CarlosMena

El contratenor Carlos Mena junto al Grupo Enigma, dirigido por Asier Puga, presentan en Madrid su nuevo proyecto, Soliloquio(s). Tras su exitoso paso por Zaragoza y Barcelona en el marco de los Circuitos Nacionales del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), esta cita permitirá al público madrileño sumergirse en un original programa que va más allá de la idea de concierto y que propone una experiencia musical y audiovisual inolvidable. Este concierto inaugural del ciclo gratuito Series 20/21 del CNDM tendrá lugar el lunes 23 de octubre a las 19:30 horas en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Fundado en 1995, el Grupo Enigma es una de las orquestas de cámara de referencia del panorama actual. Agrupación residente del Auditorio de Zaragoza desde sus inicios, se ha consolidado a través de una programación audaz en continuo estado de cruce, donde la tradición entra en diálogo con las formas de expresión más contemporáneas. En esta ocasión, junto al gran contratenor Carlos Mena, darán vida a un ecléctico programa que pone en valor las poderosas reflexiones de personalidades muy influyentes de la sociedad.

Los soliloquios planteados en este primer concierto de Series 20/21 hablan de temas tan diversos como la libertad, la percepción auditiva, el acto de crear o la vida y la muerte. El repertorio aglutina piezas de Calderón de la Barca, Pauline Oliveros, Gilles Deleuze, Francesco Filidei y dos estrenos de Iñaki Estrada Torío y Núria Giménez-Comas, este último una obra encargo del CNDM sobre textos del activista queer Paul B. Preciado y fragmentos de la pieza teatral The land of heart’s desire del dramaturgo y poeta William Butler Yeats.

Más allá de un concierto convencional

Este concierto propone vivir una experiencia musical para todos los sentidos, ya que también incluye piezas habladas y audiovisuales. El programa comienza con el fragmento final del célebre Monólogo de Segismundo de La vida es sueño de Calderón de la Barca, un soliloquio que invita a pensar sobre el soñar y la libertad propia como soñadores. En Bye, bye, butterfly, la compositora Pauline Oliveros propone una novedosa subversión de Madama Butterfly de Giacomo Puccini en la que reivindica el papel de la mujer en la sociedad.

El recorrido continúa con el mencionado estreno absoluto de una obra encargo del CNDM a la compositora Núria Giménez-Comas, The land of heart’s desire, sobre textos de Paul B. Preciado y W. B. Yeats, en la cual la magnífica voz de Carlos Mena se entrelazará con sonoridades jazzísticas. El otro estreno lo protagonizará la obra Voices de Iñaki Estrada Torío, que nació como encargo de Asier Puga para el Grupo Enigma y que reflexiona sobre la voz como un instrumento más.

Cierran el programa un extracto de la conferencia Qu’est-ce que l’acte de création?, que ofreció el filósofo francés Gilles Deleuze en 1987 y en la cual habla sobre el acto de la  creación y del arte como forma de resistencia; y Finito ogni gesto, del organista, compositor y alumno de Salvatore Sciarrino, Francesco Filidei. Este concierto es una coproducción del CNDM con L’Auditori, el Festival Mixtur y el propio Grupo Enigma.

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Llega una nueva cita del ciclo Series 20/21 del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS). En esta ocasión, el Ensemble Mosaik invitará al público a adentrarse en un concierto que va más allá del formato tradicional y en el cual la puesta en escena será un elemento primordial. El consagrado ensemble berlinés presenta un sorprendente espectáculo donde abordarán obras de los compositores españoles Irene Galindo Quero y Manuel Rodríguez Valenzuela, que protagonizarán una estimulante velada donde también se escuchará una pieza de la compositora estonia Liisa Hirsch. El concierto tendrá lugar el lunes 17 de abril a las 19:30h en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (entrada libre).

Fundado en 1997, el Ensemble Mosaik es una formación versátil y experimental y un conjunto de renombre para la música contemporánea. Sus integrantes se caracterizan por sus habilidades instrumentales y por una fuerte personalidad individual creativa. Así, a lo largo de su trayectoria, han ido moldeando una propuesta que amplía los límites de la música contemporánea y su apertura a nuevos formatos al más alto nivel artístico. En esta ocasión, bajo la dirección de Chatschatur Kanajan y con la participación del percusionista Roberto Maqueda, uno de los artistas españoles de vanguardia más audaces del panorama actual, el Ensemble Mosaik fusionará música de nueva creación con diferentes formatos digitales.

Esta mágica velada se abrirá con Glides de Liisa Hirsch, una pieza de carácter experimental donde podrá apreciarse el particular estilo de su compositora, que se caracteriza por recrear emblemáticos ambientes sonoros a través de la sensibilidad tímbrica y la atención al sonido. La siguiente parada de este programa multidisciplinar será Si callalo pudié sentirsas de Irene Galindo Quero, una obra que acaba de recibir el Premio de Composición 2023 de la ciudad de Stuttgart y que juega con dos voces paralelas que tratan de encontrarse. La propuesta está basada en un texto de la poeta Ángela Segovia.

El concierto lo cerrará la enigmática obra de teatro multimedia para percusión solista, conjunto instrumental, electrónica y vídeo de Manuel Rodríguez Valenzuela, time. cage. Esta sugestiva pieza gira en torno a la idea de aislar a un percusionista solista del resto de instrumentos amplificados para generar una situación insólita, por lo que visualmente será toda una sorpresa. Estrenada en el festival Maerzmusik de Berlín, invita al público a reflexionar sobre cuestiones como la alteración del tiempo y su percepción.
Fotografía ©Anja_Weber

Todos los conciertos del ciclo Series 20/21 serán los lunes a las 19:30h y con entrada libre hasta completar aforo. Además, mostrando en las taquillas del Museo Reina Sofía dicha entrada, el público podrá beneficiarse de un 50% de descuento en la entrada individual general del museo. 

Queyras, Simpson y Aimard

El lunes, 22 de noviembre a las 19:30 horas, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid a tres de los más destacados intérpretes del momento —el violonchelista francocanadiense Jean-Guihen Queyras, el clarinetista británico Mark Simpson y el pianista galo Pierre-Laurent Aimard— para un concierto de repertorio alemán que abarca dos siglos: los que separan el Trío ‘Gassenhauer’ Beethoven de la vanguardia sonora de Lachenmann.

Tras la sustitución del concierto previsto el año pasado por dificultades de movilidad a consecuencia de la pandemia (y en el que el público pudo disfrutar de un magnífico recital a solo de Aimard), los tres músicos se reúnen finalmente en Madrid para sacar adelante un programa tan atípico como estimulante: un viaje que conecta el famoso Trío op. 11 del genio de Bonn con tres obras de uno de los máximos representantes del modernismo de Darmstadt que reflexionan sobre el origen mismo del sonido y su relación con el ruido.

ALTAS DOSIS DE PROVOCACIÓN Y SARCASMO
Durante el concierto en el Auditorio 400, el trío inigualable de músicos formado por Queyras, Simpson y Aimard demostrará que los aparentemente irreconciliables Beethoven y Lachenmann tienen más cosas que decirse sobre un escenario de las que cabría esperar. Cada uno a su manera y con cargo a un estilo propio e inconfundible, ambos compositores trataron de ensanchar los límites del canon musical y, a base de ingenio y transgresión, consiguieron cambiar los hábitos de escucha de los oyentes de su época.

«Aunque resulte un tanto sorprendente encontrar el Trío op. 11 de Beethoven entre las provocadoras piezas de Lachenmann, no es en absoluto descabellado dejar que compartan protagonismo en un mismo concierto, dado que el trío en cuestión se basa en el dramma giocoso L’amor marinaro ossia Il corsaro de Joseph Weigl», explica el especialista y gestor cultural Antonio Gómez Schneekloth. «A modo de guiño a la música popular de su época, sus pentagramas también contienen una alta dosis de sarcasmo».

TRES REFERENTES DE VERSATILIDAD, AMBICIÓN Y ECLECTICISMO
Desde que en 2008 fuera elegido Artista del año por la revista Diapasón, Jean-Guihen Queyras (Montreal, 1967) ha hecho gala de un eclecticismo muy poco habitual en los violonchelistas de su generación. Su insobornable curiosidad le ha permitido grabar para Harmonia Mundi los conciertos para violonchelo de Haydn y Georg Monn con un instrumento de época junto a la Freiburger Barockorchester sin dejar de atender sus compromisos con el Arcanto Quartet y los estrenos mundiales del Ensemble Intercontemporain fundado por su admirado Boulez.

Los intereses de amplio espectro de Mark Simpson (Liverpool, 1988) obedecen a su doble faceta de eminente clarinetista (unas veces en calidad de solista y otras como integrante de conjuntos de cámara) y compositor de éxito a su paso por los BBC Proms, el Festival de Salzburgo o el Wigmore Hall de Londres. Entre las obras de su versátil repertorio encontramos la Gran Partita de Mozart, el Concierto de Artie Shaw y un gran surtido de compositores de las vanguardias, como Ligeti, Stockhausen, Nono y, por supuesto, el propio Lachenmann.

Bendecido por el Wall Street Journal como uno de los músicos más brillantes y visionarios del panorama actual, el pianista Pierre-Laurent Aimard (Lyon, 1957) es uno de los rostros más habituales y queridos por el público del CNDM. La prueba de su compromiso con las partituras de todos los tiempos la encontramos en el programa de su última gira de conciertos, Beethoven and the Avant-Garde, un ambicioso tour de force que conjuga el estilo clásico vienés con composiciones de vanguardia que nos descubren sorprendentes referencias cruzadas

CNDM Reina Sofía

El lunes 8 de mayo, el ciclo Series 20/21 del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid el penúltimo concierto del la temporada con la colaboración de la Escuela de Música Reina Sofía, la Fundación BBVA y la Fundación Cisneros – Colección Patricia Phelps de Cisneros. Para la ocasión, la Sinfonietta de la Escuela de Música Reina Sofía, formación instrumental centrada en la música de nuestro tiempo de dicha institución académica, dirigida por el maestro suizo Baldur Brönnimann, interpretarán el programa  “Después de Guernica” formado por obras de Ligeti, Lindberg, Birtwistle y Widmann. Gracias al acuerdo de las instituciones implicadas se cumple el objetivo de promover el cruce de la música y las artes plásticas, estableciendo las conexiones que de manera natural existen entre sus creadores, ya sea por compartir movimientos artísticos, procedencia geográfica, o simplemente por inspiración. En este caso algunas de las obras del concierto establecen un puente muy sugerente con la exposición “Piedad y terror en Picasso. El camino a Guernica” que ofrece actualmente el Museo hasta el 4 de septiembre. El concierto es con acceso libre hasta completar el aforo de la sala.

La Sinfonietta de la Esuela de Música Reina Sofía se presentó por primera vez en público el 14 de abril de 2011 dentro del acto de homenaje que la Fundación Albéniz y la Escuela de Música Reina Sofía dedicaron en esa fecha a la memoria de Enrique Franco, que falleció en 2009 y fue Vicepresidente de la Fundación Albéniz y uno de los principales pensadores musicales de su tiempo. En aquella ocasión fue Zsolt Nagy quien dirigió el ensemble.

La creación de la “Sinfonietta”, en colaboración con la Fundación BBVA, se enmarca en la línea de trabajo abierta por la Escuela de Música Reina Sofía en la que la música contemporánea, en su doble vertiente de creación e interpretación, juega un importante papel. Fruto de esta iniciativa es el proyecto “Música para una Escuela”, que surgió con ocasión de la celebración del setenta cumpleaños de su Presidenta, Paloma O’Shea, quien quiso obsequiar a la Escuela con una serie de encargos a los principales compositores españoles y extranjeros, a los que se les pidió una música destinada a ser estudiada y estrenada por los músicos de la Escuela, otorgándoles completa libertad en cuanto a plantilla instrumental y duración, y sin limitación en cuanto a la dificultad técnica de la obra. El objetivo primordial de este proyecto es que las obras se inserten con naturalidad en el plan académico de la Escuela, del Instituto de Música de Cámara y del Encuentro de Música de Santander, produciéndose sus estrenos a lo largo de la vida artística de estas instituciones. Entre los compositores que se han incorporado al proyecto destacan: César Camarero, John Corigliano, Tan Dun, Peter Eötvös, Antón García Abril, Sofía Gubaidulina, Joan Guinjoan, Toshio Hosokawa, Francisco Kröpfl, Tomás Marco, Marlos Nobre, Luis de Pablo, Fabián Panisello, David del Puerto, Krysztof Penderecki y Karlheinz Stockhausen.

La agrupación nació con el objetivo de formar a los jóvenes intérpretes en el conocimiento y la práctica del repertorio de los siglos XX y XXI. La formación de la Sinfonietta es variable en número y tipo de instrumentos, a la manera de los “ensembles” instrumentales que han llevado el peso fundamental de la creación musical en las últimas décadas. La Sinfonietta pasa así a enriquecer los conjuntos instrumentales estables creados por la Escuela de Música Reina Sofía, que incluyen la Orquesta Sinfónica Freixenet y la Camerata Viesgo.

Nacido en Suiza, Baldur Brönnimann se formó en la Academia de Música de la ciudad de Basel y en el Royal Northern College de Música en Manchester, donde fue designado como profesor visitante de Dirección. Entre 2008 y 2012 fue director musical de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia en Bogotá y en enero de 2015 fue nombrado Director Principal de la Orquestra Sinfónica do Porto Casa da Música, después de una larga relación con la orquesta y desde septiembre de 2016 es Director Principal de la Basel Sinfonietta. Brönnimann ha trabajado con compositores como John Adams, Kaija Saariaho, Harrison Birtwistle, Unsuk Chin, Thomas Adès y orquestas como la Filarmónica de Oslo, la Real Filarmónica de Estocolmo, la Britten Sinfonia, la Orquesta Philharmonia, la Sinfónica de la BBC, la Filarmónica de Copenhague y la Filarmónica de Seúl. Entre sus proyectos operísticos se encuentran los realizados en la Ópera Nacional Inglesa (ENO), Ópera de Noruega, Festival Internacional de Bergen y Theater an der Wien, así como en el Teatro Colón de Buenos Aires, en los que ha dirigido las obras Erwartung de Schoenberg, Hagithde Szymanowski y La pequeña cerillera de Lachenmamm.

Cuarteto Calder

El Cuarteto Calder y la soprano Barbara Hannigan serán quienes abran esta nueva edición de las Series 20/21 que se celebran en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Con sede en California, el Cuarteto Calder ha consolidado su reputación como virtuoso del repertorio clásico y moderno. Y con una expresividad similar a la de la legendaria Cathy Berberian, Hanningan participará puntualmente en este proyecto sufragado por varias entidades internacionales, que gira en torno a la figura del ilustre profesor, compositor y director de orquesta húngaro Peter Eötvös, que presentará su nuevo cuarteto titulado Ciclo sirenas, encargo del CNDM en coproducción con diversas instituciones europeas de gran prestigio musical.

La soprano Barbara Hannigan es reconocida mundialmente por su fuerza expresiva dirigida por una técnica excepcional. Ahora lleva esa misma energía a su actividad como directora mientras continúa trabajando como cantante con los directores más importantes, como Simon Rattle, Kent Nagano, Esa-Pekka Salonen, Andris Nelsons, Yannick Nézet-Séguin, Kirill Petrenko, David Zinman, Vladimir Jurowski, Antonio Pappano, Pierre Boulez, Alan Gilbert y Reinbert De Leeuw. Dotada con una voz pura y cálida, ha alcanzado un punto de perfecto control, intensidad y versatilidad a través de un variado repertorio. Además posee una vibrante presencia escénica, en ópera o en concierto. Muy solicitada en música contemporánea, campo en el que ha ofrecido más de 80 estrenos absolutos, no es menos brillante como intérprete del Barroco y del Clasicismo, aportando frescura a la música antigua y autoridad a la nueva. Es invitada frecuente de la Filarmónica de Berlín, que encargó a Hans Abrahamsen un ciclo vocal sinfónico especialmente para ella, la obra Let me tell you, que ha hecho que sus interpretaciones se sucedan por todo el mundo. En 2014 tuvo el honor de ser invitada como Artista Estrella al Festival de Lucerna, donde dirigió, dio clases magistrales y estrenó una obra orquestal escrita para ella por Unsuk Chin. György Ligeti y Henri Dutilleux la consideraban como su soprano de referencia. Sus conmovedoras interpretaciones del Mysteries of the Macabre de Ligeti han sido aclamados en todo el mundo, así como su plenitud expresiva en Correspondances de Dutilleux. Su grabación de esta obra recibió los premios Gramophone, Edison, y Victoires de la Musique. Otros premios incluyen “Sängerin des Jahres” (Opernwelt, 2013) y “Personalité Musicale de l’Année” (Syndicat de la Presse Française, 2012). Ha trabajado frecuentemente con Pierre Boulez, George Benjamin, Gerald Barry, Salvatore Sciarrino, Pascal Dusapin y Hans Abrahamsen, entre una larga lista de compositores.

Lunes 3 de octubre de 2016 a las 19:30h. en el Museo Reina Sofía de Madrid

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