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Música Clásica Archives - Brío Clásica
OCNE

La Orquesta y Coro Nacionales de España, unidad dependiente del Inaem, regresan a las ondas de Radio Clásica (RTVE) los próximos domingos, tras un acuerdo de colaboración entre ambas instituciones públicas, con el objetivo de recuperar seis conciertos especialmente relevantes de la historia actual de la OCNE. Esta nueva iniciativa se enmarca en la línea de divulgación y comunicación que está llevando a cabo la OCNE en estos meses marcados por la pandemia del Covid-19.

La OCNE y Radio Clásica ponen así en marcha este nuevo espacio, hasta que la emisora cambie a su programación estival, en las mañanas de los domingos, a las 11,30 horas. Un nuevo programa en el que se retransmitirán, desde el próximo domingo 24 de mayo y hasta el 28 de junio, los conciertos dirigidos por los maestros que han estado unidos de manera especial a la OCNE en su historia reciente: Rafael Frühbeck de Burgos, Juanjo Mena, Josep Pons y David Afkham.

El próximo domingo 24 de mayo, a las 11.30 horas, se retransmitirá el primero de los conciertos, el dirigido en diciembre de 2013 por el maestro Rafael Frühbeck de Burgos (director titular de la OCNE de 1962 a 1978 y posteriormente emérito hasta su fallecimiento en 2014) con un programa en el que se estrenó la obra “Codex Calixtinus” de Tomás Marco y “Carmina Burana” de Carl Orff , interpretada por el Coro Nacional de España y las voces solistas de Auxiliadora Toledano (soprano), Carlos Mena (contratenor), Jochen Kupfer (barítono), Ángel Rodríguez (barítono del CNE) y la colaboración de la Escolanía del Sagrado Corazón de Rosales. Se trata del último concierto que Frühbeck de Burgos dirigió a la OCNE antes de su fallecimiento y es, por lo tanto, un registro histórico.

El resto de los conciertos seleccionados, que se emitirán hasta el domingo 28 de junio, son los dirigidos por Josep Pons , director titular y artístico durante nueve años de 2003 a 2012 y director honorario en la actualidad, el director asociado Juanjo Mena y el actual director titular y artístico, David Afkham. Asímismo, se podrán escuchar de nuevo las obras de encargo y estrenos absolutos que realizó la OCNE a los compositores españoles Tomás Marco, Juan Manuel Cañizares, Francisco Coll y Óscar Navarro.

EMISIÓN DE LOS CONCIERTOS OCNE EN RADIO CLÁSICA (RTVE)

Temporada 2013-14 (Sinfónico 6). Director: Rafael Frühbeck de Burgos.
PROGRAMA:

TOMÁS MARCO (1942-) “Codex calixtunus (Cantus iacobi)”*
*Obra encargo de la Orquesta y Coro Nacionales de España)
CARL ORFF (1895-1982) “Carmina burana”

Fecha de concierto: 22-12-2013
Fecha de nueva emisión: 24-5-2020 / 11:30 h.

Programa de mano

Temporada 2015-16 (Sinfónico 21) Director: Josep Pons
PROGRAMA:

GABRIEL FAURÉ (1845-1924) “Pavane, opus 50 “(versión coral)
JUAN MANUEL CAÑIZARES (1966) / JOAN ALBERT AMARGÒS (arr.) (1950)
“Al-Andalus, concierto flamenco para guitarra y orquesta, a la memoria de Paco de Lucia” (Estreno absoluto encargo de la OCNE)
RODION SHCHEDRIN (1932-1972) “Carmen Suite” (Primera vez ONE)

Fecha del concierto: 29-5-2016
Fecha de nueva emisión: 31-5-2020 / 11:30

Programa de mano

Temporada 2016-17 (Sinfónico 17) Director : David Afkham
PROGRAMA:

FRANCISCO COLL (1985) “Concerto Grosso «Invisible Zones»” (Estreno absoluto encargo de la OCNE)
W. AMADEUS MOZART (1756-1791) “Sinfonía Concertante para oboe, clarinete, trompa, fagot y orquesta K. 297b (Anh. C14.01)”
LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) “Sinfonía núm. 6 en fa mayor, opus 68 «Pastoral»”

Fecha del concierto: 1-4-2017
Fecha de nueva emisión: 07-6-2020 / 11:30

Programa de mano

Temporada 2016-17 (Sinfónico 22) Director: Juanjo Mena
PROGRAMA:

MANUEL DE FALLA (1876-1946) “El retablo de maese Pedro”
JESÚS TORRES (1965-) “Concierto para acordeón y orquesta”
EDWARD ELGAR (1857-1934) “Variaciones Enigma opus 36”

Fecha del concierto: 3-6-2017
Fecha de nueva emisión: 14-6-2020 / 11:30

Programa de mano

Temporada 2017-18 (Sinfónico 12) Director: David Afkham
PROGRAMA:

JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) “Matthäuspassion (La pasión según San Mateo)”

Fecha del concierto: 11-2-2018
Fecha de nueva emisión: 21-6-2020 / 11:30

Programa de mano

Temporada 2018-19 (Sinfónico 18) Director: Josep Pons
PROGRAMA:

RICHARD WAGNER (1813 – 1883) “Preludio y muerte de amor de la ópera Tristán e Isolda”
ÓSCAR NAVARRO (1981 – ) “Connection, concierto para trompa y orquesta sinfónica” (Estreno absoluto encargo de la OCNE)
RICHARD WAGNER “Götterdämmerung (El Ocaso de los Dioses)”; selección de fragmentos orquestales

Fecha del concierto: 7-4-2019
Fecha de nueva emisión: 28-6-2020 / 11:30

Programa de mano

CNDM Badajoz

Esta edición de la coproducción entre el CNDM y la Sociedad Filarmónica de Badajoz presenta doce conciertos y diez estrenos absolutos, de octubre de 2018 a marzo de 2019.

Badajoz. 17 de octubre de 2018. Esta mañana, el director de la Sociedad Filarmónica de Badajoz, Javier González Pereira junto al director del Centro Nacional de Difusión Musical, Francisco Lorenzo, han presentado la décima edición del Ciclo de Música Actual de Badajoz. En la mesa les han acompañado la directora del Centro de las Artes Escénicas y la Música (Cemart) de la Junta de Extremadura, Antonia Álvarez y el director del Área de Cultura de la Diputación de Badajoz, Ricardo Cabezas.

El X Ciclo de Música Actual, que coproducen la Sociedad Filarmónica de Badajoz y el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), llevará a la capital pacense a una docena de destacadas formaciones especializadas en música actual que ofrecerán, desde el 23 de octubre hasta el 8 de marzo de 2019, doce conciertos, diez estrenos absolutos y ocho actividades pedagógicas. Todos los conciertos tendrán acceso libre hasta completar el aforo del espacio salvo el ofrecido por la Orquesta de Extremadura en el Palacio de Congresos de Badajoz.

Por quinto año consecutivo, la ciudad de Badajoz participa en la temporada del CNDM, centro dependiente del Ministerio de Cultura y Deporte, y lo hace a través de este ciclo de música que la Sociedad Filarmónica de Badajoz creó hace diez años como un espacio para la difusión de músicas actuales, convirtiéndose en poco tiempo en un referente dentro y fuera de Extremadura. La colaboración con el CNDM ha permitido incrementar el número de conciertos y de estrenos absolutos, a la vez que ha propiciado que algunos compositores extremeños o afincados en Extremadura hayan podido estrenar sus obras, como María José Fontán, José Ignacio de la Peña, Jerónimo Gordillo, Inés Badalo, Leandro Lorrio y Francisco Novel Sámano. El ciclo cuenta también con el apoyo de la Junta de Extremadura, la Diputación de Badajoz y la Fundación CB.

La presencia del reputado compositor y director de orquesta húngaro Peter Eötvös en Badajoz y el estreno absoluto de su obra Joyce (coencargo de la Sociedad Filarmónica y del CNDM) será uno de los platos fuertes de la presente edición. El Cuarteto Quiroga, flamantes ganadores del Premio Nacional de Música 2018, junto con el reconocido clarinetista y compositor Jörg Widmann serán los encargados de dar vida a esta pieza el 10 de febrero en la Diputación de Badajoz. Antes del concierto, Eötvös y Widmann ofrecerán una charla introductoria en un encuentro con el público en el Conservatorio Superior de Música ‘Bonifacio Gil’ Badajoz.

Este décimo aniversario propone una programación diversa en contenidos que se acerca a los públicos jóvenes y se extiende a otros puntos de Extremadura. El ciclo visitará por primera vez la localidad de Jerez de los Caballeros, donde el grupo Tulam Dúo ofrecerá un concierto el 24 noviembre en el Cine Teatro Balboa, y el Conservatorio Profesional de Música ‘Hermanos Berzosa’ de Cáceres, que acogerá una de las actividades pedagógicas del ciclo. En su interés por acercarse a los más jóvenes, el ciclo ha aumentado el programa pedagógico respecto a la edición anterior, pasando de cinco a ocho actividades que se desarrollarán en conservatorios y escuelas de música de diferentes municipios de Extremadura y Portugal. Además, por primera vez, la Orquesta Sinfónica del Conservatorio Superior de Badajoz, integrada por alumnos de este centro, participará en la programación y se realizará un concierto en el Skate Park del Centro Joven de la capital pacense, centro neurálgico juvenil de la ciudad, a cargo del Ensemble Container. Estos nuevos espacios se suman a los escenarios ya habituales del ciclo como son el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC), el Palacio de Congresos, el Teatro López de Ayala, la Biblioteca de Extremadura, el Salón Noble de la Diputación de Badajoz o la Residencia Universitaria de la Fundación CB.

El CUARTETO PRAZÁK INAUGURA LA DÉCIMA EDICIÓN

El X Ciclo de Música Actual se inaugurará el martes 23 de octubre en el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC) con un concierto del Cuarteto Pražák de Praga, en el que se centrarán en las denominadas “músicas degeneradas”, obras de compositores asesinados y marginados por el Nazismo.

El Glass Farm Ensemble de Nueva York llegará para presentar el 6 de noviembre ‘El piano hecho de memoria y de silencio’ proyecto en el que figuran piezas de la fundadora del conjunto, la pianista Yvonne Troxler, junto a trabajos de Balz Trümpy, Ian Wilson, Fabián Panisello, José Manuel López López y un encargo del CNDM a César Camarero, compositor habitual en los programas de este ensemble neoyorquino. Glass Farm Ensemble desarrolla imaginativos proyectos en disposiciones espaciales no convencionales que invitan al público a una experiencia íntima de la música.

Una de las formaciones que ha acompañado desde sus inicios al ciclo es NeoArs Sonora, que regresará desde Granada a la capital pacense el 2 de diciembre para ofrecer al público extremeño obras de Jesús Torres y George Crumb, además de dos estrenos absolutos del compositor Francisco Novel Sámano, profesor de Composición en el Conservatorio Superior de Música de Badajoz y de Antonio Blanco, a quien le gusta compaginar la creación musical con la dirección teatral. El primero es un encargo de la Sociedad Filarmónica de Badajoz y el segundo del CNDM.

El cuarteto de saxofones Folium Fugit ofrecerá el 11 de diciembre un ambicioso y ecléctico programa con obras de gran dificultad formado por los estrenos absolutos de Danza afromeña de Leandro Lorrio, Swirls de Gabriel Erkoreka (ésta por encargo de la Sociedad Filarmónica de Badajoz) y una pieza nueva de José Luis Turina. Uno de los integrantes de este cuarteto, David Alonso, es profesor en el Conservatorio Oficial de Música ‘Hermanos Berzosa’ de Cáceres.

Otra de las propuestas destacadas de este año llegará el 15 de enero con el Romancero Gitano de Lorca, recitado por el pianista granadino Juan Carlos Garvayo sobre música de Manuel Martínez Burgos, compositor ampliamente galardonado nacional e internacionalmente. En este concierto estrenará Poeta en Nueva York y Romancero Gitano, dos encargos del CNDM.

Siguiendo la estela del piano, otro destacado solista, el vizcaíno Miguel Ituarte, llegará el 1 febrero para conmemorar el centenario del fallecimiento de Debussy junto al estreno absoluto, encargo del CNDM, de las dos últimas sonatas de Jesús Rueda, Compositor Residente de la presente temporada del centro nacional.

LA APORTACIÓN EXTREMEÑA AL X CICLO DE MÚSICA ACTUAL
El Ciclo de Música Actual siempre ha concedido un especial protagonismo a las formaciones extremeñas. En esta edición estarán presentes cuatro: la Orquesta de Extremadura, por la Orquesta Sinfónica del Conservatorio Superior de Música ‘Bonifacio Gil’ de Badajoz y los ensembles Container y Sonido Extremo.

La Orquesta de Extremadura (OEX), dirigida por Álvaro Albiach, estará presente el 29 de noviembre con Manuel Blanco, el trompetista principal de la Orquesta Nacional de España, en un programa de abono que incluye el estreno en España de Entropía, de la joven compositora hispano-lusa Inés Badalo.

La Orquesta Sinfónica del Conservatorio Superior de Badajoz dirigida por David Azagra interpretará el 18 de enero los arreglos para orquesta de la suite Iberia de Isaac Albéniz realizados por el compositor Jesús Rueda, además de sendos conciertos de Edward Elgar y de Robert Schumann.

El Ensemble Container (15 de febrero) traerá al ciclo, como en las dos ediciones anteriores, una vanguardista propuesta que gravita entre la electrónica y el rock, con un programa cargado de estrenos en España de compositores europeos como Sánchez-Chiong o Michael Beil y de interrogantes que invitan a reflexionar sobre la música y la sociedad actual. El escenario de su concierto será el Skate Park del Centro Joven de la capital pacense.

Por su parte, Sonido Extremo ofrecerá el 8 de marzo un programa que reflexiona sobre el sonido e incluye el estreno de una obra basada en el teatro de sombras de la compositora extremeña Inés Badalo, además de la obra Coming Together del compositor estadounidense Frederic Rzewski, cargada de contenido social y que tendrá como invitado al cantante pacense Gene García, que hará de recitador. El programa lo completará la reciente composición de Joan Magrané para saxo y ensemble con Antonio García Jorge como solista.

EL APOYO DEL CICLO DE MÚSICA ACTUAL A LA NUEVA CREACIÓN
El Ciclo de Música Actual ha destacado siempre por la cantidad de obras de nueva creación que acoge. En esta edición se podrán escuchar 10 estrenos absolutos, tres de ellos de compositores extremeños o afincados en Extremadura (Leandro Lorrio, Inés Badalo y Francisco Novel Sámano) y 9 estrenos en España. Sonarán nuevas obras de Peter Eötvös, César Camarero, Yvonne Troxler, Antonio Blanco, José Luis Turina, Manuel Martínez Burgos, Leandro Lorrio, Jesús Rueda, Francisco Novel Sámano y Gabriel Erkoreka.

EL PROGRAMA PEDAGÓGICO CRECE Y LLEGA A CÁCERES

El programa pedagógico ha crecido respecto a la edición anterior. A las actividades programadas en los conservatorios de Mérida, Almendralejo, Badajoz, Elvas (Portugal) y la Escuela de Música de Villafranca de los Barros se suma este año una nueva actividad en el Conservatorio Profesional ‘Hermanos Berzosa’ de Cáceres.

El objetivo de estas actividades es acercar a los más jóvenes al lenguaje de la música contemporánea a través del encuentro en las aulas con compositores e intérpretes participantes y el análisis de las obras que presentan en el ciclo.

A la actividad que celebró el Ensemble Container el pasado 11 de octubre con alumnos de centros de enseñanza de Badajoz, muchos de ellos sin formación musical, en la que los niños participaron en un exitoso concierto-performance de la obra Ricefall (2) del compositor americano Michael Pisaro, se sumarán otras siete en centros de enseñanza musical.

En el Conservatorio Oficial de Música de Almendralejo se desarrollará el 30 de noviembre la actividad ‘Siente la música de hoy’, relacionada con el concierto del Ensemble NeoArs Sonora, dirigida a los alumnos de Fundamentos de la Composición y Análisis.

El 4 de diciembre está prevista la actividad ‘Danzas afromeñas: una aproximación compositiva integradora’ a cargo del compositor extremeño Leandro Lorrio, en el Conservatorio Profesional de Música ‘Hermanos Berzosa’ de Cáceres. Esta actividad está relacionada con el concierto de Folium Fugit.

En el Conservatorio Profesional de Música ‘Esteban Sánchez’ de Mérida los alumnos de Fundamentos de la Composición, Análisis e Historia de la Música, podrán participar en la actividad ‘Mira la música actual’ el 8 de febrero, relacionada con el concierto que el Cuarteto Quiroga y el estreno absoluto de Peter Eötvös, que tendrá lugar el 10 de febrero en Badajoz, organizada por el Departamento de Lenguaje Musical y Composición de este conservatorio.

El 10 de febrero tendrá lugar el ‘Encuentro con Peter Eötvös y Jörg Widmann’ en el salón de actos del Conservatorio Superior de Música de Badajoz. Una actividad abierta al público en la que ambos músicos hablarán de la obra Joyce que se estrenará ese mismo día en el Salón Noble de la Diputación de Badajoz.

En el Conservatorio Profesional de Música ‘Juan Vázquez’ de Badajoz se llevará a cabo el 6 de marzo la actividad ‘ACTUAlizándose’, coordinada por el director Jordi Francés. En ella se realizará un acercamiento a los lenguajes y las ideas que se desarrollan en cada una de las obras del programa del concierto que ofrecerá Sonido Extremo el 8 de marzo.

Otra sesión didáctica sobre este concierto de Sonido Extremo será impartida también Jordi Francés el 7 de marzo a los alumnos de la Escuela Municipal de Música de Villafranca de los Barros.

El programa pedagógico se cerrará en Portugal, en la Academia de Música ‘Rodrigues Coelho’ de Elvas, donde la compositora extremeña y lusa Inés Badalo mantendrá el 7 de marzo un encuentro de los alumnos de esta escuela en el que hablará de su obra que estrenará Sonido Extremo.

Revista Ritmo

El próximo mes de noviembre 2018 la revista española de música clásica RITMO, cuyo número uno salió en noviembre de 1929, entra en su año 90 de edición ininterrumpida (salvo el período de la guerra civil española: agosto 1936 – marzo 1940).

  • Que una revista cultural en nuestro país se mantenga viva 90 años podemos afirmar que es todo un hito; pero si la revista es de música clásica la cosa tiene aún más mérito.
  • RITMO nos aporta 90 años de vida, con serias posibilidades de llegar a centenaria, en un país en el que sus más egregios historiadores del pasado y del presente le tildaron de país de sordos.
  • RITMO es una revista que ha necesitado abrirse paso entre las zancadillas de unas estructuras de Poder que en el pasado (ahora en muchos círculos también) siempre vieron en la Cultura, en la música, como una especie de entretenimiento para señoritas y de las clases sociales dominantes y ociosas pero, en ningún caso, una pieza clave para la formación de las gentes.
  • RITMO ha llegado donde ha llegado con una reivindicación como bandera: la defensa de la música española, lo que es de pura justicia poner de manifiesto a la hora de hacer cualquier comentario sobre su historia.
  • En estos 90 años la revista RITMO ha editado 923 números con más de 68.000 páginas.
  • En el año 2004 RITMO recibió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.
  • Los directores de RITMO a lo largo de sus 90 años: Rogelio del Villar (1929-1936), Nemesio Otaño (1940-1943), Fernando Rodríguez del Río (1943 – 1976), Antonio Rodríguez Moreno (1976 – 2010), Fernando Rodríguez Polo (2010).
  • Colaboradores destacados de su primera época: Higinio Anglés, Luis Araque, Conrado del Campo, Manuel de Falla, Enrique Franco, Antonio Iglesias, Eduardo López Chavarri, Fernando López Lerdo de Tejada, Arturo Menéndez Aleixandre, Joaquin Nin, José Ignacio Prieto, José Puerta, Leopoldo Querol, Joaquín Rodrigo, Ángel Sagardía, Adolfo Salazar, Federico Sopeña, José Subirá y Joaquín Turina, entre otros.
  • RITMO se edita en la actualidad con periodicidad mensual, con secciones fijas de actualidad, opinión y crítica, además de páginas fijas con temas de gran actualidad de la vida musical nacional e internacional.

La revista de música clásica RITMO, desde su fundación en 1929 hasta nuestros días, ofrece una auténtica enciclopedia de la vida musical española e internacional en el siglo XX y hasta nuestros días, en sus 923 números publicados. Más de 68.000 páginas con las mejores firmas del periodismo musical español y colaboraciones de grandes nombres de la composición e interpretación. La historia y el desarrollo de las ediciones fonográficas desde el microsurco hasta el CD, el DVD, el Blu-ray e Internet. La vida musical española en la república y en la posguerra. El desarrollo y crecimiento de la música clásica en la sociedad española de la democracia y hasta nuestros días. 90 años de historia de la música clásica en España.

Una revista tan longeva se ha debido adaptar a los tiempos, en cada una de las épocas de su historia, siendo este el secreto de su supervivencia. Hoy RITMO ofrece a los aficionados y profesionales un medio de comunicación global, dentro de un entorno multimedia, con ediciones en soporte papel, digital, internet y redes sociales, con una posición líder en el mercado español y una amplia presencia y prestigio internacional.

Desde sus inicios hasta nuestros días, la revista RITMO ha recorrido su largo camino, realizando esfuerzos de todo tipo para levantar y poner en práctica un concepto que en nuestro país siempre fue bastante difuso, el de periodismo musical. Por otro lado, la defensa de la música y los músicos españoles; de las instituciones musicales españolas, públicas y privadas, todo ello perfectamente localizable y documentable en los más de 900 números publicados, han sido sus líneas maestras editoriales que, en todo caso, nos ha llevado a poder celebrar le próximo mes de noviembre los 90 años de una revista de música clásica en España.

Fundación Scherzo

Con 10 nuevos conciertos, la Fundación Scherzo llega a su ciclo número 22 de Grandes Intérpretes. Entre los meses de enero y noviembre de 2017 tendrán lugar los nueve recitales de piano que reunirán a músicos de la talla de Sokolov, Perianes, Zacharias, Leif Ove Andsnes, Andras Schiff, Angela Hewitt , Ashkenazy, Daniil Trifonov, Piotr Anderzewski…Y un concierto extraordinario, fuera de abono, de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar junto al Orfeó Català, bajo las órdenes de Gustavo Dudamel.

“Como en otras ediciones del Ciclo de Grandes Intérpretes de la Fundación Scherzo, ésta presenta una pléyade de excepcionales pianistas”, explica Patrick Alfaya, actual director artístico del ciclo, “varios de ellos han pasado ya por Grandes Intérpretes. Sin embargo, este año abre la serie una nueva incorporación, Daniil Trifonov, y también aparece por primera vez una de las grandes intérpretes de Bach: Angela Hewitt”. “Además, el repertorio es bastante ecléctico, desde el Bach de Hewitt hasta el Widmann de Leif ove Andsnes”, destaca sobre la 22ª temporada.

Los abonos ya están a la venta a precios accesibles, desde 169 euros por nueve conciertos, y con precios especiales para menores de 26 años, que podrán adquirir entradas en el último minuto por sólo 10 euros. A lo largo de las más de dos décadas de vida de este ciclo patrocinado por El País, han actuado un total de 80 pianistas en más de 200 conciertos, de los que han disfrutado 300.000 personas. Estas cifras lo han convertido en uno de los mejores ciclos en su especialidad, en opinión tanto de los intérpretes que han desfilado por el ciclo como por el público que avala la programación. Entre los artistas más destacados que han pasado por el Auditorio Nacional de Música de Madrid se encuentran Maurizio Pollini, Krystian Zimerman, Alicia de Larocha, Brendel, Maria Joao Pires, Ivo Pogorelich, Pierre-Laurent Aimard, Grigori Sokolov, Christian Zacharias o Vladimir Ashkenazy (estos tres últimos repetirán en la nueva edición).

L a Fundación Scherzo siempre ha tenido en cuenta a intérpretes españoles como Alicia de Larrocha, Joaquín Achúcarro, Josep Colom, Javier Perianes, Cristina Bruno o Rosa Torres-Pardo. Asimismo, el ciclo ha contado con la actuación de destacadas formaciones del panorama musical actual como la Mahler Chamber Orchestra, la Orquesta del Capitolio de Toulouse, la Sinfónica de Galicia, la Orquesta Barroca de Friburgo, la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar, además de organizar otro tipo de recitales y conciertos con artistas como Juan Diego Flórez o Gustavo Dudamel con la Orquesta Simon Bolívar (que también volverán a deleitar al público español el próximo mes de marzo).

La meta con la que arrancó este proyecto era la de acercar la música a la mayor parte de la sociedad, procurando soslayar barreras tanto económicas como culturales. Pese a que los recursos con los que se contaba eran escasos, desde el primer momento la reacción del público fue magnífica, lo que dio alas al ciclo. De esta manera, sin ningún tipo de subvención de las instituciones públicas -como continúa ocurriendo-, la supervivencia de Grandes Intérpretes de Scherzo sigue gracias al éxito de público y al inestimable soporte del patrocinio anual del diario El País. No obstante, los buenos datos de asistencia permitieron acumular, además de experiencia, un pequeño excedente económico con el que ayudar a jóvenes pianistas. Así, nacía en 2002 el ciclo Jóvenes Intérpretes por el cual han pasado más que 50 pianistas como Javier Perianes, Paul Lewis, Yuja Wang, Alexei Volodin, Betrand Chamayou o los hermanos Víctor y Luis del Valle, hoy ya consagrados. La encargada de gestionar ambos ciclos es la Fundación Scherzo, creada en 2001.

Auditorio Miguel Delibes

La Consejería de Cultura y Turismo abre por quinto año consecutivo todos los espacios del Centro Cultural Miguel Delibes al público en general durante una jornada de puertas abiertas, en la que las grandes salas y todos los rincones de este edificio de 70.000 metros cuadrados se llenarán de magia, de manifestaciones de artes escénicas y de exhibiciones musicales de todos los géneros para dar a conocer a pequeños y mayores el constante flujo de actividad que alberga cada día. Será durante una jornada de tres horas ininterrumpidas, que culminará con una actuación de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León (OSCyL) que, precisamente, este año cumple su vigésimo quinto aniversario.

Melómanos, rockeros, amantes de la lírica, estudiantes y público en general podrán disfrutar de un completo programa que ocupará todos los espacios del CCMD. Desde las tradicionales bienvenidas en forma de fanfarrias, hasta la participación de Dj., coros, magos y actividades para los más pequeños, que harán de esta jornada un día especial para mostrar a todos los ciudadanos de la Comunidad y al público que se quiera acercar, un edificio cultural referente a escala nacional. Además, el programa incluye visitas guiadas para conocer los espacios escénicos, el ‘foyer’, el escenario, la plaza interactiva, la sala polivalente, las salas de restauración, la plaza de las palmeras, el archivo y las grandes salas de las actuaciones de música, danza y teatro, entre otros.

Esta iniciativa nació en 2012 con el objetivo de que todos los públicos conocieran de primera mano el Centro Cultural Miguel Delibes que es sede también de la OSCyL.

Amplia gama de actividades

El público que libremente acceda al Centro Cultural Miguel Delibes el próximo sábado, a partir de las 18.00 horas, podrá disfrutar de grupos de cámara (Quinteto Duero, Brunetti Ensemble, Strings with wings); de actividades didácticas como el programa ‘Tantas cuerdas que ni me acuerdo’, para acercar la música medieval y renacentista a través de los instrumentos de cuerda, o disponer de la oportunidad de tocar un piano a las mismas puertas de entrada de la Sala Sinfónica. Actuaciones de magia, microteatros y corales, conforman también un programa que, igualmente, incorpora músicas con una variedad tan dispar como el rock, el flamenco y la danza.

Asimismo, y como novedad, se proyectarán los conciertos para piano de Beethoven, con Javier Perianes al piano y la dirección del director emérito de la OSCyL, Jesús López Cobos, que fue la actuación que emitió RTVE como inicio de los actos de conmemoración de los 25 años de vida de la orquesta.

Colofón de la OSCyL

En el vigésimo quinto aniversario de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León (OSCyL), efeméride que se cumple esta temporada, no podía faltar la calidad de esta agrupación para poner el broche de oro a la quinta jornada de puertas abiertas. Será, precisamente, el grupo sinfónico el que ponga punto final a una jornada pensada por y para todos los públicos con un programa de unos 50 minutos de duración y que dará comienzo a partir de las 20.00 horas.

El programa incluye la Sinfonía número 13 en mi bemol mayor, ‘Redoble de timbal’, de Franz Joseph Haydn (1732-1809); la Sinfonía número 1 en re mayor, op. 25, ‘Clásica’, de Segruéi Prokófiev (1891-1953) y ‘Nostalgias’, obra escrita por Greg Steyer (1963), miembro de la sección de violines segundos desde la fundación de la OSCyL. Steyer compagina la interpretación con incursiones en la composición y ha escrito esta obra como homenaje y recuerdo a los 25 años de andadura de la orquesta.

La OSCyL estará dirigida en esta ocasión por el concertino-director Roberto González-Monjas (Valladolid, 1988). González-Monjas se ha consolidado como una interesante figura en el panorama musical internacional, siendo reconocido por la versatilidad y calidad de su actividad musical. Es concertino de la Orquesta de la Accademia Nazionale di Santa Cecilia en Roma y del Musikkollegium Winterthur, así como profesor de violín en la Guildhall School of Music & Drama de Londres y director artístico adjunto de la Academia Filarmónica de Medellín, en Colombia. Asimismo, Roberto González-Monjas es artista en residencia de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León.

Datos del CCMD

El Centro Cultural Miguel Delibes es un espacio cultural de referencia no sólo en España, sino también en Europa. El edificio tiene 70.000 metros cuadrados de superficie y desde su inauguración, en el año 2007, se ha concebido como espacio para el intercambio de conocimientos y para la difusión cultural y la promoción de las ideas.
La Sala Sinfónica tiene una capacidad para 1.712 personas y su fisonomía, cubierta de madera, ha sido estudiada en colaboración con el ingeniero acústico de reconocido prestigio internacional Yaying Xu.

La Sala de Cámara, con una capacidad de 513 butacas, es el espacio de uso preferente para todo tipo de reuniones y actividades en formato medio. De este espacio, destaca su cuidada estética, reforzada por el empleo de materiales de gran calidad, como el roble y el cuero en los asientos.

El Teatro Experimental Álvaro Valentín es uno de los espacios más singulares del CCMD. Supone el claro compromiso con la vanguardia cultural, expresada en la concepción estética, la funcionalidad y las nuevas tecnologías. Un espacio modulable y polivalente que hace posible que la capacidad oscile entre los 450 y las 700 butacas.

El edificio, que lleva el nombre del insigne escritor vallisoletano Miguel Delibes, es sede permanente de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, del Conservatorio Profesional de Música, de la Escuela Superior de Arte Dramático y de la Escuela Profesional de Danza.

Niños Cantores de Viena

El coro de los Niños Cantores de Viena, una de las más consolidadas tradiciones musicales europeas, dará comienzo a su gira española el próximo miércoles 28 de septiembre dentro de la programación de conciertos extraordinarios de la 47a temporada de Ibermúsica. Bajo el título Un viaje con Haydn, los Niños Cantores de Viena interpretarán obras del compositor austriaco, así como piezas de Mozart, Strauss, Schumann y canciones populares. El concierto de la famosa y prestigiosa agrupación tendrá lugar en el Auditorio Nacional de Música, en Madrid, bajo la dirección de Jimmy Chiang. Después, continuarán el tour en Toledo (30 de septiembre, Catedral de Toledo); Valencia (1 de octubre, Palau de la Música); Barcelona (2 de octubre, Palau de la Música Catalana); y en Pamplona (3 de octubre, Auditorio Baluarte).

El coro, creado en el siglo XV por Maximiliano de Habsburgo y reconstruido en 1921 tras la caída del imperio austrohúngaro, está integrado actualmente por 100 coristas de entre 10 y 14 años que se dividen en cuatro grupos corales para ofrecer los 300 conciertos que realizan, de media, cada año. A lo largo de los siglos, han sido numerosos los músicos que han trabajado para esta institución o se han iniciado musicalmente en ella: Heinrich Isaac, W. A. Mozart, Antonio Caldara, Antonio Salieri, Antón Bruckner, Joseph Haydn o Franz Schubert son algunos de ellos.

La 47a temporada de Ibermúsica, en la que se encuadra el concierto de los Niños Cantores de Viena, arrancó el pasado 24 de junio con el concierto inaugural de la Filarmónica de Viena. Desde entonces, y hasta mayo de 2017, Ibermúsica ha programado 25 conciertos con 12 de las mejores orquestas del mundo (la Filarmónica de Viena, Staatskapelle Dresden, London Symphony o la Philharmonia); y con 36 directores y solistas (Daniel Barenboim, Christian Thielemann, Daniele Gatti, Renée Fleming, Esa-Pekka Salonen, Daniel Harding, Vladimir Jurowski, Leonidas Kavakos, Yuja Wang, William Christie, Marc Minkowski y Sir Neville Marriner).

Este coro es uno de los más longevos y prestigiosos del mundo. Fue fundado por el emperador Maximiliano de Habsburgo en 1498 y, hasta 1918, el coro cantó exclusivamente para actos de la corte, misas, conciertos privados y eventos de Estado; lo que facilitó las giras de la agrupación por diferentes países, ya que la Capilla Imperial siempre viajaba junto al Emperador. A través de los siglos, la Corte de Viena atrajo a célebres músicos como Mozart, Salieri y Bruckner, que trabajaron para el coro. Otros, como Joseph Haydn, Michael Haydn o Franz Schubert, formaron parte del mismo.

Con la caída del imperio austrohúngaro, el gobierno austriaco se hizo cargo de la ópera de la corte, no así con el coro de los niños. De manera que hasta 1921, y gracias a la iniciativa de Josef Schnitt, los Niños Cantores de Viena no retomaron su actividad. Entonces se produjo una renovación de vestuario, repertorio y, a partir de 1926, la ampliación de sus conciertos a otros espacios, emprendiendo giras por todo el mundo. Desde entonces, el coro ha realizado alrededor de un millar de tours en 97 países diferentes y han ofrecido más de 27.000 conciertos.

En la actualidad la agrupación está formada por 100 coristas, de edades entre nueve y 14 años, divididos en cuatro coros. Interpretan unos 300 conciertos y representaciones cada año, a los que acuden más de medio millón de espectadores de todo el mundo. Su repertorio incluye desde música medieval hasta obras contemporáneas y experimentales; y las canciones para coros y óperas infantiles forman una parte importante de su catálogo musical. En la década de los setenta, el coro empezó a presentar arreglos a capella de Heinz Kratochwil con canciones de The Beatles; y en 2002 grabaron el álbum Wiener sängerknaben goes pop con canciones de Robbie Williams, Madonna, Metallica y Celine Dion. Asimismo, mantienen la tradición de interpretar la música de la misa del domingo en la Capilla Imperial junto con la Wiener Philharmoniker y el Wiener Staatsoper Chor, y actúan en su propia sala de conciertos, Muth.

El director de cine austriaco Curt Faudon ha realizado tres películas que ofrecen una profunda mirada de la calidad artística del coro: Canciones para María (2013), una biografía de la Virgen María a través de 21 motetes y canciones; Salvando la brecha – El poder del Canto (Bridging the Gap – the Power of Singing) y Buenos pastores (Good Shepherds), ambas presentadas en 2015. Este mismo año, ha comenzado una colaboración a largo plazo con el sello Universal Music – Deutsche Grammophon, cuya primera producción será un disco con música navideña.

JIMMY CHIANG

Durante la gira española, el coro de los Niños Cantores de Viena estará bajo las órdenes de este director nacido en Hong Kong, en el seno de una familia de músicos. Chiang comenzó a estudiar piano a los cuatro años e inició su carrera musical a los 13 como pianista en un concierto público. También estudió violonchelo y composición. Tres años más tarde, cuando tenía 16 años, se graduó en el Trinity College of Music de Londres; posteriormente, en la Universidad de Baylor (USA) y, con la calificación de Magister Artium, se graduaba también en la Universidad de Música y Artes Interpretativas de Viena. Se dio a conocer como director al ganar el prestigioso concurso para jóvenes directores Lovro von Matacic, en Zagreb, en 2007.

Sus elogiadas interpretaciones de un amplio repertorio operístico, sinfónico, coral, pianístico, camerístico y en recital, dan fe de su versatilidad y amplia formación en varios escenarios musicales. Siendo Director Titular de la Hong Kong Pan Asia Symphony, colaboró entre 2007 y 2009 como director asistente del ciclo El anillo de Wagner, en el Teatro de Lübeck; así como Kapellmeister del Teatro de Friburgo, donde dirigió numerosos estrenos, entre los años 2009 y 2011. En septiembre de 2013, Chiang asumió el puesto de Director del Coro de los Niños Cantores de Viena.

Ha actuado como director invitado de la Komischen Oper Berlin, Orquesta Sinfónica de Castilla y León, Zagreb Philharmonic, Hong Kong Philharmonic; así como en renombrados festivales, incluyendo Eutin Opera Festival (Alemania), FACYL (España), Macau International Music Festival, y Rohm Music Festival de Kyoto, donde fue invitado a colaborar con el Maestro Seiji Ozawa durante el verano de 2004.

PROGRAMA MIÉRCOLES 28 DE SEPTIEMBRE

19:30 horas

Auditorio Nacional de Música, Sala Sinfónica Duración: 95 minutos

Intérpretes

Coro de los Niños Cantores de Viena Jimmy Chiang, director

Programa musical

Obras de Mozart, Haydn, Strauss, Schumann y canciones populares

Jean Guillou

El Centro Nacional de Difusión Musical coproduce el XXXIII Festival Internacional de Órgano de la Catedral de León (FIOCLE), que propone en esta edición 13 conciertos, desde el 21 de septiembre al 10 de noviembre, en la seo leonesa.
Todos los conciertos serán de acceso libre hasta completar el aforo de la catedral.

El 15 de septiembre el director del Centro Nacional de Difusión Musical, CNDM (unidad del INAEM, Ministerio de Educación, Cultura y Deporte), Antonio Moral, junto al director del Festival Internacional de Órgano de la Catedral de León (FIOCLE), Samuel Rubio y el alcalde de León, Antonio Silván, ha presentado la trigésima tercera edición del festival, actividad que el CNDM coproduce y que se incluye dentro de la programación de su temporada 16/17. La presente edición propone 13 conciertos que tendrán lugar en la seo leonesa del 21 de septiembre al 10 de noviembre de 2016. Estas actividades continúan el compromiso del CNDM por promover y recuperar el patrimonio musical antiguo por todo el país, a través de su programación en veintiocho ciudades españolas y cuatro extranjeras (Bogotá, Múnich, Viena y Elvas, Portugal).

Órgano y mucho más

La programación del trigésimo tercer Festival Internacional de Órgano de la Catedral de León mantiene su esencia con ocho recitales de grandes nombres del panorama organístico mundial a la vez que abre sus puertas a otras cinco propuestas musicales a cargo de destacados conjuntos españoles de música histórica. El vienés Martin Haselböck, organista y director de orquesta reconocido internacionalmente por ser el director artístico y fundador del prestigioso conjunto Wiener Akademie, acudirá para inaugurar el festival el miércoles 21 de septiembre, con un recorrido que se abrirá con la famosa Toccata y fuga en re menor de J.S. Bach e incluye Volumina, una de las obras más importantes para órgano de Ligeti y de la literatura organística contemporánea, a lo que añadirá la improvisación sobre un tema dado, explotando todas las posibilidades de este magnífico órgano. La segunda cita, dos días después, transportará al público a la Edad Media a través de la música que acompañaba a las danzas que protagonizaron el medioevo europeo, la mayoría de ellas de autor desconocido, de la mano del conjunto leonés Eloqventia y su director, Alejandro Villar. La tercera velada vuelve a presentar al clavecinista Eduardo López Banzo acompañando a los cantantes seleccionados en el Curso de Interpretación Vocal Barroca organizado por el CNDM en el Auditorio Ciudad de León y dirigido por el mismo Banzo cada año: las sopranos Elia Casanova, Rosa García Domínguez y Quiteria Muñoz Inglada además del contratenor Christian Gil Borrelli, jóvenes artistas que destacaron en la interpretación de la cantata barroca y que cantarán en este recital arias italianas de cuatro grandes maestros de esa época: Carl Philipp Bach, Antonio Vivaldi, George Frideric Haendel y Antonio Caldara.

Este año el CNDM conmemora el tercer centenario de la muerte del compositor barroco Sebastián Durón (1660-1716), con un ciclo transversal formado por trece conciertos que recorrerán toda la geografía nacional. Dos de esas citas estarán incluidas en este festival: en la primera, la soprano Raquel Andueza y su conjunto La Galanía, colocan al genio alcarreño como eje central de un programa que indaga en la música sacra de esa época, a través de diversas manifestaciones de la música religiosa (cantadas y tonos de Durón) junto a alguna página anónima o de otros contemporáneos suyos como Carlos Subias, Antonio Martín y Coll y Gaspar Sanz, del que interpretarán sus conocidas Folías. En el segundo programa con Durón como protagonista, la Capilla Jerónimo de Carrión y su directora Alicia Lázaro se sumergirán en músicas inéditas del siglo XVII, contrastando partituras vocales del Durón sacro, así como otros tres grandes representantes del barroco hispano: Juan Hidalgo de Polanco, José Marín y Jerónimo de Carrión. En el último concierto de los que no serán de órgano solo oiremos los tesoros medievales del archivo de la catedral leonesa rescatados por Juan Carlos Asensio y su grupo Schola Antiqua, en lo que será el estreno en tiempos modernos de liturgias procesionales de los Santos Isidoro, Antolín y Santiago.

Además de Haselböck, el festival recogerá en los conciertos de órgano un amplio espectro estilístico y temporal, con obras de la literatura ibérica, personalidades destacadas de las postrimerías del Romanticismo –caso de Liszt o Franck– y el lenguaje contemporáneo de Messiaen. No menos interesante resultará la recuperación de dos tradiciones íntimamente ligadas al rey de los instrumentos, la improvisación y la adaptación de partituras procedentes de otros ámbitos sonoros, como una sonata para piano de Beethoven o una escena operística wagneriana. Estas versiones espectaculares explotan el concepto del órgano como orquesta, algo en lo que Widor, con sus sinfonías escritas directamente para el instrumento, fue un maestro. Así, público leonés podrá escuchar en esta edición a los organistas Juan de la Rubia (titular de la Sagrada Familia, que recorrerá en su programa obras de Bach, Franck, Duruflé y el original arreglo de la “Escena del Walhalla” perteneciente a la ópera El ocaso de los dioses de Wagner), Giampaolo di Rosa (que presentará en León la integral de la obra para órgano de Olivier Messiaen, junto a obras de Franck y Beethoven), Vincent Dubois (uno de los organistas titulares de Notre Dame de París, ha elegido repertorio de tres de los compositores más importantes de la historia del órgano: Bach, Franck y Messiaen, a lo que añadirá una extraordinaria transcripción para órgano de la Danza macabra de Saint-Saëns), Jean Guillou (una auténtica leyenda viva del órgano que fue asesor en la construcción del nuevo órgano de la Catedral de León, vuelve a ella con un programa conformado por un movimiento de la Sexta Sinfonía de Charles-Marie Widor, una obra de Liszt y dos temas propios), Daniel Oyarzabal (que iniciará su concierto con la célebre sinfonía de la Cantata BWV 29 del maestro Bach, a quien acompañarán piezas de sus dos compatriotas Mendelssohn y Brahms y obras de Messiaen, Mussorgski y Rimski-Korsakov), Paolo Oreni (que ha elegido para la ocasión partituras de Mozart, Bach, Liszt, Dupré y una improvisación propia) y el intérprete libanés Naji Hakim, que clausurará el festival el jueves 10 de noviembre con la famosísimaPassacaglia de Bach junto a piezas de Cabanilles, Franck y obras propias.

Todos los conciertos del festival serán con acceso libre hasta completar el aforo de la catedral.

Ramón Lezkano

El músico y profesor de Musikene Ramón Lazkano estrenará este fin de semana en el Festival de Otoño de París un adelanto de la ópera Ravel que está creando. El guipuzcoano protagonizará uno de los monográficos del festival francés y presentará tres propuestas, entre las que destaca el espectáculo Ohiberritze, creado a encargo para la ocasión, que también se podrá ver en el Kursaal el próximo 18 de diciembre, como parte de la clausura de Donostia 2016.

Hace unos dos años, el Festival de Otoño de París decidió dedicar uno de sus monográficos de esta edición a Lazkano, a quien encargó la preparación de tres conciertos para presentar su obra. Lanzaron una propuesta a la capitalidad, que no dudó en apoyar el proyecto, “que difunde por Europa el nombre de un artista local”, según señaló Pablo Berástegui. Agregó que para el equipo de Donostia 2016 era algo de gran importancia y la novedosa propuesta que ha creado para París “debe estar en la programación de un año dedicado a la experimentación”. Para el estreno de esta obra en la capital francesa, también han contado con la colaboración del Instituto Etxepare y la Fundación Olaso Dorrea.

Ramón Lazkano:

Ramon Lazkano (Donostia-San Sebastián, 1968) estudió composición en San Sebastián, París y Montreal; obtuvo el Primer Premio de Composición del Conservatorio Nacional Superior de Música de París y el Diploma de Estudios de Doctorado en Música y Musicología del siglo XX en la École des Hautes Etudes en Sciences Sociales. Ha recibido el Premio de Composición de la Fundación Prince Pierre de Mónaco y el Premio Georges Bizet de la Academia de Bellas de Artes de Francia, entre otros. Ha estado en residencia con la Joven Orquesta Nacional de España, en el Festival Musica de Estrasburgo y con el Ensemble 2e2m en París.

Su estancia en Roma (en la Real Academia de España y en la Academia de Francia Villa Médicis) le ha permitido profundizar en la reflexión sobre el propósito de la composición y su significado, que se cristaliza en un pensamiento sobre la intertextualidad, el silencio y la experiencia del sonido, que ha hecho nacer piezas emblemáticas como Ilunkor (encargo de la Euskadiko Orkestra Sinfonikoa), Hauskor(encargo de la Orquesta de la Comunidad de Madrid) y Ortzi Isilak (encargo de la Orquesta Nacional de España). En junio de 2012, la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera dirigida por Peter Eötvös interpretó Ilunkor en el festival Musica Viva de Múnich y en 2014 la Bienal de Venecia programa Ortzi Isilak con Shizuyo Oka y la Orquesta Sinfónica de Euskadi dirigida por José Ramón Encinar . El sello Kairos ha publicado un disco monográfico con estas tres obras orquestales (Ilunkor, OrtziIsilak, Hauskor).

Entre 2001 y 2011 ha trabajado en Igeltsoen Laborategia (Laboratorio de Tizas), una extensa colección de piezas de cámara compuesta por varios ciclos, que toma como referencia el concepto oteiziano del “laboratorio experimental” y en particular el de la tiza como materia de inscripción, de erosión y de memoria ligada a la infancia, cuyo propósito estético culmina con Mugarri (2010), encargo de la AEOS y de la Orquesta Sinfónica de Navarra. Las piezas del Laboratorio se han estrenado en Austria, Alemania, Polonia, México, Francia y España; el ensemble recherche en Frankfurt, el Ensemble 2e2m en París, Ars Musica en Bruselas y Monday Evening Concerts en Los Ángeles han programado antologías del Laboratorio, y los ensambles recherche y Smash le han dedicado dos cds monográficos.

Tras el Laboratorio, sus obras más recientes muestran una nueva atención a la arquitectura y a la duración, como en Lurralde (Territorio) para cuarteto de cuerdas, escrito para el Cuarteto Diotima, y el díptico vocal basado en poemas de Edmond Jabès tomados de su libro La mémoire et la main: Nº1 Main Surplombe, para soprano y siete instrumentos, estrenado en marzo de 2013 en Ars Musica en Bruselas, y Nº2 Ceux à Qui, para seis voces y ocho instrumentos, encargo de la Fundación Coupleux-Lassalle y estrenado por los Neue Vocalsolisten y el Ensemble L’Instant Donné en el festival Éclat de Stuttgart en febrero de 2015.

Ramon Lazkano es actualmente profesor de orquestación en el Centro Superior de Música del País Vasco Musikene.

La Grande Chapelle

Tras el éxito de las pasadas ediciones, “Salamanca Barroca” afronta esta temporada 2016/17 consolidada como “un singular punto de encuentro en el ámbito de la interpretación musical historicista en nuestro país”, según explicó García-Bernalt en rueda de prensa, al tiempo que destacó su firme “apuesta por la recuperación de patrimonio musical, de consolidación de repertorio, de promoción de proyectos relacionados con las músicas históricas ibéricas y de revisión del barroco europeo, todo ello en un entorno donde confluyen también elementos académicos y, particularmente, docentes”.

Programa “variado, extenso y profundo”
El programa de esta edición presenta, a su juicio “un panorama variado, extenso y profundo, en el que conviven repertorios conocidos con obras que vuelven a la vida tras siglos de silencio, en el que Purcell se encuentra con Durón y Schein con Palestrina y jóvenes músicos emergentes comparten escenario con intérpretes de referencia”.

Precisamente uno de estos proyectos abre el ciclo el día 3 de octubre, con la Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca, bajo la dirección de Pedro Gandía. En el marco de las conmemoraciones en torno a Shakespeare y Cervantes ofrecerán un programa que reúne a ambos autores a través de la música que inspiraron sus obras; un viaje por la Europa barroca que nos traslada desde Viena hasta Londres.

Para el director de la Academia de Música Antigua de la Universidad de Salamanca y coordinador del programa la propuesta musical de esta nueva esta edición tiene “a la voz como elemento fundamental, teniendo un papel protagonista en ocho de los 11 conciertos de la nueva temporada”. Tres de ellos están relacionados con los ecos del tercer centenario de la muerte de Sebastián Durón (1660-1716). De la mano de intérpretes y grupos de referencia como Marta Almajano, Nuria Rial, Accademia del Piacere y La Grande Chapelle, se ofrece una extensa panorámica de la producción sacra y profana de un músico que fue fundamental en la conformación del peculiar barroco ibérico.

La vida musical de la Salamanca del XVIII se materializa en un proyecto de recuperación de un concierto sacro, lo que en la época se denominaba una «siesta». Con la colaboración de la mezzosoprano Marta Infante y el Coro de Cámara de la USAL se recorrerá medio siglo de la música asociada a la capilla universitaria, desde el último barroco hasta las primeras muestras del clasicismo.

Dos formaciones vocales de referencia mundial
El ciclo acoge también a dos formaciones vocales de primer orden en el panorama mundial de la música históricamente informada: el Collegium Vocale de Gante y The Sixteen, dirigidos respectivamente por Philippe Herreweghe y Harry Christophers. En el excepcional marco de la capilla del Colegio Fonseca, y fuera de abono, el grupo británico ofrecerá un exuberante paisaje de la música sacra italiana relacionada con la capilla pontificia, articulado en torno a autores medulares de la polifonía occidental como Palestrina, F. Anerio y Allegri. Por su parte el Collegium Vocale centra su programa en una pieza clave de la música sacra alemana del primer cuarto del XVII: la exquisita colección de madrigales espirituales Israelsbrünlein de Johann Hermann Schein.

En la órbita de esta obra se encuentra también el programa ofrecido por el Concento de Bozes. Este grupo emergente, derivado del trabajo formativo realizado por el contratenor Carlos Mena en la USAL, ahondará en el nacimiento de la Música poética, la nueva oratoria musical que acabó alcanzando en el barroco alemán algunas de sus más altas cotas. También Carlos Mena, artista residente del CNDM en la temporada 2016-2017, tomará parte en el concierto que cierra el ciclo. Junto a la Orquesta Barroca de la Universidad de Salamanca ofrecerá un programa organizado en torno a dos cantatas para alto de Johann Sebastian Bach: Widerstehe doch der Sünde, escrita en Weimar en 1715 y Ich habe genug, cuya primera versión se sitúa en Leipzig doce años después. Las dos obras establecerán un diálogo con la música profana de la época, representada por una suite de Telemann y otra de Johann Ludwig Bach.

También la producción profana de Bach estará presente en Salamanca Barroca con una monumental obra que muestra la genialidad del Kantor como geómetra de la música: la Ofrenda musical. Para interpretarla –en varios de los sentidos de la palabra – se reúne un grupo de excepción: la violinista Lina Tur Bonet, el chelista Marco Testori, el flautista Alexis Kossenko y el clavecinista Kenneth Weiss, quienes nos llevarán a una velada que quizá nunca tuvo lugar en la corte de Federico II el Grande.

Academia de Música Antigua
La Academia de Música Antigua, constituye un ámbito global de articulación y promoción de actividades en el campo de la “interpretación musical histórica”. Creada con el objeto de facilitar los mecanismos de especialización en repertorio renacentista y barroco a los jóvenes músicos españoles, se ha convertido en un referente de este tipo de trabajo en España. Junto a un programa anual de cursos de especialización, la academia acoge distintas agrupaciones musicales especializadas: Coro de Cámara, Consort de Violas da Gamba y Orquesta Barroca, entre otras.

Precisamente esta es otra de las líneas de actuación de Salamanca Barroca: fomentar y facilitar la presencia de los intérpretes participantes en el ciclo de conciertos en el plan formativo que, desde hace ya casi un cuarto de siglo, se mantiene en la Universidad de Salamanca en relación con la música antigua. Un plan que se articula a través de un programa de cursos, clases magistrales y seminarios centrados fundamentalmente en aspectos de prácticas interpretativas históricas. Este año los cursos contarán con la participación de Pedro Gandia (violín), Andoni Mercero (viola), Itziar Atutxa (violonchelo y viola de gamba) y clases magistrales de Carlos Mena (canto). Información e inscripciones en: academia@usal.es

Las localidades, con un precio de 7€ a 15€ para el público general y con un 20% de descuento para estudiantes y miembros de la comunidad universitaria, se pueden adquirir ya en Mercatus (tienda oficial de la Universidad), de lunes a sábado de 10:00h a 20:00h y domingos de 10:15h a 14:00h, a través de http://sac.usal.es/ y una hora antes de cada concierto en taquilla.

Quincena Musical

La 77 edición de la Quincena Musical de San Sebastián tuvo ayer un final grandioso, protagonizado por la Orquesta Sinfónica de Euskadi (Oregón), la Orquesta Sinfónica de Bilbao (BOS), el Orfeón Donostiarra y el Orfeón Pamplonés, acompañados por las formaciones vocales infantiles Escolanía Easo y Easo Araoz Gazte. Casi 440 personas, entre músicos y cantantes, subieron al escenario del Aauditorio Kursaal -ampliado para la ocasión- para ofrecernos el monumental “Te Deum” de Hector Berlioz, una obra de arquitectura sonora de dimensiones imponentes. El maestro Víctor Pablo Pérez fue el encargado de clausurar una edición que ha ofrecido más de 70 propuestas, entre conciertos y otras actividades, que han sido disfrutadas por miles de aficionados.

El Auditorio Kursaal ha sido, como en ediciones anteriores, uno de los espacios fundamentales de la Quincena Musical. El éxito de afluencia de público se repitió en dicho escenario en varias ocasiones: ha habido 7 llenos absolutos, y una ocupación del 95%, lo que supone un aumento de 2 puntos con respecto a las cifras registradas en la pasada edición, si bien es cierto que el número de conciertos programados en este espacio ha disminuido de 13 un 10. En cuanto a la media de ocupación de los tres conciertos que no han colgado el cartel de completo, cabe señalar que esta media de ocupación se ha situado en el 84,42%.

La recaudación total de taquilla asciende a 795.390 euros brutos. Se mantiene, por tanto, el nivel de ingresos del pasado año, en relación al menor número de actividades programadas en espacios como el Auditorio Kursaal y el Teatro Victoria Eugenia. En cuanto al número de espectadores, la 77 edición ha contado con 35.333 asistentes.

Sir John Eliot Gardiner, fundador de formaciones con la solera del Coro Monteverdi y los Solistas Barrocos Ingleses, fue el encargado de abrir la programación del Auditorio Kursaal, y lo hizo acompañado de la Escolanía Easo (5 de agosto). Gardiner deleitó al público del Kursaal con una de las obras religiosas más grandiosas de la historia de la música: la “Pasión según San Mateo” de Bach. La cita con la danza llegó de la mano del Ballet del Gran Teatro de Ginebra, compañía que nos ofreció su particular versión de "Tristán e Isolda" (7 de agosto), una de las últimas creaciones de la coreógrafa Joëlle Bouvier, inspirada en la ópera de Wagner. Otro de los momentos brillantes de esta Quincena fue el que se vivió con la ópera "Don Giovanni" de Mozart (13 de agosto). La emblemática ópera contó con un equilibrado elenco liderado por Christopher Maltman mi Irina Lungu. La Orquesta del Festival de Budapest de Ivan Fischer abrió el desembarco sinfónico del festival, ofreciendo tres actuaciones en el Auditorio Kursaal. La ‘orquesta residente’ de la presente edición ofreció tres conciertos completamente diferentes: el programa del 20 de agosto contempló obras de Stravinsky, Bartók y Dvorak. En su segunda intervención (21 de agosto), la formación húngara contó con el apoyo del Orfeón Donostiarra y el Pequeño Orfeoi para abordar la “Tercera” de Mahler. El tercer concierto (23 de agosto) se centró en la figura de Mozart y algunas de las obras que éste compuso durante su último año de vida. Para interpretar una de esas obras, el sobrecogedor “Réquiem”, la orquesta estuvo acompañada por la formación belga Collegium Vocale Gent. La formación Balthasar-Neumann, que actuaba por primeva vez ante el público donostiarra (24 de agosto), ha sido, tal vez, una de las sorpresas más gratas de esta edición. El director de orquesta Thomas Hengelbrock se puso al frente de esta formación que acudió al festival con sus dos agrupaciones -coro y ensemble-, ofreciendo un programa compuesto por dos grandes obras: la “Pastoral” de Beethoven y la “Misa de la Armonía” de Haydn. Las obras de Beethoven volvieron a adquirir una especial presencia en la doble cita ofrecida por la Orquesta Sinfónica de la Radio de Frankfurt el pasado fin de semana en el Auditorio Kursaal. El maestro Philippe Herreweghe, uno de los principales representantes del movimiento historicista en la interpretación musical, se puso al frente de esta formación para presentar dos programas: en el primero (27 de agosto), centrado en la “Novena” de Beethoven, la orquesta alemana contó con el apoyo de la Coral Andra Mari. El violonchelista británico Steven Isserlis convenció al público gracias a una deliciosa interpretación del “Concierto para violonchelo nº 1” de Haydn, una de las obras que integraban el programa del 28 de agosto. La Oregón y la BOS se reunieron ayer (31 de agosto), por primera vez en la historia de la Quincena, para afrontar, bajo la batuta de Víctor Pablo Pérez, la clausura del festival. 439 personas se subieron al escenario de un abarrotado Auditorio para ofrecernos un programa compuesto por obras de Berlioz, ‘Aita Madina’ y Sorozabal. En esta ocasión histórica, las dos orquestas vascas estuvieron arropadas por el Orfeón Donostiarra, el Orfeón Pamplonés, la Escolanía Easo y Easo Araoz joven.

El teatro Victoria Eugenia se convirtió, una vez más, en espacio íntimo para 3 propuestas (una menos que el año pasado) de perfil muy variado: la actuación del pianista ruso Nikolai Luganski (6 de agosto), el recital del contratenor vitoriano Carlos Mena y su grupo Capilla Santa María (22 de agosto) y el espectáculo infantil “La casa flotante” de la compañía La Maquiné (30 de agosto). En esta última cita se registró la ocupación máxima de la sala.

Un año más, se vuelve a constatar que los distintos ciclos que conforman la Quincena siguen gozando de buena salud. Es el caso del Ciclo de Música Antigua, que además de contar con sus fieles seguidores, es capaz de atraer a nuevos asistentes edición tras edición al Convento de Santa Teresa. El ciclo, cuyos beneficios se han destinado a la asociación alas de junio, ha celebrado esta edición su XXV aniversario, registrando un 92% de ocupación. La música italiana estuvo presente en varios de los programas del ciclo que se sumó, por otro lado, a los actos conmemorativos del 400 aniversario del fallecimiento de Cervantes y Shakespeare (lleva a cabo Ensemble, 8 de agosto).

Es reseñable, asimismo, el notable éxito de afluencia del Ciclo de Jóvenes Intérpretes, que ha alcanzado una ocupación del 90%. Una vez más, el Palacio Miramar ha sido un valioso escaparate para impulsar las carreras de las y los intérpretes más jóvenes. Una amplia selección de programas ha dado cabida a repertorios y estilos dispares, en este ciclo en el que el alumnado de Musikene, a lo largo de una semana (22-26 de agosto), se acerca al público con la ilusión de ofrecer la labor que durante el curso académico desarrolla en las aulas.

Respecto al Ciclo de Órgano, uno de los más seguidos y más fructíferos de la Quincena, destacar que sigue manteniendo su popularidad y asistencia, con cerca de 4.500 espectadores que han acudido a los 12 conciertos que se han llevado a cabo en templos donostiarras y del resto de Gipuzkoa. Juan Paradell, organista de la Capilla Sixtina del Vaticano, protagonizó uno de los conciertos más esperados. 600 personas acudieron, el 8 de agosto, al recital que ofreció en la Iglesia San Vicente de San Sebastián, en el que se llevó a cabo el estreno de la obra “Quadri da Pinocchio” de Luca Salvadori (obra encargada por la Quincena Musical). Abarrotada estuvo, también, la Catedral del Buen Pastor, el 10 de agosto, en la actuación ofrecida por los organistas Marie-Bernadette Dufourcet y Naji Hakim. 800 personas asistieron al estreno de las obras “tiempo" (de M.B. Dufourcet) y zortziko (primer movimiento de la obra “Tres Danzas vascas", de N. Hakim, encargada por la Quincena Musical). Loreto Fernández Imaz, por su parte, estrenó “Regina Caeli” -partitura escrita por Fernando Gonzalo– en la Iglesia de San Ignacio (11 de agosto).

El Ciclo de Música Contemporánea Musikagileak sigue perfilándose como plataforma en el campo de la creación más innovadora. Se ha registrado una asistencia ligeramente superior a la de la pasada edición (más de 490 personas, cuando el aforo de la sala es de 120 personas). El ciclo ha sorprendido, una vez más, con las apuestas más transgresoras, y ha acogido el estreno de dos partituras de jagoba Astiazarán y Gabriel Loidi. El primer estreno -el de la obra “…Como la mar”, compuesta para vibráfono por J. Astiazarán- tuvo lugar en el concierto del 29 de agosto, de la mano del percusionista Miquel Bernat & Espacio Sincro. La obra “Cuarteto nº 4” de G. Loidi se estrenó en el concierto que ofreció Cuarteto Bretón el 30 de agosto.

El ciclo viajero por excelencia del festival, la Quincena Andante -en la que se han ofrecido, en total, 17 conciertos-, ha seguido su camino para llegar, este año, a los los territorios de Lapurdi, Navarra, Álava y Gipuzkoa, obteniendo una respuesta más que satisfactoria por parte del público. Cabe destacar el proyecto en el que unieron sus fuerzas musicales los coros Newman Sound del Labrador (Canadá) y Coro Easo, formaciones vocales que ofrecieron 4 conciertos en homenaje a los balleneros vascos. Pasai San Pedro, Orio, Getaria y Senpere (23-26 de agosto) fueron las localidades elegidas para celebrar estos encuentros inspirados en la herencia marítima. Ofrecieron un programa que combinaba el folclore de Terranova con el folclore vasco, al tiempo que estrenaron dos obras escritas para la ocasión: "Terranova" de Ángel Illarramendi e "En el corazón del mar" de Kathleen Allan. Mención especial merece, asimismo, el gran éxito cosechado por el polifacético violinista armenio Ara Malikian en el Santuario de Arantzazu (25 de agosto), que congregó a más de 1.200 espectadores agotando todas las localidades.

Como novedad, señalar, además, que este año se ha querido aumentar la oferta musical dirigida al público infantil y juvenil, razón por la que se han creado nuevos apartados como el de Kantu Kontari, es decir, sesiones de cuentacuentos con acompañamiento musical que han tenido lugar todos los sábados de Quincena en el Foyer del Auditorio Kursaal. Por ese mismo motivo, las actividades de la Jornada Infantil (30 de agosto) se prolongaron a la jornada de clausura del festival (31 de agosto) y, además, se ha seguido apostando por iniciativas como Entonces el joven la musik Eler (25 y 26 de agosto), que parecen haber echado raíces entre el público más joven de la Quincena.

Avance de la programación de 2017

La organización del festival trabaja ya en la programación de su próxima edición. La Orquesta Filarmónica de la BBC -bajo la dirección de Juanjo Mena será la encargada de inaugurar la 78 Quincena Musical. Será la primera vez que actúe, esta orquesta, en el marco de la Quincena. El cierre del festival llegará de la mano de la Orquesta sinfónica de Cincinnati, por lo que la presencia de la música americana estará garantizada en el programa de la próxima edición. La joven pianista china Yuja Wang ofrecerá un recital en el Teatro Victoria Eugenia. En cuanto a la cita con la ópera, se confía en poder volver a programar ópera escenificada en el Auditorio Kursaal.

www.quincenamusical.eus

London Symphony Orchestra

La 47ª temporada de Ibermúsica reinicia, tras el parón estival, su programa de conciertos con dos citas de la London Symphony Orchestra, una de las mejores y más prestigiosas agrupaciones musicales del mundo. La formación británica, que actuará los días 13 y 14 de septiembre bajo las órdenes de Gianandrea Noseda, abordará piezas de Wagner, Verdi, Haydn y Shostakovich, entre otros.

Durante sus más de 100 años de vida, la LSO ha llevado a cabo su compromiso de trasladar la mejor música a la mayor cantidad posible de personas. De esta manera, el conjunto es conocido por el gran público tras haber puesto música a míticas películas, como la saga de Star Wars, y otras populares como Crepúsculo o Braveheart; además de haber participado en el célebre disco de The Beatles, Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Band.

En la primera de las citas que tendrán dentro de la 47ª temporada de Ibermúsica, la LSO interpretará Los maestros cantores de Núremberg, de Wagner; La mer, de Debussy; y la Sinfonía núm. 5, de Shostakovich, una de las composiciones más populares del autor ruso. El programa del segundo día contiene las Vísperas sicilianas, de Verdi; y el Concierto para trompeta y orquesta en mi bemol mayor, Hob. VIIe/1, de Haydn, el único concierto que compuso para este instrumento, que será interpretado por el talentoso Philip Cobb. Cierra el programa del 14 de septiembre la Sinfonía núm. 2, de Rachmaninoff.

La 47ª temporada de Ibermúsica arrancó el pasado 24 de junio con el concierto inaugural de la Filarmónica de Viena. Desde entonces, y hasta mayo de 2017, hay programadas 25 conciertos con 12 de las mejores orquestas del mundo (la Filarmónica de Viena, Staatskapelle Dresden, Gustav Mahler Jugendorchester o la Philharmonia); además de 36 directores y solistas (Daniel Barenboim, Christian Thielemann, Daniele Gatti, Renée Fleming, Esa-Pekka Salonen, Daniel Harding, Vladimir Jurowski, Leonidas Kavakos, Yuja Wang, William Christie, Marc Minkowski y Sir Neville Marriner).

LONDON SYMPHONY ORCHESTRA

Independiente y autónoma, la LSO fue fundada en 1904 por un grupo de los mejores músicos de Londres. A día de hoy, la orquesta mantiene una de sus características fundamentales: sigue siendo propiedad de sus miembros, que eligen voluntariamente a sus directores. Su peculiar sonido emana del chelo y el virtuosismo de los 95 brillantes músicos internacionales que la componen actualmente.

Es orquesta residente en el Barbican Centre, situado en la City de Londres, donde ofrece una media de 70 conciertos sinfónicos al año, y lleva a cabo otros tantos gracias a las giras que emprende por diferentes países de los cinco continentes. Este conjunto trabaja con una familia de artistas que incluye a grandes directores como Sir Simon Rattle, como director musical electo; Gianandrea Noseda y Daniel Harding, como principales directores invitados; Michael Tilson Thomas, como Director Laureado; y André Previn, como Emérito.

La LSO desarrolla numerosos proyectos para intentar llevar su música a todo el público. Así, su programa educativo LSO Discovery acerca el trabajo de la orquesta a todos los sectores de la sociedad y se relaciona con 60.000 personas cada año. Por otro lado, su sello LSO Live (que se lanzó en 1999 y fue el primero de ese tipo) transmite su música a millones de oyentes de todo el mundo.

GIANANDREA NOSEDA

Noseda es actualmente uno de los directores de orquesta más prestigiosos de su generación. En 2015 fue nombrado maestro del año por Musical America y fue elegido por los integrantes de la LSO como director invitado. En su carrera musical, destaca el trabajo que realizó al frente del Teatro Regio di Torino, donde comenzó a trabajar en 2007 y marcó un antes y un después en dicha institución, que goza hoy en día de un gran prestigio internacional

El músico italiano es también director principal invitado de la Israel Philharmonic; de De Sabata, de la Pittsburgh Symphony; director principal de la Orquesta de Cadaqués y director artístico del Festival de Stresa (Italia). Entre 2002 y 2011 estuvo al frente de la BBC Philharmonic, y de 1997 a 2007 fue el primer extranjero en ocupar el cargo de director principal invitado en el Teatro Mariinski, en San Petersburgo (Rusia).

En cuanto a su relación con la LSO, Noseda dirige a este histórico conjunto musical periódicamente tanto en el Barbican como en las giras; al igual que hace con la NHK Symphony, la Philadelphia Orchestra, y las orquestas de la Scala y Wiener Symphoniker. Mantiene un vínculo muy importante con la Metropolitan Opera, donde ha estado al frente numerosas producciones, entre las que destaca la innovadora y reciente de El príncipe Igor, con Dimitri Txerniakov como director de escena, editada posteriormente en DVD por Deutsche Grammophon. Entre sus próximos compromisos, destaca su debut con la Filarmónica de Berlín, así como en los festivales de Salzburgo y Aix-en-Provence..

El italiano es artista exclusivo del sello Chandos y su discografía incluye más de 40 grabaciones, muchas de ellas premiadas. Su proyecto de Musica italiana, iniciado hace 10 años, ha puesto al descubierto grandes obras del repertorio italiano del siglo XX hasta ahora desconocidas. Con la Wiener Philharmoniker y con la orquesta del Teatro Regio ha grabado con reconocidos cantantes, como Ildebrando D’Arcangelo, Rolando Villazón, Anna Netrebko (Deutsche Grammophon) y Diana Damrau (Warner Classics). Noseda ha sido distinguido como Cavaliere Ufficiale al Merito della Repubblica Italiana por su contribución a la vida artística de su país natal.

PHILIP COBB

Este precoz y destacado músico fue nombrado trompeta solista de la London Symphony Orchestra en 2009, con tan sólo 21 años de edad. Pertenece a la cuarta generación de una familia de músicos del Ejército de Salvación. Desde su infancia actuaba como corneta solista, junto a su hermano y sus padres. Ingresó en la Joven Banda de Metales de Gran Bretaña en 2000 y, más adelante, en la Banda Internacional del Ejército de Salvación. En su prolífica carrera destaca su actuación como solista invitado en los Juegos Olímpicos de Londres 2012.

Mientras estudiaba en la Guildhall School of Music and Drama de Londres, fue alumno de Paul Beniston y Alison Balsom; ocupó el puesto de trompeta solista con la European Union Youth Orchestra y comenzó a colaborar con grupos profesionales, como la London Philharmonic Orchestra, London Chamber Orchestra, BBC Symphony y Royal Concertgebouw. Fue premiado en el prestigioso Concurso Internacional de Trompeta Maurice André, en 2006; y dos años más tarde recibió el premio Candide de la Academia de Metales de la London Symphony Orchestra. En 2009 ingresó en la LSO.

Además de sus compromisos orquestales, se dedica con gran interés a las bandas de metales y está activamente involucrado en los nuevos conjuntos Superbrass, Eminence Brass y Barbican Brass. Ha grabado dos discos en solitario: Life Abundant (2007), con la Cory Band y el organista Ben Horden; y, más recientemente, Songs from the Heart, con el International Staff Band. Ha participado en varias bandas sonoras, incluyendo Harry Potter y las reliquias de la muerte (Partes 1 y 2), la Saga Crepúsculo: Luna Nueva, Los Piratas, Shrek para siempre, Una vida mejor y El origen de los guardianes.

PROGRAMA MARTES 13

19:30 horas

Auditorio Nacional de Música, Sala Sinfónica

Duración: 100 minutos

Intérpretes

London Symphony Orchestra

Gianandrea Noseda, director

Wagner Los Maestros cantores de Núremberg, ob.

Debussy La mer

Shostakóvich Sinfonía número 5

 

PROGRAMA MIÉRCOLES 14

19:30 horas

Auditorio Nacional de Música, Sala Sinfónica

Duración: 105 minutos

Intérpretes

London Symphony Orchestra

Gianandrea Noseda, director

Philip Cobb, trompeta

Verdi Vísperas sicilianas, ob.

Haydn Concierto para trompeta en Mi bemol Mayor

Rachmaninoff Sinfonía núm. 2

Vídeo inaugural de la temporada de Ibermúsica

Entradas a la venta en www.entradasinaem.es ; 902 22 49 49 o directamente en las taquillas del Auditorio Nacional de Música, a partir de 45€.

www.ibermusica.es

Daniel Barenboin

Como uno de los directores de orquesta y pianistas más importantes de la actualidad, Daniel Barenboim es famoso por desafiar a sus oyentes a que mantengan una intensa relación con la música. Ahora persigue este objetivo por primera vez con varios formatos desarrollados expresamente dentro del ámbito audiovisual en el marco de su propio canal de YouTube, que estará disponible online en agosto de 2016 en todo el mundo sin ningún tipo de coste. El portal de vídeos, que utilizan más de mil millones de personas en todo el mundo, constituye, con sus amplias posibilidades de conexión y de intercambio directo, la plataforma ideal para hacer justicia a la idea de Daniel Barenboim de que la música se afiance de manera duradera en todos los ámbitos de la sociedad: el canal será la puerta de entrada para apasionarse por el mundo de la música clásica, especialmente para el público con escasos conocimientos clásicos.

Al igual que ya ha hecho con su sello digital Peral Music, Daniel Barenboim va a emplearse también a fondo en su canal de YouTube para conseguir la integración natural de la música clásica en la comunicación digital: para ello van a desarrollarse y producirse formatos de vídeo propios en YouTube, que van a tener continuidad después del lanzamiento inicial. Con los titulados 5 minutos y Deconstruido explorará y explicará al piano obras y conceptos musicales esenciales que son para él importantes. El espectador, también quien carezca de conocimientos musicales previos, se beneficiará no sólo de la dedicación a la música de Barenboim a lo largo de toda su vida, sino que podrá asimismo inspirarse y descubrir nuevas facetas de las obras.

Dentro del formato titulado Barenboim explora, Barenboim discutirá, de una manera similar a las entradas del blog de su página web, acontecimientos políticos, culturales y sociales actuales y compartirá sus reflexiones e ideas con los espectadores, que se verán estimulados al diálogo, la participación y el feedback. También están ya planeadas una serie de conversaciones, en las que Barenboim dialogará con personajes de la vida pública con un peso especial en la política, el arte, el deporte o la arquitectura e intercambiará impresiones con ellos sobre los Paralelismos y paradojas, sobre los puntos en común y las diferencias entre la música y el propio ámbito temático de cada uno de ellos. En un quinto formato, La West-Eastern Divan Orchestra, Daniel Barenboim presentará a la orquesta arabe-israelí y a los músicos que la integran.

Con la ambición y la alta calidad con que plantea la estructura de su canal en YouTube, Daniel Barenboim quiere no sólo transmitir sus conocimientos y su amor por la música, sino también contribuir con él a que la música clásica se presente debidamente en la época de la digitalización: vivida individualmente e integrada, interactiva y ambiciosa al mismo tiempo: para todos aquellos que sean curiosos y vayan por el mundo “con los oídos bien abiertos”.

Más información en:
www.youtube.com/danielbarenboim
www.danielbarenboim.com
www.facebook.com/danielbarenboim
www.twitter.com/dbarenboim
www.peralmusic.com

Alvaro-Pierri1

La XVIII edición del Festival de Guitarra “Ciutat d’Elx” comenzará mañana, con el esloveno Jaka Klun, en el Claustro de San José a las 21.30 horas con entrada gratuita. Este guitarrista fue el ganador del año pasado del Concurso Internacional de Guitarra “Ciutat d’Elx” y pese a su juventud cuenta con una gran experiencia en concursos internacionales. Además, ha recibido clases de algunos de los más destacados maestros de la guitarra como: Paolo Pegoraro, Stefano Viola o Álvaro Pierri, entre otros.

Desde los doce años Jaka ha participado también en la composición, bajo la tutoría del profesor Ambrož Copi. Su canción llamada “El miedo” fue realizada por el Coro Juvenil de la Escuela de Música de Koper. Otra composición destacable es la llamada Expresiones de color para solo de guitarra, cuya primera representación se realizó en la segunda Bienal de Música Contemporánea en Koper, 2010.

El jueves 21 de julio, en el Claustro de San José y con entrada gratuita será el turno de dos grandes guitarrístas eslovacos, Darina Jókaiová y David Hnat. En 2011 decidieron emprender un proyecto juntos creando el grupo Guitar Duo Jókaiová-Hnat y a pesar de su corta trayectoria, ya son conocidos internacionalmente, y su variado repertorio abarca música de diferentes épocas y estilos.

Por otra parte, también el jueves darán comienzo las clases magistrales del maestro Álvaro Pierri a las 10:00 horas en la Universidad CEU Cardenal Herrera de Elche. La plazas de estas clases se agotaron el primer día que se publicaron. Asimismo, Carmen Ros, Eduardo Baranzano, Ricardo Barceló o Andrea de Vitis serán otros de los artistas de los que se podrá disfrutar durante los próximos días de Festival.

Festival Segovia

Del 17 al 31 de julio, el Festival de Segovia (FS) vuelve a deleitar al público después de 40 años en los que los mejores intérpretes del panorama internacional han dejado su huella con conciertos inolvidables. Un Festival que, avalado por las 47 ediciones de su característica Semana de Música de Cámara y los 21 de su prestigioso Festival Joven, que lo integran, apuesta por los grandes y jóvenes valores del panorama musical actual, con un programa que este año ahonda en las raíces populares de la música española, en un canto a los versos más hondos de nuestra cultura, al flamenco, siempre presente en el FS, sin olvidar el jazz, la música de fusión, la música coral o la danza. Todo aquello que vivimos y soñamos en un presente en constante movimiento que no puede desprenderse de sus recuerdos ni permanecer ajeno a su entorno y a la evolución de sus formas.

Rincones históricos y llenos de referencias donde la acústica es espectacular, como San Juan de los Caballeros-Museo Zuloaga, la Catedral, el Patio de Armas de El Alcázar, lugares amplios que alojan a un gran auditorio como la Plaza del Azoguejo o más recogidos para un recital de piano, como el Casino de la Unión, se vestirán de gala para hacer vivir al público instantes de disfrute en una ciudad nacida para el arte vivo.

Inaugurando el Festival, el domingo 17 de julio la Catedral acogerá a las voces de Lexington Singers, dirigidas desde hace 18 años por Jefferson Johnson, uno de los coros más prestigiosos de Kentucky y uno de los coros comunitarios más antiguos de EEUU. Compuesto por 50 cantantes, interpretarán espirituales americanos y música sacra.

Dirigida por Andrew Gourlay, “uno de los directores emergentes y grandes artistas del futuro”, como auguraba la revista BBC Music, miembro de la Joven Orquesta Gustav Mahler a las órdenes de Claudio Abbado, y ya con una trayectoria donde los compromisos operísticos sobreabundan, la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, celebrando su 25 aniversario, ofrecerá en la Plaza del Azoguejo (21 de julio) un concierto para enaltecer el ánimo: Un americano en París, de Gershwin; “Interludio” y “danza” de La vida breve de Falla, y la Sinfonía nº 3 en mi bemol mayor, op. 55 “Heroica”, de Beethoven.

Desde el flamenco, la gran Carmen Linares, acompañada por el piano elegante de Pablo Suárez, el swing del contrabajo de Josemi Garzón y la percusión brillante de Karo Sampela, presentará “Verso a verso” (22 de julio en El Alcázar): un proyecto que muestra la identidad musical de la cantaora como voz única del flamenco contemporáneo y su pasión por la poesía en español para redescubrir un repertorio de versos, reflexiones y cantares de García Lorca, Miguel Hernández y Juan Ramón Jiménez. Un recital de cante y poesía donde el dialogo musical entre la voz y los instrumentos revelan la dimensión del flamenco como música auténtica y versátil. Flamenco que nace de la voz de Andalucía, de la primera soledad, el primer llanto en la primera noche…

Tras experimentar en su proyecto Lookingback con el pálpito compositor de Chopin, el aliento de repertorios renacentistas y barrocos o la canción de concierto, Andreas Prittwitz, creador capaz de reivindicar tanto las excelencias musicales de la cultura renacentista como del jazz improvisado, también revuelve en las raíces del flamenco para darle la mano a la música antigua y barroca en un concierto único. Y es que este virtuoso saxofonista, clarinetista y exclusivo intérprete de la flauta de pico viene desde hace años entregándose a repertorios lejanos para darles una nueva piel y un pensamiento nuevo. He aquí esta “Zambra barroca” con la que en Segovia el músico une dos mundos completamente diferentes, distintas épocas, distintas raíces, diferentes timbres e instrumentos que convivirán durante este concierto (29 de julio en El Alcázar). Chacona, bulería, folía, tanguillo, Bach, soleá, Vivaldi, fandango, Henry Purcell y toná… Eva Durán al cante y Jorge Enrique García contratenor, Mario Montoya al toque y Ramiro Morales con la guitarra barroca, y como elementos “conciliadores”, Joan Espina y Andreas Prittwitz, violín y vientos, todos unidos por el contrabajo de Roberto Terrón.

Que la canción lírica es un género esencial en y para la cultura española es algo que evidencia la aclamada María José Montiel, Premio Nacional de Música 2015, una de las mejores mezzosopranos de nuestro país, protagonista en Segovia de “Terciopelo”, un recital (23 de julio en El Alcázar) con el que, junto al pianista Miquel Estelrich, recorrerá la música popular española como muestra de ese espíritu sentimental donde no falta ese homenaje al amor correspondido o anhelado. Temas de Falla, Turina, Granados, Villa-Lobos, Ovalle, E. Halffter, A. Thomas, Debussy, Saint-Säens o R. Hahn componen el repertorio de esta recitalista y cantante de ópera de reconocimiento internacional –una de las grandes intérpretes de Carmen de la actualidad, papel que ha encarnado en más de 90 ocasiones con gran éxito- que es capaz de poner en pie a todo un auditorio gracias a la perfección de su técnica, su timbre brillante, su versatilidad musical y dramática y su amplia tesitura vocal.

Desde el jazz, Patricia Kraus vuelve nuevamente la mirada sobre sí misma a través de las canciones que la han acompañado a lo largo de su vida. Con un estilo personal inconfundible, y junto a una banda de excelentes músicos internacionales, Segovia se rendirá a su voz gracias a un concierto en el que estarán incluidos los temas de su último disco ECOS y el anterior DIVAZZ. Un conjunto de versiones y temas propios impregnados de las armonías del R&B, jazz y el Soul, que ofrecen un directo tan íntimo como espectacular (30 de julio en el Jardín de los Zuloaga).

Entre el Renacimiento y el Barroco, hacia el Romanticismo. 47 Semana de Cámara

Una mirada diferente para un público que también podrá pasear a través de la música de cámara, por la que se define desde hace ya 47 años el FS, y que en esta edición apostará también por la música de los primeros años del siglo XVII, una erupción de expresión musical, la época de las primeras óperas de Peri, Monteverdi y Cavalli, y del bajo continuo, de la sonata para solista y “el virtuoso”, como Giovanni Antonio Pandolfi Mealli, uno de los primeros compositores de sonatas para violín, del virtuoso del bajón como Bartolomé de Selma y Salaverde, de compositores como Diego Ortiz, Salamone Rossi, Aurelio Virgiliano, Jan Pieterszoon Sweelinck, el italiano Carlo Gesualdo o su contemporáneo Michelangelo Rossi. Todo ello de la mano de Audi Alteram (María Martínez Ayerza, flautas dulces; Petri Arvo, bajón, fagot barroco y flautas dulces; Petros Paukkunen, órgano), una formación que nace para promover uno de los repertorios más innovadores y valiosos de la historia de la música occidental: el Stylus Phantasticus. Un estilo de música instrumental del siglo XVII caracterizado por la utilización de una variada paleta expresiva, grandes contrastes y una libertad compositiva desconocida hasta el momento (25 de julio en la Catedral).

Ignacio Prego, uno de los clavecinistas más importantes de su generación, deleitará al público con un concierto en el que interpretará las Variaciones Goldberg de Bach (26 de julio en San Juan de los Caballeros). Alto grado de virtuosismo, cruce de manos y uso de los de los dos teclados. Fantasía y orden para un concierto de una hora y media de una técnica que raya la perfección y pasión musical.

El Trío Arriaga, asimismo, realizará –gracias a la colaboración de Acción Cultural Española (AC/E)- un homenaje a Granados y Shostakovich (27 de julio en San Juan de los Caballeros) en un concierto íntimo pero no menos esplendoroso. Con conciertos en los mejores Festivales europeos y acompañados de la gran mayoría de las orquestas españolas y por algunas de las mejores europeas, el Trío Arriaga es el lugar de encuentro de tres músicos de reconocido prestigio y allí donde convergen sus trayectorias solísticas. Con más de 25 álbumes, algunos para sellos como NAXOS o Sony, y los múltiples galardones conseguidos, los avalan como un trío de referencia de su generación con un exquisito empaste y bellísima sonoridad.

De Mujeres ejemplares

La palabra que escribió Cervantes para describir a sus mujeres en sus Novelas ejemplares, comedias y en Don Quijote de la Mancha, ilustra y guía la música originalmente compuesta para conmemorar su figura en el IV Centenario de su muerte por seis compositores de España y América que, desde la perspectiva de cuatro siglos de lejanía histórica, glosan las singularidades de algunas de los personajes femeninos creados por Cervantes. Sobre ello versa el espectáculo musical Mujeres cervantinas, de la mano del actor Manuel Galiana, la mezzo María Rodríguez Cusí y Marisa Blanes al piano, dirigidos por Luciano González Sarmiento. Mujeres que tratan de ser “dueñas” de sí mismas, “mujeres ejemplares” que se protegen de la hostilidad y de los convencionalismos sociales y morales. Mujeres que vindican su identidad femenina con una voz propia que se vuelve palabra y música (24 de julio en El Alcázar).

Sobre otra mujer apasionante, una revolucionaria de la danza y de la vida, Carmen Tórtola Valencia (1882-1955), admirada por Valle Inclán, Pérez de Ayala, Gómez de la Sena o D’Annunzio, Pirandello o Marta Graham, ahondará la bailarina Clara Bueno en Tórtola Valencia, Mujer eterna. Tórtola va narrando su vida junto a la poesía de artistas e intelectuales de la generación del 98 que su arte inspiró, sobre un fondo musical de algunas de las composiciones que ella bailó y que proporcionarán la entrada a sus danzas (28 de julio en San Juan de los Caballeros). Así pues la danza ocupará, asimismo, un lugar privilegiado en el FS, también de la mano de Uniqart Dance Company, una compañía de ballet neoclásico creada por los ex bailarines del Béjart Ballet de Lausanne Iker Murillo, Marsha Rodríguez y el aclamado coreógrafo ruso Vitali Sanfrokine. Parte de su filosofía se condensa en su lema: “Crear arte en lugares únicos” (31 de julio en el Jardín de los Zuloaga). Y la exposición presentada por la Casa de la Danza de Logroño “Perpetuum mobile” de Josep Aznar nos hará soñar con momentos históricos de la mano de la danza internacional que nos visitaba en festivales de verano. El archivo que estas fotografías, para la danza, es el mejor legado que siempre será testigo de los momentos brillantes que la danza ha ofrecido en nuestro país (Desde el 20 de julio en el Colegio de Arquitectos).

Música y emociones en familia

Para el público infantil acompañado de adultos, el característico y tradicional Concierto en Familia (24 de julio en San Juan de los Caballeros) se centrará en la música y las emociones para hablar del amor por la música y el trabajo en equipo, y se completará con un pequeño taller de instrumentos y creación plástica. El misterioso artefacto es un cuento musical en un acto escrito por Patricia García Sánchez en el que sonarán temas de Romeo y Julieta de Prokofiev adaptados para conjunto de cámara. La representación contará con la autora como narradora, y los intérpretes Gemma Romero (piano), Cristina García (flauta), Beatriz Alonso (fagot) y Fran Cabanillas (saxo).

La apuesta por las jóvenes promesas

Pero una de las características del FS es su apuesta por las jóvenes promesas del panorama musical español, y el FS no sería tal sin su Festival Joven, que cumple 21 años, un apartado a través del cual dará a conocer el talento de los ganadores del 19 Premio de Piano Santa Cecilia de la Fundación Don Juan de Borbón y los ganadores de los certámenes Intercentros Melómano, Pedro Bote y Premio Jóvenes Promesas del Violoncello Jaime Dobato Benavente, con conciertos de acceso libre.

Una veintena de conciertos, así pues, para un Festival dirigido a todo tipo de público ávido de disfrute de la buena música, con precios que oscilan entre la gratuidad (el 40% de los conciertos son de acceso libre hasta completar aforo), 3€ y 20€.

Festival de Guitarra

El certamen ilicitano se consolida cada vez más como una cita ineludible tanto para jóvenes promesas como para guitarristas consolidados.

Se ha presentado la XVIII edición del Festival de Guitarra “Ciutat d’Elx”, organizado por la Asociación de Guitarristas Música Abierta, que se celebrará en Elche del 20 al 28 de julio. El acto ha contado con la presencia de Patricia Maciá, concejala de Cultura del Ayuntamiento de Elche, y con Manuel Gómez Ortigosa, director del Festival de Guitarra “Ciutat d’Elx”.

Manuel Gómez se ha mostrado especialmente satisfecho por la gran aceptación de los cursos y concursos, “este año se impartirán más de 46 sesiones a alumnos procedentes de toda España y de países como Alemania, Austria, Eslovenia, Italia, Eslovaquia, Polonia, Corea y Francia. También ha destacado el número de participantes en los concursos, que hasta la fecha son en total 27 personas.

Además el responsable del Festival ha querido destacar la importancia de los patrocinadores, como el Ayuntamiento de Elche, Cajamar, Centro Comercial L’Aljub, y la colaboración de la Universidad CEU Cardenal Herrera, Compás o el certamen de Petrer entre otros, que un año más han renovado su apoyo y confianza con este festival.

Por otra parte, todos los conciertos del Festival de Guitarra se celebrarán este año en el Claustro de San José y serán gratuitos con tres excepciones: el concierto de Álvaro Pierri, viernes 22; Carmen Ros, sábado 23 y jueves 28, con Baranzano – Barceló, todos ellos con un coste de 5 euros. Las entradas se podrán comprar una hora antes del concierto en la puerta de acceso al Claustro de San José. En relación a los cursos, todos ellos se impartirán en las dependencias de la Universidad CEU Cardenal Herrera de Elche.

El director del Festival ha señalado que el galardón que se propuso como novedad el año pasado, se mantendrá, de modo que en esta edición también contará con el Premio del Público, distinción que otorgarán los asistentes que acudan a la final del XIII Concurso de Guitarra “Ciutat d’Elx” y que tendrá una dotación de 300 euros. Otras de las importantes actividades programadas dentro del festival son las conferencias, talleres y encuentros. Este año se contará con Ricardo Barceló que en su conferencia taller hablará sobre los “Aspectos técnicos de la interpretación musical guitarrística: la biomecánica al servicio del arte” y Maribel Alcolea que tratará la “Didáctica de la guitarra a edades tempranas”. Estas actividades tendrán lugar en las instalaciones del CEU Cardenal Herrera.

Como dato curioso dentro de las actividades del certamen, se realizará el curso “La guitarra sin partitura”, que será gratuito para los inscritos a las clases magistrales, pero abierto a todo el que lo desee, por un precio de 20 euros. Tendrá lugar el lunes 24 de 16:00 a 19:00 horas, también en el CEU Cardenal Herrera. Este especial curso será impartido por Arturo Palenzuela (alumno de Felix Santos, uno de los mejores guitarrista de jazz de reconocido prestigio internacional).

La XVIII edición del Festival de Guitarra “Ciutat d’Elx” comenzará el miércoles, 20 de julio, con el esloveno Jaka Klun, a las 21.30 horas en el Claustro de San José. La entrada a este concierto será gratuita. Este guitarrista fue el ganador del año pasado del Concurso Internacional de Guitarra “Ciutat d’Elx” y pese a su juventud cuenta con una gran experiencia en concursos y ha recibido clases de algunos de los más destacados maestros de la guitarra como: Paolo Pegoraro, Stefano Viola o Álvaro Pierri, entre otros.

Ibermúsica
Benjamin Zander

El prestigioso director Benjamin Zander dirige este martes, 21 de junio, a las 20.00 horas, a la Joven Filarmónica de Boston en un concierto en la Sala Sinfónica del Centro Cultural Miguel Delibes. Las entradas tienen un precio general de 5 euros y de tan solo 3 euros para los poseedores del carné joven. En el programa colabora también la orquesta ‘In Crescendo’, una de las iniciativas del área socioeducativa de la OSCyL que es pionera en toda España.

Benjamin Zander es mundialmente conocido por su trabajo al frente de la Filarmónica de Boston (Estados Unidos) desde el año 1979, pero también por su carisma y sus charlas sobre motivación. Considerado como una de las personas más influyentes en el pensamiento actual, Zander es también el director de la Orquesta Joven. Su grabación de la 9ª de Mahler fue nominada Premio Grammy 2010 como Mejor Actuación de Orquesta.

La Joven Orquesta Filarmónica de Boston (Boston Philharmonic Youth Orchestra, BPYO) fue impulsada por el propio Zander. Su hermana mayor, la Orquesta Filmarmónica de Boston está considerada una de las cinco mejores orquestas de Estados Unidos. Tras la actuación de la Joven Orquesta en el Carnegie Hall en 2013, el New York Times la consideró como una de las orquestas jóvenes con más talento del momento.

Programa

En su gira española, la Joven Filarmónica de Boston trae a 120 músicos, de entre 12 y 21 años, con un programa que incluye la Sinfonía nº 5 de Tchaikovski. El Auditorio Miguel Delibes conforma, junto a Madrid, Tarrasa (Barcelona) y Granda, los escenarios donde actuarán en España. Entre sus músicos destaca el joven solista de 17 años, Leland Ko, quien comenzó a tocar el violonchelo a los 3 años y a los 9 tocó como solista por primera vez con la Orquesta Sinfónica de Rivers.

Antes, conferencia abierta de Zander sobre liderazgo y motivación

El martes, en el que Europa celebra el Día de la Música, y antes del concierto, Benjamin Zander ofrecerá antes una charla abierta al público en la Sala de Cámara del Centro Cultural Miguel Delibes, entre las 9.30 y las 11.30 horas, sobre liderazgo y motivación. De hecho, a su dilatada trayectoria musical, Zander une su prestigio internacional como conferenciante. Ha sido en varias ocasiones, orador principal en el Foro Económico Mundial en Davos. Su libro ‘El arte de la posibilidad’, del que es coautor junto con el líder psicoterapeuta Rosamund Zander, ha sido traducido a decenas de idiomas.

 

Shostakovich

David Afkham, director principal, y la Orquesta Nacional de España abordarán el próximo domingo 12 de junio, en el último Descubre de esta temporada, la exigente Sinfonía núm. 5 de Dmitri Shostakovich (San Petersburgo, 1906 – Moscú, 1975), partitura de tintes autobiográficos atravesada por el drama vivido y superado por el compositor bajo la acusación de realizar una música antipopular en la extinta Unión Soviética.

En 2014, la Orquesta y Coro Nacionales de España puso en marcha los conciertos Descubre, iniciativa pensada para las familias, como una nueva fórmula para acercar la música sinfónica a todos. Hasta ahora, un 14% del público que acude a un Descubre no había venido nunca a un concierto de la OCNE y la media de edad de los asistentes ha bajado en 13 años. “Hemos logrado atraer a un público distinto, familiar, con niños, derribando las barreras que existen cuando se dice que no se consume música clásica porque no se entiende”, afirma Félix Alcaraz, director artístico y técnico de la Orquesta y Coro Nacionales.

Los Descubre son conciertos de 40 minutos, introducidos por un narrador, Luis Ángel de Benito, que desvela con ayuda de la orquesta algunos detalles de la obra, mientras que los niños de entre 3 y 8 años se divierten en el Pintasonic, un taller estimulante que potencia la creatividad infantil a través de la música y en el que intervienen músicos, educadores y artistas plásticos. Al finalizar, el público tiene la oportunidad de dialogar con los músicos.

Descubre… la Quinta Sinfonía de Shostakovich 12 junio 2016 / 12:00
Auditorio Nacional de Música (c/ Príncipe de Vergara 146, Madrid)
DMITRI SHOSTAKOVICH Sinfonía núm. 5, en re menor, opus 47

El precio de la entrada incluye la charla previa de Luis Ángel de Benito y una consumición al finalizar el concierto. Este concierto está vinculado al taller Pintasonic, el punto de encuentro para la actividad es el foyer de las Sala Sinfónica a las 11:45 h. Pintasonic es una actividad gratuita y una entrada Descubre da opción a una plaza en Pintasonic. Precios de entradas desde 15€ hasta 27€.

Sokolov

“Muchos lo consideran, sencillamente, el más grande pianista vivo” The Independent.

Dos de los representantes cruciales de la escuela rusa pianística en la actualidad se presentan este principio de junio en el ciclo Grandes Intérpretes de la Fundación Scherzo: Grigori Sokolov y Elisso Virsaladze. El primero está considerado uno de los mejores pianistas vivos y en los últimos tiempos, según la mayor parte de la crítica, se encuentra en el cenit de su ya larga carrera.

Nació en San Petersburgo (entonces Leningrado) en 1950. Fue allí donde se formó musicalmente en el conservatorio y ofreció su primer recital en la ciudad a los 12 años. Con tan solo 16 ganó el Concurso Internacional Chaikovski de Moscú y su candidatura fue defendida por el presidente del jurado, Emil Gilels. Pero, mientras que numerosos premiados del concurso en otras ediciones se dispusieron a alcanzar rápidamente fama mundial, el viaje de Sokolov quedó restringido. Otros artistas soviéticos huyeron a Occidente en busca de una mayor libertad personal, pero el intérprete prefirió quedarse en Leningrado y centrarse en su arte. Fue sólo después de la caída del Telón de Acero cuando empezó a disfrutar de un reconocimiento internacional más amplio.

Ha trabajado con orquestas como Concertgebouw de Ámsterdam, Filarmónica de Nueva York, Filarmónica de Múnich, Sinfónica de Viena, Sinfónica de Montreal, Orquesta del Teatro alla Scala y Filarmónicas de Moscú y San Petersburgo.
Hace unos años decidió dedicar su actividad completa a los recitales. Así, actúa regularmente en la Konzerthaus de Viena, la Philharmonie de Berlín, el Théâtre des Champs-Elysées de París, el Concertgebouw de Ámsterdam, la Tonhalle de Zúrich, la Filarmonía de Varsovia, el Auditorio Nacional de Madrid, el Conservatorio de Milán, la Academia de Santa Cecilia de Roma, La Fenice de Venecia, así como en salas de Múnich, Hamburgo, Barcelona, Estocolmo, Helsinki, Lisboa, Luxemburgo, el Festival Klavier, el Festival de Colmar y el Festival de La Roque d’Anthéron.
Sokolov es artista exclusivo de Deutsche Grammophon. Después de su debut en el sello en 2015 con su Salzburg Recital, que tuvo un gran éxito y fue el disco más vendido de música clásica esa temporada, su nuevo disco, que apareció en enero, recoge algunas de las últimas piezas de Schubert, como los Impromptus o la poderosa sonata de Beethoven, ‘Hammerklavier’.
Ha actuado en 17 ocasiones en el Ciclo de Grandes Intérpretes y siempre transformó cada concierto en una de las citas sublimes del calendario. Según comentó Rubén Amón después de su última aparición en el cartel de Scherzo, la humanidad se divide en dos categorías: “Los que escucharon a Sokolov en el Auditorio Nacional anoche y los que no”.

Lunes 6 de junio a las 19:30horas en el Auditorio Nacional de Música de Madrid.

PROGRAMA DEL CONCIERTO DE 6 DE JUNIO
R. SCHUMANN
Arabeske op. 18
Fantasia en do major op. 17
F. CHOPIN
2 Nocturnos op. 32
Sonata No. 2 en Si bemol menor, Op. 35

Juanjo Mena

Juanjo Mena ofrecerá un concierto, que tendrá lugar la próxima semana, al frente de la Berliner Philharmoniker. Incluye obras de Debussy, Ginastera y Manuel de Falla, como solistas Marie-Pierre Langlamet y Raquel Lojendio.

Juanjo Mena (Vitoria, 1965), es el director de la Filarmónica de la BBC ahora, y uno de los directores españoles de orquesta con una carrera internacional más sólida. Ha dirigido prestigiosas orquestas, incluyendo la Orquesta Nacional de Francia, la Orquesta Sinfónica Nacional de Dinamarca, Nueva York Philharmonic, Orquesta Filarmonica della Scala. Pronto, dirigirá la Filarmónica de Berlín – Berliner Philharmoniker, entre otras orquestas del mundo.

Juanjo Mena

Caurteto Casals

La Orquesta Sinfónica de Castilla y León ofrecerá el viernes 15 y el sábado 16 de abril su concierto de abono número 14, con un programa que cuenta en dos de sus obras con un cuarteto de cuerda como conjunto solista, algo que no es habitual en un concierto sinfónico. En este caso es el Cuarteto Casals, un grupo de prestigio internacional que ha ganado el Premio de la Crítica Alemana (2014) y actuado en salas como el Concertgebouw de Ámsterdam o el Carnegie Hall de Nueva York, así como en los más conocidos festivales (Salzburgo, Lucerna, Bath, Schleswig-Holstein…). Por su parte, Daniel Stabrawa presenta unas brillantísimas credenciales gracias a su larguísima carrera como concertino de la Filarmónica de Berlín desde los años 80 —época del mítico Herbert von Karajan— hasta la actualidad. Stabrawa actuará, para la ocasión, como solista, director y concertino director, lo que pone de manifiesto una gran versatilidad.

El Rondó para violín y orquesta de Franz Schubert es un raro pero muy agradecido comienzo. Compuesto en 1816 probablemente para ser interpretado junto al hermano del compositor, Schubert nunca lo vio publicado. En esta obra predomina el ambiente lírico y cantábile, que tampoco es ajeno al clima que transmite el Concierto para cuarteto y orquesta de Martinu, obra compuesta en 1931 para el histórico Cuarteto Pro Arte y que adopta la forma barroca del concerto grosso, aunque los instrumentos del grupo solista dialogan con los de la orquesta como si fueran uno solo, y no un conjunto de individualidades.

Es difícil encontrar una temporada sinfónica en la que falte alguna sinfonía de Beethoven. En esta ocasión se interpretará la Cuarta, obra terminada en un año profesionalmente difícil para el autor, ya que su ópera Leonora había sido retirada y sus relaciones familiares no pasaban por su mejor momento. Esta situación algo oscura tiene su reflejo en algunos pasajes de la Cuarta, aunque en el pasado se la ha considerado como una especie de intermedio ligero entre esos dos grandes hitos llamados Tercera y Quinta. Hoy día, esta percepción se tiene por inexacta, cuando no completamente injusta: se trata de una obra honda, apasionada, de enorme vigor y magnífica solidez constructiva “a la alemana”, gracias a la que pequeñas células temáticas son aprovechadas al máximo para levantar una gran forma orgánica.

Este concierto es el decimocuarto de Abono de la temporada 2015-2016 de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León. Las entradas, con precios que oscilan entre los 7 y los 29 euros, pueden adquirirse en las taquillas del CCMD, de 18.00 a 21.00 horas; en el Centro de Recursos Turísticos de la Acera de Recoletos, de 09.30 a 13.30 horas; y en www.auditoriomigueldelibes.com. El viernes, la OSCyL recibirá a los abonados que posean el Abono Bienvenida y a los de la ruta de Proximidad de Salamanca, mientras que el sábado podrán asistir los aficionados que tengan acceso a las rutas de proximidad de Tordesillas y Segovia.

Román Fernández

El estreno de la obra seleccionada se enmarca dentro de las actividades previstas para la celebración del 25 Aniversario de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, diseñadas por la Consejería de Cultura y Turismo, que tendrán lugar en la temporada 2016-2017. Con este motivo, se convocó un concurso, cuyas bases contemplaban que la obra seleccionada sería compuesta por un autor nacido o afincado en Castilla y León, y que sería dirigida, en dicha temporada, por el director titular de la orquesta, Andrew Gourlay.

El proceso de selección de las obras se llevó a cabo dividido en dos fases. Por un lado, se abrió un periodo de selección, dirigido a compositores nacidos o afincados en Castilla y León. Estos compositores enviaron una obra para orquesta (sin solistas, ni coro) representativa de su producción. Una vez terminado el plazo, el director titular, Andrew Gourlay, realizó una preselección de las obras presentadas. Concluida esta fase, Gourlay, junto con los profesores de la OSCyL, estudiaron las obras preseleccionadas y, posteriormente, se eligió al compositor ganador. De este modo, Román Fernández Escalera ha recibido el encargo de la obra definitiva que será estrenada para la temporada 2016/2017.

Este compositor nació en 1987 y comenzó sus estudios superiores de composición y percusión en el conservatorio superior “Rafael Orozco”, de Córdoba, que concluyeron con premio extraordinario fin de carrera. Actualmente, está estudiando un máster de composición instrumental contemporánea en el centro superior Katarina Gurska, en Madrid, bajo la tutela de los prestigiosos compositores Alberto Posadas y Aureliano Cattaneo.

Ha trabajado con prestigiosas formaciones, y su música ha conseguido diversos galardones, como el primer premio en “Le note Ritrovate Composition Competition” (quinta edición) celebrado en Avellino (Italia); el primer premio en el concurso “Fac quod agis” (segunda edición), celebrado en Segovia; o como finalista en el concurso de arreglos organizado por el Ensemble Shuffle Concert de Nueva York. Fernández Escalera también posee estudios de dirección de orquesta, que ha desarrollado con grandes directores como Miguel Romea, Lorenzo Ramos, Octav Calleya o Miguel Romero, entre otros. Ha dirigido formaciones como la Orquesta de Córdoba, la Orquesta Sinfónica “Verum” o la Orquesta del C.S.M. “Rafael Orozco” de Córdoba.

Entre sus proyectos más inmediatos, centrados en la composición y la dirección, destaca el estreno de Recuerdos II para fagot y percusión por parte de la prestigiosa fagotista Lorelei Dowling, integrante del Ensemble Klangforum Wien, y el percusionista Christian Dierstein, del Ensemble Recherche. También está pendiente el estreno de Primera mañana de otoño para tuba por parte del tubista Pedro Delegido Calero; así como otro estreno, unido a su grabación: el de Recuerdos I para clarinete en si bemol, violonchelo y piano. Por otra parte, entre sus proyectos también destaca la interpretación como director de la obra Pierrot Lunaire, de Arnold Schoenberg, por parte de un conjunto creado ad hoc.

Román Fernández Escalera reside en Valladolid y compagina su compromiso laboral como profesor de Armonía y Didáctica musical a tiempo parcial, en el Conservatorio profesional “Marcos Redondo” de Ciudad Real, con sus estudios de máster y el resto de su actividad profesional como compositor y director.

Volodos

“Vivimos una época que va en contra de la música clásica, porque para tocarla hay que estar en silencio. La verdadera esencia de la música clásica es el silencio” ARKADI VOLODOS.
El intérprete ruso, Arkadi Volodos, actúa el 15 de marzo en la 21ª temporada del ciclo Grandes Intérpretes de Scherzo con un recital en el Auditorio Nacional de Música en el que abordará obras de Brahms y Schubert. El pianista ofrecerá además el 17 de marzo una clase magistral en el Real Conservatorio Superior de Música, abierta a todos los públicos.

Volodos ya ha pasado por este mismo escenario, dentro del ciclo que organiza la Fundación Scherzo, en otras ocasiones. La última tuvo lugar en 2013. La presente edición, que inauguró el pasado 2 de febrero Ivo Pogorelich, incluye 11 recitales, además de tres clases magistrales abiertas al público a cargo del propio Volodos, Paul Lewis y Till Fellner. El próximo concierto, que tendrá lugar el 5 de abril, contará con la actuación de Grigori Sokolov.

La clase magistral que ofrecerá el célebre pianista tendrá lugar el 17 de marzo, a las 18 horas, en el Real Conservatorio Superior de la Música (calle Calle Doctor Mata, 2) y se centrará en los alumnos del centro y los de la Escuela Superior de Música Reina Sofía. Pero el acto estará abierto a todo el público, así como a músicos interesados.
Volodos (San Petersburgo, 1972) es, sin duda alguna, uno de los pianistas actuales más destacados e importantes. Su virtuosismo y su técnica al teclado le han encumbrado como uno de los músicos de referencia, a pesar de que dosifica sus actuaciones, con alrededor de medio centenar de recitales al año. Entre concierto y concierto, el intérprete ruso deja reposar las notas y reflexiona sobre su trabajo. De ahí que afirme que el silencio es una parte esencial de su arte. Desde que llegara a Madrid, a mediados de los noventa, para estudiar bajo el mando de Dimitri Bashkhirov, Volodos mantiene una estrecha relación con España. De hecho, su último álbum está dedicado al compositor catalán Federico Mompou, un disco que cuenta con alguna transcripción suya.

Volodos comenzó estudiando canto y dirección. Pero fue en 1987 cuando tomó en firme la opción del aprendizaje del piano. Pasó por el Conservatorio de San Petersburgo y continuó su formación en París junto a Jacques Rouvier. En la Escuela Superior de Música Reina Sofía, el destacado pianista fue instruido por Bashkhirov, quien se centró a conciencia en la preparación del que ha sido bautizado como el Horowitz del siglo XXI.

En 1996 debutó en Nueva York. A partir de entonces, Volodos ha ofrecido recitales por todo el mundo junto a las orquestas más importantes, entre ellas, la Filarmónica de Berlín, la de Israel, la Philharmonia, Royal Concertgebouw, la Filarmónica de Munich, Dresden Staatskapelle, la Sinfónica de Boston o la Sinfónica de Chicago. Todas ellas dirigidas por artistas de la talla de Myung-Whun Chung, Lorin Maazel, Valery Gergiev, James Levine, Zubin Mehta, Seiji Ozawa, Jukka-Pekka Saraste, Semyon Bychkov o Riccardo Chailly. Con frecuencia, Volodos actúa en el Carnegie Hall de Nueva York, la Pilharmonie de Berlín, Musikverein de Viena y el Théâtre des Champs-Elysées de París; así como en otras salas de prestigio en Europa, Estados unidos y Japón.

Desde 1998, el sello Sony Classical publica sus actuaciones, dentro de un catálogo que incluye recitales con las Sonatas de Schubert u obras de Rachmaninov, además de actuaciones en directo con la Filarmónica de Berlín, bajo la dirección de James Levine o el Primer Concierto de Piano de Tchaikovsky, bajo la dirección de Seiji Ozawa. Su disco Volodos plays Liszt fue nombrado Editor’s Choice por la revista Gramophone. Consiguió, asimismo, un Diapasón d’Or y el premio ECHO-Klassik. En 2010, Gramophone destacó el CD que recogía su recital en Musikverein como el mejor disco instrumental del año.

En esta última etapa, el aclamado pianista ruso ha dedicado buena parte de sus conciertos a Federico Mompou -Volodos plays Mompou (2013)- que recibió numerosos premios en Francia, Alemania y Reino Unido, como de nuevo el Diapason d’Or, Choc de Clásica, Echo Klassik 2014 y un Gramophone Award. Hace dos temporadas también acompañó a la Sinfónica de Dinamarca en su gira por España, ofreciendo recitales en Zaragoza, Madrid, Vitoria y Valencia.

MÁS INFORMACIÓN
www.fundacionscherzo.es
https://www.volodos.com

Delibes

Estos tres últimos conciertos del ciclo Delibes+ XXI tendrán lugar el sábado 12 y el domingo 13 de marzo, en la Sala de Cámara del Centro Cultural Miguel Delibes. El ciclo se ha desarrollado también en el Museo de la Evolución Humana, en Burgos, enmarcado en un contexto de colaboración entre equipamientos culturales de la Junta de Castilla y León. Así, Delibes+ XXI ha llegado al MEH a través de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, para acercar al público algunas de las obras del repertorio contemporáneo de la música de cámara, de la mano de las formaciones premiadas en el I Concurso Internacional de Música de Cámara de Castilla y León.

El tercero de los conciertos del ciclo Delibes+ XXI tendrá lugar el sábado 12 en el CCMD, y contará con la actuación del ARUNDOSQuintett, que interpretará obras de Ligeti (Seis bagatelas) y Nielsen (Quinteto para viento), y con el Pyntia Ensemble, que ofrecerá obras de Bernstein (Trío para piano), Scarlatti (dos sonatas) y Butler (American Rounds). Estas dos formaciones actuarán al día siguiente, domingo 13, con el mismo programa, en el Museo de la Evolución Humana, en Burgos.

El ARUNDOSquintett resultó ganador del premio de los concursos internacionales de música de cámara ‘Antón García Abril 2014’ y ‘Castilla y León 2015’. En mayo de 2015, esta agrupación apareció en una emisión en directo en la Radio WDR3 como parte de las conocidas como Audiciones abierta’. Con su extenso repertorio, este conjunto de viento ha podido scucharse en varios eventos de música de cámara, lo que incluye la serie Philharmonie Köln, Emisora de radio WDR (en Colonia), y Beethovenhaus (en Bonn). Todos los miembros del quinteto actúan como músicos de cámara, así como solistas y en apari¬ciones regulares con orquestas de renombre.

Por su parte, el Pyntia Ensemble es una joven formación de música de cámara originada en el entorno del Conservatorio Superior de Salamanca y la OSCyL a comienzos de 2015. En sus primeros meses de vida alcanzó la final en el I Concurso Internacional de Música de Cámara de Castilla y León, así como el Premio Especial a la mejor agrupación de Castilla y León, lo que contribuyó al lanzamiento del grupo en los escenarios. El vínculo personal entre sus miembros y el carácter abierto de la agrupación lleva a Pyntia Ensemble a explorar nuevas fórmulas de presentar la música clásica, jugando con las fronteras entre la música culta y la música popular, la formalidad y la informalidad en los conciertos… La mezcla se convierte así en una de sus constantes vitales.

El Ensemble Orquesta de Cadaqués y Le marteau sans maître

A fin de promover y difundir la música contemporánea, la Orquesta de Cadaqués creó el Ensemble Orquesta de Cadaqués hace 25 años, en los que este grupo ha estrenado obras de Xavier Montsalvatge, Jesús Rueda, Hèctor Parra, Jesús Torres, Luis de Pablo o Joan Guinjoan, entre otros. De sus últimas actuaciones cabe destacar la participación en las cinco últimas temporadas del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y en los ciclos de música contemporánea de la Fundación BBVA (Bilbao), L’Auditori (Barcelona) y de la Junta de Andalucía en Granada y Sevilla, bajo la dirección de Vasily Petrenko, Alejandro Posada, Domingo Hindoyan y Jaime Martín.
En este caso, la agrupación interpretará el domingo 13 un programa que cuenta con obras de Cristóbal Hálffter (Debla, para flauta sola), Claudio Prieto (Rapsodia gitana, para guitarra sola), Hèctor Parra (Mineral Life II, para viola sola) y Polo Vallejo (Tactus, para percusión). La segunda parte estará ocupada por la famosa obra de Pierre Boulez Le marteau sans maître (El martillo sin dueño). Se trata de una composición emblemática de lo que fue la vanguardia musical posterior a la II Guerra Mundial. Un hito no solo por su indiscutible calidad, sino también por la capacidad de maravillar incluso a quienes no se sienten muy cómodos con la música que proliferó en la segunda mitad del siglo pasado. Esta obra realmente marcó una época, y fue calificada por Stravinski tras su estreno en 1955 como la ‘más significativa obra de esta nueva era en la música’.

Delibes

El ciclo está compuesto por cuatro conciertos que tendrán lugar en el Centro Cultural Miguel Delibes con variadas propuestas de artistas, autores y estilos. Entre algunas de sus propuestas figuran obras de repertorio del siglo XX interpretado junto a música de Bach; una obra de estreno para la flautista en residencia del CCMD Clara Andrada; el homenaje a Pierre Boulez o la participación de los ganadores del I Concurso Internacional de Música de Cámara de Castilla y León, así como el homenaje al recientemente fallecido compositor palentino Claudio Prieto.

El Centro Cultural Miguel Delibes presenta el sábado 5 de marzo el primero de los conciertos que componen el nuevo ciclo Delibes+ XXI, puesto en marcha por la Consejería de Cultura y Turismo en este espacio artístico de la capital vallisoletana. El objetivo de esta propuesta musical es destacar, y con ello apoyar, el repertorio nacional e internacional de los siglos XX y XXI. Los conciertos se desarrollarán en la sala de cámara del CCMD y las entradas ya están a la venta.

El primero de los conciertos se celebrará el sábado 5 de marzo, con una propuesta ecléctica que recorre el repertorio desde Bach hasta nuestros tiempos, pasando por el Concierto para violín de Kurt Weill. Grandes artistas jóvenes pero ya valorados, como Clara Andrada, artista en residencia del CCMD, o Iñaki Estrada, se unen al violinista Gordan Nikolic. Además se contará con el pincel escénico de la artista plástica vallisoletana Amaya Bombín. Se interpretará una obra de estreno de Iñaki Estrada, compositor y profesor del Conservatorio Superior de Música de Salamanca, compuesta para la flautista Clara Andrada.

Las siguientes citas contarán con las actuaciones de los grupos ganadores del I Concurso Internacional de Música de Cámara de Castilla y León: Cosmos Quartet y Quartet Neuma, el domingo 6 de marzo y ARUNDOSQuintett y Pyntia Ensemble, el sábado 12 de marzo. En estos dos conciertos los artistas ofrecerán páginas brillantes del repertorio contemporáneo, periodo de gran producción camerística, con obras de autores como Gyögy Ligeti, Josep Valls, Andrey Rubtsov, Eugène Bozza, Anthony Girard, Anze Rozman, Leonard Bernstein o Martin Butler, en perfecta armonía con otras de autores de épocas tan dispares como Domenico Scarlatti, Enrique Granados, Carl Nielsen o Felix Mendelssohn. Se trata de una gran ocasión para poder escuchar obras de un repertorio no muy habitual y a la vez asimilar las relaciones que tienen con otros autores del Barroco, Clasicismo, Romanticismo o incluso el siglo XX, en programas creados ‘ex profeso’ por estos grupos donde la variedad en la elección de las obras siempre tiene una conexión y una razón de ser.

El domingo 13 de marzo tendrá lugar el último de los conciertos a cargo del Ensemble Orquesta de Cadaqués, que rendirá homenaje al recientemente fallecido Pierre Boulez, interpretando su obra Le marteau sans maître. El compositor y director francés es una de las principales figuras en el arte musical del siglo XX. En este concierto se ofrecerá una de sus grandes obras, Le marteau sans maître [El martillo sin dueño], un ciclo de nueve piezas, vocales e instrumentales estrenada con éxito en 1956. Además, se rendirá un homenaje al compositor palentino Claudio Prieto, también recientemente fallecido, que logró gran reconocimiento después de estudiar con grandes compositores del siglo XX como Petrassi, Maderna, Ligeti o Stockhausen, y de componer obras que permanecen en el repertorio, como su famoso Solo a solo para flauta y guitarra y cuya música ha sido interpretada por orquestas como la Sinfónica de Chicago o Sinfónica de Londres, lo que da idea de su proyección internacional.

Javier Perianes

Javier Perianes llega a una de las citas cruciales en su gira por Estados Unidos el próximo 10 de Marzo. Su regreso al Carnegie Hall de Nueva York. Será su primera colaboración junto al director granadino Pablo Heras-Casado, titular de la Orquesta de St. Luke’s, con un programa netamente español que incluye Las Noches en los Jardines de España de Manuel de Falla. Este tour por Norteamérica de 15 conciertos (Fort Worth Symphony, Florida, Boston Symphony, St. Luke´s Orchestra, Atlanta Symphony y Chicago Symphony) confirma la presencia cada vez más habitual del pianista español en los escenarios americanos, donde volverá este verano junto a la Filarmónica de Nueva York (Vail Festival) y la Orquesta de Cleveland (Bloosom Festival).

Todo dentro de una temporada en la que sus actuaciones a nivel internacional incluyen apariciones con orquestas como la London Philharmonic, Frankfurt Radio, Netherlands Radio Philharmonic Orchestra, Festival Primavera de Praga, un mes de gira con diversas orquestas por Australia y Nueva Zelanda, así como su reciente actuación junto a la Royal Concertgebouw de Amsterdam y Semyon Bychkov en el ciclo Ibermúsica en Madrid con el Emperador de Beethoven.
Dentro de ese citado y prestigioso ciclo de Ibermúsica, Perianes debutará con la Filarmónica de Viena el próximo 26 de junio (inauguración de la temporada 16/17) con el Concierto No. 4 de Beethoven junto a Andrés Orozco Estrada.

Previamente, el 22 de junio, aparecerá en el Festival de Granada con Royal Philharmonic Orchestra y Charles Dutoit con el Concierto en Sol de Ravel y rindiendo homenaje a Falla y sus Noches en los jardines de España en el centenario de su estreno.
Premio Nacional de Música 2012, Javier Perianes ha sido descrito como “un pianista de impecable y refinado gusto, dotado de una extraordinaria calidez sonora” (The Telegraph). Su carrera internacional abarca los cinco continentes, con presencia en salas como el Royal Festival Hall de Londres, el Carnegie Hall de Nueva York, el Théâtre des Champs Élysées de París, la Philharmonie de Berlín, Concertgebouw de Ámsterdam, el Great Hall del Conservatorio de Moscú o el Suntory Hall de Tokio.
De la temporada 14/15 , destacan varios debuts de prestigio entre los que se incluyen la Orchestre de Paris, Washington National Symphony, San Francisco Symphony y BBC Scottish. Invitado por muchos de los principales directores del mundo, Perianes ha trabajado con maestros como Daniel Barenboim, Charles Dutoit, Zubin Mehta, Lorin Maazel, Rafael Frühbeck de Burgos, Daniel Harding, Yuri Temirkanov, Juanjo Mena, López Cobos, Josep Pons, Andrés Orozco-Estrada, Robin Ticciati, Thomas Dausgaard y Vasily Petrenko.

Artista exclusivo del sello harmonia mundi. Su álbum dedicado a Falla, que incluye Noches en los jardines de España y una selección de piezas para piano, fue nominado al Grammy Latino 2012. Más recientemente ha salido al mercado una grabación en vivo del Concierto para piano de Grieg con la BBC Symphony Orchestra y el maestro Sakari Oramo. La revista Gramophone apuntaba:“Hay que ser realmente valiente para grabar el Concierto para piano de Grieg […] pero la interpretación del joven virtuoso español Javier Perianes es de una brillantez e intrepidez tales que borra prácticamente los recuerdos del pasado”. El disco de Grieg recibió, entre otros reconocimientos, el sello excepcional de Scherzo, el Editor’s Choice de Gramophone, así como el Choc de Clásica y el Choix de France Musique.

Más info:
http://www.javierperianes.com/

Pablo Heras-Casado

El director granadino Pablo Heras-Casado (1977) debutará el 30 de enero 2016 con la Filarmónica de Viena en la programación de la Semana de Mozart en Salzburgo (Mozartwoche). El director español ha sido la primera elección de la orquesta tras el anuncio de retirada de Nikolaus Harnoncourt, que ha elegido personalmente al músico español como su sustituto. Se presentará con un repertorio dedicado a Mendelssohn – Bartholdy frente a la orquesta como el primer español que lo hace en la historia de la misma después de que Plácido Domingo la dirigiera en un baile pero no en un concierto propiamente. Heras-Casado es un invitado habitual en esta fiesta mozartina en la cuna del genio austriaco donde en la edición próxima dirigira también la Camerata Salzburg el día 26. Antes de su debut con la Filarmónica, el músico granadino dirigirá al final de este mes la Novena de Beethoven en el Concierto de Nuevo año con la Sinfónica de Viena los días 30-31 y 1 de enero en Viena.

El director de orquesta del año 2014, según Musical America, Pablo Heras-Casado, disfruta de una inusualmente variada carrera que abarca desde la gran música sinfónica hasta el repertorio operístico, alternando interpretaciones bien fundadas históricamente y partituras de vanguardia. Fue nombrado Director Principal de la Orquesta de St. Luke’s de Nueva York desde la temporada de 2012/13, así como también Principal Director Invitado del Teatro Real de Madrid en 2014.

Heras-Casado es un invitado habitual de las orquestas sinfónicas de Chicago y San Francisco, la Filarmónica de Los Ángeles,la Orquesta Estatal de Berlín, la Orquesta Filarmónica de Múnich, la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, la Orquesta Mariinsky y la Ópera Metropolitana.

En 2015/16 regresó a la Orquesta Philharmonia, la Orquesta Sinfónica de Londres, la Orquesta de la Academia Nacional de Santa Cecilia y la Orquesta Filarmónica de Rotterdam. Hizo su debut con la Orquesta de Filadelfia, la Orquesta Filarmónica de Israel y la Orquesta Sinfónica de Viena; continuó colaborando con la Ensemble Intercontemporain parisino, la Orquesta Barroca de Friburgo y el Balthasar Neumann Chor & Ensemble. Aparece regularmente en el Mozarteum de Salzburgo, donde es invitado cada año para la Mozartwoche.
Sus proyectos de ópera para esta temporada incluyen Rigoletto en la Ópera Metropolitana de Nueva York (Octubre/Noviembre 2015) además de ‘I due Foscari’ en el Teatro Real en Julio 2016.

En temporadas anteriores ha dirigido la Orquesta del Gewandhaus de Leipzig, la Concertgebouw de Amsterdam, la Tonhalle-Orchester de Zurich, la Filarmónica de Nueva York, la Orquesta Sinfónica de Boston, la Orquesta de Cleveland y la Mahler Chamber. También ha estado presente en la Festspielhaus Baden-Baden, el Festival de Salzburgo y el Festival d’Aix-en-Provence, además de regresar regularmente al Festival de Lucerna.
Heras-Casado graba con harmonia mundi, así como con Deutsche Grammophon’s Archiv Produktion, del cual es ‘Embajador Archiv’. Ha recibido numerosos premios por sus discos, incluyendo tres premios ECHO Klassic, un Preis der deutschen Schallplattenkritik, dos Diapason d’Or y un Grammy Latino.

Sus recientes lanzamientos con harmonia mundi incluyen Conciertos de Piano y Violín de Schumann con Isabelle Faust y Alexander Melnikov. Según The New York Times se trata de una de las mejores grabaciones del año mientras que la Revista Forbes la colocó en su top 10. Además publicó las Sinfonías de Schubert Nos. 3 y 4 con la Orquesta Barroca de Friburgo y la Sinfonía No. 2 de Mendelssohn con la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera. Ha grabado un disco para Archiv con los trabajos de Jacob, Hieronymus y Michael Praetorius, y un álbum para conmemorar al legendario cantante castrado y maestro Farinelli. También ha aparecido en el lanzamiento de las arias de barítono de Verdi para Sony con Plácido Domingo y en un DVD de la Deutsche Grammophon del ‘Elixir de Amor’ de Donizetti de la Festspielhaus Baden-Baden.

Pablo Heras-Casado posee la Medalla de Honor de la Fundación Rodríguez Acosta. En febrero de 2012 recibió la Medalla de Oro al Mérito del Ayuntamiento de Granada, su ciudad natal, de la cual es también un Embajador Honorario y este Noviembre fue nombrado el hijo predilecto por la Diputación de Granada . En junio de 2014 se unió a la organización benéfica española Ayuda en Acción para apoyar a la causa de la erradicación de la pobreza y la injusticia del mundo.

Más información: http://pabloherascasado.com / http://www.harrisonparrott.com/artist/profile/pablo-heras-casado

DominoDG

Se publica la primera grabación jamás realizada en la Capilla Sixtina con el debut discográfico del Coro de la Capilla Sixtina – el coro más antiguo del mundo. El disco “Cantate Domino” se publica en todo el mundo el 25 de septiembre de 2015.

Por primera vez en la historia, el Vaticano ha abierto las puertas de la icónica Capilla Sixtina para una grabación de estudio con el Coro de la Capilla Sixtina, el coro más antiguo del mundo. El nuevo álbum, Cantate Domino, que supone un verdadero hito, captura los sonidos de esta extraordinaria acústica, con música interpretada por el coro del propio papa. Se publicará en Deutsche Grammophon el 25 de septiembre.

El disco, que se ha realizado gracias a un permiso especial del Vaticano, incluye música escrita para el Coro de la Capilla Sixtina por Palestrina, Lassus y Victoria durante el Renacimiento. Hay también dos piezas de canto gregoriano, además de sendas primicias discográficas mundiales de la versión original del legendario Miserere de Allegri (Codex Sixtina de 1661) y de un Nunc dimittis atribuido a Palestrina que aún se utiliza durante las celebraciones papales. Cantate Domino ofrece a los oyentes la oportunidad de oír estas piezas tal y como las concibieron los compositores: en latín y en el marco para el que fueron escritas originalmente.

Con objeto de capturar la magia, el misterio y la belleza de esta música de siglos de antigüedad en un marco tan único, Deutsche Grammophon montó un estudio especialmente construido para la ocasión en el interior de la Capilla. La mesa de mezclas se colocó en una antecámara, al lado de la “Sala del Pianto” (donde el papa recién elegido se pone por primera vez su vestimenta papal). La productora nominada en varias ocasiones a un Grammy, Anna Barry, describió como un “privilegio abrumador” encontrarse entre los frescos de Miguel Ángel en el edificio que acoge los cónclaves papales. A las sesiones de la grabación asistieron dignatarios del mundo de la música y del Vaticano, como Cecilia Bartoli, Roberto Gabbiani y el secretario para las Relaciones con los Estados del Vaticano.

El Coro de la Capilla Sixtina está integrado por veinte cantantes adultos y treinta niños coristas. Entre los cantantes se encuentra el barítono Mark Spyropoulos, que es el primer miembro británico del coro a tiempo completo. El coro está dirigido por Massimo Palombella, que fue elegido hace cinco años para el puesto por el papa Benedicto. “La música que hemos grabado fue creada para las celebraciones papales en la Capilla Sixtina y por compositores que escribieron específicamente para el Coro de la Capilla Sixtina”, dijo Monseñor Palombella. “La Capilla Sixtina se consagró en 1483 y ha sido desde entonces la sede del coro papal. Tras un intenso período de estudio e investigación de la música sacra en el Renacimiento y de su pertinencia estética, hemos llegado al momento de realizar la primera grabación comercial, en este edificio extraordinario y con este prestigioso sello. Tengo la esperanza de que estas obras maestras emocionen a millones de oyentes en todo el mundo y les conecten con la cultura histórica y la profunda espiritualidad de la Iglesia católica”.

“Este coro extraordinario, que ha servido a sucesivos papas desde los primeros siglos del cristianismo, no ha realizado nunca anteriormente una grabación comercial en su sede”, afirmó Mark Wilkinson, presidente de Deutsche Grammophon. “Este disco especialísimo posee el poder, la belleza y la excelencia de contar con una audiencia verdaderamente global, y una audiencia más allá de los confines y las fronteras tradicionales de la música clásica”.

Cantate Domino se publicará oficialmente en septiembre durante una conferencia de prensa que se celebrará en la Ciudad del Vaticano, poco antes de la histórica primera visita del papa Francisco a los Estados Unidos. Su Santidad recibirá la primera copia del disco.

La publicación de Cantate Domino constituye un preludio del Jubileo Extraordinario de la Misericordia, un Año Santo decretado por el papa Francisco que comienza en diciembre. Durante el último Año Santo en 2000, veinticinco millones de peregrinos visitaron Roma y el Vaticano.

Max Richter - Sleep

Max Richter, uno los principales compositores contemporáneos de Gran Bretaña, acaba de lanzar su nuevo disco, "DORMIR". De ocho horas de duración (!) – y está destinado en realidad y verdaderamente para enviar al oyente a dormir. "Es una canción de cuna de ocho horas,"Dice su compositor, Max Richter. El trabajo fue escrito para el piano, cuerdas, la electrónica y voz - pero no palabras. "Es mi canción de cuna personal para un mundo frenético," dice. "Un manifiesto para un ritmo más lento de la existencia."

La versión de ocho horas, estará disponible como un álbum digital, y para aquellos que lo prefieran, una adaptación de una hora de la obra - "del sueño" - será lanzado en CD, vinilo, descargar, y formatos de streaming. "Se podría decir que el corto está destinado a ser"escuchado"y el largo está destinado a"ser oído mientras duerme","Dice Richter, que describe la versión de una hora como "una serie de ventanas que se abren en el gran pedazo".

Segovia

Del 15 al 26 de julio, el Festival de Segovia (FS) cumplirá 40 años. 40 años de recorrido en los que los mejores intérpretes del panorama internacional han dejado su huella con conciertos inolvidables. Un Festival que, avalado por las 46 ediciones de su característica Semana de Música de Cámara y los 20 de su Festival Joven, que lo integran, apuesta por los grandes y jóvenes valores del panorama de la música actual, con un programa que este año es todo un homenaje a la esencia de las músicas del mundo.

Rincones históricos y llenos de referencias donde la acústica es espectacular, como la Plaza de San Martín, el Jardín de los Zuloaga, el Jardín del Mudo, el Jardín y el Patio del Colegio de Arquitectos, San Juan de los Caballeros-Museo Zuloaga, la Catedral, la Iglesia de San Nicolás, el Patio de Armas de El Alcázar y, por primera vez, su Sala de La Galera, se vestirán de música para hacer descubrir al público auténticas joyas de la música de cámara y sinfónica y al mismo tiempo ofrecer conciertos de música latina, zarzuela, fado, flamenco o incluso la característica música de barbería.

Inaugurando el Festival, el jueves 16 de julio la Plaza de San Martín se llenará de música afro-cubana, armonías tropicales y ritmos latinos gracias a una de las bandas latinas más destacadas del mundo -y la primera banda auténticamente afro-cubana en los Estados Unidos-: Tiempo libre. Nominada tres veces a los Grammy, ha compartido cartel y escenario con figuras como Celia Cruz, Aretha Franklin, Gonzalo Rubalcaba o Paulito FG y Su Elite, y es célebre por su sofisticada música tropical y una irresistible y excitante combinación de armonías de la música jazz, de sonidos contemporáneos y de seductores ritmos latinos.

Dedicada a Guillermo Pastrana, chelista excepcional y músico de sensibilidad exquisita que ya ha formado parte del Festival de Segovia en ediciones pasadas, la Orquesta de Castilla y León (viernes 17 a las 22.30h.), dirigida en esta ocasión por el joven Eduardo Portal, uno de los directores más activos y demandados actualmente, interpretará un repertorio para disfrutar de una noche colorista en el Jardín de los Zuloaga, encabezada por la obra de David de Puerto “Campos de Tauro”, que celebra el renacimiento de la vida en los campos y dos de cuyos cinco movimientos provienen de dos de las piezas para guitarra más íntimas y queridas del autor. Además, los espectadores podrán disfrutar de la Suite Sinfónica más conocida de Rimsky- Korsakov y la obra insigne del orientalismo ruso: Scheherazade, inspirada en Las mil y una noches. “Un caleidoscopio de imágenes de cuentos de hadas de carácter oriental”, como el propio autor escribió y se recoge en su Diario de mi vida musical.

Además, en su afán por elaborar un programa ecléctico y lleno de géneros diferentes, el FS ofrecerá también una Antología de la Zarzuela de manos de Luis Olmos (sábado 18 a las 22.30h. en el Patio de armas de El Alcázar). Un recorrido por las maravillas del musical español por excelencia repleto de joyas como Luisa Fernanda, El Barberillo de Lavapiés, Los Cláveles, Doña Francisquita, etc., entrelazadas desde la dramaturgia implícita en sus textos y en su música, con el fin de que el espectador vuelva a degustar la Zarzuela en toda su esencia.

Desde la música tradicional portuguesa, llegarán también los fados de una de las voces más bellas de este género, con una capacidad vocal inusual y una de las embajadoras internacionales del fado en todo el mundo: Katia Guerreiro (domingo 19 a las 22.30h. en el Patio de Armas de El Alcázar), que presentara su último disco, “Até ao Fim” (Hasta el fin) realizado con la ayuda de Tiago Bettencourt. Su fado se caracteriza por una gran riqueza lírica y el homenaje a escritores portugueses contemporáneos, cantando a António Lobo Antunes o a los poetas Vasco Graça Moura y Sophia de Mello Breyner, con un fado fresco, lleno de referencias contemporáneas.

Otra de las músicas poco habituales que se podrán escuchar en el 40 FS es la música de barbería (“Barbershop style”), que floreció entre 1895 y 1930 en Estados Unidos, contribuyendo a la configuración de la música popular americana junto a otros géneros como el jazz, el blues o el góspel. Un estilo exclusivamente vocal y a cuatro voces no mixtas, con una sonoridad y una presentación especialmente atractivas y divertidas para el espectador. De ello se encargará Aftershave Quartet (viernes 24 a las 22.30h. en el Jardín de los Zuloaga), la mejor referencia del género en el ámbito nacional, que se adentra en el estudio del repertorio más característico del Barbershop, en un programa muy original y de gran dificultad técnica.

Desde el flamenco, el bailaor Manuel Fdez. Montoya “El Carpeta” y el cantaor Miguel Flores Quirós “Capullo de Jerez” deleitarán al público con su espectáculo “Fuego & Tierra” (sábado 25 a las 22.30h. en el Patio de Armas de El Alcázar), concebido con el propósito de unir y realzar las cualidades de dos grandes artistas. Una fusión de cante, baile y prosa con una puesta en escena brillante. Asimismo, llegará una de las voces más relevantes de los últimos años, con una solidez que asusta de tanta premura y consistencia y con una espiritualidad que, según se dice, toca el cielo entre quejíos y rotundo grito flamenco: Argentina (domingo 26 a las 22.30h.), en un viaje por el cante junto a las guitarras de José Quevedo, El Bola y Eugenio Iglesias y la gran bailaora María Canea como artista invitada.

Desde el Barroco al Romanticismo en la 46 Semana de Cámara

Una mirada diferente para un público que también podrá pasear a través de la música de cámara, por la que se define desde hace ya 46 años el FS, y que en esta edición apostará por la música más esplendorosa del Barroco, encabezada por el Brillant Magnus Quintet (lunes 20 a las 22.30h. en la Catedral), un quinteto que conjuga el brillo del metal con la energía de la percusión, arropado por la majestuosidad del órgano. Una original formación instrumental que permite crear un ambiente sonoro que sorprende por la combinación de los instrumentos, el virtuosismo de sus componentes y la frescura de sus interpretaciones, con obras de J. S. Bach, Handel, Pachelbel, Mouret y Purcell. A través de 4 pianos históricos pertenecientes a la Colección Serrato, los espectadores podrán experimentar los mismo que los hombres y mujeres del Clasicismo o del Romanticismo sintieron al escuchar obras de J. C. Bach, Haydn, Beethoven, Mozart, Liszt, Brahms y Granados, en un recorrido histórico por ambas épocas (martes 21 a las 22.30h. en la Sala La Galera de El Alcázar).

Obras de J. S. Bach, Corelli, Handel y Vivaldi se podrán escuchar de la mano del grupo Da Kamera (miércoles 22 a las 22.30h.), una formación integrada por violín, clave y cello cuya manera de interpretar se centra en el componente emocional (o emocionante) de la música, que existe (y que hacen existir) para mover los afectos, para conmover, para emocionar. Con “Molto affettuoso”, que promete una velada llena de candorosa pasión, demostrarán que 300 años después de su estreno, estas sonatas siguen vivas y siguen conmoviendo a quien las escuche en la Iglesia de San Juan de los Caballeros.

Clausurando la Semana de Cámara (jueves 23 a las 22.30h. en San Juan de los Caballeros), y regresando a J. S. Bach, una mirada de Bach hacia el futuro y del futuro hacia Bach con “Bach to the future”, gracias al Camelot Ensemble. Un homenaje a la libertad del Barroco, en el que el intérprete daba rienda suelta a su personalidad al interpretar una obra, (re)creándola al mismo tiempo, con un plantel de músicos excepcionales encabezado por el violín de Lina Tur Bonet y con un repertorio integrado por dos obras barrocas significativa, los conciertos de Brandemburgo n. 5 y n. 6, y obras inspiradas en Bach: la Sonata de Ysäye para violín solo, inspirada en la Partita en mi mayor de Bach; el Trío para flauta, violonchelo y piano de Kapustin; una obra de Earl Wild, pianista del siglo XX que tradujo en su personal estilo la Sarabanda de la segunda Partita de Bach para clave, y experimentos como el de Varèse, para flauta sola.

Vibrando en familia

Para el público infantil acompañado de adultos, el característico y tradicional Concierto en Familia (domingo 20 a las 20.00h. en San Juan de los Caballeros) también se centrará en las músicas del mundo, pero como nunca las hemos escuchado, interpretadas con instrumentos insólitos, no convencionales y fabricados con materiales de desecho: recogedores cromáticos de los que salen melodías milenarias, regaderas en clave de jazz y con mucho swing, latas convertidas en guitarras y panderos, botellas, embudos, peines, tubos… Vibra-tó es un concierto didáctico interactivo en el que dos músicos-pedagogos multi-instrumentistas (Joaquín Sánchez y Miguel Iroshi) interpretan composiciones propias y músicas del folclore universal demostrando que todo suena…

La apuesta por las jóvenes promesas

Pero una de las características del FS es su apuesta por las jóvenes promesas del panorama musical español, y el FS no sería tal sin su Festival Joven, que cumple 20 años, un apartado a través del cual dará a conocer el talento de los ganadores del 18 Premio de Piano Santa Cecilia de la Fundación Don Juan de Borbón y los ganadores de los certámenes Intercentros Melómano, Pedro Bote y Premio Jóvenes Promesas del Violoncello Jaime Dobato Benavente, con conciertos de acceso libre. Además, el Festival Joven se cerrará con un concierto del Curso de Clarinetes que ofrece este año el FS, dirigido por Mariano Delgado, y con la Orquesta Infantil y Juvenil EOS.

Actividades paralelas como la exposición “La Dance, ça tourne… La danza que gira…”, producida por la Casa de la Danza de Logroño y comisariada por Perfecto Uriel en el Patio del Colegio de Arquitectos, con fotografías de bailarines famosos en lugares conocidos, completará uno de los festivales españoles con mayor tradición y solidez que se celebran en España, que ofrece pequeños y grandes conciertos para todo tipo de público ávido de disfrute de la buena música, con precios que oscilan entre la gratuidad (el 40% de los conciertos son gratuitos), 3€ y 20€.

Cartel

El próximo uno de agosto arranca en el Kursaal donostiarra la Quincena Musical de San Sebastián con la Mahler Chamber Orchestra (días 1 y 2) y obras de Prokofiev, Beethoven y Mozart. Será el inicio de una nueva edición centrada en consolidar un novedoso modelo que sin renunciar al rigor, la variedad y la calidad de sus propuestas, ha conseguido una total y muy sana sostenibilidad en tiempos de crisis.

Con los abonos confirmados al 100% para la edición de 2015 y algunas funciones agotadas a un mes de su inauguración con el 78% de la previsión de venta de localidades cubierta, el interés que ha despertado cuenta con el apoyo de un público que ve como platos fuertes la ‘Tosca’ que se representará los días 13 y 15, con Ainhoa Arteta como protagonista y el espectáculo ‘Voces’, de Sara Baras, con las entradas agotadas.

La serie sinfónica, con la Mahler Chamber en la apertura y sucesivamente la Filarmónica de San Petersburgo, la Orquesta de Cadaqués, la Sinfónica de la Radio de Colonia –estas tres con el Orfeón Donostiarra- y la Filarmónica de Oslo para el cierre el 30 de agosto, también han sido favorablemente acogidas por el público con los programas que serán dirigidos, por este orden, por batutas como la de Yuri Termikanov, Alberto Zedda, Jukka-Pekka Sarastre o Vasily Petrenko.

La presencia de solistas como Grigori Sokolov (día 10 en el teatro Victoria Eugenia), para muchos el mejor pianista del mundo, o Javier Perianes, el español con más presencia internacional, al lado de la Filarmónica de San Petersburgo, así como propuestas líricas, de música antigua, barroca o programas pedagógicos y solidarios de amplia presencia dentro del calendario –como el previsto cada año con los fondos del Ciclo de Música Antigua, que destina esta temporada el dinero recaudado de las entradas a la asociación ADELA-Gipuzkoa para la Esclerosis Lateral Amiotrófica-, conforman al donostiarra como uno de los festivales más señeros pero mejor adaptados a la modernidad de Europa.
www.quincenamusical.eus/programa/

Cuarteto Quiroga

El lanzamiento de “Frei aber Einsam” el próximo 15 de Junio, con los cuartetos Opus 51 de Brahms, supone la confirmación del gran momento artístico que vive el Cuarteto Quiroga. Brahms publica estas complejas obras en 1873, con cuarenta años de edad y tras veinte borradores destruidos y otros tantos largos años de trabajo desde la primera prueba. El Quiroga elige estas piezas como parte de su viaje artístico después de su último disco ‘(R)evolutions’ dedicado a Schonberg, Berg y Webern. Dicho trabajo cosechó las mejores alabanzas, tras el éxito del disco ‘Statements’ (2012) que logró el aplauso unánime de la crítica especializada y del público a nivel internacional además de ser galardonado con el Premio al Mejor Álbum de Música Clásica 2012 por la Unión Fonográfica Independiente. El tercer volumen de la discográfica Cobra viene antes de la grabación, junto al pianista Javier Perianes, de los quintetos para piano y cuerdas de Turina y Granados que aparecerá el próximo mes de noviembre en harmonia mundi.

La presentación de “Frei aber Einsam” tendrá lugar el día 17 de Junio a las 20 horas en el Museo Cerralbo, donde El Cuarteto Quiroga tiene su residencia actual.

Este CD no es sólo una grabación más. Es la historia de un viaje fascinante. La solitaria travesía de un hombre que fue capaz de preservar su identidad y su libertad artística llevando al género del cuarteto de cuerda – tras una dura batalla personal y un largo peregrinaje – a la cumbre desde la cabe admirar la herencia de Beethoven, Mozart y Haydn (cuyos manuscritos del Opus 20 pertenecían a la biblioteca personal de Brahms), el sustrato musical de la tradición popular alemana y, al tiempo, también, divisar la extraordinaria revolución de la Segunda Escuela de Viena, que estaba entonces por llegar.

Tal y como señala Helena Poggio, violonchelista del Cuarteto Quiroga, en el libreto del nuevo CD, Frei aber Einsam (Libre pero solitario) era el lema que Brahms compartía con su buen amigo Joseph Joachim, en quien está basada la composición de su segundo cuarteto. Las primeras letras de este emblema (F-A-E) se corresponden, en la nomenclatura musical alemana, con las notas “fa-la-mi”, motivo con el que se abre la primera frase del primer movimiento, que también encontramos como matriz del tercero y el cuarto, y escondido, entre líneas, en el segundo.

A menudo podemos identificar en el carácter melancólico de su música el sentimiento de esta divisa que Brahms llegó a asumir como propia, pues estuvo luchando prácticamente en solitario, la mayor parte de su vida, en defensa de su obra, de su concepción estética y de la música de cámara. Permaneció siempre fiel a sí mismo y nunca quiso aceptar un camino marcado por modas o corrientes, haciendo prevalecer, por encima de todo, su libertad e independencia. Nunca se arrepintió de su postura pese al sufrimiento que pudo causarle. En sus propias palabras: “Para mí, f.a.e. (frei aber einsam) se ha mantenido como un símbolo, y a pesar de todo, puedo muy bien bendecirlo”.

Cuarteto residente de la colección palatina de Stradivarius del Palacio Real

El Cuarteto Quiroga, recientemente nombrado grupo residente a cargo de la colección palatina de los Stradivarius del Palacio Real de Madrid, está considerado uno de los grupos más singulares y activos de la nueva generación europea. Internacionalmente reconocido entre crítica y público por la fuerte personalidad de su carácter como grupo y por sus interpretaciones audaces y renovadoras, además de su labor en busca de nuevos públicos y encuentros en escenarios alternativos como fábricas y hospitales.

Galardonados en los concursos internacionales para formaciones de cuerda más relevantes (Bordeaux, Borciani, Beijing, Genéve, Fnapec-Paris, Palau de Barcelona…), el cuarteto es un habitual en las salas y festivales más importantes de Europa y América (Lincoln Center New York, Wigmore Hall London, Philarmonie Berlin, Frick Collection New York, Da Camera Los Angeles, Heidelberger Frühling, Concertgebouw Amsterdam, De Doelen Rotterdam, Auditorio Nacional Madrid, Nybrokajen Estocolmo, Les Invalides de Paris, Auditori de Barcelona, Gonfallone di Roma, Liceo de Cámara Madrid, Filarmónica de Bilbao, Martinu Hall Prague, Quincena Musical Donostiarra, Kaisersaal Frankfurt, Buenos Aires, Bogotá, Teatro Solís Montevideo, National Gallery Washington DC), y sus conciertos han sido grabados y retransmitidos por Radio Nacional de España (RNE), RadioFrance, BBC3, Rai, MezzoTv, RadioSueca-P2, SWR2, WDR3, Sony, etc.

En 2007 recibió el Premio “Ojo Crítico” que otorga anualmente Radio Nacional de España.

Fuertemente implicados con la enseñanza de la música de cámara, son profesores cada verano en el Curso Internacional de Música de Llanes, responsables de la Cátedra de Cuarteto de Cuerda del Conservatorio Superior de Música de Aragón e invitados regularmente a impartir clases magistrales a la Joven Orquesta Nacional de España y a conservatorios y universidades de España, Holanda, Suecia, Colombia, EEUU y Emiratos Árabes.

CUARTETO QUIROGA

Aitor Hevia, violin

Cibrán Sierra, violin

Josep Puchades, viola


Helena Poggio, violoncello

CNDM

El secretario de Estado de Cultura, José María Lassalle, junto a la directora general del INAEM, Montserrat Iglesias y Antonio Moral, director del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), han presentado en rueda de prensa la temporada 15/16 de este centro. El CNDM es una unidad dependiente del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música (INAEM), que propone, para la que es su sexta temporada, un amplio y variado programa que mantiene su espíritu por recuperar y difundir nuestro vasto patrimonio histórico y las músicas cultas de raíz popular como el flamenco y el jazz, incentivar la composición actual y atraer a nuevos públicos hacia la música clásica, o géneros menos frecuentes, a través de las diversas actividades organizadas de forma autónoma o en colaboración con múltiples instituciones nacionales e internacionales.

Esta temporada 2015/16 está conformada por un total de 244 actividades diferentes organizadas desde el 12 de septiembre de 2015 al 29 de junio de 2016. El programa se desarrollará en Madrid capital y en otras 18 ciudades españolas de 8 comunidades autónomas diferentes, a las que hay que añadir una ciudad americana (Bogotá) y otra portuguesa (Elvas) con conciertos, sesiones educativas, academias musicales, cursos de interpretación, clases magistrales, mesas redondas y conferencias a cargo de destacados intérpretes y creadores. En concreto, de los 190 conciertos organizados en la temporada, 100 conciertos se harán fuera de la capital española.

Además de los 10 ciclos tradicionales de Madrid (Universo Barroco -Sinfónica y Cámara-, Liceo de Cámara XXI, Series 20/21, Fronteras, Andalucía Flamenca, Jazz en el Auditorio, Contrapunto de Verano, Ciclo de Lied y Bach Vermut) y los 2 ciclos de Músicas Históricas de León (Ayuntamiento y FIOCLE); el CNDM colaborará con 77 instituciones públicas y privadas en toda la geografía española con los ciclos de música actual en Alicante, Santiago de Compostela y Badajoz; los ciclos barrocos de Oviedo y Salamanca y la colaboración estable con las ciudades de Burgos (Cultural Cordón), Segovia (Fundación Juan de Borbón), Cáceres (Conservatorio) y los festivales internacionales de música de Granada, Sevilla, Úbeda-Baeza y Zamora. El CNDM establece en esta temporada nuevas alianzas con la Dirección General de Política e Industrias Culturales y del Libro (Centenario de Santa Teresa), las Universidades de Navarra, Sevilla y Valencia y el Ayuntamiento de Ávila.

Por primera vez en la historia del centro, nuestras actividades salen fuera de nuestras fronteras con conciertos en Bogotá y un curso sobre la “Historia de un soldado” de Stravinski en el Conservatorio Superior de Elvas (Portugal). La primera colaboración institucional de carácter internacional que llevará a cabo el CNDM y que inaugurará esta nueva temporada, tendrá lugar en Bogotá, en coproducción con el Festival Internacional de Música Sacra de la capital colombiana, cita de referencia en la música antigua. Serán 9 conciertos de músicas de la época colonial (siglos XVI al XVIII), compuestas en ambas orillas del Atlántico a cargo de cinco conjuntos españoles y un colombiano, además de dos recitales del cantaor flamenco Arcángel y del violagambista Jordi Savall. Se trata de dar a conocer en la capital americana una parte del ciclo que ya se presentó hace dos temporadas en diez ciudades españolas, bajo el lema “Sones de ida y vuelta” y que ahora viajará a Colombia para formar parte de una certamen internacional más amplio de carácter multirreligioso, único en Latinoamérica, que abarca todas las épocas, estilos y géneros, tanto de la música clásica como de la tradicional.

Las figuras creadas el año pasado bajo la denominación de residentes se materializan en este curso en el pianista y director de orquesta Christian Zacharias como Artista residente (con presencia en nuestros ciclos Liceo de Cámara, Contrapunto de Verano y el Festival Internacional de Música y Danza de Granada) y de Alfredo Aracil como Compositor residente (el músico madrileño estrenará dos encargos: la ópera sin voces Siempre/Todavía, proyecto realizado junto al diseñador Alberto Corazón en Pamplona y Santiago de Compostela y una obra para violonchelo que verá la luz en Alicante, además de una tercera pieza del 2001 que sonará en Madrid, Segovia y Alicante).

Dentro de las conmemoraciones, este año celebraremos el cuarto centenario de la muerte de Miguel de Cervantes (1547-1616) con sendos conciertos en Madrid y Granada como coartada para recuperar el pulso musical de una época dorada; el 500 aniversario del nacimiento de Santa Teresa de Jesús (1515-1582) con la recuperación de un oratorio inédito de Carlo Badia, que se ofrecerá en primicia en nuestro país en Ávila, Salamanca y la catedral de León; el tercer centenario de la muerte del gran compositor alcarreño Sebastián Durón (1660-1716), al que dedicaremos un programa con obras inéditas de la catedral de Segovia, donde se conservan más de cuatrocientas partituras suyas y el nonagésimo aniversario del maestro Pierre Boulez (1925) con tres obras de referencia de su catálogo camerístico: Le marteau sans maître, Livre pour Quator y Dérive I, que serán interpretadas en Madrid, Santiago de Compostela y Badajoz.

En el apartado de músicas históricas hay que destacar la recuperación y difusión de una amplia muestra de nuestro rico y extenso patrimonio desde la Edad Media hasta el Barroco tardío. Se recuperarán del olvido 80 obras inéditas (70 en la temporada anterior), que hasta ahora permanecían inéditas –muchas de ellas estreno en tiempos modernos– de compositores como José de Nebra, Cristóbal de Morales, Francisco Corselli, Juan Manuel de la Puente, Pere Rabassa, Vicente Basset, Antonio Ripa, Juan Pascual Valdivia o Juan Antonio Aragüés además de algunas obras anónimas y de otros compositores nativos o activos en Latinoamérica como Gutiérrez Fernández Hidalgo, Luis Misón, Antonio Guerrero, Domenico Zipoli o José Cascante. Esos estrenos se repartirán entre 14 ciudades españolas (Madrid, además de los ciclos propios de León, Oviedo y Salamanca; la coproducción o colaboración con los festivales internacionales de Granada, Sevilla, Úbeda, Baeza y Zamora y conciertos puntuales en Ávila, Burgos, Cáceres, Segovia y Valencia) y una capital americana, Bogotá, hasta alcanzar la cifra de 63 programas diferentes frente a los 27 en Madrid, lo que supone una decidida apuesta por descentralizar la actividad musical del CNDM.

La música de nuestro tiempo tendrá, como es habitual, una atención preferente con la organización de 44 conciertos, repartidos a lo largo de 4 ciudades españolas dentro de los ciclos Series 20/21 y Liceo de Cámara XXI en Madrid (con 21 estrenos absolutos), las series de Alicante Actual (8 conciertos y 8 estrenos) las Xornadas contemporáneas de Santiago de Compostela (16 conciertos y 13 estrenos), Música Actual de Badajoz (7 conciertos y 8 estrenos) y una ópera sin voces de estreno mundial en Pamplona. En total, se estrenarán 51 nuevas partituras, 21 de ellas por encargo del CNDM. La nómina de compositores, en su mayoría nacionales, que estrenarán obras, abarca un amplio abanico generacional de diferentes tendencias y estilos, con nombres como Alfredo Aracil, Luis de Pablo, Antón García Abril, Jesús González, Manuel Rodeiro, José Río-Pareja, Juan Cruz-Guevara, Federico Mosquera Martínez, Jacobo Durán-Loriga, Laura Vega, Joan Arnau Pàmies, Ramón Paus, Irene Galindo, Carlos Cruz de Castro, Agustín Charles, Ramón Humet, Sebastián Mariné, Iluminada Pérez Frutos y Joan Magrané, a los que hay que unir a los maestros internacionales Lera Auerbach, Sarah Nemtsov y Steffen Schleiermacher. El Auditorio 400 (MNCARS) seguirá siendo el laboratorio experimental del CNDM y acogerá 12 citas musicales que contendrán, por lo menos, un estreno mundial en su programa. De las 60 obras programadas en ese espacio, 37 pertenecen al siglo XXI lo que nos permitirá profundizar en el estado actual de la creación musical. Entre los intérpretes invitados, la gran mayoría son grupos y solistas nacionales procedentes de diversas comunidades autónomas y que están muy comprometidos con la creación contemporánea.

Continúa el exitoso ciclo con la obra integral para órgano de J.S. Bach, en sus dos sedes: la Catedral de León (Bach en la Catedral) y la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música (Bach Vermut, verdadera sorpresa de la vida musical madrileña en la temporada anterior, que ha roto esquemas y ha batido las previsiones más optimistas de público para este tipo de recital y se ha convertido en un auténtico fenómeno social) con otros diez nombres imprescindibles del mundo organístico internacional. También se consolida la labor emprendida desde los inicios del CNDM para difundir y poner en valor las músicas de raíz popular, como son el flamenco, cuyo ciclo en Madrid vio agotadas las localidades de todos sus conciertos en la temporada anterior, y las series de Jazz o Fronteras, que tan buena acogida les dispensan los públicos más jóvenes. El Liceo de Cámara XXI, que se incorporó desde la temporada pasada a la programación del CNDM, prestará una mayor atención a la música de los grandes compositores del Clasicismo y Romanticismo, sin olvidar los músicos más representativos del siglo XX. El Ciclo de Lied, ya en su vigésima segunda edición, seguirá contando con las mejores voces que cultivan este género tan especial y que han convertido a Madrid en uno de los centros de referencia internacional.

La educación adquiere, como en el curso pasado, una importancia capital con 54 actividades diversas repartidas a lo largo de seis ciudades españolas y una portuguesa, coproducidas por 5 universidades españolas (Oviedo, León, Salamanca, Santiago de Compostela y Complutense de Madrid) cinco Conservatorios de Música en la Península Ibérica (Alicante, Badajoz, Madrid, Oviedo y Elvas en Portugal), dos centros educativos de secundaria de la Comunidad de Madrid (la quinta edición del Proyecto Pedagógico, coordinado por el pedagogo Fernando Palacios) y el Goethe-Institut (con las Jornadas “Interacciones XXI”, dedicadas a la creación musical actual de ambos países). En la Universidad de Salamanca tendrá lugar, por tercer año, un intenso programa de clases magistrales y talleres de interpretación, de carácter transversal, en el ámbito de la música antigua y barroca “históricamente informada”, dentro de la Academia de Música Antigua de esta prestigiosa Universidad. En el Auditorio de León se celebrará en marzo de 2016 el V Curso de Interpretación Vocal Barroca, que anualmente imparte el director y clavecinista Eduardo López Banzo.

El CNDM tiene un especial interés en incentivar y promover la incorporación de nuevas audiencias a sus diferentes programas divulgativos y educativos. De forma muy especial centra su actividad en los jóvenes menores de 26 años para los que desarrolla una amplio abanico de posibilidades, que incluyen ofertas con importantes ventajas en la adquisición de entradas o abonos, sobre todo a través del programa de entradas de Último Minuto (con un descuento del 60%) y acuerdos estables con numerosos centros educativos para que los estudiantes, que participan activamente en los cursos y ciclos, coproducidos conjuntamente, puedan asistir gratuitamente a los conciertos y otras actividades programadas por el centro en las diferentes ciudades españolas. Siguiendo la iniciativa nacida el año pasado, en esta temporada se beneficiarán también del descuento Último Minuto los desempleados que lo acrediten y se mantiene el descuento del 20% para todos los estudiantes, familias numerosas y mayores de 65 años.

Bach&Part

La Orquesta y Coro Nacionales de España, en colaboración con el Museo Reina Sofía, ha programado para el próximo fin de semana una nueva sesión de sus Conciertos Mini. Una de las características de estos conciertos -de ahí su nombre- es que tienen una duración de media hora. Cada día se han programado dos partes y el espectador puede asistir a una o a las dos. Después de cada actuación, el público podrá disfrutar además de sets de música electrónica en la cafetería del Museo pudiendo también optar a visitar las exposiciones temporales.

Tras las actuaciones organizadas a finales del pasado mes de marzo con música de Philip Glass, Max Richter o Antonio Vivaldi, en esta ocasión el programa se centra en las figuras de J.S. Bach y del compositor estonio Arvo Pärt y va a permitir atraer a nuevos públicos a la música clásica y contemporánea.

Programa:

Sábado 16 mayo, 2015 Auditorio 400. Edificio Nouvel

Bach & Pärt

Parte I, 20:00 h

Iván Martín, director / piano
Johann Sebastian Bach, Concierto para piano, en la mayor, BWV 1055
Concierto para piano, en fa menor, BWV 1056

Parte II, 21:00 h

Joan Espina, violín
Arvo Pärt, Summa; Cantus in memoriam Benjamin Britten; Fratres

A partir de las 20:30 h, set de música electrónica en la cafetería del Edificio Nouvel a cargo de Derk

Domingo 17 mayo, 2015 Auditorio 400. Edificio Nouvel

Bach & Pärt

Parte I, 20:00 h

Iván Martín director / piano
Johann Sebastian Bach, Concierto para piano, en re menor, BWV 1052
Arvo Pärt, Collage über B-A-C-H

Parte II, 21:00 h

Joan Espina, violín
Javier Gallego, violín
Arvo Pärt, Tabula rasa

**A partir de las 20:30 h, set de música electrónica en la cafetería del Edificio Nouvel a cargo de Arch

Orquesta y Coro Nacionales de España

La Orquesta y Coro Nacionales de España, con más de setenta años de historia, comienza una nueva etapa con el nombramiento del maestro David Afkham como director principal. Esta apuesta por la progresiva internacionalización se complementa con la participación de Josep Pons director honorario de la formación.

Entre sus directores titulares históricos destacan Ataúlfo Argenta -quien llevó la Orquesta a un alto nivel artístico en su primera etapa- y Rafael Frühbeck de Burgos, fallecido en junio de 2014, el que en más ocasiones ha ocupado el podio de la Orquesta y Coro Nacionales de España. Como directores invitados, en la primera época de la Orquesta dejaron honda huella maestros como Schuricht, Unger, Scherchen, Celibidache, Markevitch o Martinon, así como figuras de nuestros días como Maazel, Mehta o Mutti en el inicio de sus carreras. Ya en épocas más recientes han visitado a la Nacional Dudamel, Bichkov, Slatkin, McCreesh, Minkovski, Fedosseyev, Volkov, Antonini y en la presente temporada contaremos con Neville Marriner, David Zinman, y Eliahu Inbal, entre otros.

Así mismo, los más destacados solistas vocales e instrumentales de la segunda mitad del siglo XX han actuado en los conciertos de la Orquesta y Coro Nacionales, entre tantos nombres cabría apuntar: Arthur Rubinstein, José Iturbi, Alicia de Larrocha, Yehudi Menuhin, Nathan Milstein, David Oistrakh, Leonid Kogan, Mstislav Rostropovich, Pierre Fournier, Jean-Pierre Rampal, James Galway, Victoria de los Ángeles, Norma Procter, Jessye Norman, Gundula Janowitz, Teresa Berganza o Joaquín Achúcarro; relación que se prolonga hoy hasta los más renombrados solistas llegados al panorama internacional en los últimos años (Frank Peter Zimmermann, Lang Lang, Hillary Hahn, Han-Na Chang, Elisabeth Leonskaja, Jean Yves Thibaudet, Christian Zacharias, los hermanos Capuçon, Joshua Bell, Truls Mork, Gil Shaham, Yuja Wang, Anne-Sophie Mutter, Janine Jansen, Anoushka Shankar, Sol Gabetta, Maria João Pires y Anne Sofie von Otter ).

La Orquesta Nacional de España fue fundada en 1937, durante la guerra civil española, y se relanzó definitivamente en 1942. Desde entonces desarrolla una ininterrumpida e intensa labor concertística, con amplias temporadas en Madrid – desde el año 1988 tiene su sede en el Auditorio Nacional de Música-, participa en los principales festivales españoles -Granada, Santander, San Sebastián-, y realiza giras por España, así como por diversos países de Europa, América y Asia (las últimas a México, Austria, China, Reino Unido, Alemania, Eslovaquia y Omán).

La Orquesta y Coro Nacionales de España trabaja de forma activa en la creación y desarrollo de nuevos públicos, a través de un planteamiento innovador que promueve el acercamiento a potenciales aficionados a la música al derribar las barreras que impiden el disfrute de nuevas experiencias musicales.

Información, precios y entradas

JuanDiego

Juan Diego Flórez canta por el Derecho a la Educación y la Dignidad de los Niños.

Bajo la cúpula de Miquel Barceló, el Palacio de las Naciones de la ONU, se celebrará el primer CONCIERTO POR LA PAZ, coincidiendo con el Día Mundial de los Derechos Humanos.

Mañana, Día Mundial de los Derechos Humanos, habrá un precioso concierto en la Sala de los Derechos Humanos de la ONU, bajo la cúpula de Miquel Barceló, con Juan Diego Flórez y una orquesta de jóvenes de países de los cinco continentes (sobre todo de América Latina) que están recibiendo educación gracias a varias fundaciones que utilizan la música como vehículo de integración.

Mañana, 10 de diciembre, a las 18.30 horas tendrá lugar el primer ‘Concierto por la Paz’ en Sala de Los Derechos Humanos del Palacio de las Naciones Unidas de Ginebra.

Juan Diego Flórez, Embajador de Buena Voluntad de la Unesco, cantará con la soprano sudafricana Pretty Yende, la soprano egipcia Fatma Said y el bajo ruso Sergey Artamonov, y pronunciará un breve discurso.

El director español Pablo Mielgo estará al frente de la Harmonia Symphony Orchestra, formada mayoritariamente por jóvenes procedentes de fundaciones que utilizan la música para la integración social infantil y juvenil.

El concierto, impulsado por la FUNDACIÓN ONUART, con producción audiovisual de MEDIAPRO y colaboración de TVE, se ofrecerá en directo y en diferido a los 58 países miembros de UER-EUROVISIÓN. Posteriormente tendrá difusión en todo el mundo y será editado en DVD.