bien la obra, ya que también tiene en repertorio a la otra gran engañada por Don Juan, Donna Anna, que cantó en Bilbao. “Son dos personajes que se complementan y cada uno tiene grandes momentos en esa obra maestra de toda la historia de la lírica que es Don Giovanni”. Por último añade que “eso que dicen de que volver a Mozart de tanto en tanto es muy sano para la voz es una gran verdad, ya que te ayuda a mantenerte en buenas condiciones, más todavía si vengo de cantar papeles más demandantes como son roles verdianos, que tienen que vérselas con orquestas mucho más grandes que las mozartianas”.

Davinia Rodríguez acaba de triunfar en el Festival Verdi de Parma, el más importante dedicado a la obra del compositor italiano, nada menos que metida en la piel del temido papel de Lady Macbeth, que debutó en Viena en 2016. Ahora, en este nuevo regreso al repertorio mozartiano, actuará en Pequín los días 27 y 29 de noviembre y 1 de diciembre. Más tarde, el 28 y 29 de diciembre, le esperan dos conciertos de Año Nuevo junto a la Sinfónica de Las Palmas de Gran Canaria en el Auditorio Alfredo Kraus de la capital grancanaria.

Más información

Benjamin Grosvenor

Conocido por sus eléctricas y penetrantes interpretaciones, el joven pianista británico Benjamin Grosvenor será el encargado de reanudar la programación del Ciclo Grandes Intérpretes de la Fundación Scherzo tras el parón veraniego. Grosvenor, uno de los intérpretes más solicitados del mundo, debutará el próximo 9 de octubre en el escenario del Auditorio Nacional de Música con un programa que incluye obras de Bach, Mozart, Chopin, Granados y Ravel.

El crítico de The New York Times David Allen ha dicho de él que manda en el escenario con una facilidad aristocrática… Grosvenor te hace suspirar con alegría… una característica extraña en el pasado, y mucho más en la actualidad”. Su virtuosa inspiración en las más extenuantes complejidades técnicas nunca compromete la profundidad y la inteligencia de sus interpretaciones. Grosvenor es reconocido por su sonido personal y descrito como “poético y sutilmente irónico, brillante, de mente clara pero con humor, todo lo traduce de forma maravillosa a través de un detalle nítido” (The Independent).

En 2004, a los 11 años, Grosvenor ganó la final de piano de la BBC Young Musician Competition. Desde entonces, se ha convertido en un pianista internacionalmente reconocido, realizando conciertos con orquestas de renombre como la Filarmónica de Londres, RAI Torino, la Orquesta Filarmónica de Nueva York, Philarmonia Orchestra, Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig, Tokyo Symphony; y se ha presentado en el Royal Festival Hall, Barbican Centre, Victoria Hall de Singapur, The Frick Collection y en el Carnegie Hall, entre otras.

Con 19 años, Benjamin actuó con la BBC Symphony en la primera noche de los BBC Proms, llenando el Royal Albert Hall. Volvió a los BBC Proms en 2012 junto con la Royal Philharmonic Orchestra y Charles Dutoit y, en 2014, con la Orquesta Filarmónica de la BBC y Gianandrea Noseda. En 2015 debutó en la última noche de este ciclo de conciertos con la BBC Symphony Orchestra y Marin Aslop.

Entre sus recientes y próximos proyectos destacan sus colaboraciones con la Boston Symphony, la Orquesta Sinfónica de la Radio Finesa, la Orquesta Gürzenich de Colonia, con las orquestas de Cleveland, Gulbenkian y Hallé, la Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig, la Filarmonica della Scala; así como sus proyectos con la London Symphony y las orquestas de Melbourne, San Francisco, Singapur, Tokio y la Washington National Symphony. Entre sus principales recitales destacan sus actuaciones en el Konzerthaus de Viena, Théâtre des Champs Elysées de París, Muziekgebouw de Ámsterdam, Carnegie Hall de New York, Konzerthaus de Berlín, Barbican Centre de Londres, Musashino Civic Cultural Hall de Tokio, los festivales de Lucerna y Gilmore, La Roque d’Antheron, en las series internacionales del Southbank Centre, así como su primera gira por Latinoamérica.

En España, Grosvenor debutó en el Palau de la Música Catalana (Piano 100) antes de llegar este 2018 al ciclo de Grandes Intérpretes en el Auditorio Nacional de Madrid. El próximo año hará su primera actuación con la Orquesta Nacional de España y regresará al Palau de la Música Catalana.

Grosvenor es artista exclusivo de Decca y firmará discos después del recital.

Este será el séptimo concierto de la 23ª temporada del Ciclo Grandes Intérpretes de la Fundación Scherzo. Además de la de Grosvenor, el público podrá disfrutar de otras tres citas más: Murray Perahia (13 noviembre); Jan Lisiecki (11 diciembre); y el concierto extraordinario ofrecido por el director Gustavo Dudamel – que cosechó un enorme y sonado éxito en la anterior temporada – que regresa al ciclo al frente de la Mahler Chamber Orchestra (20 de septiembre). A lo largo de 2018, pianistas de amplia experiencia como Mitsuko Uchida, Grigori Sokolov o Radu Lupu, han compartido escenario con jóvenes y talentosos artistas como Yuja Wang.

El precio de las entradas se sitúa a partir de los 25 euros. Los jóvenes menores de 26 años podrán asistir a los conciertos por 10 euros acudiendo a la taquilla del Auditorio Nacional media hora antes del comienzo del concierto. A lo largo de las más de dos décadas de vida de este ciclo patrocinado por El País y la Cadena Ser, han actuado casi un centenar de pianistas en más de 200 conciertos. Estas cifras lo han convertido en uno de los mejores ciclos en su especialidad a nivel europeo.

PROGRAMA MARTES 9 DE OCTUBRE DE 2018
Auditorio Nacional de Música de Madrid, 19:30 horas

J. S. BACH
Suite Francesa nº5 en Sol Mayor, BWV 81
W. A. MOZART
Sonata nº13 en Si bemol mayor, K. 333
F. CHOPIN
Barcarola op. 60
E. GRANADOS
Dos piezas de Goyescas:
Los requiebros
La maja y el ruiseñor
M. RAVEL
Gaspard de la Nuit
Joel Prieto

El tenor Joel Prieto comenzará la temporada 18/19 con uno de sus papeles favoritos y debutando en la Opéra de Lausanne: será Ferrando en Così fan tutte. La ópera de Mozart se presentará en el coliseo suizo los días 28 y 30 de octubre y 2, 4 y 7 de noviembre, en una producción de Jean Liermier y bajo la dirección de Joshua Weilerstein, ocasión en la que el tenor puertorriqueño de origen español volverá a uno de los compositores que más abundan en su repertorio.

El genio de Salzburgo forma parte del ADN de Prieto, ganador en 2009 del concurso Operalia de Plácido Domingo. “La verdad es que con Mozart me siento como en casa, muy cómodo; su obra me ha acompañado desde el comienzo de mi carrera y adoro cada uno de los personajes mozartianos que he interpretado, pero también es cierto que el horizonte se está abriendo a otros repertorios en los que también me encuentro muy cómodo; mi voz está evolucionando y me encanta afrontar nuevos retos”, apunta el cantante.

Pero volver a Mozart de tanto en tanto es sinónimo de salud vocal. Ferrando de Così fan tutte es, precisamente, uno de los personajes del universo mozartiano que Joel Prieto más ha interpretado. “Y es muy bueno para mi vocalidad. Lo he hecho en todo tipo de puestas en escena, tradicionales, modernas y hasta rompedoras. En todo caso, siempre acaba imponiéndose la nobleza y la humanidad de un rol que posee una de las arias en apariencia más sencillas de Mozart, pero que es muy exigente en cuanto a concentración y línea de canto, ‘Un aura amorosa’”. Hace ya una década que Joel Prieto mantiene en repertorio a Ferrando, habiéndolo debutado en 2009 en el Palau de Les Arts de Valencia y que después ha interpretado, entre otros escenarios, en la Scottish Opera de Glasgow, la Ópera de Luxemburgo, Palm Beach Opera de Florida (EE. UU.), Bayerische Staatsoper de Múnich, Washington National Opera o Gran Teatre del Liceu de Barcelona, además de pasearlo por festivales como los de I “mondi de Spoleto, Aix-en-Provence, Edimburgo, BBC Proms de Londres y Mostly Mozart de Nueva York. Más adelante le esperan compromisos en el La Monnaie/De Munt de Bruselas (Don Pasquale, Donizetti), Liceu de Barcelona (Rodelinda, Händel), Teatro Real de Madrid (Falstaff, Verdi) y Teatro dell’Opera de Roma (Idomeneo, Mozart).

https://www.facebook.com/JoelPrietoTenor

Jonas Kaufmann

Jonas Kaufmann ofrecerá su primer concierto en el Teatro Real, aunque el debut de este gran tenor en su escenario fue el 14 de marzo de 1999, cuando reemplazó a Zoltan Todorovich, al que una afección vocal impidió interpretar el papel titular de La clemenza di Tito, de Wolfgang Amadeus Mozart.

El concierto de Jonas Kaufmann que tendrá lugar mañana estuvo inicialmente previsto para el 10 de enero de 2017 y, posteriormente, para el 22 de noviembre del mismo año, pero en ambas ocasiones el tenor tuvo que cancelar su actuación debido a problemas de salud.

En esta ocasión vendrá con un programa compuesto por arias de ópera de compositores franceses ─Camille Saint-Saëns, Charles Gounod, Georges Bizet, Jacques F. Halévy y Jules Massenet─ en la primera parte, y arias wagnerianas de La Valquiria, Los maestros cantores de Núremberg y Lohengrin, en la segunda. Un programa en el que exhibirá su reconocido talento y versatilidad, que concilia excelentes dotes vocales y dramáticas para los más exigentes papeles wagnerianos, con una gran hondura y sensibilidad en la interpretación del repertorio francés, que está explorando y ampliando cada vez más en los últimos años.

PARTE I
CAMILE SAINT-SAËNS (1835-1921)
Samson et Dalila
«Bacchanale»
CHARLES GOUNOD (1818-1893)
Roméo et Juliette
«Ah, lève-toi, soleil!»
GEORGES BIZET (1838-1875)
Carmen Suite nº 2
«Danse bohème»
Carmen
«La fleur que tu m’avais jetée»
EMMANUEL CHABRIER (1841-1894)
Habanera
JACQUES-FRANÇOIS HALÉVY (1799-1862)
La Juive
«Rachel quand du Seigneur»
JULES MASSENET (1842-1912)
La vierge
«Le dernier sommeil de la vierge»
Le Cid
«Ô souverain»
PARTE II
RICHARD WAGNER (1813-1883)
Die Walküre
«Cabalgata de las valkirias»
«Ein Schwert verhiess mir der Vater»
Die Meistersinger von Nürnberg
Preludio del acto I
«Morgenlich leuchtend im rosigen Schein»
Lohengrin
Preludio
«In fernem Land»
JONAS KAUFMANN, TENOR
JOCHEN RIEDER, DIRECTOR
ORQUESTA TITULAR DEL TEATRO REAL
MIÉRCOLES 25 DE JULIO DE 2018. 20:00 HORAS
La Clemenza di Tito

El Palau de les Arts estrena el domingo 24 de junio, a las 18.00 h, ‘La clemenza di Tito’, de Mozart, en el Auditori. Les Arts, que ofrecerá una segunda función el 28 de este mismo mes, presenta esta obra, con dirección musical de Nimrod David Pfeffer, en versión semiescenificada.

El reparto de ‘La clemenza di Tito’ reúne a reconocidos intérpretes mozartianos y a jóvenes artistas de las últimas promociones del Centre Plácido Domingo. El tenor Carlo Allemano, la soprano Eva Mei y la ‘mezzosoprano’ Margarita Gritskova comparten escenario con jóvenes profesionales formados en València: la soprano Karen Gardeazabal, la ‘mezzosoprano’ Nozomi Kato y el bajo Andrea Pellegrini.

Allex Aguillera firma el concepto escénico de este montaje, de producción propia de Les Arts, con escenografía de Manolo Zuriaga, vestuario de José María Adame e iluminación de Antonio Castro.

‘La clemenza di Tito’ es el último ‘dramma per musica’ que dejó escrito el genio de Salzburgo y la penúltima ópera que estrenó antes de su muerte. Mientras finalizaba ‘La flauta mágica’, Mozart asumió el encargo de la partitura, que serviría como acto principal de los fastos de coronación de Leopoldo II de Austria como rey de Bohemia.

El 6 de septiembre de 1791 se estrenaba en el teatro Nacional de Praga esta ópera seria en dos actos y con libreto en italiano de Caterino Tommaso Mazzolá, basado en el drama de Pietro Metastasio.

La obra ofrece la imagen de Tito, emperador romano de reconocida rectitud, pero clemente con su pueblo, incluso ante un intento de asesinato contra su persona orquestado por Vitellia, hija del emperador derrocado, y llevado a cabo por Sesto, amigo del gobernante, aunque enamorado de la ambiciosa joven.

Artistas consolidados y jóvenes valores

El ascendente maestro y reconocido pianista Nimrod David Pfeffer (Tel Aviv, 1984) debuta con los cuerpos estables de Les Arts, el Cor de la Generalitat y la Orquestra de la Comunitat Valenciana. El joven director, en la actualidad director asistente del Metropolitan de Nueva York y director musical de la Ópera Lírica de Guatemala desde 2016, debutó el pasado febrero en la Israeli Opera.

La soprano italiana Eva Mei asume el rol de Vitellia. Intérprete refinada del bel canto italiano –Bellini, Rossini, Donizetti y Verdi–, nunca ha dejado de cantar Mozart y ha interpretado casi todos los papeles titulares más interesantes de este compositor.

En las dos últimas décadas ha actuado en los teatros de ópera más importantes de todo el mundo y ha sido dirigida por batutas como las de Nicolas Harnoncourt, Claudio Abbado, Zubin Mehta, Riccardo Muti, Colin Davis, Daniel Barenboim, Lorin Maazel, Franz Welser-Möst, William Christie, Daniele Gatti, Fabio Luisi, Myung-whun Chung, Antonio Pappano y Jonathan Nott.

Carlo Allemano canta el papel de Tito. Los inicios del tenor, premiado en certámenes como el concurso Toti dal Monte en Treviso (1989) y el concurso Mozart en la Staatsoper de Viena (1990), le han permitido forjar una sólida carrera, con actuaciones en La Scala de Milán, la Staatsoper de Viena, la Bayerische Staatsoper y en festivales como los de Salzburgo o Glynndebourne.

Asimismo, ha trabajado con destacados directores, entre los que figuran Christophe Rousset, Emmanuelle Haïm, René Jacobs, Wolfgang Sawallisch, Claudio Abbado, Riccardo Muti, Zubin Mehta, Leopold Hager, Gianandrea Gavazzeni, Marco Guidarini y Alessandro De Marchi.

Cierra la terna protagonista la ‘mezzosoprano’ rusa Margarita Gritskova (Sesto). Galardonada en varios concursos internacionales, es desde 2012 solista de la Staatsoper de Viena, donde ha trabajado con artistas como Anna Netrebko o Piotr Beczala. Asimismo, ha cantado en el Festival de Salzburgo, en el Festival Rossini de Wildbad, las óperas de Lyon y Colonia, así como la Deutsche Oper de Berlín.

Lusine y Sergey Khachatryan

Khachatryan, el excepcional violinista armenio

El violinista Sergey Khachatryan debutará el próximo 21 de marzo en La Filarmónica. Su nivel instrumental extraordinario y su profunda musicalidad le han convertido en uno de los violinistas más destacados del panorama. Khachatryan, músico de gran seriedad, concede muy pocos recitales al año y cada una de sus apariciones es todo un acontecimiento. Al mismo tiempo, Khachatryan se siente muy orgulloso de la cultura de su país de origen, Armenia, un pequeño territorio que tiene una gran riqueza de música popular que los compositores e intérpretes armenios siempre han reivindicado.

Debut de un dúo de hermanos

El dúo de hermanos Lusine y Sergey Khachatryan debutará en La Filarmónica, con obras de Mozart, Prokofiev y Franck. Hijos de familia de músicos, han crecido estudiando bajo la tutela de sus padres, ambos concertistas de piano y pedagogos. Lusine y Sergey comparten una exitosa carrera, llena de premios internacionales y debuts en las principales salas del mundo. Desde 2002 han grabado numerosos CD’s, el último de los cuales lleva por título “My Armenia”, con obras de compositores armenios (2015).

Sonata de Franck, uno de los hitos de la literatura violinística

El recital empezará con la Sonata para violín núm. 32, de Mozart, también conocida como Sonata Strinasacchi; seguida de la Sonata núm. 2 en re mayor, de Prokofiev, escrita en un remoto refugio para artistas soviéticos durante la Segunda Guerra Mundial. El concierto finalizará con uno de los hitos de la literatura para violín: la Sonata de César Franck, obra de madurez, de melodías puramente románticas, que fue inspirada por el amigo y compatriota del compositor, el violinista belga Eugene Ysaye.

Sonata de Franck

SERGEY KHACHATRYAN, violín

LUSINE KHACHATRYAN, piano

Mozart, Sonata en si bemol mayor, K. 454

Prokofiev, Sonata núm. 2, en re mayor, op. 94 bis

Franck, Sonata en la mayor

Miércoles, 21 de marzo de 2018, 19:30 h
Auditorio Nacional – Sala Sinfónica

SERGEY, Violín

Nacido en Yerevan, Armenia, Sergey Khachatryan ganó el primer premio en el VIII Concurso Internacional Jean Sibelius de Helsinki en el 2000, convirtiéndose así en el ganador más joven de la historia de este concurso. En 2005 obtuvo el primer premio en el Concurso Queen Elisabeth de Bruselas.

En las últimas temporadas, Sergey ha actuado con la Bamberger Symphoniker (Herbert Blomstedt y Jonathan Nott), Munich Philharmonic (James Gaffigan), Swedish Radio Symphony Orchestra (Valcuha), Orquesta del Teatro Mariinsky (Valery Gergiev) y Orquesta de París (Andris Nelsons y Gianandrea Noseda). Ha colaborado con la Filarmónica de Berlín, Orquesta del Concertgebouw, Radio Filharmonisch Orkest, Filarmónica de Rotterdam, Sinfónica de la NHK de Tokio y Orquestas Sinfónicas de Sydney y Melbourne.

La temporada 2017/18 incluye el debut de Sergey en el Festival de Aspen de Colorado, Elbphilharmonie Hamburgo con Hamburger Symphoniker y Festival de Salzburgo interpretando el concierto para violín de Beethoven. Es invitado de nuevo para actuar con la Finnish Radio Symphony Orchestra, Orchestra dell’Accademia di Santa Cecilia, Filarmónica de Róterdam, Royal Flemish Philharmonic Orchestra, Filarmónica de San Petersburgo y Orquesta de Cleveland.

Inauguró la temporada anterior con una gira en Japón con la Fundación Nippon y regresó con la Seattle Symphony junto a Ludovic Morlot, con la Orquesta Nacional de Francia, Philharmonia Orchestra, Orchestre National de Bordeux Aquitaine, Orquesta Nacional de Bélgica, Luxembourg Philharmonic, National Symphony Orchestra de Washington y Orchestre de la Suisse Romande. Sergey debutó con la Ulster Orchestra, Gulbenkian Orchestra, Stavanger Symphony Orchestra y Nuremberg Symphony.

A principios de la temporada 2014/15, Sergey participó en el Festival de Lucerna interpretando el concierto para violín de Beethoven con la Filarmónica de Viena y Gustavo Dudamel con el prestigioso Premio Credit Suisse Young Artist Award.

Sergey y su hermana, la pianista Lusine, actúan regularmente como dúo. Entre sus grabaciones más recientes se encuentran el CD “Mi Armenia” lanzado con Naïve Classique y dedicado a 100 aniversario de conmemoración del genocidio Armenio, que recibió el premio Echo Klassik en la categoría de Grabaciones de Música de Cámara. Además, han grabado juntos tres sonatas para piano y violín de Brahms. La discografía de Sergey incluye una grabación del concierto de Sibelius y de Khachaturian con la Sinfónica de Varsovia y Emmanuel Krivine, así como ambos conciertos de Shostakóvich con la Orquesta Nacional de Francia y Kurt Masur, las sonatas de Franck y Shostakóvich para violín y piano y la integral de sonatas y partitas para violín solo de J.S. Bach.

Sergey toca un violín ‘Ysaÿe’ Guarneri del año 1740 por gentileza de Nippon Music Foundation.

LUSINE KHACHATRYAN, piano

En el mundo de la música clásica actual, Lusine Khachatryan está considerada una “Poeta del teclado”.
Nacida en Ereván, Armenia, en una familia musical, Lusine comenzó sus estudios de piano bajo la tutela de
sus padres, Irina Hovhannisyan y Vladimir Khachatryan, ambos pianistas de concierto y pedagogos.

De 2001 a 2008 Lusine estudió en la Academia de Música de Karlsruhe (Musikhochschule) y se graduó
con una doble maestría con especialización en piano con el Prof. S. Speidel y en Música de Cámara con el Prof. Dr. S. Tatubaeva. Los exitosos conciertos internacionales de Lusine Khachatryan han inspirado al público en lugares como, Alte Oper en Frankfurt , Main, Friedrich-Thiersch-Saal, Kurhaus en Wiesbaden, Herkulessaal en Munich, Liederhalle en Stuttgart, Tonhalle en Zürich, Concertgebouw en Amsterdam, el Louvre, la Salle Gaveau y el Théâtre des Champes-Élysees en París, Wigmore Hall en Londres, Flagey y Palais des Beaux Arts en Bruselas, National Concert Hall en Dublín, Palau de la Música en Barcelona; Auditorio Nacional Madrid, Carnegie Hall en Nueva York, Grande Théâtre de Québec, Oscar Peterson Hall en Montreal, Oji Hall en Tokio y A. Khachaturyan Concert Hall en Erevan.

Lusine Khachatryan ha recibido numerosos premios a lo largo de su carrera artística. Entre ellos se encuentra el Musical Advancement Award of de la Baden Cultural Foundation, la beca de los “Freundeskreis” de la Music Academy of Karlsruhe, y una beca especial de la fundación alemana, Deutsche Stiftung Musikleben. Además ha sido galardonada en el Concurso Internacional de Piano en “Città di Ostra”, “Città di Marsala”, en Italia (2003) y en el 2º Concurso Europeo de Piano en Normandía, Ouistreham y Le Havre en Francia (2009).

Lusine Khachatryan ha actuado en muchos festivales de renombre como el I Festival del Mediterrani
(Valencia, España),el Festival de Piano Vladimir Nielsen, el Festival de Música Ravinia (EE. UU.), el
Musikfest Bremen, el Festival de Música de Schleswig-Holstein (Alemania), Edimburgo Internacional
Festival de música (Escocia), el Festival Internacional de Música “Bartok + Mozart” (Miskolci, Hungría),
el Festival de Música “Snow and Symphony” (St. Moritz, Suiza); y el “Nuit du Succee”(Cannes, Francia).

Ella es una artista intérprete o ejecutante igualmente convincente con la cámara y orquestas sinfónicas que han realizado con la Orquesta Filarmónica Estatal de Rheinland-Pfalz, la Orquesta Regional de Cannes, la
Orquesta Sinfónica de Varsovia, Orquesta de Cámara “Euregio”, Filarmónica de Armenia
Orquesta, la Orquesta Sinfónica Nacional del Ecuador, y otros.

Lusine Khachatryan también se presenta regularmente como dúo con su hermano, el violinista Sergey Khachatryan. Juntos han grabado su “Debut CD” en EMI Classics en 2002; con la etiqueta francesa Naïve, las Sonatas para violín y piano de C. Franck y D. Schostakovitch (2007), las Sonatas completas para Piano y violín de J.Brahms (2013) y su nuevo lanzamiento del CD “My Armenia” con obras de compositores armenios (2015).

En 2012, Lusine Khachatryan creó una nueva forma de arte: “The Piano-Theatre”, en la que el arte dramático
y la música clásica de piano se fusionan en una sola pieza. A través del mundo teatral, la música alcanza una dimensión e intensidad única. Lusine ha escrito y producido hasta ahora las siguientes producciones de Piano Theatre: “Maria Stuart” después F.Schiller (2012), “Chopin – “The piano is my second self” (2013), ““Clara Wieck plays Schumann”(2013) y “ԿԱՐՈՏ” / “Nostalgia” sobre el alma y la cultura armenia (2015).

LA FILARMÓNICA, SOCIEDAD DE CONCIERTOS

La Filarmónica ofrece grandes conciertos con los mejores artistas de la actualidad del panorama internacional. Su programación abarca desde el barroco al siglo XX, de la gran orquesta sinfónica al recital más íntimo y está pensada para que los amantes de la música disfruten de ella con los mejores intérpretes de cada repertorio.

Joel Prieto

Bajo la dirección del director titular de la Sinfónica de Puerto Rico, Maximiano Valdés, el tenor Joel Prieto, nacido en Madrid y crecido en Puerto Rico, regresa a su isla para clausurar la edición 2018 del Festival Casals, un evento que apela a la concordia internacional y al entendimiento después de la tragedia que ha marcado la agenda de ese país, recientemente devastado por los huracanes Irma y María. “Entre todos estamos luchando por levantar el país”, afirma el tenor Joel Prieto, “y la actividad musical, que reconforta el alma e insufla fuerzas para salir adelante, es fundamental en momentos como este”. Prieto acudirá al Festival Casals para actuar en la ceremonia de clausura, ocasión en la que interpretará el Requiem de Mozart el próximo 17 de marzo junto a la Sinfónica de Puerto Rico, la Coral Filarmónica de San Juan y solistas como la soprano Zulimar López, la mezzosoprano Celia Sotomayor y el bajo Hermán Iturralde.

El tenor viaja a la isla caribeña en un paréntesis de sus actuaciones en el Teatro Real de Madrid de la obra de Kurt Weill Street Scene (estrenada en febrero y que vuelve a la cartelera madrileña en mayo y junio); en abril interpretará a Don Ottavio en la ópera Don Giovanni, también de Mozart, en su regreso a la Ópera Nacional de Santiago de Chile y a inicios de mayo volverá a Puerto Rico para ofrecer un concierto junto al Coro de Niños de San Juan.

Más información

Tras un exitoso debut de crítica y público en el Festival de Salzburgo en 2005, Maite Beaumont no se ha bajado de los escenarios más importante de Europa, como Opéra national de Paris; Théâtre Royal de La Monnaie; Bayerische Staatsoper; Staatsoper unter den Linden Berlin; Théâtre du Capitole en Toulouse; Teatro Real en Madrid; Teatro della Scala en Milan; Teatro Municipal de Santiago de Chile; y Lyric Opera Chicago. Los próximos 1 y 3 de diciembre podremos volver a escucharla en el Gran Teatre del Liceu como Ottavia, de L’Incoronazione di Poppea. Un repertorio, el barroco, para el que la profundidad y calidez de su voz, acompañada de presencia escénica, han hecho de la mezzo-soprano española, una de las cantantes más solicitadas de su cuerda.

Brío Clásica: Cada vez tiene más presencia nacional e internacional y son numerosas las ocasiones que tenemos para poder disfrutar su arte, pero nos gustaría saber más sobre usted. Háblenos de sus inicios, ¿de dónde viene su afición por la música y el canto?

Maite Beaumont: Vengo de una familia de músicos. Mi madre fué directora de coros, profesora de Pedagogía Musical en la Universidad ,mi padre cantante amateur y mi hermana cantante profesional. He tenido la suerte de tener educación musical desde muy niña, respirando la pasión por la música que había en mi casa. He podido asistir a muchos ensayos de coro desde muy niña, donde mi madre dirigía y mis hermanas y padre cantaban.

Mi padre siempre ponía en casa música vocal: es un apasionado del canto. Él mismo tiene una voz excepcional, pero no se ha dedicado profesionalmente. Hemos sido dos de las cuatro hijas, que nos hemos dedicado a ello. Mi hermana me ha sabido ayudar y aconsejar en los momentos más importantes de mi vida.

B.C.: Una vez que se toma conciencia de poder dedicarse profesionalmente a la música, ¿Cómo se planifica una carrera como esta?

M.B.: Con 18 años, no me podía imaginar que pudiera dedicarme en un futuro al canto profesionalmente. Lo bueno que tenía, es que la base musical estaba. Estudié siempre Música y canto. Mi hermana fué mi ejemplo a seguir: fué ella la que se fué a estudiar a Alemania y yo, después de estudiar Sociología, me animé a irme. Y allí, es donde empezó todo.

B.C.: Muy pronto se trasladó a Alemania. Allí son habituales los ensemble de ópera. ¿Qué diferencia encuentra entre formar parte de un ensemble y ser Freelance? ¿Qué ventajas e inconvenientes tienen cada una de ellas?

M.B.: Para mí, lo bueno de un Ensemble es que adquieres una base muy buena que te va a servir para toda tu carrera. Poder probar pequeños, medianos, grandes papeles con una buena supervisión, es primordial. El poder compartir cartel con profesionales ya muy experimentados te da mucha motivación y el conocer el día a día de un cantante, con ensayos, estudio, funciones… es importantísimo.

El único inconveniente que veo, es que llegado una edad es bueno salir, conocer gente nueva, otras formas de hacer, de trabajar, de hacer música… Eso lo tiene que elegir cada uno, según su carácter y su fase en la vida.

B.C.: Estamos celebrando el 450 aniversario del nacimiento de Claudio Monteverdi y, precisamente, el 1 y el 3 de diciembre interpreta en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona a Ottavia, de L’Incoronazione di Poppea, un personaje que conoce bien. Tampoco podemos olvidar su Sesto de La clemenza di Tito, de Mozart, la temporada pasada en el Teatro Real. No es fácil abordar estos repertorios. ¿Cómo se llega al barroco? ¿Qué exigencias tiene?

M-B.: He tenido desde muy temprano una afinidad muy especial con este repertorio.

La exigencia más grande que veo, es el estilo.

B.C.: Para usted tienen gran importancia los recitativos, algo que algunos directores suelen modificar para acomodarlos a determinadas producciones. ¿Cree que en la actualidad son imprescindibles? ¿por qué?

M.B.: Para mí, el recitativo tiene importancia si sirve para entender mejor la trama de la ópera, si nos da información sobre lo que ocurre o va a ocurrir. Yo lo concibo como puro teatro, hablar cantando.

No es que sean más imprescindibles ahora que antes. La diferencia es que ahora se trabaja más la parte teatral. La dirección de escena ha evolucionado tanto, que no sólo hay que saber cantarlos bien, también interpretarlos.

Por ejemplo, el recitativo en Mozart es de una riqueza digna de una obra de teatro.

B.C.: La música barroca tiene un amplio margen para la improvisación, sobre todo el barroco italiano. La decisión de variar o adornar una aria Da capo, ¿pertenece al cantante o al director?

M.B.: En realidad pertenece al cantante. El director sugiere y es el cantante el que al final decide cuáles le vienen mejor.

Lo importante es estar en estilo, esto se aprende como cualquier otra cosa. Hay otros que les gusta tenerlo todo más controlado. Todo depende del cantante y del director. Para mí , se trata de un trabajo en equipo: una mezcla entre lo que gusta al director y los ornamentos que van bien a tu voz.

B.C.: Siguiendo con el repertorio barroco, ¿qué dificultades técnicas se pueden encontrar en una partitura que, en su origen, fue escrita para las características físicas de un hombre?

M.B.: La voz de mezzo-soprano , por su timbre y color, se asemeja o evoca la que más a una voz masculina. Para mí, físicamente tenemos la misma fuerza que podría tener un castrato. Incluso más, diría yo. Depende del temperamento de cada uno, independientemente de ser hombre o mujer. Bajo el punto de vista vocal, las mujeres podemos usar más la voz de pecho, obteniendo más potencia que un castrato. Pero bueno, todo depende. Ahora hay muchos contratenores con muy buena técnica.

B.C.: Aunque cada vez se programan más obras barrocas, ¿cuáles cree que son las razones por las que continua siendo escasa su presencia en las programaciones españolas?

B.M.: Es un público muy específico al que le gusta el barroco. Yo creo que la cultura operística en España va incrementando. Cada vez más gente se atreve a ir a una función. Es mejor empezar por repertorio más tradicional, para después crear gusto y atraer a títulos más especiales como los barrocos.

B.C.: Su repertorio no se limita al barroco. Podemos escuchar sus interpretaciones de Lied, o de obras de compositores contemporáneos como Kurt Weill. También sabemos de su gusto por el Bel canto, ¿cómo se realiza el tránsito hacia estos estilos?

M.B.: Conforme se va desarrollando la voz, se va afrontando nuevo repertorio que requiere más madurez vocal, como es el caso del Bel Canto.

B.C.: ¿Se inspira en alguna cantante a la hora de preparar un nuevo rol?

M.B.: Siempre hay una cantante a la que te gustaría parecer.Primero estudiar el papel y después comparar diferentes versiones para hacerse una idea de cómo quieres que sea tu propia versión.

B.C.: ¿Cómo ve la evolución de su voz? ¿qué repertorios se ve cantando en un futuro más lejano?

M.B.: Me encuentro en un momento, donde ya me siento segura para abordar el repertorio belcantista. Hasta ahora he hecho mucho barroco y Mozart , además de otras cosas, pero es ahora cuando me encuentro en el momento oportuno para cantar Isabella, Adalgisa, Elisabetta, Giovanna Seymour… Después de haber estado tanto tiempo en Alemania, también me siento preparada para los papeles del repertorio alemán para mezzo-soprano lírica como Oktavian y Komponist.

Dentro de unos diez años, ya veremos cómo me voy desarrollando y hacia dónde.

B.C.: ¿Cuándo podremos volver a escucharla en Madrid?

M.B.: En el 2019 voy a cantar la Meg en Falstaff de Verdi. Después, espero que en muchos más papeles interesantes, donde pueda enseñar todas mis facetas.

Daniel Barenboim
¿Existe hoy en día un músico más prodigioso, talentoso y versátil que Daniel Barenboim? Director de ópera y orquestas sinfónicas a la vez que pianista de conciertos, recitalista, músico de cámara, acompañante de Lieder por excelencia, el músico argentino-israelí también es uno de los artistas con más grabaciones de todos los tiempos. Sony Classical se complace en presentar la primera colección retrospectiva completa de sus álbumes para CBS/Sony Classical y RCA Red Seal en 46 CDs y DVDs.
Barenboim, en su faceta de pianista, publicó sus primeras grabaciones comerciales en 1958 y pronto comenzó a registrar en formato disco sus vitales e innovadoras interpretaciones de Mozart y Beethoven. No pasó mucho tiempo antes de que añadiera su faceta como director a su ya intensa actividad musical, y en 1965 empezó una estrecha relación con la Orquesta Inglesa de Cámara. Gran parte de esa colaboración se puede escuchar en esta nueva colección de Sony, en particular sus grabaciones de conciertos de Mozart en las que el profundo conocimiento que Barenboim posee de este compositor está al servicio de los violinistas Isaac Stern y Pinchas Zukerman.
Muy pronto Barenboim dirigiría las mejores orquestas sinfónicas estadounidenses y europeas. Entre las agrupaciones que destacan en esta nueva colección se encuentra la Filarmónica de Londres, con la cual Barenboim grabó una serie de obras de Elgar, incluyendo “una apasionada interpretación” (Penguin Guide) de la Segunda Sinfonía: “La interpretación de la Orquesta Filarmónica de Londres es en todo momento soberbia y la agrupación responde a todos los caprichos de Barenboim … Pocas veces la música me emociona hasta las lágrimas, pero confieso que la suave interpretación de los últimos compases, del ‘molto lento’, lo consiguió”. (Gramophone).
Otro de los tesoros del proyecto conjunto compuesto por el tándem Barenboim/Orquesta Filarmónica de Londres fue el que llevaron a cabo con el legendario Arthur Rubinstein en Los conciertos completos de Piano de Beethoven (cuando su grabación como solista acompañando a Otto Klemperer ya se había convertido en una grabación emblemática). De este álbum ganador del Grammy al “Mejor álbum clásico” en 1977, Gramophone escribió: “¿Han sido los conciertos de Beethoven mejor acompañados alguna vez, si se puede definir esta interpretación como ‘acompañamiento’? … En cada una de las piezas [Barenboim y la orquesta] ofrecen un inicio conjunto de tal peso, riqueza de caracterización y belleza de sonido que la entrada del solista, tan bien preparada, llega casi como un anti-clímax. Pasará un tiempo antes de que incluso la personalidad de Rubinstein pueda igualar el esplendor de la escena que se ha preparado para él.”
La lista de otras colaboraciones notables de Barenboim en esta edición es muy extensa e incluye, entre otras: Las sonatas para violín de Brahms con Itzhak Perlman –que aquí aparecen no solo en CD, sino también y por primera vez, en DVD; El Concierto para violín de Beethoven (Filarmónica de Nueva York) y El Tercer concierto de Saint-Saëns (Orquesta de París) con Isaac Stern; El concierto para chelo de Elgar con la Orquesta de Filadelfia y Jacqueline du Pré; El Concierto para violín de Elgar (Filarmónica de Londres) con Pinchas Zukerman (“Una lectura que combina de manera gloriosa el pavoneo virtuoso de Heifetz con la ternura y calidez del joven Menuhin. Barenboim es un acompañante espléndido”) y con él también como viola solista en Harold en Italia de Berlioz (Orquesta de París); conciertos de guitarra de Rodrigo y Villa-Lobos (Orquesta Inglesa de Cámara) con John Williams, y también colaboró con Dietrich Fischer-Dieskau, en ciclos de canciones de Mahler (Filamónica de Berlín).
En la amplia variedad de trabajos sinfónicos de esta colección, Daniel Barenboim dirige la Cuarta sinfonía de Tchaikovsky (Filarmónica de Nueva York); la Séptima de Beethoven —del ya legendario concierto de en el Muro de Berlín en 1989—; la Sinfonía inacabada de Schubert y la Sinfonía fantástica de Berlioz (Filarmónica de Berlín) y Pelleas und Melisande de Schoenberg (Orquesta de París). Barenboim también puede escucharse en su faceta como artista solista en conciertos de piano de Brahms (con Zubin Mehta y la Filarmónica de Nueva York) y Beethoven (dirigiendo él mismo la Filarmónica de Berlín desde el piano). También hay un trabajo coral a gran escala, el Berlioz Te Deum, en una magnífica grabación realizada en St. Eustache con la Orquesta de París.
Los vídeos incluidos en la nueva colección son especialmente interesantes. Como ya hemos mencionado, se publican por primera vez en DVD las Sonatas para violín de Brahms con Itzhak Perlman, junto al Trío para trompa de Brahms (con el famoso Dale Clevenger de la Sinfonía de Chicago). También se incluye en CD y DVD la extraordinariamente innovadora y heterogénea interpretación del Concierto de Año Nuevo junto a la Filarmónica de Viena en 2014, sin duda, una de las más admiradas en los últimos años. The Times of London destacó: “Los conciertos de Año Nuevo más recientes han sido más bien planos, pero el champán fluye sin límite alguno en el segundo periodo de Daniel Barenboim en el podio… The plums (bis aparte) es un seductor Cuentos de los bosques de Viena (Johann II) y un maravilloso ‘Interludio de luz de luna’ de Capriccio”, mientras Presto Classical escribió: “A pesar de que comunmente se lo relaciona con compositores austríacos de más peso, Barenboim no se excede en ningún momento y se sabe la pieza al dedillo… moldea y da ritmo a las cosas de una forma maravillosa, desvelando toda clase de detalles.”
Contenido de la colección:
DISCO 1: MS 7179
Berg: Concierto de cámara para violín y 13 instrumentos de viento (Pierre Boulez, Daniel Barenboim, piano; Saschko Gawriloff, violín)
Berg: Tres piezas para orquesta, Op. 6 (Pierre Boulez)
Berg: Altenberg Lieder, Op. 4 (Pierre Boulez, Halina Łukomska, soprano)
DISCO 2: M 30055
Mozart: Concierto No. 5 en la mayor, K. 219, “Turkish” (Pinchas Zukerman, violín)
Mozart: Concierto No. 4 in re mayor, K. 218 (Pinchas Zukerman, violín)
DISCO 3: M 30572
Tchaikovsky: Sinfonía No. 4 en fa menor, Op. 36
DISCO 4: M 31369
Mozart: Sinfonía Concertante para violín, viola y orquesta en mi bemol mayor, K. 364 (Isaac Stern, violín; Pinchas Zukerman, viola)
Stamitz: Sinfonía Concertante para violín, viola y orquesta en re mayor (Isaac Stern, violín; Pinchas Zukerman, viola)
DISCO 5: M 31997
Elgar: Sinfonía No. 2 en mi bemol mayor, Op. 63
DISCO 6: M 32599
Elgar: Falstaff (Sinfonía de estudio) para orquesta, Op. 68
Elgar: Overtura “Cockaigne” (In London Town), Op. 40
DISCO 7: M 32807
Elgar: Sinfonía No. 1 en la bemol mayor, Op. 55
DISCO 8: M 32301
Mozart: Concierto para violín No. 1 en si bemol mayor, K. 207 (Pinchas Zukerman, violín)
Mozart: Concierto para violín No. 3 en sol mayor, K. 216 (Pinchas Zukerman, violín)
DISCO 9: M 32936
Elgar: Marchas de pompa y circunstancia, Op. 39
Elgar: La corona de India – Suite, Op. 66
Elgar: Marcha imperial, Op.32
DISCO 10: M 32937
Mozart: Concertone en do mayor para dos violines y orquesta, K. 190 (Isaac Stern, violín; Pinchas Zukerman, violín; Neil Black, oboe)
Pleyel: Sinfonía concertante en si bemol mayor para violín, viola y orquesta, Op. 29 (Isaac Stern, violín; Pinchas Zukerman, violín; Neil Black, oboe)
DISCO 11: M 33206
Mozart: Concierto No. 2 en Re mayor para violín y orquesta, K. 211 (Pinchas Zukerman, violín)
Mozart: Rondo en do mayor, K. 373 (Pinchas Zukerman, violín)
Mozart: Adagio e mi mayor, K. 261 (Pinchas Zukerman, violín)
Mozart: Rondo en si bemol mayor para violín y orquesta, K. 269 (Pinchas Zukerman, violín)
DISCO 12: M 33208
Rodrigo: Concierto de Aranjuez (John Williams, guitarra)
Villa-Lobos: Concierto para guitarra y pequeña orquesta (John Williams, guitarra)
DISCO 13: M 33584
Elgar: Chanson de Matin, Op. 15, No. 1
Elgar: Chanson de Nuit, Op. 15, No. 2
Elgar: Elegía para cuerdas, Op.58
Elgar: Serenata para cuerdas, Op.20
Elgar: Hola amor, op.12
Elgar: Romance, en. 62 para fagot y orquesta (Martin Gatt, maricón)
Elgar: Romero
Elgar: queridísima
Elgar: suspiros, en. 70
DISCO 14: METRO 33587
Beethoven: Concierto para violín y orquesta en re mayor, en. 61 (Isaac Stern, violín)
DISCO 15: CRL5-1415
Beethoven: Concierto No. 1 para piano y orquesta, Op. 15 en do (Arthur Rubinstein, piano)
Beethoven: Concierto No. 2 para piano y orquesta, Op. 19 en si bemol (Arthur Rubinstein, piano)
DISCO 16: CRL5-1415
Beethoven: Concierto No. 3 para piano y orquesta, Op. 37 en do menor (Arthur Rubinstein, piano)
Beethoven: Concierto No. 4 para piano y orquesta, Op. 58 en sol (Arthur Rubinstein, piano)
DISCO 17: CRL5-1415
Beethoven: Concierto No. 5 para piano y orquesta, Op. 73 en mi bemol (Arthur Rubinstein, piano)
DISCO 18: M 34500
Ravel: Daphnis y Chloe, Suite No. 2
Chabrier: España
Debussy: Preludio a la siesta de un fauno
Ibert: Escalas
DISCO 19: M 34517
Elgar: Concierto para violín en si menor, Op. 61 (Pinchas Zukerman, violín)
DISCO 20: M 34530
Elgar: Concierto para chelo y orquesta en mi menor, Op. 85 (Jacqueline du Pré, chelo)
Elgar: Variaciones en un tema original para orquesta, Op. 36 “Enigma”
DISCO 21: METRO 34536
Berlioz: ti, en. 22
DISCO 22: METRO 34541
Berlioz: Harold en Italia, en. 16 (Harold uno Italia) (Pinchas Zukerman, viola)
DESCT 23: METRO 34550
Saint-Saens: Concierto para violín y orquesta No. 3 en si menor, en. 61 (Isaac Stern, violín)
chausson: poema, en. 25 (Isaac Stern, violín)
Fauré: canción de cuna, en. 16 (Isaac Stern, violín)
DISCO 24 : METRO 35112
Berlioz : Royal Hunt y tormenta / Caza tormenta de bienes y
Berlioz: Romeo y Julieta, en. 17 Suite
DISCO 25: M 35160
R. Strauss: Concierto para oboe y pequeña orquesta (Neil Black, oboe)
R. Strauss: El burgués gentilhombre: Suite, en. 60 (Peter Frankl, piano)
DISCO 26: M 35880
Elgar: Pinturas marinas para contralto y orquesta, Op. 37 (Yvonne Minton, soprano)
Elgar: Overtura En el Sur, Op. 50, “Alassio”
DISCO 27: M 35885
Brahms: Concierto No. 2 para piano y orquesta en si bemol mayor, Op. 83 (Zubin Mehta, Daniel Barenboim, piano)
DISCO 28: M 35884
Brahms: Concierto No. 1 en re menor para piano y orquesta, Op. 15 (Zubin Mehta, Daniel Barenboim, piano)
DISCO 29: M 38557
Schoenberg : Pelleas und Melisande: poema sinfónico, Op. 5
DISCO 30: IM 39859
Berlioz: Symphonie fantastique, en. 14
DISCO 31: ESTOY 39676
Schubert: Sinfonía No. 2 en si mayor, D. 125
Schubert: Sinfonía No. 8 en si menor, D. 759 “inconclusa”
DISCO 32: IM 39671
Schubert: Sinfonía No. 3 en re mayor, D. 200
Schubert: Sinfonía No. 5 en si bemol mayor, D. 485
DISCO 33: M 42072
Schoenberg: Pierrot Lunaire, Op. 21 (Pierre Boulez, Daniel Barenboim)
DISCO 34: M 42316
Schubert: Sinfonía No. 9 en do mayor, D. 944 (“The Great”)
M 42322
R. Strauss: Sinfonia Domestica, Op. 53, TrV 209 (Mehta, Zubin)
R. Strauss: Burleske e re menor para piano y orquesta, TrV 145 (Zubin Mehta, Daniel Barenboim, piano)
DISCO 35: M2K 42489
Schubert: Sinfonía No. 1 en re mayor, D. 82
Schubert: Rosamunde, re. 797 (fragmentos)
DISCO 36: M2K 42489
Schubert: Sinfonía No. 4 en do menor, D. 417 “Trágica”
Schubert: Sinfonía No. 6 en do mayor, D. 589
DISCO 37: SK 45830
Beethoven: Concierto para piano No. 1 en do mayor, Op. 15
Beethoven: Sinfonía No. 7 en la mayor, Op. 92
DISCO 38: SK 44922
Mahler: Des Knaben Wunderhorn (Dietrich Fischer-Dieskau, barítono)
Mahler: Canciones de un caminante (Dietrich Fischer-Dieskau, barítono)
DISCO 39: S2K 44504
Schubert: Sonata (Sonatina) para piano y violín, en. Posth. 137, No. 1, re. 384 (Isaac Stern, violín, Daniel Barenboim, piano)
Schubert: Sonata (Sonatina) para piano y violín en la menor, Op. Posth. 137, No.2, D.385 (Isaac Stern, violín, Daniel Barenboim, piano)
Schubert: Sonata (Sonatina) para piano y violín en sol menor, Op. Post.137, No. 3, D.408 (Isaac Stern, violín, Daniel Barenboim, piano)
DISCO 40: S2K 44504
Schubert: Sonata (Dúo) para piano y violín en la mayor, Op. 162. D. 574 (Isaac Stern, violín, Daniel Barenboim, piano)
Schubert: Fantasía para violín y piano en do mayor (“Sei mir gegrusst!”), Op. Post.159, D. 934 (Isaac Stern, violín, Daniel Barenboim, piano)
Schubert: Rondo (Rondeau Brillant) para piano y violín en si menor, Op.70, D. 895 (Isaac Stern, violín, Daniel Barenboim, piano)
DISCO 41: SK 45819
Brahms: Sonata para violín No. 1 en sol mayor, Op. 78 (Itzhak Perlman, violín, Daniel Barenboim, piano)
Brahms: Sonata para violín No. 2 en la mayor, Op. 100 (Itzhak Perlman, violín, Daniel Barenboim, piano)
Brahms: Sonata para violín No. 3 en do menor, Op. 108 (Itzhak Perlman, violín, Daniel Barenboim, piano)
DISCO 42/43:
Concierto de Año Nuevo de 2014
DISCO 44: DVD
Concierto del Muro de Berlín 1989
DISCO 45: DVD
Brahms: Sonata para violín No. 1 en sol mayor, Op. 78 (Itzhak Perlman, violín, Daniel Barenboim, piano)
Brahms: Sonata para violín No. 2 en la mayor, Op. 100 (Itzhak Perlman, violín, Daniel Barenboim, piano)
Brahms: Sonata para violín No. 3 en re menor, Op. 108 (Itzhak Perlman, violín, Daniel Barenboim, piano)
Brahms: Trio para violín, trompa y piano en mi bemol mayor, Op. 40
DISCO 46: DVD
Concierto de Año Nuevo de 2014
Lucio Silla

Con tan solo 14 años, y durante una gira por los entonces Reinos de Italia junto a su padre, Mozart estrena la primera ópera seria de su carrera, Mitridate, rè di Ponto. Tal fue el éxito obtenido que el joven Mozart recibió otro encargo del Teatro Regio Ducal de Milán, una ópera para celebrar, dos años más tarde, los carnavales de invierno de la capital lombarda.

Lucio Silla es una obra crucial en la evolución del lenguaje musical de Mozart. Aunque conserva muchos de los convencionalismos de las óperas del siglo XVIII, como el protagonismo de un personaje histórico e interminables recitativos seguidos de interminables arias. Sin embargo, encontramos ya algunos elementos inéditos, como el acompañamiento orquestal de los recitativos. Esta nueva estructura musical anticipa los cambios que se consolidarán con Idomeneo y que formarán parte del estilo inconfundible de sus óperas más maduras, como Don Giiovanni o Cosí fan tutte.

Mozart trabajaba con gran disciplina y sin apenas tiempo. Había convocado a los más virtuosos cantantes del momento a 6 semanas del estreno para comenzar los ensayos. Como era costumbre en la época, las particelas fueron compuestas pensando en las características vocales de cada intérprete, llevándolos al límite de su capacidad. Esto hacía casi inviable que cualquier otro cantante pudiera abordar el papel. Razón principal por las que Lucio Silla, una vez estrenada, tardase 200 años en volver a ser representada.

Los papeles principales estaba a cargo del gran tenor Arcangelo Cortoni, como Lucio Silla, el castrato Venanzio Rauzzini, en el papel de Cecilio y la soprano Anna de Amicis, como Giunia. Pero la mejor prueba de la genialidad del adolescente Mozart llegó cuando solo faltaban 6 días para el estreno. El protagonista Cortoni cayó enfermo y tuvo que ser sustituido a toda prisa por otro tenor. Nadie se atrevía a asumir las dificultades de aquel papel y fue un mediocre cantante de oratorios quien, muerto de miedo por la dificultad del personaje, se atrevió con el. Para ello, Mozart tuvo que mutilar seriamente la partitura del dictador adaptándolo a las posibilidades vocales del cantante. A pesar de reducir su intervención en solo 2 arias, Mozart consigue transmitir la psicología del personaje, complicadamente dubitativo e incapaz de expresar lo que siente, dejando la responsabilidad de expresar los sentimientos de Silla a la orquesta.

Una escenografía de alto voltaje teatral

Para un director de escena, Lucio Silla es un regalo envenenado. A lo largo de la historia ha sido considerada una obra imposible por su estatismo. Las obras barrocas despiertan no pocos recelos entre los directores de escena por sus arias

dacappo y la dificultad que entraña esta estructura musical a la hora de dotar a la escenografía de la fluidez deseada. Lucio Silla no es escénicamente como otras obras posteriores de Mozart, piezas teatrales en si mismas. El espíritu de los personajes tiene más peso que su vocalidad, aunque ésta sea endiablada para los cantantes.

Esta ópera, casi contemplativa, posee también una gran carga dramática que Claus Guth ha sabido captar a la perfección. Ha conseguido crear una escenografía donde los cuadros fluyen ante el público con ritmo, venciendo el estatismo con un efecto de movimiento continuo casi cinematográfico.

Como es costumbre en el desarrollo escénico de Guth, se presenta una radiografía psicológica de los personajes y sus sentimientos. Este viaje a la introspección de los protagonistas lo consigue a través de las atmósferas, siempre opresivas, que describen con gran exactitud la intención de los protagonistas. Destaca una buena dirección de actores y una estructura arquitectónica giratoria con túneles subterráneos. Un submundo en el que se desarrollan sueños y pesadillas. Es aquí donde los juegos de luces y sombras de Manfred Voss, que han sido actualizados para la ocasión por Jünger Hoffmann, adquieren gran belleza y protagonismo.

Acertada es también la fría desolación que acompaña a Lucio Silla. Una estancia que descifra la compleja psicología de un dictador de carácter voluble, vacilante e imprevisible. Silla aparece en una habitación de decadentes azulejos blancos que se van manchando con la sangre que derrama. Parece la estancia de un carnicero.

La dirección de Ivor Bolton

Lucio Silla es una partitura impropia de un adolescente de 16 años por su complejidad, por su madurez y por ser tan prolija en detalles. Se han mantenido las arias originales con pequeñas adaptaciones para mejorar los tempis, lo que ha facilitado la fluidez en la dirección de un Ivor Bolton que continua la extraordinaria senda marcada la temporada pasada con Billy Budd y Rodelinda.

En esta ocasión, y ya desde la larga obertura, consigue un perfecto equilibrio entre metales y cuerdas. Su lectura de la obra y el trabajo realizado con la orquesta, tomando la letra y no la música como punto de partida, ha dado al sonido la vibración y el pulso que la partitura precisa. Sobre todo en los momentos en los que la orquesta desmenuzaba los entresijos del personaje principal. Los recitativos están acompañados al clave por el propio Bolton, lo que permite una conexión mayor con la orquesta. Siempre atento a los detalles y pendiente de los cantantes, a los que facilita mucho el trabajo, junto con una escenografía que facilita la proyección de la voz y el canto en boca de escenario.

Un reparto muy equilibrado

Lucio Silla requiere por igual cualidades vocales y dramáticas. Y en esa línea están los protagonistas de esa producción, Kurt Streit y Patricia Pertibon.

El tenor estadounidense Kurt Streit, encargado de dar vida al protagonista, es un gran conocedor del estilo mozartiano y excelente actor, algo muy importante en esta producción. Nos presenta un Lucio Silla vacilante y de poca entidad, inseguro y sin carácter. Al final de la obra, cuando se transforma en magnánimo y abandona el trono, aparece una acertada intención histriónica. Su excelente interpretación compensa una voz ya en franca decadencia.

Patricia Petibon es puro teatro. Su expresividad y personalidad sobre el escenario tuvieron merecida respuesta por parte del público. Tuvo algún momento de dificultad en el aria ¡Ah, se il crudel periglio! donde la coloratura se hace imposible, pero lo compensó con creces con un amplio repertorio de gestos que describen la angustia del personaje. La intensidad dramática de Petibon, por encima de la vocalidad, no desmerece ni al personaje ni a la partitura, sobre todo tras improvisar un desgarrador pasaje al final de la primera parte.

A Silvia Tro Santafé le tocó dar vida al complejo papel de Cecilio. Una partitura casi imposible que la valenciana solventó con una profesionalidad impecable. Su aria inicial “Il tereno momento”, de una dificultad extrema por los cambios de registro, fue resuelta con una solvencia solo superada por el virtuosismo. Voz de gran volumen y expresividad, con un fraseo en italiano y una línea de canto impecables. El dúo con Giunia fue un momento de gran belleza y delicadeza. Siendo una de las mezzosopranos más destacadas y valiosas en estos momentos, sorprende que no tenga más presencia en escenarios nacionales.

María José Moreno fue otra de las alegrías de la noche. Su personaje no alcanza las exigencias vocales de los protagonistas, pero tiene unos sobreagudos que la soprano granadina emitió sin despeinarse. El rol de Cecilia resulta un poco melindroso, pero sus tres intervenciones (se ha eliminado una de sus arias) son brillantes. Aportó frescura con su hermoso y mediterráneo timbre y una dicción perfecta.

La mezzosoprano letona Inga Kalna en su papel de Lucio Cinna, exageró un poco la masculinidad del personaje y resultó algo tosca. Buen volumen de sonido pero poco refinado. Pero supo mantenerse a la altura del reparto.

Sin duda este ha sido un buen inicio de temporada en un año importante para un Teatro Real que celebra su 200 aniversario. La temporada se presenta muy atractiva y la ópera es uno de esos lugares donde los sueños encuentran refugio. Ríndanse al arte.

LUCIO SILLA
Dramma per musica en tres actos
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
Libreto de Giovanni de Gamerra
Estrenada en el Teatro Regio Ducal de Milán el 26 de diciembre de 1772
Nueva producción del Teatro Real
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
D. musical: Ivor Bolton
D. escena: Claus Guth
Reposición: Tine Buyse
Escenografía y figurines: Christian Schmidt
Iluminación: Manfred Voss
Dramaturgia: Ronny Dietrich
D. del coro: Andrés Máspero
Reparto: Kurt Streit, Patricia Petibon, Silvia Tro Santafé,
Inga Kalna, María José Moreno, Kenneth Tarver

Lucio Silla

El próximo 13 de septiembre la ópera Lucio Silla, de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) inaugurará la nueva temporada del Teatro Real, reparando finalmente una deuda con el público de Madrid, que no pudo ver nunca esta ópera representada, pese a la indudable calidad y belleza de su música.

La ópera llegará al Teatro Real en una producción concebida por Claus Guth, que ha triunfado en varios teatros desde su estreno en el Festival Wiener Festwochen en 2005. El director de escena alemán despoja la obra de su contenido más anecdótico y se recrea explorando la relación psicológica entre los personajes y la interioridad de cada situación dramática, insuflando a la ópera un enorme dinamismo.

Para ello recurre una vez más a un ingenioso decorado giratorio diseñado por el escenógrafo y figurinista Christian Schmidt ─autor también de las escenografías de Parsifal y Rodelinda─ que permite agilizar la continua sucesión de las escenas que componen la obra.

Aunque Mozart estrenó la partitura en Milán en 1772, con apenas 16 años, el joven compositor llevaba escribiendo obras escénico-musicales de diferentes formatos desde los 11 años, y Lucio Silla era ya la tercera ópera que presentaba con éxito en Italia, después de Mitrídate, rè di Ponto y Ascanio in Alba.

Siguiendo la estela de la ópera seria dieciochesca entonces en boga, el libreto se inspira en las hazañas de un personaje de la Antigüedad Clásica, sin atender a ningún prurito de verosimilitud o rigor histórico. De hecho, los lazos de parentesco, amoríos y magnanimidad del Lucio Silla de Mozart distan mucho de lo que alumbra la historiografía sobre la vida del tirano sanguinario y gran estratega militar Lucio Cornelio Sila (138-78 a.C.).

La trama, dramatúrgicamente endeble, es, sin embargo, estructuralmente consistente por las complejas relaciones entre los seis personajes, pertenecientes a dos bandos rivales y enemigos, entre los que fluyen sentimientos y pasiones contradictorias, incontroladas y capaces de resquebrajar los códigos de honor que escudan tantas atrocidades y luchas de poder.

Musicalmente la ópera se amolda a los cánones rígidos de la ópera seria, en que se alternan arias y recitativos, con algunos maravillosos números de conjunto e interludios orquestales. Pero el genio de Mozart logra imprimir a cada escena una atmosfera única, con grandes contrastes, líneas de canto de conmovedor aliento dramático y una orquesta cada vez más autónoma en la expresión dramatúrgica de los personajes.

Aunque Mozart haya contado con los mejores cantantes de la época para la interpretación de su Lucia Silla, la sustitución, en los días previos al estreno, del tenor protagonista por otro de mucho menor rango, obligó al compositor a adaptar ese rol a las nuevas circunstancias, simplificando su música y desposeyendo al personaje de la grandeza que debería tener el papel titular, que en el Real interpretarán los tenores Kurt Streit y Benjamin Bruns.

Como dos de los personajes masculinos destinados originalmente a ser cantados por castrati serán interpretados por una mezzosoprano y una soprano, se puede decir que en Lucio Silla la gran dificultad vocal recae sobre las cuatro cantantes femeninas, sobre todo Giunia, cuyo dificilísimo papel será interpretado alternadamente por las sopranos francesas Patricia Petibon y Julie Fuchs. Estarán secundadas por las mezzosopranos Silvia Tro Santaféy Marina Comparato (Cecilio), las sopranos Inga Kalna y Hulkar Sabirova (Lucio Cinna) y María José Moreno y Anna Devin (Celia). Completan los repartos los tenores Kenneth Tarver y Roger Padullés (Aufidio).

Junto a ambos elencos actuarán la Orquesta y Coro Titulares del Teatro Real, bajo la sensible dirección musical de Ivor Bolton, con amplísima experiencia en el repertorio mozartiano.

LUCIO SILLA | ACTIVIDADES PARALELAS

15, 19 y 21 de septiembre | Museo Arqueológico Nacional

Visitas guiadas temáticas gratuitas con aforo limitado.

Roma en el Museo Arqueológico Nacional: 15 de septiembre, 18.00 h.

Cara a cara con Lucio Cornelio Sila (138-78 a.C.): 19 de septiembre, 18.00 h. y 21 de septiembre, 12.00 h.
Imprescindible reservar en: visitasgrupos.man@mecd.es

17 de septiembre, a las 12.00 horas | Teatro Real, sala principal

Los domingos de Cámara

Concierto íntegramente dedicado a Wolfgang Amadeus Mozart

Adagio en La Mayor KV 580 a
Cuarteto en Do Mayor KV 465, Disonancia
Sonata para fagot y violoncello en Si bemol mayor K 292
Quinteto para piano y viento en Mi bemol mayor K 452

Solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real

19 de septiembre, a las 17.30 horas | Filmoteca Española, sala 1

Proyección de la película Nannerl, la hermana de Mozart (Nannerl, la soeur de Mozart),

de René Féret (2010)

Programa detallado

23 de septiembre, a las 19.00 horas

Retransmisión en directo de Lucio Silla en el canal de televisión MEZZO.

Joel Prieto

Tras una temporada en la que ha acumulado debuts y triunfos en Europa, Estados Unidos y Asia con compromisos en Toulouse, Varsovia, Tokyo, Los Angeles, Dresde, Moscú y Beijing, Joel Prieto comenzará el nuevo curso en octubre afrontando por primera nuevamente el rol de Iopas en la ópera de Berlioz Les Troyens, título que el tenor ya ha cantado en la Deutsche Oper Berlin y que se representará en la emblemática Semperoper de Dresde los días 3, 6, 9, 21 y 27 de octubre y 3 de noviembre.

Con una partitura vibrante y musicalmente apasionante, esta grand opéra basada en la Eneida de Virgilio y raramente representada por su complejidad cuenta una historia épica de guerra y paz, fiel al espíritu del Romanticismo francés, y reúne sobre el escenario a más de 120 cantantes entre coro y solistas. Las representaciones en Dresde estarán dirigidas musicalmente por Lothar Koenigs en una nueva producción que firma Lydia Steier. Para Joel Prieto, la temporada pasada “ha sido de vértigo, un curso en el que me ha acompañado mi querido Mozart en debuts que me llenaron de emoción y que me permitieron subir a emblemáticos escenarios en los que siempre soñé cantar como son la Ópera de Varsovia, la Ópera de Los Ángeles, el Teatro Bolshoi de Moscú o el Tianqiao Performing Arts Center de Beijing, además de poder interpretar la Novena Sinfonía de Mozart nada menos que junto a la NHK Symphony Orchestra de Tokyo”, comenta el tenor. “En los próximos meses tengo unas ganas enormes de lanzarme a nuevos repertorios en los que estoy seguro que voy a tener una maravillosa experiencia”, añade.

Tras este arranque en Alemania a Joel Prieto le esperan su regreso al Teatro Real de Madrid -su ciudad natal-, escenario en el que debutó hace dos temporadas con La Flauta Mágica y al que vuelve con uno de los acontecimientos más esperados de la cartelera española como es el estreno madrileño de Street Scene, de Kurt Weill (febrero de 2018); su esperada vuelta a Puerto Rico, donde el artista creció junto a su familia, ocasión que marcará un momento muy especial en su agenda interpretando el Requiem de Mozart dentro de la programación del Festival Casals (marzo de 2018); en abril regresará al Teatro Municipal de Santiago de Chile, esta vez para meterse en la piel de Don Ottavio en Don Giovanni, de Mozart.

Más información: http://joelprieto.com/

Las bodas de Figaro

El Teatro Auditorio San Lorenzo de El Escorial de la Comunidad de Madrid presenta Las bodas de Fígaro, una producción de Spoleto Festival dei 2Mondi con dirección musical de Yi Chen Lin y dirección de escena de Giorgio Ferrara. Esta producción se podrá disfrutar en dos únicas funciones los días 20 y 22 de julio dentro de la programación del Festival de Verano.

Junto con la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid, el elenco de esta producción de Las bodas de Fígaro está encabezado Lucas Meachem, Carmela Remigio, Simón Orfila y Katerina Tretyakova.

Compuesta entre octubre de 1785 y abril de 1786, Las bodas de Fígaro, de Wolfgang Amadeus Mozart, es la primera de las tres óperas escritas por el compositor salzburgués sobre un libreto de Lorenzo da Ponte. Una extraordinaria colaboración que produciría otras dos obras maestras del teatro lírico como Don Giovanni y Così fan tutte. El tema del libreto se extrajo de la comedia de Beaumarchais, Le mariage de Figaro de 1781.

Una trama rápida y cautivadora, en la que mujeres y hombres se contraponen a lo largo de un “día disparatado”, lleno de eventos dramáticos y cómicos, que permite una investigación musical de las psicologías en juego. Una sátira sobre las clases sociales privilegiadas de la época, pero también una aguda metáfora de las diversas fases del amor.

La ópera, puesta en escena por primera vez en el Burgtheater de Viena el 1 de mayo de 1786, está articulada en cuatro actos y narra, entre miles de complicaciones, la ardua pero victoriosa defensa que Fígaro, criado del conde de Almaviva, hace de Susanna, su novia, perseguida por el capricho del patrón, a quien engañan y termina siendo la burla de todos, viéndose obligado a consentir la boda entre ambos criados.

El público podrá disfrutar de la programación del Festival de Verano hasta el 5 de agosto y por delante quedan espectáculos como el estreno absoluto de la ópera de cámara Tenorio, de Tomás Marco y Free Bach 212, de la Fura dels Baus, entre otras citas musicales.

Bastián y Bastiana

El Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial presenta la ópera Bastián y Bastiana, interpretado por los Pequeños Cantores de la Joven Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (JORCAM) con la dirección musical de Ana González y la dirección de escena de Marian Bollain. Esta ópera, que forma parte de la programación del Festival de Verano, se podrá ver en tres únicas funciones los días 7, 8 y 9 de julio. Las bodas de Fígaro, un homenaje a Piazzolla y la Fura dels Baus, son algunos de los protagonistas de los 17 espectáculos y conciertos de esta nueva edición.

Bastián y Bastiana, un singspiel en un acto, es una de las primeras óperas de Mozart, escrita en 1768 cuando sólo tenía doce años de edad. Se supone que esta obra fue un encargo para realizar una sátira del género “pastoral” entonces prevalente, en concreto una parodia de la ópera Le devin du village de Jean-Jacques Rousseau.

La historia tiene lugar en una villa de pastores, en un tiempo no determinado. La pastora Bastiana teme haber perdido el amor de Bastián y recurre a un brujo, Colas, para volver a enamorarlo gracias a sus poderes mágicos. Colas la reconforta diciéndole que Bastián no la ha abandonado, más bien está deslumbrado por los regalos que una noble dama le hace. El mago Colas aconseja a Bastiana que actúe con frialdad hacia Bastián y así, él volverá corriendo.

Mozart escribió la ópera con tan solo doce años. La historia de los dos pastores pone de relieve una realidad que no ha pasado de moda: el adolescente Bastián se deja deslumbrar por una niña más chic que su Bastiana y esta tendrá que espabilar para recuperar a su chico.

En este montaje, Bastián y Bastiana estudian en un instituto actual. Siempre han estado juntos, pero al llegar a la adolescencia hay mucha gente nueva en clase y Bastián, deslumbrado por sus nuevas compañeras, olvida a Bastiana, Las otras chicas visten ropa de marca, se maquillan y son mucho más desenvueltas que Bastiana. Colás, un profesor algo diferente, ayudará a reconciliar a los enamorados.

El montaje cuenta con jóvenes intérpretes de los Pequeños Cantores de la JORCAM y alumnos de la Escuela Superior de Canto de Madrid. Varios repartos cubrirán tanto los papeles protagonistas como los compañeros de clase de Bastián y Bastiana. La escenografía, sencilla y realista, muestra el ambiente de un instituto de secundaria.

Los más pequeños de la JORCAM

En septiembre de 2009, dentro de la estructura de la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid, se creó el coro de niños de los Pequeños Cantores, un grupo con edades comprendidas entre los 6 y los 15 años. El Coro está dirigido por la Profesora Ana González, directora de vasta experiencia en el campo vocal infantil.

Los Pequeños Cantores han participado en diferentes producciones en los Teatros del Canal (La Revoltosa, Pepita Jiménez) además a partir de la temporada 2010/2011 y hasta la fecha, los Pequeños Cantores son el coro de niños titular de las producciones de ópera del Teatro Real de Madrid y así mismo, han cantado en Teatro de la Zarzuela de Madrid.

En septiembre de 2015 fueron dirigidos por el Mtro. ZubinMetha en la 3ª Sinfonía de G. Mahler junto con la Orquesta del Maggio Musicale Fiorentino y el Orfeón Donostiarra. En junio de 2015, los Pequeños Cantores fueron invitados por el Coro de Niños de la Ópera de Viena, realizando un concierto conjunto en la Sala Mahler de dicho Teatro, además de otros recitales en esta capital europea.

Joel Prieto

Después de su paso en los últimos dos meses por los coliseos líricos de Dresde, Düsseldorf, Varsovia y Moscú, el tenor hispano-puertorriqueño Joel Prieto volverá a vestirse del Príncipe Tamino de La flauta mágica de Mozart, con el que acaba de debutar con gran éxito en el Teatro Bolshoi, esta vez para su debut en China, en el Tianqiao Performing Arts Center de la capital del gigante asiático (21 y 23 de julio). Y lo hace nuevamente en la genial puesta en escena de Barrie Kosky y Suzanne Andrade para la Komische Oper de Berlín que rinde homenaje al cine mudo y que Joel Prieto ya ha interpretado en el Teatro Real de Madrid, en la Ópera de Varsovia y en el Bolshoi moscovita.

En lo que va de año el joven tenor ha subido a algunos de los escenarios más importantes del mundo incluyendo, siempre con Mozart, la Ópera de Los Ángeles (El rapto del Serrallo); la Semperoper de Dresde (El rapto del Serrallo); Gran Teatro de Varsovia (La flauta mágica); y Teatro Bolshoi de Moscú (La flauta mágica).

Aunque no todo es Mozart en la agenda de Joel Prieto: tras su debut en Beijing (China) se anuncia su vuelta a la Semperoper de Dresde como Iopas en Les Troyens, de Berlioz; al Teatro Real de Madrid para participar en Street Scene, de Kurt Weill; su debut en el Festival Casals de Puerto Rico con el Requiem de Mozart; y su regreso al Teatro Municipal de Santiago de Chile como Don Ottavio de Don Giovanni.

http://joelprieto.com/

Carmela Remigio

Tras alcanzar en el pasado Festival de Salzburgo el récord de 400 actuaciones en Don Giovanni, la famosa soprano italiana, Carmela Remigio, recientemente galardonada como mejor cantante con el prestigioso “Premio Abbiati”, debuta en el Gran Teatre del Liceu como Donna Anna, el próximo 19 de junio.

Claudio Abbado la eligió personalmente para dar vida a Donna Anna en la prestigiosa edición de Don Giovanni con el sello Deutsche Grammophon. Desde entonces, la soprano nacida en Pescara, ha realizado 350 actuaciones en los escenarios líricos más prestigiosos del mundo, en el rol de Donna Anna y, cincuenta, como Doña Elvira, en el famoso dramma giocoso de Mozart.

La soprano italiana, probablemente la mejor Donna Anna de la actualidad y la más solicitada, señala: “Anna es uno de los personajes mozartianos más refinados. Hay algo de milagroso en cada pulso, así como el germen de tantos otros personajes del belcanto. Sus recitativos y arias son de una perfección y de una pulcritud, que no tiene parangón en la historia de la música. Parecen anticipar la melodía y el fraseo de obras maestras sucesivas como Anna Bolena, Norma e I puritani. Para comprender, precisamente, en profundidad a Anna – continúa la Remigio–, he cantado también el rol de Donna Elvira en algunas producciones de Don Giovanni y volveré a cantarlo en La Fenice de Venecia en otoño. Son dos personajes muy distintos: Elvira es más dramática, mientras que Anna, en cambio, es más enigmática y sinuosa. Y, por tanto, se complementan, en cierto sentido; una es espejo de la otra.”

Tenía solo dieciocho años, cuando Pavarotti se enamoró del color cristalino de su voz y se convirtió en flamante ganadora de su famoso concurso “Luciano Pavarotti International Voice Competition” en Filadelfia. Más tarde, Carmela Remigio le acompañaría en cientos de conciertos y giras por todo el mundo.

Heredera de la mejor tradición vocal italiana, la soprano Carmela Remigio ha cantado en los principales teatros, festivales y salas de concierto internacionales: Teatro alla Scala de Milán, Festival de Salzburgo, Royal Opera House de Londres, Teatro San Carlo de Nápoles, la Monnaie de Bruselas, Teatro Massimo de Palermo, Festival de Aix-en-Provence, La Fenice de Venecia, Rossini Opera Festival de Pésaro, Carnegie Hall de Nueva York o Royal Albert Hall de Londres, entre otros.

Carmela Remigio debuta en el coliseo barcelonés, tras sus recientes éxitos en su regreso al Teatro dell’ Opera de Roma, interpretando por primera vez el papel de Elisabetta en Maria Stuarda de Donizetti y en el Maggio Musicale Fiorentino, en el exigente rol de otra heroína mozartiana, Elettra (Idomeneo, re di Creta).

En la aclamada producción de Don Giovanni, que firma Kasper Holten, con dirección musical de Josep Pons, la soprano Carmela Remigio cantará junto a Mariusz Kwiecen (Don Giovanni), Eric Halfvarson, (Il Commendatore), Dmitry Korchak (Don Ottavio), Miah Persson (Donna Elvira) y Simón Orfila (Leporello).

http://www.carmelaremigio.net

David Alegret

El Palau de la Música Catalana recibirá el próximo 1 de junio al tenor David Alegret, un cantante con una carrera consolidada en el campo de la ópera internacional -especialmente en el rossiniano y mozartiano- y del oratorio, pero que, además, se declara un enamorado del repertorio de recital. En su actuación tendrá un especial protagonismo el «Lied» catalán, una selección del contenido del disco de Alegret «Impressions de natura» (editado por Columna Música y grabado en el Petit Palau) centrado, precisamente, en este repertorio y que incluye algunos hallazgos del pianista Daniel Blanch, intérprete que acompaña al tenor catalán en el recital del Palau y en el disco. Blanch es el presidente de la Fundació Joan Manén, entidad que reivindica no solo la obra de este virtuoso compositor, sino también la de otros autores catalanes. Además del repertorio pianístico habitual, Blanch ha trabajado para rescatar del olvido llevando al disco y recuperando obras, entre otros, de Manén, Joaquín Nin-Culmell, Xavier Montsalvatge, Carlos Suriñach, Manuel Blancafort o Ricard Lamote de Grignon, de quienes se incluyen en el disco y en el recital algunas de sus piezas para canto y piano conjuntamente con otras de su padre, Joan Lamote de Grignon, que destacó por su catálogo de canción culta que llegó al centenar de obras. «Impressions de natura» también incluye obras de Francesc Montserrat -el nombre del disco nace de una de sus piezas-, Francesc Pujol -cuyas partituras inéditas se han encontrado en la Biblioteca del Palau de la Música Catalana- y del mucho más conocido Eduard Toldrà.

Después de esta cita con el público barcelonés, la carrera internacional de David Alegret lo llevará al Teatro Massimo Bellini de Catania (Der Rose Pilgerfahrt, de Schumann), al Festival de Granada (concierto de arias de Mozart con la Orquesta de Granada dirigida por Pablo González), de regreso al Palau de la Música Catalana (Novena Sinfonía de Beethoven y Pasión según San Juan de Bach con la Orquesta Simfònica del Vallès), al Festival Life Victoria de Barcelona para ofrecer un recital de Lied acompañado por el pianista Albert Guinovart, al Gran Teatre del Liceu barcelonés (Roméo te Juliette, de Gounod, dirigido por Josep Pons), a la Ópera de Toulon (Il Barbiere di Siviglia, de Rossini) y a la Ópera de Oviedo (Il Turco in Italia, de Rossini).

www.davidalegret.com

Joel Prieto

El tenor Joel Prieto continúa cosechando triunfos y conquistando nuevas plazas operísticas. Si el pasado enero debutó en la Ópera de Los Ángeles
(Estados Unidos) con la mozartiana El rapto del Serrallo, en marzo participó en la tradicional AIDS Gala 2017 de la Deutsche Oper am Rhein en Düsseldorf; en abril regresó a la Semperoper de Dresde (Alemania) con su Belmonte de El rapto del Serrallo por primera vez en Europa -en siete funciones que se alargarán durante mayo y junio- sin olvidar, siempre en abril, una única actuación como Tamino de La flauta mágica en el Gran Teatro de Varsovia (Teatr Wielki, Polonia), sede de la Ópera Nacional Polaca, en la aplaudida puesta en escena de Barrie Kosky y Suzanne Andrade que rinde homenaje al cine mudo y que Joel Prieto ya ha interpretado en el Teatro Real de Madrid.

Joel Prieto sumará en mayo un nuevo debut que le ilusiona especialmente: subir por primera vez al escenario del Teatro Bolshoi de Moscú, en el que cantará -los días 24 y 26 de mayo- su aclamado Príncipe Tamino, de La flauta mágica, y en la misma y exitosa producción de Kosky que ya tiene todas las localidades vendidas. “Lo cierto es que está siendo un año de debuts tanto de personajes como de nuevos escenarios. Cantar en un teatro emblemático y de gran tradición como es el Bolshoi me apasiona, más teniendo en cuenta que lo haré en una producción que ya he cantado en varios teatros y que me encanta”, comenta el cantante.

El que fuera ganador del Concurso Operalia en 2008, además de triunfar con Mozart allí donde va también se pasea por otros repertorios como el del bel canto romántico y el de la ópera romántica francesa, así como algunos de los títulos más emblemáticos de zarzuela. Joel Prieto tiene compromisos cerrados en su agenda para los próximos tres años, entre los que destacan su debut en Beijing (China) con La flauta mágica; su vuelta a la Semperoper de Dresde como Iopas en Les Troyens, de Berlioz; al Teatro Real de Madrid para participar en Street Scene, de Kurt Weill, en una nueva coproducción del coliseo madrileño con la Opéra de Monte-Carlo y la Oper Köln de esta “ópera estadounidense”, tal y como la bautizó el propio Weill; su debut en el Festival Casals de Puerto Rico con el Requiem de Mozart, además volver al Teatro Municipal de Santiago de Chile, esta vez para asumir el rol de Don Ottavio en Don Giovanni.

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Bejun Mehta
El domingo 23 de abril a las 19.30 horas, el ciclo Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta su penúltima cita en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música de Madrid con “Cantata” recital del contratenor Bejun Mehta acompañado por la reputada Akademie Für Alte Musik Berlin. Mehta vuelve a la temporada barroca del CNDM tras su espléndido Orfeo de Gluck de hace tres temporadas y tras el reciente éxito como Bertarido en la ópera Rodelinda de Haendel programada en el Teatro Real de Madrid. Mehta, uno de los contratenores más refinados de su cuerda, presenta un programa que nos acercará a la época álgida de los castrati, recreando un universo poliédrico que contiene arias de oratorios ingleses de Haendel junto a cantatas sacras y profanas de Bach y Vivaldi. Un viaje que nos transportará al corazón musical del siglo XVIII.

Considerado uno de los contratenores actuales más reputados, Bejun Mehta es invitado habitual de las principales salas internacionales de ópera y concierto. El estadounidense es, durante la presente temporada, Artista Residente en la Filarmónica de Dresde, donde está demostrando su versatilidad artística con cuatro programas diferentes como cantante y director, en los que presenta arias de las grandes óperas y oratorios de Haendel y Mozart además de la obra Dream of the Song de George Benjamin, cantata escrita para él y ya estrenada en Francia y Estados Unidos. En la escena operística acaba de obtener un gran éxito en el Teatro Real de Madrid como Bertarido en Rodelinda de Haendel.

Otras producciones le han llevado a interpretar a Farnace en Mitridate de Mozart en la Royal Opera House de Londres, el papel protagonista de Tamerlano de Haendel en Teatro alla Scala de Milán y Oberon en A Midsummernight’s Dream de Britten. Entre sus momentos más destacados de las últimas temporadas se incluyen el estreno mundial de Stilles Meer de Toshio Hosokawa para la Staatsoper de Hamburgo (papel de Stephan), que volverá a interpretarse en la temporada 17/18, y una nueva producción de Orfeo ed Euridice de Gluck bajo la dirección de Daniel Barenboim en la Staatsoper de Berlín. Además de su trabajo como cantante, Mehta está impulsando su faceta como director con un par de compromisos por temporada, caso de su labor con la Filarmónica de Dresde, y está ofreciendo clases magistrales de Canto, como las impartidas dentro del Proyecto de Jóvenes Cantantes del Festival de Salzburgo. Mehta cuenta con un amplio catálogo de discos, entre los que se encuentran Che Puro Ciel, una colección de arias clásicas con la Akademie für Alte Musik Berlin y René Jacobs, publicado en otoño de 2014 por Harmonia Mundi y galardonado con Le Diamant d’Opera Magazine y Choc de Classica y el disco en directo de Dream of the Song de George Benjamin con la Orquesta del Concertgebouw de Ámsterdam y George Benjamin dirigiendo, publicado en 2016 dentro de las series RCO Live, Horizon7 de dicha orquesta.

PROGRAMA:
George Frideric Haendel (1685-1759)
Siete rose rugiadose (1711/12)
Cantata Mi palpita il cor (ca.1709)
Antonio Vivaldi (1678-1741)
Concierto para cuerdas en re menor ‘Madrigalesco’ (ca. 1720)
Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Cantata Ich habe genug (1727)
Johann Christoph Bach (1642-1703)
Cantata (lamento) Ach dass ich wasser g’nug hätte zum weinen
A. Vivaldi
Cantata Pianti, sospiri e dimandar mercede
Antonio Caldara (1670-1736)
De La Passione di Gesù Cristo Signor Nostro
Sinfonía para cuerdas y continuo nº 12 en la menor (1730)
Melchior Hoffmann (1679-1715)
Schlage doch, gewünschte Stunde (atribuida a J.S. Bach)
G.F. Haendel
I will magnify Thee (1717/18)

Cecilia Bartoli

Los amantes del barroco estamos de fiesta con la programación que el Teatro Real ha preparado para esta primavera. Cecilia Bartoli y Franco Fagioli en su ciclo de “Voces del Real”, para preparar el estreno de Rodelinda, la obra de Händel que llega por primera vez a este teatro.

Cecilia Bartoli llegaba acompañada del siempre original Sergio Ciomei al piano. “Un viaje por 400 años de música italiana” es el nombre de la gira que la mezzosoprano italiana realiza estos días por España. No resulta fácil hacer una selección de 20 obras de un período tan amplio, ni mucho menos tener la capacidad de interpretar tan variado repertorio. Pero Cecilia Bartoli tiene el poder de la versatilidad, entre otros.

Lo ha demostrado una vez más este domingo en el Teatro Real, ofreciendo un recital de largo recorrido que tuvo como protagonistas a Giulio Caccini (1551-1618), Alessandro Scarlatti (1660-1725), Antonio Caldara (1670-1736), Antonio Vivaldi (1678-1741), Georg Friedrich Händel (1685-1759), Mozart (1756-1791), Gioacchino Rossini (1792-1868),
Vincenzo Bellini (1801-1835), Gaetano Donizetti (1797-1848), Giacomo Puccini (1858-1924), Francesco Paolo Tosti (1846-1916), Stefano Donaudy (1879-1925), E.A. Mario (1884-1961), Salvatore Gambardella (1871-1913), Ernesto de Curtis (1875-1937) y el mismísimo Domenico Modugno (1928-1994).

La Bartoli aborda este variado programa otorgando a cada obra el carácter y personalidad que le corresponde. Y lo hace como siempre, con maestría y sin aparente esfuerzo. Profundiza como nadie en las arias dramáticas e intensifica las de bravura, en ese repertorio barroco que conoce a la perfección.

Las cualidades de Cecilia Bartoli no son solo vocales. La singularidad en su forma de interpretar, su capacidad de transmitir y comunicarse con un público que la adora y al que mantuvo en efervescente tensión durante las dos horas que duró el recital, son habilidades que la cantante romana gestiona con la misma destreza que la coloratura o unos pianísimos que encandilaron a todos.

El público le pidió verla en una ópera completa. Esperemos que así sea.

Minkowski y Bach

Les Musiciens du Louvre, considerada una de las mejores orquestas del mundo dedicadas a la música barroca, debutan en Ibermúsica con una obra emblemática: la Pasión según San Juan, BWV 245, de Johann Sebastian Bach, una pieza escrita para voces solistas, coro y orquesta, basada en el Evangelio de San Juan. En el concierto que tendrá lugar el jueves 6 de abril en el Auditorio Nacional de Música, la agrupación francesa estará dirigida por su fundador, Marc Minkowski.

Del músico de Leipzig han llegado a nuestros días dos pasiones, la que abordarán Les Musiciens en la 47ª temporada de Ibermúsica y la de San Mateo (BWV 244). Ambas composiciones están consideradas como las más destacadas de este género en la historia de la música. En el caso de la Pasión según San Juan –estrenada el Viernes Santo de 1724 en la Iglesia de San Nicolás, Leipzig– se trata de una obra más, tensa y dramática que la dedicada al Evangelio de San Mateo.

LES MUSICIENS DU LOUVRE

Fundada en 1982 por Marc Minkowski, esta orquesta ofrece una reinterpretación del repertorio lírico y sinfónico desde el período Barroco hasta el Moderno con instrumentos de época. A lo largo de su historia ha forjado su reputación con exitosas representaciones de Haendel, Purcell y Rameau; pero también de Haydn y Mozart (Misa en do menor) y más recientemente de Bach (Misa en si menor, Pasión de San Juan) o de Schubert (la integral de las sinfonías) en grabación y en concierto.

También es muy apreciado por su interpretación de la música francesa del siglo XIX. Ha organizado proyectos focalizados en Berlioz (Sinfonía Fantástica, Les Nuits d’été, Harold en Italie), Bizet (música adicional para L’Arlésienne) y Massenet (Cendrillon).

Sus éxitos líricos más recientes son Alceste (Opéra Garnier, París); Orfeo ed Euridice, de Gluck (Salzburgo, Grenoble); Platée, de Rameau (Opéra Garnier, París); una Gala Mozart para celebrar los 30 años de la Orquesta; Cuentos de Hoffmann, de Offenbach (Salle Pleyel, París); El holandés errante; de Wagner (Versailles Opéra, Grenoble, Konzerthaus de Viena, Palau de la Música, Theater an der Wien); Lucio Silla, de Mozart (Mozartwoche, Festival de Verano de Salzburgo y Festival de Bremen, donde la orquesta es regularmente invitada desde 1995); Las bodas de Fígaro (Versailles Opéra) y Fidelio (Wienerfestwochen).

En esta temporada, Les Musiciens ha sido testigo de la creación del segundo opus de la Trilogía Mozart/ Da Ponte, Don Giovanni en Versalles, Armide (Gluck), al mismo tiempo que Alcina (Haendel) en Wiener Staatsoper, que serán escuchadas en versión de concierto en Burdeos y París. Asimismo han interpretado un programa de sinfonías y un concierto de Mozart y Haydn en la Ópera Nacional de Lyon y en Grenoble, donde han compartido escenario con la violonchelista Anne Gastinel.

En cuanto a su discografía, después de grabar la integral Sinfonías londinenses de Haydn para Naïve (2010) y Sinfonías de Schubert (2012), la Orquesta publicó El holandés errante de Dietsch y de Wagner (2013).

MARC MINKOWSKI

Desde muy joven, Marc Minkowski decidió convertirse en director. A los 19 años fundó Les Musiciens du Louvre, que ha jugado un papel muy activo bajo su liderazgo en el renacimiento de la interpretación Barroca. Inicialmente, el grupo se centró en los compositores franceses y la música de Haendel antes de expandir su repertorio para incluir a Mozart, Rossini, Offenbach y Wagner.

Es invitado habitual en las salas de París, donde ha dirigido producciones como Platée, Idomeneo, La flauta mágica, Ariodante y Alceste en la Ópera Nacional; La Bella Helena, Carmen y Die Feen en Théâtre du Châtelet; así como La dama blanca, Pelléas et Mélisande y Die Fledermaus en Opéra Comique. Ha dirigido también proyectos operísticos en el Festival de Salzburgo (El rapto en el serrallo, Mitridate, Così fan tutte, Lucio Silla), Bruselas (Les Huguenots y Il Trovatore), Zurich, Venecia, Moscú, Berlín, Ámsterdam, Viena (Hamlet y El holandés errante en Theater an der Wien y Alcina en Wiener Statsoper) y Aix-en-Provence (L’incoronazione di Poppea, Las bodas de Fígaro, El rapto en el serrallo, Idomeneo, Don Giovanni e Il turco in Italia). En la temporada 14/15 debutó en Royal Opera House, Covent Garden y en Teatro alla Scala de Milán. Para el Festival Drottningholm en Suecia trabaja actualmente en la Trilogía Mozart/ Da Ponte, que arrancó en el verano de 2015 con una magnífica interpretación de Las bodas de Fígaro.

Es también un director muy demandado en la escena de conciertos, dirigiendo orquestas como Staatskapelle Dresden, Berliner Philharmoniker y Wiener Philharmoniker, Orquesta Mozarteum de Salzburgo, Mahler Chamber Orchestra, Cleveland Orchestra y la Orquesta del Teatro Mariinski, donde también dirige obras de los siglos XIX y XX.

Como director artístico de la Semana Mozart desde 2013, invitó a Bartabas y su Academia ecuestre de Versalles a actuar en una producción de Davide penitente, de Mozart, en 2015 en Felsenreitschule, la antigua escuela de equitación Barroca de verano. En 2011 fundó el Festival Ré Majeure en la Isla de Ré, en la costa atlántica francesa. Desde septiembre de 2016 Minkowski ejerce como nuevo gerente de la Opéra National de Bordeaux.

PROGRAMA JUEVES 6 DE ABRIL

Auditorio Nacional de Música, Sala Sinfónica, 19:30 horas

Duración aproximada 134 minutos

Les Musiciens du Louvre

Marc Minkowski, director titular

Bach La Pasión según San Juan, BWV. 245

Joel Prieto

El tenor Joel Prieto, ganador del Concurso Operalia en 2008, debutó en enero en la Ópera de Los Ángeles (Estados Unidos) como Belmonte en la ópera mozartiana El rapto del Serrallo -“probablemente el papel más difícil que he cantado en mi carrera”, según el joven cantante-, obteniendo un considerable triunfo personal, tanto de público como de crítica [“Prieto aportó virtudes vocales mozartianas con una delicada línea de canto, excelente en el pasaje y con un fiato infinito… La suya es una voz de auténtica calidad… Su actuación rozó la perfección”. “Joel Prieto cantó un Belmonte casi con el sonido de un oboe, siempre en el centro exacto de la nota”]. El tenor nacido en Madrid, criado en Puerto Rico y formado en Nueva York, sigue fiel a Mozart y en abril, mayo y junio regresará a la Semperoper de Dresde (Alemania) esta vez para mostrar su Belmonte en siete funciones, mientras que, el 28 de abril, ofrecerá una única actuación como príncipe Tamino de Die Zauberflöte en el Gran Teatro de Varsovia (Teatr Wielki, Polonia), sede de la Ópera Nacional Polaca. Se trata de una reposición de la aplaudida puesta en escena de Barrie Kosky y Suzanne Andrade que Prieto ya ha interpretado tanto en el Teatro Real de Madrid (España) como en el principal coliseo de la capital polaca.

En Dresde, en cambio, Joel Prieto será Belmonte en un montaje firmado por Michiel Dijkema, con Christopher Moulds a la batuta.

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Don Giovanni ABAO-OLBE

ABAO-OLBE (Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera) programa por tercera vez en su historia Don Giovanni de Mozart, obra maestra de la historia y la cultura. Los próximos días 18, 21, 24 y 27 de febrero, con el patrocinio de la Diputación Foral de Bizkaia, sube a escena esta ópera a la que Wagner calificó como “la ópera de las óperas” y Rossini consideraba “su biblia particular”.

Este drama jocoso, que recrea el mito de Don Juan, tan popular en todos los ámbitos de la cultura, es un drama con guiños bufos, en el que se representa un relato complejo y ambiguo, lleno de dolor, pasión amorosa, venganza, ira y muerte. Para dar vida a los protagonistas de este título que cierra la trilogía de Da Ponte del compositor austriaco, ABAO-OLBE ha reunido a un elenco encabezado por el barítono británico Simon Keenlyside CBE quien debuta en la Asociación bilbaína para dar vida al libertino de vitalidad deslumbrante ‘Don Giovanni’. A su lado regresa a Bilbao el bajo menorquín Simón Orfila como el sirviente ‘Leporello’, el rol de ‘Doña Anna’ recae en la soprano canaria Davinia Rodríguez en el que también es su retorno a la capital vizcaína. Junto a ellos completan el cartel la soprano italiana Serena Farnocchia como ‘Doña Elvira’ en la que es su presentación en ABAO, los regresos del tenor navarro José Luis Sola como ‘Don Ottavio’ y la soprano donostiarra Miren Urbieta-Vega como ‘Zerlina’ y los debuts de los bajos italianos Giovanni Romeo y Gianluca Buratto como ‘Masetto’ y ‘Comendador’ respectivamente.

La parte musical está a cargo de una batuta conocida por el público bilbaíno, la directora musical canadiense Kery-Lynn Wilson, quien se pone al frente de la Euskadiko Orkestra Sinfonikoa para dirigir una de las obras maestras del genio austriaco. La parte coral es una vez más tarea del Coro de Ópera de Bilbao, con Boris Dujin al frente.

En el escenario una producción del Palau de les Arts de Valencia ideada por uno de los grandes revolucionarios de la escena operística Jonathan Miller CBE, quien firma también la escenografía y la iluminación. De concepción clásica, corpórea y absolutamente respetuosa con el libreto, destaca un vestuario suntuoso lleno de detalles firmado por Claire Mitchel. La reposición en Bilbao la dirige Allex Aguilera, e incluye el minuet y las bandas en escena donde actúan cuarenta coralistas y veinte actores y bailarines.

Conferencia sobre “Don Giovanni”

Con el fin de analizar, con carácter previo al estreno, los aspectos más relevantes de esta ópera de Mozart, ABAO-OLBE ha organizado una conferencia, de entrada libre hasta completar aforo, para el viernes 17 de febrero en el Auditorio del Museo de Bellas Artes (entrada por la puerta Chillida) a las 19.15 horas. En esta ocasión, Carlos Imaz, músico, barítono y colaborador habitual de ABAO-OLBE, descubre los entresijos de Don Giovanni.

Sokolov_Klaus Rudolf

“Con un grande del piano como Sokolov es difícil mantener contenido el entusiasmo” The Times

Maestro del piano y artista de culto, Grigory Sokolov regresa al escenario del Auditorio Nacional de Música de Madrid el próximo 20 de febrero, dentro de la programación de la 22ª temporada del Ciclo Grandes Intérpretes de la Fundación Scherzo. El calificado como “mejor pianista vivo” por músicos mediáticos como James Rhodes, abordará en esta ocasión obras de W. A. Mozart y L. V. Beethoven. Cierra así una gira por España que comienza en Barcelona (12 de febrero) y continúa en Oviedo (14 de febrero), Bilbao (16 de febrero), Valencia (18 de febrero) y, finalmente, Madrid. Además, este año será la vigésima ocasión que Sokolov actúe dentro de la programación de Scherzo. Desde su debut en 1996 ha participado en prácticamente todos los ciclos organizados, primero, por la revista Scherzo y, posteriormente, por la Fundación Scherzo.

Sokolov nació en San Petersburgo (entonces Leningrado) en 1950. Allí se formó musicalmente en el conservatorio y ofreció su primer recital a los 12 años. Con tan solo 16 ganó el Concurso Internacional Chaikovski de Moscú y su candidatura fue defendida por el presidente del jurado, Emil Gilels. No obstante, mientras que anteriores premiados en este mismo concurso alcanzaron rápidamente fama mundial, el viaje de Sokolov quedó restringido. Otros artistas soviéticos huyeron a Occidente en busca de una mayor libertad personal, pero el intérprete prefirió quedarse en Leningrado para centrarse en su arte. Sólo después de la caída del Muro de Berlín empezó a disfrutar de un reconocimiento internacional más amplio.

Ha trabajado con orquestas como Concertgebouw de Ámsterdam, Filarmónica de Nueva York, Filarmónica de Múnich, Sinfónica de Viena, Sinfónica de Montreal, Orquesta del Teatro alla Scala y Filarmónicas de Moscú y San Petersburgo y entre las españolas con la Orquesta Sinfónica de Galicia. Hace unos años decidió dedicarse por completo a los recitales. Así, actúa regularmente en la Konzerthaus de Viena, la Philharmonie de Berlín, el Théâtre des Champs-Elysées de París, la Tonhalle de Zúrich, la Filarmonía de Varsovia, el Auditorio Nacional de Madrid, el Conservatorio de Milán, la Academia de Santa Cecilia de Roma, La Fenice de Venecia; así como en salas de Múnich, Hamburgo, Barcelona, Estocolmo, Helsinki, Lisboa, Luxemburgo, el Festival Klavier, el Festival de Colmar y el Festival de La Roque d’Anthéron.

Sokolov es artista exclusivo del sello Deutsche Grammophon. Debutó en esta discográfica en 2015 con su Salzburg Recital, que obtuvo un gran éxito y se convirtió en el disco más vendido de música clásica esa temporada. Su último álbum, publicado en enero de 2016, recoge algunas de las últimas piezas de Schubert, como los Impromptus, o la poderosa sonata de Beethoven, Hammerklavier.

Ha actuado en 19 ocasiones en el Ciclo de Grandes Intérpretes, haciendo de cada concierto una de las citas sublimes del calendario. Tras uno de sus últimos conciertos en España, el periodista Javier Pérez Senz comentó: “Es tanta la sabiduría y la humildad de este generoso intérprete -entra y sale rápido del escenario, casi sin pararse a recibir los aplausos- que al salir del concierto, tras una apoteósica tanda de seis propinas, te sientes mucho más feliz y agradecido por tanta emoción compartida”.

Tras la inauguración de la 22ª temporada de Grandes Intérpretes por Daniil Trifonov, Sokolov es el segundo artista invitado. Entre los meses de enero y noviembre de 2017 están programados una decena de conciertos: nueve recitales de piano y un concierto extraordinario de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar junto al Orfeó Català. La 22ª edición del Ciclo Grandes Intérpretes reunirá a músicos de la talla del propio Sokolov, Perianes, Zacharias, Angela Hewitt , Ashkenazy o Piotr Anderzewski. A lo largo de las más de dos décadas de vida de este ciclo, han actuado un total de 80 pianistas en más de 200 conciertos, de los que han disfrutado 300.000 personas.

PROGRAMA LUNES 20 FEBRERO
Auditorio Nacional de Música, 19:30 horas

  1. A. MOZART

Sonata en Do Mayor nº16 “Facile” , K.545 (1788)

Allegro, Andante, Rondo allegretto

Fantasía en Do menor K.475 (1785)

Adagio, Allegro, Andantino, Più allegro; Tempo primo

Sonata en Do menor KV.457 (1784)

Molto allegro, Adagio, Allegro assai

  1. V. BEETHOVEN

Sonata en Mi menor n. 27 op. 90 (1814)

  1. Mit Lebhaftigkeit und durchaus mit Empfindung und Ausdruck
  2. Nicht zu geschwind und sehr singbar vorgetragen

Sonata en Do menor n. 32 op. 111 (1822)

  1. Maestoso – Allegro con brio ed appassionato
  2. Arietta: Adagio molto semplice cantabile
28 horas en Les Arts

El Palau de les Arts Reina Sofía ofrece 28 horas ininterrumpidas de actividad gratuita para celebrar el cumpleaños de Wolfgang Amadeus Mozart con ‘Mozart Nacht und Tag’, los días 27 y 28 enero. Se trata de una nueva iniciativa para todos los públicos alrededor de la figura del genio de Salzburgo y su repercusión en las diferentes disciplinas artísticas.

Según ha explicado hoy en conferencia de prensa el Intendente de Les Arts Davide Livermore, la idea surge de una propuesta que él mismo introdujo en el Teatro Baretti de Turín y que en Les Arts se canaliza a través del Programa Didáctico, que dirige Víctor Gil.

Diferentes profesionales, instituciones y artistas colaboran de forma voluntaria en la puesta en marcha de esta “inédita maratón artística”: la Universitat de València, a través de los departamentos de Filología Inglesa y Alemana; el Conservatorio Superior Salvador Seguí, de Castelló; los Conservatorios Joaquín Rodrigo, José Iturbi y número 1 de Valencia; así como el Instituto de Secundaria Lluís Vives, el Centre Plácido Domingo, los músicos Eduardo Díaz, Elizabete Šīrante, Gianluca Tavaroli y la solista de la OCV Susana Gregorian.

Davide Livermore les ha trasladado su gratitud junto a los profesionales de Les Arts implicados en la actividad, además de a Gourmet Catering & Espacios por su contribución “para lograr la I edición de ‘Mozart Nacht und Tag”.

El abanico de posibilidades abarca desde talleres didácticos, recitales, sesiones de música DJ, proyecciones, lecturas, música de cámara, ballet y una charla-café que acogerán el Aula Magistral, el Teatre Martín i Soler y la Sala Principal. Un total de 21 propuestas, que a excepción de los talleres, serán de libre acceso hasta completar el aforo de las salas o espacios habilitados.

La actividad comienza a las 20.00 h del 27 de enero con un recital de Lied a cargo de los cantantes del Centre Plácido Domingo, en el Teatre Martín i Soler.

De forma paralela, 35 alumnos de Educación Primaria llegarán al teatro, alrededor de las 20.30 h, para ser los primeros en pasar una noche en el Palau de les Arts y conocer mejor la figura de Mozart gracias al trabajo de alumnos del Máster Universitario en Profesor/a de Educación Secundaria, que organiza el departamento de Filología Inglesa y Alemana de la Universitat de València.

Media hora después, el Vestíbul del Teatre Martín i Soler acogerá una Lectura acompañada de piano de las ‘Cartas’ de Mozart, realizada en colaboración con los alumnos de Lengua Alemana del Instituto Lluís Vives, seguido de un recital de violín de la profesora de la Orquestra de la Comunitat Valenciana, Susanna Gregorian.

A las 22.30 h, antes de dirigirse a la Sala Principal para dormir, los más pequeños asistirán

a una sesión educativa sobre “La flauta mágica”, la ópera de Mozart que goza del favor de niños y adultos, en la Sala de Ensayos A, que Les Arts utiliza para los trabajos previos a los ensayos en la Sala Principal.

Al mismo tiempo, el vestíbulo del Teatre Martín i Soler se transformará en un animado café para charlar sobre las ‘Cartas’ de Mozart e intercambiar opiniones sobre la figura del genio de Salzburgo.

A partir de la medianoche, Les Arts propone dos alternativas para el público más trasnochador cine o música DJ.

El Teatro Martín i Soler se convertirá en un cine para 380 personas con dos proyecciones emblemáticas: ‘Juan’, de Kasper Holten, prestigioso director de escena danés y anterior director artístico del Covent Garden, con el barítono Christopher Maltman como protagonista, y ‘Amadeus’, la oscarizada visión de Miloš Forman sobre el genial compositor.

Por su parte, el vestíbulo del Aula Magistral se transformará en una singular pista de baile con dos sesiones de música DJ sobre obras de Mozart, con los pinchadiscos Gianluca Tavaroli y Eduardo Díaz como artífices del espectáculo.

La mañana del día 28 comienza con el desayuno de los más pequeños, cortesía de Gourmet Catering & Espacios, en el Vestíbul Principal, que pone punto y final al taller didáctico alrededor de Mozart.

A partir de las 11.00 h el Teatre Martin i Soler y el Aula Magistral albergan un intenso ciclo de recitales junto con una sesión de ballet. A las 11.00 h, Elizabete Šīrante, del Conservatorio Superior Joaquín Rodrigo, protagoniza una matinée pianística con obras del prodigioso autor. Hora y media después, la danza llega de la mano de jóvenes bailarines que han mostrado su talento en diferentes espectáculos de Les Arts y que se suman de manera voluntaria a estas jornadas con el montaje ‘Mozart und Tanz’ en el Teatre Martín i Soler.

Mozart Nacht und Tag’ incluye cuatro propuestas de música de cámara y dos recitales de voz. El Aula Magistral recibe, a las 13.00 h, a músicos del Conservatorio Municipal José Iturbi para la primera sesión camerística, que dejará paso a un recital a cargo de alumnos del Conservatorio Superior Joaquín Rodrigo, a las 15.45 h. El epicentro musical se desplaza a partir de las 16.00 h al Teatre Martín i Soler con dos sesiones de cámara que ofrecen instrumentistas del Conservatorio José Iturbi, a las 16.00 h, y del Conservatorio Superior Salvador Seguí, a las 18.15 h.

Los intérpretes del Conservatorio Superior Joaquín Rodrigo son los protagonistas de las dos últimas sesiones de música de cámara y de música vocal que ofrece Mozart Nacht und Tag, a las 19.15 h en el Aula Magistral y a las 20.30 h en el Teatre Martín i Soler.

Los artistas del Centre Plácido Domingo clausurarán la maratón mozartiana a las 22.30 h con un recital con arias de óperas del genio de Salzburgo en su escenario de referencia, el Teatre Martín i Soler.

Davinia Rodríguez

La versátil soprano española Davinia Rodríguez vuelve a meterse en la piel de un personaje mozartiano, esta vez en la temporada bilbaína de ABAO-OLBE:
será la Donna Anna del Don Giovanni mozartiano que la Ópera de Bilbao propone los días 18, 21, 24 y 27 de febrero. “Siempre es sano volver a Mozart”, asegura la cantante canaria, “ya que su música y la forma en la que están escritas las líneas vocales de sus personajes poseen tanta perfección y frescura que le hacen muy bien a las voces”.

Davinia Rodríguez, ya conocida por el público bilbaíno, se muestra “muy feliz” de volver a cantar en esa temporada artística, “una de las más importantes de España; en Bilbao, además, me encuentro muy a gusto, es como volver a casa”, apunta. Ahora lo hace tras haber incorporado a su repertorio en las últimas semanas a dos personajes emblemáticos como son la verdiana Lady Macbeth de Macbeth –considerado como uno de los más complejos y difíciles de su cuerda– en Viena y Nedda, de Pagliacci, de Leoncavallo, en Turín. “Como Donna Anna, se trata de mujeres con mucho carácter y que saben cómo desenvolverse en sus respectivos ambientes. Claro que la Lady y Nedda no acaban nada bien, pero tampoco Donna Anna, ya que aunque vengue la muerte de su padre, el Comendador, se queda sin su amado seductor”.

El Don Giovanni de Bilbao, una producción de Jonathan Miller, contará con la dirección musical de Keri-Lynn Wilson y junto a Davinia Rodríguez encabezan el reparto Simon Keenlyside, Simon Orfila y María Bayo.

Más info:
www.daviniarodriguez.com

Joel Prieto

Joel Prieto viene dedicando gran parte de su trayectoria profesional a la obra de Mozart. Desde que se hiciera con el primer premio del Concurso de canto Operalia en 2008, el tenor nacido en Madrid y formado en Puerto Rico y Nueva York ha encontrado en la obra del genio de Salzburgo a uno de sus grandes aliados. A finales de enero debutará en la Ópera de Los Ángeles (Estados Unidos) interpretando por primera vez en su carrera a otro hijo de Mozart, Belmonte, protagonista de El rapto del Serrallo. Después de un año consagrado casi en exclusiva a Tamino, el príncipe de Die Zauberflöte (en Madrid y Varsovia y a Ferrando, de Così fan tutte (en Aix-en-Provence, Nueva York, Londres y Edimburgo), Joel Prieto comienza 2017 con la incorporación de este nuevo rol en su repertorio, título que más tarde interpretará en la Semperoper Dresde (Alemania). “El papel de Belmonte es probablemente el personaje mozartiano más difícil que he cantado hasta ahora. Es una especie de mezcla de Tamino, Don Ottavio y Ferrando, todo en uno. Se necesita un buen dominio de la línea de canto, tener buena dicción, controlar las coloraturas, negociar bien el pasaje de la voz; además es agudo y hay que profundizar mucho en el plano emocional. Con este tipo de roles se necesita mucha experiencia en el estilo. De hecho me lo ofrecieron hace muchos años y entonces dije que no, porque intuitivamente sabía que tenía mucho que aprender”. Para el tenor se trata de un personaje “muy completo, el cual estoy muy contento de debutar en este momento de mi carrera después de haber cantado diversos roles mozartianos por más de 10 años en muchos teatros del mundo”.

Pero no todo es Mozart en la agenda del joven cantante. Además de haber cantado la ópera de Berlioz Béatrice et Bénédicte (Toulouse) en septiembre y octubre, en diciembre se consagra a Beethoven al viajar a Tokio con la Novena Sinfonía junto a la NHK Symphony Orchestra y al coro de los Tokyo Opera Singers.

En Los Ángeles interpretará seis funciones de El rapto (28 de enero, y 4, 8, 12, 16 y 19 de febrero) en una producción que firma James Robinson contando con el director musical de la LA Opera en el podio, James Conlon.

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La clemenza de Tito en el Teatro Real de Madrid

Apartemos de nuestra vida todo lo que no sea amor…”, cantan a dúo Annio y Servilia en uno de los momentos de mayor romanticismo de esta ópera. Y muy enamorado hay que estar para adentrarse con éxito en el hielo escenográfico que proponen Ursel y Karl-Eenst-Rousset en su propuesta de la última ópera compuesta por Mozart escrita para los fastos de coronación de Leopoldo II como Rey de Bohemia.

El tiempo pasa para esta producción que resultó un éxito en su estreno, allá por 1982. Ya había envejecido cuando se llegó a este mismo teatro en 2012, y ahora ha envejecido aún más. Sigue pareciendo la sala de espera de un geriátrico de la antigua Unión Soviética, como contamos en 2012.

Una caja escénica de un blanco radiantemente iluminado que no permitía a los espectadores de patio de butacas leer los subtítulos, terminó aburriendo y enfriando, no solo al público, también a unos cantantes a los que les costaba seguir el ritmo de la obra. En parte por el contagio del ártico escenario, y en parte por los eternos silencios para realizar mínimos cambios escénicos en los que Roma, una de las protagonistas del libreto, apenas se insinúa con la aparición de alguna columna. No es mala la intención de los directores de escena al querer resaltar los aspectos más psicológicos de los personajes potenciando la ausencia de elementos en el escenario, pero no era necesario llegar a tanto.

Los recitativos se convierten en rutinarios cuando no existe nada en lo que apoyarse, ni visual ni escénicamente. Menos mal que Mozart acudía permanentemente al rescate de todos, público y cantantes, quedando inmediatamente confortados por la música del genio.

La dirección musical de Christophe Rousset, buen conocedor de este repertorio y experto clavecinista, fue haciéndose lenta tras una buena obertura. Los recitativos, acompañados por el propio Rousset al fortepiano, resultaban pobres, si tenemos en cuenta su virtuosismo, y se hacían eternos. Sobre todo en una segunda parte algo tediosa.

Sin duda el conjunto vocal de esta producción mejora el de 2012. Bernard Richter es un tenor lírico con un buen volumen de voz y la agilidad suficiente para construir un Tito resuelto. Sus medios y agudos son potentes y brillantes. Más dificultades tuvo con los graves y con el tempi de los recitativos.

La canaria Yolanda Auyanet estuvo espléndida en su papel de Vitellia. Una voz que está madurando con gran calidad. Limpia y sin artificios. Buen fraseo que recorría con agilidad su particella. Pero brilló aún más en la parte interpretativa. Puso la chispa y la intención en el desangelado escenario.

También brilló la pamplonesa Maite Beaumont como Sesto. Se esforzó sobremanera para que se escuchara su voz. Mejor en boca de escenario.

Anna Palimina, nacida en Moldavia, se desenvolvió muy bien en el papel de Servilia. La pena fue el vestuario que le pusieron, sobre todo los zapatos.

Otra sorpresa agradable de la noche fue la mezzosoprano canadiense Sophie Harmsen como Annio. Voz ligera y de hermoso timbre. Sus agudos bien podrían hacerle pasar por soprano.

El barítono italiano Guido Loconsolo tiene una buena presencia escénica, pero su Publio se sentía muy incómodo fuera de los registros más graves. Como al resto, los lentos y aburridos recitativos fueron más un problema que un desahogo.

El Coro Titular del Teatro Real como siempre, magnífico. Se esperaba su participación como agua de mayo para romper la rutina escenográfica.

Una reposición que ha servido para rendir homenaje al recordado Gerar Mortier, quien encargó esta producción. Fuera de esta conmemoración, esta Clemenza no da para mucho más.

LA CLEMENZA DE TITO
Wolfgang Amadeus Mozart
Ópera seria en dos actos
Libreto de Pietro Metastasio, adaptado por Caterino Mazzolà
Estrenada en el Teatro Nacional de Praga el 6 de septiembre de 1791
Estrenada en el Teatro Real el 12 de marzo de 1999
D. musical: Christophe Rousset
D. escena: Ursel y Karl-Ernst Herrmann
Escenógrafo, figurinista e iluminador: Karl-Ernst Herrmann
D. coro: Andrés Máspero
Reparto: Bernard Richter, Yolanda Auyanet, Maite Beaumont, Anna Palimina, Sophie Harmsen, Guido Loconsolo
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real
Vídeos: Teatro Real

La clemenza de Tito

El Teatro Real estrenará el próximo sábado, 19 de noviembre, la ópera La clemenza di Tito, último título de Wolfgang Amadeus Mozart, que regresa al Teatro Real con la mítica producción creada y dirigida por el matrimonio Ursel y Karl-Ernst Herrmann, procedente del Festival de Salzburgo y precedida por el éxito que la acompañó en su presentación en el Real en 2012 programada por Gerard Mortier.

En esta ocasión, La clemenza di Tito contará con la dirección musical del reputado director Christophe Rousset, gran experto en este repertorio, que se colocará frente a un doble reparto y el Coro y la Orquesta Titulares del Teatro Real.

En la interpretación de los papeles principales se alternarán los tenores Jeremy Ovenden y Bernard Richter (Tito), las sopranos Karina Gauvin y Yolanda Auyanet (Vitellia), las mezzosopranos Monica Bacelli y Maite Beaumont (Sesto) y las sopranos Sylvia Schwartz y Anna Palimina (Servilia).

La clemenza di Tito fue escrita con motivo de la coronación de Leopoldo II como rey de Bohemia y se estrenó el 6 de septiembre de 1791, en el Teatro Nacional de Praga, horas después de la ceremonia. Fue la última creación del compositor de Salzsburgo, pero no en ser estrenada, pues unos días después, el 30 de septiembre, vería la luz La flauta mágica.

La ópera cuenta la historia del emperador Tito, al que retrata como hombre recto y justo, pero también clemente, capaz de perdonar a su amigo íntimo, Sesto, y a su prometida, Vitellia, que habían intentado asesinarle. Basada en la obra original de Pietro Metastasio, adaptada por Caterino Mazzolà, seis personajes se enfrentan a una partitura tan hermosa como difícil, en la que la voz es un instrumento más, y donde cada uno ofrece al espectador sus más íntimos sentimientos, como en una tragedia griega.

Ursel y Karl-Ernst Herrmann conciben un espacio escénico desnudo, blanco y luminoso que consigue realzar el conflicto de pasiones que teje el argumento. La acción interior se concentra en un lugar único, “frío y casi abstracto”, en el que los sentimientos contradictorios del drama, con su mensaje atemporal, resultan aún más desgarradores. La acción exterior abre las puertas sobre una imaginada Roma imperial.

Mortier amaba de forma especial esta ópera y sentía gran predilección por la puesta en escena de los Herrmann, a quienes se la había encargado cuando dirigía el Teatro de La Monnaie en Bruselas y que supuso el inicio del tándem como codirectores de escena, diseñadores de escena y vestuario. De La clemenza afirmaba: “es el ejemplo de una inspirada narración moderna del siglo XVIII sobre la grandeza de la clemencia por parte de los gobernantes. Una grandeza que se refleja en el espacio blanco de la escena en el que los personajes son desmenuzados hasta el más pequeño detalle“.

Así, con la reposición de esta producción, el Teatro Real quiere rendir homenaje al que fue su director artístico.

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Joel Prieto

Joel Prieto, nacido en Madrid y criado en Puerto Rico, continúa imparable con su carrera internacional, muy centrado en la obra de su compositor predilecto, Wolfgang Amadeus Mozart. Después de ser Tamino (Die Zauberflöte) en Madrid y Ferrando (Così fan tutte) en el Festival de Aix-en-Provence (Francia), el Mostly Mozart de Nueva York, en los Proms de Londres y en el Festival de Edimburgo (Escocia), este afamado cantante formado entre Puerto Rico y Estados Unidos ha realizado una pausa en su agenda mozartiana para encarnar a Bénédicte de la ópera de Berlioz Béatrice et Bénédicte en el Théâtre du Capitole de Toulouse (Francia) durante septiembre y octubre.

En diciembre debutará en el Teatr Wielki, el Gran Teatro de Varsovia (Polonia), para volver a meterse en la piel del Príncipe Tamino de Die Zauberflote, y lo hará en la misma producción en la que triunfara en el Teatro Real de Madrid el pasado mes de enero, firmada por Suzanne Andrade y Barrie Kosky, y en la que la obra del genio de Salzburgo se presenta como un homenaje a las películas del cine mudo (días 11, 13, 15 de diciembre).

Más tarde viajará a Tokio (Japón) para interpretar la Novena Sinfonía de Beethoven junto a la NHK Symphony Orchestra y al coro de los Tokyo Opera Singers (21, 23, 24, 25, 27), bajo la dirección del maestro Herbert Blomstedt; este compromiso marcará su debut en el país asiático y será la primera vez que cante la monumental composición del maestro de Bonn.

Joel Prieto comenzará 2017 con un nuevo e importante paso en su carrera: su debut en la Ópera de Los Ángeles (Estados Unidos), siempre con Mozart, esta
vez con Belmonte de El rapto en el Serrallo.

http://joelprieto.com/

San Sebastián

La Quincena Musical de San Sebastián inicia su 77º edición, que se celebra entre el 4 y el 31 de agosto, con 16.000 entradas vendidas y siete citas con cartel de no hay billetes o a punto de llenar todas las localidades. “La Quincena 2016 empieza con buen pie: a pocos días del comienzo tenemos agotados dos de los grandes conciertos del Kursaal -¡el de clausura se vendió en menos de dos horas!- y hay otros cinco que están al borde del lleno. Además, la renovación de abonos ha sido del 100%”, ha señalado Patrick Alfaya, director artístico del festival. Según el responsable de la programación, esta edición resalta como la más coral de los últimos años. Además de las agrupaciones habituales (Orfeón Donostiarra, Andra Mari o Easo), también estarán Monteverdi, Collegium Vocale Gent, Balthassar Neumann y Orfeón Pamplonés.

El ciclo del Auditorio Kursaal arranca el 5 de agosto con “La Pasión según San Mateo”, de J.S. Bach, a cargo de sir John Eliot Gardiner, que dirigirá a English Baroque Soloist, Monteverdi Choir y la veintena de jóvenes que componen el Easo Eskolania. Las entradas para este concierto ya están agotadas. Así como las del espectáculo de clausura el 31 de agosto, un cierre histórico que reunirá por primera vez sobre el escenario a 400 músicos de la Orquesta Sinfónica de Euskadi y la de Bilbao para interpretar el “Te Deum” de Berlioz, además de los orfeones Donostiarra y pamplonés junto a la Escolanía Easo.

Otras citas que han despertado el interés del público son la ópera “Don Giovanni”, ofrecida en versión semi – escenificada con un reparto que incluye al barítono Christopher Maltman (13 de agosto); también la actuación del conjunto de Budapest Festival Orchestra y el Orfeón Donostiarra (21 de agosto); y la de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Frankfurt con la agrupación de música coral Andra Mari Abesbatza (27 de agosto).

El festival más antiguo de música clásica en España es además, el más sostenible y en esta edición dedica un especial protagonismo a W. A. Mozart. Busca ampliar su público a través de iniciativas como #conversanDO. Gracias a este proyecto, la Quincena invita a ocho personas de edades comprendidas entre 18 y 30 años (en las jornadas del 13, 23, 24 y 27 de agosto), y de entre 30 y 55 años (21, 23, 24 y 31 de agosto), para que acudan por primera vez a un concierto de música clásica. Hasta el momento, cerca de 200 personas han disfrutado de su primer contacto con este género. De esta manera, la cita se ha convertido en una referencia esencial, reforzando la imagen de San Sebastián como ciudad cultural.

Davinia Rodríguez

Davinia Rodríguez continúa desarrollando su carrera profesional con grandes éxitos en el extranjero. La soprano canaria regresará a Italia este verano para inaugurar el Festival de Spoleto encarnando el personaje de la Condesa en la obra maestra de Mozart Le nozze di Figaro. «Se trata de un personaje al que le tengo mucho cariño», afirma Davinia Rodríguez, «un papel que ya interpreté en Sassari en 2012 y al que me encanta poder regresar después de un período en el que he estado muy concentrada en mi nuevo repertorio, con papeles de mucha envergadura. Siempre es saludable para la voz volver a Mozart».

La cantante española acaba de obtener un gran éxito como Amelia de Simon Boccanegra en su debut en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona junto a Plácido Domingo. «Además se trató de unas funciones muy especiales, ya que Plácido celebraba los 50 años de su debut en España y para mí fue todo un honor acompañarle».

Más adelante le espera uno de los debuts más importantes en la carrera de toda soprano: el del personaje de Lady Macbeth del Macbeth verdiano, con el que inaugurará la temporada del Theater an der Wien en Viena (Austria), siempre junto a Plácido Domingo.

Info: http://www.daviniarodriguez.com

Idomeneo, Mozart

El Palau de les Arts de Valencia ha realizado una fuerte apuesta, al poner en escena con producción propia, una ópera de Mozart como Idomeneo, re di Creta, poco conocida del público español, a pesar de su altísima calidad musical, ya que se suele representar en muy contadas ocasiones, al menos en comparación con otros famosos títulos mozartianos como: Las bodas de Fígaro, Don Giovanni , Così fan tutte o La flauta mágica. Las cinco representaciones programadas de Idomeneo, han resultado todo un éxito, por la masiva asistencia de público, que ha aplaudido con fuerza al final de las mismas.

Mozart recibió en el verano de 1780, el encargo del elector Karl Theodor de Baviera, de componer una ópera seria escrita en italiano, que finalmente llevaría el título de Idomeneo, re di Creta, para ser estrenada en el carnaval de Munich de 1781. El abate Giambattista Varesco fue el encargado de elaborar el libreto, donde se narraba el drama mitológico del rey de Creta Idomeneo, a su regreso de combatir en la Guerra de Troya. El prolijo y extenso libreto elaborado por Varesco ofrecía a Mozart un amplio campo para escribir música, pero pronto empezó a tener dudas sobre su estructura dramática, teniendo que revisarlo a fondo, en un intento de adecuar al máximo texto y música. Mozart estaba especialmente interesado en mostrar los contrastes entre las dos parejas de interpretes femeninos y masculinos: la dulce y bondadosa Ilia, en contraposición con la malvada y manipuladora Elettra, con sus estallidos de odio, celos e ira; el vacilante Idomeneo en contraposición con la sinceridad e idealismo que siempre muestra su hijo Idamante. Mozart comenzó la composición de la partitura a fines del verano de 1780 y, una vez terminados los dos primeros actos, en noviembre de ese mismo año, marchó a Munich donde concluyó el tercer y último acto, que le costó un gran esfuerzo, con continuas revisiones, hasta muy poco antes del estreno en el Teatro de la Corte de Munich el 29 de enero de 1781. Mozart eliminó en ese estreno muniqués varias arias ya compuestas para el Acto III: de Idomeneo “Torna la pace al core”, de Idamante “No, la morte”, la muy compleja de Elettra “D’Oreste, d’Aiace”y la de Arbace (consejero de Idomeneo) “Se colà en fati è scrito”. En el estreno de Munich, también se incluía una brillante música de ballet.

Mozart realizó una revisión de Idomeneo que se presentó de forma privada el 13 de marzo de 1786 en el Palacio del príncipe Johans Adam Auersperg de Viena. Los cantantes eran todos aficionados y pertenecientes a la nobleza. En esa versión de Viena, el papel de Idamante lo cantaba un tenor, mientras que en la de Munich lo había hecho un castrato. Mozart introdujo algunas modificaciones en la partitura: la escena de Idomeneo y Arbace en el comienzo del Acto II, es cambiada por otra donde intervienen Ilia e Idamante. En el Acto III, se incluye un nuevo dúo de Ilia e Idamante, que sustituye al escrito para el estreno de Munich.

Idomeneo cayó en el más profundo de los olvidos, y su recuperación se produjo en el Festival de Glyndebourne de 1951, con una serie de representaciones dirigidas por Fritz Busch, siendo su ayudante John Pritchard, quien se convierte en el gran avalista de esta ópera, que dirigirá en muchas ocasiones, fundamentalmente la Versión de Viena: puede escucharse el Idomeneo grabado en estudio, en 1956, con John Pritchard al frente de la Orquesta del Festival de Glyndebourne, e interpretada por Sena Jurinac (Ilia), Leopold Simoneau (Idamante), Richard Lewis (Idomeneo) y Lucilla Udovick (Elettra). También, con dirección de Pritchard, existe una toma en directo realizada en el Festival de Glyndebourne de 1964, con el Idamante, muy bien cantado por un joven Luciano Pavarotti, junto a Gundula Janowiz (Ilia), Richard Lewis (Idomeneo) y la soprano catalana Enriqueta Tarrés como Elettra. Ya, a partir de los años setenta del pasado siglo, se empezó a representar, fundamentalmente, la “Versión de Munich”, donde el papel de Idamante es cantado por una mezzo lírica. Esta es la versión que ha podido escucharse en Valencia, con la inclusión de la dificilísima aria de Elettra del Acto III “D’Oreste, d’Aiace”, que como ya se ha indicado fue suprimida por Mozart en el estreno de Munich.

Esta nueva producción de Idomeneo realizada por el Palau de les Arts, tiene como director escénico y escenógrafo a su actual Intendente Davide Livermore, quien realiza una propuesta escénica de fuerte componente visual, que se manifiesta desde el mismo comienzo de la ópera, cuando se está ejecutando la obertura, mostrándose al mismo tiempo, la imagen del rostro partido de una estatua, que se va convirtiendo en la cara de un Idomeneo, que envejece con gran rapidez, y en uno de cuyos ojos se adentra la cámara para mostrar a un astronauta vagando por el espacio (claramente inspirada en la famosa película 2001, una odisea del espacio de Stanley Kubrick) para, seguidamente, mostrarse otra imagen en cuyo fondo aparece una plataforma de lanzamiento espacial, y en un primer plano, la figura de Idomeneo despidiéndose de un niño ¡su hijo Idamante! Esta serie de imágenes coinciden con la ejecución de la obertura de la ópera, y ello -es una opinión personal- puede distraer al espectador de concentrarse en la audición de la brillante música que se está interpretando.

Esa fuerte componente visual se mantiene durante toda la representación, con proyecciones, un tanto reiterativas, de un mar en calma, o embravecido con grandes olas que rompen contra acantilados y llegan a una playa, que tiene su continuación en el propio escenario, con una lámina agua presente durante toda la representación. La escenografía se completa con plataformas metálicas que se transforman en pasarelas donde deambulan personajes como Elettra, o esos modernos atriles utilizados por Idamante e Idomeneo para dirigirse a sus súbditos.

La estética de 2001, una odisea del espacio, vuelve a estar presente en la parte final de la ópera: en primer lugar, cuando se escucha la voz del Oráculo y aparece una elegante sala dieciochesca, que vuelve a verse en el momento final de la ópera, ya con toda la simbología utilizada por Kubrick en su película: el monolito, las bolsas fetales y un personaje que avanza hacia Idomeneo para ambos fundirse en un mortal abrazo. Aunque, en realidad, Idomeneo no muere en la historia, solamente abdica en favor de su hijo Idamante. La acertada iluminación creada por Antonio Castro, produce bellos efectos que aumentan el atractivo visual escénico.

Resaltar la labor de Mariana Fracasso como diseñadora de un variopinto e intemporal vestuario, que incluye trajes espaciales, vestimentas de míticos guerreros griegos, en contraposición con modernos uniformes de soldados y policías. Y, en el caso de Elettra, el suntuoso modelo que exhibe en su entrada escénica, en comparación con ese otro vestido con minifalda y botas que utiliza en el Acto II.

Pero, la parte esencial de Idomeneo es su brillantísima música, servida por un suntuoso entramado orquestal. Aquí tuvo una muy destacada actuación Fabio Biondi al frente de la Orquesta de la Comunidad Valenciana, que volvió a demostrar su gran calidad ya desde la misma ejecución de la obertura, con el espléndido sonido de la cuerda elaborando un tema que asemeja el violento oleaje marino, y que reaparecerá de manera recurrente en diferentes momentos de la ópera. Gran labor de Biondi en los recitativos: muchos de ellos con acompañamiento orquestal que los convierten en auténticos ariosos. El sonido orquestal luce de sobremanera en las brillantes marchas y en sus diversas intervenciones junto al coro, sobre todo, en el intermedio de los dos primeros actos, en el imponente final del Acto II, y el conclusivo de la ópera. Resaltar la labor concertadora de Fabio Biondi, ya que la orquesta no se limita a subrayar y complementar a las voces, sino ir por encima y por delante de ellas. Finalmente, señalar la gran actuación orquestal en la ejecución de la brillante música de ballet (Chaconne), que cierra la representación, así como de otro pequeño ballet: “Il ballo delle donne cretesi”, que en esta producción se interpreta al reanudarse la representación, después de intermedio que se produce, durante el Acto II, al concluir el aria de Idomeneo “Fuor del mar”.

Destacada actuación de Gregory Kunde como Idomeneo, que ya se pone de manifiesto en su entrada escénica, en el Acto I, con el recitativo “Eccoci salvi alfine” seguido del aria “Vendromi intorno” muy bien cantada, alternando momentos de intenso lirismo con otros llenos de bravos acentos. Magnífica resulta su actuación en la preciosa cavatina con coro, marcada por sonido de la cuerda en pizzicato “Acogli, oh re del mar” perteneciente al Acto III, o en ese cálido discurso final “Popoli, a voi l’ultima legge”. Kunde afronta de manera notable la famosa aria del Acto II “Fuor del mar”, sobre todo en los pasajes que requieren un canto lleno de bravura, o luciendo su magnífico registro agudo en la escala ascendente con la que finaliza el aria, donde emite un si natural seguido de un do4. Tiene ciertas dificultades en los pasajes profusamente adornados que salpican este aria y que requieren una gran agilidad vocal. La joven soprano brasileña Lina Mendes, resulta excesivamente ligera en su papel de la princesa troyana Ilia, aunque ofrece su agradable timbre, junto a una buena proyección y excelente dominio de las agilidades; y, ello se puso de manifiesto, en cada una de sus líricas intervenciones: en el mismo arranque de la ópera, al interpretar con expresividad y delicados acentos “Padre, germani, addio”. Mostrando una excelente línea de canto en su aria del Acto II, “Se il padre perdei”. Su mejor momento se produce al afrontar la preciosa y delicada aria “Zeffirelli lusinghieri” del Acto III. En el papel de Idamante, la veterana mezzo Monica Bacelli, mostró un alto grado de expresividad, aunque la voz resultaba pequeña y con poca proyección, y ello se hace ostensible en sus dúos con la Ilia de Lina Mendes. Solo correcta resultó su interpretación de la primera de sus arias del Acto I “Non ho colpa, e mi condani”, mejorando su actuación en la segunda “Il padre adorato”, cantada con fuertes acentos marcados por el ritmo vertiginoso de la orquesta. Bacelli consiguió sus mejores momentos en el recitativo-dúo con Idomeneo del Acto III “Padre, mio caro padre”.

Elettra es el personaje de mejor definición dramática de toda la obra, y encontró una excelente interprete en la soprano valenciana Carmen Romeu, de bella y rotunda voz, muy bien manejada. Realizó una gran actuación, llena de teatralidad en su gran escena del Acto I, que arranca con el recitativo “Estinto è Idomeneo”, cuyo acompañamiento orquestal le da un carácter de arioso, con un canto lleno de furia y crispación, cuyo tono va in crescendo en el aria llena de dificultad “Tutte nel cor vi sento”, resolviendo con pericia los saltos de octava y con excelente dominio de las agilidades. Ya en el Acto II, su voz mostró cálidos acentos en el recitativo-aria “Chi mai del mio provo piacer piu dolce……Idol mio, se ritroso”, con una bella música en forma de danza, donde la cantante mostró un fraseo lleno de intencionalidad, en una perfecta simbiosis con la música orquestal. La actuación de Carmen Romeu tuvo su momento culminante en el aria “D’Oreste, d’Aiace” del Acto III, donde volvió a ofrecer ese canto salvaje y enloquecido del Acto I, dominando una endiablada coloratura, con muy complejas inflexiones vocales, donde mostró un amplio fiato. Algunos agudos un tanto tirantes no empañaron la excelente actuación la soprano valenciana.

Esta ópera contiene dos páginas de bella factura: el terceto del Acto II “Pria di partir, oh Dio” donde intervienen Idomeneo, Idamante y Elettra, junto al cuarteto del Acto del Acto III “Andrò ramingo e solo”, cantado por Idomeneo, Idamante, Ilia y Elettra, bien resuelto en ambos casos por los cantantes, aunque con desequilibrio entre las voces grandes de Gregory Kunde y Carmen Romeu en comparación con las más pequeñas de Lina Mendes y Monica Bacelli. Emmanuelle Faraldo en el papel de Arbace, mostró en su aria del Acto II “Se il tuo duol”, una voz en exceso ligera y de feo timbre, aunque con facilidad en el registro agudo. Las actuaciones de Alejandro López y Michael Borth, interpretando respectivamente La Voz y el Gran Sacerdote de Nettuno, no pasaron de discretas.

Gran actuación del Coro de la Generalitad en sus numerosas intervenciones: en el Acto I “Godiam la pace” de marcado tono festivo y “Pieta! Numi pietà!” con hermosísimos efectos al dividirse el coro en dos partes que producen sonidos cercanos y lejanos. Ya en el Acto II, el bellísimo “Placido è il mare” y los imponentes “Qual nuovo terrore” y “Corriamo, fuggiamo”. En el Acto III, el impresionante “Oh voto tremendo” y el conclusivo de la ópera “Scenda Amor, scenda Imeneo”, con magnífica concatenación de coro y orquesta. La actuación del Ballet de la Generalitad en la “Chaconne” que cierra la representación, quedó algo deslucida, al tener sus componentes que bailar, con evidentes dificultades, sobre la lámina de agua existente en el escenario.

Estas representaciones de Idomeneo se han dedicado a la memoria del director Nikolaus Harnoncourt, recientemente fallecido, y gran estudioso de esta partitura.

Por Diego Manuel García Pérez

IDOMENEO, RE DI CRETA
Wolfgang Amadeus Mozart
Dramma per música en tres actos, K 366
Libreto de Giambattista Varesco, adaptado de un texto francés de Antoine Danchet
Estreno: Múnich, 29 enero 1781,
Residenztheater Edición: Alkor Edition Kassel GmbH
D. musical: Fabio Biondi
Dirección de escena y escenografía: Davide Livermore
Vestuario: Mariana Fracasso
Iluminación: Antonio Castro
Videocreación: D-WOK
Coreografía: Leonardo Santos
Nueva producción Palau de les Arts Reina Sofía
Ballet de la Generalitat
Cor de la Generalitat Valenciana
Francesc Perales, director
Orquestra de la Comunitat Valenciana
Reparto: Gregory Kunde, Monica Bacelli, Lina Mendes,
Carmen Romeu, Emmanuel Faraldo, Michael Borth
y Alejandro López

Mapping del Teatro Real de Madrid

El próximo fin de semana se celebrarán los Días Europeos de la Ópera. El Teatro Real ha querido sumarse este año a las conmemoraciones desde su lado más innovador, el uso de las nuevas tecnologías para la difusión del arte, la cultura y, sobre todo, la música. Así, desde el viernes 6 y hasta el próximo domingo 8 de mayo, la plataforma de retransmisión online del Teatro Real, Palco Digital (www.palcodigital.com) tendrá acceso gratuito y pondrá a disposición de todos los públicos los títulos de su videoteca.

El Teatro Real se ha convertido en una de las instituciones más destacadas del mundo de la lírica en el plano tecnológico gracias a un equipamiento audiovisual de alta calidad, su adhesión a los proyectos de grabación y transmisión de espectáculos musicales a través de todos los canales a su alcance (web, televisión, cine…) y una exigente política de producción audiovisual. El pasado mes de abril, el Teatro Real se convertía en uno de los primeros teatros de ópera de Europa en utilizar la realización 4K para la grabación y emisión de una ópera.

Hace justo un año, el 8 de mayo, nacía en el Teatro Real The Opera Platform, una plataforma completamente dedicada a la ópera de acceso libre, rico en información, con actuaciones completas y extractos de ópera, sinopsis y material histórico, entrevistas con artistas y documentales backstage, a través del enlace www.theoperaplatform.eu.

El Teatro Real, a través del Google Cultural Institute, cuenta también con una exposición online que permite realizar un paseo virtual por las entrañas del Teatro y acceder tanto a las zonas públicas como a las técnicas, para conocer en detalle lo que sucede en los talleres, espacios escénicos y mucho más. Así, el público que visite este espacio puede acceder a exposiciones virtuales que permitirán conocer su historia, el edificio en detalle y su proyecto cultural y artístico www.google.com/culturalinstitute/u/0/collection/teatro-real?hl=es.

Uno de los principales atractivos para aficionados y curiosos es el de acceder, por primera vez y con un sólo clic, a un visita virtual que explora gran parte de los 65.000m cuadrados del edificio, gracias a la tecnología Street View de Google, que captura imágenes 360º de alta calidad y ofrece experiencias online como si fueran la realidad misma.

Adjuntamos imágenes de algunos de los títulos disponibles en Palco Digital, todas ellas de @Javier del Real/Teatro Real

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COSÌ FAN TUTTE (W.A. Mozart)

Director musical: Sylvain Cambreling

Director de escena: Michael Haneke

Reparto: Fiordiligi, Anett Fritsch; Dorabella, Paola Gardina; Guglielmo, Andreas Wolf; Ferrando, Juan Francisco Gatell; Despina, Kerstin Avemo;Don Alfonso, William Shimell

J36

LA TRAVIATA (G. Verdi)

Director musical: Jesús López Cobos

Director de escena: Pier Luigi Pizzi

Reparto: Violetta Valery, Norah Amsellem; Alfredo Germont, José Bros; Giorgio Germont, Renato Bruson

1563

IOLANTA (P.I. Tchaikovski)

Director musical: Teodor Currentzis

Director de escena: Peter Sellars

Reparto: Iolanta, Ekaterina Scherbachenko; Robert, Alexej Markov; Conde Vaudémont, Pavel Cernoch,; Ibn-Hakia, Willard White.

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LUISA FERNANDA (F. Moreno Torroba)

Director musical: Jesús López Cobos

Director de escena y diseñador de elementos escénicos: Emilio Sagi

Reparto: Luisa Fernanda, Nancy Herrera; Vidal, Plácido Domingo; Javier Moreno, José Bros, y La duquesa Carolina, Mariola Cantarero

Idomeneo

El Palau de les Arts Reina Sofía estrena el próximo 21 de abril “Idomeneo”, de Mozart, “un viaje del hombre hacia el interior de su alma”, como ha señalado el Intendente y director de escena de esta producción, Davide Livermore, en conferencia de prensa.

Davide Livermore incardina este título en la apuesta por diversificar y ampliar el relato artístico de Les Arts, después de la excelente acogida de la ópera de Mozart con títulos como “Don Giovanni”, “Le nozze di Figaro”, “Così fan tutte” o “Die Zauberflöte” (“La flauta mágica”) en sus montajes tanto en la Sala Principal como en el Teatro Martín i Soler desde la primera Temporada del teatro.

La primera nueva producción de Les Arts en 2016 cuenta con escenografía del propio Davide Livermore, vestuario de Mariana Fracasso, iluminación de Antonio Castro, videocreación de D-WOK y coreografía de Leonardo Santos, que ejecuta el Ballet de la Generalitat.

Livermore se ha inspirado en un conjunto de simbolismos que responden a tres preguntas que plantea la obra: “quién es Dios, dónde está el hombre y quién es el monstruo”.

Según explica el ‘regista’ turinés, “Mozart compone una obra profundamente masónica, en una época en que la masonería aportó conceptos fundamentales en el desarrollo del hombre, como libertad, fraternidad e igualdad”.

“Cuando Mozart da voz a Neptuno –prosigue Livermore- está hablando de un dios arcaico que dice al hombre: Idomeneo, tú te salvarás pero para ello tendrás que sacrificar a tu hijo. Es una lectura iluminista porque el único que puede salvar al hombre es el propio hombre. El hombre puede ser a la vez un dios y un monstruo, somos capaces de acciones crueles y también tenemos la capacidad de cambiar”.

La dirección escénica propone una contextualización contemporánea, con elementos y referencias a joyas cinematográficas como “2001 Una odisea del espacio”, de Stanley Kubrick, u otros largometrajes que desarrollan descubrimientos y acciones ‘on the road’. Todo ello, con una importante carga de efectos visuales, como el mar, la lluvia, la tormenta y el huracán… “es una superproducción con supermilagros en el presupuesto, ha señalado Livermore”.

Primera ópera de Fabio Biondi en la Sala Principal

Fabio Biondi debuta en la Sala Principal con su tercer Mozart en Les Arts. El director titular de la OCV dirigió por primera vez a la formación con “Davidde Penitente” en el Auditori, y recientemente, en la misma sala, con su “Sinfonía Júpiter”.

Para Biondi, “Idomeneo” es “la más deslumbrante de las partituras de Mozart a nivel de orquesta” y una “magnífica propuesta para la calidad de la OCV”. El maestro ha apuntado también que la inclusión de los ballets en el montaje, a cargo del Ballet de la Generalitat, permite, además “la confluencia de las fuerzas de Les Arts”.

“Era la primera ópera en su corazón”, ha proseguido Fabio Biondi, que asimismo ha explicado que habrá en el foso “un pianoforte y un clave, dos instrumentos de continuo, que galvanizan la operación en el sentido musicológico”.

Davide Livermore ha recordado que la dirección musical de la representación del 28 de abril recae en José Ramón Martín. Asistente a la dirección musical y clave de “Idomeneo”, el músico valenciano se estrena en el foso de la Sala Principal.

Ha sido maestro repertorista para Lorin Maazel, Zubin Mehta, Nicola Luisotti o Plácido Domingo, labor que ha compatibilizado con incursiones en la asistencia a la dirección musical de maestros como Roberto Abbado, Fabio Biondi, Riccardo Chailly, Ottavio Dantone u en el centro de artes valenciano.

El centro de artes reúne a consolidadas estrellas, ascendentes intérpretes y jóvenes cantantes en “un reparto de máximo nivel y equilibrio”, en palabras de Davide Livermore.

Gregory Kunde protagoniza su segunda ópera en la X Temporada de Les Arts. El tenor estadounidense, “uno de los pilares del proyecto artístico del teatro”, como ha apuntado el Intendente, encarna el rol de Idomeneo.

Su papel permite al tenor usar la experiencia que ha tenido en esta vida, “pues aborda cuestiones muy frecuentes a alguien de mi edad, la relación con tu dios y tus hijos”.

La mezzosoprano Monica Bacelli, una de las grandes damas del repertorio mozartiano canta por primera vez en Les Arts. Premio Abbiati de la crítica italiana ha trabajado para los principales teatros italianos e internacionales con un repertorio que comprende desde la ópera barroca, Mozart, hasta la lírica francesa de los siglos XIX y XX.

El papel de Idamante, el hijo de Idomeneo, como ha matizado Bacelli, estaba escrito para los ‘castratti’, pero es muy frecuente que hoy en día recaiga en las mezzosopranos. Tras su paso por esta producción, la diva italiana, que ha cantado esta obra en numerosas ocasiones, “dice que ha trabajado en la profundidad del fraseo y de la expresión como nunca”.

Carmen Romeu, Premio Campoamor por su Musetta en “La Bohème” en 2012 en Valencia, regresa como Elettra. Artista con destacada trayectoria en los teatros españoles, es “una de las sopranos valencianas con mayor proyección internacional”, ha subrayado el Intendente de Les Arts.

Preguntada por su personaje, Romeu ha destacado que “en Elettra se pueden ver todas las miserias del ser humano, la música se torna tormentosa cada vez que aparece en escena. Es una mujer que vive en una fantasía, su único vínculo con la historia de “Idomeneo” es querer conseguir el poder a través del amor de Idamante. Es, sin duda, la antagonista de la ópera”.

La soprano Lina Mendes encarna a Ilia. Artista de la anterior promoción del Centre Plácido Domingo, la cantante brasileña interpreta su segundo papel en la Sala Principal tras su Musetta en “La Bohème” que inauguró la primera Pretemporada de Les Arts en 2015.

El reparto se completa con los actuales artistas del Centre Plácido Domingo Emmanuel Faraldo (Arbace), Michael Borth (Sumo Sacerdote) y Alejandro López (La voz).

El estreno de “Idomeneo” es el próximo 21 de abril. Las restantes funciones tendrán lugar los días 24 y 28 de este mismo mes, y el 1 y 4 de mayo.

Les Arts per a tots, entradas al 50%

Las localidades para “Idomeneo” oscilan entre los 15 y los 135 euros. En este sentido Les Arts recuerda que el próximo día 19 tendrá lugar una jornada de venta especial ‘Les Arts per a tots’, con descuentos del 50% para colectivos beneficiarios del programa ‘Un espacio para todos los públicos’: titulares del carnet Joven, ISIC, jubilados, personas en situación de desempleo, familias numerosas o ciudadanos con un grado de minusvalía superior al 33%.

El centro de artes recuerda también que mantiene el descuento “Last Minute” para este título, con una rebaja del 50% sobre el precio de todas las localidades en compras efectuadas 2 horas antes del inicio de la función el mismo día de representación, de lunes a viernes, y 1 hora antes los sábados, domingos y festivos.

Una mañana con ‘Idomeneo’

El domingo, 17 de abril, a las 12.00 h, Les Arts propone su primera actividad orientada al público familiar e intergeneracional: “Una mañana con Idomeneo”, un taller práctico que explica a jóvenes y no tan jóvenes el proceso de construcción de un montaje operístico desde el corazón del teatro, el escenario de la Sala Principal. La duración prevista es de 1 hora y 45 minutos.

El precio de las entradas es de 15 euros para el público general, 12 para abonados y 7 euros para jóvenes hasta 20 años. Como principal novedad Les Arts introduce la tarifa Mentor (10 euros) para quienes acompañen a un joven de su entorno en esta actividad.

Los asistentes a “Una mañana con Idomeneo” se beneficiarán de un descuento del 50% en la compra de localidades para esta ópera que se estrena el próximo 21 de abril.

Además los participantes en esta actividad, si realizan reserva previa, pueden disfrutar de un menú especial en el restaurante “Contrapunto” por 20 euros presentando su localidad de “Una mañana con Idomeneo”.

Sobre “Idomeneo”

Estrenada el 28 de enero de 1781 en el Residenztheater de Múnich, dos días después de que Mozart cumpliera 25 años, “Idomeneo” fue un encargo de Carlos Teodoro, duque de Baviera, para el carnaval de la capital bávara.

Giambattista Varesco, sacerdote de la corte de Salzburgo, se responsabilizó de la elaboración del texto –a partir de la tragedia lírica francesa “Idoménée”, de Antoine Danchet, con música de André Campra, al que dotó de un final feliz para cumplir con la tradición imperante en aquella época.

La trama narra el retorno de Idomeneo, rey de Creta, de la Guerra de Troya. En la travesía, sus barcos se enfrentan a una terrible tormenta. Idomeneo pide el favor del dios Neptuno para que salve su flota, a cambio sacrificará al primer ser que se encuentre al llegar Creta, que, para su desgracia, será su hijo Idamante.

Palau les Arts

Roberto Abbado y Fabio Biondi, directores musicales del Palau de les Arts Reina Sofía, comparten el podio en el Concierto Abbado-Biondi que acoge el Auditori el 7 de abril con obras de Mozart, Beethoven y Vitali.

Según ha explicado el Intendente Davide Livermore en conferencia de prensa, se trata de una propuesta inédita para ambos maestros, además de una muestra del funcionamiento de la doble titularidad de la Orquestra de la Comunitat Valenciana que ostentan Roberto Abbado y Fabio Biondi desde su nombramiento en 2015.

“Sé que hubo dudas cuando presenté una dirección musical compartida, pero a falta de dos títulos –Idomeneo, de Mozart, en el caso de Fabio Biondi, y A Midsummer Night’s Dream, de Britten, para Roberto Abbado- el éxito de los dos maestros con la formación titular de Les Arts es una realidad innegable”, ha señalado Livermore.

Antes de cederles la palabra, el Intendente les ha agradecido también su compromiso con Les Arts y sus propuestas, cuerpos estables y excelencias: el Cor de la Generalitat Valenciana, la OCV y el Centre Plácido Domingo.

Según ha indicado Roberto Abbado, el concierto se divide en tres partes. Comienza con Fabio Biondi en el podio con la Sinfonía número 41 en Do mayor, ‘Júpiter’ de Mozart. Tras el descanso, Roberto Abbado ofrece la Quinta sinfonía de Beethoven. Cierra la velada la Ciaccona para violín, órgano y cuerda de Tomaso Antonio Vitali en la orquestación de Ottorino Respighi con Fabio Biondi como solista y Roberto Abbado como director.

Se trata de dos grandes obras del repertorio sinfónico -como ha recordado Abbado- que tienen como clausura una pieza de gran profundidad y espiritualidad “con sabor a principios del S. XX y la estética decadentista predominante”.

Según ha abundado Fabio Biondi, supone también un punto de encuentro entre los repertorios de ambos maestros, pues “se trata una mirada a cómo se ha desarrollado el interés por el Barroco a finales del S. XIX”.

La Cicaccona, ha apuntado Biondi, es una obra que se conoce en 1860 con la publicación de las sonatas de Vitali y de la que el Respighi violinista se enamora y finalmente orquesta en 1908. El compositor italiano, miembro de la ‘generazione dell’Ottanta’”, fue uno de los motores primarios en la recuperación de la música barroca.

Teatro Real

El Teatro Real se prepara para un nuevo estreno de su temporada más familiar, con la puesta en escena de La flauta encantada, un espectáculo creado a partir de La flauta mágica, de W.A. Mozart, en el que los más pequeños de la casa disfrutarán con las aventuras y la música de una de las óperas más conocidas del compositor alemán, los días 27 y 28 de febrero y 5 y 6 de marzo, en sesiones dobles, a las 12.00 y a las 17.00h.

Para llevar a cabo este proyecto, en el que el video, la música y la palabra se integran creando una atmósfera mágica, el Teatro Real ha contado con un equipo artístico encabezado por la polifacética actriz Pilar Massa, responsable del guión, la puesta en escena y la creación videográfica, cuya interpretación es la columna vertebral de este “cuento”. Pilar relata las peripecias de Tamino y Papageno en busca de la princesa Pamina, representados en los coloristas dibujos de Ximena Maier.

El espectáculo transita a través de los momentos musicales más conocidos de La flauta mágica, entre la obertura y un originalísimo final, versionados por el quinteto de cuerda Wiener Kammersymphonie, en directo, con dirección musical de Sergio Mastro. Se suceden, a lo largo de una hora, algunas de las arias más famosas de la ópera de Mozart, que sirven de guía “para que la Reina de la Noche recuerde la historia de esta Flauta encantada tal y como ‘suena’. Su música tiene tanta emoción que las fieras del bosque, los niños, y hasta la Reina de la Noche se acercan a escucharla como por encantamiento”, tal y como nos describe la guía didáctica del espectáculo.

El Programa Pedagógico de La flauta encantada cuenta con el patrocinio de La Caixa y con el apoyo del Banco de España.

Más información en la guía didáctica del espectáculo, disponible en la web del Teatro Real, con acceso libre y gratuito.

La flauta encantada

Espectáculo musical con proyecciones

Nueva producción en el Teatro Real

INTÉRPRETES

Wiener Kammersymphonie (Quinteto de Viena)

Dirección Musical: Sergio Mastro

Guión, puesta en escena e interpretación: Pilar Massa

Diseño de dibujos: Ximena Maier

Diseño de luces: Paco Ariza

Edición de proyecciones: Insuel SL

Duración: 60 minutos aproximadamente

Público preferente: a partir de 4 años

Teatro Real. Sala Gayarre

*Entradas agotadas para todas las funciones, todos los días

Flauta mágica

Acreditado está que las situaciones más críticas extraen de cada persona su “yo” más extraordinario. Trasladada esta teoría a un genio como Mozart y mezcladas con sus ideales masónicos, el resultado es una de las más sublimes obras de arte de la música. Una obra que, lejos de ser un cuento para niños, navega en los sueños más profundos de la ilustración.

Con La flauta mágica Mozart elevó el Singspiel, la música más popular, a su máxima expresión. Estrenada en 1791 en el Theater auf der Wieden, un teatro de segunda de la ciudad de Viena, la composición resultó ser una obra maestra. Con libreto de Emanuel Schikaneder, amigo de Mozart y masón como él, e influenciados ambos por los vientos de cambio que llegaban de Francia, crearon una obra llena de dualidades. El tránsito entre la oscuridad que representan las ideas religiosas, y la luz de los nuevos ideales de la ilustración del siglo XVIII.

Partiendo de este concepto general que La flauta mágica representa, Barrie Kosky y Suzanne Andrade han sabido captar magistralmente la esencia de la ópera del compositor alemán. Del mismo modo que Mozart recupera el Singspiel como forma más popular e inteligible de llegar al público de los suburbios de Viena, Barrie Kosky recurre a otro método también popular e inteligible como es el cine mudo. La compañía de Teatro 1927, acostumbrada a trabajar con las claves del relato fílmico, fue la inicialmente encargada de transformar esta obra en magia cinematográfica. Una perfecta recodificación con las mismas claves operísticas que llevaron a su composición y que harían que Mozart disfrutara al máximo esta producción.

No es fácil sorprender al público con una ópera tantas veces representada, pero es ahí donde reside el éxito de esta versión de Barrie Kosky. Mantiene siempre el interés del público.

La escenografía no existe. Es sustituida por una gran pantalla donde se proyectan animaciones con las que los cantantes-actores interactúan en un engranaje milimétricamente perfecto evocando el cine mudo de los años 20. Los recitativos, de los que en tantas producciones de esta ópera se prescinde, en esta son sustituidos por la proyección de un conciso texto que los cantantes interpretan mímicamente. A esos textos pone música un piano, que hace las veces de continuo, interpretando las Fantasías en Do menor y en Re menor del propio Mozart. El resultado no puede ser más seductor. Magnífica la agudeza de quien ha sabido integrar todos estos complejos elementos y cuya consecuencia es la sencillez más estimulante. La disposición de la pantalla en el escenario facilita la proyección de las voces por su cercanía al foso.

El único pero en esta producción puede ser su exceso de protagonismo. El espectáculo es tan intenso que puede distraer de las voces o incluso la música.

El cuadro de cantantes tiene una importante cualidad, el equilibrio. Dos potentes repartos en los que hay que destacar que 13 de ellos son españoles. Y como muy bien dijo Joan Mataboch, “están aquí no por españoles, sino por extraordinarios cantantes”.

El reparto brilló más en conjunto, pero también hubo muy buenas individualidades. El debutante en el Real Joel Prieto, como Tamino, fue de los más destacados. Su hermoso timbre, lleno de tersura, se suma a una elegante y homogénea línea de canto, perfecta dicción, notable volumen y gusto en la interpretación. Sobre todo en el aria “Dies Bildnis ist bezaubernd schön”.

La inglesa Sophie Bevan, ejerció de Pamina-Louise Brooks con soltura. Fue de menos a más y regaló al público una sentida “ach, ich fühl´s”.

Otro destacado de la noche fue el barítono Joan Martín-Royo, interpretando un Papageno-Buster Keaton de gran comicidad, sin caer nunca en la exageración. Una voz amplia y fresca, con un perfecto fraseo, llenó de acertada intención todas sus intervenciones.

Christof Fischesser, en su doble papel de Sarastro y orador, sorprendió por su timbre y tesitura. Una voz extensa y redonda, alcanzando unos graves oscuros y consistentes. No alcanza las tesituras abisales de los bajos de otra época, pero tampoco es habitual ya escuchar graves profundos.

Mikeldi Atxalandabaso, como Monostatos-Nosferatu, fue otra agradable sorpresa. Tuvo una brillante interpretación interactuando con las imágenes de manera magistral y divertida. Una voz caudalosa y brillante que imprimió un acentuado carácter al personaje.

La gaditana Ruth Rosique nos dejó con la miel en los labios pues su papel de Papagena no da para más. Su pizpireta interpretación estuvo a gran altura y esperamos volver a escucharla pronto en un papel más extenso.

La soprano de Macedonia Ana Durlovski interpretó a una malvada Reina de la noche caracterizada de gran araña. Fue la más aplaudida, como lo es casi siempre este personaje. Sus cualidades pirotécnicas para interpretar sus dos arias son innegables. Mejor la segunda que la primera. Pero en ambas le faltó emoción. Sus sobreagudos fueron endiabladamente ágiles.

Muy bien las tres Damas, interpretadas por Elena Copons, Gemma Coma-Alabert y Nadine Weissmann. Dan vida a unas Damas llenas de carisma y simpatía que en lo vocal estuvieron a la altura del potente reparto.

Si hay un “personaje” que es siempre una garantía en sus interpretaciones, tanto en el empaste, la homogeneidad y la expresividad, ese es, sin duda, el Coro del Teatro. Impecable.

Ivor Bolton desde el foso estuvo toda la noche muy inspirado. Posee una especial sensibilidad para este tipo de repertorio. Su entusiasmo dirigiendo contagia a la Orquesta. Pendiente de los cantantes les dirigía incluso vocalizando sus textos. Se notó una notable presencia de las trompetas, al gusto de la obra y también del director, pero que en algún momento eclipsaron la sutil interpretación del resto de instrumentos.

Sin duda esta flauta mágica ha sido, hasta el momento, lo mejor de la temporada. También ha sido acertada la política de captación de nuevos públicos invitando a los ensayos a jóvenes y niños. Energía estimulante que nos lleva al Teatro como quien acude a un templo.

La flauta mágica
(Die Zauberflöte)
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
Singspiel en dos actos
Libreto de Emanuel Schikaneder
Producción de la Komische Oper de Berlín
D. musical: Ivor Bolton
Directores de escena: Suzanne Andrade, Barrie Kosky
Concepto: 1927 (Suzanne Andrade, Paul Barrit),Barrie Kosky
Escenografía y figuración: Esther Bialas
Iluminador: Diego Leetz
D. coro: Andrés Máspero
D. pequeños cantores: Ana González
Reparto: Christof Fischesser, Joel Prieto, Ana Durlovski, Sophie Bevan, Joan Martín-Royo, Mikeldi Atxalandabaso,
Ruth Rosique, Elena Copons, Gemma Coma-Alabert,
Nadine Weissmann, Catalina Peláez, Celia Martos,
Patricia Ginés, Airam Hernández, David Sánchez,
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real,
Pequeños Cantores de la ORCAM

Texto: Paloma Sanz
Fotografías: Javier del Real
Vídeos: Teatro Real

Heras-Casado

El director granadino Pablo Heras-Casado (Granada, 1977) debutará el 30 de enero 2016 con la Filarmónica de Viena dentro de la programación de la Semana de Mozart en Salzburgo (Mozartwoche). Se presentará con un repertorio dedicado a Mendelssohn – Bartholdy como el primer español que lo hace frente a la orquesta en la historia, después de que Plácido Domingo la dirigiera en un Concierto para Europa en los jardines de Schönbrunn hace diez años. Heras-Casado es un invitado habitual de la fiesta que se celebra en la cuna del genio austriaco, donde previamente (hoy día 26) dirigirá también la Camerata Salzburg.

Antes de su debut con la Filarmónica, el músico andaluz actuó junto a la Sinfónica de Viena en el Concierto de Año Nuevo con la Novena de Beethoven, donde se presentó los días 30 y 31 de diciembre y el primero de enero en la capital austriaca. Al tiempo, acaba de aparecer en el sello harmonia mundi su último disco con la Tercera y Cuarta Sinfonías de Mendelssohn.

Considerado el director de orquesta del año 2014, según Musical America, Pablo Heras-Casado, disfruta de una inusual y variada carrera que abarca desde la gran música sinfónica hasta el repertorio operístico, alternando interpretaciones bien fundadas históricamente y partituras de vanguardia. Fue nombrado Director Principal de la Orquesta de St. Luke’s de Nueva York en la temporada de 2012/13, así como Principal Director Invitado del Teatro Real de Madrid en 2014.
Heras-Casado es un invitado habitual de las orquestas sinfónicas de Chicago y San Francisco, la Filarmónica de Los Ángeles,la Orquesta Estatal de Berlín, la Orquesta Filarmónica de Múnich, la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, la Orquesta Mariinsky y la Ópera Metropolitana.

En 2015/16 regresó a la Orquesta Philharmonia, la Sinfónica de Londres, la de la Academia Nacional de Santa Cecilia y la Filarmónica de Rotterdam. Hizo su debut con la Orquesta de Filadelfia, la Filarmónica de Israel y la Sinfónica de Viena; continuó colaborando con el Ensemble Intercontemporain parisino, la Orquesta Barroca de Friburgo y el Balthasar Neumann Chor & Ensemble. Aparece regularmente en el Mozarteum de Salzburgo, donde es invitado cada año para la Mozartwoche.
Sus proyectos de ópera para esta temporada incluyen Rigoletto en la Ópera Metropolitana de Nueva York (Octubre/Noviembre 2015) además de I due Foscari en el Teatro Real en Julio 2016.

En temporadas anteriores ha dirigido la Orquesta del Gewandhaus de Leipzig, la Concertgebouw de Amsterdam, la Tonhalle-Orchester de Zúrich, la Filarmónica de Nueva York, la Sinfónica de Boston, la Orquesta de Cleveland y la Mahler Chamber. También ha estado presente en la Festspielhaus Baden-Baden, el Festival de Salzburgo y el de Aix-en-Provence, además de regresar regularmente al de Lucerna.

Heras-Casado graba con harmonia mundi, así como con Deutsche Grammophon’s Archiv Produktion, sello del cual es Embajador Archiv. Ha recibido numerosos premios por sus discos, incluyendo tres premios ECHO Klassic, un Preis der deutschen Schallplattenkritik, dos Diapason d’Or y un Grammy Latino.

Sus recientes lanzamientos con harmonia mundi incluyen Conciertos de Piano y Violín de Schumann, con Isabelle Faust y Alexander Melnikov. Según The New York Times se trata de una de las mejores grabaciones del año mientras que la Revista Forbes la colocó en su top 10. Además publicó las Sinfonías de Schubert Nos. 3 y 4 con la Orquesta Barroca de Friburgo y la Sinfonía No. 2 de Mendelssohn con la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera. Ha grabado un disco para Archiv con los trabajos de Jacob, Hieronymus y Michael Praetorius, y un álbum para conmemorar al legendario cantante castrato y maestro Farinelli. También ha aparecido en el lanzamiento de las arias de barítono de Verdi para Sony con Plácido Domingo y en un DVD de la Deutsche Grammophon del Elixir de Amor de Donizetti de la Festspielhaus Baden-Baden.

Pablo Heras-Casado posee la Medalla de Honor de la Fundación Rodríguez Acosta. En febrero de 2012 recibió la Medalla de Oro al Mérito del Ayuntamiento de Granada, su ciudad natal, de la cual es también un Embajador Honorario y este noviembre fue nombrado el hijo predilecto por la Diputación de Granada. En junio de 2014 se unió a la organización benéfica española Ayuda en Acción para apoyar la causa de la erradicación de la pobreza y la injusticia del mundo.

http://pabloherascasado.com

http://www.harrisonparrott.com/artist/profile/pablo-heras-casado

http://www.mozarteum.at/en/program-tickets.html?block=1970#1970

La flauta mágica

Entre los días 16 y 30 de enero el Teatro Real ofrecerá doce funciones de La flauta mágica, de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), en una producción procedente de la Komische Oper de Berlín, que desde su estreno en 2012 se ha presentado en varios teatros y festivales de manera casi ininterrumpida: Óperas de Los Ángeles y de Minnesota, Óperas de Düsseldorf y Duisburgo, Festivales de Edimburgo y de Sankt Poelten y una gira por las ciudades chinas de Cantón y Xiamen. Después de Madrid la producción seguirá su andadura por París y Barcelona.

El éxito de esta propuesta escénica y dramatúrgica radica en su enorme facilidad para comunicar con el público, su humor, su derroche de creatividad y los guiños cómplices al espectador a través de un universo visual tan conocido como el cine mudo de los años 20, en el que desfilan desde un galán tipo Rodolfo Valentino (Tamino) a una Pamina que recuerda a Louise Brooks en Lulu, o el Nosferatu evocado por la figura del malvado Monostatos. El inconfundible lenguaje corporal de Buster Keaton (Papageno) aflora en la gestualidad de muchos de los personajes en su diálogo con la pantalla, transformada en una escenografía virtual realizada con las más sofisticadas técnicas del cine de animación por Suzanne Andrade, Paul Barritt y su compañía 1927, creada por ambos en Londres en 2005.

La ausencia de un decorado tradicional propicia también la movilidad de la producción, que vive del talento actoral de los intérpretes, cuyos movimientos deben tener la frescura del gag y una precisión de relojería en su coordinación con la proyección de los dibujos de la pantalla.

Dos repartos corales -con Joel Prieto y Norman Reinhardt (Tamino), Sophie Bevan y Sylvia Schwartz (Pamina), Joan Martín-Royo y Gabriel Bermúdez (Papageno), Ana Durlovski y Kathryn Lewek (la Reina de la Noche), Christof Fischesser y Rafal Siwek (Sarastro) y Ruth Rosique (Papagena), entre otros- han trabajado meticulosamente bajo la dirección de Tobias Ribitzki, asistente de Barrie Kosky y encargado de todas las reposiciones de la producción.

En esta evocación del cine mudo los diálogos hablados de La flauta mágica aparecen proyectados en cartelas y acompañados al pianoforte por Luke Green, que interpretará fragmentos de la Fantasía en Do menor de Mozart.

En el foso estará el Director Musical del Teatro Real, Ivor Bolton, titular desde 2004 de la Orquesta del Mozarteum de Salzburgo, donde ha dedicado más de 10 años a la interpretación del repertorio clásico en la cuna del compositor. Bolton volverá a dirigir el Coro y Orquesta titulares del Teatro Real en uno de los títulos operísticos más populares, que se presentará por tercera vez en el reinaugurado Teatro Real después de haberlo hecho en enero de 2001 (Frans Brüggen / Marco Arturo Marelli) y julio de 2005 (Marc Minkowski / La Fura dels Baus).

Coincidiendo con las funciones de La flauta mágica el Teatro Real ha organizado una serie de actividades paralelas relacionadas con la ópera de Mozart y con el cine mudo de los años 20 que inspiró la dramaturgia y propuesta escénica de la producción que se verá en su escenario.

‘LA FLAUTA MÁGICA’

ACTIVIDADES PARALELAS

Círculo de Bellas Artes – Proyecciones

Ciclo de películas dedicado a Buster Keaton

http://www.circulobellasartes.com/ciclos-cine/generacion-keaton-3/

Coincidiendo con la representación en el Teatro Real de La flauta mágica con una escenografía y una puesta en escena tomada de Buster Keaton y de los pioneros de la comedia americana, el Cine Estudio realiza un amplio ciclo dedicado al slapstick. En él tienen cabida Buster Keaton, Charles Chaplin, Stan Laurel, Oliver Hardy y Fatty Arbuckle, pero también muchos cómicos (y cómicas) hoy olvidados que rescatamos para nuestros espectadores.
7 a 31 de enero.

Círculo de Bellas Artes – Cine Estudio

Filmoteca Española
La flauta mágica (Trollflöjten), de Ingmar Bergman, 1975

http://www.mecd.gob.es/cultura-mecd/areas-cultura/cine/mc/fe/cine-dore/programacion.html

Adaptación televisiva de la ópera de Mozart, desde la visión personal del director sueco.
21 y 31 de enero de 2016

Cine Doré

Los domingos de cámara

De Mozart a Wagner

Actividad paralela a La flauta mágica y La prohibición de amar

http://www.teatro-real.com/es/espectaculos/1976

Programa

Parte I

Serguéi Prokofiev: Sonata para dos violines en do mayor Op. 56
Richard Wagner / Karl Stiegler: Lohengrin – Fantasía para 8 trompas

Parte II

Wolfgang Amadeus Mozart: Quinteto para clarinete y cuerda en la mayor, K 581

Solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real

17 de enero, a las 12.00 h.

Teatro Real. Sala principal

¡Todos a la Gayarre!

La flauta mágica
Cita con la Reina de la Noche y Papageno, en la que se interpretarán canciones,

cuentos y juegos de muy distintos estilos.

http://www.teatro-real.com/es/espectaculos/1982

Taller concebido y presentado por Fernando Palacios

Con la participación del pianista Federico Lechner

17 de enero, a las 12.00 y a las 17.00 h.

Teatro Real. Sala Gayarre

Entrada por la calle Felipe V

Bejun Mehta

Che puro ciel es el título del recital que ha ofrecido el pasado 16 de diciembre el contratenor Bejun Mehta en el ciclo Grandes Voces del Teatro Real. También es el título de un aria de Orfeo de Gluck. Tristemente no la pudimos escuchar. Pero el repertorio que preparó para este recital y sobre todo, la música de la Akadamie für Alte Musik Berlin, colmaron con creces las expectativas del público que ocupaba no mucho más de la mitad del aforo del Teatro.

Una de las orquestas más prestigiosas de su género, la Akadamie für Alte Musik Berlin, dirigida por Elfa Rún Kristinsdóttir, interpretó con sus instrumento de época obras de Mozart, Bach y Hasse de manera exquisita. Alcanzó su culmen en la obertura de Ezio, de Adolph Hasse, que entusiasmó a un público ya entregado.

La elegancia de Bejun Mehta en sus interpretaciones le sitúa entre los mejores de su cuerda. Con obras de Gluck y Bach, Mehta se fue creciendo a medida que avanzó el recital. Sus mejores arias fueron las de la ópera Ezio, de Gluck. Brilló en las coloraturas, pero tuvieron mayor intención las obras dramáticas. El público, sin embargo, sigue prefiriendo el estrépito de la coloratura frente a la calma del aria dramática, mucho más elaborada y compleja.

Joel Prieto

El tenor de Puerto Rico Joel Prieto desembarca en Madrid con toda la ilusión que le depara debutar en su ciudad natal. Considerado como el más importante tenor mozartiano del momento, el cantante madrileño será el Príncipe Tamino en el Teatro Real los días 16, 19, 22, 24, 26, 28 y 30 de enero de 2016 en la aclamada producción de Barrie Kosky de La flauta mágica. Después de sus últimas actuaciones -Narraboth en la Salome de Richard Strauss en Lyon (Francia) y Timonel en El Holandés errante en la Staatsoper de Berlín (Alemania)-, Prieto vuelve a España tras su aplaudido regreso al Gran Teatre del Liceu barcelonés el curso pasado como Ferrando de Così fan tutte. En Madrid el joven ganador de Operalia actuará bajo la dirección de Ivor Bolton, con quien ya ha trabajado anteriormente: “Nos llevamos muy bien con el maestro y siempre nos da buenos consejos a los cantantes”, afirma el tenor. “Además estaré junto al Papageno de Joan Martín Royo, a quien también conozco mucho, o sea que en el Real nos vamos a sentir como en casa”.

Respecto de su debut madrileño, confiesa que está muy emocionado: “Me llena de alegría cantar en la ciudad en que nací y pasar un tiempo con mi familia española”. El tenor debutó profesionalmente como Tamino en 2006 en la Deutsche Oper de Berlín, papel que retomó en 2011 para su debut en la Staatsoper Unter den Linden berlinesa y con el que regresó a ese mismo escenario en 2013 junto a estrellas como Anna Prohaska y René Pape. Saludado por su amplio dominio del repertorio mozartiano, es uno de los artistas más solicitados de su generación sobre todo desde que en 2008 ganara el prestigioso concurso Operalia creado y presidido por Plácido Domingo.

JD. Flórez

Un relajadísimo Juan Diego Flórez ofrecía el pasado 16 de noviembre un recital en el Teatro Real de Madrid. Un Real abarrotado, para el que no quedaban entradas desde hacía tiempo, recibió al tenor peruano con la ansiedad que solo produce una adicción.

El recital comenzó con tres canciones de Henri Dupartc que dedicó a las víctimas de los recientes atentados de París. Esta nueva incursión en el repertorio francés es una esperanzadora oportunidad de ampliar horizontes bocales.

La primera parte brilló con obras de Mozart como “Il mio tesoro”, de Don Giovanni, en la que hizo gala de un extraordinario fiato. Siguieron obras de Donizetti y Rossini. La segunda parte, algo más inconsistente, finalizó con un más que aceptable “T´amo qual s´ama”, de Lucrezia Borgia.
Regaló al público, a esas alturas ya enardecidamente entregado, cinco propinas. La primera, su ya célebre “Ah! mes amis” de La Fille du Régiment de Donizetti. Después, guitarra en mano, una canción popular peruana, “José Antonio”, magistralmente interpretada. Una simpática “Au Mont Ida”, de La bella Hélène, de Offenbach, “Una furtiva lagrima” de L´elisir d´amore de Donizetti, para terminar con “La donna e mobile”.

A una voz como la de Juan Diego Flórez y a un Teatro como el Real hay que exigirle un programa más exigente y equilibrado que el que nos han ofrecido. Se notaba cierta improvisación. También en la coordinación con el pianista Vincenzo Scalera, que subsanó, con maestría y unas poderosas tablas, las idas y venidas de Flórez en escena. Unas ausencias tal vez motivadas por la sequedad de los aires de Madrid, tan de moda últimamente, que le obligaron a utilizar un inhalador.

Posee sin duda uno de los mejores instrumentos de su cuerda. A su hermoso timbre se unen un fraseo perfecto, un brillo metálico en los agudos que multiplica los armónicos y un gusto exquisito en la interpretación. Aunque mucho más suelto y relajado que en otras ocasiones (se le ve feliz) sigue siendo la rigidez una de sus dificultades en escena. Su voz no es grande, pero si suficiente. Aunque fue necesario mantener el piano casi cerrado.

Seguimos esperando su participación en Madrid en una ópera representada. El éxito está ya asegurado.

Juan Diego Flórez

El próximo lunes 16 de noviembre, a las 20.00 horas, el Teatro Real ofrecerá el segundo concierto de su ciclo VOCES DEL REAL: un recital de Juan Diego Flórez, acompañado al piano por Vincenzo Scalera.

Desde su actuación en la temporada 2012-1013 del Teatro Real, en la que interpretó el papel de Nadir en Les pêcheurs de Perles, de Georges Bizet, Juan Diego Flórez sigue ampliando su catálogo, estrenando dos nuevas óperas cada año e incorporando en sus conciertos canciones y arias que le permiten explorar y profundizar en un repertorio cada vez más rico y diversificado.

El programa que ofrecerá en el Real refleja esa búsqueda de diferentes estilos y formas de expresión. La primera parte comenzará con las delicadas y sofisticadas canciones de Henri Duparc (Chanson triste, Phidylé y L’invitation au voyage), continuará con las maravillosas arias amorosas de Wolfgang Amadeus Mozart “Il mio tesoro”, de Don Giovanni, y “Un aura amorosa”, de Così fan tutte,en las que el tenor podrá lucir su elegante fraseo y su célebre legato, y concluirá con arias y canciones de los compositores que lo han consagrado: Gioachino Rossini, del que interpretará “Intesi, ah tutto intesi”, de Il turco in Italia, y Gaetano Donizetti, cuya aria “Tombe degli avi miei”, de Lucia di Lammermoor,pondrá de manifiesto sus excepcionales dotes para el belcanto.

Estos dos compositores volverán en la segunda parte, que será un homenaje al melodismo italiano, en las que no faltarán las conocidas canzioni de Ruggero Leoncavallo y Paolo Tosti.

Al término de su recital Juan Diego Flórez estará a disposición del público para la firma de autógrafos en el foyer del Teatro Real.

http://juandiegoflorez.com/es/

NikolaiLugansky

El próximo martes día 19 tendrá lugar la masterclass del pianista ruso Nikolai Lugansky con los alumnos del Real Conservatorio Superior de Música y al día siguiente, 20 de Octubre, ofrecerá su recital en ciclo de Grandes Intérpretes de Scherzo a las 19:30 horas en el Auditorio Nacional de Música.
Según ‘The Guardian’ Lugansky es “una mezcla de lirismo, brillantez y buen sentido de la audacia”. Nikolai Lugansky se ha revelado como un pianista de extraordinaria intensidad y versatilidad. Demuestra sensibilidad y refinamiento interpretando a Mozart y a Schumann, al tiempo que hace gala de un virtuosismo impresionante con Rachmaninov y Prokofiev.

Aparece regularmente en algunos de los festivales más prestigiosos del mundo, entre ellos los Proms londinenses de la BBC, La Roque d’Anthéron, Verbier, y el Festival Internacional de Edimburgo. Ha actuado con la Filarmónica de Nueva York, la Orquesta de París, la Sinfónica de Bamberg, Sinfónica de Londres y Sinfónica de San Petersburgo, entre otras muchas. En el formato de música de cámara, sobresale como habitual acompañante de Vadim Repin y Leonidas Kavakos. Sus discos han logrado el premio Echo Classic, así como el Diapason D’or y el Excepcional de Scherzo.

Ha actuado anteriormente en tres ocasiones en el Ciclo de Grandes Intérpretes, durante las ediciones de 2003, 2004 y 2013.
Para muchos, se trata del pianista que más y mejor ha crecido en los últimos años. Su poderoso virtuosismo y sus programas representan una suma coherente de redescubrimientos y nuevo repertorio.

Programa 20 de Octubre 2015 – Auditorio Nacional de Música – 19:30h
FRANCK (transcr. BAUER) Preludio, Fuga y Variación, Op. 18
SCHUBERT Sonata en do menor, D. 958
GRIEG Tres Piezas Líricas
CHAIKOVSKI Gran Sonata

Segovia

Del 15 al 26 de julio, el Festival de Segovia (FS) cumplirá 40 años. 40 años de recorrido en los que los mejores intérpretes del panorama internacional han dejado su huella con conciertos inolvidables. Un Festival que, avalado por las 46 ediciones de su característica Semana de Música de Cámara y los 20 de su Festival Joven, que lo integran, apuesta por los grandes y jóvenes valores del panorama de la música actual, con un programa que este año es todo un homenaje a la esencia de las músicas del mundo.

Rincones históricos y llenos de referencias donde la acústica es espectacular, como la Plaza de San Martín, el Jardín de los Zuloaga, el Jardín del Mudo, el Jardín y el Patio del Colegio de Arquitectos, San Juan de los Caballeros-Museo Zuloaga, la Catedral, la Iglesia de San Nicolás, el Patio de Armas de El Alcázar y, por primera vez, su Sala de La Galera, se vestirán de música para hacer descubrir al público auténticas joyas de la música de cámara y sinfónica y al mismo tiempo ofrecer conciertos de música latina, zarzuela, fado, flamenco o incluso la característica música de barbería.

Inaugurando el Festival, el jueves 16 de julio la Plaza de San Martín se llenará de música afro-cubana, armonías tropicales y ritmos latinos gracias a una de las bandas latinas más destacadas del mundo -y la primera banda auténticamente afro-cubana en los Estados Unidos-: Tiempo libre. Nominada tres veces a los Grammy, ha compartido cartel y escenario con figuras como Celia Cruz, Aretha Franklin, Gonzalo Rubalcaba o Paulito FG y Su Elite, y es célebre por su sofisticada música tropical y una irresistible y excitante combinación de armonías de la música jazz, de sonidos contemporáneos y de seductores ritmos latinos.

Dedicada a Guillermo Pastrana, chelista excepcional y músico de sensibilidad exquisita que ya ha formado parte del Festival de Segovia en ediciones pasadas, la Orquesta de Castilla y León (viernes 17 a las 22.30h.), dirigida en esta ocasión por el joven Eduardo Portal, uno de los directores más activos y demandados actualmente, interpretará un repertorio para disfrutar de una noche colorista en el Jardín de los Zuloaga, encabezada por la obra de David de Puerto “Campos de Tauro”, que celebra el renacimiento de la vida en los campos y dos de cuyos cinco movimientos provienen de dos de las piezas para guitarra más íntimas y queridas del autor. Además, los espectadores podrán disfrutar de la Suite Sinfónica más conocida de Rimsky- Korsakov y la obra insigne del orientalismo ruso: Scheherazade, inspirada en Las mil y una noches. “Un caleidoscopio de imágenes de cuentos de hadas de carácter oriental”, como el propio autor escribió y se recoge en su Diario de mi vida musical.

Además, en su afán por elaborar un programa ecléctico y lleno de géneros diferentes, el FS ofrecerá también una Antología de la Zarzuela de manos de Luis Olmos (sábado 18 a las 22.30h. en el Patio de armas de El Alcázar). Un recorrido por las maravillas del musical español por excelencia repleto de joyas como Luisa Fernanda, El Barberillo de Lavapiés, Los Cláveles, Doña Francisquita, etc., entrelazadas desde la dramaturgia implícita en sus textos y en su música, con el fin de que el espectador vuelva a degustar la Zarzuela en toda su esencia.

Desde la música tradicional portuguesa, llegarán también los fados de una de las voces más bellas de este género, con una capacidad vocal inusual y una de las embajadoras internacionales del fado en todo el mundo: Katia Guerreiro (domingo 19 a las 22.30h. en el Patio de Armas de El Alcázar), que presentara su último disco, “Até ao Fim” (Hasta el fin) realizado con la ayuda de Tiago Bettencourt. Su fado se caracteriza por una gran riqueza lírica y el homenaje a escritores portugueses contemporáneos, cantando a António Lobo Antunes o a los poetas Vasco Graça Moura y Sophia de Mello Breyner, con un fado fresco, lleno de referencias contemporáneas.

Otra de las músicas poco habituales que se podrán escuchar en el 40 FS es la música de barbería (“Barbershop style”), que floreció entre 1895 y 1930 en Estados Unidos, contribuyendo a la configuración de la música popular americana junto a otros géneros como el jazz, el blues o el góspel. Un estilo exclusivamente vocal y a cuatro voces no mixtas, con una sonoridad y una presentación especialmente atractivas y divertidas para el espectador. De ello se encargará Aftershave Quartet (viernes 24 a las 22.30h. en el Jardín de los Zuloaga), la mejor referencia del género en el ámbito nacional, que se adentra en el estudio del repertorio más característico del Barbershop, en un programa muy original y de gran dificultad técnica.

Desde el flamenco, el bailaor Manuel Fdez. Montoya “El Carpeta” y el cantaor Miguel Flores Quirós “Capullo de Jerez” deleitarán al público con su espectáculo “Fuego & Tierra” (sábado 25 a las 22.30h. en el Patio de Armas de El Alcázar), concebido con el propósito de unir y realzar las cualidades de dos grandes artistas. Una fusión de cante, baile y prosa con una puesta en escena brillante. Asimismo, llegará una de las voces más relevantes de los últimos años, con una solidez que asusta de tanta premura y consistencia y con una espiritualidad que, según se dice, toca el cielo entre quejíos y rotundo grito flamenco: Argentina (domingo 26 a las 22.30h.), en un viaje por el cante junto a las guitarras de José Quevedo, El Bola y Eugenio Iglesias y la gran bailaora María Canea como artista invitada.

Desde el Barroco al Romanticismo en la 46 Semana de Cámara

Una mirada diferente para un público que también podrá pasear a través de la música de cámara, por la que se define desde hace ya 46 años el FS, y que en esta edición apostará por la música más esplendorosa del Barroco, encabezada por el Brillant Magnus Quintet (lunes 20 a las 22.30h. en la Catedral), un quinteto que conjuga el brillo del metal con la energía de la percusión, arropado por la majestuosidad del órgano. Una original formación instrumental que permite crear un ambiente sonoro que sorprende por la combinación de los instrumentos, el virtuosismo de sus componentes y la frescura de sus interpretaciones, con obras de J. S. Bach, Handel, Pachelbel, Mouret y Purcell. A través de 4 pianos históricos pertenecientes a la Colección Serrato, los espectadores podrán experimentar los mismo que los hombres y mujeres del Clasicismo o del Romanticismo sintieron al escuchar obras de J. C. Bach, Haydn, Beethoven, Mozart, Liszt, Brahms y Granados, en un recorrido histórico por ambas épocas (martes 21 a las 22.30h. en la Sala La Galera de El Alcázar).

Obras de J. S. Bach, Corelli, Handel y Vivaldi se podrán escuchar de la mano del grupo Da Kamera (miércoles 22 a las 22.30h.), una formación integrada por violín, clave y cello cuya manera de interpretar se centra en el componente emocional (o emocionante) de la música, que existe (y que hacen existir) para mover los afectos, para conmover, para emocionar. Con “Molto affettuoso”, que promete una velada llena de candorosa pasión, demostrarán que 300 años después de su estreno, estas sonatas siguen vivas y siguen conmoviendo a quien las escuche en la Iglesia de San Juan de los Caballeros.

Clausurando la Semana de Cámara (jueves 23 a las 22.30h. en San Juan de los Caballeros), y regresando a J. S. Bach, una mirada de Bach hacia el futuro y del futuro hacia Bach con “Bach to the future”, gracias al Camelot Ensemble. Un homenaje a la libertad del Barroco, en el que el intérprete daba rienda suelta a su personalidad al interpretar una obra, (re)creándola al mismo tiempo, con un plantel de músicos excepcionales encabezado por el violín de Lina Tur Bonet y con un repertorio integrado por dos obras barrocas significativa, los conciertos de Brandemburgo n. 5 y n. 6, y obras inspiradas en Bach: la Sonata de Ysäye para violín solo, inspirada en la Partita en mi mayor de Bach; el Trío para flauta, violonchelo y piano de Kapustin; una obra de Earl Wild, pianista del siglo XX que tradujo en su personal estilo la Sarabanda de la segunda Partita de Bach para clave, y experimentos como el de Varèse, para flauta sola.

Vibrando en familia

Para el público infantil acompañado de adultos, el característico y tradicional Concierto en Familia (domingo 20 a las 20.00h. en San Juan de los Caballeros) también se centrará en las músicas del mundo, pero como nunca las hemos escuchado, interpretadas con instrumentos insólitos, no convencionales y fabricados con materiales de desecho: recogedores cromáticos de los que salen melodías milenarias, regaderas en clave de jazz y con mucho swing, latas convertidas en guitarras y panderos, botellas, embudos, peines, tubos… Vibra-tó es un concierto didáctico interactivo en el que dos músicos-pedagogos multi-instrumentistas (Joaquín Sánchez y Miguel Iroshi) interpretan composiciones propias y músicas del folclore universal demostrando que todo suena…

La apuesta por las jóvenes promesas

Pero una de las características del FS es su apuesta por las jóvenes promesas del panorama musical español, y el FS no sería tal sin su Festival Joven, que cumple 20 años, un apartado a través del cual dará a conocer el talento de los ganadores del 18 Premio de Piano Santa Cecilia de la Fundación Don Juan de Borbón y los ganadores de los certámenes Intercentros Melómano, Pedro Bote y Premio Jóvenes Promesas del Violoncello Jaime Dobato Benavente, con conciertos de acceso libre. Además, el Festival Joven se cerrará con un concierto del Curso de Clarinetes que ofrece este año el FS, dirigido por Mariano Delgado, y con la Orquesta Infantil y Juvenil EOS.

Actividades paralelas como la exposición “La Dance, ça tourne… La danza que gira…”, producida por la Casa de la Danza de Logroño y comisariada por Perfecto Uriel en el Patio del Colegio de Arquitectos, con fotografías de bailarines famosos en lugares conocidos, completará uno de los festivales españoles con mayor tradición y solidez que se celebran en España, que ofrece pequeños y grandes conciertos para todo tipo de público ávido de disfrute de la buena música, con precios que oscilan entre la gratuidad (el 40% de los conciertos son gratuitos), 3€ y 20€.

Cartel

El próximo uno de agosto arranca en el Kursaal donostiarra la Quincena Musical de San Sebastián con la Mahler Chamber Orchestra (días 1 y 2) y obras de Prokofiev, Beethoven y Mozart. Será el inicio de una nueva edición centrada en consolidar un novedoso modelo que sin renunciar al rigor, la variedad y la calidad de sus propuestas, ha conseguido una total y muy sana sostenibilidad en tiempos de crisis.

Con los abonos confirmados al 100% para la edición de 2015 y algunas funciones agotadas a un mes de su inauguración con el 78% de la previsión de venta de localidades cubierta, el interés que ha despertado cuenta con el apoyo de un público que ve como platos fuertes la ‘Tosca’ que se representará los días 13 y 15, con Ainhoa Arteta como protagonista y el espectáculo ‘Voces’, de Sara Baras, con las entradas agotadas.

La serie sinfónica, con la Mahler Chamber en la apertura y sucesivamente la Filarmónica de San Petersburgo, la Orquesta de Cadaqués, la Sinfónica de la Radio de Colonia –estas tres con el Orfeón Donostiarra- y la Filarmónica de Oslo para el cierre el 30 de agosto, también han sido favorablemente acogidas por el público con los programas que serán dirigidos, por este orden, por batutas como la de Yuri Termikanov, Alberto Zedda, Jukka-Pekka Sarastre o Vasily Petrenko.

La presencia de solistas como Grigori Sokolov (día 10 en el teatro Victoria Eugenia), para muchos el mejor pianista del mundo, o Javier Perianes, el español con más presencia internacional, al lado de la Filarmónica de San Petersburgo, así como propuestas líricas, de música antigua, barroca o programas pedagógicos y solidarios de amplia presencia dentro del calendario –como el previsto cada año con los fondos del Ciclo de Música Antigua, que destina esta temporada el dinero recaudado de las entradas a la asociación ADELA-Gipuzkoa para la Esclerosis Lateral Amiotrófica-, conforman al donostiarra como uno de los festivales más señeros pero mejor adaptados a la modernidad de Europa.
www.quincenamusical.eus/programa/

Così

Llegaba el Così fan tutte al Liceu, del que dicen no es un teatro mozartiano. Como no sabemos muy bien qué es ser o no mozartiano, tratándose de un teatro, nos quedaremos con la duda. Quien no parece muy mozartiano es el director de escena de esta producción, Damiano Michieletto. Este joven veneciano empieza a ser conocido por sus discretas extravagancias escénicas. Unas más acertadas que otras. Y no es este Così fan tutte, que viene de La Fenice, una de sus más celebradas producciones.

La escenografía ideada por Michieletto banaliza la trama de Da Ponte. Basada nada menos que en obras de Bocaccio, Shakespeare y Cervantes. No se trata de una ópera buffa, sino de un dramma giocoso. O como bien definió René Leibowitz, una “tragedia en forma de juego”. Pero el director de escena ha creado esta vez un juego demasiado básico. No ha sabido ver la inteligente propuesta del compositor, tan dado al juego y al divertimento. Ha situado la trama en un decadente hotel de 5 estrellas del que ha calcado, esta vez con gran acierto, esa mortecina y desalentadora luz que invita siempre a salir de la habitación.

Tampoco acierta al situar sobre el escenario pequeñas tramas paralelas que lo único que hacen es distraer de la principal y de la acción de los cantantes.

Desde el foso, el inicio de la obra es prometedor. ¡Es Mozart! La obertura, siempre vigorosa, lo llena todo. Pero tras los primeros compases empieza a notarse la falta de espíritu. Ese espíritu que el compositor, maestro del juego de la infidelidad, reflejó de manera tan acertada. No existe una línea orquestal, una narración musical de la historia.
Pons no presta suficiente atención a los cantantes ni al coro. El resultado es el desamparo de los intérpretes y la desconexión entre el foso y el escenario. Sobre todo en las arias de grupo, tan importantes en esta obra. Entradas a destiempo y poca coordinación entre cantantes. Queda ausente el magistral juego de enredos e intercambios que propone Mozart en su partitura. En el segundo acto se pasa de la falta de espíritu al tedio. La mala resolución del final, que queda a medias entre la alegría y el desastre amoroso, no ayuna a dejar entre el público un buen sabor de boca.

A Juliane Banse le tocaba interpretar uno de los papeles más completos y complejos escritos por Mozart, Fiordiligi. Se requiere una soprano spinto d´agilità, con voz robusta para el abordaje de arias como Per pietà. Posee Juliane Banse un buen registro central, pero sufrió en las notas más graves. También tuvo sus dificultades en la complicada Come Scoglio. Aria con grandes demandas técnicas para la que no tuvo el aliento ni apoyos suficientes. Fue de menos a más, llegando al segundo acto con un sonido menos estridente y más ajustado.
Dorabella, contrapunto vocal de Fiordiligi, estuvo interpretada por Maite Beaumont. Una voz mucho más equilibrada y homogénea. De timbre agradable y buena línea de canto. Fue tapada en varias ocasiones por su hermana artística, pero le dio al personaje el carácter adecuado, más tímido y recatado.

Despina fue interpretada por Sabina Puértolas. Una soprano de tonalidades más agudas que las anteriores. Animó la escena con su descaro, exagerado a veces, pero le dio frescura a toda la obra. Voz amplia y expresiva. Recorría el escenario mientras sus compañeras permanecían estáticas.

La sorpresa agradable de la noche fue el joven tenor Joel Prieto, interpretando a Ferrando. Su tesitura de lírico pleno, cercano al spinto, es la más adecuada para este rol mozartiano. Cantó con notable gusto, sobre todo su aria principal, Un aura amorosa, que abordó con finura. Resolvió muy bien la cavatina Tradito, schernito, teatralmente más exigente y para la que se requieren unos buenos graves. Muy bien en el dúo con Fiordiligi en el segundo acto. Dada su juventud y la calidad de su instrumento, se adivina una brillante evolución.

Joan Martín-Royo compuso un Guglielmo sólido. Su tesitura baritonal se refuerza con unos buenos graves, que se corresponden con el personaje que describió Mozart. Su labor actoral fue meritoria y brilló en las arias. Como al resto de intérpretes, no les favoreció demasiado el vestuario ni la escenografía.

A Pietro Spagnoli le encargaron un Don Alfonso algo casposo y con poca chispa, cuando lo que requiere el personaje es una intención casi buffa. Vocalmente estuvo muy bien resuelto por Spagnoli. Un magnífico fraseo y una muy buena declamación en los recitativos. Se notan sus tablas.

Sonó estupendamente el coro del Liceu, de la mano de Conxita García, a pesar de la escasez de elementos.

Un Così fan tutte algo pobretón y desigual el que ha presentado el Liceu en esta ocasión. Mejorable en cualquier caso, pero siempre extraordinario tratándose de Mozart. No pensemos que el Liceu no es mozartiano. Démosle otra oportunidad.

Cossí

Così fan tutte, tercera y última colaboración entre Wolfgang Amadeus Mozart y el libretista Lorenzo Da Ponte, llega al Gran Teatre del Liceu bajo la dirección de Damiano Michieletto, que debuta en el Liceu con una propuesta arriesgada que se ambienta en un hotel de lujo. El dramma giocoso, que se podrá ver del 20 al 30 de mayo, está inspirado en textos de Boccaccio, Shakespeare y Cervantes, y cuenta con la dirección musical del maestro Josep Pons.
Così fan tutte es una obra con una aguda visión social de la época que aborda de una forma directa la lucha entre sexos, y específicamente la infidelidad femenina. Mozart plasmó en esta ópera un juego inmoral sobre los sentimientos y emociones de los protagonistas: las hermanas Fiordiligi y Dorabella, y los respectivos prometidos Guglielmo y Ferrando. Sin olvidar el maquiavélico Don Alfonso que enreda toda la trama con una apuesta irreverente, y su aliada Despina, criada de las dos hermanas.

Michieletto presenta, después de haber trabajado los dos otros títulos Mozart-Da Ponte, Le nozze di Figaro y Don Giovanni, un Così fan tutte revisado, con una puesta en escena actual y majestuosa, un vestuario atrevido y una escenografía que destaca por el movimiento giratorio que traslada al espectador a diversas estancias de un hotel donde se producen todos los enredos posibles. El director veneciano hace recaer sobre Don Alfonso todo el peso del elemento metateatral (el teatro dentro del teatro) y le hace estar presente durante toda la obra sentado en un lateral del proscenio, aunque el libreto no lo requiera.

Così fan tutte se estrenó en enero de 1790 en el Burgtheater de Viena y no fue hasta después de ciento cuarenta años que llegó al Liceu, aunque se pudo ver en el Teatre de la Santa Creu en 1798. La última función del Così fue el 30 de enero de 2004 con las direcciones de Bertrand de Billy (musical) y Josep Maria Flotats (escénica). Le nozze di Figaro y Don Giovanni son las dos óperas que también cuentan con el talento de Mozart y Da Ponte, una trilogía que el genio vienés inició en 1786 y que concluyó con Così.

Este Così fan tutte presenta dos repartos. Como Fiordiligi Juliane Banse y Maite Alberola; Dorabella, Maite Beaumont y Gemma Coma-Alabert; Ferrando, Joel Prieto y David Alegret; Guglielmo, Joan Martín-Royo y Borja Quiza; Despina, Sabina Puértolas y Anna Tobella; y como Don Alfonso, Pietro Spagnoli y William Berger.

Actividades complementerias:

El Gran Teatre del Liceu propone dos experiencias únicas durante las representaciones de Così fan tutte. Con la colaboración de la ginebra Hendrick’s se instalará en el Saló dels Miralls una reproducción del bar de la escenografía de la ópera para que los asistentes puedan sentirse protagonistas durante el entreacto, y una vez finalizada la función. Hendrick’s ofrece al público que se inscriba con antelación, una degustación de cócteles y gin-tonics sorprendentes al terminar la representación. Por 20 euros se podrá disfrutar de una velada única en un “bar de lujo”. Las entradas estarán a la venta en las taquillas del teatro y en la web del Liceu.

El ilustrador argentino Eduardo Relero, todo un gurú del 3D y el streetart, después de haber expuesto sus obras por las calles de Nueva York, Tokio, Roma, México, entre otras muchas ciudades, propone una instalación en el vestíbulo histórico del Liceu para que la gente interactúe durante su estancia en el Gran Teatre. La obra, original de Relero, se inspira en el mundo operístico y está construida mediante vinilos dispuestos de una forma concreta bajo el concepto de anamorfosis, una técnica utilizada para ocultar o dirigir la atención específicamente sobre algo. La composición, que se verá sobre una superficie de 6×6 metros en el suelo del vestíbulo y el mostrador, se podrá visualizar gracias a las lentes de los teléfonos móviles y de una cámara situada a 1,75 metros que permitirá a los usuarios ver el relieve de la instalación en una pantalla de plasma.

Joel Prieto

El tenor Joel Prieto, nacido en Madrid y ganador del primer premio del Concurso Operalia de Plácido Domingo, regresará a la temporada del Gran Teatre del Liceu barcelonés después de su Fenton de Falstaff ahora interpretando uno de sus papeles favoritos, el de Ferrando de Così fan tutee (Mozart), rol que debutó en 2009 en el Palau de les Arts de Valencia. Posteriormente también lo ha interpretado en la Washington National Opera, en Les Théâtres de la Ville de Luxembourg, en la Palm Beach Opera y en la Bayerische Staatsoper de Múnich. “Ferrando es probablemente mi papel mozartiano favorito, y también el más que he cantado durante mi carrera”, afirma el joven tenor. “El personaje vive una gran evolución durante la ópera: al principio es un muchacho inocente y está ciego de amor por su amada Dorabella; es un romántico empedernido y cree firmemente que Dorabella le será siempre fiel. Es un papel que enmarca un cuadro muy diverso de emociones, desde una faceta cómica y de juego, hasta dolor, confusión y pasión. Vocalmente es un papel muy completo (es como un Mozart a la italiana), con una línea vocal muy expuesta. No es un papel para todo el mundo por la dificultad que conlleva en el pasaje de la voz; su balance entre registros y los matices que el rol requiere”.

Poseedor de un amplio repertorio, en la trayectoria de Joel Prieto destacan papeles belcantistas y mozartianos, habiendo debutado, precisamente, como Príncipe Tamino de Die Zauberflöte en la Deutsche Oper de Berlín en 2006, ciudad a la que regresó con ese mismo personaje a la Staatsoper Unter den Linden en 2011. En este ámbito también ha interpretado a Don Ottavio en el Don Giovanni del Festival de Salzburgo de Claus Guth y Yannick Nezet-Seguin (2010 y 2011). Con Fenton (Falstaff, Verdi) se presentó en la Royal Opera House del Covent Garden de Londres en una producción de Robert Carsen y Daniele Gatti retransmitida por televisión (2012), papel con el que debutó tanto en el Théâtre du Capitole de Toulouse (2011) como en el Gran Teatre del Liceu en Barcelona (2010).

La producción de Così fan tutte que podrá verse en el Liceu lleva la firma del aclamado regista italiano Damiano Michieletto, uno de los innovadores de la ópera de hoy. “La música de Mozart siempre me tocó de manera muy profunda”, continúa Joel Prieto. “Fue uno de los motivos que me hicieron dedicarme a esto. No es coincidencia que mi carrera haya empezado con esta maravillosa música. Los personajes mozartianos me han ayudado a conocer mi propio instrumento y a desarrollarlo no solo en la técnica, sino también en su potencial interpretativo. Además estos papeles me han dado la oportunidad de trabajar con muchos de los mejores directores de escena del mundo de la ópera: el trabajo actoral, además, es una de las razones que le da sentido a la música de Mozart. Hoy en día mi repertorio sigue expandiéndose en el repertorio italiano y francés, pero Mozart siempre estará en mi calendario de actuaciones. Es como volver a casa”.

Joel Prieto estrenará este espectáculo en el Liceu de Barcelona el 20 de mayo, interpretando además las funciones de los días 22, 24, 26, 28 y 30 de ese mismo mes.

Real

El Teatro Real ha presentado esta semana la nueva temporada 15-16. Una temporada equilibrada en cuanto a títulos de repertorio y aquellos más desconocidos. Realiza una clara apuesta por las coproducciones con otros teatro y no tanto las propias. Lo que contribuye al cumplimiento del objetivo de ajustar el presupuesto al máximo. Mayor número de representaciones. la eliminación del gasto de gestión al adquirir las entradas a través de internet. La programación, vertebrada por los títulos operísticos, articula diferentes líneas conceptuales y temáticas con variadas propuestas interdisciplinares. Se ofrecerán cinco nuevas producciones, cuatro producciones invitadas, tres óperas en versión de concierto y dos óperas de cámara. Se mantienen en la próxima temporada las líneas estructurales de la programación, con la ampliación de los ciclos VOCES DEL REAL y SESIONES GOLFAS, y la creación del ciclo BAILANDO SOBRE EL VOLCÁN. El Teatro Real se une a la Conmemoración del IV Centenario de la muerte de Miguel de Cervantes y William Shakespeare. Se afianza el vínculo con instituciones culturales y artísticas, con múltiples y atractivas actividades. Y se amplían las modalidades de abonos (16 en total), se anticipa y agiliza su venta y se flexibilizan los procedimientos para cambio de fechas.

En la 19ª temporada del Teatro Real desde su reapertura, en 1997, se presentarán cinco nuevas producciones operísticas —todas en coproducción con importantes teatros, cuatro producciones invitadas, tres óperas en versión de concierto y dos óperas de cámara que se ofrecerán en los Teatros del Canal. La programación se completa con tres espectáculos de danza y dieciséis conciertos integrados en los ciclos Voces del Real, Sesiones golfas y el recién creado Bailando sobre el volcán.

Cabe destacar el estreno en Madrid de la versión escenificada de Moisés y Aarón, de Arnold Schönberg, sin duda una de las obras señeras del repertorio lírico del siglo XX, que llegará en una coproducción entre el Teatro Real y la Ópera de París, con dirección de escena Romeo Castellucci —uno de los creadores más brillantes de la actualidad que debutará en Madrid. En estrecha sintonía con el argumento y las circunstancias históricas de esta ópera, se estrenará también El emperador de la Atlántida, de Viktor Ullmann, discípulo de Schönberg y uno de los grandes compositores de la época, cuya carrera quedó truncada por el ascenso del nazismo. La ópera se compuso en el campo de concentración de Terezín. Ambas obras esbozan un eje temático que se extenderá a espectáculos del Programa Pedagógico, como la pequeña ópera juvenil Brundibár, de Hans Krasa, estrenada también en Terezin. En el mismo marco conceptual, pero con otra atmósfera, se ofrecerán en el Auditorio Sony de la Fundación Albéniz cuatro conciertos (uno de ellos escenificado) dentro del ciclo Bailando sobre el volcán, que incluyen referencias al cabaret judío que tanta influencia ejerció sobre Schönberg, Kurt Weill y otros compositores coetáneos.

Entre las novedades de la temporada figuran los estrenos de Alcina —una de las mejores óperas del extenso catálogo de Händel, con dirección escénica de David Alden— y, sobre todo, La prohibición de amar, de Richard Wagner, obra juvenil injustamente relegada, que el Teatro Real y la Royal Opera House rescatarán del olvido con la complicidad de Kasper Holten, responsable de la dirección de escena, e Ivor Bolton, director musical del Teatro Real. La ópera de Wagner está basada en Medida por medida, de William Shakespeare, de quien se conmemora el cuarto centenario de su muerte. En el marco de esta efeméride se ha programado en los Teatros del Canal la obra Dos delirios shakesperianos, de Alfredo Aracil.

El Teatro Real se ha unido también a la Conmemoración del IV Centenario de la muerte de Miguel de Cervantes programando El retablo de Maese Pedro, de Manuel de Falla, y El caballero de la triste figura, de Tomás Marco.

Además de La prohibición de amar, que Wagner consideraba un “pecado de juventud”, la temporada incluye la última ópera del compositor, Parsifal, que dirigirá musicalmente Semyon Bychkov y que supondrá el debut en el Real de Claus Guth, otro de los nombres más cotizados de la dirección escénica actual.
Mariella Devia, Gregory Kunde, Mariusz Kwiecien y Silvia Tro Santafé conformarán el cuarteto estelar que protagonizará el regreso de Roberto Devereux, de Gaetano Donizetti, que inaugurará la temporada lírica el 22 de septiembre. Otro título crucial del belcantismo romántico, I Puritani, de Vincenzo Bellini, reunirá algunos de los mejores cantantes de este repertorio: Diana Damrau, Javier Camarena y Ludovic Tezier, dirigidos por Evelino Pido, en el foso, y Emilio Sagi, en la escena.
También Rigoletto, de Giuseppe Verdi, con dirección musical de Nicola Luisotti y escénica de David McVicar, unirá a cantantes tan reconocidos como Olga Peretyatko, Lisette Oropesa, Stephen Costello o Leo Nucci, que también protagonizará Luisa Miller de Giuseppe Verdi, en versión de concierto, bajo la dirección de James Conlon.
Plácido Domingo interpretará junto a Ainhoa Arteta y Michael Fabiano, I due Foscari, de Giuseppe Verdi, bajo la batuta de Pablo Heras-Casado, Principal Director Invitado del Teatro Real. También en versión de concierto se presentará Written on Skin, que dirigirá el propio compositor, George Benjamin.

Entre los títulos más populares del repertorio lírico destaca asimismo el regreso de La flauta mágica, con dirección musical del experto mozartiano Ivor Bolton, con magistral puesta en escena de Barrie Kosky, que debutará en el Teatro Real. El Programa Pedagógico incluirá, a su vez, La flauta encantada, una magnífica introducción a la ópera de Mozart para niños, y una versión para adolescentes de Dido y Eneas, de Henry Purcell, con dirección de Rafael Villalobos.
En la programación de conciertos y recitales figuran nombres de tanto prestigio como Measha Brueggergosman, Natalie Dessay, Angela Denoke, Renée Fleming, Karina Gauvin, Venera Gimadieva, Barbara Hannigan, Anja Kampe, Susan Graham, Juan Diego Flórez, Francesco Meli, Bejun Mehta, Andreas Scholl, Simon Keenlyside, Christopher Maltman, Peter Mattei y Franz Josef Selig, entre otros.

Tres compañías de danza se darán cita en la temporada: Nacho Duato presentará su versión de La bella durmiente con el Staatsballett de Berlin, y un triple programa con coreografías suyas y de Marco Goecke. Sasha Waltz traerá, junto con su compañía, la aclamada versión de La consagración de la primavera, de Igor Stravinsky. Finalmente, José Carlos Martínez propondrá un homenaje a Enrique Granados con la Compañía Nacional de Danza finalizando en julio del próximo año, la 19ª temporada del nuevo Teatro Real.

Las Bodas de Figaro

El Teatro Real ha comenzado su temporada teniendo que dar explicaciones a las numerosas modificaciones que está teniendo la anunciada nueva temporada. Vaya por delante el hecho de que el Teatro ha vivido en los últimos meses una situación complicada. El fallecimiento de su anterior director artístico, Gerard Mortier, y el nombramiento como sustituto del actual, Joan Mataboch, no son una anécdota. Como tampoco lo es preparar una temporada con apenas seis meses en un mundo en el que se trabaja con márgenes mucho más amplios.
Los diferentes cambios en la programación se deben a distintos motivos. El estreno mundial de La ciudad de las mentiras, de Elena Mendoza, basada en textos de Julio Cortazar, se aplaza hasta el 2017 sin que hayan quedado claros los motivos. Se cae del cartel Fidelio, en esta ocasión el responsable es Alex Ollé, de la Fura dels Baus. Gollescas se ofrecerá en versión concierto, y no con la puesta en escena de José Luis Gómez y el pintor Eduardo Arrollo. En Hänsel und Gretel se sustituye la dirección escénica. Inicialmente iban a ser Joan Font, de Els Comediants, y Agatha Ruiz de la Prada los encargados, pero finalmente será Laurent Pelly.
También se cae del cartel la soprano Natalie Dessay en La fille du régiment. Aquí el Teatro no tiene nada que ver, ha sido la propia cantante quien anunció su retirada de los escenarios operísticos para dedicarse al recital. A cambio la sustituye Aleksandra Kurzak, que viene de tener un apoteósico triunfo en Viena con este mismo papel.
Esperemos que no se produzcan nuevas bajas en una temporada que puede denominarse de transición, dados los acontecimientos y dificultades que la han marcado.

Comienza la temporada con una reposición (y van tres en cinco años) de la producción que de Las bodas de Figaro realizó Emilio Sagi.
Esta obra, inspirada en un texto del polémico Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais, que gracias a su maestría en el manejo de la sátira, estaba considerado como el azote de la nobleza. La misma que caería durante la Revolución Francesa y a la que tenía soliviantada con sus obras y escritos políticos.
La trilogía de Figaro escrita por Beaumarchais trata de representar el momento socio-político que vivía Europa. La caída de la aristocracia, representada en la figura del Conde y la Condesa de Almaviva, y el ascenso de las clases populares, con el criado Figaro como protagonista. Estos textos sirvieron de inspiración tanto para la composición de El barbero de Sevilla a Rossini, que se interesó más por la primera parte de la trilogía, como Las bodas de Figaro a Mozart, que se inspiró en la segunda parte.

Mozart decidió encargar a su nuevo libretista, Lorenzo Da Ponte, la adaptación del texto para su ópera. No fueron pocos los cambios que Da Ponte introdujo en la obra, sobre todo para conseguir rebajar el elevado tono crítico y transformarlo en una obra bufa. La ópera se estrenó en Viena en 1786, apenas tres años antes de iniciarse la Revolución Francesa. Compositor y libretista colaboraron más tarde en Cosí fan tutte y Don Giovanni.

La escenografía de Sagi es clásica y convencional. En algunos momento resulta desangelada, pero la responsabilidad de llenar un escenario aunque en éste escaseen los elementos, no es tanto del director de escena, sino de los propios artistas.

Al clasicismo y romanticismo que sí tiene la escenografía, contribuyen en gran medida el hermoso vestuario de Renata Schussheim, y la adecuada iluminación de Eduardo Bravo. Emilio Sage sabe dotar a sus obras de brillo y vistosidad. En esta ocasión, la incorporación de un cuerpo de baile y sus castañuelas, dan a la obra un toque castizo que dio vida a la obra.

Si bien Ivor Bolton es un excelente director, en estas bodas de Figaro no se puede decir que haya acertado con el tempo y mucho menos con el carácter de la obra. Su dirección careció de chispa y brío desde la apagada obertura. No tenía espíritu, lo que es imperdonable en una ópera bufa como es esta. Decir en su favor que estuvo pendiente en todo momento de los cantantes.

Con Andreas Wolf hemos asistido a la representación del Figaro más insípido y tieso que se ha visto. Un personaje tan chispeante como Figaro no puede ser solventado con tanta rigidez. Su voz es agradable, hermosa a veces, pero un personaje con tanta importancia teatral requiere, no solo un esfuerzo en la interpretación, también cualidades para ello.
Sylvia Schwartz fue una Susana a la altura de Figaro, no se si por convencimiento o por influencia de éste, pero hicieron buena pareja en la falta de expresividad en la interpretación. La solidez de su voz no acierta en esta ocasión con el personaje.
Luca Pisaroni, como Conde de Almaviva, fue de lo mejor de la noche junto a la Condesa, Sofia Soloviy. Ambos hicieron gala de buen oficio sobre el escenario, pero sobre todo, dotaron a sus personajes de empaque y distinción. Soloviy fue aplaudida en algunas de sus arias, sobre todo en “Dove sono”, por su calidad musical y extraordinarios legatos.
Elena Schneiderman tampoco se lució con su Cherubino. Lejos también, como el resto del reparto, de la comicidad que caracteriza a esta obra y la chispa traviesa de su personaje que casi pasa desapercibido.
El resto del reparto se perdió en medio del aburrimiento de la representación. Los intentos de José Manuel Zapata por recrear un Don Basilio jocoso y gracioso, no fueron suficientes.
Unos intérpretes sin soltura, rígidos, sin dar pie al más mínimo detalle teatral, ofrecen como único resultado el aburrimiento para un público que llega al Teatro predispuesto al disfrute.

LE NOZZE DI FIGARO
Wolfgang A. Mozart (1756-1791)
Ópera buffa en cuatro actos
Libreto de Lorenzo da Ponte, basado en la comedia La folle journée, ou Le mariage de Figaro (1784) de Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais.
D. musical: Ivor Bolton
D. escena: Emilio Sagi
Escenógrafo: Daniel Bianco
Figurinista: Renata Schussheim
Iluminador: Eduardo Bravo
Coreografía: Nuria Castejón
D. coro: Andrés Máspero

Reparto: Luca Pisaroni, Dofia Soloviy, Sylvia Schwartz, Andreas Wolf,
Elena Tsallagova, Helene Schneiderman, Christophoros Stamboglis,
José Manuel Zapata, Gerardo López, Khatouna Gadelia, Miguel Sola,
Pilar Moránguez, Celine Kot.
Coro y Orquesta titulares del Teatro Real

Rigoletto

Interpretar más de 500 veces a un mismo personaje sin caer en lo rutinario, es más que un mérito, es arte, oficio y pasión. Y Leo Nucci, sobrado de facultades, a estas alturas de su vida está lleno de recursos en escena, y también fuera de ella. Sabe muy bien como gestionar las emociones de un público, el de Bilbao, que le esperaba con entusiasmo después de sus últimas cancelaciones en I Due Foscari y Nabucco.

Su interpretación de Rigoletto fue de menos a más. El calentamiento de su voz y del público llegó con el dúo Ah!, solo per me l´infamia, que fue el preámbulo a un magnífico Cortiggiani vil raza y una impecable y dramática vendetta que fue bisada. A pesar de alguna carencia en el fiato, que le llevó a acortar alguna frase, la capacidad vocal de Leo Nucci es prodigiosa en un hombre de 71 años. Demostró gran conocimiento de la partitura y del concepto de drama verdiano. Su voz conserva su color y características casi intactas a pesar de los años. Y Rigoletto es sin duda su personaje. No interpreta a Rigoletto, se transforma en él.

Y si Leo Nucci se había llevado todo el protagonismo inicial, la noche reservaba una gran sorpresa, la soprano rumana Elena Mosuc en el personaje de Gilda. Era su debut en Bilbao y eso siempre genera una cierta expectación, más bien esperanza, esa que nunca se pierde. Y tuvimos la ocasión de asistir a un acontecimiento cada vez más escaso, sobre todo tratándose de una obra tan clásica. Una de esas obras que cada uno tiene referenciadas en la cabeza con sus cantantes, director, escenario… y que difícilmente hacen hueco a ninguna otra versión.
Apareció Elena Mosuc, con esa discreción y delicadeza escénica con la que Verdi describió al personaje de Gilda. Llegó entonces Caro nome, y empezaron a temblar los recuerdos para dejar paso a este momento. Elena Mosuc posee unos recursos canoros que dificilmente se despliegan ya sobre un escenario. Bien por falta de ellos, por miedo o por vergüenza. La facilidad para el legatto. Apianar una nota con lánguido abandono y terminarla con un sutil crecendo. Todo ello con una finezza y un gusto exquisito. Se permitió algún sobreagudo y agilidades como regalo a un público que en ese momento estaba absolutamente entregado. El oficio y experiencia tanto de Leo Nucci como de Elena Mosuc, se observó también en el perfecto empaste de las dos voces protagonista.

La interpretación de Ismael Jordi, como Duca di Mantova, bajó algún escalón el nivel interpretativo respecto a los otros dos protagonistas. Empezó algo destemplado y mejoró en el segundo y tercer acto. Su voz ha mejorado en los últimos años pero no termina de convencer. Su color cambia con facilidad y es muy evidente el cambio de pasaje que desestabiliza algunos agudos. Pero su canto es refinado y elegante. No tiene mala presencia en escena, pero quizá el porte es escaso para el personaje de Duca. Sobre todo cuando apareció en el escenario María José Montiel con una Magdalena temperamental, exuberante y, sobre todo, castiza. Muy bien en el cuarteto, equilibró y redondeó el magnífico cuadro de cantantes. No estuvieron a su altura sus compañeros de correrías, ni Felipe Bou, como Sparafucile, ni Javier Galán interpretando a Marullo.
Ainhoa Zubillaga, como Giovanna, tampoco convenció. No posee una bonita voz. La sensación es de pesadez, de un angustioso dolor en la emisión. La nitidez en el fraseo es inexistente.

La dirección musical ha sido con diferencia lo más flojo durante toda la representación. Sorprendió la cancelación del director Daniel Oren, que ha sido sustituido por Miguel Ángel Gómez Martínez. La dirección de éste último ha pecado de una lentitud excesiva. Unos tiempos dilatados en exceso, que no favorecían el dramatismo pero sí el hastío en algunos momentos.

Hay escenografías que envejecen muy mal. Tal es el caso de la que nos ocupa, de Emilio Sagi, que se estrenó en este mismo teatro hace siete años. Su reposición ha estado a cargo de Ricardo Sánchez-Cuerda y el resultado es oscuro y pobre. No se reconocen en él elementos clásicos o conocidos. Los cambios y transiciones se realizan a la vista del público mediante plataformas móviles. Obligaba a los cantantes a moverse entre los elementos como en un laberinto. La dirección de actores falla en algunos momentos en los que Rigoletto queda fuera de escena siendo el protagonista. Quiere ser una escenografía sencilla, pero se queda en simple.
La iluminación, a cargo de Eduardo Bravo, quiere ayudar a crear una atmósfera tenebrosa, pero resulta tacaño y la luz, escasa.

La Bilbao Orkestra Sinfonikoa tuvo una actuación discreta, más por carencias de la dirección musical que de recursos de los maestros que la forman.
El coro brilló y contribuyó al éxito de la representación. Bien en las entradas y contundente en los cuadros de conjunto.

Habrá quienes opinen que el éxito del estreno de este Rigoletto es exagerado, que en la sala se encontraba mucho tiffosi nucciniano. La realidad es que la ópera y quienes participan en ella solo tienen una obligación, encender pasiones. Misión cumplida.

La Flauta Mágica

Con las funciones de Die Zauberflöte, termina la presente temporada de otoño, invierno y primavera en el valenciano “Palau de Les Arts”, que ha sabido conjugar los inevitables recortes presupuestarios, con una programación a base de cinco títulos de diferentes repertorios: La Bohème y El barbero de Sevilla, junto a dos óperas de Verdi –estamos en el 200 aniversario del compositor de Busetto- una popular y superconocida como Rigoletto, y otra mucho menos representada, pero de indudable atractivo como I due Foscari, con la siempre carismática presencia de un Plácido Domingo, metido en roles baritonales, pero conservando su atractivo timbre, y una línea de canto verdaderamente impensable para sus setenta y dos años.

Pues bien, todas esas producciones contaban con magníficas escenografías, a las que se suma la minimalista pero muy atractiva propuesta escénica de la mozartiana Die Zauberflöte.
A pesar de la reducción de títulos con respecto a años anteriores, el Palacio de la Ópera Valenciano, ha cuidado al máximo los resultados musicales, vocales y escénicos de cada una de sus óperas programadas, a las que Brío Clásica está dedicando extensas y didácticas reseñas.
Die Zauberflöte es una obra a la que podría denominarse de diferentes maneras: gran ópera, como la llamó Mozart, también podría adscribirse al género de la opereta vienesa o también a un “singspiel” como en el caso de El rapto en el serrallo. También como un cuento de hadas.
Sin embargo, su manifiesta iconografía masónica resulta evidente, ya que de principio a fin, toda la temática de esta ópera nos remite a la francmasoneria. Ténganse en cuenta que Wolfgang Amadeus Mozart era masón, y su ópera resulta un encendido canto a la fraternidad universal. Sus dos protagonistas principales el príncipe Tamino junto con su amada Pamina, son introducidos en el rito iniciático masónico.
Podría pensarse que esta ópera es sólo una parábola de la lucha entre el bien y el mal, de lo ridículo y lo sublime, de elementos masculinos y femeninos. Sin embargo, Die Zauberflöte puede considerarse una obra genial que reúne todas estas contradicciones, ensalzando el amor asociado a la búsqueda de la verdad, la solidaridad mutua, la justicia, la fraternidad y la tolerancia.

Como en todas las grandes creaciones operísticas mozartianas, el canto debe prevalecer en su estado más puro: depurada técnica, calidad vocal, gran expresividad.
Dentro de la tipología vocal que requiere La Flauta Mágica, el personaje de La Reina de la noche precisa una soprano dramática de absoluto dominio de la coloratura, unido a empuje y bravura. Ese tipo sopranil existente en los tiempos de Mozart, y retomado en algunas óperas de Bellini y Donizetti, por sopranos como Giuditta Pasta, Giulia Grisi, y en tiempos más recientes por la gran María Callas: ya no existe. Por tanto, el rol de La Reina de la noche lo desempeñan lírico-ligeras de gran extensión y fácil dominio de las agilidades.
En cuanto a los dos papeles principales de Pamina y Tamino, requieren respectivamente: una soprano lírica de cierta anchura, buen legato, dominio de las regulaciones dinámicas; y, sobre todo, una muy depurada línea de canto; y un tenor lírico de suficiente anchura para afrontar momentos heroicos y dramáticos.
Y, el personaje de Sarastro, de gran importancia durante toda la ópera, requiere un bajo profundo con un canto de gran nobleza.
Finalmente, citemos, el personaje baritonal del pajarero Papageno, que debe conjugar una actuación cómica y desenfadada, con momentos más serios y de cierto dramatismo.

Dicho todo esto, para poner al lector en antecedentes, quiero realizar un comentario siempre constructivo de esta producción del Teatro Regio di Parma de La Flauta mágica, que se representó en el transcurso de seis funciones el pasado mes de abril en el Palacio de Ópera Valenciano: en primer lugar, que se puede realizar una puesta en escena –atractiva- de matizado minimalismo, creada por Simon Corder, también responsable del muy acertado diseño luminotécnico que le saca tremendo partido al muy sencillo montaje escénico. Destacar, los expresivos números de ballet, excelentemente resueltos por acrobáticos bailarines, con la magnífica coreografía de Duncan Macfarland.
El Coro de la Generalitat Valenciana (como siempre) realiza una sobresaliente actuación dirigido por su titular Francesc Perales, destacando, sobre todo en el impresionante y muy emotivo coro del Acto II.
Siempre es preciso comentar la gran calidad de la Orquesta de la Comunitat Valenciana, plagada de magníficos profesionales capaces de adecuarse a variopintos repertorios: en este caso la música de Mozart, siempre de gran altura sinfónica, y que el director supo exponer con absoluta brillantez.
En el plano vocal habría que resaltar la actuación vocal y escénica de la joven soprano italiana Grazia Doronzio, quien realizó una sobresaliente actuación como Pamina, estando magnífica en todas sus intervenciones, sobre todo, en su muy complicada aria del Acto II, “Ash, ich fühl’s (¡Ay, tengo el sentimiento)”, cumpliendo en un amplísimo porcentaje, todas las bondades vocales que requiere este personaje, ya apuntadas más arriba; y, mostrándose –pese a su juventud- en la línea de otras grandes Paminas como, por ejemplo: Elisabeth Schwarzkopf, Gundula Janowitz, Annaliese Rothenberger o nuestra Pilar Lorengar.
Cabe también destacar el magnífico Sarastro del bajo coreano In-Sung Sim, con una bella y noble línea de canto. Su actuación resulta muy brillante a lo largo de toda la ópera, destacando en su aria del Acto II “In diesen heil’gen Hallen.
Notable y graciosa actuación como Papageno del barítono Thomas Tatzl, junto a la Papagena bien cantada y actuada de Helen Kearns, quien muestra una gran flexibilidad corporal, al estar totalmente encorvada durante bastante tiempo, para luego aparecer como una chica joven y esbelta que embelesa a Papageno.

Dejo para el final lo que considero más flojo de todo el reparto: La Reina de la noche de la soprano Mandy Fredrich, quien cantó muy discretamente su aria del Acto I “O zittre nich, mein lieber sohn! (Este retrato es encantadoramente bello)” para mejorar en su endiabladamente difícil aria del Acto II “Der Hölle Rache..” (¡La venganza del infierno..)”
El Tamino de Daniel Johansson, está, más o menos aceptable, en sus intervenciones con Pamina, Papageno y Sarastro.
Ya, los resultados son más discretos en su gran escena del Acto I “Dies Bildnis ist bezubernd schón (¡Este retrato es encantadoramente bello)”, si le comparamos con un Fritz Wunderlich (el mejor Tamino de la historia), o con la elegantísima creación del joven Nicolaï Gedda, junto a la Pamina de Elisabeth Schwarzkopf, y el Papageno de Giuseppe Taddei, en la magnífica toma en directo de 1953, dirigido por la flamígera batuta de Herbert von Karajan; e, incluso, la excelente creación, en tiempos más recientes, del mejicano Francisco Araiza, en la toma en video de 1991, dirigida por James Levine desde Metropolitan de Nueva York.
En fin, una notable Flauta mágica, sobre todo por algunos de los cantantes.